Nº 159 MONDO SONORO FEBRERO 2009

Febrero de 2009 nº 159

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

FRANZ FERDINAND

ANIMAL COLLECTIVE

EL POP DEL SIGLO XXI THE UNFINISHED SYMPATHY

GARANTÍA DE CALIDAD Y ADEMÁS ESTE MES...

DEMOSCÓPICAS • TEMPLETON •NAPALM DEATH • ELVIRA • PARAMOUNT STYLES • BURAKA SOM SISTEMA • JACKSON MILICIA • KLAUS & KINSKI • TOM CARY M WARD • THE WAVE PICTURES • TACHENKO • SECOND • PERSONA • PLEASANT DREAMS • THE PRESETS • ISLANDS • INLOGIC • THE EXPLORERS CLUB

Más info en: www.mondosonoro.com

MondoSonoro · Febrero 2009 /5/

sumario

staff

18

Coordinador general Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) Coordinador editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Coordinador redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Mondoweb www.mondosonoro.com Coordinador contenidos web Xavi Sánchez Pons Diseño web Roberto Lorente (roberto@mondosonoro.com)

ANIMAL COLLECTIVE Que siga la fiesta

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres ◗ Edición estatal Redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) David Morell (david@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 Diseño gráfico y maquetación David Morgado (maquetacion@mondosonoro.com) ◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Karlos Díaz Tlf./Fax 958 506939 ◗ Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 388 892 ◗ Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197 ◗ Illes Balears (baleares@mondosonoro.com) redacción/publicidad Pablo Ochando Tlf. 659 190 479 ◗ Catalunya (xavi@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons Publicidad Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 ◗ Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Publicidad Gemma Pinilla Tlf./Fax 963 220 026 ◗ Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551 ◗ Galicia-Castilla y León (galicia@mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379 ◗ Madrid (madrid@mondosonoro.com) Redacción Luis J. Menéndez Publicidad Luis Fernández M. Tlf./Fax 915 400 055 Colaboradores: Textos Adrián Santos, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Francesc Feliu, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Javi López, Javi Pulido, Joan Cabot, Jordi Nopca, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jorge Obón, Juan Alonso, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Mertxe V. Valero, Miguel Amorós, Nacho P.L., P. Muñoz, Robert Aniento, Toni Castarnado Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

Edita Sister Sonic, S.L. Aptdo. 21.022, 08080 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

ENTREVISTAS

VINILOS

6. Comienzan las Demoscópicas 8. El nuevo trabajo de Napalm Death

19. The Unfinished Sympathy Ansia de escenario 21. Animal Collective Que siga la fiesta 22. Franz Ferdinand La joya de la corona

29. M Ward sigue en estado de gracia

MONDOFREAKO 11. Templeton 12. Tom Cary 13. The Wave Pictures 14. Klaus & Kinski 15.Buraka Som Sistema 16.Escaparate

Animal Collective Foto Archivo

“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Xavi S. Pons porque no le gusta el de Franz Ferdinand”

NOTICIAS

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510 lotes de eh! formados una camiseta exclusiva del grupo y su disco de debut

“36 de 48”

NOTICIAS

/6/ Febrero 2009 · MondoSonoro

Jukebox Racket

◗ El 24 de febrero WARNER edita “Covered: A Revolution In Sound” un compacto de versiones muy especial donde reconocidas figuras actuales del sello (The Flaming Lips, Mastodon, Disturbed y Against Me!) se atreven con temas clásicos de la historia del pop y del rock (Madonna, ZZ Top, The Replacements).

Hola a Todo el Mundo

TAN LEJOS...

◗ Tras publicar el pasado año un disco de marcado carácter experimental, “Seaside Rock”, PETER, BJORN AND JOHN regresan al pop con “Living Thing”, un álbum de doce canciones producido por el propio grupo con ayuda de Lars Marten, que será editado el 31 de marzo,.

Vale Tudo

Domador Annie B. Sweet

Tachenko echan la vista atrás y editan “Los años hípicos”

Jackson Milicia

◗ Este mes Nonesuch editará “Ashes Of American Flags”, un DVD en directo de WILCO que recoge material filmado el pasado año en una serie de conciertos ofrecidos en diversas ciudades norteamericanas. El DVD está dirigido por Brendan Canty (Fugazi) y Christoph Green de Trixie Films. Wilco estarán de gira por España en mayo y junio.

Tachenko Foto Archivo

◗ PETER GABRIEL y HOT CHIP han unido esfuerzos para realizar una versión de “Cape Cod Kwassa Kwassa”, una canción de Vampire Weekend donde sale nombrado el cantante inglés. Puedes escuchar la canción en www.youtube.com. ◗ BLACK LIPS acaba de anunciar los primeros detalles relacionados con su nuevo trabajo, que supondrá la continuación del exitoso “Good Bad Not Evil”. “200 Million Thousand” será editado por Vice Records, y verá la luz el próximo 24 de este mes. ◗ Uno de los iconos del punk rock de todos los tiempos gracias a ser guitarrista y compositor en The Stooges junto a Iggy Pop, RON ASHETON, fue hallado muerto el pasado martes 6 de enero, víctima de un ataque al corazón. El guitarrista tenía sesenta años de edad.

Febrero, el mes de las Demoscópicas MondoSonoro El mes pasado empezamos a desvelar todo lo que iban a ofrecer las Demoscópicas de MondoSonoro durante este mes de febrero. Infinidad de grupos con un futuro interesante por delante y algunos invitados de lujo, como Lori Meyers, autores del mejor disco estatal del año según MondoSonoro.

Y todo, como de costumbre, gratis.

The Decemberists Foto Archivo

◗ THE DECEMBERISTS ya tienen fecha de edición para su nuevo disco, el 24 de marzo, un trabajo titulado “The Hazards Of Love” que ha sido producido por Tucker Martine.

En el disco colaboran: Becky Stark (Lavender Diamond), Shara Worden (My Brightest Diamond), y Jim James (My Morning Jacket). ◗ MERGE RECORDS cumple este 2009 veinte años de existencia. El sello de Chapel Hill está dando forma a un cofre de coleccionista muy especial que, bajo el título de “SCORE! Merge Records: The First 20 Years”, presentará selecciones de canciones del sello con fines benéficos a cargo de David Byrne, Amy Poehler, Miranda July o Peter Buck, entre otros, un CD de versiones… ◗ SEBASTIEN GRAINGER, conocido por ser el batería y cantante de los desaparecidos Death From Above 1979, vuelve a la actualidad con un disco en solitario titulado “Sebastien Grainger And The Mountains” que se espera para marzo. ■

El actual sello en el que militan los zaragozanos Tachenko recopila ahora los que fueron sus primeros trabajos en Grabaciones en el Mar. Limbo Starr nos presenta los discos remasterizados y acompañados de los videoclips de la banda así como de las actuaciones en el Festival Contempopránea llevadas a cabo en 2006 y 2008. Hablamos con Sebas Puente (voz y guitarra) acerca de lo que nos acaban de entregar en formato de lujo y con un título de lo más sugerente, “Los años hípicos”. “Es una de esas frases felices que se nos ocurren por ahí, después de algún concierto... Esta vez fue en Gijón (allí se nos ocurren siempre bastantes, no sé por qué será...), y desbancó a otra candidata al título, ‘You’ll Never Walk Castor’, homenaje al ‘You’ll Never Walk Alone’, cantado por los hinchas del Liverpool, y recordatorio de la última canción de ‘Nieves y Rescates’”. Echando la vista atrás, y apuntando que quizá ahora está Tachenko en su mejor momento, ¿qué te gustaría destacar de aquellos años hípicos? “Toda la gente que ha pasado por Tachenko antes de la actual formación y grabaron e hicieron conciertos con nosotros: Miguel Yrureta, Richi, Andrés y Javi. Y más que mejorar, digamos que Tachenko es un concepto distinto. Con ellos también hicimos cosas muy grandes”. ■ Rafa Angulo

S

iempre nos ha gustado empezar el año con sorpresas y celebraciones.

Nosotros les llamamos Fiestas Demoscópicas y no se trata solamente de una lista de actuaciones, sino de unos festejos en los que podrás descubrir a algunos de los artistas que más darán que hablar durante las próximas temporadas. Ocurrió ya con nombres como los de Lori Meyers, We Are Standard, Triángulo de Amor Bizarro, Catpeople, Mendetz, Russian Red, The Blows o No Reply, y continuará siendo así.

Los mejores grupos noveles del territorio estatal según los responsables de las diversas ediciones locales de MondoSonoro se enfrentarán a un público que podrá verles sin tener que gastarse ni un euro (busca en los habituales puntos de distribución de la revista o visita www.mondosonoro.com y descarga tu entrada para el concierto o conciertos que te interesen; eso sí, recuerda que el aforo es limitado y que solamente entrarán en las salas los más puntuales).

Las Demoscópicas (que cuentan con Sennheiser, Carhartt y Jägermeister como patrocinadores) se sucederán desde el viernes 6 hasta el sábado 28 de febrero, pasando por

Barcelona, Zaragoza, Valencia, Santander, Vigo, Madrid, Jaén, Gijón, Bilbao, Palma de Mallorca y Badajoz. Y si la lista de ciudades es amplia, más aún lo es la de grupos participantes: The Lions Constellation, Mujeres, Annie B. Sweet, The Joe K-Plan, Hola A Todo El Mundo, Sheriff, Domador, Polock, Jackson Milicia, Band Dessiné, Lunática, Vale Tudo, Los Cadáveras, Novedades Carminha, Small Coffins, Modelé Fatale, Los Bizarros, Noise’n’Confusion, Enomia, Tunnel 483, Jukebox Racket, Plato Vacío, La Nueva Especie, The Wish o Delmar. A todos ellos se sumarán invitados como Elastic Band, Roger De Flor o Templeton, mientras que Lori Meyers, autores de “Cronolánea”, el mejor disco nacional del pasado año según MondoSonoro, formarán parte del cartel de Barcelona y Madrid. Fabchannel.com grabará y emitirá más tarde el concierto de la Ciudad Condal, y Sennheiser seleccionará junto a la revista a uno de los grupos demoscópicos participantes, que será premiado con material de la marca valorado en 2.000 euros (el ganador se dará a conocer en esta revista y en www.muuma. com y www.mondosonoro.com). ■

Paramount Styles Foto Archivo

Paramount Styles, más allá de Girls Against Boys Scott McCloud, vocalista y guitarra de los respetados estadounidenses Girls Against Boys, vuelve a nuestro país. Lo que ocurre es que, esta vez, no lo hace con su grupo de toda la vida (que se encuentra ahora mismo en punto muerto), sino con uno de esos side projects con los que nos sorprende de vez en cuando. Después de New Wet Kojak y Operator, ha llegado el turno de Paramount Styles, grupo con el que McCloud se acerca más que nunca al pop y con el que acaba de publicar “Failure American Style” (Touch And Go/Green Ufos, 08). “El disco suena como buscaba. Canciones sencillas pero en consonancia con mi trabajo anterior. A veces es más explosivo, a veces más bonito. Siento algo parecido a cuando GVSB hicimos ‘Venus Luxure No.1 Baby’, el principio de algo.

Después de 2002 me sentí perdido en Nueva York y en París, había perdido la voz y la imaginación. Ahora, trabajando en este disco y girando, siento algo como un retorno a los motivos que me llevaron a empezar a crear música”. El caso es que McCloud anda liado de nuevo con una lista de músicos que, no lo tenemos del todo claro, conforman la estructura de un grupo. De hecho, el músico grabó “Failure American Style” con la ayuda de Alexis Fleisig, su compañero en GVSB, y Richard Fortus (Love Spit Love, Psychedelic Furs, Guns N’Roses), además de diversos instrumentistas procedentes de grupos como Telepopmuzik o DAAU, que se han encargado de los coros, las cuerdas o el piano. Algunos de los que le acompañaran en concierto. “Paramount Styles es un nuevo grupo más que un proyecto en solitario, aunque yo soy el director musical”. Paramount Styles estarán actuando en Barcelona (4 y 5 febrero, Heliogàbal), Madrid (6, El Perro Club), Zaragoza (7, La Lata de Bombillas) y Sant Feliu de Guíxols (8, Casa Iria). n Joan S. Luna

/8/ Febrero 2009 · MondoSonoro

TAN CERCA... ◗ Ya hay nombre para el nuevo trabajo de OJOS DE BRUJO que saldrá el próximo mes de Marzo. El disco se titula “Aocana” (“Ahora” en caló) y significa un giro muy importante en la carrera de la banda afincada en Barcelona al fichar por la multinacional Warner y por escorar su sonido a ritmos mucho más pop y latinos, sin dejar de lado la fusión flamenca que les aupó como estandartes del género

Napalm Death Foto Archivo

NOTICIAS

◗ SUPERNOVAPOP, conocida web musical dedicada a los sonidos indies, celebra este mes de febrero en la sala Moby Dick de Madrid su séptimo aniversario con un par de conciertos muy especiales. El día 20 estarán El Columpio Asesino y Estereotypo. Y el 21, Islands y Brian Hunt (Half Foot Outside, Templeton). ◗ Raúl Muñoz, guitarrista de CATPEOPLE, sufrió recientemente un accidente de circulación. Debido a ello y a una recuperación de varios meses, el grupo no ha podido empezar su gira hasta ahora, para lo cual la banda ha fichado a un sustituto que les acompañará durante las próximas semanas en directo.

Consulta las fechas en www.myspace.com/ catpeopletheband.

Napalm Death vuelve con “Time Waits For No Slave” Los padres del grindcore se acercan a los treinta años de carrera.

“Time Waits For No Slave” (Century Media), su última y letal munición, subraya la plenitud de una formación referencial con poco o nada que demostrar.

E Macaco Foto Archivo

◗ El día 3 de marzo saldrá al mercado el nuevo larga duración de MACACO, “Puerto presente”. El disco se grabó en los estudios del artista catalán, El Murmullo, en la ciudad de Barcelona, ha sido producido a medias con Jules Bikôkô y Roger Rodés, y se ha masterizado en los Sterling Sound de Nueva York.

l nuevo material suena tan extremo, crudo y acelerado como de costumbre. “Es un disco de Napalm Death: es muy rápido y muy heavy, pero también contiene sus dosis de experimentación”, responde vía telefónica el bajista Shane Embury. El nuevo álbum huye de la ortodoxia, aunque se mantiene lejos del tono industrial y melódico de “Diatribes”. “Las partes experimentales están más repartidas a lo largo del disco y hay distintos tipos de voces. Seguimos cultivando nuestra faceta alternativa, la que bebe de bandas como Swans”. Nacidos en Birmingham hace casi tres décadas con un sonido brutal a medio camino en-

tre el proto-thrash metal y la segunda generación del punk –“éramos fans de grupos como Conflict, GBH o Discharge”- la banda, incluida en el Libro Mundial de los Record Guinness por haber escrito la canción más corta de todos los tiempos (“You Suffer”, de su primer disco “Scum”, de apenas un segundo de duración) y protagonista de una de las míticas sesiones de John Peel para la BBC, constituye un claro ejemplo de integridad y perseverancia. Una institución más allá del death metal a la altura de Motörhead, Black Flag o Slayer. “Intento no pensar demasiado en los logros pasados, ser creativo y centrarme al máximo en el siguiente disco o concierto”.

Elvira, más allá de Standstill

◗ El mes de marzo Austrohúngaro edita “Esplendor en la arena”, un CD que repasa toda la carrera de HELLO CUCA. El recopilatorio rescata temas que hasta ahora sólo estaban disponibles en vinilo, así como otras rarezas y canciones inéditas (algunas nuevas) del trío murciano. ◗ Los granadinos ELASTIC BAND tienen varios conciertos previstos para febrero en los que presentarán las canciones de su notable debut. Son los siguientes: 5 Valladolid (Wallaby), 6 Zaragoza (La Casa del Loco), 13 Toledo (El Pícaro), 21 Valencia (Wha Wha) y 28 Madrid (El Sol). ◗ El sello independiente madrileño TRES PIES, hasta ahora conocido por albergar las grabaciones de Garzón y Grande-Marlaska, amplia su catálogo con nuevas referencias.

Se trata del Ep de debut de Le Mot y el primer siete pulgadas de Montañas. Más detalles en www.trespies.net. ◗ THE LOFT, conocida sala de Barcelona dedicada a la música electrónica, celebra este mes su séptimo aniversario con una programación muy especial que presentará cuatro duelos de Dj’s sonados: Trentemoller Vs. Pilooski (día 6), James Holden Vs. Nathan Fake (día 13), Kevin Saunderson Vs. Carl Craig (día 20) y Angel Molina Vs. Alex Under (día 27). n

A nadie se le escapa tampoco su compromiso político y social, reflejado tanto en sus textos como en numerosas y explícitas campañas contra el nazismo o el racismo. “Fuimos de las primeras bandas en tocar en Sudáfrica, en pleno Apartheid, gracias a la ayuda del ANC -Congreso Nacional Africano-, ex-partido de Nelson Mandela. Fue delicado porque había mucha gente favorable al régimen, pero lo hicimos. Espero haber contribuido a abrir un poco algunas mentes”. Con todo, la virulencia de su música, máxima expresión de la frustración y las injusticias de nuestra era, esconden un mensaje paradójicamente positivo. “Es importante apreciar las pequeñas cosas de la vida. Mucha gente se limita a trabajar y trabajar y no se detiene ni un instante a observar su alrededor. La vida es muchas otras cosas, entre ellas intentar mejorar como personas”.

■ David Sabaté

Islands Foto Archivo

Islands, nuevo disco y gira española “Arm’s Way” (Rough Trade, 08), el segundo disco de Islands, tendrá su primera oportunidad de trasladarse al directo en nuestro país, el viernes 20 de febrero en la sala Sidecar de Barcelona, y un día más tarde en la madrileña Moby Dick dentro del aniversario de la web musical Supernovapop. “Es un disco ambicioso del que estoy muy orgulloso. Todos los que participaron en su grabación formarán parte de este tour, y está mucho más rodado que cuando lo sacamos a pasear el año pasado, así que no creo que lo barroco de su sonido vaya a suponer un problema”, dice desde su casa un hiperactivo Nicholas Thorburn.

“Ahora me pillas en medio de la preparación de mi próximo cómic, que se llamará ‘This Is Howie Doo’. Y al final de este año habrá nuevo disco, con un sonido más triste y orientado al folk”. Nada de extrañar si tenemos en cuenta las cintas que ha elegido para que le acompañen en su tour europeo. “La banda sonora de ‘Man On Wire’ por Michael Nyman, Kate Bush, Debussy, algunos clásicos rock, cintas de chistes y posiblemente unos cuantos discos que vayamos pillando por el camino”. ■ Luis J. Menéndez

Piti Elvira lleva más de doce años tocando. Le conocemos sobre todo por encargarse de las guitarras en Standstill y de la batería en It’s Not Not. Pero ahí no acaba la historia. En “Apuntes para canciones de mierda” (B-Core, 09) se enfrenta al mundo a solas y sin complejos. “Tenía la necesidad de intentar plasmar todas esas ideas que pasan por mi cabeza en un proyecto concreto, era hora de enfrentarme a ello, de ver si era capaz de quitarme el miedo, de atreverme a cantar, de ser capaz de encargarme de todo el proceso”. La apuesta ha merecido la pena. El cancionero que nos entrega, aparte de contener enormes dosis de elegancia que pasa del pop al hip hop, nos descubre una faceta desconocida del autor, la de letrista y cantante. “Era una de las cosas que más me costó: quitarme el miedo o la vergüenza. Siempre he escrito cosas, pero soy muy consciente de mis limitaciones a la vez”. ■ Rafa Angulo

Elvira Foto Archivo

MondoSonoro · Febrero 2009 /11/

MONDOFREAKO

Templeton Foto Archivo

Templeton

lágrimas de felicidad A medio camino entre el pop y otros sonidos más complejos, Templeton se sitúan en un terreno al margen de sus compañeros de generación. Y es que si algo le sobra a “Exposición universal” es personalidad, buenas canciones y actitud.

A

quí tienes a otro grupo español de los que tiene personalidad propia. Te gustarán o te irritarán, pero ya se han hecho su hueco copiando, como todos, pero para llegar a ser únicos. Son Templeton. Llevan juntos cinco o seis años, antes cantaban en inglés y cuentan que se les podía etiquetar de post-rockeros. “En Cantabria, con el mal tiempo que hace, siempre estábamos metidos en el garaje y la música era más oscura, pero ahora que hemos venido a Madrid, todo es jolgorio y la cosa cambia, ni hay rollo emo, ni inglés”. Brian Hunt (Half Foot Outside, ex-Russian Red entre otros) se une a ellos en el momento justo y da la sensación de que aporta la experiencia suficiente como para que Templeton evolucionen naturalmente hacia el pop en castellano. “Se trata más de que nos dio impulso al venir a Madrid.

Aportó la experiencia de decirnos qué le sobraba a nuestras canciones”. Y así llegaron al rock plural de Templeton que siempre termina siendo pop. “El post-rock nunca fue una música en la que estuviéramos en nuestra salsa.

Somos amantes de las canciones cortas y

de los Beatles y, en el momento en el que soltamos lastre, supimos que teníamos un grupo de verdad y canciones redondas, aunque en el disco quede ‘Marcha nupcial’ que aunque pueda ser un poco pegote, es una muestra de aquella época anterior”.

Testigo de ello es “Exposición universal”, su primer álbum. “Hacemos de la mejor manera que sabemos lo que querríamos oír”. Aunque son tan lentos que algunas de las grabaciones del álbum tienen ya una antigüedad de dos años.

“Hoy por hoy, nuestro repertorio de directo es la mitad del disco, la otra mitad ya son canciones nuevas, y cuando tengamos que presentar el disco, vamos a tener que ensayar unas canciones de las que básicamente ya no nos acordamos. Por ejemplo, ‘Una cosa es lo que ocurra’ es de 2003”. Por lo que encontrarle un nexo al disco es difícil. “Han dicho que las letras tratan sobre el odio y el resentimiento, y yo peco de mala baba, pero hablamos sobre muchas más cosas”. Dicen en las escuelas que un niño pequeño que no escribe todas sus letras inclinadas hacia el mismo

lugar, es que todavía no ha definido su personalidad, y al escuchar el álbum, uno se acuerda de Schwarz, Los Planetas, La Muñeca de Sal y hasta de El Niño Gusano aunque sea por la vagancia de acudir a nombres españoles. “Picoteamos de muchas cosas, pero las etiquetas son asquerosas. No perseguimos estar dentro de un género claramente ni hacer un tipo determinado de canción, las queremos hacer buenas, pero no mantenernos dentro

do vemos reportajes sobre lo que ocurre, siempre termina pareciendo que es algo falso cuando se trata de reunir o de crear una escena”. Será porque, al menos, desde los ochenta, nunca ha habido una escena auténtica, sino pequeños grupos de amigos reunidos al calor del que ha conseguido subirse al escenario.

“En España somos siempre amigos que nos juntamos a tocar y amigos que vamos a conciertos, pero nada más allá. Para que llegue

“Picoteamos de muchas cosas, pero las etiquetas son asquerosas” de ningún parámetro. Nos jode hacer dos canciones iguales”. Para eso está el panorama extraño actual en el que es posible el éxito de propuestas clásicas como las de Tachenko junto a las deliciosas aberraciones de Coconot. “Todo ha cambiado mucho y los grupos han tenido la posibilidad de soltarse para desarrollar su propia identidad, el problema es que no se queden obsoletas todas esas propuestas y se pueda avanzar. Desde ‘Madrid Terminal’, por ejemplo, la situación ha cambiado para mucho mejor, pero lo que hay que conseguir es que siga así. Ahora parece que hay interés popular por la música, pero cuan-

a haber una escena hacen falta unos nexos que no existen”. Por eso, también Templeton son tan público como músicos y, después de seis años, siguen teniendo la ilusión del primer día de ver publicado su primer álbum. Bien. Pero es que además en directo, y aunque sólo sea por categorizar, tienen el desparpajo de los mejores grupos de pop, la seriedad del kraut, la experimentación del post-rock, y la crudeza del rock de los noventa.

No son perfectos, pero como les dejemos, lo van a ser. Palabra. Hecho. ■ Jorge Obón “Exposición universal” está publicado por Arindelle/Subterfuge.

(MONDOFREAKO /12/ Febrero 2009 · MondoSonoro)

Tom Cary Foto Archivo

Tom Cary

t

Energía renovable La energía nunca desaparece solamente se transforma. Con este enunciado los malagueños firmaban en 2005 su primer hit y arrasaban en todos los concursos de maquetas que pisaban. Ahora con “That’s Right Clean Your Soul” (Anewlabel ‘08) demuestran que Einstein no estaba equivocado ni ellos tampoco.

E

l germen del sonido Tom Cary puede definirse en ese “hitazo” con el que se dieron a conocer y que abría su tan condecorada demo (Lagarto, Proyecto Demo, Crearock...). Un tema de esos que sirve de tratado fundacional para una banda de rock. “Era un blues que tocaba Pablo antes de formar el grupo. Él nunca estaba contento con las baterías que le aportaban otros músicos. Nos enseñó la línea de guitarra y se puso con los tambores. El problema surgió cuando tenía que tocar la batería y cantar a la vez. Pero le salía la voz con mucha fuerza y los gritos nos movían a subir un peldaño más de ruido cada cuatro compases”. ”Energy Never Disappears, Only Gets Transformed” es el tema en cuestión, aunque ellos apuntan “I Wanna Go Home” y “The Ballad of Tom Cary” como las otras dos esquinas de ese triángulo de poder y energía

▲ Sube el colectivo valenciano COOKIN SOUL, que aparece en “Sky High”, la nueva mixtape oficial de Kanye West junto a Dj Benzi, Plain Pat, Diplo... seleccionados por G.O.O.D. Music.

renovadora del alma que se dibuja en su debut largo. Lo cierto es que en todas ellas se palpa una sensación de incertidumbre entre tempestad y calma, esto es dejar caer a plomo el aserradero de guitarras sobre un pasaje aparentemente despejado. “Los cambios de tiempo son perfectos para definir estados de ánimo convulsos e inestables. Muchas veces nos sentíamos así en aquella época. Llegábamos al local, tocábamos esa música y era como si sacáramos algunas cosas hacia fuera. Es un recurso que hemos explotado al máximo en este primer disco pero que ya prácticamente hemos abandonado”. Lo cierto es que problemas en el seno de su discográfica han propiciado que la salida del disco haya pasado inadvertida desde el punto de vista promocional y que estemos ante un trabajo al que la banda ya mira con distancia; de hecho,

▲ Y ya que estamos con hip hop, sube la pro-

puesta “El Hip Hop en los Institutos”, que ha llevado a la rapera ARIANNA PUELLO hasta algunas escuelas.

el segundo disco de Tom Cary está en el horno.

Sin embargo la calidad de su debut no merece que lo pasemos por alto en atención a criterios de oportunidad. “That’s Right, Clean Your Soul” fue grabado a principios del año pasado y producido por Steve Albini (Nirvana, Pixies, La Habitación Roja, 12twelve). Quien mejor que el de Chicago para impregnar el rock temperamental de Tom Cary de ese cariz punk sucio y cargado de mala leche. “Teníamos la siguiente idea, si

demo, en un discurso con más amplitud de miras pero que funcionase con una lógica más o menos común, en resumen, un álbum. “Un disco es como una novela. Cada capítulo puede ser interesante por si mismo, pero tiene un lugar en la trama con respecto al resto. De esto parte la variedad y la diferenciación entre canciones. Cada canción necesitaba a la anterior y a la posterior y describía momentos muy diferentes”. El disco de Tom

“Todavía tenemos problemas con algunos técnicos al final de los conciertos” era capaz de grabar con la misma brillantez ‘Songs About Fucking’ con sus Big Black y ‘Things We Left On The Fire’ de Low era nuestro hombre. Necesitábamos alguien que pudiese hacer un buen trabajo con dinámicas fuertes y agresivas de guitarras y baterías y luego captar atmósferas íntimas muy suaves”. Esa era la labor de Albini, pero antes los malagueños debían conseguir consolidar una idea brillante, como podía suponer su

▲ El joven MC PORTA, odiado y amado a partes iguales en la escena, acalla a sus detractores al conseguir vender más de cuarenta mil copias de su disco “En boca de tantos”.

Cary recrea en ocho temas ese caos poético que confiesan no es otro que una escenificación de sus propias vivencias y cuya máxima dramaturgia se alcanza en los sobrecogedores directos de la banda. “Todavía tenemos problemas con algunos técnicos al final de los conciertos”.

■ Arturo García

▲ Sube el grupo vasco BERRI TXARRAK, cuya repercusión se está extendiendo cada vez más allá de nuestras fronteras. Este mismo mes empieza la grabación de su nuevo disco con Steve Albini.

SUBEN ▲

▼ Una verdadera lástima, pero baja que FLORIAN

SCHNEIDER haya decidido abandonar definitivamente a Kraftwerk después de prácticamente cuarenta años de carrera.

“That’s Right Clean Your Soul” está publicado por anewlabel.

▲ Sube TRENT REZNOR y sus NIN ya que

“Ghosts I-IV”, pese a tener licencia Copyleft y contar con una parte en descarga gratuita, es el disco más vendido en Amazon.

▼ bajan

▼ Después de que la batalla contra las salas de conciertos haya pasado por otras ciudades, parece que ahora le ha tocado el turno a Zaragoza. Se haya echado el cerrojo a las salas Oasis y DeVizio.

▼ Baja nuestro interés por la presencia de

grupos indies en la pre-selección de EUROVISIÓN. Una vez tuvo gracia, pero cad vez la tiene menos

▼ Baja MTV en Internet porque durante prácticamente diez días sus noticias han girado alrededor de Obama y 50Cent, Obama y Kanye West, Obama y Beyonce, etcétera.

▼ Baja la persecución a las DESCARGAS P2P.

Un estudio encargado por el gobierno holandés dice que “genera más beneficios económicos y culturales que pérdidas”.

(MondoSonoro · Febrero 2009 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

“Me retiraré cuando alguien se case conmigo. Aburrido, lo sé, pero ese es mi plan” Lily Allen, en NME

“Estoy cansado de Bono, y ese soy yo” Bono de U2, en Q.

Joe Crepúsculo, en Rockdelux

The Wave Pictures Foto Archivo

“En ‘Baraja de cuchillos’ yo quería hacer algo como el ‘Walk Of Life’ de Dire Straits”

The Wave Pictures

Tres amigos “Simplemente no veo esa conexión con Phil Spector. Creo que somos únicos, especiales” James Allan de Glasvegas, en NME

“No me pusieron en la tierra para hacer dinero, me pusieron para hacer magia” Kanye West, en Q.

“Ver a la bandas que se reforman es algo triste, degradante y tonto” Andy Partridge de XTC, en Mojo

“’Dijimos que no a una oferta de medio millón de dólares de American Express por cederles una canción. No hacemos negocios con los culpables de la crisis” R.. Pecknold de Fleet Foxes, en Rolling Stone

Hacía años, con permiso de los incombustibles The Bitter Springs, que un grupo de indie pop inglés de alma obrera no le cantaba tan bien, con gracia y sentido del humor, a las chicas, a los bares y a los héroes musicales. The Wave Pictures lo hacen en el excelente “Instant Coffee Baby”, haciendo gala además de una sano espíritu amateur que les hace aún más irresistibles.

E

l año pasado fue el año The Wave Pictures.

El momento en que estos tres chavales nacidos en un pequeño pueblo perdido de Inglaterra consiguieron sacar la cabecita y hacerse un hueco en esto de la música. “Instant Coffee Baby”, su segundo disco editado de forma oficial, supuso la revelación, pero ya llevaban varios años en activo, grabando CD-R’s y ofreciendo conciertos que solo los más cercanos a la banda tuvieron el privilegio de disfrutar. David Tattersall, guitarra y vocalista del trío británico, nos pone en antecedentes. “La primera vez que nos juntamos para grabar un disco teníamos unos dieciocho años. La banda se formó en un ambiente muy aislado, en una pequeña ciudad en mitad de la nada. Así que escribíamos nuestras canciones, hacíamos nuestras grabaciones y tocábamos en directo alguna vez. Éramos serios sobre lo de ser buenos, pero no lo éramos sobre nada más. No nos planteábamos tener una carrera. Así es como tiene que ser, y esa manera de pensar todavía nos acompaña. Aún nos tomamos en serio lo de ser buenos, pero no lo somos nada con todo el resto de cosas que rodean el negocio de la música. Además también queríamos acabar la escuela, aprobar la universidad, así que, primero, nos pusimos a estudiar como buenos chicos. Tras graduamos, nos mudamos a Londres y empezamos a tocar más y acabamos firmando por una discográfica”. Amigos

desde la tierna adolescencia, The Wave Pictures construyen su discurso a golpes de corazón y a base de ganas. Sin tomarse nunca muy en serio y sin traicionar nunca sus principios. Como buen

unos amigos como ellos”. Devotos confesos de la cultura de los pubs (sus canciones están llenas de episodios alcohólicos) The Wave Pictures son la banda sonora soñada cuando uno la quiere pillar gorda y, de paso, no dejar de sonreír durante un buen rato. Los ingleses hacen gala de un sano sentido del humor que hace más llevaderas sus cercanas y sinceras epopeyas amorosas protagonizadas por losers soñadores con encanto.

“Me gusta poner cosas graciosas en lo que hacemos. A todo el mundo le gusta la gente que tiene sentido del humor ¿No es verdad?

Nunca he escuchado a nadie decir que le

“Me gusta poner cosas graciosas en lo que hacemos. A todo el mundo le gusta la gente que tiene sentido del humor” grupo de la Inglaterra profunda tienen un substrato tabernario y festivo que nos hace pensar en un versión juvenil de las bandas más pop del pub rock clásico (Rockpile, Brinsley Schwarz, ambas con Nick Lowe a la cabeza, The Kursaal Flyers…).

Una herencia clásica que se ve enriquecida por las maneras de algunos artistas y grupos actuales muy cercanos. Darren Hayman y la troupe de Herman Dune son, más que figuras musicales afines, compañeros de viaje, de grabación, de escenario y de borracheras. “Darren es un buen amigo. Le admiro y me ha echado una mano un montón de veces. Vive muy cerca de mi casa, un poco más arriba de mi calle, y quedamos para hacer cosas, ver películas o para beber.

Herman Düne, Lisa Li Lund y Stanley Brinks también son amigos. Me encanta toda la música que hacen y disfruto de su compañía.

Como Darren, son amigos primero y sobre todo son eso, pero también les admiro. Estoy en una posición muy privilegiada al tener

gustaría conocer a alguien que no lo tuviera.

Por mi parte, me gustan las canciones tristes que tiene sentido del humor”. Los de Londres saben pasárselo muy bien, tanto en el escenario como en el estudio, donde, a diferencia de la mayoría de los grupos del momento, graban de una manera muy tradicional: en directo con un ocho pistas. Algo que les da un toque especial. “Creo que es importante grabar en directo. Estoy de acuerdo cuando dices que al hacerlo se consigue algo especial. A pesar de que hay un montón de grandes discos que están hechos grabando una pista y levantando sobre ella la canción, ese proceso no va con nosotros. La espontaneidad es muy importante.

También es bueno trabajar rápido. Nos gusta tocar juntos, vernos las caras en el cuarto y tocar una canción”. ■ Xavi Sánchez Pons “Instant Coffee Baby” está publicado por Moshi Moshi/Nuevos Medios

(MONDOFREAKO /14/ Febrero 2009 · MondoSonoro)

10

S

DISCO

(Catpeople)

Adrián PD, frontman y guitarrista deCatpeople, ha escuchado muchos discos. Elegir diez no habrá sido tarea fácil, pero aquí están sus favoritos.

Radiohead “Kid A” (2000) Aunque “OK Computer” es mi disco favorito, quiero reivindicar “Kid A” porque considero que, como mínimo, es igual de bueno. No fue valorado como es debido.

Jeff Buckley “Grace” (1994) Poco se puede decir de Jeff Buckley y de “Grace” que no se haya dicho ya. Simplemente que ojalá me despertase mañana sin conocerlo para poder disfrutarlo como las primeras escuchas.

Klaus & Kinski Foto Archivo

Klaus & Kinski

Fuego purificador El sorprendente debut de Klaus & Kinski era un secreto a voces.

“Tu hoguera está ardiendo” ha puesto en valor unas canciones que ya en formato demo brillaban con luz propia. Ha tardado en llegar, pero por fin aparece un disco con empuje suficiente como para renovar el indie cantado en castellano.

S

in duda los murcianos han enmudecido a todo aquel que pensaba que el pop nacional había perdido audacia en los últimos años. Klaus & Kinski consiguen trazar la curva emocional de una persona utilizando como coordenadas un ideario de estilos que tienen, por supuesto, la canción como fin único. Alex y Marina rocanrolean en clave folk, country, tecno pop, shoegaze e incluso hasta tocan el bolero en una suerte de miscelánea evocadora de la música popular de ayer y hoy. Canciones cuyo apresto se debe a una alquimia musical que destapa a Alex como un compositor ecléctico e imaginativo y a Marina como su perfecta actriz fetiche; temas que ya habían sido contrastados en sus maquetas y cuya selección y orden de aparición dentro del álbum es el primer acierto. Un disco largo, catorce cortes nada menos, pero que sin querer o queriendo se percibe dinámico con mucho movimiento interno. “Nadie nos había dicho lo del movimiento, lo cual nos alegra… porque también hay temas más lentos, y es difícil acertar con el orden correcto. No nos planteamos una obra conceptual, con un sentido unívoco. Lo entendemos como una colección de canciones, aunque ahora (por lo que dice la gente) recalcamos el sentido heterogéneo y ecléctico”. Para alguno Klaus & Kinski pueden ser el eslabón perdido entre el sonido Donosti, entendido como el pop elegante de La Buena Vida y la chispa de Family, y la frescura de la huerta murciana (Vacaciones, Parade, Me enveneno de azules). Primer palo de ciego. “Nuestro ideario, por así decirlo,

lo sentimos muy distinto. Otra cosa es que el registro, timbre y manera de cantar de Marina pueda recordar a referentes Donosti, porque aporta dulzura y languidez a un tema aunque la música de debajo sea brutal death. Si cantara otra persona sería distinta la percepción. Simplemente explotamos lo que hay”. Es más, si metemos el dedo un poco más en el ojo, la voz susurrante de Marina puede sugerir comparaciones odiosas aunque dicho registro no sea más que fruto de

humor negro, pero a veces la sordidez es un vehículo para decir cosas, una intención literaria, o un contraste con la música.

Pero todo intenta ser honesto y sincero”.

Y tanto, en ningún momento intentan maquillar canciones, por otro lado deslumbrantes como “La Mano de Sta. Teresa” o “Flash Back” aunque estas beban de fuentes más o menos explotadas. “Hay un indie pop, por así decirlo, más o menos ‘tradicional’ (si es que eso existe), hay country, shoegaze, noise, tecno pop, balada sesentera, bolero… Evidentemente todo eso está explotado, pero partimos libremente de todo ello, según nos da”.

Sin prejuicios de este tipo es más fácil firmar un disco como “Tu hoguera está ardiendo”, una especie de jukebox del indie español donde te vienen a la cabeza muchas referencias propias y extrañas desde los pasajes hipnóticos de los

“Nuestro ideario, por así decirlo, lo sentimos muy distinto al del sonido Donosti” las exigencias del guión que marcan las canciones de Alex. “Intento adaptar mi voz a lo que Alex me pide en cada canción; normalmente quiere languidez decimonónica pero hay canciones que piden otra cosa, como ‘Sintigo o sin ti’, que tiene unas voces bastante poco susurradas. A veces me cuesta horas de desgaste llegar a ese registro tan suave. No me lo planteo como nada más que poner voces a sus canciones y, la verdad, me molestan bastante las comparaciones que quieren ver en la naturaleza de mi voz influencias que no me van para nada”. Pues pasamos de lo obvio a lo obtuso, y es que tanto en la música como en los textos hay un mensaje velado, un lado más enigmático y menos evidente. “En algunos casos es simplemente

mejores Los Planetas en “Ronnie O’Sullivan” a la mágica inocencia de Nosoträsh en “En la cama” o todo junto en la que se apunta composición más brillante del álbum “Lo que no cura mata”, un tema de esos que te levantan unos centímetros del suelo mientras avanza su escucha.

El suyo es un disco hilado muy fino, incluso ese curioso interludio en clave bolero que puede ser “Mengele y el amor”, chirriante para algunos, oxigenante para otros. Lo cierto es que Klaus & Kinski han sabido leer entre líneas y hacer un disco fetiche que sirva de fuego purificador para un indie pop un tanto apolillado.

■ Arturo García “Tu hoguera está ardiendo” está publicado por Jabalina.

The Divine Comedy “A Short Album About Love” (1997) Si es una tarde lluviosa y tu novia te ha soltado el brazo y se ha marchado enfadada por tu culpa, lo mejor que puedes hacer es abrir el paraguas y escuchar este disco.

The Cure “Disintegration” (1989) Después de que suene “Plain Song”, primer tema del disco, ya puedes decir que mereció la pena haberle dado al play del reproductor.

Uno de esos discos que salvarías de un incendio si tu casa se quemase.

Nine Inch Nails “The Downward Spiral” (1994) Lo volví a escuchar después de varios años y pensé: “si descubriese ahora este disco no me gustaría tanto”, pero en su momento no salía del discman ni un día.

The Chameleons “Script Of The Bridge” (1983) Los grandes olvidados. En el mundo de la música se cometen muchas injusticias, pero pocas tan graves como no darle a esta banda el lugar que merece.

U2 “The Unforgettable Fire” (1984) Cuando se ve en lo que se ha convertido U2 uno sólo puede sentir lástima. Yo les descubrí con este álbum y a pesar de todo el mundo habla de “The Joshua Tree”, para mí este es su mejor trabajo de largo.

Low “Trust” (2002) Hablar de “Trust” es hablar de auténtica oscuridad, belleza y sobre todo de melodías de voz tensas pero a su vez armoniosas. Siempre procuro escucharlo a oscuras.

The Doors “The Doors” (1967) Una de las mejores cartas de presentación que una banda pueda tener. En él ya había hits como “Break On Through”, “Light My Fire” o la impresionante “The End”.

Scott Walker “Scott 4” (1969) La primera vez que escuché a Scott Walker fue en un documental de Radiohead. Era “On Your Own Again”, una preciosa canción. Me volví loco para saber de quién se trataba. n

Adrián Pd Foto Albert Jodar

Adrián PD

(MondoSonoro · Febrero 2009 /15/ MONDOFREAKO)

EN LA

MALETA

Buffet Libre DJ’s Foto Archivo

Buffet Libre Dj’s Miguel y Marc se han convertido en unos meses en la pareja de Dj’s más hiperactiva de Barcelona. A sus sesiones se suman sus recopilatorios con artistas de todo el planeta y diez mil aventuras más que se solapan unas con otras. Ahora se han superado a si mismos con “Buffet Libre Dj’s Rewind 2”, en el que participan artistas de todo el mundo.

◗ ¿Qué recuerdos tenéis de la primera sesión?

(Miguel) Que el garito tenía toda la pinta de haber sido un local de alterne.

(Marc) Lo seguía siendo, te lo garantizo. ◗ ¿Qué disco nunca falla en una sesión vuestra?

(Miguel y Marc) El de Digitalism y la banda sonora de “Los cazafantasmas”. ◗ Por contra, ¿cuáles de vuestros discos favoritos nunca ha sonado en una sesión vuestra? ¿Por qué?

(Miguel) El “Takk” de Sigur Rós.

(Marc) Siempre me tienta acabar una sesión con una canción de Rufus Wainwright, pero nunca me he atrevido. Undo la puso el otro día en Low y por un momento dudé entre besarle o echarme a llorar ◗ ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

(Miguel) Obsesionarse con una camarera.

(Marc) Tirar el cubata sobre la mesa de mezclas. Curiosamente los jefes se cabrean. Mmmm... y obsesionarse con la misma camarera que Miguel. ◗ ¿Qué es lo que más os gusta y lo que más odiáis de otros Dj’s?

(Miguel) Odiamos que solo el Dj se lo pase bien en una sala y que haga posturitas. Nos encanta que hagan el payaso en el buen sentido de la palabra.

(Marc) Me encanta cuando un Dj simula crear efectos que ya están presentes en la canción. Lo mejor, su cara de satisfacción por el esfuerzo realizado. ◗ ¿Hasta qué punto es importante que la gente baile más o menos para cambiar la línea de vuestra sesión?

(Miguel) Es esencial. Le damos más importancia incluso de la que deberíamos.

(Marc) Exacto. Es básico que la gente baile, pero sin llegar al punto de acabar por convertirte en un simple animador de fiestas o un sucedáneo cool de Disco móvil de fiesta mayor. ■

Buraka Som Sistema Foto Archivo

◗ ¿Por qué motivos empezasteis a pinchar? ¿Para ligar, para ser estrellas?

(Miguel y Marc) Fue una buena excusa para poder seguir verbeneando a edades avanzadas. Supongo que el siguiente escalón será porteros de discoteca o magnates propietarios de carpas en la Costa Brava.

Buraka Som Sistema

De Luanda al mundo Con la edición de “Black Diamond”, los portugueses Buraka Som Sistema se erigen en los portavoces mundiales del kuduro, un estilo surgido en Angola que de su mano ha empezado a colarse en las pistas de baile de medio mundo gracias a su ritmo explosivo.

C

uando aquí llegó el reggaetón, fue ya en una versión degradada, pero en origen se trataba de una música que tiene bastantes rasgos coincidentes con el favela funk brasileño y los nuevos estilos que empiezan a abrirse paso desde África como el kuduro: son estilos populares, desarrollados por artistas con medios precarios y mucha imaginación desde ciudades en la periferia del mundo global que a la vez rechazan y reciclan sus propias tradiciones musicales para dar forma a una nueva corriente musical y a un lenguaje cifrado que en la mayoría de casos sólo tiene sentido a nivel local. Hay algo ahí que recuerda mucho al nacimiento del hip hop, algo que remite a la democratización de la música y a la voluntad de apropiarse de ella sin necesidad de pasar por el conservatorio o dar clases de guitarra. “El kuduro rompe con la imagen que los occidentales tenemos de África, como un continente al que ir de safari y poco desarrollado culturalmente”. Joao Barbosa, Lil’John en el esquema de los portugueses Buraka Som Sistema, al habla al otro lado de la línea telefónica. El resto del combo lo componen Riot y Conductor, junto a Kalaf. “En África hay ciudades más grandes que Madrid y que no tienen nada que envidiarle, donde hay más coches, hay Internet. El kuduro nunca ha sido una música tradicional, en realidad es una reacción a la música tradicional africana, algo hecho por chavales en sus dormitorios con sus ordenadores. Les encanta el house y el techno y el kuduro es su manera de conectar esos estilos con su visión ancestral

de la música, una tradición muy distinta a la occidental”. El kuduro es otra más de las influencias (el hip hop y el drum’n’bass son los siguientes que citan) de la música de Buraka Som Sistema, la más exótica y menos común, así que Joao se ha acostumbrado al papel que se le ha concedido al grupo como portavoz del

frentes musicales por el continente africano en estos momentos. “Llega un momento en que nos cansamos de escuchar las mismas fórmulas una y otra vez. Estamos en un momento muy interesante para la música en el que muchos artistas miran en diferentes direcciones en busca de algo que les haga sonar innovadores”. Esa innovación ha llegado desde los puntos más insospechados en forma de una visión fresca y tocada por el localismo de la música de baile, que poco a poco a ayudado a animar la escena con nuevos patrones y acercamientos. Aunque en Buraka Som Sistema existe algo más que

“No nos da miedo que nos consideren como los embajadores del kuduro en el mundo” género en el mundo, una condición amplificada por la edición de su primer álbum, “Black Diamond”, una bomba de baile global que sigue la senda abierta por productores como Timbaland, Diplo y Switch y traslada de lleno la acción a las grandes urbes de Angola. “No nos da miedo que nos consideren como los embajadores del kuduro en el mundo, en cualquier caso nosotros no hacemos kuduro puro, es sólo otra influencia más; lo que sí esperamos es que escuchar nuestro disco anime a la gente a buscar en Internet y que descubran a otros artistas”. El que más a mano está es DJ Znobia, que colabora en unos cuantos cortes del álbum. “Para nosotros era muy importante que estuviera en el disco, así como reflejar la impresión que nos causó nuestro primer viaje a Angola, por esa razón empezamos con ‘Luanda/ Lisboa’ y ‘Sound Of Kuduro’”. “Es algo cíclico”, explica Joao cuando le preguntas por la fascinación que se siente desde diferentes

ritmo. “Sí, hay un mensaje político implícito en Buraka Som Sistema. El simple hecho de ser un grupo de Lisboa haciendo música influenciada por el sonido africano es ya de por sí una postura política y también lo es el título del disco. Hay un mensaje allí, que hay que ser muy estúpido para darle la espalda a todo un continente y pensar que no suceden cosas interesantes en África”. Quizás ese mensaje esté presente en toda esa nueva música de baile con la que los ghettos del mundo han entrado en las pistas de occidente, algo que habla de otro tipo de globalización que nada tiene que ver con lo que decida o no el Banco Mundial y sí con la lenta democratización del arte y la desaparición de las limitaciones físicas para la música gracias a Internet. El mundo es un polvorín, sí, y da igual desde donde prenda la mecha”. ■ Joan Cabot “Black Diamond” está publicado por Enchufada/Pias.

Persona Foto Archivo

escaparate

Persona Vienen de: Zaragoza Publican: “Dead Make-Up” (B-Core, 09) En la onda: At The Drive-In, Mudhoney, Fugazi

The Presets Foto Archivo

Estos últimos años, en la electrónica más accesible se ha popularizado la revisión del electro, donde ha primado un punto de partida ochentero propio de la disco music. El dúo Heartbreak ha sabido apuntarse a este carro y una discográfica de la talla de Lex Records (Subtle, Neon Neon...) les ha dado el apoyo necesario para que “Lies” tenga el soporte y el eco mediático necesario para salir a la superficie. Por ahora, la jugada no ha salido mal. Tanto NME como Vice les han otorgado excelentes puntuaciones, pese a que el suyo sea un disco bastante mediocre, que apunta a Italia al igual que a New Order, pasando siempre por un sonido disco perfectamente producido. “La idea de Heartbreak era integrar el sonido del underground de lo que alguna gente llama dance music a la estructura de la canción pop. Para nosotros es muy importante que nuestra música funcione en la pista de baile; si bien no es nuestro único objetivo”. El argentino, Sebastian Muravchix, cantante y mitad del dúo, completado por el británico/ francés Ali Renault a los teclados, es quien da su opinión sobre “Lies”. Esta visión centrada en la pista de baile está en todos los temas, pero sobre todo en “Akin To Dancing” y “Deadly Pong Of Love”, los mejor hilados. “Los primeros discos de New Order y OMD son una influencia muy importante para nosotros, y nos sentimos identificados con esa época, mucho más que con la actual. De alguna manera queremos reintegrar esa mentalidad a la época actual. Pero en ultima instancia es el mismo espíritu”. ■ Natxo Sobrado

Vienen: London Publican: : “Lies” (Lex/Popstock!, 08) En la onda de: Chromeo, Cerrone, Modern Talking

The Presets Viene de: Australia Publica: “Apocalypso” (Modular/Universal, 08) En la onda de: Nitzer Ebb, Muscles, Depeche Mode

Heartbreak Foto Archivo

Heartbreak

melodías creadas por su vocalista y guitarrista hace crecer su propuesta. Las diferencias y el desarrollo de la banda son notables. “Nos planteamos las grabaciones como una experiencia irrepetible así que cada una debe ser distinta a las otras, tanto para nosotros como para el que escuche el álbum. Teníamos la opción de repetir con Santi García en Ultramarinos, lo cual hubiera estado bien, pero trabajar con gente distinta juega un papel fundamental en esto. Además nunca sabemos cuál va a ser la última, así que otra razón para probar cosas nuevas.

La elección de Kaki Arkarazo estaba clara porque es uno de nuestros productores favoritos. Fueron dos semanas felices y plenas y un placer y un honor trabajar con él. Nos dejó total libertad para hacer el idiota. Desde aquí le agradecemos su paciencia eternamente”. ■ Mertxe V. Valero

como negocio, y cambios en la formación del grupo, se encargaron de machacar. “2007 fue un año contradictorio para nosotros. Por un lado acabábamos de presentar ‘Accident’ y hacíamos nuestra primera gira europea (junto a los Retisonic de Jason Farrell; ndr), lo cual fue muy positivo para el grupo, pero por otro tuvimos serios problemas internos con lo que todo lo bueno quedaba en segundo plano. Después de un verano de mierda pensando en si seguir o dejarlo, decidimos empezar a componer de nuevo a ver qué pasaba. Poco a poco fueron apareciendo las canciones así que la decisión estuvo clara”.

Fieles a su personalidad apuestan por el riesgo y no se cortan al incluir líneas pop o evocadoras trompetas. Persona siguen estructurando su música en base a la imaginativa brutalidad de su línea rítmica, pero la creciente y estimulante rivalidad con las

Lo de que los conservatorios estén llenos de gente aburrida es tan sólo una leyenda urbana. Julian Hamilton y Kim Moyes se conocieron mientras estudiaban los fundamentos de lo que pronto trasladarían a su propia música; estructuras teóricas que junto a unas influencias no demasiado raritas les han permitido grabar su tercer disco y dar conciertos mucho más allá de su Australia natal. (Moyes) “Nos ha ayudado a tener una cierta disciplina a la hora de componer.

Sólo conocemos de dónde vienen las cosas, si lo piensas la gente compone canciones cuyas bases teóricas no conocen, pero lo hacen”. Primer prejuicio derribado antes del minuto cinco.

Vamos a por el segundo. Para el que escribe, cómo se las apaña una banda de música electrónica para preparar los directos es un misterio. La pregunta, hecha desde la más sincera e ignorante inocencia, se recibe con risas. “En realidad, como cualquier otro grupo.

Tan sólo quedamos para ensayar mucho más a menudo que si estamos preparando un disco. Si no sería imposible, al menos para nosotros. Es difícil recordar cómo son las canciones, hagas el tipo de música que hagas”. Tras un disco de debut con muy buenas críticas y dos años de gira por medio planeta, han querido “trasladar la energía de nuestro directos” sin preocuparse demasiado por los que les acusan de hacer los discos que New Order o Depeche Mode no graban por no repetirse a si mismos.

“Que puedo decir, en realidad usamos sintetizadores de esa época porque nos gustan como aparatos y son más fáciles de programar”. De la contundencia al estribillo, ésa es la tónica de “Apocalypso”. ■ J. Batahola

Juanjo Clausell es estos días un hombre feliz. Su grupo -es el responsable de las voces, guitarra y teclados- acaba de publicar “Podría ser hoy”, su primer largo, y han protagonizado una serie de conciertos junto a uno de sus grupos de cabecera, The Ladybug Transistor. “Tocar con ellos ha sido un lujo”, comenta al otro lado de la línea. Y sí, suena feliz. “El grupo se creó hace ocho años, cuando Pedro (Mendo, batería) y yo nos conocimos. Los sonidos han ido cambiando con el tiempo, a medida que descubríamos nuevas bandas y diferentes formas de entender la música. Las personas que han ido entrando en el proyecto siempre lo han hecho en relación a esa concepción”. Así hasta contar seis personas, lo que completa una formación atípica que les permite adornar su música de una manera especial. “Desde siempre nos ha gustado el pop orquestado. Ser tantos nos permite sonar en directo como a nosotros nos gusta y como mejor se defiende el disco, porque podemos recrear prácticamente todas las cosas que hay en él”. El álbum ha sido grabado con Paco Loco en sus estudios, y los chicos son aplicados. “Lo llevábamos todo muy bien preparado, dónde íbamos a meter cada detalle, aunque siempre dejas algo de margen a la improvisación, como los banjos o la pedal steel de Paco”. También los coros de Pedro San Martín de La Buena Vida y Bea Concepción de Nosoträsh, quienes les visitaron durante la grabación y dejaron su huella en el disco. “Siempre digo que hacemos música muy sencilla, aunque nos guste trabajar la instrumentación”. Así es el pop, algo simple. Y en su caso también lleno de melancolía. ■ Joan Cabot

Pleasant Dreams Vienen de: Castellón Publican: “Podría ser hoy” (Green Ufos, 08) En la onda de: Belle & Sebastian, Ladybug Transistor, La Buena Vida

Pleasant Dreams Foto Javier Agreda

N

i punk-rock ni hardcore ni grunge. Ninguna de las etiquetas que nos han venido sirviendo durante los últimos años para clasificar la música del trío zaragozano Persona se muestra apropiada para catalogar su tercera entrega discográfica. “Dead Make-Up” debería situarlos en lugar privilegiado en las estanterías de cualquier aficionado al rock independiente de los noventa en busca de nuevas formas de expresión. Porque a los treinta y tantos, y con las orejas peladas de filtrar sonidos de manera adictiva, cualquier propuesta no sirve. Los aragoneses ejercen pasión, inteligencia y ferocidad, tanto en estudio como sobre el escenario, integrando veteranía que traducen en trucos rítmicos y pegadas melódicas tan efectivas como poco previsibles. Su anterior trabajo, “Accident”, levantó justas expectativas que la crisis de la música

Inlogic Foto Archivo

Second Vienen de: Murcia Publican: “Fracciones de un segundo” (Warner, 09) En la onda de: The Cure, Editors, Maga

Inlogic Vienen de: Madrid Publican: “Outside The Show” (Ready4attack, 08) En la onda de: Biffy Clyro, Nothink, Fighting With Wire

gramente en español, es algo que todos asumen como “una evolución natural”. Pero más que las razones, interesa saber si eso ha influido en su sonido, algo que Jorge se encarga de aclararnos enseguida. “En ‘Invisible’ las canciones más cañeras eran las que estaban en inglés y los temas a medio tiempo en castellano. En este disco, José Ángel ha sabido adaptar el sonido Second al castellano sin perder la fuerza que nos caracteriza”. Respecto a sus influencias, no parece que hayan cambiado demasiado respecto a trabajos anteriores. “Lo bueno de la música es que siempre hay cosas nuevas por descubrir pero también donde rascar. Nosotros podemos pasarnos meses alucinando con un disco y después volver a los sesenta o a los discos de los ochenta de The Cure. ¿De los nuevos? Wilco, Snow Patrol o Josh Rouse, que estuvo tocando hace poco en Joy Eslava y puede que nos haya marcado en esa búsqueda de arreglos más preciosistas”. n Cristina V. Miranda Más información en:

www.mondosonoro.com

Jackson Milicia Foto Archivo

Î

No es que Inlogic sean unos parias, pero en cierta forma se sienten como patitos feos en el estanque del rock, donde a muchos bluffs se los ve como a cisnes. “El nuevo disco tiene que ver con la sensación de no encajar muy bien en el panorama musical, sobre todo de nuestro país natal. Es una manera irónica de expresar cómo se nos han ido cerrando puertas en nuestra andanza como banda de rock que canta en inglés”. Procedentes de grupos como VDS (punk) o Disorder (hardcore-metal) en este segundo asalto han hallado la horma de su zapato. “Es un álbum más directo y homogéneo que nuestro debut. Hemos encontrado nuestro sonido y trabajado más en profundidad la melodía de las canciones, además hemos abandonado estructuras más complejas. Nos sentimos muy cómodos tocándolas en directo y eso es lo que más nos llena”. Su lírica, que se mueve dentro del universo de las relaciones personales y los sentimientos, tiene algo de catarsis y ejerce en cierta forma como terapia psicológica. “Últimamente hemos experimentado vivencias personales de gran impacto emocional como rupturas de pareja o pérdidas de seres queridos. Lo mejor ha sido el ver cómo nos hemos mantenido juntos como amigos y como banda. Es un privilegio el poder plasmar tus sentimientos más personales en tus canciones. Además así tienes algo honesto que contar a la gente”. Inlogic conjugan magistralmente la ecuación de guitarras y melodías con estribillos con vocación de singalongs.

“Nos encantan Delamarca, sobre todo su primer Ep, y Nocturnos, una banda de Alcalá de Henares con unas melodías cojonudas.

También solemos tocar con los murcianos Garaje Jam, que tienen unos riffs que molan mucho”. n Miguel Ángel Sánchez Gárate

L

levan en esto más de diez años, pero cuando se trata de hablar de su cuarto y último álbum, “Fracciones de un segundo”, los chicos de Second parecen unos niños con zapatos nuevos. José Angel Frutos (voz), Jorge Guirao (guitarras) y Nando Robles (bajo) atienden la entrevista con la ilusión y la confianza de quien sabe que ha hecho los deberes, y los ha hecho bien. “Fracciones de un segundo” podría ser el álbum definitivo y ser vendido como tal, pero cuando se les pregunta qué es lo que podemos encontrar en él, responden como lo harían con cualquiera de los anteriores. “Nos aburren esos discos con un solo tipo de canción, a nosotros nos gusta plasmar los distintos estados de ánimo y eso hace que algunas canciones sean más pop o más bailables y otras, absolutamente tristes. En estos dos años, hemos pasado por todo tipo de fases y eso queda patente en las canciones”. A partir de aquí, el tema de la naturalidad y la honestidad a la hora de componer será el más recurrente de la entrevista. Por ejemplo, cuando se les pregunta por la razón que les ha llevado a la realización de un disco ínte-

Jackson Milicia

“Unicornia Pequeño Las Vegas” es uno de los más explosivos debuts surgidos de la cantera valenciana en años. Una auténtica bomba de relojería en la que funk, surf rock, post-hardcore y demás malas hierbas se funden, unidos en un crisol en el que la actitud punk sirve de argamasa. “Punk, cachetes i germanor. Ese es nuestro estilo”. Así lo definen ellos, y no traten de darle más vueltas. “Nadie piensa en un grupo determinado cuando compone. Hay veces que decimos, hala, vamos a hacer una canción más punk. Es todo muy espontáneo. Lo que nos sale es eso. Llevamos mucho tiempo tocando juntos, y ahora estamos haciendo un reggaetón, pero no comenzamos con la idea de hacerlo. Surgió. Componemos a borbotones, a lo salvaje. Somos muy tontos y todo nos hace gracia. No sé si eso es bueno o malo”. Tan espontáneo como sus atronadores directos, quizá los principales culpables del boca-oreja que ha propagado las cualidades abrasivas de su discurso. “En directo se puede disfrutar más nuestra música. Si no eres capaz de hacer en directo lo que haces en estudio, es que algo falla. En directo se denota la actitud más que el sonido. Nunca se van a apreciar todos los matices, pero hay un plus de potencia. Nos interesa esa dualidad en los grupos, el aspecto salvaje del directo y el de los matices de los discos”. Algo comprensible en una banda que comenzó tocando en raves a altas horas de la madrugada. n Carlos Perez de Ziriza

La primavera pasada The Explorers Club se descolgó con un debut de aupa, “Freedom Wind”, un disco que, a pesar de su condición de tributo evidente al sonido de los trabajos más recordados de The Beach Boys, tiene vida propia. La tiene por el amor con el que está hecho y por un buen puñado de canciones que rozan la matrícula de honor. Al habla Stefan Rogenmoser encargado de las teclas en la banda de Charleston.

“Escuchamos los sonidos de un montón de canciones pop de los años sesenta e hicimos lo mejor a lo hora de replicarlos. La música que más nos gusta es la de esos años. Hay un montón de sutilezas detrás de sonido tan obvio que tenemos, la manera en que los instrumentos están mezclados y como todo toma forma. Un montón de ellos se escuchan tan flojos que son casi inaudibles, pero aun así añaden un montón a la grabación. Incluso si no los oyes”. Su buen hacer como recreadores de todo el imaginario de la banda Brian Wilson y compañía ha conseguido que el mismísimo Wilson se lo piense a la hora de contar con ellos en la gira de presentación de “That Lucky Old Sun”, el nuevo y excelente disco del californiano. “Jason (guitarra y vocalista) tuvo la oportunidad de conocerle, pero el resto de la banda no. Nos encantaría ser la nueva banda telonera de Brian Wilson, pero de momento no puedo confirmar nada”. Otra cosa que no puede dejar de preguntar a Rogenmoser es por sus discos favoritos de The Beach Boys. La lista de obras maestras es de escándalo. “Mis favoritos son en este orden: ‘Pet Sounds’, ‘Summer Days And Summer Nights’, ‘Today’, ‘Smile’, ‘Sunflower’ y ‘Smiley Smile’”.

■ Xavi Sánchez Pons

The Explorers Club Vienen de: Charleston (Estados Unidos) Presentan: “Freedom Wind” (Houston Party, 08) En la onda de: The Beach Boys, The Ladybug Transistor, The Essex Green

The Explorers Club Foto Archivo

Vienen de: Valencia Publican: “Unicornia Pequeño Las Vegas” (Autoeditado, 08) En la onda de: : Dead Kennedys, Arab On Radar, Dick Dale

Second Foto Archivo

Visita las tiendas: Donostia c/Garibai, 11 Madrid c/Augusto Figueroa, 3 Madrid c/Espoz y Mina, 13 Zaragoza c/Pedro Maria Ric, 22 Valencia c/Martinez Ferrando, 3 Las Palmas c/Cano, 20 Barcelona c/Carrer del Rec, 71

The Unfinished Sympathy Foto Archivo

(MondoSonoro · Febrero 2009 /19/ ENTREVISTA)

The Unfinished Sympathy

ansia de escenario Con la moral no sólo intacta si no reforzada por una fe a prueba de bombas, The Unfinished Sympathy editan “Avida Dollars”, un quinto largo que de tan redondo resulta corto. Suenan más domésticados, menos furiosos, pero como la clavan en las melodías, nadie se lo tendrá en cuenta. ¡Qué buenos son los jodíos!

L

a última vez que entrevisté a The Unfinished Sympathy fue con motivo de la edición de su tercer trabajo, el excelente “Rock For Food” (2004), y lo cierto es que muchas cosas parecen haber cambiado desde entonces en la órbita de los catalanes. Para empezar migraron de sello discográfico, del seminal B-Core al ecléctico y más poderoso Subterfuge. Luego hubo un cambio del cincuenta por ciento de la formación con la incorporación hace dos años de un nuevo guitarra, Joan Colomo (lo encontrarás también en La Célula Durmiente), y del bajista Iban Puigfel. Y ya por último un cambio también en el sonido de su cuarto disco, “We Push You Pull” (2006), que fue acogido con cierta frialdad en la redacción de MondoSonoro que hasta la fecha siempre los había ensalzado como uno de los mejores grupos de nuestro país a la hora de combinar la fiereza de las guitarras con la melodía. Quizás por eso, tenía la impresión que por primera vez The Unfinished Sympathy no habían dado ese pequeño paso hacia un mayor reconocimiento que sí habían logrado con sus tres primeros discos. Nada más lejos de la realidad y aquí está su cantante y guitarra Eric Fuentes para desmentirlo. “No es cierto que no haya habido ese paso hacia delante porque en realidad lo ha habido a todos los niveles. Para empezar tanto en el volumen de conciertos como en el plano profesional ha habido un gran salto y, de hecho, en esta última gira en todos los sitios en los que hemos tocado ha habido público. Y además venía gente muy joven que se habían enganchado al grupo con ‘We Push You Pull’ y no nos conocían de antes, gente que no era del ‘mundillo’… Por otro lado hemos hecho promo para medios a los que no habíamos ido nunca y que nos han descubierto para mucha peña. Y también quiero destacar

la actuación en el festival de Benicàssim que fue como la apoteosis. La gente lo habrá vivido como lo ha vivido, pero nuestra sensación ha sido que, como siempre ha pasado en este grupo, habíamos subido un peldañito más a todos los niveles, eso sí, en terrenos fuera de vuestra órbita”. Una órbita, la de nuestra revista, que a buen seguro van a recuperar gracias a la edición de este quinto álbum titulado “Avida Dollars”, un disco que con tan sólo diez canciones, pasa como una exalación por tu reproductor y que contiene auténticos pildorazos de estructura pop, pero sin abandonar la habitual fiereza que define desde el principio el estilo de la banda

U

n trabajo con gran variedad de texturas y grabado a pìñón en tan sólo dos semanas con quien ha sido su productor habitual, Santi García, quien les animó a concentrarse en unas composiciones de alto voltaje melódico para que el disco respirara de forma analógica, obteniendo de paso, un sonido compacto y matizado a la vez y en el que el trabajo de los coros le da una nueva dimensión a las canciones. Todo un acierto que me provoca una sensación semejante a la que experimenté la primera vez que escuché “Bleed American” de Jimmy Eat World, “Very Emergency” de The Promise Ring o el primero de Weezer. Discos perpetrados para escuchar del tirón una y otra vez. (Pablo Salas, batería) “En el proceso creativo de este disco, ha sido muy importante la entrada de estos dos señores (se refiere a las dos últimas incorporaciones)… El ‘We Push’ fue nuestro disco más bailable, el más negroide y en cambio este es el más popero por texturas e instrumentos.

Hay mucha acústica, que prácticamente nunca había habido con anterioridad, y la

aportación de Joan Colomo en las voces con ese registro más limpio que contrasta muy bien con el de Eric, que es más rasposo, ha hecho que la conjunción de ambos ganara mucho. Y también el sonido de Iban Puigfel ha cambiado con respecto al que le daba Xavi Navarro, que era más guitarrero, más distorsinado. Iban, en cambio, le ha dado un toque más cálido y eso ha hecho que las canciones tengan un aire más popero”.

Incorporaciones que, de nuevo, me hacen caer en una falsa apreciación sobre el grupo al bromear

a unos ingresos que me detallan de forma algo sorprendente (este tipo de apreciaciones dinerarias hay quien prefiere tenerlas más escondidas).

Todo esto me recuerda que “Rock For Food”, el título de su tercer disco, era el nombre de la lista de gastos de la banda. ¿Qué demonios significará ahora “Avida Dollars”? (Eric) “Surge de una historia relacionada con Salvador Dalí que cuando se fue a los Estados Unidos ya era un artista consolidado aquí en Europa y hubo quien le dijo que se había vendido y que lo único que le interesaba era hacer

“Que un verdadero artista no debería hacer dinero es un tópico que siempre nos ha dado mucho por culo” sobre el rol de líder que tiene Eric y afirmar en mi inocencia que Joan e Iban se incorporaban a una banda donde estaba muy claro quién cortaba el bacalao. Todos lo desmienten. Joan me dice que en los dos años que lleva todavía no han tenido una sola pelea. “Lo cual no sé si es bueno o malo (risas)”. Eric matiza. “Eso de que soy el líder de la banda es una imagen distorsionada, en serio, como soy el más charlatán de todos, siempre me ponen en las entrevistas y eso provoca que la gente piense de esa forma”. (Pablo) “De hecho Eric es de las personas que conzoco más partidarias del trabajo en equipo. No conozco a ningún músico tan, incluso me atrevería a decir, dependiente de hacer el trabajo en equipo”.

Aceptemos pues a Eric como a uno más, pese a su innegable peso a la hora de aportar las ideas, aunque el grupo me explique que estas las puede traer cualquiera y luego las trabajan en un local de ensayo, que tal y como me confiesan al principio de la entrevista es posiblemente el principal responsable de que no se hayan disuelto. El local está en pleno centro de Barcelona cosa que facilita mucho las cosas a la hora de reunirse y sirve también como centro de operaciones y refugio privilegiado de un grupo que vive de, por y para la música, aunque eso les provoque sacrificios y rebajar su nivel de expectativas de gasto respecto

dinero y que un verdadero artista no debería hacer dinero. Un tópico que, por otro lado siempre nos ha dado mucho por culo, y entonces Dalí se fue abiertamente a que le pagaran muy bien sus obras con lo que Andrè Breton, padre del surrealismo, lo acusó de vendido. Como respuesta, Dalí hizo una cosa muy divertida que fue combinar las letras de su nombre y apellido hasta que salió ‘Avida Dollars’. Vaya, que en lugar de ofenderse, en cierta manera le dio la razón porque eso era exactamente lo que quería, ganar mucha pasta para poder volver a casa y pintar y no tener que levantarse cada día para ir a currar a un Caprabo, maldiciendo la vida y maldiciendo la mierda del mundo.

Por eso creo que es un slogan que se ajusta muy bien a nuestra manera de hacer. Es decir nosotros no creemos en el valor del dinero, no queremos ser ricos, no queremos ir a Miami y ser Julio Iglesias, pero sí queremos que nuestra actividad principal sea algo que nos de mucha satisfación personal y que nos permita vivir de esto, para no tener que hacer otras cosas que no nos gusten”.

■ Don Disturbios “TAvida Dollars” se publica el próximo 3 de febrero en Subterfuge

Animal Collective Foto TakaImamura

(MondoSonoro · Febrero 2009 /21/ ENTREVISTA)

Animal Collective

Que siga la fiesta Acostumbrados como nos tenían a reinventarse a cada paso, algunos han reaccionado con suspicacia ante “Merriweather Post Pavilion”, el nuevo trabajo de la banda de Baltimore. Ellos, lejos de repetirse, han llevado un paso más allá los mejores hallazgos de “Strawberry Jam” (Domino, 07) y siguen empujando los límites de su propio sonido

P

ara Animal Collective la música ha sido siempre un juego sin reglas. En cada uno de sus trabajos parecían hacer borrón y cuenta nueva. No sólo empezar de nuevo como banda sino inventar de cero cualquier concepción que pudieran tener sobre la música. Hay temas recurrentes, sonidos favoritos, pero cómo estos interactúan y fluyen es fruto siempre de una experiencia nueva y de las circunstancias que rodean a las cuatro personas que integran uno de los proyectos musicales más excitantes e importantes de los últimos años. “En un año pasan muchas cosas”, comenta David Portner al otro lado de la línea telefónica. Avey Tare se ha pasado buena parte de 2008 de gira junto a Panda Bear (Noah Lennox) y Geologist (Brian Weitz). Quien no les acompañó fue Josh Dibb, Deakin, que decidió tomarse un respiro de giras después de la grabación de “Strawberry Jam” y cuya ausencia condicionó tanto el repertorio en directo del grupo el pasado año como la orientación que ha tomado “Merriweather Post Pavilion”, continuación a su trabajo más exitoso, y en el que Animal Collective redondean esa combinación de melodías, psicodelia y polirritmia que pudimos ver en acción en la pasada edición del festival Primavera Sound. “Después de grabar ‘Strawberry Jam’”, explica Portner, “a la mayoría nos entusiasmaba la idea de salir a tocar el nuevo material, pero Josh ya tenía decidido que no iría de gira. Estaba algo quemado y quería quedarse en casa durante un tiempo, una decisión que respetamos. Para entonces ya se había preparado un pequeño tour mientras se

terminaba la mezcla del álbum. Así que estaba claro que deberíamos trabajar con nuevas canciones, porque no queríamos tocar material antiguo sin Josh”. Ésa fue la génesis de “Merriweather Post Pavilion”.

Portner, Lennox y Weitz acababan de descubrir lo que podían hacer con un par de cajas de ritmos y samples y decidieron crear un repertorio completo que combinara bien con lo que acababan de dejar grabado para “Strawberry Jam”. “Noah y yo empezamos a trabajar con nuevas melodías un par de meses antes y nos estuvimos enviando demos de las canciones. Conseguimos juntarnos para ensayar un par de semanas y de allí salieron doce temas nuevos”.

E

n otro grupo, el semi-abandono de un miembro hubiera supuesto un grave problema, probablemente su expulsión y reemplazo inmediato, etcétera, pero Animal Collective lleva una década funcionando al margen de las convenciones, tanto a la hora de hacer canciones como en términos de organización.

No es la primera vez, de hecho, que alguno de los miembros del grupo no participa en la grabación de un disco, sin ir más lejos sólo Avey Tare y Panda Bear tocaron en “Sung Tongs” (Fat Cat, 04), álbum imprescindible dentro de la discografía del grupo, e incluso Deakin, desde Nueva York, ha firmado unas cuantas remezclas recientes con el nombre de la banda. “Nosotros estábamos completamente metidos en las canciones, las habíamos estado tocando durante toda la gira y la grabación

fue algo que vino rodado. No nos pareció buena idea que Josh se enganchase al carro en mitad del proceso, aunque escribir el disco sin él no fue fácil. En cualquier caso, fue el primero en escuchar el disco y le encanta. Ya conocía los temas de los conciertos y aportó sus ideas”. Una de las novedades más destacada por la prensa de “Merriweather Post Pavilion” es el papel protagonista que tienen las voces aquí. No es algo nuevo, en realidad. Ya se intuía en buena parte de “Strawberry Jam” e incluso podemos hablar de “Person Pitch” (Paw Tracks, 07), el disco en solitario de Panda Bear publicado poco antes de la edición de éste, como el origen de ese indisimulado aire Beach Boys que han to-

bastar un mes, porque solemos entrar a grabar con todo listo. Le ha dado un gran sonido a las partes vocales, ha sabido orientarlas a nuestro gusto. No ha habido conflictos en ese aspecto”. “Mantenemos nuestra filosofía de experimentar con la música”, continúa. “No queremos sentirnos obligados a hacer algo en concreto sólo porque a la gente le gusta, y para mi sorpresa buena parte del público conecta con este planteamiento. Por supuesto que nuestra música es algo con lo que puedes bailar y divertirte. Nosotros también queremos pasar un buen rato, nuestra intención no es ser un grupo difícil. Queremos ofrecer una experiencia positiva”. Es lo que

“Nuestra intención no es ser un grupo difícil.

Queremos ofrecer una experiencia positiva” mado sus composiciones. Pero en cierto sentido la melodía siempre ha estado allí. “Siempre ha sido una parte importante de nuestras canciones, es el punto de partida de todas”, explica Portner. “Creo que las melodías de ‘Merriweather Post Pavilion’ son más suaves, pero ha habido pocas diferencias respecto a otros álbumes en nuestra manera de abordarlo. Desde siempre hemos querido escribir buenas melodías, a la vez que siempre ha sido importante experimentar con los sonidos y todo lo que los rodea. Somos los mismos de siempre, sólo que un poco más maduros, lo vemos todo con mayor perspectiva, tanto nuestra vida como nuestra música”. Portner concede a Ben Allen, productor de Gnarls Barkley, parte del crédito por el papel predominante de las voces en el disco. “Fue un poco más productor de lo que nadie lo ha sido con nosotros en el pasado en términos de sonido. No somos del tipo de banda que pueda estar dos o tres meses metida en el estudio. Nos suele

han hecho durante sus últimas giras. Animal Collective han encontrado, con la electrónica, una forma de hacerse entender, de llegar y conectar, algo que no hay que confundir con haber rebajado el nivel de exigencia de su música. Si algunos piensan que han dejado de hacer honor a su nombre, quizás sea más porque nos hemos acostumbrado a sus diabluras que porque hayan dejado de ser enrevesados. “Merriweather Post Pavilion” es un monumento a su propia idea de psicodelia. “Nos gusta la simplicidad y la energía”, comenta Portner cuando hablamos de la música africana, de Zomby y Burial.

Ellos no son simples pero sí primitivos, tanto como modernos, y hay una energía irresistible en sus canciones que hace que consigan hacerte bailar con ritmos, estructuras y melodías que parecen compuestas por unos pitufos hasta el culo de MDMA. Por eso siguen siendo Animal Collective. Que no pare. ■ Joan Cabot “Merriweather Post Pavilion” está publicado por domino/pias.

Franz Ferdinand Foto Soren Solkaer

(ENTREVISTA /22/ Febrero 2009 路 MondoSonoro)

(MondoSonoro · Febrero 2009 /23/ ENTREVISTA)

Franz Ferdinand Pasa el tiempo y el cuarteto escocés continúa manteniendo el cetro.

Lo han agarrado fuerte y, pese a los cambios que plantea “Tonight: Franz Ferdinand”, su tercer larga duración, la diversión y los hitazos están garantizados. El ganador se lo lleva todo, que decía Abba.

D

ecía el mes pasado que “Tonight: Franz Ferdinand” era el tercer éxito consecutivo del cuarteto escocés. Y eso supone mucho, atendiendo a la indudable grandeza de su debut discográfico, “Franz Ferdinand” (04), uno de los clásicos de la década en curso, y la arrolladora continuación que fue “You Could Have It So Much Better” (05). Alex Kapranos y sus compañeros se la han jugado un poco más en este tercer paso adelante. Los sintetizadores han ganado protagonismo y las influencias han derivado hacia otros lugares. El resultado, ya lo sabrán a estas alturas, no tiene desperdicio. No lo tiene más que nada porque Franz Ferdinand componen cortes redondos como quien chasquea los dedos, porque nos lo hacen pasar como nadie en casa o fuera de ella, porque su batería de hits no tiene igual en la actualidad y, subrayemos, porque no les ha hecho falta vender su alma al diablo en un cruce de caminos para dar en la diana de nuevo.

Esta noche Franz Ferdinand van a tocar frente a casi dos mil personas. Muy pocos hemos tenido la suerte de escuchar sus nuevos cortes, y menos aún repetir tantas escuchas como temas aparecen en “Tonight: Franz Ferdinand”. Pero poco importa, cuando horas más tarde el grupo interpreta casi media docena frente a su público, el ambiente mantiene la temperatura al máximo. Sus nuevas composiciones funcionan en estudio, en concierto y también lo harán en los clubes indies.

A

lex Kapranos me saluda con un apretón de manos ni demasiado fuerte, ni demasiado desganado. No suelo ser demasiado observador, pero se le ve cómodo asumiendo las tareas de promoción. Sonríe, saluda a todo el mundo y hasta bromea con el tipo que está reponiendo los botellines de agua de la nevera que tenemos a nuestras espaldas. Para no desdibujar esa sonrisa, le comento que me he rendido nuevamente a sus pies, que “Tonight: Franz Ferdinand” me parece un pedazo de disco. “La reacción está siendo excelente. A la gente parece estar gustándole”, subraya con una modestia que acepto a pies juntillas. “No es fácil resumir lo que hay en este disco, sobre todo porque nos planteamos mucho experimentar con distintos sonidos.

Hemos trabajado los sintetizadores con la intención de poderlos reproducir en directo, incluso el final de ‘Lucid Dreams’.

En muchos casos nos hemos dejado llevar por la improvisación, nosotros cuatro sin ataduras en el estudio. Cuatro amigos encerrados en un pequeño espacio e interactuando entre ellos sin preocuparse por nada más. A veces hemos grabado más de quince minutos seguidos para después quedarnos sólo con uno. No queríamos grabar las canciones veinte veces y aburrirnos cada vez un poco más y más y más”. No sé si ese será el secreto, pero no me cabe ninguna duda de que estos cuatro tipos de Glasgow han dado de nuevo en el clavo. Un disco más electrónico, igualmente efectivo y con una personalidad propia que lo diferencia de sus predecesores. “Empezar

a trabajar desde un punto de vista más electrónico no fue nada premeditado.

Queríamos pasarlo bien haciendo este disco, y experimentar. Es posible que por eso tenga esa personalidad de la que me hablas. Siempre buscamos disfrutar con nuestro material. Lo hacemos incluso con las canciones que llevamos años tocando. Somos una banda de pop, de rock, podemos tocar fuerte o podemos hacer un concierto acústico, pero ahora mismo nos apetecía hacer algo más centrado en la pista, en la noche. Paul ha estado muy metido en la música electrónica desde hace tiempo y hablamos sobre eso, nos gustaba la idea de recuperar el protagonismo de los sintetizadores y del baile. Mentalmente, estábamos creando un disco nocturno porque queríamos ir hacia ahí. Estamos en 2009 y es normal que suene a 2009 y no a 2005. Me gustan todos nuestros discos por eso, porque representan lo que hemos sido en cada momento”. Una banda distinta y, al mismo tiempo, los Franz Ferdinand de siempre. “Es que somos la misma banda, la misma gente, los mismos compositores, así que nuestro espíritu se mantiene. Supongo que lo que ha cambiado es nuestro estado de ánimo y también las influencias, o por lo menos los estilos que estábamos escuchando. ‘Tonight’ no es un disco de reggae o de dub, pero el dub ha marcado los arreglos de algunas canciones como ‘What She Came For’ o ‘Send Him Away’.

El pop, la electrónica, el dub... este trabajo es una combinación de elementos de todos ellos”. De hecho, en la edición especial de “Tonight: Franz Ferdinand” el grupo ha decidido incluir algunas adaptaciones dub de los temas, al mismo tiempo que ha anunciado la posibilidad de publicar en breve un nuevo compacto de caras B inéditas.

A

lo largo de toda la conversación, Kapranos no deja de subrayar que, como bien indica el título, este tercer larga duración está especialmente indicado para escuchar y disfrutar en horarios intempestivos, para superar crisis a base de diversión.

“Tonight: Franz Ferdinand” es un disco que mira a los ojos de todos aquellos que se han sentido perdidos y han buscado la solución en la noche, la bebida, los clubes, los amores

al tiempo que niega cualquier intención de haber dado forma a un trabajo conceptual.

“Nunca pensé en la temática del disco antes de grabar las canciones. Si lo hubiera hecho, tendríamos un maldito álbum conceptual de rock progresivo. Descubrí sobre qué trataba una vez acabado, al escuchar todos los temas. Necesitaba dejar salir algunas ideas y aquí están. Habla sobre la tensión sexual y las relaciones, ya sabes, como el primer disco (risas)”. Y es que los textos de Franz Ferdinand nunca han buscado la genialidad. Los escoceses han optado en todo momento por no complicarse la vida, lo cual no significa que uno se sienta

“Queríamos pasarlo bien haciendo este disco, y experimentar” retrasado coreando sus estribillos o intentando reproducir sus estrofas. “Siempre me ha gustado la música inmediata, pero también las letras que cuentan algo. Nunca he sentido la necesidad de crear música compleja que sea impenetrable. Es muy fácil escribir canciones resultonas que la gente olvide al cabo de unas semanas, que las tire a la basura, pero eso no debe confundirse con la inmediatez del pop en general. Son cosas distintas y con muchos matices. Puedes componer una canción con una gran melodía pegadiza y que, al mismo tiempo, tenga algo que transmitir. Las letras de ‘Dream Again’ o ‘Katherine Kiss Me’ no están escritas precisamente para gritarse en grandes estadios, puedes apreciarlas cuando estás en casa y las escuchas de nuevo una y otra vez, pero no buscamos un único impacto emocional en la gente, sino que puede haber distintos niveles, como cuando escuchas ‘Ulysses’ o ‘What She Came For’ y cantas conmigo en los conciertos”.

Q

uién sabe si esa será el componente principal de su fórmula, pero nadie va a negar que Franz Ferdinand tienen mano maestra a la hora de redondear sus discos. Porque ha sido esa capacidad de componer música de apariencia frívola, pero mucho más inteligente de lo que pueda parecer, la que les ha sacado de pobres. Ese es el secreto de su éxito. “No sé cómo decírtelo, pero la modesta repercusión que tuve con The Karelia tuvo más impacto en mí en lo personal que el éxito de Franz Ferdinand. Me hizo ver todo de una forma distinta, porque no eran tiempos fáciles. Es cierto que la popularidad nos ha hecho cambiar en algu-

“Escribir nuevos temas es como mantener vivo el latido de mi corazón” ridículos y el descantille. “No sé cómo interpretará la gente las canciones, pero este disco trata sobre estar perdido, sobre perderse por la noche, en Barcelona o en el lugar que sea. Es una sensación o un sentimiento que todos hemos sentido alguna vez. Por eso es un disco para la noche, para bailarlo por la noche, para escucharlo con más gente por la noche. Me gustaría pensar que no es para una noche solitaria, sino para compartirla”, continúa,

nuestra música, venir a Barcelona y ver a miles de personas cantando nuestras canciones. Nadie en este grupo quiere más que eso. No somos ese tipo de famosos a los que los medios persiguen o que buscan notoriedad. Intentamos hacer la mejor música posible, eso es todo. ¡Tío, tú eres el que tiene que preguntarme sobre música, no sobre mi vida personal! ¡Nada de paparazzis! (risas)”. Antes de que pueda interrumpirle, Kapranos se repeina con la mano, comenta algo sobre Chrissie Hynde que no acierto a entender, y prosigue. “Mucha gente de Glasgow me decía que yo había cambiado, pero no es cierto. ‘¡Tío, eres

nos sentidos. En el bueno, porque cuando nos juntamos no teníamos dinero. Paul y Nick eran casi unos homeless (risas). Ahora podemos pagar todas nuestras facturas, hemos visto muchos lugares del mundo y no tenemos que preocuparnos por el dinero, pero lo esencial no ha cambiado.

Mientras me entrevistas no soy más que otra persona a la que el éxito ha dado una especie de reputación, nada más. Lo mejor para mí es ver a la gente disfrutando de

tú el que ha cambiado! Me tratas distinto porque me has visto en televisión, pero soy exactamente la misma persona’. Continuamos viviendo en Glasgow y yendo a los mismos lugares en los que nos sentimos cómodos, la diferencia es que hemos grabado varios discos. No somos ese tipo de artistas que se va a Los Ángeles a vivir y dedica todo su tiempo a aparecer en las fotos”. Los titulares podrán engañarnos, pero el brillo de la mirada del joven que tengo frente a mí ni desconcierta ni lleva a la desconfianza.

No sé sus compañeros, pero no me cabe duda de que él se siente afortunado por el trato que le está dando la vida y sabrá manejar su popularidad. Nada de egos absorbentes, nada de envidias entre miembros, sólo un sueño compartido y un montón de canciones para el recuerdo. “Tocar en directo es como un sueño, enfrentarse al público, sentir esa respuesta inmediata, pero llega un momento en el que tú eres el único que está frente a una canción. Tienes que componer algo y quieres que sea lo mejor posible, que sea la mejor canción que puedas escribir en tu vida. Escribir nuevos temas es como mantener vivo el latido de mi corazón. Es lo que me motiva a seguir adelante. Me gusta mucho actuar en un escenario, pero cada vez me interesan más cosas como producir o trabajar con otros artistas. Es algo que inspira mucho. Puedes descubrir un montón de cosas nuevas y de formas distintas de pensar. Quizás en unos años esté componiendo un tipo de música totalmente distinto al que hago ahora. Me lo pasé muy bien, por ejemplo, cuando estuve trabajando en los arreglos con The Cribs. Podría hacer como Johnny Marr. Me gusta que siga trabajando con gente joven y con grupos con los que, en principio, no debería tener mucho que ver. No es uno de esos artistas establecidos que se acomoda y deja de hacer cosas interesantes.

Se trata de continuar sintiéndose joven, de crear o grabar música que continúe siendo excitante para uno. No es importante si vendes más discos o menos, sino sentir la música. Ahora disfruto con las giras y los conciertos, vivo el momento al máximo, pero no sé lo que pensaré en unos años”. ■ Joan S. Luna “Tonight: Franz Ferdinand” está publicado por DOMINO/PIAS. Franz Ferdinand estarán en Valencia el 24 de febrero, en Bilbao el 2 de abril, en Madrid el 3 y en Granada el 4.

Australian BLonde+ Layabouts Sala El Sol (Madrid) Fecha 22/1/09 Estilo pop Público lleno Promotor El Sol Uno de los conciertos más interesantes que formaban parte del treinta aniversario de la sala El Sol fue el que protagonizaron Layabouts y Australian Blonde, reuniendo en una sola noche a dos grupos que perfectamente podrían resumir el presente y el pasado del indie patrio. Los primeros paseaban las canciones de su inminente nuevo trabajo ante un público bastante atento y entregado que agradeció cada uno de sus temas. Sin duda la salida a hombros se la ganarían en la recta final del show con la célebre “Fine For Me” que sigue siendo su canción tótem por lo imprescindible que se les hace. Cuando le llegó el turno a Austra-

lian Blonde, la parroquia indie congregada (que vitoreaba gritos al Sporting de vez en cuando) arrancó en aplausos cuando Fran Fernández y Paco Loco aparecieron en el escenario para colgarse las guitarras. El grupo que fuese pionero y estandarte del llamado Xixón Sound en los noventa pronto se quitó “Chance” del repertorio a medida que desgranaba algunas de las mejores piezas de su discografía, como “Cosmic”.

Como era de esperar dejaron el himno generacional “Chup chup” para los bises dotando al aniversario de la sala de otro de esos momentazos que se recordarán durante años. Luis F. Mayorala

Calexico Foto Miguel Ángel Sánchez

Australian Blonde Foto Jorge Obón

(MondoSonoro · Febrero 2009 /25/ CONCIERTOS)

Calexico Sala Joy Eslava (Madrid) Fecha 15/1/09 Estilo Rock fronterizo Público lleno Promotor Iguapop Joey Burns y John Convertino, los dueños de la marca Calexico, salen al escenario antes que el resto de músicos, saludan y comienzan por el principio, que es recordar de dónde viene todo, rescatar su fórmula de guitarra y batería a secas, su rock de gasolinera fronteriza. Y siempre lo hacen desempolvando alguna pieza de los seminales “Spoke” o “The Black Light” (esa noche también tocó una bellísima recreación del clásico “All The Pretty Horses”). Después aparece el resto de músicos y lo que sucede a partir de ese momento es lo que todo el mundo espera. El rock desértico y cinemático puede desembocar en pachanga, en celebración del Día de Muertos, en sing along songs, y todo funciona.

Suena “Güero Canelo”, suena “Across The Wire”, suena lo que todo el mundo quiere que

suene cuando Calexico está en la ciudad. La marca Calexico funciona, qué duda cabe. Se ha instalado al borde del cliché, pero es rentable y es mejor que la competencia. Joey y John lo saben y aprovechan el dulce momento en el que viven desde hace unos años, pero no quieren caer del todo en la autocomplacencia, no quieren que su propia marca les domine, como lo demuestran la ligera desmexicanización de sus últimos dos discos y su reticencia a incluir en directo algunos de los tradicionales hits de la banda. Sale Amparanoia, suena “Alone Again Or” una vez más, pero el camino no va a desembocar en la fanfarria total. Se reducen los fuegos artificiales, las guitarras vuelven a llevar el volante, lo que confirma que Calexico siempre seguirá siendo una gran banda de rock. Jorge Ramos

El Columpio Asesino Foto Maria Polo

Method Man Fotos Fernando Díaz

(CONCIERTOS /26/ Febrero 2009 · MondoSonoro)

El Columpio Asesino Sala Totem (Pamplona) Fecha 16/1/09 Estilo rock Público lleno(900 pers.)

Promotor Last Tour International

Vetusta Morla

skera la etérea y poco habitual “Leihotik” en compañía de Txibe, el ya ex bajista del grupo.

Después, Nacho Álvarez de Manta Ray a los sintetizadores en “Motel”, Deu y Juan de We Are Standard a las voces y guitarra en “Edad Legal” y “Ye Ye Yee” (con la aparición final a las percusiones de Javi Letamendia de los propios WAS y de El Inquilino Comunista), un gran Loquillo junto a Jaime Stinus encajando a la perfección en “Dispararé”, David Kano y Juanjo Reig (Cycle, Krakovia) imprimiendo ritmo y decibelios a “La marca en nuestra frente es la de Caín”, Iñigo Cabezafuego (Mermaid, Atom Rhumba) junto al ex del grupo Jon Ulecia (Cantina Bizarro) en “Chiquitita”… y fin de fiesta hasta altas horas con Chema Rey (Radio 3), Optigan1 (bi fm) y David Kano (que llegó a adelantar temas del próximo disco de Cycle) tras los platos. Lo dicho, una noche memorable. Joseba Vegas

Actual 09 Lugar diversos escenarios Logroño (La Rioja Fecha 2 al 6/1/09 Estilo diversos Público 25.000 aprox Promotor Gobierno de La Rioja

Sr. Chinarro Foto Jordi Antón

Tremenda la fiesta de décimo aniversario que se sacaron de la manga El Columpio Asesino junto a multitud de amigos y de un elenco de variopintos y destacados artistas. Abrieron la noche los prometedores Tristessa y quedó todo dispuesto para un concierto ciertamente memorable. Desde las primeras notas de la hipnótica “El destacamento” y hasta los últimos compases de la enérgica “Lucas 4448”, todo en la actuación resultó remarcable.

Eso sí, la primera parte del concierto fue más o menos la habitual en la banda, aún contando con la trompeta de David Orduña para acompañar al grupo en algún tema. Pero, tras canciones como “Aha!”, “Your Man Is Dead”, “Pacífico” o “No tienes que decirme nada” (lo que ha ganado el grupo desde que hay voz femenina en la alineación titular), comenzaron a desfilar los invitados. Primero, Ixiar Oreja (Maixa eta Ixiar) para cantar en eu-

Sr. Chinarro Sala Joy Eslava Fecha 10/1/2009 Estilo pop Público lleno Promotor Ártica Es Antonio Luque un tipo a quien los directos no tenían por costumbre sonreír. Unas veces, por su actitud, otras, por la mala suerte con el equipo y las circunstancias, contemplar a Sr. Chinarro sobre el escenario y disfrutar de sus canciones se convertía en cuestión de probabilidad. Nada era seguro en el andaluz. Hoy las cosas han cambiado. Con peticiones de gran sentido común (“Por la abolición de la Navidad”) y enumerando sentencias casi absolutas y políticamente incorrectas (“A los judíos sólo les interesa el dinero”), Luque se muestra próximo y reivindicativo. Ha sabido rodearse de una banda eficaz y rotunda, lo cantado se entiende a la perfección, el concierto

tiene lugar en la única sala decente con aforo medio de Madrid... Así, nada puede salir mal. Presentado en la capital “Ronroneando”, su último trabajo, hace varios meses, una fecha como ésta daba pie a repasar su vasta discografía. Con casi una docena de discos bajo el brazo, se hace difícil concretar: “Quiromántico”, “Estrenos T.V.”, “El cabo de Trafalgar” o “El lejano oeste” (esta última, lo más aproximado a un crooner andalusí) compartieron cartel con sus últimas y más tristes creaciones.

“Los ángeles”, “Los amores reñidos” o el punto, raya y punto de “El alfabeto Morse” proporcionaron al auditorio saudade del sur.

Ya se sabe, “cuando las parejas se separan, no hay beso de despedida”. Nacho B. Sola

De nuevo, justo cuando empieza el año, llega el Festival Actual. Diecinueve años lleva programando conciertos interesantes y totalmente a destiempo. Decimos a destiempo por la complicación que supone la contratación artística para esos primeros días del año, aunque al final siempre se redondee un cartel merecedor de nota. De hecho, sus responsables andan detrás de una posible edición estival, pero mejor no adelantarnos. Como es habitual, el Actual no sólo se nutrió de conciertos, también hubo películas, teatro, pasacalles, cortos o exposiciones, por no hablar de la inmejorable oferta gastronómica, vinos incluidos, pero eso es otra historia. Todo ello se desarrolla durante cinco días en diferentes espacios de la ciudad de Logroño y a precios realmente populares. Este año han sido los primeros en reivindicar al célebre escritor, critico, compositor, músico e ingeniero francés Boris Vian en el cincuenta aniversario de su muerte, en un homenaje que abarcó todas sus facetas, desde lectura de poemas a proyecciones de sus filmes. El acto central fue el concierto de Andy Chango presentando su disco “Boris Vian” en la coqueta sala Gonzalo de Berceo, un proyecto que le ha llevado casi dos años de trabajo junto a Javier Krahe y que, en directo, presentó con un quinteto muy bien conjuntado. Esa banda le permitió a Chango total libertad para sus entretenidas y didácticas presentaciones. Pero en el Actual hubo mucho más. El Palacio de Deportes atendió de nuevo los conciertos nocturnos y el primer día tuvo al afrobeat como protagonista. El saxofonista Bukky Leo y el batería Tony Allen coincidieron durante unos años en la banda del gran Fela Kuti y con gran atino los programadores los unieron en concierto doble. Sin embargo, aunque los dos basan su música en ese politizado ritmo, sus distintas evoluciones les han llevado a terrenos distintos (más hacia el acid-jazz al primero y al afrofunk al segundo). Eso no impidió que acabara todo en una gran fiesta en la que Bukky subió a tocar con la banda del maestro Allen. La fiesta continuó con el buen hacer de Dj Floro a los platos. Buen principio. El segundo día, Vetusta Morla abrió la velada en el Palacio de Deportes y mostró por qué motivos están en boca de todos. De hecho, sus canciones fueron coreadas a gritos. Su set perfectamente estructurado tiene una secuencia que no deja margen al descanso, además la ejecución de sus brillantes composiciones es impecable y efectiva.

Tras ellos, Magnífico y su rock’n’roll balcánico sorprendió, pero no sobresalió. Sus letras de gran contenido social no se podían entender, salvo que no vinieras de la desmembrada Yugoslavia, y su banda, Turbolentza, no estuvo a la altura de los discos. Bien, pero prometía más.

Ese algo más lo puso el veterano Joe Bataan junto a Los Fulanos. La banda barcelonesa aún no se cree que “el rey del soul latino”, sea su vocalista. Hubo conexión y eso se disfrutó arriba y abajo del escenario. Para cerrar esa noche, salto estilístico con Dj Click a los platos y su mezcla balkan-árabe aderezado con bailarinas y algunos músicos gitanos promoviendo la fiesta.

Una fiesta que tenía que seguir al día siguiente, pero Facto Delafé y Las Flores Azules cayeron por enfermedad de Helena. Chulito Camacho fue el recambio de última hora. Hubo quien devolvió la entrada, pero el raggamuffin del madrileño caldeó bien el ambiente para el inapelable show de Method Man. Con una bases muy rítmicas, su rap de vieja escuela fue un huracán y su show exudó energía y comunicación por todos lados. Además, Method se lanzó varias veces al público y surfeo sin parar de cantar. Lo pasó bien y el público también. Al día siguiente fueron Giulia y Los Tellarini los que abrieron con su show intimista, pero su jazz folk se desaprovechó en la inmensidad del recinto. Algo que no ocurrió con los mexicanos Café Tacvba. Su puesta en escena perfeccionada por los años fue arrolladora y repleta de éxitos, los actuales más pop y los antiguos más mestizos.

Sin duda, son uno de los mejores grupos latinos de la historia. Y ya el último día y con un lleno casi completo, la fragilidad de Russian Red y el ritmo fronterizo de Depedro, ambos con buena presencia escénica y musical, chocaron con la popularidad y degeneración de Tequila.

Y por degeneración entendemos ese choque mental donde músicos de años cantan himnos de desencanto juvenil. Aunque, bien visto, eso mismo hacen los Stones y siguen llenando estadios. Aún queda hablar del primordial recital del cantautor bilbaíno Tontxu, con interpretación simultanea para sordomudos. De la vuelta de tuerca de Jorge Ilegal junto a Los Magníficos al estilo de las orquestas de los cincuenta. O de las atractivas propuestas de Klaus & Kinski o Los Punsetes. Casi todos estos conciertos fueron gratuitos y dejaron numeroso público en la puerta. Festival completo, completito.

Miguel Amorós

MondoSonoro · Febrero 2009 /29/

NICKELBACK “Dark Horse”

Roadrunner/Divucsa

ROCK

111

Respeto. La banda liderada por Chad Kroeger es la única en su género que sigue atesorando el potencial comercial que atesoró hace ya casi una década con hits como “How You Remind Me” o “Someday”. Disco tras disco, los de Vancouver siguen puliendo su fórmula y mantienen la habilidad de incluir uno o dos temas ideales para sonar hasta la saciedad en las radiofórmulas norteamericanas, y seguir así alimentando su privilegiado estatus.

En esta ocasión, la estrategia del cuarteto ha pasado por contratar a Robert “Mutt” Lange (AC/DC, Def Leppard, Shania Twain) para la producción y sacarse de la manga nuevos hits como “Burn It To the Ground”, la power ballad “I’d Come For You” y, por encima del resto, el excelente single “Gotta Be Somebody”. El conjunto de temas, trabajo de Lange mediante, resulta más ligero y accesible en relación a la producción histórica del grupo.

Algo que no hace más que afianzar la posición de Nickelback como los Bon Jovi del rock duro moderno; sin el tirón de los de New Jersey en Europa, pero con un legado que empieza a ser equiparable. Robert Aniento

THE DRONES “Havilah”

ATP/Popstock!

ROCK

1114

Aunque son hijos bastardos de The Scientists o The Birthday Party, cuando pienso en ellos, y más concretamente en su estilete, Gareth Liddiard, me viene a la memoria irremediablemente el otrora salvaje Jon Spencer. Esa garra tan característica y la sensación de que algo peligroso estaba ocurriendo sobre las tablas mientras sonaba ese blues moderno, reconstruido y malicioso. De todos modos, la forma de proceder de los australianos y su capacidad de reacción nos indican que ellos no van a quedarse estancados como le ocurrió a Spencer y sus muchachos. Con el miembro fundador Rui Pereira fuera de circulación, The Drones nos ofrecen su quinta dosis de rock, punk y garage electrificado al máximo, y no cabe duda de que la banda ha alcanzado su meta. Su rock suena ahora tan visceral como siempre, pero más suicida, poético e inteligente que nunca. La retorcida “Nail It Down” o ese requiebro formal que es “The Minotaur” mantienen el espíritu original de The Drones para, a partir de “The Drifting Housewife”, transmutar en sonidos más ásperos, más sórdidos, pero en los que caben las acústicas, la psicodelia e incluso el pop.

Creciendo. Toni Castarnado

SARGON “Vida”

Weight Recordings

METAL

111

Extrañeza, perplejidad, asombro ¿Y por qué? ¿A qué se debe? Pues a una simple cuestión de idioma, de la legitimidad y la deuda con una lengua materna castigada y perseguida.

Así de sencillo. Ahora que hay tanto tira y afloja con esa cuestión pese a los tiempos de crisis, llegan Sargon desde la ciudad de Granollers para dejar constancia de que el idioma no debe ser una barrera para ninguna banda

y para ningún género. Más bien al contrario.

Hartos de escuchar metal cantado en inglés y, aunque algo menos en castellano, ellos apuestan –como muy pocos en su género, a excepción de bandas más extremas como Foscor o Vidres a la sang- por sorprendernos con temas de nivel cantados en catalán, sumergiéndose en terrenos y lugares casi inexplorados. En “Vida”, el cuarteto se lanza de cabeza a un metal moderno que tampoco abandona las normas y los patrones clásicos del género, pero que gana muchos enteros gracias a una producción notable, a la versátil voz de Uri Nieto y unos textos que hablan sobre el amor o la verdad. Aun así, cierran el álbum con “One Second”, en inglés, que certifica que la música de Sargon no sabe de fronteras. Toni Castarnado

vinilos

m.ward sigue en estado de gracia

JEREMY WARMSLEY “How We Became” Transgressive

POP

111

Pongo el disco, que empieza con “Lose My Cool” y en seguida me viene a la cabeza un nombre: Patrick Wolf. Pero espera, al minuto uno el chico se pone rockero y la canción muta a algo más cercano a las últimas producciones de Morrissey. Más adelante repite la fórmula -lo de empezar susurrante y luego acelerar- en tres temas más, y es quizás ahí donde menos me convence. Pero sigamos: segundo corte, me vuelve a la mente Patrick Wolf, cierto toque oscuro y a la vez luminoso, una vez que sube y baja, pianos, panderetas.

Tercer track: Dios, ¿esto no es The Postal Service? En serio, “How We Became” suena como un tema de aquellos cantado por Rufus Wainwright (“If He Breaks Your Heart” también). Lo que continúa sigue bastante estos patrones, canciones folk pop con toques electrónicos y cierto lirismo cercano a Neil Hannon. Cuando se pone solo al piano (“I Keep The City Burning” y “Craneflies”) me suena a Evripidis And His Tragedies y “Turn Your Back” es muy Beatles (y muy bonita).

No sé, al principio da la impresión de que el disco está demasiado bien producido y que recuerda a demasiadas cosas, pero lo cierto es que el chico tiene clase y el conjunto de canciones es variado y muy disfrutable.

Marc Luelmo

M.Ward Foto Autumn DeWilde

M. WARD

“Hold Time” 4AD/Popstock!

POP

SECRET MACHINES “Secret Machines” COQP/Nuevos Medios

PROGRESIVO

1111

Sí. M. Ward acaba de sacar otro gran disco que sigue la senda pop abierta en “Post-War”. Y ya van unos cuantos (siete si contamos el de She &Him). El tío los hace como churros, casi sin esfuerzo, con una naturalidad que asusta. Y es que cuando se escucha “Hold Time” en el comedor de casa, en la cocina, en la cola

de supermercado o esperando el metro, uno tiene la tentación de girarse para ver si detrás se encuentra el norteamericano guitarra en mano cantando, con una sonrisa amable en los labios, “For Beginners”, “Shangrila” o “Fisher Of Men”. Sus canciones son así de cercanas y te hacen sentir bien aunque algunas tengan letras agridulces. El músico de Portland además de talentoso es honrado. Nunca da gato por liebre, y es capaz de enriquecer su discurso disco a disco. En “Hold Time” sorprende el toque T-Rex de “Never Had Nobody Like You”, las orquestaciones líquidas, casi lisérgicas, de “Hold Time”, y los nada disimulados aires a los Beach Boys más spectorianos que gastan canciones como “To Save Me”, “Stars Of Leo” y “Rave On”, emocionante relectura del clásico de Buddy Holly (con Zooey Deschanel a los coros), que deja bien a la claras a que estirpe de músicos pertenece el bueno de Ward. Solo un pero. Este reseña no está coronada con un cinco por una razón: su dueto con Lucinda Williams en “Oh Lonsome Me” (notable versión de un clásico del héroe country Don Gibson) no conmueve tanto como cabía esperar de la unión de dos monstruos de la música de raíces norteamericana actual. Xavi Sánchez Pons

114

Supongo que hay que vivir en Nueva York una temporada o al menos ir de visita turística unos días, para darse cuenta del hervidero de bandas que es la ciudad de la Costa Este, en la cual se han formado grupos tan dispares entre sí como LCD Soundsystem, Interpol, TV On The Radio y, por qué no, Secret Machines, ese trío originario de Texas que emigró a la Gran Manzana en busca de un sueño americano que, disco tras disco, se convierte un poco más en pesadilla. Si empezaron con un primer álbum que mezclaba con habilidad las enseñanzas del rock alternativo con el clasicismo de Led Zeppelin, Pink Floyd o U2, a cada nuevo paso que han dado se han ido escorando y profundizando en el rock progresivo de marcada personalidad y duro planteamiento, aunque esa misma deriva les haya hecho perder totalmente la coartada cool de sus inicios, para caer en los brazos de lo “retro”, eso sí, con un orgullo muy marcado en todo el proceso. Pues bien, tras la marcha de unos de los hemanos Curtis, el tercer disco es todavía más progresivo, enmarañado y oscuro y, aunque no logran las cotas del último de Black Mountain, mantienen el tipo.

Don Disturbios

en la onda

BUDDY HOLLY

THE BEACH BOYS

LEE HAZLEWOOD

“Buddy Holly” (Brunswick, 1958)

“20/20” (Capitol, 1969)

11111

11114

“These Boots Are Made for Walkin’: The Complete MGM Recordings” (Ace, 2002)

El gafotas más famoso de la era del rock and roll fue, sin saberlo, el creador del pop moderno. Sus canciones jugueteaban con todos los géneros clásicos (rockabilly, country, blues, folk), pero la sensibilidad y los estribillos eran proto-pop pionero. M. Ward hace algo parecido en sus discos, de ahí que haya tomado prestada la inmortal “Rave On”.

Este disco de The Beach Boys suele ir a la cubeta de trabajos menores, pero nada más lejos de la realidad. “20/20” es uno de los álbumes más agradecidos y variados del grupo californiano, lleno de canciones sobresalientes. “I Can Hear Music”, con permiso de “Don’t Worry Baby”, sigue siendo el mejor tributo a Phil Spector en eones, y pide a gritos ser versionada por el autor de “Post-War”.

Lee Hazlewood comparte muchas cosas con M. Ward. Sólo sacó buenos discos, le encantaba colaborar con mujeres guapas e interesantes, era un as a la hora de saltar del country al pop, pasando por el folk y unas inolvidables baladas vaqueras de alma trotona, y sabía conseguir en el estudio una magia especial. Xavi Sánchez Pons

11111

(vinilos /30/ Febrero 2009 · MondoSonoro)

desde el corazón de áfrica FAST FOOD

“Electric Romance” Rumble/Música Para Top

PUNK

Amadou & Mariam Foto Archivo

AMADOU & MARIAM “Welcome To Mali” Because Music

ROCK

1111

La producción de Manu Chao de “Dimanche à Bamako”, su anterior disco, llevó a esta pareja de invidentes al reconocimiento internacional, pero la historia de este dúo cuenta más de veinticinco años. De todas formas, el éxito de ese trabajo y sus tres años de gira mundial les han abierto nuevas vías y les han permitido conocer a otros músicos. Por eso, podemos entender “Welcome To Mali” como fruto de esos encuentros, aunque su sonido original, con esas potentes y pegadizas guitarras y esos juegos vocales a dúo en completa compenetración, sigue siendo su marca personal. Además, por mucho

que estas nuevas canciones suenen rockeras y funk, ahí se mantienen los instrumentos tradicionales como el balafón, la kora o el njarka (violín), combinándose con los clásicos occidentales. Y no os dejéis engañar por “Sabali”, el bonito experimento electro-naïf con producción de Damon Albarn que abre el disco, porque en sus dieciséis (quince más uno) temas hay de todo. Desde el emocionante “Ce N’est Pas Bon”, de nuevo con Albarn, al guitarrero “Masiteladi” con el popular músico francés M. Para continuar con los aires de dancehall jamaicano de “Djama”; el dinámico “Africa”, con el apoyo del rapero somalí-canadiense K’Naan; la preciosa “Djuru” junto a la kora de Toumani Diabate; el funk afrobeat de “Unissons nous” con Keziah Jones, o el bonus track “Boula”, un homenaje a los ancestrales luchadores Fakoly, en la que participa, cómo no, Tiken Jah Fakoly. Un disco de rock, pero con autentico corazón africano. Miguel Amorós

FALL OUT BOY

ANORAK

ABÚS

Universal

Rhonda Records

Grabaciones Silvestres

“Folie A Deux” POP

“Neighborhood Postcards” 111

Acomodados por méritos propios en la élite, estrellas con todas las letras de esa pirotecnia comercial americana tan lustrosa, Fall Out Boy lucen sus galones con la edición de “Folie A Deux”. Poco importa que la esencia original de su propuesta haya quedado diluida frente a su presencia mediática y el fanatismo de una juventud que busca héroes de carne y hueso. Conscientes de su poder de convocatoria, Fall Out Boy han reunido aquí todos los elementos posibles para vertebrar su propuesta. Con el punk arrinconado y el emo solamente como etiqueta, sin más trascendencia que la que aporta un género cada día más indefinido, el grupo apuesta cada día más por el pop en primera línea de combate, subrayando su carga melódica e inyectando a su catálogo una frescura que pedía a gritos. No nos engañemos, las trece piezas de este disco son carne de listas de éxitos comerciales, pero ¿desde cuándo nos tiene que importar eso? Por suerte, ellos no defienden –como sí intentan hacer Good Charlote o Simple Plan- que han madurado, sino que intentan enfrentarse al futuro buscando nuevas vías.

Toni Castarnado

POP ELECTRÓNICO

1114

Anorak debutaron hace tres años con “A Limited Time Only” (Rhonda Records, 05), disco invernal que reivindicaba la vigencia de New Order y recordaba la efectividad indietrónica de The Postal Service. El trío catalán nos enseñó, un año después, en “Synthetic Pop Covers From The European Agency”, la versatilidad con la cual podían transformar algunos himnos de los últimos treinta años, como “Somebody Got Murdered” (The Clash) o “That’s Entertainment” (The Jam).

Se han tomado su tiempo para volver con su tercer y más ambicioso álbum, una crónica de la penurias, sueños y emociones de la clase media actual, confinada en buena parte en ciudades dormitorio fantasmas. Nos muestran una mayor pericia expresiva y un número creciente de referentes, plasmados de forma menos barroca en unas composiciones que puntualmente reciben a invitados insignes: Helena Miquel (Facto Delafé y las Flores Azules, Élena) en “Silhouettes”, Agnès Aran (First Aid Kit) en “Motorwaybridge” y Guillamino en “Through You”. El disco se acompaña de una colección de remixes a cargo de Fibla, Jaumetic, Flüor o Supercinexcene, entre otros Jordi Nopca

“Esthels” CANCIÓN

1114

El cuarto disco de Agustí Busom (Abús), además de estrenar sello discográfico (Grabaciones Silvestres, capitaneado por Marc Parrot) inaugura también una nueva etapa sonora y anímica en su trayectoria.

Después de “A Can Pistraus” (Ariadna, 06), disco en el que utilizaba toda la potencia eléctrica para mostrar sus múltiples indignaciones, Abús ha vuelto a la carga con un ciclo de canciones tranquilas y serenas sobre una historia de amor con final feliz (es decir, sin final, por el momento).

Bajo una instrumentación aparentemente minimalista, las canciones de “Esthels” se infiltran dentro del oyente de forma casi instantánea y poco a poco van cobrando vida todos sus detalles instrumentales, que son muchos y muy variados, distribuidos inteligentemente a lo largo y ancho del minutaje. Por una vez, el viaje que nos plantea Abús no pasa por parajes sombríos: “L’univers” y “L’àngel intrigant” –dos puertas de entrada poco ornamentadas pero majestuosas– dan paso a una colección de canciones luminosas y coloreadas, que rezuman optimismo, mucha fuerza y estado de gracia creativo. Jordi Nopca

114

El dibujo de un tío con chaqueta de cuero, chapas de Los Ramones y un cigarrillo en la comisura de sus labios colocándole un brazalete de calaveras a su chica, jersey de angora morado y mirada desafiante. No pueden dejarlo más claro en su cuarto disco: a Fast Food les mola mucho el punk rock, la estética (y la mítica) rockera y las canciones cortas, sin un punteo. Llenas de referencias, nada veladas, a movidas personales (ya sea problemas con chicas, con colectivos menos respetables –véase los emo kids-) y pelis de terror, las canciones de Fast Food se apoyan en la discografía de los Ramones como manual de estilo, aunque dejan que las influencias de los neoyorquinos (la música surf de los años cincuenta, el pop chicle de los sesenta, Phil Spector y sus grupos vocales o el hardcore accesible de Bad Religion) se dejen caer por el disco (ahí está el arreglo a lo Wall of Sound de “Ana”, por ejemplo). Disco de punk rockeros para punk rockeros irremisibles, las doce canciones de “Electric Romance” son una pieza más en el gran puzzle ramoniano nacional. A archivar junto a los malagueños No Picky, por ejemplo Fernando Navarro

MASTRETTA

“¡Vivan los músicos!”

Siesta/Nuevos Medios

INSTRUMENTAL

1111

¿Cuántas veces hemos leído la promo de un disco que afirma basarse en la búsqueda sincera de las fuentes de la música popular? Sí, la pregunta es retórica. Pero cuando la afirmación llega del santanderino Nacho Mastretta, ese compositor capaz de olvidarse de publicar nada durante más de siete años y regresar ahora al grito extasiado de “¡Vivan los músicos!”, hay que tomarla en serio.

En su nuevo trabajo, Nacho se rodea de su gente y les deja improvisar. Su gente, hay que decirlo, son diez músicos de diferentes procedencias y edades que, unidos bajo su batuta y el objetivo común de ahondar en eso que ellos consideran música popular, han convertido su aventura de amigos en un disco que llama al disfrute más inmediato. A partir de una base de jazz, sus experimentos con ritmos propios de flamenco o de tango son capaces de dar composiciones que son pura ternura, como en “San Vicente do Mar” o que se recrean en la calma y la emoción contenida que registra “Muymuy”. “¡Vivan los músicos!” es una celebración de la música pero, sobre todo, un homenaje a esos extraños seres que la hacen posible.

Cristina V. Miranda

LOOPTROOP ROCKERS “Good Things”

Bad Taste/Discmedi

RAP

1114

Tras más de una década en las barricadas del rap europeo y convertidos en el grupo más consolidado del territorio Interrail, Looptroop tienen motivos para aflojar un poco y celebrar todo ello con un cuarto álbum festivo e infeccioso. Promoe, Embee y Supreme no renuncian a su cara más comprometida, pero en “Good Things” se permiten hasta una versión de “Living On A Prayer” de Bon

Jovi, algo que no tengo todavía claro si es una demostración de buen gusto o una broma.

Lo que sí tengo claro es que su colaboración con Rakka de Dilated Peoples es uno de los mejores cortes del disco y que “Marinate” ejemplifica esa buena onda de la que hablábamos, que “Naïve” se acerca al house rap de los franceses TTC sin llegar a ser tan bailongo y que “Rome” es algo así como el corolario de lo que han sido Looptroop: una de las bandas de rap más ambiciosas y centradas a este lado del charco, lo suficiente como para haberse convertido en toda una institución por derecho propio y haberse ganado el respeto dentro y fuera de su país. Lo dicho: que no pare la fiesta. Joan Cabot

EVANGELISTA

“Hello, Voyager!”

Southern Records/Green Ufos

EXPERIMENTAL

1114

Carla Bozulich publica su nuevo álbum bajo el alias Evangelista, título de su último álbum y primer trabajo para Southern Records, del cual “Hello, Voyager!” es, en cierta forma, heredero. Lo es por varias razones: porque ha sido grabado junto a algunos de los músicos fundamentales de “Evangelista” (Southern, 06), Tara Barnes (bajo) y Shazad Ismaily (guitarras, batería), por la oscuridad y angustia que transmiten la mayoría de canciones (pese a la portada rosa del disco); por el trasfondo religioso y apocalíptico que Bozulich empezó a exhibir en su anterior álbum (y que, desdichadamente, puede convertir sus conciertos en una parodia de su apuesta musical).

“Winds Of Saint Anne”, “Lucky Lucky Luck” retoman la senda distorsionada y experimental de Evangelista, pero a partir de “The Blue Room” los violines de Jessica Moss empieza a tomar protagonismo –para acabar siendo centrales en “Paper Kitten Claw”: se trata de dos momentos relajantes y emocionantes que contrastan con el desgarro habitual de su autora, que vuelve a la carga a lo largo de los doce minutos medio improvisados de “Hello, Voyager!”. Bozulich deja de sorprender por primera vez en unos cuantos años, pero consolida su propuesta oscura, rabiosa y de frenopático. Jordi Nopca

JAN

“Ámame o muere” Autoproducido

ROCK

114

Vuelve después de casi tres años de silencio nuestro particular Bowie catalán con nuevo disco, ahora sin los Electric Poets y cantando en castellano. Según dice en el estribillo del séptimo corte (“Lo que diga la gente”), no le importa nada lo que digan de él, pero personalmente su ejercicio revisionista me gustaba más antes. En este nuevo trabajo –cuyo título, “Ámame o muere”, pone de nuevo énfasis en que o estás con él o que te den-, Jan vuelve al rock inspirado en Marc Bolan o Bowie, aunque también se permite incursiones en el soul y ciertos aires latinos (en la percusión de “No podrás ver”). El problema es que la producción suena algo pobre -se nota que no había mucho presupuestoy las letras abusan de tópicos de rock & roll. Y es que no es lo mismo oír “un día de estos, nena, me buscarás y no estaré” en castellano que en inglés. Letras aparte, el álbum tiene temas bastante pegadizos, como “Muévete” que realmente consigue lo que su título dice, que muevas los pies, o “Te amaré hasta que anochezca”, tema de tono funky (y cierto aire caribeño) que se rebela como el mejor corte del disco. A mi parecer sería preferible que siguiera por esa vía más negra y se olvidará del rollo rockero canalla. Marc Luelmo

(MondoSonoro · Febrero 2009 /31/ vinilos)

las canciones místicas de antony

top10 internacional DRAGONFORCE

“Ultra Beatdown” Spinefarm

METAL

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

ANIMAL COLLECTIVE

“Merriweather Post Pavilion” (Domino/Pias)

M. WARD

“Hold Time” Hold Time

FRANZ FERDINAND

“Tonight: Franz Ferdinand” (Domino/Pias)

ANTONY

“The Crying Light” (Secretly Canadian/Popstock!)

CLEM SNIDE

“Hungry Bird”

(429 Records/Houston Party)

ANDREW BIRD “Noble Beast”

(Bella Union/Popstock!)

DENT MAY & HIS ..

“The Good Feeling Music of...”

(Paw Tracks)

PET SHOP BOYS “Yes” ” (Avance) (EMI)

BON IVER

“Blood Bank Ep” (4AD/Popstock)

RYAN ADAMS “Cardinology”

1114

Dragonforce son una rara avis del metal contemporáneo. La inclusión de su canción “Through The Fire And Flames” en el videojuego “Guitar Hero III” supuso en 2007 un importante espaldarazo a su popularidad –dicho tema fue el más vendido digitalmente a raíz del videojuego, tan sólo superado por el “Welcome To The Jungle” de Guns N’ Roses-. Su éxito, sin embargo, es sinónimo de perseverancia y talento, como el que desprende “Ultra Beatdown”, cuarto disco en el que mejoran la fórmula de su anterior “Inhuman Rampage”. En él prosiguen con su power metal de vieja escuela, con temas de siete minutos plagados de solos de guitarra, teclados marcianos y estribillos hiperacelerados. Una receta cercana a Helloween, Stratovarius o Gamma Ray sazonada con un desacomplejado virtuosismo –algo a reivindicar-; un inusual sentido del humor para una banda del género –apenas podemos señalar a los autores de “Keeper Of The Seven Keys”, con títulos de canción como “Heavy Metal Hamsters”, como claro precedente-; y una notoria sensibilidad ochentera –encontramos aquí ecos a Queen o Meat Loaf (“Reasons To Live”) e incluso a Survivor (la melodía vocal de “The Fire Still Burns” parece un homenaje a “The Eye Of The Tiger”). Curiosamente, la banda sabe otorgar a esa, para algunos indigesta, ecuación un toque de modernidad. Ni que sea por curiosidad, harían bien en verles en directo este febrero junto a los no menos pintorescos Turisas David Sabaté

(Universal)

Antony & The Johnsons Foto Archivo

ANTONY AND THE JOHNSONS “The Crying Light”

Secretly Canadian/Popstock!

CANCIÓN

11114

Creo que no ha sido la brutal exposición mediática a la que ha sido sometido tras el inusitado -por dimensiones y también por insospechado- éxito de “Im A Bird Now” la que me hace recelar aún hoy de Antony. Su segundo disco pecaba de ampuloso y excesivo, aunque posiblemente fuera ese exceso lo que llamó la atención de un público que casi podemos calificar de masivo. Desde entonces Antony se lanzó a una obsesiva carrera de colaboraciones que fue de lo

top10 nacional VV. AA.

“Dark Was The Night”

anecdótico (Björk, Marc Almond, Matmos y cien más) a lo sorpresivo (esa reinvención por la vía del sonido disco que es Hercules And Love Affair). Un largo camino de casi cuatro años -“Im A Bird Now” data de febrero de 2005- que, una vez escuchado su nuevo trabajo, le ha venido realmente bien para reorganizar su discurso. Porque las diez canciones que componen “The Crying Light” resultan un ejercicio de contención en todos los frentes -vocal, de instrumentación, y también de minutaje- en el que el personal y barroco universo de Antony queda a salvaguarda pero nada suena gratuito ni resulta fuego de artificio. Dice él que este disco se inspira en los elegantes a la par que angustiosos movimientos del bailarín Kazuo Ohno, y no cuesta entender porqué. Luis J. Menéndez

4AD/Popstock!

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

TEMPLETON

“Exposición universal”

(Arindelle/Subterfuge)

THE UNFINISHED SYMPATHY “Avida Dollars” (Subterfuge)

EXTRAPERLO

“Desayuno continental” (Mushroom Pillow)

MACACO

“Puerto Presente” (Mundo Zurdo/Emi)

OJOS DE BRUJO “Aocana” (Warner)

ANORAK

“Neighborhood Postcards” (Rhonda Records)

KLAUS & KINSKI

“Tu hoguera está ardiendo” (Jabalina)

ELVIRA

“Pequeños apuntes para canciones de mierda” (B-Core)

CUZO

”Amor y muerte en la tercera fase” (Alone Records)

BEDROOM

“La casa dins la casa” (Foehn)

1114

4AD y la Red Hot Organization unen fuerzas en esta suculenta compilación benéfica, consiguiendo una lista de artistas actuales comprometidos que quita el hipo y nos brinda una larga serie de momentos apreciables. Producido por The National (concretamente por Aaron y Bryce Dessner), “Dark Was The Night” sube el listón de los discos benéficos, por lo menos para aquellos que nos quedamos, por encima de todo, con los artistas independientes.

A lo largo de treinta y un cortes, inéditos o versiones, son muchos los nombres que nos ponen la piel de gallina. Quién sabe, quizás sea porque se trata del lanzamiento número veinte de la organización o porque esta vez a uno le gustan más los presentes que en anteriores ocasiones. Y es que nadie podrá negarse a disfrutar de bombones como los que son escuchar a Feist y Ben Gibbard interpretando el “Train Song” de Vashti Bunyan; a My Brightest Diamond recuperando a Nina Simone; a Antony cantando el “I Was Young When I Left Home” de Dylan sobre la acústica de Bryce Dessner; a Justin Vernon (Bon Iver) poniendo voz a “Big Red Machine”, firmada por el otro hermano Dessner; a Gillian Welch acompañando a Conor Oberst para darle forma a su “Lua”; a Jonsi Birgisson de Sigur Rós presentando (definitivamente) en sociedad a Riceboy Sleeps; a David Sitek de TV On The Radio atreviéndose con el “With A Girl Like You” de The Troggs, a The New Pornographers acelerando el “Hey Snow White” del propio Dan ‘Destroyer’ Bejar o al Kronos Quartet reproduciendo fielmente el clásico de Blind Willie Johnson que le da nombre a esta obra benéfica para la lucha contra el sida. Joan S. Luna

THESE ARMS ARE SNAKES

AMON AMARTH

ASOBI SEKSU

Suicide Squeeze/Popstock!

Metal Blade/Mastertrax

One Little Indian/Popstock!

“Tall Swallower And Dove” POST-HARDCORE

111

Parece que el pequeño giro que la banda ha intentado dar a sus composiciones, retorciéndolas un poco más y disminuyendo en cierta medida el componente agresivo que les caracterizó en sus dos primeras grabaciones (y, cómo no, en sus impactantes directos), no acaba de funcionar del todo. O al menos en primera instancia, pues si el viraje que ya se intuía en su anterior trabajo, mantenido si cabe con más radicalidad en esta tercera grabación, no es de los que logra cuajar a la primera escucha, bien vale un voto de confianza. Una confianza que el grupo consigue cuando, aún manteniendo las voces en un plano demasiado protagonista, huye de los punteos de guitarra memorables, prefiriendo la densidad del conjunto a la artimaña habilidosa o a la melodía perfecta; eso sí, sin perder ni un ápice de fuerza. He aquí el único problema a la hora de enfrentarnos a estas canciones de fondo post-core y acabado rock: que no capten nuestra atención a la primera, aunque bien mirado eso no es nada que no se solucione con repetidas escuchas.

Francesc Feliu

“Twilight Of The Thunder God” METAL

1111

Parece que 2008 ha sido su año. Su participación en el Unholly Alliance Tour junto a colosos del metal como Slayer, Mastodon o Trivium les ha abierto las puertas a un nuevo público y les ha colocado donde merecen estar: en el ojo del huracán. Por algo llevan en esto la friolera de diecisiete años y por algo su último disco no cesa de recibir elogios dondequiera que alguien le dé al play.

Tanto su trayectoria como dichos comentarios hacían presagiar un buen disco, aunque “Twilight Of The Thunder God” supera todas las expectativas. Siguiendo los pasos de su anterior y celebrado “With Oden On Our Side”, los suecos han sabido depurar su propio sonido, mezcla de death metal, épica y mitología vikinga, hasta dar con la mejor versión de sí mismos. Es éste un álbum maduro y mucho más variado que sus antecesores, con anecdóticas pero significativas colaboraciones de Children Of Bodom, Apocalyptica y L.G. Petrov de Entombed, y que cede, no sin acierto, su habitual dosis de épica, en favor de una mayor contundencia.

Aviso para despistados: no dejéis que las palabras épica y vikingo os echen para atrás.

David Sabaté

“Hush” POP

1111

Todo grupo que se enfrenta a un nuevo disco tiene diversas batallas que lidiar.

La de la originalidad es una de ellas, y concretamente esa, Asobi Seksu la tiene perdida desde el día de su nacimiento. Con unos referentes totalmente definidos que nos remiten al sonido cristalino de la etapa final de Cocteau Twins y sus herederos shoegazers más pop (Lush, Chapterhouse, Mahogany, Pale Saints…) los de Nueva York no aspiran a reinventar el pop en clave de guitarras temblorosas, sino a completar un disco que mire de tú a tú a los clásicos del género. ¿Te parece poco? Para el que esto escribe lo sorprendente del asunto es que hayan tardado tan poco en conseguirlo. Su estreno homónimo era una voluntariosa declaración de intenciones que tomó forma en “Citrus” (2006) y ahora desemboca en un esplendoroso tercer álbum. Destaca la labor a la producción de Chris Zane (Les Savy Fav, Ambulance LTD…) que dota de músculo a estas doce canciones sin que por ello las guitarras o la voz Yuki Chikudate -menos exótica, más extraordinaria que nuncapierdan un ápice de misterio.

Luis J. Menéndez

(vinilos /32/ Febrero 2009 · MondoSonoro)

dent may, un crooner irónico DAZE OF DAWN “Yeti Nation” Clamrecords

ROCK

1114

Esta formación afincada en Valencia nos presenta un trabajo diferente y personal que se agradece en estos tiempos de fotocopias musicales, un disco en el que combinan sentimientos y crítica social de manera irónica y amena. En los textos muestran su preocupación, sin pretensiones, por los temas que afectan a nuestro planeta. En “Yeti Nation” nos encontramos frente a unos Daze Of Dawn que se aplican en los ritmos duros y compactos, dejando también lugar para sonidos más pausados y tranquilos (algo que les caracteriza desde su primer larga duración, “Shinjuku In June”, aparecido en 2001).

A lo largo de cuatro trabajos han madurado una propuesta que no deja indiferente, sobre todo a los seguidores del rock de tintes retro alternativos con toques de folk, grunge, blues, funk o incluso hard rock actual. El conjunto de piezas que incluyen en “Yeti Nation” da forma al que posiblemente sea el mejor de los discos que hayan publicado hasta la fecha. Alberto Ramos Lizana Dent May Foto Archivo

DENT MAY

“The Good Feeling Music of Dent May & His Magnificent Ukelele” Paw Tracks

POP

1114 Dent May podría ser perfectamente un personaje sacado de una película de Wes Anderson y de hecho podría haber participado en cualquiera de sus bandas sonoras.

También tiene algo de Napoleon Dynamite, en concreto su afición a las gafas de grandes dimensiones, aunque Dent intenta con todas sus fuerzas ser o parecer un crooner trasnochado, un crooner con ukelele, para más inri.

Escuchando “The Good Feeling Music of Dent May

SON AMBULANCE

GRIFFI

“Someone Else’s Déjà Vu”

“Strictly Jabugo Series Vol.1”

Saddle Creek/Popstock!

POP

& His Magnificent Ukelele” lo primero que se te viene a la cabeza es Jens Lekman, y luego Stephin Merritt y Serge Gainsbourg, y si te gustan estos tres es muy difícil que no acabes prendado de May y de temas como “Meet Me At The Garden”, “Oh Paris”, “26 Miles” o “Girls On A Square”, cantos arrebatados al amor adolescente, a la heroicidad y al romanticismo más relamido no sin un punto de exageración, algo que habla de cierta dosis de humor inteligente. Teniendo en cuenta que viene de Mississippi, que lo publica el sello de Animal Collective Paw Tracks y que pueda ser cierto o no lo que cuenta su biografía en Wikipedia sobre su negocio de bebidas energéticas (¿Cream Abdul Java? ¡Demasiado bueno para ser cierto!) y su granja de pollos, podemos estar ante un personaje colosal. Aúpa Dent. Joan Cabot

Del Palo/Pias

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Son Ambulance (Joe Knapp, para ser más exactos) o la psicodelia, bossa y melancolía caminan de la mano. “Someone Else’s Déjà Vu” es su tercer disco largo con Saddle Creek, etiqueta que les va que ni pintados a los de Omaha. Porque aquí, pese a que la portada para no iniciados pudiera hacer pensar que estamos ante un disco perdido de An Albatross o Melt Banana, lo que hay dentro es una loa a la soledad, a frenar la marcha absurda que nos lleva a nada, a detenernos. Detenernos siquiera un instante y dejarnos llevar por “Quand Tu Marches Seul”, por ejemplo, es un lujo que crece conforme avanza el siglo, cuando todo es tan sofisticado que comenzamos la vuelta atrás y nos damos cuenta que Art Garfunkel, Astrud Gilberto o Nick Drake no estaban tan lejos. “Juliet’s Son” es otra de esas canciones que dictarán tus deseos al encender tu tocadiscos, tu iPod o mejor aún, tu cabeza. “The Renegade” supone el comienzo del sprint final y todo ha pasado sin darnos cuenta; de hecho nos ha dado tiempo a entonar un réquiem por el planeta junto a Knapp y todo Natxo PL

RAP

FEEDER

“Silent Cry” Echo/Pias

1114

Durante una reciente entrevista, Toteking comentaba que en los últimos años el nivel de los productores de hip hop nacionales ha crecido de forma increíble. Cualquier chavalín te hace un buen beat, decía. Y es cierto.

Tanto como que DJ Griffi sigue marcando dónde está el techo. Con Sólo los Solo y Chacho Brodas ha creado su propia marca, un estilo inconfundible que le sitúa en la senda de los grandes popes de nuestros días -tipos como Dilla y Madlib- a la vez que le confiere un carácter propio, esa vena electro-funk electrizante. En “Strictly Jabugo Series Vol.1” demuestra que es cierto eso de que con una cuchara y una taza de café es capaz de hacer un buen ritmo. En los veintinueve cortes del disco hay mil diabluras, y otras tantas en el disco de regalo en el que junto a Mbaka Oko realiza un programa de radio ficticio, en el que encontramos algunas de sus remezclas, tanto oficiales como oficiosas, y producciones para Quiroga, Tremendo, La Mala Rodríguez y Aloe Blacc. Un regalo para los que estamos convencidos de la grandeza del hombre mientras esperamos a que nos caiga en las manos lo nuevo de Tremendo y el retorno de Sólo Los Solo. Joan Cabot

ROCK

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Vuelven y de qué manera. Este nuevo disco de los galeses deja claro que han dejado los experimentos de anteriores trabajos a un lado y se han dedicado a hacer lo que mejor saben hacer. Grant Nicholas y los suyos publican su sexto trabajo, “Silent Cry”, repleto de buenas canciones –un total de quince cortes-, sobre todo la primera mitad.

Abren el disco la apocalíptica “We Are The People” y el hit “Itsumo”, ambas cuidadas y con arreglos de teclado muy resultones.

Todo ello para dar paso a ese trallazo que es “Miss You”, una muestra clara que continúan sabiendo hacer efectivas canciones rock. Los temas se suceden con los medios tiempos como protagonistas en “Tracing Lines” y en “Silent Cry”, donde se ponen reflexivos, e incluso se atreven con la semi-acústica “Fires”. Varios cambios de registro en sus temas para admirar su talento y encarar el resto del disco con una serie de canciones que, pese a que no pasaran a la historia, no están nada mal: “Who’s The Enemy” o “Into The Blue”. Se relajan pero lo hacen con clase.

Y es que tras tres años de silencio, uno se quita el sombrero ante este nuevo disco de los galeses. Marcos Martín

CRYSTAL STILTS “Alight Of Night” Slumberland

ROCK

1114

Brooklyn sigue siendo un hervidero de bandas, cuando menos, prometedoras. De allí salen Crystal Stilts, el grupo formado en 2003 por Brad Hargett y J.B. Townshend al que se han ido añadiendo elementos con los años, el último Franckie Rose, ex Vivian Girls. A pesar de ello, no han abandonado el sonido cavernoso de sus Ep’s, si acaso añadido más elementos a la tortuosa cacofonía en la que nos presentan los quejidos existenciales de Hargett. “Alight Of Night” acierta en abrazar el oscurantismo por la vía de la simplicidad. Al fin y al cabo Crystal Stilts suenan como lo harían The Seeds producidos por un aprendiz de Phil Spector. También son evidentes las influencias de grupos como The Jesus And Mary Chain, The Doors, The Velvet Underground o The Gun Club, aunque canciones como “Prismatic Room” muestran a una banda con su propia fórmula para fabricar ácido sulfúrico. En “The Dazzled” te derriten el alma derramándote encima bella estática; otras como “Crystal Stilts” o “Bright Night” son pegadizas como el abrazo de un zombie enamorado. Ellos parecen serlo por momentos: muertos vivientes de otra época, haciendo buen rock’n’rolll. Joan Cabot

VILMA Y LOS SEÑORES “Turbulencias” Nuba Records

CANCIÓN

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A su manera, todos ellos conocen bien la profesión. Ricardo Moreno, como percusionista de Los Ronaldos o Fangoria; David Gwynn, como acompañante a la guitarra de artistas como Christina Rosenvinge; Gema Martín por llevarla dentro desde tantos años atrás. Juntos, son Vilma y Los Señores y, “Turbulencias”, una carta de presentación que ya hace intuir el largo camino que les ha conducido hasta aquí. Su apuesta es por la elegancia de lo sencillo, por composiciones que se visten

a través de letras sentidas y directas que se vuelven poderosas gracias al dominio de la voz que logra la que fuera profesora de lengua castellana. Vilma recuerda, por momentos, a esas grandes damas de la canción al estilo de Chavela Vargas. Y resulta una mujer que tanto es capaz de agitar su voz en melodías que rozan lo siniestro, como en “Lo que pudo ser”, que de susurrar con rabia en composiciones de aires mexicanos como “A la deriva”. “Turbulencias” recoge influencias que van desde lo más atemporal de la música de autor sudamericana hasta el folk estadounidense más clásico, resultando, en definitiva, ese disco que seguramente muchos estaban echando de menos. Cristina V. Miranda

GNAPOSS

“Outsider” RGB

ROCK

1114

El proyecto que lidera el guitarrista David Muñoz llega a su tercera y más ecléctica entrega con “Outsider”, un disco que confirma a Gnaposs como sinónimo de música interpretada a la vez con virtuosismo y pasión. Exprimir los recursos que proporcionan unos cuidados arreglos de cuerda y de metal, rentabilizar al máximo las posibilidades de una banda nutrida y entregada al servicio de la canción, así como manejar a la perfección los saltos desde el funk al rock, del blues al country e, incluso, del soul o el jazz con sabor a big band hasta una muy particular y original versión del “Smoke On The Water” de Deep Purple, sitúan a esta formación en un lugar privilegiado de nuestra escena a nivel de calidad. A la espera del reconocimiento comercial que merecen, Gnaposs se acompañan aquí de numerosas colaboraciones –por ejemplo, las de Llibert Fortuny, Ramon Montardit, Joan Pau Comelles o la del también co-productor del disco TJ Helmerich (Scott Henderson, Dweezil Zappa, Ron Wood, etcétera…)- que sirven para redondear un resultado final en el que el protagonista principal, la guitarra de David, afortunadamente no se diluye entre excesos onanistas. Éste es un trabajo bien hecho y exquisitamente grabado, sin duda otro paso adelante. Xavier Llop

BEDROOM

“La casa dins la casa”

Foehn

FOLK

111

“Oh benvinguts, passeu passeu”, dice Sisa en su más famosa canción, y algo parecido parece decir Albert Aromir en su álbum de debut. Este barcelonés que cuando no hace canciones se dedica a la ilustración (suyos son los dibujos del disco de Manos de Topo), nos abre la puerta de su casa y nos invita a compartir un rato de tranquilidad. Os podéis echar en el sofá, mirar por la ventana y ver la puesta de sol. Mientras tanto, él va tocando la guitarra y cantando ahí al lado. Y es que si algo transmite este disco es cercanía y calidez. Es un disco para escuchar en casa, en penumbra, bajo una manta, acompañado o sólo. Las diez canciones de “La casa dins la casa” son como pequeñas nanas susurradas al oído. Diez composiciones que recuerdan a Nick Drake, Iron & Wine o Bill Callahan, pero con un espíritu más casero y lo-fi. En el disco, que se grabó en un bungalow de un camping en la Costa Brava, se cuelan los sonidos de los pájaros, los insectos, la madera o la lluvia. Sonidos que se mezclan con guitarras, trompetas y coros que refuerzan esa sensación de intimidad, de refugio, de estar ahí con los músicos, cantando, escuchando, en casa dentro de casa, ajenos a todo. Marc Luelmo

(MondoSonoro · Febrero 2009 /33/ vinilos)

EUROS CHILDS “Cheer Gone”

Wichita/Nuevos Medios

FOLK

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El Euros Childs de “Cheer Gone” está lejos de ser el inspiradísimo compositor folk que descubrimos en “How I Long To Feel This Summer In My Heart” (Mantra, 01). Desde la separación de Gorky’s Cygotic Mynci, el galés ha continuado el proceso de apaciguamiento que había marcado los dos trabajos de la banda, mitigando el recuerdo de su pasado psicodélico a base de tradición. Ya no hay diabluras, ni sorpresas, y en cierto sentido todo eso hace de su nuevo álbum algo convencional y sin demasiado brillo. Hay momentos notables. Esos primeros instantes de “Summer Days” y la melodía perezosa “Nineteen Fifties” especialmente, o el gracioso epílogo “Sing Song Song”. Pero el disco se hace cuesta arriba en más de un momento por demasiado lánguido y manso. Un ejemplo, lo lejos que suena “Her Was” de “When Hair Hangs Long” a pesar de ser canciones más o menos gemelas. Hemos ganado un buen cantautor, pero hemos perdido un genio en el proceso Joan Cabot

OLLE NYMAN “Venture”

Absolute Beginners

FOLK

114

La globalización permite cosas como esta.

Suena en el reproductor Olle Nyman e inmediatamente lo sitúas en algún lugar de la soleada California. Luego indagas un poco sobre el autor y resulta que es sueco, aunque cante como Ben Harper, haciendo uso como el de Pomona de tonalidades y matices blues, soul o country en un folk tan clásico, lento y sinuoso como hasta cierto punto obvio. Si a eso lo añades que la discográfica es española y de reciente creación (apenas lleva un año y medio en este romántico y catastrófico negocio de editar discos) pues no puedes más que sorprenderte de que se den estas alianzas que a priori podrían resultar extrañas y a las que, por proximidad, les deseamos lo mejor.

Por eso si Olle Nyman fuera capaz de llegar al mismo público que el mencionado Harper o acólitos tan famosos como Jack Johnson u otros menos mediáticos como Jason Mraz o John Mayer, nos llevaremos un alegrón. Sus canciones tienen capacidad para hacerse con ese seguidor que, en principio, puede resultar poco exigente a la hora de ofrecer a su reproductor canciones de patrones standard, porque con ellas ya son felices. ¿Para que rizar el rizo? ¿Para qué buscar una personalidad excluyente, si eso complica la estructura de las canciones?. Fácil, algo obvio y resultón, así suena Olle Nyman, pero no por ello menos eficaz y certero. Don Disturbios

HOWIE B VS CASINO ROYALE “Not In The face (Reale Dub Version)” Fabric/Pias

ELECTRÓNICA

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Poco se puede contar a estas alturas de Howie B, uno de los productores y Dj’s británicos más populares de la escena electrónica gracias a sus colaboraciones con U2 o Tricky. Después de editar el pasado año aquella marcianada llamada “Music For Astronauts And Cosmonauts”, que quedó

en mera curiosidad, el escocés vuelve a las andadas con un álbum de remezclas de sus últimos pupilos: los italianos Casino Royale.

Este disco de dub (aunque algunos lo califiquen de trip hop, ambient o lo que se tercie) cargado de efectos imposibles que, sin duda, gana con unos potentes auriculares, es una reinterpretación libre del álbum “Reale”, la última obra hasta la fecha de la veterana banda producida por el de Glasgow. Aunque “Easy Tranquillo” apunta maneras con esa contagiosa batería, a medida que el ritmo avanza el antiguo acompañante de fatigas de Björk pierde fuelle y desaprovecha la ocasión de reinventar con nota temas como “Prova” o “Milano Double Standard”, eliminando vilmente el sonido funk-ska que los caracterizaba. Su valía como productor es indiscutible, pero su efecto sorpresa ha pasado a mejor vida. Sergio del Amo

extraperlo, un pop distinto

IT BITES

“The Tall Ships” InsideOut/Mastertrax

PROGRESIVO

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Vaya por delante que, en mi opinión, It Bites sin Francis Dunnery sería como Van der Graaf Generator sin Peter Hammill, es decir, un grupo sin su alma. Por eso deja bastante descolocado esta nueva encarnación de los británicos sin la participación de su antiguo líder. El caso es que, tras una breve reunificación de la formación original de este grupo que gozó de cierta relevancia durante la segunda mitad de los ochenta, el propio Dunnery pronto decidió volver a su letargo y sus compañeros se han animado a continuar con nuevas incorporaciones. El nuevo frontman de It Bites no es ningún desconocido. Se trata de John Mitchell (Arena, Kino, Frost), un buen profesional aunque en esta ocasión su papel resulta un tanto indigno al intentar situarse en todo momento en la piel del hombre al que sustituye. El resultado se llama “The Tall Ships”, un álbum en estudio repleto de temas en la habitual línea pop-progresiva de antaño, más que dignos, pero definitivamente faltos de sangre si los comparamos con aquellos dos primeros trabajos que revitalizaron la escena hace veinte años. Ferran Lizana

Extraperlo Foto Archivo

EXTRAPERLO

“Desayuno continental” Mushroom Pillow

POP

11114

El pop que importa, el que deja huella y te hace sentir cosas que van más allá de una simple sonrisa en los labios, es difícil de encontrar. Así que, cuando aparece a un grupo que lo consigue, dan ganas de salir a la ventana y gritarlo a los cuatro vientos. Alto y claro, sin miedo a meter la pata. Extraperlo, no lo duden, es uno de esos grupos, y la primera vez que los escuchas te hacen pensar en lo especial que fue descubrir en su momento a Le Mans, Orange Juice o Vampire Weekend. Tres bandas de ese pop que importa que no aparecen en esta crítica por capricho, sino porque nos sirven para definir a la perfección el

disco de debut del joven cuarteto de Barcelona: las letras en castellano, la inocencia y la falta de complejos que presidían el primer trabajo de los donostiarras, la voz afectada a la Edwyn Collins que gasta Borja, y las guitarras cristalinas, con toques afro, de los de Brooklyn. Ahora bien, “Desayuno continental” (álbum que ha contado con un colaborador de lujo, Pablo Díaz Reixa, capo de El Guincho y Coconot) es eso y mucho más. Es el tecno pop juguetón a lo Carlos Berlanga de ese rompepistas que es “Cavalcade”, son los guiños a Claustrofobia y Golpes Bajos de “Noche en la montaña” o “Fantasmas”, es el pop nuevaolero y efervescente de “Bañadores”, es el espíritu saltarín y el encanto de “Noche en la montaña” y “Las palmeras del amor “… El debut de Extraperlo es un sonado paseo por el pop que han devorado estos cuatro veinteañeros a lo largo de su vida, un recorrido lleno de clase, genio y personalidad. Chapeau. Xavi Sánchez Pons

JAKE ONE

CENTELLA

MIGRAINE

NOUVELLE CUISINE

Rhymesayers

Producciones Doradas/Tres Pies

Fragment

Autoproducido

POP

METAL

“White Van Music” RAP

“s/t” 1111

Teniendo en cuenta que en los últimos años se ha convertido en uno de esos productores omnipresentes, trabajando tanto con peces gordos como con leyendas underground, a Jake One -su madre lo bautizó Jacob Dutton- le ha bastado con descolgar el teléfono para reunir un elenco de acompañantes de esos que le hacen a uno sacar pecho y entrar gratis en cualquier club de costa a costa. Black Milk, Prodigy, Young Buck, Little Brother, Freeway, MF Doom, Royce Da 5’9”, Busta Rhymes, Slug, Evidence, Brother Ali... Mucha dinamita para un debut a mayor gloria de uno de los mejores beatmakers del momento -a la altura de Marco Polo, Statik Selektah, The Alchemist y 9th Wonder, sin dudarlo-. Porque “White Van Music” es todo un despliegue de talento, una afirmación de estilo propio, fundamentado en una dieta rigurosa de influencias de la época dorada en la que Jake One, además, reparte con acierto sus bases acertando el estilo que pide cada MC, como demuestran los cortes que se canta MF Doom. “The Truth”, “Kissin’ The Curb” y “Get’Er Done” son tres sonoros aldabonazos a las puertas de la grandeza. Joan Cabot

111 El álbum en solitario de Padi Fuster tras la disolución de Sibyl Vane contiene once canciones que son como once pequeños puñetazos. Padi se muestra bravucona, desafiante (“Si me lo vuelves a hacer sufrirás consecuencias” canta en “Amenaza”) y en sus canciones hay cierto resentimiento hacia los hombres y algo de teenage angst.

Sus agridulces letras hablan de lo odioso que es en verano entrar en sitios que ponen el aire acondicionado a todo trapo y de correr con el viento en la cara y dar patadas bravas a todo lo que se oponga. Habla de un chico que trata a su novia como una tostadora (“a la cual le metía y le sacaba el pan cuando quería”), de ir a la deriva y de rayos que silban. En lo musical las formas son básicas, simples, pero no por ello menos efectivas. Con sólo unos acordes de guitarra, una batería unas maracas y su voz Padi entrega canciones cortas y contundentes, que aún con ese aire de trabajo inacabado, se te queden rondando por la cabeza un buen rato. Como es habitual en el sello el álbum se puede descargar de forma gratuita (en www.centelleando. com). Marc Luelmo

“de memoria”

“Plague”

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Migraine: migraña en inglés. Migraña, según Wikipedia, es un tipo de dolor de cabeza, usualmente muy intenso y capaz de incapacitar a quien lo sufre. Migraine es también un grupo de Madrid surgido de las cenizas de Orujo de Brujas y Rotten Minds, que puede provocar dolor de cabeza en cualquier oyente sensible que se exponga a una audición prolongada y a un volumen considerable de este “Plague”, un trabajo en el que no hay un segundo de tranquilidad. Lo suyo es el metal que roza el death, música dura cargada de voces del averno y riffs endiablados. No hay melodías, tampoco coros. No hay singles, con lo que ninguna canción destaca demasiado por encima del resto. Lo suyo es metal duro y de sonido underground, nada de metal for the masses. Su rollo tiene más que ver con Bloodlet o, cuando aceleran, con los mismísimos Converge (no en vano el vocalista de Haemorrhage colabora en el tema “Nightmares”). Si a eso le sumamos unos textos que hablan sobre sangre, dolor, violaciones y torturas, daremos con la fórmula completa de Migraine. Jordi Forés

POP

111

Después de varias maquetas y un primer disco que ellos mismos se encargaron de distribuir, estos cuatro coruñeses publican por fin un álbum que se podrá encontrar en tiendas. “de memoria” es una obra madura, trabajada, en la que aún se pueden ver las influencias de las que beben pero de manera menos evidente. Queda claro que han asimilado bien sus referencias y disponen ya de un discurso propio, un discurso que se fundamenta en unas excelentes letras y unas melodías empapadas de melancolía.

También es evidente la importancia del nuevo bajista, quien también se encarga de las programaciones, que dan un nuevo acabado a los temas. El disco alterna las piezas más íntimas con temas pop vitalistas.

De las primeras destacan la casi susurrada “Abc” que abre el disco, “Calipso”, donde se ponen un poco lloricas (aunque más cercanos a La Buena Vida que a Manos de Topo), “Teletipo”, que es pop electrónico sosegado y elegante, o “A las cuatro de la tarde”, que recuerda a Los Planetas más calmados. Más animadas y coreables son “Sintonía08”, “Comunicación no verbal” o “El imperio roto”. Marc Luelmo

(vinilos /34/ Febrero 2009 · MondoSonoro)

diamante en la sombra

ANDREW BIRD “Noble Beast”

Bella Union/Popstock!

POP

Andrew Bird Foto Archivo

FLIGHT 404

THE FUZZTONES

BELLE AND SEBASTIAN

Liquidator Music

Electrique Mud/Unique

Jeepster/Pias

“Horny As Hell”

“Trip To Moon” REGGAE

1111

Desde una cómoda posición de segundón de lujo, dentro de la categoría de cantautores estadounidenses que combinan el folk con un pop de cámara elegante, bello y que además hace uso de la instrumentación más clásica, ya sea a base de violín (el instrumento natural de Andrew Bird,junto a sus ya famosos silbiditos), guitarras acústicas o violonchelos, que suelen darle al conjunto un toque muy cinemático, el de

1114

Escuchando el disco sinceramente poco importa intentar saber si se trata de reggae, early reggae o rocksteady. Escuchando el disco tú mismo respondes que a veces, y esta es una de aquellas ocasiones, la expectativa que crea un grupo se acaba cumpliendo. Escuchando el disco te das cuenta que la escena está llena de calidad y que Flight 404 quizás sea una de las mejores formaciones de la actualidad. Lo cierto es que “Trip To The Moon” es la mejor continuación posible tras la versión de “Dollar In The Teeth” (The Upsetters), que grabaron en 2006, y supone la mejor presentación del grupo en cuanto a primer trabajo de manera oficial. Formados en 2003, Flight 404 son una banda de all star de distintos músicos de la escena jamaicana, que básicamente se centra en el reggae de los hermanos Barrett. Es decir, reggae añejo, con sabor y sonido clásico, del que atrapa desde la primera canción.

En el disco son trece en total, una de las cuales es la impresionante versión de “Black Farm”.

Ivan Ferrer

ROCK

“The BBC Sessions” 11

Rudi Protudi pone otro grano de arena en su autoconstrucción como icono atemporal del rock en general y del garage en particular. Quizás con más pena que gloria, eso sí, ya que este “Horny As hell” suena, como era de esperar, demasiado previsible. Producido en Alemania y esforzado por sonar como antaño, cargado de versiones y con un Protudi que suena casi tan convincente como en sus mejores tiempos, el disco se queda, desgraciadamente, en el camino.

Así es, a pesar de los esfuerzos de producción del eterno líder de The Fuzztones, que incluyen una sección de cuerda o un coro de cuatro vocalistas femeninas para darle al conjunto un toque más soul. Sólo acierta al principio del disco, con “Garden Of My Mind”, una pieza de psychobilly bien conseguida a golpe de viento, o “Bad News Travels Fast”, en la que las archiconocidas guitarras fuzz de la banda hacen su agosto, y al final con “She’s Wicked”, la mejor pieza del disco, la más acelerada y auténtica con la que uno logra acordarse de “Lysergic Emanations”, esa joya del revival sesentero que se vivió hace ya más de veinticinco años. Daniel Arnal

POP

1111

Que Belle And Sebastian es uno de los grupos de pop más relevantes, referenciales e inteligentes de los años noventa no es nada revelador sino más bien una evidencia. Este recopilatorio de sesiones para la BBC entre 1996 y 2001 es un regalo para el regocijo de los fans acérrimos o de los que simplemente quieran oír una emocionante selección de canciones de los de Glasgow, magistralmente reinterpretadas, con una intensidad diferente a la que muestran los discos, más desbocada y menos contenida. Aunque mantiene ese punto de serenidad tan inherente a Belle And Sebastian, las guitarras pasan en estas sesiones a un primer plano y responden de manera visceral, con una brillante reverb, a los impulsos de la sentida voz de Stuart Murdoch, que planea resplandeciente entre la calidez de los pianos y los múltiples arreglos que se le equiparan a propósito de que siempre pase algo más allá de tan lindas melodías. Nos encontramos ante una joya lo-fi, tan simple como pretenciosa, llevada a cabo por un grupo genial con inquietud interpretativa que esperemos no deje nunca de regalarnos canciones tan elevadas y de sombra tan alargada. Borja Rosal

Chicago se muestra tan intratable como infalible y además empieza a acumular una discografía tan recomendable como interesante y sólida. SIn dar su brazo a torcer y sin resbalones, la dulce y evocadora voz de Andrew Bird, que puede recordar a cantantes como Cat Stevens o Don McLean, se encarga de desgranar catorce bellas tonadas, sin caer en el exceso barroco de un Rufus Wainwright o en el minimalismo trágico de Antony. Él prefiere moverse en un terreno intermedio a ambos, huyendo de cierta obviedad y en el que puede llegar a ser tan evocador como tierno. Sin estridencias, sin salidas de tono, nos hayamos ante un álbum ideal para acompañar cómodamente nuestras lecturas de invierno y en el que podemos destacar canciones como “Not A Robot, But A Ghost” con esa base electrónica, de la que se vale para construir una extraña y sinuosa canción o la más clásica “Masterswarm” que te recordará a unos Belle And Sebastian algo más austeros.

Don Disturbios

TEX LA HOMA

“Little Flash Of Sunlight On A Cold Dark Sea” Acuarela

POP

111

Hay una frase en “The Greatest Key” especialmente reveladora: “Love is the greatest key to the human heart”, canta Matt Shaw desde su retiro en la Costa Sur de Inglaterra. Puede parecer algo cursi, incluso una evidencia, pero es que en gran medida “Little Flash Of Sunlight On A Cold Dark Sea” es un disco sobre esa clase de sabiduría común que nos dice que la soledad duele y cura y que el amor da sentido a casi todas las cosas -incluso al dolor que a veces nos provoca. Acompañado en la mayoría de temas por un leve piano, guitarra en mano, Shaw deja atrás la electrónica ambiental de “Some Lost Bliss” (& Records, 06) y se arrima a la pausa de Mark Kozelek o de un Bill Callahan sin su aspereza, remitiendo a su anterior EP para Acuarela, “Into Timeless Shadows”, publicado en 2006. En sus nuevas composiciones hay una dulzura dolorosa, una calidez amarga y ensoñada que rebusca en la memoria (“The Ginnel”, “Sandbach”) y se refugia en el corazón (“Falling”) para hablar del paso del tiempo con la calma de quien lo ve todo desde cierta distancia. Joan Cabot

LORI MEYERS, RUSSIAN RED, MENDETZ, TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO, NO REPLY, WE ARE STANDARD, CAPSULA, CATPEOPLE, ELASTIC BAND, LOS GUAPOS, THE BLOWS...

MUSARANYA

“Estem desperts” Autoedición

ROCK

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Cuando era pequeño e iba al colegio el profesor de turno siempre me decía que estaba continuamente pensando en las musarañas. Por aquel entonces yo no sabía a qué se refería. Poco después me enteré que las musarañas son unos pequeños mamíferos insectívoros parecidos a los ratones caseros. Más tarde he descubierto que también es una banda de rock de Vilafranca del Penedès. “Estem desperts” es su segundo disco, en el que mantienen el catalán como lengua única de expresión de su música. Una música con matices que se podría englobar dentro de ese término tan general que es el rock alternativo, de tintes más bien duros y bastante alejado de los aires más comerciales. Quizá los temas más inspirados de este disco autoeditado se encuentren por la mitad (la épica “La meva terra” y “Com tancar?”) y al final del álbum (“Com una gota en el gran mar”). También los textos se sitúan por encima de la media, tratando temas personales, la confianza en uno mismo, la situación ambiental y la contracultura. Además, “Estem desperts” está editado bajo licencia Creative Commons Jordi Forés

(MondoSonoro · Febrero 2009 /35/ vinilos)

cuzo, metal y psicodelia CUZO

“Amor y muerte en la tercera fase” Alone Records

METAL

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Sorprendente aparición de una banda instrumental lisérgica en todas sus composiciones que ha creado un disco que encantará a todos los fans de los sonidos más extremos y psicodélicos“Amor y muerte en la tercera fase” recuerda a una película de Dario Argento y, por tanto, a bandas como Goblin, a la vez que nos adentra en un mundo más experimental propio de otro tipo de bandas más actuales como Zombi. Este trío barcelonés está formado por componentes de Warchetype y Lords Of Bukkake, pero no se puede considerar un proyecto paralelo sino una banda de primera línea. No hace falta más que escuchar temas como “Escalera roja” o “El miedo es lo que mata” (canción con ritmo interno a lo “Dead Souls” de Joy Division)

para que nos los tomemos muy en serio.

Algunos temas podrían formar parte de bandas sonoras de giallo italiano o incluso los hay que podrían ser complementos perfectos para un disco de Machetazo.

Iván Román rompe esquemas dejando el bajo a ratos y poniéndose tras los teclados; Jaime L. Pantaleón (también en los extintos 12twelve y Ruizpantaleón) nos muestra lo polifacético que es jugando con los pedales de su guitarra y Pep Caravante, en la batería, nos demuestra lo mucho que se puede disfrutar tocando un instrumento. Eduard Tuset

Cuzo Foto Archivo

JIM NOIR

LORDS OF BUKKAKE

LOVVERS

BON IVER

RED SNAPPER

My Dad Recordings

Odio Sonoro/Gaia Records

Wichita

4AD/Popstock!

Lo Recordings/Popstock!

FOLK

JAZZ

“Jim Noir” ELECTRÓNICA

“Think”

“Lords Of Bukkake” 111

Casi tres años después de su debut con “Tower Of Love”, donde lograba la armonía entre el pop más inmediato y la electrónica más accesible, Jim Noir ha vuelto a hacerlo.

Como si de un clon robótico de Brian Wilson se tratase, este joven de Manchester confirma, con su nuevo disco, su facilidad para la creación de himnos pop, así como su impaciencia para mantenerlos como tales.

Porque, a pesar de ser capaz de ofrecernos sencillas piezas como “What U Gonna Do”, en el disco de Jim Noir encontramos, sobre todo, composiciones más densas y ambientales, como “Happy Day Today”, donde se empeña en jugar y experimentar a partir de falsetes y repeticiones imposibles que le dan una nueva y más ambiciosa perspectiva a un tema de aparente sencillez melódica. Jim Noir parece observarlo todo a través de ese prisma de distorsión psicodélica que a él le impide acomodarse y a nosotros aburrirnos. Toda una declaración de intenciones por parte de Alan Roberts, el excéntrico y jovencísimo inglés detrás de todo esto que desborda talento y ganas de que reconozcan su nombre en todo el mundo. Algo que ya estamos tardando en hacer aquí. Cristina V. Miranda

METAL

1111

“Lords Of Bukkake” es el debut de la banda barcelonesa formada por miembros de Sons of Bronson, 12twelve y Ébola que han pillado por sorpresa a la escena metalera underground, completamente en auge en toda la península. En este compacto masterizado por Billy Anderson (Neurosis, High On Fire) nos encontramos con cuatro cortes llenos de rabia y angustia cantados desde el infierno interior del bajista.

Lords Of Bukkake se mueven en un estilo cercano al sludge y el doom de bandas reconocidas como Iron Monkey y Grief, y su fuerza está en una batería imponente y dos guitarristas especialistas en riffs y melodías interminables que hacen que los casi catorce minutos de su último tema, “Devil’s Rain?, se queden en un suspiro para el oyente. Si a eso le sumamos un directo atronador y crudo, no nos cabe duda de que darán que hablar.

Actualmente, uno de sus guitarristas se ha ido a probar suerte en otros proyectos, con los que la banda ha quedado establecida de forma permanente como trío. Eduard Tuset

PUNK ROCK

“ Blood Bank ” 111

Igual no lo parece mirando la portada, pero echando un vistazo al tracklist de esta primera obra de esta banda inglesa uno se hace una idea de por dónde van a ir los tiros. Títulos como “No Romantics”, “Wasted Youth”, “No Fun” o “Teenage Shutdown” sólo pueden querer decir una cosa: esto va de punk, de canciones de minuto y medio, de ruidaco a toda hostia para molestar al vecino. Quizás no hagan nada nuevo y haya un montón de grupos que lo hayan hecho antes y mejor, pero como mínimo se puede decir que lo suyo suena fresco, emocionante, lleno de vida. Además, “Think” es tan corto que no da tiempo a aburrirte. En menos de quince minutos Lovvers muestran sus armas: atropellados riffs de guitarra, baterías desbocadas y letras ininteligibles que, suponemos, están llenas de teenage angst. Punk rock en definitiva, hecho con una sensibilidad muy pop, fiel al modelo de tres acordes que tan buenos resultados les dio a Ramones. Ni de lejos les podemos comparar con ellos, pero al menos Lovvers no suenan como todas esas aburridas bandas británicas que nos intentan colar cada dos por tres Marc Luelmo

1114 Dice Justin Vernon que “Blood Bank” está en el polo climático opuesto a “For Emma, Forever Ago”, que si su debut era puro invierno este nuevo trabajo es algo veraniego. Será cierto, pero este EP está compuesto desde el mismo polo emocional que su antecesor y, si bien no creará la devoción que arrastra éste, permite a Bon Iver retratar el momento por el que pasa con su banda de directo (ese dramático piano en “Babys” o el acompañamiento de la titular) y entregar cuatro nuevas canciones que aligeran la presión que debía sentir sobre sus hombros el autor de uno de los discos con más duende de los últimos años. Lo mejor, además del cambio de registro que supone “Blood Bank”, con esa historia de amor entre tubos y agujas, “Beach Baby”, nuevo escenario para la misma melancolía de siempre. La curiosidad, “Woods”, un madrigal a cappella en el que hace uso del denostado Auto Tune, produciendo un efecto extrañamente cálido. ¿Conseguirá Bon Iver repetir la magia obrada en su primer trabajo algún día? El tiempo dirá, pero algunos logros son pesadas losas Joan Cabot

Todos ellos presentaron en su día sus primeras demos en las Fiestas Demoscópicas de

MONDOSONORO

“A Pale Blue Dot” 114

Después de casi seis años desde su último disco, estos pioneros en eso de mezclar electrónica con elementos orgánicos vuelven con material grabado en estudio. En este álbum de ocho canciones (seis originales y dos remixes, todas instrumentales) dejan de lado el hip hop y el drum’n’bass con el que habían flirteado anteriormente y se presentan más como una banda de jazz experimental que a veces se adentra en parajes más rock (“Brickred” que abre y cierra el disco con un remix de Subway) y otras se sumerge en el dub más profundo (“Moving Mountain”). En “Wanga Doll” le dan al blues hipnótico, alternando la calma con el guitarreo mientras que en “Clam” se dejan ir con un inicio que recuerda a música árabe para luego adentrarse en territorios más funk. “Deathroll”, el último corte antes de los remixes, tiene algo de cuento, empieza con unas percusiones que le dan un toque oscuro, intrigante, pero luego se revela como el tema más amable del disco. En cuanto a los remixes, bastante de relleno; intentan darle un toque más bailable a los temas, pero no van más allá de provocar una marcada sensación de aburrimiento. Marc Luelmo

(vinilos /36/ Febrero 2009 · MondoSonoro)

clem snide allí donde lo dejaron TWELVE DOLLS

“How To Hide Anything” Arindelle

ROCK

Clem Snide Foto Archivo

CLEM SNIDE “Hungry Bird”

429 Records/Houston Party

ROCK

1111 Hay discos que son noticia más allá de su contenido y este es, sin lugar a dudas, uno de ellos. Primero porque marca el retorno del grupo que ya ha anunciado que hará la correspondiente gira y segundo porque fue precisamente durante la grabación de estas canciones en 2006 cuando las disputas entre ellos y con su manager, provocaron la disolución de la banda y el posterior segundo álbum en solitario de Eef Barzelay, máximo compositor, voz y guitarra de la banda.

Pues bien, sus componentes se han marcado un “pelillos a la mar” y han decidido retomar allí donde lo habían dejado, editando a finales de febrero diez canciones que, en algunos tiendas especializadas, irán acompañadas de un Ep extra. Ahora sí, vayamos a un disco que, producido por la

propia banda, ha contado con la ayuda en los controles de Mark Nevers, productor e ingeniero de la última etapa de Lambchop. Y a fe mía que este detalle es capital porque en este disco de Clem Snide se aproxima más que nunca al trabajo de los de Nashville. Y es que el sexto trabajo de Clem Snide destila una belleza sinuosa, extraña, incluso doliente. El disco se inicia con “Me No”, un tema oscuro, denso que podrían haber firmado REM sin ningún reparo. A este le sigue “Born A Man”, donde el protagonismo del piano recuerda el buen hacer de la banda de Kurt Wagner, con ese folk de cámara algo ilustrado, al igual que sucede con la sedosa “Hum”. “Burn The Light”, como “Beard Of Bees”, viene marcada por la acústica al más puro ejercicio de folk de autor a lo Simon And Garfunkel, pero si algo destaca en el disco son las dos epopeyas de más de seis minutos cada una que te dejan noqueado en el asiento y preguntándote cómo es posible que esta banda acierte siempre con maestría innigualable en la diana. Don Disturbios

WOMEN

THE FIREMAN

UNDO & VICKNOISE

Jagjaguwar/Popstock!

One Little Indian/Popstock!

Factor City

“Electric Arguments”

“Women” ROCK

1111

El cruce de caminos en el que se ha convertido la música alternativa a estas alturas de la historia no deja lugar al encasillamiento. Por mucho que los periodistas nos esforzamos en crear escenas y movimientos -¿Afropop? ¿Nu rave? Chuminadas…) la mayor parte de grupos de hoy escapan de las etiquetas saltando de referencia en referencia como si de un iPod en modo random se tratara. Inmejorable ejemplo de ello es este cuarteto de Calgary que, a pesar de su nombre, carece de cuota femenina y cuyo único vínculo con el mundo lo extraemos del encargado de registrar esta grabación, Chad VanGaalen (cantautor en nómina Sub Pop). Conocido su bagaje, vamos a suponer que como productor él tiene buena parte de culpa en los pasajes más accesibles de este disco, verdaderos ejemplares de psicodelia rasposa y urgente, aunque no por ello menos melódica, a caballo de las galopadas histéricas de Animal Collective y la tradición lo-fi rock tal y como la entendieron Eric’s Trip.

Pero esa es sólo una de las caras de Women, la más destacable entre abstractas muestras de devoción por el drone y experimentos rítmicos en la línea de los Liars más pirados Luis J. Menéndez

POP

“Play 5 Years Of Factor City” 111

A lo largo de casi cuarenta años, Paul McCartney ha despachado una abultada discografía en solitario capaz tanto de grandes momentos (“Band On The Run”) como de bazofia pura (“Temporary Secretary”).

Sus inquietudes musicales lo llevaron a interesarse a mediados de los noventa por el ambient y la experimentación electrónica, y junto a Youth (Killing Joke) publicaron dos discos instrumentales bajo el alias The Fireman que pasaron (casi) desapercibidos. Diez años después de su última colaboración, el dúo se ha reactivado misteriosamente para entregar su disco más ambicioso. Empieza con “Nothing Too Much Just Out Of Sight”, un blues-rock desbocado que puede recordar a la suciedad sonora de Jon Spencer.

Después del bucolismo acústico de “Two Magpies”, el disco nos enseña la carta ochentera en “Sing The Changes”. “Light From Your Lighthouse” flirtea con el gospel, y en “Dance ‘Til We’re High” aparece la referencia siempre amenazante de U2. A partir de entonces, cinco largos temas donde se recupera tímidamente la experimentación pretérita. Una ambiciosa (y por momentos lograda) anécdota Jordi Nopca

ELECTRÓNICA

1111

A lo largo de cinco años el sello barcelonés Factor City ha ido calando hondo dentro de la escena clubber nacional e internacional convirtiéndose en un auténtico referente de la electrónica patria. Con motivo de la efeméride, sus fundadores, los Dj’s Undo y Vicknoise, han tenido la brillante idea de lanzar un recopilatorio que además de reunir algunos de los hits más sonados de la discográfica es un fiel testimonio de las diversas puertas estilísticas de su troupe. Los destellos minimal de la inicial “Moebius” dan paso a un sinfín de melodías que entremezclan las bases electro (como en el caso de “Entre las nubes”) con guiños al tech-house con más solera marca de la casa. La hipnotizante “Believe Me” o la aún recordada “Phoskitos” de D.a.r.y.l. dan lugar a un álbum que, además de ser ideal para disfrutarlo en la pista de baile, se puede degustar de buen grado en la intimidad gracias a la sensibilidad y el savoir faire de sus remezclas. Con el currículum que Factor City tiene ya a sus espaldas no es de extrañar que gurús de la electrónica como Ellen Allien o los propios Apparat elogien el corto y prometedor recorrido de este sello catalán.

Sergio del Amo

111

Si bien sus temas pueden remitirnos a veces tanto a cierta corriente estatal de rock con sabores melódicos y carácter extrovertido -caso de los singulares La Célula Durmiente- o con las vertientes del riff más comercial –sobre todo con una banda tan hábil como The Unfinished Sympathy-, en sus notas básicamente hallaremos los aromas del emo melódico americano, pero también, y preferentemente, las de ese rock de carácter más hedonista y bailongo que no duda en poner en marcha bombo y charles para dar brillo a las pistas. Y aquí es cuando el cuarteto Twelve Dolls da en el clavo, mostrándose francamente acertados a la hora de plantear las melodías –incisivas, pegadizas y con bastante gancho-, con las cuales poder despuntar dentro de una escena nacional aún algo huérfana en estas lides. Un álbum de debut en el que los valencianos se muestran potencialmente interesantes, hábiles a la hora de recorrer a los referentes y, lo que es mejor, con temas que te enganchan a la primera. No olviden su nombre. Francesc Feliu

STEVEN WILSON “Insurgentes” Kscope

ROCK

1111

Conociendo la multitud de estilos que practica en sus numerosas bandas, había expectación ante lo que nos podía ofrecer Steven Wilson en su nueva aventura, esta vez bajo su propio nombre. “Insurgentes” es un álbum cien por cien Wilson con todo lo que ello conlleva. Es decir, alude a sus propios proyectos pero al mismo tiempo va mucho más allá. Cuenta además con la ayuda de Gavin Harrison, Jordan Rudess o Tony Levin entre otros. Sin duda estamos ante el proyecto más variado de cuantos es responsable Wilson, joyas de lo más introspectivo (“Get All You Deserve”), y melancólico (“Harmony Korine”, “Significant Other”), contrastan con trallazos progresivos (“No Twilight Within The Courts Of The Sun”), genialidades con regusto kraut-space-rock (“Salvaging”, “Only Child”) o ambient (“Veneno para las hadas”).

Un álbum que determina un equilibrio ideal entre melodía y experimentación, capaz de contentar a fans de King Crimson, Neu!, Radiohead, NIN, My Bloody Valentine o, por supuesto, Porcupine Tree. Un trabajo tan romántico como sombrío, producto de una mente compleja, genial, que ama la música por encima de todo. Otra razón más para seguir idolatrando al Sr. Wilson. Ferran Lizana

OLIVA TRENCADA

“Lluneta del pagès” Fonart

FOLK - POP

1114

Supe por primera vez de la existencia de Oliva Trencada gracias a Joan Miquel Oliver, que se refirió al grupo como la propuesta más interesante actual de Mallorca. Oliva Trencada es un quinteto que asume riesgos tan curiosos –pero con resultados brillantes– como musicar una docena de poemas de Maria Antònia Salvà (1869-1958) y convertir el apego a la tierra, la naturaleza y la tradición que abundan

en la obra de Salvà en una delicada ración de folk-pop que se escucha con entusiasmo creciente. Sus tres grandes influencias son Nick Drake, Toti Soler y Jim O’Rourke, confiesan: nosotros, escuchando “El bé de l’aigua” o la casi psicodelia de “Rodes” hemos pensado en el Devendra Banhart de “Cripple Crow” y “Smokey Rolls Down Thunder Mountain”, que bebe de múltiples estilos y consigue integrar una rica gama de instrumentos, pertenezcan al pop-rock o a circuitos más tradicionales (flautas, zambomba o todo tipo de percusiones). A la riqueza instrumental de “Lluneta del pagès” tenemos que sumar la expresiva y particular voz de Pep Toni Ferrer, que consigue actualizar y transformar de forma impresionante cada verso de Maria Antònia Salvà. Jordi Nopca

JESU

“Why Are We Not Perfect” Hydrahead/Locomotive

POST-ROCK

111

Ya sabíamos de su capacidad de mutación desde hace mucho tiempo, por eso que cada disco de Jesu conlleve una pequeña transformación que le haga evolucionar y acercarse progresivamente hacia el mundo del pop, en el fondo, no debería extrañarnos. Y es que el inglés, ya desde los inicios de este proyecto en solitario, ha ido recorriendo un camino donde las atmósferas decaídas y cierto aire metálico han ido mutando a favor de un pop de carácter lánguido al que gusta acompañar de atmósferas electrónicas. Puede que eso no sea del agrado de todos sus fans, especialmente los más veteranos, pero hasta incluso cuando debemos admitir una pequeña decepción, Justin Broadrick es capaz de regalarnos algo superior a la media. En este caso, canciones que saben aportar esa dosis de sensaciones tan características, donde melancolía y opresión siempre van unidas a un toque de dulzura extra que ahora sabe redondear –o al menos desde un par de discos atrás-, y traducir en temas tan accesibles como irreprochables por su calidad. Puede que vaya siendo hora de olvidarnos de la aspereza que le hizo famoso. Francesc Feliu

SATYRICON

“The Age Of Nero” Roadrunner/Divucsa

METAL

1111

Hace tiempo que Noruega abandonó su esplendor como hervidero del black metal. Algunas de las más importantes bandas de la escena, sin embargo, siguen entregando álbumes de lo más interesante, desde Mayhem o Darkthrone hasta los más populares y melódicos Dimmu Borgir. Por su parte, Satyricon siempre han constituido un caso aparte. Su aproximación al género dio signos ya de sublevación con “Rebel Extravaganza” –que les llevó de gira con Pantera-, y, especialmente, con “Volcano”, mixtura de black y rock’n’roll –o garage black, si me permiten-. Una actitud que permaneció en su posterior “Now, Diabolical”, a pesar de fijar rumbo a las raíces, y que desemboca ahora en “The Age Of Nero”, negrísimo ejercicio de estilo que recupera en parte la velocidad y crudeza originales de la banda. Prevalecen, no obstante, los medios tiempos densos, las atmósferas viciadas y las estructuras aparentemente simples. Un minimalismo siempre presente en el género, pero que Satyr (voces e instumentación) y Frost (batería) llevan a otro nivel aunando primitivismo y sofisticación. No son los más rápidos ni los más brutales, pero su agresión es más sutil y efectiva. Lejos quedan los arreglos medievales e industriales. Satyricon siguen deconstruyendo convencionalismos y sacando brillo a su propia fórmula: el menos es más aplicado al black metal. David Sabaté

(MondoSonoro · Febrero 2009 /37/ vinilos)

TUSSLE

“Cream Cuts” Small Town Supersound

ELECTRÓNICA

1114

Tercer larga duración de estos cuatro acróbatas del sonido de baile provenientes de San Francisco y nuevo acierto de la gente de Small Town Supersound, que cada vez nos sorprende más habitualmente con entregas de gran calidad. Tussle se presentó en sociedad con el prometedor “Kling Klang” y se consolidaron hace ya un par de años con el refinado y lleno de ritmo “Telescope Mind”, una pequeña joya llena de groove, kraut y punk futurista a lo Liquid Liquid que les colocó en la lista de cabecera de los seguidores de la electrónica más bailable y experimental. Por esa línea siguen, aunque en esta ocasión incorporan diversos matices y pequeños detalles para que el personal no se aburra. A ratos suenan a Autechre (“Personal Effects”), en otros a Michael Mayer cuando se pone serio (“Rainbow Claw”), tan pronto agitas la cabeza como si fuera sábado noche como te estás derritiendo en el sofá con los ojos cerrados. Una montaña rusa de estilos. Daniel Arnal

CLARE & THE REASONS “The Movie” Fargo Records

POP

1114

Clare Muldaur, hija de compositor Geoff Muldaur, y Olivier Manchon, músico francés afincado en Estados Unidos, se conocieron en la escuela de música de Boston, se casaron y formaron Clare And The Reasons en Brooklyn. En “The Movie” se respira amor del bueno, de aquel que produce envidia y que da con un recital de pop sinfónico abundante en elegancia y buen gusto. Una delicia reposada y positiva de cincuenta minutos en la que colaboran, de forma ostensible, ni más ni menos que Sufjan Stevens y Van Dyke Parks y proliferan los arreglos de cuerda que tanto recuerdan a una banda sonora y los ritmos sencillos. La voz de Clare Muldaur derrite cualquier oído que se preste a escuchar canciones como “Rodi” o “Go Back”, dos temas que enamoran a la primera escucha por su ligereza y su inteligencia. El disco se inicia con dos joyas como “Pluto” y “Nothing/ Nowhere” que marcan el devenir del resto.

Una nítida producción llevada a cabo por los mismos Clare y Olivier que reclama una segunda escucha para que la sensación de primerizo bienestar dé paso a un análisis de toda la elaboración y la magia cerebral que envuelve a este disco. Borja Rosal

centró su atención en las pistas de baile y en el corazón negro del Perú. Con su segundo trabajo, “Afro”, consiguieron resonancia internacional y recibieron múltiples premios. Éste es su tercer álbum y en él siguen fusionando sabiamente y con gusto son cubano, salsa, hip hop, samba, afrobeat, bossa y melodías tradicionales afro peruanas con dub, reggae, electrónica y latin beats. Uno de sus secretos es que no abusan de la electrónica, mantienen el beat alto y a la vez suenan orgánicos.

Muestras de ello son el reggae-dub-hip hop de “Ruperta/Puede ser”. La funky-peruana “Tumbala” con la voz del cacereño Gecko Turner; la afro-peruana “Coba Guarango” con un groove hiperpegadizo. Aunque si quieren bailar sin remisión escuchen “Se me van”. Miguel Amorós

“Coba Coba” Cumbancha/Karonte

LATIN BEATS

1111

Novalima se formó en el año 2001 como un colectivo musical integrado por cuatro músicos peruanos que trabajaban en diferentes partes del mundo. Ramón Pérez Prieto (Lima), Grimaldo Del Solar (Barcelona), Rafael Morales (Londres) y Carlos Li Carrillo (Hong Kong) vivían a kilómetros de distancia entre ellos, pero tenían la misma idea en su cabeza. Al igual que otras bandas que unen raíz y electrónica (como Sidestepper con Colombia o Da Lata con Brasil), Novalima

el directo de justice

INDIAN JEWELRY “Free Gold!””

Secretly Canadian/Green Ufos

ROCK

1111

En apenas dos años Indian Jewelry han dado un salto inimaginable escuchando “Invasive Exotics”. Apuntaba maneras pero no acababa de decidirse entre el rock espacial de libro y la pesadilla rítmica. Las dos mitades del disco parecían pelearse por ganarse nuestro corazón, pero las dos tenían otros favoritos ocupando su lugar en el podio. Nada hacía suponer que, en apenas un par de años, fabricarían un artefacto como “Free Gold!”.

Por un lado, es todo lo que los fans de los Deerhunter más desquiciados habrían soñado (“Temporary Famine Ship” podría ser su favorita de “Cryptograms”), y por el otro, nos dan todo lo que Gang Gang Dance no han podido darnos con “Saint Dymphna” (en realidad son sólo un par de canciones y no se pueden bailar, ¡pero son gloria bendita!). Alucinados, cargados de reverb hasta las cejas y ruidosos sin herida, este ¿quinto? disco hace acopio de virtudes e influencias bien digeridas: como unos Spacemen 3 haciendo música industrial, algo familiar y extraño, con ritmos sencillos y guitarras haciendo un ñigu ñagu agudísimo. Eso cuando no dejan espacio a la cacharrería para destrozarnos el cucu con una especie de balanceo que parece mongolo, pero no lo es. Por si fuera poco, tienen hits siempre soñados como la Syd Barretiana “Pompeii”, la bucólica “Every Day” o la enfermiza “Too Much Honky Tonking”. Enrique Ramos

CATFISH HAVEN “Devastator”

Secretly Canadian/Green Ufos

ROCK

NOVALIMA

La selección Jäger:

114 Catfish Haven suena a la típica banda que te podrías encontrar en un andrajoso bar de carretera de la Ruta 66. Uno de esos antros lleno de moteros, paletos y chicas meneando el culo aburridas en una barra donde solo se sirve cerveza y whisky. Uno diría al escucharlos que se trata de una banda veterana, curtida, sin embargo a juzgar por las fotos promocionales los tres melenudos que forman el núcleo de esta formación de Chicago, apenas llegan a la treintena. Es sin duda la voz de George Hunter –cazallera, rugosa- lo que motiva esa sensación. Hunter y los suyos han grabado este “Devastator” como si fuera un directo en dos partes, seis temas primero, una canción interludio –“Halftime Show”- y seis temas después. Entre estos trece cortes hay un poco de todo, desde baladas soul a hard rock, pasando por temas que podrían haber firmado Kool And The Gang (“Set In Stone” o “Play The Fool”), aunque siempre con ese toque garajero y arrastrado, empapado en alcohol. Rock’n’roll añejo, del de toda la vida. Marc Luelmo

Justice Foto Archivo

JUSTICE

“A Cross The Universe” Warner

ELECTRÓNICA

1111 Resulta curioso que, habiéndoles salido el tiro por la culata, Justice salgan vencedores al vapulearnos con “A Cross The Universe”. Permitan que me explique.

Se supone que la principal gracia de este lanzamiento era el documental sobre la gira estadounidense del dúo francés, filmado con Romain Gavras y So Me. Lamentablemente, el DVD no tiene ninguna gracia (sobre todo después de que Soulwax hayan publicado uno cientos de veces mejor), pero el disco en directo que incluye no se lo salta un galgo. No importa qué hacen o no sobre el escenario, si fuman pitillos, se les va la mano con los combinados, manipulan vinilos y compactos o si le dan al play y a correr, lo realmente importante es que Justice han publicado una de esas grabaciones en concierto que justifican toda la excitación que sentimos cuando les vemos haciendo el cafre en cualquier festival. Los

tipos guían al público (no dejamos de escuchar gritos de locura o a millares de personas coreando estribillos, como en los mejores tiempos de live albums en vinilo) con una destreza más que loable, a base de garrafón en buena parte del minutaje, pero también con clase cuando es necesario recordarnos por qué están dónde están. Aquí Justice buscan la excitación del rock, la del hedonismo puro y sobre todo colectivo, como si cada noche fuese la última antes del fin del mundo. Navegan por su repertorio arriba y abajo (reconstruyen “Stress”, desmiembran “Waters Of Nazareth”), alargan o acortan piezas, se calzan unos hitazos de Soulwax y, claro, Simian, les birlan trucos o samplean a Scenario Rock, Ministry, Devo, Kiss, Klaxons, Franz Ferdinand o Goblin y se despiden con Metallica subiendo el pitch en un fin de fiesta tan garrulo como divertido.

Nunca antes la electrónica había sonado tan rock.

Joan S. Luna

(vinilos /38/ Febrero 2009 · MondoSonoro)

RYan adams con el piloto automático J-LIVE

“The What Happened?”

BBE

RAP

Ryam Adams & The Cardinals Foto Archivo

RYAN ADAMS & THE CARDINALS “Cardinology”

Lost Highway/Universal

ROCK

111 Al César lo que es del César y a Ryan Adams, el reconocimiento universal de haber dinamizado el rock americano hace más de una década con sus Whiskeytown y sus dos primeros e inapelables discos en solitario. A partir de ahí, se le ha acusado de muchas cosas, la mayoría de ellas tan justas como ciertas y, para desgracia mía, una vez más se confirman los temores. Adams tiene un talento natural para la composición, pero también para poner el piloto automático y sacar discos como churros que acaban por sonar a refrito de uno mismo. Y ojo, porque este “Cardinology” empieza de forma insuperable, elevando presagios y

BRENDAN CANNING

“Something For All Of Us...”

Arts And Crafts

POP

111 “Something For All Of Us…” es la segunda entrega de la serie “Broken Social Scene Presents” en la que el colectivo canadiense participa instrumentalmente en las composiciones de alguno de sus miembros. Después del excelente disco de Kevin Drew ahora le toca el turno a Brendan Canning, que junto a Drew empezó hace casi diez años una de las aventuras musicales más arquetípicas del último indie (discos extravagantes pero pegadizos, dosis variables de experimentación y fe casi religiosa en la música que componen y tocan). Aquí participan una veintena de músicos, entre los cuales encontramos a Amy Millan (Stars), Liam O’Neil (The Stills), James Shaw (Metric) o Liz Powell (Land Of Talk), además de una parte importante de la alineación de Broken Social Scene (Kevin Drew, Justin Peroff, Andrew Whiteman, Ohad Benchetrit), hecho que previamente a su escucha nos predispone muy positivamente. Pero, tras una primera mitad de disco muy densa y hermética, las comparaciones con “Spirit If…” –el álbum de Drew– son inevitables y, por mucho que consiga algunos momentos buenos no llega a la efectividad de las canciones de su band mate. Jordi Nopca

plegarias al máximo, pero se va desinflando a medida que discurre. En concreto, llega “Cobwebs”, el quinto, y esa fijación que parece tener por U2, aparece de nuevo para redondear un tema innecesario, y jode. Jode porque los cuatro primeros temas hacían esperar lo mejor. Y lo mejor en el caso de Ryan Adams es que alcance cotas tan altas como John Mellencamp o incluso el más comercial a la par que universal Tom Petty (el de Florida se adueñaría de un tema tan resultón como “Magick” sin problemas) y yo soy de los que opina que lo podría lograr si le diera la gana. Su voz es bella y mantiene el registro perfecto para pasar de la balada romántica al rock’n’roll y además maneja a la perfección el medio tiempo, pero su defecto es que lo sigue haciendo con tanta habitualidad que cae en el empacho.

Pese a todo, el disco es de una elegancia en la sonorización y ejecución inapelable, no en vano está ahí Neal Casal cubriéndole las espaldas. Don Disturbios

OVERCAST

FRANÇOIZ BREUT

Metal Blade/Mastertrax

T-Rec / Green Ufos

ROCK

POP

“Reborn To Kill Again”

1114 Un grupo musical obtiene cierto éxito y sus miembros lo aprovechan para recuperar y dar salida comercial a antiguas bandas de las que formaron parte. Pasó con Slipknot, cuyos Corey Taylor y James Root resucitaron su banda del instituto, Stone Sour, con resultados discutibles. La historia se repite, podrían pensar, con Overcast, formación en la que militaron miembros de dos de los bastiones de la New Wave Of American Heavy Metal de principios de década: Killswitch Engage y Shadows Fall. En su caso, sin embargo, la operación está aún más justificada. “Reborn To Kill Again” contiene los mejores temas de dicha formación regrabados para la ocasión, así como un par de canciones inéditas; una puesta al día más que digna para un material que ejemplifica a la perfección los orígenes de la hoy en día tan en boga mezcla entre metal y hardcore. Resulta interesante escuchar las distintas partes, aún muy diferenciadas, adscritas a uno u otro estilo, reflejo de las nulas intenciones de la banda de fusionar ambos géneros y mucho menos de crear nada nuevo. Imprescindible para arqueólogos del metal (y el hardcore).

David Sabaté

“À L’aveuglette ”

1114 Después de reunir a la flor y nata del panorama francés en “Vingt à trente mille jours” (2000) e intentar escapar de la sombra enorme y majestuosa de Dominique A con las grandes (y eclécticas) canciones de “Une saison volée” (2005), Françoiz Breut tenía pendiente la tarea de conseguir un disco homogéneo que aunara chanson con la hipersensibilidad musical que aparecía, sin previo aviso, en parte de su repertorio previo. Con “À l’aveuglette” lo ha conseguido: le ha bastado con escuchar atentamente las inquietudes de los músicos que la acompañan, Boris Gronemberger (batería y guitarras) y Luc Rambo (teclado y vibráfono), para conseguir ensamblar a la perfección su voz con un discurso musical rico y matizado que nos enseña sus mejores cartas en “Les jeunes pousses”, en “2013” (que exhibe un retrofuturismo minimalista) y en el tema que titula el álbum, “À l’aveuglette” (con una sección de cuerda espléndida). En otros momentos, el disco no avanza tan fácilmente –incluso se encalla en “L’étincelle…” o en “Mots croisés”–: es el precio que Breut ha tenido que pagar por una interesante investigación sonora y lírica. Jordi Nopca

1114

Jean-Jacques Cadet, de origen haitiano, actualmente residente en Filadelfia y padre de tres hijos, responde a la perfección a la definición de rapero de cabecera para b-boys maduros: su lírica es nutritiva, sólida y está libre de chiquilladas y estereotipos. Hay posición, claridad de ideas. Además, tras pasar de mano en mano, publica con BBE, ese sello que ha sabido establecerse como la casa de aquellos interesados por igual en el hedonismo negroide y en la cultura urbana. J-Live también es un perro viejo, un sabueso que sabe escoger beats y compañeros de viaje (Jazzy Jeff, Marco Polo, DJ Spinna). El resto lo pone la experiencia vital de quien ha sido profesor de lengua y antes de eso joven con ganas de comerse el mundo. Se le podría acusar de ser un rapero blando, pero también reserva momentos para saldar cuentas, con la industria discográfica en “Be No Slave”, por ejemplo, o con uno mismo en “One To 31”. Aunque el momento de la noche es “We Are!”, con una base perfecta y J-Live en crudo. Joan Cabot

O’DEATH

“Broken Hymns, Limbs And Skin” City Slang/Nuevos Medios

ROCK

111

Surgido en el contexto más urbano (y urbanita) posible (provienen, quién lo diría, de New York City), O’Death es un sexteto empeñado en hacer música de las praderas salvajes y las viejas montañas, cruzando el folk americano más de raíz y el country con el punk y, sorpresa, ciertos aires de la música balcánica y gitana. Es algo así como si Goran Bregovic hubiera descubierto la “Anthology Of American Folk Music” de Harry Smith. O como si Gogol Bordello se pasasen al lado de los Flying Burrito Brothers. En este alocado, ruidoso y caótico tercer disco reinciden en la estética del gótico americano y en el desconcierto, el ruido, el caos. Lo advierto, no es fácil escuchar “Broken Hymns, Limbs And Skin” de un tirón. Apenas hay momentos de calma (entre los pocos “Home”, una hermosa balada que es de lo mejor del disco) y escuchando esos alaridos, esos banjos y mandolinas y esos violines desatados, a uno le viene a la cabeza la película “Deliverance” de John Boorman. Y es que las canciones asilvestradas, pero urbanas, de O’Death se parecen un poco. Tienen, al menos, el mismo peligro. Ya saben, la fascinación del hombre de ciudad por el campo ingobernable acaba trayendo problemas.

Fernando Navarro

THE COOL KIDS “The Bake Sale”

XL Recordings/Popstock!

RAP

11114

The Cool Kids hacen honor a su nombre. De hecho, podrían permitirse ponerse un nombre todavía más superlativo porque son más cool que un ninja tocando una Gibson Flying V, y eso es ser muy cool. Son iconoclastas, fardones y buenos a rabiar y “The Bake Sale” suena tan fresco como nos sonó hace un tiempo lo primero de Spank Rock o Diplo o Brother Reade. También hay conexiones evi-

dentes y deudas claras con el sonido boom bap de Clipse, aunque sus letras son mucho más mundanas y más de chaval tirando a normalito que se pirra por las cosas por las que se pirra la muchachada de hoy en día (especialmente las zapatillas de marca de edición limitada). Lo mejor es que Mikey Rocks y Chuck Inglish suenan a la vez audaces y oldskooleros y a pesar de sus pintas exageradas son cien veces más creíbles que muchos de esos malotes que presumen de ser de barrio.

Ellos son de Chicago, son molones a más no poder, tienen temas tan jugosos como “One Two”, “Black Mags” o “Basement Party” y podrían ser perfectamente los hijos probeta de algún experimento con los genes de The Neptunes y Beastie Boys. Un diez. Joan Cabot

THE HACKER “X”

Goodlife

ELECTRÓNICA

111 Clásico de la escena electrónica francesa y compañero discográfico durante varios años de la archiconocida Miss Kittin, Michel Amato, más conocido como The Hacker, lleva ya más de una década editando material bajo este alias con un estilo tan personal como propio y que encuentra sus raíces tanto en el techno Detroit como en la música industrial o el techno pop de los ochenta. A medio camino entre ambos es donde el de Grenoble se ha encontrado siempre como pez en el agua, sonando a techno, a EBM y a electro con unos ritmos más que característicos y que hacen reconocibles cualquiera de sus producciones ya desde sus primeros compases. “X” es un punto y seguido en la carrera de este artista que repasa en formato de directo enlatado sus producciones más destacadas de los últimos cinco años, repartidas en diversos Ep’s y su segundo largo, el irregular “Reves Mecaniques” (Goodlife, 05). Temas como “White Tech Funk” o el resultón “Flash & Bones” engrosan un correcto tracklist que hubiera subido enteros de haber incluido algunos de los temas del ya lejano “Mélodies On SousSol” (Goodlife, 99), su genial álbum de debut.

Un DVD con entrevistas a amigos como Dj Hell u Oxia completa este bonito pack que se ha quedado a un paso del notable.

José Manuel Cisneros

MICHAEL FRANTI & SPEARHEAD “All Rebel Rockers” Anti/Pias

REGGAE

1111

Tras erigirse de nuevo como una de las voces más comprometidas de la música afroamericana con su anti-belicista “Yell Fire!” (Anti, 06), el ex Disposable Heroes Of Hiphoprisy Michael Franti vuelve a ponerse en manos de dos maestros del género, Sly Dumbar y Robbie Shakespeare, para entregar un trabajo rotundo e irresistible en el que las letras de calado se alían con la dinámica de la música jamaicana. “All Rebel Rockers” es de nuevo un trabajo combativo, pero quizás la carga social esté ahora en un segundo plano para dar mayor protagonismo a un punto de hedonismo y sobre todo a mundanas invitaciones al baile, aunque una cosa no quita la otra. Eso ya se evidencia en “A Little Bit Of Riddim”, un tema intoxicante y pegadizo, o en “Hey World (Remote Control Version)”, pero los que más destacan son aquellos temas en los que el R&B y el reggae se mezclan, con un Franti aprovechando al máximo su voz, uniendo espiritualidad, conciencia política y esperanza. Así que no es nada raro que se diga que éste es probablemente su mejor disco en muchos años. He aquí a un tipo en forma Joan Cabot

LAVENTANA

Los Reyes del K.O. Foto Archivo

MondoSonoro · Febrero 2009 /39/

Gaztelupeko Hotsak

desde el corazón Nacida como sello de blues, la etiqueta vasca ha hecho del eclecticismo su bandera. La casa de Los Reyes del K.O., Petti o Txema Murugarren no deja de mutar con distintas ramificaciones. Extensiones que miran en todas las direcciones posibles.

E

RECOMENDABLES

Imprescindible

l embrión de lo que hoy es Gaztelupeko Hotsak se sitúa a principios de los años noventa en la esquina de la taberna Gaztelupe de Soraluze, pequeña localidad del interior guipuzcoano, en el que un grupo de aficionados a la música y habituales de conciertos deciden meterse en la aventura de producir el disco de Ñaco Goñi “Blues Company”. Desde entonces han ampliado el abanico estilístico y los sonidos del Delta le han hecho hueco al rock y metal contemporáneo, el folk y pop vasco, y el jazz. “Algunas de nuestras referencias también han tenido relación con la literatura, con textos de autores como Alfonso Sastre, Kir-

men Uribe, Koldo Izagirre, Jose Luis Otamendi. También nos hemos involucrado en directos donde se mezclaban diferentes disciplinas”, explica José Azakárate, uno de los cuatro socios implicados en la empresa. La diversificación en su propuesta llegó hace cuatro años con la creación del subsello Errabal, dedicado fundamentalmente a producir material de jazz. “Desde entonces hemos publicado más de veinte referencias de Iñaki Salvador, Asstrio, Victor de Diego, Sumrrá, Joserra Senperena, Marta Sánchez Trio... artistas de calidad que han dado forma a una línea jazzística desde Euskadi abierta a bandas de

Los Reyes del K.O.

otros lugares. Desde hace dos años también publicamos el disco de los grupos ganadores del Festival de Getxo”. La marca Dantza Baltza (baile negro) surgió el año pasado de la colaboración con el músico Jimmy Bidaurreta (JaviPez, Makala, Ortophonk) para hacer el primer recopilatorio del sello. “No nos apetecía hacer una recopilación al uso y Jimmy nos propuso hacer una selección de temas de artistas de la discográfica, pero haciendo remezclas, sin desvirtuar las canciones y dándoles otro aire rítmico. Le llamamos Hotsak Dantzan y es una experiencia que se repetirá anualmente en diciembre”.

Por si fuera poco acaban de inaugurar otro subsello llamado Bloody Hotsak, que da cabida a grabaciones de músicos europeos o americanos con bandas de aquí. El Ep de Roy Loney (Flamin’ Groovies) con los donostiarras Señor No ha sido el precedente de un álbum conjunto que verá la luz este otoño. ■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

1111

“Hot Tin Roof” (2006) Los Buddy Guy y Junior Wells españoles. Adrián Costa (voz y guitarras) y Marcos Coll (harmónica) han hecho carrera en Alemania y han tratado de tú a tú a bestias como John Mayall o Solomon Burke. En su segundo disco hay cabida para el blues tradicional y moderno, incluidas unas sureñas relecturas del clásico latino “La Paloma” y “The Way You Make My Feel”, de Michael Jackson.

Uek

“Uhinak” (2007) 1114 Uek son tres indómitos percherones rockeros con los mismos genes que Foo Fighters o Muse. Dentro de la formación se encuentra Jesús Mari Agirretxea, quién fuera miembro de los hardcoretas Etsaiak. Las pegadizas melodías en euskera esculpidas a golpe de guitarra encuentran sus momentos cumbre en “Ugertako Kate Estuak” o “Momento Bakarra III”.

Petti

“On” (2007) 1114 El cuarto disco del navarro ondea la desnuda bandera que enarbolan Mark Lanegan y Mikel Laboa. Es decir, la voz de un cantautor que clama genialidades tipo “El espanto ha preguntado por mí, has intentado cerrar los ojos y no podías, nunca tuviste mapas de huída” (“Hauskorrak”) o “En la soledad mutua hay un punto al que las palabras no llegan, llenan de ruido (“Errangabeko Hitzak”).

NOVEDADES

The Blind Lemons

“Southside Jumbo” (2008) 111 Los rescoldos de la Alias Blues Gang calientan pero que muy bien. La banda de David García y Goyo Web rescata el genuino latido del blues de Chicago y da la bienvenida al funk rhythm’n’blues de Nueva Orleans en un eléctrico ejercicio donde sobresale la penetrante voz de Big Mama Esther. ¿Que diría de ellos Little Walter si levantara la cabeza?

Mingo And The Blues Intruders

“Goin’ West” (2008) 111 Mingo Balaguer (Caledonia Blues Band, The Blues Machine) es junto a Marcos Coll, Antonio Serrano y Ñaco Goñi, uno de los más grandes sopladores de harmónica de este país. Algo que refleja muy bien en este álbum en el que por primera voz canta. Colaboran la guitarra de Otis Grand y el órgano de Álvaro Gandúl. El blues más oscuro se une al bamboleante swing en este periplo al oeste ■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

8 A ENVí al LETS 7577 abonos individuales para asistir al

let’s festival del 27 feb. al 7 mar. 2008 en

nacho vegas, el columpio asesino, manel, catpeople... l’hospitalet de llobregat con

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(MondoSonoro · Febrero 2009 /41/

MONDO MEDIA)

Charlie Kaufman Foto Edu Tuset

CINE

Charlie Kaufman

El show de Kaufman El guionista que hace diez años fue capaz de reinventar la escritura cinematográfica con “Cómo ser John Malkovich” se pone por primera vez tras las cámaras en “Synecdoche, New York”, una película que a pesar de su carácter fallido es, a ratos, un torrente de ideas y de diálogos a retener

C

harlie Kaufman es una rara avis en esto del cine. Es guionista y es tan o más famoso que los directores con los que ha trabajado. Sus películas con Michel Gondry, Spike Jonze y George Clooney (“Confesiones de una mente peligrosa” merece una segunda oportunidad) han marcado a toda una generación de espectadores cansados de ver una y otra vez en la pantalla la misma manera de contar las cosas. Neurótico, sincero, excesivo y desmitificador como pocos, Kaufman ha sido capaz, en sus libretos más celebrados (“Cómo ser John Malkovich”, “Adaptation. El ladrón de orquídeas” y “Olvídate de mi”), de borrar los límites que existen entre la realidad y la ficción, de juguetear con el tiempo cinematográfico a su antojo y de hablar sobre el hecho creativo de una forma inteligente, hilarante y loca. Todas estas constantes se llevan hasta las últimas consecuencias en “Synecdoche, New York”, su primera película como director. Un film desigual y ambicioso sobre un autor teatral en crisis, un Philip Seymour Hoffman en estado de gracia, que decide recrear en un inmenso hangar el Nueva York real para dar forma a una obra basada en su vida. Una historia, un

nuevo juego de espejos, que iba a llevar la firma de Spike Jonze. “La verdad es que es un proyecto que tenía desde hacía bastante tiempo y me surgió la oportunidad. En un principio lo iba a dirigir Spike Jonze, pero en el momento de iniciar el rodaje estaba dirigiendo otra película, ’Where The Wild Things Are’, así que le pregunté si yo mismo podría asumir el papel de director. Mi intención de querer dirigir se encontró con la disponibilidad del proyecto. Además creo que nadie entiende mejor este guión que yo. Así que al final ha sido una muy buena elección (risas)”. Las intenciones eran buenas, pero su primera cinta como director no convence y fracasa a la hora de emular las creaciones que le han hecho grande. Más que una película, “Synecdoche, New York” es un inabarcable y onanista brainstorming de ideas y de situaciones, algunas de ellas brillantes, que, en manos de Jonze y Gondry, daría pie a varios filmes sobresalientes. Kaufman no conoce la mesura y la contención, y eso es precisamente lo que le daban los directores que han puesto imágenes a sus guiones. Eso sí, donde no fracasa “Synecdoche, New York” es a la hora de

enumerar, una por una, todas las neuras, filias, fobias y debilidades de su director, convirtiendo la película en un de tour de force emocional muy pasado de vueltas. “Siento que cada vez que hago una película me hago un poco más vulnerable. Obviamente el personaje principal de ‘Synecdoche, New York’ no soy yo, pero sí que tiene mucho de mí. Me importa mucho la honestidad en mis historias.

Siempre trato de ser honesto con lo que escribo y conmigo mismo”. “Los detalles de la película no tienen por qué ser verdad necesariamente. Los sentimientos y las

crisis existencial, personaje interpretado de forma magistral por Marcello Mastroianni. “No he visto ‘8 1/2’ de Fellini, pero me han comentado que tiene muchas similitudes. De hecho, dije en su momento que me negaba a verla para poder contestar esta pregunta y decir que no me he copiado. También me han dicho que tiene ciertas similitudes con ‘All That Jazz’. Si hay un parecido es por casualidad”. El próximo paso de Kaufman tras “Synecdoche, New York” es una incógnita.

Asegura que está “escribiendo algo sobre la inocencia”, pero no especifica si repetirá tras

“Siento que cada vez que hago una película me hago un poco más vulnerable” emociones puede que sí. El Caden Cotard de ‘Synecdoche, New York’ no soy yo. Lo mismo que no lo era el Charlie Kaufman de ‘Adaptation’. El hecho de usar mi nombre en ese film sí que creó un poco de tensión cuando lo vi y sobre todo en mi cabeza. En las dos cintas sí que existen aspectos de los dos personajes que están también en mi persona. En esas películas se tiene que considerar más el paisaje emocional que el literal…”. Con todo lo que se ha dicho hasta ahora en esta entrevista no es difícil trazar paralelismos entre “Synecdoche, New York” y “8 1/2”, la obra maestra de Federico Fellini protagonizada por un director de cine en plena

las cámaras. Quizás antes regrese al teatro, medio donde tuvo su primera experiencia como maestro de ceremonias. “Mientras escribía el guión me brindaron la oportunidad de dirigir varias obras de teatro. Hice esas obras antes de dirigir ‘Synecdoche, New York’.

Fue una experiencia que me encantó, me ayudó muchísimo. El hecho de trabajar con actores profesionales me dio la oportunidad de saber más o menos que iba a pasar con la película. También me dio bastante confianza y me lo pasé muy bien. Me encanta el teatro, me gusta desde joven y supongo que en un futuro repetiré”.

■ Xavi Sánchez Pons

mondorecomienda

LA ENTREVISTA El Langui Foto Marino Scandurra

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ FANZINES

DVD MúSICA

Loquillo

Antònia Font

“Leyenda urbana” Cameo (1111)

“Gran Teatre del Liceu” Discmedi (1114)

El personaje más relevante de la historia de nuestro rock ya cuenta con documental propio a la altura de su dilatada y, a veces, tortuosa trayectoria. Tras ser galardonado en el último Festival In-Edit, este meritorio trabajo dirigido por Carles Prats se encuentra disponible ahora también en DVD, con su toque épico y, todo hay que decirlo, con su falta de crítica. Xavier Llop

De excelente sonido y realizado por los equipos de la televisión autonómica catalana, el primer DVD en directo de los mallorquines Antònia Font es el complemento perfecto para tu discografía. Y es de agradecer que su puesta en escena sea seria y en consonancia con el ambiente, alejándose de sus habituales directos.

Ernesto Bruno

El Langui

Rimas en la gran pantalla Linkin Park

Turisas

Con Limp Bizkit en punto muerto y otros sucedáneos olvidados, Linkin Park son los únicos representantes fiables de un momento determinado. Y siguen en forma como bien demuestra esta actuación filmada en el gigantesco Milton Keynes Bowl. Se muestran cómodos, aprovechando esas dos voces a juego y sus himnos generacionales Toni Castarnado

Turisas nos ofrecen un documental de una hora sobre su país Finlandia, acompañándolos allí por donde giran. Además contamos con un concierto de ochenta minutos filmado en esos mismos festivales.

El resultado hará las delicias de los fans del “Battle metal” tan de moda en nuestro país entre las juventudes con chaquetas metaleras parcheadas. Eduard Tuset

Marea

Arch Enemy

“Road To Revolution” Warner (1111)

“A Finnish Summer With Turisas” Century Media (111)

La minusvalía de El Langui (tiene semiparalizados brazos y piernas como resultado de un problema de falta de oxígeno durante el parto) no ha sido obstáculo suficiente para frenar su carrera, triunfal por ahora en el mundo de la música y que abre en estos momentos nuevos horizontes con el papel protagonista en “El truco del manco”, filme dirigido por Santiago A. Zannou.

“

Muchos se sorprenderían de la legión de fans del metal que hay en Japón. Como ya hicieran In Flames, los suecos Arch Enemy editan ahora un DVD en directo grabado en Tokio, que recoge también interesantes conversaciones con la banda y periodistas nipones acerca de su aceptación en ese país. Recomendable.

David Sabaté

Había salido a comprar un tigre blanco de peluche para mi hijo y me llamaron para contármelo. Me puse a llorar de la emoción y la gente que pasaba al lado mío en la calle me consolaba”, explica Juanma Montilla, El Langui, cuando le preguntamos sobre cómo había recibido la noticia de su reciente nominación a los premios Goya como Mejor Actor Revelación y como Mejor Canción. “Estoy con mucha ilusión. Después de tantas horas de trabajo es muy gratificante que la gente de la academia te dé ese reconocimiento. Para nosotros ya es un premio”, afirma el cantante. En “El truco del manco”, El Langui es Enrique Heredia, alias Cuajo, un joven de veintiocho años con parálisis física que sobrevive de sus trapicheos en un suburbio a las afueras de la ciudad. Cuajo sueña con montar un estudio musical para conseguir convertir su pasión por el hip hop en un medio de vida.

Demasiadas coincidencias con su propio historia como para no preguntárselo. “Me parezco al Cuajo en la minusvalía y en la pasión por la música. Todo lo demás es ficción. Tuve que aprender su forma de caminar, su orgullo, su autodefensa”, asegura El Langui,

Tekkon Kinkreet

Olimpita

Bitch

Detroit Metal City

Primeras veces

Aunque posteriormente al estreno de su adaptación a la pantalla grande, llega a nuestro país “Tekkon Kinkreet”, uno de esos mangas extraños, personales e impactantes que van salpicando el género de vez en cuando. Matsumoto nos ofrece un dibujo y una expresividad crudas que encajan a la perfección con una historia en la que la violencia y el desamparo lo empapan absolutamente todo.

Joan S. Luna

Es una alegría encontrarse con una obra de Hernán Migoya (“Todas putas”, “Soy un pelele”) que muestra mayor madurez y que no acaba siendo lastrada por un sentido del humor que malograba algunos de sus anteriores trabajos para el mundo de la viñeta. Temas tan peliagudos como la inmigración y la violencia de género se manejan con buena mano en un narración creíble y lectura ágil. Ernesto Bruno

El genial M. A. Martín crea esta vez a Bitch, joven grafitera que vive en un centro okupa, como vehículo para su cínico análisis social. Entre conflictos étnicos, guerra y nazismo, “Bitch” habla sobre todo de individuos, cargados de contradicciones y máscaras y casi siempre aislados, ya sea voluntariamente (Blondi, Jarbit, Zebra) o no (Amin, Bitch). Martín es ya demasiado conocido para impactar como antes pero aún inquieta. J. M. Palmer

De sorprendente éxito (cuenta ya con los correspondientes largometraje y serie de anime) y dibujo torpe, “Detroit Metal City” es un manga de humor descerebrado que divierte de tan cafre.

Para que se hagan una idea, vendrían a ser las desventuras de Guille Milkyway (La Casa Azul) si fuese cantante de una banda de black o death metal al mismo tiempo. Para pasar el rato y desarrollar la risa tonta. Joan S. Luna

No vayan a equivocarse. Aquí el concepto “primeras veces” es mucho más amplio de lo que puedan imaginar y casi tan provocador como esperan. Desde la pérdida de la virginidad entendida en un sentido corriente hasta tríos, sodomía o sumisión, todo imaginado por una mujer e interpretado por diversos dibujantes (desde Dave McKean a Cyril Pedrosa) de una forma bastante menos inspirada de lo esperado. Joan S. Luna

“Las putas más viejas del mundo” Dro (111) Doble compacto y DVD que recoge el espectacular concierto de Marea en el Palacio de los Deportes de Madrid. Con un inicio propio de Judas Priest, la banda navarra demuestra su contundencia y oficio dentro del rock duro patrio y en un terreno tan resbaladizo como el directo en grandes recintos.

Don Disturbios

“Tyrants Of The Rising Sun. Live In Japan”

Century Media (1114)

quién nunca había estudiado interpretación. De hecho el cantante aprovechó los conciertos con su grupo para practicar con su personaje. “La gente flipaba. Estaban todos de subidón después de un concierto y yo me ponía como loco a gritar practicando alguna escena. Pensaban que me había vuelto loco. Al final me dijeron que no ensayara más sin avisar”, explica orgulloso El Langui. Tan orgulloso como cuando nos habla de su próximo trabajo con La Excepción. Después de los problemas que han tenido con la que hasta ahora era su discográfica, la banda de Pan Bendito prepara su tercer álbum de estudio para abril. “Tenemos una demanda contra Zona Bruta y Warner que va para adelante.

Queremos que sirva de precedente para los grupos que están en la misma situación. Ya no podemos más. Hemos montado nuestro propio estudio y lo vamos a producir nosotros mismos. Lo vamos a poner gratuito en Internet, así que espero que la gente se lo descargue a machete. Somos tíos muy pasionales y muy comprometidos. No nos van a tangar más. Si pierdo dinero intentaré recuperarlo con los conciertos”. ■ Gonzalo Maldonado

cómics

Matsumoto Taiyou Glénat (1111)

Hernán Migoya y Joan Marín Norma Editorial (111)

Miguel Ángel Martín La Cúpula (111)

Wakasugi Kiminori Planeta DeAgostini (111)

VV. AA. La Cúpula (114)

(MondoSonoro · Enero 2009 /43/ MONDORECOMIENDA)

CINE

LIBROS

LOS CLIPS DEL MES

Friki Films, cine diferente ◗ Los Soberanos “Guapa” (111) El grupo barcelonés de ye-yé se lo pasa en grande filmando un vídeo que encaja a la perfección con su forma de entender el pop. Blanco y negro, un plató como único escenario y un montaje más pausado de lo habitual en la actualidad.

Memorias de un Rolling Stone

Ronnie Wood Global Rhythm (11112) De los Stones se ha escrito mucho y cualquier fan dispone de mucha información, pero ahora la novedad reside en que uno de sus protagonistas deja a un lado la seriedad de los datos y se centra en narrar un buen número de anécdotas, encuentros y desencuentros de forma jocosa, a veces incluso hilarante, y sin pretensiones. Y es que Ron cae de puta madre. Don Disturbios

“Por favor mátame. La historia oral del punk”

Con valentía y ganas en tiempo de crisis, así es como se presenta en sociedad Friki Films, una distribuidora de DVD’s que según Diego López, uno de sus responsables junto a Ignasi Lamarca, nace “con la intención de dar apoyo a todo ese cine denominado de bajo presupuesto, amateur o de serie B y siempre con ese punto freak. Ya sean películas de terror, acción, ciencia ficción, comedia o documentales. Films que en manos de las grandes distribuidoras suelen quedar en un segundo lugar y que nosotros queremos apoyar y distribuir, ya que en ellos podemos encontrar propuestas muy interesantes y arriesgadas que tienen su público”. Sus dos primeros lanzamientos son “Hobby” de Cirio Altabás, un divertido documental sobre la cultura del ocio en Japón, y “Real Zombie Revolver” de Adrián Cardona, un alocado western lleno de sangre y zombies. Por otra parte, López, todo un activista del cine de terror, ya tiene listo un nuevo número del fanzine de referencia “El Buque Maldito”, que presenta entrevistas con José Mojica Marins, Grec Nicotero y Pascal Laugier, entre otros. Más información en www.frikifilms.com y www.elbuquemaldito.com. n Xavi Sánchez Pons

◗ Razorlight “Wire To Wire” (1114) Razorlight recuerdan cada día más a los grupos de pop de los ochenta, tanto su estética como su sonido, eso no quita que este vídeo, sin ser nada del otro mundo, pueda estar bien. Lo consigue gracias a la fotografía y la iluminación.

Legs McNeil y Gillian McCain Discos Crudos (11111)

La reedición de este clásico básico de la literatura musical es la excusa perfecta para volver a revivir la historia del punk desde dentro. La nueva edición a cargo de Discos Crudos incluye, entre otras novedades, un capítulo extra de declaraciones inéditas, una entrevista con los autores del libro a cargo de Jaime Gonzalo, y una nueva traducción más fiel al original Xavi Sánchez Pons

Ciudad de ladrones

◗ MONGREL “The Menace” (114) En el nuevo proyecto de John McClure (Reverend And The Makers) colaboran miembros de Arctic Monkeys y músicos diversos, lo que no supone que su propuesta sea interesante. Tampoco lo es este previsible clip de presentación.

Urban Art Book: Tributo al graffiti Hace tres años, la población canaria de Ingenio acogió la primera edición de su Festival de Arte Urbano. Durante varios días diversas actuaciones alegraron las noches de la villa, mientras que a lo largo del día decenas de los mejores equipos y pintores de graffiti venidos de todo el mundo decoraban las paredes libres de infinidad de casas de Ingenio. Ahora se publica “Urban Art Book”, un lujoso tomo de prácticamente doscientas cincuenta páginas a lo largo de las cuales veremos sorprendentes pinturas que se crearon durante el evento, profiles de infinidad de street artists como Sen2, Okuda, Dome o Loomit y hasta gadgets especiales creados por algunos de ellos. Para más información sobre cómo conseguir el libro visita www.pluralform.com

David Benioff Seix Barral (1111)

La última obra del autor y guionista de “La última noche” sitúa su acción en el San Petersburgo sitiado de la II Guerra Mundial a través de la trágica a la vez que absurda experiencia de dos jóvenes que se ven empujados a una insólita búsqueda con el fin de salvar la vida. Fascinante cruce entre novela histórica, buddy movie y relato de iniciación. J. Picatoste Verdejo

libro

◗ Baddies “Battleships” (1114) Baddies son un enérgico cuarteto de Essex cercano a Joy Division, The Futureheads y These New Puritans: energía a malsalva sin artificios y a base de guitarra, bajo y batería. Y eso es algo que reproducen en este espasmódico clip.

Una forma distinta de acercarse a Manos de Topo La editorial Morsa vuelve a ponerse las pilas. Por un lado, recupera en formato más grande y con páginas extra uno de los clásicos de su catálogo, “Buenos tiempos para la muerte” del dibujante Juanjo Sáez, que llega a su tercera edición. Por el otro, lanza “Manos de Topo”, primer número de una colección que se llamará Música para morsas. En este volumen, el dibujante Chuso Ordi interpreta en imágenes las canciones del grupo gallego-catalán, haciendo justicia al imaginario de una de las formaciones más particulares del pop actual en castellano. El problema es que, pese al buen trabajo de Ordi, sus ilustraciones no reflejan el espíritu irónico y autoparódico de los creadores de “Ortopedias bonitas”. En todo caso, esperamos ansiosos el segundo número de la serie. Más información en www.morsa.es. n Joan S. Luna

◗ The New Raemon “Elena-na” (1114) En apenas un minuto y medio, Ramón Rodríguez (Madee y Ghouls’n’Ghosts) convence con una preciosa canción y un vídeo a la altura. Sencillo y filmado fotograma a fotograma, el resultado gusta gracias a una clase para nada forzada.

“Hay tantas chicas en el mundo...”

Juan José Andaní Vinilomanía/Editorial Milenio (1111)

Bajo el subtítulo de “Iconografía femenina en el vinilo español de 1954 a 1990” Juan José Andaní repasa con cariño, humor y sensibilidad bizarre la presencia de la mujer en las portadas de los discos de siete pulgadas nacionales. Un cajón de sastre en el que caben Lina Morgan vestida de fallera, Grace Jones disfrazada de torera y Phoebe Cates intentando ser una diva del pop. X.S.P.

◗ Pull “Personal Jesus” (11) Los madrileños Pull se atreven a versionear a Depeche Mode. Para dar a conocer su relectura, presentan un clip completado a base de imágenes de archivo de bombarderos estadounidenses de la Segunda Guerra Mundial. n

MondoSonoro · Febrero 2009 /45/ mondomedia

CONEXIONES revista Rockzone. El premio consistirá en dos días de grabación en los estudios, la aparición en la serie de Internet Estamos de cierre (www.youtube.com/estamosdecierre; sección Quiksessions), publicidad en la citada publicación y con la esponsorización por parte de Quiksilver España

◗ La música en directo se posiciona frente al cambio climático de la mano de Intermón Oxfam, que prepara una sorprendente campaña para los días 26, 27 y 28 de febrero que sirva para concienciar a los jóvenes de la necesidad de salvaguardar el medio ambiente. ¿Y cómo van a hacerlo? Con una convocatoria destinada a la totalidad de salas de música en directo del Estado Español para que esos días lancen el siguiente mensaje: “Ante el cambio climático haz corto y cambio”. De resultar exitosa la iniciativa daría lugar a un macrofestival, ya que conseguiría congregar a una cantidad de artistas y público simultáneo similar al de cualquiera de los grandes eventos que se celebran en nuestro país. Desde MondoSonoro, colaboradores activos en esta propuesta, animamos a todos los responsables de salas de música en vivo a que se sumen a la iniciativa y que contacten con Intermon para coordinar su participación en esta hermosa y necesaria iniciativa. De momento están confirmadas las actuaciones de grupos como J.F. Sebastian, Insanity Wave, Ove Larsson Jazz Trio, Ellos, Cof Cof, The Homens o el estadounidense Jeremy Jay. ◗ MicroFusa (compañía especializada en tecnología musical) con la colaboración de la emisora de radio ScannerFM, convoca la primera edición de Reload, una plataforma de lanzamiento y de apoyo a nuevos creadores de música electrónica.

La idea es ir recogiendo maquetas de productores nacionales de electrónica por medio de una página web habilitada a esos efectos -www.reloadmusic.net-. Los participantes deberán subir al portal tres temas de creación propia antes del 28 de febrero de 2009 que irán sonando en Scanner FM a partir de las siguientes semanas. Durante los meses de marzo, abril y mayo se realizará un concierto mensual en Barcelona y en Madrid con dos de los artistas seleccionados como finalistas.

Cada edición de Reload culminará con el Festival de microFusa (sala Razzmatazz de Barcelona) en que los tres finalistas y a su vez ganadores, tendrán uno de los escenarios para mostrar su trabajo ante un jurado de profesionales del periodismo y la música. De estos tres finalistas, y después del concierto, se decidirá quien se lleva el primer, el segundo y el tercer premio. ◗ Quiksilver y los estudios de grabación Wheel Sound ponen en marcha un concurso al que pueden presentarse los grupos de rock españoles que no hayan publicado más de dos discos hasta la fecha. Para participar tendrás que apuntar a tu grupo en: www.myspace.com/quiksilverspain antes del 20 de febrero. El ganador se dará a conocer el 25 de febrero y el jurado contará con representantes de Quiksilver, Wheel Sound y la

◗ La popular cerveza mexicana Corona prepara una ambiciosa J.F. Sebastian Foto Archivo acción para ampliar su mercado europeo. Gestionada desde España bajo la denominación Movida Corona, la acción está concebida como una plataforma de lanzamiento de Dj’s amateurs a nivel europeo. Movida Corona, que se llevará a cabo a lo largo y ancho de once países repartidos por toda Europa y articulada en tres fases, ofrece al ganador la oportunidad de comenzar una carrera profesional, gracias a una mini-gira que llevará a cabo en cinco clubes Pachá de todo el mundo. Para impulsar la campaña se ha puesto en marcha la plataforma online www.movidacorona.com que comunica a consumidores, Dj’s y fans toda la información sobre cada una de las actividades y eventos de Movida Corona. ◗ Carhartt publicó recientemente el libro “Cheating On The Metronome”, compilación de poesías firmadas por Scott H. Bourne, popular skater del equipo de la marca. El libro recoge infinidad de textos que Bourne escribió entre 2004 y 2006 en ciudades como San Francisco o París. Se trata de las reproducciones originales, con textos escritos a máquina o del puño y letra del propio patinador. Más información en www.carhartt-streetwear. com/skate. ◗ Es habitual que el mundo del rock pose sus ojos en el del fútbol, pero no tanto que se dé la situación inversa. Sin embargo el F.C. Barcelona ha dado un paso en ese sentido al sentarse con el Museu del Rock-Colección Jordi Tardà y firmar un acuerdo que liga a ambas entidades catalanas. El Museo del Barça ofrecerá promociones y canalizará información sobre el nuevo espacio que abrirá en el complejo lúdico de Las Arenas a finales de 2009, y además también tiene previsto ofrecer conciertos. El Presidente del club culé, Joan Laporta, ha asegurado en esta firma que “vincular el Museo del Barça y el del Rock es provechoso para las dos partes. El Barça ha estado relacionado con la música durante mucho tiempo”. El F.C. Barcelona ha ofrecido para el fondo del Museo del Rock una camiseta de los Rolling Stones firmada por la plantilla del primer equipo y una pelota rubricada por Rod Stewart.

◗ La marca de ropa deportiva Puma presenta una nueva colección de zapatillas inspirada en las películas japonesas de monstruos, a la que ha llamado Japanese Movie Monster Pack. Cada modelo representa a un monstruo diferente, como Godzilla, Mothra o King Ghidorah, y estará disponible a partir del próximo mes de marzo por un precio de 180 euros.

◗ FreshAir es una plataforma que con el apoyo de Pepe Jeans (cede su página web wwww.pepejeans.com para este proyecto) pretende mostrar a nuevos artistas internacionales y posibilitar su fichaje por un sello. Para eso publican un disco (“Sweetfa”) que va ya por su segunda referencia y que se distribuirá gratuitamente con el magazine británico “Artrocker” y en las tiendas de Pepe Jeans a partir del 1 de febrero. Además, el mismo colectivo está preparando “Strummerville”, un disco de homenaje a Joe Strummer cuyos beneficios irán destinados a proyectos de caridad. Más info en www.strummerville.com.

Working In Los Angeles Foto B+

◗ Desde el 23 de enero en la galería Zero de Barcelona (Canvis Nous 1) se puede asistir a la exposición fotográfica “Working In Los Angeles”, fotografías extraídas de un libro del mismo título comisionado por la marca de ropa Dickies y realizadas por B+. ◗ El pasado 18 de enero los músicos Carlos Chaouen, La Cabra Mecánica (Lichis), Javier Álvarez y Marwan viajaron junto al periodista musical Joaquín Guzmán para participar en los conciertos que se celebraron en la capital palestina los días 24 y 25 de enero, con el objetivo de revitalizar la cultura en Palestina tras años de destrucción y cierres de salas, centros culturales o lugares de ocio por parte del ejército israelí. Los participantes acudieron bajo el auspicio del Ayuntamiento de Ramallah y la Agencia Española de Cooperación Internacional, de manera desinteresada y como muestra de afinidad con el pueblo palestino. ■

MONDOWEB

/46/ Febrero 2009 · MondoSonoro

las Votaciones de los lectores Todos los años nos gusta comprobar el grado de afinidad de los gustos de nuestros lectores y los de la redacción, así que éste no podía ser una excepción. Mil ochocientas catorce personas han dicho la suya a través de nuestra página web y han elevado a la categoría de imprescindibles los discos de Portishead y Vetusta Morla, quienes además se alzaron con el cetro al mejor directo y demuestra que, pese a los detractores, si son capaces de poner de acuerdo a tanta gente por algo será.

Los 10 Mejores DIRECTOS Internacionales

Sigur Rós Coldplay Portishead Radiohead Interpol Franz Ferdinand My Bloody Valentine Nada Surf Leonard Cohen Kings Of Leon

DISCOS Internacionales

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DIRECTOS Nacionales

Vetusta Morla Foto Archivo

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Vetusta Morla Lori Meyers Los Planetas El Columpio Asesino Uzzuhaïa Deluxe Love Of Lesbian La Casa Azul Extremoduro Airbag

Vetusta Morla “Un día en el mundo” Lori Meyers “Cronolánea” Russian Red “I Love Your Glasses” El Columpio Asesino “La Gallina” Uzzuhaïa “Destino Perdición” CatPeople “What’s The Time Mr. Wolf” Nacho Vegas “El manifiesto desastre” Sr. Chinarro “Ronroneando” Airbag “Alto Disco” Manel “Els millors profesors europeus” Extremoduro “La ley innata” Half Foot Outside “Heavenly” Christina Rosenvinge “Tu labio superior” We Are Standard “We Are Standard” The New Raemon “A propósito de Garfunkel” Bunbury “Hellville Deluxe” Klaus & Kinski “Tu hoguera está ardiendo” Lek Mum “Infra Leve” Ivan Ferreiro “Mentiroso Mentiroso” Deluxe “Reconstrucción”

Portishead Foto Archivo

Los 10 Mejores FESTIVALES 1 2 3 4 5

Los 20 Mejores

Los 10 Mejores

Sigur Rós Foto Archivo

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Los 20 Mejores

Primavera Sound Summercase FIB Sonorama Azkena

Primavera Sound Foto Anguila

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Portishead “Third” Coldplay “Viva la vida” Sigur Ros “Med Sud I Eyrum Vid…” MGMT “Oracular Spectacular” Fleet Foxes “Fleet Foxes” TV On The Radio “Dear Science” Vampire Weekend “Vampire Weekend” Kings Of Leon “Only By The Night” AC/DC “Black Ice” Metallica “Death Magnetic” Bon Iver “For Emma, Forever Ago” Nick Cave & The Bad Seeds “Dig, Lazarus, Dig” Killers “Day And Age” Weezer “Weezer” The Ting Tings “We Started Nothing” Nada Surf “Lucky” The Last Shadow Puppets “The Age Of...”

Cut Copy “In Ghost Colours” R.E.M. “Accelerate” Glassvegas “Glassvegas”

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Pregunta del mes ¿De qué ciudad son originarios Franz Ferdinand?

8

abonos individuales para asistir

al Let’s Festival Del 27 de febrero al 7 de marzo en Hospitalet de Llobregat con

Nacho Vegas, El Columpio Asesino, Manel, Catpeople... entrevistas sOlo en MONDOWEB

5 copias del juego

B Team. Metal Cartoon Squad para Nintento DS

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10lotes de

Franz Ferdinand

formados por la edición especial de “Tonight: Franz Ferdinand”, una camiseta y una chapa Consulta los ganadores de los sorteos en nuestra web Entra y participa en nuestro cuestionario ¡¡¡SUERTE!!!