Mondo Sonoro julio-agosto 2024

Alizzz Dale gas

“Uno de los discos que más me importan de este año."

Arturo Paniagua

“Para emocionarse hay que arriesgar” Acero

"Una despreocupación total por cómo funcionan las reglas del juego."

MondoSonoro

“Un viaje que pasa del delirio más mundano, al delirio de quien sueña con lo imposible.”

Enderrock

5/Mondo freako

Dillom

La semilla del diablo

“Por cesárea” (Bohemian Groove, 24), segundo largo de Dillom, llegó a nuestras vidas de la misma forma en la que lo hacen las parálisis del sueño: abruptamente, con la feroz violencia de lo repentino, sin previo aviso y, por supuesto, sin piedad.

SIN EMBARGO, sentarse a hablar con el artista argentino acabó siendo todo lo contrario a ese enfrentamiento pesadillesco que uno tiene, paralizado, con la terrorífica sombra que le observa desde el marco de la puerta.

Antes de empezar a hablar de música, quería preguntarte por tu relación con el terror, elemento que vertebra los dos discos que has publicado hasta el momento. En “Post Mortem” (21) aparecen incluso referencias explícitas a Poe y Lovecraft. Yo soy muy fanático del cine de terror desde siempre, pero creo que mis temáticas siempre acaban llegando a este terreno por culpa de mis propias experiencias personales. Siempre he sabido encontrar lo atractivo y divertido de las tragedias, y me gusta atravesar las mías propias con humor. Creo que he sabido reflejar esa filosofía en mi música. Este último disco quizás sea más serio, pero también tiene sus toques de comedia. No

me transmite demasiado la música feliz. No suelo escucharla. Lo que realmente me gusta ver en un artista es el sufrimiento [risas]. Trato de hacer lo que me gusta escuchar.

Creo que esas grietas de humor en el terror son esenciales en “Por cesárea”, un álbum profundamente serio y conceptual que se permite aceptar temas como “Buenos tiempos”, en los que haces juegos de palabras con “liposucción” y “pito-succión”. ¿Te llegó a preocupar que estos momentos pudieran jugar en contra del tono del proyecto?

La verdad es que sí. Si te soy sincero, a mí lo que me es más sencillo es hacer un tema como “Buenos tiempos”. Esa es mi zona de confort. Nos encantaba pero nos dimos cuenta de que costaba incorporarlo dentro de la narrativa del disco. Tuvimos que hacer todo un trabajo para que este desenfado pudiera ser una faceta del personaje en nuestra historia. Incluso tuvimos que reescribir la letra en ciertos puntos. El tema también

“Últimamente digo que mi género musical es el horror”

3 “

tiene ese cambio de tono al final que te da a entender que no deja de ser un estado mental más del protagonista. Lo que es cierto es que “Por cesárea” no era un disco que diera mucho lugar a la joda, y la joda es lo que mejor se me da. Fue un desafío bastante grande.

En la otra cara de la moneda están temas como “Muñecas”. No te voy a volver a preguntar otra vez sobre el porqué de una canción tan incómodamente explícita, pero sí me gustaría saber si en algún momento te preocupó que la polémica llegara a eclipsar los valores propiamente artísticos del proyecto.

Miedo no me dió. A mí realmente me sirve la polémica si eso hace que la gente escuche la música [risas]. Yo obviamente prefiero que la gente se acerque a “Por cesárea” como obra, pero la polémica es algo a lo que suelo apelar bastante. Cada vez intento forzar más el límite, es algo que me divierte y me funciona. Con “Muñecas” nunca tuve miedo de que me cancelaran, estaba muy seguro de la intención detrás de eso. Me esperaba un recibimiento más negativo y es uno de los temas más escuchados del álbum.

Antes has hablado del concepto de personaje. ¿Cómo manejas el equilibrio entre ficción y biografía en esta primera persona del singular?

Siempre hay bastante de mí en los personajes que creo. Quería sacar a relucir la parte más oscura de mi propia mente. Soy muy fanático de “My Beautiful Dark Twisted Fantasy” (10) de Kanye West. Quería explorar justamente eso: lo más retorcido, eso que a todos se nos puede pasar por la cabeza y que por supuesto nunca haremos. Quería exprimir al máximo esos pensamientos tóxicos y personificarlos en una ficción.

La intro del álbum, “Últimamente”, introduce el proyecto con una línea de bajo con la que he estado obsesionado estas semanas. Siento que este instrumento es un elemento que está muy presente en

tus dos discos, cosa que cobra muchísimo sentido cuando uno se entera de que tocas el bajo desde los nueve años. El bajo es mi instrumento favorito. Aunque sea inconscientemente, siempre le pongo una especial atención. Me gusta construir los temas desde ahí. No suelo grabar yo el bajo en mis canciones. No es que lo toque mal, aunque tampoco lo toco bien [risas]. Siento que hay mucha gente que lo puede tocar mejor que yo. Algún bajo habré grabado, en algún tema más funk en el que predomine lo thrash y la finura sea algo secundario. Justamente la intro de “Últimamente” tiene un bajo muy fino y eso tiene que estar bien tocado. Así que no lo toqué yo [risas]. Pero sí me gusta estar encima de la composición de las líneas de bajo.

Te he stalkeado un poco y he encontrado tu cuenta de Letterboxd. He visto que has puesto cinco estrellas a películas como “La matanza de Texas”, “El Resplandor”, “Scream” e incluso “Beau tiene miedo” de Ari Aster.

¡“Beau tiene miedo” es increíble! Esa película la vi justo cuando estábamos cerrando el disco y me dio mucha rabia porque hubiera deseado haberla visto antes. Me inspiró en la recta final del proceso creativo para poder darle un toque más lisérgico a mi historia. ¡Ojalá me hubiera podido influenciar más!

Si tuvieras que recomendar una pelícu-

la que ver en sesión doble con “Por cesárea”, ¿cuál sería?

Creo que el disco dialoga muy bien con “Cisne Negro” (10) de Aronofsky. Tiene algunas partes teatrales que han inspirado temas como “Mi peor enemigo”, junto a Andrés Calamaro. Es una canción con cierta vibra clásica, más vinculada al baile. También tiene algo de “Réquiem por un sueño” (00), del mismo director. Me inspiró mucho visualmente.

¿Cómo entra Andrés Calamaro en el proyecto? ¿Sabe cuál es el concepto del disco antes de subirse?

Creo que ya se podría decir que Calamaro y yo somos amigos. Le conocí en Madrid hace dos años. Hacía mucho tiempo que hablábamos de hacer una canción pero nunca coincidíamos. Quería que estuviera en el disco sí o sí. Tenía preparado un Power Point para enseñárselo a cualquiera que fuera a trabajar en el álbum, para que entendiera los diferentes capítulos de la historia. A Calamaro no le enseñé el Power Point [risas]. Pero sí le conté todo sobre la narrativa y lo que quería transmitir con ese tema. Ambos teníamos que estar en la misma página para poder expresar correctamente esa sensación de estar resentido con la vida, de estar cansado de volver del colectivo a casa día sí y día también. Esa es la imagen que yo quería crear y le quedó bárbaro.

La portada de “Por cesárea” me parece

maravillosa. Ese rollo Francis Bacon dialoga genial con tu trabajo. ¿Cómo dais con esa imagen?

La portada la hizo Noduermo, mi socio creativo. Él está detrás de todos los vídeos y de toda la parte visual de mi proyecto. Al principio queríamos que la portada reflejara tres etapas del mismo personaje hasta llegar a un rostro desfigurado y monstruoso. Pero la composición quedaba rara. Al final sólo quedó una de las versiones. Nos juntamos un fin de semana y nos encerramos en una casa a pintar, probando distintas técnicas. Noduermo hizo esa pintura y nos encantó. Me quedé muy contento porque era justo lo que quería transmitir.

Este último disco es mucho más orgánico que el anterior, con una banda mucho más presente. ¿Qué opinas de que se te suela seguir etiquetando dentro de la música urbana? ¿Te sientes fuera de ella? No me siento identificado con esa etiqueta. Para mí actualmente la música urbana es algo mucho más cercano a sonidos como el del reggaeton. Realmente no llego a sentirme identificado con ninguna etiqueta. No diría que soy rockero ni rapero, por ejemplo. A mí me gusta hacer la música que me nace hacer en cada momento. Me encantaría ponerle un nombre, sería mucho más fácil. Lo único que une a toda mi música es el horror. Últimamente digo que mi género musical es el horror. daniel grandes

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LA MÍA

No somos tontos

ME GUSTA que la gente opine libremente. Puedo defender esta afirmación con tal vehemencia que sería capaz de estar haciéndolo el último segundo del último día de la extinción de la humanidad mientras otros y otras estarán emborrachándose y practicando el sexo descontroladamente. Parte de mi vida profesional está indisolublemente unida a opinar, a compartir lo que pienso sobre la música que escucho, los cómics y los libros que leo, los conciertos a los que acudo. Pero no me siento, para nada, con la necesidad de opinar de absolutamente todo, algo que se ha convertido en el mundo actual en un hobby a tiempo completo. Sin necesidad de saber de lo que estás hablando. Con soltar tu mierda en público hay suficiente. Pero mira por dónde, incluso eso no es lo que más nervioso me pone. Y aquí viene el giro, el plot twist de esta columna de opinión. El momento en el que –da la impresión– traiciono mis principios. Me gusta que la gente opine libremente, pero no siempre. Nadie que haya vivido en este país durante las últimas semanas ha podido vivir al margen del huracán Taylor Swift. Y con ella ha llegado un torrente de opiniones, algo que –como he empezado diciendo– respeto. ¿Entonces cuál es el problema, Luna, que no te pillamos? Miren, me encanta que la gente opine, incluso que la gente discuta, pero odio cuando quien opina, sea desde una red social o una cabecera, toma a la gente por tonta. Quizás estén pensando que me refiero a todos aquellos que desmerecen lo logrado por la artista estadounidense más popular del momento, cuando en realidad me refiero a quienes están en el otro extremo. No me importa que se publiquen artículos hablando sobre lo que ha hecho o conseguido cualquier artista, que se explote su éxito para hacer clickbait o lo que sea, pero odio a aquellos profesionales que escriben artículos respondiendo a quienes no conectan con Taylor Swift con la misma vergonzosa condescendencia con la que arremeten contra sus seguidores aquellos que no la entienden. Así entramos en una suerte de espiral absurda y ridícula que bien podría convertir la Ley de Godwin en la Ley de Taylor. Tan increíblemente prepotente me parece la actitud de “es una mierda y si os gusta es porque no tenéis ni idea” como ese paternalismo que he visto en diversos artículos y crónicas que, en el fondo, se podrían traducir como “es la cantante más grande del siglo y si no lo entendéis es porque no tenéis ni idea”. Por eso me pareció tan honesto el libro de Yeray S. Iborra, “El fenómeno Taylor Swift” (Sílex, 24), porque no iba de eso, sino de entender a los demás, que al final es lo que todos deberíamos intentar hacer. joan s luna

The Postal Service Death Cab For Cutie

Más de 1.800 kilómetros separan Seattle de Los Ángeles, pero no fueron obstáculo para que Ben Gibbard (Bremerton, Washington, 1976; Death Cab For Cutie) y Jimmy Tamborello (Santa Barbara, California, 1975; Dntel) compusieran a distancia aquel “Give Up” (03) que en su momento fue una fresca bocanada de pop electrónico con sensibilidad indie pop, poco usual por aquel entonces, y que con el tiempo se convirtió en un clásico del pop con mayúsculas. Lo hicieron, ojo, a través del correo convencional. Ni siquiera del electrónico.

texto Carlos Pérez de Ziriza

TANTO “GIVE UP” (03) como la obra más redonda de Death Cab For Cutie, “Transatlanticism” (03), compartían una visión de las relaciones humanas, del amor esencialmente, que se veía mediatizada por la distancia física. El primero se publicó el 18 de febrero. El segundo, el 7 de octubre. Ambos son rescatados en una gira en la que son interpretados al completo, y que pasará por nuestro país. Hablo de todo esto con Jimmy Tamborello, quien me atiende desde su casa en Pasadena (Los Ángeles), comentándome que The Postal Service contarán con la voz de Jenny Lewis y la guitarra de Dave Depper, y acordándose de un “momento Beatle” que vivieron a la salida de unos de sus conciertos españoles en el verano de 2003, cuando su coche fue perseguido por unos fans en plena calle. Lo recuerda con cariño: eran los tiempos en que Houston Party publicaba aquí sus discos, lo que siempre les hizo gozar de una nutrida base de fans españoles.

OBVIAMENTE, el éxito de un proyecto que se presumía paralelo, les desbordó. “Sí, y aún nos cuesta creer [risas]. Esto de tocar en recintos tan grandes no estaba en nuestros planes y siempre pensé que llegaría a un grupo muy reducido de personas que compartiera los mismos gustos que nosotros en aquel momento”, me confiesa. Todo vino a través de un amigo común, que fue quien les puso en contacto, aunque Jimmy y Ben ya se habían conocido cuando uno de los grupos de aquel, Arcade, teloneó a Death Cab For Cutie en Los Ángeles. Luego llegó la colaboración de Gibbard en “(This Is) The Dream Of Evan And Chan”, para “Life Is Full Of Possibilities” (01), de Dntel, y esa fue la semilla de The Postal Service.

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“Tocar en recintos tan grandes no estaba en nuestros planes”

“Creo que fue una de las últimas canciones que hice para el álbum, y quería añadir algo de sensibilidad indie a través de las voces a esa extraña música electrónica que estaba componiendo”, me dice Jimmy al hilo de tan seminal colaboración. “Me encantaba su forma de cantar en Death Cab For Cutie y buscaba una bonita voz de pop indie con electrónica experimental, una combinación que apenas se daba por entonces”, recalca.

LA CONSECUENCIA FUE que se empeñaron, sin presiones ni expectativas de ningún tipo, en crear un álbum compuesto a distancia, enviándose material a través del correo convencional, el de toda la vida. “El e-mail aún era muy lento, y todavía era normal tener penpals (amigos por correspondencia) y escribir cartas a otras personas. Esa era la única forma en la que podíamos funcionar, viviendo tan lejos”, explica. Curiosamente, la frescura no se resintió. Puede resultar paradójico, pero resultó un trabajo a bote pronto, sin posibilidad de réplicas ni grandes retoques. “Tener ese tiempo extra nos hacía pensar que no teníamos que reaccionar con rapidez a lo que la otra persona estaba haciendo, teníamos tiempo para sentarnos y procesarlo todo, y quizá si lo hubiéramos hecho online o en persona, hubiéramos dado demasiadas vueltas a todo”, asume.

SURGIÓ LA POSIBILIDAD de grabar una secuela en 2007, pero “no salía todo con la misma naturalidad, porque supongo que nos encontrábamos en lugares distintos en cuanto a gustos musicales y no hicimos ‘clic’”, y desde entonces The Postal Service se han limitado a recuperar el disco en directo con motivo de algún aniversario, como el de 2013 y el que se produjo en 2023. Ahora coincide con el también vigésimo aniversario de “Transatlanticism”, de Death Cab For Cutie, motivo por el que ambos proyectos salen de gira, pero a Jimmy Tamborello no le cuesta establecer una conexión directa entre ambos discos porque, al fin y al cabo, el autor de las letras es Ben Gibbard. “Seguro que tienen mucho en común, porque Ben escribió esas letras en la misma época, y hay algo de eso, pero no soy el más indicado para hablar sobre las letras. Creo que con The Postal Service trató de jugar más con las palabras, aunque también fuera muy personal, y que ‘Transatlanticism’ seguramente era un reflejo más directo de cómo se sentía en aquel momento”, puntualiza. Se siente, en cualquier caso, más que agradecido por un eco que nunca esperó tener hacia ninguno de sus proyectos. “Nunca esperé que tanta gente escuchara algo en lo que estuviera implicado, y me gusta tanto por la gente que tiene curiosidad y explora otras cosas como por la que se acaba de dar cuenta de que Ben canta para ambos proyectos”, dice. c p z

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EN CONCIERTO

l Barcelona 27 agosto. Poble Espanyol l Madrid 29 agosto. Kalorama r

DEATH CAB FOR CUTIE FOTO: JIMMY FONTAINE

King Hannah Road Movie americana

El dúo de Liverpool pasó por Madrid para promocionar su nuevo álbum, “Big Swimmer” (City Slang/Music As Usual, 24), generoso despliegue de emociones en el que plasman su fascinación por Norteamérica y su música, con un envoltorio clásico.

texto JC Peña foto Joséphine Leddet

GIRAR POR ESTADOS

Unidos por primera vez les inspiró para afrontar un nuevo trabajo en el que convocan los espíritus de Neil Young, Joni Mitchell, Bill Callahan, Sun Kil Moon o Slint. Sharon Van Etten colabora en un par de cortes. No son malas influencias para una colección de canciones esenciales que los británicos resuelven con sorprendente madurez. En persona, Hannah Merrick y Craig Whittle son tan encantadores como tímidos. Y uno sabe que tiene cierta edad cuando habla con personas a las que la aventura americana de U2 no les suena de nada. Así que, ¿de dónde viene esa fascinación por Estados Unidos? “Porque, obviamente, es un lugar mucho más grande que del que venimos. Es diferente, y la gente cambia de un sitio a otro. Así que las cosas que ves son nuevas, y eso te dispara nuevas ideas. Son los paisajes y lo grande que es todo”, asegura ella. A lo que Craig añade: “También es porque está muy metido en nuestra cultura, en las películas y la música. Para mí, personalmente, girar por Estados Unidos era como un sueño inalcanzable, por eso era surrealista, y tratamos de empaparnos de cada cosa”.

PARA UN EUROPEO “la disparidad entre ricos y pobres en aquel país es enorme. Incluso en Nueva York tienes casas que son como las más caras del mundo, y justo al lado hay un refugio o algo así”. Una canción como “Somewhere Near El Paso” está inspirada, según Hannah, por “un motel espantoso en el que nos hospedamos en

CRITICANDO

Big Swimmer City Slang

INDIE ROCK / Norteamérica ha fascinado a los artistas europeos desde hace mucho tiempo. Sus distancias inabarcables, sus extremos, su mitología y su cine han inspirado abundantes canciones memorables a este lado del Atlántico. Es normal que al dúo de Liverpool King Hannah le haya sucedido lo mismo, teniendo en cuenta sus gustos y pasiones. Su primera gira por Estados Unidos ha catalizado un segundo álbum que convence por un maduro clasicismo que sorprende teniendo en cuenta la juventud de sus artífices. La compositora Hannah Merrick y el guitarrista Craig Whittle exhiben influencias, de la electricidad desatada de Neil Young y Crazy Horse, a la austeridad lacónica de Bill Callahan, pasando por el eterno Lou Reed o las turbias atmósferas eléctricas en los aledaños del grunge. Bien mirado, el rock se hizo adulto también cuando en ciudades como Liverpool se metabolizaron los sonidos americanos. He aquí un disco que será escuchado dentro de diez años sin que haya envejecido un ápice. j c p

Philadelphia, cerca del aeropuerto. Las máquinas cutres de vending, las cosas terribles que vimos como las manchas de sangre en la pared, todo eso. Tratamos de escribir todo con el máximo detalle posible”. En cualquier caso, las canciones del dúo de Liverpool –de austera contención y con explosiones de punteos eléctricos a lo Crazy Horse– parecen más oriundas del recio midwest que de la ribera del Mersey. A ellos este parentesco les parece tan positivo como que, en el corte inicial que da título al álbum, brille la huella de The Velvet Underground y Lou Reed. “Nos parece muy bien que encuentres esas influencias, porque nos encanta Lou Reed. Escuchamos cosas muy variadas. Recientemente oigo cada vez más a Joni Mitchell. Me encanta. Y Neil Young. Hablábamos precisamente esta mañana de que Bill Callahan siempre ha estado ahí. Le escuchamos siempre y creo que siempre lo haremos, no es que vayamos por fases. Para los dos se trata de cómo cuenta las cosas y su voz. Lo que canta tiene muchísimo ca-

rácter, te crees cada palabra. No sé cómo lo hace, te crees su historia y te hace parte de ella”, dice la vocalista.

EL DÚO DECIDIÓ TRABAJAR con el experto técnico y productor Ali Chant (Dry Cleaning, PJ Harvey), en el entorno “casero” de su estudio en Bristol, precisamente porque se sienten próximos a su naturalismo sonoro. La simbiosis resultó en un álbum que atrapa por su crudeza. “Cada cosa que hemos ido grabando ha sonado más natural, y queríamos ir todo lo lejos que pudiéramos en este sentido. Grabamos con él porque Ali Chant tiene el mismo enfoque. Le gusta grabar a todos los músicos en la misma sala, en directo. Hicimos algunos overdubs, pero se trataba de hacer tomas en directo. Y fue interesante, porque cuando mezcló apenas usó plugins o nada. Está tal cual”, dice Whittle. Ambos reivindican el concepto etéreo y clásico de “interpretación”. Lo explica perfectamente el guitarrista. “Esto no influyó en el disco porque la vi reciente-

mente, pero oí decir a Glyn Johns [mítico ingeniero de sonido] en una entrevista que si grabas a un batería, un bajista y un guitarrista tocando juntos, no sólo los sonidos se cuelan en sus micros, sino que cada uno reacciona a cómo toca el otro. La batería afecta a cómo toca el bajista. Si añades más cosas a posteriori, la capa siguiente está reaccionando a ellos, pero los músicos que ya están grabados no pueden reaccionar a lo otro. Así que cuantas más capas metes, más te alejas del concepto original de personas tocando”.

“BIG SWIMMER” se hace fuerte en el contraste eterno entre luz y oscuridad que es parte esencial del rock clásico, como de la existencia en general. La compositora lo explica de manera curiosa. “Cuando compones una canción partes de diferentes sitios: a veces empiezas con un acorde cálido, bonito, y eso te lleva a las canciones más bonitas. Pero a veces parto de una cosa más angular o enfadada, tipo PJ Harvey, y r

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“

“Girar por Estados Unidos era como un sueño inalcanzable”

esas ideas se convierten en las más oscuras y cabreadas. Creo que eso es lo que da ese contraste entre la luz y la oscuridad”. De hecho, ambos tienen la esperanza de que el oyente escuche su disco como “un viaje”. O más bien una “road movie” con mucho carácter y riqueza emocional. “Todavía no hemos empezado a ensayar para la gira –admite Hannah–, pero nos emociona tener algunas canciones más cortas y animadas. Siempre hemos tenido las canciones largas e hipnóticas, son nuestras favoritas, pero creo que para un concierto está bien tener esos otros momentos de mucha energía. Y como grabamos de un modo tan simple, las conocemos. Queremos sacar el mejor show que podamos. Tenemos a un técnico muy bueno. Nuestro manager dio en el clavo diciendo que el técnico es… ¿Cuántos somos, cuatro? Pues el quinto miembro. Es crucial”. j.c.p.

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Observatorio Mondo Sonoro

No hay comunidad sin historia

El pasado mes de abril, participamos en Gijón Sound con una charla titulada “Un Paseo Histórico sobre el Fenómeno Fan”. No elegimos el tema de forma casual, las intervenciones posteriores a la nuestra hacían referencia al fenómeno relacionado con las nuevas tecnologías y quisimos dar contexto histórico en un momento en el que el concepto “Superfan” explota y es continuamente mencionado en todo tipo de contenidos apelando principalmente, al poder del fan como el “nuevo” gran mecenas de la industria musical.

Pero a medida que avanzábamos en la preparación de esta charla, nos dimos cuenta que debíamos poner el foco en el otro gran poder de los fans, a nuestro parecer, el más importante: Su habilidad para generar grandes historias desde las narrativas de otros y construir, a partir de ellas, comunidades fuertes y duraderas en el tiempo que además tienen una gran capacidad de impacto en nuestra cultura.

El imaginario alrededor del concepto fan está repleto de estereotipos construidos a golpe de plano a través del cine e impulsado también por otros medios. Los fans se han calificado como personas con una conducta irracional, histéricas (casi rozando la patología), características que además, casi siempre han sido atribuidas a mujeres jóvenes o adolescentes, estigmatizándolas y desdeñando su gran influencia cultural y social.

Henry Jenkins, una figura fundamental en el estudio del fenómeno fan, confronta este imaginario a través de su conocimiento y además de desmentir que este fenómeno no se ciñe a un segmento determinado de la población (mujeres jóvenes y adolescentes) sino que implica a géneros y generaciones muy diversas, también define el Fandom como un movimiento organizado que se nutre de la inteligencia colectiva, como una actividad sana, que construye pertenencia y genera comunidad.

El estudio de AmazonAds, “Insights globales sobre la cultura de los fans” lanzado en 2023, certifica con datos mucho de lo

expuesto por Jenkins en sus estudios: el 48% de los encuestados dice que su comunidad temática les ayuda a darle sentido al mundo, el 64% que su fandom es una parte definitoria de su identidad, el 78% califican el fandom como un beneficio emocional y el 46% sienten que pertenecer a un fandom los empodera, los inspira y les da confianza.

Hay varios conceptos interesantes que destacar en este punto: sentido, identidad, beneficio emocional y pertenencia.

El sociólogo polaco Zygmunt Bauman, dejó tras de sí un gran legado de conocimiento acerca de la sociedad en la que vivimos y además de escribir un libro dedicado

exclusivamente al concepto de “Comunidad” (lectura que recomendamos), también introdujo un término con el cuál definió la vida, el amor, la identidad… Lo “líquido” en nuestra contemporaneidad, aquello que no permanece, que se diluye en un abrir y cerrar de ojos.

Lo líquido es lo que determina hoy muchas esferas de nuestra vida. Vivimos en un mundo veloz, muy complejo, al que es difícil darle sentido. Las identidades vienen y van y el pertenecer a algo más grande que uno mismo, es casi una utopía. Y ya todos sabemos, que los problemas de salud mental afectan a una parte considerable de la población. En medio de este mar, podríamos definir el fandom como una gran roca sólida a la que aferrarse para sobrevivir a una contemporaneidad que nos ahoga.

Porque el Fandom ha sido siempre y lo sigue siendo, sinónimo de comunidad.

Hoy se habla mucho de construir comunidades, pero también sabemos lo difícil que es, no sólo construirlas, sino que permanezcan, que trasciendan. Y es que como muchas otras cosas, las comunidades hoy se diseñan para el aquí y el ahora. Nos dirigimos a nuestras audiencias buscando generar un gran impacto con un disparo veloz, que las atraviesa por un instante, pero que no deja una sola huella en ellas. Las convertimos en audiencias atomizadas y las dirigimos de un lado al otro, mientras tratan de hallar un sentido que no encuentran. Las convertimos en audiencias líquidas incapaces de pertenecer. Nos sentimos cómodos en el corto plazo, se nos olvida que lo que une a una comunidad son las historias y que las buenas historias, se tejen con tiempo.

Para que las historias se vuelvan poderosas, los que las escuchan, deben tener el espacio y la oportunidad de apropiárselas, de hacerlas crecer y de convertirlas en su propia historia. Porque una comunidad, siempre está unida por una gran historia de la que todos son partícipes.

No podíamos escribir sobre el fenómeno fan y no nombrar a Taylor Swift y es que ella ha entendido desde el primer momento el poder de las historias. Lleva contando la suya a través de su música desde su primer álbum y además, fomenta a través de los Easter Eggs que introduce en sus publica-

historia compartida

ciones, videoclips, entrevistas…, no sólo la interacción con sus fans, también que estos pasen horas publicando contenido y deduciendo qué historia hay detrás de cada uno de esos “mensajes ocultos”. Desde luego hay varios tipos de fans, pero Taylor tiene los realmente “valiosos”, que son aquellos que son capaces de crear y de amplificar su historia y eso sólo sucede, porque sus fans se sienten parte de ella.

Los fans son grandes creadores de historias, lo han sido siempre y además lo han sido sin ser retribuidos económicamente en la mayoría de los casos. Sin embargo, podemos leer infinidad de artículos, webs, etc. con mensajes como estos: “Superfan, el nuevo inversor de la industria musical”, “Figura dispuesta a gastarse su sueldo en discos, entradas y camisetas. Identificable y explotable”, “El fandom está fuera de control, cómo aprovecharte de él”... La pregunta está clara… ¿Qué piensa un fan cuando lee estos mensajes? ¿Es acertada esa forma de comu-

“

“Una historia no genera empatía porque alguien la haya concebido: necesita ser atendida para que sea poderosa”

Kae

Tempest, en su libro "Conexión"

nicar? ¿Qué tipo de relaciones podemos construir desde ese punto de partida?

La mirada hacia el fandom sigue siendo únicamente extractiva. Sí, es cierto que no podemos obviar la consecuencia económica que tiene un fandom para un artista, pero si queremos crear una verdadera comunidad, la comunicación debe mostrar que entendemos que nuestra audiencia está constituida por personas, que muchas de ellas buscan en esas comunidades estructuras que les permitan seguir adelante con sus vidas, expresarse, sentirse acompañados, realizados… La esencia de una comunidad, como decía Bauman, es que esta implica estar con y para el otro.

Historias compartidas por personas, eso es lo importante. Así se construye comunidad.

El Observatorio Mondo Sonoro es posible gracias a: Célula LAB, BIME, RootedCON, AiE, LeCluf y Arena España con Havas Play. n

LA INSPIRACIÓN de su gente, la tierra y el océano que la rodea, surcos donde florece una mirada al pasado, a la infancia, a la juventud, a esos veranos interminables y a ese tiempo que se nos escapó entre los dedos y que siempre ansiamos recuperar; con “¿A dónde vas niño?” como punto de partida y semilla de la que germinan el resto de canciones. “Lanzarote no es solo el eje de este tema, sino del disco entero. Ha sido la primera fuente de inspiración para todas las canciones. ‘El Porvenir’ es un disco conceptual y ‘¿A dónde vas niño?’ tenía todo el sentido de que fuera la primera, mirando hacia mi etapa de la infancia y la juventud, la que viví allí en Lanzarote, cien por cien. Pero mirar a ese pasado sin melancolías, porque yo soy cero melancólico, y esto en contrapunto a la otra frase, ‘¿A dónde vas?’, es como mirar atrás, pero siempre mirando adelante. Esta canción resumía bien el punto de partida del disco, un tema que musicalmente tuviese muchas influencias, muchas pinceladas de lo que se viene ahora con los demás temas, por eso es tan frenético. Y a la vez eso: ‘Vengo de aquí, de Lanzarote, y a ver a dónde voy’”.

DE LA GRAN OLA DE ELECTRÓNICA folk directa al corazón en “Famara”, junto a Depedro, a la irresistible belleza de “Ceniza”, con Valeria Castro como compañera de raíces y ritmos electro-volcánicos, pasando por la onírica “Al límite”, acompañado de Juancho Márquez, o ese rap combativo en el que fluye house, ritmos latinoamericanos y R&B en “El Cerro y el Mar”, de la mano de Çantamarta. “Realmente, el disco nació de unos meses en los que yo tenía ganas de quedar con gente, con colegas artistas y músicos, quedar en el estudio para hacer música por hacer música, porque yo sentía que llevaba muchos años haciendo música siempre con un objetivo final, hacer un disco o concentrado para producir un tema que iba a salir… Y estas nuevas canciones, en principio, nacieron de sesiones en el estudio con colegas, sin ningún tipo de pretensión, quedar simplemente para hacer música. Entonces, después de esas quedadas, que fueron varios meses, me di cuenta de que allí había un disco, y ya fue cuando puse un poco la marcha y ‘Venga, vamos a terminarlo y a completarlo’. Pero todo nació de esas quedadas con colegas artistas, y cada día que nos veíamos, nacía una canción. Era como, hostia, volver a jugar con la música como cuando empecé con quince años, con mis colegas en un garaje. Esa era la idea”.

Ale Acosta

Bola de espejos sobre los volcanes

Ale Acosta el que fuera mitad de Fuel Fandango, se estrena en solitario con “El Porvenir” (Warner, 24), un debut rebosante de música de baile y club a ritmo y latido de su isla de fuego, Lanzarote. Electrónica festiva y progresiva, palpitante de vitalidad y frescura, bajo esa luz y ese toque orgánico tan definitorio en todos sus proyectos.

texto David Pérez

CRITICANDO

El Porvenir Warner Music Spain

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ELECTRÓNICA / Música de baile y electrónica de club a ritmo y latido de la isla de las montañas de fuego, Lanzarote. Volver al pasado con cariño, pero sin nostalgia, echar la vista atrás, pero siempre caminando y mirando hacia adelante. Ese es el pulso y la luz que fluye en “El Porvenir”, el sobresaliente debut en solitario del productor y músico lanzaroteño Ale Acosta. Disco conceptual y retrato costumbrista que, a lo largo de sus eclécticas, pero unificadoras y orgánicas ocho pistas, recorre paisajes conejeros y recuerdos que despiertan aromas, colores y sentimientos a flor de piel. “El Porvenir” encierra y libera un verano infinito propio y, mientras el atardecer, anochecer y amanecer nos pilla bailando. d p

ECLECTICISMO SONORO en movimiento y búsqueda sin tregua, de los sones africanos y el trance tribal-futurista en “Marfil”, a la fuerza del viento en la pistera y huracanada “Cuestión de fe” de cierre. Entender la música siempre como un juego, como una herramienta para investigar y experimentar en un diálogo sin pausa entre diferentes géneros. Ya lo hacía en Mojo Project y lo siguió haciendo, junto a Nita, en Fuel Fandango hasta su reciente separación. “El Porvenir” parte también de esa inquietud liberadora, con la música de baile como cámara magmática en continua efervescencia. “La música siempre me la he tomado como un campo de experimentación, de buscar siempre sonoridades nuevas, no atarme nunca a un estilo, sino buscar cosas diferentes. Desde siempre he escuchado muchos estilos de música y es lo que intento plasmar en la música que hago. Entonces, este proyecto en solitario sigue ese espíritu, pero también tendiendo un poco más a la música de baile y la electrónica, porque es una faceta que he llevado en paralelo en estos casi veinte años de carrera… Soy DJ, he pinchado muchísimo, hago también

“

"La música siempre me la he tomado como un campo de experimentación"

remezclas, pero la música de club no había tenido salida en un disco en concreto. Entonces, este proyecto en solitario está un poco relacionado con todo eso, es decir, explotar más esa faceta mía de música de baile y de club que me ha acompañado durante todos estos años”.

LO QUE FUE y lo que está por llegar, “El Porvenir”, y “qué bonito fue aquel tiempo…”, la gente y los recuerdos vividos como hilo conductor de un disco que rezuma pura vida, con voces familiares de rico acento y sampleados con aroma a salitre y paisajes sonoros entre riscos, jable y lugares mágicos de encuentro. “La Sociedad del Porvenir era, en los años sesenta y setenta, el punto neurálgico de Lanzarote, con las mejores verbenas y bailes. Ahí se conocieron mis padres y se casaron. También allí escuché por primera vez música en directo y donde recuerdo que tuve mi primer chispazo cuando alguien pinchó ‘The Wall’ de Pink Floyd”. Una gran bola de espejos sobre volcanes y un homenaje sincero a “la isla en la que yo viví y que me ha hecho como persona. Quería poner en valor toda esa parte. Lanzarote, y Canarias en general. No son sólo unas islas de turismo, no, ahí viven personas y hay una historia y una energía muy especial detrás de cada una de ellas, y esa energía es la que quería transmitir un poco en este proyecto”. d.p.

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MONDO FREAKO

“Cuando era joven creía que era una tía dura”

Cansei De Ser Sexy Buenas amigas

Corría 2003 y unas chicas de São Paulo subieron a Internet “Let’s Make Love And Listen To Death From Above”. Sacudida digital. Cansei de Ser Sexy cambiaron la manera de hacer música en su país, desconcertaron y agradaron a partes iguales. Ahora visitan nuestro país para celebrar su carrera.

CUATRO DISCOS EN OCHO AÑOS y después, silencio. Pero tranquilo todo el mundo, quien tuvo, retuvo. Trece años después, la banda sudamericana más prolífera del indieslaze vuelve con “It’s Been a Number of Years Tour 2024”. Una gira mundial que llevará a Lovefoxxx, Luiza Sá, Ana Rezende y Carolina Parra a salas de todo el mundo. Hablamos con su frontwoman Luísa Hanaê Matsushita, también conocida como la icónica Lovefoxxx, quien acabó siendo cantante de la banda por casualidad. Como ella cuenta, llegó tarde al primer ensayo porque no pudo salir a tiempo del trabajo, así que tuvo que aceptar la posición que quedaba libre: la voz de CSS. Con la perspectiva que da haber hecho la rama americana del tour empezamos a adentrarnos en su mundo. “Ha sido maravilloso este retorno. Los shows estaban

llenos, muchos fans y caras nuevas”. Su mayor inseguridad, confiesa, era la de no tener la misma energía que cuando empezó. Pero nada más lejos. “Creo que incluso estoy mejor ahora que cuando era más joven. Llevo una vida más sana, ya no me quedo sin aliento. No por haberme hecho mayor tengo menos energía, sino todo lo contrario”.

SIN PERSPECTIVA DE UN NUEVO ÁLBUM, su mejor baza son sus hits de siempre. Teniendo en cuenta que muchas veces nos avergonzamos de nuestros yos del pasado, le pregunto por cómo lo vive ahora. Se ríe. “Me las miro con mucha compasión, creo que al final son muy monas por las letras que tienen. Cuando era joven creía que era una tía dura. Pero es una monada, todo iba sobre salir de fiesta, beber, sexo y acostarse con gente. Es entrañable. Me siento muy orgullosa de nosotras por darlo todo con la música cuando éramos jóvenes. No siento que sea algo cringe, sino algo muy dulce”

Sus letras retrataron de manera atemporal el frenesí de ser rabiosamente jóvenes, comer pizza, tener mal aliento, salir de fiesta y querer tirarte a alguien. Imparables y divertidas a partes iguales. “Esta energía algo tonta sigue ahí, es lo que nos movió en su día, y es lo que nos sigue moviendo ahora como CSS”. Pero aunque su filosofía siga ahí, la perspectiva es muy distinta. “No estamos aferrándonos a este reencuentro para darle

sentido a nuestras vidas. Tenemos vidas plenas. Y esto aporta mucha luz y ligereza a la manera en la que lo hemos enfocado, hace que las cosas sean más actuales, nuestra presencia en el escenario es cien por cien presente”. Esa sinceridad brutal y un directo arrollador fue lo que las colocó en lo más alto. Pero parte de la crítica no lo vio así. “Fue horrible. Me traumatizó un montón. Ya no era únicamente hablar de cómo tocábamos, sino que hablaban de nuestros cuerpos, de que éramos feas, tontas, unas putas. Eran muy crueles”. Eso no impidió que ellas siguieran su camino. Lo que viene ahora es más ligero que nunca. Energía a borbotones y temas que ya forman parte de la historia colectiva. “Ahora el grupo ya no es nuestro trabajo. Gracias a esto nos lo podemos tomar como unas vacaciones con nuestras mejores amigas y conocer mundo durante tres semanas”. eva sebastián

EN CONCIERTO

l Barcelona 04 julio. Razzmatazz l Madrid 05 julio. Copérnico

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PROTÉGETE DEL SOL Y DE LAS CANCIONES DEL VERANO

WOS vuelve a nuestro país. Esta vez el motivo es presentar su tercer álbum, “Desechable” (Dogito/Dale Play, 24), trabajo que está presentando en diversas ciudades españolas. Sobre él charlamos con el artista argentino.

texto Adriano Mazzeo

DESDE LA EDICIÓN de su primer largo, “Caravana” (19), se intuía que WOS era un freestyler diferente, con gustos e intenciones que trascendían al hip hop, dentro de la ascendente y variopinta escena argentina. Timoneando junto a su productor Evlay una carrera en claro crecimiento desde sus comienzos en las batallas callejeras del barrio de Caballito en Buenos Aires a los escenarios de las batallas de gallos de todo Hispanoamérica, Wos llega al momento actual presentando su tercer álbum, “Descartable”. Desde su casa en Buenos Aires, el artista se emociona con semejante agenda. “Me entusiasma mucho ir a lugares nuevos como Murcia o Coruña. Por suerte cada vez quedan menos por conocer. Volver a España con una gira larga es muy lindo, la pasamos increíble. En todo sentido es un lugar en el que nos gusta estar y tocar”. En cuanto a lo musical, “Descartable” es un disco en el que WOS se planta más que nunca en la idea de cambiarle la cara al popular y extendido rock argentino mediante incursiones melódicas y canciones ambientales. Aún sin perder las mañas y su pertenencia al mundo urbano, WOS se desafía a lo grande. “A mí siempre me ha interesado ir abriendo mi universo cada vez más. Todo empezó más pegado a las letras y el rapeo para luego explorar otros géneros y que aparezca algo más cantado, en un formato más canción. También le estoy dando mucha importancia a los silencios que es algo que me cuesta por venir de una raíz como es la del rap. En el caso de ‘Nuevas coordenadas’, comienza con el silencio de mi voz y me parece lindo que proponga un clima sonoro antes de que aparezca el significado, el sentido de la palabra”. Precisamente al respecto del sentido de las palabras, llama la atención que el álbum se llame “Descartable”. Aunque suene a autoboicot, el argentino tiene una explicación para el concepto. “La palabra aparece por la sensación de estar viviendo en un ritmo social acelerado con mucha demanda de productividad, de mucha

“

"Volver a España con una gira larga es muy lindo"

información y al mismo tiempo que sintamos que nada llega, que todo tiene cada vez menos vida y sea más ‘descartable’. Entonces aparece la pregunta de si hay algo más allá de eso, algo que pueda quedar, que deje huella, al menos en mí. Quizás a otros pueda parecerle pretencioso, pero frente a tanta maquinaria funcionando yo tengo esa sensación de descartabilidad”.

“DESCARTABLE” se presentó en Buenos Aires el pasado mes de abril, en un estadio frente a más de cincuenta mil personas. Ya en disco, WOS contó con invitados tan dispares como interesantes: Dillom, Gustavo Santaolalla, Natalia Lafourcade y el Indio Solari, cantante histórico y personaje de culto sin igual en el rock argentino. “Tenerlo en el disco es algo hermoso. Da una sensación como de un abrazo; uno viene haciendo las cosas de una manera, transitando un camino y allí encontrarse con una persona como el Indio que es alguien a quien siempre admiré por su forma de hacer las cosas… No hay nada más lindo que encontrarse con ese abrazo. Para mí es como un regalo enorme, puesto que era algo muy probable que no sucediera”. Solari forma parte de “Quemarás”, un medio tiempo gótico de letra tan oscura como protagonista resumida en una frase de Solari que afirma que “Menos sabemos, más

Marca personal

sospechamos”. Al respecto, WOS comenta “Es un poco lo que hablábamos de esa sobreinformación, de esa cantidad de voces. Esto aparece también en ‘Cabezas Cromadas”, este ruido blanco del que hablo. Quizá antes las cosas se transmitían a través de una única voz que te obligaba a escuchar y ahora la manera parece ser a través de una cantidad de voces infinita, todas diferentes entre sí y a máximo volúmen. Todas mezcladas, todas juntas para que no se pueda distinguir una cosa de otra. Cuanto más violencia y más ruido se genere desde todos lados, mejor, así estamos todos bien aturdidos por ahí”.

“DESCARTABLE” es definitivamente un disco preparado para el directo. Es fácil imaginar esos temas coreados en masa, situación de importante influencia en el momento en que WOS se pone creativo. “El sonido de mucha música en sus inicios nace del lugar en el que se está tocando, ya sea la música de pubs o de iglesias. El contexto se te cuela en la situación de creación, claro”. Y agrega, reflexivo: “Es loco ser referente para tantos pibes. Es algo que no pienso demasiado. Pero sí lo siento, lo vivo. Me pasan mil cosas con eso y me sigue sorprendiendo cada vez que tenga a toda esa gente delante cantando conmigo. Cuando les ves cada a cara, te cuentan alguna historia de lo que les pasa con tu música. Esa energía forma parte de lo que voy construyendo. Es un alimento, un pulso que, por momentos, también trae sus vértigos y sus contradicciones. Por eso mismo no pienso demasiado al respecto y trato de mantener la dinámica de hacer, recibir, dar y hacer circular esa energía de parte de esa gente muy linda”. a.m.

WOS r

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l A Coruña 03 julio. Sala Pelícano

Sevilla 05 julio. Icónica

Madrid 11 julio. WiZink Center

Murcia 13 julio. Plaza de Toros

Valencia 16 julio. Viveros

Sum 41

Adiós amigos

Tras veintisiete años de carrera profesional, Sum 41 cuelgan las botas y se despiden de su público por la puerta grande: con una vastísima gira mundial y un último disco de estudio, titulado “Heaven :x: Hell” (Rise, 24). Podremos verles defendiéndolo en el madrileño Mad Cool el 12 de julio.

texto Fran González

foto Travis Shinn

AUNQUE LA DECISIÓN de los canadienses de colgar las botas pillara a muchos con el pie cambiado, su bajista Jason McCaslin, aka Cone, nos la argumenta con bastante criterio, transmitiendo en sus palabras el deseo de sus compañeros de cerrar su actividad de la manera más elegante y justa posible. “Es gracioso porque mucha gente, al escuchar los adelantos de nuestro nuevo disco o venir a vernos tocar, nos pregunta que por qué lo dejamos justo ahora, que estamos objetivamente en nuestro mejor momento”, nos cuenta Jason al inicio de nuestra charla. “Y justo ahí está la respuesta. Entendemos que a muchos fans les cueste verlo con nuestros ojos, pero para nosotros tiene todo el sentido del mundo. Queremos que la gente nos recuerde haciendo las cosas bien, por eso decimos adiós ahora, sabiendo que la banda se encuentra en un momento tan dulce. Si hubiésemos decidido dejarlo dentro de unos diez años, por ejemplo, cuando ya a nadie le importase nuestra música ni quiénes somos, habría sido definitivamente una despedida mucho más triste y menos memorable. En cambio, despedirnos ahora nos parece la mejor muestra de respeto hacia nuestros fans”.

POR SUERTE PARA ESTOS, los canadienses nos conceden un último baile a través de un álbum doble que tratará de condensar en un mismo plano las diversas aristas de su propuesta: por un lado, un tramo destinado a capturar su raíz pop-punk, y por otro, una retahíla de cortes que nos recuerdan su reciente aproximación al

CRITICANDO

Heaven :x: Hell Rise Records

7

PUNK POP / En una época en la que la nostalgia cotiza alta, las giras de despedida pueden durar años y los reencuentros consiguen movilizar a fans acérrimos y casuales, es inevitable recibir con cierto escepticismo cualquier notícia de una banda que se separa. Por el momento, parece que Sum 41 no va de farol. Tras 27 años de carrera, Deryck Whibley anunció que ya no quedaba camino por explorar con la banda, pero antes se despedirían con su LP más ambicioso. "Heaven :x: Hell" se convierte así en el canto de cisne de los canadienses, un doble álbum en el que el concepto es tan simple y evidente como efectivo. Si sus fans siempre se han dividido entre su vertiente más pop punk y los tanteos al Heavy Metal, en este último largo se proponen reunir sus dos facetas no como una pugna, sino como lo que siempre han sido: las dos caras de la misma moneda. El último álbum de Sum 41 es una celebración de todo aquello que ha sido la banda, con sus aciertos y sus errores, con destellos de todas sus etapas. montse galeano

metal alternativo. “Lo cierto es que el álbum no partía con ninguna intención inicial. Simplemente fue nuestra particular distracción durante la pandemia”, apunta Cone, que tiene a bien recordarnos que el disco se compuso antes del anuncio de su respectiva ruptura. “Poco a poco nos fuimos dando cuenta de que estábamos empezando a tener muchas canciones, pero muy diferentes entre sí. Nos preocupó la manera en la debíamos generar un espacio lógico en el que conviviesen temas tan dispares como ‘Landmines’ y ‘Rise Up’, y entonces fue cuando, de forma completamente natural, llegamos a la conclusión común de que este trabajo debía de ser un álbum doble que respetase el carácter propio de cada estilo”.

UNA EXCUSA, seguramente celebrada por muchos, para volver a verles reencontrándose con su sonido base y más característico. “Muchas de estas canciones, de hecho, podrían haber formado parte del ‘All Killer, No Filler’ (01) perfectamente. Y es curioso, porque Deryck nos confesó en su momento sentirse del todo incapacitado para volver a escribir letras de ese estilo, pero definitivamente logró recuperar la inspiración y nos demostró a todos una vez más tener una habilidad única para desarrollar temas tan pegadizos. Son canciones en clave alta que, de algún modo, irradian felicidad y euforia, y estamos seguros de que van a funcionar muy bien en directo”.

LA CARA MÁS AZUCARADA de “Heaven :x: Hell” nos permite, asimismo, derivar la conversación al pasado, a los años de sus grandes gestas y de sus álbumes más queridos por el seguidor más nostálgico. “Aquella etapa fue la más loca de nuestra vida con diferencia”, señala entre risas Cone, cuando le preguntamos por el despunte mediático de la banda, a principios de siglo. “No soy muy de pensar en aquellos días, a no ser que me lo pregunten, pero a poco que le dedique un poco de tiempo a recordar cómo fue aquello, en seguida termino alucinando. Piensa que firmamos nuestro primer gran contrato teniendo diecinueve años y al día siguiente nos subieron a una furgoneta para recorrer Norteamérica sin descanso. Nos tomábamos muy en serio la música, pero todo lo demás era puro cachondeo. Éramos una banda cachonda, ya sabes, así

que todo lo que tenía que ver con nosotros o con lo que hacíamos tenía que ser divertido por regla general. Y eso desataba situaciones de lo más rocambolescas. Todo lo que puedo decir de aquellos días es que fueron muy divertidos. Somos amigos desde el instituto, así que vivir algo como aquello te marca de por vida”.

EL FUTURO, por su parte, parece completamente abierto para la banda, y por lo pronto, poco o nada parece preocuparles el mañana, teniendo en cuenta sus compromisos inminentes. “Reconozco que no me he parado a pensar en el futuro de forma seria”, confiesa. “Quizás me esté autoprotegiendo. Pero lo cierto es que hago música desde que tenía trece años y, francamente, me cuesta mucho imaginarme a mí mismo haciendo otra cosa completamente distinta a partir de ahora. Todavía no he pensado de qué manera, pero sé que seguiré involucrado en la

“

“Despedirnos ahora nos parece la mejor muestra de respeto hacia nuestros fans”

industria de alguna u otra forma, de eso estoy seguro. El tiempo dirá”. Un tiempo que les llevará mientras tanto a recorrer el mundo de extremo a extremo por última vez, hasta concluir en Toronto, para una doble cita de despedida. “Trato de tener mi mente ocupada en otras cosas. Solo sé que estarán nuestras familias y amigos, habrá lágrimas y todo será muy emotivo. Espero no romperme, pero no garantizo nada”. f.g.

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l Madrid 12 julio. Mad Cool l Lisboa 13 julio. Nos Alive

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Gene Simmons

Los viejos rockeros

Gene Simmons no puede parar quieto. Quienes creían o sospechaban que tras colgar el bajo con Kiss dejaría de subirse a los escenarios, andan errados. Este verano estará actuando en nuestro país al frente de la Gene Simmons Band.

texto Toni Castarnado

“ “Con la música te olvidas de tus problemas, del trabajo o de esa novia que te ha dejado de hablar”

MIENTRAS gestiona sus negocios, quien fuera bajista y uno de los cantantes de Kiss ha ideado una gira al frente de su Gene Simmons Band. Respaldado por Brent Woods (guitarra), Jason Walker (guitarra) y Brian Tichy (batería), aterrizará en España. “Al margen de la comida y el buen tiempo, ¡tenéis a las chicas más guapas! España es un país fantástico. Me encanta la mezcla entre el norte de África y las melodías del flamenco. Además, ustedes sonríen mucho. Te encuentras con alguien en la calle y siempre escuchas un ‘¡Hola!’. Y claro, es mejor eso que ‘¡Qué te jodan!’ [risas]”, contesta con algunas de las palabras en castellano. Al tipo que ha vivido mil cosas, que –se cuenta– gestionó la carrera de Liza Minnelli, descubrió a Van Halen, ejerció de orador para la NASDAQ e incluso se llevó un premio Forbes, le encanta la gastronomía, la nuestra y la suya. No en vano tiene la cadena de restaurantes Rock & Brews. “De España me atrae vuestra tradición gastronómica, la historia que tiene. Estados Unidos es todavía un país muy joven y no tiene ese

recorrido. Nos falta ese tipo de educación. Además tenéis una gran variedad. No es lo mismo Cataluña que Galicia o el sur del país. Es algo que siempre digo cuando me preguntan cómo sois los españoles. Y lo hago extensible también al resto de Europa. Para conocer cómo se vive en Francia o Italia, hay que vivirlo en persona, visitando esos lugares y disfrutando de la gastronomía”.

LA GENE SIMMONS BAND se ha puesto en marcha para actuar tanto en salas como en festivales, pero desde una perspectiva muy diferente a la caravana que movían Kiss en cada tour mundial. “Con esta gira no quiero estar pendiente de managers ni de camiones. Esto es otra cosa, otra clase de diversión. Quiero subirme a tocar sin más voluntad que la de disfrutar sobre el escenario sin pensar en otras cosas. Y hacer cosas que nunca hicimos en Kiss. Fijarme en las raíces básicas de la música, desde Dylan o Frank Zappa hasta el ‘Ace Of Spaces’ de Motörhead”. Hay que disfrutar del momento. No hay tiempo que perder. “Estoy metido en mis propios negocios, pero lo que quiero es pasarlo bien. No hay mayor placer que subirse a un es-

cenario y compartirlo con la gente. Compartir, sea una broma, sea sexo... Cuando escribes o pintas, es algo que haces a solas y luego tiene su recompensa si a alguien le gusta tu trabajo. Pero la música es otra cosa. Es algo que debe disfrutarse en comunidad, y eso es impagable”.

SI HABLAMOS DE ESAS RAÍCES básicas de la música, debemos acudir a The Beatles, el primer descubrimiento musical de Simmons que le cambió la vida. “Me gustó mucho el documental ‘Let It Be’. Tiene el mismo perfil que ‘Get Back’. A menudo pienso en Paul [McCartney] cuando decía que no desconectaba nunca, que siempre tenía la cabeza dando vueltas. Por eso, por ejemplo, la melodía de ‘Yesterday’ la descubrió en un sueño [Simmons la empieza a tararear]. ¿Sabes lo más increíble de The Beatles? Que lo lógico era que algo así ocurriese en Londes o París, pero no... ¡Pasó en Liverpool! Y eso es excepcional. Con toda la música que había, country, música negra, rock’n’roll, la Motown, música y música, y ellos destacaron por encima de todo”.

Y YA QUE HABLAMOS de películas y documentales, en primer lugar le comento

que, en la película “Especialistas”, de reciente estreno, dirigida por David Leicht y protagonizada por Ryan Gosling y Emily Blunt, suena “I Was Made For Loving You”, una oportunidad para que los más jóvenes se acerquen a su música y a su legado. De hecho, Kiss es el perfecto ejemplo de banda que pasa de padres a hijos manteniendo toda su magia pese al paso de los años. “Lo he dicho antes. Todo gira alrededor de la felicidad de la gente. A veces, cuando alguien muere, no tienes nada a lo que agarrarte, pero siempre va a haber una canción que te rescatará y te traerá recuerdos. En los campos de fútbol, cuando la gente canta ‘We Will Rock You’ de Queen, eso es emocionante. Y si una canción nuestra suena en una película, siempre podrás ganar a un nuevo seguidor y bien podría ser un niño que te escucha por primera vez”. En segundo lugar le comento que en un documental reciente sobre la canción “Macarena”, se incluye aquel simpático vídeo viral con Simmons intentando cantarla [me la canta, esta vez con mejores resultados]. “Recuerdo el momento [risas]. Es una canción universal que todo el mundo conoce, también su icónico baile. Aunque a mí me gusta más r

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‘Black Is Black’ de Los Bravos. Les conocí a través de Tarantino, que les incluyó en la banda sonora de una de sus películas”.

LO QUE ES EVIDENTE es que Gene Simmons no sabe estarse quieto. Su vida gira alrededor de la música y de Kiss. De hecho, Simmons gestiona todos los derechos de los productos relacionados con la banda, pese a que ya no existan. Por eso aprovecho, como músico y hombre de negocios que es, para preguntarle por Taylor Swift. “Ella es grande. Y lo es por una cuestión muy sencilla. Toda aquella persona que se sube a un escenario y logra que millones de personas sean felices cuando te ven se merece absolutamente todo mi respeto. Con la música te olvidas de tus problemas, del trabajo o de esa novia que te ha dejado de hablar [risas]”. t c

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EN PORTADA

HA PASADO MÁS de una década desde que le vi por primera vez sobre un escenario, pero poco queda de aquel Alizzz. La bass music de aquellos días ha dado paso a muchas otras cosas, aunque su talento se mantiene intacto. Por el camino, Cristian Quirante se ha convertido en un nombre de referencia de la escena urbana y del nuevo pop de nuestro país, primero como productor y compositor, ahora como motor de un proyecto propio en el que el de Castelldefels combina todos sus conocimientos en favor de la canción. Siempre de la canción. Eso es lo que hizo en el exitoso “Tiene que haber algo más” (Whoa Music/Warner, 21) y lo que ha continuado haciendo en el reivindicativo “Boicot EP” (23) y en su más reciente “Conducción Temeraria”. Alizzz estará actuando este verano en algún festival, pero tendremos que esperar hasta el próximo año para verle en salas.

AL ESCUCHAR “Tiene que haber algo más por primera vez” por primera vez era imposible no sorprenderse por el salto al vacío sin red de Quirante. Mientras todo el mundo esperaba que continuase trabajando para terceros y aumentando su prestigio y su caché, él optaba por firmar un disco de pop de guitarras en el que, por si no hubiera suficiente, se encargaba de la voz principal. Y en esas sigue con “Conducción Temeraria”, en el que trabaja una vez más con sus músicos de apoyo e invitados como Maria Arnal, Cuco, Renaldo & Clara o Conociendo Rusia. Sobre todo ello charlamos con Alizzz en nuestra oficina de Barcelona. El resultado anda sobrado de buenas canciones y de un trabajo en cuestiones de sonido francamente atractivo.

“Tiene que haber algo más” nos pilló más por sorpresa y con este, tal vez, sabíamos más por dónde podrías ir. ¿Cómo te planteaste este segundo disco? Directamente no me había planteado ni hacer un segundo disco. Siempre estoy haciendo canciones. Cuando acabé el primer disco ya tenía un par de ideas para el siguiente, porque pensaba que no sonaban como el primer álbum. La semana en que estaba acabando el primero ya estaba haciendo una canción para meterla last minute, pero recordé una cosa que dijeron Estopa [de quienes acaba de remezclar “Del revés”], que saben mucho de hacer discos: “Cuando sacas uno, tienes que tener el siguiente preparado”. Pero yo no tenía nada, así que me guardé esa canción como una bala. Quedó

congelada, guardada, y al final ha entrado en este disco con una producción diferente. Por el camino tuve varias ideas. Tuve un momento en el que pensé en hacer un disco rotísimo muy cañero, punk muy oscuro y me montaba mis películas. Pero conforme ha pasado el tiempo, las canciones han ido encontrando su camino. Uno de ellos fue de canciones reivindicativas, más de crítica social e ironía. Fueron las que rápidamente se distanciaron de lo que sería “Conducción temeraria”. Les di otra vuelta, un empaque conceptual y las preparé para lo que fue “Boicot”. Fui haciendo canciones y canciones y al final vi que tenía ganas de crear un disco que hablase de relaciones personales,

de amor y todo eso. Así que las más reivindicativas o las más fáciles no cabían. Como “Sexo en la playa”.

Amor, pero también velocidad, carretera... El concepto es importante en este caso.

La velocidad y vivir de manera temeraria es lo que me daba pie a hilar las canciones y dar una capa conceptual que me permitiera crear imágenes, videoclips, etcétera. Incluso me ha ayudado a describir ese universo en las letras. La canción más obvia en ese sentido es “Carretera perdida”, porque encima me molaba empezar el disco con la frase “Súbete a mi lado que yo conduzco

Alizzz

Quemando Rueda

Cristian Quirante Catalán es Alizzz, un artista que despuntó a la sombra de otros, pero que ha tenido el valor suficiente para, sin abandonarla, aparcar su consolidada faceta de productor en la cuneta para pisar el acelerador al frente de su propio proyecto musical. “Conducción Temeraria” (Whoa Music/Warner, 24) es su último paso hasta la fecha.

hoy”. Invito a quien me escuche a que se suba conmigo a este viaje.

Estás ya muy acostumbrado a trabajar con gente que compone canciones y me comentas que, en este caso, has pensado en que fuera un disco más de banda. ¿Qué peso tienen realmente? Mi banda somos cuatro, sobre todo he colaborado con Ferran y Rodrigo, que son los directores de la banda y les delego gran parte del directo. Hacen un trabajo muy importante. Y la verdad es que hemos crecido todos mucho durante la gira. Tanto ellos como productores, como yo con sus gadgets e instrumentos. Rodri ha grabado

prácticamente todas las percusiones del disco y Ferran ha vivido en mi casa componiendo todo el disco mano a mano. Al ser yo productor, soy capaz de darle forma a mis ideas y llevarlas lejos, pero el resultado final se lo hemos dado juntos.

Una de las cosas que más me gusta de este álbum es el tratamiento de las guitarras. ¿Cómo se han trabajado? Ferran toca muy bien, pero lo que mejor hace es el diseño de sonido. Todo lo hemos hecho con material de primera, con un Space Echo de cinta, pedales increíbles… Al principio no le daba mucho valor a todo el tratamiento, pero al escuchar lo que iba

grabando, flipaba con lo bien que quedaba. A ese tratamiento le hemos dado muchas vueltas. Hemos grabado mil guitarras, algunas se han quedado y otras no, pero sí que le he dado el valor a ser el elemento principal de la producción. Hay cosas que aún no se han escuchado aunque sea el instrumento de siempre. Incluso las guitarras más sencillas, con acordes planchados, suenan de la hostia. Para el oído es muy atractivo. Puedes escucharlo aunque no entiendas nada de lo que estás escuchando.

Antes decías que no esperabas publicar un segundo álbum, así que volvamos al pasado. Cuando publicaste “Tiene que mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

texto Joan S. Luna

haber algo más”... ¿Qué expectativas tenías y cuáles has tenido con “Conducción temeraria”?

Con el primero ha habido muchos puntos en común. Desde que empecé a hacerlo ni siquiera sabía que sería un disco. Cuando empezaron a salir los singles vi que empezaba a tomar una dimensión que no esperaba y me fui adaptando a ello. La bola iba haciéndose grande sin hacer yo demasiado esfuerzo. Las canciones iban molando y había expectación. Aunque sí que tuve la sensación de que todo cogió mucho más músculo cuando salió el disco, cuando se demostró que todo tenía un hilo argumental y un sentido. También con los directos. Las primeras fechas fueron sold outs en Razzmatazz y Ochoymedio, con lo que me di cuenta de que estaba haciendo algo que era real en el mundo real. Y luego el disco salió en casi todas las listas del año. Estuvo guay porque era un primer álbum que sonaba fresco, nunca se me había oído, no había expectativas. Todo era más sencillo, Ahora con el segundo ya me han escuchado, hay más expectativas, todo es más complicado.

¿Cómo llevaste eso? Cuando pinchabas se te veía poco tras los platos, empezaste a colaborar con mucha gente y tu cara

cada vez se veía más. ¿Pero estabas preparado para ser el frontman de un proyecto o te pilló por sorpresa?

Creo que lo he llevado bien. Lo he disfrutado y ha sido divertido. Me ha gustado dar la cara con este proyecto. Me parecía que era algo con valor artístico, que tenía algo que decir y me he sentido bien en todo momento dando la cara. Al final ha ido bien. Si hubiera ido regular, tal vez me hubiera costado más llevarlo adelante. Creo que Sr. Chinarro lo dijo una vez: “Lo difícil no es actuar delante de setenta mil personas, sino delante de setenta”. Ahí es cuando tu ego está más tocado. Pero he tenido la suerte de que el proyecto ha sido siempre un éxito y siempre he tocado delante de mucha gente. Creo que, mientras vaya bien, es fácil liderar un proyecto.

Ya que hablamos de primeros momentos. ¿Qué sentiste en el primer concierto, después de estar siempre en segundo plano, al estar defendiendo tus letras y tu música, con tu propia voz y con la gente sabiéndose las canciones?

Es un choque porque, como dices, llevo toda la vida en un escenario pero es diferente. Es una mezcla de nervios de no saber qué va pasar, pero casi no recuerdo eso. Re-

cuerdo todo como un momento de euforia y alegría, aunque luego igual digo “Esto lo he hecho fatal”. Pero en el primer concierto hubo mucha comunión con el público y creo que no se notó que era mi primer concierto. Estaba viviendo eso como algo nuevo, pero al tener un feedback tan grande del público todo fue más sencillo. Me tomé un chupito de no-sé-qué y salí al escenario. Me enteré de todo y fue bonito, así que tengo un muy buen recuerdo.

Al margen de la banda, has tenido muchas colaboraciones en ambos discos. En el caso de Amaia y Tangana está claro cómo surgieron, pero respecto al resto ¿Cómo acabaron existiendo?

Con Little Jesus, conocí a su manager en las giras de Pucho, era su productor en México. Y también lo ha sido de mi gira mexicana. Little Jesus eran mis artistas referentes de lo que yo hacía, pero en México. Era una voz que me gustaba y les mandé la canción. Eran los artistas que más me gustaban para abrirme a ese lado del mundo. Siempre he trabajado con gente más o menos cercana. Para este disco he trabajado con Maria [Arnal] y Clara [Renaldo & Clara], que son muy cercanas. Con Cuco ya iba a hacer algo en el disco anterior, pero el día que llegué

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a Los Ángeles cerraron los vuelos por la pandemia y no pudimos hacerla, pero lo he podido cazar para este disco. Y Conociendo Rusia, no le conozco personalmente, pero a nivel musical tenemos una conexión enorme y todas las canciones que le enseñaba le molaban. Al final le envié la que era más potente para hacer. No quería hacer con él algo random, sino una canción que incluso fuera single.

Acabas de decir que “Little Jesus eran mis artistas referentes de lo que yo hacía, pero en México”. ¿Y cómo te ves tú aquí? Sin quererlo he sido un nexo entre la música de guitarras de la escena independiente de los 2000-2010 con el urbano. Estoy haciendo de bisagra ahí. Soy ese tipo de artista.

La colaboración con Clara, es la canción en catalán del disco. ¿Te planteaste que debía aparecer algún tema en catalán?

Me motiva escribir en catalán y me están pasando cosas con gente que me relaciono en catalán, así que me salía escribir en este idioma, como en esta historia con Clara. Veremos en el futuro, pero está claro que es algo que seguiré haciendo.

“

“Quería hacer cosas que me salieran viscerales”

Lo que sí que es cierto es que es una canción que encaja en el imaginario del álbum, muy alejada de “Que pasa nen”, que era muy reivindicativa, con todo lo que se generó alrededor... La canción era un Mcguffin. La conversación que hubo fue más política que artística. La canción estaba guapa y ya está. Si la escuchas y no sabes lo que digo, está guapa igual.

¿Tu intención era liarla? Sí, sí. Tenía unas cuantas frases que pensaba que estaban bien tiradas. La canción molaba y sobre todo pensaba que sonaba guay, eso era indudable. Pero todo lo que decía pensaba que estaba justificado. Era un discurso sólido. Tenía fisuras y contradicciones, pero me da igual. Era una canción que intentaba levantar algo de polvo y crear debate. Había frases bien tiradas que sabía que iban a doler a alguna gente.

¿Y esa gente se dio por aludida? Sí. Hubo gente que se dio por aludida y se enfadó. De una canción que te cabe en medio folio se escribieron artículos de páginas creando justificaciones y retorciendo sus discursos hacia dónde les interesaba. Pero todo me pareció bien, hasta que la gente mostrase también sus propias contradicciones. Me pareció un éxito que se hablara del tema, porque si no se hubiera hablado a nivel político hubiese sido un poco fiasco.

Una vez escuchado “Conducción Temeraria”, tengo la impresión de que quizás experimentarás más cuando alguien venga a buscarte y que en tu proyecto te quedarás con canciones más indie pop. No sé. No sé el camino que tomaré, pero sí noto que quizás lo que haga en el futuro será completamente diferente. He aprendido a hacer este tipo de canciones, que son más de banda, y me están llegando muchas propuestas de bandas que pueden llegar a sonar más a lo que estoy haciendo. Tengo algún proyecto de estos que me interesa, pero también tengo cosas que siguen la línea de lo que venía haciendo, música más vanguardista, electrónica para experimentar y hacer cosas más extrañas. En mi

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proyecto me he comido mucho la cabeza porque quería hacer cosas que me salieran viscerales, así me sale lo mío y así lo enseñaré al mundo.

Estabas en tu etapa electrónica e imagino que ni siquiera te planteabas llegar a hacer pop.

Ni me lo planteaba, porque no sabía cómo hacerlo. Es lo mismo que cuando empecé en la electrónica. Pensaba “¿Pero cómo lo hace esta gente?”. No sabía ni por dónde empezar, pero acabé sabiéndolo hacer. También son tus limitaciones. Si hubiera sabido que yo podría ser cantante, a lo mejor lo hubiera sido antes, pero no me di cuenta hasta que me puse a intentarlo.

De hecho, esa era una pregunta que quería hacerte. ¿Por qué tardaste tanto en cantar?

La primera canción que canté la hice por el 2010, una versión de The White stripes que nunca salió. Recuerdo tontear con esa faceta, pero no la estiré por el motivo que fuese. Cuando empecé con el primer disco fue por experimentar, me sentía metido en una vorágine de una vida que me gustaba, pero sí que necesitaba hacer algo más. Una tarde me salió una canción, me gustó y me divertí. Recuperé algo de chispa de hacer algo motivado. Estar en el tren o en el hotel y grabarme con el micro del iPhone. Me vi encontrando algo que me parecía excitante otra vez, cuando había perdido un poquito las ganas

Siendo más mayor que otros artistas, ¿te ha costado arriesgarte y empezar con una nueva etapa?

Me ha parecido una temeridad hacerlo. Siento que tomo muchas decisiones de manera arriesgada. Cuando acabé “El Madrileño” (21) me salieron muchas más producciones a las que tuve que decir que no porque estaba haciendo lo mío. En ese momento, tras ganar premios, debería haber ido a Miami a forrarme, pero prioricé este proyecto porque me apetecía más y sé que no soy capaz de hacer algo si no me apetece mucho. Igual me ha salido mal a nivel económico, pero me ha ido de puta madre en el sentido de que estoy contento con este camino que he tomado. j s l

EN CONCIERTO

EL DISCO. RECUPERADO.

Serafin No Puss Collide (2003)

AÑO 2003. El líder de The Pixies visita nuestro país con un nuevo proyecto, Frank Black & The Catholics, y la coartada de un nuevo disco bajo el brazo, “Show Me Your Tears”. El que esto escribe acude a la cita barcelonesa, en la sala Bikini, pero principalmente por los teloneros, un cuarteto afincado en Londres cuyo disco debut escuché compulsivamente. Se llamaban Serafin y su sorprendente primer trabajo era este “No Push Collide” que recuperamos (y reivindicamos) dos décadas después. La banda no tenía mucha historia previa, algo que jugaba a favor de su aureola misteriosa. Los cuatro miembros de Serafin se conocieron poco antes de publicar su largo debut. Procedían de ambientes musicales e incluso países diferentes, de ahí seguramente esas estéticas diferenciadas que tanto llamaron mi atención. Los fundadores de la banda eran el inglés de origen peruano Ben Fox Smith (cantante y guitarra) y el neozelandés Darryn Harkness (guitarra, teclados, coros). La base rítmica encargada de grabar el disco, que no la original, estaba formada por Ben Ellis (bajo) y Ronny Growler (batería), aunque este último duró apenas un año.

LOS DOS SENCILLOS escogidos para vendernos el lote fueron “Things Fall Apart”, con el estribillo más melancólico y accesible del disco, y “Day By Day”, un corte impetuoso pero tremendamente melódico, en la onda de los primeros Foo Fighters y Feeder. Ambos se colaron en la radio, fuente principal de descubrimientos musicales en los primeros dosmiles, con permiso de Myspace, y muchos picamos el an-

zuelo y nos adentramos en “No Push Collide”, un agujero negro con latigazos melódicos y letras enigmáticas. Producido por el estadounidense

David S. Sardy (Far, Jet, Band Of Horses), “No Push Collide” presenta un sonido tan áspero como fascinante que atrapa desde la inicial “Stephen’s In The Sky”, que siempre entendí como la versión cafre de la beatleliana “Lucy In The Sky With Diamonds”, hasta la final “Who Could I Be”, una inquietante declaración de amor que arranca como una inofensiva balada semiacústica y remachan con mucha mala leche. Entre una y otra, una buena pila de momentos impagables: la pegadiza “No Happy”, la acelerada “Lethargy”, medios tiempos rabiosos como “Ordinarily Me”, una “Green Disaster Twice” que parece haberse escapado del “The Bends” (95) de Radiohead y ese guiño a nuestro país titulado “Peaches From Spain” con la fragilidad de Elliott Smith sobrevolando. Su sello, Taste Media, intentó colocar al cuarteto a rebufo de sus compañeros Muse, que acababan de publicar su rutilante tercer trabajo, “Absolution” (03), pero esa gira conjunta no fue suficiente para colocarlos en la primera división. Serafin eran demasiado alternativos y no encajaban en la fiesta “revival” dominada por The White Stripes, The Strokes y Franz Ferdinand, los grandes triunfadores de 2003 y 2004. La banda capitaneada por Ben Fox Smith volvió a intentarlo cuatro años después con un disco autoeditado, “To The Teeth” (07), pero apenas recibieron atención y entraron en una especie de letargo intermitente. luis benavides

TAN. CERCA.

RR La Paloma anunciaron hace poco el cierre de su gira en Barcelona y Madrid, pero ahora suman cinco nuevas fechas con las que despedir su exitoso álbum “Todavía no” (La Castanya, 23): Vigo (10 octubre), A Coruña (11 octubre), Zaragoza (30 noviembre), Murcia (13 diciembre) y Elche (14 diciembre).

RR Sidonie despedirán su álbum “Marc, Axel y Jes” con dos grandes conciertos finales, pero antes nos sorprenden apostando por dos pequeñas salas. Podremos verles el 6 de febrero en Heliogàbal (Barcelona) y el 12 de febrero en la Sala Siroco de Madrid.

RR Marala y Queralt Lahoz unen fuerzas para darle forma a “Copeo Traïdor”, una canción que combina al mismo tiempo denuncia y hedonismo sobre una base de los productores Toni Fort y Arnau Giménez de ZOO

RR Tras sus remixes de los propios Delaporte, Sandra Delaporte publica su primer epé bajo el nombre de ALEXXANDRA, “Canciones de Amor”. Una muestra más de su pasión por el techno más robusto, duro y casi industrial.

RR Fuel Fandango, el dúo formado por Ale Acosta y Cristina “Nita” Manjón, nos dice adiós. Y lo ha hecho a través de un inesperado y sentido comunicado que han compartido a través de redes sociales.

RR Mujeres y La Élite lo anunciaron recientemente en redes sociales. Ambas formaciones se habían juntado para dar forma a una nueva muestra de “rock y amistad”. El resultado es “Cardio y caladas”. Una colaboración inesperada pero muy efectiva.

RR El próximo disco de Amaia es uno de los más esperados por lo que respecta a pop en castellano. Pero de momento las noticias han sido escasas. Tras el estreno del single “Nanai”, ahora anuncia el que será el mayor concierto que haya dado en Barcelona y un WiZink Center en Madrid. El concierto de Barcelona será el 21 de febrero de 2025 en el Sant Jordi Club y el de Madrid será el 23 de febrero. MS

Alu Una sintonía

“EG Boy”, “Atab”, “Wetin” o “digyal” son algunos de los sellos personales del barcelonés que, con tan solo veintiún años, se ha consolidado en la escena musical nacional con un estilo propio, arraigado a la cultura africana y guineana.

TAL Y COMO EL PROPIO Alu lo describe: “Simplemente es una esencia, una vibra, una sintonía”. Una sintonía que Alu ha vivido desde pequeño en su ciudad, Bata. Rodeado de música no solo por la cultura, sino también por vivir al lado de un Centro Cultural Español en el que se organizaban eventos y talleres a diario, la música siempre ha estado presente en su forma de vida y en su forma de ser. Su inspiración principal es el Afro, no por decisión, sino por naturaleza.“Ha sido algo más cultural que premeditado, por la cultura y

el entorno en los que he crecido”. El joven cantante recuerda salir a la calle y que no faltara la música. “O había un bar con música a tope, o había un bautizo, o una boda, y todo el mundo iba para allá”. Tal y como él lo ha vivido siempre, la música ha constituido una herramienta para transmitir un mensaje, una emoción, o un baile. “Cada estilo de música está relacionado con un estilo de vida y, al final, es entender ese estilo de vida para poder expresarlo”. El Afro empieza desde la comida, y está en las expresiones, en los colores y en el baile. El Afro lo envuelve todo.

A PESAR DE ESTAR CENTRADO en su carrera en solitario, Alu se adentró en la industria a través del baile. La historia se remonta al 2012, año en el que la compañía de los hermanos mayores del productor español Bexnil acudieron a Guinea para dar un workshop en el Centro Cultural que Alu frecuentaba junto a su hermana Afri K. Atraídos por el talento de los dos pequeños hermanos guineanos, quisieron

“Cada estilo de música está relacionado con un estilo de vida”

RR El próximo 23 de agosto verá la luz “ROMANCE” (a través de XL/ Popstock!), el esperado nuevo largo de Fontaines D.C. Y escuchando canciones como “Favourite”, segundo avance tras “Starburster”, tenemos claro que será uno de los discos de la temporada.

RR En septiembre podremos escuchar el que será el segundo álbum de SOPHIE, un disco póstumo que publicará Transgressive y que ha sido completado por su hermano Benny Long con ayuda

de diversos artistas del círculo de la propia SOPHIE.

RR Coldplay han anunciado un nuevo trabajo, “Moon Music”, que verá la luz el próximo 4 de octubre. Ahora anuncian que habrá una tirada especial del disco facturada con plástico recuperado de un río de Guatemala gracias a la ONG The Ocean Cleanup.

RR El británico Jamie XX continúa adelantando canciones que formarán parte de su próximo

The Teskey Brothers Transmitiendo un sentimiento

Charlamos con Sam Teskey, que junto a su hermano Josh forman esa bicefalia de uno de los grandes nombres actuales del blues & soul & gospel rock aprovechando que este mes nos visitan.

NOS VISITAN PARA PRESENTAR ese “The Winding Way” (Universal, 23) en el que la influencia de los sonidos del sur de Estados Unidos, y en concreto de Stax y Atlantic, se

presenta más clara que nunca en el combo australiano. “Has dado en el clavo. Realmente me encantan esos discos. El álbum de Wilson Pickett en el que Duane Allman toca la guitarra es una gran influencia para nosotros. No hay palabras que puedan describir su versión de ‘Hey Jude’”. Los Teskey empezaron su carrera hace muchos años, concretamente en 2008, aunque tardaron en publicar su primer álbum la friolera de nueve años. “Sí, empezamos mucho antes del primer disco, y nos fuimos recolocando. Solo tocábamos en directo y estábamos contentos con ello. Era algo amateur hasta que nos pidieron empezar a tocar en bodas

y cosas así cobrando. Al mismo tiempo empecé a construir un pequeño estudio en mi casa, y empecé a grabar a otras bandas. En 2016 nos dimos cuenta de que en nuestros shows había más música propia que nunca, así que creímos que era el momento de grabar”. Dado que hablamos con Sam, y que en otras bandas de hermanos –pensamos rápidamente en The Kinks, Oasis o The Black Crowes– ha habido problemas de convivencia, no podemos evitar preguntarle cómo es tocar con Josh. “Me encanta su tono, pero principalmente lo conectado que está con los sentimientos. No hay nada como cuando Josh canta y siente una canción al mismo

traerlos a la capital. Sin embargo, Alu y Afri K no aterrizarían en Barcelona hasta 2013. Ahí, a raíz de un evento, se reencontraron y se apuntaron a la escuela de baile de los hermanos del productor. El resto es historia. De esa escuela nació la Cutemobb: “Leïti, Sam, Safu, Ugo Boulard… Todos nacemos un poco del baile”, recuerda. El baile es un pilar clave en la música de Alu. “No lo medito, pero sí que hago música que se pueda bailar”, detalla. “El baile es otro lenguaje para mí, es puro movimiento que puede expresar mucho”.

AUNQUE EN 2024 HA PUBLICADO temas como “CHOP”, Alu despidió el 2023 con “Joga Bonito”, una apuesta nueva en la que los sonidos de influencia Afro que caracterizan al joven, se mezclan con un toque de funk brasileño. “’Joga Bonito’ fue un paso hacia el objetivo de seguir moldeando mi sonido y seguir añadiéndole toques de personalidad”, razona. “Quizás no esté tan vinculado a Brasil, pero son sonidos y ritmos tropicales”. Trabajando junto a su

productor de confianza, el cantante y bailarín no busca definir su música. Influencias del afrobeat y subgéneros africanos como amapiano, kuduro, kizomba, entre otros, son algunos de los primeros que le vienen a la cabeza. Sin embargo, hace música por sentimiento y para que llegue a un público amplio: “Quiero ir a Guinea y que mi música la pueda bailar un niño, y una abuela”. patricia castellar

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l Barcelona 07 julio. Oyofe Fest l Málaga 17 agosto. Emage Fest l Benicàssim 21 agosto. Rototom l Madrid 15 septiembre. Afrobrunch

álbum, “In Waves”, a publicar en septiembre. Ahora le toca el turno a “Life”, una canción en la que cuenta con Robyn como vocalista invitada. Ya puedes escucharla en plataformas.

RR El pasado 19 de junio falleció a los setenta y un años de edad James Chance, saxofonista y líder de James Chance & The Contortions, uno de los iconos de la no wave y de la primera generación punk funk.

RR Después de presentar en sociedad “A Different Light”, primer avance de su

tiempo. Siempre digo sobre él que Josh no canta, porque cantar es para los oídos. Lo que él hace es para el alma. Está transmitiendo un sentimiento, no un sonido”.

ASÍ SE PRESENTAN por primera vez en nuestro país, con la sensación de que “en el escenario es donde nos sentimos libres no únicamente para tocar, sino también para experimentar. Es algo similar a lo que hacemos en los discos, pero diría que un poco más indulgente. Llevábamos tiempo intentando tocar en España, pero las cosas no acababan de cuajar, y ahora parece que, por fin, todo cuadra. Es como cuando me preguntabas por nuestro primer disco. Supongo que no podía salir en otro momento. Era necesario esperar hasta que las estrellas se

próximo trabajo, Trentemøller ha compartido “Dreamweavers”, un nuevo adelanto que sirve para titular el disco, que se publicará el 13 de septiembre a través de su sello In My Room.

RR La banda irlandesa U2 sigue adelante con la recuperación/publicación de su serie de EP’s “U2 TO LOVE AND Only Love. DEEP DIVES & B-SIDES”. Ahora le toca el turno a “Mofo EP”, que incluye diversos remixes del tema del mismo nombre que aparecía en “Pop” (97), firmados por Flood y el maestro del drum’n’bass Roni Size. MS

alinearan. Eso es parte de la filosofía que tengo hoy día para hacer álbumes y escribir canciones. Es algo que simplemente no puedes forzar”. Y nosotros no nos lo perderemos. Aprovecharemos esa alineación de los astros para disfrutar de una banda a la que llevamos mucho tiempo esperando, con la convicción de que esa espera habrá merecido la pena. eduardo izquierdo

r

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l Madrid 19 julio. La Riviera l Barcelona 20 julio. Razzmatazz

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MONDO FREAKO

Torbellino escénico como es, Lila Downs nos visita y eso siempre es una excelente noticia. Son más de dos décadas las que lleva la vocalista, compositora, antropóloga, productora y actriz mixteca renovando la música mexicana, y aún está exprimiendo los notables argumentos de “La Sánchez” (Sony, 23).

ESTA GIRA es aún de presentación de “La Sánchez”, tu último álbum, o no tiene nada que ver?

Sí, es todavía, porque acabo de hacer un proyecto con Niña Pastori y con Sole Pastorutti [el EP “Raíz. Nunca me fui”, de cinco canciones, publicado el 30 de mayo de 2024], y hablábamos de los ciclos de los discos, y yo les decía que sí, que ni siquiera ha cumplido un año el disco, así que claro que lo seguimos presentando. Parece que el ritmo de todo es como que tenemos que apurarnos, y creo que no hay que prestarse a eso. El arte es el arte, y si te toma cinco años, te toma cinco años. Y si quieres girar con esa música, tienes todo el derecho a hacerlo.

He visto en tus redes sociales que has estado con The Roots hace unos días en Filadelfia. ¿Trabajando en algo?

Fui para un concierto hermoso, producido por un sindicato de allí, y fue lindo porque fue para todos los trabajadores de los hoteles, de los restaurantes, de los servicios públicos… Me votaron a mí como artista latina, a Joan Jett And The Blackhearts como artista anglo y a The Roots como artista afro, ya que en Filadelfia predomina la raíz afroamericana. Fue un honor. Ojalá podamos hacer algo juntos, claro.

¿Cómo ha sido el trabajo con Niña Pastori y Sole Pastorutti, que me comentabas antes?

Felices de poder volver a reencontrarnos. Musicalmente, nos unen muchas cosas. Y personalmente nos separan diez años que ya pasaron. Nuestros hijos ya están más grandes. Ojalá hubiéramos tenido más tiempo para vernos e ir a cenar juntas, para compartir la vida y estar más felices. Porque la vida es una, y se pasa volando.

Vives en Oaxaca, y siempre has sido como una embajadora cultural de tu tierra, una de las más desfavorecidas de México. ¿En qué medida crees que tu notoriedad contribuye a que la gente

“Con la música he tratado de encontrar ejemplos de sonidos originarios, folclóricos”

Lila Downs Fuerza natural

conozca su problemática?

Es una responsabilidad que yo asumí en el momento en que traté de comunicar un poco de la belleza de mi pueblo. Y de los diversos pueblos del país del que provengo. Son sesenta y nueve etnias diferentes, con sus idiomas y tradiciones muy vivos. Y cada etnia tiene su expresión cultural, importante dentro de nuestro país. Y te ofrece también ese conducto a su belleza y a su respeto de comunidad, de autonomía y de conocimiento. Por lo tanto, con la música he tratado de encontrar ejemplos de sonidos originarios, folclóricos, también más nacional, que respeten y hablen de estos temas, que son importantes para nosotros. Desde esa visión empezó todo esto, también desde la migración, porque vengo de

un pueblo muy migrante, los mixtecos, y eso sigue permeando en la música y en las letras de mis canciones.

Una gran diversidad y complejidad, de lenguas y de culturas. Pero parece que los mensajes que triunfan, desde el ámbito de la política, son los que tienden a uniformizar. Los más simples y sencillos. Populistas, por lo general. Quizá la música con mensaje como la tuya sea más necesaria aún.

Es una polarización que está ocurriendo en todas partes, y estos discursos que critican al populismo: hay que plantearse qué significa el populismo, porque eso está cambiando. Para mí el populismo significa algo noble, y de fuerza de protección a los

que no han sido protegidos durante cientos y miles de años. Pero algunos políticos se aprovechan de la palabra “populismo” para utilizarla de una manera con la que nos hieren, nos lastiman, nos hacen daño. En México también estamos en esa polarización. Creo que los gobiernos que están trabajando con programas sociales, interesa que aún estén en efecto, y vamos a seguir por ese camino en mi país. Todo depende de cómo se está realizando el trabajo que planea nuestro gobierno, que creo que lo está logrando, en este caso. Se verá en las elecciones. Yo pienso que sí va a seguir, aunque podemos caer en la extrema derecha, cosa que no es extraña ni en el resto de Latinoamérica ni en tu país [la charla tiene lugar días antes de que sea elegida Claudia Sheinbaum– Pardo Morena, candidata de la coalición Sigamos Haciendo Historia].

Has introducido un matiz importante: la perversión del lenguaje, en la que los partidos de extrema derecha son expertos. Términos como “populismo” o “libertad” cobran en sus manos un significado distinto.

Claro. Hay una canción muy conocida en Latinoamérica, escrita por León Gieco, que dice “Solo le pido a Dios que la guerra no me sea indiferente”, que predica temas muy pertinentes ahora, aunque quizá el Dios al que se refiere no es muy aceptable en este momento porque carga a la derecha. Quizás en otro momento sí que ese Dios significase algo cotidiano, y así vamos cambiando de perspectiva. Ahorita noté que en este disco con Niña Pastori y Sole Pastorutti hicimos una canción que se llama “Todo cambia”, que es un mensaje también muy profundo y muy interesante sobre el momento que estamos viviendo, creo. Son canciones que pueden hacerse grandes con el tiempo, a través de los ciclos vuelven a revivir. Hay que seguir cantando y componiendo cosas. Creo que estamos en una etapa muy interesante en la que en el songwriting, tanto en español como en inglés, hay grandes cambios. De lenguaje y de manera de decir las cosas. Más directo. Me encanta.

¿Te gusta algo especialmente? Me gusta mucho Sílvia Pérez Cruz, por ejemplo. carlos pérez de ziriza

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l Caldas de Reis 06 julio. Portamérica

l Granada 10 julio. Plaza de Toros

l Marbella 12 julio. Starlite

l Lanuza 14 julio. Pirineos Sur l Barcelona 15 julio. Alma Festival

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WALA. WALA.

“En Europa llevamos sin hacer nuestra propia gira desde 1997. Y tampoco quiero hacerla solo por vanidad y perder dinero”

Steve McDonald de Redd Kross en Rockzone

“Para mí, un DJ es alguien que enseña a la gente el valor de la música y les educa. Es alguien que transmite un bonito recuerdo y, de alguna manera, es responsable de ello”

Peggy Gou en L’Officiel

“Cuando empezamos, no conocíamos a la mayoría de las bandas con las que nos sacaban influencias, y que por supuesto posteriormente lo fueron”

“Tengo la esperanza de que la gente recuerde a los artistas mexicanos por lo duro que hemos trabajado y lo orgullosos que estamos de representar nuestro país a lo largo y ancho del mundo”

Peso Pluma en Spin

Perro en Muzikalia

“TRAS LA PANDEMIA HE ESTADO TOCANDO MUCHO EN ACÚSTICO, LO QUE ME LLEVA A MIS PRIMEROS DÍAS, CUANDO TOCABA EN BARES Y CAFETERÍAS”

Beck en Double J

ALPHA BLONDY * BEENIE MAN * BUSY SIGNAL

ALBOROSIE & FRIENDS * THE WAILERS

BLACK UHURU * FERNANDOCOSTA * GROUNDATION

ISEO & DODOSOUND * BAD MANNERS * SFDK

FLAVOUR * SKIP MARLEY * ROMAIN VIRGO

PETER TOSH 80 TRIBUTE W/ ANDREW TOSH & SOUL SYNDICATE * TWINKLE BROTHERS

THE CONGOS & THE GLADIATORS * GREEN VALLEY * ETANA

JOHNNY CLARKE & DUB ASANTE BAND FT MATIC HORNS * CHAMBAO * FYAHBWOY & FORWARD EVER BAND

O.B.F X IRATION STEPPAS * MIDNITE * MARCUS GAD & TRIBE

JESSE ROYAL * LOS CHIKOS DEL MAÍZ * NATTALI RIZE

SKARRA MUCCI * MO’KALAMITY * BIA FERREIRA

SAMUEL BLASER ROUTES DON DRUMMOND TRIBUTE

MANUDIGITAL FT DAPATCH * NAOMI COWAN

DR RING DING MEETS THE MAGNETICS

SANTA SALUT * ROOTZ UNDERGROUND * ANIER

PURE NEGGA * KHALIA * SR WILSON & GRIFFI * JAH LIL

SIKA RLION * GOTOPO * LXS NADIE * RUDYMENTARI

WICKED DUB DIVISION MEETS NORTH EAST SKA JAZZ ORCHESTRA

MAIN STAGE MCs FREDDIE KRUEGER & SISTAH VIBES

DANCEHALL GENERAL LEVY * STYLO G * MAUREEN * WALSHY FIRE

KYBBA BASSHALL MOVEMENT * BECCA D FT TESSELLATED * DJ RASSARELLA

LITTLE LION SOUND * NORTHERN LIGHTS * HEAVY HAMMER

LAMPA DREAD * DJ KANZER DEF SQUAD * ALL’CHEMIST * FENSHI SOUND

PLAN B * SUNGUN SOUND * UNTOUCHABLE SOUND * REGGAE TIME SOUND

DOCTA RYTHM SELECTA * 90 DEGREE SOUND * URBAN CORNER

RUDE WAGON SOUND * DIRTY RAW FT ÀNGEL & SLOWLY * DJ LUIZ DUBS

SKYLARKIN’SOUND * EAST END ROCK * TNT SOUND * IKNO SOUND * REBEL MUSIC

SELECTA PETTY FOX * DJ OWEY * SELECTA EMPRESS

DUB ACADEMY powered by AGOBUN * AMOUL BAYI FAMILY FT SAAH KARIM & GALAS * CHALART58 * COCO & ROWSI

DIGITAL DUBS FT JR.DREAD * EL GRAN LATIDO

GREENLIGHT SOUND SYSTEM * HIGH NEBRA & INDRA MC JAEL * JAH TUBBYS FT DIXIE PEACH & MACKY BANTON KEMADITO SOUND * KIBIR LA AMLAK * KING ALPHA LASAI ROOM IN THE SKY W/ DONOVAN KINGJAY * SELECTAH TUTI SERENA * SINAI SOUND SYSTEM * SUNS OF DUB FT DANNIELLA DEE WORD SOUND & POWER FT JIMMY RANKS * YUGO TAGUCHI

JAMKUNDA STAGE NEW AFRO SOUNDS WITH THE PARTICIPATION OF AFROBRUNCH * ZSONGO * FOLLOW THE PARTY * AFROVILLAGE * OYOFE SPECIAL GUESTS SHOPSYDOO * DJ SOGOOD * ALU HOSTS WIZPROBLEMA * MAKURIYA

JUMPING NATTY BO * VITO WAR * NONAI SOUND * SISTAH VIBES KINGS OF REGGAE JUNGLE FT KARLIXX & PABLO DREAD POLETTO & BIGMAPHIA FT MC CHAMPIAN & BUNNA AFRICA UNITE NO PROBLEM COLLECTIVE * LA REINA DEL FOMENTO * CHAMA-SKA

- 21 AGOSTO 2024 BENICÀSSIM

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MONDO FREAKO

Descendents Son leyenda

El pasado verano, Milo

Auckerman, vocalista de Descendents, sufría un leve accidente cardiovascular en nuestro país a escasas horas de actuar en Barcelona. Por suerte, aquello ha quedado atrás y ahora podremos verles en concierto.

HACIENDO ACOPIO de su leyenda, lo más duro para Milo Auckerman no fue lidiar con sus problemas de salud, sino saber que aquello iba a suponer la obligada cancelación del resto de actuaciones en directo. “Ahí vino otro tipo de dolor en el corazón, ya me entiendes”, bromea al otro lado de la pantalla, mientras charlamos. “El dolor físico que esto te causa es chungo, pero el dolor de tener que cancelar una gira es casi peor que un infarto”. Afortunadamente para Milo, Bill Stevenson (batería y miembro fundador) se quedó junto a él en Barcelona y le acompañó durante todo el transcurso de su hospitalización y su cirugía. “Bill y yo tenemos una habilidad innata para sacarnos una sonrisa mutuamente hasta en las situaciones más desasosegantes”, cuenta. “Después de la cirugía vino a visitarme a diario y comenzamos a hacer aquellos famosos vídeos para Instagram,

con los cuales nos divertimos mucho. Llenar de luz ciertos momentos de oscuridad hace que, con los años, lo que recordemos sean precisamente esos chispazos de humor y de ligereza en lugar de la miseria y el mal rollo. Siempre he apreciado eso de él y si no hubiésemos aprendido a quedarnos con el lado divertido de las cosas habría sido muy difícil para nosotros continuar con la banda”. Tan pronto como tomaron rumbo de vuelta a Estados Unidos, Milo se puso manos a la obra para lograr estar en plena forma y regresar así a los escenarios lo antes posible. “Después de un mes y medio de pruebas me dieron el visto bueno para poder volver a subirme a un escenario. Así que no hay vuelta atrás, volvemos a Europa y saldaremos cuentas”.

REENCONTRADOS YA con su público tras el percance, a nadie se le escapa observar que la banda continúa renovándose y en directo logran seguir conquistando a los más jóvenes, tal y como harían años atrás. “Nunca planeamos que nuestra música pudiera conectar con la gente joven de ahora o les pudiera resultar atractiva, pero supongo que hay algo en aquello que hacemos que irremediablemente se mantiene fresco”, dice Milo, agradecido de seguir sintiéndose relevante. “Tocamos deprisa y nuestras letras han tenido siempre un toque muy juvenil y agresivo. Si bajásemos el ritmo o

“Estamos comprometidos a cuidarnos para que la fiesta siga durando”

nos las diéramos más de maduros sobre el escenario, definitivamente esto dejaría de ser divertido. Un día dijimos aquello de que no queríamos crecer y aquí seguimos. Espero que podamos mantener ese espíritu durante algunos años más. El día que vayamos en silla de ruedas será difícil engañar a nadie”. Irremediablemente, esto nos hace darle a la conversación un tono más reflexivo con el que ahondar en los planes de la banda, la cual se aproxima a la celebración de sus cincuenta años como formación. Eso sí, ni el tiempo ni las circunstancias parecen haber alterado los deseos de sus miembros por seguir al pie del cañón. “Aunque hemos pasado por varios momentos de parón, también somos conscientes de que hemos superado muchas crisis y aquí seguimos, como el primer día. Todos estamos comprometidos a cuidarnos para que la fiesta siga durando”. —fran gonzález

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l Gijón 19 julio. Tsunami Xixón l Barcelona 20 julio. Paral·lel

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Hermanos Gutiérrez

Western cósmico

El caso de Hermanos Gutiérrez es un fenómeno a estudiar. Con una propuesta ni muy convencional ni demasiado comercial han conseguido cautivar a público y prensa. Ahora publican “Sonido Cósmico” (Music As Usual, 24), una vuelta de tuerca a su personal sonido.

ES POSIBLE QUE EL MUNDO de los Hermanos Gutiérrez diese un vuelco cuando Dan Auerbach –el tercer hermano, como le llaman ellos– apareció en la ecuación. Posiblemente amplificó su onda expansiva y consiguió captar la atención de muchos. En todo caso, su fórmula de carácter meramente instrumental ofrece infinitas posibilidades para desarrollarse y evolucionar. A pesar de que ya llevaban unos cuantos discos publicados, no fue hasta la llegada de su anterior “El bueno y el malo” (22) que Hermanos Gutiérrez empezaron a ser un reclamo. Tanto es así que han tocado desde el Ryman Auditorium de Nashville hasta Coachella, un escaparate como no hay otro. Ahora giran con Khruangbin, con quienes comparten filias

e intenciones, pero antes afrontaron una gira europea que les trajo a nuestro país. Estevan y Alejandro vendieron todas las entradas y vivieron una jornada especial. Les había acompañado parte de su familia para celebrar el cumpleaños de su madre. Posiblemente el regalo fuera escuchar las canciones de este “Sonido Cósmico”, una vuelta de tuerca a la concepción de su propio sonido, más rico y al mismo tiempo con algo esotérico en su ambiente. Un paso adelante de cara a la consolidación definitiva de una propuesta particular. Con esas dos guitarras inconfundibles se han permitido sumar, esta vez, cumbia y salsa. “Nosotros no queremos dejar de crecer. Lógicamente ahora somos mejores que antes como músicos. Tiene que haber una evolución. Si no fuese así sería un mal asunto. Te lo digo así porque es la forma en la que lo sentimos y en la que reaccionamos ante los nuevos estímulos y los retos que tenemos por delante”. Y así se lo muestran también al público que se acerca a verles a las salas de distintas partes del mundo. “La vida de músico es agotadora, y somos muy conscientes de ello. A veces las giras se eternizan y al final tienes la sensación de que no tienes un hogar, pero creemos en ese camino como forma de conocernos mejor. Y eso te lo da el viajar y sentirte fuera de la comodidad. Es la

manera en la que conoces a las personas, haciendo frente a las dificultades y dejándote llevar por la ilusión de descubrir. Como hermanos, siempre hemos tenido claro el camino y cuál era nuestro objetivo vital y profesional”.

LA MÚSICA DE HERMANOS GUTIÉRREZ, así de primeras, la asocias al desierto y al cine del oeste. “Es normal que exista esa asociación porque en el desierto nos sentimos cómodos. También con los westerns, porque lo que queremos es construir una banda sonora que te acompañe, pero desde nuestra propia perspectiva. Por eso es difícil etiquetarnos. Puede que haya ciertas barreras al ser una banda instrumental, pero al mismo tiempo eso nos brinda un sinfín de posibilidades sonoras. Y lo que nosotros hacemos es coger todo lo que tenemos a nuestro alrededor que sea susceptible de ser una influencia”. Esa banda sonora podría remitirnos a las películas de Sergio Leone con partitura de Ennio Morricone, sin embargo me sorprenden con la última película que les ha dejado huella. “La segunda parte de ‘Dune’ es alucinante. Por momentos, en la película, se detiene el tiempo. Ese paisaje crepuscular y, por otro lado, visibiliza un futuro que no sabemos a dónde nos va a llevar. Es una película inspiradora. Nos dio muchas ideas”.

“La segunda parte de ‘Dune’ es alucinante. Es una película inspiradora”

EN LA CONVERSACIÓN es inevitable que emerja la figura de Dan Auerbach, padrino en esta aventura y quien en su día vio en ellos un enorme potencial. “Trabajar con él es un lujo. Con este disco sentíamos que estábamos ante una gran oportunidad. Queríamos ampliar horizontes y desmarcarnos un poco de lo que habíamos hecho en ‘El bueno y el malo’, porque no queríamos hacer una segunda parte de ese álbum. Estamos muy satisfechos con él, por descontado, pero este disco es otra cosa, otro viaje. El propósito con Dan era acentuar nuestras obsesiones y alcanzar otras metas. Conseguir que el sonido nos llevase a otros lugares. De alguna manera, somos unos exploradores”. Y tampoco puedo evitar preguntarles por ese hito que fue actuar en Coachella. “Es increíble que, a veces, la vida te otorgue esa clase de regalos. La verdad es que nunca nos hubiésemos imaginado que podríamos movilizar a tanta gente”. Por último, les pregunto por la mezcla de culturas en su música. Recordemos que son hijos de madre ecuatoriana y padre suizo. “Para nosotros es muy enriquecedor y parte de lo que somos es fruto de esa mezcla. Una mixtura que evoca la pasión latina y el sentido más cerebral de los europeos. Estamos agradecidos porque la raíz de este proyecto surge de esa suma de culturas y de inquietudes”.

toni castarnado

TOP VÍDEOS.

Q

Amaia Nanai

1

Tomás Peña se encarga de dirigir este clip y, una vez más, da una buena muestra de su talento. Todo está medido y cuidado al detalle, destacando la excelente composición de las diferentes escenas con la navarra como absoluta protagonista.

Q

2

Selva Nua Serà breu

Interesante clip el que han grabado los catalanes. Dirigido por Aleix Barba en el castell de Les Pallargues, pone sobre el tapete esas mismas neuras a las que hace referencia la canción.

Q

3

Hinds En forma

Divertidas y desacomplejadas, así se presentan Carlotta y Ana en la cocina de su casa, mientras se ponen en forma y nos confiesan que no pueden más. Por cierto, se trata de su primer tema en castellano y no veas cómo funciona.

4

Q

Amaral Rompehielos

Los mañicos se adueñan, en este clip para su single de adelanto, de la ancestral costumbre de danzar alrededor de una hoguera, tan asociada a esas fiestas de Sant Joan que hemos disfrutado recientemente.

Q

5

Los Bitchos Don’t Change

El segundo adelanto del próximo álbum del combo instrumental femenino Los Bitchos viene acompañado de un vídeo de lo más veraniego en el que Serra Petale, Josefine Jonsson , Nic Crawshaw y Agustina Ruiz se muestran sin complejos. MS r

"The Blue Album" de Weezer Un

My Name Is Jonas

La mayor aportación de Jason Cropper, el Pete Best de Weezer, es la intro de esta canción que abría el disco. Fue el responsable de esos arpegios mientras que Patrick Wilson hizo el resto de la música antes de pasársela a Cuomo para que le pusiera letra. El hecho de que decidieran ponerla primera ya nos dice lo contentos que estaban con ella, una píldora power pop con subidones guitarreros, melodías efervescentes y bastante gancho.

No One Else

La letra de “No One Else” es terrible, aunque nos ceñiremos a la explicación dada por el propio Cuomo: va sobre un chaval celoso, sexista e inseguro (“El gilipollas celoso-obsesivo que hay en mí enloqueciendo a mi novia”) al que termina dejando su novia por todo lo anterior. Eso sí, le ponen una melodía absolutamente irresistible y optimista, que podría haber sido la sintonía de tu telecomedia favorita.

The World Has Turned And Left Me Here

Cuomo y Wilson la escribieron juntos antes de formar Weezer, aquí el gilipollas de antes llora porque le han dejado, pero la ironía es mucho más clara. Musicalmente es una maravilla, gracias a la perfecta producción de Ocasek, con esa intro en la que se mezclan

El primer álbum de Weezer vio la luz en mayo de 1994, en pleno apogeo del rock alternativo, pero a su líder, Rivers Cuomo, no le importaba dejar claro su amor por The Beach Boys, el rock de estadio de los setenta y los buenos solos de guitarra, tres cosas bastante despreciadas a principios de los noventa. Si a esto le sumamos que tenía un talento innato para las melodías pop, podríamos asegurar que el hecho de que Ric Ocasek de The Cars terminara produciendo el disco fue un emparejamiento perfecto.

las guitarras ruidosas y distorsionadas con arpegios acústicos, Cuomo juega con la melodía mientras la canta. Además, oír armonías como estas, con referencia a The Beach Boys, en plena época indie rock, sin olvidar que Cuomo no puede renunciar al antiguo fan del metal en sus solos, les hacía chocar contra el zeitgeist de la época pero sonar únicos.

Buddy Holly

La más perfecta melodía dentro de un disco de melodías perfectas, “Buddy Holly” no tenía intro porque no había una posible para un tema que comenzaba desde el diez y luego seguía subiendo. Cuomo no estaba muy seguro de ella pero Ocasek sí, y es que si has compuesto canciones como “My Best Friend’s Girl” sabes cuándo hay un estribillo destinado a marcarse a fuego, y “Uuh-wiiuuh, I look just like Buddy Holly...” era uno de esos. Recibió fuertes críticas de la nación alternativa porque sonaba limpia y potente, pero es que “Buddy Holly” no venía de Sonic Youth sino de Cheap Trick y The Beach Boys.

Undone. The Sweater Song

De acuerdo, acabo de decir que “Buddy Holly” es la más perfecta de las canciones de “Weezer”, pero esta es mi favorita. El extraño riff, según Cuomo, intentaba sonar ‘cool’ como si fuera de The Velvet Underground, pero suena bastante similar al comienzo

debut a contracorriente

del riff del “Welcome Home (Sanitarium)” de Metallica, y ahí está una de las claves sobre Weezer, una banda intentando sonar en la onda de los noventa, pero a la que le salen los ramalazos de otras cosas que les gustan pero no están de moda. Ser adolescente en los noventa sonaba como esta oda a alguien deshaciéndose a cada paso.

Surf Wax America

La idea de ver a Cuomo, o a cualquiera de Weezer, encima de una tabla de surf era ridícula, así que, más que al surf, aquí volvían a homenajear medio irónicamente a The Beach Boys con otra canción divertida y soleada, con guitarras jangle mezclándose con “power chords” y un puente que es puro homenaje al Wilson de mediados de los sesenta, con varias voces en falsete mezclándose con la melodía principal, antes de regresar al estribillo y a un “Let’s Go” que nos lleva al subidón final.

Say

It Ain’t So

El último sencillo de este disco, “Say It Ain’t So”, fue el menos popular en su momento pero ahora es la favorita de todos los grandes fans de Weezer, con merecimiento. Es la más personal y emocionante. Cuomo se quita por una vez la máscara irónica para enseñar al adolescente traumado que piensa que su padrastro le va a abandonar a él y a

mondosonoro.com

su madre, como hizo su padre. La canción va subiendo poco a poco, casi imperceptiblemente, hasta que entra ese riff de guitarra distorsionada que lleva al primer estribillo. En la segunda estrofa Cuomo comienza a soltarse vocalmente, tras el segundo estribillo es cuando se eleva definitivamente con el maravilloso puente que es la resolución emocional de la canción.

In The Garage

Quizás la canción más Weezer de todo el disco, Cuomo cogía la idea del “In My Room” de Brian Wilson, ese territorio casi sagrado para el adolescente, la habitación, y se lo llevaba al garaje, el lugar en el que toca su música y juega a “Dragones y mazmorras” bajo la mirada de sus posters de Kiss. El himno indie rock para frikis solitarios que al final resultaron ser mayoría.

Holiday

Con un maravilloso inicio guitarrero, “Holiday” tiene otra de esas melodías que parecen fáciles, pero son tan difíciles de hacer. Es un rugiente rock alimentado con un aguacero de distorsión y unas melodías burbujeantes, en el que meten un puente vocal doo wop, en el que demuestran lo bien empastadas que tenían sus voces, parando totalmente la canción para volver por todo lo alto con la distorsión al once.

Only In Dreams

Otra favorita de los fans y la más larga del disco. “Only In Dreams” se abre con Matt Sharp haciendo su mejor imitación de Kim Deal al bajo, luego Cuomo entrega una canción sobre un chico que sueña con conseguir a la chica pero, al final, no lo hace, rompiendo el cliché pero enseñando la realidad a miles de adolescentes que solo podían conseguir a su chica en sueños mientras se miraban en el espejo y hacían “air guitar” desbocados, emulando su mejor momento como “guitar hero” y, a la vez, “nerd”. sergio ariza

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41/Mondo VINILOS

Todas las Charli XCX

Charli XCX

POP / Por fin pudimos materializar una imagen en ese enigmático croma que la diva de la PC Music decidió utilizar como portada del que se presentaba como un proyecto con el ego artístico como columna vertebral. Todos los singles que Charli había adelantado apuntaban a su faceta más narcisistamente despreocupada, utilizando los electrónicos sonidos del club como altar donde performar un auto-culto a su figura. Sin embargo, la mayor virtud de “BRAT” la encontramos en la valentía con la que la artista juega con las expectativas sonoras y temáticas que uno podría tener sobre un disco que se había presentado —literalmente— como una enérgica boiler room pop. Su último proyecto no es tanto una reconquista del sonido electrónicamente festivo de “how

i’m feeling now” (20) como una celebración de todas las estéticas que han vertebrado la discografía de Charli, convirtiendo el álbum en una especie de “The Eras Tour” particular. Un servidor piensa ahora que el gesto de cambiar todas las portadas de sus anteriores trabajos por el formato de “BRAT” —fondo de color y letra desenfocada— no tiene tanto de broma promocional como de declaración de intenciones. La cantante se viste de verde y no de negro para pasar el luto de su faceta pop, una que se quedó encerrada en “Crash”(22), a través de un proyecto obsesionado por encontrar lo mejor del pasado como apuesta de presente. Charli entra en su etapa manierista, estirando su registro vocal al máximo y apostando desde la producción por experimentos como “Everything Is Romantic”, para un servidor una de las indiscutibles joyas de la corona. Comparto cada palabra de la moraleja que nos parece regalar la cantante en “BRAT”: lo importante no es lo que ocurre en una noche de fiesta, sino cómo empieza y cómo acaba. Si hay alguien en este planeta que pueda proyectar su imagen en cualquier croma sin necesidad de tecnología, esa es Charli. dani grandes

Beth Gibbons Lives Outgrown Domino/ Music As Usual

POP / Once años después del fichajede Beth Gibbons por Domino para grabar su primer disco en solitario, podemos, al fin, escuchar el resultado, “Lives Outgrown”. Gibbons sigue sonando tan mágica y estremecedora como siempre, solo que ahora esa voz viene acompañada por un mensaje en el que por fin conocemos a la persona que la atesora, una persona de cincuenta y nueve años que nos cuenta lo que significa envejecer. Musicalmente combina la tensión cinematográfica de Portishead, las tensas cuerdas de la Sinfonía nº 3 “Symphony Of Sorrowful Songs” de Henryk Górecki y los toques folk y acústicos de “Out Of Season” (02) . El resultado es bello y aterrador al mismo tiempo, Gibbons explora el envejecimiento con una belleza inquietante y una honestidad sin medias tintas y vuelve a embrujarnos con su rica mezcla de sonidos folk, electrónicos, jazz y orquestales, condensando su trabajo y vida en un disco destinado a perdurar. sergio ariza

8 8

Big Special Postindustrial Hometown Blue So Recordings

PUNK / Con los pelos en la lengua justos, Joe Hicklin y Callum Moloney debutan a lo grande con un artefacto con conciencia de clase que retrata el lado menos amable de su entorno con muchas verdades lanzadas a la cara y muchos puntos puestos sobre las íes. Un buen surtido de puñales envenenados que, junto con la rapsodia más ácida y sentida, abraza una amplia gama de géneros (punk, rock, hip-hop, blues, indie) e ideas narrativas (precariedad, salud mental, drogadicción). ¿Son un mero producto de explotación o el gran acto que el punk anglosajón necesitaba? Tan pronto como les vemos representando el corazón y el espíritu de una comunidad machacada por el devenir de los tiempos, elaboramos nuestra rotunda respuesta. Big Special son un golpe sobre la mesa, una llamada a las trincheras y un mensaje de esperanza que nos recuerda que no estamos solos. fran gonzález

La frescura de Alfie Templeman

Alfie Templeman Radiosoul AWAL/Popstock!

INDIE POP / Con solo veintidós años, Alfie Templeman se ha convertido en una de las grandes esperanzas británicas del nuevo indie pop. Un niño bonito con talento precoz que, sobre todo en base a la presente entrega –segunda en formato largo tras “Mellow Moon” (22)– ha motivado unas importantes expectativas alrededor de su figura. Once canciones que, si bien no inventan nada, realzan a cambio parámetros y bases habituales del indie pop con un torrente de energía juvenil. Una reivindicación elaborada con colorido intenso y entremezclando el asunto con otros géneros como soul, synth pop, electrónica o funk. Unas variaciones que ayudan a marcar músculo adicional en los propios temas, ganando así también en un tipo de atractivo muy evidente tras relanzar a un primer plano melodías, estri-

5

Bad Omens Concrete Jungle [The OST] Sumerian Records

METALCORE / “Concrete Jungle [The OST]” expande “The Death Of Peace Of Mind” (22) con colaboraciones de Poppy, Bob Vylan, Wargasm (UK) o Let’s Eat Grandma. Incluye remixes, temas en vivo y reimaginaciones, resultando en una extensa publicación de noventa minutos que prometía bastante en sus adelantos, pero que tras escucharla se percibe como poco más que una autoimitación con algunos momentos lúcidos, especialmente en “V.A.N” (con Poppy), “The Drain” (con Health y Swarm), “Terms & Conditions” (Bob Vylan) y Nervous System (con iRis.EXE). A fin de cuentas, no es más que una unión de tres EP’s: un primero con invitados, un segundo con versiones y un tercero con temas en vivo. La producción es impecable, pero su mezcla de metalcore melódico, electrónica y pop industrial no perdura más que como una banda sonora para acompañar los cómics que el grupo ha creado junto a Nichola Izzo y Kevin Roditeli. jaime tomé

billos y otras habilidades latentes en el autor. Templeman se lanza al mundo desde aquella habitación en la que germinó su música y, definitivamente desatado, salpica sus nuevas canciones con lujosos arreglos que dan lustre a las seleccionadas, con un despliegue de medios a la altura del nuevo estatus que ya podría estar ostentando. Una secuencia en la que destacan “Vultures” y “Submarine”, los singles “Beckham” y “Just A Dance”, además de “Hello Lonely”, “Eyes Wide Shut”, “This Is Just The

8

Mdou Moctar Funeral For Justice Matador/ Popstock!

ROCK / Para ser un artista que declara que su intención primaria fue la de extender un mensaje más que la de convertirse en alguien que toca un instrumento con cierta ductilidad, Mdou Moctar está sobrado de talento y creatividad. En “Funeral For Justice” se reflejan musicalidades del resto de su catálogo, aunque todo sucede con un halo adrenalínico digno de géneros como el alternativo de los noventa o el hardcore, como si Fugazi hubieran nacido en pleno Sahara. El disco entero es un grito de atención desde Níger, un país que en Occidente es casi desconocido. Un trabajo poseedor de un carácter único y hermoso. Carente de solemnidad, esto es música a corazón abierto y una obra maestra de cómo expresar el dolor a través de lo combativo. Semejante entorno narrativo brilla en compañía de un sentir musical que difícilmente se consigue en una academia de Occidente. Una verdadera joya. adriano mazzeo

7

Beginning” y “Drag”, en las que se suceden ecos a Two Door Cinema Club, Mika, Phoenix o Daft Punk. Co-producido por el propio Templeman junto a Nile Rodgers y Dan Carey, “Radiosoul” es un álbum que consigue sonar fresco. Y, sobre todo, lucir un aspecto tan luminoso y brillante como el del mismo sol de verano, imponiéndose como una referencia idónea para musicar cualquier tipo de hedonismo que suele acompañar a la temporada estival. raúl julián

Alessandro “Asso” Stefana Alessandro “Asso” Stefana Ipecac

ROCK / “Alessandro “Asso” Stefana” es un tributo de amor a la música que formó a este italiano amante de la Americana, la psicodelia, las músicas de raíz y la experimentación. Su largo y fructífero camino junto a Mike Patton, Calexico, Micah P Hinson y sobre todo PJ Harvey lo dejaron en el momento artístico ideal para ofrecer esta elevadora lista de temas. Exceptuando tres composiciones –“Born And Raised In Covington”, “I Am A Man Of Constant Sorrow” y “Moonshiner”– en las que aparece la voz única e irrepetible de Roscoe Holcomb, tomada de los archivos de Smithsonian Folkways, el resto del álbum es instrumental y se define por lo no definible: sonidos provenientes de instrumentos exóticos o directamente inventados reglan la escucha, creando nuevos espacios de percepción en el oyente. Lo meditativo de estos temas pueden funcionar como un bálsamo para las mentes agitadas de hoy día. adriano mazzeo

8

POP / En “The Loop” el sensible Jordan Rakei va acostumbrándonos a que cada vez podamos llamarle con más justicia cantautor y menos crooner. En este quinto álbum de estudio da un paso lógico en su trayectoria como continuación del muy interesante “What We Call Life” de 2021. Aquí el eclecticismo es medido, pero omnipresente en varios pasajes del trabajo. “Friend Or Foe” es la aproximación más clara a la música de raíz; “Trust” saca a relucir el refinado gusto por el groove del neozelandés; la emocional de inspiración gospel “Royal” y las sentimentales “Hopes And Dreams” y “Little Life” –otra vez recordando la prodigiosa voz de Jeff Buckley– definen un paisaje sonoro de accidentes amables. Rakei escapa de la máxima de un posible vuelco a lo comercial y, por el contrario, acrecienta su valor y musicalidad como compositor y multiinstrumentista, además de dar un salto como arreglista. adriano mazzeo

Jordan Rakei The Loop Decca/ Universal

POST-PUNK / La dupla formada por Nicholas Wood y Kat Day entremezcla su visión del post-punk con shoegaze y palpables dosis de electrónica y ecos industriales. Es la fórmula pura y dura que suelen utilizar para solidificar un trabajo tan incontestable en sonido como predecible en contenido y que no consigue despertar una atención específica. El dúo londinense se mantiene dentro de sus coordenadas en el que hace ya su octavo álbum, con ambientes sombríos y estampas frías y herméticas marcando el devenir junto a una densidad sonora que, aunque mute levemente en diferentes formas, resulta obligada a lo largo de diez canciones. Entre las virtudes de “Tremors” se incluiría el hecho de cumplir de sobra con los parámetros inexcusables del género, mientras que el principal escollo del elepé radica, precisamente, en la escasez total y absoluta de sorpresas, en canciones aceptables pero que rara vez destacan. olivia jahl

Pedro de Dios y Antonio Fernández

Cantes

Malditos

Everlasting

FLAMENCO-BLUES / Guadalupe Plata, la banda más internacional y pantanosa de Úbeda, disco a disco, nunca han desertado de su tierra, tradiciones y sones. De los ecos de Semana Santa, a la raíz del cante jondo, todo filtrado por su inconfundible oscuridad abrasiva y sombrío imaginario. Y es que, como dijo una vez Carlos Jimena: “el blues y el flamenco hablan de lo mismo, de las penas y las alegrías”. Esas penas y alegrías reflotan con más fuerza que nunca en estos ocho “Cantes Malditos” que firma una de las mitades de la banda, Pedro de Dios, compartiendo el blues serpenteante que le corre por las venas, con los quejíos desgarrados y dolientes del cantaor granaino Antonio Fernández. Seguiriyas, fandangos, martinetes y tonás, todo desde el lado crepuscular del alma, hasta llegar a la milonga fúnebre “La hija de Juan Simón”, broche de oro/corona de flores perfecta a este genuino trabajo. david pérez

ELECTRÓNICA / Crea tu propio universo, tu propia obra de arte. “I Hear You” surge así como una toma a tierra de Peggy en su carrera a la hora de presentar al mundo su identidad como icono de la electrónica actual, desde que iniciara el viaje allá por el año 2016. Una obra imperfecta, juguetona, cálida y que mira pacientemente al futuro. El disco es un canto a la nostalgia noventera, como todos esperábamos, y en parte una recopilación de esos temas que ha ido soltando en los últimos años. Una celebración a la vida y a una etapa de desarrollo que aún no ha encontrado freno. Peggy tiene claro que su éxito está en la mezcla, la diversidad y la eliminación de prejuicios. Por ello, aunque la raíz central del álbum sea ese espíritu noventas, salta sin miedo por el house para reafirmar su parte más clubber, se funde hacia un techno más suave o potencia ese punto de electrónica con sabor a Korea que tanto la marcó en sus inicios. álex jerez

Charlotte Day Wilson Cyan Blue XL/Popstock!

R’N’B / Nada de lo que vivimos es absoluto. Todas nuestras experiencias transcurren en una escala de grises, en un ir y venir entre dos puntos concretos que se van entrelazando con el tiempo. Y eso mismo es lo que ha intentado plasmar Charlotte Day Wilson en su segundo álbum, abriéndose en canal en la sinestesia entre verde y azul con “Cyan Blue”. Trece cortes en los que sigue perfeccionando su insigne R&B con baterías suaves y una voz envolvente que convierte lo personal en absolutamente universal. Un puzzle de vivencias que responden a diferentes momentos, y capas, de su vida. Dejando a cargo de la producción a Jack Rochon, su segundo álbum es un espejo emocional de Charlotte Day Willson a través del tiempo. Tomando perspectiva en todo aquello que siente, no solo nos ayuda a conocer su particular universo interior, sino que nos enfrenta al nuestro.

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Dellafuente Torii Yama

2 Vetusta Morla Figurantes

3 Comic Sans Ojalá fuera mi cumpleaños

4 Los Punsetes ¡Madrid me ataca!

5 Ill Pekeño P.E.K.E. (Poca Estatura Korazón Enorme)

6 Repion Entre todas lo arreglamos

7 Joan Colomo Tecno Realista

8 VV.AA. Catalunya explota

9 Tristán! Music EP

10 El Momento Incómodo Soy consciente

eva sebastián 7

1 Charli XCX BRAT

2 King Hannah Big Swimmer

3 Aurora What Happened to the Heart?

Sega Bodega Dennis Supernature

8

ELECTRÓNICA / Sega Bodega vuelve a subrayar su impecable habilidad inmersiva con “Dennis”, su tercer larga duración y un tubular éxodo por la cara más onírica de la electrónica. A pesar de que podamos delimitar sus casi cuarenta minutos en dos segmentos claramente distinguibles –con un inicio más salvaje, a partir de frenéticos cortes como “Elk Skin” o “Kepko”, y un progresivo oscurecimiento en las formas a partir de la sombría “Set Me Free, I’m An Animal”–, su narrativa envolvente nos incitará de manera natural a querer escuchar el disco en su conjunto y sin detenciones. Y es que, con ecos al trabajo que le hemos visto desempeñando recientemente como productor de otras estrellas (Shygirl, Caroline Polachek), esta experiencia sonora encapsula a la perfección la progresión artística de su responsable y refleja con acierto su capacidad única para redefinir la electrónica actual.

fran gonzález

4 Big Special POSTINDUSTRIAL HOMETOWN BLUES

5 Beth Gibbons Lives Outgrown

6 The Mysterines Afraid of Tomorrows

7 Been Stellar Scream from New York, NY

8 Hermanos Gutiérrez Sonido Cósmico

9 Alfie Templeman Radiosoul

10 Full Of Hell Coagulated Bliss

Shannon And The Clams

The Moon Is In The Wrong Place Easy Eye Sound/MAU

GARAGE-GIRL GROUP / El séptimo disco, tercero con Dan Auerbach, de Shannon And The Clams, “The Moon Is In The Wrong Place”, no es uno más y no lo es tanto porque hayan dado un volantazo a su estilo, que sigue bebiendo de las fuentes de siempre, garaje rock, soul de los sesenta, doo wop o primera psicodelia, sino porque esta vez lo que cantan no suena a divertido pastiche sino a dramática realidad. Y es que este disco se ha hecho bajo la sombra de la desafortunada muerte del prometido de Shannon Shaw, Joe Haener, en un accidente de coche, a pocas semanas de su boda. Shaw y sus compañeros de banda han tratado de hacer frente a algo devastador, lamiéndose las heridas a través de la música, logrando un disco agridulce con el que su protagonista ha conseguido asumir y aceptar la pérdida. Un trabajo con unas cuantas grandes canciones pero al que le hubiera venido bien un poco de tijera. sergio ariza 6

MONDOVINILOS

Dellafuente y Granada

Dellafuente Torii Yama MAAS

URBANO / El alma de la Granada del presente que echa en falta la sabiduría del pasado. Dellafuente se ha convertido ya en una de las figuras que han hecho historia en esa ciudad del encanto a la que le ha entregado siempre todo. Pero no solo eso, es un letrista generacional que ha puesto voz a los miedos, ha lanzado siempre verdad y ha hecho un trabajo de humanidad impecable. “Torii Yama” se presenta así como una pieza lorquiana a la hora de representar en forma de palabras la fuerza de una ciudad como Granada. Su vida, su olor, su envidia intrínseca (“Cómo se agota rápido la paciencia y la envidia tarda tanto”), su perdón, su fe y su silencio. Ese mismo silencio que trató de proteger a Lorca de la muerte (“Otra noche

en Granada, to’ la gente sabe to’; nadie dice nada”) y esa misma sabiduría que inspiró a leyendas como Morente. “Torii Yama” es un álbum que enfrenta trallazos como “12:15” a bailes limpios colaborando con Judeline o AMORE. Habla de manipulación, escapa de los milagros (con referencia a su álbum de 2021), pero también aloja mucho amor. Una pieza para cuestionarse hasta el último pedazo de realidad, aprender de lo malo y de lo bueno; adaptarse y acabar siempre creciendo como persona. Prácticamente impecable, “Torii Yama” avanza por la raíz creativa de Dellafuente como uno de los proyectos más “puros” de su carrera, que sale desde el interior más profundo del artista. Y demuestra que sigue siendo uno de los mejores en el juego sudando fuerte este año para alcanzar el “Premio Puskas”. “Hemos sufrido mucho y somos gente luchadora”, explica el “Chino” mirando alto desde Armilla. Qué lujo encontrarnos a estas alturas con una pieza como “Torii Yama” con el arte, la honestidad y la verdad por encima de todo. Y qué bien le sienta seguir mirando a Granada como un refugio y con esos ojos. álex jerez

Kerry King From Hell I Rise Reigning Phoenix Music

METAL / Lo mejor de este disco es que no debería decepcionar a nadie. Si te acercas a él ya sabes lo que vas a encontrar. La fiereza y maldad que Kerry King siempre mostró al frente de su mítica banda están aquí en perfecto estado de salud. El guitarrista se rodeó con total viveza de un team de músicos completamente conocedores del paño thrasher por ende era de esperarse que en “From Hell I Rise” no haya sutilezas y los matices sean los justos, aunque sí se da un paso importante respecto a Slayer en la parte vocal: la voz de Mark Osegueda es tan precisa como los beats de Paul Bostaph y tan fiera como los riffs de King, el tipo congrega todas las características de una voz thrasher por excelencia: agresividad extrema pero real, espíritu hardcore y mala hostia metalera. ¿Habrá más discos como este o la mentirilla de Slayer continuará en el estudio? Poco importa la respuesta mientras Kerry King siga siendo el creador de riffs de siempre. adriano mazzeo 7

Girls In Synthesis Sublimation Cargo/ PopStock!

POST PUNK / El prolífico trío londinense que hace bandera de la austeridad existencial en blanco y negro está de vuelta con un nuevo álbum dentro siempre de los confines de su magnética oscuridad asociada al post-punk. Y, como expresa el título, una buena manera de sublimar los instintos primarios es la expresión artística. Qué mejor modo de expresar frustraciones que con el ruido caótico propuesto en “Lights Out”, toda una declaración de intenciones. “Deceit”, nos mete de cabeza en las aguas turbias góticas y de ritmos marciales de los primeros ochenta. Joy Division, Bauhaus y Siouxsie and The Banshees como faros de tenebrosa luz. “Corrupting Memories” o “Picking Things Out of The Air” introducen un poco de luz pop entre guitarras cortantes, pero el trío lo tiene muy claro, y ésa es su mayor virtud. El único pero que se le puede poner es que su lenguaje sea tan deudor de cosas que se hicieron hace décadas. jc peña

Aurora en conexión con la Tierra

Aurora What Happened To The Heart?

Decca/Universal

8

POP / Pop para el cambio, para salvarnos a todos. El nuevo disco de Aurora representa la mejor forma posible de usar el pop como herramienta para la humanidad. La búsqueda a través de la música de objetivos que consigan abrir los ojos al mundo y hacerles conscientes de que todos somos responsables de cuidar la tierra en la que vivimos. “What Happened To The Heart?” es una caída a la oscuridad para romperse por completo y lograr así regenerarse a través de las cenizas. Convertirse en polvo para mezclarse con el barro y entender de dónde venimos y lo que verdaderamente somos. La gran inspiración para este disco llegó al caer en sus manos una carta coescrita por activistas indígenas que cambiaría su vida por completo. En ella hablaban de

Thou Umbilical Sacred Bones/ Popstock!

SLUDGE METAL / Los americanos Thou vuelven tras seis años desde “Magus” (18) con “Umbilical”. Durante este tiempo, lanzaron colaboraciones, recopilatorios y versiones de bandas que los inspiraron como Nirvana o Black Sabbath. Este sexto larga duración marca un regreso notable sin colaboraciones donde mantienen intocables sus raíces sludge. Los primeros veinte minutos de “Umbilical” resultan familiares, pero el álbum se torna en algo más inmediato transcurridos estos minutos. Para nuevos oyentes no acostumbrados con su sonido, ofrece una experiencia cruda y sofocante ultradistorsionada y densa con espíritu punk que hace que su escucha resulte relativamente sencilla para lo que acostumbran. Destacar especialmente las canciones “House Of Ideas” y “I Feel Nothing When You Cry” de esta nueva gran pieza de su casi impoluta discografía.

jaime tomé

cómo estamos conectados al mundo a través de nuestro corazón y, evidentemente, de la sangre de esa carta nació este nuevo proyecto. Apoyado entre sintetizadores, el mensaje se desarrolla libremente en un disco tan diverso como compacto a la hora de no salirse jamás del discurso central. Bien pulidito, sin dejar margen a fallo, la artista cose cada tema pop como si fuera pura artesanía tocando el

Ill Pekeño

P.E.K.E.

(Poca Estatura Korazón Enorme) MG Knowledge

RAP / “P.E.K.E. (Poca Estatura Korazón Enorme)”, el nuevo trabajo de Ill Pekeño, es una ofrenda personal que recorre su vida y raíces en el distrito de Usera, Madrid. Colaboran su inseparable Ergo Pro, Elio Toffana, Dano y Dollar Selmouni con producciones de A. Dense, Lowlight y otros. El álbum trata temas como la lucha y orgullo de clase, el antifascismo o la pérdida de seres queridos con también citas al grafiti (en temas como “Wanted Mag” y “Buscavidas”) o el fútbol (bien es conocida ya su afición por el Rayo Vallecano). Sin escatimar en la nostalgia, Peke nos acerca a su humilde paso por la vida desde la perspectiva del típico chaval de Madrid Sur con también guiños a otros artistas como Nano MC (“Napoleón”) o Triana, Nacha Pop y Kool G en la excelente “Un día cualquiera”. “P.E.K.E.” es un homenaje desprovisto de egos y un paseo por el barrio de Orcasitas y sus rincones en los que resuena el estilo vieja escuela del hip-hop español. jaime tomé

7

cielo con su voz en numerosas ocasiones como en esa preciosa “The Conflict Of The Mind”. O, por ejemplo, “My Blood”, en la que la artista se regenera para alcanzar una nueva forma de ser y creer verdaderamente que un futuro mejor es posible. Un disco de lucha que posee una fuerza interior muy interesante. álex jerez

Badbadnotgood Mid Spiral EP’s XL Recordings/ Popstock!

JAZZ ROCK/ Rodeándose de colaboradores y amigos devenidos en sólido combo instrumental, Badbadnotgood entregan dieciocho temas divididos en tres EP’s por los que pasa un poco de todo, y aún así, conservan un valioso aura en común. Honestidad podría ser la palabra que defina a todas estas composiciones, porque más allá de si una es más groovera que otra, de si la guitarra toma un protagonismo inusual en la propuesta de la banda o de si la influencia latina parece ser algo que llegó para quedarse, todas las piezas hacen pensar en un grupo de músicos pasándoselo teta, atendiendo a sus necesidades musicales y no a intentar posicionar al grupo dentro del hype. Con éxito se pasean por el jazz-funk, el jazzrock, la samba o el smooth-jazz y suben un peldaño de prestigio con este trabajo en el que primaron sus intenciones por fuera del mercado, logrando así un álbum menos cool que otros, pero muy bien sentido. adriano mazzeo

POP ROCK / Pasan los años, pero nadie le hace sombra al instinto natural de Los Punsetes para las canciones de pop de guitarra redondas en las que música, melodía de voz y letra inteligente forman un todo indivisible. Y la intensa relación de amor-odio que casi todos los que vivimos en la ciudad tenemos con Madrid es el eje de este siete pulgadas con cuatro canciones nuevas y la estructura de un álbum. Un EP lanzado como bonito artefacto pop en un siete pulgadas de vinilo envuelto con ilustración retro gamberra de Manuel Donada. En el corte que da título al disco combinan con soltura sarcasmo vitriólico y melodía difícilmente resistible. Los estribillos certeros marca de la casa no se les han agotado, y también dominan “Un palacio con mis huesos” y la espídica y breve “TIN/TAE”, sarcástica referencia a la economía que nos aplasta cada día. La banda cierra con “Todos los lugares”, en la que exhiben su lado más melódicamente tierno. jc peña

Los Punsetes ¡Madrid me ataca! Sonido Muchacho

+ KARTELL

Sábado 6 JULIO

RAZZMATAZZ 2 · Barcelona

Domingo 8 SEPTIEMBRE RAZZMATAZZ · BARCELONA

Sábado 5 OCTUBRE

RAZZMATAZZ 1 · BARCELONA

Viernes 13 DICIEMBRE

RAZZMATAZZ 2 · BARCELONA

Entradas en:

Miércoles 20 NOVIEMBRE RAZZMATAZZ 2 · BARCELONA

Sábado 14 DICIEMBRE RAZZMATAZZ 3 · BARCELONA

de 18.00 a 00.00 h

.LOS DISCOS.DE MI VIDA

Dan Hawkins (The Darkness)

The Darkness están celebrando el veinte aniversario de “Permission To Land” (Atlantic/Warner, 03). Aprovechando la ocasión, le preguntamos a su guitarrista Dan Hawkins por cuáles han sido los discos que más le han marcado a lo largo de tu vida.

Queen Live At Wembley Stadium (1992)

Creo que mi hermano me dejo la cinta de este disco. Cuando abrí la cubierta había una foto aérea del grupo flotando sobre el estadio de Wembley abarrotado en su propio helicóptero adornado con el logo de Queen. Antes de escuchar la primera nota a) Ya me había convertido en un gran fan de Queen y b) Ya tenía claro que iba a dedicar mi vida a convertirme en una estrella del rock.

AC/DC Powerage (1978)

Este es el disco que me hizo descubrir mi papel como guitarrista. Nunca he tocado mucha guitarra solista y cuando lo hago suele ser muy simple, teniendo en cuenta que aprendí de forma autodidacta con una acústica. Pero escuché a Malcolm tocando esos grandes acordes abiertos y esos riffs intrincados basados en afinaciones estándar abiertas y al instante descubrí que la simplicidad y la agresividad me ayudarían a salir adelante. Rock’n’roll total.

Fanclub

(1991)

Teenage Fanclub fueron mi puerta de entrada a Neil Young, The Beatles o Big Star, por citar unos pocos. Yo estaba fascinado por sus armonías vocales y quería aprenderlas eligiendo una cada vez que escuchaba el disco, lo cual hice aproximadamente unas dos mil quinientas veces. Raymond McGinley es uno de los más infravalorados guitarristas de todos los tiempos.

(1991)

Este disco es una joya oculta. Se les etiquetaba en la prensa como una banda indie por la cruda barrera de ruido de guitarras que creaban, pero me parece una descripción muy vaga. Los riffs de Swervedriver están por encima de cualquier comparación. Suponían una forma de escapismo muy necesaria para mí que me permitía huir de la mierdad suburbana llevándome a carreteras desérticas.

Llegué tarde a Led Zeppelin, pero, cuando por fin descubrí su genialidad, este disco se convirtió en una gran influencia para mí. Como he dicho antes, empecé siendo batería y dediqué muchas horas nocturnas borracho haciendo air drumming con baquetas escuchando este álbum. John Bonham suele considerarse uno de los más grandes baterías de todos los tiempos por un simple motivo... porque lo es.

Lo que amo de este disco es que todas sus canciones son completamente diferentes. Da la impresión de que se lo estuvieron pasando realmente bien experimentando con una paleta sonora y a ver qué encontraban, empujando los límites de lo que era aceptable en la música pop sin que les importase una mierda. Me sorprendió descubrir recientemente que no se soportaban durante la grabación. MS

The Beatles White Album (1968)

Swervedriver Raise

Teenage

Bandwagonesque

Led Zeppelin IV (1971)

48/Mondo Media

“Ofert a les mans, el paradís crema”/”En las manos, el paraiso quema” (Anagrama, 24) es la segunda novela de Pol Guasch (Tarragona, 1997), un nombre cada vez más destacado en el panorama literario catalán y estatal.

NOS ENCONTRAMOS con él en los jardines de la Facultad de Filología y Comunicación de la Universidad de Barcelona, un espacio lleno de naturaleza que contrasta con el escenario donde se desarrolla la trama de su libro, sobre el que charlamos.

¿Cuál ha sido tu inspiración para la trama de esta segunda novela?

Cuando terminé “Napalm”, que es una historia de amor entre dos chicos y entre una madre y un hijo, me pregunté a mí mismo: “¿Por qué has escrito tanto de amor si hay una cosa más importante para ti biográficamente hablando, que es la amistad?”. Otra intuición que tuve es que quería escribir sobre una fiesta. Quería explicar cómo dos personas se conocen bailando y cómo no pasa nada más que su encuentro, en ese momento mutuo de luminosidad.

Claro, esta vez la historia de amor más importante que tiene lugar es entre dos amigos, Líton y Rita, aunque cada uno tenga sus vínculos sexoafectivos con otras personas. Cada vez se desromantiza más el amor de pareja y se pone más en valor el amor de la amistad. También es más innovador y sorprendente percibir la pasión desde ese punto. Totalmente. Además también pienso que hay amistades que pueden ser los amores de tu vida. No salgo de este libro con conclusiones firmes sobre qué es la amistad, qué puede dar la amistad y qué diferencia la amistad del amor. Pero sí que salgo de la escritura de este libro con la sensación de que sí que hay amistades que son nuestros grandes amores.

Otro aspecto fundamental de “Paradís” es su estilo literario. ¿Fue intencional que cada capítulo tuviese una estructura, un narrador e incluso un tiempo diferentes? Siempre digo que tal y como el pintor trabaja con distintos materiales y parte de ellos a la hora de crear, a mí me gusta

“Hay amistades que pueden ser los amores de tu vida”

trabajar con lo que la lengua me ofrece. No solo eso, sino también experimentar, jugar, perderme, equivocarme. No fue intencional que cada capítulo tuviese una estructura diferente, pero la intuición acabó creando una metodología bastarda, ecléctica, poco definida y sólida, pero que funcionó igualmente. Escribía un capítulo y rápidamente descubría de una manera orgánica que este otro capítulo que quería explicar debía tener otras normas para que funcionase. Me gusta pensar que el lector y el escritor no son entes tan distinguidos y diferentes. De este modo, yo invito el lector a escribir conmigo la historia que le muestro. La literatura es así un lugar en el que escritor y lector se pueden encontrar.

Volviendo a las temáticas de “Paradís”, hay una cuestión muy presente en el texto que es que sabemos en todo momento que Líton acaba muriendo, de hecho se sabe desde el primer capítulo. ¿Crees que empezar así es una fuerte declaración de intenciones?

Empezar un libro con una voz post mortem es una apuesta muy fuerte y connotada porque es poco realista. Como lector, tienes que comprar el juego que te está proponiendo el autor, porque es un punto de partida aparentemente falso. Sin embargo, a mí me interesaba que hubiera un primer

capítulo que funcionara a modo de panorámica, de declaración de intenciones de lo que pretendía hacer con esta novela y de qué encontrarías en ella.

Sobre la forma de relacionarse, ¿Líton no crea ningún tipo de vínculo emocional con los chicos con los que se acuesta? A excepción de René.

Pol Guasch El paraíso quema “

Sí. A mí la novela me permitía poner en la misma ficción la causa de esa relacionalidad y la consecuencia de esa relacionalidad. Creo que hay un vínculo clarísimo entre la crisis del SIDA y cómo hoy hay un tipo de relacionalidad marica absolutamente desvinculada de los afectos y del amor. La ficción me permitía explorar las dos cosas a la vez. Este desprendimiento de Líton con todos los chicos con quienes se encuentra considero que es un retrato casi generacional de nuestro presente.

Otro tipo de relación que explora el libro es la familiar. ¿Consideras que haces una representación realista de cómo se vinculan padres e hijos?

De nuevo aparece la idea del límite, esta vez dentro de la familia. Trato de explorar cómo se crean estos límites entre los padres y los hijos y cómo los hijos después intentan superar este límite, dejarlo atrás y crear el suyo propio. Muchas veces me han dicho que retrato a los padres de una manera muy dura y severa, pero yo considero que los represento con cierta humanidad y desde la comprensión. Rita y Líton sufren en sus familias, pero a la vez sufren al descubrir que sus padres no solo son padres, sino que son personas y tienen unas biografías propias. Por lo tanto, creo que los trato con el dolor con el que un hijo mira a un padre. También con la comprensión que se va gestando con el tiempo, poco a poco.

¿Por qué presentas la fiesta como un ritual de encuentro y de comunidad?

La visión de la fiesta tal como aparece en la historia es muy biográfica, tiene mucho que ver con cómo lo he vivido yo. Se trata de un lugar donde yo he podido ser más, he podido ser muchos, donde he crecido, donde me lo he pasado bien, he sido feliz y he conectado todavía más con la realidad. Por eso la quise plantear desde estos términos. Quería que significara encuentro, esperanza, luz, nuevos lenguajes, nuevos vínculos.

glòria romero aloma

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CINE Y SERIES

HACIENDO ACOPIO y bandera de la geografía sevillana como telón de fondo y de la riqueza de su acento como seña de identidad propia, los siete episodios de la primera temporada de “Una Perra Andaluza” nos proponen un relato coral entonado por las inseguridades, dudas existenciales, validaciones externas y alborotos hormonales de un elenco desprovisto de filtros y dispuesto a romper con los pocos tabúes que quedaban intactos en la ficción LGTBIQ+. A pesar de sus lagunas presupuestarias y de que su fórmula se resuelva de la mano de un reparto eminentemente novel (a excepción de algunas caras conocidas, como las de Lluvia Rojo, Cristina Medina, Elizabeth Duval o La Dani), el verdadero brillo del proyecto reside en la credibilidad de sus voces, que desde el costumbrismo más humano y la

Una Perra Andaluza Pablo Tocino

naturalidad más desvergonzada logran convencernos, divertirnos y hasta conmovernos. Además de los tiras y aflojas de su trío protagonista (Sara Perogil, Enmanuel García y Jota Palacios) el guion de la propuesta también tiene a bien cubrir todo tipo de estratos y sentires, favoreciendo una equidad orgánica y convincente que permite que cada espectador termine encontrándose con su particular “perra andaluza”. Sazonada con inteligentes guiños musicales y referencias a la cultura pop, “Una Perra Andaluza” se confirma como una de las producciones de nicho más atrevidas y provocadoras del año, pronosticando su continuación con una ya rodada segunda temporada y convirtiéndonos en testigos del particular viaje del héroe de cada uno de sus protagonistas. fran gonzález

CON EL PRECEDENTE de haber conquistado a la audiencia del último Festival de Sitges, los hermanos Cameron y Colin Cairnes nos invitan a sumergirnos en el lenguaje televisivo de la América de los setenta a través de “El último Late Night”, uno de los títulos más destacados del cine de género en 2024 que evoluciona en calidad de found footage hasta resolverse como una producción que reivindica la serie B y el terror sin presunciones. Gracias a una meritoria recreación visual y a un magnífico David Dastmalchian en el rol protagónico, la cinta logra generar en el espectador una destacada sensación inmersiva, haciéndole sentir como una parte más de esa audiencia que presencia aterrada e incómoda la emisión de un especial de Halloween conducido por un pre-

PREDESTINADO a protagonizar todos los títulos célebres que se le pongan por delante este año, Glen Powell da vida a un pluriempleado y simplón profesor de instituto llamado Gary Johnson, quien pronto se descubrirá ante nosotros como un auténtico bad ass en potencia gracias a su trabajo a tiempo parcial: colaborador de la policía y falso asesino a sueldo. Entre pelucas, postizos y personalidades varias un Powell en estado de gracia da rienda suelta como nunca antes a su vis cómica y nos brinda aquí la que muy probablemente sea una de las más destacadas interpretaciones de su carrera, hasta ahora limitada a blockbusters de medio pelo y papeles de guapo a secas. Aquí el guapo no se lo quita nadie, pero al menos lo justifica de la mano de un texto dignísimo, basado parcialmente en hechos reales y edulcorado con el imaginario

Hit Man. Un asesino por

El último Late Night

Cameron Cairnes y Colin Cairnes

sentador dispuesto a cualquier cosa para lograr que su nombre trascienda al Olimpo catódico. Pese a sus notables fallas y retos (como el hecho de superar las expectativas de su sobrealimentada promoción o la responsabilidad de resolver con efecto que la trama revele sus cartas demasiado pronto y peque de cierto inmovilismo narrativo), la cinta consigue brillar gracias a su capacidad de honrar y enaltecer el terror fílmico en sus distintas formas (cine de posesión, body horror), dignificando la hasta ahora indiferente filmografía de la dupla australiana (“100 Bloody Acres”, 14 y “Scare Campaign”, 16) y manteniendo un indiscutible y disfrutable cariz lúdico que nos garantiza, ante todo, pasar un terrorífico y buen rato.

fran gonzález

de un ingenioso juego de espejos que atrapa y entretiene. “Hit Man. Un asesino por casualidad” es una divertida pieza de enredo que supera los lugares comunes de las romcoms habituales (su responsable, Richard Linkater, es el progenitor de la trilogía de “Antes del amanecer”, nada menos) y logra pegarle una mayúscula vuelta de campana a los arquetipos de la mano de esa mezcla entre chanza noventera y poso filosófico. Porque Linklater, ante todo, prioriza su genial trasfondo a cualquier topicazo que se precie, logrando conjugar un título que no se conforma con operar sobre un único género al uso (romanticismo de gran cartelera, thriller policíaco, whodunit de manual…) y que nos demuestra por qué el suyo es uno de los grandes nombres del cine sin pretensiones actual. fran gonzález

HABRÁ QUIEN ENTRE al cine esperando un viaje épico con coches, motos, camiones y explosiones. “Furiosa: A Mad Max Saga” hace check en estos puntos, pero diferenciándose del resto. Se trata de una película que pone el pie en el pedal de freno para coger un mapa y explorar el mundo y sus personajes. “Furiosa” combina el erratismo narrativo de “Mad Max”, la contención de “Mad Max: The Road Warrior”, la construcción de mundo de “Mad Max: Beyond The Thunderdome” y la acción desmesurada de “Mad Max: Fury Road”. Lo acoge todo y lo expande desde una nueva vertiente casi no estudiada en sus predecesoras: los personajes. La Furiosa de Anya Taylor-Joy transforma una historia de venganza en una narrativa sobre crecimiento y entereza donde prima la búsqueda del sentido, frente al nihilismo. Para enfrentar-

la está Dementus, Chris Hemsworth, un maníaco que se divierte con el caos y la violencia. Ambos magnéticos, ambos esenciales para darle fisicalidad a este nuevo rumbo en la saga. Es complicado volver a lo que hizo “Fury Road” a nivel de acción, pero cada vez que un personaje se pone al volante en “Furiosa” es una promesa de que el espectáculo está servido. Lástima de que el CGI flojea, aunque no distrae de la acción tan descabellada y sublimemente capturada por George Miller. Hay otros obstáculos que alejan al film de la perfección, como su ritmo errático, la espera que han sufrido los fans, el márketing y ser la precuela de una de las mejores películas de acción de la historia. No obstante, “Furiosa” es tan grande como “Mad Max” y supone, sin duda, un paso hacia delante en la saga.

luis de la iglesia julio-agosto

casualidad

Richard Linklater

Furiosa: A Mad Max Saga

George Miller

Algo muy dentro de Alex Chilton

Marce

“Becerring”

Moreno

Sílex

El formato híbrido de este libro es uno de sus principales valores, al margen de lo exquisitamente que está escrito. Combina el desglose de sus discos con el rescate de artículos previamente publicados en prensa, un puñado de estupendas ilustraciones, conexiones con otros artistas y un cúmulo de entrevistas para la ocasión, seguramente el dulce que le faltaba para redondear este pastel para fans, con personajes que en algún momento formaron parte del entorno del músico, fallecido hace catorce años: Chris Stamey, Jon Auer, Juan Santaner, Jaime Gonzalo o su viuda, Laura Chilton. Un delicioso relato, estructurado cronológicamente, que reconstruye ese complicado puzzle que fue siempre la vida y milagros del ilustre tarambana de Memphis. carlos pérez de ziriza

Royalties de ultratumba

Eamonn Ford Liburuak 7

Tochazo (784 páginas dan fe) sobre una parte de la industria entre interesante y morbosa, para qué engañarnos. Porque ¿qué pasa con todo ese dinero que se genera una vez los músicos han muerto? Casos como la disputa entre el Coronel Parker y la familia de Elvis, con Priscilla al frente y llegando al final a un acuerdo pueden ser más o menos conocidos pero ¿alguna vez se han preguntado donde va lo que generan las canciones de Muddy Waters o Ike Turner? No, no crean que es tan fácil como “a sus herederos”. Hay mucha tela que cortar y este libro la corta casi toda. Con nombres y apellidos, y con situaciones de lo más rocambolescas. Porque el mundo ha cambiado y ahora no todo es cuestión de herencias, sino también de inversiones. eduardo izquierdo

Free Jazz. La música más negra del mundo

Mariano Peyrou

Nuevos

Cuadernos

Anagrama

Cuesta mucho poner la lupa en un mundo tan extenso y tan variado como el del jazz. Son tantas las propuestas, los movimientos y la lista de músicos que, a la hora de ponerle literatura al jazz, hay que acertar el tiro y tener mucho tino. Por eso no son tantos los libros que se publican sobre el género, pero cuando cae uno, suele ser de buena factura. Quizás porque hay mucho que desglosar y es necesario hacerlo con precisión quirúrgica. En este ensayo, el argentino Mariano Peyrou pone el foco en un momento de enorme complejidad: el paso en 1959 de un jazz consolidado y estructuras muy claras a otro como el free jazz que aparecía como una revolución con nuevas fronteras. Con una prosa ágil y un contenido goloso, Peyrou firma un libro riguroso y necesario. toni castarnado

Un cortocircuito formidable

Oriol Rosell Alpha Decaya 8

“Un cortocircuito formidable” –subtitulado “De los Kinks a Merzbow: Un continuum del ruido”– podría haber sido una historia de la música ruidosa en orden cronológico, aportando una larga lista de fechas y referencias. Pero no lo es. Lo que, en cambio, firma el crítico y músico Oriol Rosell es un excelente ensayo en el que el marco histórico y social –incluso el filosófico–es tanto o más importante que la música sobre la que nos está hablando. El barcelonés acude a algunos momentos disruptivos –en el metal, en la contracultura, en el post-punk, en la experimentación electrónica...– en los que el ruido fue mucho más que ruido y se dieron esos cortocircuitos imprescindibles para cambiar la música para siempre. joan s. luna

CÓMICS

Clementine. Volumen 2

Tillie Walden ECC 7

Que Tillie Walden es una artista de una personalidad arrolladora es algo que ha ido demostrando título a título. Pero cuando, años atrás, se anunció que iba a firmar una obra ambientada en el mundo de “The Walking Dead”, surgieron las primeras dudas. ¿Iba a encajar su dibujo en una serie plagada de zombies? ¿Iba a poder desarrollar una historia en la que mantuviera sus señas de identidad sin entrar en colisión con lo escrito por Robert Kirkman? Bien, pues si el primer volumen de “Clementine” despejó ya todas esas incógnitas, este segundo tomo no hace sino subrayar la capacidad de Walden para encajar algo muy personal en tan apocalíptico universo, olvidándose de las luchas de poder de la serie original y centrándose en las relaciones personales. mercè gutiérrez

Las efímeras

Jeff Lemire Astiberri 7

Es increíble que Jeff Lemire pueda ser responsable de tantas series en colaboración con otros artistas y, al mismo tiempo, tenga tiempo suficiente para crear y completar sus propias obras en solitario. A falta de seguir la evolución de la historia en un segundo tomo con el que concluirá, podríamos afirmar que “Las efímeras” probablemente no esté entre sus títulos fundamentales, pero sí que funciona a la perfección como ampliación del universo narrativo del canadiense en el que adolescencia, muerte e infancia vuelven a interconectarse una vez más. Todo ello aderezado con esos elementos sobrenaturales que buscan ampliar la cara más filosófica de lo que Lemire nos cuenta y con los que ya nos ha obsequiado en algunos de sus otras obras en solitario. joan s. luna

Merel Clara Lodewick Garbuix Books 7

La joven artista belga Clara Lodewick debuta con un novela gráfica en la que se diría que los personajes son de carne y hueso y las situaciones reales. Algo parecido podría estar sucediendo ahora cerca nuestro. Seleccionada oficialmente en Angoulême el pasado año, “Merel” es una obra que nos habla sobre lo crueles y cerradas que pueden ser las pequeñas comunidades y cómo una pequeña broma puede acabar dejándonos al margen del diminuto grupo humano que las conforman. Pero, sobre todo, nos habla sobre la posibilidad de aprender de nuestras equivocaciones y, de ese modo, convertirnos en mejores personas. Y Lodewick nos lo cuenta con una sencillez y cercanía inéditas para una artista debutante. joan s luna

Donde vi el cadáver Ed Brubaker y Sean Phillips Norma Editorial 8

Siguiendo con su propósito de sorprendernos con cada uno de sus títulos juntos, el tándem formado por Brubaker y Phillips vuelve a conseguirlo con un “Donde vi el cadáver” que supone una nueva vuelta de tuerca a la capacidad de Brubaker de llevar el noir un paso más allá. El guionista –acompañado por un casi inseparable Phillips capaz de seguirle siempre el paso– nos presenta un fresco de personajes en una acción que gira alrededor de una muerte y un cadáver, pero lo hace jugando con la narrativa, lanzando pistas, sembrando dudas y dirigiendo nuestra perspectiva para hacer volar todo por los aires cuando ya nos tiene atrapados en la intriga. Una demostración más de que todavía hay mucha vida inteligente en el mundo del noir joan s. luna

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PODCASTS

Viruete.com. El Podcast

José Luis Viruete

José Luis Viruete lleva cerca de veinte años demostrándonos que tal vez los métodos de difusión han cambiado, pero los tiempos siguen siendo bizarros. A través del Virupodcast, esta voz experta en la decadencia cultural más olvidada nos hará reconectar con el imaginario mediático que salpicó nuestra niñez y adolescencia, recurriendo a una infalible miscelánea de vergonzante pero merecida reivindicación. Clásicos de videoclub, fenómenos televisivos, alimentación kitsch, tebeos, discos pesadillescos, o su ya tradicional radiografía del catálogo de juguetes de los Reyes Magos. Un cajón de sastre en el que todo vale y que nos descubre la cara más divertida de aquellos residuos pop que nos cambiaron la vida. Porque lo puto peor también merece la pena ser escuchado. fran gonzález 7

Facu Díaz y Miguel Maldonado

Tras la disolución en 2021 de su célebre programa pretérito, la dupla cómica compuesta por Facu Díaz y Miguel Maldonado reconquista el Teatro Pavón y satisface la necesidad de sus seguidores de volver a verles (por fin) juntos con “Quieto todo el mundo”, una cita ya de obligado cumplimiento cada domingo por la mañana con la cara más irónica y desternillante del panorama político. Con título de lema golpista y más de cincuenta programas a la espalda, FDT y Maltorres luchan por añadirle chispa a la actualidad más desalentadora comentando noticias de todo tipo y regenerando su particular lore humorístico con personajes y chanzas que son celebrados por su audiencia en cada emisión con devota entrega. El mejor remedio contra el tedio de los últimos compases del fin de semana. fran gonzález 8

ESPECIALES WEB

St. Vincent

¿Llevas años disfrutando con la música de St. Vincent? ¿Te acabas de subir a su tren con “All Born Screaming” (Total Pleasure/Virgin, 24)? Tanto da, porque en este especial te descubrimos la discografía de peor a mejor de Annie Clark, una de las artistas más interesantes del Siglo XXI, desde que debutó en 2007, bajo el seudónimo de St. Vincent.

Pinpilinpussies

El dúo vasco-catalán Pinpilinpussies nos presenta la selección de discos que han sido imprescindibles en sus vidas, individual y colectivamente. Acaban de presentar “Mandarinas”, adelanto de su nuevo EP que verá la luz en octubre, y se preparan para un verano intenso.

Besmaya son una máquina generadora de canciones coreables y una máquina de dibujar sonrisas en las caras de sus fans. Recientemente visitaron nuestra redacción en Barcelona, y aprovechamos la ocasión para preguntarles por esos disco que, por diferentes motivos, les han marcado en la vida. Este fue el resultado.

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