Mondo Sonoro febrero 2025

ejemplar gratuito

Delaporte Mucho amor

WEEZER

7/Mondo freako

Shego Del infierno al cielo

El nuevo disco de shego es una especie de rescate de las llamas del infierno. Una catarsis en busca de la salvación y la liberación a base de fiesta, dolor, culpa y autoexigencia con el título del álbum como mantra: “No lo volveré a hacer” (Ernie/ Altafonte, 25)

texto Álex Jerez fotos Adri Cuerdo

“

CUANDO ESTÁS en una relación tóxica con alguien da igual que te venga la gente de fuera y te diga que es una puta mierda y te está haciendo mal. Hasta que tú no decides romper con eso y cambiar las cosas no va a cambiar nada, no vas a avanzar nada”, comenta Raquel haciendo referencia a que las tres componentes de la banda atravesaron una ruptura sentimental durante la creación de este “maldito disco” como lo llama Charlotte. Quedamos con ellas en las oficinas de Altafonte para hablar de este segundo proyecto, un viaje muy personal que mantiene fresca la vena punk de la banda, pero que supone un salto de gigante a nivel de trabajo, perfeccionismo e implicación.

“Hemos sido autoexigentes, pero lo que era necesario. Veníamos de aprender a estar dentro de la industria. Todo lo previo fue un camino para entender cómo funciona esta movida y estoy profundamente orgullosa de nosotras. Me encantaría que no surja la duda o cuestionen hasta qué punto hemos estado detrás de todo el trabajo. Hemos estado detrás de cada puto aspecto del disco. Las mezclas tienen siete versiones. Estuvimos con Raúl Pérez dándole por culo durante tres meses, siendo muy pesadas, haciendo videollamadas. Hubo un momento que hasta nos planteó que si él no había encontrado lo que queríamos lo mezclara otra persona porque estábamos obsesionadas. Queríamos que el trabajo fuera finísimo”, explica Maite.

MONDO FREAKO

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LA RAÍZ QUE EMPUJÓ lo que al final ha sido este segundo álbum comenzó con “arghHhh!”, cuando una tarde Raquel se presentó en casa de Maite para proyectar y forzar juntas un cambio de página completamente necesario. “Joder me emociona mucho. Tengo un recuerdo muy vivo porque Raquel y yo estábamos pasando situaciones sentimentales tremendas y no muy alejadas la una de la otra. Estábamos en puntos diferentes de una ruptura. Una todavía no estaba sucediendo, pero sí que estaba sucediendo, y yo estaba literalmente abandonada en la casa que compartía con mi ex, en momento duelo total. Entonces cuando nos veíamos las dos tendíamos al drama y al dolor. Raquel vino a mi casa diciendo ‘Ya sé que estamos muy mal, pero igual habría que hacer una canción con la que fingir que estamos bien’. De ahí nace ‘arghHhh!’ como una mentira hacia una misma, un poco como proyectar al futuro una cosa que se quiere o se desea y en ese momento era imposible de imaginar que pudiera llegar. Aunque, en realidad es una utopía porque nunca se llega a alcanzar ese día en el que estás cien por cien bien”, explica Maite emocionada al comprender la enorme catarsis que ha supuesto este proyecto. Y es que “No lo volveré a hacer” es un disco que pone el foco en el amor tóxico, el aprendizaje y la importancia del autocuidado. Un álbum que quema dentro, pero a la vez sana, y con el que

EL APUNTE

Los directos

Y CLARO, TODA ESTA HISTORIA, discursos y emociones se trasladarán al directo a partir de este mes de febrero con una celebración en el escenario por todo lo alto que promete ser muy especial y emocionante. De momento cuentan con una larga lista de fechas para presentar este nuevo material frente al público. “Tenemos cosas pensadas para la gira amor que son tan fuertes. Es un disco grabado en directo y eso ya marca mucho cómo se va a llevar a un concierto. Como que esa energía estará ahí. Todo va a ser muy potente, tenemos muchas ganas”. En este nuevo show tendrán su propio momento para ser “unas pequeñas divas” y que convertirá el rock en la nueva misa a la que acudir: ‘Sen Senra dice su misa y tal. No tiene ni idea de lo que se viene [risas]. Van a cerrar todas las iglesias, solo habrá locales para tocar rock”. a.j.

en realidad cualquiera se puede sentir identificado en mayor o menor medida. “Tiene también un gran componente de la relación con una misma y por eso nos emociona. Habla también de la propia depresión, de momentos emocionales que se pasan con una misma. Yo a veces miro para atrás y digo Dios mío ahora ya no me quiero morir, pero ha habido una etapa de mi vida en la que sí y eso es bastante potente decirlo. A veces componiendo pensábamos en cómo hacer llegar a la gente que la escuche un mensaje más allá de lo destructivo, lanzarles un rayo de luz. Hacer una canción que tenga que ver con un mensaje positivo ya que no nos están tratando bien”.

SHEGO SE PRESENTAN así como una mano amiga que te agarra fuerte para levantarte, te ayuda a abrir los ojos, te deja tu espacio y nunca te abandona. “Si a alguien le puede llegar y se puede convertir este disco en la puntita del iceberg de un proceso pues sería la hostia. Desde luego sí que es un álbum muy personal. Todas las canciones están basadas en experiencias que nos estaban pasando en ese momento. Picos de ruptura, locura a lo bestia, fiesta… Como que te vuelves completamente neurótica y luego claro tienes momentos de dolor. Es como una montaña rusa”. Y como himno de esta rebelión y este empujón de autoestima está sin duda “Curso avanzado de perra”. Un tema cuyo nacimiento no tiene nada que ver con lo que al final ha terminado siendo. “Es gracioso el

concepto de cómo empezó esa canción y lo que queríamos hacer con ella. Mi hermana parió hace un año y pico y yo le dije a Maite que quería hacer una canción como dedicada a la niña para decirle ‘Mira el mundo, es así amor, no te lo vamos a pintar de rosa. Esto es una puta mierda y tú vas a tener que ser una puta leona porque si no te van a comer’”, cuenta Raquel. Una canción que libremente pasó de ser esa nana un poco especial a un grito generacional para liberar mucha ansiedad acumulada y dar un buen portazo. “Porque claro, nosotras estábamos pensando todo el rato cómo podíamos hacer una nana sin que fuera Izal. Le pasé la canción a Raquel y le dije que lo sentía, que no podíamos hacer ‘Pequeña Gran Revolución’ [risas]”, comenta Raquel. “¿Se puede hacer un TFG sobre la comparativa entre ‘Pequeña Gran Revolución’ y ‘Curso avanzado de perra’ [risas]?”, apunta Charlotte.

“NO LO VOLVERÉ A HACER” es un álbum honesto que refleja una realidad con todos sus estados de ánimo posibles. En él, les da tiempo a cabrearse, respirar hondo, liberarse o sentirse culpables. “La culpa sí que está muy presente en el disco, aunque no hay que sentirse culpable por ello. Hay que intentar viajar todo el rato entre sentirse culpable para que la culpa te ayude a rectificar ciertos comportamientos, pero no quedarse a vivir ahí constantemente”. “Por mi culpa, por mi culpa, por mi gran culpa”, lanza Raquel como buena referencia a todo el imaginario del diseño gráfico y visual del álbum. “También nos gustaba lo de incorporar un poco la ironía en temas como ‘Curso avanzado de perra’. Vernos de víctimas totales de todo y no ser causantes de nada. Esa fase de no quiero ser adulta y no quiero asumir responsabilidades. Por eso, decimos eso de que la culpa es del Estado, de tus padres, del colegio… El caso es que nunca es nuestra culpa, como pasa con cualquier adolescente joven que no quiere asumir”, explica Maite. a.j.

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EN CONCIERTO

l Alicante 22 febrero. Los conciertos de Baluarte

l Valencia 07 marzo. Sala Moon

l Toledo 15 marzo. Círculo de Arte

l Madrid 28 marzo. La Riviera

l Córdoba 04 abril. Hangar

l Granada 05 abril. Aliatar

l Santiago de Compostela 11 abril. Sala Capitol

l Valladolid 12 abril. Sala Cientocero

l Salamanca 25 abril. La Chica de Ayer

l León 26 abril. El Gran Café

l Murcia 02-03 mayo. Warm UP

l Almería 09 mayo. Berlín Social Club

l Málaga 10 mayo. Cochera Cabaret

l Sevilla 16 mayo. Interestelar

l Barcelona 17 mayo. Fango

l Bilbao 23 mayo. Santana 27

l San Sebastián 23 mayo. Dabadaba

l Benicàssim 17-19 julio. FIB

l Bueu 01 agosto Sonrias Baixas

l Guadalajara 28-30 agosto. Festival Gigante

l Menorca 25-28 septiembre Cranc Festival

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LA MÍA

Oféndanme, por favor, pero de verdad

HUBO UN TIEMPO en el que nuestro pequeño mundo había visto tan poco mundo que cualquier cosa nos ofendía y ponía en jaque nuestros principios. Un vídeo provocativo, una puesta en escena sucia, una música disonante y afilada que se meaba en la cara de las músicas anteriores... Un tiempo que quedó atrás desde, pongamos, la segunda mitad de los noventa. Desde entonces hay muy pocas cosas que tengan el potencial suficiente para ofender a todo el mundo y, al mismo tiempo, tenemos más gente ofendida que nunca. Quien se ofende es porque necesita ofenderse. Se lo pide el cuerpo. No hay ofensas que rompan con el status quo, ofensas radicales que nos hagan llevarnos las manos a la cabeza de puro exceso. Ahora las ofensas son partidistas, vehiculadas políticamente, delineadas casi con tiralíneas para obtener titulares en prensa o cancelaciones inmediatas. Tanta ofensa y tanta provocación de escaso recorrido que, se lo aseguro, casi echo de menos aquellas provocaciones de antaño, puras y arriesgadas, aquellas primeras veces en las que éramos tan inocentes y los cimientos de nuestra cultura temblaban: aquella primera vez en la que los movimientos de cadera de Elvis Presley eran cuestión de estado; aquella primera vez en la que unos tipos vestidos como mujeres saltaban a un escenario con el lápiz de labios corrido; aquella primera vez en la que una banda de heavy metal acabó delante de un juez por jugar con Satán; aquella primera vez en la que Madonna provocó un cisma por utilizar imágenes religiosas como no se deben usar la imágenes religiosas; aquella primera vez en la que un músico se cortaba en escena con un cristal de una botella recién destrozada; aquella primera vez en la que un actor obeso y travestido se comió las heces de un perrito en una película; aquella primera vez en la que una cantante irlandesa rompió una fotografía del Papa en televisión frente a millones de personas; aquella primera vez en la que un cantante de punk rock se revolcaba desnudo en directo sobre sus propios vómitos y heces; aquella primera vez en la que un músico de rock industrial era torturado en un videoclip... Y podría seguir dando muchos ejemplos. Aquello sí fueron provocaciones en su momento, con lo que yo pensaba que ahora ya andaríamos curados de espantos, que epatar sería algo imposible. En cambio lo que ha ocurrido es que, a día de hoy, hemos normalizado algunas cosas consideradas provocativas en aquellos momentos todavía inocentes y, al mismo tiempo, hemos vuelto a la casilla de salida en otras. Así que, os lo pido por favor, artistas del mundo, ofendedme, pero ofendedme de verdad. joan s luna

JUNTO A ALEX KAPRANOS, la actual formación de Franz Ferdinand la componen Bob Hardy al bajo, Audrey Tait a la batería, Dino Bardot a la guitarra y Julian Corrie a los teclados. Juntos dan forma a “The Human Fear”, uno de sus mejores trabajos en mucho tiempo: vivaz, diverso, fresco y con algunos guiños a modos de hacer (el synth pop de los primeros ochenta, la herencia Beatles, la música griega, el vodevil) que no son tan habituales en su obra previa.

LA IDEA MOTRIZ que aglutina todas esas influencias sonoras es el miedo. La idea del miedo. Entendido como una fuerza que nos impulsa a vivir, y no como algo que nos deba atenazar. “Sobreponerse al miedo es un signo de fortaleza, hace que te sientas estimulado y te sientas vivo, pero puede que el título del disco lleve a engaño, que pueda hacer creer que pretende infundir temor cuando es justo lo contrario”, me detalla Kapranos acerca del título. No siempre es fácil decidirse por uno, especialmente cuando, como es su caso, las canciones van brotando sin una idea conceptual que la dirija desde un principio. “No estaba pensando en un concepto unitario ni en un tema en concreto, porque nunca lo hago, pero luego me di cuenta de que una de las canciones, ‘Hooked’, empieza diciendo ‘Tengo miedo, tengo miedo humano’, y fue como una revelación”. Y, claro, una cosa llevó a la otra. “Eso me hizo ver que había miedos ocultos en cada una de las canciones. porque ‘The Birds’ trata sobre el miedo a ser rechazado por tus colegas; ‘The Doctor’, sobre el miedo a abandonar una institución; “Night Or Day”, sobre el miedo a comprometerte en una relación y perder tu independencia y “Bar Lonely”, sobre el miedo a romper una relación de mucho tiempo”, argumenta. Ahí ya tenía un rótulo.

LE COMENTO QUE EL DISCO me parece lo más fresco y contagioso que han hecho desde su segundo álbum, hace ya dos décadas (el tiempo vuela), y si no ha sentido alguna vez miedo –ya que estamos con ello– de que el público únicamente recuerde a Franz Ferdinand por sus dos anfetamínicos primeros discos, repletos de hits, un poco como les ha ocurrido a Oasis y a The Strokes. Pero no es algo que le preocupe demasiado. “Nunca he pensado en el público mientras estaba

grabando una canción, ni me he preguntado lo que vendería, ni cómo voy a ser recordado por ello”, dice. De hecho, recuerda que “hay una canción en nuestro primer disco, ‘Come On Home’, que dice aquello de ‘So I’m dissatisfied, I love dissatisfied, I love to feel there’s always more that I need’ [“Así que estoy insatisfecho, me encanta estar insatisfecho, me encanta sentir que siempre hay más de lo que necesito”], y esa frase intentaba resumir cómo me sentía como artista en aquel momento, pero también me representa ahora”, corrobora.

PUEDE QUE FRANZ FERDINAND ya no acaparen portadas ni recaben grandes titulares, pero el conformismo es algo que no va con Alex Kapranos. “Siempre que termino algo, me quedo con la sensación de que aún no he hecho lo mejor de lo que soy capaz”, confiesa. También me dice que nunca van a ser una de esas bandas que tocan sus álbumes más exitosos una y otra vez, en plan “Franz Ferdinand tocando su primer álbum”, ese tipo de giras. “¡Que le den a eso!”, exclama. Y aunque se considera lo suficientemente

Franz Ferdinand

“Siempre tengo la sensación de que aún no hemos hecho lo mejor”

EN CONCIERTO combustible

Siempre es un gustazo charlar con Alex Kapranos. Un tipo honesto, inteligente, culto, bienhumorado: difícilmente puede caer mal a nadie. Me atiende por zoom desde París, en plena promoción de “The Human Fear” (Domino/ Music As Usual, 25), el sexto álbum de Franz Ferdinand.

texto Carlos Pérez de Ziriza

realista como para admitir que hace veinte años “era un tipo guaperas de treinta años, y tenía más probabilidades de salir en la portada de una revista que ahora”. También cree que nada de eso afecta a la calidad de su trabajo. “¡Aún no estoy satisfecho! Y esa es la razón por la que habrá otro álbum después de este, y por la que voy a intentar que sea mejor”.

UNA DE LAS MEJORES VIRTUDES de “The Human Fear” es la concisión. Solo una de sus once canciones sobrepasa los cuatro minutos. Va directo al grano. Sin divagaciones ni retórica. Y eso es algo que siempre le ha gustado a Kapranos. Incluso, me cuenta, como lector. “Mi escritor favorito es Raymond Carver, creo que su libro ‘De qué hablamos cuando hablamos de amor’ (81) es de lo mejor que se ha escrito en el siglo XX”, afirma. “Hemingway, Bukowski… Todos tienen una concisión y una precisión en su prosa que yo trato de buscar en nuestro trabajo también, y es que no soporto las divagaciones irrelevantes, me aburren”. Más claro, agua. Otro de sus puntos fuertes es su diversidad, dentro de un margen, por-

que al final todo acaba sonando a Franz Ferdinand. “’Tell Me I Should Stay’ tiene arreglos orquestales y timbales; ‘Hooked’ es electrónica de un modo extraño; ‘The Birds’, tiene una estructura tomada del be bop; ‘Black Eyelashes’ tiene algo de la música griega y ‘Audacious’ te suena a The Beatles porque en ella toco el piano de una forma tan ineducada y estúpida como John Lennon”, me explica. ¿Cómo se come todo eso para que sigas reconociendo cien por cien a Franz Ferdinand en cada una de ellas? Él me da la clave. “Has de estar cómodo con tu identidad para tener la seguridad de poder aventurarte, como los artistas a quienes admiro, que siempre son fieles a sí mismos”. ¿Ejemplos? Al menos un par, bien ilustrativos. “Si escuchas a The Birthday Party te sonarán muy distintos a las solemnes baladas del Nick Cave de los últimos tiempos, pero siempre suena todo a él, igual que PJ Harvey, a quien vi en el Olympia el año pasado y su disposición en escena era completamente distinta a la anterior ocasión en que pude verla”. c.p.z.

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l A Coruña 15 febrero. Sala Pelícano l Madrid 17 febrero. La Riviera l Barcelona 18 febrero. Razzmatazz (25 Aniversario) l Benicàssim 17-19 abril. San San Festival l Murcia 02-03 mayo. Warm Up l Santiago de Compostela 12-14 junio. O Son do Camiño l Santander 01-02 agosto. Santander Music

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Joe Crepúsculo Bailar llorando, llorar bailando

Es “demasiado tarde para salir y muy temprano para dormir”, nos advierte Joël Iriarte al comienzo de su nuevo trabajo. La oscuridad capitula frente al bombo y el ritmo desenfrenado, mientras la raspada voz de su alter ego enuncia ordenadamente los doce artefactos expuestos en su “Museo de las Desilusiones” (El Volcán, 24).

texto Fran González foto Alexander Gross

POR CULPA DE JOE Crepúsculo, por su gran culpa, y por canciones como las de “Museo de las Desilusiones” nosotros también queremos tan solo “bailar y llorar”. “En mi música lo que siempre ha primado es que ante todo debe reflejar el tipo de persona que soy”, nos cuenta sobre ese equilibrio entre lo trágico y lo cómico que encontramos en su nuevo disco. “Durante mucho tiempo se hizo lo posible por separar la música seria de la música distendida y aunque todavía exista cierta reticencia a aceptar que el humor puede ser una cosa muy seria, hoy día empiezan a estar más desdibujadas esas fronteras tan extremas. Algo puede sonar triste y lo podemos bailar y algo puede ser doloroso y lo podemos cantar con ironía. Es muy bonito que la música pueda capturar también esas dualidades emocionales”.

ASÍ, Y BAJO ESA ETIQUETA tan única que nos convence de su auténtica condición de trovador tecno, Crepus nos invita a bailar nuestros problemas y a dejarnos sucumbir, una vez más, por su pegadiza y deliciosa aleación entre emoción y verbena. “Hay anversos emocionales difíciles de abordar en la música, pero creo que con este disco lo hemos logrado”, continúa el artista. “Muchas veces se dan ese tipo de situaciones en las que, francamente, no sabemos si estamos tristes o no, ni qué reacción emocional procede que tengamos ante determinados estímulos. Estar jodido no significa necesariamente quedarse en

CRITICANDO

Museo de las desilusiones El Volcán

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INDIE POP / HAY UNA INJUSTA tendencia a relacionar la música de baile con el mero hedonismo, pero en su nuevo disco Joe Crepúsculo aniquila el tópico y nos enseña desde su cátedra las bondades de dejarnos llevar por la fiesta, precisamente cuando nuestro espíritu más lo necesita. Sus circunstancias presentes le han llevado a bajar de decibelios, motivo por el que ahora abre las puertas de su “Museo de las desilusiones” con la intención de redefinir la emoción electrónica desde el primer movimiento. Del electro-swing (“Infierno de dulce”) al amor rosa chicle (“Jessica”), pasando por la tralla (“Fiesta de disfraces”), el dadaísmo (“Pequeño niño peluquero”) o el sarcasmo maquinero (“Castillos asquerosos”), Crepus se convierte en el sherpa de nuestro autodescubrimiento discotequero e invoca nuestra humanidad tocando la tecla precisa y llenando el guion de energía animal. Ahora somos monstruos, como tú. f g

casa y machacarse, sino que perfectamente podemos sobrellevar determinados baches saliendo a bailar. Nuestra cabeza es un mar de incongruencias y gracias a la música podemos atravesar un duelo sin necesidad de ir de negro”.

EL INGENIO Y EL CORAZÓN no son las únicas cosas que maridan en “Museo de las Desilusiones”, pues Crepus también pone al servicio del baile un buen surtido de géneros que van desde el electro-swing hasta el funk, pasando, por supuesto, por el tecno. “Quería lograr un disco que fuera consecuente con el tipo de canciones que me gustan”, afirma. “La gente parece estar ya del todo habituada a esta locura de géneros mezclados entre sí y que no tienen necesariamente nada que ver unos con otros, lo cual nos motiva mucho a los músicos a que sigamos experimentando sin ponernos barreras.” Un proceso en el que, una vez más, le ha acompañado Aaron Rux, fiel a la propuesta de Iriarte tanto dentro como fuera del estudio. “Aaron firma por cuenta propia ‘Kamikaze’ y compuso conmigo ‘Jessica’, demostrando así que su grado de implicación en el proyecto es pleno”, sentencia Joel. “Pero también es el responsable final de que muchos temas tengan ese brillo tan guay que eleva el resultado. Yo, en general, soy una persona bastante fácil a la hora de trabajar. Tengo siempre claro lo que quiero y no doy demasiado por culo. Pero sí que es cierto que el hecho de que Aaron y yo nos conozcamos tanto facilita mucho las cosas para que él sepa en seguida qué tengo en mente y lo podamos llevar a término de la mejor forma posible. Ese entendimiento, quieras que no, marca la diferencia y se nota en las canciones”.

A SU YA CONOCIDA VIS de currante, se suma también su formación en Filosofía, no tan extinta como él mismo creía. “Pese a no ser demasiado útil para conseguir ciertas cosas en la vida, como un trabajo, la filosofía sí puede resultar conveniente a la hora de reflexionar y entender mejor aquello que nos rodea”, dice Crepus. “Visto así, me gusta creer que la música y las letras que hago nunca hubieran sido las mismas si no hubiera estudiado Filosofía y que gracias a esta carrera ahora tengo una cierta capacidad para contar cosas

Crepúsculo bailando

“Gracias a la música podemos atravesar un duelo sin necesidad de ir de negro”

desde la sencillez y reconocer quién está al otro lado escuchándome”. Lo que no sabemos es si sus estudios le ayudaron a ver venir ciertos hitos en su trayectoria, como el éxito de “Mi Fábrica de Baile”, que el pasado 2023 cumplía diez años: “En ningún momento fui consciente de estar creando un hit como tal”, reconoce, “pero es un tema que aprecio mucho. Gracias a su buena acogida se me ha permitido seguir dedicándome a esto con cierta estabilidad”. Y es que a pesar de haber sido reinventado en multitud de estilos y por diversas voces, no habrá nada que pueda “apagar su motor en movimiento”. “Siempre existe miedo a volverte redundante”, admite Joel. “La vida del artista creativo está llena de ese tipo de temores. Tienes miedo de hacerte pesado, de que la gente se canse de ti o de que un día termines pareciendo un señor mayor desubicado que hace tecno. Personalmente, estoy en un punto en el que lo único que quiero es ofrecer lo mejor de mí y darle a la gente lo que ha venido a buscar. Si veo que se lo pasan bien, entonces es que todo va bien. El día que vea que me ponen cara de rata me tocará cambiar de estrategia”. f.g.

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ENTREVISTA

Fuego en la noche MOGWAI

El cuarteto escocés tiene nuevo disco, el decimoprimer álbum de su carrera. Se llama “The Bad Fire” (Rock Action/[PIAS], 25), y llega justo cuando cumplen nada menos que treinta años como banda, y tres después de haber protagonizado un insólito número uno en la lista de álbumes más vendidos del Reino Unido con su anterior trabajo, “As The Love Continues” (Rock Action, 21). Toda una sorpresa, algo extemporánea.

texto Carlos Pérez de Ziriza foto Steve Gullick

HABLO DE TODO ESTO con su vocalista y guitarrista, Stuart Braithwaite (Dalserf, Escocia, 1976), quien me atiende por la pantalla del ordenador desde Glasgow. Principal cabeza visible, claro está, de la formación que completan Barry Burns (guitarra, piano, sintetizador), Dominic Aitchison (bajo) y Martin Bulloch (batería). Stuart es directo, honesto, no se anda con mucha palabrería: sus respuestas son sinceras, pero se nota que no es amigo de teorizaciones ni divagaciones. Por eso cuando le pregunto –es un clásico– si alguna vez llegó a imaginar que Mogwai sobrepasarían las tres décadas de carrera, y que eso le permitiría dedicarse por completo a la música y dar la vuelta alrededor del mundo varias veces, lo tiene así de claro: “La respuesta es no: ni siquiera pensábamos en términos de años, imagínate en décadas. Así era cuando empezamos. Simplemente hemos ido haciendo nuestro camino. Y hasta aquí”. Un sueño hecho realidad, en cualquier caso, ¿no? “Absolutamente, casi no me puedo creer hoy en día todas las cosas que hemos hecho, toda la música que hemos creado y cómo la gente ha respondido a ella. Nos sentimos muy afortunados”, concede.

CRITICANDO

The Bad Fire Rock Action/ Music As Usual

ROCK / EL PRIMER CORTE de este decimoprimer álbum, “God Gets You Back”, ha sido definido por John Congleton –su productor– como “Daft Punk siendo perseguidos por My Bloody Valentine”, y acierta de pleno. También por eso suena a continuación lógica de “As The Love Continues” (21), con una textura electrónica acentuada. Los escoceses nunca te van a desconcertar con un volantazo inesperado, pero también es cierto que se las ingenian para que cada nuevo trabajo detente argumentos que renueven la fe depositada en ellos. Milagrosamente, siguen sin aburrir tras treinta años de carrera, y lo mejor de todo es que todas y cada una de estas canciones donde realmente se crecerán es en el hábitat en el que se sienten más cómodas, que suele ser el escenario, porque eso siempre lo tienen entre ceja y ceja cuando entran a grabar. carlos pérez de ziriza

La información de la que disponemos es clara: el título de “The Bad Fire” alude a una etapa complicada para la banda, especialmente para su teclista, Barry Burns, quien tuvo que pasar por el trance de que su hija fuera operada de un trasplante de médula. El músico escocés le quita hierro. “Solemos elegir los títulos de nuestros discos de una forma más bien aleatoria, caprichosa, pero también es cierto que este título encajaba porque han sido unos años un poco duros para nosotros”, reconoce. Pero también dice que no es nada que no le pueda haber ocurrido a cualquiera. “No somos especiales ni distintos al resto de gente, simplemente nos resultó difícil volver a juntarnos para grabar porque pasaron muchas cosas”, explica, sin querer entrar en más detalles.

TAMPOCO ES SINGULAR, aunque sí novedoso para ellos, que haya sido el reputado John Congleton quien les haya producido

por primera vez. Un tipo acostumbrado a lustrar las aristas de discursos expresivos que también se alimentan de la dificultad, la pérdida o la disfuncionalidad, como bien ha sido el caso de algunos últimos trabajos de St Vincent o Sleater-Kinney. Mogwai son fans de todos esos álbumes, de sonido crujiente y a veces áspero, y aliarse con él era un deseo que por fin han cumplido. “Para serte honesto, no le conocía en persona, y no sabía si su personalidad encajaría con la nuestra, eso me daba un poco de reparo, pero luego nos dimos cuenta de que tiene un gran sentido del humor y es muy buen tipo, además de que la música en la que suele trabajar es áspera, y nos pega. Encaja con lo que hacemos”, asevera.

EL DISCURSO DE LOS ESCOCESES sigue siendo como un manantial que se abastece a sí mismo. Algo así como las sagradas escrituras de una forma de concebir el post-rock (estilo de perfiles no escritos, que

“

“Disfrutamos más de tocar en directo ahora que antes”

ellos ni acuñaron ni inventaron, pero sí han llevado más lejos que nadie) que solo se tiene a sí misma como referencia. Por eso me siento un poco absurdo cuando le pregunto a Stuart Braithwaite si hay alguna música que les haya podido marcar o influir últimamente. Es un poco inútil. “Escucho de todo: ambient japonés, mucho hip hop y, obviamente, mucho rock, y creo que todo lo que escuchas te influye, de algún modo,

pero no es fácil pensar en algo en concreto que nos haya podido influir para este disco, porque seguro que son miles de cosas”. Lo mismo puede decirse de las bandas sonoras que han grabado en los últimos tiempos, o de los libros que han leído, entre los cuales –dice la nota de prensa– hay predilección por William Blake. Tampoco cambia, y eso sí que es una suerte, la pasión con la que Mogwai encaran el directo. Si alguien piensa que la publicación de un documental sobre ellos, “If The Stars Had A Sound” (Antony Crook, 24) y la publicación de “Spaceships Over Glasgow” (22), el libro autobiográfico de Stuart, son signos de acomodamiento, que no espere encontrarse eso sobre un escenario. “Creo que incluso disfrutamos más de tocar en directo ahora que antes: es eso lo que más me gusta de estar en un grupo”. c.p.z.

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ENTREVISTA

Sila Lua se enfrenta al temido segundo álbum con “Danzas de amor y veneno” (Altafonte, 2025) exponiendo en él su lado más vulnerable y reflejando su crecimiento artístico en los últimos tres años.

— texto Álex Jerez

— foto Guille Sotelo

“NO ES EL DISCO que me imaginaba, pero es el disco que quería hacer”. Es lo primero que comenta Sila Lua sobre el siempre temido segundo álbum, en este caso “Danzas de amor y veneno”. “Quería mostrar cómo me siento realmente, mostrar el ahora. Y si el ahora es a la defensiva, o el ahora es buscando el equilibrio, o volviéndome loca… Teniendo como un pequeño ataque de pánico y luego volviendo a mi chulería. Pues quería que todo eso se viera”. Quedamos con Sila en una pequeña cafetería de Madrid para debatir sobre esa compleja batalla que inician las expectativas contra la realidad. Y cómo, tras tantos miedos e inseguridades, siempre acaba ganando el crecimiento personal y el aprendizaje. “Ha coincidido con un momento en el que yo me he hecho más mayor. Y claro te planteas cuáles son tus puntos flacos, tus miedos, por primera vez te encuentras con tus sombras. También cuáles son tus fuertes. Es la primera vez que puedes tener una pequeña retrospectiva de tu vida. Entonces, pues bueno, hablo de esa danza entre lo bueno, lo malo, la luz, la oscuridad, la realidad, las expectativas o los sueños”.

“DANZAS DE AMOR Y VENENO” nace en plena gira de su álbum debut, es un disco con la fuerza y la energía del directo. Sila explica que durante el tour descubrió qué temas disfruta verdaderamente interpretando y se encontró con su voz por decirlo de alguna manera. “Por eso este nuevo álbum tiene como muchos beats, tiene un poco de baile, pero siempre hay mucha fuerza en los beats. Porque también en la gira me di cuenta de que las canciones que me gusta cantar son las que son fuertes. Yo pienso siempre en álbumes, a mí me encanta sumergirme en una especie de proyecto. Normalmente cuando encuentro una dirección, tengo que ponerle

un nombre y a partir del nombre empiezo a desarrollar el disco entero. Me sirve mucho para poner ahí toda la energía y focalizar”. Y en todo este viaje, durante la primera mitad del 2023 apareció Pau Aymí de golpe y no volvió a soltarse de su mano. “Encajamos súper bien, hicimos de hecho entera la canción de ‘Verte bailar’ en un par de horas el primer día que trabajamos juntos. Él tiene un oído muy melódico que me ha ayudado en mi aprendizaje, me ha empujado. Hemos podido jugar para que yo no me fuera a lo que me sale de primeras. Le he dado mucho la lata”.

CON ESTE NUEVO PROYECTO Sila se hace más grande a nivel sonoro. Firma una entrega más universal y con una inspiración latina muy potente. “Pienso que hay algo en los boleros, las tonadas, las salsas… Como que no se hace viejo, que es como inmortal y tiene mucho poder. Así que me inspiré en eso y he aprendido a cantar un poquito mejor, conocer mi instrumento más, hacer melodías más complejas, algo más de suavidad en la voz. La búsqueda a través de esa curiosidad o meterme más en la música latina, siento que ha hecho que progrese como artista o que aprenda cosas nuevas que es un poco lo que yo busco siempre. Pasarlo bien”, explica la artista. Este nuevo álbum tiene una raíz y un alma muy peculiar, libre, pero que a su vez no abandona el ADN electrónico y el punto urbano que Sila siempre ha llevado con ella. “He cogido la energía de esos géneros. En el álbum no hay ninguna canción que sea de reguetón puro o que sea una tonada pura, o una bachata pura… Pero sí que hay elementos de esas cosas. Todo nace de la curiosidad y por eso lo he hecho así”.

SIN PRESIÓN ALGUNA, Sila explica que todo lo que rodea este álbum se nutre de una necesidad artística real y que ya

La búsqueda del equilibrio Sila Lua “

“Me he dado cuenta de que tu peor enemigo siempre eres tú mismo”

ha dejado atrás cualquier comedura de cabeza provocada por un futuro incierto que puede llegar o no, pero que de momento desconoce. “Me he dado cuenta de que tu peor enemigo siempre eres tú mismo y yo en estos dos últimos años he descubierto esa sombra. Ha llegado la ansiedad, un montón de cosas que siempre sentía que solo les pasaban a mis amigas y de repente me han llegado con mi profesión, la vida, el crecer…”. Por eso, para la gira, apuesta por disfrutar sobre el escenario y que el público conecte con su presente, con esta nueva entrega como un concepto total más allá de las propias canciones. “Hemos montado un show que es muy performático. Va a ser un directo en movimiento que te va a llevar por distintos lugares, esa idea de la furgoneta, de la gira como concepto central del show. He querido que tuviera una parte teatral porque no tengo la presión de que la gente espere ciertas cosas, de que la gente quiera determinadas canciones. Así que voy a hacer lo que me dé la gana”. Una conversación eterna que la propia artista decide dejar abierta también al final del disco al no darle un cierre como tal, ya que nadie conoce la respuesta correcta. “Quería mostrar un momento que no tiene un desenlace, esa búsqueda del equilibrio y ese “to be confirmed”… ¿Sila dónde están los masters? ¿Sila dónde están las fotos? TBC. Yo no sé si en algún momento me aclararé o me sentiré satisfecha. Pero vamos a bailar”. a.j.

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Y tú, ¿cómo mides el Observatorio Mondo Sonoro

¿Has pensado alguna vez qué es un músico/a de éxito hoy? ¿El que es capaz de crear una tendencia en Tik-Tok? ¿La que sostiene en el tiempo una gran interacción con el público a través de likes, comentarios y compartidos? ¿El que llena estadios de futbol o grandes salas? ¿La que es capaz de trascender en un mundo saturado en el que lo efímero es la constante? ¿El que integra nuevas tecnologías en su proceso creativo? ¿La que se muestra auténtica y alejada de las modas pero tiene la capacidad de conectar emocionalmente con su público y medir esta conexión? ¿El que sabe escribir un buen prompt?

AHORA IMAGINA que dentro de un tiempo (quizás no mucho), las partes de una canción puedan modificarse en tiempo real dependiendo de la respuesta del público que la escucha, es decir, cada emoción, cada interacción, se traduce en un cambio sobre una parte específica de tu canción convirtiéndola en una obra distinta de la original. De la que tú creaste. ¿A quién se le debería atribuir el éxito? ¿A ti que pusiste todo tu empeño en esa primera versión? ¿A todos aquellos que con su interacción y a través de sus emociones consiguieron modificar “tu” canción? ¿A la plataforma que facilitó el proceso?

TE INVITO A IMAGINAR de nuevo: cualquier persona, independientemente de su sensibilidad y experiencia artísticas, tiene la posibilidad de crear una canción (cada día) a través de sus emociones con la ayuda de una tecnología que es capaz de traducirlas en sonidos melódicos y organizados. Esas canciones se suben a una o varias plataformas en las que los usuarios pueden clasificarlas por estados emocionales (como una extensión más personalizada de las playlist actuales). Si una de esas listas o temas se convirtieran en un hit, ¿cómo podríamos diferenciar al artista del creador ocasional? Si el éxito se midiera por la resonancia emocional con otros, ¿cómo cambiaría esto nuestra comprensión del marketing y la promoción musical? ¿Cómo deberían entonces construirse las carreras musicales?

“

“La tecnología ha cambiado la percepción que tenemos del éxito”

A LO LARGO DE LA HISTORIA, la tecnología ha cambiado la percepción que tenemos del éxito y el imaginario que envuelve al término. En la era pre-digital, las métricas principales eran las ventas de discos y la capacidad de llenar recintos. Hoy, aunque estas métricas siguen manteniendose y siguen siendo relevantes, se suman otros indicadores como el número de streams, de seguidores en redes, la velocidad de acumulación de reproducciones, las búsquedas en línea o la aparición en playlists populares. Pero en el caso de que los dos escenarios futuros que hemos pedido que imaginaras se materializaran, estas métricas se quedarían cortas y deberíamos introducir nuevas formas de medir el éxito de un artista o de una canción. Podríamos hablar por ejemplo, de un “índice de adaptabilidad”,

que mida la capacidad de una canción para evolucionar en función de las emociones del público, o de una “resonancia emocional colectiva”, que cuantifique cuántas veces un individuo logra viralizar su música basada en emociones reales. También podríamos medir cuáles son las emociones más compartidas entre los oyentes o qué comunidades específicas responden con mayor intensidad.

LLEGADOS A ESTE PUNTO de la lectura, debo decirte que con el planteamiento de estos futuros hipotéticos, la intención no es únicamente que seamos capaces de repensar

éxito?

las métricas del éxito, sino más bien cuestionar y reflexionar sobre aquellas cosas que damos por hecho y que creemos que son inamovibles, como lo que valoramos actualmente de un artista. Quizás la autenticidad, el virtuosismo individual, incluso la trascendencia, son valores que en un futuro próximo serán sustituidos por el de la capacidad de conectar colectivamente, introduciendo al público en el proceso creativo. Este cambio de paradigma evidentemente implicaría hacerse preguntas nuevas: ¿Cómo deberían distribuirse los beneficios económicos o los derechos de una obra creada por múltiples actores y tan

diversos? ¿Qué rol deberían jugar las plataformas tecnológicas? ¿Seguiría teniendo sentido hablar de la figura de “el artista”? ¿Cómo se protegería la originalidad en un ecosistema en el que las obras fueran maleables “por diseño”? ¿Qué pasaría con los artistas que no quisieran incluir al público en su proceso creativo? ¿Se les consideraría menos relevantes? ¿Cómo diferenciaríamos entre arte y entretenimiento? Y la más importante, una canción… ¿sería lo que siempre hemos creído que era?

COMO TE DECÍA, REPENSAR el éxito, más allá de añadir nuevas métricas, implica re-

flexionar sobre nuestra relación con el arte, con las emociones y con la tecnología. Las preguntas están sobre la mesa, y aunque aún no tenga las respuestas, lo que sí puedo afirmar es que el éxito, como la música misma, seguirá transformándose y adaptándose a un mundo que cambia constantemente las definiciones de todo lo que nos rodea. Y desde el Observatorio de Mondo Sonoro seguiremos tratando de comprenderlas. n natalia cisterna

El Observatorio MS cuenta con el apoyo de Johnnie Walker (Diageo), BIME, Espacio SOLO / LeCluf Music, RootedCon y AiE.

MONDO FREAKO

"A mí me encantaría hacer algo como lo que hace Bruce Springsteen”

“Dícese de una persona que tiene la nariz chata, poco prominente” es la definición de 'chato', pero “Chato” (Universal, 24), es también el primer álbum de Barry B. Con su autor hablamos al respecto.

“EN CASA ME LLAMAN ‘Chato’, mira, por esta naricilla”. Auténtica, diversa y completa, así es la carta de presentación del artista arandino que inaugura una nueva era: “La más seria, la de ‘Ahora sí que vamos con todo’”. Y lo ha hecho, en el sentido figurado, y también el literal: funk, trap, pop, folk, baladas… “Chato” engloba todo y, a la vez, tiene una personalidad característica que se mantiene desde “El efímero arte de perdonar” hasta “A tus pies”.

VIVIENDO DENTRO DE UNA OBRA de desdoblamiento constante, donde interpreta tanto a Gabriel Barriuso (el ingeniero) y a Barry B (el artista), reconoce que uno pesa más que el otro. “Cada vez más el personaje está siendo Gabriel, porque tengo que ejercer de él”. Pero matiza: “Llamémoslo Gabriel 2, porque a Gabriel también le cuesta someterse a las órdenes”. Sin embargo, ambos vienen del mismo núcleo. Un núcleo que siempre ha escuchado rock o country, a Eric Clapton o a

The Killers, y que forma parte de la esencia de ambos personajes. “Monté un grupo de música punk rock”, recuerda. “Las guitarras y el rock siempre han estado”, pero su forma de integrarlas en las canciones ha ido cambiando a lo largo de su carrera. “Cuando vine a Madrid, busqué otras maneras de hacer música, con bases más electrónicas y urbanas”. Ahora, Barry ha vuelto al universo de la banda, no forma parte de un grupo, pero ha retomado ese sonido característico. “Todo fluye más a banda”. A pesar de su exitosa carrera en solitario, el joven arandino admite que “la banda es lo mejor del mundo”. Aun sin serlo del todo, podría decirse que tiene una: rusowsky, Ralphie Choo, DRUMMIE o Sam Gold son nombres que aparecen a menudo en sus canciones. “Son familia, no les tengo que aguantar tanto ni dar órdenes”, bromea. Son amigos, hermanos, y su colaboración siempre da lugar a temas frescos, y duros. “Tenemos muy buenas referencias y el hambre por dar un toque diferenciador”. Así define la fórmula secreta de esta familia. “Salen cosas que pueden parecer muy distintas, pero es darle una vuelta de tuerca a algo que ya está inventado”. Barry, sin embargo, no busca ser el más diferente. “A mí me encantaría hacer algo como lo que hace Bruce Springsteen”. Instrumentos y letras que calan. Y, justamente, eso busca Barry. “Me gustaría ayudar a mis oyentes con las letras”. Pretende emocionar, y pretende integrar. “Que tengan una

Barry B. Nos pasa a todos

perspectiva de la música más de familia [...] Cuando veo movidas de Elvis, la peña se siente parte de algo”.

CURIOSAMENTE, su letra favorita de “Chato” no la canta él, sino el vocalista de Carolina Durante: “Yo pensaba que me había tocado Dios, pensaba que era inmortal hasta el día en que te conocí”. Como una especie de experiencia universal, Diego canta “una cosa que nos ha pasado a todos”, remarca. “Esa frase significa mucho para mí”. Y es que, además, la otra única colaboración del álbum, “El lago de mi pena”, es con Gara Durán, su actual pareja y compañera de vocación. “Es súper bonito porque ella me enseña unas cosas, yo le enseño otras y salen movidas súper únicas”. patricia castellar

EN CONCIERTO

l Barcelona 07 marzo. La Nau

l Madrid 15 marzo. La Paqui

l Valencia 06 mayo. Festival de les Arts

l Sabadell 16 mayo. Embassa't

l Sevilla 16-17 mayo. Festival Interestelar

l Benicàssim 18-20 julio. FIB

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Cala Vento

Cala Vento son mucho Cala Vento, aunque solamente sean Joan y Aleix. La diferencia es que esta vez, en “Brindis” (Montgrí, 25), se ponen en la piel de muchos otros artistas para celebrar sus diez años de trayectoria y dotar de nuevo contenido a su inminente –e intensiva– gira. Con ellos inauguramos nueva sección.

foto Arnau Elías

“Mi canto libre” (Lucio Battisti) (Joan) Lucio Battisti llegó a Aleix hará unos cinco o seis años. Recuerdo alguna conversación de él y Jordi B-Core hablando de Lucio en la que coincidían en que era uno de los mejores cantautores italianos. A partir de ahí los dos empezamos a escucharlo con bastante frecuencia. Cuando en 2021 en plena pandemia, decidimos versionarla en el local de ensayo para abrir nuestro primer concierto post-pandemia. Fue un momento muy emocionante tocar después de varios meses de crisis, con toda la gente sentada a dos metros entre ellos y con mascarilla: “En un mundo que no nos quiere más…” Es mi preferida del disco.

“Insurrección” (El Último de la Fila) (Aleix) Al margen de su increíble personalidad musical, y esa capacidad de salir por la tangente que tanto nos inspira, El Último demostraron que la autogestión era compatible con el público mainstream. En un momento en el que no era nada habitual, crearon su propia discográfica y su propia editorial y licenciaban sus discos a las “multis”. También montaron una oficina de contratación que organizaba sus propias giras, alquilando los mejores equipos de sonido en Reino Unido porque en España no existían. Do it yourself en estado puro.

“A sota aigua” (Turnstile) (Joan) La idea de versionar a Turnstile sale casi de manera obligatoria.. Turnstile ha sido probablemente la banda que más influenció “Casa Linda” y otra vez un ejemplo de cómo llevar una música aparentemente de nicho a un gran público. Al empezar a barajar posibles versiones los dos coincidimos en qué, como grupo que había conseguido que los dos volviéramos a ir de conciertos juntos, había que homenajear-

los. Así que desde aquí gracias Brendan y compañía. A Aleix le salió la traducción del tirón en catalán y así se quedó, la verdad es que lo de “A sota aigua” le va brutal.

“Lento” (Julieta Venegas)

(Aleix) Supongo que en nuestra adolescencia cuando Julieta se hizo gigantesca en España. Respetamos mucho su larga trayectoria y su capacidad de hacer mega hits como este. ¡La canción era muy calaventoable y salió muy fácil! Queríamos versionar a algún artista mexicano ya qué en los últimos años hemos sentido que Mexico es casi nuestra segunda casa (¡hemos ido ocho veces ya!) y aunque, a día de hoy, no sea la artista de ese país que más escuchamos, para nosotros tiene una relevancia importante.

“Pau” (Els Pets)

(Joan) De hecho, la aparición de Lluís en el concierto de Barcelona fue lo que detonó este disco de versiones. La preparamos y cantamos (en un principio) solo para ese día, pero en el camerino Lluís nos insistió en cambiar un poco la letra y darle una vuelta más. Nos lo pasamos tan bien haciéndolo que luego nos fuimos animando con las demás versiones.

“Grita” (Jarabe de Palo) (Joan) Aquí ya entra más algo personal. No es que seamos fieles seguidores de la carrera y discografía de Pau Donés, pero esa canción en concreto marcó un momento muy importante de mi vida cuando era pequeño y, si juntamos esto con el alto componente emocional del tema, es una de esas canciones que si escuchamos una vez al año nos caen los lagrimones seguro. Eso sí, le hemos subido el tempo más que lo que suben los precios [risas].

“Sonno Innamorato Di Te” (Cala Vento)

(Aleix) Otra “broma” interna marca de la casa [risas]. Enric [Lecocq] es nuestro buen amigo desde hace muchísimos años, de la cuadrilla de Joan desde pequeños y alguien que ha estado al lado de Cala Vento desde que empezamos, dando sus consejos y aportando su granito. En verano hicimos una fiesta en su casa y se preparó esta versión en italiano –él es medio francés, medio catalán– para cantársela a su futura mujer junto a nosotros. Luego nos apeteció grabarla y que quedase para la posteridad. Siempre es buena excusa para colaborar con amigos.

“Aixopluc” (Da Souza)

(Joan) Da Souza nos influenciaron mucho en los primeros años. Dentro de la escena underground/hardcore/emo de Catalunya eran de nuestros favoritos probablemente por las melodías y por los arreglos de guitarra. Nos dio mucha pena que lo dejaran y les hemos hecho este pequeño homenaje. ¡También para a ver si la peña se escucha sus primeros discos que son una maravilla!

“Blueprint” (Fugazi) (Aleix) Creo que poco hay que decir sobre versionar a Fugazi. Referentes totales en lo musical y en lo profesional. Versionar “Blueprint” fue un reto importante, probablemente es la que más nos ha costado del disco, por la traducción al castellano o sobre todo por encontrar el rollo a la hora de cantar como lo hacían ellos. Recuerdo horas y horas debatiendo letra y métrica en el estudio. Al final salió, nos gusta mucho y lo más importante es que pudimos contactar con Ian Mackaye y tanto él como la banda nos dieron su aprobación. Vamos a imprimir y enmarcar su mail. MS

EN CONCIERTO

l Barcelona 05 y 06 febrero. Apolo

l Valencia 07 febrero. Moon

l Murcia 08 febrero. Sala Mamba

l Sevilla 09 febrero. Custom

l Madrid 10 y 11 febrero. Teatro Eslava

l Santiago de Compostela 12 febrero. Capitol

l Gijón 13 febrero. Teatro Albéniz

l Vitoria-Gasteiz 14 febrero. Jimmy Jazz

l Santander 15 febrero. Escenario Santander

l Zaragoza 16 febrero. Oasis

l Benicàssim 17-19 abril. San San Festival

l Sevilla 16-17 mayo. Festival Interestelar

l Málaga 23-24 mayo. Oh See! Festival

l Valencia 06-07 junio. Festival de les Arts

EN PORTADA

SANDRA DELAPORTE y Sergio Salvi me reciben desde la distancia. Después de su concierto de arranque en Barcelona, la gripe se apoderó de ellos y no tuvieron más remedio que, por supuesto, dejarse caer. Concierto de Sevilla cancelado, firmas pospuestas y mucha tos en esta entrevista vía ZOOM. Eso no quita, te aviso, que salgas de estas páginas con una lección de vida muy sana. Y dando positivo en “amorchi”. Ah, por cierto: me di la libertad de enfrentarme a esta entrevista sin llevar preguntas cerradas. Quería probar a cagarla. Quizá te sorprenda ver al dúo italo-español de nuevo por estas páginas. Hace solo un año, presentaban su disco más directo (y techno) hasta la fecha, “Aquí y Ahora” (23). Y si le ha seguido este lanzamiento tan próximo ha sido porque la etapa vital y el contexto eran los mismos, explican. “Habíamos pensado sacar un EP con extras de ‘Aquí y Ahora’ en plan ‘volumen 2’; pero recuerdo estar en la feria de ganado de mi pueblo, llamar a Sergio y decirle ‘¿Qué te parece si le cambiamos el nombre?’. Porque es un concepto diferente”. Fue el italiano quien vino con el “Déjate Caer” entre los dientes. “Era un poco leitmotiv de muchas de las conversaciones y de las luchas interiores que teníamos”. Y aunque el título llegara lo último de todo, las piezas encajaban como por arte de magia. “Luego flipé, porque muchas de las letras no paran de mencionar lo de ‘caer’… ¡Parecía una premonición!”.

SÍ, SÍ, HAS LEÍDO BIEN: ganado, pueblo. Sandra Delaporte nació en Madrid, pero, desde hace casi ya dos años, reside en un pueblo de unos doscientos habitantes en el Pirineo aragonés. Allí, admite, da más rienda suelta a su creatividad y lo que más valora ella: “La gente es amor. En la ciudad no hay vulnerabilidad, tienes que ser fuerte, hostil. Aquí da igual que haga música, que recoja patatas o lo que sea. La gente es amor y se ayudan todos. Y eso yo no lo había vivido nunca en una ciudad”. Y la idea de “DÉJATE CAER” va muy en línea con esta mentalidad. “Siempre te dicen ‘nunca te rindas’, ‘sé fuerte’, ‘lucha’. Es como un poco derrotista, ¿no? Nuestro aprendizaje es bastante opuesto al de la sociedad en general”. Para ellos, cuanto más en pelea estés contigo mismo, más sufres y, sobre todo, menos “permites que suceda lo que de verdad necesitas que suceda”. Ahí está la clave de que el álbum no lleve ni un mes fuera y ya esté conectando a máxima tensión: se compuso sin expectativas, sin intentos del dúo de acotar el camino, sin límites, ni hacia arriba ni hacia abajo. “Si hay más juego y menos que perder, lo das todo”,

precisan. Y si el anterior disco se había concebido en aventuras asiáticas, carreteras y baños públicos, parte de este ha nacido en el lugar con menos fronteras posibles: la playa. “Hicimos un ejercicio muy chulo con Laia, nuestra teclista. Nos fuimos a Cantabria sin ninguna expectativa. Dijimos ‘lo que salga, sale’. Se sentaron al atardecer en la playa, con un temporizador y tres ordenadores. Escribían sus ideas para alguna canción y “cada veinte minutos nos teníamos que pasar el ordenador”. Y allí surgió, señalan, ‘SOMOS DIABLOS’, “con el único objetivo de pasarlo bien, sin forzarnos”.

TAMPOCO PENSÉIS que Delaporte son inmunes a los fracasos y a las caras tristes. Este mismo tropiezo, el estar enfermos en pleno lanzamiento del álbum, ha amenazado con desgarrarles los ánimos. “Nos sentíamos con mucha culpabilidad por haber cancelado, pero, realmente, mejor dejarse a caer a tiempo que ir arrastrando sufrimiento. Lo importante es ser consciente de estos pensamientos, que no dirijan tus actos”. Y es que, realmente, si te pones ‘DÉJATE CAER’, verás que no todo son flores y sonrisas… Hay mucho de admitir errores, de confesar carencias. Podemos bautizarlo como ‘negatividad positiva’”. Porque para ellos, además, este trabajo ha supuesto una re-unión. “Veo en este disco un encuentro con Sandra. Me siento muy alineado en todo lo que decimos”, explica Sergio. “Incluso en las cosas en las que yo no he metido mucho la mano, me siento súper representado”. Además, precisa, ha formado parte del “bucle de composición”. “Al final, el arte es un pescado que se muerde la cola: tú, dentro de ti, generas ciertos pensamientos a los que puedes llegar hasta un cierto punto”. Componer les permite llegar más hondo, sacar cosas a las que ni siquiera puedes dar sentido aún. “Y luego ya con el tiempo las entiendes, le das un sentido a todo lo que estabas pensando, al contexto en el que estás viviendo, lo que estás razonando... Y eso te hace crecer y te hace sacar más composiciones. Eso es lo que ha pasado entre los últimos dos discos”. Lo más raro de todo, añade Sandra, es que “misteriosamente, el resultado final es coherente, y eso que muchas veces, ni yo sé qué quiero decir con algunas letras”. Menciona, entre risas nerviosas, lo mucho que le costó “SOMOS DIABLOS”. “Lo pasé muy mal con este tema”, indica. A puntito estuvieron de sacarlo de la carpeta de canciones del disco. Fue Sergio quien añadió ese arranque bachatero y, a base de muchos intentos – ¡muchos! “¡Ojalá un día sacar todas las versiones de ese tema!” – y de una revelación en plena madrugada, la pista fue encontrando su destino. “Estábamos de

Delaporte

BPM's de amor

Estar en lo más alto de una montaña rusa cargado de gasolina, risas, errores y una bandera blanca. Algo así es sumergirte en “DÉJATE CAER” (Mad Moon Music, 25), lo nuevo de Delaporte. Hablamos con ellos sobre cómo hacer que la caída libre suene tan bien.

Mara Gómez

texto

EN PORTADA

3gira, durmiendo, y a las tres de la mañana me levanté, desperté a Laia, cogí el móvil y grabé un audio con la voz ronca de recién despertada: ‘SOMOS, SOMOS, SOMOS DIABLO’”. Tantas trabas se unían, paradójicamente, con el propio contenido de la pista. “Tenía mucha lucha, porque nunca era suficiente. Y precisamente la letra habla de eso, de ese diablo interior que me hace vivir eso de esa manera: tener que ponerte una máscara y, como nunca eres suficiente, pretender ser algo mejor”.

ESTA NECESIDAD DE VALIDACIÓN es algo que retumba en los beats de varios de los temas. “Soy yo la que más problemas tiene con este asunto…”, confiesa Sandra, “Avergüenza decirlo, pero es la única forma de sacárselo. Hay una parte de mí que necesita ser importante, una crack, que necesita ser validada, amada, vista como algo del otro mundo, y me hace sufrir un montón. Hemos aprendido que la única manera de recibir amor es siendo perfectas, o siendo lo que la gente espera”. De hecho, uno de los motivos por los que decidió marcharse a la aldea en las montañas fue precisamente para estar bien con ella misma. “Me paso la vida complaciendo y agradando, y eso me cuesta mucha energía. Claro, que estoy intentando cambiarlo porque ahora me estoy convirtiendo un poco en apego evitativo de la peña”, admite entre risas. Si te pusieras a contar las veces que se menciona el amor en las nueve pistas del álbum, te harían falta varias manos (más de diez, concretamente). Pero, curiosamente, pocas tienen que ver con relaciones románticas de pareja. “Amarse y ver que no hay nadie”, proclaman en “Rendición”. Esa podría ser una de las conclusiones. “El amor que tanto necesito está en mí, las personas son llaves que lo abren, nada más. Eso sí, se refiere a las expectativas de que quieres que esté esta persona o quién tú quieres, porque nunca estamos solos”. Y qué mejor manera de ilustrarlo que con la anécdota de Sandra en el bosque aragonés: “El 31 pasé la Nochevieja sola, porque quería pasarla sola para ver cómo me sentía, y me fui al bosque de noche. Me tumbé ahí. De pronto, abrí los ojos y… un zorro. A menos de un metro de mí. Nos quedamos ahí mirándonos y dije ‘ ¿Ves? No estoy sola nunca’”.

MUCHO DE ESE AMOR está encapsulado en “La Ternura Es Simple”, que cierra el trabajo con una declaración de amor pleno. Si eres de los que escucha a Delaporte haciendo ejercicio, cuidado con esta: es una sensación rara sudar hasta por los ojos. La compusieron entre entrevista y entrevista y la fueron retocando –al principio les preocupaba mucho que sonase igual que una de Basement Jaxx– hasta incluir ese poema

CRITICANDO

DÉJATE CAER

ELECTRÓNICA / NO LLEGA A UN AÑO desde que salió el anterior disco de Delaporte, llamado “Aquí y Ahora”, y parece que Sandra y Sergio han hecho suyos tanto el título como la filosofía del disco, porque aquí está el siguiente: si ya tenían una buena colección de canciones, ¿por qué no sacarlas?

Ya habíamos escuchado adelantos de “DÉJATE CAER” como “Cagarla” y “Techno rico”, de un marcado carácter alegre, pero “Rendición” fue el que nos voló la cabeza: una de las mejores canciones en español del año pasado y un temazo que mezclaba electrónica con spoken word y música con enseñanzas de meditación, algo que ocurre bastante en este “Déjate caer” El ejemplo más claro es la estupenda “La ternura es simple”, de nuevo con un mantra que se repite... y no se repite: “Este amor al dolor, corazón, lo que soy, que muera” acaba siendo una frase mutante que va cambiando y significando distintas cosas y, a la vez, sigue significando lo mismo del principio. De nuevo spoken word hacia el final, e incluso un extracto de audio de Whatsapp que termina de redondearlo.

El punto más intenso y existencialista que encontrábamos en “Aquí y Ahora” sigue presente en este disco con temas como estos dos o como “Cielo ardiendo”, pero, por lo general, hay una mayor presencia de humor, alegría y hedonismo, como vemos también en “Dopamina Golondrina”, “Somos diablos” o “Japi Mil” (donde hay incluso un acercamiento al hyperpop). Y una de las joyas del disco une ambos mundos, pues habla de algo que es tanto alegre como intenso, tan lleno de humor como de existencialismo: la amistad o, dicho de otra manera, la preciosa “Se Abre el Mundo (Sergionchinnn)”.

Según cuenta Sergio, “DÉJATE CAER” está en su mayoría compuesto por temas que no llegaron a entrar en “Aquí y Ahora” Que estas canciones puedan, en cierta manera, considerarse “descartes” te da una idea del talento de la banda. pablo tocino

(“Y si empezara a sentir//A dónde iría//Y si me dejara caer//LLEGARÍA”) que, destacan, es lo único escrito después de haber decidido el título del propio álbum. Pero… no es solo esa parte “spoken word” la que hace tan especial a estos seis minutos. Es la emotiva voz de la madre de Sandra la que hace saltar por los aires toda la ternura del mundo. “Paralelamente [a la composición] había tenido una experiencia bastante importante a nivel terapéutico sobre mis lazos familiares y reconecté un montonazo con mi madre”, cuenta ella. “Las madres lo saben todo, porque son brujas, y me envió ese mensaje… Lo quise meter porque es la persona que más amor me ha enseñado en mi vida. O sea, si yo estoy en este mundo es por el amor de mi madre”. Reconoce que no fue nada premeditado (“Realmente, el audio terminaba con ‘¿Te guardo una bolsa para las bragas sucias?”) y que, de hecho, se incluyó el mismo día de entrega del disco. “Tenía que compartirlo con el mundo. Cuando estoy un poco mal, me lo pongo y me recarga la pila del amor”.

“MUCHO AMORCHI”. Ese es su lema de los últimos meses. Y también lo que les

“

“Nuestro aprendizaje es bastante opuesto al de la sociedad en general”

darían a sus “yo” del pasado si pudieran conectar con aquel dúo que andaba grabando versiones para Youtube. Era 2016, los inicios de su pop electrónico (que, poco a poco, ha ido virando cada vez más hacia el segundo género), y el momento perfecto para “darles un abrazo y decirles que lo están haciendo muy bien”, afirma Sergio. “Que no sufran tanto por las expectativas”, les comentaría Sandra. “¿Y qué tal si le dices que sufrir también está bien?”. Está de acuerdo, pero es difícil interiorizarlo. Aun así, ambos sostienen que están trabajando en ello, sobre todo a través de sus proyectos personales. Hace unos meses que Sergio lanzó bruno y que Alexxandra (la mezcla entre Sandra y Alejandra, el auténtico nombre de ella) vio la luz. “Cada uno tiene sus gustos, su manera de sentir la música, y eso es completamente válido. Yo empecé a hacer más cosas de techno con las que Sergio no se sentía tan representado. Había una parte de mí, más oscura, más violenta, que necesitaba expresar”. Mientras, él mantiene los bpm un poco más bajos. “Más electrónica, más ambient… Es algo que no se está haciendo aún en España y que tengo muchas ganas de

compartir”. “bruno”… ¿Dónde has visto tú ese nombre? Te lo chivo: en el featuring de “Rendición”, que sirve precisamente como primer adelanto de la propuesta del napolitano. “Si ves el proceso de grabación… No la podíamos grabar: venga a llorar y a abrazarnos…”. Sandra y Sergio se conocieron en una jam session de jazz en la capital y, a partir de este sexto álbum, declaran, van a “compartir mucho más, vamos a estar aún más alineados, porque tampoco hay apegos entre nosotros: hay mucha honestidad, hemos crecido y madurado un montón como relación”. Y sospechan que algo de esta “ultraconexión” fue lo que prendió en Barcelona en el primer bolo de presentación de enero. “Lo que sentimos en ese directo no lo habíamos vivido ningún concierto antes, y mira que hemos dado chorrocientos mil”. Lo definen como “catártico”: “Cuanto más crecemos Sergio y yo como seres humanos, más se nota en los directos, hay más conexión. Al mismo tiempo, yo estoy más relajada, con menos expectativas”. Ya no pretende ser alguien en el directo, sino “simplemente ser”. “Vemos que el público lo recibe exactamente igual y que les da permiso para ser tal

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como son en ese momento. Eso es una liberación y es lo que genera esa catarsis: de pronto se convierte en un espacio en el que no hay juicio, en el que no hay tonterías, en el que no hay egos, en el que no hay una diferencia artista/público, sino que todo va de la mano”. Tuvieron la sensación de que había empezado algo muy especial, y que continuará en la gira de salas y festivales que está por venir. Y todo porque, hace un año, el “techno curó” y ahora, cuentan, “han subido las dosis de amor”. m.g.

EN CONCIERTO r

Más en www.mondosonoro.com

l Madrid 08 febrero. La Riviera I(Inverfest)

l Granada 21 febrero. Sala Aliatar

l Almería 22 febrero. Sala Berlín Social Club

l Benicàssim 19 abril. SanSan Festival

l Alcázar de San Juan 23-24 mayo. Festial

l Valencia 06 junio. Les Arts Festival

l Gran Canaria 03 julio. Granca Live Fest

l Vilanova i la Geltrú 04 julio. Vida Festival

l Bueu 02 agosto. SonRías Baixas

l Aranda de Duero 06-10 agosto. Sonorama Ribera

PRIMER CICLO DE CONCIERTOS 2025

AIE n RUTA ARTISTAS

BALA CARLANGAS CARMESÍ EL NIDO EL PONY PISADOR EMILIA y PABLO GANGES MAINLINE MAGIC ORCHESTRA MARILIA MONZÓN MERITXELL NEDDERMANN MIKEL AZPIROZ NAKAR EL NIÑO LORD.CAH PARQUESVR REPION RÜDIGER SPACE SURIMI TOC YELI YELI

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Parquesvr Repion

Emilia y Pablo

Yeli Yeli

El Nido

El Pony Pisador

Carmesí

Bala Carlangas Space Surimi Toc

El Niño Lord.Cah

Marilia Monzón Meritxell Neddermann

EL DISCO. RECUPERADO.

Ani DiFranco

Dilate (1996)

No se suelen encontrar muchas dudas sobre el impacto de “Dilate” y lo que el disco supuso para la carrera de Ani DiFranco. La obra que definitivamente la confirmó como una realidad en la música norteamericana, curiosamente con un estilo atípico para su época, combinando folk, grunge, funk, blues y cualquier cosa que se le pasara por la cabeza y que pudiera tocar con su guitarra acústica. Era el octavo trabajo de su trayectoria, pero la paciencia fue clave para que traspasara esa barrera entra la artista de gueto y la de impacto internacional. Ani ofreció en “Dilate” una nueva perspectiva de la música folk hecha por mujeres, en la que la habitual vulnerabilidad se combinaba con una fuerza y un espíritu revolucionario herederos del movimiento riot grrrrl

Cargado de magia desde el principio, solo los dos primeros temas ya te ponen en tu sitio. “Untouchable Face” es hipnótica. Cruda. Con ese estribillo donde la ira y la resignación se encuentran con el sarcasmo. “Fuck you and your untouchable face”. En cambio, “Outta Me, Onto You” es agresiva desde sus primeros segundos, con un aroma funk permanente que no la aleja demasiado de algunos momentos de Red Hot Chili Peppers, y demostrando el por qué es una de las grandes guitarristas acústicas de la historia. Con una producción minimalista, que

no insuficiente, el disco sabe aprovechar también pequeños detalles electrónicos que solo ponen la guinda al trabajo a las seis cuerdas de Ani y a unas eficaces percusiones.

Pero también hay que destacar el poder lírico del trabajo. DiFranco aborda un tema tan universal como las relaciones desde una perspectiva increíblemente personal, casi única. Habla de ira y amor, de desesperanza y aceptación, y lo hace todo a la vez. Profundiza en las relaciones interpersonales sin ningún interés en ponerse en el lugar del otro. Bastante tiene ya con cargar con lo suyo. Y eso la hace tremendamente atractiva e infaliblemente adictiva. Incluso cuando se sale de la temática general del álbum, como en “Napoleon” para hablar de un músico que se vendió para obtener el éxito, nos está hablando de ella misma y sus propias luchas morales internas, explorando su actitud hacia la honestidad y la integridad. Invitando, como en todas las canciones, a que el oyente se enfrente a sí mismo. Una dualidad que también se mantiene en el sonido. La mente del ser humano es compleja, contradictoria. Y Ani aquí también lo es de manera consciente. Intenta mantenerse tradicional a un género que adora, pero no olvida experimentar, convirtiendo el disco en una experiencia sensorial completa. De diez. eduardo izquierdo

TAN. CERCA.

RR Los Premios MIN abren las inscripciones para su XVII edición. La Unión Fonográfica Independiente tendrá abierta la inscripción hasta el 8 de febrero para que artistas y sellos que publicaron lanzamientos en 2024 puedan presentar sus trabajos en veintitrés categorías. www. premiosmin.com.

RR La rapera vasca La Furia ha anunciado los seis conciertos que ofrecerá con ayudas del ciclo Girando Por Salas #GPS15. Podremos verla en Benavente, Alicante, Sevilla, Málaga, Granada y Madrid. www.girandoporsalas.com

RR El músico navarro Gorka Urbizu ha publicado “Bakan (I)”, primera parte de un nuevo EP que incluye las canciones “Herri Txiki” y “Etorkizuna Ginenean”, ambas ya interpretadas en algunos de los directos de Urbizu en su reciente gira.

RR Alison Darwin cuentan con Venturi en “Te lo mereces”, primer adelanto del nuevo trabajo que se viene de los barceloneses. La canción ha sido producida por Carlos Hernández Nombela (Triángulo de Amor Bizarro y Aiko el grupo, entre otros) y se grabó en el Castillo Alemán.

RR La segunda edición del Alma Occident Madrid anuncia una nueva confirmación artística. En esta ocasión se trata de Dorian y Miranda, quienes protagonizarán un doble cartel que se celebrará el 20 de junio en el Parque Tierno Galván.

RR Nace en Barcelona DJ Not DJ, fiestas en horario tardeo y de vermut con músicos que ejercerán de DJ. Así, podremos disfrutar de estas fiestas en Próxima Estación (Madrid) y Vidre Art Gallery (Poble Espanyol) con Gary Powell (The Libertines), Russell Leetch y Elliott Lion (Editors), Andy Smith (ex Portishead) y Mike Joyce (The Smiths). www.djnotdj.com

RR La Bien Querida publicará un nuevo trabajo, “LBQ”, el 21 de marzo. Para presentarlo en sociedad ha estrenado ya dos canciones: “Podría haber sido” y “Una estrella”. MS

Periferia Relevo necesario

El relevo está aquí. Jubilemos a los viejos dinosaurios que hemos visto tropecientas veces en directo y dejemos espacio a grupos jóvenes con algo que contarnos como Periferia. Charlamos con ellos a propósito de “Rincones de nadie” (Kasba Music, 25), su segundo álbum.

BERTA (VOZ), PEP (GUITARRA) y Climent (guitarra) son tres de los cinco envidiablemente jóvenes miembros de Periferia, pero es que la media de edad del grupo ronda los veinticuatro años. La banda catalana acaba de publicar “Rincones de nadie”, un segundo álbum que es incluso mejor que el primero, y eso que “Fortuna o discordia” ya me pareció inmaculado en el momento de descubrirlo. Hemos tenido el privilegio de entrevistarles un par de semanas antes del

lanzamiento oficial del disco con el objetivo de desgranar el contenido y conocer su historia. “Para nosotros es muy importante que los cinco integrantes de la banda tengamos una conexión especial, que seamos amigos. Todos somos del mismo pueblo, de La Roca del Vallés, y nos conocimos en la Escuela Municipal de Música cuando éramos alumnos. Y también nos sentimos muy acompañados por la vieja escuela de los Karatepunks de La Roca”.

AHORA, PARA ESTE NUEVO TRABAJO, Periferia han confiado por primera vez en la experiencia de otro veterano de la escena como es Joni Destruye y su discográfica Kasba Music. “Realmente tampoco estábamos buscando un sello para editar el nuevo disco, porque no queríamos forzar las cosas. El primer paso lo dio nuestra agencia de management, Metiendo Tralla, después de la recomendación inicial de Nano Vegano de Lengua Armada. Ha sido un proceso natural: después de la última

“Hay muchos grupos de Euskadi con los que conectamos musicalmente”

TAN.LEJOS

RR Después de que se filtrasen algunas posibles fechas en Internet, se ha confirmado a través de sus propias redes sociales que Nine Inch Nails volverán a la carretera como banda este mismo año 2025. Será la primera gira del grupo desde 2022. De momento, el festival madrileño Mad Cool los ha confirmado entre sus grandes nombres.

RR El año pasado, el dúo británico de punk, rap y electrónica Bob Vylan lanzó su disco “Humble As

Las Dianas Procrastinación

Las granadinas despidieron el año con “Ya decidiré mañana” (Casa Maracas, 24), algo más que su revalida. Urgencia y asueto a partes iguales.

“LO QUE TE PIDE EL CUERPO” (21) les pilló con la libreta en la mano. Frescura seminal, cinco chicas muy jóvenes venidas de Granada. Apuesta segura. Firmaron un disco lo suficientemente redondo para colocarse en el disparadero y a funcionar. No ha sido lo mismo en “Ya decidiré mañana” y lo dice

María, la más indecisa de las cuatro. “El primer disco lo hicimos sin darnos cuenta, con las diez canciones que teníamos y listo. Esta vez teníamos ganas de pensarlo todo, buscar un concepto, probar cosas e incluso hacer descartes así que se nota mucho el progreso”. Un ejemplo de ello lo pone Laura, quien tomó la voz principal tras la marcha de Paulina, con “Ya nunca me llamas”. “Es una canción que teníamos compuesta la mitad desde hace mucho tiempo, porque queríamos que fuera una colaboración así que siempre procrastinábamos hacer la segunda estrofa”. Al final, la colaboración no se fraguó y aún

The Sun”. En él incluyeron “Dream Big” que ahora, con la participación de Amy Taylor, se convierte en “Dream Bigger”.

RR Brittany Howard, a quien conocemos como vocalista de Alabama Shakes y por su carrera en solitario, ha debutado oficialmente en el mundo del hardcore al frente de Kumite –proyecto conjunto con los miembros de Second Spirit–. El motivo fue un concierto benéfico en Nashville para obtener fondos para asociaciones locales.

así quedó una de las mejores canciones de un disco que han conseguido distanciarlo de los lugares comunes y hacerlo diario de sus propias decisiones, unas más acertadas otras igual menos, ya lo sabremos mañana, pero tenían que ser las suyas. “Está claro que, para seguir adelante, hemos tenido que empezar a tomar nuestras propias decisiones, algunas difíciles, así que cuanto más las hemos pospuesto mejor [risas]”. Una determinación clara tenía que ser hacia dentro, reafirmación hacia ellas mismas, y la respuesta se llama “El síndrome del impostor”, primer single y toda una declaración de intenciones. “Es

RR Al margen del fallecimiento del director de cine y músico David Lynch –a quien dedicamos nuestro especial–, en enero han fallecido importantes músicos de distintos géneros. Nos han dejado Garth Hudson (The Band) a los ochenta y siete años; el guitarrista de hard rock John Sykes (Tygers Of Pan Tang, Whitesnake, Thin Lizzy, Blue Murder) a los sesenta y cinco y el mítico soulman Sam Moore (Sam & Dave) a los ochenta y nueve.

RR Seis personas es la cifra de heridos hospitalizados en un concierto

gira de ‘Fortuna o Discordia’, donde tuvimos varios sold out, vimos que había la oportunidad de crecer y para eso necesitamos más apoyos”. Tampoco están solos en el disco: en la tercera canción, “Grítame”, colabora el cantante de Kamikazes, un grupo de Madrid con el que mantienen una gran amistad desde hace tiempo, y en “Una luz” incluso se escuchan unas estrofas en euskera de la mano de Etxekalte. “Hay muchos grupos de allí con los que conectamos musicalmente, ya que beben de influencias muy diversas. Entonces decidimos que teníamos que hacer algo con alguien de Euskadi y meter un trozo en euskera para reflejar de alguna manera todo lo que se está cociendo por allí. En ese contexto descubrimos a Etxekalte y nos moló muchísimo tanto su música como la voz. Les escribimos y en seguida se mostraron muy abiertos a colaborar. Estamos encantados del resultado final del tema”. Aunque el euskera no es la única lengua diferente ante el predominio del castellano en las letras de Periferia. En “Parar el tiempo”, por primera vez en su

MONDO FREAKO

vida, Berta se atreve a cantar en catalán. Por lo que explica, no fue fácil sacar esas líneas de sus adentros. “Hace muchos años que escribo letras para canciones y siempre lo he hecho en castellano. Por los referentes que tenía entonces, a los doce o trece años, que eran básicamente Robe Iniesta y Kutxi Romero, ni me planteaba escribir en catalán. Cuando lo pienso todo esto es antinatural ya que mi lengua materna y del día a día es el catalán. Me cuesta explicarlo, pero me he creado un lenguaje de creación durante estos diez años que tengo muy arraigado dentro de mí y se me hace muy difícil cambiarlo. Lo intento todo el rato, porque es lo que tendría sentido, y me encantaría, pero me cuesta una barbaridad. Soy crítica con mi propia obra por este mismo motivo. Espero poder encontrar el camino de expresarme musicalmente en catalán y que en el próximo disco haya una canción entera cantada en nuestra lengua materna”. jordian fo

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“Hemos tenido que empezar a tomar nuestras propias decisiones, algunas difíciles”

cierto que teníamos mucha presión externa sobre la importancia del segundo disco, si a eso unimos la marcha de las compis, sabíamos que habría dudas sobre nosotras, pero te digo que tenemos la cabeza muy dura y al final lo hemos conseguido”. Y sobre todo, han conseguido imponerse a su propia censura, la que tácitamente les llega por todos los canales y que ellas han hecho propia. “Durante la composición del disco ha surgido en algún momento una censura entre nosotras que nos hacía preguntarnos si esto o lo otro era o no muy Dianas. Algo que hemos tenido que eliminar de nuestras cabezas para abrir horizontes”. Esos nuevos horizontes se ven, por ejemplo, en “No quiero verte”, un tema de sonido expansivo, con armonías vocales y que proyecta energía de gran hit.

de JPEGMAFIA en Berlín, cuando una persona todavía sin identificar empezó a rociar con spray de gas pimienta al público de forma indiscriminada. El concierto tuvo que acabar antes de lo previsto, evacuando a los más de mil quinientos asistentes.

RR Aprovechando su retorno a los escenarios con Frank Carter como vocalista, Sex Pistols publicarán por primera vez tres álbumes que recogen conciertos en directo de 1978, los últimos de la primera etapa de la banda. MS

“Es una canción que compusimos en México. Era la primera vez que componíamos con gente de fuera de nuestro entorno. Trabajar por ejemplo con María Centeno y Sebastián Romero nos dio otra visión”. Esa visión abierta está presente en las letras del disco, dramas aparte. “Siempre hemos intentado salir de los temas típicos. Por ejemplo, en este disco, ‘Ya nunca me llamas’ va de ghosting; ‘Perdiendo el tiempo’ va de procrastinar o “Me jode” va de todo en general”. El disco es un sincero relato de esa putivuelta que Ana, Laura, Marta y María se han dado en los últimos años por la vida. Y sí, decisiones han tomado, algunas hasta difíciles. arturo garcía

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Ela Minus Vive libre

“acts of rebellion” (20) nos advirtió ya sobre el potencial de Ela Minus. Un potencial que su espectacular directo nos subrayó y que ahora se materializa todavía más en su muy especial nuevo trabajo, “DÍA” (Domino/ Music As Usual, 25).

TODOS HEMOS ESCUCHADO alguna vez el manido concepto de “la magia del directo”. A veces más un cliché que un hecho. Pero en ocasiones, presenciamos algo tan único, excepcional e irrepetible, que solo podría ser visto como algo que va más allá de la experiencia terrenal. Justo eso pasó el 14 de junio en Barcelona, cuando la cantante y productora Ela Minus se subió al escenario del SónarHall. Con tan solo un adelanto, y sin fecha de salida, la colombiana presentó por primera vez el que iba a ser su segundo disco, en un directo que permaneció durante semanas en la mente de todos los asistentes. Ahora, y después de una larga espera, llega a todas las plataformas de streaming “DÍA”. Semanas antes de su salida hablamos con su autora para descubrir qué se esconde tras este brillante trabajo y como ha sido el camino hasta llegar aquí. “Ahora mismo para mí está todo un poco confuso”. Y es que el disco

llevaba acabado más de un año, meses antes de la actuación del Sónar. “Tengo la sensación de que ya he vivido mucho con él, pero esta vez me he preparado más que con el primero. Después del directo decidí no pensar mucho más porque iba a pasar mucho tiempo y no quería aburrirme de él, ni desconectada, y creo que lo logré, tanto que ahora tengo pánico. Pasó súper rápido”. Durante este tiempo ha estado girando con artistas como Caribou. “Abrir para otros artistas me ha dado mucha libertad porque nadie me conocía, podía hacer lo que yo quisiera, y el reto era ganármelos. Es una comfort zone para mí”.

“DÍA”, QUE EN PRINCIPIO debía salir en octubre, tuvo como primer single “COMBAT”, una canción mucho más pausada, luminosa y onírica de lo que nos tenía acostumbrados. “Me parece súper bonito este juego entre lo que uno sabe, y va mostrando, y cómo cambia la perspectiva del orden en que muestras las cosas. Siento que esta canción si te comprometes, te habla y te lleva de la mano. Es una transición de un lugar a otro, de un disco al otro. Te absorbe, y cuando ya estás en ella, estás así como llorando comprometido en el lugar en el que estás”.

NO SOLO EL RESULTADO, sino el proceso que ha seguido, ha supuesto un giro de ciento ochenta grados en su concepción.

“Me demoré mucho en sentir que podía hacer un segundo disco. Después de mi debut tuve que irme de mi casa en Nueva York para empezar a viajar. Hasta el día de hoy sigo sin casa sólida. Salí completamente de mi zona de confort, que era mi casa, mi soledad, mi estudio. Me lancé a una vida de incertidumbre, de cambio de país y giras. Todo el tiempo estaba cambiando, no había nada sólido. Todo lo que hacía me parecía pésimo. Entonces, en diciembre de 2022, saqué la primera progresión de acordes y, aunque fue un proceso personal largo, dije ‘Voy a dejar ir la necesidad de estabilidad, y voy a aceptar que de pronto, en este momento de mi vida, tengo que estar así, moviéndome’. Acepté la confusión aunque no la entendiera. Acepté que el lugar al que quería volver ya no existía, y no podía volver. Y eso me alivió. Una vez lo sentí, el disco estuvo hecho en cuestión de tres meses”.

AUNQUE INTENTÓ REPETIR algunos de sus trucos, ya no casaban con ella. “La música estaba pidiendo una voz distinta. En las letras tenía que reflejarse que había pasado dos años de mucha introspección, honestamente, mucho cuestionamiento a mí misma. Además soy una persona que se alimenta mucho de las energías, los directos me afectan mucho, pienso en el Coachella o el Primavera, sales distinta. Siempre he sido una persona que está ahí

“Al final no eran solo mis hardwares, era yo”

para todo el mundo, constantemente buscando el lado positivo a todo. Y me parece algo muy bonito de mi personalidad. Pero cuando intenté escribir desde allí me di cuenta de que esto no es verdad ahorita. No me siento así, no tengo nada de fe en nada. Hacer este disco fue casi como una terapia en vivo. Me ponía loops y empezaba a cantar encima. Yo le decía algo a la canción, y después la canción me lo ponía enfrente, y era como ‘Uf, habría que lidiar con esto’. A veces uno se demora en entender su identidad. Yo sigo sintiendo que soy batería solamente, pero hay algo en el cantar, en el hablar, que me ha ayudado a entenderme”.

ME SORPRENDO CUANDO me cuenta que ha grabado con material prestado ya que se la conocía por utilizar únicamente sintetizadores que ella misma construía. “Fue un poco miedoso porque yo siento que tenía la identidad muy arraigada a esto. Construyo sintes, los entiendo perfectamente, sé cómo funcionan, sé cómo arreglarlos, me construyo los míos y nunca había producido de otra manera ni hecho canciones de otra manera. Pero este disco me ha dado mucho, incluso a nivel técnico. Siempre creía que no era capaz de hacer música sin mis instrumentos. Pero lo hice sin nada mío, en estudios alquilados, viajando mucho, en el campo. Fue un reto muy grande que ahora es como ‘Puta, sí puedo, soy capaz’. Al final no eran solo mis hardwares, era yo. Siento que con este disco he logrado consolidar mi voz”. eva sebastián

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WALA. WALA.

“Me siento bien sabiendo que la película no es una mierda, sino algo de lo que puedo sentirme orgulloso. En Rotten Tomatoes es un 91% de periodistas y un 98% de audiencia”

Robbie Williams sobre “Better Man” en Spin

“Es ridículo que alguien me viera como un icono de la moda, ya que lo que hacía era rebajar mi apariencia de clase media peinándome raro”

Kim Gordon en Ruta66

“Kali Uchis ha sido una de mis artistas favoritas durante un largo tiempo. ¡Y Shania fucking Twain! He estado siguiéndola toda mi vida! Fue increíble tenerlas en mi especial de Navidad”

Sabrina Carpenter en Vogue

“Jon [Auer] dijo que se había puesto en contacto conmigo para aclarar la situación, pero no es verdad. Lo que hizo fue gritarme y colgarme. No me escuchó y sigue sin hacerlo”

Ken Stringfellow en Rockzone

“SOY DEL MIDWEST Y ME GUSTAN LAS BANDAS DE ROCK: NAZARETH, OUTLAWS, UFO... SOLAMENTE ME GUSTABAN LAS BANDAS, ASÍ QUE ANTES QUERÍA ESTAR EN UNA BANDA”

Kim Deal en The Creative Independent

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Morgan Hotel, dulce hotel

NOS ENCONTRAMOS virtualmente con Nina de Juan (voz y teclados), Paco López (guitarra y voz) y David Schulthess (teclado), cuyas declaraciones mezclaremos sin identificar, por el bien del ritmo lector. La tecnología impidió que Ekain Elorza (batería) estuviera con nosotros, pero no que, una vez aclarada la simple coincidencia con el tema The Doors, les preguntáramos el sentido de hospitalidad que tiene ese título y si el “Hotel Morgan” es un buen lugar para quedarse. “Para nosotros es como un capítulo más, un lugar en el que encontrarte cómodo mientras lo estás escuchando. Es Morgan ahora, pero no sabemos cómo será Morgan dentro de unos años o ni siquiera dentro de unos meses. Creemos que es un buen sitio para quedarte el tiempo de vida

Nueve días y cuarenta y cinco años después de que The Doors publicaran su quinto disco, “Morrison Hotel”, Morgan harán lo propio con, en este caso, su cuarto trabajo, “Hotel Morgan” (North Records, 25). Simples casualidades de una vida que, en ocasiones, te lleva por caminos extraños. #

que tenga el disco, la gira, todo eso… Luego, ya veremos”.

NO TARDAMOS EN ENTRAR en el tema del idioma. Casi la mitad de las canciones incluidas en el álbum son en castellano, un runrún que ha rodeado a la banda desde sus inicios, con una clara apuesta por el inglés. “Entendemos la pregunta, es lógica. No es algo habitual. Cuando hicimos ‘North’ solo estaba ‘Volver’. Yo [Nina] había cantado muy pocas veces en castellano, y al final he tenido que irme acostumbrando. Puede parecer obvio, pero para mí no ha sido fácil. Al principio no me reconocía cantando en castellano. Poco a poco, a fuerza de hacerlo desarrollas la habilidad, pero tampoco es que hayamos dicho ‘Este tema ha de salir en castellano y este no’. Nos hemos dejado llevar. El siguiente disco no sabemos cómo será”. En cualquier caso, este ya sabemos cómo es. “Parece que a la gente le ha gustado mucho, y eso da tranquilidad. Es verdad que es un movimiento raro y arriesgado, pero nos apetecía hacerlo. No sabemos si a nivel de marketing es lo mejor, pero la respuesta está siendo buena”. EN OTRA DECISIÓN INUSUAL, la banda se fue hasta Noruega ¡en furgoneta! El motivo era grabar el disco en los Ocean Sound Studios. Una semana de ida, diez días de estudio y otra semana de vuelta. “Nos gustan los

discos que son un viaje, y este es un viaje en sí [risas]. Es una pasada de sitio. Está en medio de la nada, pero se puede llegar en coche. No nos gusta esa sensación del avión de que te montas en un sitio y apareces en otro, sin saber cómo has llegado. Somos más terrenales. Ese estudio fue un flechazo a primera vista. Cogimos las fechas rápidamente para agosto, que, a pesar de lo que pueda parecer, también son fechas de frío allí. Creemos que acertamos porque el sitio es maravilloso. Es una de esas experiencias que te llevas para siempre”. En cuanto a la producción, le han cedido el cetro a Martín García Duque (Aurora & The Betrayers, Speak Low) porque “siempre pensamos en alguien externo para producir. Quizá podríamos hacerlo nosotros, pero no acabamos de vernos porque implica muchas cosas que la gente no sabe. Por eso buscamos a alguien que nos aporte lo que nosotros no tenemos. Martín es un músico muy habilidoso, que se ha formado mucho y ha trabajado mucho en esto. Tiene un punto de artesano que nos gusta”.

EL RESULTADO ES UN “HOTEL MORGAN” en el que se combinan temas casi desnudos, incluso en acústico, con otros cargados de arreglos. Paco y yo [Nina] hemos tocado mucho en acústico, así que no nos viene de nuevo, en absoluto. No es extraño para nosotros, pero cada

“Nos gustan los discos que son un viaje”

canción requiere su trabajo. A veces, en contra de lo que pueda parecer, las canciones que están más desnudas son las que más trabajo nos han dado. Es una cuestión de que las cosas tengan sentido, de que las piezas encajen. Es súper atractivo para nosotros concebir un disco en el que hay cosas más crudas y luego algo súper producido porque es como tener diferentes sabores, diferentes texturas, y eso puede hacer la escucha también mucho más interesante”.

eduardo izquierdo

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EN GIRA

l Segovia 14 y 15 marzo. Teatro Juan Bravo

l Badajoz 22 marzo. Teatro López De Ayala

l Vigo 04 abril. Teatro Afundacion Vigo

l A Coruña 05 abril. Teatro Colón

l Guadalajara 05 abril. Teatro Colón

l Toledo 12 abril. Teatro-auditorio El Greco

l Barcelona 25 abril. Palau de la Música Catalana

l Bilbao 26 abril. Euskalduna

l S. C. de Tenerife 02 mayo. Universidad de La Laguna

l Las Palmas de G. C. 03 mayo. Auditorio Alfredo Kraus

l Gijón 10 mayo. Teatro de la Laboral

l Elche 16 mayo. Gran Teatro de Elche

l Zaragoza 17 mayo. Auditorio de Zaragoza

l Pamplona 23 mayo. Baluarte

l Valencia 24 mayo. Palau De Les Arts

l Murcia 30 mayo. Teatro Circo

l Málaga 31 mayo. Teatro Cervantes

TOP VÍDEOS.

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Ok Go

A Stone Only Rolls Downhill

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Los vídeos de OK Go son toda una institución dentro del denostado género del clip musical, y el que han realizado para su nuevo single “A Stone Only Rolls Downhill” no podía ser una excepción.

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Coldplay All My Love

Versión reducida del precioso homenaje navideño que le ha rendido Chris Martin de Coldplay a todo un icono del cine familiar y musical como Dick Van Dyke a sus noventa y nueve años de edad. Califato 3/4 & Ángeles Toledano La cigarra

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La fusión entre música electrónica y flamenco nos sigue dando un sin fin de buenas piezas y un nuevo ejemplo de ello es esta unión de Califato 3/4 y la prometedora Ángeles Toledano en este trepidante vídeo.

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Lucy Dacus Ankles

Lucy Dacus saltó a la fama en 2023 como miembro de boygenius, pero ahora retoma su carrera en solitario con este single que viene acompañado de un divertido videoclip en el que la artista es localizada y obligada a regresar a su lugar de origen.

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The Waterboys Hopper's On Top

Por lo que parece, el próximo disco de The Waterboys titulado “Life, Death And Dennis Hopper” será un álbum conceptual basado en la vida y milagros del actor y director estadounidense, y este enérgico y divertido tema es una buena muestra de ello. MS r

l Sevilla 06 junio. Cartuja Center CITE

l Madrid 14 junio. Jardines Del Botanico

DAVID LYNCH

“Angelo, esto

es Twin Peaks”:

un homenaje

a David Lynch

“Referencial”, “visionario”, “revolucionario”... adjetivos que se han utilizado en infinidad de ocasiones para referirse a David Lynch, uno de los más importantes directores de culto masivos del cine moderno, además de pintor y músico más que ocasional. El genio falleció el pasado mes de enero a causa del enfisema pulmonar que sufría desde hacía años. Setenta y ocho años y una vida eterna.

La paciencia del artista

David Lynch nunca entendió el arte como un proceso creativo, sino como un encuentro fortuito. El cineasta estadounidense, esa figura mística que no creíamos que nos fuera a dejar nunca, defendía que el único mérito del artista es el de la paciencia, el de saber abrazar el valor estético de la espera. Uno no crea sus ideas, puede que ni siquiera las imagine; uno simplemente se encuentra fortuitamente con su obra, la pesca tras una eterna mañana aguardando tranquilamente a la orilla de un río. La trayectoria de Lynch es un expositorio de peces dorados, un inmenso acuario de cristal repleto de criaturas cuyas formas, colores, movimientos y reflejos se ven deformados por los cristales que contienen el agua de nuestra memoria. Recuerdo las imágenes del artista más influyente de la contemporaneidad occidental como si las estuviera pescando en este mismo instante, como si ninguna de ellas perteneciera a una película concreta, ni siquiera a una disciplina específica, sino más bien a una mente en la que el cine me ha permitido colarme, casi como aquel Jeffrey Beaumont que observa lo prohibido a través de la rendija de un armario en “Terciopelo azul” (86). Este humilde homenaje a Lynch no puede ser un recorrido por su filmografía, sino por un mundo líquido que muchos tenemos la sensación de haber soñado más que de haber visto. ¿Dón-

de acaban sus películas y empiezan mis sueños? ¿Dónde acaban mis pesadillas y empiezan sus secuencias? ¿He soñado yo con una febril sitcom protagonizada por conejos de peluche o la rescaté de “Inland Empire” (06)? ¿Dónde acaba el arte y empieza David Lynch?

El cineasta que no quiso ser cineasta

No puede ser casual que uno de los cineastas más influyentes del siglo no quisiera ser cineasta, sino que se encontrara con su disciplina en la pintura, que pescara el séptimo arte en los lienzos. Tras descubrir su fascinación por el arte en el estudio del pintor Bushnell Keeler —a quien retrató precisamente navegando en una pequeña película casera titulada “Sailing with Bushnell Keeler” (67)—, Lynch inaugura una oscura pero catártica producción pictórica capaz de augurar la potencia onírica de sus futuras imágenes del movimiento. De hecho, sería la idea de otorgar movimiento a un cuadro, de imaginar los elementos de un lienzo siendo levemente zarandeados por la fuerza invisible del viento, la que daría vida a su primer cortometraje “The Alphabet” (68), una anacrónica reivindicación de la estética digital propia del analog horror y el creepypasta de Internet desde la óptica del pesadillesco imaginario infantil que tanto marcaría la trayectoria visual de Lynch. Traumas de

la infancia y terror cibernético coexisten en la primera obra de un cineasta estrictamente atemporal, de un artista obsesionado por lo que se esconde tras la pared del vecino y lo que se vislumbra a través de las ventanas de nuestra mente (sabiendo perfectamente que ambas suelen ser lo mismo). Por eso no es de extrañar que la imagen de una mujer desnuda deambulando por un pequeño barrio residencial estadounidense que hizo llorar de terror al pequeño Lynch —sabiendo, precisamente, que aquella escena escondía un mundo inimaginablemente violento— sea la semilla de muchas de sus posteriores imágenes, de esa poderosa Isabella Rossellini en “Terciopelo azul” o aquella joven desaparecida cruzando el puente en “Twin Peaks” (1990-1991 y 2017).

El cine es música

Pero es precisamente la onírica sensación de que toda imagen de Lynch está justificada únicamente por su relación con lo injustificable lo que nos empuja a imaginar su filmografía desde las lógicas del sueño, lo que nos invita a deambular su universo desde una familiaridad siniestra. Desde esta paradójica relación de antónimos se construye la que es para mí su mejor secuencia —su mejor obra, su mejor sueño—, aquella en la que dos amigos se reúnen para tomar algo en un Winkie’s Diner en “Mulholland Drive” (01). Haber estado ya en este sueño, pero temer igualmente su desenlace. Fascinarnos por lo que tememos y vernos abru-

mados por lo mucho que hay de mí en mis propias pesadillas. No es casualidad que esta sea la película que más haya aterrorizado jamás a la escritora argentina Mariana Enríquez, precisamente por su capacidad de trabajar “el terror de lo cotidiano”, o que fuera la responsable de que un cineasta como Kyle Edward Ball, director de “Skinamarink” (22), se dedique a hacer películas. Él mismo ha declarado hace unos días que “lo que le enamoró del cine de Lynch es que se comporta como si fuera música”.

El encuentro fortuito

Más allá de la faceta musical de Lynch —recordemos que su último proyecto fue un álbum junto a Chrystabell titulado “Cellophane Memories” (24)—, puede que debamos entender su obra como una sinfonía que suena pese a no ser interpretada por nadie (“no hay banda, no hay orquesta”). Sus melodías siguen resonando en nuestro inconsciente, pero no tenemos claro quién las sigue tarareando allí. Deleuze decía sobre la pintura de Francis Bacon —cuyas rostros imposibles tomaron forma en “Eraserhead” (77) y “El hombre elefante” (81)— algo que acaba por resumir involuntariamente toda la obra de Lynch: “¿hay otro tipo de relación entre figuras que no sea narrativa y de la que no derive ninguna figuración?”. Es en ese preciso momento cuando hay que otorgar lógica a la sensación, cuando hay que ser capaces de visualizar en una melodía de piano todo el dolor, la fascinación y la incógnita intranscriptible a la que el agente Cooper se tendrá que enfrentar en Twin Peaks. Por eso mismo siempre recordaré a Lynch a través del relato de Angelo Badalamenti quien, emocionado delante de un piano, hacía visible aquella relación entre la mente de David y su universo, componiendo espontáneamente el tema de Laura Palmer. Porque David Lynch nunca entendió el arte como un proceso creativo, sino como un encuentro fortuito. “Angelo, esto es Twin Peaks”. daniel grandes

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39/Mondo VINILOS

Bad

se pone clásico

URBAN / El sexto álbum de estudio del puertorriqueño está mucho más preocupado por ser puertorriqueño que por ser un sexto álbum de estudio. Este es un disco hecho de espaldas a la industria y de cara a un compromiso visceral con esas imágenes que podrían quedar encerradas en el pasado, con esos sonidos tradicionales que se proyectan al futuro y con diecisiete desestresadas canciones que retratan a un Benito que nunca había estado tan presente. “DeBÍ TIRAR MáS FOToS” no está de cara a Puerto Rico, sino que es Puerto Rico. La esencia emotiva de esta fiesta caribeña recae sin duda en el mágico equilibrio que Bad Bunny encuentra entre su comprometida faceta ideológica y la naturaleza hedonista de sus ritmos patrios, entre la introspección

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Yerai Cortés La Guitarra Flamenca de Yerai Cortés Sony

FLAMENCO / La pena que late y suena en las entrañas oscuras y luminosas de una guitarra sideral, seis cuerdas que lloran y necesitan romper tabúes sin sentido del pasado, muros de silencio levantados en el seno familiar; contar un secreto, afrontar y compartir culpas y así, hasta donde sea posible, sanar heridas que nunca cicatrizan del todo. Un viaje redentor en dieciséis pistas sinceras y pasionales, amor y dolor sin filtros ni frenos de mano, canciones rebosantes de duende y de genuina flamencura gitana que, al mismo tiempo, muta, se transforma y vuela hacia otras galaxias, abrazando y fundiendo raíces con rabiosa contemporaneidad que mana con la misma naturalidad que brotan las flores del campo. Un debut con alma de banda sonora, canciones que van de la mano de la película documental del mismo nombre, ópera prima dirigida por Antón Álvarez, C. Tangana. Seguiriyas que saben a sangre, bulerías liberadoras y coplas que curan hasta el corazón más roto. david pérez marín

nostálgica acompañada de una reconfortante infusión casera y la explosiva euforia que uno sólo puede encontrar bajo la oscuridad intermitente de un club desconocido a las tres de la mañana (allí, o en “YHLGMDLG”). Imposible no sentir cierta paranoia al detectar, como si de una sútil cacofonía se tratara, la voz femenina del epílogo de “Si Estuviésemos Juntos” en algunas estrofas de la monumental “EoO”: sucesora espiritual de “Safaera”, cápsula del tiempo a una felicidad pre-pandémica, bombardeo sin filtros del maestro Tainy; violencia lujuriosa, lujuria violenta, pura fisicidad en una de esas canciones que demuestran el poder incontestable de los ritmos latinos. En el otro lado de la moneda está la conmovedora “BOKeTE”, una balada fantasmal inundada por la niebla, uno de esos poemas que nos levantan un poco del suelo y que recuperan una faceta de Benito punzantemente entregada a la tristeza y al romanticismo —como ya demostró en su infravalorada “TRELLAS”—. Una entre un millón, sorprendentemente emocionante. daniel grandes

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Los Zigarros Directo desde Estudio Uno Cultura Rock Records

R’N’R / Tras propagar su frenético espíritu por infinidad de escenarios, la banda valenciana recoge esa misma pulsión pero esta vez desatada alrededor de las paredes de un estudio. Vertebrado entorno a un repertorio formado casi en exclusividad por temas pasados, son los detalles en su reinterpretación los que propician un clima especialmente orgánico, intenso e identificativo. Su nada disimulada veneración por los Stones, Little Richard, AC/DC o Los Rodríguez, a quienes rinden homenaje con una perfecta versión de “Mi rock perdido”, no impide que estas composiciones broten alrededor del ADN de los hermanos Tormo, insuflado para la ocasión por pianos honky tonk, coros gospel o la característica desatada electricidad. Un disco que no está encomendado únicamente a salvaguardar intacto el fuego que desprende esta formación, sino a avivar sus ascuas con gasolina. kepa arbizu

Bunny

Bad Bunny DeBÍ TIRAR MáS FOToS Rimas Entertainment

MONDOVINILOS

Las perversiones de Ethel Cain

Ethel Cain Perverts Daughters Of Cain Records

EXPERIMENTAL / Que Ethel Cain es un bicho raro al que dar de comer a parte, lo sabemos desde que nos sumergimos en su “Preacher’s Daughter”. Pero lo que ha hecho en este “Perverts” (Nueve perversiones –¿cabe decir temas?– que alcanzan la hora y media de duración) no es de este mundo. Es… No sé lo que es. Aún estoy intentando descifrarlo para llegar a una conclusión que intente acotar lo inescrutable. Lo que está claro es que “Perverts” no pertenece a esta época. Es un artefacto sonoro difícil de digerir y clasificar. Precisa de entrega y de haber quedado en algún momento subyugado por el personaje que encarna Hayden Silas Anhedönia. Precisa de una disponibilidad para adentrarse en lo más oscuro del alma humana, en esa búsqueda de cierta redención a través del sexo. Solo alguien como

Ethel Cain, podía permitirse el lujo de hacer un disco así de tenebroso y lúgubre que por momentos raya la psicofonía más doliente. Un universo sonoro propio que mira directamente a los ojos a otros investigadores del averno como Michael Gira, Godspeed You! Black Emperor o Lingua Ignota, por citar tres. “Perverts” es uno de esos trabajos que le resultará excelso a unos y una auténtica tomadura de pelo a otros. Pero lo que está claro es que no te dejará indiferente. Lo abrazarás como un credo o no lo volverás a escuchar en tu puta vida. Suponiendo que hayas sido capaz de tragarte la hora y media de zarandeo emocional al que te va a inflingir durante su escucha. Toda una experiencia de sometimiento que, a buen seguro, alcanzará su zénit cuando sea interpretado de cabo a rabo en directo. Soy muy capaz de imaginar un teatro rendido a la oscuridad de sus notas, a lo asfixiante de su sonido, al mundo onírico pesadillesco en el que conviven la pedofilia con el gran masturbador. Y es que el cuadro de Dalí podría muy bien ejercer de telón de fondo de este viaje sonoro al más allá. don

PUNK / El éxito de las de Brighton viene gestándose desde hace tiempo en el escenario, entre pogos frenéticos y litros de sudor. Su EP de 2023 “You’re Welcome” anticipaba lo que encontramos en este esperado debut largo, menos de media hora que casi no da respiro. Si Iggy Pop te da el visto bueno, algo bueno tienes entre manos. El guarreo guitarrero del single “Big Dick Energy” y su letra sardónica contra los fantasmas que presumen de tamaño remite al lado más cavernícola de Amyl y a pioneras como Bikini Kill. Estos tres minutos de cabreo vaginal encapsulan perfectamente de lo que van Lambrini Girls. Aquí se reparte precisamente contra la imposible realidad económica del país y otras realidades incómodas, pero siempre desde una óptica festiva y vitalista. La tónica de todo el álbum es ésa: poner al día con gracia, vigor y mordiente el eterno cabreo rockero. Un debut que ofrece justo lo que promete y alguna sorpresa de propina. jc peña

Brittany Howard Live From Austin City Limits Island Records

SOUL / Brittany Howard reclama, en la presente referencia en vivo, su estatus como una de las figuras destacadas del nuevo soul abierto de miras de la última década, en una posición adquirida liderando a Alabama Shakes o en solitario. Un documento capaz de rememorar que la autora es poseedora de una de las voces más poderosas y profundas del panorama norteamericano. Precisamente, su intachable interpretación guía esa actuación registrada en el reputadísimo Austin City Limits durante esta misma temporada. Una ejecución plagada de registros, capaz de sonar tan emocionante como arrasadora, con un sinfín de estados intermedios matizando (y de paso justificando) el lanzamiento oficial del concierto en cuestión. Acompañada de una banda de indudable elegancia e igual de impecable, Howard regala sentidas lecturas de un total de ocho temas de “What Now” (24). raúl julián 7

Lambrini Girls Who Let The Dogs Out City Slang

METAL / La banda madrileña regresa casi seis años después de su última referencia con un álbum nuevamente denso y crudo conformado por seis temas de metal contundente y afilado. Con riffs hipnóticos y siniestros que rozan la psicodelia en la apertura con “Overload”, este cuarto disco continúa el enfoque de la banda en el sludge y stoner con guturales tanto agudos como graves impecables y riffs potentes en “Concrete”, todo ello sin abandonar en ningún momento ese tono opresivo y la repetición deliberada y extendida tan característica del cuarteto también plasmada en “Edge”. “Dry Soil” mantiene el sofoco desafiando hasta la clausura con “Bonfire” al oyente con progresiones inquietantes, refinadas y por momentos ambientales demostrando que Adrift siguen siendo un ejemplo de constancia y paciencia en las profundidades del panorama extremo estatal tras más de veinticinco años de historia a sus espaldas. jaime tomé

Lauren Mayberry

INDIE POP / Cada uno de los once golpes de “Hipergéminis Vol.1” es una sorpresa nueva y un testimonio manifiesto de la falta de límites de sus responsables. A partir de destellos con sabor a ópera-rock setentera (“Entre las nubes”), psicodelia lujuriosa (“Versos rotos”), música disco juguetona (“Dos Vicios”), bossa introspectiva (“Nada Nada”, junto con la argentina Sol Marianela), poesía transoceánica (“Roto, Loco y Solo”, con la también argentina Paula Pazos) y funk lo-fi (“Cicatrices”), Beto y los suyos hacen posible un abanico sonoro sin prejuicios y abierto a la experimentación. Tanto en singular (“Aislado”) como en cuadrilla (“Vaya cuadro” junto a Sandra y Magui de Ginebras o “Fuego Lento” con Benoit de Diamante Negro), la banda consigue que el disco se sienta colectivo sin desgastar su marchamo, alardeando de un estilo único e intransferible que parece estar llamado a ser una de las grandes sorpresas del año.

maite aparicio

Las Palabras Fe La Castanya

NACIONAL

1 Delaporte Déjate caer

2 Yerai Cortés La guitarra flamenca de Yerai Cortés

3 Delafé y Las Flores Azules Amor

4 Cala Vento Brindis

5 Sila Lua Danzas de amor y veneno

6 Joe Crepúsculo Museo de las desilusiones

7 Adrià Salas Corazón de Maguey

8 Morgan Hotel Morgan

9 Periferia Rincones de nadie

10 Soleà Morente Mar en calma

POP / Que la relación con la música de Lauren Mayberry va mucho más allá de su megagrupo pop no solo es evidente, sino que insinuarlo es casi ofensivo. Toca el piano desde cría, además de la batería, y ha estado en grupos como Boyfriend/Girlfriend y Blue Sky Archives. Además, es una de las voces más interesantes del panorama británico. Pero hasta “Vicious Creature”, su producción musical había estado centrada en Chvrches. No es extraño que haya querido desquitarse. El resultado es un popurrí de temas y géneros que cuestan de asimilar como unidad. Hay punk, new wave y hasta teatro musical. Hay canciones redondas, como ese “Sunday Best” inspirado en Talking Heads, pero también auténticos despropósitos: “Sorry, etc”, un garage rock que susurra como Marilyn Manson. Su mejor versión reside en temas piano y voz, como “Are You Awake” o esa preciosidad de “Oh Mother”: “Oh, mamá, no podría estar sin ti”. Y quién sí. yeray s. iborra

POP / Como bajista Rafael Cohen es parte del pulso imbatible de esa orquesta dance-punk que es !!!, pero también es mucho más que eso. Las Palabras es su proyecto solista, influenciado por su cultura natal –nació en México, hijo de judíos guatemaltecos– y lógicamente cantado en español. “Fe” es su nuevo disco y, en él, Cohen logra transmitir su sabia antropológica en muy buena forma, con la estimable ayuda de Adrián Quesada (Black Pumas, etcétera) en la producción y las colaboraciones de Angélica García y Stella. Atravesando distintas y agradables atmósferas con el tono justo de distinción y pop, el disco muestra el buen quehacer de Cohen como cantautor, impregnando siempre un afable sello personal con el que evoca influencias de la música popular brasileña, del indie-funk, del bolero, de cantautores mexicanos y rioplatenses. “Fe” es algo friki, sensible, sincero y te hace bailar las patitas y el corazón. adriano mazzeo

7

INTERNACIONAL

1 Bad Bunny DeBÍ TiRAR MáS FOToS

2 Franz Ferdinand The Human Fear

3 Father John Misty Mahashmashana

4 Lambrini Girls Who Let The Dogs Out

5 Kim Deal Nobody Loves You More

6 Mogwai The Bad fire

7 Chuck Prophet Wake the Dead

8 Ela Minus Dia

9 Ethel Cain Perverts

10 White Denim 12

Chuck Prophet & ¿Qiensave?

Wake The Dead Yep Roc Records

AMERICANA / “Wake The Dead” es un disco magnífico, creado como consecuencia de una experiencia muy negativa para su autor. Resulta que, hace unos meses, Chuck Prophet fue diagnosticado de cáncer en una etapa bastante avanzada, pero todavía tratable con quimioterapia. Fue durante su proceso de recuperación cuando empezó a sumergirse en la cumbia y el folclore colombiano, aunque el desencadenante del álbum fue conocer a ¿Qiensave?, banda de jóvenes músicos latinos de una pequeña comunidad agrícola de la Costa Central de California llamada Salinas. De la unión de ambas visiones y culturas, ha surgido “Wake The Dead”, disco que no abandona el peculiar estilo de Chuck Prophet, sino que lo ahonda y lo impregna de baile y ganas de celebrar la vida. Una celebración que se vuelve aún más especial cuando le has mantenido la mirada a la muerte de tú a tú. don disturbios

8

9

Camarón de la Isla con Tomasito Oviedo, San Mateo 1991 Universal

FLAMENCO / Regalo caído del cielo: una grabación del concierto que dio junto a Tomatito unos meses antes de morir, el 13 de septiembre de 1991. Cinco cantes a corazón abierto, acompañados por un espectacular y cuidadísimo libreto de más de treinta páginas, con fotografías y extenso texto, en el que medio centenar de artistas de diferentes estilos y generaciones (de Bunbury a Rosalía), hablan sobre la influencia de Camarón en sus obras y vidas, en la música y arte en general. “Voy a comenzar cantando un poquito por Alegrías y luego me pedís lo que queráis”, y eso hace. Tomatito enciende la mecha y la hoguera del duende arde como si fuera la primera y última vez. Tarantos desgarrados, doce minutos encadenados y liberadores por Bulerías enamoradas de la vida, aunque a veces duela, para seguir el embrujo por Tangos y rematarnos con unos Fandangos que cincelan el aire y paran el tiempo.

david pérez marín

El debut en solitario de Kim Deal

Kim Deal

Nobody Loves You More 4AD/Popstock!

POP / Hay algo de justicia poética, o de karma haciendo de las suyas, en el hecho de que este excepcional primer álbum en solitario de Kim Deal haya coincidido en el tiempo con una nueva bagatela –la comparación con su etapa imperial sigue siendo demasiado acusada– de Pixies, su enésimo discreto entretiempo entre giras. No hay aquí una “Gigantic” ni una “Cannonball”, desde luego, pero es un extraordinario disco en su conjunto, y además ofrece una panorámica tan diversa y equilibrada de las virtudes de la de Ohio que solo cabe celebrar con jolgorio y algo de positiva sorpresa. Tiene un poco de todo, y todo muy bueno. El adiós a sus padres y también a Steve Albini, quien llegó a tiempo de producir la encantadora “A Good Time Pushed”, su broche final, antes de morir inesperadamente en mayo de este año, sobrevuela estos once cortes, que ella resuelve con la naturalidad acostumbrada y una dosis extra

The Rumjacks Dead Anthems Four Four Records

de clarividencia y perspicacia para buscar los arreglos adecuados y pulir melodías certeras. El adelanto, “Nobody Loves You More”, con sus preciosos arreglos de cuerda, viento y metal y su guiño a la época de los musicales, ya nos avisaba. Pero es que en “Coast” se abastece de unas trompetas en modo mariachi para un bonito medio tiempo. Y en “Crystal Breath” le atiza a un art rock crujiente en una pieza que podría llevar la firma de St Vincent. “Are You

Hoke

Tres Creus Autoeditado

CELTIC PUNK / El grupo de Mike Rivkees no solo es una leyenda del punk celta, sino que ampliando miras puede serlo perfectamente del rock de raíces. En este caso, y aún siendo de Gales del Sur, la suya está en las Islas Británicas, aunque su música siempre se ha equilibrado con ese sonido de Nueva Jersey que este año ha perdido, solo para los escenarios, a su padrino, el bueno de Southside Johnny. Que el grupo tenga a miembros viviendo en Boston, Belfast, Milán y Berlín ayuda también a la amplitud de su sonido y a su enriquecimiento como banda. De soberbia portada, The Rumjacks han contado en este trabajo con una colaboración de auténtico lujo, como la de Ken Casey de los Dropkick Murphys en la canción titular. Aunque es en la citada apuesta por el New Jersey Sound donde más se diferencia la banda respecto a otras del mismo género folk & punk & celta. eduardo izquierdo

RAP / “Tres Creus” es la parada en pit lane después del escapismo dinamista de “BBO”, aquel álbum eléctrico que agitó los marcos sonoros y temáticos del rap nacional en 2022 y que le brindó con todo merecimiento el estatus de rapero a seguir no ya con lupa, sino con microscopio. Aquí observamos a un Hoke de carne y hueso –lo humano siempre es imperfecto– con un pen game que se conserva filoso en varias estructuras, colaboraciones de caché y envuelto en una apatía ante el éxito, quizás lo que anhelaba no fuera para tanto. Por momentos se muestra incluso depresivo e insensible, lo que se refleja en su tono apagado en casi todo el proyecto. Con atmósferas más heterogéneas y menos definidas, pero que lo sostienen sobradamente. Llama la atención la poca duración de sus trabajos, se echa de menos un álbum largo que sobrepase, al menos, la media hora. Su gran álbum está por llegar. daniel caballero

7

Mine?” es una preciosa balada aderezada con pedal steel guitar y un preciso arreglo de cuerda, que remite a los estándares de los cincuenta o los sesenta, y es que en esa atemporalidad, en su forma de surcar décadas como si nada, reside una de sus principales fuerzas motrices. Treinta y cinco minutos presididos por su inconfundible voz: a veces ligeramente afónica, siempre con ese punto aniñado y jovial. carlos pérez de ziriza

White Denim 12 Bella Union

7

INDIE POP / White Denim, y más en concreto su líder James Petralli, es una de esas propuestas dignas de admiración. Y lo es precisamente por esa capacidad de mantenerse casi dos décadas en el candelero artístico sin hacer concesiones, mutando álbum tras álbum, y realizando aquello que les apetece hacer en el momento vital en el que se encuentran, sin pensar en la acogida que va a tener entre su base de fieles. Por eso sus discos son siempre una propuesta inesperada y por eso este “12” no es una excepción. Si en el pasado su música contenía un fuerte componente blues-rock con pinceladas de rock progresivo de aroma clásico, en este álbum han abierto la puertas para que el jazz, el funk o el pop enrevesado, psicodélico, a la par que luminoso, perviertan las composiciones del álbum con referentes que pueden ir de Steely Dan a Todd Rundgren o Wings, pasando por otros más actuales como Kelley Stoltz o Herman Düne. don disturbios

AMBIENT / Curtidos en la senda post-metal como miembros de la formación mallorquina F/E/A, Tomeu Canyelles y David Ribas apuntan a la ortodoxia ambient en este proyecto, en el que, para empezar, se embarcan en una inmersión a pulmón hasta los límites de la reverberación drónica. Tensión e idílicas nubes eléctricas que dibujan tres fases de un mismo paisaje sonoro, a lo largo de una experiencia de casi cuarenta minutos en los que somos disueltos en el éter propagado desde la raíz referencial bávara conformada por Cluster, Tangerine Dream y el Brian Eno de Harmonia y demás investigaciones en su poco reconocida etapa berlinesa, más allá de sus trabajos con Bowie. Sin duda, una experiencia que no busca transgredir ninguno de los códigos del género, pero que aplica su propio vocabulario en la conformación de un universo musical curtido desde los códigos sagrados de la evasión más deseable. marcos gendre

8

Atzau Apneu Autoeditado

Soleá Morente Mar en calma Discos Probeticos

FLAMENCO / Catorce años han pasado desde que un 13 de diciembre de 2010 se apagara para siempre una de las voces más representativas de nuestra música. Los mismos que hemos tenido que esperar para ver resuelto y amainado este “Mar en calma”, ideado al alimón entre Enrique Morente y su hija Soleá a lo largo del año de llorada pérdida. Todos conocemos las trágicas circunstancias que truncarían este y quién sabe cuántos proyectos más, pero gracias a su legado carnal, dispuesto en las voces y talentos de su prole, continuamos teniendo la sensación de que el embrujo del ronco del Albaicín nunca se fue del todo. Animada por su hermana Estrella y con el apoyo de Isidro Muñoz Alcón, la mediana de los Morente se arma de valor para reencontrarse con las notas de esta asignatura pendiente, prestas para volver a la vida de la mano de una bellísima propuesta difícil de juzgar con parcialidad. fran gonzález

Saint Etienne The Night Saint Etienne Limited/[PIAS]

POP / No hay aquí rastro de los Saint Etienne fabricantes de hits. Ni siquiera los han buscado. Ya sea porque no han querido o (quién sabe) porque no han podido, que es una duda que a mí a veces me asalta en estos casos. Es muy bonito, aunque seguramente no indispensable en su canon, pero (sobre todo) es coherente porque ni la coartada conceptual ni la apelación a la nostalgia son precisamente nuevas en ellos. Es algo más que una pintona apelación al minimalismo de la escuela de Steve Reich o Philip Glass o al ambient acuñado por Brian Eno, aplicados a un contexto pop. Un disco producido por Augustin Bousfield, sin sampleados y basado en lo orgánico (grabaciones de ambiente, trinos de pájaros, agua brotando), que requiere su tiempo, pero seduce en su invocación a ese estado como de duermevela. Al fin y al cabo, esto apela a la memoria y al subconsciente. Y lo hace con inteligencia y su habitual clase. carlos pérez de ziriza

La despedida de Delafé y Las Flores Azules

Delafé y Las Flores

9

POP / El hilo de voz de un hombre corriente. El hilo de voz de una persona que ha pasado holgadamente los cuarenta, que ha tenido un hijo y una larga carrera musical, además de algún que otro crudo desengaño con la industria. Una voz que ya no rapea para buscar un hit, ni para sanar el ego, siquiera por amor a las barras. Es una voz que, en más de treinta minutos de obra, representa la vuelta y la despedida al proyecto de su vida, el homenaje al arte y al cuidado. Todo en un mismo tema. “Amor” es la canción-disco que supone el regreso de Delafé y Las Flores Azules después de doce años, pero también es su adiós. “Amor” es la canción-disco que Oscar D’Aniello escribió a su hijo en el momento en que a su carrera musical se le apagaban los focos, pero en cambio en el día a día se le encendía algo más brillante y trascendental: un nuevo ser. “Amor” es fruto de la nana con la que dormía al pequeño cada noche. “Aquí y

ahora, amor. Amor, aquí y ahora”. Es, sin duda, el mejor ejemplo de que los temas, los álbumes, las trayectorias, los momentos, no duran para siempre. Y qué bien que así sea si, después de unas cuantas batallas con el ego, con la identidad, con la proyección, se elige el amor. El faire pour le faire. Eso es más potente que cualquier tendencia. Esta canción-disco será para unos pocos. Está publicada en una época en la que todo pasa a golpe de stories; tal vez por ello, quien conecte con esta historia sobre hacerse mayor, desprenderse de las mochilas e intentar vivir en paz lejos de la aprobación de los demás, la vivirá con más fuerza si cabe. Esta aventura musical, que discurre por el pop en su sentido más amplio, la banda sonora, el uk garage o el neo-soul, ha sido el proceso de dos años de picar piedra de Delafé junto a Ramir Kulyela (productor de “Enero en la playa” o “La gran ola”, entre otras) Helena Miquel (Las Flores Azules), Dani Vega (Mishima), Chris Carmichael y el propio Luca, hijo de D’Aniello y responsable, a sus cuatro años de edad, de la portada del disco. “Amor” es el último disco de Delafé y Las Flores Azules, que han decidido que la mejor manera de marcharse es, precisamente, decidiendo ellos cuándo. Y, sobre todo, cómo. yeray s iborra

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.LOS DISCOS.DE MI VIDA

Karlos “Txap” Osinaga (Lisabo)

Sin lugar a dudas una de las formaciones más intensas que puedas ver sobre el escenario, Lisabö ofrecerán este mes de febrero tres conciertos especiales, motivo por el que le hemos preguntado a Karlos “Txap” Osinaga, guitarra y vocalista del grupo, por los discos de su vida.

EN CONCIERTO

l Valencia 06 febrero. Sala Moon l Barcelona 07 febrero. Sala Apolo l Madrid 08 febrero. Teatro Eslava

El que descubrí gracias a mis padres...

Luis Mariano Ezim Aztu - Aurtxoa Seaskan (1969)

En mi casa había un tocadiscos en el que se ponían, sobre todo, discos de Luis Mariano. Yo pensaba que Luis Mariano vivía dentro de la tapa del tocadiscos, donde estaba el altavoz, y que desde allí cantaba. Con el tiempo me di cuenta que aquella, entonces, bastante reciente recuperación de Luis-Mariano, ocultaba la vergüenza de un pueblo que en su mayoría le dio la espalda.

Uno que odié y que ahora me encanta...

Lou Reed Berlin (1973)

Amoldo la pregunta, me tomo la licencia. No lo odié, simplemente, aunque lo deseaba, no lo entendí. No alcancé a hacerlo. Tenía otro disco de Lou Reed, “Transformer”, que me encantaba, pero cuando compré “Berlin” no lo entendí. Me pareció una piedra. Tenía dieciocho años y recuerdo que me quedaba muy grande. Por suerte, con el tiempo, pude reencontrarme con él.

El que más veces he escuchado...

Kortatu El estado de las cosas (1986)

Aunque conocía al grupo ya de antes, este fue el primer LP –después del maxi “A la calle”– cuya publicación estuve esperando para comprarlo. Ir con mi hermano y nuestras novecientas cincuenta pesetas para conseguir el preciado diamante. Lo tengo grabado a fuego. Cuando esto sucede el impacto emocional siempre es mayor y la marca más profunda, máxime cuando tienes catorce años.

Del que he robado cosas para mi banda...

Sonic Youth Goo (1990)

Nosotros nunca robamos ni mentimos. No, esto es mentira. Algún hurto hay, claro, como en todas las buenas familias. Pero eso ocurre porque también a nosotros nos gusta dejarnos las puertas abiertas. Con el permiso de Fugazi, Shipping News y Shellac, hay una banda que siempre ha sido parte de nuestra brújula: Sonic Youth. El primero que escuché fue “Goo”, y por este motivo, el impacto emocional es mayor.

El primero con el que lloré...

Mikel Laboa 14 (1994)

No es –claramente– el primero pero sí el que primero me ha venido de modo automático. Como probablemente toda la lista. Recuerdo el momento y el lugar. Fue un llanto de emoción pero no de amargura o de tristeza. Fue algo más relacionado con la belleza de lo que escuchaba, con la emoción. Era aquel disco, era su autor, su modo de hacer, su universo, lo que representaba.

El último que me ha atrapado...

Lip Critic Hex Dealer (2024)

Sé que no suelo ser muy puntual, ni llego pronto a los sitios, muy a mi pesar. También me ocurre a veces con los discos o las bandas. Este disco lo escuché hace unos meses gracias a una amiga, Paule, de Arima. Me trajo inmediatamente a la cabeza recuerdos de ciertas sensaciones relacionadas con otras bandas más allá del sonido en si mismo. Algo más relacionado con la esencia, con la energía. MS

46/Mondo Media

CÓMIC

Lorenzo Montatore Sin palabras

Lorenzo Montatore nunca deja de sorprender. Lo ha hecho en cada uno de sus cómics y esta vez no iba a ser una excepción. Aunque quienes seguimos su conexión con la música sabíamos que más pronto o más tarde iba a llegar algo como este “Si bailáis, entenderéis mejor las letras” (ECC, 24), el cómic sin palabras dedicado a Talking Heads con el que despidió el pasado año.

“SI

BAILÁIS, ENTENDERÉIS

mejor las letras” toma una frase que, dicen, dijo el propio David Byrne, vocalista y cerebro de Talking Heads, una banda francamente irrepetible. Y uno de esos grupos que siempre ha tenido fascinado a uno de nuestros dibujantes más particulares, Lorenzo Montatore, un tipo capaz de enfrentarse a la figura de Francisco Umbral en uno de sus cómics más exitosos, como de rendir un personal homenaje a los neoyorquinos Talking Heads, con especial atención a su “Stop Making Sense”.

Has pasado de Francisco Umbral a Talking Heads a la hora de crear un cómic completo de un artista. ¿Qué tienen Talking Heads para que hayas dedicado tanto tiempo a darle forma a un título sobre ellos?

No puedo decir que tenga un solo grupo favorito, me costaría mucho decidir eso y, seguramente, cambiaría de idea todo el rato. Pero hace tiempo me di cuenta que si decía “Talking Heads” además de no ser mentira, todo el mundo me contestaba con su “sello de aprobación” [risas]. En lo que respecta a hacer un tebeo sobre ellos, estaba barajando otros nombres y de pronto di con el título. Esto de crear una historia a causa de un título ya me ha pasado más veces. Casi siempre, de hecho.

“

“¡Ahora quiero hacer todos mis tebeos mudos! ”

En todo caso, ¿existe en tu cabeza algún nexo de unión entre Umbral y Talking Heads?

Diría que no, salvo porque ambos “personajes” son tebeizables, tienen las dosis exactas de humor, profundidad, interés artístico… Luego me he dado cuenta de que, puestos a hacer biografías de esta manera, tenía sentido que fueran ellos. ¡Pero ahora me veo obligado a cerrar la trilogía con alguien del cine! Es broma, aunque de ser así ya lo tengo en mente… Sería Werner Herzog, sin duda.

Hace unos meses te preguntamos –conocedores de tu afición por la música– por tus discos favoritos. El primero que elegiste fue “Remain In Light” de Talking Heads. ¿Fue el disco con el que les conociste?

No, “Remain In Light” llegó más tarde. La primera vez que los escuché fue en una película muy mala, “La revancha de los novatos” [risas]. Hay un momento en que queman una hermandad mientras están de fiesta bailando “Burnin’ Down The House”. Yo era un crío, pero me flipó la canción. No supe quiénes eran hasta que un profesor de mi instituto me grabó una cinta de cassette con canciones de Talking Heads y ¡ahí estaba!

Estas ciento y pico páginas se dividen entre anécdotas reales, momentos autobiográficos e historias con personajes ficticios. ¿Qué papel juega cada uno de estas partes en el conjunto?

Cada una es como un instrumento: biografía, autobiografía y ficción. Talking Heads llevan el ritmo y las otras dos son el acompañamiento y la melodía. También pensaba en un libro que ha influido mucho en mi trabajo: “Dobleces/ El quinto postulado” de Luigi Amara. Cada parte parece ser una línea paralela, pero a la vez dispuesta a unirse en algún punto.

¿El título surge de...?

Al parecer es una frase que dijo David Byrne al público en un concierto, solo que él dijo “la letra”. Fue idea de mi editor, David Fernández, cambiarlo al plural. O simplemente se equivocó y lo dijo así. El caso es que sonaba mejor, y en la misma línea de los títulos que suelo poner, como “¡Cuidado, que te asesinas!”.

¿Qué es lo que más te ha costado conseguir en este cómic? Me refiero tanto gráficamente como a la hora de plantear el guion.

Voy a ser muy obvio, pero es así. Conseguir contar todo lo que quería sin usar una sola palabra ha sido un sofocón tremendo. Al principio surgió como algo natural, y lo es, pero hay partes que por narices tenían que estar y que fueron un gran rompecabezas. Sobre todo al comienzo enseñaba páginas a amigos íntimos para saber si se entendía algo. Sobre la mitad del tebeo le cogí el punto y ¡ahora quiero hacer todos mis tebeos mudos!

¿Son –somos– muchos los que apuntan que “Stop Making Sense” posiblemente sea el mejor documental musical de la historia por lo que se refiere a filmar un concierto. ¿Estamos de acuerdo? ¿Por qué crees que lo es? Creo que la propuesta en sí es alucinante. Casi no se habla en todo el concierto, irónicamente no es una sucesión de “bustos parlantes” como otros documentales. Estás AHÍ como asistiendo a un concierto tal cual. A la vez, mediante la cámara y la teatralidad del grupo se te está contando una historia, la historia de una banda, con sus altos y bajos. Otra cosa que pienso que “nos gusta” es que ha envejecido muy bien. Las canciones siguen sonando increíbles porque es uno de los grupos más imitados en los últimos años. Eso y que todo el tiempo vemos en escena personas negras y mujeres en papeles principales, que ahora es más habitual. Las coristas, por ejemplo, no están al fondo.

En tu pasado lejano –o no tanto–, también has tenido un grupo. ¿Qué caracte-

rísticas crees que son las que te atrapan de Talking Heads?

La mejor definición que tengo se la robo a un tipo que me cae mal, pero que lo explicó a la perfección: Anthony Kiedis, cantante de Red Hot Chilli Peppers, los presentó cuando ingresaron en el Rock’n’roll Hall Of Fame diciendo que cuando los escucha, se siente más inteligente y a la vez le dan ganas de bailar como un loco. Estas dos sensaciones raras veces se dan al mismo tiempo en la música.

¿Has intentado hacerle llegar el proyecto a cualquiera de los miembros de la banda?¿Lo harás ahora que ya está publicado?

Quiero intentarlo, sí. Sería una pasada saber qué opinan. ¡Imagina una foto de ellos sosteniendo el tebeo! Desde aquí hago un llamamiento a toda persona que pueda facilitarlo. joan s. luna

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Itoiz Sesiones de verano

“Nuestra intención ha sido plantear un viaje subjetivo, guiado por la emoción”

Larraitz Zuazo, Zuri Goikoetxea y Ainhoa Andraka estrenan en salas “Itoiz Udako Sesioak”, un documental sobre Itoiz, el grupo euskaldun que triunfó durante dos décadas.

RAS PASAR CON ÉXITO reválidas como ZINEBI o el Festival de Gijón, este pasado 24 de enero llegaba al menos a treinta pantallas de todo el Estado, el documental “Itoiz Udako Sesioak” sobre el grupo euskaldun que triunfó en los años setenta y ochenta. Sus tres directoras, Larraitz Zuazo, Zuri Goikoetxea y Ainhoa Andraka, nos muestran el camino seguido, en el que lograron convencer a Juan Carlos Pérez para que vehiculara una historia que aúna en forma de documental, entrevistas actuales, archivo y ficción, tras casi cuatro décadas de silencio del propio líder del grupo. “Al principio, Juan Carlos estaba más frio. Tampoco fui con una propuesta concreta, pero reavivar la historia de Itoiz le daba pereza. Siempre me decía que esa época ya pasó y estaba todo dicho. Pero el hallazgo de la cinta ‘Udako y algún otro material suscitó en

él una necesidad de hacer esa revisión de los inicios, todavía como Indar Trabes. Se implicó muchísimo y lo ha disfrutado. Y creo también que ha sido un proceso muy enriquecedor para él. Revisar el archivo y tener las conversaciones con los demás miembros diría que ha podido ser hasta sanador”, señala Larratiz.

A PRIORI PUEDE PENSARSE que esa parte ficcionada, todo un acierto en el resultado final, puede surgir de la escasez de imágenes de la época. “Esto nos hizo buscar soluciones creativas. De alguna manera primigenia sí surge de ahí. Pero nuestra intención siempre ha sido plantear un viaje subjetivo, guiado por la emoción, en el que la memoria jugara un papel importante. En este sentido, planteamos un tipo de secuencias muy libres, que transmitieran los despertares musicales de Juan Carlos, sus inspiraciones e inicios como creador. Al principio estas secuencias eran animación pero después optamos por la ficción, ya que nos parecía un lenguaje más natural, muy directo y vivo, que dialogaba con las imágenes de archivo”, dice Ainhoa. También ayudó encontrar a los actores más adecuados. “Llevamos a cabo un casting muy exhaus-

tivo. Incluso nos acercamos al instituto de Mutriku, y la magia estuvo de nuestro lado. Peinamos la zona. Así encontramos a un grupo de chavales de quince años que tenían una banda, Casus Belli [ahora Obego]. Se comportaban como podrían haberlo hecho los primeros Itoiz. Para ellos, era una leyenda, y aceptaron con entusiasmo formar parte de la película. Cada secuencia la enfocamos en emociones concretas, y a través de las improvisaciones escribíamos partes del guión. Como si fuera un juego, logramos emociones más profundas y complejas que terminaron sorprendiéndonos”, añade Zuri.

COMO GRAN APORTE FINAL, Itoiz se reúnen en la parte final, interpretando “Lanbrora”. “Fue un regalo increíble para todo el equipo. Verlos tocar juntos con esa ilusión fue muy emocionante. Se fraguó de manera muy natural y casi en el último momento. De la misma manera que Juan Carlos sintió esa necesidad para la revisión del archivo y participar, también empezó a sentir que le gustaría terminar de esta forma poniéndole un increíble broche final”, concluye Larraitz. javier corral

CINE Y SERIES

EL ESTILO POÉTICO y onírico de Robert Eggers nos capturó en “The Witch”; nos deslumbró en “The Lighthouse”; no funcionó en un gran estudio donde todo el mundo mete mano, como pasó en la ambiciosa “The Northman”, y en “Nosferatu” simplemente nos ha dejado… ¿satisfechos? Veamos. Robbert Eggers es un director con mucho oficio en lo técnico, cosa que se nota en la puesta en escena que nos sumerge en el sufrimiento de la pareja de protagonistas, interpretada por Lily-Rose Melody Depp y Nicholas Hoult, y nos hace sentir que todo lo sobrenatural y pútrido del vampiro que le da nombre a la película. El juego de planos que difuminan su figura, junto a una voz cavernosa y cruel lograda por Bill Skarsgård, dan forma a un Nosferatu terrorífico y, sobre todo, creíble. Todos estos elementos ayudan a construir una

Nosferatu Robert Eggers

primera mitad de metraje bellísima, un cuento de terror gótico. Pese a una atmósfera bien cimentada y a toda la energía que hay impresa en cada escena, la segunda pierde interés puesto que ya conocemos la historia que sigue. Incluso cuando se añade una cuenta atrás tras el ultimátum del conde Orlok, es difícil no cuestionarse si son demasiadas. Eso impide que la película despegue hacia la trascendencia. Da la sensación de que ya hemos visto todo lo que está por llegar, que todo el talento que la ha construido no supera al “Bram Stoker’s Dracula” (92) de Francis Ford Coppola, ni al “Nosferatu” (22) de Murnau, entre otras adaptaciones. El punto de vista tan particular de Eggers debería haber brillado más aquí. No hemos ido al cine a ver “Nosferatu”, sino para ver cómo su director la interpreta. luis de la iglesia

SIN PRETENDERLO, Scott Beck y Bryan Woods, que previamente dirigieron “65”, survival con Adam Driver, en “Hereje” ponen en entredicho la capacidad del cine de terror para incomodar al espectador en lo más hondo, para agitar su marco mental, para debatirle las ideas preconcebidas. Y es que en “Hereje” hay dos películas, una intriga intelectual, y otra, la parte final, que entronca directamente con el cine de terror, al menos, en su forma más evidente. En una comparación entre las dos, gana de calle la primera. Cuanto más se aleja de aquella, más convencional se vuelve. Sirviéndose de un planteamiento básico, casi teatral, tres personajes encerrados en un único escenario a resguardo de un exterior lluvioso, la película plantea un debate entre dos posiciones ante algo tan actual como eterno: la religión, las creencias y

EDWARD BERGER se sumerge a fondo –con la intención manifiesta y satisfecha de arrastrar sutilmente al espectador– en los entresijos acontecidos en el Vaticano tras el fallecimiento del Papa vigente. El director evita caer en obviedades y apuesta por una mezcla de austeridad y elegancia como inteligente método con el que trasladar a imágenes la historia de Peter Straughan. El resultado es una vívida exposición a través del Cónclave papal, diseñado con maestría y equilibrio entre el drama y el más fino de los thrillers. La película es también un alegato abierto acerca del poder corruptor (latente o aflorante) en los personajes, sobre un telón de fondo que refleja el tira y afloja entre santidades de ideologías progresistas y conservadoras, empeñados en ocupar el puesto

vacante como máximo representante de la Iglesia Católica. Unos y otros se muestran abiertamente enfrentados mientras, en realidad, no rinden pleitesía al Señor sino a su fama y ambición. Y no podemos dejar de subrayar las excepcionales actuaciones del reparto, con mención para Stanley Tucci, un descomunal Ralph Fiennes, y el papel secundario pero determinante de Isabella Rossellini. “Cónclave” es una desenmascarada reflexión acerca del movimiento de hilos tras las sombras; el particular “House Of Cards” de Berger, podría decirse. Con unos diálogos tan esclarecedores como concisos y un desarrollo visual impecable, la película se convierte en una experiencia inmersiva cuyo falso ritmo pausado no hace sino potenciar sus propias cualidades. raúl julián

Hereje (Heretic)

Scott Beck y Bryan Woods

la manipulación. Quien provoca el enfrentamiento es un hombre aparentemente afable –colosal Hugh Grant, actor que ha decidido pasárselo bien en el último tramo de su carrera– que acoge dos chicas de una congregación religiosa que lo quieren atraer hacia la organización. Estas dos jóvenes tienen, por su parte, perfiles marcados lo que permite a la película jugar con las dinámicas de poder entre los tres personajes: la novicia (Chloe East), la joven experimentada (Sophie Thatcher), y el avieso corruptor de ideas (Grant), que les va a proponer retos. Un desarrollo sugerente, atractivo, amenizado con eficaces trucos de ambientación para poner el mal en el cuerpo. Ahora bien, cuando Woods y Beck deciden descender (literal y metafóricamente) a los terrenos del terror, el film pierde interés y encanto.

j. picatoste verdejo

CUESTA CREER que con tan solo dos películas, Jesse Eisenberg haya alcanzado un nivel de narrativa por estratos tan depurado como el de “A Real Pain”. Una cinta dramática y emotiva, camuflada de buddy movie en movimiento que evoluciona sin previsión posible. En efecto, un cóctel de ideas que inequívocamente niega cualquier categorización rotunda y que nos hará admirar con tensa calma su desarrollo. A la cabeza del mismo tenemos al propio Eisenberg y a Kieran Culkin, decidido a hacer méritos para que le tomemos actoralmente en serio. La dupla interpreta a un par de primos cuyas personalidades no podrían estar más contrapuestas: David es un padre de familia con el pack completo (trabajo-casa-hijo-mujer), mientras que Benji es el resultado de un puñado de malas decisiones certificadas a golpe de adicción,

desaliño, bipolaridad y deseabilidad social constante. La excusa para su reencuentro será un esnob tour guiado por la Polonia del Holocausto, donde además de reconectar con sus raíces judías, los protagonistas buscarán reflotar ese vínculo que la distancia ha dejado hecho trizas. Entre los personajes se extiende una línea perpendicular que va de la atroz herencia de su pasado al presente de los mismos, expuesta sin reparos a través de conversaciones canábicas desde las alturas. Escenario en el que les veremos romperse de verdad y hablar sobre sus peores males. Un drama mucho más tangible, o al menos más cercano, que no figura en los libros de texto ni se sana con catárticos viajes transoceánicos: el peligro de enfrentarnos a una madurez que viene sin manual de instrucciones. fran gonzález

La explosión del grunge

Steve

Turner Redbook/ MaNonTroppo 7

Nirvana hicieron historia cuando destronaron a Michael Jackson del número uno de la lista Billboard. Aquel 11 de enero de 1992 eclosionaba un movimiento que empezó en el subsuelo de Seattle. Esta es la idea de partida de “La explosión del grunge”, un libro a caballo entre la autobiografía y la crónica musical escrito desde dentro por alguien que siempre estuvo allí: el mítico guitarrista Steve Turner, de Green River y Mudhoney. Se han publicado incontables trabajos sobre el grunge, pero faltaba la mirada tranquila de Turner, un tipo que consiguió salir indemne de aquel fenómeno musical y seguir publicando discos reseñables con Mudhoney tres décadas después. luis benavides

Futuromanía

Simon Reynolds Caja Negra 10

Como si de una especie de alivio contra la depresión propiciada por la cultura de la nostalgia tratada en “Retromanía”, así es como Reynolds plantea las interrogantes del mañana en “Futuromanía”: a través de una selección de textos suyos, publicados en diferentes medios desde finales de los ochenta, en los que podremos sumergirnos en una historia apasionante de vanguardia y ambición, que arranca en los minimalistas y llega hasta rupturistas de nuestra era como Jlin y Arca, entre un buen número de nombres que van saliendo a flote, página tras página. Los suficientes como para cumplir el primer deber de todo ensayo musical que no se mire al ombligo: (re) descubrirnos las suficientes propuestas musicales para ampliar nuestro universo referencial. marcos gendre

#BC400. Cutter, cola y fotocopias. Memoria gráfica 1989-2007

Jordi Llansamà B-Core

Resulta difícil puntuar un libro que es, en realidad, una suerte de viaje visual en el que lo nostálgico tiene tanto peso como lo documental. Así que, atendiendo al período que engloba y a las verdaderas joyas que se pueden ver en sus páginas –publicadas para celebrar las cuatrocientas referencias de B-Core–, no podría ponerle otra puntuación a este libro que un diez bien redondo. Pero ocurre que no todo el mundo guarda los lazos emocionales con un tiempo y una música como los de un servidor. Eso debe tenerlo claro cualquiera que se acerque al libro. Pero, incluso así, su valor como documento de un momento de efervescencia de la escena hardcore-punk-alternativa –en Cataluña fundamentalmente– es muy grande. Una parte de nuestra vida hecha libro. joan s luna

Memorias de la jungla psicodélica

Joel Gion

Colectivo Bruxista

8

¿Otra historia acerca de sexo, drogas y rock & roll recogida en un libro de memorias? “¡Y tanto!”, cabría refrendar con algarabía dada lo jugoso del contenido, firmado por uno de los tipos más peculiares que pululó por el San Francisco y la escena norteamericana de los noventa. Joel Gion lleva desde entonces golpeando la pandereta y agitando las maracas en los imprescindibles The Brian Jonestown Massacre, convirtiéndose así en uno de los miembros más longevos de ese combo mutante liderado por otro indomable como es Anton Newcombe. El título de estas memorias se antoja de lo más acertado, versadas en ese submundo de autenticidad, diversión y rock áspero y distorsionado en el que Gion se maneja, con ritmo ágil, como pez en el agua. raúl julián

¡Odio desatado!

Peter Bagge La Cúpula 8

Tras haberse erigido como el cómic underground de humor más corrosivo y de culto de los noventa, Buddy Bradley retorna a la vida por medio de esta reciente incursión de Peter Bagge en su título más celebrado. Y lo hace a través de su estilo gráfico de siempre, explorando los límites caricaturescos de los trazos curvos y por medio de una antología de muecas y caras desencajadas que siguen empatizando a martillazos como el primer día. Con un hijo a su cargo y como tío de los de su hermana, Bagge tira de fórmula para arrastrar a nuestros protagonistas hacia una serie de situaciones que, aunque no cuenten con el plus generacional de su momento original, justifican tan entretenido regreso. Y sigue habiendo incorrección de la buena. marcos gendre

Daniel Clowes

Bola 8 (Integral) Fulgencio Pimentel

10

Lo digo en serio. Tanto da que nos gusten los cómics de Daniel Clowes o no –aunque me permito hablar también por nuestros lectores y decir que sí, que nos gustan y mucho–, porque el valor de este integral de “Bola 8” es historia del cómic independiente y alternativo estadounidense y, por extensión mundial. Porque estas más de quinientas páginas recogen los dieciocho primeros números de la revista “Eight Ball” –los previos a “Dave Boring”– en la que Clowes fue serializando diversas historias con distintos protagonistas y que, en realidad, pueden considerarse prácticamente toda la vida de la cabecera tal y como nació, combinando series y salpicándolas de locuras varias.

joan s. luna

Corto Maltés: La línea de la vida Juan Díaz Canales y Rubén Pellejero Norma Editorial 7

México siempre al revés. Cuando todos los pobres y proletarios del mundo se unían a mediados de los años 20 a la lucha comunista y anticlerical, los campesinos mexicanos iniciaron una guerra civil de cuatro años (1926-1929) en contra de la ley federal que prohibía la participación del clero en política, que la iglesia tuviera bienes raíces e impedía el culto público fuera de los templos. Nuestro querido Corto, que funciona muy bien como termómetro político de principios de siglo XX, acaba en México transportando armas para los cristeros, los partidarios de la iglesia católica. Canales hace malabarismos con las convicciones antibelicistas de Corto y la causa cristera mientras Pellejero nos fascina con su revisión del estilo del inmortal Hugo Pratt. manu gónzalez

El invasor José Antonio Pérez Ledo y Alex Orbe Astiberri 8

“El Invasor” es, evidentemente, un título irónico. Porque Omar es un emigrante que acaba de cumplir los dieciocho años y, en consecuencia, debe abandonar el piso tutelado en el que vive; y Carol es Mystery Guest, una profesión que consiste en hacerse pasar por un cliente para valorar, de incógnito, los servicios de los hoteles de lujo. Las vidas tan opuestas de ambos protagonistas se cruzarán en Bilbao en marzo del año 2020, cuando el mundo se detuvo por el COVID-19, y los sucesos les llevarán hasta Aguilar de Campoo, el famoso pueblo de las galletas. Una historia humana y muy cercana sobre la pandemia, la soledad, la emigración, la integración de los MENAs en la sociedad, la solidaridad y la amistad basada en hechos reales. jordian fo

PODCASTS

Empezamos bien...

Laura Pardo

“Empezamos bien…” se estrenó en octubre de 2022 en la plataforma de audio de RNE con un muy loable objetivo: alegrarnos el día. Tanto el guion como la factura del podcast es sobresaliente, y se nota la mano experta de Laura Pardo. La gracia de “Empezamos bien…” radica en la capacidad de su directora para agrupar y relacionar auténticos éxitos de ventas y piezas no tan conocidas de diferentes épocas y estilos bajo un mismo concepto o elemento. Las presentaciones, aunque concisas, aportan valor, sobre todo con datos relevantes y muchas curiosidades. No se pierdan, por poner un ejemplo, las entregas tituladas “Intrahistorias” e “Intrahistorias 2”, con canciones cuyas letras retratan las miserias de la industria musical. Esto es radio musical de calidad.

luis benavides 8

Todopoderosos

Rodrigo Cortés, Arturo González-Campos, Juan Gómez-Jurado y Javier Cansado

¿Qué tienen en común un director de cine, un escritor de best-sellers, un podcaster omnipresente y una leyenda de la comedia? Solo el destino sabe cuándo se cruzaron sus caminos, pero fuere como fuere el origen de su alquimia, el cuarteto responsable de “Todopoderosos” lleva la friolera de diez años de emisión y más de cien programas ilustrándonos, con sapiencia y humor mediante, sobre cualquier tema vinculado a la literatura, el cine, el cómic, el arte o la cultura popular. De Tarantino a Jane Austen, pasando por Alan Parker, Tolkien, Will Eisner, Chaplin, Lynch, Buñuel y hasta Harry Potter. Ningún tema se salva de ser tratado bajo su minuciosa mirada, tan capaz de sacarnos una carcajada como de iluminarnos ávidamente.

fran gonzález

ESPECIALES WEB PODCASTS MS

“Heartbreaker” fue para Ryan Adams mucho más que un primer disco en solitario. Fue, literalmente, el conjunto de canciones que salvó una carrera que amenazaba con una peligrosa deriva, dados sus conocidos problemas con el alcohol en aquel momento. Aclamado todavía hoy como uno de sus mejores discos, el de Carolina del Norte celebrará sus 25 años de existencia con una gira.

Coque Malla

Nos reunimos en nuestro estudio de Madrid con Coque Malla en una nueva edición del podcast Música y Charla de Mondosonoro, el ex de Los Ronaldos viene para hablar sobre sus 40 años de carrera, un hito que está celebrando con una serie de conciertos conmemorativos en los que que va a repasar toda su carrera contando con invitados especiales.

Muerdo se encuentra en plena gira de presentación de “Sinvergüenza” (Altafonte, 24), un disco con el que ha vuelto a sus raíces y que ha contado con la producción de Fernando Illán, ganador de dos Grammys Latinos. Pero antes se pasó por la redacción de la revista para contarnos qué discos le han dejado huella en su vida. Este fue el resultado.

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