Mondo Sonoro enero 2023

5/Mondo freako

Con “And In The Darkness… Hearts Aglow” (Sub Pop/ Popstock!, 22), Weyes Blood demuestra una vez más ser una estrella que brilla con luz propia en un universo que se mueve entre pasado y presente.

CADA VEZ RESULTA más difícil etiquetar a algunos músicos. Algunos por lo particular de sus propuestas, otros porque sus ambiciones no encajan en el mapa sonoro de la actualidad. Ambas cosas ocurren cuando nos enfrentamos al nuevo trabajo de la californiana Weyes Blood. Tras la acogida abrumadora de “Titanic Rising” (19), Weyes Blood tenía que recapitular, poner las cosas en orden y, ya con cierta perspectiva, pensar en su nueva andadura. “And In The Darkness… Hearts Aglow” juega con el romanticismo, busca esperanza donde no la hay y, al mismo tiempo, aborda cuestiones tan actuales como la degradación del planeta o el de una sociedad egoísta que impide hacer del mundo ese lugar mejor con el que todos soñamos.

Para empezar, te quería felicitar por el disco. ¿Qué sensaciones tienes antes de la salida del mismo?

Son muy buenas. Cada proyecto te enseña cosas y de este he aprendido y estoy aprendiendo muchas. He profundizado en otras áreas. Ahora tengo muchas ganas de que la gente lo pueda disfrutar, así que estoy muy contenta y también algo nerviosa.

Es inevitable. Con este disco empiezas una nueva etapa, una vez cerraste la trilogía anterior. ¿Cuál es el concepto para esta aventura?

Todo gira alrededor de la idea del romance. Es un trabajo muy íntimo y existencial, pero sobre todo hablo sobre cómo se desintegra el mundo, la sociedad.

¿Y a qué crees que se debe esa desintegración?

A la tecnología. Ha adquirido demasiada fuerza y nos ha invadido por completo. Hay muchos profetas y una responsabilidad escasa, lo cual provoca que el camino sea complicado y que cada vez haya más

Weyes Blood La flor de Dios 3

3grietas. Estamos destrozando el planeta y no le va a queda ningún brillo. Estamos en un punto de no retorno.

Quizás la pandemia fue un aviso. Pero no sé si en general hemos aprendido algo de todo ello.

Fue una señal. Aquello fue en plan “oye, que nos estamos cargando esto”. En ese momento daba igual si eras rico o pobre. Bueno, los ricos tenían casas más grandes que los pobres, claro.

Mejor vayamos al disco, ¿cómo fue el proceso de grabación del mismo? Fuimos a los 101 Studios, que es un habitáculo precioso y muy cómodo para trabajar. Se reunió la banda al completo y allí lo grabamos todo, prácticamente en directo. El concepto era muy minimal. Tocábamos y repetíamos, tocábamos y repetíamos. Y así todo el rato.

Un poco como se grababa en los sesenta, cuando aquello tenía que fluir para obtener buenos resultados. Y tanto que sí. Es más divertido, te da la opción de improvisar y buscar espacios

libres. Si todo es tan matemático se pierde esencia.

Pero curiosamente tanto el sonido como los arreglos están muy cuidados. Una cosa no es incompatible con la otra.

Teniendo en cuenta que lo has co-producido con Jonathan Rado, ¿te da la sensación de tener más control sobre lo que estás creando?

Aparte de tener una perspectiva visual sobre lo que va a ser el disco, esto es como una especia de test para mí. Así también tomo conciencia de las dificultades y de una realidad que, si no estás ahí, te pasa de largo. Más allá de los detalles del sonido, tienes la posibilidad de gozar con una panorámica más amplia. El proyecto aún es más tuyo.

Dices que “It’s Not Me, It’s Everybody” es un himno budista. ¿Por qué motivo? Esta es una cuestión cultural, pues cuento con que la mayoría de veces no pensamos en lo individual, sino en lo colectivo. Todos sufrimos, todos somos existencialistas, estamos unidos por la espiritualidad, son

círculos que van girando. Esa es mi percepción de lo que es un himno budista.

Tampoco me gustaría pasar por alto la portada del disco. Me encanta y me parece muy llamativa. Pues aunque no lo parezca, es muy espontánea. Tiene ese aire a romanticismo, a “Blade Runner” (82) pasado por un filtro de Photoshop. Creo que tiene mucha clase, y es justo lo que me apetecía para esta portada.

Hablando de cine, recientemente programaste seis películas para unas sesiones en un hotel de Nueva York. En la selección había bastante cine de terror y películas clásicas, por ejemplo estaba la versión original de “Rebeca” (40), dirigida por Alfred Hitchcock. Mi afición por el cine de los años cuarenta y cincuenta viene de mi madre. Cuando era pequeña vimos muchas películas juntas. Ahí descubrí a Gene Kelly. Pero en realidad veo de todo tipo, también malas. Además me encanta ir a una sala de cine a ver una película de terror y llevarme sustos mientras como palomitas de maíz.

Ahora echemos la vista al pasado. En 2017 grabaste con Ariel Pink. Previamente hiciste coros en algunas canciones suyas. ¿Cómo fue la experiencia con él?

Lo siento, pero no hablo de Ariel Pink.

“Titanic Rising” fue un disco con un gran impacto. En 2019 estuvo en más de cien listas de lo mejor del año, también en las que se ocupaban de lo más destacado de la década… Cuando lo publicaste, ¿eras consciente de su envergadura? En realidad no, pero conocía el impacto que había causado en mí, los sentimientos que acarreó crearlo. Lo que vino después solo es una consecuencia. Un paso más en mi carrera artística. Si bien, nunca desee construir algo como esto, siempre he sentido que quería formar parte de un colectivo y colaborar como pudiese, pero sin tomar demasiadas obligaciones artísticas. Me costó asimilar que podía ser alguien tan visible en la industria musical.

TONI CASTARNADO

LA MÍA

Somos los primeros

LO ADMITO. Soy el primero que cuando oyó hablar por primera vez de los NFT’s arqueó una ceja cargada de escepticismo. Han tenido que pasar meses, alguna conferencia y unas cuantas reuniones para que le viera la razón de ser al invento. Al principio me parecía que era algo así como ponerle un lazo a algo intangible y que pasaría como con las criptomonedas, que el castillo de naipes se derrumbaría a la que alguien osara gritar que, efectivamente, el emperador estaba desnudo. Pero luego uno va indagando y ve que el juego especulativo asociado al NFT no es la única de las partidas. Que hay más usos, utilidades y funciones de las que a priori puede parecer. En primer lugar me interesó lo que de mecenazgo y apoyo puede brindar el NFT a cualquier creador. Pongamos por ejemplo que un músico quiere poner a la venta a través de NFT’s archivos de audio exclusivos de su trabajo. Es obvio que esos mismo archivos podrán ser copiados y puestos a disposición de cualquiera que se preocupe en buscarlos, pero también es obvio que las personas que adquieran la propiedad de esos archivos, estarán ayudando a la supervivencia del artista más allá de las tristes liquidaciones de las plataformas de streaming. Y aunque es cierto que se puede caer en la carrera de la especulación al tratar de revender lo adquirido a un mayor precio, no es menos cierto que ese proceso siempre depende de la confianza que se pueda tener en la revalorización de la obra. Pura ley de la oferta y la demanda.

Todo esto viene a cuento porque Mondo Sonoro –de la mano de Guzzu– va a ser la primera revista musical en español en lanzarse a ofrecer a sus lectores una obra digital en NFT. En concreto se trata de una portada alternativa de la revista creada por el artista digital Fran Rodríguez, conocido como La Cabeza en la Nubes, diseñador gráfico que ha trabajado para bandas como Tame Impala, Weezer, Twin Shadow, Dorian, Viva Suecia y una largo etcétera. De hecho todo esto lo explicamos mucho más y mejor en estas mismas páginas porque, además de ofrecer la posibilidad de adquirir dicha obra en NFT, dicha compra incluye entrar a formar parte del Club Mondo con todas las ventajas que eso conlleva. Y no solo eso. Las 100 primeras personas que adquieran el NFT recibirán también una copia impresa de la obra seriada y firmada por el propio artista. ¡Ah! y los que ya son socios del Club Mondo que no sufran, que solo por el hecho de formar parte de nuestro Club, recibirán gratis el NFT que les acredita como propietarios de la obra de La Cabeza en la Nubes. Una nueva prueba de la inquietud que siempre hemos demostrado en Mondo Sonoro por estar atentos a lo que se cuece en un futuro que ya es muy presente. SERGI ‘DON DISTURBIOS’ MARQUÉS

“Es un trabajo muy íntimo y existencial, pero sobre todo hablo sobre cómo se desintegra el mundo, la sociedad”

No es no Los Punsetes

Con su séptimo larga duración, “AFDTRQHOT” (Sonido Muchacho, 22), los de Madrid

“AFDTRQHOT” es el misterioso acrónimo con el que han titulado un álbum que ha contado en la parte técnica con un dúo de lujo: el curtido Paco Loco (Triángulo de Amor Bizarro, Airbag), y John Agnello, experto en sacarle lo mejor a bandas de guitarras legendarias como Sonic Youth o Dinosaur Jr. La banda suena más cabreada y gana insospechados matices. Manuel Sánchez “Anntona”, guitarra, letrista y uno de los artífices de la mordaz y personal mirada del quinteto, nos habla de ello y de otras muchas cosas relacionadas con su ya larga trayectoria en el café de un popular teatro del centro de Madrid.

LOS ÚLTIMOS DOS AÑOS tampoco han sido agradables para Los Punsetes. “La pandemia fue complicada. Porque teníamos un disco muy bueno, con singles potentes, habíamos hecho salas y estábamos en el momento de festivalear un poco. Y no paramos de tocar, pero hicimos conciertos muy jodidos, como todo el mundo que tocó. Fue durillo. Tiene mucho mérito que hayamos cogido fuerzas otra vez para tirarnos a la carretera. El objetivo máximo es recuperar las sensaciones”, explica.

CONVERTIDOS DESDE HACE AÑOS en institución de nuestro indie –con algunas

incursiones en entornos mainstream–, muy respetados por la crítica y con una legión de fans fieles, Los Punsetes han encontrado ese raro equilibrio que les ha permitido llegar hasta aquí casi intactos. Incluso redoblando su apuesta. “Somos un grupo longevo en general, pero también si nos comparamos con nuestros compañeros de generación. Muchos han dejado de tocar. Nosotros hemos encontrado un equilibrio bonito. No hemos dejado que el grupo se lo comiera todo y tuviéramos que elegir, lo que nos ha permitido mantenerlo como algo especial. Y nos gusta mucho hacerlo, evidentemente”.

SU SÉPTIMO ÁLBUM está titulado con un impronunciable acrónimo que se puede sacar de la letra de una de las canciones. “Casi preferimos que la gente investigue un poco. Es fácil”, asegura. La siniestra portada, obra del artista de cómic underground Johnny Ryan, anticipa la rabia cruda que encontraremos. Con un hilo conductor claro. “Es un disco que representa muy bien el momento en el que estamos y las cosas que nos agobian y preocupan. Nunca podría haber sido nuestro segundo o tercer disco.

La voz es la misma, pero el mood y lo que trasladan las letras es totalmente diferente. No sé si es nuestro álbum más maduro, pero sí es un séptimo disco tal cual”.

ANNTONA DESTACA que “hay mucho rechazo al trabajo, a las imposiciones y a la gente chunga. Creo que es un disco muy de rechazo frontal. ‘Te mereces que te vaya mal’ es bastante dura. Y ‘Cerdos’, no te cuento [risas]. Son canciones en las que si pusieras un nombre y se la cantaras a alguien concreto, te mandarían a la Audiencia Nacional. El truco es no decir a quién se lo estás diciendo. Siempre se inspiran en gente concreta, pero la clave es no decirlo”.

NATURALMENTE, EL INGENIO cáustico y combativo de los textos no es nuevo. Llega el momento de repetir que el quinteto no profesa una especie de odio a la Humanidad. “No me considero un misántropo en absoluto. Todos somos bastante amorosos, lo que pasa es que hay cosas en la vida que te molestan muchísimo. Imagínate lo que te estarías tragando en tu vida diaria si no pudieras hacer canciones. Hay mucho de desahogo, y creo que eso es una clave del grupo que la gente aprovecha mucho cuando nos escucha. Es una forma interesante de canalizar el odio”. ¿Pero es una postura vital pesimista? “Algunas letras pueden serlo, pero creo que en el momento en que te molestas en hacer una canción, el pesimismo lo estás sacando. Lo estás canalizando”.

se muestran tan inquietos en lo sonoro como fieles a su sello propio, y sobre todo más guerreros que nunca.

“

“Si mañana no llenamos La Riviera, no pasa nada”

EN CUANTO A LA PARTE TÉCNICA, Manuel destaca la excelencia del tándem con el que han trabajado en su búsqueda de una mayor crudeza. “Con Paco Loco ya grabamos el anterior. Lo que es cierto es que la mezcla la hizo Sergio Pérez y lo pulió mucho. Paco es muy salvaje grabando: le gustan mucho las cosas rápidas, capturar el momento. Le preguntamos con quién deberíamos mezclarlo para mantener eso. Y nos propuso a su amigo John Agnello. Siempre intentamos hacer cosas que no hemos hecho. En este caso, tiene que ver con la agresividad. Nos interesaba que no fuera un disco fácil para poner de fondo [risas]”.

EN LO COMPOSITIVO, también se percibe un esfuerzo por navegar aguas turbulentas. La joya de la corona es “Ocultismo”, odisea de nueve minutos y medio que surgió, parcialmente, para compensar la

brevedad de muchos cortes. “Teníamos la primera parte, y ahí se acababa la cosa. Lo que pasó es que sencillamente buscamos otra manera de desarrollarlo. Nos daba un poco de pereza recurrir al puente y al estribillo, y nos encontramos con dos partes. Ahí Jorge [guitarrista y compositor] ya propuso romper la baraja, y en seguida empezamos a trabajar en esa línea, inspirándonos en cosas que nos molan mucho como ‘A Day In The Life’ [la canción de The Beatles]. Nunca pensamos que íbamos a hacer algo así, pero estamos muy contentos”. El hilarante vídeo, un videojuego vintage, se le ocurrió a Luis, bajista [y responsable de Sonido Muchacho], porque hacer uno convencional habría sido carísimo. “La idea nos volvió locos a todos, y la ejecución nos ha parecido brutal. Ahí Luis se ha ganado el sueldo”.

¿Y

CUÁLES SON SUS EXPECTATIVAS

llegados a esta especie de reinicio pospandémico? “Si no llenamos La Riviera no pasa nada, mientras podamos hacer un disco como el que acabamos de hacer, y viéndonos –asegura-, hombre, no es bonito que te vaya peor que antes, pero creo que muchos grupos se lo tomarían mucho peor. Porque nosotros venimos del underground de verdad. Ése no era el objetivo. Hasta ahora creo que hemos mantenido el interés

proponiendo cosas interesantes. De hecho, me gusta ver que las canciones más escuchadas no son las primeras. Muchas de las cosas últimas que hemos hecho son de las que más han interesado, y eso está guay. Supongo que se trata de eso. La clave es seguir manteniendo la ilusión y el mismo entusiasmo. Imagino que eso se traduce en canciones buenas”. Porque el espíritu crítico que se respira en su local –“somos muy puñeteros entre nosotros”– se compensa con el ingrediente secreto que nunca puede faltar. “Seguimos siendo amigos. Esa es la clave. En nuestro caso sería imposible si no fuera por eso”.

PEÑA

JC

R EN GIRA

en www.mondosonoro.com

l

l

l

l

l Vitoria-Gasteiz 09 diciembre. Jimmy Jazz

l San Sebastián 10 diciembre. Dabadaba

l Valladolid 16 diciembre. Sala Porta Caeli

l León 17 diciembre. Studio 54

l Santiado de Compostela 14 enero. Sala Capitol

l Córdoba 27enero. Ambigú Axerquía

Sevilla 28 enero. Sala Malandar

Alicante 11 febrero. Sala Stereo

L'Hospitalet 04 marzo. Salamandra

Murcia 18 marzo. Mamba

Macaco

El placer, mejor compartido

LAS CANCIONES de “Vuélame el corazón” tienen en común las relaciones en el amor. Algunas hablan de los inicios de una relación, otras de ruptura, algunas de recuerdos, de complejidad y de transcendencia. Antes de que pudiésemos escucharlas todas, nos adelantó “Quiéreme bien”, junto a Leiva, un alegato al amor consciente que debería escucharse en las escuelas. La de Leiva es una de las múltiples colaboraciones que nos encontramos en el disco y de las que hablaremos más tarde. En relación a ellas, pero también sobre el concepto del disco, sobre esa nueva forma de cantar, sobre la mínima instrumentación, sobre el tempo más lento de las canciones y sobre cómo se conformó todo, le preguntamos a Dani. “Hubo diferentes factores. Primero que en la pandemia no hice gira y tuve mucho tiempo para darle vueltas. Después un día mi manager me dijo algo que me dejó shockeado: ‘¿Por qué no juegas a no ser tú’?’. Así que lo hice cantando muy cerca del micro o bajando el tono de las canciones. Tirtha [su guitarrista y coproductor]

y yo cogíamos cacharros, una sartén, guitarras pequeñas o sintetizadores analógicos y probábamos sonidos. Al escuchar lo grabado me emocionaba. Poco a poco fueron apareciendo canciones como cortometrajes sonoros. Además, como las relaciones se entienden en plural, pensamos en las colaboraciones y decidimos que era todo o nada”.

ES SABIDO QUE UN MÚSICO popular se expone a que la gente piense que le conoce, cuando en realidad es complicado ver qué hay dentro de cada uno. Sin embargo, en “Vuélame el corazón”, Dani se ha abierto todavía más. “En algunas de estas canciones me veo muy desnudo porque tienen que ver directamente con mi vida, y me reconozco en esas fotos imaginarias. Me confunde la gente que solamente muestra un color. La que solamente es reivindicativa, la que solamente escribe canciones románticas y dice que no habla de política. Yo siempre he ido por esa línea del medio y, claro, he recibido de todas partes”. Ahora, con estas canciones, por fin va a poder hacer esa gira por teatros que hace tiempo que soñaba hacer.

“En la pandemia hice algún concierto y aluciné. La gente estaba sentada, pero se sentía la cercanía. Cantaba masticando las palabras, me emocionaba y al mismo tiempo me divertía. Con todas esas canciones pequeñitas vamos a hacer una gira de teatros en enero. Tengo unas ganas enormes”. Pero ahí no queda todo. Pronto habrá más novedades. “He escrito un cuento que se va a convertir en película. Es una historia de realidad mágica sobre un niño, un piano de cartón y todo muy conectado con la naturaleza”.

M.A.

EN CONCIERTO

l Sevilla 14 enero. Fibes

l Zaragoza 20 enero. Teatro de las Esquinas

l Vigo 27 enero. Auditorio Mar de Vigo

l Valladolid 28 enero. Centro Congresos

l Valencia 03 febrero. La Rambleta

l Bilbao 05 febrero. Teatro Campos Eliseos

l Granada 11 febrero. Teatro CajaGranada

l Barcelona 16 febrero. Teatro Coliseum

l Cádiz 18 febrero. Teatro Juan Luis Galiardo

l Madrid 22 febrero. Music Station Príncipe Pío

Dani “Macaco” edita nuevo disco “Vuélame el corazón” (Sony Music, 22). Quince canciones que eligió entre las más de cuarenta que había compuesto en ese tiempo en el que se paró el mundo. Y, claro está, con un montón de invitados.

TEXTO Miguel Amorós FOTO Carlitos Way

EL APUNTE

Las canciones, los invitados

Vicente García - “Una conexión”

Un maestro conectando la raíz y la antena, y una voz alucinante. Será un clásico de la música latinoamericana.

Ximena Sariñana - “A un paso de baile de ti” Soy híper fan por su timbre de voz. Le envié la canción, se emocionó y aunque estaba rodando una película, quiso estar ahí.

Estopa - “Me lía”

Son tan bonitos, auténticos y cercanos que les quiero demasiado. David es intuitivo y visceral, Jose meditativo y ordenado. Estar con ellos en el estudio es muy loco.

Leiva - “Quiéreme bien”

Le envié varios temas, pero eligió este. Con ese flow tan lindo que tiene, quedó genial.

Kevin Johansen - “Culpable”

Nos conocimos, fuimos a un italiano a cenar y nos hartamos de reír. Es un intelectual nada pretencioso. Me encantan sus graves de crooner.

Valeria Castro - “Un recuerdo”

Muero por su voz, pura expresividad, humildad, cercanía, emoción. Está en ese grupo de voces que llamo almas viejas.

Fuel Fandango en “El cuerpo no miente”

Nita es un ser maravilloso, nervio, efervescente. Ale es más tranquilo. Juntos tienen un color mágico.

Rita Payés - “Arenas movedizas”

Es pura verdad, tan sabia siendo tan joven y no solo en la música, también en la vida.

Pedro

Capó, Álvaro

Soler, Ky-Mani “A tu manera”

Me alucina el timbre de Pedro, su rotura tipo Joe Cocker, y muy reggae. Me presentaron a Álvaro, vino a casa con tan buen feeling que grabamos allí mismo. Con Ky-Mani fue una locura, aparecía y desaparecía. Al final metió ese flow que me fascinó.

Conociendo Rusia - “Vuélame el corazón” Coincidí con Mateo en una cena casi sin conocernos. También acabamos en casa grabando. Un tema a compás de tango flamenco que cuadró perfecto con el tango argentino.

Tanxugueiras - “Tirititran”

Las conocí por Muerdo y me encantaron. Son galácticas, mágicas, vitales y con mucha personalidad. El tema es más flamenco, pero su parte en gallego es brutal.

Ape Scimmione - “Lento y a mil”

Viene a los conciertos y se hace una improvisación. Está un poco loco pero me cae muy bien.

Ana Mena y Bejo - “La guerra de los besos”: Un día escuche a Ana sin saber quien era y me recordó a mi madre, a las chicas ye-yés. Con ella fue muy fácil porque canta ¡tan bien! A Bejo le conocí por el Mondo y me hice súper fan. No me puede caer mejor, no va de nada, muy buen tío e inteligente. Un brother.

Travis Birds - “Amma”

Me gusta su imaginario y como canta en esta canción. Este tema no había entrado en el disco anterior, pero en este me cerraba perfecto con eso de “ama lo que quieras, pero ama algo”. M A

Lanzamos una portada exclusiva como coleccionable digital

Tienes entre manos nuestra revista en papel, pero este es el primer número de la historia de Mondo Sonoro que cuenta con una portada digital alternativa en NFT (NonFungible-Token), una pieza digital creada por el artista Fran Rodríguez (La Cabeza en la Nubes). Es uno de los artistas españoles con mayor proyección en el mercado del arte digital que, al margen de su obra propia, ha trabajado con grupos como Tame Impala, Weezer, Twin Shadow, Dorian, Toundra, Viva Suecia, Morgan, Fuel Fandango, Els Amics de les Arts y muchos otros.

La adquisición de la obra también te dará acceso a formar parte como socio de Club Mondo, beneficiándote de todas las ventajas del mismo como: recibir la revista impresa todos los meses en tu domicilio, participar en sorteos y promociones, acceder a contenido web exclusivo o tener prioridad a otros coleccionables digitales relacionados con el mundo de la música.

Consigue tu portada exclusiva digital por 45€. Los primeros 100 compradores recibirán la lámina física seriada y firmada por el artista.

Si ya eres socio del Club Mondo, recibirás de manera gratuita el coleccionable digital.

Para adquirir la obra abre el código QR. Disponible del 3 de enero al 4 de febrero.

La influencia de “Ok Computer”

Nadie puede discutir la importancia de “Ok Computer” (97), la obra maestra de Radiohead fue el último gran disco de rock del siglo XX, pero lo que es más discutible es su influencia y no porque no la tuviera, que la tuvo y mucho, sino porque esta misma banda volvió a revolucionar todo con su siguiente obra, creando el disco que iba a ser, esta vez sí, el más influyente del siglo XXI, “Kid A” (00).

YES QUE SI “Ok Computer” es el mejor disco de Radiohead, “Kid A” es, a la larga, el más influyente. Es evidente que siendo la misma banda se pueden ver similitudes entre ambos y que varias cosas de “Ok Computer” ya presagiaban “Kid A”, se podría decir que la mayor influencia de “Ok Computer” se ve en ese disco y que las fronteras entre la influencia de uno y otro están difusas pero parece cada vez más claro que se ha llegado al consenso de que “Ok Computer” es el último eslabón del gran canon de la música rock, ese que va de The Beatles, Dylan o The Rolling Stones en los sesenta, pasa a Bowie, Stevie Wonder o Pink Floyd en los setenta, Prince, Michael Jackson o The Smiths en los ochenta y acaba con Nirvana y Radiohead en los noventa. “Kid A” es, en cambio, el disco que fue hecho para romper ese canon y hacerlo mucho más inclusivo, dejando cualquier ortodoxia fuera y creando un nuevo estilo en el que las guitarras ya no eran el ingrediente principal.

AUN ASÍ ES INNEGABLE ver la huella de “Ok Computer” y Radiohead en mucha de la música popular de finales de los

noventa y comienzos del siglo XXI, donde fueron el equivalente a los Beatles entre su generación, principalmente todo el indie rock de principios de siglo, influyendo a todas las bandas que se crearon a posteriori pero, y esto es más difícil, también a coetáneos y glorias pasadas. Es imposible no pensar en Radiohead y “Ok Computer” cuando se piensa en obras maestras de artistas contemporáneos suyos como “The Soft Bulletin” (99) de The Flaming Lips o “Yankee Hotel Foxtrot” (01) de Wilco, que tuvieron que aguantar una injusta etiqueta como “los Radiohead americanos”, incluso en las poderosas guitarras de los Queens Of The Stone Age, con Josh Homme metiendo un riff sacado del “Electioneering” de “Ok Computer” en su “Little Sister”.

Infuencia sobre dioses del rock

PERO TAMBIÉN se puede ver su huella en artistas que les precedieron y les influyeron a ellos mismos, hablo de discos como “Up” (97) de R.E.M., una banda venerada por Yorke, o que la alargada sombra de “Ok Computer” llegó a las más altas instancias del rock con mitos como Roger Waters o Paul McCartney, responsables de varios discos que pueden ser vistos

3como antecedentes del de Radiohead, eligiendo a Nigel Godrich, productor de la banda, para posteriores esfuerzos en solitario.

PERO LOS DOS EFECTOS más duraderos de la influencia de “Ok Computer” fueron, primero, que supuso el certificado de defunción del britpop, aunque puede que para ese momento el movimiento ya se hubiera quemado solo, y, segundo, su enorme influencia sobre todo el indie rock de la primera década del siglo XXI, en este caso mezclado con el enorme impacto que supuso la aparición del comentado “Kid A”.

Un nuevo pop británico

SOBRE LO PRIMERO baste un disco como “13” (99) para ver claro cómo, al contrario que Oasis, Damon Albarn y los suyos habían estado escuchando a Radiohead. Aunque su huella fuera más evidente en la aparición de una nueva generación de bandas británicas que dejaban de mirar a los sesenta y la nueva ola como fuentes de inspiración para hacerlo con “The Bends” (95) y “Ok Computer” como referentes. Se trata de grupos como Coldplay, Travis, Doves, Keane o Muse,

que hicieron que el nuevo pop británico pasara a estar dominado por bandas que se habían aprendido “Ok Computer” de memoria. Baste escuchar “Plug In Baby” o “Knights Of Cydonia” de Muse, “Fix You” de Coldplay, “Sea Songs” de Doves o “Somewhere Only We Know” de Keane, para hacerse una idea de ese cambio de sonido. Eso sí, el enorme éxito cosechado por estas bandas sería otra de las razones por las que Radiohead abandonaría la senda que culminó con la aparición de “Ok Computer”.

SOBRE SU ENORME INFLUENCIA en el indie rock del siglo XXI no hace falta profundizar mucho, no hubo una sola banda que no les idolatrase en ese periodo, del “Agætis Byrjun” (99) de Sigur Rós (aunque en este caso la influencia fue recíproca con los islandeses) al “Merryweather Post Pavilion” (09) de Animal Collective, se podría hacer una lista con los discos más destacados de esa década y pocos se librarían de la poderosa influencia de la banda. Y es que hay toda una generación de músicos que creció bajo la enorme huella sonora de Radiohead, estamos hablando de grupos como The Shins, Grizzly Bear (es casi imposible no escuchar la influencia de canciones como “No

Surprises” en su “Knife” de 2006), The National, My Morning Jacket (¿recuerdas la preciosa “Dondante” de “Z”, 05?), The Microphones y Mount Eerie de Phil Elverum, los alemanes The Notwist, Broken Social Scene y muchos otros.

PERO SU INFLUENCIA no se limitó a la música rock, Radiohead consiguieron superar las barreras de género, y con “Kid A” directamente las hicieron volar por los aires, pero “Ok Computer” también inspiró a luminarias como DJ Shadow que llegó a declarar lo siguiente “el disco está permanentemente arraigado en mi ADN. Es parte de la música de mi vida” y acabó colaborando con Thom Yorke en el proyecto UNKLE con la canción “Rabbit In Your Headlights”.

“OK COMPUTER” FUE EL DISCO que el mundo necesitaba, pero puede que su mayor influencia llegara cuando hicieron “Kid A”, el disco que necesitaban ellos.

LEER MÁS

SERGIO ARIZA

COLDPLAY FOTO: ARCHIVO

KEANE FOTO: ARCHIVO

MUSE FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Alba Reche ha ido más allá en “Honestamente Triste” (Universal, 22), un disco breve, pero muy claro en sus intenciones y en el que la excelente producción de Oddliquor suma enteros.

“

HONESTAMENTE TRISTE” ha visto la luz en Universal Music, una discográfica que cuenta entre sus alegrías contar con los artistas que salieron de las primeras ediciones de la nueva etapa de Operación Triunfo. En el programa musical Alba Reche se convirtió en una sensación entre el público. También entre los especialistas. Fue la segunda clasificada, interpretando en la final una versión espectacular del “Creep” de Radiohead. Su carrera ha sido mucho más prolífica que la del ganador, y eso que está empezando. En la elección de Radiohead para intentar ganar Operación Triunfo, cuyo público objetivo, es una evidencia, probablemente no sean los fans que llenan los conciertos de Radiohead, hay mucho de la personalidad de Alba Reche como artista. Hay una vocación de aunar mundos que, por desgracia, no están tan cerca como deberían. Esta idea se reflejó en “Quimera” (2019), un trabajo que cosechó muy buenos resultados a nivel de ventas y streaming, y que se servía de un recurso que viene siendo habitual desde hace siglos entre escritores y artistas: la utilización del mundo clásico y de sus personajes, formas y motivos para hablar de lo que la artista quiere de forma simbólica. “Hace tres años de ‘Quimera’, el sitio en el que estaba en ese momento no tiene nada que ver con lo que soy ahora. Tanto para bien como para mal. Respeto mucho lo que hice antes, me gustan varias canciones de ese disco, pero no me siento absolutamente ligada a ellas. Me parece una forma de ocultar mi honestidad, mi lenguaje y todo. Ahora no tengo esa necesidad de tapar nada porque estoy en paz con lo que soy. Una de las cosas más bonitas que puede hacer nadie, es compartir de forma natural lo que eres. Nunca he tenido miedo, pero sí es verdad que antes mostraba más respeto. Ahora esto es ‘Honestamente Triste’, y esto es lo que hay y lo que oyes”.

HAY MUCHAS, muchas, emociones condensadas en estas cinco canciones –unas cuatro y media con la intro–. Emociones que, por mucho que uno trabaje de esto, en este caso son muy concretas. Toda la abstracción que había en “Quimera” ha sido superada por esa honestidad triste que le da nombre a este trabajo. Quiero decir que cantar “Casi duele más que no me dejes de pensar, si me piensas tan mal. Tus manos me soltaron con

Alba Reche Honestidad

la fuerza de quien quiere dejar de formar parte de mí” no es solo un ejercicio de creatividad sino de valentía consigo misma. Hace falta entrar en un universo muy concreto, pintado con los colores de la propia artista. Letras como esta, han nacido en el estudio, a pesar de lo que tienen de diario íntimo. “El estudio para mí es un sitio más, no es un sitio de trabajo. No lo veo como una obligación ni una forma de oprimir el mecanismo de las canciones. El momento de componer lleva muchísimas horas. Hay veces que hemos empezado a las doce del mediodía y hemos desayunado ahí al día siguiente. Me gusta tomarme ese momento para tomarme el tiempo que sea conveniente”.

ESTOS RATOS DE ESTUDIO los ha compartido con Oddliquor, quien se ha encargado

del grueso de la producción del EP. Un artista y un productor al mismo tiempo que ha dotado al trabajo de una atmósfera que cuadra muy bien con esa evolución de la que hablábamos en un primer momento. De nuevo a medio camino entre dos mundos, Alba Reche se divide, se parte en dos, literal y metafóricamente para alcanzar el pop renunciando a la producción más evidente. “Quería romper un poco con la idea de la tristeza en la balada pop. Sí, la van a encontrar en ‘Como si no importara’, porque me parecía guay la idea de buscar el baladón pop hecho por la gente moderna de Madrid”.

“‘NO CAMBIES TU ANDAR’ es el final de ‘Honestamente Triste’, que es como debería terminar, te está llevando por todos

“Ahora no tengo esa necesidad de tapar nada porque estoy en paz con lo que soy”

WALA. WALA.

los capítulos por los que tendrías que pasar, hasta musicalmente. Las canciones no tienen que ver una con la otra, incluso musicalmente. Me parecía interesante jugar con las canciones en un trabajo tan corto. Sé que la gente puede pedir que todo pueda tener sentido, que le puede descolocar que sean tan distintas, pero creo que cada canción está hecha para que se utilice como recurso en el momento que sea necesario, y que no sean todas iguales. Que puedan tener esos tipos de tristeza ahí puestos para que elijan qué canción van a escuchar”. “Honestamente triste” se abre también al público como un catálogo de tristezas. Obviamente porque hay un trasfondo melancólico que toca todas las canciones del trabajo. Sorprendentemente porque la tristeza no tiene fondo, y dejarse caer en ella muchas veces impide saber lo que tienes alrededor. Es como bajar en apnea al fondo del mar. Donde todo está oscuro y la presión te impide pensar bien. “Es un ejercicio que intenté hacer: cotidianizar las palabras. Me inspiro mucho en lo cotidiano pero creo que al final me cuesta mucho no romantizar la tristeza, aunque sé que está mal. Pero en las canciones me he permitido levantar la mano y decir: “Esta es mi forma de expresarlo”.

“LAS CANCIONES EN DIRECTO van a cambiar a un mood totalmente diferente. Defender algo que has escrito en momentos puntuales hace tanto tiempo, siempre es un poco frustrante tener que salir a defenderlo. Ahora estoy genial con mi vida, ¿y ahora por qué tengo que defender ‘Honestamente Triste’? Pues honestamente no lo sé. Da un poco de disforia, pero al final, de manera general, siempre entro muy fácil y salgo muy fácil. Cantar las canciones es estar en trance”. Alba Reche presentó su nuevo directo en el Café Berlín de Madrid en septiembre. Con un grupo de mujeres talentosas a su lado, entre las que se cuentan su hermana Marina (“cómo crece una canción cuando hay una segunda voz buena acompañando, me decía un amigo”); o Greta, una de la profesionales más respetadas entre los artistas residentes en la capital, entre otras amigas. Con ellas va a emprender su gira “Honestamente Triste”, que servirá para resarcir el parón de la anterior, y que la tendrá toda la temporada otoño invierno visitando las principales ciudades españolas. “Honestamente Triste”, dividida en dos entre un mundo y otro, entre la crudeza de las palabras y la emoción que guardan dentro; entre el pop para todos y la exclusividad de la vanguardia, Alba Reche ha guardado en estas canciones un pedazo de lo que pasaba en dentro de ella hace más de un año, y ahora se subirá a los escenarios a darles nuevamente vida. LUIS M. MAÍNEZ

l Barcelona 20 enero. La [2] de Apolo

l Zaragoza 21 enero. Sala López

l Málaga 03 febrero. La Cochera Cabaret

l Almería 04 febrero. Berlín Social Club

l León 10 febrero. Studio 54

l Vigo 11 febrero, Mondo Club

l Madrid 04 y 05 marzo, Femme Creators; Madrid Río

“No tengo ni idea de por qué ‘La Cosa’ tuvo críticas negativas. Pero me alegro de que ahora sea más aceptada. Eso está bien”

John Carpenter en Ruta 66

“Cuando era una niña, ‘Pesadilla antes de Navidad’ era una de mis películas favoritas. La única parte que me daba miedo era cuando Oogie Boogie se convierte en gusanos. Era aterrador”

Phoebe Bridgers en NME

“La primera vez que tuve un éxito fue en 1979 y pensé que era algo muy fácil de lograr. Luego me di cuenta que no era para nada fácil. De hecho, no he tenido éxito durante muchos años” Gary Numan en Rockzone

Sila Lua en Diario de Pontevedra

“CUANDO EN FEBRERO MURIÓ MI PADRE DE GOLPE, YO SENTÍ QUE SÍLVIA [PÉREZ CRUZ] ME QUISO CUIDAR, PORQUE LE HABÍA PASADO LO MISMO CON SU PADRE.” Rozalén en El Periódico

“Yo vengo del mundo del hip hop. Lo que más he escuchado desde siempre es rap. Mi alma es rapera. Pero cuando me fui a Londres descubrí todo un mundo de electrónica experimental”

Gilla Band Caótica normalidad

Después de cambiar su nombre de Girl Band a Gilla Band, la formación irlandesa publica “Most Normal” (Rough Trade/ Popstock!, 22), un inquietante álbum que parte de una base post-punk para, desde ahí, experimentar en diferentes direcciones hasta dificultar su clasificación definitiva.

EL VOCALISTA DARA KILEY responde a nuestras preguntas, materializando una entrevista que vira en torno a “Most Normal”, el que en términos globales y sin tener en cuenta el cambio de nombre del grupo, sería tercer álbum en su casillero. Un disco áspero e incómodo, pero también fascinante y cargado de intenciones. “Inicialmente la idea era que el disco fuese una especie de consecuencia del sueño. Las secuencias de sueños de ‘Los Soprano’ fueron una influencia desde el principio. Por lo general componemos juntos, pero este disco lo escribimos en partes y gradualmente fuimos dando forma a todo”. Una forma en la que tiene cabida cierto caos sonoro y también generosas dosis de noise, todo ello bien mimetizado con las

propias composiciones. Unas preferencias que confirma el propio entrevistado. “Supongo que el caos controlado es algo con lo que la banda disfruta experimentando. Hay algo de eso en medio del disco, en la canción ‘The Weirds’”. A pesar de que la base genérica de “Most Normal” pueda focalizarse en torno a ciertos parámetros del post-punk, lo cierto es que éste resulta un disco variado estilísticamente y capaz de protagonizar violentos giros. La banda ha decidido, además, cambiar de nombre, pasando del original Girl Band con el que publicaron sus dos trabajos previos –“Holding Hands With Jamie” (15) y “The Talkies” (19)–, al presente Gilla Band, algo que parece no afectar específicamente a sus formas y maneras. “No hay muchas diferencias importantes. Esperamos que ‘Most Normal’ sea una progresión lógica de los discos anteriores”.

LO CIERTO ES QUE NO ES SENCILLO situar a los irlandeses dentro de unas coordenadas cerradas, siendo uno de esos grupos que tienen en la anarquía su forma de entender el arte. “Lo que más me interesa es que nos forcemos creativamente a ir hacia adelante. En el momento en el que etiquetas o defines la música, algo se pierde. Si te comprometes con un género, corres el riesgo de

repetirte”. Unas especificidades también activas cuando se trata de conectar con cualquier escena. “No sé dónde encajamos. Nos han pasado cosas bonitas y también cosas raras. No estoy seguro de si hay una escena en particular sobre la que estemos cimentando nuestra carrera. Y probablemente eso sea algo bueno”. Dara Kiley parece entusiasmado cuando se menciona la actual escena música de su país. “En este momento hay algunas bandas y solistas maravillosos. Me encantan Paddy Hanna, M(h)aol y Myles Manley, por nombrar algunos. Son muy diferentes entre ellos, lo cual es una gran noticia”. Hasta la fecha, la formación ha lanzado todos sus discos al amparo de la mítica escudería inglesa Rough Trade, generando una complicidad que, por lo que dice el propio entrevistado, bien podría tener continuidad en el futuro. “Por lo que recuerdo, Geoff Travis nos vio tocar en Brighton hace años y finalmente nos ofreció un contrato. Son personas increíbles. Tenemos una gran relación. Son un gran apoyo y nos brindan una plataforma para ser creativos”.

RAÚL JULIÁN

LEER MÁS

FOTO: ARCHIVO

“En el momento en el que etiquetas o defines la música, algo se pierde”

Niño de Elche Renacer flamenco

El ex flamenco y artista interdisciplinar más incombustible de las dos últimas décadas, se rompe la camisa y escarba con sus propias manos en el campo santo de lo jondo, en busca de sus formas más esenciales y nos regala una obra cumbre y radical, “FLAMENCO. Mausoleo de celebración, amor y muerte” (Sony Music, 22).

TEXTO David Pérez Marín

“

14 CANTES, 14 CORTES, 14 heridas, 14 llaves, 14 formas de celebrar el amor y la muerte”. El flamenco ha muerto y Niño de Elche firma unos de sus discos más jondos, desenterrando las formas más clásicas del flamenco. “Más que clásicas, diría, más radicales, que es lo que busco un poco en este disco, irme solo a lo elemental, a lo más esencial del flamenco. Por eso, la idea de que el flamenco ha muerto pulula por ahí. Lo más esencial que queda de un cuerpo estético o sonoro”.

ESTAMOS ANTE UNA OBRA engendrada desde fuera, desde los márgenes, desde la fe perdida de un ex flamenco. “Un disco como este no se puede hacer de otra forma si no eres un ex flamenco. Desde dentro del flamenco no se puede hacer un disco como este. Porque el ruido que se vive y que se experimenta dentro del amasijo del flamenco, ya no solamente como disciplina artística, sino todo lo que conlleva socialmente, económicamente,

mediáticamente, no deja a muchos artistas liberarse para poder ver el bosque con cierta distancia y poder reflexionar sobre lo que supone realmente el flamenco y lo maravilloso que tiene que darnos. Entonces, para mí, tiene toda la lógica del mundo hacer un disco así, con esta radicalidad, en el sonido, en la forma guitarrística, en la forma de la voz, con estas formas tan esenciales, tan elementales. No se puede hacer de otra forma, si no te alejas, si no reflexionas, si no eres un ex flamenco, desde el amor y el odio, es imposible hacerlo desde otro lugar”.

EN ESTE “FLAMENCO. Mausoleo de celebración, amor y muerte” encontramos a cuatro (con la producción y la guitarra de Raül Refree, cinco) artistas hermanados con Niño de Elche en su radicalidad creativa: “Rocío Molina o Rosalía han sido criticadas por haber matado al flamenco [risas], entonces tenía todo el sentido que estuvieran en este disco, aparte que el flamenco de hoy en día no se puede entender sin sus personas, sin ninguna duda, sin su

3labor, sin su existencia. Igual que Refree. Aparte de ser amigos, colaboramos en muchas cosas juntos, pero, sin lugar a dudas, él es el único productor que podía entender cien por cien lo que yo quería contar y cómo quería contarlo. A mí me gustan mucho las guitarras minimalistas, también por mis influencias de otras músicas y las conexiones que pueden tener, entonces, todas esas fórmulas guitarrísticas que a mí me gustan y que yo toco, pues no hay otra persona que las pudiera entender que no fuera Raül. Él tiene ese espíritu, aunque no venga del flamenco. Y después, Yeray Cortés es para mí la promesa viva de la guitarra flamenca actual. Creo que él reúne lo más elemental: saber escuchar, leer muy bien las guitarras más cálidas, más elementales, más esenciales. Es un guitarrista que no se ha dejado sorprender por las tendencias estéticas más banales del flamenco”.

UN VIAJE A TUMBA ABIERTA que comienza con “Plañideras”, una llamada a la muerte que es puro desgarro, con una camaleónica Angélica Liddell que deja que su alma punk llore, poseída por el espíritu jondo más descarnado. “Ella es una de mis artistas referenciales y he tenido la suerte de trabajar con ella. Angélica hizo un es-

pectáculo basándose o inspirándose, espiritualmente hablando, en Manuel Agujetas y, por compartir tanto con ella, es como la mater, diríamos, espiritual del disco, por eso lo abre ella, su voz y su canción por seguiriya”. “El perfume de flor de guadañas” se extiende a lo largo de los surcos de este trabajo y fue el punto de partida del mismo. “Mis tres discos favoritos de flamenco están atravesados por la muerte. Entonces yo intentaba hacer un homenaje… El primero, el de Antonio de Mairena, su último disco, ‘El calor de mis recuerdos’ (83). Ese disco salió póstumo, con Antonio Mairena que canta increíble, con ochenta años años ahí, y que ya había muerto cuando el disco vio la luz. Se hizo para recaudar dinero para las personas mayores. Todo muy relacionado con la muerte. Otro disco increíble es uno que nunca me acuerdo del título… creo que no tiene título, es de Pepe Marchena,

un disco que él graba en su casa y en el cual cuenta, en esa grabación en directo, que es un disco que graba solamente para dejarlo en herencia a su hijo Piqui. Para que, cuando él muera, su hijo Piqui pueda vender esa grabación y tener un poco de dinero. La desgracia es que su hijo, Piqui, muere antes que Pepe Marchena. Y ese disco es una joya, es algo increíble. Y el tercero, es un disco de Manolo Caracol, también grabado en directo, un disco que creo, si no me equivoco, fue para las bodas de oro de Manolo Caracol o algo así. Está grabado en su tablao, donde graba a toda la gente que está trabajando en ese momento en el tablao y él canta [está en YouTube] ‘El último fandango’, que de ahí viene el título de la canción que cierra mi último disco. Y ahí, Caracol habla de que ese va a ser su último fandango grabado, porque está muy mayor, y la gente le dice: ‘No, hombre, no, Manuel, va a ser el penúltimo’. Esos tres discos están muy relacionados con la muerte y fueron el motor real para que yo emprendiera este viaje. D.P.M.

“Un disco como este no se puede hacer si no eres un ex flamenco”

“

TUVIMOS LA SUERTE de que teatros importantes nos echaran un cable con la producción y con tiempo para trabajarlo, con calma y profundizando en las ideas”, confiesa el músico catalán cuando le consultamos por la génesis del proyecto. “Es en estos procesos creativos donde más disfruto, cuando está todo por hacer: es como tener un juguete nuevo y tener tiempo para jugar con él”, recalca.

HAY MUCHO DE INTUICIÓN y poco de planificación a largo plazo en la carrera de Montefusco. Porque cuando le pregunto si el calado más universal de este disco surge como reacción a lo confesional y experiencial de sus precedentes, “Meridiana” (16) y “Diagonal” (19), deja el veredicto en suspenso. “Es difícil para mí hablar de esto porque no tengo la perspectiva: está claro que ‘Meridiana’ tenía una connotación social muy clara y en ‘Diagonal’ esa parte política se hizo más explícita que nunca: sí puede que esto sea una vuelta a mirar otra vez hacia adentro, aunque también es interesante para mí entender que lo de dentro y lo de fuera están muy relacionados, y que cuando llegas al núcleo de los problemas, a nivel íntimo, te das cuenta de que siempre hay un punto en el que todo lo que te ocurre viene de algún lugar, lo que me reafirma en que muchas veces hablar de lo íntimo y de lo político es casi lo mismo”, afirma.

EN ESENCIA, que lo personal es político, y viceversa. “Nada de lo que nos encontramos es neutro, nada es porque sí, todo viene de algún lugar y tiene una razón de ser, y cuando parece que no la hay, pues sí la hay. Aunque sea por dejadez o por no saberle ponerle nombre a eso. Pero existe por algo. Y creo que parte de nuestro deber es ir entendiéndolo y cogiendo perspectiva para ser lo más libres posibles. Desgraciadamente las cosas están jodidas. Y el disco en parte habla de eso”, afirma un músico que no entiende de escapismos y afronta cada nuevo disco como otro desafío. Para sí mismo y quizá para el oyente. Él mismo asume que “no lo he puesto fácil, en el sentido de que no he hecho demasiadas concesiones ni he pensado en lo que se espera de mí o en lo que gustará, e imagino que muchas cosas a bote pronto habrán sido difíciles o habrán generado cierta sorpresa, como cuando empecé a hacer cosas de

Enric Montefusco Resituación permanente

Lo nuevo de Enric Montefusco se llama “Viaje al centro de un idiota” (Buena Suerte/Satélite K, 2022), y es la plasmación discográfica del espectáculo del mismo nombre, que paseó por diversos teatros españoles junto al creador escénico y actor Xavi Bobés. Un cuarto álbum que supone un nuevo salto sin red, y del que hablamos con él por teléfono.

TEXTO Carlos Pérez de Ziriza FOTO Gustaff Choos

7

INDIE ROCK/ ¿Se sostiene la música sin su escena? ¿Aguanta el tipo desprovista del espectáculo teatral para la que fue ideada? Es lícito preguntarse esto ante "Viaje al centro de un idiota" (2022), porque se trata de la extensión musical del montaje que durante el último año pasearon Enric Montefusco y el actor y creador escénico Xavi Bobés por diversos escenarios. Y puede decirse que la respuesta es afirmativa. Porque ni aquello era una obra teatral al uso, ni tampoco el marcadísimo sesgo conceptual que lo justifica está tan lejos del explorado en discos como "Meridiana" (2016), "Coros de medianoche" (2018) o "Diagonal" (2019), ya que sigue primando ese concepto de la canción de autor de ahora mismo como vehículo de compromiso con su tiempo, tanto por temática como por sus nutrientes sonoros, que se alimentan de todo un poco. C P Z

teatro o cuando cambié al castellano, que era rarísimo para mucha gente, pero luego con el tiempo he entendido de dónde venía y adónde iba”, recuerda.

“VIAJE AL CENTRO DE UN IDIOTA” se divide en dos partes claramente diferenciadas: “Infierno”, con ocho composiciones, y “Purgatorio”, con cinco. Un disco, como casi todos los anteriores, que “intenta hablar de una transición, de un salto, de un cambio, de algo que ha cambiado en tu vida o que necesitas que cambie”. Y que por su estructura ya parece eliminar la posibilidad de que exista un cielo. Aunque sí lo barajó en un principio: “Mi idea inicial era hacer ‘Cielo’ e ‘Infierno’ [risas], porque la primera canción del segundo disco partía de un momento muy dulce, en época de pandemia, en la cual me iba a diario al bosque todas las mañanas con mi hijo, algo que no hubiera pasado de ninguna forma si no llega a ser por la pandemia, y de ese lugar poético y fuera del tiempo salió el lugar que quería retratar”, explica. “Pero cuando tiré del hilo, en la segunda parte, me di cuenta de que el cielo tenía que esperar: espero que llegue algún día”.

“

“Hablar de lo íntimo y de lo político es casi lo mismo”

“VIAJE AL CENTRO DE UN IDIOTA” no deja de ser, en cualquier caso, otro paso más en la exploración de un molde popular de canción de autor, atento a la tradición folk para hablarnos del presente. Montefusco tiene claro que el camino recorrido desde los tiempos de Standstill ya es bien largo. “Viniendo del mundo del hardcore, de la música independiente y alternativa, con toda esta cultura anglosajona a la que siempre estaré agradecido y que me ha enseñado tanto, a la vez siento también que nuestra generación también ha sido algo inconsciente, un poco como si no existiera el pasado, y no debe ser así, porque con el tiempo he entendido, sin yo pretenderlo, porque no tenía ningún interés a priori, a la música popular y su sentido, que es la música hecha por y para todo el mundo, sin las pretensiones de estilo, de elitismo, o de distinción que, quieras o no, tienen muchas de las tendencias que me han influido en mis inicios”, matiza.

ENRIC MONTEFUSCO ASUME que esa vocación popular puede chocar con el carácter conceptual del disco, más aún en esta era de la inmediatez del streaming y de TikTok, pero no por ello deja de pensar que valga la pena intentarlo. “Puede que la gente no esté acostumbrada a estar una hora delante de un disco, pero una cosa es que uno tenga hábitos que lo alejen de poder disfrutar en profundidad de algo y otra que no sea capaz de entender y de asumir perfectamente el contenido que hay en un disco”, dice. Y ahí se sitúa. “Intentando encontrar una forma adecuada para cada proyecto, que pueda llegar a cualquier persona, venga de dónde venga y tenga la edad que tenga”. C.P.Z.

LEER MÁS

Entrevista completa >>

Viaje al centro de un idiota Buena Suerte

La Femme La lucidez

Los franceses La Femme se atreven con el español con “Teatro Lúcido” (Disque Pointu, 22). Y no solo con el idioma, también con un universo sonoro propio de España y Latinoamérica. Hablamos con Sacha Got, guitarrista y fundador de la banda.

“ Teatro Lúcido” es un recorrido por lugares como Sevilla, Granada, Madrid, Ciudad de México, Cuautepec, Padul… Efectivamente, el disco es un viaje sonoro por todas esas ciudades. Las canciones hablan, de manera indirecta, sobre lo que han significado para nosotros a través de su cultura, su música, su tradición… Hemos vivido muchos años por estos sitios y este álbum es un homenaje a todos esos lugares que han formado parte de nuestras vidas.

Pero lo más interesante de este trabajo es el uso más que acertado del argot español. ¡Para ser de Francia habláis muy bien el idioma!

[Risas] ¡Sí! Como hemos vivido tanto tiem-

po en España y sobre todo en Andalucía, nos hemos rodeado de mucha gente española con la que siempre hemos hablado de esta manera. Nos han enseñado el slang español. Por eso escuchas palabras o expresiones en este disco como “resaca”, “la polla”... como decimos en “Sacatela” [risas].

“Cha-cha” puede que sea la canción más electro-pop del disco, pero en ella también nombráis a Andalucía. Habláis sobre el rechazo que os crea la cocaína o las discotecas en las que hay “borrachos”. ¿Habláis de la fiesta que habéis visto en España?

¡No, no! No quiere decir que pensemos que solo existe eso en la fiesta que se vive en España. Evidentemente hemos salido por España de fiesta pero la canción no habla concretamente del país. Es simplemente una reflexión sobre lo que a veces ocurre de noche.

En “No pasa nada” también habláis de una noche de fiesta de una chica en el sur que se tuerce un poco con un hombre borracho de estos que no dejan en paz. ¿Os preocupa lo que ocurre por la noche en las calles?

Parece que la canción “No pasa nada” habla

de algo más serio de lo que luego es. Habla sobre cuando te da un “blackout” una noche y no te acuerdas de nada al día siguiente. Es una historia que le pasó a una amiga cercana y queríamos contarlo a través de una canción, sin más pretensiones.

Está claro que le habéis cogido el gusto a componer y cantar en español. ¿Creéis que hoy en día está más de moda utilizar este idioma, después del boom de la música latina?

Nosotros cantamos en español en este disco porque hemos querido y por nuestra conexión con los lugares en los que se habla esta lengua. Hoy en día se puede cantar en el idioma que quieras. Está guay mezclar raíces y orígenes, tal y como hacen Califato ¾ o Rosalía en España, por ejemplo. ÁLVARO TEJADA

Más en www.mondosonoro.com

“No queremos que este disco se tome como un chiste o una broma”

EN LA BARCELONA DE LA MITAD de los dos mil, discos como “Vivalaguerra” de Standstill, “Maniobras de Escapismo” de Love Of Lesbian o “El juego entrópico” de Nueva Vulcano veían la luz por primera vez. De repente, en el antiguo festival Summercase aparece un nombre nuevo en su cartel: Mendetz. Con tan solo una maqueta autoeditada –que les llevó a ser Demoscópicos de esta publicación–, bajo ningún sello y con letras en inglés, la banda barcelonesa liderada por Stefano Maccarrone se empezó a hacer un hueco en la escena musical. Esa maqueta evolucionó en lo que fue su primer disco con nombre homónimo, toda una revolución musical: un synth-rock altamente sui géneris facturado a base de combinar elementos cercanos tanto a Daft Punk o The Cure como a The Rapture o The Faint.

EN “MENDETZ” NO SOLO se encontraba el que se convertiría en uno de sus temas inolvidables, “FutureSex”, sino una puesta en escena impecable de una banda que, con la mezcla de teclados, bajo, guitarras y batería, traía a nuestros oídos unos sonidos futuristas a la par que conocidos. Recordaban a muchas cosas y, a la vez, a nada: con reminiscencias a New Order y ochenteras en general y con una base claramente electrónica, acababa de nacer una gema en bruto realmente genuina que pronto sería acogida más allá del underground barcelonés para hacerse famosa en todo el país. Canciones como “Sofa” o “Inside” bailaban más dentro del rock, mientras que las “The Ground”, “F.O.M.E.N.A.” o “The Sheep Ormal” eran pura fiesta dosmilera en una

fusión perfecta entre rock y electrónica. La experimentación también era una de sus banderas, con temas como “Dryness”, totalmente melódico y con una fusión guitarrera y electrónica explosiva. No se regodeaban excesivamente en el pasado con sus referentes electrónicos, sino que apostaban por un estilo único. Sus letras inteligentes hablaban desde la ironía de cómo la tecnología podía apropiarse de lo más íntimo, hasta del sexo (“FutureSex”) hasta la incertidumbre de la vida (“The Ground”). La banda de Stefano Maccarrone (voz y guitarras), Jan Martí (voz y teclado), Oriol Francisco (bajo y voces) y Pablo Filomeno (batería) se autodenominaba Casiopunk en honor a sus teclados.

ESTA FUE LA CARTA de presentación de unos artistas con una expansión inmensa que crecerían después cuatro años después con “Souvenir” (Warner, 10), con auténticos himnos como su adaptación del clásico de Gala “Freed From Desire” o “Flashback” y ya dentro de un sello comercial. Le seguiría “Silly Symphonies” en 2011, también en Warner. Pero ya con su primer disco obtuvieron una repercusión que ni ellos mismos imaginaban: hasta The Guardian les dedicó un artículo de lo más elogiador el mismo año que sacaron su debut. Su despedida, aunque no oficial, causó inmensa tristeza entre sus fans especialmente por sus directos, que eran una auténtica fiesta del rock y la electrónica. Dedicados actualmente al mundo de la producción musical y de los libros, quién sabe si les volveremos a ver encima de un escenario. KAREN MONTERO

TAN. CERCA.

RREl Bilbao BBK Live ha anunciado casi una veintena de nombres que se suman a su decimosexta edición a celebrar los días 6, 7 y 8 de julio de 2023 en Kobetamendi (Bilbao). Encabezan la lista de novedades Idles, Phoenix, M83 y Fever Ray, entre otros.

RRTras anunciar semanas atrás a Antònia Font y Viva Suecia, el barcelonés Festival Cruïlla 2023 desvela el fichaje de Franz Ferdinand, Placebo, Sigur Rós, Tash Sultana, Leiva, Carolina Durante, Sen Senra y muchísimos más.

RREl Azkena Rock Festival –15 a 17 de junio en Vitoria-Gazteiz– nos sorprende con una nueva tanda de nombres entre los que destacan Incubus, The Pretenders, Alter Bridge, The Undertones, Lydia Lunch y The Guapos, la nueva superbanda con el mismísimo Leiva como batería.

RREl festival asturiano Tsunami Xixón, especializado en sonidos de guitarras, ha dado a conocer las fechas de su edición de 2023. Se celebrará los días 27, 28 y 29 de julio.

RREl madrileño Tomavistas –22 a 24 de junio de 2023, Parque Enrique Tierno Galván– ha confirmado once artistas, entre ellos La Casa Azul, Triángulo de Amor Bizarro, Ginebras, Carlangas, Cala Vento, Mujeres o La Élite –único concierto en Madrid en 2023–.

RREl festival Visor Fest regresará en 2023 a Murcia (22 y 23 de septiembre) y anuncia sus primeras confirmaciones: Orchestral Manoeuvres In The Dark, Nada Surf y Mercromina.

RROjete Calor, Miss Caffeina y Elyella son los tres primeros nombres que se confirman para la celebración del quinto aniversario del festival Warm Up Estrella de Levante. Será el 28 de abril de 2023 en el recinto La Fica (Murcia) en la fiesta Welcome V Aniversario MS

Mendetz Mendetz Sinnamon Records, 2006

Lo mejor de 2022

nacional

España al mundo

AL FINAL “MOTOMAMI” se ha impuesto por goleada. No ha habido discusión alguna entre nuestros colaboradores que la han aupado al número uno de la lista con sus votos. Y en cierta medida nos sentimos culpables por ser tan previsibles, pero cuando una artista con todas las letras como Rosalía, consigue a base de ambición y trabajo conquistar el planeta huyendo de lo obvio, solo cabe mostrarse orgulloso de ella y situarla en lo más alto. Una decisión que ha sido compartida por infinidad de publicaciones internacionales que han colocado el álbum en puestos importantes (desde Time a NME, pasando por Les Inrockuptibles o Pitchfork), con la salvedad de que ellos lo han incluido en su lista internacional y nosotros en la de discos confeccionados por artistas con los que comparte nacionalidad en su DNI.

PERO OJO, QUE NO SOLO DE POP LATINO se ha nutrido la actualidad, aunque su influencia haya golpeado con fuerza inusitada en ese mundo anglosajón que controla los medios. Si situamos la lupa a una escala mucho más doméstica no deja de ser curioso que un disco que, desde otra dimensión más académica, también fusiona la tradición del flamenco con la electrónica más vanguardista, se encuentre situado en el segundo puesto de nuestra lista. Y no por casualidad. Rocío Márquez lleva años mostrado su inquietud vital por

investigar y no quedarse quieta en la tradición para abrazar desde el flamenco otros lenguajes. Y, aunque no sea ni la primera ni la única en hacerlo, compartiendo inquietudes con otros compañeros como Niño de Elche, Le Parody, Rosario La Tremendita, RomeroMartin, Califato ¾ o Cristian de Moret, por citar unos cuantos, sí cabe decir que su alianza con ese demiurgo de la electrónica llamado Bronquio, ha hecho de “Tercer Cielo” algo muy especial. Tras ellos hay de todo como en botica, aunque nos gustaría destacar que ha sido un año excelente para reivindicar el sonido más guitarrero y eléctrico aupado por potentes melodías. Las mismas que puedes encontrar en discos de Smoking Souls, Carolina Durante, Sexy Zebras, La Plata, Biznaga, Viva Suecia, Yawners, Camellos, La URSS, Toundra o León Benavente. Claros ejemplos de que el término alternativo mantiene su salud al margen de las modas. Y a partir de aquí solo queda bucear en los nombres más nuevos que también abundan en el listado y que representan esa savia nueva que demuestra la buena salud musical de un país tan variado como el nuestro. DON DISTURBIOS

ROSALÍA FOTO: MARÍA ALFONSO

Rosalía Motomami

Columbia

POP / Una explosión infinita de referentes y, excepto maravillosas excepciones, con la voz como parte y no como todo. La obra es una clase de spinning. Es un álbum infinitamente de hoy: no hay lugar al vacío. La norma es hacer gala de la contradicción. Lo complejo y lo superfluo. YERAY

S IBORRA

2

Rocío Márquez y Bronquio

Tercer cielo Universal Music

FUSIÓN / La cosa es seria. Aunque esta obra parte del juego, del azar, este baile dialéctico entre el flamenco y la electrónica que han fraguado conjuntamente Rocío Márquez y Bronquio, contiene una profundidad y fluidez orgánica que, en mi opinión, hasta el día de hoy, nadie había alcanzado.

6

Natalia Lacunza

Tiene que ser para mí Universal

POP / En su álbum de debut, la artista pamplonica ha desvelado todas sus vivencias dejando plasmadas las lecciones que ha aprendido de la vida. Habla en primera persona con una sensibilidad que deja patente en cada una de sus letras. Un disco de pop claro, cristalino, consistente y maduro.

ELENA MARTÍNEZ

Sexy Zebras Calle Liberación Autoeditado

ROCK / El título hace referencia a la calle de Hortaleza en la que se criaron. Una reivindicación de su vuelta a los orígenes, pero con la sabiduría que da la experiencia. “Calle Liberación” suena maduro a la vez que fresco, reflexivo pero espontáneo, simple y complejo al mismo tiempo. La espera ha valido la pena. JESÚS CASAÑAS

Smoking Souls

La cura Propaganda Pel Fet!

ROCK / “La Cura” hace alusión a ese anhelo latente y compartido de dejar atrás todos los daños que esta época ha traído de la mano. No hay más que desenredar de esa maraña de riffs agitados las desgarradoras palabras de Carles Caselles para darnos cuenta de la pesada carga emocional que este disco contiene. FRAN GONZÁLEZ

3 4 7 8

La Plata Acción directa Sonido Muchacho

POST-PUNK / Se han tomado su tiempo para elaborar a conciencia “Acción Directa”, periodo que ha servido para consensuar un sonido que muestra, con orgullo, algunas novedades. Si bien su esencia primigenia sigue latiendo, la propuesta se vuelca más que nunca del lado de la new wave y el post-punk. RAÚL JULIÁN

Carolina Durante Cuatro chavales Sonido Muchacho

ROCK / La consolidación del sonido que tantas alegrías les ha dado. Ahora son mejores en lo que ya hacían de lujo y regresan cargados de nuevos temazos con un álbum continuista que sigue apostando por esa vena punk, junto a esa inspiración shoegaze, sobre la que han construido su identidad. ÁLEX

JEREZ

Guitarricadelafuente La cantera Sony Music

CANCIÓN / Álvaro Lafuente ha hecho fortuna gracias al candor de su cantar junto a unos pocos arañazos a las cuerdas. PEro acompañado por Raúl Refree a la producción, Guitarricadelafuente ya no es solo guitarra y voz. Su juventud contrasta con su escritura realista y de palabras vetustas y rurales.

YERAY S. IBORRA

DAVID PÉREZ MARÍN

ROCÍO MÁRQUEZ Y BRONQUIO FOTO: ARCHIVO

SMOKING SOULS FOTO: AINHOA MUÑOZ

Cariño Cariño

Sonido Muchacho

POP / El trío ha demostrado que no hay vértigo ni larga espera que puedan con su tontipop. Es sintomático que el álbum se llame “Cariño”, pues lo que encontraremos en él es su más pura esencia, o, mejor dicho, el perfeccionamiento de esta. Un disco involuntariamente generacional. — CLÀUDIA

PÉREZ

Depresión Sonora El arte de morir muy despacio Sonido Muchacho

Merina Gris Zerua Orain

Airaka

Vulk Vulk Ez Da Montgrí

ROCK / Vulk son para experimentar en directo; pero este disco es bastante fiel a esa descarga brutal, demencial a ratos, sobre el escenario. Tras casi cuatro años de silencio, la banda vizcaína arranca este primer disco íntegramente en euskera, con el motor de un coche que se estamparía meses después. AMAIA SANTANA

Hoke & Louis Amoeba BBO Autoeditado

RAP / La vuelta del rap clásico a la primera línea de la escena nacional es una realidad. Trabajos como éste lo refrendan, y, en este caso, significan aún más. Es lo que pasa cuando firmas un álbum redondo, que enlaza con los códigos de una generación mientras bebes del río de la tradición. LUIS M. MAÍNEZ

POST-PUNK / El debut en largo de Marcos Crespo es un trabajo excelso en el que subraya todo lo positivo que nos había adelantado. Amplifica su imaginario estilístico a través de nuevas puertas. No hay límites para la evasión en estas formas de vampirizar referentes y destilarlos como algo propio.

ELECTRÓNICA / El rostro desenfocado de la portada refleja la sensación de alienación y extrañeza, de tristeza y desorientación que nos queda tras escuchar el disco. Los ocho temas que lo componen tienen mucho de melancolía, apatía y desilusión. Pero también elegancia, fuerza y ganas de bailar. IÑIGO BASAGUREN-DUARTE

MARCOS GENDRE

Cupido Sobredosis de amor Primavera Labels

POP / La confirmación de que este quinteto inestable y heterogéneo es capaz de producir un trabajo sólido. Un disco con sentido completo. El grupo ha generado un universo coherente articulado gracias a un recorrido temático y a un sutil giro más potente en el sonido global repecto a su debut.

AINA CAMACHO

10 11 17 18 24 25 23

Amaia

Cuando no sé quién soy Universal

POP / El segundo no es el más difícil. No cuando te has convertido en el nombre más carismático de la mejor edición de Operación Triunfo, has ido a Eurovisión o has coqueteado con el indie. Cuando has sido “Amaia de España”, volver a ser Amaia, signifique eso lo que signifique, cuesta, al menos, un par de álbumes. YERAY S. IBORRA

Camellos Manual de estilo Limbo Starr

ROCK / En su tercer larga duración, Camellos miman más su adictiva y descarada propuesta, convirtiéndola en eso, en su eficaz manual de estilo y su guía para ser quienes son a día de hoy. Ahí están canciones como “Cambios de humor” –con Josele Santiago–, “Blessed” o “Divorcio” para dejarlo claro. ADRIÁN

LERMA

La Élite Nuevo punk Montgrí

PUNK ELECTRÓNICO / Resumir lo que son La Élite puede ser sencillo y complicado a la vez. Vayamos a la primera opción: punk electrónico desmadrado, salpicado por el rock radical vasco, el garage, la new wave o Ilegales, supurando orgullo callejero, alcohol, drogas y hits para romperse la mandíbula a codazos. JOAN S. LUNA

12 13

Viva Suecia

El amor de la clase que

sea Universal Music

INDIE/ Regresan con mucha más hambre por comerse los escenarios que nunca con un disco donde se han desprendido de todos sus prejuicios y lo han llenado de colores, luz y, sobre todo, de amor. El empujón definitivo que necesitaban para asentarse como una de las bandas más importantes de la escena.

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

Biznaga Bremen no existe Montgrí

PUNK ROCK / Después de despacharse con las abundantes miserias de la era digital en el celebrado “Gran Pantalla” (20), el cuarteto amplía el foco. Vuelve con las pilas cargadas y un cuarto álbum cuyas melodías, más luminosas que nunca, no esconden la amargura de los que no tienen nada que esperar. JC PEÑA

19 20

Maria Rodés Fuimos los dos Elefant Records

INDIE FOLK/ Tras un camino de fascinante autonomía creativa, Rodés se estrena en solitario para Elefant Records con un trabajo que transpira arquitectura instrumental de (aparente) sencillez. Fina orfebrería con la que parece haber condensado su modus operandi para cazar la melodía perfecta. MARCOS GENDRE

Parquesvr

Si no fuera por estos momentos, sería por otros Raso Estudio

ROCK / Con este segundo álbum, la banda de Javi Ferrara pretende librarse del sambenito reduccionista de grupo de coña. Parquesvr sale airoso del envite y Ferrara se destapa como letrista tan agudo como ingenioso, capaz de ser serio sin perder la gracia. JC PEÑA

León Benavente ERA Warner

ROCK / No han querido acomodarse; al extremo de intercambiar instrumentos, meter pocas guitarras, y darle mayor protagonismo a las bases electrónicas, con temas casi sintéticos como “Persona” o “Mítico”. Pero las múltiples facetas del disco se disfrutan como un todo hilvanado por la voz y textos del cantante. JC PEÑA

Rojuu KOR KOR LAKE

Sonido Muchacho

POP / Rojuu corona una de las cumbres del nuevo pop en español con este nuevo álbum en el que abraza el sonido indie para trascenderlo desde la estética asiática y la fluidez en los géneros y en los estilos. Rojuu es un artista nacido en el siglo XXI y así lo demuestra: los limites no existen. LUIS M MAÍNEZ

Joe Crepúsculo Trovador tecno El Volcán

POP ELECTRÓNICO / Un viajazo psicotrópico con olor a sudor y gasolina. Potencia todo lo que le hizo grande en aquel “Baile de Magos” (13). Mima el universo electro con sabor castizo que tanto le representa. Esa propuesta que le encumbró y que aúna una buena feria de pueblo con un poeta moderno con mucho que decir. ÁLEX JEREZ

Yawners Duplo Montgrí/Big Scary Monsters

INDIE ROCK / Elena Nieto firma su lograda reválida con una maravillosa colección de canciones con Santi García en la producción y ecuánimemente compuestas en castellano y en inglés. Con un discurso próximo a una realidad que supura olor a golden hour, bowl para patinar y tardes de verano con amigos.

FRAN GONZÁLEZ

29 26 27

Blanco Palamera

INTIMIDADE

Raso Estudio

POP / Letras con mucho corazón y piel para encontrar la manera de aceptar el dolor para sanar. Se desplazan de forma natural entre el funk, el groove, la electrónica y el pop más actual. Nos llevan volando por un compilado de canciones cuidadas y masticadas con más fuerza, más poder y más baile. ÁLEX JEREZ

14 15 21 22 28

Natos y Waor Luna llena Autoeditado

RAP / Su música ha evolucionando: el rap tiene menos presencia y entran en juego otros géneros. Un giro en el sonido, pero no en la identidad. Una amalgama de estilos donde encontramos rock, reggaetón, baladas, R&B,… fusionados con ese rap callejero y oscuro que ha convertido a Natos y Waor en un género en sí mismos. ALFONSO GIL

Dorian Ritual

El Temblor/Intromúsica

POP / Libres de prejuicios, cadenas e imposiciones. Dorian dan un portazo al pasado y presentan un nuevo renacer con “Ritual” La identidad de la banda no se estanca y se enriquece una vez más con nuevos recursos rítmicos, beats latinos y sonidos caribeños gracias a una ruptura completa de fronteras. ÁLEX JEREZ

Niño De Elche

Flamenco. Mausoleo de celebración, amor y muerte Sony Music

FLAMENCO / Volvemos a encontrar a Niño de Elche dando más rienda suelta que nunca a ese amor y odio que le hierve por la sangre y brota como una primavera de fuego por su boca. Un reencontrarse a sí mismo abrazando las formas más radicales del flamenco.

DAVID PÉREZ

Los Estanques y Anni B Sweet Burbuja cómoda y elefante inesperado Inbophonic Records

POP ROCK / Su propuesta trasciende más allá del mero capricho en un disco ambicioso con un desarrollo apabullante difícil de esquivar. Una mixtura de psicodelia, rock progresivo, pop y querencias setenteras, en el que la maravillosa voz de Annie B Sweet ejerce como canto de sirena. RAÚL JULIÁN

31 32

Ósserp

Els nous cants de la Sibil·la Eternal Juggernaut Records

METAL / Enriquecen su mezcla compacta e infalible de death metal y grindcore con concesiones al black metal o las atmósferas industriales, dando forma a su obra más ambiciosa. Convencen y te dejan con la sensación de que se han convertido en una de las bandas más importantes del extremo estatal. TOMEU CANYELLES

Menta

Un momento extraño Sonido Muchacho

ROCK / Cristina Mejías y compañía ejecutan el mejor retrato posible de una generación tristemente engañada y manipulada, sumida en la precariedad social y el desgaste emocional. Menta tienen en su mano la genial habilidad para remover en nosotros un halo único de catarsis purgante. FRAN GONZÁLEZ

35 36

Marina Herlop Pripyat

Primavera Labels

POP / Lo de Marina Herlop es diferente. Podemos jugar a simplificar las cosas y decir que es como un cruce entre Kate Bush y ARCA, pero afinaremos más el tiro si resaltamos que su música es tan singular como esa ciudad fantasma ucraniana que ella misma ha escogido para titular su tercer álbum.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Tanxugueiras Diluvio Calaverita Records

MESTIZAJE / Un álbum conceptual que logra romper la barrera idiomática, ya que gira sobre algunos de nuestros pecados más habituales para que podamos aprender, reflexionar y mejorar sobre ellos. Un trabajo con el que vuelven a unir la música popular con los sonidos más actuales.

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

Toundra Hex Inside Out

ROCK / Toundra juegan con su baraja de cartas habitual, canalizando todo su potencial una vez más para conseguir que el oyente entre de lleno en sus atmósferas, compuestas en un momento crucial para nuestra sociedad, y dejando hueco para momentos luminosos y que desvelan una palpable esperanza. JAIME TOMÉ

Margarita Quebrada Gas lágrima Jabalina

POST-PUNK / Con este trabajo, Margarita Quebrada se suma al reducido grupo de artistas emergentes que triunfan independientemente de la cantidad de público que reúnan. El triunfo por la propuesta, por el talento y la visión, y no por el reconocimiento general, es el más difícil de lograr. LUIS

M MAÍNEZ

La URSS

Humo

PUNK / La URSS reflexiona sobre el capitalismo como fe en su quinto largo. El nuevo disco nos presenta en portada el símbolo de la cruz, en apático gris hormigón, apelando a lo que encontraremos dentro: tiempos de hedonismo depresivo, crisis de fe y un presente continuo del que es difícil escapar. IÑIGO BASAGUREN-DUARTE

El Último Vecino Juro y prometo

POP / Gerard Alegre opta por recuperar la evidencia en sus influencias, sin trampa ni cartón, cargando de franqueza y sentimiento cada estrofa y cada verso. Un tercer álbum repleto de guiños patentes, miradas al pasado, rabia contenida y honestidad retórica que logran reencauzar su carrera. FRAN GONZÁLEZ APARICIO

Rigoberta Bandini La emperatriz

INDIE POP / Una recopilación de recuerdos más que una ofrenda musical. Recuerdos, porque algunas de sus canciones, como “In Spain We Call It Soledad” o “Ay Mamá”, son ya historia de este país. Antes de existir, “La Emperatriz” ya era leyenda, ya había marcado la música pop española contemporánea. CLÀUDIA PÉREZ

Enric Montefusco Viaje al centro de un idiota Buena Suerte

INDIE ROCK / La extensión musical del montaje de Montefusco, aguanta el tipo desprovista del espectáculo teatral para el que fue compuesta. Sigue primando ese concepto de canción de autor como vehículo de compromiso con su tiempo y nutrientes sonoros, que se alimentan de todo un poco.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

CANCIÓN / Quizás la música no tenga ese poder transformador que muchas veces le otorgamos, pero sí puede acompañarnos en procesos vitales y sociales e insuflarles ese empuje y brisa que nos ayuda, cuando más cuesta reencontrarse con la ilusión, a proseguir el camino hacia un nuevo destino. DAVID PÉREZ

2008

1. “Cronolánea” Lori Meyers

2. “La gallina” El Columpio Asesino 3. “Un día en el mundo” Vetusta Morla

2009

44

Confeti De Odio Hijos del divorcio

Sonido Muchacho

POP / Irónico, avispado y afilado desde el mismo nombre escogido para bautizar su proyecto musical. Así es el perfil artístico de Lucas Vidau al frente de Confeti de Odio, con quienes ahora publica un segundo larga duración que confirma exponencialmente las virtudes latentes en su debut.

RAÚL JULIÁN

Go Cactus We Wasted the Chance But We’re Fine BMG

ROCK / El manejo del garaje, el rock y el surf caracterizan su estilo desenfadado y joven, otorgándoles un sonido alternativo e indie. Letras sobre el trabajo, la falta de dinero, amores y desamores, definen la línea de un disco con el que Go Cactus adoptan un sonido más limpio y maduro. TANIT CORTÉS DEULOFEU

Chill Chicos

Los más guapos de Madrid The Music Republic

POP / Aunque ahora sean los más guapos de Madrid y amplien su propuesta a géneros diversos, Chill Chicos siguen siendo los mismos tres colegas de antes haciendo música en su cuarto. Tres chavales que han pasado de tener un prometedor grupo de la escena pop nacional a ser toda una realidad. ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

1. “Romancero” La Bien Querida 2. “La dimension desconocida” The New Raemon 3. “La ciudad subterránea” Dorian

2010 1. “Pop negro” El Gunicho 2. “Subiza” Delorean 3. “Adelante Bonaparte” Standstill

2011

1. “Diamantes” El Columpio Asesino 2. “10 milles per veure una bona armadura” Manel 3. “The Orinal Soundtrack” Bigott

2012 1. “Ultraviolet Catastrophe” Hola a Todo el Mundo 2. “III” Toundra 3. “Sángrala” La Débil

2013 1. “De palmas y cacería” Pony Bravo 2. “León Benavente” León Benavente 3. “Victoria mística” Triángulo de Amor Bizarro

Los Punsetes

AFDTRQHOT

Sonido Muchacho

POP ROCK / Con su séptimo larga duración, los de Madrid se muestran tan inquietos en lo sonoro como fieles a su sello propio, y sobre todo más guerreros que nunca. La banda suena más cabreada y gana insospechados matices. La justificación de que sean, desde hace años, una institución de nuestro indie. JC PEÑA

Ginestà

POP / Es sobre todo un disco bonito. Todo en él rezuma una ternura y una emoción que te enamora. Las melodías resultan amables y logran envolverte en una suave manta de sintetizadores y baterías electrónicas con la nada disimulada intención popular de agradar, pero con un evidente y personal sello de autor. DON DISTURBIOS

42 43 49 50

47 48

Habla De Mi En Presente Vivir más

Halley Records

POP / Si coges lo mejor del espíritu vitalista y le sumas unos ritmos de tecno-rumba que te incitan a moverte sí o sí, obtienes “Vivir más”, el debut de Habla De Mi En Presente. Todas las pistas consiguen de una forma u otra sorprenderte, sea por su efectividad, por sus arreglos o por su frescura festiva. ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

Juicy Bae PTSD Autoeditado

URBAN / En este segundo álbum, la sevillana Juicy Bae ha encontrado su sonido propio e identitario, fruto de una gran transversalidad de registros y géneros (trap, r&b, flamenco). Un álbum de amor y desamor, apego y desapego, con colaboraciones con referentes del panorama como Leïti Sene y Polimá Westcoast. PATRICIA CASTELLAR

La Bien Querida Paprika

Sonido Muchacho

INDIE POP / Al cambio de discográfica se le añade la alta presencia de sonidos latinos en este disco: bachata, bolero, salsa y rumba conviven en “Paprika” con el synth pop o con cortes españoles más clásicos. Nos confirma, de nuevo, que La Bien Querida es incapaz de hacer un disco malo, ni siquiera regular. PABLO TOCINO

2014 1. “Resituación” Nacho Vegas 2. “Centro Dramático Nacional” Biznaga 3. “Sangrín” Pablo Und Destruktion 2015

1.

2.

3.

2.

3.

1.

2.

Compro Oro Estarantos

POP / Un segundo largo en el que los almerienses perfeccionan su personal fórmula. Rezuma autenticidad y pellizco por cada surco, mezclando a la perfección electrónicas y raíces. Doce cortes que son hits en potencia casi por igual, con regusto a mal de amores en vena y el ADN cañí del rock aflamencao y marginal. DAVID PÉREZ

1.

2.

3.

Suposo que l’amor és això Kasba Music

HARDCORE-PUNK

Siempre habrá luces

DEPENDE DEL AÑO, de la cosecha de la temporada, esta lista toma un aspecto más hardcore o más punk, más post-hardcore o más post-punk, más screamo o más metalcore. Este año digamos que ha sido un poco de todo. Así partimos del punk de Biznaga para pasar por propuestas de lo más diverso en las que nos vamos a encontrar de todo. Y no solamente en cuestión de géneros (o subgéneros si lo prefieren), sino también de las lenguas utilizadas en cada uno de los discos que hemos seleccionado en nuestra lista de diez trabajos más destacados –desde nuestra perspectiva, claro está–: castellano, euskera, catalán e inglés. Esperamos que eso no suponga un problema para disfrutar de ninguno de ellos. Y como suelo decir en todos los resúmenes en los que participo, recuerden hay muchísimo más que vale la pena. Échenle una escucha al material que han lanzado este año artistas como La Inquisición, Sofa, Paüra, Teething, Pulso, Sofa, Arma X, Verdugo, Vereda, Boys Kissing Boys, Laid, Dixebra, Tenso, Cuneo, Willis Drummond, Etxekalte, Grima, Shibuya, Milenrama, Pilseners, Ratpenat, Copdemar o grupos cuyo radio de acción va quizás a audiencias más rock como Kaotiko, 16 Cuerdas, No Konforme, Kepler y muchos otros. Quizás haya quien eche de menos otros nombres, pero son tantas las propuestas que resulta prácticamente imposible a día de hoy llegar a todos los discos que valen la pena y hacerlo en el momento en el que se publican. Así que buceen, busquen, déjense guiar por prensa, amigos y otros músicos, pero sobre todo no se bajen del tren, porque el punk y el hardcore todavía tienen cuerda para rato. JOAN S. LUNA

El primero

Biznaga Bremen no existe Montgrí/Popstock!

DESPUÉS DE DESPACHARSE con las abundantes miserias de la era digital en el celebrado “Gran Pantalla” (20), que apenas pudieron girar por la pandemia, el cuarteto amplía el foco. Vuelve con las pilas cargadas y un cuarto álbum cuyas melodías, más luminosas que nunca, no esconden la amargura de quienes han entendido que los Trotamúsicos de la portada no tienen nada que esperar (un guiño estupendo). Estamos, en definitiva, ante el final de la inocencia. “Música para otra generación perdida”, reza el subtítulo (y verso de una letra), añadiendo connotaciones literarias (Conrad, Céline...).

El primero

Tanxugueiras

“CERRAR LOS OJOS, darle al play y trasladarte directamente a Galicia” esa es la definición más rápida y breve que se puede hacer sobre “Diluvio”. Pero dentro hay más, mucho más. Un disco conceptual que logra romper la barrera idiomática y que gira sobre algunos de nuestros pecados más habituales –que enseguida llegamos a reconocer–para que podamos aprender, reflexionar y mejorar sobre ellos. Un trabajo de doce pistas con el que vuelven a unir la música popular con los sonidos más actuales, y en el que los protagonistas son los instrumentos más tradicionales junto a sus voces.

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

Diluvio universal

FINALIZA 2022 y una borrasca entra por Galicia para regalarnos un diluvio en forma de música con un pie en la tradición y otro en la rítmica más desenfada. Además Tanxugueiras nos lo cantan en gallego. Y es que una de las características de esta lista es el plurilingüismo, fruto de esa riqueza cultural que no nos cansaremos nunca de defender en Mondo Sonoro. Y no para separar nada, sino para hermanarnos, fundirnos, empaparnos y enriquecernos de las diferencias de todos. Esa debería ser nuestra fuerza y orgullo. Por eso solo van a encontrar mensajes positivos en las canciones que conforman los discos de esta lista. Mensajes que, somos conscientes de ello, provocan más de un sarpullido. De hecho, estos ‘acomplejaditos’ acostumbran a ser los mismos que renuncian a una buena verbena, un baile, una rumbita o incluso un pogo. Los mismos

que arqueaban la ceja en 2001 cuando las calles de Barcelona o Génova se llenaban de manifestantes bajo el lema de “Otro mundo es posible” y nos llovieron todos los palos del mundo. Pero aquí seguimos. Y aquí sigue el espíritu de aquel “Sonido Barcelona” materializado en manos de La Pegatina, Maruja Limón, Che Sudaka, Itaca Band o la tecno-rumba desenfadada de Habla de Mí En Presente, los más pipiolos del lote. Junto a ellos veteranos curtidos en mil batallas y otras escenas como Xavi Sarrià, auténtico capo di capi del Pais Valencià, o Los 300 como representantes de la Granada más desenfadada y festiva. Por último recomendar los discos de los vascos Broken Brother Brass Band y el del senegalés afincado en Cataluña Momi Maiga,

Diluvio

Calaverita Records

Saltar la banca

NO HAY DEBATE EN QUE HOKE & LUIS AMOEBA son el grupo del año en el rap nacional. El jugador revelación. Adelantando a todos por la derecha sin que nadie se lo esperase. Su rap lleno de códigos, costumbrismo y atmósferas sombrías, espejo de la vida en el barrio, ha batido récords y merece la medalla de oro. La plata y el bronce son para un Fernando Costa imparable con su trabajo más serio y maduro y para un Israel B (en compañía de Lowlight) con casi dos décadas de carrera evolucionando y ganándose el respeto de una escena cada vez más rica y abierta. Una escena donde el rap más ortodoxo ha recuperado terreno frente al trap y la influencia electrónica, como nos demuestran Ayax, Delaossa, unos Ill Pekeño & Ergo Pro que algún día ocuparán el número uno y un Sho-hai que presenta su mejor versión desde Violadores del Verso. La excepción que confirma la regla la pone Erik Urano, siempre trasgrediendo, mientras que Los Chikos del Maíz vuelven con ese mensaje político que tan importante es en el rap. Igual que lo es que raperas como Anier declaren su bisexualidad, algo de lo que deberían aprender muchos raperos. Fuera de la lista quedan Natos y Waor, quienes entendemos que han trascendido para llegar a públicos diversos. Ahí ha estado también Blasfem marcándose un quién es quién de lujo o Elio Toffana con “Shock Wave” casi en tiempo de descuento. Y no nos olvidemos de los buenos trabajos de artistas como Sofía Gabanna, Gloosito, Luisaker, Al Safir, Swan, Murcia Finest, Cráneo y muchos otros. Todo ello en el año que Quevedo puso a la música urbana española en el número uno mundial. Y en el que papá Kase_O anuncia que deja los escenarios, no todo iban a ser buenas noticias. ALFONSO GIL

El primero

SI ESTE ÁLBUM RESULTA TAN ESPECIAL no es solo por el salto a nivel musical que supone respecto de otras referencias de un género que peca demasiado –como todos los géneros clásicos– de ombliguismo y falta de evolución; sino por revivir el espíritu de un rap clásico underground donde, desde hace tiempo, la originalidad estaba reñida con la autenticidad. Louis Amoeba en la música y Hoke en el micro han roto con los estándares últimos del mundo que les rodea y se han logrado colar en el campo de juego de los mayores. Resulta imprescindible escuchar el trabajo una y otra vez, por voluntad de análisis y de gozo. LUIS M MAÍNEZ

Hoke & Louis Amoeba BBO Autoeditado

HOKE & LOUIS AMOEBA FOTO: ARCHIVO

Escucha aquí la playlist >>

RAÍCES-FLAMENCO Babilonia de raíces

AUNQUE PAREZCA UNA CONTRADICCIÓN, nos encanta que la mayoría de los artistas que aparecen aquí se escapen por todas las costuras posibles de la etiqueta que encabeza esta lista. Y quienes mejor que Rocío Márquez y Bronquio, exploradores sin miedo que se han ganado estar ahí arriba por su pasión y libertad creativa. A su lado Niño de Elche que transgrede haga lo que haga. Atención a Vicente Navarro, músico y actor, porque esas etiquetas de folk-pop-vanguardia se quedan nimias para definir lo que hace. El maestro Eliseo Parra nos hace aterrizar con su brillante despedida de los escenarios, pero no de las grabaciones. Otro maestro, Perrate, que con la producción de Raül Refree escarba bien profundo en la raíz para llevar el flamenco al futuro. Posiblemente de ahí venga Cristian de Moret que cabalga eléctricamente marcando su propio camino. Y sitio para la elegancia de Uxia y Javier Ruibal que viajan de Galicia a Cádiz, y viceversa, para crear magia. Hechizo también con Mariola Membrives que se desnuda emocionalmente para sobresalir de toda esta babilonia. Sobresaliente asimismo la música ritual de Ana Alcaide que hace

El primero

Rocío Márquez y Bronquio Tercer cielo Universal Music

AUNQUE ESTA OBRA PARTE del juego, del azar de dejarse llevar por el mundo del otro y explorar sin miedo el mundo propio, este baile dialéctico entre el flamenco y la electrónica que han fraguado conjuntamente Rocío Márquez y Bronquio, contiene una profundidad y fluidez orgánica que, hasta el día de hoy, nadie había alcanzado. Una poderosa poética diseminada por distintos cantes, regados con electrónica de lo más diversa con la voz libérrima de Rocío explorando cada milímetro de sus cuerdas vocales, limpia o corrompida, filtrada y distorsionada por Bronquio. Desprende una verdad y un amor tan fuerte que, como cantaba Camarón susurrado por Federico, “duele el aire, el corazón y el sombrero”.

DAVID PÉREZ MARÍN

1 Rocío Márquez & Bronquio Tercer Cielo Universal 2 Niño de Elche Flamenco. Mausoleo de celebración, amor y muerte Sony Music 3 Vicente Navarro Las manos El Tragaluz 4 Eliseo Parra Diacrónico Autoeditado 5 Perrate Tres Golpes Lovemonk/El Volcán 6 Cristian de Moret Caballo Rojo Spyro Music 7 Uxia & Javier Ruibal De tu casa a la mía Nuba Records 8 Mariola Membrives Babilonia La Reyna Music

9

ROCÍO

METAL

Fragmentos del devenir

YA HACE TIEMPO que venimos documentando el buen estado de salud del metal extremo nacional, una tendencia que se ha mantenido este 2022. Si en los últimos años han encabezado nuestras listas grupos como Adrift o Balmog, en esta ocasión la cosecha anual no se queda atrás en cuanto a contundencia y calidad, incluyendo, además, numerosos nuevos proyectos y bandas debutantes. Cualquiera de los tres discos que encabezan nuestro top podría ocupar el primer puesto, pero los catalanes Ósserp se han superado con un tercer álbum brutal, una apisonadora sonora inmisericorde que mantiene la intensidad de principio a fin. Sus compatriotas Bocc, que casi se cuelan en la lista del año pasado con su anterior EP, han entrado finalmente ahora con un primer largo aplastante. Completan la imbatible tríada inicial los madrileños Inerth, con miembros de los añorados Looking For An Answer. Mención aparte merece el metal alternativo y experimental de las chicas de Bones Of Minerva, que nos ha dejado sin aliento, al igual que el heavy metal del debut de Redshark y lo nuevo de nigromante.. Completan la lista una colección de sonidos extremos que transitan entre el death doom de Spectrum Mortis o Jade, nuevo proyecto de miembros de Foscor y Graveyard; el black metal de Vidres a la Sang; o el drone doom de Orthodox. Más allá de las diez bandas titulares, queremos destacar también a habituales que mantienen bien alta su reputación, como Syberia, Altarage, Crisix o los clásicos Su Ta Gar, así como nuevas y esperanzadoras incorporaciones del calibre de Coure, Medussa, Whirlwind, Mondo Podre, Bloodhunter o Exessus, entre otros. DAVID SABATÉ / EDU TUSET

El primero

Ósserp

HAN CONSEGUIDO preservar intacto su ADN sonoro, vigorizado por una producción soberbia que realza el monstruoso potencial compositivo e interpretativo del quinteto catalán. Consiguen que la variedad de registros juegue a su favor y, los convierta en algo infinitamente más interesante que cualquiera de esas bandas obsesionadas en convertirse en los nuevos Pig Destroyer. Su acierto reside en no haberse conformado con dejar el piloto automático; haber entendido que, en esa mezcla compacta e infalible de death metal y grindcore, también puede haber concesiones al black metal o a las atmósferas industriales más inquietantes. Un trabajo que debería convertirlos en una de las bandas más importantes del panorama extremo estatal. TOMEU CANYELLES

Els nous cants de la Sibil·la Eternal Juggernaut Records

Un año de cosechas en solitario

DE CAJÓN se nos ha encaramado el bueno de NIN3S (Manu García) en lo más alto del podio. El leridano nos ha encandilado de mala manera con “Hopeyard”, un ejercicio que destila maestría y naturalidad. Un mar de equilibrios electrónicos, sonidos cinemáticos y jazz contemporáneo tan visceral como vibrante. Nuestra más sincera enhorabuena también para Cora Novoa quien con su epé “Rituals” nos flagela a base de remaches techno y su personal nido de oscuridad y atmósferas esotéricas. Olisqueando la guarida infernal, frenética y punzante, la propuesta de Abraxas con su debut en formato largo “Dancing As An Act Of Rebellion”. Ni me imagino la de humo que habrá salido de esos sintetizadores, de esas máquinas, al finiquitar un discarral cargado de acero industrial y body music. Ídem me imagino con Víctor Santana. El madrileño lleva años exprimiendo y apostando por el universo analógico. Su “Missions” le encumbra. Más que notable marcianada a la vez que una orgía para los

fieles al techno escapista. Otra apuesta firme que nos fascinó fue la de Black Crystals (Jon Aguirrezabalaga) con su largo de título homónimo. Una excursión igualmente cósmica, pero mucho más rendida a las melodías y con las aguas menos tensas. El cántabro Pablo Bolívar también forma parte del rico ecosistema musical de este país. En cuanto a texturas electrónicas, nadie como él para dotarlas de alma y un ángel más terrenal. Su regreso “Details Am Rande” –junto a Sensual Physics– es un hermoso paseo de naturaleza dub y electrónica inmaculada. Lo de Clemente con “Akelarre”, otro primer asalto tan acongojante como esperanzador. El acid y el etno-house se pueden dar la mano ¡Oh, sí! Para celebrar también las propuestas en 2022 de productores como no_ip y Suescun con sus diferentes métodos para envolvernos en la pista de baile. ¡Ah!, ni de coña nos íbamos a olvidar de Pshycotic Beats, quien en “Festering” nos arropó con su particular asfixia, introspección vocal y cortejo bailable. BRUNO GARCA

El primero Nin3S Hopeyard

CON NATURALIDAD y maestría. Así se presenta en sociedad Nin3s, uno de esos productores que si bien ya estaba en un pedestal como Uner con “Hopeyard” deja de manifiesto que su ruptura con tiempos pasados ha sido tan total como fascinante. Una renovación radical y entiendo que necesaria y natural. Nin3s ejerce de equilibrista del sonido atreviéndose con electrónica contemporánea que se derrite entre lamentos cinemáticos. Incluso jazzísticos y neoclásicos. Además también teje hilos, da puntadas aliándose con grandes voces como las de Irvin Suave, Ellis Hudson o de –en “Khokhoba”, uno de los dulces más ricos y exóticos de álbum de debut– Toshi. BRUNO GARCA

Dorado Records

las mejores naCIOnaLeS

Tenéis que ir a verlas

IGUAL QUE 2002 O 2006, 2022 va a quedar como uno de los mejores años del cine español del siglo XXI. La gran distinción es que no ha hecho falta recurrir a los clásicos. Ha sido un año sin Almodóvar, sin Fernando Trueba, sin Alejandro Amenábar, sin Aranoa, sin Javier Fesser, sin Isabel Coixet y sin que Álex De la Iglesia haya destacado (excepto en taquilla) pese a tener dos películas. Es un año que certifica la renovación del cine nacional y nuestro listado es un reflejo de eso. A excepción de Alberto Rodríguez y su modélico thriller político “Modelo 77”, este top concentra las nuevas voces y miradas del cine español: Rodrigo Sorogoyen se consolida como uno de los faros con su rotunda “As Bestas”, igual que lo hace la sensibilidad de Carla Simon en “Alcarràs” o de Isaki Lacuesta en “Un año, una noche”, que configuran la tríada de la cima. Destacan los debuts de Carlota Pereda con su aproximación al terror rural en “Cerdita” y Alauda Ruiz de Azúa y su precisa capacidad de observación en “Cinco lobitos”

EN ESTE RESUMEN de la reconstitución del panorama cinematográfico no podía faltar la mirada turbia de Carlos Vermut y su “Mantícora”, la salvaje cinta de animación “Unicorn Wars” de Alberto Vázquez y la inmersión en la realidad de Pilar Palomero y “La Maternal” Y a modo de remate conceptual a lo ya dicho Fernando Trueba deja paso a su hijo Jonás Trueba en la melancólica “Tenéis que venir a verla”. En un año tan rico se han quedado fuera títulos apreciables como “Pacifiction” de Albert Serra, “Las gentiles” de Santi Amodeo, “El agua” de Elena López Riera, “La piedad” de Eduardo Casanova, “Suro” de Mikel Gurrea, “Espejo, espejo” de Marc Crehuet, “Voy a pasármelo bien” de David Serrano, “La consagración de la primavera” de Fernando Franco... J. PICATOSTE VERDEJO

1LA RAPA DAS BESTAS es una tradición en la que un grupo de personas, llamadas aloitadores, únicamente con destreza y movimientos milimétricos inmovilizan a caballos para cortarles la crin. No cuento esto sin motivo, pues son las primeras imágenes de “As bestas”, la nueva película de Rodrigo Sorogoyen y también es como te sientes al verla; inmóvil, impotente y sumiso ante una historia que te absorbe desde que ves al caballo de la rapa calmar su respiración poco a poco. “As Bestas” recapitula toda la trayectoria de Sorogoyen y la hace avanzar hacia una nueva cúspide al confiar en riesgos narrativos importantes, una banda sonora que

juega entre la percusión, la melodía y los silencios, unos villanos redondos y comprensibles, un protagonista quijotesco y una ambigüedad de género que no dejará al espectador tranquilo. Parte de la tensión que nos asfixia en la película proviene de la tendencia del director, a utilizar la steady cam y los planos secuencia que nos agitan, nos absorben y nos meten de lleno en un drama rural, en un thriller, en una película de un terror cotidiano, en una historia de amor, en el choque entre el idealismo y lo racional, en la bestialidad que llevamos dentro, en la sensibilidad que nos aleja de nuestro salvajismo.

As bestas Rodrigo Sorogoyen

“AS BESTAS”

LUCÍA FARAIG

mejores películas

Carla Simón

Carlos Vermut

2“Alcarràs” nos permite ver el funcionamiento de un modelo de vida que ha quedado obsoleto para algunos, pero que sigue siendo una realidad para muchos otros. También se reivindica la pluralidad en el campesinado y se da valor a la función de las mujeres en esta actividad milenaria. Alcarràs es una obra sencilla que nace de la verdad más absoluta y que demuestra que es posible llenar cines contando historias de una forma diferente.

MAR RUBIO BONÉ

3En la filmografía de Lacuesta, “Un año, una noche” supone el primer largometraje de ficción basado en un hecho real concreto: el atentado del 13 de noviembre de 2015 en la sala Bataclan de París. A partir de la obra “Paz, amor y death metal”, de Ramón González, superviviente del ataque, el film se distancia plenamente de una crónica de sucesos para centrarse en las consecuencias del asalto, no físicas, sino morales y psicológicas.

J PICATOSTE VERDEJO

4“Mantícora” luchará pacientemente por convencerte de que la pantalla de cine no debe ser un espejo, sino una pantalla. El éxito de Vermut reside en su capacidad por invocar lo repulsivo a través del gesto, nunca ejercido pero sí imaginado. Podemos entender este cuento virtual-costumbrista como provocación o como defensa del cine como antítesis de empatía. Yo prefiero lo segundo. De esas que te desmontan y te dejan a la intemperie.

DANIEL GRANDES

5“Unicorn Wars” es la manzana envenenada del cine español de este año. Este cruce alucinógeno y despiadado entre la inocencia naif de “My Little Pony” y la crueldad existencialista del mejor Coppola fue, sin lugar a dudas, una de las sorpresas de la pasada edición del Festival de Sitges. Una joya de animación y de pesimisto cute que ha supuesto una de las sorpresas de la temporada y una futurible película de culto.

DANIEL GRANDES

6Alberto Rodríguez acude nuevamente al pasado para firmar una película que nos habla directamente del ahora. Ya sucedió con “El hombre de las mil caras” o en “La Peste”. Es muy valiente hacer una película así, sobre hombres encerrados, retenidos con leyes injustas, provenientes de gobiernos ilegítimos, custodiados por funcionarios con ínfulas de guardianes del orden, cuando todavía vemos los estragos de la pandemia del Covid por el retrovisor.

LUIS M. MAÍNEZ

7No por manido, es menos necesario retratar con crudeza el drama del acoso y sus devastadoras consecuencias. Aunque ésta no es la principal intención de Carlota Pereda para su primer largometraje, pues la cineasta sabe ampliar las entrañas de su relato con el fin de convertir una trama previsiblemente trillada y desgraciadamente familiar en un dilema terrorífico que nos hará rascar en el fondo de nuestra moralidad.

FRAN GONZÁLEZ

8En la opera prima de Alauda Ruiz de Azúa, nos encontramos con un magnífico duelo de actrices de distintas generaciones: Susi Sánchez y Laia Costa. Ellas son una abuela severa y arisca y una madre joven que intenta criar a su primer bebé desde una creciente inseguridad. Una notable película sobre ese núcleo claustrofóbico de afectos, traumas y desconfianzas que es la familia, llena de cargas de profundidad bajo una superficie de costumbrismo. JOSÉ MARTÍNEZ ROS

9Tan real que la etiqueta de ficción se ha despegado un poco y está sujeta con pinzas, “Tenéis que venir a verla” es un relato breve de amistad y convivencia entre parejas en la treintena, cuya receta, con una pizca de Carver y un toque de Linklater, no es novedosa pero sí encantadora. Así, la nueva obra de Jonás Trueba es una película ideal si te gusta el cine y tienes una visión de vida cargada de optimismo y melancolía al mismo tiempo. LUIS M.

Tras el éxito de “Las niñas”, Pilar Palomero se confirma como una de las directoras más interesantes del cine español actual. Aquí narra la odisea vital de Carla, una adolescente borde, rebelde, recluida en un centro de menores tras quedarse embarazada. Palomero, con un estilo preciso y sensible, centra su mirada en el tejido de relaciones que se establece entre las jóvenes, entre las madres precoces y los adultos que intentan ayudarlas. JOSÉ MARTÍNEZ ROS

Cinco lobitos Alauda Ruiz de Azúa

Modelo 77 Alberto Rodríguez

Un año, una noche Isaki Lacuesta

Unicorn Wars Alberto Vázquez

Alcarràs

La maternal Pilar Palomero

Cerdita Carlota Pereda

Mantícora

MAÍNEZ

Tenéis que venir a verla Jonás Trueba

RODRIGO, COMENTASTE en otra entrevista que la película nació de una noticia que os sorprendió a Isabel Peña y a ti. ¿Os servisteis de la distancia que tienen algunos españoles con los franceses para fortalecer el mensaje? Estuvimos pensando en varias nacionalidades. Necesitábamos que los personajes fueran extranjeros para dar esa sensación del extranjero que llega a una tierra y la considera su casa. De hecho, pensamos en que fuesen actores holandeses, como la historia original, pero luego nos decantamos por franceses. Sí que hay cierta creencia de que por ser nuestros vecinos nos miran por encima del hombro. Pensamos que sumaba y aportaba a lo que queríamos contar y cómo lo queríamos contar.

En el Festival de Sitges definiste la película como terror de lo cotidiano. ¿Consideras que has hecho una película de terror?

Hay terror, pero tampoco es una película de terror específicamente. Tiene algo de

drama rural, de thriller. No nos sentamos a definir el género de la película antes de hacer la historia. Más bien es la historia que surge y te acaba pidiendo ir por un camino u otro. No creo que ayude encerrarse en un género. Para Isabel Peña y para mí se trata de una historia de amor.

A los dos tercios de la película, nos encontramos con un riesgo narrativo cuando la tensión disminuye y la película cambia de género. ¿Cómo planteasteis este cambio para que la narrativa no sufriese? ¿Qué pretendías expresar o comprender con ese cambio?

Sí, fue un riesgo, porque la película es muy intensa. Lo que sucede es que creíamos que era necesaria esa segunda parte. La noticia de donde sacamos la película era brutal. Queríamos representar el qué pasa después, cómo evoluciona alguien si se queda tras una tragedia. Entiendo las historias como una manera de intentar conocer. Sobre todo, el verbo es intentar. Son aprendizajes que van calando durante un tiempo y que, a lo mejor, años después te vas dando cuenta de cosas. Haces películas

Rodrigo Sorogoyen

porque te preguntas sobre temas, sobre comportamientos humanos, pero no es “Ay, espero encontrar esta respuesta”. En esta película nos interesó muchísimo la decisión del personaje de Olga, que es una decisión muy sorprendente que sucedió en la historia real. Quisimos escribir una película para intentar aproximarnos a ella. Y sí, te diría que la acabamos entendiendo.

Es una película de contrastes que se notan, sobre todo en los silencios. ¿Cómo lo planteasteis a nivel de guion? ¿Sabíais en qué momento acudir a los silencios? Se trata de cómo surge la historia. A veces, te pide ciertos silencios, mientras que otros momentos son mejores acompañados con música. Queríamos reforzar aquellas escenas más tensas con silencios y jugar con la percusión para que se notasen más. No se trata de plantearlo antes, cuando estás cámara en mano sientes las cosas de una forma y luego lo intentas plasmar. Con Olivier hablamos de cómo combinar la música para que se notasen estos cambios. La tensión se crea con muchos elementos,

As bestas

TEXTO Luis de la Iglesia FOTOGRAFÍA Lucía Faraig

evidentemente, el primero es el guion. Lo que intentas, aparte de contar una historia con sus personajes, es crear situaciones interesantes, ya sean verosímiles u originales, pero, sobre todo, interesantes. El guion de “As Bestas” tiene bastantes escenas con esas posibles reacciones de “Buah y ahora ¿qué va a pasar? ¿Qué haría yo en esa situación? No querría yo verme en esa situación”. Evidentemente, hay que darle vida y eso se hace con los actores y con todos los mecanismos audiovisuales como la fotografía y la luz y, por supuesto, el sonido, la ambientación, el vestuario. No hay una biblia reglamentaria, pero intentas que el espectador se lo crea. En la escena del bar sucede esto, el espectador se cree que Luis Zahera es Xan y que Denis Ménochet es un francés al que le están haciendo la vida imposible. No hay una fórmula, se trata de darle vida.

Sentí que había cierta similitud con “La caza” (12) de Thomas Vinterberg. ¿La tuvisteis como referencia? ¿O fueron otras películas las que os inspiraron? Ostras, pues no la había tenido en cuenta.

Aunque ahora que lo dices… Es diferente. Sí que se suelen tener referentes, a nivel de fotografía, de música, de guion. Pero intento alejarme de ellos para que la película sea lo más mía posible. No tengo una película o escena en la cabeza, pero no puedo evitar tener referencias inconscientemente. Quizás, podríamos decir que “Perros de paja” (71), aunque tampoco creo que la haya tenido en la mente durante la escritura y el rodaje. Una vez alguien me dijo que iba a copiar un plano exactamente igual que en otra película, luego me dijo que eso era lo que hacíamos los cineastas [ríe]. Pienso que no, que yo no hago eso, intento separarme lo máximo de otras historias para poder crear la mía.

¿Estás contento con el trabajo?

La película me ha entusiasmado. Ha sido divertido hacerla. Habrá público al que no le guste y a otro que sí, pero ahí no puedo hacer nada, yo estoy contento y he contado lo que sentía.

L.I.

“As bestas” es un nuevo acierto cinematográfico en la carrera de Rodrigo Sorogoyen. Charlamos con él sobre la que es Mejor Película Española del Año para Mondo Sonoro.

los mejores nacionales

Vamos a más

VAMOS A MÁS. A muchísimo más. Porque aquí hay mucho talento trabajando para nuestro mercado, el francés o el estadounidense. Pero el talento no tiene limitaciones, por lo que en el universo del cómic español tan pronto podemos encontrarnos con obras que crecen a fuerza de experimentación como otras que se levantan sobre historias clásicas. Y me alegro mucho de que así sea, lo mismo que cualquiera de nosotros puede disfrutar de géneros musicales diversos. Con ello quiero subrayar la gran variedad de registros y tipos de cómics que se encontrarán en nuestra selección de títulos favoritos del año.

PERO, COMO SOLEMOS DECIR, esta es únicamente una pequeña parte de lo que nos ha gustado esta temporada. Como puede imaginarse, se han publicado muchísimos más títulos que también merecen destacarse. Podríamos empezar por “Espada” (Anabel Colazo) y seguir con “Diez mil elefantes” (Ortin y Esono Ebalé), “El diablo y el señor Twain” (Azpitarte y Bao), “La guerra de los mundos” (García y Olivares), “El hombre que plantaba árboles” (Sandra Hernández), “La estirpe fracasada” (Elisa Riera), “Gentlemind” (Canales, Valero y Lapone), “Kaya” (Luis NCT), “Un oso en Marruecos” (Silvestre y Mr. Ed), “Obras incompletas (2015-2022)” (Montatore) y otras firmadas por, entre otros, Begoña García-Alén, Álvaro Ortiz, Ana Oncina, Laura Pérez, Abraham Martínez, Xavier Coste, Emmanuel Peña, Carlos Portela y Sergi San Julián, Mariano Pardo, Kenny Ruiz, Joan C. o José Luís Cano. Y aprovecho este breve espacio para agradecer también la confianza de las editoriales y el imprescindible esfuerzo de nuestros colaboradores y colaboradoras. JOAN S. LUNA

1COLOQUIALMENTE USAMOS la palabra chacal para referirnos a alguien solitario y dañino para la sociedad, que debe vivir alejado de los demás. No es extraño que Nadia Hafid haya escogido ese animal –tótem, por otro lado, muy poderoso en algunas culturas–, para referirse a los tres personajes de esta novela gráfica. Si “El buen padre” (Sapristi, 20) fue una declaración de intenciones en toda regla, un “aquí estoy porque he venido” por el que Hafid se llevó además el Premio al Mejor Autor Emergente de la Asociación de Críticos de Cómic, con “Chacales” consigue afianzar su posición como una de las narradoras más interesantes y vanguardistas del pano-

rama de cómic nacional. Lo es por su estilo minimalista en formas, diálogos y paleta de colores; por su manera de plantearnos la composición de sus páginas y viñetas, extrañamente ordenadas y contenidas por una geometría oculta y desconcertante; y por saber poner todos esos recursos estilísticos y formales al servicio de la soledad de esos tres personajes cuyo único vínculo, la ira, los acaba aislando en una existencia solitaria e incomprendida.Hafid consigue poner el foco en la incomprensión, la alienación y aislamiento que hoy en día aún sufren las personas con enfermedades y trastornos mentales.

Chacales

Nadia Hafid Sapristi

LAURA MADRONA

mejores cómics

Loba boreal Núria Tamarit La Cúpula

2Un brillante relato de aventuras en el que se mezclan las influencias de clásicos literarios y fílmicos como “Colmillo Blanco” (91), “El renacido” (15) o “Las aventuras de Jeremiah Johnson” (72), que revitaliza con un enfoque centrado en la interioridad femenina. Joana, una emigrante que busca un futuro en Estados Unidos en plena fiebre del oro, intenta sobrevivir en los agrestes parajes del norte, junto a una nativa y su perra. Un mundo hostil y salvaje. JOSÉ MARTÍNEZ ROS

3Aunque podría pasar por un sencillo slice of life, en “Transitorios” el dibujante castellonense consigue darle una emotiva profundidad a las relaciones personales, a lo que nos hace humanos. Hay mucho que rascar en los recuerdos de una alumna sobre su profesor, pero lo hay en las cuatro historias que componen este “Transitorios”. Ternura, tristeza, risas y lágrimas entrelazadas con mucho talento, Como de costumbre en Nadar. JOAN S LUNA

Gutiérrez & Romero no son los primeros que han retratado la vida de Goya y el tumultuoso, sangriento y fascinante período de la Guerra de la Independencia. Ellos han escogido la etapa en que Goya pintó las “pinturas negras” en la Quinta del Sordo para mostrar en paralelo su vida, tan artística como atormentada y huraña, y a una España invadida por los Cien Mil Hijos de San Luís. Lo hacen con una narrativa rupturista y poética. QUIM

5Isaac Sánchez nació en Badalona en 1983 y el dato biográfico tiene su relevancia pues en esta novela gráfica aborda su infancia de los primeros años noventa. Concretamente, la época en la que su familia tuvo un negocio de bar-restaurante y piscina en la playa de Badalona. Después de publicar otros títulos con argumentos de género, el también Youtuber y monologista conocido como Loulogio da un salto adelante y logra su mejor obra. QUIM PÉREZ

6Visualmente exuberante y francamente ambicioso, “El fuego” cumple con todas las expectativas que pueda generar de antemano. El autor gallego firma una historia de ciencia-ficción apocalíptica y existencial –salpicada por el espíritu del Lars Von Trier de “Melancolía” (11)–protagonizada por un hombre desesperado que posiblemente se equivoca a la hora de tomar la decisión más importante de su vida (y de su muerte) y de la de su familia. JOAN S. LUNA

7Encontramos en estas páginas las divertidas y entrañables anécdotas y chaladuras en las que Calavera lunar se cruza con monstruos gigantes, brutalidad policial, dilemas morales y crímenes rarunos, todos trufados con el humor de Monteys, fresco y desenfadado, el ritmo de uno de los mejores historietistas españoles y una historia inédita de veinte páginas de regalo. ¿Qué más se puede pedir, Cristo Rey? OCTAVIO BOTANA

Tercera novela gráfica tras “La reina orquídea” y “The Black Holes”, “Grito nocturno” contiene todas las multitudes del “universo Borja González” y unas cuantas sorpresas más. Te deja tristón como cuando ves un anime de Miyazaki por primera vez o cuando sales del cine a medianoche en una ciudad de provincias que podría ser ese suburbio norteamericano de las películas que todos conocemos, pero es nuestra maldito y viejo pueblo de mierda. OCTAVIO BOTANA

9Muchos descubrimos a María Llovet con “Faithless”, thriller erótico y sobrenatural. Ahora, en solitario, conserva en “Luna” lo mejor de su obra previa: un trazo sensual entre Guido Crepax y Kyoko Okazaki, detallista y fluido. En los sesenta, una chica a la fuga es acogida por una idílica comunidad hippie, la Familia del Sol, que aboga por el autoconocimiento y el amor libre. Pero no tardará en advertir que ocultan secretos perturbadores.

JOSÉ MARTÍNEZ ROS

10Del frío norte de Canadá pasando por los Mares del Sur, África o su amada Venecia, el Corto Maltés del guionista Juan Díaz Canales y el dibujante Rubén Pellejero no había estado en grandes ciudades. Ni el propio Hugo Pratt era mucho de ciudades más allá de Venecia o los Buenos Aires de “Tango”. Corto aterriza en medio del Berlín de la República de Weimar, una ciudad bulliciosa donde los nazis ya comenzaban a desfilar y a tejer su telaraña. MANU GONZÁLEZ

Luna María Llovet Norma

El fuego David Rubín Astiberri

Transitorios Nadar Astiberri

Calavera lunar Alberto Monteys Astiberri

PÉREZ

Goya: Saturnalia Manu Gutierrez y Manuel Romero Cascaborra

los mejores musicales

Hey! Hay cantidad y calidad, y lo sabes

HACE YA ALGUNOS AÑOS que el panorama editor español depara algunos trabajos de investigación que no tienen nada que envidiar a los del ámbito anglosajón. El mejor libro en castellano (a criterio de quienes votamos en esta lista) se inscribe en esa línea: la radiografía sociológica de Julio Iglesias trazada por Hans Laguna. También Beyoncé, Lana del Rey o Battiato sirvieron –a Elena Herrera, Luis Boullosa y Chema Domínguez– para trazar espléndidas semblanzas. Pero también ha sido un año de textos biográficos brillantes, como los de Joan Vich o Jorge Martí. O de estupendas aproximaciones como las que han trazado Iñaki Garcia y Alvaro Ortega, Edi Clavo, David Granda o José Galván. Perfectamente podrían haber entrado en este Top 10 estos otros: “Hola, Mr. Pop. Cuando la modernidad llegó a España para quedarse, 1956-1964” (Ignacio Faulín), “Pájaro. De Santa Leone al Gran Poder” (Alfred Crespo), “Chica=Tonta, Chica=Mala, Chica=Débil” (Laura Sagaz), “Dance usted” (Luis Costa), “Edit” (Sofia Fernández Pan), “Quique González. Conversaciones” (Arancha Moreno), “Los 100 mejores documentales del rock” (Xavier Valiño), “Rolling Stones. Cómo se hizo Sticky Fingers” (Javier Cosmen), “Elvis. El hombre y el mito” (Manuel López Poy), “Dolly Parton. Autobiografía no autorizada” (Eduardo Izquierdo y Eloy Pérez) o “Discoteca Atlántica. 100 discos galegos” (Marcos Gendre). CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Hey! Julio Iglesias y la conquista de América Hans Laguna Contra

1PERFECTAMENTE escrito (y documentado) por el músico y filósofo Hans Laguna, estamos ante un completo estudio de uno de los más populares solistas de la historia. Laguna valora su expresión corporal, su tono, su vida sentimental y familiar, su trayectoria, los mecanismos que usó para entrar en el mercado americano, yendo más allá de lo estrictamente musical, con un marcado carácter psicológico y sociológico. Para ello acude a información que recaba de diversas fuentes, de sus discos, de sus libros –curioso el uso que hace de su autobiografía–, de revistas y de, claro está, Internet, esa fuente inagotable de información. De

ahí que uno de los puntos más interesantes de este libro sea el método de Laguna, cómo recoge lo aprendido para dar forma a estas páginas. A todo ello hay que añadirle una parte gráfica espléndida que, además, cuenta con un valor añadido: cada imagen te lleva directamente a la reflexión escrita de Laguna. No hay nada al azar en el libro como no lo hubo en la carrera de un Julio Iglesias que estudió cada uno de sus movimientos. Laguna hace gala de una ironia a menudo necesaria para afrontar el proyecto, pero ojo, siempre desde el respeto y con la intención de desmotar algunos mitos injustos alrededor del cantante.

TONI CASTARNADO

mejores libros

nacionales

2Quien fuera batería de Gabinete Caligari era un adolescente en 1975, cuando murió Franco. Una edad iniciática, para cualquiera. Seguramente por eso este libro sea no solo una cuenta saldada con su propio pasado, aunque aquí él no sea más que un testigo de excepción, sino también una fabulosa y milimétrica evocación de un año bisagra como pocos en la cultura popular española: justo entre el tardojipismo y la nueva ola que dio paso a la Movida.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

3Dice Joan Vich que lleva veinticinco años viviendo del cuento, pero vaya cuento más bien contado. Porque esta crónica emocional es uno de esos libros en los que el lector adora verse reflejado. Porque si Vich vivió cada uno de esos momentos complicados o alegres es precisamente porque siempre estuvo ahí, porque su pasión por la música le llevó a dar con sus huesos en una aventura que creció y creció a base de esfuerzo y amor por las canciones. JOAN S LUNA

4Enorme trabajo de documentación en uno de los ensayos culturales/políticos más absorbentes de los últimos tiempos. En los últimos coletazos de la Guerra Fría, la misma ciudad dividida que inspiró a David Bowie o Nick Cave sufre en su margen oriental la tan socorrida táctica del “divide y vencerás”: la policía secreta permite e incluso incentiva la agresión de un grupo de neonazis (del este) a los asistentes a un concierto semiclandestino.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Canción de amor definitiva Jorge Martí Plaza

& Janés

5Dice Jorge Martí que hay quienes definen este libro como auto ficción. Otros, como una novela. Otros, como una autobiografía. En realidad, esa disparidad es buen síntoma. Es material abiertamente confesional en tiempos de prosperidad de las autobiografías musicales, pero también es un espléndido relato que hace de lo mundano algo sumamente singular. Que irradia una inmediata identificación con el lector gracias a su honestidad.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Beyoncé en la intersección Pop, raza, género y clase Elena Herrera Quintana Dos Bigotes

8La socióloga Elena Herrera Quintana tenía ante sí el reto de convertir su tesis doctoral en un libro apto para todos los públicos, y lo ha conseguido en un completísimo ensayo en el que todas las implicaciones de raza, de sexo, de clase social e incluso de estilo musical que la figura de Beyoncé ha proyectado son desmenuzadas, rescatando encontradas opiniones y evidenciando las grietas argumentales de algunas de ellas. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

6La ‘British Invasion’ hizo historia invadiendo radios, televisiones y listas de éxitos de Estados Unidos allá por la década de los sesenta, por lo que es de agradecer la aparición en nuestro idioma de un volumen en el que alguien con conocimiento en la materia muestre esa historia convenientemente ordenada y concretada. Procedía, además, un libro en el que tuviesen cabida todos los artistas que protagonizaron aquel desembarco.

RAÚL JULIÁN

Un mundo púrpura Biografía completa de la saga Purple José Galván Lenoir Ediciones

9Abrumador. Aplastante. Soberbio. Y con los dos primeros adjetivos no quiero referirme solo al volumen físico de este libro que se me antoja difícilmente superable en cuanto a su temática se refiere. Vamos, que es la obra definitiva de cualquier seguidor de Deep Purple y sus múltiples afluentes. Y es que quizá estemos ante el proyecto más ambicioso de Lenoir Ediciones, que sigue ahí con su empeño de editar lo que les apetece con garantía de calidad. EDUARDO IZQUIERDO

7Crítico musical, pero también músico, Luis Boullosa firma en su nuevo libro –más bien breve, pero intenso– una pirueta que aparentemente trata sobre una gran cantante de éxito, pero que en realidad amplia su espectro de análisis hasta toda la cultura pop estadounidense, con sus luces y sus sombras. El punto de partida es Lana del Rey, sí, pero las estaciones de destino son múltiples y, como en los mejores viajes, lo mejor es el trayecto.

JOAN S. LUNA

Diagonal Battiato Chema Domínguez Muzikalia

10El presente libro proyecta una loable labor de investigación por parte de Chema Domínguez, y queda apuntalado en todo momento a través de ese tipo de respeto que el protagonista siempre motivó de forma natural. “Diagonal Battiato. Un recorrido único por su discografía en castellano” es, en definitiva, una radiografía fidedigna y por momentos también cariñosa de esa sentida personalidad que derivó en canciones atemporales. RAÚL JULIÁN

Iñaki García & Álvaro Ortega Antología de la British Invasion Sílex

Aquí vivía yo Joan Vich Montaner Libros del K.O.

Diez maneras de amar a Lana del Rey Luis Boullosa Liburuak

Planes para conquistar Berlín David Granda Libros del K.O.

Viva el Rollo! Una crónica de Rock & Rollo en la España de 1975

Edi Clavo Sílex

Spacemen 3 Forged Prescriptions (1987)

.LOS DISCOS.DE MI VIDA.

Beastie Boys Anthology. The Sound Of Science (1999)

LCD Soundsystem LCD Soundsystem (2005)

Lorenzo Montatore

Paso a paso, Lorenzo Montatore se ha convertido en uno de los artistas imprescindibles del cómic español. Con su obra del pasado año, “La mentira por delante” (Astiberri, 21), un muy particular y personal acercamiento a la figura del escritor Francisco Umbral, se coló en todas las listas de mejores obras del año. Ahora nos descubre sus seis discos favoritos y lo hace de una forma no menos personal.

Lole y Manuel El origen de la leyenda (2002)

artista invitado en Madrid:

ENTRADAS EN: LASTTOUR.ORG ·

Caso 63 (T3)

VV.AA.

Tras la descafeinada segunda temporada de “Caso 63”, todo apuntaba a que esta tercera entrega iba a ser innecesaria y muy enrevesada, y no ha sido así. En la primera mitad de los episodios todo apuntaba a un gran giro de volante que iba a dar un brillante final a la trama, algo que, al seguir escuchando el resto de los episodios, se desdibuja completamente. Acaban trastocando aún más la historia de lo que ya estaba, logrando que el oyente se pierda por sus continuos reveses y las líneas insulsas de algunos secundarios, a pesar de su gran e innovadora temática. El principal motivo para seguir escuchándolo es el gran trabajo de los actores, así como la producción sonora, ya que la trama debería haberse cerrado hace demasiados capítulos.

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

PODCASTS MS

Especial Tequila

“Tequila. Sexo, drogas y rock & roll” es un documental dirigido por Álvaro Longoria sobre la mítica banda de rock Tequila. Hablamos con Alejo Stivel, quien fuera vocalista del grupo, descubriéndonos grandes momentos de su trayectoria, de la realización del documental y de la idiosincrasia de la que ha sido una de las bandas más influyentes y exitosas del pop rock en castellano.

Edita Sister Sonic, S.L.

C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055

C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200

mondo@mondosonoro.com

Coordinador general Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com

PUBLICIDAD Director comercial Dani López T. 687 914 719 dani@mondosonoro.com Coordinador publicidad David Morell T. 607 366 693 david@mondosonoro.com

Ed. Madrid Publicidad: María Alfonso maria@mondosonoro.com T. 915 400 055

Ed. Cataluña Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com T. 607 366 693

Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró T 637 447 561

Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Iker Bárbara T. 665 050 639

Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia sur@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González T. 699 339 245

Administración y contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com

REDACCIÓN

8

El trabajo de Cris Regatero como locutora y presentadora en Los40 es solo la punta del iceberg de un amor por la música que va mucho más allá de la línea editorial del medio para el que trabaja. Ahora acaba de lanzar “Todo Es Empezar”, un podcast donde por primera vez sale fuera del territorio música para entrar a fondo en el terreno conversacional. Con músicos, sí, pero fuera del comentario musical per se. En los primeros cuatro programas de este podcast que une a dos personalidades de generaciones diferentes para conversar de sus vidas y obras, siempre hay espacio para sorpresas y novedades. Ya han pasado por este espacio La Xinni y Paula Cendejas, Angy Fernández y Nicole Wallace o Ariadna de Los Punsetes y Marcos de Depresión Sonora. LUIS M. MAÍNEZ

Han pasado veinte años, y “Flamingos” (Hispavox, 2002) se reivindica a si mismo como el gran álbum de Bunbury que fue. Lo hace a través de “Flamingo XX” (Warner, 2022), una caja que, además del disco original incluye caras B, demos y dos conciertos de la época.

Redactor jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com

COLABORADORES

Textos: Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Álvaro Tejada, Anaïs López, Andreu Cunill Clares, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, Cláudia Pérez, David Sabaté, Don Disturbios, Esther Rios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes, Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Luis M. Maínez, Manu González, Marcos Gendre, Mariona Longarón Ropero, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Salomé Lagares, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Víctor Naharro, Yeray S. Iborra

Fotografía: Eduard Tuset, Fernando Ramírez, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, Juan Pérez Fajardo, María Alfonso, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Virginia Barbero

Portada: The Art Warriors

Depósito legal B. 11 809-2013

En este nuevo programa de Flashes tenemos como invitada a Sila Lua, que acaba de estrenar “ROMPE”, su debut. En esta charla con nuestro colaborador Luis Mainez, Sila Lua habla de cómo es hacer un primer álbum, de su trabajo junto a Mumbai Moon; de cómo es hacer la canción oficial de una serie y mucho más que podréis descubrir en nuestro canal de YouTube.

Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com

www.mondosonoro.com f 201.423 seguidores t 102.600 seguidores 95.700 seguidores 72.123 seguidores x 19.400 seguidores

Todo es empezar Cris Regatero