MONDO SONORO FEBRERO 2012 Nº192

Febrero de 2012 nº 192

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

JOHN TALABOT

HÉROE ENMASCARADO LA DÉBIL

SANGRE FRESCA LISABÖ

PULSO ANIMAL

EVANGELISTAS • DEMOSCÓPICAS • BEBE • LA CASA AZUL • KLAUS & KINSKI • KASE O • LE PEUPLE DE L’HERBE • SUMMER CAMP • THE SOUNDS LOW • CORIZONAS • ELASTIC BAND • CHE SUDAKA • LANA DEL REY • MARK LANEGAN • JOE CREPÚSCULO • MACABEES • NACHO VIGALONDO Lisabö Foto Dena Flows

www.mondosonoro.com

Viernes 3 de Febrero VALENCIA Sala Matisse Trinidad Pretty Becky DWOMO (Grupo invitado) Sábado 4 de Febrero LA LAGUNA (Tenerife) Aguere Espacio Cultural Bel Bee Bee Victoria Marso El Faro Holy Disgrace Jueves 9 de Febrero MADRID Sala Joy Eslava Bravo Fisher!

Dolores Calimä

EL COLUMPIO ASESINO

(Mejor Grupo Nacional MondoSonoro 2011)

Viernes 10 de Febrero BARCELONA Sala Razzmatazz 1 Doble Pletina L'Hereu Escampa Boreals

Viernes 10 de Febrero CADIZ Sala Supersonic La Cena Delapica Amnesia Sábado 11 de Febrero ZARAGOZA La Casa del Loco Will Spector & The Fatus Nureyev GUISANTE (Grupo invitado) Viernes 17 Febrero OVIEDO Sala Nunca Jamás Stanley Road The Starkwells Viernes 17 de Febrero BILBAO Sala Azkena

Sábado 18 de Febrero SANTANDER Sala Black Bird Sierra Nevada Somepeople HENDRIK ROVER (Grupo invitado) Viernes 24 de Febrero BURGOS Sala Hangar La Maravillosa Orquesta del Alcohol Little Boca BRAVO FISHER! (Grupo Invitado) Sábado 25 de Febrero PONTEVEDRA Sala Karma Tora Tora Tora Fantasmage LOS CAFRES (Grupo invitado)

Joe La Reina Wilhem and The Dancing Animals THE CHERRY BOPPERS (Grupo invitado) Consigue tu invitación en www.mondosonoro.com

EL COLUMPIO ASESINO

o www.be-a-rockstar.com

(Mejor Grupo Nacional MondoSonoro 2011)

o busca tu flyer-invitación en puntos habituales

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MondoSonoro

staff Coordinador General Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com)

MondoSonoro · Febrero 2012 /5/

NOTICIAS

Publicidad Director Comercial Dani López (dani@mondosonoro.com) T. 687 914 719 Coordinador Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) T. 607 366 693 Publicidad Estatal Luis Fernández M. (luis@mondosonoro.com) T. 672 072 263 Publicidad Madrid María Llorente (maria@mondosonoro.com) T. 676 881 519 Publicidad Catalunya Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) T. 629 705 103 Administración y Contabilidad Vanessa Garza (vanessa@mondosonoro.com)

6. Bebe, Cambia de aires 7. Evangelistas, Psicodelia y jondura 9. Ahora sí, las Black XS Fiestas Demoscópicas de MondoSonoro

mondofreako 11. La Casa Azul 12. Zebda 13. Kase O Jazz Magnetism 14. Le Peuple de l’Herbe 17. Summer Camp 18. Russian Circles 19. Austin TV 20. La Reina Republicana 21. Sharon Jones

Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación Manuel Fijo (maquetacion@mondosonoro.com) Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com

entrevistas

◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Pablo Ferrer, Sergio Falces, David Chapín (publiaragon@mondosonoro.com)

23. John Talabot Presente y futuro 25. La Débil Ten cuidado 26. Lisabö Alta tensión

◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197

Conciertos 29-33. Fnac Music Festival, The New Raemon, Mastodon, GZA...

◗ Ed. Canarias (canarias@mondosonoro.com) Redacción Job Ledesma Tel 615 125 126 Publicidad Enrique Santana Tel 689 53 39 53 Jacob Cabrera Tel 609 55 12 00

escaparate

◗ Ed. Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026

34-37. Che Sudaka, Elastic Band...

◗ Ed. Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

vinilos 39. Lana Del Rey Disco del mes

◗ Ed. Galicia-Castilla y León (galicia@ mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro. com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

mondomedia

◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 Colaboradores: Textos Alberto Comeche, Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Fernando Fuentes, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Héctor García, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, María Baigorri, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, P. Muñoz, Óscar Gual, Raül Julián, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop, Virginia Arroyo Fotografía Albert Jódar, Gustaff Choos, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

48-50. Mondo Recomienda 53. Conexiones

mondoweb

Idioma universal

Casualidades de la vida, caigo en que llevamos dos portadas dedicadas a grupos que utilizan el euskera para expresarse en pocos meses. ¿Significa algo eso? Yo diría que nada en concreto más allá de que el idioma no es lo que más importa cuando una banda es buena, y en este caso se trata de formaciones excelentes cada una en su género. Lisabö –como leerán unas páginas más adelante- quizás no sea un grupo para las masas, para todos aquellos lectores que han votado a “Mapas” de Vetusta Morla como mejor disco español del pasado año, pero sí supone mucho para todos aquellos que se abrazan a su propuesta. Lisabö son un grupo de la hostia y pocos pueden hacerles sombra en su terreno. Pero claro,

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■ Redactor Jefe Joan S. Luna

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este mes estamos francamente contentos porque las otras dos entrevistas a las que dedicamos espacio también están protagonizadas por artistas españoles, por un lado los vibrantes La Débil, por otro el mágico e imaginativo John Talabot.

Los firmantes de “Sángrala” dan un paso adelante increíble que merece ser tenido muy en cuenta, mientras que el segundo confirma con “ƒin” que todo lo bueno que se decía, dentro y fuera de nuestras fronteras, sobre su música no era exagerado. Discos de lujo, discos hechos aquí y ahora, discos capaces de eclipsar a quien se le ponga por delante vendan más o vendan menos.

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Galicia/Castilla Leon

54. La entrevista Fan: The Sounds

23 / JOHN TALABOT / El héroe enmascarado

“no solo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Sergio del Amo y Joan Cabot porque son fans de Lana Del Rey

Andalucía/Murcia

sumario

Zarata (Euskadi)

36 € (Tarifa correo ordinario**)

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de Souterrain Transmissions

TAN LEJOS... ❚ JOHNNY JEWEL acaba de publicar su primer disco en solitario bajo el nombre de Symmetry. El álbum, titulado “Imaginary Film”, es un trabajo que presenta treinta y siete canciones en el que colaboran algunos de los grupos donde Jewel figura como miembro o productor (Glass Candy, Chromatics, Desire y Mirage) y en un principio debería de haber sido la banda sonora de “Drive”.

/6/ Febrero 2012 · MondoSonoro

Bebe Foto Rafa Gallar

NOTICIAS

❚ Tras el anuncio de la gira de BRUCE SPRINGSTEEN y de que nos hiciéramos eco de los primeros detalles de su nuevo disco, por fin conocemos la fecha exacta en la que “Wrecking Ball” –que así se titula-, verá la luz.

Será el 6 de marzo y un total de once canciones inéditas componen el decimoséptimo disco de The Boss. Un nuevo esfuerzo producido por Ron Aniello y el propio Boss.

The Flaming Lips Foto Archivo

The Flaming Lips fichan a los mejores

❚ Antes de iniciar su gira europea a finales de febrero –no tienen previsto visitarnos de nuevo-, WILCO ha decido publicar “iTunes Session”.

Se trata de un disco de ocho temas que fue grabado poco antes de Navidad en el loft del grupo en Chicaco y en el que encontrarás varias versiones de su más reciente disco, “The Whole Love”, nominado a los Grammy. ❚ El próximo 20 de marzo verá la luz el nuevo disco del colectivo de raperos ODD FUTURE, y lo hará a través de su propio sello y distribuido por primera vez por una multinacional, Sony y RED. “OF Tape Vol 2”, que así se titula, es el segundo esfuerzo del colectivo, tras un año en el que varios de sus miembros han estado muy ocupados con sus proyectos personales.

Bebe cambia de aires

A The Flaming Lips no les basta con publicar canciones que duran veinticuatro horas, ni con ofrecer conciertos de Fin de Año junto a la Plastic Ono Band. Son unos tipos siempre inquietos, por eso no sorprende que se embarquen en una nueva aventura que promete. El grupo estadounidense está trabajando en un disco de versiones en el que participarán grandes nombres de lo más variado. Se han confirmado ya Nick Cave, Edward Shape, Bon Iver, Neon Indian, Magnetic Zeros o Yoko Ono y tiene otros tantos nombres en la cabeza a la espera de confirmarlos, como Ke$ha, Lykke Li o Erykah Badu. El disco, sin título todavía, tiene previsto publicarse en abril y es un reflejo de la amplitud de gustos de The Flaming Lips. Más detalles en: www.flaminglips.com ■

Bebe se muestra tal y como es y para eso hay que conocerla antes de juzgar a la persona en sí. “Un pokito de rocanrol” (Emi, 12) viene a configurar el tercer ejemplar de su discografía, pero... ¿por qué un título de ese tipo cuando el disco no suena a rock and roll ortodoxo?

The Shins Foto Archivo

❚ Tras cinco años de silencio, THE SHINS se vuelven a poner en marcha con nueva formación y nuevo disco. “Port Of Morrow” será el primer trabajo de The Shins tras “Wincing The Night Away”. El álbum que incluye diez canciones, ha contado con la producción de Greg Kurstin, y será editado en marzo por Columbia Records a través del sello Aural Apothecary, propiedad de James Mercer. ❚ VAN HALEN vuelven a la vida. Su nuevo disco, que lleva por título “A Different Kind Of Truth”, es el primero con material inédito desde 1998 y supone la vuelta de David Lee Roth como cantante, desde que abandonara la formación tras la publicación de “1984”. Este nuevo disco verá la luz el 7 de febrero. ❚ THE MARS VOLTA han confirmado los detalles de su nuevo disco, que verá la luz en marzo, al tiempo que se han anunciado conciertos de At The Drive-In, y Jim Ward ha publicado disco recopilando sus últimos Ep’s. ❚ Una de las noticias más esperadas por lo seguidores de THE BEACH BOYS se ha producido.

Hace unas semanas Brian Wilson confirmó su regreso a la banda tras haber estado varias décadas fuera de ella. Para celebrar su cincuentas aniversario como grupo, prometen un nuevo álbum de estudio y gira mundial. n

H

ay varios motivos, entre ellos uno es la actitud y una perspectiva distinta. “La verdad es que lo último que escuché antes de entrar en el estudio eran ‘Los Cantajuegos’ y canciones Disney”, bromea entre risas Bebe referente a su reciente maternidad, no sin antes detallar que “quería un disco más oscuro, con baterías muy fuertes pero también con mucha energía”. Y es aquí donde este nuevo trabajo crece. “Está tocado de manera muy orgánica y tiene esos puntos psychobilly”, añadiendo que “no había nada maquetado” para terminar explicando “llevé unas ideas grabadas muy básicas al productor [Renaud Letang]. Sin él no existiría este resultado”. Nuevos sonidos, muchos de ellos bastante más radicales de lo que estábamos acostumbrados en su música.

Esto será clave en los directos al convertir las composiciones pasadas al nuevo formato libre de artificios. “Las canciones irán por caminos distintos. Si lo hacemos todo igual nos aburriríamos” y se sincera confesando “hacerlo así es complicado, pero es un estímulo para todos”. Por cierto, fiel al sonido clásico del vinilo (el single “K.I.E.R.E.M.E.” se edita en este formato) reconoce “me hubiera gustado también haber sacado mis anteriores discos en vinilo. Nada suena mejor que un vinilo”. Los textos

se nutren de positivismo ya que, como la propia Bebe afirma “yo escribo pensamientos y soy una persona optimista”. Muy posiblemente se trate también de lecturas recitadas sobre música, idea que la protagonista confirma aunque matiza: “algunas veces puede parecerlo así, pero también tengo esa misma percepción”. Canciones como “ABC” se comportan imprevisiblemente “como un puzzle” y cabe aclarar además la máscara que la opinión general ha impuesto sobre la figura de Bebe en base a sus letras.

“Nunca he estado enfadada con los hombres, de hecho me encantan los hombres”, concluye entre carcajadas. No se muestra hostil pero tampoco victimista, cortes como “Der Pelo” o “Mi guapito” reflejan “lo que son las relaciones humanas, que siempre son ni contigo ni sin ti”. ¿Canta desde la víscera pasando por el corazón? “Sabrás” es –posiblemente- una de las mejores partes, escrita desde el fango. “Es como el blues, los negros en los campos de algodón cantaban para expresar lo que sentía y su malestar hacia el terrateniente”. Brutalmente prolífica sonríe recordando los buenos momentos vividos en los estudios donde se gestó este último plástico, alegando sonriente “me podía haber quedado allí aunque fuera poniendo cafés”.

■ Charly Hernández.

The Pepper Pots Foto Archivo

Soul Train Fest, festival itinerante de soul A lo largo de todo el mes de marzo, los amantes del buen soul tienen una cita imperdible con la primera edición del Soul Train Fest. Se trata de un festival que llegará a Madrid, Zaragoza, Bilbao y Barcelona con un mismo cartel: The Pepper Pots, The Sweet Vandals y The Cherry Boppers. Los primeros presentarán en directo los temas de su último disco “Train To Your Lover” y del reciente Ep “Time And Place”, que acaban de grabar con el mismísimo Eli “Paperboy” Reed. Como ellos, The Sweet Vandals también tienen nuevo material para presentar en directo y The Cherry Boppers harán lo propio con los temas de “Shaking The Hood”. Una excelente oportunidad para tomarle el pulso a la escena soul patria, desde distintos puntos de vista, pero con una calidad fuera de toda duda. Las entradas ya están a la venta a través de las redes habituales de distribución, y las fechas son las siguientes: 2 marzo (Penélope, Madrid), 3 marzo (La Casa del Loco, Zaragoza), 9 marzo (Kafe Antzokia, Bilbao) y 23 marzo (Apolo, Barcelona). Más datos en http://buenritmo.es ■

Evangelistas Foto Archivo

MondoSonoro · Febrero 2012 /7/

NOTICIAS

TAN cerca... ❚ “Chica disco” es el nombre del que será el segundo disco de NAPOLEÓN SOLO, una de las bandas más jóvenes y activas de la escena nacional. El álbum ha sido grabado en los estudios Peligro de las Alpujarras y ha sido producido por Meme, miembro del grupo mexicano Café Tacvba. Todavía se desconoce su fecha de edición. ❚ THE CURE estarán en el BILBAO BBK y en el SAN MIGUEL PRIMAVERA SOUND dentro de una gira muy especial. La banda de Robert Smith ha prometido conciertos de más de dos horas de duración con un setlist de canciones escogidas de sus catorce álbumes de estudio, incluyendo temas de su mítico “Wish”, del que se cumplen veinte años este 2012. ❚ El FESTIVAL CONTEMPOPRÁNEA CRUZCAMPO ya tiene esbozado parte del cartel de su decimoséptima edición. De momento se han confirmado los nombres de Amaral, La Casa Azul, La Habitación Roja, Sr. Chinarro, We Are Standard, Maga, Cooper, Klaus & Kinski, Chinese Christmas Cards, Ruidoblanco, Reina Republicana y Chicos Malos Dj’s, que estarán actuando del 19 al 21 de julio en la Ladera del Castillo de Alburquerque.

Evangelistas, psicodelia y jondura Enrique Morente evangelizó a los del rock. Como una epifanía: marcó un antes y un después en las carreras de Lagartija Nick y Los Planetas.

Disciplinados y agradecidos, los músicos granadinos propagan ahora el arte del Ronco del Albaicín en “Homenaje a Enrique Morente”, álbum catedralicio grabado en El Refugio Antiaéreo que ve la luz este mes de febrero.

E

n fase de llanto tras la pérdida del maestro y con la necesidad de expurgar ideas. Así empezó la historia de Evangelistas. “Teníamos sus canciones en la cabeza. Cuando una canción está en mente, lo mejor que puedes hacer es sacarla”, apunta J, el líder de Los Planetas. Lo mismo debió pensar la viuda del cantaor, Aurora Carbonell, que engrandece la portada con una pintura, su refugio el último año. No, no se trata de un trabajo cualquiera. Por la figura del homenajeado, por los impulsores del proyecto, y por el cancionero que se aborda. También

por las colaboraciones, absolutamente autorizadas: Carmen Linares en la segurilla “Delante de mi madre” y el hallazgo de Soleá Morente, elevando el resultado final en “La estrella” y “Yo, poeta decadente”. “Morente pasó su vida así, buscando esa estrella que le iluminara”, reflexiona J. Aunque, ojo, Evangelistas evitan capítulos previsibles de la carrera del genio flamenco. Muestran devoción por el Morente místico, el que adaptaba a San Juan de la Cruz. “Queríamos hacer un trabajo solemne, que reflejara la grandeza y la creatividad de Enrique. Los palos fla-

mencos tradicionales ya los hemos abordado bastante en discos de Los Planetas”.

Sí, sonido Planetas y actitud de “Omega”. “No sé cantar ni tocar mejor que en este disco.

Nos exigió superarnos”, añade Antonio Arias.

El ideólogo de Lagartija buscó por los parajes del Valle de Lecrín a Martin Glover, alias “Youth”, bajista fundador de Killing Joke y encumbrado productor y remezclador de nombres como The Verve, U2 o Depeche Mode. “Me interesaba por su vertiente mística. Él abrió el sonido como un Cinemascope”, explica Arias. “Siempre he sido muy fan de Killing Joke y de muchos grupos que él ha producido. Le ha dado una expansión alucinante. Pocos productores me han impactado tanto. Ha sido como un quinto evangelista”, sentencia Eric.

■ Eduardo Tébar “Homenaje a Morente” se presentará el 1 de marzo en Palau de la Música de Barcelona

Nuevo año, nueva edición del Heineken Music Selector

Bob Dylan Foto Archivo

Bob Dylan y Amnistía Internacional Bob Dylan fue imagen de la lucha por la dignidad y los derechos civiles durante décadas, así que no es de extrañar que Amnistía Internacional haya recurrido a su cancionero a la hora de celebrar el cincuenta aniversario de la organización. “Chimes Of Freedom” es un disco recopilatorio cuádruple en el que una espectacular nómina de artistas reinterpretan la música del bardo de Duluth y cuyos beneficios irán a parar a Amnistía Internacional. Allí encontramos desde referentes y contemporáneos del propio Dylan (Johnny Cash, Joan Baez, Kris Kristofferson, Pete Seeger o Marianne Faithfull), pesos pesados del pop y el rock de hoy (Queens Of The Stone Age, Adele, My Morning Jacket) y, vaya, una deriva que por momentos resulta preocupante hacia el mainstream y el AOR (Sting, Mark Knopfler, Miley Cyrus o Lenny Kravitz, sin ir más lejos). El disco se puede adquirir en http://music.amnestyusa.org, donde también podrás hacer una pre-escucha de los temas. ■

Apenas llevamos unas semanas de 2012 y ya tenemos los carteles de varios festivales y ciclos para anunciar. Uno de los que acaban de hacerlo ha sido el Heineken Music Selector, que regresa en una nueva edición que cuenta ya con nueve bandas que protagonizarán veinticuatro conciertos en quince salas de once ciudades de nuestra geografía. Los elegidos son la reina del soul Sharon Jones & The Dap-Kings, Low, The Sadies, Dawes, y el pop experimental de Xiu Xiu. En el plano nacional, contamos con los nombres de los fluidistas Sidonie,y el ex-The Sunday Drivers Jero Romero en su andadura en solitario, Luís Brea y Corizonas, el proyecto conjunto de Arizona Baby y Los Coronas. Las entradas ya están a la venta a partir de 12€ en la web del Heineken Music Selector. Si quieres conocer todas las fechas de las actuaciones confirmadas, puedes hacerlo en la web del Heineken Music Selector: www. musica.heineken.es/hms ■

The Sadies Foto Archivo

Jarvis Cocker Foto Archivo

❚ PULP actuarán en el ESTRELLA LEVANTE SOS 4.8. Jarvis Cocker y compañía tendrán su única actuación en nuestro país en el festival murciano. Además de Pulp hay más. Y es que Hidrogenesse también estarán presentes, lo mismo que Simian Mobile Disco, Meneo y Eme Dj. El festival se celebrará en Murcia los días 4 y 5 de mayo. ❚ La discografía completa del sello ZIKA RECORDS, creado por el líder del mítico grupo punk alavés Cicatriz, Natxo Etxebarrieta, ha sido rescatada, remasterizada y reeditada por Oihuka/Elkar. La firma llegó a publicar cuatro referencias, tres de ellas de Cicatriz, “Cuatro años, 2 meses y 1 día” (1991), “Colgado por ti” (1992) y “En directo” (1994), y una más de Anticuerpos. ❚ El trío navarro KOKOSHCA estrena el año lanzando un vinilo de siete pulgadas cargado con cuatro canciones imprescindibles de garage pop: “La fuerza”, “Nena”, “Mi chica preferida” y “El bosque”. La edición del nuevo single es una tirada limitada de 500 copias en vinilo de color y llega dentro de la colección “New Adventures in Pop” de Elefant Records. ❚ El segundo álbum de ANNI B. SWEET tiene por título provisional “Oh! Monsters” y se publicará el 23 de abril. Se empezó a grabar el pasado mes de enero en los estudios Reno y lo coproducen Anni B Sweet y Phil Vinall (Placebo, Pulp, The Auteurs), británico al que Anni conoció en junio de 2010 en Madrid a través de los mexicanos Zoé. ❚ El FESTIVAL TERRITORIOS SEVILLA tendrá lugar el 18 y 19 de mayo en el Monasterio de la Cartuja de Sevilla y Los Enemigos se unen a una lista de treinta artistas en la que ya están confirmados Buraka Som Sistema, Tortoise, Love Of Lesbian, Lori Meyers, SFDK, Supersubmarina, 17 Hippies, Shotta & Griffi y Falsalarma. n

NOTICIAS /8/ Febrero 2012 · MondoSonoro

El Puchero del Hortelano, fin de gira

L

os andaluces El Puchero del Hortelano celebran los dos años de vida de su último disco hasta la fecha “El tiempo de Manuel” (2010) y su actividad en directo en infinidad de poblaciones con unos conciertos especiales de fin de gira. El sexteto llevará su música (eminentemente flamenca, pero capaz de fusionarse con estilos tan diversos como la rumba, el funk, el pop o el rock) a tres plazas en las que cuentan con una fiel

comunidad de seguidores y en las que ya grabaron su doble CD-DVD “Directo”, aparecido en 2009. El próximo 11 de febrero jugarán en casa, con un concierto en la Industrial Copera de Granada; el sábado siguiente -18 febrerose enfrentarán a su audiencia barcelonesa en Razzmatazz y despedirán definitivamente “El tiempo de Manuel”, su quinto álbum de estudio, el sábado 25 de febrero en La Riviera de Madrid. ■

Triángulo de Amor Bizarro Foto Archivo

El Let’s Festival completa su cartel

El Puchero del Hortelano Foto Archivo

Tras anunciar una primera remesa de nombres, el Let’s Festival, que se llevará a cabo en las dos salas del Salamandra de L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona) desde el día 2 de marzo hasta el 31 del mismo mes. En la edición de este año vuelve a apostarse exclusivamente por artistas españoles, más allá del idioma en el que canten o en su procedencia dentro del territorio. Así, el Let’s se abrirá con una Jägermeister Opening el día 2, que contará con El Columpio Asesino, Triángulo de Amor Bizarro y Las Ruinas, y se

cerrará con DeVito el 31. Entre ellos, y en fines de semana consecutivos podrás ver a nombres como La Iaia, The New Raemon, The Birkins, Za!, Juanita y los Feos, Airbag, Pony Bravo, Cat people!, Hola A Todo El Mundo, Lori Meyers, We Are Standard, Mendetz, La Habitación Roja y muchos más. Por otro lado, habrá también sesiones especiales de Dj para completar las diversas jornadas del festival.

Más detalles sobre fechas, cartel completo, entradas, etcétera en: http://letsfestival.cat ■

NOTICIAS

El Columpio Asesino Foto Alejandro Del Estal

MondoSonoro · Febrero 2012 /9/

Ahora sí, las Black XS Fiestas Demoscópicas de MondoSonoro Con millares de entradas ya en manos de los fans, el viernes 3 de febrero y hasta el 25 del mismo empieza una nueva cita que no puedes perderte. Se trata de las Black XS Fiestas Demoscópicas de MondoSonoro, unos conciertos a los que debes ir hoy para descubrir a los grupos de mañana.

O

nce conciertos, veintisiete bandas jóvenes, siete artistas invitados y un objetivo común: que todo el mundo lo pase en grande y disfrute con las variopintas e interesantes propuestas de todos los participantes. No

importa que sea un grupo de sonido americano (Wilhem And The Dancing Animals en Bilbao), un dúo de rock visceral y vitaminado (L’Hereu Escampa en Barcelona) o un artista de pop electrónico (Holy Disgrace en Tenerife), no importa que sean

El Columpio Asesino (en Barcelona y Madrid), los autores de “Diamantes”, el mejor disco estatal de 2011 para nuestra publicación o que se trate de un artista de amplísima trayectoria como Hendrik Rover (en Santander). Lo fundamental es convertir cada uno de los conciertos en algo especial y dar la oportunidad a los grupos demoscópicos de llegar al máximo público posible y que el futuro les pueda, por tanto, dar una oportunidad en condiciones. Y siguiendo nuestra filosofía habitual, las fiestas son gratuitas (entradas disponibles en www.mondosonoro.com o con un flyer-invitación en los puntos habituales de distribución de la

revista), por lo menos hasta completar el aforo de las salas. Así que date prisa, primero para ver a los Lori Meyers, Russian Red, Catpeople, Mendetz, La Bien Querida o We Are Standard del futuro, y luego para no perderte una de esas noches que podrás recordar durante años. Te recomendamos estar atento a nuestra web para estar informado al máximo, pero para que no digas que no te enteraste, aquí tienes las ciudades y las fechas: Valencia (3 febrero), La Laguna (Tenerife, 4), Madrid (9), Barcelona (10), Cadiz (10), Zaragoza (11), Oviedo (17), Bilbao (17), Santander (18), Burgos (24) y Pontevedra (25). ■

mondofreako

/11 / Febrero 2012 · MondoSonoro

La Casa Azul Foto Lluis Domingo

ENTREVISTAS ★ WALA WALA ★ NO CONFIDENCIAL ★ LOS DISCOS DE MI VIDA ★ SUBEN/BAJAN ★ EN LA MALETA

LA CASA AZUL

Maniobras de escapismo La autocompasión tiene un límite, por eso es más práctico refugiarse en las canciones. Quienes las escuchamos las utilizamos, pero sin duda les funciona mejor a los artistas, que pueden usarlas como exorcismo. ¿Es lo que hace Guille Milkyway en “La Polinesia Meridional”?

G

uille Milkyway lleva una fructífera carrera sacando partido de sus desastres; de los emocionales y de los otros. Con “La Polinesia Meridional” la cosa no podía ser diferente. Si lo máximo que puede esperarse de la perfección es un instante, nuestro protagonista consigue en bastantes canciones hacer olvidar al oyente que, como en la canción de Astrud, “Todo nos parece una mierda”. Pintando las paredes con beats y melodías varios niveles por encima de lo delicioso y riéndose mucho de si mismo.

“Hablar sobre el desastre es un cliché y no mola, pero hacer canciones sobre ello me sirve para quitarme cierta ansiedad permanente que tengo. Tiendo al catastrofismo en el día a día y vivo una eterna lucha conmigo mismo para controlarlo. Al final quien canta, sus males espanta. Tampoco es nada del otro mundo, al hacerlo te liberas y poco más. Me gustaría poder escribir y explicar historias, aunque la realidad es que me pongo a escribir para deshacerme de mis miedos. Cuando te ves inmerso en algo que te está haciendo daño es difícil encon-

trar el espíritu crítico y puedes perder el poco equilibrio que tienes en el proceso de búsqueda. Escribir en un estado de euforia es muy difícil, al menos para mí porque soy consciente de que lo que dispara la inspiración, al menos en mi caso, es la pena”.

Con “La revolución sexual”, hace casi cuatro años, consiguió conquistar a un público más mayoritario aunque la fórmula no era ni mejor ni diferente de la aplicada en sus discos anteriores, tampoco lo es en este último. Llegaron los reconocimientos, pero había que seguir trabajando.

“Que te den un premio es el sumun de lo aleatorio y bastante poco tiene que ver con tu obra. Aunque sepas que es una tontería, hace ilusión. Es como una adicción a tener feedback de lo que haces. No quiero que sea así, pero al final acabas necesitándolo como muchas otras cosas”. En su caso, el continuismo está justificado en el argumento de que algo distinto sería otro proyecto, no La Casa Azul. Milkyway no esconde sus referencias, más bien las saca a la luz siempre que tiene ocasión, y sigue siendo el mayor tramposo del indie nacio-

nal, pero para construir sus cepos perfectamente colocados hay que haber escuchado –y asimilado- mucha música anteriormente. De la disco music al Philly sound, de los ritmos desbocados a los estribillos pop más resplandeciente, a primera vista se nota un aumento en la velocidad de crucero. Ha pasado cierto tiempo desde que terminó las canciones hasta su publicación a mediados del pasado mes de enero, entre otras cosas por sus compromisos con la serie de televisión “Jelly Jam” (con sintonía de los siempre

requiere una dosis considerable de valor para defenderlas sin caer en el ridículo. “Si hay algo que pueda definir a La Casa Azul es que soy consciente de lo ridículo que puede llegar a ser un proyecto como el mío y la forma en la que trabajo y cómo me relaciono con él.

Por otra parte, también es terapéutico. El exceso es algo cómico y es sano, lo utilizo mucho cuando escribo. Me gusta lo teatral, pero procuro no caer en el divismo. La puesta en escena es importante y te puede

" Lo que no estaría bien en un proyecto como éste sería fingir cierta seriedad" necesarios Helen Love). “Mi forma de trabajar tiene la ventaja de que hace converger el momento de la grabación con el de la composición. La parte técnica lleva más tiempo, pero una vez hecha no lo vuelvo a escuchar. El directo es diferente, se trata de disfrutar. El estar repitiendo esas historias que en un momento dado, me han podido afectar bastante cada vez que me subo a un escenario, plantea algunas dudas sobre si es positivo o no”. El costumbrismo, los pequeños detalles cotidianos, siguen presentes en las letras. A pesar de lo sencillas que resultan, pasa mucho tiempo trabajando sobre ellas.

Sin temor al exhibicionismo emocional, lo que

ayudar a huir de eso. Hay muchos ejemplos a lo largo de la historia del pop, pero siempre es complicado. Me gusta exagerar la épica en las subidas de las canciones y en los arreglos, porque me permite sacar un punto cómico y tomar cierta distancia. Lo que no estaría bien en un proyecto como éste sería fingir cierta seriedad. Es delicado, porqué con un pequeño paso en falso ya caes en lo ridículo. Jugar al equívoco te quita peso porque te ayuda a justificarte”.

■ J. Batahola “La Polinesia Meridional” está publicado por Elefant.

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mondoFREAKO /12/ Febrero 2012 · MondoSonoro

Zebda Foto Bernard Benant

ZEBDA

Vuelta a la lucha

Era un regreso esperado, nadie sabía cuando podía producirse, pero ya es una realidad. Los franceses Zebda están de vuelta, pero no para vivir de rentas. Tienen nuevo disco editado, “Second Tour”, que retoma el proyecto justo donde lo dejaron hace casi ocho años.

“

Después de quince años en la brecha, teníamos ganas de hacer una pausa.

Hemos dejado a Zebda durmiendo y no sabemos lo que el futuro nos reserva”.

Esto fue lo que dijo Magyd Cherfi (uno de los tres cantantes de origen argelino de la banda; los otros dos son los hermanos Mouss y Hakim) en 2004 para anunciar que Zebda se tomaban un respiro, acabando con el bucle gira-disco-gira en el que estuvieron inmersos durante años.

Como despedida nos dejaron un disco grabado en directo, “La Tawa”, que además contenía un DVD con el tremendo concierto que hicieron en la sala Apolo en 2003. A diferencia de otras bandas, la decisión fue totalmente consensuada por todos sus componentes, entre otras cosas para poder dar rienda suelta a otros proyectos que ya entonces tenían en mente. Los hermanos Mouss y Hakim, junto a Rémi en la producción musical, han editado en este intervalo tres discos. Magyd, dos libros y dos discos con el apoyo del bajo de Joël. Vincent, el batería, se fue a dar la vuelta al mundo. Y Pascal, el guitarrista, dispuso de todo el tiempo para hacer lo que durante quince años no

pudo. En el verano de 2010 y después de algunos encuentros en los escenarios, se plantean el regreso, pero no simplemente para una gira, sino también para componer un nuevo disco. Pascal y Vincent deciden seguir “descansando”, mientras el resto se encierra para dar forma a lo que ha acabado siendo “Second Tour”. Mouss nos resume el encuentro. “Estábamos todos muy contentos por reanudar la aventura. Magyd se presentó con cuarenta textos y con ideas de melodías para todos. Hakim enseguida encontró la réplica y yo trataba de encontrar como con las tres voces podíamos volver a crear ese ritmo, ese sonido, esa magia.

Es difícil de explicar pero todo este tiempo separados nos ha vuelto a dar mucha energía y frescura”. El resultado son doce canciones que siguen la línea marcada por su último disco de estudio, “Utopie D’Occase”, en el que trabajaron mucho más los arreglos y en el que no iban precisamente escasos de fuerza y energía.

Los textos poéticos de Magyd continúan centrándose en la situación de Francia, en los problemas raciales, en una discriminación que se ha

acentuado incluso en los últimos años en favor de quienes más poder económico tienen. Musicalmente, Zebda continúan combinando reggae, ska, chanson, aromas árabes, aires swing, pero con su estilo propio. “Por un lado nos gusta que haya fiesta en nuestras canciones y en el escenario porque queremos que la gente baile, pero eso está en un punto de equilibrio muy peligroso, porque es muy fácil caer en el ridículo y, además tenemos una obsesión: nuestra dignidad. Nos sentimos representantes de nuestra propia historia,

estar en forma”. Otra de las características de esta banda ha sido su activismo social. Hace más de diez años ellos fueron los principales promotores en su ciudad, Toulouse, del colectivo “Motivée-s” con el que consiguieron representación en su ayuntamiento y que guarda un gran paralelismo de ideas con el 15-M y los indignados. “Es cierto que hay similitudes y eso me hace pensar también en la revolución en el mundo árabe. Fue el pueblo quien decidió cambiar las cosas y derribar las dictaduras. Cuando los que no se encuentran a gusto con el siste-

"Nosotros, más que sprinters somos maratonianos" de nuestros padres, de nuestra ciudad, de nuestro barrio y de nuestros amigos”. A pesar de estas declaraciones, que nadie dude de sus directos y de ese movimiento continuo de los hermanos en el escenario. Le comento a Mouss sobre la portada de su nuevo disco, en la que se ve a tres atletas corriendo y un cuarto en el suelo por una caída. “Se puede interpretar que, cuando caes, debes levantarte de nuevo y seguir, pero además es para expresar que nosotros, más que sprinters somos maratonianos, y para eso hay que tener mucha energía. Del mismo modo es un aviso de que, para este retorno de Zebda, hay que

ma político deciden encontrarse y abogar por los movimientos solidarios y de libertad de ideas, siempre pasan cosas interesantes”. Finalmente le pregunto sobre ese próximo concierto en Barcelona, pero con el recuerdo del que se grabó en su disco en directo. “Estamos preparados y muy felices de poder volver a los escenarios. Tocaremos las viejas y las nuevas canciones como si solo hubiéramos parado tres meses”.

■ Miguel Amorós “Second Tour” está publicado por Barclay/Universal.

Zebda estarán en Barcelona el 6 de marzo.

MondoSonoro · Febrero 2012 /13/

mondoFREAKO

¡¡¡ wala wala!!!

“Hacer que las chicas lloren, eso es exactamente lo que quiero” James Blake en NME

“La música femenina se ha convertido en un concurso de zorras, la verdad”

KASE O JAZZ MAGNETISM “Si suenan nuestros temas en la radio, suelo quitar el volumen. En las canciones que hicimos en los ochenta sueno como una chica” Bono, en Mojo

“Nunca nadie me pidió que le acompañara al baile de fin de curso” Lana del Rey, en Q

“Todo el mundo piensa que siempre estoy colocado. La última vez que lo estuve, casi intento suicidarme. Esa mierda fue horrible” Tyler The Creator en NME

“¿Lana del Rey? A esa hija de p**a la ponía yo a picar piedra como todos” Don Disturbios en la redacción de MondoSonoro

Sueño, luego existo El rapero zaragozano acaba de poner en circulación el disco autoeditado que grabó junto a la banda de jazz catalana y que ensayó entre sold out y sold out por la geografía española. Se trata de un trabajo tan grande como el alma de quien contesta a mis preguntas. ¿Tiempos oscuros?

No. Más bien, el momento perfecto para un renacimiento.

S

i en estos tiempos que corren para el zaragocismo, Kase O aparece con un chándal del Real Zaragoza, no puedo sino esperar salir de Rap Solo con una sonrisa de oreja a oreja.

El disco, que lleva por nombre los de los implicados en darle forma, cuenta con antiguas letras aparecidas en colaboraciones de Kase O con otros artistas, todo llevado al terreno del jazz, o más bien es el jazz el que se ha acercado al hip hop. “Por supuesto, es el jazz adaptado al hip hop. No deja de ser mi proyecto, pero cada miembro del grupo tiene unas inquietudes, una forma de entender la música, de sonar, y hay que ponerlos de acuerdo y entenderme a mí con mis miedos y mis paranoias” Un trabajo raro en cuanto al orden de los factores, ya que lo normal es sacar un disco y luego presentarlo en directo. “La razón es porque ha sido muy improvisado desde el principio y no era un proyecto como tal. Era una afición o inquietud, quería hacer cosas con músicos y al principio, cuando empezamos, era sólo por hacer jam sessions por Barcelona y pasarlo bien”. Bueno, y una vez publicado el disco, se despide el proyecto. Raro.

“Se termina porque me tengo que poner con mi disco de rap. Tengo que hacer otra música, con otro aire, con letras nuevas…”.

Me llama mucho la atención el discurso de Kase O durante el minutaje del disco, sereno y optimista, no parece que las canciones vengan de aquí y de allá, sino hechas para la ocasión. “Las he elegido porque eran canciones que se sostenían por sí solas y tenían un mensaje que quería reproducir de nuevo. Las más profundas, filosóficas o metafísicas si quieres llamarlas así... es un poco denso ya que no hay mucho

fresqueo ni vacile”. Quizás no, pero sí hay mucho de terapia y de ejercicio interior vital. No hay más que escuchar “Libertad” o “Renacimiento”.

“No tiene grandes metáforas porque lo que se dice es muy cotidiano. Hay veces que la gente necesita que se lo digan para darse cuenta de que esa voz es la que ellos oyen en su cabeza a veces. Estoy muy contento de haber escrito ‘Renacimiento’. Es de esas canciones que escribes en momentos de crisis. Hasta a mi padre le gusta. La caña que meto es toda para progresar, crear o ser feliz. Ese es el patrón que he usado a la hora de escoger las letras”. Conseguido, aunque

que viene no quiera reventar el mundo y odie a todos. Como artista también tengo que dar rienda suelta a la destrucción, que no soy Buda”. No, no lo eres, pero tu dosis de oscuridad y tormento también la has tenido, y bien gorda.

“Ahora no quiero dar miedo a la gente, quiero dar amor. Esa es la evolución de mi estilo”.

Un estilo forjado bajando a los infiernos y subiendo a tomar aire de vez en cuando. Desde luego, Kase O es humano. Humano y crítico consigo mismo.

“Hay decisiones que las puedes retrasar toda tu vida y ser un infeliz o tomarlas y cambiar a mejor. Se puede dar ejemplo con tu actitud, tu presencia y tu positivismo. Todo el mundo sabe cuál es el buen camino. Hay que firmar un contrato blindado con uno mismo y tomar decisiones que puede que sean las más guapas de tu vida, y no hace falta que sean grandes. Son las pequeñas cosas las que te hacen ser mejor en la vida”. Ser mejor en la vida, en tu vida, no en tu trabajo, eso no se compra, es ese ejercicio que no nos enseñan a hacer en el

"Ahora no quiero dar miedo a la gente, quiero dar amor. Esa es la evolución de mi estilo" echo en falta alguna de Violadores del Verso. “La verdad es que me di cuenta cuando ya habíamos acabado el disco y se nos quedó cara de tontos porque además tenemos un par de canciones ensayadas con ellos y no hubiera costado nada. Creo que la razón es que estábamos todos muy liados con lo nuestro”.

Volviendo a las letras, también noto que Kase O ha elegido con cuidado, consciente del poder de su mensaje. “Me cuido mucho de hablar de vicios ahora mismo. No quiero que por hacer una oda al alcohol acabe alguien alcohólico. Es que te das cuenta de que sí tienes ese poder.

Ya cometí en su momento el error de creérmelo. Ahora enfoco las letras de forma más positiva, pero eso no quiere decir que el año

colegio. “Encuentro muy a menudo a gente que son su peor enemigo, y ese he sido yo durante treinta años. Primero estoy yo y luego me encargo de los de fuera, si no, ¿qué voy a darles? Hay que diferenciar egoísmos.

El control de tu vida sólo lo puedes tener tú y cuanto más egoísta eres en el buen sentido, más puedes dar a otros al ser feliz. Una vez sabes que puedes alegrarle el día a alguien, úsalo y saca sonrisas allá por donde vayas.

Ya pasó mi época oscura en la que me molestaba todo el mundo”. Ustedes no lo ven, pero estoy haciendo la ola. ■ Rafa Angulo “Kase O Jazz Magnetism” está autoeditado por Kase O.

Kase O Jazz Magnetism Foto Archivo

Christina Rosevinge en El Periódico

mondoFREAKO /14/ Febrero 2012 · MondoSonoro

Los discos

Alan Sparhawk (Low) Foto Archivo

de mi vida

ALAN SPARHAWK (LOW) Más de quince años avalan la carrera de Low, una formación que conoce los mecanismos para emocionar al oyente. El próximo mes de marzo estarán visitándonos de nuevo dentro de los conciertos que forman parte del Heineken Music Selector.

Un disco que lo tiene todo...

“Closer” (1980) Adoro todos sus discos, de hecho también podría haber elegido “Unknown Pleasures”, pero me he quedado con este porque los dos últimos temas son increíbles. No tengo bastante espacio para resumir todo lo que este grupo significa para mi: minimalismo, ruido, espacio y canciones pesadas e inabarcables.

Un disco que compré por la portada...

T.Rex

“The Slider” (1972) En América, todo lo que puedes escuchar es “Bang A Gong” en la radio. Recuerdo que inicialmente lo compré porque la portada me parecía funky y oscura al mismo tiempo. Continúa pareciéndome funky, pero lo oscuro se fue transformando hacia algo más bonito y sexy. Bolan era un visionario y estaba muy por delante del resto de su generación.

Un disco de reggae...

Bunny Wailer

“Blackheart Man” (1976) Sin lugar a dudas el disco de reggae más grande que tengo. Bob es un icono y Peter un profeta, pero Bunny solamente quiere que descubramos la belleza de la vida y cambiar el universo cambiando nuestro corazón. También podría haber elegido a The Congos o a Burning Spear.

El disco de un amigo...

Pedro The Lion

“Control” (2002) Hace tiempo que conozco a David y creo que es uno de los mejores compositores de nuestra generación, sino el mejor. Este disco vendría a ser una especie de canción que gira alrededor del declive de una familia trabajadora estadounidense. Es brutal y se mete muy adentro, hasta que cala los huesos.

Un disco que rompe tópicos...

Gillian Welch

“Time (The Revelator)” (2001) Lo cierto es que no suelo escuchar a muchos artistas de americana, pero Gil está al margen del género. Este disco en particular rompe con las reglas mucho más que cualquier otro disco que yo haya escuchado. Es una obra cruda y que desvela la fuerza que puede tener una simple acústica y un buen tema. ■

Le Peuple de l'Herbe Foto Guilles Garrigos

Joy Division

LE PEUPLE DE L’HERBE

Tiempo europeo Si tenemos que citar a un grupo francés que capture sonoridades negras o latinas, (¿alguien dijo hemisferio sur?) y que haya conseguido llenar conciertos y festivales sin perder su identidad, ese es sin duda Le Peuple De L’Herbe. Los de Lyon acaban de lanzar su sexto trabajo, “A Matter Of Time”, en el que a su tradicional sonido le suman aun más groove.

A

proximándose a los tres lustros como banda, Le Peuple De L’Herbe saca un disco que, después de una primera escucha, tiene toda la pinta de ser de esos que nacen del seno mismo de un grupo de amigos que llevan mucho tiempo juntos haciendo lo que más les gusta y gozando del favor de un buen número de incondicionales.

Un disco que también destila, como no podía ser de otra manera, bastante cariño y cercanía. “Nos llevó nueve meses escribir estas canciones y grabarlas en nuestro propio estudio, Supadope Factory, en Lyon. Pero como queríamos que las cosas estuvieran lo mejor posible, pasamos un tiempo extra con las canciones, especialmente las que tenían voces. Para ello trabajamos con un buen amigo, Richard Gauthier, que nos ayudó a completar lo que fue la puesta a punto del álbum”. DJ Pee, además de formar junto a N’Zeng, Psychostick, Spagg, Sir Jean y JC 001 una banda con nombres estrambóticos, es nuestro interlocutor. En un disco en el que el hip hop, el reggae, el funk y la electrónica se dan cabida, el concepto de tiempo parece haber podido ser una línea maestra a la hora de afrontar su contenido. Incluso, el tema que da título al disco es una disertación spoken-word algo abstracta sobre loops, pero DJ Pee lo relativiza cuanto puede. “Esa canción vino primero, pero nos gustó y de ahí cogimos el título para el disco. Pero no veo sólo una cuestión sobre la importancia del tiempo, o del tempo, musical, es algo que también sentíamos sobre lo que estábamos tardando en terminar el disco, aunque no haya sido tanto comparado con los

anteriores”. Una de las cosas más positivas que se pueden decir de esta longeva banda es precisamente que cada disco que sacan no supone una mera contribución numérica a su estantería, o a su orgullo personal. “A Matter Of Time”, con canciones como la funk “Let Us Play” o el hit de la pista “Jasmin In The Air” no es desde luego un disco de una banda primeriza, pero tampoco es el disco de quien ya no tiene apenas nada que ofrecer y vive de las rentas. “Es nuestro sexto disco, llevamos trece años juntos y creo que todavía tenemos cosas que decir a los que han

funk que la original”. Pero DJ Pee huye de etiquetas. “Puedes decir que hacemos música para la cabeza y para los pies.

Creemos que es importante opinar sobre el atormentado mundo en el que vivimos”. Para una banda que habita muy cerca del centro geográfico del continente, es inexcusable no obsequiar a sus fans con presentaciones en directo, y ciertamente a Le Peuple De L’Herbe no se le puede acusar de pereza.

Conocen bien Europa. “Aunque cambien los países, el clima, la comida, siempre nos sentimos bien, rodeados de gente que nos sigue desde hace años. Sólo hay una cosa que nos llama la atención, y es sobre el público holandés: ¡siempre hablan aunque la banda esté tocando!

Aunque nos vamos acostumbrando...”.

Los cuatro primeros días de febrero Le Peuple De L’Herbe estará en nuestro país para presentar “A Matter Of Time” en Barcelona, Madrid, Sant Vicent de Raspeig y Valencia. Los

"Hacemos música para la cabeza y para los pies" estado y siguen estando interesados en nuestra música. Personalmente creo que este álbum prueba que seguimos yendo bien, que el grupo sigue teniendo sentido y que seguimos haciendo buenas canciones”. Pero volviendo a esas sonoridades negras que comentábamos al principio, y que no siempre son fáciles de reproducir desde un continente como el europeo. El nuevo disco de los de Lyon es ecléctico en el mejor sentido de la palabra, pero sería injusto no destacar el papel que el funk y el soul tienen en la generalidad del mismo. “Nos gusta el funk, tanto como soul. ‘Mothership’ es un tributo que hacemos a George Clinton y la era P-Funk, ‘Let Us Play’ es más soul clásico, del rollo Wilson Pickett, Luther Ingram o N.F. Porter... Cogimos un sample funk e intentamos hacer una canción aun más

franceses avisan que vienen con ganas. “Con buen público se hacen buenos shows, tenemos ganas de volver ver a gente que hemos conocido años atrás y divertirnos juntos. Le Peuple es un montón de energía: la que hay en el escenario por nuestra parte y la que estará soltando el público bailando como locos”. Así que ya lo saben, avisados quedan todos aquellos amantes de los ritmos gordos con excedente de energía que deseen ver a un puñado de franceses más colgados de los graves que de las modas. ■ Ignacio Pato L. “A Matter Of Time” está publicado por BonePlak/Discograph.

Fechas: 1 de Febrero Barcelona, 2 de Febrero Madrid, 3 de Febrero Sant Vicent del Raspeig, 4 de Febrero Valencia

------------------------------------------SON Teatros

Russian Red + Jane Joyd 11 de febrero / Centro Ágora, A Coruña

Nacho Vegas 02 de marzo / Centro Ágora, A Coruña 03 de marzo / Teatro Principal, Ourense

Robyn Hitchcock 22 de febrero / Teatro Lara, Madrid

tindersticks 21 de marzo / Teatro Lara, Madrid

-------------------------------------------Agenda SON Estrella Galicia

Maika Makovski

16 de febrero / Porta Caeli, Valladolid

Bigott

23 de febrero / Café&Pop Torgal, Ourense 24 de febrero / Mondo Club, Vigo 25 de febrero / Le Club, A Coruña

Manos de Topo

10 de marzo / Porta Caeli, Valladolid

Tinariwen

20 de marzo / Teatro Lara, Madrid

Xiu Xiu

27 de marzo / Teatro Lara, Madrid

-------------------------------------------Festivales SON Estrella Galicia

FIV (Festival Independiente de Villalba)

Sidonie, Corizonas, El Columpio Asesino, Delafé y las Flores Azules, Catpeople...

30 y 31 de marzo / Villalba, Lugo

-------------------------------------------Otras fechas SON www.estrellagalicia.es

Damien Jurado, The New Raemon, Francisco Nixon & Ricardo Vicente...

www.estrellagalicia.es

GANADORA DEL PREMIO DE LA CRÍTICA EN LOS BRIT AWARDS 2012

ÁLBUM DEBUT ‘OUR VERSION OF EVENTS’ A LA VENTA EL 14 DE FEBRERO “La voz de 2012” – The Times “Un álbum que merece permanecer en la primera línea – apasionante, poderoso y poseedor de la calidad de una auténtica estrella” – Q Magazine “Emeli Sandé es la figura en la que se compararán todos los artistas en los próximos años” – ID Magazine

emelisande.com

La nueva banda sensación del indie-rock publica su álbum debut el 6 de Marzo “Hay estribillos y coros aquí como para aparcar un transatlántico” – NME “Rock enardecedor y sonido intrigante distintivamente moderno” – Heat “Headlights es un sencillo épico, todo un himno que conquistará muchos corazones” – The Fly “Headlights te enloquecerá con su estribillo” – Q Magazine

The Singles Collection

un recorrido por lo mejor de la carrera de la banda británica icono del electro pop.

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mondoFREAKO

SUMMER CAMP

Aquellos maravillosos años Se lo han tomado con calma pero por fin tenemos en nuestras manos el debut en formato largo de este fantástico dúo de pop electrónico.

“Welcome To Condale” es un álbum conceptual repleto de grandes canciones y de mil y una referencias a la cultura pop adolescente.

L

a espera ha valido la pena. Tras un celebrado EP y varias canciones soltadas a cuentagotas a través de Internet, el pasado otoño (concretamente el 31 de octubre, Halloween) se editó “Welcome To Condale”, el primer larga duración de Summer Camp, un debut que se demoró más de un año. Jeremy Warmsley, una de la mitades de la banda, la otra es Elizabeth Sankey, nos atiende vía Skype. “Queríamos sacar el mejor disco posible, así que no teníamos intención de acelerar las cosas. Grabamos unas sesenta canciones, y Steve Mackey, bajista de Pulp y productor del disco, nos ayudó a elegir las mejores junto a nuestros managers y el sello. Las demos las hicimos en nuestro estudio casero, y luego fuimos a un estudio con más medios con Mackey y un ingeniero para mejorarlas. Eso sí, no queríamos perder el encanto de las demos”.

De indudable sabor ochentas, las canciones que encontramos en el debut del dúo británico están llenas de matices que no necesariamente apuntan a la década que vio nacer a la MTV. Warmsley, que antes de formar parte de Summer Camp

tiene editados un par de discos en solitario, lo aclara. “Lo de los ochenta lo entiendo en parte por algunas canciones, pero por otras no. ‘Nobody Knows You’, ‘Last American Virgin’, ‘Better Off Without You, sí que tienen ese punto ochentas. Pero hay otras del disco que no podrían haber sido creadas en los ochenta, tienen ciertos sonidos… De hecho, si tuviera que elegir que artistas de los ochenta nos influenciaron a mí y a Elizabeth diría por ejemplo Talking Heads, XTC, Kate Bush, Cocteau Twins, Fleetwood Mac, el sello Stiff… En casa no tengo discos de Pet Shop Boys o de Duran Duran, conozco los singles y me gustan, pero poco más”.

Uno de los puntos fuertes de los ingleses es el uso de cacharrería vintage, léase sintetizadores y teclados varios. Durante el transcurso de la entrevista, y gracias a la webcam del portátil, Jeremy me enseña su colección con una sonrisa de oreja a oreja. “Usamos sintetizadores originales de los setenta y ochenta, es una cuestión de orgullo para mí utilizarlos. El más caro me costó 1.000 euros, y la mayoría son muy

extraños”. Más cosas que enriquecen el discurso de la banda: la multitud de referencias pop que recorren las canciones y el arte de “Welcome To Condale”, concentradas sobre todo en el mundo adolescente. “A veces hacemos referencia a películas o a series de televisión como en ‘Brian Krakow’, donde citamos directamente a la serie ‘Esta es mi vida’. Otra serie que ha sido capital importancia para nosotros a la hora de componer el disco fue ‘Freaks

que utilizamos samples de películas, fotos antiguas…”. Siguiendo con las referencias, qué mejor que preguntarle por tres películas y tres discos que hayan marcado la grabación del disco.

“Pues ‘El club de los cinco’, porque es la arquetípica cinta de John Hughes, y Hughes ha tenido una influencia brutal en nosotros.

Luego un film francés titulado ‘El gran azul’, la banda sonora me marcó de niño. Es muy ambiental, y muchos de los sintetizadores

"Tenemos una obsesión con lo adolescente" & Geeks’. Tenemos una obsesión con lo adolescente y con eso que los anglosajones llamamos coming of age (el paso de la niñez a la edad adulta)”. Prosigue. “Esas referencias, a veces, ayudan a ver las canciones de otra manera, te dan una atmósfera especial, un marco. Es como mirar una foto antigua de los setenta, eso hace de la escucha del disco una experiencia, casi una inmersión…

Por eso creamos una ciudad ficticia para el disco, Condale. Todas las canciones tienen como centro esa ciudad, y explican una historia de dos chicas, Kathy y Betty, y el chico del que están enamoradas. Es algo agradable ir más allá de la canción e intentar crear un universo a su alrededor, de ahí

que suenan en nuestro disco son deudores de los de la banda sonora de esa película.

Elizabeth elige ‘Juegos de amor en la universidad’, una película divertidísima con John Cusack de protagonista sobre amoríos adolescentes. Y discos, pues ‘Parklife’ de Blur, Elizabeth es fan y es el mejor álbum del grupo, pop británico brillante. Es muy obvio pero diré ‘Kid A’ de Radiohead, por experimentar con el pop de una forma muy personal. Por último, ‘Mirage’ de Fleetwood Mac. Para mí es el mejor disco de la banda y casi nadie lo reivindica”. ■ Xavi Sánchez Pons “Welcome To Condale” está publicado por Moshi Moshi/Music As Usual.

Summer Camp Foto Archivo

MondoSonoro · Febrero 2012 /17/

mondoFREAKO /18/ Febrero 2012 · MondoSonoro

EN LA

Sound of Stereo Foto Archivo

MALETA

sound of stereo

◗¿Por qué motivos empezasteis a pinchar? ¿Para ligar, para ser una estrella?

No hubo un motivo claro. Vincent llevaba unos años pinchando y yo mezclaba algunas canciones en mi laptop. Descubrimos que vivíamos a unos cinco kilómetros y empezamos a hablar. Al cabo de poco tiempo nos planteamos empezar a trabajar juntos y todo fue muy natural. La clave es que nos divertimos mucho con esto. ◗¿Qué disco nunca falla en una sesión tuya?

“Zipper” nunca falta en nuestro setlist. Aunque hay muchas canciones nuestras que pinchamos en directo, sobre todo porque la gente las pide. ¡Y ese es el mayor cumplido que se nos puede hacer como productores! ◗ Por contra, ¿cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya? ¿Por qué?

Un montón de canciones que no encajan mucho en los clubes. Nos gustan canciones divertidas o de los ochenta, pero difícilmente encajarían en nuestras sesiones. ◗¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

Pinchar exclusivamente para él. Yo creo que un buen Dj es alguien que pincha canciones que le gustan y que al mismo tiempo muevan a la gente. El trabajo de un Dj es divertir a la gente y que todo el mundo vuelva a casa pensando que se lo ha pasado bien. ◗¿Hasta qué punto es importante que la gente baile más o menos para cambiar la línea de tu sesión?

Siempre intentamos ajustar nuestro gusto y el del público. Si la gente no deja de bailar significa que les gusta lo que estamos poniendo. Lo mejor que puedes hacer como Dj es “leer” lo que la gente te está diciendo mientras baila y crear un ambiente ideal. ◗¿Cuál es el sitio más asqueroso en el que has llegado a pinchar?

Un lugar en el que no funcionaban los reproductores de CD y que no tenía monitores. El play no funcionaba y ambos lectores dejaban de sonar cuando les apetecía. Tuvimos que cortar la sesión porque era imposible continuar. Nos sentimos realmente mal porque nosotros no pudimos hacer nada para evitar el desastre. ◗¿Vinilo o CD?...

Adoramos el vinilo, pero pinchamos con CD. Los compactos son cosas que puedes tostar tú mismo en casa y, si los pierdes o se estropean, puedes volver a hacer otra copia. El vinilo no solamente requiere destreza, sino que tiene un valor real por si mismo. Ahí está la explicación de por qué el vinilo está sobreviviendo y los CD’s se están sustituyendo por mp3. ◗¿Cuáles son vuestros Dj’s favoritos?

Erol Alkan, Boys Noize, Tiga... n

RUSSIAN CIRCLES

Un paso al frente Casi dos años después de su último disco, el calculado “Geneva”, Russian Circles vuelven a darnos una lección a la hora de saber ubicar el justo medio entre el post-rock y el metal con un cuarto disco, ”Empros”, en el que los de Chicago dejan atrás viejas fórmulas y a la vez consolidan su posición de primeras figuras del género.

C

uando hace dos años hablábamos con ellos, se mostraban orgullosos de “Geneva”, un álbum magistral que parecía evocar la calma muerta que sigue a una explosión, o más concretamente a la voladura de un edificio y sus escombros. No en vano, sus referencias a Oppenheimer y el sentimiento de culpa decían mucho de un disco que parecía milimetrado en su perfección pero que a su vez adolecía de cierta falta de cintura para la propia banda. Ahora, Brian Cook, bajista de Russian Circles, reconoce que ya desde la gestación sabían que, por propia voluntad, algo nuevo y cambiante venía. “‘Empros’ significa hacia adelante, hacia el frente, en griego.

Creíamos que estábamos en una fase decisiva para el grupo tras el último disco en estos dos últimos años entre giras y las nuevas canciones. Teníamos ganas de movernos hacia lo nuevo”. Lo que antes era melancolía, y un disco muy diferenciado entre su primera y violenta parte y una segunda algo más ambiental, con canciones que se alargaban e incluso místicos recitados, aquí se torna más imprevisible y por lo tanto atractivo extra para aquellos que les escuchen sin ofrecer resistencia. Las distinciones entre ambos (producidos por Brandon Curtis) no dejan de aparecer a cada escucha. Donde antes había instrumentos de viento ahora su lugar lo ocupa en curiosidad “Praise Be Man”, último corte, en el que el propio Cook se atreve con las voces de una suerte de introspectiva balada. “’Ge-

neva’ era un álbum que se encontraba más restringido y este me parece más emocional, más salvaje quizá. Y si no es nuestro disco más duro, sí creo que es el que tiene un sonido más ambicioso y mejor trasladable al directo ya que con ‘Geneva’ eso se hacía complicado y hasta frustrante. ‘Empros’ es más satisfactorio en esos términos”. Brian Cook, nuestro interlocutor al otro lado del hilo telefónico, es

tanta competencia. Para ellos, que todavía no han dado un paso falso, algo tan difícil como seguir inmaculados parece fácil de decir. “Hay una tendencia entre algunas bandas del género a hacer discos y canciones largas, grandiosas. Una banda tiene que pensar que cada nota que toca debe aparecer en el disco por una buena razón para conseguir atraer la atención del oyente durante el mismo”. También suele llamar la atención una curiosa fijación por lugares y referentes de origen europeo en su trayectoria. Ahí tenemos el nuevo tema “Schiphol” (aeropuerto de Ámsterdam), “Mladek” en honor a su chófer de gira europea, la propia “Geneva” o el mismo nombre de la banda. A Cook no parece pillarle por sorpresa esta relación. “Creo que nuestro sitio preferido para tocar es Europa, claramente. Nos gusta su cultura alternativa, no es que Estados Unidos no la tenga,

"Nosotros intentamos hacer una música universal, no cantamos" uno de los mejores bajistas actuales tras su paso por Botch o These Arms Are Snakes y uno de los culpables, aunque él se quite mérito, de que el directo que hace junto a sus compañeros Mike Sullivan y Dave Turncrantz sea tan admirado. Y es que Cook es uno de esos músicos capaces de reivindicar un instrumento.

“El bajo es un instrumento extraño, no es muy visible pero es capaz de poner una canción un peldaño más arriba. Mi filosofía en Russian Circles es que debo darle a la estructura de un tema aquello que realmente necesita, en una visión de conjunto, más pensando en la canción que en el instrumento”. Metidos en el berenjenal del post-rock (o metal) es admirable la capacidad del trío de Chicago para subsistir entre

pero está más diseminada y por ejemplo la diferencia se nota con Europa en la vida nocturna, en su apertura de mente y en más cosas. Nosotros intentamos hacer una música universal, no cantamos y ahí entran en el juego palabras o lugares inspiradores como Schiphol o Geneva”.

Cook hace una mención especial para el clima y la hospitalidad ibéricas y casi asegura que en la gira europea de primavera se dejarán caer por estas tierras. Será otra buena ocasión para constatar que Russian Circles tienen un gran disco, más orientado a su arrebatador directo, que defender. ■ Ignacio Pato L. “Empros” está publicado por Sargent House/Popstock!

Russian Circles Foto Strong

Sin duda una de las grandes esperanzas de la escena electrónica belga.

Sound Of Stereo han publicado varios Ep’s de sonido fidget house, pero su radio de acción va más allá. En marzo estarán pinchando en Gijón (Teatro Albéniz, 3 marzo) como invitados de Dr. Lektroluv.

MondoSonoro · Febrero 2012 /19/

mondoFREAKO

Austin TV Foto Archivo

AUSTIN TV

No importa tu cara Como tantos otros, los mexicanos Austin TV no lo han tenido fácil.

Su creciente visibilidad se debe a un trabajo de hormigas facturando buenos discos y sobre todo tocando mucho en directo. Ahora parece ser el momento justo en el que su evocadora manera de concebir la música instrumental empieza a ser reconocida en nuestro país gracias a “Caballeros del albedrío”.

L

os mexicanos Austin TV es una banda instrumental que siempre aparece con la cara tapada, para que el arte, y no la imagen, pase a primer plano. De entrada puede sonar atractivo, pero no muy original, hay que reconocerlo. Sin embargo, ellos son capaces de sonar jugosos y marcianos por igual. Una de esas bandas que hacen las delicias de quienes confiamos en el peso de la autoría musical. Buena prueba de su versatilidad es el desdoblamiento de su última entrega en dos colecciones de canciones bien diferenciadas: “Hán” y “Séeb”. Comenzaremos a entender mejor el particularismo de Austin TV si les decimos que “Hán” es lento en chino y “Séeb” rápido en maya... “Acerca de los nombres, es correcto el significado, nos gusta cómo dos idiomas tan distintos y de lugares tan lejanos, al ponerlos juntos, parece que son una misma lengua. Teníamos ganas de hacer mucha música, la idea de dividirlos existió desde el inicio del proceso de com-

posición de este disco”. Pero la cosa no acaba aquí porque, ante la facilona pregunta sobre la conceptualidad del disco, Austin TV tienen una respuesta inteligente. “Nos gusta ver este proyecto como un único disco, aunque sean dos, siempre lo vimos así. Si es conceptual, todos los de la banda han sido conceptuales. Este en específico está dedicado a las películas que más nos gustan, de ahí tomamos todos los nombres de todos los temas y nos basamos en un dogma numérico para componerlo”. ¿Un dogma numérico? “Intentaré explicarlo. Para enviar un mensaje de texto con el móvil marcas ciertos números que equivalen a algunas letras, es así como nosotros le poníamos el nombre a la pieza antes de componerla y lo tecleábamos en el móvil, digamos si la pieza se llama AUSTIN TV, los números que marcarías serían: 287846 88, esto lo convertimos a quebrados rítmicos y así obtenemos el mapa rítmico

de la pieza antes de empezar a componerla: 2/4, 8/4, 7/4, 8/4, etcétera”. Y en cuanto a su relación con el séptimo arte, es notorio el amor que sienten los mexicanos hacia el mismo, con referencias a Buñuel, Gilliam o Lynch esparcidas a lo largo del minutaje. Y no sólo el cine, también son ávidos lectores, algo que también se refleja en su música. “Amamos el cine. Nos gusta ver todo tipo de películas juntos y en la primera etapa de composición de este disco ver películas juntos era una de las pocas cosas

de cocina. “Para este disco nos abrimos muchísimo a otros ritmos, a otros sonidos.

Antes simplemente no creíamos tanto en esa apertura, estábamos más enfocados en que sonara a lo que imaginábamos que era nuestro sonido. Aunque ahora, con más años de trabajo y mucha más experiencia en la composición y en la instrumentación, nos soltamos mucho más y es así como dimos a luz este trabajo”. Austin TV pueden formar parte de ese tópico que asegura que ban-

"Las bandas pueden ser influenciadas por cualquier tipo de música de cualquier latitud" en las que podíamos ponernos de acuerdo, pues cada uno de nosotros tenía ideas muy distintas de cómo tenía que sonar el disco y por eso que decidimos dedicarle este disco a esas realidades paralelas que ocultan las películas. Durante la grabación hubo algunos libros que casi todos leímos: ‘Psicomagia’ de Alejandro Jodorowsky, ‘Mujeres’ de Bukowski y ‘La última hora del último día’ de Jordi Soler”. Otra de las cosas que sorprenden y que suponen una innovación para la banda en este álbum es la variedad de instrumentos utilizados, que incluyen (especialmente en “Hán”) cornos franceses, mandolinas o percusiones

das cuyo origen no sea europeo o estadounidense arrastran una mayor cantidad de raíces consigo, involuntariamente o no. Pero aun viniendo de un país con tan intensa personalidad como México, ellos relativizan. “Creemos que eso es real, pero actualmente me parece que las bandas pueden ser influenciadas por cualquier tipo de música de cualquier latitud del globo terráqueo. La música ahora y gracias al mp3 y los archivos compartidos es global”. ■ Ignacio Pato L. “Caballeros del albedrío” está publicado por Origami.

Reina Republicana Foto Archivo

mondoFREAKO /20/ Febrero 2012 · MondoSonoro

REINA REPUBLICANA

Y la reina llegó “Reina Republicana”, el disco homónimo de esta formación dirigida por Israel Medina, publicó el pasado 28 de noviembre su debut con el sello Limbo Starr. El suyo es un trabajo ecléctico y a la vez coherente, en el que colaboran Banin y Florent (Los Planetas) o Guille Mostaza (Ellos).

T

boraciones, desde Banin y Florent (Los Pilotos), Germán San Martín (ex de Kerobia) hasta Pablo Errea (The Guinea Pig) o Guille Mostaza (Ellos).

Israel comenta: “Este disco es como una fiesta en la que hemos querido invitar a amigos para que se unan a ella. Además de ser personas con las que tengo buena relación, tienen mucho talento. Con Banin y Florent he tocado, así que les propuse meter unas guitarras y teclados y al final han participado bastante. Lo mismo ha pasado con Guille Mostaza y Pablo Errea, que han aportado algunos coros. También hemos contado con los violines de Claudia Osés”. Iñigo añade que: “cuando le damos forma a una canción, Isra suele intuir qué tipo de colaboración puede adecuarse al tema y quién lo podría hacer”. Banin es parte importante de la génesis de Reina Republicana y así lo explica Israel: “En los inicios de la banda, fuimos a Granada para grabar unos temas y nos encerramos

Sube el mítico programa de la BBC “Top Of The Tops” por regresar a su formato audiovisual vía internet tras su cancelación hace cinco años

Suben las oportunidades de ver a The Cure en España tras confirmarse su presencia en el BBK Live y el San Miguel Primavera Sound

Suben las posibilidades de que te quedes sin poder entrar a nuestras fiestas demoscópicas, Te aconsejamos acudir pronto a la cita porque el aforo es limitado

Sube la animación española tras la nominación de Chico y Rita a los Oscars y las excelentes críticas recibidas por “Arrugas”

y el proceso culminó con la masterización en California de la mano de JJ Golden. Iñigo afirma que: “se le intenta dar una idea general al disco, pero cada canción tiene sus influencias y matices, lo cual es muy enriquecedor. Nunca nos cerramos al sonido de otras épocas porque eso es lo que queremos plasmar: la música que nos motiva”. Israel prefiere que cada tema tenga su estilo manteniendo siempre una coherencia. “Todas las canciones tienen un ‘no sé qué’ que las hace diferentes a las

"Hacemos música dejando atrás los grupos con los que hemos tocado antes" sonido peculiar sabe mucho el productor Iñaki Llarena, que según Israel: “ha sido el pilar y el punto de apoyo para guiarnos en el sonido del disco. Ha tenido mucha paciencia para grabar y si no fuera por él igual ni lo hubiéramos terminado. Ha sido un disco difícil, habíamos planificado grabarlo en un par de meses, pero se alargó porque cambiamos de cantante, desechamos muchas canciones y empezamos a grabar otras”. Paco Loco también ha participado mezclando cuatro temas,

demás”, algo que se puede comprobar en temas ya conocidos como “Clonidia”, “Mar diamante” o “La Reina”. Este último se publicó en un split compartido con Las Robertas lanzado por el sello madrileño Gran Derby Records. “Pepo Márquez nos dio la posibilidad de elegir otro grupo.

A mí me gustan Las Robertas y a Merche, la cantante, le gusta Reina”. ■ Sara Marqués “Reina Republicana” está publicado por Limbo Starr.

Bajan las posibilidades de hacer el pirata en la red tras el pánico desatado con el cierre de Megaupload por parte del FBI

Baja la moral de la escena mestiza barcelonesa tras el fallecimiento de Melón Maguilaz, uno de los fundadores de Trimelón de Naranjus junto a Jairo Muchachito

Bajan las probabilidades de ver en directo a Ojos de Brujo tras emitirse sentencia definitiva sobre quién tiene derecho a utilizar el nombre de la banda

Bajan las expectativas de ver buen cine en Gijón tras la destitución de José Luis Cienfuegos como director del festival

BAJAN

SUBEN

ras un año de cambios e incorporaciones en la formación de Reina Republicana, Israel Medina (guitarrista y compositor) aclara: “Somos cinco personas que hacen música dejando atrás los grupos con los que hemos tocado antes. Queremos hacer algo fresco y nuevo”. Israel procede de Half Foot Outside y ha tocado con Los Planetas. Iñigo Maya (batería y percusión) con Tristessa. Maite Rodríguez ha cogido el relevo de Amaia Tirapu (Kokoshca) como vocalista. “En principio iba a colaborar poniendo viola. Yo no había cantado antes en público, pero me animaron a probar y salió bien. He intentado adaptarme a la estela de lo que empezó Amaia”. Israel añade: “Maite y Amaia tienen un registro de voz parecido, así que el cambio no ha sido muy traumático”. La formación la completan el ex de Doubtful, Alberto Gurbindo (bajo) e Iván Guzmán (teclados y guitarra), pero la cosa no queda ahí. El disco está repleto de cola-

tres días en El Refugio Antiaéreo. Banin era como uno más del grupo y nos impulsó a tomarnos en serio el proyecto”. Reina Republicana ha ido cambiando el estilo. “Al principio sonábamos más indies y noventeros, después añadimos bossanova e influencias de los sesenta procedentes de grupos como The Crystals o The Ronettes”. ¿El resultado?

“Un disco que suena a muchas cosas y que a la vez es original. Es la suma de referencias lo que le da un sonido peculiar”. De ese

MondoSonoro · Febrero 2012 /21/

mondoFREAKO

Corizonas Foto Paola Bragado

no confidencial corizonas

◗ La vestimenta de ambos grupos es uno de vuestros rasgos más característicos. ¿Dónde os hacéis o compráis todo?

(Fernando Pardo) En las rebajas de Zara la parte Arizona y en las de H&M la parte Coronas.

(Javier Vielba) También en los mercadillos de domingo hay complementos… siempre puedes encontrar un parche espaldero de Venom o un cinto de balas a lo Lemmy… típicas cosas que todo el mundo ha querido tener alguna vez. ◗ En Subterfuge ha habido grupos con actrices al frente como Najwa Nimri, Leonor Watling o Lluvia Rojo, ¿qué tenéis vosotros que ofrecer en lo que a sex appeal se refiere?

(F. Pardo) Nosotros somos el equivalente rudo, peludo y masculino de su sex appeal femenino, fino y depilado.

(J. Vielba) Creo que podríamos haber dado juego como actores de “peplum”, por el pelo en el pecho y lo torneado de nuestras piernas… ¡Qué vuelvan las películas de espada y sandalia! ◗ Cuando veis las barbas de vuestro vecino cortar, ¿qué hacéis con las vuestras? Bueno, los que las llevan.

(F. Pardo) Las dejamos crecer aún más, no somos de los que siguen o hacen caso de su vecino. Es más, si vemos que nuestro vecino empieza a vestir cuero de negro, nos pasamos al tejido vaporoso de color morado.

(J. Vielba) ¡Eso, eso! Las dejamos crecer y nos las echamos a la espalda, sobre el tejido vaporoso ese… ◗ Habéis pasado de tocar en recintos pequeños por separado a triunfar en el Actual frente a 4.000 personas o empezar vuestra carrera con un sold out en la Joy Eslava. ¿Se han multiplicado las groupies en la misma medida?

(F.Vielba) El rock es una estafa: ni nos forramos ni nos hinchamos a follar… Ahora eso es cosa de futbolistas, supongo. Pero ojo, ¡haces unos amigos cojonudos!

(J. Pardo) Sí, yo soy más de frikis que de groupies. Eso sí, los frikis no han crecido, ya los conocía a todos. ◗ ¿Con qué grupo os gustaría hacer un trío?

(F. Pardo) Alguien que no tenga ni batería, ni bajo, ni guitarras y que a cambio tenga mucho sentido del humor e instrumentos raros, Les Luthiers por ejemplo. O que bailen bien como las Pontani Sisters.

(J. Vielba) Incluso no haría falta ni que bailasen o cantasen… Faemino y Cansado podrían ser perfectos. ◗ ¿Cuántas canciones del nuevo disco se han grabado bajo los efectos del alcohol?

(F. Pardo) ¿Alcohol? ¡Tú te has quedado atascado en el rollo ochentero de las biografías de Mötley Crüe o Slash ! Ahora se graba de maría hasta las ojeras (sí, has leído bien, ojeras que uno ya tiene una edad).

(J. Vielba) Yo, que soy más joven, hasta las orejas.

Nos va más lo psicoactivo que lo peleón… ◗ ¿Le romperíais las piernas a algún crítico musical de este país?

(F. Pardo) Qué va, nosotros somos más de hacer el amor que la guerra: mejor nos follaríamos a su novia (Bukkake, bukkaaaaaaaaaaake!).

(J. Vielba) Y ya en un alarde de depravación absoluta, podríamos ponerle un buen bigote de nata al propio crítico en cuestión. Fffrrrttt!!! ■

Sharon Jones Foto Steven Dewall

Corizonas (Arizona Baby + Los Coronas) son sin duda uno de los matrimonios creativos más efectivos que se han dado en nuestro país, uno de aquellos que crece con la experiencia y con cada uno de sus directos. Ahora bien, veremos qué tal se defienden de nuestros ataques más sangrantes.

SHARON JONES & THE DAP-KINGS

PURO SOUL Sharon Jones es puro nervio, una vocalista que vive cada frase que surge de su portentosa garganta. Alma de soul y cuerpo de funk, todo ello combinado en “Soul Time”, la enésima demostración de su valía.

N

unca es tarde si la dicha es buena.

Una década después de su debut con The Dap-Kings, Jones está protagonizando su mejor momento creativo y de popularidad. No deja de tocar en directo y sus discos son recibidos con los brazos abiertos por sus seguidores. “Soul Time!” es una nueva muestra de soul y funk, otro disco maravilloso facturado para el deleite y el gozo de los amantes de esos sonidos que están tan de moda ahora mismo. “Desde hace bastante tiempo había gente que me preguntaba sobre este material que nunca antes había escuchado, temas que estaban en aquellos viejos singles de 45 rpm. Y así fue como cazamos la idea del disco, todos nos pusimos a trabajar en bloque como siempre, escribiendo la música y adaptándola a esas canciones. Trabajando todos a una y poniendo todo el corazón en lo que hacemos. Da igual si las hemos firmado nosotros o si pertenecen a otros.

Ponemos el alma en ello y lo único que quiero es que mi sonido y mi sello propios se reconozcan con facilidad”. Sharon Jones es una mujer que toca con los pies en el suelo, consciente de sus retos, pero también del momento dulce por el que está pasando. “Toda mi vida bascula alrededor de la música.

Disfruto de ella de manera natural, sin grandes ambiciones, porque mi deseo es hacer feliz a los demás con mis canciones, con mis actuaciones, con mis vibraciones.

No quiero tener veinte coches, ocho casas y un yate, esas no son mis aspiraciones.

Prefiero que los demás puedan vivir en condiciones dignas, y si yo les puedo ayudar de alguna forma, entonces me sentiré una afortunada. Tengo cincuenta y cinco años, y mi carrera ya está hecha; el

destino está marcado en mi hoja de ruta”.

Aunque su carrera no se ciñe exclusivamente a sus discos junto a The Dap-Kings, sino que son muchos los que la reclaman para que ponga voz a diferentes proyectos. Y estamos hablando de músicos tan relevantes como David Byrne, Fatboy Slim, Phish o Lou Reed. “Me siento bien trabajando con otros músicos. Me enorgullece que piensen en mí, porque eso también forma parte de mi trabajo.

Saber que conocen mi trabajo y que lo valoran, eso no tiene precio. Los músicos nos movemos por instinto, y el corazón

de sus voces”. Hablemos pues de Amy Winehouse. “La gente nos compara por muchas y variadas razones, por compartir banda en primera instancia, aunque la música no suela ser lo más relevante a la hora de establecer esas comparaciones. Es curioso, porque a veces la gente piensa que soy una recién llegada que se ha aprovechado de todo este revival soul, y no es cierto.

A principios de los noventa empecé ya a dar guerra dentro de la escena disco, luego me vine a Europa durante largos períodos de tiempo y de manera muy independiente. Luego colaboré con Jay Z y eso me permitió acceder al mundo de The Dap-Kings y entrar en Daptones. Estar en el sello para mí era casi un sueño, porque me permitiría continuar con el legado de Motown o Stax, recuperar el sonido retro y dar vida a buenos cantantes de soul.

"Mi deseo es hacer feliz a los demás con mis canciones" juega un papel importante en todo esto”.

El corazón y el alma. Sin ellos, la música soul no sería lo que es. Sobre todo porque es una música que apela a los sentimientos y que no conoce de razas, sexos o religiones. “La música soul es para todo el mundo, no es patrimonio de la comunidad negra, lo importante al final es el corazón y al alma de ese sonido, que llegue a todo el que ame la música, sea cual sea su procedencia. ¿Por qué no todo el mundo puede disfrutar de Otis Redding y James Brown?

O Amy Winehouse, que no era negra, ¿por qué no podía cantar soul como lo hacía con ese sello característico de la Motown en los sesenta? A mí ni siquiera me importa si alguien canta soul o pop. Fíjate en Amy o en cualquiera con un talento parecido. Lo que realmente importa es cuando abren la boca y empiezan a cantar. Eso es lo que te atrapa, la calidad y la potencia

Daptones es un sello distinto a cualquier otro y The Dap-Kings son músicos reales que se preocupan por la música con corazón, humildad y trabajo”. Y ya que estamos con el revival soul, hablemos de la estela de cantantes que han surgido durante los últimos años a rebufo de Winehouse, desde Duffy hasta Adele, aunque haya sido esta última la que haya obtenido el éxito más descomunal con la edición de “21”. “Adele tiene una gran voz, pero lo que hace no es soul. Ella ha cruzado esa línea que te transporta directamente hasta el pop”. Volviendo a Jones, debemos apuntar que, pese a que “Soul Time!” aún está fresco, ella ya está pensando en su siguiente paso. “La maquinaria no puede parar, sino se oxida”.

■ Toni Castarnado “Soul Time!” está publicado por Daptones.

entrevistaS

/23/ Febrero 2012 · MondoSonoro

JOHN TALABOT

John Talabot Foto Adrià Cañameras

PRESENTE Y FUTURO

Acaba de empezar el año y ya tenemos uno de los discos de 2012.

Así de sencillo. Y lo firma nada más y nada menos que John Talabot, tras cuatro Ep’s como cuatro soles. “ƒin” es la puesta en largo de un productor que ha puesto del revés la escena underground nacional con sus hits house y su enmascarada figura, la confirmación definitiva de un talento sobrehumano.

“

ƒin” es el triple salto mortal, el movimiento definitivo, el golpe sobre la mesa. Pero es un golpe suave, inaudible, gentil, casi una caricia, y es que, con su primer álbum, Talabot nos muestra una faceta suya menos dura, donde la creación de atmósferas le gana la partida a su tradicional filosofía de bombo y sampler.

“Todavía existe en cierta medida, pero mucho menos. Hacer temas de club requiere ciertos elementos inmutables: no le pongas menos pero tampoco mucho más. Por el contrario, cuando te pones con un álbum, por fin puedes dar texturas y trabajar sin preocuparte de si lo que estás componiendo se puede pinchar o no, que es la máxima preocupación de los doce pulgadas. Con el álbum tienes más libertad y puedes desarrollar todas las extravagancias que te apetezca”. Esta libertad la traduce John Talabot –que, por si algún barcelonés se lo pregunta: sí, estudió en la escuela con el mismo nombre- en temas del más diverso pelaje, desde balearic en esa espléndida obertura que es “Depak Ine”, hasta house de Chicago en “So Will Be Now” con Pional, pasando por esa especie de electro petshopboyesco que es “When The Past Was Present”, la oscura joyita tras el grito sintético inicial de “Oro y sangre” o el personal acercamiento al pop de “Destiny” también con Pional, con quien está trabajando en un tema para un recopilatorio de su sello Hivern y en un futurible EP. El disco entero tiene cierto aire pop en su redondez y en su concepto global, si bien esta relativa y muy entrecomillada accesibilidad “no ha sido voluntad específica”, según cuenta John Talabot, a quien sus amigos conocen como Uri. “Quizá sea

por los temas vocales”, aventura. “Lo que sí es verdad es que no quería sobresaltos, me apetecía un álbum sin hits”. (Cosa que, después de escuchar ese pepinazo que es “Last Land” o los mencionados temas con Pional, no sé si ha acabado de conseguir, porque, dios mío, qué temazos…). “Quizá es porque las percusiones son menos agresivas comparadas con las de los Ep’s”, sigue reflexionando nuestro barcelonés. No obstante, paradójicamente, “ƒin” es posiblemente lo más arriesgado que ha publicado hasta la fecha. Un álbum denso y oscuro, muy granulado, de texturas y con la faceta ambiental muy potenciada. “Quería que fuera así, de hecho considero que siempre he sido bastante oscuro y que cuando he llegado a ser ligeramente alegre o tropical ha sido por casualidad, por eso flipaba al ver que algunas críticas calificaban algunos temas anteriores míos como brillantes o luminosos. Con este disco, ya desde el principio decidí trabajar la atmósfera más tristona. Igual también influye en esa sensación de oscuridad el hecho de que me ha costado bastante hacer el álbum: he estado un año encerrado en casa trabajando en él, ya que no tengo estudio. Al final me sentía encerrado. Acabas agotado, con la cabeza turulata”. Ni siquiera podía sacar un rato para sus clases de piano, que al final tuvo que abandonar. “Cuando empecé a hacer música, no tenía ni idea de solfeo ni de tocar ningún instrumento ni nada, así que hace un tiempo decidí apuntarme a clases de piano, pero sólo duré seis o siete meses porque me agobiaba: no tenía tiempo para hacer

los deberes, entonces la profesora se ponía nerviosa, y entonces yo también me ponía nervioso. Además, la cuestión es que mientras hacía el disco no me eran realmente útiles las clases, eran más bien un descubrimiento. Yo sabía que ciertas cosas pasaban pero no por qué: por ejemplo, ahora entiendo por qué ciertas teclas negras suenan bien con algunas blancas y con otras no”.

D

e lo que sí ha tenido tiempo es de salir a comprarse –todavía- más cacharros para completar el arsenal utilizado en el disco: Juno 606, una 707, Sequential Circuits Drumtracks, Sequential Circuits Sixtrax, Drumatix606 y un Microkorg, un sintetizador que Talabot

parar y lanzarlo”. No facilita la decisión la presión de ser considerado uno de los adalides de la música electrónica en España. “Al no haber tantos elementos electrónicos por aquí, parece que las expectativas son más grandes.

En realidad no es que en España no se haga buena electrónica, sino que no trasciende porque no se sabe llevar, ya sea por culpa de la distribuidora, los sellos…”. Otro motivo importante puede que sea que “aquí somos muy de pop”. “Cuando miro las listas de lo mejor del año es como si estuviera en un loop infinito: siempre están los mismos.

Aquí hay una separación muy grande y muy idiota entre la gente a la que le gusta el pop y aquella a la que le gusta la electrónica,

“En realidad es el pop lo que suele ser ‘lo mismo de siempre’” ha usado mucho en sus directos y que es “súper baratito, pero ofrece sonidos básicos que pueden ir muy bien”. “Tuve que comprarme dos cajas de ritmo más porque había unos cuantos cacharros que tenían unos manuales muy gordos y si me ponía a intentar descifrarlos, la cosa se iba a alargar un año más. Aunque en el proceso usé bastantes elementos, yo mismo me restringía de algún modo y me decía ‘con esta caja y este sinte tengo que hacer este tema, con esta otra y este otro, este otro tema”. Consciente de que esa rutina tan absorbente, alargada en exceso, puede resultar insana, Talabot decidió poner punto y final cuando, al mirar de lejos el disco, veía un todo, un algo global que le cuadraba. “Un disco lo acabas cuando dices ‘basta’. Podrías estarlo perfeccionando eternamente y estás tan metido que pierdes el norte. Cuando me gustó lo suficiente y me di cuenta de que me estaba absorbiendo demasiado y de que tenía ganas de hacer otras cosas, decidí que era el momento de

cuando el pop de hoy en día se hace con muchísimos elementos electrónicos. Se oye mucho la coletilla de que la electrónica es ‘siempre lo mismo’, pero en realidad es el pop lo que suele ser ‘lo mismo de siempre’”. Pero, como el productor se encarga de remarcar, en realidad la oferta de nuestra escena electrónica es muy amplia y se pueden encontrar verdaderas joyas. “Yo sigo mucho a la gente de mi discográfica, Hivern. Suelen ser artistas raros, que toman riesgos, que se alejan de lo accesible, como por ejemplo Downliners Sekt, que estuvieron a punto de hacer algo tan importante como un tema para la banda sonora de ‘Cisne negro’. O sea que aquí igual son unos raritos pero fuera ese tipo de propuestas más arriesgadas tienen más aceptación. Es como el sello Tri Angle: si fuera español, le habrían caído una de hostias…”. ■ Virginia Arroyo “ƒin” está publicado por Permanent Vacation.

entrevista

La Débil Foto Rubén Cardeña

MondoSonoro · Febrero 2012 /25/

LA DÉBIL

TEN CUIDADO Cualquiera que haya visto a La Débil en directo en los últimos dos años podía imaginar que el listón de la banda a caballo de Madrid y Torrijos estaba mucho más alto de lo que nos había mostrado su primer disco, “Lucha perro” (10). “Sángrala” viene a confirmarlo, en una hora larga de salvajismo ilustrado.

C

uatro de los cinco miembros que componen La Débil a día de hoy se presentan en las oficinas del sello para hacer la entrevista. Piden disculpas en nombre del ausente y hasta me atrevo a decir que se sienten incómodos por no acudir en pleno. El grupo que una vez fue de Torrijos y ahora tiene a sus miembros diseminados por la geografía española (son las exigencias del mundo laboral…) funciona como un organismo autónomo, con entidad propia y una sola voz -polifónica, eso sí- que surge del debate constante e imparable entre Marcos, Ojo, Borja, Rubén y Pablo. Recoger sus respuestas aquí como si la entrevista hubiera tenido lugar con una persona en vez de con cuatro no sólo es consecuencia de la imposibilidad de poner un poco de orden en la transcripción entre tanto “dime” y tanto “direte”, sino el resultado de intentar plasmar sobre el papel la esencia de La Débil: primitivos (que se me entienda, por favor), viscerales, arrebatados y caóticos, pero, a pesar de todo ello, engrasados para bombear sonidos a pleno rendimiento, como un motor de pistones. “El grupo va a rachas, siempre activos pero con etapas en las que no es posible ensayar con intensidad. Cuando los cinco coincidimos en Madrid cogemos los coches, nos plantamos en el local de Torrijos y pasamos allí todo el día: comemos, hablamos mucho, vemos alguna película y, por supuesto, ensayamos. Es un espacio que no compartimos con nadie más pero que también utilizamos para dar salida a proyectos paralelos como RRRA! o Radiador”.

El planteamiento es lo más parecido a la estancia de Faust en Wümme que pueda estar una banda española que sobrevive como puede a la era del mp3. Entonces Polydor envió a la formación germana a unos estudios construidos a su medida para que entre vahídos de marihuana y carreras

por el bosque en pelota picada desarrollasen su creatividad y la plasmasen en discos históricos y aperturistas. Hoy las aspiraciones de Recordings From The Other Side (el sello) y las exigencias del grupo son mucho menores. “’Lucha perro’ no era propiamente un disco, sino una maqueta que registramos en un fin de semana y que en Reftos decidieron editar como disco. La situación ha cambiado porque ahora el sello nos ha pagado una grabación de dos semanas en un estudio a pleno rendimiento. Por primera vez hemos ido allí siendo conscientes de que íbamos a grabar un disco, que tendrá una repercusión mayor o menor, pero que cuanto menos va a estar en el mercado, y eso se tiene en cuenta, ¿sabes lo que te quiero decir?

El altar está hecho con más cariño, no sé muy bien cómo explicarlo…”. Posiblemente le resultase más fácil hacerlo a Carlos Toronado, componente de PAL, la primera banda que puso a Torrijos en el mapa de la música independiente y principal inductor del virus del ruido en la población toledana. “El sonido de La Débil es cosa suya, desde el primer día. Como productor no se limita a grabar y ya. Ha opinado, ha recomendado y hasta ha tocado en el disco, así que aunque no aparezca en la foto y sin ser un componente del grupo, Toronado forma parte de La Débil”.

E

n la sala en la que se hace la entrevista, sobre la mesa, hay dos grabadoras. Una por supuesto es la mía. La otra, un viejo modelo de cinta, es la del grupo y les acompaña allá donde van registrando conversaciones, ensayos, ocurrencias,... “Todo eso va formando una suerte de archivo diario que de cara a la grabación del disco se convierte en una de nuestras herramientas”. Son esa

suerte de interludios que hacen las veces de bisagra en el disco. “Son temas, tío, o mejor dicho ‘proto-temas’ que funcionan a la manera de un librillo de pasatiempos: sólo el escuchante avezado descubrirá lo que hay detrás. De repente entre esta canción y la otra Rubén se acuerda de una movida de hace un año y piensa que molaría un huevo introducirla precisamente ahí. Forma parte de nuestro ‘work in progress’, y los trabajamos igual que hacemos con el resto de temas… pero de otra manera.

Jugando bonito, al toque, tiki-taka tikitaka… Por ejemplo, esta entrevista: tal vez echemos mano de ella más adelante.

Por cierto, ¿a ti qué te parece el disco?”.

manera autónoma entre sí. Es lo bonito del vinilo, que puedes fragmentar la escucha. El disco empieza como un tiro, hacia la mitad se frena, los temas te trasladan a otros lugares, hasta que llegas a la recta final con ‘Rite Rite’, que tiene un poco de todo, comienza agresiva para volverse hipnótica, más yonkarra”. Un concepto básico para entender al grupo: la amalgama.

“Escuchas a Faust, a Can, Amon Düül II o Gong, estás tan tranquilo y cuando te vas a dar cuenta tienes a tu padre aporreando la puerta preguntándote qué coño está pasando ahí dentro. A mí eso me pasaba con el ‘Tago Mago’ y eso es algo que en España no se practica. No sé si has escu-

“Siempre que hemos entrado a grabar teníamos la sensación de que podía ser la última” Sé que al periodista no le conviene enseñar sus cartas. Además, los entrevistados son ellos y mi opinión no importa demasiado, al menos hasta el momento de plasmarla sobre el papel. Pero lo cierto es que tampoco me hago demasiado de rogar… Me lanzo a ello: “Lucha perro” no consiguió plasmar la intensidad del grupo en directo, algo que sí se ha logrado en esta ocasión. Aunque me quedo con la duda de si “Sángrala” podría haber llegado a resultar aún más impactante de haber sido menos generosos con el minutaje, concentrando sus treinta minutos más virulentos, un poco lo que viene a ser el primer tramo del disco con “Sángrala”, “Rosario”, “Averigua cuál” y “Ten cuidado”. Es la vieja metáfora de la supernova: un fogonazo antes de desaparecer para siempre. “Nuestra idea del disco era distinta. Debía tener sentido de arriba abajo, con las limitaciones del formato físico que inventó Vinilo. Don Vinilo. Cada cara dura veintidós minutos y a partir de ahí no nos queda más remedio que adaptarnos: ‘Rite Rite’ se iba hasta los treinta y no tuvimos más remedio que reducirla. La estructura era de un solo disco con cuatro caras que funcionaran de

chado el último disco de Faust -se refiere a “Something Dirty” (Bureau B, 11)-, tiene una capacidad acojonante para hacerte viajar por diferentes estados de ánimo.

Ni mucho menos pretendo compararnos con Faust, pero sí creo que La Débil puede funcionar a un nivel similar”. Bien, pero no sólo es eso. Al entrar a registrar “Sángrala” el grupo, esa entidad indivisible -por mucho que por el camino recorrido desde “Lucha perro” haya perdido a uno de sus, entonces, seis componentes- se ha enfrentado a un miedo que es natural en una formación que se sabe minoritaria, amateur a la hora de pasar la boina (que no cuando afronta sus canciones en directo o en el estudio). “Siempre que hemos entrado a grabar teníamos la sensación de que podía ser la última vez. Por muy bien que nos sintamos juntos. Y esa urgencia hace que entres a muerte, que no quede nada en el tintero. En este disco está todo lo que La Débil somos en este momento”.

■ Luis J. Menéndez “Sángrala” está publicado por Recordings From The Other Side/Popstock!

Lisab枚 Foto Dena Flows

entrevista /26/ Febrero 2012 路 MondoSonoro

MondoSonoro · Febrero 2012 /27/

entrevista

LISABÖ

ALTA TENSIÓN Convertidos por méritos propios en uno de los grandes referentes de las sonoridades más tensas y ariscas de nuestra escena, Lisabö vuelven con “Animalien Lotsatuen Putzua”, un disco que supone un nuevo puñetazo en el estómago, una experiencia que deja fatigado, pero mucho más que satisfactoria. Y es que Lisabö solamente hay unos.

R

econozcámoslo: cuando se nos encarga escribir sobre Lisabö, los que nos dedicamos más o menos a esto estamos encantados. Es el momento de hacer malabares con los adjetivos y la hermenéutica, de dejarse llevar por las arritmias de sus canciones, sus pulsiones y descargar adrenalina y mala hostia a base de metáforas y palabras. Eso sí, sobre el blanco inmaculado de una hoja word. Y uno se acuerda de las vanguardias añejas (me disculpen por favor por el oxímoron) y en concreto de Isidore

de los otros elementos o de lo hecho hasta ahora. Cada momento tiene sus piezas.

Para bien o para mal. Hoy por hoy estamos los que estamos. Ayer fuímos los que fuímos. Y... seguimos caminando. Todo cambia, todo continúa y avanza. En cuanto a los textos de Martxel, igual que ocurre en la parte musical, lo más importante no es el método empleado, sino el resultado.

La capacidad de poder transportar y evocar que tienen al leerlos es lo principal. Es

“Kortatu, Dut... siempre hemos estado rodeados de grupos que nos han enseñado mucho” Isou, del movimiento letrista que fundó a finales de los años cuarenta y que tuvo su gloria efímera durante la década siguiente. Si sus poemas “eran lamentos de un perturbado mental que veía el fondo del abismo, es decir, los de un Mesías que anunciaba una nueva era”, los textos de Martxel Mariscal, el sexto Lisabö, pueden ser su epígono muchos lustros más tarde. Por ejemplo, “Animalien Lotsatuen Putzua”. El mismo título del quinto disco de los guipuzcoanos (en castellano, “El pozo de los animales avergonzados”) nos enseña a un autor que libera la palabra del texto, como si éstas tuvieran prisa por salir y la fuerza centrífuga de la banda de Irún fuera la única forma de darles sentido. Sin los textos de Mariskal, Lisabö no sería lo mismo. Convocamos a Karlos Osinaga, responsable de la grabación, mezcla y masterización, además de cantante, compositor, etcétera, para que responda preguntas con la misma flema mecanografiadora. ¿Cuánto hay de escritura automática? “Los textos de Martxel marcan de un modo importantisimo los ultimos discos de Lisabö. Siempre hablamos de lo mucho que redondean cada cancion, incluso más que redondear, de cuánto las dotan de sentido. Por tanto sin sus textos Lisabö sería diferente. Como, y ni mucho menos sin despreciar el trabajo de Martxel, sería diferente sin cualquiera

normal sentir curiosidad en lo que respecta a cómo se ha hecho, cómo se ha gestado, pero a veces ser menos analítico te da más satisfacciones a la hora de recibir”. ¿Cantar en castellano o inglés estos textos restaría fuerza al grupo? “Entendemos hasta cierto punto la eterna cuestión acerca del idioma y todas sus variables, pero la respuesta es tan evidente como natural. Cantamos en un idioma que es en el que nos expresamos.

En el que Martxel escribe y se expresa con su máxima naturalidad. No hay una eleccion estética detrás de ello. Es nuestra lengua. Es más extraño pensar que cantáramos en inglés, por ejemplo. Eso, aunque lícito para quien quiera hacerlo, no sería tan natural en nosotros. Si esto suma o resta fuerza a todo, pues, realmente, ya sabes cuál va a ser la respuesta. No nos importa. Humildemente, no nos importa.

No hacemos las cosas tan premeditadamente”. Tampoco será premeditado dejar pasar un tiempo más que prudencial entre disco y disco (dos o tres años de media) ni que el cancionero se vaya reduciendo en número en cada trabajo. Estas pocas canciones, descontando singles y maxi singles, es lo más concreto que han editado nunca. Este reposo, ¿va en beneficio del oyente y de su extenuación o del propio músico?

E

Lisabö Foto Dena Flows

Lisabö: ACTO DE FE

“Si esto sucede quizás sea mejor que sea el oyente quien repose. Una canción puede verse, sentirse, de un color u otro. Puede ser extenuante o puede ser vigorizante.

Puede ser la suma de más canciones lo que resulte agotador. Incluso puede que esa conjunción sea lo que convierta al conjunto en algo energizante y eléctrico. No vamos a descubrir nada diciendo esto, pero cada persona tiene su ritmo, su momento vital.

Hay quien propone experiencias y quien las vive. Puede cambiar la percepción que la gente haga de lo que propongas, pero no el estímulo en si. Y eso, con nuestra música no es distinto que con la de cualquier otro”.

S

i al principio me marcaba un triple con los movimientos revolucionarios artísticos de mitad del siglo pasado, ahora podría proponer que la actitud inconformista y de indignación de Lisabö (materializada nuevamente en esa crudeza sonora) puede verse alimentada por el desencanto juvenil que ha llevado a media España a sentarse en plazas públicas. “No sabemos si la crudeza del sonido y la forma de verbalizarla es totalmente actual, la verdad. Ni siquiera que vivamos tiempos de revuelta no la suficiente, al menos. Pero respecto

términos estrictamente musicales, y sí en la manera de arriesgar y de plantear la creación desde un prisma distinto al habitual. “Se nos hace raro que una banda como Lisabö pueda ser una referencia a la hora de hacer musica, pero, nos ‘alegra’ de algún modo si así es. Y lo decimos básicamente porque no nos vemos como una banda precisamente muy muy popular, sobre todo a nivel de chavales... De todos modos, ya se sabe que es normal que bandas cercanas influyan más, como motor, que bandas de fuera. A nosotros nos ha pasado desde siempre y por suerte muy cerca de casa. Desde tiempos de Kortatu primero, de Dut después, etcétera. Siempre hemos tenido la suerte de estar rodeados de grupos y gente que nos ha enseñado mucho sobre cómo entender la música tal y cómo hoy en día la entendemos. Y esa es probablemente una de las cosas más importantes que hemos aprendido”.

El sonido Lisabö se ha consolidado a lo largo de una discografía sin grietas, fruto del trabajo de equipo. Ahora bien, falta saber si surge a partir de la improvisación o se cimenta sobre ideas fijas y meditadas. “El trabajo de creación y composición se realiza en gran parte en el local, durante los ensayos. Ahí tratamos,

“Cuando haces una canción solamente quieres que te diga algo” a lo que planteas, con todo el respeto: no imaginamos a alguien que se plantee este tipo de objetivos tan... tan pretenciosos y a la vez tan infantiles. Quien haga música sabrá entenderlo. Se trata de algo mucho más sencillo que todo eso. Al menos en nuestro caso y, por suerte, en el de mucha otra gente que tenemos cerca. Cuando haces una canción solamente quieres que te diga algo. No tiene mucho misterio. Lo que suceda luego, sucederá al margen de eso.

Poco más hay que hacer”. Pongo el contrapunto. Nosotros, los que escuchamos libremente su música, somos los que la interpretaremos a nuestro gusto, que para eso ha salido fuera. Da lo mismo que nuestra interpretación sea infantil, errónea o pretenciosa. Ahora bien, quienes seguimos de cerca la escena vasca sí podemos constatar que una caterva de músicos imberbes ha sido influenciada por Lisabö. Quizás no en

l tiempo pasa, el talento permanece. Lisabö eran ya una apisonadora de sudor y nervio cuando escribí sobre ellos por primera vez a propósito de “Ezarian” (2001), una obra que presentaba en sociedad a uno de los escasos y más grandes nombres que jamás haya dado el post-hardcore peninsular. Han pasado más de diez años –con obras tan ariscas y fantásticas como “Izkiriaturik Aurkitu Ditudan Gurak” (05) o “Ezlekuak” (07) por el camino- y aquí siguen, contra viento y marea, sin haber dado su brazo a torcer, sin haber domesticado su música, sin facilitarle las cosas al oyente, sin haber hipotecado su carrera en lo más mínimo.

Dicen los miembros de Lisabö que -como las buenas personas, apunto yo- aprendieron a ser lo que son gracias a sus amigos, pero tengo claro que también de nombres imprescindibles que marcaron su vida y la de muchos otros. Lisabö son nuestros Fugazi, nuestros The Ex, nuestros Shellac, nuestros Slint, nuestros Experience. Y

a partir de las sensaciones que nacen con lo que vamos tocando y grabando durante semanas o meses, completar estructuras mínimamente concretas que puedan incluir pasajes abiertos a cerrar posteriormente, pero sobre todo que no se distancien de la sensación inicial de cuando se ha tocado por primera vez. Como en cualquier proceso creativo o constructivo, una canción nunca se termina. Se llega hasta donde se llega, para bien o para mal. Por eso las canciones están vivas. De algún modo, es una especie de juego. Vas hacia donde te lleva la canción y hacia donde la puedes llevar tú. No es nada especial, es la vida misma”.

■ Álvaro Fierro “Animalien Lotsatuen Putzua” está publicado por Bidehuts.

eso es decir mucho. Lisabö son crudeza y dramatismo, libertad y músculos en tensión constante. Lo han sido siempre, pero Lisabö jamás serán muchas cosas. Nunca serán un grupo de canciones.

No les engañaré: me cuesta diferenciar un tema de otro sin entender euskera, situar una pieza concreta en uno de sus discos me supone esfuerzo, y puede que por eso no convertirán a muchos más a su causa, pasen los años que pasen. Pero todo esto no sería lo mismo sin ellos. Porque Lisabö llevan toda su vida siendo lo que quieren ser, sin importarles sonar densos, incómodos, desagradables para los oídos menos habituados, sin ser un oasis creativo en un punto en el que el tiempo se ha congelado en el mejor de los momentos posibles. Lisabö son un puñetazo emocional, un puñetazo poético.

Ni menos ni más. Tanto da que estemos en 2001, 2005 o 2012, la emoción no caduca. Cierto, el tiempo sí pasa, pero el talento –les decía- permanece. n Joan S. Luna

CONCIERTOS

/29/ Febrero 2012 · MondoSonoro

The Pains Of Being Pure Heart Foto Alfredo Arias

FNAC Music Festival Sala Palacio de Deportes de la Comunidad de Madrid Fecha 27-12-11 Estilo pop Público 8.000 personas aprox. Promotor FNAC 1112

Amaral Foto Juan Pérez Fajardo

Desde el jergón, o la grada del Palacio de los Deportes de Madrid, todo se ve de otra manera. El rock de estadios (o de pabellones) es algo que poco tiene que ver con un concierto. Es un espectáculo, y como tal hay que medirlo. Alrededor de 8.000 personas y casi seis horas de música en directo son unas cifras que no están nada mal para las fechas navideñas. Abrieron la noche The Noises, con tan sólo veinte minutos de actuación. Rápidos y eléctricos, dieron paso a Second. Sonaron limpios, aunque su propuesta sigue siendo algo demasiado blanda para los estándares del indie nacional.

Christina Rosenvinge, poco acostumbrada a escenarios de semejante tamaño, no empatizó demasiado con un público que no estaba por la labor. Ella tampoco, en honor a la verdad. Los brillantes temas de “La joven Dolores” sonaron desganados. Reinterpretó temas de Los Subterráneos –de manera interesante aunque con escaso éxito- como “Alguien que cuide de mí” o “Tú por mí”.

A mitad del festival, las cosas no estaban demasiado fáciles para Iván Ferreiro. Su propuesta es sencilla, pero efectiva, y sabe tirar de oficio. Intenso en temas como “Mi Munchausen” o “El equilibrio es imposible” junto a Santi Balmes, resolvió con eficacia a pesar del mal sonido y lo monocorde de su voz. El gallego es un músico que sabe transformar sus carencias en virtudes, y sus canciones sonaron muy diferentes a su trabajo en estudio. Tres temas de Piratas y una buena elección de los de su repertorio en solitario, sellaron una actuación

que si bien no fue memorable, dejó claro que se encuentra en un buen momento. Love Of Lesbian no tuvieron uno de sus mejores días.

Tal vez fuera el recinto, demasiado grande para un proyecto cercano, o que no tuvieran el día, pero han tenido noches infinitamente mejores.

Comenzaron con “Club de fans de John Boy”, Santi Balmes bajó a cantar entre el público en “Algunas plantas”, aunque le vinieron grandes algunos tics de rock de estadios. “Noches reversibles” sonó como en sus mejores momentos, cantaron con Ferreiro en “1999” y tuvieron su mejor momento al final, tocando en acústico “Allí donde solíamos gritar”. Tras los catalanes, saltaban al enorme escenario Amaral. Lo suyo está en otro nivel, aunque los temas de “Hacia lo salvaje” fueron recibidos con cierta frialdad. Se empeñaron en tocar el disco entero, y lo hicieron. Tal vez fuera un exceso, pero hay que reconocer el valor de que un grupo de sus dimensiones se permita el lujo de hacer lo que les dé la gana. El sonido era excelente, la banda más que competente, la voz de Eva espectacular pero… algo faltó. Comenzaron con “En sólo un segundo” y fueron creciendo en intensidad hasta terminar ya con la luces del Palacio encendidas. “Como un martillo en la pared”, con unas guitarras muy The Smiths, fue un momento álgido en una actuación enérgica en la que hubo espacio para temas más sosegados como “Olvido” o “Sin ti no soy nada”. Una marea de móviles, en lugar de puños en alto, acompañaba a “Revolución”. Tal vez los tiempos estén cambiando. O tal vez no. Fue raro. J. Batahola

THE PAINS OF BEING PURE AT HEART Sala Joy Eslava (Madrid) Fecha 9-1-12 Estilo pop Público lleno Promotor Houston Party 1111 Cuando haciendo cola para un concierto te encuentras al mítico Micky de “Enséñame a cantar”, nervioso, entrando en el recinto como una bala, no sabes qué pensar sobre lo que te espera dentro. A decir verdad iba con las expectativas a cero. Los discos de The Pains Of Being Pure At Heart me parecen correctos, curiosos pero poco más. Su empeño en sonar sucios como The Jesus And Mary Chain siempre me ha parecido muy descafeinado. El año pasado les había visto en tres ocasiones: una en el Circo Price en la que me parecieron ramplones, otra en el Día de la Música donde directamente me aburrieron por insulsos, solo les salvaba las muecas de una teclista hiperactiva, y por último en el Low Cost, donde, a tenor de lo anterior, pase fugazmente por su actuación (en este momento ya han sacado el hacha todos sus fans, pero no me importa). En cambio esa noche en la Joy Eslava me demostraron que aún se pueden dar sorpresas. Cuando todo parece perdido salen bandas así que quieren comerse el mundo sobre las tablas y se lanzan con temas como “Belong” que abre su último disco, del mismo título, y te descargan un torrente de electricidad moviéndose más en cinco minu-

tos que en todos los conciertos que he visto de ellos. Estaba claro que Kip Berman (voz y guitarra) estaba dispuesto a todo, se sintió poseído por el espíritu de My Bloody Valentine e hizo una descarga de electricidad que no paró de moverle en todo el concierto a excepción del bis, “Contender”, que interpretó a solas casi en acústico. Entre medias cayeron unos cuantos temas que bien podrían haber firmado The Smiths sin ruborizar a Morrissey o The Cure en momentos de oscura felicidad.

El público llenó la sala y en primera fila podías ver una chica con una camiseta de Nirvana junto a un chico que parecía sacado de un concierto de Hola A Todo El Mundo y otro que lucía orgulloso una camiseta de Héroes del Silencio. Todos juntos cantando y embelesados temas como “This Love Is Fucking Right!”, “Young Adult Friction” o “My Terrible Friend”. Para finalizar el concierto escogieron “Strange”, el mismo corte con el que terminan su último álbum. Curiosa elección que fue la única puntillita que les pude sacar esa noche. ¡Ah, esta vez ni me fijé en Peggy Wang (teclado y voz), ese icono gafapasta que recrea sueños húmedos a una buena parte de los presentes! Eso debe ser buena señal. Alfredo Arias

The New Raimon Foto Edu Tuset

CONCIERTOS /30/ Febrero 2012 · MondoSonoro

THE NEW RAEMON Sala Apolo (Barcelona) Fecha 13-1-12 Estilo rock Público lleno Promotor BCore

Jugando en casa y con una sala que rozaba el pleno, el concierto de The New Raemon fue carburando poco a poco. Tras un inicio algo titubeante en el que la banda no acababa de trasmitir del todo el peso de tres guitarras, teclado y violín, fue precisamente el mini-set acústico, en el que Ramón Rodríguez se queda solo sobre las tablas, el punto de inflexión del bolo, y “Tú Garfunkel” la canción que sirvió para que se incorporara de nuevo la banda sacando, ahora sí, el pleno rendimiento a sus instrumentos. Una bola de sonido que lograba por fin uno de esos momentos en el que el vello se te eriza en una reacción espontánea, que es al fin y al cabo lo que todos andamos buscando de una forma u otra a la hora de ir a un concierto.

Y lo cierto es que la propuesta de The New Raemon tiene suficientes canciones para lograr reacciones parecidas en los espectadores, pero no sé por qué extraño motivo no acaba de rematar la jugada, y no logro entender por qué canciones como por ejemplo “Por tradición”, con ese maravilloso estribillo que aúna emoción y épica, no acaban de desarmar mis argumentos

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del todo. En algún momento me encuentro pensando que debería alargar más los temas y darles otro sentido sobre el escenario, darles más vida instrumental, una mayor profundidad y no cortarse, por ejemplo, a la hora de engarzar con alguna versión ya sea de AC/DC o Chris Isaak, en lugar de apuntarlas en forma de guiño. Y es que temazos como “Consciente hiperconsciente” o “Soñar la muerte”, de su infravalorado tercer álbum (mi favorito y que coloco a la altura del primero) tienen pegada suficiente para dejar fuera de juego a cualquiera.

Lo curioso es que, mientras yo afirmo esto, otros pueden pedir todo lo contrario y lo que más les gusta de Raemon es su cara más intima, la más lírica, la que da importancia al cúmulo de emociones que reflejan sus letras por encima del envoltorio instrumental. Y así, entre dos aguas, se mueve su propuesta, con lo que desgraciadamente ni unos ni otros acaban por salir satisfechos del todo de un concierto que, pese a todo, resulta de gran volada y demuestra el excelente estado de forma de nuestra escena. Don Disturbios

GENIUS/GZA Sala Apolo (Barcelona) Fecha 25-1-12 Estilo rap Público 500 personas aprox. Promotor Caprichos de Apolo

Dentro de la discografía Wu-Tang, “Liquid Swords” (Geffen, 95) es un trabajo esencial, para muchos una obra incluso por encima del debut del clan “Enter The Wu-Tang (36 Chambers)” (Loud, 1993) quizás por su capacidad para concentrar de forma definitiva el espíritu marcial que siempre inspiró la música y filosofía de la banda en un trabajo con un sonido tan personal y definido que cualquier álbum posterior de The Genius ha salido escaldado en la comparación. Estamos hablando de uno de los mejores discos de la historia del rap, así que parece justificada en esta ocasión esa cosa tan de hoy en día que ha llevado a muchos otros artistas a interpretar ciertos discos de forma íntegra. En Barcelona, GZA no sólo demostró que el filo de sus espadas todavía sigue afilado, también se reivindicó como uno de los MC’s más dotados de Wu-Tang Clan, sosteniendo el concierto él solito. Porque si en la primera parte del show se concentró en su álbum más célebre, saltándose la mayoría de skits –algo que la mayoría agradecimos-, en la segunda recorrió una carrera llena de grandes rimas, tanto en solitario como con la banda que contribuyó a formar junto a sus primos RZA y Ol’ Dirty Bastard, para el que tuvo un recuerdo en forma de homenaje. GZA estuvo ágil, lanzándose entre el público para recorrer media sala, y, cuando ya nadie lo esperaba, subiéndose de nuevo al escenario para un largo bis.

Joan Cabot

GZA Foto Hara Amorós

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CONCIERTOS /33/ Febrero 2012 · MondoSonoro

MASTODON Sala La Riviera (Madrid) Fecha 23-1-12 Estilo metal Público lleno Promotor Last Tour International

Hay que admitir el status que ha adquirido la banda de Atlanta al comprobar el gran poder de convocatoria alcanzado entre los acólitos del metal y el rock. De hecho, su salto de Relapse a una multinacional como Warner habla de su nueva condición de estrellas del rock. Solo bastaba con observar la descomunal hilera que contorneaba la sala de la ribera del Manzanares para darse cuenta que han mutado en una banda apta para el gran público. Toda una paradoja si uno se atiene a lo díscola que resulta a veces su intrincada propuesta. Y es que si en un principio, la actuación se iba a realizar en la céntrica discoteca Joy Eslava, la apabullante demanda obligó a cambiar de emplazamiento ante las lógicas limitaciones del aforo.

Camisetas a diez euros con la portada de “The Hunter”, el álbum que presentaban ante la audiencia, y latas de cerveza bien frías en los alrededores de la entrada, constituían buenos reclamos antes de enfrentarse a unos teloneros de lujo como eran Red Fang. Su stoner-rock de alto voltaje solo se vio lastrado por el minutaje, apenas media hora rácana de actuación, y por las obvias limitaciones de potencia sonora en detrimento de los cabezas de cartel. Aun así la actitud y la entrega vieron compensadas la balanza a su favor. Los sonidos orquestales que precedían a “Dry Bone Valley” anticiparon la épica con la que iniciaron su incursión Mastodon. Uno de sus números más líricos sirvió para prender la mecha de un concierto que fue adquiriendo mayor nitidez en un sonido bastante apagado y opaco en su primera mitad. La gravedad de “Black Tongue” dio paso a “Cristal Skull”, con esas percusiones lo-fi en su inicio y una posterior cabalgada heavy metal en toda regla.

Siguieron con “I Am Ahab”, una de las canciones insignia de “Leviathan”, el álbum en el que homenajeaban la figura literaria creada por Herman Melville, la ballena blanca Moby Dick. Los aires iniciáticos de math-rock de “Capillarian Crest” mostraron una de las mejores bazas progresivas de los de Georgia. Habría que destacar los impactantes juegos de luces que se movían en todas las direcciones del escenario jugando con una gama de colores cálida que basculaba entre el azul,

el verde y el rojo. “Colony Of Birchmen” retrotraía a una psicodelia con tintes grunge, que volvió a encender el piloto progresivo con “Megalodon”, otro claro exponente del buen hacer instrumental de los norteamericanos. “Thickening” viró a los ambientes densos y pantanosos que se disiparon con la furia melódica de “Blasteroid”, con unas melodías dignas de los mejores Foo Fighters y un entramado instrumental cargado de quiebros rítmicos para quitarse el sombrero. “Sleeping Giant” volvió a los derroteros de un rock complejo con cierto deje a los primeros King Crimson o Gentle Giant. “Ghost Of Karelia” rebajó la intensidad del metrónomo para envolver la pista con aires crípticos. “All The Heavy Lifting” recuperó el indomable desparpajo y las esencias puramente roqueras del cuarteto.

A partir de ese momento el sonido se asentó y adquirió una mejor definición y empaque. “Spectrelight” subió las cotas de ferocidad con elementos similares al de ese metal nórdico que tan bien ensamblan The Haunted. Los riffs proto-heavys de “Curl Of The Burl” remitían a la oscuridad de los primeros Black Sabbath. “Bedazzled Fingernails” dejó al descubierto la imaginería que les hizo acreedores de militar en un sello como Relapse, junto a titanes progresivos como Don Caballero o Dysrhythmia. La inquina volvió de la mano de la agresiva y epatante “Circle Of Cysquatch”, que no cedió en intensidad de la mano de “Aqua Dementia”, sinuosa como una escurridiza serpiente. No faltaron en la cita temas emblemáticos de la talla de “Crack The Skye”, con ese inicio caballeresco digno de una saga de la Edad Media, o “Iron Tusk”, una de sus creaciones más reconocibles. Por no hablar de los endiablados dibujos de guitarra de “Where Strides The Behemoth”, donde se aprecia mejor el impacto que ha supuesto el death-metal en los de Georgia. Cerraron la noche la triada de “March Of The Fire Ants”, la sinfónica “Blood And Thunder” y “Creature Lives”.

El balance no pudo ser más alentador: lleno hasta la bandera y respetable entregado hasta la médula, y que no cesaba de corear sus temas más populares. En resumen, una noche de rock sin concesiones. Miguel Ángel Sánchez Gárate

Mastodon Foto Juan Pérez Fajardo

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Vienen de: Barcelona, Argentina y Colombia Publican: “10” (Cavernicola Records, 12) En la onda de: Gogol Bordello, Fabulosos Cadillacs, Manu Chao

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The Seihos Foto Montse Martín

umplirán diez años en marzo y eso, para un grupo que nació en la calle y sin más pretensiones que disfrutar con la música, es un auténtico logro. También se acercan peligrosamente a los mil conciertos y eso será algo a festejar. Por lo pronto celebran este décimo aniversario con su quinto disco en estudio y de título autoreferencial: “10”.

En él, esta banda de excelente directo, nos muestra nuevas

The Seihos Vienen de: Barcelona Publican: “Two” (Warner, 11) En la onda de: Vampire Weekend, The Strokes, Phoenix A estas alturas de la película, The Seihos pueden sonarles por dos motivos: los más fieles recordarán que fueron banda demoscópica de MondoSonoro hace un par de años. Los más avispados se habrán dado cuenta que su bajista, Martí Maymó, es –¡sorpresa!el bajista de Manel, ¿o deberíamos decir que el bajista de Manel lo es de The Seihos? “No sabríamos decir si tenemos un Manel entre nuestros miembros o los ‘Manel’ un ‘Seiho’ entre los suyos... ¡con The Seihos llevamos tocando más de diez años ininterrumpidamente!” Sea como sea, lo mejor de todo es que a partir de ahora si oyen hablar de este cuarteto de barceloneses no será ni por proyectos paralelos ni por plataformas trampolín, sino por el discazo que tenemos entre manos.

“Two”, un segundo largo que se canta en inglés y suena a algo así como… ¡demasiado complicado! Dejemos a los protagonistas que nos lo cuenten: “Vampire Weekend, The Strokes o Oasis han sonado largas horas en nuestra furgoneta, pero también ‘Graceland’ de Paul Simon, Bob Dylan, The Beach Boys, Velvet Underground o artistas más recientes como Phoenix o The Dodos”. De todos ellos guardan algo, se nota que se han ido empapando a partes iguales del brit pop, el indie rock o el afro-pop, la mágica mezcla, eso sí, la han acabado de pulir con músicos del calibre de Childo Tomás o Arnau Vallvé –vaya, otro Manel-. Estamos, sin duda, ante una banda rodada y de directo que en “Two” tiene muchos argumentos para girar y llenar, si quieren, claro está. ■ Yeray S. Iborra

caras de su música. Che Sudaka nacieron en Barcelona, aunque sus músicos sean argentinos y colombianos. Son hijos de la autogestión, regalan sus canciones y gracias a su constancia y a sus intensos conciertos se han convertido en un grupo totalmente internacional. Han visitado veintitrés países de cuatro continentes y “10” les llevará (por ahora) a cuarenta ciudades de diez países europeos. Pero ¿este disco es especial? “Lo es, pero lo hemos tomado como el resto. Descubre una parte de nosotros y de los momentos vividos, esa parte reflexiva por los diez años pasados, pero la filosofía sigue siendo disfrutar con lo que haces, sino no merece la pena”. Ahora se enfrentan al handicap de la mayoría de grupos, donde

cada nuevo disco es un desafío y “la vida empieza otra vez”, como ellos dicen. En este han querido acordarse de todos los que les hicieron amar la música y a través de ellos seguir creando lo que es el sonido Che Sudaka. Sus amigos Gogol Bordello acuñaron el término “immigrant punk” que les definiría, aunque su ADN se manifiesta sobre todo en las voces, el acordeón y en sus letras combativas. En la portada de “10” se ve por fin a los “culpables” de las canciones. “Era el momento de dar la cara. Es una foto que muestra lo que es una mañana de nuestra vida, cuando llegamos al aeropuerto o después de bajar de la furgoneta, con nuestros inseparables flight cases. Ese es nuestro hábitat natural”. ■ Miguel Amorós

Cerebral Foto Archivo

Che Sudaka

Quien creyera que Pau Guillamet se había alejado de su faceta de cantautor más austero estaba equivocado. Eso podría parecer a ojos del mundo tras “Fang”, pero no a ojos de Guillamino. “A nivel sonoro tal vez haya cierta distancia, pero las canciones están ahí igualmente, sólo que vestidas con hombreras en una particular relectura de mi época como adolescente, la que llevo marcada a fuego, la de la Barcelona pre-olímpica”.

Tal vez el catalán con más ‘flow’, seguramente el músico barcelonés más camaleónico, el único capaz de mezclar la electrónica con la sardana (con permiso de Raph Dumas y viceversa) o preparar unas campanadas con el reacTable: para Guillamino no hay limitaciones, ni fronterizas ni conceptuales, ya que “Manzanita podía ser muy funkie si quería o Lionel Ritchie nada cuando no le apetecía”. Ahora vuelve a su terreno, el de los teclados de chicle y los sonidos de lata, todo con mucho ”Fang” (analogía de funk en catalán). “El ‘fangkie’ es toda aquella música que lleva incorporada una pulsación, un ‘feeling negroide’, con agresividad en el ritmo y coletillas vocales, expresamente bailable”.

Sobre estas bases se asienta el octavo disco de Guillamino, un largo de sonidos fríos pero coloristas, sintéticos pero centelleantes, los que se pueden conseguir jugando en analógico, ya sea con un Casio cz-5000 o un Prophet: sus cachivaches fetiche. Ha anunciado que este año, cada día 12, nos presentará bocados de un nuevo álbum.

■ Yeray S. Iborra

Guillamino Viene de: Barcelona Publica: “Fang” (Bankrobber, 11) En la onda de: Prince, Stevie Wonder, Pet Shop Boys

Che Sudaka Foto Archivo

/34/ Febrero 2012 · MondoSonoro

Cerebral Vienen de: Sevilla Publican: “Última etapa” (Spyro Records, 2011) En la onda de: Foo Fighters, Bush, Sôber.

Guillamino Foto Archivo

escaparate

El nuevo paso adelante en la carrera de Cerebral, con su disco “Última etapa”, fue una de las mejores noticias para el rock alternativo andaluz en el pasado 2011. Según Jesús Chávez, líder de la banda, este nuevo trabajo “se gestó con mucho cariño, pero desde luego no creo que sea el disco definitivo. Estoy seguro de que la consolidación de la banda hará que el próximo sea mucho más maduro, completo y trabajado”.

El power trio sevillano explota en este trabajo una receta mágica sobre las que nos dan ciertas pistas. “Siempre solemos basar nuestra base rítmica en la batería, el bajo y la guitarra, pero los detalles en la electrónica y las voces trato de cuidarlos mucho, para dar un sello característico. Vemos la electrónica como un miembro más de la banda, ni más ni menos”.

Una banda que factura rompepistas como “Esto es todo” con el mismo virtuosismo que canciones intensas y directas (“Eres electricidad”) o de tintes contundentes y oscuros (“Su mundo interior”).

Su variado material les ha llevado a girar por Europa, dejando buen sabor de boca en sus distintas paradas. “La experiencia ha sido provechosa y alentadora, pues la respuesta del público nos ha sorprendido gratamente. Tanto en Florencia como en Londres nos han tratado muy bien en todos los sentidos.

Además, el hecho de cantar en español no nos ha supuesto ningún problema”. Su nuevo paso es conquistar definitivamente España. Y con sus argumentos, no es necesaria la suerte.

■ Rojas Arquelladas

escaparate

The Birkins Foto Archivo

MondoSonoro · Febrero 2012 /35/

The Birkins Vienen de: Gran Canaria Publican: “The Birkins” (El Genio Equivocado, 2011). En la onda de: Serge Gainsbourg, David Bowie, The Walkabouts

Elastic Band Vienen de: Granada Publican: “MooD” (Chesapik, 12) En la onda de: The Go! Team, The Pinker Tones, Cornershop

L

os granadinos vuelven a la carga en un nuevo movimiento de reinvención constante, indagando en los caminos menos transitados del pop. Como un collage pictórico, “MooD”, su segundo álbum, ofrece una chispeante panorámica de la música popular. Pero, ¡ups!: Pablo Román le da un descanso a la mandolina eléctrica.

“La mandolina no llegó a entrar en el estudio. Los arreglos de este disco se ajustan más a lo que pide cada canción. Con la mandolina, todo resultaría muy forzado. La recuperaremos en directo, cuando toquemos temas del álbum anterior”, explica Román, que asume el timón de la nave con María Sánchez (Monalisa, Los Térmicos). “Ella ha intervenido en todo el proceso de grabación y en la producción del disco. En los arreglos y en las mezclas”. El músico granadino habla mucho del colectivo animal de Panda Bear a lo largo de la charla.

Aunque también de Lady Gaga, Rihanna, M.I.A. o Lily Allen.

Ejemplos de mainstream en frasco heterodoxo. “Aquí, lo comercial es demasiado convencional. La música

Dolores Vienen de: Madrid Publican: “Disco póstumo” (Origami, 11) En la onda de: El Columpio Asesino, Ataque de Caspa, Desechables La opera prima de Dolores, “Disco póstumo”, es pop de intensidad malsana iluminado a base de claroscuros. Un disco homogéneo a pesar de sus puntuales escapadas kraut; seco y directo, pero trabajado con tesón de artesano. Parece que jugaran al despiste, pero es que Dolores se encuentran cómodos explorando los contrastes. “Yo siempre he defendido el trabajo en casa, con tranquilidad y tiempo. En el local de ensayo siempre te va a salir algo más rabioso”, apunta Juan Rodríguez, creador de la mayoría de unas canciones que se benefician de un reparto de tareas ejemplar. “Teresa se encarga de las letras, melodías de voz e imagen gráfica. Pablo Costa adapta las canciones al directo y Tahiche Guillén produce. Tenemos muy claro lo que nos gusta”. El interesante apartado lírico de Dolores, otro de sus puntos a favor, remite a la tradición mítica española y su cargamento de llagas y tormentos. “No todo se reduce a imaginería religiosa”, matiza Teresa, “pero me parece interesante cómo afloran sentimientos como la culpa y el pudor en una sociedad desprovista presuntamente de sentimientos religiosos. Se trata de una reflexión sobre la fe enfocada desde distintos ángulos”. Uno diría que se encuentran más cerca del simbolismo hermético de San Juan de la Cruz que de los referentes musicales con los que les han asociado apresuradamente. “Yo no me siento nada identificada con el sonido ochentero y la onda siniestra con la que a veces nos relacionan”. ■ Javi Pulido

alternativa española se ajusta a patrones muy clásicos”. Román, por su parte, bebe de las fuentes comunes, deconstruye las piezas, las manosea y crea su obra. Una obra bastarda y disparatada. “Títulos como ‘Giving Advice’, ‘Trust Her’ o ‘Sixx’ podrían funcionar como singles. ‘Not There’ tiene algo de la música ochentera.

Es una época muy rechazada, pero hemos encontrado hallazgos muy interesantes, composiciones de gran nivel. En los ochenta se hicieron muy buenas canciones y nosotros nos hemos cansado un poco de los sintetizadores psicodélicos más envolventes.

Durante la grabación de ‘MooD’ hemos descubierto sonidos más digitales, redescubriendo esa década tan repudiada”. A diferencia de “Boogie Beach Days”, aquí hay menos playa y más noche. “El primero estaba repleto de llamadas de atención. ‘MooD’ es bastante más ecléctico. Nuestra intención era hacer canciones muy variadas. Quizá, el álbum ha salido más heterogéneo de lo que pensábamos. Puede que se deba a los tiempos que vivimos. Nos cansamos de escuchar dos canciones iguales. No somos capaces de tragarnos un disco entero del mismo estilo, necesitamos estímulos continuos. Puede parecer pretencioso por nuestra parte, pero, ¿por qué no intentarlo?”.

■ Eduardo Tébar

Elastic Band Foto Archivo

Dios, o quienquiera que rija en su Carolina del Norte natal, le concedió a la menuda Sallie Ford una gran voz, algo que contrastara con su personalidad algo tímida. Si lo piensas bien, no hay tantas grandes voces ahí fuera. No como las de Sallie, que provoca comparaciones con Bessie Smith o Aretha Franklin, palabras mayores. Y luego están las canciones, sus guiños al rockabilly y al country añejo y un debut altamente prometedor, “Dirty Radio”, que es el causante de nuestra conversación. Sallie Ford y sus The Sound Outside están en Rennes, donde esta noche actúan durante la segunda jornada del festival TransMusicales. “Al principio no teníamos ninguna expectativa. Empecé a tocar yo sola cuando me mudé a Portland en 2006. Poco después conocí al grupo, a través de un amigo, excepto a Jeff (Munguer, el guitarrista) al que encontré tocando en la calle. Si tenemos la oportunidad de convertir la música en nuestro modo de vida, intentaremos aprovecharlo. Es mejor que volver a la universidad o trabajar de camarera”. Algo que, de hecho, era a lo que se dedicaba antes de que su nombre empezara a sonar. Ford luce vestidos antiguos, como si hubiera aparecido en el presente directa desde los años cincuenta, y es casi obligatorio preguntar cuánto hay de proyección en todo ello. “Cuando canto, no soy realmente yo la que canta, sino quien me gustaría ser, aunque no creo que pueda considerarse actuar en el sentido teatral. En realidad, es algo muy sincero. No pienso demasiado en qué visto y en cómo me comporto, aunque es evidente que tengo una fijación con la ropa antigua. Excepto mis gafas. Mis gafas son nuevas”.

■ Joan Cabot

Sallie Ford & The Sound Outside Vienen de: Portland, Estados Unidos Publican: “Dirty Radio” (Fargo/Naïve, 11) En la onda de: Wanda Jackson, Patsy Cline, Ezra Furman & The Harpoons

Sallie Ford & The Sound Outside Foto Archivo

Dolores Foto Archivo

El toque Birkin. El grupo define así esa particularidad de esta banda grancanaria de nombre evocador y música simplemente pop. Y sí, la verdad es que podría ser la mejor manera de delimitar el brillante mundo que se plasma en un fantástico estreno discográfico. Daniel Machín, vocalista y compositor del grupo, trata de buscar esa ubicación que casi nadie descubre. “Creo que la clave está en alejarse un poco de lo que está aconteciendo, dejando a un lado los postulados estéticos del pop y el indie, o al menos de lo que se entiende y espera de esos términos. Permitir que la creación sea concebida como un periplo interior en el que dejamos vislumbrar el verdadero yo”. Ahí queda eso. “The Birkins” es un disco de bellas canciones (cantadas en inglés y francés), grandes arreglos, eficaz proceso de producción (grabado por Paco Loco), un trabajo que trasciende los parámetros actuales de la música (efectismo, hype, distancias cortas) y en el que colaboran ilustres como Dayna Kurtz o Roger Manning Jr. ¿La canción es la dictadora? Responden a la gallega. “Sí y no. Para cualquier músico la máxima manera de expresión y de dar rienda suelta a sus inquietudes se canaliza a través de la canción. Sin embargo, somos un grupo de esos que siguen viendo los discos como una obra completa, de las que se deben disfrutar en todo su conjunto. Para nosotros cada detalle es importantísimo, desde la secuencia en la que las canciones están ordenadas hasta el diseño de la portada”. ■ Job Ledesma

“

Eilen Jewell Foto Jacobs

No nos gusta poner límites a la hora de crear.

Más bien lo tomamos como un campo abierto donde todo puede funcionar en un principio. Nos dejamos llevar por los estados de ánimo, la experiencia y las influencias de cada uno, por el azar y por

Eilen Jewell Vienen de: Idaho (Estados Unidos) Publican: “Queen Of The Minor Key” (Signature Sounds, 11) En la onda de: Lucinda Williams, Dayna Kurtz y Billie Holiday Apareció de puntillas en el panorama de la música americana para ser uno de los pilares de una generación que sigue sustentando la herencia de Johnny Cash o Dusty Springfield. Eilen Jewell edita “Queen Of The Minor Key”, un trabajo que ha subido el listón de su predecesor “Sea Of Tears” con toques amargos pero luminosos. “Mis canciones reflejan sin duda donde estoy en mi vida: lo que estoy escuchando, cómo me siento, lo que está pasando a mi alrededor… Creo que es inevitable que las piezas de mi vida vayan a terminar en mis canciones. Aunque las canciones en sí no son muy autobiográficas”. Oscuras pero con esperanza, incluso incitando al baile, como en el caso de “Bang, Bang, Bang”. “Me gustan las canciones oscuras que se pueden bailar. Una gran cantidad de blues y música country se basa en ese elemento, y eso es lo que he escuchado mientras crecía, así que supongo que esas influencias han calado en mí”.

El álbum atesora catorce canciones de corta duración, pero no por ello faltas de calidad. Retazos de country y rockabilly que se mimetizan con el blues y el jazz. ¿Se puede decir mucho con una canción corta? “Sí, la sinceridad siempre es mejor que simplemente seguir una fórmula. Yo trato de ser honesta y servir a la canción. A veces tengo mucho que decir y otras veces sólo un poco”. Y entre todas esas cosas que tiene que decir hay hueco para el recuerdo español con “Radio City” y “Kalimotxo”. ■ Charly Hernández

labor un tanto difícil si tenemos en cuenta las dificultades de su lugar de origen. “Cuando empezamos era más difícil, puesto que hacíamos una música más drónica, espesa y de desarrollos muy largos y a la gente le costaba asimilarlo. Pero la cosa ha ido cambiando desde hace unos años y el público en general está más abierto y acostumbrado, sobre todo gracias a Internet”. Puede que gran parte de culpa la tenga la labor realizada hasta ahora por Foehn. “Bandas como Balago o Úrsula siempre han sido referentes para nosotros, por lo que estamos muy contentos e ilusionados de poder editar con ellos”. ■ Francesc Feliu

Limnopolar Foto Archivo

Vienen de: Santa Cruz de Tenerife Publican: “GAF y La Estrella de la Muerte” (Foehn, 11) En la onda de: Can, The Black Heart Procession, Sonic Youth

lo que nos puedan aportar distintas herramientas o instrumentos que, en muchas ocasiones son los verdaderos culpables de esas ‘fluctuaciones estilísticas’. Cada sonido o simplemente una textura te aporta una visión nueva y abre nuevas posibilidades”. Así define Kurajica Mladen, líder de esta numerosa banda, los principios que rigen su fuerte apego por los crisoles estilísticos. “Cada uno le da más importancia a unos elementos que a otros. Lo que hemos hecho hasta ahora se podría describir como música rizomática, expansiva y flotante con sus pequeñas dosis de veneno, locura y trance”. Al fin y al cabo, una

Acid house, electro pop, EBM, industrial, electro... Ese es el background musical de Dinamo Azari y Alixander III y el punto de partida del sonido de Azari & III, banda que crearon hace unos años y que practica una divertidísima mezcla de old-school house y ritmos disco con ganchos synth-poperos. Su fórmula, basada en el beat y la inmediatez, rehúye los corsés estilísticos, especialmente el que más les adjudican, el del house. “No somos una banda de house”, declara, taxativo, Alixander. “De hecho, yo no soy muy fan del house como género: tiene elementos que me gustan y otros que no. Seguramente en mi vida he disfrutado bastante más de la música industrial porque tenía un mensaje de desconfianza y rebelión contra el status quo que iba más conmigo, y no esa actitud tan asociada al house de estar contento a toda costa y bailar hasta que tu decadente vida llegue a su fin”. Y es que, aunque sus ritmos tengan algo de la sensualidad del house, sí que evitan caer en su discurso hedonista y conformista, como se intuye en su contestataria “Hungry For The Power”. “Somos conscientes de la corrupción que hay en el mundo que nos rodea, ya sea en la comida que comemos, en la política, en la religión o en el aire que respiramos”, argumenta Dinamo. “Así que permaneced alerta y pasad a la acción u os encontraréis pronto en un grave peligro. ¡Ánimo, tenéis el poder!”.

■ Virginia Arroyo

Limnopolar Vienen de: Zaragoza Publican: “Limnopolar” (Delicias Discográficas, 11), En la onda de: Mogwai, Godspeed You Black Emperor!, Cocteau Twins

Azari & III Foto Archivo

GAF y La Estrella de la Muerte

Azari & III Vienen de: Canadá Publican: “Azari & III” (Coop/Music As Usual, 11) En la onda de: Hercules & Love Affair, Tiger & Woods, Art Department

GAF y La Estrella de la Muerte Foto Archivo

ESCaparate /36/ Febrero 2012 · MondoSonoro

Limnopolar sorprendieron con las habilidades mostradas la temporada pasada dentro del prestigioso concurso zaragozano Muévete, en el que además significaba su estreno sobre las tablas. “Nos presentamos allí y la verdad es que fue un buen debut”. Unos meses después su maqueta fue elegida como la mejor de la temporada por la redacción aragonesa de esta casa. “Hemos tenido que seguir un ritmo que nos ha obligado a avanzar a pasos agigantados”. “Limnopolar” es la primera referencia de la banda, y cuenta con una solidez y profesionalidad inhabituales para un grupo novel. “Teníamos clara la producción cuando fuimos al estudio: queríamos que desde el primer momento se supiera que somos un grupo de rock”. El resultado es efectivamente una contundente y sólida sacudida de post-rock en castellano. “Te influye todo lo que escuchas, incluso una película o una foto. Pero al final prestamos especial atención a grupos de postrock, math-rock o progresivo que nos sorprenden como oyentes”. Una colección de cinco cortes complejos y extensos que requieren conscientemente de la paciencia del oyente. “No menospreciamos al público dándole las cosas mascadas”.

Precisamente el proceso ha concluido con la elaboración de un disco conceptual. “El concepto es el viaje, el recorrido, la aventura, el paisaje... todo está basado en vivencias y emociones pero dejando que cada oyente lo interprete a su manera”. ■ Raúl Julián

Moksha Foto Archivo

MondoSonoro · Febrero 2012 /37/

Space Ranger Vienen de: Stuttgart, Alemania Publican: “What About The Magnetic Fields?” (Lovemonk, 11) En la onda de: Tiger & Woods, Todd Terje, Holy Ghost

Moksha Vienen de: Sant Celoni (Barcelona) Publican: “Sang de roure” (Bcore, 11) En la onda de: Botch, Zao, Napalm Death

mos esperar al momento adecuado para lanzarlo y sentimos que el álbum es una banda sonora veraniega perfecta, por lo que no queríamos publicarlo en invierno”. Si bien es cierto que las cálidas noches de julio se antojan ideales para sumergirse en “What About The Magnetic Fields?”, esa mezcla de música disco y house espacial que practican estos germanos en su debut es altamente disfrutable en cualquier época del año y en cualquier ambiente. Su hábitat natural, no obstante, sigue siendo el club. “Los tres nacimos alrededor de los setenta o finales de los sesenta, por lo que nuestra socialización musical estuvo muy influido por las producciones de los ochenta y sobre todo los noventa.

Pasamos un montón de fines de semanas en clubes, bailando y pinchando. Primero nos dedicamos a conocer y disfrutar la música electrónica para luego crear algo nuevo a partir de ello”.

House venido directamente desde el espacio exterior.

■ Virginia Arroyo

Willis Drummond Foto Goñi

Muchos son los discos que hasta la fecha han editado los chicos de Moksha, pero nunca antes uno con las letras íntegramente en catalán. “No ha cambiado nada ya que Funu siempre acostumbra a encajar las letras una vez hecho el tema. Por ahora seguimos con la dinámica de siempre a la hora de trabajar”. Quizá sea hora ya de que su mensaje llegue con más facilidad al público. “En principio las letras tienen un significado personal, pero esta vez sí que podemos encontrar alguna pincelada anticapitalista, supongo que es inevitable en los tiempos que corren. Pero ante todo prevalece la acústica”. Y es que en el apartado musical se nos muestra una banda urgente y explosiva, con mucho más nervio que en alguna de sus últimas referencias. “Nos motivan continuamente las bandas con las que tocamos o escuchamos. Moksha siempre va en busca de aire fresco y fuertes sensaciones. Supongo que últimamente escuchamos más grind y crust de lo habitual y eso se nota en el resultado”. Aunque si hay algo con peso específico es su aterrizaje en B-Core. Un fichaje a partir del cual el sello va a hacerse cargo de su carrera y que da opciones a esa tan esperada posibilidad de que, por fin, su momento haya llegado. “La verdad es que no nos lo hemos planteado.

Sabemos que estamos en uno de los mejores sellos a nivel estatal y seguramente habrá cambios a mejor. Tengo muy buenas vibraciones, solo falta ver cómo reacciona la gente y a partir de ahí veremos”. ■ Francesc Feliu

F

lorian Pflüger, Rino Spadavecchia y Felix Stecher son tres Dj’s veteranos de la escena alemana que decidieron unir fuerzas hace algo más de diez años para poner del revés las pistas de su Stuttgart natal. Fueron primero Florian y Felix quienes, allá por 1998, se juntaron bajo el nombre de Dublex Inc, produciendo y componiendo hasta que dos años más tarde Rino se sumó a este proyecto que sería la semilla de unos Space Ranger que verían la luz en 2009. De su nacimiento a este verano, cuando se publicó su primer largo, han mediado tan sólo un par de deliciosos Ep’s. “¡Ha sido culpa de la maría y las mujeres! (risas)”, se defiende un divertido Felix. “No, en serio. El disco estaba acabado en otoño de 2010, pero quería-

escaparate

Willis Drummond El cuarteto Willis Drummond nos trae su tercer disco de estudio, que según su guitarrista Rafa: “presenta los temas que compusimos durante el año pasado. Yo diría que es rock, a ratos un poco más ambiental que en nuestros discos anteriores y con más sitio para la voz. A más de uno le ha sorprendido, pero escuchándolo un poco más le ha convencido”. Por un lado grabaron todos los instrumentos y por otro las voces. “Era la primera vez que grabábamos así y el resultado nos parece bueno”. Tanto en los títulos de varias canciones como en sus letras hay constantes referencias al concepto del tiempo. El encargado del diseño fue Ramón M. Zabalegi, quien se percató del asunto y lo reflejó en los engranajes de la preciosa portada. Por otro lado, sus objetivos son sencillos: “hacer música que nos gusta, pasarlo bien y que nos vayan saliendo más bolos y mejores”. No les preocupan las barreras idiomáticas, cada vez menos importantes.

“Hacemos lo que tenemos ganas de hacer y cantamos en euskera porque es nuestro idioma, no nos planteamos si va a ser más difícil lograr algo o no. Nuestras metas son hacer un buen grupo, intentar mejorar y pasarlo bien, y la verdad, no nos podemos quejar”. Asumen las influencias de otras bandas, “pero nunca intentamos sonar como tal o cual grupo”. De ahí que, en la furgoneta de gira, se escuche desde Motörhead a Beasts Of Bourbon, desde Shannon Wright a The Drones. ■ Tom Hagen

Concebido como una continuación de “Money” (Tomlab, 08), en el que el colectivo neoyorquino liderado por el músico y videoartista Matthew Mehlan establecía las bases para posteriores conciertos con la Skeletons Big Band, “People” demuestra una vez más la agilidad del grupo a la hora de solapar registros, saltando del pop experimental al free-jazz, y absorber todo tipo de influencias. “El proceso ha durado más de lo previsto y en el camino se ha evaporado algo de la idea inicial, pero ambos están relacionados, tanto por sus similitudes como por lo que los diferencia”, explica Mehlan, actualmente enfrascado en el proyecto Congotronics vs. Rockers junto a Deerhoof, Wildbirds & Peacedrums y Juana Molina, entre otros. “Para ser honesto”, añade, “creo que todas nuestras canciones son pop y, de hecho, me sorprende que se diga lo contrario. Hay versos y estribillos, calma y clímax, ritmo y melodía en todas ellas. El primer impulso es ante todo hacer una buena canción pop, aunque puede que tomemos caminos atípicos”. Una de esas vías es la improvisación, incluso en lo referente al aspecto lírico de las canciones, aunque Mehlan quita importancia asegurando que “la improvisación es sólo otra acepción de ‘composición’ y de hecho la composición es en cierto sentido una forma de improvisación”. En la música de Skeletons también caben influencias de la world music, pero también de “ópera china, kora, canciones balinesas” y también ritmos y riffs directamente tomados del afro beat y afro jazz. “Intentamos no imitar nada en concreto. Me dejo influenciar por todo tipo de músicas, pero a la vez intento que la música de Skeletons vaya más allá de lo mímico”. ■ Joan Cabot

Skeletons Vienen de: Nueva York (Estados Unidos) Publican: “People” (Crammed/Karonte, 11) En la onda de: Tortoise, Fela Kuti, Deerhoof

Skeletons Foto Archivo

Vienen de: Pais Vasco francés (Baiona) Publican: “Istanteak” (Bidehuts, 11) En la onda de: Fugazi, AC/DC, Pearl Jam

Space Ranger Foto Archivo

VINILOS DEER TICK

“Divine Providence” Partisan/Houston Party

ROCK

111

Tras un álbum de la exhuberancia instrumental y la unitaria coherencia de su anterior disco “The Black Dirty Sessions”, sorprende sobremanera que Deer Tick vuelvan a la actualidad con un trabajo tan deslavazado como este. Y lo hace porque, aunque tengamos la certeza -demostrada en sus directosde que John McCauley es un cafre de tomo y lomo, no deja de sorprender que se haya dejado llevar por una serie de canciones demasiado básicas en su clásica estructura rocanrolera como para tomárnoslas totalmente en serio. Deer Tick han sacado a pasear su lado más gamberro, su vertiente más borrachuza y punkarra, lo que les hace estar de vuelta de todo. Tan de vuelta que a buen seguro les importará un soberano pepino como acoja la crítica, un cuarto trabajo que no pasa de ser un curioso artefacto para dotar a sus directos de un buen número de cortes que incitarán al desenfreno. Temas directos, sin aderezos ni sofisticaciones, que se podrían situar a mitad de camino entre Rocket From The Crypt y Drive By Truckers, aunque también del espíritu de unos Ramones intoxicados por The Rolling Stones. Don Disturbios

SMITH & BURROWS

“Funny Looking Angels” PIAS

POP

1114

¿Qué hacen el líder de Editors y un We Are Scientists y exbatería de Razorlight juntos en un mismo disco? Pues muy simple, se visten los dos de negro, se cuelgan unas alas blancas y se ponen a cantar temas en clave navideña. Pero la gracia de todo esto es que no son adaptaciones al uso, puesto que tanto pueden escucharse es esas fechas tan señaladas –que a mí particularmente me gustan tan poco-, pero también en cualquier otro momento del año. El tratamiento de las voces, los coros, el juego que da el piano, los instrumentos de cuerda, todo ello se entremezcla con aparente naturalidad, sin desvaríos ni pretensiones que sean vanas. “When The Thames Froze” y “Funny Looking Angels” son dos temas preciosos, los que están escritos de su puño y letra que están más logrados. Luego llega el turno de las versiones, con “On And On” de Longpips y el “Only You” de Yazoo como buenos escaparates, pero por encima de cualquier otro está “Wonderful Life” de Black, en una interpretación que merece cualquier adjetivo superlativo que te imagines. Toni Castarnado

JOHNNY WINTER “Roots”

Megaforce

BLUES

1111

Bien es cierto que el bluesman albino lleva muchísimo tiempo sin publicar nuevas composiciones, aunque esta nueva entrega tampoco está compuesta por temas propios. De hecho son todo versiones, pero se agradece que Johnny Winter entre en un estudio de grabación para así dignificar su discografía,

/39/ Febrero 2012 · MondoSonoro

maltratada por paupérrimas re-ediciones.

“Roots” es la vuelta a los orígenes, a las raíces, tal y como su propio nombre indica, pues es un homenaje a Robert Johnson, Elmore James, Muddy Waters y tantos otros que marcaron en su pálida piel las huellas del blues. Para la ocasión se ha rodeado de los mejores, tanto amigos como compañeros. “Done Somebody Wrong” junto a Warren Haynes o “Honky Tonk” a dúo con su propio hermano, Edgar Winter, son los platos fuertes de este largo. Algunas piezas ya formaron parte de su repertorio en directo, tal es el caso de “Got My Mojo Workin’” o “Dust My Broom”, que finalmente quedarán registradas para el recuerdo. Un elenco excelente que va desde Derek Trucks hasta Sonny Landreth pasando por Paul Nelson, serán el santo y seña de un trabajo que –ojalá- no sea un epitafio. Charly Hernández

lana del rey, La hora de la verdad

THE CURE

“Bestival Live 2011” Sunday Best/Pias

POP

111

Ante la ya más que preocupante falta de ideas, Robert Smith lleva casi una década reivindicando en directo el legado de su etapa siniestra. El culmen, esa serie de conciertos bautizados como “Reflections” en los que la banda recupera (¡milagro!) a Lol Tolhurst y repasa íntegramente y por estricto orden “Seventeen Seconds”, “Faith” y “Pornography”. Entremedias The Cure ofrecieron el pasado 10 de septiembre una actuación en el Bestival de Isla de Wright con una formación compuesta por Robert Smith, Simon Gallup, Roger O’Donell y Jason Cooper, similar a la que presentaron a su último paso por Madrid, con O’Donell en el lugar de Thompson -esto es, más presencia de teclados y menos guitarras-. Ese concierto es el que se publica ahora mismo en CD, a la espera de que Smith cumpla su promesa y vea la luz en DVD. Un repaso a toda su carrera -tan sólo “Wild Mood Swings” y “Bloodflowers” se quedan sin representación- que si de algo peca es de exceso de maquillaje. Irónico tratándose de The Cure, pero un mal que no nos coge de nuevas: ya afectó a las mezclas de sus cuatro directos oficiales anteriores.

Luis J. Menéndez

DAWES

“Nothing Is Wrong”

Lana Del Rey Foto Archivo

LANA DEL REY “Born To Die”

Interscope/Universal

114 POP Si bien es difícil acercarse a la música de Lana Del Rey sin referirse a la desmesurada atención mediática y a los ríos de tinta que ha hecho correr Elizabeth Grant (su verdadero nombre) sobre la polémica de si es o no un producto de marketing ultra diseñado para alcanzar el éxito, este humilde plumilla va a hacer un ejercicio de constricción. Vamos, que en esta crítica juzgaremos solo las canciones que incluye “Born To Die”, segundo disco de la cantante. Pues bien, a los que esperaban que Del Rey salvara el cada vez más insípido mainstream, alguien que fuera capaz de coger el testigo de la llorada Amy Winehouse (quizás

la pop star más auténtica y genuina en unas cuantas décadas), decirles que de momento la cosa se queda en un quiero y no puedo. Dejando de lado los tres resultones singles previos, “Blue Jeans”, “Video Games” y “Born To Die”, y canciones como la coqueta “Radio”, lo que ofrece “Born To Die” es un monstruo de Frankenstein bastante descafeinado más cerca de Vaya con Dios, Smoke City o Hooverphonic, que de los primeros Portishead. Y es que aunque Del Rey y su equipo de productores sean fans del “Dummy”, no copia el que quiere sino el que puede. Por cierto, de Nancy Sinatra & Lee Hazlewood y de Julee Cruise & Angelo Badalamenti ni rastro. De hecho nunca lo hubo. No me gusta tirar de tópicos pero hay uno que viene como anillo al dedo para concluir esta crítica: aunque la mona se vista de seda mona se queda.

Xavi Sánchez Pons

ATO

AMERICANA

1114

A los críticos nos gusta emitir sentencias de esas que dejan bien claro desde el principio qué opinión nos merece el trabajo de un artista. Pues bien, si queréis una bastante gratuita (en el fondo todas lo son) os podría decir que este es el disco que The Jayhawks deberían haber grabado para alumbrar en condiciones más que satisfactorias su retorno a la formación original. Un compendio de buenas canciones, ejecutadas según los patrones más clásicos de la americana (aquí el término sí cobra su sentido más pleno) y que, pese a acercarse de forma muy peligrosa al cliché mil veces repetido (no solamente por los de Gary Louis, sino también por Eagles o The Doobie Brothers), digamos que salen airosos gracias a composiciones como “Time Spent In Los Angeles”, “Coming Back To A Man” o la esplendorosa “If I Wanted Someone”, un tema que se ha convertido en uno de mis favoritos de la pasada temporada. ¿Otra sentencia? No inventan la sopa de ajo, pero bordan esa reiteración de la canción mil veces escrita e interpretada. Don Disturbios

en la onda

Nancy Sinatra

Vaya Con Dios

Lady Gaga

11114

14

111

“Boots” (1966)

Es lo que tienen las notas de prensa, pones que Lana del Rey es la nueva Nancy Sinatra y la comparación se extiende como un virus en los mass media. Respaldada por un Lee Hazlewood brillante a la producción, Sinatra es la prueba que se puede ser una cantante con carisma y personalidad a pesar de no contar con composiciones propias.

“Night Owls” (1990) Hay muchas canciones de “Born To Die” que, por momentos, parecen versiones del “What’s A Woman”, tema con la que esta banda de jazz pop belga se convirtió en favorita de M80 de forma perpetua. De inspiración sesentas, Vaya Con Dios y Lana Del Rey fracasan a la hora de extraer el verdadero espíritu de esa década.

“The Fame” (2008) Comparten sello y el hecho de haber subido al estrellato gracias a una brillante campaña de marketing. Lana Del Rey viene a ser una Lady Gaga para gafapastas, y es posible que, a pesar de haber publicado un debut discreto, como le pasó a la neoyorquina, acabe llenando grandes recintos. Aún es un melón por abrir. Xavi Sánchez Pons

vinilos /40/ Febrero 2012 · MondoSonoro

el renacimiento de joe crepúsculo HÉROES DEL SILENCIO

“Live In Germany” EMI

ROCK

Joe Crepúsculo Foto Eskenazi Encursiva

JOE CREPÚSCULO “El caldero”

Mushroom Pillow

1111 POP Se podría decir que Joe Crepúsculo lleva un par de años buscando reinventarse tras esos dos celebrados estallidos de talento que fueron “Escuela de zebras” y “Supercrepus”. Primero el notable “Chill Out” y después el irregular “Nuevo ritmo”, presentaban a un Joël Iriarte que apostaba claramente por sonidos más orgánicos, dejando un poco de lado las cajas de ritmos y los pregrabados que le convirtieron en la gran esperanza blanca del indie patrio más inclasificable. En el caso de “El caldero”, el catalán ha regresado a su época de Juan Palomo, encargándose al

JIM WARD

“Quiet In The Valley, On The Shores The End Begin” Xtra Mile/Popstock!

POP

11

Primer disco en solitario del veterano Jim Ward, conocido principalmente por ser miembro fundador de At The Drive-In, pero figura principal también en bandas como Sparta o Sleepcar. El álbum en sí es una compilación de los tres antiguos Ep’s aparecidos desde el 2007 unidos a seis versiones eléctricas de temas que aparecen en la primera parte del disco.

El resultado final es, siendo benevolentes, bastante flojo. Ward se deja llevar en exceso por los estándares y la colección final de canciones resulta monótona y terriblemente poco original. Folk-pop pausadito y tranquilo, guitarra calmada y pocos acordes, coros femeninos de buhardilla, arreglos simplones de banjo y piano…

Ningún tema sobresale por encima del anterior ni tampoco del que vendrá después.

Las revisiones eléctricas de la parte final del álbum dan un poco de aire al trabajo, pero, también aquí, Ward fracasa, con acercamientos sonrojantes al pop más empalagoso y mediático como en la azucaradísima “Mistery talks” o el tema final, “Decades”. Daniel Arnal

parecer él solo de la producción y grabación del disco, y ha armado un trabajo que es capaz de sonar diferente a todo lo que ha hecho antes y, a la vez, terriblemente personal y reconocible dentro de su cáustico imaginario, ese que va de la canción romántica a lo José Luis Perales (“Enséñame a amar” y “Si tú no estás”), a las enigmáticas divagaciones existenciales (“La higuera”), pasando por el costumbrismo más bizarre (“La Sagrera”, “Una semana con los polis”). Y es que el Joe Crepúsculo de “El caldero” viene a ser una versión slowcore del que disfrutamos en “Supercrepus”, pero con menos canciones y más concentrado en dar a cada tema lo que necesita. Aquí ganan las composiciones y no la pose freak (a excepción de “Quan tothom ja s’ha marxat”). Una suerte de renacimiento que debería volver a colocarle en primera línea. Xavi Sánchez Pons

HIGH PLACES

CHARLES BRADLEY

Thrill Jockey/Popstock!

Dunham/Daptone Records

“Original Colors” POP

“No Time For Dreaming” 1111

¿Era esto a lo que High Places apuntaban desde su álbum de debut? Han desaparecido los rastros de exotismo, pero el dúo sigue creando una música de una abrumadora belleza apoyada en el efecto inquietante que genera la aparente disparidad entre los frenéticos beats de Rob Barber y la voz distante y ensoñadora de Mary Pearson. Puede que sus canciones te recuerden en algún momento a algunas cosas de Chromatics, Saint Etienne o Cocteau Twins -su influencia más evidente, junto al sonido 4AD en general-, pero escuchando “Original Colors” es fácil pensar que High Places son un mundo en sí mismos. Lo habremos escuchado antes, pero pocas veces nos habrá producido el mismo efecto narcotizante. El dub en clave perezosa de “Morning Ritual”, la hipnótica “Sonora”, o los flirteos tech-house de “Banksia”, pero sobre todo la cautivadora atmósfera del conjunto, muestran a un grupo que ha sabido sobreponerse al paso en falso que supuso su segundo trabajo y entregar una obra relevante sin que necesariamente eso signifique volver a la casilla de salida. Joan Cabot

SOUL

1111

Imposible disociar la música de Charles Bradley de su azarosa biografía. Nacido en 1948 en Gainesville y criado en Brooklyn antes de emprender un largo viaje por esa anónima América que tan bien reflejan algunas de sus canciones, alternando su trabajo como cocinero y su afición a la música, un fuego encendido en su interior después de que su hermana lo llevara a uno de los célebres conciertos de James Brown en la Apolo en 1962.

Su voz podría haber quedado en el anonimato, pero tras volver a Nueva York el destino –o la persistencia- le ofreció una nueva oportunidad cuando Gabriel Roth, co-fundador del sello Daptone y The Daptone Kings, asistió a uno de sus recitales. Tras grabar un par de singles con Daptone, Bradley empezó a colaborar estrechamente con Thomas Brenneck, compositor de casi todas las canciones de un debut en el que el cantante de sesenta y tres años es capaz de condensar todo el sufrimiento y anhelo de los que han nacido y morirán pobres. “The World”, “Golden Rule” y “Why It is So Hard?” te golpean con una fuerza abrumadora, un genuino vendaval de pérdida y miseria que, por lo general, te pone los pelos de punta. Joan Cabot

1111

Con este nuevo CD/DVD se superan ya, entre directos y recopilaciones oficiales, las cuatro referencias originales en estudio de la banda zaragozana. Un ejemplo más de la explotación a fondo del catálogo del que para muchos sigue siendo el mejor grupo de rock que ha dado nuestro país. En esta ocasión se exhuma un concierto de la gira de “El espíritu del vino” grabado para la televisión germana, el país europeo que mejor les acogió más allá de nuestras fronteras. Se encontraban en esos momentos en la cúspide de su etapa más compleja, antes de abandonarse al rock duro sin contemplaciones de su postrero “Avalancha”. La asimilación del rock gótico de los ochenta –The Mission, The Cure, etcétera-, su fusión con las enseñanzas de grandes referentes latinoamericanos como Soda Stereo y sus propias aportaciones se ensalzan en unos temas que en directo se despojaban de las sutilezas aportadas por Phil Manzanera y ya mostraban la derivación hard rock del cuarteto. El repertorio difiere significativamente del que podíamos encontrar en el concierto de “El ruido y la furia” perteneciente a la misma gira, grabado cuatro meses antes en el Palacio de Deportes de Madrid. Si bien como muestra del grupo en vivo sigue siendo mejor “Tour 2007”. Robert Aniento

de “Follow The Leader”, hasta el juego de capas, efectos y melodías de “Issues” o el brillante “Untouchables”, llegando hasta “See You On The Other Side”, producido por The Matrix y Atticus Ross, con ritmos netamente bailables y el más cercano a éste “The Path Of Totality”. No estamos hablando precisamente de una banda acomodaticia. Digo esto porque, claro está, mucha gente se ha llevado las manos a la cabeza con la incursión de Korn en el dubstep. No deja de ser lógica cierta sospecha al tratarse de un estilo en boga, pero a priori no resulta una fusión tan descabellada. Máxime cuando los de Bakersfield se han asociado con algunos de los máximos y mejores exponentes de este subgénero, léase el pujante Scrillex, Noisia, Excision o Kill The Noise. Otra cosa es que los resultados no siempre acaben de cuajar. Justamente son las más contundentes “Let’s Go” (producida por Noisia) y “Get Up!” (conducida por Skrillex) las que mejor funcionan –el amasijo de samples y ritmos retorcidos de su tramo final, junto con el pegadizo estribillo, suman la mejor pista del disco-. Un trabajo extraño pero aventurado, que podría gustar a los seguidores de cierto tipo de dubstep y que nos deja algunos momentos interesantes. David Sabaté

NANDO CABALLERO I L’ORQUESTRA DEL LLANERO SOLITARI “Dolors i maldecaps” La Produktiva Records

POP

HANK 3’s

“Cattle Callin”/“Gutter Town” / “Attention Deficit Domination” / “Ghost To A Ghost” Hank3/Megaforce

COUNTRY-EXPERIMENTAL

14

Por muy inquieto que sea uno, no acabo de explicarme todavía cuál es la motivación que ha tenido Hank 3 para editar a la vez cuatro discos totalmente distintos en cuanto a contenido y a cual más bizarre. Porque más allá del desafío artístico-económico que supone tal proeza, no se entiende como alguien puede llevar tan lejos una broma de este calibre, a juzgar por unos contenidos que pueden vacilar entre el freaky rock ultrarápido y superpuesto con voces de subasta de ganado de “Cattle Callin” -plúmbeo- a la dudosa combinatoria de country fronterizo y vanguardismo de “Gutter Town” –raro pero soportable-, pasando por la cruda aspereza metálica de “Attention Deficit Domination” –indigesta y reiterativa- al notable country-bluegrass de “Ghost To A Ghost” –paradójicamente el menos arriesgado pero más interesante del conjunto-. Un festín poliédrico, feísta y arriesgado, convertido por méritos propios en una empanada de tomo y lomo. Francesc Feliu

KORN

“The Path Of Totality” Roadunner/Warner

METAL

111

Korn han experimentado suficientes metamorfosis a lo largo de su carrera como para que nadie se escandalice con su última muda de piel. Con otros grupos se entendería la estupefacción, pero no con los de Jonathan Davis. Desde la profundización en el hip hop

11

Los críticos, ¿músicos frustrados? Habladurías con bastante fundamento en la mayoría de casos, pero ahí están las excepciones para confirmar la regla: Nando Caballero dirige un programa de radio desde hace más de una década, toca el bajo con El Sobrino del Diablo y publica con su proyecto homónimo.

Si en 2010 se atrevía con “Vuit dissabtes d’hivern”, ahora es el turno de “Dolors i maldecaps”, algo más animado, con algún destello rock (sin virguerías) y sonidos sintéticos y espaciales. Un disco de pop sin complicaciones, bastante plano casi siempre y entonado casi nunca (con excepciones como “Una cançó d’amor més”). Si bien Caballero busca y encuentra su voz, su propia forma de narrar, en ciertos momentos (“Nit de Sant Joan”) y su estética continuista (sencilla y icónica) le acompaña, sus letras pecan de exceso de clichés costumbristas: difícil destacar hablando de la ciudad y las relaciones interpersonales. Yeray S. Iborra

GLISSANDO*

“Ermites, cançons i com somiar en meteorits roses” Discmedi

POP

114

Plantear este disco como una balanza ligeramente desequilibrada es hacer justicia a la carrera discográfica de Glissando. La irregularidad ha marcado a una de las bandas que más piedras pusieron para construir el panorama alternativo catalán del que disfrutamos en la actualidad. Ellos lo saben, era arriesgado vestir este trabajo variopinto donde los haya: conviven en relativa paz revisiones de Sopa de Cabra (“Camins”), NIN –vía Johnny Cash- (“Malferit”/“Hurt”) o Bon Iver (“En contacte…”/”Flume”), temas que en ciertos momentos anhelas se respete su originalidad: mal presentimiento. Eso sí, en “Ermites, cançons i com somiar en meteorits roses” también encontramos covers que ya han nacido como nuevas canciones –el mejor piropo que se le puede echar a una versión-: la bienhallada “Dorm” (Quimi Portet) o la más sorprendente “Cuques de llum” –sí, sí, “Fireflies” de Owl City-, un acierto incontestable. Yeray S. Iborra

MondoSonoro · Febrero 2012 /41/

top10

vinilos

EL CUENTO DE HADAS DE FLORENCE + THE MACHINE

internacional

RUSH

“Time Machine. Live In Cleveland 2011” Roadrunner/Divucsa

ROCK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

MARK LANEGAN “Blues Funeral” 4AD/Popstock!

MIDDLE BROTHER ”Middle Brother”

Partisan/Houston Party

WE HAVE BAND “Ternion” Naïve

THE MACCABEES “Given To The Wild”

Fiction/Music As Usual

HOORAY FOR EARTH “True Loves”

Coop/Music As Usual

DIE ANTWOORD “Tension”

Coop/Music As Usual

THE BIG PINK “Future This”

4AD/Popstock!

TRUST “TRST”

Arts &Crafts

STEVE AOKI “Wonderland” Ultra

ALEX WINSTON “King Con”

1111

Hace ya tiempo que ha quedado enterrada la costumbre del trío canadiense de cerrar sus diferentes etapas con un directo que glorifique sus cuatro trabajos anteriores de estudio. Desde “Snakes & Arrows” en el 2007 y pocos meses antes de que aparezca “Clockwork Angels”, su esperadísima nueva referencia de estudio, Geddy Lee, Neil Peart y Alex Lifeson han dilatado su discografía con unos cuantos directos, coincidiendo con diferentes onomásticas. 2011 coincidía con el treinta aniversario de su álbum más exitoso, “Moving Pictures”. En el doble que lo rememora los canadienses recorren su personal abanico estilístico y vuelven a rubricar su relevancia a base de actitud y rigor artístico. En la primera parte del set, clásicos de su etapa ochentera inéditos hasta ahora en sus directos, como “Time Stand Still”, “Presto” o “Marathon”, se mezclan con favoritos inexcusables –“The Spirit Of Radio”, “Free Will”- y “BU2B”, uno de los temas que formarán parte del nuevo disco. Un segundo tercio con la ejecución de “Moving Pictures” al completo –gloriosa “The Camera Eye”- y final de fiesta con otro adelanto, “Caravan”, el habitual solo de Neil Peart (“Moto Perpetuo”) y otras joyas de colección como “Closer To The Heart”, “La Villa Strangiato” y “Working Man”. Pletóricos como siempre, solo nos queda seguir disfrutando de estas nuevas muestras de sus excelentes directos, mientras esperamos que alguna vez se decidan a visitar por fin nuestro país.

Robert Aniento

V2/Music As Usual

top10 nacional SIGUR RÓS

Florence + The Machine Foto Archivo

FLORENCE + THE MACHINE “Ceremonials” Island/Universal

1114 POP Vuelve la pelirroja de las piernas más largas con un disco que explora todavía más, si cabe, un universo onírico plagado de seres espectrales. Luces y sombras mucho más densas que en su debut “Lungs”; menos sobresaltos y menos lugar para la improvisación. Las canciones se resuelven con épicas escaladas y coros de tintes gospel que, junto a los omnipresentes y efectivos arreglos para cuerda, piano y percusión, arropan la impresionante voz de Florence Welch. “Ceremonials” es un cuento con introducción, cuerpo y desenlace que se sumerge en el amor, el miedo y lo desconocido. Una historia orquestada para emocionar.

Y como toda buena historia que se precie, está llena de matices. Hay lugar para explosiones contenidas, estribillos vitalistas (“Shake It Out”), ecos oscuros y saltos al vacío (“No Light, No Light”). Florence ha querido demostrar que lo suyo no es flor de un día y deja la inmediatez de los hits de su debut a un lado (los hay, pero menos, “Heartlines” y “Spectrum”), para liderar una propuesta más elaborada y más homogénea. Se desmarca así de toda esa escena femenina tan abundante hoy en día y ahonda en ese sonido propio, en el que cohabitan influencias tan variadas como Kate Bush o (“Never Let Me Go”), Patti Smith o rivales potenciales como Marina And The Diamonds. El disco cuenta con ocho temas extras, entre versiones acústicas para el lucimiento de su voz, demos y algún descarte nada despreciable con bases casi dubstep (“Remain Nameles”).

Marta Terrasa

“Inni” Pias

POST-ROCK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

LISABÖ

“Animalien Lotsatuen Putzua” Bidehuts

JOHN TALABOT “fin”

Permanent Vacation

LA DÉBIL “Sángrala”

Recordings From The Other Side

EVANGELISTAS

“Homenaje a Morente” El Ejército Rojo

KLAUS & KINSKI “Herreros y fatigas” Jabalina

JOE CREPÚSCULO “El caldero”

Mushroom Pillow

JUANITA Y LOS FEOS “Pesadilla adulta” Munster Records

BISCUIT

“Memorabilia” La Castanya

NIÑOS MUTANTES

“Hundir la flota” (avance) Ernie Producciones

LA BUNDU BAND “Cat Samurai” Kasba Music

1114

En el campo de las emociones, de sensaciones casi espirituales que durante más de una década nos han acompañado a un inhóspito limbo terrenal, la discografía de Sigur Rós continúa siendo una obligada receta para todos aquellos que desean purificar su alma. La banda se mantiene en un parón creativo que nadie sabe cuándo concluirá (y más teniendo en cuenta que Jónsi probó las mieles del éxito en solitario en 2010 y que se acaba de lanzar a las bandas sonoras), pero a la espera de que vuelvan a dejarnos catar un nuevo largo, han decidido plasmar en un doble cedé + DVD uno de sus últimos directos. “Inni”, grabado en 2008 en una de sus paradas en el londinense Alexandra Palace, rompe de cuajo la delicadeza que desprendía su celebrado primer testimonio visual, “Heima”. Aquí no hay espacio para reinterpretaciones desnudas de sus éxitos, tal como puede apreciarse en “Svefin-g-englar” o “Ný Batterí”, las cuales suenan con un mayor empaque rockero respecto a sus versiones de estudio al prescindir de embellecedores acordes de acompañamiento y reducir todo al formato de cuarteto. Más allá de la falta de sorpresas para engatusar a los fans acérrimos (la inédita “Lúppulagid” no da la talla con su patrón ambiental), siempre nos quedará el complemento visual del álbum, dirigido por Vincent Morisset, que -en una granulosa factura arty en blanco y negro- nos sumerge a un escenario repleto de fantasmagóricos claroscuros que debería poner los dientes largos a aquellos que no hayan tenido ocasión de ver a los hijos pródigos de Islandia en acción. Sergio del Amo

DMZ

“Radio Demos + Lyres live at Cantones” Munster

ROCK

1111

Si hiciéramos una encuesta sobre las ciudades musicales más representativas de la historia del pop y el rock, todo el mundo diría Nueva York, Seattle, Manchester, Glasgow, Londres… Pero muy pocos nombrarían a Boston. La capital del estado de Massachussets, entre otras muchas cosas, fue cuna de gran parte de los estilos que dominaron la música pop estadounidense de finales de los setenta. Apunten: el power pop, el revival garage y la new wave con bandas como The Cars, Jonathan Richman And The Modern Lovers y DMZ. Estos últimos, que luego dieron lugar a los garageros de The Lyres, además de tener en sus filas a David Robinson (años después guitarra de The Cars), son los protagonistas de esta reseña, ya que Munster edita en España un goloso recopilatorio de demos grabadas antes de publicar sus referencias oficiales con Bomp! Records y Sire.

Aún sin domesticar y con una euforia y rabia casi adolescentes, las doce canciones que incluye este compacto son doce hits breves, guarretes y veloces que son el ABC del punk pop con pelotas. Xavi Sánchez Pons

CHILDISH GAMBINO

GIULIA Y LOS TELLARINI “L’arrabbiata”

“Camp”

Maik Maier

Coop/Music As Usual

POP

114

La formación barcelonesa capitaneada por la vocalista Giulia Tellarini resultó relativamente popularizada tras su inclusión en la banda sonora de la (mediocre) película de Woody Allen “Vicky, Cristina, Barcelona”. El numeroso combo publica ahora un nuevo disco que pretende funcionar como manual para agrupar géneros y estilos diametralmente alejados de preocupaciones, vergüenzas o prejuicios. Un fin parcialmente conseguido a lo largo de una docena de temas que, al mismo tiempo, generan a su paso un batiburrillo sonoro que lejos de sazonar las sensaciones del oyente consiguen irritar la escucha con frecuencia. “L’arrabbiata” es un álbum bien construido e interpretado, correcto dentro de sus vistosas coordenadas multiculturales y lingüísticas que, sin embargo, echa de menos la mayor concreción de un destino que evite el descomunal vaivén del trayecto. Los saltos circenses aquí contenidos no logran contagiar las sensaciones imaginadas por sus autores, y transforman lo que podría haber sido una emocionante aventura en un inofensivo viaje hacia ninguna parte. Raúl Julián

HIP HOP

11

La peor maniobra que puedes realizar si quieres emular las andanzas de Kanye West o Drake es, precisamente, intentar imitarles siendo consciente de que estás más limitado que el brazo articulado de un Playmobil.

Donald Glover, conocido por ser uno de los rostros más populares de la serie Community, se ha empeñado en demostrar al mundo sus dotes como MC sin que nadie se lo haya pedido. Pocos pensaban que la broma iría más allá de los Ep’s y las mixtapes que desde 2008 puso a disposición de todo el mundo en Internet. Sin embargo, con su primer largo, “Camp”, el actor vuelve a caer en todos los clichés recientes del género tomándose peligrosamente más en serio de la cuenta. Su pose de negrata marginado por la sociedad no cuela, al igual que esas facilonas rimas que buscan desesperadamente empatizar con el oyente (“Bonfire”). De modo que como simple pasatiempo pasajero tiene su pase, pero para oírle autotuneado en la machacona “Heartbeat” o en “You See Me” nos quedamos con cualquier tema del injustamente menospreciado “808’s & Heartbreak”. Sergio del Amo

vinilos /42/ Febrero 2012 · MondoSonoro

mark lanegan echa mano de todo lo aprendido MODULAR

“Sinfonías para terrícolas” Elefant Records

POP

Mark Lanegan Foto Sam Holden

MARK LANEGAN BAND “Blues Funeral” 4AD/Popstock

1111 ROCK Hay tipos que emiten un magnetismo especial que te atrae, no solamente por sus cualidades artísticas, sino también por su aureola maldita. Mark Lanegan es un ejemplo arquetípico de ese submundo oscuro y doliente por el que todos atravesamos en alguna ocasión. Su figura parece condenada a ser minoritaria y nutrirse de un prestigio global, lo que le ha llevado a colaborar durante estos siete años de sequía discográfica propia, con nombres imprescindibles de lo alternativo como Greg Dulli (The Gutter Twins), Josh Homme (QOTSA), Isobell Campbell o con el dúo electróni-

co Soulsavers. La buena noticia es que Lanegan ha tomado buena nota de sus múltiples grabaciones y ha aprendido algo valioso de todas ellas. Unas enseñanzas que no se ha cortado un pelo en aplicar en un nuevo álbum, que debería otorgarle una nueva dimensión aunque sin salirse tampoco de las imposiciones propias del personaje. Un disco variado que sorprende en piezas como “Ode To Sad Disco” por el uso de la electrónica con Harmonia y Cluster en la mirilla. Pero los fantasmas de su pasado también aparecen en temas más duros como “The Gravedigger’s Song” o “Riot In My House” y en otros más sinuosos como esa maravilla downtempo que es “Bleeding Bloody Water” o “Phantasmagoria Blues”. Diferentes aristas de un cristal oscuro que debería brillar más de lo que ha brillado hasta la fecha.

Don Disturbios

KIMYA DAWSON

BOSCO DELREY

Great Crap Factory/Karonte

“Everybody WAH”

”Cat Samurai”

Mad Decent/Music As Usual

Kasba Music

“Thunder Thighs” FOLK

111

Fiel a sus principios artísticos, la norteamericana Kimya Dawson prescinde de profesionalización descarada en el registro de su séptimo disco de estudio, firmando un conjunto de dieciséis canciones de aroma familiar contrastado con un aspecto underground siempre respetuoso con el núcleo melódico de la composición. La artista recluta a colegas como Pablo Das, el rapero Aesop Rock, John Darnielle de The Mountain Goats o Nikolai Fraiture de The Strokes para acompañarse en una interpretación que concilia con aptitud el atípico anti-folk del que tradicionalmente resulta abanderada con el pop artesano. Con The Bundles (proyecto paralelo junto al imprescindible Jeffrey Lewis) en parón indefinido, la que fuese parte activa de los añorados Moldy Peaches junto a Adam Green continúa acrecentando por terrenos conocidos su obra en solitario, sin renunciar a la desvergonzada invasión de cualquier otro género que permita el enriquecimiento de su propio hábitat. El libertinaje del resultado final luce en la mayoría de sus numerosas paradas, contando no obstante con algunos altibajos que propician el irregular regusto final de la referencia. Raúl Julián

ROCK

LA BUNDU BAND

1114

Aunque en su momento Beck creara escuela, no fue fácil encontrarle buenos alumnos.

Ni siquiera al mismo Beck se le ha dado especialmente bien imitar a Beck, pero todavía hoy aparece de vez en cuando algún valiente con ganas de intentarlo. Las canciones de Bosco Delrey están lejos del gancho de las de Hansen, pero “Everybody WAH” es un ejemplo más que digno de rock iconoclasta y heterodoxia simpática, con dejes rockabilly (“Cool Out” es Elvis sobre una base drum’n’bass), soul-pop (“Down We Go”, “Insta Love”), devaneos psicodélicos (“All Are Souls, The Same”), baladismo (“Expelled Spelled Expelled”) y cierre en clave ambiental (“20 Flight Club”). Y a pesar de la disparidad de influencias no deja de ser un trabajo bastante consistente y con un carácter definido.

Delrey usa como eje el garaje de los sesenta (The Kingsmen al frente) y una pizca de pop inglés (The Kinks, presentes), y a partir de ahí descarga temas tan convincentes como “Baby’s Got a Blue Flame” o “Glow Go The Bones” que como mínimo te aseguran pasar un buen rato. Si la posmodernidad necesitaba otro trovador, Bosco Delrey es un candidato bastante decente. Joan Cabot

ROCK

1114

Aquella vieja consigna que hacía compatibles fiesta y conciencia (algo que, dicho sea de paso, sólo suele tender a ser incompatible en el hemisferio norte) toma todo su sentido a la hora de acercarse a propuestas como la de La Bundu Band. Sin ser unos recién llegados, y tener referencias bastante cercanas y reconocibles, a simple vista son capaces de aportar algo de savia nueva en “Cat Samurai” a sonidos que tienden a aproximarse a los de unos Asian Dub Foundation mediterráneos. A ello contribuye, como no podía ser menos, un elenco de amigos que incluye a Fermin Muguruza, miembros de Obrint Pas y La Kinky Beat o Rude Hi-Fi, entre otros. La Bundu Band sabe que pisa terrenos trillados pero lo hace con garbo y con el convencimiento de poder aportar su granito de arena a una multiculturalidad musical en la que, ya se sabe, no es tanto la pericia como la capacidad de expresión cercana la que marca los topes de cada grupo. De momento para La Bundu Band, como para sus compañeros de La Kinky Beat parece que la electrónica insinúa caminos interesantes. Ignacio Pato L.

1111

Con abrir estas intergalácticas “Sinfonías para terrícolas” nos encontramos en “La rebelión de los robots” con el groove que marca todo el debut largo en España de este dúo convertido en sexteto del Río de la Plata.

Cajas de ritmo metronómico a lo Stereolab o Broadcast, los sintes espaciales de Kraftwerk, el tono crepuscular y el vocoder al estilo Air y las trompetas beatleianas. Esa devoción por los de Liverpool queda explícita, pero en clave de parodia, en “El clon de Paul McCartney”. Pop vintage, fantasioso y sobre todo cargado de bizarrismo e inspirado por la imaginería de la ciencia-ficción y la serie Z. En “Beat del cinéfilo” ya dan una retahíla de nombres: de Russ Meyer a Jess Franco pasando por Mario Bava, Kubrick, Hitchcock, Lang, Truffaut o Godard. Estética retrofuturista, admiración por el spaguetti western o el easy listening, mucho regusto a Burt Bacarach, Piero Umiliani o Giorgio Moroder y con “Barrio Sésamo” en algún lugar. También hay mucha bossa nova y funk brasileño.

Ahora bien, el caramelo beat y sunshine pop es para “Zapatófono”. Celestí Oliver

VV. AA.

“Rangarang” Vampisoul/Munster

POP

1114

Estoy convencido de que la distancia cultural que existe entre un servidor y los autores de las veintiocho piezas incluidas en este doble recopilatorio de clásicos del pop iraní pre-revolucionario (es decir, hasta 1979), impiden que valore buena parte de ellas como lo que debieron suponer en su momento o, incluso, cuál es su verdadero valor como canciones más allá del ejercicio de arqueología pop que este lanzamiento supone. Pero aquí estoy, disfrutando de buena parte del minutaje y sintiéndome un explorador durante dos horas y media. Digamos que “Rangarang” funciona mucho mejor como enciclopedia del pop y el rock iraníes, como incompleto aunque adictivo manual de consulta, gracias a un libreto informativo cuya valía se acerca mucho al doble disco que acompaña. Gracias a las notas interiores “Daad Az In Del” de Dariush se nos revela como mucho más que un tema de pop setentas con tabla y pasa a convertirse en el lamento de un músico y activista desfigurado por un fan y, como consecuencia, adicto a las drogas. O descubrimos las sospechas en torno a la muerte en 1992, en su exilio alemán, de Fereidoon Farrokhzad, músico, activista político y gay que se enfrentó al régimen iraní durante años, y que firma uno de mis cortes favoritos del doble compacto, “Aashianeh”. Escuchen y aprendan. Joan S. Luna

CHRIS ISAAK

“Beyond The Sun” Wicked Games Records

ROCK

1114

Cualquier fan de Chris Isaak sabrá que en su repertorio habitual abundan las versiones de esos grandes cantantes. Le hemos visto con una chaqueta de lentejuelas azules entonar “Are You Lonesome Tonight?”, interpretar “South Of The Border” de Sinatra y sentido

hasta la médula “Only The Lonely” de su venerado Roy Orbison. Sin embargo, este disco supone un paso –¡y qué paso!- más allá. Que se haya publicado bajo su propio sello, ya apunta que se trata más de un sueño cumplido, una especie de homenaje a Sun Records y a su espléndido rooster, que un disco al uso. Están todos: Elvis, Carl Perkins, Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y por supuesto, Orbison. Cierto es que hay versiones más acertadas que otras, porque “It’s Now Or Never” se queda más bien en un guiño de karaoke teniendo la original en mente, pero, claro, las comparaciones son odiosas, aunque inevitables. Pero seamos realistas, si alguien tenía que hacerlo, mejor que haya sido Isaak, cuya voz y personaje pueden estar a la altura de las expectativas. Y aunque el resultado final es digno, no se hagan con la edición deluxe, porque veintiocho temas pueden llegar a saturar hasta al más fiel. Marta Terrasa

THE BIG PINK “Future This” 4AD/Popstock!

POP

111

Sin caer en los titulares sensacionalistas del corte “vuelve el sonido baggy”, el retorno por todo lo alto de The Stone Roses o a un nivel mucho menor de Inspiral Carpets, y hasta el sorprendente fenómeno M83 -cada vez menos shoegaze y más próximo al pop bailable- suponían un excelente caldo de cultivo para que el segundo disco de The Big Pink les colocara en primera línea de batalla. A su favor estaba también un single como “Stay Gold” publicado a finales de verano, grandilocuente, épico y con un gancho melódico en la línea de “Dominoes”, valor seguro. Y la ayuda de Paul Epworth, el productor de moda en el Reino Unido, moviendo los hilos tras superventas como Adele o Florence & The Machine. De hecho, por lo que cuentan desde 4AD, a Epworth debemos achacarle buena parte de la deriva de “Future This”, un disco que en su obsesión de expandir horizontes nos deja a todos un poco descontentos. Entre las bases negroides de “Give It Up”, en homenaje a Laurie Anderson en “Hit The Ground (Superman)” o el techno rock en la estela de los peores Depeche Mode, se ha perdido parte del encanto de aquella banda que recuperaba para nuestros días el “sonido lavadora” sin perder su marcada personalidad (británica, por supuesto).

Luis J. Menéndez

SU TA GAR

“Ametsak pilatzen” Jo Ta Ke Ekoizpenak

HEAVY METAL

1111

Triunfal regreso discográfico de una banda que parece haber echado el resto en este, a todas luces, impresionante trabajo. Construidas, como es habitual, sobre una base técnica que roza la perfección en su género, las nuevas canciones despliegan su intenso poder de una manera visceral. Pelotazos como “Piztia”, “Etsaien hitzak”, “Beti tente eta tinko”, “Norbera bere ametsen jabe”, “Materia hutsa naiz” o la especialmente rabiosa “Poza eta tristura” (con un Aitor Gorosabel forzando las fuerzas vocales muy cerca del límite) resultan escandalosamente perfectas.

Riffs de guitarra cortantes, machacones, solos imaginativos al alcance únicamente de los mejores y una base rítmica aplastante hará las delicias de toda la comunidad heavy en un trabajo que, además, contiene una preciosa balada (“Zain zure zain”) que se aparta del arquetipo de balada heavy y que es capaz de emocionar ya desde la primera escucha. Poderoso disco, por tanto, de un grupo que por fin (tras casi una década) ha podido volver a tocar en Madrid. Urko Ansa

MondoSonoro · Febrero 2012 /43/

ICEBEND

“Nadie pensó en volver” El Pescador de Estrellas

ROCK

111

Ahora que parece que vivimos épocas propicias para que grupos con una carrera basada en el empleo del inglés se desdigan a favor de su idioma de origen, los catalanes Icebend no han querido ser menos sumándose a este cada vez más extenso club con la excusa de su segundo larga duración.

Porque tras un primer disco y un EP que les abrieron cierto hueco en la escena alternativa barcelonesa, el quinteto vuelve con un conjunto de canciones que siguen reconociendo al rock por los senderos del grunge, el emo, el folk-rock o el post-hardcore, ubicándose en un lugar poco común que, en su trasvase al castellano, les acerca al rebufo de bandas como Standstill o, por qué no, Vetusta Morla. Otra vuelta de tuerca a su claramente definido libro de estilo, aunque con una mayor preferencia por los desarrollos largos, la complejidad instrumental y la (a veces) ausencia de estribillos fáciles, que si bien pueden ser un handicap para atraer al gran público, son sin duda una elección de lo más acertada para aportar personalidad y convertir a “Nadie pensó en volver” en un álbum más que notorio dentro del panorama estatal. Francesc Feliu

KLUDGE

“I’M Not Shy, I Just Don’t Like You” Foehn

POST-ROCK

1114

Afán experimentador, ambición creativa y libertad formal son tan sólo tres premisas que bien podríamos imputar a este dúo barcelonés formado por Pablo G. Polite, al cual pueden leer en algunas famosas publicaciones musicales y culturales, y Marc Piñero. Y señalamos lo de tan sólo tres, porque en su trabajo de debut a través de Foehn hay más chicha de lo que a priori uno podría darse cuenta, ya sea por su formalización falsamente electrónica, al simular el quehacer de una banda de rock más o menos normal, como por su ausencia de reglas a la hora de plantear cada uno de los cortes de “I’M Not Shy, I Just Don’t Like You”. Unas maneras que, tan bien entendidas como aquí, nos apuntan a ciertos sectores –arriesgados- relacionados con el post-rock y la electrónica de los noventa, pero con una manufactura actualizada y perfectamente adecuada al siglo veintiuno. Formas embelesadoras capaces de remitirnos tanto al rock como a la vanguardia más aposentada, pero en todo caso, abarcando un espectro colorista realmente imaginativo y espléndidamente eficiente. Una buena apuesta por la que dejarse llevar. Francesc Feliu

RIHANNA

“Talk That Talk” Def Jam/Universal

POP

1114

El camino ascendente hasta el olimpo mundial del r&b y del pop mainstream de Rihanna tras el espaldarazo que supuso es hit-single que fue “Umbrella” es digno de estudio. Lo es porque en España, otro-

ra territorio comanche para las divas del r&b, ha conseguido lo imposible, esto es, llenar grandes recintos, sonar en todas partes y vender una cantidad razonable de discos con la que está cayendo. Ni siquiera Beyoncé lo consiguió en plena locura “Crazy In Love”. La explicación para este fenómeno es simple: Beyoncé tiene el glamour, si, pero Rihanna los rompepistas. Y los españoles somos más de lo segundo, de la chicha vamos. En “Talk That Talk” hay mucha carne donde hincar el diente, desde ese infinito “We Found Love”, hitazo con el sello de Calvin Harris, a “Cockiness (Love It)”, con la barbadense más deslenguada y lasciva que nunca. El trío de favoritas se cerraría con “Roc Me Out”, canción que rivaliza con el “Survivor” de Destiny’s Child. Como curiosidades destacar “Drunk on Love”, corte que incluye un sample de The XX y “Red Lipstick”, una canción que aparece en la edición deluxe del disco que tiene como base el “Wherever I May Roam” de Metallica. Xavi Sánchez Pons

vinilos

LA MADUREZ DE THE MACCABEES

S.C.U.M

“Again Into Eyes” Mute

ROCK

111

Los vínculos familiares (el teclista Samuel Kilcoyne es hijo de Barry 7 de Add N To X y el bajista Huw Webb es hermano de uno de los miembros de The Horrors) no les hacen ningún favor a S.C.U.M. Habrán computado, seguro, a la hora de conseguir un contrato discográfico con la prestigiosa Mute y alistar a los reputados Ken y Joylon Thomas para producir su debut, pero también es cierto que ese aura de niñatos privilegiados aligera el gatillo de la envidia y sirve en bandeja la crítica fácil contra un álbum, “Again Into Eyes”, con suficientes méritos propios como para que durante buena parte del disco se pueda pasar por alto su peor y más evidente lastre: Joy Division, otra vez. En el arranque, con “Faith Unfolds” y “Days Untrue” consiguen evocar la tensión agónica de cierto post-punk de forma convincente y los sintetizadores de Kilcoyne pintan un tenebroso telón de fondo en los momentos más atmosféricos e hirientes del álbum, con la preciosa “Paris” o “Sentimental Bloom” como más certeros ejemplos. Pero S.C.U.M. se guardan lo mejor para el final, con la expansiva “White Chapel”, tan humana y cálida que parece contradecir el aire alienante y opresivo de todo lo que la precede. Joan Cabot

The Maccabees Foto Archivo

THE MACCABEES “Given To The Wild” Coop/Music As Usual

1114 POP Hay momentos en los que el mundo parece quedarse suspendido, abstraído en un punto y cuesta apenas un instante recuperar el enfoque perdido. Es lo mismo que tarda la voz de Orlando Weeks en romper el hielo en esa canción en mayúscula que es “Feel To Follow”. Vuelven The Maccabees con un tercer trabajo que invierte su tendencia seguida hasta el momento. Los de Brighton dejan el pop inmediato “made in Britain” para acercarse a las guitarras hiperactivas del “Total Live Forever” de Foals (“Child”)

CITY AND COLOUR

AMY WINEHOUSE

PULLED APART BY HORSES

Cooking Vinyl/Music As Usual

Universal/Island

Transgressive/Music As Usual

“Lioness: Hidden Treasures”

“Little Hell”

5000 RPM

POP

”Manifesto” Fragment Records

POST-HARDCORE

1114

Había ya ciertas ganas de escuchar un disco nuevo como este “Manifesto” después de la desaparición definitiva de Nuevenoventaicinco (y habiendo comprendido que Zoo es otra cosa bien distinta), y la proverbial espera a la que nos someten los Cordura, Maderacore o Interlude. Hablamos de posthardcore de ribetes existencialistas, de ese que incluye citas literarias en el libreto y que, para impaciencia nuestra, cocina sus discos al baño maría, de ese que nació en el pogo y ahora peina canas. Los bilbaínos 5000 RPM liberan en doce temas su instrumentación cuidada llena de pasajes recitados y versos libres, una densidad y tendencia a lo progresivo que incluye acústicas, referencias tibetanas y gritos (el corte “Lo que ha nacido morirá” puede representar el disco) y cuyo único peligro futuro se antoja la posibilidad de morir de propia trascendencia y horror vacui. Si piensan que Chesterton, Mateo Alemán o Bill Hicks pueden musicarse, este es su disco. Ignacio Pato L.

e incluso, salvando las distancias, recrear atmósferas y sensaciones en la línea de Sigur Rós. Una vez superadas las primeras escuchas traicioneras –esas que casi rozan la indiferencia por la aparente similitud de sus temas-, descubres trece canciones limpias, con un trabajo de producción excelente (han contado con Tim Goldsworthy de UNKLE, Massive Attack) y con potencial para dejarte tirado en la cama un buen rato. Hasta que, de la nada, llega “Pelican”, casi en medio del disco, para despertar del sueño vaporoso y resguardarse bajo la sombra de Bloc Party. “Went Away” camina entre ambos estilos y “Go” emociona con ese solo de guitarra y los subidones inesperados, que se encadenan hasta “Grew Up At Midnight”. Vitalista, emocionante y todo un trabajo por descubrir. Marta Terrasa

111

La línea que separa el tópico dramático del emotivo y melancólico es fina y peligrosamente difusa. Tantear dichos niveles conlleva siempre la posibilidad de alcanzar un meritorio éxito, pero también puede terminar en exasperante desenlace de sentimentalismo excesivo. Al igual que sucede con artistas como Ed Harcourt, David Gray o Tom McRae, el cantautor canadiense Dallas Green decide aceptar el desafío y arriesgarse en el tercer disco de estudio de City And Colour, su proyecto al margen de la banda de hardcore Alexisonfire. El músico de Ontario se tambalea a lo largo y ancho de esa frontera cayendo en uno u otro estado según el corte en cuestión.

Es con piezas austeras como “O’ Sister”, “Weightless” o la estremecedora “Northern Wind” cuando consigue emocionar gracias a una sincera delicadeza deudora de Jeff Buckley o Elliott Smith. Por su parte, una ambición mal entendida termina denigrando composiciones presumiblemente válidas con el empalago instrumental presente en “Little Hell”, “Sorrowing Man” o “Fragile Bird”, situando el marcador en las definitivas tablas. Raúl Julián

POP

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Era de esperar y la verdad es que mucho ha tardado Universal en sacar el primer disco póstumo de la malograda cantante británica para exprimir el filón. “Lioness: Hidden Treasures” se editó las pasadas navidades, y a pesar de no contener apenas canciones nuevas, si que es una apañada colección de rarezas para ser disfrutada por fans y no tan fans. Si entramos a valorar lo mejor de este recopilatorio, la palma se la lleva la extraordinaria “Between The Cheats” (canción que debería haber formado parte de su esperado pero nunca publicado tercer disco de estudio), y la conmovedora versión del “Will You Still Love Me Tomorrow” de The Shirelles, canción icónica de la era dorada de las girls groups que en la voz de la Winehouse renace con nueva vida. De lágrima. Sobre el resto de los cortes, algunos prescindibles (sobre todo una insulsa versión de “The Girl From Ipanema”), destacar la coqueta versión original de “Tears Dry On Their Own”, bautizada como “Tears Dry”, sus colaboraciones con Tony Bennett y Nas, y el reggae juguetón de “Our Day Will Come”, está última un cover de Ruby & the Romantics. Xavi Sánchez Pons

”Tough Love” ROCK

1114

Si hace apenas un año hablábamos de las posibilidades del rock nervioso de Pulled Apart By Horses lo hacíamos en términos que contraponían la moderación a la euforia, incluso una ligera sospecha ante tanto single, tanta estética y tanto halago de la prensa británica. De justicia es reconocer ahora que “Tough Love” se lleva por delante todas esas alertas. Y con todas las de la ley, porque ellos continúan con esa misma pinta de hype, lo que ha cambiado es que han hecho un disco mucho mejor que el anterior, con más garra, en el que es imposible destacar unos temas sin desmerecer a otros y en el que todo suena muy directo, en ocasiones bastante noventero y muy punk casi siempre. Mientras los inspirados riffs de la guitarra de James Brown se compenetran a la perfección con los alaridos de Tom Hudson (quizá gran parte del gancho de los de Leeds reside en esta mezcla) no podemos por menos que comenzar a dar por correcta la hipótesis de que Pulled Apart By Horses son una banda que tendrá muchas cosas que decir cada vez que alguien intente edulcorar el rock.

Ignacio Pato L.

vinilos /44/ Febrero 2012 · MondoSonoro

KLAUS & KINSKI, gente común CHERRY

“Jaulas con vistas” Foehn

EXPERIMENTAL

Klaus & Kinski Foto Blanca Galindo

KLAUS & KINSKI “Herreros y fatigas” Jabalina

11114 POP Se que algunos de ustedes se rasgarán las vestiduras tras la afirmación que voy a hacer en breve pero es que es la pura verdad: Klaus & Kinski son con todas las de la ley los Pulp de Murcia. De hecho incluso iría más allá al decir que son una de las bandas actuales que mejor han sabido interiorizar el legado de los británicos, tanto en la forma como en el contenido. “Soneto”, una de las canciones más destacadas de “Herreros y fatigas”,

sirve de ejemplo ilustrativo para mis atrevidas aseveraciones, una suerte de relectura patria del “Sorted For E’s & Wizz” que sustituye las drogas por el mal de amores.

Emocionante es poco. De hecho, el toque genial de los murcianos es dar un toque cañí al pop de alma camp, obsceno y sardónico de Pulp. Otra de las cosas que hace que Klaus & Kinski sean mucho más que una simple copia de los ingleses, son sus arriesgados experimentos genéricos de los que un servidor se declara fan. En este disco hay espacio para los boleros en la exquisita “In The Goethe”, para el kraut rock con alma de hit, “Contrato”, y para el habitual coqueteo con la España más tradicional en la telúrica “Sacrificio”. Xavi Sánchez Pons

SET YOUR GOALS

PRINCE RAMA

MARC AYZA

Epitaph/Pias

Paw-Tracks/Green Ufos

Fresh Sound Records

”Burning At Both Ends” PUNK

“Trust Now” 114

A los que les agradase aquel aventón hardcore que era “Gaia bleeds (Make Way For Man)” de su anterior “This Will Be The Death Of Us” hay que advertirles desde ya que en el nuevo disco de Set Your Goals no hay nada parecido. Los californianos han facturado un disco que reproduce casi uno a uno los lugares comunes del punk-pop (o deberíamos darle la vuelta a la etiqueta, en honor a la verdad) y que no pierde nunca de vista a unos Blink-182 o Sum 41 a la hora de evocar sol, viajes en compañía de la amistad y fantasías de post-adolescentes algo reluctantes. La producción de Brian McTernan y Mike Green hace bien su trabajo y consigue mantener a flota las virtudes que todo disco bajo estos parámetros debe poseer: cero florituras, voces hiperpresentes y un sentido de la melodía que gobierna con mano firme. Otra cosa es que Set Your Goals piensen, como decenas de grupos más en Estados Unidos, que hacer el mismo disco una y otra vez, les vaya a reportar piropos de diferentes cohortes y no, como suele ocurrir, que sus fans no sean siempre las mismas personas y sí la misma franja de edad. Ignacio Pato L.

ROCK

“Live At Home” 1111

La biografía de Prince Rama da para un libro, pero reducirla a la mínima expresión sería algo así como decir que las hermanas Larson abandonaron la granja Hare Krishna en la que vivían para dedicarse al mundo del arte en general -Taraka trabajó mano a mano con el diseñador y arquitecto Paul Laffoley- y el de la música en particular de la mano de su amigo Michael Collins, consiguiendo cierta repercusión y hasta giras por nuestro país como consecuencia de publicar su cuarto disco “Shadow Temple” en Paw-Tacks, el sello de Animal Collective. “Trust Now” es su nuevo trabajo, por el camino se queda Michael Collins -con lo que el grupo queda hoy reducido a las Larson- y Scott Colburn (Animal Collective, Arcade Fire, Cerberus Shoal,..) echa una mano con la producción. Y todo eso se concreta en el disco más accesible de Prince Rama hasta hoy, desde el arranque con “Rest In Peace” (Dead Can Dance en lo fi) y continuando por los restantes cinco temas que componen un trabajo de psicodelia sinuosa y cantos rituales, invocación al espíritu de la Nico primitiva y siniestra.

Luis J. Menéndez

JAZZ

114

El cada vez más conocido baterista catalán Marc Ayza entrega aquí el segundo disco con su banda actual, un amalgama de estilos de música negra que van desde el jazz hasta el rap, pasando por el spoken word y el groove más primario. El álbum tiene el atractivo añadido de estar grabado en directo, capturando así la esencia de la inmediatez de un concierto, el escenario donde más se disfruta un concierto de este tipo de música. El disco comienza al más puro estilo Gil Scott-Heron, y desde este principio pueden adivinarse las pautas que van a marcar la escucha, esto es, jazz moderno, samplers, coqueteos con el hip-hop… nueva escuela, en definitiva. Demasiado nueva quizá. Ayza se fija en exceso en las nuevas corrientes de Nueva York y pone al lenguaje instrumental demasiado al servicio de la voz del MC Core Rhythm, entregando de este modo un disco de hiphop fusión más que de jazz. Un trabajo que quizá sea bien acogido por seguidores del hip-hop y sus derivados, pero que, seguramente, pasen por alto los amantes del jazz de vertiente más clásica y tradicional.

Daniel Arnal

111

Space rock, pop de vanguardia, post-rock...

Efectivamente, Cherry es un combinado imposible, pero también un ente rítmico que sabe jugar con su opuesto, dando voz y alma a guitarras solitarias, como también a un efectismo retrofuturista cultivado a través de un montón de retales obsesivos. Porque, pese a su carácter variado y experimental (a la vez que accesible), en esta cuarta entrega del murciano Nino García se esgrimen canciones ciertamente pegadizas que juegan permanentemente a dos bandas a la hora de definirse. Tanto si son de ecos de un pasado, de cuando el pop era psicodelia, o de épocas en las que la indietrónica confluía con la amplitud de un paisajismo fugaz, esta constante obertura a nuevos terrenos, culminados en sintetizadores flotantes, bandas sonoras etéreas y una cuidada delicadeza sólo rota por fugaces rotundidades rock, no sólo saben congregar en un mismo espacio a todo un espectro de sonoridades que pueden ir de Broadcast a Kraftwerk, sino también dotarlo de un carácter oscilante que, a medida que avanza el minutaje, toma formas cada vez más convincentes. Notable destreza la suya.

Francesc Feliu

BISCUIT

“Memorabilia” La Castanya

ROCK

1111

Podría tirar de demagogia barata y decir que si Biscuit fueran australianos las publicaciones rockeras de nuestra gastada piel de toro los estarían aupando ahora mismo como la mejor banda de rock del planeta, pero no lo voy a hacer, mira. Aunque este “Memorabilia” sea igual de bueno que “Make Yer Own Fun” de The Monarchs, ojo. Ahora bien, lo que sí voy a decir es que el último disco de los de Vilanova es grande como una casa de pagés. Lejos de perder ganas y pegada tras una larga carrera que les ha convertido en una banda de culto para una selecta minoría, los catalanes lo han dado todo en un disco que es capaz de presentar la fiereza de los primeros The Who (“Gone”), la intuición melódica de los The Byrds de “Fifth Dimension” (“Stonewall” es de traca) y las armonías vocales de Flamin’ Groovies etapa Sire Records (“Plain Love Song”). “Memorabilia” no cambiará nada en la carrera de Biscuit, su estatus de culto es una pesada losa, pero pueden estar contentos de haber editado el mejor disco de su vida y sin duda alguna uno de los tratados de rock ajeno a modas más sonados de la órbita independiente reciente. Xavi Sánchez Pons

DOMINANT LEGS “Invitation”

Lefse Records/Green Ufos

POP

1111

Al final será verdad eso de que ‘el indie es el nuevo mainstream’. Hace unos meses hablábamos de ello a propósito del último disco radio-friendly de Girls, y mira tú por dónde que tirando del hilo de los de San Francisco nos topamos con Ryan Lynch, antiguo guitarrista de la banda capitaneada por Chris

Owens y ahora jefe de Dominant Legs. Más exquisitos, refinados y sin la pátina rockera de sus amigos californianos, además de tener la vista puesta descaradamente en los ochenta, lo que ofrecen en “Invitation” es un sonado paseo por los sonidos más rescatables, comerciales y cool de esa década.

Saxos, sintetizadores al límite del buen gusto, voces femeninas de lo más sexy (la ambición rubia de Hannah Hunt) y unas canciones llenas de gancho melódico y arreglos brillantes son la panacea de un disco que viene a ser un “Kaputt” de Destroyer en edición de bolsillo. Si ustedes lo pasan bien con los Talking Heads de “Little Creatures”, los Fleetwood Mac de “Mirage”, los The Go-Betweens de “16 Lovers Lane” o hasta incluso con el “Hysteria” de The Human League, no dejen escapar el debut de Dominant Legs. X.S.P.

ALEX WINSTON “King Con”

V2/Music As Usual

POP

1111

Se la compara con Kate Bush y hasta con Joanna Newsom por ese timbre de voz infantiloide que puede llevar al rechazo auditivo en las primeras escuchas. Pero la joven Alex Winston, originaria de esa cuna de la Motown llamada Detroit, dejando las primeras impresiones naïf de lado, se postula con su primer largo como una de esas novatas damas del pop de nuevo cuño capaces de agradar honestamente a todo hijo de vecino. En “King Con” encontramos todos aquellos hits de sus dos Ep’s previos causantes del hype (desde “Velvet Elvis” hasta “Sister Wife”, pasando por “Locomotive” o “Fire Ant”). No obstante, la prueba de fuego de las piezas inéditas la supera con creces, prescindiendo ya de paso del halo lo-fi de sus primeras composiciones, al ponernos sobre la mesa un arsenal de futuribles hits que, si el mundo fuera justo, deberían aportarle el reconocimiento que se merece. Ya sea con “Host” (cuyo estribillo puede rememorarnos a ese guilty pleasure que es “Party In The U.S.A.” de Miley Cyrus), el pop de botas camperas sureñas de “The Fold” o “Last One” (un tema que le iría perfecto a Florence Welch si no pecara de excesiva), la multiinstrumentista se apropia de los fantasmas de las subculturas estadounidenses para facturar un disco fresco y disfrutable. Sergio del Amo

WE HAVE BAND “Ternion” WHB/Naïve

POP

1114

Esperábamos del trío de Manchester un segundo disco continuista, pero –mira por dónde- “Ternion” es distinto, no sé decirles si más directo o sencillamente más redondo. Cuando uno espera luz no la hay, cuando uno espera oscuridad, esta desaparece. Sus canciones son algo densas a la primera escucha, pero dejan de serlo a la tercera. ¿Llegará por tanto su momento con “Ternion”? Tampoco diría que cuentan con los temas o el potencial para convertirse en el grupo de moda, pero sí tienen canciones como “Where Are Your People?” o “Visionary” (con una línea muy New Order), vacilonas, bailables y muy efectivas. En 2012, We Have Band suenan tan dance rock, pero menos oscuros, más cercanos quizás a la rítmica de Friendly Fires o Out Hud, aunque no se olviden tampoco de los bajos asesinos a lo Liquid Liquid (si ven la comparación excesiva, pongan a Talking Heads en su lugar) en la adictiva “After All”. Joan S. Luna

MondoSonoro · Febrero 2012 /45/

THE PATINETTES “Bliss”

Voxcapo Musical

POP

111

Cuando la gente me pregunta qué es para mí el indie, más allá de un género musical en concreto, muchas veces me agarro a una negación para facilitar las cosas. El indie o incluso mejor dicho, la música alternativa, es aquella que no está hecha con la intención de alcanzar cotas de popularidad en base a no tener pizca de personalidad propia, tirando de un sonido estándar que no asume riesgos cuando no resulta descaradamente comercial. Pues bien, dicho esto el disco de los aragoneses The Patinettes es una deliciosa emulación, demasiado variada y ejecutada con mucha pericia, pero falto muy falto de ese hecho diferencial que los despoje de estar pensando a cada canción en la herencia a la que anda doblegada. Vaya que de indie nada lo cual no quita que se pueda disfrutar al igual que se disfruta la emulación que The Pepper Pots hacen del sonido Motown o unos ‘77 del sonido AC/DC. Aquí no se rinde tributo a un sonido o a un grupo sino más bien a todo el conjunto de sonoridades que partiendo de la década de los sesenta derivaron en el pop-rock de la década siguiente, basado en el soul, el blues, el folk, el country... Un tremendo “aquí cabe todo” que atrapa, pero no encandila. Don Disturbios

PYROLATOR “Neuland”

Bureau B/Green Ufos

ELECTRÓNICA

111

El currículo de Kurt Dahlke da vértigo: bien sea como miembro de formaciones de la importancia de Der Plan o D.A.F., al frente de sus propios proyectos (Pyrolator, A Certain Frank, Bombay 1, Burkina Electric, Ehlfarben), como ingeniero de sonido y productor, desarrollando software musical o como fundador del sello Ata Tak (editando a la mayor parte de bandas de la nueva ola germana) su influencia en el desarrollo de la electrónica teutona, especialmente en la década de los ochenta, es sencillamente colosal. Con tanto ajetreo tampoco es de extrañar que uno de sus alias más reverenciados haya dormido durante ¡veinticuatro años! el sueño de los justos. Pyrolator, un proyecto en el que el fondo está supeditado a las formas, al modo en que se construyen unas canciones con poso techno-funk y “detroitiano”: a partir de dos baquetas agitadas en el aire y conectadas por medio de infrarrojos al ordenador, Dahlke controla cada sonido y lo modifica a su antojo. Curioso ejercicio de ingeniería informática que aún en 2012 resulta más fascinante desde un punto de vista tecnológico que artístico. Luis J. Menéndez

MY BRIGHTEST DIAMOND “All Things Will Unwind” Asthmatic Records

POP

111

Shara Worden, la ecléctica cabeza pensante de My Brightest Diamond, nunca nos lo ha puesto fácil. Desde que debutara en 2006 siempre ha navegado por todo tipo de aguas, desde la opereta folkie hasta el rock cabaretero. Pero en este tercer trabajo que nos ocupa, el primero después de

estrenarse como madre, la estadounidense lo ha reducido todo a su voz y la instrumentación que le presta la orquesta de cámara y Music, quienes aportan oníricos arreglos de cuerda que la hermanan por momentos con las laberínticas melodías de Joanna Newsom y su antiguo amigo de fatigas Sufjan Stevens. Su riqueza en matices (sobresaliendo por encima del resto “We Added It Up” y ese glorioso crescendo de “Be Brave”) hacen de “All Things Will Unwind” un goloso álbum que, lejos de empachar, reclama desde el primer segundo la atención participativa del oyente para dejarse llevar por este ficticio musical en primera persona que tanto instruye en los entresijos del amor (“Escape Routes”), como lanza dardos envenenados a los ejecutores de la actual crisis económica (“There’s A Rat”) y celebra la magia de la maternidad (“Reaching Through To The Other Side”). Sergio del Amo

vinilos

La selección Jäger:

tanlines, balearic pop

TWIN SISTER “In Heaven” Domino/Pias

POP

114

Escuchando el álbum de Twin Sister resulta evidente que el quinteto de Long Island ha asimilado hasta la obsesión la obra y maneras estilísticas de bandas imprescindibles –y tan distintas entre si- como St. Etienne, Stereolab o incluso Blonde Redhead. Para dar forma a su debut discográfico en formato largo tras dos Ep’s previos, los neoyorquinos asumen algunas de las características tradicionalmente habituales en las mencionadas formaciones: altas dosis de elegancia, pulcra presencia e incluso cierta capacidad inquietante en la acertada interpretación de la vocalista Andrea Estella. Sin embargo la comparativa se distancia con el inexorable paso de las canciones, descendiendo ligeramente el interés del producto tras el impecable y esperanzador trío inaugural formado por “Daniel”, “Stop” y “Bad Street”. “In Haven” es un disco agradable y dotado de cierta distinción que sortea pronunciados bajones con piezas válidas como “Gene Ciampi”, “Kimmi In A Rice Field” o “Spain”, sepultándose a sí mismo al mismo tiempo de manera casi imperceptible víctima de cierta linealidad que incita a desviar la atención que le habíamos brindado al principio. Raúl Julián

CHIN YI “Wo”

Glubb!

ROCK

1114

Si cogiéramos los patrones rítmicos repetitivos, los sonidos atonales y la crudeza tremendista de la no wave neoyorquina de finales de los setenta, lo mezclásemos en un bol chino con la vertiente más inquietante de la oscuridad post-punk de Joy Division, con voz y todo, y lo pasásemos finalmente por las cuchillas afiladas de un par de sintetizadores no muy abrasivos, podríamos llegar a hacernos una idea de cómo suena “Wo”, la nueva referencia discográfica como banda de los granadinos Chin Yi. En su haber encontramos dos maquetas y dos elepés anteriores, “Mei” (2006) y “Tai” (2008), producidos por Pablo Medina (fundador del proyecto) y gracias a los cuales subieron al podio del Proyecto Demo en 2010. A lo largo de sus trece cortes, el álbum mezcla sonidos de géneros tan dispares que no resulta raro encontrar un par de himnos cabareteros como “Oink” y “Beenia”. No cantan en un idioma reconocible (esperanto gestual, lo llaman) e inundan muchos de los cortes con paisajes sonoros dibujados a base de sintes y delicadeza en el gusto, véase “Requilia” o “Bo abu”. Altamente recomendable. Adrián D. Bóveda

Tantines Foto James Ryang

TANLINES

“Mixed Emotions” Matador/Popstock!

1114 POP Me gustan Tanlines. No son una maravilla, ni descubren la sopa de ajo en estos tiempos tan revolucionados, pero cuentan con un montón de canciones chulas, lo cual suma puntos. El resto lo suman que sus miembros sean Jesse Cohen (de Professor Murder) y sobre todo Eric Emm (Don Caballero, Storm And Stress). Pero encajonemos su música para que todos aprovechemos mejor el tiempo.

Tanlines suenan ideales para combinar con Delorean, Kisses, Restless People (de hecho, son ellos mismos más algunos amigos), Lasers, El Guincho, Miike Snow o la cara más pop de lo que etiquetamos como chill wave. Pop electrónico y rítmico

más que electrónica pop. Tanlines, que serán gente modesta, pero que no tienen tampoco un pelo de tontos, parecen haber tomado buena nota del éxito obtenido por “How Deep Is Your Love?” y se marcan un “Not The Shame” en el que una línea de piano reiterativa busca meterse en nuestras cabezas, o saben que rendir tributo a The Beach Boys siempre funciona: escuchen “Losts Somewhere” y descubran dónde está el homenaje. De todos modos, si hay un hit rotundo en “Mixed Emotions” es la ya conocida “Real Life”, el single con el que muchos les conocimos hace prácticamente dos años y que ya se recogió en “Volume On”, el doble disco recopilatorio de singles y remezclas que vio la luz a finales de 2010.

Joan S. Luna

MondoSonoro · Febrero 2012 /47/

VV. AA.

“The Legendary Studio One Records: Original Classic Recordings 1963-1980” Soul Jazz Records/Satélite K

REGGAE

1111

Coincidiendo con la publicación por parte de Soul Jazz de un generoso volumen en el que recopila el legado portadístico de uno de los principales sellos de la historia de la música jamaicana, “The Legendary Studio One Records: Original Classic Recordings 1963-1980” es la excusa perfecta para que el sello londinense desempolve un catálogo al que ha acudido con asiduidad y en torno al que ha construido una de sus más sólidas colecciones en pos de la reivindicación del género. Si algunos de los volúmenes anteriores dedicados al sello del legendario Coxsone Dodd sirvieron para centrarse en subestilos y monografías engarzadas con un criterio u otro (voces femeninas, Dj’s o artistas concretos como los referenciales Jackie Mittoo o Sugar Minott), en esta ocasión la selección es mucho más ecléctica y casual, alternando ska, dub, dancehall y roots y recorriendo dos décadas de producción incansable. The Skatalites, The Maytals, Marcia Griffiths, Lone Ranger y Horace Andy, entre otros. Suficiente dinamita como para justificar el retorno del sello londinense a los sótanos de Studio One y mantener encendida la llama en el panteón de Dodd. Joan Cabot

ALAIN JOHANNES “Spark”

Domino/Pias

FOLK-ROCK

1111

Significativo es el hecho que ahora se reedite, en otro sello distinto a su original, el álbum que este personaje editó en Ipecac el pasado año. No hay discusión alguna. “Spark” es un auténtico prodigio capaz de hacer muchísimo con los mínimos recursos, esto es, con unos ingredientes más bien escasos pero con una rentabilidad inimaginable, como esa guitarra autofabricada con una caja de puros, ese poco de percusión, unos coros y, cómo no, su magnífica voz. Y si bien habría que destacar su evidente habilidad instrumental, lo fascinante del asunto radica en esas melodías memorables que en cualquier momento nos pueden remitir a las texturas de Lanegan, Buckley o Cornell, convenientemente dulcificadas y adornadas con otro regusto, de esencia y profundidad similar, pero cuya alma empapada en blues y folk adquiere tintes rotundamente zeppelinescos. Una auténtica maravilla el debut de este autor, experto en otras lides (pues se trata de un productor a la par que músico de sesión), creado a modo de último tributo a su esposa tras su lucha perdida contra el cáncer. Un sincero homenaje convertido en arte. Francesc Feliu

BRETT ANDERSON “Black Rainbows” EMI/PIAS

POP

111

Brett Anderson publica su cuarto álbum en solitario en plena vorágine mediática en torno a Suede, tras el exitoso regreso a los escenarios del quinteto. Después de la trilogía intimista formada consecutivamente

por “Brett Anderson” (07), “Wilderness” (08) y “Slow Attack” (09), el músico varía pretensiones y recluta nueva banda al uso acompañando a su imponente y reconocible presencia vocal, hasta completar un decálogo de pop eléctrico apto para todos los públicos. Con el mencionado cambio de guión y consiguiente acelerón estilístico, el británico alterna también la elegancia y distinción de ataño con la presencia de algunos arreglos demasiado simplistas y manoseados, mientras que la ostentación de la producción no impide la inclusión de composiciones efectivas como “Actors”, “Thin Men Dancing”, el single “Brittle Heart”, “I Count The Times”, “Crash About To Happen” o la melancólica belleza final de “Possession”. Un trabajo provechoso para fieles del autor, que apreciarán las virtudes siempre presentes en la infravalorada carrera de Anderson en solitario por encima del ligeramente chirriante enfoque aquí presente. Raúl Julián

vinilos

EL CHISPEANTE PUNK POP DE JUANITA Y LOS FEOS

NUNNERY ”Saviour”

Lengua Armada

HARDCORE

1114

Lo que empezó hace ya tiempo como Nunnery Nutty con el hardcore melódico de “Waiting For Reply” pasó al hardcore machacón que ahora perfeccionan y adornan con matices rockeros en “Saviour”, tercera entrega de la banda de Terrassa, ya conocida sólo como Nunnery. Lo primero que atrapa cuando “Local Deja Vu Boys” comienza a sonar es la dignidad del sonido y la seriedad de la propuesta de la banda, una especie de reinterpretación de los mejores tics de unos Boy Sets Fire o Snapcase, sin caer en la mera imitación, que consiguen evitar a costa de unos riffs relativamente inspirados y en la moderada autonomía de la voz de Dani. A su favor juega además un buen orden de los temas en cuanto a sus tonalidades y ritmos que, sin duda, les hace saltar la peligrosa valla de la linealidad, algo que sí se había dejado notar en parte en “Wall Of Clouds”. Porque es este un disco que no ofrece excusas para darle pronto al stop: “Tura’s Deadly Smile” y “Words, Deference, Future”, sus dos últimos temas, contribuyen a que Nunnery saquen un notable y se confirmen como punta de lanza en su estilo. Ignacio Pato L.

CLEPTON

JUANITA Y LOS FEOS “Pesadilla adulta” Munster Records

1111 POP

Es una suerte que tengamos por aquí a una banda como Juanita y los Feos. Y aun es más de celebrar que tras siete años de carrera por fin hayan conseguido sacar la cabecita del underground con un disco como “Pesadilla adulta”, su trabajo más accesible. Me explico. Hacía falta que alguien se atreviera en este país a prestigiar la nueva ola más saltarina y marciana, esa que va de Devo a The B-52’s, pasando por nuestros Pegamoides, y que

Autoeditat

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Cuando hace año y medio reseñábamos el primer disco de Clepton, “Seguint el joc”, decíamos que nos caían bien por la pasión e ilusión que sus canciones irradiaban. A aquellos temas primerizos les sigue ahora “Sentit únic”, también registrado con Santi García en Ultramarinos, y en los que se percibe, más que lo esperado, lo deseable.

Esto es, que las composiciones de la banda tienen los arreglos justos, la interpretación es la idónea y que el conjunto, amén de la pasión mencionada, transmite una jovialidad que va dejando atrás la ternura de años más mozos. Quizá se haya perdido parte del descaro errático de un “Sexy Disco Erotic Show” pero para compensarlo, y casi como una declaración de principios, o de madurez, aquí tenemos “Fang a les botes”, una canción en la que prueban un registro más serio, quizá indicativo de su futuro cercano, y en la que cuentan con la ayuda de David Caraben (Mishima) y Ramón Rodríguez (The New Raemon). El camino de los chicos de Manresa, de seguir por este, según ellos, sentido único, promete no ser corto.

Ignacio Pato L.

también se atreve a guiñar el ojo a cosas más actuales como Lost Sounds del llorado Jay Reatard y toda la escudería Dirtnap con Epoxies a la cabeza. Tirando de tópico, es verdad que los madrileños no inventan nada, pero su ejercicio de estilo es tan brillante y afinado que se acaban convirtiendo en favoritos. La culpa la tienen los catorce hitazos que forman el disco, llenos de estribillos coreables a la primera escucha y de proclamas a repetir a grito pelao saltando como un poseso encima de la cama. Canciones como “Autolesionarse”, “Lunes otra vez”, “La bomba del Islam” y “Triste pero cierto”, entre otras, son desde ya clásicos impepinables del punk pop estatal. Xavi Sánchez Pons

JACKIE-O MOTHERFUCKER

GRUSHENKA

DIE-6

Fire Records

El Genio Equivovado

Funk Noir

“Earth Sound System”

”Sentit únic” POP

Juanita y los Feos Foto Vicky

ROCK

1114

Esta reseña va dirigida a quienes, dieciséis años después, aún no conocen a una de las bandas de Portland (Oregon), la de nombre más sugerente, la que siempre arriesga en sus propuestas musicales de apariencia casera y espontánea. Sumergidos en aguas de una oscura densidad amerindia con frías corrientes noise y bancos de psicodelia transitando hacia fondos abisales, los proyectos capitaneados por Jef Brown y Tom Greenwood han sabido encontrar la ruta que salió del post-rock hacia las últimas tendencias más pegadas a los quehaceres artesanos y sinérgicos de la música lo-fi. Si hace años su “Hey! Mr. Sky” del álbum “Flags Of The Sacred Harp” se elevó como el humo entre los fumetas del Pacífico norte, si sus temas de diez y veinte minutos saltan de discos grabados en directo a proyectos de estudio con la misma naturalidad que los tigres pasan por el aro, con estos últimos sonidos de 2011 han formado chimeneas hidrotérmicas que traspasan la corteza terrestre con suavidad multinstrumental para alcanzar una armonía material, analógica, apoyada cada cierto tiempo en la siempre tímida voz de Greenwood. Luis Argeo

“Grushenka EP” POP

“Back.te.riality” 1114

Tras el merecido éxito de Odio París, El Genio Equivocado sigue apostando por bandas que reivindican el noise pop de nuevo cuño. Ahora el turno es para los jóvenes Grushenka, quienes después de dos maquetas se han atrevido a publicar una primera referencia en la que tanto pueden oírse destellos de los Surfin’ Bichos en la ya conocida “Mi estrategia vital” (algo lógico si se tiene en cuenta que han compartido estudio junto a Joaquín Pascual) como a los propios The Pains Of Being Pure At Heart, tal como ocurre en “La magnitud de la tragedia”. Los barceloneses, manteniendo la voz de su líder Xavier Friedrich en primerísimo plano para que sea igual de protagonista que sus experimentales arrebatos electrificados, lejos de ponerse la careta de la oscuridad (a excepción de la magnífica “El silencio no es tan caro”) le cantan a las vicisitudes post-adolescentes recauchutando su propuesta de una contagiosa luminosidad melódica (un ejemplo claro puede hallarse en los coros de “Feliz”). Con esta prometedora colección de temas, a modo de aperitivo, deseamos oír lo antes posible su primer largo. Y si nada se tuerece, sabemos que darán la talla. Sergio del Amo

ELECTRÓNICA

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Si creen en los bajos poderosos, en los bombos implacables y en Blade, entonces DIE-6 va a ser su Dios particular. Este disco no es para modernas que van al Sónar a lucir palmito ni para neófitos en esto de la electrónica: esto es para die-hard fans, para oídos valientes acostumbrados a que les sacudan los tímpanos con mierda de la calidad más pura, technarro del que te funde el cerebro, del que te provoca convulsiones intestinales de tanto retumbar, himnos de esos que se bailan con los ojos cerrados y la botellita de agua alzada. Oscuros la mayor parte del tiempo, centelleantes y epilécticos en ocasiones, los ocho temas del debut en largo de Ismael Martínez se extienden hasta los cincuenta minutos en una adictiva espiral de techno mental y cuadriculado.

La única pega de este disco es que, al ser tan compacto, a veces peca de claustrofóbico: unas grietas de aire y luz aquí y allá no vendrían mal. Por lo pronto, seguiremos bailando en la oscuridad a su salud. Y se recomienda no perderse la edición especial con doce remezclas a cargo de nombres como Esplendor Geométrico o Geistform.

Virginia Arroyo

mondorecomienda

/48/ Febrero 2012 · MondoSonoro

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELÍCULAS ★ CLIPS ★ documentales

“Extraterrestre” Foto Archivo

cine

NACHO VIGALONDO

Los (casi) invasores Tras su alabada ‘Los cronocrímenes’, Nacho Vigalondo regresa con otra rareza, “Extraterrestre”, comedia romántica de ciencia ficción llena de ágiles diálogos y momentos que rayan lo surreal protagonizada, entre otros, por Raúl Cimas, Michelle Jenner y Carlos Areces.

“

Es como ‘Encuentros en la tercera fase’ vista desde la ventana de un dormitorio español”, afirma un acelerado Vigalondo con su inconfundible verborrea, algo que le ha caracterizado ya desde los tiempos en los que estrenaba sus primeros cortometrajes, con ese “7:35 de la mañana” a la cabeza (nominado en la categoría de mejor corto en los Óscar en 2004).

“Alguien dijo en Austin o en Toronto que era como ‘La guerra de los mundos’ contada desde el punto de vista de la mujer de Tom Cruise, que está por ahí y llega al final (risas)”. Ciertamente, estamos ante una inusual

película de marcianos sin hombrecillos verdes.

Aunque bien pensado, tampoco “Los cronocrímenes” era una obra corriente, con sus imaginativas triquiñuelas temporales y narrativas. Por eso, aunque a tenor de su título pudiese parecer menos compleja, “Extraterrestre” es, sostiene el cántabro, una comedia romàntica en la que el componente fantástico no es una mera excusa o telón de fondo. “Es un ingrediente necesario”.

La película habla sobre lo que nos cuesta relativizar los problemas propios. “Hay un juego visual acerca de la falta de perspectiva. La única manera de tener una visión completa de

algo es alejándonos de ello”. Y al mismo tiempo, plantea lo extraterrestres que podemos llegar a ser los propios humanos. “Nadie se libra de ello en algún momento del día. Alguien dijo una vez ‘de cerca todos somos raros’ (risas).

También quería contar el relato de alguien

dias románticas en las que tenemos a los personajes emocionales y a los cómicos por lados distintos. Quería que Areces tuviera su dimensión dramática y que Michelle Jenner no fuera una simple belleza entre monstruos”. Pero vayamos a lo importante, a una de esas grandes preguntas que llevan años aturdiéndonos y provocándonos quebraderos de cabeza, tanto dentro como fuera de la gran pantalla. ¿A qué han venido los extraterrestres? “Está por ver”, dice en un momento de la cinta uno de los personajes. “Durante todo el siglo XX han estado haciendo absurdeces, han llegado desde el

"Lo raro, lo ilógico, es que ahora decidan invadirnos” que descubre que él es el otro, el raro de la situación”. De ella se ha dicho que refleja a una generación de cómicos, compuesta por la cantera de “Muchachada Nui” (recuerden que Vigalondo fue guionista ocasional para los de Albacete) y renovadores personajes como Miguel Noguera, uno de los nombres más certeros y surrealistas del actual humor estatal. “No quería que este proyecto sufriese lo que sufren otras come-

otro extremo de la galaxia para aparecer en descampados, dibujar círculos en el maíz, robar vacas y meter sondas anales en los culos de los campesinos. Es un comportamiento tan extraño que para mí lo raro, lo ilógico, es que ahora decidan invadirnos. No señores, aquí han venido a jodernos la cabeza, como vienen haciendo desde hace ni se sabe cuándo”. ■ David Sabaté

Otras marcianadas

E

l estreno de “Extraterrestre” pone en evidencia el escaso cultivo del género de ciencia ficción en el cine español. Si nos centramos en las invasiones alienígenas, el balance es áun más pobre. Pocos filmes y de poca notoriedad, acaso “El caballero del dragón”, de Fernando Colomo, con un poco creíble Miguel Bosé como visitante en plena Edad Media; o la hilarante “El milagro de P. Tinto”, festín slapstick dirigido con pulso y estética comiquera por Javier Fesser o “Platillos volantes” de Óscar Aibar.

“Alguien sabe qué han venido a hacer aquí los extraterrestres durante los últimos treinta años?”, se tira de los pelos Vigalondo. Posibles respuestas: 1) Se hallan

perdidos y desean a toda costa regresar a su casa. Sería el caso de la familiar e iconográfica “E.T.” y de subproductos derivados como “Mi amigo Mac”, la serie “Alf”, o la reciente y aplaudida “Super 8” de J.J. Abrams. 2) Vienen para destruirnos/ aprovechar nuestros recursos/coleccionar nuestros cráneos como trofeos/reírse de nosotros. Aquí la lista crece: “La guerra de los mundos”, “Independence Day”, “Depredador”, “Critters”, “Mars Attacks!”, “The Blob”, “Invasores de Marte”, “La invasión de los ladrones de cuerpos”, la catódica “V” y un largo etcétera. Y 3) No tenemos ni puñetera idea de sus intenciones, más allá de un difuso e ingenuo establecimiento de con-

tacto. Aquí hallaríamos “Encuentros en la tercera fase” –otra vez Spielberg-, la incomprendida “Señales” de M. Night Shyamalan o la reciente “Monsters”, donde la invasión es el mero escenario de una historia romántica, como en la cinta de Vigalondo. Muchas de ellas contienen componentes humorísticos –voluntarios o no-, aunque las hay también abiertamente paródicas, como la reciente “Paul”, de los responsables de “Zombies Party”, “Men In Black” o “Evolution”, de Ivan Reitman. En todo caso, “Extraterrestre” es una marcianada que viene a rellenar a su manera un incomprensible cráter en el desierto de nuestra sci-fi, aunque esta se sitúe fuera de campo. ■ D. S.

MondoSonoro · Febrero 2012 /49/

mondoRECOMIENDA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

cómics

DVD

Sangre de mi sangre Lola Lorente Astiberri (1111)

Con un estilo naïf minucioso y encantador, la joven Lola Lorente edifica un mundo a caballo entre las dos realidades, la verdadera y la mágica, del mundo infantil, y crea una historia compleja, fantástica y envolvente, en la que, a través de la relación de amistad entre dos niños, reflexiona sobre temas tan adultos como la muerte, la esperanza, la familia o la memoria. Daniel Arnal

Viñetas para una crisis El Roto Reservoir Books (1111)

“Venid a las cloacas” Foto Archivo

Con ver el título y el autor de este volumen, no sería necesario explicar mucho más. El Roto es, sin duda, uno de los autores más importantes de la ilustración española. En este divertido volumen se recogen ochenta de las viñetas publicadas en los últimos tiempos en sus colaboraciones en El País. Una sátira brillante, inteligente y reveladora de la crisis actual. D.A.

El fantasma de Hoppers Jaime Hernández La Cúpula (1111)

Jaime Hernández continua con las historias de sus heroínas modernas de la famosísima y aclamada saga “Locas”. Un guión magnífico, con un dominio del tiempo narrativo y de los recursos literarios adaptado a un estilo gráfico sobresaliente, naturalista y reconocible.

Suspense cotidiano, humor, terror, sorpresa… Una nueva entrega en la biblioteca de un autor imprescindible. Daniel Arnal

Batman

Steve Englehart y Marshall Rogers Planeta DeAgostini(1114) Dice el texto introductorio que para muchos fans Steve Englehart y Marshall Rogers lograron allá en los setenta el Batman definitivo. Y no deja de ser curioso que lo consiguieran precisamente a costa de acercar el personaje a Marvel, la editorial de la que fueron fichados en uno de los momentos de mayor debilidad de DC. Entre esos fans debe estar Tim Burton, puesto que este primer arco argumental, con la aparición de Joker o el Pingüino, fue la base de sus películas. Luis. J. Menéndez.

DANIEL ARASANZ

Postales desde el extrarradio Tras haber recogido los parabienes de jurado y público en el Festival Beefeater InEdit 2010, Daniel Arasanz y Jaime Gonzalo presentan en DVD “Venid a las cloacas”, el formidable documental sobre la desventurada trayectoria de La Banda Trapera del Río.

Let’s Pacheco!

Una semana en familia

Venid a las cloacas

Pacheco & Pacheco ¡Caramba! (1114)

Carmen y Laura Pacheco son dos hermanas que ejercen como tal y que han alcanzado cierta notoriedad en Internet gracias a la serie “Let’s Pacheco”, una colección de tiras de humor para todos los públicos no exenta de cierta mala leche. En su estreno en papel las Pacheco nos abren la puerta de su casa e invitan a compartir unas navidades en su compañía y la de sus padres. El resultado es un álbum entrañable, una suerte de versión cañí de la televisiva “Padre de familia”. L. J. M.

Jukebox

Charles Berberian La Cúpula (1114) Charles Berberian, siempre vinculado a la música -hasta ha llegado a publicar varios discos bajo el nombre de Nightbuzz-, compone su propia jukebox con esta colección de historietas independientes entre sí, con el único nexo de unión de estar protagonizadas por músicos como Cohen, Lennon, Yo La Tengo, Elton John… L. J. M.

Iglesia y Estado II Dave Sim/Gerhard Ponent Mon (1111)

Continúa la publicación por vez primera en castellano de Cerebus.

La descomunal serie ideada por Dave Sim abarca veintisiete años de producción y más de seis mil páginas protagonizadas por un oso hormiguero del que el canadiense se sirve para cuestionar aspectos de nuestra sociedad a partir de una trama a caballo de los funny animals y la fantasía heroica. Este volumen, el tercero de la saga es también el que pone fin al arco narrativo “Iglesia y Estado”. L. J. M.

Peter Pank

Max La Cúpula (1111) Parece inevitable vincular a Peter Pank con una época reivindicada hasta la náusea. Efectivamente, en las tres historietas largas y diversas tiras recopiladas en este integral las luchas entre punkies y hippies, la cultura del chute y el sexo chungo nos retrotraen a la dichosa Movida de la que Pank se convirtió en símbolo. Pero el tiempo tampoco sienta bien a Crumb o Shelton y no por ello dejamos de considerar obras maestras sus cómics contraculturales. L. J. M.

Daniel Arasanz / Jaime Gonzalo Cameo

L

a guadinesca historia de La Banda Trapera del Río no fue bonita. Rezuma heroína y muerte, chatarra y orgullo curriqui, bilis juvenil y resentimiento de clase. Por eso, pese a su reconocimiento tardío, el documental que aborda la trayectoria de los de Cornellá no celebra nada. “Venid a las cloacas” es un fresco de miseria y cinismo en el que el decadente entorno de extrarradio en el que creció la banda tiene tanta importancia como su música. “Queríamos reflejar un mundo que ya no existe, diametralmente opuesto a la Barcelona que ahora conocemos y que determinó el carácter y circunstancias del grupo”, explica Jaime Gonzalo, guionista del documental y autor del libro en

el que se basa, “Escupidos de la boca de Dios”. Por eso, la edición en DVD (a cargo de In-Edit Master Series y Cameo) incluye setenta minutos de extras en los que se abunda en el contexto que marcó a fuego el carácter libre y espontáneo de la banda. “Eran genuinos. Partiendo de cero y de su instinto, crearon letras y acordes y forjaron su presencia escénica. No tenían las más mínima idea de lo que se cocía fuera.

Ese es su gran valor”, explica Gonzalo. La Banda Trapera del Río han sido los grandes olvidados de la historia de la música en España, pero el documental matiza su carácter maldito. “Cuando querían, tenían disciplina, pero en el fondo actuaban de manera muy poco profesional. Se buscaron ellos mismos los problemas, porque tuvieron muchas oportunidades, pero su carácter volátil y su lucha de egos les incapacitaron para encontrar un frente común”. Pero “Venid a las cloacas” no carga las tintas en el componente trágico, a pesar de esa maldición trapera que se llevó por delante a tantos miembros. “Hablamos de una tragicomedia, o una tragedia tapada. Es el tipo de vida que eligieron. Todos ellos dirían que ha merecido la pena, con lo cual no hace falta decir mucho más”, concluye Daniel Arasanz, director del documental.

■ Javi Pulido

DVD The Year Punk Broke, la edición definitiva

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991 fue el año en que el “punk rompió” como consecuencia del fenómeno “Nevermind”, sin embargo por entonces y, durante bastante tiempo después, el tráfico de discos de sellos independientes seguía siendo en España una afición tan rara como costosa (en términos pecuniarios y también de esfuerzo). En aquellos años este documental sobre la gira de Sonic Youth en que dieron la alternativa a unos Nirvana aún semidesconocidos fue una pieza cotizadísima, limitada al mercadeo de importación y cuyo VHS “ruló” de mano en mano entre amigos como el que entrega los votos para formar parte de un culto secreto. Por primera vez en DVD, “1991 The Year Punk Broke” se puede observar veinte años después no sólo como el testimonio de una era a la que la desaparición de Kurt Cobain situó definitivamente en el pasado, sino también como la demostración de fuerza escénica del trío de Seattle -justo antes de que empezasen los problemas- y de unos Sónicos que presentaban “Goo”, en su mejor momento. Mención destacada para los cameos sobre el escenario de Ramones, Dinosaur Jr. Babes In Toyland y Gumball, y las apariciones estelares por camerinos de Mudhoney o -vaya por dios- Courtney Love. Para redondear el lanzamiento, esta edición incluye abundante metraje inédito. ■ Luis J. Menéndez

mondoRECOMIENDA /50/ Febrero 2012 · MondoSonoro DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

libros

Justin Pearson Foto Archivo

libro

Pánico al amanecer Kenneth Cook Seix Barral (1111)

Una pesadilla. Eso es “Pánico al amanecer” del autor australiano Kenneth Cook, autor de “El koala asesino”, alguien que sabía bien de la obsesión de los aussies por la bebida y las decisiones estúpidas. Y por un extraño tipo de afabilidad, algo que saca de quicio al protagonista, el joven profesor John Grant, víctima aquí de todas las cabronadas del destino. La peor resaca de la historia. Joan Cabot

Tristessa

Jack Kerouac Escalera (11111) Escrita íntegramente en México DF y dividida en dos actos separados por un año de tiempo, Kerouac desnuda su amor por una morfinómana raída y condenada con la decadencia infinita del DF de los años cincuenta como escenario. Un canto al amor desesperado, al sinsentido, a la drogadicción y los bajos fondos, narrado con una prosa visceral e inmediata que subyuga y enamora. Pura poesía. Daniel Arnal

Cuerpo

Harry Chews Acuarela Libros (1112) Harry Chews es a la basura blanca de la América rural lo que Bukowski a los borrachos vagabundos de L.A. o Iceberg Slim a los buscavidas negros. Uno de ellos, y a la vez demasiado listo o inteligente como para no aprovechar la sureña materia prima como inspiración para sus novelas. Ambientado en un concurso de culturismo (el Mister Cosmos), “Cuerpo” es un divertido tratado sobre esa yanquilandia paleta, superficial y demente. Joan Cabot

Abandonarse a la pasión Hiromi Kawakami Acantilado (1111)

Justin Pearson

los otros trapos sucios Habrá quien conozca a Justin Pearson por su fantástica carrera en grupos básicos aunque underground como The Locust, Swing Kids, The Crimson Curse o All Leather, por citar a unos pocos. Ahora, este músico afincado en San Diego nos sorprende con un libro divertidísimo, “How To Lose Friends And Irritate People”, publicado por su sello, Three One G.

Autora del melancólico “El cielo es azul, la tierra blanca”, Kawakami nos cautiva de nuevo con estos ocho relatos “de amor y desamor” (fantástico “El canto de la tortuga”). Y es que la japonesa maneja sentimientos y detalles con maestría, traduciendo la pasión, las rupturas o el amor fou en palabras con pasmosa facilidad.

Joan S. Luna

“How to lose friends and irritate people”

El espíritu de mis padres sigue subiendo en la lluvia

Justin Pearson Three One G

Patricio Pron Mondadori (1111)

Las alabanzas que recibe este joven argentino afincado en Madrid se quedan cortas cuando uno lee su quinta novela: un ejercicio de búsqueda dentro de otra búsqueda, sensible y honesto con los recuerdos, el de su padre, también el de su país, que le sirven para conocerse mejor. Luis Argeo

Piercing

Ryu Murakami Escalera (1111) Una mujer trata cada noche de convencerse de que no apuñalará a su hija, ahí queda eso. Fantástica exploración de las bajezas de la condición humana y sus impulsos asesinos y alteraciones mentales con el capitalismo y la gran urbe como trasfondo, siempre desde un prisma serio y metafísico. Lectura tan breve como intensa y necesaria de la pluma de un autor excepcional. Daniel Arnal

P

ara muchos amantes del hardcore radical y underground, Justin Pearson es una auténtica leyenda como músico. En su faceta como escritor, tras un primer libro autobiográfico, nos sorprende con “How To Lose Friends And Irritate People”, un doble lanzamiento que incluye los libretos “Now I Will Make a Sound For You to Hear, A Sound Without My Mouth” y “A Sucker is Born Every Minute”, además de dos flexidiscs de All Leather y Ill Saint M. Una auténtica pieza de coleccionismo para los aficionados a su música y todo un desplante a la industria de la música y el libro digitales.

“Supongo que es algo generacional, pero te asegu-

ro que nunca perderé la cabeza con las descargas digitales. Estoy convencido de que la carpeta de un disco o la presentación de un libro, su diseño o la letra que empleas, son básicos. El arte y todo lo que rodea a un libro amplían y dicen mucho sobre lo que vas a encontrarte”. Aunque “How To Lose Friends...” no vale la pena solamente como pieza curiosa, sino que puedo asegurarles que su lectura garantiza la diversión. Pearson relata sus vivencias como vocalista invitado en gira con The Bloody Beetroots y Designer Drugs, ridiculizando a ambas formaciones y riéndose de las rocambolescas situaciones vividas en distintas partes del mundo. “Te diré que he intentado ser objetivo con lo que viví. Además, creo que soy el primero del que me río al situarme como protagonista de las situaciones que relato. Por otro lado, creo que se habrán escrito cosas mucho peores sobre mí y dudo que a esos Dj’s y productores les preocupe demasiado lo que opino sobre ellos”. Pearson habla sobre playbacks en grandes festivales, periodistas ineptos, músicos con pocas luces... casi nada. Ahora bien, lo hace con la gracia suficiente para que se devore en apenas un suspiro. ■ Joan S. Luna

libros

Mata a tus ídolos Luc Sante Libros del K.O. (1112)

En los textos de Luc Sante, belga de nacimiento y neoyorquino de adopción, se hace evidente esa dualidad, el racionalismo continental frente a la urgencia vital de la Gran Manzana. En esencia periodista, “Mata a tus ídolos” es un colección de textos en los que el escritor se enfrenta en primera persona a sus grandes pasiones: la vida urbanita (con especial atención al Nueva York pre y post Giuliani), la literatura y la música, manejando un amplio abanico de referencias que van de Robert Johnson a The Mekons. L. J. M.

Mientras los mortales duermen Kurt Vonnegut Sexto piso (111)

Libro póstumo de Vonnegut, fallecido en 2007, en el que se recogen dieciséis relatos inéditos. Es una lástima que la mayoría de estos cuentos morales, que destacan por la brillantez de sus planteamientos, el atractivo de sus personajes y lo sorprendente de algunos de sus giros, se vea lastrada por desenlaces insatisfactorios que frustran las expectativas creadas. Entre las excepciones, “Al mando”, “Tango” o esa maravilla llamada “Fuera, vela efímera”.

J. Picatoste Verdejo

Peret

Juan Puchades Global Rhythm Press (1111) Hay libros que son de justicia y con esa intención están escritos y de justicia es reivindicar como merece al genio creador de la rumba catalana. Y sí, que quede bien claro: Peret fue quien inventó el cotarro, y lo hizo como se hacen estas cosas, sin proponérselo, sin querer dedicarse a ello. Pura intuición gitana. Un libro a la altura de la leyenda, bien documentado y ágilmente escrito. Don Disturbios

Acordes rotos Fernando Navarro 66 RPM (111)

“Acordes rotos” es el primer libro del crítico Fernando Navarro. Un trabajo digno de mención para todo aquel que de verdad comprenda y entienda lo que han supuesto artistas como Robert Johnson a Eddie Cochran pasando por Sam Cooke o Captain Beefheart. Navarro es la persona más indicada para narrar y llevar al lector por el camino de la educación musical más sabia y acertada procurando hacer de las historias una banda sonora sin igual. Charly Hernández

conexiones

/53/ Febrero 2012 · MondoSonoro

Zertior <> Sidonie

Sidonie Foto Gustaff Choos

Iggy Pop Foto Archivo

Las oficinas de GMR Marketing España vivieron hace un par de semanas la segunda cita de la versión española de las Ignition Sessions, una iniciativa pionera en España que pretende analizar bajo la óptica del marketing las nuevas tendencias de la industria musical y de promoción y comercialización de los bienes y productos musicales y su conexión emocional con las marcas. Esta vez los elegidos para protagonizar las Ignition Sessions fueron Sidonie que dieron un breve concierto acústico para a continuación compartir una charla con los afortunados allí presentes que se centró en la relación de música y marcas. ■

Puig <> Iggy Pop Paco Rabanne presenta dos nuevas composiciones rock: Black XS L’Excès For Him y Black XS L’Excès For Her, dos nuevas fragancias intensas, con ritmo, glamurosas, sensuales y vibrantes… hasta el exceso. En definitiva la encarnación del deseo de ser un rockstar. El nuevo film publicitario tiene una conexión tan íntima con la pasión por la música y por el estilo de vida rock que ha contado con una participación estrella: Iggy Pop. Identificándose totalmente con el universo de Black XS L’Excès, Iggy Pop es la voz en off y hace una aparición en un papel inesperado en el filme publicitario. ■

Vetusta Morla Foto Archivo

Comuto <> Fiestas Demoscópicas

Rock Sin Subtítulos <> Vetusta Morla

Comuto es una empresa de Internet que fomenta el uso de coche compartido. Compartir coche de casa al trabajo o los fines de semana permite ahorrar emisiones de Co2.

Comuto.es funciona a la manera de una agenda de eventos para que las personas interesadas en acudir a un concierto se pongan en contacto y compartan vehículo. Y como durante el mes de febrero se celebran las Demoscópicas y lo más probable es que muchos de vosotros os desplacéis desde vuestra casa a las salas, Comuto las ha incluido en su agenda web para que te ahorres unos euros, hagas el verde y, ya de paso, conozcas a gente. ■

Verti <> Txarrena Txarrena (el grupo de Enrique Villarreal “El Drogas”), Christina Rosenvinge y La Shica ofrecerán un único DesConcierto Verti el próximo 25 de febrero a las 20.00h. en el Kafe Antzokia, de Bilbao (inicialmente el concierto iba a tener lugar el pasado mes de enero, pero un imprevisto de última hora provocó el cambio de fecha). Desconciertos Verti es una iniciativa de Verti Seguros en que varios artistas consagrados se unen para realizar una actuación fuera de lo común, para un aforo limitado, y para ser retransmitida en directo a través de Internet. Más información en las webs www.txarrena.com, www.facebook.com/vertiseguros, www.ltinews.net. ■

Txarrena Foto Archivo

Vetusta Morla actuará por primera vez en Londres el próximo sábado 10 de marzo de la mano de Rock Sin Subtítulos, promotora que, entre otros, ha llevado ya a actuar a esta ciudad a grupos de la talla de Amaral, Love Of Lesbian o Pereza y más recientemente a Maldita Nerea y Lori Meyers. El concierto tendrá lugar en la conocida sala londinense The Coronet, con capacidad para 2.600 personas.

Como ya es costumbre en cada concierto organizado por esta promotora, tras la actuación de Vetusta Morla dará comienzo una Mega Spanish Party con la música española más representativa de las tres últimas décadas. ■

Coca Cola Concerts <> Corizonas

Philips Sound Project <> Iván Ferreiro

Fender <> Kurt Cobain

Corizonas presentaban el pasado 20 de enero en Madrid “The News Today” dentro de la programación del ciclo Coca Cola Concerts en la sala Joy Eslava. Un conciertazo en toda regla que se saldó con un nuevo sold out.

Philips ha convertido el salón de una casa en una auténtica sala de conciertos, en una acción que gira en torno a Facebook. Iván Ferreiro fue el responsable de dar el pistoletazo de salida ofreciendo un concierto exclusivo para cuarenta blogueros.

Fender se ha puesto las pilas en esta edición del NAMM Show 2012 y va a presentar una gran cantidad de modelos. Entre ellos la segunda guitarra Signature del que fuera líder de Nirvana, Kurt Cobain.

San Miguel <> Youtube & Spotify

Converse <> Gorillaz

La música en las aulas <> VVAA

San Miguel trae una nueva aplicación enfocada a vivir la música como nunca antes. La App San Miguel TV, ya disponible, permitirá a los usuarios de Facebook y Tuenti reproducir los vídeos de sus listas musicales creadas en Spotify y destapar nuestro talento como Vídeo-Dj’s.

Para la próxima temporada Primavera-Verano 2012, Converse presenta una colaboración con Gorillaz, con diseños exclusivos inspirados en su particular visión y estilo. Las All Star han sido diseñadas por el co-creador de Gorillaz y diseñador, Jamie Hewlett.

La Universitat de València pone en marcha la segunda edición del postgrado de Gestión Empresarial de la Música. Como profesores tendrás desde a Joan S. Luna, jefe de redacción de esta publicación o a Raül Serrador, responsable de la edición valenciana, a artistas, directores de salas, de sellos, etc. n

mondoweb

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/54/ Febrero 2012 · MondoSonoro

VOTACIONES

ENTREVISTA FAN

DEL LECTOR Los 15 Mejores DISCOS Internacionales 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15

BLACK KEYS “El Camino PJ HARVEY - “Let England Shake” FOO FIGHTERS - “Wasting Light” COLDPLAY - “Mylo Xyloto” BON IVER - “Bon Iver” ARCTIC MONKEYS - “Suck It And See” WILCO - “The Whole Love” M83 - “Hurry Up, We’re Dreaming!”

FLEET FOXES - “Helplessness Blues” KASABIAN - “Velociraptor!”

RADIOHEAD - “The King Of The Limbs” RED HOT CHILI PEPPERS - “I’m With You” THE HORRORS - “Skying” THE PAINS OF BEING PURE AT HEART - “Belong” THE VACCINES - “What Do You Expect From The Vaccines?”

The Sounds Foto Archivo

Los 15 Mejores DISCOS nacionales

Maja Ivarsson y Félix Rodríguez (The Sounds) Los suecos The Sounds han cambiado su sonido en el electrónico “Something To Die For” (Side One Dummy, 11), así que aquí tenemos a sus fans queriendo preguntarles por ello. Aquí están sus respuestas poco antes de estar actuando en Barcelona (Apolo, 9 febrero), Madrid (La Riviera, 10 febrero) y Bilbao (Kafe Antzokia, 11 febrero).

Carmen Salvador González.

¿Cómo es que cuando aparecisteis ese nombre no estaba cogido? No me lo explico.

En aquel momento imaginamos que el nombre ya estaría registrado, pero cuando lo chequeamos descubrimos que no. ¡Y puedo asegurarte que también fue una sorpresa para nosotros! La verdad es que hubo un grupo finlandés en los sesenta, pero ya hace tiempo que no están en activo.

Gerard Nesta Llop.

¿Quieres casarte conmi-

go?

No estoy segura de a qué te refieres, pero lo siento, ahora mismo no.

Sarah Scissorhands. Por favor, volved al so-

CONCURSOS

WEB

nido de “Dying To Say This To You”... ¿En

qué os inspirasteis para escribir “Night After Night”? Cada vez que escucho esa canción algo se mueve dentro de mi...

No nos gusta repetirnos, así que por eso no nos gusta volver a hacer el mismo disco una y otra vez. Pero si quieres podrías poner en marcha un grupo y copiar el sonido de “Dying To Say This To You”. Te aseguro que me gustaría escucharlo. En cuanto a “Night After Night”, es una canción que se inspira en cosas distintas. Por un lado se basa en una historia de amor y, por otro, trata sobre lo frustrante que la vida puede llegar a ser.

de un concierto vuestro en 2009!

Gracias. Es divertido escucharlo. Lo único que hago es salir al escenario y tocar la guitarra, pero me gusta la posesión que sufro en directo (risas).

Si a la gente le gusta, es un añadido... Sabes, creo que me has alegrado el día.

Eve Milford. ¿Qué grupos escuchabais cuan-

Javi Buil Pérez. ¿Conocéis alguna banda es-

do ibais al instituto? Las comparaciones son odiosas o eso dicen, pero veo una fuerte influencia de Debbie Harry en Maja. ¡Quizás seas su sucesora!

Somos solamente dos chicas cantando en grupos de chicos, pero creo que ahí acaban todos los puntos en común. De todos modos, creo que es un honor que me compares con ella. Pero he cantado en directo con Gwen Stefani, con No Doubt, lo cual ha sido muy cool, y en ocasiones se sumaron Haley de Paramore, Shirley Manson o Katy Perry y nadie se ha preocupado en establecer comparaciones.

pañola? Si es así, ¿cuál creéis que se acerca más a vuestro sonido?

Conocemos a Héroes del Silencio, que tenían una buena canción. Pero eso fue en los noventa...

Xavi Blázquez. Al guitarra: ¿Eres consciente de que pese a la pedazo de cantante que tenéis la gente se fija mucho en ti también? ¡Menudos shows montas! ¡Disfruté mucho

Eve Milford.

¿Sabéis que los suecos están buenísimos? ¡Yeah! ¿Pues te imaginas lo que puede ser juntarse con la gente de España? ¡Algo super excitante!

Midori Kobayashi.

¿A mí me gustaría saber cuál ha sido el momento más pleno de vuestra carrera? Me refiero a ese día en el que pensasteis: “oh, sí, ya sé por qué coño he nacido. Para estar aquí ahora mismo”.

Buff, esta es una pregunta difícil. Ha habido muchos, pero te diría que quizás cuando tocamos en algunos programas importantes de televisión en Estados Unidos. Aunque el año pasado tocamos frente a 35.000 personas y fue una de esas ocasiones en las que dices: ¡Oh, dios mío! ■ PARTICIPA EN WWW.FACEBOOK.COM/MONDOSONORO

Sorteamos

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1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15

lotes de Make The Girl Dance formados por una camiseta y un CD-single firmado por el grupo.

VETUSTA MORLA - “Mapas” EL COLUMPIO ASESINO - “Diamantes” MANEL - “10 milles per veure una bona armadura” AMARAL - “Hacia lo salvaje” SIDONIE - “El fluido García” BIGOTT - “The Orinal Soundtrack” CORIZONAS - “The News Of Today” NACHO VEGAS - “La zona sucia” BERRI TXARRAK - “Haria” NUDOZURDO - “Tara Motor Hembra” EXTREMODURO - “Material defectuoso” LISABÖ - “Animalia Lotsatuen Putzua” THE NEW RAEMON - “Libre asociación” LA CASA AZUL - “La Polinesia Meridional” MAGA - “Satie contra Godzilla”

Los 5 Mejores directos internacionales 1 2 3 4 5

ARCADE FIRE COLDPLAY WILCO FOO FIGHTERS RED HOT CHILI PEPPERS

Los 5 Mejores directos nacionales 1 2 3 4 5

VETUSTA MORLA LORI MEYERS LOVE OF LESBIAN CORIZONAS TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO

Los 5 Mejores FESTIVALES 1 2 3 4 5

Primavera Sound – Barcelona (Cataluña) FIB – Benicàssim (Comunitat Valenciana) Ebrovisión – Miranda de Ebro (Burgos) Sonoroma – Aranda de Duero (Burgos) Bilbao BBK– Bilbao

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DVD’S

“Venid a las cloacas” La historia de La Banda Trapera del Río

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