Nº 186 MONDO SONORO JULIO-AGOSTO 2011

Julio-Agosto de 2011 nº 186

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

THE HORRORS

CAMALEONES

ARCTIC MONKEYS

CHUPA AQUÍ

TV ON THE RADIO

TIEMPOS DUROS

SÔBER • JOHN TALABOT • THE WOMBATS • NOAH & THE WHALE • LOW • ARCH ENEMY • GINFERNO • LA ESTRELLA DE DAVID • JAPANESE POPSTARS NACH • i break horses • ezra furman • DËNVER • JULIETA VENEGAS • PRIMAVERA SOUND • SÓNAR • DÍA DE LA MÚSICA HEINEKEN • TERRITORIOS www.mondosonoro.com

staff Coordinador General Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com)

MondoSonoro · Julio - Agosto 2011 /5/

NOTICIAS

Publicidad Director Comercial Dani López (dani@mondosonoro.com) T. 687 914 719 Coordinador Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) T. 607 366 693 Publicidad Estatal Luis Fernández M. (luis@mondosonoro.com) T. 672 072 263 Publicidad Madrid María Llorente (maria@mondosonoro.com) T. 676 881 519 Publicidad Catalunya Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) T. 629 705 103 Administración y Contabilidad Vanessa Garza (vanessa@mondosonoro.com)

6. El verdadero retorno de Söber 7. John Talabot el enmascarado 8. Festivales 2011

mondofreako 13. The Wombats 14. Arch Enemy 15. Low 16. Noah & The Whale 17. Nach 18. Ginferno 19. La Estrella de David 20. The Japanese Popstars

Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación Manuel Fijo (maquetacion@mondosonoro.com)

entrevistas

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com

23. TV On The Radio ¿Dónde está el final?

25. Arctic Monkeys Prueba esto 26. The Horrors El nuevo orden

◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 963 987 ◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197

sumario

Conciertos

25 / ARCTIC MONKEYS Prueba esto

29-35. Primavera Sound, Sónar, Día de la Música Heineken, Territorios Sevilla

◗ Ed. Canarias (canarias@mondosonoro.com) Redacción Job Ledesma Tel 615 125 126 Publicidad Enrique Santana Tel 689 53 39 53 Jacob Cabrera Tel 609 55 12 00

escaparate

◗ Ed. Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026

36-37. Ezra Furman, Dënver...

◗ Ed. Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

vinilos 39-46. I Break Horses Disco del mes

◗ Ed. Galicia-Castilla y León (galicia@ mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro. com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

mondomedia

◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 Colaboradores: Textos Alberto Comeche, Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Fernando Fuentes, Francesc Feliu, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Héctor García, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, María Baigorri, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, P. Muñoz, Óscar Gual, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

49-51. Mondo Recomienda 53. Conexiones

mondoweb

Premios Todos ustedes habrán escuchado una y mil veces aquello de que los premios no interesan demasiado hasta que, claro, se lo conceden a uno. Y eso ha vuelto a ocurrir este mes con los Premios de la Música Independiente, organizados por la UFI y votados por el público. Nos han premiado por segunda vez como Mejor Medio de Comunicación y no podemos dejar de agradecérselo a todo el mundo. Primero a los profesionales del sector por tenernos tan presentes, y luego a todas aquellas personas que nos han votado. Muchas gracias a todos ellos. De todos modos, tan importante para nosotros es eso, como ver crecer a grupos por los que apostamos desde nuestras páginas. Obviamente a Pony

“no solo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Javi Ruiz por liarla con Lori Meyers en el DCODE”

26 / The Horrors El nuevo orden

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Oficina

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54. La entrevista Fan: La Habitación Roja

23 / tv on the radio ¿Dónde está el final?

Aragón

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Para ello escojo las siguientes tarifas:

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Bravo, ganadores de nuestro premio a Grupo Revelación, pero también a artistas tan atractivos –y en su momento Demoscópicos de esta casa- como Triángulo de Amor Bizarro, grandes triunfadores de los premios, o Hola A Todo El Mundo. Nos alegramos, y mucho por ellos. Ahora bien, como la actualidad manda, nosotros seguimos a la nuestra y nos plantamos en pleno verano con un número en el que los artistas internacionales copan el principal protagonismo.

Así, nuestras tres entrevistas principales están dedicadas a The Horrors –suya es también la portada-, Arctic Monkeys y los estadounidenses TV On The Radio. Que lo disfruten. Y lo dicho, muchas gracias por la confianza.

■ Redactor Jefe Joan S. Luna

5 lotes de

Mushroom pillow

formados por un vinilo edición limitada la habitación roja y el cd de la familia árbol

TAN LEJOS... ❚ El pasado sábado 4 de junio fallecía en Berkshire (Inglaterra) a los sesenta y tres años de edad MARTIN RUSHENT, uno de los productores ingleses más importantes de los setenta y ochenta.

Rushent, que fue uno de los principales valedores del punk y la posterior nueva ola británica, fue el encargado de producir los álbumes más celebrados The Human League, Altered Images, Buzzcocks, Generation X, The Stranglers y XTC, entre otros. ❚ THE RAPTURE preparan su vuelta a los escenarios con su nuevo disco, titulado “In The Grace of Your Love”, que se pondrá a la venta el 5 de septiembre.

Se trata del primer material nuevo que publicarán tras “Pieces Of The People We Love”, que vio la luz en el 2006. Para “In The Grace of Your Love”, la banda ha contado con el productor de Phoenix, Phillipe Zdar y ha sido grabado entre París y Brooklyn. ❚ LOU REED y METALLICA han grabado un disco conjunto. Así lo ha anunciado la banda de rock duro a través de un comunicado en su web: “Estamos más que orgullosos de anunciar que hemos terminado el álbum completo junto al mismísimo Lou Reed”. De momento, habrá que seguir atentos a nuevas informaciones sobre formatos y fechas de publicación.

"Nevermind" veinte años después Foto Archivo

/6/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

Söber Foto Archivo

NOTICIAS

El verdadero retorno de Sôber Aunque comunicaron su retorno en enero de 2010, no cabe duda de que la publicación de su nuevo disco, “Superbia”, marca el verdadero punto de partida de esta vuelta a la actividad. Sôber a pleno rendimiento y de nuevo de actualidad.

S

in duda el regreso de los madrileños tras siete años de letargo es posiblemente uno de los más esperados para cualquier amante del rock duro que se precie en este país. Atrás quedan su legado de seis trabajos firmados en Skizoo y Savia, los dos grupos que se generaron tras la desbandada. Una historia que pese a que sonaba a punto y final guardaba un punto de continuidad motivado por unas ansias de oxigenarse y tomar impulso para un futuro. “En realidad nos dimos un descanso bastante largo. Pero un descanso, cuando vimos que ya era suficiente decidimos volver”. Con ganas renovadas y la ilusión de un grupo novel las expectativas de Sôber parecen seguir ancladas en las de sus inicios, pese a ver firmado con una multinacional como

Sony. “Son las mismas de hace quince años, intentar llegar al máximo número de personas posible, por lo que vender muchos discos o que la gente tenga tu música es un éxito para nosotros. Está claro que Sony sabe cómo hacerlo”. Para Sôber el estado de las cosas en el negocio musical ha sufrido una inflexión pero no es óbice para lamentarse. “Antes se vendía mucho más, pero nos pilló en pleno estallido de la piratería, por lo que nunca llegamos a disfrutar de los tiempos dorados de la música en España, pero sin duda, son tiempos duros de inventarse continuamente. Nos motiva mucho. Estamos viviendo un cambio de formato que hará historia”. “Superbia” es una vuelta a la palestra con la fuerza que detentaban

❚ En unos meses se cumplirán veinte años de la publicación del “Nevermind”, segundo disco de NIRVANA. Para celebrar tan especial efeméride, en septiembre se publicará una edición especial que contiene cuatro discos y un DVD, y otra Deluxe que además contiene: canciones inéditas, rarezas, caras B, remixes, sesiones de grabación inéditas para la BBC radio y un DVD con un concierto inédito.

❚ PULP reeditarán sus tres primeros álbumes -”It” (1983), “Freaks” (1987) y “Separations” (1992)- al final del verano. Las reediciones no serán remasters, pero los tres discos contarán con nuevas fotografías y artwork, con notas explicativas a cargo del influyente periodista británico Everett True y, en el caso de “Freaks” y “Separations”, con bonus tracks. ■

+en

Sidonie ultiman su nuevo disco

Facto y los Amigos del Norte Foto Archivo

❚ El pasado 18 de junio fallecía CLARENCE CLEMONS, saxofonista de la E Street Band de Bruce Springsteen.

“The Big Man”, como le apodaban, llevaba desde el inicio de los setenta junto a The Boss, siendo una pieza clave del alma del grupo. Clemons sufrió un derrame cerebral en su casa en Florida la semana pasada del que no pudo recuperarse.

en los tiempos de máximo apogeo, los de discos como “Synthesis” o “Paradysso”. Los once cortes que configuran el álbum mantienen los característicos guiños entre melodías y desarrollos progresivos con un sonido pleno y contundente que les acerca al de sus directos. “Superbia significa soberbia en latín, pero en el buen sentido.

Intentamos que la gente se dé cuenta de que la soberbia del ser humano nos llevará a la destrucción del mundo”. ¿Y cómo anda de soberbia el cuarteto? “En realidad pecamos de muy poca. Somos bastante humildes y tenemos los pies en el suelo”. En esta ocasión la batería tiene un papel preponderante y goza de una presencia y una pegada acorde con su responsable.

“Estamos muy contentos con la labor de Manu Reyes. Es un gran tipo, y consciente de los zapatos que ocupa”. ■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

Facto y los Amigos del Norte, la aventura continúa

En breve podréis disfrutar en Mondo TV de una entrevista en total exclusiva que mantuvimos con los tres chicos maravilla en los estudios Blind Records de Barcelona con motivo de la grabación de su sexto largo. El álbum promete ser un nuevo cambio de rumbo en el sonido de la banda, aunque paradójicamente basado en el lenguaje primigenio del grupo: la psicodelia. Para ello primero se han desplazado hasta los afamados estudios Music Lan de Avinyonet de Puigventós en la provincia de Girona en los que han registrado en total directo bajo, guitarra y batería, buscando la esencia y crudeza del formato trío, mientras que han dejado las voces y los arreglos para trabajarlos en Barcelona con los ya habituales Santos & Fluren que son junto a la banda los co-productores del disco. ■

+en Tras la desmembración de Facto Delafé y Las Flores Azules, Facto, o lo que es lo mismo, Marc Barrachina, ha decidido ir por libre. Aunque en su nueva aventura musical, Facto y los Amigos del Norte, no viene solo. En “FAN” (Warner, 11) le acompañan el productor y músico Roger Rodés, Nubla y la rapera Miss Maiko en el estudio y los escenarios para crear una batidora estilística en la que tanto cabe el hip hop, las melodías oldies o incluso el reggaetón. “Lo de dar la cara no fue nada premeditado. Tenía algunas letras e ideas de canciones y se me hacia un poco raro el hecho de escribir algo y que lo cantara otro. Así que con la ayuda de Roger y Nubla me empecé a currar el rollo de la interpretación y al final nos convenció a todos”, comenta Barrachina, destacando los temores que durante la gestación de “FAN”, tuvo acerca de poner voz a sus letras. ■ Sergio Del Amo

+en

Sidonie Foto Archivo

John Talabot Foto Press Shot

MondoSonoro · Julio - Agosto 2011 /7/

TAN cerca... ❚ Nace un nuevo festival en Barcelona, se trata del PRÒXIMS, que se llevará a cabo en el Poble Espanyol durante toda una jornada, a partir de las cinco de la tarde del 21 de julio. A falta de confirmar más nombres, los primeros que se han dado a conocer son: Standstill, Mishima, Mujeres, El Petit de Cal Eril y Anímic. www.proximsbarcelona.com ❚ Llega una nueva edición del HEINEKEN JAZZALDIA de Donostia y con una programación completa y variada que, una vez más, se abre a nuevos estilos más allá del jazz. Así, grupos como Deer Tick, Crystal Fighters o Cut Copy, compartirán protagonismo con Chick Corea, John McLaughlin, Cyndi Lauper, Jan Garbarek o Dave Douglas, entre otros. La edición número cuarenta y seis del Heineken Jazzaldia tendrá lugar del 21 al 25 de julio en Donosti. www.heinekenjazzaldia.com

MondoSonoro Madrid con el premio Foto Alfredo Arias

Tercera edición de los Premios de la Música Independiente UFI

❚ Nueva edición del PIRINEOS SUR, este año con el subtitulo de “Tribus ibéricas” Lanuza y Sallent de Gállego (Huesca). Del 14 al 31 de julio en el Auditorio Natural de Lanuza y en diversos espacios de Sallent de Gállego, se podrá disfrutar de los conciertos de: Rão Kyao, Rubén Blades, La Troba Kung-Fú, Antònia Font, DePedro, Andrés Calamaro, Eliseo Parra & Tactequeté o Albert Pla & Pascal Comelade, entre otros. www.pirineos-sur.es

La tercera edición de los Premios de la Música Independiente entregados por la UFI resultó la más dinámica y exitosa hasta la fecha. Ajena a polémica alguna, lo cierto es que Anne Igartiburu lo bordó, conduciendo la gala de forma fluida y sorteando con una sonrisa las dos o tres bromas de rigor. La ceremonia arrancó con un sentido recuerdo a tres figuras esenciales de nuestra música que se marcharon para siempre a lo largo del último año: Enrique Morente, Pedro San Martín y muy especialmente a Mario Pacheco, padre de estos Premios. A partir de ahí, se puso en marcha una entrega de galardones fluida en la que destacamos el premio a MondoSonoro como mejor Medio Musical y los cuatro premios de Triángulo De Amor Bizarro, entre ellos al Mejor Álbum de 2010 por “Año Santo”. ■

John Talabot, El enmascarado publica "Families" en todo el mundo Usa el nombre de la escuela británica barcelonesa en la que estudió, pero su radio de acción abarca ya todo el mundo. Tras sorprender a propios y extraños con varios Ep’s adulados por grandes nombres de la electrónica internacional, vuelve con “Families”, un nuevo extended play de la mano de Young Turks.

E

Flying Lotus Foto Archivo

Flying Lotus visita Madrid El californiano Steve Ellison, a quien conocemos más como Flyng Lotus, ha demostrado ser uno de los creadores más imaginativos de la colisión entre electrónica y espíritu hip hop de los últimos años. En Warp lo tuvieron claro desde el principio, con lo que su respetadísimo y adulado “Cosmogramma” (10), su álbum del pasado año, no hizo sino darles la razón. Este mes de julio, concretamente el día 13, la marca de ropa Carhatt ha conseguido que el artista se acerque hasta Madrid para ofrecer uno de sus conciertos, que se llevará a cabo en la sala Joy Eslava. Las entradas están ya a la venta, así que date prisa. El precio de la entrada es de 20 euros anticipada, 25 en taquilla. ■

NOTICIAS

n la escena electrónica nacional poca gente representa tan bien el trabajo concienzudo, el saber hacer, las ganas de evolucionar y la humildad como John Talabot (se conoce su nombre real, pero mejor mantener el suspense). No es de extrañar que desde que nos enamorara con “Sunshine EP” o el tremendo “Matilda’s Dream EP”, la prensa se haya empeñado en calificar a este joven enmascarado de salvador de la patria en lo que a música electrónica se refiere. Cosa curiosa, teniendo en cuenta que Talabot tuvo que triunfar antes en el extranjero para que le reconociéramos los méritos aquí (igual que le pasó a sus amigos de Delorean o El Guincho). “Supongo que es natural. En nuestro país la tradición electrónica no trasciende más allá del ámbito de la música electrónica.

El Sónar puede reunir a ochenta mil personas, pero igual luego eso no se refleja en ventas o en repercusión”.

Precisamente en el Sónar hemos podido verlo presentar su recién estrenado EP “Families” al igual que en el Primavera Sound. En este maxi Talabot depura y minimiza la producción en hits como “Lover’s Tradition” o “Families”, con la colaboración vocal de la neoyorquina Glasser. Más experimental se muestra Talabot en “Lamento”, donde el house deja paso a la psicodelia. Incluye, además, un “re-fix” del tema titular en clave de deep-house. Y con tanto picoteo de estilos, cuesta imaginar por dónde tirará su primer largo, previsto para octubre. “No lo voy a enfocar como los maxis, porque cada cosa tiene su finalidad: será más reposado y más oscuro. Además, las canciones serán más cortas y no estará tan basado en el sampler. Habrá un rollo más analógico, más sintetizadores, más cajas de ritmos…”. Y lo que habrá, por encima de todo, será muchísimas ganas de escucharlo. ■ Virginia Arroyo

Joanna Newsom Foto Archivo

❚ Aunque a muchos todavía les retumban los oídos después de la actuación de Animal Collective en el San Miguel Primavera Sound, el grupo de Baltimore volverá a actuar en Barcelona en unas semanas, será dentro del FLY ME TO THE MOON. También lo harán Beach House, Joanna Newsom y The Suicide Of Western Culture, en la que será la primera edición del festival que se celebrará los días 27 y 28 de julio en el Poble Espanyol de Barcelona. ❚ El MONKEY DAY de Asturias se presenta en sociedad con una primera edición que presenta un cartel de lujo. El festival que se celebrará el 19 de agosto en el Teatro de la Laboral de Gijón cuenta con Mogwai, The Sounds, The New Raemon, We Are Standard y Thee Brandy Hips entre otros. ❚ Más conciertos-festivales de un día en Asturias, esta vez el CANTAUTORES ELÉCTRICOS, que también se llevará a cabo en el Teatro de la Laboral de Gijón.

La cita será el día 27 de agosto, y reunirá sobre el escenario a tres de los singersongwriters del Estado: Lapido, Señor Chinarro y Nacho Vegas. ❚ El SALSA & LATIN JAZZ BCN FESTIVAL tendrá lugar en el Poble Espanyol de Barcelona el día 16 de julio para acercar a la Ciudad Condal los nombres más grandes de la salsa y el jazz con toques latinos. El cartel lo encabezan dos monstruos como Rubén Blades y Chucho Valdés, que estarán acompañados por la banda afincada en Barcelona La Sucursal S.A.. http://salsaylatinjazz.com/ n

festivales 2011

/8/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

BRINCADEIRA

EN VIVO

El Brincadeira es un festival que se celebra el viernes 12 y sábado 13 de agosto en Ordes (La Coruña), orientado a seguidores del rock urbano, el punk y el mestizaje y con precios realmente populares. El principal reclamo del festival, los clásicos Europe, tienen un punto kitsch que contrasta con el resto de confirmados: los británicos The Grit, el mexicano El Vez, tres clásicos nacionales del calibre de Rosendo, Obús y Burning, los garageros Wau Y Los Arrrghs!!! y Dr. Explosion, La Kinky Beat, Boikot, La Pegatina, etcétera. www.brincadeiraordes.com.

Simian Mobile Disco Foto Archivo

El rock urbano nacional sigue teniendo predicamento entre los jóvenes, como lo demuestran eventos como el Festival En Vivo (del 1 al 10 de septiembre en Getafe, Madrid) en el que se confirma su acercamiento principalmente a géneros como el metal, el hip hop y el mestizaje. Los veteranos The Offspring son el principal reclamo de un cartel que completan los históricos del punk Toy Dolls, junto a una larga lista de artistas estatales como Rosendo, Sôber, Mago De Oz, Los Delinqüentes, Tote King, Kiko Veneno, SFDK, Sho Hai, Boikot, La Pegatina... http://envivofestival.com.

ROCK IN WAY ESTRELLA GALICIA

CREAMFIELDS ANDALUCÍA

El Vez Foto Archivo

Muchas novedades con respecto al Creamfields Andalucía de este año. Además de trasladarse al Circuito de Velocidad de Jerez de la Frontera, el evento ha ampliado su celebración a dos días (13 y 14 agosto). Dos jornadas con una programación plagada de nombres apetecibles para los aficionados a la electrónica más diversa: The Prodigy, Laurent Garnier, Richie Hawtin, The Bloody Beetroots Death Crew 77, 2 Many Dj’s, Felix Da Housecat, Simian Mobile Disco y artistas estatales como John Talabot, Alex Under, Delorean, Undo...www.creamfields-andalucia.com

AQUASELLA

The View Foto Archivo

Cartagena se anima en verano, y mucho, gracias a la amplia programación de La Mar de Músicas, un festival o ciclo de conciertos que dará colorido y ritmo a la localidad desde el 8 hasta el 23 de julio. La lista de propuestas es muy variada, desde Stewart Copeland & Ensemble La Notte della Taranta, Third World, Frederic Galliano & Kuduro Sound System, Natacha Atlas, Russian Red, Julieta Venegas, Balkan Beat Box, Lloyd Cole, Antònia Font, The Skatalites, Cyndi Lauper, Mavis Staples, Instituto Mexicano del Sonido, El Guincho, Ojos de Brujo... www.lamardemusicas.com

Inner Circle Foto Archivo

EBROVISIÓN

ROTOTOM SUNSPLASH

Los escoceses The View son la última de las bandas confirmadas (a la hora de escribirse estas líneas) en el festival burgalés Ebrovisión, que tendrá lugar en Miranda de Ebro los días 15, 16 y 17 de septiembre. Se suman así a un listado de bandas en el que dominan los nombres nacionales de corte indie pop: Delorean (que este año no nos darán tantas oportunidades de presenciar su directo, cada vez más rodado tras la gira mundial que ha seguido a la publicación el pasado año de “Subiza”), Xoel López, Supersubmarina, Maga, Mendetz, Nudozurdo o Lapido. www.ebrovision.com

Llega a nuestro país por segunda edición consecutiva uno de los festivales de reggae más importantes de Europa, el Rototom Sunsplash, que tendrá lugar en Benicàssim del 18 al 27 de agosto. Y este año lo hace coincidiendo con el homenaje a Bob Marley por el treinta aniversario de su muerte, para el que contarán con su viuda Rita Marley, además de los hijos del rastafari. Además la programación cuenta con artistas como Shaggy, Queen Ifrica, Dub Inc, Jimmy Cliff, Inner Circle, Ojos de Brujo, Burro Banton, Ali Campbell de UB40, Lutan Fyah... www.rototomsunsplash.com

CONTEMPOPRÁNEA CRUZCAMPO

Russian Red Foto Archivo

ARENAL SOUND 2011

La décimo sexta edición del Contempopránea, que se celebrará los días 29 y 30 de julio en Alburquerque (Badajoz) regresa cargada de caras conocidas del indie nacional como Xoel López, La Bien Querida, Mendetz, El Columpio Asesino, Standstill o Delafé y las Flores Azules, a los que se les suman grupos que han dado mucho que hablar este 2011 como los chilenos Dënver, Ellos, Los Ginkas o Megaafonía, escogidos como grupo revelación. www.contempopranea.com

Foreign Beggars Foto Archivo

ELECTROMAR

Dënver Foto Archivo

Toy Dolls Foto Archivo

Santiago de Compostela acogerá el próximo mes de septiembre un nuevo festival. Durante los días 9 y 10 de septiembre un total de veinte artistas se pasearán por dos escenarios emplazados en el Monte Do Gozo. La lista incluye a The Offspring, Toy Dolls, Rinôçerôse, Sôber, Delorean, Tote King, Muchachito Bombo Infierno, Triángulo de Amor Bizarro, The Blows, Igloo, Niño y Pistola, Novedades Carminha o los argentinos Las Pelotas, entre otros. www.rockinway.com

LA MAR DE MÚSICAS

Quince años de Aquasella, que se dice pronto, y sus responsables continúan luchando para hacer de cada edición una cita muy especial. La localidad de Arriondas, en Asturias, lo acogerá durante los próximos días 5 y 6 de agosto. El cartel está totalmente cerrado, y entre los principales nombres están 2Many Dj’s, Groove Armada, Sims & Friends, Dj Hell, Dave Clarke, Ben Sims, Óscar Mulero, Erol Alkan, Derrick Carter, Technasia, Rex The Dog, Ewan Pearson, The Zombie Kids, John Talabot, Darkrow, David Mallada y un largo etcétera. www.aquasella.com

Erol Alkan Foto Archivo

Tote King Foto Archivo

Con el cartel completo, el Electromar redondea su apuesta por los sonidos más estilosos de la electrónica imperante y el mejor indie del momento.

Además de las confirmaciones iniciales de Moby, Ellen Allien, 2manydjs, Lori Meyers o Supersubmarina, también estará en la playa de los Narejos de Los Alcázares (Murcia) Make The Girl Dance, Popof y Foreign Beggars. Por su parte, Delorean repiten asistencia, junto a los madrileños The Zombie Kids. www.electromarfestival.com

La organización de Arenal Sound 2011 anuncia los horarios definitivos de las actuaciones que tendrán lugar en la playa El Arenal de Burriana del 4 al 7 de agosto. Una completa programación para todos los públicos, con un abánico de lo más variado, que nos lleva desde Hurts a Calvin Harris, desde Delorean a Russian Red, desde Orbital a Love Of Lesbian, en uno de los carteles más eclécticos del territorio gracias a una lista de casi cien artistas. (The Charlatans, Dorian, Tiga, Scissor Sisters, Vetusta Morla, We Are Standard, Rinôçérôse, El Guincho...) www.arenalsound.com

Matthew Sweet Foto Archivo

TURBOROCK

Calvin Harris Foto Archivo

El Turborock 2011, al que se han sumado a última hora los estadounidenses Nada Surf, llega cargado con una doble programación que tendrá lugar en Santander y Benidorm, los días 2 y 3 de septiembre. Así, podrás disfrutar de grupos como Matthew Sweet, la vuelta de Gigolo Aunts, Man Or Astroman?, The Sadies, Buzzcocks o D Generation. TurboRock te lo pone fácil. Elije la ciudad que más te convenga y dedícate a disfrutar de la música. http://turborock.es/ n

NOTICIAS /10/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro FIB

MONEGROS DESERT FES.

Las últimas incorporaciones al cartel FIB son, entre otras: Russian Red, Fake Blood, Roska feat Jamie George, The Undertones, Pigbag, Los Eterno, Los Ginkas, Derrick Carter, Mary Anne Hobbs, Gesaffelstein, Chris Geddes (Belle & Sebastian) Dj Set, Guille Milkyway Dj, Star Slinger y Ramón Noguera & Optigan1 (Mondo Sonoro Dj’s). Recuerda que este año la nueva edición del FIB tendrá lugar del 14 al 17 de julio en Benicàssim.

Las entradas de día ya están a la venta a un precio de 70€. Recuerda que dependiendo de la entrada que compres, tienes a tu disposición también una zona de acampada gratuita durante ocho días completos.

Otros nombres confirmados con anterioridad para el FIB son: Arcade Fire, Arctic Monkeys, The Strokes, The Streets, Mumford & Sons, Primal Scream, Portishead, Brandon Flowers, Big Audio Dynamite, Noah & The Whale, Antònia Font, Pendulum, Paolo Nutini y muchísimos más. http://fiberfib.com

James Murphy Foto Archivo

SANTANDER AMSTEL

Brandon Flowers Foto Archivo

Tercera edición ya de este festival que se desarrolla en un lugar especialmente bonito, el parque que rodea el Palacio de la Magdalena, en una península que reúne las ventajas de los festivales urbanos y la belleza veraniega de los eventos playeros.

Arranca el jueves 21 de junio y durante tres días se darán cita algunos de los nombres más destacados del indie nacional -Russian Red, El Guincho, El Columpio Asesino, Hola A Todo El Mundo- y artistas internacionales de la relevancia de James Murphy (que seguirá haciendo bailar al personal con sus sesiones, tras la disolución de LCD Soundsystem), Crystal Fighters, The Pains Of Being Pure At Heart (otros veteranos de los escenarios nacionales en los últimos dos años), The Ting Tings, Jamaica o Mando Diao. Más información en la web del festival, www. santandermusic.es

Con tanta energía como en cada edición, vuelve el Monegros Desert Fest: veinticuatro horas de sesiones de los deejays más reputados en un entorno muy especial que atrapa a festivaleros venidos de todos los rincones de España e incluso Europa. Y es que el desierto dejará de ser un lugar hostil el próximo 23 de julio para acoger una nueva edición de uno de los festivales más importantes de la electrónica en nuestro país. Algunos de los artistas que harán rodar los platos son Carl Cox, David Guetta, Vitalic, Steve Aoki, Oscar Mulero vs Reeko, Micropoint, Tiga, Richie Hawtin, Ben Sims vs Paul Mac, Joseph Capriati, Hellfish, Crookers, Brodinksi o Frivolous, además de las confirmaciones de grupos nacionales de hip hop, algo habitual también, como Hablando en Plata, Sho Hai, Tote King o Rapsusklei, entre otros. Ya puedes hacerte con tu entrada por 70€ más gastos de distribución. Tienes toda la información sobre accesos, cartel y demás en. www.monegrosfestival.com

Vetusta Morla Foto Archivo

LOW COST

Tiga Foto Archivo

presents

La gente de Burn continúa buscando propuestas interesantes, artistas imaginativos y creadores inquietos, a través de sus RRSS; gente que, como los responsables de Privilege Ibiza, no dejan de renovar y sorprender día tras día.

UN VERANO MUY ESPECIAL SI NO TENÍAS CLARO QUÉ ESPE RAR DE ESTE VERANO QUE ACA BA DE EMPEZAR, AQUÍ TIENES LA PRIMERA GRAN SORPRES A. TODOS LOS DOMINGOS DESD E EL 17 DE JULIO HASTA EL 11 DE SEPTIEMBRE, EL INQUIETO Y SIEMPRE INNOVAD OR CLUB BALEAR ACOGERÁ EL CICLO POSITIVA AGENCY PRES PRIVILEGE LIVE. A LO LARGO DE DOS MESES PODRÁS ASISTIR A INFIN IDAD DE SESIONES DE DJ'S Y A LAS ACTUACIONES DE ARTISTAS DE RENOMBRE INTERNA CIONAL COMO JAMIROQUAI, INFECTED MUSHROOM, UNDERWORLD, TAIO CRUZ, 30 SEC ONDS TO MARS, DIGITALISM O CASSIUS. BUSCA TODA LA INFORMACIÓ N EN WWW.PRIVILEGEIBIZA.COM UNA OPORTUNIDAD EXCELENTE QUE NO DEBERÍAS DEJAR PASAR BAJO NINGÚN CONCEPTO. EL VERANO HA LLEG ADO, ¡QUÉ NO SE TE ESCAPE!

Casi toda la programación de la próxima edición del Low Cost ya ha sido revelada, aunque todavía faltan algunas sorpresas más que se anunciarán en breve.

De momento, a un de por si nutrido cartel, se le suman ahora los nombres de Eli “Paperboy” Reed, un habitual de nuestro país y a quien hemos visto en estos últimos días colaborar con The Pepper Pots, y The Pains Of Being Pure At Heart, que defenderán en directo su nuevo disco, “Belong”. Además de ellos, también confirman su presencia en el festival de Benidorm, FM Belfast, Cápsula, Cosmonauta, Cirilo, Frank Bango y Santo & Mr. Chase (Fever Dj’s). El Low Cost tendrá lugar los días 21, 22 y 23 de julio en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor, en el que actuarán grupos como Mando Diao, Klaxons, Cut Copy, Ok Go, Vetusta Morla, Crystal Castles, Shout Out Louds, Standstill y muchísimos nombres más. www.lowcostfestival.es

MondoSonoro · Julio - Agosto 2011 /11/

CRUÏLLA BARCELONA

SONORAMA RIBERA Cada año que pasa el Sonorama Ribera sube un peldaño hacia la cúspide de los festivales más queridos del territorio nacional. Del 11 al 14 de agosto la población de Aranda del Duero acogerá una programación llena de nombres a retener dentro del pop y rock independiente nacional e internacional. Teenage Fanclub, The Hidden Cameras, Los Campesinos!, Shout Out Louds, Rinôçérôse, Delorean, Nacho Vegas, El Guincho, Dorian, Catpeople, Sexy Sadie y La Orquesta Poligonera, este último, un proyecto muy especial en el que participan Anni B Sweet, Santi Capote, Coque Malla, Ale Méndez, Amaro Ferreiro, Nico Pastoriza, Iván Ferreiro, Noni López, Guille Mostaza y Alfredo Núñez… www.sonorama-aranda.com

Lacuna Coil Foto Archivo

El recinto del barcelonés Parc del Fòrum no deja de acoger propuestas musicales. Por eso, este mes de julio –concretamente los días 8 y 9- será el escenario de las actuaciones de todos los artistas convocados para el Cruïlla BCN. Hace ya unos meses que se ha anunciado la lista de participantes, pero no vamos a dejar pasar la oportunidad de recordar los nombres.

Los principales cabezas de cartel del evento serán Jack Johnson, Madness, Public Enemy, dEUS, Antònia Font, Calle 13, Iron & Wine y el duelo en la cumbre Lee Scratch Perry y Max Romeo. Pero fíjense mucho en la letra más pequeña, porque los nombres son de lo más atractivo: desde Delafé y las Flores Azules a los japoneses Tokyo Ska Paradise Orchestra, pasando por Obrint Pas o Retribution Gospel Choir, el proyecto más crudo de Alan Sparhawk de Low. En todo caso, mejor visitar la web (www.cruillabarcelona.com) para tener la lista completa y los horarios.

SONISPHERE

Delorean Foto Archivo

NOTICIAS

Ya falta menos para que el recinto del Getafe Open Air se llene de cuernos al aire, y es que los próximos 15 y 16 de julio arranca una nueva edición del Sonisphere, la franquicia festivalera que regresa por tercera ocasión a nuestro país y lo hace en una versión extendida de dos días ante la buena acogida de las ediciones pasadas. Así, por Getafe actuarán nombres de referencia de la escena metalera como Iron Maiden, Alice Cooper o Mastodon, además de otros nombres tan imperdibles –en la acepción más amplia de heavy metal- como Twisted Sister, Dream Theater, Arch Enemy, Lacuna Coil, Gojira, Hammerfall, Valient Thorr o los españoles Angelus Apatrida o Sôber. Si estás interesado en asistir al Sonisphere 2011, ahora la organización te lo pone todavía más fácil, con disponibilidad de viajes organizados, ofertas y toda la información que precises la encontrarás en: http://es.sonispherefestivals.com

The Chemical Brothers Foto Archivo

BILBAO BBK

Antònia Font Foto Biel Santandreu

Por si el cartel no resultaba suficientemente potente de por sí, el lanzamiento del primer single del nuevo disco de Coldplay ha terminado de convertir la cita en una de las más tractivas de todo el panorama festivalero estival (del 7 al 9 de julio en Bibao Kobetamendi).

Los de Chris Martin actúan el jueves y figuran como cabezas de cartel junto a The Black Crowes, sobre todo después de la cancelación de la gira europea de Amy Winehouse (incluyendo su concierto en el Bilbao BBK), pero lo cierto es que los nombres que les siguen en el cartel tampoco tienen desperdicio: Blondie, Beady Eye, Kasabian, Kaiser Chiefs, The Chemical Brothers, Crystal Castles, The Twilight Singers, The Mars Volta, TV On The Radio, !!!, Jack Johnson, 30 Seconds To Mars, Les Savy Fav o las dos grandes vedettes en el apartado nacional para este verano: Vetusta Morla y Russian Red. www.bilbaobbklive.com ■

lA MEJOR MÚSICA EN DIRECTO SERÁN MUY laS NOCHES EN PRIVILEGE IBIZA ATRACTIVO ESPECIALES, Y NO SÓLO POR EL POR UNA LISTA DE EMPLAZAMIENTO, SINO TAMBIÉN IÓN. IRAC RESP LA TA ARTISTAS QUE COR RLOS A TODOS LISTARLOS ES FÁCIL, PERO TENE DO MUCHOS ACTUANDO EN IBIZA HA REQUERI ÉIS EN PAS LO QUE ESFUERZOS Y GANAS DE ESTARÁN AHÍ OS, ÍAM DEC OS O COM .

GRANDE cted Infe d, orl erw Jamiroquai, Und onds to Mars, Mushroom, Taio Cruz, 30 Sec muchos quedan ¡Pero . sius Cas y Digitalism más por desvelar!

En Burn siguen esperándote las cosas Como ya sabéis, Burn sigue buscando gente que haGA protagonistas ÚLTIMOS LOS FUERON zenta & daze . diferente de forma su imaginativa ELEGIDOS PARA "burn your mind the movie", gracias a puertas de forma de entender el graffiti y el arte urbano. pero las y que nadie ofrecer que algo tienes que crees si . burn siguen abiertas , no pierdas la lo hace como tú, con tu personalidad y tu inquietud . oportunidad de convertirte en el próximo protagonista INFÓRMATE EN SU PÁGINA WEB WWW.BURN.ES Y EN SUS RRSS.

mondofreako

/13/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

THE WOMBATS

LÁGRIMAS SOBRE EL SINTETIZADOR

Caminar por los infinitos y estrechos pasadizos del metro de Londres, empapelados al completo como en una obra Warholiana con los pósters de The Wombats anunciando orgullosos la publicación de “This Modern Glitch”, demuestra que su vuelta tenía que ser, cuando menos, sonada. Y es que la continuación de su incendiario debut, “A Guide To Love, Loss & Desesperation”, se ha hecho esperar más de la cuenta.

“

Retrasamos la salida del disco tres veces; incluso creo que hubo una cuarta. No nos gustaban cómo sonaban algunas canciones, como ‘1996’, así que volvíamos una y otra vez sobre ellas, grabándolas decenas de veces”, confiesa sin tapujos Matthew Murphy, líder del grupo de Liverpool. “Además, el sello dio bastante por saco, querían hacer más promo antes del lanzamiento y tuvimos que regrabar un videoclip porque lo odiaban (risas), pero está bien tener un sello para que puedan tocarte las narices y que se preocupen por esas cosas”. Una vez el disco está en la calle y la gira es una realidad, el infierno por el que Murphy deambuló durante año y medio a causa del sobreesfuerzo de una gira inacabable, el desgaste en las relaciones personales e incluso un accidente de coche, empieza a parecer un espejismo lejano.

“Con el debut llegó un éxito inesperado y un tour que se prolongaba meses y meses.

Fue mucho tiempo sin ver a la familia, los

amigos, metido en un autobús y sin parar de tocar. Fue genial, pero también un desgaste enorme. Todo era un poco caótico y empecé a tomar antidepresivos y me volví arrogante, raro y perdí el sentido de la realidad.

Era como un muerto andante. Así que para componer ‘This Modern Glitch’ decidí volver al lugar en el que todo empezó: mi habitación. Quería recuperar los sentimientos que me empujaron a escribir por primera vez. No sé si toda esa tristeza y enfado se canalizaron en estas letras o no, aunque sí son muy realistas”, cuenta Murphy con la voz entrecortada. Canciones cargadas de melancolía y recuerdos personales que se envuelven en sintetizadores altamente bailables, combinados con la oscuridad de metáforas post-adolescentes y dramáticos cambios de ritmo. “Temas como ‘Our Perfect Disease’ o ‘Techno Fan’ están inspiradas en mi -ahora- ex novia. Las compuse en mi piso en Londres, justo tras la ruptura. Encontré la inspiración en el dolor,

supongo que soy algo masoquista. Quería que este disco fuera más personal. Tienes un cupo de canciones para poder componer sobre fiestas, nenas y emborracharte como si no hubiera mañana. Después, tienes que evolucionar. No le dimos muchas vueltas a cómo sería el sonido, solo hicimos lo que nos venía en gana. Tiramos más de sintetizadores, porque estábamos cansados de ser el grupito de voz y guitarra pop durante los dos últimos años”. Su evolución viene también

ditos ‘hipsters’”. Tras su paso por Barcelona y Madrid (“recuerdo los conciertos, la gente no paraba de saltar e incluso vinieron a verme mis padres, lo que lo hizo muy especial”), continúa una extensa gira –y a veces algo desorganizada- en la que los aeropuertos y la carretera se convierten en el pan de cada día. “Ya no creo en el jet-lag, ya no sé si estoy en horario británico, de la Costa Este, de Rusia o Australia. Solo intento existir”. Una filosofía mucho más zen y la experiencia, son las principales ar-

"Me volví arrogante, raro y perdí el sentido de la realidad" forzada por desprenderse de la etiqueta del “one hit wonder”, con su “Let’s Dance To Joy Division”, un tema capaz de levantar los ánimos de una sala entera. “Odiaría ser recordado solamente por esa canción. El nuevo disco tiene mejores canciones pop que el debut, pero hay algo en ese corte que, no sé, será especial supongo. De hecho, escribí ‘Tokyo (Vampires & Wolves)’ en respuesta a toda esa presión de componer otro hit, como si pudiera escapar muy lejos de todo eso. Tengo un poco de miedo a las comparaciones, pero ‘This Modern...’ de momento gusta mucho y las críticas son muy favorables. Excepto por la de NME, pero que les den, son unos mal-

mas con las que Murphy y compañía cuentan para no perder los papeles de nuevo en la gira mundial en la que están inmersos. “No tengo miedo a recaer, porque estoy disfrutando muchísimo de salir cada noche a tocar y ver a la gente sin parar de gritar y saltar con las canciones nuevas. Ver cómo te sonríen y te miran te carga las pilas”. Esperamos que, a partir de ahora, los antidepresivos sean solo el título de una de sus nuevas canciones y que The Wombats ocupen el lugar que se merecen, sin dejar de pasarlo bien.

■ Marta Terrasa “THIS MODERN GLITCH” está publicado por SONY BMG.

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The Wombats Foto Archivo

ENTREVISTAS ★ WALA WALA ★ NO CONFIDENCIAL ★ LOS DISCOS DE MI VIDA ★ SUBEN/BAJAN ★ EN LA MALETA

Arch Enemy Foto Patrick Ullaeus

mondoFREAKO /14/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

ARCH ENEMY

TOMAD LAS CALLES Gobiernos corruptos; Crisis financieras; Revueltas en Oriente Próximo y en la puerta de casa. “Khaos Legions”, el primer disco de Arch Enemy en cuatro años, se nutre de estos días convulsos para golpear al establishment en plena cara.

“

La gente sólo puede comer mierda durante cierto tiempo. Al final, las tornas van a cambiar y los gordos dictadores hambrientos de dinero van a tener que pagar el precio de su codicia y arrogancia”. Michael Amott, el pelirrojo guitarrista de Arch Enemy, es tajante al referirse a la crispación social que vive actualmente medio mundo. “Tristemente, demasiado a menudo se tiene que recurrir a la violencia en tanto que los poderes corruptos no van a ceder el control sin luchar”, añade. Está claro que si Arch Enemy firmaran la banda sonora del cambio, este no sería pacífico. Y que a nadie le extrañe que un grupo de death metal sueco hable de temas serios y tangibles que aparecen en los telediarios. Arch Enemy llevan haciéndolo casi desde sus inicios. “A menudo te das cuenta de que el metal se ha convertido en algo muy inofensivo y limpio comparado con sus raíces. Queríamos devolverle cierto ‘elemento de peligro’ y, en parte, es por ello que en nuestras letras hablamos de la realidad y del día a día. No somos una ban-

da religiosa o supersticiosa, así que no cantamos sobre Dios o sobre el demonio... o sobre fantasmas y espíritus”. El resultado, su primer disco de estudio desde el ya lejano “Rise Of The Tyrants” (2007), deja intuir, por variado y sólido, un proceso largo de gestación. “Tenía muchas ideas para las guitarras. Lo más difícil fue elegir y dar forma a todos los riffs y melodías que recopilamos durante todo este tiempo. Nos acercamos al nuevo material con una única premisa: que no hubiera reglas. Quizás por ello hemos dado con algunos sonidos nuevos... No queremos volvernos predecibles como banda”. Aunque no se asusten los fans desencantados con la evolución de otros pesos pesados del género (también suecos) como In Flames o The Haunted. Más que una reinvención radical, “Khaos Legions” supone una aplastante y mejorada versión de las habituales señas de identidad del grupo. “La idea desde los inicios de Arch Enemy fue combinar sonidos heavies y extremos con mucha melodía. Siempre hemos abarcado un amplio espectro de refe-

rencias: thrash, death metal, heavy clásico, hard rock… Simplemente, ‘Khaos Legions’ es musical y letrísticamente más profundo y cubre un espectro aun más variado de sonidos y emociones”. El mejor ejemplo de todo lo descrito hasta aquí es el videoclip del primer single, “Yesterday Is Dead And Gone”: potentes riffs, adrenalina, punteos melódicos marca de la casa y escenas de violencia callejera servidas con un atractivo envoltorio. Cuatro minutos que enlazan visualmente con el trailer viral del disco,

para desarrollar mis habilidades musicales en las dos bandas que comentas. Aunque debo admitir que actualmente estoy terriblemente desconectado”. Aunque la actualidad les persigue: la imponente cantante del grupo, Angela Gossow, acapara, como con cada nuevo disco, numerosas portadas de revista. ¿Alguna vez se han sentido desplazados? “Oh, no, lo llevamos muy bien. Esto es lo que queríamos, al fin y al cabo, una persona al frente con carisma y una fuerte personali-

"La gente solo puede comer mierda durante cierto tiempo" mezcla de arte urbano y del concepto de ‘street team’ -fans que contribuyen a la promoción de una banda pegando carteles, repartiendo flyers, etcétera-. “El arte underground y la contracultura nos han influido en muchos aspectos para este disco”. Algo de contracultura tuvo también la explosión, hace ya dos décadas, del death metal sueco, que Amott vivió desde dentro con Carnage y junto a los británicos Carcass. “Suecia ha tenido varias oleadas de excitantes bandas. En los últimos ochenta y primeros noventa surgieron grandes grupos de death metal como Entombed, Dismember o Grave. Fue una buena época

dad. Somos un equipo muy unido y todos sabemos cuál es nuestro rol”. Otro de los puntales de la banda es Chris Amott (hermano de Michael), antes también en Carcass, de los que no hay, sin embargo, nuevo material a la vista. “No tenemos planes de grabar nada, por ahora, aunque disfruté inmensamente de los conciertos de reunión y espero tocar de nuevo con Carcass en algún momento”.

■ David Sabaté “KHAOS LEGIONS” está publicado por CENTURY MEDIA. ARCH ENEMY ESTARÁN ACTUANDO EL PRÓXIMO 15 DE JULIO EN EL FESTIVAL SONISPHERE DE MADRID.

MondoSonoro · Julio - Agosto 2011 /15/

mondoFREAKO

¡¡¡ wala wala!!!

“No se consigue nada más británico que yo. El Príncipe William se tendría que haber casado conmigo” Adele en Q.

“Los responsables del ‘indie’ de nuestro país están frenando la música”

LOW

EL ASESINO SILENCIOSO

The Small Faces teníamos un look muy lindo. Sin saberlo, éramos cuatro Justin Biebers ...”

Kenney Jones de The Small Faces, en Uncut.

“Creation Records era como un manicomio” Alan McGee en NME.

El trío mormón de Duluth presenta su noveno largo, “C’mon”, un disco que les devuelve a las raíces y al que definen canciones que apelan directamente a lo íntimo, al sentimiento, como “Nothing But Heart”. Alan Sparkhawk nos habla de todo ello y echa la vista atrás a la historia de Low desde su casa en Minnesotta.

T

“Cuando alguien me dice que quiere cambiar el mundo me agarro la cartera” Loquillo, en Público.

“A veces nuestros fans no son tan molones como nos gustaría” Bono en Mojo.

odos aquellos que han llevado su pasión por la música de Low un paso más allá indagando en documentales como “You May Need A Murderer” o los incluidos en el box-set “Lifetime Of Temporary Relief”, sabrán que, lejos de su inconfundible falsete, cuando entra en conversación Alan Sparkhawk maneja un profundísimo tono de voz, conectando cada fraseo con largos silencios que tanto podrían indicar un profundo grado de reflexión como cierta tosquedad para con quien le pide explicaciones. Esa cadencia, acorde con alguien que asegura que “si no hubiera sido músico trabajaría de leñador o de soldador en una granja, como en mis años jóvenes”, otorga solemnidad a sus palabras, casi poesía cuando responde al teléfono y dice, trivial: “la primavera llega estos días a Minnesota, aunque la nieve se resiste a desaparecer del jardín”. En ese escenario de aparente calma se han cocinado los nueve discos de Low -o lo que es lo mismo: Alan, su esposa Mimi Parker y una tercera pata mutable, ahora mismo Steve Garrington-, discos todos ellos en que la belleza, gélida, esconde una poderosa vitalidad, un vigoroso fuego interior. “Si comparo Low con Retribution Gospel Choir, mi otro grupo, me doy cuenta de que la tensión existe en ambos casos, pero mientras con estos soy capaz de sacarla al exterior, en Low esa tensión permanece interna. Low es el calor que surge de dentro, mientras que RGC sería el viento…”. Alan está de

acuerdo conmigo en que “C’mon” tiene más que ver con obras más reposadas como “Secret Name” (99) o “Things We Lost In The Fire” (01) que con sus dos cara a cara con Dave Friedman -“The Great Destroyer” (05) y “Drums & Guns’ (07)-, trabajos que más o menos coinciden en el tiempo con aquella crisis creativa y personal sobre la que gira el citado “You May Need A Murderer”. “Mientras

Low Foto Sarah Kiesling

Carlos Jean en Qué!.

Asuntos Exteriores, viaje de ida y vuelta que, intuyo, algo tendrá que ver con el entusiasmo que supuso la aparición de la figura de Barack Obama para la sociedad norteamericana y la paulatina decepción que ha supuesto ver que poco o nada ha cambiado. “El trabajo aún está por hacerse, las dificultades para ello son enormes y el país está más dividido que nunca. Personalmente yo me encuentro muy afectado con la situación”. Y si en todas las biografías sobre Sparkhawk se apunta su viaje a Kenia en 2006 como un momento vital decisivo -“cambió mi forma de ver muchas cosas, y sobre todo me di cuenta de que no debía sentarme a ver las noticias de la televisión nunca más…”- el silencio, más prolongado que nunca, se hace a la hora de responder a una

"No deja de sorprenderme ver cómo me hago viejo y soy capaz de seguir aprendiendo" ‘C’mon’ está marcado por las canciones de amor y se asemeja a una persona que se dirige a otra, ‘Drums & Guns’ era la voz de alguien gritándole al mundo. Para mí este disco ha supuesto una vuelta atrás en busca de una nueva dirección, el intento por completar una serie de canciones más hermosas, menos disonantes, y definitivamente producidas de un modo más sutil y menos extraño que el anterior disco. Y también es el disco en el que Mimi ha vuelto a animarse a escribir material”.

De vuelta a los Sacred Heart Studio de Duluth, una antigua iglesia reconvertida en estudio de grabación en la localidad de la que Alan y Mimi son vecinos, “C’mon” tiene algo de retorno al hogar. Se intuye un intercambio ministerial, un regreso al Interior tras el breve paso por

pregunta tan simple cómo qué ha ocurrido en los últimos dos años de su vida que merezca la pena resaltar. “Wow, es una pregunta realmente difícil. E interesante… No lo sé, lo único que puedo pensar es en cosas que han ocurrido más atrás”. Y tras más de un minuto de silencios y vacilaciones, se arranca. “Creo que girar con Retribution Gospel Choir ha cambiado cosas en cuanto que he aprendido aspectos nuevos sobre cómo cantar y especialmente cómo tocar la guitarra. Lo que no ha dejado de sorprenderme, ver cómo me hago viejo y soy capaz de seguir aprendiendo. De alguna forma esta enseñanza es lo que ha abierto las puertas de ‘C’mon’”. ■ Luis J. Menéndez “C´MON” está publicado por SUB POP/POPSTOCK!

mondoFREAKO /16/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro NOAH & THE WHALE

UN CUENTO NOCTURNO El grupo británico sigue abocado al cambio continuo. Si cada uno de sus trabajos les ha alejado más del encanto twee de su debut, la aureola de gran compositor de Charlie Fink no ha parado de crecer disco a disco. En "Last Night On Earth", sofistican la fórmula y se embarcan en una epopeya nocturna de redención.

E

Sube que vea la luz una deluxe edition de “Nevermind” de Nirvana, uno de los discos más emblemáticos de los noventa y motor de cambios.

Sube Janelle Monáe por su homenaje a Michael Jackson al interpretar en directo "I Want You Back" de Jackson 5 en la pasada edición del Sónar.

Quizás suena ombliguista, pero sube el premio a Mejor Medio de Comunicación que la UFI nos ha otorgado, aunque quienes realmente suben son los que nos han votado.

Suben los artistas de metal extremo españoles que siguen fichando por sellos destacados internacionales como Haemorraghe o Looking For An Answer.

nes también reflejan como nuestras propias vidas han cambiado a lo largo de estos años. Descubrimos nuevos discos o nos fijamos en algunos que ya conocíamos de una forma que no habíamos hecho antes, y eso es lo que al final se evidencia en cada álbum". En esta ocasión han usado cajas de ritmo, y los sintetizadores han ocupado el lugar de los violines, dando una pátina de urbanidad a unos temas que han permutado el campo por la ciudad. "Las canciones han ido alterándose a lo largo del proceso de grabación. Algunas han cambiado mucho respecto a las primeras demos. No fue hasta que tuvimos "L.I.F.E.G.O.E.S.O.N" que vimos claramente qué dirección debíamos tomar", cuenta Fink sobre los días en el estudio de Venice Beach en el que el álbum fue grabado. "La reacción está siendo buena", asegura respecto a cómo se está tomando su público su afición a reinventarse en cada nuevo trabajo. "Nuestro público se ha acostumbrado a esperar lo inesperado.

El otro día estuvimos tocando en directo y el público ya se conocía las canciones nuevas, lo que demuestra que el álbum está gustando. La verdadera sorpresa llegó con nuestro segundo disco, que era muy diferente al primero, pero ahora el público ya no sabe qué esperar exactamente de nuestros discos y eso es algo que me gusta". De hecho, “Last Night On Earth” les ha devuelto al top ten británico de álbumes, con su primer single entre los veinte primeros en las listas inglesas, algo que no sucedía desde "5 Years Time". La asignatura pendiente, el resto del mundo. Mientras en las islas Noah & The Whale son ya una banda asentada, de la que ha surgido incluso una estrella en ciernes como Laura Marling, en el resto del mundo están todavía lejos de recibir el mismo reconocimiento. Quizás haya llegado el momento. ■ Joan Cabot “LAST NIGHT ON EARTH” está publicado por COOP/ MERCURY/MUSIC AS USUAL. noah & the whale estarán en el fib.

Baja Amy Winehouse, quien continúa mostrándose incapaz de ofrecer un concierto en condiciones y que ha acabado cancelando su actual gira.

Baja el poder de convocatoria de los grandes artistas del mainstream internacional. Todos ellos han tenido que acomodar sus giras a recintos más modestos.

Bajan todos aquellos que han atacado a Russian Red por una simple respuesta a una entrevista en la que se posicionaba políticamente como de derechas.

Baja Bono de U2 por no pagar impuestos en su país. En Glastonbury, unos activistas se lo recordaron con un globo gigante en el que se podía leer “U Pay Your Tax 2”.

BAJAN

SUBEN

Noah & The Whale Foto Archivo

s raro, pero a la vez agradable, encontrarte con un artista que tiene tan clara la hoja de ruta de su nuevo disco. Charlie Fink, líder de Noah & The Whale, ha respondido tantas veces a la pregunta que la respuesta sale de sus labios con cierto deje de mantra. "Líricamente, la mayor influencia han sido 'Berlin' de Lou Reed y 'Bone Machine' de Tom Waits.

Pero en ese momento también fueron muy importantes discos como 'Calling Out Of Context' de Arthur Russell, 'Dirty Mind' de Prince y 'Before And After Science' de Brian Eno". En la pregunta he citado a Prefab Sprout, The The y Roxy Music como posibles coordenadas a la hora de explicar el sonido de “Last Night On Earth”, el nuevo trabajo de la banda británica, pero al parecer sólo he acertado, y por extensión, con estos últimos. A pesar de ello, soy cabezota, y creo que mis tres apuestas son válidas a la hora de situar un disco con el que Noah & The Whale han dado esquinazo definitivamente a la cadencia folk de sus dos anteriores trabajos, el único denominador común en dos discos ya suficientemente diferentes entre sí, dando lugar a un álbum que recuerda en muchos de sus pasajes la sofisticación überpop de esos artistas. Y es que “Last Night On Earth” vuelve a suponer un giro inesperado de los acontecimientos. Si “The First Days Of Spring” (09) supuso para el grupo llevar el bucolismo hasta sus últimas consecuencias, borrando cualquier rastro de la candidez de su debut en favor de un sonido orquestado y grandilocuente, el tercer largo de la banda se sumerge en la épica nocturna de las grandes ciudades para contar una historia de redención. "El tema principal del disco es el cambio. Todos los personajes del álbum están inmersos en algún tipo de cambio en su vida". "Para nosotros es muy importante que las letras y la música vayan en la misma dirección y esa es una de las razones por las que nuestro sonido ha ido cambiando en cada disco, porque cada uno de ellos exigía otro tipo de arreglos y orientación", comenta Fink. "Esas transformacio-

MondoSonoro · Julio - Agosto 2011 /17/

mondoFREAKO

Los discos

Steve Von Till Foto Archivo

de mi vida

Steve von till (neurosis) Neurosis visitan nuestro país en dos fechas junto a Karma To Burn que nadie debería perderse: 21 julio (Apolo, Barcelona) y 22 julio (Rockitchen, Madrid). Aprovechando la ocasión, Steve Von Till (cantante y guitarra) nos descubre algunos de los discos sin los que no podría vivir.

MANERAS DE VIVIR

Joy Division

“Unknown Pleasures” (1979) El bajo que dirige al grupo, la guitarra melódica, pero aún muy primitiva. Los espacios desolados tan amplios como los riffs, y esas palabras: “Me, seeing me this time, hoping for something else”. Un disco que esconde emociones en su trastienda.

LA CARA B DE UN DISCO

Black Flag

“My War” (1984) Canciones como “Nothing Left Inside”, “Three Nights” y “Scream” son la perfección en estado puro. Una energía lenta, fúnebre y discordante, pero perfecta.

UN DISCO DE REFERENCIA

Amebix

“Arise!” (1985) Sin dioses, ni señores, pero con un fondo espiritual que recorre toda su música. Amebix sonaban como unos punks que disfrutaban con Crass o Killing Joke, pero armados con mucho misticismo y unas potentes guitarras metal. Le debemos mucho a esta gente.

UN disco en DIRECTO

Pink Floyd

“Live At Pompeii” (1972) Pink Floyd en la cumbre de su creatividad. En directo en las ruinas de un anfiteatro griego, sin público, y además sonando mejor que en las versiones de estudio de esos mismos temas. Ese grito en “Careful With That Axe Eugene”… da la sensación de que Roger Waters va a convertirse en una bestia durante la interpretación.

UN DISCO A DESCUBRIR

Die Kreuzen

“Die Kreuzen” (1984) Guitarras disonantes, acordes grandiosos e insanos, un bajo melódico y esa voz tan especial…

“Let me out!!!!!!!”…

Desde que irrumpiera en la escena con su primer largo, “En la brevedad de los días” (99), el itinerario musical de Ignacio Fornes le ha ubicado como uno de los intérpretes más respetados del hip hop español. Con “Mejor que el silencio” da un paso más allá, apostando por un modelo poco convencional respecto al de la media de los raperos.

“

A nadie le gusta tener ilusiones y que se vean frustradas. A nadie le gusta amar a alguien y que le dejen. Con la edad soy más del fair play y comprendo que perder es una parte más de la vida, pero creo que hay que intentar tener sed de victoria, tener metas y objetivos”.

Siempre he sido un tanto maniático respecto a la canción que abre un disco. Es como si ese primer impulso, el primer contacto con la obra que estás a punto de explorar, fuera una especie de síntesis del mundo en el que estás a punto de adentrarte. Y ciertamente, hacía mucho tiempo que el inicio de un álbum no me transmitía tanta emoción como lo ha hecho “Hambre de victoria”. Una intensidad que contagia al resto de la producción y que el intérprete alicantino compara con la de “vivir la vida de la forma más plena posible”. Nach es un compositor proverbialmente meticuloso.

Sus letras están extremadamente cuidadas, pero no por ello evita el instinto visceral y en sus estrofas afloran estados de ánimo personales: la mejor señal de no sentirte un ser autómata.

Además, como licenciado en sociología, cuenta con la ventaja adicional de canalizar aquellos contenidos que pueden causar mayor impacto en el oyente, aunque sin la dedicación, la emoción y la cordura que impone, de nada serviría el título universitario. Escuchando algunos de los pasajes, comprobamos cómo el cantante ha hecho un ejercicio de valor, desnudando sus sentimientos: “Hay temas que hablan de mis miedos, de cómo me he tenido que buscar la vida en el pasado casi sin ayuda, y de cómo veo a veces mi futuro cuando el éxito y el resto de cosas buenas que me están pasando ahora ya no estén”. Nach siempre ha sido

una persona correcta en las formas. Padrino de un discurso coherente y respetuoso, pero no por ello carente de opiniones controvertidas.

En “Pensando en voz alta” nos encontramos con una faceta poco frecuente en él, pronunciándose beligerante con las actitudes chulescas y baladíes de algunos raperos.

Desde el prisma de un experto en descifrar miradas, se ven “actitudes demasiado copiadas de estereotipos americanos

una tesis de tal calibre, cuando presuntamente habitamos en una sociedad que rebosa de libertad, aunque algunos actos parezcan más fruto del libertinaje. “A veces parece que el grito, la agresividad y el hecho de ganarse el respeto a base de hostias pueden más que la palabra y el razonamiento”.

Con el debate sobre la mesa, “Réquiem” reflexiona sobre la necesidad de un cambio de modelo y un paso al frente en busca de nuevas propuestas de administración. “No creo que la anarquía sea la solución, pero este capitalismo que conocemos tampoco. Este sistema va a llegar a su fin y va a haber cambios muy dolorosos para la población. Deberíamos volver a la naturaleza y a explotar los recursos limitados de este planeta de una manera sensata”. Aunque Nach es un letrista de los que dan juego para llenar páginas y páginas

"Este sistema va a llegar a su fin y va a haber cambios muy dolorosos" con reflexiones con sentido, no podemos pasar y letras que parecen escritas en diez por alto uno de los pilares de este proyecto: la minutos. A mí ese rollo no me aporta producción musical. “Mejor que el silencio” nada. Hoy te venden que debes tener nos ha sorprendido por el pulido mimo con cosas materiales, debes ser más fuerte el que se han tratado los arreglos musicales, que el resto y no mostrar debilidades. calibrando una elegante musicalidad que Debes ser el mejor y si hay que humillar marca distancia respecto a lo que estamos a otros para parecerlo no debes dudar acostumbrados en el rap. “He intentado ir en hacerlo. Somos víctimas de una gran más allá y para eso el talento de Moisés mentira. También entiendo que para otros P. Sánchez en la composición ha sido el rap que hago yo no les aporte nada. Así fundamental”. El álbum cuenta con muchas funciona esto”. Defensor de las libertades, y notabilísimas colaboraciones, pero la que recrea una oda de recuerdo hacia aquellos transmite un hálito distinto es la de Ismael que palidecieron, sufrieron y algunos incluso Serrano. “Tenemos muchas cosas en murieron por defender unos valores y unos común. Tenemos una perspectiva y una ideales. Lennon, Martin Luther King, Bob Marley, naturaleza musical y vital parecidas y creo Tupac Shakur, Sam Cooke, Víctor Jara, el Ché, que hemos hecho un gran tema, donde Gandhi, JFK... “En estos momentos difíciles nuestras voces se complementan muy que estamos viviendo hoy en día, hay que bien”. ■ Alberto Comeche echarle muchos huevos para hacer lo que estos grandes personajes hicieron, pero “MEJOR QUE EL SILENCIO” está publicado por la libertad, la justicia y la igualdad siguen Universal. Nach estará en el Kia Picanto Cultura siendo nuestras grandes asignaturas Urbana el próximo 31 de julio (Veranos de la Villa) pendientes”. Es chocante encontrarnos con

Nach Foto Archivo

NACH

UN DISCO OSCURO

mondoFREAKO /18/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

Julieta Venegas Foto Archivo

no confidencial

julieta venegas Julieta Venegas ha vivido etapas muy distintas a lo largo de su trayectoria. Ha pasado del underground al mainstream, y de este a una posición más cómoda tanto para ella como para sus seguidores. El próximo 14 de julio estará en el FIB, pero antes ha tenido que contestar a nuestras desalmadas preguntas.

◗ ¿Qué pensaste cuando se armó tanto revuelo al anunciar tu actuación en el FIB? Pensé, ¿me estarán confundiendo con una artista pop? ◗ Eres una persona muy comprometida socialmente. Has participado en multitud de proyectos para diversas ONG’s. ¿Lo haces porque eres buena persona o porque quieres ser más famosa que Bono?

Más famosa que Bono, ¡qué idea tan fea! Pero tampoco soy tan buena persona, supongo que me he ido involucrando sin querer, el problema es cuando se enteran los demás y piensan que lo hago para que me hagan preguntas al respecto. ◗ ¿Te comprarás el disco de Russian Red? Si me gusta alguna canción igual sí. ◗ ¿Te creció mucho la nariz después de contestar a las preguntas de “De mis pasos. Conversaciones con Julieta Venegas”?

Me detuve de decir alguna cosa. ¿Por callarte cosas te crece la nariz? ◗ ¿Puedes decirnos dos motivos por los que te gusta El Guincho?

Porque es original, y además divertido, todo a la vez. Lograr eso no es cosa fácil ¿Eres una artista indie que se ha acomodado en el mainstream o eres una artista mainstream que se mueve bien en el indie?

Independiente me gusta más, y sí, me he acomodado a veces en el mainstream, a veces no tanto. ◗ ¿Quién te pagó mejor por tus canciones: Paulina Rubio o Nelly Furtado?

Ninguna de las dos me pagó, tendré que reclamar. Igual me divertí mucho en el estudio con Nelly y La Mala. ◗ ¿Qué canción te hubiese gustado componer y cuál odiarías haber escrito?

Me hubiera gustado escribir más de una de Café Tacuba. Me da gusto no haber escrito ninguna de Muse. ◗ Ordénalos por orden de importancia: Sexo, drogas y rock’n’roll.

Sexo, drogas y rock’n’roll. ◗ ¿Le romperías las piernas a algún crítico musical de este país?

No conozco a ninguno que me moleste tanto. ■

GINFERNO

A SU RITMO Les habíamos dado casi por perdidos, pero en realidad estábamos dentro de un largo paréntesis. Siete años han pasado desde el debut de Ginferno hasta este “Mondo Totale”, segundo disco de un grupo que continúa pertrechando un rock (dejémoslo así) ajeno a las etiquetas. Bienvenidos sean de nuevo.

D

esde fuera la sensación es que Ginferno era un grupo extinguido, que había protagonizado algún que otro concierto de forma esporádica, pero del que no teníamos noticias de nada nuevo desde la publicación de su debut. “Nos metimos en una fase de exploración creativa que nos llevó a grabar más de veinte temas y decenas de horas de improvisaciones.

Aunque teníamos intención de publicar ese material, nunca veíamos el momento de hacerlo, mientras tanto, iban apareciendo proyectos estimulantes que nos motivaban más que sacar un disco: colaboraciones en cine, con videoartistas, performers, escritores, dibujantes de cómics…”, responden de forma conjunta a través de correo electrónico. Y Daniel Fletcher (guitarra) puntualiza: “La industria de la música tiene una serie de códigos y procedimientos no escritos que todos los agentes implicados conocen y aceptan. Puede ocurrir que cuando una banda se sale de la dinámica esperada da la sensación de que ha desaparecido. Hemos publicado nuestro trabajo al ritmo que hemos considerado adecuado, aun siendo conscientes de que estar mucho tiempo sin álbum nuevo puede obligarte a empezar otra vez casi de cero”. Superados esos siete años de silencio sólo aparente, la realidad de Ginferno en 2011 es la de un grupo que ha ido ampliando su campo de batalla, de modo que a Fletcher y Federico Levenfeld (percusiones) se han ido sumando en primer lugar -hace cinco años- Kim Warsen (voz), luego Javier Díez-Ena (contrabajo, también en Dead Capo) y, más recientemente, Daniel Niño (saxo barítono),

sin olvidar la colaboración habitual de Andrés Arregui, saxofonista procedente del free jazz.

Por el camino se quedó Krater (guitarra y uno de los miembros fundadores), aunque su presencia continúa en los catorce temas extra que figuran en la edición especial de “Mondo Totale” en doble vinilo: “grabados la mayoría entre 2004 y 2008 en el estudio que fue nuestro centro de operaciones durante diez años. Con estos ‘bonus tracks’ rendimos homenaje a esa etapa de creatividad febril. Todo final es el comienzo de algo, así que, de alguna forma, estamos cerrando una etapa para abrir otra nueva”. Uno de los cambios fundamentales

Ginferno Foto Archivo

◗ ¿Has aprendido algo bueno de los españoles?¿Y malo?

A tomar café con leche por las mañanas. Y lo malo, a tomar café con leche por las mañanas.

de cuarenta canciones instrumentales o pseudo-instrumentales; tocamos todos los palos que se nos ocurrieron y llegó un momento en el que sentíamos que habíamos agotado ese formato”. Una libertad que surge del conflicto, de la lucha contra el aburrimiento, a menudo con un componente lúdico que permanece inalterable, ya sea de forma explícita o como parte del mecanismo interno de la banda. (Fletcher) “A veces, durante el proceso de creación, tendemos a descartar las cosas que suenan más convencionales, simplemente porque no las consideramos divertidas”. (Javier Díez-Ena) “Lo cierto es que, de una manera misteriosa, los temas se enrarecen solos. También es verdad que el sonido de guitarra de Dani y la forma de tocar de Fede son reconocibles a la primera y son la base de Ginferno desde siempre.

Ahora Dani Niño y yo nos movemos por los mundos graves que durante años ha llenado Ramón ‘Krater’ con su guitarra.

"Intentamos ofrecer la música tal cual la sentimos: libre, bonita y extraña" es el hecho de que Ginferno cuente desde hace una temporada con un cantante, aunque en ningún caso han dejado de lado esa inclasificable extrañeza que les hace pasar del rock desquiciado al surf lo mismo que del rockabilly al jazz. (Fletcher) “La voz de Kim tiene mucho carácter y nos ha llevado a cuadrar un poco más las cosas. Hemos pasado de una búsqueda angustiosa de espacios de tres instrumentos solistas a un formato en el que cada instrumento tiene su propio espacio para desarrollarse. Con ese paso quizás hemos perdido algo de caos y de capacidad de sorprender, pero creo que lo que hemos ganado compensa a lo que hemos renunciado. Antes de la incorporación de Kim, Ginferno creó cerca

Intentamos ofrecer la música tal cual la sentimos: libre, bonita y extraña”. Ahora sólo hace falta que no tenga que pasar tanto tiempo hasta encontrarnos con algo nuevo.

(Fletcher) “Nos hemos dado cuenta de que para que un grupo sobreviva es necesario publicar de manera periódica. Pero no nos vamos a meter en esa dinámica si no estamos convencidos de que lo que sacamos es un fiel reflejo de nuestro momento creativo... Con Ginferno podría ser perfectamente posible pasar de publicar un disco cada siete años a publicar siete cada año”. ■ Enrique Peñas “MONDO TOTALE” está publicado por ginferno.

mondoFREAKO

LA ESTRELLA DE DAVID

DAVID RODRÍGUEZ PRESIDENTE David Rodríguez pone freno por un instante a sus obligaciones como lugarteniente de La Bien Querida para publicar una nueva colección de canciones cocinadas desde la habitación, pero más ambiciosas en términos de arreglos y producción que su debut como La Estrella De David. El disco se llama “Maracaibo” y le canta al amor.

D

avid Rodríguez es un romántico y lo deja claro a la mínima que puede. “A mí lo que me llevó de pequeñito a intentar hacer música fueron las canciones de Umberto Tozzi y cosas así… Al final ‘Maracaibo’ son todo canciones románticas, que es lo que me toca un poco los cojones: he acabado haciendo un disco así a mi edad ¡con la de ellos que existen ya!”. En “Maracaibo” reinterpreta a Julio Iglesias y le canta a Anita (su actual pareja Ana Fernández Villaverde, La Bien Querida), al igual que en el disco anterior se le rompía el corazón cuando escribía: “Tú lo tienes que saber, porque lo dicen mis ojos cada vez que te ven, que te quiero” o “Cuando te cases conmigo en la caseta más bonita de la Feria de Abril”, renglones fugaces que de naif te desarman y dejan el corazoncito hecho un guiñapo. David, que de pascuas a ramos no puede evitar comportarse ante el mundo como un capullo (aquel desastroso South Pop que se saldó con peinetas al aire. “Estaba nervioso por lo mal que salió

todo, pero es que hoy la gente se ofende por cualquier cosa…”), esconde tras su poblada barba y las inseparables gafas de sol un alma hipersensible que busca su espacio en el mundo, y se parapeta ante el rechazo que pueda despertar su exposición pública en forma de canciones.

“El disco ha salido porque Joe (Crepúsculo) no paraba de chinchar diciendo que no era capaz de hacerlo, que estaba acabado...

Pero es que yo no vivo de sacar discos y por tanto no lo necesito. Cuando eres jovencito te ciega la ilusión, pero ahora cada vez me cuesta más esa acción de decir ‘toma fulano, aquí tienes las canciones, sácalas’.

Yo sé que hay en España treinta personas que tienen cara y ojos a los que les gusta lo que hago. Luego siempre piensas ‘a ver si consigo engañar a alguien más’, pero a la hora de la verdad vuelve a suceder lo mismo, que me llamas tú, el de Rockdelux y ya… Reconozco que yo tampoco hago muchos esfuerzos por triunfar, porque me

sentiría un estafador. La fórmula de cómo se hacen bien las cosas me la sé. Con Ana lo ensayo y funciona, pero a mí ese cuento no me entretiene, no me lo aplico y no sabría defenderlo”. Hay cierta desilusión cuando recuerda entre risas lo que ocurrió con “La Estrella de David” (El Ejército Rojo, 07). “De verdad, yo pensaba que lo había hecho bien. Sabía que no estaba bien tocado, que la voz era rara, pero lo hice lo mejor posible. Cuando lo

Bien Querida, Manos de Topo, Thelemáticos, Joe Crepúsculo/Tarántula… todos ellos son rendidos fans de La Estrella De David, un proyecto que desde la sombra ha tenido cierto carácter fundacional a la hora de desarrollar una forma muy peculiar de hacer pop en castellano. A David en ocasiones le pierde la llorera y lo sabe. “Vale, es cierto que me comen la polla y, bueno, eso ya es algo, porque a muchos ni eso. A mí que llegue un tío que admiro tanto como

"El disco ha salido porque Joe (Crepúsculo) no paraba de chinchar diciendo que no era capaz" saqué pensé que era un disco en castellano con letras con cara y ojos, que se entendía un poco, con cancioncitas de amor, algo que no había hecho nunca con Beef. Ahora sé que es muy ingenuo, que tenía mucha paja (–‘Maracaibo’ tiene canciones más normales, menos chifladuras-), aunque creo que había tres o cuatro canciones que estaban bien.

También entiendo que mi manera de cantar o te engancha o no te mola nada, y lo más normal es que no te mole... Pero aun así pensaba que en el ambientillo este de snobs y ‘enteraos’ podía funcionar”. En ese sentido no debería tener queja: Los Punsetes, La

Joan Miquel Oliver y me diga que le gusta mucho lo que hago me reconforta, me pone gordo. Pero lo que me gustaría de verdad es que se produjera una aclamación popular.

Como ocurrió en Sol con lo del 15M, que de repente hordas de gente se movilizasen de forma espontánea para gritar: ‘¡David eres el mejor y tienes que tocar para nosotros!’.

Pero como eso no va a pasar pues ahí sigo.

Yo es que con que uno me mande a la mierda ya me toca el ego y me hunde, que soy muy sensible…”. ■ Luis J. Menéndez “MARACAIBO” está publicado por CANADÁ

La Estrella de David Foto Lorena Dorta

MondoSonoro · Julio - Agosto 2011 /19/

mondoFREAKO /20/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

EN LA

Makala Foto Archivo

MALETA

MAKALA Mikel Makala es uno de los nombres básicos para entender la evolución del funk más rítmico en nuestro país, tanto en estudio como a los platos, combinado con sonidos como el afrobeat. Aprovechando que acaba de publicar “Unexpected Tapas” (Lovemonk, 11) le sometemos a nuestro cuestionario ◗ ¿Qué recuerdos tienes de tu primera sesión?

Lo único que recuerdo es que fue en el antiguo Mármol Café de Zarautz y que yo tenía dieciocho añitos. Recuerdo que pinché con los mismos platos que uso ahora, es decir los 1200 MK de Technics.

POR LO QUE TIENE DE ROMÁNTICO

◗ ¿Qué disco de afrobeat nunca falla en una sesión tuya?

Un doce pulgadas con el tema “Roforofo Fight” de Fela Kuti. ◗ ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

Un blancazo (silencio de más de tres segundos) entre tema y tema. ¡Es lo peor! ¿Qué es lo que más te gusta y lo que más odias de otros Dj’s?

Me gusta la buena música y el arte de la mezcla, odio la mala música sumada con pose barata. ◗ ¿Vinilo o CD? Música es música y todos los soportes son válidos. ◗ ¿Es la noche la mejor hora para pinchar?

Seguramente, pero también me gustan las sesiones diurnas, tienen otro feeling. ◗ ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s?

Me parece bien, si es en su justa medida ◗ ¿Cuál ha sido la mejor sesión que has protagonizado hasta la fecha? ¿Por qué?¿Y la peor?

La mejor, no sé. Hay unas cuantas, pero tengo especial recuerdo de la que ofrecí en el Sónar de día del año 2000. La magia se apoderó del ambiente; la peor, uf, ahora no la recuerdo. ◗ ¿Cuáles son tus Dj’s actuales favoritos?

Mr. Scruff, Dusty “Jazz&Milk”, Shantisan… ◗ ¿Cuántos discos sueles comprar en un mes?

Muchos, no llevo la cuenta, pero últimamente compro canciones sueltas en digital, es más practico y evitas comprar un álbum entero si solo te gustan uno o dos temas.

Dedico mucho tiempo a investigar, localizar, comprar, coleccionar y catalogar los buenos temas que realmente me interesan para seguir sumándolos a mi discoteca personal. ◗ ¿Te molesta que siempre se asocie el concepto de Dj a la música electrónica?

Para nada, ¡estoy acostumbrado! ■

The Japanese Popstars Foto Dan Reid

THE JAPANESE POPSTARS

Nos fascina la cultura japonesa por lo exótico, por lo que atrae lo desconocido, por –como dice Remate- lo que tiene de romántico. The Japanese Popstars no son grandes estrellas del pop, aunque tienen números para serlo en breve. Ni siquiera son japoneses. Aunque eso es algo que salta a la vista al escuchar “Controlling Your Elegance”.

T

he Japanese Popstars son tres chicos de Derry a los que les fascina tanto la cultura del país nipón como la música de baile más gruesa, sudorosa y explosiva. Desde un lugar tan alejado (en principio) de la cultura dance, Decky Hedrock, Gary Curran y Gareth Donoghe han lanzado hace pocos meses al mercado su segundo disco de estudio, “Controlling Your Elegance”, y son una banda conocida por la calidad de sus colaboradores. Entre otros Robert Smith, Jon Spencer, Green Velvet, Lisa Hannigan o el cantante de Editors,Tom Smith.

(Gary Curran) “El año pasado hicimos un remix para Editors, de una canción que se llama ‘Papillon’. A Tom le encantó el giro que dio el tema, y a nosotros nos gustaba mucho su voz, porque somos muy fans de su banda. Cuando estábamos empezando a escribir ‘Joshua’, una de las pistas del segundo disco, le mandamos la canción y nos la devolvió con varias ideas que nos gustaron bastante. Ya nos han dicho unas cuantas veces que el resultado tiene un aire a Underworld y para nosotros es un cumplido. También fue importante para esta colaboración que el disco se retrasara porque nuestra discográfica prefería sacar primero algunos vídeos a modo de single”.

Con Robert Smith, la cosa estuvo a punto de irse al traste gracias a que el email que el manager de los norirlandeses envió al cantante de The Cure terminó en… ¡la bandeja de spam! Afortunadamente, llegó a leerlo seis meses después y le interesó el proyecto. “Pensamos que Robert Smith sería la voz perfecta para ‘Full Bloom’. Le mandamos el tema y pocos días

después nos mandó sus ideas. Le dimos unas vueltas y él grabó las voces. Nos envió tantas pistas diferentes que no sabíamos cuál elegir, y al final terminó tocando el bajo de seis cuerdas y unos pequeños detalles de guitarra que también hemos incluido en la canción”. Todo empezó en un festival, en el que con unas cuantas pintas de más y viendo a uno de sus grupos favoritos sobre el escenario, decidieron montar un grupo para entrar gratis a los conciertos. Meses después, las revistas británicas les ponían por las nubes,

viendo la sesión de otro. En el fondo, todo trata de pasárselo bien”. Sus referentes más inmediatos podrían ser Underworld, The Chemical Brothers o Prodigy; patrones del big-beat de los noventa. Un estilo basado –en una definición un poco simple- en una nueva y ecléctica vuelta de tuerca en la conexión entre el rock y la música de baile en el que convergen infinidad de tendencias, sonando bastante menos miméticos en su segundo álbum que en su debut. “A lo largo del pasado 2010 hemos descubierto nuevas formas de trabajar en el ordenador. La forma de procesar y producir las canciones es diferente y ahora podemos dedicar más tiempo a pulirlas. Como pasó bastante tiempo desde que terminamos el disco hasta que finalmente se ha editado, hemos podido arreglar algunas cosas de las que no estábamos del todo satisfechos y hacerlo todo un poco mejor”. Con alguna

"En el fondo, todo trata de pasárselo bien" y en todo el mundo se empezaba a hablar de su arrolladora puesta en escena. Su pasado (y presente) a los platos tiene mucho que ver con su energía desbocada sobre el escenario. “Hace unos diez años me las apañaba para conseguir que me mandaran discos de promoción, y un día teníamos concierto y el promotor nos pidió que pincháramos antes de actuar. Ahora siempre que salimos me llevo la maleta por si acaso. Es alucinante terminar pinchando delante de ocho mil personas absolutamente locas por el baile en, por ejemplo, Australia, o en el The End en Londres, uno de los sitios en los que mejor lo he pasado. Mucha de la fuerza que ponemos en nuestros shows y el que no paremos de saltar en el escenario se debe a disfrutamos como si estuviéramos

que otra incidencia en la línea telefónica, vamos terminando la entrevista hablando sobre lo difícil que es que no te consideren ni indie ni clubber para que algunos medios te tomen en serio, y sobre los muchos premios que han recibido en su corta trayectoria. “A veces hacemos turnos para recogerlos, aunque no les damos demasiada importancia porque la prensa musical es tan superficial hoy en día, que los premios han perdido su valor. Siempre es un honor, pero lo que verdaderamente nos motiva es ver a la gente disfrutar en nuestros conciertos. Los premios son sólo una excusa para salir y divertirnos”.

■ J. Batahola “CONTROLLING YOUR ELEGANCE” está publicado por VIRGIN/EMI

/23/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

TV On The Radio Foto Archivo

entrevistaS

tv on the radio

¿Dónde está el final?

Superando todavía la repentina muerte de su bajista, Gerard Smith, el grupo de Nueva York retoma la labor de explicar su nuevo “Nine Types Of Light” al mundo. Un álbum en el que desaparece cualquier trazo de la tensión y clarividencia que convirtieron sus dos primeros discos en engranajes esenciales de la cultura rock en la segunda mitad de la pasada década.

E

l pasado 11 de abril se ponía a la venta en todo el mundo el cuarto trabajo de estudio de los neoyorquinos TV On The Radio. Apenas nueve días después, el 20 de abril, moría víctima de un cáncer fulminante Gerard Smith, bajista de la banda, a los treinta y cuatro años. Comprensiblemente, el grupo anuló cualquier compromiso promocional y han tenido que pasar meses antes de que volvieran al trabajo, todavía lo suficientemente tocados por la muerte de su compañero como para que nos adviertan varias veces desde su discográfica que nos abstuviéramos de hacer cualquier pregunta sobre Smith. Este triste suceso no hace más que contribuir a la sensación de bajón general en torno a TV On The Radio, otrora uno de los grupos que mejor resumieron la voracidad y velocidad de nuestros tiempos. Analizando su pasado reciente desde la óptica de su nuevo “Nine Types Of Light” uno comprende que algo se perdió tras la edición de “Return To Cookie Mountain” (06) y que “Dear Science” (08) ya anunciaba un cambio sin vuelta atrás. Por aquel entonces, Dave Sitek estrenaba con “Anywhere I Lay My Head” (08) de Scarlett Johansson su propia carrera como productor estrella tras años trabajando junto con algunos de los grupos más interesantes de la siempre efervescente escena de Nueva York, para después mudarse a Los Angeles, ciudad en la que daría forma a su proyecto personal Maximum Balloon, confirmando que el giro hedonista que había tomado la música de TVOTR no era algo pasajero. El resto de la banda se quedaría en Nueva York, participando en proyectos varios. El

propio Kyp Malone, nuestro barbudo interlocutor, publicó en 2009 el debut de su aventura personal Rain Machine, y puede que ninguno de estos hechos tenga un peso verdaderamente relevante, pero todos ellos contribuyen a difuminar los contornos del grupo, a la vez que invitan a especular sobre el futuro de una formación que siempre ha operado más como colectivo que como banda al uso. En cualquier caso, Malone despeja cualquier sospecha de separación inminente. “No sé que va a pasar mañana, pero creo que hay potencial para hacer un nuevo disco en un futuro cercano. Todo se acaba algún día y TV On The Radio no será una excepción, pero por ahora las experiencias positivas son muchas más que las negativas y mientras esa proporción no cambie supongo que vamos a seguir adelante”. De hecho, las giras son uno de los pocos momentos en que TV On The Radio son un grupo como cualquier otro. En todo lo demás, operan con sus propias reglas. Rara vez ensayan. Cada miembro compone en solitario y las grabaciones se hacen sin apenas preparación previa. “Nunca probamos las canciones juntos antes de grabar”, admite Kyp. “Nunca hemos probado algo tan habitual como tocar todos juntos para ver qué sucedía.

En vez de eso vamos juntando pieza tras pieza. Así es como trabajamos”. A pesar de ello, Malone está seguro de que esa fórmula es la buena para TV On The Radio: si actúan así es porque así debe ser. “Puede que cada uno tenga su propia idea de lo que debe ser

el disco, pero al final las canciones siguen su propia lógica a medida que el álbum toma forma. Hay suficientes experiencias comunes como para que no sea necesario estar continuamente hablando de qué dirección debemos tomar, incluso en el terreno emocional solemos estar todos en sintonía”. Una sintonía que sigue intacta según él en “Nine Types Of Light”, un trabajo que parece recomponer todos los elementos ya presentes en los anteriores discos del grupo en un nuevo puzzle, ahora menos urgente y asfixiante. “Tengo la sensación de que es un disco mucho más relajado, más que ningún

haya pesado el desmelene funk de su antecesor.

“Sí, evidentemente en ‘Dear Science’ nos metimos de lleno en ello, pero no creo que en este nuevo disco haya tanto funk como en el anterior. Quizás en algunos temas, como el primero, ‘Second Song’, que es bastante funky... Hmmm, odio usar esa palabra, pero... Bueno, tú ya me entiendes”.

En cuanto a si ha tenido efecto alguno en el disco el hecho de que algunos miembros del grupo hayan iniciado sus propios proyectos en solitario, Malone responde: “si ha tenido alguna influencia, seguro que ha sido positiva. En un grupo como TV On The Radio tiene mucho sentido que cada miembro tenga sus propios proyectos fuera de la banda. En parte, eso ha contribuido a que estuviéramos menos tensos en el estudio, fuéramos menos agresivos. No puedo hablar por Dave, pero en mi caso cada vez que te embarcas en un nuevo

“Todo se acaba algún día y TV On The Radio no será una excepción” otro de los nuestros. Hay más espacio, especialmente comparado con ‘Return To Cookie Mountain’, quizás no tanto respecto a ‘Dear Science’. Me da la impresión de que en nuestros anteriores trabajos siempre predominaba cierta sensación de claustrofobia que ya no está presente en este trabajo. Hay más aire, en las canciones, en el ritmo general del álbum”.

A

quí entra en juego nuestro egoísmo: algunos preferíamos a los TV On The Radio apocalípticos de los inicios frente a estos nuevos TV On The Radio más abiertos y laxos. “No tengo la objetividad para entender a qué se refiere la gente cuando define nuestro sonido como ‘apocalíptico’, aunque lo he oído muchas veces. En todo caso, quien eche de menos el sonido de nuestros primeros discos, puede escucharlos de nuevo tantas veces como quiera”, responde Malone con relajada ironía, a la vez que niega que en “Nine Types Of Light”

proyecto, con cada álbum, aprendes algo de la experiencia”. Así que puede que nuestra sensación de agotamiento esté totalmente injustificada, que lo mejor de TV On The Radio –aunque lo dudo- esté por venir. Algo en lo que se reafirma Malone cuando me explica que apenas les ha afectado que Sitek se haya mudado a Los Angeles. “Vivo a cuatro bloques de Tunde”, comenta Malone, “y a diez minutos en bicicleta de donde vive Jaleel. Aunque no quisiéramos vernos, coincidiríamos continuamente porque vamos a los mismos sitios y tenemos amigos en común.

Pasamos mucho tiempo juntos”. ¿Significa eso que quedan para tocar juntos de vez en cuando? “Es curioso que me hagas esa pregunta, porque se supone que estamos en el mismo grupo, pero la respuesta es que no”. ■ Joan Cabot “Nine types of light” está publicado por Interscope/Universal. TV On The Radio estarán el viernes 8 de julio en el Bilbao BBK Live.

MondoSonoro · Julio - Agosto 2011 /25/

entrevista

PRUEBA ESTO Los británicos Arctic Monkeys refrendan su privilegiada posición dentro de la escena musical actual con una cuarta entrega categórica que despoja de argumentos a los escépticos. “Suck It And See” es un álbum de rock elegante y sin fisuras, con el que Alex Turner y compañía actualizan las maneras clásicas del género.

E

n el momento de contactar con Matt Helders -afable batería de Arctic Monkeys (también en el proyecto The Bottletop Band, junto a músicos como Gruff Rhys o Carl Barât)- en Denver, el combo británico se encuentra inmerso en una exitosa gira por Estados Unidos en la que el cartel de “no hay entradas” se repite en cada parada estipulada para presentar su nuevo trabajo de estudio. Otorgar la consideración de imprescindible a una obra no debe cumplir forzosamente con contenidos vistosos o épicos, espectaculares niveles de innovación, o pertenencia a la última vanguardia estilística. “Suck It And See” es la antítesis de la tendencia, concretándose en un disco de elegante rock clásico distinguido por la capacidad interpretativa del vocalista Alex Turner y poderosas guitarras vintage. Una docena de canciones compuestas a la antigua usanza tras extraer la esencia de mitos como David Bowie, Led Zeppelin, Echo & The Bunnymen, Nick Cave o The Kinks, reinterpretando las pautas hasta lograr que resuenen tan vigentes como atemporales.

“Es una buena descripción. Quizás el álbum tenga unas letras más detalladas y necesitaba ser escrito de una forma más tradicional.

Es cierto que suena definitivamente a rock, que es lo que de verdad queríamos”. El resultado es la mejor entrega del cuarteto con permiso de aquella descarada descarga juvenil que significó el primerizo “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not” (06), pero este cuarto largo desprende el aroma de aquellos clásicos que se reafirman con el paso del tiempo. “Puede ser el mejor porque intentamos ser cada vez mejores, y el hecho de que sea el último siempre te hace tener predilección por él.

Lo que lo hace diferente es que tiene una mezcla de los tres discos anteriores, y como novedad encontramos la forma tradicional de escribir las letras y trabajar las estruc-

turas... elementos de los que habíamos prescindido antes y que en esta ocasión hemos decidimos buscar”. El sonido retiene la herencia del rock nervioso y hosco protagonizado en “Humbug” (09), tras la comentada producción de Josh Homme (de Queens Of The Stone Age) que ahora cede el total control de los mandos al habitual productor y colaborador del grupo James Ford (Simian Mobile Disco). “Con James hemos trabajado desde que comenzamos a hacer música, así que siempre ha estado involucrado con nosotros, pero nunca hizo un disco entero de Arctic Monkeys y pensamos que era un buen momento para hacerlo.

Crea buen ambiente, es un buen amigo y siempre es honesto”.

La agresividad traspasa las composiciones hasta alcanzar al explícito título, en pleno contraste con una portada monocromática de diseño extremadamente simple. “Pensamos en poner una frase frecuentemente utilizada por la gente para ver qué pasaba. Y una vez elegida ya empezamos a pensar en qué opciones daba ese título, con una posible interpretación literal… En cuanto al diseño, optamos por la opción más sencilla y, bueno… cuando ves el vinilo queda bastante bien”.

L

a banda irrumpió en la escena por la puerta grande gracias a su mencionada ópera prima, coleccionando de inmediato una serie de galardones que incluyeron prestigiosos reconocimientos como el Mercury Prize de 2006 y el Brit Award del mismo año. “El Mercury fue muy emocionante, porque es un premio bastante reconocido y elegido por gente cuya opinión es muy respetada. Todos los premios están bien, pero no queremos pensar demasiado en ello: ganarlos está bien, pero no es uno de nuestros objetivos”. Para

la consolidación inmediata en lo más alto de la siempre poblada y competitiva escena musical inglesa, también contaron con el constante beneplácito de la oportunista prensa musical de su país, capaz de encumbrar o destronar a un grupo con pasmosa facilidad. “Mucha gente lee la prensa y obtiene información a través de los medios, así que por supuesto puede influir en la opinión de algunos, aunque preferimos no estar muy pendientes y que sea la música la que hable por sí misma. Estamos más interesados en tocar bien y hacer buenos discos, pero por supuesto que puede ser importante para una banda”. A lo largo de toda la entrevista, el percusionista demuestra una enorme prudencia en las respuestas, sin olvidar que la única preocupación real de una banda debería ser la creación de canciones. Esa inteligente coherencia les ha convertido en la mejor banda de su generación, aunque nuestro interlocutor no sea capaz de asegurar cuándo se percataron de estar en la cima. “Imagino que fuimos conscientes de que habíamos alcanzado el éxito cuando conseguimos el primer ‘sold out’ en uno de

boca fueron uno de los máximos motivadores del éxito prematuro alcanzado por los de Sheffield, propiciando que su fama corriese como la pólvora y ensalzándolos casi al instante como icono extremadamente popular gracias a la red y al margen de discográficas, por lo que resulta interesante conocer cuál es su actual postura acerca de la siempre polémica relación entre tecnología e industria discográfica. “Consumir música a través de Internet es obviamente una elección personal y está bien, pero todos nosotros somos fans de comprar discos tradicionales.

Lógicamente creo que Internet nos ha ayudado, pero también puede causar ciertos daños… lo más importante es tener buenas canciones y tocar bien”. Arctic Monkeys estarán presentando las suyas en la próxima edición del FIB, reencontrándose con un ambiente que recuerdan de anteriores temporadas. “Siempre lo hemos pasado muy bien allí. Después del primer disco hicimos un concierto que estuvo genial y con muy buen público. En esta edición tocarán bandas realmente buenas, así que seguro que veremos a buenos ami-

“El álbum necesitaba ser escrito de forma más tradicional. Definitivamente suena a rock, que es lo que verdaderamente queríamos” nuestros conciertos, y vimos que la gente disfrutaba con nuestra música. Luego ves tu trabajo reconocido al vender más discos y agotar entradas en más conciertos. Aunque no lo pensamos mucho y simplemente lo pasamos bien”. Parte de la escena musical británica ha mutado desde aquellos inicios, y ahora son estilos muy diferentes los que lideran con fuerza las listas de ventas. “Ahí fuera hay muchas bandas y mucha música, así que es difícil definir la escena con una palabra, pero actualmente las listas de música están dominadas por electrónica, hip-hop… hay pocas guitarras, y la verdad es que es una pena porque muchas bandas guitarreras están sacando discos”. Hay que recordar que las copias de sus demos en Internet y el boca a

gos y disfrutaremos”. La actualidad manda, y la creciente presencia de compatriotas británicos en el festival castellonense hace que su nombre figure con letras enormes como principal cabeza de cartel del sábado, por encima de unos veteranos como Primal Scream, algo anecdótico ante lo que Helders se muestra de nuevo cauto. “Supongo que es bastante raro, porque nunca te ves a ti mismo más importante que otros como Primal Scream. Pero es genial tocar con todas estas bandas, bien antes o después que ellas, porque seguro que habrá muy buen ambiente”. ■ Raúl Julián “SUCK IT AND SEE” está publicado por DOMINO/PIAS. ARCTIC MONKEYS ESTARÁN ACTUANDO EN EL FIB.

Arctic Monkeys Foto Archivo

ARCTIC MONKEYS

entrevista /26/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

the horrors

El Nuevo

orden

Con el sorprendente “Primary Colours”, su segundo álbum, se deshicieron de un plumazo de la antipática aunque algo merecida etiqueta de grupo hype que les perseguía desde sus inicios. Dos años después, The Horrors continúan abrazando su particular fórmula de post-punk avanzado y libre para firmar el exuberante “Skying”, uno de los títulos británicos más esperados de 2011.

M

ientras transcribo la charla que unos días antes mantuve a las puertas del madrileño Espacio UFI con Rhys Webb, teclista y miembro fundador de The Horrors, me llega un correo electrónico. En las actualizaciones de mi cuenta de Last.fm, alguien ha visto que recientemente he estado escuchando “Skying”, el nuevo disco de los ingleses, aún por publicar. El remitente, una Tumblr-girl de Hong Kong, tiene veinte años. En su mensaje me pide que le pase una copia del disco, que promete no dejársela a nadie. Mientras le explico que mi copia tiene una marca de agua con mi nombre (¿cómo se hará eso?) y que en cualquier caso merece la pena esperar un mes a que el disco sea publicado, pienso que existe cierto tipo de

público, numerosísimo, que, si bien es joven hasta casi no haber nacido aún, maneja un espectro sorprendentemente coherente y maduro (no en lo concerniente al pillaje en Internet, pero sí en cuanto a gustos musicales). Es un tipo de público joven que consume un tipo de música que podría pasar por fácil pero que, sobre todo por comparación con otras propuestas realmente fáciles, no lo es en absoluto. Ese mismo público, por ejemplo, abarrotaba este invierno el concierto de Klaxons en Joy Eslava, que derrama lágrimas escuchando las canciones de The XX o se pirra por los borboteantes Two Door Cinema Club, grupos todos formados por músicos a su vez terriblemente jóvenes. He construido mi charla con Webb a partir de la idea de una escena británica de grupos de

lo que podríamos llamar mainstream alternativo, que en esencia hacen pop rock más o menos revestido de nueva ola, goticismo, indie, rock, garage o punk, pero que retuercen su propuesta con estructuras cambiantes y producciones a veces excesivas. Grupos con la mirada puesta en grandes nuevos públicos, haciendo música en cierta manera avanzada (y hasta minoritaria, en el caso de The Horrors), sin querer ponerlo fácil. Webb pasó de puntillas sobre el tema, pero la idea me vuelve a rondar mientras pulso el botón “Enviar” y quizá la olvido para siempre. “En realidad sí

refiero a mirar hacia atrás, al rock progresivo que se hacía hace décadas. Nuestra obsesión es mirar hacia adelante, así hacemos nuestra música. Eso es más importante que cualquier otra cosa”. Webb habla sin necesidad de que le hagas muchas preguntas. Aunque tiende a distraerse con el trasiego de la Plaza de Matute, en pleno Barrio de las Letras. Natural de Southend On Sea, una ciudad con puerto situada a una hora de Londres en la costa este británica, el músico reflexiona sobre la conveniencia de pertenecer y reconocerte en una comunidad. “Al

“Nos da igual que ya nadie escuche discos enteros o en su orden natural” que queremos experimentar, llevar las canciones hacia adelante, girar las estructuras, llenarlas de elementos, ser progresivos.

No sé cómo se inscribe eso dentro de una corriente o cómo se hermana con otros grupos que hagan música en la actualidad”, explica Webb. “Digo progresivos, pero no me

final te tienes que ir a la ciudad grande, que es dónde puedes desarrollar y encontrar apoyos y salida para lo que haces, pero en todas las ciudades como la mía, o como Gijón aquí en España [son frecuentes los viajes de Webb a la localidad asturiana], hay gente muy concreta que está metida en algo muy

MondoSonoro · Julio - Agosto 2011 /27/

entrevista

El cuartel general de The

Horrors

P

The Horrors Fotos Neil Krug

robablemente no encuentres cita alguna a Shacklewell en guías turísticas. Situado al noroeste de Londres, englobado en el distrito de Dalston, sus dos edificios emblemáticos son una herrumbrosa sala de cine que programa cintas de autor y unos viejísimos baños públicos, no tengo del todo claro si todavía en funcionamiento. Rhys Webb lo describe como el típico barrio periférico de cualquier gran ciudad europea, habitado por inmigrantes, barato, y que progresivamente va siendo tomado por jóvenes artistas atraídos por los alquileres bajos. Cuando el número de nuevos inquilinos incrementa y la zona comienza a despertar los precios se vuelven imposibles y a la nueva generación le toca buscar un nuevo espacio en el siguiente anillo urbano. Nada nuevo bajo el sol… The Horrors, que figuran como vecinos de honor en la entrada de Dalston en Wikepedia junto a un obispo del siglo XVII, la fotógrafa Mira Loew y una banda llamada llamada Teeth con sólo un single en la calle, se mudaron al estudio de Shacklewell Lane hace cosa de un año, después de publicar “Primary Colours”. La idea era tener un espacio propio en el que desarrollar sus ideas y grabar, tras encontrarse con la desagradable sorpresa de que la prensa especializada señalara a Geoff Barrow como “culpable” de la sorprendente transformación del grupo. De escapada de fin de semana en Londres, el sello me propuso visitar el estudio para hacer una escucha previa de “Skying” unas semanas antes de la promoción oficial del disco. Sorprende cómo toda esa maraña sónica (“guitarras sintetizadas” apunta Rhys en un momento de la escucha) ha podido surgir de ese sótano sin ventanas que de buenas a primeras más parece un vertedero al que han ido a parar los materiales de deshecho de los estudios BBC: infinidad de teclados de anticuario, pedales de guitarra destripados, montones de cajas de pizza, un disco de oro abandonado junto al retrete y de fondo una proyección psicodélica que no para de girar. Un paraíso para estos locos de lo analógico y de la sidra que se declaran admiradores de Asturias, el Euroyeyé Weekend y los Estudios Perrotti de Jorge Explosion. ■ L.J.M.

concreto y que crea allí un clima muy interesante”. Así comenzaron The Horrors, gracias al encuentro continuado entre Webb, Faris Badwan (cantante) y Tom Cowan (sintetizadores y bajo) en conciertos en su ciudad de origen y en viajes a la capital a principios de la década pasada. Primeramente influidos por los sonidos garajeros y punk más crudos, los británicos debutaron con una serie de Ep’s y con un primer álbum, “Strange House”, que, pese a contener un más que interesante material ruidista y arty, quedó en un absoluto segundo plano en detrimento de lo chocante de la estética The Cramps meets Robert Smith en el videoclip de “Lullaby” que asumió la banda, especialmente bordeante con lo ridículo en el caso en Faris Badwan.

A

unque las cosas empezaron a cambiar cuando el mismísimo Chris Cunningham (responsable de arrolladores clips para Aphex Twin o Björk) filmó el oscuro e impactante vídeo de “Sheena Is A Parasite”. El hype estaba servido, sólo había que esperar a que los niñatos quisieran tener algo más qué decir para que el peso de la evidencia cayera sobre ellos. “Nunca

fuimos un hype. Por razones como esa he dejado de leer lo que se dice de nosotros en la prensa. También decían que debemos nuestro actual sonido y el giro en nuestra música a Geoff Barrow [cerebro de Portishead], cuando si le preguntas no tendrá más remedio que reconocerte que no es así”. Webb habla de la grabación de “Primary Colours” en 2009, un disco con el que The Horrors expandieron su sonido más allá de lo que quizá esperaban hasta sus propios seguidores y con el que pasaron a jugar en la liga oficial de los grandes grupos británicos de la actualidad. “Él te podrá decir que le llevamos la mayoría de las canciones ya hechas en cintas, con los arreglos, los desarrollos, el tipo de instrumentación y efectos que queríamos utilizar. Simplemente se ocupó de hacer que eso que llevábamos nosotros sonase bien. Lo cual, por otra parte, no es poco”.

En esta ocasión, para la grabación de “Skying”, realizada en su propio estudio situado en el barrio londinense de Dalston, el grupo no ha querido contar con productor alguno, aunque, eso sí, ha confiado la mezcla final a Craig Silvey, la mano

tras la mezcla de “The Suburbs” de Arcade Fire.

E

l álbum sigue el camino abierto por su antecesor. Canciones y producción oscuras y sobradas de ingredientes, pero limpias, oscilaciones entre el rock gótico (“Wild Eyed”), la herencia kraut (“Moving Further Away”) o la aspiración a hit de rápida combustión y medio recorrido (“I Can See Through You”). Todo suavizado por la presentación del single de adelanto, “Still Life”, quizá el corte más discreto del disco, al que enseguida desautoriza la anarquía en la que acaba zambulléndose “Changing In The Rain”, el título que lo abre. “Hemos planteado la escucha como un continuo, queremos que la gente se meta desde el principio al final, nos da igual que ya nadie escuche discos enteros o en su orden natural. Se trata de dejarse ir. En este disco nos hemos dejado ir totalmente, queremos ver hasta dónde podemos llegar”, explica Webb, que habla con tranquilidad funcionarial, casi como si no recordase sobre qué le acabo de preguntar, la primera actuación de The Horrors en Madrid allá por 2007, cuando convirtieron Moby Dick en una

batalla campal que obligó a los responsables de la sala a suspender el concierto al poco de haber comenzado. “El recuerdo que tengo es el de un momento en el que había un grupo de gente que se encontraba en conexión, haciendo algo que yo no tildaría de violento.

La sensación que tuvimos es que allí los únicos que no estaban en la misma historia eran los encargados de la sala, lo cual también es comprensible”. Se acerca Josh Hayward, el guitarra, y ofrece un cigarrillo a Webb.

Ha estado charlando con otro periodista. Damos por concluida la entrevista. Mientras Webb busca de una mesa libre en la terraza del bar de al lado, aparece uno de los encargados del Espacio UFI y pregunta al miembro de la distribuidora del grupo en España y encargado de su agenda para hoy si hay tiempo para que puedan acercarse hasta aquí unas chicas que acaban de llamar porque se han enterado de que The Horrors están pasando el día en Madrid. ■ Jorge Ramos

“SKYING” SE PUBLICA EL PRÓXIMO 11 DE JULIO VÍA XL/POPSTOCK!

/29/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

Grinderman Foto Fernando Ramírez

Pulp Foto Fernando Ramírez

The Flaming Lips Foto Dani Cantó

CONCIERTOS

P J Harvey Foto Fernando Ramírez

SAN MIGUEL PRIMAVERA SOUND LUGAR Parc del Fórum (Barcelona) Fecha 26 al 28-5-11 Estilo diversos Público sold out Promotor Murmur Town

1111

Tan amplia fue la programación de esta edición del San Miguel Primavera Sound (más de doscientos artistas, que se dice pronto), que aquí únicamente vamos a incluir algunos de nuestros conciertos favoritos, junto a alguna que otra decepción. Ahora bien, en www.mondosonoro. com encontrarán ustedes una crónica mucho más amplia.

Curiosamente, entre los conciertos más destacados de la noche del jueves estuvieron los protagonizados por varios de los veteranos del lugar. Grinderman y P.I.L. no fueron capaces de noquearnos o dejarnos sin aliento, pero cada uno a su manera, con Nick Cave y John Lydon al frente, ofrecieron conciertos con pulso y solidez.

Ganaron Grinderman. Como en su anterior visita a la Ciudad Condal, se llevaron al gato al agua con un set directo e interpretado como si eso de ser leyendas no fuese con ellos. Por su parte, Public Image Limited hubiesen conseguido una respuesta mucho mayor de haber sido programados en otro escenario. Poco pareció importarles y abrieron a caraperro con la canción que da nombre al grupo.

Muy bien funcionó el directo con banda de Matthew Dear, convertido en una suerte de Dave Gahan hipermetrosexual. Quienes tampoco defraudaron (nunca lo hacen, de hecho) fueron Einstürzende Neubauten, aunque su actuación no despegó hasta los diez minutos de empezada. Otro ejemplo de que muchos nuevos artistas deberían aprender de sus mayores. Ahora bien, si hubo unos veteranos que despuntaron fueron, sin duda, Swans. Mucha tensión y mucho nervio en una actuación que merece ser recordada como uno de los momentos más vibrantes de la edición de este año. Crudos, monolíticos, con Michael Gira increpando al público, los estadounidenses

sonaron un punto post-metaleros en relación a su pasado primitivamente industrial, pero subrayaron con letras salpicadas en sangre por qué son, para muchos, una leyenda.

Coincidiendo prácticamente con Animal Collective, Odd Future tomaron el escenario Pitchfork –y cómo salieron: con un salto al público de los más brutos que servidor recuerde-. Al final, seis miembros sobre el escenario, laptop en lugar de Dj, y sobre todo mucha actitud. Sin convertirse tampoco en el momento del festival, sí ofrecieron motivos suficientes para justificar todo el revuelo que han estado generando últimamente. Y por supuesto, no podemos olvidarnos de la fantástica actuación de Sufjan Stevens, que ofreció un espectáculo emocionante y excesivo a partes iguales que no olvidaremos en años.

M. Ward debería haberse hecho dueño del protagonismo de la segunda jornada, pero no fue así. Ya desde el inicio con “Sad Sad Song” pudimos comprobar que su garganta estaba muy maltrecha, y que ese hándicap iba a lastrar una actuación que no llegó a las cotas que el estadounidense suele alcanzar. The National hubieran merecido el mayor de los escenarios. Matt Berninger demostró que una voz de crooner malogrado y una aparencia de gentleman impecable, no está reñido con ofrecer directos viscerales e incluso una actitud algo punk.

Belle And Sebastian protagonizon un bolo sin sorpresas, muy similar al que ofrecieron hace unos meses en su vista al BAM barcelonés, mientras que otros veteranos como Low daban una verdadera lección de como manejar el tempo a su antojo, estirando los temas de forma suave y sedosa, logrando esos ambientes tan místicos como inapropiados para ser

presenciados en un escenario que se convirtió en un autentico “cul de sac”, dada la afluencia de público y la imposibilidad de escapar por los costados. De nuevo, riada de gente encaminada a una de las reuniones más esperadas de este PS, la de Pulp. Hordas de festivaleros inundaban el escenario San Miguel y más allá. Jarvis Cocker, muy inglés, pidió permiso para deshacerse de su pulcra chaqueta y corbata, y empezó el recital de hits de “Different Class”, como “Pencil Skirt” o “Disco 2000”. Después, la intensidad se diluyó lentamente para volver a remontar con los bailes serpenteantes de Cocker, su cámara de vídeo en “Spy”, la interacción con el público y finalmente, dedicar “Common People” a la #Spanish Revolution y a los indignados. Así, con todo el público coreando este himno generacional, se despidieron Pulp; solo para regresar minutos después con “Razzmatazz”.

Si hubo una actuación temprana que despertó en mi interior las ganas de seguir a partir de ahora los pasos de un artista, fue la de The Tallest Man On The Earth, en la tercera jornada del festival. Una lástima que la euforia me bajará de golpe con la actuación de Yuck, banda que se dedica a fusilar a los grandes de

indie-rock (de Pixies a Sonic Youth, pasando por Pavement o Dinosaur Jr), pero sin una pizca de personalidad propia. Todo lo contrario que Papas Fritas, quienes protagonizaron uno de los mejores retornos del festival con su indie pop desenfadado y fresco. Lo de Fleet Foxes fue de chapar bocas. O al menos a un servidor se la cerraron de por vida. Su directo demostró que no sólo son capaces de defender sus memorables canciones sino que ganan cuerpo en directo, clavando esas harmonias vocales que les hacen tan especiales. Tras el descanso obligado para ver en una pantalla gigante el memorable partido del Barça, me acerqué con euforia desatada hasta el escenario San Miguel, en el que una desangelada actuación de PJ Harvey me devolvería a tierra de nuevo. Cuesta explicar que, con un disco como “Let England Shake” entre manos, la banda que la acompaña no sea capaz de capturar y desarrollar la magia de las canciones más que en breves fogonazos, que además quedaban lastrados por lo tenue del sonido y por los excesivos parones entre tema y tema. Don Disturbios & Joan S. Luna

+en

sónar 2011 Lugar Diversos espacios (Bcn) Fecha 16-18/06/11 Estilo Electrónica diversa Público 72.000 aprox. Promotor Advance Music

Jueves 16. Como en cada edición, el baile de nombres de la primera jornada del festival de electrónica más arriesgado de nuestro territorio trajo sorpresas y decepciones, aunque quizás lo que marcó el día fueron las confirmaciones.

La de Toro Y Moi, con una propuesta que ha ganado desde su debut discográfico, apuntando caminos más diversos y con mayor proyección.

También debemos destacar a Nicolas Jaar, uno de los nombres del año por méritos propios, o Pai Mei, el nuevo proyecto de Griffi (Sólo Los Solo, Chacho Brodas), con cantante femenina al frente. Entre las decepciones, que tampoco lo fueron demasiado, citaremos a Little Dragon, que lucieron menos clase que en estudio, y un Tyondai Braxton demasiado bruto para lo que esperábamos. Si en disco le ha ganado la partida a Battles, queda claro que en directo son sus excompañeros quienes vencen.

Viernes 17. La jornada del viernes empezó pronto para nosotros. Estuvimos allí desde primera hora, primero para enfrentarnos al ambient claustrofóbico del gerundense Neuron primero y a la sesión de pop electrónico, chill wave y similares de nuestro jefe de redacción, Joan S. Luna, después. Costó un poco soltarse con Facto y Los Amigos del Norte, surgidos de la escisión de Marc Barrachina de Facto Delafé y las Flores Azules. Mucho jolgorio, pero más del recomendable para que nos tomemos su propuesta demasiado en serio. Excelente la respuesta del público a la sesión de Agoria, con aplausos incluso durante su transcurso, y sobre todo al directo rapero rockero de Atmosphere, que llevó al americano a entregarse desde el primer momento.

En el Hall, las cosas funcionaron muy bien desde el principio, con los barceloneses Stendhal Syndrome sonando densos y oscuros, aunque

con unas proyecciones que quedaron algo deslucidas esta vez, y Astrud con la ayuda del Col.lectiu Brossa, para acabar con un Ghostpoet mucho más bruto que en estudio, e infinitamente más brillante que en su casi improvisado directo acústico para Radio 3 de la tarde anterior. En el Complex, las cosas fueron desde la eficacia densa de Holy Other a los decepcionantes y apocados lives de How To Dress Well y oOoOO. De todos modos, los mejores directos de la jornada de día fueron –nuevamente- el de Four Tet, que consiguió un llenazo apabullante, aunque nos dejó sin ese gran tema que es “Sing”, y el de Discodeine, que sí dejaron para el recuerdo un “Synchronize” que se mantiene ya entre los momentos más bailables del festival, en su versión diurna.

Mucho más ritmo hubo durante los conciertos y sets de la noche del viernes. Entre los más brutos: Skuba; obviamente Aphex Twin; los electro-raperos sudafricanos Die Antwoord, que sorprendieron con una energía tan directa que nos hizo olvidar el dudable gusto de algunos de sus temas; o el holandés de color Munchi, que se agarró a la electrónica underground latina, al kuduro y al electro-ragga para hacernos pasar un rato realmente divertido. El aperitivo ideal para una M.I.A. que no lució tanto como en su aún reciente gira por nuestro país, en la que se mostró más salvaje y también más militante. En todo caso, por encima de la media. Igual que unos The Human League y Cut Copy que, enfrentándose de formas distintas a los ochenta (unos los representan, los otros los recuperan), ofrecieron conciertos francamente válidos y honestos. Cut Copy han madurado mucho desde la gira de su segundo álbum, gracias a lo que su directo ha ganado enteros, equilibrando perfectamente su faceta más electrónica con la más pop. Y poco que añadir sobre el concierto

Cut Copy

Underworld

MIA

Paul Kalkbrenner Fotos Hara Amorós

CONCIERTOS /30/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

de The Human League, batería de hits, un estado de forma que hace justicia a su leyenda y excelente respuesta por parte del público. Por otro lado, la mayor decepción de la noche la protagonizó una Katy B anodina, cuyo registro vocal y actitud nos hizo pensar en decenas de programas televisivos, al tiempo que nos hacía olvidar su colaboración con Magnetic Man y algún que otro tema de su recién estrenado disco. La anécdota, ver cómo la mesa de Dizzee Rascal caía por los suelos. Pero ya decimos, solamente fue es una anécdota de la que su directo no se resintió lo más mínimo.

Sábado 18. Con el calor haciendo de las suyas llegamos al último día del festival. Y qué mejor forma de afrontar la cuenta atrás que con ese Rey Midas de la BBC Radio 1, Gilles Peterson, rompiendo los arquetipos del baile y dándonos buenas muestras de que en su casa la salsa, el house y los ritmos negroides (de antaño y ahora) continúan teniendo la misma efectividad en el barómetro de la pista de baile. Tras él, llegó el momento de conciliarnos con uno de los maestros del ambient, Global Communication.

Los ingleses venían a Barcelona para recordarnos la validez de esa piedra capital del género llamada “76:14”, y lo hicieron acompañados de exquisitas proyecciones en las que el cine de serie B cobraba el mismo protagonismo a la hora de ponernos los pelos como escarpias que sus tejidos sonoros. Illum Sphere, quien gracias a sus remixes se ha ganado la admiración de la generación post-dubstep, se regocijó en una sesión que le hizo despuntar, pero la aguja del reloj corría y nadie podía quedarse fuera de ver a esa Apparat Band con la que Sascha Ring retoma los instrumentos analógicos. El alemán (aparte de recuperar temas como “Arcadia” o su matrimonio junto a Modeselektor) presentó parte de ese álbum que pasado el verano verá la luz vía Mute en el que, creyéndose Thom Yorke, ha decidido dar su parecer del rock ensoñador.

Súmen a eso los directos los atractivos conciertos de los africanos Shangaan Electro y de Hype Williams, uno de los más destacados y sólidos de la jornada.

Pasemos a la noche, sin duda exitosa en lo artístico. Porque la lista de actuaciones destacables es amplia, y para todos los públicos.

Chris Cunningham recuperó el monstruoso y ruidista espectáculo presentado un par de años atrás en otro festival español, pero con mayor energía y tanta crudeza como entonces. Uno de los momentos más espectaculares y menos bailables de esta edición. Todo lo contrario que la actuación de Janelle Monáe, una auténtica musa para la nueva música de color, capaz tanto de emular a James Brown como de bordar el “I Want You Back” de The Jackson 5, siempre respaldada por una banda de hasta doce músicos (incluido cuarteto de cuerda) de indudable nivel. La confirmación de que su concierto hace unos meses en Apolo no fue un espejismo. Pese a tener como contrincante a Monáe, la francesa Yelle funcionó como de costumbre, y es que con un repertorio como el suyo tampoco debe preocuparse demasiado.

Angel Molina subrayó su importancia vital en nuestra escena, protagonizando una sesión rítmica y eficaz que sirvió de perfecta introducción para la actuación de Underworld, quienes volvieron –obviamente- a triunfar. Lo suyo sí continúa siendo electrónica para las masas cargada de hits, algo que –aunque se empeñen- tienen difícil conseguir Magnetic Man en España, es decir, el supergrupo formado por Skream, Benga y Artwork. Su dubstep comercial sonó muy robusto, relativamente certero, pero ni el repertorio, ni el omnipresente MC ragga, se lo pusieron fácil a quienes querían vibrar con su show.

Pero hubo mucho más. No podemos dejar pasar la ocasión de destacar las actuaciones de Africa Hitech, de Buraka Som Sistema (tan rítmicos y sucios como en su anterior participación en el festival), de Shackleton, sobre todo de Shackleton, que dio aires distintos a su asfixiante propuesta, restando bases y añadiendo más ambientes; y de los madrileños The Zombie Kids, más que nada porque nos hicieron olvidar el regusto amargo de su destartalada y reciente sesión en un festival murciano. Joan S. Luna y Enrique Gijón

------------------------------------------Agenda Julio

SONO

La noche alternativa de Estrella Galicia Artistas: The High Llamas + Esben and the Witch + The Suicide Of Western Culture + Eme Dj 06 de Julio / Teatro Lara, Madrid

2 Many Dj’s

09 de julio / Auditorio Mar de Vigo, Vigo

ARTEC

Artistas: Kode 9 (Dj), Mwëslee (live) 16 de Julio / Centro Ágora, A Coruña

Eli “Paperboy” Reed & The True Loves

26, 27 y 28 de Julio / Teatro Lara, Madrid y Playa Club, A Coruña

Jamie Lidell

28 de Julio / Teatro Lara, Madrid

Chuck Prophet

(performing London Calling de The Clash) 29 de Julio / Teatro Lara, Madrid

O Marisquiño Con Bad Religion

12, 13 y 14 de Agosto / Explanada del Náutico, Vigo

------------------------------------------Otras fechas SON

Rock In’ Way Estrella Galicia con Offspring

------------------------------------------Programación Salas SON

Teatro Lara, Madrid 06 SONO 26 y 27 Eli “Paperboy” Reed 28 Jamie Lidell 29 Chuck Prophet playing London Calling Playa Club, Coruña 28 Eli “Paperboy” Reed Sinsal, varios espacios 04 High Llamas www.estrellagalicia.es

Vetusta Morla Foto Alfredo Arias

Russian Red Foto Mariano Regidor

Crystal Fighters Foto Alfredo Arias

CONCIERTOS /32/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

DÍA DE LA MÚSICA HEINEKEN Lugar Matadero Madrid y Teatro Circo Price (Madrid) Fecha 18, 19 y 21-06-11 Estilo Pop y rock Público sold out Promotor Heineken/Music 2Day

La primera jornada del Día de la Música Heineken empezó pronto, muy pronto, bajo el sol mañanero y con las caras de la gente todavía adormecidas, los saludos entre viejos conocidos y cervezas matutinas, mientras Odio París facturaban pop ruidoso en el escenario del Mercado Matadero Madrid. Al poco, los jovencísimos Autumn Comets hacían lo propio en el escenario Mercado de la Música, un grupo con un futuro más que prometedor por delante, tras dos trabajos a tener en cuenta. Litoral, por su parte, a pesar de lo poco favorable del horario, deleitaron a los presentes con su folk elegante con un toque de chanson francesa.

Bravo Fisher!, una de nuestras apuestas para el festival, tomó solo el escenario del Mercado de la Música acompañado de sintetizadores y un ukelele, para alegrar a un público cada vez mayor con bases synth-pop a camino entre The Postal Service y Owl City, sin olvidar ese punto verbenero a lo Joe Crepúsculo que consigue que agites la cabeza aun sin querer. El trío catalán Aias, cada vez más rodado y suelto en directo, demuestra a cada paso que lo suyo va en serio, y se postulan como una alternativa sólida y de calidad a los grupos de chicas estadounidenses de pop destartalado afines en sonido y ética. PS I Love You no necesitaron mucho para enloquecer a unas primeras filas que coreaban sus temas noise pop, enarbolando la bandera de anti-héroes.

Anna Calvi se presentaba en el escenario grande del Día de la Música con una intención clara: demostrar que era mucho más que una clónica de PJ Harvey, Siouxsie y Patti Smith. Ahora bien, su correcto sho dejó algunas dudas. En directo, la menuda cantante inglesa evidencia en exceso sus deudas con esos tres iconos intocables del rock femenino. Toro y Moi, ídolo de la chill wave que en “Underneath The Pine” transita por caminos más funk con guiños a la música disco

de culto, sorprendió en Madrid con un directo muy orgánico en el que se presentó como una banda de pop convencional. Bajo, guitarra, batería y Chazwick Bundick a los teclados y voz. Sus canciones en ese formato siguen pareciendo igual de buenas y bailables. Poco más tarde de las ocho llegaba el turno de comprobar cómo sonaban en directo las canciones de “Belong”, el notable segundo disco de The Pains Of Being Pure At Heart. La actuación de los de Brooklyn estuvo algo lastrada por la gastroenteritis de su guitarrista y cantante, Kip Berman, hecho que les obligó a reducir su setlist. Cayeron varias de su nuevo álbum, “Heart In Your Heartbreak”, “The Body” y “Belong”, entre otras, pero es de justicia reconocer que las canciones más celebradas y coreadas fueron las de su debut; hits inapelables como “Young Adult Friction”, “This Love Is Fucking Right!” o “Stay Alive”.

Wild Beasts actuaron en el escenario Entradas.

Com, el segundo en tamaño, demostrando que la dura belleza de sus canciones funciona también en directo. Los nuevos temas de “Smother” se alternaron con hits de “Two Dancers” y “Limbo Panto”. Hechizando con melodías complejas, repeticiones y golpes de efecto en la batería, consiguieron cautivar a un público que les tenía ganas, mientras en el escenario todo lo impoluto de su presencia se tornaba energía cruda. Con más de media hora de retraso debido a las colas que se formaron para verles, los madrileños Vetusta Morla tomaron el escenario humildemente, abriendo con “Días raros”. Se sucedieron temas como “Copenhague” y “La cuadratura del círculo”, pero “El hombre del saco” fue la puntilla a un concierto hiperactivo en el que, de nuevo, Pucho no paró y se hizo con un bidón de gasolina para apoyar la percusión.

Tras la fuga de buena parte de los asistentes una vez finiquitada su actuación, llegó el turno de los

infalibles Crystal Fighters, aunque esa noche no lo fueron tanto. Tras una psicotrópica intro de “Solar System”, apareció un pasadísimo Sebastian al que le costaba vocalizar y parar quieto. El sonido no fue el que nos tienen acostumbrados con su equilibrio entre pregrabados y un potente directo, aunque los temas con solos de txalaparta fueron altamente eficaces y el público fue en parte responsable del éxito de la actuación. “Plage”, “At Home” o “Xtatic Truth” fueron la sucesión infernal que causó el desmadre entre las primeras filas y que muchos acabáramos afónicos.

El segundo asalto del Día de la Música Heineken se inició el domingo con un sol de justicia.

Abrieron Red Lights, con su propuesta intimista y delicada, en una actuación que empezó poco antes del resto de los conciertos en el recinto del Matadero. Como ellos, Gepe, una de las puntas de lanza de la actual armada pop chilena, tocaba para los asistentes a la feria profesional de discográficas, promotores, revistas y demás, para defender él solo, con mucho empuje y ganas, las canciones de “Audiovisión”. Un buen concierto a pesar de los pocos medios. Por su parte, Pony Bravo lo pedían a gritos: “sube el aire un puntito, picha”. Y es que el escenario UFI se convirtió en un infierno a las cuatro de la tarde.

Aunque no fue excusa para no dejarse poseer por los andaluces y sus ritmos bluesísticos de feriante. Y es que tanto los temas de “Si bajo de espalda no me da miedo” como los de “Un gramo de fe”, consiguieron levantar el espíritu de muchos, con la particular voz de Dani Alonso, todo un predicador. Dum Dum Girls abrieron el escenario Madrid con una ración de surf pop llena de grandes melodías y estribillos que solo chirriaba cuando se acercaban peligrosamente al rock algo rancio que recordaba a los primeros Texas.

No tuvimos la oportunidad de ver a John Grant en directo, ya que nos coincidió con la entrevista de Ron Sexsmith para Mondo TV. Una larguísima cola anticipaba las ganas de verle en directo destripando su nuevo trabajo, y por lo que sabemos, no decepcionó. Por su parte, Lykke Li consiguió cambiar el escenario para adaptarlo a su gusto; largas cortinas negras colgaban del

techo y unas estructuras metálicas sirvieron como extra de percusión. A pesar de las reticencias, su nuevo trabajo “Wounded Rhymes” probó mucho más contundente y animado en directo.

Había muchas dudas sobre si Destroyer serían capaces de trasladar al directo todos los hallazgos y matices de “Kaputt”, el mejor disco de su carrera. Y bien, todas las dudas se disiparon a favor de los canadienses con los primeros acordes de “Chinatown”. Dirigidos por un Dan Bejar casi autista pero lleno de clase y encanto (durante el concierto solo se limita a cantar, no toca ningún instrumento), la banda que lo acompaña es capaz de hacer justicia a las grandes canciones de disco.

Y sí, el saxo en directo suena incluso más cool que en el disco.

Uno de los platos fuertes del Día de la Música Heineken era el debut madrileño de Janelle Monáe, una de las nuevas divas del soul pop yanqui con una proyección que apunta muy alto.

La pequeña pero matona cantante repasó las canciones incluidas dentro del aclamado “The ArchAndroid (Suites II And III)” acompañada de una generosa banda y bailarinas. Convertir el escenario en una fiesta sin perder de vista lo más importante (la música) no es tarea fácil, pero Monáe lo consiguió a base de entrega y de una profesionalidad intachable. Al show se le perdona que a veces apabulle un poco, y esos momentos de lucimiento vocal que a veces lastran el ritmo.

Ahora bien, las epifanías de soul vitaminado que vivimos los allí presentes al escuchar en directo trallazos como “Tightrope”, “Cold War” o una celebradísima “I Want You Back” de The Jackson Five, valen su peso en oro.

A Russian Red le tocó jugar en unas condiciones algo duras, ya que el paso del huracán Monáe fue memorable. Aun así, demostró que más allá de polémicas gratuitas, su música sigue congregando a muchísimas personas y, junto a su impecable banda, sus actuaciones son una apuesta segura.

Glasvegas saltaron al escenario con la arrogancia y la épica impostada que impregna sus canciones.

El fin de fiesta les tocó protagonizarlo a Caribou, quienes tuvieron un arranque algo lento, hasta que por fin consiguieron calentar al público. Xavi S. Pons y Marta Terrasa

CONCIERTOS

Tote King Fotos Beatriz Rodríguez

MondoSonoro · Julio - Agosto 2011 /35/

FESTIVAL TERRITORIOS SEVILLA Sala Monasterio de la Cartuja (Sevilla) Fecha 20 y 21-06-11 Estilo pop y rock Público lleno Promotor Territorios

La esperada XV edición del festival Territorios trajo consigo problemas de organización (suma dificultad a la hora de acceder a los escenarios y al recinto en sí) durante el primer día, que fueron subsanados durante su segunda jornada, respondiendo a las necesidades de los asistentes y afrontando la envergadura de tal evento cataclísmico. Jornada de reflexión en clave de sol la ofertada por este evento masivo que falló masificándose en exceso, siendo un acontecimiento que empezó de forma gratuíta por las plazas de Sevilla hace quince años y ha acabado por reunir a doce mil personas en un enclave como es el Monasterio de la Cartuja.

Más de treinta actuaciones planificadas para dos noches repletas de una variada y rica propuesta musical, aunque ello suponga el hándicap añadido de no poder disfrutar de todas ellas. Efecto beneficioso para nuestro organismo festivalero el de la taza musical de Miss Caffeina, de los primeros en arrancar. Riffs rápidos y enérgicos los de Sr. Chinarro, uno de los mitos de la música independiente española, que se decantó por rescatar en su mayoría temas de los tres últimos discos anteriores a “Presidente” (guiño al pasado con la primera estrofa de “A la luz de dos velas” incluído), fundiéndose “Vacaciones en el mar” con “El rayo verde” o “El rito”. Uno de los platos fuertes de la noche fueron Vetusta Morla, que hicieron vibrar a miles de fieles que estaban de enhorabuena, rendidos en una de las actuaciones más aplaudidas del festival, presa de la euforia desatada por verlos en directo.

Energía desbordante la de Pucho y los suyos la que invadió el recinto, sonando temas de su aclamado “Un día en el mundo”, como las ya cercanas “Copenhague” y “La cuadratura del círculo”, y presentando “Mapas”, que, según lo vivido, tiene visos de acumular tantas distinciones como su anterior laureado trabajo, sobrecogiendo especialmente “Baldosas amarillas” y “Lo que te hace grande”. La tormenta sonora de Raimundo Amador, acompañado de Pepe Bao y La Negra, los maravillosos The Fall, las rimas de Nach, y la fusión de estilos de Asian Dub Foundation también fueron partícipes de la cita. Cargado de armonías simples, asistimos a la demostración de la consolidación de The New Raemon, cuyos días de imperio no parecen acabar a juzgar por la respuesta del público ante temas incontestables como “Lo bello y lo bestia” o “Sucedáneos”. El cartel del sábado se nutrió de la banda andaluza Southern Arts Society, del alegre festín mestizo

y colorista que rebosó Muchachito Bombo Infierno y del fenómeno del indie chileno, Javiera Mena, quienes, entre otros, también tuvieron cabida en esta prolífica programación.

Ausencia sentida y sustituída de última hora la de Horace Andy. La presencia escénica y los tacones rojos de vértigo de Mala Rodríguez pisaron fuerte el escenario, exigiéndose ser profeta en su tierra, y lográndolo plenamente al comunicarse con su público sevillano en un show cargado de emociones y pasión, coreando a pleno pulmón “Nanai” o “El gallo”. Letras arriesgadas acompañadas de sugerentes movimientos.

Aquí siempre estaremos listos para escucharla, mientras sea ella quien marque el minuto. Tote King también jugaba en casa, y eso suponía más responsabilidad, pero, al igual que La Mala, pasó con éxito la prueba de fuego. El fabuloso Neil Hannon (The Divine Comedy) nos deleitó con una velada exquisita e íntima. La compañía de un piano y una guitarra le bastó para defender su repertorio. Le sobran tablas en el escenario.

Rematadamente fascinantes los himnos “Perfect Lovesong” y “At The Indie Disco”. Impecable, cosechó una ovación escogiendo para versionar teatralizadamente “Don’t You Want Me” de The Human League, que tocarían a continuación, cumpliendo el sueño de miles de melómanos que revivieron el espíritu de los ochenta, ofreciendo la veteranía de una actuación cargada de optimismo. En otro escenario, se consumía en directo la música de Russian Red y su poderosa voz, que se superó especialmente en “Loving Strangers” y “The Sun The Trees”. No puedo dejar sin mencionar la estupendísima “Nice Thicks Feathers”. Magistral. Sorprendentes y originales Femi Kuti & The Positive Force, quienes ganan muchos enteros llevados al directo. Unos motivados Klaxons se accionaron ratificándose como una de las propuestas más atractivas tras sus acordes hipnóticos. Los impredecibles El Columpio Asesino nos hicieron bailar toda la noche con “Toro” en un genial directo sin reproches, heredero de su crucial adoración por Pixies. La recta final de sendos amaneceres contó con 2 Many Dj’s y Orbital respectivamente, quienes dieron buena muestra de sus dotes en una noche repleta de energía contagiosa que no dejó indiferente a nadie, saldando con éxito una edición que debería haber prescindido del ensombrecimiento organizativo del viernes para haber lucido ambos días como lo hizo el sábado.

Beatriz Rodríguez Ruiz

Vienen de: Estados Unidos Publican: “Mysterious Power” (Red Parlor, 11) En la onda de: Daniel Johnston, Half Japanese, The Decemberists

P

Friska Viljor Foto Archivo

erdido en una carretera en algún lugar entre Austria y Alemania, Ezra Furman baja de la furgoneta para buscar cobertura. Nada, no hay suerte. La llamada se corta y vuelta a la furgoneta en la que le esperan el resto de The Harpoons apiñados, continuando con la gira de presentación de su nuevo trabajo, “Mysterious Power”. “Estaba en el coche y sonó en la radio nuestro single ‘I Killed Myself But I Didn’t Die’, y me quedé descolocado. Escuchar

Friska Viljor Vienen de: Estocolmo, Suecia Publican: “The Beginning Of The Beginning Of The End” (Crying Bob/Green Ufos, 11) En la onda de: Peter Bjorn & John, Delorentos, Lacrosse A propósito de la salida de su cuarto disco, el grupo sueco ha estado actuado en nuestro país. Volvemos a encontrar en “The Beginning Of The Beginning Of The End” la fórmula que les ha ido haciendo ganar adeptos, sin prisa, pero eso sí, sin perder a ni uno solo de los oyentes que se asoman a sus canciones. “Tenemos la misma instrumentación básica, con mandolina, ukelele, órgano, carrillón y trompas como en los inicios. Y algunas canciones pop bonitas y enérgicas”. Haberlos podido disfrutar el pasado año en el Tremendo Pop Festival es una experiencia de las que no se olvidan, y es que Friska Viljor sobre las tablas se crecen.

“El público español es genial. Siempre nos lo hemos pasado en grande tocando en España. Gente simpática y amistosa en todas partes. Genial”. Hablamos de bandas del norte de Europa, de festivales “trampolín” para estos grupos, como el SPOT Festival danés, y de que por fin nos hemos acostumbrado a hacer caso a grupos que vienen de sitios que no son Estados Unidos o Inglaterra. “Creemos que la gente ya tiene un enfoque distinto. El Reino Unido sigue siendo el país líder en cuanto a música se refiere, pero no de la manera que lo era hace diez años. Un montón de bandas suecas están de gira por todo el mundo con gran éxito: Peter Bjorn & John, Robyn, Fever Ray, The Sounds, The Hives, Mando Diao y muchos más”. ■ Rafa Angulo

esa canción, la historia que cuenta y hacerlo tan alegremente fue muy duro. ¿Qué pensará el resto de la gente cuando la oiga?”, se pregunta Furman.

“Mysterious Power” es el tercer trabajo de la banda de Boston, quienes se alejan del folk saltarín e histérico para facturar una docena de canciones más cercanas a la lírica de Bob Dylan y melodías de inspiración rockera retro. “Este disco lo escribí en la habitación, pero fue grabado en un estudio mejor y con más tiempo. Quizá haya perdido espontaneidad, no sé. La madurez para mí se traduce en canciones más reposadas, aunque en los directos sigamos sudando la camiseta”, asegura el músico, parado en una gasolinera mientras el resto se toma un descanso. “Ha sido una evolución natural.

En los discos anteriores sobresalía demasiado mi personalidad y terminé asqueado de mi mismo; quería hacer algo distinto y The Harpoons han jugado un papel mucho más activo”. “Mysterious Power” cuenta la historia de un joven incapaz de comunicar todos sus miedos, sueños y temores en un mundo lleno de tabúes. “No estoy bajo medicación, ni nada similar, pero tengo tendencia a caer en depresiones y ataques de ansiedad. A veces me siento como un muerto viviente y otras soy la persona más feliz del mundo. Las canciones son la manera más fácil de poder expresar lo que muchos no quieren escuchar por incomodarles”. ■ Marta Terrasa

+en

Wiggum Foto Archivo

Ezra Furman & The Harpoons

Anteriormente conocido como Diskokaine y con varios años de producción y remezclas a sus espaldas, Wolfram Eckert presenta ahora su debut en largo y lo hace bajo su nombre de pila. “No quería enseñarle a mi abuela mi disco con la palabra ‘kokaine’ en él y tampoco quería que mis futuros hijos pensaran que su padre tenía un nombre raro”. Wolfram se nos pone tierno y no resulta extraño cuando uno se enfrenta a la concepción altamente emotiva del nu-disco desplegada en su álbum. Nu-disco amable colindante con el pop que oscila entre el medio tiempo elegante de temas como “So Fine All The Time” o “Roshi” y el fiestón absoluto de otros como “Out Of Control” (con Paul Parker), “Fireworks” (con Hercules & Love Affair) o “Hold My Breath” (en dos versiones: una con Holy Ghost! y otra con Sally Shapiro). Pero no son estas las únicas colaboraciones estelares con las que ha contado el vienés, y es que la voz en “Thing Called Love” la pone… ¡Haddaway! “Le llamé y le pillé durmiendo, así que fue súper incómodo, en plan: ‘emmm, oye, perdona que te despierte pero, ¿querrías cantar para un tema instrumental que tengo?’. Por suerte fue muy simpático y en seguida me hizo sentir relajado. Se lo envié y al cabo de quince minutos ya tenía un mensaje de voz en el móvil en el que me cantaba lo que se le había ocurrido”. ■ Virginia Arroyo

Wolfram Viene de: Austria Publica: “Wolfram” (Permanent Vacation, 11) En la onda de: Holy Ghost!, Hercules & Love Affair, Discodeine

Ezra Furman & The Harpoons Foto Archivo

/36/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

Wiggum Viene de: Barcelona Publica: “Sintón Nisón ama a Nifú Nifá” (El Genio Equivocado, 11) En la onda de: Los Brincos, El Niño Gusano, Niños Mutantes

Wolfram Foto Archivo

escaparate

Reivindicando ese pop patrio de los sesenta que catapultó a Los Brincos como banda sonora verbenera de las vidas de nuestros padres, los barceloneses Wiggum despegan con un debut que tiñe de color nuestra vacua existencia. Lo suyo, con las justas dosis de pedal, gira en torno a estribillos atemporalmente pegadizos de amores luminosos. La banda con anterioridad rendía devoción absoluta al rock setentero.

Sin embargo, todo cambió cuando el idioma de Cervantes se cruzó en sus vidas. “Estábamos muy saturados de lo que hacíamos antes. Por ello, tras descubrir a bandas como The New Raemon o Lori Meyers nos picó el gusanillo de tirar adelante un proyecto en castellano”, comenta el cantante y guitarrista Julio Salvador, quien se decantó por su hermano, Cacho Salvador (de Extraperlo), para que llevara la batuta en las labores de producción de “Sintón Nisón ama a Nifú Nifá”. “Gracias a él muchas canciones de nuestra maqueta han acabado teniendo un rollo totalmente diferente, como ocurre en ‘Un lugar mejor’, que al principio era un baladón”, dice el guitarra Halldor Mar. “La mayor influencia de Cacho está en el sonido final de las guitarras. Hasta que no llegó, nos asustaban los delays y esas cosas, principalmente por desconocimiento”. Con la mente ya puesta en un segundo trabajo, el cuarteto presumiblemente ensuciará su sonido. ■ Sergio del Amo

Sweet Oblivion Foto Archivo

MondoSonoro · Julio - Agosto 2011 /37/

Dënver Vienen: Chile Publican: “Música, gramática, gimnasia” (F. de Universos Pop, 11) En la onda de: Mecano, La Buena Vida, Javiera Mena

Sweet Oblivion Vienen de: Getxo Publican: “The Natural” (Audiomatic, 11) En la onda de: The Jayhawks, Dean & Britta, Jenny And Johnny

es para menos: aparte de la radiada “Los adolescentes” (¿alguien dijo “Kids” de MGMT?), el álbum es una ecléctica bacanal pop que bebe tanto de la épica orquestal (“Lo que quieras”) como del patrón de bandas como La Buena Vida (“Cartagena”). Ellos se restan méritos. “Desde que empezamos en 2005 creo que he comprendido con más claridad el trabajo de producción. Ahora me demoro menos en llegar a un sonido. En cuanto a las canciones no sé, nunca he tenido un método para hacerlas, me dejo llevar por la intuición... Hay temas que compongo sin saber si son o no para Dënver”. Esto último viene a raíz de ese otro proyecto en solitario que Milton dirige, Nueva Orleáns, cuyo álbum aún no ha tenido tiempo para meditar como merece. Puestos a buscar culpables de esta “revolución chilena” ¿qué factores cree que ha llevado a este desembarco? “Supongo que la gente se ha dado cuenta de que lo que se hace en nuestro país no es tan subdesarrollado como se pensaba. O quizás sí, y eso puede que sea medio pintoresco”. ■ Sergio del Amo

Las Ruinas Foto Archivo

Alfon Arana (ex Cancer Moon y Cujo) y Ce Echevarri lideran Sweet Oblivion, la banda de Getxo (Bizkaia) que acaba de poner en circulación “The Natural”, un tercer disco largo que: “es el mejor de los que hemos publicado.

El primero fue un intento de iniciar algo nuevo, sin pensarlo mucho, el segundo supuso un salto y el nuevo refleja mucho más hacia dónde queríamos ir, lo que queremos ser”, asegura Arana. Su pareja (artística y sentimental) ha tomado mayor protagonismo en la nueva obra del grupo. Para ella, “la banda era un proyecto personal de Alfonso. Contó conmigo desde el principio, pero yo no era más que una colaboradora.

Con el segundo la cosa se consolidó y con el tercero ya me he animado a componer algunos temas”. A los mandos técnicos de la grabación ha estado, nuevamente, José María Rosillo. “Ya trabajamos con él en el disco anterior y quedamos muy contentos. Nos sentimos muy cómodos con él, hay química. Le llamamos para la nueva grabación y, directamente, se vino a vivir a casa”. Y bajo el mismo techo convive el núcleo duro de la banda, compartiendo vida y obra. “Un día uno puede estar rallado por algo y lo paga con el otro, pero, en general, la experiencia es positiva a todos los niveles”. ■ Joseba Vegas

A

jenos normalmente a lo que ocurre en territorio sudamericano, el pasado año la música chilena traspasó el Atlántico gracias a nombres como los de Gepe o Javiera Mena. Aunque puestos a cerrar el triángulo de este enjambre pop, el tercer nombre en discordia corresponde a Dënver, un dúo formado por Mariana Montenegro y Milton Mahan que, gracias a su segundo largo, “Música, gramática, gimnasia”, han conseguido fraguar una vasta legión de fans en nuestro país. “Nos ha sorprendido muchísimo la repercusión que hemos tenido. Y cada día que pasa nos sorprendemos más. En mi caso hice el disco para mis amigos, principalmente, y se ha expandido más de lo que teníamos previsto”, afirma Milton. No

escaparate

Las Ruinas El secreto mejor guardado del subsuelo musical barcelonés regresa con una nueva dosis de punk pop eufórico con la vista puesta en los noventa, y un disco que refina un poco la fórmula de su anterior álbum, “Butano!”. Al habla Eduardo Chirinos, peruano afincado en Barcelona y líder de Las Ruinas. “Teníamos claro que el estilo se debía mantener, porque nos había gustado el sonido conseguido con el disco anterior. A partir de eso fuimos probando algunas variaciones, en algunos casos empaquetando mejor una canción pop, en otras probando otros ritmos e ideas... El disco respira mejor”. Con la vista puesta en el imaginario del perdedor, pero desde una óptica muy vitalista, Chirinos tiene facilidad para crear himnos pop que se pegan a la primera, como “Secundarios del mundo, uníos!”. “El personaje de la canción es un ‘grandes éxitos’ de tristes existencias personales y de amigos, tratando de construir al secundario definitivo, el que está siempre en la sombra, el que sale solo y vuelve solo, pero que al final se ríe de esto y no dramatiza, porque es lo que hay”. Por cierto, ¿qué nos puedes decir de “Cerveza-beer”, la canción más celebrada del disco?

“No fue difícil escribirla y salió todo de golpe, está basada en los años en que paraba mucho por el Raval...”. ■ Xavi Sánchez Pons

La tercera entrega de Javier Almazán, alias Copiloto, es un disco trabajado y ambicioso, marcado por infinidad de coros, arreglos instrumentales y detalles elegantes. “Es el mejor de los tres sin duda. Es al que le he dedicado más tiempo y energía en todas y cada una de sus fases”. El álbum incluye algunas de las composiciones más reflexivas y maduras del aragonés, pero también es el disco con mayor número de éxitos potenciales que ha lanzado hasta la fecha.

“En este disco no hay ni una sola canción que me sobre. La idea es estar orgulloso de todas y no tener que tocar ninguna resoplando por dentro”. Tal acierto puede valerle el espaldarazo definitivo dentro de una escena patria siempre caprichosa e impredecible. Quizá por eso el artista prefiere no pensar en un hipotético desenlace.

“Lo que te deparará cada disco es una sorpresa y allá dónde me lleve estará bien. Ya he hecho lo más importante: grabarlo cómo y con la gente que quería, con los arreglos que había pensado y la motivación adecuada. Ahí están las canciones y ahora sólo queda que se les de la oportunidad de ser escuchadas”. Al igual que en anteriores entregas, la inspiración continúa fijada en clásicos del pop con mayúsculas, pero la influencia imprescindible y palpable de los Beatles resulta ahora (aún) más evidente y omnipresente que nunca. “Los Beatles son Dios. Cuanto más los escucho, los estudio y toco sus canciones, más insultantemente superiores me parecen”. ■ Raúl Julián

Copiloto Vienen de: Huesca/Zaragoza Publican: “El inicio, el desencanto y el círculo de confianza” (G.E.E.M. 11) En la onda de: The Beatles, Big Star, The Beach Boys

Copiloto Foto Gustaff Choos

Vienen de: Barcelona Publican: “Disco de autoayuda para mutantes” (Siete Señoritas Gritando, 11) En la onda de: The Muffs, Dinosaur Jr., Arlo

Dënver Foto Archivo

VINILOS CORNERSHOP

“And The Double-O-Groove Of” Ample Play/Popstock!

POP

14

Lo mejor que le puede pasar a una banda que aspire a salir en todas las portadas, pisar alfombras rojas y esnifarse todo su capital es parir una de esas canciones que suenan diez veces por hora en las radios comerciales. Ese tipo de canción por el que tanta gente odia ya a Black Eyed Peas o de la que Cindy Lauper vivió tanto tiempo. Hits incontestables que de tanto girar sobre el tocadiscos acaban por rallarse. Si, por el contrario, el grupo en cuestión pretende continuar con el curso de su carrera sin sobresaltos, con un éxito moderado que les permita pagar el alquiler, entonces lo peor que le puede pasar es parir un tema como “Brimful Of Asha”. Hoy, casi tres lustros después de ese éxito, sigue siendo tarea casi imposible lidiar con un nuevo trabajo de este cuarteto obviando el listón y el empalago de aquel pegajoso estribillo.

Y mi consejo, simple y llano, es que, a no ser que sean fans acérrimos de la banda o estén muy en la onda del banghra o de grupos que lo renuevan, ni siquiera hagan el esfuerzo. Virginia Arroyo

AAMP

“The Fantastical Revenge” I+D Music/Pias

ROCK

111

AAMP es el proyecto capitaneado por el polifacético artista californiano afincado en nuestro país Glen Anthony Henry “Aqeel” y David Alonso. La dupla compositiva se rodea en el presente debut de banda completa, para elaborar una efectiva y desprejuiciada conjunción estilística de soul, rock, funky, groove y R&B, entregando un disco desbordante de ritmo y contundentes canciones manejadas ágilmente entre Bloc Party, Franz Ferdinand, Rinôçérôse, Stevie Wonder o TV On The Radio. Un álbum vertical diseñado con indisimuladas intenciones desde su impactante trío de ases inicial formado por “Spaced Out Monkey”, “Let It Go” y “Please Don’t Do It”, en un conjunto que sólo se permite desacelerar en el tramo final con los diez minutos de “Miss You”.

“The Fantastical Revenge” resulta dotado de clase y profundidad en base a la intensa voz negra de Aqeel, propulsora de una revolución sonora que ambiciona su objetivo en la pista de baile. Raúl Julián

ZULU 9.30

“Tiempo al tiempo” Kasba Music

REGGAE

1114

Justo cuando la banda cumple una década, llega su nuevo compacto. En su haber dos vitales discos de estudio y otro más con remezclas de Dj’s internacionales que llevaron sus temas, aún más, a las pistas de baile. Muchas aventuras vividas en estos años, numerosos conciertos en festivales y salas de toda Europa y grandes recuerdos de

/39/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

los músicos que han pasado por la banda.

Ahora los “guerrilleros zulús” entregan su disco más personal y sugerente. Y no es casualidad que la producción haya corrido a cargo de Osk I Man, principal compositor de la banda. Sin abandonar el sentido festivo de su música y el mensaje positivo de sus textos, sus composiciones son ahora más sinceras y dan más importancia a la canción.

El reggae ha sido la base de la cual han partido sus canciones, aunque no siempre sea reconocible. Tirando hacia el rock en “Loco”, con aires latinos en “No volverá”, con ecos de los Cadillacs en la adictiva “Quedate está noche conmigo” o con toques de rumba en “Por si no te vuelvo a ver”. El tiempo ya les ha dado la razón. Miguel Amorós

i break horses, una fantástica sorpresa

JOY

“Joy” Jumpty Dumpty/Green Ufos

POP

111

Pese a lo que su nombre pueda indicar, no van a encontrar en Joy la alegría, al menos no entendida como ese estado vivaz y jubiloso de excitación y regocijo que pueden provocar los temas de bandas como Los Campesinos! o La Casa Azul. Los efectos de la escucha de Joy son algo más temperados y menos inmediatos, pero probablemente se alarguen bastante más allá de los tres cuartos de hora que dura su primer largo.

Paisajes en claroscuro, chelos barrocos y una furia noventera templada por la sección de cuerda son los pilares del disco debut de este trío formado por el exVenus Marc Huyghens (voz), Françoise Vidick (batería y coros) y Anha Naucler (chelo). Como el perfume del que sacaron su nombre, el pop de Joy es único, profundamente romántico y un tanto ostentoso, aunque sin perder en su ampulosidad el buen gusto. Piensen en un revolcón entre Billy Corgan y PJ Harvey en pleno siglo XVII y ya lo tienen. Y si la imagen les ha dejado un poco trastocados, siempre pueden sumergirse en “Mirage”, “Vertigone” o “Long Way Around The Sea” y olvidar lo que acaban de leer. Virginia Arroyo

ÉLENA

“D’herois I desastres” Music Bus/Warner

POP

1114

Con la banda afianzada en su nueva formación (tras la marcha de Raül Fernández ‘Refree’ y Daniel Castro), Élena ha conseguido consolidar aquel camino que hace dos años trazó tímidamente en “Un cafè, setanta matins”. Contando por primera vez con Santi García en las labores de producción, “D’herois i desastres” supone su mejor trabajo hasta la fecha, una colección de temas que consiguen despertarte una sonrisa e, incluso, creerte que estas en medio de una verbena veraniega (“Un hivern a les fosques”). Y, precisamente, este es uno de los puntos a tener en cuenta en su nuevo repertorio. Aunque el coqueto primer single (“Auguris”) no suponga el timón sonoro del álbum, el grupo se ha dejado llevar por la fuerza de sus últimos conciertos dotando a su propuesta de un mayor empaque sonoro aderezado con vientos (“Bagatge i equipatge”), sin abandonar el pop más fresco (“Dos dies no són sempre”). Volviendo a probar suerte con la lengua catalana, meritoriamente, deberían expandirse en el circuito nacional. Cuando las cosas se hacen bien, el idioma es lo de menos.

Sergio del Amo

I Break Horses Foto Alex Southam

I BREAK HORSES “Hearts”

Bella Union/Music As Usual

POP

11114

El otro día me preguntaba un amigo, que además también es músico, qué es lo que empuja a alguien a convertirse en crítico musical. No recuerdo cuál fue mi salida, pero todo habría sido más sencillo si por un momento hubiera conseguido transmitirle la irracional excitación interior que produce escuchar por vez primera un disco de esos que sabes que te va a acompañar para siempre. El arpegio sintetizado en crescendo con el que arranca “Winter Beats”, tema de apertura de este primer disco de I Break Horses, se convierte en una autopista hacia el cielo con la dulce voz de Maria Lindén a los mandos. A partir de ahí, a

volar… Aunque el pop dista mucho de ser una ciencia exacta, lo cierto es que no se me ocurren muchos motivos para no caer rendido a los pies del dúo sueco que lo tiene todo para convertirse en la gran revelación del 2011. Pulsan las teclas correctas -se mueven entre la melancolía shoegazer y la furia de Fuck Buttons por la vía de la electrónica-, tienen imagen (elusiva, me chivan que con Vaughan Oliver, artesano de la edad dorada de 4AD, como autor de la carpeta) y por encima de todo una preocupación por la arquitectura sonora que convierte la escucha de estos nueve temas en una experiencia: tras pasar por las manos de seis productores diferentes que no dieron con la tecla correcta, Hans Olsson firma el puzle final. “¿Que por qué he acabado haciendo crítica musical, dices? Porque a dios gracias existen discos como ‘Hearts’ y me encanta gritarlo a los cuatro vientos”. Luis J. Menéndez

en la onda

Julee Cruise

Chapterhouse

Fuck Buttons

Fans declarados de This Mortal Coil, David Lynch y Angelo Badalamenti reclutaron a la actriz y cantante de Iowa y jugaron a convertirse en Ivo WattsRussell regalándole todo un disco: las canciones, la producción y sobre todo la oportunidad de utilizar la serie “Twin Peaks” como escaparate. El resultado final es una de las cotas del dream-pop.

Podrían haber sido otros nombres como Lush, Medicine o los reverenciados Slowdive, pero bien está reivindicar al quinteto de Reading, de los más injustamente olvidados de la generación shoegazer. Su debut, publicado unos meses antes que el seminal “Loveless” de MBV, ya coqueteaba sutilmente con la electrónica y allanó el camino.

El tono casi apocalíptico de sus piezas, la contundencia rítmica y un acercamiento a la electrónica que no esconde el bagaje (post)rock, hace que los bristolianos tengan más en común con I Break Horses que la práctica totalidad de revivalistas dream-pop. Ambos se disputan el honor de ponerle banda sonora a los instantes últimos del fin del mundo. ■ L.J.M.

“Floating Into The Night” (1989) POP 11114

“Whirlpool” (1991) POP 1111

“Tarot Sport” (2009) POP 11114

vinilos /40/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

death cab for cutie, unos tipos muy sensibles DAVID LOWERY

“The Palace Guard” Blue Rose

ROCK

Death Cab For Cutie Foto Archivo

DEATH CAB FOR CUTIE “Codes And Keys” Warner

POP

1114

Como ya dije en su momento, el tiempo ha ido pasando y hemos ido colocando cada uno de los discos de los estadounidenses Death Cab For Cutie en la casilla que le corresponde. “We Have The Facts And We’re Voting Yes” (00) mantiene el encanto de inicios de una década al tiempo que apuntaba la personalidad del grupo, “Transatlanticism” (03) mantiene su estatus de obra maestra, y “Plans” (05) ha subrayado su valía comercial y su posición como inicio de una nueva etapa para los de Ben Gibbard. A continuación llegó “Narrow Stairs” (08), que frenó algo su ascenso. “Codes And Keys” ha

llegado para recordarnos que el cuarteto sigue ahí. Y no pretende más. Suena a disco honesto, a disco cocinado sin presiones, a vidas equilibradas, a músicos que graban las canciones que les surgen, sin plantearse más, sin expectativas desmesuradas, sin conceptos, sin obsesiones por cambiar. Death Cab For Cutie están orgullosos de ser lo que son, y a estas alturas de la película me alegro de que eso sea todo. Me trae sin cuidado si Zooey Deschanel le ha cambiado la vida a Gibbard o cualquier otra cuestión.

Lo que hay es un puñado de bonitas canciones que, sin cegarnos, sí aportan luz a nuestros corrientes días, un puñado de canciones de sonoridad emo para unos tiempos en los que otros han arrastrado la etiqueta por el fango.

Un trabajo que se contenta con ser el resumen de lo que pueden hacer, y por tanto de lo que son, a día de hoy Death Cab For Cutie. Joan S. Luna

GAGGIA

“Caballo” Spyro Records

ROCK

THE FELICE BOTHERS

ART DEPARTMENT

DAN MATHEWS

Fat Possum

Crosstown Rebels

Autoeditado

“The Drawing Board”

“Celebration Florida” AMERICANA

1111

Tras la marcha del batería Simone Felice parece que el resto de los “hermanos” ha decidido mover ficha y apostar por darle nuevos aires a su folk rock grasiento, repleto de imágenes de gran fuerza narrativa dispuestas sobre melodías nacidas en el fondo de un granero. Estamos por tanto ante un disco que asume riesgos y busca ir un par de pasos más allá de su fórmula habitual, pero lo hace no en el sentido experimental de, por ejemplo, unos Grizzly Bear, que son paradójicamente ordenados en su caos, ni tampoco en el sentido genial de un Tom Waits que maneja a la perfección el lenguaje musical y por eso es capaz de pervertirlo.

No van por ahí los tiros. Lo de los hermanos Felice se basa más en un auténtico anarquismo autodidacta y cafre, que no se somete a reglas porque no sabe de ellas. Es esa libertad auténtica la que convierte este disco en algo tan especial como imperfecto.

Y es precisamente todas esas carencias, todos esos cabos que quedan sin atar, lo que puede provocar el rechazo del purista, de aquel que mide el rasero de la americana actual en base a Dylan, Young, Still y Parsons.

Don Disturbios

ELECTRÓNICA

“Do It All” 111

Los fans del house más clásico e hipnótico están de enhorabuena porque acaba de ver la luz “The Drawing Board”, el álbum debut de Art Department. Para el que esto le pille un poco despistado, os pongo en antecedentes: Jonny White y Kenny Glasgow son un dúo de Toronto que se han ido forjando una sólida reputación como Dj’s por separado y el año pasado unieron fuerzas en ese hit de deephouse que fue “Vampire Nightclub” con la voz de Seth Troxler. Pues bien, la pareja se estrena ahora en largo y lo hace con un disco oscuro y sensual donde el house es el rey de la noche y parte la pana ya sea en la pista (en pocas ocasiones) o en fiestas de carácter más “privado” (la mayoría de veces). El hedonismo es el denominador común en los once cortes de este “The Drawing Board”, con “Much Too Much” a la cabeza, “Tell Me Why” siguiéndole de cerca y todo un pelotón de lo más resultón. También hay espacio para una finta funky en “Living The Life” (con Seth Troxler de nuevo), un guiño a “Papa Was A Rolling Stone” en “What Does It Sound Like?” y algo parecido a la nostalgia pop en “I C U”. Completito y recién planchado para su uso y disfrute. Virginia Arroyo

POP

1114

Siete años después de la desaparición de los contundentes Yoghourt Daze, el otrora guitarrista y vocalista de la formación madrileña publica un disco en solitario cuya escucha resulta ciertamente satisfactoria y gratificante, en base a once salpicaduras de pop cuidado y resplandeciente. Composiciones trabajadas con buen gusto e ilusión, maceradas sin excesos ni innecesarias complicaciones que enfanguen la pulcritud del acertado resultado final producido por Manuel Colmenero, conocido sobre todo por su trabajo con Vetusta Morla. Reminiscencias de los noventa y sonido vintage impregnan buena parte de unas composiciones nacidas desde la sencillez de la guitarra acústica, para resultar posteriormente completadas con meditada y convincente instrumentación. Con tonadas pegadizas y piezas intimistas que respetan en todo momento aquel espacio destinado a la voz sincera de su autor, “Do It All” es un regreso reflexionado en el que la inspiración ha marcado con acierto cuál era el camino a seguir.

Raúl Julián

1114

Cuando un artista lanza por primera vez un trabajo en solitario después de haber estado en una formación durante mucho tiempo, pueden pasar dos cosas. Que le dé por experimentar con sonidos y texturas ajenos a la banda, lo cual nunca acaba por satisfacer a nadie más que al propio autor que vuelca todo aquello que en su grupo no encaja. O bien que haga un disco con los mismos parámetros de siempre, con canciones de esas guardadas en un cajón y que casi siempre, por la inseguridad inherente a muchos artistas, nunca has acabado de mostrar al resto de tus compinches. Sin embargo, lo extraño es que suceda lo que ha pasado con este disco del líder de Cracker. Que hagas un disco con los mismos mimbres que usas con tu banda (léase rock de autor, countryrock, baladas crepusculares...), y que cualquiera de las nueve canciones pueda encajar en uno de tus discos, recuperando de paso la mejor versión de un autor que creíamos en horas bajas. Pues no. Aquí tenemos este “The Palace Guard” para demostrar que el firmante de “Kerosene Hat” sigue siendo uno de los secretos mejor guardados del rock americano del de toda la vida, y que como Grant Lee Philips puede hacer grandes discos sin el apoyo de su mano derecha, Johnny Hickman, ni el amparo de su banda. Por eso no se me caen los anillos al afirmar que este es el mejor disco de Cracker desde “Forever” y sí, me quedo tan ancho. Don Disturbios

EZRA FURMAN & THE HARPOONS “Mysterious Power” Red Parlor Records

ROCK

111

Que nadie espere ninguna frase ofensiva al principio del disco, como Ezra Furman nos tenía acostumbrados. Aquí no hay canciones escritas en bolsas de papel (“We Should Fight”) o rameras de Chicago (“Mother’s Day”). El tercer trabajo de los chicos de Boston es algo más reposado, como si se hubieran cansado de tanto grito desgarrado y de parecer lémures pasados de cafeína.

“Mysterious Power” es la evolución del yippy folkie a melodías más pop (“Mysterious Power”, “Heaven At The Drive-In”) en las que los chicos comparten batidos de fresa y ellas menean sus faldas plisadas al ritmo de un jukebox. Pero clasificar su nuevo álbum así sería obviar otras tantas canciones que rozan el rock’n’roll más crudo (“Too Strung Out”), incluso con sabor irlandés como la Flogglin Molly-neska “Teenage Wasteland”. Furman continúa mordaz y cargado de ironía -no hay que perder las buenas costumbres- y relata de esta manera (“Bloodsuckig Whore”) los altibajos de la vida y rompe con los tabús de su salud mental. Marta Terrasa

111

El sur siempre ofrece sorpresas. Son muchos los casos recientes, y Gaggia podrían estar entre ellos. La estrecha relación de este grupo sevillano con Antonio Arias (líder de Lagartija Nick) es síntoma de que algo diferente se pretende por tierras andaluzas. La ópera prima de Gaggia es un balonazo por la escuadra que disfrutarán los aficionados al rock británico noventero, aquel que se levantaba sobre potentes y elaborados riffs y baterías soberbias. Se aprecia en “Buscando enemigos” o “Monstruo”. Noel Gallagher se podría sentir identificado con “Veneno”, por ejemplo. Aunque Gaggia también saben desmarcarse de los tópicos al usar remates electrónicos (“La cabaña”).

Es una lástima la falta de ambición de su vocalista, Odin Neno, quien, a pesar de recordar a la voz de Bunbury, no parece confiar demasiado en sus dotes vocales y parece aspirar a recalar en el mercado sudamericano. Guillermo Esteban

HERMAN DUNE

“Strange Moosic” City Slang/Music As Usual

POP

hace el accésit popular publicitario, cuando se esgrime un álbum tan radiante como este.

Sin acusar el desgaste del carrusel non-stop en que llevaban tiempo embarcados sobre los escenarios, el trío sueco-francés abre fuego con la irresistible “Tell Me Something I Don’t Know” (uno de los temas del año), hasta despachar con extrema fluidez otras once viñetas extraídas de una paleta folk rock más oxigenada, diáfana y contagiosa que nunca. Prima el equilibrio entre amargura y dulzura, entre caricias acústicas e interferencias eléctricas. La cercanía de unos textos reconocibles y la sencillez formal elevada a orfebrería fina. Y, sobre todo, el convencimiento de que, más allá de su habitual estela de acólitos, estas canciones serían pasto de FM en un mundo perfecto: escuchen “Be A Doll and Take My Heart” y díganme si no es el “Learning To Fly” (Tom Petty) de su generación.

Carlos Pérez de Ziriza

1111

La inclusión del tema que abría “Giant” (07) en un veraniego spot cervecero y la edición de este “Strange Moosic” han sido todo uno. Pero maldita la falta que les

TAMIKREST

“Toumastin” Glitterhouse Records

WORLD MUSIC

1111

En los últimos años, bandas procedentes del amplio desierto del Sahara como Tinariwen, Tartit, Etran Finatawa o Terakaft nos han maravillado con su “desert blues”. Ahora le toca a Tamikrest, joven grupo del norte de Malí. Este es su segundo disco y sus canciones suenan espléndidamente brillantes. Una voz solemne y melancólica, dos armónicas voces femeninas respondiéndole, hasta tres guitarras cristalinas sonando a la vez y una percusión sencilla pero esencial, generan unos espacios acústicos, hipnóticos y atemporales que te trasladan a la magia y mística del desierto. Aunque no todo es tan idílico. La realidad de su hábitat es terrible (subdesarrollo, marginación, sequía, etcétera) y añádanle terrorismo islamista, explotación sin freno de los minerales e incluso trafico de personas. A pesar de todo, los Tuaregs o los Kel Tamashek, como prefieren ser llamados, empuñan sus guitarras y cargan sus voces contra ese dramático presente, reclamando su libertad nómada y su propia cultura. De eso cantan Tamikrest en sus canciones.

Blues africano, dub hipnótico y hasta funk acústico que Chris Eckman (The Walkabouts) produce y mezcla consiguiendo una calma eléctrica fascinante. Miguel Amorós

MondoSonoro · Julio - Agosto 2011 /41/

top10

vinilos

hola a todo el mundo, exaltación de la vida

internacional CONNAN MOCKASIN

“Forever Dolphin Love” Because Music/Karonte

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

THE HORRORS “Skying”

XL/Popstock!

BON IVER “Bon Iver”

4AD/Popstock!

THE RAPTURE

“In The Grace Of Your Love” (Avance) DFA/Music As Usual

JOHN MAUS

“We Must Become The Pitiless Censors...” Upset! The Rythm

ARCTIC MONKEYS “Suck It And See” Domino/Pias

I BREAK HORSES “Hearts”

Bella Union/Music As Usual

WU LYF

“Go Tell Fire To The Mountain” LYF/Pias

THE JAPANESE POPSTARS “Controlling Your Elegance” Virgin/Emi

METRONOMY

“The English Riviera” Warner

ARCH ENEMY

“Khaos Legions” Century Media

top10

1111

Puede parecer un debut y suma puntos para convertirse en esto delante de un público menos reducido, pero este es el segundo trabajo de un neozelandés afincado en Londres. Primero titulado “Please Turn Me Into The Snat”, ahora contraataca en el mercado europeo con el mismo repertorio pero completado con versiones en directo de todas las canciones y alguna más, todo bajo el título de “Forever Dolphin Love”. “Megumi The Milkyway Above” es la puerta a un oasis de psicodelia-pop teñida de jazz y easy listening con pinceladas de exuberancia y con la misma travesura en el tono y voz que la última PJ Harvey.

La canción que da título al disco dosifica todos los colores variopintos de su amplia paleta en la que incluso se asoma el blues que ya practicó cuando su ahora apellido artístico era la coletilla del grupo que formó hace siete años. Normal, son diez minutos en los que aparece el exotismo, el free jazz, un bajo corpulento propio del funk o del kraut rock y unas guitarras estivales, síntesis de un pop ensoñador que imprime en las canciones cierto tinte sepia de los setenta y evoca el estío. De hecho, nuestro hombrecito las compuso durante un verano que acampó al raso en la casa de sus padres. Pop visionario y galáctico, como de otra esfera, que conforma todo un universo onírico, de imaginario infantil, pintado de delfines y unicornios. Una colección que relee la escritura de otros grandes traviesos del pop como Syd Barrett, Brian Wilson, David Bowie (sobre todo por el tono agudo y aniñado de la voz) o Thom Yorke a quien tiene seducido y en el que evoca en “Faking Jazz Together”. Un marciano del pop como en estos tiempos lo son sus amigos Micachu & The Shapes o Ariel Pink y John Maus. Celestí Oliver

nacional

HATEM Foto Mercedes Hausmann

HOLA A TODO EL MUNDO “Estela Castiza”

Hatem Prayer Team/Producciones Disonantes

POP

1111

Aunque haga una eternidad desde las primeras noticias en torno a Hola A Todo El Mundo y sus primeras composiciones, debemos agradecer que se tomen cada uno de sus movimientos con tanta parsimonia. Tardamos en tener su primer álbum entre manos y, ahora que nos presentan nuevo material, apenas emplatan un aperitivo de lo que nos llegará en un futuro próximo (cinco canciones, más tres pasajes instrumentales). Desconozco si meditan cada paso o sus decisiones dependen de sus emociones en cada momento, pero sí sé que estas cimientan unas

letras que –esta vez en castellano- suman enteros a unas canciones ya de por sí interesantes. Plagadas de imágenes religiosas (“un día me tragaré al Dios muerto y dejaré lo que soy al descubierto”, cantan en la fantástica “León comunión”), las nuevas piezas de los madrileños mantienen ese espíritu exultante, hímnico y epifanístico que caracterizaba, por ejemplo, a ese gran tema que es “A Movement Between These Two”, al tiempo que nos remiten a la tradición estadounidense sin abandonar el pop y el rock, al sonido de la América del Norte más rural, a los cantos evangélicos de las pequeñas comunidades, a esa native american music que David Eugene Edwards lleva años recuperando (“Maestra alegría”). Y lo hacen alejados de la oscuridad, desde una perspectiva que respira optimismo y amor por la vida. Joan S. Luna

MORFI GREI & ELECTROPUTAS “Cielos movedizos” Munster

ELECTRÓNICA

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

HOLA A TODO EL MUNDO

“Estela castiza” HATEM Records

LA ESTRELLA DE DAVID “Maracaibo” Canadá

ODIO PARÍS “Odio París”

El Genio Equivocado

FASENUOVA

“A la quinta hoguera” Discos Humeantes

GAF Y LA ESTRELLA DE LA MUERTE “GAF y La Estrella de la Muerte’’ Foehn

AAMP

“The Fantastical Revenge” I+D Music/Pias

THE EXCITEMENTS “The Excitements” Penniman Records

GUILLAMINO “Fang”

Bankrobber

YANI COMO

“Nada es lo que parece” Art de Troya

ESTEREOTYPO “Remixed”

Pop Up Música

11

La premisa no era mala. De hecho, sonaba prometedora: vieja gloria del punk patrio (del de verdad, del de los setenta), con las heridas escocidas, da rienda suelta a sus ganas de aberrar, acompañado de un dúo electro-pop y una guitarra escuela Trapera. El resultado, sin embargo, se queda a años luz de los experimentos en dicha línea que puedan haber perpetrado los Lagartija Nick de “Val del Omar”, por ejemplo. Todo se queda a medias, y es que no hay banda. Ni canciones.

Los textos del Morfi, más pasados de vueltas que nunca (metafísicos, negros, histéricos, apocalípticos), encierran gotas de genialidad, pero estas pueden a veces encallar en un mar con excesivos sargazos.

Aún así son lo único verdaderamente destacable de la obra, ya que la aportación musical de Electroputas se queda en un enclenque soniquete industrial que de fragor no tiene ni la sombra. Y en cuanto a la guitarra de Betty Love, suena a killerrock-punk, pero desenfocada, como dando palos de ciego sin llegar a arrear nunca una verdadera ostia. En realidad esta crítica se duele más por lo que podría haber sido el disco, que por lo que es (un CD mediocre en general, disfrutable puntualmente). Aun así, los seguidores de Morfi Grei se darán un festín de literatura cenagosa. ¡Ah!, incluye versión de Victor Jara (no es coña).

Daniel F. Marco

LITTLE SCREAM

DURAN DURAN

PSYCHOTIC BEATS

Srecletly Canadian/Popstock!

Pias

mycd.com

“The Golden Record” ROCK

“Rexer Flash”

“All You Need Is Now” 1114

Nacida en Iowa y crecida a la rivera del río Mississippi, Laurel Sprengelmeyer encontró un lugar que llamar hogar en Montreal. Allí también descubrió una escena musical que tiende a involucrarse en proyectos ajenos, una extraña forma de solidaridad creativa que viene dando grandes resultados desde hace años y que sigue estando vigente a pesar del éxito cosechado por algunos de los grupos que participan en ella. En “The Golden Record” encontramos a Richard Reed Parry (Arcade Fire) a la producción y contribuyendo con media docena de instrumentos, a Sarah Neufeld (también en Arcade Fire y Bell Orchestre), Mike Fuerstack (Snailhouse), Becky Foon (Silver Mt. Zion) y Patty McGee (Stars), además del The National Aaron Dessner tocando la guitarra en el single “The Heron And The Fox”. Bien arropada, la música de Sprengelmeyer irradia una rara belleza. Entre la exuberante placidez folk y los inquietantes ambientes shoegaze de los cortes más afilados (“Your Radio”, uno de los mejores momentos), el debut de Little Scream flota a medio camino de lo fascinante y lo sublime. Joan Cabot

POP

111

¿Duran Duran a estas alturas? Pues sí. En realidad y a diferencia de otros compañeros de generación -ahí esta la mastodóntica gira de sus “archienemigos” Spandau Ballet, pura nostalgia- los de Birmingham nunca llegaron a irse, y sorprende que más de treinta años después de su formación casi mantengan la alineación de sus años dorados: Le Bon, Rhodes, John y Roger Taylor; tan solo se mantiene al margen el guitarra Andy Taylor que tras la reunión del quinteto original para grabar “Astronaut” (2004) se dio a la fuga en “Red Carpet Massacre” (2007). También que se mantengan en forma. Es más, tras el coqueteo con Justin Timberlake y Timbaland en su anterior disco, Le Bon y los suyos parecen haber comprendido que no se deben a nadie que no sean a ellos mismos y “All You Need Is Now” es lo más parecido a “Rio” (1982) y “Seven And The Ragged Tiger” (1983) que han publicado desde la desbandada de Andy y Roger en 1986. Un disco con cuatro o cinco canciones realmente buenas que nos retrotraen a la añorada fiebre new romantic y que solo peca por exceso de minutaje. Luis J. Menéndez

ELECTRÓNICA

1114

A raíz de una crisis nerviosa, Andrés Costureras decide emprender el camino de la curación a través de la música. De la música y de un potente tratamiento farmacológico de dos años con el antidepresivo Rexer Flash como único modo de conciliar el sueño.

De estas condiciones tan desafortunadas nacen estos diez cortes como un diario de viaje por ese proceso de curación, un paseo por los lugares más recónditos de la mente.

Los pasajes reflexivos y perturbadores se alternan con temas más movidos donde el aumento de bpm’s acrecienta a su vez la sensación de angustia y confusión, como en “Lobotomy” o “Bumpy Nights”, dos temas de electro oscuro y bailable. Casi todas las paradas de este trayecto tienen lugar en estaciones inhóspitas y polvorientas, donde siempre es de noche y las brújulas no existen. Cuando llegamos a “Landscapes”, no obstante, se filtran unos rayos de sol por la ventana y parece que el sol podría ganar la batalla en este hipnótico eclipse perenne.

Pero no: “We Will Take Care Of You” llega para arrastrarnos con fuerza de nuevo a territorios subterráneos. Virginia Arroyo

vinilos /42/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

el enigmático mundo de john maus YANI COMO

“Nada es lo que parece” Art de Troya

POP

John Maus Foto Archivo

JOHN MAUS

“We Must Become The Pitiless Censors Of Ourselves” Upset! The Rythm

POP

1111

John Maus es tendencia, su nombre aparece citado con cierta frecuencia como referente para analizar la obra de otros artistas, esperamos con impaciencia este tercer disco a pesar de que su debut se coló de tapadillo en las tiendas vía Popstock! y el segundo ni siquiera tuvo distribución en nuestro país, y a muchos hasta nos frustró que obviase España en su reciente paso por Europa. Al margen de que la ley de la gravedad resulta especialmente implacable en el terreno de las tendencias -el de Austin tampoco se librará de ello- no es cuestión de poner la

venda antes que la herida: la obra de Maus, por esquivo y orgullosamente lo-fi que se muestre, lleva pidiendo a gritos una mayor atención mediática de la que ha recibido desde que “Songs” vio la luz en 2006. El advenimiento de la etiqueta hipnagógica y el ascenso a los altares de su amigo y antiguo colaborador Ariel Pink, propician que ese momento finalmente haya llegado. Y eso a pesar de que “We Must…” apenas deja entrever evolución alguna respecto a trabajos precedentes: si acaso aparcada la urgencia y más encorsetado en el formato canción, sigue aferrado a ese techno-pop cavernoso y algo estrámbótico, a una voz de barítono burlón que demuestra una extraña habilidad para emocionar en los medios tiempos, en canciones como “Hey Moon” o el fenomenal primer single “Believer”, a la altura o hasta un poco por encima de sus mejores piezas hasta la fecha. Luis J. Menéndez

GUILLAMINO

BRAMS

FORD & LOPATIN

Bankrobber

Música Global

Coop/Music As Usual

ELECTRÓNICA

“Channel Pressure”

“Oferta de diàleg”

“Fang”

1114

Más de media docena de discos a sus espaldas, actuaciones en Tokio, Austin, Chile... Poco podemos decir que no se sepa de Pau Guillamet, quien, tras haber metido la nariz en la mezcla de poemas o en la canción de autor más desnuda, ahora vuelve a su terreno, si es que se puede decir de un tipo capaz incluso de mezclar sardanas con house.

Armado con su Casio CZ5000, lo nuevo de Guillamino se entiende desde la electrónica minimalista, elegante y sensual, con regusto soul hasta una línea mucho más ochentera, revisión de lujo para los que no lo vivimos por edad. Hay lugar para los rompepistas (“Fang Fosc”) y también para los teclados de chicle (“Half-a-Romeo”). Como envoltorio, su sello inconfundible: giros vocales de lo más americanos (para un disco compuesto entre el catalán y el inglés, rompiendo barreras idiomáticas) y esa sonoridad surgida como de una sopa Campbell’s, muy lata, muy pop.

Con invitados de lujo, rap para Coco Solid y Violet (“Help me”) y melodía y voz de Bikimel en la que cierra el decálogo del barcelonés, “Viratge”. Para rematar la jugada, pillería léxica en el título: ¿“Fang” o funk? Sutileza marca de la casa. Yeray S. Iborra

ROCK

111

Hacía ya seis años del último trabajo de Brams, el directo “Sempre més” que servía de su despedida como grupo. Referente indiscutible del rock pre-pirenaico (como a ellos les gusta definir lo que muchos tildaron en su momento de radicalismo más por contenido que por forma) de carácter más político, dos décadas han pasado ya desde el seminal “Amb el rock a la faixa”, al que siguieron giras latinoamericanas, el generoso “Al Liceu” o el optimismo de “Tot és possible”. Los Brams de hoy en día han hecho un disco que no desmerece en absoluto a su histórica trayectoria, en el que el ska (“Cançó pirata somalí”), la verbena (“Divisa”), el cinismo guitarrero (“Oferta de diàleg”) y los medios tiempos (“Un regal de la història”) siguen siendo la tónica habitual de una banda que se ha dado el gusto esta vez de adaptar una letra de Joan Salvat-Papasseit y, como broma interna, al compositor Johannes Brahms, siendo estos rasgos de sensibilidad y humor dos rasgos que hablan de manera esclarecedora de lo que ha sido siempre y aún es la esencia del grupo comandado por Titot. Ignacio Pato L.

ELECTRÓNICA

1114

¿No lo estábamos gozando con el retorno de los ochenta? ¡Pues toma veinte tazas! El nuevo disco de los anteriormente conocidos como Games, Ford & Lopatin contiene en abundancia todos esos elementos que hicieron de los ochenta una época musical maldita, hedonista y a la vez la mar de disfrutable: sintetizadores analógicos, melodías pegadizas, azúcar a cucharadas y un uso del vocoder que llega a resultar un tanto sonrojante en temas como “Break inside”, aunque si Kanye lo usó mucho más deliberadamente en “808’s & Heartbreak” y ahora está dónde está, no hay motivo para no perdonárselo a estos dos muchachos. Y es que de entre todos los nuevos cachorros de esta ola de renacida pasión por el pop electrónico de hace tres décadas, Ford & Lopatin son, sin duda, los más nueva oleros y, por qué no, los más plumíferos (¡más que Mirrors, Hurts o Wolfram!). En este nuevo proyecto Daniel Lopatin, aka Oneothrix Point Never, le deja las riendas a Joel Ford, miembro de Tigercity, que barre mucho más para su popera casa, aunque siempre dejándole cierto margen de experimentación al bueno de Daniel. Virginia Arroyo

111

El segundo álbum de los burgaleses Yani Como contiene la excesiva cifra de catorce cortes, dilatándose lo suficiente para recoger en la misma escucha aciertos y fracasos.

Afortunadamente predominan las virtudes, al ser “Nada es lo que parece” una obra que asimila con amplitud la influencia de consagrados artistas nacionales del pop en castellano, albergando capas de guitarras entre las que la banda coloca tímidamente sus historias hasta aportarles una dosis de personalidad propia. El quinteto trabaja específicamente con la distorsión de Los Planetas en temas como “Canción Feliz”, “Foiegras” o “50 €”, y la narrativa de Sr. Chinarro en canciones como “Coulottes”, “Trozos de cielo, “Diferente” o “Siempre estarás”, junto a la puntual delicadeza característica de La Buena Vida en “No sé cuidar de mí”. A pesar del mencionado empacho de temas y el desafortunado juego de palabras escogido como nombre, la formación castellana merece atención tras recapitular méritos suficientes en el presente disco. Raúl Julián

WILLIS DRUMMOND “Istanteak” Bidehuts

ROCK

111

Grabado en el estudio Amanita de Anglet con Stephan Krieger, el tercer trabajo del cuarteto vascofrancés nos ofrece ocho canciones llenas de fuerza y energía, ideales para uno de los mejores directos en muchos kilómetros a la redonda. En esta ocasión, vuelven a repetir con el sello Bidehuts, un proyecto que se está convirtiendo en toda una referencia de la escena alternativa con bandas como Lisabö, Audience o Anari.

El disco, titulado “Istanteak” (instantes), comienza con un tema tranquilo como “Araua (geurea)”, en el que se percibe un toque grunge que vuelve a aparecer en otras canciones como “Oino pixka bat”. La patada rockera viene con temas directos y contundentes como “Begi erreak”, con sus cambios de ritmo y voz desgarrada, o “Ez da dudarik” y “Hobenduna” en las que se da cabida a riffs frenéticos y acelerados. Tras un tema lento y pesado como “Istanteak”, en “Noiz da gero” o “So” juegan con los subidones de intensidad y explosiones de voz para redondear un disco que tiene de todo, y que gustará a quienes buscan cosas fuera del panorama más comercial.

Tom Hagen

PART TIME “What Would You Say?” Coop/Music As Usual

POP

111

El año pasado y de la mano de su primer lanzamiento para un sello con distribución como dios manda, Ariel Pink puso cara y ojos a un movimiento subterráneo, de nostalgia bien entendida y tics absolutamente reconocibles: baterías reverberantes, sintetizadores horteras y juguetones, reverencia por el cheesy-softpop setentero. Arrasó tras una década

dando la matraca, convirtiéndose de la noche a la mañana en estrella alternativa global y dando pie a que se hable de una serie de bandas y etiquetas hasta ayer ignoradas y hoy objeto de reverencia crítica. Entre las consecuencias lógicas de este fenómeno podríamos incluir al también californiano Part Time y su estreno para Mexican Summer -sello por el que, no en vano, pasó Ariel Pink-, al que conocemos en nuestro país por su faceta de remezclador para otra entregada fan del kitsch ochentas: nuestra Linda Mirada. De digestión ligera, Part Time arrastra su voz a lo largo de once canciones entregadas a una peculiar anti-producción, como si de las maquetas caseras de Jan Hammer para “Miami Vice” se tratara, completando un ejercicio de estilo más que correcto, muy de tendencias, muy de su tiempo. Tal vez demasiado. Luis J. Menéndez

MOBY

“Destroyed” Little Idiot

POP

114

Inadaptado y cansado de sí mismo, Moby sigue perdiendo el juicio y enfrentándose a la etiqueta de estrella que se le adjudicó cuando en las televisiones durante todo el santo día solo veíamos anuncios de recopilatorios de chill out. En este “Destroyed” (compuesto durante la soledad de su última gira y sus brotes de insomnio crónico) sigue habiendo muy poco que rascar. ¿Lo mismo de los últimos años? Sí, pero aún más descafeinado.

En “Wait For Me”, se dejó llevar por el ambient y aquí vuelve a hacer lo propio tirando más fuertemente de su empuñadura electrónica. Sigue en sus trece de distanciarse de su sombra, prescindir de vocales de postín y creerse el heredero de Brian Eno a sabiendas de que esto último se le queda grande. El álbum, resentido por su duración y esos minutos finales de orquestaciones a base de laptops, consigue hacer desfallecer al oyente ante una paleta de trucos más vista que el tebeo para aquellos que siguen al neoyorquino. No nos queda otra, pues, que seguir desempolvando “Play” y aquel “18” con el que el vegetariano disparó sus últimos cartuchos de talento. Sergio del Amo

LAM RIM

“Lost In Sane” Wine Box Music

POP

1114

¿Se puede hacer pop-rock elegante y sofisticado en nuestro país?¿Se pueden manejar con certeza y habilidad los instrumentos?¿Se puede grabar con un sonido nítido, envolvente y musculoso?¿Se puede cantar en inglés de forma fiable y con un tono seguro y firme? Pues mira tú por dónde el segundo trabajo de estos madrileños que responden al nombre de Lam Rim demuestra que sí, que se puede.

Y no solo eso, se puede atesorar incluso un buen puñado de estribillos de esos que crees identificar porque los has escuchado en alguna otra parte o quizás porque puedes haberlos soñado. No estás seguro. De lo único que estás seguro es de que tanta pericia y elegancia es posible que no les lleve a ningún lado. ¿Paradójico? Bastante, pero algo parecido les ha sucedido ya a bandas como Mansun, Gomez, Clayhill y a tantos otros que se quedaron en la cuneta o sin acabar de explotar cómo pensaban.

Cuestión de suerte supongo. Y también cuestión de saber jugar tus cartas y ahora las cartas, en este país, pasan por el castellano.

Crudo pero cierto. Don Disturbios

MondoSonoro · Julio - Agosto 2011 /43/

GAF y La Estrella de la Muerte

“GAF y La Estrella de la Muerte’’ Foehn

ROCK

1114

Si una banda es capaz de deshacer esa ecuación que parece equiparar a Canarias únicamente con El Guincho, estos son GAF y La Estrella de la Muerte. Un combo de hasta siete instrumentistas, cuya música se esparce en múltiples direcciones, siempre encaminadas a la búsqueda de atmósferas de tinte psicodélico, pero sin renegar en ningún momento del apartado melódico.

Quizá suponga la mayor incursión hasta el momento de la banda en el pop (este es su segundo largo, previo Ep de debut), confirmando ese su poderoso planteamiento con base en la improvisación. Solo que esta vez se adereza con algo más una inmediatez mediante la cual desparramar su creatividad.

Un conjunto cercano y accesible repartido en multitud de pinceladas que, si bien les asocian a muchos y muy diferentes géneros con referencias a la psicodelia, kraut rock, jazz, no wave o la experimentación desde los setenta hasta la actualidad, también nos adentran en un fascinante y heterogéneo viaje que debería entenderse como un entretenido compendio de la buena música de los últimos cincuenta años.

Francesc Feliu

VIRGINIA LABUAT “Dulce hogar” Sony Music

POP

11

Es una pena. Virginia Labuat tiene un potencial enorme para dignificar el triste panorama del mainstream patrio pero no hay manera. Dos discos y aun no han sabido dar con la fórmula que más se ajuste a su indudable encanto pop y su pizpireta voz. El primer resbalón vino de la mano de Risto Mejide, que, ayudado por The Pinker Tones, no supo sacar partido de la candidez interpretativa de la ganadora de OT alumbrando un debut desigual muy por debajo de las expectativas. Para este “Dulce hogar” Virginia Maestro ha decidido escribir todas las canciones y coproducir el disco con la ayuda de Iñaki García, pero la cosa sigue sin funcionar.

Fallido amalgama de pop, folk edulcorado y diversos efluvios jazzísticos, la cantante jienense naufraga al errar el tiro otra vez en lo estilístico. Alguien le debería decir que su voz y encanto pide a gritos un disco de pop limpio y desperjuiciado a la manera del “Retales de carnaval” de Nena Daconte, piedra de toque del mainstream patrio más eficaz y digno. Igual a la tercera va la vencida, veremos. Xavi Sánchez Pons

JAMES WALBOURNE “The Hill”

Heavenly Recordings

AMERICANA

111

Curtido como guitarrista de acompañamiento y estudio en bandas de las que podría ser el hijo de cualquiera del resto de los miembros (The Pogues, The Pretenders, Steve Earle, Uncle Tupelo…) este treintañero londinense entrega aquí su primer disco, una obra de songwriter que destila alt-country, folk e

incluso matices bluegrass. Acostumbrado a tocar con la creme de la creme desde que era jovencito, Walbourne se ha sabido rodear para su primer trabajo de músicos excepcionales, así nos encontramos con Jim Keltner en la batería (quién trabajó con Bob Dylan y posteriormente con varios de The Beatles en sus trabajos en solitario), y con Ivan Neville en los teclados (colaborador de The Rolling Stones y songwriter también por cuenta propia). El resultado final es un disco bastante notable en el que Walbourne demuestra que ha aprendido mucho y bien al rodearse de semejantes talentos desde que era un adolescente. Recuerdos a Uncle Tupelo y a Wilco, a Van Zandt, Dylan y Earle, letras magníficas y una musicalidad que retrotrae a los grandes. Daniel Arnal

vinilos

nuevos aires para metronomy

RAY GELATO & KAI HOFFMAN “Hey Boy! Hey Girl!”

Double Scoop Records

SWING

1114

Para los neófitos en el tema, Ray Gelato es uno de los grandes recuperadores de la época dorada del swing. Habitual del Ronnie Scott’s, uno de los locales más emblemáticos del Soho londinense, lleva casi tres décadas de carrera musical dedicadas a glorificar la esencia más clásica del género. Para este año presenta un álbum de duetos vocales que trata de rendir pleitesía a los años de mayor popularidad de este estilo. Junto a Kai Hoffman, otra habitual del Ronnie Scott’s, se enfunda el traje de gala y repasa grandes clásicos de las décadas de los cuarenta y cincuenta.

Joyas del swing como “That Old Black Magic”, que en su momento popularizaran Louis Prima y Keely Smith, clásicos de Cole Porter –“I’ve Got You Under My Skin”- y de Gershwin -“They All Laughed” o “Let’s Call The Whole Thing Off”- o recuperación de viejos estándares que grabaran Louis Armstrong y Ella Fitzgerald. El savoir faire y la compenetración entre Gelato y Hoffman se traduce en dieciséis pequeños retazos de sentimiento jazz, de autenticidad que salen de un amor real al género; en la mayoría de ocasiones la pareja respeta arreglos casi calcados a los de los originales.

Robert Aniento

Metronomy Foto Gregoire Alexandre

METRONOMY

“The English Riviera” Because Music/Warner

POP

1114

Hay discos que una vez le das al play, por mucho que uno se resista, te llevan a fantasear despierto. Algo así es lo que ocurre con “The English Riviera”, el tercer trabajo de Metronomy, con el que es bien fácil imaginarse en una tumbona mientras anochece con un gin tonic entre las manos ahora que el pepino nos necesita más que nunca. Joseph Mount, la verdadera alma creativa de la banda, volvió a su pequeño pueblo de Totnes para reflexionar sobre la niñez. En medio de tal vacío tecnológico (allí sólo pueden encontrarse granjas y algunos reductos hippies), Mount rememoró aquellos temas de soft rock que escuchaba en la radio, el pop sin pretensiones que se vale de melodías embellecedoras

y los justos complementos electrónicos (como en el caso de la magnífica “The Bay”) que bandas como Phoenix tan bien han sabido ensamblar sin ser carne de la pista de baile. Los tiempos en los que Metronomy navegaban por la electrónica bizarra o nu rave aquí son un espejismo. Los ingleses, más que nunca, se pasean como una banda (analógica) que tanto puede darse de cruces con la new wave (“Corinne”) como con la simpleza mimetizada de un órgano (“The Look”) sin que apenas nada chirríe en su metamorfosis sonora. No sabemos si la incorporación de dos nuevos miembros entre sus filas ha tenido algo que ver, o el hecho de que Mount se haya decidido a grabar los temas por primera vez en un estudio en condiciones. Pero desde aquí reivindicamos “Everything Goes My Way” como la mejor alternativa al cansino tema de una conocida marca de cerveza que nos atormentará en los próximos meses. Sergio del Amo

THE CARS

MORNING TELEPORTATION

SLOAN

OBRINT PAS

Universal

Glacial Pace Recordings

Yep Roc Records

Propaganda Pel Fet

“Expanding Anyway”

“Move Like This” POP

1114

Si bien a cada año que cumplo veo con peores ojos esto de los regresos de bandas legendarias, ya sea con disco de estudio o con gira para llenarse los bolsillos, es de justicia reconocer que, alguna vez, hago la vista gorda. La culpa la tiene la nostalgia, el corazoncito y esas ganas de hablar en presente de grupos que en su momento de máximo apogeo nos pillaron a algunos jugando aún con los Clicks de Playmobil.

The Cars es una de mis bandas favoritas, lo reconozco, e igual se me ve el plumero, pero aunque no me crean a las primeras de cambio, les digo que “Move Like This” es un buen disco. Un trabajo que para nada traiciona los años de gloria de la banda de Boston, esos en los que eran capaces de conseguir números uno a doquier con su mezcla de glam pop, new wave y, en su última época, AOR con fundamento de claro aliento popero. “Move Like This” es una resultona mezcla entre “The Cars” y “Heartbeat City”, sus dos álbumes más celebrados, y además presenta la formación original de la banda con la excepción del tristemente fallecido rubiales Benjamin Orr. Xavi Sánchez Pons

ROCK

111

Encuadrados con el objetivo de facilitar las cosas a todos dentro de la genérica nueva psicodelia, aparecen desde Kentucky Morning Teleportation con una atractiva amalgama de guitarras y ritmos algo bizarros de la mano (en la coproducción y el sello) del Modest Mouse Isaac Brock. Aunque cuesta algunos minutos, o quizá escuchas, cogerle el punto a unas coordenadas algo destartaladas en apariencia, una vez asumido el contenido es fácil pensar en grandes fiestas amenizadas por los chicos de Morning Teleportation, que a su mencionado setentismo suman un notable sentido del baile y una voz, la de su líder Tiger Merritt, de esas que se odian o se aman y añaden personalidad a un grupo. Es con esas armas con las que logran superar la inestabilidad rítmica que suele aquejar a propuestas de este tipo, no exenta de cortes más clásicos como la homónima del disco, “Coldweather Sunshine” o “Daydream Electric Storm”, aunque da la impresión de que sus inquietudes van más hacia composiciones como “Snow Fog vs.

Motor Cobra” o “Banjo Disco”, cuyos títulos hablan por si solos. Ignacio Pato L.

“The Double Cross” ROCK

“Coratge” 1114

Sloan están de vuelta, y eso es una buena noticia. Porque ellos, dentro de ese enjambre de bandas de power-pop vitamínico, son unos aventajados. Siempre han ido un paso por delante, y durante sus veinte años de trayectoria, sus discos nunca nos han decepcionado. Con las melodías de The Beatles en primer plano, la electricidad moderada de Teenage Fanclub, el descaro de The New Pornographers, la genialidad y habilidad de The Raspberries, el poso de la psicodelia y ese sonidos a veces tan lo-fi, los canadienses Sloan son unos maestros escribiendo canciones, articulando preciosas armonías, creando la canción de tres minutos perfecta y sin fisuras. Y no es casualidad, porque ya llevan unos cuantos discos de nivel. Sin ir más lejos, su penúltima última doble galleta, el majestuoso “Never Hear The End Of It” y su treintena de canciones para enmarcar, o el siguiente y también esplendido “Parallel Play”. Ahora vuelven a dar en el clavo, con un disco que sigue la misma senda de siempre, en el que nos dan justo lo que les pedimos y lo que necesitamos, una obra que vuelve a ser una necesaria válvula de escape Toni Castarnado

ROCK

111

Los valencianos Obrint Pas continúan haciendo lo que mejor saben y hacen desde hace ya mucho tiempo: canciones cálidas de amor y guerra si parafraseamos a Galeano. En su sexto disco de estudio y tras incansables giras internacionales le cantan a un hermanamiento solidario que toma verdadero cuerpo en los directos, es cierto, pero también en cada auricular de una ciudad como su Valencia de origen o similares. Es en contextos así donde también son válidas las cadencias de temas como “La vida sense tu” o “La nit dels corbs”, “Murals” o “Alegria”, incluso esa “Jota valenciana”, que contribuyen a aumentar un repertorio ya de por sí sólido y bien asimilado por sus seguidores.

Un corpus musical en el que los medios tiempos han ido haciéndose su sitio sin desmerecer a ese ska-reggae con sabor a campo mediterráneo o las dulzainas populares y sonidos tradicionales que Obrint Pas han hecho suyas por derecho, y al que sin duda aún le queda mucho por decir tal y como está de corrompido el vivero social del que su música y letras se nutren. Ignacio Pato L.

vinilos /44/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

my morning jacket, regreso a sus raíces PLACEBO

“Live At La Cigale” Virgin/EMI

ROCK

My Morning Jacket Foto Archivo

MY MORNING JACKET “Circuital”

Coop/Music As Usual

ROCK

1111

Suena un gong de apertura y las cornetas nos dan la bienvenida. Ya de entrada nos hacen presagiar lo que se acaba convirtiendo en una realidad tan tangible como el sonido que logra la banda. Un sonido corpóreo, doliente, a veces grasiento de lo sudado, pero por encima de todo veraz e inmenso. Solo el inquietante crescendo de la épica pieza inicial “Victory Dance” ya es la antesala de una obra que nos recupera la mejor versión de My Morning Jacket.

Esa versión de músicos capaces de trabajar el sonido, sin olvidarse de las melodías, logrando por encima de todo

un estilo único en sí mismo y plenamente reconocible.

Cierto es que su anterior “Evil Urges” es también un gran disco, pero es evidente que carece de la unidad de este.

Un sentido de lo homogéneo que puede concebirse como un viaje a través de las múltiples facetas de la banda de Jim James, pero sin perder el norte en ningún momento, sabiendo llegar siempre a puerto. Este es, por tanto, un disco, que debe concebirse, analizarse y degustarse como un todo, sin separar las partes, y, aunque no esté a la altura de obras como “Z”, “It Still Moves” o “At Dawn”, se les acerca bastante. No reinventa nada que no hayamos escuchado previamente, pero sí engrandece un cancionero sin desmerecer la leyenda. Lo cual a estas alturas de la jugada ya es mucho más de lo que pueden decir la mayoría de grupos. Don Disturbios

THE WAVE PICTURES

FASENUOVA

SPACE RANGER

Moshi Moshi/Acuarela

Discos Humeantes

Lovemonk

“Beer In The Breakers” POP

“What About The Magnetic Fields?”

“A la quinta hoguera” 1111

Cuando el fervor popular hacia ellos se ha atemperado es cuando están sacando lo mejor de si. Hacen diana con sus mejores desarrollos y líneas de guitarra y bajo -prodigiosas, por cierto- sin ya esa carga lo-fi de electricidad de “Instant Cofee Baby” que ahora vemos que insuflaba cierta grandilocuencia y efusividad a sus canciones. Más sencillo y esquelético, en la línea del disco que sacaron con Stanley Brinks, ya quedan atrás los devaneos por esos medios tempos menos instantáneos y con flirteos soul del “If You Leave It Alone”. Sin embargo, el que se incluye aquí, “Walk The Back Stairs Quiet”, es el mejor que han escrito jamás. Es sabido que David Tattersall es toda una eminencia en sacar esplendorosos riffs de guitarra que echan chispas y en esta canción él estalla.

Además siempre ha tenido un talento infalible en dar con el hueso de la canción.

Lo suyo siempre ha sido la materia prima, minimizar para sacar la mejor brillantez y frescura; algo que ahora sucede más que nunca. Y es que confirman la firmeza de estos últimos años: lo suyo ya no es amateurismo. Celestí Oliver

ELECTRÓNICA

1111

Fasenuova llevan funcionando con ese u otros nombres desde hace un par de décadas, siempre desde parámetros similares: pálpito industrial, refractarios a las melodías, poseedores de un cáustico sentido del humor hermanado con las vanguardias del siglo XX. ¿Por qué entonces apenas habían despertado la atención de medios y público hasta hace bien poco? Algo tiene que ver lo subterráneo de sus lanzamientos, un handicap borrado de un plumazo al poner “A la quinta hoguera” a la disposición de todos a través de bandcamp. También porque, hasta dónde sé, nunca se habían mostrado tan inspirados y accesibles como con esta colección de siete temas que, aún reivindicando el legado maquinal de Esplendor Geométrico, apuntan por momentos a referentes menos incómodos -Suicide en “Vamos a bailar la noche”, la dupla Aviador Dro/Los Iniciados en la que da título al disco-. Tras años de moverse a la contra, la actual situación económica y social vuelve a llenar de significado el discurso opresivo de la pareja, con centro de operaciones en uno de los territorios más deprimidos del Estado español, la cuenca minera asturiana.

Luis J. Menéndez

ELECTRÓNICA

1114

Por si os lo estabais preguntando, nada tiene que ver este trío con los superhéroes con lycra de colorines que ya nos parecían cutres en nuestra tierna infancia. Por el contrario, Florian Pflüger, Rino Spadavecchia y Felix Stecher son tres veteranos Dj’s de la escena alemana que se estrenan con un largo que, si bien nada cutre, sí comparte con los televisivos policías interestelares el origen espacial y la afición por las mallas. El álbum debut de esta banda de Stuttgart es un compendio de nu-disco de ascendencia house que camina por el lado cósmico de la vida. Ningún fan del género debería perderse la adicitva “Nightmoves” o el rompepistas hipnótico que es “Herbal Cake (The Revenge Rubdown)”, revisión más housera del tema original de 2010. “What About The Magnetic Fields?” reúne ocho temas que ya podían encontrarse en los Ep’s que Space Ranger han ido sacando en el último año, aunque son los cuatro nuevos tracks probablemente los más espaciales de la colección. Bienvenidos, seres del espacio. Virginia Arroyo

111

Cinco años después de producirse el show y dos tras su edición física dentro de la caja recopilatoria de la banda, “The Hut Recordings”, reaparece sorprendentemente como referencia propia este directo de la banda inglesa. El porqué EMI ha decidido publicarlo, sin consentimiento de la banda y con un repertorio que recoge solo una pequeña parte del concierto, en un momento en el que las referencias físicas deben estar cada vez más refrendadas por el interés comercial, es un completo misterio. Tan solo deseable para fans del trío que no se hubieran hecho antes con él, en “Live At La Cigale” prácticamente solo nos encontramos con temas pertenecientes a su última obra entonces, “Meds” con solo dos concesiones al pasado, en forma de “The Bitter End” y “Special K”. Al menos, contamos con la habitual pericia de Brian Molko, Stefan Olsdal y el entonces todavía miembro Steve Hewitt a la hora de recrear sus temas rockerizando y mejorando lo que ofrecían en estudio, ante un público que siempre ha demostrado ser el mayor apoyo europeo del trío. Robert Aniento

CHAD VANGAALEN “Diaper Island” Sub Pop/Popstock!

ROCK

111

A media distancia entre el rock meditabundo de My Morning Jacket y el cantautorismo quimérico de Daniel Johnston. Tan cautivo y atrincherado tras su impermeable universo como Bon Iver. Su cabaña particular es su natal ciudad de Calgary, perdida en medio de la nada canadiense. Desde allí, Chad Vangaalen reaparece cada pocos años para entregarnos un nuevo paquete de canciones difíciles, pero siempre sentidas y con un tono melancólico que transmite empatía. En esta ocasión, la cuarta desde que en 2005 apareciera en el panorama independiente con “Infiniheart”. Ahora se autoproduce estos nuevos doce temas, más cohesionados y uniformes que nunca. “Diaper Island” fluctúa entre cortes de rock preciosista como “Burning Photographs”, con punteos que recuerdan a los de Tom Verlaine, a canciones de folk rock pantanoso como “Sara” o “Wandering Spirits”. Nunca ha estado tan cerca de editar un álbum de rock más o menos digerible a la primera escucha. Robert Aniento

REGGAE NIGHT REUNION “M’agrae” Kasba

REGGAE

11

Que la música es quizá el arte más emotivo y el que más te impacta desde dentro es algo que poca discusión permitiría. La música te entra o no, a veces por razones totalmente inexplicables y aunque le pongas más o menos ganas en ello. Y eso es lo que me pasa con el trabajo de esta banda de reggae de Barcelona. Que no me entra. Situados en la parte del reggae que proviene de la mal denominada world music, Reggae Night

Reunion es una banda que lo toma como base y lo mezcla con sus reivindicaciones, totalmente personales, y toques de rock, funk y demás estilos que se les puedan ir ocurriendo. Canciones de amor, de queja y de protesta a modo muy suave y poco estridente, en un claro espíritu de llamada de atención a la propia humanidad que no sé si se dará por aludida. Curiosa forma de escribir las letras, no por su temática, sino por tratarla sin demasiada rabia ni energía. Todas las canciones se mantienen en una línea de absoluta corrección, una perfecta combinación de todas aquellas características de este tipo de música. Es como si tratasen de enseñar los dientes pero sin querer acabar de morder. Ivan Ferrer

PETE & THE PIRATES

“One Thousand Pictures” Stolen Recordings/Popstock!

POP

1111

Los tres años que han transcurrido entre la edición de “Little Death” y este “One Thousand Pictures” han supuesto toda una prueba de fe para los fans del grupo inglés.

Pete & The Pirates son así, un grupo de pop independiente como los de antes, que se rige más por sus pulsiones vitales que por los mandatos de la malherida industria musical.

Ajenos a modas y moderneos varios, apenas saciaron nuestra sed este largo intervalo con un sonado single con dos caras A (“Blood Gets Thin” y “Jennifer”, la primera incluida en el disco que nos ocupa) y un EP que solo se pudo conseguir durante un tiempo limitado en su web. Ahora, por fin, regresan con su segundo disco, y aunque la sombra de un debut tan inspirado como “Little Death” es alargada, hay que decir que “One Thousand Pictures” mantiene el tipo sin problemas.

Repitiendo la jugada que nos hizo quererlos, si se me permite la etiqueta, ese pub pop cervecero con facilidad para facturar himnos de puño (izquierdo) en alto, los de Reading entregan una nueva colección de mini hits que, dejando de lado favoritas instantáneas como “United”, “Cold Black Kitty” y “Washing Powder”, sorprende por los aire Squeeze y new wave de “Come To The Bar” y “Winter 1”, dos cortes que muestran que Pete & The Pirates pueden transitar por nuevos caminos sin morir en el intento. Xavi Sánchez Pons

VS. ANTELOPE “Vs. Antelope”

Arctic Rodeo Recordings

ROCK

111

Vs. Antelope son una de esas bandas que funcionan casi por inercia. Y no se me entienda mal, lo digo en el mejor de los sentidos: teniendo en sus filas a Chris Daly (Texas Is The Reason, Jets To Brazil), Jim Kimball (Retisonic), Matt Kane (Big Collapse) o Spanky van Dyke (J. Majesty) no es difícil que el rock matizado -llámenlo indie, emo o lo que quieran- que encontramos en ellos suene tan en su sitio. Ayudados por la producción de Ian Love en Brooklyn, ya en la presentación, “Broken Bells”, se nos anuncia por dónde irán los tiros, la introspección y el paso del tiempo va dando lugar a estas pausas para saborear el paisaje (“Woodstock Mountains”), arrebatos guitarreros (“Notice Of Eviction”), momentos álgidos y juegos florales (“Coalition”) y también pistas algo más prescindibles, como “Two Friends”.

Afortunadamente, para la final “You Are The Sun” todo acaba bien, sin manchar los arriba mencionados currículums y ofreciendo al seguidor de estos sonidos lo que espera en parte debido a ellos. Vs. Antelope son por tanto una regeneración jugosa de aquellos noventa de zapatilla y reflexión.

Ignacio Pato L.

MondoSonoro · Julio - Agosto 2011 /45/

IGOR PASKUAL

“Equilibrio Inestable” Pop Up Música

ROCK

1114

Tuvo buen ojo Loquillo cuando se fijó en Igor Paskual para darle un nuevo impulso a su banda a base de juventud, determinación y hambre de rock’n’roll. Fue así como el entonces líder de Babylon Chat pasó a ser una pieza básica en las propuestas del Loco, tanto a nivel escénico con la guitarra como a la hora de servirle composiciones.

Y, aunque dimos y seguimos dando nuestra bendición a esa unión de fuerzas, lo cierto es que la larga sombra que proyecta el rockero del Clot nos había privado en los últimos años de disfrutar de un Igor Paskual más personal y reflexivo, más a sus anchas.

Eso es precisamente lo que encontramos en este “Equilibrio Inestable”, temas escritos en primera persona que parecen salir de su interior por pura necesidad. Así, cantando sobre amor y desamor, mujeres de gama alta y amigos que no lo son tanto, el asturiano desnuda su sensibilidad sin perder la aspereza, manteniendo el inconformismo desde una óptica más madura. Reveladora y efectiva catarsis. Xavier Llop

YOUNG WIDOWS

“In And Out Of Youth And Lightness” Temporary Residence

ROCK

111

Allá por el mes de abril aparecía el tercer disco de Young Widows, banda que tuvo su germen en Breather Resist y que aúna en su propuesta oscura imaginería, tradición post y tendencia a sonar cómo se solía sonar hace lustros. Con esas coordenadas, sería fácil sacar la conclusión de que su aportación no será nada memorable por jugar contra la saturación de eso mismo de unos años a esta parte. Y, en efecto, no lo es, pero si uno obvia la repetición de clichés de género(s) junto al manierismo de la voz de Evan Patterson y cierta falta de inspiración lírica, puede encontrarse con un digno disco de música cuyo principal argumento es precisamente ese, la tensión que logra el trío de Kentucky cuando se limita a tocar en lo que suponemos búsqueda de atmósferas, no siempre logradas pero disfrutables por el camino y que, en este caso, coinciden con los finales estirados de cada tema. Son esos momentos que pueden, a veces, parecer relleno en los discos los que salvan de la quema por repetición y falta de originalidad a este “In And Out Of Youth And Lightness”. Ignacio Pato L.

KODE9 & THE SPACEAPE “Black Sun” Hyperdub

ELECTRÓNICA

1114

No busquen aquí el dubstep de manual que venía practicando Kode9 (Steve Goodman), porque en “Black Sun” el escocés cambia los subgraves por los sintetizadores en un inteligente giro de su carrera hacia el Uk garage. No obstante, donde hubo fuego siempre quedarán brasas y el background dubstep de Kode9 queda patente en el conjunto del disco, una versión sombría y tenebrosa del garage británico que se

viene practicando allí en los últimos años. El segundo trabajo de Kode9 con The Spaceape es un álbum apocalíptico, compacto, casi apelmazado, un mazacote rítmico que rara vez deja pasar algo de luz. Sirvan como ejemplo la angustiante “Love Is The Drug”, la sofocante “Otherman” o la genialísima “Green Sun”, paradójicamente más lóbrega que su compañera, la más festiva aunque también mucho más retorcida, “Black Sun”.

Por supuesto no debemos olvidar el papel de su compañero The Spaceape al micrófono en esta banda sonora del fin de los tiempos, así como la inestimable colaboración vocal de Cha Cha. Un ejercicio de bass music de lo más recomendable, siempre y cuando tengan a mano una máscara de oxígeno.

Virginia Arroyo

vinilos

La selección Jäger:

tom vek, un chico listo

SEUN ANIKULAPO KUTI & EGYPT 80 “From Africa With Fury: Rise” Because/Karonte

AFROBEAT

11114

Es solamente su segundo disco, pero Seun Kuti ha firmado la mejor muestra de lo que significa el afrobeat en el siglo XXI. Letras insurgentes cantadas en yoruba y broken English y que llaman a una rebelión inteligente. Una voz trepidante que ha ganado en presencia. Sugerentes cantos de llamada-respuesta. Unos vientos de energía estratosférica dominando la escena.

Guitarras que nunca hacen solos pero que mantienen un ritmo imparable. Un batería firme y con buen uso de los platillos. Su padre, el revolucionario Fela Kuti, estaría orgulloso.

Seun compone, canta, toca el saxo y dirige la banda de su padre con una intensidad apabullante. Siete cortes que poseen esa mezcla de energía funk, vigoroso high-life y musicalidad jazz que los hace explosivos. La coproducción de Brian Eno aporta nuevos aires y más profundidad a su sonido. Entre este fenomenal trabajo, la reedición de la obra completa de su padre, el excelente disco de su hermano Femi, “Africa For Africa”, y la cincuentena de bandas que defienden el afrobeat por todo el mundo, esta iconoclasta combinación musical corre peligro de... extenderse. Miguel Amorós

VV. AA.

“Tron Legacy R3C0NF1GUR3D” Walt Disney Records

ELECTRÓNICA

1114

Este disco es a la música lo que un “¿Qué pasa, neeeeeeeen?” a la conversación oral. Un puñetazo sobre la mesa, una vía de escape para la adrenalina, la (sobre)dosis de garrulismo necesaria para continuar con nuestras vidas plácidas y cool sin acabar cogiendo una escopeta y haciendo un “Física o Química”. Pero sobre todo, sobre todo, sobre todo, “Tron Legacy R3C0NF1GUR3D” es el disco más piyuli que he escuchado en los últimos tiempos, y probablemente también lo será para ti.

Boys Noize, Paul Oakenfold y The Japanese Popstars, entre otros, le dan una vuelta de tuerca a la banda sonora de Daft Punk para “Tron Legacy”, que contenía épica a raudales pasada por el cedazo más electro de los franceses. Una versión poligonera, una revisión que hará a los más quinquis del barrio traducir, cubata en mano, aquel precioso “Adagio For Tron” en un eufórico lo-lo-lo a pleno pulmón. No deberían dejar de bailar (ni ustedes, ni los canis del extrarradio) el tremendo remix de “Arena” por los norirlandeses The Japanese Popstars, la versión zapatillera de “C.L.U.” por el señor Oakenfold o, especialmente, la extraordinaria “Rinzler” revisitada por Kaskade. Mierda de la buena.

Virginia Arroyo

Tom Vek Foto Archivo

TOM VEK

“Leisure Seizure” Coop/Music As Usual

POP

1111

El chico de las gafas de pasta negras ha vuelto tras seis años completamente desaparecido (literalmente: había grupos de Facebook organizándose para su búsqueda). Y, claro, no podía hacerlo con menos que un discazo, y este “Leisure Seizure” sin duda cumple las expectativas generadas con su excelente debut “We Have Sound”. Montones de ases en la manga esconde este multiinstrumentalista británico en su segundo esfuerzo, como son el tremendo single “A Chore”, la cálida “A.P.O.L.O.G.Y.”, la fantástica “Someone Loves You” o la burbujeante y cuasipsicodélica “Too Bad”. Pero si hay una canción que

encapsula a la perfección el sonido del nuevo disco de Tom Vek, ésa es “Close Mic’ed”, un track oscuro y melancólico que se asienta sobre una única nota como fondo de teclado y que va creciendo a medida que avanzan los minutos. Sólo le falla una cosa para ser el resumen del álbum: la voz de Tom suena monótona, prácticamente atonal, como antaño, mientras que en “Leisure Seizure” el londinense se atreve con otros registros vocales que le llevan incluso a terrenos colindantes con el estridente Ed Macfarlane de Friendly Fires. Un retorno gustoso de esos pocos por los que vale la pena esperar.

Virginia Arroyo

vinilos /46/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

paul kalkbrenner, electrónica para masas

Paul Kalkbrenner Foto Archivo

PAUL KALKBRENNER “Icke Wieder” Rough Trade

ELECTRÓNICA

1111

A día de hoy podemos afirmar sin miedo a exagerar que Paul Kalkbrenner es uno de los Dj’s y productores más afamados mundialmente y lo es gracias a su práctica de un techno honesto, de toda la vida. Gracias a eso y a su aparición y banda sonora en la película “Berlin Calling” hace tres años, en la que interpretaba el papel de un productor de música electrónica.

No andaba muy lejos ese personaje de él mismo, y es que

a Kalkbrenner el éxito le ha vuelto introspectivo en el mejor de los sentidos y nos presenta con este “Icke Wieder” un compendio de techno a la antigua usanza, un trabajo con el que el teutón no tiene más aspiración que mostrar el resultado de lo que lleva unos años haciendo y lo que más le hace disfrutar: un techno melódico que a veces juega a ser psicodélico, otras veces a meterse en las pistas tech-house, otras a volverse más trancero, e incluyendo esta vez (y esto sí que es en cierto modo una novedad) alguna guitarra y algún elemento más orgánico.

Un álbum continuista que, con su potente directo del Sónar reciente aún en la retina y en los tímpanos, lo mantiene en sus elevados aposentos. Virginia Arroyo

URGE OVERKILL

VETIVER

TARAF DE HAÏDOUKS & KOÇANI ORKESTAR

UO Records

Bella Union

Crammed/Karonte

“Rock’n’Roll Submarine” ROCK

“The Errant Charm” 114

El tiempo no pasa en balde y dieciséis años son muchos años para pretender que no ha sucedido nada, que una carrera se puede continuar allí dónde se dejó. No cuela. Muchas cosas han pasado desde la edición de su anterior trabajo, “Exit The Dragon” y el tiempo no ha corrido a favor del rock correoso de riff enrollado y facilón.

Muchos de los grupos que crecieron bajo la estela e influencia de hermanos mayores como Cheap Trick, Kiss y Aerosmith, han pasado a mejor vida o se arrastran por los escenarios de medio mundo en busca de un fan cuya Harley acumula un dedo de polvo. Nash Kato y Eddie “King” Roeser lo intentan con este “Rock’n’Roll Submarine” que tan solo contentará a cuatro de los nostálgicos que corren por ahí, aunque puede que ni a ellos. Y no lo hará porque canciones como “Poison Flower” son directamente un horror, indignas de los que un día hicieron saltar la banca de la popularidad gracias a la banda sonora de “Pulp Fiction” y a su cover de Neil Diamond. Tampoco una balada algo ramplona como “Quiet Person” ayuda y aunque hay destellos como la hard-rockera “Effigy”, la vacilona “Little Vice” o el single que da título al álbum, lo cierto es que la sensación general es que al disco le sobra la caspa acumulada a lo largo de más de tres lustros de ausencia. Don Disturbios

FOLK

“Band Of Gypsies 2” 1114

Quedan ya lejos los años en que Vetiver se codeaba en la cima del entonces llamado freak-folk con las huestes de Akron/Family, The Dodos o Sufjan Stevens. El año que iniciaba su andadura, 2004, fue también el de mayor eclosión del género, que dejó para la posteridad joyas como “Rejoicing In The Hands” de su colega Devendra Banhart, “The Milk-Eyed Mender” de Joanna Newsom o “Sung Tongs” de los reorientados Animal Collective. Siete años y cuatro discos más tarde, los de San Francisco son probablemente los que mayor fidelidad han mantenido a su sonido. Si Banhart ha acabado perdido entre sus propios vericuetos estilísticos, Newsom reconvertida en la musa de los nuevos ascetas o Herman Dune reivindicados por los fans de los clichés más pastelosos, Andy Cabic y los suyos han decidido que sus ideas, supervivencia del género aparte, siguen encajando en el mismo molde. “The Errant Charm” llega dos años después de “Tight Knit” y, como en aquel, las tiernas y relajadas melodías ganan la partida a la inventiva sonora, y deben más a Jackson Browne que a CocoRosie. Y como en todos sus trabajos, deja tras de sí una secuela de momentos para conservar: “Can’t You Tell”, “Hard To Break” o “Wonder Why”. Robert Aniento

FOLK

1111

Dos de las más famosas bandas de gitanos provenientes de los Balcanes, unen sus fuerzas en este espectacular disco. Taraf De Haïdouks vienen de un pequeño pueblo de Rumania, son trece músicos, cristianos, hablan romaní y son especialistas en los instrumentos de cuerda.

La Koçani Orkestar proviene de Macedonia, es una banda de metales, son musulmanes y hablan macedonio (una lengua de origen eslavo).

Pese a las diferencias, los veintiséis músicos se entienden a la perfección. Se podría decir que está es la continuación de un disco con el mismo título que hace diez años grabó Taraf y donde la Koçani participó como invitada. Pero en esta ocasión el protagonismo es compartido, así como la composición de las canciones, que son un recorrido por las músicas tradicionales y modernas de toda la zona de los Balcanes, llegando incluso a Turquía y más allá. Los fieros violines, acordeones y cimbalones de Taraf, se unen a los poderosos vientos y percusiones de la Koçani y dan como resultado once temas que, por asemejarlo a algo, nos recuerdan a una bella y armoniosa manada de caballos, pero totalmente desbocada. A estos músicos no les hace falta saber leer música, simplemente la viven.

Miguel Amorós

mondorecomienda

/49/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELÍCULAS ★ CLIPS ★ documentales

cómics

El gato Frank Foto Archivo

LIBRO

Cárcel de amor

Sergi Puyol Apa Apa Cómics (1114) Pierre Larrard, el protagonista de “Cárcel de amor”, es una persona infeliz, más por temor que por decepción, sus gestos son los de un analfabeto emocional, y su respuesta al mundo es la desconfianza y la negatividad. Y Sergi Puyol sabe cómo retratarlo sin excesos (la cárcel del título es más digna de un ser torpe, que de un psicópata) y con un dibujo que apunta a una personalidad propia. Joan S. Luna

“Chernóbil. La zona”

Francisco Sánchez y Natacha Bustos Glénat (111) Veinticinco años después del trágico incidente de la central nuclear más terroríficamente popular de la historia, nos encontramos con un cómic que rinde homenaje a las personas que lo vivieron, a aquellos que lucharon por no perder lo humano que quedaba en sus vidas y a lo que tuvieron que enfrentarse. Un trabajo que funciona tan bien en lo periodístico como en lo dramático. Ernesto Bruno

Flujo

Dave Cooper La Cúpula (111) Más que el cierre de una trilogía, que lo es, “Flujo” resulta ser el mejor trabajo de Dave Cooper. Casi tan morboso y extraño como de costumbre, pero bastante más emocional. Un par de personajes (un pintor y una jovencita poco agraciada) a la deriva que, por un breve espacio de tiempo, intentan conocerse tanto entre ellos y como a si mismos. Joan S. Luna

¡La crisis está siendo un éxito!

Manel Fontdevila Astiberri (114)

Jim woodring

mundo fantástico “Frank” era una de las poquísimas grandes sagas del cómic underground que continuaba pendiente de publicación en nuestro país. La editorial Fulgencio Pimentel le pone remedio con una edición en cinco volúmenes que incluye páginas inéditas y que es la más lujosa que ha conocido la obra de Woodring hasta la fecha.

No hay pan para tanto chorizo. No hay Coca Cola para tanto cacique… son algunas de las proclamas escuchadas en las manifestaciones de los indignados. El humor nunca sobra en los malos momentos, por eso Fontdevila tira de ironía y sarcasmo, para hacernos llevadero el timo de la crisis. Luis Argeo

“Frank”

“La vida con Mr. Dangerous” Paul Hornschemeier Astiberri (111)

En sus anteriores libros “Madre, vuelve a casa” y “Las tres paradojas” Hornschemeier demostró una gran sensibilidad para afrontar los conflictos psicológicos de sus personajes, lo que unido a un grafismo limpio y potente lo convirtió en uno de nuestros favoritos.

“La vida con…” mantiene sus señas de identidad, pero amenaza a autoparodia al elegir a una caprichosa y acomplejada joven como protagonista que, de aburrida que está con su propia vida, termina por sumirnos al resto en un tedio inevitable. No todo vale. L. J. M.

“El paréntesis”

Élodie Durand Sins Entido (11114) El primer álbum de Élodie Durand, premio revelación en la última edición de Angoulême, es una durísima recreación de su experiencia como enferma. Concretamente se refiere a su lucha contra la epilepsia y contra un tumor. En la línea narrativa a la que nos ha acostumbrado la independencia francesa, con L’Association al frente, se trata de un álbum admirable y emocionante. L. J. M.

Epidemia de melancolía Tony Sandoval La Cúpula (114)

Antología de pequeñas historias bañadas de magia y oscuridad en las que se une un guión imaginativo que peca en ocasiones de exceso de sensiblería con un dibujo en blanco y negro de trazo borroso sugestivo e inquietante que engancha. Demasiado gótico en su contenido y en sus formas pero interesante en algunas partes. Daniel Arnal

Superman vs. Muhammad Ali Dennis O’Neil/Neal Addams Planeta DeAgostini (111)

En las notas interiores de esta excelente edición especial, Neal Adams comenta que este puede ser el mejor cómic de siempre. La realidad es bien distinta, pero durante muchos años “Superman Vs. Muhammad Ali” sí que fue una preciadísima pieza de coleccionista: los dos superhombres luchan en el espacio para salvar la Tierra de unos alienígenas cabreados, y entre el público puede verse a The Jackson 5, Batman y Frank Sinatra. ¿Quién dijo kitsch? L.J.M.

Jim Woodring Fulgencio Pimentel

“

Al contrario de lo que la gente piensa no me planteo mi trabajo como una suerte de psicoanálisis. La idea de ‘Frank’ surgió a principios de los noventa como un modo de contar historias que giraban sobre cómo una serie de fuerzas invisibles afectan al mundo, algo que me resultaba imposible explicar con palabras. Si alguien con su lectura siente un escalofrío, una disfrutable sensación de misterio… bien, eso es lo que busco”. Lo ha sentido por ejemplo Francis Ford Coppola, fan e inesperado prologuista de la edición española.

Otro ilustre que se suma a la lista de creadores que Woodring considera vinculados de una forma u otra a las crueles desventuras del gato Frank.

“Por el modo en que yo lo interpreto, la serie pertenece a una categoría de arte extraño y divertido dominado por Dalí, David Lynch, Fellini, Burroughs, Gaudí, Satie, y mucho más de los que puedo citar… Es un tipo de humor similar a la electricidad estática y, no sé si me atrevo a utilizar esta palabra pero… ¡qué coño!, que ‘brilla’ como los objetos fluorescentes cuando son golpeados por rayos ultravioleta invisibles. Ese misterio, ese brillo sin nombre, es mi meta”. Tanto o más conocido por los juguetes diseñados a partir de sus personajes, Woodring declara sentirse “demasiado anticuado” y no saber demasiado del mundo de los toys y su potencial artístico y marketiniano. El suyo, está claro, está más cerca de la tierra de los sueños.

■ Luis J. Menéndez

libro una historia que se escribe en los portales la verdad sobre quique gonzález

P

arece que, poco a poco, se va poniendo remedio al enorme hueco que hay en nuestro país en lo que a libros de música se refiere.

Una buena noticia que se complementa con la edición de esta biografía oral autorizada sobre el recorrido artístico de Quique González.

Un libro que compila de forma cronológica, y muy ligada a cada uno de sus discos, las opiniones del propio cantautor, familiares, amigos, músicos y críticos. Todos juntos dan importantes pistas para enclavar mejor la carrera de este artista, que se ha ido labrando todo un prestigio gracias a sus grandes canciones (aunque mi sentir particular sea que todavía le falta ese gran álbum que lo encumbre del todo). Una lectura ágil y entretenida que encandilará a sus seguidores y en la que sólo echamos de menos algo más de carnaza, es decir, alguna que otra voz disidente con la trayectoria del interesado. ■ Don Disturbios

MondoSonoro · Julio - Agosto 2011 /51/

mondoRECOMIENDA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

libros

I Saw the Devil Foto Archivo

cine

Mil violines

Kiko Amat Mondadori (1114) Crítico musical y autor de varias novelas hasta la fecha, Amat despliega aquí toda su adoración por la música que le gusta, consiguiendo que empaticemos con su pasión más allá de que se coincida o no con los artistas que reivindica. Al tiempo que nos descubre sus experiencias, nos lleva a rememorar por qué cada uno de nosotros ha hecho de la música que escucha algo tan personal e intransferible. Joan S. Luna

Asesinato en América Simoni Barillari Errata Naturae (11114)

Ocho de los crímenes más importantes de la historia reciente de Estados Unidos, desde Kennedy a Columbine, expuestos por las voces que recibieron el premio Pullitzer gracias a estos reportajes.

El periodismo elevado a la categoría de arte, literatura mayúscula que ayuda a entender un poco mejor la idiosincrasia de un país salpicado por la tragedia desde su descubrimiento. Daniel Arnal

Manifiesto contrasexual Beatriz Preciado Anagrama (1114)

Atrevidísimo y original ensayo acerca del sexo en sus vertientes más bizarras, con capítulos memorables como los referentes al dildo o al contrato contrasexual. Un libro lleno de lucidez e inteligencia, subversivo y provocador, una verdadera guía pseudo-filosófica que consagró a su autora como una de las voces más reveladoras de la actualidad dentro de su campo. Daniel Arnal

El clamor y otros mitos de la intimidad Evrípidis Sabatis Morsa Editorial (1111)

kim jee-woon

como el perro y el gato

Junto con Park Chan-wook y Bong Joon-ho forma parte del tridente de directores que han puesto a Corea del Sur en la vanguardia del cine oriental, y que, además, han dado nueva vida al cine de género más inquieto y visceral. “I Saw The Devil”, el último y formidable thriller del cineasta coreano, se edita en España en DVD con el título de “Encontré al diablo”.

Evrípidis Sabatis, todo un veterano ya de la escena artística barcelonesa gracias a su grupo musical Evrípidis & His Tragedies, se destapa en este libro con dos facetas menos conocidas: escritor y dibujante. Una obra apasionada que habla del amor y de sus celebraciones y rupturas, con una estructura originalísima y un arte sobresaliente. Muy bonito, y muy bueno. Daniel Arnal

“Encontré al diablo”

Kim Jee-Woon Mediatres

¿Qué fue lo hipster?

Mark Greif Alpha Decay (111)

A medio camino entre la necesidad real de documentar un hecho excepcional (el surgimiento de los llamados hipsters) y la frivolidad más simple y oportunista, este libro es, ante todo, un estudio intenso y bien documentado acerca de un fenómeno sociológico real que comenzó en Nueva York y poco a poco ha ido ganando miles de fieles a lo largo y ancho del planeta. Daniel Arnal

“Filosofía zombi” Jorge Fernández Gonzalo Anagrama (1114)

Entre tantos títulos prescindibles de temática zombi que nos asolan en la actualidad, es de agradecer la existencia de este notable ensayo de Jorge Fernández Gonzalo. Un libro que tomando como bases los filmes sobre zombis de George A Romero, traza afinados paralelismos con el mundo de los vivos y la realidad actual. El segundo capítulo, dedicado a “Dawn Of The Dead” y al capitalismo, es para enmarcar.

Xavi Sánchez Pons

Rockin’ Spain Antonio Alay Lunwerg (1114)

Todo un placer repasar este libro coordinado por el fotógrafo Antonio Alay. Junto a sus retratos, encontraremos una larga lista de firmas invitadas que se fijan en diversos aspectos de la relación entre el rock’n’roll y nuestro país. Y es que el resultado –aunque varíe el interés dependiendo del autor o el tema- cubre un hueco que clamaba al cielo por una obra como esta. Como complemento, incluye un disco compacto con diversos artistas. Ernesto Bruno

“Fragmentos de una década” Carlos Pérez de Ziriza Editorial Milenio (1114 )

Siempre es una buena noticia que todavía haya editoriales interesadas en publicar libros sobre música, pero si la obra en cuestión es un repaso tan acertado (aunque parcial, como el mismo autor admite) de los estilos y discos clave de la pasada década, convenientemente contextualizados musical, social y políticamente, la alegría es doble. Un buen resumen de diez años en ciento ochenta páginas. Virginia Arroyo

“

I Saw The Devil” fue uno de los platos fuertes de la pasada temporada festivalera. La última cinta del director coreano estuvo en las secciones oficiales de los festivales de San Sebastián y de Sitges.

Fue en este último donde MondoSonoro tuvo la oportunidad de charlar con su director. El nuevo thriller de Kim Jee-woon nació como un filme de encargo, pero se ha acabado convirtiendo en la que quizás sea la mejor película del coreano. “Este guión no era mío, y al principio me sentía como si fuera Harvey Keitel en ‘Pulp Fiction’: tenía que resolver todos los problemas que había. Cuando el guión es mío

me siento muy libre en el rodaje, sin embargo, en este sentía que tenía que resolver muchos problemas, tenía que limpiarlo… A pesar de eso, esta película contiene todas mis emociones, mis propios estilos, el ambiente que yo quería crear, y dentro de toda mi filmografía la atención en esta película era la más alta. Pero a la vez la gente dice que es otro tipo de Jee-woon, me gusta…”. Liderada por dos actores en estado de gracia, Lee Byung-hun y Choi Min-sik, que interpretan respectivamente al policía y asesino en serie que se harán la vida imposible el uno al otro durante todo el metraje, la película de Jee-woon destaca por una inventiva visual desbordante, sus coqueteos con el cine de terror, y por su humor negrísimo marca de la casa. “(Risas) Este tipo de humor es una cosa que se me ocurre, no es intencionado. No sé si es una cosa propia o no. Para mí es como una intención que me viene en un momento dado, un humor que sea diferente pero que no parezca raro, que sea interesante…”. ■ Xavi Sánchez Pons

libro que pagui pujol cuando fuimos punks

A

unque ahora mismo dedique la mayor parte de su tiempo a Kasba Music, un sello discográfico indispensable para entender las sonoridades mestizas que han surcado y llevan años surcando nuestra escena, Joni D es un luchador nato que las ha visto de todos colores. De chaval acabó metido gracias a filias familiares en plena efervescencia punk de la Barcelona de la Transición. De ahí que su libro “Que pagui Pujol!” (cuya edición en castellano acaba de ver la luz este mismo mes) sea el auténtico reflejo de unos años convulsos e imaginativos –por fuerza- en lo social y por extensión en lo musical, el diario de unos tiempos que quizás no fueron mejores, pero sí muy distintos y más excitantes para un chico con ganas de enfrentarse al mundo. En esta “crónica punk de la Barcelona de los ochenta”, Joni D. ofrece testimonios de primera mano, firmando una obra eminentemente personal en el que sus palabras son las que más cuentan, pero también las que mejor se comparten.

■ Joan S. Luna

conexiones

/52/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

Estrella Damm <> Herman Dune Herman Dune se ha convertido de la noche a la mañana en el grupo del momento gracias a la canción “I Wish That I Cound See You Soon”, que acompaña de manera alegre y burbujeante el largo spot televisivo de Estrella Damm-El Bulli. El tema pertenece a su álbum, “Giant”. Un disco en el que Herman Dune hacían gala de su compromiso con las brillantes melodías y esos ritmos que han convertido al grupo en algo diferente. El álbum se grabó con Herman Dune tocando en directo en un estudio cerca de Mount Snodown, al norte de Gales (Reino Unido). ■

Coca Cola <> Daft Punk Herman Dune Foto Archivo

La marca de bebidas Coca-Cola vuelve a sorprendernos con un modelo dedicado ni más ni menos que al dúo francés de electrónica Daft Punk. Se trata de dos ediciones especiales inspiradas en la estética de los firmantes de “Around The World” o “Da Funk”, con una botella metálica en color dorado y otra plateada. La serie ha aparecido en Francia, país en el que, meses atrás, también se lanzó un modelo relacionado con Mika. Si vives en Francia, puedes conseguir las botellas en la cadena Monoprix o la edición limitada en un estuche especial en Colette. Si no es el caso, visita para más detalles: www.daftcoke.com ■

Fred Perry <> Paul Weller

Disco Las Palmeras! Foto Archivo

Surf Art Music <> Roxy

Escenario MondoSonoro/ Radio 3 <> Vigo Transforma

Por primera vez en la historia del surf se van a celebrar dos competiciones mundiales femeninas de dos modalidades diferentes (surf y longboard) en el mismo lugar y de manera simultánea. Para la ocasión Roxy ha reunido a las mejores surfers y longboarders femeninas del mundo en el Roxy Pro que se celebrará del 11 al 17 de julio 2011 en Biarritz.

Y para celebrarlo se llevarán a cabo conciertos gratuitos el sábado 16 de Julio en la playa de Port Vieux Beach, Biarritz.

Los artistas confirmados son Lily Wood & The Prick, The Sounds y Pendentif. ■

A lo largo de todos estos años han sido numerosos y variopintos los iconos de la música que han elegido Fred Perry entre sus prendas fetiche, desde Paul Weller hasta Kanye West, pasando por Damon Albarn o Amy Winehouse. Ahora Fred Perry Footwear, marca líder de calzado al más puro estilo urban chic londinense, anuncia sus must para vestir tus pies en los festivales de música más importantes del verano. Para esta temporada Fred Perry presenta sus nuevos modelos de zapatillas: Drury, Byron, Kingston Stampdown, Phoenix y Phoenix Cuff Chambray. ■

A lo largo de los últimos meses habéis tenido detallada información en nuestras páginas sobre el Festival Vigo Transforma que tendrá lugar en la ciudad pontevedresa los días 29 y 30 de junio. Pero ahora queremos centrarnos en la programación del escenario MondoSonoro/Radio 3, en el que a lo largo de los tres días tendrán lugar las actuaciones de Marcus Doo & The Secret Family, Maryland, Igloo, Disco Las Palmeras!, Odio París, Colectivo Oruga, Martynez, Dixie Town, Foggy Mental Breakdown, Dr. Gringo, Holywater, Jane Joyd, La Familia y Glassonion. ■

David Guetta <> Vueling

Live Nation <> Musiserv

AIAIAI <> Sónar

David Guetta ha lanzado su nuevo mix “F*** Me I’m Famous!” en una fiesta única a treinta mil pies de altura. Se trata de un evento exclusivo para fans y medios de comunicación europeos que se ha celebrado en un vuelo entre París e Ibiza de Vueling.

La promotora internacional Live Nation España junto a otra promotora de carácter nacional, Musiserv, oficializa la creación de su nueva división para contratación y gestión de giras nacionales en todo el territorio español.

AIAIAI es una prestigiosa casa de sonido que procede de Dinamarca y que ha ganado protagonismo en la última edición del Sónar, donde se ha visto a numerosos Dj’s llevando auriculares de la marca.

Comuto.es <> Festivales

Sexy Sadie <> Braun Cruzer

Converse <> Björn

Comuto.es, la red social para compartir coche en España y Europa, ha creado una aplicación gratuita donde los organizadores de más de sesenta festivales de nuestro país pueden proponer una alternativa de transporte al público que quiera asistir a estos conciertos.

Sexy Sadie, se reúnen cinco años después de su separación para protagonizar una gira muy especial, en la que repasarán en exclusiva lo mejor de su extensa y exitosa carrera carrera. El grupo mallorquín fue el protagonista de la Braun cruZer Session que se celebró el pasado 30 de junio en la Sala Joy Eslava

The Canvas Experiment es un experimento que convierte la icónica zapatilla Chuck Taylor All Star en un lienzo en blanco, un mural construido con más de quinientas zapatillas. El guitarrista sueco Björn ha tocado delante del mural en una performance que puede verse en youtube. n

mondoweb

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/62/ Julio - Agosto 2011 · MondoSonoro

ENTREVISTA FAN

LOS BLOGS Héroes por un día

La Habitación Roja Foto Archivo

Defecto profesional

JORGE MARTÍ (LA HABITACIÓN ROJA) La Habitación Roja no pierden oportunidad de presentar nuevo material. Si hace un suspiro acaban de publicar “Para ti” (Mushroom Pillow, 11), su segundo disco de versiones, anuncian un próximo trabajo que empezará a grabarse después del verano.

Manel Moya. “Un dia perfecto” es una canción perfecta cuando uno está un poco desanimado ¿Os planteásteis obtener tal resultado con este tema?

No solemos plantearnos muchas cosas a priori, eso sí, intentamos que las canciones retraten y transmitan momentos y estados de ánimo como los que tú nos cuentas, porque son el tipo de momentos por los que todos pasamos y que normalmente suponen el origen de una canción.

Supongo que esta es una canción interpretable, con euforia y positivismo, con decepción y pesimismo, así que cada uno puede sacar sus propias conclusiones.

Miguel Masero Ortega.

CONCURSOS

WEB

¿Quién os gustaría que hiciese una versión de una canción vuestra y cuál?

La verdad es que nos da igual, aunque sí que me he imaginado a ciertos artistas cantando algunas de nuestras canciones. Luz Casal haciendo “Bob”,

Julieta Venegas haciendo “Febrero”. También hubiera estado bien Antonio Vega haciendo “Una nueva oportunidad”.

Castor Duran. ¿Cuál es el grupo que más os ha influido? y ¿cuál creéis que puede ser el proximo grupo revelacion en España?

Supongo que grupos como The Smiths, The Cure y REM y en el ámbito nacional grupos como los que aparecen en los dos voúmenes de “Para ti”.

Grupos revelación hay muchos y cada día surgen más y con mayor nivel, pero ahora mismo te diría que Hola A Todo El Mundo reúnen todas las condiciones necesarias para serlo (si no los son ya): Tienen canciones, buen directo, carisma, imagen, clase y además son la mar de majos.

Mikel del Hoyo.

En la canción “Van a por nosotros” decís lo siguiente: “He leído en El semanal, que el hombre que nos roba el tiempo, de joven lo paso fatal y ahora es dueño de un imperio”. Siempre he querido saber a quién os referíais.

La letra hace referencia a una entrevista con Amancio Ortega que salió en El País Semanal hace algunos años. La canción no va sobre él, sino más bien sobre cualquier empresario que olvida sus orígenes humildes, se hace rico a costa de explotar a sus trabajadores y carece de la empatía necesaria que hace falta tener para ser una persona de bien. Es como una revisión de “Heaven Knows I’m Miserable Now”, que hace

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Abonos dobles para el Electromar 2011 (29 y 30 de julio en la Playa de los Narejos de Los Alcázares, Murcia, con Moby, Delorean, Lori Meyers, 2Many Dj´s, Ellen Allien...)

referencia en el título una realidad latente: “¡Van a por nosotros!”.

Juan Reig Soriano. ¿Qué os parecen vuestros paisanos Polock?

Nos parecen un gran grupo, con un gran presente y un gran futuro por delante. No en vano la primera vez que les vimos pensamos que serían perfectos para el proyecto que desarrolla Mushroom Pillow y les comentamos que deberían ficharlos. ¡Nos hicieron caso!

Adrián Amor Martín.

¿Qué os parece que la Rolling Stone hiciera un reportaje con las diez bandas más importantes del indie (o cómo se quiera llamar) español y no os incluyera a vosotros? A mí me indignó...

Nos parece bien que la gente se indigne. Ya está bien de injusticias a todos los niveles. Ahora en serio: está muy bien que te pongan en listas, que te den premios, que te reconozcan, pero lo verdaderamente importante es hacer lo que te gusta y que luego haya gente que venga y te diga que nuestra música es parte de la banda sonora de su vida. Nos quedamos con eso, con lo afortunados que somos por poder llevar quince años haciendo lo que más nos gusta y con las ya casi doscientas canciones que hemos publicado, y por supuesto con el nuevo álbum que vamos a grabar en noviembre con Santi García. ■

(L. J. Menéndez) Junio de 2011. Casi dos años después del artículo de David Keenan para el Wire todo es hipnagógico: Fuseli, Kago, Jarre, los ochenta, Star Trek, el space rock, el ambient, las bases de Tyler, Buñuel, los Tang de Piña, Naranjito… todo. Esta tarde me forcé a completar la crítica del primer disco de Part Time sin citar la palabreja ni referirme a John Maus -a la vuelta de todas las esquinas de unos meses a esta parte-, aunque por supuesto formaron parte del texto en algún momento del proceso. Sé que la etiqueta terminará sonando ridícula y demodé, más aún que “post-rock” en la era twitter, y sin embargo ¿por qué no puedo evitar seguir pensando en ella para referirme al 12,3% de los discos publicados en 2011?

Lo peor de todo: sé que me visitará esta noche, en sueños... ¡Qué alguien me ayude! ■

Un, dos, tres, al escondite inglés

Martin Rushent, el sonido de una generación (Xavi Sánchez Pons) El pasado fin de semana moría a los sesenta y tres años de edad Martin Rushent, un tipo que, aunque igual no os suene su nombre a las primeras de cambio, es uno de los productores británicos que ayudó de forma vital a algunos de nuestros grupos favoritos. Pieza capital para entender el punk inglés y la transición que vino después que cristalizó en la nueva ola, el legado de Rushent es mucho mayor de lo que a simple vista parece. El genial productor marcó a fuego con su trabajo a toda una generación de grupos que desde finales de los setenta y principios de los ochenta cambiaron y siguen cambiando la vida de muchas personas. A continuación repaso mis 10+1 canciones favoritas con la firma de Martin Rushent. Sirve este repaso de sincero homenaje a un grande que se nos ha ido. ■ The Stranglers “Something Better Change” XTC “Are You Receiving Me?” Buzzcocks “What Do I Get” Generation X “Wild Youth” The Rezillos “Destination Venus” 999 “Homicide” Pete Shelley “Homosapien” The Human League “Seconds” Altered Images “I Could Be Happy” Go-Go’s “Head Over Heels” The Members “Working Girl”

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JUEGOS PARA XBOX 360 "Hunted The Demon´s Forge"

DVDS

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