MondoSonoro enero 2020

Nº 279 Enero 2020 www.mondosonoro.com

SEN SENRA, KASE.O, SWANS, CALIFATO 3/4, ZAZO Y GXURMET, EZRA FURMAN, PEDRO LADROGA, KINDNESS, MEDALLA BATTLES, LAGARTIJA NICK, FANGORIA, SERPENT, MIGUEL GRIMALDO, LAS MEJORES PELÍCULAS, CÓMICS Y LIBROS

Lo Mejor del Año FOTO: SERGIO ALBERT

Carolina Durante mejor disco del año nacional 2019

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5/Mondo freako Esperado desde hace meses, Sensaciones (Sonido Muchacho, 19), el tercer álbum del gallego Sen Senra, supone la plasmación en disco de un sonido cargado de sensualidad que combina el pop urbano, la electrónica y el neo-soul.

FOTO: ARCHIVO

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Sen Senra Sentir, vivir, amar mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

hristian Senra era todavía un adolescente cuando lideró Christ Divides, banda a la que luego sucedió Demonhigh, con un pelotazo de garage rock como Corazón ardiente (15) que parecía ponerles en la senda de Novedades Carminha. A la vez, trabajaba ya en solitario, convertido en una suerte de Mac DeMarco gallego con Permanent Vacation (15) y The Art Of Self-Pressure (17), donde ya aparecía algún apunte (especialmente Pretty Empty, con Royce Rolo de Agorazein) que presagiaba el cambio que rubrica este Sensaciones, largamente esperado desde que hace un año y medio lanzara su primer adelanto, Nos dará alas. Un recorrido, despachado en unas líneas, que el vigués rememora con la sonrisa de quien, pese a su juventud, ya ha vivido mucho. “Me acuerdo de dejar el instituto con catorce años para hacer un disco. Imagínate mis padres… Grabar todos los instrumentos y también tocar mucho. Recuerdo perfectamente venir a Madrid en autobús para hacer un concierto y dormir en la calle. Al final eso te da cierta experiencia. Hay mucho trabajo ya en lo que hice entonces, y de hecho estoy muy orgulloso de esas canciones, pero aun así de alguna forma tengo la sensación de que este es mi primer disco”. Un luminoso álbum de pop urbano en el que Sen Senra, afincado en Madrid desde hace un tiempo, trastea de forma personalísima con el soul, el R&B y la electrónica. “Este es un momento muy bueno para mí como artista, porque considero que estoy ubicado; no es que antes no lo estuviera, pero ahora creo que conseguí algo que era muy difícil: un sonido propio en el que siento que puedo jugar todo lo que quiera”.

Las referencias están ahí (Frank Ocean, Miguel, Stevie Wonder, las producciones de Quincy Jones…), pero sobre todo la determinación de no autolimitarse. “Si de repente quiero meter un sintetizador muy cabrón, lo hago, eso es lo que me gusta, no cortarme. A la hora de hacer música no pienso en nada más; cojo, subo a la nave y a volar”. La historia de Sensaciones –álbum terminado hace meses, aunque por diversas circunstancias no se ha publicado hasta ahora– arranca hace casi dos años, trabajando mano a mano con Anxo Ferreira (Novedades Carminha). “Ha

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enero 2020 #5

MONDO FREAKO

LA MÍA Comprometidos

FOTO: ARCHIVO

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sido una experimentación en muchos aspectos, no sólo en la música. Noto que crecí no solo como compositor o intérprete, sino también como productor. Vengo de la música en directo, de tocar la guitarra con la banda, y eso no lo quería perder. Quería coquetear con lo digital, cositas electrónicas, las 808 y todo eso, pero no perder la pureza y el groove del directo. Por mucho que juegues con lo digital, no me mola que suene todo perfectamente cuadrado, que sea demasiado frío. En Un puñao de sensaciones, por ejemplo, quería que la gente tuviera la sensación de un chaval en su casa con la guitarra y cantando, que no sonara gigante, sino chiquitito, que es como nació”.

Esa sencillez solo aparente también está en temas como Ya no te hago falta, priorizando la melodía de voz, con un papel absolutamente protagonista. “Es casi un cable a tierra de lo que soy, aunque luego puedo experimentar, porque me flipa hacerlo y lo haré todavía más, y probar todo tipo de cosas, como en Tal vez no sea suerte, con guitarras rockeras encima de un ritmo que es más común escucharlo en el hip hop.

Fue un trabajo muy intenso de hacer las mezclas, quitar, poner… y el resultado creo que es el que tenía que ser”. La intensidad se reproduce en el apartado emocional, entregándose a un amor millennial que se escribe vía whatsapp, como ocurre en 86400 (“Si es que moría por verte / quiero besarte y morderte”), adornado de melancolía y puñales en el pecho: “Es casi un homenaje a las sensaciones en sí, a lo sentido y a lo que falta por sentir; el mensaje es que hay que abrirse y vivirlas, porque al final es una de las posesiones más fuertes que tenemos”. —enrique peñas

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CRiTICANDO Sensaciones

Sonido Muchacho R&B 9/10

Sen Senra ha conseguido acompañar en Sensaciones a un sonido que va del R&B más inspirado al pop minimalista con algunas de las mejores letras escritas en España en el último año por su frescura y originalidad.

Sin la necesidad de hacer ningún hit convencional, Sen Senra ha presentado un álbum que engancha porque es auténtico, en el que canta como nos hablamos a nosotros mismos cuando nadie más nos escucha. Tras haber empezado a jugar con los sonidos que en este Sensaciones triunfan con éxito indiscutible en The Art Of Self Preassure (17) –producido por Carlangas de Novedades Carminha– ahora vuelve a repetir colaboración atlántica con Anxo Ferreira –de la misma banda– en lo que, a la vista de los resultados, ha sido un acierto absoluto. El álbum suena a lo que otros artistas de diferentes géneros están intentando acercarse a día de hoy, pero las comparaciones son odiosas; Sen Senra conquista sobradamente en lo que se ha planteado conseguir.

Uno de los álbumes estatales del año, sin duda. —luis m. maínez

uien haya seguido la trayectoria de Miguel Grimaldo sabe que el vallisoletano siempre ha ido de frente y no tiene pelos en la lengua. En la charla que mantuve hace unos días con él a propósito de la publicación de su nuevo disco, Trip Ass (19), se hacía necesario preguntarle por una cuestión que ha convulsionado el debate de los últimos diez años de música popular en este país: la necesidad (o no) de un compromiso político por parte de los artistas. La respuesta no da lugar a dudas: “Creo que hay que posicionarse, eso es lo primero. Ya no como artista, sino como figura pública.

Y tienes que hacerlo en el momento de la verdad. Me parece de puta madre que Rosalía haya dicho eso de ‘Fuck Vox’, pero tenía que haberlo escrito días antes de que quienes la siguen fueran a votar. Porque, aunque no lo creamos, en este mundo de influencers las figuras públicas tienen un peso. Y tristemente creo que el miedo que tienen la mayor parte de artistas a posicionarse se debe a que su postura no es la que muchos querríamos oír. Hablando claro: no se posicionan por no decir que son unos putos neoliberales de mierda”.

El debate viene de largo en nuestro país, pero España no es el único territorio en el que determinadas personalidades de la música reclaman su derecho a mantenerse al margen y pasar de puntillas por los conflictos sociales. El último artista global que ha sufrido en sus carnes la ira de sus conciudadanos ha sido J. Balvin, que en medio de la grave situación que vive Colombia, con constantes movilizaciones ciudadanas y varios muertos por la represión policial, ha afirmado que su función en esta vida no pasa por ejercer de presidente de su país. O dicho de otra forma: “No soy ni de izquierda ni de derecha”. El timing no ha podido ser peor para Jose, que ha cumplido su sueño de dar un concierto frente a 40.000 personas en Medellín precisamente en un momento en que el país está para pocas fiestas. “Si hablas no les va gustar, si no hablas tampoco les va a gustar, desde lejos es muy fácil criticar. Lo único que he hecho es trabajar, dar ejemplo y crear país”, ha declarado a la prensa. Balvin, de hecho, reivindica su derecho a no influir en la vida de las personas. “Estamos tan mal de dirigentes que los reguetoneros, que eran los que la gente odiaba, ahora somos la voz del pueblo para decidir que va y que no.

Un comentario mío frente a una situación puede hacer que muchos jóvenes tomen un camino, que posiblemente no es el que quieren, pero lo van a hacer porque yo dije.

La idea es que abran los ojos y vean lo que quieren”. Las razones de uno y otro se entienden perfectamente, aunque la posición neutral de Balvin, la de cualquiera de nosotros en realidad, cuenta con una barrera moral: ese momento en el que somos conscientes de encontrarnos ante una injusticia. —luis j. menéndez

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#6 enero 2020

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Hace ya tres años que el de Zaragoza revolucionó el rap con su primer disco en solitario. Un tiempo que ha sido reflejado en Dentro de El Círculo (Rap Solo/BOA, 19), documental que presenta junto a nuevas canciones y que supone el fin de un capítulo de su carrera. Y el comienzo de uno nuevo.

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ste documental es un complemento del disco y cierra una etapa para mí”. Una etapa que comenzó hace casi un lustro, cuando Kase.O decidió que era el momento de publicar un disco en solitario.

Se marchó a Colombia en busca de inspiración, la encontró y nació El Círculo. “Tenía mucha presión por eso de ser mi primer disco en solitario, pero ahora ya me he quitado esa presión, me he vaciado. Y la respuesta del público ha sido genial, mejor incluso de lo que me esperaba. La gira ha funcionado extraordinariamente bien”. Razón por la que decidió inmortalizarla y publicarla en forma de documental, Dentro de El Círculo, “para que así pudiésemos tener un bonito recuerdo tanto yo como mis seguidores. Porque les estoy muy agradecido. Los discos de Violadores pegaron mucho, sí, pero El Círculo se ha abierto a más público, a gente de fuera del rap. Y no lo esperaba, pero es verdad que lo deseaba desde que empecé a rapear, que mi música pudiese llegar al máximo número de gente posible y ayudar al rap a expandirse”. Y vaya si lo ha conseguido, batiendo récords de asistencia en conciertos de rap (quince mil personas en el Wizink por ejemplo) y recorriendo toda la geografía española.

“Todo ello con una promoción limitada, sin grandes canales de distribución.

Ha sido por el boca a boca. Nosotros trabajamos así y me enorgullece. Yo no aspiro a sonar en la radio, no es lo que me interesa, de hecho las multinacionales ya ni me llaman desde hace años.

Tampoco me interesa una campaña de promo explosiva y luego caer en el olvido. Cada uno tiene que saber lo que quiere, a dónde quiere llegar y, sobre todo, de qué manera. Mi objetivo era hacer un disco atemporal y creo que lo he conseguido”.

Pero Kase.O no es un músico que aspire a vivir de las rentas, y tras presentar este nuevo proyecto ya tiene inminentes planes de futuro. “Cuando acabe con la gira de 2020 quiero sacar

un nuevo disco, pero creo que no lo haré en solitario. Puede que lo haga con Rumba, Shohai, Xhelazz, Soziedad Alkoholika o Jazz Magnetism, no lo sé aún, pero quiero hacerlo en equipo. Y para este próximo año voy a sacar un par de temas en el nuevo disco de funk de R de Rumba y estoy haciendo una canción para la película Orígenes secretos”. Nuevos proyectos, nuevas metas en la cabeza del cantante más reputado que ha tenido nunca el rap español, con más de veinte años de carrera a sus espaldas en los que ha conseguido su sueño. “Desde que empecé sabía que quería dedicarme a esto. Pero recuerdo

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los inicios como algo duro, había poco público, los conciertos y los discos sonaban mal. Era romántico pero frustrante.

Ahora estamos haciendo realidad todo lo que soñábamos cuando empezamos”, recuerda el del barrio de La Jota.

Aunque reconoce que aún le queda un sueño por cumplir. “Me gustaría poder cantar en Estados Unidos, en la cuna del rap. Tenemos un proyecto para cantar en Nueva York pero aún no está cerrado. Es nuestro próximo objetivo”.

No nos cabe duda de que lo conseguirá.

Y que además seguirá ampliando su leyenda como referente de una música, el rap, que vive un gran momento gracias al trabajo de artistas como él. “El rap ha crecido mucho. Y también se ha abierto, y eso es muy bueno. Antes colaborar con artistas de otros géneros se veía como algo comercial, éramos muy sectarios, y ahora ya se ha formalizado.

E incluso son ellos los que se interesan por el rap y eso significa que cada vez es una música menos marginal”, asegura Kase.O, un músico de raíces. “Hoy en día hay MC’s que no conocen la cultura hip hop, pero yo vengo de otro mundo, de otro momento. Yo soy puro rap. De hecho no me gusta que me consideren parte de la música urbana, aunque no quiero que me usen como el estandarte anti música urbana. Pero me parece un estilo de música muy facilón, con letras muy vacías, y a mí eso no me representa. Yo lo que hago es rap, no música urbana”. —alfonso gil royo

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Dentro de El Círculo

Rap Solo/BOA, 19 Rap 8/10

Dentro de El Círculo Recibir nuevo material de Kase.O siempre es una buena noticia para sus seguidores. En este caso el maño presenta en formato audiovisual, algo inédito en él, un documental de más de dos horas con imágenes de la grabación de su álbum. “Para que la gente pueda ver cómo se creó El Círculo y los entresijos de la gira que hemos hecho”. Ahí ha querido destacar “la participación de Muna, mi pareja, ya que creo que le da un toque muy humano y divertido”.

Además incluye también un disco con nueve canciones: cinco remixes (a cargo entre otros de Boxinbox y Xhelazz), una versión de Esto no para junto a Soziedad Alkoholika, las ya publicadas Bacalao y Pequeñas dosis y dos tracks nuevos, Super Natural Flow (con Akapellah e Inanna K.) y ¿Quién no? (con Zatu y Andrés Calamaro). Una canción, esta última, muy especial para él. “Poder cantar en un mismo tema con ellos dos ha sido un regalo de la vida”. —a.g.r.

“He conseguido lo que deseaba cuando empecé a rapear”

FOTO: MARCOS CEBRIÁN

Kase.O cierra el Círculo

CRiTICANDO

enero 2020 #7

Swans Autenticidad desde lasM entrañas

Alguien describió el sonido de Swans como si se tratase de un elefante subido en una apisonadora, y la verdad es que aunque la banda neoyorquina se ha caracterizado a lo largo de su carrera por jugar con intensidades hasta llegar al paroxismo, en su última propuesta Leaving Meaning (Mute, 2019), Michael Gira nos sorprende con una colección de canciones medidas con escuadra y cartabón.

FOTO: JENNIFER GIRA

“La próxima s encarnación de Swan da na no se parecerá en a la anterior”

uchas facetas han cambiado desde que el conjunto tomase forma allá a principios de los años ochenta del siglo pasado. Los primeros trabajos de Swans, el epé homónimo (83) y su primer larga duración Filth (83) supusieron un punto y aparte dentro de la nueva música que se venía realizando en aquellos días. Michael Gira aducía al respecto que “todo nació de la necesidad de crear algo que fuese físico, inmediato y agobiante al mismo tiempo. Sentía la necesidad de gritar muchas ideas, por lo que me puse a gritarlas.” Otro aspecto que caracteriza la discografía de Swans es su marcado eclecticismo sonoro. En cada uno de sus álbumes, Gira y los suyos han sabido plasmar muchas facetas distintas. Al preguntarle en qué lugar se encuentra hoy con Leaving Meaning el artista nos responde: “Creo que esa apreciación le correspondería hacerla a los críticos

en concierto l Barcelona 08 de mayo. Razzmatazz 2 l Madrid 09 de mayo. La Riviera. Kristonfest

musicales, no a mí. Swans estamos inmersos en nuestro propio mundo, y hemos sabido moldear un camino con el paso de los años”. Como vemos, la senda dibujada por Swans navega en todo momento entre el sueño y la vigilia, entre la solidez y la especulación. Está marcada por el devenir de los acontecimientos y la esencia creativa de Gira. “La idea que engendró Leaving Meaning nació mientras estaba sentado en mi oficina, con la guitarra bajo el brazo. Escribir canciones no es algo que advenga a mí con facilidad, por lo que presto un especial interés en ello. Con el boceto sobre la mesa, empiezo a sopesar qué músicos encajarían a la perfección dentro de las canciones. Y para Leaving Meaning he decidido reunir a una gran cantidad de ellos y trabajar conjuntamente en la confección del sonido. Como si de pura sinestesia se tratase, tenía proyectado en la mente un color para cada tema que vertebra el disco, y una especie de plano arquitectónico para el conjunto del álbum en general, todo esto guiado por mi intuición. Cuando estábamos reunidos en el estudio y de repente nacía una idea que destellaba por su

urgencia, necesidad y autenticidad, me veía destinado a perseguirla”.

En Leaving Meaning se ha realizado un loable trabajo de producción, ofreciéndonos un disco que sobresale por la fabulosa plasticidad de su sonido. Lo que comenzó como un grupo de punk industrial hoy en día es un ejemplo de calibración de matices e intensidades. “Supongo que eso es precisamente lo que hago: moldear los sonidos basándome en su estética.

Pero la estética primeriza de 1982 era algo que pedía una evolución forzosa.

De hecho, si me hubiera anclado en ese sonido durante cuarenta años me consideraría un artista bastante estúpido, y no creo que lo sea”, nos comentaba Michael. Y es que para la confección de este disco Gira ha decidido darle un lavado de cara a la plantilla de músicos (algo que ya se explicaba en el reciente documental Swans: Where Does A Body End? (19), dirigido por Marco Porsia).

El artista nos explica el porqué. “La formación de esta última reunión de Swans ha sido la más estable de toda su trayectoria. Su participación ha supuesto elevarme hasta un punto muy alto en mi carrera musical, ya que todos ellos son grandes profesionales, además de buenos amigos. Juntos hemos llegado a alcanzar una especie de telepatía que nunca antes había logrado con otras personas. El hecho de que no haya vuelto a contar con esta estructura de músicos es sencilla: habíamos llegado a un límite creativo, y sentía el peligro de que Swans pudiese llegar a parecer predecible. Lo mejor que podía hacer era replantear la estructura de nuevo contando con amigos de todo el planeta que pudiesen ofrecer nuevas ideas al proyecto”. Al igual que pasa en sus trabajos en estudio, los directos de Gira son algo imprevisible que muta constantemente “De cara a las anteriores giras hemos contado con una estructura sólida que hemos estado ensayando de ocho a diez horas al día hasta sacar todo de forma automática. El hecho de jugar con el sonido hasta puntos ilimitados ha sido una experiencia maravillosa, ya que hemos transportado a la audiencia hasta horizontes lejanos. La próxima encarnación de Swans en directo promete ser algo completamente diferente. No digo que más ligero, pero sí distinto. Más melódico y menos turbio.” Y es que para Michael Gira la sorpresa es una buena carta en la mano que puede jugarse en cualquier momento. “Noto vida propia dentro del nuevo material. Mi intención no es reproducir en directo el contenido del nuevo disco de la misma manera en la que suena, sino ver cómo se desarrolla en vivo, contemplar cómo crece y va tomando forma hasta convertirse en algo vivo y autónomo. —fernando o. paíno

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#8 enero 2020

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FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Battles Tiempos de cambio Battles regresan con Juice B Crypts (Warp/Music As Usual, 19), un álbum marcado por los cambios: la inesperada salida de Dave Konopka, la decisión de grabar por primera vez en Nueva York y, sobre todo, el palpable giro hacia sonidos más coloridos y electrónicos de sus melodías.

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EN LA MALETA

uenta el propio John Stanier que la salida de Dave Konopka les pilló totalmente por sorpresa. “Este tipo de cosas no son fáciles. Esperó mucho tiempo para decirnos que ya no quería seguir, y cuando nos lo contó me di

Wade

Sevillano afincado en Madrid, Wade se ha paseado por medio planeta y ha publicado en una larga lista de sellos. Ahora además pone en marcha Criterio, un club propio que debuta en la madrileña sala Fabrik este mes de enero.

#10 enero 2020

H

as publicado en infinidad de sellos nacionales e internacionales, y pinchado en otros tantos países del mundo, pero en España se te asocia mucho a Por ejemplo, el tema en el que sampleas a Dani Rovira. ¿Te sabe mal o estás agradecido a que la canción haya superado las barreras del mundo del tech house?

Estoy encantado de que me conozcan por ese tema con Dani Rovira. Creo que se consiguió un balance perfecto entre electrónica y música comercial con un groove sencillo, pero contundente a la vez.

—Vienes de Sevilla, tierra de drum’n’bass y breakbeat. ¿Con qué géneros electrónicos empezaste a disfrutar de chaval?

Esos géneros, sin duda, fueron los que más me llegaron al corazón de pequeño, pero el breakbeat fue el que más me gustó por los 2000.

—¿Cuáles son los mayores errores que has cometido a lo largo de tu carrera como Dj? Una vez abrí una botella de champán en cabina y sin querer la vertí sobre los enchufes delante de dos mil personas (risas). Primera y última vez. ¡Lo prometo!

—¿Qué te da más rabia de otros Dj’s?¿Hay algo que no te guste que hayas visto en otra gente al pinchar?

Hay varias cosas que no me agradan...

Por ejemplo, no respetar el warm up o pinchar con el master en rojo. Hay que

char “No necesitamos escu a otras bandas para inspirarnos” cuenta que la decisión estaba tomada, no había forma de hacerle cambiar de opinión”, explica. Pero lo cierto es que lejos de caer en una crisis existencial sobre el devenir de la banda, Stanier describe este suceso como una “Bendición disfrazada. Este contra-

cuidar el volumen de la sala y llevar una progresión musical adecuada al momento de la noche.

—¿Siempre pinchas tus temas originales o, de vez en cuando, caen los remixes que te ha hecho otra gente?

Disfruto mucho tocando mis temas originales, pero también me gusta mezclar diferentes estilos musicales en una sesión. Lo más importante es que el público disfrute: ese es el objetivo principal de un DJ. No importa el estilo ni si el tema es tuyo propio o de otro productor.

—Sueles decir que tu sesión de año nuevo en Fabrik fue impresionante. ¿Ahora, desde este mes de enero, organizarás allí la fiesta Criterio?

Sí, la conexión con el público fue otro nivel. En cuanto a Criterio, es mi nueva marca de fiestas de música electrónica, basada en mi criterio musical, buen rollo y buena música. La primera fiesta será el 11 de enero y actuaré en un all night long en la sala principal. Estoy muy emocionado e ilusionado de embarcarme en este proyecto que tantas ganas tenía de anunciar.

—¿Qué es lo que más te ha costado aprender a la hora de pinchar?

No tengo equipamiento técnico para pinchar en casa, nunca tuve. Todo lo aprendí improvisando en directo, creo que es la mejor manera de confiar en ti mismo y aprender a manejar los platos con soltura y decisión. —MS

tiempo nos obligó a ponernos a trabajar inmediatamente con el álbum y dejar a un lado la atmósfera triste y desanimada que había en el ambiente cuando estábamos los tres”, apunta el batería. Esta inmediatez por meterse en el estudio dio lugar a una sucesión de cambios, como decidir grabar en Nueva York o contar con Chris Trabon en la producción. “Nunca antes habíamos trabajado con un productor y fue fantástico. Chris es joven, ambicioso y tiene buenas ideas. Antes había colaborado con artistas como Beyoncé o Nicki Minaj, y trabajar con nosotros demuestra lo aventurero que es. Sin duda, gran parte del sonido de Juice B Crypts se debe a él”, confiesa.

Precisamente, el sonido ha sido uno de las cambios más notables con respecto a las anteriores entregas de la banda, algo que el batería achaca al cambio de formación. “El hecho de que en una banda haya cuatro, tres o dos personas sí se nota. Las ideas son distintas hasta el punto que el cambio de sonido en este disco es el más radical de nuestra carrera.” Y cuando se le pregunta por las referencias para este giro sonoro, Stanier deja claro que “somos mayores, llevamos haciendo esto el suficiente tiempo como para no necesitar escuchar a otras bandas para inspirarnos”. Pero esto no quiere decir que Battles renieguen de sus referentes, de hecho, se han dado el capricho de incorporar al disco las voces de ídolos confesos como Jon Anderson de Yes o Sal Principato de

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TAN. CERCA RREl desembarco en España del Vive Latino mexicano tendrá lugar los días 11 y 12 de septiembre en el Espacio Expo de Zaragoza.

Participarán artistas como Ara Malikian, Andrés Calamaro, Café Tacvba, Bunbury, Kase.O, Leiva, Molotov, Vetusta Morla, León Benavente, Sidonie, Viva Suecia, Mon Laferte, Ximena Sariñana, Mula, Dengue Dengue Dengue, IMS, Sho-Hai, R de Rumba, Morad, Carlos Sadness o Miss Bolivia entre otros.

Liquid Liquid, presente en la canción de Titanium 2 Step. “Para ese tema no queríamos una fuerte presencia de voces, pero tampoco que fuera una pista instrumental, así que estuvimos pensando en cuál podría ser el término medio y nos acordamos de Liquid Liquid. Le llamamos por teléfono, bajó al estudio y en dos horas ya lo teníamos grabado”, relata. Éstas no son

Juice B Crypts

Warp/Music As Usual Rock 8/10

las únicas colaboraciones externas que encontramos en Juice B Crypts, llamando especialmente la atención la presencia de Shabazz Palaces, dotando al disco de un toque hip hopero.

“Desde el comienzo teníamos claro que IZM tenía naturaleza hip-hop. Y si era así, ¿por qué no ir con ello hasta el final?”. Finalmente, cuando le preguntamos sobre cómo están preparando los directos nos dice que “es un secreto. Tendrás que ir a un concierto para descubrirlo”, confirmando así su paso por nuestro país en 2020.

RRLa gira de regreso de Txarango, con la que presentarán un nuevo disco, será también la de su despedida. Eso sí, está lejos de ser una gira al uso.

Los conciertos se realizarán bajo la carpa de su propio circo, con capacidad para 2.500 personas.

Habrá fechas en Vic, Calafell, Sant Feliu de Guíxols, Barcelona, Puigcerdà, Manacor, Amposta, Lleida y muchas otras. Seguiremos informando.

RRGwen Stefani encabeza las nuevas confirmaciones del Festival Cruïlla para su edición de 2020, que tendrá lugar del 2 al 4 de julio en el Parc del Fòrum de Barcelona. Los restantes nombres son Txarango, Tom Walker, La Fura dels Baus, Fuel Fandango y Ebri Knight. Sus nombres se suman a los de Rag’n’Bone Man, Of Monsters And Men, Kase.O, Residente, León Benavente o Novedades Carminha.

RREl Mallorca Live Festival amplía su duración un día más en su próxima edición. El evento empezará un día antes de lo previsto, el día 14 de mayo de 2020, ofreciendo así tres jornadas de conciertos.

RREl 6 de junio tendrá lugar la cuarta edición del Bull Music Festival de Granada. Lola Indigo, El Kanka, Natos y Waor, Second, Miguel Campello, Shinova, El Jose y Billymonkeys son los primeros artistas confirmados.

Zazo y Gxurmet Sonando por y a pesar de la industria Ganadores del Vodafone Yu Music Talent en 2017 y parte de la banda sonora de las dos temporadas de Elite, vienen de la escena underground madrileña, apuestan por el pop urbano y ahora publican Daruma (Mushroom Pillow, 19).

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aruma es un álbum en el que Zazo y Gxurmet vuelven a repetir la fórmula con la que creen que alcanzarán el éxito tarde o temprano. Sin embargo, la situación de la industria musical española actual no termina de convencerles. Para unos artistas que quieren ser exitosos sin entrar en un engranaje que puede elevarte o hundirte, está resultando más difícil de lo que creían. “Dan igual los números que se haga, la repercusión mediática que puedan tener, les da igual… Tú hablas de este género y no existe. Nosotros hemos ido a algunas radios y lo que te dicen es ‘¿Con quién vas a cantar esto? ¿Con Don Patricio, con Lola Indigo? Canta con no sé quién y vas a sonar’. De hecho, la última radio a la que nos hemos ofrecido nos ha dicho que el disco suena demasiado bien, que está demasiado bien producido, que suena demasiado cool… A no ser que te hagas un tema como Don Patricio que tiene cien millones y sea la radio la que te llama a ti porque estás en las listas de Los 40 no tiene sentido. Porque si no tienes millones de visionados no te ponen. Patricio es una excepción”.

Zazo y Gxurmet han apostado fuerte por el pop urbano, y sus influencias en Daruma han ido desde Major Lazer a J Balvin pasando por Justin Bieber. Aun así, consideran que en España el público no responde a un género por gusto personal, sino por lo que suena en las radios. “Lo nuestro para los urbanos es mainstream y para los mainstream es urbano”. Aun así, ambos siguen con su

manera particular de hacer las cosas.

Para la composición de este álbum alquilaron una casa en la Sierra de Madrid y se encerraron a hacer canciones que luego han grabado con Josh Tampico en su estudio, prescindiendo de unos lujos que suelen ser muy valorados por los artistas. “Hace diez años lo tenía lleno de maquinas, todo última generación, y cobraba el triple. Ahora el tío ha quitado todo, tiene lo básico, y saca mejor sonido que antes, pa’ que veas.

A veces menos es más. Nosotros, incluso si fuéramos a trabajar en la onda que estás diciendo, de subir de nivel, tampoco querríamos rechazar nuestra esencia. Ese punto tiene que estar ahí y no nos vamos a despegar mucho. Este disco es el equilibrio de lo que se ha buscado y de dónde venimos”.

A pesar de todo han logrado un hueco en la escena. Gracias a la aparición en Élite han logrado fans en todo el mundo y no cejan en su empeño de ser grandes. Daruma es un paso más en su personalísimo camino. “Acabaremos consiguiéndolo seguramente. Yo confío en que sí. También sabíamos que no iba a pasar a la primera, aunque le iba a gustar a la gente. El problema es que tú puedes hacer un buen tema y te dicen ‘¿cuántas views tienen?, ¿quiénes son?, ¿qué me pueden aportar?’. No te dicen si es o no un buen tema, sino que se habla de repercusión, es el pez que se muerde la cola”. —luís maínez

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banos "Lo nuestro para los urlos es mainstream y para " mainstream es urbano

—guillermo chaparro terleira

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RREl Let’s Festival presenta el cartel de su decimoquinta edición, que tendrá lugar entre el 24 de enero y el 28 de marzo de 2020.

Algunos de los grupos presentes este año serán Manel, Deluxe, La Bien Querida, La Habitación Roja, Mishima, Bastante, New Model Army o Siloé. En total, cuarenta y siete bandas en un global de veintitrés conciertos. —MS

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enero 2020 #11

Ezra Furman es excéntrico, un músico sin guión y que únicamente sigue su propio camino. Como era de esperar, Twelve Nudes (Bella Union/ [PIAS], 19), es la nueva demostración de que todo continúa siendo así en casa de Furman.

Ezra Furman Un tipo nada corriente FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

E

zra Furman sigue su propia disciplina, aunque esta sea un puro caos. Pero esa es una de sus virtudes. Lo entiendes mejor cuando le ves sobre un escenario. Es un alma libre que actúa según las circunstancias y que nunca pierde su capacidad de sorprender. Le menciono un concierto en especial. “Recuerdo aquella actuación.

Seguramente tuve un mal día, por lo tanto fue un buen concierto”. En cuanto a los discos, en los anteriores y concretamente en Perpetual Motion Picture (15), exponía sus miedos, sus fobias, escribía un diario personal arriesgado y lo hacía a ojos de todos.

“Antes me mostraba al mundo, buscaba introducirme y cualquier fórmula era válida para conseguirlo”. Musicalmente se movía entre el glam, The Velvet Underground, la escenificación de un Jonathan Richman charlatán haciendo buenas migas con el eco del rock’n’roll de los cincuenta que a Ezra le apasiona, como ese Little Richard de sonrisa generosa por el que siente adoración.

En cambio, en Twelve Nudes hay ausencia de experiencias personales. Es simplemente ficción, un viaje musical paranoico y misterioso. “Es música del siglo XXI, es una propuesta diferente, mucho más original. Hay que arriesgar, ya hay demasiada gente haciendo lo mismo. Quiero huir de los tópicos. Lo que hacía antes era más retro, esto es más moderno. Hemos empleado más tiempo para cada canción, esta vez lo exigía”. Aunque en lo personal, “no hablo mucho de mí. Es algo diferente a lo anterior, más ambiguo e impersonal en ese sentido. Esto ya no va sobre mi vida”. Una curiosidad al respecto es que en una de las piezas del disco hay versos en hebreo, con lo que Furman se abre en público a su fe judía. “Es importante, pero no creo que tanto. No es más que otro idioma, como para vosotros el castellano. Si bien es verdad y no lo escondo, que hay ese tipo de referencias en mi música, ahora más presentes”.

En cuanto a su banda, ha cambiado. #12 enero 2020

CRITICANDO Twelve Nudes

“Antes el sexo y todo lo que hay alrededor de eso era una parte ” importante de mi vida Antes eran The Boy Friends, ahora The Visions, aunque en realidad sean los mismos miembros. Son cosas extrañas y difíciles de explicar. “El personal es el mismo, no hemos cambiado a ninguno de los músicos. Pero como el actual es un concepto distinto, lo de antes ya no nos sirve. Ha quedado obsoleto”.

2016 fue un año duro para él, cosa qu le motivó a cambiar de hábitos y algunas dinámicas. De Berkeley se mudó a su Chicago natal, aunque no duró mucho allí, volvió de nuevo al lugar de origen. “A Chicago sólo voy para grabar, lo hago sobre todo por los estudios y por quien los lleva, una especie de genio. Cuando acabé, volví a California, pero no a Los Angeles. En Berkeley hay otro ambiente”.

Cambiando de tema, y ya que antes hablábamos de influencias musicales, Ezra Furman también ha publicado un disco de versiones, Songs By Others (19), en el que cada canción pertenece a una década, desde los años cincuenta hasta ahora.

Bella Union ROCK 8/10

De Little Richard a Melanie, pasando por The Replacements, Beck, LCD Soundsystem o Arcade Fire. “Una canción buena es siempre una buena canción, da igual quien la haga, eso no importa. Y a mí me gusta hacer versiones, cualquier época me vale. En ese momento me hacen feliz y, al cabo de un rato, pienso que quizás no ha sido tan buena idea como yo pensaba”. Por otro lado, a Ezra Furman es fácil imaginarle dentro del universo de Hedwig And The Angry Inch. Y por lo visto no andábamos muy desencaminados.

“Conozco a los que la crearon. Somos amigos, sobre todo de su director John Cameron Mitchell. Aunque, en realidad, no sé exactamente qué tengo en común con la película y su música.

Antes el sexo y todo lo que hay alrededor de eso era una parte importante de mi vida. No sé... Quizás ahora me estoy perdiendo algo”.

—toni castarnado

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Que un músico sea imprevisible solo se puede tomar como algo positivo. Y Ezra Furman entra en esa categoría con todos los honores. Furman graba por impulso, por sensaciones. Su carácter díscolo y provocativo le convierte en un ser incomprendido, nadie sabe en qué casilla ubicarlo. En este disco acude a la figura de Jay Reatard como fuente de inspiración. Reatard era otro músico que se ceñía exclusivamente a sus propias convicciones como arma para actuar. Si en su anterior trabajo, Transangelic Exodus (18), Furman tocaba teclas hasta entonces inéditas jugando en exceso al despiste, ahora vuelve a un terreno que sí ha pisado anteriormente. Aunque lo haga de un modo distinto, con otras premisas y desde otra perspectiva. Porque quien crea que el punk solo tiene un hilo se equivoca. Ahora el sonido es más sucio y el discurso más crítico que nunca. En apenas media hora, Ezra Furman se rebela y grita a modo de desahogo.

Canciones desesperadas para tiempos desesperados. —t.c.

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DESTROYER FOTO: archivo

BILLIE EILISH FOTO: archivo

MONDO FREAKO

Los Discos de mi Vida Pedro LaDroga

La pasada edición del NOS Alive dejó el listón muy alto ya que contó con las actuaciones de The Cure, Bon Iver, Thom Yorke o Jorja Smith entre muchos otros. Una vez finalizado el festival, la organización realizó su primera confirmación, Da Weasel, y poco después se confirmó la presencia de Taylor Swift. Pero hay mucho más que ya se ha dado a conocer a estas alturas. La nueva edición, que tendrá lugar del 8 al 11 de julio en Lisboa, contará entre sus participantes con Billie Eilish, Faith No More, Kendrick Lamar, Alt-J, Seasick Steve, Khalid, Parov Stelar, Anderson .Paak & The Free Nationals, Caribou, Cage The Elephant, Angel Olsen, Haim, Two Door Cinema Club o Parcels, entre otros. —MS www.nosalive.com

El sevillano lleva publicada una larga lista de referencias de distintas características, minutajes y estilos. Este año ha publicado Eurococa (PLD/Helsinki Pro, 19), una de las más completas. Aprovechamos para interesarnos por sus referentes.

Jamiroquai

The Prodigy

SpaceGhostPurrp

Quiero introducir esta lista con un disco perfecto, y este acid funk, con tintes de otros muchos estilos, es la combinación perfecta, y más si lo descubres viendo el videoclip de Cosmic Girl cuando eres un bebe. Limpio al máximo exponente.

Me sigue poniendo los pelos de punta la progresión, la atmósfera, y el entorno que crea. Siempre me imaginaba matando gente, partiendo botellas y corriendo por un metro rollo americano abandonado. Sus canciones y las melodías están grabadas a fueguísimo en mi cabeza.

Cuando todo el mundo copiaba el trap de Chicago o Atlanta, este cabrón de Florida se concentró en lo que fue la base de todo eso, es decir de Gucci Mane, T.I, Chief Keef... Y es el rap de Memphis. Una joya y una obra maestra.

AMAIA FOTO: ARCHIVO

Travelling Without Moving (1996)

Experience/Music For The Jilted Generation (1992/1994)

Blvcklvnd Rvdix 66.6 (2011/2017)

Sexta edición del Inverfest La próxima edición del Inverfest se celebrará entre los días 9 de enero y 14 de febrero de 2020. El cartel incluye artistas nacionales e internacionales, así como actividades relacionadas con el cine y la poesía. Algunos de los nombres que participarán en esta edición son Amaia, Nacho Vegas, Christina Rosenvinge, Estrella Morente, Fuel Fandango, Xoel López, India Martínez, Furious Monkey House, El Niño de la Hipoteca o Funambulista. Por lo que respecta a La Nevera Film Fest, que es la sección de cine del festival, podrán verse largometrajes documentales como The Devil And Daniel Johnston o Matangi-Maya-MIA. —MS www.inverfest.es #14 enero 2020

Hasta ahora, el festival Vida ya había confirmado las actuaciones de Destroyer, Belle And Sebastian, Parcels, Ferran Palau, Maria José Llergo, Angel Olsen, Manel, Black Pumas y Cut Copy. En un mes el Festival Internacional de Vilanova i la Geltrú no ha dejado de anunciar artistas que participarán en su séptima edición. Ahora rematan las primeras confirmaciones con trece nuevas incorporaciones. Entre los nuevos nombres que conforman el cartel están Cate Le Bon, Enric Montefusco y Flamingods.

Por otro lado, el público podrá presenciar la presentación del proyecto conjunto de Paula Bonet y The New Raemon, Quema la memoria. También estarán Núria Graham, Mourn, Mazoni, Ladilla Rusa, Baywaves o Chaqueta de Chándal. —MS www.es.vidafestival.com

LA POLLA RECORDS FOTO: ARCHIVO

Primeros nombres del NOS ALive 2020

El VIDA anuncia nuevos artistas

Cuarta edición del Tsunami Xixón Return To Forever

El Payo Malo

oOoOO

Siempre me encantó el jazz, el funk, el soul /y toda la música negra.

En casa solo sonaba eso y flamenco. Chick Corea y su jazz fusión siempre me encantó.

After The Cosmic Rain se convirtió en uno de mis temas favoritos de todos los tiempos.

No quería dejar este top sin un disco de rap español, y puse estos dos discos de El Payo Malo porque, aparte de otros muchos, son de los que más me marcaron por los beats futurístas del visionario productor Dj Griffi (Solo Los Solo) y los rapeos rebosantes de flows y quejíos flamencorros de El payo.

Si hablamos de witch house puedo poner como principales referentes a Salem, Balam Acab, Modern Witch, Ritualzz... y también a oOoOO. Por gusto propio lo pondría arribísima en el top. Es un diez de diez. —MS

Hymn Of The Seventh Galaxy (1973)

Con tierra en los bolsillos/ Equilibrio (2001/2003)

oOoOO (2011)

Del 30 de julio al 1 de agosto de 2020 se celebrará la nueva edición del Tsunami Xixón en Gijón, un evento que apuesta por las guitarras de una forma amplia y directa.

Esta vez los principales cabezas de cartel serán Sum 41, La Polla Records, Airbourne, Refused, Flogging Molly y Clutch. Aunque mucha atención al resto del cartel, porque ahí estarán bandas internacionales como Anti-Flag, Red Fang, Strike Anywhere, The Flatliners o Authority Zero, y estatales como Zea Mays, Los Nastys, Escuela de Odio, Parquesvr, Medalla, Syberia, Serpent, Weak o la banda de versiones punk Me Fritos And The Gimme Cheetos, entre muchos otros. —MS www.tsunamixixon.com

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Kindness Espíritu de comunidad A

dam Bainbridge regresa a su alter ego Kindness tras varios años apartado, varios años embarcándose en proyectos tan ambiciosos como el desacomplejado Freetown Sound (16) de su amigo Dev Hynes (Blood Orange), el descomunal A Seat At The Table (16) de Solange, el debut largo de Kelela o el hiperestésico y sensual Honey (18) de Robyn. Varios años aprendiendo y reencontrándose con su propia voz. Una que apela siempre a lo comunitario y que por eso se rodea esta vez de un mayor (si cabe) número de colaboradores. “Me encanta entender otros puntos de vista, participar en diferentes procesos creativos, es algo que me enriquece mucho. Soy una persona a la que le gusta mucho colaborar artísticamente. Me gusta ver diferentes perspectivas y aprender a unificarlas”. Es algo que según él le ha llevado a “reconectar consigo mismo” para finalmente poder disfrutar haciendo otro disco como Kindness.

Something Like A War representa además un regreso de forma independiente para un artista que reconoce sentirse

Adam Bainbridge se toma las cosas con calma por lo que refiere a Kindness. Ahora publica nuevo disco, Something Like A War (Female Energy/Popstock!, 19), tras una larga temporada dedicándose a amistades como Blood Orange o Solange.

ahora más seguro de sí mismo y más capaz de experimentar. “Ojalá llegara al punto en el que pueda experimentar al máximo y que la gente siga escuchando mi música”, me dice quedo al teléfono. “Hacerlo todo de forma independiente me permite seguir la conversación con mi público, mostrarme tal y como quiero mostrarme, tal y como me siento”, sin dependencias de los designios de una discográfica y sin comprometer su trabajo. Es algo que en parte ha aprendido de Robyn, pero reconoce que también “es muy inspirador todo lo que está pasando con la música urbana” y su parte de reacción contra todo, “como en el punk”.

Con la sueca ha compuesto esta vez hasta cuatro canciones del disco. “Siempre cuento con Robyn

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cuando hago música porque conectamos muy bien en todos los sentidos. Me ayuda a orientarlo porque me ayuda a orientarme a mí. Cuando escribe conmigo me ayuda a hacer mi música de la mejor manera posible. Me encanta contar con ella para encontrar mi melodía, pero es que además fuera de lo profesional es increíble”. Buena cuenta de ello lo da el videoclip de Between The Lines, montado por el propio Bainbridge.

Y ese espíritu participativo es algo que también conoció de cerca con Solange. “Lo que más me inspiró, digamos, fue su visión”, reflexiona.

“Esa capacidad para ver que era posible realizar semejante proyecto con tantos elementos coordinados.

Todo lo que hicimos con A Seat At The Table quedará en mi memoria como uno de los grandes proyectos de mi vida. Solange lo tenía todo pensado de forma holística… Todo como una enorme obra de arte”.

—diego rubio

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enero 2020 #15

WALA. WALA.

“Lou Reed no hacía gran cosa de las historias. Él las contaba de un modo que las normalizaba.

No le pedía al oyente que se sintiese de un modo concreto. No había juicio” Ezra Furman, sobre Lou Reed, en Mojo

“Nunca ensayo. Nunca.

Veinticinco años con la Bel Canto Orchestra y ni un ensayo. Quizás la gente se dé cuenta algún día de que es un modo muy humano de entender la música” Pascal Comelade, en Ruta 66

“Al empezar este año, mi álbum Igor era número uno en el país. Y entonces apareció esta chica que viste como un quarterback y decidió cambiarlo. Se llama Billie Eilish”

Medalla (El Segell, 19) supone la segunda entrega del “cóctel Medalla”, un combinado sonoro potente y francamente estimulante, en el que la banda aúna heavy metal, rock pesado, indie-rock noventero y melodías pop.

E

“No llevo música en mi móvil. Sería como comer donde cagas. ¿Qué ocurre si te llama alguien de tele-marketing mientras estás escuchando una canción?”

Bonnie ‘Prince’ Billy, en Uncut

Medalla Sonido heavy, mentalidad indie

mpezamos hablando sobre lo que aporta Medalla a la trayectoria del grupo. Nuestro interlocutor es Èric Sueiro, cantante y guitarrista, vía telefónica.

“Es más heavy que el primer disco (Emblema y poder, 17), pero a la vez es más popero. Hemos querido llevarlo todo al extremo: las canciones pop (léanse Guardián o Cuello Isabelino), que fuesen súper pop, y las que fuesen tralleras, que fuesen súper tralleras”. Una pasión por el rock pesado que han tenido siempre. “El heavy siempre nos ha tocado de cerca y nos gusta integrarlo en nuestra forma de hacer música. Nos gusta que suene un poco actual, porque tenemos la sensación de que la escena heavy se ha quedado un poco atascada. Y aunque nosotros podríamos estar en el Azkena Rock, también nos mola tocar en el circuito indie, por nuestra mentalidad, supongo”. Escuchando a Medalla, llaman la atención tanto lo trabajadas que están las canciones, con multitud de cambios y breaks dentro de un mismo corte, como el virtuosismo instrumental de la banda, sin duda por encima de la media en la escena underground. “El que más formación musical tiene es Marc, el batería. En este disco se nota un montón en la línea melódica, porque Marc está haciendo una barbaridad de patrones de batería. Aunque en el fondo todos somos bastante autodidactas. Llevamos tiempo tocando y nos gusta explorar nuevos territorios”.

En un disco de rock potente, tan envolvente y bien ejecutado instrumentalmente,

es importante destacar el trabajo del productor Sergio Pérez (Svper). “Sergio es uno de los mejores productores que hay en España. Él juega un papel muy importante en cuanto a qué dinámica queremos darle a los temas. Por ejemplo, la primera versión que teníamos de Devoto Cardenal duraba cinco minutos, y acabó durando tres: decidimos ir a piñón toda la canción. Y luego en la mezcla ha hecho un trabajo increíble”.

Capítulo aparte merecen también las letras, y es que el elemento heavy parece ir más allá de lo musical para llegar también a lo visual (tipografía de la portada) y al propio imaginario del grupo, como es el caso de Herederos. “En el primer disco la lírica era un poco más medieval, y en este nuevo álbum hemos intentado seguir por esa línea, pero a la vez actualizarla. Por ejemplo, en Lengua afilada seguimos hablando de la ciudad como si fuese un castillo. Hemos intentado llevar ese imaginario de la violencia y el medievo, que si lo piensas no está tan lejos de lo que estamos viviendo hoy en día”. Sin quizá buscarlo premeditadamente, a Medalla les ha quedado un collage de los vicios de la sociedad en la que vivimos (referencias a los bancos en Devoto Cardenal, a la monarquía en Cuello Isabelino…)

“Cuando en Devoto Cardenal decimos “Hacienda somos todos/ todos somos España”, queremos decir que España son muchas ideas y muchas formas de verlo todo”. Un Todos somos España que, siendo la banda de Barcelona, adquiere un significado especial en los días en que vivimos. “La idea es que a la gente le chirríe. De hecho el otro día, cuando tocamos en Sidecar, Devoto Cardenal fue la última canción, y fue una puta locura. El ambiente está muy encendido, y nuestras letras ahondan en esa crispación social”.

—miguel díaz herrero

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Tyler The Creator, en los American Music Awards

Rob Halford, de Judas Priest, en Rockzone.com

#16 enero 2020

eas y "España son muchas id todo" muchas formas de verlo

FOTO: LIDIA ARRUEGO

“el colectivo LGBT tiene tanto peso que sus votos pueden dar o quitar gobiernos, y eso es fantástico”

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LOUISE LEMÓN BARCELONA VIERNES 21 FEBRERO RAZZ 3 MADRID SÁBADO 22 FEBRERO MOBY DICK VENTA DE ENTRADAS EN DOCTORMUSIC.COM Y ENTRADAS.COM

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GHOSTEEN YA A L A V E N DA

lo mejor de 2019 2

3

Novedades Carminha

Manel

Ernie Records

Ceràmiques Guzmán

POP /Todo suma en este trabajo tan acaramelado como peligroso, dentro de esa dualidad que cultivan desde sus inicios. La diferencia es que, ahora que la emblemática tienda de lencería que dio nombre al grupo ha echado el cierre, van a calzón quitado, llevando dos pasos más allá las intenciones que habían mostrado en Campeones del mundo (16).

—enrique peñas

POP /Acomodo y nuevo disco de Manel son conceptos totalmente antagónicos. Y aunque es bien cierto que experimentar no tiene por qué llevar a nadie a mejores resultados, es un placer dejar constancia por escrito de lo mucho que consiguen los catalanes en cada uno de sus movimientos discográficos. El computo global suma un solidísimo y notable disco. —joan s. luna

4

5

Le Parody

Cala Vento

Autoeditado/Gran Sol

Montgrí

ELECTRÓNICA / Si en Hondo (15) ya apostaba por llevar saetas, coplas y folclore al universo de los secuenciadores y los loops, en Porvenir la andaluza imagina que los tablaos del futuro son una gran rave en la que habitan replicantes de la música de raíz y humanos heridos por la vida moderna. De una nave industrial en el Berlín del techno oscuro a los conflictos fronterizos. —alan queipo

POP ROCK /Desconozco qué metas se había planteado el dúo catalán para su tercer trabajo, pero las han alcanzado seguro. Porque Balanceo es su disco mejor tocado y cantado. Aleix y Joan nos obligan a montarnos en su furgoneta gritando con ellos el estribillo de La comunidad y no nos dejan bajarnos hasta que nos abrazamos unos a otros cantando el de Liquidación total. —joan s. luna

Ultraligero

Himnos titulares N

o estamos ante la lista de singles del año, sino frente a la de mejores álbumes de la temporada que dejamos atrás. Sí, quizás estemos en unos tiempos en los que los singles vuelven a ser los verdaderos generadores de popularidad para las bandas, pero si un grupo o un solista es capaz de completar un disco en el que no haya relleno merece que lo digamos alto y claro. Y más todavía si esconde un buen puñado de esos singles de los que antes hablábamos. Los madrileños Carolina Durante, los gallegos Novedades Carminha y los catalanes Manel se han sacado de la manga tres discos plagados de canciones coreables y adictivas, cada uno a su manera y dentro de sus postulados, pero tan efectivas las unas como las otras. Ha sido el año del ascenso meteórico de Carolina Durante, eso no admite duda, pero echen un vistazo al resto de la lista para descubrir una larguísima lista de discos que merecen atención y tiempo. —joan s. luna

1 Carolina Durante

Carolina Durante Sonido Muchacho/Universal POP /Tanto cuando se autoanalizan como cuando avivan la llama del morbo romántico, sacan matrícula, pero también aprueban con nota cuando hacen un nuevo retrato generacional, cuando firman cortes de velocidad y urgencia punk o cuando aceleran la canción melódica. Han hecho un disco importante. De esos que abren camino. —alan queipo

Porvenir

Per la bona gent

Balanceo

6

7

8

9

10

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba

Sen Senra

León Benavente

Cupido

Blanco Palamera

Sonido Muchacho

Warner

Hermanx/Universal

Raso Estudio

POP /El tercer disco del gallego es la plasmación de un sonido cargado de sensualidad que combina el pop urbano, la electrónica y el neo-soul. Las referencias están ahí (Frank Ocean, Stevie Wonder…), pero sobre todo la determinación de no limitarse. Un trabajo de una sencillez solo aparente que dota a la melodía de voz de un papel protagonista. —enrique peñas

ROCK / El combo capitaneado por Abraham Boba se permite juegos que no se percibían tan heterogéneos en los dos discos anteriores.

Desde referencias inéditas hasta abrir el disco (Cuatro monos) con una canción-siamesa de la autorreferencial Habitación 615, como si el final del anterior disco fuese el prólogo de este. —alan queipo

POP /Cupido es la primera superbanda post-trap nacional. Hay algo de cierto en ello: traperos y bandas no le daban juntos en el local. Como álbum de pop, aguanta el tirón. La banda partía de un hit inapelable (No sabes mentir), pero existía la duda de si el ritmo se mantendría. Pimp Flaco salió de la bedroom y no parece que vaya a volver. —yeray s. iborra

R’N’B /Un trabajo de una transparencia precisa que explora sonidos que van de la amplitud del dream pop a las cavilaciones meditativas del r’n’b, el jazz o el trip-hop. Un collage sonoro cuyo punto de referencia más obvio es el chillwave. Pero bajo esa superficie de texturas sintéticas se encuentran canciones cálidas y muy bien estructuradas. —tomás crespo

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba El Segell/Universal ROCK PSICODÉLICO /Entre tanta expectación alrededor de su debut había también una duda: ¿se mantendría el nivel de sus directos? La respuesta es afirmativa. Tras escuchar este primer disco está claro que DMBK han venido para quedarse y este debut es una magnífica carta de presentación. —pablo tocino

Sensaciones

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Vamos a volvernos locos

Préstame un sentimiento

Promesas

enero 2020 #19

LOS MEJORES DISCOS NACIONA

11

12

13

14

15

Califato 3/4

Miguel Grimaldo

La Bien Querida

Fuerza nueva

Adrift

Breaking Bass Records

Autoeditado

Elefant

El Ejército Rojo

Temple Of Torturous

ELECTRÓNICA / Cada sample, cada hijo bastardo de electrónica contemporánea y flamenco que alumbran, es un canto de resistencia que comunica el pasado y el futuro de Andalucía y que entiende la tradición como un campo minado de posibilidades.

Una memoria colectiva en la que perviven las voces de los marginados y los excluidos. —darío garcía coto

RAP / Habla de calle, huele a cemento y suena a noche. No hay glamour ni impostura en el relato que ofrece Grimaldo, no hay sitio para la banalidad ni para la comercialidad en su discurso. Miguel Grimaldo no se permite caer en cinismos ni frivolidades, su propuesta va en serio y quien se acerque a Trip Ass con ligereza saldrá magullado. —ricky lavado

POP / Vuelve a redondear la jugada con un disco casi conceptual en el que cada canción está relacionada con un encantamiento. Profundamente romántico, puede que este sea el trabajo en el que habla con más precisión sobre el amor y sus vicisitudes. Ahí están títulos como La verdad o Te quiero, poco susceptibles a interpretaciones. —tomás crespo

ROCK / El atávico poder de los himnos recorre las canciones del provocador proyecto de Los Planetas y Niño de Elche. En él la música ejerce como elemento central, aunque el despliegue resulta más eficaz cuando se les suman los vídeos de Andrés Duque, las ilustraciones de Javier Aramburu y los textos de Pedro G. Romero. —enrique peñas

METAL / Después de siete años de espera, regresan con un disco que cumple a todos los niveles y que consigue algo que, más allá del talento, conlleva la experiencia: el uso estudiado de las dinámicas y la alta capacidad para ligar densidad con atmósfera. Sin altibajos o puntos débiles, convence al escéptico desde la primera escucha. —tomeu canyelles

21

22

23

24

25

Presumido

Medalla

Serpent

Pedro LaDroga

El Petit de Cal Eril

Presumido Records

El Segell

Varios sellos

Helsinki Pro/LaDroga Lab

Bankrobber

POP / Presumido culminan un año lleno de mucho curro y muchas recompensas: hace doce meses que decidieron hacer su siguiente proyecto al margen de discográficas.

El resultado es Cuatro estaciones, suma de los epés que Tarci y Nacho han ido publicando y en el que desarrollan su personal pop electrónico y su espíritu DIY. —pablo tocino

ROCK / El segundo largo de los barceloneses parece venir a apuntalar el heterodoxo cóctel musical del grupo.

Un cóctel capaz de aglutinar ritmos pesados propios del heavy metal, rock alternativo, referentes actuales y algunas melodías ciertamente pop.

Robustez rítmica, cambios y breaks bruscos con un elemento imprevisible. —miguel díaz herrero

POST-HARDCORE / Post-hardcore con ramalazo punk rock, hi energy, disonancias y ritmos que huyen de lo estándar, sin que eso impida que cuenten con sus estribillos eficaces y con un despliegue de riffs que, disculpen el tópico, son puñetazos directos en la mandíbula. Lo mejor para recordarle a uno por qué le gusta el hardcore. —joan s. luna

RAP / Un paso en firme en su trayectoria con un álbum en el que, además de colaborar con grandes productores de la escena española (Danni Ble, $kyhook), consigue darle un giro de lirismo a sus textos y una densísima atmósfera neopunk a unas canciones que están entre lo mejor de su carrera.

—luís mainez

POP / Siguen en su cruzada para exprimir todo el amor posible de las frecuencias sonoras. Afinan el silencio y la armonía y los funden en un abrazo suave. Trabajan con precisión cada molécula sonora. Prestan atención al detalle. Solo así consiguen que cada parte de cada canción brille por sí sola y a la vez forme parte de un todo. —andreu cunill clares

31

32

33

34

35

El Hijo

Lorena Álvarez

Viva Suecia

Tribade

Enric Montefusco

Subterfuge

Propaganda Pel Fet!

El Segell

POP / Está claro que están en estado de gracia. Ese que coloca a una banda en el tiempo y el espacio precisos, consiguiendo que todo fluya de forma milagrosa. En este disco ellos mismos intentan buscar respuesta a todo lo que les ha sucedido, que tiene más que ver con la forma oracional de sus canciones que con instancias divinas. —arturo garcía

RAP / Sombra Alor, Masiva Lulla y Bittah, acompañadas de Big Mark a los platos y Josh en los beats, firman un disco que combina la trascendencia de sus letras con la fiesta de su música, dinamita para cerebros y caderas a partes iguales. Un zas en toda la boca a aquellos que insisten en encasillar el rap hecho por mujeres en una subcategoría. —maría fuster

CANCIÓN / Más detallista en los arreglos que en su anterior referencia, Montefusco insiste en su particular peregrinación hacia una canción de autor en connivencia con formas de músicas tradicionales, folklore popular, ciertos detalles cabareteros y su imborrable poso rock.

Y sobre este manto sonoro emerge su poética. —oriol rodríguez

Puerta de la Cânne

Cuatro estaciones

Capital Desierto

Trip Ass

Medalla

Intromúsica

Colección de canciones sencillas El Segell

ELECTRÓNICA / ¿Cuál es la banda sonora de este mundo dislocado, precarizado digitalmente y lleno de contradicciones? En el primer álbum que firma dentro de su etapa totalmente electrónica, tercera entrega de un tríptico precedido por los epés Fragmento I (15) y Dentro (18), el ex Migala y Emak Bakia da su muy personal respuesta. —jc peña

FOLK / A pesar de tener muy presente el folk y los sonidos tradicionales, es, sin duda, el disco más pop en espíritu de Álvarez.

Canciones como Debajo de este olivo o Aborrezco lo que adoro le traen a uno a la cabeza a las primeras Vainica Doble, que también jugueteaban con el pop y el folk de raíces. —xavi sánchez pons

#20 enero 2020

Brujería

Lluna roja

El milagro

Fuerza nueva

Eurococa

Las desheredadas

Pure

Energia fosca

Diagonal

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ALES DE 2019

16

17

18

19

20

Estrella Fugaz

Yawners

Dano

Kiko Veneno

Los Punsetes

Caballito Records

La Castanya

Mécèn/Ziontifik

Elemúsica/Warner

Mushroom Pillow

POP / Un debut que se mece al calor de canciones caseras que van tomando cuerpo a base de pinceladas sintéticas de matices lo-fi, escapando siempre hacia territorios donde lo vanguardista se acaba imponiendo.

Un disco donde lo esquivo de su sonido resulta perfecto para poder descifrar todas las extrañezas propias de la vida. —noé r. rivas

ROCK / Yawners son un torbellino de fiereza rítmica e insultante creatividad melódica que hace imposible apartar la mirada del escenario. Y su disco, una imponente ristra de hits de rock alternativo con aceleración noventera al estilo de unas The Breeders en estado de gracia. O de las Dover, pero mejor afilado. —ignacio serrano

RAP / Itsmo une viejos y nuevos mundos. Une la edad dorada del boom bap y la Nueva York de los noventa con el comienzo de una edad dorada para el rap estatal, la que marcaron Ziontifik cuando decidieron cambiar el juego. Dano se despliega aquí como itsmo entre aquella escena y el boom, ahora ya sin el bap, que vivimos hoy. —darío garcía coto

POP / Uno podría quedarse con la anécdota del envoltorio colmado de sintetizadores, una especie de transmutación en el cuerpo de un viejo amigo como David Byrne. Pero no deja de ser eso: una divertida anécdota que le da un barniz diferente a un puñado de nuevas canciones que revitalizan su ya clásico cancionero.

—don disturbios

POP / Todo aquello que forma parte de Los Punsetes está representado en Aniquilación; desde los certeros hits pop-punk hasta los desarrollos noise más elaborados, desde las coñas más mundanas hasta las reflexiones sarcásticas que provocan una risa agria. El disco que ofrece una referencia más completa de sus virtudes. —tomás crespo

26

27

28

29

30

Agoraphobia

Chaqueta De Chándal

Mucho

Pony Bravo

Oques Grasses

Dotbeat

Bankrobber

Kartoffel Kollektiv

Telegrama

Halley Records

ROCK / Las gallegas tienen las ideas claras. Su fórmula se refina en este segundo álbum, donde encuentra el equilibrio entre melodía y contundencia a partir de un eclecticismo bien entendido y una mayor densidad sonora. Beben del punk, el stoner, la oscuridad casi gótica o el emo en una mezcla tan explosiva como madura y oscura. —jc peña

ROCK / Vivimos tiempos en que la Ley Mordaza y el autotune ahogan las propuestas ácidas y las guitarras. Por ese orden. Pero siempre hay quien se salta la barrera y despacha material afilado y con sonidos prehegemonía trap. Todo en Gimnasia menor, un disco de kraut, psicodelia y punk de letras acidísimas. A berrear. —yeray s. iborra

POP / La soledad en un mundo supuestamente hiperconectado es el eje central del primer disco de Mucho como proyecto personal de Martí Perarnau IV, que se ha tomado su tiempo para madurar ideas, desarrollarlas y darle forma con gusto a esa pasión que ya asomaba en su anterior Pidiendo en las puertas del infierno (16). —beatriz h. viloria

KRAUTROCK / De la zona de confort se sale no tanto por gusto, si no porque a uno le echan de allí a patadas. Y eso es lo que vienen a hacer Pony Bravo con este cuarto álbum, creando una vez más un exótico salteado en el que hay semillas de afro-funk, hip hop primitivo, lo-fi, dub, raíces andaluzas o krautrock. —enrique peñas

MESTIZAJE / Lo que destaca de Fans del sol es que incluso lo que parece lo mismo de siempre suena distinto. La clave está en la incursión que han hecho los osonenses en los sonidos más electrónicos y en los géneros latinos, así como en el pop e incluso el folk. La apuesta por una música con cada vez menos fronteras es clara. —laura cánovas

36

37

38

39

40

Antifan

Los Estanques

Delafé

$kyhook

Camellos

Sonido Muchacho

Inbophonic Rec./The John Colby Sect

Autoeditado

Withered

Limbo Starr

POST-PUNK / Antifan evidencian el error que cometemos al simplificar a la generación trap nacional.

En este robusto álbum, Jerv.agz y I-Ace de Agorazein y Hartosopash apuestan por el post-punk oscuro y el afterpunk redondeando un álbum en el que tanto reverencian a PIL como recuerdan a El Columpio Asesino. —joan s. luna

POP PSICODÉLICO / El cuarteto cántabro cava en la veta desprejuiciada del pop progresivo, y les sale un disco tan sorprendente como jugoso. Canciones como ¡Joder!, Deceso inmortal o Clamando al error combinan complejidad, melodías pop y referencias exquisitas: de The Beatles y The Kinks al funk lounge pop sofisticado de Suerte. —jc peña

POP / Melómano empedernido, Óscar D’Aniello ha transitado funk, electrónica o hip hop. Con suerte dispar.

Y ha sido en el pop a secas, sin más pretensión que el de crear verdad en tres minutos, donde el catalán ha vuelto a destacar: Hay un lugar es redondo y accesible. Y poca más alabanza puede darse a un buen disco de música popular. —yeray s. iborra

RAP / $kyhook reúne un all stars del presente y el futuro de la escena urbana estatal y consigue que todos respiren el mismo aire, esa atmósfera densa que envuelve sus producciones y que empapa Moonchies de principio a fin. Funciona como viaje íntegro, casi conceptual, pero también lo hacen –y de qué manera– sus partes por separado. —darío g. coto

ROCK / Cayeron de pie en lo que a estilo se refiere, dando en la tecla a base de golpes de efecto y latigazos punk pop como relatores de las miserias de una generación confusa. La fórmula evoluciona atrevida y sin derrapar, con la confianza que les otorga la buena recepción de un público ya incondicional. Nuevos referentes. —bruno corrales

Un sendero fluorescente

Unaligned

Puede ser una mala racha

Just Calm Down

Gimnasia menor

Los Estanques

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Itsmo

¿Hay alguien en casa?

Hay un lugar

Sombrero roto

Gurú

Moonchies

Aniquilación

Fans del sol

Calle para siempre

enero 2020 #21

RESUMEN NACIONAL 2019 POR E METAL

Puro metal (extremo) Top10

Adrift Pure Temple Of Torturous Records

2 Teitanblood

The Baneful Choir NoEvDiA 3 Totengott

The Abyss Burning World Records 4

Graveyard Hold Back The Dawn War Anthem Records

5 Altarage

The Approaching Roar

Season Of Mist

Saltarse normas

6 Tort

Void Addiction Discos Macarras y otros 7

Hela Vergvísir Tormo Records

N

Barbarian Swords Totemic Anal Turbofucker Background Noise/Blood Fire Death

9 Mean Machine

Rock’n’Roll Up Your Ass

Fighter Rec./Lengua Armada 8

10 Foscor

Els sepulcres blancs

Season Of Mist

ADRIFT FOTO: ARCHIVO

#22 enero 2020

MIGUEL GRIMALDO FOTO: JAIME UVEDOBLE

1

RAP

L

o de Adrift no tiene nombre. Hemos tenido que aguardar siete largos años para enfrentarnos al nuevo arsenal de los madrileños, pero la espera ha merecido la pena. Pure suena abrasivo y arrollador, mejorando, si cabe, los aciertos del excelente Black Heart Bleeds Black (12). Una exhibición de fuerza y creatividad capaz de noquear al más bregado; un festín de riffs como losas, tempos variados, pasajes post-metal y oscuridad infinita. Les pisan los talones los madrileños Teitanblood y el death/black de su tercer largo, una barroca salvajada de mala uva, densidad y crudeza.

Abominables. Tampoco se quedan cortos los asturianos Totengott, que mantienen viva la llama de sus queridos Celtic Frost con una nueva entrega de doom y black/thrash primitivo y abrasador. En cuanto a Altarage, los bilbaínos constatan su buen momento con un tercer disco en apenas tres años; una nueva oleada de black/death radiactivo que desintegrará tus sentidos. Y qué decir de Graveyard: los barceloneses parecen no tener techo y se mantienen imbatibles en primera línea de la escena extrema catalana.

La segunda mitad de nuestro top incluye lo nuevo de Hela y su onírico viaje por el doom más atmosférico; la robustez doom/sludge de Tort, íntegros como pocos; o la punkarrada black/death de los demoledores Barbarian Swords. Y para cerrar, una buena dosis de heavy y speed metal de la mano de los ascendentes Mean Machine; y la última aventura de Foscor, un paso más hacia la luz que confirma su incesante búsqueda de nuevos territorios. —david sabaté / edu tuset

os gustan las nuevas propuestas. Aquellas que rompen cánones, esquemas, cabezas y que, en ocasiones, incluso desafían a la lógica y la historia musical. Y Miguel Grimaldo es una de ellas. Ya lo fue en su labor con Urano Players y su último disco en solitario Trip Ass lo confirma. A Grimaldo le gusta el riesgo, innovar, y eso merece un reconocimiento.

Una actitud ante la música que comparten otros nombres habituales como Pedro LaDroga, $kyhook, Denom o los emergentes Ummo Pero ojo que lo clásico, no vayamos a confundirnos, también puede sorprender. Así lo ha demostrado Dano, recuperando con exquisitez los sonidos noventeros neoyorquinos y mostrándonos que lo importante en la música es saber el sonido que quieres y trabajar para conseguirlo. Protagonizando una lista en la que reaparecen los políticamente incorregibles Los Chikos del Maíz y jóvenes con futuro como Delaossa y Morad, que comparten espacio con el cada vez más potente rap feminista, representado esta vez por Tribade. Hasta el punto de haber dejado sin asiento a Don Patricio, Recycled J o Kaixo, otros de los grandes triunfadores de 2019. —alfonso gil

Top10 1 Miguel Grimaldo

Trip Ass Urano Player 2

Dano Istmo Ziontifik/Mécèn Ent.

3

Pedro LaDroga Eurococa Helsinki Pro/LaDroga Lab

4

Tribade Las desheredadas Propaganda Pel Fet!

5

$kyhook Moondchies Withered/ Helsinki Pro

6 Morad

M.D.L.R. Autoeditado 7 Los Chikos del Maíz

Comanchería BOA Música

8 Delaossa & J. Moods

Un perro andaluz

Space Hammurabi 9 Denom

Medicina Grimey Music 10 Ummo

Big In Japan Autoeditado

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ESTILOS HARDCORE-PUNK

Top10 1 Serpent

Lluna Roja B-Core y otros 2

sonido afilado y bañado en reverb de Irreal, la inspirada batidora de influencias noventeras de Blowfuse, la contundencia casi rockera de Catorce (un motivo por el que estuvieron a punto de quedarse fuera de la lista) o el post-hardcore urgente de Lluna roja, un disco en el que, esta vez sí, ha habido consenso. Y ojalá pudiéramos seguir más allá de los diez nombres: hablaríamos de epés como los de Habitar La Mar, Drei Affen y ONZA, splits como el de Herïda y Tarsius Tarsier y elepés como los de Minima, Amplify, Wood, Dumange, Kids Of Rage, Heksa o Illinoise. —darío garcía coto

ELECTRÓNICA

E

l pacto y el consenso pueden parecer similares, pero son prácticamente opuestos. Así lo defiende Pedro Vallín en ¡Me cago en Godard!, donde explica que el pacto, “una derrota mutua acordada” que incorpora la alteridad, goza de menos prestigio por estos lares que el consenso, que la niega. Nuestra lista de hardcore y punk, elaborada a partir de los votos de colaboradores de perfiles tan distintos que rara vez coinciden en un par de discos, demuestra que siempre hemos sido un poco raros. Aquí abogamos firmemente por el pacto, la única forma de hacer justicia a un paraguas estilístico tan amplio: desde el punk crudo y ácido de Venganza al hardcore melódico de Weak y Adrenalized, pasando por el

Blowfuse Daily Ritual Long Beach Records

3 Tano!

Cant als malsons Error!/Saltamarges/otros 4

The Blackjaw Burn The Artisan White Russian/Bartolini/otros

Hacia todas las direcciones E

n la variedad está el gusto. Y es lo que prima en esta lista de selección de lo mejor parido en las entrañas de la electrónica nacional a lo largo de 2019. Y es que este último año ha sido, por encima de lo demás, un ciclo a celebrar en cuanto a lanzamientos –tanto en formato álbum como epé–firmados por artistas españoles de muy diferentes pelajes, orígenes y querencias estilísticas. Por ello entre los diez mejores trabajos hay casi de todo, como en botica antigua. Desde el nu-jazz electrónico de unos Reykjavik606 que con su aclamado Endless Summer In Peckham logran auparse a lo más alto de la recopilación; el piscolabis sampleado y bailable que propone Jailed Jaime (Skygaze) con su Rave Tool; el sofisticado deep house de Nacho Marco y su Simple Things; la rica mixtura de juke, Uk garage y drum’n’bass de BSN Posse y su Untitled Album o la abstracción ensoñadora y avant de Pepo Galán en For Victoria. Pero aquí no queda la cosa, también hay lugar para el techno en diferentes versiones –emotivo y melódico con Jus Kno, el marciano de Templanza o el contundente y underground de Selección Natural. El mininalismo dronista y ambiental de Lost Twin & Glue Kids y el noise dark de Dead Normal completan una recopilación anual rica, justa y necesaria. —fernando fuentes

5 Crack del 29

El Perfecte Imperfecte Autoeditado 6 Venganza

Tu patria Discos Enfermos y otros 7

10 Catorce

Arcadia

The Braves y otros

1

Reykjavik606 Endless Summer In Peckham Forbidden Colours

2

Jailed Jaime Rave Tool Templos Tapes

3

Óscar Mulero The Beauty of Leaving a Legacy Semantica

4

Lost Twin & Glue Kids Take Shelter Solid Tapes

5

Chico Blanco Life After House 1129894 Records

6

Jus Kno’ Asymmetry Faneca Music

8

REYKJAVIK606 FOTO: ARCHIVO

Irreal Fi del món La vida es un mus

Top10

7 Nacho Marco

Simple Things Loudeast

Adrenalized Operation Exodus La Agonía de Vivir

8 Weak

The Wheel B-Core 9

SERPENT FOTO: Carolina Álvarez Gutiérrez

El pacto y el consenso

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Pepo Galán For Victoria Fluid Audio

9 BSN Posse

Untitled Album Autoeditado 10 Templanza

Alientronica Visionary

enero 2020 #23

RESUMEN 2019 POR ESTILOS MÚSICA DE RAÍZ

1. “Gran Fuerza” Astrud 2. “Erm” Balago

2. “Barí” Ojos De Brujo

2. “Shell Kids” Sidonie 3. “Álbum” La Buena Vida

1. “Vivalaguerra” Standstill 2. “Into The Plateau” Delorean 3. “De mi sangre...” El Columpio Asesino

8 Pedro Pastor y Los Locos Descalzos

Vulnerables Autoeditado Ruiseñora Relente Raso EstudiO

1. “Cuentos chinos...” Love Of Lesbian 2. “Triángulo de amor bizarro” T.A.B. 3. “La luz de la mañana” Facto Delafé...

1. “Cronolánea” Lori Meyers

10 Gaizca Project

Gaizca Project homerecord

2. “La Gallina” El Columpio Asesino 3. “Un día en el mundo” Vetusta Morla 1. “Romancero” La Bien Querida 2. “La dimension...” The New Raemon

WORLD MUSIC

Top10

Reinvención

MACACO FOTO: GUSTAFF CHOOS

A

unque a la etiqueta ‘mestizaje’ le ha sucedido algo parecido a la de ‘indie’ y con el paso del tiempo ha ido mutando y volviéndose más permeable, ya iba siendo hora de darle un espacio propio en nuestras listas, más allá del cajón de sastre de la ‘world music’. Su peso en nuestra industria es más que evidente, y son muchas las formaciones que desde el pop o el rock combinan ya sea con sonidos mediterráneos, caribeños (incluido el reggae o el dub), el fraseado rap y ¡cómo no! la sacrosanta rumbita que siempre adereza y mucho.

Todo ello con una vocación tan festiva como reivindicativa.

Música de verbena y fiesta mayor

#24 enero 2020

3. “La ciudad subterránea” Dorian

que incita al baile, pero también a tomar conciencia. Y con estos parámetros nuestro número uno estaba claro. Una vez más, todo un veterano de la escena mestiza como es Dani Macaco, ha hecho un disco tan variado como melódico, sin olvidar su evidente preocupación por la ecología. Otros que llevan nada menos que la friolera de ocho discos a sus espaldas son Gertrudis, que han entrado en la lista en el tiempo de descuento con su reciente No em dona la gana.

Una nueva piedra angular que los de la Garriga ponen dentro de la etiqueta mestiza que tiene en Cataluña un arraigo especial.

—don disturbios

1. “Pop negro” El Gunicho 2. “Subiza” Delorean 3. “Adelante Bonaparte” Standstill

1

Macaco Civilizado como los animales Sony

2

Gertrudis No em dóna la gana Promo Arts

3

Green Valley Bajo la piel Mundo Zurdo

4

Rumbaristas Rumbaristas Vía Láctea

5

Lágrimas de Sangre Vértigo Vértigo Records

6

Maruja Limón Ante mí Kasba Music

3. “Premeditación...” La Bien Querida

7

Álex Serra In The Real World Mundo Zurdo

2. “Movimientos” Juventud Juché

8

Chiki Lora Ura Satélite K

1. “45 cerebros y 1 corazón” Maria

9

Itaca Band La lengua de los pájaros Halley Records

3. “Hipi hapa vacilanduki” Bejo

1. “Diamantes” El Columpio Asesino 2. “10 milles per veure...” Manel 3. “The Orinal Soundtrack” Bigott 1. “De palmas y cacería” Pony Bravo 2. “León Benavente” León Benavente 3. “Victoria mística” T.A.B. 1. “Resituación” Nacho Vegas 2. “Centro Dramático Nacional” Biznaga 3. “Sangrín” Pablo Und Destruktion 1. “IV” Toundra 2. “Voces del extremo” Niño de Elche

1. ”Salve discordia” T.A.B. 3. “Me mata si...” Quique González

Arnal & Marcel Bagés 2. “Predación” Pablo Und Destruktion

10 Valira

Ecos de aventura

Propaganda Pel Fet!

2005 2006

3. “El fuego amigo” Sr.Chinarro

2007

Lin Cortés Indomable KZoo Music

2. “Hostal Pimodán” Lori Meyers

2008

7

1. “Todo el mundo...” Sólo Los Solo

2009

Las Migas Cuatro Satélite K

3. “Música Para Enfermos” Tote King

2010

6

The Unfinished Sympathy

2011

Rodrigo Cuevas Manual de cortejo Aris Música

2. “Rock For Food”

2012

5

1. “Little Heart...” The Sunday Drivers

2013

NIÑO DE ELCHE FOTO: ÁLVARO PERDICES

4 Martirio & Chano Domínguez

A Bola de Nieve Universal

2004

The Unfinished Sympathy

3 Faia

Ao Cabo Leirín Autoeditado

9

1. “An Investment...”

2014

tención! Los artistas de esta lista están más por renovar, romper o revolucionar la tradición, que por otras cosas. De hecho les molestan más las etiquetas que las de los cuellos de las camisetas. No hay más que mirar a los dos primeros protagonistas: Niño de Elche y Rocío Márquez. ¿Para cuándo un disco conjunto?. El primero en ese intercambio cultural (y personal) de los cantes de ida y vuelta entre el flamenco y la música latinoamericana. Y Rocío Márquez restaura temas casi olvidados vistiéndolos con guitarra, percusión y su privilegiada voz. Mirando al pasado para crear el futuro. Al igual que Faia, erudita gallega en una embelesadora investigación sobre música, mujeres y experimentación vocal. Emotivos también Martirio & Chano Domínguez homenajeando a Bola de Nieve uniendo jazz y flamenco. Y atrévanse con Rodrigo Cuevas, agitador que mezcla tonada asturiana y electrónica. Disfruten con Las Migas y su flamenco fresco y con el talento de Lin Cortés y su visión de las músicas negras a través de su flamenco indomable. Escuchen cómo Pedro Pastor impregna de ritmos sudamericanos su poesía social. A Ruiseñora y su psicodelia popular o el encuentro de las músicas tradicionales gallega, vasca y catalana de Gaizca Project. —miguel amorós

3. “La paz está...” El Hombre Burbuja

2015

2 Rocío Márquez

Visto en el jueves Universal

2016

A

1. “Memories collector” Standstill

2017

1 Niño de Elche

Colombiana Sony

2003

3. “Hallelujah” La Buena Vida

1. “El mal querer” Rosalía 2. “Desorden” La Plata 3. “Consagración” La Estrella de David

2018

Fuera etiquetas

Top10

/ “The Ionic Spell” Standstill

2002

Fueron MEJORES

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E

l colectivo Califato ¾ acaba de presentar un disco revolucionario para recrear y remover la conciencia.

Un viaje lisérgico a través de la libertad musical en el que la cultura popular y el folclore andaluz se mezclan con el footwork, el hip hop, el dub, el drum ‘n’ bass y las raves poligoneras. Al mando del mismo S Curro, The Gardener, BSN Posse, Industrias 94, Lorenzo Soria, Digital Diógenes y Esteban Bove, de LIE Radio Bajo, peña andaluza a la que les gusta fusionar lo electrónico con el folclore y otras variedades. Y como son de una modernez que no se aguantan ni ellos mismos, decidieron agruparse y montar esto. Encerrados en un cortijo se pusieron fino filipino de toda materia lisérgica que pudieran pillar. Siguieron la estela de grupos como Veneno que, aparte de lo ciego y tal, nos regalaron obras cumbres.

Pero mientras los hermanos Amador y Kiko viraron hacia el rock y el blues aquí un sintetizador es la más.

Escuchen el disco con la mente abierta y los oídos limpios; su poquito de flamenco, funk, breaks, footwork, hip hop, el dub así como sones de cornetas y tambores. Sí, sí, tal como leen. Puerta de la Cânne se titula. No, lo de las dos n no es una errata del autor y, además, títulos como Mençahe del profeta, Criçto de Lah Nabahah o Fin de Fieçta, usan la cedilla de muy andaluzas maneras.

Andalucía va mucho más allá del flamenco, es obvio, y los Califato ¾ hacen del estereotipo su propio sayo. Me comenta S Curro que “esta obra está hecha para sentirnos orgullosos de ser andaluces, de lo que somos, de nuestras raíces y de nuestra música. En nuestra tierra podemos ser la vanguardia e incluso más innovadores de lo que podemos imaginar”.

Este proyecto va mucho más atrás de la simple identidad andaluza fraguada al albor de Blas Infante. “El andaluz

se suele acomplejar de su forma de hablar cuando va a Madrid y a otros sitios, como si su cultura y raíces fuesen algo negativo. Entonces intenta impostar una ese rara, porque de otra forma no siente orgullo al hablar. Nosotros hemos pegado un golpe en la mesa; sí, es un disco andalucista, pero no en el concepto del partido rancio ya desfasado, sino en la cultura, en la vanguardia y la innovación que supone nuestra tierra para todo”. Sintetizadores, vocoder, base dembow y autotune, mucho autotone en una suerte de Dj Rashad grabando flamenco o El Torta trabajando con la factoría Hyperdub, todo ello en un mismo disco. Hay sintetizadores pero también castañuelas, y, por supuesto, asoman y colean Veneno, Omega o La leyenda del tiempo. El andalground que supura Califato ¾ irrumpe a fuerza de metralla electrónica y te lleva hacia donde ellos quieres. Escúchenlos; no les decepcionarán. —ozantoño torres

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“Esta obra está hecha para sentirnos orgullosos de ser andaluces”

CRiTICAndo Puerta de la Cânne

Breaking Bass Records ELECTRÓNICA 8/10

Puerta de la Cânne abre con dos declaraciones de intenciones. Una, más literal, la que recita el escritor y activista cordobés Antonio Manuel en la introducción, Mençahe der Profeta, donde sintetiza la razón de ser musical, política y si me apuran existencial de Califato 3/4. La segunda es Crîtto de lâ Nabahâ, que arranca el disco con una marcha de Semana Santa que se cruza con reggaetón y desemboca en un arrebato de drum’n’bass. Estos dos cortes sirven para hacerse una idea de los caminos que recorre el primer largo del colectivo andaluz. Cada sample, cada hijo bastardo de electrónica contemporánea y flamenco que alumbran, es un canto de resistencia que comunica el pasado y el futuro de Andalucía y que entiende la tradición como un campo minado de posibilidades, una memoria colectiva en la que perviven las voces de los marginados y los excluidos de la historia oficial, una reivindicación de la Andalucía mestiza y popular y de la importancia del pueblo negro, gitano, musulmán y judío en su cultura.

—darío garcía coto

FOTO: guillermo domíguez

Sin lugar a dudas, estamos frente a uno de los proyectos más inimaginables de la escena actual española.

Califato ¾ es una suerte de supergrupo andaluz que recupera las raíces de su tierra para pervertirlas y retorcerlas. Si lo dudan, escuchen Puerta de la Cânne (Breaking Bass/Miel de Moscas, 19), toda una declaración de intenciones.

Califato ¾ El triunfo del andal ground

enero 2020 #25

MONDO FREAKO

Lagartija Nick Soñando bajo el cielo herido Los cielos cabizbajos (Montgrí, 19) es un sueño hecho realidad por Lagartija Nick, un disco que se antoja histórico y que parte de un poema sinfónico inconcluso que Jesús Arias fue tejiendo a corazón abierto, verso a verso, en sus cuadernos.

P

ara Antonio Arias, hermano de Jesús y líder de Lagartija, este nuevo proyecto “musicalmente y poéticamente, ha sido todo un reto, tanto por los elementos que manejamos como a los desafíos que nos enfrentamos, ya sea trabajar con orquesta y coro, como jugar con esa maravillosa colección de textos. Ha sido como atravesar un fuego que parecía intransitable y una vez fuera ya eres distinto a cuando entraste en él. Te ha purificado”.

Los cielos cabizbajos se estrenó el pasado año junto a Estrella Morente y es palpable que la obra, para Jesús, tenía en su esencia una marcada raíz flamenca. ¿Por qué se ha grabado sin ningún cantaor o cantaora en el estudio?

“Por una parte, para respetar el trabajo que empezó Estrella. Aquel concierto se grabó en multipistas y sé que a ella le encantaría poder terminar de trabajar esas canciones antes de editarlas, tenía muy buenas ideas. De ese fondo flamenFOTO: ANTONIO OLMEDO

TAN.LEJOS Fangoria Uña y carne Extrapolaciones y dos respuestas. 2001-2019 (Warner, 19) es la segunda parte de un proyecto en el que Fangoria rinden tributo a algunos de los artistas a los que más han admirado a lo largo de los años.

“Tienes que hacer lo que quieres hacer en todo momento” #26 diciembre 2019

MUSE FOTO: ARCHIVO

RR Una noticia simpática .

Laura Snapes, la periodista que le puso un 4’5 sobre diez a Vroom Vroom de Charli XCX, ha pedido disculpas públicas por aquella crítica diciendo que lo que escribió fue un verdadero sinsentido.

RR Juice WRLD fallecía ayer tras sufrir una crisis convulsiva en el aeropuerto de Chicago. Acababa de cumplir veintiún años.

El rapero de Chicago acababa de aterrizar de un vuelo procedente de California, tal y como informa TMZ, cuando sufrió un ataque caminando por el aeropuerto. Su

muerte se suma a la de XXXTentacion con veinte años y Lil Peep con veintiuno.

su primera grabación oficial juntos tras compartir shows y Dj sets alrededor del mundo.

RR Kaytranada ha publicado nuevo disco, Bubba, coincidiendo con las fiestas navideñas. El disco cuenta con una larga lista de colaboraciones entre ellas las de Pharrell Williams, Kali Uchis, Tinashe, Estelle, Mick Jenkins, Teedra Moses o GoldLink.

RR Muse repasan su carrera con una espectacular caja titulada Origin Of Muse, que recoge abundante material inédito de sus primeros años de carrera. Y es que son ya veinte años. La caja contiene cuatro vinilos remasterizados de Showbiz y Origin Of Symmetry y nueve discos compactos que incluyen ese material, demos, caras B, directos, etcétera.

En total más de cuarenta temas inéditos.

RR El productor inglés Jon Hopkins y la cantante y productora galesa Kelly Lee Owens han sumado talento y esfuerzos para componer Luminous Spaces,

A

laska y Nacho vuelven con el segundo volumen de su recopilatorio de versiones.

Unas versiones con las que, en sus propias palabras, no han querido aportar nada: “porque no es una cuestión de aportar, son ya perfectas, es la fórmula con la que tú haces la versión”.

En esta ocasión tenemos canciones que van de Astrud a Marta Sánchez (“queríamos una diva con vozarrón y base bailable, también podríamos haber metido Sobreviviré de Mónica o Abre tu mente de Merche”), desde Toro de El Columpio Asesino a Dame tu cariño de Camela o Mi fábrica de baile de Joe Crepúsculo. ¿Se hubiesen atrevido a versionar la, a su vez, versión que Crepus hizo de Maricas? “No sé si hubiésemos hecho ese salto mortal. Queríamos canciones de esas personas, no canciones que hubiesen grabado esas personas.”

Me cuentan que el proceso de selección para escoger a las afortunadas que acabarían en el tracklist ha sido más complicado que en el volumen mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

DIE ANTWOORD FOTO: ARCHIVO

RR Marie Fredriksson, cantante de Roxette, falleció el pasado 9 de diciembre tras una larga batalla contra el cáncer, desde que se le diagnosticase un tumor cerebral en 2002. En aquel momento se retiró de la música temporalmente, pero poco después comenzó a girar y a grabar discos de nuevo tanto en solitario como junto a Per Gessle en Roxette, el grupo que le daría la fama.

RR Han pasado dos años desde que Die Antwoord publicasen sus últimas referencias y unos meses desde que anunciaron que se despedirían con el próximo disco. Ahora han estrenado el primer single, titulado Baita Jou Sabela, en el que colaboran su compañero de andanzas Slagysta. —MS

anterior. “Para el primer volumen fue muy fácil, porque cuando las canciones llevan tiempo en tu banda sonora es muy fácil determinar las que son verdaderamente fundamentales y separarlas de las que sí, vale, te gustan, pero ya”. Y, dentro de lo complejo, les resultó más fácil en las primeras canciones de la secuencia, que va en orden cronológico e incluye ahí a Chico y Chica o Hidrogenesse. “Pero la cosa se complicó cuando nos acercábamos al presente: si acaba de salir, no lo sabes. Porque tiene que ver con muchas cosas, no solo con la canción en sí, sino con el paso del tiempo, con lo que significó para ti... porque cuando la canción sale no significa nada. Sencillamente, te gusta”.

De nuevo, añaden dos temas inéditos producidos por Guille Milkyway, para quien Olvido solo tiene buenas palabras: “Carlos Berlanga y Guille son dos personas que lamento mucho que no se hayan llegado a conocer y no hayan llegado a trabajar juntos, porque hubiesen sido uña y carne”.

Y en estos temas inéditos, la protagonista vuelve a ser la autoafirmación. “Somos muy pesadas con ese tema, hijo, podríamos hacer un EP aparte llamado ‘Autoafirmaciones’”, me dice riendo. ¿Y esa necesidad de autoafirmación se siente más con la juventud o ahora, con tantos años de carrera a sus espaldas? “Yo la he sentido igual tanto en la adolescencia como ahora. En Ni tú ni nadie, ¿qué tenía, dieciocho? Y ahora cincuenta y seis. Pero qué más da, ¿no? Es como cuando te dicen al ser joven ‘no, ahora no te preocupes si no estás haciendo lo que quieres hacer; ya lo harás’.

Pues mira, no. Tienes que hacer lo que quieres hacer en todo momento. Cuando eres joven y cuando eres viejo, cuando no eres nadie y cuando eres alguien”.

—pablo morcillo

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violencia, a la vida desde la muerte. Su palabra es luminosa, siempre”.

Teniendo en cuenta lo desbordantemente apasionante y faraónico del proyecto Los cielos cabizbajos ¿Ha estado también presente el espíritu de Enrique Morente y del camino que recorrió junto a la banda en Omega (96)? “Enrique nos mostró el camino de la emoción en el arte, como principio artístico, como búsqueda de la verdad.

Haber trabajado con él quince años nos curtió lo suficiente como para enfrentarnos a proyectos tan ambiciosos como este y no dejarnos fulminar por los problemas que puede traer, como salir veintitantas personas a un escenario, a adentrarnos en mundos desconocidos que sólo necesitan la valentía o la ignorancia suficientes como para atreverse a atravesar esa terra incognita que son algunos trabajos”. —david pérez

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Aviador Dro Mantener la esencia Cuatro décadas no son nada para esta agrupación madrileña de obreros especializados representantes del sonido tecno-pop. Futuro perfecto (Warner, 19) expone una nueva perspectiva sobre los grandes éxitos del conjunto.

A

viador Dro continúa sobrevolando el panorama musical tras cuarenta años de existencia. Futuro perfecto es su nuevo trabajo, diez cortes en los que se redefinen algunos de los temas que se han encargado de encumbrar el nombre de la banda: Selector de Frecuencias, La TV es nutritiva o La chica de plexiglás. En opinión del propio Servando, “Lo más parecido al Aviador Dro original cuarenta años después.

Queríamos ofrecer algo que celebrase nuestra carrera, pero aportase a su vez algo nuevo y diferente. El resultado es intenso y, creo, muy distinto a lo que puede ofrecer una banda electrónica hoy en día con sus laptops y apps. Una descarga de adrenalina que no se espera de un grupo que hace tecno”, comentaba Servando Carballar, líder del conjunto. Y es que más de uno pasa por alto que fueron ellos los encargados de acuñar el término tecno-pop antes de que este terminase en manos de la categorización internacional. “Cuando íbamos a una tienda de discos no había una etiqueta con la que identificar la música que nos gustaba así que decidimos crear la nuestra. Hacíamos pop electrónico tecnológico así que ‘tecno-pop’ fue la elección, y no hubo otras candidaturas”, aduce el artista. Y es que, además

FOTO: ARCHIVO

“Enrique nos mostró el en camino de la emociónpio el arte, como princi artístico”

co nos hemos quedado con trabajar emocionalmente las canciones, para que transmitan ese poso de amargura y emocionen a los oyentes, que se impliquen en el mensaje, que se acerquen al corazón de Jesús”. La obra, aun versando cada tema sobre terribles y cobardes crímenes de guerra, desprende una luz sanadora que parece sembrar esperanza y amor a lo largo de los surcos. “Estoy convencido de que se debe a la calidad de las poesías con las que hemos trabajado. Hay mucho material de cada canción, versiones muy terminadas y versiones muy iniciales. Eso hacía que pudiese incorporar melodías muy diferentes en cada tema, textos sorpresa finales, estribillos salidos de ninguna parte, etcétera. Hay bastante contraste en las canciones, melodías alegres con textos devastadores, músicas ensoñadoras y madres que pierden a sus hijos, Jesús siempre buscaba puntos de ruptura en su creación. Además, hay algo en él que va a la paz desde el horror y la

de por su constante temática centrada en el futurismo, la ciencia ficción y la música electrónica, el conjunto se caracteriza por dar espectáculos cargados de originalidad, llegando a telonear al mismísimo David Bowie en 1987. “Nos sentíamos muy orgullosos, aunque no llegamos ni a verle en persona porque nunca bajó a camerinos y no nos dejaban estar en el backstage, pero era una leyenda y allí estaba, en el mismo escenario que nosotros. Fue realmente intenso porque eran grandes estadios, había mucho público y, en cierta medida, representábamos a la nueva ola española, y no desmerecíamos”.

—fernando o. paíno

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enero 2020 #27

“

FOTO: archivo

FOTO: ARCHIVO

Mitú Amor sin concesiones

Hijos pródigos del techno selvático, Mitú han sumado capas y capas de todo tipo de electrónica a su obra. Prolíficos como pocos, en sólo siete años ya andan por su quinto álbum, TANDEM (Autoeditado, 19).

E

l suyo es un nombre que suena cada poco. Podríamos relacionarlo con su prolificidad sobrehumana, pues llevan cinco discos desde 2012, pero no sólo es eso. Mitú, el dúo colombiano formado por Julián Salazar y Franklin Tejedor, alegra el panorama mestizo y de vanguardia electrónica y selvática (ambient, palenque o shoegaze) por su persistencia, pero también por su calidad. No se les conoce bajón desde su debut, Potro (12), hace siete años. “Somos prolíficos porque estamos constantemente haciendo música. No paramos con la salida de un álbum, sino que terminamos un puñado de canciones y ya estamos haciendo cosas nuevas, respondiendo a cómo nos sentimos emocionalmente”, atiende Julián Salazar (ex Bomba Estéreo) sobre el porqué de tanta constancia. Y, más allá de la pasión por lo suyo, apunta otro secreto. Cómo no, ser amigos de lo popular, el bendito amor. Parcos en palabras, en las entrevistas pero también en sus largos, donde prácticamente no hay letra, si tienen a bien relacionar su nuevo largo, TANDEM, con algo tan básico como la comunión. “Para mí TANDEM, como yo lo veo ahora, es una declaración de amor. Es un disco de amor estrictamente.

Cualquiera que se quiera rodear de él, va a sentirlo así”, apunta Salazar. La nueva referencia de Mitú es continuista, en el mejor sentido, pero con algunas excepciones. El uso de un sintetizador modular, completamente analógico, y, claro está, más voces: Marsh Waris, Yiset Pérez o Gabriela Jimeno. Han azotado los oídos de medio mundo a su bola, y de hecho se autoeditan el nuevo largo, pero también han zarandeado unas cuantas caderas en directo. El vivo es su auténtica seña de identidad y, pese a que TANDEM es más trancero y arrítmico, prometen seguirá siendo así. —yeray s. iborra

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#28 enero 2020

los "Lo que me inspira son n ido grupos que siempre ha su un paso por delante de generación"

Serpent Mordedura venenosa Cualquier parecido con los geniales Hot Snakes es pura coincidencia. Su reptiliano nombre y sobre todo su querencia por las disonancias y la intensidad recuerdan a la mítica banda de San Diego, pero el cuarteto de Barcelona Serpent tiene su propia personalidad. Lo demuestran en su primer largo, Lluna Roja (varios sellos, 19).

C

reo que Hot Snakes nos gustan a todos y son una gran influencia, pero es una sola banda. Personalmente, lo que me inspira son los grupos que siempre han ido un paso por delante de su generación”. El cantante y guitarra de Serpent, Sergi Bertran, cita a Wire, Hüsker Dü, Drive Like Jehu, Fugazi y Born Against como influencias. “Su música ha envejecido magistralmente y ha resultado ser la piedra fundacional de todo un género”. Conocido durante años por tocar el bajo en The Gundown y Col·lapse, aquí se destapa como un guitarrista imponente. “Col.lapse fuimos frenando nuestra actividad y fue surgiendo el deseo de tocar la guitarra en un grupo, o por lo menos grabar algo.

Empecé con el proyecto Bannerman (con el que grabé dos demos) y que fue un poco la antesala de la demo de Serpent”. Esa primera referencia se grabó con la ayuda de Eric Altimis, ex batería de Cinder y compañero en Col·lapse, con el que tenía muy buena química. Publicado el material de presentación se hizo necesario ampliar la familia para salir a tocar y entonces llegaron los otros dos componentes. “Fran vino a probar y simplemente flipamos, porque se le veía un tío muy divertido y además se había sacado de oído unos cuantos temas a la perfección”. Al ba-

jista de la banda, Marc (Malestar Social, The AntiPatiks), ya lo conocían. “Me dijo que quería probar con el bajo y en un principio me chocó porque nunca pensé que le interesaría tocar en Serpent. Pero vamos, que con las tablas que tiene y lo aplicado que es, el puesto era suyo antes de probar”.

Juntos han trabajado en los temas de Lluna Roja, su primer largo, un disco de post-hardcore en catalán grabado en EM Estudi. “Por lo que respecta a la composición seguimos la misma línea que en la demo, pero a la hora de tomar decisiones y de añadir diferentes sensibilidades a las canciones es indudable que han aportado un criterio y un saber hacer bestial”. El denominador común en prácticamente todas las letras del disco es el hartazgo y el enfado con el sistema. “Vivimos en un tejido social deshilachado y en descomposición. Y es obvio que cuando miras más allá de tu vida (donde más o menos puedes escoger a tus compañeros de viaje) no hay mucho por lo que estar contento o esperanzado cara al futuro”. Lluna Roja ha visto la luz de la mano de una pila de sellos que han unido fuerzas para que estas canciones viesen la luz en condiciones. Se trata de Bcore, Saltamarges, La Agonía de Vivir, Navalla y Pifia Records. “El hecho de co-editar con varios sellos es algo positivo, porque hay mucha gente diferente entusiasmada con el asunto, moviendo el disco por su entorno y acabas llegando más lejos y de una forma menos mercantil y más colaborativa”.

—luis benavides

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Miguel Grimaldo La lucha sigue

MONDO FREAKO Hace poco menos de una década que los componentes de Urano Players, el colectivo que ayudó a cambiarle la cara al rap español, tomaron caminos separados. Desde entonces Miguel Grimaldo ha sido el más activo de los seis a la hora de expandir su influencia. Trip Ass (Autoeditado, 19), su tercer disco, es además el más poderoso golpe en la mesa de este rebelde con causa.

T

odo el mundo piensa que Valladolid es una ciudad de fascistas. Y es verdad que hay mucho facha, pero gracias a eso hubo una respuesta antifa increíble, como he visto en muy pocos sitios. En Valladolid ha habido momentos en que los nazis tenían miedo de bajar a la calle porque cada vez que lo

hacían se les reventaba a hostias. Pero te digo una cosa también, mi ambiente en Valladolid, toda la gente de las okupas y el mundo rave, es ahora mismo lo más turbio que te puedas imaginar: laboralmente, drogas, abandono social… Y me jode un montón”. Hace dos años Grimaldo tomó una decisión: tomar a su chica de la mano y escapar de allí para instalarse en Madrid. “Es un cambio fuerte. Madrid es estresante. Coger el metro es agobiante. Y el otro día me paró la poli con perros y me pusieron por segunda vez una multa por llevar dos porros. ¡Dos porros, no me jodas! Podrían caerme de 10.400 € a 20.800 €, y si termina llegándome la multa voy a tener que montar un Cristo que flipas, hasta hacer un concierto para pagarlo”.

Más allá de que la mala suerte parece cebarse con él, la imagen de la policía parando a este músico de carrera que malvive matándose a currar como técnico de sonido en festivales es puro imaginario Grimaldo. Al perro flaco todo se le vuelven pulgas.

En su estudio doméstico, rodeado de toda la cacharrería con la que hace música, dice Miguel que la agresividad que destilan las canciones de Trip Ass se debe a motivos que no tienen tanto que ver con la rabia como con sus incendiarios directos. “El proceso me ha llevado dos años, desde que llegué a Madrid.

Normalmente soy más rápido que eso, pero he estado a muchas cosas... El caso es que al tiempo que empiezo a trabajar en el disco me doy cuenta que los directos de Entropía (17) no funcionaban. Bueno, como me desgañito mucho y me bajo a gritar a la gente a la cara pues al final me defendía, pero la peña no se quedaba con los temas.

O esa sensación tenía yo desde arriba”.

Fiel a los ochenta y cinco bpm’s por los que con contadas excepciones ha conducido su carrera, Trip Ass además de su salto mortal al terreno de la autoedición supone la definitiva estilización de las temáticas que definen su carrera: precariedad laboral, drogas como vía de escape y una búsqueda desesperada de la empatía entre los parias de esta sociedad, aquellos que a la larga pagan el pato. Pero, a diferencia de otros raperos ilustres que juegan al discurso social, Grimaldo hace apología, no propaganda… “La única propaganda que mola es la que aboga por la acción. Sí, ha habido mucha propaganda en la música estos años, mucho grupo de rap con discurso panfletario. Yo tengo un discurso político pero intento huir de eso, intento ser visceral. De hecho, mira, yo no solía votar pero en las últimas elecciones lo he hecho. Me jode votar, pero hay situaciones en que... Y si te abstienes esa abstención debe ser activa, concienciada, tu apuesta por otra alternativa”.

Esa actitud lo impregna todo, desde su actividad como promotor de fiestas dentro del colectivo Mosul Mosul hasta la infinidad de proyectos paralelos.

“Una historia post-punk y cold-wave con Vasudevah y un disco entero con Niño que a ver si nos ponemos y lo finiquitamos. También estoy haciendo cosas con una chica de Torrejón que se llama Sara Ic, una colaboración en lo próximo de Enjoy Canoa y MNDEZ y se supone que voy a producir un tema para un EP del Eddie de Space Surimi.

Tengo el ritmo ya. Ahora que lo he dicho no le queda más cojones que ponerse a trabajar…”. Rompe a reír y apura otra calada. —luis j. menéndez

r

“La única propaganda que mola es la que aboga por la acción... o Ha habido mucho grup de rap con discurso panfletario”

Fight For Your Rights Desde su llegada a Madrid, Grimaldo se ha convertido en cara visible de la Unión Estatal de Sindicatos de Músicos, Intérpretes y Compositoras. “Nos reunimos en la Glorieta de Embajadores, en la sede de CNT, un martes cada dos semanas, y estamos abiertos a que venga quien quiera”. A lo largo de sus tres años de existencia la Unión ha cometido errores de bulto, el más evidente cargar públicamente contra algún artista no afín ideológicamente, ignorando que su función es defender los derechos del músico, no meterlo en cintura. Miguel asume las críticas pero pone por encima “la necesidad de tomar conciencia de nuestra condición de trabajadores. En Francia cuando das más de cuarenta conciertos al año el Estado te paga una subvención.

Afíliate a un sindicato… o no lo hagas, pero infórmate y lucha por tus derechos. Hay que cambiar el juego, no sólo ir a ganarlo”. —l.j.m.

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enero 2020 #29

MONDO FREAKO

Agoraphobia FOTO: ARCHIVO

“No veo a las nuevas generaciones muy rockeras” Madrid (4 enero, El Sol) Barcelona (18 enero, Sidecar)

Avilés (10 enero, Centro Niemeyer) Bilbao (11 enero, Kafe Antzokia) Salamanca (17 enero, Sala B CAEM) Vitoria (18 enero, Jimmy Jazz) Córdoba (7 febrero, Sala M100) Sevilla (8 febrero, Sala Custom)

AgeNda. enero

Todos tenemos miedo a los cambios menos Freedonia. La banda madrileña presenta su cuarto disco Conciencia (Autoeditado, 19), con nueva vocalista, Deborah Ayo, y nuevos sonidos adaptados a su inconfundible estilo.

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#30 enero 2020

H

ablar de Freedonia es hacerlo de uno de los grupos referentes de la música soul en España, pero también es hablar de una formación en constante cambio y transformación. En su nuevo álbum encontramos dos cambios, dos novedades, que contribuyen a su evolución como grupo. El primero de ellos es la entrada de Deborah Ayo como nueva solista de la banda sustituyendo a Maika Sitté. Una nueva cantante elegida “por su voz y su personalidad. Teníamos varios candidatos, masculinos también, pero algunos de nosotros ya habíamos trabajado con Deborah y finalmente nos decidimos por ella”. Un relevo de vocalista que, sin embargo, aseguran que no cambiará la identidad del Freedonia. “La voz es un elemento más, aunque tradicionalmente no se haya tratado con este enfoque, en el fondo es tan importante como el resto de instrumentos. En Freedonia somos ante todo un colectivo que desde su origen ha ido sufriendo cambios de forma inevitable”.

Llegando así a la segunda novedad que incluye la banda en este nuevo álbum: la inclusión del rock. Porque el eje de Freedonia siempre ha sido la música negra, pero “creemos que una banda tiene que evolucionar. Al principio hicimos un ejercicio de estilo sobre algo que nos gustaba mucho: el soul, y que además nos parece que es matriz y origen de muchos estilos populares que surgen después; rock, pop… etcétera. Pero a medida que han ido pasando los años simplemente nos hemos ido dejando llevar, colocando el mensaje que queremos transmitir en el centro y usando las herramientas sonoras que mejor entendemos que expresan lo que queremos”. Dos variaciones en la música que, tal como ellos han explicado, no han transformado lo más importante que tiene Freedonia: su mensaje. Eso no cambiará nunca. O al menos no lo hace en este nuevo disco llamado Conciencia. “Hemos elegido ese título porque aglutina todo lo anterior. Todo nos afecta y la única herramienta para ser justos, igualitarios o vivir con dignidad es ser conscientes de la necesidad de estos conceptos. Porque la música es un transmisor de emociones muy potente, pero son las personas las hacen el mundo mejor”. —alfonso gil royo

El cuarteto gallego redobla su apuesta en Unaligned (Dotbeat, 19), un segundo álbum tan aguerrido como maduro. Paula (batería) y Lucía (bajista) nos hablaron de él y de su momento actual.

A

goraphobia se muestran felices con este feroz y también sensible Unaligned. “No dijimos ‘hay que dar un paso adelante’, sino que nos salió de forma orgánica. Es verdad que nos marcamos el reto de que sonara grande, contundente, pesado. Una vez que lo acabamos, sí que notamos un paso adelante con respecto a Incoming Noise (17). La pretensión era mejorar. Vamos a por todas con él”, dice Paula. Dicho y hecho, han currado y curran de lo lindo individual y colectivamente, para que el directo se acerque lo más posible al sonido del álbum. Producido por su colaborador habitual Iago Lorenzo, el título hace referencia a “una palabra que aparece en una canción que nos encanta, Remain Unchanged, y define perfectamente cómo nos sentimos: fuera de la línea de lo establecido, de ‘lo que se supone que…’. Desde que nos dedicamos a esto, nos encontramos totalmente en ese camino”. Paula añade que el contraste entre electricidad y calma de su propuesta “surge naturalmente. En este disco la voz principal tiene un matiz más rasgado, gritado, pero también es verdad que es un disco más reivindicativo, con más rabia. También canciones como Smokescreen son más nostálgicas, en la que la melodía es mucho más suave”. La honestidad sobre una realidad “podrida” es esencial en esa ira. Lucía apunta: “Siempre decimos

que hay que reivindicar los sentimientos. Esto es lo que sentimos en estos momentos, y tenemos pleno derecho de sentirlo y expresarlo sin ningún tapujo.

No se tiene que ver como algo raro. Creo que las canciones transmiten bastante bien ese momento de rabia que luego se apacigua, y luego vuelve. Las personas somos muy cambiantes, también”.

La bajista confirma que el inglés es su idioma natural. “Estamos más acostumbradas a escuchar música en inglés y nos suena mejor. Cantar en castellano o gallego te encamina a otra historia, porque suena totalmente diferente”. Eso no significa cerrarse las puertas a ambas lenguas si surge “de forma natural” en el futuro.

Recién aterrizadas de una segunda exitosa mini gira británica y encantadas con la experiencia, creen que su caso, un grupo de rock contundente totalmente femenino, ya no es ninguna rareza. “En Inglaterra cada día tocábamos con dos o tres bandas. En todas había alguna chica tocando, grupos de todo tipo: indie y cosas más duras. Yo creo que hay muchas, y sin especificar grupo mixto o femenino: están ahí y hacen lo que quieren. Estadísticamente es verdad que hay menos mujeres en bandas que se programen en festivales. Pero nosotras sí que las vemos”, argumenta Paula.

Diferente es cómo perciben la relación del publico joven de hoy con el guitarreo sin tregua. “No veo a las nuevas generaciones muy rockeras. No es lo que está de moda, no es lo que les llega a través de los medios con los que conectan. Pero nosotras no cambiaríamos lo que hacemos por ninguna moda: no veo a Agoraphobia haciendo reggaetón”. —jc peña

FOTO: AIGI BOGA

Freedonia

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“En música los prejuicios solo son un lastre” Zaragoza (29 febrero, Las Armas) Barcelona (6 marzo, Apolo) Reus (7 marzo, Lo Submarino) Madrid (13 marzo, Sala But) Sevilla (27 marzo, Custom) Córdoba (28 marzo, M100) Valencia (3 abril, Repvblica) Bilbao (17 abril, Stage Live) Gasteiz (18 abril, Kubik) Oviedo (24 abril, Tribeca) Santiago (25 abril, Capitol)

Vic (3 enero, Jazz Cava) Sant Feliu de Guixols (4 enero, Atzavara) Barcelona (5 enero, Sala Vol) Zaragoza (07 febrero Arrebato) Castellón (8 febrero, Anvil) Málaga (14 febrero Theatro Club) Don Benito (15 febrero Rincón Pío) Oviedo (21 marzo La Salvaje) Madrid (3 abril Trashcan)

En Consolation Prize (B-Core, La Agonía de Vivir, Pifia, Finu y CGTH, 19), Jamie R. Green y los suyos redondean un disco luminoso de power pop de inspiración punk.

FOTO: ARCHIVO

D

Ha habido boda. Sharif cuenta con cuatro discos a sus espaldas. Lleva realizando shows con Mxrgxn como corista desde 2016. Este último ha parido tres grabaciones, dos de ellas compartidas. El roce hace el cariño y hoy es realidad Pyramo (Pyramo/Guspira, 19), la primera criatura en común de la pareja.

P

ese a partir del rap, Pyramo cuenta con músicos y se adentra en ritmos latinos abriendo su abanico sonoro hasta el funk y el jazz. Prejuicios fuera. Del viento, el tema que abre el trabajo es ya toda una declaración de intenciones. Sharif toma la palabra. “Desde el principio hemos tenido claro que la primera canción ha de ser una declaración de intenciones. Más aún en este disco, que es un nuevo proyecto, un empezar de cero, no una continuación de proyectos anteriores.

Respecto al tema de los prejuicios, Jorge y yo lo tenemos claro desde hace mucho tiempo, y esa es una de las razones por la que nos juntamos; en música los prejuicios solo son un lastre. Te impiden crecer y descubrir”. En Pyramo trabajan nada menos que doce músicos, con lo que el resultado es rap y también otras cosas. “Yo no creo tanto en las etiquetas como en las sensaciones. Es cierto que vivimos en un mundo que tiende a etiquetarlo todo, porque así resulta más fácil entender y más cómodo manejar. Pero en la música, en concreto, creo que no es tan importante la etiqueta que la define como la emoción que genera, y ahí queremos poner el acento”, subraya Sharif, a lo que Mxrgxn añade: “Creo que

se tiende a subestimar al público. El mundo está preparado para lo que le echen. En nuestro caso este disco está realizado con más esfuerzo que los anteriores, y yo quiero creer que el público lo va a agradecer”.

Entre esas colaboraciones nos encontramos nada menos que a El Kanka y El Niño de la Hipoteca en Me equivoqué, una canción que resume la esencia del disco. Sharif parece estar de acuerdo. “Solo te puedo decir que, para mí, esa canción es una de mis favoritas. Se hicieron este pedazo de tema, en el que por momentos siento que tanto Jorge como yo, somos los invitados, en lugar de los anfitriones, y eso es maravilloso”. En cuanto al sonido final, el trabajo de Gordo del Funk y Omar Carrascosa ha sido imprescindible. Mxrgxn considera que: “ha sido un proceso completamente natural. Omar ya había trabajado como ingeniero para la mezcla del disco Entre andenes y salas de espera, y yo hace años decidí que no me metería en ningún disco sin Del Funk”.

Ahora hablemos del directo. El listón de la gira Acariciado mundo quedo muy alto con sold outs en España y países como México o Colombia. ¿Cómo será la gira de este disco? ¿Cuántos músicos habrá? “Es un tema que nos parece muy importante porque la idea principal es intentar llevar con la mayor fidelidad posible el sonido del disco a los escenarios y ahora mismo estamos dándole vueltas a cómo hacerlo. No cabe duda que es en directo donde Jorge y yo creemos que la música adquiere su verdadera dimensión y vamos a diseñar un show a la altura de lo que es el disco”. —sergio falces

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os malagueños de raíces punk afincados en Madrid y dos catalanes pertenecientes a la siempre fértil escena de Sant Feliu de Guíxols, un estudio de grabación rodeado de caballos, muchas noches de risas y, sentado a los mandos del estudio, ejerciendo más una labor de cómplice que de productor, Santi García. Estos parecen ser los elementos básicos de la alquimia que ha dado como resultado el luminoso y arrebatador nuevo trabajo de Jamie 4 President, Consolation Prize: una maravilla en forma de doce canciones de power pop guitarrero y melodías adictivas que encajaría a la perfección en el catálogo de sellos capitales del panorama independiente americano de los noventa como Jade Tree o Lookout Records.

“No es que sea un nostálgico de los noventa, aunque por edad esa música me marcó, claro... hace poco leí la lista de Pitchfork de los mejores discos de la década y pensé ‘chaval, estás muy fuera de todo, estás completamente out’”. No sólo en lo musical se percibe esa influencia del underground en el universo de Jamie 4 President, el poso punk en la actitud y el distanciamiento que establecen

respecto al enfoque comercial o mercantilista de la música suponen las piedras angulares sobre las que se cimenta el discurso y el posicionamiento en el mundo de una banda que, con su cuarto trabajo, se muestra más sólida e inspirada que nunca. “Decir que somos una banda punk sería echarle un poco de jeta, estilísticamente no lo somos, aunque todos nos hemos movido siempre por esos círculos, y desde luego personalmente conecto mucho más con el punk, sus valores y su ambiente que con el indie nacional. Cada vez que me he acercado al indie nacional, no me ha molado la experiencia, no me he sentido cómodo y además no me han salido bien las cosas. Veo sellos por ahí que prestan más atención a lo que hacen sus bandas en redes sociales o al número de likes que tienen que a su música, y no me interesa”.

Toda esa luminosidad que inunda el disco y toda la energía bienintencionada de la música de Jamie 4 President pueden ser elementos de protesta en estos tiempos oscuros.

“Veo complicado hacer algo siendo ajeno a lo que está ocurriendo a tu alrededor, aunque hay bandas que viven en su propia burbuja. Puedes ser más transparente, hablar de las cosas por su nombre, o puedes combatirlas de otras formas. A través de lo que transmite tu música o con la manera en cómo haces las cosas. Una melodía potente, tocada con energía, pasión y alma puede hacer mucho. Personalmente no necesito decir las cosas de forma explícita. Rage Against The Machine son la hostia y me flipan, pero no todo tiene que ser así necesariamente, hay diferentes formas de hacer las cosas”. —ricky lavado

FOTO: FLORENCIA ROJAS

Sharif & Mxrgxn

Jamie 4 President

enero 2020 #31

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33/Mondo VINILOS

Babymetal

Foo Fighters

Metal Galaxy Edel

7

METAL / En la era del “está

todo inventado” alguien decidió mezclar heavy metal y Jpop. La mezcla imposible de Babymetal colisionó de tal manera en la escena internacional, que llegaron a codearse con artistas tan dispares como Lady Gaga, Metallica o Judas Priest. De eso hace ya cinco años y ahora regresan con un nuevo desafío a los límites entre estilos. ¿Realmente el mundo necesita tres discos de kawaii metal? Seguramente no, pero sería más aburrido. Siguen siendo capaces de sorprendernos llevándonos a Bollywood con Shanti Shanti Shanti, apostando por el thai rap de PAPAYA o los sonidos latinos de Night Night Burn.

Metal Galaxy es lo que cabría esperar: una cosa muy loca. Pero si entras en esta particular galaxia, sus estribillos infecciosos te acabarán enganchando.

Miguel Grimaldo: verso libre Miguel Grimaldo Trip Ass Autoeditado

8 RAP / Miguel Grimaldo va por libre. Como un co-

rredor de fondo, ajeno a tendencias y modas pasajeras, el vallisoletano afincado en Madrid se mantiene fiel a una forma de hacer y entender la música que, con cada nuevo trabajo, le confirma como una de las figuras más interesantes y personales dentro del universo rapero patrio. Compuesto, grabado, producido y mezclado por el propio Grimaldo, y autoeditado desde la más estricta independencia, Trip Ass supone el esperado retorno en formato largo desde el enorme Entropía (17), y como ocurre con cada nueva entrega en su ya indispensable discografía, todas las señas de identidad que definen el personalísimo estilo del Urano Player están recogidas a lo largo de estas trece nuevas canciones en una vuelta de tuerca que profundiza en la oscuridad conceptual y la densidad tecnológica. Frialdad electrónica, ambientes saturados, neblinas industriales y bases rítmicas crudas y monolíticas. Sintetizadores, suciedad y rimas descarnadas. Rap callejero de verdad, como el que siempre ha hecho Miguel Grimaldo, pero con más y mejor puntería que nunca. Todo en Trip Ass parece

responder a una declaración de intenciones.

Portada, título, sonido, letras y actitud; todos los elementos que dan forma a este disco funcionan como un engranaje preciso en forma de puño cerrado directo a la mandíbula. No hay concesiones, no hay medias tintas ni sutilezas, y no hay ninguna intención de hacerse el simpático ni de edulcorar nada a lo largo de los escasos treinta y seis minutos que dan forma a uno de los mejores discos de rap publicados en este país en los últimos años. Trip Ass habla de calle, huele a cemento y suena a noche. No hay glamour ni impostura en el relato que ofrece Grimaldo, no hay sitio para la banalidad ni para la comercialidad en su discurso. Grimaldo escribe desde abajo, hunde los pies en el fango del precariado y desde ahí construye una pesadilla urbana de tintes distópicos a base de imágenes poderosísimas, realismo sucio y un inquebrantable sentido de la ética que rezuma orgullo de clase e inconformismo. La ciudad como un monstruo que devora personas; las drogas como escapismo en una realidad marcada por la asfixia, la paranoia y la opresión; la cosificación de los seres humanos y el mercantilismo como ejes vertebradores del capitalismo; la lucha por la supervivencia en barrios convertidos en una olla a presión, el resurgimiento del fascismo y, de fondo, resistencia y honestidad como únicos posicionamientos validos frente a esa realidad. Ricky Lavado

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—montse galeano

01050525 RCA/Sony

6

compinches siguen compartiendo archivos clasificados, como algunas de las versiones repartidas por su amplia discografía o directos especiales para la banda como el del Reading Festival de 1995 o el concierto que dieron en la base de la Fuerza Aérea de su país en Roswell, Nuevo México, en 2005. Sea como sea, la última de las entregas, la impronunciable 01050525, es una de las más extensas pues contiene hasta once cortes, entre ellos, versiones de The Passions, Jawbreaker y Creedence Clearwater Revival. La carrera de Foo Fighters es larga y ha evolucionado del power pop distorsionado con deje grunge de su disco homónimo al rock clásico pensado para estadios del último, Concrete And Gold (17).

Eso explica la extrema variedad de registros de estas compilaciones. —luis benavides

Stereophonics

Serpent

Lluna roja Varios sellos

Kind Parlophone

ROCK / Tras el último tour de Stereophonics, Kelly Jones se quedó sin inspiración y pensó en dejar la música. Se alejó de la banda para pasar más tiempo con su familia, lo que dio pie a Kind, su undécimo disco de estudio, el más catártico y personal de su carrera. Los problemas de Jones no son los mismos que hace veinte años: ahora la familia es la base de su vida. La relación con su hija mayor se refleja en Fly Like An Eagle y las adicciones sufridas por amigos y familiares, en Don’t Let The Devil Take Another Day. Temáticas muy reposadas en canciones en que la guitarra acústica se impone, como en Street Of Orange Light, pero sin esa frescura diferenciadora que se podía escuchar años atrás. Pese a esto, la cara B contiene versiones acústicas de seis temas que conectan mejor con las letras y cierran el disco más solemnemente. —karen montero

7

ROCK / Dave Grohl y sus

POST-HARDCORe / Sergi Bertran (The Gundown, Col·lapse) ha empastado un cuarteto que echa la vista al otro lado del Atlántico, aunque lo haga desde el catalán como base de sus textos y desde una perspectiva relativamente personal. Juntos y con el respaldo de cinco sellos discográficos (B-Core, Saltamarges, La Agonía de Vivir, Navalla y Pifia Records), Serpent dan un importante paso adelante en relación a su demo de presentación.

El concepto estilístico se mantiene, pero suena como siempre debería haber sonado. Es decir, con una fuerza que sigue constante a lo largo de once canciones que redondean Lluna roja y en las que desarrollan un post-hardcore de ramalazo punk rock. Hi energy, disonancias, ritmos que huyen de lo estándar, sin que eso impida que cuenten con estribillos eficaces. —joan s. luna

8

enero 2020 #33

MONDOVINILOS

Deadyard

Armaggedon It HFM Crew

La despedida de WAS

ROCK / Lo de Deadyard se puede definir como energía desbocada. Adrenalina en vena.

High energy, glam, punk, hardcore o hasta metal cimientan un sonido rocoso. Atronador. Con las guitarras inflamando pabellones auditivos y la voz desgarrando letras directas e incendiarias.

Canciones que no dan respiro. Old & Angry, Machinery For Sharks, Music’s Dead. O mi favorita, Stench Of The City. Y así hasta nueve. Sin descanso. Sin pausa.

El acelerador se pisa al principio y se mantiene a fondo hasta el último de los segundos de un disco apabullante. Mereciendo que pensemos, como en tantas otras veces, lo que sería de ellos a nivel mediático si su origen fuera Los Ángeles o Nueva York.

Pero no. Son de aquí al lado. Tipos normales que nos encontramos en cualquier barra de bar, para dejar de serlo cuando se suben a un escenario o se meten en un estudio de grabación. Entonces, como dice su nota de prensa, son “los putos Deadyard”. Y eso son palabras mayores. —eduardo izquierdo

8

WAS

Loudness (12 Years Of Party & Music) Mushroom Pillow

8 POP / El pasado mes de noviembre WAS (antes

We Are Standard y, antes aun, Standard) anunciaban su separación, mediante comunicado y sin gira de despedida que hiciese las veces de celebrado epílogo. El cuarteto cerraba así un periplo de doce años y dejaba como único regalo de despedida el presente recopilatorio. Una referencia válida para revisar la evolución de los vizcaínos a lo largo de las distintas fases creativas por las que transitaron, haciendo gala de un poder de convicción certero y contundente concretado en el empuje de las propias canciones. La universalidad de su sonido debería ser entendida como esa base común que fue clave en su aceptación nacional e internacional, además (claro está) de la verticalidad voraz de sus canciones, convertidas en rave cada vez que entraban en ebullición al contacto con las tablas. Era precisamente sobre el escenario donde los protagonistas se mostraban

Senyor Oca

Martirio & Chano Domínguez

EGA Guspira

7

RAP / Senyor Oca ha pegado

un buen acelerón, pero sin pasarse de frenada, apostando definitivamente por el drum’n’bass para seguir rapeando en catalán.

EGA es una fusión de estilos que amplía el catálogo del colectivo barcelonés, ya que mantiene la esencia rapera, da un paso adelante con el drum’n’bass, que predomina claramente, y colabora con Lágrimas de Sangre y Ju, pero también deja algún guiño al trap, y se la juega con alguna nueva fórmula más popera. El hip hop noventero se difumina bastante, y es que en EGA predominan ritmos más electrónicos para que Sergi Sala puede hacer su mezcla de versos de denuncia y crudos con otros más festivos y de buen rollo. EGA se trata de una evolución de su anterior disco, Cant de pagès (18), ni peor ni mejor, simplemente diferente, pero que reafirma un estilo cada vez más propio, más Senyor Oca, y que supone otra buena y muy necesaria obra de música urbana en catalán, ascendente pero no copiosa. —ignasi estivill #34 enero 2020

más cómodos y desprejuiciados, generando siempre una celebración estratosférica y hedonista ante la que era imposible no claudicar, luciendo un equilibrio en el que la diversión no estaba reñida con la calidad. Loudness (12 Years Of Party & Music) es un sucesión de trallazos que servirá como recordatorio de aquellas fiestas perpetradas con la excusa de cada nuevo lanzamiento de la formación. La base de electrónica tan bien tratada y con la

Earl Sweatshirt

JAZZ-FLAMENCO / Tras quince años sin publicar juntos, Martirio y Chano Domínguez se dan la mano para hacer un merecidísimo homenaje a Bola de Nieve, nombre artístico de Ignacio Villa Fernández (Guanabacoa, Cuba 1911- México D.F. 1971). La voz de Huelva en la garganta de Martirio y la armonía de la trimilenaria Cádiz en los dedos de Chano.

Dos ciudades que entienden y comparten, como pocas, la cultura trasatlántica con parada en la América pos colonial. El piano de Chano, abierto al mundo, sin concesiones, camina sin prejuicios entre el jazz, el flamenco, la copla, el bolero; la voz ecléctica de Martirio, nos asombra por su capacidad de mimetizarse en cada estilo. Son ya tres discos que ambos han realizado juntos y en este último, nos presenta la atormentada vida y obra de este músico cubano de la primera mitad del siglo XX. Temas tan universales como Vete de mí, Duerme negrita o Se equivocó la paloma llega a un sublime nivel interpretativo. —curro velázquez-gaztelu

8

RAP / Desde hace un lustro

que Thebe Kgossitsile, más conocido como Earl Sweatshirt, está abriendo algunas de las vías más arriesgadas en la caligrafía hip hop. Ya el año pasado hizo un brillante salto al vacío con Some Rap Songs (18), aquí sublimado a través de quince minutos de pura paranoia. Imposible suscribir lo contrario ante piruetas como 74 y East, los dos primeros escalones de semejante artilugio de vanguardia hip hop. Y es que ya no se trata de su particular flow, cada vez más alejado de sensaciones terrestres, sino de su fijación en zurcir requiebros rítmicos de cadencia jazz, atonales, mezclados bajo la premisa de un acabado sucio y misterioso. No hay límites para un tipo que está encontrando en su faceta como productor la vía más boyante por la cual transcender. Y que para la ocasión también viene engalanada por un sustrato lírico que remite a leyendas babilónicas desde las que entender las amenazas distópicas de nuestro presente. Magia negra en estado puro. —marcos gendre

Rodrigo Cuevas

Pylar

Horror Cósmyco Humo

Feet Of Clay Tan Cressida/ Warner

A Bola de Nieve Universal

7

que reventaron pistas de baile y escenarios de todo el mundo es la principal protagonista del regalo, e incluye un total de quince canciones a las que añadir una acertada (y autorizada) versión en castellano del All My Friends de LCD Soundsystem. WAS fue una banda en constante movimiento, con una anormal capacidad para firmar torpedos difíciles de esquivar y que siempre supo mantener la esencia de su existencia. —raúl julián

8

METAL / Pylar tenían la

difícil papeleta de superar la senda abierta por Pyedra (16) y A ella te conduce la sagrada espyral (17), dos de los discos más insanos y perturbadores que haya podido dejar el ‘metal’ underground peninsular en estos últimos lustros. Sin exagerar. El mérito que tienen los sevillanos es mantener los elementos claves de su sonido leviatánico y reestructurarlo para hacerlo permeable a las murallas drone de Sunn O))), las disonancias de Gorguts, las atmósferas cargadas de Deathspell Omega o Blut Aus Nord o el profundo vacío existencial que acompaña la filosofía de Eugene Thacker o Ray Brassier.

Las cuatro canciones de Horror Cósmyco, el primero de una trilogía de álbumes, resultarán indigestas e incómodas para cualquier neófito, pero convencen al iniciado por las ideas que reúnen y la profundidad abismal de su sonido. Los sevillanos vuelven a demostrar que su personalísima propuesta está a años luz de casi todo/todos. —tomeu canyelles

Manuel de cortejo Aris Música/ Altafonte

FOLK / Con una mochila y diez días por delante en que las prisas no tomaron partido, Rodrigo Cuevas y Raül Refree viajaron al norte del que procede Cuevas, Asturias y Galicia.

Con la filosofía de Los Hermanos Cubero y la actitud excéntrica de Niño de Elche, el dúo cuaja una gran coalición que ha dado como resultado este Manual de cortejo. No es un disco fácil, y menos de una sola escucha o en modo random. Se entiende mejor como pieza compacta, como unidad ajena al escrúpulo. Que los sonidos tradicionales mezclen con la electrónica, que en sus versos se hable de libertad, de WhatsApp o del vivo de las castañuelas, se fragua en el encanto de Ronda de robledo de Sanabria, en la recuperación coplera de El día que nací yo, el caos de Xiringüelu, la emoción de Rambalín (con coro minero) incluso el spoken-word de A galán tiene que ser el baile o el rito mágico de Muñeira para a filla da bruixa. Y para acabar, homenaje a Angelita Caneiro.

8

—toni castarnado

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Nasty Cherry

7

POP / Dos años después del

inocuo Colors (17), el californiano regresa con un disco en el que parecen converger varios de esos talantes artísticos que posee en propiedad. Si bien la referencia tiene en el electro-pop esa base común que armoniza las piezas, Hansen aquí da rienda suelta a su creatividad apuntando en diferentes direcciones.

Lo hace alternando joyas que añadir a ese catálogo destacado con otras piezas más anecdóticas o directamente fallidas.

Los aciertos se concretan en Die Waiting (junto a Sky Ferreira) y otros cortes que apuran su faceta introspectiva como Dark Places o la evocadora “Stratosphere”, además del exótico medio tiempo Uneventful Days, Star o el majestuoso cierre que supone Everlasting Nothing. Un disco alejado de las mejores obras del autor, pero que invita a mantener la confianza en el músico y prueba que éste sigue siendo un creador necesario y capaz de agitar. Aunque, como en este caso, sea de manera intermitente. —raúl julián

Zea Mays Atera Garden Records

Season 1 Vroom Vroom Recordings

5

POP / Juntar de forma pre-

meditada a cuatro chicas jóvenes que no se conocen de nada para formar una banda de pop-rock puede parecer una decisión frívola e interesada. Pero cuando es la mismísima Charli XCX la responsable de todo este puzle, la cosa cambia. Así es como nació el germen de Nasty Cherry, la nueva girl-band. Acaban de debutar con Season 1, el cual reúne seis temas que, si bien escuchados por separado resultan pegadizos y pueden funcionar, no mantienen la sensación de unidad y coherencia escuchados del tirón. El sonido de Nasty Cherry no sorprende ni se diferencia, en ocasiones, al de por ejemplo Sky Ferreira o The Runaways, banda de la que claramente se inspiran hasta el punto de que parecen una copia actualizada. Las canciones no son malas, pero están lejos de convertirse en himnos.

Sin embargo, a pesar de que Season 1 es una carta de presentación demasiado prematura, todo el mundo se merece una segunda oportunidad. —álvaro tejada

8

ROCK / Tras celebrar su

veinte aniversario en 2017 por todo lo alto, a Zea Mays les tocaba plantearse la inevitable pregunta: ¿Y ahora, qué? Lejos de dormirse en los laureles, el cuarteto de Rekalde se puso manos a la obra para componer su décimo disco (noveno de estudio). Atera (salir) es una bomba que explota en tu cabeza de principio a fin.

Desde las primeras estrofas de Gaur Ni Naiz (Hoy soy yo), encargada de abrir, la magnética voz de Aiora atrapa sin remedio.

Se va fundiendo a la perfección con la música, en la que experimentan sin prejuicios con la música electrónica a través de sintetizadores y samplers sin que deje por ello de sonar rockera y guitarrera. El productor, Carles ‘Campi’ Campón, les aisló del mundo en los estudios Garate de Andoain. Allí les puso a tocar a los cuatro a la vez, con pocas tomas en directo para captar la esencia y la energía de la banda.

El resultado habla por sí mismo.

Once trallazos tan cañeros como bailables. —jesús casañas

DD LJM

DC JSL

Med

1 Stormzy 8 8 9 8 8,25 Heavy Is The Head 2 Califato 3/4 Puerta De La Cânne

8 8 8 8 8

3 Burial Tunes 2011-2019

8 8 8 8 8

4 Rodrigo Cuevas Manual De Cortejo

8 7 9 8 8

5 Serpent Lluna Roja

8 7 8 8 7,75

6 The Black Lips In A World That’s Falling Apart

8 7 6 7 7

7 Pablo Und Destruktion Futuros valores 8 Kaytranada Bubba

7 7 6 7 6,75 6 7 7 7 6,75

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

Hyperspace Capitol/ Virgin EMI

top 10.

Beck

9 Hannah Diamond 6 7 7 6 6,5 Reflections 10 Beck Hyperspace

7 7 6 6 6,5

Coldplay vuelven sus inicios

Allah-Las

Lahs Mexican Summer/Popstock!

Coldplay

Everyday Life Parlophone/ Warner

7

7 POP / Más allá de los comentarios maliciosos acerca de que el mejor favor que Greta Thunberg ha podido hacer a la humanidad es convencer a Coldplay para que se abstengan de presentar este álbum en directo por la preservación del medio ambiente (y de algunas cosas más), lo que está claro es que el cuarteto británico tiene todo el derecho del mundo a resetear su carrera, hacer borrón y cuenta nueva y abrir una etapa –o bien cerrar otra– con un álbum doble de lo más diverso. Y tenían que hacerlo, claro está, en su más puro estilo: a lo grande. Ellos también merecen aspirar a tener su Exile On Main Street (1972), su London Calling (1979) o su The River (1980), aunque en realidad (y esto también era de esperar) este Everyday Life (19) acabe por quedarse más cerca de ser su Rattle & Hum (88), y el parecido no resulta caprichoso a poco que uno atienda a sus textos, más que nunca henchidos de esa bonita pero plúmbea aspiración benefactora a lo Bono. Suficiente, en cualquier caso, para ser su mejor trabajo en más de una década (desde Viva

la Vida And Death To All His Friends, 09), y para frenar la sangría de crédito que les venía sajando desde que les dio por pasarse al euforizante pop electrónico con vistas a la EDM mientras miles de fans agitaban sus pulseritas luminosas como luciérnagas en la noche desde el césped de cualquier estadio de fútbol. Hay algo que une a algunas de estas canciones con sus dos primeros álbumes: la sencillez, la ausencia de pretensiones, la desnudez instrumental que desecha toda la innecesaria hojarasca y que permite que el escueto piano de Daddy o el tacto acústico

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de Old Friends o Guns brillen y conecten con los Coldplay de su debut, algo que parecía ya prácticamente imposible a estas alturas.

También hay un cierto sentido de la aventura nada impostado, el que incurre en el gospel con BrokEn o en el soul juguetón con Cry Cry Cry, ratificando con acierto ese carácter de carta de navegación mundial del que se precia el álbum. Con sus defectos y sus virtudes, con sus excesos y sus brotes de contención, esta es seguramente la mejor versión posible de Coldplay a dos décadas vista de su irrupción. —carlos pérez de ziriza

PSICODELIA-POP / Allah-Las

presentan su cuarto disco de estudio, en el que refinan y detallan sensible y definitivamente su propuesta para completar una obra que luce novedades estilísticas, pero que vuelve a resultar tan encantador como entregas previas. Lahs es un inspirado álbum protagonizado por psicodelia ligera manejada con exquisito cuidado y credibilidad, a las que se unen sonidos clásicos americanos cercanos al country, además de indie-pop ochentero deudor de The Feelies o Yo La Tengo. La conjunción propicia un efecto sanador que, a su vez, deriva en unas vibraciones positivas inherentes a las propias canciones. Un total de trece piezas que se sitúan siempre en intensidad media, en lo que es una decisión meditada.

Cortes de texturas orgánicas y ese aspecto pretérito que nunca pasa de moda, pero también enigmáticos, insinuantes y algo traviesos, que el cuarteto sabe cómo desarrollar. —raúl julián enero 2020 #35

MONDOVINILOS

Leonard Cohen

Don Omar The Last Album Machete Music/ Universal

Thanks For The Dance Columbia Records

7

POP / Las canciones inclui-

das en este lanzamiento póstumo de Leonard Cohen se construyen a partir de tomas grabadas para You Want It Darker, el disco anterior del poeta canadiense, a las que el vástago Adam Cohen acaba de dar lustre para que funcionen como canciones. Lo hacen. Aunque como conjunto no acaben de encajar tan bien. Falta el hilo conductor. La coherencia que le daría a la obra el control que sobre ella podría haber tenido el artista. Eso transmite una sensación de deslavazado y sobre todo piloto automático hasta ahora ajeno en la carrera de Cohen. El problema es no encontrar culpable. Él no lo es, claro. Pero Adam también debe haber trabajado con ahínco y cariño en busca de un testamento lo más memorable posible para su padre. Nosotros, en la lejanía, podemos permitirnos el lujo de decir que no era necesario, y al mismo tiempo contradecirnos agradeciendo que ese encomiable trabajo nos haya hecho llegar hasta nosotros estas canciones. —eduardo izquierdo

REGGAETON / The Last Album es el título del nuevo trabajo de Don Omar, puede que el último de su impresionante carrera. En él, el puertorriqueño intenta resumir todos los estilos y pasar por todas las etapas que ha recorrido a lo largo de los últimos veinte años. El éxito llega de manera desigual. Mientras que canciones como Vacilón o Perreo sólido (Mala) son –siempre desde la distancia– un buen reflejo de sus primeros trabajos, temas como Encanto o No te vayas no terminan de encontrar su lugar en el álbum. Sin embargo, escuchar a Don Omar es siempre un motivo de celebración para los verdaderos fans del reggaeton.

Un género que empieza a hacerse hegemónico necesita de leyendas que alimenten el mito, y Don Omar es una de las más grandes.

Además, Pensando en ti, el cierre de The Last Album, es una de las mejores canciones que nos ha regalado el de Puerto Rico en los últimos años y todas las producciones del proyecto son de primera. —luis m. maínez

8

Moon Vision

Labrinth

Imagination & The Misfit Kid Syco Music/ Sony Music

Muses Hidden Track

El mejor álbum de Foyone Foyone

Presidente Autoeditado

8 POP / Llevábamos mucho tiempo escuchán-

dolo en sus conciertos: “para el 2020 Foyone presidente”. No era una amenaza, era un anuncio de lo que el malagueño tenía preparado para principios de año, casualmente recién pasadas las elecciones generales. Y por fin el cantante ha hecho realidad su candidatura con un disco que es de lo mejor que nos deparará el rap nacional este año que empieza. Con un álbum en el que sube el nivel en todos los aspectos: en la producción, con beats cortesía de Sceno (con la ayuda de otros beatmakers como Blasfem, Manu Beats, Seroka, Beath y Ciclo) creados para saturar los bajos de nuestros altavoces; en la voz, con estructuras mucho más cuidadas y estribillos más convincentes y pegadizos; y en las líricas, con letras que nos hablan de conflictos personales, familiares, política o sociedad con una madurez superior a la de sus anteriores trabajos. Porque Foyone va en serio, quiere ser el mandamás. Y así

#36 enero 2020

se ha trabajado un disco con pocas fisuras, donde además escuchamos las voces de Fernando Costa, Dollar, Ummo, Ayax o Prok.

En el que canciones como Ole e Imperioso nos demuestran que es posible combinar letras con contenido con un beat demoledor.

En el que nos emociona llevándonos a lo más doloroso y profundo de su ser en canciones como Papá y mamá o nos da su propia versión de enamorarse en Amor tóxico. Y en el que, en definitiva, deja de lado su mensaje reptiliano para ofrecernos unos textos mucho más transcendentes y elaborados.

Era el momento de ello, de demostrarnos que su rap va mucho más allá y está preparado para alcanzar el siguiente nivel con este larga duración en el que Pedro (¡viva las coincidencias!) asciende varios escalones en su camino hacia la cúspide. Porque es difícil encontrarle fallos a un disco cuando se nota que está tan trabajado y tiene un concepto bien desarrollado como este Presidente, sin duda el mejor disco que ha grabado nunca Foyone. Será cosa de la edad, o de la experiencia que le da llevar cerca de una década publicando canciones, pero el grado de frescura y madurez alcanzado en este álbum le hacen merecedor de su nuevo estatus presidencial. —alfonso gil

7

POP / Con algunas aristas

aún por pulir, Muses presenta a Moon Vision como un dúo con las ideas claras a la hora de encontrar una identidad propia en la escena electrónica nacional.

El primer largo de los catalanes baila entre el electro-pop, el dance y una electrónica más minimalista. De forma inteligente, Xevi Collado y Albert Pardo ceden gran parte del protagonismo a las voces femeninas que les acompañan y engrandecen los temas explotando el lado más dreamy del proyecto. Juegan con el rnb, se acercan al dance, se atreven con ciertos guiños tropicales y hasta llegan a recordarnos a una especie de Of Monster And Men cuando desplazan un poco la electrónica y meten guitarras (Faster Than Your Tears). Superar los miedos, asumir una pérdida, entregarse al amor, ser positivo…

Está claro que este trabajo es un auténtico proceso de exploración personal, una especie de análisis musical sobre lo que es y lo que pueden llegar a ser en el futuro.

—álex jerez

7

POP / A pesar de que Ima-

gination & The Misfit Kid no es redondo, parece mentira, debido a su madurez sonora, que se trate tan solo del segundo álbum de un artista. Labrinth ha sabido concentrar en estas quince canciones lo mejor que sabe hacer: crear atmósferas.

La fórmula funciona porque es identificable, pero a la larga agota porque llega a ser repetitiva. Por ello, aunque haya que celebrar que este disco suponga un soplo de aire fresco en tiempos en los que el pop masculino suele ser bastante plano, también le da a uno la sensación de que estemos ante los descartes de la banda sonora de Euphoria (17). Hay que aplaudir, eso sí, el afán del también miembro de LSD por cuidar cada detalle. No solo ha sido el compositor, productor e ingeniero del álbum, sino que también ha tocado el órgano, la batería, la guitarra eléctrica y el sintetizador. Su uso del vocoder es más que un acierto, y encuentras momentos épicos para dar y regalar. —álvaro tejada

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MONDOVINILOS

Vetiver

Up On High Loose

7

FOLK / Para seguir adelante

en la música, como en la vida, es necesario arriesgar unas veces, otras dar un paso atrás.

Andy Cabic jugó al despiste con el antojadizo sonido electropical en Complete Strangers (15), pero ya desde el adelanto de este nuevo álbum se muestra decidido a recuperar a los fans de Vetiver que exigen un retorno al sonido casero y templado de siempre, su singular estilo trabajado durante quince años de andadura hacia quién sabe dónde. El single To Who Knows Where anticipaba hace meses esa duda existencial apoyándola en una guitarra acústica rasgada con cariño, más la voz susurrante de Cabic, que apenas añade a la decena de canciones las bases rítmicas básicas y algunos arreglos traducidos del country (pedal steel) o el oxidado freak-folk (percusiones) para aderezar esta producción cien por cien indie gestada en casa de un amigo en algún lugar de la legendaria y luminosa Sierra Nevada californiana. Vetiver retrocede y sigue avanzando. —luis argeo

Burial: más que un recopilatorio Burial

Tunes 2011-2019 Hyperdub

9 EKECTRÓNICA / Es como si lo estuviera espe-

rando todo este tiempo, tras la publicación de Untrue (07), su último álbum. Porque, más que un recopilatorio, Tunes 2011-2019 es uno de los lanzamientos más importante de la década. No es casualidad que los diecisiete hallazgos aquí reunidos hayan sido ordenados saltándose la cronológico de los epés de los cuales provienen. De la crackología abisal de State Forest al dubstep fantasmagórico de NYC, el trayecto dispuesto prosigue una lógica emocional, donde cada parada subraya con mayor intensidad el objetivo final que Burial se marcó a lo largo de esta década: difuminar marcas sonoras y trazos estilísticos hasta que lo único que quede sea su no-rostro desintegrándose en la niebla londinense. No en vano, hitos como Stolen Dog y Supermarket describen paseos solitarios en la noche de la gran megalópolis inglesa, a los que Burial

Lil Peep

Hannah Diamond

POP / Every Night, uno de

los temazos de Hannah Diamond, data de 2014. Por entonces no parecía que compitiera en la misma liga que Charli XCX, que en Sucker (15) incluía otro megahit (Boom Clap). Pero de todos es sabido que esa etapa de Charli no duró mucho más: poco a poco se iría entregando más y más al sonido PC Music hasta el punto de ser ahora mismo su máxima representante con permiso de SOPHIE. Mientras, el debut largo de Hannah Diamond no terminaba de llegar. Pero ese disco por fin está aquí, poco después del lanzamiento de Charli (19), y la respuesta es clara: hay espacio de sobra para ambas. Principalmente porque Reflections es muy distinto a Charli. Es un disco lleno de medios tiempos electrónicos y baladas, desde la más sophiesca Make Believe a la más accesible The Ending, el absoluto trallazo que es Concrete Angel o la cercana al ambient Reflections; las letras son sencillas, en consonancia con la visión del amor que se quiere mostrar. —pablo tocino

Mystagos

Everybody’s Everything LP/Columbia Records

Reflections Warner

6

pone banda sonora. Con el dubstep y la crackología como brújula hacia el vacío genérico, el aura india de Subtemples o el alma post-rave de Young Death remarcan su huida de toda frontera electrónica conocida. Y lo ha hecho a base de arrastrar el minimalismo más allá de fronteras que, únicamente, James Blake había transitado en su primer largo. Sin embargo, Burial ha ido más lejos que nadie. La verdadera soledad del corredor de fondo le pertenece a él. Y este trabajo es su maratón más sonada. Cadena de inven-

7

TRAP / Everybody’s

Everything es un recopilatorio póstumo del fallecido Lil Peep que se compone como una miscelánea de canciones, etapas y proyectos que recorren la tristemente breve carrera del referente e impulsor del sad trap. El álbum, que se presentó junto a un documental, quiere ser un regalo a los fans del neoyorquino: incluye colaboraciones inéditas con artistas tan variopintos como Diplo o Lil Tracy, amigo íntimo de Peep; nuevas canciones –entre las que destaca Princess– o tracks que no estaban disponibles en streaming, entre otros. Esta variedad y heterogeneidad, junto a la evidencia de que no estamos ante los mejores temas de Lil Peep, hacen que Everybody’s Everything suene sin una unidad temática o estructura concreta que vertebre el recopilatorio. Un álbum homenaje que sus fans disfrutarán muchísimo pero que, probablemente, no servirá a los neófitos para acercarse a la obra de un artista que derrochaba talento y autenticidad. —luis m. maínez

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METAL / Mystagos es la evolución natural de Chains Ov Beleth (2005-2016), proyecto individual e intransferible de Heolstor, encargado de hacerlo literalmente todo.

Tras Ho Anthropos Tes Anomias (17), que fue publicado en Estados Unidos de la mano del sello Clandestine Faith, llega su segundo álbum. Respecto a su ópera prima, Azoth se revela como una apuesta mucho más ambiciosa y experimental que conserva toda la crudeza de su sonido, algo que le permite realzar su intención atmosférica. Permeable a la influencia de formaciones como Blut Aus Nord o Svartidauði, Azoth consigue ser un trabajo imprevisible a nivel de estructuras y arreglos –sobre todo a nivel vocal– pero, en su conjunto, flaquea por irregular. Se alternan piezas indigestas (como Solve o Shamdon) con maravillas como The Weight Of A Burial Shroud, un robusto híbrido entre el black y el doom metal. Valiente pero fallido.

—tomeu canyelles

—marcos gendre

Orbel

Azoth Blackseed/ Blood Fire Death

6

ciones que constatan el arduo trabajo que fue llevar a cabo cada una de las piezas que moldeó a la lo largo de la década. Piezas de un reloj con las manecillas congeladas en la hora cero de una sensibilidad afinada desde la ambición de viajar por un túnel del tiempo inventado. Casi dos horas y media que se erigen como el testamento que todos estábamos esperando, y la prueba irrefutable que confirma la infalibilidad del Proteo cibernético de nuestros tiempos.

Richard Dawson

Hegan Usopop/ Dingleberry/ Urgence/ Medication Time

POST-ROCK / El cuarteto de Baiona confirma y aumenta todo lo que el EP Beyond There (18) apuntaba en este primer largo. La estética oscura y un tanto misteriosa que les rodea les asocia inevitablemente al post-rock y sin duda, Orbel deben mucho a bandas como Godspeed You! Black Emperor, Low, incluso a unos Swans en sus pasajes menos agresivos. La ausencia de sección rítmica acentúa la sensación estática, contemplativa y la tensión tan habituales en este tipo de propuestas musicales. Parámetros y referencias siempre atractivos de entrada, pero sumamente peligrosos si no se tiene nada que contar y si el bello armazón no tiene ligaduras emocionales que lo sustenten. Afortunadamente, Orbel tienen recursos para huir de aburridos lugares comunes y apuntar en direcciones más sugerentes y conmovedoras. En especial gracias al protagonismo de las voces y a un extraño lirismo un tanto mágico cercano a alquimistas como Current 93.

7

—antton iturbe

2020 Weird World/ Domino

6

FOLK / Richard Dawson

regresa a escena con una nueva entrega de compleja degustación. El británico firma una obra con aspecto de ópera-rock, claras preferencias por el progresivo de los setenta, y un folk generoso en aristas. Una mixtura que el de Tyneside no duda en completar con arreglos pop y ciertas pinceladas exóticas. 2020 es un disco chirriante, con el autor presentando (con ironía) emociones y hábitos costumbristas traducidos en el running, los agobios o el trabajo, consecuencia todos ellos del actual entorno social. La estridente voz del artista parece servir de argumento común, cruzando y marcando la referencia desde el principio hasta el final. Parece que la particular visión creativa del músico le obliga a alumbrar elepés de amplia riqueza compositiva, pero también algo caóticos, extravagantes y anárquicos. Y ése es precisamente Richard Dawson, uno de esos tipos a los que amar u odiar sin apenas posibilidad de término medio. —raúl julián enero 2020 #37

MONDOVINILOS

Marika Hackman

Any Human Friend Sub Pop/ Popstock!

El disco más comercial de Floating Points 8

Floating Points Crush Ninja Tune

9 ELECTRÓNICA / Si en sus dos anteriores largos, Elaenia (Pluto, 15) y ReflectionsMojave Desert (Pluto, 17), el británico Sam Shepherd investigaba en una moderna reconstrucción del sonido cósmico más analógico uniéndolo con un modern jazz abstracto, Crush significa su gran paso de gigante en la electrónica de baile moderna, haciéndose un hueco junto a Four Tet o Caribou. Criado en la rave británica de los noventas y los primeros dos miles, Crush comienza con un tema muy 4 Hero del Two Pages (98), con una opus jazzística con violines interrumpida por una base juguetona que parece que va a lanzar un redoble de tambor clásico del drum’n’bass que nunca llega. A continuación le sigue un tema bleep escuela Plaid más cinematográfico que parece grabado en el estudio de Nils Frahm. Con solo dos temas, Shepherd deja claro que este disco

Stephen Mallinder

Los Rosarios

ELECTRÓNICA / El líder de

Cabaret Voltaire publica su segundo trabajo en solitario, el primero en treinta y cinco años, dejando constancia de cómo sus inquietudes en esta ocasión están encaminadas hacia el acid house y las bases funk, todo ello sin ocultar su bizarro sello de identidad con el que llevarlo todo hacia un lado aún más robótico.

A lo largo del disco se toma total libertad para divagar a través de música de club encerrada en composiciones como Prefix Repeat Rewind, intentando al mismo tiempo no descuidar su faceta más enigmática donde los graves golpean con fuerza como sucede en Flashback. Con una recta final donde concibe sus temas con un mayor número de capas donde se pierde la uniformidad, es capaz de aportar el toque más brillante y eufórico posible al trabajo, destacando sobremanera la final Hollow y su synth pop peleón.

Al final la escucha completa nos deja la sensación de estar ante un mundo propio encerrado en cada canción. —noé r. rivas #38 enero 2020

PSICODELIA / Tras el –en apariencia– litúrgico nombre elegido por esta banda andaluza se esconde un trío compuesto por integrantes provenientes de grupos como Sick Buzos, Byron Co. o Miraflores. Formación de nuevo cuño que debuta con un trabajo oscuro, perturbador y ruidista a partes iguales en el que la saturada electricidad hace –penetrante– pareja con unas bases rítmicas mayoritariamente programadas. Una aleación que les facilita extender una mano hacia Suicide y otra a The Stooges, configurando así un eje de coordenadas definido por las variables de la crudeza (Elevator oveja) y la insinuación que irán alternando sus cotas de protagonismo. Integrando en la ya de por sí sugerente ecuación musical textos de controlado contenido lascivo, dirigiéndolos hacia ambientes sonoros más góticos (Penitente de cuero) o espaciales (Selenitas), el resultado se muestra como una incitación a erigir, desde el rock and roll, su particular imperio de los sentidos. —kepa arbizu

7

mas como el tremendísimo LesAlpx, pero que se entretiene experimentando como si se tratase de un alquimista del free-jazz, como se puede apreciar en las dos partes de la multirrítmica Apoptose. Hay muchas ganas de ver y escuchar este material en directo, su lugar natural.

—manu gonzález

Bohren & Der Club Of Gore

Caja de espíritus Autoeditado

Um Dada Dais Records /Popstock!

7

va a ser su disco más comercial. Y eso solo pueden ser buenas noticias, pues su sapiencia enciclopédica de la música electrónica y su control de los sintetizadores modulares más analógicos convierten a Crush en el mejor disco de música electrónica del año 2019. Una vigorizante colección de canciones que le acercan a la pista de baile en te-

JAZZ OSCURO / Bohren & Der

Club Of Gore han vuelto con un disco para adultos que viven en una gran ciudad, pero que deberán bajar el ritmo que la misma le impone para poder disfrutarlo tal cual fue diseñado.

Estos veteranos alemanes, embajadores mundiales del doom jazz, este nuevo disco –noveno de su historia y el primero en seis largos años– tiene lo de siempre: lentitud, profundidad, miradas de reojo, alcohol, sensibilidad dérmica, tabaco, inercia y diálogos instrumentales exquisitos.

Si bien hay piezas de tensa delicadeza, este álbum tiene la particularidad de sonar en algunos instantes menos sexual y más afectivo que ciertas referencias anteriores. Otra vez el saxofón de Christoph Clöser se hace protagonista y toma el papel de interlocutor “sentimental”, así temas como Verwirrung Am Strand o Zwei Herzen Aus Gold dan esa pequeña cuota de inocencia que también le queda bien al original concepto del grupo.

—adriano mazzeo

su segundo disco, Marika Hackman podría colarse en ese olimpo copado por féminas de personalidad y talento arrasadores, situándose junto a Courtney Barnett, Laura Marling o Angel Olsen. Conviene acercarse a Any Human Friend con la calma necesaria para asimilar las diferentes formas que la vocalista adopta a lo largo de un total de once cortes.

La referencia incluye inteligentes pildorazos pop, acercamientos al folk introspectivo y contemporáneo, teclados y sintetizadores alumbrando piezas de electro-pop o una oscura y elegante Hold On. Martina Hackman parece albergar varias artistas dentro de sí misma, y en este acto permite la representación de todas ellas, certificando lo jugoso del resultado. Un álbum que sugiere su potencial desde la primera escucha, pero que tras pasadas adicionales se manifiesta como obra ambiciosa, certera en su objetivo y dotada con una riqueza (estilística y compositiva) por encima de la media. —raúl julián Carla dal Forno

Little Pepe El Real One Love BOA

Patchouli Blue Ipecac/[PIAS]

8

INDIE POP / Con el que es

7

REGGAE / El Real One Love

es el último álbum de Little Pepe. Grabado en La Factoría de Ideas de Acción Sánchez de SFDK y distribuido por Boa Música, supone el séptimo larga duración del malagueño y el primero desde Templao (16), que vio la luz en 2016. En este trabajo encontramos una evolución en Little Pepe que rompe con el reggae más ortodoxo, sin renunciar a la esencia y el poso del género, para ofrecernos una colección de temas que retratan las desigualdades sociales y las realidades muchas veces silenciadas, sin renunciar a hacer una música optimista e inspiradora. Canciones como Si tú supieras, No tengo de eso, Nadie sabe o Tú dices (el bonus track acústico del álbum) son prueba de que Little Pepe ya lleva años regalando su música a quien quiera escucharla y de que ha armado un disco que innova para situarse en la tradición de cantantes andaluces populares contemporáneos, que siempre saben cómo llevar un poco de luz a la no siempre agradable realidad cotidiana. —luis

m. maínez

Look Up Sharp Kallista Records

7

POP / No busquen inme-

diatez ni ligereza en Carla dal Forno, y se encontrarán con un diamante. El viaje que supone Look Up Sharp requiere de un estado de ánimo sereno y paciente para apreciar y disfrutar en su totalidad de la cantidad de matices y belleza oculta que esconde este disco, construido sobre un delicado equilibrio entre opuestos que la multiinstrumentista australiana maneja con maestría, en un ejercicio de pop intimista, de sonido lo-fi y reverbs catedralicias, donde la oscuridad postpunk a base de sintetizadores y primitivas cajas de ritmo se acompaña de una extraña luminosidad de ambientación dreampop, preciosos y puntuales arreglos de cuerdas y guitarras, y delicadísimas atmósferas instrumentales que mantienen un delicioso tono melancólico y ensoñador a lo largo de los cuarenta minutos escasos que dura el disco. Una pequeña joya, tan inquietante como bella, que crece en profundidad y emoción con cada nueva escucha.

—ricky lavado

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Ghost Number

Dirt & Other Spells Autoeditado

8

SWING ROCK / Lo que no se

manifiesta a primera vista no significa que no exista. Una desconcertante certeza en la que precisamente decide escarbar el segundo disco de esta banda donostiarra. Denominados en su fantástico debut como Ghost Number & His Tipsy Gypsies, ahora acortan su nombre para, además, inundar de influencias latinas y centroeuropeas su ya conocido talento para la música de preguerra representada entorno al jazz-swing. Sonidos que tejerán un fascinante ambiente determinado por su naturaleza frenética y fantasmagórica, perfil de lo más apto para suscitar nuestros soterrados impulsos. Entre alguna excepción de clásica y elegante ejecución, van a proliferar los trepidantes latidos –cruzados con el mefistofélico espíritu de Tom Waits o Screamin’ Jay Hawkins– a ritmo de calypso y cumbia (I’m Lost) o bajo arrebatos zíngaros (King Monster). Ingredientes con los que invocar al desatado baile pero sobre todo a nuestros recónditos instintos. —kepa arbizu

Daruma Mushroom Pillow

6

—luis m. maínez

Bombony Montana & Lone

BUBBA RCA

R&B / Louis Kevin Celestin

obtuvo repercusión internacional ya desde un poco antes de su debut, 99,9% , en 2016, una obra en la que contaba con invitados de lujo como Craig David, Aluna George, Anderson .Paak o Vic Mensa. Ahora, a los veintisiete lanza su segundo largo, y dobla la apuesta en cuanto al tema de las colaboraciones: Kali Uchis, Tinashe, Pharrell Williams, Estelle, Mick Jenkins o Iman Omari. El productor haitiano-canadiense sabe de quiénes rodearse, pero sobre todo sabe hacer bien su trabajo: lo hemos podido ver en el material que ha ido lanzando estos años, y lo podemos ver en este BUBBA, en el que queda claro que ha perfeccionado su estilo. El lead single con Kali Uchis, 10%, es la pista más accesible del disco, pero hay más.

Por tanto, es tan disfrutable en las estupendas The Worst In Me, 2 The Music o Vex Oh que en temazos como Scared To Death o DO IT, en la que no le hace falta ninguna estrella invitada para que nos entreguemos a su mezcla de r&b, house, funk y house. —pablo tocino

URBAN / Zazo & Gxurmet dan

un paso más en su particular camino para convertirse en los representantes españoles por excelencia del pop urbano masculino. Conocen los códigos y saben a qué quieren que suene su música, una cualidad que es en sí muy importante. Daruma es el segundo álbum de los ganadores del concurso de Vodafone Yu para nuevas bandas de 2017. Ahora sin Vega Almohalla, que les acompañó en su primer trabajo, Zazo y Gxurmet tienen un sonido definido que les une a artistas como Lola Indigo dentro del nuevo pop con influencias de electrónica y urbano. En busca de ti, Internacional o Eres veneno son los mejores temas del disco y los que dan a entender el futuro que podrían tener en el panorama mainstream del país: temas bien estructurados, con beats que van en la buena dirección y letras actuales, en forma y fondo. Queda la duda de si han pasado al mainstream antes de saber cómo vender un producto al mainstream.

Kaytranada

7

MONDOVINILOS

Zazo & Gxurmet

The Finest Edition Papua Tribe

7

RAP / En 2014 veía la luz

LB Finest, firmado desde Zaragoza por los raperos zaragozanos Bombony Montana & Lone.

Le tocó el turno a su secuela, LB Finest 2, en 2018. Pues bien, desde noviembre de este año, ambos álbumes forman este doble trabajo repleto de rap con pianos, bases introspectivas, ritmos minimalistas muy actuales, aunque también temas más acelerados y noventeros repletos de letras que son a ratos bofetones, a ratos caricias.

Amantes de la música en general y de las ediciones de vinilo en particular, el colectivo zaragozano Papua Tribe se ha marcado un gran tanto con esta exquisita referencia. Muy acorde con la elaborada producción del sonido, esta es una edición muy especial de trescientas copias en doble vinilo transparente, tipo libro, con bolsillos interiores ensamblados a mano y detalles en barniz UVI. Bombony Montana se ha encargado del sonido, grabación, mezcla y masterización. —sergio falces

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La confirmación del talento de Stormzy Stormzy

Heavy Is The Head Merky/Warner

9

GRIME /Si con tu primer disco, Gang Signs & Prayer (#Merky Records , 16), te llueven los premios, alcanzas el número uno en el Reino Unido, eres el cabeza del festival de Glastonbury y apareces en la portada de la revista Time, ¿Qué se puede esperar de tu segundo disco? Para empezar, sacar un par de singles de adelanto que revienten los charts hasta convertirse en himnos generacionales como Vossi Bop o Wiley Flow. Y para redondear el trío de canciones de adelanto sorprendes a todos con Crown, una canción tan redonda y emocionante que te dan ganas de gritar al cielo en agradecimiento eterno. Cuando ves la portada de Heavy Is The Head sabes que Stormzy es ahora el capo. Y no va a serlo solamente de Londres, sino que tiene

potencial suficiente para que el mundo entero acabe rendido a su talento. Ahí está, con el chaleco antibalas que Banksy diseñó para el ya mítico concierto en el escenario piramidal en sus manos, diciendo mucho con muy poco. Stormzy es dueño de su futuro y motor de una nueva generación que ha crecido con el grime, ajena al rancio britpop. Directo de las cloacas de la sociedad, el grime aporta oxígeno a un mundo de la música tan predecible como aburrido. Stormzy lo sabe y no solamente ha pulido su estilo para crecer, sino que diversifica sus opciones creando un disco adictivo que bebe del pasado y marca con pie firme cuál será el futuro. Sin esconder sus orígenes y rendir tributo al grime de Wiley o Skepta, no titubea en mirar más allá de Inglaterra y tomar lo mejor del rap norteamericano cuando le apetece.

Stormzy golpea y noquea sin inmutarse a golpe de bases elegantes, minimalismo bien entendido y una voz y unos fraseos que nos guían a través de una colección de canciones espectaculares.

—marcos molinero

enero 2020 #39

LAS MEJORES PELÍCULAS nacionales 2019

Renovación

H

a sido un año de renovación para el cine español como indica nuestra lista. Mientras un veterano como Almodóvar siente la necesidad de hacer balance (segunda posición de nuestra lista) –igual que José Luis Garci en la bella El crack cero–, se consolidan directores jóvenes como Oliver Laxe, Rodrigo Sorogoyen o el trío Arregi-Garaño-Goenaga y aparecen con fuerza nuevos valores tanto en el fantástico (Aritz Moreno, Galder GazteluUrritia) como en el drama (Belén Funes) o la animación (Salvador Simó Busom): cuatro de nuestras diez son debuts. Además, el cine español se ha librado definitivamente de la losa de las cintas de la Guerra Civil con niño y ha logrado regenerar el relato de la contienda con las propuestas de Zambrano, Amenábar y el mencionado trío vasco (más Sordo, fuera de lista). Además de José Luis Garci y Paco Plaza (Quien a hierra mata), se ha quedado a punto de entrar María Ripoll con la comedia modélica Vivir dos veces. —j. picatoste verdejo

1 Ventajas de viajar en tren Aritz Moreno Moreno debuta con esta adaptación de la novela de Antonio Orejudo y se pone el nivel muy alto para su próximo proyecto. Sorprendente, arriesgada, hilarante, oscura. Un perro verde en el que Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio o Quim Gutiérrez brindan las interpretaciones más locas y heterodoxas de sus carreras.

—J. picatoste verdejo

2

3

Dolor y gloria

Lo que arde

Pedro Almodóvar

Oliver Laxe

La mejor película de Almodóvar desde la fantástica La piel que habito es también su particular versión –manchega- del Fresas salvajes de Bergman. Dolor y gloria es una película-confesión realizada a tumba abierta sin ataduras ni miedos.

Un filme bellísimo y conmovedor con un Antonio Banderas en estado de gracia como trasunto otoñal de Almodóvar. —xavi sánchez pons

Laxe tiene a la vez la mirada de un documentalista y la de un poeta.

Eso explica la existencia de una obra tan alejada de las coordenadas habituales del cine comercial. Desde la tremendamente impresionante primera secuencia, el bosque gallego se convierte en un personaje más.

Y luego están sus protagonistas: dos actores no profesionales. Una fábula inolvidable. —josé martínez ros

4

5

El hoyo

La hija de un ladrón

Galder Gaztelu-Urrutia

Belén Funes

El abismo que explora en su debut Gaztelu-Urrutia nos devuelve la mirada de pleno. Esa columna distópica que reparte comida de arriba abajo funciona como perfecta analogía vertical del comportamiento humano y los diversos niveles de la moral.

El poderoso nervio narrativo de esta lucha de clases futurista eleva sus oscuros fondos hasta la cumbre del culto. —albert fernández

Uno de los debuts del año, sin ninguna duda. Belén Funes capitanea un barco en cuya tripulación destaca la sensacional interpretación de Greta Fernández, y nos habla de clases sociales, de relación padre/hija... pero sobre todo de la soledad. Y de toda la política que, aunque no lo parezca, hay detrás de la soledad en nuestra sociedad.

—pablo tocino

6

7

8

9

10

Madre

La trinchera infinita

Mientras dure la guerra

Jon Garaño, Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga

Buñuel en el laberinto de las tortugas

Intemperie

Rodrigo Sorogoyen

Benito Zambrano

Alejandro Amenábar

En su cuarto largometraje, el sevillano Benito Zambrano adapta la novela de Jesús Carrasco y audazmente acerca los parajes de la posguerra al spaghetti western.

Modifica también el habitual retrato infantil: ya no es el niño que contempla inocente el entorno adulto sino el que sufre y huye (sensacional Jaime López).

—J. picatoste verdejo

El otrora exponente del cine de género español vuelve a cambiar de registro y aborda ahora la Guerra Civil desde un punto de vista novedoso: el debate interno de un intelectual indiscutible, Miguel de Unamuno. Una cinta que se sabe fuerte en el guion y no necesita grandes alardes, más allá de sus vistosas interpretaciones.

—J. picatoste verdejo

Un año después, Sorogoyen expande la asfixiante trama de su cortometraje. El director madrileño vira aquella pulsión de angustioso thriller familiar hacia un drama existencialista que explora el hundimiento de las emociones. Toda la carga trágica recae sobre el inmenso talento de Marta Nieto, aquella madre a la que un día llamó su niño desde un playa lejana. —albert fernández

La estupenda labor de dirección y guión (Goenaga junto a Luiso Berdejo) consigue que el espectador no pierda la atención mientras se abordan varias décadas de nuestra Historia. Brutales interpretaciones de Antonio de la Torre y Belén Cuesta, demostrando ésta su versatilidad como actriz dramática.

—pablo tocino

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Salvador Simó Busom Película de animación basada en la magnífica novela gráfica de Fermín Solís, nos lleva al agitado París de los años treinta. Allí se mueve un joven expatriado español, Luis Buñuel, que se desplaza a la región más pobre de entonces para rodar un documental maldito que pasará a la leyenda: Las Hurdes, tierra sin pan. —josé martínez ros

enero 2020 #41

LOS MEJORES libros musicales

nacionales 2019

2

3

Tocar la vida. El músico de jazz: vueltas en torno a una especie en extinción

No olvides las canciones que te salvaron la vida

Chema García Martínez

Carlos Pérez de Ziriza Efe Eme

Alianza Editorial

Del rabioso presente al remoto pasado 1 E

l trap, ese estilo con aspiración de nueva lingua franca, denostado por gran parte del público talludito que consume libros musicales con voracidad, necesitaba un libro riguroso, honesto e incluso filosófico alrededor de su propio fenómeno. Lo obtuvo con Ernesto Castro, en la cima de nuestra lista, coronando un variado surtido que va del acopio de entrevistas (uno de ellos dando más visibilidad a un ámbito femenino cada vez con más relieve) al relato periodístico confesional, pasando por el destripe de portadas históricas, huellas sonoras del otro lado del charco o historias inverosímiles sobre el heavy metal. Fuera se quedaron – aunque podrían haber estado– espléndidas historias sobre Sabina (Juan Puchades), Bruno Lomas (Vicente Fabuel), Jarvis Cocker/Richard Hawley (Juan J. Vicedo) o The Smiths (Julio César Álvarez), nuevas guías sobre el blues o la música disco, los relatos en primera persona de Evaristo Páramos y Loquillo o la obra literaria de Sisa. —carlos pérez de ziriza

El trap. Filosofia millennial para la crisis en España Ernesto Castro Errata Naturae Minucioso, valiente y revelador análisis exento de todo paternalismo, es ante todo un tratado filosófico, sociológico y parapolítico que argumenta una tesis medular: la música urbana como banda sonora de la crisis española. Su exposición resulta tan mesurada como convincente, dotada además de un soterrado sentido del humor. —pablo vázquez

Empujado por la necesidad de reflejar el cambio generacional producido de los años ochenta hasta hoy en día, Ziriza pinta un fresco hartamente revelador de lo que supone crecer como oyente y periodista musical a todos los que hemos superado los cuarenta. Un documento con el surtidor rebosante de ideas y reflexiones.

Siente uno envidia de libros como este. Ni en varias vidas seríamos capaces, la mayoría de quienes cometemos la temeridad de vivir de juntar letras en torno a la música, de reunir tal acopio de entrevistas y artículos modélicos en un mismo volumen. Una soberana lección de vida. —carlos pérez de ziriza

—marcos gendre

4

5

Las chicas son rockeras.

Ellas cantan, ellas hablan

El poder femenino en la música

Toni Castarnado

Miguel Ángel Bargueño

Sílex Ediciones

Libros Cúpula Tremendamente exhaustivo, transversal y de lectura tan ágil que se antoja una obra de referencia indiscutible. Extraordinariamente documentado, no se limita a poner el foco en aquellas mujeres que se patean los escenarios, sino también en las que viven lejos del tumulto mediático.—c.p.d.z.

Ciento una mujeres, desde Patti Smith a Martirio, pasando por Rosalía, Eva Amaral o Rickie Lee Jones, protagonizan este enorme acopio de entrevistas que el periodista Toni Castarnado ha reunido a lo largo de veinte años, aunque más de treinta son inéditas y exclusivas para la ocasión. Un tapiz vivaz, que se lee con auténtica fruición. —c.p.d.z.

6

7

8

9

10

Semilla del Son. Crónica de un hechizo

Líneas paralelas

Historias del heavy metal Eloy Pérez Ladaga

Jorge Martínez.

Conversaciones Ilegales

Arroz tres delicias

Xavier Valiño

Santiago Auserón Libros del Kultrum

Editorial Milenio

Ma Non Troppo

Carlos H. Vázquez Efe Eme

Plan B/Penguin Random House

Este libro explica los motivos, el transcurso y todos los pormenores de su querencia por Cuba, desde su primer viaje (en 1984) hasta la actualidad. Cuaderno de bitácora escrito con detalle, en el que reivindica un trabajo, su afán investigador y su propósito por dar visibilidad a un legado musical que iba mucho más allá del estereotipo. —c.p.d.z.

Interesado de manera permanente en todo aquello que rodea la música y que puede entenderse como satélite de la misma (portadas, plagios…), Valiño repasa aquí los recovecos de cincuenta portadas esenciales. Lo hace después de un prólogo sobre la evolución del portadismo en el rock que por sí solo ya vale la compra del libro. —eduardo izquierdo

Una suerte tener en este país gente que escriba como Eloy Pérez. Y esta afirmación se justifica con una frase muy sencilla: él es capaz de aportar algo. Porque no solo escribe de maravilla sino que además aporta un sentido del humor brillante, que no necesita de demasiado artificio para que el lector disfrute con sus textos.

El éxito de una buena entrevista depende tanto del entrevistador como del entrevistado. Y que una buena charla pueda prolongarse hasta convertirse en un libro entero, aún más. En este caso se daban ambas premisas. El resultado es un jugosísimo recorrido vital por uno de los trayectos más inquebrantables que ha dado el rock español. —c.p.d.z.

Chenta Tsai Tseng (Putochinomaricón) es un madrileño que no lo parece, un taiwanés que casi no lo es.

Y así aprendemos que las visiones como la suya son necesarias y nos ayudan a entender la complejidad de una sociedad que cada día lo es más, por su diversidad y por la riqueza cultural y emocional de quienes la formamos. —joan s. luna

#42 enero 2020

—eduardo izquierdo

Chenta Tsai Tseng

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LOS MEJORES CÓMICSnacionales 2019

Mismo sitio, un poco más tarde

S

i en la selección de cómics internacionales hemos tenido muchos problemas para poder comprimir todo un año de excelente cómic en una lista de diez novelas gráficas, lo mismo nos ha ocurrido con la lista nacional donde el cómic experimental de David Sánchez o Roberto Massó se encuentran con el humor de Aroha Travé, Roberta Vázquez y Bàrbara Alca, mientras Sergi Puyol y Pep Brocal nos transportan a mundos extraños, sin olvidarnos del cómic digital de Javi De Castro o del cómic más biográfico y mágico como el de Javier de Isusi o el dúo artístico formado por Rubio & Sagar. Si no tienen suficiente con esta lista, a las puertas del Olimpo decimal se han quedado Ocultos, No mires atrás, La noche polar, La vida y usted, California Rocket Fuel, Las edades de la rata, La auditora, el tercer volumen de La balada del norte o la última aventura de Corto Maltés, El día de Tarowean. —manu gonzález

1 En otro lugar, un poco más tarde David Sánchez Astiberri Si en Un millón de años (17), Sánchez se convertía en un David Lynch chamánico completamente puesto de LSD, con su nueva obra sigue la estela experimental antediluviana con un experimento sin diálogos donde los viejos dioses se encuentran con los nuevos, donde la Tierra es dominada por hombres lagartos y el cielo produce alucinaciones. —m.g.

2

3

La sangre extraña

Inframundo

Sergi Puyol

Pep Brocal

Apa Apa

Astiberri

En el inquietante y fantástico segundo cómic en larga duración de Sergi Puyol, que compagina su faceta de dibujante con la de rotulista y diseñador de libros y cómics, ha montado una historia de realidades múltiples y misterio con un inolvidable protagonista en la que abundan grandes momentos gráficos. —alex serrano

Tochaco de los que nos encantan a los devoradores de novela gráfica el que nos presenta el historietista Pep Brocal. Un cómic que trasciende el género para convertirse en algo mucho más sustancial. Y es que enfrentarse a uno mismo nunca es tarea fácil y agradable, aunque aquí sea una magnífica manera de pasar un buen rato. —eduardo izquierdo

4

5

Miles en París

Carne de cañón

Salva Rubio/Sagar

Aroah Travé

Norma

La Cúpula

Rubio y Sagar tratan cuestiones como el destino, el cómo nos enfrentamos a los cambios, cuál es el compromiso de un artista de talento con su propia inspiración. Por todo ello, estamos ante una novela gráfica musical y al mismo tiempo romántica e histórica, cuya carga emocional va más allá de lo que ocurrió en realidad en 1949. —joan s. luna

Divertida, faltona y fresquísima puesta al día de la escuela tremenda de El Víbora, este es uno de los tebeos de la temporada.

Su extrarradio lleno de chonis y miseria es una mirada descarnada que triunfa al dibujar un grupo de personajes tan estrafalarios como entrañables. Travé normaliza el barrio. —alex serrano

10

6

7

8

9

The Eyes

¡Socorro!

Pizza Chica y las lloronas

Cadencia

Javi De Castro

Roberta Vázquez

Bárbara Alca

Roberto Massó

webzine

Apa Apa

Sapristi

Fosfatina

Cinco historias cortas de cienciaficción que solo podrás encontrar digitalmente (javidecastro.com/ theeyes) en las que el autor leonés recoge la herencia de The Twilight Zone, Amazing Stories o los cuentos de Edgar Allan Poe o Guy De Maupassant jugando con el scroll del lector o escondiendo sorpresas terroríficas. —manu gonzález

Un pimiento, una rosquilla y una porción de pizza protagonizan, entre otros aperitivos antropomorfos, las andanzas de perdedores que son sus propias vidas, miserables como la tuya y la mía. Vázquez da pie mediante hilarante retranca a su particular universo de dirty realism, logrando conectar con el zeitgeist de una generación. —octavio botana

La primera obra de formato largo de Bárbara Alca es toda una sublimación de las características que la han convertido en una autora a seguir, a saber: un humor tan amargo como personal, una personalidad estética definida y arrebatadora, y una capacidad para reflejar lo generacional sin asomo de artificio.

Pocas obras de historieta se han leído últimamente tan radicales.

Cadencia elude la narrativa convencional, sí, pero también rechaza la abstracción total. Entre lo ascético y lo inhumano, lo cerebral y lo atávico, en el mapa de flujos que componen sus viñetas vectoriales todo en este cómic es enigmático y abierto. —octavio beares

La divina comedia de Oscar Wilde Javier De Isusi Astiberri

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—alex serrano

Isusi se distancia de su estilo habitual en un cómic que hará las delicias de cualquiera que haya disfrutado con la literatura de Wilde y que, sin duda, también puede contentar sobradamente a quienes se acerquen a él vírgenes sobre los acontecimientos que marcaron la etapa final de su vida. —joan s. luna

enero 2020 #43

44/Mondo Conexiones Richie Hawtin <> Closer

Mad Cool Festival <> Iberia La aerolínea Iberia e Iberia Express ha llegado a un acuerdo de patrocinio con Mad Cool Festival para convertir la cita musical en una experiencia global. El objetivo de este patrocinio es incentivar y favorecer que Madrid y Mad Cool Festival se conviertan, los días 8, 9, 10 y 11 de julio, en el destino perfecto. Debido a la gran afluencia de público tanto nacional como extranjero que recibe Mad Cool Festival cada año, con esta unión se pretende que el usuario disfrute del festival desde el momento en el que inicia el viaje. Además, ahora el usuario también puede disfrutar incluso desde el inicio del proceso de compra de entradas ya que comprando sus abonos a través de la web oficial del festival, puede reservar sus vuelos con un 10% de descuento. www.madcoolfestival.es

Vodafone Yu <> Vodafone Yu Music Talent Tras el éxito de las seis ediciones anteriores, Vodafone Yu Music Talent abre el plazo de inscripción para una nueva edición del talent que busca impulsar la carrera de un grupo o solista novel.

Este plazo termina el próximo 19 de enero a las 12pm y ya cuenta con más de mil bandas y solistas apuntados. Tras esta fecha, los inscritos se someterán a la votación del público. Además de los cincuenta más votados por el público, también pasarán a la siguiente fase otros cincuenta seleccionados por parte de los ganadores de anteriores ediciones (Agoraphobia, Ayoho, Dear Audrey, Naranja, Zazo & Gxurmet y Todo el Rato). Después, un jurado profesional elegirá a las diez mejores bandas para participar en una audición en directo de la que saldrán tres finalistas. El ganador podrá grabar un álbum de estudio o tener promoción en Spotify y Tidal entre otras cosas. Inscríbete antes del 19 de enero en la web vodafoneyumusicshows.es/talent/ #44 enero 2020

El DJ, músico y productor británico Richie Hawtin ha lanzado una app interactiva para móvil creada junto a Telekom Electronic Beats. A través de esta aplicación, los usuarios podrán interactuar con el último álbum audiovisual del artista, Closed Combines, de maneras muy innovadoras. Además de poder manipular los canales de audio de las canciones con synths o efectos, también hay una opción para interactuar en directo durante las actuaciones del artista pudiendo elegir el ángulo de cámara desde el que deseas ver la sesión. La aplicación está ya disponible en iOS App Store y Google Play.

WiZink Center <> Revista Internacional Pollstar

El recinto madrileño WiZink Center cierra este año 2019 situándose en el podio de los recintos con más actividad del mundo. Se encuentra en el 4º puesto mundial en el acreditado ranking “Top 200 World Arenas” de la revista americana Pollstar. Con un total de 164 eventos este año, al WiZink Center solo le superan el Madison Square Garden de Nueva York, el SSE Hydro de Glasgow y el Lanxess Arena de Colonia.

Acces <> Open Club Day El sábado 1 de febrero se celebrará la 3ª edición del Open Club Day. Se trata de una iniciativa que busca que aficionados a la música, vecinos, escuelas o autoridades locales descubran las salas de conciertos de una manera poco convencional. A menudo estos locales se enfrentan a estereotipos negativos y por eso esta iniciativa quiere cambiar esta percepción a una más realista en la que se concibe a las salas de música como lugares de trabajo que se preocupan por su audiencia, fomentan el desarrollo artístico y son actores dinámicos de su comunidad. Durante este día se organizarán diversas actividades como talleres de música para aficionados o pruebas de sonido abiertas al público. Más de sesenta salas de conciertos pertenecientes a diferentes países europeos se han apuntado ya para ser partícipes y entre ellas se encuentran más de diez españolas. El plazo para registrarse continúa abierto en www.openclubday.com/

Jack Daniel’s <> Rock your Christmas!

La icónica marca de whiskey Jack Daniel’s lanza estas Navidades un regalo para coleccionistas muy vinculado con la música. Se trata de un estuche de edición limitada que tiene forma de funda de guitarra y dentro contiene una botella del mítico Jack Daniel’s Old No.7 con un tapón especial en forma de clavijero. De esta manera, la marca continúa su vinculación a la música que se remonta a 1892 cuando el creador de la marca decidió dejar su legado musical en Lynchburg formando la banda local Silver Cornet Band. Desde entonces, este vínculo ha seguido vivo ya que la marca ha estado presente en los camerinos de las estrellas de rock o en las notas de Sinatra. El estuche contará con una edición limitada de 15.000 unidades que está ya a la venta en El Corte Inglés y Carrefour. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación

RETROVISOR.

Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com

Archers Of Loaf

Origen: Chapel Hill, Carolina del Norte (Estados Unidos), 1991 – 1998 El 2020 está llamado a ser el año de su retorno con todas las consecuencias , ocho años después de una serie de conciertos puntuales (entre ellos el barcelonés Primavera Sound), ahora con la promesa de facturar material nuevo veintidós años después de su adiós.

F

ueron uno de los tres vértices más visibles de la efervescente escena independiente de Chapel Hill entre finales de los ochenta y principios de los noventa, junto a Superchunk y Polvo. Eran tiempos aquellos de rampante fiebre alternativa, en los que parecía que el mainstream y las listas del Billboard parecían por fin dispuestas a acoger con los brazos abiertos los sonidos poco adocenados que brotaban, sobre todo, de Seattle, pero también de Chicago, Boston, Washington DC o de aquella pequeña ciudad de Carolina del Norte, marcada por su inquieta población universitaria, en abierta sintonía –y no es solo un decir– con el rock que se había propagado con especial fruición desde las emisoras de radio de los campus de estudiantes. De hecho, los cuatro miembros de la banda, el cantante y guitarrista Erich Bachmann, el guitarrista Eric Johnson, el bajista Matt Gentling y el batería Mark Price, aún cursaban sus estudios en la universidad de la ciudad cuando formaron la banda.

En su frontispicio particular, la santísima trinidad del underground norteamericano de la segunda mitad de los ochenta: The Replacements, Hüsker Dü y Sonic Youth.

Aunque su tendencia a sumir sus melodías en estructuras quebradizas y angulosas, de trazo emborronado, les emparentase con contemporáneos como Pavement, y su querencia por cierta épica de lo cotidiano, recubierta de guitarras impetuosas, les ligase también a la honesta emotividad de

#46 enero 2020

Buffalo Tom. Mimbres, en cualquier caso, con los que nunca lograron trascender el ámbito de las bandas de culto alternativo de los noventa, pese a que su primer single, Web In Front (93), sonase en un episodio de Beavis & Butthead, una de las muchas apariciones de temas suyos en series y películas de los noventa. Sigue siendo, eso sí, su canción más escuchada en Spotify con diferencia, rozando los tres millones de reproducciones.

Su debut largo es también su álbum más logrado, un Icky Mettle (93) que llegó un año después de su primer single, aquel Wrong/ South Carolina que había sido regalado con el fanzine neoyorquino Stay Free. Para su edición les acogió Alias, el sello de Kentucky donde por entonces militaban también American Music Club, The Loud Family, Yo La Tengo, Knapsack o los siempre reivindicables Throneberry, que en España gozaba de una puntual distribución. Su segundo álbum, Vee Vee (95), mejoró sus hechuras pero también atemperó el ímpetu de sus inicios, dotándoles no obstante de mayor amplitud de registros, con la contagiosa Harnessed In Slums oficiando de ariete. Un año después, y tras telonear a los Weezer del Blue album (95), llega el lógico salto a la distribución en una multi, Elektra, con All The Nations Airports (96) y Brian Paulson (Son Volt, Uncle Tupelo, Slint) a los controles. Suenan más maduros, pero, aunque no por ello rebajen el listón cualitativo, falta algo de la chispa de sus dos primeras entregas. El contexto del momento, ya plagado de sucedáneos indies, tampoco favorece una mayor proyección.

Finalmente, White Trash Heroes (98) echa el telón de forma digna aunque con una visión muy dispersa, como si el paso del tiempo les hubiera hecho perder foco. Erich Bachmann se enroló desde entonces en su proyecto Crooked Fingers, y tocó ocasionalmente con Superchunk o Band Of Horses. Seconds Before the Accident (2000) mostró de forma póstuma su buen directo. —carlos pérez de ziriza

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IMPRESCINDIBLE Icky Mettle Alias, 93 Rock 8/10

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Se puede discutir hasta qué punto, fuera de su contexto original, el mejor álbum de Archers Of Loaf mantiene el tipo y envejece a la misma altura que los de muchas de las bandas con las compitieron amistosamente durante aquellos primeros noventa. Pero de lo que no cabe duda es de que en Icky Mettle está su versión más incontaminada y vivaz, también por eso la más contagiosa.

Sin dobleces, sin pretensiones, solo con honestas dentelladas de indie rock combativo y emocionalmente inflamado, con transparente deseo de comerse el mundo a bocados. Fue reeditado en 2011 por Merge, con las canciones del EP Vs The Greatest Of All Time (94) —c.p.d.z.

Edición Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

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