MONDO SONORO DICIEMBRE 2011 Nº190

Diciembre de 2011 nº 190

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MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

BIGOTT

EL PERRO VERDE WE ARE STANDARD

GRAN ESTADO DE FORMA

MANOS DE TOPO

LA VOZ DE LA DISCORDIA JERO ROMERO • COOPER • LITORAL • THE RIGHT ONS • CANSEI DE SER SEXY • ALBERTO MONTERO • JAMIE WOON • FOSTER THE PEOPLE • THE EYES THE KOOKS • CASS McCOMBS • STEPHEN malkmus • BURAKA SOM SISTEMA • ELVIRA • THE BLACK KEYS • EVRIPIDIS AND HIS TRAGEDIES • EH! Manos de Topo Foto Gustaff Choos

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DOS CONCIERTOS GRATUITOS:

MADRID, 7 de Diciembre BARCELONA, 8 de Diciembre Sala Joy Eslava

We Are Standard + DeVito + MondoSonoro dj's

Sala Razzmatazz 2

Mendetz + Chinese Christmas Cards + MondoSonoro dj's

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Colabora:

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Bigott Foto Gustaff Choos

MondoSonoro · Diciembre 2011 /5/

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entrevistas

◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Pablo Ferrer, Sergio Falces, David Chapín (publiaragon@mondosonoro.com)

27. We Are Standard En estado de gracia 28. Bigott El perro verde 30. Manos de Topo Suena brillante

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Conciertos 33-36. Monkey Week, The Rapture...

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vinilos 43. The Black Keys Disco del mes

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57-59. Mondo Recomienda 61. Conexiones

mondoweb 62. La entrevista Fan: Los Pilotos

25 / bigott El perro verde

¿

Acaso pensaban ustedes que no íbamos a atrevernos? ¿Que teníamos miedo a colocar en portada a un grupo por el sencillo hecho de que la voz de Miguel Ángel Blanca causa rechazo entre muchos aficionados? Está claro que no, aunque no lo hemos hecho por militancia, ni mucho menos con afán de escandalizar. Lo hemos hecho por una razón sencilla y muy clara: “Escapar con el anticiclón” nos parece uno de los mejores discos estatales de la temporada. Para ellos, por tanto, es la portada de un mes en el que la pugna era complicada (Bigott tampoco toma prisioneros).

Pero por si no hubiera suficiente, los gallego-catalanes Manos de Topo han tirado aún más de la cuerda, atreviéndose a homenajear una de las portadas más emblemáticas del rock

“no solo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Marta Terrasa porque solo hace noticias de Pearl Jam”

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7. Jero Romero, vida tras The sunday Drivers 8. Cooper, nuevo disco y gira en Internet 9. Litoral, supergrupo indie

13. The Right Ons 14. Cansei de Ser Sexy 15. Cass McCombs 16. Jamie Wood 18. The Kooks 19. Foster The People 20. Stephen Malkmus & The Jicks 21. Alberto Montero 22. The Eyes 24. Buraka Som Sistema

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com

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NOTICIAS

mondofreako

Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación Manuel Fijo (maquetacion@mondosonoro.com)

Colaboradores: Textos Alberto Comeche, Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Fernando Fuentes, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Héctor García, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, María Baigorri, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, P. Muñoz, Óscar Gual, Raül Julián, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop, Virginia Arroyo Fotografía Albert Jódar, Gustaff Choos, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

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en castellano, la de “Senderos de traición” de Héroes del Silencio. Y subrayemos lo de “homenajear”. Nada de parodia, aunque haya mucha ironía y mucho humor en la sesión de fotos. Manos de Topo no andan pitorreándose de los firmantes de clásicos del rock en castellano como “Maldito duende” o “Entre dos tierras”, sino que nos recuerdan que son fans de la formación aragonesa y que ha sido un honor posar como lo han hecho para nuestra portada de este mes. Ahora bien, falta saber si Bunbury, Valdivia, Cardiel o Andreu serán capaces de revelarse algún día como seguidores de Blanca, Marzoa, De Los Arcos y Campos. El día que eso ocurra, aquí estaremos nosotros para ser testigos.

■ Redactor Jefe Joan S. Luna

5 DISCOS

“Escapar con el anticiclón”

MANOS DE TOPO

/7/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

Jero Romero Foto Archivo

NOTICIAS

TAN cerca... ❚ “(II)” ha sido el disco más exitoso de TOUNDRA. Tanto es así que la banda ha alargado su vida durante los tres últimos años. Ahora, eso sí, se despiden de él. Será con un concierto el sábado 10 de diciembre en la Sala Caracol en el que sólo actuarán Toundra y en el que tocaran íntegramente sus dos discos hasta la fecha, “(I)” y “(II)”. A partir de ese momento, el cuarteto entrará a grabar su tercera obra, de nuevo en Aloud. ❚ El festival ACTUAL 2012 está en plena gestación, preparándose para su 22ª edición que se celebrará, como es habitual, la primera semana del año en Logroño, en esta ocasión del 2 al 8 de enero. El cartel, que incluye música, cine y actividades complementarias, aún no está cerrado, pero ya se conocen los nombres de The Pains Of Being Pure At Heart, Los Enemigos y Corizonas, entre otros.

Jero Romero, vida tras The Sunday Drivers The Sunday Drivers dijeron adiós, pero Jero Romero sigue adelante con energías renovadas y, sobre todo, con el apoyo de todos sus fans.

“Cabeza de león” (Autoeditado, 11) es su primer disco en solitario, financiado con el dinero donado por sus seguidores.

Y

a lo dijo Dylan hace unas cuantas décadas: ‘Los tiempos están cambiando’. Gurú o no, algunos no le hicieron mucho caso. Otros, sin embargo, han intuido que había que mover ficha rápidamente, no quedarse parado viendo una vez más cómo la pescadilla volvía a morderse la cola. Este ha sido el caso de Jero Romero, cabeza visible de aquella banda toledana llamada The Sunday Drivers, esa que tantas alegrías proporcionó al aficionado popero de a pie desde 2002. Disuelta la banda, la ruta de Jero estaba por definir, pero él tenía bien claro qué era lo que quería hacer y qué no, musicalmente hablando. ‘’No me apetecía tener contratos, plazos y demás cosas, y eso es algo que te lleva directamente a la autoproducción. De repente me empezaron a hablar del crowfunding. Había oído hablar de

ello pero no sabía bien de qué iba. Me puse a investigar en qué consistía, qué implicaba y me pareció fascinante: un proyecto cargado de lógica, bueno para mí y para los que participasen. ¿A qué me arriesgaba si no salía? A cierto ridículo online, vamos, un mal menor”.

“Crowfunding”, o lo que es lo mismo, esa nueva forma de apostar, entender y editar música donde el autor, a cambio de una razonable cantidad de dinero, ofrece recompensas en forma de compacto, vinilo, concierto privado o asistencia a la grabación para todos aquellos que se animen a financiar su proyecto. Jero tenía cuarenta días para conseguir 10.500 euros que facilitasen la grabación de un disco que le rondaba desde hace años por la cabeza.

Con estas, el pasado 11 de mayo lanzó a la red su propuesta, y la sorpresa fue mayúscula cuando vio

que en menos de veinticuatro horas había conseguido, y sobrepasado, la suma solicitada. ‘‘Fue un día muy bonito. La duda era saber qué gente de fuera de mi círculo estaría interesada en un proyecto mío, y esa fue la mayor sorpresa”. Conseguir más apoyos, más mecenas interesados en sus canciones y en su música -claramente empujados a ello por todo lo que el toledano había ido sembrando durante los últimos diez años- se vio traducido en más dinero para enriquecer el que ya es su primer disco en solitario. “El resultado con menos mecenas hubiese sido muy diferente. Es una cuestión matemática sencilla porque no es lo mismo grabar en una semana que en veintisiete días. El tiempo que tienes para elegir una toma buena, el instrumento adecuado, el sonido perfecto… todo eso repercute en el resultado final. Por ejemplo, la mezcla, que puede mejorar o cargarse un disco, pues en vez de hacerla en tres días la hicimos en ocho”. ■ María Baigorri

+en

Les Transmusicales de Rennes apuestan por España

Björk Foto Archivo

Primeros nombres para el San Miguel Primavera Sound 2012 El San Miguel Primavera Sound acaba de anunciar las primeras confirmaciones para su próxima edición, que se celebrará en Barcelona del 30 de mayo al 3 de junio de 2012, y sin duda alguna la gran bomba informativa es que Björk será uno de los grandes reclamos del festival. La artista islandesa presentará en directo en la Ciudad Condal las canciones de su último disco, “Biophilia”. Entre el resto de los nombres anunciados (además de artistas como Other Lives o Neon Indian), destacan nombres fundamentales de la escena indie estadounidense más influyente como Guided By Voices, Yo La Tengo, Jeff Mangum (líder de los desaparecidos Neutral Milk Hotel y co-fundador del colectivo Elephant 6) o uno de los nombres básicos del slowcore, Codeine. Mantente informado sobre novedades, abonos, etcétera en www.primaverasound.com ■

No es la primera vez que grupos españoles actúan en los históricos Encontres Transmusicales de Rennes (han estado allí The Sunday Drivers o El Guincho entre otros), en la Bretaña francesa, pero es la primera vez que el cartel del festival cuenta con un número tan alto de proyectos nacionales. We Are Standard, Za!, Guadalupe Plata y Fuel Fandango participan este año en la edición número treinta y tres del festival, que en los últimos años se ha erigido como aparador europeo para las futuras promesas de la escena mundial. Los vascos, por ejemplo, serán uno de los platos fuertes de la noche inaugural en el recinto de La Liberté, mientras las actuaciones del resto de bandas se reparten entre el 4Bis y el Parc Expo, donde tiene lugar el grueso de la programación.

Este año los Transmusicales de Rennes cuentan con la presencia de artistas como Spank Rock, SBTRKT, Kakkmaddafakka, Agoria, Ghospoet o Wolf People, entre muchos otros.

Destaca también la presencia de bandas y artistas mexicanos, con Instituto Mexicano del Sonido y el genial Silveiro al frente. http://lestrans.com ■

Superchunk Za! Foto Blanca Foto Galindo Archivo

❚ AEROLÍNEAS FEDERALES editarán este año una colección de canciones inéditas extraídas de maquetas grabadas entre sus inicios en 1983 y la preparación de su último disco, “Una o ninguna”, publicado en 1991.

La nueva referencia, que será editada en formato CD y doble vinilo por el Elefant Records a principios de 2012, llevará por título “Hasta el final y más allá” y vendrá acompañada por una nueva serie de directos.

DeVito Foto Gustaff Choos

❚ El 7 y 8 de diciembre se celebrarán las BLACK XS ROCKSTAR NIGHTS, dos conciertos gratuitos en Madrid, el día 7 con We Are Standard, DeVito y MondoSonoro Dj’s en el Joy Eslava y al día siguiente, harán lo propio en Barcelona. En concreto será en la sala Razzmatazz 2 con Mendetz, Chinese Christmas Cards y MondoSonoro Dj’s. Si quieres asistir, solo tienes que entrar en la página web de Be A Rockstar de Black XS, registrarte e imprimir tu entrada gratuita para una noche de música. ❚ DAY ONE ya cuenta los días pendientes para su celebración el próximo 1 de enero en el Palacio de Vistalegre de Madrid. Vitalic, Óscar Mulero, Luciano, Reboot & Robert Dietz o Paco Osuna son algunos de los artistas ya confirmados para el primer día del año en el festival de Madrid. Esta vez el rey de la escena electrónica internacional, Richie Hawtin, es el protagonista de estas nuevas incorporaciones al cartel. ❚ DIPLOMÁTICOS publican su primer disco tras más de dos décadas de historia. La banda que reúne a varios de los nombres más destacados del pop canario tuvo su principal momento de actividad en el primer tramo de los noventa. Tras un parón de diez años, regresaron en 2008 con diversos conciertos.

Ahora publican su estreno discográfico, el primer material que se edita de la banda y que llevará el título de “Diplomáticos”. n

TAN LEJOS... ❚ “The Comprehensive Vision For The Record Captured In Moving Picture”, algo así como una visión filmada y exhaustiva del disco es lo que nos trae BON IVER en la edición de lujo que está a punto de publicar de su último disco homónimo. Los diez temas de “Bon Iver” se acompañan aquí de diez cortometrajes que resumen la esencia de la canción. Los vídeos los firman Dan Huiting, Isaac Gale o el propio Justin Vernon, líder de la banda.

Cooper Foto Archivo

NOTICIAS /8/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

Black Sabath Foto Archivo

❚ Con motivo del 40º aniversario de la publicación del “L.A. Woman”, THE DOORS presentan un tema nuevo, “She Smells So Nice”. La canción se incluye dentro de la reedición del álbum, compuesta por dos discos; uno de ellos con rarezas y versiones alternativas. Además, la publicación de esta edición de lujo -que está prevista para el 24 de enero- incluye un DVD con las sesiones de grabación.

Azkena Rock Festival 2012 anuncia a Black Sabbath y Lynyrd Skynyrd

❚ El próximo mes de febrero A PLACE TO BURY STRANGERS publicarán “Onwards On The Wall”, la continuación de “Exploding Heads”. Se trata de un EP de cinco temas que se estrenará ya bajo el sello Dead Oceans y como es costumbre en la discográfica, ya han puesto uno de los temas, “So Far Away”, disponible para descarga y escucha online. ❚ Que nadie se alarme porque WILD BEASTS no se separan, simplemente acaban de anunciar que se tomarán un respiro tras finalizar esta gira en la que se encuentran inmersos. Así lo ha confirmado Hayden Thorpe, líder del grupo, para la NME, asegurando que llevan cuatro años sin parar desde que se publicara su debut, “Limbo, Panto”, en 2008.

Cooper, nuevo disco y gira en Internet

Apenas una semana después del anuncio de la reunión de Black Sabbath con su formación original, la banda ya tiene fecha confirmada en el Azkena Rock Festival de Vitoria-Gasteiz, que será su única visita a España en 2012.

Recordamos que los Black Sabbath originales, es decir, Ozzy Osbourne, Tony Lommi, Geezer Butler y Bill Ward, están de vuelta no sólo con planes de gira, sino también con intención de grabar un disco, anunciado para el otoño del año que viene, que estará producido por Rick Rubin y supone su primer disco de estudio juntos desde “Never Say Die!” de 1978. La segunda confirmación del Azkena Rock es Lynyrd Skynyrd, indiscutible mito del rock sureño que llegará con el miembro fundador Gary Rossington a la guitarra, Johnny Van Zant a las voces –hermano del fallecido Ronnie- y la renovada formación que continúa tocando en directo temazos como “Sweet Home Alabama” o "Free Bird" y editando discos, el último, “God & Guns” de 2009. Su concierto será también fecha única en España. El Azkena Rock se celebrará del 14 al 16 de junio de 2012, en el recinto de Mendizabala de Vitoira-Gasteiz. www.azkenarockfestival.com ■

Álex Diez es un músico incansable, capaz de adaptarse a los tiempos y de disfrutar con cada uno de sus pasos.

Ahora presenta nuevo trabajo, “Mi universo” (Elefant, 11), y lo hace con la primera gira en Internet, por lo menos que nosotros recordemos.

Sigur Rós Foto Archivo

❚ Al parecer en unos meses podríamos disfrutar de un nuevo trabajo de SIGUR RÓS, según publica The Wall Street Journal tras haber entrevistado a la banda. Un disco que supone nuevo material desde 2008 y que apunta una dirección “ambiental” -más si cabe todavíaque sus predecesores. La gestación de este se ha llevado a cabo tras la gira en solitario de su líder, Jónsi. El disco podría ver la luz la próxima primavera. ❚ THE TWILIGHT SINGERS acaban de publicar “Live In New York”, su primer disco en directo, que ya está disponible en una edición de lujo disponible a través de la web del grupo y diversas plataforma online. El disco se grabó en el Webster Hall y cuenta con un total de veintiún temas. ❚ Poco a poco GLASS CANDY siguen desgranándonos canciones del que va a ser su esperado próximo álbum. Tras haber presentado en sociedad hace un mes “Warm In The Winter”, cara A de un single que también incluía “Beautiful Object”, ahora le toca el turno a “Halloween”. ❚ THE XX confirman por fin que habrá nuevo álbum. De hecho, el trío se encuentra ya inmerso en las sesiones de grabación de nuevo material, del que todavía no sabemos ni título ni posible fecha de publicación. Acaban de crear un nuevo blog, http://xx-xx.co.uk/, en el que podréis seguir cómo se desarrollan estas sesiones.n

“

'Mi universo' es un disco lleno de desencanto, de desengaño”.

De tan inhóspita guisa analiza Álex Diez su nuevo elepé; el primero, si tenemos en cuenta que los anteriores eran recopilaciones de canciones publicadas anteriormente en single. Y si bien esa melancolía, que antaño ilustraban tardes grises en estaciones vacías y hoy expresan vicisitudes sentimentales más angustiosas y reales, sigue presente, “Mi universo” parece querer irradiar un halo de plenitud.

“No estoy seguro de eso. A mí me parece un disco de ‘final de una carrera’. Hace tiempo que hago las cosas como si me quedaran dos meses de vida, lo que me lleva a enfrentarme a cada proyecto como si fuera el último”. Como en todos. Y melodías marca Cooper. Y esas letras, que coronan a Álex como uno de los mejores compositores del pop español actual. También se percibe en el disco un mayor mimo en los arreglos.

“Sigue siendo un disco de guitarras y armonías, aunque yo buscaba un sonido más ruidoso de lo que ha salido al final. Estoy harto de que la gente no reconozca en nuestros discos la agresividad del directo, pero me temo que es una batalla perdida. Si hay que aceptar que el estudio de grabación todo lo tamiza, por lo menos vamos a usar un buen estudio”. Y, para un mod, cuál mejor que Konk, el santuario de Ray Davies, en Londres. “Cuando llegamos, un gran cartel de ‘EN VENTA’ ‘decora-

ba’ la fachada. Perfecto. Si tenemos que grabar el ‘disco del desguace’ vamos a hacerlo aquí, antes de que deje de existir. Konk pertenece a la mitología de un mundo que está desapareciendo, es uno de los pocos estudios ‘grandes’ que resisten en Londres a los avatares de una industria famélica en la que se ha impuesto el dinero, el MP3 y el ‘háztelo en tu casa’; un museo de la cultura pop que debería ser preservado igual que se restaura un palacio o se conserva un bosque”.

Pero basta de nostalgias. “Mod” es apócope de “moderno”, y Álex lo sigue siendo más que nadie. Perfectamente conectado a su entorno actual, en influencias y herramientas, la presentación de “Mi universo” ha sido virtual. Las canciones han ido apareciendo, cada una con un vídeo propio, en diferentes plataformas de Internet: blogs, webs y revistas musicales. “El Internet Tour me hace tanta ilusión como el disco. Después de diez años sin grabar álbumes, si volvía a grabar un Lp tenía que ser enmarcado en un proyecto más grande. Me divierte utilizar formas convencionales de promoción (carteles, cuñas de radio, prensa…), junto a otras más novedosas como el spot para Internet; y hacer jugar a la gente. De hecho, si los medios fueran tan modernos como piensan, habrían incluido las citas de Cooper dentro de las agendas de conciertos de sus publicaciones”. ■ Daniel F. Marco

Throwing Muses Foto Andrew Catlin

Throwing Muses celebran los veinticinco años de su debut Han pasado veinticinco años desde que se publicara el debut homónimo de Throwing Muses, aniversario que 4AD celebra con el lanzamiento del “Anthology”, doble álbum que está lejos de ser un grandes éxitos al uso, evitando los momentos más obvios. Nada extraño viniendo de un grupo siempre insobornable, capital en el devenir del rock alternativo. “Elegimos las canciones con las que realmente nos sentimos a gusto y que creemos que son representativas de lo que ha sido la banda a lo largo de este tiempo, porque a veces también publicamos temas sólo para complacer a nuestro sello, pero con los que no estábamos contentos. Ya que sacábamos un recopilatorio, teníamos que ser honestos con nosotros mismos”, explica Kristin Hersh, quien creó ‘The Muses’ junto a su hermanastra Tanya Donelly en 1981, cuando apenas eran unas adolescentes. En 1991 ésta última abandonó para unirse a The Breeders y luego crear Belly. “Los primeros años fueron muy especiales: reflejábamos nuestro mundo en las canciones, vulnerable pero con mucha fuerza; fue una etapa de aprendizaje, pero creo que lo mejor para el grupo vino luego. ‘University’ (1995) y especialmente ‘Limbo’ son nuestros discos más sólidos”. Ahora, ocho años después de su último trabajo, lo nuevo de Kristin Hersh, David Narcizo y Bernard Georges parece que está cerca, autofinanciado a través de la plataforma CASH. ■ Enrique Peñas

DESCUBRE HOY A LOS GRUPOS DE MAÑANA FEBRERO 2012

CONCIERTOS EN:

MADRID - BARCELONA - VALENCIA - ZARAGOZA - OVIEDO - BILBAO -SANTANDER - CADIZ - LA LAGUNA - BURGOS - PONTEVEDRA

(*) Envía tu maqueta a la correspondiente edición de MondoSonoro antes del 20 de diciembre Infórmate enviando un e-mail a zonademoscopica@mondosonoro.com

Litoral Foto Archivo

NOTICIAS /10/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

Avalanch Foto Archivo

Avalanch pone la banda sonora a la obra cumbre de Luís y Rómulo Royo La protagonista de esta historia nace hace veinte años, cuando Luís Royo la dibujó por primera vez en la portada de un libro con el mismo título. Desde que apareciera por primera vez, su creador ha ido incorporando el personaje en diversas ilustraciones y textos, hasta que con la ayuda de su hijo Rómulo Royo, ha tenido la fuerza para contar la historia en toda su dimensión. “Siempre he querido contar esta historia, otros proyectos han hecho que Malefic durmiera en los cajones del estudio durante muchos años, pero ahora por fin hemos podido abordarlo sin renunciar a nada... nos hemos volcado en él con la máxima ambición”. “Malefic Time” nos sitúa en el año 2038, en una Tierra post-apocalíptica por la llegada del juicio final donde la humanidad se enfrenta a un fin de ciclo. Los autores plantean una colección de tres libros ambientados en Nueva York, Tokio y París. El primero de ellos saldrá a la venta el 5 de diciembre, apoyado con el lanzamiento de “Apocalypse”, disco de trece temas inéditos compuestos por la banda asturiana Avalanch. De estos trece cortes, cinco de ellos acompañarán al libro. “Para Avalanch ha sido un enorme honor poder describir y ambientar con nuestra música el universo de estos dos grandes creadores. Es una gran responsabilidad y a la vez una gran satisfacción”. www. avalanch.net ■

Litoral, supergrupo indie de calidad Pau Roca (La Habitación Roja, Fantasma #3) es su cabeza visible, pero en Litoral comparte aventura con miembros de grupos como Autumn Comets o la banda de Abraham Boba. Tras un Ep de presentación, ahora presentan el largo “Incidents melòdics del mon irracional” (Limbo Starr, 11).

C

uando uno escucha el debut en largo de Litoral siente cosas que es difícil entender o explicar con palabras pero que, a buen seguro, cualquiera podría ubicar en un mapa sin problemas.

Pónganse “El rei del pollastre” o “Confessions d’un meteoròleg no practicant” y se verán rememorando unas vacaciones en Cullera, Alfàs del Pi, la Costa Blanca o la Costa Brava, incluso si jamás estuvieron allí. Porque este disco sabe a arena, a salitre, a libertad y a ganas de llegar hasta el horizonte y volver sólo para contárnoslo.

Pau Roca, Iván Cuevas, Manu Moreno, Guillaine Goosse, Pablo Magariños y Javier Montserrat (sustituyendo a Edu Baos, que

“tenía muchas historias entre manos”) se lanzan en una alocada carrera para hacernos disfrutar de sensaciones terrenas, alegrías atávicas e ilusiones inocentes y primarias. Cuerdas, vientos, guitarras y percusiones sin ataduras estilísticas ni geográficas acompañan la voz de Roca, que decide desnudarse y cantarnos en su lengua materna. “Al principio era una idea salvaje, como una coña, pero luego nos lo fuimos tomando en serio y al final así quedó la cosa”. El punto vocal más exótico lo pone una delicada Guillaine que lidera con sus melodías temas como “Clémentine” o la preciosa versión en francés del “Fade Into You” de Mazzy

Star. Cada uno de los temas de “Incidents melòdics del món irracional” es una delicia de gusto duradero y personal, como ya lo fue su EP de debut, que acaparó tanta atención mediática que incluso ellos llegaron a sorprenderse. “Uno siempre piensa lo mejor y casi nunca se cumple; y, claro, si se cumple, sorprende”, nos cuenta Pau. “Lo que más ha cambiado desde entonces es que ahora hay más concepto de grupo. Por lo demás, es un poco difícil separar el álbum del EP porque hay canciones en el disco que son incluso anteriores al EP y que de hecho ya las habíamos ido tocando en directo”. Sobre la dirección que están tomando, no se ponen de acuerdo y en el bar en el que estamos se forma una divertida algarabía. “El primero era más étnico, éste nos ha quedado más pop”; “La gente dice que es más folk”; “No, no, yo lo veo más psicodélico”… Y ninguno de ellos se equivoca: Litoral es cada vez más. Más y mejor. ■ Virginia Arroyo

No Hunger, vuelve el festival más solidario Enrique Bunbury Foto Archivo

Bunbury al más puro lujo Enrique Bunbury es uno de esos artistas que no deja a nadie indiferente sea en un sentido u otro, y en eso reside parte de su grandeza. En eso y en la gran cantidad de seguidores que, lejos de darle la espalda tras el final de Héroes del Silencio, han ido acompañándolo en una sólida carrera en solitario con altibajos, sí, pero también con grandes momentos auspiciados en forma de canciones de esas que forman parte del cancionero básico del pop rock latino. Pues bien, precisamente para todos esos seguidores que han apuntalado su carrera como una de las más exitosas de nuestra escena, se edita la espectacular caja “Bunbury De Luxe 12” Vinyl Box Set” (Virgin, 11), que incluye sus seis trabajos en solitario más el excelente tour de force que representó el disco que hizo a medias con Nacho Vegas. La novedad es que lo hace en el formato vinilo de doce pulgadas de ciento ochenta gramos.

Además este estupendo regalo se acompaña de un libreto escrito por el periodista Juanjo Ordás que hace un exhaustivo repaso de cada uno de estos trabajos. Bunbury ha anunciado más fechas por las principales ciudades españolas para el mes de enero del año que viene, presentando su nuevo álbum “Licenciado Cantinas”. ■

The Stone Roses Foto Archivo

The Stone Roses, reunión y nueva visita a España en el FIB Últimamente los rumores se convierten en realidad a toda velocidad. Es lo que ocurrió recientemente con las noticias sobre el posible retorno de los británicos The Stone Roses. La banda de Ian Brown ofreció una rueda de prensa en la que todos los miembros de la formación original confirmaban que volvían a la actividad. Así lo contaban sus protagonistas el 18 de octubre en el Hotel Soho de Londres. “Esta es una resurrección y estáis todos invitados, así que será mejor que vengáis”. Ahora son muchos los que se preguntan los verdaderos motivos de esta vuelta, barajándose el económico con fuerza. De todos modos, el rotativo The Sun aseguró recientemente que el futbolista David Beckham había sido el padrino de esta vuelta, tras convencer personalmente a los cuatro músicos de Manchester.

Por otro lado, se ha confirmado ya que, además de estar trabajando en nuevo material, estarán actuando en el próximo FIB, que se celebrará entre los días 12 y 15 de julio de 2012. ■

Una vez más vuelve No Hunger, el festival benéfico de Barcelona organizado por Acción contra el Hambre, que pretende recaudar fondos para paliar la desnutrición infantil. Este año, la cita tendrá lugar el 4 de diciembre en la sala Apolo y contará con las actuaciones de Sidonie, Inspira, Klaudia, Seward, Verkeren y Thug Ladies Dj’s. Las entradas anticipadas se pueden adquirir en la web del No Hunger, en Atrapalo y en la web de Apolo a un precio de 10€ anticipada y 15€ en taquilla. Una buena manera de pasar una noche con la mejor música y sabiendo que contribuyes con una buena causa mientras disfrutas. Y recordad que, como siempre, No Hunger tiene más de un as escondido en la manga. Si el año pasado fue el supergrupo formado por miembros de Love Of Lesbian, Mishima, Standstill y Egon Soda, esta vez habrá algún artista invitado que no puedes perderte. Más detalles en: www.nohungerfestival.org ■

Klaudia Foto Archivo

mondofreako

/13/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

ENTREVISTAS ★ WALA WALA ★ NO CONFIDENCIAL ★ LOS DISCOS DE MI VIDA ★ SUBEN/BAJAN ★ EN LA MALETA

The Right Ons Foto Archivo

THE RIGHT ONS

Energía a raudales

Todos tenemos claro que los madrileños The Right Ons son una de las mejores bandas que pueden verse en la actualidad sobre un escenario. Y eso es algo casi incontestable. Ahora bien, encima son capaces de publicar discos a la altura de sus conciertos como “Get Out” (Lovemonk, 11).

L

o dicho, The Right Ons son una de las mejores bandas de directo de la actualidad, nacionales o no. Es algo que no admite duda, te gusten o no, te caigan mejor o peor. Su directo no es fantasía. No es (solamente) comunión con el público. Es rock. Sólo rock, pero del bueno. Nunca han escondido sus influencias, ahora tampoco, ni falta que hace. De Faces a Sly & The Family Stone, de Marvin Gaye a MC5, las costuras están a la vista y son parte del disfraz. Es esta quizás una de las razones por las que la crítica que abusa de la palabra “seminal” no les toma demasiado en serio, pero ¿qué diferencia hay si cada vez que se suben a un escenario terminan convenciendo hasta a los más escépticos? Sentados en círculo en las oficinas de su discográfica en Madrid, se les ve relajados. No ha sido fácil. El éxito de sus larguísimas giras casi termina con ellos. (Álvaro) “Llevábamos dos años haciendo conciertos sin parar, necesitábamos descansar incluso de nosotros mismos y buscar el camino de nuevo. Ha sido largo y tedioso, con luz y oscuridad. También tenemos la suerte de ser amigos, porque con este nivel de estrés y trabajo no nos hubiéramos aguantado. Por

ejemplo, cuando estábamos en el camino de San Luís a Austin se podía haber terminado perfectamente el grupo, pero nos conocemos y cada uno sabe cómo aguantar al otro.

Todo eso creo que se refleja después en el local a la hora de componer”. Del trabajo, y de los momentos duros, suelen salir buenas canciones. Las hay en “Get Out”, a pesar de ser un álbum de minutaje escaso. Como un buen polvo.

Como una buena puesta de sol. Como un buen atraco. Rápido y limpio, el disco discurre feroz, guitarrero (mucho) y conciso. Siete canciones y todas las cartas sobre la mesa. (Ramiro) “En el fondo no es tan corto, por duración es un disco normal. No teníamos la presión de sacar un número determinado de temas. Nos apetecía sacar las canciones que realmente nos convencían y eran estas siete que reflejan el proceso por el que hemos pasado y con el que estamos contentos los cinco. Muchas veces tiras de canciones que te convencen menos y que rellenan, pero no queríamos hacer eso”. El corazón sigue siendo igual de negro, pero el funk y el soul dan paso a detalles de psicodelia que son un paso adelante sin perder el

ritmo. También están un poco hartos de etiquetas; lo suyo es el rock y es un concepto suficientemente amplio como para que las discusiones sobre la pureza o no del término sean eternas. Para quitarle los prejuicios al que está debajo del escenario, primero tienen que salir de uno mismo. (Álvaro) “Más que psicodelia hay ambientes, puede que antes lo pasáramos un poco por encima y en este disco nos apetecía dar un poco de humo de vez en cuando. A mí me parece negro porque tiene oscuridad, pero dentro de ella hay mucha luz. Puede que sea más

bastante interesantes. “On The Radio”, la ácida “Long Road” o “I Do What I Want” son algunas de las balas que carga un cañón a veces imperfecto al que han llamado “Get Out”. La técnica la tienen más que superada, sólo les importa encontrar el alma. (Ramiro) “A veces jugamos a hacer dos o tres tomas y nos quedamos con la que más nos gusta aunque tenga algún fallo. Te das cuenta tú solo. A la sexta toma suena todo tan cuadrado que no nos gusta. Siempre hemos tenido happy accidents, errores que luego funcionan en el disco. A veces

"Siempre hemos sido una banda de rock...

Lo que hemos mamado es el rock" sólido, pero nosotros siempre hemos sido una banda de rock aunque se haya dicho que tirábamos hacia el soul o el funk. Lo que hemos mamado es el rock, que es un término muy amplio. Ritmo más sencillo, más directo y menos vueltas. Tampoco buscábamos simplificar las cosas difíciles, pero en el primer disco intentas vomitar todo lo que tienes, en este igual hemos podido reflexionar un poco más. Igual no es tan divertido como el primero, pero es lo que nos apetecía hacer”. “Purple Neon Lights”, el single de presentación, ya dejaba claro por dónde iban los tiros. Guitarras saturadas, rock setentero, un sonido más crudo y algunos detalles de sintetizadores

una canción cambia completamente porque te has equivocado al tocar”. Utah, bajista, dice pocas cosas a lo largo de la entrevista, pero muy concisas. Ideales para poner el punto y final a una interesante charla y marcharte con la sensación de que no son otro grupo que te quiere vender la moto. “En tu cabeza tienes la canción tan predefinida que si te equivocas en una nota lo quieres arreglar y piensas que ha sido una toma malísima, pero luego los demás dicen que les gusta y tú eres el primer sorprendido”. ■ J. Batahola “Get Out” está publicado por Lovemonk.

Cansei De Ser Sexy Foto Archivo

mondoFREAKO /14/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

CANSEI DE SER SEXY

Liberados Diferentes, pero fieles al experimento de mezclar estilos con tanto desparpajo como sencillez, Cansei De Ser Sexy se han pasado los dos últimos años cogiendo carrerilla. Mientras preparan el desembarco de “La liberación”, su tercer disco, Lovefoxxx (vocalista) y Luiza (teclista) hablan de este nuevo asalto.

“

Nos ha llevado casi un año grabarlo”, cuenta Lovefoxxx, voz cantante del grupo, poco después de desayunar en el hotel de Madrid donde tiene lugar esta entrevista.

“Adriano y yo estábamos en Londres, Carolina y Ana en Berlín, Luiza en Nueva York…

Pero en 2010 nos reunimos en São Paulo y fuimos calentando motores poco a poco”.

El resultado fueron veinticuatro canciones que al final se han quedado en once. La liberación de CSS comienza con un “I Love You” y termina con un “Fuck Everything”, pero no deja de llamar la atención que en medio de esta nueva aventura hayan reservado un espacio a su primera incursión en la lengua de Cervantes con el tema de riffs ramonianos que da título al disco, donde invitan a gritar a gusto y a correr desnudo por la calle. “Elegimos el título en castellano porque suena más extravagante”, dice Lovefoxxx. “Y todo el mundo entiende lo que significa, yAAFF_bxs_Faldon es más cercano al portugués…”,1 mondo_250x84.pdf

añade. “Además creemos que nos va a ayudar para actuar más en lugares donde se habla español”, reconoce sin ningún pudor Luiza, teclista del grupo, que acompaña a Lovefoxxx en la promoción europea del disco.

“Estamos encantadas de haberla comenzado precisamente aquí”. De este amor por nuestro país parece ser responsable su estancia en Barcelona durante la grabación del vídeoclip de “Move” en 2008. Pero también la película “Volver” de Pedro Almodóvar. “Tenemos una canción que se llama ‘Ruby Eyes’ en la que hemos incluido algunos diálogos”, cuenta la vocalista. En concreto, han rescatado unas provocadoras líneas del personaje al que interpreta Blanca Portillo cuando recuerda a su madre: “The only hippy in the village/everytime I smoke a joint it makes me think about her”. La fascinación por España también ha llevado a Lovefoxxx a iniciarse con instrumentos tan patrios como las castañuelas, pero finalmente se ha quedado 23/11/11 17:18

limitada a las guitarras españolas de “City Girl”.

Y más allá de lo musical, a la elección de la realizadora madrileña Beatriz Sanchís para el primer videoclip del álbum. Su protagonista es “Hits Me Like A Rock”, un sencillo que según ellas empezó siendo country y ha terminado más reggae que otra cosa y en el que colabora Bobby Gillespie.

“Conocimos a Primal Scream en 2004, son muy buena gente. Cuando estábamos ha-

“La Liberación” coincide con su salida del sello Sub Pop y su entrada en V2/Cooperative/Downtown (distribuido en nuestro país por Music As Usual). Pero tanto Lovefoxxx como Luiza insisten en que el nombre del disco no tiene nada que ver con este cambio. “Seguimos adorando a la gente de Sub Pop, pero su política es no firmar más de dos álbumes con un grupo, algo que nosotros ya habíamos hecho. La

"Seguimos adorando a la gente de Sub Pop, pero su política es no firmar más de dos álbumes con un grupo" ciendo ‘Hits Me Like A Rock’ le pregunté a Bobby si quería cantar una parte de la canción y me dijo que sí. Lo grabó en su estudio de Londres y luego nos lo mandó por internet”, explica Lovefoxxx. Distinta fue la de Ratatat en el corte “Red Alert”, segunda colaboración estelar de este disco. “Estuvimos juntos de gira y son muy buenos mezclando rap. Queríamos que la canción sonara en plan Costa Oeste, y aunque no ha quedado como pensábamos al principio nos gusta mucho el resultado”. Por si con este álbum no hubieran roto (una vez más) suficientes barreras,

elección de este título tenía sentido porque fue difícil sentirse agotado con algo que nos hacía tan feliz a todos”. Y parece que esta vez hablan más en serio que hace tres años, cuando afirmaron alegremente que su proyecto de futuro era desaparecer. “Cosas de ser impulsivos”, concluyen.

■ Cristina Pancorbo “La Liberación” está publicado por V2/Music As Usual. estarán el 30 de noviembre en madrid (sala Heineken) y el 1 de diciembre en barcelona (music hall)

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MondoSonoro · Diciembre 2011 /15/

mondoFREAKO

¡¡¡ wala wala!!!

“Amamos a Hawkwind pero solo nos gustan las portadas de sus discos” Xavier de Rosnay de Justice, en NME

“Me veo como ese tío que hay en todas las familias, que nunca se ha casado pero viste muy bien y a pesar de los años vive como Dios” Marc Ros de Sidonie, en Muzikalia.

“Durante muchos años pensé que ‘Lucy In The Sky With Diamonds’ era una canción de Elton John” Damon Albarn en Q.

“Vamos a dominar el mundo otra vez” Ian Brown de The Stone Roses, en NME

Todo es mentira El sexto disco de Cass McCombs se nutre de las mismas sesiones que conformaron “Wit’s End”, su anterior trabajo publicado también en 2011. Tan espiritual como liviano, veladamente cómico, “Humor Risk” encaja como trabajo de tránsito en la discografía del esquivo músico californiano.

A

“Hacíamos todo lo que los jóvenes deberían hacer menos caernos en el escenario, llegar tarde y tomar heroína” Jim Lea de Slade, en Uncut.

“Los indignados son mi patria” Enrique Bunbury en Público.es

Cass McCombs Foto Archivo

CASS MCCOMBS

ún no es mediodía en Nueva York.

Desde allí, al otro lado del teléfono, un adormilado Cass McCombs mastica cada palabra antes de pronunciarla. “Se supone que vivo en San Francisco, pero en este momento estoy como atrapado en Nueva York. Bueno, no sé dónde vivo realmente”.

Aunque se muestra absolutamente cordial, no es tarea fácil mantener una conversación fluida con McCombs. De alguna manera, su discurso se basa en invalidar constantemente lo que acaba de decir segundos antes. Desde sus comienzos allá por 2002, cuando realizó el viaje inverso al que ahora nos relata (se formó como músico en Nueva York para después regresar a su California natal y comenzar su carrera discográfica), el músico se ha construido una imagen de personaje esquivo y excéntrico. Tanto es así que su discográfica cuenta haber llegado a contratar a fotógrafos de incógnito para encomendarles la misión de conseguir imágenes del músico para utilizarlas como material promocional. Ahora acaba de estrenar “Humor Risk”, sexto disco en su carrera y segundo de 2011, publicado tras el excelente “Wit’s End” de principios de año. Algo menos vaporoso, más humorado, “Humor Risk” echa mano de las mismas sesiones que conformaron su predecesor. Quizá de ahí el hecho de haberlo publicado sin dejar pasar siquiera un año. “En realidad, durante el tiempo en que registré todo el material, grababa una o dos canciones en diferentes ciudades, grababa en casas, en estudios... No estaba pensando en gra-

bar un disco, ni dos. Escribía canciones y las grababa. De hecho, no soy el tipo de escritor que se impone un calendario. Yo escribo canciones que casi no tienen que ver unas con otras. Nunca he escrito un disco. Crear es algo mágico, la inspiración depende directamente de los dioses”.

McCombs ríe al encontrarse a sí mismo hablando con tanta grandilocuencia, quizá por eso decide volver a su discurso dadaísta. “Creo

únicamente pretenden entretener. Quiero que gusten a la gente y quiero inspirar su imaginación. En lo que respecta a si escribo historias que suceden a otras personas o que me suceden a mí, realmente creo que estamos todos conectados. No puedes separarte de los demás, no puedes ver a nadie si no te ves a ti mismo. Somos todos la misma persona. Creo que es muy importante escuchar a los demás, es algo que yo me impongo personalmente. Estoy hablando como un idiota. Como dije antes, en realidad me gustaría estar escuchando”. En este punto, le confieso que me parece una persona muy perfeccionista, que más allá de su imagen de beatnik (se cuenta que durante años ha llevado una vida errante, alternando trabajos de todo tipo y llegando a vivir en furgonetas) existe un creador altamente

"Creo que estamos todos conectados.

No puedes separarte de los demás" que debo publicar todo lo que tenga tan pronto como sea posible, es lo más justo para el oyente. Y para mí también, así puedo pasar a otras cosas cuanto antes”, expone remarcando una vez más esa especie de nihilismo humanista que sobrevuela durante toda la conversación. “Estoy cristalizando mi manera de escribir”, explica. “Quizá a veces, cuando hablas o escribes, te dedicas solamente a eso, y resulta que te olvidas de escuchar. Ahora siento que estoy escuchando más, eso me ayuda a escribir”.

La música de Cass McCombs, narcotizante y escapista, encuentra inspiración en historias que suceden a su alrededor, aunque a veces el límite entre la autobiografía y la constatación de la realidad circundante sea harto difuso.

“Escribo cuentos de hadas, historias que

cerebral y calculador. “Eso no puede ser, sencillamente porque sé, todos sabemos, que nadie es perfecto. No creo que sea un perfeccionista, soy un ser obsesivo. Pero al final nada de esto importa, de verdad lo creo. Todo es esencialmente inservible”. ¿Inservible como hacer entrevistas promocionales, por ejemplo? “En realidad no necesito hacer esto, no necesito promocionar mi música, es estúpido. Sólo hablo con vosotros [los periodistas] porque admiro vuestra genuina dedicación hacia todo esto. Siento que os interesa de verdad todo lo que hacen los músicos y esa dedicación es algo que admiro”. ■ Jorge Ramos “Humor Risk” está publicado por Domino/Pias.

mondoFREAKO /16/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

Jamie Woon Foto Archivo

JAMIE WOON

Escritos fantasma A medio camino entre el r’n’b mainstream y las nuevas corrientes de la electrónica, el joven crooner británico Jamie Woon publica su álbum de debut, “Mirrorwriting”, avalado por Burial y cierto aura de gran promesa, cuatro años después de su primer single.

H

Burial ha tenido una gran influencia en mí”, cuenta. “En su remezcla fue la primera vez que escuché mi voz con ese tipo de sonido acompañando. Me encantó esa ambientación oscura. Al final no ha producido más que tres canciones del disco, pero ha sido un apoyo constante”. Su asociación con Bevan también se lo ha puesto fácil a aquellos que han querido ver en “Mirrorwriting” una asociación clara con la actual escena dubstep, aunque tanto Woon como un servidor no lo tienen nada claro.

“Supongo que es por mi relación con Burial, quien ha sido parte de ello. Si tuviera que ponerle una etiqueta, sería r’n’b. O quizás música pop, porque es un término bastante genérico, aunque cómo lo vayan a definir no es algo que me preocupe demasiado. Si algunos lo llaman dubstep me parece bien.

En realidad, me han influenciado músicas muy diferentes, así que es normal que

Sube el que posiblemente sea el mejor invento de la historia de Internet, Nickelblock. Un programa que elimina todas las menciones a Nickelback que te encuentres.

Sube el grupo barcelonés Chinese Christmas Cards por haber conseguido que su primer clip (“Dreams”) se haya estrenado en la web de NME.

Suben U2, porque, pese llevar unos años aguantando críticas, han vuelto a reclamar su porción de respeto gracias a la reedición de “Achtung Baby”.

Sube la tensión entre Slipknot y Rick Rubin por las declaraciones de Corey Taylor, vocalista de la banda de Iowa sobre la forma de trabajar del productor.

relaciones, pero la gran mayoría no son más que un intento de comprenderme mejor”, resume él. Esa es otra de las buenas cualidades de “Mirrorwriting”. Donde el r’n’b recurre habitualmente al lamento autocomplaciente, Woon gira el foco sobre sí mismo y hacia dentro, dando como resultado piezas que podrían recordarnos a un James Blake más obvio y pop. En cualquier caso, hay suficientes méritos en su debut para mantener el interés despierto en un artista cuyo

"La gran mayoría de las letras no son más que un intento de comprenderme mejor" es importante para mí. He dedicado mucho tiempo a encontrar el ambiente justo para las canciones”. Aprender a crear por sí mismo esos ambientes ha sido lo que ha retrasado casi cuatro años la publicación de su primer álbum, tres años que Woon ha invertido en “sobre todo tocar en directo, especialmente en acústico, y también componer y trabajar en el disco.

He estado aprendiendo a producir, quería hacerlo yo mismo”. “Es complejo hablar de las canciones. Hay algunas sobre las típicas

mercado final está más cerca de la música comercial que de los cenáculos electrónicos. “En Inglaterra el disco está funcionando mejor que en Europa”, cuenta. Algo lógico teniendo en cuenta que aquí el estilo de Woon nunca ha calado de verdad, aunque quizás valga la pena hacer una excepción con “Mirrorwriting”.

■ Joan Cabot “Mirrorwriting” está publicado por Polydor.

Bajan de nuevo los hermanos Galla gher, Liam y Noel, Noel y Liam, por haberse denunciado nuevamente entre ellos por temas ajenos a su música.

Con “Mylo Xyloto”, baja el respeto que algunos músicos le tenían a Coldplay. En una reciente valoración, The Horrors y Wild Beasts adjudicaron al disco un cero.

Baja el tiempo que falta para las listas de lo mejor del año. De momento, las tiendas Rough Trade consideran mejor disco del año el de Josh T. Pearson.

Baja Silvio Berlusconi por publicar un cuarto disco de canción romántica junto a Mariano Apicella, sobre todo por no editarlo en formato cassette.

BAJAN

SUBEN

ijo de la cantante de folk céltico y corista Mae McKenna, Jamie Woon tenía claro desde muy joven que quería dedicarse a la música. Estudió en la BRIT School Of Performing Arts graduándose un año después de Amy Winehouse y pasó por la Red Bull Music Academy.

“Es bueno aprender, siempre”, comenta. “Te enseñan a manejarte con todo tipo de registros y estilos y que no se trata de copiarlos, sino de hacerlo a tu manera”, añade. Pero probablemente la prensa especializada no se hubiera fijado en él, o al menos de la misma manera, si no fuera porque un tal William Bevan produjo la cara B de su single de debut, una versión del clásico del folk británico “The Wayfaring Stranger”.

Se trataba de la primera vez que el productor conocido como Burial firmaba con su nombre real y del inicio de una colaboración que se ha mantenido, cuatro años después, en el debut en largo de Woon, “Mirrorwriting”. “Evidentemente,

haya un poco de confusión al respecto”.

En realidad, el álbum de debut de Jamie Woon muestra a un autor entre dos aguas: Woon es un artista pop cuya música encaja perfectamente en la tradición del r’n’b británico y a la vez un crooner electrónico cuyas producciones tienden a lo oscuro. “Quería un tipo de sonido que describiera de lo que van las canciones, y creo que la atmósfera del disco es realmente interesante”, explica él. “Esa atmósfera

y otros puntos habituales de la Red Ticketmaster

y otros puntos habituales de la Red Ticketmaster

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mondoFREAKO /18/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

Albert Pla Foto Archivo

no confidencial albert pla

En gira constante, Albert Pla siempre tiene un minuto para nosotros. Esta vez para contestar nuestro descarado cuestionario. Y eso que ni siquiera le preguntamos en serio por su nuevo disco, “Somiatruites”, firmado junto a Pascal Comelade. ◗ ¿Qué canción te hubiese gustado componer y cuál odiarías haber escrito?

Yo no le tengo envidia a nadie. Y tampoco me autocompadezco.

◗ ¿Por qué en un país tan pequeño y serio como el tuyo hay más artistas “tronados” que en el resto del estado? ¿Quién dice que mi país es pequeño? Yo no lo conozco entero aún. En serio, mi país es muy grande.

Algún día Girona será la capital de España y el idioma oficial será el catalán. ◗ ¿Es verdad que Robe Iniesta no se atreve a hacer una gira en acústico contigo? ¿Por qué?

Supongo que le pasa como a todos los grandes artistas que no saben que lo son. Tiene miedo a que alguien escuche de verdad sus canciones. ◗ ¿Cuántas canciones del nuevo disco se han compuesto bajo los efectos de las drogas?

Todas. ◗ Te montamos una cena y tienes que elegir entre Loquillo, Enrique Bunbury o Jaime Urrutia para charlar sobre lo divino y lo humano. ¿Con quién te quedarías? ¿Por qué?

No tengo el placer de conocer a Urrutia. Una cena sería una buena ocasión para coincidir con Bunbury, porque tenemos amigos comunes. Alguien tendrá que pagar la cuenta. A Loquillo hace años que no le veo. Me respetó y me ayudó cuando yo empezaba, y eso se me quedó grabado en el corazón. Y ya cené alguna vez con él. ◗ ¿Pascal Comelade es tan serio como aparenta o es pose?

No. Somos los dos artistas menos habladores que yo haya conocido nunca. ¡Es todo tan fluido! ◗ ¿Hay algo más imperdonable en la actualidad que atropellar a Messi con tu coche?

Estoy buscándome nuevos problemas. Tú tranquilo, si no los encuentro ya me los buscarán otros. ◗ ¿Has comprado deuda pública catalana? ¿En qué inviertes tu dinero? ¿Desde cuándo se puede comprar la deuda? Yo todo mi dinero lo invierto en gastarlo. Como todo el mundo. ◗ Si no eres de los que tiran la piedra y esconde la mano, dinos el nombre del par de tontines que se creen los reyes de algo y no asistieron al concierto de Muchachito.

Jajaja, ¡Todo el mundo lo sabe! Eso fue una carta personal a Muchachito que se convirtió en pública no sé por qué. ◗ Hay quién afirma que tus silencios en las entrevistas son una pose para incomodar al periodista de turno. ¿Es cierto?

Uhmmmm............... ◗ ¿Le romperíais las piernas a algún crítico musical de este país? ¿Tú eres crítico? Pues a ti mismo. ■

THE KOOKS

a contracorriente Enfrentarse cara a cara a uno de los enfants terribles del britpop, Luke Pritchard, líder de The Kooks, antes de su actuación en Barcelona puede ser una situación difícil. Sin embargo, Pritchard demuestra que tanto él como su banda han madurado.

Atrás quedan las declaraciones incendiarias, hoy sólo importan el puñado de bonitas canciones de “Junk Of The Heart”.

“

¿Que si me meto en menos líos?

Seguramente soy peor ahora...

Bueno, he aprendido a callarme algunas cosas con la prensa. Me da la sensación que a menudo me retratan de una manera que no soy, pero da igual, porque al final lo importante es el público, que es quien escucha a las bandas. El mundo ha cambiado mucho.

Antes leías NME como si fuera la Biblia, pero cada vez más se leen blogs o te fías de tus gustos. Hemos tenido todo tipo de críticas con este disco, pero la gente canta las nuevas canciones cada noche y eso es lo que cuenta”, asegura Luke Pritchard, mientras nos tiende una botella de agua para calmar la tos en el camerino de Razzmatazz. “Junk Of The Heart” es el tercer esfuerzo de los británicos, un disco mucho más “contemporáneo”, en un momento en el que compañeros de generación como Arctic Monkeys (“¿Es necesario hablar de ellos?”) endurecen su sonido. “Nosotros vamos en dirección opuesta. Hemos grabado con ordenadores y compuesto temas como no lo habíamos hecho hasta el momento, como trabajar con capas.

Antes cogía mi guitarra y escribía una canción, todo muy analógico, pero ahora con Tony [Hoffer, productor] él preparaba unas bases y a partir de ahí yo construía el tema”. The Kooks debutaron con apenas dieciocho años y firmaron temas que todos somos capaces de tararear al instante, como “Naive” o “Seaside” (“Inside In/Inside

Out”, 06). Sin embargo, su segundo trabajo, “Konk” (08), fue recibido sin pena ni gloria y supuso una transición dura para los de Brighton, que se encerraron en el estudio para preparar nuevas canciones que, meses después, serían descartadas para empezar de nuevo de cero. “Cuando entramos en el estudio ya teníamos unas seis canciones grabadas, pero me di cuenta de que algo fallaba. Eran geniales, pero se parecían demasiado al segundo disco, así que empezamos a hablar sobre cómo

cuestionar cosas sobre tu futuro y lo que haces. Además, cambiaron los miembros de la banda y todo fue muy confuso, aunque sabía que esto no acabaría con el grupo. Igual se nos pasó por la cabeza la idea de separarnos, pero nunca nos sentamos todos a ni siquiera plantearlo.

Este tercer disco nos ha llevado tiempo, porque no queríamos sacar un disco más y punto. Hemos viajado, conocido otras culturas y descansado. Necesitábamos inspirarnos”. The Kooks, funambulistas capaces de andar entre el hype y el olvido, han conseguido encontrar de nuevo la fórmula, quizá menos evidente y fácil (“es un disco que entra lentamente, tienes que darle varias escuchas”) y vuelven con doce canciones que coquetean con el pop más retro (“Taking Pictures Of You”, “Skimo Kiss”), y con algunos rompepistas (“Junk Of The Heart”, “Is It Me”). Y parece que por fin llega el punto de inflexión en nuestro país, donde no

"He aprendido a callarme algunas cosas con la prensa" queríamos que sonara y nos pusimos de nuevo”. Tan inspirados estaban en esta nueva fase de su carrera que tan solo tardaron dos meses en componer todo lo que hoy escuchamos en “Junk Of The Heart”, como “Time Above The Earth”, escrita en el baño de un avión durante dos horas. “Te juro que es verdad, que las dos azafatas estaban ahí pegadas a la puerta escuchándome cantar y hablar”, asegura Pritchard entre risas. Ante la colección de anécdotas que nos relata y lo distendido que se le ve, cuesta creer que pasara por una fase de mandarlo todo a tomar viento fresco. “Tras publicarse ‘Konk’ hubo momentos duros y oscuros para la banda. Nos estaban cayendo palos por todas partes y te empiezas a

habían gozado de la fama de su Reino Unido natal. “La última vez que tocamos aquí lo hicimos ante cuatrocientas personas.

Hoy, son dos mil. España es un país curioso; casi no hacemos promoción y cuesta un poco más, pero aquí estamos: todo vendido y la gente canta nuestros nuevos temas, ¡es una puta pasada!”.

Luke se queda mirando fijamente y sonríe: “¿Sabes? Han sido preguntas duras, pero me han gustado, eso sí, me aseguraré de conseguir una copia de la entrevista”.

■ Marta Terrasa “Junk Of The Heart” está publicado por Virgin.

The Kooks Foto Archivo

◗ ¿Neoliberalismo paternalista burgués catalán o derecha ramplona y rancia castellana?

Hay que elegir por cojones, elijo los cojones.

mondoFREAKO

FOSTER THE PEOPLE

Bailando se entiende la gente De repartir pizzas y componer jingles comerciales a chicos de moda tras firmar un debut contagioso, “Torches”. Esta es la historia de Foster The People y de cómo un trío de colegas coinciden en California tras cruzar la interestatal con un claro objetivo: triunfar. De momento, Coachella, Glastonbury, Lollapalooza, Estados Unidos y media Europa se han rendido a sus encantos. Pero que nadie se confunda porque tienen un plan.

A

costumbrados a sus falsetes en temas como “Life On The Nickel”, choca la pausada y profunda voz de Mark Foster, líder de Foster the People, quien responde al teléfono desde Alemania en una de sus múltiples citas que llevan tiempo sold-out. “Lo que más echo de menos de antes de toda esta locura es el anonimato; poder bajar a la calle tranquilamente sin que nadie te mire ni te diga nada. No sé cómo se las apañan los actores, porque siempre les ves la cara y es peor”, asegura el cantante, quien empieza a destilar cansancio. Hay un punto de inflexión entre esos cafés relajados y el tener que parar a cada momento a hacerse fotos con los fans, y se llama “Pumped Up Kicks”. Una canción que todos los clubes y fiestas han pinchado cuarenta (mil) veces y cuyo vídeo reproducen algunas cadenas en loop. Sin contar que ya tienen bandas de tributo en Spotify. “Cuando componía música para anuncios en mi antigua em-

presa, me decían que me inspirara en tal o tal banda para hacer el jingle. Después, dejé el trabajo para centrarme en el grupo y llegó un día en el que los clientes enviaban ‘Pumped...‘ y decían ‘queremos que suene como esto’. Y yo pensaba: ‘¡tooooma!’”. Foster The People publicaron su debut, “Torches”, en junio de 2011, antes ya habían actuado en Coachella o Glastonbury. “Ojalá pudiéramos regrabar el disco ahora, porque estamos tocando muchísimo y somos mejor banda”. Les vimos en la cita británica y el suyo es un directo potente y sudoroso, poco que ver con sus pintas de niños bien. “La percusión es clave para nosotros; es el primer paso al componer y una parte esencial del directo. Hay algo muy tribal en ella, en el beat, es muy primario y muy instintivo en una sociedad en el que la parte animal se suprime al máximo”. En caso de duda, consultar la portada del disco. Mark, dejó su Cleveland natal

(Ohio), para cruzar casi todo el país hasta llegar a Los Angeles, en una suerte de periplo Keuroacomusical. “Quería aprender a escribir canciones y, aunque lo puedes hacer donde sea, tenía claro que Los Angeles me serviría de inspiración. Repartía pizzas y me juntaba con músicos a los que admiraba como compositores. Hasta que, dos años después, algo hizo ‘clic’ y entendí la manera en cómo funciona una canción”. Máxima eficiencia para un compositor novel. “Torches” es una píldora antridepresiva formada por diez cortes con altas dosis de tecnología, contada en

o uno que te ayude a desconectar y reír.

Recibimos un montón de emails con gente que nos agradece lo mucho que le hemos ayudado con ‘Torches’”. Y es que Foster The People lo tienen todo: son jóvenes, queridos por círculos indies y el mainstream más cool (han actuado en Saturday Night Live, el show de Letterman) y los festivales se los rifan. Ahora queda lo más difícil, superar las perversas expectactivas del “hit” en un segundo trabajo, sin sucumbir a la presión que ha ahogado a tantas otras fugaces promesas. “Estamos preparados. Es lo que queríamos con todas nuestras fuerzas y no

"Yo no escucho a Bon Iver cuando estoy deprimido" primera persona por personajes inventados y recreados en la mente de Foster. “Me fijo mucho en la gente, qué hacen y cómo se mueven y juego a imaginar qué se les pasa por la cabeza. Tengo más libertad en las letras porque me desvinculo personalmente”.

Terapia de shock para los días cortos y oscuros que se avecinan. “No creo que porque hagamos música bailable seamos superficiales.

Distintos estilos apelan a diversos estados de ánimo. Yo no escucho a Bon Iver cuando estoy deprimido, aunque podría haberlo hecho. Tienes dos opciones: o escuchar un disco que todavía te deje más pensativo

somos críos, ni damos nada por sentado.

Ya hemos empezado a componer para el segundo tema, aunque de gira es dificil. Pero es que no entiendo por qué hay bandas que tardan tantísimo en sacar su próximo disco. Publica algo, ¡ni que sea un EP! En caso contrario, la gente se olvida de ti”. En su plan, dejan poco al azar y pretenden colarte una a una sus canciones garganta abajo hasta que no pares de moverte.

■ Marta Terrasa “Torches” está publicado por Columbia/Sony.

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Foster The People Foto Archivo

MondoSonoro · Diciembre 2011 /19/

Stephen Malkmus Foto Archivo

mondoFREAKO /20/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

Stephen Malkmus & The Jicks

Cambio de aires Pasada la fiebre de la reunión de Pavement, el que fuera uno de los nombres de referencia en el indie-rock de los noventa continúa a lo suyo, que no es otra cosa que publicar un nuevo álbum -y van cinco- con The Jicks. Inevitable recordar a los de Stockton, aunque un trabajo como “Mirror Traffic” bien merece detenerse en el presente.

H

asta hace unos meses, lo lógico hubiese sido que Stephen Malkmus respondiera al teléfono desde Portland, ciudad a la que llegó tras la disolución de Pavement y que durante los últimos años ha asistido al desarrollo de su carrera con The Jicks. Ahora, el prefijo confirma que ya no estamos llamando a un abonado de Estados Unidos, sino a un número de Berlín, la capital alemana, adonde se ha mudado justo antes de la publicación de “Mirror Traffic”, álbum que hace el número cinco de esta segunda etapa, igualando la producción de la que fuera una de las bandas capitales del indie-rock de los noventa. Hablamos primero de su recién estrenada vida en Europa. “Está siendo divertido. Berlín es una gran ciudad, pero a la vez bastante tranquila; me permite tomarme las cosas con calma, estar pendiente del colegio de los niños, practicar deporte, seguir la actualidad… La vida aquí es bastante diferente, no tiene mucho que ver con Portland; por supuesto, el idioma es un cambio impor-

tante, aunque hay mucha gente que habla inglés de forma fluida, así que no es un problema. También me gustaban ciudades como Madrid o Barcelona, pero se habla inglés bastante peor, por lo que hubiese sido más complicado adaptarse, sobre todo pensando en los niños”. Dejemos las carencias de nuestro sistema educativo para mejor ocasión y centrémonos en este “Mirror Traffic” que vuelve a ponernos ante un Malkmus siempre en forma, esta vez con el apoyo de Beck, otro de los grandes iconos de los noventa. “Joanna Bolme [bajista en The Jicks] llevaba tiempo diciéndome que debíamos contar con alguien externo, y coincidió que Beck me llamó por teléfono y me comentó de pasada que estaba produciendo varios discos [entre otros, el último de Thurston Moore]. Días después le devolví la llamada y le dije que quería contar con él en este álbum. Fue fácil, aportó unas cuantas ideas, desde cómo colocar los micrófonos a la manera de grabar las guita-

rras, pero sobre todo en el sentido de que las canciones fuesen lo verdaderamente importante, más allá de un sonido concreto. He aprendido mucho con su trabajo.

Supo ayudarnos en ese camino, pero tampoco se trata de ninguna revolución. Quien haya seguido mínimamente mi trayectoria encontrará algunos cambios, pero no de una manera radical”. Entre las novedades está el hecho de que los temas de “Mirror Traffic”

The Beatles; podemos hablar de la letra y hacer decenas de interpretaciones, pero lo crucial es que su melodía es mágica. Eso es lo que recordamos por encima de cualquier otro elemento”. También ahí está la clave que explica la importancia de Pavement en el poprock de los últimos veinte años, con un eco que aún llega a través de grupos como Mazes o Yuck, sin olvidar que la celebrada reunión de Malkmus, Scott Kannenberg, Bob Nastanovich y demás

"En Europa la mayoría de mis seguidores lo eran también de Pavement" son, en líneas generales, más accesibles que los de entregas anteriores, con un aliento pop más definido. “No es algo que buscase de antemano, pero es cierto que estas canciones van más al grano”, comenta Malkmus, cuyos textos tampoco son tan crípticos como antaño.

“Me cuesta escribir las letras. Hay veces que surgen algo más rápido, pero no es lo habitual. Procuro de todas formas que no se convierta en una obsesión. Lo primordial es la melodía, siempre ha sido así. Y en general es a lo que presto más atención, y no solamente con mi música. Piensa por ejemplo en ‘Strawberry Fields Forever’, de

aún se mantiene viva entre quienes tuvieron la oportunidad de verles en el Primavera Sound de 2010. “Fue maravilloso: reencontrase con viejos amigos, compartir el escenario otra vez, ver la reacción de la gente… Pero es curioso, porque creo que en Europa la mayoría de mis seguidores lo eran también de Pavement, en cambio, en Estados Unidos es algo superado. Han pasado casi veinte años desde que publicamos ‘Slanted And Enchanted’”. ■ Enrique Peñas “Mirror Traffic” está publicado por Domino/Pias.

MondoSonoro · Diciembre 2011 /21/

mondoFREAKO

Los discos

John Reis Foto Archivo

de mi vida

John Reis (the Hot snakes) John Reis, también conocido como Speedo, es un músico de sorprendente carisma curtido en formaciones como Drive Like Jehu, Rocket From The Crypt o The Hot Snakes, grupo renacido de sus cenizas y con el que nos visita (Madrid, 14 y Barcelona, 15 de diciembre), con ni más ni menos que No More Lies como teloneros.

El disco que me llevó A TOCAR LA GUITARRA

“Ivy Green” (1978) Para mí, es música brutal y repetitiva que es capaz, al mismo tiempo, de llenarte de alegría. Es el disco que me hizo querer tocar la guitarra, lo cual es el mayor cumplido que puedo hacerle.

MIS DISCOS DE GUITARRAS

Nervous Eaters

“Eaterville” (2004)/ Berlin Brats “Believe It Or Rot 1973-77” (2011)/ Wayne County “At The Trucks” (2006) Aunque he disfrutado mucho con la música de The Rolling Stones o New York Dolls, creo que algunos de sus imitadores hicieron un ruido mucho más cercano a mí. Estos tres discos me sirvieron de inspiración para dejar mi trabajo y mearme en la cabeza de mi jefe. Irónico, teniendo en cuenta que yo soy mi propio jefe.

UN DISCO PARA LAS MAÑANAS

Bridget St. John

“Ask Me No Questions” (1969) Estoy escuchándolo ahora mismo, mientras estoy comiéndome unos huevos de codorniz para desayunar. Este disco es una forma maravillosa de empezar el día al tiempo que me ayuda a aceptar que no existen resoluciones en la vida.

UN CLÁSICO ATEMPORAL

Bo Diddley

“Bo Diddley” (1958) Este disco hace que Jesús parezca un quejica incompetente.

UN DISCO CON ALMA

Group Bombino

“Guitars Of Agadez Vol. 1 & 2” (2007) Estas grabaciones son algo así como descubrir las grabaciones de Alan Lomax, pero en la actualidad. Aunque no soy fan de su último disco, cuando escucho sus álbumes anteriores (sobre todo los temas acústicos), me invade la sensación de que Omara Moctar es uno de los guitarristas con más alma que existen en la actualidad. n

Alberto Montero Foto David Boscá

Ivy Green

ALBERTO MONTERO

Luz silenciosa

De la lista de heterodoxos “cantautores” nacionales que nos dejan trabajos sobresalientes en este 2011 destaca con luz propia Alberto Montero y su “Claroscuro”. Se trata de un disco a través del que soplan aires atlánticos y mediterráneos, por el que se filtra la lírica de Luis Alberto Spinetta tanto como la teatralidad de los últimos Standstill.

A

ún está caliente la polémica entre Isaki Lacuesta (a la izquierda, calzones azules, campeón del cine español más exigente) y Borja Hermoso (en el rincón contrario, indumentaria encarnada, responsable de la sección de Cultura de El País y representante de la crítica menos tolerante con lo autoral y explorador). Y de entre la guerra de posts, tweets y demás formas de comunicados contemporáneos rescato esta sentencia: “El cine de arte y ensayo aplica un código penal distinto del que regula el cine convencional”.

Pregunta, ¿sucede lo mismo en el terreno de la música popular?¿Manejan en terreno independiente crítica y público posturas irreconciliables? Los que pensamos que por fortuna las cosas funcionan de forma diferente en el terreno de la música, encontramos razones de peso en la exitosa exigencia de titanes como: Animal Collective, El Guincho, Radiohead y tantos otros. Sin embargo, la historia de una serie de músicos que parecen condenados a vivir en la sombra, militantes a su pesar de un underground miserable, nos desmiente. Y, sí, resulta descorazonador que no haya un público que les aplauda. Con una carrera de más de diez años a sus espaldas Alberto Montero ha publicado dos discos de psicodelia oscura al frente del cuarteto Shake en los que -como sucede con todas las referencias del exquisito sello Greyhead- apenas repararon los exploradores más avanzados. Tampoco despertó demasiada curiosidad el homónimo disco de debut en solitario de 2008, aproximación al

folk de cámara, todavía en inglés. Y así hasta desembocar en “Claroscuro”, un disco capaz de mirar a la cara a los grandes y que, ahora sí, tiene que sacar al de Puerto de Sagunto del anonimato. “Los proyectos se van armando solos, impregnándose del momento en que los escribo y adquiriendo el tono de una época concreta de mi vida. Es el caso de ‘Claroscuro’. Hace tres años que me cambié de Valencia a Barcelona por moti-

utilizar mi lengua materna y no un idioma que no sentía como propio ni dominaba correctamente. Antes escribía en inglés porque mis ídolos eran The Beatles, Love, Neil Young,... y yo quería emularlos. Pero hubo una época en que pasé a escuchar muchas cosas y muy buenas en castellano: Spinetta y grupos sudamericanos de los setenta (Arco Iris, Los Jaivas...), Vainica Doble o cosas más actuales como Standstill o Gepe. A partir de estos referentes pude ir cambiando el idioma de composición, lo cual fue un proceso muy costoso ya que supuso construir un nuevo yo musical, una nueva percepción de mi música. Cuando lo conseguí fue cada vez más fácil y satisfactorio, porque ya tenía una experiencia previa en la que apoyarme. Ahora me arrepiento de tener tanto disco en inglés, pero bueno, todo

"Ahora me arrepiento de tener tanto disco en inglés..." vos de trabajo y las dificultades que pasé para adaptarme a una nueva ciudad y los diferentes momentos o estados anímicos que he vivido durante ese proceso han marcado el disco y lo han dotado de cierta homogeneidad”. Se niega a considerarlo un trabajo conceptual. “Siempre que acabo un proyecto empiezo a planificar cosas, a pensar que podría hacer un disco de esta manera, de esa otra, que trate sobre esto, que suene a... Pero nunca cristaliza nada”.

Porque más que una idea “Claroscuro” es el papel fotográfico que ha revelado el retrato de nuestro protagonista en un tiempo y lugar muy concreto. También la prueba de madurez de Alberto como músico y de su apertura a nuevas influencias. “El cambio del inglés al castellano surgió de la necesidad de darle valor a las letras de las canciones, de

tiene su proceso y su momento”. A alcanzar este momento ha ayudado su formación musical, evidente en unos preciosos arreglos que arropan las canciones sin asfixiarlas. “En esos años de estudio conecté mucho con la clásica, por lo que me encanta hacer arreglos de voces ‘medievalescos’, a lo ‘Caramelo de limón’ de las Vainica, o arreglos con instrumentos más sinfónicos.

Y a la hora del directo me ayuda mucho tener conmigo a Román Gil (su disco ‘Vía Láctea’ es de obligatoria escucha) y a Juan Pablo Olavarrieta, que es el responsable de las impresionantes líneas de bajo del disco”. ■ Luis J. Menéndez “Claroscuro” está publicado por Greyhead.

mondoFREAKO /22/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

THE EYES

La temida tercera obra. La prueba de fuego. Los barceloneses The Eyes superan el desafío con nota, abriéndose a la melodía y las armonías memorables sin perder un ápice de brutalidad. “Hold Your Axes, Rip Their Guns” suena tan desafiante y soberbio como su título. Este otoño lo presentan junto a los thrashers Crisix por toda la península

P

erseverancia. Convicción. Integridad.

Edgar Beltri, guitarrista y miembro fundador de la banda junto a Wero (guitarra y segundas voces), se muestra ilusionado con el nuevo trabajo del grupo. No hay para menos. Si la mejora experimentada entre sus dos primeros discos, “Pursuing The Misfortune” e “Insignis”, fue más que notable, sobre todo en el terreno de la producción, esta vez el salto resulta aún mayor. No sólo han grabado y mezclado por primera vez parte del álbum en Estados Unidos, concretamente en Baltimore junto a Paul Leavitt (More Than A Thousand, Darkest Hour, I Am Ghost). También han abierto la paleta cromática de su sonido potenciando la melodía, aspecto evidenciado sobre todo, aunque no únicamente, por las segundas voces aportadas por Wero. Un contrapunto que suma enteros a su propuesta.

“Nunca antes había cantado, pero hace dos años formó una banda, Read My Lips, y se lanzó. Después, un día ensayando, le dijimos que probara algo. Así de natural”, recuerda Edgar. “Por otra parte, quizás últimamente

¿

hemos escuchado no ya bandas de metal con estribillos melódicos, sino muchas bandas directamente más melódicas”. Su nuevo trabajo, sin duda, se escucha mucho mejor del tirón. “Tiene muchas dinámicas.

Creo que es nuestro disco más completo.

Con ‘Insignis’ quizás queríamos estar todo el rato arriba, a muerte, íbamos más a machete. Venía gente que nos decía ‘vais demasiado a trapo’ (risas). Esta vez no. Para subir, antes tienes que bajar, si no, llega un momento en el que no puedes subir más.

El disco tiene la canción más bestia que hemos hecho nunca, ‘Commitment’, y la más melódica. Es más agradable, se podría escuchar, qué sé yo, cocinando (risas)”.

Y plantea un símil del todo cierto. “Buenas guitarras y dobles bombos los encuentras en todos los discos. Pero lo que te llama la atención es otra cosa. Tú si escuchas un disco de pop y te gusta, cuando estés al día siguiente en la ducha, cantarás la voz; si te gusta un disco de metal, cantarás

Has escuchado el Último de

?

A la venta en www.rubiamusic.com

The Eyes Foto Archivo

Abre los ojos las guitarras. Nosotros queríamos que, al día siguiente, el oyente pudiera cantar ambas cosas”. Ese objetivo fue el que les llevó a contactar con Leavitt. “Escuchamos un disco de More Than A Thousand que nos gustó mucho, especialmente a nivel vocal, y vimos que lo había producido él”. Y, sin titubear, se fueron a grabarlo a su estudio en Baltimore. Aunque Jordi y Cristian se quedaron en tierra. “No pudieron por motivos laborales, pero grabaron sus partes en La Atlántida,

ver con estas y otro tipo de adversidades. “Forma parte de un planteamiento global. Viene a decir que, a veces, tu mayor paso adelante pasa por dar un pequeño paso hacia atrás”.

Y encima se descuelgan con su primer tema en castellano, “Marea Negra”, en el que colabora Juan de S.A. “Surgió a raíz de nuestra gira conjunta. Nunca había escuchado metal en castellano, pero me di cuenta de que a partir del segundo concierto empezaba a cantar sus estribillos. Es también un tributo

"Antes queríamos estar todo el rato arriba, a muerte, íbamos más a machete" el estudio donde trabajo, así que nos lo pudimos combinar bien. La experiencia ha sido vital. El hecho de vivir en el estudio, con tu habitación, tu cocina… Además, desde el principio hubo un gran nivel de confianza con Paul”. Tras la grabación, Cristian dejó la banda, siendo sustituido por Miquel. Un cambio más. “Antes todo era más dramático, pero ahora nos lo tomamos de otra forma, vamos a por todas. Lo importante es el conjunto de los cinco. Si uno cojea, se le va a echar mucho de menos, pero tenemos mucho trabajo que hacer”. El título, “Hold Your Axes, Rip Their Guns”, tiene mucho que

hacia ellos, a lo que hemos vivido y a todo lo que nos han dado”. El futuro dirá si dan definitivamente el salto que por esfuerzo, calidad y dedicación merecen. “Aquí hay muchas bandas que no paramos de trabajar y de hacer discos en ocasiones mejores que los que nos llegan de fuera, y creo que la gente tiene que tomar conciencia de ello.

La intención de nuestra actual gira con Crisix pasa por intentar abrir un poco esta escena”. ■ David Sabaté “Hold Your Axes, Rip Their Guns” está publicado por Kaiowas Records.

mondoBEATS /24/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

EN LA

Yall Foto Archivo

MALETA

YALL Dos pinchadiscos y dos artistas visuales, que amplían su formación tanto como les venga en gana, y que protagonizan unos directos sudorosos con más de una treintena de televisores en escena, en los que cabe desde el dubstep más cabezón hasta el french touch más melódico.

Y todo sin bajar la guardia un momento.

◗ ¿Qué disco nunca falla en una sesión vuestra? ”In Your Eer” de Jess & Crabbe. ◗ Por contra, ¿cuál de vuestros discos favoritos nunca ha sonado en una sesión vuestra? ¿Por qué? ”36 Chambers” de Wu-Tang Clan, porque no queremos inducir a la gente al crack. ◗ ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

Atarse los cordones. ◗ ¿Qué es lo que más os gusta y lo que más odiáis de otros Dj’s?

No gusta la técnica y sobre todo la entrega con el público, eso es profesionalidad en un DJ. Lo menos, el fake. ◗ ¿Hasta qué punto es importante que la gente baile más o menos para cambiar la línea de vuestra sesión?

Al 100% ¡Nuestra música es para eso! ◗ ¿Recordais alguna anécdota especial a lo largo de vuestra carrera como Dj’s?

David desenchufando todas las teles de una patada y Albert enchufándolas rollo coreografía disimulando. ◗ ¿Es la noche la mejor hora para pinchar?

No. ◗ ¿Alguna vez habéis perdido u os han robado los discos?

Discos,Tractor y la pasta del bolo, todo el pack.

Raval Style, hay un nuevo Dj marroquí emergente en la escena de Barcelona. ◗ ¿Qué opinión teneis de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s?

La relevancia es fruto de la evolución. El Dj es el medio o canal y por tanto es totalmente relevante. ◗ ¿Qué opináis de los músicos que pinchan?

Si lo hacen bien, respect. ◗ ¿Cuál ha sido la mejor sesión que habeis protagonizado hasta la fecha? ¿Por qué? ¿Y la peor?

La mejor fue en febrero en The Loft. La sala estaba a tope... hacía tiempo que no veíamos el Loft así y esta vez éramos nosotros los que estábamos en el escenario. La peor, en Castellar hace mucho tiempo. La sesión fue genial, pero al final perdimos las llaves de la furgoneta y estuvimos agonizando hasta que salió el sol. ◗ ¿Cuáles son vuestros Dj’s favoritos?

A-Trak, Lola la Dulce.

Buraka Som Sistema Foto Archivo

◗ ¿Por qué motivos empezasteis a pinchar? ¿Para ligar, para ser estrellas?

Para ligar con estrellas (risas). En ese momento teníamos algo que contar y la mejor forma de hacerlo fue creando YALL.

BURAKA SOM SISTEMA

En una misión Tras el éxito global del sonido kuduro, el colectivo lisboeta detrás de éxitos como “Kalemba” o “Sound Of Kuduro” publica “Komba”, en el que Buraka Som Sistema se inspiran en los ritos fúnebres africanos. Hace tres años nadie fue capaz de prever el impacto de los portugueses. Ahora toca reválida.

C

uando Buraka Som Sistema publicaron “Black Diamond” (Fabrik/Pias, 08) ni los más optimistas imaginaron hasta qué punto la mezcla de electrónica urbana con el kuduro de origen africano iba a filtrarse en la conciencia popular. Un año después, “Kalemba (Wegue Wegue)” había sido rebautizada como “Weke Weke” en los anuncios de politonos y la palabra kuduro había dejado de ser un exotismo. Ahora que Buraka Som Sistema publican su nuevo largo, “Komba”, resulta difícil evitar hablar del célebre “Danza Kuduro” del portorriqueño Don Omar, aunque Andro Carvalho aka Conductor se lo toma con filosofía y simplemente acepta que a veces uno influencia a otros artistas de la forma más insospechada. “Todavía no hemos tenido tiempo para relajarnos y pensar en todo lo que ha sucedido después de la edición de ‘Black Diamond’”, comenta. “Llevamos trabajando muchos años seguidos y no hemos parado en ningún momento. De hecho, cuando publicamos el primer disco ya éramos conscientes de que había cierta expectación, que la gente lo estaba esperando, aunque en ningún momento pensamos que tendríamos una repercusión tan internacional”. “Black Diamond” convirtió a Buraka Som Sistema en un fenómeno global, celebrado a la vez por Diplo, Switch y MIA y versionado por Shakira. Resulta imposible evaluar su impacto en la música de baile actual, underground o mainstream, en parte porque no han estado solos en el uso de la tradición musical africana en clave electrónica, pero los portugueses son sin duda uno de los grupos

más visibles del género y, en nuestro país, quienes mayor éxito han tenido. “Siempre hemos querido que nuestra música llegara lo más lejos posible”, comenta Carvalho.

“Es cierto que llega un punto en que estas cosas se te van de las manos. En el fondo tienes un control limitado. Nosotros nos concentramos en el trabajo de dar a conocer el nombre del grupo”. Y en ese sentido la recompensa no podía ser mejor. “Hemos ganado algunos premios importantes en todo el panorama europeo. Tocar en Japón, Australia... Y sobre todo que al-

hablando entre nosotros y discutiendo sobre qué debía ser ‘Komba’. También teníamos una noción bastante clara de lo que queríamos transmitir al público y en esta ocasión dirigimos a los colaboradores”. Carvalho lo resume cuando explica que “nos ha preocupado más la cohesión que componer un nuevo ‘Kalemba’”.

El álbum toma su nombre de cierto rito fúnebre angoleño. “Siete días después de que una persona haya sido enterrada, se celebra una fiesta en casa del muerto, en que se come la comida que a él le gustaba, se escucha la música que a él le gustaba y se recuerdan las cosas buenas que esa persona hizo”. “Cuando empezamos a recopilar ideas, comprendimos que nos estaba quedando un disco muy oscuro”, prosigue Carvalho. “Fue a partir de ahí que empezamos a darle vueltas a la idea del Día de los Muertos, que no es más que

"Hemos sido capaces de influenciar a otros artistas por el mundo entero" gunos músicos a los que admiramos nos sigan y estén atentos a nuestros movimientos. Pero la gran satisfacción es ver que hemos sido capaces de influenciar a otros artistas por el mundo entero”. A la hora de dar forma a la continuación de “Black Diamond”, Buraka Som Sistema decidieron aislarse de las influencias externas y poner en común ideas durante un mes. “Después de dos años actuando en directo casi sin interrupción, llegamos a la conclusión de que debíamos crear un álbum que se asemejara más al disco de un grupo que no al de un colectivo de productores. Por eso nos encerramos durante un mes en una casa en el sur de Portugal y empezamos a perfilar la identidad del disco,

una celebración de la vida”. Porque a pesar de ser un disco que, según Conductor, opera en unos parámetros menos festivos que su antecesor, el nuevo trabajo de Buraka Som Sistema es, desde luego, un álbum lleno de despliegues rítmicos y decididamente bailable. “2012 va a ser un año intenso”, confirma Carvalho hablando del futuro inmediato del grupo, con giras por Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón, ya confirmadas. Desde el inicio la misión del grupo fue dar a conocer el kuduro alrededor del mundo y a estas alturas nadie puede negarles haber conseguido completarla incluso más allá de cualquier expectativa. ■ Joan Cabot “Komba” está publicado por Universal.

¿Quién es Florence + the Machine y por qué está en boca de todo el mundo?

Musa de Karl Lagerfeld. Ha sido fotografiada por el diseñador y ha desfilado de su mano, para la colección Chanel, en París.

Ha sido entrevistada por Baz Luhrman (productor, guionista y director musical de “Moulin Rouge”, entre otros) Es portada de revistas como Vogue, Q, NME, Smoda ...

acaba de editar su segundo álbum

No1 en UK

“¿Su obra maestra ya?

Un sensacional segundo álbum de la digna heredera de Kate Bush. “Ceremonials” es todo un logro: un hábil disco pop lleno de inteligencia e imaginación”.

Q

Disponible en: Vinilo / CD / Álbum digital

“Ceremonials no sólo es más grande, es mejor” Daily Mail

Incluye los singles: “What The Water Gave Me” y “Shake It Out”

“Regreso triunfal… una mezcla de magia y determinación” Metro

AUTÉNTICA, MISTERIOSA, ÉPICA, PODEROSA, GRANDE, ASÍ ES

“Todo lo que tenía Lungs y mucho más” Daily Express “Flo sigue estando en su mundo, pero el mundo se hace más grande y más brillante y se hace más rico por momentos. Se merece el éxito que consiga” NME 8/10 “Un álbum gigantesco, fluido y estrepitosamente emocional” Daily Telegraph

www.florenceandthemachine.net

Y ASÍ SUENA

LOS ALIENS CONTRA EL BARRIO PREMIO DE LA CRÍTICA MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO PREMIO DEL PÚBLICO MEJOR BANDA SONORA

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/27/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

WE ARE STANDARD

We Are Standard Foto Eskenazi Encursiva

Estado de gracia

Decididos a rebajar los bpm’s de sus canciones, antes frenéticos himnos para la pista, los bilbaínos se acercan más que nunca al sonido Madchester al entregar “Great State”, cinco nuevos temas que son toda una incitación al baile perezoso y a seguir creyendo en el potencial de la banda.

W

e Are Standard ya tenían un hit aún antes de llamarse We Are Standard.

Aquel “On The Floor” que encabezó su primera (y única) demo, “Golden Section” (2004), sorprendió a propios y extraños por su gran pegada y sonido dance-rock, tan habitual en la música anglosajona, pero no tan presente en el imaginario de nuestra escena. Una canción, aquel single primerizo, que marcó todo lo que vendría después para el grupo nacido en Getxo bajo el nombre de Standard. Dos álbumes, “3000V 40000W” (2006) y el homónimo “We Are Standard” (2008) –que marcaría el

aprendiendo y seguir creciendo para hacernos más grandes”, confiesa Deu Txakartegi, vocalista del grupo. “Hemos buscado que todo sea más musical, más completo, por lo que no nos hemos cortado a la hora de producir y buscar arreglos que hicieran los temas más gloriosos”, aunque esto signifique alejarlos de las discotecas contemporáneas.

De todas maneras, las nuevas canciones de WAS siguen siendo un perfecto pretexto para mover el esqueleto, aunque sea ahora de un modo más cadencioso, perezoso si se acepta el calificativo. Un nuevo sonido que bien podría

“Manchester es una clara influencia, se nota más que nunca en este disco” cambio de nombre de la banda-, más sendos discos de remezclas, dejaron claro que las intenciones del combo eran las de poner patas arriba la pista de baile a base de guitarrazos, potentes percusiones (dos baterías, recuerden) y bases programadas. Sin embargo, con la publicación de “Great State”, un mini álbum de cinco cortes, parece que la intención ha sido otra. “Sí, hemos buscado un cambio, ya que queríamos seguir mejorando, seguir

emparentarse con el de las raves de finales de los ochenta y bandas como Happy Mondays, James, Inspiral Carpets y, claro, The Stone Roses. ¿Hemos dicho Madchester? “Manchester es una clara influencia, tiene y ha tenido un montón de bandas que nos gustan, lo cual se nota más que nunca en este disco”, confirma el cantante. Juan Escribano, uno de los dos guitarristas, añade: “como con las bandas del catálogo de Creation Records,

conjugar rock y música de baile es lo que nos sale de manera más natural”. Algo que ya hicieran tiempo atrás los ahora reunidos The Stone Roses. “Sería un sueño, tanto para ellos como para nosotros, el tocar juntos”, afirma con algo de ironía D.W. Farringdon, el batería superviviente en el grupo tras causar baja Javi Letamendia, ex El Inquilino Comunista (su lugar lo ha ocupado el ex Nudozurdo Jorge Fuertes). Y, hablando de nombres propios, podríamos citar a Ian Brown, a Tim Booth o

sobre todo, he intentado que se cumplieran los plazos”. Su compañero a las seis cuerdas apela a la modestia de su camarada y apunta: “hay mucho trabajo de sonido detrás del disco, y eso ha sido gracias al trabajo de Jon, aunque también de Xabi Eguia, nuestro técnico de sonido”. Un sonido que ya fue mostrado a los medios de comunicación en la presentación del disco en la sala El Sol de Madrid (algo que Deu define como “un examen de Factor X”) y en la actuación del grupo

“Esperamos dejar de tocar a las tres de la mañana para hacerlo como cabezas de cartel” incluso a su tocayo Tim Burguess para hacernos un poco a la idea de cómo canta Txakartegi en esta nueva entrega. Él asegura que “no podía seguir cantando igual, tenía que evolucionar y buscar otras cosas. Aprendimos mucho en Londres con Andy (Gill, de Gang Of Four y productor de su anterior LP), sobre todo el tema de las voces y cómo trabajar las melodías. Eso me ha ayudado”.

P

or cierto, que para “Great State” los vizcaínos no han contado con productor de campanillas. Ha sido el propio grupo, con Jon Aguirrezabalaga al frente, el responsable de esa labor en los recién estrenados estudios El Tigre, propiedad del espigado y humilde guitarrista, quien le quita peso al asunto. “Ha sido más una cuestión de organización que de producción en sí. A la hora de meter arreglos hemos colaborado todos. Yo,

en Donostia, donde tocaron con Primal Scream en Kutxa Kultur Festibala. Y de festivales irá la cosa el año próximo, cuando esperan “dejar de tocar a las tres de la mañana para pasar a hacerlo a las diez o doce de la noche como cabezas de cartel”, afirman entre risas.

Quizá hayan sido demasiados los shows a horas intempestivas, algo derivado de la anterior propuesta del grupo, ideal para quemar zapatilla y cerrar sudoroso un festival. De lo vivido en noches de esas va el single “7:45 (Bring Me Back Home)”, una de los mejores canciones de la carrera de WAS (atención especial también a “Good Ones”) y ¿una de las canciones del año?

■ Joseba Vegas “Great State” está publicado por Mushroom Pillow. We Are Standard estarán actuando en Madrid dentro de la Black XS Rockstar Night el próximo 7 de diciembre junto a DeVito.

entrevista /28/ Diciembre 2011 路 MondoSonoro

BIGOTT

Bigott Foto Gustaff Choos

el perro verde

MondoSonoro · Diciembre 2011 /29/

Borja Laudo ha necesitado varios asaltos y cuatro discos incuestionables al frente de su inconfundible proyecto Bigott para hacerse con una posición definitivamente popular dentro de la escena estatal. Lejos de inmutarse, el zaragozano publica ahora “The Orinal Soundtrack”, una quinta entrega que luce como su obra más ambiciosa y ecléctica hasta la fecha.

L

a calidad artística de Borja Laudo ha estado siempre fuera de toda duda, desde que apareciese su sorprendente debut “That Sentimental Sandwich” (King Of Patio, 06) hasta que “This Is The Begining Of A Beautiful Friendship” (Grabaciones en el Mar, 10) lo confirmase el pasado año como uno de los talentos definitivamente más inte-

disco, pero alguna cosas que me gusta escuchar son Harry Belafonte, Nick Drake, Sol Hoopii, Caetano Veloso, Camarón, The Feelies, Avi Buffalo, Can... de mor…”.

Habrá quien piense que, una vez captada la definitiva atención de público y medios, lo lógico hubiese sido centrarse en una continuación con mayoría de temas que incidiesen en la veta pop

“Supongo que me aburro si todo suena igual” resantes del panorama patrio. Ahora llega el turno de “The Orinal Soundtrack”, editado por Grabaciones En El Mar, la esperada nueva entrega del músico y también la más ecléctica y ambiciosa dentro de su ya considerable carrera discográfica. “Ya me he olvidado de los anteriores discos, así que si me pongo a comparar éste con aquéllos seguramente me suspenderás”. Digamos entonces que en el presente álbum los estilos se suceden hasta potenciar el valor añadido del conjunto, al mismo tiempo que evidencian la capacidad del vocalista para asumir y reinterpretar géneros sin que su marcada personalidad se vea mínimamente afectada. Una riqueza estilística que tan pronto recuerda al Bigott austero y anárquico de los dos primeros discos como ofrece un tema de pop electrónico bailable, apela a ritmos exóticos o cierra con un tema atmosférico y complejo que remite a The Velvet Underground con Nico. “No buscaba esa variedad intencionadamente. Supongo que me aburro si todo suena igual. Cuando hago canciones no pienso en que tengan que ver una con otra, simplemente pienso en hacer canciones que me gusten. Me gusta mucha música distinta así que no es raro que salgan diferentes”. Ciertamente queda la sensación de que el aragonés escucha mucha y variada música en su casa. “No recuerdo cuáles escuché en particular mientras hacía el

y accesible del anterior álbum, con la que rematar la aceptación popular. “No sigo ninguna estrategia con mis discos, si la siguiera sería un estratega malísimo. Pero tampoco soy consciente de que el disco anterior fuera accesible o de que no lo fuera”. La consecuencia no planificada es un disco de apariencia madura, elaborada e incluso densa en alguna de sus paradas, en una descripción que su autor, con su tradicional sorna, no termina de ver del todo clara. “De mí salen cosas densas, pero ¿maduras y elaboradas?… lo veo difícil. ‘The Orinal Soundtrack’ es un buen disco, no ha matado a nadie. Cosa que no pueden decir los dos anteriores”.

E

l disco llega fiel a su habitual regularidad, a razón de nueva entrega cada temporada, respetando la inhabitual frecuencia a la que el artista ha acostumbrado a su público.

“Mantendré el ritmo mientras me divierta hacerlo. Tengo muy mala memoria y si no grabo discos se me olvidan las canciones”. Una inspiración desbordante que ya ha alumbrado un total de cinco elepés en el mismo número de años, con virtudes y defectos que el autor no parece demasiado interesado en recordar. “Cuando grabo y presento un disco me olvido de él y son sólo temas entremezclados que toco en los conciertos.

Ahora mismo no sé de qué disco son las

canciones que toco en directo. No tengo perspectiva caballera, me queda un poco de isométrica y estoy harto de la simetría”. Otra de las características novedosas de “The Orinal Soundtrack” son las dimensiones adicionales alcanzadas gracias a las sensibles aportaciones de los actuales miembros de la banda. Paco Loco, Clara Carnicer “Clarin”, Muni Camón, y los hermanos Esteban y Pedro Fernández (de Lêda Tres) aparecen ya convertidos en parte activa del proyecto, multiplicando exponencialmente la posibilidad de detalles y giros adicionales que enriquecen las composiciones.

“Clarín y yo bajamos al Puerto de Santa María a grabar (creo que “Fin”) y nuestra banda no podía venir. Paco metió entonces algunos arreglos de teclado y guitarra y le pedimos que llamara a un batería del Puerto para tocar el teclado, pero luego decidimos que era mejor que tocara la batería. Andrés Perruca (ex El Niño Gusano y ex Tachenko) no podía seguir tocando con nosotros por su trabajo, así que Esteban pasó a ser el batería oficial; Muni entraba al estudio de vez en cuando para hacer coros o tocar el teclado. A Pedro lo encon-

entrevista

con personalidad arrolladora y un innato toque excéntrico. “¿Qué éxito? Entonces mi manager se debe de estar haciendo rico y a mí me dice que la cosa no va muy bien”. Me refiero a una aceptación cada vez mayor, con la prensa firmando indiscriminadamente críticas positivas a pesar del (o gracias al) extravagante trato del protagonista con los medios. “No leo prensa musical ni otra prensa, pero le doy la importancia suficiente para contestar entrevistas porque es una promoción necesaria. Yo también suelo trataros muy bien”.

P

or su parte, una extensa gira ha convencido masivamente a un público que ha caído rendido ante las virtudes del frontman. Ahora todo el mundo parece querer a Bigott. “Y que siga siendo así, por el amor de Dios (que no existe). La gira fue muy bien. Nos encanta tocar en directo. Con este disco pretendo hacerlo mucho… y tocar también”. Ciertamente parecen ansiosos por salir a la carretera y defender en directo las nuevas composiciones. “Ya hemos hecho bastantes temas del disco nuevo

“Tengo muy mala memoria y si no grabo discos se me olvidan las canciones” tramos en un concierto en Barcelona, me dijo que tocaba el ukelele y le dije que se subiera a tocar. Desde entonces tocamos todos juntos”. Una troupe singular en la que cada uno entrega presencia y una serie de ideas y detalles apreciables tanto en las nuevas canciones como en la evolución y mutación de composiciones pasadas sobre las tablas. “Las canciones las compongo yo y Paco aporta buenas ideas y toda la producción en el estudio. Se graban cómo me apetece en ese momento, pero después en directo van tomando otra forma y todos aportan su parte”, aclara el entrevistado antes de sentenciar que “Bigott es ahora el proyecto de Bigott con cinco miembros, que no pollas”. La conclusión es que todos disfrutamos con los perros verdes. Personajes peculiares que se escapan de lo establecido en base a altas dosis de ironía, espontaneidad y despreocupada naturalidad. Quizá la clave del éxito de Bigott sea la mezcla de excelentes canciones

“What A Lovely Day Today” (Autopublicado, 07) 11114

en algunos conciertos y me gusta cómo suenan. Hacen el repertorio más animado: ahora toca bailar”. Cuando debutó, Bigott seguramente no podía imaginarse que pocos años después iba a ser reclamado para tocar en los festivales más importantes del país como FIB, Primavera Sound, Faraday, Luna Lunera o Sonorama. “Nunca me planteo si llegará algo o no, así que si llega lo disfruto y si no llega no lo echo en falta. Lo mejor de tocar en festivales es que hay más gente para ver los conciertos y que tienes zona VIP, que no sirve para nada pero te sientes muy VIP”. Precisamente en el Lunera tuvo ocasión de cruzarse un mensaje críptico con el mismísimo Elvis Costello. “Lo encontré bajando por la escalera del hotel, le dije: ‘Elvis!’ y él contestó con algo que se parecía a un ladrido”. Cosas de genios. ■ Raúl Julián “The Orinal Soundtrack” está publicado por Grabaciones en el Mar.

“This Is The Begining Of A Beautiful Friendship” (Grabaciones en el Mar, 10)

“That Sentimental Sandwich” (King Of Patio, 06) 1111 Borja Laudo debuta al mismo tiempo que el sello zaragozano King Of Patio, que prácticamente surge para publicar la ópera prima de Bigott. Un álbum de aspecto sencillo y anárquico en el que el talento y la peculiar naturaleza del músico alumbran un personal anti-folk casi inédito en el panorama nacional. Borrador de lujo que anticipa parte de lo que llegaría después.

El artista visita por primera vez los estudios de Paco Loco para dar forma a un disco sensiblemente más ambicioso, extenso y… costoso, tanto que ninguna discográfica pudo o quiso afrontar su lanzamiento optándose finalmente por la autoedición.

El talento pluscuamperfecto e irónico del artista comienza a desbordar y evidencia a un personaje único de imaginativa creatividad.

11114

“Fin” (Grabaciones en el Mar, 09)

11114 Primer álbum de la nueva etapa de Bigott en el que aparece una relativa accesibilidad hasta ahora inédita, sin perder con ello su marcada personalidad. Un disco breve, conciso y sobresaliente que confirma los buenos presagios y donde el peso de cada canción cuenta. Algo que a partir de este momento se convertirá en una constante, a razón de disco por año, en la carrera del músico.

Una cuarta entrega de tal riqueza, diversidad y calidad que cuesta creer que apenas alcance la media hora. Un disco plural con su atípico folk salpicado despreocupadamente de otros estilos, y donde la participación del resto de miembros del grupo como Clara Carnicer, Muni Camón y Paco Loco tiene ya una definitiva presencia.

“The Orinal Soundtrack” (Grabaciones en el Mar, 11)

11114 Los estilos se suceden para potenciar el valor añadido del conjunto, al mismo tiempo que retratan en evidencia la capacidad del vocalista para asumir y reinterpretar géneros en una obra meditada, compleja y elaborada, que señala al aragonés como uno de los talentos más afilados e imprescindibles surgidos dentro de la escena patria en los últimos años.

Raúl Julián

entrevista /30/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

Miguel Ángel Blanca

Rafa De Los Arcos

MANOS DE TOPO

Suena brillante

A la primera fue la sorpresa; a la segunda, la confirmación; y a la tercera, la vuelta de tuerca a un sonido que se les empezaba a quedar pequeño. Manos de Topo no ha dejado de ser el grupo que conocíamos, pero en “Escapar con el anticiclón (y volver con la boca roja)” el patetismo tragicómico de siempre se viste, con perdón, de madurez.

E

mpieza el tercer disco de Manos de Topo y ya tenemos el primer reproche: “Inventaste una invasión a la tierra; no es verdad, mentirosa”. La vida sigue igual, pensarán algunos, y así es, porque aquí está el fracasado que irrumpió hace cuatro años, el antihéroe de la tragicomedia romántica, pero también desde el principio se aprecia un cambio, una evolución, un salto adelante, algo distinto, un sonido que ha ganado enteros y que, definitivamente, no es el de los dos primeros trabajos de la banda afincada en Barcelona. “Estábamos un poco cansados de la guitarra acústica y también del Casio PT-1, nos limitaba demasiado. Yo tenía bastante miedo a la eléctrica y ahora es como si hubiera descubierto un mundo nuevo. El caso es que empezamos a hacer canciones así, jugando con distorsiones, (Alejandro) Marzoa con

el teclado buscando cosas diferentes. Lo teníamos bastante claro”, explica Miguel Ángel Blanca, a quien nadie podrá dejar de identificar como voz de los ‘topos’.

E

n este proceso, que comenzó ya con los temas de “Momento único”, el EP compartido con Tarántula, ha jugado un papel decisivo Ramón Rodríguez (The New Raemon), flamante productor de este “Escapar con el anticiclón (y volver con la boca roja)”. “Lo propuso él, no es que nosotros le fuésemos a buscar, y por supuesto nos pareció estupendo, estábamos convencidos de que podía salir bien, que era la persona indicada para guiarnos por ese sonido. Los discos de Manos de Topo le parecían demasiado lo-fi, así que quería dar con un algo más brillante, meter unos

arreglitos y trabajar también las guitarras y los coros. Ya nos había gustado mucho su último álbum, ‘Libre asociación’, con baterías más contundentes, y es un poco el camino del nuestro. Muy rítmico, aunque no tan oscuro”.

E

l cambio se traduce en que las canciones, manteniendo sus señas de identidad, ya no parecen de juguete, con ese punto infantil que abundaba especialmente en

ahora hemos compuesto con la base rítmica desde el principio y estamos contentos con esta forma de trabajar. Nos apetecía experimentar, no sacar un tercer ‘Ortopedias bonitas’ ni un segundo ‘El primero era mejor’. También es algo que nos condicionaba más de la cuenta en los conciertos, porque el PT-1 quizá es demasiado radical, nos obligaba a manejar siempre el mismo sonido. Imagino que habrá gente que lo eche de menos porque lo veía como una

“Estábamos un poco cansados de la guitarra acústica y también del Casio PT-1” “Ortopedias bonitas”, sino que han crecido, presentando un empaque que les augura mayor recorrido en los directos, en los que por cierto no estará Pau Julià (bajo, ahora en Tarántula) y sí Eduardo Campos (Nisei). Seguimos hablando de todo esto, con la vista puesta en adaptar los viejos temas a la renovada realidad del grupo.

“Hace tiempo que con Rafa (De Los Arcos, batería) habíamos empezado a componer de otra forma. Antes las canciones las hacía yo en casa, en plan rasqui-rasqui, y después poníamos la batería. En cambio

huella o un icono, pero en realidad para algunas canciones jugaba más bien en contra”. El trabajo, para quienes ya se lo estén preguntando, también ha alcanzado a la voz de Miguel Ángel Blanca: llorona, como corresponde al personaje, pero también suavizada por momentos, incluso con un inédito punto de sobriedad (“Tus siete diferencias”, “Maquillarse un antifaz”, “Tragedia en el servicio de señoras”) como contrapunto a la locura (“Animal de compañía”, “Pinzas en los ojos”). “Lo que ha hecho Ramón es ayudarnos a jugar mejor

MondoSonoro · Diciembre 2011 /31/

Edu Campos Fotos Gustaff Choos

Alejandro Marzoa

nuestras bazas, poner los elementos de Manos de Topo a favor de las canciones.

Cuando llevas quince días en el estudio pierdes un poco la perspectiva y no sabes si lo estás haciendo bien o mal, mientras que contando con un productor es más fácil tener alguien que te guíe. Sí que es verdad que a veces Ramón me decía ‘oye, es que pareces la rana Gustavo, esta canción no pide eso’; entonces lo escuchábamos, porque yo también soy muy cabezón y me gusta hacer mucho gorgorito, y veíamos que efectivamente una voz algo más comedida podía venir mejor”.

E

ste camino emprendido en “Escapar con el anticiclón” nos hace descubrir nuevas posibilidades en Manos de Topo, un grupo que para muchos era hasta ahora

curioso que el tema de la voz sea de las cosas que más llamaban la atención. No es me quiera comparar con The Cure, pero el caso es que nadie se plantea cómo canta Robert Smith, sino que hay mil historias más de las que hablar”.

“A las chicas les gusta, cuando a priori debería ser al revés” como el concepto de nación que proclamó en su día el finado (presidencialmente hablando) Rodríguez Zapatero: discutido y discutible. Lo que sea, vale, pero desde el principio único en su especie, necesario en una escena mimética en más ocasiones de lo deseable; ahora se arman de razones para continuar a lo suyo. “No estamos al corriente de lo último de lo último, no somos de estos que van corriendo a coger la ‘MondoSonoro’ para ver qué hay de nuevo. Es una de las cosas buenas: hacer lo que nos gusta sin tener que dar explicaciones a nadie, que es algo que sí pasó con el primer o el segundo disco. De todas formas, siempre me ha resultado

y en este caso más con los pies en la tierra que en anteriores entregas. La derrota, es un hecho, está a la vuelta de la esquina, aunque despunten arrebatos de optimismo (“Haz tu magia”, “Animal de compañía”) y hasta acaben en tono de fiesta

que tome. Pero siempre con un poquito de reproche hacia la chica y todo eso, más seguro de sí mismo. Hay mucha más verdad de lo que la gente pueda creer en las letras de Manos de Topo. Son nuestras vivencias, el personaje somos nosotros, exagerado quizá, contado con un toque de humor, pero muy autobiográfico”. Entre el distanciamiento de Samuel Beckett y el absurdo de Miguel Mihura (“El amor es como la sal de frutas. Si se deja pasar la efervescencia del primer momento, luego sabe a demonios”, decía uno de sus personajes, en una frase que bien podría firmar el protagonista de las canciones que nos ocupan), con una comicidad dramática y rebelde,

percrepus” de Joe Crepúsculo (2008) al más reciente “Maracaibo” (2011) de La Estrella de David, que de hecho fue uno de los primeros en reivindicar la insospechada facilidad de Miguel Ángel Blanca y compañía para empatizar con

“A veces Ramón me decía ‘oye, es que pareces la rana Gustavo’”

A

la evidente evolución en el sonido se une la del patético protagonista de las canciones, tan fracasado como de costumbre, pero ahora con la cabeza alta, en un arranque de dignidad. “Digamos que el personaje ha ido creciendo: en el primero casi tenía miedo a las mujeres, en el segundo entablaba una relación y ahora está en esa fase de tener una serie de dudas, de llevar diez años con alguien y plantearse si debe seguir adelante o no, con las distintas consecuencias que tendrá la decisión

entrevista

(“En sintonía”). “Es una de cal y otra de arena; pasamos de que todo es una mierda a que, por mal que vengan dadas, hay que seguir adelante. También ‘Mentirosa’ está llena de recriminaciones y al final se convierte en una súplica para volver al lado de la chica”. Y es que hay cosas que, por muchas vueltas que le queramos dar, no tiene pinta de que vayan a cambiar: “Que te acuestes con otros que no hacen ni la mitad por ti, es muy feo”, se lamentaba Miguel Ángel Blanca en el estreno de Manos Topo; tiempo después, continúan los problemas con las mujeres: “Sólo piensas en mí cuando no tienes con quien dormir” (“Mejor sin pijama”). “Es una frase que está ahí y que casi todo el mundo ha vivido. Eso de que te llamen y ser el segundo o el tercer plato de alguien; y pese a ello, comerte el orgullo, preferir eso a no ser nada. Es el poder que tienen. Hacen lo que quieren con nosotros, debe ser que eso les gusta. Y ya no sólo el tercer plato, el quinto también nos vale”.

Ay, si es que son unos “románticos”.

R

esulta complicado buscar compañeros de viaje a Manos de Topo, aunque si los hay, han de estar en esa suerte de nueva canción ligera que en los últimos años ha dado unos cuantos discos notables, del “Su-

el género femenino. “Es de las cosas que son ciertas y continúan siendo así, porque de repente ves que a las chicas les gusta, cuando a priori debería ser al revés y provocar un rechazo, porque la verdad es que decimos cosas malas de ellas. Es algo extraño”. Como dirían Astrud, “vamos al amor”. “Nos sentimos identificados con algunos grupos, pero no necesariamente por lo musical. Por ejemplo, siempre hemos sido muy fans de Tarántula, de ahí que un día hablando saliera lo de publicar un EP juntos. Los temas de ‘Momento único’ y también los nuevos tienen letras en plan romántico, y en ese sentido sí están en línea con las nuestras. Ya no hay tanta crítica o tanto cinismo, sino que es más canción ligera de toda la vida. A La Estrella de David también nos parecemos en eso.

David Rodríguez es muy fan de Julio Iglesias, Camilo Sesto y cosas así, y creo que se nota en lo que hace. Aunque le veas con diez kilos de barba y una cerveza en la mano, hay en él una pose romántica que es muy fuerte”. ■ Enrique Peñas

“Escapar con el anticiclón (y volver con la boca roja)” está publicado por sones.

/33/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

Airbag

Bigott

El Columpio Asesino Fotos JM Grimaldi

Herman Dune

CONCIERTOS

monkey week Lugar El Puerto de Santa María (Cádiz) Fecha 28 a 31 octubre Estilo diversos Público según escenario Promotor La Mota

Después de los tropezones climatológicos de la edición anterior, quiso el destino que el fin de semana del puente de Todos los Santos compensara a los organizadores con un sol de verano y apenas un poco de humedad nocturna. La tropa de músicos, productores, melómanos y consortes, recorría desde el viernes por la noche la ciudad, cerveza y gafas de pasta en mano, y tres días más tarde seguían haciéndolo aunque visiblemente agotados. El viernes una fiesta concierto con Marina Gallardo a la cabeza abría boca para un fin de semana de infarto. El sábado y domingo por la mañana, los profesionales se daban cita en el Teatro Muñoz Seca y repasaban -algunos por enésima vez- los cuarenta y dos stands alicaídos donde se echó de menos más movimiento. Después del primer día, parecía que todo estaba dicho y todos presentados. En las mesas del Monkey Keys algunos de los grandes temas de la industria bajo el prisma de músicos, periodistas, promotores y productoras.

El completo programa -unido a talleres, demos, proyecciones y demás- devolvía la misma impresión: demasiada buena intención para tan poca audiencia. Hasta aquí las pegas. Porque el Monkey Week volvió a pasar con nota esta edición en la que, a pesar de lo que cae fuera, el festival se consolida y crece. Los showcases volvieron a confirmarse como uno de los puntos más interesantes de la cita. Librito de programación en mano, las esquinas de El Puerto se llenaban de corrillos. Grandes aciertos para hacer cómplice al público ajeno al ramillete de entradas y abonos, los escenarios al aire libre -AIJ-Desencaja y Red Bull Tour, todavía no recibían el sábado con Robot y Radiola a la cantidad de gente que llegarían a agrupar domingo y lunes. Pateada por delante, a muchos les daba rabia dejar el sol atrás para meterse en un garito. Por la tarde suena Perro en el bar Santa María y Cosmonautas enfrente, correctos a pesar del sonido algo deficiente del El cielo de Cayetana. Los Marañones en el Club de Rugby, el gusto francés de The Birkins en el MondoSonoro y el buen directo de Eladio y los seres queridos en la Milwaukee son buenas propuestas para arrancar el festival.

Por la noche el Monasterio de la Victoria guardaba dos de los fuertes del cartel: Neneh Cherry y Hawkwind en dos grandes conciertos que inauguraban las raras combinaciones que definen este festival. Introducidos por los gallegos de Novedades Carminha,

venidos al Puerto “a follar” y algo molestos por la frialdad del público, los maestros del rock espacial ofrecieron espectáculo y mucho más. Seres de otro mundo, bailarinas de orientales atuendos y extraordinarias visuales dieron al público mucho más de lo que esperaba de los riffs de estos enormes músicos a los que sorprendía ver durante el día paseando sus largas y canosas melenas por la Ribera del Marisco. Esperada y temida a dosis iguales, la actuación de Neneh Cherry -correcta, entusiasta, casi como si el tiempo se hubiera detenido en ella- fue para muchos la gran sorpresa de la noche. Temas nuevos y clásicos arrancaban los bailes mientras nos preparaban para el rock enérgico de Cápsula. Con el escenario Carhartt al otro lado del muro dándolo todo en hip hop, reggae, rap y propuestas urbanas de aquí y allá, el público tenía la sensación de estar en una increíble batidora de sonidos.

Al día siguiente, el escenario MondoSonoro -donde si uno se lo podía permitir era un placer escuchar por segunda vez a ciertas bandas con buen sonido y sin las limitaciones de otros localesofrecía una de las propuestas más completas: el post-punk vibrante de Disco las Palmeras! y el rock también algo punk de Colectivooruga. El Mucho Teatro estaba a reventar para ver a los esperados Polock, aunque hubo cierta decepción para un resultado algo flojo. Ya era noche cerrada cuando en La Pontona una larga cola esperaba al concierto que nunca fue sorpresa. Amaral en acústico, que dejó fuera a más de quinientas personas. El retraso de la actuación de Michael Thomas -una lástima que su 12x12 sufriera todos los posibles problemas de sonido- aglutinó en la Plaza Alfonso X a desencantados por el aforo de Amaral, familias y picaditos de la música experimental que, a pesar del desastre, corearon “Smell Like Teen Spirit” de Nirvana y dieron una lección de lo que es un buen público satisfecho de estar ahí. La noche del domingo muchos habían pagado la novatada de un espacio suficientemente pequeño para hacerlo andando pero, suficientemente disperso como para destrozar los pies de cualquiera y el programa volvía a ofrecer una mezcla de las suyas. Guitarras distorsionadas, baterías imposibles, sonidos experimentales metidos en vena para un público casi zombi que llevaba todo el día sin tregua. Entre las potentes baterías y guitarras del kraut rock de Mugstar y la psicodelia de los

neoyorquinos Oneida, se coló como un bálsamo el extraordinario concierto de Bigott. El zaragozano, todo barba y camiseta, se sintió como en casa acompañado de los suyos -Paco Loco y Pedro Fernandez Perles, por citar dos- y sedujo al público con sus personalísimas no coreografías. Bailes casi infantiles y melodías sinuosas como las de “She Is My Man” arrancaron los bailes de un público también resucitado como su “Dead Man Walking”. Casi exhaustos, fue la espectacularidad de Chrome Hoof, dándolo todo tras el tropiezo del año pasado, la que terminó por espabilar a la gente a base de rock, acid house y electro. Muchos creían que no iban a sobrevivir al día siguiente.

El lunes la extraña disposición del puente -algunos trabajábamos y apurábamos la pila- dejó algo vacíos los espacios. Tanto durante la mañana como en las primeras horas de showcases, las caras de los asistentes empezaban a ser sospechosamente conocidas. La tarde -de sorprendente calor- fue otra cosa y la final del Circuito Pop Rock Andalucía -con I Am Dive y All La Glory como ganadores- atestaba la plaza. La gente parecía reponerse y los garitos se llenaban con la larga lista de actuaciones. Pese a las oportunidades de enfrentarse a propuestas nuevas, hay quien elige volver a escuchar a Airbag, esta vez en el escenario del Muñoz Seca.

La última noche aspiraba a ser la más redonda. Volvían las propuestas casi contradictorias pero, una vez más, merecía la pena. Nueva vuelta de tuerca en los horarios y era un Ken Stringfellow con peluca rubia el que recibía al público, salivazos a discreción para todo el que se asomara al foso. A su lado, los portuenses de Ledatres acunaban al cantante de The Posies en este recorrido por los temas del musical “Hedwig & The Angry Inch” que hizo bailar -mucho- al público. Los franceses de Herman Dune, más que esperados, resultaron correctos aunque no apasionaron. Arrancar con “Tell Me Something I Don’t Know” y luego dejar el escenario sin el hit que ha arrastrado a muchos hasta sus discos, fue una falta de cortesía para muchos y un gesto de grandeza para otros. Ser indie puede generar contradicciones.

Sellando con sus melodías el gran momento del festival, o al menos el más populoso, muchos agradecieron el guiño al mainstream y se dejaron llevar por el baile y los coros de la mano de Sidonie. Los catalanes hicieron botar con sus clásicos y hasta con las nuevas canciones, que el público ya tarareaba. El final a cuatro días de propuestas lo puso la electrónica cinematográfica de la mano de Zombie Zombie y los sonidos de K-X.-P. La noche se alargaba en el escenario Carhartt y, ya por fin, todos entendían por qué no se había programado nada para el día festivo. Fátima Vila

The Crystal Ark

James Murphy Fotos Hara Amorós

CONCIERTOS /34/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

10 Años de DFA Sala Razzmatazz (Bcn) Fecha 3-11-11 Estilo electrónica Público tres cuartas partes Promotor Miles Away 1111

Que DFA es un sello con personalidad propia pese a la diversidad de propuestas que engloba, es algo que no permite duda. La sombra de LCD Soundsystem ha sido muy alargada y omnipresente durante mucho tiempo, pero una vez muerto el rey, los cortesanos no luchan por ocupar su puesto, sino que se acomodan en un lugar del reino para protagonizar sus carreras con tanta coherencia como les sea posible. Y ojala sea así por mucho tiempo. Desgraciadamente, Barcelona en una noche de lluvia, inmersa en una psicosis cercana a lo que vendría a ser el fin del mundo (económicamente hablando, que poco miedo le tenemos ya a las profecías apocalípticas), resultó no ser la mejor anfitriona para una efeméride que algún día recordaremos con cariño y orgullo de fan entregado. Faltó algo de público y faltaron Alexis Taylor y Joe Goddard de Hot Chip que cancelaron en el último momento. Las víctimas de que el décimo aniversario del sello neoyorquino (dentro de otro aniversario, el de Razzmatazz) no fuese un baño de masa fueron más que nada los poco sospechosos protagonistas de las sesiones bailables que se iban a llevar a cabo en la tercera planta de la sala barcelonesa. Ver a un tipo como Juan Maclean pinchando con timidez a la espera de que aquello explotase tuvo algo de decepción. Por eso precisamente voy a centrarme en lo que ocurrió en el escenario principal, y para ajustar aun más el tiro, a lo que fueron los tres directos de la velada. Tras un retraso de cortesía para Janine Rostron (hubiese sido pecado mortal hacerla empezar a la hora inicialmente estipulada), la noche se abría con la actuación de sus Planningtorock, convertidos en trío para el directo. Verla de nuevo sobre el escenario con su presencia fantasmal entre Alison Moyet y Fever Ray, tan estática como majestuosamente oscura, sirvió para borrar en un par de temas el mal recuerdo que nos dejó años atrás, al abrir precisamente para LCD Soundsystem. No se trata solamente de que su “W” (2010) sea un disco espectralmente precioso, sino que ahora parece tener muy claras cuáles son sus intenciones también sobre el escenario. En lugar de pinchar para nadie unos escalones más arriba, Nancy Whang decidió sumarse a la sesión de Pat Mahoney, una selección particular de disco funk setentas y algo de electrónica ochentas, permitiendo que la gente se fuese acercando al escenario para enfrentarse a Marcus Lambkin, más conocido como Shit Robot. Tras la oscura puesta en escena de la Rostron, no había mejor opción posible que darle un giro radical a la noche y convertir todo en ritmo y

luces. Parapetado tras una máscara luminosa y una pantalla que dotó de vida y excitación a su material, Lambkin desplegó su repertorio sin demasiadas sorpresas, con fantástica rotundidad. Pero hubo dudas razonables. En el fondo su participación tuvo tanto de sesión como de live y, aunque convenció e hizo bailar hasta a los gorilas con cara de perro que se movían por el recinto algo desorientados, nos quedamos pensando en por qué cojones, estando a apenas unos metros, Nancy Whang no agarró un micrófono y se lanzó a cantar “Take ‘Em Up” cuando las primeras notas empezaron a sonar. Mientras, James Murphy se paseaba por la sala más pendiente del sonido que de unos fans que mantuvieron la distancia de seguridad en todo momento.

Ahora bien, si hubo una sorpresa en la noche de celebración de diez años del sello fue ver salir al escenario a Gary Russom convertido en otra persona, al frente de The Crystal Ark. El desaliño de antes, las finas y castigadas melenas y la barba han dejado paso a una clase de aires latinos, muy nuyorican. Tanto él como sus compañeros (tres músicos más, tres coristas y dos bailarines de lo más tribal) vistieron en blanco nuclear, contorneándose sexualmente como lo debían hacer en sus buenos tiempos Emilio, Gloria y sus Miami Sound Machine. Y lo que consiguieron fue ofrecer un concierto rítmico y muy salado, en el que la electrónica y la rítmica latina se fundían en un ir y venir de sensaciones. Cuando uno empezaba a pensar en los Talking Heads salseros de “Naked” (1988), Russom soltaba el freno y emulaba a LCD Soundsystem (los dieciséis minutos largos que duró “The City Never Sleeps” tuvieron mucho de ello), cuando al percusionista se le empezaba a ir la cabeza machacando sus congas con fiereza latin iba Russom y daba la orden de lanzar un bombo despiadado que echaba al traste las intenciones salseras de su compañero. Y nosotros contentos, muy contentos, porque la noche había ido a mejor minuto a minuto.

Eso sí, a lo largo de la velada se echó en falta algo de la espontaneidad que había marcado las citas colectivas de (por poner el ejemplo más radical en lo que a faranduleo se refiere) la familia Ed Banger en situaciones parecidas. Hubo que esperar hasta los minutos finales de la sesión de James Murphy para sentir los primeros síntomas de que aquello era una la gran fiesta de complicidad etílica y abrazos exaltados que esperábamos desde el momento en que las luces de la sala se abrieron tímidamente seis horas y pico después. Joan S. Luna

--------------------------------------------Agenda SON Estrella Galicia

Manel

14 de Diciembre / Teatro Principal, Ourense 15 de Diciembre / Sede de la SGAE, Santiago 16 de Diciembre / Playa Club, A Coru単a 17 de Diciembre / Sala Mondo, Vigo

The Right Ons

19 de Enero / Porta Caeli, Valladolid 21 de Enero / LeClub, A Coru単a

Emmy The Great 26 de Enero / Teatro Lara, Madrid

Robyn Hitchcock 22 de Febrero / Teatro Lara, Madrid

--------------------------------------------SON Teatros

Nacho Vegas

02 de Marzo / TBC, A Coru単a 03 de Marzo / Teatro Principal, Ourense

www.estrellagalicia.es

CONCIERTOS

Dorian Foto Alfredo Arias

The Rapture Foto Juan Pérez Fajardo

MondoSonoro · Diciembre 2011 /37/

HILFINGER DENIM LIVE Sala Heineken (Madrid) Fecha 27-10-11 Estilo rock bailable Público lleno Promotor Tommy Hilfiger

DORIAN 1114

Muchachito Bombo Infierno Foto Hara Amorós

Aunque desde hace días el run-rún era que The Rapture descargarían en directo por vez primera en su historia en Madrid, lo de la sala Heineken no se puede entender dejando de lado el concepto “fiesta con patrocinio” de una gran marca. Tommy Hilfiger tuvo protagonismo por encima de los grupos participantes y definió el devenir de la noche con sus horarios -un tanto excesivos, The Rapture, saltaron al escenario casi a las dos de la madrugada-, la distribución de espacios -música en directo en el espacio principal y pinchada en la planta de arriba con John Talabot en su faceta Dj como reclamo- y, por qué no decirlo, la densidad de gente guapa por metro cuadrado –mucha, casi todos con la excepción siempre de los periodistas, de hecho-. Al nuevo fichaje de Mushroom Pillow, Cut Your Hair, y a los yeyés Los Wallas les tocó respectivamente abrir y cerrar la noche, estos últimos con invasión de escenario incluida. Pero los primeros momentos de verdadera expectación llegaron con Jessica 6, vehículo expresivo del recauchutado cantante trans Nomi Ruiz (Hercules & The Love Affair). Con un pie en el sonido del sello Italians Do It Better y otro en la tradición petardo-house neoyorquina, el cuarteto paseó un repertorio bailongo, que no especialmente brillante.. Otra cosa, mucho más seria, ofrecieron The Rapture. Recuperan el formato cuarteto para el directo, cuentan con una base rítmica que es un cañón y los trucos de siempre -sacar a pasear el cencerro y dirigirse con él al respetable como el pastor lo hace a las ovejas- todavía funcionan con un público que pide a voz en grito que les hagan bailar. Lo hicieron durante toda la hora escasa de show, pero sobre todo cuando en la recta final se arrancaron con el hit más obvio de “In The Grace Of Your Love”, un “How Deep Is Your Love?” que, curioso, arrancó más gritos de entusiasmo y dislocó más caderas que rompepistas con el recorrido de “House Of Jealous Lovers”, “Get Myself Into It”, la tecnificada “Olio” o “Echoes” (sí, la de “Misfits”), la mayor parte de ellas colocadas al principio de un set de disposición extraña que sin embargo no empañó la fiesta. Cuestión de oficio. Luis J. Menéndez

Sala Joy Eslava (Madrid) Fecha 17-XI-11 Estilo pop Público Lleno Promotor Intromúsica

1111

Se va aproximando el fin de gira de “La ciudad subterránea” y Dorian se erigen como un referente del electro-pop dejando atrás el estigma de grupo one-hit wonder. Prácticamente recién llegados de una exitosa gira mexicana, los chicos de Marc Gili y Belly Hernández cumplieron con creces las expectativas puestas de cara a esta primera fecha en Madrid que se vio doblada debido a la demanda de localidades. Con lo que respecta a lo acontecido, se pudo viajar entre las canciones del grupo gracias a “un itinerario por los tres discos, haciendo olvidar las preocupaciones”, como apuntaba así Gili al inicio del concierto. “Veleros”, “Verte amanecer” y “Paraísos artificiales” decidieron el rumbo del resto del repertorio que fluyó durante casi dos horas. Una característica que, fruto de la evolución, que han alcanzado los barceloneses ha sido la de canalizar la electrónica con el sonido acústico, de ese modo se midieron talentos dispersos con la entrada de “Lucha de gigantes”, versión de Nacha Pop que Dorian grabó en la ciudad azteca para un próximo recopilatorio y que decidieron interpretar en tan especial velada. Era evidente que “Paraísos artificiales” sería la pieza más esperada (y eso que sonó de las primeras), pero no por ello la más coreada, como sucedió con “La mañana herida”. “Vamos a desempolvar algunas canciones” anunciaba el vocalista, así sonaron “Corta el aire”, perteneciente a “El futuro no es de nadie” y “Te echamos de menos”, esta última sólo para los muy seguidores, pues data del 2004, año en el que se editó el primer LP de la banda “10.000 Metrópolis”. Se nota y mucho la madurez al revisar obras pasadas, dotándolas de un sonido newwave ochentero. “A cualquier otra parte” fue la encargada de cerrar el concierto con gran explosión de júbilo. ¿Qué más había llegados hasta ese punto? Pues básicamente un sabor a gloria después de firmar una gala de esas que merecen ser registradas en soporte audiovisual.

Charly Hernández

MUCHACHITO BOMBO INFIERNO Sala Parc del Fórum (Barcelona) Fecha 22-10-11 Estilo swing rumbero Público 4000 persona aprox. Promotor Mambo13 1111 Como no podía ser de otra forma la noche acabó con la inevitable “Ojalá no te hubiera conocido nunca”, demostrando de paso que la gente todavía tenía ganas de fiesta tras más de tres horas y media de un concierto plagado de sorpresas.

Un espectáculo hecho desde el cariño y que, sin buscarlo, se convirtió en una especie de barómetro de la otrora escena mestiza barcelonesa. Diluidos Ojos de Brujo en una separación que nadie comprende ni desea y subido Macaco al carro del estrellato más mediático, Muchachito demostró que otro triunfo es posible. El triunfo del que con modestia, trabajo y desparpajo a raudales ha sabido granjearse un buen número de amigos tanto encima como abajo del escenario.

Por eso esta despedida de la gira de su tercer disco, “Idas y vueltas”, se convirtió en todo un homenaje a la amistad y el compadreo. Por eso Jairo estuvo tan bien arropado por músicos de esa escena a veces denostada por cierto sector de una crítica que olvida que la música tiene un importante componente lúdico y evasivo o que, para comernos la olla, ya tenemos bastante con la que está cayendo a nuestro alrededor. Y sí, lo reconozco. Es verdad que sentía ese cosquilleo en el estómago fruto del orgullo de ver como se sucedían invitados de gran calibre como Joan Garriga, con el que Muchachito se marcó en catalán una “Cançó del lladre” que quedará para el recuerdo, o como el G-5 al completo se marcaban todo

un set de anárquico desmadre, en el que un comedido Kiko Veneno mantenía el rictus de la seriedad mientras Tomasito y El Canijo de Los Delinqüentes se subían a un carro desbocado y salvaje aupado sobre canciones como “El cheque”, “Calla” o “40 forajidos”. Pero la cosa no acabó ahí, porque otros que aportaron su grano de arena para que la cita se convirtiera en única fueron artistas como Albert Pla, La Excepción, Bebe y hasta Estopa, que no desaprovecharon la ocasión de sacar a pasear un “Tu calorro” que fue de lo más celebrado entre el público. Por tanto, el objetivo de hacer de esta despedida algo único e irrepetible se cumplió con creces, llevándose por el sumidero los prejuicios de los que no han sabido ver en Jairo y su banda el vendaval de rumba swing inapelable en el que se han convertido. Un huracán que solo necesita de una guitarra y un bombo para hacernos pasar un buen rato, pero que arropado por su inseparable Tito Carlos al piano y esa increíble sección de vientos que viste sus canciones de los arreglos precisos y preciosos para que el huracán lo arrase todo. Todo menos los cuadros de un Santos de Veracruz que se marcó tres lienzos, casi a uno por hora de concierto, que quedaron como testigos mudos sobre un escenario que, visto lo visto, será difícil de igualar con la despedida del cuarto. Si es que al final se deciden por grabar un disco, en lugar de hacer un calendario. Don Disturbios

Viene de: Barcelona Publica: “A pesar de todo” (Buenritmo, 11) En la onda de: Standstill, The Secret Society, Elphomega

C

Fasenuova Foto Archivo

on el miedo a acaparar el centro de todas las miradas algo más apaciguado, Piti Elvira vuelve, tres años después de debutar en solitario, con un nuevo álbum, “A pesar de todo”. “El primer disco fue un proceso de aprendizaje para mí. Para este tenía muy claro qué quería hacer y cómo. Es un trabajo más de banda, con mucha más instrumentación. Por falta de práctica, en cuanto a las letras, antes estaba súper acojonado. Ahora lo que me apetecía era quedarme a gusto

Fasenuova Vienen de: Mieres (Asturias) Publican: “A la quinta hoguera” (Discos humeantes, 11) En la onda de: Esplendor Geométrico, Suicide, D.A.F. A pesar de llevar varias décadas dando guerra, Ernesto y Roberto no lo han puesto fácil para seguirles la pista. “Desde el 97 en adelante hicimos dos largas grabaciones autoeditadas como Goodbye. Luego nos cambiamos el nombre por Fasenuova, que en realidad era el título de una de las primeras canciones que habíamos hecho juntos. Al poco de cambiarnos el nombre salió el split doce pulgadas de Ozonokids compartido con Angel Dust, un grupo noise de Philadelphia y grandes amigos del otro lado del Atlántico. Ernesto tiene más discos y grabaciones inencontrables desde 1986, en sus años de ruidista vandálico”. Sin embargo no ha sido hasta su actuación en el LEV 09, y muy especialmente hasta la publicación de “A la quinta hoguera” (escúchalo de forma gratuita en el bandcamp del grupo) que el dúo se ha convertido en referente de la música de riesgo que se hace en nuestro país. “Si se piensa un poco en ello todo parece consecuencia lógica de un esfuerzo constante y continuado en el tiempo. Somos un grupo poco convencional y eso parece que termina llamando la atención”. Su gran mérito, revestir un planteamiento extremista con unas formas cercanas a la música de baile, como si del eslabón perdido entre Esplendor Geométrico y Aviador Dro hace treinta años se tratara. “Puede verse de manera clara, incluso en las posiciones más ruidistas, el intento de hacer hits, de concebir las canciones como hits, aunque tengan estructuras diferentes y texturas tímbricas que parecen demasiado fuera de lo corriente”. ■ Luis J. Menéndez

en ese sentido. Hablo de mi familia, mi entorno y la gente que quiero sin caer en grandes metáforas.

Más que nada porque no me salen”. No sólo eso, sino que la sombra de Standstill sobrevuela más explícitamente que nunca en algunos temas como “Déjame ser”. “No es que sea algo premeditado, pero sí que comparte un lenguaje muy cercano. Aunque es normal que no pueda evitarlo al tocar con ellos la guitarra. A mí este tema en concreto me parece muy ‘trianero’”.

Acompañado nuevamente de su buen amigo Víctor Valiente, teclista de Standstill y “el único al que le puedo pasar una melodía de piano que me gusta y que la rehaga mucho mejor”, para nuestro protagonista este proyecto, al igual que todos los otros en los que anda metido (los ya citados Standstill, It’s Not Not, The Lions

Constellation...), responde a un estudiado sistema de oxigenación. “No podría hacer sólo una cosa. Cuando llevas muchos años en una banda acaba convirtiéndose en rutina y se desgasta el proceso creativo. Involucrándome en otros grupos he aprendido a tocar diversos instrumentos. Siempre digo que es como comer y tener una dieta variada, además de sana”.

Buena muestra de ello se refleja en el Ep gratuito que hace unos meses editó junto al MC malagueño Elphomega y que –todo apunta a ello- tendrá una continuación. “El hip hop siempre ha formado parte de mi vida. Ahora estamos trabajando en un proyecto en común que espero que salga adelante porque me apetece mucho. Encontrar la complicidad con un MC con el que compartes tantas cosas es muy interesante”. ■ Sergio del Amo

Bare Wires Foto Archivo

Elvira

Lo más significativo que le ha ocurrido a los madrileños entre la edición de “Lovelite”, su anterior trabajo, y “So Clear” ha sido la puesta en marcha de su propio sello Sweet Records, así como desarrollar su estudio de grabación Funkameba. “De esta manera somos más independientes y podemos conciliar mejor la parte creativa y artística con la parte profesional y empresarial”.

Las diferencias fundamentales entre el nuevo material y el antiguo llegan en el aspecto formal. “Es un paso más en el camino que iniciamos con nuestro primer single. Quizás hemos buscado arreglos más específicos para cada canción, un sonido un poco más grande y abierto”. Bajo la premisa artesanal el quinteto se lo ha guisado y comido todo. “Grabamos en el estudio que hemos ido construyendo a nuestra propia medida, y en la medida de nuestras modestas posibilidades. Nosotros somos los técnicos, los mezcladores, los productores… La grabación ha sido un proceso analógico de principio a fin, como es costumbre”. La novedad instrumental ha sido la de incorporar un piano Rhodes, un cuarteto de cuerdas, un saxo y una flauta.

Y aunque su mercado principal esté centrado en Europa, parece que quieren propagar los gérmenes de su soul-funk natural, sin trucos y sin sobreproducción. “Con ‘So Clear’ vamos a tocar más en España. El feedback es excelente entre medios y promotores y ojala haya llegado la hora de tener cierta presencia en el circuito de nuestro país”. ■ M. A. Sánchez Gárate

The Sweet Vandals Vienen de: Madrid Publican: “So Clear” (Unique, 11) En la onda de: Sharon Jones And The Dap-Kings, Speak Low, The New Mastersounds

Elvira Foto Dani Cantó

/38/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

Bare Wires Vienen de: San Francisco Publican: “Cheap Perfume” (Southpaw Records, 11) En la onda de: Sweet, Milk N’ Cookies, Free Energy

The Sweet Vandals Foto Archivo

escaparate

Viven en San Francisco, hacen power pop, tienen canciones grandes como una casa de pagés y este mes de diciembre los tenemos por primera vez tocando en España (14 Barcelona, 15 Madrid, 16 Zaragoza y 17 Vitoria) para presentar las canciones de “Cheap Perfume”, su excelente nuevo disco. Bare Wires viven para y por la fiesta y están enamorados de los setenta. Ellos mismos nos lo cuentan. “Escuchamos a bandas como Slade, Suzi Quatro, Glitter Band, Milk N’ Cookies, Hello… un montón de rock clásico y de proto-punk. La grabación de ‘Cheap Perfume’ fue muy cool porque la hicimos con un equipo lo-fi analógico que le daba a las canciones un toque ‘glitter-fuzz’ muy especial. Esa era la idea para el sonido del disco: ‘glitter-fuzz”. El primer single de su nuevo disco, “Don’t Ever Change”, no solo es un hit gigantesco, sino que también tiene un videoclip la mar de divertido que homenajeaba directamente a los Ramones de “Rock N’ Roll High School”. “Supongo que puedes decir eso. De hecho, ¿quién no ha pensado alguna vez en hacer volar por los aires su instituto? Pero igual eso únicamente es una extraña costumbre americana. Después de hacer ese vídeo eché a todos los miembros del grupo excepto a mí mismo (Matthew Melton), y busqué a nuevos compañeros que fueran más duros.

Ahora toda nuestra banda está formada por vagabundos y hemos estado girando sin parar por Estados Unidos durante los últimos tres años hasta ahora que venimos a Europa”.

■ Xavi Sánchez Pons

escaparate

Crisix Foto Archivo

MondoSonoro · Diciembre 2011 /39/

Crisix Vienen de: Igualada Publican: “The Menace” (Kaiowas/Divucsa, 11) En la onda de: Testament, Municipal Waste, Anthrax

Evripidis And His Tragedies Vienen de: España/Grecia Publican: “A Healthy Dose Of Pain” (Inner Ear/ Snap! Clap! Records, 11) En la onda de: The Divine Comedy, The Magnetic Fields, Jens Lekman

Y

a hace unos años que el bueno de Evripidis Sabatis decidió dejar su Grecia natal y trasladarse a Barcelona para dar rienda suelta a su renacentista creatividad. Tras ampliar su agenda de contactos, el ilustrador y escritor publica “A Healthy Dose Of Pain”, un álbum en el que además de su banda habitual podemos encontrar a amigos como Borja Rosal (Extraperlo, El Guincho), Sergi Puyol (Le Pianc, Viva Ben-hur) o Adrián de Alfonso (Veracruz, Bestia Ferida), entre un largo etcétera. “Ha ayudado el hecho de conocer a más músicos de los que conocía cuando grabé el primer disco. Habría registrado un largo distinto sin ellos, no necesariamente peor pero diferente. La verdad es que tenía el antojo de hacer algo muy colectivo, algo que reflejara un poco mi vida en la ciudad. Si nos encontramos todos en los bares, las fiestas y los conciertos, ¿por qué no podemos hacerlo en una grabación?”. Sus señas de identidad se estabilizan respecto a su debut, pero eso no quita que su sincero pop barrocamente medido ahora suene

mejor que nunca. “Los arreglos están más currados y todos los que tocamos en el primer disco ahora somos mejores músicos. A nivel personal, canto y vocalizo mejor que antes aunque nunca voy a tener una voz perfecta. Esta vez no cometí el error de grabar mis partes vocales estando de resaca”, bromea al respecto sin que sepamos si se tuvo que tomar algún copazo para animarse a cantar por primera vez en la lengua de Cervantes en “Este verano (pensé que te había perdido para siempre)”. “La canción me salió en castellano desde el principio. Después intenté pasarla al inglés, pero quedaba muy forzada. Usar el castellano no fue premeditado. Es más, desde entonces no me ha salido ninguna canción más en este idioma. Me pasó lo mismo con un tema del primer disco que está en griego, desde entonces no me salió otra en mi idioma natal. La verdad es que, de todos modos, me siento mucho más cómodo escribiendo y cantando en inglés”. ■ Sergio del Amo

Maia Vidal Viene de: Estados Unidos Publican: “God Is My Bike” (Karonte, 11) En la onda de: Cocorosie, Ani Di Franco, Sleater-Kinney Nacida y criada en Estados Unidos, de padre francés y abuela japonesa, Maia Vidal lleva una temporada afincada en Barcelona, ciudad que le ha dado mucha vida. “Pasé una temporada en París, y allí no me adapté, en cambio en Barcelona me siento muy bien, creo que de momento he encontrado mi lugar aquí”. Su disco de debut suena personal, muy variado, va de la chanson al folk o incluso el gospel, y en él se pueden ver sus diferentes facetas. “Estas canciones me muestran a mí tal y como soy. Durante unos años solo escuchaba y tocaba punk, y la verdad es que al final me quemé. Necesitaba un cambio”. Por si no hubiera suficiente, en su disco colabora ni más ni menos que el reverenciado Marc Ribot. “Mi padre tenía su contacto, de cuando se conocieron en los años ochenta en Francia. Él me sugirió que contactara con él y, cuando lo hice, todo fue muy fácil. Para mí es un privilegio”. Uno de sus retos fue trasladar diversas canciones de Rancid a su universo musical. “Contacté con Tim Armstrong, y le encantaron las versiones de sus temas. Él me insistió para que incluyera una de ellas en mi disco, y pusimos ‘It’s Quite Alright’”. El movimiento riot-girl también le tocó de cerca, aunque más por nombres como Sleater-Kinney y Hole que por las pioneras del género. “En aquel momento, las chicas necesitábamos decir cosas, pero siempre en grupo, y decirlas bien fuerte.

Ahora podemos mostrarnos más dulces y más cercanas, caminando nosotras solas”. ■ Toni Castarnado

Evripidis And His Tragedies Foto Archivo

Toni y Nega son las voces de Los Chikos del Maíz, los artífices de unas rimas hip hop tan ocurrentes como polémicas y un secreto a voces desde hace años entre dicha comunidad musical. Vienen de Valencia y por fin, tras una eterna espera, ve la luz “Pasión de Talibanes”, su primer disco largo tras varias maquetas y lanzamientos en solitario. (Toni) “No vivimos de esto, eso hace muy difícil que nos entreguemos en cuerpo y alma a la música.

Tampoco hemos estado parados, pero entre vivir, estudiar, trabajar y demás, la salida del disco se ha complicado y retrasado”. Para quien dude del matiz diferencial del disco baste con decir que a las colaboraciones con tertulias políticas en televisión o portales de contrainformación en Internet se suman denuncias públicas de partidos, asociaciones y medios de comunicación de tendencias conservadoras. Ellos hablan para el no iniciado. (Toni) “Que nos escuche sin ningún tipo de complejo ni de prejuicio.

Dudo que comparta todas nuestras opiniones, pero confiamos en que no le dejará indiferente. Que si está cansado de tanto cantante llorón y de canciones de amor, que se pase al lado mazorca y a las canciones de odio”. Ellos hacen hip hop y a la vez que elogian a mitos lejanos y cercanos como Chuck D, Krs One, Kase-O o Kamikaze, hacen un análisis sobre las peculiaridades del estilo como vehículo transmisor de mensajes. (Nega) “El rap juega con ventaja, su atractivo reside en su profunda accesibilidad, sólo hace falta talento, una libreta y un ordenador.

Para montar un grupo de rock necesitas guitarras, amplis, el alquiler de un local... Y con dieciséis años o trabajas o eres un niño de papá que te lo paga todo. El rap es accesible e inmediato, hay sitio para todos”. ■ Ignacio Pato L.

Los Chikos del Maíz Vienen de: Valencia Publican: “Pasión de Talibanes” (Boa Music, 11) En la onda de: Public Enemy, De La Soul, Alma Vacía

Los Chikos del Maíz Foto Laura Garber

Maia Vidal Foto Archivo

¿Una banda de thrash metal de Igualada? ¿Con solo una maqueta han tocado dos veces en el mítico festival Wacken Open Air? ¿Que además ofrecen un entretenido reciclaje de bandas como Anthrax, Testament y Megadeth con más cambios de ritmo y de voz que la media? Soñar es gratis, sí, pero tendréis que hacerlo despiertos, porque Crisix son una rotunda realidad y vienen pisando fuerte. Su debut se llama “The Menace” y es de lo mejorcito que los amantes de este estilo podréis escuchar este año. Su sorprendente calidad –y eso que rondan la veintena- se explica, en parte, gracias a un precoz y dilatado currículum. (Juli, cantante) “Toco el bajo desde los catorce años en bandas de death metal y rock’n’roll. Javi y yo siempre habíamos querido formar un grupo thrash”. (Javi, batería) “Hace unos años a casi nadie le gustaba este estilo, y mira, ahora nos ha cogido totalmente por sorpresa”. El revival llegó tras su formación, en febrero de 2008. Casi por casualidad se presentaron al Battle Of The Bands de Wacken. Fueron, ganaron y tocaron de nuevo el año siguiente. El premio incluía la grabación de un disco, pero no fue posible, algo que, con el tiempo, ha jugado a su favor, ya que han podido trabajar mucho más los temas. El resultado, mezclado y masterizado por Andy Classen (Legion Of The Damned, Tankard, Disbelief), tiene algo de la escena alemana y de Municipal Waste, e incluye algún que otro homenaje a Metallica y Slayer. (Juli) “Llámalo homenaje, llámalo plagio (risas)”. Podréis verles este mes junto a The Eyes. ■ David Sabaté

T

Eh! Foto Albert Avilés

ras la disolución de Individual e Índigo, Vanesa Prado e Iván Vega quisieron dar un golpe de timón a sus composiciones y así nació La Gran Alianza, acompañados por Luis Couque y Nicolás Roldán. “No es que quisiéramos, estas cosas salen solas. Evidentemente las influencias que teníamos con cada una de las bandas estaban ahí, pero no fue algo premeditado. El cuerpo nos pedía las intensidades de Individual, pero queríamos

Eh! Vienen de: Barcelona Publican: “La fase del sueño intratable” (B-Core, 11) En la onda de: Tortoise, John Zorn, Do Make Say Think “La intención es la misma que cuando empecé a hacer música: investigar y desarrollar cada instrumento, en mi caso, bajo y contrabajo. Me interesa todo tipo de música, pues soy de los que piensan que en cualquier estilo hay cosas interesantes”. Puede que sea curioso ese giro musical que Elías Egido ha dado desde Standstill pero, con dos discos editados hasta ahora, sus ideas parecen cada vez más claras. “Desde luego, hay un interés premeditado en acotar los límites.

Me gusta el concepto pop en el esqueleto y el hecho de no sobrepasar los cuatro minutos ayuda, pero la intuición y el juego también influyen. Es la propia música la que nos va indicando el camino”. Intuición, experimentación e improvisación unidas y focalizadas hacia una única idea que ya dio signos de valentía y rigor en su debut, “36 de 48”. “No somos una banda que deje indiferente: somos capaces de conectar tanto con quien viene simplemente a disfrutar de un concierto como con el músico que viene a analizar. La gente suele responder de manera muy entusiasta”. Sea como sea, hasta ocho son los músicos que podremos encontrar en sus próximos directos.

“El disco ha sido grabado por esta formación, cada uno trabajando desde su local de ensayo, por lo que cuando nos juntamos para preparar un concierto todo fluye. Gente de Matiné, Hand Of Fátima y Pony Bravo han ayudado a redondear el disco, pero las canciones las defendemos nosotros ocho en el escenario”. ■ Francesc Feliu

co trabajo de producción, estudiándose las maquetas y sabiéndose las canciones mejor que nosotros. Queríamos darle nuestras canciones a alguien confiando plenamente en él, sin tener que autoproducirnos y estar tomando decisiones constantemente en lo que se debía o no hacer con cada tema”. Así dieron a luz “La carne y el acero”, separando las canciones como si fueran las dos caras de un vinilo o la naturaleza de la dualidad luz/oscuridad. “Lo de separar las caras es por una razón de producción: unas suenan más crudas, más puras, más orgánicas, con menos efectos, más puras; las otras, las de la otra cara, están más arregladas, tienen más efectos, y un tipo de producción diferente, más tipo superproducción con muchas pistas, voces dobladas…”. ■ Carlos Ciurana

The Cherry Boppers Foto Archivo

Vienen de: Valencia Publican: “La carne y el acero” (Autoed./Tráteme de Usted, 11) En la onda de: The Velvet Underground, Galaxie 500, JAMC

hacerlo en castellano, así que los textos y la voz son de Vanessa, que ya hacía eso mismo en Índigo.

Iván componía en Individual, Vanessa en Índigo. La suma es el resultado”. Para grabar su álbum de debut decidieron contactar con Joaquín Pascual, y el resultado ha sido una experiencia gratificante para la banda valenciana.

“Ya conocíamos a la mayoría de los productores de Valencia, y teníamos ganas de hacer algo diferente, que sonara distinto a lo que habíamos grabado con nuestros anteriores trabajos, que se grabaron en Valencia. Elegimos a Joaquín a conciencia, y no fue fácil al principio, porque no producía a casi ningún grupo. Nos costó convencerle, pero al final el resultado mereció muchísimo la pena. Ha hecho lo que nunca antes habían hecho con nosotros, un auténti-

Matxura es el nombre del nuevo proyecto de Mikel, Txarly, Aitor y Fer, integrantes de reconocidas bandas como Negu Gorriak, Anestesia, PI L.T. o Kuraia. Como nos cuenta Mikel, que es de quien parte la idea original de las canciones, han decidido darle duro al metal industrial. “Tenemos claro que este disco es difícil que sea comercial. Es demasiado duro para la gente a la que le gusta algo más tranquilo, y tiene elementos extra que incluso a quien le guste la música dura quizás cueste asimilar. Pero bueno, al final básicamente es una colección de ritmos y riffs que te hacen mover el cuello, básicamente es rock enérgico y rítmico. Y con mala hostia”. No esperen algo digerible y banal, aquí la oscuridad reina y se carga de razones diarias en la voz distorsionada de Fer. “En realidad es un disco bastante misántropo. La misantropía y la libertad son dos conceptos que rondan por prácticamente todas las letras. También la religión y la muerte aparecen bastante... Y sí, los humanos la hemos cagado. Estamos asistiendo al final de algo, de un sistema que se va cayendo y somos testigos de esa decadencia, nosotros le pondremos la música”. Obligado es preguntarle a Mikel sobre esas bandas que tanto él como Fer han engrosado (o engrosan) y que tan importantes resultan para entender la música hecha en euskera. “Yo diría que Kuraia es un proyecto pasado ya, y Anestesia está parado ahora. En los próximos meses Matxura será quien dé la cara”. ■ Ignacio Pato L.

The Cherry Boppers Vienen de: Bilbao Publican: “Shakin’ The Hood” (Boppin’ Records/Pias, 11) En la onda de: The Sweet Vandals, Fundación Tony Manero

Maxtura Foto Archivo

La Gran Alianza

Matxura Vienen de: Euskadi Publican: “Matxura” (Bonberenea Ekintzak, 11) En la onda de: Ministry, Atari Teenage Riot, Nine Inch Nails

La Gran Alianza Foto Archivo

ESCaparate /40/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

Llevan muchos años demostrando que se puede hacer funk de primera desde el norte y hacer bailar a un muerto si es necesario. The Cherry Boppers dan el estirón en “Shakin’ The Hood”, un nuevo álbum en el que rompen con algunas cosas del pasado. “Lo hemos vuelto a hacer, hemos vuelto a renovar nuestro estilo. Sé que suena un poco narcisista, pero es verdad. Como hicimos en 2008 con ‘Play It Again’, nos hemos enclaustrado en el local y en el estudio para crear un funk más elaborado, con nuevas incorporaciones instrumentales, cuarteto de cuerdas en algunas pistas...”. La producción corre a cargo del gran Roberto Sánchez (auténtico genio y líder de Lone Ark) que también protagoniza una pista, como otros colaboradores ilustres. “Maika (The Sweet Vandals) era la voz femenina perfecta para cantar un tema con nosotros y la colaboración con RdRumba junto con los raperos Acheset y Alma de Nómada ha sido un sueño hecho realidad”. Algunos cambios de formación, lejos de desestabilizar a la banda, parecen haberla reforzado. “La familia Bopper sigue intacta, son muchos años para que se rompa tan fácilmente.

Más bien es una evolución, renovarse o morir. La energía sigue siendo la misma, sólo que más elaborada y producida con más mimo”. Autoeditan orgullosos, después de haber tenido “algunas ofertas en su día de varias discográficas, pero en condiciones bastante lamentables... Ser nuestros propios jefes es más caro para nuestros bolsillos, pero mucho más barato para nuestra salud”. ■ Yahvé M. de la Cavada

VINILOS 13&GOD

“Own Your Ghost” Anticon/Popstock!

ELECTRÓNICA

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Todas las almas que habitan 13&God saben que cuesta escuchar “Own Your Ghost” como si no fuera un nuevo disco de The Notwist, pero su empeño es maravilloso. Porque no lo es a pesar de que el inconfundible sello Acher recorra el disco y abra esta ventana con vistas a todos los sentidos, infinitamente sugerente, con una deliciosa canción titulada “Its Own Sun”. Es fácil sentir algo parecido a la inspiración cuando quieres volver a su base rítmica y recuerdas la magia de esta gente sin tener la menor idea del lío en el que están a punto de meterte Adam ‘Doseone’ Drucker y el equipo de Themselves. Puede que 13&God no tengan personalidad propia como proyecto, pero el asunto es irrelevante cuando van pasando ante ti sonidos y texturas que nadie maneja tan acertadamente para dar con canciones como “Janu Are” o “Armored Scarves”. Hay delicias pop para publicistas de automóviles como “Old Age” y delicados ejercicios de rap como “Unyoung”.

Varios pasos por delante del primer disco sin ninguna duda. Quizá un disco esperado por algunos, pero impredecible, inimitable, irrepetible, ¿inclasificable? Jerónimo Martín

WATERS

“Out In The Light” City Slang/Music As Usual

FOLK

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Van Pierszalowski tenía un grupo llamado Port O’Brien con cierto éxito y tres discos en la calle. Le daban al folk con arte y con determinación y hacían canciones que quedaban bien en los anuncios. Nada del otro mundo pero correctos en su fondo y en su forma, con una temática central definida y definitoria (el mar) y con la leyenda medio hippie de que eran pescaderos y panaderos. Pierszalowski se ha dejado de hostias y ha cambiado de formato y de obra. Ahora su proyecto es más genérico (Waters) y ha dejado el salitre para otro tipo de aventuras.

Tampoco ha inventado nada con su nueva formación, pero ha sabido dar un giro a su carrera arrancando sus raíces para hacerse una púa sólida con la que conseguir un estilo más punzante e intenso. Aunque sigue dando cancha a melodías calmadas y contemplativas como “Ones You Had Before”, predomina en “Out In The Light” un rock lúcido y variable, siempre desnudo, directo y basado en guitarras en continua búsqueda de sí mismas. Manuel Ortega

ATLAS SOUND “Parallax”

4AD/Popstock!

POP

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La portada de “Parallax”, dedicado a la memoria de Trish Keenan, la ocupa un retrato de Bradford Cox convertido en una suerte de rock star desenfocada. Son dos detalles esenciales para sumergirnos en el tercer álbum de su alias al margen de Deerhunter, un proyecto que gana peso

/43/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

con cada nuevo movimiento. En líneas generales “Parallax” es lo más concreto que Cox ha grabado bajo el nombre de Atlas Sound, el disco que más y mejor se ciñe al formato canción sin por ello renunciar a su peculiar imaginario sonoro en el que sigue dominando una visión distorsionada y psicodélica -apesadumbrada también, a tenor de las letras- de la vida. La conexión con los difuntos Broadcast, el grupo de Keenan, está clara por ahí. Cox señala también como referente válido “For Your Pleasure”, segundo disco de Roxy Music que a la postre ocasionaría la marcha de Eno por sus tensiones creativas con Ferry.

Del primero toma prestada la decadente vocación exploradora. Del elegante Ferry su desapasionada interpretación, acercándose a la figura del crooner, frágil y lisérgico. El resto, el talento, más que nunca es sólo suyo... Luis J. Menéndez

THE BLACK KEYS, LAS GUITARRAS MANDAN

ORNAMENTO Y DELITO ”Adorno”

Limbo Starr

ROCK

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La goitibera de la portada anuncia una cuesta abajo y sin frenos en la que no carecen de importancia aquellos que se han quedado por el camino del intento. “Adorno” tiene todo lo bueno de un (buen) segundo disco: rapidez en su publicación, lógica ascendente con lo demostrado desde las maquetas y más confianza que presión en relación al feedback. Si “Bono es Dios” anticipaba un disco más urgente de lo que en realidad es, esto se olvida pronto por ser el conjunto más enérgico que “Rompecabezas...”, más autoreferencial (“Es delito”, “Lo real”), cínico (“María, la autómata”) y sobre todo un álbum largo, generoso con el seguidor, capaz de mantener el tipo durante más de una hora seguida. Ornamento y Delito lo consiguen con “Adorno”, una apuesta arriesgada en la que hay una banda que toca como quiere, en el más amplio sentido de la expresión, y algunas de las mejores letras (“el futuro está escrito en los libros de los seguros”) del panorama próximo, entre un paréntesis formado por Spencer Tracy y Victor Sjöström; pocas cosas mejores hoy.

Ignacio Pato L.

LASERS “Juno”

The Black Keys Foto Archivo

THE BLACK KEYS “El Camino”

Nonesuch/Warner

ROCK

1111

“Lonely Boy” y su descacharrante video ya hace días que nos está marcando el camino de, sí, “El Camino”. The Black Keys están de vuelta y, una vez más, ¡y ya van siete!, no decepcionan. Huérfanos como nos hemos quedado de la luz inspiradora de The White Stripes, esta otra pareja es la que está llamada a seguir manteniendo como algo moderno y molón las formas de rock más primitivas y crudas.

Como en el caso de los de Detroit, Dan Auerbach y Patrick Carney también han sabido evolucionar y acoger las infinitas posibilidades de un estudio de grabación para ir arropando progresivamente su blues rock descarnado con un tamiz más seductor y contemporáneo. Como en las últimas entregas

del dúo, en “El Camino” podemos encontrar un amplio abanico de propuestas dentro de un reducido margen estilístico. Tenemos ese momento resultón e infalible en la forma de “Dead And Gone” de la misma manera que en su día lo fueron “The Only One” o “Strange Times”, el retorno al garaje sesentero por el puro placer de la nostalgia en “Run Right Back”, excelentes temas de rock funkoide como “Sister”, o ese ensoñador inicio acústico que acaba en tormenta eléctrica, aquí de título “Little Black Submarines”. Riadas de giros, momentos y guiños que proponen un nuevo catálogo de rock and roll caudaloso, donde cabe desde el blues desbocado al estándar de género amplificado. Difícil situarlo jerárquicamente en la discografía del grupo, donde cada seguidor tiene sus propias preferencias; pero desde luego no desentona con ninguno de sus grandes trabajos y, en su favor sobre alguno de ellos, prácticamente no contiene elementos de relleno.

Una nueva victoria. Robert Aniento

Irregular

ELECTRÓNICA

1114

Por fin podemos disfrutar de uno de los grupos más inquietos y excitantes de la escena electrónica de Barcelona, Lasers.

Su primer EP de atómico potencial y sus directos nos dejaron con ganas de más (todavía estamos enganchados al estribillo de “Well Spent Dollars”) y anticipaban lo que ahora tenemos entre manos: sonidos orgánicos mezclados con estilo con loops eternos, atmósferas muy dream pop (“Space Dust” con esa percusión tan Wu Lyf), soleados pasajes, pulsaciones hipnóticas y explosiones contenidas (“Before I Fall”). Atrás quedó una etapa más oscura y matemática. Su sonido abarca propuestas que apelarán al gusto de entendidos y profanos de la electrónica, como consiguen grupos como M83. “Juno” aporta luz a estos días que se acortan y nos recuerda que a la vuelta de la esquina, aguarda un nuevo verano. Delorean, Kisses o Battles ya nos inundaron en su momento con esa cálida sensación, es hora de cederles su lugar a Lasers. Marta Terrasa

en la onda

THE SONICS

“Here Are The Sonics” (1965) ROCK

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Uno de los padres del invento. Que alguien fuera capaz en 1965, en plena beatlemania con “Yesterday” dominando las ondas, de desgañitarse en el inicio de su primer LP gritando “She’s an evil chick, she’s the witch” ofrece claras pistas de cómo de adelantado a su tiempo estaba el quinteto de Tacoma.

THE CRAMPS “The Songs The

THE WHITE STRIPES

ROCK

ROCK

Lord Taught Us” (1980)

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Hace treinta y un años ya se echaba la vista hacia el pasado para apoderarse sin complejos de las primeras enseñanzas del rock and roll y ensuciarlas de grasa, hollín y distorsión. Lux Interior, Poison Ivy y cía iniciaban su andadura con un tratado de rockabilly, garaje y rock con peste a sudor.

“Elephant” (2003)

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Jack y Meg White respondían a las expectativas que había generado “White Blood Cells” con un nuevo manual de blues punk, tan enfermizo como pegadizo. Pese a lo bizarro de su look y propuesta, se acabaron de ganar al gran público. Claro que “Seven Nation Army” también tuvo algo que ver. ■ R. A.

vinilos /44/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

LA CARA MÁS ÍNTIMA DE RYAN ADAMS FURGUSON/ALIMENT “Split”

La Castanya

ROCK

Ryan Adams Foto Archivo

RYAN ADAMS “Ashes & Fire” Sony/Columbia

1114 ROCK Por cómo ha sido recibido en ciertos sectores el nuevo álbum de Ryan Adams sin los Cardinals, cualquiera diría que nuestro huraño favorito ha hecho un disco de los de quitarse el sombrero y tampoco es eso. El disco es bueno, no cabe duda, pero no descubre nada nuevo, ni presenta una faceta hasta ahora desconocida por sus seguidores. Al contrario. Se mueve por los derroteros más clásicos del cantautor, basados en la delicadeza, las baladas y sobre todo ese maravilloso timbre vocal, dulce y delicado, que le desmarca varios cuerpos de

sus compañeros de generación. Una voz prodigiosa que suena a dulce de miel de sedosa sonoridad y que da su do de pecho en temas de una belleza crepuscular como la inicial “Dirty Rain” o la emocionante “Do I Want”, sin duda dos de sus mejores grabaciones en años. Y así, más cerca de Gram Parsons que nunca y centrado en la búsqueda de la emoción por el camino más fácil y directo, se nos pasan once temas apocados, lentos, acústicos y sinceros que si bien no dan para la exaltación y defensa de su figura compositiva, si nos deparan unos minutos de felicidad y éxtasis. Minutos a los que tan solo cabe ponerles la pega de cierto monocromatismo en la formas que puede llegar a empalagar a los no iniciados. Don Disturbios

HAEMORRHAGE

PICORE

REINA REPUBLICANA

Relapse

Magofermín

Limbo Starr

“Imagínate que acierto”

“Hospital Carnage” GRINDCORE

1111

Haemorrhage es una de las bandas de grindcore más veteranas del estado ya que danzan sembrando podredumbre desde el año 1990. Inspirándose inicialmente en bandas como Carcass, crearon un sonido que han ido mejorando y ampliando como demuestra “Hospital Carnage”, sin duda uno de los mejores discos duros publicados en nuestro país durante este año (no en vano, Relapse les tiene en plantilla junto a Looking For An Answer). Aquí mandan las melodías más salvajes, marcadas sobre todo por Luisma y Ramón en temas como “Resuscitation Manoeuvres” u “Open Heart Butchery”, el tema destroza almas con el que abren el disco. Su cantante Lugubrious continua con su peculiar manera de cantar desgarrando sus cuerdas vocales en cada tema. “Hospital Carnage” gana en producción y crudeza a sus anteriores obras y muestra de ello es como Haemorrhage han crecido como banda desde ese gran disco llamado “Apology for Pathology” (Morbis Records, 06), girando en algunos de los festivales internacionales imprescindibles para el género.

Eduard Tuset

ROCK

1111

“Como siempre es el sherpa el que lleva al alpinista”. Así comienza la nueva colección de temas de los zaragozanos Picore, en su momento responsables de la mejor demo aragonesa para esta revista. La cita del principio no es gratuita, define bien ese algo de mensaje cifrado que tiene la banda desde siempre, ese afán de no tomar al oyente por idiota y hablarle como se le habla a un igual. Aquí nuestros Shellac particulares se marcan un disco de una uniformidad aplastante, con “Prisa mata amigo” funcionando como banderín de enganche, “Comunico” con Abuelo cantando “han echado droga en el estribillo”, la amarga “Cómo están ustedes”, el “sobran artistas y faltan personas” de “Campeón”, toda una conversación de poco más de media hora entre guitarras en escorzo. Así son Picore y su postura perfecta, música difícil para los cabezotas que no conciben que la música deba suponer un mínimo esfuerzo en el lado del receptor, típico caso de ninguneo durante su actividad y de lamentos cuando ya no estén. Con su música siendo de dominio público, qué mejor momento para disfrutarlos que ahora mismo. Ignacio Pato

“Reina Republicana” POP

1114

Después de una maqueta de tres temas y la edición de dos de ellos como single por fin llega el debut homónimo de Reina Republicana, un título elegido como pista inequívoca de lo que son ellos mismos. Abre este largo la épica “Que cunda el pánico”, una amalgama de guitarras y violines sobre la que triunfa la voz dulce y contundente de Maite Rodríguez que se incorporó a la formación tras la marcha de Amaia Tirapu, cantante de Kokoshka.

La primera escucha nos devuelve un sonido espontáneo y luminoso con melodías que se fijan en la mente del oyente, sobre todo con himnos como ese primer tema, la más que conocida “La reina”, o el potente single “Dime qué vas a hacer”. Para profundizar en los matices que esconde esta patina de pop coreable es necesario atender a sus texturas variadas: desde los sintetizadores y teclados de Banin (Los Planetas) en “La ciudad ardiendo” al noise de “Clonidina” y “Ángeles pensando en mí”; el rock de “Los días ya no iluminan”, y hasta la bossa que reina en “Mar Diamante”. El último, “Verano”, cierra una estructura circular de vuelta al mismo primer muro de sonido épico y potente que aportan los violines distorsionados. Leyre Guerrero

1114

En algún lugar más o menos cercano de este mismo número se encontrarán ustedes una reseña del primer disco de L’Hereu Escampa, con quienes tanto Furguson como Aliment han compartido escenario y botellas de cerveza. Ellos y algunos otros más (Mates Mates o los finiquitados The Kebabs) han dado nueva vida a una Catalunya acostumbrada más a escuchar que a que la escuchasen. Pero las cosas han cambiado, por lo menos durante unos meses. Tan amigos son algunos que hasta van y lanzan un compartido, ese tipo de disco que tantas alegrías nos dio a principios de los noventa y que, gracias a casos como este, recupera todo su valor. A Furguson ya les conocerán por su disco de debut, aunque si no es así, sepan que disfrutaran con su hardcore bailongo, como si Six Finger Satellite interpretasen el cancionero de los primeros The Get Up Kids. Los más avispados también tendrán noticias de Aliment, uno de nuestros artistas demoscópicos catalanes del pasado año, y un combo mucho más dado al garage vibrante para seguidores tanto de Mujeres como de Jay Reatard. Cada grupo presenta tres canciones en sus coordenadas particulares, pero el conjunto combina a la perfección, como si ambas bandas estuviesen en sintonía desde que enchufan sus instrumentos. Joan S. Luna

TORI AMOS

“Night Of Hunters” Deutsche Grammophon/Universal

CLÁSICA

1111

Soy de los que piensa que cuanto más te gusta un músico, más le debes exigir. A veces parece que todo vale y que, solamente por el hecho de ser fan de un artista debamos tener manga ancha para aceptar cualquier cosa. Tori Amos, a pesar de entregar tres últimos discos que mantenían el nivel, no había conseguido emocionarme como antes.

Curiosamente, cuando no esperaba demasiado de ella, publica “Night Of Hunters” y me ha atrapado de nuevo. En un principio el concepto daba más miedo que nunca (esa anunciada asociación con la música clásica), pero en vez de engullirla ésta a ella, ha sido la propia Tori Amos quien ha sabido como adaptar ese estilo a su imaginario musical.

Y el resultado es fantástico, permitiéndonos recuperar de nuevo a una artista que suena otra vez melodramática y atrevida, arriesgando como solo ella sabe y con una voz que la vuelve a propulsar como un cohete, con esa mezcla de dulzura y salvajismo que siempre le ha caracterizado. De la apertura con “Shattering Sea” hasta llegar al cierre con “Carry”, y con perlas como “Star A Whispering” o “Job’s Coffin”. La pelirroja nos ha vuelto a enamorar. Toni Castarnado

FOREIGNER

“Acoustique” Ear Music/Edel

A.O.R.

111

El A.O.R. nunca ha sido un género demasiado apreciado. Ni siquiera en su mejor momento, finales de los setenta/principios de los ochenta, con bandas como Boston, Toto, REO Speedwagon o los aquí protago-

nistas acumulando hits en la radio y masas en sus conciertos, fueron bien vistos por la crítica, que siempre se ha cebado en su pomposidad, grandilocuencia y dulcificación de sus melodías y arreglos. Históricamente visto como un estilo inflado de excesos y con objetivos meramente comerciales, ha sido de los menos reivindicados y recuperados una vez pasado su momento de gloria.

El inesperado éxito de unos rejuvenecidos Journey tras la entrada como vocalista de Arnel Pineda y el ascenso de “Don’t Stop Believin’” a uno de los temas más descargados en la historia de iTunes después de su aparición en el último capítulo de “The Sopranos”, parece que ha avivado la llama de otros supervivientes. Una exitosa gira protagonizada por Journey, Styx y Foreigner trae como uno de los resultados colaterales una revisión acústica de los hits de estos últimos. Desprovistas de su fanfarria original, “Acoustique” demuestra que la banda de Mick Jones siempre tuvo un don especial para la melodía y, desnudos, temas como “Double Vision”, “Cold As Ice” o “Feels Like The First Time”, reviven como las grandes canciones de pop atemporal que siempre fueron, dispuestas ahora a ser descubiertas por nuevas generaciones. Robert Aniento

STILL CORNERS

“Creatures Of An Hour” Sub Pop/Popstock!

POP

1114

Escuchar el debut en largo de Still Corners es algo parecido a estar encerrado en una película de David Lynch: absolutamente plástico, inexplicable, en ocasiones, aterrador sin motivo alguno. La comparación no es gratuita, y es que, si una palabra puede encapsular la esencia del trabajo de este dúo londinense, es “cinemático”. Con una producción típicamente sesentas e inspirado en la nouvelle vague francesa y las películas de terror americanas, “Creatures Of An Hour” va dejando sus temas gotear durante poco más de media hora en un ejercicio que resulta inquietante a la par que cautivador. La aterciopelada voz de Tessa Murray se arrastra y se acurruca, susurrante, bajo las atmósferas creadas por su compañero Greg Hughes.

Son estas atmósferas etéreas, sumadas a algunos motivos como el riff de “Velveteen” o el órgano retorcidísimo de “Circulars”, las que generan ese desasosiego vital tan onírico que caracteriza el trabajo de Still Corners.

Un cóctel de dream-pop, sueños bizarros y películas de terror. Virginia Arroyo

RUBIA

“2036” Rubia Music

ROCK

111

Parecía que el rollo del rock americano setentero en España era cosa de hombres gracias a la oleada de cantantes femeninas que tiraban por los derroteros del folk y el pop más light. Sara Iñiguez, guerrillera que está tras Rubia, es la conjunción de Grateful Dead y The Beach Boys llevado al fervor extremo. Once cortes de psicodelia y rock de la Costa Oeste conforman el segundo disco de la abanderada de los Hot Legs, entre otros, extendiendo la sombra de la mejor Carole King en “Esta ciudad” y del verano del amor con “No me quiero despertar”. Es innegable la influencia de los años sesenta y setenta en el sonido: Jefferson Airplane y The Mamas & The Papas son también la base fundamental que prevalece incluso en “Gafas de ver”, coronada con un piano constante. Sensual, cómo no, con la llegada de “Amor y naturaleza” mientras que se escapa en “De nuevo junto a ti”, firmando un disco que pierde debido a una plana producción que deja escapar muchos matices. Charly Hernández

MondoSonoro · Diciembre 2011 /45/

top10

vinilos

SUMMER CAMP RECUPERAN LOS OCHENTA

internacional

Mastodon

“The Hunter” Roadrunner Records

METAL

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

THE BLACK KEYS “El camino” (Warner)

MODESELEKTOR “Monkeytown”

(Monkeytown Records)

CASS MCCOMBS “Humor Risk” (Domino/Pias)

ATLAS SOUND “Parallax”

(4AD/Popstock!)

SUMMER CAMP

“Welcome To Condale”

(Moshi Moshi/Music As Usual)

MASTODON “The Hunter”

(Roadrunner Records)

FOSTER THE PEOPLE “Torches”

(Sony BMG)

THE SOUND OF ARROWS “Voyage” (Skies Above/Universal)

AUSTIN TV

”Caballeros del Albedrío”

(Terrícolas Imbéciles/Origami)

RYAN ADAMS “Ashes & Fire”

(Sony/Columbia)

top10

11114

Con tan solo cuatro discos, Mastodon se han ganado a pulso la doble distinción de auténticos clásicos y de regeneradores del género metal. Su logro principal: tejer un puente entre pasado y futuro descubriéndonos por el camino nuevas e interesantes tangentes hasta hoy desconocidas.

Un retrovanguardismo que tiene cada vez más de prog-rock pero que al mismo tiempo suena fresco y fascinante. Por si fuera poco, y tras la opulenta obra magna “Crack The Skye”, los de Atlanta han logrado sorprendernos firmando su disco más condensado, accesible y pegadizo, servido en temas de alrededor de tres minutos en los que prima la inmediatez y la melodía. Los cambios de ritmo y las estructuras atípicas permanecen, pero presentadas aquí en su esencia. Paralelamente, Mastodon siguen fagocitando referencias al servicio de un sonido propio pero en continua construcción y cada día más libre: desde el groove setentero de la adhesiva “Curl Of The Burl”, donde Brent Hinds es poseído definitivamente por Ozzy Osbourne; pasando por el cruce entre Soundgarden y Mike Patton de “Blasteroid”; los Fear Factory más ambientales en “Octopus Has No Friends”; o la inspirada mixtura entre Alice In Chains y Queens Of The Stone Age de “Thickening” o “Dry Bone Valley”. Las mayores sorpresas aguardan, sin embargo, en piezas como el tema título, un medio tiempo espacial con solos de guitarra á là Pink Floyd; “Creature Lives”, crescendo épico con ecos a Arcade Fire –sí, han leído bien-; o la envolvente “The Sparrow”, bello y melancólico cierre que invita a soñar despierto. La llama sigue viva. David Sabaté

nacional

Summer Camp Foto Archivo

SUMMER CAMP

“Welcome To Condale” Moshi Moshi/Music As Usual

1111 POP De un tiempo a esta parte es más que curioso el giro mainstream que han tomado los grupos más cool del momento dentro del pop independiente anglosajón. Entiéndase eso de giro mainstream como la asimilación de la herencia de grupos de radiofórmula de los setenta y ochenta que otrora eran mal vistos en el mundillo indie.

Vamos, nombres ahora recurrentes como Fleetwood Mac, Simple Minds, The Cars, OMD o el colectivo Stock, Aitken & Waterman, entre otros. Bandas como Girls, Destroyer, M83, Dominant Legs y, claro está, Summer Camp, son la evidencia de que hoy por hoy, eso de los prejuicios dentro del indie casi ha desaparecido. El dúo británico formado por Jeremy Warmsley y Elizabeth Sankey riza el rizo, eso

sí, dentro de esta corriente, alumbrando un debut que es capaz de convertir en algo guay el sonido de grupos que ya en su momento era considerados lo peor, con o sin razón.

Los guiños, por citar tres ejemplos, a Yello, Culture Club y Wang Chung en “Welcome To Condale” son más que evidentes, y dejan claro que Summer Camp son capaces de dar una pátina indie y cool al synth pop de alma hortera, un género más que reivindicable digan lo que digan.

Ahora bien, su fascinación por los ochenta va más allá de lo simplemente musical, canciones como “1988” y “Last American Virgin”, esta última toma el nombre de un clásico del cine teenager de la época, lo dejan claro. Dentro de su locus amoenus ochentero, solo se permiten la licencia de mirar a los noventa al titular uno de sus temas “Brian Krakow”, nombre de uno de los personajes emblemáticos de la entrañable y grunge teen-com “My So-Called Life”.

Xavi Sánchez Pons

DEATH IN VEGAS

“Trans-love Energies” Portobello Records/Popstock!

ROCK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

MANOS DE TOPO

“Escapar con el anticiclón” (Sones)

BIGOTT

“The Orinal Soundtrack” (Grabaciones en el Mar)

WE ARE STANDARD “Great State”

(Mushroom Pillow)

MENDETZ

“Silly Symphonies” (Music Bus)

THE RIGHT ONS “Get Out”

(Lovemonk)

LOOKING FOR AN ANSWER “Eterno Treblinka” (Relapse)

ALBERTO MONTERO “Claroscuro” (Greyhead)

BRAVO FISHER

“We Were Overnighters” (43Music)

RAUELSSON & PETER BRODERICK “Réplica” (Hush/Green Ufo’s)

ELVIRA

“A pesar de todo” (Buenritmo)

114

Muchas vueltas o más bien pocas, pensándolo mejor, ha dado este mundo desde aquel “Satan’s Circus”, cuarto y último disco hasta la fecha de Richard Fearless y Tim Holmes. Siete años que como mínimo dan para algo: para que uno se de cuenta de que la visión que estos dos tenían por transgredir y pervertir el rock ahora ya no nos suena novedosa, ni tan tediosa ni apocalíptica. Ahora sin su compañero, y sin reformularse apenas, Fearless ha caído atrapado en cierto hedonismo, incluso sonando a desfase o a mil veces oído, en las sintéticas “Scissors” y “Your Loft My Acid” donde Katie Stelmanis de Austra viene a hacer lo de Alison Goldfrapp. La canadiense repite en “Witch Dance”, resultando cercana a Zola Jesus o Fever Ray. Un regreso que se mantiene firme por los derroteros del kraut teutón, con su bajo latente y con esos ritmos metronómicos tan machacones de “Coum” o del otro momento synth-electro del álbum que es “Medication”. Pero lo que domina, por encima de la maraña de guitarras, es la electrónica y el uso y abuso de drones. “Drone Reich” lo deja bien claro; algo que se expande en otros títulos más ambient-drone como “Savage Love” o “Lightning Bolt” donde se recupera el dub más oscuro. “Black Hole”, sin embargo, es la que recupera el sonido marca de la casa, ese legado embrionario de rock lúgubre de discos como “The Contino Sessions” o “Scorpio Rising”.

Celestí Oliver

HORACE PINKER

COLDPLAY

THE LAST 3 LINES

“Visions From Oniria”

”Local State Inertia”

Parlophone/EMI

Aloud Music

Arctic Rodeo Recordings

”Mylo Xyloto” POP

11

El momento ha llegado. Chris Martin y compañía han ido acercándose paso a paso al precipicio creativo hasta ejecutar el salto solemne y definitivo con su quinto disco de estudio, tras sucumbir categóricamente a los parabienes del éxito global. Los británicos se postulan sin disimulo hacia el título oficial de primera banda masiva a nivel mundial, a pesar de que eso suponga sacrificar cualquier atisbo de reputación artística. Lo hacen con un sin sentido desproporcionado y caótico, difuminado entre dosis industriales de grandilocuencia artificial y una experimentación totalmente inocua. “Mylo Xyloto” es un álbum ególatra, desorientado y previsible, tan ambicioso en pretensiones como apocado en inspiración. Una circunstancia que provoca una brecha insalvable que castiga con la inmersión en profundidades horteras adornadas con coros innecesarios, chirriantes capas de pomposidad, temas absurdamente extendidos, producción ostentosa y colaboraciones de galería. Pero recuerden que cuando los fuegos artificiales terminan, en el cielo no queda nada excepto el vacío de la oscuridad. Raúl Julián

ROCK

1114

Bien podríamos resumir las bondades de los barceloneses The Last 3 Lines midiendo su capacidad de generar adicción en el oyente en función de lo presuntamente en contra que juegan a veces sus referencias clásicas.

El saldo es notablemente positivo. Ya desde la setentera introducción, el disco se desliza por unos terrenos conocidos por todos y que les confirman como uno de los mayores valores del indie-rock nacional, sin necesidad de manierismos ni imposturas. En lugar de eso, trabajo y calidad en los arreglos y una sensación de tener algo que decir que dota a “Your Bruising Charm”, “Lonely Parade”, “Andromeda” o “Paradigm Of Fools” de ese carácter de baile a la vez urbano y cósmico.

Jugando con la épica y reduciéndola a muy bajas cuotas de esnobismo, algo así como el reverso ligeramente más electrónico de los mágicos The Soulbreaker Company, The Last 3 Lines ponen a la psicodelia en su justo lugar, dando sopas con ondas a las inconcreciones que suelen ser el talón de Aquíles del género. Y todo ello sin abandonar el favor del público de las tres de la mañana.

Ignacio Pato L.

ROCK

114

Nos sorprenden los estadounidenses Horace Pinker con un nuevo lanzamiento, que sigue a innumerables conciertos y giras mundiales, pero que también lo hace a su anterior disco (“Texas One Ten”), lejano ya que data de 2005. Con la acostumbrada pericia a la hora de mezclar la técnica de una cierta influencia post, o DC, con el gancho de las melodías pop que ya mostraban en sus pasados álbumes, los de Arizona firman una colección de canciones que no desentonan en su trayectoria pero que difícilmente les harán valedores de nuevos seguidores. Si somos realistas a la hora de analizar “Local State Inertia” con una panorámica un poco más amplia, descubriremos que son muchas las bandas capaces de plantear competencia directa al grupo, dejándoles en una suerte de segundo plano para los aficionados. A su favor juega, eso sí, una concisión a la hora de redondear las canciones que les evitan los juegos florales en los que otros competidores se pierden y que sitúan a los Pinker en una especie de limbo de la medianía para los amantes de, por ejemplo, Hot Water Music.

Ignacio Pato L.

vinilos /46/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

EL REGRESO AL FUTURO DE SIDONIE GOTAN PROJECT

“La revancha en cumbia” Ya basta!/Karonte

CUMBIA

114

Hace diez años los argentinos Gotan Project irrumpieron con fuerza en el escenario mundial merced a una fusión entre tango y música electrónica que en su momento (breve) se convirtió en paradigma de lo cool y se hartó de sonar, primero a nivel alternativo, después en el Café del Mar y similares, y finalmente, en todos los santos lugares, tanto que algunos se hartaron de su propuesta y la tildaron de repetitiva y pesada. Pues bien, en este “La revancha en cumbia”, la banda deja su trabajo más célebre en manos de varios Dj’s y músicos punteros para que revisen su cancionero adaptándolo a las nuevas tendencias musicales del país, y lo que más pega ahora mismo es ni más ni menos que la cumbia, efectivamente. El resultado final es un curioso pastiche de temas que, si bien en todo momento mantienen el esqueleto bastante intacto y las versiones se basan en simples arreglos, vocoders, coros, etcétera, sí que dan un aire nuevo y más festivo a la edición original. Un trabajo curioso, pero tampoco mucho más. Daniel Arnal Sidonie Foto Gustaff Choos

SIDONIE

“El fluido García” Octubre

1111 ROCK Seguir por el camino marcado por “El incendio” era una opción. Hubiera sido fácil. Buenas canciones y un número considerable de fans dispuestos a recibir otra pequeña colección de himnos pop. Cambiar (no tanto como parece) el sonido, volver a la psicodelia y jugársela (con red, propia, pero red) también era una opción. Abandonar la seguridad de una carrera cimentada sobre cinco discos y muchos buenos conciertos para cruzar el puente hacia los árboles de mandarinas y los cielos de mermelada ha merecido la pena: suenan renovados y con ganas de

RAUELSSON & PETER BRODERICK “Réplica”

Hush/Green Ufo’s

FOLK

1111

Contamos con cada vez más ejemplos de músicos que buscan fuera de nuestras fronteras la atención que no encuentran dentro de ellas. Con dos Ep’s y un largo a sus espaldas Rauelsson -nombre tras el que se esconde el castellonense emigrado a Portland Raúl Pastor- sigue siendo un desconocido en nuestro país, que no fuera de él. Prueba de ello es este trabajo hombro con hombro con uno de los tipos más inquietos y trabajadores de la escena post-New Weird America, Peter Broderick. La colaboración entre ambos -que terminó por hacerse extensiva a la hermana de Peter, Heather Broderick (Horse Feathers, Efterklang)- se concretó en tres días de grabación intensiva tras un año de intercambiar ideas a través de la red. Un disco vehiculado por los interludios orquestales del norteamericano sobre los que las canciones de Raúl flotan como troncos en medio de la corriente. Se trata de un salto de gigante desde el notable “La siembra, la espera, y la cosecha” y de otra demostración palpable de que muchas de las mejores noticias nos las están dando francotiradores invisibles como Alberto Montero, Dotore, Santiago Latorre o Rauelsson. Luis J. Menéndez

(más) fiesta. El disco crece con las escuchas, aunque es cierto que la primera vez deja con una sensación un poco rara. Con el tiempo, es fácil asumir que no es un trabajo tan diferente. De una u otra manera, todo estaba allí antes. El equilibrio entre el subidón inmediato y la elegancia surrealista de canciones como “Negroni” o “No mires atrás”. Los ecos de Harrison, los aires a Love, el tributo a los años lisérgicos de Carnaby Street y la influencia de Ray Davies y sus Kinks. El nexo con discos anteriores son las melodías saturadas de luz, las letras canallas cada vez más enrevesadas y los estribillos demoledores como los de “A mil años luz”, “Alma de goma”, “Tormenta de verano” o “Perros”. Cualquiera de ellas hubiera sido mejor single que “El bosque”. J. Batahola

AUSTIN TV ”Caballeros del Albedrío”

“Bermuda Drain”

Terrícolas Imbéciles/Origami

Hydra Head

POST-ROCK

1111

Con una década a sus espaldas, los mexicanos Austin TV son una de esas bandas instrumentales capaces de poner música a una gran variedad de momentos, capacidad que es conocida dentro del mismo grupo a tenor del ambicioso proyecto que es “Caballeros del Albedrío”. Doble disco, por un lado el llamado “Séeb”, plagado de potencia y vitalidad, cambios de ritmo apasionantes, aceleraciones más que deceleraciones y una matemática purísima, nos deja un poco menos de media hora realmente fantásticamente marciana. Su reverso tranquilo es “Hán”, una maravilloso oasis de paz que se complementa perfectamente con el anterior paisaje ruidista.

En “Hán” está el desierto, la melancolía y todas esas sensaciones que conforman el manual del perfecto ciudadano (a la fuerza) bipolar de hoy. Austin TV haciendo instrumental desde una ciudad de veinte millones de habitantes lo deben saber bien, pero lo importante es que su último disco, doble y bipolar, es de escucha obligada para fans de Turing Machine, Tristeza o para los que baste mencionar que lo abre una cita de don Luis Buñuel. Ignacio Pato L.

PRURIENT

EXTREMO

1111

Tras años de enfrentarme a la crème del terrorismo sonoro, afirmo que “History Of Aids” (2002) es el disco más cabrón de cuantos se han cruzado en mi camino. Quiero decir que a estas alturas miedo el justo, y sin embargo aún me cuesta encontrar un momento propicio para rescatar aquella sintonía del horror. Ocurre también que a diferencia de otros grandes nombres del ruidismo extremo, Ian Dominick Fernow sabe manejarse con soltura en otros registros, como demuestra su reciente colaboración con Cold Cave. Y aunque el ruido no desaparece por completo de “Bermuda Drain” y del Ep publicado inmediatamente después, “Time’s Arrows” (“Watch Silently" es el mejor ejemplo) esta nueva aventura dentro del sello de Aaron Turner le permite reinventarse sin por ello perder tensión asesina. Prurient plasma aquí sus diferentes obsesiones que van del hardcore industrial en la senda de Ministry (“A Meal Can Be Made”, “There Are Still Secrets”) al incómodo misticismo de Coil o Nurse With Wound (ese tour de force con con “Myth Of Sex” y "Sugar Cane Chapel”). Y lo hace (otra vez) con los ojos inyectados en sangre. Luis J. Menéndez

MATADOR ROCKERS

“Esto tenía que pasar” Del Palo/Warner

RAP

1111

Hay discos cuyo valor va más allá de la calidad de sus canciones y éste es uno de ellos.

Si me permiten el juego de palabras, “Esto tenía que pasar” tenía que pasar, y en una escena como la del rap nacional Matador Rockers es un grupo necesario. Chen, Ra y Lio no están solos en la vindicación de un hip hop más festivo y bailable, pero desde el debut de sus compañeros de sello y padrinos Chacho Brodas no habíamos escuchado un manifiesto tan descarado a favor de ese otro rap. En el debut del grupo de Rubí y Terrassa hay mucho de Foreign Beggars, algo (bastante) de Dub Pistols y otro tanto de las producciones del tristemente desaparecido DJ Mehdi para Ed Banger Records. Un rap ambicioso que revaloriza el rol de las producciones empujándolas a la pista, hasta el punto que las letras y rimas pasan a un segundo plano y su mayor función es acompañar el ambiente y ritmo de cada track. Eso no significa que los raps no estén trabajados; de hecho, estar a la altura de sus propias bases es ya una proeza (algo que destaca especialmente en canciones como “Acuérdate” o “Te dejo tocao”. Con colaboraciones de Toteking, Tremendo o los Chachos, entre otros), y con un estilo que los sitúa en el mapa europeo a la vez que los aleja del sentido único por el que ha optado la mayor parte de la escena nacional, el debut de Matador Rockers es una gran noticia para todos. Joan Cabot

MAIKA MAKOVSKI “Desaparecer” Outstanding

ROCK

1111

Reconvertida en actriz de teatro con motivo de la última obra de Calixto Bieto -en la que comparte cartel con Juan Echanove- Maika Makovski se erige en motor principal de ese proyecto al aportar también una banda sonora de auténtico lujo. Inspirándose, al igual

que el guión de la obra, en relatos y poemas de Edgar Allan Poe, la polifacética Maika hace un nuevo quiebro a aquellos que insisten en clasificarla en un género concreto, demostrando que se encuentra en constante evolución y responde espontáneamente a los estímulos. Con el piano como instrumento dominante, la tensa lentitud inicial adopta diversas formas dependiendo de los temas, llegando incluso a encajar arreglos electrónicos con naturalidad en la hipnótica “Nevermore”. En “Iron Bells” la percusión recuerda al Tom Waits más visceral, mientras en la bella “Empress Womb”, menos es más hasta que la melodía atrapa al oyente. Por otra parte, la privilegiada voz de la mallorquina de raíces macedonias contribuye a que los giros estilísticos no rompan la sensación de hilo conductor. Ah! y no desistan si no les entra a la primera, pues éste es de esos discos que gana con cada nueva escucha. Xavier Llop

MELVINS

“Sugar Daddy Live” Ipecac/Popstock!

METAL

111

No hace falta decir por enésima vez que los discos en directo de ahora para nada reúnen esa misma magia de aquellos grabados en los sesenta, setenta y, si me apuran, los ochenta. Vivimos en la era de la sobreinformación y algo que hoy puedes encontrar en Youtube o en descarga gratuita carece totalmente de la fascinación del objeto único y exclusivo de antaño. Pues eso mismo, unido a la hiperactividad que siempre han mantenido una banda como Melvins, capaces de entregarnos como mínimo un disco por año, así como pasearse más o menos regularmente por nuestros escenarios, es lo que hace de este “Sugar Daddy Live” un ítem prescindible pero no por ello menospreciable. Porque, si algo hay que destacar de esta publicación, es la fuerza de un repertorio impactante secundado mayormente por temas de “Nude With Boots” y “(A) Senile Animal” (más algunas repescas), pero entre el cual brilla imponente la portentosa capacidad de la banda de Seattle para acongojar con riffs poderosos o atmósferas opresivas. La demostración de lo que ya venimos sabiendo hace tiempo: que son de otra galaxia. Francesc Feliu

NEON INDIAN “Era Extraña”

Coop/Music As Usual

POP

1111

A medida que los artistas metidos en el saco del llamado chill wave han ido publicando nuevos trabajos y articulando un discurso musical menos restringido, los límites del estilo van difuminándose, resultando cada vez más aventurado hablar de movimiento. Demasiado precipitado y, en ocasiones, totalmente gratuito. A Neon Indian le viene igual de bien hablar de synth-pop de inspiración shoegazer y algunos cortes de su nuevo trabajo están más cerca del C86 que de la pista de baile. Mezclado por Dave Fridmann y concebido en la fría soledad de Finlandia, “Era Extraña” repite todos los patrones que hacían de “Psychic Chasms” (One Label, 09) un debut sumamente prometedor, añadiendo cierto grado de autoconsciencia y mayor definición. Y es que a diferencia de lo que sucedía mientras grababa su debut, esta vez Alan Palomo sabía que habría alguien allí escuchando. La rotundidad pop de “Polish Girl” o la placidez palpable de “Suns Irrupt” son apenas dos ejemplos de hasta qué punto se equivocan los que pretenden restringir su libertad de movimientos con una atolondrada etiqueta. Joan Cabot

MondoSonoro · Diciembre 2011 /47/

LÜGER

“Concrete Light” Marxophone/Giradiscos

ROCK

111

Hay que aplaudir la simple existencia de algunos grupos que habitan un territorio a la sombra, artistas que saben de antemano que su propuesta siempre será minoritaria, sin importarles demasiado lo que esto signifique. Amantes del kraut-rock, la psicodelia, el ruido y otros sonidos extremos, los madrileños Lüger sorprendieron en 2010 con su debut homónimo, un disco que hace tan sólo unos años hubiera sido impensable escuchar en España. Este año han regresado con su continuación, en la que, lejos de acercarse a texturas más accesibles, aprietan las tuercas de la experimentación con la incorporación de Edu García (guitarra). El sonido, grabado casi siempre a la primera toma, se vuelve más directo, captando la intensa y densa energía de sus conciertos.

Sin las pretensiones absurdas tan comunes en otras bandas, el quinteto ofrece una fascinante colección de canciones de título imposible, basadas en progresiones instrumentales (las voces, apenas audibles, son mantras sonoros en segundo plano), improvisaciones psicodélicas (sitar incluido en el último corte) y paranoias fumetas.

José Fajardo

NACHO UMBERT & LA COMPAÑÍA “No os creáis ni la mitad” Acuarela

POP

1111

“No os creáis ni la mitad”, la canción, le sirve para quitar hierro al asunto y reírse de esa seriedad ceremonial con que algunos le ven. Bromea de sí mismo -“La verdad no he trazado un plan, la verdad me da un poco igual, deben ser cosas de la edad”- con ese costumbrismo ácido tan suyo y un más que sano sentido del humor que ya estaban en “Ay…”, su celebrado debut. Ahora tocaba el difícil segundo trabajo. Y los abuelos del palomar, el conserje, la cajera y el marica reaparecen en este primer corte, no sólo para tender puentes entre el anterior y este nuevo mano a mano con Raül Fernández sino para servir de anfitriones a nuevas vidas y aucas como la de “El Sr. Esteve”, que su yerno lo va a plomar y que tiene un acabado muy Refree y cuenta con la primera de las voces de Pauline en la Playa. Su otro casi entero relato en catalán, “El mort i el degollat”, es otro ejemplo de cómo, en su dominio léxico, la suma de repeticiones de frases va creando el clímax igual que “Superhéroe”, que con “Cassavetes”, con la inmediatez al ukelele. El año pasado reapareció, catorce años después, con un pop de cámara. Más aligerado, ahora ha construido un pop más inmediato y abierto, incluso de habanera en “La moral distraída”. Celestí Oliver

L’HEREU ESCAMPA “L’Hereu Escampa” Famèlic

ROCK

1111

Olviden discursos políticos, verborrea promocional institucional y demás. El catalán ha dejado de considerarse en lo musical arma política para devenir herramienta cultural sincera, vehículo para cantarle –en

este caso de chillárselo- al mundo lo que a cada uno le plazca. Aunque, ¿a qué viene tanto discurso sobre el uso particular de una lengua? Bien, pues realmente a nada, ya que da lo mismo en qué cojones de lengua canten L’Hereu Escampa porque su energía primitiva, sexual y básica es tal que la expresividad supera al mensaje, su espontaneidad es tan evidente que nada debería eclipsar la ascensión merecida de un grupo que, recuperando buena parte de los sonidos que a algunos nos cambiaron parte de la vida (empiecen por Cap N’Jazz y acaben en Japandroids), se erigen en ese grupo con el que da gusto disfrutar y brincar. Daba la sensación de que bandas como L’Hereu Escampa solamente podían surgir de rincones perdidos de la geografía estadounidense, de sellos de culto de Washington, pero esta vez no es así. Carles y Guillem firman un fugaz mini-álbum sin miramientos, seis cortes, toscos y ásperos, escupidos e interpretados a bocajarro, tocados a la de una, dos y tres.

Joan S. Luna

vinilos

LOOKING FOR AN ANSWER, HÉROES INTERNACIONALES

ONEOHTRIX POINT NEVER “Replica”

Coop/Musica As Usual

ELECTRÓNICA

114

No es precisamente un recién llegado a esto de la música Daniel Lopatin, que sin embargo debe casi toda la atención que ha despertado este sexto álbum al desmedido aplauso que mereció la temporada pasada su predecesor “Returnal”. Reconozco que no he profundizado en la obra de Oneohtrix Point Never más allá de aquel lanzamiento para Mego, pero la devoción por el techno pop que el neoyorquino demuestra en su proyecto paralelo Ford & Lopatin ya dice bien a las claras de su poliédrica visión de la electrónica. Y una nueva muestra de ello es su apuesta por abandonar el ambient espectral de “Returnal” -tan sólo uno de los diez temas,“Submersible”, profundiza en esa senda- a favor del uso del sampler y la repetición, con técnicas cercanas al libro de estilo del hip hop y los primeros años de la IDM, cuando los “warpianos” aún no se habían despojado de la gorra. Para el recuerdo queda el broche final con ese bonito ejercicio de nostalgia cyberdélica que es “Explain”, y poco mas, la verdad: el corta y pega machacón de “Sleep Dealer”, “Child Soldier”o “Nassau” lo hicieron Coldcut con mucha más maña (también más fuerza) hace ya un par de décadas... Luis J. Menéndez

Looking For An Answer Foto Archivo

LOOKING FOR AN ANSWER “Eterno Treblinka” Relapse

11114 GRINDCORE Tenemos la suerte de que nuestro país cuente con una de las mejores bandas de grindcore del ámbito internacional. Recién fichados por Relapse, Looking For An Answer han sido capaces de publicar además su mejor disco hasta la fecha. Pero en su siete pulgadas previo, “Cacería”, nos avanzaban ya hasta que sorprendentes niveles iban a ser capaces de llegar en su siguiente disco, este “Eterno Treblinka”. La dureza y agresividad hacen que sea un disco totalmente intenso y destructivo. Con “Nacer.Consumir.

ELS SURFING SIRLES

LANTERS ON THE LAKE

DAVID LYNCH

Bankrobber

Bella Union/Music As Usual

Sunday Best/Pias

“Romaní, semen i sang” ROCK

BABYBIRD

“The Pleasures Of Self Destruction” Unison Music Group

ROCK

111

Una de las primeras sensaciones que transmite “The Pleasures Of Self Destruction”, la última entrega de Babybird, es su frenético intento de ser (o, al menos, parecer) grandilocuente y arrolladora. Corte a corte, el talento de Stephen Jones, indiscutible alma mater del proyecto, se pone al servicio de la construcción permanente y casi compulsiva de clímax sonoros. Apoyan esta hipótesis los variados e ilustres crescendos que desfilan a lo largo de las trece canciones que conforman el disco. “Not Love” y “Can’t Love You Any More” cumplen la norma y recuerdan a otras bandas británicas como Doves o Embrace; formaciones que, paradójicamente, han bebido durante toda su carrera de la influencia ejercida por Jones, siempre alejado del foco principal pero a quien no se le debería negar su aportación al sonido brit pop desde mediados de la década de los noventa. Jesús Merino López

Morir”, su vocalista Iñaki (Moho, Dishammer, Machetazo) ya nos destroza el alma, ¡y son solamente 22 segundos! En “Peste roja” nos muestran los riff apocalípticos que Félix y Makoko crean dando a todos los temas una velocidad vertiginosa que solo acaba con el final abrupto del tema. Sus letras críticas con la sociedad, la explotación animal y todo lo que rodea lo establecido se muestran en cada tema tratando al ser humano como lo peor que le ha sucedido a este planeta, demostrando con rabia y furia que no todos somos víctimas del pensamiento único. “Eterno Treblinka” son miles de años de sufrimiento y angustia reducidos a treinta impecables minutos de rabia.

Eduard Tuset

1111

Siempre me he preguntado cómo reaccionaríamos si el telediario anunciara el fin del mundo. No hablo de chorradas mayas, sino de algo científico y definitivo: algo sale mal en el CERN y, bueno, el mundo se va a ir al garete en cuestión de horas. Pues bien: no sé cómo actuaría la población mundial, pero sí tengo claro que en tal caso quisiera estar cerca de Els Surfing Sirles, porque ellos seguro que ya han pensado en qué invertirían esas horas. Su música puede parecer simple rock canalla a primera vista, pero en realidad Els Sirles son como si Ramon Llull liderara a MC5: citan a Jacint Verdaguer y roban versos al Cant de la Sibil·la en “Recomane tenebres” -nada más apocalíptico que este canto tradicional de la Edad Media-, transforman el “I Feel Love” de Donna Summer en un perturbador relato homoerótico portuario y, por lo demás, tocan rock’n’roll frenético con el espíritu de un hatajo de perturbados terroristas ye-yé’s. En “Romaní, semen i sang” está un poco todo: la vida, el amor y la batalla, y apenas hay compartimentos, como si fueran la misma puñetera cosa y no hubiera manera de afrontar lo uno sin evitar lo otro.

Joan Cabot

“Gracious Tide, Take Me Home” FOLK

111

No es fácil afrontar el otoño. Las hojas empiezan a caer, el sol se esconde, el frío arrecia y la rutina vuelve a pesar. Es buen momento para regalarse un poco de paz de espíritu, para meter este debut del sexteto de Newcastle en el reproductor, reclinar el respaldo de la silla y darse el lujo de cerrar los ojos durante cuarenta y ocho minutos. Ideal para calmar las agitaciones del alma, pura medicación para sosegar la mente y el corazón repartida en once dosis que hay que tomar en su totalidad para empezar a ver los efectos. Para los incrédulos sirva como botón de muestra el último tema, “Not Going Back To The Harbour”, que en apenas un minuto y con una instrumentación mínima condensa todas las bondades de este “Gracious Tide, Take Me Home”: la preciosa voz de Hazel Wilde titila sobre unos tímidos acordes de guitarra, nos mece y nos reconforta. El resto del disco sigue en la misma línea pero engrosa su sonoridad con ukeleles, pianos, violines y glockenspiels, y dobla las melodías de Hazel con la sentida voz de Adam Sykes.

Un disco de folk nostálgico, atmosférico y emocionante que resulta un auténtico bálsamo para el alma. Virginia Arroyo

“Crazy Clown Time” ELECTRÓNICA

111

Explicaba David Lynch en su libro “Atrapa el pez dorado” (Mondadori) cómo es su proceso creativo, siempre intuitivo, guiado por la meditación trascendental, cargado de referencias ocultas. Toda su obra cinematográfica, no obstante, bucea en un universo pavoroso, inquietante y único. Es por todo esto que su debut de larga duración en la música, este “Crazy Clown Time”, fuera esperado con tanta expectación. Con el single de adelanto, “Good Day Today”, el estadounidense nos preparaba, a través del delirante cruce entre Burial y un techno con ecos de metralleta, para una aventura electrónica. Sin embargo, a medida que avanzamos entre los catorce cortes del álbum, descubrimos un caleidoscopio con pasajes de blues oscuro de acordes repetitivos, cimas de lounge y corrientes ambientales, voces distorsionadas y spoken word saturado de mal rollo. Aunque el cineasta se encarga de todo (composición, instrumentos), cuenta con la ayuda del productor Dean Hurley y con colaboraciones como la de Karen O (Yeah Yeah Yeahs) en “Pinky’s Dream”. El resultado es una obra rara, ideal banda sonora para sus hipnóticas películas. José Fajardo

MondoSonoro · Diciembre 2011 /49/

BONNIE “PRINCE” BILLY “Wolfroy Goes To Town” Domino

FOLK

1114

Imposible no sentirse conmovido por la voz del viejo Will Oldham. En paralelo a su excentricidad, ha ido asentándose el aura de nuevo santo en el panteón del folk americano y, si en Palace y sus numerosas variaciones ejercía con maestría el papel de radical libre, desde principios de la pasada década se ha dedicado a dar círculos en espiral hacia el corazón de la música americana. No es ni de lejos su mejor trabajo, pero aún así reparte lecciones con la generosidad de un veterano y el ceño fruncido de un profesor de latín. En el fondo, sus canciones de lo que hablan es del hombre y su relación con el mundo. Y lo hace de una forma profana y sensible. Y también esplendorosa: “Time To Be Clear” es simplemente soberbia. Como en cada uno de sus últimos trabajos la esencia es la misma (sus canciones) y lo único que muta son las circunstancias (cómo fueron grabadas y con quién) y “Wolfroy” suena precisamente como esa foto de contraportada: una banda encerrada en una estrecha pero acogedora habitación, tocando juntos en la penumbra.

Joan Cabot

MICHEL CLOUP (DUO) “Notre Silence” MC/Green Ufos

ROCK

1111

El de Toulose ha acabado economizando –aún más- sus notas y su lenguaje. Ha desmenuzado el hueso hasta quedarse con la más mínima expresión, apoderándose de nuestro silencio y dejándolo fluir desde las entrañas de manera sensata. Con Expérience o sus seminales Diabologum se nos mostraba, puede, más irascible; ahora se nos planta aplastantemente sereno, como nos muestra en “Cette Colère”. Y es que uno acaba curtiéndose. No es más que el resultado de años con un discurso incisivo y comprometido. Aunque haya rebajado el tempo y éste sea más sosegado y lento, no ha destensado el músculo y puede, diría, que incluso acaba cogiendo mucho más tono e intensidad.

Algo que ya tenían Codeine, de plena actualidad por su retorno, y que Michel Cloup siempre ha tenido entre ceja y ceja. Un duelo de guitarra y batería, a dúo con Patrice Cartier, su compañero en Expérience y también en su aventura transfronteriza Binary Audio Misfits. Prescinde de samplers e incluso entrega sus canciones más expansivas, de más de once minutos, y situándose a un palmo de nosotros, con más entereza, aplaudimos un reciclaje que deja atrás a unos Expérience algo estancados. Celestí Oliver

AMARAL

“Hacia lo salvaje” Antártida

ROCK

111

Vaya por delante que Amaral siempre me han parecido un grupo mucho más respetable y honesto que algunos de los pesos pesados de la escena indie, supuestos guardianes de la autenticidad. Su discografía está repleta de grandes canciones que, si fueran escoceses y se llamaran The Loquesea, la prensa especializada hubiera celebrado sin

rubor. Pero cuesta enfrentarse al trabajo de un grupo como el zaragozano obviando su repercusión. Digo esto porque en esencia “Hacia lo salvaje” no es un disco tan alejado de lo que han venido mostrando hasta la fecha. Eva y Juan Aguirre son ahora dueños de su propio destino y han podido decidir la orientación de un trabajo que huye de la impersonal pulcritud de antaño y suena a madera vieja y libertad. Una libertad que afrontan con la holgura que da la experiencia y una gran base de fans. Si hay riesgo, sólo puede ser medido desde la mediocridad del mainstream (y ya de paso, la de buena parte de la escena nacional). En el fondo sus canciones no dejan de responder a un patrón formulaico, pero es que ése es el terreno que Amaral dominan y en el que canciones como “Antártida”, “Montaña rusa” o “Cuando suba la marea” resultan difíciles de rebatir. Eso es lo que son y llevan años siendo. Los mejores en lo suyo, pese a quien pese. Joan Cabot

vinilos

MENDETZ, CANCIONES PARA BAILAR

SHOTTA

“Profundo” BOA

RAP

1111

La maldición del hermano. A Ignacio González Rodríguez le perseguirá hasta la tumba la alargada sombra del suyo, rey del rap nacional. Consciente de ello, Shotta se ha esforzado por encontrar su propio camino y a la vez ser fiel a los orígenes que comparte con su hermano Tote. En su tercer disco, cede los créditos de producción a uno de los beatmakers más importantes del rap europeo, y por suerte no estaba muy lejos. Trabajar con Griffi, con el que ya habían colaborado los hermanos anteriormente, también tiene sus riesgos: el estilo del de Terrassa es tan personal y exigente que uno corre el peligro de acabar fagocitado por sus beats. Claro que aguantar el envite también ofrece su gratificación, como demuestra “Profundo” con momentos realmente notables, como esa “En chanclas” que bien podría haber sido el single de presentación. Lírica y musicalmente, esto es otra cosa. También hay remansos de ortodoxia: “La verdad” o “Hermanos”, junto a Tote. Pero abundan las diabluras con material inflamable, como “Beber o morir” (¿es eso “Emerge” de Fischerspooner?) y “NPO”, otro momento álgido de un trabajo que hace bueno aquello de que todo riesgo tiene su recompensa. Joan Cabot

Mendetz Foto Archivo

MENDETZ

“Silly Symphonies” Music Bus

1111 POP Puede que Mendetz hayan cambiado algunos de los temas finales desde que nos los adelantaran hace unos meses (“Creepshow” ahora se divide en “2012” y “Phantotheque”) o que enterradas bajo decenas de capas no notemos esas guitarras a lo Phoenix, tan presentes durante la grabación.

Pero al final, fiarse de la intuición y de los sentidos tiene su recompensa. “Silly Symphonies” resume la esencia de Mendetz. Son los temas de su debut, pero también esas melodías de su segundo –y tan poco reivindicado- disco, “Souvenir”. Desde la grandilocuente intro de “2012”, al

THE FEELIES

P.G. SIX

LISA HANNIGAN

Bare None/Green Ufos

Drag City / Popstock!

ATO records

“Starry Mind”

“Here Before”

CASHIER No.9

POP

“To The Death Of Fun” Bella Union

POP

1114

En la ciudad de Belfast nacen tantas bandas de música como niños y, claro, a sus progenitores siempre les parecen los más guapos, lindos, graciosos, los mejores irlandeses del planeta. No haríamos justicia si nos dejáramos llevar por los que les califican como la mejor del año en la isla. Sin embargo, algún detalle sí que ayuda a situarles en el punto de mira de los listos y sus listados. El respetado David Holmes está detrás de la producción de debut del quinteto, y eso ya les asegura una dosis alta de atención, tanta como esmero han puesto en su sonido indie-pop con matices electrónicos y una ambientación liviana y jovial. ¿A qué suenan estos chicos? ¿Combinan bien The Divine Comedy y The Byrds? Sin duda, Danny Todd ha escuchado ambos clásicos para escribir y musicar estos diez temas, y en unos se atreve a meter armónicas –“Goldstar” o “Lost At Sea”-, mientras reserva coros, distorsiones, campanillas y secuencias pregrabadas para otros vuelos, ora The Flaming Lips, ora Air. Luis Argeo

glitch de “Plasticine”, pasando por la histriónica “Escalera” junto a su venerada Gala. Así transcurre la primera mitad del disco, con sonidos más duro y fríos, electrónica más potente que nos mantiene en tensión y con ganas de más, como “Hap Your Clands”, de la que repetirás el estribillo una y otra vez. ¿Pero qué sería de Mendetz si no nos hicieran bailar? Mientras suena “Spam” es difícil contener la emoción y las ganas de lanzarse a quemar la noche.

“Tie-break” o “Between Sleep And Awake” chocan con esa dureza de los primeros temas y recurren a puestas de sol cálidas y melodías de una década que no paramos de exprimir. Los de Barcelona vuelven para reclamar su sitio en la fiesta y traen madera suficiente como para mantenernos bailando hasta el amanecer. Marta Terrasa

111

Será la edad, que me estoy volviendo un cascarrabias, o simplemente una cruzada quijotesca sin razón, pero, como ya he comentado varias veces, estoy cada vez más en contra de los discos, giras, o lo que sea de retorno. No me gusta ver como algunos grupos de culto, sea por llenarse los bolsillos o para recibir la atención que se les negó en sus años mozos, pasean sus exquisitos cadáveres en la actualidad. Vaya por delante que este “Here Before” es un trabajo digno, pero ojo, ni de lejos está a la altura de cumbres como “Crazy Rhythms”, “The Good Earth” y “Only Life”, discos donde The Feelies dieron forma al pop de guitarras quimérico, además de inventar el indie pop casi sin saberlo. Por eso, por muy fan que sea de esos tres discos, y el resultón “Time For A Witness”, toca tirar de la orejas a los de New Jersey por haber regresado con un disco donde la sensación de déjà vu es más que evidente. De hecho, todos los parabienes con los que ha sido recibido por parte de la crítica y público, solo esconden un intento desesperado de compensar el agravio histórico de no haber sido reconocidos cuando tocaba. Xavi Sánchez Pons

Rock

“Passenger” 1111

Podría fundarse una nueva civilización sobre los cimientos del folk publicado en Drag City.

Bill Callahan, Will Oldham, David Berman, Alasdair Roberts, Mick Turner… Sería una nación gozosa. El neoyorquino Patrick Gubler, además, une a la perfección dos de los pilares del catálogo del sello: la música de autor y un rock elástico que a menudo recrea algunos de los tics expansivos del jazz (David Grubbs y Jim O’Rourke son buenos ejemplos). “Starry Mind”, su segundo largo para el sello de Chicago, se inicia con la melodía vagamente irlandesa de “January”, pero pronto queda claro que P.G. Six, más que atender a la partitura, crean a partir de derivaciones, a veces insospechadas, lo que les lleva a unir palos de forma inspirada –country, avant-pop, ensortijado folk-. “Talk Me Down”, por poner un ejemplo, pasaría por una balada convencional, pero aquí la tenemos convertida en otra cosa muy diferente. Gubler ya había paladeado los márgenes de la música tradicional americana en los reivindicables The Tower Recordings. En P.G. Six ha encontrado la piezas justas para darle a sus composiciones un vuelo arrebatador.

Joan Cabot

FOLK

1111

La nómina de grandes voces femeninas se amplia cada día con nuevas adquisiciones, por eso Lisa Hannigan corría el riesgo de quedar en segunda o tercera línea de la realidad musical que nos rodea, y eso pese a las exageradas alabanzas y premios que cosechó su anterior álbum, “Sea Sew”. Pues bien, este magnifico “Passenger” debería servir como puñetazo en la mesa para revindicarse como solista y compositora con todas las de la ley.

Lisa, que en la actualidad cuenta con treinta años de edad, ha ido atesorando experiencia de la mano primero de Damien Rice, con el que compartió escenarios durante siete esplendorosos años y luego en solitario, pero todavía no tenía ese disco que hiciera justicia a su maravillosa y aterciopelada voz. Ahora sí. “Passenger” es un disco variado que se mueve en terrenos de la canción de autor clásica al servicio de una gran vocalista y los arreglos (produce Joe Henry) no hacen más que apuntalar, ahora la delicadeza, ahora la calida desnudez de las tonadas. Vaya que Laura Marling ya tiene una alargada figura que le puede hacer sombra a la hora de proclamarse musa folk del año que vivimos peligrosamente. Don Disturbios

vinilos /50/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

EL POP ELECTRÓNICO DE BRAVO FISHER! MACHINE HEAD

“Unto The Locust” Roadrunner/Divucsa

METAL

Bravo Fisher! Foto Archivo

BRAVO FISHER!

“We Were Overnighters” 43Music

1111

POP

Un poco de historia: la maqueta de Bravo Fisher llegó a nuestra redacción de Madrid hace tan sólo unos meses e inmediatamente nos atrapó por su frescura, por el modo en que lo lúdico y lo melancólico caminaba hacia la disco cogido de la mano, recuperando para el lenguaje contemporáneo -The Sound Of Arrows, Owl City,…- aquello que Family cantaron en “Carlos baila”: historias de amor tardoadolescente bajo los focos de la pista de baile un viernes noche cualquiera. No fui-

mos los únicos en darnos cuenta y aquella demo se alzó con el premio de nuevos talentos de 43Music. El premio de aquello, además de compartir velada con Delorean en Joy Eslava, fue la grabación de un disco que se distribuye exclusivamente en plataformas digitales como iTunes o Spotify. Sin apenas tiempo para componer nuevos temas, “We Were Overnighters” es una suerte de maqueta 2.0, regrabado al completo, sutilmente producido para hacer un poco más de hincapié en el factor electrónico y con una sorpresa de calado: “Ven”, primera inmersión en el castellano que, sin ser su mejor tema, debería marcar los pasos de su inmediato, prometedor, futuro. Luis J. Menéndez

LESLIE WEST

JAMES MORRISON

S.YM

Provogue/Mastertrax

Island/Universal

Onarama

“The Awakening”

“Unusual Suspects” ROCK

1114

Pionero del hard y el heavy más americanos, Leslie West se convirtió en referente de los guitarreros años setenta al frente de su banda, Mountain. Después, en solitario, fue fiel a los patrones que le convirtieron en icono respetado y admirado, además de demostrar en los últimos años que sobre los escenarios su propuesta seguía siendo más que digna. Ratificando ahora que su prestigio sigue intacto, West no ha tenido problemas para reclutar a guitarristas de lujo dispuestos a colaborar en su nuevo trabajo: Slash (Guns & Roses), Billy Gibbons (ZZ Top), Steve Lukather (Toto) y Zakk Wylde (Ozzy Osbourne), además del batería Kenny Aronoff (Fogerty, Mellencamp, Willie Nelson...). Afortunadamente, tanto invitado no impide que sea el propio West quien lleva el peso del disco con su voz y su guitarra, por igual en los temas más blueseros y en los más acústicos, así como con esos riffs endurecidos en los que su sonido clásico resulta más reconocible. De todo ello resulta un disco sobrio, compacto y por momentos brillante, en la línea de lo que se espera que ofrezca Leslie West. Sólo resta esperar que estos temas le ayuden a superar la reciente amputación de su pierna. Xavier Llop

POP

“Close And Closer” 14

Si James Morrison se llamara Jaime Morrón y hubiera nacido en nuestro país, estaría cantando pop latino con la misma fortuna con la que se lanza a interpretar estas inocuas e inofensivas tonadillas de blanquito soul-pop pizpireto y ciertamente facilón. Si hubiera nacido en este país tendría la vista puesta en Iberoamérica y Miami sería su base de operaciones, pero como es inglés lo suyo es emular a gente como Terence Trent D’Arby o David Gray sin hacerlo mal del todo. No en vano su timbre vocal es el adecuado para la tonadilla melosa. Claro que la verdadera pega de todo este asunto son las canciones. Trece temas que resultan pastiches edulcorados mil veces compuestos y mil veces interpretados por artistas de verdad como Stevie Wonder o Marvin Gaye. Pero tampoco hay que llevarse las manos a la cabeza, esto es música de supermercado, amable y radiable a partes iguales, y por tanto disfrutable por toda esa gente que no tiene tiempo para comerse demasiado la cabeza con autores que vayan más allá de los parámetros más clásicos o establecidos. Si eres de los que buscan será mejor que no pierdas ni un segundo de tu vida con Morrison. Don Disturbios

ROCK

1114

Que un proyecto de la envergadura artística de S.ym nazca en Barcelona es un motivo más para que los locales se envanezcan del período creativo que está viviendo la ciudad.

Recogiendo las añejas enseñanzas del kraut rock, añadiéndoles una ambición melódica poco recordada en el género, guiñando el ojo a los Rammstein más accesibles y llevándonos de viaje al Berlín más sintético, el alemán afincado en Barcelona Stefan Häublein da forma a un disco de estreno que merece atención y estudio. A partir de unos paisajes sonoros compuestos por unos arreglos perturbadores, S.ym da rienda suelta a sus diferentes influencias encadenando pequeñas sinfonías retrofuturistas; en ocasiones como “Step By Step” o “Disco Disco” adolecen de excesiva servidumbre de sus ascendentes, sirviendo en todo caso como viaje a los albores de la música electrónica. En otras, “See You Dancing”, “Through Your Eyes” o “In Between”, logran atmósferas inquietantes de pegada casi inmediata. El protagonismo en muchos de los pasajes de un muro de sonido formado por guitarras y sintetizadores, hace de balanza frente al empaque melódico. Toda una sorpresa. Robert Aniento

1111

Cuatro años son muchos, y las expectativas tras un trabajo como “The Blackening”, considerado por muchos el mejor de la carrera de Machine Head y elogiado, entre otros, por los mismísimos Metallica, estaban más allá de lo razonable. Pero el cuarteto de Oakland no ha querido –ni osado- competir consigo mismo. Pretender que lo hicieran tampoco sería justo. En su lugar, el grupo parece haber adoptado la privilegiada actitud de los que saben que ya no tienen nada que demostrar y ha facturado un gran álbum de metal que remite al sonido del citado y “Through The Ashes Of Empires”, completando así la trilogía producida, a fecha de hoy, por el propio Rob Flynn. Algunos de sus mejores nuevos momentos: el matador riff de “Locust”, claramente deudor de Pantera y Lamb Of God, que bien podría valer todo un disco; y “This Is The End”, poseedora de unos punteos y unos blastbeats muy black metal.

Aunque también hay algunas novedades: el cantante se muestra aquí más versátil que nunca, acentuando registros más limpios y agudos (“Darkness Within”, “Who We Are”), y crece la presencia de melodías clásicas.

Prueba superada. David Sabaté

THE WHIP

“Wired Together” Southern Fried Records

ROCK

1114

Permítanme que plantee la reseña que van ustedes a leer en estos términos. Hay gente con suerte y gente con mucha menos suerte. Bruce Carter lleva toda su vida intentando sacar la cabeza en esto del rock para bailar.

Lo intentó junto a Danny Saville en una banda anterior a The Whip y continúa luchando ahora, aunque su compañero musical de siempre, Saville, haya tenido que abandonar la nave ante la imposibilidad de combinarla con su trabajo. Podríamos hablar de talento, con lo que quizás Carter saldría peor parado a ojos de algunos, pero no se trata de eso. ¿Cuántas bandas con peores canciones que The Whip han obtenido mejores resultados en lo que a cuotas de popularidad de refiere?

Incluso cuando NME se deshacía en elogios con la banda, todo cambió de la noche a la mañana. De niños mimados a tipos de los que apenas se tenía cuenta. Pero ahí siguen Carter, el bajista Nathan Sudders y la batería Fiona Daniel, intentando que sus temas, nacidos para ello, se bailen tanto como sea posible. Y es que “Wired Together” apunta aun más a la pista de baile, cargando las tintas en la cara más electrónica de The Whip.

Parece un álbum creado para escuchar mientras hacemos footing, para mantener el ritmo sin decaer o para que nadie salga aburrido de sus conciertos. Joan S. Luna

BOOM BIP “Zig Saj”

Lex/Music As Usual

POP

111

Tras desarrollar buena parte de su carrera musical en ese haciendo palanca entre hip hop e IDM, abriendo un boquete por el que también se colaron otros como Dabry y Mike Ladd, Bryan Holloy parece estar más intere-

sado últimamente en las melodías pop. Por suerte, el suyo no ha sido un viaje cuesta abajo como el de RJD2, en gran medida porque ha optado por dejar que otros sean quienes aporten las ideas y la materia prima en ese campo, colaborando estrechamente con tipos como Gruff Rhys en Neon Neon.

Tres años después del aclamado “Stainless Style” –y seis desde su último largo como Boom Bip-, vuelve con un álbum cuyo sonido debe interpretarse como una continuación de aquél. En “Zig Zaj” abunda la melancolía electrofuturista y sobresalen las colaboraciones de Alex Kapranos y Kate Le Bon, pero en el fondo donde suena más convincente y fiel a sí mismo es en los alargados desarrollos de “TumTum” o en el groove tenso de “Pele”, un tema que bien podría haber firmado DJ Shadow junto a Vini Reilly. Pero nos deja con cierto mal cuerpo: Gruff habrá ganado un colaborador de altura, pero nosotros hemos perdido algo por el camino. Joan Cabot

SANTIAGO LATORRE “Eclíptica” Foehn

EXPERIMENTAL

1111

Es probable que no hayas oído hablar de él y sin embargo, tras cruzar medio mundo llevando su música a Estados Unidos, China o Japón y desde su domicilio actual en Taipei, Santiago Latorre es uno de nuestros artistas más reconocidos internacionalmente.

Es cierto que no lo pone fácil: en “Órbita” (Accretions Records. 08) jazz, electrónica y neoclasicismo digital avanzaban de la mano en un disco que hacía camino al andar y renunciaba a mirarse en el espejo de las modas. Con “Eclíptica” continúa esa senda para introducirse un poco más en la bruma como el personaje de la portada, que nos da una idea bastante aproximada de lo que vamos a encontrar en este disco: el ambient estático de “E1”, en la estela de Eno; temas que protagoniza su instrumento predilecto, un saxofón que ahora suena esquelético, exhausto, sobre bases igualmente minimalistas de inspiración industrial; o el crescendo celestial de “E6”. No nos engañemos, Latorre es un músico exigente, no apto para todos los públicos. Pero hasta en sus decisiones más arriesgadas deja el camino sembrado de premios para esa audiencia valiente.

Luis J. Menéndez

STEVEN MUNAR & THE MIRACLE BAND “Break The Rules!”

La Produktiva

POP

1114

Si le diésemos demasiada importancia al título del nuevo disco de Steve Munar y a la exclamación que incluye, podríamos imaginar equivocadamente que al artista se le ha ido la pinza y ha cambiado de género para acercarse quién sabe si al techno de Detroit o al “ball de bot” de la tierra que lo ha visto crecer como artista. Pero no teman: Steven Munar sigue fiel a sí mismo y a su sonido, un sonido que ha ido tejiendo con unos u otros músicos respaldándole.

En este tercer disco en solitario al margen de The Tea Servants, segundo con la Miracle Band como banda de acompañamiento, este anglo-mallorquín no se aleja de sus coordenadas distintivas: a saber, pop-rock que bebe del folk, el country y la americana. Con su peculiar acento y su voz a medio camino entre el crooner y el cantante de country con espiga de trigo en la boca, el cantautor desgrana trece temas que, al contrario de lo que parece sugerir el título, no pretenden romper esquemas sino simplemente –como si eso fuera poco- hacernos la vida más fácil y agradable. Amén a eso, pues. Virginia Arroyo

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vinilos /52/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

MAGA, MÚSculo y cerebro ALIS

“Material de disección” BMG

POP

Maga Foto Yumar Hidalgo

MAGA

“Satie contra Godzilla” Mushroom Pillow

1111

POP

El título del nuevo álbum de Maga no puede ser más descriptivo de lo que los sevillanos ofrecen en este quinto trabajo. Diez temas tensionados entre energía desbocada y poesía lírica. Un disco concebido para expandirlo sobre el escenario que es donde los sevillanos prácticamente lo han parido. Y es que entre la gira de su anterior trabajo “A la hora del sol” y sus colaboraciones con otros proyectos, sus artífices no han parado de tocar y esa inercia se nota en un trabajo que salta del escenario a la pecera del estudio. Con una producción en la que cada instrumento se pue-

de palpar, por su dinámica viva y definida –las líneas de bajo te remueven durante toda la escucha-, Maga arrastran sus canciones hacia ritmos magnéticos, casi marciales, como “Hagamos cuentas” o “Ver de otra manera”. Canciones que se vienen arriba, siempre arriba, desde el principio como en “El ruido que me sigue siempre”, y que descarrilan en retorcidos solos de guitarra, de esos que hacen chasquear las cuerdas con la uña (“Tres segundos” o “Antorcha humana”). El álbum, grabado en los estudios Ultramarinos de Santi García, y producido a pachas con Ramón Rodríguez (The New Raemon), se cierra con “En mi honor”, un tema que revolotea por ese mundo Maga hasta que entra en conflicto con esa pared sónica de la que hemos hablado. El resultado del combate, tablas.

Arturo García

GRAN AMANT

FATOUMATA DIAWARA

THE CUBICAL

Foehn

World Circuit

Cargo/Popstock!

“Fatou”

“El primer disc” POP

1114

Bolero y rumba son palabras tan bonitas que es una auténtica lástima que en este caso sean improcedentes. Quiero decir que en “El primer disc” no hay ni boleros ni rumbas, pero sí canciones que merecerían recibir nombres tan sonoros y alegres como esos aunque habrá que inventarlos. Como buen ilustrador, el mallorquín Gerard Armengol sabe manejar imágenes sugerentes a placer, recurriendo al collage pop para ahuyentar el demonio de la melancolía. Sus canciones tienen títulos como “King Kong”, “Twin Peaks” o “Freddy Krueger”, pero en el fondo hablan de cosas serias. Solo que en el ínterin Iniesta marca un gol, Wes Craven habla de sí mismo y asoma la cabeza Gulliver. Pero, repito, “El primer disc” es un disco sobre los ángulos ciegos del amor. Mucho han tenido que ver el resto de miembros del grupo (Pep Toni Ferrer -Oliva Trencada-, Jordi Herrera -The Marzipan Man- y Manu Mielniezuk) en el espíritu alegre y caprichoso con el que Gran Amant aborda “Pantalons” (que de hecho es una canción sobre tetas) o la pegadiza y festiva “Tant com gens”. Infantil, jubiloso y trágico a la vez, sin perder el joie de vivre. Un señor debut. Joan Cabot

AFRO-FOLK

“It Ain’t Human” 1111

Apunten este nombre porque con su primer disco se ha convertido en una de las grandes voces africanas de los últimos tiempos. Ella misma define su amplia vena artística: “soy bailarina de nacimiento, actriz desde los catorce años y ahora canto. Soy maliense, pero nací en Costa de Marfil y vivo en París desde hace doce años”. Añadimos: su voz aparece en discos de Oumou Sangare, Dee Dee Bridgewater, Cheikh Lô, Herbie Hancock, el proyecto Afrocubism o en los conciertos Africa Express que organizó Damon Albarn. “Fatou” es todo un placer para los oídos. Doce canciones que se mueven en un afro-folk acústico e íntimo inspirado en la tradición mandinga y fulani, donde deslumbra su voz majestuosa y repleta de sentimiento. A resaltar letras comprometidas como “Boloko”, donde canta contra la ablación femenina o “Clandestin”, sobre la verdad de la emigración. Nombres de lujo colaboran con ella: John Paul Jones (sí, el zeppeliano), el maestro Toumani Diabate, el coinventor del afrobeat Tony Allen o Hilaire Penda, pero ella es la que canta, toca la guitarra y co-produce el disco junto al genio Nick Gold. Miguel Amorós

ROCK

1114

¿Es rock and roll o blues y garage sucio? “It Ain’t Human” alberga algo más que todo eso, pues si algo hay que caracteriza a The Cubical es la miscelánea que disfraza a todas y cada una de sus composiciones. El comienzo con el single “Dirty Shame”, y “Rag Time Army” después, ya deja asomar la sensación de que este segundo disco cumple las expectativas y supera las previsiones que había con “Come Sing These Crippled Tunes”. “Falling Down”, llegando a la mitad del álbum, se embarra en las melodías del piano, que, junto a la rota voz de Dan Wilson, consiguen volver la mirada hacia el Tom Waits de “Swordfishtrombones”. Los de Liverpool han heredado el rock de los sesenta como principal punto de apoyo, centrándose en el recuerdo de Captain Beefheart, pero también el blues y hasta el country que resuena en “Worry” ¡con banjo incluido! Y a decir verdad, la segunda mitad del largo crece en velocidad y calidad, los vientos aparecen de manera justa hasta llegar a la cabaretera “The Myth Of Willie McGrath”, pasando por la calma de “Paper Walls”. ¡Brujería en rama para el caballero y la dama!

Charly Hernández

1114

Pachi García (quien se esconde tras Alis) firma “Material de disección”, un cuarto trabajo al que le preceden grandes títulos, por lo que el listón está muy alto y la meta era complicada de alcanzar. Complicada, pero no imposible, pues el jiennense se ha acompañado del maestro de ceremonia Suso Saiz en la producción y de otros compañeros de oficio, como Leiva (Pereza) en “Telescopio” y la aportación del ex–Pirata Fon Román en “Contraseñas”. Por cierto, segunda vez que este último colabora en un disco de Alis.

“Material de disección” es un álbum que sobrevive por las melodías sixties de “Boomerang” y por el sonido más añejo de “Irritable”. El pop sosegado es parada obligatoria, pues los teclados de Raúl Quílez en “Canción Popular” abastecen de melancolía esta parte del cancionero. La a veces excesiva desnudez deja puertas abiertas a la interpretación de los textos, fundidos entre sí por la melodía reinante en “Viaje en zeppelin”, entreabriendo de manera pausada el conjunto de las diez canciones que configuran una colección de cortes elaborados con parsimonia pero de gran labor sustancial que forman parte de una ligera colección de piezas.

Charly Hernández

OSO

“Songs About God” Desert Pearl/Error! Lo-Fi

POP

111

Pertenecientes a esa vertiente del pop ubicado en permanente equilibrio entre dos mundos, las canciones de Oso son de esas en las que uno puede localizar fácilmente la melancolía y la luminosidad, pero vislumbradas a través de esa visión en la que el folk –y por qué no, el country- es capaz de enroscarse de manera complementaria con el pop pluscuamperfecto. Algo así como lo que han hecho a su manera bandas como Bright Eyes, Bon Iver o incluso personajes como Bill Callahan o Will Oldham, y que, de buenas a primeras, ya les otorga ese don tan preciado de la intemporalidad. Nada más reconfortante para este debut de cinco canciones –recordemos que hablamos de veintitrés minutos de música- que deambular por sus recovecos cristalinos y sus reconfortantes melodías descubriendo que estas canciones, pese a cierta falta de pegada en lo que a inmediatez se refiere, pueden tener un más que correcto empaque, son efectivas y poseen ese grado de profundidad que sólo el buen folk-pop puede alcanzar. Un prometedor comienzo para este trío de Barcelona.

Francesc Feliu

AUSTRA

“Feel It Break” Domino/Pias

POP

111

Si no tuviéramos bastante con Zola Jesus como hechicera sintética de la oscuridad, la líder de Austra, Katie Stelmanis, recuperando las pócimas de la dark wave ochentera, ha llegado a nuestras vidas para convertirse en una nueva musa de ese pop que tanto

mama de las taciturnas melodías de Depeche Mode, la frialdad sonora de The Knife (y Fever Ray por consiguiente), los Ladytron de “Witching Hour” y la opereta vocal de Kate Bush. La canadiense, tras un álbum en solitario que pasó del todo desapercibido hace dos años, ha teñido de negro sus sueños dándonos a conocer temas de sobrado atino como la ya conocida “Beat And The Pulse” o esa pegadiza “The Villain” sin disimular sus referentes. Precisamente, esta usurpación de lo ajeno, junto al hecho de que las melodías acaban estancándose sin aportarnos grandes sorpresas a lo largo de los minutos (salvo en la desnuda “The Beast”, donde Stelmanis se sienta al piano para dar fe de sus años de conservatorio), son los únicos aspectos que deslucen el debut de un grupo que, pese a su prometedora carrera, aún se encuentra en la búsqueda de su propia personalidad. Sergio del Amo

JEFF THE BROTHERHOOD “We Are The Champions” Infinity Cat

ROCK

1111

Aunque la mayoría de nosotros tuvo noticia de su existencia a raíz de la publicación del notable “Heavy Days” (Infinity Cat, 09), éste es ya el quinto largo de Jeff The Brotherhood, banda salida de Nashville y formada por los hermanos Jake y Jamin Orrall. Hijos del compositor Robert Ellis Orrall, cuyos temas han sido cantados por Taylor Swift entre otros muchos artistas, el dúo ya operaba por su cuenta cuando se unieron a los desaparecidos Be Your Own Pet de Jemina Pearl, a quien no tardaron en abandonar para retomar su propio proyecto. Y con “We Are The Champions” en las manos, cuesta no alegrarse de ello. Jeff The Brotherwood suenan como lo harían Ramones si tuvieran a Tommy Iommi de guitarrista, es decir, realmente divertidos, dinámicos y siempre dispuestos a crujirte el cuello con algún eficiente riff de guitarra.

Además, su falta de pretensiones contrasta con las pretensiones de la mayoría del indie rock hoy en día. Los hermanos Orrall desprenden la angustia juvenil de toda la vida y tienen el buen gusto de envolverla en buenas melodías y rock trepidante –también hay por ahí algún remanso psicodélico- y parir cosas como “Shredder”, “Stay Out Late” o “Wastoid Girl”, con un estribillo que por sí solo justifica todo el disco. Joan Cabot

WISE BLOOD

“These Wings” Coop/Music As Asual

POP

1114

Veintiún años y empleado de una funeraria.

Ese es el retrato robot de Chris Laufman, quien lleva un tiempo dejándose caer por blogs musicales americanos bajo el álter ego Wise Blood, proyecto dedicado al pop electrónico intimista. “These Wings” es su primer lanzamiento y en él Laufman dibuja un autorretrato algo grotesco de sí mismo, cantando con una voz que es parte susurro afónico y parte mera impostura sobre samples ralentizados. En realidad, el motor de estas canciones es la búsqueda del amor, aunque para ello Wise Blood opte por el camino retorcido, por torcer la belleza inclasificable de canciones como “Darlin’ You’re So Sweet”, “Penthouse Suites” o la radiante, casi rozando el bubblegum pop, “The Lion”.

Es esa fricción entre lo tétrico y descarnado de los acompañamientos y unas letras y entrega que lindan con terrenos propios del croonerismo lo que sostiene su propuesta estética y hace de este primer vistazo al inquietante mundo de este joven de Pittsburg un aperitivo lo suficientemente suculento como para esperar con codicia la siguiente entrega. Joan Cabot

MondoSonoro · Diciembre 2011 /53/

THE DUKE SPIRIT “Bruiser”

Coop/Music As Usual

ROCK

114

Hay algo en The Duke Spirit que no termina de encajar. Es algo que ha estado ahí desde su debut “Cuts Across The Land” (05), pero que nunca había tenido razón alguna para preocuparme en identificar. Hasta ahora, claro. Sobre el papel, los británicos son un grupo con declaradas influencias del rock de tinte oscuro, de The Birthday Party a Queens Of The Stone Age pasando por la escuela neoyorquina de Sonic Youth, pero en la práctica su propuesta se desenvuelve con excesiva elaboración y cierto tufillo AOR, de forma que lo que podría ser un tórrido blues en llamas, “Sweet Bitter Sweet”, termina convertido en un simulacro inofensivo.

Porque eso es “Bruiser”, un simulacro: The Duke Spirit podrían haber sido la respuesta inglesa a The Black Heart Procession, pero si estos dan la impresión de ser capaces de lanzarse al abismo más profundo sin pestañear si la necesidad lo exige, con los británicos la sensación es que prefieren la seguridad y el confort de los infiernos ajenos y cada atisbo de verdadero peligro en sus temas (algunas de ellos realmente convincentes) termina convirtiéndose en una bomba desactivada.

Joan Cabot

SON LUX

“We Are Rising” Anticon/Green Ufos

ROCK

1114

Sin demasiados alardes pero con una constancia remarcable, cada cierto tiempo Anticon publica un disco que colma todas las ambiciones con las que fue concebido el sello de Oackland. En el caso de Son Lux, nombre artístico del multiinstrumentista de formación clásica Ryan Lott, la azaña tiene bonus, ya que su anterior “At War With Walls & Mazes” (Anticon, 08) fue recibido con bastante tibieza debido a sus excesos.

Obligado a simplificar su modo de trabajo tras participar en el RPM Challenge, en el que varios músicos componen y graban un álbum en el espacio de un mes, Lott ha encontrado la fórmula para equilibrar orquestaciones grandilocuentes, cajas de ritmo y pura emoción. A medio camino entre el pop barroco de Sufjan Stevens y el autismo alienante de los últimos Radiohead, “We Are Rising” es más un mundo en el que perderse que un simple disco. Después de escuchar canciones como “All The Right Things”, “Rising” o “Leave The Riches” queda claro que Lott no se refiere en el título a un proceso personal, sino a algo mucho más trascendente y vasto.

La clase de disco sobre el que fundar un nuevo evangelio. Joan Cabot

ROCKET FROM THE TOMBS “Barfly”

Fire/Popstock!

ROCK

1111

Formados en 1974, Rocket From The Tombs podrían haber formado triunvirato junto a The Stooges y MC5 como los grandes tótems del proto-punk, pero las tensiones entre los miembros del grupo y el ambiente de urgencia y nihilismo imperante en el Cleveland de aquella época terminaron prematuramente

con la banda, de la que salieron dos de los proyectos musicales más apasionantes del rock americano underground: Pere Ubu y The Dead Boys. Desde entonces han pasado treinta y seis años, en los que su leyenda no ha dejado de crecer, alimentada por el mercado de bootlegs. En 2003, Thomas, Chrome y el bajista original del grupo Craig Bell devolvieron la vida al proyecto, con Steve Melhman a la batería y Richard Lloyd de Television a la guitarra, en una gira documentada en “Rocket Redux” (Glitterhouse, 04), publicada dos años después de “The Day The Earth Met The Rocket From The Thombs” (Glitterhouse, 02), su primera recopilación oficial. Si tuvimos que esperar treinta años para escuchar su primer álbum, “Barfly” no es menos importante: aquí están sus primeras composiciones como banda en décadas.

Y no decepcionan. Cuanto más decrépito, mayor es el magnetismo que ejerce David Thomas... en este geriátrico te pueden arrancar la cabeza a mordiscos. Joan Cabot

vinilos

La selección Jäger:

el despiporre de ¡pelea!

LIMBOTHEQUE

“The Way, The Wind, The Van...”

Enchufamusic Records/AE Distro

POP

1114

Son divertidos, dañinos, buscones y curiosos.

Los muchachos de Limbotheque se lanzan de nuevo a la aventura tras dejar en el armario su primer disco titulado “Mon Diable”.

Con “The Way, The Wind, The Van” siguen un recorrido muy parecido aunque con algunos detalles diferenciales, pese a ser un grupo que inició su carrera en el electro-pop.

No obstante son los mismos y, como ellos mismos dicen, continúan sonando como una banda municipal de pueblo. Enredan el pop con la chanson francesa, el tex-mex, jazz o lo que más presencia tiene en el disco, el cabaret. Se vuelven gitanos nómadas con “Perfect” mientras que la voz de Carol enamora cuando toca la fibra en “Noviembre”. El acordeón es un viajero constante dentro de esta furgoneta desde “The Way” hasta “Whisky Is My Drink”, momento en el que el sonido va hacia caminos más áridos, encontrándose con “Boogie” y tropezando en el country de “Moon Man”. Un diseño de portada muy sixtie que adorna muy bien su contenido, por lo que es disfrutable desde el tacto hasta la vista, pasando por el oído.

Charly Hernández.

DREAM THEATER

“A Dramatic Turn Of Events” Roadrunner/Divucsa

PROGRESIVO

114

Tras la inesperada fuga de Mike Portnoy y del posterior culebrón, había expectación sobre si Dream Theater darían cierto giro a su trayectoria o bien seguirían con lo mismo de siempre. Finalmente la segunda opción ha sido la ganadora. “A Dramatic Turn Of Events” es Dream Theater puro, un claro retorno a los noventa. Ahora bien, lo que percibimos es un muy buen grupo con el piloto automático puesto y que no le tiembla el pulso a la hora de repetir ideas. En definitiva, una persistente sensación de que esto ya lo habíamos oído antes. Sí, algunos temas dan el pego, la producción parece ideal, técnicamente sigue sin haber ningún reproche y ni siquiera afecta el cambio de Portnoy por Mike Mangini. El álbum alcanza su objetivo con respecto a quienes va dirigido, sí. El problema es que otros no tenemos suficiente y queremos que nos transmitan y nos expliquen algo que no sepamos ya. Total, que los incondicionales del grupo estarán más que satisfechos con el nuevo trabajo, no en vano este álbum es justo lo que deseaban. Por lo tanto aquí no ha pasado nada y todos contentos, grupo y seguidores. Ferran Lizana

¡Pelea! Foto Archivo

¡PELEA!

“¡Qué felicidad!/¡Qué éxito!”

Canada POP

1111

“¡Oh, que felicidad!/Darse la vuelta y no encontrar a nadie detrás”, es la primera estrofa que se escucha en el debut de ¡Pelea!, un disco que tras sus engañosos títulos, “¡Qué felicidad!/¡Qué éxito!”, uno para cada cara del vinilo, esconde una misantropía alegre. Entiéndase eso como un “que te jodan” pero con una sonrisa en los labios y unas ganas de romper suelas bailando a pesar de que todo sea una mierda. Breve como las buenas series B de Roger Corman, y encabronado como el “Rumble” de Link Wray, el disco de este gang afin-

cado en Barcelona bascula entre el pop destartalado de ídolos del underground patrio que importan como Los Muebles (Olatz, una de las cantantes de ¡Pelea!, militó en la banda pamplonesa) y Bananas, y el punk pop ganador y festivo de estribillos coreables a la primera de Hunx And His Punx y Shannon And The Clams. Ese espíritu festivo que gastan es aun más evidente en directo, donde ¡Pelea! muestran su cara de pocos amigos, sus ganas de cagarse en todo, y sus concursos de bailes improvisados. Enfadados pero sonriendo. Dientes que decía la Pantoja.

Xavi Sanchez Pons

MondoSonoro ¡ Diciembre 2011 /55/

vinilos

reediciones

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"NEVERMIND", EL DISCO QUE CAMBIĂ&#x201C; nuestras vidas &$17$%5,$ (86.$', \ *$/,&,$ &$17$%5,$ &$)e 7($752 $57(6 6$17$1'(5 -(11< 7+( 0(;,&$76 (86.$', %,/%252&. %,/%$2 %,=.$,$

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Nirvana Foto Archivo

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NIRVANA

â&#x20AC;&#x153;Nevermind (20th Anniversary. Deluxe Edition)â&#x20AC;?

Geffen/Universal

ROCK

11111

Calibrar el impacto que tuvo â&#x20AC;&#x153;Nevermindâ&#x20AC;? en su momento para los que lo vivimos en primera persona puede resultar tan lejano y pretĂŠrito a las nuevas generaciones como cuando en el mismo aĂąo de su creaciĂłn, nos contaban los mayores lo que habĂ­a supuesto veinte aĂąos atrĂĄs la apariciĂłn de â&#x20AC;&#x153;Whoâ&#x20AC;&#x2122;s Nextâ&#x20AC;?, â&#x20AC;&#x153;Sticky Fingersâ&#x20AC;? o â&#x20AC;&#x153;Whatâ&#x20AC;&#x2122;s Goinâ&#x20AC;&#x2122; Onâ&#x20AC;?. En aquel momento esos discos y su ĂŠpoca nos parecĂ­an frutos de un pasado desconocido y remoto, pero no es mĂĄs que el mismo tramo temporal que hoy ha pasado desde que se editĂł la segunda referencia del trĂ­o de Seattle, con la que dieron inicio de facto los noventa. Terremoto musical â&#x20AC;&#x201C;arrasando como si de un huracĂĄn se tratara el hair metal tan en boga los aĂąos anteriores-, estĂŠtico â&#x20AC;&#x201C;adiĂłs a los estilismos ochenteros de

colores y formas imposibles, hola a la ropa ancha, sucia, rota o parcheadaâ&#x20AC;&#x201C; y actitudinal â&#x20AC;&#x201C;se acabaron los artistas con Ă­nfulas y pose de estrella, aparecen los creadores acomplejados, depresivos y retraĂ­dos-, la obra magna de Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl no solo sobrevive ahora como el mejor reflejo de una dĂŠcada y una era, sino que conserva el desgarro vital, la vigencia cultural y el poder melĂłdico que la siguen indexando como una de las obras capitales del rock del siglo XX. La reediciĂłn que celebra su veinte aniversario cuenta con una mezcla remozada, de la que Cobain -ya descontento con el lĂ­mpido sonido original- seguro renegarĂ­a. Asimismo, se puede por fin escuchar la versiĂłn inicial de Butch Vig â&#x20AC;&#x201C;The Smart Studio Sessions- mĂĄs cruda y cercana al punk rock de â&#x20AC;&#x153;Bleachâ&#x20AC;?, antes de pasar por las manos de Andy Wallace, Incluye tambiĂŠn en su versiĂłn Deluxe (existen hasta cinco formatos) las caras B de la ĂŠpoca, seis temas en directo y un puĂąado de ensayos de algunos de los temas que acabarĂ­an formando â&#x20AC;&#x153;Nevermindâ&#x20AC;? â&#x20AC;&#x201C;junto con otros que quedaron descartados. AdquisiciĂłn casi obligatoria. Robert Aniento

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NICK CAVE & THE BAD SEEDS

â&#x20AC;&#x153;Let Love Inâ&#x20AC;?

1111 â&#x20AC;&#x153;Murder Balladsâ&#x20AC;?

1111 â&#x20AC;&#x153;The Boatmanâ&#x20AC;&#x2122;s Callâ&#x20AC;?

11111 1114 â&#x20AC;&#x153;No More Shall We Partâ&#x20AC;?

Mute

ROCK

Las cuatro nuevas entregas de la serie de reediciones de los discos de Nick Cave siguen el mismo patrĂłn que sus predecesoras: al disco tal y como lo conocĂ­amos se le suma un DVD con el ĂĄlbum en modo 5.1 -una soberana estupidez: nos enfrentamos a un disco concebido para ser reproducido en estĂŠreo, no a la maldita ediciĂłn Deluxe de â&#x20AC;&#x153;Avatarâ&#x20AC;?-, las caras B incluidas en los singles de la ĂŠpoca -que como buen fan ya tendrĂĄs recopiladas en â&#x20AC;&#x153;B-Sides & Raritiesâ&#x20AC;? (2005)-, los respectivos videoclips -salvo los de â&#x20AC;&#x153;No More Shall We Partâ&#x20AC;?, el resto los puedes encontrar en â&#x20AC;&#x153;The Videosâ&#x20AC;?

(1998)- y cuatro extractos mĂĄs del documental â&#x20AC;&#x153;Do You Love Me Like I Love Youâ&#x20AC;?, a priori, la Ăşnica excusa para jubilar nuestros CDâ&#x20AC;&#x2122;s originales y renovarlos por los nuevos. Con estos lanzamientos entramos de lleno en la etapa â&#x20AC;&#x153;romĂĄnticaâ&#x20AC;? de Cave, aquella que continĂşa la lĂ­nea de â&#x20AC;&#x153;The Good Sonâ&#x20AC;? y en la que sobrevuelan sus relaciones con Kylie Minogue y PJ Harvey, a quien dedicĂł el amargo â&#x20AC;&#x153;The Boatmanâ&#x20AC;&#x2122;s Callâ&#x20AC;?. L. J. MenĂŠndez

CAN

PAT TRAVERS

Mute/Pias

Edel

â&#x20AC;&#x153;Tago Magoâ&#x20AC;?

ROCK

â&#x20AC;&#x153;Boom Boom. Live At The Diamondâ&#x20AC;?

11111

â&#x20AC;&#x153;Tago Magoâ&#x20AC;? es, en propiedad, el segundo disco de Can y tambiĂŠn el que mĂĄs a menudo se ha seĂąalado como su definitiva obra maestra. Algo tiene que ver en ello lo ambicioso de su duraciĂłn (setenta y tres minutos) y una recta final con â&#x20AC;&#x153;Aumgnâ&#x20AC;? y â&#x20AC;&#x153;Peking Oâ&#x20AC;?, dos largos y abstractos temas que citan al free jazz y la vanguardia. Sin embargo, al recuperar â&#x20AC;&#x153;Tago Magoâ&#x20AC;? siempre recuerdo aquella entrevista a Laika en la que, irreverentes, seĂąalaban ese tour de force final como una empanada de dimensiones colosales consecuencia del consumo excesivo de wah wah y dios sabe quĂŠ sustancias psicotrĂłpicas. En cualquier caso el debate no es posible a la hora de valorar un disco con piezas gigantescas como â&#x20AC;&#x153;Bring Me Coffee Or Teaâ&#x20AC;?, â&#x20AC;&#x153;Halleluwahâ&#x20AC;? y la que se viene seĂąalando como el tema mĂĄs emblemĂĄtico de la banda de Colonia: â&#x20AC;&#x153;Mushroomâ&#x20AC;?. La novedad de esta ediciĂłn, es el aĂąadido de un segundo disco con las versiones en directo de â&#x20AC;&#x153;Mushroomâ&#x20AC;?, â&#x20AC;&#x153;Halleluwahâ&#x20AC;? y â&#x20AC;&#x153;Spoonâ&#x20AC;?. Y a diferencia de lo que suele ocurrir con otros grandes nombres del rock, el interĂŠs que tienen hoy estas versiones multiformes en directo sigue siendo enorme. Luis J. MenĂŠndez

ROCK

111

Pat Travers es uno de esos nombres pertenecientes a la historia del rock que permanecen enterrados en el recuerdo, olvidados por la mayorĂ­a de aficionados, a la espera de que llegue su momento para ser reivindicado; algo que sucede cĂ­clicamente y que recientemente ha permitido recuperar del olvido nombres como Gil Scott-Heron o Leon Russell. En el caso de Travers, su historia se remonta a mediados de los setenta, cuando se dio a conocer con pequeĂąos hits de la ĂŠpoca como â&#x20AC;&#x153;Life In Londonâ&#x20AC;?, â&#x20AC;&#x153;Heat In The Streetâ&#x20AC;? y, sobre todo, â&#x20AC;&#x153;Boom Boomâ&#x20AC;?. Profundamente influenciado por el estilo y la voz de Jimi Hendrix y producto del rock duro que por aquel entonces triunfaba en Estados Unidos, Travers ha ido sobreviviendo mĂĄs o menos dignamente a ĂŠpocas y dĂŠcadas y por la formaciĂłn de su â&#x20AC;&#x153;Bandâ&#x20AC;? han pasado nombres como el de los baterĂ­as Nicko McBrain, Tommy Aldridge o Carmine Appice y guitarristas como Pat Thrall o Jerry Riggs (presente en este directo). El concierto ahora reeditado rescata una actuaciĂłn en su Toronto natal realizada hace veintiĂşn aĂąos, momento en que presentaba â&#x20AC;&#x153;School Of Hard Knocksâ&#x20AC;?.

Robert Aniento

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mondorecomienda

/57/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELÍCULAS ★ CLIPS ★ documentales

“Attack The Block” Foto Archivo

cine

JOE CORNISH

La ley de la calle Es el nuevo niño prodigio del cine británico y acaba de insuflar nueva vida a la ciencia ficción que mezcla entretenimiento y crítica social de la forma más natural y divertida. Muy cercana al Neill Blomkamp de “Distrito 9” en espíritu, “Attack The Block” fue capaz de poner de acuerdo a crítica y público en la pasada edición del festival de Sitges.

U

n suburbio de Londres. Un grupo de adolescentes rateros de poca monta.

Una invasión alienígena. Con estos tres inputs podríamos resumir lo que ofrece “Attack The Block”, una de las películas revelación de la temporada escrita y dirigida con tino por Joe Cornish, el nuevo niño mimado del cine británico (es la mano derecha de Edgar Wright, productor ejecutivo del film, y con el que también ha coescrito el guión de “Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio”). Vía telefónica contactamos con él para que nos cuente de donde surgió la idea de localizar una invasión alienígena en una de las zonas más deprimidas del sur de Londres. “Soy muy fan de ‘E.T’ y ‘Critters’, entre otras películas con extraterrestres, y quería hacer una película que mezclara realidad y fantasía. Así que se me ocurrió la idea de ambientar una invasión alienígena en un barrio de los suburbios de Londres, un sitio que conozco bien porque me crié en ese entorno. Mi película es una especie

de versión salvaje de ‘E.T.’. Cuando escribí el guión tuve muy presente la película de Spielberg, de hecho Moses, el protagonista de ‘Attack The Block’ es un chico solitario como el Elliott de ‘E.T.”, y solo les separan unos pocos años de edad”. Como cualquier película de género fantástico, el debut de Joe Cornish está lleno de homenajes y referencias.

“La cosa”, “Demons” y “Depredador”, entre otras, son algunas de las cintas citadas. Ahora bien, Cornish nos pone sobre la pista de qué tipo de cine fantástico estaba empeñado en recuperar con “Attack The Block”. “Conozco todas las películas que nombras pero mi intención principal era retomar la ciencia ficción de los cincuenta, una época en la que el género servía para hacer metáforas de la realidad. ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’ lo fue sobre el miedo americano al comunismo, ‘Godzilla’ sobre el pánico nuclear de los japoneses…”. Ese valor metafórico es uno de los alicientes de la película, más

aun si cabe tras las revueltas que vivió Londres este pasado verano. “La película se pensó y rodó antes de los famosos disturbios, pero te puedo decir que me he criado en Brixton, el sur de Londres, y que en los últimos años han habido unas cinco revueltas importantes, así que no es algo nuevo. El tema de estos disturbios es muy complejo.

La película tiene una lectura política, está claro, examina la realidad de esos barrios y explica como una adolescente alienado

Me fijé mucho en ‘The Warriors’ de Walter Hill y ‘La naranja mecánica” para captar la esencia de ese lenguaje secreto”. Lo segundo, la valentía con la que están planteados sus personajes. Que son capaces tanto de comparar su dramática situación aludiendo al videojuego de moda de turno, como a dar su vida por el bien del grupo. “Esas referencias pop eran necesarias. Los adolescentes protagonistas de la película tienen una edad que hace que se tomen la vida como un juego. De ahí

"Mi intención principal era retomar la ciencia ficción de los cincuenta" como Moses acaba encontrando su sitio en el mundo…”. Uno de los grandes descubrimientos del film es el grupo de actores adolescentes que interpretan a los héroes de extrarradio que tendrán que hacer frente a unos voraces extraterrestres peludos. Lo primero que sorprende de ellos es su particular manera de hablar en slang.

“Los jóvenes hablan en un lenguaje privado y yo quería ser lo más realista posible en este aspecto. No fue nada problemático el uso del slang porque todos los actores tienen la edad que representan en la película y les salió de forma natural. Además, esa forma de hablar te mete más en la historia.

esas referencias a videojuegos y películas, entre otras cosas. En lo referente al juego, para estos chicos de los suburbios a veces los juegos se convierten en algo más serio y peligroso, como el hecho de pertenecer a una banda, y no pueden ser banalizados.

Por eso algunos de los adolescentes pierden la vida durante la película, porque se enfrentan a peligros reales. No es como esos slashers americanos donde los adolescentes mueren por las razones más vulgares. Ver a adolescentes pasando peligros reales en el mundo de la ficción me gusta”.

■ Xavi Sánchez Pons

Libros Fargo Rock City,

el libro sobre heavy metal que debería leer todo el mundo

I

ba clamando al cielo que se publicasen más libros del periodista, crítico y también novelista Chuck Klosterman en nuestro país, sobre todo después de la sorpresa que supuso que Reservoir Books editase en 2006 el divertidísimo “Pégate un tiro para sobrevivir”. Y ha tenido que ser una editorial independiente, Es Pop (responsable de otro ejercicio de justicia universal, lanzar “Los trapos sucios”, el fantástico libro sobre Mötley Crüe), la que presente “Fargo Rock

City” en España. Aunque Klosterman pasaría más por bajista de Death Cab For Cutie, creció -como algunos de nosotros- con el hair metal y el heavy de los ochenta, solo que hay una diferencia fundamental: a partir de ese background él ha sabido crear un ensayo impresionante sobre aquellos años, sobre lo que representaron aquellos grupos (desde Mötley Crüe a Def Leppard, pasando por Guns ‘Roses, Kiss o Cinderella) para la juventud que les escuchaba y establece teorías sobre por qué

llegaron hasta dónde llegaron. Y que “Fargo Rock City”, se coincida o no con las aseveraciones de Klosterman, es un libro que todos los aficionados al rock deberían leer. Lo disfrutarán. Y si cualquiera de los nombres citados representó algo para ustedes, con mucho más motivo. Cuando lo hayan hecho entenderán por qué artistas como David Byrne, Jonathan Lethem o tantos otros elogian este ensayo en las solapas de esta primera edición.

■ Joan S. Luna

mondoRECOMIENDA /58/ Diciembre 2011 · MondoSonoro DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

cómic Chester Brown “Pagando por ello”

comics La oruga

Suehiro Maruo Glenat (11114) Es la segunda adaptación que Maruo hace de un texto de Edogawa Ranpo, uno de los grandes nombres de la literatura terrorífica japonesa y, como en “El misterio de la isla Panorama”, el libreto ajeno le da nuevos bríos. La mórbida historia de sumisión sexual de una mujer a su marido recién llegado de la guerra y, como consecuencia de las mutilaciones, sin más miembro al que agarrarse que el viril, muestra otro tipo de horror y perversión al que nos tiene acostumbrados. L. J. M.

El vendedor de estropajos Edmun Baudoin/Fred Vargas Astiberri (1114)

Tan breve como intensa, conjuga un fantástico despliegue impresionista en blanco y negro con una historia cruda y cercana llena de talento y poesía, en la que París y su apocalíptica catarsis urbana se funde con la desbordante humanidad de los dos protagonistas, un vagabundo maltratado por la vida testigo de un asesinato y el comisario que lo interroga. Daniel Arnal

Fraternity

Juan Diaz Canales/José Luis Munera Astiberri (1111) En medio de la guerra de secesión americana New Fraternity es una colonia neutral en decadencia, Un buen lugar para el estudio y el refugio de gente de todo tipo, junto al elemento del bosque donde conviven los animales fantásticos y Emilio, el chico mudo. Esta es la premisa que Canales (“BlackSad”) nos muestra en una historia de intriga y magia a la vez que Munuera (“Las aventuras de Spirou y Fantasio”) nos deleita con uno de los mejores dibujos de hoy en día. Edu Tuset

Ranko Kameran

Chester Brown

Sexo en Montreal Chester Brown ya había demostrado en títulos precedentes que su manera de interpretar los sentimientos y las relaciones personales no se dejaba llevar por las convenciones sociales de Occidente. Ahora, en “Pagando por ello” (La Cúpula, 11), va un poquito más allá al cuestionar el tabú de la prostitución, del intercambio de sexo por dinero.

Torné/Sandoval/Cavero Reservoir Books (1111) Tras un largo período de gestación, la unión final del texto de Gonzalo Torné (“Hilos de sangre”, “Lo inhóspito”…) con la pluma del excelente dibujante de cómics Sergio Sandoval ha dado como resultado un espectáculo visual y narrativo lleno de color, una historia corta y violenta, llena de sorpresas y de giros. En definitiva, una lectura tan impactante como su excelsa portada. Daniel Arnal

Chagall en Rusia Joann Sfar 451 (1114)

Dos de las obsesiones que caracterizan la obra de Joann Sfar están también presentes en este título: el judaísmo y la relación de un creador con el arte. En esta ocasión el autor francés las introduce vinculándolas a la vida de Marc Chagall, en un relato biográfico que se permite numerosas licencias y deriva por momentos hacia el género fantástico en un colorista y nada velado homenaje al surrealismo. L. J. M.

Parker: La compañía Darwyn Cooke Astiberri (11114)

La esperada continuación de “Parker: El cazador” tiene la misma intensidad y calidad que la novela de Richard Stark y sus cinematográficas versiones como “A quemarropa” y “Payback”. El trazo de Darwyn Cooke y su estilo bi-tonal dan un toque único a esta historia en la que su protagonista debe volver a buscar en los bajos fondos para que le devuelvan los favores y pueda llegar a su venganza final. Sin duda otra obra maestra del comic noir. Edu Tuset

Habibi

Craig Thompson Astiberri (1114) El popular Craig Thompson ha optado por complicarse la vida más de lo imaginable en una nueva y ambiciosa novela gráfica. Y es que “Habibi”, facturada a lo largo de siete largos años, es una compleja –tanto en lo narrativo como en lo visual- historia de amor salpicada de religiosidad que busca la conexión entre personas y entre religiones. Ernesto Bruno

R.I.P.

Felipe Almendros Mondadori (1114) Felipe Almendros es un maestro de la narración personal, aunque su dibujo sea extraño, feísta y no sabría decirles si torpe o fingidamente torpe. La cuestión es que el valor de sus cómics reside en el tono humano que consigue mucho más que en el valor artístico de su particular trazo. Eso sí, “Save Our Souls” continúa siendo su obra maestra. Joan S. Luna

Pagando por ello Chester Brown La Cúpula, 11

“

El colectivo homosexual consiguió normalizar su situación firmando películas, novelas, pinturas, etcétera, que explicaban cuál era su posición. Las prostitutas han empezado a hacerlo también, pero muy pocos ‘Johns’ -el nombre que se les da a los puteros anónimos en Estados Unidos y Canadá- lo han hecho. Yo veo obras como ‘Pagando por ello’ como un avance en la conquista de derechos civiles para las prostitutas y los Johns”. Esa es la razón de ser de la nueva novela gráfica del canadiense Chester Brown, en la que retoma el slice of life de “El playboy” y “Nunca me has gustado”. Esto es, el propio Brown se convierte en personaje protagonista de este alegato en pro de la legalización (que no regularización) del sexo por dinero, y a lo largo de sus trescientas páginas va pasando revista a las

diferentes prostitutas con las que se ha acostado desde que su última novia decidió poner punto y final a su relación, hace cosa de diez años. “Creo que convertirse en prostituta puede ser una decisión sensata y saludable para determinadas personas. Y lo mismo respecto a la opción de pagar por sexo.

El problema, sin embargo, no es tanto legislativo como ideológico, porque los canadienses siguen considerando que es un error intercambiar sexo por dinero. El que la prostitución fuera despenalizada empujaría a la gente a pensar en el sexo de pago de otra manera”. En la recta final del libro Brown encuentra un curioso equilibro emocional-sexual desarrollando una relación monogámica con una lumi que terminará abandonando la prostitución con otros hombres, pero que seguirá acostándose con él a cambio de dinero. “La situación sigue siendo la misma que a finales del verano de 2010, que es cuando termina el libro: Denise y yo seguimos siendo monógamos y todavía le pago a cambio de sexo. Y la relación sigue siendo emocional y sexualmente satisfactoria para mí. No voy a argumentar que la nuestra es la relación ideal, pero te puedo decir con certeza que es mejor que muchas relaciones sexuales basadas en el romanticismo”. ■ Luis J. Menéndez

videojuegos Assassin’s Creed Revelations

The Elder Scrolls V: skyrim

1111

11114

Volvemos a tomar el control de Ezio, el protagonista de la segunda entrega de la saga. Esta vez ya tiene una edad, pero la experiencia es un grado y contará con trucos nuevos como el garfio para bajar por cuerdas y la fabricación de sus propias bombas. Los gráficos son sorprendentes, los escenarios de una realidad e intensidad impresionante.

Cuenta con modo multijugador online tras el éxito de “La hermandad”. ■ Albert Miró

Un juego de rol que nos adentrará en un mundo fantástico con cientos de horas de entretenimiento por delante en una historia apasionante en la que lucharemos contra diversas criaturas como dragones, mamuts, gigantes o esqueletos.. Tiene una jugabilidad digna de la saga, unos increíbles gráficos, una música ambiental muy bien elegida, miles de posibilidades para personalizar al personaje y un sinfín de opciones como trabajar, comprar casas, casarnos, robar... ■ A. M.

PS3, X360 y PC Ubisoft

Ps3, X360 y PC Bethesda Softworks

MondoSonoro · Diciembre 2011 /59/

mondoRECOMIENDA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

Libros

Alberto Olmos Foto Asís G. Ayerbe

LIBROS

El callejón de las almas perdidas William Lindsay Gresham Sajalín (11114)

¿Qué más se puede decir de una obra que suscitó la admiración unánime de crítica y público con su publicación hace más de sesenta años, dio pie a una gran película del mismo nombre, se convirtió al instante en un clásico de la literatura outsider merced a su macabra disección del sueño americano y hoy es considerada una obra maestra? Pues que por fin se publica en castellano. Daniel Arnal

Vanity Fair. Cuestionarios Proust Graydon Carter (editor) Nórdica libros (1111)

Excelente y cuidada edición de una selección de cien cuestionarios Proust publicados en Vanity Fair desde 1993. A través de una treintena de preguntas rápidas, se extrae la esencia de cada personaje: en su mayoría músicos (Sting, Waits, Cash, Clapton, Bowie, Keith Richards, James Brown, Lou Reed...) o cineastas (Scorsese, John Waters, Dennis Hopper... ). Cada entrevista está acompañada por una caricatura de Robert Risko. J. Picatoste Verdejo

Siameses

Gonzalo Calcedo Tropo Editores (1111) Injustamente en la sombra, Gonzalo Calcedo merecía ver publicada esta compilación de dos de sus libros de cuentos (“Otros geografías” y “Liturgia de los abogados”), muestra indudable de su maestría en retratar la cara más desoladora de nuestras corrientes vidas. Un lanzamiento imprescindible para descubrir a un autor brillante. Joan S. Luna

El 25 de gener

Alberto Olmos

Desafío a lo trascendental Alberto Olmos (Segovia, 1975) es uno de los más obstinados y comprometidos con eso a lo que se dedican los escritores: escribir. Su “Ejército enemigo” (Mondadori) confirma su valentía y afán de búsqueda.

Roger Padilla Llibres d’Ombrosa (111) Aunque esté escrito en catalán, no podemos evitar hablar de este cuento ilustrado por Roger Padilla (guitarrista de Manel), que además de contarnos la historia, incluye el correspondiente villancico que el grupo catalán grabó el pasado año para obsequiar a sus seguidores durante las fiestas navideñas. Ahora puedes conseguirlo en formato físico. Ernesto Bruno

Vampirismo ibérico. Bebedores de sangre, sacamantecas y curanderos

Salvador García Jiménez Melusina (1111)

Tras el hilarante e imprescindible “España es sobrenatural”, la editorial Melusina regresa a los misterios de nuestra piel de toro con este ensayo sobre vampirismo ibérico que también podría haber sido bautizado como “Crónica negra de la España más sangrienta”.

Salvador García nos hiela la sangre con su macabra enumeración de los chupasangres patrios reales. Xavi Sánchez Pons

Salvador Dalí y la más inquietante de las chicas yeyé Jordi Soler Mondadori (1114)

El autor mexicano residente en Barcelona se da un paseo por el lado salvaje de la vida con estos relatos biográficos de algunas de las personalidades más pasadas de vueltas de la cultura popular del siglo XX: Charles Manson, Bela Lugosi, Leonard Cohen, Al Capone, Pancho Villa, Dennis Hopper… Iconos todos ellos de los que extrae a partes iguales su aspecto humano y la profunda histeria que les rodeaba. L.J.M.

Ante la silla eléctrica. La verdadera historia de Sacco y Vanzetti John Dos Passos Errata naturae (11111)

Magnífica y oportuna recuperación editorial de una obra inédita en castellano pese a su importancia histórica: las reflexiones y el análisis que hizo en su momento el novelista John Dos Passos acerca de una de las más célebres y escandalosas injusticias de la historia de los Estados Unidos, la sentencia a muerte en la década de los 20 de los anarquistas Sacco y Vanzetti. Excelente traducción de Alba Montes Sánchez, cuidada y rica en notas. J. Picatoste Verdejo

Acelerados al máximo Stewart Home Libertos (1114)

Subtitulado “Punk Rock y teoría del género”, “Acelerados al máximo” es uno de los libros más cafres que recuerde haber leído en los últimos años. Home, testigo de primera mano de la evolución del punk más sucio en el Reino Unido, no deja títere con cabeza a la hora de recordarnos que la coartada intelectual del género tiene más de justificación que de realidad. Y lo mejor es que, al principio, casi nos convence. Joan S. Luna

Ejército enemigo Alberto Olmos Mondadori

Q

uerido/odiado entre lectores, autores, blogueros, Alberto Olmos sigue perfilando su voz narrativa y trabajando sin descanso mientras hace equilibrios entre la provocación y el sentido común.

Dando el salto desde la editorial “indie” a la multinacional, presenta una novela ácida y muy pegada a estos tiempos ambiguos y convulsos en los que hasta la realeza apela a la solidaridad para superar la crisis económica. “Yo casi preferiría volver a ese vocablo tan antiguo pero tan claro que era ‘caridad’. A día de hoy no hay nada en nuestra sociedad que no se aproveche del comodín de la solidaridad, desde los más ricos deportistas y cantantes hasta las propias marcas

comerciales, que dicen estar todos ellos increíblemente preocupados por cualquier problema planetario. No parece que sea realmente así si el mundo sigue hecho unos zorros”. Con un personaje outsider que se parapeta en el lema “La solidaridad ha fracasado”, en el voyeurismo virtual (tan excitante resulta leer los correos electrónicos de la gente como verla follar ante su webcam), y en su rutina obsesiva, la novela juguetea entre formatos y géneros en una clara muestra de ardor estilístico. “Las novelas tienen que partir de situaciones o resoluciones radicales: Don Quijote no se volvió un poco loco ni Gregorio Samsa se volvió un poco cucaracha... el lema es muy radical y eso obliga a los lectores a posicionarse, a pensar para combatir la sentencia o pensar para darle la razón.

Todo en literatura es exageración”. Tras seis novelas, varios premios y reconocimientos y un alter-ego polémico entre blogueros y literatos, con “Ejército enemigo” Alberto Olmos nos invita a reflexionar casi en cada página y trascendencia sobre la que se posa. “Me preguntó a qué me dedicaba, si tenía novia, qué libros leía... ¿Realmente esas cosas constituían para ella algo similar a una charla interesante?”. ■ Luis Argeo

dvd Fantastique para todos los gustos

V

ersus sigue con sus ediciones en DVD cuidadísimas. Este mes de otoño esas ediciones guiñan el ojo al fantastique más excelso y de culto. Por un lado tenemos el rescate de “Los ojos sin rostro” (1960) de Georges Franju, clásico absoluto del cine francés y principal referencia de Pedro Almodóvar para su espléndida “La piel que habito”. La edición presenta una copia restaurada del film más dos horas de extras repartidos en diferentes documentales y un cortometraje del mismo Franju. Otro de los platos fuertes de Versus es la edición definitiva de “La torre de los siete jorobados” (1944) de Edgar Neville, la película más audaz del fantastique español. Este cofre de lujo, que presenta una versión restaurada digitalmente, y otra en HD, viene acompañado de un libro de 180 páginas con ensayos sobre el film y la carrera de Neville. Por último, dentro del apartado de las ediciones especiales, destaca la salida de “El hundimiento de la Casa Usher” (1928) de Jean Epstein, obra cumbre del cine mudo de vanguardia, que Versus acompaña con varios cortos de la época que tienen su base en obras de Edgar Allan Poe. En el capítulo del cine fantástico actual, llega la edición en España de “Black Death”, aplicada relectura inglesa de “Los señores del acero” protagonizada por Sean Bean, visto recientemente en la serie de HBO “Juego de Tronos”. n Xavi Sánchez Pons

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/61/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

Verti Seguros <> Coronas/Amaral

Amaral Foto Archivo

Después del éxito del primer DesConciertos Verti con Sidonie y Ariel Rot el siguiente ha tenido lugar el 24 de noviembre con Amaral y Los Coronas. Las dos bandas se han ido a la sala La3 de Valencia para ofrecer un concierto único e irrepetible para un pequeño grupo de afortunados. Sólo podrán disfrutar de los DesConciertos Verti quienes consigan una de las invitaciones que están disponibles en www.facebook.com/vertiseguros o conectándose a ese mismo Facebook o a nuestra página web mondosonoro.com en el momento de la retransmisión para verlo online... El próximo concierto a emitir tendrá lugar el 19 de enero en Bilbao. ■

GPS <> Les Trans Musicales GPS Girando Por Salas es un Circuito de Músicas Populares concebido para la promoción de las músicas actuales, facilitar a los artistas emergentes un ciclo de conciertos y salas más allá de su propia comunidad autónoma y potenciar la música en directo. En su apuesta por el live de grupos nacionales, GPS arranca una colaboración con el festival francés Les Trans Musicales de Rennes, por la cual envía a We Are Standard a tocar el jueves 1 de diciembre en la sala Liberté y a Guadalupe Plata el 3 de diciembre en 4bis. Les Trans se celebra este año desde el 30 de noviembre al 4 de diciembre con Zomby, Spank Rock, Shabazz Palaces o nuestros Za! como principales reclamos. ■

Spotify <> Givenchy Spotify, la última tendencia en cuanto a consumo de música se refiere de la mano del perfume “Play” de la casa Givenchy acaba de poner en marcha su primer programa de radio. El director es uno de los locutores de Radio 3 más populares en los últimos tiempos, Arturo Paniagua. Habrá cuatro programas en los que la selección de canciones de Paniagua estará intercalada por sus comentarios y puntos de vista. El primero ya está online y cuenta con una selección de canciones entre las que se puede escuchar a Beirut, Catpeople, Viva Brother, Ximena Sarinana, Francisca Valenzuela o Rusos Blancos. ■

Jack Daniel's <> Navidad No es un escocés. No es un bourbon. Es Jack, el auténtico Tennessee Whiskey que una vez más quiere sorprenderte estas navidades con un regalo muy especial y exclusivo, algo que te va a sonar muy bien. Jack Daniel’s presenta su pack especial de Navidad que incluye de regalo unos auriculares personalizados con su emblemático logotipo Old Nº7. Disfruta del mejor sonido y prepárate para vivir los momentos más auténticos y originales de la mano de Jack Daniel’s. Y recuerda, tú eliges: solo, combinado o mezclado con los cócteles más originales y sabrosos… pero siempre con Jack. ■

J&B Cubes 260 Aniversario J&B presenta el pack edición limitada “J&B Cubes”’ que se lanza a nivel mundial para romper los convencionalismos de los habituales estuches de whisky, y está destinado a convertirse en una codiciada pieza de coleccionismo.

Se trata de un revolucionario, colorido y llamativo juego de cubos inspirado en el pasado y presente de la marca. A través de los doce diseños que cubren cada cara de los cubos, se hace un recorrido por los casi tres siglos de historia de J&B Rare, desde su nada convencional nacimiento, hasta sus aspectos más actuales, pasando por sus asociaciones más pintorescas con el cine, o ciudades como Paris o Las Vegas. ■

Fender <> Raimundo Amador

Movistar <> Coldplay

Volkswagen <> Kakkmadddafakka

El pasado 27 de octubre tuvo lugar en la Sala Siroco una Fender Party en la que se ofreció un cóctel y, lo que es mucho más interesante, se contó con una actuación en directo de Raimundo Amador y su banda, entre otras sorpresas y regalos.

Movistar enviará a cincuenta clientes (y un acompañante) al concierto de Coldplay el 20 de diciembre en el 02 World de Berlín. La visita a la ciudad además se alargará dos días más, hasta el 22 de diciembre. Participa en www.movistar.es/conciertos.

Volkswagen Vehículos Comerciales apuesta por la música, y por ello ha querido formar parte de la primera gira española de la banda noruega Kakkmaddafakka. Volkswagen les proporcionó un Crafter para todos sus desplazamientos.

US Two <> Super Furry Animals

Reebok <> Tote King

Battlefield <> Skugge y Jukka

Whale Trail es un juego para iPhone, iPod Touch y iPad que entre otras cosas destaca porque su música ha sido compuesta por Gruff Rhys (Super Furry Animals). El juego consiste en mantener todo el tiempo posible volando por el cielo a la ballena Willow mientras esta recoge burbujas. Sí, muy psicodélico todo…

Como parte de la campaña “Reethym Of Life” que Reebok ha desarrollado junto al rapero Swiss Beatz, ahora la popular marca de prendas deportivas se presenta en España con un showcase privado de Tote King y Griffi en la sala Music Hall de Barcelona el 15 de diciembre. Con acceso sólo mediante invitación.

La banda sonora original del videojuego “Battlefield 3” ha sido compuesta por Johan Skugge y Jukka Rintamäki. “Battlefield 3” ya está disponible para Xbox 360, PlayStation 3 y PC, y en su primera semana a la venta ha alcanzado la cifra de cinco millones de copias vendidas en todo el mundo. n

mondoweb

twitter.com/mondo_sonoro ...... 24.887 seguidores www.facebook.com/mondosonoro ..... 54.037 seguidores

/62/ Diciembre 2011 · MondoSonoro

ENTREVISTA FAN

LOS BLOGS Desde las barricadas con un Martini seco

Los Pilotos Foto Archivo

Escucha del próximo disco de Bebe en París Don Disturbios

los pilotos Mientras sus compañeros emplean el tiempo también en otras aventuras, Floren y Banin –quien contesta a esta entrevista de los lectores de MondoSonoro- han decidido poner en marcha una aventura instrumental que merece mucho la pena: Los Pilotos.

Juan Antonio Ganfornina. ¿En qué momento se os ocurrió sacar adelante este proyecto instrumental?

Fue una tarde preciosa, el suave clima de principio de verano nos envolvía con su calidez, el sol se estaba poniendo y tintaba el cielo de un delicado color, casi sin querer a Floren le brotaron las palabras de la garganta: Los Pilotos… nos sonó a música celestial instrumental, y los dos nos miramos como si lo supiéramos desde hacía tiempo.

Más o menos fue así.

Rul Kerouac Marín. ¿Son las post-actuaciones de Los Planetas y sus post-fiestas la inspiración para componer los temas?

Bueno, ya sabes que Floren dejó la droga en el 92 y yo lo más fuerte que tomo es gaseosa de papelillos del tigre, si es que te refieres a eso.

Mario Cocoliso.

CONCURSOS

WEB

En New Order, después de Electronic y Revenge, hubo The Other Two. ¿Son Los Pilotos “los otros dos”?

5

Tú te quedaste calvo de tanto pensar, deberías saber que eso no le gusta nada a los que tienen el poder, si se enteran van a ir a por ti y te van a tirar desde un helicóptero a un mar de tiburones. Te aconsejo que abandones esa mala costumbre, y que no la expongas en público de esta manera.

Santi Macias.

¿Pretendéis que el proyecto de Los Pilotos dinamite finalmente la versión mas electrónica de Los Planetas o es un proyecto completamente nuevo?

La pregunta que me haces no hay quien la entienda, pero si tuviéramos dinamita, nos gustaría usarla de una manera más constructiva, actualmente hay objetivos más claros a los que atacar, no sé si me entiendes.

Miquel Ras. Los Planetas igual no hubieran existido nunca sin Spacemen 3 o The Jesus And Mary Chain. ¿Qué grupos hacen falta para que existan Los Pilotos?

Japancakes, The Walls, Space Art, Michel Legrand, Cluster, The Teardrop Explodes, Silver Apples, Neu, Les Reeds, Fuck Buttons, Delia Derbyshire, Plaid, Dan Deacon, Brian Eno, Holy Fuck, Jon Hopkins, Jonas Reinhardt, Aphex Twin, Broadcast, Can, Riz Ortolani, Francis Lai, Curtis Mayfield, Michael Rother, Nico Fidenco, Lovin' Spoonful, Arvo Part, OMD, Vangelis, John Barry, Serge Gainsbourg, Velvet Underground, Alexander Skip Spence, Mandrake Memorial, Caribou, Burt Bacharach, John Cale, Phil Spector, Stelvio Cipriani,

Panda Bear, Kraftwerk, La Dusseldorf, 13th Floor Elevators, Gold Panda, Ennio Morricone...

Raúl Galán Berlanga. ¿En directo seréis Los Pilotos Automáticos o intentaréis tocar el máximo de lo que suena en el disco?

Qué buena idea, Los Pilotos Automáticos, me encanta. Nos hemos estado quebrando la cabeza para nada… ya tenemos la solución para llevar esto al directo, lo acompañamos de unos bailes regionales acordes con el lugar y listo, muchas gracias.

Itziar Peña. Siempre se ha relacionado a Los Planetas con el mundo de las drogas, pero ¿es posible hacer música como la de Los Pilotos sin ayuda de estupefacientes?

Nunca lo hemos probado, pero todo es ponerse, aunque nos da un poco de miedo, ¿has visto lo que hace Moebius desde que dejó de fumar?

Nina Feliu Mora. ¿Os han dicho J y Eric qué les parece vuestra música?

A nosotros nos han dicho que les gusta.

Coque LaPatriaMora. No os he visto en directo. ¿Improvisáis mucho?

Pretendemos que sea bastante improvisado y que los temas se vayan remezclando sobre la marcha. Será una mezcla entre sesión de Dj, Vj y músicos. ■

Héroes por un día

Cucarachas

Luís J. Menéndez

Como hardcore fan de Joy Division, desde siempre les he tenido una especial manía a Sisters Of Mercy, responsables de la banalización del after-punk, de conducirlo hacia audiencias mayoritarias a costa de agarrarse a los tics más ridículos y vacíos del género: grandilocuencia, voz ridículamente afectada, efectismo jevi, el horror, el horror… Cuando saltaron los títulos de crédito de la película “Contra la pared”, me lancé a la tienda de discos para hacerme con una cajita con las grabaciones completas de los Sisters. Y esto no sé si prueba mis sospechas de que el buen gusto se marchita con la edad. Si es una señal inequívoca de la fuerza de la nostalgia -a finales de los ochenta escapar de los dichosos videoclips de los Sisters en la TV pública, la única, se convirtió en un imposible-. O si por el contrario he descubierto por fin la gracia de un chiste que equivocadamente tomé en serio por demasiado tiempo (la presencia de una cachonda mental como Patricia Morrison en el grupo apoya esta teoría). ■

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packs de “Attack The Block” formados por la banda sonora, una camiseta y un poster

El próximo álbum de la cantante extremeña se aleja radicalmente de lo que ha realizado hasta la fecha, para embarcarse en un áspero viaje repleto de agresividad, energía y fuerza. Una vitalidad en la que mucho han tenido que ver el equipo de músicos y productores franceses con los que ha grabado las nueve canciones ya finalizadas y que podemos escuchar. De hecho la sombra de artistas como M.I.A. no se me antoja un disparate cuando escucho temas como “Kiereme”, donde los ritmos tribales de la banda conducen el rápido fraseado de una Bebe que, en muchos fragmentos del disco, grita más que canta, recita más que rapea. Sorprende bastante encontrar un disco que mantiene una dureza áspera, pese a auparse en ritmos de funk, blues, rock, dub e incluso drum’n’bass, pero con constantes cambios de ritmo que dificultan encontrar la melodía de un estribillo juguetón con el que amansar la exigente fiera del público, digamos, menos acostumbrado a artistas que buscan salidas al laberinto mediático en los que puede situarle un éxito tan masivo como temprano. Tan solo en contadas ocasiones el ritmo se relaja y permite entrever cierta dulzura en las letras de la artista. ■

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5

ejemplares del libro

"Mötley Crüe: Los trapos sucios" Consulta los ganadores de los sorteos en nuestra web. Entra y participa ¡¡¡SUERTE!!!