Modern Music Mag 2015 by Modern Music School MMS GmbH

m dern music mag The Modern Music School and VibrA School of DJing Magazine | www.modernmusicschool.com | www.mms-us.com

ED UC AT IO N

A.D.H.D. and music

Deutschland € 3,50 Ελλάδα € 3,50 · US $ 3.50

– a ‘natural fix’?

€ 3,50

More success through play-based learning

646002 772197

SPIELERISCHES LERNEN

Mehr Erfolg durch

2015

„The GrandMeister 36 is the perfect touring amp for me. It has all the Channels & FX’s I need, sounds killer and fits in my suitcase.“ Jeﬀ Waters, ANNIHILATOR

facebook.com/hughesandkettner | www.hughesandkettner.com

m dern music mag

EDITORIAL

2015

IMPRESSUM

Liebe Leserinnen und Leser,

REDAKTION / EDITORIAL

Die Arbeit mit unseren Schülern bereitet uns schon immer riesige Freude und es ist schön zu beobachten, wie sich Kinder und Jugendliche über die Jahre entwickeln. Musik ist für viele ein Ventil und gibt ihnen die Möglichkeit, ihrer Kreativität freien Lauf zu lassen.

Hans-Peter Becker KOORDINATION / COORDINATION Karina Seidel GESTALTUNG / DESIGN Karina Seidel FOTOS & GRAFIKEN / PHOTOS & GRAPHICS Tatjana Schlör AKG / Akai

Immer öfter jedoch stellen wir auch eine Frustration und Resignation bei vielen Schülern und auch den Eltern fest, da scheinbar immer weniger Zeit für Hobbys bleibt und der Leistungsdruck kontinuierlich steigt. Mehr Hausaufgaben, höhere Ansprüche an den Schulabschluss, Nachhilfeunterricht – und dann die Diskussionen über Lernprobleme, ADHS etc. … Kindern wird bereits frühzeitig diagnostiziert, dass sie Lernprobleme haben und unter ADS oder ADHS leiden.

pexels.com Johannes Fettes Dimitris Koutantos Victor Salazar Cherno Jobatey

Es sind laut Studien meist Kinder, die sehr kreativ sind, sich für vieles interessieren, begeisterungsfähig sind, erfrischend spontan, geradlinig und belastbar sind. Dies hört sich für mich alles nach den wichtigen Merkmalen eines zukünftigen Unternehmers an. Also bleibt zu fragen, wozu will man die Kinder erziehen?

Henrik Andree Yannis Stavropoulos Sebastian Quirmbach Watercolor clouds designed by Freepik.com David Dieschburg / photocase.com

Die meisten dieser Kinder haben bei uns in der Modern Music School weder Aufmerksamkeitsprobleme noch sind sie hyperaktiv wenn sie musizieren. Haben die Kinder also nur in bestimmten Situationen diese Symptome und was könnten Maßnahmen sein, um den Symptomen entgegenzuwirken?

Yasmim Castro ILLUSTRATIONEN / ILLUSTRATIONS

In unserem Magazin möchten wir dies und andere Bereiche des Lernens und Übens beleuchten und Ihnen Denkanstöße mitgeben.

Thalia Nalapraya

Ich wünsche viel Spaß beim Lesen. MITARBEITER 2015 / CONTRIBUTORS 2015 Hans-Peter Becker Sebastian Quirmbach Katja Maass

Dear readers,

Daniel Agema Konstantinos Salapas Maxi Bastami-Schwarz Erhard Hahn ANZEIGEN / ADVERTISING Hans-Peter Becker VERLAG / PUBLISHING Modu Publishing Hauptstraße 194

It has always given us immense pleasure to work with children, and it is wonderful to watch children and young people develop over the years. For many, music is an outlet, and allows them to give free reign to their creativity. However, increasingly we are discovering frustration and resignation among many students and also parents, since there seems to be less and less time for hobbies, and school pressures are constantly on the rise. More homework, higher expectations for graduation results, remedial instruction – and then the discussions about learning disabilities, A.D.H.D. etc. ... children are being diagnosed already at an early age with learning disabilities, with diagnoses of A.D.D. or A.D.H.D.

55743 Idar-Oberstein / Germany KONTAKT / CONTACT +49 (0) 6781 – 457520 info@modu-publishing.com DRUCK / PRINT Techprint SA, L-4385 Ehlerange ISSN 2197-6465

According to studies, these are mostly children who are creative, interested in many things, capable of enthusiasm, refreshingly spontaneous, incisive thinkers and hard workers. To me all this sounds like the important characteristics of future entrepreneurs. So the question arises, toward what end do we want to educate children? Most of these kids who are with us at the Modern Music School show no problems paying attention, nor are they hyperactive when they are playing music. Do kids have these symptoms only in particular situations, and what kinds of measures could be taken to counter these symptoms? In our magazine we would like to give insights into this and other areas of learning and practicing, and give you, dear readers, new ideas to think about.

WWW.

I wish you pleasant and enjoyable reading.

modernmusicschool.com mms-us.com modu-publishing.com vibra.dj professional-program.com klingklong.de beam-shop.com

Hans-Peter Becker

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INHALT

ADHS und Musik A.D.H.D. and music

18 The most recorded Drummers

Spielerisches Lernen Play-based learning

20 Cherno Jobatey

17 Big Drum Bonanza

Richtig loben The right kind of praise

24 Yannis Stavropoulos

“EDUCATING IS NOT A PROCESS OF DIRECTING INSTRUCTION, BUT TO INSPIRE, TO FEED CURIOSITY, TO FACILITATE.” „Unterrichten bedeutet nicht Anweisungen zu geben, sondern inspirieren, Neugier wecken und unterstützen.“ Sir Ken Robinson

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INDEX EDUCATION

TITELTHEMA | COVER STORY

10 Wer spielend lernen darf hat später mehr Erfolg

6 ADHS und Musik – eine ‘natürliche Behandlung’?

Play-based learning leads to more successful children

A.D.H.D. and music – a ‘natural fix’?

12 Mehr als Musik: Lebenskompetenz! More than Music: Life skills!

14 Richtig loben macht den großen Unterschied The right kind of praise makes all the difference

SCHOOL

LIVE

9 Was ist „Producing“ heute? What is “producing” today?

Cherno Jobatey: Ohne Musik wäre das Leben ein Irrtum Cherno Jobatey: Without Music, Life would be a mistake

17 Big Drum Bonanza: Zwei MMS-Schüler Two MMS-Students in Los Angeles 18

Yannis Stavropoulos: Ein toller Lehrer & großer Motivator

EXTRA in LA

Yannis Stavropoulos: An amazing teacher and great motivator

The most recorded Drummers

OUTRO 7 Steps to Heaven: Die 7 wichtigsten Übungstipps für Schüler und deren Eltern!

The 7 most important practice tips for students and their parents

“LASS DEM POTENZIAL DEINES KINDES FREIEN LAUF UND DU WIRST IHM DIE WELT ERÖFFNEN.”

Maria Montessori

„Free the child‘s potential and you will transform him into the world.“

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EDUCATION

A.D.H.D. and music – a ‘natural fix’? by Hans-Peter Becker

ADHS und Musik – eine ‘natürliche Behandlung’?

nde letzten Jahres erschien in der New York Times ein Bericht mit dem Titel „A Natural Fix for A.D.H.D.“ (oder, frei übersetzt, „Eine natürliche Heilung für ADHS“). Der amerikanische Psychiater, Dr. Richard Friedman, schreibt dort, dass das Gehirn von Personen mit AufmerksamkeitsdefizitHyperaktivitätsstörungen (ADHS) “anders” ist. Er beschreibt, dass es regelrecht darauf vorprogrammiert zu sein scheint, nach Neuem und Ungewöhnlichem zu suchen, was auch der Grund dafür sein könnte dass Menschen mit ADHS auf sich wiederholende und routineartige Aufgaben so anders reagieren, als wir Nicht-ADHS-ler es tun.

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Für Personen mit ADHS, so Friedmann, ist das alltägliche Leben einfach zu routiniert und langweilig. Und um dem entgegenzuwirken, suchen sie nach immer neuen, aufregenden Erlebnissen und reagieren auf die festen Strukturen der heutigen Welt mit ihrer typischen Ungeduld und Unruhe. Sich zu konzentrieren, aufmerksam zu sein und Selbstkontrolle zu bewahren, fällt in einer solch langweiligen Welt auch schwer. Erst in unbekannten und aufregenden Situationen, werden ADHS-ler durch die Ausschüttung von Dopamin im Belohnungszentrum des Gehirns belohnt.

n a recent New York Times article (“A Natural Fix for A.D.H.D.”), Richard Friedman, a professor of clinical psychiatry, talks about brain differences in individuals with A.D.H.D. that lead them to respond to repetitive and routine tasks much differently than the rest of us.

Für Personen mit ADHS ist das alltägliche Leben einfach zu routiniert und langweilig Dopamin ist ein Botenstoff, der nicht nur angenehme Gefühle hervorruft, sondern dem Gehirn auch signalisiert, „jetzt pass auf, gleich kommt ein Ereignis, das sich lohnt zu speichern und zu wiederholen.“ Demnach wird Dopamin immer dann ausgeschüttet, wenn ein bestimmtes Verhalten zum Erfolg führt. Und je neuartiger und unvorhersehbarer ein Ereignis ist, desto höher ist die Aktivität im Belohnungszentrum des Gehirns. (Dennoch kann das, was auf die einen sehr anregend wirkt, für andere immer noch langweilig sein.) In neuen Untersuchungen konnte nun mit Hilfe von PET-Scans (Positron-EmissionsTomographie) gezeigt werden, dass Personen mit ADHS über weniger Dopaminrezeptoren verfügen, als NichtADHS-ler. Friedman schließt daraus, dass der Belohnungskreislauf des ADHS-Gehirns im Normalzustand weniger sensibel ist, als der eines neurotypischen Gehirns. Er vermutet, dass es dieser träge Belohnungskreislauf ist, der eigentlich interessante Aktivitäten langweilig und sich wiederholende Tätigkeiten als nicht lohnenswert erscheinen lässt.

„Nichts aktiviert das Gehirn so ausgiebig wie Musik“

He says that people with A.D.H.D. appear to be actually hardwired for novelty-seeking. For them, according to Friedman, “so much of everyday life feels routine and under-stimulating... To compensate, they are drawn to new and exciting experiences and get famously impatient and restless with the regimented structure that characterizes our modern world.”

People with A.D.H.D. appear to be actually hard-wired for novelty-seeking So in a world that essentially seems boring to their brains, it becomes incredibly hard for them to focus, pay attention and maintain self control. When they encounter novel and exciting experiences, however, their brains are rewarded with a rush of dopamine. Dopamine is a neurotransmitter that tells the brain, “pay attention, this is a valuable experience that is worth remembering and repeating.” The more novel and unpredictable the experience, the greater the activity in the reward center. But what is stimulating to one person may in fact be dull to another. New research using PET scans shows that individuals with A.D.H.D. have far fewer dopamine receptors than their neurotypical counterparts which means, according to Friedman, “that people with A.D.H.D. are walking around with reward circuits that are less sensitive at baseline than those of the rest of us.” He also suggests that “Having a sluggish reward circuit makes normally interesting activities seem dull and would explain, in part, why people with A.D.H.D. find repetitive and routine tasks unrewarding and even painfully boring.”

Um motiviert und konzentriert “bei der Sache zu bleiben”, benötigen wir also etwas, das das Belohnungszentrum unseres Gehirns aktiviert! Glücklicherweise kann Musik genau das.

So in order to stay “on task,” focused and motivated, we essentially need something to activate this reward center in our brain.

„Nichts aktiviert das Gehirn so ausgiebig wie Musik“, sagt z.B. Oliver Sacks, der britische Neurologe und Autor von „Der einarmige Pianist, Über Musik und das Gehirn“. Ähnlich wie Geld, Essen und Drogen (sowie neuartige, unvorher-

“Nothing activates the brain so extensively as music”

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sehbare Erlebnisse) kann Musik das Gehirn mit einem Dopamin-Ausstoß belohnen. Musik hat schon vielen Menschen mit ADHS geholfen. Und nicht nur, weil sie den Dopamin-Ausstoß erhöht, sondern auch, weil sie etwas ist, was uns Menschen sowieso schon interessiert. Viele von Friedmans Patienten haben nämlich berichtet, dass sie sich sehr wohl konzentrieren können, und zwar immer dann, wenn sie sich für etwas interessieren. Sobald sie eine Sache wirklich toll finden, können sie sich hoch konzentriert und oft stundenlang damit beschäftigen.

Musik hat schon vielen Menschen mit ADHS geholfen Und das ist bei uns allen so. An der Modern Music School war uns schon immer klar, dass es die schülereigenen Interessen und Bedürfnisse sind, die dazu führen, dass die Schüler wirklich motiviert sind und weiterkommen möchten. Spaß und Unterhaltung stehen bei uns immer an erster Stelle. Indem wir echtes Interesse an der Lieblingsmusik unserer Schü-

ler zeigen und sie fragen, welche Lieder sie lernen möchten und diese dann auch im Unterricht spielen – wenn wir also tatsächlich einbeziehen, was unsere Schüler „cool“ finden, dann ermöglichen wir es ihnen, wirklich Freude an der Sache zu haben. Wir wollen nichts „behandeln“, wir wollen einfach nur Spaß haben!

Many of Friedman’s patients report having laser-like focus when they’re interested in something, and that they can maintain this focus deeply for hours on things they love. The same goes for all of us.

Music has been shown to help with A.D.H.D.

de.hanspeterbecker.com Hans-Peter Becker

Luckily, music can do just that. “Nothing activates the brain so extensively as music,” says Oliver Sacks, M.D., professor of neurology and author of “Musicophilia”. Just like money, food and addictive drugs (and novel and unpredictable experiences), music can reward our brain with a rush of dopamine.

At Modern Music School we’ve always known that it’s a student’s own interests and needs that excites and gets him or her going. By creating a fun and exciting environment, we enable our students to stay focused and motivated. When we ask what music they love and what songs they want to play, and then incorporate what’s cool to them in each lesson, we’re setting them up to truly enjoy what they’re doing. We’re not trying to “fix” anything, we’re just trying to have fun!

Music has been shown to help people with A.D.H.D., not only because it releases dopamine to a higher level, but also because it’s something most of us are inherently interested in.

hanspeterbecker.com Hans-Peter Becker

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Hans-Peter Becker

“Help me to do it myself.” MARIA MONTESSORI

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SCHOOL

Was ist „Producing“ heute? What is “producing” today?

In der Vergangenheit waren Musikproduzenten diejenigen, die zusammen mit einer Band oder einem Einzelkünstler aus einem guten Song einen Hit machten. Heute versteht man, gerade in modernen Musikstilen, etwas anderes darunter. Hier ist der „Producer" von der Idee bis zum fertigen Produkt für alles selbst verantwortlich und benötigt dafür ein umfangreiches Fachwissen. „Producer“ sind in der Lage bestehende Songs zu remixen, eigene Songideen umzusetzen und musikalische Wirklichkeit werden zu lassen, Instrumente oder Sänger aufzunehmen und so auch Produktionen mit der eigenen Band zu realisieren. Dafür ist es nicht zwingend nötig ein Instrument zu beherrschen, es kann aber von Vorteil sein. Es ist zwar möglich, alles mit dem Computer und der Maus zu programmieren, Rhythmusgefühl und musiktheoretische Kenntnisse erleichtern einem jedoch die Arbeit. Durch die Aufnahme von Instrumenten, die live eingespielt werden, bekommen Songs schnell eine eigene Handschrift und Charakter.

In the past, music producers were the people who together with a band or an individual artist transformed a good song into a hit. But these days it means something else, especially in modern music styles. Here the “producer” is solely responsible for the entire process, from idea to finished product, and for this comprehensive specialized knowledge is essential. “Producers” are able to remix existing songs, turn their own song ideas into musical reality, record instruments or singers, and also create productions with their own bands. To do this, it is not absolutely necessary to master an instrument, though this can be an advantage. While it is possible to program everything with a computer and mouse, a feeling for rhythm and knowledge of music theory does make the task easier. When the production includes instruments recorded live, songs can quickly take on a producer’s unique character and signature.

Not much is needed by way of equipment. A “producer’s” most important “instrument” I I is a computer with a high qualmk i in ity audio card and music softKm P ware. Combined, this is known as a M i ka Es wird nicht viel Equipment benötigt. DAW (Digital Audio Workstation). Here r: A e l l Das wichtigste „Instrument“ eines „Prothere are various solutions, depending on the o r t on ducers“ ist der Computer mit hochwertiger parameters. Producers who create loop-based I-C D I Audio-Karte und Musiksoftware. Zusammen music like to use Ableton Live (www.ableton.com/en). M spricht man von einer DAW (Digital Audio WorkBut if many acoustic instruments are to be recorded, the station). Hier gibt es je nach Ausrichtung verschiepreferred solution is Apple’s Logic Pro (www.apple.com/logicdene Lösungen. Producer, die loop-basierte Musik mapro) or Steinberg’s Cubase (www.steinberg.net/en). chen, verwenden gerne Ableton Live (www.ableton.com). Werden Additionally it is also helpful to have a small MIDI controller aber viele akustische Instrumente aufgenommen, nutzen sie lieber (keyboard) and a set of good studio headphones. To record vocals Apples Logic Pro (www.apple.com/de/logic-pro) oder Steinbergs or acoustic instruments of course you will need the appropriate Cubase (www.steinberg.net/de). microphones and compatible audio interface. Außerdem ist es hilfreich, einen kleinen MIDI-Controller (Keyboard) und ein paar gute Studio-Kopfhörer zu haben. Zur AufHow to handle technology and software is nahme von Gesang oder akustischen Instrumenten braucht taught in our “Music Production” coursman natürlich auch entsprechende Mikrofone und eine pases. Here interested students can learn sende Audio-Schnittstelle. everything from song writing and sound design, to mastering. Den Umgang mit Technik und Software zeigen wir in unEven novices who have never “produced” seren „Music Production“ Kursen. Hier können Interestheir own song can learn everything sierte alles vom Songwriting, über Sound Design bis zum needed from us. In training we reveal Mastering lernen. the “secrets” of the “greats” (producSelbst Einsteiger, die noch nie einen eigenen Song ers), and discover that everybody just „produziert“ haben, lernen bei uns alles, was dazu nöputs on their pants one leg at a time tig ist. Im Training decken wir die „Tricks“ der „Growhen it comes to their musical craft. ßen" (Producer) auf und entdecken, dass alle nur mit Wasser kochen. Just like instrument lessons, these lessons are given once a week. Of Genau wie im Instrumentalunterricht findet der Uncourse anyone can also practice at terricht einmal wöchentlich statt. Natürlich kann jehome and work on his or her songs, der auch zu Hause üben und an seinen Songs arbut there will be progress even beiten, aber auch ohne Üben stellen sich schnell without practice. Most students Fortschritte ein. Die meisten Schüler können bereits can already be proud of their own nach wenigen Trainingseinheiten stolz auf ihren ersfirst remixes after only a few training ten eigenen Remix sein. units. Professional Studio Headphones: AKG K271 MKII

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EDUCATION

Wer spielend lernen darf hat später mehr Erfolg von Hans-Peter Becker

olly stampft trotzig mit dem Fuß. Sie verschränkt die Arme vor der Brust und findet es gar nicht gut, dass sie heute nicht gleich an die große Trommel darf. Sie hat keine Lust auf Bongos, Shaker oder Lollipop Drum und kann nicht verstehen, dass ihre Lehrerin Tom für die große Trommel ausgesucht hat. Am liebsten würde sie laut los schreien. Schreien tut sie jedoch nicht. Nein, sie atmet lieber tief durch, beruhigt sich und nimmt sich erst einmal einen Shaker.

Die Lebensqualität und der berufliche Werdegang einer Person hängen nämlich in hohem Maße von der Ausprägung genau dieser Eigenschaften ab.

Mollys Fähigkeit, ihre Gefühle zu kontrollieren und sich anzupassen, nennt man Selbstregulierung oder Selbstkontrolle.

Man geht heute davon aus, dass spielerisches Lernen und Motivation die zwei wichtigsten Voraussetzungen für die Entwicklung und Aufrechterhaltung von Selbstregulierung sind.

Selbstregulierung ist die Fähigkeit eines Menschen, seine Gedanken, Gefühle und Impulse zu kontrollieren und mit äußeren Anforderungen in Einklang zu bringen. In Erzieherkreisen wird diese Fähigkeit schon länger heiß diskutiert. Selbstregulierung gilt dort als besserer Indikator für gute Schulleistungen als der Intelligenzquotient (IQ). Lange Zeit nutzte man IQ-Tests, um das Potenzial und die Fähigkeiten eines Schülers zu erfassen. Da Dinge wie Motivation, Belohnungsaufschub, Arbeitsbereitschaft, Langzeitplanung, Kreativität oder emotionale Reife in einem IQ-Test jedoch nicht gemessen werden, erweisen sich seine Werte als wenig aussagekräftig. 10

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Und indem Molly sich auch mit einem Shaker zufrieden gibt und nicht lautstark protestiert, zeigt sie, dass ihre Fähigkeit zur Selbstregulierung bereits gut entwickelt ist. Wie hat sie das geschafft?

Als Eltern, Lehrer und Erzieher müssen wir Kindern deshalb genügend Gelegenheit zum Spielen geben. Im freien Spiel – wenn Kinder als Initiator vorgeben dürfen, was sie spielen möchten – lernen sie, sich in der Welt zurecht zu finden. Sie lernen, eigene Entscheidungen zu treffen, persönliche Vorlieben zu vertiefen und geistige Flexibilität zu entwickeln. Ihre Fantasie, Kreativität und Motivation werden in ungeahntem Ausmaß aktiviert. Sobald Kinder ihre natürliche Liebe zum Lernen und ihre angeborene Neugierde, Spontaneität und Kreativität frei entfalten dürfen, bemühen sie sich auch in schwierigen Situationen, ihre Impulse zu kontrollieren und gute Lösungen zu finden.

Play-based learning leads to more successful children

M Ist ihnen der Sinn einer Lernaufgabe jedoch nicht klar, kann das ganz anders aussehen. Kindern, die ihre Aufgaben nur unter Druck erfüllen oder weil sie auf eine Belohnung warten, fällt es häufig schwer, die eigenen Impulse zu kontrollieren und eine Sache zu Ende zu führen. Deswegen ist es sehr bedauerlich, dass sich selbst in der Grundschule und dem Kindergarten der Fokus immer mehr auf Leistung, beziehungsweise reine Wissensvermittlung richtet. Marilyn Chapman, Professorin an der British Columbia Universität in Kanada, zeigt in einer Studie, dass Kinder, die zu früh zum Lesenlernen gedrängt wurden, meist bereits im Alter von acht Jahren jegliches Interesse am Lesen verloren haben. In ihrem Buch „Gifted Lives: What Happens When Gifted Children Grow Up“, weist die britische Psychologin Joan Freeman darauf hin, dass nicht alle „mozartartigen Wunderkinder“ ihre Begabung auch tatsächlich voll entfalten (von 210 hochbegabten Kindern waren es in ihrer Studie nur sechs). Wir fragen uns also, was es bringt, Kinder schon frühzeitig zu bestimmten Leistungen – z.B. Lesen oder Musizieren – zu zwingen, wenn sie es später nur noch unter Druck und ohne Freude tun? Deswegen gehen wir an der Modern Music School einen anderen Weg. Unser Ziel ist es, die natürliche Liebe unserer Schüler am Lernen und der Musik aufrechtzuerhalten und zu fördern. Schüler der Modern Music School wählen selber, welche Musik sie spielen wollen. Sie folgen dabei ihrem eigenen Tempo und werden entsprechend ihrer Vorlieben und ihres individuellen Lernstils unterrichtet. Wir wollen, dass das Lernen wieder Spaß macht! Das fördert die Motivation und führt zu echtem Fortschritt.

olly stomps her feet. She crosses her arms, terribly upset because she’s not allowed first on the big drum today. She doesn’t feel like playing on the bongos, shaker or lollipop drum, and can’t understand why her teacher chose Tom for the big drum instead. She’s downright angry. She thinks about throwing a tantrum but takes a deep breath instead and settles down to play the shaker. Molly's ability to control her emotions could be described as self-regulation. It’s the ability to regulate one's behavior, thoughts and emotions. And since it can be a better indication of academic success than IQ, self-regulation is a hot topic in the world of education today. IQ or ‘intelligence quotient’ is a common measure meant to reflect the ability and potential of students, however this method of indication is extremely limited. Other variables such as motivation, delay of gratification, willingness to work hard, long-term planning, creativity, and emotional maturity – all closely connected with self-regulation – are also strongly linked to success in life. By agreeing to play the shaker and not having a tantrum, Molly exhibited adaptability and the ability to control her impulses – skills that will assist her in her future inside and outside of the classroom. How did she do it? Research implies that play-based learning is integral to the development and sustainability of self-regulation. No surprise then that parents and teachers should make sure children have as much unstructured time for free play as possible.

discover their own areas of interest and ultimately become self-motivated learners. On the other hand, if students do not see value in learning tasks and merely act out of compliance based on reward or punishment, they’re less likely to spend time setting goals and planning strategies to accomplish those tasks. Among contemporary approaches to child education, early learning expert Marilyn Chapman (professor at UBC) states, “there is a long history of understanding that children learn through play, but one of the things that has tended to happen… is this push to do things sooner, harder, to shove academics down to younger and younger children.” Chapman’s research demonstrates that a common result of children being pushed to read at an earlier age is they become disinterested in reading by the age of eight. Chapman rightly wonders what’s the point of teaching children to read earlier if they’ll only do so when they’re forced to. The same holds true for music education. Prof. Joan Freeman, who wrote “Gifted Lives: What Happens When Gifted Children Grow Up,” points out that not every child labeled an infant Mozart necessarily becomes one. For her book she studied the adult careers of 210 child prodigies and discovered that out of the 210, only six lived up to their projected potential. We find ourselves asking similar questions. Like Chapman, we’re not sure why children should be taught to play an instrument, if they’ll only continue to play when forced? Our approach is to allow our students to play the music of their choice, to learn at their own pace in the way most suited to their personality and learning style. We bring the “play” back into music lessons. By making music truly fun and engaging, our teachers foster a love of learning in each child that allows him or her to thrive – not only in music, but throughout life.

hanspeterbecker.com Hans-Peter Becker

When children are allowed free play, and have the freedom to be the initiators of their own activities from a very early age, they practice decision-making skills. By engaging and interacting with the world around them at their own pace, they

de.hanspeterbecker.com Hans-Peter Becker

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EDUCATION

Mehr als Musik: Lebenskompetenz! More than Music: Life skills! by Sebastian Quirmbach

usik macht Spaß, keine Frage. Bereits kleine Kinder lieben Musik, Teenager definieren sich über ihre Songs und Lieblingsbands, Erwachsene tanzen und entspannen zu Musik und bis ins hohe Alter belebt Musik Geist und Seele. Ein Instrument zu beherrschen ist eine vielfältige, komplexe und anspruchsvolle Kunst, die weit über Notenlesen und Spieltechnik hinausgeht. Eine enorme Vielzahl von Fähigkeiten wird beim Lernen des Instruments mitentwickelt. Wenn man genauer hinschaut sind es exakt die Fähigkeiten, die seit Jahren von Psychologen und Erziehungsexperten als Schlüsselkompetenzen für ein erfolgreiches, ausgeglichenes und glückliches Leben bezeichnet werden.

1 DIFFERENZIERUNGSVERMÖGEN Musik wird lebendig durch feine Unterschiede in Tonhöhe, Dauer, Klangfarbe oder Lautstärke. Von der ersten Musikstunde an wird das Gehör ausgebildet und das auditive Wahrnehmungsvermögen entwickelt sich mit jeder Übungseinheit ständig weiter. Aber nicht nur das Gehör - auch der Tastsinn und die Feinmotorik entwickeln sich permanent weiter. Denn um die Nuancen der Töne zu variieren ist höchstes Fingerspitzengefühl gefragt. Musik lernen heißt, differenziert wahrnehmen lernen.

1 ABILITY TO DIFFERENTIATE Music becomes alive through fine differences in pitch, duration, tone color and volume. From the first lesson, the ear is developed and aural perception grows continuously with every practice session. But not only the ear – touch and fine motor skills are developed permanently. That is because in order to create varied nuances in the notes, a fine sense of touch is needed. To study music is to learn to perceive fine differences.

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ithout question, music is fun. Even small children love music, teens define who they are through songs and favorite bands, adults dance and relax to music and even at an advanced age, the hearts and minds of the elderly are quickened by music. Mastering an instrument is a multifaceted, complex and demanding art, that goes far beyond being able to read notes or acquire technique. An enormous number of skills are developed while learning to play an instrument. When we look more closely, these are exactly the skills that have been identified for years by psychologists and educational experts as the key skills for a successful, balanced and content life.

2 AUFMERKSAMKEIT – Achtsam wahrnehmen Achtsamkeit ist das Schlagwort Nummer 1 in der aktuellen Self-Help-Literatur. Und das mit gutem Grund, denn die Neurowissenschaft kann klar nachweisen, dass selbst kurze Achtsamkeitsübungen das Stresslevel senken und zu mehr Ausgeglichenheit führen. Gemeinsames Musikmachen ist ein Superlearning-Programm für Achtsamkeit, denn in einer Band spielt nicht jeder für sich, sondern nur wenn alle aufmerksam den anderen zuhören entsteht aus den einzelnen Tönen echte Musik. Musik lernen heißt, Achtsamkeit lernen.

2 ATTENTIVENESS – Mindful perception Attentiveness is the number 1 catch phrase in current self-help literature. And for good reason, for neuroscience has clear proof that even short practice sessions in mindfulness lower stress levels and lead to greater poise. Creating music together is a fantastic learning program for mindfulness, because in a band nobody plays just by himself, because the individual notes will only turn into genuine music when each person listens attentively to the others. To study music is to learn mindfulness.

3 KONZENTRATION – mit Fokus und Klarheit bei der Sache bleiben Konzentration ist der Zwilling der Aufmerksamkeit. Aufmerksamkeit heißt die Wahrnehmung zu öffnen, Konzentration heißt, die Wahrnehmung auf das Wesentliche zu beschränken und alle Störfaktoren zu ignorieren. Ein moderner Pop- oder Rock-Song dauert zwischen 3 und 5 Minuten. Eine Ewigkeit, wenn man jede Note konzentriert und mit Gefühl spielen will, ohne plötzlich an Hausaufgaben oder das Abendessen zu denken. Musik lernen heißt, sich konzentrieren lernen.

3 CONCENTRATION – to stay on task with focus and clarity Concentration is the twin of attentiveness. Concentration means to open up awareness; concentration means to narrow awareness down to what is essential, and to ignore all distractions. A modern pop or rock song lasts between 3 to 5 minutes. An eternity if you want to concentrate on every note and play it with feeling, without suddenly thinking about homework or what’s for supper. To study music is to learn how to concentrate.

4 KREATIVITÄT Kinder sind von Natur aus kreativ. In der Schule wird leider meistens diese Kreativität der Konformität untergeordnet. Darum ist der Nutzen umso höher, wenn im Musikunterricht kreativer Ausdruck gelernt wird. Denn Musik kann Dinge spürbar machen, die durch Worte nicht zu beschreiben sind. Musik lernen heißt, seine kreative Stimme zu finden.

4 CREATIVITY Children are naturally creative. Unfortunately in schools this creativity is given a distant second place in favor of conformance. Therefore it is all the more beneficial when creative expression is learned in music lessons. Because music can make things tangible that cannot be expressed in words. To study music is to find your creative voice.

5 SELBSTREGULATION – Entspannung Wie bereits beschrieben führt achtsames Musikmachen zur Reduktion des Stresslevels. Aber auch das rhythmische Bewegen und – vor allem beim Singen – das rhythmische Atmen führen zu deutlich mehr Ausgeglichenheit. Außerdem gibt es kaum ein besseres emotionales Ventil, als die Probe mit Freunden oder das Konzert am Wochenende. Musik machen heißt positive Emotionen zu (er)leben.

5 SELF-REGULATION – Relaxation As already described, playing music attentively leads to a reduction of stress levels. But also rhythmic movement and – above all in singing - rhythmic breathing lead to significantly greater poise. Additionally there is hardly a better emotional outlet than rehearsals with friends or during the weekend concert. To study music is to experience positive emotions.

7 FLOW – ENGAGEMENT Der Zustand des Flows gilt als ein wesentlicher Faktor für Erfolg in Schule und Beruf. Er beschreibt das vollkommene Aufgehen in einer Tätigkeit, das Versunkensein im Moment - wenn man alles um sich herum vergisst und voll und ganz auf eine Sache konzentriert ist. Beim Musikmachen erreicht man diesen Zustand mit zunehmender Leichtigkeit und kann diese Fähigkeit später auf die Schule, das Studium und die Karriere übertragen. Musik lernen heißt, Flow lernen.

7 FLOW – ENGAGEMENT The condition of „flow“ is a substantial factor for success in school and professionally. It describes the complete involvement in a task, to be immersed in the moment – when you forget everything around you and are fully and completely concentrating on something. In creating music, this condition is reached with increasing facility, and this skill can later be transferred to school, higher studies, and one’s career. To study music is to acquire the skill of flow.

8 AUSDAUER – das Üben üben Lernen ist der erste Schritt, das Üben ist der zweite, dritte und hundertste. Üben ist eine Gewohnheit, die durch ständiges Wiederholen zur Meisterschaft führt. Das Üben lässt sich lernen und so wird es mit der Zeit zur guten Angewohnheit. Musik lernen heißt, gute Gewohnheiten zu lernen.

8 ENDURANCE – practicing the art of practicing Learning is the first step; practicing is the second, third and hundredth step. Practicing is a habit which leads to mastery through steady repetition. Practicing is a learned skill which over time becomes a good habit. To study music is to acquire good habits.

9 SOZIALKOMPETENZ In einer Band zu spielen ist das größte Glück und die größte Herausforderung. Man erlebt zusammen Hochgefühle, wenn ein Lied beim Proben fehlerfrei klappt, oder das erste Konzert ein Erfolg ist. Es gibt aber gleichzeitig ständig Diskussionspotenzial. Ohne Sozialkompetenz und Kompromissfähigkeit würden viele Bands sich bereits bei der Suche nach dem Bandnamen zerstreiten. Musik lernen heißt, Sozialkompetenz lernen.

9 SOCIAL SKILLS To play in a band is the greatest joy and the greatest challenge. You experience feelings of exhilaration together when a song is nailed perfectly at rehearsal, or when the first concert is a success. At the same time there is constantly the potential for discussion. Without social skills and the ability to compromise, many bands would already quarrel while figuring out a name for their band. To study music is to learn social skills.

10 SELBSTBEWUSSTSEIN und Selbstvertrauen Auf der Bühne stehen und zeigen, was man kann – den Applaus des Publikums als Bestätigung dafür, dass sich das viele Lernen, Üben und Proben gelohnt hat. Es gibt wohl kaum eine positivere Erfahrung für das eigene Selbstbewusstsein und Selbstvertrauen. Musik lernen heißt, Selbstvertrauen stärken und die Liebe zur Musik mit anderen Menschen teilen.

10 SELF-AWARENESS and self confidence To stand on stage and show what you can do – to receive the public’s applause as a confirmation that all that learning, practicing and rehearsing, was worth it. There is hardly a more positive experience than an individual’s own self-awareness and self-confidence. To study music is to strengthen your self-confidence and share your love of music with others.

6 LEBENSLANGES LERNEN – das Lernen lernen Musik ist immer eine Herausforderung. Immer. Jeder neue Akkord, jeder neue Rhythmus, jedes neue Lied, jede Probe und jedes Konzert erfordern konsequentes Lernen. Musik lernen heißt, Lernen zu lernen.

6 LIFELONG LEARNING – learning to learn Music is always a challenge. Always. Every new chord, every new rhythm, every new song, every rehearsal and every concert results in learning opportunities. To study music is to learn how to learn.

FAZIT: Es ist Zeit zu begreifen, dass Musik ein persönliches Förderprogramm auf allen Ebenen ist: Körperlich, geistig und seelisch. Je länger ein Mensch mit Freude bei seinem Instrument, bei der Musik bleibt, umso größer werden die positiven Effekte, die aus der Summe der hier aufgezählten Fähigkeiten entstehen. Musik zu lernen heißt Lebenskompetenz zu steigern!

SUMMARY: It is time to understand that music is a program of personal development on all levels: physically, mentally, and spiritually. The longer someone stays with and enjoys his instrument, the greater the positive effects which arise from the skills that have been listed here. To study music is to enhance one’s life skills!

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EDUCATION

The right kind of praise makes all the difference by Hans-Peter Becker

Richtig loben macht den großen Unterschied

Immer mehr Studien weisen darauf hin, dass der Glauben an die eigene Leistungsfähigkeit bei Schülern, also das, was sie über sich und ihre Fähigkeiten denken – zum Beispiel wie gut sie lernen können, wie intelligent sie sind, wie sie mit Herausforderungen und Rückschlägen umgehen usw. – einen großen Einfluss auf ihren zukünftigen Erfolg und ihr Wohlbefinden hat. In diesem Artikel zur Selbsteinschätzung des eigenen Lernens möchte ich erkunden, wie wir als Eltern, Lehrer und Erzieher, Schüler dabei unterstützen können, ein positives Bild von sich und ihren Fähigkeiten zu entwickeln. Egal wen man bitten würde ein großes historisches Genie zu nennen, Wolfgang Amadeus Mozart wäre bestimmt dabei. Unter den Naturtalenten gilt er geradezu als Vorzeigekind – außer, dass es laut moderner Forschung, gar kein Naturtalent oder “geborenes” Genie gibt.

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Carol Dweck, Professorin für Psychologie an der Stanford University und führende Forscherin im Bereich der Motivationspsychologie, drückt es sehr schön aus, wenn sie sagt, “selbst Genies müssen hart arbeiten.”

„Selbst Genies müssen hart arbeiten“ In ihrem Buch “Selbstbild: Wie unser Denken Erfolge oder Niederlagen bewirkt” fragt sie, “ist es Begabung oder Selbstbild? War es Mozarts musikalisches Talent oder die Tatsache, dass er übte, bis sich seine Hände verformten?” (Schockierend aber wahr: Mozart hat offensichtlich so hart gearbeitet, dass seine Hände im Alter von achtundzwanzig Jahren vom vielen Üben und Auftreten völlig verkrüppelt waren.)

Sie deutet also an, dass Mozart nicht allein aufgrund seiner musikalischen Begabung zum “Wunderkind” Mozart geworden ist, sondern auch, weil er überaus diszipliniert war und sehr hart gearbeitet hat. In ihrer Forschung konnte Dweck beobachten, dass es zwei Arten von Menschen gibt: die mit einem statischen Selbstbild (fixed mindset) und die mit einem dynamischen Selbstbild (growth mindset). Menschen mit einem statischen Selbstbild glauben (fälschlicherweise), dass Intelligenz und Talent angeboren sind. Menschen mit einem dynamischen Selbstbild hingegen glauben (richtigerweise), dass Weiterentwicklung möglich ist. Sie glauben, dass sich ihre Fähigkeiten mit Anstrengung und Fleiß verbessern lassen. Das soll jetzt nicht heißen, dass wir alle mozart-mäßig üben sollten (bis unsere Hände verkrüppeln) aber wir sollten uns bewusst machen, dass wie wir über unsere Leistungsfähigkeit denken, sehr wichtig ist. Sobald wir nämlich glauben, dass wir Herausforderungen mit viel Mühe und großem Einsatz (dynamisches Selbstbild) überwinden können, stellen wir uns selbst schwierigen Aufgaben und nutzen Fehler, um aus ihnen zu lernen. Glauben wir andererseits, dass unsere Fähigkeiten angeboren sind (statisches Selbstbild), versuchen wir Herausforderungen zu vermeiden. Wir konzentrieren uns lieber auf das, was wir bereits gut können und hoffen, damit die Wahrscheinlichkeit auf Erfolg zu erhöhen. Vielleicht denken wir sogar, dass wir nicht schlau genug sind, wenn wir uns anstrengen müssen oder Fehler machen. Man kann sich leicht vorstellen, dass Personen mit einem dynamischen Selbstbild belastbarer und damit langfristig erfolgreicher sind.

ore and more research suggests that how students view themselves as learners, i.e. how they deal with challenges and setbacks, how much they believe in themselves, whether they think they’re intelligent or not - all has an enormous effect on their future success and well-being. In this article about Learning mindsets, I want to explore how we, as parents and teachers, can help students frame positive views of themselves and their learning. If I asked anyone to name some of history’s greatest geniuses, Mozart would probably come to mind. He might as well be the poster-child for the idea of a “natural born” genius - but the latest research shows that there’s no such thing as a “natural” genius at all. Carol Dweck, psychologist at Stanford University and leading researcher in the field of motivation, puts it nicely when she says, “even geniuses work hard.” In her book “Mindset” she asks, “is it ability or mindset? Was it Mozart’s musical ability

“Even geniuses work hard” or the fact that he worked till his hands were deformed?” (Shocking but true: evidently Mozart worked so hard that by the time he was twenty-eight years old his hands were deformed because of all the hours he spent practicing and performing.) It turns out Mozart became Mozart-the-genius not solely because of his musical gifts but also because he was extremely disciplined and worked furiously hard. Dweck’s research found that most people follow one of two mindsets: fixed or growth. Fixed mindsets (mistakenly) believe that people are either smart or not and that intelligence is fixed by genes, whereas people with growth mindsets (correctly) believe that ability and intelligence can be grown through effort, struggle and failure. Now, I’m not suggesting that we all put a Mozart-esque effort into playing our instrument until our hands are deformed, but it is important to understand that what we think about learning really matters. As soon as we believe that we can overcome challenges with hard work and effort (“growth mindset”) we can embrace tasks we struggle with and view them as opportunities for learning. On the other hand, if we believe that ability is innate (the “fixed mindset”), we tend to avoid challenging tasks. We focus our effort on tasks we’re already good at to increase our likelihood of success. We might think that if we have to work hard at something, it must mean we’re not smart.

Ein Selbstbild ist formbar und lässt sich durch die Art und Weise wie man lobt fördern Kann man ein “dynamisches Selbstbild” in Kindern denn fördern? Ja, so ein Selbstbild ist formbar und lässt sich ändern, beziehungsweise fördern. Zum Beispiel durch die Art und Weise wie man lobt. Lange Zeit glaubten Eltern und Lehrer, dass sie dem Selbstbewusstsein ihrer Kinder einen Gefallen tun, wenn sie diese für ihre Intelligenz loben. Heute weiß man, dass das nicht so ist. Vielmehr sollte man die Anstrengung loben, die Mühe, die das Kind aufbringt. Dweck rät, Fleiß, Anstrengung, Vorgehensweise, Fokus, Durchhaltevermögen und Fortschritt zu loben.

As one can imagine, those with a growth mindset become more resilient and ultimately more successful. They are actively pushing themselves to their limits and growing intellectually. So can we foster a “growth mindset” in other people? Yes, mindsets can be taught, they’re a malleable asset.

One way of changing people's mindsets is by giving the right kind of praise

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So ein “Prozess-bezogenes” Lob berücksichtigt die individuelle Leistung einer Person und motiviert, stärkt das Durchhaltevermögen und macht widerstandsfähig. Ein “Talent-bezogenes” Lob hingegen bekräftigt nur die Annahme, dass man mit bestimmten Fähigkeiten oder Talenten geboren ist (oder eben nicht). An der Modern Music School sehen wir es immer wieder: Schüler haben mehr Spaß und spielen MEHR, wenn wir sie für ihre Anstrengungen und ihren Fleiß loben. Ein Prozess-bezogenes Lob an der Modern Music School könnte so klingen: “Du hast zu Hause geübt, das merke ich, weil du dich verbessert hast. Du hast dich wirklich angestrengt, alles auswendig zu lernen. Super, das hat geklappt!” “Das finde ich gut, wie du diese schwere Stelle immer wieder gespielt hast, bis du sie richtig konntest” “Dieses Lied ist wirklich schwer aber du bist dran geblieben und hast es bis zum Ende gespielt. Toll!” An der Modern Music School ist es uns wichtig, Motivation, Belastbarkeit und den Lernprozess unserer Schüler zu fördern. Wir achten darauf, dass sich die Schüler auf ihren Fortschritt konzentrieren und erinnern sie daran, dass sie ihre Fähigkeiten – und sogar ihre Intelligenz – verbessern können.

Sie sollen verstehen, dass sie mit Anstrengung und Fleiß weiterkommen und dass nichts einfach so angeboren ist. Indem wir das “dynamische Selbstbild” unserer Schüler fördern, begreifen diese ihr wahres Potenzial – und verändern ihr Verständnis von Anstrengung und Aufwand.

de.hanspeterbecker.com Hans-Peter Becker

One way of changing people’s mindsets is by giving them the right kind of praise. For a long time parents and educators believed that praising kids for their intelligence would give them the self-confidence they needed. But now we know that this is wrong. Instead, it’s processes kids engage in that we want to praise. Dweck suggests to praise their engagement, their effort, their strategies, their focus, their perseverance, their improvement. This “process-basedpraise” acknowledges the effort and keeps students motivated, hardy and resilient. The old-school talent -praise only reinforces the notion that one only succeeds (or doesn’t) based on a fixed trait. We’ve seen this time and time again at Modern Music School: students enjoy and play their instruments MORE after receiv-

ing feedback that praises their perseverance and grit. Process praise at Modern Music School might sound like this: “I can tell you played at home, your improvement shows it. You must have really tried to memorize it. That really worked!” “I like the way you tried to play this tricky part over and over again until you finally got it.” “That was a really hard song to play, but you stuck to it and played to the end. That's great!” At Modern Music School we want to truly boost our students’ motivation, resilience, and learning. We want students to stay focused on the processes of achievement and always remind them that they can grow their abilities - and even their intelligence with effort. We want them to understand it isn’t something they’re just born with. Nurturing their “growth mindset” can help students grasp their true potential, it transforms their definitions of effort and difficulty.

hanspeterbecker.com Hans-Peter Becker

The guidebook by education specialist Hans-Peter Becker now available as Paperback & E-Book!

Unleash the SECRET of EDUCATION and learn how to raise a happy child

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What others say about „Unleash the Secret of Education“: „Some parents nowadays make their children learn too early, too fast and too much! ‘Unleash the Secret of Education’ tells us how to make children learn with happiness which is essential to the growth of a healthy child. Music training strengthens one’s memory, concentration, audio-visual sensitivity and creative thinking. That is why the author Hans-Peter Becker said “the field of music education can apply to all areas of learning.” This book is simple to understand, easy to carry out but the impact will be strong and long-lasting. I sincerely recommend this book to people of all ages! “ Professor Wing-wah Chan, JP Chairman, The Composers & Authors Society of Hong Kong Deputy Director, School of Professional and Continuing Education, University of Hong Kong

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EXTRA

Big Drum Bonanza:

Zwei MMS-Schüler in LA Two MMS-Students in Los Angeles Dass es sich lohnt Schüler der Modern Music School zu sein, zeigte sich für den 28-jährigen Johannes Fettes aus Trier und den damals 16-jährigen Dimitris Koutantos aus Heraklion in Griechenland im Sommer des vergangenen Jahres. Die beiden Schlagzeugschüler waren die Gewinner eines weltweiten Schlagzeug-Contests der Modern Music School, bei dem es um eine Teilnahme an Thomas Langs Big Drum Bonanza Camp in Los Angeles ging. Unter den internationalen Teilnehmern bekamen sie die meisten Stimmen beim Voting auf Facebook und erlebten eine fantastische Woche in Los Angeles. Und das nicht nur im Drum Camp. Als ein unvergessliches Erlebnis bezeichneten sowohl Johannes als auch Dimitris im Nachhinein ihren Aufenthalt in der kalifornischen Millionenmetropole. „Es gibt keine Worte um zu beschreiben, wie dankbar ich all den Leuten bin, die mich unterstützt haben. Auch der Modern Music School, die mir die Chance gab, bei dieser großen Sache dabei sein zu dürfen“, schreibt der junge Grieche. Und Johannes drückte seine Dankbarkeit in folgenden Worten aus: „Abschließend möchte ich ein ganz großes fettes Danke sagen an die Modern Music School, ohne die ich nicht ins Camp gekommen wäre, und an wirklich jeden der mir seine Stimme gegeben und mich beim Contest unterstützt hat.“ Thomas Lang und seine Frau Elizabeth organisierten dieses einmalige Camp mit den Star-Dozenten Chris Coleman, Derek Roddy, Aquiles Priester, Matt Garstka und Gergo Borlai, bei denen die beiden talentierten Nachwuchsdrummer fünf Tage lang lernen durften. In LA zu sein und nicht die Stadt zu besichtigen, wäre ein Fehler. Zum Preis, der einen Gesamtwert von $4500 hatte, gehörte natürlich auch eine Stadtrundfahrt. Selbstverständlich kümmerte sich Hans-Peter Becker, der Gründer und Besitzer der Modern Music School um seine Gewinner. Neben einem Besuch der Modern Music School in Pasadena mit anschließendem Dinner machten sie eine Visite am Musicians Institute in Hollywood, wo Hans-Peter Becker einst selbst Student war. Natürlich durfte auch ein Trip nach Venice Beach, dem wohl verrücktesten Strand der USA nicht fehlen. Und so könnte man die Erlebnisse der beiden Gewinner endlos fortführen. Für sie wird die Modern Music School und diese Woche in Los Angeles wohl noch lange in bester Erinnerung bleiben.

The value of being a Modern Music School student was demonstrated to 28 year old Johannes Fettes from Trier, Germany, and Dimitris Koutantos from Heraklion in Greece who was then 16 years old, in the summer of last year. Both drum students were the winners of a worldwide drumming contest of the Modern Music School, which involved participation at Thomas Lang’s Big Drum Bonanza Camp in Los Angeles. They received the largest number of votes on Facebook of all international participants and experienced a fantastic week in Los Angeles. And this was not just at the Drum Camp. Both Johannes and Dimitris later on described their stay in the Californian megalopolis as an unforgettable experience. “There are no words to describe how grateful I am to everyone who supported me. Also the Modern Music School, which gave me the chance to participate in this great event.” wrote the young Greek. And Johannes expressed his gratitude with the following words: “In conclusion I want to say a big thank you to the Modern Music School, without which I could not have attended the Camp, and really to everyone who gave me his vote and supported me in the Contest.” Thomas Lang and his wife Elizabeth organized this unique camp with the world famous guest teachers Chris Coleman, Derek Roddy, Aquiles Priester, Matt Garstka and Gergo Borlai, with whom the two talented junior drummers had the opportunity of studying for five days. It would be a mistake to be in LA without seeing the city. The prize, which had a total value of $4,500, naturally included a city tour. Of course Hans-Peter Becker, founder and owner of the Modern Music School, took good care of his winners. In addition to a visit to the Modern Music School in Pasadena followed by a dinner, they visited the Musicians Institute in Hollywood, where Hans-Peter Becker had once been a student himself. Of course a trip to the Venice Beach, probably the craziest beach in the US, could not be left out. We could write a lot more in the same vein about the adventures of the two winners. They will probably have fond memories of the Modern Music School and this week in Los Angeles for a long time.

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EXTRA

The most recorded Drummers by Hans-Peter Becker & Sebastian Quirmbach

Joe Porcaro

000 goldene und Platin-Schallplatten, über 3000 Filme und TV-Serien das ist das beeindruckende Lebenswerk von zwei Schlagzeugern in Los Angeles. Die Rede ist von Joe Porcaro, der dieses Jahr 85 Jahre alt wurde und noch immer als Musiker und Lehrer aktiv ist, sowie John “JR” Robinson (60) der auch heute noch zu den Top Studio Drummern zählt und zum Beispiel auf dem letzten Daft Punk Album zu hören ist. Wir, das heißt Hans-Peter Becker und Sebastian Quirmbach (International Education Director der Modern Music School), haben im Frühjahr 2015 beide Musiker in ihrem jeweiligen Zuhause besucht und ausführlich interviewt. Die faszinierenden Gespräche sind demnächst im MMS-TV sowie bald auch Online zu sehen und werden außerdem von Sebastian und seinem Kollegen

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Adnan Duru in Buchform verarbeitet. Dieses Buch beschäftigt sich mit der Psychologie erfolgreicher Musiker und der Frage, welche Tipps und Tricks wir aus den Erfolgen der Besten lernen können.

Vor allem geht es immer wieder um die Liebe zur Musik Joe Porcaro begann mit 5 Jahren Schlagzeug zu spielen. Bereits mit 20 Jahren wurde er der meistgebuchte Drummer der Ostküste, bis er sich dazu entschloss mit seiner Familie nach Los Angeles zu ziehen und dort einen Neustart in der Studioszene zu wagen. Obwohl er bereits ein hervorragender Schlagzeuger war, übte er täglich bis zu 8 Stunden, um bereit zu sein, wenn sein Können verlangt wird. Er schaffte es “First call” Drummer der Filmszene in den 60er Jahren zu werden und dies blieb er bis 2010. Sei-

ne Söhne wurden ebenfalls weltberühmt. Allen voran Jeff Porcaro, der bereits 1992 verstarb und bis dahin der angesagteste Drummer der Pop- und Rockszene war. Seine beiden Brüder Mike und Steve waren gemeinsam mit Jeff in der Band TOTO und Steve ist als Songwriter und Komponist erfolgreich (z.B. Michael Jackson’s “Human Nature”, oder die TOTO Hits “Rosanna”, “Africa” und “Hold the Line”). Die Geschichten dieses Mannes sind vom ersten Moment an fesselnd. Spannend wie ein Krimi und enorm unterhaltsam. Es geht um Aufnahmen und Konzerte mit Frank Sinatra und vielen anderen Stars. Es geht um Konzerte auf den größten Bühnen der Welt. Aber vor allem geht es immer wieder um die Liebe zur Musik, die Liebe zum Lernen und die Liebe zum Lehren, denn vom Beginn seiner Karriere an war das Unterrichten ein wichtiger Bestandteil von Joes Leben.

,000 gold and platinum records, over 3,000 films and TV series, that is the impressive life work of two drummers in Los Angeles. We are talking about Joe Porcaro, who just turned 85 this year, and is still active as a musician and teacher, and John “JR” Robinson (60) who is still one of the top studio drummers today and, for example, can be heard on the most recent Daft Punk album. We, that is to say Hans-Peter Becker and Sebastian Quirmbach (International Education Director of the Modern Music School), visited both musicians in their respective homes in the spring of 2015 and conducted extensive interviews with them. The fascinating conversations can be viewed in the near future on MMS-TV as well as soon being available online, and they will also be published in book form by Sebastian and his colleague Adnan Duru. This book deals with the psychology of successful musicians, and the question of what tips and tricks we can learn from the success of the best. Joe Porcaro began playing drums by age 5, and by the time he was 20, he was already the most booked drummer on the East Coast, until he decided to move with his family to Los Angeles and dare start anew in the studio scene. Even though he was already an outstanding drummer, he practiced up to 8 hours a day, in order to be ready when his skills were asked for. He managed to become the “first call” drummer of the film scene in the 1960’s and kept this position until 2010. His sons also became world famous. First and foremost Jeff Porcaro, who already passed away in 1992 and until then had been the most popular drummer in the pop and rock scene. His two brothers Mike and Steve were in the TOTO band together with Jeff and Steve who is also a successful song writer and composer (for example, Michael Jackson’s “Human Nature”, or the TOTO hits “Rosanna”, “Africa” and “Hold the Line”). This man’s stories are captivating from the first moment. Fascinating like a detective story and tremendously entertaining. They are about photos and concerts with Frank Sinatra and many other stars. They are about concerts on the greatest stages in the world. But above all, they keep being about a love of music, a love of learning, and a love of teaching, because from the beginning of his career, teaching was an important part of Joe’s life.

hen you enter his house, there can be no room for doubt about his vocation. Three drum kits are standing in his living room, in the kitchen there

enn man sein Haus betritt gibt es keinen Zweifel an seiner Berufung. Im Wohnzimmer stehen drei Schlagzeuge, in der Küche ein viertes und dann noch ein kleines vor dem Fernseher. Die Wände sind lückenlos mit Gold- und Platinalben der größten Stars behängt. Die Rede ist von John “JR” Robinson. JR liebte als Teenager den Sport und die Musik von Rufus & Chaka Kahn. Ein paar Jahre später, im Alter von 29 Jahren, stand er mit exakt dieser Band auf der Bühne und erhielt seinen ersten Grammy für den Song „Ain’t Nobody“. Danach klettere er die Erfolgsleiter stetig weiter hoch. Er spielte mit den Größten der Größten im Studio. Von Michael Jackson, Madonna, Whitney Houston, Eric Clapton, Lionel Richie, Barbara Streisand, bis zu heutigen Produktionen von Daft Punk. Sein Erfolgsrezept liegt in seinem legendären Timing. Kaum ein anderer Schlagzeuger kann so exakt das Tempo eines Songs halten und durch minimale Anpassungen das ganze

Feeling, die Stimmung eines Songs, beeinflussen. JR gilt als Idol einer ganzen Generation von Schlagzeugern. Er ist ein hochprofessioneller Experte, der nicht nur im Studio die Nummer 1 ist, sondern auch live auf der Bühne ein felsenfestes Fundament trommelt, zum Beispiel regelmäßig bei der Oscar-Verleihung. Seine musikalische Karriere rundet er als Produzent in seinem eigenen Home-Studio ab. So unterschiedlich die beiden Top-Drummer auch sein mögen, so deutlich wird im Gespräch, was beide verbindet: Es ist die Leidenschaft für gute Musik, die Begeisterung für die Details in einem Song, die hochprofessionelle Arbeitsethik – aber es sind auch tausende von Stunden des Übens, denn Üben führt bekanntlich zu echter Meisterschaft. Wir wünschen allen Schülern und Lehrern, dass Leidenschaft, Begeisterung und Motivation auch Euch ein Leben lang begleiten.

Sebastian Quirmbach & John “JR” Robinson

is a fourth one, and then a smaller one in front of the television. Gold and platinum albums of the greatest stars cover every inch of the walls. We are talking about John “JR” Robinson.

feeling and mood of a song. JR is an idol for an entire generation of drummers. He is a highly professional expert who is not just number 1 in the studio, but drums up a rock solid foundation on the stage, for example regularly at the Oscar Awards. He rounds off his musical career as a producer in his own home studio.

As a teen, JR loved sports and the music of Rufus & Chaka Kahn. A few years later, at age 29, he stood on stage with As different as the His recipe for success lies in exactly this band two top drummers his legendary timing and received his may be, the converfirst Grammy for sations made clear the song “Ain’t Nobody”. After that he what connected both: It is the passion for steadily climbed the ladder of success. good music, the enthusiasm for details in a song, the highly professional work ethic He played with the greatest of the great in – but it is also the thousands of hours of the studio. From Michael Jackson, Madon- practice, because it is well known that na, Whitney Houston, Eric Clapton, Lionel practice leads to true perfection. Richie, Barbara Streisand, to productions today by Daft Punk. His recipe for success It is our wish for all students and teachers, lies in his legendary timing. There is that passion, enthusiasm and motivation hardly any other drummer who can keep will be their lifelong companions. the tempo of a song so exact and through minimal adaptations shape the whole

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LIVE

Cherno Jobatey:

Ohne Musik wäre das Leben ein Irrtum

Cherno Jobatey & “Groove Gangster GmbH”

en Journalisten Cherno Jobatey kennen viele aus dem Frühstücksfernsehen oder vom Samstagabend-Klassiker „Verstehen Sie Spaß?“. Bekannt sind auch seine Politiker-Portraits. Außerdem ist er Herausgeber der Huffington Post Deutschland. Was ist sein Erfolgsgeheimnis? Wir trafen den gebürtigen Berliner, um zu verstehen, wie er tickt, wie sein Weg genau war, was ihn antreibt.

Eigentlich war Cherno Jobatey nur einer von vielen Schülern in Deutschlands Hauptstadt Berlin. Er mochte Sprachen und Sport, Mathematik hingegen nicht so sehr. Seine Mutter, eine Klavierlehrerin, bestand darauf, dass er als erste Fremdsprache Latein lernte, und neben dieser „konservativen Grundlage brauchst du auf jeden Fall Musik“. Mama Jobatey sagte diesen einen Satz, den er sein Leben lang nicht vergessen würde: „Ohne Musik wäre das Leben ein Irrtum“. Er wusste damals nicht, dass dieser Satz vom großen Philosophen Nietzsche war, aber „irgendwie ging dieser Satz mir nicht mehr aus dem Kopf“. Vom Klavierspielen konnte ihn seine Mutter nicht überzeugen. Wahrscheinlich war das ein klassischer Ge-

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nerationskonflikt, der sich damals entzündete.

Durch Musik war nichts mehr wie vorher Es war bei einer Grundschul-Klassenfahrt, auf der er zu einem Instrument bekehrt wurde. „Irgendwann fragte ein Lehrer, ob er nicht mal etwas auflegen könnte. Er kramte eine ziemlich abgegriffene Scheibe hervor. Die Nadel war abgenutzt, und so kratzte es in den Lautsprecherboxen. Es war nicht der schleppende Back-Beat, den wir hörten. Es war eine singende E-Gitarre. Von diesem Tag an war ich fasziniert von den sechs Saiten. Jimi Hendrix legendäre „Band

of Gypsies“ öffnete mir eine neue Welt. Die Gitarre sang, schluchzte, balzte, freute sich und tanzte. Ja, die Töne tanzten“. Ein Mitschüler hatte eine Gitarre dabei. Cherno ließ sich ein paar Griffe und eine einfache Tonleiter zeigen. „Ich war hin und weg, wie viel man damit ausdrücken kann“. Kaum wieder zu Hause musste eine Gitarre her. Vom Gitarre spielen bis zum Gitarre vor anderen spielen war für ihn kein weiter Weg.

Früh Lebensunterhalt durch Musik Zuerst in der Schule, dann in Hinterhöfen, dann auf Straßenfesten, genau dort lernte er die Grundregeln aller Musiker: „Es ist gar nicht so wichtig, WAS, sondern WIE man es spielt. Man muss die Leute erreichen. Vom Tal des höflichen Klatschens den Gipfel des stürmischen Applauses erklimmen“. Diese Hinterhof- und Kellerkonzerte prägten seinen Arbeitsethos: „Wenn du es schaffst die Party großartig zu machen, also dass Leute lächeln, tanzen, klatschen; nur wer das schaffte, der wurde wieder eingeladen. Die Wirkung war entscheidend. Dies waren die ersten Lektionen des musizierenden Teenagers. Mit der SchülerRockband „Groove Gangster GmbH“ zog er durch halb Berlin, besserte sein Taschengeld auf. Vor allem konnte er sich dadurch tolle Gitarrenlehrer leisten. Irgendwann gab er sein Wissen auch weiter. Seine Studienzeit finanzierte er sich als Gitarrenlehrer und als Discjockey. Und sparte. Denn er hatte einen Traum: einmal Musik studieren, und zwar da wo die Action ist.

Los Angeles So wie man in römischen Zeiten in Rom gewesen sein musste, so Jobatey, so ist in heutigen Zeiten das Rom des Entertainments definitiv Los Angeles. Dort Musik studieren – einmal dort Musikmachen, das war sein Traum.

Cherno Jobatey: Without Music, Life would be a mistake

any people are familiar with the journalist Cherno Jobatey through the morning television show and also the Saturday evening classic, the candid camera show “Verstehen Sie Spaß?”. His portraits of politicians are also familiar to many. If that were not enough, he is also the Editorial Director of Huffington Post Germany. What is the secret of his success? We met this native of Berlin in order to understand what made him tick, what his path had been exactly, and what motivated him. Cherno Jobatey had actually simply been one of many students in Germany’s capital city of Berlin. He liked languages and sports, but didn’t care much for mathematics. His mother, a piano teacher, insisted on his studying Latin as his first foreign language, and in addition to this “conservative foundation, you will, in any case, need music”. Mother Jobatey said something that he would remember his entire life: “Without music, life would be a mistake.” Back then he didn’t know that this sentence came from the great philosopher Nietzsche, but “somehow I couldn’t get that statement out of my head anymore.” His mother could not convince him to learn to play the piano. In all likelihood, the classical generation gap at that age played a role.

Through music nothing was the way it had been

Mit viel Glück und harter Arbeit kam er eines Tages im „Musicians Institute“ in Hollywood an. Und studierte ein Jahr Tag und Nacht mit den Großen der Welt. Von JazzVirtuose Stanley Clarke lernte er die Kniffe, von Rock-Legende Al Kooper die richtige Attitude, vom Rhythmus-Gott Jeff Porcaro das Geheimnis des guten Grooves, und die besten Witze vom Gitarrenheld Eddie van Halen. Über seiner Studienzeit, so Jobatey, schwebte der legendäre Satz von Miles Davis: „Alles lernen, dann alles vergessen und einfach nur spielen“.

It was at a public school class trip that he became mesmerized by an instrument. “At some point a teacher asked if he should put on some music. He dug out a rather dilapidated vinyl. The needle was worn, producing a scratchy sound through the speakers. It wasn’t the laidback groove that we were hearing. It was a singing electric guitar. From that day on I was fascinated by the six strings. Jimi Hendrix’ legendary “Band of Gypsies” opened a new world for me. The guitar sang, sobbed, soared, rejoiced and danced. These notes danced!” A fellow student had brought along a guitar. Cherno asked to be shown a few chords and a simple scale. “I was beside myself at how much you could express with just that.” As soon as he got home, he had to have a guitar. It was a small step from playing the guitar, to playing the guitar for others.

Early days of earning a living through music First in school, then in backyards, and then at street festivals, this is where he learned the fundamental rule of all musicians: “WHAT you play is not important at all, but rather HOW you play it. You

have to reach people with your music. To climb from the valley of polite clapping to the summit of stormy applause.” These backyard and basement concerts honed his work ethic: “If you manage to make the party great, so that people are smiling, dancing and clapping: only if you manage to do this, will you be invited back.” The effect was decisive. These were the music making teen’s first lessons. He traveled through half of Berlin with the student rock band “Groove Gangster GmbH” and increased his pocket money. Above all this enabled him to afford some amazing guitar teachers. At some point he also passed on his own knowledge. He financed his student period as a guitar teacher and disc jockey. And saved up. Because he had a dream: to study music, and to do so where the action was.

Los Angeles Just as in Roman times one had to see Rome, says Jobatey, these days Los Angeles is the Rome of entertainment. To study music there – to one day perform music there, that was his dream. With a lot of luck and hard work, one day he arrived at the Musicians Institute in Hollywood. He studied day and night with the world’s greats. He learned special tricks from jazz virtuoso Stanley Clarke, the right attitude from rock legend Al Kooper, the secret of good grooves from the god of rhythm Jeff Porcaro, and the best jokes from the guitar hero Eddie van Halen. Jobatey says that during his time of study, the legendary advice of Miles Davis was hovering in his mind: “Learn everything, then forget everything and just play.”

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Foto: Henrik Andree Angela Merkel & Cherno Jobatey

Music as a law of nature

Californified

Musik als Naturgesetz

Impressed by these encounters, he also noticed that these stars worked unbelievably hard and a lot. Diligence was daily here. But it was impressive that this was never mentioned. To the contrary, they made jokes about having to practice again or study some more because another style had just come out again. Jeff Porcaro explained to him: “Music is actually quite simple. All you have to do, is give everything you have! Then you reach people, you “connect!” A connection is made. You are celebrated! Great! But if you only give 75% because you are having a bad day, or even just a little bit, then nothing at all happens.”

Shaped by California, Jobatey returned to Berlin. He brought back with him the laws of entertainment which are actually quite old, having existed since time immemorial. The one year of study in Hollywood changed his life and his work.

Beeindruckt von diesen Begegnungen, bemerkte er aber auch, dass diese Stars unglaublich hart und viel arbeiten. Fleiß war hier alltäglich. Beeindruckenderweise wurde aber nie darüber geredet. Im Gegenteil, sie machten eher Witze, mal wieder üben zu müssen oder etwas zu lernen, weil es gerade wieder einen neuen Stil gäbe. Jeff Porcaro erklärte ihm: „Musik ist eigentlich ganz simpel. Du gibst einfach nur alles! Du erreichst die Leute „Du connectest“! Es entsteht eine Verbindung. Du wirst gefeiert! Great! Gibst Du aber nur 75%, weil Du einen schlechten Tag hast, oder gar nur die Hälfte, dann passiert gar nichts.“

Cherno Jobatey learned from the music stars: “The qualities of music are like a law of nature: Music is everything or nothing! Reach people’s hearts or don’t reach anything at all. There is nothing in between. That is what music is.” For this reason music is a language in which you cannot lie. While it is a language without words, everyone understands it, and above all they understand when it becomes dishonest. “In far off California I remembered my mother, who always quoted Gustav Mahler: The best in music is not contained in the notes.” In far off California he heard for the first time the old wisdom of the violin genius Isaac Stern, who was often quoted there: “The greatest crime of a musician is to play notes, instead of making music.”

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Upon his return, after an especially successful performance in which the public laughed out loud during his introductions, he received an offer to moder-

ate a festival. “Of course I said yes, and a week later found myself on the stage of the Berlin Philharmonic with jazz star Wynton Marsalis. As moderator!” Thanks to the positive reception, further engagements followed. At his own concerts the introductions kept getting longer, the band played in the background, and the concert transformed itself into an entertainment show.

Cherno Jobatey lernte von den Musikstars: „Musik hat ähnliche Qualitäten wie ein Naturgesetz: Musik ist alles oder nichts! Erreiche die Herzen, oder erreiche nichts. Es gibt nichts dazwischen. Das ist Musik“. Deswegen ist Musik auch eine Sprache, in der man nicht lügen kann. Zwar eine Sprache ohne Worte, aber jeder versteht sie, vor allem wenn es unehrlich wird. „Im fernen Kalifornien fiel mir wieder meine Mutter ein, die immer Gustav Mahler zitierte: Das Beste in der Musik steht nicht in den Noten“. Im fernen Kalifornien hörte er zum ersten Mal von der alten Weisheit des Geigen-Genies Isaac Stern, die dort oft zitiert wird: „Das größte Verbrechen eines Musikers ist es Noten zu spielen, statt Musik zu machen.“

Californication Kalifornisch geprägt, kehrte Jobatey zurück nach Berlin. Im Gepäck die eigentlich ganz alten Entertainment Gesetze, die von alters her gelten. Der einjährige Studienaufenthalt in Hollywood veränderte sein Leben und sein Arbeiten. Wieder zurück, bekam er nach einem besonders gelungenen Auftritt, bei dem das Publikum bei seinen Ansagen laut lachte, das Angebot ein Festival zu moderieren. „Ich sagte natürlich ja, und fand mich Wochen später wieder auf der Bühne der Berliner Philharmonie mit Jazz-Star Wynton Marsalis. Als Moderator!“ Aufgrund des positiven Echos folgten viele weitere Engagements. Bei seinen eigenen Konzerten wurden daraufhin die Ansagen immer länger, die Band spielte im Hintergrund, das Konzert verwandelte sich zur Entertainment Show.

Secrets of success Jeder Musiker, so Jobatey, „hat seine Tricks wie er einen Saal nehmen kann. Es gehört zum Handwerk, es gehört zu seiner Kunst. Und genauso ist es im Fernsehen, auf Bühnen oder auch als Autor“. Und fügt auch noch hinzu, dass es ziemlich egal sei, um welche mediale Ebene es gerade ginge. Es muss eine Verbindung zum Publikum entstehen. „You have to connect, wie ich in LA immer hörte, „ALWAYS!“ Musik, betont Jobatey, veränderte und prägte sein Leben und war die Grundlage für seinen beruflichen Erfolg. Und dann legt er nach: „Hätten mehr Entscheider in ihrem Leben je Musik gemacht, unserer Welt wäre bestimmt besser“. Mehr über Cherno Jobatey: www.cherno-jobatey.de

Jobatey’s manner of working always stayed the same: “Approach work the same way that you approach music. Or more precisely: a musical concert. Never the notes, produce music, create a spark.” says Cherno Jobatey, adding a quote from Michael Schumacher: “It’s not important how much horsepower you have in the crankshaft, it’s the performance on the road that counts.” and completes his thought with: “Therefore I work in television like on stage, and also in my job as Editorial Director of the German Huffington Post.” He learned this recipe for success early – only through music. “The key of A minor is never just A minor. What effect does it have? Does it make you laugh, cry, or dance? Do you prefer a different leading voice? Are you going to add another seventh?” Jobatey says that every musi-

Politik ist nahe bei Musik Und irgendwann – mittlerweile war die Uni auch Master-verbrieft fertig – wurde er gefragt, ob er nicht in dieser Art über Politik reden könne. Er probierte es aus. Bei diesem Vortrag über amerikanische Politik saß ein Radio-Redakteur im Publikum, der ihn sofort engagierte. Vom Radio war es dann nicht weit zum Fernsehen. Als Lokalreporter begann er in Berlin. Es war ein Helmut Kohl-Interview, in dem er den Kanzler der Einheit dazu brachte zu sagen, dass er „am liebsten Tango tanze, um dem Weibe nah zu sein“. Dieses Interview machte Cherno Jobatey zum Branchengespräch. Die Zeitschrift „Stern“ portraitierte ihn, ein halbes Jahr später moderierte er das Frühstücksfernsehen. Zwischendurch unternahm er immer wieder Ausflüge in die Unterhaltung, wie eine Show mit “versteckter Kamera”, und Talkshows.

Erfolgsgeheimnis Jobateys Arbeitsweise blieb immer gleich: „Gehe an jede Aufgabe ran, wie an Musik. Oder genauer: wie an ein musikalisches Konzert. Nie nur die Noten, mache Musik, löse etwas aus“, so Cherno Jobatey und legt noch ein Michael Schumacher Zitat nach: „Es ist nicht wichtig wieviel PS man an der Kurbelwelle hat, wichtig ist das, was auf der Straße ankommt“. Und ergänzt: „So arbeite ich im Fernsehen, wie auf Bühnen, wie auch bei meinem Job als Herausgeber der deutschen Huffington Post.“ Dieses Erfolgsrezept lernte er früh – nur durch Musik. „A-Moll ist nie nur A-Moll. Was löst es aus? Lässt es dich lachen, weinen, tanzen? Lieber eine andere Stimmführung? Drückst Du noch eine Septe rein?“

Where there is music, politics are close by And at some point – in the meantime college had also been completed with a Masters degree – he was asked if he might also be able to talk about politics in this manner. He gave it a try. During this presentation on American politics, a radio editor sat in the audience and hired him on the spot. It was only a small step from radio to television. He began as a local reporter in Berlin. It was at a Helmut Kohl interview that he got the German Chancellor to say that he “preferred to dance the tango, in order to be close the woman.” This interview made Cherno Jobatey a hot topic of discussion. The newspaper “Stern” wrote an article about him, and half a year later he moderated the morning television show. In between there were further excursions into entertainment, such as a show with a “hidden camera” and talk shows.

cian “has his own tricks for owning the hall. It belongs to the craft, and it belongs to his art. And the same is true in television, on the stage or also as an author.” And he adds to this that it makes no difference which medium is involved. First there must be a connection with the audience. “As I heard in LA time and again, you have to connect – ALWAYS!” Jobatey stresses that music changed and formed his life and was the basis of his professional success. And then he adds, “If more decision makers produced music at some point in their lives, then we would certainly have a better world.” More about Cherno Jobatey: www.cherno.com

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LIVE

Yannis Stavropoulos:

Ein toller Lehrer & großer Motivator

ie Modern Music School in Athen war ohne ihn nicht denkbar. Nun ist er der neue Department Head des Professional Program Drums in Deutschland. Die Rede ist von Yannis Stavropoulos, ein großer Motivator für seine Schüler. Geboren in Athen, aufgewachsen ist er in London, war Yannis’ große Passion immer die Musik. Mit acht Jahren begann er Klavier zu spielen, zwei Jahre später kam dann die Gitarre dazu. Mit 13 entdeckte er seine Liebe zum Schlagzeugspiel. In den 80ern studierte er mit einem Stipendium 2 ½ Jahre am Berklee College Of Music. Und das zu einer Zeit wo an ein Stipendium an einem amerikanischen College in Griechenland nicht zu denken war! Während seiner Zeit am Berklee College nahm er Unterricht beim bekannten Schlagzeuger Tommy Campbell und spielte in der All-Star Student Band von Saxofon Professor Jim Odgen (Gary Burton Quartett). Bandmitglieder waren Pianist Aydin Essen, Bassist Jack Kulp und Gitarrist Yann Maresz. In den 90er-Jahren ging Yannis zurück nach Griechenland. Seinen Leidenschaften – Musik und Extremsport – folgend gründete er einen Adventure Sports Club

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und spielte Konzerte mit buchstäblich jedem Top-Musiker Griechenlands. Noch im selben Jahrzehnt komponierte er einige Werke, die vom großen Orchester bis zum kleinen Ensemble reichten. Seine Komposition “Hybrids” für zwei Pianos wurde sogar 2000 und 2001 im Moskauer Conservatorium aufgeführt!

„Yannis Stavropoulos ist der beste Schlagzeuglehrer, den sich ein Schüler wünschen kann.“ Zeitgleich startete er seine Karriere als Schlagzeuglehrer. Zu seinen Schülern zählen der heutige Metal-Superstar George Kollias (Nile) und der Weltklasse-Sessionschlagzeuger Kal Drako. Yannis ist bekannt für seine technischen, poly-rhythmischen Fähigkeiten und seine effiziente Unterrichtsmethode. Auch im 21. Jahrhundert hatte Yannis keinen Arbeitsmangel. Gemeinsam mit dem Ausnahmepianisten Sami Amiris und dem Bassisten Pericles Trivolis gründete er das

Avantgarde-Jazztrio NUKeLEUS, das mit Saxofonist Antonis Ladopoulos zum Quartett erweitert wurde. Er spielte unter anderem mit John Etheridge, Chris Jacob, Mike “Jonesy” Jones, Vassilis Tsambropoulos, George Kontrafouris, Larry Goldings, George Fakanas, Xavier Padilla, Lynn Dobson, Manuel Orza, Dimitri Vassilakis, Craig Bailey und Andy Sheppard zusammen. Als Seminarleiter hat Yannis mit George Kollias, Thomas Lang und Dom Famularo zusammen gearbeitet. Dass Yannis Stavropoulos ein ausgezeichneter Lehrer ist, zeigt die Aussage seines ehemaligen Schülers und heutigen Modern Music School Schulleiters Konstantinos Salapas: „Yannis Stavropoulos ist der beste Schlagzeuglehrer, den sich ein Schüler wünschen kann. Dabei ist es nicht nur das technische Wissen, sondern die Motivation, die er vermittelt. Seine Methode hat mir den Geist geöffnet. Außerdem ist er ein toller Mensch und Freund und ich bin stolz ihn zu kennen. Ich möchte ihm noch sagen: ‘Danke für alles, den tollen Unterricht, all die großen Momente, einfach alles. Ohne dich wäre mein Leben heute ein völlig anderes!’ “

Yannis Stavropoulos: An amazing teacher and great motivator

he Modern Music School in Athens was unthinkable without him. Now he is the new Department Head of Professional Program Drums in Germany. We are talking about Yannis Stavropoulos, a great motivator for his students. Born in Athens, and growing up in London, Yannis’ big passion has always been music. He started to play the piano at age eight, and two years later he added guitar. At age 13 he discovered his love of drums. In the 1980’s a scholarship allowed him to study for 2 ½ years at the Berklee College of Music. And this was at a time where a scholarship for an American college was unthinkable in Greece! During his time at Berklee College he studied with noted drummer, Tommy Campbell and played in the All-Star Student Band of saxophone professor Jim Odgen (Gary Burton Quartett). The band members included pianist Aydin Essen, bassist Jack Kulp and guitarist Yann Maresz. In the 1990’s Yannis returned to Greece. Following his passions (music and extreme sports), he started an Adventure Sports Club and played concerts literally with every one of Greece’s top musicians. In that same decade he composed several works, spanning the gamut from large orchestras to small ensembles. His composition “Hybrids” for two pianos was even performed at the Moscow Conservatory in 2000 und 2001!

At the same time he started his career as a drum teacher. His students included today’s metal superstar George Kollias (Nile) and the world class session drummer Kal Drako. Yannis is known for his technical polyrhythmic skills and his efficient methods of instruction. Even in the 21st century Yannis does not lack work. Together with the exceptional pianist Sami Amiris and the bassist Pericles Trivolis he founded the avant garde jazz trio NUKeLEUS, which expanded into a quartet with the addition of saxophonist Antonis Ladopoulos. He played among others with John Etheridge, Chris Jacob, Mike “Jonesy” Jones, Vassilis Tsambropoulos, George Kontrafouris, Larry Goldings, George Fakanas, Xavier Padilla, Lynn Dobson, Manuel Orza, Dimitri Vassilakis, Craig Bailey and Andy Sheppard. Yannis ran clinics together with George Kollias, Thomas Lang and Dom Famularo. Proof that Yannis Stavropoulos is an extraordinary teacher can be seen by the statement of his former student and present MMS school head, Konstantinos Salapas: “Yannis Stavropoulos is the best drum teacher that a student could ever hope to have. This involves not only technical knowledge, but also the motivation that he inspires. His methods opened my mind. In addition he is a fantastic human being and friend, and I am proud to know him. I want to also tell him: ‘Thank you for everything, for the fantastic instruction, all the great moments, just simply everything. Without you, my life would be totally different today!’”

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OUTRO

7 Steps to Heaven by Sebastian Quirmbach

Die 7 wichtigsten Übungstipps für Schüler und deren Eltern!

The 7 most important practice tips for students and their parents!

Nicht Übung macht den Meister, sondern das richtige Üben! Hier sind 7 einfache Schritte, mit denen Du das Üben richtig perfektionieren kannst:

Practice doesn’t make perfect, the RIGHT practice makes perfect! Here are 7 simple steps that you can use to perfect your own practice in the right way:

1. 2.

Freue Dich auf’s Üben und übe mit Spaß! Je mehr Du das Üben genießt, desto mehr wirst Du dabei lernen.

Look forward to practicing and have fun when you practice! The more you enjoy practicing, the more you will learn.

Übe lieber kurz und oft, statt selten und lange. Es ist besser 10 mal pro Woche 5 Minuten zu üben, als einmal pro Woche 50 Minuten.

Practice for short periods and often, rather than once in a while for long periods. It is better to practice 10 times a week for 5 minutes, than once a week for 50 minutes.

Mach Dir Dein Übungsziel genau bewusst. Welche Übung? In welchem Tempo? Wie oft/wie lange?

Know exactly what your practicing goal is. Which piece or exercise? At which tempo? How often/for how long?

Übe mit Metronom. Erstens wird so Dein Timing immer besser und zweitens kannst Du Deine Fortschritte besser kontrollieren.

Practice using a metronome. First because your timing will keep improving, and secondly because you will be better able to control your progress.

Notiere Deine Fortschritte. Schreib auf, welche Übung du in welchem Tempo beherrschst. Deine Fortschritte werden Dich erstaunen und noch mehr motivieren.

Write down your progress. Write down which exercises you have mastered at which tempo. Your progress will astonish you, and motivate you even more.

Wenn Du etwas schnell spielen willst, dann übe langsam und exakt. Nur so lernen Deine Nervenbahnen und Muskeln den optimalen Bewegungsablauf.

If you want to be able to play something fast, then practice it slowly and precisely. This is the only way that your nervous system and muscles will learn the optimal movements.

Wenn Du fertig mit Üben bist, sei stolz auf Dich! Gratuliere Dir zu Deinem Übungserfolg und freue Dich auf die nächste Übesession!

When you have finished practicing, be proud of yourself! Congratulate yourself on your successful practice and look forward to the next practicing session.

3. 4.

Und hier noch 3 zusätzliche Tipps für Eltern, die Ihre Kinder beim Üben unterstützen wollen:

And here are 3 additional tips for parents who want to support their children’s practice:

Zeigen Sie Interesse, Begeisterung und Anerkennung für jede auch noch so kleine Übungseinheit oder „Vorführung“ Ihres Kindes. Stellen Sie interessierte Fragen und schenken Sie großzügig Lob und Anerkennung.

Show interest, enthusiasm and recognition for every item of practice, no matter how small, and in your child’s “performance”. Ask interested questions and be generous in your praise and recognition.

Statt das Kind zum Üben zu drängen, üben Sie selbst. Lassen Sie sich zeigen, was Ihr Kind lernt und versuchen Sie von Ihrem Kind zu lernen. Wenn Sie sich liebevoll und wertschätzend gemeinsam mit den Übungen beschäftigen, lernt Ihr Kind doppelt so gerne.

Instead of forcing your child to practice, practice yourself. Ask to be shown what your child is learning, and try to learn from your child. If you get involved together in practicing in a loving manner that values the exercise, then you will double your child’s interest in learning.

10. Machen Sie das Üben so einfach wie möglich. Schaffen Sie angenehme Übungsbedingungen, sorgen Sie dafür, dass Metronom, Notenständer, ausreichend Licht, ggf. ein CD-Player und natürlich das Instrument leicht zugänglich sind. Im Idealfall übt Ihr Kind so mehrmals am Tag für mehrere Minuten im „Vorbeigehen“. Und nun noch ein letzter Bonustipp: 11.

Hören Sie mit Ihrem Kind Ihre Lieblingslieder. Erklären Sie, was Ihnen daran besonders gut gefällt! Erzählen Sie davon, wo und wann Sie dieses Lied gehört haben. Zeigen Sie Ihre Liebe zur Musik!

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Sebastian Quirmbach

(Master in Business Coaching & Psychologie)

ist unser International Education Director und gestaltet die methodisch-didaktische Lehrerausbildung. is our International Education Director and designs the pedagogical training program for instructors.

Make practicing as simple as possible. 10. Create pleasant practice requirements, and ensure that the metronome, music stand, adequate lighting, and a CD player (if applicable), and of course the instrument are easily accessible. Ideally, your child will be practicing several times while “passing by.” And now a last bonus tip: Listen to your favorite songs together with your child. Explain what you like especially well in them. Tell your child where and when you heard this song. Show your child your love of music!

11.

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