Nº 183 MONDO SONORO ABRIL 2011

Abril de 2011 nº 183

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MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

CATPEOPLE

ROMPIENDO ESQUEMAS

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en el interior

LA BIEN QUERIDA

SEGUNDO PREMIO MANEL

CUENTOS POPULARES

SHO-HAI

UN ‘VIOLADOR’ EN SOLITARIO GLASVEGAS

LUCES EN LA OSCURIDAD

J. MASCIS • TXARRENA • LITORAL • LCMDF • LA PEGATINA • THE PAINS OF BEING PURE AT HEART • THE VACCINES • SOUTH CENTRAL • TED LEO GUADALUPE PLATA • ANNA CALVI • SUM 41 • RISE AGAINST • YELLE • TORO Y MOI • PJ HARVEY • VIVIAN GIRLS • NACHO VEGAS • BUSY P Catpeople Foto Ibai Acevedo

www.mondosonoro.com

CAAC. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo - Monasterio de la Cartuja Viernes 20 de Mayo

Vetusta Morla / Asian Dub Foundation / The Fall / Nach / Razhel & Dj JS-1 / King Yellowman & The Sagittarius Band / Raimundo Amador / El Columpio Asesino / Putolargo / King Midas Sound / Southern Arts Society / Bikini Red / + Artistas por confirmar Sábado 21 de Mayo

Orbital Dj Set / The Human League / Klaxons / Femi Kuti & The Positive Force/ Mala Rodríguez / Horace Andy & Dub Asante / Russian Red / Muchachito Bombo Infierno / The Divine Comedy / Tote King / Sr. Chinarro / Duo Kie / Acción Sánchez & Dj Wilor / Miss Caffeina / + Artistas por confirmar + info en www.territoriossevilla.com Abonos: 30 € + gastos de distribución. A partir del 1 de abril, 35 € + gastos de distribución Entrada por día: Anticipada: 20 € + gastos de distribución. Taquilla día del concierto: 25 € * *(30 % de descuento con Carnet Jovén. Solo en taquilla el mismo día del concierto) Puntos de venta: www.territoriossevilla.com, desde el 1 de abril también disponible en www.ticketmaster.com y toda su red Ticketmaster (centros Fnac, Carrefour, etc...)

CAAC. Monasterio de la Cartuja. C/ Américo Vespucio, 2.

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La parte grรกfica, 2011

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staff Coordinador General Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com)

MondoSonoro · Abril 2011 /5/

NOTICIAS

Publicidad Director Comercial Dani López (dani@mondosonoro.com) T. 687 914 719 Coordinador Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) T. 607 366 693 Publicidad Estatal Luis Fernández M. (luis@mondosonoro.com) T. 672 072 263 Publicidad Madrid María Llorente (maria@mondosonoro.com) T. 676 881 519 Publicidad Catalunya Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) T. 629 705 103 Administración y Contabilidad Vanessa Garza (vanessa@mondosonoro.com)

7. J Mascis, nuevo álbum en solitario 8. Txarrena, vuelve El Drogas 9. Litoral, supergrupo junto al Mediterráneo 10. Festivales 2011

mondofreako 13. Glasvegas 14. Le Corps Mince de Françoise 15. Guadalupe Plata 16. Anna Calvi 18. Sum 41 19. Rise Against 20. Yelle 23. Toro y Moi

Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación Xavier Puigbó (maquetacion@mondosonoro.com)

entrevistas

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com

25. La Bien Querida Segundo premio 27. Sho-Hai A tortas con la vida 28-29. Manel Cuentos populares 30-31. Catpeople Maullándole al amor

◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 963 987 ◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197

sumario

Conciertos

28 / manel Cuentos populares

33-36. Fiestas Demoscópicas, Panorama Pop, Let’s Festival

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escaparate

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39-41. Los Tiki Phantoms, Varaverde, Sharif...

◗ Ed. Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

vinilos 43-54. PJ Harvey Disco del mes

◗ Ed. Galicia-Castilla y León (galicia@ mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro. com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

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◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 Colaboradores: Textos Alberto Comeche, Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Fernando Fuentes, Francesc Feliu, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Héctor García, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, María Baigorri, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, P. Muñoz, Óscar Gual, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

“no solo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Sergio del Amo y Xavi S. Pons por discutir sobre el culo de Lady Gaga”

56-59. Mondo Recomienda 61. Conexiones

mondoweb 25 / l.b.q. Segundo premio

Cumbre estatal Hablábamos hacía unos meses de las malévolas guerras civiles en el seno de nuestra publicación. El motivo era una controvertida portada dedicada a Cut Copy (un acierto, visto el resultado de su reciente directo en Madrid). ¿Y qué tiene esto que ver con el número 183 de MondoSonoro? Pues sencillamente que este mes no ha habido tanta bronca, ni tanto mamoneo. Dedicarle la portada a Catpeople era algo que teníamos claro desde que escuchamos su tercer larga duración, el sorprendente “Love Battle”, y desde que se propusieron regalarlo con parte de nuestra tirada. Así que, este mes, mientras leen ustedes la entrevista podrán estar pinchando la grabación en formato físico (sí, algo de ro-

30 / Catpeople Maullándole al amor

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62. La entrevista Fan: Nacho Vegas

27 / Sho-hai A tortas con la vida

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manticismo, aunque sea un compacto) y orientarse por los comentarios de Adrián PD, vocalista de la banda, alrededor del disco. Ahora bien, eso no significa que no hubiese otros candidatos de altura. Sin ir más lejos, los restantes artistas estatales que aparecen con entrevista grande bien podrían haber ocupado también el lugar del grupo gallego afincado en Barcelona. A saber, Manel, Sho-Hai y La Bien Querida.

Con ello vengo a decir –más que nada es un consejo- que le dediquen tiempo a cada uno de sus discos, porque todos valen la pena más allá de estilos, fobias y fílias. Sé que no voy a convencerles al cien por cien con eso de escuchar desde hip hop a folk en catalán, pero por lo menos que nadie diga que no lo he intentado. ■ Redactor Jefe Joan S. Luna

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lotes formados por los discos

A JIGSAW y MONOCULTURE

/7/ Abril 2011 · MondoSonoro

J Mascis Foto Timothy Herzog

NOTICIAS

FESTIVALES ❚ La segunda edición de TURBOROCK! FESTIVAL, evento especializado en programar lo mejor del punk rock, power pop y garage nacional e internacional, acaba de anunciar las fechas y lugares de su próxima edición. La cita será el 2 y 3 de septiembre de 2011 en Santander y Benidorm. http://turborock.es/ ❚ El cartel del AZKENA ROCK FESTIVAL 2011, que celebra su décimo aniversario del 23 al 25 de junio en Vitoria-Gasteiz, ya está distribuido por días. Entra a www.azkenarockfestival.com/arf/2011/ para descubrirlo. Algunos de los nombres más destacados son: Brian Setzer, Primus, Band Of Horses, Bright Eyes, Ozzy Osbourne, Gregg Allman, Rob Zombie y The Cult.

The Go! Team Foto Archivo

Nuevas confirmaciones en el FIB

❚ La edición de 2011, la octava del Festival CREAMFIELDS ANDALUCÍA, se anuncia cargada de novedades. Por un lado abandona la costa de Almería, para trasladarse a la provincia de Cádiz. El festival se celebrará los días 13 y 14 de agosto, y la confirmación más importante es la The Prodigy. www.creamfieldsandalucia.com/

Poco a poco y manteniendo la expectación. Así es el goteo de nombres que conformarán el cartel de la próxima edición del FIB, que tendrá lugar en Benicàssim en julio. Así, Brandon Flowers, líder de The Killers, viene dispuesto a conquistar al público en solitario con su debut, “Flamingo”. Y no será el único. The Go! Team confirman su presencia también, además de Crystal Fighters, quienes acaban de publicar su debut en nuestro país incluyendo varias remezclas y temas en acústico. Nudozurdo, Anna Calvi, Tame Impala, Violens y Logo completan estas nuevas confirmaciones, que se suman así a los previamente confirmados Arcade Fire, Arctic Monkeys, The Strokes, Mumford & Sons, The Stranglers , Portishead, Pendulum, Congotronics vs Rockers, Paolo Nutini, Primal Scream, Smile, Elbow, The Streets, Julieta Venegas, Professor Green, The Morning Benders, Jerry Fish & The Mudbug Club, Jack Beats, Zombie Zombie, O Emperor, Spectrals y muchos más. Recuerda que todavía puedes conseguir tu abono a un precio reducido o bien hacerte con las entradas de día. El FIB tendrá lugar como cada año en Benicàssim del 14 al 17 de julio. Más detalles en: www.fiberfib.com ■

❚ El FESTIVAL DO NORTE se celebrará este año los días 6 y 7 de mayo en Pontevedra con un cartel de lujo. May 68, !!! (Chk Chk Chk), Chapel Club, Delafé y Las Flores Azules, Ellos, Nadadora, McEnroe, London Guns, The Vaselines, Peter Hook, Mirrors, Triángulo de Amor Bizarro, Pony Bravo, Franc3s, Diadermin y Sexy Sadie. www.festivaldonorte.com

J Mascis, nuevo álbum en solitario Después de más de dos décadas de carrera, el vocalista, guitarrista y compositor de Dinosaur Jr. lanza su definitivo disco en solitario. “Several Shades Of Why” (Sub Pop/ Popstock!, 11) incluye diez composiciones propias dotadas de gran profundidad e intimismo.

Steve Aoki Foto Archivo

Estrella Levante SOS 4.8 Tras una edición, la del pasado año, en la que el festival definitivamente dio el salto y se convirtió en uno de los eventos musicales de referencia que tienen lugar en nuestro país, el SOS busca revalidar su importancia con una programación de nivel, actividades paralelas como conferencias (Voces), exposiciones artísticas o diversas citas para profesionales (SOS Pro). ¿Los principales atractivos del cartel de este año? !!!, MGMT, Editors, Lori Meyers, el retorno de Suede, Triángulo De Amor Bizarro, Vetusta Morla, Everything Everything, Crookers, Steve Aoki y Two Door Cinema Club. Y por supuesto que todos deberéis pasaros por el Auditorio MondoSonoro en el que estarán These New Puritans (con orquesta y coros), Standstill presentando su espectáculo “Rooom” y Patti Smith. Se mantiene también el SOS Club con una larga lista de Dj’s (desde Caribou a Los Planetas Dj’s, pasando por diversos locutores de Radio 3 o nuestro redactor jefe, Joan Luna). Por otro lado, también actuaran That Girl With Dark Eyes (ganadora del concurso TalentoSOS) y Diecinueve (ganadores del Murciarock-Estrella Levante SOS 4.8).

Como ya sabrás, el festival tendrá lugar los días 6 y 7 de mayo en Murcia. Más información en www.sos48.com ■

N

o cabe duda de que “Several Shades Of Why” es un disco que ha tardado demasiado en llegar, si tenemos en cuenta la extensa trayectoria de J Mascis. “Pensaba ha­ cerlo antes de que Dinosaur Jr. se juntase de nuevo y eso ocupase todo mi tiempo, así que ahora parecía que era el mejor momento para sacarlo definitivamente”. El resultado es un trabajo que, manteniendo la raíz estilística del compositor, resulta diametralmente alejado de sus formas habituales con banda, con piezas minimalistas y meditadas. “Pensé que cambiar respecto al sonido de Dinosaur Jr. era algo que tenía que hacer”. Podría deducirse que el contenido proviene de creaciones almacenadas a lo largo del tiempo, siendo en realidad recientes. “Tenía algunas de las canciones antes de volver con Dinosaur Jr. pero la mayoría las com­ puse el pasado otoño”. Para darles forma se ha rodeado de amigos como Kevin Drew, Sophie Trudeau o Ben Bridwell entre otros, aunque el norteamerica-

no destaca una colaboración. “Me gustó mucho el último disco de Kurt Vile, así que conseguí que tocara para intentar crear esa atmósfera que tanto me gustaba”. Puede que algún seguidor estricto resulte confundido con el contenido del álbum. “Quizás unos pocos…”, reconoce despreocupado al otro lado del teléfono. Lo que tampoco inquieta al guitarrista es el influyente legado de su banda. “A veces alguien te dice que esta influenciado por ti, como Broken Social Scene, pero es difícil de saber si de verdad somos influyentes”. Mascis no se queja, pero descubre sensibles cambios en la industria desde esa década de los noventa que lo encumbró hasta la actualidad. “Al principio no teníamos fans y enton­ ces empezamos a tener cada vez más popularidad. Nunca sabes qué puede pasar... Y ahora con los mp3 todo el mundo tiene los discos…”. Y la vida sigue. “Intentaremos sacar nue­ vo disco de Dinosaur Jr. el año que viene... supongo”. ■ Raúl Julián

❚ La cuarta edición del POLIFONIK SOUND tendrá lugar los días 21, 22 y 23 de abril en el recinto de la Institución Ferial de Barbastro (Huesca). El cartel está formado por Standstill, The Pinker Tones, Gentle Music Men, Triángulo de Amor Bizarro, Zahara, Maika Makovski, We Are Standard, Domador… http://polifoniksound.com/web/ ❚ La segunda edición del festival VINALOPOP se celebrará el Parque Municipal de Elche el 9 de abril. El cartel combina lo mejor del pop independiente nacional e internacional, y destacan The Charlatans, The Divine Comedy, The Wave Pictures, We Are Standard, Zahara, Supersubmarina, Fuzzy White Casters, Vinila Von Bismark & The Lucky Dados, Fangoria y Mucho. www.vinalopopfestival.es ❚ El SOUTH POP volverá a llenar de música el Teatro Alameda de Sevilla los días 15 y 16 de abril. Contará con las actuaciones de La Bien Querida, Manel, Mercedes Audras, Ellos, Dënver, Standstill, Margarita, Ornamento y Delito, Single y Emilio José. www. southpopfestival.com ❚ El MONEGROS DESERT FESTIVAL 2011, que se celebrará el 23 de julio en el desierto de Monegros (Fraga) llega a su decimoséptima edición en forma. Los primeros nombres confirmados son: Boyz Noize, Luciano, Paul Kalkbrenner, Vitalic, Steve Aoki y Dirtyphonics.

Hasta el 27 de abril el abono cuesta 60 euros. www.monegrosfestival.com ❚ La decimoctava edición del SÓNAR se celebrará en Barcelona los días 16,17 y 18 de junio y en A Coruña los días 17 y 18 de junio, siendo la segunda vez que se celebra en dos ciudades de forma simultánea. Los nombres más destacados del cartel son M.I.A., Aphex Twin, The Human League, Cut Copy, Underworld, Magnetic Man y Janelle Monáe. http://2011. sonar.es/es/. ■

Txarrena Foto Archivo

NOTICIAS /8/ Abril 2011 · MondoSonoro

Txarrena, vuelve El Drogas Enrique Villareal, El Drogas, desprende energías renovadas en “Azulejo frío” (Maldito Records, 11), el reciente disco de Txarrena. Un proyecto tan antiguo como actual en el que rescata canciones compuestas a lo largo de muchos años y donde se acompaña de una nueva banda.

E

l origen de Txarrena nos lleva hasta finales de los ochenta, cuando El Drogas se reunía con algunos amigos para dar vida a un proyec­to paralelo a Barricada. Tras un debut homónimo en 1992, trabajo descatalogado hoy en día del que se vendieron un buen número de copias, el grupo se veía obligado a hacer una pausa para que su líder y cantante continuara con su banda principal. Diecinueve años después de aquel inicio fulgurante se cierra el paréntesis y, casi sin planearlo, se vuelve a poner en marcha Txa­rrena, con una nueva formación

acompañando a El Drogas, un nuevo disco titulado “Azulejo frío” y su correspondiente gira de presentación. Pero la historia, nos aclara El Drogas, tiene dos partes. “Para empezar me apetecía juntarme con el Brigi (frontman de Koma, a la batería en Txarrena) para enredar un poco y, como con batería y voz solo se quedaba un poco cojo, decidimos dar un toque al Flaco con el bajo (Eugenio Aristu de La Lengua de Trapo), al que yo ya conocía, y a Txus a la guitarra (Txus Maraví también en La Lengua de Trapo), al que había visto un día

Vetusta Morla Foto Archivo

y del que me había flipado el gusto con el que tocaba. La otra parte de la historia es que, en vez de empezar a trabajar en can­ ciones nuevas entre los cuatro, les propuse retomar Txarrena para partir de un reper­ torio de doce canciones más un puñado de temas que yo había recopilado a lo largo de los años”, canciones como “Azulejo frío”, “Salvaje mirar”, “Con tu piel”, “Algunas cosas por termi­nar” o “En otros rincones”, grabadas en un disco acústico titulado “Nanas para aburrir vacas” que no llegó a editarse. “Les propuse pasarlas por el local de ensayo e irlas des­ trozando”. El momento también ha sido clave, un descanso con Barricada después de varios años de dedicación a la obra “La tierra está sorda”, libro y disco centrados en la Guerra Civil Española. ■ Eli Ibarra

Niemeyer convierte Avilés en el centro de la cultura La ciudad asturiana apoyada en el Centro ha cambiado su histórica fisonomía industrial hacia una urbe vanguardista, cultural y moderna. El Centro Niemeyer, proyecto nacido del agradecimiento del arquitecto brasileño Óscar Niemeyer a la Fundación Principe de Asturias, acogerá durante todo el año diversas actividades artísticas, con una larga lista de personalidades internacionales. Por lo que respecta a música, se contará con actuaciones como las de Harry Belafonte, Vetusta Morla, Concha Buika, Chano Domínguez, Jason Moran, Paquito d’Rivera, Xóel López y Eladio y los Seres Queridos, etcétera, aunque las primeras actuaciones serán las de Dayna Kurtz (2 abril) y Willie Nile (3 abril), y nuestros demoscópicos The Morrigans, con fecha a concretar. ■

NOTICIAS Litoral Foto Archivo

MondoSonoro · Abril 2011 /9/

Festival de Cine de Las Palmas Foto Archivo

Cine para freaks y neo noirs El Festival de Cine de Las Palmas de Gran Canaria se acuerda también de los seguidores que prefieren el underground y la parte menos accesible del séptimo arte.

La cita se abrirá el 1 de abril con la entrega del Lady Harimaguada de Honor, galardón especial de la cita, a Willem Dafoe, un actor que siempre se ha sabido mover entre el cine comercial y propuestas menos complacientes. Por lo demás, y hasta el día 9 del mismo mes, los amantes del celuloide extraño tienen varias citas particulares. Siempre es de destacar la Noche más Freak, una sesión continua nada complaciente por la que se verán títulos como la coreana “I Saw The Devil” o la cinta franco-belga “The Pack”. El crítico Jesús Palacios coordina el interesante ciclo “Neo-Noir, Mutaciones y Nuevos Caminos del Cine Negro”, que continúa con el análisis del cine negro habitual en la cita festivalera. Muchas más secciones, como el Foro Canario o el homenaje al actor francés Jean Pierre Léaud, entre otras, completan la oferta. Más datos en: lpafilmfestival.com ■

Litoral, supergrupo junto al Mediterráneo Pau Roca (La Habitación Roja) presenta un nuevo proyecto de folk-pop acústico cantado en catalán bien acompañado por Iván Cuevas, Edu (Tachenko), Pablo (Abraham Boba), Manu (Autumn Comets) y Guillaine.

N

o deja de ser curioso que una discográfica madrileña se interese por canciones en catalán compuestas por un valenciano (Pau Roca) y adornadas con las palabras de un catalán (Iván Cuevas). El guitarrista de La Habitación Roja cuenta cómo empezó todo: “Te­ nía muchas canciones acústicas y no sabía qué hacer con ellas. Siempre tocábamos en casa e Iván empezó a ponerles letras”.

Los textos que hablan de los pequeños placeres de la vida: copas de vino, rayos de sol, besos, dulces resacas y sobre todo, del mar. “Hay

mucha nostalgia tanto en las letras como en el hecho de cantar en catalán. Suena a todo lo que hemos sido y que en Madrid no tenemos. Somos gente que se ha criado al lado del mar”, explica el cantante y letrista Iván Cuevas. “Casi todas las canciones nacieron en un viaje que hicimos hace dos veranos de Perpinyà a Madrid. Las letras son pe­ queñas postales del viaje”, añade. Tras su folk multiinstrumentado de tintes mediterráneos se esconde una gama rica de influencias, que va de Kings Of Convenience a Os Mutantes pasando

por Pascal Comelade o Antònia Font. (Pau Roca) “Versionábamos a Antònia Font en el piso y el buen momento que vive la música en catalán nos ha ayudado”. Los fans de La Habitación Roja quizás recordarán la canción en catalán “Bona nit”, el corte que cierra “Radio” (2001); pero si buscan en Litoral algo parecido, se llevarán una decepción. (Roca) “No me gusta mucho lo de banda paralela porque no va en la misma dirección. Las canciones de La Habitación Roja son espectaculares, para arriba, y a mí no me salen así. Tanto con Litoral como en Fantasma#3 o Elektra, hago canciones acústicas. El pollo que montamos, por ejemplo, en ‘A la vora del mar’, duraría diez segundos en un ensayo de La Habitación. Quizás José me tiraría una baqueta en la cabeza”. ■ Blai Marsé

festivales 2011

/10/ Abril 2011 · MondoSonoro

Bilbao BBK Live

Derrame Rock

Ya tenemos cuatro nuevas confirmaciones para el Bilbao BBK Live 2011 (del 7 al 9 de julio). Encabezados por los legendarios Blondie y seguidos por los esperados Beady Eye de Liam Gallagher, en la que será su única actuación tras su concierto de Madrid. Se ha confirmado también a los estadounidenses TV On The Radio y la banda de pop-rock vasca Ken Zazpi, nombres que se suman a los anteriormente anunciados The Black Crowes, Coldplay, Amy Winehouse, The Chemical Brothers, Jack Johnson, Crystal Castles, Kasabian, Kaiser Chiefs, !!! y muchos más. www.bilbaobbklive.com

TV On The Radio Foto Archivo

Kasabian Foto Archivo

Black Lips Foto Archivo

Día de la Música Heineken

Madrid regresa a la actualidad musical estrenando uno de los festivales que ha generado más expectativa en estas últimas semanas. Se trata del DCode Festival, a celebrar el 24 y 25 de junio. A falta de nuevas confirmaciones, podemos adelantar el cartel que lo conforman bandas internacionales como My Chemical Romance, Kasabian, Band Of Horses, Eels, Crystal Castles, The Sounds, The Vaccines, The Zombie Kids, Blood Red Shoes, Jamaica o All Time Low. Además, actuarán bandas nacionales como Lori Meyers, L.A, The New Raemon, Nothink, Toundra, Mucho y Polock.

Madrid será durante el fin de semana del 18 y 19 de junio, la ciudad más envidiada del país, ya que llega una nueva edición del Día de la Música Heineken más cargada que nunca. Y es que el Matadero de Madrid se llenará con las actuaciones de Vetusta Morla, The Pains Of Being Pure At Heart, Wild Beasts, Toro Y Moi, Janelle Monáe, Russian Red, Destroyer, Ron Sexsmith, John Grant y Glasvegas. Horas y horas de conciertos repartidos en más de cinco escenarios y otras actividades. Muy pronto se anunciará también la programación del 21 de junio. www.diadelamusica.com

Hamlet Foto Archivo

Sonisphere

Supersubmarina Foto Archivo

Getafe siempre ha sido un lugar propicio para los corazones de metal. Lejos de remitir, la fiebre cobra aún más fuerza con una nueva edición del Sonisphere, que visto lo exitoso de su propuesta ha dado un sorprendente giro pasando a contar con dos fechas (15 y 16 de julio). A los nombres que ya conocíamos (Iron Maiden, Alice Cooper, Mastodon…) se unen ahora Twisted Sister, Dream Theater, Arch Enemy, Sôber, Lacuna Coil, Hammerfall, Gojira y Angelus Apatrida.

Mantente al tanto de las últimas confirmaciones en http://es.sonispherefestivals.com

Mando Diao Foto Archivo

Benidorm Low Cost

Santander Amstel Music

Mando Diao, Lori Meyers, Dorian, Standstill, Delafé y las Flores Azules y Vetusta Morla han sido los últimos nombres en sumarse al cartel del Low Cost. Los madrileños Vetusta Morla, por su lado, llegarán al Low Cost, en medio de una agitada gira de presentación de su segundo disco. Además de estos nombres, en la cita de Benidorm estarán también actuando Cut Copy, Crystal Castles, L.A, The Bright, Eric Fuentes, Ok Go, Catpeople, Supersubmarina. Sexy Sadie, After After Hours, Los Tiki Phantoms y muchísimos más. En Benidorm del 21 al 23 de julio. www.festivallowcost.com

La tercera edición de la cita cantabra con el mejor Indie, pop, rock y electrónica, Santander Music, se celebra este año los días 21, 22 y 23 de julio en el incomparable marco natural de la península de la Magdalena. Dos escenarios y distintas zonas de ocio repartidos en más de diez mil metros cuadrados de césped natural en plena naturaleza, que, a falta del resto de confirmaciones, contará con las actuaciones de los suecos Mando Diao, El Guincho y los madrileños Hola A Todo El Mundo, que presentarán un nuevo Ep con material recién grabado.

Sonorama Ribera

Gojira Foto Archivo

Cruïlla Barcelona

Tras desvelar una primera hornada de confirmaciones de alto nivel nacional como Delorean, Triángulo de Amor Bizarro, Nacho Vegas, Lapido, Sexy Sadie, Xoel López, Hola A Todo el Mundo o El Guincho, el Sonorama Ribera 2011 ha anunciado estos días los primeros nombres con acento extranjero. Se trata de los canadienses The Hidden Cameras y los británicos Los Campesinos!. El evento, que este año celebra su 14ª edición, tendrá lugar los días 11, 12, 13 y 14 de agosto en Aranda de Duero, Burgos. ww.sonoramaaranda.com

The Hidden Cameras Foto Archivo

Janelle Monáe Foto Archivo

DCode festival

Festimad 2M Un año más Festimad 2M tendrá lugar en el marco de las Fiestas del 2 de Mayo y transcurrirá entre el 28 de abril y el 8 de mayo, con casi un centenar de actuaciones en una treintena de espacios y con el salón de actos de la escuela CEV como punto de referencia para las propuestas más jóvenes. Podemos destacar Manos De Topo, Me And The Bees, y Euripidis & His Tragedies (7 de mayo, E.Camon), Polock (29 de abril, El Sol), Sexy Sadie (29 de abril, Caracol), The Human League (5 de mayo, Circo Price), Doctor Explosión (7 de mayo, El Sol) y Black Lips (8 de mayo, Heineken).

El traslado de un festival tan asentado como era el Derrame Rock desde la población asturiana de Pravia a Galicia, más concretamente a la ciudad de Orense, ha supuesto la gran noticia de la temporada festivalera en la Cornisa Cantábrica. El evento, no obstante, mantiene intactas sus señas de identidad con una programación que incluye a Berri Txarrak, Soziedad Alkohólika, Siniestro Total, Ojos De Brujo, Muchachito, Los Suaves, Los Coronas & Arizona Baby, Def Con Dos, Hamlet, Boikot, Angelus Apátrida... Los días 23, 24 y 25 de junio. www.festivalderramerock.com

The Fall Foto Archivo

El festival Cruïlla Barcelona, que este año se celebra los días 8 y 9 de julio en el Parc del Fòrum, acaba de dar a conocer nuevos nombres tras la inicial confirmación de Jack Johnson, Antònia Font y Ayo. Destaca la presencia de los puertorriqueños Calle 13. Les acompañan también los neozelandeses Fat Freddy’s Drop y Delafé y Las Flores Azules aportan la nota nacional en esta nueva tanda de confirmaciones. Habrá que seguir atento a nuevos anuncios. Los abonos los puedes comprar por 50 euros si lo haces antes del 10 de abril. www.cruillabarcelona.com

M. Ward Foto Archivo

Territorios Sevilla

San Miguel Primavera Sound

Una de las citas primaverales obligadas ya con una treintena de conciertos que este año, como novedad, se concentran en dos días (20 y 21 de mayo). Territorios Sevilla vuelve a trazar un recorrido por todos los sonidos del planeta. Están confirmados, entre otros, The Fall, Femi Kuti, Asian Dub Foundation, Russian Red, El Columpio Asesino, The Divine Comedy, Tote King, Vetusta Morla, Sr. Chinarro, Muchachito Bombo Infierno y Nach. www.territoriossevilla.com

El San Miguel Primavera Sound calienta motores a falta de unos meses para su próxima edición y, con un cartel más que perfilado –recordemos las más recientes confirmaciones como las de Sufjan Stevens, PJ Harvey, Interpol, Dj Shadow, M. Ward y P.I.L- ya conocemos la distribución por días y escenarios. Los próximos 26, 27 y 28 de mayo el Parc del Fòrum de Barcelona se llenará de música durante jornadas titánicas. www.primaverasound.com n

Jack Johnson Foto Archivo

ray-ban.com

Tu momento

NEVER HIDE

Entra en ray-ban.com, sube la foto de Tu momento NEVER HIDE y participa en el concurso para conseguir tu entrada para el SAN MIGUEL PRIMAVERA SOUND 2011

Bases del concurso en www.ray-ban.com

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mondofreako

/13/ Abril 2011 · MondoSonoro

ENTREVISTAS ★ WALA WALA ★ NO CONFIDENCIAL ★ LOS DISCOS DE MI VIDA ★ SUBEN/BAJAN ★ EN LA MALETA

Glasvegas Foto Archivo

GLASVEGAS

Luces en la oscuridad Han pasado tres años desde su homónimo disco de debut. Muchas cosas han cambiado desde entonces, aunque a Glasvegas les haya dado un poco lo mismo. La prueba es “Euphoric///Heartbreak”, un disco que lo dice todo ya desde su título.

R

esumir lo que aporta “Euphoric///Heartbreak”, el segundo álbum de Glasvegas resulta muy sencillo. Dos palabras bastan: casi nada. Los esoceses no buscan nuevas fronteras, aunque algunos de los comentarios de Paul Donoghue, su bajista y nuestro interlocutor, apunten en esa dirección (los discos deben venderlos ellos, no yo). De hecho, se trata de un disco a la estela de su predecesor, aunque con dos novedades: algo más de alegría y sentido del humor, y menos hits. Digamos que es un disco que funciona con las escuchas más que como lo hacía el primero, con esas puntas que suponían piezas como “Daddy’s Gone”, “Geraldine” o “Go Square Go”. Aunque no se me alarmen, no lo vean como algo negativo. No hace falta que los grupos cambien disco a disco, ni siquiera que se preocupen por aportar novedades a su propuesta. Sé que todos acabamos pensando lo mismo –son los tiempos que corren-, pero en ocasiones también se agradece que haya algo que suene a 2008 en meses en los que todo el mundo piensa en cómo sonará 2012. “Que haya algunos cambios en la parte musical tiene que ver con Santa Monica, lugar en el que escribi-

mos el disco. Estando en un sitio tan bonito nos planteamos que eso se reflejase en el disco. James (Allan, voz y guitarra) determinaba si las canciones eran lo suficientemente buenas o no observando si encajaban con el sol brillando sobre las olas del Pacífico.

Eso le dio a nuestras canciones y al sonido mucha libertad para crecer de forma natural. Añadimos cosas nuevas manteniendo lo mejor de las viejas”. Volviendo a unas líneas más arriba, insistiré en que las nuevas canciones del cuarteto reflejan un período emocional más luminoso, más feliz, menos torturado y autocompasivo. “Yo también lo creo. Diría que no nos lo hemos planteado en ningún momento, pero está claro que la forma en que se han desarrollado nuestras vidas ha dado a las canciones un sensación real de redención.

Estamos orgullosos del disco y de los sentimientos que hay tras las canciones, aunque no todo sea atardecer y risas”. Donoghue no es el más indicado para contestar a la pregunta sobre si son conscientes de la importancia que tiene la voz de James Allan en todas las fobias y filias que ha generado el grupo desde sus inicios.

Su particular, lánguida y melodramática forma de interpretar marca, y mucho, la personalidad de Glasvegas. “Recuerdo haber escuchado a James describirse a si mismo como ‘el Frank Sinatra de los gritos’. Creo que su forma de cantar surgió de su necesidad de ser honesto con lo que estaba cantando y no esconderse tras un acento determinado como hacen muchos otros vocalistas”. Hablando de honestidad, en Glasvegas siempre ha habido una suerte de confesiones a voz alzada que nadie excepto James Allan puede contestar

a ser nosotros quienes dirijamos los sentimientos que estas puedan provocar en la gente”. Apuntábamos al principio que Glasvegas es un grupo melodramático y de intenciones grandilocuentes. De ahí que resulte sencillo encontrar a quienes les odian por ello. Acostumbrados a oírlas de todos los colores, Donoghue se lo toma con mucho sentido del humor. “He mirado en el diccionario qué otras palabras usaban como sinónimos de ‘grandilocuente’ y he encontrado ‘pomposo’ y ‘rimbombante’. Bien, pues sí, intentamos sonar así. Hay gente por

“Hay gente a la que le gusta que los grupos suenen mal... " como es debido. Lo sé, pero intento sacarle algo al respecto a Donoghue. Si en el disco anterior estaba “Daddy’s Gone”, aquí tenemos dos cortes (“Stronger Than Dirt” y “I Feel Wrong”) subtitulados “Homosexuality I & II”. Ahora bien, lo que Allan canta puede aplicarse a cualquier tipo de relación.

“Durante un tiempo contesté a preguntas sobre ‘Daddy’s Gone’ y debo decirte que no me sentía nada cómodo hablando de cosas que James ha escrito y meditado. Son sus palabras. Dicho esto, creo que la magia de las canciones es que pueden decir cosas distintas a cada persona, así que no vamos

ahí a la que le gusta que los grupos suenen mal, que se pasen la vida tocando para cincuenta personas y que odian que hagan cualquier tipo de cambio en esa fórmula.

Nosotros tenemos mayores ambiciones que esas. Respeto que haya gente que pueda pensar eso de nosotros, pero también hay gente que odia el chocolate o las puestas de sol, así que… (risas)”. n Joan S. Luna “Euphoric///Heartbreak” está publicado por Columbia/Sony BMG. glasvegas estarán actuando en el día de la música de heineken

Le Corps Mince de Françoise Foto Archivo

mondoFREAKO /14/ Abril 2011 · MondoSonoro

LE CORPS MINCE DE FRANÇOISE

Grrrl Pop Insolentes, con ansias de crear escuela en su Finlandia natal y poner patas arriba los escenarios donde les contraten. Así se nos presentan las hermanas Kemppianen, quienes debutan con “Love And Nature”, un álbum que no desquebrajará los cimientos del pop, pero que nos está alegrando las más grises mañanas.

U

na teen aburrida en casa un buen día decidió explotar las grandezas del GarageBand y alguna antigualla en forma de teclado que cogía polvo en el desván de su casa. La púber en cuestión se llamaba Emma Kemppianen y vivía en Finlandia. Con los meses, su mesita de noche empezó a lucir un buen arsenal de temas que funcionaban a modo de diario adolescente. Dichas canciones no estaban predestinadas a salir de esas cuatro paredes.

Pero entonces su hermana Mia, que había empezado a tomar clases de guitarra, decidió unirse a la causa y pasear por su gélido país en pleno siglo XXI aquel ‘girl power’ que las Spice Girls, sin ser ellas guerrilleras en realidad de la causa feminista ni nada de eso, se apropiaron vilmente. Le Corps Mince de Françoise (nombre que es un sentido homenaje a un perro que tenían y trágicamente murió comido por la anorexia), gracias a sus rapeados, sus melodías de chicle y una festiva concepción de los estribillos, han puesto sobre el mapa un país como Finlandia que hasta ahora únicamente exportaba bandas de rock duro. “Desde 2008 hemos estado

componiendo el disco, así que como puedes imaginarte la mayoría de las canciones que al final hemos publicado poco tienen que ver a cómo las contemplábamos entonces. Nos lo hemos tomado con calma”, comenta Emma, la mitad del clan Kemppianen.

La banda empezó como un trío, pero por razones que se nos escapan las hermanísimas acabaron apropiándose del proyecto. ¿Qué fue de aquella tercera mosquetera llamada Malin Nyqvist?

“Simplemente no quiere trabajar para nadie. Mejor así. Ahora está estudiando para convertirse en directora de cine en Helsinki”, nos comenta Emma entre la malicia y el resentimiento. ¿Alguien dijo pozo de rencor?. Dejando los estercoleros de la prensa rosa musical de lado, las canciones que han acabado formando parte de su debut, según ellas son un reflejo de todo aquello en lo que a día de hoy se han convertido. “Cuando empecé a componer sí que narraba en cierto modo mi adolescencia. Pero ahora pienso que los temas hablan más sobre la frustración de serlo. Tras el hype que vivimos en 2009

se crearon muchas expectativas a nuestro alrededor y, por ello, quisimos hacer las cosas pausadamente para poder demostrar nuestro verdadero estado actual. ‘Take Me To The Mountains’, ‘Something Golden’, ‘Time’, ‘Future Me’ y ‘Beach Life’ hablan sobre cómo hemos crecido en la industria musical. Mientras que otras como ‘Gandhi’, ‘Hard Smile’ o ‘Pumping Heart Shaped Thing’ tratan sobre la desesperación que te invade cuando estás enamorado”. Pese a ello, otros temas como “Bitch Of The Bitches” o

Le Tigre o Cansei De Ser Sexy. “Estas bandas formaban parte de mi vida cuando tenía diecisiete años. Sin embargo, comparando su escritura, el uso de los sintetizadores o la batería, si observas atentamente nosotras somos diferentes. Las chicas siempre serán comparadas con otras chicas. Pero si no nos ves como mujeres en nuestras canciones puedes encontrarte con otras referencias tan dispares como The Rapture, Hot Chip, The Knife, Happy Mondays o Ace Of Base”. Para los directos han prescindido de

“Puedes encontrar referencias como The Rapture, Hot Chip, Happy Mondays...”

“Ray Ban Glasses”, que fueron precisamente los que dieron a conocer a las finlandesas, se han quedado fuera del tracklist. Emma confiesa el porqué. “Hay cierta estupidez en sus letras.

Hemos querido huir de esa sensación. Las compusimos antes de que encontráramos nuestro propio sonido. Siguen siendo grandes canciones pop, por esta razón tocamos ‘Bitches’ aún en los directos. Pero estamos en 2011, no en 2008”. Modestia aparte, afirman que lo suyo es el “pop intelectual”, aunque no han podido escabullirse de esos parecidos razonables que las hermanan junto a

los pregrabados y han contratado a un baterista.

“Ahora es cuando más potentes y cómodas nos sentimos encima del escenario. Nos encantaría poder actuar en breve por España. Hemos estado hablando con algunos promotores y el próximo otoño seguramente será posible”. Mientras tanto ya saben lo que toca. Apréndase sus letras al dedillo y dejen de pensar más de lo debido. Aquí, lo primordial, es pegarse unos bailes. ■ Sergio del Amo “Love And Fortune” está publicado por Coop/Music As Usual.

MondoSonoro · Abril 2011 /15/

mondoFREAKO

¡¡¡ wala wala!!!

"Madonna me parece supermasculina" Raül Fernández de Refree, en El País.

“Ya nadie me pregunta si como coños, y eso es bueno”

GUADALUPE PLATA

La cosa del pantano

“Entre la grabación y la mezcla de ‘To Bring You My Love’ pensé en irme a África a ofrecer mi ayuda” PJ Harvey, en Q

“Lo único que significa ser una leyenda es que eres una persona mayor” Paul Simon en Uncut

Nos guste o no, hablar de Guadalupe Plata es hacerlo (o mejor dicho seguir haciéndolo) de lo que se mueve en el sur. El trío de Úbeda acaba de hacer público el contenido de su primer disco largo, de título homónimo, mediante descarga directa y también en una cuidada edición de vinilo que recoge trece auténticos charcos hechos canciones.

L

“La verdad es que cuando toco la guitarra siento la presencia de Dios dentro de mí” Josh T. Pearson, en Mojo.

“Lo que me diferencia de Dylan es que él nunca tuvo una etapa extraterrestre del espacio exterior, yo sí” Conor Oberst de Bright Eyes, en Q.

o primero que llama la atención de Guadalupe Plata es su directo. Es de esos grupos que reciben la últimamente tan manoseada etiqueta de “banda de directo”. Pero para el que obvie el detalle, no sólo con pasión se consigue la comunión ideal con el público, sea en antros o estadios. Hacen falta buenas canciones y estos tres jienenses las tienen. Trece de ellas forman parte de “Guadalupe Plata”, su esperado debut en largo tras su primer diez pulgadas. “No se nos ha puesto el hocico fino. La gente se hace la imagen de Guadalupe cuando nos ve en directo y simplemente lo que hemos hecho es igual que cuando la Reconquista, ir poniendo picas en casi todos los lugares de España. En algunos sitios cuesta más que en otros, pero al final ¡el infiel es rechazado!”. Tras hacer lo que Perico, Carlos y Paco llaman la “mili del rock” en el SXSW y tocar en salas importantes estatales han visitado un particular triángulo de lugares para grabar este disco. “Con Paco Loco en El Puerto de Santa María estuvimos en una especie de retiro musical rodeados de aparatos de otras épocas y con un técnico sobresaliente; con Maxi de los Hollers en Málaga tuvimos ocasión de grabar al lado de una congregación de negros que realizaban misas con tambores, gritos y túnicas blancas, toda una inspiración, un estudio recogido, con cintas y Maxi a los mandos. En la Alpujarra, con Producciones Peligrosas, estuvimos grabando en mitad del campo y creo que con esta

expresión se dice casi todo: levantarte ver el campo y tocar es increíble; otro retiro musical”. “Pollo podrío”, “Como una serpiente”, “Boogie de la muerte”, “Habichuelas del Oeste”: quizá un común denominador para estas composiciones que saben a Bourbon metido en un botijo es un magnífico equilibrio entre tradición y riesgo. Equilibrio que gestionan a la perfección

buena música, hay una gran cantidad de grupos y de muy diversos estilos. No conocemos realmente la media de artistas por habitante que se supone que es lo normal en una ciudad, pero en Úbeda hay una gran cantidad. El blues y el rock corre por muchas venas en la ciudad, y en nuestro caso, y creo que en el de otros muchos más grupos y amigos, se lo debemos en parte a un fanático coleccionista de discos ya fallecido, gracias al cual conseguimos llegar al blues y que nos atravesara el corazón: Frank Peláez ‘el maestro’. También vivir rodeado de piedra determina muchas cosas”.

Al igual que otros, autoeditan su trabajo y lo ponen a disposición de quien quiera escucharlo de

"Hay que tirar cara a cara, mostrar a la gente lo que sabes hacer en directo" nuestros interlocutores. “Hacemos blues, quizá la gente esté acostumbrada a escuchar otro tipo de blues, que parece que es el único que existe, cuyo riesgo es que te maten a base de vueltas y vueltas y punteos y más punteos con una buena dosis de solos imposibles. El blues que practicamos es el que sale de dentro, sin ornamentos.

Transmitir los sentimientos siempre implica un riesgo y la tradición es nuestra cruz de guía”. Con Guadalupe Plata se hace un camino entrecruzado que va de Charlie Patton a corrales de gallinas, del grupo bandolero de Los Botijas a los mismos The Cramps, y todo ello con el capricho de una localización que algunos les adjudicarán también a modo de etiqueta por su aparente falta de oferta en nombres comerciales. “Úbeda es un bastión del rock. Imagino que se debe a que en sus bares se escucha

manera gratuita gracias a las nuevas tecnologías, sí, pero sin olvidar el objeto de arte, esta vez materializado en un vinilo de carpeta desplegable y letras de pan de plata, gracias a Folc Records.

“Creemos que la apuesta de sacar disco y esperar a que te llegue la pasta se va a terminar, no funciona y menos cuando la música que te venden la ponen en un soporte mierdoso: una caja de plástico. Hay que tirar cara a cara, mostrar a la gente que le puede gustar lo que sabes hacer en directo y si quieren comprar un disco que se lleven algo bonito, chulo y trabajado. Si quieren gastarse el dinero por lo menos que no se sientan estafados”. ■ Ignacio Pato “Guadalupe Plata” está publicado por Folc Records y en descarga gratuita en el bandcamp de la banda.

Guadalupe Plata Foto Archivo

Beth Ditto de Gossip, en NME

mondoFREAKO /16/ Abril 2011 · MondoSonoro

Los discos

Ted Leo And Pharmacists Foto Matias Corral

de mi vida

Ted Leo And Pharmacists Aprovechando que Ted Leo And Pharmacists estarán actuando en nuestro país desde el 30 de marzo hasta el 10 de abril, nos interesamos por descubrir cuáles son algunos de los discos que han influido a Ted Leo a lo largo de su carrera.

El primer disco que escuché en directo

Adam And The Ants

ANNA CALVI

“Kings Of The Wild Frontier” (1980) Entre 1975 y 1980 empecé a sumergirme en el rock, sobre todo en The Who, pero el mejor disco de 1980 para mí es este. Me voló la tapa de los sesos.

El single era “Antmusic”, que es un tema blandito de pop, pero el resto del disco era muy intenso. Fue la primera banda que ví en directo.

MI disco FAVORITO de hip hop

Run D.M.C.

“Run D.M.C.” (1984) Entre los diez y los quince años escuché mucho hip hop. Fui a verles en directo en 1983, al Ritz Theatre de Elizabeth (New Jersey), una locura. Ojalá pudiese volver atrás y documentarlo. “Jam Master Jay” es un tema muy duro... Más que cualquier cosa rock que pueda escuchar, el rap de aquella época me hace pensar en política.

Un disco de JUVENTUD

Fugazi

“Repeater” (1990) Cuando era teenager estuve muy metido en el hardcore.

Fugazi estaban empezando y vi uno de sus primeros conciertos en el Anthrax de Norwalk (Connecticut). Fue la primera vez que escuché a alguien decir que no se hiciese slam dancing o moshing. En aquel momento los conciertos de Fugazi eran muy violentos e intensos.

Un disco que me ha influido mucho

The Small Faces

“Ogdens' Nut Gone Flake” (1968) Durante buena parte de los noventa me dediqué a escuchar a mis contemporáneos y amigos.

Mi banda, Chisel, empezó a sumergirse más en el sonido mod y empezamos a escuchar desde James Brown a The Small Faces, que fueron posiblemente el descubrimiento más grande de mi vida musicalmente.

Un disco que me ayudó mucho

Daft Punk

“Human After All” (2005) En 2005 estaba en un período de transición. Iba por el mundo corriendo como un pollo sin cabeza. Entonces apareció “Human After All” y para mí fue un disco punk. “Discovery” era excelente, pero este me marcó más. ■

Apadrinada de Nick Cave y Brian Eno, comparada erróneamente con PJ Harvey, esta artista inglesa de ascendencia italiana publica “Anna Calvi”, un debut discográfico que merece toda la atención que puedan dispensarle.

L

a energía y pasión que Anna Calvi derrocha en su primer álbum, de título homónimo, contrastan con la voz tenue que nos recibe al otro lado del teléfono. Anna se recupera de una lesión de brazo que ha motivado la cancelación y reorganización de parte de su gira europea, que en un principio no incluía España. “No estoy segura sobre posibles visitas a España, aunque desde luego me gustaría ir”. Poco después la posibilidad se hace real, con la confirmación de su presencia en el cartel del FIB. Así podremos apreciar in situ la vibrante expresividad de la inglesa, cuyo directo parece uno de sus puntos fuertes. “Tocar música en vivo es para mí algo que surge de forma natural, que me da fuerzas. Me siento muy conectada conmigo misma mientras estoy en el escenario. Adoro esa sensación cuando escucho a Maria Callas de que se está entregando por completo a la música y eso es lo que intento en mis conciertos”. Que se refiera a Maria Callas como una de sus inspiraciones no es algo superfluo, aunque sea sólo un ejemplo más de la heterodoxia de sus influencias, que van de Scott Walker a Ennio Morricone, pasando por David Bowie o Nick Cave, uno de sus padrinos. Anna Calvi atrajo la atención de algunos pesos pesados de la música anglosajona desde muy temprano. Primero fue Brian Eno quien se fijaría en ella, definiéndola como “la mejor desde Patti Smith”, y después Nick Cave, que la invitaría a acompañarlo en su gira con Grinderman a finales de 2010.

Pero uno de los nombres que más suenan en relación a Calvi es el de PJ Harvey. Además de la conexión a través de Nick Cave, está la coincidencia de productor, Rob Ellis, y sobre

todo un tono y un planteamiento que las acercan en algunas canciones. La cuestión de los parecidos no es algo que le preocupe demasiado a Anna Calvi, y más cuando se refiere a divas de los ochenta como Siouxsie, otra cantante a la que se cita con frecuencia al hablar de ella. “Puedo entender las comparaciones en el caso de Nick Cave, pero no tanto en el de PJ Harvey y desde luego no el de Siouxsie, ya que apenas escucho su música. Honestamente, no creo que haya que comparar a los músicos entre ellos, aunque todo el mundo lo haga. Cuando pienso en mí, lo hago simplemente como una artista más”. Pese a todos los nombres propios que

Anna Calvi Foto Emma Nathan

Intensidad controlada rador expresarme a través de la música, no es algo que me resulte realmente agotador ni nada parecido”. Ese tono liberador está mucho más claro en “Blackout”, el corte escogido como single, tal vez el más ligero y radiable, cercano a cierta épica indie.

Pero la verdadera carta de presentación de Anna Calvi, antes de este vigoroso debut, fue “Jezebel”, un tema popularizado por Edith Piaf que la artista inglesa llevaba con habilidad a su terreno. Sin embargo, y pese a las numerosas versiones realizadas para las Attic Sessions, el álbum incluye íntegramente material propio. “Mi interés en la música parte principalmente de componer mis propias canciones, pero también disfruto interpretando temas de otros artistas que me han afectado de un modo u otro. En cualquier caso, hacer versiones no es una cuestión que me preocupe”.

La realidad es que con tan sólo un Ep y un largo editados, ya se señala a Anna Calvi

"Me siento muy conectada conmigo misma mientras estoy en el escenario" orbitan alrededor de la cantante, Calvi estuvo moldeando las canciones de su álbum de debut mucho antes de que salieran a la luz.

Pasaron unos tres años antes de que comenzara a dar a conocer sus composiciones en locales. “Tenía una visión completa de lo que quería antes de que les conociera y trabajé mucho por mi cuenta. Se puede decir que bastante de mi trabajo original está presente en este álbum”. Un primer largo que destaca por la intensidad de cada corte, en el que la instrumentación se pone al servicio de una voz profunda y elocuente. Composiciones como “Desire” o “Suzanne & I” desprenden un ímpetu arrollador, que hace pensar en un esfuerzo extenuante.

Algo que desmiente. “Encuentro muy libe-

como una de las revelaciones del año, y ella, de momento, asimila el éxito con una larga gira. En contraste con la vitalidad y el nervio que desprende su trabajo, la voz tranquila y suave de Anna Calvi revela una cara muy distinta. “Me hace muy feliz que haya gente a la que le guste mi música. Mi primera impresión era que nadie la iba a escuchar o le iba a gustar, y para mí era suficiente con que alguien pudiera disfrutarla. Ahora que el disco ha sido editado y hay gente a la que de hecho le gusta, estoy muy contenta”.

■ Jaime Menchén “Anna Calvi” está publicado por Domino/Pias.

mondoFREAKO /18/ Abril 2011 · MondoSonoro

La Pegatina Foto Ibai Acevedo

no confidencial

LA PEGATINA Los catalanes siguen revolucionando los escenarios con su nuevo disco, “Xapomelön”, dejando a sus seguidores sin aliento en cada uno de sus conciertos. Ahora bien, veremos qué tal se les da responder nuestras preguntas más malintencionadas.

◗ ¿Qué es más difícil de encontrar en un camerino de La Pegatina: una botella de bourbon, una libra de marihuana o una groupie menor de edad con ganas de juerga loca?

Lo más difícil es encontrarnos a nosotros, que ¡nos perdemos muy rápido! Bueno, ¡y si hay ron que se quite todo lo demás! ◗ ¿Es cierto que vendéis más camisetas en vuestros conciertos que el musical de Bob Esponja?

Ellos sólo tienen una estrella en el musical, Patricio. ¡Nosotros tenemos siete! ◗ ¿Qué demonios significa “Xapomelön”? ¿Es que estáis pensando en comercializar un xampú con esencia de melón en vuestro merchandising?

Si así fuera, teniendo en cuenta alguna de las letras que hemos escrito, seguro que sería anticaspa. ◗ ¿Qué opinan vuestros padres de la música que hacéis?

Todavía no acaban de entender por qué regalamos nuestro disco en www.lapegatina.com, con lo carísimo que les salieron nuestros estudios musicales. ◗ ¿Podéis recomendarnos un disco, un libro y una película?

El último disco de Gogol Bordello, “Trans-Continental Hustle”, muy enérgico. O bien “Himalaya”, de Anímic, que es controvertido, fantasioso y mágico. El libro, que sea “1Q84”, que aún no lo hemos leído pero seguro que es impresionante, como todos los de Murakami (exceptuando “De qué hablo cuando hablo de correr”, que es un poco tostón). En cuánto a películas, no tenemos tiempo para ir mucho al cine, así que en la furgoneta acostumbramos a ver pelis chorras para pasar el rato. Sin embargo, aconsejamos “Gainsbourg”, que da qué pensar. ◗ ¿Qué es lo más bonito que os han dicho vuestros fans?¿Y lo más desagradable?

Nos dicen cosas bonitas cada día a través de Internet; no nos podemos quejar. Últimamente, lo que más nos dicen es: "tocadnos el Chocholoco".

Y como curiosidad, una vez una chica nos pidió una hoja de reclamaciones, en la que escribió que tocábamos demasiado rápido en directo y no le daba tiempo a cantar las canciones. ◗ ¿Cuánto dinero le habéis soltado a nuestro colaborador Miguel Amorós para que os compare con los Ramones?

La pregunta correcta es cómo nos lo hemos hecho para lograr una página entera en el Mondo Sonoro del mes pasado. ¡Ni Miguel Amorós se lo podía creer! ■

SUM 41

Sin parar por casa Sum 41 vuelve a los escenarios de medio mundo para presentar su nuevo trabajo “Screaming Bloody Murder” (Island/Universal, 11). En él, el cuarteto canadiense apuesta por un sonido más cercano al metal, con canciones más dinámicas y elaboradas que en sus primeros discos, en los que seguía las trazas del pop punk con acné de Green Day, The Offspring o Blink-182.

H

an pasado ya varias primaveras desde que, cuarenta y un días después del comienzo del verano de 1996 y según cuenta la leyenda fundacional de la banda, Deryck Whibley –guitarra y voz-, Steve Jocz –batería- y Jason McCaslin –bajo- formasen Sum 41. Con motivo de su concierto en Madrid nos acercamos para charlar con ellos al Palacio de Vistalegre, donde formaban fila india frente a la puerta y desde primera hora de la mañana varias docenas de teenagers con rigurosa indumentaria proto-punk. “Tenemos más fans de lo que pensábamos aquí en Madrid.

Nos gusta conocer nuevos lugares y en España habíamos tocado muy poco, pero la verdad es que está saliendo bien”, cuenta Deryck, que se encuentra escoltado por Tom Thacker, actual guitarrista de la banda y cuarto miembro en discordia, en los camerinos del pabellón.

Desde sus inicios, la banda canadiense ha despertado grandes pasiones en el público adolescente, siguiendo la estela estilística marcada por bandas como The Offspring o Blink-182 en sus primeras grabaciones, y derivando a sonidos más próximos al heavy metal en sus últimos trabajos. “La evolución de nuestra música es muy natural.

En realidad no pensamos en darle otra visión, simplemente nos sentamos y esto es lo que salió. No nos preocupamos mucho, es algo casi accidental y muy natural. Intentamos no pensárnoslo ni preocuparnos por si hacemos uno u otro estilo. Hacemos lo que nos gusta en cada momento y eso es lo que

después grabamos”. Para el nuevo disco, Deryck ha asumido todo el peso de la producción. “Lo intentamos con un par de productores para ver si cuajaba, pero finalmente decidimos que lo mejor era hacerlo nosotros mismos. Gil Norton –uno de los productores con los que probaron- es muy bueno, pero tenemos un modo muy personal de trabajar, por lo que decidimos hacerlo nosotros. Estamos muy contentos con el resultado y eso es lo que importa. Lo hicimos lo mejor posible”. “Screaming Bloody Murder” suena a metal y al punk adolescente

de emergencia que sufrieron en la República Democrática del Congo durante la guerra civil en mayo de 2004, Sum 41 son globalmente conocidos por haber girado sin parar por todo el mundo durante más un año –y seguir existiendo como banda-. “El directo es la mejor parte de pertenecer a un grupo. Tocar en un escenario delante de tus fans, interactuando con ellos y viendo cómo reaccionan a tu música es algo muy especial… Obviamente, lo mejor de estar de gira es tocar en directo, además de ver sitios diferentes.

La peor parte se la lleva el viaje, los aeropuertos, los aviones, madrugar…

Aun así podemos decir que merece la pena. También tenemos mucho tiempo libre que dedicamos a beber, ver vídeos o dar una vuelta por ahí”. De pie, detrás de Derick y Tom, está el tour manager de la banda, que no para de contar billetes y pasearse por todo el camerino presumiblemente inquieto. ¿Qué opináis

"Las descargas gratuitas hacen mucho daño a la música" noventero, con partes rápidas y lentas que se entremezclan en cada canción, jugando con los tiempos a lo largo de todo el disco.

Sigue la estela de sus dos últimos discos, “Chuck” (04) y “Underclass Hero” (07), y se distancia de los anteriores, aunque retoman de ellos los juegos vocales en la onda del punk rock californiano. “La gente espera que hagamos algo diferente y aunque tenemos un sonido propio nos gusta probar cosas nuevas cada vez que grabamos un disco. Creo que se parece más a lo que hacíamos antes, pero seguimos evolucionando”. Dejando a un lado los escándalos rosa protagonizados por su líder, ex-marido de Avril Lavigne, el delirio adolescente de sus fans y una evacuación

sobre las descargas gratuitas? “No estoy necesariamente de acuerdo, no creo que esté bien pero es como es y ahora mismo no lo podemos cambiar. No solamente es malo para las compañías sino que también lo es para los grupos.

Parece que la gente no se da cuenta, pero bajándose la música gratis se lo ponen más difícil a los nuevos grupos, que no tendrán oportunidades y que nunca serán oídos por la situación en la que se encuentra la industria. Las descargas gratuitas hacen mucho daño a la música”. ■ Adrián D. Bóveda “Screaming Bloody Murder” está publicado por Island/Universal.

Sum 41 Foto Archivo

◗ ¿Cuál es el secreto para tener más amigos en facebook que MondoSonoro?

El secreto está en la masa.

MondoSonoro · Abril 2011 /19/

mondoFREAKO

Rise Against Foto Archivo

RISE AGAINST

Jugando fuerte Los estadounidenses publican “Endgame”, su sexto disco, siguiendo las riendas del éxito de sus anteriores trabajos. Aprovechando su paso por Barcelona en su gira de presentación nos paramos a hablar con el batería del grupo, Brandon Barnes, unas horas antes de su actuación en Razzmatazz.

A

lgo más de diez años han pasado desde el lanzamiento de su disco debut “The Unraveling”, con el que se hacían un hueco en el panorama del hardcore melódico, el reconocimiento llegó con “Revolutions Per Minute”. A partir de aquí mediante una progresiva y cada vez más evidente evolución hacia el punk rock más comercial alcanzaron el éxito en las ventas, cosechando tres discos de oro consecutivos en sus subsiguientes álbumes, y estableciéndose así como una de las bandas más relevantes en su estilo. “Si miras hacia atrás cuando sacamos ‘The Unraveling’ ni siquiera éramos lo suficientemente buenos músicos para tocar ni escribir como lo hacemos ahora, por suerte todo está en constante evolución y vamos mejorando”. Si hay algo que se mantiene desde el principio son sus convicciones y sus actos, que van más allá de la música y lo que expresan con sus letras. “Hacemos muchas cosas, especialmente en Estados Unidos, vamos a los refugios para indigen-

tes, colaboramos con PETA en defensa de los animales, ayudamos a construir edificios comunitarios en barrios desfavorecidos... y todo esto ayuda a que el público conecte con nosotros y que nuestros fans sientan la necesidad de ser activos y tratar de ayudar en las mismas causas”. El nuevo disco, titulado “Endgame”, mantiene esa esencia de crítica social abordando temas políticos, los desastres naturales e injusticias sociales como la homofobia, algo sobre lo que no se habían pronunciado antes. “Sabemos que no vamos a llegar a todo el mundo, pero creemos que una simple persona puede marcar la diferencia, así que nuestra meta es conseguir que la gente capte la idea de que aunque sean unos pocos pueden cambiar el mundo”. En un principio se rumoreó sobre que el nuevo álbum sería conceptual algo que se desmintió rápidamente. Sin embargo, fijándonos en las letras se puede sacar una idea generalizada sobre el disco.

“Hemos creado este tipo de vida con cosas

como Facebook y toda esa mierda... La tecnología moderna ha cambiado la forma en la que la gente interactúa. Hay muchos países que están a punto de una quiebra financiera, cuando los países se queden sin dinero desgraciadamente todo se va a derrumbar y no va a haber forma de pararlo. ¿por qué no nos damos una oportunidad?

Una oportunidad para tratar de simplificar las cosas y vivir una vida diferente, comen-

do en los últimos años. “En cierto modo, es algo que se nos hace extraño e incómodo porque son nuestros ídolos. Es raro pero les preguntamos si lo harían y ellos están contentos, aunque sabemos que va a ser difícil para nosotros tocar después de Bad Religion porque son muy buenos en directo (risas)”. Y aprovechando que hablamos de la gira y sus teloneros, tras los anteriores conciertos en Brasil y Argentina en los que actuaron con

“Hemos creado este tipo de vida con cosas como Facebook y toda esa mierda’” zando de nuevo”. Musicalmente “Endgame” difiere un poco del anterior “Appeal To Reason” y se asemeja más a “The Sufferer And The Witness” pero vuelven a echarse en falta composiciones más duras. “Es gracioso porque normalmente componemos canciones hardcore pero a veces no terminan de ser como queremos y pensamos que las otras son mejores”. Una vez acaben el tour en Europa volverán a los Estados Unidos en abril para presentar “Endgame” en una gira en la que tendrán de teloneros, además de Four Year Strong, ni más ni menos que a Bad Religion, lo que nos da una idea de el nivel de popularidad que han alcanza-

Berri Txarrak, se me hace imposible evitar una última pregunta que muchos nos hacemos desde hace tiempo ¿para cuándo una gira conjunta por nuestras tierras? “Nos encanta Berri Txarrak, son una banda muy interesante además de buenos amigos. Supimos que iban a estar por Sudamérica igual que nosotros así que decidimos hacer varios conciertos juntos.

Nos gustaría volver a tocar con ellos, quizás en el próximo tour europeo”.

■ Hara Amorós “Endgame” está publicado por Universal.

mondoFREAKO /20/ Abril 2011 · MondoSonoro

YELLE

La francesa publica “Safari Disco Club” pretendiendo igualar el éxito internacional de su debut. Sus temas suenan ahora más pop y melódicos, dejando entrever nuevos matices y mostrando ganas suficientes de recuperar su lugar en la escena actual.

L

a personificación del tecktonik y el fluorismo ilustrado, Yelle, lanza su segundo largo, “Safari Disco Club”, un álbum que se distancia de “Pop Up” y que su protagonista define como “un trabajo mucho más pop con el que dar un paso adelante”.

Desde que en 2006 se aprovechara de la efervescencia del Myspace, la bretona ha exportado sus radiantes gemas de pop colorista a un mercado internacional hasta entonces reacio a la flema gabacha. Obviamente, la reválida de su exitoso debut le ha causado estragos en las sesiones de grabación. No pretende defraudarnos y, por ello, estos meses previos a la publicación de estas once nuevas canciones están suponiendo un inquieto letargo. “No sé si es algo bueno, pero me he sentido algo presionada a la hora de desarrollar el álbum.

Después de la repercusión que ‘Pop Up’ tuvo fuera de mi país me dije: de acuerdo, ahora hay que demostrar que aquello no fue fruto de la suerte. Esa es la razón por la que me he decantado por nuevos estilos y matices. Quiero que la gente siga

bailando, pero con temas más melódicos donde los rapeados tengan menor importancia. He tomado hasta clases de canto porque estaba algo preocupada con mi voz”. De momento, habrán ustedes escuchado el adelanto, “La Musique” (el estreno del berlinés Siriusmo, quien compartirá créditos junto al habitual GrandMarnier), esa perla de tintes africanistas que da título al largo y “Que veux-tu”, donde predomina el patrón pop despreocupado de su anterior trabajo. A pesar de estos aperitivos, aún quedan muchas cosas por descubrir. “Estoy muy contenta de ‘Mon Pays’ que trata sobre todo aquello que te encuentras cuando estás a miles de kilómetros de los tuyos. Todo el mundo que la ha oído se ha emocionado mucho. Espero que todos tengan la misma reacción en breve”, ansía. Desde que Tepr remezclara “A cause des garçons”, Yelle se convirtió de la noche a la mañana en la musa de un trend topic que llenó de extravagantes y espasmódicos bailes los suburbios parisinos: el tecktonik.

Como suele suceder con las fenomenologías

Yelle Foto Archivo

Adiós flúor de naturaleza cíclica, con el tiempo nuestras vidas prosiguieron su curso y nos olvidamos del asunto. ¿Acaso tal lacra le acabó aburriendo?

“No estoy cansada de esa etiqueta que se me puso. Sin embargo, pienso que he demostrado ser mucho más que eso. Tanto el vídeo que acompañó al remix como todo lo que surgió después fue muy divertido. Ni puedo ni quiero renunciar a ello.

Aunque no soy una artista de tecktonik,

como locas se me saltaron las lágrimas.

Guardo grandes recuerdos de la gira. A pesar de cancelar en Australia porque me quedé por primera vez en mi vida sin voz o la invasión de público que viví en un escenario de Boston, tras la cual me desplomé por completo entre bambalinas, ver a la gente posesa pasándoselo tan bien aun no entendiendo lo que canto es algo excepcional”. Ya no lo queda mucho tiempo

“No soy una artista de tecktonik, sino de pop” sino de pop”. He aquí la razón por la que Katy Perry la ha escogido para caldear el ambiente en las fechas británicas de su nueva gira (recuerden que su presentación internacional vino de la mano de su gira junto a Mika). Pese a las merecidas vacaciones que se ha tomado, la gala en 2010 volvió al trabajo con dos colaboraciones estelares. La joven muestra una inmaculada sonrisa mientras rememora uno de los hitos de su currículum. “La segunda vez que pisé Estados Unidos fue para Coachella.

Actuaba a la misma hora que Portishead y pensaba que nadie vendría. Pero cuando vi a más de tres mil personas bailando

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para holgazanear en su casa: la maquinaria y las maratonianas jornadas en los aeropuertos no han hecho más que empezar. “Cuando acabe lo de Katy Perry giraré por Estados Unidos y Sudamérica. Es lo único que sé de mi timing. Aunque no lo parezca, no me gusta planificar mi vida en exceso porque me da algo de vértigo. Prefiero que todo venga sin pensarlo demasiado. Las sorpresas, de este modo, son más gratificantes”. ■ Sergio del Amo “Safari Disco Club” está publicado por V2/Music As Usual. YELLE ESTARÁ ACTUANDO EN EL SÓNAR

Gira presentación Coratge 02.04.11 València 08.04.11 Vilanova i la Geltrú 09.04.11 Castelló de la Plana 16.04.11 Campos ACAMPALLENGUA 22.04.11 Villalar de los Comuneros DÍA DE CASTILLA 28.04.11 Barcelona SALA APOLO 29.04.11 Calp 01.05.11 Cerdanyola del Vallès 06.05.11 Condom (France) 07.05.11 Almussafes 13.05.11 Getxo 20.05.11 Reus 28.05.11 Perpinyà 04.06.11 Castelldefels 10.06.11 Madrid SALA CARACOL 23.06.11 Ourense DERRAME ROCK 04.07.11 Vic 15.07.11 Praga (Czech Republic) MIGHTY SOUNDS FESTIVAL 16.07.11 Berga REBROT 27.07.11 Tòkio (Japan) RADICAL NETWORK FESTIVAL 28.07.11 Gunma (Japan) FIGHT FOR RIGHTS 29.07.11 NIIGATA (Japan) FUJI ROCK FESTIVAL

-------------------Agenda musical SON Estrella Galicia

José González Festival Sinsal 9 Fecha 02 de Abril Lugar Teatro Novacaixagalicia, Vigo Venta Servinova

Marianne Faithfull Los Conciertos Sublimes de Vertical Pop 04 de Abril Lugar Teatro Lara, Madrid Venta Ticketmaster Fecha

Hindi Zahra Fecha Venta

14 de Abril Lugar Teatro Lara, Madrid Ticketmaster

Chapel Club Fecha Venta

04 de Mayo Lugar Teatro Lara, Madrid Ticketmaster

-------------------Festivales SON Estrella Galicia

AP-9 Festival Sinsal Diva Dompe, FM Einheit, Massimo Pupilo, Live Footage Fecha 09 de Abril Lugar Parking EXPOCoruña, A Coruña Venta Ticketmaster y Discos Portobello

L.E.V 2011 Apparat, Photek, King Midas Sound...

Fecha 29 y 30 de Abril Lugar Laboral, Ciudad de la cultura, Gijón

Festival Do Norte Peter Hook (interpretando “Unknow pleasures”), !!! , Pony Bravo, Triángulo de Amor Bizarro...

Fecha 6 y 7 de Mayo Lugar Recinto Fexdega, Vilagarcía de Arousa Venta Ticketmaster y Servinova

-------------------Otras fechas SON Estrella Galicia

The Sea and Cake, The Dodos, Jeremy Jay, Algora, Brighton 64, The High Llamas, Deer Tick…

-------------------Programación Salas SON Estrella Galicia Abril

Teatro Lara, Madrid 14 Hindi Zahra Conciertos Sublimes de Vertical Pop, Teatro Lara 04 Marianne Faithfull 06 The Sea and the cake Ciclo SinSal, varios espacios 02 José González 09 AP-9 Festival Sinsal 28 The Dodos Mondo Club, Vigo 01 Jeff Automatic Dj (NME-Transmission London) 02 Ted Leo and The Pharmacists 08 Atom Rhumba 09 Shout out louds 16 Late of Pier Dj Set + Igloo + Munich Organiza

www.estrellagalicia.es

Playa Club, Coruña 23 Wau y Los Arrrghs + All Night Workers

Leclub, Coruña 01 Willie Nile + Green Fandango 02 Igloo 15 Idealipsticks + Proyecto Kournikova 30 Bart Davenport + Cardigan Bridge Sala Nasa, Santiago 28 Sex Museum + Samesugas Café Pop Torgal, Ourense 02 Tachenko/acústico 08 Laura Gibson + Rauelsson

MondoSonoro · Abril 2011 /23/

mondoFREAKO

EN LA

Let The Children Techno Foto Archivo

MALETA

LET THE CHILDREN TECHNO

◗ ¿Qué motivos os llevaron a hacer de Dj’s?

Empecé en 1995. Montaba fiestas en Le Palace, uno de los clubes más famosos de París.

Los Dj’s residentes eran Dj Gregory, Dimitri From Paris, Zdar de Cassius/Motorbass, y yo pinchaba al final, cuando la sala ya estaba vacía. ◗ ¿Qué disco suena siempre en tus sesiones?

Depende de la estación del año. Pero diría que llevo Dopplereffekt absolutamente a todas las sesiones. ◗ ¿Y cuál de tus favoritos jamás has puesto en una sesión?

Adoro la música depresiva como Nick Drake, Bon Iver o John Grant, pero no es fácil poner ese tipo de música en los clubes. ◗ ¿Cambias la línea de tu sesión dependiendo de si la gente baila más o menos?

Buena pregunta. Yo pongo música para la gente y nos divertimos juntos. Si el público se aburre, yo me aburro. Cuando veo a los chicos volverse locos, enloquezco yo también muy fácilmente. ◗ ¿Cuál es el lugar más sucio en el que has hecho una sesión?

Hace muchísimo tiempo en un lugar de transexuales en el distrito de Pigalle. ¡Fue una sesión de toda la noche!, así que tengo un extraño recuerdo. Fue mi primera experiencia con un transexual. ◗ ¿Vinilo o CD? Ambos. Tío, es como si me preguntas si prefiero mamada o follar… me gustan ambas cosas. ◗ ¿Crees que mezclar guitarras y electrónica en una misma sesión supone un problema?

Quizás lo fuera hace quince años, pero no ahora. Y gracias a 2 Many Dj’s y Andrew Weatherall. Soy un techno head, pero crecí con el metal y el grunge. Me gusta la música digital, pero puedo llorar escuchando a Metallica. ◗ ¿No estás cansado de trabajar de noche? ¡No lo sabes bien! Llevo Ed Banger Records, así que cada día estoy allí a las diez de la mañana. Supongo que adoro ser capaz de llevar una vida tan atareada. ◗ ¿Alguna vez te has perdido o te han robado la maleta de discos?

(Risas) ¡Tiene gracia que seas tú el que me lo pregunta! Me ocurrió una vez y… ¡Fue en Barcelona! Quedé hecho trizas. ■

TORO Y MOI

Surcando en algodones Hace justo algo más de un año, “Causers Of This”, fue tachado de chillwave, en un momento en que este cliché era praliné en boca.

Un año después, con “Underneath The Pine”, Chaz Bundick, más listo y honesto que nadie, lo esquiva. Y lo hace retrotrayéndose al space-disco y al pop enrarecido ochentero así como a ese funk y soul cósmico de los setenta.

E

xcitantes y adictivas son “New Beat”, “Still Sound” o “Elise”, sólo tres ejemplos con los que uno ya se da cuenta del enorme talento y del derroche de inspiración que está experimentando últimamente este jovencito de Carolina del Sur. Y no será porque le sobre ni un segundo de su tiempo. “A veces me siento creativo y otras veces, que doy asco o que estoy estancado, pero creo que es el sentimiento que tiene la mayoría de gente creativa. A veces es difícil y a veces sencillo. Recuerdo haber tenido momentos en los que me sentaba y perdía el tiempo”. En pocas palabras, lo que tiene claro y sí sabe es que lo vale y que está en un momento brillante, repartiéndose los minutos con su otro alter ego de disco efectista y pegadizo que es Les Sins y con el que también se divierte como un enano. A finales de año infectó las pistas de baile con un doce pulgadas, “Lina” (Carpark, 2010), en que insiste en esos beats que ya apuntó en “Causers of This” (Carpark, 2010) pero aquí acelerando más el pitch para que sea más bailongo y hedonista, desmelenándose y petardeando a ritmo de un disco refrescante y noventero al estilo francés y con una producción no tan casera sino pensando en highlights de purpurina y bola de espejos. Sin embargo, entre cabinas, remixes y shows ha tenido tiempo de desenfundar el sonido analógico más negroide de la vieja escuela. Si su debut como Toro Y Moi se ocupó de una electrónica escapista y de tonos turquesa, estirando el pop de Panda Bear, para “Underneath The Pine” ha rebuscado en el catálogo space disco y en las cubetas del funk y el soul

más sideral, sin tampoco dejar de guiñar el ojo al pop soleado de arquetipos como Brian Wilson en, por ejemplo, “Got Blinded” y “How I Know”.

“Cuando las hice pensé mucho en el pop psicodélico de los setenta y también en la música de bandas sonoras”; en esos surcos de bandas sonoras de la tradición de las Exploitation de los setenta de Piero Umiliani o del jazz del cineasta François de Roubaix, por citar dos.

Incluso de posteriores pero igualmente inspiradas en aquellos años como “Las Vírgenes Suicidas” de Air de quien Bundick coge algunas texturas como también de los sintetizado-

con el que uno sueña, flota, se evapora...gracias a esos sintes acuosos y flotantes. “Estoy muy contento de como fluye todo. Es el disco que siempre había querido hacer. Lo que me llevó a esas influencias fue la idea de crear canciones parecidas a lo que había estado sampleando en Causers of This.

Creo que el peso dominante del funk y soul en este álbum seria el giro perfecto de estilo y pienso que los que disfrutaron de los elementos del primer trabajo van a saber apreciar también este álbum”. O al revés: los que amamos este nuevo trabajo tendremos que darle una relectura a su debut, más estático y estéril, y otorgarle escuchas con otros oídos ahora que se ha convertido en el paso previo a esta brillante producción en la que, aunque suene retro, ha desaparecido ese sonido a lo cinta usada. “Sí, nunca quise que mis grabaciones sonaran tan lo-fi; de hecho, tengo el mismo equipo que he usado desde que empecé a grabar. Simplemente

"A veces me siento creativo y otras veces, que doy asco o que estoy estancado" res coloristas y en blanco y negro de Stereolab o Broadcast. Aunque cuando se le pregunta por lo que está escuchando en estos últimos meses aporta nuevos tintes. “Me gustan mucho los Teen Inc., hacen una música realmente muy buena, y últimamente también estoy muy interesado en Jim O’Rourke”. Lo mejor, sin embargo, es que a todo ese sonido retro ha sabido darle un color contemporáneo, lo ha humanizado, haciéndolo más físico y orgánico, con instrumentos analógicos como órganos, pianos, bajos, guitarras y percusiones, consiguiendo, lúcidamente, marcarse un tanto a lo posiblemente esperado como continuación de su debut: esa electrónica chicle hecha de samplers. Ha logrado un trabajo infeccioso, fresco, sensual y sexual, con mucho groove, y

he aprendido a usar mejor el equipo y la técnica. Pero también quería que este nuevo trabajo tuviera más solidez en cuanto al sonido ya que Causers of This sonaba bastante bien y creo que tampoco tan lofi”. Comparen y compren. “Underneath The Pine”, donde él dice que le gustaría reposar una vez finito, es un sueño pelicular de final de verano-principio de otoño dónde los días, por mucho que se tapen, irradian una luz sepia que va mutando por destellos de colorido, tal cual como si lo viésemos a través de un caleidoscopio. ■ Celestí Oliver "UNDERNEATH THE PINE" ESTÁ PUBLICADO POR CARPACK/GREEN UFOS. TORO Y MOI ESTARÁ ACTUANDO EN EL DÍA DE LA MÚSICA DE HEINEKEN

Toro y Moi Foto Patrick Jeffords

Busy P. y Dj Mehdi llevan muchos años trabajando juntos, pero hacía falta el proyecto Let The Children Techno para que les prestásemos la atención que sus pinchadas reclamaban.

Pedro Winter (nombre real de Busy P, capo de Ed Banger y manager de Cassius, Justice o, hasta hace poco, Daft Punk) contesta a esta sección.

/25/ Abril 2011 · MondoSonoro

La Bien Querida Foto Pablo Zamora

entrevistaS

LA BIEN QUERIDA

Segundo premio Cuando un primer disco se encarama de manera unánime a lo más alto de las listas de lo mejor del año, las dudas surgen de forma inevitable de cara al segundo asalto, y más en una época en la que lo que ayer fue novedad mañana puede haber pasado de moda. ¿Continuidad o ruptura? La respuesta, bajo estas líneas.

H

an pasado dos años desde que se publicara “Romancero” (mejor álbum de 2009 para MondoSonoro, entre otras publicaciones), un disco sobresaliente que no solo puso en el mapa a La Bien Querida, sino que lo hizo desde la cumbre, convirtiéndose en referente de una carrera que no hacía más que empezar.

Durante este tiempo, además de disfrutar de las canciones de Ana Fernández-Villaverde, hemos dedicado no pocas conversaciones a divagar sobre el que sería su segundo álbum, incluyendo en las elucubraciones el amago de un EP de sonido kraut que por ahora permanece aparcado.

“Creo que este no era el momento”, comentaba Ana, profundizando en la explicación casi de inmediato, tras una breve pausa que podríamos considerar valorativa. “No quería romper completamente para hacer algo que fuera muy distinto, porque entonces la gente acaba despistándose. Tenía claro que ‘Fiesta’ debía ser una continuación de ‘Romancero’, aunque con un tono no tan acústico, sino un poco más eléctrico. Pero lo de romper… ¡Si acabo de empezar! No tengo una trayectoria como para pensar en romper con nada”. Se incorpora entonces a la conversación, que tiene lugar una tarde de febrero en casa de la propia autora de “9.6” o “De momento abril”, un febril (los rigores del invierno, claro) David Rodríguez, que continúa haciéndose cargo de la producción. “La idea era dar más fuerza a las canciones, con un tamiz menos ‘arty’. Este

disco tiene más pegada, no digo un sonidazo en plan Beyoncé, que ojalá, sino con más nervio, porque a lo mejor el primero pecaba un poco de languidez. Pero al final es cuestión de matices, porque lo mismo nosotros pensamos eso y la gente ve otra cosa. Pero vamos, que tampoco somos Sun O)))”. Valga la exageración como ejemplo de que, aunque algunas cosas han cambiado, otras no, algo que queda claro en “Hoy”, tema elegido como primer single. David continúa con su explicación, ahora casi más en diálogo con Ana que respondiendo a las preguntas. “Tampoco entiendo mucho lo de si es o deja de ser una continuación. Tú estás haciendo canciones que tienen una melodía muy clara, porque a lo mejor se nos puede ir la olla, pero en definitiva vas a ser tú cantando. Otra cosa sería que te cambiase la voz, pero ya tienes una edad, ¿no? Igual el próximo disco se puede hacer de una forma más monocromática, buscar un traje a medida en vez de varios, pero ya veremos, no es algo que nos quite el sueño”. (Ana) “También hemos pensado en el directo, que fuese más enérgico”. Un punto este último en el que prometen notables avances después de que sus actuaciones no siempre estuviesen al nivel de su debut. (Ana) “Piensa que cuando salió ‘Romancero’ yo no tenía ninguna experiencia, nos metieron en festivales y casi no habíamos tocado en salas. Lo pasaba fatal, hasta tenía que tomar ansiolí-

ticos”. (David) “Pero no solo tú, sino que era un tema del grupo. Hemos ido cubriendo el expediente, pero creo que ahora hemos mejorado bastante. Vamos a ver qué tal sale”.

De vuelta al debate continuidad versus ruptura, la confrontación recuerda también a la que se vivió tras la publicación de “Romancero” entre quienes defendían el sonido del álbum y aquellos que añoraban la desnudez de la maqueta. (David) “Eso pasa muchas veces: cuando escuchas una canción por primera vez es cuando más te llega, por más que luego pueda estar mejor grabada. Tiene ese punto romántico del descubrimiento. De todas formas, lo de la producción es cosa de ella. Yo soy el primero que piensa que lo mejor es Ana con

ciones que no parezcan vulgares, y al final parece como si en todo eso el estribillo las vulgarizara un poco, cuando no tiene por qué ser así. Algo que me encantaría también es escribir letras más abstractas, con diferentes lecturas, como las de New Order, por ejemplo, que me gustan mucho. Pero me cuesta, porque si no veo un significado claro no la doy por buena, además de que tengo muchísimo miedo a repetirme”.

Metidos de lleno en este segundo álbum, el pop de La Bien Querida da cuenta de su versatilidad, ya sea mezclando vals y ranchera (“Lunes de Pascua”) o tirando de aires flamencos, como ocurre en el mismo arranque de “Noviembre”. (David) “Yo pensaba más en Tangerine Dream o Animal Collective. Lo de las palmas fue un añadido final, pero es una canción con el ritmo que usan ellos, para seguir con la cabeza”. Un trabajo de producción que alcanza igualmente a “Monte de Piedad”, uno de los temas de la primera maqueta, que se recupera ahora en forma de marcha de Semana Santa ¿Religiosidad? ¿Folklore? (Ana) “Yo diría que es

“Cuando salió ‘Romancero’, nos metieron en festivales y casi no habíamos tocado” la guitarra, pero no quiere... También con la producción intentas elegir en cierto modo a quién te quieres dirigir”. (Ana) “Vale, pero al final el público es el que te elige”.

D

isputas al margen, lo que ofrece menor discusión es que estos nuevos temas muestran a su protagonista con mayor seguridad (y hasta mala leche) frente a la vulnerabilidad de “Romancero”. Todo ello al tiempo que los estribillos se presentan de forma más nítida.

Si hablamos de lo primero, Ana lo tiene claro: “Estaba más fuerte, porque la música me ha devuelto mucha confianza en mí misma, y eso se nota en las letras”. Y en cuanto a lo segundo, un sí pero no (y viceversa). “He intentado buscar más estribillos, porque siempre tiendo a esquivarlos; trato de hacer can-

más bien fetichismo, además de que está dentro de la cultura de nuestro país y que siempre me gusta conservar un cierto toque popular. Lo de ‘Monte de Piedad’ surgió viendo una procesión en la calle Santiago, cerca de la plaza Mayor de Madrid. Incluso paramos a uno de los músicos de la banda para preguntarle”. (David) “A veces se trata de jugar con los sonidos más que con los géneros, como en lo de esa ranchera que al final acaba siendo un vals. Tiene su gracia, aunque a lo mejor hay quien no se la encuentra. Es lo que decía Julian Cope, que los clichés valen para todo”. ■ Enrique Peñas “Fiesta” está publicado por Elefant. la bien querida ESTARÁN ACTUANDO en abril en el vinalopop y en el south pop

entrevista

Sho-Hai Foto Archivo

MondoSonoro · Abril 2011 /27/

SHO-HAI

A tortas con la vida El mes pasado le ponía cuatro estrellas y media a “Doble Vida”, el disco en solitario de Sho-Hai, el greñudo de Violadores del Verso.

Según acumulo escuchas me voy convenciendo de lo grande de un trabajo necesario, tanto para el exorcismo personal de su creador como para quienes vibramos con su escucha.

S

ho-Hai es Hate, es Sergio Rodríguez, es una de las claves del rap en castellano, es un Doble V. Casi nada. Sacó su disco en solitario hace un mes y el 1 de abril empieza una gira con fechas cerradas hasta noviembre.

“Doble Vida” se coló en el tercer puesto de AFYVE nada más ponerse a la venta. Sho Hai viene de Zaragoza, de donde son sus compañeros en mil batallas, la crew de Rap Solo, de donde son también Rapsus, Shariff, Xhelazz, Hazhe, Loncho, Dani Ro, Tr3s Monos o Cloaka Company y donde ahora lloramos la reciente y prematura muerte de Cash Flow, de Grand Groove. Como todos, vino al mundo del rap un buen día, junto a Juez y R de Rumba en forma de Bufank, allá por los noventa.

Bendito alumbramiento. Sho-Hai se nos ha hecho mayor, y en medio de un parón pactado junto al resto de Violadores se atreve a asomar la cabeza en solitario con un disco directo y sincero, no apto para hipócritas, y en medio de un ambiente de tsunamis, libios cayendo como moscas y gente cada día más harta de todo celebrando sola frente a su ordenador que tiene por fin su amigo número cien en Facebook. Seguramente alguno de ellos hizo correr el bulo de la separación de Violadores del Verso. “No sé qué medio fue que dijo que nos habíamos separado, y Javi lo que había dicho es que nos tomaríamos un tiempo, que sacaríamos un disco cada uno… Pero no, no nos hemos separado”. Es por lo primero que le pregunto mientras abrimos unas cervezas hechas en casa, cortesía de Rap Solo. Amargas, con un toque de regaliz, un poso dulzón que per-

manece y las hace originales. Deliciosas. Siempre te hemos llamado el heavy del rap, ¿para cuándo un disco tuyo metalero? “Me gustaría, al igual que Javi (Kase O) está haciendo lo del jazz, hacer algo metalero me gustaría. Al tiempo.

Lo que sí hemos hecho han sido colaboraciones con S.A., y con los granadinos Hora Zulú,

te. Si quisiéramos, podríamos tocar en Madrid o Barcelona tres veces al año, pero nos rallamos con eso, no queremos quemar el grupo”. Lo que ya no celebro tanto es lo siguiente que me cuenta, cuando le digo si tendré que esperar otros cinco años para una nueva entrega en conjunto. “Pues ahora habrá más tiempo que con el anterior”. Tras esta respuesta trato de evitar imaginarme en el asilo esperando mi pedido a Rap Solo y prefiero preguntarle por las labores de producción del disco. “Aparte de unas bases que producen Xhelazz, Big Ozone, Hazhe y Grosso Modo, es trabajo de Rumba. De hecho lo ha grabado todo aquí, en nuestro estudio. Y en los conciertos iremos Rumba

“Escribo lo que siento para quitármelo de encima o me explota la cabeza” con Rumba y con ellos. De todos modos, me gustaría mucho, aunque con una banda detrás igual no tengo yo mucha voz…”. En el disco ya acabamos a guitarrazo limpio en “Infierno con guitarras”. “Bueno, la última canción del disco es con los NdNO. Me llamó Fran, el guitarra y me dijo que tenía una cosa para mí, y que nos hiciéramos algo. Bajé al local, escuché la movida y me moló un huevo. Me hice una letra y ahí está”. Aunque él no es el único Doble V que está trabajando en solitario.

“Lírico está preparando su disco en solitario, ahora está en Barna, y lo lleva bastante avanzadillo”. Todo apunta a que el parón necesario para Violadores va a ser muy fructífero.

“Hombre, nos apetecía. Además llevábamos desde ‘Vivir para contarlo’ girando mucho y nos apetecía. Aparte de descansar nosotros un poco, que la peña descanse de nosotros, así nos pillarán con más ganas más adelan-

y yo. Bueno, y Ossi, que me lo llevo para que me haga dobles voces y tal. Con Rumba de puta madre, es con quien más cómodo estoy. Es un puto profesional como la copa de un pino”.

S

in lugar a dudas R de Rumba es una garantía absoluta toque lo que toque. Otra baza tremenda es la de Xhelazz, quien se sale en “Hodio”. “Soy super fan de ese cabrón.

Xhelazz tenía que salir en este disco”. Al resto de la familia nos los encontramos en “La cúpula”. “Ellos encantados, ¿cómo no iban a estar aquí Violadores? Me recuerda a cuando hacíamos las maquetas en los noventa, con Javi rapeando super loco…”. La entrevista se alarga. Se está a gusto aquí, y además Sho-Hai odia hablar con la prensa, pero como lo que soy es el calvo barbudo al que le debe un rancho desde hace bastante tiempo (el rancho que cocina

Sho-Hai es famoso), se relaja, nos relajamos, y disertamos durante dos horas sobre los móviles, el rap zaragozano, China… Retomamos el hilo de la entrevista mientras hablamos de los grupos, al margen del rap, que escucha Sho Hai, me sorprende con lo siguiente: “Mamá Ladilla me gustan mucho, siempre que han venido a Zaragoza los he ido a ver, y llegué a conocerlos. Muy majetes, me hacen mucha gracia y cuando se ponen serios…”. Comenzamos a cantar “Primavera, primavera…” a dúo y a reír, momento que aprovecho para volver a sus letras, a las bolingas de las que habla, pero sobre todo de las atmósferas oscuras de buena parte del disco, ese odio y asco que Sho-Hai parece tenerle a la vida. “Y a mí mismo también me odio…”.

Calma. “Hay algunas más graciosillas. Yo lo veo variado. Temas de decir ‘este gacho qué hace, está loco…’ y luego la siguiente es más graciosa. Son todo sentimientos y estados de ánimo. Escribo lo que siento en ese puto momento para quitármelo de encima o me explota la cabeza. Hay cosicas que hay que escribir y quitártelas de encima. Sí macho, es buena terapia lo de escribir. Me ha ayudado mucho, de hecho”. Suerte que tienes. “Hay gente que no puede expresarse, o porque no puede o porque no sabe. Yo menos mal que tengo el rap, si no, no quiero ni pensarlo…”. Lo que sí que va a tener ahora Sho-Hai es mucho rap, al menos no lo compartirá sobre las tablas. “Hombre, es como una responsabilidad lo de tener que estar yo solo y jamarme hora y pico de concierto. Pero es un reto que me mola. Me va a hacer más fuerte... Cuando desde arriba ves las caras de la peña sonriendo… eso te alimenta la vida”. ■ Rafa Angulo “Doble vida” está publicado por Rap Solo/BOA. SHO-HAI empieza la gira este mes de abril

Manel Foto Archivo

entrevista /28/ Abril 2011 路 MondoSonoro

MondoSonoro · Abril 2011 /29/

MANEL

CUENTOS POPULARES Han sido muchos los nombres que han ido sumándose en los dos o tres últimos años a la explosión creativa del pop en catalán, pero sin duda el caso de Manel es el más representativo de lo que es casi un acontecimiento, traspasando con creces el circuito independiente.

Lo consiguieron con su primer álbum y la han vuelto a hacer ahora con el maduro “10 milles per veure una bona armadura”.

E

l camino que media entre un debut sin mayor despliegue promocional y la realidad de convertirse en poco menos que fenómeno sociológico es el que han recorrido los integrantes de Manel en los dos años y medio que han pasado desde la publicación de “Els millors professors europeus” hasta el lanzamiento de “10 milles per veure una bona armadura”, álbum del que se despacharon miles de copias en su primer día a la venta. Un crecimiento exponencial en términos de público y repercusión, incluyendo episodios que no hicieron sino reforzar su estatus como banda de referencia del nuevo pop catalán: ahí está, sin ir más lejos, el concierto del 18 de enero de 2010 en el Palau de la Música de Barcelona, con una interpretación coral de “Corrandes de la parella estable” que acabó convirtiéndose en homenaje a Pep Guardiola, para quienes los fans del grupo

lo único que importase en este mundo fuesen las buenas canciones”, decía Joan S. Luna, redactor jefe de esta publicación) y del posterior debate en el blog de Luis J. Menéndez, responsable de MondoSonoro en Madrid, preguntándose si “no sería lógico o cuanto menos posible que quien se enfrente al juicio del disco también se salte el prejuicio lingüístico”. El resultado no es otro que este: una entrevista que en buena lógica se podría haber hecho en Barcelona (por cuestiones meramente prácticas, entre otras cosas) terminó en comunicación telefónica desde Madrid, por aquello de dejar claro que sí, que Manel pueden gustar (y mucho) más allá de Catalunya, ya sea en Madrid, Asturias, Galicia o Extremadura.

S

alvado el preámbulo, vayamos a lo que de verdad interesa: “10 milles per veure una bona armadura”, un álbum

“Antònia Font sí utilizan un universo muy potente y a base de imágenes” pidieron la renovación y que concluyó con un “Visca els Manel y visca el Barça”. Una anécdota, sí, pero bien representativa del estatus alcanzado por la banda de Arnau Vallvé (batería), Martí Maymó (bajo), Roger Padilla (guitarra) y Guillem Gisbert (voz y ukelele). Y todo ello sin apenas pisar un escenario fuera de Catalunya, estableciéndose una especie de muro artificial que tiene tan poco sentido como si el hecho de cantar en inglés hubiese cerrado las puertas a The Divine Comedy. Hablamos de pop, nada más. “Evidentemente hay discos que se descubren con paciencia y que cuestan, pero aún así el pop tiene un punto de inmediatez que es importante. Evidentemente, si no entiendes la lengua que se está utilizando y son canciones largas como las nuestras, esto puede ser una barrera”, comenta Guillem Gisbert. En todo caso, estamos ante un lenguaje universal por naturaleza, el de las emociones (y basta un tema tan mágico como “Aniversari” para comprobarlo). “Puedo entender que es así, pero no acabo de saber cómo le puede llegar el catalán a alguien de Madrid, no sé si le cuesta mucho comprenderlo o no, aunque sí hay lexemas que se parecen. En ese sentido, alguien de Alcalá de Henares que lo escuche con un poco de calma puede llegar a entenderlo. Necesitará un punto más de atención, eso sí, que con un disco de Sr. Chinarro. También es cierto que en la música es importante el factor descubrimiento, que a la larga provoca mucho placer. Es como cuando te pones con un libro que es complicado al principio y ya vas por la página ciento setenta: te das cuenta que eres un tío afortunado porque estás avanzando en algo que te ha costado un poco, pero que merece la pena y necesita un esfuerzo”. Todo esto venía a cuento de la última frase en la crítica del segundo disco de Manel (“ojalá el cantar en su lengua no les cierre unas puertas que deberían abrírseles de par en par si

con el que Gisbert y compañía confirman su puesto de privilegio en el folk-pop reciente, con unas canciones, como “El Miquel i l’Olga tornen” o “Deixa-la, Toni, deixa-la”, que retoman el costumbrismo que ya conocíamos. “No es nada que nos planteemos. Hay una canción de Low, ‘Death Of A Salesman’, que dice algo así como que tenía una guitarra y encontraba algunos acordes y algunas palabras que pudiese cantar sin vergüenza (“So I took my guitar/And I threw down some chords/And some words I could sing without shame”). Es un poco eso, cuando empezamos a hacer canciones

A propósito de Manel ¿Cuál crees que es la clave del éxito de Manel y de que se hayan convertido en todo un fenómeno en Catalunya con 37.000 discos vendidos?¿Crees que su éxito podría repetirse en el resto de España?

Antonio Luque (Sr. Chinarro)

un universo muy potente y a base de imágenes que a veces no entiendes pero que te fascinan. Pero eso lo pueden hacer ellos y pocos más”.

Llegamos así al papel de la banda mallorquina como punta de lanza de un movimiento que ha encontrado en Manel un indiscutible referente.

“Antònia Font dieron una especie de pistoletazo de salida en el tema de la canción catalana, y esto lo digo a nivel de experiencia personal, no como análisis sociológico. Con dieciséis diecisiete años escuchaba poca música hecha en catalán. A lo mejor estaba más pendiente de Nacho Vegas, Los Planetas, Fernando Alfaro o Sr. Chinarro. Y con Antònia Font fue como decir: ‘¡Hostia, qué buenos son estos tíos de Mallorca!’. Pero mi generación también había escuchado en parte el rock de los noventa, y de hecho me sé algunas de esas canciones de memoria; allí había una base que ha sido importante para lo que está pasando ahora. Lo que ocurre es que por los vaivenes de las modas la mayor parte de esos discos han quedado más olvidados y Antònia Font han tenido más peso. Y que son muy buenos, claro”. El siguiente escalón es el de la influencia anglosajona, esa que lleva a asociar el nombre de Manel con Sufjan Stevens o Herman Dune. “De Sufjan Stevens escuché ‘Illinoise’, hace años, y nunca me arrebató del todo.

Suena muy bien, pero me parece un poco frío, aunque a nivel de instrumentación y arreglos es acojonante. Con Beirut me pasa un poco lo mismo. A Herman Dune en cambio sí los he escuchado mucho más, sobre todo ‘Giant’”.

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etomando “10 milles per veure una bona armadura”, y comparado con su debut, este trabajo se presenta más serio, con mayor protagonismo de la voz principal (la del propio Guillem Gisbert) y con una carga narrativa que deja los

“No acabo de saber cómo le puede llegar el catalán a alguien de Madrid” y todavía hoy en día: explicar cosas de las que nos apetece hablar y hacerlo sin pudor; nos sale de esta manera. No se trata de imágenes muy literales, sino un cierto universo lírico, otra manera de explicar cosas. No como Dylan, claro, pero sí que uno va recorriendo un caminito en el que se encuentra cómodo”. A esto cabe sumar el aire de cuento que envuelve otros temas, como si estuviésemos por momentos ante un disco de caballeros y princesas. “En realidad hay alguna canción concreta en ese sentido.

‘Aniversari’ encaja muy bien en esta estética. Es un cuento romántico raro, un sueño.

‘Flor groga’ utiliza también ese imaginario, e incluso ‘El Miquel i l’Olga tornen’ conecta con esa idea, hablando de nobles consejeros y cosas así. Pero siempre es una fantasía muy de andar por casa, contando algo de una forma muy llana y sobre todo con un estilo narrativo en el que no hay saltos metafóricos a lo bestia, sino pasito a pasito. Por ejemplo, Antònia Font sí utilizan

entrevista

estribillos casi en segundo plano (con alguna excepción notable, caso de “Boomerang”).

“Los tonos son más graves, con canciones más largas, y eso ya produce una sensación de que son menos inmediatas y no tan festivas. Es difícil que pase como en el primer disco, que teníamos concierto en algún pueblo y te encontrabas a chavales tocando nuestros temas con la guitarra. Había un componente popular importante y en cambio eso ahora es más complicado, aunque seguimos con la misma idea de escribir canciones entretenidas que merezca la pena escuchar: no nos sentamos y nos ponemos a decidir las directrices que vamos a seguir. No trabajamos con una estética concreta o de forma conceptual, sino que vamos canción a canción”. ■ Enrique Peñas “10 milles per veure una bona armadura” está publicado por Discmedi/Warner.

Sospecho que Manel no hace esa música que hacían los grupos subvencionados por la Generalitat. Algo tendrá el agua de Manel cuando el público la bendice. En las tierras en las que vuestra lengua no solo no es comprendida, sino que es muchas veces mal entendida como una forma de agresión, las ventas por decenas de miles de Manel me parecerían ya del todo, considerada además la revuelta internáutica, un completo milagro.

Pau Roca (La Habitación Roja)

El éxito de Manel, al menos en mi reproductor se debe a que “Pla quinquenal”, “Al mar” o “Avís per navegants” son canciones chulísimas. No vivo en Catalunya y desconozco temas coyunturales que puedan haber influido en ello y tampoco me importan mucho mientras tengan canciones que me gusten.

Me temo que el mismo éxito en el resto de España es muy difícil que suceda. Ojalá me equivoque.

Nacho Vegas

La única razón que se me ocurre es que sus canciones son maravillosas.

Espero que su éxito se repita en el resto del estado. Sería terrible que una lengua tan cercana aún supusiera una barrera.

Ramón Rodríguez (The New Raemon)

La clave del éxito de Manel es estar en el lugar adecuado en el momento oportuno y también es producto del tono cercano y costumbrista de las letras de su debut. Si toda España se vuelve culé (poco falta) es posible que su éxito se repita en el resto del país. Yo qué sé.

Raúl Fernández (Refree)

Pocas veces hay una clave, pero creo que son exactamente lo que necesitaba la música en catalán, el puente entre generaciones. Creo que pueden funcionar en España, pero de la misma manera que en Catalunya es imposible; para empezar porque cantan en catalán.

David Carabén (Mishima)

Si supiera cuál es la clave, ¡me la habría aplicado hace tiempo! Lo que está claro es que tienen grandes canciones y sintonizaron con el público desde el minuto cero. Las grandes canciones te llevan más allá. Pero hace falta cazar al público en su más acá. Ellos consiguen hacer ambas cosas estupendamente bien.

Marc Gili (Dorian, After After Hours)

Manel han vendido tantos discos en plena crisis por tres razones: porque son muy buenos, porque son diferentes, y porque en Catalunya existe un fuerte sentimiento colectivo que ha empujado a mucha gente a apoyar la causa.

La gente ha decidido apoyar a esta banda porque se la cree, y porque quiere reivindicar una música en catalán bien hecha y que tiene un valor universal, es decir, que es buena aquí y en China. Por eso creo que Manel deberían trascender las fronteras como ya están haciendo.

Ana Fernández Villaverde (La Bien Querida)

Creo que, con todos los respetos, Manel han venido a ocupar un poco el espacio de Serrat. Las letras son muy buenas y los arreglos muy muy cuidados. No sé si este éxito en Catalunya podrá expandirse al resto del país, raro me parecería cantando en catalán, pero podría ser todo un precedente. n

entrevista /30/ Abril 2011 路 MondoSonoro

CATPEOPLE

Maull谩ndole

Catpeople Foto Ibai Acevedo

al amor

MondoSonoro · Abril 2011 /31/

No se quejarán, ¿verdad?, les vamos a hablar del tercer disco de Catpeople, “Love Battle”, mientras algunos de ustedes lo habrán encontrado en el interior de un ejemplar de esta revista. Así da gusto empezar la primavera, con las canciones de estos gallegos afincados en Barcelona, que esta vez apuestan por el sol y por el amor en todas sus variantes, situando al grupo en otra división dentro de nuestro indie.

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ecuerdo cuando entrevisté a CatPeople hace unos añitos a propósito de su primer largo, aquel “Reel # 1” (2006). Han pasado cinco años y la solidez de su propuesta es un hecho. Ahora vuelven a la carretera para presentar “Love Battle”, para quien firma el disco más completo de la banda, el más luminoso y en el que se respira una clara evolución hacia otros terrenos. Percusiones, hermosos juegos vocales y la, a día de hoy, pizca de electrónica necesaria en una apuesta sonora como la suya. Hablo con Adrián PD cabeza pensante del grupo, quien empieza a notar los efectos de la primavera gracias a los plataneros que pueblan Barcelona. Malditas alergias. Le pregunto por la formación, ya que me sonaba que algún cambio se había producido. “Somos la misma formación excepto Javier Ábalo, el guitarrista, que en esta gira será sustituido por David T. Guinzo. Raúl Muñoz en guitarra y teclados, Ivan Fernández en el bajo y Paco Iglesias en la batería. Rubén Fernández como ya venía haciendo en la gira anterior nos acompaña en teclados y percusión”.

Una gira que comienza en el oscense Tremendo Pop Festival. “Sí, en el Tremendo Pop será donde por primera vez presentemos ‘Love Battle’. Y días después en Murcia, de la

bía co-producido los dos discos anteriores, con lo que enfrentarme yo solo a la producción y composición no me preocupaba tanto como antes. Raúl me ayudó con los arreglos y potenció con su trabajo todos los temas. El contar con el apoyo de nuestra oficina, y que el estudio fuese mi casa, fueron factores importantes para que no me sintiera presionado con los timmings tan apretados con los que solemos grabar los discos la mayoría de los grupos. Todo esto sin duda contribuyó a que tuviese una mayor comodidad, una libertad absoluta para la composición”. Muchos echarán de menos en este trabajo a aquellos Catpeople más oscuros y más guitarreros. “Este disco era un reto y no queríamos acomodarnos en el estilo que veníamos desarrollando con los álbumes anteriores. Ha sido un proceso largo, hemos dejado muchos temas que teníamos compuestos en el cajón porque pensé que era un buen momento para dejar volar la imaginación sin tener ningún tipo de limitación en cuanto al concepto estilístico”. La apuesta está ahí, han arriesgado, pero el convencimiento de que están haciendo las cosas que quieren es enorme y así lo comunican. “Siempre hemos

“No queríamos acomodarnos en el estilo que veníamos desarrollando ” que guardamos muy buenos recuerdos de nuestro concierto en el SOS del 2009.

Tenemos muchas ganas de tocar por fin temas nuevos en directo”.

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omo les contaba, el disco dista de los anteriores en cuanto a su contenido.

Hay más experimentación, más valentía a la hora de afrontar unos cambios en cuanto al sonido que son un verdadero acierto. “Cuando se empezó a trabajar en este tercer disco teníamos ganas de evolucionar. En cierto modo, en el local de ensayo estás limitado a la hora de experimentar o buscar sonidos nuevos. Fue por eso que empecé a trabajar los temas en casa y poco a poco me iba encontrando más cómodo. Ya ha-

querido divertirnos y eso te lleva a hacer lo que quieres sin ataduras o prejuicios.

Uno define su personalidad por los errores y aciertos que comete a lo largo de su vida. Aunque por supuesto, las cosas se valoran dependiendo del momento en que sucedieron. En cuanto al grupo, estoy muy orgulloso de todo este tiempo, de la evolución de la banda, de cada disco y cada uno de los conciertos hasta el momento.

Echando la vista atrás siempre hay cosas que crees que podías haber mejorado o haber hecho de otra forma pero a día de hoy no sería la misma persona si no hubiese pasado por esas experiencias”.

El otro día hablaba con un amigo común y le comentaba que, salvando las distancias, veo

en Catpeople una evolución parecida a la que ha llevado Delorean en cuanto a lo musical.

“Los terceros discos son cruciales, las bandas alcanzan en cierta manera su madurez. El haber trabajado en casa me ha hecho ir explorando diferentes sonidos.

En ‘Love Battle’ hemos arriesgado más, sin ninguna expectativa ni temor a las críticas.

Cuando uno compone pensando así, es porque tiene ya cierta madurez o al menos no se plantea tantas dudas como cuando saca su primer disco”. Me reafirmo en que me parece su mejor disco, aunque esté falto de hits inmediatos como en sus dos anteriores álbumes. Valoro mucho más la redondez de su contenido al completo. “El público se ha vuelto más exigente, en parte debido a la gran cantidad de música que se puede descubrir por Internet. No solo has de ha-

entrevista

‘Sorry’ es un amor tormentoso que uno intenta olvidar; ‘Safari’ es la historia de unos recién casados y una fatídica luna de miel. Hay amor familiar en ‘Fishes With Big Mouth’ que es la historia de un niño que intenta salvar a su abuelo que ha sido devorado por una carpa gigante... El amor es una batalla constante a lo largo de la vida, hay veces que la ganas y otras que tienes que seguir luchando para alcanzarlo, es por eso que en la portada aparecen unos niños, viendo cómo dos ranas se enfrentan entre sí, y la resolución está en la galleta del CD, donde se ve que las ranas se están apareando”. La historia de nuestras vidas, vaya, quizás por eso me haya sumergido tanto en un disco que al igual que un caramelo Halls, ayuda a despejar nariz y garganta y a respirar mejor. Los espacios abiertos que evoca

“Para un grupo ha dejado de ser interesante firmar un contrato discográfico” cer buenos temas, has de sorprender. Por suerte, también es cierto que la gente está más abierta a descubrir nuevos conceptos.

He compuesto lo que a mí me gustaría escuchar”. La cosa empieza bien, y me refiero a esa acción que ha llevado a la banda a regalar varias miles de copias de “Love Battle”. “Creo que no puede haber nada más especial que regalar 50.000 copias del disco con MondoSonoro. A pesar de que la mayor parte de la gente escucha su música en un iPod o reproductor de mp3 a nosotros nos parecía mucho más especial que el disco se regalase de forma física que hacerlo a través de una descarga digital. Los sellos están obligando a las bandas a buscar nuevas alternativas. Para un grupo ha dejado de ser interesante firmar un contrato discográfico que prácticamente regale el disco y además incluya porcentajes editoriales o de los conciertos, que es de lo que viven los músicos en este país, cuando la contraprestación a esos esfuerzos por parte de los sellos es casi insignificante. Es un panorama preocupante sobre todo para las bandas emergentes, es por eso que nos parecía un buen momento para hacer una acción como esta”.

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i bien no parece que el amor de Adrián mire al mundo discográfico, el disco, como su propio título indica, está lleno de ese sentimiento desde sus letras hasta su arte. “El disco se llama ‘Love Battle‘ y como leit motiv en todas las letras se habla del amor. ‘Fat Rat’ es un amor por interés; en

“Love Battle” parecen hechos tras la cámara de alguien que comparte su pasión por la música con su pasión por el cine. “El cine es parte de mi vida, además del grupo ruedo spots y videoclips junto con Tania Verduzco y ambos tenemos un largometraje en preproducción y otros proyectos cinematográficos. Para mí es imposible separar el cine de la música, por eso intentamos que cada videoclip de Catpeople sea especial, y para este disco intentaremos que vuelva a serlo”. Recuerdo tirarnos un buen rato hablando de The Chamelons a propósito de la salida de su primer disco y a los guiños que hacían al sonido de los ingleses. La paleta estilística se amplió en “What’s The Time Mr. Wolf” (2008). “Con los años uno va ampliando su cultura musical y se hace más ecléctico, escuchando música muy diferente y variada. Podríamos seguir hablando de The Chameleons, ¿por qué no? pero también podríamos conversar sobre The Beach Boys, The National, The Dodos y cientos de nombres más”.

Tiempo ha pasado desde aquella charla y desde que Adrián decidiese hacer el petate y trasladarse de Galicia a Barcelona. Celebro que la decisión fuera la acertada. “Ha sido positivo en varios aspectos. Lo ha sido sobre todo en mi vida personal y esto hace que desempeñe mejor mi trabajo”. ■ Rafa Angulo “Love Battle” está autoeditado por Catpeople/ December. CATPEOPLE ESTARÁN ACTUANDO EL 8 de ABRIL Tremendo Pop, Monzón (Huesca) Y EL 30 de ABRIL Fiestas de la Primavera de Murcia (Escenario SOS 4.8)

Las letras de “Love Battle” (por Adrián PD) “Fat Rat” trata sobre el reencuentro de una pareja. Una relación conflictiva y rodeada de mentiras. Ante un recuerdo doloroso es mejor hacer creer a la mente que nunca existió. Borrar sentimientos de nuestra memoria es imposible, pero no lo es engañarla.

Trata sobre el dueño de un karaoke. Es mafioso, pequeño y rata (ladrón) como sacado de una película de Scorsese. Se enamora de Bunny, una cantante que emborracha a los clientes y se los liga para robarles dinero. Un detective disfrazado de ciego les descubre y les deja continuar con el negocio a cambio de repartir el dinero entre los tres.

“Rana”

“Safari”

“Sorry”

habla sobre como uno muchas veces está detrás de alguien que no le corresponde del todo. La rana macho persigue a la rana hembra a través de saltos, no se cansa y sigue saltando hasta que la hembra se rinde y se hunden abrazadas.

cualquiera pensaría que un safari es un destino ideal para una luna de miel. Hasta que, en el viaje, la novia se encapricha en bañarse en un solitario estanque. Sin darse cuenta regresa, ella al coche dejando a su novio ahogándose en el agua.

“Love Battle”

es un trauma infantil, un cumpleaños que se convirtió en una batalla de amor. Ella lo festejó haciendo una fiesta de disfraces, prefirió bailar con el niño guay que iba de Elvis, ignorando al chico tímido y sensible que iba vestido de mapache. Los años pasaron y la siguiente fiesta de disfraces ella prefirió bailar con los superhéroes y rechazó nuevamente al chico tímido... que repitió su disfraz de mapache.

“Secret Life”

es la historia de un hombre que sabe que su mujer necesita estar con varios amantes a la vez. Ella lo oculta, y él esconde que sabe la verdad. Ambos llevan una vida secreta para que la relación funcione.

“Fishes With Big Mouth”

en un solitario bosque un niño intenta rescatar a su abuelo, que fue tragado por una gran carpa. El niño construye un balsa de madera y sigue al abuelo, quien le canta desde el interior del pez. El niño intenta alcanzarlo, pero sigue la voz como si fuese un fantasma que se escucha en la distancia.

“She Was An Astronaut”

si quieres seguir a esta chica tienes que ser astronauta como ella, ya que va cruzando cielos.

Cada vez que veas una estrella brillante, seguramente sea ella bailando. Esta historia está inspirada en la relación de un amigo con una azafata de vuelo. ■

/33/ Abril 2011 · MondoSonoro

El Guincho Foto Alfredo Arias

Dinero Foto Aythami Postcore

Fira Fem Foto Alfredo Arias

Tomtom Makuts Foto Stuart McDonald

CONCIERTOS

Fiestas Demoscópicas Madrid Sala Heineken (Madrid) Fecha 17-02-11

Asturias Sala Plazas (Avilés) Fecha 17-02-11

Actuó primero Fira Fem, a priori la propuesta más arriesgada, pero que pronto conectó con el público. Empezaron en clave synth-rock, con una poderosa base rítmica, y fueron sumando texturas para articular un post-pop sinuoso, revestido de electrónica y al encuentro de ritmos africanos que aparecen como sin querer, dentro de un directo que dejó muy buenas sensaciones. Llegó luego el turno de Los Claveles, que venían con la vitola de ser una de las bandas más refrescantes en el panorama independiente de la capital. Les costó arrancar, pero una vez lo hicieron dieron cuenta de sus virtudes, que son unas cuantas, actualizando el legado de nombres de la Movida como Gabinete Caligari, Los Nikis y, sobre todo, Ejecutivos Agresivos. Notable para ellos. El cartel de grupos demoscópicos se completaba con Marcus Doo & The Secret Family, cuya maqueta fue proclamada como la mejor de 2010 en la edición madrileña de MondoSonoro. Se lo toman en serio, no cabe duda, como demuestra también su recién publicado debut (“The Mapgie Returned The Ring”), buceando en el rock con raíz folk. En directo resultaron eficaces (se llevaron los aplausos más rotundos hasta ese momento), aunque abusando de unas estructuras que acaban resultando reiterativas. La actuación de El Guincho cerraba la velada como fin de fiesta, y vaya si lo fue. Todo lo que hizo sonó con absoluta soltura, contagiando un buen rollo que trasciende el cliché del tropicalismo para entregarse a una luminosa explosión de ritmo y pop, con hitos como “Soca del eclipse” o “Bombay”. Poco podíamos imaginar al público cantando de cabo a rabo, como si fueran éxitos coreables de Love Of Lesbian o Los Planetas, temas como “Ghetto fácil”. Una gozada.

Enrique Peñas

Esta vez tocó en Avilés, alegre villa marinera, cada día mas hermosa. Avilesinos eran The Morrigans, un grupo de venteañeros con una inusual capacidad para manejar sus instrumentos. Una formación clásica en la tradición del pop rock patrio de los noventa con un montón de temas propios en castellano mucho más que dignos. Mención especial para la voz del guitarrista. Más tarde les tocó a The Kozmics.

Su rollo es el soul y la verdad que mucho han cambiado desde la última vez que les vimos.

El concierto fue corto -porque pasó rápido- y divertido. Un montón de covers de clásicos reconocibles y tema propios de soul en castellano sin caer en lo más chusco. Llevados a cabo con humildad y solvencia tuvieron como resultado a un público bailongo y cantarín que termino interactuando con ellos. Kiko Rimada

Gasteiz y BilbAo Salas Jimmy Jazz (Gasteiz) y Azkena (Bilbo) Fechas 24 y 25-02-11 Santiago Delgado y Los Runaway Lovers fueron la banda invitada de las Fiestas Demoscópicas vascas por varios motivos. Su primer álbum, “Por amor al rock’n’roll”, elegido Mejor Disco del pasado año por Zarata MondoSonoro, está plagado de hits que rinden homenaje a los flequillos, a las chicas de sus sueños y a personajes como Juan de Pablos. Hacen el dinosaurio con las manos y son un verdadero encanto. Tomtom Makuts y The Astrovandals, primer y segundo puesto en la lista demo 2010 de esta redacción, completaban el cartel, pero la imposibilidad de acudir de los segundos a ambas citas hizo que Last Fair Deal, terceros en el ranking, les suplieran en Bilbao. Así las cosas, y contra el pronóstico de que la noche en Gasteiz quedara deslucida por

la inesperada baja, Tomtom Makuts pudieron alargar el concierto y poner a bailar y sudar a todo el Jimmy Jazz. Parece ser que su mezcla de funk, disco, jazz, hip hop y bossa estimula el sistema nervioso de la mayoría. Su actuación solo dejó una pregunta en el aire: ¿puede haber un instrumento de percusión más glamouroso que un vibráfono?

Por su parte, Santiago Delgado y sus amantes fugitivos desplegaron todos sus encantos: una guitarra acústica, un cajón, letras hechas con sencillez y cariño, coros yeyés y buen humor.

Plantados ya en viernes, con algo más de tiempo para programar el cambio en la noche Bilbaona, Last Fair Deal, muy agradecidos, abrieron con el rock setentero de su demo y las canciones de su próximo disco. Tras ellos, la fiesta rítmica y la esencia rock and roll volvieron a hacer sendas apariciones estelares. Tamara García

Cantabria Sala BNS (Santander) Fecha 25-02-11 El ambiente de la quinta edición de la fiesta demoscópica de Cantabria ha sido bien joven: ninguno de los integrantes de los grupos cántabros superaba los veinte años de edad, ni tampoco buena parte de los que se acercaron a verlos. Al escuchar a Crayolaser mucha gente se pregunta cómo es posible que hayan tenido tiempo para asimilar toda la discografía de Pink Floyd a una edad tan temprana; porque la locura sonora por la que han sido elegidos mejor maqueta del año para esta revista es cosa seria. Y se ve que 45 Grados se han curtido a base de patearse cuantos escenarios se les han puesto por delante. Hicieron que su post-punk adolescente sonara certero y pusiera a bailar al público. Fue una lástima que la fiesta se fuera de hora y que bastantes asistentes se hubieran retirado para cuando salieron a escena los madrileños Delco. “Hoy no vais a ver un concierto de hardcore”, dijeron al arrancar la actuación, y ni falta que les hacía: ofrecieron un inspirado recital de pop guitarrero al estilo clásico, e hicieron ver que ya es hora de dejar de considerarles una promesa para empezar a tratarles como toda una realidad. Carlos Caneda Fernández

Canarias Sala Mojo Club (Las Palmas) Fecha 19-2-11 Los encargados de abrir la noche ya con una entrada más que respetable fueron LolaLola.

Este grupo de Tenerife se estrenaba en Gran Canaria con las Demoscópicas y mostraron que tienen mimbres para configurarse como un proyecto diferente y atractivo dentro de la escena alternativa canaria. El intenso momento de actividad que viven, les debe servir para afianzarse como grupo y creer firmemente en un proyecto que, con trabajo y atención, puede crecer mucho. Malcortado es de esos grupos que ya está entre la revelación y la confirmación. Rock emocional en castellano, de este tipo de canciones que llegan y que el público fácilmente puede hacer suyas porque les pilla el estado de ánimo y el momento perfecto. Que tengan ya un grupo de seguidores que corea sus temas es un gran indicio de que las cosas marchan bien. En la fiesta justo estrenaron su nuevo disco, “Villa María EP”, del que el respetable esquilmó todas las copias que tenían a la venta. La útima banda demoscópica fue The Amaroses. Su concierto les sirvió para cerrar su etapa grupo revelación, con todos esos grandes temas que les han dado a conocer y compenetrados hasta la médula dentro de su visión metalera oscura y accesible para todos los oídos con ganas de cosas bien hechas. Invitados de postín, Dinero también aprovecharon para dar su primer concierto en Gran Canaria. El trío nacido en Alicante y afincado en Madrid es uno de los grupos del momento, en ese punto de reventón previo, cuando todavía son accesibles para este tipo de tinglados y para que el público los abrace sudorosos tras un concierto memorable. La fórmula de Dinero es la misma que está creando algo parecido a una tendencia en España: rock alternativo con mucha distorsión, bases rítmicas duras y letras sobre el amor que se entienden y llegan. Un concierto que arranca con “El momento perfecto” es imposible que salga mal. Job Ledesma

Supersubmarina Foto Eduardo Tébar

The Tamborines Foto César Moreno Linde

El Columpio Asesino Foto César Moreno Linde

CONCIERTOS /34/ Abril 2011 · MondoSonoro

Panorama Pop Sala Industrial Copera (Granada) Fecha 12-3-11 Estilo pop y rock Público 3/4 de sala Promotor Panorama Pop

Rondando las tres de la mañana, Supersubmarina recogían las dádivas de una ristra de fans bailongas en primera fila. Así es el Panorama Pop de Granada en su edición de 2011: de menos a más. Aunque, eso sí, mermado por el escaso tirón de público. Menos respecto a lo vivido el mismo sábado del calendario en 2010. Los de Baeza, emocionalmente tan vinculados al Paseo de los Tristes, encabezaban por primera vez un festival en su ciudad adoptiva. Y encima ganan con rotundidad.

El suyo fue el más digerible y celebrativo de una hilera de conciertos de sonido desigual. Poco a poco, y rompiendo muchas quinielas, la banda del piropeado José Chino se consolida como ‘hype’ eficiente. Computa al alza la intensidad de sus movimientos en los dos últimos años. Crecen y crecen a paso de gigante. En directo, resultan incontestables. Lo tienen todo: un cantante con imagen, canciones con pegada y un perfecto ensamblaje instrumental. Aúnan la fiebre rítmica y épica de los grandes fenómenos anglosajones, pero sin perder de vista el entronque con la tradición del pop español. Además, las canciones de “Electroviral” funcionan como nodriza colectiva.

Pequeños himnos de arquitectura medida: “Cientocero”, “XXI”, “Eléctrico”… A los andaluces les corresponde el mérito añadido de redistribuir la energía desatada por El Columpio Asesino. Favoritos indiscutibles en el Panorama Pop 2010, el grupo de los hermanos Arizaleta se mantiene fiel a su predisposición por la vehemencia escénica. Igual de punzantes y explosivos.

Aunque, ay, lástima que no se perciban las letras de su flamante disco, “Diamantes”. Y eso que maravillas de flor de cuchillo como “Toro” o “Dime que nunca lo has pensado” muestran su cara más naïf. Treguas de contención y tormentas eléctricas,

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en ocasiones mediante picos de electrónica y hasta free jazz.

Para mayor descoloque, castellanizan el “On The Floor” de We Are Standard. Delirio vicioso cuando recuperan “La perra del hortelano”. Antes, le correspondió a Julio de la Rosa desglosar su tratado sobre la tipología de los amores. Lujosamente arropado por el ubicuo Abraham Boba –hace unos días andaba por aquí con Nacho Vegas–, el cancionero de “La herida universal” supone un punto de inflexión en un cartel que tira hacia el indie de cajón. El jerezano de Malasaña, como siempre, retrata las relaciones humanas con su óptica de cineasta de diván. Elegante, personal, intenso. Historias que puntúan alto en dramatismo, aunque el ex El Hombre Burbuja huye de aspavientos para acentuar la gravedad de lo que canta. En todo caso, el choque de frente: contra uno mismo. Un buen surtido de piezas del que, según él mismo reconoce, es su álbum mejor rematado. Lo más inteligente de la noche sale de sus labios: “El amor no duele tanto; duele si te lo hacen mal”. Capacidad de comunicación que les faltó a los brasileños afincados en Londres The Tamborines. Fríos y herméticos, como mandan los cánones establecidos por sus mayores –el tallo de The Velvet Underground y la pléyade del C86–. Durante el ingrato lapso de tiempo en el que la gente tapeó en los bares, Toulouse dieron señales de maduración. Los únicos granadinos del programa llevan un par de temporadas allanándose un hueco en el concurrido patio del pop local. Y lo van logrando con letras, maneras y oficio. Las composiciones de su EP “Tras el telón” evidencian su proyección. Porque de eso trata el Panorama Pop: desplegar la amplitud de campo del indie patrio.

Eduardo Tébar

Pony Bravo Foto Hara Amorós

La Bien Querida Foto Hara Amorós

Ebony Bones Foto Fernando Ramírez

Christina Rosenvinge Foto Hara Amorós

CONCIERTOS /36/ Abril 2011 · MondoSonoro

Let's Festival Sala Salamandra (L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona) Fecha 24-02-11al 12-03-11 Estilo pop y rock Público según concierto Promotor Salamandra/Depósito Legal

suene como sus temas merecían a base de carretera. Y ellos son conscientes, mostrando mayor seguridad al interpretar incluso el repertorio que el público aún no conocía. Enrique Gijón

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El Let’s Festival mantiene esa importante apuesta por acercar hasta L’Hospitalet del Llobregat lo más granado de la escena alternativa de nuestro país, y solo por eso merece todo nuestro respaldo y consideración. Máxime cuando este año se habían propuesto la difícil tarea de no repetir nombres con respecto a ediciones pasadas, y ofrecer algún artista del panorama internacional, aunque estos demostraran finalmente no tener la fuerza de reclamo suficiente para llenar la sala la primera de las noches del festival. Una noche que, de forma contraria a lo que suele ser habitual, se inició con el grupo DeVito, quienes tuvieron que capear la circunstancia de tocar ante el todavía escaso público asistente, al que dejaron con ganas de más con su dance rock efectivo y festivo. Tras ellos se presentaban por primera vez en nuestro país After After Hours, el proyecto londinense de Marc y Belly de Dorian, quienes hace unos meses decidieron irse a vivir a Inglaterra para iniciar esta nueva aventura e irla alternando con su grupo de toda la vida. El resultado fue una actuación correcta que nos presentó a un grupo al que todavía le falta bastante rodaje en directo, pero que puede ser una buena opción para incluir en las programaciones de festivales veraniegos gracias a su mezcla de trip-hop, pop electrónico e incluso dub. Poco mejoró la cosa con la corta

actuación de una Ebony Bones que tuvo más de protocolaria que de contagiosa, y a la que le faltó esa fuerza que la cantante sabe imprimir a sus actuaciones, quizás consciente de lo débil de una propuesta que tiene mucho de artificiosa, y a la que solo le salva la energía con la que pueda interpretarse. Don Disturbios Los encargados de abrir el viernes 4 de marzo eran Odio París. Los barceloneses llevan unos meses avisándonos de que su disco de debut bien podría convertirse en una modesta sorpresa para todos aquellos que disfruten con el pop ruidoso de órbita planetaria. Hasta que eso ocurra, sus actuaciones dan la talla y les muestran como una formación sólida y muy en su papel (“Cuando nadie pone un disco” se convirtió en un merecido punto álgido del concierto). Los gallegos Nadadora, algo menos ruidosos, pero igualmente guitarreros, aceleraron el tempo de la noche con unas canciones fieles a la tradición del pop en castellano, que ganan en frescura al combinar voz masculina y voz femenina. La actuación de La Bien Querida, pese presentar parte del material a incluir en “Fiesta”, su segundo larga duración, fue una de las más consistentes que se le recuerdan en territorio catalán. Ana Fernández-Villaverde y David Rodríguez han conseguido ya que su banda

El catalán Joan Colomo abrió la noche del viernes 11 con un sentido del humor más pasado de vueltas que en otras ocasiones. Su actitud dicharachera remitía a un concierto entre amigos, pero el carisma innato que posee le permitió ponerse el público -escaso a primera hora- en el bolsillo desde el principio. La presencia de Adanowsky congregó más seguidores. Es el típico frontman de rock&roll de vieja escuela, dominador del público, un poco previsible, pero al fin y al cabo, efectivo.

El hijo de Alejandro Jodorovsky levantó pasiones entre el sector femenino -le llovieron bragas, bajó a bailar con alguna de ellas y sus movimientos provocativos fueron constantes-, y armado con una banda de hasta tres guitarras, se acercó al sonido característico del rock latino, totalmente alejado de su último disco, “Amador”. Se despidió con “Me siento solo”, posiblemente la mejor canción que ha compuesto hasta la fecha. Depedro entró en escena solamente acompañado de su guitarra. El sonido desnudo e intimista de “La brisa” ponía de manifiesto su gran voz y su buen olfato musical.

Durante el resto del concierto, apoyado por una banda consistente de multiinstrumentistas, Depedro se basó en sus dos discos para culminar un concierto sin fisuras, pero sin sorpresas.

El diluvio del sábado 12 no fue impedimento para que el público presenciara la última –y más

ambiciosa- noche del festival. Los oscuros Ornamento y Delito presentaban “Rompecabezas de moda y perfección moral”, el disco con el que han dejado de ser un grupo ultra-minoritario.

Su puesta en escena desconcierta y el feedback artista-público se complica si no hay una previa iniciación. Las letras, sórdidas, crípticas y políticas; sumadas a los gritos ocasionales del cantante Garikoitz Gamarra nos descubren al grupo más punk del indie estatal actual. Antes de finalizar, Gamarra advertía al público: “habéis tenido humor y ahora tendréis calidad”-refiriéndose a lo que vendría después-. No le faltaba razón, porque el concierto de Cuchillo fue de lo mejor de todo el festival. De repente, la Salamandra se convirtió en un inmenso desierto, como si se tratase de los primeros minutos de “Paris, Texas”. Cuchillo rozaron la perfección con lo mejor que saben hacer: atmósferas hipnóticas, loops de exactitud matemática y canciones que van in crescendo hasta llegar al gran orgasmo psicodélico. El listón estaba muy alto, pero no hay ningún obstáculo que Pony Bravo no pueda saltar. Los sevillanos fueron los únicos en las dos noches que consiguieron un lleno total en la sala, y demostraron que tienen uno de los mejores directos de toda la Península Ibérica. Las canciones de Pony Bravo se fundamentan a partir de un bucle repetido de líneas de bajo y crecen en directo gracias a una ejecución impecable, una actitud entregada y la voz profunda con acento exótico de Daniel Alonso. Por fin, una voz masculina grave sonando en primer plano (y bien) en un grupo de rock independiente español. Hace tiempo que suenan a ellos mismos. Blai Marsé

C

A Jigsaw Foto Archivo

uando eran mortales hace cientos de años Los Tiki Phantoms practicaban danzas tribales en su isla. La sorpresa les llegó al descubrir que gran número de estos bailes fueron adoptados, superando la barrera de los años, por la gente y algunos famosos intérpretes. “M.C. Hammer y Michael Jackson les deben mucho a nuestras danzas.

A Jigsaw Vienen de: Portugal Publican: “Like The Wolf” (Rewind Music/Tsunami, 10) En la onda de: Willard Grant Conspiracy, Tom Waits, Tindersticks Desde Portugal nos empiezan a llegar regularmente buenos grupos, caso de The Legendary Tigerman, The Act-Ups o The Soaked Lamb, pero algunos destacan por encima del resto por alguna razón, y el caso de A Jigsaw es especial. “Like The Wolf” es su segundo esfuerzo discográfico tras “Letters From The Boatman”, una obra en la que el grupo ha hecho crecer tanto sus composiciones como su propio sonido. “Para nuestro debut tuvimos hasta catorce invitados y tras una gira muy dura, decidimos incluir a algún miembro fijo como por ejemplo a nuestra violinista. En ‘Like The Wolf’, los miembros del grupo tocamos cerca de veintiún instrumentos...”. El nombre del grupo proviene de una canción de los belgas dEUS tras descubrir que ellos habían tomado su nombre de una pieza de Björk. En el último año han ofrecido más de doscientos conciertos, una verdadera prueba de fuego que les ha hecho ser más fuertes aún y que incluso les ha acercado a nuestro país. “La diferencia está en que en los conciertos te tienes que multiplicar para que suene todo lo que escuchas en el disco”. Les encanta la literatura musical de voz profunda a lo Leonard Cohen, Tom Waits o Nick Cave, a la que incorporan voces femeninas. “Para esta ocasión queríamos a alguien con más presencia, que escribiera, y dos de los temas del disco están hechos desde el punto de vista de una mujer. Por eso fichamos a Becky Lee Waters. Para un futuro pensaría en mujeres como Alondra Bentley o Russian Red”. ■ Toni Castarnado

agradecer el trabajo de Mario y Edgar de La Atlántica Estudio en la producción. Teníamos unas ideas un tanto innovadoras para este disco que no acabaron de cuajar, pero sus consejos y sus amigos músicos (porque recordemos que nosotros somos guerreros) aportaron mucho durante la grabación”. Los Tiki Phantoms rememoran con cariño el tour previo a la grabación de este disco. “Aún recordamos los exquisitos manjares que degustamos en esa gira. Después de pasar más de doscientos años muertos en el interior de un volcán sin comer absolutamente nada, uno resucita con un hambre incontrolable”. ■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

“AtletA, en cualquier caso, no está hecho con el ánimo de continuar un grupo, sino con el de seguir tocando juntos, dando rienda suelta a nuestra concepción de hacer música”.

Al habla Jose, junto con Jaime (ambos ex 12Twelve), una de las dos mitades de las que se compone AtletA. Una nueva propuesta, heterogénea aunque compacta, que tanto acude al rock, jazz, funk, electrónico o progresivo, para confeccionar auténticas perlas que van a dejar pasmado a más de uno. “Más allá de presentar un fajo de canciones, siempre nos ha atraído mucho la idea de hacer cada disco como una obra en sí, cerca de las bandas sonoras e incluso de, por ejemplo, Pink Floyd o Jean Claude Vannier, artistas que tienen discos geniales. Fundir temas, relacionarlos entre si, subir, bajar, son conceptos que siempre nos han gustado mucho”. Una libertad creativa que también sabe acudir a la improvisación, aunque, por lo visto, esta vez no en sus directos. “Ahora debemos controlar varios instrumentos a la vez, con lo que debes llevarlo todo bastante controlado, pero también cada tema tiene cierta flexibilidad. La improvisación tiene su papel fundamental en el proceso compositivo. En 12twelve no había tanta improvisación como podía parecer, aunque sí existía esa flexibilidad”. Y es que, con tal historial, quizá no sea fácil embarcarse en esta nueva aventura. “La presión, más que circunstancial, es personal, es decir, nosotros somos nuestros peores críticos”. ■ Francesc Feliu

AtletA Vienen de: Barcelona Publican: “Catedrales” (Aloud, 2010) En la onda de: 12twelve, Goblin, Neu!

Los Tiki Phantoms Foto Archivo

Vienen de: Barcelona Publican: “Mueven el esqueleto” (B-Core Disc, 11) En la onda de: Link Wray, Imperial Surfers, Los Coronas

Nosotros, como no podía ser de otra manera, somos poseedores de unos pasos de baile secretos que ejecutamos en nuestros conciertos y tras los cuales el público cae rendido a nuestra música y al gran Dios Tiki”. De esa guisa no sorprende que el título elegido para la ocasión sintonice con las rítmicas y movidas canciones que esta vez ofrecen los reyes del crimson-ghost. “Este disco es completamente diferente a los dos anteriores.

Está grabado por pistas en vez de en directo y hemos cuidado la producción y los detalles en cada una de las canciones”. Entre tantos efluvios bailables se pueden escuchar, cosa insólita, hasta acordeones. “Tenemos que

Bullit Foto Coaner Codina

Los Tiki Phantoms

/39/ Abril 2011 · MondoSonoro

Bullit Vienen de: Sant Feliu de Guixols Publican: “Love Or Die” (B-Core, 10) En la onda de: The Unfinished Sympathy, Burning Airlines, Aina

AtletA Foto Archivo

escaparate

“Parece ser que el disco está gustando. Eso ya nos lo tomamos como una gran noticia. ‘Love Or Die’ es simplemente el resultado de nuestro trabajo y explica la evolución del grupo, el camino que llevamos recorriendo desde que empezamos a tocar juntos”. Al habla Xavi Calvet, líder de este cuarteto de rock, seguidor de los sonidos con tendencias al emo.

“Para nosotros tocar esta música es lo más natural del mundo. Es la que nos hizo plantear seriamente tener un grupo. Las modas van y vienen, pero una buena canción no desaparece y a eso es a lo que aspiramos, a hacer canciones que nosotros mismos podamos escuchar sin pudor dentro de veinte años”. Canciones las de este nuevo disco que, por cierto, no reniegan nunca de sus orígenes ni influencias.

“No escondemos nuestras influencias porque además son muchas y creo que la mayoría de bandas que nos han marcado tampoco lo hacían. La diferencia a mi modo de ver está en cómo se agite la coctelera. No pretendemos ser algo que no somos, intentamos ser fieles a nosotros mismos tanto a la hora de componer como a la de llevar nuestras canciones al directo”. Y para eso qué mejor que salir satisfechos nuevamente del estudio Ultramarinos. “El sonido del disco es exactamente el que queríamos, las guitarras suenan gruesas y redondas, la base rítmica contundente y a nivel personal quedé muy satisfecho con el trabajo que hicimos en el apartado vocal”. ■ Francesc Feliu

ESCaparate /40/ Abril 2011 · MondoSonoro

Varaverde Vienen de: Granada Publican: “Varaverde” (Everlasting Records, 10) En la onda de: The Unfinished Sympathy, Aina, Lagartija Nick

D

el aturdimiento que las personas padecen cuando cambian de escenario, cuando viajan. Lo que se ve en el videoclip es la particular visión de los directores, su enfoque sobre un tema que era complicado llevar a escena. Éste ha sido el primero de varios videoclips que queremos rodar para este disco. Ya estamos con el siguiente, para la canción ‘La Espera’, la cual creemos que es el verdadero single del disco”. Varaverde demuestran que “la escena musical granadina goza de una salud increíble” y que en Andalucía no todo es flamenco.

■ Jordi Forés

Colectivo Oruga Vienen de: Pontevedra Publican: “Too Many Knobs” (Matapadre, 10) En la onda de: LCD Soundsystem, Fuck Buttons, Does It Offend You Yeah!

“Too Many Knobs” es el título elegido por Colectivo Oruga para su debut, primer disco con el que el sello Matapadre inicia su trayectoria. En él se incluyen nueve canciones de espíritu eléctrico con instrumentación electrónica que representan la evolución del grupo desde la publicación de su primera maqueta “Ricos Modernos” en 2007.

“Aquello fue un experimento, canciones sin un patrón predeterminado, una forma libre de enfrentarnos a la electrónica.

En este confluye parte de esa experiencia, pero una estética musical modificada. Se debe al modo de componer y a los roles que asumimos cada uno al crearlas. Mayor presencia de voces y guitarras, liberándonos del corsé de las máquinas para hacer un uso más pop de éstas. Los temas de ahora tienen un denominador común, todos salieron del local de ensayo, suenan más orgánicos”. Ante la incierta situación que atraviesan las compañías discográficas, la aparición de nuevas iniciativas pueden interpretarse como una refundación del espíritu original, una vuelta a las raíces protagonizada por aquellos que gustan de imprimir cierta pasión en sus proyectos. Algo que parece compartir grupo y sello. “Es lo mejor que nos ha podido pasar. Por la total confianza en nuestro trabajo y porque nos facilita la dedicación a tareas de grupo sin tener que preocuparnos por cuestiones logísticas. Para nosotros es como una extensión del colectivo. Han conseguido que el disco suene realmente ‘Matapadre’”. El trabajo ha sido masterizado por Alan Douches (The Rapture, Animal Collective). ■ Txiki Calvo

Igloo Foto Archivo

A cinco horas de nuestro tiempo, tras el Atlántico, el pop electrónico también cuenta con interesantes portavoces. Los mexicanos Disco Ruido demuestran que, a pesar de un absurdo empeño en ignorar a quienes están más cerca de nosotros, comenzando por el idioma, en lo sonoro hay más por descubrir de lo que los prejuicios manden.

Allá, ahora mismito, ya conocen la rola “Toro” de El Columpio Asesino, y en su momento veneraron a nuestros míticos Mecano. Aquí nos cuesta enunciar un par de nombres de grupos independientes de México. Algo un tanto vergonzoso, tratándose de primos hermanos idiomáticos y culturales. A Julián Placencia, portavoz de la banda Disco Ruido, le emociona que su primer disco llegue aquí “Nos hace mucha ilusión. Es muy raro, en general, que exportemos allí. Acá volteamos los ojos hacia la música española, empezando por el interés de los medios de comunicación”. La banda comenzó organizando fiestas, “Sistema solar” es un primer proyecto discográfico que va más allá de las citas lúdicas. “Atraídos por la unión entre tecnología y sonido, nos metimos a experimentar. Nos gusta lo ecléctico. Desde la electrónica hasta el rock”. Con un meteorito en la portada, y en bilingüe, los temas de su disco rozan lo planetario y lo ingenuo. Mucho sintetizador y viaje extraterrestre para letras de amor y misterio vital. “El disco significa la unión de cuerpos muy diferentes e independientes y que tienen fuerza el uno sobre el otro, como una metáfora entre ciencia, física y amor”. ■ Lara Sánchez

Igloo Vienen de: Caldas de Reis (Pontevedra) Publica: “Infinito 3” (Ernie Records, 2011) En la onda de: Nadadora, Triángulo de Amor Bizarro, The National

Disco Ruido Foto Archivo

Colectivo Oruga Foto Raquel Negreira

Varaverde Foto Archivo

esde una de las ciudades del sur de España en la que más grupos se forman, Varaverde aparecen simplificando la intrincada sonoridad de la banda de la que proceden. “Varaverde, al igual que Maine, bebe de diversos tipos de músicas, pero efectivamente es más rock que nuestro proyecto anterior.

El core siempre lo tendremos dentro porque lo hemos mamado desde pequeños, lo que se refleja en la forma de entender la música y nuestra actitud: procuramos hacer las cosas por nosotros mismos y los directos suelen ser bastante enérgicos”. De hecho, la idea es que su disco de debut guste a todos aquellos que se engancharon al post-hardcore de Maine y que conecten aún más con la propuesta de Varaverde debido a que todos los temas están cantados en castellano. Como carta de presentación, nada mejor que el videoclip de “Movimiento”. “Es una canción que habla sobre la desconfianza, la confusión y

Disco Ruido Vienen de: México Publican: “Sistema solar” (I+D/Pias, 11) En la onda de: Le Corps Mince De Françoise, Dënver, CSS

La métrica rebelde de un estribillo fue motivo suficiente para desechar una de las canciones más prometedoras de su anterior disco. Los pontevedreses Igloo no se andan con contemplaciones. Varias decenas de folios y experimentos de estudio después, la banda liderada por Beni Ferreiro rescata “Ausencia parcial” para capitanear una lista que, desde hace unas semanas, nos recuerda que ya está en la calle su cuarta referencia, “Infinito 3”. Además del sorprendente nivel de su producción artística, desarrollada al cien por cien en Galicia, una primera escucha nos obliga a entender varios cortes de su anterior trabajo, “Desarrollo de la autoestima“ y “El pase de la muerte”, como el germen de una evolución estética marcada por una mayor intensidad rítmica y un meditado tenebrismo. “En un principio nos dejamos seducir por el carácter oscuro y contundente de Black Rebel Motorcycle Club, hoy quizás nos tiran más bandas como The National, pero si nos ponemos a enumerar influencias no acabaríamos nunca. Creo que en el disco se pueden encontrar desde ecos de Joy Division y My Bloody Valentine hasta reminiscencias de bandas más recientes como Editors, Interpol o White Rose Movement”. Todo un vigente catálogo de tendencias que cristaliza de un modo rabiosamente personal en temas como “Nanomédicos” o “Cientos de motivos”, que debería reservar definitivamente a Igloo una plaza entre lo más destacado de la escena indie rock estatal. ■ Antonio Casado

escaparate

Varry Brava Foto Archivo

MondoSonoro · Abril 2011 /41/

Varry Brava Vienen de: Orihuela (Alicante) Publican: “Ídolo” (Autoeditado) En la onda: Dorian, Nacha Pop, Franz Ferdinand

Yacine & The Oriental Groove Foto Archivo

Alicantinos de nacimiento pero murcianos de adopción, Varry Brava entran con fuerza en esa tierra de nadie en la que lo alternativo y lo comercial se mezclan y se confunden. Hedonismo, glamour, desfase nocturno y filosofía lúdica. En “Ídolo”, su estreno discográfico, apuestan por un pop pegadizo, engominado y perfecto para el sábado por la noche. “Nuestras canciones se nutren de amor, sexo, vicio, y de la escasa e inapreciable diferencia que existe entre estas tres cosas”, admite Óscar Ferrer, dotadísimo vocalista del grupo. “La música es una criatura de la noche. Los conciertos son de noche.

Los negocios casi siempre se cierran de noche, y al final acabas siendo una criatura nocturna quieras o no”. El nombre de la banda surge de sendos homenajes a Barry White y Mina Mazzini. Precisamente, el pop italiano de discoteca contagia su indisimulado apasionamiento de bola de espejos. “Nuestros padres ligaban en discos de pueblo escuchando a Gianni Bella, Giacobbe o Pino D’Angiò. Al final, esas eran las cintas de casete que sonaban una y otra vez en el coche cuando éramos pequeños. Por eso nos divierte tanto jugar con el pop italiano más casposo de finales de los setenta”. ¿Unos nuevos románticos de la huerta? “Nos encanta la parte estética y musical de los new romantics. Intentaremos mezclarlo con ropa tradicional huertana. Murcia atraviesa un gran momento. Hay muchas bandas nuevas, conciertos y apoyo de la gente y de la prensa...”. ■ Eduardo Tébar

Sharif Viene de: Zaragoza Publica: “A ras de sueño” (Muffin Records) En la onda de: Rap’susklei, Tr3s Monos, Dani Ro

L

leva toda una vida dedicada al rap, con sus Fuck Tha Posse, acompañando a Rapsus o con los desaparecidos Tr3s Monos. Ahora se lanza en solitario con un magnífico debut en el que ha estado arropado por algunos de los mejores nombres de la escena local, gente que siempre estuvo allí. “Tengo a Lex Luthor y Hazhe llevando el peso principal de la producción de todo el disco, sin olvidarnos de una producción de Ferran MDE, que le da la pincelada musical que le faltaba al conjunto. En el tema de las colaboraciones, algunas se me quedaron en el tintero, pero al final conseguí meter un estribillo de mi carnal Diego (Rapsus) y de mi compadre Pablo (Tr3s Monos)”. En el atestado mundo del rap, me gustaría que el propio Sharif desvelara lo que le hace distinto al resto, su marca de la casa. “Sé

que soy una persona que intenta mimar mucho sus textos, a todos los niveles, tanto en la letra como en la métrica. Sé que me gusta escuchar canciones que transmitan algo, independientemente del género que se trate, y supongo que a la vez también intento transmitir algo, contar algo en mis canciones. No creo que eso me distinga de todo el resto, porque me consta que hay muchos raperos que miman sus canciones tanto o más que yo”. No hay duda de que las letras de Sharif están cuidadas y no dejan indiferente. El cuidado que pone en cada sílaba se une a una voz cálida para que cada frase se clave en el cerebro. “Intento que mis canciones sean un largo catálogo de la vida, a veces bonito, a veces crudo. Suelo escribir sobre lo que veo, lo que siento, lo que se me olvida y lo que me invento. Últimamente he descubierto el placer de hacer versos que sean una hemorragia continua del bolígrafo hablando de ningún tema en concreto y de todos a la vez. De todos modos, la mejor manera de entender mi música no es leyendo sobre ella sino oyéndola”. ■ Rafa Angulo

Sharif Foto Archivo

Yacine Belahcene, catalán de orígenes árabes, es la voz cantante de este nuevo proyecto. Su currículo es amplio y largo, y eso ha sido vital para llegar hasta este “Parabòlic”. “Si no hubiera pasado por Cheb Balowski, Nour, Detotarrel o Rock de Souk, no habría conseguido la contundencia musical que tiene este disco. Además eso también me ha llevado a los músicos y compañeros de esta banda”. Diez canciones con acentos árabes, en las que un instrumento a priori exótico como el laúd dialoga de manera enérgica con la guitarra eléctrica y con unas bases robustas. Además con unas letras que muestran el contraste de culturas, cantadas en árabe, catalán y francés, idiomas que Yacine habla en su vida diaria en Barcelona. Él y Yannis (08001), músico griego virtuoso del laúd y afincado también en la Ciudad Condal, se han encargado de la producción artística y musical, y Rubio guitarra, Marcos Luna bajo y Jordi Herreros batería, han echado el resto, que es mucho y bueno. El proyecto nació en dúo el pasado año tras musicar unas lecturas de poemas árabes y catalanes, pero pronto se convirtió en un vehículo a las ideas de Yacine. “Ha sido de las primeras veces que me he sentido cómodo al hacer canciones con un laúd árabe y que a la vez sonara con un toque duro, rockero”. Rock con aromas árabes, pero rock al fin y al cabo. (Yannis) “Es música urbana hecha aquí y para la gente de aquí”. ■ Miguel Amorós

“Travelogues” es el sexto trabajo del dúo navarro, con el cual completan una especie de “trilogía electrónica” al seguir la línea sintetizada de “64” (Jabalina, 07) y “Drums, Sex And Dance” (Jabalina, 09), si bien ahora también retoman su querencia inicial por las melodías de pop pluscuamperfecto, a la par que ofrecen una vertiente más atmosférica de su nueva orientación, no ya tan descaradamente bailable y discotequera como en su anterior entrega. “Nos gustan los cambios, lo hemos demostrado en nuestros seis discos. Dentro de la línea electrónica de los últimos trabajos, queríamos ofrecer algo distinto, algo más ambiental. La noche sigue estando presente, pero, ya desde la portada, estamos en un plan más luminoso”, asegura Jaime Cristóbal. Patricia de la Fuente añade que el disco es: “más complejo que el anterior, que era más lineal, más directo, pero este aporta cosas nuevas y enriquece la propuesta. Se notará sobre todo en el directo.

Este trabajo es como una mezcla de los dos anteriores, añadiendo las que son nuestras nuevas apetencias”. “Se pueden añadir incluso elementos de discos anteriores, que no habían aparecido en los dos últimos y que ahora hemos retomado”, agrega Jaime. Así pues, ¿el disco más ecléctico y que mejor resume la trayectoria de Souvenir? “Sí”, responden ambos. Además, es la primera referencia del grupo que sale también en vinilo, “algo que llevábamos diez años reclamando y que por fin se hace realidad. Un vinilo gris con una portada preciosa a cargo de Iker Spozio”. Otro nombre propio a destacar es el de Arturo Vaquero (Humanoid), quien ha ejercido de productor de la obra. ■ Joseba Vegas

Souvenir Vienen de: Pamplona Publican: “Travelogues” (Jabalina, 11) En la onda de: Saint Etienne, Black Box Recorder, Taxi Girl

Souvenir Foto Archivo

Yacine & The Oriental Groove Vienen de: Barcelona Publican: “Parabòlic” (Kasba Music, 10) En la onda de: Rachid Taha, Speed Caravan, Cheikha Rimitti

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VINILOS ACID HOUSE KINGS

“Music Sounds Better With You” Labrador/Popstock!

POP

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Previsto inicialmente para la pasada temporada tras casi seis años desde su anterior lanzamiento, ve la luz el quinto álbum de estudio firmado por la banda sueca encabezada por Johan Angergård -capo del sello Labrador y líder a su vez de The Legends y Club 8- y la bella Julia Lannerheim. Optimista e implicante desde el mismo título, la formación mantiene en la presente entrega habituales argumentos en forma de retropop inmaculado y amable, aumentando a cambio cuotas de ambición, brillo y ritmo.

La elegancia y complicidad inherente a las respectivas cualidades vocales de los protagonistas resalta la pegada de unas composiciones más elaboradas y bailables que nunca, con canciones juguetonas como “Are We Lovers Or Are We Friends?”, “Under Water”, “Where Have We Been?” o “Waterfall” que encajarían a la perfección en la banda sonora de cualquier guateque con clase. Raúl Julián

ALEXANDER “Alexander” Rough Trade

FOLK-ROCK

1114

Hay un grupo californiano llamado Edward Sharpe & The Magnetic Zeros, cuya música y estética hippie va en una línea muy similar a lo que aquí serían Hola A Todo El Mundo, y que han conseguido cierto prestigio en Estados Unidos gracias al tema “Home” de su primer disco de 2009 “Up from Below”. Pues bien ahora Edward Sharpe, su cantante, se desprende de su pseudónimo, y se presenta bajo su auténtico nombre, Alexander Ebert, con esta deliciosa colección de canciones.

Temas que poseen la peculiaridad de estar realizados bajo una total ausencia de prejuicios y ataduras estilísticas, lo cual ha provocado que supere incluso lo ofrecido hasta la fecha con su grupo. Te puedes encontrar de todo y bueno en este disco. Desde un tema tan delicioso como “Truth” cuya melodía silbada provocará la envidia de Andrew Bird, a uno como “Bad Bad Love” al más fiel estilo de los The Felice Brothers. También hay espacio para una balada soul a lo Sam Cooke (“Glimpses”), y temas folk que pueden recordarte a Cat Stevens (“A Million Years”) o incluso a Paul Simon (“In The Twilight”).

Don Disturbios

ANÍMIC

“Hannah” BCore/Les Petites Coses/Error!Lo-Fi

FOLK

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Anímic se suman a la buena estela de amigos como El Petit de Cal Eril. Han entregado un trabajo precioso, el mejor hasta la fecha.

En este tercer álbum, su folk pasa de sutiles delicadezas al oído como “Howlin’ Zombie”, a alcanzar los momentos más majestuosos jamás conocidos en los de Collbató, gracias a la incorporación de un cuarteto de cuerdas que acaba siendo protagonista en, por ejemplo, “Hannah”, pero también gracias a un

/43/ Abril 2011 · MondoSonoro

juego de voces espléndidas que nos llevan a nuevas texturas como en “That Black Hole”.

Con todo, incluso, logran crescendos pletóricos de trote vaquero en “Boirina”. Pero, también por primera vez, su nuevo cancionero logra los momentos más enigmáticos y brumosos que hayan escrito. Empezando por la ceremoniosa celebración familiar de “Trenco una branca”. “Blue Eyed Tree”, inicialmente una nana que cantaban a su hija, paradójicamente es una de las más tensas y espectrales. Sin embargo, su melancolía se abre a la luz cuando cantan a la defunción en “Taüt”, dando la vuelta a lo que uno se esperaría...

Son, sin duda, mi familia. Celestí Oliver

PJ HARVEY, UNA NUEVA MUSA PARA EL FOLK

Bizardunak

“En Zugzwang” Gor

ROCK

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Antes de que el lector frunza el ceño mirando el título del segundo disco de los navarros, y con ayuda de la wikipedia, yo se lo explico. En Zugzwang la ficha de ajedrez no dispone de esperanzas no ya para el jaque final, sino para esquivar el movimiento fatal que le eche del tablero. La iconografía de la tormenta y el bote haciendo frente a lo inevitable agudizan la situación. Una situación de resignación para un disco más oscuro, como lo indica la propia textura de la portada y sus tintes oscuros musicados. Menos hedonista (por no decir nada) que su predecesor, con el gesto adusto y algo melancólico (y melancohólico), Bizardunak nos miran de frente y nos dan lecciones de política del proletariado y de la historia del reino de Navarra. Al contrario que en su homónimo primer álbum, sus canciones esta vez son originales y se presentan a filas al country americano y la psicodelia en detrimento del folk irlandés y el punk de taberna. Destacar por último la prolijidad de una banda que, con miembros de Atom Rhumba y ex componentes de Mermaid y Green Manalishi, no ha parado sobre el escenario y que saca tiempo para pensar en canciones nuevas. Álvaro Fierro

BEDROOM

“El Fum Blanc” Foehn

FOLK

1114

Sin duda es lo mejor que ha escrito Albert Aromir hasta ahora, consiguiendo una poderosa narrativa como de rondalla que te atrapa con un imaginario de gran fuerza visual. En este segundo trabajo hay giros diminutos pero muy notables. Primero, que es su primer cancionero completo en catalán y en el que, sin subir apenas el tono, la voz alcanza más cuerpo, arropada por otras voces, en ocasiones fantasmagóricas y de embrujo, sobre todo en “Cançó de l’Alba”, e incluso de inocencia corrompida en “Els Nens Soldat”. Segundo, que las canciones se abren a una gran profundidad y calan muy hondo con un poso imaginario que confunde realidad y surrealismo. Su onirismo, hasta ahora de dormitorio, ha saltado la valla, se ha escapado campo a través y se ha adentrado en vivientes bosques encantados como una Garrotxa –de dónde es- pero de ensueño. Diez fábulas envolventes que narran gestas atávicas, que remiten incluso a rituales de origen medieval como en “Ball de la Mort o “Dona de Foc”. Surrealismo y leyendas que solo un ilustrador como él tiene la capacidad imaginativa de transcribir sus dibujos en canciones y hacerlo con la misma fuerza. Celestí Oliver

PJ Harvey Foto Archivo

PJ HARVEY

“Let England Shake” Universal

ROCK

11114

En el panorama de la música popular hay muy pocos artistas que sepan moverse con la clarividencia con la que se mueve nuestra protagonista. Pocos son los que, sin cambiar radicalmente de estilo, se reinventen a cada nuevo paso creativo que dan. PJ Harvey ha vuelto a lograrlo en su octavo disco de estudio bajo su nombre, y lo ha hecho con los mismos mimbres de siempre, aunque con diferente trenzado. Para empezar se publicó a bombo y platillo que este era el disco más explícito y político de la inglesa, pero cuando lo escuchas y saboreas, observas de inmediato que tampoco ha abandonado el lenguaje críptico, repleto de imágenes poéticas cargadas de un simbolismo muy potente.

Imágenes de cuerpos de soldados destrozados, niños deformados o huérfanos, campos regados con sangre,

moscas pululando por doquier. Como en un sombrío cuadro de Goya, PJ Harvey saca a pulular la galería de horrores de la guerra y es la dama de la guadaña la auténtica protagonista del más alto y desesperado lamento de PJ Harvey hasta la fecha. Y es que si hay algo que destaca por encima incluso del contenido del álbum, es el tratamiento de la voz, que suena más aguda e hiriente. Una tonalidad vocal que es más protagonista de las canciones, colocada en un primer plano y llevando el peso de la melodías apuntaladas por los diversos y múltiples recursos percusivos del álbum. Todo es pulsión en este trabajo, y como el latido acelerado de un corazón cargado de adrenalina motivado por el fragor de la batalla, el ruido de los obuses y el olor pútrido de los cadáveres, es el ritmo del golpeteo de tambores, palmas o platillos el que conduce la canción por encima de las guitarras que, a diferencia de por ejemplo “Uh Huh Her”, se encuentran en un segundo plano, sepultadas por ese golpeteo desesperado y la desgarrada voz de PJ Harvey. Don Disturbios

en la onda

FAIRPORT CONVENTION

TOM WAITS

“Unhalfbricking” (1969)

“Rain Dogs” (1985)

FOLK

ROCK

11111

Considerada la mejor banda de folkrock británico de los sesenta, no podíamos pasar por alto su presencia, máxime cuando nos encontramos ante el álbum más folk de P J Harvey. Además Sandy Denny, su malograda cantante, ha sido una de esas referencias obligadas al hablar de voces femeninas.

SYSTEM OF A DOWN “Mesmerize” (2005)

11111

He escogido su noveno disco, pero podría haber escogido cualquiera de los que conforman la trilogía perpetrada en los ochenta. Una época crucial en la que Waits dio una vuelta de tuerca a su canciones, dotándolas de una mayor aspereza gracias a los diversos elementos percusivos de unos arreglos muy crudos.

METAL

11114

¿Por qué los presidentes no luchan en las guerras? ¿Por qué siempre mandan a los pobres? Se preguntan los antibelicistas SOAD en “B.Y.O.B.”, segundo corte de un álbum tan espectacular que rebasa cualquier etiqueta que se le quiera aplicar. Justo lo mismo que sucede con el disco de PJ Harvey. ■ D.D.

vinilos /44/ Abril 2011 · MondoSonoro

BEADY EYE, VIDA TRAS OASIS CATHY CLARET “1987-1991” Chesapik

POP

1114

Por fin se recuperan las primeras grabaciones de Cathy Claret. Este disco recoge casi entero su primer trabajo homónimo editado en 1990, e incluye un par de canciones de su segundo “Soleil y Locura”, la mítica “Bolloré” y “Pomme de Pin” (compuesta por ella y Kiko Veneno). Lo trascendental fue que consiguió que Raimundo Amador (inmerso en aquel entonces en Pata Negra) le coprodujera los dos discos y pusiera sus guitarras.

Además sus hermanos Rafael y Diego metieron percusiones y piano en alguna canción e incluso Pascal Comelade tocó teclados. El encanto de sus composiciones se descubre en su voz, frágil y sedosa, y por esa mezcla de bossa, pop y los ritmos flamencos marca de los Amador. En aquellos tiempos era valiente cantar en francés, castellano o caló y Cathy lo hizo de forma natural y creando estilo. Además de está reedición se anuncia la salida de una serie de singles en vinilo de 7” producidos o remezclado por u Cineplexx, The Pinker Tones, La Casa Azul o Benjamin Biolay. Miguel Amorós

Beady Eye Foto Steve Gullick

BEADY EYE

“Different Gear, Still Speeding” Beady Eye Records/PIAS

ROCK

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Primera referencia discográfica de la era post-Oasis, en la que Liam Gallagher se acompaña del más reciente equipo titular de la extinta banda compartiendo tareas compositivas junto a Andy Bell y Gem Archer. Las referencias permanecen ancladas en predecibles mitos británicos como The Beatles, The Kinks o Faces, pero alcanzando indiscutible ventaja la influencia de The Rolling Stones.

“Different Gear, Still Speeding” es un álbum contagiado de afanoso rock’n’roll y relajado con puntuales medios tiempos tan remitentes a Lennon como el mismo John. La verticalidad de las canciones funciona en el logro de resultados convincentes, apoyados en la agresiva interpretación del otrora mejor vocalista de su generación, motivado de nuevo para destilar carismática arrogancia a cada tonada. A pesar de alguna inclusión menor, la funcionalidad de la presente obra prueba la emancipación categórica del pequeño de los Gallagher respecto al genio creativo de su hermano Noel. El camino se bifurca y Oasis son definitivamente historia. Raúl Julián

BIBIO

BARDO POND

Buffalo Tom

Warp/Pias

Fire Records

Ada Global

“Bardo Pond”

“Mind Bokeh” ELECTRÓNICA

1111

Cierto. Por mucho que identifiquemos a Stephen Wilkinson con el sonido patentado por Boards Of Canada, la verdad es que todos sus discos esbozaban tímidos intentos por ir más allá de ese pop de alma b-boy y formas pastorales -¿hipnagógico? saquemos a pasear la etiqueta de moda-. Pero es que lo de “Mind Bokeh” se ha convertido en otra cosa, una verbena en toda regla... Aun sin estar del todo seguro que su nuevo “yo” me resulte tanto o más atractivo que aquellos melancólicos (a la vez que bailables) pasajes de su pasado inmediato, lo que parece indudable es que las múltiples caras del nuevo Bibio le catapultan y colocan en un nuevo estadio que debería hacerle mucho más accesible y popular.

Hace un par de años parecía imposible que firmara un tema como “Take Off Your Shift”, que podría pasar por una toma perdida del “Wolfgang Amadeus” de Phoenix. O que jugueteara abiertamente con la blaxplotation y el mejor Stevie Wonder en temas en los que se convierte en intérprete de su propia música. Todo ello sin perjuicio de que sus fans de siempre encontremos nuestra preceptiva ración de IDM. Un esfuerzo muy a tener en cuenta. Luis J. Menéndez

ROCK

“Skins” 114

Lo suyo son esos largos desarrollos in crescendo de combustión lenta e intensa, recargados y pesados. Esa es la razón de existir de Bardo Pond y ese es su rock; siempre basculando entre el stoner, el space y psych rock y el folk ennegrecido y turbio. Aunque, en su contraataque, suenan más ásperos e incómodos y también más dispersos que nunca. Su octavo trabajo les muestra enrarecidos y les sitúa algo en la deriva. Canciones que podrían llegar a mejor puerto pierden el rumbo porque se empeñan en abstraerse más de lo habitual, en no ser concisos y caen, por momentos, en una monotonía que provoca pesantez.

Y así, más que abocados a un abismo al que siempre te llevan sus estructuras sin partitura, sus nuevos movimientos caen en un abismo sin fin. Las que se llevan la palma son “Undone”, ejercicio de extensión por repetición, o la somnolienta –ya lo dice el título- “Sleeping”. Cuando concretan, la jugada les sale más airosa como es el caso de “Don’t Know About You”, la más concisa y mejor. Veinte años en la brecha, su vuelta no da lo mejor de sí, aunque ya se sabía que su fuerte está en el directo. Celestí Oliver

Rock

1114

Aunque los largos silencios sean habituales en Bill Janovitz y compañía, aún sorprende cada nuevo anuncio acerca de la publicación de un álbum de Buffalo Tom. “Skins” llega casi cuatro años después de su antecesor, y al igual que ocurriese la pasada temporada con otros intocables del indie americano de los noventa como Superchunk, la formación protagoniza un respetable retorno. Un álbum desarrollado sin complicaciones entre caminos conocidos y de sobra transitados, para elaborar una contundente mezcla en la que aunar habituales y características guitarras, power pop y sonidos tradicionales americanos. La intensidad de las notables sensaciones dejadas por la escucha resulta alterada puntualmente por la excesiva duración de un total de trece pistas, incluyendo alguna caricatura referente a la época dorada del trío. El octavo disco de estudio de los bostonianos resulta en cualquier caso sobradamente resolutivo y mantiene intacto su estatus como banda de culto, celebrando un regreso que cuenta con generoso número de temas incontestables como “Here I Come”, “Arise Watch”, “She’s Not Your Thing” o “Guilty Girls”. Raúl Julián

Cocoon

“Where The Oceans End” Sober&Gentle/Popstock!

Pop

1114

Segundo disco firmado por el dúo francés compuesto por Mark Daumail y Morgane Imbeaud bajo el cinematográfico nombre de Cocoon. La formación resulta inevitablemente emparentada a otros artistas como The Swell Season, The Dutchess And The Duke o Ron Sexsmith, firmando un total de doce nuevas canciones de pop delicado e inclusiones folk con las que alumbrar ambientes hasta tornarlos inmaculados.

Las voces compartidas por la pareja en simultánea complicidad resultan el argumento principal, junto al melódico diseño de la composición y el remate elegante de una instrumentación que frecuentemente sobrepasa el minimalismo ocupando herramientas como violines, xilófono o pandereta. “Where The Oceans End” es un álbum de ágil trascurrir y sencilla asimilación, que precisamente encuentra como lastre la pincelada edulcorada, indultada gracias a contagiosa melancolía resultada de la placidez latente en temas como “Mother”, “Cathedral”, el pegadizo sencillo “Comets”, “Oh My God”, “Dee Doo” o “Sushi”. Raúl Julián

Cold War Kids “Mine Is Yours” Downtown / COOP

Rock

1114

El cuarteto californiano es una de esas formaciones que poco a poco, sin mucho ruido pero de forma inapelable, se va apoderando de los que se acercan a ella, canción a canción, disco a disco, atrapándote en su tejido de pop guitarrero, de melodías poco accesibles en su primera escucha pero que acaban seduciendo, dejando una sensación de rendición parecida a la de los últimos trabajos de unos The Black Keys. “Mine Is Yours” es su tercer larga duración, con poco más que su-

tiles diferencias respecto a lo que ya nos deparaban “Robbers & Cowards” y “Loyalty to Loyalty”: el particular timbre de Nathan Willett, las raíces del sonido de la banda en el soul y la canción tradicional norteamericana y una trabajada elaboración casera de perlas pop-rock a la vieja usanza y que aquí responden a títulos como “Louder Than Ever”, “Bulldozer” o el tema que da nombre al trabajo. Los de Fullerton podrían pasar por una reencarnación de los viejos Kings of Leon, antes de “Because of the Times”. Incluso podrían militar en la misma liga que My Morning Jacket o Band of Horses, de no ser por una inquietud compositiva que les aleja del rock y les lleva por vericuetos de mayor variación estilística, acercándoles al universo más “indie” de grupos como Modest Mouse o Spoon. Robert Aniento

CORA NOVOA

“The Secret Garden Remixes” Natura Sonoris

Electrónica

1111

No caeré en la tentación de decir que si Cora Novoa hubiera nacido directamente en una barriada berlinesa a lo mejor no hubiera tenido que emigrar a dicha ciudad para poder triunfar aquí. Tampoco daré la brasa con eso de que ya era hora de que en el panorama de la mejor electrónica ibérica apareciera un talento femenino que diera sopas con honda a tanto hombretón de pelo en pecho, nuca rapada y demasiado Detroit adulterado en las venas. Jamás diré públicamente que aunque esta colección de remixes es una preciosidad –de eso no cabe duda- echo en falta en su elenco de invitados la mano mágica de dos de los amigos de la gallega y mejores remixeros de aquí y de allá, léase Henry Saiz y John Talabot. El caso es que esta continuación natural de aquel ensoñador y emotivo jardín secreto electrónico lo eleva, si cabe más, a lugares de autentica excepción sonora. Las revisiones de los madrileños Miguel Mendoza –ídolo y maestro personal de Cora- y Pional –su emergente talento es imparable- son pura cumbre y sirven para dejar claro que no toda la mejor música parida con máquinas se tiene que pergeñar forzosamente en sofisticados estudios alemanes, ¿verdad que no, Cora? Fernando Fuentes

CYCLE

“Stripped” PIAS

POP-ROCK

1114

Hay pocas cosas tan excitantes como coger una colección de temas electrónicos y desnudarlos de todo aparataje y aderezo sintético para ver que esconden tras toda esa parafernalia efectista, y muchas veces tramposa. En este “Stripped” -gran título, válgame Dios- los madrileños Cycle han cogidos desprevenidos algunos de sus hitazos -caso de “Obsession”, “Sleepwalkers”, “Apple Tree”, etc- y los han dejado acústicamente en pelotas. El caso es que, contra lo que pudiera esperarse, estas bravas canciones -hasta hace poco carne de sudoroso after y recopilata amable del Razzmatazz- sólamente interpretadas con un par de guitarras, un bajo y un tibia batería resultan realmente estupendas. Además, las voces entrecruzadas de La China y el alemán Matthias Freund les dan un punto que para nada podían soñar en su habitual formato electroide. ¿Conclusión? Los mejores temas de Cycle son tan cojonudos que hasta tocados con una zambomba y entonados por Bob Esponja sonarían bien, ¿probamos maestro Kano?

Fernando Fuentes

MondoSonoro · Abril 2011 /45/

top10

vinilos

NUDOZURDO, CANCIONES OSCURAS

internacional IRON & WINE

“Kiss Each Other Clean” 4 AD/Popstock!

ROCK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

PJ HARVEY

“Let England Shake” Universal

THE PAINS OF BEING PURE AT HEART “Belong” Pias

SOUTH CENTRAL

“Society Of The Spectacle” Eyeshore/Popstock!

THE VACCINES

“What Do You Expect From The Vaccines?” Sony BMG

YELLE

“Safari Disco Club” V2/Music As Usual

WILD BEASTS “Smother”

Domino/Pias

LYKKE LI

“Wounded Rhymes” Atlantic/Warner

ARCHITECTURE IN HELSINKI “Moment Bends” Coop/Music As Usual

BEADY EYE

“Different Gear, Still Speeding” Beady Eye Records/PIAS

ANNA CALVI “Anna Calvi” Domino/Pias

1111

Que me parta un rayo si no estamos ante el primer gran álbum de esta temporada que empieza, y que me remate otro si no encuentro las palabras idóneas para recomendárselo a todo aquel que se me acerque en los próximos días. Y es que el cuarto disco de Iron And Wine, o si lo prefieres de Sam Beam que para el caso es lo mismo, es la obra más completa y madura de este cantautor estadounidense que empezó mostrando una cara mucho más folk, intimista para acabar desmarcándose con un disco de instrumentación sabia y mesurada, en el que sobresalen vientos, percusiones varias, flautas traveseras y unos juegos corales que cortan la respiración. Un viaje alucinante de los sentidos auditivos, construido a base de melodías de una gran clarividencia como sólo los grandes discos son capaces de ofrecernos. Obras como “Personality” de The Sleepy Jackson, el primero de Band Of Horses o el reciente “So Runs The World Away” de Josh Ritter tienen en común con este el estar perpetrados a base de melodías universales que buscan cautivar con elegancia y sin demasiados estruendos. Una obra evidentemente adulta que abre con una letanía en forma de gospel (“Walking Far From Home”), para continuar con temas magistrales como la exuberante “Tree By The River”, que podría encajar sin problemas en los discos más hippies de George Harrison, la sinuosa “Monkeys Uptown” o esa epopeya de siete minutos de pura emoción soft-rock con la que cierra el disco. En definitiva, una obra que bebe sin miramientos de artistas del folk-pop de autor más setentero como Joni Mitchell, James Taylor o Lindsey Buckingham. Don Disturbios

top10 nacional

Nudozurdo Foto Pedro Agustín

Nudozurdo

“Tara Motor Hembra” Recordings From the Other Side

ROCK

1111

Que los madrileños se hubiesen decantado por una continuación de “Sintética” hubiera sido el recurso más fácil. Pero Leo Mateos y los nuevos compañeros de viaje que se le suman ahora en “Tara Motor Hembra” (la hermana de Leo, sin más lejos, participa en el cierre “El diablo fue bueno conmigo”) no solo consolidan su identidad, sino que además se atreven a renovar las tuercas insertando a su atormentada existencia unas dosis de pedal, reverberaciones y guitarras psicotrópicas nunca vistas en ellos antes. Esto es lo que

ocurre en “Conocí el amor” (hit incuestionable) o “Láser Love”, donde la banda se deja llevar por el kraut; en la ya conocida “Prueba/Error” disparando su artillería en un empaque shoegaze; o en las cajas de ritmo de esa frustración que enaltece “Sueño demo”. Nudozurdo a estas alturas cuentan con un repertorio lo suficientemente engrasado y un directo tan arrollador que es de justicia considerarles una de las mejores bandas de nuestro país. Continuaremos entonando sus letras por lo bajini para que nadie pueda mirarnos maliciosamente de reojo. Aunque lo que aquí importa es que tras unos meses de incertidumbre con estas diez canciones vuelven a embellecer la oscuridad y los fantasmas malditos que se esconden en nuestro interior como nadie.

Sergio del Amo

JAMES BLAKE “James Blake” A&M/Universal

SOUL

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

CATPEOPLE “Love Battle”

Autoeditado/December

MANEL “10 milles per

veure una bona armadura”

Autoeditado/Discmedi

SHO-HAI

“Doble Vida” Rap Solo/BOA

LAGARTIJA NICK

“Zona de conflicto” Chesapik

LA KINKY BEAT

“Massive Underground” Kasba Music

PAJARO SUNRISE “Old Goodbyes” Lovemonk

NUDOZURDO

“Tara Motor Hembra”

Recordings From The Other Side

ZA!

“Megaflow”

Gandula/Acuarela

ANÍMIC

“Hannah”

Les Petites Coses/B-Core

OSO LEONE “Oso Leone”

Foehn Records

1114

Entronado, con sus epés anteriores, como el nuevo mesías del dubstep (¿o era ya post?), su debut despacha bien las dudas sobre la (in)certeza de una etiqueta que se le colgó y que aún muchos le mantienen: de dubstep, aquí poco. Esto es nuevo soul de diseño. O pop con alma de soul blanco tejido electrónicamente con piano y sintetizadores, reverb y silencios, muchos graves y su voz en primer plano. Y todo, tratadísimo y deformado con filtros y ecos. Todo, delicadísimo y minimalista. Por los suelos, pues, el primer estereotipo. Algunas bases de dubstep hay, claro, pero el sentimentalismo de dormitorio que aquí hay, escapa de los límites de una etiqueta percibida con más hermetismo. Lo que está claro es que no es el mismo James Blake de antes desde que ha descubierto cuanto le puede cundir la voz. Incluso también porque se abre a una introspección acústica, aunque diametralmente alejada, como la de Antony Hegarty, Robert Wyatt o incluso Joni Mitchell –a quién acaba de versionar-, aunque habiten en distintas alcobas. Es de esos discos con un clima y un tono extrañamente único. Solo en dos, “To Care (Like You) e “I Mind”, podría estar cerca de ese tejido postdubstep. Y, claro, “Limit To Your Love” de Feist ya nos reconfirmaba su nueva sensibilidad. Construido a partir de su voz, que es la que dicta, a veces es el instrumento en sí, deshilándola con vocoder y efectos en “Lindesfarne I”, y otras veces se convierte en la base a partir de la cual construir un crescendo como “I Never Learnt To Share”.

Celestí Oliver

DAKOTA SUITE & DAVID DARLING & QUENTIN SIRJACQ “Vallisa”

Glitterhouse Records

FOLK

1111

Chris Hooson, cuerpo, mente, y alma de Dakota Suite, alcanza una de las cumbres (sino la cumbre) de su ya dilatada carrera con este disco grabado en directo en una pequeña iglesia de la ciudad italiana de Bari junto a Quentin Sirjack en el piano y David Darling, uno de sus ídolos de siempre, al chelo. Más profundamente neoclásico que nunca, Hooson recupera cortes de los álbumes “The End Of Trying” y “The Way I Am Sick”, junto con algún tema nuevo de su próximo disco de estudio, todavía inédito, para conformar un todo que termina resultando una maravilla de delicadeza sonora y brillantez compositiva. Música clásica del siglo XXI adaptada a las tendencias minimalistas del autor, con una lucidez y una clarividencia que hacen estremecer al oyente con cuatro notas de piano o un ligero aporte del chelo, música con mayúsculas, ambiental, envolvente, inspiradora, ideal para cerrar los ojos y dejarse llevar, pensar en tiempos y lugares muy lejanos, o muy cercanos, música para relajarse, emocionarse, sonreír. Un disco sobresaliente que coloca a su creador en la cima de su estilo. Daniel Arnal

DUBBY YOND

EINA

Chesapik

Autoeditat

“Ashes”

Reggae Dub

”L’Estat i la Revolució“ 111

A nadie se le escapa que en Torelló existe, desde hace años, una de las mejores delegaciones en cuanto a música jamaicana se refiere. Su última innovación, o más bien la de Doctr’n’ric (productor entre muchos otros de Morodo) es Dubby Yond, un proyecto basado en la ensemble de música reggae/dub con imágenes, de las que se encarga es Víctor Garnier (que aquí se anima con las voces). Este primer CD está compuesto de remezclas dub cantados por distintos artistas Dr. Ring Ding, Benjammin, Chukki Starr, y los descubrimientos de Edna Sey y Nunna, y a los que añaden percusiones y sonidos de África y Asia. El resultado es un disco no solo de dub, no solo de ambientación de reggae electrónico. Es un muy trabajado disco lleno de canciones que saben crear distintas atmosferas, cosa que hace intuir que visionar el disco en directo tiene que ser una experiencia distinta a las que estamos acostumbrados. Lo único que no entiendo es la contraportada del disco, que creo que no solo no cuadra con el contenido, sino que incluso lo hace poco atractivo. En cualquier caso, un paso adelante en el reggae estatal. Iván Ferrer

ROCK

111

Que grupos como Eina no son para todos los oídos tiene tanto de tópico como (por consiguiente) de cierto. Compuesto por el núcleo de lo que en su día fueron Inadaptats, se posicionan desde su base de operaciones en Vilafranca y afrontan su segundo disco en lo que parece será la tónica de la banda: la adaptación de libros clásicos de una manera muy particular.

Aquí el protagonista es “El Estado y la Revolución” el manual de acción leninista escrito hace cien años y para el que el grupo abre rendijas en forma de canciones que hablan de la toma de conciencia (“Política i rock”), el estrato al que ha sido relegada la juventud gracias al récord de paro (“Deixalles”), la redistribución de la renta por la fuerza (“Persecució”) o la memoria histórica (“Vagant sense memòria”). Quien no los conociera se habrá dado cuenta ahora de que lo dicho al principio de la reseña tiene validez, pero lo importante es que Eina siguen manteniendo el respeto por su coherencia, y una actitud y constancia musical que por suerte constituye una de las tradiciones de un rock no tan lejano (¿alguien dijo Negu Gorriak?). Ignacio Pato L.

vinilos /46/ Abril 2011 · MondoSonoro

RADIOHEAD, LA HISTORIA CONTINÚA FRENCH HORN REBELLION

“The Infinite Music Of French Horn Rebellion” Once Upon A Time/Mushroom Pillow

POP

Radiohead Foto Archivo

RADIOHEAD

“The King Of The Limbs” Autoeditado/XL

POP

114

Dejémonos de argumentaciones de fan perdonavidas que rinde pleitesía a sus héroes de infancia. “The King Of The Limbs”, como viene siendo habitual en Radiohead, es un álbum que requiere de buenas dosis de vaselina para anular el tedio que subconscientemente provoca en las primeras escuchas. Es su trabajo más breve hasta la fecha (poco más de media hora) y, no nos engañemos, el que afianza a Thom Yorke como el timón que empuja a sus compinches en la búsqueda de la reinvención sonora y la anulación radical del rock ortodoxo que de algún modo aún había sobrevivido (a cuentagotas) en sus anteriores trabajos. Si nos hubieran dicho que nos íbamos a encontrar con una segunda parte de “The Eraser” todo seguiría su curso. Pero bajo la etiqueta de Radiohead uno

sólo puede entender estas ochos piezas como un conjunto de descartes que, por vez primera, no han conseguido ni emocionarme ni hacerme ver con recelo los cuchillos de mi cocina. Siguen empeñados en explorar las percusiones electrónicas (la Burial “Feral” en manos de James Blake habría tomado un cáliz bien distinto) y reinventar su universo bajo el prisma del jazz marcial antimelódico (“Morning Mr. Magpie”) en una primera parte que llega a su cumbre con una “Lotus Flower” en la que vuelven a mezclarse con la plebe. Sin duda, lo que un servidor pide a un disco de Radiohead llega en su segunda parte: aquella en la que el envoltorio electrónico se desinfla y con poco más de un piano (“Codex”, hermanada con “Pyramid Song”) o una guitarra acústica y superposiciones vocales (“Give Up The Ghost”) consiguen que el tiempo se ralentice y todo cobre un mínimo de sentido. Ellos seguirán yendo por libre y reclamando nuestra concentración cuando nos lo pidan, pero, esta vez, ni aún escuchando el disco veinte veces la magia se ha apoderado de mí. Sergio del Amo

EL GOS BINARI

ESPANTO

FP

Foehn

Austrohúngaro

Hang The DJ!

“Ísimos y Érrimos”, “Errísimos”

“El Gos Binari” POST-FOLK

114

Puede que el proyecto en solitario de Jordi Tost , miembro de Ou o Parmesano, a priori se vea como algo muy alejado de los planteamientos post-math rockeros de sus otros proyectos, aunque algo hay en sus canciones folk que quizá no queden tan alejadas de esos parámetros. Y es que las labores de El Gos Binari se resuelven a través de una libertad compositiva de intenciones experimentales, confeccionadas básicamente a partir de la superposición de capas, pero que en el fondo buscan emocionar. Es decir, reencontrarse con los fines clásicos a través de maneras formalmente diferentes, atendiendo tanto a la intimidad como a la festividad o al jolgorio. Y aquí es dónde el debate se abre. Si esas elecciones son las adecuadas o si realmente, al final, sirven para conseguir sus objetivos, ya es más dudoso y un tema personal de cada uno. Pero aunque seamos del sector de los no convencidos por su propuesta, debemos reconocer que el interés de su investigación por dotar de nuevos horizontes a la canción de autor supone un estimulante punto de partida con, por el momento, un gran potencial por delante. El tiempo dirá. Francesc Feliu

POP

1111

Dios los cría y ellos se juntan. Así podríamos explicar el porqué Austrohúngaro se ha animado a realizar este doble lanzamiento con Espanto como protagonistas. Por un lado “Ísimos y Érrimos”, un obligatorio vinilo con los dos CD-R editados originalmente por Birra y Perdiz, hoy descatalogados, y por otro “Errísimos”, un disco con ocho remixes inéditos a cargo de otros artistas de canciones del dúo de Logroño. De “Ísimos y Érrimos” ya hablamos en su momento en nuestras páginas cuando fueron editados, así que solo añadiremos, por si aún queda algún despistado, que estamos ante dos joyas absolutas de pop DIY, leído, y sin etiquetas hechos al margen del indigesto indie mainstream patrio que nos azota en la actualidad. Sobre “Errísimos”, decir que las ocho remezclas que ofrece son más que apetitosas y para nada prescindibles si uno es fan de Espanto.

Las que se llevan el gato al agua son las dos de Hidrogenesse, “El pantalón” y “El última día de las vacaciones”, “Las Voces”, que corre a cargo de Antonna, la bailonga relectura de “Lluvia y viento” de Joe Crepúsculo, y la muy Cherry Red “El final de la fiesta”, firmada por Tremolly. Xavi Sánchez Pons

“Pedres contra planetes” ROCK

111

Desde Vic, FP nos saludan y nos proponen una vuelta a los sonidos con los que algunos habrán, habremos, crecido. Me refiero a unos muy concretos, los de Minutemen o Rites Of Spring por citar dos claros ejemplos, que marcan a los componentes de la banda a la hora de coger los instrumentos y ofrecernos este “Pedres contra planetes” que no es precisamente su debut.

En su haber, estos Fills de la Plana tienen de todo: desde la primera demo hasta su último “Pepdelaguixa EP”, el elepé “Ciment” y un compartido con Surfin’ Sirles y El Mal Ja Està Fet. Sea como fuere, la pulsión que emana de su música y letras es la del orgullo de ser diferentes, y la de una banda que hace lo que hace con pasión y y eso que realizan no les va a convertir precisamente en ricos ni famosos, más bien parece el camino contrario a ello. Los trece temas en catalán de este segundo elepé bien podrían por tanto ser una buena referencia de cómo encarar un disco para una banda joven y sobre todo de cómo dejar plantado un convencimiento en uno mismo del que no todos (los grupos) pueden hacer gala. Ignacio Pato L.

114

Desde Brooklyn y tras la publicación de una serie de sencillos y Ep’s, llega el esperado debut en formato largo firmado por los hermanos Robert y David Perlick-Molinari, este último remezclador y puntual productor de MGMT. Enésimo proyecto de tendencia apuntalado sobre electro-pop apresurado, con bastante más de lo primero que de lo segundo, y de sonido tangencial (y menor acierto) al de bandas como Jamaica, Two Door Cinema Club, Hot Chip, We Have Band, Chromeo o Friendly Fires. “The Infinite Music Of French Horn Rebellion” es un trabajo con poca chicha y machacón a lo largo de sus excesivas catorce pistas, que curiosamente satisface cuando el chirriar de las máquinas resulta puntualmente relajado (“Last Summer”, “The Cantor Meets The Alien”), fracasando en cambio con el empeño destinado a inocuos experimentos. Ritmos y sintetizadores descontrolados dejan un producto con temprana fecha de caducidad. Raúl Julián

GREGG ALLMAN

“Low Country Blues” Rounder

BLUES

1111

Mayoritariamente reconocidos como grandes tótems del llamado rock sureño, Allman Brothers en realidad siempre tuvieron vocación de banda de blues. Y a su manera lo son, aunque dejaran de ser puristas desde sus inicios, allá por finales de los sesenta. De ahí que tenga mucho sentido que su cabeza visible en la actualidad, el hermano superviviente, rompa por fin su tendencia a la inactividad de los últimos años con un disco en solitario en el que rebusca en sus raíces. Así, adaptando temas de gigantes del blues como Skip James, Sleepy John, Muddy Waters, Otis Rush o BB King, Gregg Allman recupera la mejor versión de sí mismo e impregna de carácter y emotividad un repertorio al que sabe inyectar vida nueva. Y es que, evitando lo más obvio y previsible, tanto en la selección de canciones como en unos arreglos magistralmente dirigidos por T-Bone Burnett, la entonación de nuestro hombre fluye majestuosa desde lo más profundo de su alma con la ventaja de atesorar un timbre de voz al que le sienta genial envejecer. Un discazo. Xavier Llop

JAY-Z

“The Hits Collection, Volume one” Def Jam / Roc Nation

Rap

114

¿Qué sentido tiene un recopilatorio de grandes éxitos en ésta nuestra era? Al fin y al cabo seguro que la mayoría de fans de Jay-Z ya se han podido hacer su propia selección de grandes hits en su iPod y es más que probable que, al menos en el caso de sus seguidores más nuevos, no difiera mucho de la que él nos ofrece en este primer volumen. Porque “The Hits Collection” pasa de puntillas entre sus álbumes clásicos y se focaliza esencialmente en dos de

sus discos de mayor éxito comercial, “The Black Album” y “The Blueprint 3”, así que cuesta un poco entender el verdadero objetivo de una compilación que aporta una visión realmente superficial al legado de Shawn Carter, aparte de la edición del interludio “Public Service Anouncement”.

Si la intención era demostrar la verdadera dimensión de Jay-Z, “The Hits Collection” no hace más que arañar tímidamente en lo evidente, así que habrá que esperar al segundo volumen, si lo hay, de la recopilación para ver si esto sólo ha sido el redoble de tambores antes del verdadero show o un extraño movimiento comercial que estas alturas de la era post-Napster pocos llegarán a entender. Joan Cabot

JERRY FISH & THE MUDBUG CLUB “The Beatiful Untrue” Warner

CANCIÓN

1111

Seis años después de aquella obra maestra que es “Be Yourself”, el crooner dublinés Gerard Whelan AKA Jerry Fish regresa a la primera plana con otro álbum para enmarcar, once canciones atemporales en las que sigue mezclando mágicamente el jazz de los cincuenta y el pop cabaretero con una de los registros vocales más atractivos de la actualidad: el suyo. El legendario Dick Meaney (The Jesus & Mary Chain, My Bloody Valentine) se encarga de la producción, manejando con mano maestra el característico tratamiento orquestal de la banda cercano a las big bands jazzísticas en el que los vientos son los protagonistas. Una obra coherente y cohesionada, con colaboraciones estelares como Imelda May (“The Hole in the Boat”), hits para los oscuros (“Hell or Heaven Sent”, “Where the Sun don’t Shine”) y para los alegres (“Life is Sweet”, “Dig ‘A Dog Bone Store”) e incluso una hermosísima pieza instrumental para cerrar el disco (la homónima “The Beatiful Untrue”). Fish y su Mudbug Club siguen divergiendo de las tendencias del mercado para enmarcarse definitivamente en el libro de estilo de genios outsiders como el cuasi divino Tom Waits, donde el blues, la chançon, la cinemática y el lirismo marcan la pauta. Maravilloso. Daniel Arnal

JESCA HOOP

“Hunting My Dress” Last Laugh/Republic Of Music

ROCK

1111

Podríamos presentar a Jesca Hoop con estas credenciales, apelando a las socorridos paralelismos: la de una excentricidad folk algo más atenuada que la de Cocorosie, la de ese punzón para extraer todo el jugo expresivo a unos elementos mínimos que caracteriza a Joanna Newsom e incluso la de una inclinación clasicista para dar con la melodía imperecedera que podría lindar con Kate Bush. Por supuesto, promediando popularmente muy por debajo de todas ellas, a Jesca Hoop apenas se la conocía cuando aterrizó por vez primera en nuestro país por poco más que haber sido niñera ocasional de Tom Waits, su máximo valedor. Los estupendos conciertos que ofreció hace unos meses como telonera de Andrew Bird pusieron a todo el mundo bajo alerta de lo mucho y muy bueno que alberga “Hunting My Dress”, el excepcional segundo álbum de esta californiana afincada en Manchester. Háganse el favor de escuchar maravillas como “Murder Of Birds”, “Angel Mom”, “Four Dreams” o “The Kingdom” y entenderán por qué estamos ante una de las joyas más injustamente olvidadas de los últimos tiempos.

Carlos Pérez de Ziriza

MondoSonoro · Abril 2011 /47/

Mando Diao

MTV Unplugged “Above and beyond” Universal

ROCK

111

Esta es una apuesta segura. Un disco para los fans de Mando Diao, pero también para los que apenas les conocen. Un directo limpio, que cuenta con el sello “MTV Unplugged” detrás, que tantos otros buenos discos nos ha regalado a lo largo de los años. Sin enchufes, pero sin que ello signifique renunciar a un ápice de la garra de Mando Diao.

Un álbum doble que se inicia con “Long Before Rock’n’Roll” en todo su esplendor, como si tras las rítmicas panderetas y los acordes de piano pudieras percibir toda la esencia festiva y de realización personal que emite (“Gloria”, “Victoria”). Cuentan además con la colaboraciones ilustres como la de Juliette Lewis. Y por supuesto, quién se puede resistir a ese rompepistas pegadizo y de alteración del estado anímico que supone “Dance With Somebody”, con semejante intro de piano. La ocasión ideal para acercarse a este grupo sueco con una mirada distinta y que seguro, servirá para que más de uno termine haciéndose admirador. Marta Terrasa

LAS RUINAS

“Disco de autoayuda para mutantes” Siete Señoritas Gritando

POP

1114

Dando rienda suelta a mi lado más egoísta, les diré que me encanta que Las Ruinas sean un grupo subterráneo que casi nadie conoce. Me llena de orgullo ser uno de los pocos que han apostado por la banda de Eduardo Chirinos desde el principio, y cual Ebenezer Scrooge en clave musical, disfruto teniéndolos solo para mí. Dicho esto, y siendo responsable con mi noble oficio, ya es hora que un número superior de personas, más allá de un servidor y algún fan irredento más, descubran por fin a Las Ruinas, una de las bandas más inclasificables que circulan por el underground Barcelonés. Lo son no por lo que hacen, al fin y al cabo es solo punk pop con la vista puesta en los noventa más rabiosos y ruidosos, sino por cómo lo hacen; sin ningún tipo de prejuicio y manía, con unas ganas contagiosas y una honestidad difícil de ver en los días que corren. Tienen una facilidad enorme para firmar festivos himnos generacionales que dejan huella; en este disco se llevan la palma “Secundarios del mundo, uníos!”, “Paranoide esquizoide” “Cerveza beer” y “No correspondido”. Ya es hora de que los descubras. Xavi Sánchez Pons

en nuestros días debería exprimir a nivel internacional. Acompañada nuevamente en la producción de Bjorn Yttling, Li dota a su segundo trabajo de unos claroscuros exquisitos que tanto se valen de las baladas desnudas (“Unrequited Love” o la preciosa “I Know Places”) como de una especie de blues industrial (las ya conocidas “I Follow Rivers” o “Get Some”) recauchutado de percusiones tribales y una instrumentación cuidada hasta el último detalle. Hay espacio hasta para el recuerdo de Phil Spector (en “Sadness Is A Blessing”, donde demuestra que su voz ahora es mucho más firme y poderosa que en su anterior álbum) y un cierre coralmente hipnótico como “Silent My Song” capaz de encoger el alma hasta al más duro. Sergio del Amo

“Wounded Rhymes” Atlantic/Dro

POP

1111

Todos crecemos. Tarde o temprano, nos vemos obligados a abandonar la inocencia y salir de casa con paso firme para enfrentarnos a la dureza del asfalto.

Lykke Li, tres años después de aquel frágil “Youth Novels”, se nos ha hecho toda una mujer. Y lo mejor del asunto no es que con “Wounded Rhymes” no sólo despunta como una de las mejores artistas de su Suecia natal, sino como un referente de clase de lo que el pop

THE STROKES, la dispersiÓn arruina al conjunto

JULIANNA BARWCK “The Magic Place”

Ashmatic Kitty / Popstock!

EXPERIMENTAL

1111

Uno de los fenómenos más curiosos en la historia de la música independiente tuvo lugar cuando 4AD consiguió convertir al Misterio de la Voces Búlgaras en superventas alternativo. Claro que un vistazo al roster del sello de Ivo Watts-Russell por aquel entonces lo explica todo… Los Eluvium, Max Richter, Dakota Suite, Goldmund y compañía habían devuelto en los últimos años el halo clásico a la música popular actual, pero curiosamente ninguno de ellos ha levantado su obra a partir de cantos de sirena. Julianna Barwick sí. Pocas veces el adjetivo “catedralicio” encuentra mayor sentido que cuando se refiere a las esculturas sonoras de la intérprete de Brooklyn, que en su segundo disco construye un conjunto de sentida espiritualidad a partir casi exclusivamente de su voz y una loopera que le sirve para emborronar con una y mil capas el lienzo sonoro. ¿Dónde está la frontera que separa a la Barwick de la new age? Pues al igual que sucede con Lisa Gerrard, grande entre las grandes, el límite tendremos que ponerlo cada cual a partir de los sentimientos encontrados que nos produzca la escucha. Y en lo que a mí respecta, reconozco que hacía tiempo que no caía en mis manos un disco que se conduzca por estos parámetros y me conmueva de la manera que lo hace éste.

Luis J. Menéndez

The Strokes Foto Archivo

THE STROKES “Angles” Sony/BMG

ROCK

111

En el fondo somos unos nostálgicos. Desde el mismo momento en el que nos enteramos que The Strokes iban a editar su cuarto disco, empezamos a fantasear sobre la posibilidad de encontrarnos de nuevo ante la infalible inmediatez de las canciones de su primer disco. Nada más lejos de la realidad. Tan sólo el single de presentación “Under Cover Of Darkness” y la certera “Taken For A Fool” cumplen con la función de rememorar canciones como “Late Nite” o “Hard To Explain”. Sin embargo, el resto se encuentra más cerca de los Strokes del tercer álbum que del primero. O para que nos entendamos, más cerca aún de The Cars (”Two Kind Of Hapiness”) o incluso Devo (“Games”), creándose una curiosa paradoja. La banda que fue más inmediata del planeta se embarca en un disco nada

MÜRFILA

Neurotic Kites

NOISEAST

Roadrunner

Repetidor

Kaiowas Records

Metal

“I Love U” Mitik

1114

Tercer disco de Mürfila, que llega después de una interesante y divertida campaña de marketing a través de su web. Mediante una miniserie nos ha ido explicando cómo funciona la caverna mediática de este país.

Y es que esta chica se ha preocupado siempre por aportar algo más a su música, algo que algunos agradecemos y mucho en estos tiempos que corren. El trabajo, producido por Aurelio Morata, comienza con una buena retahíla de temas potentes y directos (“Lady la llama” o “Problemas” como bandera de lo que es el disco), con actitud de directo y fuerza para defenderse sin ningún altibajo. “La gran sensación”, “Jungla” o “Astronauta” transmiten rabia y fragilidad en sus letras, sin perder fuerza rockera. Ahí nos gusta. Incluso se atreve con momentos de relajación intimista y dulce con “Soy humano”, ”El mundo se equivoca” o hasta la instrumental “Super ü”. Diferentes palos que no bajan la intensidad del disco, sin duda un claro paso adelante en su carrera musical. Marcos Martín Lora

unitario, que suena disperso en lo que se me antoja un puzzle repleto de aristas imposible de montar. Seguro que la participación en la composición de los temas de todos los miembros del grupo ha dado pie a este batiburrillo de ideas difíciles de ordenar. Lástima, porque hay buenos cortes a lo largo del disco, y aunque suene por momentos algo enrevesado, canciones como la desnuda interpretación de Julian Casablancas en “Call Me”, uno de los temas más delicados de su carrera, o el aire pseudo reggae de la nuevaolera “Machu Pichu” resultan. También hay momentos para ponerse más clásicos en un ejercicio de puro glitter rock’n’roll como “Gratisfaction” que no llega a los niveles de Slade o Sweet, pero, salvando las distancias, se acerca. Lástima que sea precisamente hacia las postrimerías del disco cuando este caiga bastante con piezas como esa semi-opereta rock algo bochornosa que es “Metabolism” o la prescindible por ramplona “Life Is Simple In The Moonlight” de la que salvaría ese solo a lo Tom Verlaine. Don Disturbios

Murderdolls

“Women and Children Last”

ROCK

LYKKE LI

vinilos

114

Murderdolls es uno de los proyectos paralelos surgidos de la factoría Slipknot. En este caso, de su batería Joey Jordison, que cambia aquí las baquetas por la guitarra y une esfuerzos al vocalista Wednesday 13. Tras el primer “Beyond the Valley of Murderdolls”, de un ya lejano 2002, han vuelto al estudio aprovechando el hiato en el que se encuentra actualmente Slipknot. En el contenido de esta segunda entrega volvemos a encontrarnos con unos pretendidos maestros de horror punk… pero nos vuelven a dejar un cierto regusto a rímel corrido y algo descolorido. Jordison y Wednesday 13 concentran el protagonismo de la banda, dejando en el camino a sus antiguos compañeros, el guitarrista de Static-X Tripp Eisen, el bajista Eric Griffin y el batería Ben Graves, si bien el guitarra de Mötley Crüe Mick Mars aparece como invitado en dos de los temas. Juntos, tratan de dar forma a un ejercicio de sleazy metal supuestamente renovado, con guitarras heredadas del nu metal, una voz cavernosa y unas composiciones que recuerdan más bien a las que ha estado entregando Alice Cooper a lo largo de la última década.

Robert Aniento

“When Wishes Become Oceans”

“Lives” POP

111

El debut de Joseph Hilferty, estadounidense afincado en Barcelona, presenta su mejor baza en su sencillez. Las diez canciones que componen Lives suponen un compedio de pop sin pretensiones entre la línea melódica de The Jayhawks y el tono confesional de Elliott Smith. Las composiciones de Hilferty se desarrollan sin estridencias apoyadas en una banda completa, ocasionalmente con segunda voz femenina, obteniendo un competente pop-rock que, aun manteniéndose digno, no se acerca a sus referentes. No ayuda el toque lo-fi en la voz, remitente a cierto indie de los noventa, que rebaja la intensidad de algunas canciones sin lograr el aire de intimidad requerido. En general, Neurotic Kites demuestra buena mano con los estribillos (“Takes Too Long”, “Don`t Walk Away”), con los medios tiempos (“Cruelest Angel”) y algunos pasajes musicales, pero en otras ocasiones (“Next Door To Nowhere”, “Never Meant To Be”) no logra levantar un tono algo desangelado. En cualquier caso, la sensación de modestia y honestidad que transmite le da un valor añadido. Jaime Menchén

METAL

1114

Desde que les vimos teloneando de The Eyes hace año y medio esperábamos con ganas este debut. Su soltura y calidad a la hora de conjugar hardcore y metal sobre el escenario nos sorprendió, aunque este primer disco de los mallorquines es aún mejor de lo que imaginamos. Suena crujiente, orgánico y espontáneo, detallista pero no excesivamente pulido. Lleno de energía y crudeza, pero repleto, también, de melodías, matices y cambios de ritmo imaginativos y bien trabados. “We Don’t Forget” se abre a ralentí, con ritmos pesados y notas sostenidas; un limbo momentáneo del que te expulsan acto seguido con un doble bombo persistente y esos flashes de guitarra agudos e incisivos (muy protagonistas en “Biting The Truth”), como alarmas de una maquinaria industrial, en sintonía con Meshuggah y Dillinger Escape Plan, aunque sin derivar en ningún momento hacia el math metal. Y al final del túnel, una sorprendente bomba de oxígeno con forma de estribillo limpio deudor de los primeros Killswitch Engage. Otra banda cercana de la que sentirse muy orgullosos.

David Sabaté

Seguimos creciendo

ahora tambiĂŠn Canarias

MondoSonoro · Abril 2011 /49/

OSO LEONE

“Oso Leone” Foehn Records

FOLK

1114

Oso Leone se sitúan en ese lugar que, en este país, ocupan pocos más que Cuchillo. En esa región, de sensación espectral y sobrenatural, como ingrávida, en la que el tiempo se detiene y hace sacar ese impulso más instintivo y primario. Entre idas y vueltas de Barcelona a la isla, estos mallorquines han escarbado hasta quedarse solo con el hueso, con el cuerpo de la canción, con la esencia, en un cancionero esquelético pero con poso profundo, tocado por esa luz enrarecida y mágica del mediterráneo. Mejor dicho, por esa aureola propia de Deià que en los sesenta ya atrapara e iluminara a lumbreras como Robert Wyatt, Kevin Ayers o Daevid Allen en sus días por ese pueblo de la sierra de Mallorca. Sus canciones, agrestes e inquietantes, con sutiles guitarras y teclados psicodélicos y esos cantos con eco siempre a coro, bien conectan como fondo musical con las entrañas de ese lugar. Y aunque en la isla no haya animales tan temibles, “Lobo” podría servir como imagen de esa idea de indómito y primario que sobrevuela todo este debut.

Aunque tampoco todo es tan rural como en “Falcó” ya que en “Rebellion” se acercan hasta el folk civilizado de Kings Of Convenience o Simon & Garfunkel. Celestí Oliver

PAJARO SUNRISE “Old Goodbyes” Lovemonk

FOLK-ROCK

1111

El leonés Yuri Méndez le da, en este tercer trabajo como Pajaro Sunrise, una vuelta al mismo calcetín musical expuesto con anterioridad. Por eso, tras un doble disco -“Done/Undone”- de veintidós canciones, donde el desnudo finger picking de su acústica y su preciosa voz eran los máximos, que no únicos, protagonistas, pasa a entregar ahora un nuevo disco de tan solo ocho canciones donde el crepitar de sus cuerdas de nylon sigue siendo sonando en temas como “I Don’t Want To Love You No More” o “(I Am Done) Making Fun Of Myself”, aunque en menor medida. Lo que pesa en este loable trabajo es una mayor presencia de arreglos, instrumentos y músicos. Un álbum que se inicia con el tema que da título al disco, que estremece como lo han hecho hace poco The Low Anthem en su “Ghost Woman Blues”. Tras esta se despacha con la que es desde ya una de mis canciones de la temporada: “Song For Evangeline”. Y aunque el tono del disco sigue siendo tan apocado como su ritmo, no cabe duda de que la calidad de este pájaro es un rara avis en nuestro país. Don Disturbios

PROTEST THE HERO Scurrilous

Spinefarm Records

METAL

111

Hora de retomar a estos canadienses herederos de la tradición metal y math-core a partes casi iguales, con una interesante desembocadura en el lado más progresivo de ambos subestilos. “Scurrilous”, vocablo agresivo, ilustra bien como estandarte el contenido del tercer largo de los muchachos de Ontario, capaces de asombrar a propios

y extraños con una técnica de primer nivel pero también impotentes en sus peores momentos de levantar el vuelo para distanciarse de lo que podría ser un cruce entre Coheed and Cambria y Between The Buried And Me. ¿Qué picos predominan en este disco?. Pues diríase que sería como en el tópico referente de la botella medio llena o vacía, con una segunda parte que va haciéndose cuesta arriba por la densidad de desarrollo y un nivel vocal que no consigue mantener el tipo al 100%, especialmente en los terrenos melódicos, pero quedando siempre la opción de repetir temas como “Hair trigger” (la canción franquicia del disco) o “Moonlight”, que sí alcanzan holgadamente la meta que tienen bandas como Protest The Hero: el headbanging sobre trastes. Ignacio Pato L.

vinilos

SOUTH CENTRAL, ORGULLO NU RAVER

THE RADIO DEPT

“Passive Aggressive.

Singles 2002-2010” Labrador/Popstock!

POP

1111

Los discos recopilatorios pueden resultar productos cuestionables para el habitual seguidor de una banda, pero hay circunstancias que justifican e incluso permiten agradecer su publicación. Los suecos The Radio Dept cuentan a estas alturas con suficiente recorrido como para recibir con los brazos abiertos el presente álbum protagonizado por una notable selección de canciones, firmadas por la inquieta formación a lo largo de casi una década de carrera. Un total de veintiocho composiciones distribuidas uniformemente en dos compactos diferenciados entre la colección completa de singles del primero y una jugosa selección de caras B como material adicional. De este modo los seguidores fieles disfrutarán descubriendo ese segundo compacto, mientras que los novatos encontraran una ineludible piedra de toque en el principal. A lo largo de esta antología, el trío demuestra una envidiable e innata soltura en el manejo de la melodía inteligente retratada entre capas de inquietante dream-pop y shoegaze, hasta alcanzar una personalidad intensa que les destaca entre la actualmente inspirada (y poblada) escena nórdica. Raúl Julián

RON SEXSMITH

“Long Player Late Bloomer” PIAS

POP

1114

Si Ron Sexsmith fuera un equipo de fútbol de la liga española, cada temporada lo tendríamos en puestos de Champions (“Whereabouts”, “Blue Boy”), o ganando la liga (“Ron Sexsmith”, “Other Songs”, “Retriever”, “Exit Strategy of the Soul”).

Pero, ay, algún año, los menos eso si, lo tendríamos en la UEFA Europa League, como pasa con este “Long Player Late Bloomer” y otros coquetos discos menores de su carrera (“Cobblestone Runnway”, “Time Being”). Lo de coquetos discos menores va porque lo de Ron Sexsmith es tan grande, que el tío es capaz de brillar hasta en los discos que no son del todo redondos. En el caso que nos ocupa, el músico canadiense ha vuelto otra vez a “aorizar” su repertorio, esta vez ayudado por su compatriota Bob Rock, y la cosa se le ha quedado a medio camino. Ahora bien, como Sexsmith es un intérprete supino y un compositor talentoso como pocos, se le perdona el desliz gracias a canciones que mantienen, y mucho, el tipo.

“Michael and His Dad”, “Believe It When I See It”, “Love Shines” y sobre todo “Nowadays”, aún erizan el vello. Así que el mofletudo cantante puede presumir de no tener un solo patinazo en su carrera. Xavi Sánchez Pons

South Central Foto Archivo

SOUTH CENTRAL

“Society Of The Spectacle” Eyeshore/Popstock!

ROCK

1111

Iba ya siendo hora de que los británicos South Central publicasen un larga duración comme il faut. Muchos no tuvimos suficiente con “Owl Of Minerva” (2008), compilación de los contundentes himnos nu ravers que habían ido presentando en diversos singles durante un par o tres de años (“Golden Dawn”, “Nothing Can Go Wrong” o su relectura en clave rock del “Higher State Of Consciousness” de Josh Wink). Y, por mucho que suene no a tópico, sino a topicazo, la espera ha valido la pena. Estos amigos de

Prodigy han cargado las tintas en su faceta más electrónica, emulando ese vendaval cafre que son sus directos, sin caer en la cara oculta de la fuerza, o precisamente cayendo en ella con toda la intención. Porque South Central no son un grupo de teenagers como Hadouken!, sino que son una esperanza para hacer de las fiestas nu raveras un éxito en toda regla, esas en las que uno enloquece al ritmo de Steve Aoki o The Bloody Beetroots. Ahí están “Nu Control”, “Bionic”, “The Day I Die”, “Paris In The Twentieth Century”, “Demons” o el tema que da título al disco para subrayarlo. Y nada de electrónica inteligente, aquí casi todo es bruto hasta decir basta (de ahí que A Place To Bury Strangers les echen una mano en “The Moth”), pero cien por cien efectivo. Joan S. Luna

ROY ELLIS

SERGENT GARCIA

SEX MUSEUM

Liquidator

Cumbancha/Karonte

Tritone records

“Una y otra vez”

“The Boss Is Back” SKA/REGGAE

1111

Estar en la piel de Roy Ellis (Mr. Symarip) no debe ser fácil. Sobrevivir a un disco y a una canción convertidos en icono de todo un movimiento (“Skinhead Moonstomp”) debe suponer un extra de presión para alguien que, por su experiencia debería, tomarse la música como una simple pasión. Y eso hace que ante un nuevo disco de alguien de su calibre (siendo conscientes de que lo anterior es insuperable) o se ilusione uno pensando en lo que puede dar de sí o se coja con injusto escepticismo. Después del más que flojo “Skinhead Dem A Come”, yo era de los segundos, pero después de varias escuchas está claro que Roy Ellis ha vuelto. Canciones de ska (como “One Way Ticket To The Moon” o “She Called Me Up”), reggae (“The Incredible Things You Do”, “What A Nice Time”) y de soul (“I Won’t Let Go Your Love”, “I’ve Got The Music”). Es en estos últimos en los que Ellis nos muestra la potente y cálida voz que sigue teniendo. Ska y reggae añejo con el sonido de las nuevas producciones, de fácil entrada (previsiblemente de fácil salida), dirigido sin duda a sus seguidores de siempre por las constantes referencias al mundo skinhead. Ivan Ferrer

LATIN

“Again and again” 111

El Sergent García está de vuelta. Un EP grabado en Colombia en 2009 y producido junto a Richard Blair (Sidestepper), ha sido el origen de este nuevo trabajo. Seducido por los ritmos caribeños y afro-indígenas de ese país y por los nuevos y jóvenes artistas que están revolucionando la escena, se trasladó allí para completar el disco. El concepto sigue siendo su salsamuffin, o sea ragga, cumbia, son, ska, reggae o funk con letras picantes e implicadas. El disco suena muy potente, rítmicamente hablando, y se abre con el tema que titula al disco y que recuerda a clásicos del Sgt. como “Jumpi” o “Llevale mi canto”.

Hay también reafirmación estilística, “Yo soy Salsamuffin”, pero esa incursión en los ambientes colombianos nos depara plétoras como “Mi Son Mi Friend”, una electro-cumbia con la tremenda Li Saumet (Bomba Estéreo). Aunque el tema que mejor resume el contenido del disco es la mística “Vasito De Agua”, una cumbia-ska con invitados de grupos como La Mojarra Eléctrica, Sidestepper, La 33, etc. También hay sorpresas agradables como el nostálgico “Bolero Nuevo” o el guaguancó cubano “En Mi Mochila”, solo voz y percusión. Miguel Amorós

ROCK

111

Si repasas la prensa musical especializada, es muy difícil que encuentres una mala crítica del último trabajo de Sex Museum.

Su trayectoria casi inmaculada, el prestigio ganado a pulso de sus componentes y la amistad que mantienen con buena parte del “establsiment” roquero de este país lo imposibilitan. Por eso si lees las críticas de su último trabajo, veras muchos balones fuera del tipo: “banda pionera que regresa a buen nivel” o “su ejemplar trayectoria es siempre una garantía”. Obviedades que evitan afirmar que “Again and again” es un disco que empieza de forma correcta, pero que poco a poco se va desinflando por culpa de canciones algo ramplonas como “Masterplan”, una balada tan obvia como “Keep Running” o la psicodélica “Go Around” con la que cierran. Un tema que por ejemplo no pasaría el corte para un álbum como “Itaca” de los The Soulbreaker Company. El caso es que “Again and again” es un disco que se deja escuchar, pero que no alcanza las cotas que los madrileños han logrado con anterioridad. Y sobre todo porque esta vez se han quedado a medio camino entre el hard y el garage. Don Disturbios

vinilos /50/ Abril 2011 · MondoSonoro

THE VACCINES, LOS CHICOS DEL BARRIO SOCIAL DISTORTION

“Hard Times And Nursery Rhymes” Epitaph/Pias

ROCK

114

Poco queda de aquellos Social Distortion punk, los del aura peligrosa, los que encarnaban la imagen de la otra California, esa que se declaraba abiertamente infeliz. A pesar de ello, su transformación se inició con buen pie. Acercándose al lado más arisco de la música de raíces y al country más fuera de la ley, lograron darle sentido a su actitud punk desde una perspectiva más madura y pausada. Así fue en “Sex, Love & Rock And Roll” (04), en los directos de la banda y, con anterioridad, lo había sido en el debut de Mike Ness en solitario. Pero su última gira española nos dejó un mal sabor de boca que, desgraciadamente, este nuevo trabajo solo compensa en parte. Se incluye aquí material de calidad, sobre todo una enérgica “Can’t Take It With You”, pero también demasiados cortes lastrados por un ritmo cansino y tedioso. En definitiva, no les pedíamos la pegada de sus primeros trabajos, pero sí un disco con menos altibajos y algo más de energía.

Recomendable solo para disfrutar de los destellos del pasado. Xavier Llop The Vaccines Foto Archivo

THE VACCINES

“What Do You Expect From The Vaccines” Columbia/Sony BMG

POP

1111

¿Qué esperaba de The Vaccines tras haber escuchado durante semanas sus primeras canciones? Pues aproximadamente lo que recoge su primer larga duración: unos jovencitos londinenses sin prejuicios combinando el pop clásico con la energía de los grupos jovencitos, mezclando referentes de esos a los que tanto gusta acudir a quienes vilipendian a las nuevas generaciones con una actitud musical juvenil que mira al pasado y que alcanza vértices de lo más variado. Así, en el universo de The Vaccines uno encuentra nexos de unión entre

Ramones, The Jesus And Mary Chain, The Smiths, The Clash y Phil Spector con Glasvegas, The Crookes o The Drums, añadiendo algo de orgullo de chicos corrientes y cierta actitud punk (sin pasarse, The Vaccines no parecen nada violentos o peligrosos). El resultado son un puñado de canciones que se escuchan con pasmosa facilidad y que se corean sin que uno se dé cuenta de estar haciéndolo, gracias a unos estribillos frescos y sin pretensiones ocultas. Porque eso precisamente es lo que nos ofrecen en composiciones como “Wreckin Bar (Ra Ra Ra)”, “If You Wanna”, “Blow It Up” o “Post BreakUp Sex”, himnos con los que uno cree poder engañar al paso del tiempo e imaginar que vuelve a tener veinte años. Y si se tienen, pues mejor que mejor para pasarlo bien con ellos. Joan S. Luna

SHOUT OUT LOUDS

SISKIYOU

Epic/Sony

“Siskiyou”

“At Low Fyah!”

Constellation/Popstock!

Liquidator

“Work” POP

1114

Si no fuera por el uso y abuso que de la palabra entrañable se hace en todas partes, el calificativo vendría que ni al pelo para enjuiciar el tercer álbum del quinteto sueco. Nada de lo que proponen es en absoluto rompedor, ni singular, ni afilado. Pero, al igual que ocurre con paisanos suyos de ahora (Speedmarket Avenue, Peter Bjorn and John) o de antes (Popsicle, Eggstone, Wannadies), está todo tan rematadamente bien delineado, tan delicadamente construido, que “Work” es uno de esos discos que, casi sin avisar, se convierten en deliciosos compañeros de viaje.

El extenuante (a confesión propia) trabajo en Seattle a las órdenes de Phil Ek (Built to Spill, The Shins, Band of Horses), quizá buscando ahondar en un mercado, el americano, que siempre les ha acogido bien, ha dado sus frutos en un puñado de euforizantes melodías que comulgan con los exultantes estribillos de Arcade Fire (“Walls”, “Fall Hard”). Para cuando bajan el pistón y se ponen tiernos en “Play The Game”, “The Candle Burns Out” o “Too Late Too Slow”, uno ya está convencido de que por mucha melaza que le pongan, nunca llegan a empalagar.

Carlos Pérez de Ziriza

POP

SMOOTH BEANS

1111

Tal y como se abre el debut que Colin Huebert, ex batería de Great Lake Swimmers, tiene con Erik Arnesen, quien sí sigue militando en el grupo de Vancouver, ya se percibe que posee la misma intensidad y sensibilidad que Justin Vernon en el que fue también su debut como Bon Iver. Seguro que no va a suscitar el mismo entusiasmo pero bien se lo merece porque estamos hablando de otro inmenso y sobrecogedor cancionero.

“Funeral Song” recuerda a Bon Iver, sí, sobre todo por su sentido y desprotegido timbre de voz, pero en algunas piezas también se intuye ese ritmo base al ralentí y antiguo que poseía el country folk de estandartes como “This Land is Your Land” de Woody Guthrie, desfigurándola con tonos fríos al piano y a la eléctrica. Si el autor de aquel “For Emma, Forever Ago” se refugió en una cabaña, Huebert ha despedazado sus emociones retirado en una granja y grabando en baños, escaleras, playas, habitaciones de hotel y tejados. No todo es tristeza relajada sino que también hay momentos exultantes como “Never Ever Ever Ever Again”, “Everything I Have” o “It’s All Going To End”.

Celestí Oliver

REGGAE

1111

Pocos son los discos de presentación de una banda que inmediatamente adquieren el título de disco del año. Pero, y ojalá me equivoqué porque significaría lo sano que está el panorama por estas tierras, este primer trabajo de Smooth Beans lo será, a nivel estatal y respecto de la música jamaicana. Desde el primer corte se puede decir que estos cántabros lo han clavado. Reggae añejo, con un sonido de lo más sesentero pero debidamente actualizado. Cuidado escrupuloso de todos y cada uno de los múltiples detalles de todas las canciones, pero el disco suena totalmente fresco y natural. Música de excelente conocimiento y saber hacer jamaicano sin que por ello suene empalagoso de un exceso de purismo. A destacar, aunque en este caso es complicado por la bestial calidad del trabajo, los coros y las harmonías vocales que consiguen en las canciones, la justa medida de sus percusiones que resaltan sin tapar nada, la aparición de Roberto Sánchez (aka Lone Star) no solo como productor, sino añadiendo su voz en “Work” y un excelentísimo dub de su joya instrumental “The Road Of Cherokee”. Un disco imprescindible y todo un acierto de Liquidator. Iván Ferrer

STARS

“The Five Ghosts” Vagrant/Popstock!

POP

1114

Opositores al título de banda más injustamente ignorada de la historia del indie-pop, cada nuevo lanzamiento de Stars debería ser recogido a estas alturas con palmadas orejeras y expectación generalizada, al menos tanta como la que generan los trabajos de sus compatriotas The New Pornographers, a los que igualan en número de referencias y también en dianas. Tal vez Stars nunca vuelvan a completar un disco tan redondo como “Set Yourself On Fire”, lo que importa poco mientras continúen sembrando sus discos de caramelos ácidos, entre el pop de cámara y el homenaje a New Order. Por ejemplo las preciosas “How Much More” (“Cuanto tiempo se supone que tengo que esperar / Cuánto tiempo se supone que tengo que estar roto / Pediste tiempo y el tiempo te llevó lejos”), “Dead Hearts” o “The Black House The Blue Sky”, esta última junto a Montag, en un Ep de cuatro canciones que también incluye colaboraciones de Of Montreal y The Album Leaf y que forma parte de una edición limitada. No siempre mantienen el nivel, pero cuando aciertan pocos como ellos hacen de la sencillez un movimiento sísmico de semejante magnitud. Luis J. Menéndez

ARCHITECTURE IN HELSINKI “Moment Bends” Coop/Music As Usual

POP

1111

Exaltado estaba escuchando “Moment Bends” cuando un amigo me comentó: “pensaba que estos estaban ya repartiendo pizzas”. Bien, pues alégrense de que haya pasado tanto tiempo desde “Places Like This” (2007), con apenas un Ep de por medio. Seguramente ese descanso –si es que lo ha sido- les ha servido para pensar hacia dónde dirigirse. Y mira por dónde, estoy convencido de que han tomado la me-

jor de las opciones. Los australianos se han sacado complejos de encima y se lanzan de cabeza al pop más accesible, ochentero e incluso comercial (entendiéndolo desde su perspectiva) que puedan ustedes imaginarse. No son Alphabeat, pero quién sabe si algún día lo serán. Lo que sí sé es que aquí hay algunas de sus mejores canciones y de las más redondas, desde el single “Contact High” hasta “Yr Go To” o “Escapee”. Eso sí, sepan que ahora los nombres con los que compararles son bien distintos, desde los grupos nórdicos como los primeros Alphabeat o Ace Of Base, pasando por Madonna, Fleetwood Mac e incluso Prince, o mejor dicho Ben Gibbard cantando temas de Prince. Pero sobre todo, no se me asusten y escuchen “Moment Bends”, porque merece la pena. Les diría que si no lo disfrutan tanto como yo les devolveré el dinero, pero no están los tiempos para bromas. Joan S. Luna

TANLINES

“Volume On” Family Editron/Pias

ELECTRÓNICA

1114

Tanlines son Eric Emm (Don Caballero, Brothers) y Jesse Cohen (Professor Murder) y tras unos inicios remezclando temas de Telepathe, Au Revoir Simone o Memory Tapes, el año pasado decidieron darle mayor relevancia a un proyecto con el que habían debutado en 2008 con el single “New Flowers” (Young Turks, 08). “Volume On” recoge todas las grabaciones del dúo, el EP “Settings” (True Panther Sounds, 10), algunas rarezas y varias remezclas a cargo, entre otros, de Memory Tapes, quienes les devuelven el favor, y muestra a un par de músicos inquietos buscando su propia manera de injertar exotismo y cajas de ritmo: “Three Trees” suena como una partida de SEGA bajo un cocotero y “Bees” recuerda tanto a El Guincho que uno se siente inclinado a buscar la fecha en que fue compuesta, aunque la forma de cantar de Emm contraste sobre las bases con un tono que no termina de desprenderse del aura de sus otros proyectos. A pesar de eso, suenan vitalistas, recreativos y audaces, como se supone que deben sonar dos tipos pasando un buen rato, por mucho que empecemos a cansarnos de la excusa tropicalista, que ha pasado de soplo de aire fresco a nuevo cliché. Joan Cabot

TELEKINESIS

“12 Desperate Straight Lines” Merge/Morr Music

POP

1114

El bajo musculoso y los punteos de guitarra afiliados a la tradición de los mejores ochenta de “Please Ask For Help” o “Country Lane”, sencillamente atrapan. Otras veces, Michael Benjamin Lerner delega en muros de guitarra al más puro estilo Fountains Of Wayne, como en “50 Ways”, “Car Crash” o “Palm Of Your Hand”, permutando delicadeza por rotundidad. Canciones que apenas rebasan los tres minutos, ni tan bien redondeadas como para convertirse en clásicos instantáneos, ni tan huérfanas de gancho melódico como para no atrapar a la primera. A veces parecen meros bocetos, pero no pueden ser más eficaces en su función de ejemplares viñetas de todo lo que el buen pop debe tener.

Repite Chris Walla (de Death Cab For Cutie, quienes podrían sin problemas pasar por sus primos hermanos mayores) a los controles, y, en líneas generales, se aprecia más nervio que en su ya de por sí notable debut, sin que el olfato por las buenas melodías decaiga.

Consistente y contagiosa secuela. Bravo por ellos. Carlos Pérez de Ziriza

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vinilos /52/ Abril 2011 · MondoSonoro

vivian girls, disco de madurez THE STREETS

“Computers & Blues” Atlantic

Rap

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Tras aprovechar la pujanza del UK Garage como trampolín a la primera línea del Rap británico, Mike Skinner hizo su definitiva contribución al género abrazando el crossover, siguiendo la lógica de que, si los americanos habían construido el hip hop sobre las colecciones de vinilo de sus padres, el británico de a pie debía hacer otro tanto a su manera, sin mirar al otro lado del océano más de lo necesario. Ahí están los resultados: Jamie T, Plan B e incluso Tinie Tempah han aprovechado en diferente grado el hueco abierto por The Streets. Skinner, por su parte, sigue ostentando el cetro de Blanco Más Espabilado del Reino tomando las tácticas del rap para aplicarlas a un campo de batalla mucho más amplio en el que el pop geezer y el R&B hooligan sirven de apoyo para unas letras que apelan a una generación que alterna pub y club, para quien Top of the Pops y Jay-Z son igualmente definitorios. No es su disco definitivo, aunque sí haya anunciado que será el último. Ha sido divertido. Celebrémoslo. Joan Cabot Vivian Girls Foto Archivo

VIVIAN GIRLS “Share the Joy”

Polyvinyl/Houston Party

POP

1111

Salto sin red, en doble carpa y con tres tirabuzones, el que realizan Vivian Girls en su tercer álbum para, ojo, tapar bocas. Las bocas de aquellos que decían que no tenían canciones, que eran un grupo solo de sonido, que eran amateur en mal sentido, y bla bla bla… En fin, todas esas excusas que ponían sus detractores para no quererlas se van al traste con un señor disco que demuestra que eso de la madurez en la carrera musical de un grupo no es igual a aburrimiento, a agotamiento de fórmula y a pérdida de pegada y talento. Más bien al contrario.

Las Vivian Girls de “Vivian Girls” y “Everything Goes Wrong” ya eran muy buenas, que conste, pero es que con este “Share the Joy” la cosa se sale del mapa. ¿Las claves para este salto de gigante? Pues mejores canciones, un lifting en el ruido y unas armonías vocales que lucen mejor que nunca. El trío neoyorquino conserva el espíritu DIY y el corazón surf pop casi ramoniano que nos enamoró al instante, pero ahora se atreve con canciones que superan los seis minutos de duración (las excelentes “The Other Girls” y “Light In Your Eyes”), a versionar a Green On Red (“Sixteen Ways”) y emular a The ShangriLas (“Take It As It Comes” es chicle pop de primer orden).

Lo dicho, con “Share the Joy”. Vivian Girls demuestran que en esto de los grupos de chicas de nuevo cuño, no hay dios que las tosa. Xavi Sánchez Pons

THE BLOODY BEETROOTS

THE CAVE SINGERS

THE SAND BAND

Different /PIAS

Jagjaguwar

Deltasonic / Coop.

“Best of... remixes” Electrónica

“All Through the Night”

”No Witch” 111

Estos italianos enmascarados y disfrazados de fans de Motörhead -léase Bob Rifo y Tommy Tea- son, junto a Crookers, el dúo más celebrado del electro-serrucho fino trasalpino y, seguramente, mundial.

El caso es que en este piscolabis recogen los remixes que entre bolo, after y festejo -se les cuentan por cientos en los últimos tiempos- han pergeñado para gente de la talla electroide de The Chemical Brothers, Vitalic, MSTRKRFT o Tiga. Después de escuchar la buena mascletá inicial -trallazo sin discusión el remix del “Cant stop me now” de Goose que abre el disco- nos damos de bruces con la verdadera talla de estos tipos como remixers; son flojos tirando a reguleros. El problema es que tras el sirenazo habitual, el break apabullante que nos hace subir y bajar cual montaña rusa y esos efectillos tan previsibles como repetidos -Vitalic debería de cobrarles royalties por ellos- no hay nada nuevo bajo el sol. En fin, siempre nos quedará verlos en directo, ahora como The Bloody Beetroots Death Crew 77 no hay quien les tosa; Dios me libre… vamos.

Fernando Fuentes

FOLK-ROCK

1114

Una buena sorpresa para aquellos que aun no les conocen pueden suponer estos The Cave Singers con su tercer disco. Recordemos que esta es la banda formada por Derek Fudesco (ex Murder City Devils y Pretty Girls Make Graves) y Peter Quirk (ex de la banda de culto Hint Hint) junto a Marty Lund (Cobra High) dedicada en cuerpo y alma a un indie que bebe tanto del folk como del blues. Una propuesta, por tanto, que se aleja sustancialmente de los nombres citados. Hipnótico sería el adjetivo que mejor se ajusta a “No Witch”, un disco que parece compuesto y grabado para ser escuchado de noche y quizá en un estado de alteración de la normalidad. Y es que si las estrellas se alinean, es muy difícil no dejarse llevar por la insistente “Falls” o mecerse en “Outer realms”, aprenderse los coros góspel de “Clever creatures” o rememorar a los Stones más bucólicos a lo largo de la escucha de un álbum que cumple también en eso con unos estándares de longitud y concreción que no le restan puntos: The Cave Singers son tres buenos músicos y no quieren ser una superbanda folk, su oferta manejable es su baza. Ignacio Pato L.

Pop

1114

A pesar de que uno pueda encontrarles parientes cercanos con relativa facilidad (Richard Hawley, Shack, incluso The Verve) y de que su música forme parte de una tradición reconocible dentro de la música británica, hay que admitir que el grupo liderado por David McDonnell y Scott Marmiom son una auténtica anomalía en la escena pop de la islas. Procedente de Liverpool y recientemente reclutado por Noel Gallagher para su banda de acompañamiento, McDonnell combina a la vez el tono grave y hondo de un cantautor de corazón baqueteado y la llama de la juventud, como si, contra toda lógica, el otoño y la primavera consiguieran encontrarse en algún punto del camino. “All Through the Night” hace honor a su título: es un álbum perfecto para superar noches frías y solitarias, pero también para saludar nuevos amaneceres, cuando la niebla se disipa y te sientes revivir. “Set Me Free”, “Open Your Wings”, “If This is Where it Ends” o “To Be Where You Are” son todas ellas baladas cauterizadoras, como curativo resulta todo un álbum que uno diría pensado para escuchar a solas en el bosque, de noche.

Joan Cabot

THOSE DANCING DAYS

“Daydreams & Nightmares” Wichita

POP

114

Hace tres años Those Dancing Days se adscribieron, igual casi sin saberlo, a la primera oleada del revival del indie pop saltarín. Un revival que en su momento capitanearon los ya consagrados Vampire Weekend y otros grupos tesoro algo olvidados hoy para que negarlo) como Pete And The Pirates y The Little Ones. “In Our Space Hero Suits” (2008) era un disco de pop atemporal, lleno de grandes melodías y de una encantadora bisoñez, en fin, un debut que las convirtió en uno de los diamantes en bruto del nuevo pop independiente sueco. Ahora bien, en su segundo esfuerzo, este “Daydreams & Nightmares”, poco queda del aquel pop colorido y saltarín que enganchaba a la primera. El quinteto de Estocolmo ha decidido ponerse serio en el mal sentido, coger un productor de renombre, Patrik Berger (Robyn), y apagar la llama de su pop cardíaco. Dejando de lado las chispeantes “I’ll Be Yours” y “Can’t Find Entrance”, el resto del disco se sitúa en una peligrosa tierra de nadie más cercana a Natalie Imbruglia (“When We Fade Away”) que a esa supuesto aire ochentas a lo The Cure meets Fleetwood Mac que busca. Una pena. Xavi Sánchez Pons

THE VATICAN CELLARS

“The Same Crooked Worm” WIAIWYA

POP

111

El debut de los británicos The Vatican Cellars huele a oscura librería de segunda mano, a tazas de té y tomos de poesía en cartoné.

Supongo que el hecho de que provengan de Oxford y Londres y que hayan tomado el nombre prestado de una de las novelas de André Gide contribuye considerablemente a retratarlos como unos intelectuales que coleccionan penalizaciones por retraso en distintas bibliotecas, pero también sirve

para hacernos una idea de la clase de disco que es “The Same Crooked Worm”. Porque en el caso de The Vatican Cellars tanto vale citar a Belle & Sebastian, Tindersticks y el Nick Cave menos tormentoso como a Dylan Thomas y Percy Shelley. Su música es sensible y algo afectada, la clase de folk para días lluviosos que uno asocia invariablemente a Nick Drake, y sus letras parecen o están escritas por la clase de personas que creen que visitar tumbas es un pasatiempo legítimo. Ni a Simon Hugues ni a The Birthday Girl (juro que así se hace llamar), los dos compositores del grupo, se les da nada mal la melodía, pero el resultado es algo pretencioso, cursi y deprimente como para que andemos aquí descorchando champán en su honor, así que nos limitaremos a dar un discreto sorbo a nuestro té e intentaremos pensar en alguna lóbrega cita literaria que sugiera a partes iguales heroicidad y derrota. Joan Cabot

BEATSTEAKS “Boom Box” Warner

ROCK

1114

Qué agradable es a veces olvidarse de todo lo malo y divertirse un poco entre amigos.

Esa simple premisa parece ser la clave del último disco de Beatsteaks, toda una institución en Alemania y capaces de ser llamados a tocar en la mismísima última edición de la Berlinale. Un álbum que parece hecho para ser disfrutado en verano, cuando te levantas sin despertador, o en esas tardesnoches en las que cambias la rutina por botellines de cerveza y risas entre colegas.

“Boom Box” no es un disco de punk porque Beatsteaks hace mucho que dejaron -si es que alguna vez lo fueron- de serlo, es pop-rock de celebración, de medios tiempos y de guiños a esos sonidos negros de los que siempre se han confesado fans, una obra que carece de bajones llamativos, que deja alguna perla como esa última “Houses On Fire” y sobre todo es ese trabajo que, a estas alturas de carrera, confirma que si una banda hace bien lo que sabe hacer no les hace falta innovar. Y en ese caso, los simpáticos Beatsteaks siguen mereciendo nuestra atención con cuerda para rato.

Ignacio Pato L.

YELLOWCARD

“When You’re Through Thinking, Say Yes” Hopeless Records

ROCK

11

Pasa rápido el tiempo, este es ya el séptimo disco de Yellowcard. Lejano queda el año 1997 en que debutaron con aquel título tan gamberro de “Midget Tossing” y por el camino les ha dado tiempo de sobra a estar en una multinacional, participar en iniciativas tan dispares como el recopilatorio “Rock Against Bush” o la película “Spiderman 2” y a tomarse un respiro hace un par de años. Y la verdad es que lo que ofrecen en esta novedad, de corta duración y previsible contenido (eso no es un defecto para los fans de la música pop-punk, obviamente) son diez canciones más que sumar a su repertorio sin, como decimos, grandes aspavientos ni quebraduras de cabeza. Las emotividades propias del género, la entrecortada velocidad y los coros que adornan las historias vitales son, junto a los vientos que sirven de elemento en cierta manera distintiva del grupo, los ingredientes principales de un álbum que no está dirigido a aquel que una vez escuchó a Yellowcard y no le gustaron. Por el contrario, y como manda el tópico, seguramente no reciba malos calificativos por parte de sus jóvenes incondicionales. Ignacio Pato L.

MondoSonoro · Abril 2011 /53/

ZA!

“Megaflow” Gandula/Acuarela

ROCK

1111

Fue el poeta francés Paul Éluard el que dijo aquello de “existen otros mundos, pero están en este”. Obviamente no se refería al universo de los multiinstrumentistas Spazzfrica Ehd y Papa duPau, pero su cita encaja a la perfección con lo que estos barceloneses nos han venido ofreciendo desde hace años.

Como no es una excepción en su historial, “Megaflow” vuelve a ser un universo en si mismo, un mundo en el que van y vienen los sonidos y los estilos musicales más esquivos, acercándose a la world music para brincar en una milésima de segundo al math rock , fintar unos segundos free jazz y acabar en una oceánica isla perdida en la que todos sus amigos les están esperando para montar un sarao descomunal. Por el camino van cayendo agradecimientos, bromas certeras, una meditadísima perspectiva de la improvisación y, por encima de todo, una maestría musical que dispara el diámetro de la boca de cualquier oyente a la primera escucha. Y ahora consiguiendo por primera vez que su trabajo en estudio le haga justicia a sus arrolladores directos. Música celestial para algunos, infernal para otros, pero libre, fantástica e imaginativa. Joan S. Luna

VV. AA.

“Diversidad” Zona Bruta/Warner

RAP

111

Proyecto desarrollado por la European Music Office y promovido por el agitador francés Laurence Touitou: veinte artistas provenientes de los diferentes países de la unión trabajando conjuntamente en un álbum que pretende mostrar la cara integradora de la cultura urbana y la música rap. Grabado a lo largo de diez días de convivencia en Bruselas, el álbum cuenta con Nach y Cookin’ Soul como representantes españoles, con estos últimos produciendo hasta cuatro cortes de un álbum que pretende convertir ahora la experiencia en un festival itinerante con muestra de arte urbano y la gira de los artistas que han participado en el álbum. Una idea bienintencionada, en resumen. Así que es lógico que un álbum que reivindica precisamente la diversidad en el continente sea a su vez un trabajo diverso en estilos y tonos que carece del agarre de un verdadero álbum pero que contiene las dosis justas de talento y se agradezca el ambiente de celebración de un trabajo que muestra la mejor cara de la cultura hip hop. Joan Cabot

NEON TREES “Habits” Universal

POP

11

Neon Trees se mueve en ese nebuloso terreno entre el mainstream y cierta autenticidad creativa. Fueron catapultados a la primera fila por un single infeccioso, “Animal”, que les puso en el mapa de una escena a la que pertenecen bandas como Blink 182, 30 Seconds to Mars o My Chemical Romance. Su primer álbum, este “Habits”, oscila entre la efectividad para nostálgicos de los primeros The Killers (“Sins of My Youth”, el mencionado single o “Girls

And Boys In School” son eficaces composiciones en ese sentido) y algunas concesiones a la fórmula pop para adolescentes (“1983”, “Helpless”). Esta mezcla desigual no beneficia a un disco de por sí breve (diez canciones en unos treinta y cinco minutos, incluso ampliando en dos temas el publicado en Estados Unidos), cuya intensidad se concentra en apenas cuatro cortes. La banda capitaneada por Tyler Glenn luce buen oficio y probablemente más conocimiento de la música que otras formaciones similares (como demuestra la referencia a “The Lovecats” de The Cure en “In The Next Room”), pero le falta un mayor número de canciones contundentes para lograr su espacio. Jaime Menchén

vinilos

La selección Jäger:

The pains... mantienen el tipo

PAPERCUTS

“Fading Parade” Sub Pop/Popstock!

POP

1114

Durante años, Jason Quever ha alternado sus propios álbumes con las labores de ingeniero para artistas como Cass McCombs, Beach House, Casiotone For The Painfully Alone o Vetiver, una lista que ayuda a delimitar el espíritu del sonido de Papercuts, puro dream pop con claras reminiscencias del wall of sound de Phil Spector, pero aplicado a unas canciones que tienen mucho de joven alquimista solitario perdido en el bosque de la melancolía. Porque “Fading Parade” es un disco sobre el olvido y la añoranza, sobre aquellas personas que han desaparecido de nuestras vidas, sus caras desdibujadas por el paso del tiempo.

“Do You Really Wanna Know” abre el disco briosa y soberbia, la pócima Papercuts llevada a la magnificencia, pero por lo general Quever tiende al barroquismo, adentrándose en una atmósfera ingrávida que acaba por ser tan importante en el desarrollo del álbum como las mismas canciones.

Esa tendencia, lejos de entorpecer, es en lo que se apoyan en última instancia unas canciones embriagadoras, ensoñadoramente evocadoras, que, si bien puede que sepan a poco para los que haya seguido su carrera desde sus inicios en Antenna Farm y Gnomonsong, confirma a Jason Quever como uno de los talentos a reivindicar de la escena pop americana. Joan Cabot

THE TWILIGHT SINGERS “Dynamite Steps” Sub Pop/Popstock!

ROCK

1111

Aunque la verdad es que Greg Dulli no ha parado quieto últimamente (véase el proyecto Gutter Twins junto a Mark Lanegan o sus inspiradas aventuras en solitario), este es el primer disco de Twilight Singers en cinco años. Mucho tiempo, es cierto, pero la espera ha valido la pena. Siguiendo una línea continuista en estilo pero ascendente en calidad, “Dynamite Steps” mantiene las mismas pautas que sus predecesores, esto es, melodías sencillas y elegantes, coqueteos con la electrónica, trabajadísimos arreglos instrumentales, letras profundas y preciosas, y, sobre todo, el protagonismo casi absoluto de Dulli, con ese registro vocal tan suyo a medio camino entre el histrionismo y el quedarse sin aliento, pero siempre con una fuerza y un soul que le aúpan como una de las voces más personales del panorama actual. Con temas más ambientales y épicos como “Last Night In Town”, y pepinos rollo Afgan Whigs escenificados en temas como “Waves” o “On The Corner”, este disco gustará a los no iniciados y encantará a los seguidores de The Twilight Singers, y, en especial, de su gurú Greg Dulli. Daniel Arnal

The Pains Of Being Pure At Heart Foto B. Kopecna

THE PAINS OF BEING PURE AT HEART “Belong” Pias

POP

11114

Dice el tópico que el tercer disco es la reválida definitiva y la prueba más dura que debe superar un grupo, pero en un caso como el de The Pains of Being Pure at Heart la cosa ya se pone dura con el segundo intento. La culpa la tiene su debut homónimo de hace un par años, un absoluto shangri-la para los amantes con menos manías del C-86 y para un buen número de neófitos en el género, que les convirtió en unas de las bandas de pop independiente más queridas y valoradas del planeta. De ahí que ahora sea el momento de demostrar si lo suyo va en serio o es el enésimo hype de temporada. Pues bien, tras escuchar “Belong”, nos quedamos con lo primero, ya que los neoyorquinos han vuelto a entregar una colección

de canciones de traca en la que abrazan nuevos referentes sin traicionar sus señas de identidad. De hecho, casi no se nota la mano de Alan Moulder y Flood, dueto estrella de productores que -gracias a dios, todo sea ha dicho- han respetado la esencia del pop epidérmico y ganador de los Brooklyn. Los ecos a la New Order de la ensoñadora “The Body”, el punk pop de la vibrante “Girl of 1.000 Dreams” y los aires a lo Adorable de “Belong”, se unen a nuevos clásicos made in The Pains of Being Pure at Heart que vuelven a dar nueva vida al indie pop de los ochenta. Ahí están para demostrarlo canciones redondísimas y gigantes como “Even in Dreams”, “Too Tough”, “Anne with an E” y “Heaven’s Gonna Happen Now”. Prueba superada con nota.

Xavi Sánchez Pons

vinilos /54/ Abril 2011 · MondoSonoro

reediciones

HOO DOO, REEDICIONES PARA LA HISTORIA

Hank Ballard Foto Archivo

THE CADILLACS

“The Fabulous Cadillacs/The Crazy Cadillacs”

HANK BALLARD & THE MIDNIGHTERS

“Hank Ballard & The Midnighters/Singin’ And Swingin’” Hoo Doo Records

R&B

1111

La actualidad corre a toda prisa, por eso precisamente de vez en cuando deberíamos tomarnos un respiro y echar la vista atrás, tan atrás como sea necesario si los discos merecen la pena. Y tengan claro que todas las referencias que forman parte de las reediciones de Hoo Doo lo valen, y mucho. Entre la avalancha con la que nos están deleitando este mes nos quedaremos con los trabajos de The Cadillacs y Hank Ballard.

Los primeros fueron (y en cierta manera continúan siendo, nos visitaron hace menos de tres años) uno de los grandes grupos vocales estadounidenses de los cincuenta, dirigidos por Earl

CICATRIZ “Inadaptados” KORTATU “Kortatu”

PANTERA

Elkar

Rhino/Warner

ROCK VASCO

Carroll y con composiciones de Esther Navarro. “The Fabulous Cadillacs” (1954) y “The Crazy Cadillacs” (1959) recogen su época dorada y la totalidad de los hits que les hicieron grandes, desde la emblemática “I Wonder Why” hasta la tardía “Peak-A-Boo”, pasando por “Speedo” (recuérdenla en la banda sonora de “Uno de los nuestros” de Scorsese). Si su legado es brillante, poco por detrás se quedan “Hand Ballard & The Midnighters” (1954) y “Singin’ And Swingin’” (1959), dos vibrantes discos de R&B y rock’n’roll de una de las voces más dotadas del Detroit de aquellos días e influencia directa reconocida por el mismísimo James Brown. Solo por disfrutar de “The Twist”, una composición original de Ballard que pasaría a la historia con mayor repercusión en voz de Chubby Checker o “In The Doorway Crying” –con un inicio que apuntaba al “Misirlou” de Dick Dale- ya vale la pena hacerse con este compacto, una referencia más de esta indispensable colección de sonidos oldies. Joan S. Luna

THE SOFT BOYS

“Cowboys From Hell” 11114

El histórico sello donostiarra, cuartel general de artistas idiosincráticos como Benito Lertxundi o Itoiz, ejerce de Indiana Jones en tareas de rescate arqueológico. Por un lado reedita dos discos totémicos: el primer trabajo del malogrado cantautor Mikel Laboa, “Bat-Hiru” (1974), y “Hautsi da Anphora”, la primera piedra en el túmulo del sempiterno cantante de las gafas de pasta, Ruper Ordorika. Si el primero está considerado “el mejor disco vasco de la historia”, el segundo aúna magistralmente la característica poesía de Bernardo Atxaga con la electricidad y la enjundia de un pop plenamente visionario. Por otra parte enfoca el retrovisor en la década de los ochenta, y más concretamente en lo que el periodista Pablo Cabeza, convino en denominar Rock Radical Vasco. Los discos debut de los pamplonicas Barricada, los alaveses La Polla Records, los gasteizarras: Cicatriz y los irundarras Kortatu, recuperan el espíritu crítico y los acordes rebeldes de una generación en la que el cuero y el imperdible servían para catalizar una filosofía vital en la que primaba el inconformismo y la rebelión ante el estado de las cosas. Los vinilos de ciento ochenta gramos y la cuidada presentación de los libretos, que han sido objeto de revisión y corrección, cuentan con el plus del tratamiento recibido por el audio a manos del mítico ingeniero de sonido Jean Phocas. Miguel A. S. Gárate

METAL

“A Can Of Bees” “Underwater Moonlight” 11111

Fueron los más grandes en lo suyo. Su nombre era sinónimo de metal y viceversa. La formación heavy más pura, brutal y exitosa de los noventa.

Estaban Metallica y Sepultura, cierto, pero Pantera palparon la repercusión de los primeros sin renunciar al salvajismo de los segundos. Pero eso sería unos años después. El álbum que marcó el renacimento de la banda tras un periodo obviable cercano al glam metal fue este “Cowboys From Hell”, historia del género en mayúsculas junto a “Vulgar Display Of Power” y “Far Beyond Driven”. Si bien en estos últimos depurarían del todo su nuevo sonido y personalidad, “Cowboys From Hell” es quizás el más significativo en tanto que encarna a la perfección la bisagra entre esas dos etapas: la que dejaban atrás, más cercana al hair metal y el heavy clásico, un bagaje latente en los falsetes de “Heresy” y “Shattered” o en la balada himno “Cemetary Gates”; y lo que estaba por venir, una amalgama de thrash modernizado que tampoco era thrash; un groove metal novedoso y fresco, con riffs imaginativos y rompedores; y un nuevo frontman venido de otro planeta, un Phil Anselmo con las dosis justas de talento, peligro y carisma.

Desde el tema título, que se pega a tu cabeza y ya no te suelta, hasta la final “The Art Of Shredding”, todo aquí es heavy al cubo. Si no lo tienes no te gusta el metal. Cómpralo o muere. David Sabaté

Yep Roc

ROCK

11114

Teniendo en mente hacia dónde iba la música británica a finales de los setenta, con el punk a punto de cambiar para siempre las reglas del juego y toda una generación de niños perdidos dispuestos a hacerse oír, la clase y la sofisticación de The Soft Boys debe ser catalogada de proeza a contrapelo, de reto a su propio tiempo. Formados en Cambridge en 1976, el grupo del gran Robyn Hitchcock representaba no solo el apego a un pasado que el punk había venido a demoler, sino también la premonición de un futuro no demasiado lejano en el que las melodías pop volverían al primer plano una vez escampada la polvareda levantada por Sex Pistols. Si en “A Can Of Bees” (1979) se adivina algo de lo que Television venían haciendo en Nueva York, con Hitchcock y el guitarrista Kimberley Rew entrelazando riffs con una energía premonitoria del post-punk, dos años después el grupo grabaría un segundo largo destinado a convertirse en una obra de culto, claro antecedente del jangle pop y el revival que tomaría el relevo a mediados de los ochenta. “Underwater Moonlight” (1981) es un disco adelantado a su tiempo y a la vez, su mayor virtud, es la de saber mirar atrás sin nostalgia, empujando las melodías de The Byrds y la psicodelia folk hacia un terreno entonces todavía desconocido. Joan Cabot

mondorecomienda

/56/ Abril 2011 · MondoSonoro

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELÍCULAS ★ CLIPS ★ documentales

libros

“Brutal Relax” Foto Archivo

cine

Capitalismo Gore Sayak Valencia Melusina (114)

Se agradecería un tono menos docto, menos académico, pero sin duda el tequila, el sexo y la marihuana de Tijuana necesitan una revisión seria en toda regla. La joven ensayista local, Sayak Valencia, nos da claves y citas. El mismo diablo tiembla al pensar que el Infierno se acabe mexicanizando.

Luis Argeo

Brooklyn

Colm Tóibín Lumen (111) Llamada a conseguir que Colm Tóibín deje de ser un desconocido en nuestro país, “Brooklyn” narra la historia de Eilis, una joven procedente de una pequeña ciudad irlandesa que emigra a la Nueva York de los años cincuenta. Lejos de las grandes epopeyas, Tóibín fija su atención en una historia que podría ser la de muchas chicas que dejaron su país. Ligera e inocua, apunta a bestseller. Joan Cabot

Pic

Jack Kerouac Ediciones Escalera (1111) Lectura de cabecera de Tom Waits, “Pic” es la historia de un jovencito de color que, acompañado por su hermano, huye de su Carolina del Norte natal hasta California previo paso por Nueva York, acompañado por su genial hermano mayor. En esencia, Kerouac y Cassidy on the road de nuevo, esta vez disfrazados de hermanos sureños. Tan inocente y simple como genial y encantadora. Daniel Arnal

Medidas Desesperadas Lydia Lunch Libertos editorial (1114)

La polifacética e icónica Lydia Lunch se regala aquí con un libro en el que confluyen el ensayo autobiográfico más ácido y sincero, relatos punk cargados de surrealismo (o hiperrrealismo, depende de cómo se mire) y entrevistas con otros bichos raros de la literatura contemporánea como Humbert Selby Jr. Una obra tan excesiva como interesante de una artista imprescindible. Daniel Arnal

“Brutal Relax”

el mejor gore patrio El cine de terror español está lleno de héroes anónimos. Tres de ellos son Adrián Cardona, Rafa Dengrá y David Muñoz, unos enamorados, entusiastas y jóvenes veteranos del género que con el excelente cortometraje “Brutal Relax” han conseguido sacar la cabeza fuera del underground. Los merecidos premios gordos en Fantasporto y en la Semana de Terror de Donosti tienen la culpa.

Milagro de la rosa Jean Genet Errata Naturae (1111)

Una de las autobiografías más auténticas, descarnadas y demoledoras del siglo XX. Escrita en pedazos de bolsas de papel durante un período de reclusión carcelario, Genet sienta las bases de lo que sería el germen de su literatura: amor sórdido y descorazonado, sexo enfermo y turbado, la vida como catástrofe, la luz, el ritual, el mito… La primera gran obra de un genio. Daniel Arnal

Marcos Montes David Monteagudo Acantilado (111)

Después del sorprendente éxito de “Fin”, David Monteagudo vuelve con una novela corta cuyo punto de partida nos remite a la experiencia reciente de los mineros de Chile para convertirse posteriormente en una suerte de fantasía mística. Un libro y una intriga para pasar un buen rato sin demasiadas complicaciones.

Ernesto Bruno

“Brutal Relax”

Adrián Cardona, Rafa Dengrá, David Muñoz Eskoria Films

M

ás allá de los nombres que han dado lustre al cine de terror nacional en los últimos años, directores como Jaume Balagueró, Paco Plazo o Nacho Cerdà, entre otros, hay una serie de locos enamorados por el género que han conseguido hacerse un nombre en el underground del fantaterror español gracias a un buen número de cortos y demás proyectos. Los directores de “Brutal Relax”; Adrián Cardona, Rafa Dengrá y David Muñoz, son tres de ellos, y han dirigido un genial corto a tres manos

que recupera el gore más extremo y divertido a la Peter Jackson. (Rafa Dengrá y David Muñoz) “Las referencias más claras del corto son: ‘Humanoides del abismo’ y ‘Demons’. El festival de gore y de divertimento de ‘Braindead’ y la exageración de ‘Historia de Ricky’. De hecho podríamos catalogar a los monstruos de nuestro corto como una mezcla entre los Templarios de Ossorio, los zombis de Fulci y los demons de Bava”. Uno de los puntos fuertes de “Brutal Relax” son los excelentes efectos especiales, un verdadero trabajo de artesanía con, eso sí, algún retoque digital. (Dengrá) “Adrián (Cardona) estuvo más de un mes preparando el ‘muñequismo’; cuerpos, cabezas, costillas, esqueletos, niños, etcétera. Luego yo me tiré otro buen tiempo insertando cabezas de verdad, salpicones de sangre... Creo que el mezclar estos dos artes ha dado un resultado mucho más espectacular y verosímil que utilizar cualquiera de los dos en exclusiva”. ■ Xavi Sánchez Pons

libros

Nueva York

Pier Paolo Pasolini Errata Naturae (1111) Veinticinco años después de su muerte, Pasolini, una de las figuras más relevantes de la cultura subversiva del siglo pasado, regresa a la vida con este libro formado por dos textos diferenciados en los que, por un lado, nos ilustra con su pensamiento crítico sobre temas como Dios, el sexo o la poesía, y por el otro, a través de sus recuerdos, nos hace enamorarnos por enésima vez de la gran manzana. Daniel Arnal

Los superhéroes y la filosofía VV. AA. Blackie Books (1111)

Dieciséis filósofos norteamericanos, junto a un buen puñado de críticos y escritores importantes del mundo del cómic, se juntan para debatir acerca de la relación entre los grandes problemas metafísicos del hombre y su relación con el mundo de las tramas superheroicas. Tan original como interesante, posee varios pasajes de una brillantez sobrenatural. Daniel Arnal

“El” y “Ella”, el imprescindible legado de Mercedes Pinto Mercedes Pinto fue una de las personalidades intelectuales españolas más importantes del siglo pasado. Amiga íntima de gente como Ortega Gasset o Unamuno y cabeza visible de la edad dorada del ateneo y la residencia de estudiantes de Madrid, fue exiliada en 1923 debido a su famosa ponencia “El divorcio como medida higiénica”. Y ahora llegan, de la mano de Ediciones Escalera, dos de sus obras clave. En “El”, la novela que inspiró a Buñuel para rodar su película del mismo nombre, la autora cuenta la historia de su relación con su primer esposo, un hombre que sufría una esquizofrenia violenta y la mantenía encerrada en su hogar. En “Ella”, Mercedes Pinto nos presenta una suerte de autobiografía de sus primeros veintipico años: feminista, subversiva, revolucionaria, intelectual… una figura más que carismática. ■ Dani Arnal

MondoSonoro · Abril 2011 /57/

mondoRECOMIENDA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

cómics

Dan Fante Foto Archivo

libro

Bodyworld

Dash Shaw Apa Apa/Sins Entido (111) Dicen que es el renovador del cómic, y sinceramente creo que buena parte de culpa la tiene su afición a enfrentarse a proyectos faraónicos como “Ombligo sin fondo” y más aún este “Bodyworld”. Cuatrocientas páginas en color que pretenden compaginar ciencia ficción y comedia juvenil. ¿Excesivo? A todas luces. ¿Valiente? También. ¿Genial? Antes prefiero destacar lo sobresaliente de la edición. L. J. M.

Edén

Kioskerman Sins Entido (11114) Liniers y Kioskerman ¿Suficiente para apuntar al advenimiento de una nueva historieta argentina? El Edén de Kioskerman supone una vuelta de tuerca al melancólico universo de su compatriota. Ciñéndose a una estructura de cuatro viñetas, a caballo de la tira de prensa y el poemario gráfico, pone a desfilar una serie de personales fabulosos (de fábula) por un territorio no exento de crueldad. L. J. M.

Cuentos de Pete el leñador Lili Carré Apa-Apa Cómics (1114)

Entrañables, patéticos en su tristeza y muy sensibles en cada uno de sus comentarios, Pete el leñador y el gigante Paul Bunyan se adaptan al mundo que les toca vivir como pueden (lo que pasa por relacionarse con animales muertos o vivos) y lo interpretan como si fuesen sueños. Carré borda este modesto y emotivo cómic más grande de lo que parece. Joan S. Luna

Macanudo 6

Liniers Mondadori (1111) Sumarse a la lista de fans de Liniers resulta sencillo. Van ya seis volúmenes de “Macanudo” y el nivel se mantiene. Sus personajes continúan siendo entrañables, su humor tan pronto puede ser totalmente surrealista como marcadamente emotivo, y todo ello con un dibujo y un coloreado preciosos. Me gusta Liniers. Nos gusta Liniers. J. S. L.

DAN FANTE

Hijo de Dios Por fin llega a España “Chump Change” (Sajalín, 11), la primera novela de Dan Fante.

A sus sesenta y siete años, y tras un buen número de novelas, libros de poesía, relatos y obras de teatro a sus espaldas, el hijo de John Fante ocupa, por méritos propios, un lugar de privilegio dentro de los autores de culto de Estados Unidos.

Juego de manos Jason Lutes La Cúpula (1114)

Nos deslumbró cuando La Cúpula la publicó dividida en tres volúmenes allá por 1999. Eran otros tiempos y las novelas gráficas no estaban a la orden del día. Esta reedición en un solo volumen del estreno de Jason Lutes vuelve a traernos a su colección de outsiders al límite, ilusionistas y timadores, pero la emoción a flor de piel de antaño resulta hoy demasiado forzada. L. J. M.

Psiquiátrico 1. El frenopático Lisa Mandel Astiberri (1111)

Lisa Mandel (“Princesa ama a princesa”) opta por el humor, lo que casa perfectamente con su caricaturesco grafismo, en esta inmersión en el oscuro mundo de las instituciones psiquiátricas en la Francia de los años sesenta. Y el tono, el generoso anecdotario que compone esta primera entrega, lejos de humanizar y rebajar el dramatismo, en ocasiones lo eleva hasta límites casi insoportables. L. J. M.

Supreme: la historia del año Supreme: el retorno DeBolsillo/Mondadori (11)

Existen dos formas distintas de acercarse al trabajo de Alan Moore con “Supreme”, que por fín llega completo a nuestro país. La acertada es aceptar que el británico quería trabajar con un superhéroe arquetípico y hacer piruetas con ello. Y si uno quiere disfrutar de “Supreme”, también deberá verlo así. En caso contrario, mejor dedicar tiempo a otros cómics recién publicados. J. S. L.

“Chump Change” Dan Fante Sajalín, 11

“

Te voy a contar una anécdota acerca de mi padre: cuando escribió ‘La hermandad de la uva’, me dejó a leer el manuscrito para que le diera mi opinión. Le dije que era un gran texto, pero que no tenía futuro comercial. Me lo arrancó de la mano y me gritó ‘¡A la mierda! escribo para mí, no para vender libros’. Desde entonces he seguido esa máxima al pie de la letra, creo que es uno de los mejores consejos que he recibido nunca”. Seguramente esta sea una buena explicación para comprender el tardío éxito de

Dan Fante en su país natal y el porqué de su no aparición en España hasta ahora. Enmarcado dentro esa corriente literaria de outsiders como Edward Bunker o Selby Jr que aúna autobiografía y ficción salvaje con alcohol, drogas, divorcio, crimen y demás lugares comunes de la vida moderna, y encumbrado por la crítica gracias a un talento excepcional para retratar la condición humana desde un punto de vista crudo y directo, Dan Fante es una personalidad inquieta que continúa trabajando a diario (“escribo como mínimo dos horas todos los días”) y defendiendo a capa y espada su trabajo. “Cuando me preguntan qué escritores recomiendo, el primero de ellos siempre es Dan Fante. El lector español aceptará bien este libro, a vosotros os gusta Bunker y Bukowski. Aquí leéis, os gusta leer. Deberías ver cómo está la cosa en Estados Unidos, el americano medio se ha olvidado completamente de leer, y cuando lo hace, puedes creerme, no busca los libros de gente como yo”. Ellos se lo pierden. ■ Daniel Arnal

videojuegos Dead Island

PC, Xbox 360, PS 3 Techland (1111) Un nuevo juego de zombis que se suma a la moda imperante en el mundo audiovisual, ambientado esta vez en una isa paradisíaca. El vídeo de presentación se ha convertido en un pequeño fenómeno en la red gracias a la música y el realismo de las imágenes. Para un solo jugador o hasta cuatro en modo cooperativo, al ser un mundo abierto por explorar dará al usuario horas de diversión. Albert Miró

Los años dulces I

Jiro Taniguchi & Hiromi Kawakami Ponent Mon (1111)

De Blob 2

Basado en una novela de la segunda, “Los años dulces” no viene sino a subrayar la maestría de Taniguchi con el tempo narrativo en este pausado manga pausado. “Los años dulces”, en el primero de sus dos volúmenes, ayuda a reflexionar sobre aspectos como la soledad, el cariño, el placer de las pequeñas cosas, la edad o dónde está el secreto de la humanidad y ¿el amor? J. S. L.

Un divertido juego para todos los públicos en el que seremos los encargados de devolverle el color y la música al mundo, además de rescatar a nuestros amigos y habitantes de ciudad Prisma. Para dos jugadores, gráficamente bueno además de bastante adictivo para los más pequeños. Un lanzamiento esperado para los seguidores del primer título de esta saga, que salió exclusivamente para Wii. Albert Miró

Xbox 360, PlayStation 3, Wii, Nintendo DS THQ (1114)

IS Creative Studio

SEXY SADIE THE HUMAN LEAGUE THE GIFT THE GOOD, THE BAD JENNY & THE MEXICATS TOMASITO TONINO CAROTONE DEAD MEADOW NO BAND FOR LLUVIA BLACK LIPS DOCTOR EXPLOSION +

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AGAINST THE ODDS + AGAPO FLASHBACK EXPERIENCE: LOS ENEMIGOS + SEX MUSEUM + LAS RUEDAS + LA UVI + LOS CORONAS + ESPASMÓDICOS + SEX TATTOO + LOS MACANA + CAÑONES Y MANTEQUILLA + J. TEIXI BAND + ANA CURRA + AGAPO ALL STARS + ANA CARRIL + ANTONIO BARTRINA Y ARIEL HERNÁNDEZ + BITTER MAMBO + CARLOS MURILLO CUARTETO + CHICA FÁBRICA + CINEMA STRING QUARTET + CYAN + SPINDRIFT + DELAIN + SERENITY + DIMENSSION + DREMEN + DRY MARTINA + PRIMA DONNA + DSEED + EL GRITO DE HARPO + EL MAGO HOWL + ELADIO Y LOS SERES QUERIDOS + FESTIVAL BUSTAMEMPHIS: VANILLA BASE + LOS LENTOS + LA RAF + THE LISIUS + ASCENDENCIA + DUDOSA + DELEY + NO DOGS + CALLEJONES + HAL 9000 & KILL THE HIPSTERS + HOMBRES PÚA + PADRINO + IVANGA BLUE + JOSHUA EDELMAN TRÍO + JUAN ANTONIO SUÁREZ “CANO” + LA FRONTERA + LA FUNKY STYLE BRASS + LAGUNA + LE VOYEUR MENDEZ + NACHO MASTRETTA + LIGHTNING TEETH + MANOS DE TOPO + TARÁNTULA + MELO BAKALE + MEMORIES + CLOUDS OVER NORMANDY + NO FREQUENCY + MR. KILOMBO + NONO GARCÍA Y CELIA MUR + PACO DEL POZO + PALEFACE + PALOMA BERGANZA Y DANIEL YACARÉ + PANZER + PEPE RIVERO TRÍO + PEQUEÑO SALVAJE + POLOCK + RETALES + BOCANADA + EPISODIO 69 + SARGANTANES “MÚSICOS DE ISLA DE FORMENTERA”: LUCAS + MAXWELL WRIGHT + SANTARITA SOUND SYSTEM + LA GUINEU + ALEX CREUS + CARLES CARBÓ + CARLES CALZADO + LINDA Y SERGIO + JERRY B+KIKO CORTES + ULISES PISTOLO ELIZA + SEE + LAS VECCHIAS + SHEILA BLANCO + SHOEFITI + BLANCA TRANSFER + SILENCIO OSO + FEE REEGA + SOMA + TA TA FOR NOW + TANGOS Y JALEOS + TATA QUINTANA, JUAN PABLO THEAUX Y NIRAJ KUMAR + THE CAVEATS + UGE (EX EXTREMODURO) + MUSIENCUENTROS GARIBALDI: LA BONGO, SONGÓ, TAZAJO TAMBOO, TRIBUNOVO. + HEINEKEN MUSIC SELECTOR: THE HUMAN LEAGUE, BLACK LIPS + FUCKIN’ BOLLOCKS, FENECH-SOLER, PS I LOVE YOU, THE GIFT.

MARATÓN FESTI MADTASTE

PREMIOS CEV - FACTORÍA JOVEN COMUNIDAD DE MADRID FINAL ROCK Y POP: Grupo Invitado Against The Odds. Finalistas: Cohen + Gaggia + Jenny And The Mexicats + Johnny Blood + Marvel Hill + No Dogs + Roaddown + The Peals + Yakuzas FINAL HIP HOP – SOUL: Aka Tu Power + Garzia + Iván Hh + Laura + Magic Combo FINAL RAÍZ: Grupo Invitado: Maracatú Fm. Finalistas: Diego Guerrero Y El Solar De Artistas + Flavio Rodrigues + Los Sundayers + Mas Jahma Sound + Niños Velcro

FESTIMAD SI MENOR

ACCESO A MENORES 18 AÑOS

Alberto Pérez / Charles Lavaigne / Di Fambul / Disphonic / Elena Bugedo / Erizonte / Javier Álvarez / Jean Bruce And The Fangs / José María Alfaya / Lightning Strikes + Overcaust + Leather Heart / Magnética / Maratón Festi Madtaste / Premios Cev / Factoría Joven Comunidad De Madrid – / Marcelo Champanier Y Andy Chango / Martin Page / Mi Vecina Desafina / Minimúsicas “Los Sentimientos”: Mittens + Proyecto Personal + Prisma En Llamas / Minimúsicas “Los Transportes”: Manos De Topo + Evripidis & His Tragedies + Margarita / Paul Zinnard / Rubén Andreu Trío / Rubén Borlado Y Alexis Balanowsky / Sudhachandran / The Buzzos / The Rebels / V Secuela / Vikxie / Festimad Alcobendas – Final Comunidad De Madrid: Grupos Invitados: Against The Odds Y Vsecuela. Finalistas: Aka Tu Power + Diego Guerrero Y El Solar De Artistas + Flavio Rodrigues + Garzia + Jenny And The Mexicats + Yakuzas

SALAS FESTIMAD: B BOITE / CAFÉ TEATRO ARENAL / CALDERO DE COBRE / CARACOL / CASA PATAS / CATS / CHARADA / CLAMORES / COLECTIVO LA LATINA / EL GRITO / EL HOMBRE MODERNO / EL PERRO CLUB / EL SOL / GARIBALDI / HEBE / HEINEKEN / LA BUENA DICHA / LA TACITA DE PLATA / LEMON / MOBY DICK / ORANGE CAFÉ / ROCK AND ROLL RADIO CLUB / SOL / SOUL STATION / TEATRO CIRCO PRICE / TEMPLO DEL GATO / WURLITZER BALLROOM / YES WE DANCE CLUB / SALAS FESTIMAD SI MENOR: CAMON / CASA CONSISTORIAL DEL DISTRITO DE TETUÁN / CASA DE AMÉRICA / ESCUELA CEV / FNAC CALLAO, LA GAVIA, PARQUE SUR, PLAZA NORTE. / HARD ROCK CAFÉ / LA ESFERA / LA EXCUSA / LA PISCIFACTORIA / SILIKONA / TEATRO CASA DE VACAS PROMUEVE

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MondoSonoro · Abril 2011 /59/

mondoRECOMIENDA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

TELEVISIÓN Jools Holland Foto Archivo

Agustín Fernández Mallo Foto Archivo

libroS

AGUSTÍN FERNÁNDEZ MALLO

Una llamada a la acción Tan poco fiable como los propósitos de año nuevo es el lamento de que el libro electrónico terminará con el papel. Para el autor de la trilogía nocilla, que ha escrito “Remake” (Alfaguara, 11), su última novela pensando en dispositivos de lectura digital, es más una oportunidad de expandir contenidos y ampliar significados, que una amenaza.

Remake

Agustín Fernández Mallo Alfaguara, 11

N

o es algo que nos guste, pero hay quien habla del libro digital como futuro y quién lo ve como un enemigo menor del libro de papel. “Tan sólo amplía el número de opciones. Estamos tan unidos al libro tradicional que aunque se acaben todos los árboles del planeta, inventaremos un material que emule al papel”.

El pop art convirtió el reciclaje en arte, y él ha utilizado “El hacedor” de Borges para construir sus propios cuentos en “Remake”, a partir de las ideas que le surgían al releer uno de los libros que más le ha impactado por su capacidad para “escribir cuentos emocionantes con materiales en principio fríos como la filosofía, la metafísica o las matemáticas”. Al igual que el escritor argentino, con-

sidera que todo es una gran relectura. “Creo que una de las bases de la creación es reinterpretar lo que tenemos escrito. Si no lo consiguiéramos es que ya no es de nuestro tiempo porque habría envejecido. Lo mismo pasa en la música”.

Aprovechando las capacidades multimedia de las tabletas y haciendo referencia a Internet, al cine y la televisión como vehículos de transmisión de la cultura popular, aporta un contenido extra a unas historias cortas que no pierden nunca de vista a la poesía, ni a la música. “En el prólogo hablo de Joy Division porque ha sido un grupo muy importante en mi formación. El rollo que llevaban con el nazismo es humor. Es una forma de reírse de las cosas de una manera inteligente muy cercana al humor de Borges, que es casi un dadaísta a veces cuando se aproxima al absurdo”. Sin perder la esencia del original, todas las historias pasan, de una u otra manera por el filtro del amor. “Creo que para escribir sobre algo, aunque sea sobre un trozo de papel, tienes que estar profundamente enamorado, penetrar en él hasta el final para ver algo que nadie ve”. ■ J. Batahola

JOOLS HOLLAND

MÚSICA EN TELEVISIÓN Jools Holland formó parte de Squeeze y sigue publicando discos con su Rhythm & Blues Orchestra, aunque no puede decirse que haya pasado a la historia precisamente por eso. Su “Later... With Jools Holland” es cita obligada para cualquier grupo que quiera funcionar en el Reino Unido. Y desde hace unos meses también en España.

J

ools Holland tiene un buen trabajo, y sabe que la mayoría de los grupos de cierto éxito se pegan por estar en su programa. Por él ha pasado lo mejor del pop independiente, artistas mainstream de calidad (que también los hay) y grupos desconocidos de todas partes del mundo. Al otro lado del teléfono, Jools disfruta contando historias. Ganas dan de citarle en un pub y compartir unas pintas y hablar de su pasado con Squeeze o cuando grabó con Wayne County, aunque eso quedará para otra conversación.

“Cuando tenía ocho años, mi tío me sentó en el piano de mi abuela y me enseñó un boogie-woogie. Desde ese día, amo la música, y, cuando amas algo, no lo sientes como un trabajo. No debería decirte esto, pero haría este programa aunque no me pagaran, porque siempre va a haber algo nuevo que descubrir”.

Holland, y un equipo de producción que debe tener un trabajo extenuante, han conseguido a lo largo de dieciocho años crear un referente en contenidos musicales en televisión,

en parte gracias a sus magníficas entrevistas y a que realmente no sólo tiene pasión por lo que hace, sino que sabe transmitirla. “Estamos en un momento muy difícil para la música en televisión. Nosotros nos lo tomamos en serio, no la vemos como una competición, y tratamos a los músicos como artistas y no como un producto. Tenemos un escenario circular, y los grupos tocan juntos al principio del programa y están presentes en las entrevistas de los demás. Fue un formato difícil de introducir, pero creemos que ha funcionado”. Holland fundó Squeeze en 1974, después inició su carrera en solitario y presentó junto a Paula Hayes “The Tube”, de donde fue despedido por usar exabruptos en antena. Además de “Late… With Jools Holland”, gira por todo el mundo con la Rhythm & Blues Orchesta, una big band de más de veinte músicos que es “el infierno de cualquier road manager”. El show se emite en España desde el pasado octubre en Canal + Extra. ■ Javi Ruiz

conexiones

/61/ Abril 2011 · MondoSonoro

Dinero Los grupos Dinero y Sons Of Meteora fueron los ganadores de una reñida final del Battle Of The Bands de Hard Rock Cafe en las finales de Madrid y Barcelona respectivamente, ambas muy complicadas debido a la efectividad de los restantes finalistas (Belöp y Varry Brava en Madrid; Foo y Someone Elses en Barcelona). Ambas formaciones representarán a nuestro país en la final internacional. De esta final saldrá el grupo ganador que tocará en el festival Hard Rock Calling en el mes de junio en Londres para el que ya han confirmado su presencia Bon Jovi y Rod Stewart entre otros. ■

Nissan Juke Rocks

Dinero Foto Archivo

La música es el motor principal de Nissan Juke Rocks, por ello ha creado una competición que enfrentará a cuatro grupos de música europeos a través de diferentes retos. The Pinker Tones es el representante español que nos hará vibrar durante estos dos meses de desafíos que irán superando semana tras semana. Los vídeos se colgarán en la página oficial de Nissan Juke en Youtube. El grupo que consiga más puntos dará un concierto en exclusiva para agradecer a los fans su apoyo. Además, se sorteará un regalo VIP especial o una entrada para el concierto en la página oficial de Facebook de Nissan Juke Rocks. ■

43 Music 43 Music -el nuevo sello discográfico digital que puedes encontrar en www.music.licor43.es- abre ahora su convocatoria también a Dj’s de la mano de Máxima FM. Si tienes una sesión de al menos quince minutos subida en tu MySpace, sólo tienes que rellenar un formulario antes del 11 de abril, y el ganador pinchará tras el concierto que ofrecerá Delorean con la banda apadrinada en la sala Joy Eslava de Madrid, el próximo 21 de mayo. Por cierto, el plazo de inscripción se amplía de esta forma hasta el 11 de abril, no sólo en la categoría de Dj’s sino también en la de bandas de rock. ■

Producciones Sostenibles

Musikaze Llevan funcionando varios meses y se han convertido en uno de los proyectos web más interesantes e innovadores que han surgido en nuestro país: www. musikaze.com es la primera web que da soluciones integrales y también la primera en autogestión musical.

Su idea central es devolver el control de su carrera al artista permitiéndole vender directamente a un mercado global autogestionándose y autopromocionándose. De carácter completamente gratuito, es también la única web con un sistema automatizado de concursos de cara al organizador y que aglutina a toda la industria de la música. ■

Delorean Foto Archivo

Universo Vivo se une a XLR Producciones para la creación de Producciones Sostenibles, empresa pionera en producción de eventos sostenibles. ¿Cómo afecta esto al mundo de los festivales? Por un lado porque MTV se estrenará llevando a cabo diversas acciones de responsabilidad medioambiental en la temporada de conciertos MTV Winter. Por el otro porque por tercera edición consecutiva, el Festival Estrella Levante SOS 4.8 de Murcia renueva sus acciones junto a Universo Vivo, en un proyecto cultural que ya está familiarizado con el compromiso medioambiental y que continuará desarrollando y fomentando prácticas respetuosas con el entorno. ■

Record Store Day

Crocs

Mad sound Project

El 16 de abril se celebrará la primera edición del Record Store Day en España. Se trata de un evento global, promovido por tiendas de discos independientes de todo el mundo, y que tiene como objetivo principal la celebración de la cultura de la música.

Crocs presenta su nueva colección de calzado casual e innovador para primavera/verano 2011. De entre todas las novedades destacar la línea de sneakers para hombre, con plantilla de Croslite que proporciona un profundo confort y estilo retro.

El concurso Mad Sound Project, puesto en marcha por el Carné Joven de la Comunidad de Madrid, ha entrado en su recta final con el anuncio de los seis finalistas: Álvaro Laguna, Nadia Sheik, Oh Murray, Sin Frenos, Sons Of Rock y The Parrots.

Vans

Canal+

D.A.S. Audio

Gorilla Biscuits y Santigold son los dos nuevos que se unen a la familia VANS y contarán con unas zapatillas que lleven su nombre y un diseño personalizado. El cantante de los primeros, Anthony Civarelli, propuso utilizar tonos y colores característicos en el arte del tatuaje y plasmar las iniciales e insignia de la banda.

Desde el 10 de marzo se emite en Canal+Xtra “Seven Ages Of Rock”, una serie documental de siete capítulos producida por la BBC que narra la historia del rock desde sus orígenes a la actualidad. La serie, que usa imágenes del archivo de la BBC, intercala actuaciones y entrevistas inéditas.

D.A.S. Audio ha hecho entrega de las dos becas de la 1ª Edición del Postgrado “Gestión Empresarial de la Música” impartido por la Universitat de València. El postgrado se dirige a titulados universitarios y profesionales de la música interesados en adquirir nuevos conocimientos. ■

mondoweb

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/62/ Abril 2011 · MondoSonoro

ENTREVISTA FAN

LOS BLOGS Uno entre un millón

Enya sí, Enya no...

Nacho Vegas Foto Archivo

(Joan S. Luna )

Nacho Vegas No vayan ustedes a pensar que, como algunas de sus canciones nos podrían hacer pensar, Nacho Vegas es un tipo oscuro y arisco, perdido en un universo propio. Para dejarlo claro, le hemos obligado a contestar las preguntas de sus fans, nuestros lectores.

(Jon Frederiksen) ¿Crees que Manta Ray podrían volver a la vida? ¿Cuál es el último concierto al que has ido? ¿Y la última droga que tomaste? ¿Que le dirías a Barack Obama si lo tuvieras enfrente?

Ni idea, pero si lo hacen serán ellos cuatro; yo estuve en los dos primeros discos. Christina Rosenvinge, tocó en Gijón hace dos días. Una copa de vino blanco. No tengo interés en hablar con Obama.

(Daniel Miñano Valero) ¿Qué es lo que comen las brujas?

Basta con oír la canción para encontrar la respuesta.

(Raúl del Alma) Como

persona que ama y necesita tu música, me veo en la obligación de señalar que “La zona sucia” me parece lo único prescindible hasta el momento. ¿Estás especialmente orgulloso de tu último trabajo?

Yo creo que todo lo que he hecho es absolutamente prescindible.

guitarra y cantar?

Escuchar a The Smiths, Palace Brothers, Le Mans, Bob Dylan, The Jesus & Mary Chain, Vainica Doble, The Velvet Underground, Leonard Cohen, Sonic Youth, Felt, T-Rex y todos los demás músicos que me empezaron a emocionar.

(Espacio de música indie) Nacho, ¿por qué razón abandonarías la música para dedicarte a trabajar en una oficina o en un banco?

No abandonaría la música, independientemente de que esta sea mi sustento o no.

CONCURSOS

WEB

(José Vázquez) ¿Qué te impulso a tocar la

(Belen Fernandez Berini) Tienes buena cara últimamente. ¿Es el amor, el trabajo o que hace tiempo que pasas de la heroína (si es que de verdad la consumías, claro)? La pregunta es sincera y con todos mis respetos.

Son las cremas de Biotherm que gasto.

(Enrique Noguero) ¿Para cuándo algún tema comprometido con la realidad social del día a día? ¿No crees que es hora de volver de una vez a la canción protesta o a reformularla en los tiempos que corren? ¿No creéis que estáis demasiado encerrados los músicos y compositores de este país ante la situación tan crítica que vive España? Desde la admiración por tus canciones (aunque no lo parezca) te lo pregunto.

No puedo hablar de los músicos de forma corporativa, pero yo no creo estar encerrado. Asistí a la manifestación del 29-S en Gijón (convocada por los sindicatos minoritarios) y estoy comprometido con la izquierda. Dirigir las canciones, darles una finalidad, es algo problemático, porque puede ir en contra de su naturaleza.

(Lidia Canals Gispert) ¿Dónde

escribe Nacho Vegas canciones como “Reloj sin manecillas”? ¿En el metro, baño, estudio...?

En mi casa, tocando la guitarra en el salón o en el estudio y caminando pasillo arriba y pasillo abajo. ■

Desde las barricadas con un Martini seco

Concierto de Nacho Vegas en L’Auditori (Don Disturbios) El concierto de Nacho Vegas y su solvente banda, en la sala pequeña del Auditori de Barcelona, sirvió para al menos dos cosas importantes. Primero para comprobar que las canciones de su último trabajo, “La zona sucia”, funcionan de maravilla insertadas dentro del repertorio del asturiano. En especial un tema como “La gran broma final”, destinado a convertirse en clásico, y otro como “Perplejidad”, que gana muchos enteros al suprimirle el coro de niños en su estribillo. Pero el concierto también sirvió para disfrutar de joyas ocultas de su carrera como “Palacio de papel” (precioso el juego de voces con su banda que imita el eco de las finas paredes, en lo que todo se escucha), “Hablando de Marlene” (espeluznante historia de una perdedora que acaba en suicidio y con la sala sobrecogida) y “Maldición”, una de mis favoritas, cuya interpretación ya justificó por si sola el precio de la entrada. También cayó “Va a empezar a llover” de su álbum a pachas con Bunbury, aunque yo hubiera preferido “La pena o la nada” de ese mismo disco... ■

PARTICIPA EN WWW.FACEBOOK.COM/MONDOSONORO

PASES DOBLES VIP

3 pases dobles VIP para el FIB 2011

A propósito de una estúpida conversación de las nuestras entre redactores de la casa, esta tarde se ha citado a Enya. Se ha llegado a ella casi por casualidad, hablando sobre Delorean, hasta que alguien ha dicho "Delorean son como Enya pasados de beats" medio en broma medio en serio. Hemos empezado a hablar de Enigma, de Deep Forest, pero Enya volvía a copar el protagonismo. Y claro, su nombre ha estado sobrevolando la oficina durante unos minutos. Parece que, en esto del indie internacional se la vuelve a respetar después de convertirse en el pito del sereno por méritos propios. Estas cosas pasan, un día eres la peste y al siguiente una influencia respetable. A mí me da que algo de todo esto hay desde que Sigur Rós publicaron su segundo disco... Aunque no se preocupen, no voy a decirles si me gusta o no Enya, pero sí voy a encajar en este fugaz blog el link de descarga del disco de remezclas de Enya que Jimmy Tamborello (Dntel, The Postal Service) está regalando en Internet como homenaje a su diosa pop... ■

+en

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Blu-ray (Edición coleccionista + DVD) de

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