revista grafik (proyectos) by miriam perez

Bauhaus

Suplemento

SÉPTIMO ARTE

VISIÓN FUTURA INTERIORISMO Entrevista a Michael Young Mathieu Lehanneur Harry Koskinen MARTA AGUIRREZABAL MÁRQUETING ARROLLADOR Happy Pills: Pequeñas grandes ideas TIPOGRÁFICA Exposición Juan Muñoz

BAHAUS Los genios eternos ARQUITECTURA Adam Kolkin ENTREVISTA Nerea Fernández SÉPTIMO ARTE

Visión Futura

SÍ, SON LAS “TENDENCIAS”. ESA PALABRA QUE COMO “COOLHUNTER” CADA VEZ ES MAS ODIADA POR TODOS. LAS TENDENCIAS SON COMO EL GIMNASIO, QUE NO GUSTA PERO HAY QUE IR. EN EL FONDO SON LA HISTORIA PERO AL REVÉS PORQUE ES HACIA DONDE VA EL FUTURO, NUESTRAS VIDAS, NUESTRO PLANETA. ES ESE SITIO DONDE A VECES QUEREMOS ESTAR O DEL QUE A VECES DECIDIMOS ALEJARNOS LO MÁXIMO POSIBLE. ESE LUGAR QUE AUNQUE NO TE INTERESE, TIENES QUE CONOCER SI TE MUEVES PROFESIONALMENTE EN DETERMINADOS CAMPOS PORQUE SI NO, NO SABRÁS DÓNDE ESTÁS. Y A LO MEJOR TE CREES MUY ORIGINAL Y RESULTA QUE A TU ALREDEDOR ESTÁN HACIENDO LO MISMO QUE TÚ. 4

omienza un nuevo año y es divertido, incluso útil, hacer un ejercicio de predicción sobre el futuro del diseño y concretamente del Housing, término que hemos escogido para englobar el diseño de mobiliario y de producto, el interiorismo y la arquitectura. Nada se tiene que ir para que llegue algo nuevo. Es decir, que el “esto no se lleva porque se lleva lo otro” ya no tiene sentido. Ahora todo suma, se puede llevar lo barroco y también lo minimalista. De hecho, nuestros expertos parece que se contradicen con sus predicciones, con lo que refuerzan este principio. Cada vez hay más de todo y todo convive si está bien hecho. Los nichos de mercado son más pequeños y especializados pero también más amplios porque se pueden distribuir por todo el mundo. Ignacio Valero, diseñador y experto en proyectos de iluminación, nos ofrece su visión de 2009: “Nada desaparece, todo se sofistica. Sobrevive el aburridísimo minimal en versión sofisticada, pero también el lujazo de toda la vida cada vez más exagerado. También los chatarreros supuestamente antisistema pero glamurosos. O los orgánicos con cosas blandas y retorcidas que siguen a lo suyo. El cóctel perfecto, el consumo de emociones con conciencia ambiental. Pocos medios, ambientes efímeros, una pincelada de autoconstrucción, otra de humor. El estilo que se impone es el... personal. Cada uno es el responsable final de su espacio. Eso abre la vía a bastantes exageraciones. No importa, estupendo. Diseñadores con perfil de artista de instalaciones. Jóvenes a los que no les importa la forma en absoluto, aparentemente. Feo o bonito son palabras del pasado. Los diseñadores entienden ya los espacios como conceptos habitables. Les interesa más cómo se vive y qué relaciones propician los espacios: interior-exterior, entre personas, con la tecnología, con la ciudad, con el vecino, con la vecina, con el gato, con la basura o con el planeta. Gana protagonismo lo extremo: reutilizaciones y chatarras junto a novísimos materiales (www.materia.nl), blancos y negros ochenteros junto a multicolores kitsch, enormes paredes multimedia (Philips Daylight Window) junto a gadgets variados (Philips Living Colours). Lo que está claro es que cada vez se va a trabajar con una visión más global. Pero vayamos a cosas concretas que nos sirvan para predecir globalmente. Por ejemplo, el año pasado hubo un boom que reconvertía en piezas decorativas con un toque de humor los rancios trofeos de caza. Es decir se ha pasado del rechazo, a la recuperación de una pieza mediante una reinterpretación irónica.

Visión Futura

Alguien que nunca hubiera tenido una cabeza disecada de ciervo en su casa, puede estar ahora colgando una de madera contrachapada como la Deer diseñada por Big Game que produce Vlaemsch. Con esto podemos sacar una conclusión, de las cosas mas odiadas y que nos parecen feas termina saliendo lo más nuevo y estéticamente fresco. ¿Qué es lo que más odias en el mundo? ¿El mueble castellano? Pues cuidado porque es su turno. Eso sí, actualizado y mejorando su función y forma. Tachy Mora, periodista especializada en diseño nos desvela sus intuiciones: “Creo que vamos a notar una vuelta progresiva de los materiales naturales. De hecho ya se ha visto en los últimos tiempos cómo la madera en su estado más básico, rudo y aparentemente poco tratada está cada vez más presente en mesas, sillas, aparadores, estanterías... Los lacados así como los materiales sintéticos y los fríos espacios industriales están ya en declive. Poco a poco nos estamos dirigiendo hacia lo opuesto, buscando ambientes más cálidos a través de materiales de origen natural como el mármol o la madera. Por otro lado, creo que los diseñadores van a vivir un momento muy experimental pero de menos paja mental y por fin más en paralelo a las necesidades reales del usuario. Así, quizá se empiecen a dar los primeros pasos hacia algo verdaderamente nuevo. O son las ganas que yo tengo de que se repitan otros años 20, que puede ser”. Una corazonada en líneas similares es la de Hermé Ciscar y Mónica García, diseñadores de mobiliario e interioristas: “Lo que podemos decirte no es tanto una intuición de por dónde irán los tiros sino más bien por dónde nos gustaría que fueran o aquello que nos gustaría desarrollar. Después de una época de aparente exceso estético, sobre todo visual, tanto a nivel gráfico como cromático creemos que es hora de dar paso a la sutileza del tacto. Despertar emociones a través de la sensibilidad táctil. Dejar la estridencia y la lectura fácil y rápida que en ocasiones nos proporciona la vista para bajar el ritmo y tomarnos tiempo. Tiempo para apreciar la riqueza de texturas y materiales que sin tener por qué ser novedosos, sí lo es, el uso que se hace de ellos. Extrapolarlos, de la ropa al mueble. Del exterior al interior o viceversa… Texturas amables, reconocibles y por ello asimilables. Materiales naturales

y orgánicos, acorde con la repentina preocupación y sensibilidad medioambiental, desde nuestro particular punto de vista demagógico e hipócrita.” Otra periodista especializada en diseño, Ana Domínguez, nos hace referencia a uno de los diseñadores contemporáneos más importantes: “Como me dijo Naoto Fukasawa, los objetos domésticos tienden poco a poco a integrarse en las paredes de las viviendas y los de uso personal en nuestros cuerpos. En otras palabras, los objetos tienden a desaparecer como tales, quedará la función, desaparecerá la forma... La palabra estilo va a tener que reinventarse y el diseño adquirir un nuevo significado.” Lo que está claro es que la palabra diseño tiende cada vez a ser más compleja. Le está pasando lo mismo que a la palabra arte. Cada uno quiere darle un significado que no siempre es el más acertado y los límites de una palabra y otra se mezclan. El diseño de mobiliario y el interiorismo están en su mejor momento, los no profesionales cada vez saben más de diseño, o si no ¿Por qué el Ipod se ha vendido más que ningún otro reproductor de mp3? Los más pesimistas hablan de producciones sin escrúpulos de objetos que no sirven para nada. De diseñadores que no paran de generar objetos malos. Pero el mercado regula esto él solito. ¿Quién se cree que todo lo que se ve en Milán se produce? Al diseño le pasa algo parecido a la arquitectura, que el 95% de la que se hace se queda en visualizaciones virtuales. Vivimos cada vez más en un mundo de prototipos y de producciones artesanales o bajo encargo. Según el estudio de arquitectura AMID conocidos antes como Cero 9, “el futuro de la arquitectura puede ir por la fabricación digital, que permite toda la libertad del mundo. Hasta ahora sólo era posible en piezas de mobiliario y objetos pequeños, pero poco a poco se irá imponiendo para fabricar elementos distintos. Estos últimos dos años se han visto muchas piezas de pequeña escala pero las posibilidades a gran escala son infinitas. Cada vez la arquitectura será más anti-stars y antiespectáculo, menos corporativa. Será cada vez más macarra, política, elegante y cercana al streetart.”

En ellos y la madre ciencia está la base del progreso en todos los ámbitos de nuestra vida. La silla se viene reinventando desde la época del Renacimiento, a medida que sucesivamente se inventan los plásticos, la fibra de carbono o el aluminio inyectado. La nueva cocina se redefine hoy desde un laboratorio. La arquitectura se ha desbocado desde que es digital. La ecología ya no es hoy cosa de hippies ni del marketing oportunista, sino una verdadera oportunidad de negocio. Será eso, el business medioambiental que está a la vuelta de la esquina, más que nuestras verdes y buenas intenciones, lo que nos salvará el planeta. Los biomateriales están en ya en los yogures de nuestra nevera. Los fármacos son ahora inteligentes y más eficaces gracias a las nanopartículas. Los metales pueden tener memoria de forma. También los tejidos, lo que quiere decir que un vestido se puede acortar o alargar según haga más o menos calor. Él solito. O cargarse de electricidad para que le podamos enchufar el móvil. O protegernos de la radiación. No es ciencia ficción.

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EL FUTURO YA ESTÁ AQUÍ Y VAMOS A FLIPAR.

Ramón Úbeda, periodista y diseñador, nos hace una prospección que tiene que ver mucho con su último trabajo: “Los nuevos materiales y el desarrollo tecnológico son siempre el motor de las nuevas ideas.

Interiorismo

Texto: Irene Barros BRITÁNICO, AFINCADO EN HONG KONG, VERSÁTIL, ENTRAÑABLE Y ATÍPICO, POR UN LADO ESTÁ SU APARENTE ESTADO DE ENSUEÑO PERMANENTE, POR OTRO SU CORAZÓN PUNKI. UNA CARRERA SIN DESCANSO DESDE QUE SE GRADUÓ EN 1992. HA DISEÑADO PIEZAS PARA CASI TODAS LAS GRANDES MARCAS DE MOBILIARIO COMO CAPPELLINI, MAGIS, ESTABLISHED & SONS, POLTRONA FRAU, ARTEMIDE, SAWAYA & MORONI O SWEDESE. POR CIERTO QUE PARA ESTA ÚLTIMA DISEÑÓ EL PERCHERO TREE QUE HA SIDO UNO DE LOS DISEÑOS MÁS COPIADOS EN LOS ÚLTIMOS AÑOS. TIENE UNA CAPACIDAD SORPRENDENTE PARA CREAR ICONOS DEL DISEÑO CONSTRUYENDO PIEZAS APARENTEMENTE SENCILLAS.

Aquí estás en Estambul con tu pieza para BLOCK, ¿qué nos puedes contar? Hice una estantería donde colocar libros y ornamentos con un espacio interior en el que sentarse y relajarse. No se trataba de desafiar los límites del mármol “muy de moda últimamente” sino del concepto y de crear algo deseable. ¿Te gustó trabajar con mármol? Trabajo mucho con plástico así que fue interesante usar un material que tiene historia. Define la filosofía Michael Young. Es una mezcla extraña entre serio y casual. Quizás esto no sea muy académico, pero mi trabajo surgió más a raíz de estar en las calles de Londres que de una fuerza biológica o científica. Me encontraba en esa época de transición en la que el diseño empezaba a adquirir importancia, pero a mí me interesaba más la música y de repente todo se fusionó.

¿Crees que esa música ha influenciado tu forma de trabajar y tu visión sobre la vida? Puede que mis percepciones en su momento fueran erróneas, pero recuerdo ver tantos estudios en los que todos eran unos arrogantes, se tomaban a sí mismos demasiado en serio y las reuniones se hacían con gráficos. No era lo que yo quería. Probablemente, la fastidié más de una vez al acabar la universidad con muchos clientes importantes. Como cuando Philippe Starck vino al estudio y yo estaba sin un duro, así que bajé a la tienda y compré dos latas de sidra barata, que le ofrecí para beber. Las miró y dijo que no. En su momento pensé que era algo aceptable hacer esas cosas, para mí se trataba de tener libertad y hacer lo que me daba la gana y no creo que mi filosofía haya cambiado desde entonces. Lo que sí ha cambiado es que ahora creen en mí, da igual cómo sea personalmente.

Y además ahora vives en HongKong… Me fui de Londres en 1.997 porque estaba harto. Me compré una casa en Islandia, viví allí, luego en Bélgica y más tarde me enamoré de Hong Kong. Cuando viajas, ¿qué es lo que más te impresiona? El ADN de un país, que siempre hay que tratar de capturar. Como la preciosa madera de Indonesia o el papel de Japón. Acabas mezclando un montón de cosas y contribuyendo a la inevitable globalización del planeta y su deterioramiento. Qué opinas de eso? Es inevitable, como el que esté en Hong Kong diseñando un vibrador que se va a enviar a Dallas, pero a la vez está bien si consideras el trabajo de gente como Jaime Hayón reinventando la cultura hispana. La completa evolución de las cosas me resulta inspiradora.

¿Tus últimos proyectos? Una bicicleta para Giant, botellas nuevas para Asahi, una colaboración con Lacoste… Fue interesante trabajar con tejido y ver lo poderosa que es la industria de la moda comparada con la del diseño, aunque a la vez sea menos permanente, ya que puedes tardar hasta tres años en diseñar un buen producto. ¿A la gente le interesa el diseño industrial menos que la moda? Interesa, aunque igual no se lo pueden permitir. Era distinto cuando iba a la universidad hace catorce años y no había revistas de diseño y sólo seis diseñadores en Reino Unido: Ron Arad, Jasper Morrison, etc. Son buenos tiempos para el diseñador y ahora al fin ganan el dinero que se merecen. ¿Crees que a mucha gente le interesa estudiar diseño porque lo ven como una profesión llena de glamour? Me doy cada vez más cuenta de que a la gente le atrae la idea de ser diseñador sin tener por qué saber diseñar. No tiene mucho glamour deambular por las fábricas muerto de frío, aunque a mí me gusta. Se trata de entender la producción y la ingeniería, no de salir en el próximo número de Dazed & Confused. Y eso es lo que ha cambiado en Europa. La producción ya no es práctica y la decoración la ha relevado en importancia, así que te encuentras con muchos etiquetados de diseñadores que en realidad decoran cosas. Parece ser la tendencia en Europa y no tiene nada de malo, pero por eso me fui a China, para rodearme de fábricas.

¿Qué opinas de China? La gente se confunde bastante. Hay que recordar que las compañías americanas crearon el peor modelo de negocios del planeta al hacer que China produjese de forma barata. Destruyeron su propia producción e hicieron que las fábricas chinas pagasen a sus trabajadores salarios bajísimos. Llevó a crear productos de muy baja calidad, en muchos casos peligrosos. La gente en Europa piensa que China viene a por nosotros, pero es la exportación a Europa la que es complicada y crea problemas. Los diseñadores también tienen mucha culpa: si quieres trabajar en Europa para una compañía europea tienes que estar en la fábrica para supervisar la producción o la cosa va mal. ¿Qué es para ti la innovación? Hay dos tipos: la conceptual, que progresa con el paso del tiempo y la mecánica. Y tiene que ocurrir porque evolucionamos, el mantener un pie en el pasado y otro en el futuro para encontrar el término medio. ¿En qué estás trabajando? En un restaurante de Hong Kong, aún no he decidido el nombre. Hacer un restaurante, desde los muebles a los tenedores, era un sueño para mí. Hacer una moto también sería un proyecto ideal. ¿Qué otras cosas te gustan además de diseñar? Trabajo mucho y sueño despierto. Me gusta pasear por las montañas. La vida cobra sentido para mí sentado en la playa de Phuket con un cuaderno para dibujar y una piña colada.

Interiorismo

MIENTRAS LA MAYORÍA DE LOS DISEÑADORES ESTÁN ATRAPADOS EN EL “¿QUÉ ES MÁS IMPORTANTE, LA FUNCIÓN O LA FORMA?”, OTROS COMO MATHIEU LEHANNEUR PASAN A ALIARSE CON PROFESIONALES DE LA CIENCIA O LA INGENIERÍA PARA INTENTAR IR MÁS ALLÁ EN SU PROCESO DE CREACIÓN. ASÍ HA NACIDO EL FILTRO DE AIRE BEL-AIR

El aire que respiramos dentro de casa podría ser peor aún que el de fuera. Uno ya no está a salvo ni en su propia vivienda. Si no nos termina por asfixiar el cambio climático o la hipoteca, lo harán poco a poco nuestros propios muebles y objetos, ya que emiten ciertas sustancias contaminantes aunque no nos demos cuenta. La NASA, consciente de que por este hecho sus astronautas estaban expuestos permanentemente a un ambiente saturado de polímeros cuando estaban en órbita, investigó a principios de los 80 un sistema para filtrar el aire a través de plantas. Hoy, Mathieu Lehanneur y David Edwards, un científico de la Universidad de Harvard, han desarrollado y optimizado este sistema para su uso doméstico. Se llama Bel- Air y será presentado a finales de febrero en el MOMA de Nueva York en la exposición Design and the Elas-

tic Mind. ¿Y no da igual tener un par de plantas como se ha hecho toda la vida? Pues aunque parezca de cajón, no da igual. Bel-Air es como un pequeño invernadero que inhala continuamente el aire contaminado pasándolo por tres filtros naturales antes de devolverlo al exterior purificado: las hojas de la planta, sus raíces más un baño húmedo. Bel-Air es a los purificadores lo que los Dyson a las aspiradoras. No utiliza filtros, así que no hay que cambiarlos, y evita las obstrucciones. Este no es el único proyecto relacionado con sistemas de purificación del aire que Mathieu Lehanneur ha desarrollado últimamente. El año pasado diseñó también el interiorismo de los restaurantes parisinos Flood que en cada sala contaban con un gran acuario con capacidad para albergar 100 litros

de Spirulina Platensis, una micro alga que produce oxígeno puro. Para su interiorismo creó también el mobiliario y las lámparas de pompas de cristal soplado que hacen referencia al aire purificado que se puede respirar en el restaurante. Aunque estos dos proyectos recientes tienen este punto en común, la trayectoria previa de Mathieu Lehanneur venía estando marcada por sus investigaciones sobre las relaciones que establecemos con los objetos de nuestro entorno. Lehanneur, que se graduó en 2001 en la escuela superior de diseño industrial Ensci-Les Ateliers de París, se dio a conocer ese mismo año con sus Objetos Terapéuticos, un proyecto que ha sido adquirido también por el MOMA para su colección de diseño y que desde el pasado diciembre ya se encuentra expuesto en la sala Leonard Do-

bbs de la tercera planta del museo neoyorquino. Se trata de un trabajo de investigación que reinterpreta nuestra manera de tomar medicinas, potenciando la parte psicológica de una enfermedad e integrando al paciente con ésta a través de objetos y acciones con un punto de placebo. Por ejemplo, para aliviar problemas de insomnio, Lehanneur proponía unas varillas que se han de imbuir en un vaso de agua yesperar a que se reblandezcan para poder beberse el agua. El tiempo que se pasa esperando a que la varilla se vuelva blanda invita a ir cogiendo el sueño. Entre la cantidad de productos que ha ideado durante estos años, el radiador Gary Copper destaca por ser uno de esos trabajos que bus-

can dar una vuelta a una pieza poco trabajada desde el punto de vista estético pero que ahora diseñadores como Joris Laarman o el tándem Giorgio di Tullio y Stefano Ragaini empiezan a revisar para firmas como Jaga y Ad Hoc. La forma del Gary Copper recuerda a las pantallas plisadas de ciertas lámparas de Le Klint, con la gran diferencia de que está hecho de cobre. Con esta apariencia tan llamativa, el radiador pasa a convertirse en una pieza decorativa. Lehanneur, además de ser diseñador de producto y de estos trabajos de investigación que realiza, también ha creado escenografías para exposiciones e instalaciones no permanentes. Para Christofle, una conocida firma parisina de complementos para la casa y joyería de plata, creó el año pasado un sistema de iluminación elaborado con círculos de neón a modo de cúpula. La descomunal instalación, que contaba con 5m de diámetro, recreaba una luz muy similar a la del día y realzaba la plata de las piezas de Christofle produciendo juegos de brillos en su superficie.

Interiorismo

Seguro que su diseño más famoso lo has visto alguna vez. Una lámpara hecha con una simple bombilla engastada entre dos bloques de cristal. Se llama Block y fue uno de sus primeros productos producidos. La idea surgió en un taller sobre cristal, en el que la conocida empresa Seguro finlandesa Iittala que su diseño más famoso lo has visto alguna vez. Una lámpara hecha con una simple bombilla engastada entre dos bloques de cristal. Se llama Block y fue uno de sus primeros productos producidos. La idea surgió en un taller sobre cristal, en el que la conocida empresa finlandesa Iittala le lanzó inmediatamente los tejos al ver su destreza con el material. La Block, que tras el taller y hasta la fecha comenzó a comercializar Design House Stockholm, abrió más de una puerta a Koskinen. Le fascinó tanto a Issey Miyake que le encargó que diseñara relojes para su firma. La empresa española Marset también cuenta con un diseño suyo, la lámpara Pur. En 2004 recibió el galardón Compasso d’Oro por la silla Muu que desarrolló para Montina, con unas patas continuas inspiradas en un trineo. Es uno de los diseños que mejor define su estilo, sus profundas raíces finlandesas y su interés en ofrecer un paso estético más. Recientemente ha recibido una de las más altas distinciones culturales de su país: la medalla Pro Finlandia.

Marta Aguirrezabal

LA PRESIDENTA DE VITRUVIO LEO BURNETT, EXPLICA SU TRAYECTORIA PROFESIONAL Y CUENTA SUS REFLEXIONES ACERCA DE LA PROFESIÓN Y EL NEGOCIO PUBLICITARIO. Isabel de Marcos

No se lo imaginaba en su primera cita profesional, en el aeropuerto JFK de Nueva York, a punto de ser contratada por el director de la cuenta de Procter & Gamble para la oficina madrileña de Leo Burnett. Pero han transcurrido más de veinte años y Marta Aguirrezábal es la presidenta de la agencia española de la red estadounidense después de una carrera consistente, con responsabilidades crecientes y pocas dudas acerca de cuál era su lugar ideal en una profesión cuya intensidad, insiste, exige dosis similares de pasión y equilibrio. Llegó a la presidencia como un paso natural después de diez años en responsabilidades de gestión y sin plantearse demasiado que, por razón de sexo, su caso es insólito en nuestro país y bastante infrecuente en el resto. Ahora, reivindica las ideas y la dignidad profesional de las agencias, en ocasiones doblegadas por la presión del negocio, y protesta por un pecado recurrente en su profesión: la ecuación mediocridad/sueldos millonarios, de la que provienen algunos problemas serios del sector publicitario.

Marta Aguirrezábal estudió Publicidad en la Universidad del País Vasco y como recién licenciada con miras que se precie se fue a Estados Unidos a cursar un master de Comunicación. Este esmerado entrenamiento le llevó a conseguir varias ofertas, entre las que se decidió por la de Leo Burnett, que ha sido su escuela y donde lleva dos años en la presidencia. “Mi jefe (Dwight Mutchler) era americano pero trabajaba en España, era el director de las cuentas de Kellogg’s y de Procter & Gamble, y me entrevisté con él en el aeropuerto de Nueva York. Entonces no había teléfonos móviles, estamos hablando de los Ochenta y no sabía cómo podía reconocerle… era un poco la aventura. Esta persona fue todo en mi carrera, era una persona muy minuciosa, muy entusiasta y tenía devoción por la compañía y supo transmitirlo de maravilla. Para mí fueron muy importantes tres cosas a la hora de decidirme por un trabajo: en primer lugar, la persona para la que iba a trabajar, que fuera capaz de enseñarme; dos, el proyecto, que en aquel momento era Procter & Gamble, del que ya conocemos todos su fama como escuela de marketing y, por último, trabajar para una compañía con unos valores y una cultura con los que me pudiera identificar”.

En Vitruvio Leo Burnett ha transcurrido toda su carrera. No es una circunstancia habitual en el sector. Cuando yo entré a trabajar en publicidad sabía que había una gran movilidad. La verdad es que no te planteas permanecer en la misma compañía mucho tiempo pero las circunstancias te van llevando por un determinado camino. Tampoco ésta es la compañía que era hace veinte años. Las agencias son como seres vivos, consigues nuevos clientes, pierdes otros, entra gente y sale otra, influye el propio mercado, si hay crisis o no hay crisis, todo afecta, y la verdad es que en este sentido yo no he necesitado irme a otro sitio a explorar. Básicamente he ido completando diferentes ciclos dentro de la agencia. Empecé en Leo Burnett, en el año 1990 nos fusionamos con Vitruvio y vino una etapa dura de despidos y de falta de entendimiento entre las dos compañías, pero estas experiencias te hacen más fuerte y refuerzan tus convicciones. De esa crisis, de ese big bang, surgió un equipo de personas con parecidas aspiraciones. Para mí eso es algo que no tiene precio: que una agencia tenga un equipo que trabaje unido con buenos resultados durante mucho tiempo significa que la conexión a la hora de abordar cualquier proyecto o analizar una situación o problema de los anunciantes es inmediata. La gente nos pregunta cómo es que llevamos tanto tiempo juntos, supongo que nos llevamos bien y que todavía nos divertimos. Al final, también estableces relaciones a largo plazo con los anunciantes, como Philip Morris, Procter, Kellogg’s, clientes clásicos de Leo Burnett a escala internacional y en España… 15

Consecuencia Lo de ser presidenta,¿estaba previsto? No. Bueno, es cierto que cuando llevas diez años con la responsabilidad de la oficina hubiera sido extraño que viniera otro a ocupar esa posición. Creo que es una consecuencia lógica del trabajo de este equipo. ¿Cambios? Mi vida sigue siendo parecida y mi relación con la gente, también. A nivel personal, todos tenemos nuestro punto de vanidad pero la mayor ilusión viene del hecho de que es fruto del trabajo de un equipo, que ha sido muy intenso durante los últimos años. El que estemos representados en el consejo mundial de Leo Burnett, que la agencia sea reconocida, ha sido importante, no tanto como un reconocimiento hacia mí. ¿Es consciente de que el suyo es un caso muy poco frecuente? Es verdad que hay menos mujeres en puestos directivos, pero eso es algo en lo que se fijan más los demás que yo misma. Yo no me levanto por la mañana pensando que soy mujer, no sueles hacerte estos planteamientos. Estoy segura de que va a haber muchas más mujeres en este tipo de responsabilidades en el futuro. Va a ser imparable. ¿Qué cualidades cree que son necesarias para desenvolverse con éxito en el mundo de la publicidad? Hace falta tener un espíritu, un interés por cosas dispares, ser curioso, interesarte por la gente…. ser tolerante, estar dispuesto a aceptar opiniones y críticas de di-

ferentes personas. Ser una persona que te guste estar en el ajo, en lo que se está cociendo, en las nuevas tendencias y en lo que a la gente le gusta. También altas dosis de entusiasmo y automotivación, porque del mismo modo que este negocio es estimulante como pocos también es cierto que a veces te hundes en un pozo profundo, porque hay muchas decepciones. En publicidad, creo, tenemos esa capacidad de caer y volver a recuperarnos. ¿Cómo ve el debate de la conciliación laboral? ¿Estará resuelto cuando comiencen a preguntar a los altos directivos - y no sólo a ellas - por este asunto? Efectivamente, me sorprende que sólo nos pregunten a las mujeres directivas por este asunto. Soy bastante radical en estas cosas. Claro que es difícil conciliar, pero lo es para todos, porque los hombres también tienen vida familiar y eso es tremendamente injusto para ellos. Es difícil no tener tiempo para tus hijos, hay muchísimos buenos padres y estamos asumiendo de alguna manera desde los medios que la función de los padres es mucho más distante. Es sorprendente, gente muy cercana a mí siente frustración incluso más fuerte que la de muchas mujeres, ya no es sólo defendernos de esos tópicos, hay que hacer una defensa a ultranza de hombres con responsabilidades que meten muchas horas y que viven mal la falta de tiempo para su familia. ¿Cómo se ve como jefa? La gente cuando no me conoce me ve seria y distante, pero luego se dan cuenta que soy accesible y muy cercana. También soy muy impaciente, y esto es un defecto, y muy temperamental, quiero las cosas y las quiero ya. Me considero una persona bastante comprometida, tengo convicciones y creo que las defiendo a ultranza, y muy directa, aunque esto a alguna gente le incomoda y lo entiende como un

Marta Aguirrezabal

defecto. Para mí no lo es. Por otra parte, me veo como una persona muy leal, o trato de serlo. Con mis ideas y con la gente. ¿Hay alguna circunstancia que le haya hecho pensar en dejar la publicidad? Sí. La falta de respeto a las personas, al esfuerzo, al talento y al trabajo bien hecho. Me parece que es lo que mata esta profesión, y de hecho me lo he llegado a plantear. Como comentaba antes, este es un negocio de altos y bajos emocionales. ¿Es más difícil la gestión hacia fuera -clientes, competidores-, o hacia dentro - dirección de equipos? ¿Dónde se suda más la camiseta? Hacia fuera. Con tu equipo compartes una serie de valores e ilusiones, y te sientes parte de él. Por mucho que pueda haber diferencias de criterio, incluso serias, hay un respeto y una confianza. Con tus clientes, o con los potenciales clientes, no siempre es así, no se tienen por qué fiar de ti, no te conocen, no tienen por qué creer como tú en una serie de cosas. Pueden tener ambiciones y concepciones distintas para las marcas, por eso estos retos son más complicados.

Transparencia ¿Qué es lo que sigue interfiriendo en mayor medida la buena marcha del sector? Lo más importante es la transparencia, por ambas partes. Se dice desde hace tiempo que la presión del negocio ha llevado a las agencias a la sumisión a los anunciantes. ¿Ha cambiado en algo esta situación? Creo que el punto fundamental en el que hay que seguir trabajando, y seguir luchando por ello con uñas y dientes, es el de recuperar el respeto y la dignidad en una profesión que reúne un talento impresionante. No hemos mejorado en este aspecto, creo que no estamos bien. ¿Cree que los publicitarios tienen algo que reprocharse, como colectivo? Sí, y tiene que ver con el desprestigio que viven las agencias: la falta de talento muy bien remunerada, la mediocridad extraordinariamente bien pagada. Ése es uno de los pecados de esta profesión que nos hace estar donde estamos. Si es cierto que soy una defensora a ultranza de la gran cantidad de gente inteligentísima y con muchísimo talento que existe en publicidad. El talento hay que pagarlo 16

y hay genios que valen su peso en oro, pero en este negocio ha habido muchísimos excesos y muchos que no se merecían nada de lo que han ganado. La dinámica del mercado hace que por la dinámica de los cachés corras el riesgo de pagar como un genio a un mediocre. Ideas Sin embargo, el peso específico de la creatividad sigue sin ser puesto en duda en un momento en el que asuntos hasta ahora inmutables comienzan a cuestionarse. “Creo firmemente que las agencias que sobrevivirán son las que tengan mejores ideas. Al final son las que transforman las marcas y el cómo se exprese esa idea o en qué medio viene después. Hay especialistas muy buenos, pero si no hay una buena idea da igual que domines el medio, sea el marketing directo o internet. Creo que se está dando excesiva importancia al peso en el negocio que tiene el desarrollo de otras disciplinas, que por otra parte es real. Pero todo esto es importante si, y sólo si, está al servicio de las buenas ideas. A veces algunos anunciantes lo olvidan”. 17

Glosario de urgencia • Un creativo: John Hegarty • Una agencia: BBH • Una marca: Más que una marca mítica, que ya lo tenga todo hecho, que podría ser un proyecto continuista, me encantaría trabajar para una marca que quiera cambiar y que tenga una convicción, y que desee llevar esa convicción hasta sus últimas consecuencias. Ese sería mi sueño. • Una campaña: Nuestra, Prodis. No puedo decir otra, la experiencia ha sido fantástica. También me ha gustado la de Freixenet, la de Mercedes 1440 y a nivel internacional, sin duda, el gorila de Cadbury. Cuando veo algo así, aparte de recrearme, me gustaría conocer cómo vendieron esa idea. Chapeau a anunciantes como éstos, capaces de correr riesgos y aprobar propuestas tan rompedoras. • Un realizador: Joe Pytka. Un clásico. No es que no quiera mojarme, con todo mi respeto a los realizadores españoles que lo hacen fenomenal, pero no creo que en España haya ni grandes presupuestos ni grandes alardes en término de duración de spots, y otras cosas.

Hay menos oportunidad para el lucimiento. Por eso, cuando ves las grandes ligas, te quedas pensando en el camino que nos queda. • Un medio: el audiovisual, siempre. No lo hay mejor para transmitir emociones o para provocar sensaciones. • Un libro de profesión: Me los miro casi todos pero no me quedaría con ninguno. Algunos dicen cosas interesantes pero en general, casi todos ellos hacen trampa, construyen el caso a partir del éxito, y no al revés. Todos sabemos contar una historia bonita cuando ha sucedido, pero es difícil contarla al revés. • Un libro no profesional: La bodega, de Noah Gordon. Lo acabo de leer y me ha encantado. • Un problema: La falta de tiempo. • Una ilusión: Recuperar la dignidad y el respeto en esta profesión.

Márqueting arrollador

El estudio de diseño gráfico y arquitectura M transforma un local de chuches en un fenómeno de marketing. M, el estudio de diseño gráfico e interiorismo fundado a principios de año por Marion Donneweg, Mireia Roda y Merche Alcalá, las dos primeras con una larga trayectoria en el campo del diseño y la dirección de arte en distintas agencias, y la tercera, arquitecto, lo ha conseguido con Happy Pills. Ubicado en la calle Els Arcs, de Barelona, junto a la plaza de la Catedral, una zona prácticamente exenta de centros educativos y, por tanto, con ausencia de público infantil, potencial target de una tienda de estas características, sorprendió a los barceloneses cuando se inauguró poco antes del verano, y también a los visitantes extranjeros de la Ciudad Condal. Pero no ha sido por casualidad. Detrás de todo este fenómeno hay una minuciosa y elaborada estrategia de marketing con muchas dosis de creatividad.

Receta ¿Cuál es la receta? Pues, como ilustra el cartel que preside la tienda en el que se da a conocer la composición de los caramelos: mucha imaginación a la vez que sentido común. Si no, basta repasar algunos de los componentes de estas píldoras mágicas: 3% de azul cielo, 2% de chiste verde, 2% de cosquillas, 6% de acento andaluz, 2% de retranca gallega, 9% de gol en el último minuto y así, hasta el 100% de Happy Pills. Si todo ello es pura imaginación, el sentido común se puso en la estrategia. El equipo de M convenció al cliente, que se dejó llevar sin ningún recato, para reinventar el producto. Le puso nombre y logotipo (una cruz roja con claras reminiscencias sobre lo saludable), diseñó el local, los rótulos, y el packaging, dando a los envases un sentido práctico como si de un botiquín sanitario se tratase: los hay de emergencia, de fin de semana, para cada momento del día, en envase familiar para golosos compulsivos y, además, clasificó los caramelos por sus efectos sobre la salud… mental. No en vano, la idea sobre la que nace Happy Pills es la de que los caramelos son, en realidad, pequeños bocados de felicidad. Así, hay píldoras contra los lunes, contra el precio de la vivienda, contra la dieta de la piña, contra los amigos invisibles sin imaginación o contra los domingos sin fútbol... Y todo porque, aquí viene quizá la cuestión básica, la primera propuesta de M fue, reinventarse a los clientes habituales de este tipo de establecimientos: Happy Pills no sólo no es una tienda de chuches convencional en su diseño y presentación, tampoco en sus clientes. Es una tienda para adultos, a la que por supuesto se permite la entrada de los niños. http://www.m-m.es/m/Tienda.html

Tipográfica

Una de esas tres cosas que uno tendría que hacer en la vida antes de morirse debería ser diseñar una tipografía. Están tan integradas en nuestra vida diaria que no nos damos cuenta de hasta qué punto forman parte de nuestra estética. Por ejemplo, analizando los títulos de crédito de una película se puede adivinar a qué época corresponde. Es algo que forma parte de nuestra cultura visual y ni siquiera nos damos cuenta. También están integradas en la ropa que nos ponemos, en el arte, en la arquitectura o en el mobiliario. Sacadas del ámbito del diseño gráfico, inspiran formas con sus propios trazos, como en el caso de la arquitectura o el mobiliario. Pero también tienden a mostrar su lado más rebelde y reivindicativo cuando aparecen en obras de arte o en la ropa. Nosotros hasta te regalamos las nuestras cuando te compras la revista. Echa un vistazo a esta recopilación y después analiza tu entorno, seguro que descubres alguna forma tipográfica escondida a tu alrededor.

Exposición

Museo Guggenheim Bilbao Desde el 27/05/2009 hasta el 05/12/2009

La retrospectiva más importante dedicada al artista español Juan Muñoz a nivel internacional: esculturas, instalaciones, dibujos, obras radiofónicas y escritos, algunas de ellas nunca antes mostradas. Sus obras, con referencias múltiples a la historia de la cultura occidental, invitan al espectador a relacionarse con ellas creando una fuerte sensación de aislamiento e introspección individual.

La obra de Juan Muñoz es un punto de referencia de la renovación de la escultura contemporánea internacional. Su estrategia estética desdibuja la demarcación estricta entre espectador y creador, y entre la escultura y otras manifestaciones próximas como la instalación, enriqueciendo el sentido narrativo de sus propuestas. Esta exposición es la retrospectiva más importante dedicada a este autor a nivel internacional. Desde sus primeras obras, en las que la ausencia de personajes no omite la presencia humana, hasta sus Piezas de conversación, en las que la soledad se hace evidente, todas invitan al espectador a relacionarse con ellas aun creando un sentimiento de aislamiento y de introspección individual.

En 1984 una pequeña escalera de caracol con un balcón en la parte superior y apoyada en una pared, se presentó en una de las primeras exposiciones individuales de Juan Muñoz (Madrid, 1953-Ibiza, 2001) en Madrid. Refiriéndose a ella, el artista dijo: "es la primera pieza de la que recuerdo tener una cierta sensación de identidad". A lo largo de su carrera este motivo arquitectónico se repetiría y, más de dos décadas después, una pequeña escalera de caracol invertida abrirá esta exposición considerada como la retrospectiva más importante dedicada a Muñoz a nivel internacional, integrada por más de 80 creaciones: esculturas, instalaciones, dibujos, obras radiofónicas y escritos, algunas nunca antes mostradas. Durante casi veinte años Juan Muñoz creó, a través de su personal lenguaje, un corpus de una excepcional narratividad con referencias múltiples a la historia de la cultura occidental. Todas sus obras invitan al espectador a relacionarse

con ellas, creando una fuerte sensación de aislamiento e introspección individual. Lo que se ve no es lo que parece: desde sus balcones deshabitados se observa lo que pasa en los espacios de la mirada; sus pasamanos sin destino llegan, incluso, a causar dolor al introducir elementos relacionados con la violencia como los cuchillos; la reminiscencia del Barroco se evidencia en los suelos ópticos que juegan con la arquitectura de Borromini en edificios tan significativos como el Palazzo Spada de Roma, enmarcando y escenificando al personaje que los transita para hacerlo actuar; y las figuras suspendidas en el aire nos remiten a la trapecista representada por Edgar Degas, mientras que los grupos de numerosos personajes se contemplan como en el teatro Máscaras desnudas de Luigi Pirandello. Todas estas voces mudas, que intentan articular sonidos, cre-an un murmullo sordo que recorre toda la muestra. En su presentación en

Bilbao, la exposición, organizada por la Tate Modern en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao, incorpora importantes obras de gran escala, como la Escena de conversación (Conversation Piece), de 1994, Trece riéndose los unos de los otros (Thirteen Laughing at Each Other), de 2001, o Descarrilamiento (Derailment), de 200001. El diseño de la instalación, expresamente pensado en diálogo con los singulares espacios arquitectónicos de Gehry, le confiere un carácter único y especial, convirtiendo cada sala en capítulo de una historia continua en la que reconocemos, como si de un espejo se tratase, nuestras personales perturbaciones frente a figuras que miran a su propio interior.

Bauhaus

aniversario de la

Bauhaus

La legendaria escuela artística de Walter Gropius sigue a la vanguardia

Walter Gropius tenía en mente un laboratorio de arquitectura y diseño cuando, en 1919, abrió su escuela en Weimar, Alemania. Sólo existió durante 14 años, pero se la sigue considerando la síntesis de la modernidad. “La Bauhaus fue un experimento inusualmente vanguardista y dinámico”; dice Philipp Oswalt, nuevo responsable de la sede de Dessau. Las clases estaban basadas, fundamentalmente, en lo interdisciplinario y orientadas a la práctica. Al principio, Gropius defendió la unidad entre arte y manufactura y, a partir de 1923, buscó elaborar prototipos para la producción industrial en serie. Arte y Técnica rezaba su nuevo ideal. La fascinación de las formas severas de la Bauhaus sigue en vigor: sillas, lámparas producidas en masa decoran oficinas y salones de todo el mundo. Por eso, no sorprende que su 90 aniversario se esté celebrando por todo lo alto, desde Weimar hasta Nueva York. Los museos de la Bauhaus del propio Weimar y Berlín planean incluso su ampliación.

Joost Schmidt: Dirigió el departamento de publicidad de 1928 a 1932. El diseño de las exposiciones de sus propios materiales tuvo una gran relevancia. Marcel Breuer: El enorme éxito de su “estilosa” silla Vasili, hecha con tubos de acero, sorprendió en 1925 al propio director del taller de mobiliario. Georg Muche: Su casa modelo en Weimar - Haus am horn, una nueva forma de vivir- despertó en 1923 acaloradas discusiones en Alemania sobre la construcción de urbanizaciones modernas. Lyonel Feininger: Dirigió la imprenta hasta 1925, se instaló en los talleres de Dessau y dos de sus hijos estudiaron en la Bauhaus. En 1937 emigró a Nueva York. Wassily Kandinsky: Gropius llamó en 1922 a quien ya era un aclamado artista. Pasó a dirigir el taller de murales y desarrolló un plan de estudios sobre el arte moderno. László Moholy-Nagy: En 1923, la Bauhaus fichó a este famoso constructivista húngaro para alcanzar, con la fotografía como medio, una “nueva visión”. Marianne Brandt: Empezó a crear sus originales utensilios domésticos y lámparas cuando era estudiante del taller de metal. Por una de sus teteras se pagaron en 2007 250.000 euros. Oskar Schlemmer: Entró en la Bauhaus de Weimar en 1920 y durante varios años dirigió el taller de teatro, donde desarrolló un nuevo concepto de vestuario.

Wilhelm Wagenfeld: Su lámpara de mesa está considerada como modelo paradigmático de un diseño basado en la funcionalidad. Este orfebre sólo estudió en la Bauhaus durante un breve espacio de tiempo. Johannes Itten: Su curso preparatorio, obligatorio para todos los estudiantes desde 1920, era muy conocido. Este siuzo fascinado por el esoterismo fue a la huelga en 1923, en rechazo a la posición racionalista de Gropius. Paul Klee: El célebre pintor suizo enseñó en la Bauhaus durante 11 años. En 1925 publicó su Libro de bocetos pedagógicos y, a partir de 1927, desarrolló un estilo de pintura propio y libre. Josef Albers: Este antiguo profesor de primaria creó recipientes de una gran elegancia, hechos de cristal, metal y madera; emigró a Estados Unidos en 1933.

Cronología de un clásico 1919. La Bauhaus surge cono institución estatal a partir de la antigua Escuela de Arte del Gran Ducado de Weimar. 1923. Primer balance: exposiciones de éxito y ataques políticos de la derecha alemana. 1925. Nuevo comienzo: la escuela se traslada de Weimar a Dessau y es reconocida como escuela superior. 1932. Inicio de su fase final: los nazis exigen su cierre. La Bauhaus pasa a convertirse entonces en un instituto privado con sede en Berlín. 1933. El cierre: la escuela decide autodisolverse tras un registro por parte de la Gestapo. 1938. Se abre en Chicago, sólo durante un breve tiempo, la New Bauhaus. 1996. Las sedes de la Bauhaus en Weimar y Dessau son declaradas Patrimonio de la Humanidad d la Unesco. 2006. Restauración de la sede de Weimar. Se puede volver a apreciar el colorido interior del edificio.

Arquitectura

A Adam Kalkin, arquitecto y artista, la inspiración le llegó en un viaje rutinario entre Nueva Jersey y Nueva York. La idea de utilizar materiales reciclados para construir casas surgió cuando se percató de la enorme cantidad de contenedores industriales para el transporte marítimo que se apilaban sin ninguna finalidad en el puerto de Nueva Jersey. Estructuras metálicas que llegaban desde China con mercancías y pasaban a formar parte del paisaje de desechos del muelle. A partir de ahí surgió la idea de reciclar contenedores, un material barato que genera posibilidades interesantes en el diseño de espacios cotidianos. A Kalkin siempre le ha fascinado la idea de reutilizar elementos industriales y hacer de ellos algo totalmente inesperado y domés-

tico. Se formó como arquitecto y artista en Nueva York y Londres, y está considerado como un artista radical que abarca distintas disciplinas: escultura, música, arquitectura y arte. Adam Kalkin es colaborador habitual en proyectos con fines humanitarios y ha trabajado con la modelo Natalia Vodianova y la Fundación Naked Heart en la construcción de áreas de juego para niños necesitados en Rusia. Su sorprendente obra está estrechamente marcada por el arte conceptual, la literatura, la música y las artes gráficas de nuestra generación y permite que nos adentremos en el mundo mágico de la imaginación. El primero de los tres proyectos de Kalkin se llama Bunny Lane y explora la relación entre interiores y exteriores de una forma alternativa. Es una

casa tradicional de Nueva Jersey de dos plantas, edificada dentro de un cobertizo industrial, en la que el porche es una extensión del salón y el tejado, un puro elemento decorativo. El segundo se llama 12 Container House y es una casa de vacaciones prefabricada construida con doce contenedores reciclados. Tiene dos plantas y está edificada en forma de T. El último proyecto se llama Push Button House. Una casa de diseño ecológico, construida con materiales reciclados y reciclables. Fue presentada en la 52º edición de la Bienal de Venecia y tiene la estructura de un contenedor que, con sólo presionar un botón y en 90 segundos, se despliega de forma automática y se convierte en una espacio listo para habitar con todas las comodidades.

Entrevista

NEREA ES UNA JOVEN ARTISTA, LA CUAL CON 18 AÑOS YA GANÓ UN PREMIO DE UN CONCURSO A NIVEL MUNDIAL CONMEMORANDO EL CENTENARIO DEL NACIMIENTO DE PICASSO. ACTUALMENTE ESTA ESTUDIANDO SEGUNDO CURSO DE GRÁFICA PUBLICITARIA EN EL INSTITUTO IES IBARREKOLANDA. ESTA JOVEN EMPRENDEDORA DEDICA GRAN PARTE DE SU TIEMPO LIBRE A MANUALIDADES Y EN ESTA ENTREVISTA NOS MUESTRA UN POQUITO MAS DE ELLA.

¿Desde cuando te gusta el Arte? Desde muy pequeña recuerdo estar pintando o dibujando en cuanto tenía un rato libre. Además siempre que podían mis padres me llevaba a algún museo o exposición, pero mi interés real por él comenzó en el instituto cuando estudié Historia del Arte. ¿Y por el Diseño Gráfico? Siempre me ha atraído todo lo creativo y el diseño gráfico se engloba dentro de ello. Es el medio artístico de hoy en día y debería de ser considerado un arte más, a pesar de ser muy técnico, detrás del ordenador se encuentran verdaderos artistas. ¿Tuviste dudas a la hora de elegir Bachillerato Artístico? No. Ninguna duda en absoluto. De hecho hice 1º de Bachiller humanístico pero en cuanto me enteré de la existencia del artístico y me matriculé sin pensarlo dos veces.

¿Crees que has aprendido mucho en estos últimos años en los que has estudiado Bachillerato y Diseño Gráfico? Casi todo lo que sé hoy en día de arte y diseño lo he aprendido en Bachillerato y en Gráfica Publicitaria. En el instituto aprendí a crear, entender y apreciar el arte y éstos dos últimos años he conseguido manejar programas como FreeHand o Photoshop a un nivel más que aceptable, teniendo en cuenta que yo siempre he sido un poco torpe con las tecnologías. ¿Utilizas en tu vida cotidiana lo que has aprendido? ¡Es lo que más me gusta! Siempre que puedo me gusta crear cosas que llevan mucho tiempo en mi cabeza; cuadros, láminas, diseños de camisetas, colgantes... Regalárselas a amigos siempre es una buena opción pero a veces me gustan tanto que no puedo desprenderme de ellas. 26

Entonces, ¿Recurres habitualmente a utilizar como regalo de fechas señaladas alguna manualidad o dibujo que has hecho? Normalmente compro regalos en tiendas, pero siempre que puedo me gusta regalar también, como pequeño detalle algo hecho por mí, de forma que, a parte de los regalos típicos que le pueda hacer todo el mundo, tenga algo original y “exclusivo”. ¿Qué mas hobbies tienes? Aparte de enredar, manosear y pintorrojear todo lo que se me pone delante... me gusta la música. No sé si se le puede llamar “hobby” porque no sé tocarla ni crearla pero el simple hecho de tener que escucharla diariamente se podría decir que la convierte en un hobby o en una adicción? ja ja.

¿Que planes de futuro tienes? De momento; acabar gráfica publicitaria, el próximo año hacer el proyecto final e irme de prácticas al extranjero, seguir estudiando inglés (mi meta es aprobar el Proficency),¡ sacar tiempo para sacarme el carnet de conducir!, viajar todo lo que pueda (encontrar un currillo para costeármelo) y por último comenzar Bellas Artes lo antes posible. ¿Donde te ves dentro de 5 años? Me veo acabando la universidad, trabajando, y tal vez viviendo en otra ciudad. Pero por encima de todo, ¡haciendo lo que me gusta!

¿Qué se te pasa por la cabeza cuando te digo estas palabras? Pintor: Van gogh Diseñador: Shannon Wright Logotipo: Nike Ordenador: Mac Photoshop: Retoque Cuadro: Arte

Séptimo arte

Miriam Pérez

La película que mas me ha marcado, como también habrá sucedido en el caso de muchos niños es Peter Pan ya que te lleva a ese mundo de fantasía y diversión en el que nunca cambia nada. Aunque creo que cierta parte de mi adolescencia se vio bastante marcada por la película Pesadilla antes de Navidad, de la cual el productor es Tim Burton y su influencia junto a la influencia de entrevista con el vampiro despertó en mi cierto interés por los vampiros y lo siniestro.

Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se le denomina séptimo arte. No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas

Pesadilla antes de Navidad (1993) Jack Skellington, señor de Halloween, descubre la Navidad y queda prendado de ella. Por ese motivo decide mejorarla, aunque su versión de la festividad sea totalmente opuesta. Para su nueva idea secuestra a Santa Claus y lo sustituye; todos sus sicarios deben trabajar en el nuevo proyecto de Navidad, que resulta bastante macabro. Sólo Sally, su novia, ve el error que está cometiendo.

Entrevista con el vampiro (1994) A finales del siglo XVIII Lestat el vampiro conoce a un mortal, desolado por la pérdida de su esposa y de su hija de corta edad, un tal Louis de Pointe. Doscientos años más tarde, a finales del siglo XX, en San Francisco, Louis decide contar la historia, una historia de deseo, amor, anhelo, pena, terror y éxtasis de un vampiro, a un joven reportero.

LA GRAN PANTALLA Hoy en día opino que hay muy pocas películas merecedoras de ser vistas en el cine dado que por la entrada te cobran unos siete euros aproximados, y en el caso de que quieras comer algo mientras la ves el precio asciende, sobretodo como tengas la equivocada idea de comprar palomitas en el cine, en ese caso ya el precio se dispara. En estos tiempos en los que cualquiera puede bajarse una película desde internet o simplemente verla desde una página web, se tiene bastante en cuenta si de verdad crees que la película será lo bastante buena como para que merezca la pena gastar ese dinero por algo que puedes ver cómodamente en tu casa. Cierto es que la calidad de la imagen será peor si te la descargas, la pantalla será mas pequeña y el sonido no tan alucinante, pero hoy en día creo que no estamos para tirar el dinero. Por esto como dejar de ir al cine completamente seria una pena porque la verdad es que tiene su encanto, yo me reservo para ver en la gran pantalla películas que tengan efectos especiales o que sean de terror, aunque pocos films de terror tengan una buena historia.

Séptimo arte

Desde hace unos años siento un gran interés por la saga de Saw, ya que desde que la vi por primera vez me dejo alucinada su final y desde ese momento me he vuelto en una gran aficionada y considero que esta película es merecedora de la gran pantalla.

El cine de terror es un género cinematográfico que se caracteriza por su voluntad de provocar en el espectador sensaciones de pavor, miedo, disgusto, repugnancia u horror. Sus argumentos frecuentemente desarrollan la súbita intrusión en un ámbito de normalidad de alguna fuerza, evento o personaje de naturaleza maligna, a menudo de origen criminal o sobrenatural.

Y aunque valore bastante la película de Saw, si tuviera que darle un premio a la mejor historia de terror, el premio seria para Pesadilla en Elm Street. La idea de que no devas dormir para no caer en las garras del sanguinario Freddy el cual puede recurrir a cualquier arma ya que todo es un sueño, me parece la mejor idea que el cine de terror a podido dar. Mi fascinación por esta película puede deberse a que mi peor pesadilla de pequeña siempre era Freddy. ¿Pero quien no va a temer su cara quemada y sus garras enormes?

Pesadilla en Elm Street (1984) Varios jóvenes de una pequeña localidad tienen habitualmente pesadillas en las que son perseguidos por un hombre deformado por el fuego y que usa un guante terminado en afiladas cuchillas. Algunos de ellos comienzan a ser asesinados mientras duermen por este ser, que resulta ser un asesino al que los padres de estos jóvenes quemaron vivo hace varios años tras descubrir que había asesinado a varios niños.

Saw (2004) Dos hombres se despiertan encadenados a la pared de un lavabo subterráneo. Lo único que saben es que uno de ellos debe matar al otro antes de ocho horas o ambos morirán. Todas las víctimas deben afrontar una elección horrible de la que depende su vida. Estos juegos, orquestados por un asesino conocido únicamente como Jigsaw («rompecabezas»), elevan a “Saw” por encima de las andanzas de los asesinos en se-rie típicos de las películas y aportan una inesperada nota macabra a la persistente atmósfera de terror.

OTROS GENEROS En cuanto a películas de genero romántico, diría que mas que nada están para esos días tristes y que suelen tener una historia bastante obvia pero esto no quiere decir que con ellas no vallas a pasar un buen rato o mas bien un buen rato triste. De este genero la película que mas me ha gustado es el Diario de Noah aunque diría que trata la historia de manera bastante lacrimógena.

El diario de Noah Un voluntario de una residencia de ancianos fascinado por una historia de amor de una vieja libreta , la cual cuenta la historia de Allie y Noah situacda en los años cuarenta, se la relata dia tras dia a una pobre anciana la cual tiene alceimer, devolviendole el interes por el amor.

Las comedias pienso que son mas que nada para esos momentos que no tienes nada mejor que hacer y quieres poder reírte un rato. Opino que la mejor opción para estas películas es verla con unos amigos y así poder comentarla y reírse acompañado. Aunque las historias suelen ser bastante absurdas algunas tienen un absurdo muy gracioso y que mejor que pasar un buen rato riéndose. De este genero la película que mas me ha gustado es Play Boy: el rey del mando, por esa locura que se muestra en todo momento que te obliga a reír.

Play boy el rey del mando A sus 35 años, Alex trabaja probando los nuevos juegos de la empresa Brainasium. Es el más veterano entre sus compañeros, pero también es el mejor. Cuando le echan de su apartamento por impago, intenta instalarse en casa de su camello, pero éste se ha comprado un león guardián y no puede alojarle. Finalmente se instala en casa de su abuela y amigas. Las abuelitas son de armas tomar, y acabarán metidas en todas las juergas de Alex, en las que se mezclan alcohol, karaoke, hierba, un hechicero vudú, un mono karateka...