Nº 181 MONDO SONORO FEBRERO 2010

Febrero de 2011 nº 181

EL COLUMPIO ASESINO

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

DIAMANTES EN BRUTO PJ HARVEY

ESTA ARPA MATA FASCISTAS

CUT COPY

EL BAILE DEL CANGURO JOE CREPÚSCULO • THE GO! TEAM • NO CHILDREN • INCARNATIONS • MOGWAI • BLACK MOUNTAIN • HERCULES & LOVE AFFAIR • KILLING JOKE R.E.M. • THE SUICIDE OF WESTERN CULTURE • MARCOS IN DUB • BERRI TXARRAK • POLOCK • MARCUS DOO • SANTI BALMES (LOL) • ELENA TRAPÉ www.mondosonoro.com

staff Coordinador General Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com)

MondoSonoro · Febrero 2011 /5/

NOTICIAS

Publicidad Director Comercial Dani López (dani@mondosonoro.com) T. 687 914 719 Coordinador Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) T. 607 366 693 Publicidad Estatal Luis Fernández M. (luis@mondosonoro.com) T. 672 072 263 Publicidad Madrid María Llorente (maria@mondosonoro.com) T. 676 881 519 Publicidad Catalunya Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) T. 629 705 103 Administración y Contabilidad Vanessa Garza (vanessa@mondosonoro.com)

6. Joe Crepúsculo, nuevo ritmo latinoamericano 7. Las Fiestas Demoscópicas MondoSonoro a pleno rendimiento 8. Skunk Anansie, de nuevo en nuestro país 9. Dean & Britta recuperan a Galaxie 500

mondofreako 11. The Go! Team 12. No Children 13. Incarnations 14. Black Mountain 15. Mogwai 16. Hercules And Love Affair 17. Killing Joke

Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación Xavier Puigbó (maquetacion@mondosonoro.com)

entrevistas

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com

18-19. PJ Harvey La Dama de Acero 20-21. El Columpio Asesino Línea y Bingo 22-23. Cut Copy Príncipes de Melbourne

◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 963 987 ◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197

20 / EL COLUMPIO ASESINO Línea y Bingo

Conciertos 25-29. Remate, Triangulo De Amor Bizarro, Ellos...

◗ Ed. Canarias (canarias@mondosonoro.com) Redacción Job Ledesma Tel 615 125 126 Publicidad Enrique Santana Tel 689 53 39 53 Jacob Cabrera Tel 609 55 12 00

escaparate

◗ Ed. Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026

30-31. Marcus Doo & The Secret Family, The Suicide Of Western Culture...

◗ Ed. Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

vinilos

◗ Ed. Galicia-Castilla y León (galicia@ mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro. com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

33. R.E.M. Disco del mes

◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 Colaboradores: Textos Alberto Comeche, Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Fernando Fuentes, Francesc Feliu, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Héctor García, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, María Baigorri, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, P. Muñoz, Óscar Gual, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

“no solo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Xavi Sánchez Pons que le pone cinco estrellas a cualquiera”

mondomedia 40-42. Mondo Recomienda 44. Conexiones

mondoweb 39 / tHE GO! TEAM ¡A la carga!

Son cosas de la democracia. Algunas veces todos los que decidimos colocar a un grupo u otro en portada –que somos legión- nos ponemos de acuerdo sin problemas, casi de inmediato. El motivo suele ser que pillamos a una banda en su momento de gracia o que acabamos de descubrir a una formación más que prometedora. Esos meses todo funciona como la seda. En otras ocasiones –que son las más, no nos engañemosdebemos recurrir al voto a mano alzada para descubrir cuál de los candidatos verá su foto en portada. Por el camino suelen caer una larga lista de insultos, actitudes malignas y subterráneas para llevarse el gato al agua,

22 / CUT COPY Príncipes de Melbourne

Nombre

maniobras sibilinas por desprestigiar al artista favorito del contrario. Así actuamos los seres humanos, incluso cuando ya no somos unos teenagers. Pero una vez tenemos el número listo –este es el 181- nadie recuerda las broncas, sino los buenos discos que hemos decidido apoyar. Para algunos el de El Columpio Asesino es mucho mejor que el de Cut Copy; para otros los australianos tienen una clase impresionante y tal y tal, pero al final lo que cuenta es que la música va de eso, de gustos personales y de emociones. El día que no tengamos que discutir por unos discos o una portada, ese día mejor chapamos el garito y nos cambiamos de negocio.

■ Redactor Jefe Joan S. Luna

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46. La entrevista Fan: Santi Balmes (LOL)

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(1 año, 11 números)

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18 / pj harvey La Dama de Acero

Sangre en la arena

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

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5 discos de

Nagasaqui

TAN cerca... ❚ El 26 de febrero en el Pabellón de Asturias del recinto ferial de Gijón, se celebrará un evento de grandes dimensiones que congregará a varias de las estrellas de la electrónica. Podremos escuchar los sonidos clásicos de Detroit con Derrick May como gran exponente, la mezcla de electro techno y rock de Vitalic (actuará en directo), Félix da Housecat, Oscar Mulero & Reeko, en una actuación conjunta, y el británico Ben Sims.

/6/ Febrero 2011 · MondoSonoro

Joe Crepúsculo Foto Archivo

NOTICIAS

❚ Este mes QUIQUE GONZÁLEZ finalizará la gira “Daiquiri Blues”. Sin embargo, ya tiene en marcha un nuevo proyecto para este 2011. Se trata de una gira en formato dúo, acompañado por Jacob Reguilón al contrabajo y piano y guitarra en momentos puntuales.

“Desbandados”, que así se llama el tour, empezará a rodar en marzo y supone una oportunidad para conocer todo ese material extraño del cantautor.

De La Soul Foto Archivo

La cultura urbana se da cita en AMBI Valencia

❚ Un nuevo grupo da sus primeros pasos. Se trata de MUCHO banda formada por varios miembros de The Sunday Drivers y por Martí Perarnau de Underwater Tea Party. La banda de Toledo ya ha presentado su primer sencillo “Si quieres, no”, y en breve se encierra en el estudio Blind Records de Barcelona en febrero para grabar su primer larga duración, que llegará en primavera.

Delorean Foto Archivo

❚ DELOREAN están de enhorabuena, y es que acaban de conseguir otro hito más en su carrera, ya que actuarán en esta edición de Coachella. El festival de arte y música de Indio (California) es una de las citas más importantes de todo el mundo y, en ella, Delorean compartirán cartel con Kings Of Leon, The Black Keys, Arcade Fire, Bright Eyes, Kanye West o The Strokes, entre otros. ❚ Fruto de esa endogamia musical, bien entendida, que practican en la escena musical murciana surge Peluca & Bigote Tour.

Una gira reune juntos y revueltos a Los Marañones, Joquín Talismán & Los Chamanes y Fernando Rubio (Ferroblues) y que durante este mes hará parada en Valencia (10), Barcelona (11), Madrid (24), Murcia (25) y Granada (26). Tres bandas, nueve músicos, 25 años de rockroll sobre el escenario y mucha guasa. ❚ CÁPSULA tienen nuevo disco. Se titula “In The Land Of Silver Souls” y lo edita BCore Disc el 7 de marzo. El nuevo trabajo cuenta con la producción de John Agnello (Dinosaur Jr., Sonic Youth) realizada en los estudios Headgear de Brooklyn, y de Santi García en Ultramarinos Costa Brava de Sant Feliu. Está masterizado por John Golden en Golden Studios de Ventura, California. ❚ El MINIFESTIVAL DE MÚSICA INDEPENDENT DE BARCELONA, festival decano dentro del ámbito nacional, celebra su décimo sexta edición el próximo 26 de febrero en el Centre Artesà Tradicionàrius del barrio de Gràcia de Barcelona. El cartel está encabezado por Magnapop, Dakota Suite y Standard Fare. www.myspace.com/minifestival. ■

Anunciado como Festival Internacional de Cultura y Música Urbana, el AMBI Valencia presentará un montón de propuestas interesantes relacionadas con el mundo del rap, el graffiti, el breakdance o el turntablism, todos ellos distintos vértices de lo que se conoce como cultura hip hop. Será el próximo 12 de marzo en el Pabellón 5 de Feria Valencia. Entre los grandes nombres destacan las leyendas del rap como los estadounidenses De La Soul, Afrika Bambaataa, Grandmaster Flash y Dj Lord de Public Enemy. A todos ellos, les acompañarán artistas estatales como Arianna Puello, Frank T, El Chojin, Zenit y Payo Malo. Todos los actos y competiciones estarán presentados por Dobleache. Las entradas ya están a la venta en: www.ambivalenciafestival.com ■

Joe Crepúsculo, nuevo ritmo latinoamericano Dos años después de “Chill Out”, la otrora prolífica composición de Joel Iriarte se reduce a una semicompilación con los nuevos ritmos que inundan los cibercafés. Relecturas de “Escuela de Zebras” y “Supercrepus” más cuatro nuevos temas que todavía marcan más su amor por los ritmos latinoamericanos.

“

Es una idea que surgió con Sergio Pérez (Thelemáticos) cuando trabajábamos en la Biblioteca Nacional de Catalunya. Nuestro compañero de trabajo se llamaba Roberto y era de Bolivia. Una vez, al salir, fuimos al jardín a tocar la guitarra. Al cabo de varios días Sergio ya tenía en mente versionar unos temas y decidimos juntarlos con los nuevos y hacer una ensalada con todo revuelto porque pensamos que era mucho más tierno así”. Así, la cumbia reggaetonera “Tus cosas buenas” y el populacho “El fuego de la noche” ya muestran ese amor descarado por el cancionero latinoamericano. “Esos dos tienen un aire latino, los otros dos son más bien pop, con algo de swing o soul, no sé. Tal vez estemos demasiado acostumbrados a dejarnos llevar por lo que pasa en lo anglosajón y apenas nos damos cuenta del ancho abanico de color que hay en la América Latina con montones de ritmos y sones curiosísimos. ¿Si no miramos hacia allá nosotros ahora,

qué lo haremos, cuando lo hagan los de Londres o Nueva York? Seguro que sí, pues así parece que funciona el asunto”. Un paso que tímidamente ya se intuía en “Chill Out”, aquí descartado. “El disco estaba mucho más reciente y nos apetecía recuperar el brillo de los dos primeros discos”. En algunas viejas canciones su nuevo traje desencaja algo y en otras encaja bien, es el caso de la muy latina “Gabriela”, la bossa de “El día de las medusas”, o el ahora mexicano-country fronterizo “La canción de tu vida”. “Hemos elegido las que nos apetecía hacer, tal vez una mezcla de percales entre lo que teníamos ganas de dar más vida, más entusiasmo sin desprestigiar para nada las versiones anteriores”.

He aquí un Joe Crepúsculo con ganas de poner un pie en el más allá de los mares.

Y lo hace con un aire muy kitsch almodovariano y con portada de Montxo Algora, ilustrador de La Mode y Aviador Dro. “Una preciosidad infinita, como un objeto de deseo”.

■ Celestí Oliver

Tachenko Foto Albert Jodar

Punto de encuentro de la escena musical en el Waupop de Málaga Reunir a artistas, profesionales y público entorno a un programa común parece una fórmula que se va adoptando cada vez más entre los festivales de nuevo cuño. El 2, 3 y 4 de marzo nace el Waupop en Málaga. Un evento que pone en contacto todas las sinergias de la industria musical independiente, conciertos, debates y charlas sobre gestión cultural, feria de profesionales, exposiciones, todo en un escaparate urbano en pleno centro de Málaga. Así el cine Albéniz será el escenario principal por el que pasarán Pony Bravo, una de las revelaciones de 2010, Marina Gallardo, Christina Rosenvinge, Autumn Comets, Maika Makovski y Tachenko. Los otros dos espacios escénicos se sitúan en la plaza San Pedro de Alcántara y en la explanada del Teatro Romano, donde se ejercitaran las bandas más relevantes de la escena malagueña actual (Santos de Goma, El País Musicano…). Durante ese fin de semana trepidante se podrá visitar una exposición que reúne la sugerente obra gráfica de Pony Bravo, poner la oreja a las masterclass de Carlos Galán (Subterfuge) y Juan Santaner (I’m An Artist) o darse un garbeo por el street market. Consulta toda la información actualizada en www.waupop.es ■

El Guincho Foto Albert Jodar

MondoSonoro · Febrero 2011 /7/

NOTICIAS

TAN lejos... ❚ THE STROKES acaban de anunciar los primeros detalles de su esperado nuevo disco. El cuarto álbum de estudio de la banda de Nueva York llevará por título “Angles”, mientras que el single de adelanto será “Undercover Of Darkness”. La fecha de salida confirmada para “Angles” es el 21 de marzo en Estados Unidos ❚ TRISH KEENAN, cantante y fundadora del grupo británico Broadcast, falleció el pasado 14 de enero a la edad de 42 años a causa de las complicaciones derivadas de una neumonía. Broadcast estaban confirmados este año para el San Miguel Primavera Sound. ❚ ROSTAM BATMANGLIJ, teclista y voz de Vampire Weekend, acaba de componer la que es su primera banda sonora. El multiinstrumentalista ha creado la música que acompañará a la película “Sound Of My Voice”, dirigida por su hermano Zal. El filme se presentó a finales de enero en el reputado festival de Sundance.

Las Fiestas Demoscópicas MondoSonoro a pleno rendimiento El mes pasado empezamos a hablar de las Fiestas Demoscópicas de este año (a celebrar desde el 11 de febrero hasta el 19 de marzo) , bien, pues ahora la maquinaria está ya a pleno rendimiento y las entradas para todas ellas ya están disponibles. Vamos a pasarlo en grande, así que no faltes. Y recuerda que todas las fechas son totalmente gratuitas.

N

o vamos a repasar, como de costumbre, todas y cada una de las fechas de las Fiestas Demoscópicas de este año, ni siquiera vamos a reincidir en la lista de grupos fantásticos que han salido de ellas y ahora forman parte de la plana mayor del indie estatal, sino que lo que vamos a hacer es daros prisa. Prisa por conseguir unas entradas gratuitas para que no te quedes fuera. Y para que puedas descubrir a los atractivos nombres que tenemos este año dando guerra. Será –eso sí os lo recordamos- des-

de el 11 de febrero (Burgos) hasta el 25 (Bilbao), con una repesca posterior en Canarias, el 18 de marzo. Ahora bien, no olvidéis que habrá algunas citas con artistas invitados como Colectivo Oruga, Tachenko o Delco. En los conciertos de Barcelona y Madrid se contará con El Guincho, autor de “Pop negro”, el que hemos considerado mejor disco estatal del año. Aunque esta no es su primera experiencia demoscópica. “Estuve tocando en la fiesta de Zaragoza hace un par de años. Fue raro porque el público era

❚ NO DOUBT, a través de su Twitter, han confirmado los rumores de su comeback.

Tom Dumont, guitarra de la banda, anuncia que el grupo de Gwen Stefani ya tiene escritas diez nuevas canciones y que, en breve, entrarán en el estudio para grabarlas y entregar así su primer disco de estudio tras diez años de silencio. bastante heterogéneo, amigos de los grupos que participaban. No teníamos mucho que ver aunque lo pasamos bien, nos escuchábamos fuerte”. Reconoce que “en Madrid me apetece ver a Los Claveles. Conozco algunas canciones y me gustan”, al tiempo que se congratula de que, finalmente, exista una edición de MondoSonoro en su tierra. “Me alegro de que esta iniciativa y la revista lleguen a Canarias también. Era necesaria una guía así, y además gratuita. Ayudará a que pasen cosas más divertidas por ahí y a que los grupos que empiezan escuchen cosas nuevas”.

En todo caso, sed puntuales para ver a todos los prometedores grupos participantes y conseguid vuestras invitaciones para cualquiera de las fiestas desde ya mismo en los puntos habituales de distribución o a través de www.mondosonoro. com. ¡Recordad que el aforo es limitado! ■

TalentoSOS y MGMT, novedades del SOS 4.8

Amy Winehouse Foto Archivo

Aluvión de nombres en el Bilbao BBK Live La sexta edición del Bilbao BBK Live va tomando forma. Tras las confirmaciones de las dos primeras bandas (Coldplay y The Black Crowes, ambas fecha única en España), el festival bilbaíno acaba de anunciar un nuevo listado de grupos encabezado por Amy Winehouse y el hawaiano Jack Johnson, quienes también darán sus únicos conciertos de 2011 en España dentro del Bilbao BBK Live, que se celebrará el 7, 8 y 9 de julio. En la parte electrónica del festival se incluyen The Chemical Brothers y el dúo canadiense más oscuro Crystal Castles, sin duda una de las bandas revelación de la pasada temporada, gracias a su segundo disco homónimo. También se ha anunciado una prórroga en la oferta de lanzamiento del bono del festival, que mantendrá el precio de 90€ + gastos de distribución hasta el 10 de febrero. Más información en: www.bilbaobbklive.com ■

El tiempo va pasando y se amplia la parrilla de artistas del Estrella Levante SOS 4.8 con la participación de la banda estadounidense MGMT, que se une a las confirmaciones más recientes (Steve Aoki, The Zombie Kids, Triángulo de Amor Bizarro) para nutrir de nombres interesantes a esta nueva edición del festival que se celebrará en el Recinto La Fica (Murcia) durante los días 6 y 7 de mayo. Anteriormente ya se había comunicado la presencia de artistas como !!!, White Lies, Two Door Cinema Club, We Have Band, Lori Meyers, Everything Everything, Hola a Todo el Mundo, Arizona Baby, Crookers, The Bloody Beetroots Death Crew 77 o Standstill. Por otro lado, se han dado a conocer ya las bases del tercer concurso para grupos y proyectos musicales (con premios en metálico), cuyo jurado está integrado por profesionales del festival, MondoSonoro y Radio 3. La novedad principal de esta edición es que pueden participar formaciones de todo el país. El plazo de admisión de material es el próximo 28 de febrero y la final el 17 de marzo en la sala 12 & Medio de Murcia. Amplia toda la información sobre el cartel del SOS 4.8 o sobre el concurso en www.sos4.8.com ■

!!! Foto Lane Coder

Beth Ditto (Gossip) Foto Archivo

❚ BETH DITTO, conocida por ser la cantante de Gossip y uno de los personajes más cool del mundo de la música, acaba de unir fuerzas junto al dúo Simian Mobile Disco.

De dicha colaboración ha nacido un EP de cuatro temas que ya puedes comprar en la web Beatport. El sencillo se podrá adquirir en copia física a partir de marzo. ❚ Brad Pitt ya ha puesto toda la maquinaria en marcha para producir y protagonizar un biopic sobre JOHN LENNON. Según las primeras noticias, Yoko Ono habría dado el visto bueno a la película, mientras que Brad Pitt ha mostrado su interés en tomar clases de canto y dicción para ser capaz de cantar como Lennon y regrabar sus canciones para la película ❚ DAVID SITEK, líder de TV On The Radio y principal impulsor de Maximum Balloon (su proyecto en solitario), es el nuevo bajista de Jane’s Addiction, sustituyendo así a Duff McKagan (Guns N’ Roses, Velvet Revolver). La noticia la ha confirmado la propia banda. ❚ PANDA BEAR, uno de los jefes de Animal Collective, ya tiene preparado un nuevo disco en solitario. El álbum se titula “Tomboy”, y será editado por Paw Tracks, sello propiedad del mismo Panda Bear, el 19 de abril.

Sonic Boom de Spacemen 3 se ha hecho cargo las mezclas. ❚ BAND OF HORSES y CEE LO GREEN colaboran juntos en un Ep llamado “Split 7”” y que ya está disponible a través de varias webs de venta de música indie. En este single, Band Of Horses interpretan “Georgia” de Cee Lo Green. Éste, por su parte, se atreve con el “No One’s Gonna Love You” de la banda de Seattle. ■

Skunk Anansie Foto Archivo

NOTICIAS /8/ Febrero 2011 · MondoSonoro

Catpeople Foto Albert Jodar

Skunk Anansie, de nuevo en nuestro país Ocho años y medio después de su sonada ruptura y posterior disolución, Skunk Anansie regresaban en 2009 para presentar el grandes éxitos “Smashes And Trashes”, consiguiendo llenar salas. Ahora nos presentan “Wonderlustre” (Ear Music, 10).

T

odo apuntaba a que el retorno de Skin y sus muchachos hace un par de años respondía a intereses no tan relacionados con lo musical como con lo mercantil, y muchos pensaban que la reunión del mítico cuarteto inglés de “clit-rock” -así lo bautizó su vocalista hace años- no tardaría en hacer aguas. Nada más alejado de la realidad. Skin (voz), Cass (bajo), Ace (guitarra) y Mark (batería) volvían a la carga el pasado verano con “Wonderlustre”, un nuevo disco en estudio que confirma, esta vez sí, sus expectativas de regresar a lo más

alto. “Lo de volver era algo sobre lo que llevábamos hablando mucho tiempo y hace un par de años nuestra discográfica nos propuso sacar un recopilatorio. Pensamos que debíamos implicarnos en el proyecto para ofrecerles el mejor producto a nuestros fans, y resultó ser el empujón que nos faltaba para decidirnos”, asegura Cass, con el que tuvimos ocasión de hablar y que se muestra muy contento con la nueva situación.

“Hemos recuperado la química y la magia que habíamos perdido la última vez. Es-

tábamos tan obsesionados con nuestros propios trabajos y mundos que no supimos cuidar ni mantener viva la banda”.

Skunk Anansie fue uno de los grandes grupos de rock alternativo de los noventa, desde que irrumpió en la escena británica con el polémico single “Little Baby Swastikkka” de su primer disco “Paranoid And Sunburnt” (95). Con más de cinco millones de copias vendidas desde su debut, Cass mantiene que “tenemos a los mismos seguidores de hace diez años y hemos logrado llegar a mucha otra gente muy joven”. Skunk Anansie estarán presentando “Wonderlustre” los días 9 y 10 de este mes en Madrid (La Riviera) y Barcelona (Razzmatazz).

■ Adrián D. Bóveda

+en

Catpeople y E.C.A. en Tremendo Pop La localidad oscense de Monzón vuelve a revolucionarse durante los días 8 y 9 de abril con la cuarta edición del Tremendo Pop. Entre otros, actuarán El Columpio Asesino y Catpeople presentando sus nuevos trabajos, dos de las más importantes bandas indies de nuestro actual panorama. Un escenario, dos días y un montón de bandas y pinchadiscos. Eso es lo que podrás encontrarte en la cuarta edición del Tremendo Pop que tendrá lugar en la localidad oscense de Monzón, durante los días 8 y 9 de abril. Y nuevamente es la cosecha estatal la que marca su selección artística. De hecho, El Columpio Asesino y Catpeople aprovechan el evento para presentar en profundidad su cuarto y tercer disco respectivamente.

También confirma asistencia Don Bandas y Un Destino, proyecto conjunto de Arizona Baby y Los Coronas, a los que se suman otros grupos como Idealipsticks, Stay, Miss Caffeína y Dj’s como Amable, Bilbadino y muchos otros.

Más información en: www.tremendopopfestival.com ■

NOTICIAS Dean & Britta Foto Archivo

MondoSonoro · Febrero 2011 /9/

Supersubmarina Foto Malder

El Let’s Festival completa su cartel Aunque el pistoletazo de salida será el día 24 de febrero, podríamos decir que el festival por excelencia de L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona) empieza el 25 de febrero y acaba el 12 de marzo. Y, como de costumbre, no faltan los nombres atractivos de nuestro país.

“El cartel del festival sirve para hacer balance del estado de forma del pop y el rock independientes del estado español”, apunta David Lafuente, codirector del festival. Ahora bien, este año hay novedades: se anuncian lpor segunda vez en su historia artistas internacionales: la británica Ebony Bones y esa suerte de supergrupo afincado en Londres que es After After Hours y en el que militan miembros de los barceloneses Dorian. Pero es que –junto a la larga lista de Dj’s que cerraran las noches- tendremos la posibilidad de ver, en las salas Salamandra y Depósito Legal, cómo se las gastan en concierto grupos como Christina Rosenvinge, Supersubmarina, La Bienquerida, Pony Bravo, DePedro, Single, Nadadora, Napoleón Solo, Adanowsky, Cuchillo, Fred I Son, DeVito, Odio París, Aias, Ornamento y Delito, Pau Vallvé o Joan Colomo. En todo caso, las entradas ya están disponibles. Más datos en www.letsfestival.cat ■

Dean & Britta recuperan a Galaxie 500 Dean Wareham y Britta Phillips recuperan el cancionero de Galaxie 500 en una gira que les acerca este mes de febrero a nuestro país (21 Cádiz, 22 Valencia, 23 Granada, 24 Madrid, 25 Galicia, 26 Mallorca).

N

o habrá reunión de Galaxie 500, eso parece claro. “Sí, lo veo como algo totalmente imposible. Es como pensar en hacer un viaje con tu novia de cuando tenías diecinueve años: sería muy extraño y no creo que resultara divertido para nadie. Todas las bandas que se reúnen soportan ciertas tensiones, pero es que además en este caso ellos son pareja, y eso fue algo que aprendí con Galaxie 500:

nunca montes un grupo con una pareja”.

Bueno, eso no ha supuesto nunca un inconveniente para Dean Wareham a la hora de girar sus proyectos con su novia desde los años de Luna, Britta Phillips. “Eso es diferente: el resto de miembros del grupo no están en minoría”.

Wareham afronta en formato cuarteto y básicamente con la misma formación en directo de Dean & Britta este merecido revival al legado de Galaxie 500, la formación que le dio a conocer.

“Todo arrancó en la pasada edición del Tanned Tin, cuando me preguntaron por qué no me animaba con unas canciones de Galaxie 500. En realidad con Luna llegué a tocar alguna de estas canciones en directo, pero ya sabes lo que ocurre cuando tienes material nuevo con una nueva banda, que sólo quieres ponerte con eso…”. Ahora, el primer extrañado con la situación es él… “Está suponiendo un montón de trabajo recordar cómo tocar estas canciones otra vez, hay puentes que no tenía ni idea de cómo hice.

Y es extraño tocar estas canciones que hablan de mi romántica forma de ver la vida hace veinte años. No sé, es casi como tocar versiones…”. ■ Luis J. Menéndez

mondofreako

/11/ Febrero 2011 · MondoSonoro

ENTREVISTAS ★ WALA WALA ★ NO CONFIDENCIAL ★ LOS DISCOS DE MI VIDA ★ SUBEN/BAJAN ★ EN LA MALETA

The Go! Team Foto Archivo

THE GO! TEAM

Energías renovadas Una de las bandas que más se ha trabajado un estilo propio e inconfundible, The Go! Team regresan con un tercer disco en el que hay poco nuevo, pero mucho de lo que saben hacer: acción, pulsión y animada guerrilla sonora. “Rolling Blackouts” es la prueba de que los de Brighton tienen claro su papel en el pop y, sin duda, cómo contagiarnos.

T

odo empieza como un fenómeno de la naturaleza, el tema “T.O.R.N.A.D.O.”, primera pieza de un álbum que se ha hecho esperar cuatro años porque esta banda no para de explotar su atractivo en vivo, girando por el planeta constantemente, de Ucrania a Brasil, como si de funcionarios de la energía pop se trataran. La explosión inicial de este “Rolling Blackouts” con ese tema lo dice todo: el disco es una colección más de collages de antiguos sonidos sumados a ritmos que van desde el hip hop old school al funk setentero, pleno en guitarras adolescentes, teclados ingenuos, baterías y coros agitados. A simple vista, más de lo mismo que en los dos anteriores trabajos, o sea, un grupo ineludiblemente bailable que sabe virar dentro de un mismo tema casi como nadie.

La clave para fans de The Go! Team esta vez es, como nos explica Ian Parton, cerebro de la banda que: “hay muchos más instrumentos de viento, hemos utilizado a la mejor ban-

da de vientos que me pudiera imaginar: The Brighton Brass Band. Una orquesta compuesta sólo de chavales adolescentes a nivel local que ha aportado toda su frescura a este trabajo”. Efectivamente, quizás uno de los temas de mayor disfrute del álbum es la instrumental “Bust-Out Brigade”, unido a otro que, por su intencionalidad y preciosa ejecución, encanta, “The Secretary Song”, ejemplo de lo que le gusta contar a estos seis brigadistas del eclecticismo sonoro en sus letras. “Historias muy puntuales, casi anónimas, diría yo, de gente o lugares en un contexto y tiempo determinado, como en este caso, que hablamos simple y llanamente de la jornada de una secretaria. Para mí hay mucha riqueza en estas historias”. Todo ello también va aderezado con pizcas de fantasía de ficción y neohippismo (evidente en el tema “Yosemite Theme”). Además, su vocalista principal, Ninja, dispara toda su sabiduría en “Back

Like 8 Track”, pero –como en anteriores ocasiones– los ingleses invitan a vocalistas con toda simpatía, como a Bethany Cosentino, de Best Coast, en “Buy Nothing Day”, y otros que nos desvela Ian: “están un chaval rapero, Dominique Unique, la artista francesa Lispector o Satomi, de Deerhoof”. Todos juntos y tan revueltos, su fórmula funciona así. Aunque es curioso que para este encuentro, en diciembre en un piso del Barrio de Salamanca madrileño, Ninja ande por un lado e Ian por el otro. De ella,

composiciones”. Y es ejemplar esa manera de trabajar porque ¿quién podría convivir con tanta actividad excepto sabiendo complementarse unos con otros?. Cuando le preguntamos al ideólogo de The Go! Team, lo deja bastante claro. “La respuesta es muy sencilla: el grupo sigue unido y trabajando tanto porque yo llego con los temas hechos y no hay discusión relevante en el estudio.

Lo demás, como girar y tocar, viene casi rodado, aunque lleve su trabajo. Pero a

“El grupo sigue unido porque yo llego con los temas hechos y no hay discusión" en Inglaterra, circulan rumores de ser un tanto mandona, quizás la clase de líder que requiere un grupo de seis a la hora de demostrar tal potencial escénico. Prohíbe fumar (antes de la ley antitabaco) en todo el piso y alrededores, y se la oye atender a otros periodistas por encima de la conversación que mantiene su compañero de grupo. Especulación aparte, la contribución de Ian al pop alternativo, y a esta banda en concreto, es seria. “Me encierro en mi casa y escucho durante años y meses toda clase de vinilos, extraigo los sonidos que me apetecen, de ahí acaban saliendo muchas

todos, por lo general, nos gusta mucho lo que hacemos. Demasiado, quizás”. Pues ya hay ocasión de comprobar cómo hacen rodar los cimientos de su disco en vivo y el porqué de tal manejo de un estilo propio. La banda actuará el 30 y 31 de marzo en Valencia y Madrid, y el 1 de abril en Barcelona. Mientras tanto, “Rolling Blackouts” está ya en la calle para ir calentando ambiente.

■ Lara Sánchez “Rolling Blackouts” está publicado por Memphis Industries/Nuevos Medios.

mondoFREAKO /12/ Febrero 2011 · MondoSonoro

NO CHILDREN

Hace cinco años, No Children estaban a la cabeza del hardcore melódico estatal. Habían girado por media Europa y Estados Unidos y estaban a punto de publicar su tercer álbum, pero algo pasó. El grupo dio marcha atrás e inició un proceso del que saldrían renovados. “Souls On Fire” marca un nuevo inicio.

H

ace cinco años No Children estaban en el mejor momento de su carrera: el grupo acababa de publicar “Reality” (Blau/ Discmedi, 05) y el hardcore melódico, escena de la que eran considerados generalmente como una de las bandas estatales más importantes, pasaba por un momento de sorprendente popularidad en España. De hecho, su tercer álbum iba a ser cantado en castellano en su mayor parte y el grupo llegó a actuar en una fiesta de Los 40 Principales en Mallorca, algo que algunos fans del grupo consideraron una traición. Pero cuando la banda estaba a punto de publicar su nuevo álbum algo sucedió. No Children dieron marcha atrás y decidieron volver al estudio. Durante cinco años no hemos vuelto a saber nada de ellos. “Ha habido un poco de todo”, comenta Marcos Escoriza, voz y guitarra del grupo. A su lado se sienta el bajista Edy Pons. “El álbum estaba casi acabado, pero empezamos a componer nuevas canciones que nos gustaban más. El disco

debe ser la imagen de una banda, de un momento concreto, y cuando llegó el momento de publicar el álbum nos dimos cuenta de que lo que habíamos grabado era como un grandes éxitos con los mejores temas que habíamos ido componiendo. Faltaba algo”.

“Escuchábamos los temas por separado y nos encantaban”, añade Edy, “pero había algo que no funcionaba en conjunto. No había manera de decidir un orden. En cambio este disco es como una historia, está todo dentro, aunque todas sean diferentes entre sí, hay algo que las cohesiona. Los temas nuevos son muy diferentes a lo que habíamos hecho hasta ahora. Nos motivaba más seguir esta dirección”. Esa nueva dirección se llama “Souls On Fire”, nuevo álbum de la banda para el sello británico Atticus Black, llamado a marcar un antes y un después para el grupo y por muchas razones. La principal que, tras cinco años, publicar nuevo trabajo es como nacer de nuevo;

No Children Foto Archivo

Nacer de nuevo y que “Souls On Fire” marca un nuevo rumbo estilístico para el grupo, que decidió grabar el disco en su propio local y con el guitarrista Dimas Mex encargándose de las labores de producción.

“No es que huyéramos del hardcore melódico”, comenta Pons, “pero sí es cierto que nos apetecía hacer otra cosa. De todas maneras, cuando estamos juntos seguimos escuchando los mismos discos: NoFX, Lagwagon... No renegamos de nada, simplemente hemos

directos y pegadizos de sus anteriores trabajos.

“En muchos sentidos será como empezar de nuevo”, confiesa Edy. “Nos morimos de ganas de volver a la carretera. Ahora mismo solo pensamos en salir de gira”. Les pregunto si este cambio de rumbo y haber parado la edición de ese tercer álbum que ya tenían grabado no supone aceptar que algunas de las decisiones que tomaron en 2005 y que parecían dirigirlos hacia un enfoque más comercial fueron una equivocación,

“No renegamos de nada, simplemente hemos añadido nuevas influencias” añadido nuevas influencias”. “Ahora mismo todos escuchamos mucha música”, añade Marcos, “y eso también se refleja en el disco.

La idea era dejarlo fluir, sin preocuparnos excesivamente de a qué sonaban las canciones. En cinco años cambian muchas cosas”. En “Souls Of Fire” No Children suenan más complejos que nunca. Si con la entrada de Dimas entre el primer y el segundo álbum ya se hizo notar que el nuevo miembro procedía del metal, en este nuevo trabajo esa influencia es todavía mayor, incluso derivando hacia desarrollos progresivos, algo que contrasta con los himnos

pero ellos lo niegan. “No nos arrepentimos de nada. Incluso lo del concierto para Los 40 fue una experiencia que valió la pena, aunque muchos nos criticaran por ello”.

“Tus colegas tienen hijos, un trabajo respetable”, explica Marcos con cierta amargura. “Ha habido momentos duros. Incluso llegamos a cuestionarnos si debíamos seguir adelante o relegar esto como un simple pasatiempo”.

Por suerte decidieron seguir adelante.

■ Joan Cabot “Souls On Fire” está publicado por Atticus Black

MondoSonoro · Febrero 2011 /13/

mondoFREAKO

¡¡¡ wala wala!!!

“Mi nueva música suena como un cruce entre Lady Gaga y The Prodigy” Vanilla Ice, en NME.

“Trabajar con Butch Vig es como follarte a una novia que tenías hace veinte años” Dave Grohl de Foo Fighters, en Q.

Cerca de ti

“Intento competir con el pasado. Michelangelo, Picasso, las pirámides...”

Kanye West, en NME

“Una vez una mujer me preguntó, ¿puedo chupar tus excrecencias faciales?

Lemmy de Motörhead, en Q

Es un placer comprobar que en una era tan trendy como la nuestra aún quedan algunos locos ajenos a las modas que van a su aire en esto de la música. Este es el caso de Incarnations, trío capitaneado por Bart Davenport que con “With All Due Respect” revive los tiempos del softrock de los setenta con una clase y sabiduría a prueba de bombas.

T

“Creo en Dios y también en los ángeles, y también creo que me ayudan a ver cosas” Poly Styrene, en Uncut

“Soy Willy Wonka, me gusta convertir un sueño en realidad” John Lydon, de Sex Pistols y PIL, en Mojo

Incarnations Foto Archivo

INCARNATIONS

achar de anacrónico a un proyecto como Incarnations, grupo formado por Bart Davenport, Daniel Collás y Quinn Luke (los dos últimos miembros de la banda neoyorquina The Phenomenal Handclap Band), más que algo negativo, es un piropo, y además de los grandes.

Lo es porque todo lo que rodea a Incarnations se sale de la norma, y por ende, va a contracorriente. Y es que es verlos entrar por la puerta de la redacción de MondoSonoro en Barcelona (lugar donde se llevó a cabo la entrevista) y comprobar lo apuntado antes. Por su look, no sería raro afirmar que Davenport, Collás y Luke fueron criogenizados hace unos cuarenta años para ser descongelados hace nada y así grabar una maravilla como “With All Due Respect”. Pero vayamos por partes.

Bart Davenport, que coge la voz cantante durante casi toda la entrevista, nos cuenta la semilla del proyecto. “Somos amigos desde hace mucho tiempo, casi desde la adolescencia, y siempre habíamos querido hacer algo juntos. El problema es que ellos vivían en Nueva York y yo en California”. Prosigue. “La persona que nos animó y nos dio la posibilidad de llevar a cabo el disco fue Borja Torres de Lovemonk Records. Nos conocía a los tres por diferentes historias y pensó que sería genial tirar adelante la colaboración. Enseguida nos firmó para su sello y nos propuso grabar el disco en España. Lógicamente le dijimos que sí a todo”. La grabación solo duró diez días, y tuvo lugar en unos paradisíacos estudios situados en la playa

de Punta Paloma en Tarifa (Cádiz). (Daniel Collás) “El estudio de grabación de Punta Paloma es alucinante. Está muy cerca de la playa y hay una pequeña comunidad de gente que está aislada casi del resto de la zona. Desde las ventanas del estudio se veía África”. De esos diez días casi mágicos surge el primer disco de

de los setenta, uno de los géneros más injustamente olvidados y ninguneados de la historia del pop.

“Si no te gusta el soft rock, no te gusta Bart Davenport”, comenta entre risas Davenport, que luego se lanza a una divertida y sentida apología del género. “Sé que el soft rock es un poco hortera y nada intelectual. Es solo música normal, música agradable, pero me encanta el mundo sonoro de sus músicos y productores. Es un mundo irreal, casi una fantasía, no es como el punk rock que todo es de verdad. El soft rock es como un país imaginario al que viajas cada vez que escuchas una canción del género”.

Continúa. “Crecí con esa música en los setenta cuando era un chaval. Así que es una música

"El soft rock es como un país imaginario al que viajas cada vez que escuchas una canción" Incarnations, “With All Due Respect”, un trabajo muy compacto e inspirado, lleno de grandes canciones y con la vista puesta en el soft rock y el blue eyed soul de los setenta, en el que absolutamente nada suena improvisado o fuera de lugar. (Davenport) “La verdad es que llegamos al estudio sin ninguna idea preconcebida. Nuestro plan era disfrutar de la oportunidad de estar los tres juntos e intentar hacer música agradable.

Quinn aportó su espíritu soul y r&b clásico, Daniel sus ideas increíbles y negroides para la producción y su sabiduría a la hora de marcar el ritmo interno de cada canción, y yo mi lado más soft rock a lo 10cc”. Añade. “‘Mike You Mine’ es la canción que mejor muestra nuestros gustos y nuestras visiones particulares de la música”. Volvamos ahora sobre el aspecto que hace más especial a una banda como Incarnations, que no es otro que el de recuperar el soft rock

que me devuelve a esa época de la inocencia. Escuchaba las canciones en la radio, y supongo que ahora de alguna forma trato de recrear mi infancia, el sonido del Fender Rhodes…”. Y concluye. ”Creo que el concepto del soft rock aún puede ser explorado, puede ir más allá…”. Amén. Tras ese speech Davenport, Collás y Luke empiezan a nombrar a sus bandas favoritas del género. Los nombres que puedo retener entre un buen número de grupos que desconozco son los de Ambrosia, Bread, The Carpenters, Firefall y Fleetwood Mac. Es muy posible que les tengamos de nuevo por España en verano próximo. (Davenport) “Queremos estar en el Faraday este año.

Es el lugar perfecto para esta música…”.

■ Xavi Sánchez Pons “With All Due Respect” está publicado por Lovemonk.

mondoFREAKO /14/ Febrero 2011 · MondoSonoro

Los discos

Papu Sebastian (Polock) Foto Archivo

de mi vida

PAPU SEBASTIAN (POLOCK) Después de sorprender con un sólido disco de debut, los valencianos anuncian para el próximo 21 de febrero un disco de remezclas. Aprovechando el tirón, le preguntamos a su vocalista, Papu, cuáles son sus discos básicos.

El de mi INFANCIA

Michael Jackson

“Bad” (1987) Me regalaron la cinta de cassette de “Bad” por navidades.

Yo tendría unos ocho años, y recuerdo que durante todo ese año a la vuelta del colegio lo primero que hacía era merendar y dirigirme para mi cuarto, me vestía como Michael Jackson con el pañuelo en la boca, guantes… y bailaba durante toda la tarde.

El gran blanco

El que Le ROBÉ A MI PADRE

Tom Waits

“Blue Valentine” (1978) Mi padre escuchaba en casa mucha música en vinilo antes de comprar un equipo para leer Cd's. Este fue el primer vinilo que le quité de su discoteca. Uno de mis discos favoritos de Tom Waits por la manera en la que canta y por la canción "Blue Valentines" que es una preciosidad.

El que me ACOMPAÑÓ EN LA GRABACIÓN

Bob Dylan

“Blood On The Tracks” (1975) Lo compré durante la grabación de nuestro álbum en Berlín en una tienda de discos enorme. Llevaba tiempo buscándolo en vinilo y tuve la suerte de encontrar una primera edición por nueve euros. Estuvimos las siguientes dos semanas escuchándolo en casa sin parar.

El que CONSEGUÍ QUE ME REGALARAN

The Stone Roses

“The Stone Roses (Legacy Edition)” (2009) Después de ser muy pesado conseguí que, para mi cumpleaños, me regalaran la caja que se editó por el veinte aniversario de The Stone Roses. Incluía varios Cd's, alguno con demos, un libro con imágenes del grupo, láminas de John Squire, tres vinilos, un DVD, todo lo que quieras acerca de The Stone Roses.

El que me acompaña en las giras

Midlake

“Bamnan And Slivercork” (2004) Mi amigo Jorge Bonacho me lo recomendó y me pareció mágico, repleto de melodías, sintetizadores y armonías vocales que te trasladan a otro mundo. Uno de los mejores discos de estos últimos diez años. Es uno de los discos que más he regalado y que siempre nos acompaña en las giras. ■

Black Mountain Foto Archivo

BLACK MOUNTAIN

Black Mountain son uno de esos grupos atípicos que, enclavados dentro de una escena, la trascienden y acaban gustando a un público que a priori poco o nada tiene que ver con ella. Con su tercer álbum, “Wilderness Hearth”, seguro que logran mantener la tendencia, aunque hayan perdido cierto atractivo por el camino.

L

as enormes fauces de un tiburón blanco que ilustran la portada de “Wilderness Hearth”, tercer disco de la banda de hard-rock progresivo de Vancouver, son una buena metáfora para definir el contenido de sus surcos. La música de Black Mountain combina la inigualable belleza del escualo con la fiereza depredadora de unos riffs que crecen en tu reproductor. También la superposición de sus dos voces -femenina (Amber Webber) y masculina (Stephen McBean)- le dan un aire de distinción a su música. Una especie de ensoñación basada en el folk, pero que crece a golpes de fuzz, órgano o mellotron hasta lograr unas canciones que te atrapan en su misterio. Tras un segundo disco como “In The Future” (08), de canciones más largas y desarrolladas, que obtuvo grandes críticas en las revistas especializadas de medio mundo, deciden acortar los temas a una duración más convencional, pero intentando mostrar sus armas musicales intactas. (Stephen) “En el nuevo disco también hay elementos del anterior, aunque eso sí, hemos intentado hacer canciones de tres minutos, conservando el rollo ‘épico’ como hemos podido. ¡Era todo un reto! La estructura del disco ha sido más corta, pero me ha gustado intentar hacer lo mismo, con la misma carga y emoción, pero a lo largo de temas más cortos”. Y aunque han logrado un disco efectivo, que combina temas enérgicos

y rápidos como el excelente “Let Spirits Ride” que te recordará a los Rainbow de Ritchie Blackmore, con baladas acústicas en busca de cierta épica como “Buried By The Blues”, lo cierto es que el peso del anterior hace que la valía del tercero se resienta un poco. “¿De verdad opinas que este es más hard rock y menos progresivo que el anterior? No sé, tiene un poco de todos los elementos que citas. No es que un

rock más aguerrido. “No creo que nuestra música sea exclusiva de tal o cual escena, sino que tocamos un poco todos los palos y estilos, así que no me sorprende que haya gente de todo tipo a la que le pueda gustar nuestra música. Nuestro sonido es ambivalente, y si no te diriges específicamente a un tipo de fan concreto, es normal que tu música le guste a más gente. Al fin y al cabo a la gente le gustan muchísimas cosas distintas y es mucho más interesante escuchar un poco de todo. ¡Además, los que sólo escuchan hard rock son una panda de aburridos! Y en cuanto a lo que comentas de nuestro primer disco, pues la verdad es que hace mucho que no lo escucho e incluso me resulta divertido cuando tienes que aprender de nuevo a

"Hemos intentado hacer canciones de tres minutos, conservando el rollo ‘épico’" disco sea más así y el otro menos progresivo. La primera impresión que se llevará el público con el nuevo es que es más hard rock, pero luego lo escuchas mejor y te das cuenta que caben muchos otros elementos”. Y puede que sean precisamente esos “otros” elementos a los que hace referencia Stephen McBean, lo que ha hecho que Black Mountain sea una banda de sonidos duros que ha sido incluida en festivales que poco tienen que ver con ellos.

Puede que sea la influencia de su primer y homónimo disco, en el que con canciones como “No Satisfaction” podían llegar incluso a recordarte a The Velvet Underground, lo que ha hecho que, como Wolfmother, escapen exclusivamente a las huestes del

tocar esas canciones. De vez en cuando sí que me lo pongo y me sorprende. Es como darte cuenta de dónde vienes, todo lo que has conseguido y lo que te queda por hacer. Es como leer un antiguo diario, piensas que ese eres tú y ves las cosas que has hecho, pero con la seguridad de la distancia. En general me gusta mucho todo lo que hemos hecho y cuando pongo ese disco me doy cuenta que tiene una química especial que para mí lo hace muy atractivo. ¡Uy! me parece que estoy divagando (risas)”.

■ Don Disturbios “Wilderness Hearth” está publicado por Jagjaguwar/Popstock!

MondoSonoro · Febrero 2011 /15/

mondoFREAKO

Gorka Urbizu (Berri Txarrak) Foto Yosigo

no confidencial GORKA URBIZU (BERRI TXARRAK) Tras editar su último disco “Payola” (09) con Roadrunner, su anterior sello Gor Diskak ha editado el recopilatorio “Denak ez du balio”. El repertorio lo han elegido los fans por deseo expreso de la banda e incluye el DVD documental "Zertarako amestu" íntegro.

◗ Después de recorrer los escenarios de medio mundo, ¿es el público de San Sebastián el más soso a la hora de bailar?

Ese título siempre lo ha ostentado Andoain (Gipuzkoa), pero es porque han visto muchos conciertos en el gaztetxe y controlan mucho como para que vayas tú y los sorprendas. Aun así le tenemos mucho cariño a Andoain, nos une la puta A-15 y la melomanía. ◗ Ventajas y desventajas de engrosar las filas de una multinacional…

Ventajas: ya vamos por el yate y el segundo chalé.

Desventajas: nunca volveremos a ser lo suficientemente underground. ◗ ¿Cual es la pregunta más absurda que os ha hecho un periodista?

“Ahora en verano tendréis muchas galas, ¿no?”. ◗ ¿Cómo grupo os lo pasabais mejor hace diez años?

Definitivamente ahora. Hace diez años apenas viajábamos, ahora todo es más intenso. ◗ ¿Cuál es vuestro bar favorito en todo el mundo?

El Suzie Q de Seúl: una pared enorme llena de vinilos con un DJ coreano de setenta años que ejerce de maestro de ceremonias desde un sofá mientras su mujer no para de sacar cervezas. ¡No he visto nada más grande en la vida! ◗ ¿Es cierto que, en vuestro concierto más salvaje la gente se pegaba zapatazos en la cara?

En Managua tocamos en la calle ante el Congreso, un festival de protesta. La gente se tiraba los zapatos a la cara y nos venía sangrando por la nariz diciendo: “¡Esto va por ustedes!”. Es su forma de decirte que lo que haces les llega, “les late”. Molaba pero también daba un poco de miedo. ◗ ¿Existe algún grupo bueno que vosotros conozcáis y nosotros no?

Willis Drummond. ◗ ¿La barrera idiomática de cantar en euskera es real o un bulo?

La barrera no es idiomática, es mental. Del que tiene prejuicios y se pierde un montón de buena música por ello. ◗ Recomiéndanos un libro, una película y un disco Me ha encantado la novela gráfica “El arte de volar” (de Kim y Altarriba). En cuanto a película, “Canino”; y el disco sería “Ridin’ In My Car” de NRBQ. ◗ Confesad alguna canción de radiofórmula que os guste… ¡¿… estos son Dover?! ■

MOGWAI

Todos moriremos Stuart Braithwaite y Dominic Aitchison afirman que lo que distingue al nuevo disco de Mogwai es el ritmo, la sencillez y, atención, el optimismo. Hablando de quien hablamos, igual se pasan un poco con los adjetivos, pero lo cierto es que “Hardcore Will Never Die, But You Will”, su séptimo álbum de estudio, seduce enseguida y suena fenomenal.

C

on “Hardcore Will Never Die, But You Will”, es la primera vez, nos cuentan Braithwaite y Aitchison, que el grupo afrontó la grabación de un disco a distancia, con sus miembros viviendo en lugares distintos. Ese es un cambio con respecto a los anteriores trabajos de Mogwai. “No era fácil comunicarse. Nos comunicamos con demos, cada uno fue trabajando por su cuenta, hasta que nos reunimos a tocar”, cuenta Braithwaite. “No teníamos ninguna idea fija sobre lo que queríamos, no solemos discutir mucho en ese sentido, aunque es cierto que algunos coincidimos en que el disco tenía que ser… un poco más rápido”. “Es también un poco más sencillo y más optimista”, añade Aitchison. “Después de un año girando con ‘The Hawk Is Howling’, con canciones muy lentas y canciones antiguas, estábamos un poco cansados”. Nada mejor que “Burning”, la película de Vincent Moon rodada en Williamsburg, Nueva York, en 2009, para recordar lo que “The Hawk Is Howling” contenía: pausa e hipnosis, dos armas clásicas en Mogwai.

(Braithwaite) “Las canciones de ‘The Hawk’ se escribieron como para una banda sonora. El nuevo es rock más directo. Todas las canciones esta vez las escribimos específicamente para el álbum. Grabamos veintiuna y acabamos con diecisiete bien montadas. Eso nos permitió elegir mejor qué tipo de disco queríamos”. Y el disco que han elegido efectivamente es más directo, sin pasarse, pero lo es. Es seguro que

el hecho de estar separados y la urgencia de juntarse y probar todas esas demos haya acabado influyendo en un largo en el que no se pierde un segundo desde las primeras notas de la seductora “White Noise”. (Braithwaite) “Es verdad que escribir el disco fue diferente a otras veces porque vivimos separados, ensayamos bastante menos, pero el proceso general del disco no fue tan distinto a otras ocasiones”. En el álbum anterior se incluyó una canción de arranque casi metal, “BatCat”, con una guitarra agresiva y muy infla-

tido musical. (Aitchison) “Las únicas letras que hay en el disco son instrucciones en alemán de un aparato para el equipo que acabábamos de comprar. Buscamos el sonido de la voz en sí mismo y su melodía, ya sabes”. Por otro lado, este nuevo año trae algunas otras novedades para Mogwai.

De entrada, Sup Pop se encarga de la edición del disco en Estados Unidos, “sin razones dramáticas, sólo por cambiar”, según Braithwaite. Parece que el grupo escocés se centrará en la gira, sin otros proyectos en los que distraerse. (El fotógrafo que eligieron para la portada del disco, Antony Crook, les pidió vestir su nuevo corto sobre James Bowthorphe, el ciclista que ha batido el récord mundial al dar la vuelta al mundo en ciento setenta y seis días, con “How To Be A Werewolf”, otra de las nuevas canciones del disco. No descartemos que les pida más cosas). Así que puestos a pensar en la gira que comienza por Europa,

"Las únicas letras que hay en el disco son instrucciones en alemán de un aparato" mable. Barry Burns contó entonces que posiblemente en próximos trabajos veríamos algo de eso. No sabemos si hubo premeditación para hacer “San Pedro”, pero sí sabemos que con el debido volumen es sin duda una pieza ya clásica de rock instrumental, un golpe seco que tiene posiblemente sus mejores guitarras en tiempo. (Aitchison) “Al principio nos sonó algo caótica, pero sabíamos que no podía fallar y que acabaría en el disco”. Durante la charla apenas mencionan el hecho de que Paul Savage haya producido “Hardcore…”, años después de su participación en su debut, “Mogwai Young Team”. Recuperan también la colaboración del sexto hombre, Luke Sutherland, que tocó en casi la mitad del disco y grabó algunas voces, de nuevo llenas de sen-

Mogwai apuntan novedades, aunque sin llegar a extremos como prometer conciertos de tres horas, tal y como ha hecho Dave Grohl con Foo Fighters. (Braithwaite) “¡Qué tortura!... llevaremos una pantalla de cine, será divertido, pero no tocaremos tres horas...

Dos horas de Mogwai ya son demasiado, ¿no?... El del Primavera Sound creo que será nuestro primer concierto al aire libre de la temporada. Llevaremos unas luces impactantes, supongo que tocaremos a media noche. De día no sería lo mismo”.

■ Jerónimo Martín “Hardcore Will Never Die, But You Will” se publica el 14 de febrero vía Rock Action/Pias. mogwai estarán en el san miguel primavera sound.

Mogwai Foto Steve Gullick

◗ De la selección de temas que han elegido vuestros fans (para el recopilatorio “Denak ez du balio”), ¿Cuáles habéis echado de menos?

Esta es “una” antología de muchas posibles, partíamos de aceptar ese axioma, así que supongo que está bien como está, tampoco me quita el sueño.

mondoFREAKO /16/ Febrero 2011 · MondoSonoro

EN LA

Marcos In Dub Foto Archivo

MALETA

MARCOS IN DUB

◗ ¿Por qué motivos empezaste a pinchar? ¿Para ligar, para ser una estrella?

Por varios… primero por casualidad, segundo para amenizar, tercero por inquietud, cuarto para saber para qué vale esa palanca que pone Channel 1. Al final, estrellao. ◗ ¿Qué disco nunca falla en una sesión tuya?

“Moon-Raker” de Foremost Poets. Lo pincho desde que tenía dieciséis años. Eso sí, el original, que no me gusta ninguna de las remezclas. ◗ Por contra, ¿cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya? ¿Por qué?

Cualquiera de The Knife, por ejemplo... porque no he escuchado una remezcla de pista que me guste... Ahora que lo pienso, no me importaría remezclarles. ◗ ¿Qué es lo que más te gusta y lo que más odias de otros Dj’s?

Me gustan los que ponen buena música, pasen los años que pasen y vengan las modas que vengan... Odio los que son unos gandules que no tienen nada que hacer y, por lo que sea, tienen algún tipo de hueco en la escena. ◗ ¿Hasta qué punto es importante que la gente baile más o menos para cambiar la línea de tu sesión?

La respuesta del público es fundamental, aunque si no bailan en mis sets es que se han equivocado de club. ◗ ¿Cuál es el sitio más asqueroso en el que has llegado a pinchar?

Se llaman RAVES y no son asquerosas, ¿vale?... ◗ ¿Vinilo o CD? Es duro decirlo, pero cada vez paso más de los consumibles y soportes físicos... Yo pincho con Traktor y CD. ◗ ¿No estás harto de trabajar siempre de noche? ¡Para nada! ¡Soy Drácula! ◗ ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s?

Con algunos se pasan y a otros no les hacen ni caso. Es lo de siempre....cuando a la masa le da por algo... ◗ ¿Bebes o haces cosas malas mientras estás pinchando?

Sí, bebo... y hago todo tipo de cosas malas.

Eso sí... nunca me pillarán rascándome la pera. ◗ ¿Cuántos discos sueles comprar en un mes?

En dinero, todo el que veo necesario. En megas, todos los que puedo y en promos cada vez más. Lo compro todo y no pirateo nada.

Odio que no se compre la música. ■

HERCULES AND LOVE AFFAIR

Regreso al futuro La penúltima vuelta de tuerca al fenómeno disco se la procuran Andy Butler y los suyos, desde New York. El prefiere decir que con este flamante “Blue Songs” se mueven entre el techno-house y lo experimental. El caso es que, sea con lo que fuere, intentan dinamitar las pistas de baile más pintonas con un resultado solamente tibio; al menos cuando se escucha enlatado. Seguro que en directo la cosa se anima, fijo.

“

Blind” fue el hitazo que les dio a conocer en 2008 y ahora, tres años después, Hercules And Love Affair cambian de registro, y muy a conciencia. Andy Butler, su alma e ideólogo, nos lo explica de la siguiente forma. “En este disco hemos tomado una postura muy diferente. He estado coleccionando álbumes de música disco desde hace doce años, he asistido a muchos directos de músicos dance y he tenido un par de ideas excitantes y frescas para ejecutar con mis músicos.

Hemos hecho giras, hemos adquirido experiencia en directo que nos ha dado todavía más ideas. Nos hemos empapado de grandes músicos del género y de grandes álbumes. Es un buen momento para la disco music”. Sin duda. Hace falta una sola escucha para darnos cuenta. “Blue Songs” es un retorno al pasado más futurible –desde lo natural y orgánico- basado en experiencias personales. “Nací en 1978, el momento del auge de la disco music, pero lo que hay en ‘Blue Songs’ se parece a la música que era más importante para mí cuando era adolescente. Además de lo que oía por mi cuenta, en mi casa se escuchaba el soft ambient de Brian Eno y música folk. Así que el álbum ha tomado dos direcciones, una techno house y otra más vulnerable y experimental”.

Cuando entramos en harina para desentrañar las presuntas excelencias de este “Blue Songs”, Butler lo tiene claro y apunta a temas como

“Painted Eyes” para poner a la gente patas arriba en su versión en directo. “Es el tema más atractivo que tenemos en directo. Además es muy divertido tocarlo; Aerea Negrot es una intérprete genial que te pone las cosas fáciles. Y sí, este álbum es algo más ruidoso, rápido y está mucho más dirigido a la pista de baile. Ahora nuestro directo

la gente empieza a oír ‘Answers Come In Dreams’, me preguntan: ‘¿Es de Grace Jones?’, así que es una razón de más para estar orgulloso de esa canción”. Una de las constantes que surgen cuando se escuchan las nuevas composiciones de Hercules And Love Affair es que les confundan con Scissor Sisters; ante ello, Butler se muestra encantado. “Me parece una comparación muy divertida.

Creo que tenemos algunas diferencias, sobre todo en el directo, pero me parecen geniales, y además somos amigos”. Al llegar a este punto es cuando nos cuenta que su exilio desde DFA al sello Moshi Moshi les ha hecho muy felices, y que les gustaría volver a trabajar con la súper diva Lady Gaga. “Me sentí muy halagado cuando me encargaron hacer el remix de ‘Bad Romance’. No soy fan de ese tipo de producciones en general, de

"Ahora nuestro directo recoge el espíritu del techno y del house" recoge el espíritu del techno y del house, contando con tres excelentes vocalistas.

Nos parece más excitante y atractivo”.

Cuando, destripando su nuevo trabajo, se les compara con los magos del electro de los primeros noventa –caso de Snap! o Technotronic- no pueden disimular una sonrisa. “Nos ha influido el new beat y la música house de New York y Chicago. Aunque también he intentado inspirarme en otras vertientes como el trance y el primer house europeo, y también puedes encontrar esas reminiscencias en el álbum”. Inmersos en el track list del disco parece que Grace Jones va a aparecer cantando, y haciendo piruetas imposibles, en cualquier momento. Eso es algo que les hubiera encantado. “Hubiera sido un honor trabajar con alguien como ella. Muchas veces, cuando

ese ‘sonido Hollywood’, pero soy un gran fan de su voz y creo que tiene un directo impresionante. En el futuro me encantaría volver a hacerlo”. Finalmente, poco antes de comenzar su gira por España, nos dan una exclusiva para el público ibérico más cinéfilo.

“Acabo de terminar mi primera banda sonora y es para una película española llamada ‘Abrazo mis recuerdos’ del director Horacio Alcalá. Es una película sencilla y bella para la que he compuesto una música moderna y trágica”. Y lo que te rondaré, morena. ■ Fernando Fuentes “Blue Songs” está publicado por Moshi Moshi Records/Nuevos Medios. HERCULES AND LOVE AFFAIR ESTARÁN EL 17 DE FEBRERO EN MADRID Y EL 19 EN BARCELONA.

Andy Butler (Hercules And Love Affair) Foto Jan Wandrag

Marcos In Dub es uno de los pinchadiscos de la escudería Monofunk, así como residente de la sala GOA. Todo ello le ha permitido no solamente pinchar habitualmente en países como Alemania, sino también aparecer en nuestra sección dedicada al mundo de los Dj’s.

MondoSonoro · Febrero 2011 /17/

mondoFREAKO

KILLING JOKE

Nuestra reputación nos precede, y la de Jaz Coleman es feroz. Por ello, me pilla desprevenido encontrármelo afable y derrochando modales exquisitos. Lo tengo al otro lado de la línea para hablar sobre “Absolute Dissent”, el álbum de estudio número trece de Killing Joke.

P

odríamos empezar apuntando que “Absolute Dissent” es un compendio, si no de toda la carrera de Killing Joke, sí de los últimos veinte años. “Estoy de acuerdo. Es un gran álbum, y estoy deseando tocarlo en directo. El resultado ha sido fruto de la combinación que supone tener a la formación original de nuevo reunida”. Circunstancia que llevaba sin producirse precisamente esas dos décadas, y que, a tenor de los resultados, ha revitalizado al grupo. “Somos cuatro individuos que, cuando estamos juntos, producimos música de manera espontánea. La mayor parte del álbum fue concebido en el estudio, creamos diez canciones totalmente de cero.

Y no es un proceso sencillo. Somos cuatro personalidades muy fuertes, alcanzar un consenso no es nada fácil. El resultado de la conjunción es sencillamente explosivo.

Siento una inmensa gratitud por poder grabar con todos ellos de nuevo; no hace tanto, era algo impensable”. Hace tan solo dos años. Ya que ha sido la desafortunada muerte del anterior bajista, lo que ha propiciado la reunión de

Coleman, Walker y Ferguson, con ‘Youth’ Glover.

“Absolute Dissent” incluye un tema dedicado al finado: “The Raven King”, una novedad en un repertorio que nunca antes había contado con una elegía, y uno de los highlights del álbum. El resto de cortes abunda en la indignada temática habitual, destacando el alegato ecologista. Ello me da pie a comentar la nefanda ocurrencia del Gobierno Británico de vender la mitad de los bosques de Albión. “Eso es consecuencia de las dos tendencias hacia las que ha derivado el capitalismo: privatización y globalización, dos conceptos que nos llevarán a la destrucción segura. La cooperación ha sido sustituida por la privatización: vender a precio de saldo bienes sobre los que no se tiene ningún derecho para obtener beneficio a corto plazo”.

Pero la gran obsesión de Jaz es la energía nuclear: “Los residuos nucleares son una fuente de muerte, incapaz de ser neutralizada en cientos de miles de años, una maldición que estamos legando a las nuevas generaciones.

Por eso vivo en Nueva Zelanda, un país libre de armas nucleares desde 1985”. Pero, por

Killing Joke Foto Archivo

Sangre real muy cómodo que se encuentre en las antípodas, Coleman nunca ha dejado de sentirse un hijo del viejo continente, como apasionadamente expresa en “European Super State”. “Soy completamente pro-europeo. Y cuanto más considero la posición en el mundo de Estados Unidos y el crecimiento de China, más creo que necesitamos una Europa fuerte y autosuficiente, con urgencia. Sobre todo fuerte culturalmente, que fomente la autoeducación de sus

es el mismo hombre que compone obras sinfónicas junto a la Filarmónica de Praga, que dirige cursos de autoeducación y valores renacentistas, que es un erudito en diferentes tradiciones musicales (desde egipcias a balcánicas), y que puede presumir de haber recibido, entre otros galardones, tres Grammy o el título de Caballero de las Artes y las Letras del Ministerio de Cultura Francés. ¿Qué puede empujar a una personalidad así a seguir liderando Killing Joke más de treinta años después

“El legado de Killing Joke espero que sea: ‘puedes hacer lo que quieras, cualquier cosa’” ciudadanos”. Un discurso loable, pero que puede ser tachado de reaccionario en estos tiempos de hipocresía políticamente correcta e islamización.

“No veo el Islam dominando el horizonte europeo. No soy capaz de imaginar un futuro en el que el Islam haya subyugado Europa y la domine culturalmente. Mucho de ello surge de la necesidad de crear un enemigo”.

Reconfortaría creer la predicción, si no viniese del mismo hombre que en 1982 huyó a Islandia para escapar del Fin del Mundo. Pero aunque como futurólogo puede dejar que desear, el epíteto de genio no se le queda pequeño. El Jaz Coleman que se desgañita de manera brutal junto a Killing Joke

de su formación? “Lo verdaderamente grande de Killing Joke es que ha evolucionado desde una banda de rock, hasta un proyecto de autoeducación. El legado perdurable de Killing Joke espero que sea este simple mensaje: ‘puedes hacer lo que quieras, cualquier cosa’. Se puede conseguir mucho más de lo que tenemos, y puedes empezar en cualquier momento. Ponte manos a la obra. No dejes que nadie lo haga por ti”.

■ Daniel F. Marco “Absolute Dissent” está publicado por Spinefarm/Nuevos Medios.

entrevista /18/ Febrero 2011 路 MondoSonoro

PJ HARVEY

La dama de

Polly Jean Harvey Foto Archivo

acero

MondoSonoro · Febrero 2011 /19/

A sus cuarenta y un años, Polly Jean Harvey se siente lo suficientemente fuerte y experimentada para enfrentarse a la calamidad política que nos rodea. “Let England Shake” recupera el espíritu indómito del folk de principios de siglo, ofreciendo a la cantante inglesa la posibilidad de reinventarse una vez más, y ya van...

N

o cuesta, en absoluto, imaginarse a PJ Harvey dentro de veinte años convertida en una de esa venerables damas con cuarenta años de carrera musical a sus espaldas. Una Marianne Faithfull, una Rickie Lee Jones, incluso una Patti Smith. De hecho, con “Let England Shake” la artista, nacida en Dorset en 1969, alcanza los diez álbumes de estudio y confiesa no imaginarse haciendo otra cosa. Si bien fue en los noventa cuando Polly Jean Harvey se convirtió en el referente femenino de toda una generación, gracias a álbumes como “Dry” (Island, 92), “Rid Of Me” (Island, 93) y “To Bring You My Love” (Island, 95), Harvey se ha pasado la mayor parte de la pasada década reinventándose e intentando encontrar un equilibrio entre la madurez y la necesidad de explorar nuevas posibilidades.

Sus álbumes se han ido atemperando a cada

No cabe duda de que “Let England Shake” es un disco valiente. Por venir de quien viene y por apelar, justamente, a unos tiempos en que parece que el espíritu de lucha ha sido descartado: la mayoría de nosotros hemos aceptado que cualquier resistencia es en vano, que fuímos derrotados hace mucho. De otra manera, no se explica que podamos ver día tras día el noticiario sin que ardan las calles. Por todo ello, ¿es más necesaria que nunca la protesta? ¿Puede cambiar algo un disco? “Me gustaría pensar que sí. Me encantaría”, contesta.

“Hubo un tiempo en que era posible, en que la música tenía el poder de cambiar las cosas, de modificar el paisaje, pero no estoy segura de que eso sea posible hoy en día. Vivimos una época extraña, una época de gran desasosiego y de cambios políticos. Es difícil saber qué va a salir de

“Siempre he concebido mis discos como poemarios... Deben ir en alguna dirección” año que pasa, y puede que alguno eche de menos en ellos esa rabia centellante de los viejos tiempos, pero la realidad es que Harvey ha logrado dotar de una nueva dimensión a sus canciones. Según explica ella, se siente cada día mejor escritora y precisamente por esa razón, asegura, se ha atrevido ahora con la escritura de un álbum combativo como el politizado “Let England Shake”. “Siempre he concebido mis discos como poemarios”, explica una voz dulce al otro lado del teléfono. “Necesito tener una idea a la que agarrarme. Deben ir en alguna dirección, tener un significado. Tras ‘White Chalk’ (Island, 2007), no estaba muy segura de de qué manera debía afrontar el siguiente disco, pero estaba decidida a intentar algo nuevo. No fue una decisión fácil.

Estuve debatiéndome durante algunos meses. Llevaba un tiempo pensando en la posibilidad de grabar un disco que apelara a la época en que vivimos, pero hasta ahora no me había sentido segura de poder hacerlo de la manera correcta”.

todo esto. Solo nos queda la esperanza de que seamos capaces de extraer algo bueno de lo que está sucediendo en el mundo”. En el momento de esta conversación Inglaterra vive inmersa en convulsas protestas estudiantiles en respuesta al encarecimiento de las tasas universitarias. En noviembre, un grupo de estudiantes entró por la fuerza en la seda del Partido Conservador, ocasionando todo tipo de destrozos. Semanas después algunos manifestantes lanzarían botes de pintura contra el coche en el que viajaban el Príncipe Carlos y Camila Parker Bowles. “Es excitante ver a la gente apasionarse, levantarse y expresar aquello en lo que cree”, comenta Harvey, aunque sin referirse en concreto a ninguno de estos acontecimientos, sino a las protestas en general. “No ha habido una circunstancia concreta que me decidiera a componer estas canciones”, argumenta.

“De hecho, siempre he tenido conciencia del mundo en el que vivo y es algo que me ha preocupado desde siempre, pero hasta ahora no me había sentido capaz

de hablar de ello en mis canciones. Siempre había tenido un poco de miedo a ello, me parecía algo muy difícil. Pero ahora soy más vieja. He tenido tiempo para pensar en ello y creo que he encontrado la forma correcta de hacerlo”.

L

a inspiración proviene de la música tradicional, del folk obrero de los años treinta y cuarenta, de cantautores partisanos como Woodie Guthrie, creando un interesante juego de espejos entre las convulsiones de aquellos años y las de estos. “La música tradicional siempre me ha interesado, no sólo la del Reino Unido. En Irlanda, Escocia e Inglaterra ha habido una importante tradición de música obrera, pero también en otros países ha existido. En aquellos años, las canciones eran como el boletín informativo, era la forma en que se transmitían las noticias y como estas llegaban al pueblo. De alguna forma, es una forma de música que enlaza con una tradición ancestral. Por supuesto, es algo que tenía en mente cuando escribía estas canciones”. También cómo debía sonar “Let England Shake”, cuyas novedades no sólo proceden del apartado lírico. Las atmósferas cada vez más elaboradas de sus últimos trabajos desembocan en esta ocasión en toda una nueva batería de elementos (samples, la autoarpa) que contribuyen a hacer de este un artefacto peculiar dentro de su discografía. “Empecé a usar la autoarpa en algunos de los conciertos de presentación de ‘White Chalk’.

Fue una experiencia muy interesante

entrevista

con la unidad y la energía”. Para ello, Polly Jean Harvey contó con los sospechosos habituales: John Parish, Mick Harvey y Flood. “Sí, para mí son como parte de mi familia. He trabajado con ellos a lo largo de veinte años, y así como siempre he ido cambiando de acompañantes en directo siempre vuelvo a ellos para grabar, una y otra vez.

Y eso es porque tenemos una conexión poco común. Todos venimos del mismo lugar, musicalmente hablando, y eso hace que no sea necesario que dar demasiadas explicaciones cuando estamos grabando. Grabar puede ser una experiencia bastante frustrante y terrible para un compositor, pero con ‘Let England Shake’ todo el proceso fue realmente maravilloso y muestra de ello es que se grabara en cinco semanas, que es relativamente poco. Cada uno tiene sus ciclos en que está más o menos inspirado, pero en esta ocasión todos pasábamos por un momento de gran inspiración y creo que eso se nota en la energía del álbum”.

C

on dos décadas de carrera a sus espaldas y diez álbumes de estudio, PJ Harvey afirma que se siente como “si sólo hubiera empezado, que me queda mucho todavía por recorrer. No creo que reinventarme sea una expresión correcta, porque eso supondría que me he convertido en otra persona o que he empezado de nuevo, y pienso que mis discos provienen todos del mismo sitio. Sigo trabajando duro para escribir mejores canciones,

“Hubo un tiempo en que la música tenía el poder de cambiar las cosas” porque nunca había actuado en solitario.

Decidí experimentar con diferentes instrumentos y me enamoré de la autoarpa.

Me interesaba la idea de utilizarla como herramienta para componer música pop”. “Sabía muy bien qué tipo de sonido quería para el disco”, prosigue. “Quería un sonido atemporal, fuera del tiempo.

Que sonara como si pudiera haber sido compuesto en el futuro o en el pasado, que fuera complicado relacionarlo con algo concreto. También quería crear una atmósfera que envolviera el tema del álbum, que de alguna manera combinara elementos como la confusión y el miedo

para ser mejor en mi trabajo cada día que pasa y no puedo imaginarme haciendo otra cosa”. Aunque en un futuro próximo, asegura, quiere publicar su primer libro de dibujos, “algo que llevo haciendo toda mi vida, pero quizás haya llegado el momento de enseñárselo al mundo”, y puede que también un tomo de poesía. Al fin y al cabo, resulta difícil disociar a la PJ Harvey poeta de la PJ Harvey músico. Nuestra dama de acero.

■ Joan Cabot

“Let England Shake” se publica el próximo 14 de febrero vía Island/Universal.

UNA VIDA EN CINCO DISCOS El gran momento:

El éxito:



El bache:



“Rid Of Me”

“To Bring You My Love”

Si su álbum de debut había servido de aviso, “Rid Of Me” fue el que la convirtió en la artista femenina más importante de los noventa. Perturbadoramente sensual, poéticamente lacerante, el segundo trabajo de la británica, con Steve Albini en la producción apuntando al nervio, todavía produce la sensación de haber atravesado un lago en llamas del que uno sale fortalecido o hundido de por vida. ■

Si alguno de los álbumes de Polly Jean merece la consideración de “su disco más comercial” es este, aunque más que comercial, deberíamos hablar del más simple y directo. Inspirada por el blues rock, el gótico americano y la música de Nick Cave -con quien poco después colaboraría en su “Murder Ballads” (1996) e iniciaría una turbulenta relación sentimental-, Harvey se dio de bruces con el éxito. ■

(Island, 1993)

(Island, 1995)

La inflexión:



El tesoro enterrado:





“Dance Hall At Louse Point”,

“Stories From the City Stories From the Sea”

“The Peel Sessions: 1991-2004”

Grabado en un momento en que Harvey parecía agarrotada por la inesperada fama que le supuso su anterior trabajo, el álbum que grabó junto a su amigo y colaborador John Parrish muestra su versión más hiriente y angustiada. Harvey se deja ir, liberada por la corresponsabilidad y las sofocantes texturas urdidas por Parish. ■

Una vez superada su difícil relación con Cave -plasmada en parte en el álbum “Boatman’s Call” (1996) del australianoy tras el fallido “Is This Desire?” (Island, 1998), se reinventa a sí misma tras una larga estancia en Nueva York. La poetisa punk de sus inicios deja paso a una mujer madura, una superviviente de piel dura pero no exenta de sofisticación. ■

Aquí pasó totalmente desapercibido, pero la recopilación de sus sesiones para el mítico John Peel resume su carrera a la perfección: desde sus inicios pre-“Dry” (1991), pasando por la gran poetisa del rock de mediados de los noventa (1993 y 1996) y hasta la madura autora de su última sesión (2000). Cierra el álbum un homenaje póstumo a Peel. ■

con John Parish (Island, 1996)

(Island, 2000)

(Island, 2006)

entrevista /20/ Febrero 2011 · MondoSonoro

EL COLUMPIO ASESINO

Línea y bingo Estamos de enhorabuena, tras la búsqueda de un nuevo sello y cambios en la formación, al fin se pone en circulación “Diamantes”, el cuarto largo de El Columpio Asesino. Nueve canciones con mayúsculas que prometen devolver la voz a una de las bandas más inquietas del indie cantado en castellano.

H

El Columpio Asesino Foto Peio Izcue

ace varias semanas que engullo “Diamantes” sin parar, hasta haber llegado a la conclusión de que El Columpio Asesino han tallado su mejor piedra.

Sensual, macarra, tenso, hipnótico y elástico son algunos de los calificativos para definir este cuarto largo de los navarros. Han avisado ya al respetable poniendo en circulación “Toro”, el primer single de un disco que camina por donde lo hizo “La gallina”, si bien este astado se muestra vicioso y con vocación de himno festi-

valero gracias a un estribillo que anima a comer techo como no se tenga un buen after a mano.

Muchos años han pasado desde que El Columpio Asesino comenzara a ganar concursos de maquetas y grabara su primer y homónimo álbum, un disco, por otra parte, atemporal a más no poder. “Se puede decir que mantenemos la misma actitud a la hora de hacer discos. Intentamos no tener prejuicios a la hora de hacer canciones, sin casarnos con ningún estilo, tendencia o corriente, pero

sin darle la espalda a nuestro tiempo”.

Quien contesta es Albaro Arizaleta, batería y voz, junto a Cristina, del grupo de Iruña. Hace unos días pude verlos estrenar el nuevo disco en Pamplona durante una noche en la que no sólo eran nuevas las canciones. “Hemos vivi-

bién salió de la banda, centrándose en su prometedor proyecto llamado Ruper Sangra. También fue muy dura la decisión de no contar con nuestro manager de toda la vida Alonso para esta nueva etapa. De todas formas ahora contamos con un bajista

“Por primera vez hemos ido detrás de una idea, de un concepto y de un sonido” do un momento de grandes cambios en la banda en muchos aspectos. Markos, histórico de la banda, decidió dejar el frente, dejando un hueco enorme, el hueco de la sensatez. Lo echamos mucho de menos.

Roberto, bajista en la ‘Gira Gallina’ tam-

de primera, Dani Ulecia, un gran músico y productor que ha encajado en la banda muy bien. Ahora somos uno menos. Sable se ha tenido que poner las pilas con los teclados y Cris con la guitarra”. Me atrevería a decir que hay canciones que parecen

MondoSonoro · Febrero 2011 /21/

hechas para Cristina, cosa que antes no era tan evidente. “No diría que están pensadas para ella, pero está claro que a la hora de crear melodías somos conscientes que contamos con una voz como la de Cris, y eso te abre muchas posibilidades, te permite adentrarte en estilos que con mi voz no funcionarían”. Grabado de nuevo en los Estudios de Lucas con Iñaki, quien acompaña a la banda como técnico de sonido, “Diamantes” tiene bastantes similitudes con su predecesor en cuanto a la hipnosis y a lo cuidado de la producción. Es un disco que es un regalo enorme cuando se escucha con unos buenos auriculares. “Por primera vez hemos ido detrás de una idea, de un concepto y de un sonido. Hemos intentado sonar lo más limpio, ligero e ingrávido posible y al mismo tiempo ser sucios e intensos, con una extraña polución electro-onírica que a veces te enviste como un toro y otras te disuelve en un dulce sueño. Nos gusta balancearnos entre esos dos mundos opuestos, balancearnos entre la belleza y sordidez”. Lo han conseguido. No hay más que escuchar “Toro” y compararla con “MGMT” para comprobar que la variedad de registros que maneja el grupo se ha hecho mayor de edad en “Diamantes”. Si a eso le sumamos

el hecho de que tan pronto se atreven con una versión del “The Endless Plain Of Fortune” de Cale como que reinterpretan “On The Floor” de We Are Standad, sus nuevos compañeros de sello, el hecho de que El Columpio Asesino podrían hacer de casi todo es palpable. “La de Cale es una canción que nos encanta, por su intensa melancolía y por su nostálgica belleza. El problema fue cuando traduji-

A

ntes he mencionado que El Columpio Asesino tienen nuevos compañeros de sello. “Ahora mismo Mushroom Pillow nos parece la discográfica más seria y que mejor está moviendo a sus grupos.

Se nos acabó el contrato con nuestra ex, y empezamos con otra”. Suerte. Espero que la decisión haya sido la acertada y que la nueva disquera vuelva a hacer llegar a la banda a México,

“Hemos vivido un momento de grandes cambios en la banda en muchos aspectos” mos la letra al castellano, no había por dónde cogerla… Así que hice una nueva letra. Me dejé llevar por lo que la melodía me sugería, por los sentimientos en los que me envolvía el tema, y adapté esas sensaciones a las voces profundas de mi interior. Que el señor nos perdone. Cale ten misericordia… ‘On The Floor’ surge de un proyecto fallido con We Are Standard.

Hicimos dos versiones y ‘On The Floor’ nos gustó mucho cómo quedó. Nos la apropiamos llevándola a nuestro sórdido universo”.

entre otras cosas. “Espero que sí. Tenemos una gran parroquia en el paraíso del tequila que no se puede ni descuidar ni olvidar”.

Otra de las cosas que siempre han gustado de El Columpio son sus singles, algo que desapareció en “La Gallina” y que sería conveniente recuperar. “Me imagino que sí. El disco tiene unos cuantos…”. Tantos como temas de los que hablar en sus letras. Amor, drogas, excesos, dudas. Su universo se mueve por terrenos tan oscuros como atractivos, que encima lo hagan en castellano vuelve a hacer que quien firma no tenga demasiadas posibilidades de defensa

entrevista

ante unas canciones que podrían ser sacadas de mi diario. “Historias de personas perdidas, de huidas, de conflictos emocionales, historias de sexo decadente. Surgen de experiencias pasadas y vividas, de la observación de mi entorno más cercano. De la noche y de su decadencia. De autoengaño y derrota. Claudicación ante los más bajos instintos animales. Se podría decir que las canciones tienen un fondo de tristeza y de desencanto, pero también hay sentido del humor y por momentos ánimo. Momentos de la vida loca del apacible pasto de vacas que es Pamplona”. Aparte de en ese apacible lugar, Albaro olvida decir que esas historias han sido disfrutadas en México, China o Filipinas. Los Arizaleta apostaron en su momento por dejarlo todo y vivir del grupo, algo que les aporta libertad de movimientos pero que tiene sus contras.

“Bueno se podría decir que te levantas a la hora que te da la gana, que dispones del tiempo a tu antojo, no sé, se vive bien, pero te sientes con el culo al aire, no sientes esa manta que arropa al resto y sobre todo tienes que hacerte a vivir con poco”.

■ Rafa Angulo “Diamantes” está publicado por Mushroom Pillow.

DIAMANTES CANCIÓN A CANCIÓN “Perlas”

Es la canción que más nos costó. Un bajo kraut y un ritmo a lo Credeence fue lo que hizo que la sacáramos adelante.

“Toro”

Es la canción bisagra respecto a los discos pasados.

Se podría decir que “Edad legal”, “La marca en nuestra frente” y “Toro” forman una trilogía de dos personajes inspirados en una pareja tipo Bonnie & Clyde.

“Diamantes”

Es la perla del disco tanto para mi hermano como para mí. Nunca habíamos arriesgado tanto con los silencios y vacíos como en esta canción y su crescendo final es del que más orgulloso estamos.

“Corazón anguloso”

¿Quién no ha conocido alguna vez a una mujer vampiro?

Quisimos que la canción se mantuviese en el aire como el hechizo de un vampiro y que acabase como el mordisco de una tigresa.

“Dime que nunca lo has pensado”

Fue grabada en el estudio de nuestro nuevo bajista y producida en Donosti. Nos funcionó a la primera.

“On The Floor”

La gran macarrada. Nos suena a motos y a mostachos de herradura. Más de Bilbo que nadie.

“MGMT”

En un principio era de doce minutos y su estructura nos recordaba a un tema de MGMT. Tiene una de las melodías mas pop que hemos hecho.

“Cisne de cristal”

Versión de “The Endless Plain Of Fortune” de Cale.

Tuvimos que rehacer la letra por que la original no la pillábamos por ningún lado. También nos tomamos la libertad de cambiar su magnífico crescendo instrumental aportando partes nuevas. Que el señor nos perdone.

“MDMA”

Surgió de la inédita “Pez en la ola”. El final electrónico es la hostia. ■

Cut Copy Foto Archivo

entrevista /22/ Febrero 2011 · MondoSonoro

CUT COPY

Príncipes de Melbourne

Tras el exitoso “In Ghost Colours” (Modular/Universal, 08) tocaba la reválida. El trío australino de dance pop se refugió en su estudio de Melbourne para componer su tercer larga duración, “Zonoscope”, en el que las consabidas influencias de la new wave, el post-punk y el techno pop se combinan dando como resultado un mayor colorido.

A

upados a la primera línea de la música pop de baile gracias al éxito de “In Ghost Colours” y la conocida colección de singles que contenía, Cut Copy tenían por delante la dura prueba de la reválida. Sus fans esperan de “Zonoscope” un número similar de hits que corear en la fulgente oscuridad de la pista de baile y en la soledad de sus dormitorios. A su alrededor se ha creado la suficiente expectación como para que, como suele ocurrir en estos casos, el tercer largo de los australianos deje a un montón de jóvenes insatisfechos, porque su nuevo álbum carece de la inmediatez de su predecesor, aunque, defienden ellos, se trata de un esfuerzo mucho más consistente. Al habla Tim Hoey, guitarrista y bajista del grupo de Melbourne. “Es difícil responder a ciertas expectativas. Para nosotros, lo único importante era plasmar la idea que teníamos desde un principio, crear el tipo de disco que queríamos y,

en ese sentido, estamos muy orgullosos del resultado. Hemos trabajado realmente duro para conseguirlo. A partir de este punto, suceda lo que suceda, está más allá de nuestro control. Los medios, el público... No depende de nosotros e intentamos pensar no demasiado en ello cuando estamos grabando”. Hoey sabe muy bien que el éxito de “In Ghost Colours” también fue algo que escapaba a su control.

Si hubiera una fórmula para el triunfo, todos seríamos Lady Gaga. “En el fondo, cada uno evalúa el éxito de forma diferente.

Cuando terminamos de grabar ‘In Ghost Colours’ teníamos la misma sensación que tenemos ahora, que habíamos hecho un buen trabajo. Para nosotros supuso un paso importante respecto a nuestro debut, y es evidente que nos permitió llegar a un público más amplio”. De hecho, Cut Copy, el trío que Hoey comparte con Dan

Whitford y Mitchell Scott (y que acaba de convertirse oficialmente en cuarteto con el fichaje de Ben Browning), se han pasado la mayor parte de los últimos años de gira, hasta el punto que a la hora de grabar la continuación de su segundo álbum decidieron que la mejor opción era volver a casa y encerrarse durante un tiempo alejándose de la presión. “Encontramos un antiguo depósito abandonado en una zona industrial. Llevamos allí todo el equipo necesario para la grabación. Es un

Copy, destripando las sonoridades del anterior disco, y empezar de nuevo, concentrándonos especialmente en la percusión.

Sobre todo queríamos darle a las canciones un sentido unitario”. A partir de allí, la banda estuvo experimentando con diferentes opciones que se han traducido en un mayor colorido rítmico: ritmos tribales y exóticos, incontenibles ramalazos pop, que se baten con las consabidas influencias de sus anteriores trabajos. “En cierto sentido, la introducción

“Teníamos la idea de crear un álbum muy hipnótico... reimaginar el sonido de Cut Copy” lugar apartado. Podíamos estar tranquilos y a la vez trabajar sin la presión que supone pensar que estás en un estudio muy caro mirando la hora. Allí estábamos aislados del resto del mundo y pudimos trabajar sin preocuparnos demasiado del tiempo”.

E

l grupo tenía una idea clara de qué tipo de disco quería. “Teníamos la idea de crear un álbum muy hipnótico. Hablábamos de reimaginar el sonido de Cut

de estos nuevos ritmos fue un proceso lógico. Siempre nos han influido la música de los ochenta, artistas como Talking Heads o Paul Simon, que ya usaron este tipo de percusiones. Nuestros gustos musicales nunca han sido precisamente restrictivos y cuando llega el momento de componer tomamos la inspiración de aquí y de allí. Otra influencia importante durante la concepción de ‘Zonoscope’ fue la película ‘Fitzcarraldo’ de Werner Herzog, que está ambientada en el Amazonas”.

MondoSonoro · Febrero 2011 /23/

entrevista

CUT COPY

“Zonoscope” (Universal)

Hoey comenta que la intensa agenda de conciertos del grupo también contribuyó a la idea de crear un universo particular para su tercer álbum. “Pasamos muchas horas juntos, comprando discos, escuchando música...

Además, es evidente que tocar casi cada noche te convierte en mejor músico y contribuye a desarrollar un lenguaje como banda”.

E

n realidad, “Zonoscope” no supone en absoluto una ruptura con su pasado sino más bien una ligera reorientación. Puede que por el camino hayan perdido la efervescencia de canciones como “Hearts On Fire”, pero este tercer disco no se queda corto en efectividad y aporta necesarias novedades a lo que Cut Copy proponen. “Debes ser cuidadoso cuando experimentas”, explica Hoey. “Hemos estado mucho tiempo improvisando y probando cosas nuevas, pero sin perder de vista en ningún momento que lo más importante eran las canciones y de qué manera éstas iban a encajar en el álbum.

Nos hemos preocupado mucho de crear un disco consistente”. En ese sentido, las composiciones de Dan Whitford siguen debatiéndose entre la contagiosa vitalidad de lo instrumental y la melancolía de las palabras, seña

de identidad de los australianos. “Nuestra música contiene elementos que pueden parecer contradictorios: ritmos festivos que invitan al baile y progresiones potentes, a la vez que letras muy tristes en ocasiones. Es simplemente nuestra forma de escribir”. Al principio de nuestra conversación, Hoey se ha disculpado de antemano por si sus respuestas resultaban demasiado espesas.

“Acabamos de volver de Nueva York y Los Angeles y todavía tengo un ligero jet lag”,

‘Zonoscope’. Nos gustaría encontrar el momento y la forma de publicar parte de estas canciones y hemos pensado en la posibilidad de hacerlo en formato EP agrupándolas según el sonido”. “No pasamos suficientemente tiempo aquí como para sentirnos parte de una escena”, responde cuando le pregunto sobre el panorama musical australiano y el lugar que Cut Copy ocupan en él. “Estamos mucho tiempo de gira y eso supone que no estamos en contacto con

“Siempre nos han influido artistas como Talking Heads o Paul Simon” comenta. Así que le pregunto si en sus planes está seguir actuando tan asiduamente como han hecho durante estos últimos años. “Sí, los próximos doce meses van a ser más o menos igual. Durante 2011 estaremos la mayor parte del tiempo de gira, aunque queremos parar de vez en cuando para volver aquí y grabar. No nos gustaría volver a estar tanto tiempo sin material nuevo. De hecho podríamos publicar un disco nuevo dentro de un par de meses porque han quedado muchas canciones fuera de

la escena local tanto como antes, aunque siempre que volvemos a Australia lo pasamos realmente bien yendo a conciertos y saliendo por ahí. Melbourne es algo así como la capital cultural del país, es un lugar bastante guay. Al menos a mí me lo parece. No me imagino viviendo en otro sitio”. ■ Joan Cabot “Zonoscope” se publica el próximo 7 de febrero vía Modular/Universal. cut copy estarán en el low cost festival.

Ténganlo por seguro, habrá quien se sienta decepcionado con el tercer larga duración de los australianos Cut Copy. Los motivos se resumen fundamentalmente en que “Zonoscope” no contiene tantos hits singles como “In Ghost Colours” (08) y en la poca paciencia que tenemos ya críticos y aficionados, descuidando que las carreras musicales deben plantearse con calma y paso a paso, no con las prisas inherentes a los tiempos que corren. Tengan también por seguro que “Zonoscope” no va a ser un disco que aúpe a Cut Copy más arriba de la posición en la que están ahora mismo, más que nada porque no estamos ante su mejor trabajo.

“Zonoscope” es un buen disco, rico en matices e intenciones, pero no un álbum redondo, ni la obra maestra que el ahora cuarteto australiano debería haber publicado para dar un pepinazo. “Zonoscope” no es nada inmediato -más allá del ya conocido single “Take Me Over”-, sino que requiere tantas escuchas como “Bright Like Neon Love” (05), y muchas más de las que convertían a “In Ghost Colours” (08) en una apuesta segura. Lo que sí es la demostración de que Cut Copy es un grupo maduro que maneja sus herramientas con mucha clase y consciente de que, pese a las condiciones actuales del mercado, hay que tomarse las cosas con calma.

Los australianos arriesgan al cargar tanto las tintas en la cara más ochentas, más synth pop e incluso new romantic de su música apartándose del poso post-punk o de la inmediatez new wave que marcaba parte de su repertorio previo, aunque al mismo tiempo, y sobre todo en la primera mitad de “Zonoscope”, apuntan multitud de caminos a explorar. En la atractiva “Pharaohs & Pyramids” suenan a ABC versionados por Errors con unos bajos directamente inspirados en el “Sun Rising” de The Beloved. Destaca también la robustez de “Blink And You’ll Miss A Revolution”, un corte en el que confluyen The Human League –tanto los más electrónicos como los más edulcorados- y The Juan Maclean. Y es escuchar “Where I’m Going” y dudar entre si Cut Copy quieren ser The Beach Boys, Super Furry Animals, Fleetwood Mac o Deacon Blue. Aunque hay más. Esa “Hanging Onto Every Heartbeat”, pop de tradición ochentas con el sonido característico de la Australia actual, o esa aventura rítmica y apasionante que suponen los quince minutos de “Sun God”, sin duda un homenaje al sonido Madchester y las producciones de Andrew Weatherall para Primal Scream y de Paul Oakenfold y Steve Osborne para Happy Mondays.

Lástima que se muestren menos inspirados en la ambiental “Strange Nostalgia For The Future”, en una “This Is All We Got” que podría recordarnos a los Phoenix más irregulares -a lo que se suma una producción pelín shoegazer que incluso le resta pegada-, o en “Alisa”, lo que acaba desequilibrando la balanza, eclipsando lo mejor de este “Zonoscope”.

Da la impresión de que con él, Cut Copy se mantendrán aún en una posición discreta, lejos de ser el grupo del año, pero con un material lo suficientemente interesante para poder desarrollar su carrera como debería ser en todos los casos: sin prisas, pero sin pausas.

■ Joan S. Luna

Seguimos creciendo

ahora tambiĂŠn Canarias

/25/ Febrero 2011 · MondoSonoro

Triángulo de Amor Bizarro Foto Raúl Julián

Remate Foto Julio González

CONCIERTOS

REMATE Sala Teatro Nuevo Lara (Madrid) Fecha 21-1-2011 Estilo folk Público lleno Promotor Vertical Pop

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO Sala La Casa del Loco (Zaragoza) Fecha 14-1-2011 Estilo pop ruidoso Público lleno Promotor Antípodas Producciones

111

Tras su participación la pasada primavera en el festival Plastidepop, los gallegos Triángulo de Amor Bizarro regresaban a Zaragoza para presentar de manera oficial su segundo álbum, “Año Santo” (Mushroom Pillow, 10), que ha lucido en las listas con lo mejor de la última temporada. A estas alturas resulta evidente qué esperar de un concierto del cuarteto, con la abrasiva intensidad de escandalosas recreaciones como protagonistas. Sin embargo y en esta ocasión, la maraña sónica de descontrolado volumen arrastró bajo su furia (más de lo acostumbrado y en exceso) a la oscura lírica e insinuada melodía características del combo. Hay bandas que esconden la falta de talento entre toneladas de ruido y aunque

definitivamente no es el caso de Triángulo de Amor Bizarro, la pasada noche se empeñaron en parecerlo. Rodrigo Caamaño e Isabel Cea, acompañados sobre el escenario de Óscar Vilariño y ese endiablado batería que es Rafa Mallo, resultaron menos creíbles de lo habitual y hasta la rebeldía oculta tras el sudoroso flequillo de la bajista levantó menos morbosa curiosidad que de costumbre. La visceral y violentamente remodelada “El crimen: cómo ocurre y cómo remediarlo” y una apropiación sin tapujos del “Lento” de Julieta Venegas completaron una hora de concierto desproporcionado y escéptico. Máxime atendiendo a los firmantes del mismo, que saben y pueden hacerlo mucho mejor. Raúl Julián

Digámoslo de entrada. Remate es un músico con conocimiento, con visión y con discurso. Su narrativa excéntrica y su aire a lo Jean Rochefort haciendo de Don Quijote para Terry Gilliam (entre ido, orgulloso y amable) a menudo distraen, generan prejuicios, despistan a la hora de encontrar lo que realmente importa: el alma del artista. Viendo a Remate sobre el escenario, todo ese manierismo, todos sus “gimmicks”, están presentes. El músico juega con ello, te obliga a comulgar. Pero ahí está la diferencia, lo que le hace especial y da legitimidad a la afirmación introductoria (que, por otro lado, debería ser una tautología flagrante; ¿los músicos no deberían siempre tener conocimiento, visión y discurso?). Porque lo que propone no es un contrato desigual o injusto, no se va de rositas tras en intercambio. A cambio de tu atención, si tú te rindes, Remate te devuelve mucha indagación, mucho conocimiento, respeto por los que han estado antes, un estilo cambiante pero insobornable y, finalmente, una parte de su alma como artista, a fin de cuentas, lo único que deseamos ver. Y no parece ése un mal trato.

Remate presentó las canciones de “Superluv.

Por lo que tiene de romántico”. Lo hizo

Siente el canto a la alegría de Marianne Faithfull y su “Horses and High Heels” o el sonido de Drive by Truckers con “Go go boots”. Dos novedades que encontrarás en tu Espacio de Música.

www.elcorteingles.es

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acompañado por Carlos Toronado a la guitarra y percusión, Sherezade al chelo y al glockenspiel y, durante dos canciones, por el excelso batería Kike Pierrot (junto a Toronado, miembro de PAL). La puesta en escena y la interpretación fueron cambiantes, relajadas a ratos, intensas por momentos (siempre un tanto forzadas, hay que admitir) y estuvieron marcadas por un ambiente general de buen humor cómplice que no es más que la cautela de quien se toma muy en serio lo que hace. Sobresalieron algunos títulos como “Laurie Allen”, "Gigante”, “Iris” y “Por lo que tiene de romántico”. Da la sensación de que Remate, pudiendo tirar de grandilocuencia, desea plantear sus actuaciones como una traslación casera del disco, en el que la superposición de instrumentos y músicos hace las veces de muro de sonido por encima de la producción. Parece que quiere escapar del backline tradicional, jugar con las posibilidades de la interpretación. Y el resultado es tan extraño como atractivo. Corre el riesgo de quedarse en anécdota pero finalmente funciona de la manera en la que te funcionan las cosas sobre las que no te haces muchas preguntas. Y no parece ése un mal resultado. Jorge Ramos

Supersubmarina Foto Alfredo Arias

CONCIERTOS /26/ Febrero 2011 · MondoSonoro

Fiesta Presentación del Low Cost Festival Sala Charada Club (Madrid) Fecha 21-1-11 Estilo pop Público lleno Promotor La Trinchera

trónico. Supersubmarina llegaron con fuerza advirtiendo que su concierto sería más breve de lo habitual así que no se anduvieron por las ramas y fueron hilando tema tras tema en poco más de treinta minutos de actuación. Las primeras filas estaban plagadas de un nutrido grupo de chicas que cantaban de principio a fin todos los temas de la banda excepto “Kevin” un tema nuevo que aprovecharon para presentar esta noche. Su pop, que camina entre los senderos de Héroes del Silencio y la estela de Vetusta Morla, da en el clavo de un público universitario que espera una banda con actitud y cosas que contar. A más de uno se le hizo corto. Visto lo que fue su actuación en el Charada deberían ser una de los éxitos del Low Cost 2011. Alfredo Arias

Ellos Foto Alfredo Arias

El Festival de Benidorm ha cambiado, ya no es Julio Iglesias el que da lustre a la ciudad costera, ahora es el Low Cost quien se afianza como referente musical del Manhattan mediterráneo.

Para dar el pistoletazo de salida a un cartel plagado de grupos nacionales se plantó en Madrid con dos bandas que están pisando fuerte desde hace casi un año. Fuzzy White Casters fueron los encargados de abrir la noche con su propuesta enérgica y descarada que supo a poco por la escasa media hora que tocaron. En cualquier caso fue suficiente para demostrar que el telonear a los Arctic Monkeys en el pasado MTV Winter no fue fruto de la casualidad. Se desgañitaron y demostraron que aún les queda mucho por delante con su propuesta de rabioso rock elec-

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ELLOS Sala Galileo Galilei (Madrid) Fecha 13-1-11 Estilo pop Público sold out Promotor Pias

No quedaban entradas desde hacía un par de semanas, pero al igual que los conciertos sin humo, el sold out ya no es lo que era. Nada de apreturas, ni agobios, ni siquiera empujones. Todo el papel vendido y podías moverte tranquilamente.

Cómodo, sí, pero aséptico. La expectación para ver a Ellos en Madrid era tan grande como redondo es “Cardiopatía Severa”, su último trabajo, un disco del que tranquilamente podrían sacarse siete u ocho singles y sobre el que se ha hecho una campaña de promoción de manual, que ha dado sus frutos. Ya les tocaba, por otra parte, sobre todo ahora que no juegan a ser molones pero sí a tomarse su música bastante en serio. No es que antes no lo hicieran, pero el brillo de la superficialidad –como mecanismo de defensa- empañaba todo el conjunto. Con bajo y batería, nada de electrónica más que en los pedales (Guille bromeaba con un fan que hacía fotos a sus juguetes) dieron un buen repaso a su nuevo álbum. No era fácil trasladar al directo los arreglos de la orquesta búlgara con

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la que grabaron el disco. Tal vez la banda necesite más rodaje, puede que fuera el calor espantoso que hacía en la sala Galileo o simplemente que no tuvieran el día o los astros no estuvieran correctamente alineados, pero fue una actuación floja sostenida por algunas canciones espectaculares, otras muy buenas y un público que venía dispuesto a darlo todo desde antes de que el grupo empezara a tocar. Los temas antiguos sonaron acelerados y a veces, descoordinados. El respetable, entregadísimo. Temas como "Justicia cósmica", "En tu Lista" o "Viernes" levantaron el ánimo en una actuación que resulto descafeinada. Un Guille Mostaza menos melodramático de lo habitual, y aun así frontman carismático, consiguió compensar el pobre sonido de la banda con buenas interpretaciones.

Tirando de oficio, y con la partida ganada de antemano, salvaron un concierto que no pasará a la historia pero que sí dejó claro que Ellos están en su mejor momento. El segundo Bis a petición popular, es la prueba. J. Batahola

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www.silbato.net

JUEVES 10 DE FEBRERO WAH WAH (VALENCIA)

JUEVES 24 DE FEBRERO (MADRID) EL SOL (MADRID) 22:30 h.

21:30 h.

VIERNES 11 DE FEBRERO ZACARÍAS (BARCELONA)

VIERNES 25 DE FEBRERO 12&MEDIO (MURCIA) 22:30 h.

21:00 h.

SÁBADO 26 DE FEBRERO

PLANTA BAJA www.joaquintalisman.com/perdicion

(GRANADA) 21:00 h.

MondoSonoro · Febrero 2011 /29/

CONCIERTOS

<;8H;HE (&'' Sr. Chinarro Foto Eduardo Tébar

7IJKH?7I" 97DJ78H?7" 97IJ?BB7 B;äD" ;KIA7:?" =7B?9?7 O D7L7HH7 ACAPULCO, GIJÓN 25/02/2011 MAGA

CANTABRIA

HEAVEN, POLA SIERO 25/02/2011 HORTHY 26/02/2011 CHICO MALO + SOM DO GALPOM

CASTILLA Y LEÓN

SR. CHINARRO

EL HANGAR, BURGOS 18/02/2011 DAMBA

Sala Teatro Alhambra (Granada) Fecha 11-1-11 Estilo pop Público casi lleno Promotor Circuito Pop Rock Andalucía (Junta de Andalucía)

Antonio Luque se parece cada vez más al Leonard Cohen de Woodstock. Anoche, además, se defendió solito con su Gibson acústica en el Teatro Alhambra de Granada en la presentación del Circuito Joven de Pop-Rock de Andalucía. Más cantautoril y desnudo que nunca, en fondo y forma, y también más alejado del hermético sevillano de pincel que desde hace una década se resiste a dedicarle una letra al Paseo de los Tristes. “La noche pasada soñé que Murcia iba a desaparecer. Granada ya no existía. Ni rastro de Almería”, canta en un adelanto de su próximo disco, que verá la luz a finales de marzo.

Piezas nuevas, como “Babieca” –en honor al robusto caballo de El Cid–, mantienen el tono de costumbrismo surrealista y populismo con flashes de greguería. En esa paulatina amplificación anda Sr. Chinarro desde “El fuego amigo”. Ya absolutamente comunicativo, desarrollando monólogos hilarantes entre canción y canción.

Admiración y carcajadas. Su soltura en el manejo de significados y en el arte del retruécano le permite hilvanar cantes y comentarios. Y así, entre interludios mordaces, van cayendo gemas de su etapa de

JIMMY JAZZ, VITORIA 20/02/2011 BIGGOT

ASTURIAS

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extroversión como “Gitana”, “El alfabeto morse”, “El rayo verde” o “Los amores reñidos”. Luque lleva tiempo sopesando funcionar con una banda de rockabilly. Habrá que ver para creer. Mientras tanto, Pájaro Jack disfrutan de su meteórico crecimiento en solo un año de vida. El proyecto liderado por Jaime Beltrán empieza a volar con firmeza sobre ese cielo de armonías etéreas que Simon y Garfunkel reflejaron en las gafas de sol de Dustin Hoffman. Comparten referencias con Fleet Foxes, así como la condición de novicios insultantemente maduros para su edad. Sus voces empastan como planchas clisadas. Y las canciones oscilan entre reflexiones acerca de la "espaciotemporalidad" cotidiana y la inocencia pretendida de un líder que se declara en público Boy Scout. Por desgracia para Tannhäuser, el otro grupo en ciernes del cartel, gran parte del público –incluidos los no fumadores– había abandonado las butacas llegado su turno. Los sevillanos le deben tanto a los colosos del krautrock y del post-rock que la palabra “experimental” se queda en una vacua exageración.

Eduardo Tébar

IBU HOTS, VITORIA 24/02/2011 MAGA TUNK, IRÚN 26/02/2011 HORTHY BERMEAKO ANTZOKI, BERMEO (BIZKAIA) 25/02/2011 SON DE GALPOM

GALICIA

CLAVICÉMBALO, LUGO STUDIO 54, LEÓN 04/02/2011 CANTECA DE MACAO 25/02/2011 CHICO MALO 19/02/2011 TELEPHUNKEN KARMA, PONTEVEDRA 12/02/2011 TELEPHUNKEN HEINEKEN, VALLADOLID 26/02/2011 MAGA LA FABRICA DE CHOCOLATE, VIGO EUSKADI 11/02/2011 TELEPHUNKEN AZKENA, BILBAO 18/02/2011 BIGGOT NAVARRA TARTUFO, BERGARA, DONOSTI BIG STAR, PAMPLONA 17/02/2011 BIGGOT 11/02/2011 COLOR HUMANO 19/02/2011 BIGGOT TOTEM, PAMPLONA 25/02/2011 TELEPHUNKEN 11/02/2011 CANTECA DE MACAO

7H7=äD " 97J7BKz7" L7B;D9?7 O CKH9?7 ZERO, BARCELONA ARAGÓN 19/02/2011 HORTHY LA CASA DEL LOCO, MONASTERIO, BARCELONA ZARAGOZA 27/02/2011 OLIVA TRENCADA 05/02/2011 CANTECA DE MACAO HARLEM, BARCELONA SALA LOPEZ, ZARAGOZA 26/02/2011 SOM DO GALPOM 10/02/2011 COLOR HUMANO SALAMANDRA 2, HOSPITALET (BCN) L A LATA DE COMBILLAS, 05/02/2011 LA CANALLA ZARAGOZA 26/02/2011 FUEL FANDANGO COM. VALENCIANA SALA 3, VALENCIA EDÉN, HUESCA 18/02/2011 CANTECA 25/02/2011 FUEL FANDANGO DE MACAO CATALUÑA C. OVIDI MONTLLOR CAFÉ DEL TEATRE, LLEIDA 12/02/2011 CANTECA DE MACAO 25/02/2011 OLIVIA TRENCADA SIDECAR, BARCELONA 11/02/2011 CHIN YI

MURCIA STEREO, MURCIA 11/02/2011 MAGA

97IJ?BB7 B7 C7D9>7" ;NJH;C7:KH7 O C7:H?: CASTILLA LA MANCHA ARCO, ALCAZAR DE SAN JUAN 02/02/2011 FUEL FANDANGO

Joanna Newsom Foto Fernando Ramírez

EL CORRAL DE LAS CIGÜEÑAS, CÁCERES EL CÍRCULO DEL ARTE, TOLEDO 11/02/2011 FUEL FANDANGO 19/02/2011 CANTECA DE MACAO BARROCO, CÁCERES 19/02/2011 TRIANGULO DE GARCILASO, TOLEDO AMOR BIZARRO 03/02/2011 FUEL FANDANDO 11/02/2011 LA CANALLA MADRID EXTREMADURA BUHO REAL, MADRID MERCANTIL, BADAJOZ 02/02/2011 GARI 10/02/2011 FUEL FANDANGO COSTELLO, MADRID 18/02/2011 TRIANGULO DE 11/02/2011 HORTHY AMOR BIZARRO 24/02/2011 LA CANALLA

7D:7BK9à7 O 9;KJ7 ANDALUCÍA

SUPERSONIC, CÁDIZ 03/02/2011 TELEPHUNKEN 10/02/2011 DAMBA 17/02/2011 CHICO MALO

BIZARRO

TIO ZAPPA, JERÉZ (CÁDIZ) 04/02/2011 TELEPHUNKEN

MALANDAR, SEVILLA 17/02/2011 TRIANGULO DE AMOR 25/02/2011 LA CANALLA PLANTA BAJA, GRANADA 11/02/2011 VERY POMELO

JOANNA NEWSOM Lugar Palau de la Música Catalana (Barcelona) Fecha 20-1-11 Estilo folk Público lleno Promotor Producciones Animadas/Mercury Wheels

Nada más aparecer y ajustar el micrófono se abrazó al arpa, empezó a entonar “Bridges And Balloons” y el tiempo, durante una hora y media, se paralizó por completo como si nada de lo que ocurriera fuera de aquel foso modernista importara lo más mínimo.

Joanna Newsom, pese haber despertado las iras de los hoygans de Joni Mitchell, en los últimos años ha sabido canalizar la estridencia de su peculiar voz y equiparar el folk progresivo a la categoría de música docta. La importancia del matiz y el detalle embellecedor, algo esencial para degustar el pulso emocional de sus extensas composiciones, corrieron a cargo de una banda (Neal Morgan a la batería, Ryan Francesconi a la guitarra eléctrica y el banjo, dos violinistas y un trombonista que se llevó nuestra veneración en “Good Intentions Paving Company”) que supo aderezar majestuosamente

CAFÉ DADA, CÁDIZ 12/02/2011 DAMBA

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los idílicos parajes de la estadounidense. Resulta prácticamente imposible quedarse con un momento. La exaltación jazzística de Newsom al piano en “Easy” y “Soft As Chalk”, la oportunidad de haber podido disfrutar de una joya inmaculada como “Emily” o ese primer bis de “Baby Birch” tardarán mucho tiempo en desvanecerse de la memoria de los presentes. Una mascletá a modo de ovación con todo el público en pie (no se puede decir lo mismo de ese reducto de invitados que acudieron sin tener ni pajolera idea de qué iban a ver), provocó que Newsom solitariamente volviera para premiar al respetable con una “On A Good Day” no prevista en el guión. Digan lo que digan, cuando en un concierto uno tiene que frenar el impulso de sacar el kleenex en varias ocasiones las palabras están de más. Sergio del Amo

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

Conselleria d’Educació i Cultura

CEUTA

LA SALA, CEUTA 11/02/2011 DAMBA 18/02/2011 CHICO MALO

S

Balago Foto Archivo

i tu carta de presentación consta de unos acordes a lo Bright Eyes, de la melancolía de Bon Iver, de unos toques de ‘big band’ tipo Arcade Fire y cuentas con la dulzura de dos voces mágicas, tienes mucho ganado de ante-

Balago Vienen de: Barcelona Publican: “Extractes d’un diari” (Foehn, 10) En la onda de: Hans Zimmer, Labradford, Brian Eno Algo de relato hay en esta crónica sonora que es “Extractes d’un diari”, un conglomerado de emociones y experiencias que se traducen en cúmulo de canciones que nos hablan de la vida y de nosotros.

Al habla David Crespo. “Es un disco conceptual. Se basa en la idea de temas ‘puente’ que tantos grupos han utilizado a lo largo de la historia y que a nosotros siempre nos han llamado la atención. Pequeños fragmentos que en ocasiones eran superiores a las propias canciones. Ese fue el punto de partida”. Y es que, evocador en muchas de sus facetas, quizá tiene sentido pensar que esa cotidianeidad ficticia que inspira la escucha de este cuarto álbum de Balago también es una invitación a compartirla con la de los mismos oyentes. Algo más que música para ser imaginada. “Cuando la música no contiene letras ni un contexto concreto, pasa a ser algo evocador, donde el oyente puede escoger a dónde quiere ir. Nosotros hemos hecho un juego de palabras. Hemos jugado con el título y el contenido.

Al final siempre se habla de lo mismo: el amor, la muerte, la soledad, la amistad… Nosotros también hablamos de los viajes en el tiempo”. Del post-rock al ambient para ahora adentrarse más profundamente en la banda sonora. “Forma parte de la nueva búsqueda, de la reinvención respecto al disco anterior.

Hemos querido explotar las melodías nutriéndonos del pop, la melancolía, la oscuridad, el sampler…”. ■ Francesc Feliu

+en

no podemos vivir sin ella, así que siempre estaremos tocando”. Son cinco pero aparentan ser diez, porque aunque nanas y tiempos lentos existen en este primer “The Magpie Returned The Ring”, ganan la partida la potencia y la instrumentación de “Secret Family”, “The Lion” o “Solipsm”, con una explosiva mezcla de guitarras, violines y armónicas. Aunque en esas canciones ‘pequeñas’ reside mucha de su magia. “Pensamos que a veces los gritos más desgarradores pueden ser susurros. Autenticidad y honestidad es lo que estamos persiguiendo y si te planteas escribir de esa forma, entonces el modo en el que salen es el único modo en el que pueden hacerlo”. ■ María Baigorri

Una banda de pop no tiene por qué reinventarse continuamente.

Aquí lo que importa son las canciones. Nadadora han tardado casi diez años y tres discos en encontrar “su momento”, cuando han apostado por no esconder sus influencias. Si suena a shoegazer, pues que suene. Gonzalo (guitarra y voz), no hace demasiado caso a los que acusan a la banda de mimetismo. “Que tengas como referente a The Beatles no quiere decir que hagas revival, ya es parte de tu formación como músico. Creo que la innovación está muy ligada a los nuevos medios para producir música. ¿Eso implica que sea mejor que alguien que va con una guitarra acústica? Esto es pop, no tienes que inventar la rueda, solo hacer una canción que le diga algo al que la está escuchando”. Como las malas personas, buenas canciones las hay en todos sitios, sólo hay que saber encontrarlas, pero nadie dijo que fuera fácil. Sara (guitarra y voz) “Algo va a ser más o menos nuevo según los referentes musicales que tenga el que lo escucha”. Caso cerrado, como su etapa en Jabalina. “El cambio de discográfica no es lo principal, lo importante es el grupo.

En Ernie, y no ocurría en el sello anterior por limitaciones económicas que respetamos, las decisiones las tomamos nosotros principalmente”. “Luz, oscuridad, luz” tiene momentos brillantes, y un comienzo casi perfecto. Cinco temas de guitarras trenzadas, de voces susurrantes y compartidas por las que ya merece la pena todo el trabajo. ■ Javi Batahola

Nadadora Vienen de: Pontevedra Publican: “Luz, oscuridad, luz” (Ernie Records, 10) En la onda de: Slowdive, Mercromina y Galaxie 500

Marcus Doo & The Secret Family Foto Mercedes Haussman

Vienen de: Madrid Publican: “The Magpie Returned The Ring” (Lola Bourne, 11) En la onda de: Bright Eyes, Wilco, The Sunday Drivers

mano. Pero Marcus Doo cuenta también con otras credenciales: haber triunfado en el último Proyecto Demo y haberse convertido, meses antes de publicar su disco, en Grupo Demoscópico de MondoSonoro. Y es que este escocés y su Familia Secreta van tan en serio y tan al alza como la factura de la luz. “La expresión artística es una expresión de ti mismo en el mundo y de cómo te relacionas con él y con los demás. Sería extraño considerarse a uno mismo como un pasatiempo”. Nos cuenta Marcus. “Hablar en términos económicos tiene muy poco interés para nosotros. No estamos seguros de que podamos vivir de la música, pero estamos del todo seguros de que

Goose Foto J.M.Bertin

Marcus Doo & The Secret Family

/30/ Febrero 2011 · MondoSonoro

Goose Vienen de: Bélgica Publican: “Synrise” (Wall Of Sound/Pias, 10) En la onda de: Soulwax, Pony Pony Run Run, The Whip

Nadadora Foto Archivo

escaparate

Además de ser ases de la electrónica belga e infantes del imperio electro rock global, Goose se forraron sonorizando anuncios de cola y video juegos con su álbum de debut. Cuatro años después, y para demostrar su singularidad, renuevan sus habilidades al sintetizador en “Synrise”, inspirándose nada menos que en los grandes del género. Repasar la escena del pop y rock electrónico de hace solo cuatro años da un tanto de vértigo porque, como si de una campaña de setas otoñal se tratara, la ecuación sellos más bandas más remixes trajo al campo lluvioso de lo alternativo un sinfín de productos indispensables para alimento de pistas de baile. Por entonces ya conocíamos a LCD Sounsystem, Ed Banger o 2Many Dj’s. Es entonces cuando el cuarteto Goose nació y los belgas solo deseaban, como entonces era de rigor, hacerse famosos y festejar (era la época de los brazos en alto en la pista). Y lo consiguieron. “Primero giramos por Europa, Japón y Australia, después hicimos un parón de dos años para centrarnos en el segundo disco. Cuando miramos atrás nos damos cuenta de que ha sido un tiempo de experimentación muy importante hasta llegar a ‘Synrise’”. El resultado es el descaro de su maestría al sintetizador, homenajeando con la cabeza bien alta a grandes como Giorgio Moroder, Philip Glass y Vangelis “La banda es sinónimo de constante evolución, buscando nuevos sonidos y producción. Nuestro tercer álbum puede estar lleno de guitarras, ¿quién sabe? Lo que oirás en el disco será auténtico Goose: una emoción, no un género”. ■ Lara Sánchez

escaparate

Nagasaqui Foto Archivo

MondoSonoro · Febrero 2011 /31/

Nagasaqui Vienen de: Cuenca/Madrid Publican: “Sor Lorenza” (Audiomatic, 10) En la onda de: Surfin’ Bichos, Autonautas, Tachenko El pop español se renueva y con la nueva temporada otoño-invierno, menos soleada, pero no por ello menos luminosa, llegan a las estanterías de las tiendas de discos trabajos tan recomendables como “Sor Lorenza”, segundo álbum de los castellano-manchegos –ahora residentes en Madrid- Nagasaqui. Al habla Álvaro Tello, guitarrista del dúo. “Crecimos en una burbuja musical particular: San Clemente, un pueblo de Cuenca. Allí nos llegaba de todo y de forma dispar. Hemos tardado unos cuantos años en asimilarlo y aprender a gustarnos a nosotros mismos como músicos. Para ello es imprescindible olvidarse de las etiquetas y dejarse llevar”. Tras un más que correcto debut homónimo con Junk Records en 2008, ahora y quién sabe hasta cuándo, por delante y detrás, por arriba y por debajo, nos topamos con Audiomatic, para ellos: “el mejor y más fiable sello discográfico mundial”. Y es que lo que les gusta tanto a Álvaro como a Pedro, compositores e ideólogos a partes iguales de la banda, queda bien definido en la melodía, aroma y estructura de sus canciones. “Si hubiese una máquina del tiempo viajaríamos al Londres de principios de los sesenta donde casi todo estaba por inventar. Nos quedamos con la pureza, los trastos analógicos y el blanco y negro de esos años.

Hoy en día sobran edulcorantes y plástico… musicalmente hablando”. Pero la madurez compositiva de este “Sor Lorenza” la dan los años, los kilos, la experiencia y hasta la picaresca. “Sí, sí, todo eso a la vez (risas)”. ■ María Baigorri

The Suicide Of Western Culture Vienen de: Barcelona Publican: “The Suicide Of Western Culture” (Irregular, 10) En la onda de: Esplendor Geométrico, Fuck Buttons, Neu!

Watain Foto Archivo

E

stos tipos sin rostro, amantes de la arqueología militar, adictos al motorik y fans de Esplendor Geométrico y Camarón, han echado mano de viejos Casios, samplers y pedaleras para dar forma a una fascinante banda sonora lo-fi que ha resultado ser uno de los mejores discos electrónicos ibéricos del año pasado. Y lo mejor es que su enorme debut “The Suicide Of Western Culture” puede, dicen, hasta funcionar en directo solo con unas Duracel.

Qué manía tiene todo el mundo con saber quiénes se parapetan tras The Suicide Of Western Culture con lo fácil que es ir a verles en directo y ahí se acabó el misterio. “La razón principal es que damos mayor protagonismo a la música, no importa quién haya detrás todo esto. ¡No podemos permitirnos deslumbrar al publico con nuestra porte de dandies con pinta de yonkies venidos a menos!”. Por sus evidentes habilidades motoras si en vez de músicos los denomináramos mecánicos sonoros estaríamos dando en el centro de la diana. “Yo diría mejor cocineros, pero no chefs de alta cocina. Nuestra música suena como un buen potaje de la abuela. Los

ingredientes son los de toda la vida, pero te sale un puchero de tres platos: la sopa, los garbanzos y la pringá. Menos refinado, pero mucho más sabroso”.

Escuchando su disco de debut homónimo, y leyendo los extensos títulos de los temas, se atisba un fuerte componente político y social en su apuesta sonora. Ellos contestan raudos y veloces. “¡Has tocado fibra! Personalmente -yo soy el de la capucha- no es que sienta desafección hacia los políticos, sindicatos, eurodiputados, tertulianos, lobbies de poder, etcétera. Yo lo llamaría más bien asco y profundo odio”. Aunque les ha caído el feliz sambenito de ser los Fuck Buttons españoles realmente recuerdan más a gente como M83 o Neu! “Fuck Buttons es un dúo que nos agrada, pero nuestra música está llena de melodías y en su sonido no las hay. No nos ha influenciado directamente, pero tampoco es cuestión de ir comiendo la cabeza a la gente de quien son Esplendor Geométrico o Casiotone For The Painfully Alone o los que tú dices”. De todas las definiciones que hemos leído sobre su estilo bastardo no hay ninguna mejor que la que asegura que facturan rock del siglo XXI… o lo que debería de ser, vamos. “¡¿Por qué no?! Usamos los mismos instrumentos de toda la vida: samplers, pedales de guitarra y los Casios de la infancia. Además, estamos en el siglo XXI ¿no? Pues ya está. Hacemos rock del siglo XXI. Lo de las etiquetas os toca a los periodistas y esta tuya nos gusta”.

■ Fernando Fuentes

The Suicide Of Western Culture Foto Archivo

Watain es la revelación en el metal actual más extremo. Los suecos destacaron en todas las listas de este pasado 2010 como uno de los mejores grupos del año, gracias a “Lawless Darkness” y encima acaban de ganar un Grammy en su país, Suecia, a lo que Eric Danielsson, líder de la formación, comenta: “¡No creo que otra banda se lo merezca más! Porque nosotros somos los heraldos de Satanás, es necesario e imprescindible presentarnos regalos y muestras de adoración. Quizás para muchas bandas que están en esta enferma y materialista escena musical, estos premios significan algo para su estrategia comercial. Para nosotros importan bien poco, es solo una recompensa bien merecida después de trece años de sangre, sudor y lágrimas”. Sobre su nuevo disco y como se lo describirían a alguien, lo dejan bien claro: “Definir nuestra música es algo tan abstracto y emocional que no tiene sentido intentar describirla con palabras. La mejor manera de conocernos es escuchando nuestra música”.

De ahí que aborrezcan comparaciones con otros grupos de la escena. “Para mí este disco suena exclusivamente a Watain, y ese siempre ha sido el objetivo”. En todo caso, este mes de febrero estarán actuando junto a Shining y Aosoth en nuestro país, concretamente en Barcelona el 28 febrero y el 1 de marzo en Madrid. ■ Eduard Tuset

Si existe un adjetivo para definir a Domador es “inclasificable”.

Después de varios epés y un disco largo en los que el sonido del grupo oscilaba entre el pop de guitarras y el ruidismo acústico, la banda oscense se pasa definitivamente a la electrónica y nos entregan “Teóricamente imperfecta”. “Somos gente a la que le gusta experimentar. Siempre hemos elegido el camino más difícil para nosotros, como una especie de reto. Lo imposible es lo interesante. Esta vez nos ha dado por la electrónica aunque tenemos muchas cosas en mente, desde la bachata al ruido propiamente dicho.

Realmente puede verse como un giro de ciento ochenta grados, pero nos ha salido de manera natural. Hace un par de años bromeábamos con que el quinto disco sería de electrónica, pues bien, aquí está”. Escuchando el disco, sorprende la gran cantidad de minutos que dedican al ruido o ruidismo y se percibe una clara tendencia a resaltar la música por encima de la voz y la melodía. ¿Premeditado o accidental?

“El ruido nos acompañará siempre, forma parte de nuestra aura. Así que no es nada accidental. Concebimos este disco como una gran bola en la cual no puedes o no debes diferenciar los materiales con la que está hecha.

Hemos dado la misma importancia a todos los elementos del proyecto y, por ejemplo, programar los efectos de las voces no ha sido fácil”. El proceso de grabación, como ellos nos cuentan, tampoco se ha desarrollado de una manera común “Está todo grabado en casa, con las persianas bajadas, las puertas cerradas y los ojos tapados”.

■ Alejandro Elías

Domador Vienen de: Huesca Publican: “Teóricamente imperfecta” (King OF Patio, 2011) En la onda de: Fangoria, El Niño Gusano, Aviador Dro

Domador Foto Archivo

Watain Vienen de: Uppsala (Suecia) Publican: “Lawless Darkness” (Season Of Mist, 10) En la onda de: Bathory, Burzum

VINILOS UZZHUAÏA

“13 veces por minuto” Maldito Records

ROCK

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Suma y sigue. Uzzhuaïa siguen por buen camino, y, tras el salto experimentado con “Destino perdición”, un disco mayúsculo que mereció mejor suerte de la que al final tuvo, ahora le dan continuidad a aquella fórmula con otro disco de gran factura. Porque los valencianos han tenido un único problema durante su carrera: son muy hard-rockeros para quienes prefieren sonidos más clásicos y demasiados blandos para los que se posicionan ante propuestas más extremas. Han nadado durante mucho tiempo en tierra de nadie.

En “13 veces por minuto” han añadido más matices a su música, perdiendo algo de esa espontaneidad de “Destino perdición”, mientras apuestan por crecer como músicos palpando otros sonidos. Y la prueba de esa ambición sería “Magnifico fracasado”, una canción en la que podemos escuchar varios de los registros que atesoran. Toni Castarnado

ALBERT PLA I JOAN MIQUEL OLIVER “Concert a París” Blau/Discmedi

CANCIÓN

14

Todos en algún momento de nuestras vidas hemos tenido que soportar al típico pesado que se empeña en contar un chiste tras otro, de esos que son tan viejos y conocidos que te sientes obligado a esbozar la típica mueca en forma de sonrisa de cortesía. Claro que si el chiste se repite demasiado, la mueca pasa de la cortesía al hastío puro y duro. Pues bien, algo de eso hay en este artefacto que nos presenta a Albert Pla y Joan Miquel Oliver, más conocido por ser el cerebro de los mallorquines Antonia Font; una unión que a priori podría parecer muy interesante y prometedora, pero que ha acabado perpetrando un chiste en forma de falso directo desde la sala Olympia de París. Una técnica que ya había sido utilizada, aquella vez sí con acierto, por Albert Pla en su álbum “Veintegenarios” y que ahora repite sin que dicha reiteración tenga ni un sentido, ni una justificación más allá del divertimento de sus protagonistas. Además, en la búsqueda de esa falsa ambientación en directo, han provocado que el sonido del disco sea una losa sobre las canciones que ambos prestan. Don Disturbios

ANBB (ALVA NOTO & BLIXA BARGELD) “Mimikry”

Raster-Noton

ELECTRÓNICA

1111

Vayamos por partes: ANBB es el nombre del nuevo proyecto de Alva noto y Blixa Bargeld. Tras Alva Noto se esconde el alemán Carsten Nicolai, uno de los productores más personales y extraños, quien ha explorado el minimalismo musical y sensorial como nadie y se define más como un científico que como un músico. Tras Blixa Bargeld descubrimos a otro caballero de la experimentación sonora,

/33/ Febrero 2011 · MondoSonoro

líder de los míticos Einstürzende Neubauten, abanderados de la música industrial y acompañante durante muchos años de Nick Cave en sus The Bad Seeds. El hijo de esta sorprendente unión es el disco “Mimikry”, un trabajo inquietante, difícil, denso y, en muchos momentos, aterrador. Sus diez cortes podrían ser la banda sonora de un viaje a los avernos más profundos y cavernosos. Entre ellos destaca “Fall” o la más salvaje “Once Again” en el que las influencias industriales se funden con sonidos sintéticos y mecánicos. Un trabajo casi demente que roza la locura. Esther Al-Athamna

r.e.m., Nuevas aventuras en berlín

AMPLIFIER

“The Octopus” AmpCorp

ROCK

1111

Tras un año de aplazamientos y jugosas filtraciones, lo nuevo de Amplifier se esperaba como agua en mayo. Y con razón.

Hay que tener un par para cascarse un doble CD de un total de dos horas, y encima pasando por serias dificultades para financiarlo. Y si además el esfuerzo se traduce en una obra del calibre de “The Octopus”, el mérito es de órdago. Hablar del rock megalítico espacial del debut o del muro sónico de “Insider”, son minucias ante una tercera entrega que sobrepasa cualquier encasillamiento. Una de esas obras enciclopédicas, perfeccionistas, en las que nada puede faltar. Un proyecto mastodóntico que supone un formidable repaso a mucho de lo que ha dado el rock en las últimas cuatro décadas, desde progresivo a grunge, pasando por psicodelia, space, stoner, alternativo... Temazo tras otro, los ingleses lo bordan en una espectacular obra barroca, de largo recorrido, que a cada nueva exposición te va envolviendo cada vez más hasta que irremediablemente acabas formando parte de ella.

Un álbum que, pese a su extensión, deseas que no termine jamás, conduciéndote por senderos seductores cual obra tolkkiana.

Imprescindible es poco. Ferran Lizana

ATLETA

“Catedrales” Aloud

POST-ROCK

1111

Primavera Club 2008. 12twelve se separan. Ahora imaginen que retrocedemos en el tiempo y que Jaume L. Pantaleón aún no nos ha deleitado con toda esa pléyade de proyectos con que felizmente nos avasalla –Ruizpantaleón, Lords Of Bukkake, Cuzo…-, o que ese espléndido batería que es José Roselló no ha sacado a relucir su vena folk –también con Jaime- en Belmez.

Pues bien, si algún disco debe enmarcarse como la continuación natural de esa añorada banda de post-rock de Barcelona, esos son Atleta. Y con ellos, este “Catedrales”, un magnífico debut en que el dúo nos sorprende con ese vigoroso festín que fusiona palos inesperados –rock, jazz, funk, electrónica, prog…- con altas dosis de creatividad, aunando melodía y experimentación en una obra juguetona y a la vez rítmica, que sigue perfectamente el camino que ellos mismos abrieron hará prácticamente una década. Un trabajo instrumental que recoge esas trazas, redecorándolas con esos nuevos descubrimientos que han ido acumulando en su bagaje personal, y condensándolas en lo que ya es uno de los grandes trabajos de esta temporada.

Imprescindible. Francesc Feliu

R.E.M Foto Archivo

R.E.M.

“Collapse Into Now” Warner

ROCK

1111

Si la contundencia y brevedad de “Accelerate”, su anterior disco, podía remitirnos a “Monster”, este “Collapse Into Now” nos hace viajar directamente a los tiempos de “New Adventures In Hi-Fi”, aunque con una salvedad: las canciones parecen mejor tramadas a la hora de crear un todo homogéneo y sólido, que en aquel nada despreciable disco del año 96. Nos hallamos pues ante un álbum muy variado que combina los clásicos medios tiempos atmosféricos, en los que la voz de Michael Stipe es la protagonista imprimiendo a las notas más melancólicas y tristes su tono vocal más lastimero, con otras canciones en las que las guitarras, y también la mandolina, sacan músculo a base de contundentes y sencillos riffs superpuestos.

De entre las primeras cabe destacar la combinación de

cuatro piezas que, concatenadas, acaban erigiéndose en las protagonistas de la primera mitad del disco. Muy especialmente la intensa “Oh My Heart” y “It Happened Today” en la que Michael Stipe cuenta con el apoyo de Eddie Vedder a la hora de resolver la canción con un crescendo coral épico, que dotará a sus directos de intensidad y belleza. En la segunda mitad, sin embargo, el rock’n’roll es el protagonista con temas de aire clásico como “Alligator Aviator Autopilot Antimatter“ que cuenta con la colaboración de Peaches y el guitarrista Lenny Kaye, o un trallazo de arrebatador estribillo como “Mine Smell Like Honey”, que se convertirá en uno de los singles. Entre ambas, una de las mejores canciones que ha escrito R.E.M. en tiempos: “Walk It Back” una balada con piano ensoñador, en la que Michael Stipe da lo mejor de sí mismo. Y como postre, al igual en “New Adventures In Hi-Fi”, nos regalan una gema en bruto como “Blue”, tema hecho a la medida de Patti Smith, para el lucimiento de su clásico tono desesperado. Don Disturbios

en la onda

DAVID BOWIE

PATTI SMITH ROCK

U2

“Heroes” (1977)

“Trampin’” (2004)

1111

De sobras es conocida la historia de un Michael Stipe adolescente escuchando en su habitación a Patti Smith una y otra vez. Poco podía imaginar que se convertirían en íntimos. Este disco demostró que Patti Smith tenía mucho que aportar todavía con temas a medida como “Ghandi”.

ROCK

“No Line On The Horizon” (2009)

11111

Con Garret “Jacknife” Lee (Snow Patrol, U2) a la producción, R.E.M. han grabado en los estudios Hansa de Berlín, mítico lugar en el que David Bowie gestó esta magna obra junto a Brian Eno y Robert Fripp. Por lo que cuentan en ambos casos la ciudad alemana ha ejercido su vital influencia.

ROCK

111

Al igual que a R.E.M. a la otra gran banda de los ochenta no le sentó demasiado bien el cambio de era. Pero mientras parece que los de Michael Stipe andan en vías de una total recuperación artística, que no de popularidad, los de Bono aumentan su popularidad a costa de su valía artística. ■ D.D.

vinilos /34/ Febrero 2011 · MondoSonoro

remate, experimentando con su música BULLIT

“Love Or Die” B-Core

ROCK

Remate Foto Archivo

REMATE “Superluv”

Recordings From The Other Side

POP

1111

Si finalmente, y tal y como todo apunta, se convierte en realidad ese futuro en que los sellos discográficos brillen por su ausencia y los grupos se autoediten colocando su música directamente en Internet, nos perderemos muchos datos que sirven para contextualizar la carrera de un artista. Pongamos por caso a Remate. En su deambular por lo más granado del sector discográfico nacional el asturiano ha parecido buscar un reconocimiento que se le resiste en su propio país. No tanto fuera de nuestras fronteras, donde su pop de autor con rasgos de americana (ayer; hoy menos…) ha encontrado aplauso frecuentemente. Remate es lo que se podría decir un artista maldito, sí, y lo es en contra de su voluntad. No tengo claro si “Superluv” va a hacer algo por remediarlo –de hecho, y para ser sincero, me sorprendería mucho

que así fuera- pero lo que resulta innegable es que su séptimo largo supone un notable salto de calidad, además de su, hasta la fecha, más importante pirueta creativa, con abrazo al castellano incluido. La ambición de Remate comienza por el aspecto conceptual -un álbum de canciones dedicadas a actrices porno que utilizan el “Superluv” como parte de su nombre artístico- y continúa por la compañía que se ha procurado para llevarlo a buen puerto –LD Beghtol como productor, y nombres tan atractivos como el de Julia Kent y Stephin Merritt jugando a las colaboraciones-. El resultado de todo ello es un disco de falso lo-fi, en el que el aire descacharrado y desganado que termina por imbuir al conjunto no es más que un recurso estético bajo el que laten canciones de una belleza extraña y estructuras bien distintas entre sí -no en vano Remate admite la influencia del “69 Love Songs”-, que transitan terrenos apenas explorados por el pop nacional y esplendorosas cuando dan en el clavo “Típico de California”, “Elvis Luv”, “Por lo que tiene de romántico” o “Gigante”. Luis J. Menéndez

BAD RELIGION

THE BELLRAYS

BOAT BEAM

Epitaph/Pias

Fargo/Naïve

Origami Records

PUNK

“Reincarnation”

“Black Lightning”

“The Dissent Of Man” 111

“Do you remember when we were young, adventure had no end? Those were the days my friend”, nos pregunta Greg Graffin en la primera estrofa que suena en “The Dissent Of Man” si nos acordamos de cuando eran (éramos) jóvenes y las aventuras no tenían fin. Pues sí, nos acordamos de esos días pero lo importante es que no los echamos de menos gracias a la coherencia de la carrera de Bad Religion. Vale que las aventuras hace tiempo que tocaron a su fin y que los de California asumen un riesgo cero en cada nuevo disco que publican, pero lo esencial es que el nivel global de las canciones sigue siendo de notable y que empiezan tan agresivos y directos al grano como con “The Day That The Earth Stalled”. Posteriormente hay más temas rápidos (“Wrong Way Kids”), duros (“Meeting Of The Minds”) e inspirados (“Pride And The Pallor”) pero especialmente en el último tercio del álbum se condensan los medios tiempos marca de la casa: ritmos más calmados, coros sostenidos en el aire y mucha melodía vocal. Que San Gregorio Magno le conserve al profesor Graffin las cuerdas vocales en tan buena forma como hasta ahora. Jordi Forés

ROCK

111

A estas alturas The Bellrays no van a tratar de sorprender ni de engañar a nadie. A ellos lo único que les importa es seguir en la brecha, seguir grabando discos que tengan un peso específico dentro de la actual escena rock, y, cómo no, seguir girando sin parar. A finales de año pudimos presenciar alguno de sus conciertos por aquí, y aunque ese torbellino llamado Jesse Malin les pasó por encima, Lisa Kekaula todavía tiene ese porte tan fiero que logra intimidar con un simple parpadeo de ojos. The Bellrays aún conservan esa fórmula que tritura rock, punk y soul sin piedad, y para esta ocasión no iban a cambiar de buenas a primeras. En una primera escucha lo que más impacta es la potencia del sonido, ya que nunca antes habían conseguido sonar en estudio tan compactos como ahora. El disco empieza con dos temas muy rápidos y viscerales, mientras en la maravillosa “Sun Comes Down” surge la elegancia del soul de los sesenta. Y a partir de ahí, van combinado temas que parecen salidos del mismísimo infierno con otros que son una oda a la belleza. Ya no inventan nada, aunque en su día pusieron sobre el tapete una serie de sonidos que entonces parecían olvidados. Toni Castarnado

POP

111

Es posible que a Josephine Ayling le hubiera ido mejor si en lugar de recalar en nuestro país para aprender español, hubiera ido a parar a otro país de órbita anglosajona. Aunque no es menos cierto que en el país de los ciegos el tuerto es el rey, y allí se hubieran tenido que enfrentar a una mayor competencia. Porque Boat Beam en España es un rara avis, y ese es su principal valor y fortuna.

Tres chicas con guitarra, piano, chelo y viola, más la ayuda adicional de bajo y batería, queriendo practicar un pop delicioso a la par que algo pomposo y delicado, consiguen que su segundo álbum cuente con un gran acabado y solidez en fondo y forma. Una sonoridad de altura internacional, aupada en la voz cristalina de Josephine, pero que, por desgracia, adolece de canciones memorables. Hay buenos momentos, una instrumentación cuidada, buenas ideas, Pero falta rematar la jugada y el tono del disco empieza por la mitad a repetirse hasta agotar. Quizás porque han descubierto sus mejores cartas para el inicio (“Sirens” y “Pollen In The Dust lo son ¡y de qué manera!). Y sí, me temo que la sombra de Au Revoir Simone sigue siendo la mar de alargada. Don Disturbios

1114

Una cosa está clara. Y es que el vacío que ha provocado la ausencia de un grupo en permanente crecimiento como los barceloneses The Unfinished Sympathy, bien puede cubrirlo una banda con las posibilidades y expectativas de Bullit. Y no sólo hablamos de su lógico parecido musical, ambos abrazando ese trecho que va del pop al emo-rock de hábil capacidad melódica, sino por ser capaces de crear canciones con pegada comercial suficiente, tanto como para contentar a un sector de público más o menos mayoritario como al aficionado rockero de toda la vida. Un hecho aún más constatable si se es afín las sonoridades cercanas al sonido DC, una ubicación aquí fuertemente cubierta por la siempre alargada sombra de J. Robbins. Si los guixolencs ya fueron capaces de despuntar en su debut con el fenomenal “Squared Wheels” (Hang The DJ, 09), ahora pulen y abrillantan resultados en “Love Or Die” . Un notable segundo asalto que debería servir para captar su atención. No se arrepentirán.

Francesc Feliu

GIRLS

“Broken Dreams Club” Fantasy Trashcan/Nuevos Medios

POP

1111

Para los que siempre hemos creído en ellos a pies juntillas desde sus primeros pasos, es un gustazo comprobar que Girls, en su momento carne de hype (sembrando las consabidas dudas entre los más escépticos de su valía), mantienen la forma con su primera referencia con cara y ojos tras su primer y excelente disco, “Album”. Este generoso Ep de seis canciones que responde al nombre de “Broken Dreams Club” es, como mínimo, igual de bueno que su debut, y vuelve a demostrar que los de San Francisco son unos ases a la hora de picotear de mil y un sitios para facturar un pop atemporal de melodías ganadoras y de alma torturada que cala en nuestros corazones con una facilidad pasmosa.

Como pasaba en “Album”, “Broken Dreams Club” es también muy variado.

La tonada sesentera de alma macarra a la Mink DeVille de “The Oh So Protective One”, el country pop preciosista de la conmovedora “Broken Dreams Club”, o esa cumbre del pop melancólico que es “Substance”. Xavi Sánchez Pons

CHAIN & THE GANG

“Music’s Not For Everyone” K Records/Popstock!

ROCK

111

Hace ya muchos años que Ian Svenonius decidió convertirse en algo distinto a una estrella del rock independiente. Por vocación, eso no lo dudo. El estadounidense quisó ser un predicador gospel que usaba su voz y su cuerpo no para acercarse a Dios o rendirle tributo, sino para plantarle cara políticamente a un mundo que no le gustaba. Y lo es ya desde hace mucho tiempo, como desvela una carrera en la que las mutaciones se suceden (The Nation Of Ulysses, The Make Up,

Scene Creamers, David Candy, Weird War) pero el espíritu permanece. En su segundo disco al frente de Chain & The Gang continúa a lo suyo, con la ayuda de sus The Gang (la misma banda que acompaña ahora mismo a Calvin Johnson), grabando a lo bruto y tan crudo como sea posible en los estudios Dub Narcotic junto a Arrington de Dionyso (Old Time Relijun), usando técnicas propias de los años cuarenta. El resultado, otra vez, es un disco obtuso e irregular, con momentos inspirados (“Detroit Music”, “(I’ve Got) Privilege”) y desvarios múltiples (como ese spoken word lisérgico que es el tema titular). Como de costumbre, a lo largo de “Music’s Not For Everyone”, nos topamos con las enseñanzas de James Brown, MC5, Sam Cooke o Booker T, pero nada cuaja con la maestría, magia y –sobre todo- excitación de tiempos pasados aun no tan lejanos. Joan S. Luna

THE DECEMBERISTS “The King Is Dead” Rough Trade/Popstock!

AMERICANA

111

No conozco personalmente a Colin Meloy, pero estoy seguro de que es un gran tipo.

Un tipo que, como su propia obra indica, no debe acumular demasiadas pretensiones.

Un pavo normal, amigo de sus amigos, que va a la suya y hace lo que le viene en gana, cambiando de registro a cada nuevo disco.

Empezó su carrera inspirado por The Smiths y el folk pastoral inglés, para acabar adentrándose con “The Hazards Of Love” en las aguas de lo conceptual, en un disco de rock duro, épico y muy bien tramado. Pues bien, ya le tocaba al bueno de Colin y sus secuaces darse cuenta de dónde demonios habían nacido. Ya le tocaba hacerle un homenaje al country-folk de sus queridos Estados Unidos por un lado, y a R.E.M. por otro. Para el primero reciben la ayudita de Gillian Welch y su marido Dave Rawlings en los coros, y para lo segundo de nada menos que de un Peter Buck que al cerrar los ojos en la sesión de grabación de “Down By The Water”, creería estar en las sesiones de “Document” tocando en una nueva revisión de “The One I Love”. Un álbum de sonoridad clásica en el que las canciones funcionan y que hará las delicias de cualquiera al que guste Gram Parsons o The Jayhawks. Don Disturbios

ERIC FUENTES & EL MAL “Eric Fuentes & El Mal” Subterfuge

ROCK

1114

La espera de los seguidores de las canciones de Eric Fuentes (¿es necesario nombrar a los mayúsculos The Unfinished Sympathy?) se rompe con un bombazo, “Growl”, que tiene casi más de punk que de ese heavy ochentero que tanto le gusta, y se cierra con el medio tiempo “Land End”, muy en la línea de su anterior trabajo en solitario. En medio, ocho canciones que crecen a cada escucha, ese trote marca de la casa de “Kickstart My Hopes”, andanzas urbanas y recogimientos caseros que se intuyen en un fluir que recupera el catalán en algunos de los mejores momentos del disco (“Hora punta en territori enemic”, “El pobre Esmolet”) o las crecidas emotivas a las que Eric nos ha acostumbrado (“The Evil Way”). Las comparaciones serán inevitables, pero serán en perjuicio de quien las haga: el simplismo les impedirá disfrutar de un disco notable que se hace corto y que está clavado por los músicos de El Mal, es decir, Pol Fuentes, Iban Rodríguez y Bernat Sánchez. Atrás queda el intimismo de “Bahía Paraíso” y se abre un camino que tendrá que luchar primero por superar el listón y después por difuminarlo claramente. Ignacio Pato L.

MondoSonoro · Febrero 2011 /35/

top10

vinilos

la cara oscura de the new raemon

internacional RAY LAMONTAGNE AND THE PARIAH DOGS

“God Willin’ & The Creek Don’t Rise” RCA

AMERICANA

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

R.E.M.

“Collapse Into Now” Warner

CUT COPY

“Zonoscope” Universal

SMITH WESTERNS “Dye It Blonde”

Fat Possum/Popstock!

PJ HARVEY

“Let England Shake” Universal

THE GO! TEAM

“Rolling Blackouts”

Memphis/Nuevos Medios

IRON AND WINE

“Kiss Each Other Clean” 4AD/Popstock!

LE CORPS MINCE DE FRANCOISE “Love & Nature” Kitsuné/Nuevos Medios

RUMER

“Seasons Of My Soul” Warner

JAMES BLAKE “James Blake” Universal

ESBEN AND THE WITCH “Violet Cries”

1111

Cuarto trabajo del cantautor de la voz rasgada más dulce de la última década, y el primero que firma junto a la que es su banda de acompañamiento. Una forma de reconocer la inestimable labor de unos músicos excelentes (muy especialmente Greg Leisz, un maestro de la pedal steel con un curriculum más largo que el papiro de la Biblia) que han dejado plena constancia de su categoría, logrando una elegancia sonora reservada solo a los escogidos. Por eso este disco se disfruta no únicamente por las canciones que atesora, sino también por la perfecta ejecución de las mismas. Por primera vez, la producción no corre de la mano maestra de Ethan Jones, sino que se encarga de ella el propio LaMontagne con el acierto de no asumir ningún riesgo, solo había que dejarlo rodar. Porque si hay que ponerle una pega a este disco, es quizás lo excesivamente clásico de todo lo que lo envuelve. No quiere ni busca ser novedoso. No busca ni quiere una modernidad que no le concierne. Son diez canciones de una sencillez clásica, aupadas por esa forma de cantar que recuerda al arrullo de un riachuelo que pasa de la calma. al rápido y de este a la cascada. Canciones como “Are We Really Through” recuerdan al primer Ben Harper, el himno “New York City’s Killing Me” a Van Morrison, “Like Rock And Roll And Radio” al Neil Young de “Harvest Moon”, “Devil’s In The Jukebox” a un Ry Cooder ronco, y así hasta completar un álbum que no desentonará nada al lado de tus clásicos. Don Disturbios

Matador/Popstock!

top10 nacional AKRON/FAMILY

“S/T II: The Cosmic Birth And Journey Of Shinju TNT”

The New Raemon Foto L. García Márquez

THE NEW RAEMON “Libre asociación” B-Core

ROCK

1111

Hubo un tiempo en que todo jugaba contra Ramón Rodríguez, una sombra negra sobrevolaba su trabajo, su grupo, su pareja, su proyecto discográfico, su familia y quién sabe qué más. Pero el instinto de supervivencia, en ocasiones, es fuerte, muy fuerte. Contra las adversidades surgió una nueva personalidad, The New Raemon, que se ha convertido en uno de los nombres más atractivos del pop en castellano, a través del que nos ha descrito su universo personal con canciones, muchas canciones, ya fuere en Madee, ya en sus dos álbumes y diversos epés más recientes. Paso a paso, el catalán ha ido forjando una propuesta sólida y cercana, de esas con las que uno se identifica. Y sorprende que haya conseguido tan buenos resultados a tanta velocidad. Cada disco ha supuesto un pequeño exorcismo. Uno podría pensar que, por sonar más oscuro y denso, “Libre

asociación” es más sanador que sus predecesores, pero no tiene por qué ser así. The New Raemon protagoniza un ejercicio instrospectivo más clarificador que otra cosa (sin sangre, sin heridas palpitantes como en otros momentos de su carrera) y esta vez lo hace con unas herramientas que nos recuerdan a Madee. Las guitarras eléctricas, ariscas, robustas, mandan y el fondo musical y los coros suenan más ambiciosos, más trabajados, dejando por el camino algunas canciones excelentes (“Lo bello y lo bestia”, “Consciente hiperconsciente”, “Verdugo”, “Soñar la muerte”, “El refugio de Superman” o la arrolladora “Aspirantes”) o experimentos como ese “La vida regalada” que recuerda inevitablemente a Julio de la Rosa. Es curioso que firme su disco más aparentemente oscuro en su mejor momento de popularidad, pero sabemos que era necesario que “Libre asociación” sonase como suena porque no podía sonar de otro modo. Y la pirueta tiene mérito, aunque el resultado quizás no suponga el mejor disco de Ramón Rodríguez, pero sí un paso adelante y, sobre todo, un intento por huir del estancamiento. Joan S. Luna

Dead Oceans/Popstock!

ROCK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

EL COLUMPIO ASESINO “Diamantes” Mushroom Pillow

THE NEW RAEMON “Libre asociación” B-Core

LA BIEN QUERIDA “Fiesta” (Avance) Elefant

REMATE

“Superluv”

Recordings From The Other Side

CHRISTINA ROSENVINGE “La joven Dolores” Warner

LA PEGATINA “Xapomelön” Kasba Music

NUDOZURDO

“Tara Motor Hembra” Recordings From The Other Side/Popstock!

ERIC FUENTES & EL MAL “Eric Fuentes & El Mal” Subterfuge

NO CHILDREN “Souls On Fire” Atticus Black

LOS GINKAS

“Retumbarama” Spicnic

1114

Aún recuerdo cuando Ryan Vanderhoof abandonó Akron/Family. Después de verles en directo convertidos en trío y dejándose llevar por jams bien distintas al espíritu de americanos perdidos en las colinas en paz con los pieles rojas de la zona, pensé que la magia se había evaporado. Akron/Family se olvidarían de su cara más experimental para convertirse en una panda de hippies pasados de drogas perdidos en el surco de un vinilo de Grateful Dead. Y lo cierto también tuvo mucho que ver que “Set ‘Em Wild, Set ‘Em Free” no estuviera a la altura de “Love Is Simple” o “Meek Warrior”.

Los Akron/Family de 2011 son unos hippies rematados –eso no lo duden-, pero mantienen algo que les hace especiales y es una vocación psicodélica experimental cien por cien natural. Lo que en otros artistas suena impostado, en su universo es vida y conexión con Gaia. Uno nunca sabe cuándo empieza o cuándo va a acabar un tema de estos chalados, no sabe si de golpe le sorprenderá un punteo de guitarra a velocidad endiablada como al inicio de “Another Sky”, unos sonidos de pájaros y aguas frías y claras o unos cantos tribales, si un tímido arpegio de acústica dará paso a una tormenta o si nos plantarán delante una minúscula pieza como “Light Emerges”. De hecho, me pregunto si este disco de largo título no será el motivo de que lleve tres semanas sin afeitarme. Tanto da, lo realmente importante es que siguen siendo unos perros verdes con gracia. Dudo que jamás vuelvan a sorprendernos como en sus buenos tiempos, pero por lo menos echarle algunas escuchas a sus discos suele ser agradecido. Joan S. Luna

ESPANTO

CANÍBALA

KID ROCK

Birra y Perdiz

Satélite K

Atlantic

“Gol”

“Érrimos” POP

1111

A veces los que escribimos sobre música somos un poco vagos y tiramos de comparaciones resabiadas para definir cómo suena cual o tal grupo. En el caso de Espanto, y con motivo de su excelente primer disco, “Ísimos”, lo fácil fue referirse a Le Mans y Vainica Doble para definir una propuesta que ya en ese momento era lo suficientemente inspirada y personal como para ser encuadrada solo dentro de esos dos referentes. Pues bien, “Érrimos” confirma lo dicho antes, y presenta a Espanto como uno de los grupos de pop más inquietos e intrépidos de nuestra piel de toro. Y es que solo hace falta escuchar las primeras notas de “Las voces”, con ese vocoder juguetón muy a la Electric Light Orchestra, o la excelente y sardónica “Chicos del siglo XX”, para comprobar que el dúo con base en Madrid formado por Teresa y Luis va por libre. Con el apoyo fiel de ese sello milagro que es Birra y Perdiz, uno de los últimos reductos del underground verdadero de este país de pandereta, Espanto es una bendita anomalía que solo puede ser comparada con ella misma, o, si me apuran, con otros sonados perros verdes como Prisma En Llamas o Los Ginkas. Xavi Sánchez Pons

ROCK

“Born Free” 1114

Caníbala es el proyecto personal de Josele Sangüesa, cantante, guitarrista, compositor y productor. Aunque no hay que dejar de mencionar que tiene un buen y cómplice trío acompañándole (Rubio, guitarra, Guerra, bajo y Ariel, batería). Se trata del segundo disco bajo este nombre, pero que tiene poco que ver con su debut que data de 2002. Todo este tiempo le ha servido a Josele para trabajar lenta, pero delicadamente, cada una de las doce canciones. Si nos obligan a nombrar estilos, hablaríamos de mezcla de rock, pop, jazz, blues o soul, pero escuchando el disco repetidamente, se descubre el verdadero significado de la etiqueta “rock de autor”. Cuando alguien tiene buen gusto al cantar, escribir y hacer canciones, se nota. Te puede gustar o no, pero la elegancia está ahí. Josele tiene un estilo personal donde destaca su original y sugerente voz y una lírica más que reseñable.

Además fiel a la máxima de trabajar a favor de la canción, esas substanciales letras se acompañan de unas músicas arregladas al detalle. En el apartado de ayudas, además de numerosos músicos, dos amigos y grandes artistas han querido estar con él, Santiago Auserón y Jairo “Muchachito”. Miguel Amorós

ROCK

111

Quién le ha visto y quién le ve. De enfant terrrible catalizador del rap rockero más insolente de los noventa, a acomodado continuador de la tradición musical sureña más apaciguada. Será cosa de la madurez, el dinero y la fama, suponemos, lo que va suavizando el sonido de Kid Rock mientras su vocación mainstream se refuerza. Sea como sea, y a pesar de esta poco prometedora valoración inicial, lo cierto es que “Born Free” sigue siendo un disco apetecible. No ofrece más que un puñado de canciones de estructura básica y directa, fáciles de digerir y para todos los públicos, seguramente creadas en un momento de relax, guitarra acústica en mano, botella de bourbon en la otra y sombrero de cowboy en la testa. Pero el caso es que los temas funcionan y entran bien, sin pecar de babosos, en buena parte porque la grabación la dirigió el gurú Rick Rubin, en menor medida por las colaboraciones de Mary J. Blige, T.I., Sheryl Crow, Bob Seger y Zac Brown o porque en la banda de nuestro hombre se alinearon Chad Smith (Red Hot Chili Peppers), Benmont Tench (Tom Petty) y David Hidalgo (Los Lobos). Kid Rock pide paso. Xavier Llop

vinilos /36/ Febrero 2011 · MondoSonoro

christina rosenvinge y la mitologÍa MICE PARADE

“What It Means To Be Left-Handed” Fatcat/Popstock!

POP

Christina Rosenvinge Foto Archivo

CHRISTINA ROSENVINGE “La joven Dolores” Warner

ROCK

1111

Hay un antes y un después en la carrera de Christina Rosenvinge tras la publicación de “Tu labio superior”. También lo hubo después de grabar aquella anterior trilogía neoyorquina, aunque esta vez podemos pronosticar que el recorrido para esta nueva aventura de la madrileña va a ser más larga, más segura, más creíble. El resultado entonces fue notable, y dándole continuidad a aquella brillante idea ha intentado adjudicarse una matrícula de honor que llevaba tiempo mereciendo. Como ella misma dice, en sus discos el cincuenta por ciento es música, y el otro cincuenta son

las letras, y ahí ha vuelto a cargar las tintas. Literatura, amor, desamor y mitología clásica son algunos de los mundos que Christina explora en sus canciones.

Con el mismo equipo de trabajo que en “Tu labio superior”, más alguna incorporación nueva -Benjamin Biolay canta en “La idiota en mi (mayor)”-, ha madurado un disco que debería ser una referencia para todas aquellas chicas que un día quieran dedicarse a esto.

En “La joven Dolores” su voz tiene más cuerpo, escuchamos graves que antes apenas se intuían y sentimos muy adentro canciones que ganan a cada nueva escucha, desde la ambiciosa “Canción del eco” hasta el primer single, “Mi vida bajo el agua”, pasando por la vitalista “La noche del incendio”, “Eva enamorada” o ese tema de ruptura, “Debut”, que cierra este disco imponente. Toni Castarnado

THE LOW ANTHEM

MARIANNE FAITHFULL

MAZONI

Bella Union/Nuevos Medios

Naïve

Bankrobber

“Horses And High Heels”

“Smart Flesh” AMERICANA

111

La banda de Rhode Island se dio a conocer en nuestro país, y también en medio mundo, gracias a la buena acogida que le dispensó la crítica a su anterior disco, el excelente “Oh My God, Charlie Darwin”.

Por eso no es de extrañar que su cuarto trabajo sea uno de los lanzamientos más esperados del año que acaba de empezar.

Y aunque no podemos hablar de decepción del todo, debo reconocer que no han logrado superar su anterior obra. El nuevo trabajo tiene un aire mucho más comatoso y etéreo. En ocasiones se podría decir que el místico ambiente que lo envuelve hasta resulta agónico. Y eso pese a empezar de forma maravillosa con “Ghost Woman Blues”, un precioso espiritual que bien podrían haber firmado Band Of Horses; o continuar con una balada de country and western bastante resultona, más un tema como “Boeing 737” muy a lo Neil Young.

Luego hay algún buen momento en los que aprovechan la reverberación de la enorme sala de la fábrica abandonada en la que han grabado, pero es en esa segunda mitad del disco donde bajan el listón, y mucho. Don Disturbios

POP

1111

En los últimos años hemos visto cómo cantantes que surgían a finales de los sesenta y principios de los setenta están viviendo una segunda juventud (Rickie Lee Jones, Patti Smith o Nancy Sinatra). Y luego está la incontestable Marianne Faithfull. Ella ya había levantado cabeza durante la década de los noventa con sus constantes revisiones al legado de Kurt Weill, pero fue a partir “Kissin Time” y “Before The Poison” cuando recuperó el pulso. En esos dos discos ya contó con invitados ilustres, pero fue en “Easy Come Easy Go” el momento en el que reunió a toda una serie de amigos músicos que le ayudaron a grabar aquella absoluta obra maestra. Y ahora la mujer de hierro lo ha vuelto a hacer.

“Horses And High Heels” es el disco en el que recoge todo lo hecho con anterioridad, una cantante soberbia con una voz robusta, armoniosa, pero sobre todo muy personal.

Trece canciones en las que nos enfrentamos a las diversas caras de la artista, desde “The Stations”, un tema que parece que lo cante Mark Lanegan, a la nostalgia de “Why Did We Have To Part”, pasando por la stoniana “No Reason” y la vitalista “Prussian Blue”. Un triunfo. Otro más. Toni Castarnado

“13.31” POP

111

Solo ante el peligro. Así es como Jaume Pla, alias Mazoni, y su guitarra pueden verse en este penúltimo concierto de esa curiosa gira de treinta y un conciertos en treinta y un días realizada tras el exitoso “Euforia 5–Esperança 0” (Bankrobber, 09). Un show a pelo, donde pese a lo desnudo de su formato, en el que sabe convivir con una austeridad que realmente le sienta muy bien y que desemboca en una agradable calidez que en eléctrico tiende a desaparecer, el de La Bisbal se revela pletórico de fuerzas así como muy seguro de sí mismo, despachando, con voz clara y potente, todo un buen repaso por sus cuatro últimos discos hasta la fecha. Un repertorio que incluye éxitos recientes, como “La granja de la Paula” –versión del “Maggie’s Farm” de Dylan-, “Euforia”, o incluso el “Tell Me Why?” de Neil Young, y que la cercanía del público contribuye a enriquecer y a hacer un poco más especial. Quizá a priori parezca un disco de transición, pero sus loables resultados seguro van a contribuir, ni que sea un poco más, a confirmarle como una de esas figuras relevantes del pop en catalán de los últimos tiempos. Francesc Feliu

114

Adam Pierce siempre ha cortejado con las músicas del mundo con intención de adornar su pop, aunque estas nunca lleguen a cuajar del todo, a ser un elemento natural de su discurso. Más bien es un recurso que le permite dar cierto toque de exotismo a su música, a ese pop (no tan post-rock aquí) alternativo americano de los noventa que lleva en las venas y que no puede disimular, y menos en este nuevo trabajo, que incluye el “Mallo Cup” de The Lemonheads. Ahora lo confirma. A veces suena a artificio, a que juega con el pié en dos mundos que no acaban de encajar o que están metidos con calzador por el hecho de querer aportar algo distinto.

Ya sea abriéndose a la tradición de la bosanova como ya hizo o a la inspiración africana como es en este caso. Qué sentido de la unidad le ves a un disco que revitaliza himnos adolescentes y que a la vez se abre con un pop con musicalidad swahili como “Kupanda” y prosigue con pildorazos pop como “In Between Times”. La sensación que se te queda es que su camino es solo uno aunque se vaya por las ramas. Celestí Oliver

MISS CAFFEINA

“Imposibilidad del fenómeno” Gig’n’tik Records

ROCK

111

Tras varios EP publicados les llega la oportunidad, contando con la producción de Ricky Falkner, de demostrar al oyente varias cosas. Entre otras que no son un grupo más, algo de lo que se peca bastante en este país, y otra que ese boca y oreja que les está aupando un poco más cada día les lleve a buen puerto. Con “Imposibilidad del fenómeno”, Miss Caffeina demuestran que lo suyo va en serio. Y siendo su debut, la cosa promete. “Capitán” funciona a la perfección como single.

Directo, ruidoso y cañero a partes iguales.

En temas como “Cabaret” o “La guerra” juegan a ser una especie de The Killers a la española, con un resultado francamente bueno. “N=3” o “Mi rutina preferida” tiene ese toque entre Vetusta Morla y Second, que toca la fibra al más sensible. Y para más inri, regalan un hit que lleva por título “Mecánica espiral”. Y que quede claro que Miss Cafeína sí tienen algo es un sonido con personalidad que, rogamos a Dios, no se estropee en sus próximos movimientos.

Marcos Martín Lora

MOTÖRHEAD

The Wörld is Yours EMI

HARD ROCK

111

Tratándose de un clásico tan inamovible como Motörhead, que publiquen nuevo disco apenas es noticiable. Más bien significa que todo sigue igual, tal y como ha sido durante las últimas tres décadas y media.

Canciones rápidas, duras, directas, cantadas con voz cazallera, con convicción, con fidelidad a unos principios que están por encima de modas pasajeras. Así una y otra vez, año tras año, álbum tras álbum.

En el fantástico documental sobre su vida estrenado recientemente, decía Lemmy

que sigue habiendo fieles legiones de fans ávidas de Motörhead en directo, pero que en realidad ahora las cifras de venta de sus discos no está en consonancia con esa demanda. Mucho nos tememos que este nuevo trabajo del trío no cambiará esa tendencia, aunque quienes mantengan el ritual de pasar por caja encontrarán aquí un puñado de temas destacables, con títulos tan significativos como “I Know How To Die”, “Devils In My Head”, “Bye Bye Bitch Bye Bye” o el himno “Rock’n’Roll Music”, en el que el rock se define como religión. Y es que el factor sorpresa queda aniquilado al ser la fórmula más que conocida, pero la actitud y la autenticidad de esta banda no se agotarán nunca. Larga vida a Motörhead. Xavier Llop

NEUROSIS

“Live At Roadburn 2007” Neurot

POST-METAL

1114

Lástima que un pedazo de banda en directo como resulta Neurosis, justo cuando tiene la oportunidad de ofrecernos todo lo que puede dar de sí uno de sus shows en vivo, no lo aproveche como es debido. Y no lo digo por la impresionante retahíla de canciones (recientes) que uno puede disfrutar de esta traslación del Roadburn del 2007, nueve cañonazos en las que la intensidad se masca hasta escupirla, una espléndida montaña rusa de electricidad y épica solemne, sino por el dudoso sonido con el que el sexteto esculpe este pedazo de disco. Aunque para algunos seguro que será maná caído del cielo (es decir, carente de una postproducción que enmascare toda su crudeza), la verdad es que un poco más de elegancia y equilibrio en el resultado final no estaría de más.

Quizá esa sea la única carencia que uno deba superar para considerar este trabajo como sobresaliente, pues, por lo demás (visto no hay dichosa manera que se dejen caer nuevamente por este rincón de mundo) y de momento, “Live At Roadburn 2007” significa la única y gozosa consolación que disponemos para disfrutar de uno de los grupos más impresionantes sobre las tablas de los últimos tiempos. Francesc Feliu

OVNI

“El mejor viaje” Outstanding Records

ROCK

1114

Después de aquel “Aterrizaje!” (2003) que les puso de lleno en la cresta de la ola y con una gira muy extensa por toda la península, llega este “El mejor viaje” después de un parón de año y medio para confirmar la trayectoria de estos argentinos afincados en Barcelona. “El mejor viaje” transcurre en torno a diez cortes totalmente pop, con la alegría que se le espera a su estilo y con letras plagadas de esperanza y buen rollo. Parece como si se reinventaran en su segundo disco y comiencen una nueva andadura. “Y al final” posee todo lo que tiene que tener un tema que abra un disco positivista. “Plan B” se confirma como uno de los mejores temas del trabajo, el estribillo es para enmarcarlo, de los que se te quedan marcados durante todo el día. Es de hecho en este tipo de temas en los que mejor se desenvuelven, como “Cenizas” y “Caída libre”. Aunque a un servidor le conmueve mucho más cuando se desmelenan de verdad y se dejan poseer por los guitarrazos de temas como “Esta vez” o “Diablo”, donde reconocemos a los Ovni de su primer disco.

En todo caso, este “El mejor viaje” sirve para abrir una nueva página en su trayectoria. ¿Más madura? La pelota está en su tejado. Marcos Martín Lora

MondoSonoro · Febrero 2011 /37/

PEARL JAM

“Live On Ten Legs” Universal

ROCK

1114

Pearl Jam, los supervivientes del grunge, demuestran con este disco que veinte años no son nada, como reza la canción. Y que pueden volver la cabeza para darse cuenta que a lo largo de todos los discos –algunos más acertados que otros- han sabido mantener el espíritu que les movió desde los inicios y evolucionar desde el sonido célebre de Seattle, hasta el rock, pasando por baladas y medios tiempos más en la línea de la banda sonora que Vedder firmó para “Into The Wild”. “Live On Ten Legs” no es nada nuevo, ya lo sabemos. Una recopilación en la que no faltan esos temas tan manoseados como “Alive”, “Porch” o “Yellow Ledbetter”, pero en los que también figuran caramelos como “Arms Aloft” (Joe Strummer), “Public Image” (P.I.L.), “Spin The Black Circle” o “State Of Love And Trust”. Y pese a todo, el disco rezumba fuerza por todos lados. Pearl Jam serán unos veteranos, sí, pero sus directos siguen siendo enérgicos y sudorosos, y aunque Vedder pase los cuarenta, no faltan los intentos de escalada a las torres de sonido, las consignas políticas o las referencias a The Who. Todo ello impregna su sonido en directo, que difiere bastante del estudio.

Marta Terrasa

SCHIZOPHRENIC SPACERS “Give’em What They Need” Autoeditado

HARD ROCK

111

Con Schizophrenic Spacers no se contemplan las crisis de identidad, no hay espacio para las dudas existenciales o la madurez mal entendida. El rock and roll fluye por sus venas y en eso se vuelcan, en tocar rock bombeado desde el corazón, sin que nada más importe. De ahí que, tras el aval de sus dos trabajos discográficos anteriores y más de diez años dejándose la piel en los escenarios -ocasionalmente mutando en banda de tributo a The Who, Thin Lizzy o Van Halenconfiáramos ciegamente en que este cuarteto catalán no nos iba a decepcionar. Y así ha sido, básicamente porque, a nivel estilístico, las fuentes de las que beben les permiten abarcar todo el hard rock de los setenta -con Alice Cooper a la cabeza-, el glam de la misma época, el blues rock, el legado sureño más emotivo, el heavy más embrionario o el rock inglés más musculoso. Además, acompañan sus once temas propios con una versión de los olvidados Raging Slab, sin duda un grupo a reivindicar y que muestra cuál es su sensibilidad musical. Así pues, este disco es un muy digno continuador de sus antecesores. Xavier Llop

SINIESTRO TOTAL

“Country & Western” Sony Music

ROCK

111

En 2000, la banda gallega pergeñó una de sus reinvenciones más inspiradas en un homenaje a un falso guitarrista en el conceptual “Historia del blues”, que cerraba un ciclo de jugueteo con el blues que había nacido tiempo atrás. Ahora, cinco años después de “Popular, democrático y científico”, parece que le toca el turno al género coun-

try a la hora de buscar inspiración y musa.

Ya hace muchos años, seguramente tantos como los que hace que abandonó el barco Miguel Costas -esté relacionado este hecho con ello o no- que los de Vigo han dejado de sentir sobre ellos el calor de los focos y la presión de ser una de las bandas más vendedoras del país. Lo que Julián Hernández, Ángel González, Javier Soto y cía. no pueden evitar es seguir siendo inteligentes; inteligencia a la hora de componer letras que siguen siendo ácidas, voraces e incisivas. Y tampoco han perdido los gallegos la habilidad para crear buenas canciones que continúan validando su propuesta tantos años después. En esta ocasión, la excusa del concepto country solo deja verse en diversas pinceladas aquí y allá, Robert Aniento

vinilos

EL POP ELECTRÓNICO Y HEDONISTA DE LCMDF

SLY JOHNSON “74”

Universal

SOUL

1114

Del mismo modo que le ocurrió hace unos meses a Plan B, a los raperos ahora les ha dado por potenciar esos chorrazos de voz que no han tenido la oportunidad de mostrar vistiendo pantalones cinco tallas más grandes. Este es el caso de Sly Johnson, que despojado del extinguido colectivo francés Saïan Supa Crew debuta en solitario con “74”, un álbum de soul sentido, desgarrado (“Goodbye Tomorrow”, prácticamente a capella de no ser por un violín, consigue sonar sincera e hincar el dedo en la fibra sensiblera) y correctamente engrasado de principio a fin. Animado por Ayo (quien presta su contribución vocal en “I’m Calling You”), Johnson rescató del baúl de los recuerdos polvorientos vinilos de los setenta y se sumergió en las profundidades de la música negra avalado por sus manejables cuerdas vocales. Sonando a Prince en “Don’t Justify Urself” o levantando las envidias de Erykah Badu en un cover del “Everybody’s Got To Learn Sometimes” de The Korgis (además de rendir homenaje en “Fa-fa-fa-fa-fa (Sad Song)” al mismísimo Otis Reading), Johnson quiere ponerle las cosas difíciles a nuestro querido Cee Lo Green. Y aunque el tiempo dirá, de momento va por el buen camino. Sergio del Amo

THE TALLEST MAN ON EARTH “The Wild Hunt”

LE CORPS MINCE DE FRANCOISE “Love & Nature”

Heavenly/Nuevos Medios

POP

1111

No cabe duda de que los discos más densos o emocionantes son aquellos que más calan, pero no todo debe ser lamentarse y compartir decepciones y sufrimientos.

De vez en cuando apetece algo de frescura, desparpajo femenino y canciones contagiosas que no necesariamente nos hagan sentir mejores personas, sino que nos ayuden a sobrellevar las cargas cotidianas. Y puedo asegurarles que las dos hermanas finlandesas (Emma y Mia Kemppainen) tienen una fórmula infalible para conseguirlo. Canciones

1111

Imperdonable olvido el que hemos proyectado durante meses sobre este álbum, uno de los mejores tratados folk de 2010, que reafirma al sueco Kristian Matsson como uno de los talentos emergentes dentro de ese grandísimo baúl de derivados roots que todo el mundo llama americana. El milagro, y es ahí donde opera el talento, es que tan espartana colección de canciones acústicas, regida por la austeridad, el recurrente aliento dylaniano y un timbre de voz tan nasal como cientos de otros, consiga atrapar el interés del oyente a lo largo de todo su minutaje hasta acabar demandando a gritos la pulsación del repeat. Es decir, lo que muchos hacen con los mismos mimbres, pero con mucho menos ingenio.

Porque su destilación de esencias pop de manual (gloriosa “Burden Of Tomorrow”), su asimilación de nutrientes springsteenianos etapa “The Ghost Of Tom Joad” (“Troubles Will Be Gone”) o su veta crooner a lo Paul Westerberg (preciosa “Kids On The Run”) trascienden cualquier corsé. Un disco que transpira delicadeza y verismo, y que valida la primacía de las (estupendas) canciones sobre los apriorismos del formato. Carlos Pérez de Ziriza

vitales, que se expanden cuando se escuchan en grupo y que van electrizándonos el espinazo conforme se van sucediendo hasta hacernos bailar sin que ni siquiera hubiésemos pensado en dejarnos llevar. Porque eso es lo que ocurre al escuchar esos cuatro temazos que son “Take To The Mountains”, “Gandhi” –con sus guiños a Happy Mondays-, “Cool And Bored” o “We Are Cannibals”, un montón de hits que piden a gritos unas piernas que les sigan el ritmo. Y encima las chicas tienen un sentido del humor que tiene como objetivo a algunos que bien podrían ser seguidores suyos. En todo caso, sepan que en “Love & Nature” hay ganas de pasarlo bien, y se transmiten a base de temas con un punto de CSS, Le Tigre, Bis, Chicks On Speed, Yelle, Shampoo, Neneh Cherry o Bangles. Joan S. Luna

WHITE LIES

... TRAIL OF DEAD

ROBYN

Polydor/Universal

Superball/Century Media

Konichiwa/Universal

“Tao Of The Dead”

“Ritual”

Dead Oceans/Popstock!

FOLK

Le Corps Mince De Francoise Foto Matti Kemppainen

POP

111

Las nuevas canciones de White Lies te llevan inequívocamente a dibujar historias melodramáticas, personajes con el corazón roto y en un estado de pesimismo rabioso, aunque suene contradictorio. “Ritual” tiene una fuerza distinta, más cruda, más furiosa que la de su debut “To Loose My Life”. Prueba de ello son los dos primeros cortes, “Is Love” y “Strangers”. Los medios tiempos oscuros de “To Loose…” dan paso a ritmos más frenéticos y abundan los arreglos para cuerda y un pop rock con aires electrónicos (“Come Down”). Aunque no estamos hablando de una banda totalmente nueva, porque todavía encontramos en este segundo movimiento discográfico de la banda británica momentos grandilocuentes, perversas imágenes y la peculiar voz de Harry McVeigh, perpetuando la marca White Lies. Un álbum menos denso que su antecesor, pero no menos complejo, con la introducción de elementos hasta ahora inéditos en el sonido del trío, como los coros en “The Power & The Glory”, y que mantiene la curiosidad y la intensidad a lo largo de las diez canciones.

Marta Terrasa

ROCK

“Body Talk” 1114

Quizá sea poco académico y sobre todo complicado pero a veces deberíamos abstraernos de los contextos para valorar algunos discos. Trail Of Dead, la banda del supernombre, fue una vez una formación de primera que se llevaba elogios y era etiquetada como una esperanza de un rock algo retorcido que muchos comparaban con Sonic Youth. Los halagos, sin embargo, se quedaron por el camino. Ahora que escuchamos su séptimo disco, inspirado en el taoísmo y estructurado en dos partes como obra conceptual, no podemos obviar que Trail Of Dead son una buena banda, capaz de hacerte disfrutar más con su feeling cósmico que con su volumen, es cierto, pero todos nos hacemos mayores y los tejanos también.

Escuchando las partes escondidas de “Tao Of The Dead”, esas tan setenteras que tiene (Pink Floyd, Rush o Neu!, dicen ellos mismos), uno puede reconciliarse con una banda cuyo mayor enemigo ha parecido ser siempre ella misma, con una mezcla de teatralidad trasnochada y un ineludible encanto a la hora de esquivar al gran público. Todas esas aristas están en este disco, irregular y fascinante a la vez. Ignacio Pato L.

POP 1111 En un 2010 en el que las reinonas del pop comercial intentaron fallidamente aniquilar la planetaria conquista gagaísta con pose de choni divas eurotrance (léase Kelis o Rihanna), tuvo que volver la sueca para poner algo de cordura. Robyn ya nos advirtió que preparaba tres epés para su retorno. Y ahora, por fin, recoge los frutos en “Body Talk”, el álbum. Ya sea con la ayuda de Röyksopp a los mandos (“None Of Dem”) o con la contribución vocal de Snoop Dogg en la lasciva “U Should Know Better”, la rubiales se desmarca con un álbum que debería sentar cátedra en el pop mayestático. Hace unos meses lloramos en la pista de baile gracias al melodramatismo teen de “Dancing On My Own”, sudamos la camiseta sin compasión con “Love Kills” y volvimos a creer en los interludes de la mano de “We Dance To The Beat”. Cualquier cosa que dijera al respecto se quedaría corta. Pero si a ello le sumamos temas inéditos como “Call Your Girlfriend” o “Time Machine”, únicamente podemos darle las gracias por revalorizar un género denostado por el snobismo ilustrado. Como de costumbre, los logros de Robyn seguirán siendo un secreto para el gran público. Sergio del Amo

vinilos /38/ Febrero 2011 · MondoSonoro

tennis, canciones en pareja VV. AA.

“Viaje satélite alrededor de Carlos Berlanga” El Volcán Música

POP

114

Con el recopilatorio “Reproches y vehemencias” recién engalanado en nuestras estanterías, si algo hay claro acerca de Carlos Berlanga es que el compositor se ha convertido en los últimos años en un cadáver revalorizado y reivindicado. “Viaje satélite...” cumple con su cometido de incluir reinterpretaciones de su cancionero firmadas por lo más granado del indie y el petardeo patrio.

El resultado es desigual, pero si tenemos en cuenta que Bebe consigue mudar “A quién le importa” en un tango de trago amargo y Chico y Chica se llevan a su terreno con una naturalidad pasmosa un tema como “Indicios de arrepentimiento”, no nos queda otra que defender la causa. También hallamos exhumaciones sonoras (el desfasado “Bailando”, por Glamour To Kill), interpretaciones que podían haberse resuelto de un modo mayormente inspirado (“Si no es por ti”, por Astrud) e iconos ligados a Berlanga que arriesgan por compromiso con lo mínimo (Fangoria y su “En el volcán”). Sergio del Amo

Tennis Foto Archivo

TENNIS

“Cape Dory” Fat Possum/Popstock!

POP

1111

Los discos de pop que tienen una historia bonita detrás suelen poseer un encanto especial. Y ese es el caso de Tennis, grupo norteamericano liderado por el matrimonio que forman Patrick Riley y Alaina Moore que un buen día, tras graduarse de la universidad, decidió vender todas sus posesiones para recibir clases de navegación, comprar un velero e irse a recorrer el mundo.

Durante su periplo marinero (que duró ocho meses) se

dedicaron a escribir las canciones que al final han dado forma a este “Cape Dory”, un disco-diario de viaje lleno de coquetas, sencillas y soleadas canciones pop de esas que te conquistan a la primera si lo tuyo es el indie pop de aires twee con fugas ocasionales a la década de los sesenta (“Marathon” y “Pigeon” se llevan la palma en ese aspecto). Una cosa más, no es difícil ver en la pizpireta y seductora voz de Alaina Moore un parecido más que razonable con Harriet Wheeler, otrora cantante The Sundays, un pequeño gran grupo de pop británico de los noventa que bien merece ser redescubierto ahora que Tennis les reivindican, quizás, sin saberlo.

Xavi Sánchez Pons

VELVET DAVENPORT

WANDA JACKSON

XOC

Moon Glyph

Third Man/Dro

Kasba Music

“Warmy Girls” POP

“Xoc”

“The Party Ain’t Over” 1111

El debut de los americanos Velvet Davenport es algo más que un fascinante ejercicio de nueva psicodelia. En realidad, “Warmy Girls” suena más como una interrupción de las leyes del espacio/ tiempo, o como si Syd Barrett hubiera vuelto a la vida en algún rincón de California. Para encontrarle parientes cercanos y coetáneos, habría que recurrir a Ariel Pink o a los también neoyorquinos Pigeons, pero es tanto como decir que Velvet Davenport son extraños y únicos, y quizás sea lo que mero valga la pena subrayar de ellos. Porque las canciones de Parker Sprout son preciosas, retales de veranos pasados que alguien dejó olvidados en una vieja caja de galletas, olvidada en algún cajón, junto a viejos singles de los Youngbloods y Chad & Jeremy. Canciones como “Run Faster Lady” irradían esa clase de fascinación juvenil por la tristeza lisérgica que sólo los que saben que tienen todo el futuro ante sí pueden permitirse sin caer en la mueca grotesca. Cómo duele la juventud y cómo la echamos de menos una vez se nos ha escurrido entre los dedos. Joan Cabot

ROCK

1114

Al igual que Elvis Presley derribó barreras raciales en los años cincuenta, Wanda Jackson se las apañó prácticamente solita para lidiar con los prejuicios machistas de la época, logrando así que la mujer formara parte activa de aquella revolución musical y social. De hecho, frente a la energía que esta pionera liberaba en temazos como “Let’s Have A Party”, su romance con Elvis quedó en pura anécdota. Eso mismo debió pensar Jack White al tirar de una fórmula de sobra conocida: exitoso productor dirige a estrella veterana en un disco de versiones (ya lo hizo el propio White con Loretta Lynn). El interés reside en comprobar si el impulso del productor -y su olfato al elegir los temas- sirve para que la estrella se crezca haciendo suyas composiciones que, a priori, escapan de su radio de acción. En este sentido, “The Party Ain’t Over” presenta un resultado notable al abordar con naturalidad clásicos como “Shakin’ All Over”, revisitar el aire kitsch de Andrew Sisters, versionar un tema reciente de Dylan, otro de Amy Winehouse y un corte country de Jimmie Rodgers. Con ayuda de White, Wanda sigue animando la fiesta.

Xavier Llop

ROCK

111

Vaya por delante que lo de estos tres tipos es una pequeña marcianada. Caen bien, te arrastran con su música y encima lo pasas bien. Que exigente es el ser humano. ¿Qué más queremos? Xoc es un proyecto que, según sus propios componentes, puede etiquetarse como “dance-electro-punk”. Casi nada, aunque lo mejor del asunto es que uno diría que tienen razón. Al escucharles, tan pronto acabas pensando en bailar a ritmo discotequero como te da la sensación de que Depeche Mode están por ahí, para al minuto siguiente hacer cuernos con los dedos y empezar a pegar cabezazos. Como muestra “Cannonball”, un tema que lo tiene todo desde su perspectiva. Comienzo a lo AC/DC, estribillo pegadizo y momentos épicos bailables. De todas formas, les da tiempo para ponerse a rockear en “D.E.F.O” o “Rock’n’roll”. Entre otras perlas hay un tema con Che Sudaka, “It’z Weerd”, o con “Blastah”, junto al ex Asian Dub Fundation, MC Spex. Temas en inglés, catalán y castellano se combinan en un disco que no debería dejar a nadie indiferente. Xoc dejan claro que lo suyo es muy marciano, pero que les quiten lo bailao. Marcos Martín Lora

EL-P

“Weareallgoingtoburninhellmegamixxx3” Gold Dust

HIP HOP

1111

Quizás por eso de que tendemos a pensar que el rap es cosa de MC’s, a veces no hacemos suficiente énfasis en que algunos de los artistas más importantes de la última década han sido ante todo productores (Dilla, Kanye, Madlib, MF Doom y El-P entre ellos). Algunos de ellos decidieron tomar el micrófono movidos por la inquietud o el individualismo, pero la fuerza de su discurso sigue basándose en el ingenio y la imaginación con la que crean bases instrumentales, dotando a su música de una dimensión única. Tercero de una serie de beat mixtapes de edición limitada, “Weareallgoingtoburninhellmegamixxx3” recoge descartes de altos octanos junto a instrumentales diversas, algunas de ellas remixes de Jaime Meline para otros artistas, un hecho que, lejos de convertir el álbum en un cajón de sastre, contribuye a hacer de este disco una suerte de cuaderno de bitácora de un artista cuyo estilo como MC puede gustar más o menos pero cuyas producciones han dejado una huella indeleble en el devenir del rap. Y, a juzgar por lo aquí expuesto, todavía queda más por escuchar. Joan Cabot

KENNY WAYNE SHEPHERD BAND “Live! In Chicago” Roadrunner

BLUES

1114

Tras recorrer lugares clave en la historia del blues de los Estados Unidos, en los que consumó duetos con algunas de las leyendas vivas más veteranas del estilo, Kenny Wayne Shepherd plasmó su enriquecedora experiencia en un álbum que incluía un documental y al que llamó “Ten Days Out. Blues From The Backroads”. Después, dentro de la consiguiente gira de presentación, tuvo lugar este concierto que ahora

se convierte en el primer trabajo en vivo de su discografía. En Chicago, cuna del blues eléctrico, Shepherd y su banda invitaron al mítico Humbert Sumlin (guitarrista de Howlin’ Wolf y Muddy Waters), Willie Big Eyes Smith (batería de Muddy Waters), Bryan Lee y Buddy Flett para ofrecer una actuación vibrante y apasionada. Como era de esperar tratándose de un virtuoso de las seis cuerdas, aquí todo gira en torno a las guitarras y el poderoso sonido que Kenny Wayne sabe extraer de ellas. En cuanto al repertorio, incluye cinco temas propios y siete versiones, alguna tan destacada como “How Many More Years” de Howlin’ Wolf. Por lo demás, los invitados aportaron ese toque de excitación que garantiza una velada para recordar. Ideal para los amantes del blues más enérgico. Xavier Llop

TOM ZÉ

“Studies Of Tom Zé. Explaining Things So I Can Confuse You” Luaka Bop

POPULAR

1111

Considerado un bicho raro de los de una sola raza fuera y dentro de Brasil, sobre todo en los sesenta cuando fue uno de los artífices del movimiento tropicalista. Desde entonces sigue manteniendo intacto su humilde estatus de icono de la vanguardia dentro de la tradición. Un maestro que otorgó una dimensión distinta a la canción brasilera y por ser el más rarito se quedó a la sombra de Caetano Veloso o Gilberto Gil. Y esta caja de vinilos lo atesora. Interesante tratado por su loco y visionario arte. Con clásicos ya universales como “Augusta, Angelica e Consolaçao”, el subversivo “A Felicidade” de Jobim y de Moraes o los -por entonces- vanguardistas efectos de máquina de escribir y sierra mecánica del contemporáneo “Toc”. David Byrne se quedaría loco en el año 86 cuando de compras se le coló “Estudando O Samba”, editado diez años antes, y decidiera proyectar internacionalmente a Tom Zé a través de su sello, el cual ahora reedita “Brazil Classics 4: The Best Of Tom Zé”, el grandes éxitos de su época más revolucionaria iniciada. Una reedición triple que además de un siete pulgadas contiene los posteriores “Estudando O Pagode” y “Estudando O Bossa: Nordeste Plaza”. Celestí Oliver

YAOTL MICTLAN

“Dentro del Manto Gris de Chaac” Candlelight Records

METAL

1114

Antes de nada, las presentaciones: Yaotl Mictlan son una banda de black metal de inspiración maya y mexica (o azteca según los occidentales) residentes en Salt Lake City que presenta su segundo disco largo bajo la garantía de uno de los grandes sellos especializados en metal extremo.

Buen ejemplo de la equidad entre medio y mensaje, estamos ante un disco que nos habla en su totalidad de civilizaciones violentadas, politeísmo mesoamericano y de la naturaleza, y que se sirve para hacerlo de las influencias de bandas como Belphegor, ahí es nada. Se pueden escuchar en él instrumentos tradicionales, caballos, la lluvia y sobre todo, una sensación claustrofóbica que Yaotl Mictlan consigue transmitir de manera elogiosa: la de tocar encerrados en un bosque oscuro y húmedo.

Temas como “Garra de jaguar” o “Noche triunfadora” vienen a poner de relieve que si existe un metal nórdico u otro sajón, también otra vía es posible, uno que hable con el lenguaje conocido del black metal sobre fenómenos desconocidos para la gran mayoría. Ellos mismos lo llaman “metal prehispánico”. Ignacio Pato L.

MondoSonoro · Febrero 2011 /39/

ELLIOTT MURPHY “Elliott Murphy” Last Call

ROCK

111

No a todo el mundo le sienta bien madurar o envejecer. Hay que saber llevarlo, disfrutarlo más que aceptarlo, tener el acierto de encontrar un espacio propio y, en el caso de un músico con suficiente instinto de supervivencia, fidelizar a un sector del público. Quizá por eso Elliott Murphy se mudó a París hace ya una eternidad, dejando atrás una escena del rock americano de los setenta en la que publicó sus mejores obras, pero en la que también, de forma algo injusta, fue eclipsado por grandes figuras como la de su amigo Bruce Springsteen o la de uno de sus principales referentes, Bob Dylan. En su exilio parisino, Murphy encontró el espacio y la ilusión para continuar, manteniéndose muy activo y logrando con cada disco que los años no parezcan pasar para él. Sin componer epopeyas tan magníficas como las de antaño, pero sin decepcionar con trabajos mediocres. Su nueva entrega insiste en esta línea poco arriesgada pero segura. Así, arropada por la guitarra del habitual Olivier Durand y otros músicos franceses, la voz de Murphy discurre plácidamente sobre ritmos melódicos pero firmes, muy conocidos pero aún vigentes. Xavier Llop

LOVO

“Virtual” Kromatik Musik

POP

111

Rindiendo tributo a aquellos héroes de infancia como Marvin Gaye o Barry White que resonaban en las paredes de casa de sus padres, Lisandro Montes se desmarca de proyectos como Che Sudaka o Go Lem System metamorfoseando las señas de identidad que hasta ahora le habían valido un puesto de honor en los mestizajes sonoros. Mediante historias pop de crápulas noctámbulos que fluyen al son de melodías revitalizadas por el recuerdo de los ochenta, invitaciones constantes al baile como única válvula despreocupante de la rutina y buscando por las calles un amor urbanita que le haga el peso, todas y cada una de las canciones se apoyan de un manto de teclados y sintetizadores de aires retro que lucen a la perfección para el funk electrificado del argentino. Como si de unos Chromeo con rebajadas dosis de taurina y zapatilla fueran, Lovo se divierte con los medios tiempos de soul pop (“Hoy”), el funk de retales costumbristas (“Sábado”) e infecciosas canciones como “No necesito”.

Sergio del Amo

PIANOBOMBA “Suit Vudú”

Kromatik Musik

ROCK

111

Pianobomba debutan con esta especie de conjuro de ingredientes diversos que a ritmo de tío vivo recorre un imaginario musical cargado de referencias. Desde el rockbilly de los cincuenta y toda su estética reverberante pasando por sonidos sugerentes como el easy listening, el jazz y la ciencia ficción hasta llegar al punk más cabaretero. Pianobomba es la tesis doctoral de Isaac Aguilera (El Joven Isaac y Flores para la máquina), músico tan experimentado como inquieto

que junto a Marta Peláez han dado forma a este cargado árbol de Navidad que alterna con ingenio luces y sombras. Es el caso de “Lolo y Vane”, la narración en varios estadios sonoros de un encuentro entre esas almas solitarias que merodean por la barra de un bar. Y es que las letras de Pianobomba son ácidas sin resultar corrosivas, su mensaje crítico pero velado, no desnuda a sus personajes por completo. “Perfecta” puede generar más que ensañamiento compasión e incluso atracción hacia tan perfumada señorita. “Suit Vudú” no es un disco masticable, su sinuoso recorrido por distintas estéticas en un alarde de producción, hace que el oyente tenga la sensación de pasear por un parque de atracciones donde tan pronto te lanzan por una montaña rusa (“Cerca del cielo” ) como te adivinan el futuro (“Suit Vudú”). Pasen y vean. Arturo García

vinilos

La selección Jäger:

GLAM POP TEENAGER

SASQUATCH “III”

Small Stone

HARD ROCK

111

Los amantes del buen stoner rock tienen en Sasquatch el típico ejemplo de banda que difícilmente les va a decepcionar. Principalmente, porque el sonido básico pero a la vez denso que fluye de su formato power trio, sus riffs pesados y sus composiciones cercanas a los cánones dictados por Black Sabbath, Kyuss o Monster Magnet, son marca de la casa para estos tipos afincados en California. Como su título apunta, este es el tercer trabajo del grupo en el sello Small Stone, donde debutaron en 2004. Desde entonces, su música ha sido incluida en diversas bandas sonoras (“Clerks”, “Jersey Girl”...), en videojuegos (“NHL 2005”, “American Chopper”...) y han compartido escenario con bandas como Blue Cheer, Nebula o Unida. Con estos antecedentes, afrontaron este nuevo álbum que, visto el resultado, les confirma como perfectos conocedores y ejecutantes de la etiqueta stoner, aunque no aspirantes a hacer evolucionar el estilo.

Trabajo bien hecho y experimentos los justos. De ahí lo dicho, que no decepcionarán a sus fans. Ed Mundell (Monster Magnet) colabora como invitado. Xavier Llop

RUMER

“Seasons Of My Soul” Atlantic/Dro

POP

11114

No se imaginan lo feliz que me ha hecho un disco como el de Rumer. Que una chica de poco más de treinta años haya decidido revivir la grandeza del “Dusty In Memphis” de Dusty Springfield, las canciones más celebradas de The Carpenters y la elegancia en los arreglos de Burt Bacharach en pleno 2010. Tal empresa, casi quijotesca, se ha traducido en uno de los álbumes más celebrados del año pasado (cinco estrellas le han cascado en Mojo, poca broma), un trabajo que, como pasa con los mejores discos de carácter revivalista, supera su condición de ejercicio de estilo gracias a unas composiciones gigantescas.

Sarah Joyce, factótum de Rumer, no solo se revela como una intérprete de primerísimo orden, de esas que erizan el vello a la mínima, sino que también vuela alto a la hora de escribir unas canciones que, sin perder su herencia vintage, suena cien por cien contemporáneas. Y es que, de solo imaginar la sonrisa de felicidad que deben esbozar, allí donde estén, Karen Carpenter y Dusty Springfield al escuchar canciones del calibre de “Goodbye Girl, “Blackbird” (la canción rompealmas de la temporada), “Am I Forgiven” y “Aretha”, se me saltan las lágrimas. Xavi Sánchez Pons

Smith Westerns Foto Archivo

SMITH WESTERNS “Dye It Blonde”

Fat Possum/Popstock!

POP

11114

Hace un par de meses Smith Westerns comentaban en NME, a propósito de este “Dye It Blonde”, que querían hacer un disco de rock de guitarras que sonara moderno, huyendo así de los grupos revivalistas que buscan sonar como una banda antigua a conciencia (sic). Para conseguirlo, echaron de la grabación a su batería (“no daba la talla”, contaba al semanario musical inglés Cullen Omori, uno de los capos de Smith Westerns) y se hicieron con los servicios de uno de los productores de moda Chris Coady (!!!, TV On The Radio, Beach House). Ahora bien, tal declaración de principios y los dos pasos posteriores, a priori un poco feos para un grupo de garage pop DIY chatarrero y chispeante que nos había robado el corazón a algunos con su primer y excelente disco homónimo, no han podido ser más acertados. Los Smith Westerns de “Dye It Blon-

de” apenas rondan los veinte años de edad, pero quizás hayan facturado el mejor disco de pop de guitarras viejuno (dicho con cariño, eso si) de la temporada. Lo de viejuno va porque el disco, que, efectivamente, suena moderno y nada rancio, es todo un recital de glam pop con regusto a clásico y alma teen en cuyo ADN se pueden rastrear los momentos más inspirados de Redd Kross y Jacobites (dos ases a la hora de hermanar el pop epidérmico con las maneras rockeras) y el metal pop chicletero de T-Rex. Y es que el segundo trabajo de Smith Westerns alterna canciones favoritas a la primera (“Weekend”, “Fallen In Love”, “End Of The Night”) con himnos galácticos llenos de purpurina que nacen para ser coreados por miles de personas (“All Die Young”, “Smile”). Veremos qué pasa en el futuro, pero los de Chicago han firmando una de las obras mayores de este 2011 que justo acaba de comenzar. Xavi Sánchez Pons

mondorecomienda

/40/ Febrero 2011 · MondoSonoro

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELÍCULAS ★ CLIPS ★ documentales

libros

libro

Contra la hipermetropía Fernando León de Aranoa Debate (1111)

Curioso volumen que recopila todo tipo de textos, publicados o no anteriormente, del director y guionista Fernando León de Aranoa. El autor de “Familia” o “Princesas” reúne cuentos, documentos de sus películas y textos reflexivos. De interés no solo para los seguidores del cineasta sino también para aspirantes a guionistas. J. Picatoste Verdejo

Mujeres lo bastante ricas Honoré de Balzac Periférica (1114)

Micah P. Hinson Foto Archivo

La editorial Periférica reúne dos relatos complementarios con un tema en común: la feminidad. Una feminidad que no siempre sale bien parada en los relatos de Balzac. Por si sirve de consuelo, en “La comedia humana” tampoco todos los hombres salen precisamente airosos. Una relectura entretenida e interesante. Joan Cabot

Mujer y música

Toni Castarnado 66 rpm Ediciones (1111) Siempre es una noticia muy grata que alguien se lance al negocio editorial con la idea de publicar libros sobre música. Y si la primera referencia viene de la mano de un colaborador de esta revista, pues mucho mejor.

Toni Castarnado compila ciento cuarenta y cuatro discos que considera imprescindibles, perpetrados por solistas femeninas. Don Disturbios

Diarios de bicicleta David Byrne Reservoir Books (11114)

El punto de partida es sencillo: Byrne pasea en bicicleta por diversas ciudades del globo, lo que le sirve para compartir con nosotros un poco a modo de diario sus reflexiones a propósito del urbanismo, las costumbres, el arte y todo aquello que venga al caso y le inspiren sus paseos. El resultado es un libro ameno y bien intencionado. L.J.M.

MICAH P. HINSON

Un chico corriente

El otrora enfant terrible Micah P. Hinson expande aún más su talento y se embarca en la aventura literaria con “No voy a salir de aquí” (Alpha Decay, 10), una novela corta profundamente ‘americana’, demostrando con creces que también es capaz de emocionar a través de la pluma.

Confesiones de un gánster de Barcelona

“No voy a salir de aquí”

Lluc Oliveras Ediciones B (11)

Carlos Segarra, Antonio Carmona o Andrés Calamaro llenan la solapa de buenas palabras dirigidas a su amigo Dani el Rojo, protagonista de una vida y una época tan oscuras como calamitosas. Larga historia carcelaria y juvenil documentada con detalles interesantes para aprender de un perdedor. Luis Argeo

Stone Junction

Jim Dodge Alpha Decay (11111) Hay libros que, simplemente, hay que leer. Jim Dodge es autor de, al menos, tres de esos -sus únicos tres libros, de hecho- y “Stone Junction” encabeza sin lugar a dudas esa lista. Epopeya moderna, novela alquímica poblada de personajes memorables y blablabla. En realidad, Jim Dodge es puro rock’n’roll. J. C.

El error

César Aira Mondadori (1114) Aira, uno de los narradores argentinos contemporáneos más reconocidos, presenta en su nuevo libro una original novela de aventuras en la que los personajes se presentan y desaparecen, el ritmo narrativo baila o se echa a dormir y en la que el lector se ve imposibilitado siquiera de imaginar lo que ocurrirá en la siguiente página. Daniel Arnal

El enemigo declarado Jean Genet Errata Naturae (11114)

Por primera vez en castellano todos los artículos, entrevistas, discursos, pequeños ensayos, etcétera, de Jean Genet, escritor, intelectual y outsider maldito que estuvo siempre del lado de los marginados y los rebeldes. Un compendio de textos subversivos, críticos e inteligentes que conforman un verdadero testamento. D. A.

Micah P. Hinson Alpha Decay, 10

“

El libro cuenta una historia de amor en la que los protagonistas no se cogen de la mano ni se dicen te quiero, simplemente se agarran el uno al otro como si les fuera la vida en ello. Aferrarse a la ilusión del amor como última esperanza es algo muy humano”, proclama con los ojos encendidos el bueno de Micah, gesticulando histriónicamente mientras paseamos por las agitadas calles del barrio del Raval de Barcelona. Con una humildad y una simpatía que contrastan con la imagen de músico de éxito con aura de rockstar maldita que Hinson se ha ganado por méritos propios, el autor de “No voy a salir de aquí”, nouvellete tan breve como arrebatadora,

continúa con su perorata: “Me fascina la belleza de la tristeza. Adoro la aridez de los desiertos, la luz de las farolas, las calles vacías que huelen a basura, los borrachos que discuten en los bares, la gente que trabaja y sufre y se enamora y se siente perdida, porque todos estamos siempre un poco perdidos en realidad. Me identifico con todo eso, y es lo que he querido plasmar en el libro”. Con una prosa cercana al realismo sucio y al imaginario beatnik que bien podría enmarcarse en la línea de la mejor (sub)literatura americana del siglo pasado (Fante, Kerouac, Carver) (“he debido leer ‘En el camino’ y ‘Pregúntale al polvo’ como veinte veces”), Hinson ha puesto la primera piedra en lo que lleva intención de ser una larga carrera. “Primero fue mi máquina de escribir, después compuse canciones.

Es difícil, pero si tuviera que elegir, creo que ahora mismo lo que diría es que nunca dejaré de escribir, tengo montones de cajas llenas de relatos y poesía, algunas novelas… no sé hasta dónde llegaré con la música, pero nunca dejaré de escribir”. Y nosotros que lo leamos.

■ Daniel Arnal

libro “Warm-Up” PRENSA Y ELECTRÓNICA Hitos patrios como la ruta del bakalao, Ibiza o el Sónar, sumados al evidente frenesí consumista de música gratuita, no han bastado para que la electrónica emane más tinta de la que editores y empresarios están dispuestos a gastar. Fernando Fuentes, uno de los periodistas más interesantes de este género, repasa en “Warm-Up” (Editorial Nausicaä, 10) las causas de esta paradoja junto a voces de todo el sector español, coincidiendo en subrayar que la difusión y promoción de la música electrónica apunta a que Internet será también el lugar donde los beats y las palabras correrán a 1.000 BPM frente a la tradicional imprenta. De momento, si quieres localizar las opiniones más acertadas, lee Warm-Up y disfruta, además, con las entrevistas del autor a dinosaurios como Unkle, Carl Craig, Underworld, Robert Hood o Garnier. ■ Lara Sánchez

MondoSonoro · Febrero 2011 /41/

mondoRECOMIENDA

cómics

TELEVISIÓN

“Alec”

Eddie Campbell Astiberri (1114) Dos volúmenes que recopilan y amplían una colección de páginas autobiográficas firmadas entre 1981 y 2001 por el dibujante de “From Hell”. Con un estilo gráfico abigarrado e inconfundible, en ocasiones completando las páginas con meros bocetos, Campbell recurre a su alter ego Alec MacGarry para difuminar los márgenes entre lo cotidiano y lo fantasioso, al tiempo que recurre a ilustres como Alan Moore como improvisados secundarios. L. J. M.

“La cosa del pantano” Mark Millar, Grant Morrison, Phil Hester Planeta DeAgostini (1114)

Primer título de La biblioteca de Lucien, colección destinada a rescatar del olvido líneas completas firmadas por autores de renombre, este volumen recupera la oscura visión de La Cosa del Pantano que ofrecieron Mark Millar y Grant Morrison en el tramo que fue del número 140 al 157 de la serie. Mística, poética y a ratos -ese capítulo en que se imagina un futuro dominado por el nazismo- surrealista. L. J. M.

ROBERT KIRKMAN “Todo 36-39. Malos tiempos” Carlos Giménez Debolsillo (1111)

Carlos Giménez no para de trabajar y “36-39. Malos tiempos” es la muestra de ello. Una obra compuesta originalmente por cuatro volúmenes que ahora se publica en esta edición integral y que incide un poco más en la memoria de nuestra Guerra Civil como una versión más cruda -menos enternecedora también- de la insuperable “Paracuellos”. La mejor noticia, que a este lanzamiento le seguirán los integrales de “Los profesionales” y “Barrio”. Ernesto Bruno

Los muertos pueden bailar La verdad es que los zombies, muertos lo que se dice muertos, no están. O por lo menos no lo están más que algunos humanos en problemas. Esa podría ser una de las lecturas de “The Walking Dead”, el fantástico cómic de Robert Kirkman llevado ahora a televisión de la mano de Frank Darabont (“La milla verde”, “La niebla”).

“Adolf”

Osamu Tezuka Planeta DeAgostini (11111) Con apenas citar el nombre de Osamu Tezuka uno debería sentirse emocionado, pero si a eso le sumamos la brillante presentación de esta nueva reedición en dos lujosos tomos de “Adolf”, uno de sus grandes clásicos, no queda más remedio que arrodillarse. Sin duda uno de esos mangas que todo el mundo debería leer y, de paso, descubrir la maestría de Tezuka a la hora de tratar los sentimientos humanos.

Joan S. Luna

dvd MÚSICA Neil Young

“Le Noise DVD” Reprise/Warner (114) Que nadie se llame a engaño porque desgraciadamente este no es el típico “making off” de cómo se realizó el último disco de Neil Young en el que se combinan declaraciones, imágenes de los recesos, etcétera.

Se trata de una filmación, en contrastado blanco y negro, de la interpretación de los ocho cortes del disco por parte del propio Neil Young, armado tan solo con su Gretsch. Don Disturbios

Benjamin Biolay “Live” Naïve (11114)

Filmado de forma impecable y con una puesta en escena que de tan elegante te quita el hipo, Benjamin Biolay se revindica con este directo grabado a principio del pasado mayo en el Casino de París, como uno de los más interesantes autores del pop de autor europeo. El directo se acompaña de un documental algo más prescindible. D. D.

Gary Numan

“Telekon-Live” Dash/Mortal (1114) Puede que para algunos su synth-pop reconvertido ahora en pseudometal gótico ya no sea lo mismo, ni disponga del mismo interés que sus viejos éxitos de los ochenta. Por eso, qué mejor para aclarar tales dudas, que acudir a esa traslación al directo de su obra cumbre editada en 1980, efectuada en el Forum de Londres en 2006, con la cual reivindicarle como icono intergeneracional. Francesc Feliu

The Walking Dead Frank Darabont FOX

U

n zombie no te provoca lesiones incompatibles con la vida. Un zombie te destroza primero y luego te mata. “The Walking Dead”, uno de los cómics de mayor éxito en los últimos años, cuya adaptación televisiva, firmada por el reputado Frank Darabont, comenzó a emitirse a principios de noviembre en FOX y ya ha firmado su segunda temporada, no es una serie sobre muertos vivientes asesinos. Sólo son un pútrido vehículo para narrar la trama. Robert Kirkman, autor del cómic original, no tenía la mínima intención de cortarse a la hora de llevar a las cada vez menos pequeñas pantallas su historia. “Esta serie servirá para recordar que este es un género serio y que se pueden hacer películas de zombies con dignidad. Rechacé

ofertas en el pasado, especialmente los tres primeros años que estuve con los cómics porque muchos directores querían convertirlos en una película de acción o en unas producciones muy extrañas. Me daba cuenta de que no habían entendido la historia”. Puestos a enfrentarse a una muerte dramática, mejor morir a manos de un zombie que de un vampiro insulso, o de Lupus. Kirkman no renuncia ni en broma a que el imaginario de “The Walking Dead” sea todo lo salvaje, y al mismo tiempo humano, que sus productores le permitan.

“La cadena siempre me ha asegurado que eran conscientes de lo que estaban haciendo. Aun así, estoy muy sorprendido con cuanta libertad nos han terminado dando. De momento no nos han hecho editar nada, y algunas escenas de violencia que rodamos con la intención de ponerlas en el DVD, han terminado emitiéndose”.

Hay historias que sobreviven a su propio género, y Kirkman lo ha conseguido con su serie, al menos con los cómics. “Es como si fueran un espejo a través del cual nos juzgamos a nosotros mismos, como una fuerza inacabable con la que los personajes tienen que aprender no solo a luchar, sino a convivir”. ■ J. Batahola

TELEVISIÓN Juanjo Sáez esta es mi generación Me sorprendo habitualmente rodeado de comentarios sobre los Chanantes y su “Museo Coconut”, escuchando piruetas que dotan de profundidad a un supuesto discurso generacional con el que no conecto en absoluto. Por eso me siento en la obligación de reivindicar una y mil veces el trabajo y cada uno de los libros de Juanjo Sáez, porque su mundo sí es el mío, porque conecto con su background, con su forma de ver las cosas, con su ironía, con su humor y con la carga emocional –que la hay, y mucha- de su obra. Sáez tiene clase incluso cuando se pone soez, Sáez tiene magia incluso cuando parece esforzarse menos. Sáez es un genio de esos que nunca han parecido, nunca han querido, serlo. Y por eso me alegro tanto de que la primera temporada de la serie de animación “Arròs covat” (“Arroz pasado” en castellano), emitida por TV3 y cuya idea, dibujos y buena parte de los guiones son suyos, haya obtenido recientemente el premio Ondas 2010 al Mejor Programa emitido por cadenas de nacionales. Y ahora, para disfrutarlo como es debido y en cualquiera de ambos idiomas, Mondadori publica los guiones/storyboards en un voluminoso tomo de casi ochocientas páginas y Cameo edita los capítulos, dirigidos por Kike Maillo, en un completísimo DVD. Dejarlo pasar sería un error, la verdad. ■ Joan S. Luna

Robert Kirkman Foto Archivo

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

mondoRECOMIENDA /42/ Febrero 2011 · MondoSonoro DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales Elena Trapé Foto Archivo

cine

ELENA TRAPÉ

Inocencia interrumpida

Corren aires de cambio en el aún, por lo general, rancio panorama del cine español. Buena prueba de ello es la cineasta catalana Elena Trapé y su primer filme, “Blog”, una atípica, bella y emotiva historia sobre la adolescencia que mira con respeto y algo de descaro a clásicos del género firmados por Sofia Coppola y Lukas Moodysson.

“Blog”

Elena Trapé Escándalo Films

E

l cine sobre teenagers en España no ha sido un género muy transitado con enjundia más allá de películas pensadas por y para el disfrute de adolescentes con las hormonas revolucionadas: léase placeres culpables del calibre de “Mentiras y gordas” o “Tres metros sobre el cielo”, entre otros fenómenos teen de temporada. Pues bien, “Blog” viene a ser la alternativa seria (sin que eso suena a aburrido o snob) a ese tipo de películas. Una alternativa audaz y casi suicida, para que negarlo, que busca al público español que disfruta con los films teen de autor de Gus Van Sant, Sofia Coppola y Lukas Moodysson. Elena Trapé, licenciada y profesora de la ESCAC, se basó en un hecho real para armar su ópera prima. Ella misma nos lo explica. “La historia real pasó hace tres veranos en Gloucester, Estados Unidos. Allí fueron como dieciséis niñas de dieciséis años que se quedaron embarazadas a la vez. Y fueron a saco, se liaron con cualquiera del pueblo. Vi la noticia en el periódico, luego miré en Internet y leí una declaración de una de las niñas embarazadas que decía que lo había hecho para tener a

alguien que la amara para siempre. Eso me emocionó mucho, me enganchó… A partir de ahí me di cuenta de que no podría hacer una interpretación sórdida de la historia porque había un trasfondo muy inocente y naïf. Me sentí identificada de inmediato con ese sensación de tener dieciséis años, de que nadie te entienda y de que tus amigas sean lo más importante…”. Han leído bien, “Blog” parte de un hecho, a primera vista, durísimo, para trazar una bella y emotiva historia de amistad entre unas niñas de quince años de edad que crean una sociedad secreta con una finalidad muy clara: quedarse embarazadas. Una historia que tiene en su puesta en escena uno de sus puntos fuertes. La película está filmada cámara al hombro y con grabaciones realizadas por las propias actrices protagonistas. “Cuando empezamos a hacer pruebas de casting y les dimos a algunas niñas cámaras para que se grabasen, nos dimos cuenta de que el material que salía era muy bueno.

Entonces empezamos a pensar de qué manera podíamos justificar el tener ese material en la película. Se nos ocurrió la idea de las webcams, así que colocamos en las casas de las siete protagonistas una cámara que emula una webcam. Han tenido ese cámara en su habitación durante seis meses”. El trabajo con las actrices adolescentes ha sido clave para llevar “Blog” a buen puerto y dar esa sensación de verosimilitud que desprende la cinta. Una sensación que tiene su punto cumbre en una de las mejores escenas de la película, una secuencia donde las protagonistas hablan de sexo sin tapujos, de forma muy directa y divertida, muy de verdad.

■ Xavi Sánchez Pons

DVD Versus CLÁSICOS RECUPERADOS Versus, con la colaboración de Warner, acaba de poner en circulación un par de oldies en DVD que harán las delicias de los amantes del cine clásico. Por un lado tenemos una edición que presenta por primera vez la versión íntegra de “El enemigo público” (1931), clásico absoluto del cine de gangsters dirigido con mano firme por William A. Wellman y protagonizada por un poderosísimo James Cagney. La película, vista ahora, no solo no ha perdido un ápice de su fuerza, sino que tiene nueva vida gracias a ser uno de los filmes que la HBO ha tomado como inspiración para algunos pasajes de “Boardwalk Empire” (no es casualidad que Martin Scorsese aparezca en el DVD alabando la grandeza de la cinta de Wellman). Por otro destacar la edición de “Camelot” (1967), versión cinematográfica del conocido musical teatral basado en la leyenda artúrica que sentó las bases de títulos recientes como “Moulin Rouge” o “Destino de caballero”. Con una dirección elegantísima de Joshua Logan y un trío protagonista de aúpa, Richard Harris, Franco Nero y Vanessa Redgrave, “Camelot” aún retiene todo el encanto cuarenta y tres años después de su estreno. ■ Xavi Sánchez Pons

Presenta

--------------------Agenda musical SON Febrero 2011

Dean Wareham plays Galaxy 500 Fecha Lugar Venta

24 & 25 de Febrero Teatro Lara, Madrid & Playa Club, Coruña Ticketmaster

Jay Jay Johanson Ciclo Conciertos Sublimes de Vertical Pop Fecha Lugar Venta

17 de Febrero Teatro Lara, Madrid Ticketmaster

Ólöf Arnalds Ciclo Conciertos Sublimes de Vertical Pop Fecha Lugar Venta

7 de Marzo Teatro Lara, Madrid Ticketmaster

Hindi Zahra Fecha Lugar Venta

14 de Abril Teatro Lara, Madrid Ticketmaster

--------------------Otras fechas SON

Laetitia Sadier (Stereolab), Los Coronas y Arizona Baby, Jonny (Norman Blake/Teenage Fanclub + Euros Childs/Gorky’s Zygotic Mynci), FIV Festival 2011…

--------------------Programación Salas SON Febrero 2011 Teatro Lara, Madrid 24 Dean Wareham Playa Club, Coruña 19 Adler’s Apetite 25 Dean Wareham Mondo Club, Vigo 12 Basia Bulat + Sharon Van Etten 25 Kiko Veneno Festival SinSal, varios espacios 20 Laetitia Sadier

Organiza

www.estrellagalicia.es

Conciertos Sublimes Vertical Pop, Teatro Lara 17 Jay Jay Johanson Café Pop Torgal, Ourense 04 Santi Campos + Jonston Leclub, Coruña 04 Franc3s 18 Múrfila

conexiones

/44/ Febrero 2011 · MondoSonoro

Red Bull Music Academy Después de recorrer ciudades como Barcelona, Ciudad del Cabo, Toronto, São Paulo, Melbourne, Roma o Seattle, la Red Bull Music Academy completará desde el 23 de octubre al 25 de noviembre su particular vuelta al mundo cuando Tokio recoja el testigo de Londres como sede de este inmenso taller internacional de sonidos y ritmos. El plazo de inscripción comienza el próximo 2 de febrero y se extenderá hasta el 4 de abril. El formulario de acceso y toda la información se encuentran ya disponibles en la web oficial de la Academy www.redbullmusicacademy.com. ■

Hard Rock Cafe Hard Rock Cafe busca a los mejores talentos del país para llevar a cabo la primera ronda de batallas en Madrid y en Barcelona, donde las bandas competirán en vivo y serán evaluadas por un jurado de profesionales de la música. El ganador de Battle Of Bands de Madrid y el ganador de Barcelona se posicionarán en una de las cuatro categorías regionales del mundo, que posteriormente pasará otra selección. Las bandas que lleguen a la fase final se publicarán en www.hardrock.com ■

Movistar Los locales de ensayo Movistar es una iniciativa que se fija en los grupos noveles, ya que siendo clientes de Movistar pueden acceder a espacios ubicados en la Universidad Complutense (Madrid), Universidad de Granada y Universidad de Valencia (Campus de los Naranjos). Movistar lleva años con esta iniciativa, activa desde el 2 de noviembre hasta el 25 de febrero. El modo de reserva de estos espacios exclusivos para los clientes de Movistar es a través del envío gratuito de un SMS, con el que obtendrán un código de reserva. Movistar no solamente pone el local, si no que gracias al partner del proyecto, Fender, los locales cuentan con el mejor equipamiento.. ■

Carhartt Radio

Russian Red Foto Archivo

Carhartt, la popular firma de ropa deportiva cada vez está más cerca del mundo de la música como demuestra su apuesta por una aplicación de radio para el iPhone. De esta forma podremos escuchar el programa de radio que llevan produciendo desde hace dos años dedicado esencialmente a la música electrónica. ■

Intermon Oxfam Ya se está convirtiendo en toda una tradición que a estas alturas del año Intermon Oxfam organice una serie de conciertos benéficos en los que se apuntan a la causa buena parte de los nombres más importantes del pop de nuestro país. Recordemos que en el evento del pasado año se dieron cita ni más ni menos que Catpeople, Lori Meyers, M-Clan, Russian Red, Second, The Cabriolets o Vetusta Morla, entre otros. El cartel de la presente edición todavía no se ha hecho público cuando se escriben estas líneas, pero lo que sí podemos avanzar es que la cita será doble y tendrá lugar los días 25 y 26 de febrero en salas de conciertos de toda España. ■

D.A.S Audio

WWF

OK Go

D.A.S. Audio (empresa, líder del mercado nacional en diseño y fabricación de sistemas de refuerzo de sonido) becará a un estudiante del Postgrado de Gestión Empresarial de la Música en la Universidad de Valencia. Puedes encontrar toda la información al respecto en la página web de la Universitat, www.adeit.uv.es.

WWF presenta el concurso Músicos por el Planeta para elegir la canción oficial de La Hora del Planeta 2011. Esta nueva edición de la mayor campaña de movilización global contra el cambio climático tendrá lugar el próximo 26 de marzo en todo el mundo.

Más información en www.wwf.es.

OK Go hablan sobre su modelo musical en una entrevista en The Wall Street Journal. El líder de la banda Damian Kulash dice “Nuestro modelo de negocio es: vamos a hacer cosas increíbles y a ver si podemos ganar dinero”. Lo que explica su querencia por las nuevas tecnología y la promoción con virales en Youtube.

Rockzone TV

Mentes Criminales

Colors

Desde el pasado 1 de enero ya está online ROCKZONE.TV, una nueva web lanzada desde la revista musical RockZone. Enfocada básicamente al contenido audiovisual, ROCKZONE.TV ofrece cuatro 'canales' temáticos, además de actualizaciones diarias.

“Mentes criminales”, la popular serie detectivesca, se cambia de canal. A partir de ahora podrás verla en Cuatro y además con una nueva canción que desde ya vas a relacionar de forma ineludible: "Tu amor es tanto" de Zenet.

La revista Colors llega a sus veinte años de trayectoria y lo hace con un especial invierno 2010-2011 dedicado al mundo del coleccionismo. Todo el ejemplar ha sido diseñado por el francés Sam Baron. ■

mondoweb

twitter.com/mondo_sonoro ...... 8.148 seguidores www.facebook.com/mondosonoro ..... 38.831 seguidores

/46/ Febrero 2011 · MondoSonoro

VOTACIONES

ENTREVISTA FAN

DEL LECTOR Los 15 Mejores DISCOS Internacionales

Santi Balmes (Love Of Lesbian) Foto Ibai Acebedo

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Santi Balmes Santi Balmes y sus Love Of Lesbian continúan sorprendiendo a propios y extraños con su éxito. Esta vez se atreven con cuatro Joy Eslava y tres Razzmatazz en apenas unos pocos días. Antes de que Balmes no tenga tiempo ni para respirar le obligamos a contestar a sus fans lectores de MondoSonoro.

(Sergio López) Sí fuera posible volver al pasado con lo que ya has vivido, ¿habrías cantado en inglés como en los primeros álbumes de LOL? ¿En algún momento te has sentido John Boy? Veamos. Uno no puede renegar de su pasado, pero es obvio que fue un error, no en el sentido de alcanzar más o menos popularidad, sino con respecto a ser capaz de encontrar un lenguaje personal, y para eso hace falta dominio del idioma. Con respecto a John Boy, he de decir que sí, la verdad, ironías de la vida convertirte en una caricatura de tu propia canción.

(Jon Frederiksen) ¿Por

CONCURSOS

WEB

qué vais de estrellitas en plan Coldplay montando karaokes en vuestros conciertos?

Eso mismo me pregunto yo. ¿Por qué “obligamos” a que la gente se exprese en los conciertos, pudiendo callarse y pasarlo soberanamente mal?

Ups. Quizás nos hemos confundido y resulta que

5

vinilos de

el pop ha sido siempre una manifestación cultural de snobs estreñidos. ¿No será que a un grupo de aquí, simplemente, no se le perdona que sus canciones puedan ser coreadas? Lo siento. Intentaré ser más críptico en los próximos discos para contentarte.

(Liz Torío) Hace unas semanas vimos a Juli en un concierto benéfico en Barcelona. ¿En Love Of Lesbian tenéis libertad para hacer cosas cada uno por vuestro lado?

Sí, claro, siempre que no interceda en las agendas comunes. Eso es sagrado para todos. Aguantamos respectivas infidelidades siempre que no haya amor por medio, jaja.

(Valeria Navarro)

Cuando Love Of Lesbian decidió empezar, ¿cuál fue su primera canción como grupo oficial, y dónde fue eso?

La canción fue “Slash Me” y salió en un recopilatorio de Subterfuge.

(Javier Carrera) ¿Cómo es un día normal en tu vida? ¿Cómo ha cambiado en los últimos años después del éxito de vuestros últimos dos discos?

Mi día normal pasa por llevar a mis hijas al cole y luego cumplir con una agenda bastante mutante. Pensaba que dejar de trabajar en otras cosas me daría más tiempo, pero no ha sido así, por ahora.

Love Of Lesbian

(Aurora EsCat) ¿Cuántos conciertos llevais ya en el último año?¿Os queda algun lugar recóndito por visitar?

Llevamos unos ciento cuarenta. Y nos quedan muchos lugares por visitar, la verdad, porque hemos repetido y tripitido muchas ciudades. Necesitamos contratar a un City Trade Advisor on the night, jaja.

Arcade Fire – “The Suburbs” Vampire Weekend – “Contra” Gorillaz – “Plastic Beach” The New Pornographers –“Together” Two Door Cinema Club – “Tourist History” Deerhunter – “Halcyon Digest” The Drums – “The Drums” The National – “High Violet” Beach House – “Teen Dream” Deftones – “Diamond Eyes” Kanye West – “My Beautiful Dark Twisted Fantasy” Foals – “Total Life Forever” MGMT – “Congratulations” Black Keys – “Brothers” LCD Soundsystem – “This Is Happening”

Los 15 Mejores DISCOS nacionales 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15

Lori Meyers – “Cuando el destino nos alcance” Standstill – “Adelante Bonaparte” Triángulo de Amor Bizarro – “Año Santo” Los Planetas – “Una ópera egipcia” El Guincho – “Pop negro” Pony Bravo – “Un gramo de fe” Delorean – “Subiza” Dover – “I Ka Kené” La Habitación Roja – “Universal” Polock –“Getting down the trees” Love of Lesbian – “1999” Klaus & Kinski – “Tierra trágalos” Hola A Todo El Mundo –“HATEM” Estereotypo – “Love your city” Atom Rhumba – “Gargantuan melee”

Los 5 Mejores directos internacionales

(María Log.) ¿Qué profesión tenías antes de dedicarte totalmente a la música?

Comerla por tiempos. Llegué a ser bastante eficiente, sobre todo con los turistas noruegos, que eran mi especialidad.

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(Valeria Navarro) ¿Qué es lo más surreal que os han tirado durante una actuación?

Un día empezaron a llover juguetes. Recuerdo que un piano eléctrico casi me revienta la cabeza. Pero cuando a nuestro bajista calvo le tiraron un peine, oh, eso fue muy grande. O una lluvia de guisantes congelados que al derretirse convirtieron el escenario en una pista de patinaje.

Los 5 Mejores directos nacionales

(Virginia G. Prados) ¿Cuándo

estimáis que

habrá algo nuevo?

Este año lo pasaremos descansando y componiendo. Lo necesitamos de verdad. A principios de 2012 habrá material nuevo. Esperemos. ■ PARTICIPA EN WWW.FACEBOOK.COM/MONDOSONORO

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camisetas de

Delafé y las Flores Azules

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Arcade Fire Muse U2 Gorillaz Franz Ferdinand

Love of Lesbian Standstill Los Planetas Lori Meyers Delorean

Los 5 Mejores FESTIVALES 1 2 3 4 5

Ebrovisión – Miranda de Ebro (Burgos) Primavera Sound – Barcelona (Cataluña) Sonoroma – Aranda de Duero (Burgos) SOS 4.8 – Murcia (Murcia) FIB – Benicàssim (Comunitat Valenciana)

+en

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vinilos de

Pastora

Consulta los ganadores de los sorteos en nuestra web. Entra y participa ¡¡¡SUERTE!!!