Mondo Sonoro junio 2024

ejemplar gratuito

Oques Grasses Delirio

MÅNESKIN

REMA

SEXYY

7/Mondo freako VETUSTA MORLA

Vetusta Morla firmaban recientemente un comunicado explicando que tras los conciertos del mes de septiembre se tomarán un descanso y que se volverán a juntar “si todo va bien” en 2026. Como despedida, la banda ha entregado a los fans un nuevo disco bajo el nombre de “Figurantes” (Pequeño Salto Mortal, 24) que supone un verdadero cierre de etapa.

“FIGURANTES” es un proyecto libre y juguetón que muestra todo lo que el grupo ha aprendido en estos últimos años y que presentan en forma de canciones con identidades propias y diversas. “Cada canción ha sido dueña y soberana de sí misma, son estilísticamente bastante diferentes e incluso han sido grabadas con técnicas muy distintas”. Quedamos en Madrid con Guille Galván y Juanma Latorre para hablar de cómo este disco cae en sus manos y cómo se han manejado entregándose al material sin estar pensando continuamente en un concepto cerrado. “En los últimos dos años empezamos a hacer algo que no habíamos hecho nunca. Entrar a grabar al estudio canciones sin tener el paraguas ni conceptual ni de producción. Decidimos hacerlo para aliviar lo que era el desgaste de la gira”.

“FIGURANTES” IRRUMPE para que la banda escape de la rutina, para cumplir el sueño del grupo de trabajar con Craig Silvey (Arcade Fire, The Rolling Stones, The National) y para regalar a los seguidores más fieles un homenaje gigante agradeciéndoles el cariño con el que han cuidado de la banda hasta llevarles al cielo. “Parte de nuestros figurantes, sin duda, es la gente que nos sigue y que nos han sostenido a lo largo del tiempo. Es milagroso que sigan ahí, porque el mundo ya es otro completamente diferente al que era cuando nosotros empezamos a hacer discos. Las personas que nos escuchan son distintas, nosotros también, y sin embargo casi todas siguen ahí. Poder incluir un pequeño homenaje a todas ellas en este álbum nos parecía que es un acto de justicia poética muy bonito”, explica Juanma.

Cierre de etapa

MONDO FREAKO

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ESTA VEZ NO HAN EXISTIDO líneas rojas y gracias a eso han acabado explorando lugares a los que hacía años que no se acercaban. “Tienes una canción, como ‘La derrota’, que ha sido grabada tocando en directo todos juntos con ese aire de canción interpretada en vivo y una parte psicodélica incluso. Luego tienes ‘Drones’ llena de experimentos sonoros, efectos y el ordenador echando humo. No hemos tenido miedo a decir ‘No, por aquí no, porque va a desentonar o se va a salir de la línea del disco’. Yo creo que es un disco que tiene un compendio muy interesante de todo lo que ha sido Vetusta estos quince años, tanto de la manera de funcionar, de grabar, como de producir”. Entre los tesoros que esconde “Figurantes” nos encontramos con una rica “Parece mentira”, con enorme pulso electrónico compuesta por Álvaro Morla, bajista de la banda. “Hay muchas cosas, hay instrumentos digitales, hay sintetizadores analógicos, hay samplers de cosas que nosotros grabábamos y que luego proce-

EL APUNTE

Diez años

de “La Deriva”

“FIGURANTES” LLEGA junto a la celebración del décimo aniversario de “La Deriva”, un disco que sigue tan vivo y fresco como el primer día. “A nivel musical es uno de nuestros discos que más disfruto, especialmente el corte de vinilo. Fue un cierre de época ya que después cambiamos de productor y se iniciaron nuevas aventuras. Fue la cima de lo que llevábamos haciendo desde el inicio. Es un disco del que estoy muy orgulloso cuando lo escucho, por cómo suena, cómo están construidas las canciones. Me parece que es la manera de trabajar que traíamos desde ‘Un día en el mundo’, que se fue desarrollando en ‘Mapas’ y que en ‘La Deriva’ llegó a su máxima exposición”, explica Juanma. Un álbum cuyo discurso sigue latiendo con mucha fuerza. “Hay algo que nos conecta muy fuerte a él diez años después. Yo creo que era un disco que estaba muy pegado a la realidad del momento y que, al final, llevamos diez años en la misma ‘deriva’. La sensación es que estamos en el mismo sitio, pero con el espejo girado”. A J

sábamos. En ella está prácticamente todo menos la banda en directo, que es como la base de todo el origen del grupo. Pero en esta ocasión, decidimos prescindir de esa parte. Es curioso, todas las canciones que Álvaro ha traído a la banda, como pueden ser ‘Fiesta mayor’ o ‘Mi suerte’, son canciones que tienen un punto muy especial, muy distintivo, y ‘Parece mentira’ también sigue esa tradición. Así que el traje se lo pusimos a medida”, explica Juanma. Al otro lado, a nivel literario tenemos que destacar como “La Derrota” se te clava al enmarcarla en un presente político y social verdaderamente difícil e incluyendo frases como “La derrota es un arma que saca pecho y te ayuda a seguir”, donde exponen que la victoria a veces no lo es todo. “La canción es una vista de pájaro sobre distintos aspectos que pueden conllevar, o que pueden ir de la mano de la derrota. Desde el más literal, que es el del marcador, hasta el más tras-

cendente en el sentido de que puede ser el no tener dónde enterrar tus huesos, que es como la derrota más absoluta. La frase que dices justo hace referencia a la derrota o los derrotados, o cuando se estigmatiza a una persona, a un colectivo, a un pueblo entero a una sociedad por una cuestión identitaria y de orgullo; la forma en la que mucha gente saca fuerza de esa sensación de derrotado porque es lo que les une. Creo que es muy peligroso construir tu identidad en torno a esa derrota, porque al final, detrás de ese sentimiento, muchas veces se producen revanchas y barbaries. La verdad es que es bastante pertinente con lo que está sucediendo en el mundo hoy en día. Pero bueno, yo creo que esa frase parte justo de esa sensación de decir ‘Bien, nos han ganado, pertenecemos a ese colectivo, pero aun así tenemos la capacidad de generar identidad en torno a ello y sacar de ahí orgullo y fuerza para seguir’”, comenta Guille.

FOTO: JERÓNIMO ÁLVAREZ

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“Ojalá todo el mundo pudiera decir en un momento determinado, oye, necesito parar”

CON TODO ESTO SOBRE LA MESA, la banda pone punto y seguido a una etapa creativa dorada que han podido disfrutar por todo lo alto. Sin embargo, ahora necesitan no tener un calendario lleno de límites, marcas y fechas. Ahora simplemente necesitan respirar y vivir la música como puro placer. “Para mí lo maravilloso es precisamente no saber qué va a pasar a partir de septiembre y no tener todo el año planificado. No tener cerrada una sesión de estudio y poder tener tiempo. Es que hablábamos de que llevamos cuatro años desde la pandemia de frenetismo, pero es que los últimos quince, aunque ha habido momentos de parón también entre discos, han sido iguales. Yo creo que era necesario hacer el comunicado para explicar que parábamos antes de sacar el disco, porque si no iba a ser como medio raro que dos meses después de sacar un disco, en mitad de la promoción, digas que el último concierto de la gira es dentro de quince días. En el mundo en el que vivimos, tener el privilegio de decir ‘Quiero parar un año’ es una responsabilidad, pero también nos sentimos afortunadísimos de poder hacerlo. Ojalá todo el mundo pudiera decir en un momento determinado de su carrera, oye, necesito parar por equís razones, necesito coger fuerzas”. ÁLEX JEREZ

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EN CONCIERTO

l Madrid 08 junio. Alma Festival

l Tenerife 09 junio. Tenerife Music Fest

l Lleida 15 junio. Magnific Fest

l Albacete 21 junio. Antorchas Festival

l Valencia 22 junio. Ciclo Nits Voramar

l Sevilla 26 junio. Icónica Fest

l Valladolid 28 junio. Conexión Valladolid

l Lorca 29 junio. Fortaleza Sound

l Portas 04 julio. Festival PortAmérica

l Barcelona 06 y 07 julio. Alma Festival

l Lanuza 12 julio. Pirineos Sur

l Málaga 20 julio. 101 Music Festival

l A Coruña 07-11 agosto. Festival Noroeste

l Chiclana 14 agosto. Concert Music Festival

l Granada 06 septiembre 1001 Músicas Granada

LA MÍA

Súbete a mi carro

CUANDO ESCRIBO estas líneas no he tenido la oportunidad de ver todavía “Segundo premio”, la película que Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez le dedican a un momento crucial en la carrera de Los Planetas. Sin embargo, ya he podido detectar, tanto en las redes como en mi entorno más cercano que se reproduce un fenómeno muy común. Me refiero a ese ansia por apuntarse a posteriori a fenómenos que, por despiste o ignorancia, no se disfrutaron en la época que tocaba, aunque todas las aseveraciones vertidas en la actualidad hablen de lo supuestamente vivido, rayando el curioso fenómeno del autoengaño. De hecho, he contabilizado a tanta gente que se sube ahora al carro de Los Planetas, que cualquiera diría que los de Granada tenían en la época el mismo poder de convocatoria que Vetusta Morla en la actualidad. Y no. Desde luego que no. Ni entonces, ni ahora, Los Planetas han sido un grupo para mayorías a la manera de Viva Suecia o Love Of Lesbian. Ellos han atesorado otras cualidades, como por ejemplo, el prestigio. Algo que puede ser incluso más preciado con el paso del tiempo, pero conectar con el gran público no lo hicieron nunca. O ¿hemos olvidado las veces que se ha criticado a J porque al cantar no se le entendía un pijo? Eso entre otras lindezas que la banda ha tenido que soportar durante todos estos años. Curioso este ejercicio de falsa nostalgia que nos lleva a revivir hechos en los que nunca estuvimos. Un fenómeno que no es solo de ahora. Todavía recuerdo que mi padre me contaba a modo de batallita que, cuando acudió al concierto de The Beatles en la Monumental de Barcelona, el recinto no estaba ni muchísimo menos lleno. Sin embargo, con el paso de los años, los que supuestamente acudieron a ver a los FabFour eran tantos que se hubiera necesitado un recinto hasta cinco veces mayor para satisfacer los sueños de los bocazas. Pero ojo, que tampoco es un fenómeno exclusivo de este país. Solo hay que recordar hitos como el primer concierto de Sex Pistols en Manchester, al que, según cuenta la leyenda, tan solo acudieron cuarenta personas entre las que se encontraban luminarias como Morrissey, Peter Hook o Mark E Smith, pero luego resulta que media ciudad inglesa estuvo allí para contarlo. Por eso me pregunto ¿qué será lo siguiente? ¿La adaptación cinematográfica de “Algo que sirva como luz: Supersubmarina: la historia de cuatro amigos que vivieron el éxito y la tragedia” de Fernando Navarro nos llevará a pensar que los de Baeza eran tan grandes que recintos como el Bernabeu se les quedaban pequeños? Aunque si todo esto sirve para que la gente redescubra según qué grupos, bienvenido sea este súbete a mi carro. DON DISTURBIOS

ALCALÁ NORTE Fríos, pero no tanto

El sexteto madrileño irrumpe con “Alcalá Norte”, editado por el sello vasco Balaunka, en el que vuelcan oscuridad casi gótica, energía rockera y melodías pop, con referencias históricas e intelectuales poco comunes.

TEXTO JC Peña

LA CITA es en la nueva oficina madrileña del sello. Allí me espera Álvaro Rivas, vocalista y autor de letras en las que se atreve a convocar el espíritu del escritor alemán Ernst Jünger y su hermano, o narrar el calvario de Jesús (“El rey de los judíos”) a partir de una canción de sus colegas La Paloma. El sello vasco Balaunka apostó por ellos tras escuchar unas maquetas en las que vieron su potencial.

LLEGAMOS A ESE MOMENTO siempre mágico en el que el ansiado vinilo se materializa. Rivas es un torbellino de ideas mientras repasa un camino con tantos obstáculos como golpes de suerte, que culmina con este trabajo. La banda ha sufrido un par de crisis serias, con delicados cambios de formación y derrumbes varios. Maquetas de 2020 como “Arteligencia Intificial” empezaron a mostrar las posibilidades de la banda, cuyo disco debut empezó a gestarse en otoño de 2022. A mitad de entrevista se nos une Carlos Elías Caballero, técnico responsable del sonido en su estudio La Cafetera, y cuyo empuje y entusiasmo ha sido clave para haber llegado hasta aquí. “Estábamos en la mierda”, admite Rivas. Y entonces se pusieron a grabar su debut. Rivas, Juampi y Barbosa, colegas de la adolescencia y núcleo duro del grupo, querían bautizar a su grupo con el nombre de Ciudad Lineal, “reivindicando” su popular barrio. El problema es que un grupo de Barcelona (y también de post-punk) se les había adelantado. ¿Solución? Un colega que les ayuda con la parte visual les propuso Alcalá Norte, que tampoco suena nada mal. De hecho, su

CRITICANDO

Alcalá Norte Balaunka

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POST-PUNK / El habitual tono en redes de la banda, satírico y mordaz, les precedía ya como catalizador de un generoso fandom que bebía los vientos por ellos con apenas cuatro singles contados en plataformas y un buen historial de directos de pasmoso cuño. Por ello, no nos es de extrañar que, sin apenas promoción y desde el más asceta DIY, su “Alcalá Norte” (24) se haya convertido en tan solo cuestión de días en el disco del que todo el mundo habla. Con su respectiva escucha nos llega un mensaje claro: nuestra escena necesitaba este golpe sobre la mesa. Y que no nos engañe su nihilismo natural ni su humor desenfadado; esta gente sabe lo que hace y sus letras son una buena muestra de ello. Desde 2020 llevan sazonando su pop oscuro y combativo con referentes filosóficos, guiños al fútbol mediático, alusiones históricas y religiosas y un loable clamor contra las élites que ahora se convierte en la constante de su primer larga duración. Una brillante aleación de inquina erudita, macarrismo de barrio y lenguaje nostálgico que interpela con la rabia del punk, arrebata con la inmediatez del dark-wave y obliga sin remedio a la escucha reincidente. FRAN GONZÁLEZ

Soundcloud y Bandcamp están ilustrados con una especie de “monolito” gráfico cuyo original está frente al centro comercial de Ciudad Lineal… También aparece en un detalle de la abigarrada ilustración báquica de la portada. “Lo hemos usado desde el principio, lo teníamos a huevo”, explica. “Pero Markusiano [Marcos Crespo, Depresión Sonora] es mazo de Vallecas, no creo que hayamos buscado esto para decir algo nuevo, sino porque nos parecía muy natural, igual que nos parece natural hablar de cosas de nuestra infancia sabiendo que podríamos ser más complicados. Es lo que hay, es con lo que soñamos”. Dicho esto, no hay muchos grupos por ahí que hagan referencia a los diarios o la memoria “Tempestades de acero” de Ernst Jünger, en los que el escritor alemán cuenta de modo extraordinariamente vívido sus experiencias de una vida de película. Lo hacen en ”Langemarck”, aunque Jünger inspira más letras del disco. “Me leí sus diarios para sacar mis metaforitas, pero el shock me lo llevé al leer ‘El trabajador’. Quizá por cómo soy, retraidillo, las cosas más importantes que me pasan son leer a alguien como Jünger”, admite Rivas.

TODO HABÍA EMPEZADO en 2019, cuando Barbosa decidió dejar su grupo de versiones Guarrerías Preciados, y Rivas fue al local a ver qué pasaba. “Nos juntamos cuatro o cinco veces antes de que estallara el Covid. La sensación era que teníamos algo muy guapo. Durante la pandemia fuimos pensando el rollo. Las dos primeras canciones que tocamos fueron ‘Perlas ensangrentadas’ de Alaska, y ‘Boys Don’t Cry’ de The Cure. Estábamos ya en esa onda. Como durante esa época vimos a Markusiano petándolo, dijimos: ‘Esta es la nuestra’”. Rivas se refiere a esa etiqueta tan amplia y un poco gastada que es el post-punk, cuya vertiente siniestra (o gótica y cold wave) ha fascinado a numerosas bandas jóvenes en estos últimos años. “Yo no te puedo dar una respuesta completa de por qué sucede. [El trío bielorruso] Molchat Doma en TikTok y Depresión Sonora petándolo explican por qué la peñita ha ido por ahí. No tardamos nada en encontrar músicos, porque todo el mundo estaba deseando hacer

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“Lo único que nos unía al principio eran Joy Division, Alaska y The Cure. Hicimos post-punk por necesidad”

post-punk. En nuestro caso, Barbosa es un heavy, y Juampi y yo sí escuchamos un rollo más británico. Lo único que nos unía al principio eran Joy Division, Alaska y The Cure. Hicimos post-punk por necesidad”.

SIN EMBARGO, CANCIONES como “La vida cañón” o “No llores, Dr G” [alusión al doctor Goebbels] les llevan a terrenos más pop. “Al principio, con la primera formación, nos costó, porque nosotros habíamos puesto en el anuncio que buscábamos músicos para hacer post-punk. Nos decían que eso no era oscuro ni frío. Pero claro, es que ‘Perlas ensangrentadas’ y ‘Boys Don’t Cry’ tampoco son así. ¿Cómo me voy a encasillar en una cosa que me dice un chaval? En todo caso, lo haré donde me apetezca con mis colegas.

Me pasó con ‘No llores, Dr G’. Me decían que no, pero acabó saliendo. Ahí yo puse la melodía, la letra y la armonía, pero los detalles melódicos que la hacen brutal son de los dos chavales que estaban más reacios”, admite Rivas.

FUE ESTA DIVERGENCIA la que precipitó la salida de dos miembros, admite el cantante –“nos decían que éramos demasiado intensos”–, aunque uno de los que se bajaron del barco acabara grabando las canciones que, a pesar de todo, sentía como suyas. Ahora llega el momento de presentar el álbum en los escenarios porque esto, está claro, solamente acaba de empezar. J.C.P.

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MONDO FREAKO

The Jayhawks Hola amigos

La relación de The Jayhawks con nuestro país siempre ha sido especial desde que nos visitaron por primera vez. Este mes de junio nos visitan de nuevo

LO CURIOSO ES QUE GARY LOURIS, Marc Perlman, Karen Grotberg y Tim O’Reagan lo harán esta vez sin disco nuevo bajo el brazo que presentar y de eso empezamos hablando justamente con Perlman, bajista de la formación. “Cuando empezamos a salir de Estados Unidos y fuimos por primera vez a Europa, íbamos a lugares como Reino Unido, Escandinavia, Francia o Alemania. Al volver nuestras bandas amigas nos preguntaban por qué no pasábamos por España, que era un lugar para tocar increíble. Tardamos años en hacerlo y preguntábamos a nuestros agentes, pero no encajaba. Finalmente, alrededor de 2000 lo conseguimos y en eso tuvo mucho que ver Mondo Sonoro con sus fiestas, que hicisteis todo lo posible para llevarnos. Creo que sin eso no lo hubiéramos hecho nunca. Todo el mundo perdió dinero, nadie ganó nada, pero lo hicimos porque nos moríamos de ganas de tocar en España. La recepción que tuvimos fue fantástica y nos enamoramos del país.

Diría que fue en los tiempos de ‘Smile’ (00)”. Lo fue y precisamente de ese disco quería hablarle. Las malas lenguas dicen que fue el momento en que The Jayhawks estuvieron más cerca de separarse. “Pues no lo sé. No lo recuerdo así. Diría que es uno de nuestros discos favoritos. Nos lo pasamos genial haciéndolo y fue un momento muy creativo para nosotros. Quizá lo que pasó es que el sello discográfico estaba en una situación confusa y sentimos que el disco no iba a llamar la atención que nosotros creíamos que merecía. Debería haber conseguido mucho más y eso fue frustrante, pero no nos impidió seguir como banda y querer seguir grabando discos”.

MARC PERLMAN es uno de los dos miembros fundadores que quedan en The Jayhawks. El otro es Gary Louris. Ambos llevan al frente de la banda desde 1984. Y si bien Tim O’Reagan, por ejemplo, entró en la misma en 1995, son Louris y nuestro interlocutor los únicos que pueden mirar atrás con una perspectiva absoluta. “No parecen cuarenta años, o casi cuarenta años. Es una especie de testamento, con todo lo que eso conlleva. Solo pienso en las grandes canciones que hemos hecho a lo largo de los años. Estamos muy orgullosos y mientras siga siendo así, seguiremos

“Sería una tontería parar mientras estemos lo suficientemente sanos para continuar”

adelante. Creo que sería una tontería parar mientras estemos lo suficientemente sanos para continuar”. En ese tiempo han visto como el mundo, y por supuesto la industria musical, cambiaba enormemente. Los discos pasaban a no venderse en formato físico y el streaming se erigía como la opción preferida por los consumidores. El single tomaba más importancia que el concepto álbum, y un larguísimo etcétera que ya conocemos. “En los años noventa, cuando el negocio discográfico estaba en su apogeo, cuando la gente vendía millones de CD’s era diferente. Ahora la mayor parte de nuestros ingresos proviene de los directos. No sé cuánto de bueno y de malo hay en ello. Creo que es solo evolución y no puedes evitarlo. O te dejas llevar o dejamos de tocar y continuamos con otra cosa. Las giras son lo que nos mantiene, pero no solo como músicos, también como personas”.

EDUARDO IZQUIERDO

EN CONCIERTO

l Barcelona 13 junio. Paral·lel 62

l Bilbao 14 junio, BBK Bilbao Music Legends Fest

l Vigo 15 junio, Auditorio Mar

l Madrid 16 junio. Noches del Botánico

l Valencia 17 junio. La Rambleta

FOTO: SAM ERICKSON

PENSAR LA Observatorio Mondo Sonoro

Es momento de devolverle a la música lo que nos ha dado durante tres décadas y queremos hacerlo apostando por un proyecto que no sólo sea un reflejo de nuestro agradecimiento, sino también una contribución activa para mantener viva su esencia, en un momento en el que estamos presenciando cambios que redefinen por completo nuestro entendimiento de la música, así como su papel en la sociedad.

En este 2024 Mondo Sonoro cumple treinta años. A lo largo de estas tres décadas la música ha sido el pilar fundamental de nuestra existencia y una fuente de inspiración, expresión y conexión para nosotros y para nuestra audiencia. Hemos sido testigos y partícipes de la evolución del panorama musical en nuestro país, desde la era de los vinilos hasta la revolución del streaming.

Hoy, una vez más, nos encontramos ante una transformación radical en la forma en la que creamos, distribuimos, compramos, escuchamos y disfrutamos la música. Blockchain, Tik-Tok, fondos de inversión, bandas formadas por avatares, la explosión de la música en directo, la saturación de novedades… El cambio de era es palpable y los retos son muchos para todos los que formamos parte de la industria y para los que están cerca de ella. Retos a los que se suma la velocidad, un ritmo a veces inasumible en el que apenas hay margen para pensar, para cuestionar y decidir cuál es el mejor camino y dónde está la mejor oportunidad, no sólo para el negocio, también para la música.

Vivimos un momento emocionante y también desafiante. Ante este nuevo paradigma creemos que lo mejor que podemos hacer es observar y aprender.

Actualmente es difícil encontrar un espacio en el que detenerse a observar, a conversar, intercambiar conocimiento, ideas y experiencias que nos permitan tomar decisiones útiles y fundamentadas.

Este aniversario no solo representa para nosotros una ocasión para celebrar nuestro compromiso con la música, sino también para asumir una responsabilidad renovada en su preservación y progresión. Por todo esto hemos decidido impulsar el Observatorio Mondo Sonoro, que nace con el propósito de ser tiempo, pausa e intercambio. También compromiso. Compromiso con la música.

Durante los próximos seis meses nos vamos a sumergir en una investigación creativa sobre el presente y el futuro de la música, con la que pretendemos también mirar al pasado para entender qué nos ha traído hasta aquí. Queremos observar nuestro presente y conversar con artistas, sellos, distribuidoras y otros agentes de la industria, sin dejarnos fuera a los que consumen música y a los que la escuchan. Buscamos comprender sus inquietudes, intercambiar experiencias y escuchar propuestas. Además, vamos a introducir voces expertas de otras disciplinas como la sociología, la antropología, la tecnología, el arte contemporáneo, la filosofía… Porque entendemos que la complejidad

de nuestro presente necesita ser mirada desde diferentes perspectivas.

Y por supuesto, vamos a dirigir nuestra mirada al futuro, porque siempre lo hemos hecho, y a darnos el permiso para imaginar otros futuros alternativos al que nos viene dado. Buscamos tener la posibilidad de elegir trabajar para el que realmente queremos. Porque elegir es uno de los actos más revolucionarios que podemos acometer en nuestra contemporaneidad. También lo es pensar.

¿Qué es la música para el ser humano? ¿Es lo mismo hoy que hace trescientos años?¿Cómo nos ha ayudado la música a avanzar como sociedad? ¿Cómo afectan el sistema económico y la tecnología a la creación musical? ¿Son los medios de comunicación capaces de absorber tanta novedad? ¿Cómo encontrar “la buena música”, sea del género que sea, entre tanto ruido? ¿Escuchamos música o consumimos sonido? ¿Son los fans los nuevos mecenas de la industria?

MÚSICA

¿Pueden ser algo más? ¿Cómo creamos comunidades sostenidas en el tiempo en un presente de audiencias líquidas? ¿Es la web 3.0 el futuro? ¿De verdad? ¿Qué cambios sociales ha provocado la música a lo largo del siglo XX? ¿Cuáles podría impulsar en el siglo XXI? ¿Podemos acabar con la precariedad económica que sufren muchos profesionales de este sector? ¿Dónde está la canción protesta de nuestro presente? ¿Qué papel han jugado las mujeres en la industria? ¿Qué buscamos realmente cuando vamos a un festival? ¿Lo encontramos? ¿Cómo transformará el cambio climático los festivales de música? ¿Cómo serán dentro de unos años las salas de conciertos (si es que las hay)? ¿Cómo cambiará el concepto “canción" en el futuro? ¿Y el de “música”?

Son muchas las preguntas y no caben en estas dos páginas. Este viaje es ambicioso y por eso no podemos, ni queremos, hacerlo solos. Nos acompañará el equipo del laboratorio de investigación creativa Célula Lab, formado por Uxue Peñagaricano y Natalia Cisterna, quienes liderarán todo el proceso de exploración a lo largo de estos próximos seis meses, así cómo el diseño y la producción de todas las actividades paralelas de divulgación asociadas a la investigación.

También se suman como socios estratégicos del Observatorio Mondo Sonoro: BIME, punto de encuentro, desde hace más de diez años, de todas las personas que trabajan en el sector de la música y las industrias culturales y creativas. Arena España con Havas Play, agencias de comunicación, medios y entretenimiento de Havas Media Network que destacan por su actitud para explorar nuestro presente, anticiparse a los cambios y provocar conexiones únicas con las pasiones de las audiencias.

LECLUF es un proyecto internacional de exploración musical y de apoyo a la creación contemporánea impulsado por PROYECTO SOLO.

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“La revista Mondo Sonoro tiene ese registro histórico, como los anillos del tronco de un árbol"

Julián Saldarriaga (Love of Lesbian)

LECLUF cuenta con distintos proyectos musicales y sonoros que persiguen la experimentación, el cruce con las artes y la difusión de la creación contemporánea en música

El primer sponsor que ha confiado en el valor de esta investigación es RootedCON, el congreso más influyente de España en el ámbito de la ciberseguridad, que en el pasado mes de mayo celebró su primera edición en Portugal.

Llevamos treinta años apostando por la música y construyendo un legado que gracias a este proyecto será mayor. Empezamos a recorrer este camino con emoción, con ganas y con la esperanza de que el Observatorio Mondo Sonoro sea de utilidad para toda la industria. También para el futuro de la música. n

Cristina Len

“La fusión es la base de esta nueva generación”

Tras muchos años de trabajo en busca de un sonido propio, Cristina Len ha dado con su llave maestra. “TMLM” (Montebello, 24) es un álbum exquisito con producción de Bronquio, que cabalga a galope de la electrónica y los sonidos folk reconciliando dos mundos antagónicos: la tradición rural y la intensidad urbanita.

TEXTO David Navarro FOTO Aina Diago

CUANDO ESCUCHÉ por primera vez “TMLM”, un je ne sais pas me recorrió el cuerpo. Fue una sensación, propia del nervio y la intuición, que me decía que lo que acababa de apreciar no era, en ningún caso, algo corriente. Sea por su sonido –atmosférico, lúgubre, incisivo– o la portada del álbum, en la que se ve a Cristina apoderándose en un espacio liminal, algo del álbum me embrujó. Quizás era la voz, o quizás la capacidad de traer de vuelta el mítico lamento lorquiano con ritmos sincopados, haciendo actuales aquellos tópicos de la España invertebrada de hace un siglo, o quizás todo a su vez. Sea como sea, casi medio año después del lanzamiento, aquella sensación ya es una certeza: “TMLM” ha empezado a llamar la atención del panorama nacional.

CUANDO QUEDO con Cristina hace una tarde hermosa en Barcelona. Con el sol de cara y vestida completamente de negro, Cristina Len ya me esperaba cerca del tranvía con la confianza de quién puede retar al astro rey y no parpadear un instante. Cinco meses después de haber lanzado “TDLM”, y tras más de doce años en esto de la música, Cristina razona en presente y lo hace velozmente. Sabe lo que quiere, porque lo quiere desde hace muchísimo, y sabe que el haberlo conseguido ha sido posible al haber pasado antes por bastantes nombres propios. No en vano, poco después de acomodarnos en el bar en el que hablaremos desde Rosalía hasta la muerte, pasando por Martiago, la holística de los círculos o sus abuelos, Cristina Len sacó a la palestra un nombre: Maribel Sánchez.

Maribel Sánchez y Bronquio: Anatomía de un sonido

“ES MARAVILLOSA”, afirma con cariño, y no es para menos: es, probablemente, una de las personas que más han hecho posible el disco de Len. “Hice una búsqueda de quién me podría ayudar a entender un poco el folclore […] y de golpe me encontré con el Instituto de Identidades de Salamanca, y empecé a hablar con Maribel, profesora de canto y percusión […] fui a verla y trajo todos los intrumentos, me regaló su dossier, un montón de libros… Fue súper chulo. Lo grabé y a partir de ahí empecé a samplear”. Una cosa les diré: preguntarle a Cristina Len sobre su álbum, en general, requiere todo un ejercicio de economía periodística. Las temáticas y subhistorias son casi infinitas. Es en esa tesitura, pues, donde decidí encaminar el diálogo hacia un camino concreto, que es el que precisamente me obsesionó: el sonido. “Los bajos distorsionados, los agudos de las campanas… Tenía una idea del ambiente que quería traer, pero no tenía ni idea de cómo iba a sonar”. Y aquí aterriza el segundo nombre y alquimista de toda una atmósfera: Bronquio. Cristina, tras abstraer en su cabeza el sonido que quería para su álbum, necesitaba bajarlo a tierra y palparlo. “Entiende muy bien lo que necesita esa canción” afirma del productor andaluz, añadiendo: “Lo lleva [el sonido] a una zona de oscuridad con puntos brillantes, un lugar muy íntimo y melancólico”. Justo como ella imaginaba.

ESCUCHANDO EL PROCESO creativo sublimado de “TMLM”, con Cristina andando de la mano primero de Maribel y más tarde de Bronquio, me di cuenta de que no podía

pensar vanguardia más actual que aquella subyugada al sonido electrónico, que en el caso del álbum de Len, daba la forma final al hemisferio más folclórico del proyecto. ¿Es la electrónica el actual fin de la música mainstream, o lo urbano? ¿En qué género se mueven álbumes como “TMLM”? “Creo que la diferencia entre electrónica y urbano se va difuminando. La electrónica se utiliza mucho en lo urbano, y parece ser el nuevo pop. Al final yo creo que la fusión es la base de esta nueva generación y creo que por ahí vamos a tirar todos los artistas”. Según Len, esto pasa por “tener cien referentes […] basarte en diferentes lugares y hacerlo desde tu punto de vista. Para mí la clave pasa por encontrar en lo personal algo universal”. Todo menos la muerte

MÁS ALLÁ DEL SONIDO, es inevitable no fijarse en las temáticas del disco: el lamento, el duelo y la muerte. En estos aspectos, 2019 fue un año clave en la vida de Cristina, y a la postre, para entender su devenir musical, primero con su EP “Alma Charra” (21) y ahora con “TMLM”. “En octubre murió mi abuela y no lloré; pero a los pocos meses, todo se me manifestó con mucha ansiedad, con mucho miedo a la muerte”. No sería todo. “Y en diciembre, cantando, me rompí las cuerdas vocales y tuve que aprender a cantar de nuevo”. Ambos hechos propiciaron el nacimiento de una Cristina de tonos más graves y más catártica. La barcelonesa ha demostrado haber llevado esa metamorfosis a la excelencia. Ahora, aún viéndose envuelta musicalmente en tonalidades oscuras y estar algo cansada tras mucho tiempo estrujando creativamente sus sesos, tiene un par de cosas muy claras: que quiere interpretar su álbum en directo y un antídoto para el perfeccionista y los que nadan en círculos: salvo la muerte, todo tiene arreglo. D.N.

EN CONCIERTO

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Entrevista completa >> l Salamanca 14 junio. Festival FACYL

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“La clave pasa por encontrar en lo personal algo universal”

La Élite es el dúo formado por Diosito y Yung Prado, este mes han presentado “Escaleras Al Cielo” (Discos Gele, 24), el segundo álbum de la banda. En él nos vamos a encontrar aquello que les ha caracterizado hasta ahora: punk electrónico, esencia autodestructiva, saltos, alcohol y gritar tan fuerte como sea posible.

TEXTO Àlex Ribera Nadales

ME CITO con el dúo synth punk de moda una tarde de mayo, quedan un par de días para el estreno de “Escaleras Al Cielo”, el segundo elepé de La Élite, pero parezco yo más nervioso que ellos por el lanzamiento. “Yo me acordé la semana pasada que salía, Claro, el primero salió por Navidad, una fecha mucho más destacada”, me comenta Prado. En nuestra entrevista anterior, comentaban que “Nuevo Punk” (22) fue un disco que se compuso rápido y parece que las cosas han seguido un proceso parecido en esta ocasión. “Intentamos tirar rápido y si sentimos que algo encaja lo tiramos para adelante, luego ya Prado se mete con la producción”, cuenta Diosito. Lo que es evidente es que el hecho de que cada vez cuenten con más público no les condiciona. “Creo que sería un problema que lo hiciera, igual que sería un problema sentirte responsable de algo”, continúa. “Tal vez sí que sentimos algo más de presión, sobre todo para crear algo que no suene exactamente igual que el disco anterior”, añade Nil. Centrándonos en las canciones, Diosito apuesta por “Boulevard boeis” como la que generará más pogos en sus conciertos. Sin embargo, Prado no se la juega. “Eso no se sabe hasta que la gente se pone a saltar y bailar. Y el público es impredecible”. La que siempre, siempre, los provoca es esa “Vida de 1€”, un tema recuperado de “Sorry Not Sorry” (19). “La verdad es que es bastante guapa y estaba perdida por ahí”. También encajó en el imaginario del Apretaditos Tour, una gira por salas pequeñas en las que, por un euro, tenías una entrada para ver al dúo catalán. “Nos encanta tocar en salas pequeñas con poca gente y escenarios pequeños, es algo que no queremos perder”, comenta Diosito.

PARA ESTE NUEVO TRABAJO, han colaborado con MDA, Diego Ibáñez (Carolina Durante), Nerve Agent y Pokito Paranoiko.

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“Twitter es un espacio que sirve para odiar a todo el mundo”

Con Pokito ya colaboraron anteriormente y son viejos amigos. “A nivel emocional y técnico ha sido bestial. Nos conocemos desde aquel mítico tercer año de la ESO. Hacer cosas con colegas es brutal”, explica Prado. Casi todas se han llevado a cabo a distancia, ya que es complicado encontrar tiempo para quedar y hacer colaboraciones. “Es verdad que online se pierde parte de la magia, porque presencialmente todo el mundo va interactuando un poco más, pero es más difícil ir directos». También han tenido la oportunidad de participar en el último álbum de Rojuu. “Nos explicó la idea del disco y creamos nuestros personajes en un segundo, nos juntamos en el estudio y fue una pasada”, explica Prado.

COMO NO PODÍA SER de otro modo, “Escaleras Al Cielo” mantiene las idas de olla míticas de La Élite con referencias a Frank Cuesta y a Sid Vicious. “Para saber de dónde vienen esas ideas deberíais entrevistar a Nerve Agent y a MDA, se les fue completamente la olla, pero han quedado brutales”. La colaboración con Diego Ibáñez en “Plan de Mierda” ha generado reacciones de todo tipo en Internet, demostrando el amor/ odio que reciben La Élite, “El problema con la canción es que ha llegado al pozo de Twitter, un espacio que sirve para odiar a todo el mundo”, explica Prado. “A nosotros

Marca personal LA ÉLITE

ÉLITE

nos ha ido genial. Publi gratis. Lo único que está guay es que ves lo hecha polvo que está la peña. Es un reflejo de la hipocresía de la sociedad”, añade Diosito. La banda ha actuado este último año, en todo tipo de festival, una representación clara de su realidad fuera de Internet “En todos lados la peña se lo pasa bien y nos sentimos genial, desde el PintorRock o alguno más pijo como el San San, lo único es que en los festivales hay que pagar una entrada y en Twitter no”.

CONTINUANDO con el álbum, “Me Despido De Ti” y “Escaleras Al Cielo” marcan un cambio respecto a la lírica común de La Élite. “Es un rollo parecido a ‘Contento de ser feo’. A veces la gente, y lo entiendo, se espera solo destrucción de nosotros, pero también somos personas, sentimos cosas y eso…”. En este álbum también hablan de su “Marca Personal” mediante ojos morados y borracheras, pero no todo es eso. “La canción nos representa hace un tiempo, pero ya somos gente muy tranquila, por lo menos a esta hora”.

HACE UNOS MESES comentaron que, para este año, tenían veinticuatro canciones preparadas para salir, pero el álbum incluye una docena, así que les pregunto qué harán con el resto. “La verdad que no lo sabemos, a lo mejor nos enfadamos y nunca más salen. Si todo fuera genial, podría ser que sí, podría ser que no. Ni están ni no están. Podría ser o no podría ser. Ya veremos, nada está seguro, no se sabe”, desarrolla Prado. Un futuro incierto en el que podrían darse nuevas colaboraciones. “Nos encantaría volver a colaborar con Rojuu. También nos encantaría poder colaborar con Sebastian Murphy [Viagra Boys]. Y nos encantaría hacer algo con Amy Taylor [Amyl And The Sniffers], pero ella también es un poco puede que sí puede que no. Pero es una peña con la que nos fliparía colaborar”, comenta Diosito. Para despedirnos me gustaría preguntarles por su futuro, pero me imagino que sé la respuesta. Que podría ser o no podría ser. “Así es, nunca se sabe”, comentan ambos encogiéndose de hombros. A.R.N.

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Joana Serrat

No hay rigidez, el cambio impera

Su nuevo disco, “Big Wave” (Grand Canyon), ya se ha llevado un nueve sobre diez en una revista mítica como Uncut, que además le dedica una página completa en la que asegura que la catalana sigue la vía de la fragilidad, algo que a ella no acaba de encajarle. Pero dejemos que sea Joana Serrat quien nos lo comente.

TEXTO Eduardo Izquierdo

FOTOS Janie Jone

NO SE ME OCURRE mejor manera que empezar charlando sobre eso, sobre si Joana se identifica con ese concepto de fragilidad del que hablan los británicos al acercarse a su música. “La verdad es que, en general, no me identifico

con la palabra fragilidad. Es decir, en todos mis discos hay canciones que son frágiles y/o contienen pasajes de fragilidad, pero la percepción general que tengo de mis discos es que no se definen por tener un sonido frágil. Dicho esto, hice especial hincapié a Matt Pence (productor, N.d.R) para que sónicamente 'Big Wave' pesara mucho más

que los anteriores, que fuera agresivo por la necesidad que tenía de comunicar un momento interno de huracán emocional. Había mucho ruido en mí y necesitaba que mi trabajo reflejara ese momento tan estridente”. Quizá eso tenga algo que ver con su trabajo colaborativo en Riders Of The Canyon, proyecto que poco a poco va abriéndose camino en paralelo a su carrera en solitario. “Con Riders Of The Canyon, intentamos tener un sonido propio de banda, por lo que miramos de dejar un poco de lado nuestro sello personal para dar con un sonido de grupo, no individual. De todas formas, el mundo de la producción es fascinante precisamente por esto: una misma canción puede tener variedades de géneros o representarse desde ángulos distintos según se produzca. Pienso en las canciones ‘Riders Of The Canyon’, ‘Everything Blooms In Spring’, ‘Dirty Water’ y ‘Master Of My Lonely Time’, y tengo la sensación de que cuando las escribí (algunas de ellas la auto-

ría es compartida) había un pulso distinto, una necesidad de componer canciones que no fueran tan clásicas dentro del género americana o alt-country. En ese sentido, como banda, conscientemente estamos más en la periferia de la Americana que en su núcleo duro”.

EN LO QUE SÍ ESTÁ DE ACUERDO Joana es en considerar las atmósferas como parte indispensable de sus discos. Casi un instrumento más. “Las atmósferas y la reverberación forman parte de mi manera de presentarme delante del mundo, de mostrarme y son también un canal para comprender mejor quién soy. Son capas de percepción, de interpretación, de conocimiento que me sirven para desenvolverme en un medio orgánico y fluido en el que no hay rigidez, sino que el cambio impera. Me da libertad y oxígeno”. Una libertad que también siente cuando coge los bártulos y se larga a grabar

el álbum, una vez más, a Texas. “Grabo en Texas porque es allí dónde tengo los amigos con quienes me encanta grabar mis discos. Gracias a la grabación de ‘Dripping Springs’ (Loose/Great Canyon Records, 17) con Israel Nash y todo su equipo, hice muy buenas migas tanto a nivel personal como artístico con Joey McClellan y Ted Young. A raíz de esta experiencia transformadora en Plum Creek Sound [el rancho-estudio de Nash] tuve claro que había encontrado un grupo de personas muy especial. Por primera vez en mi vida sentí que me ‘veían’, que me comprendían y tuve claro que quería seguir explorando mi camino artístico junto a ellos. No tuve que plantearme volver a Texas –esta vez en Denton– para grabar ‘Hardcore From The Heart’ (Loose, 21), lo tenía clarísimo. Además, para mí tenía todo el sentido del mundo hacerlo con ellos, puesto que el disco giraba en torno a los estragos vividos a raíz de mi paso por

“Nada en este disco ha sido fácil ni llano, más bien lo contrario”

Plum Creek Sound. Además de esto, cuando pienso en mi sonido, Joey McClellan es mi otra mitad. Conectamos artísticamente, eleva mis canciones y las lleva al lugar al que pertenecen. Es difícil imaginar grabar mis discos sin él. Por ahora es un imprescindible y siento que lo será durante mucho tiempo”. Cambios ha habido, eso sí, aunque los justos y necesarios. “La verdad es que ‘Big Wave’ fue una experiencia muy distinta a mis otros procesos de grabación y de las ondas circulares que de ella se desprenden. Nada en este disco ha sido fácil ni llano, más bien lo contrario. Joey me propuso trabajar con Matt Pence cuando le llamé para contarle que estaba preparando disco nuevo y me pareció genial. Yo quería alguien que quisiera arriesgar, capaz de desubicar mi sonido, mis canciones y que me pusiera en una zona totalmente nueva y desconocida para mí, no quería repetir ni hacer un ‘Hardcore From The Heart 2’, y tuve la sensación de que lo podría lograr junto a él”.

Y ASÍ SIGUE LA QUE PROBABLEMENTE es nuestra songwriter más internacional. Con paso firme. Teniendo claro el camino a seguir. Algo que pone definitivamente de manifiesto cuando nos asegura que “Feathers” es, muy posiblemente, la canción que mejor define la dirección que tomó el disco. “Fue un momento en el que sentí que el sonido estaba tomando forma y estábamos en el buen camino. Mi experiencia es que siempre hay un par de días de calentamiento en el estudio antes de encontrar el color y el carácter general del disco. Con ‘Big Wave’, el reto fue más palpable porque estábamos experimentando, probando sonidos, direcciones, estructuras… Todo estaba más abierto y más al aire. Así que, cuando empezamos a tocar ‘Feathers’, fue casi un momento de iluminación. Tiene casi todos los elementos que comprenden el disco, por la temática y por su tratamiento sónico”. E.I.

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Oques Grasses Delirio universal

Cuando estás en lo más alto, lo más fácil es hacer otra vez lo mismo para no defraudar a nadie y seguir entre laureles. Pero no en el caso de Oques Grasses. Ellos necesitaban mutar del todo y volver a revolucionar el gallinero. “Fruit del deliri” (Halley Records, 24) es ese disco revoltoso y lampedusiano que lo cambia todo para que nada cambie y ellos sigan en lo más alto.

TEXTO Don Disturbios

FOTOS Marta Mas

Poca broma

NO VOY a descubrir el magnesio ahora si afirmo que Cataluña ha tenido siempre un ecosistema musical propio basado en la lengua. Escena que, como todas, ha tenido sus altibajos a lo largo de diferentes décadas, en lo que a popularidad y capacidad para generar ingresos propios –industria– se refiere. Si nos ceñimos estrictamente al momento actual, cabe decir que, tras la resaca mestiza encabezada hace una década por Txarango, hay una nueva hornada de grupos y solistas como The Tyets, Figa Flawas, Mushkaa o Julieta que tienen en el pop electrónico, los sonidos urbanos y el reggaeton sus señas de identidad. Aunque por encima de todos ellos, ejerciendo una

especie de tutela basada en la calidad y el ingenio, además de actuar como eslabón perdido con ese mestizaje que ahora parece hasta lejano, están los auténticos jefes del cotarro catalán: Sus “boletaires” majestades Oques Grasses. Los osonenses, encabezados por la irreverente y activa mente de su líder Josep Montero, lo han vuelto hacer y se han sacado un nuevo disco titulado de forma explícita e intencionada “Fruit del deliri” Un trabajo que se convertía en hito al poco de editarse, al encaramarse hasta el puesto número tres de las lista de ventas de todo el estado y protagonizar el mejor debut de un disco en catalán en la historia de Spotify. Casi nada. (Josep Montero) “La verdad es que no sabía qué esperar con este disco, porque creo que nunca habíamos asumido un riesgo tan grande o al menos esa es mi sensación. Es verdad que cuando hicimos el primer cambio importante, en lo que a producción se refiere, fue cuando pasamos de los tres primeros discos a ‘Fans del sol’ (19).

Ahí hubo un cambio, y eso siempre implica riesgo. Pero era un cambio hacia una música más radiofónica, más comercial, en cuanto al sonido y a la producción. Por lo tanto era un riesgo, pero entre comillas. Era un riesgo para llevarnos hacia arriba. Sin embargo, ahora, una vez que ya habíamos entrado en este mundillo, con la repercusión que estábamos teniendo y todo eso, pues el riesgo se asumía en sentido contrario… El hecho de hacerlo así me generaba muchas preguntas. Lo que sí tenía claro, porque lo había visto con amigos míos y personas del entorno, es que al principio la gente se echaba para atrás con el disco, pero a la semana ya sentían mayor admiración por este trabajo que la que habían sentido con los otros discos… Por eso pensé que si esto mismo sucedía con el resto del público, sería un festival. Pensé: ‘Deberás tener paciencia una o dos semanas’. Pero la gran sorpresa, y esto sí que fue toda una sorpresa, es que en solo dos días a la gente ya le encantaba el disco.

Y el rollo que se ha montado, con esto de las ventas en toda España y en catalán, todo esto me parece una broma, la verdad”. Pues de broma más bien nada. La acogida que ha tenido su sexto trabajo ha sido, como hemos visto, espectacular y cualquier observador independiente de lo que pasa en el extremo este de la península estaría de acuerdo en constatar que, en la actualidad, existía el caldo de cultivo perfecto para que algo así pasara. “En realidad creo que todo ha sucedido así porque, en el fondo, asumir riesgos genera admiración o al menos yo lo he vivido así. Recuerdo que cuando escuché a Rosalía asumiendo el riesgo que tomó con ‘Motomami’ (22) me generó mucha admiración. De hecho, ha sido un gran referente para mí, no estilísticamente, pero sí a la hora de arriesgar. Pienso que ese podría ser uno de los motivos. El otro es que he sido más sincero con las letras, que no significa que no lo haya sido con los otros discos, pero es verdad que estas canciones las

he enmascarado menos, he puesto menos maquillaje, menos metáfora, y he ido más al grano. Lo cual ha sido un gran ejercicio para mí, porque tenía muchas ganas de ser más directo… Y creo que a la gente le gusta más así… Por eso, si te tuviera que dar una explicación, te diría estas dos cosas. El riesgo en cuanto a la producción y el riesgo en cuanto a las letras”.

La lírica Montero

SOY CONSCIENTE de que igual no resulta muy inteligente por mi parte intentar captar la atención de los lectores que no son catalanoparlantes por algo que se les puede escapar de la órbita del esfuerzo por intentar entender las letras de Josep Montero. Y es posible que resulte todo un brindis al sol afirmar que el contenido lírico de las canciones de Oques Grasses son uno de sus principales

“

“No sabía qué esperar con este disco, porque creo que nunca habíamos asumido un riesgo tan grande”

valores. Pero, con los avances que tenemos hoy en día, es fácil y recomendable hacer el ejercicio de impregnarse del universo “Oques”. Solo así es comprensible gran parte de su éxito. Unas letras que combinan la lucidez del que encara los problemas de forma sencilla, con la poesía de lo cotidiano y la profundidad de lo mundano. Una búsqueda de la belleza que hace de lo íntimo algo universal y que en “Fruit del deliri”, y como novedad, no ha renunciado tampoco a su lado más amargo. Al de la ruptura amorosa. “Si lo pienso, creo que con todos mis discos he explicado cómo me siento y lo que he vivido. La mayor diferencia con este disco es que antes las canciones de cuando

he estado triste, no las había publicado nunca. Como ‘PINGPONG’, que es una canción de tristeza total. Como esta he hecho muchas, pero nunca las he publicado…. Y no tanto por vergüenza, era más porque si hubiera publicado canciones tristes hace diez años, ahora mismo tendría como unas quince que la gente querría escuchar sí o sí y menudo bajón. Eso le ha pasado a muchos artistas como a Amy Winehouse que quería dejar de hacer la gira de ‘Back To Black’ (06) porque cantar esas canciones la destrozaba. También pienso en Kurt Cobain que acabó un poco como acabó, porque las canciones que hacía eran durísimas y tenía que ir cantándolas por la vida. Yo desde el

Épico estreno

Festival Estrenes - Palau de Fires, Girona 27 abril, 2024

HAY ESPECTÁCULOS que te encumbran y otros que te consagran. Pues bien, el nuevo show de Oques Grasses es de los segundos, de los que te llevan al Olimpo de las grandes bandas. Las que marcan época. Las que trascienden más allá del estilo que practican porque puede ser que no conectes con la música desenfadada y sin complejos de los catalanes, pero me jugaría ese Mercedes que no tengo a que no serías capaz de resistirte a este espectáculo sin admitir que está a otro nivel. Ya desde el inicio del show la cosa promete. Es salir al escenario hasta once individuos encapuchados con una máscara luminosa, como si se hubieran escapado de una serie como “El juego del Calamar”, y las vibras que transmiten es de que allí va a pasar algo gordo. Y efectivamente. Se colocan en formación, dirigidos por un Josep Montero en pleno deleite, y entonan

a coro los versos de “Molta Tralla”, sobre la música pre-grabada y los fogonazos rítmicos de una luz blanca. Es ahí, cuando cantan ese “Que sigui épic” de la canción, cuando todo cobra sentido. Despojados ya de máscaras y túnicas, los siete miembros de la banda se sitúan sobre un escenario en el que se encontrarán dispuestos en diferentes niveles. La batería elevada en la parte frontal a la izquierda, mientras que en el centro se sitúa una rampa que permitirá el flujo continuo de los músicos, aumentando el sentido dinámico del espectáculo. Todo ello enmarcado por cuatro columnas de luces semicirculares y una pantalla central redonda en la que se proyectarán unas visuales que engrandecerán el show que nos proponen los catalanes. Como en las grandes ligas. Sin embargo, nada de todo esto tendría sentido si luego no viene acompañado por un sonido a la altura del marco visual creado, pero así fue. La música de Oques Grasses se elevó fruto del delirio. ¡Hay que ver lo bien que le sientan las nuevas composiciones al setlist del grupo! D D

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“Las canciones que he hecho cuando he estado triste, no las había publicado nunca”

principio sentía que este tipo de canciones mejor guardármelas para mí, sobre todo por este motivo. Sin embargo, para este disco pensé: ‘Pruébalo’. Hice ‘PINGPONG’ y pensé: ‘Pues, cógela, sácala y veamos qué pasa’. Y veo que a la gente le está gustando, aunque es un una situación nueva que tengo que ir aprendiendo a manejar”. No deja de ser curioso que el público de Oques Grasses siempre ha conectado de forma muy especial con la vertiente más sensible de su universo. Lo demuestra el hecho de que sus canciones más escuchadas en plataformas son las que muestran una mayor vulnerabilidad. Sin ir más lejos, en este disco la canción más escuchada es “Sort de tu”, que es la que cierra el álbum y resulta ser la más delicada del lote. “Creo que la gente conecta cuando me abro y suelto una buena chapa con la letra. Es ahí cuando la gente conecta fuerte. También creo que se me da mejor esto, porque es lo que he hecho más. Y eso de buscar una canción más conceptual, lo he hecho menos. Es una cosa que también me gusta, pero creo que se me da peor… Y en el caso concreto de ‘Sort de tu’, pues creo que es de las canciones más suaves, más endulzadas que he hecho. Y como que también resulta todo un reto hacer una canción de amor y que no sea un pastel… Siempre me había puesto un poco la barrera de no resultar demasiado pastel. Me había puesto la barrera de no publicar canciones demasiado tristes; me había puesto la barrera también en el rollo de: ‘Si hago una canción tiene que haber frases buenas porque si no hay frases buenas no vale para nada’. Y de repente digo ‘¡Pero si en este rollo, así como mas conceptual, hay canciones que también me gustan! ¡Vamos a probarlo!’. Con este disco me he quitado muchas barreras de las que tenía y estoy súper contento. Quizás te diría que es el disco del que estoy más contento de todos los que he hecho, porque lo he hecho sin ningún tipo de filtro”.

Las reglas están para romperlas

Llegados a este punto, no puedo obviar que falta encarar el otro pilar que aguanta el tinglado del álbum. Me refiero al envoltorio musical que define a “Fruit del deliri” y cuya elaboración se puede resumir en: “hay que conocer las reglas para poder romperlas y asumir riesgos”. Todo ello con esa gran variedad de registros que cabe en la paleta de Josep Montero y su compañero en labores de producción Joan Borras, en busca de la textura perfecta. Un tándem que ha firmado sus pocos trabajos conjuntos a la producción como Justin Delasiembra y que parecen haber querido demostrar todo lo que son capaces de hacer tras los controles. “Sobre todo nos lo demostramos a nosotros mismos. Verás, yo me encontré que hace dos años seguía haciendo canciones, igual que estoy haciendo ahora, porque es la manera que tengo de vivir contento: hacer canciones, produciendo y eso. Así que hace dos años seguí con el mismo rollo de ‘A tope con la vida’ (21) y ‘Fans del sol’ (19), seguía produciendo así y, de repente, un día me empecé a aburrir y dejé de entrar en el estudio. Seguí haciendo canciones, pero dejé de entrar a producir. Llevaba más o menos tres meses o cuatro, que no lo hacía. Y empecé a preguntarme: ‘¿Qué coño está pasando?’. Y me di cuenta de que era porque necesitaba hacer algo nuevo… Necesitaba demostrarme que era capaz de hacer algo nuevo porque si no me estaba aburriendo. A mí me pasa una cosa y es que me aburro muy fácil. Y eso es bueno, pero también es malo. Así que pensé en planteármelo como un reto: ‘Demuéstrate que puedes hacer canciones buenas con este otro tipo de producción, más alternativo, que también te gusta mucho escuchar. Y seguro que te motivas’. Y evidentemente me motivó al máximo. Cuando se lo propuse al grupo y, sobre todo, a Joan Borràs, también les encantó la idea del reto. A partir de ahí empezamos a hacer putas locuras. Porque hay unos cuantos temas que son bastante locura en cuanto al sonido, que me supuso un reto muy heavy. Con algunas fue como querer expresar algo con la producción, y después con la letra contrastarlo o reforzarlo. Y con otros fue tener una letra y reforzarlo o contrastarlo con la producción.. En cuanto a Justin Delasiembra yo me aparté del proyecto porque, en el fondo, no me gusta que nadie me opine… Se me hace muy raro que alguien me diga: ‘Este es mi proyecto y lo quiero así’. O sea, sí que sé hacerlo, pero no me hace feliz”. Y la felicidad en el universo Montero está por encima de todo. D.D.

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EL DISCO. RECUPERADO.

Mansun

Attack Of The Grey Lantern (1997)

Paul Draper evidenció con el primer disco de Mansun que se trataba de un artista ambicioso, obsesivo con el detalle e incluso un poco enrevesado en cuanto a sus composiciones se trataba, además de alejado de aquel hedonismo manifiesto latente en muchos compañeros de profesión generacionales. Unas peculiaridades del todo determinantes en ese perfil que Mansun lucieron en los cuatros discos de estudio que lanzaron a lo largo de siete años. “Attack Of The Grey Lantern” vio la luz en febrero de 1997, al amparo del por entonces todavía vigente Britpop y encajando dentro de esos parámetros que definían la etiqueta. Todo, a pesar de contar con ciertas especificidades que diferenciaban a los de Chester de entre la numerosísima maraña de bandas que, semana tras semana (a través de NME y Melody Maker), pasaban a engrosar la nómina del invento en cuestión. El cuarteto partía, en su estreno, de un indie-pop de guitarras muy de los noventa, aunque lo remachaban a conciencia con parámetros de glam, psicodelia y una pizca de electrónica y rock progresivo, con David Bowie, The Beatles, Suede, Pink Floyd/Syd Barret, Talk Talk o T.Rex luciendo como influencias actualizadas con personalidad y solvencia. “Attack Of The Grey Lantern” resultó una mezcolanza atractiva en la voz aguda y generosa en falsetes del propio Draper, que se encontró con gran aceptación para un afanoso álbum (semi)conceptual plagado de

pormenores que, todavía hoy, conviene escuchar con cascos y debe entenderse como viaje con principio y final (de hecho, intro y outro instrumentales enlazan). Entre medias, un jugosísimo desarrollo en el que las canciones se veían entremezcladas con efectos sonoros e interludios, en pleno alegato de épica persuasiva para con el oyente. Un cortejo que podía darse mediante medios tiempos o piezas meditadas que arrastraban a su terreno paulatinamente, caso de “Mansun’s Only Love Song”, “You, Who Do You Hate” (con ecos a Radiohead) o la extensa “Dark Mavis” cerrando de manera oficial la referencia. También a través de singles obvios como “She Makes My Nose Bleed”, la ácida “Taxloss”, “Stripper Vicar”, “Egg Shaped Fred” y, por supuesto, el sencillo que quedaría como himno del grupo, “Wide Open Space”. Draper y compañía afrontarían, año y medio después, una vuelta de tuerca adicional en el complejo “Six” (98), título de buenas intenciones y maneras, pero cuyos temas no empacaban con la solidez del debut. Por su parte, “Little Kix” (00) fue un trabajo con momentos destacados y todavía aprovechable que dio paso al anecdótico “Kleptomania” (04), aparecido cuando el combo ya se había separado. Ninguno llegó a superar a la (por momentos) majestuosa ópera prima de Mansun, ni tampoco cosechó un éxito similar al que supuso su aparición en escena durante la la segunda mitad de los noventa. RAÚL JULIÁN

TAN. CERCA.

RR La banda madrileña Nudozurdo anuncia las primeras fechas de presentación de su disco “Clarividencia”, publicado a principios de año. De momento podremos verles en León (6 noviembre), Alicante (16 noviembre), Salamanca (22 noviembre) y Gijón (25 enero). En breve se anunciarán más shows.

RR Los barceloneses Dorian han estrenado el avance “Algo especial”, una canción que sirve de adelanto del próximo trabajo del cuarteto y que narra el adiós al amor con total sinceridad de Marc y Belly.

RR Dos años después de “Cuatro chavales” llegará el nuevo trabajo de Carolina Durante. Se llamará “Elige tu propia aventura” y se ha presentado en sociedad con el tema que le da título, pieza en la que muestran un sonido más maduro y con una instrumentación muy distinta a la habitual en la banda.

RR El trío murciano Perdón ha lanzado un tercer avance del que será su primer álbum. La canción es “Tiempo libre” y para darle forma cuentan con la colaboración de Aiko el Grupo

RR Nerve Agent anuncian su nueva gira, “Se está creando un clima terrible”, en la que presentan las canciones del Ep que publicarán en septiembre. Pasarán por Santander, Oviedo, Valencia, Sevilla, Granada, Santiago, Vigo, Vitoria, Logroño, Tarragona, Castellón, Zaragoza, Bilbao o Murcia, entre otras ciudades a lo largo de octubre, noviembre y diciembre.

RR Hinds nos han sorprendido publicando un nuevo single, “Boom Boom Back”, con vocación de hit y en la que Carlotta Cosials y Ana Perrote cuentan con la voz invitada del estadounidense Beck. Es uno de los platos fuertes de “VIVA HINDS”, a publicar en septiembre.

RR La banda donostiarra Comic Sans lanzan una edición especial en vinilo de su disco “Éramos felices y no lo sabíamos” en el que se incluye completo su nuevo EP “Ojalá fuera mi cumpleaños”. MS

Maniática Regreso a “El lado oscuro”

Los seguidores de Maniática están de enhorabuena. Como parte de las celebraciones de su vigésimo aniversario, el sello Kasba Music reedita en formato vinilo “El lado oscuro”, el tercer álbum de la banda.

PUBLICADO ORIGINALMENTE por El Lokal en casete en 1992 y reeditado después por Illa Records en CD en 1998, en esta nueva edición se han remasterizado aquellas legendarias canciones (“Color de corazón”, “Lo que nos queda”, “Eres libre”, “Poder”…) para que puedan ser escuchadas por primera vez con nuestra aguja. La excusa perfecta para recordar junto a Javi Chispes (cantante, guitarrista y compositor de

esta legendaria banda de Villena) la gestación de uno de los discos de punk rock más importantes de nuestra historia, y preguntarle de paso por su nueva vida junto a Reincidentes.

PARA CONTEXTUALIZAR, “El lado oscuro” es el tercer disco de Maniática. Viri ya se había ido después del primero, “Vitaminas A”, convirtiendo a Javi Chispes en el cantante. Después vendría “Maniacrítica”, tras el que se iría también Amador, dejando a Chispes como único guitarrista. Así lo recuerda el músico. “Las canciones no tenían la misma fuerza que a dos guitarras, pero llevábamos una temporada ya así con Chato, y cuando se fue a la mili con su hermano, al entrar Pakote estuvimos de trío una temporada, con lo cual eso nos llevó a llevar el trío para adelante sin preocuparnos por una guitarra

“No puedes dedicar un disco antes de acabarlo”

RR Travis han estrenado el single “Raze The Bar”, single de adelanto de su próximo álbum “L.A. Times”. Aportan sus voces al tema nada menos que Chris Martin (Coldplay) y Brandon Flowers (The Killers).

RR En julio llegará “All Hell”, el que será el primer larga duración de los británicos Los Campesinos! en siete años. De momento ya puedes escuchar “Feast Of Tongues” como avance.

RR Robert Plant y David Gilmour (Pink Floyd) apoyan la campaña organizada por los hijos de Steve Marriott (Humble Pie, Small Faces) en denuncia por la creación y difusión de música hecha con inteligencia artificial emulando el trabajo de su padre.

RR Nathaniel Rateliff & The Night Sweats tendrán nuevo disco este mes de junio. Se trata de “David and Goliath”, que verá la luz el día 28 a través de Stax.

Rival Sons Guitarrazos contra el teatro del absurdo

Los californianos Rival Sons siguen siendo una de las mejores enseñas de ese rock norteamericano que hunde sus raíces en el hard rock y en el blues para proyectar su sombra con vigor a nuestro presente.

HABLO CON JAY BUCHANAN, su encantador frontman, el vocalista, guitarrista y compositor principal del quinteto que en directo completan el también guitarrista

Scott Holiday, el batería Mike Miley, el bajista Dave Beste y el teclista Todd Ögren. Se muestra contento de volver a España, un lugar en el que siempre se han sentido muy bien acogidos, desde que pisaran el Azkena Rock por primera vez en 2011, un bolo que aún recuerda con mucho cariño. Le comento a Jay que, a veces, los periodistas de aquí nos sorprendemos cuando tantos músicos norteamericanos nos dicen que el nuestro es un país muy rockero, porque aquí no lo percibimos así. Él lo atribuye a nuestro carácter, más que una cuestión numérica. “El rock ya no domina el mundo y ahora ha sido relegado a lo novelty y a lo nostálgico:

es el hip hop quien lo domina, y creo que esa apreciación de España como un país rockero tiene en realidad más que ver con que vuestra cultura es más visceral, más física, y notas cómo el público en directo está contigo”, explica.

TANTO “DARKFIGHTER” (23) como “Lightbringer” (23), que aún tardarán en tener continuación, reflejaban de forma sutil las vicisitudes de componer canciones vigentes en un periodo de la historia estadounidense especialmente convulso como el actual. Fue algo que el propio Jay Buchanan recalcó en algunas entrevistas.

de apoyo”. Cuenta la leyenda que grabó todas las guitarras metido en un cuarto de baño. Javi nos confiesa que “se metió el amplificador en un aseo que había en el estudio, por la resonancia que tenía, como una reverb corta muy graciosa. Al final se grabaron todas las canciones con ese efecto, le dio una personalidad propia al disco”.

EL GRUPO, ADEMÁS, estaba en pleno cambio de baterista: se iba Chato y entraba Pakote. Se repartieron la grabación de los temas, cada uno los que había tocado más. “Chato tocó en más porque había estado más tiempo en la banda, y tenía controlados más temas. Participó más, a sabiendas que a la vuelta ya se quedaba fuera de Maniática. Por decisión propia también, ya se quedó Pakote definitivamente”. Todo se grabó en Estudio Central, Sevilla, con la mesa de mezclas en manos Carlos, el técnico de sonido de Reincidentes (grupo con el que toca actualmente Chispes). “Se va creando una amistad

potente desde entonces, pero jamás pensé que acabaría con ellos”, asegura.

SE GRABÓ EN ABRIL DE 1992, el año de la Expo. Esto marcó el contenido del álbum, desde canciones como “La balada de la Expo” o “Cristóbal Colono”, a la propia portada. “La portada igual no habría sido esta si no hubiésemos estado allí, posiblemente habría sido otra. Igual que el título y las dedicatorias. No puedes dedicar un disco antes de acabarlo”. La reedición de este disco seguramente vendrá acompañada de más sorpresas. “Nos han dejado caer el hacer una reedición de ‘Vitaminas A’, estamos ahí dándole vueltas. Y la reedición de La Furia, claro. Y quizá debería hacerme a la idea de hacer algo con Banda Jachís […]. Pero yo soy mal negociante, ahora mismo me dedico a no fallar a Reincidentes, y lo demás ya depende del tiempo que tenga”. JESÚS CASAÑAS

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RR El músico y actor Tom Waits se suma al estelar elenco de “Father Mother Sister Brother” dirigida por Jim Jarmusch, con quien ya ha colaborado en diversas ocasiones. En la cita estarán también Adam Driver, Cate Blanchett, Charlotte Rampling y Mayim Bialik.

RR Tras quince años colaborando, el productor Kevin Parker, líder de Tame Impala, ha vendido los derechos de su catálogo al gigante Sony Music. La venta incluye su discografía, así como colaboraciones con otros artistas.

Pero no cree que esa polarización política sea exclusiva de su país. “Norteamérica no tiene la patente de la hipocresía, y creo que el teatro del absurdo en el que se han convertido los Estados Unidos, con la gran división política que aún se mantiene, no debe ser muy diferente al panorama de la política en España”, me dice, porque cree que “hay una narrativa del nosotros contra ellos que es común a muchos países”. Su forma de combatirla tiene más que ver con la empatía que con la denuncia. “Tengo amigos y familiares que piensan muy distinto a mí, con una ideología opuesta, pero intento centrarme en lo que compartimos y no en lo que nos divide, y si alguien a quien quiero cree en cosas muy extremas o directamente en locuras,

RR El vocalista de Anthrax, Joey Belladonna, ha anunciado que va a formar una banda tributo para homenajear al icono metal Ronnie James Dio. Anteriormente, Belladonna ya había mostrado su respeto hacia Dio participando en “This Is Your Life” (14), un álbum tributo a Dio.

RR El músico y productor berlinés Shackleton y Six Organs of Admittance, el alter ego del guitarrista estadounidense Ben Chasny, se han unido para crear un nuevo disco, “Jinxed by Being” MS

intento entender qué es lo que le ha llevado hasta ahí y no perder la visión de la persona que hay detrás: siempre se puede encontrar un espacio común”, afirma. Si quienes rigen nuestro destino pensaran así, este sería un lugar mucho mejor.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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MONDO FREAKO

Marie Ulvien es la cantautora noruega que da vida a girl in red y que, a los veinticinco años, ha llegado a todo el mundo gracias a la viralización de “I Wanna Be Your Girlfriend” primero y posteriormente con su primer álbum, “if i could make it quiet” (21), y un par de EP’s. Ahora ha vuelto con “I’M DOING IT AGAIN BABY!” (Sony, 24).

Revitalizadora del pop que ha conseguido incluso telonear a Taylor Swift en su ambicioso “The Eras Tour” el pasado año, girl in red ha vuelto a la actualidad con su segundo trabajo, “I’M DOING IT AGAIN BABY!”, que ahora mismo está presentando en gira mundial. Eso sí, para verla en nuestro país tendremos que esperar hasta el 16 de septiembre, fecha en la que actuará en el Sant Jordi Club de Barcelona.

¿Cómo te sientes respecto al lanzamiento de tu segundo álbum, “I’m Doing It Again, Baby!”?

Estoy muy emocionada y a la vez muy nerviosa porque, ya sabes, ¿y si a la gente no le gusta? Nunca se sabe, así que sobre todo estoy emocionada.

¿Cúal crees que es la mayor diferencia o el gran cambio que podemos escuchar entre tus dos álbumes?

Creo que, sobre todo, este álbum es mucho más energético, divertido y alegre y se siente más optimista y confiado que el primero.

Realmente necesito preguntarte, ¿Qué querías expresar con el título del álbum? La verdad es que fue una idea que tuve mientras terminaba el disco. Surgió a raíz de que me sorprendió estar haciendo otro álbum ya que había estado tan ocupada viviendo mi vida que sentí que quizás había descuidado un poco la música. Cuando empecé a trabajar en las ideas para el nombre, simplemente pensé “Lo estoy volviendo a hacer, cariño!” [ríe]. Se me ocurrió que era un título divertido porque también insinuaba que estaba grabando un álbum mejor.

En cuanto al primer single que lanzaste, “Too Much”, es una canción sobre la vulnerabilidad en una relación en la que te invalidan, pero el segundo single, “Doing It Again, Baby!” es un tema que rebosa confianza. ¿Por qué decidiste publicar dos temas tan diferentes como singles?

girl in red Lo ha hecho otra vez

Creo que “Too Much” habla de un sentimiento universal y tenía sentido que fuera el primer single porque es melódico, todo el mundo se puede sentir identificado. Es pegadizo y básicamente es un tema divertido. Por otro lado, sentí que “Doing It Again, Baby!” cuadraba como segundo single ya que además de ser la canción que lleva el nombre del álbum tiene la energía que el disco debe tener. Tiene como ese espíritu de “puedo hacer cualquier cosa” o “me siento muy bien” y eso es algo muy guay.

Lo que más admiro de ti y de tus canciones es la honestidad que hay en las letras. Por ejemplo, la canción que abre el álbum, “I’m Back”, tiene un mensaje muy transparente. Da la sensación de ser una explicación sobre la espera de este disco. ¿Es eso lo que querías decir? ¡Sí, totalmente! Definitivamente sentí que me había perdido a mi misma y tuve una crisis de identidad. No estaba segura de quién era [...]. Fui a terapia y empecé a vivir mi vida como no la había vivido y empecé a ser más positiva. Por eso, la canción no es

“Había estado tan ocupada viviendo mi vida que sentí que quizás había descuidado un poco la música”

necesariamente una explicación de “Mirad, por esto he tardado tanto…” [ríe]. Pero es un tema que refleja el proceso de salir de una depresión y una forma de decir que he vuelto y que lo haré lo mejor que pueda para seguir por buen camino.

Explicaste que “Phantom Pain” la habías escrito porque por aquellos días habías conocido a tu novia, pero ella se hablaba con otro. Me intriga saber por qué escogiste esta expresión como título. Básicamente la que ahora es mi novia, en ese momento me paró los pies cuando nos conocimos, aunque aún no habíamos empezado nada, e inmediatamente me sentí con el corazón roto. Me pasaba noche y día destrozada por esta relación que ni siquiera era real [ríe]. Me pareció divertido el contraste de sentirte tan sumamente mal por un rechazo hasta el punto de pasarte una semana hundida. De ahí el título de la canción; tuve un “dolor fantasma” por una relación que nunca existió.

Y sobre el último single que lanzaste con Sabrina Carpenter, “You Need Me Now?”. ¿Cómo surgió esta colaboración tan especial?

Yo era fan de Sabrina e iba publicando cosas sobre su música, y un día me escribió para decirme que me había visto actuar en un festival y que le había encantado. Enseguida conectamos así que le mandé un video en el que le decía que sabía que casi no nos conocíamos pero que tenía una canción en la que ella encajaría. Me respondió que se apuntaba así que fue muy divertido poder hacerlo con ella.

De hecho, Sabrina y tú fuisteis teloneras para Taylor Swift en algunos conciertos. ¿Cómo fue para ti dar ese gran salto?

Sin duda fue un momento crucial en mi vida porque he tenido sus discos desde que era pequeña y he ido escuchando su música mientras crecía, así que la primera vez que mencionó que había estado escuchando mi disco en 2021 estuve llorando durante dos días después de esa interacción. Ser capaz de conocerla y apoyarla en el tour más grande a nivel mundial fue la mejor experiencia. NOELIA SERRANO

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EN CONCIERTO

l Barcelona 16 septiembre. Sant Jordi Club

WALA. WALA.

“Si algún día tocamos en pabellones, no lo rechazaré, pero nos pongas en un pabellón o en un sótano, recibirás lo mismo de nosotros”

Bryan Garris de Knocked Loose en Rockzone

“El móvil lo cambió todo. Lee ‘Nuestra banda puede ser tu vida’ y compáralo con la forma de funcionar de las bandas hoy día”

Nikki Belfiglio de Bodega en Ruta 66

“Una vez conocí a John Lee Hooker. Su equipo me llevó a darle la mano, y tenía a una bonita chica rubia sentada a su lado en el sofá. Para ser honesto, creo que les interrumpí” Beck en Uncut

“Soy de dos lugares al mismo tiempo. Ser de Kosovo es una parte importante de quién soy, y tener la ciudadanía albanesa fue algo excitante para mí”

Dua Lipa en Time

“EL PUNK SIEMPRE HA SIDO IMPORTANTE PARA NOSOTROS. EN CORNELLÀ ESTABAN MONSTRUACIÓN, Y SEGUÍAMOS A LOS VASCOS KORTATU, LA POLLA RECORDS, CICATRIZ...”

David Muñoz de Estopa en Enderrock

PONY BRAVO

Distopía utópica y esta en el Guadalquivir

Pony Bravo reaparecen para rescatarnos del creciente pesimismo distópico con “Trópico” (Autoeditado/ Telegrama, 24). La efervescencia creativa que les caracteriza se expande con un extra de música exótica y atmósferas de bandas sonoras clásicas.

UN NUEVO COLLAGE surrealista sin costuras que fluye y nos arrastra como el agua clara que baja del monte en el que nace el Guadalquivir, pasando por Triana y la “Torre de lodo”, adentrándonos a través del espejo blanco y comenzando el viaje por el final, “Reflejo exacto”, germen de esta quinta entrega. “Es una mezcla de ideas utópicas y distópicas. Se trata de transitar todo eso siguiendo ideas y enfoques clásicos de géneros como el punk o post-punk, la idea de base viene de la necesidad, quizás, de enfoques más positivos que suelen ser minoría en géneros como la ciencia ficción, donde predominan enfoques bastante pesimistas siempre sobre el futuro. Se trata de imaginar una oposición a esa idea de un espejo negro oscuro y triste en el que reflejarse. La letra parte de ahí, de la dificultad de generar

relatos utópicos, o de intentar salir de esa transición extraña entre realismo que acaba por convertirse en cinismo en más ocasiones de las que nos gustaría”.

Y DE NUEVO LA MÚSICA en primer plano y ese difícil arte que tan bien manejan, el de, manteniendo su esencia impura intacta, no repetirse y seguir mutando y añadiendo capas y géneros al imaginario de Pony Bravo. “Una especie de mecanismo casi involuntario de reflejar la música que vamos oyendo, un intento natural de no repetirnos, de evolucionar un poco siempre. Se parece a la evolución que todos seguimos oyendo música a lo largo de los años, es una influencia también generada por los amigos con los que siempre hemos compartido música y conversaciones, sin darse uno mucha cuenta todo eso se va acumulando y te lleva a pequeñas evoluciones con el tiempo”. Otra adictiva característica made in Pony que encontramos en “Trópico”: Humor y crítica, utilizando la cultura colectiva con libertad, afilada ironía y espíritu humanista, con la idiosincrasia sevillana siempre muy presente, sobrevolando lo surrealista y lo injustamente cutre a la hora de crear canciones y el potente y desternillante mundo visual de la banda. “Es una costumbre interna casi, un hábito a la hora de comentar lo que nos rodea supongo. Ese enfoque forma

parte de la forma en que nos relacionamos, de las conversaciones que tenemos cuando estamos juntos. Ahí ya existe esa mezcla de humor y crítica muchas veces. Supongo también que la influencia de grupos clásicos como Derribos Arias, Dead Kennedys, Talking Heads, etcétera. Esa tradición se acumula en las letras y visuales, es como seguir una larga línea tradicional de textos y visuales que cuentan algo concreto, algo que tiene la misma importancia que la música en realidad, todo forma parte del mismo intento, al mismo nivel de importancia”. Con canciones reivindicativas y de denuncia, como “Piedra de Gaza”, con esos coros y ritmos tribales totalmente absorbentes, el bajo al mando y unos teclados que nos mantienen en un trance continuo… Y una letra que, estando de total trágica actualidad, parece como si “esas piedras” llevaran volando mucho más tiempo sobre las cabezas de la banda. “La letra estaba hecha desde hace años. Es una letra antigua, hay una influencia de los puntos de vista del historiador Ilán Pappé, de ese recuerdo de generaciones de palestinos de la vida previa a la Nakba del 48, y al reactivarse el conflicto ya estábamos grabándola, fue una coincidencia realmente, y ahora que todo está como está, adquirió ese punto extra”. Y “en Megatron me quedaré, porque allí tengo mi lindo querer”, la vibrante “Jazmín de

“En la forma en que nos relacionamos, ya existe esa mezcla de humor y crítica”

Megatron” como otro punto álgido, a base de funk, disco, fraseos flamencos y recuerdos lisérgicos. “Megatron fue un minifestival de tres días que estuvimos organizando con buenos amigos durante unos cuantos años. La idea era disfrutar de bandas con las que teníamos relación y que nos encantaban en un sitio maravilloso, con piscina, comida, sesiones y sitio para dormir. Allí estuvieron grupos como Los Voluble, Mansilla, ZA!, Fluzo, Fer Negro, Música Prepost, Fiera, Perla, Ylia, Industrias 94, etcétera. Megatron se parecía, en ese sentido, a propuestas como el Lemon Day o Keroxen, esos proyectos fueron siempre un referente común, proyectos hechos por y para amigos con la mejor música posible”.

EN TODO CASO, este “Trópico” es un disco repleto de aromas en el que “no hemos tenido muchas influencias directas externas. Hemos trabajado directamente sobre el material que íbamos generando, pero sí ha habido géneros como la exótica clásica que han marcado un poco el camino, o gente como Tommy Guerrero en algunos temas, o la influencia de bandas sonoras clásicas, algo de eso también ha existido como referente”. Aunque el presente y el futuro no son muy esperanzadores, seguiremos bailando rodeados de jazmines de neón, repitiendo las enseñanzas del señor Miyagi de Megatron: “Dar fiesta, pulir fiesta”, porque “el ruido del drone solo se oye si está cerca”. DANIEL PÉREZ

TOP VÍDEOS.

Q

Alizzz ¿Dónde estás?

1

Interesante clip el que da vida e ilustra a la perfección este “¿Dónde estás?” de Alizzz. Todo un ejemplo de lo perdidos que nos podemos sentir los seres humanos en esta sociedad moderna que nos vapulea mientras intentamos encontrarnos.

Q

2

Hinds Boom Boom Back ft. Beck

Pues parece que Hinds se lo están pasando en grande, sumergidas dentro del sueño californiano. Y nosotros, vistos los excelentes resultados condensados en este “Boom Boom Back”, no podemos mas que alegrarnos por ellas.

Q

Sofía Gabanna Tasmania

3

Sofiana Gabanna brilla con su lado más hip hop en este clip para “Tasmania” en el que, sobre un colorido escenario, se rodea de un cuerpo de baile para sacar a relucir toda su chulería a la hora de moverse.

4

Q

Luz Casal El Canto del gallo

La gallega se pone en la piel de Radio Futura en esta versión que viene acompañada de un interesante videoclip en el que se erige en única protagonista con sus coloridos cambios de vestuario y simpatía.

Q

5

Beth Gibbons Lost Changes

La cantante inglesa circula cómodamente instalada en la trasera de una lujosa limusina, en lo que parece una fiesta, con karaoke incluído, y en la que ella es la única invitada. Un planazo que no parece muy divertido. MS

STEVE ALBINI

El anti-productor que construyó mundos

La repentina muerte de Steve Albini ha sido dolorosamente inesperada. El músico e ingeniero de sonido tenía en el póquer, la comida italiana y el café gourmet sus vicios más prominentes. Podríamos añadir también la gestión cotidiana de su mítico estudio Electrical Audio, en Chicago, donde grabó cientos de discos desde que lo inaugurara en 1997.

LAS DESOLADAS y numerosas reacciones que ha suscitado su repentino y trágico deceso a los sesenta y un años, a pocos días de la publicación del nuevo disco de su veterana banda Shellac, ponen de manifiesto tanto su inmenso legado como su calidad humana. A nivel local, la comunidad underground de Chicago ha sufrido un golpe devastador. Y Primavera Sound se ha quedado súbitamente sin su grupo residente en tantas ediciones memorables… La organización ha bautizado un escenario en su honor.

EN LO TÉCNICO, resulta irónico que el hombre que se hartó de despotricar contra la figura del “productor” intervencionista, haya sido despedido en numerosos obituarios como “productor”. Sin embargo, no es menos verdad que su huella en todos y cada uno de los discos que grabó en estos casi cuarenta años, bastantes de ellos sublimes, de “Surfer Rosa” (88) a “In Utero” (93), “Rid Of Me” (93) o “Further Complications” (00) es inconfundible. En este sentido, tenía las cosas clarísimas. Quienes grababan con él lo sabían. Incluyendo artistas españoles como La Habitación Roja, Berri Txarrak o La M.O.D.A., que buscaron su sello. Y es que el hombre que afirmó que el ingeniero de sonido no es más importante que un fontanero, el técnico que grababa vestido con un mono industrial con el logo de su estudio, el tipo que le quitó toda charlatanería barata a su oficio, imprimió su estética en los incontables discos que hizo: de The Jesus Lizard a The Breeders, Mogwai, Jason Molina, Jarvis Cocker… no sólo sus tarifas eran sorprendentemente baratas

comparadas con las de otros estudios y “productores”, sino que los artistas buscaban su sello legendario para sacar la máxima crudeza y espontaneidad a las tomas. Y no se me ocurre un técnico, ingeniero, “productor” o como le queramos llamar, más influyente que él en estas últimas décadas.

LA VOCACIÓN MUSICAL le había llegado muy tempranamente, gracias a The Stooges, Ramones y el punk. Natural de California pero criado en Missoula, Montana, y estudiante de periodismo, en los ochenta se zambulló en la escena underground local. Desde su base en Evanston, Illinois, Big Black se convirtieron entre 1982 y 1988 en una de las bandas más radicales del post-hardcore local. Su secuela Rapeman no duró mucho, y además Albini no tenía suficiente con tocar la guitarra y berrear: fascinado por el proceso técnico en una década en la que se había esterilizado, había empezado a grabar bandas emergentes poniendo en práctica su habilidad colocando los micrófonos y unos conocimientos que iba refinando a una velocidad pasmosa. Su referente era el británico John Loder, partidario de grabar en vivo y rápidamente.

EL JOVEN INGENIERO aplicaría lo aprendido en el inmortal debut de Pixies “Surfer Rosa”, que le convirtió en icono la escena de su país cuando era ridículamente joven. Fue Kurt Cobain quien en 1993 decidió despojar al tercer disco de Nirvana de todo el brillo artificial, como manifiesto contra la fatuidad de la industria. En todos estos años se negó a cobrar royalties “inmorales” por aquel trabajo. Perdió cientos de miles de dólares.

Pixies

Surfer Rosa 1988

The Breeders Pod 1990

Nirvana In Utero

PJ Harvey Rid of Me

Shellac

El sonido Albini

Apenas pasados los treinta Albini era ya una estrella del gremio. Pero en lugar de distraerse con fatuidades o buscando un hueco en el mainstream, el músico se volcó en su nueva banda Shellac, y en crear de la nada, en un viejo edificio de ladrillos de Chicago, un estudio con los más altos estándares: Electrical Audio. En su punto de mira no estaban ni grupos de millonarios ni snobs, sino la joven comunidad underground de su ciudad, su país,

“

“El ingeniero de sonido no es más importante que un fontanero”

y finalmente el mundo entero. Contra todo pronóstico la estrategia le funcionó. Electrical Audio sigue siendo uno de los mejores estudios de grabación del planeta.

COMO EN CUALQUIER VIDA, no todo ha sido de color de rosa, claro. En 1990 renegó de Sonic Youth cuando estos firmaron con la multinacional Geffen. Otro borrón: no consiguió llevar a buen puerto “In On The Kill Taker” de otros míticos de la integridad, Fugazi. Y es que por encima de todo, el norteamericano era un amante incondicional del sonido y la música, así como apasionado de la personalidad del artista y su radical independencia. Abogaba por tener un trabajo normal para poder ser realmente autónomo, en lugar de depender de contratos leoninos y letras pequeñas de sellos. Sostenía que un músico no tiene nada de especial en relación a cualquier otra persona como para pretender dedicarse en exclusiva a su arte.

SU OBJETIVO ERA REVELAR la verdad, lo auténtico, lo opuesto a la impostura, por escurridizo y discutible que esto suene en tiempos del trap y el auto-tune. Y lo hizo, grabando a todo tipo de artistas: de la doliente cantautora Nina Nastasia a los exquisitos The Auteurs, del prolífico Ty Segall a Manic Street Preachers, Low, The Stooges o los paladines japoneses del post-rock canónico MONO. Por no hablar de cientos de bandas desconocidas. Con muchos cimentó una relación estrecha, como rara vez se produce en la industria, reivindicando la esencia del artista como persona normal que no tiene por qué endiosarse. La escala humana, personal, era esencial para él, por eso se mostró incapaz de degradar su arte con herramientas baratas de software.

Albini deja un vacío enorme, un cráter, como alguien ha escrito. En un reciente post de Instagram The Breeders –probablemente lo firmó su amiga Kim Deal– escribieron que “construyó mundos”. Para que otros, añado yo, los habiten y disfruten para siempre. Muy pocos pueden decir algo así, y seguro que habrá quienes sigan su estela. JC PEÑA

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39/Mondo VINILOS

La despedida de Tote King

RAP / El Rey abdica. Y lo hace de verdad, no como Xavi Hernández o Pedro Sánchez. O al menos eso parece. Y el hiphop pierde con él uno de los máximos exponentes que ha tenido esta cultura en España a lo largo de su historia. Desque que comenzase hace un cuarto de siglo con la Alta Escuela y su hermano Shotta, Tote ha ido desarrollando una carrera con algún altibajo, como todas las carreras, pero mucho más importante que prácticamente todos los raperos de su generación. De hecho me atrevería a decir que es el que mejor había envejecido, entendiendo a la perfección cómo es el nuevo rap y habiéndose adaptado de sobresaliente a él. Por eso extraña que lo deje justo ahora. Pero sus razones tendrá. No ha dado los motivos, pero ha

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compartido un comunicado en sus redes anunciando que lo deja con el mejor disco de su carrera. Personalmente pienso que aquel “Un tipo cualquiera” (06) será insuperable por el contexto y el cambio que supuso, pero es cierto que este “Luces fuera” es un disco con momentos brillantes, colaboraciones de renombre (aunque sorprende que no estén Shotta, Juaninacka y otros amigos de sus inicios en un disco despedida) y un buen adiós de uno de los MC’s más respetados del hip hop nacional. Inteligente, mordaz, divertido, valiente… Tote ha ido evolucionando en paralelo a cómo lo hacía esta música que tanto ama. Incluso su acento ha ido cambiando de un tono más neutro a uno más sevillano, prueba de que cada vez le importa menos gustar a todo el mundo y más encontrarse a sí mismo. Esperemos que este “Luces fuera” no sea un punto final, y que ToteKing siga regalándonos música de vez en cuando en forma de colaboraciones o singles cuando le pique el gusanillo, que le picará. Y esperemos que no se olvide del rap, porque el rap nunca olvidará lo que él ha aportado a esta música. Larga vida al Rey. Gracias. alfonso gil royo

Boys tienen en su mano el poder de detener el tiempo y lograr que los años ni pasen ni pesen. Con James Ford en la producción como acicate definitivo, la dupla británica nos entrega el décimoquinto disco de su carrera, encontrando con pericia la manera de sonar como ayer (“Why Am I Dancing?”) sin renunciar al hoy (“Dancing Star”) y ofreciendo un equitativo espacio para todas sus inquietudes y caprichos (de la experimentación de “New London Boy” al barroquismo sofisticado de “The Secret Of Happiness”, pasando por la horterada kitsch de turno en “The Schalger Hit Parade”). Entre el hedonismo parrandero y la narrativa conmovedora, Tennant y Lowe nos demuestran que el mundo continúa necesitando más que nunca sus himnos liberadores y apasionados. El amor es su única arma para neutralizar el odio y atrincherarnos en su discurso, la mejor estrategia contra cualquier ofensiva. fran gonzález

8 6

Lipa

POP / El regreso de Dua Lipa es un conglomerado de buenas ideas no del todo bien desarrolladas. Una pieza que no llega a reflejar una etapa realmente productiva a nivel creativo para la artista y que la ha cargado de odiosas comparaciones con su predecesor. Sujeto por unos cuantos temas pop bien perfilados, “Radical Optimism” desprende una especie de sensación de inestabilidad y falta de cohesión que hace que no entres de lleno y no conectes del todo. Es un disco de buen rollo, sintetizadores quemados por el sol, vacaciones y despreocupación ante la vida. Un álbum lleno de arreglos pomposos que no tiene sus mejores letras, construido mano a mano con Kevin Parker (Tame Impala) y Danny L. Harle. Una propuesta que nace de la sombra de la perfección pop alcanzada y que por suerte en ocasiones genera buenos momentos como “Whatcha Doing” o “Falling Forever”. alex jerez

Dua

Radical Optimism Warner

MONDOVINILOS

La reinvención de Ferran Palau

Ferran Palau

Plora aquí

Hidden Track Records

POP / Es raro empezar lo que quiere ser un halago desde la crítica feroz. Pero no se entiende el valor de “Plora aquí” sin explicar el callejón –sin salida, a todas luces– en el que se había metido en los últimos tiempos Ferran Palau. El pop metafísico que entre él, Jordi Matas y Joan Pons concibieron y que la prensa engrandeció, se había convertido en cárcel para el cantautor. Cada vez costaba más distinguir los atributos que hicieron de sus canciones mínimas de debut una celebración. La languidez, los delays, el vapor, habían nublado su producción. Los que imitaban lo que ya se había convertido en fórmula, esa “metafísica” entre minimalista y tibia, todavía hizo más cansina la etiqueta. Afortunadamente los artistas, los mejores, aburren la repetición y el de Collbató ha cerrado la compuerta a “Kevin” (19) o “Parc” (21) para crear un nuevo “yo”; por ser justos, “Joia” (21) ya no respiraba exactamente igual a los anteriores.

Sea como sea, la particularidad es que ese “yo” suena a todos sus “yoes”, pero renovados. “Plora aquí” hace justicia a su reivindicado “L’aigua del rierol” (12), a la sencillez, al juego de las canciones redondas sin necesidad de tanta atmósfera. E incluso mira más atrás. Hay algo del álbum que tenía su anterior banda, Anímic El neo-folk. Y también el folk a secas; canciones que parecen hechas de primeras tomas como “Avui” o “120”. Una vez más, la música demuestra que no es el indio, sino la flecha. Pues el disco lo han perpetrado el propio Palau con Matas y Pons, sumando a Sr. Chen, y, cambiando de idea, de fondo, con más juego, ha salido una cosa totalmente distinta: cristalina, a ratos inocente, otras extraña. Sufjanstevensiana. Además, el álbum acompaña –o al revés– un cortometraje de aires retro, entrañable, de foto maravillosa, ocho minutitos, sobre dos monstruos, Snif y Smosly, tan achuchables… Es trabajo conjunto junto a Pablo Maestres (dirección), Dsorder (diseño), Agnès C. Olivé, Andrea Ruiz Pérez y Atena Pou (creadoras de los bichos), que junto a las músicas del disco como banda sonora acaba de darle otra lectura a todo el conjunto. Para avanzar, hay que dejar atrás los monstruos, las cárceles, y lo metafísico. yeray s iborra

Marcus King Mood Swings Republic Records

SOUL / Marcus King siempre había destacado por su extraordinaria pericia a las seis cuerdas, pero en este disco demuestra que su desgañitada garganta puede tener un enorme valor en sí misma. Eso y que ha vuelto a sentarse al piano para componer canciones como esa delicia llamada “Delilah”, sacando a relucir su lado más sensible. Un disco de orfebre en el que la instrumentación esta muy cuidada y todo suena con una exquisitez bárbara. Un álbum que anda más cerca de la contenida elegancia propuesta por Michael Kiwanuka (F*ck My Life Up Again”, “Save Me”) que de la hiperbólica aspereza ofrecida por el otro gran disco de soul de lo que llevamos de año. Me refiero al “JPEG RAW” de Gary Clark Jr del que directamente parece su reverso. Solo hay que dejarse mecer por temas como “Hero”, “This Far Gone” o “Bipolar Love” para saborear como merece este cambio de rumbo de un “guitar hero” que ha decidido dejar de serlo. don disturbios 8

8

The Messthetics

The Messthetics And James Brandon Lewis Impulse!/Universal

JAZZ ROCK / El post-Fugazi tiene total sentido en The Messthetics, dueños de un sonido de jazz con actitud y sin prejuicios, con llamativo vuelo incidental. En 2024 llegan a corporizar esta interesante sociedad con el saxofonista James Brandon Lewis, un activista de la música, consagrado jazzman en constante búsqueda del desafío sonoro. El resultado es excelente: una amalgama de creatividades vívidas que se respetan y quieren, una especie de matrimonio perfecto. Este es un disco para poner a cualquier hora del día, puede funcionar como un espresso doble en la mañana (“That Thang” que recuerda a Morphine) o como un spliff cannábico after cena (“Asthenia”, “Boatly”) Incluso se sube al sonido art rock en el radioheadiano “Fourth Wall” para luego jugar al blues en “Railroad Tracks Home”. El cuarteto encuentra un sentido magnífico de la coherencia dentro del eclecticismo. ¿Lo decimos más claro? Menudo discazo, macho. adriano mazzeo

BANDA SONORA / Esta es la segunda banda sonora completa del líder de Radiohead, tras la de “Suspiria” (Luca Guadagnino, 18), y lo cierto es que amplía su rango expresivo. Una veta más por explorar en la mente de un músico que seguramente ahora diversifica su caudal expresivo en más direcciones que nunca, si tenemos en cuenta también los dos notables trabajos publicados con The Smile. Habría que escuchar esto en sincronía con la película, claro, para encajar estos doce cortes en toda su hondura, porque apenas sabemos de “Confidenza” (Daniele Luchetti, 24) que se basa en la novela homónima de Domenico Starnone. Solo hay un par de cortes con voz, que podrían recordar remotamente a Radiohead: “Knife Edge” y “Four Ways”. El resto del minutaje brota diverso, con lucidos arreglos de cuerda y viento, cortesía de la London Contemporary Orchestra, y sin los devaneos electrónicos de su anterior soundtrack. carlos pérez de ziriza

Dillom Por Cesárea Bohemian Groove

URBANO / Mientras que en “Post Mortem” el horror atraviesa la obra, sobre todo textualmente, Dillom inyecta en “Por Cesárea” repulsión en vena. Nos encontramos ante un ejercicio malsano, atmosféricamente incómodo y conceptualmente brillante. El cantante se transforma en el Gregor Samsa del trap argentino en esta autoficción kafkiana, enfermizamente obsesionada con sumergirnos en el limbo que separa la autobiografía de la autoficción. Escuchar cómo Dillom se convierte en una cucaracha resulta tan sobrecogedor como darse cuenta de que su propio álbum aboga también por este body horror desquiciado. Imitando a esos cuerpos incoherentemente imposibles de Francis Bacon a los que la portada de “Por Cesárea” referencia, este sinuoso delirio desactiva la noción de género musical a favor de una libertad artística más comprometida con la búsqueda conceptual que con la coherencia estética. daniel grandes

mondosonoro.com

ROCK / En el improbable caso de que algún aficionado a maneras expeditivas aún no hubiera respondido a la llamada de la dupla gallega formada por Ánxela Baltar y Violeta Mosquera, el error en cuestión quedará subsanado con la llamada de atención inesquivable que supone el que es su cuarto álbum. “Besta” queda materializado a base de golpes en la mesa y proclamas gritadas al oído de un oyente subyugado ante su furia intrínseca. Un torrente de punk-rock imparable y con miga en la que rascar, de aspecto asfixiante y solidez instrumental insólita para un power-dúo que consigue potenciar estrepitosamente sonido y pegada, además de contar con colaboraciones de Ana Curra y Tanxugueiras. Bala llevaban ya un tiempo haciendo ruido y con la presente entrega realzan con mala baba su propia esencia, apuntan a matar y aprietan el gatillo para detonar ese disparo certero tras el que resultará del todo imposible ignorarlas. raúl julián

Pharrell Williams/ Virginia Black Yacht

Rock Vol. 1. City Of Limitless Access Autoeditado

POP / El disco sorpresa que Pharrell ofrece a sus seguidores en su cincuenta y un cumpleaños tiene un poco para cada uno de sus fans: para el que lo admira por su estilo, el que flipa con su voz o el que lo venera por haberle cambiado la cara a la música popular de las últimas décadas. Basándose en una concreta pleitesía al pop radiable, estas canciones inofensivas no pecan de lánguidas. Este es un disco de easy listening hecho y derecho, una llamada a la simpleza, un soundtrack perfecto de un picnic en la hierba. Como experimentado estratega que es, Williams logra que aquí no haya destaques individuales, la totalidad de la obra es de admirable coherencia. También es real que esa intención hedonista y autoproclamatoria del cantante puede empalagar, pero seamos buenos: los temas están currados. A caballo regalado no se le miran los dientes, y menos aún si el caballo tiene crines brillantes y bienolientes. adriano mazzeo

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Toteking Luces fuera

2 Ale Acosta El Porvenir

3 Ferran Palau Plora aquí

4 Alcalá Norte Alcalá Norte

5 Pony Bravo Trópico

6 Joana Serrat Big Wave

7 La Élite Escaleras al cielo

8 Perro ¿Te acuerdas?

9 Depedro Un lugar perfecto

10 Cosmic Wacho Lo que dicen por ahí

8

1 Knocked Loose You Won’t Go Before You’re Supposed To

2 Dillom Por Cesárea

3 Kamasi Washington Fearless Movement

Metz Up On Gravity Hill Sub Pop/ Popstock!

ROCK / Cuatro años han pasado desde el anterior álbum de los de Toronto. Alex Edkins ha tenido tiempo de lanzar su propio disco en solitario, dando salida a su lado más melódico. Es una terapia que parece haber surtido efecto, porque su quinto largo profundiza en los hallazgos que ya abrían nuevos horizontes en su anterior trabajo. Estamos ante la versión más luminosa de una banda que mantiene la intensidad eléctrica abrasiva como santo y seña, pero matizada ahora desde la portada: una rosa que sugiere un enfoque casi romántico, cristalizado en “Light Your Way Home”, su propia versión tierna e intensa del shoegaze. Y aunque cortes como “Glass Eye” prueban lo buenos que siguen siendo en su versión primaria, es en la potencia melódica del estribillo de “Never Still Again” donde se superan. Si es el amor lo que le ha llevado hasta aquí, es otra prueba más de su poder para amansar a las fieras, sacando su mejor versión. jc peña

4 Billie Eilish Hit Me Hard and Soft

5 Marcus King Mood Swings

6 Miss Bolivia Bestia

7 Villagers That Golden Time

8 Jessica Pratt Here in the Pitch

9 Kings Of Leon Can We Please Have Fun

10 Mdou Moctar Funeral for Justice

Tree Records

SOUL / El recorrido de las canciones de “Legacy”, el nuevo disco del soulman surinamés afincado en Amsterdam tiene coherencia y aborda tópicos inherentes a cualquier persona; la música se convierte en algo cien por cien cercano cuando su vozarrón inaugura el camino diciendo “¡Levántate!” como grito amoroso en el primer tema “Stand Up”. Él sabe que la vida duele, pero en su música ofrece un mantra de positividad tangible definitivamente capaz de levantar ánimos. Con una lista de temas sin rellenos y de protagonismo muy bien repartido, “Legacy” ofrece momentos de groovología perfecta (“Respect Yourself”, “Self Made Man”) en el que el soulman saca a relucir su devoción por sus ídolos hip hop. Si bien con un segundo disco es claramente pronto para hablar de “legado”, Morrison se asegura con este impecable trabajo el hecho de dejar su semilla, como mínimo en los registros del mejor soul facturado en Europa. adriano mazzeo

7

Steffen Morrison Legacy DEMP/Tall

Knocked Loose y su reinado en el metalcore

HARDCORE/ Tras “A Different Shade Of Blue” (19) y el EP “A Tear In The Fabric Of Life” (21), Knocked Looose regresan para forjar su reinado en el metalcore moderno con diez canciones que ametrallan transitando un sendero similar al del par de singles que el pasado 2023 nos regalaron con “Upon Loss”, repitiendo también con Drew Fulk en la producción y dando como resultado un caos milimetrado que asfixia al oyente en veintisiete minutos. Con una ambientación y unos samples que crean tensión como en una película de terror y nos acompañan de principio a fin, el quinteto de Kentucky da su primer golpe tras una breve intro con la avalancha inesperada de gritos y rapidez de “Thirst”, relevada por la más predecible pero igual de genial “Piece By Piece” hasta llegar a la

llevarnos al meridiano del álbum con la correcta secuela “Slaughterhouse 2”, en la que Chris de Motionless In White es el invitado. “The Calm That Keeps You Awake” y “Blinding Faith” dejan el listón muy alto antes de que la oscura y densa “Sit & Mourn” corone esta nueva propuesta de los americanos, que parecen haber encontrado su sonido ideal y que están en plenísima forma. jaime tomé Knocked Loose

Paraorchestra With Brett Anderson & Charles Hazlewood Death Songbook BMG

INDIE POP / El disco que ahora ve la luz de manera oficial no deja de ser una curiosidad recomendable sobre todo para seguidores de Suede. Brett Anderson se unió, durante dos actuaciones en Gales, al director de orquesta Charles Hazlewood, para registrar en directo junto a los músicos de Paraorchestra una selección de piezas distribuidas entre temas con su propia firma y relecturas ajenas. Todas en ese formato orquestado para la ocasión por Hazlewood, con la intención de apuntalar una apariencia clásica que compartiera presencia con la propia pegada pop de las originales. Por su parte, la exquisita y por momentos estremecedora voz de Anderson regenta composiciones viradas en torno a la muerte o la pérdida. Versiones de Echo & The Bunnymen, Black, Mercury Rev, Japan o Depeche Mode junto a piezas de Suede, todas realzadas con emoción y respetando aquellas coordenadas acotadas por las doce elegidas. raúl julián

claustrofóbica –con un momentáneo guiño al reggaeton– “Suffocate”, en la que la ecléctica Poppy se amolda al juego del grupo. La adrenalina y cabreo siguen en “Don’t Reach For Me” con unos tímidos y oportunos pig squeals que también aparecen en el breakdown a tres voces de la genial “Blinding Faith”. La corta e intensa “Moss Covers All” se conecta directamente con la creepy “Take Me Home” para

Fat White Family Forgiveness Is Yours Domino/ Music As Usual

POP / Hay discos que reflejan una época. Esto tan raro me ha pasado con el cuarto álbum de los británicos, elegantísimo y sereno testimonio de una banda hecha trizas que, contra todo pronóstico, sigue aquí. Existen en un mundo igualmente cansado que en realidad, como admite su líder Lias Saoudi, ya no puede producir obras de arte que no sean un eco del pasado glorioso. ¿Pesimismo o lucidez? Mal que nos pese, no le falta razón al vocalista medio argelino. Sin ir más lejos, la sombra del David Bowie crepuscular es alargada, como la del tecno pop inteligente que veneran. Pero los londinenses están más allá del revival. Su lucidez permea en este trabajo de vocación crepuscular que, sin embargo, no se hace deprimente. Es el testimonio, quién sabe si final, de una banda surgida de las catacumbas del underground dispuesta a combatir el drama de la existencia a base de una serena elegancia que aquí se hace perversamente exquisita. jc peña

A Permanent Shadow No Leaf Clover APE Music

POST-PUNK / Tercera entrega del músico CP Fletcher al frente de A Permanent Shadow, en la que continúa ofertando sólidas muestras de new-wave, post-punk o indie-pop convenientemente oscurecido. “No Leaf Clover” apunta al cuestionable estado de la sociedad actual para marcar el hilo argumental, apuntando sin tapujos a temas delicados como relaciones tóxicas, tendencias suicidas y demás turbaciones. Las guitarras electrificadas resultan, en esta ocasión, adelantadas sin disimulo hasta un primer plano de la secuencia, mientras el halo de electrónica queda reservado como pieza cohesionadora en las canciones. El resultado es un elepé ligeramente más luminoso y, sobre todo, menos hermético; tanto como incómodo y exacerbado si se atiende a la lírica que guía canciones en las que focalizar referentes como Editors, David Bowie, Moby, Future Islands, Queens Of The Stone Age, Nine Inch Nails o LCD Soundsystem. raúl julián 7

Futurachicapop Literatura Románticofestiva El Genio Equivocado

POP / Si con su primer disco ya nos dejó bien claro ser ducho en el arte de revestir de brilli-brilli hasta la dolencia más punzante, en esta ocasión el catalán Sergi Fabregat se sitúa en el extremo más eufórico de su alter ego para formular las líneas de un segundo largo que pone en jaque el amor canónico y las convenciones sociales que sobre éste giran. Apostando ahora por una sucesión de cortes que conseguirán que quememos suela incluso en los momentos más emocionales y convocando un selecto pelotón de colaboradores de categoría (Víctor Algora, Svetlana, Borque, Ale Vaez), Fabregat hipervitamina su propuesta y nos entrega trece temas que rezuman noche, liberación y catarsis. El denominador común de un trabajo dispuesto a recordarnos la prosa cercana y humana de una estrella llena de luz que posee en su mano ya un generoso repertorio de melodías capaces de sanar un corazón roto. maite aparicio

Kings Of Leon recuperan el pulso

Kings Of Leon Can We Please Have Fun

LoveTap/Universal

ROCK / Primero nos golpearon con la dura efectividad de “Mustang”, tema en el que Caleb Followill sacaba toda esa rabia condensada, para mostrarse entre poderoso, vacilón y con ganas de reivindicarse de nuevo como cantante. Fue entonces cuando me enteré que la banda se había liberado del contrato que los mantenía ligados a RCA, y que eso les insuflaba energías renovadas. Un nuevo estatus que les llevaba a dar con la figura de Kid Harpoon (Harry Styles, Florence + The Machine…), responsable de darle al disco ese barniz más desacomplejado, fresco y menos pesado. Matices que se escuchaban con mayor claridad en “Split Screen”, medio tiempo que destilaba una pureza muy básica en las formas. Sin embargo, fue en la tercera de las piezas adelantadas “Nothing To Do” cuando tuve la certeza que Kings Of

HARDCORE / La marea se ha calmado en el mar Hot Water Music. En “Vows” aprovechan la tregua climática para dar un disco menos bestia que “Feel The Void” (22), pero que gana en una interesante retroalimentación de emocionalidad y madurez. Es que la voz de Chuck Ragan aún conserva el brío y pone el aspecto épico del grupo sobre la mesa. Springsteen vibes, diría. Quizá en algunos pasajes se pasa de rosca y sonroja al oyente, pero en general su aporte es potente, sincero, transparente. Genuino en definitiva. “Vows” tiene un sonido robusto y una estructura dinámica, tiene groove y emoción y se sabe nutrir muy bien de las colaboraciones, que aquí son numerosas e interesantes (Turnstile, City And Colour, Thrice, Interrupters). Si bien el grupo cae ocasionalmente en lugares comunes en cuanto a los arreglos y melodías, “Vows” es un testimonio sentido, definitivamente embanderado en la hiper expresiva voz de Chuck Ragan. adriano mazzeo Hot Water Music Vows Equal Vision 7

Leon iban a recuperar su mejor pulso en trece años. Un tema de riff nervioso, un gran puente guitarrero, y un Caleb dando el do de pecho. Algo que se repite a lo largo del álbum y que acaba por ser su principal puntal. Más tarde llegó la escucha del resto del disco y, aunque es verdad que no todas las canciones rayan la misma altura, no es menos cierto que el inicio con “Ballerina Radio” es una auténtica delicia. Eso y que hay joyas ocultas como “Actual Day-

7

TRISTÁN! Music EP rusia-IDK

POP / Al candor de la siempre fértil fábrica de talentos que es rusia-IDK y con menos de veinte años, TRISTÁN! presenta la definición total de su propuesta con “Music EP”, un conciso cancionero de seis cortes marcados por el desarrollo del verbo más íntimo a través de capas procesadas con verdad, ceros y unos. Acompañado de voces invitadas (rusowsky, Daniela Lalita) y con una revisada producción a cargo de Roy Borland, este joven artista retuerce su lírica y conjuga entre ritmos disonantes melodías que buscan la catarsis y evidencian el efectivo acierto de su intuición. Romanticismo a flor de piel, honestidad cruda, samples desfigurados con artesanal destreza y el incandescente deseo de experimentar sin límite son tan solo algunas de las señas que definen un trabajo destinado a ser la puerta de entrada para la voz de un artista que tendremos muy presente de ahora en adelante. maite aparicio

dream” o “Nowhere To Run” que cautivan y te hacen regresar a ellas de vez en cuando. Quizás sea la triada final lo que mas flojea e impida que estemos ante un trabajo de notable alto. Pero seamos sinceros, a estas alturas, “Can We Please Have Fun” no deja de ser una grata entrega que revitaliza una carrera anquilosada y lastrada por ciertos tics que, no se han superado del todo, pero sí se han pulido lo suficiente. don disturbios

Venturi Comida Rápida Emerge 7

ROCK / Una colección de lecciones poco didácticas, pero que saben de maravilla. Temas que bien podrían ser la secuela de aquel “Darveider” y que devuelven al cuarteto al rock acelerado. Había mucha hambre de volver a su sonido primitivo y a esos tempos urgentes que dejaron de lado en su anterior EP. Si uno lo escucha con prisa, sí, podría quedarse en eso: un pedido a domicilio más. Pero merece la pena rebuscar entre punteos y letras descabelladas para encontrar imágenes muy potentes escritas con buen pulso. Dejando de lado algún intento de pogo fácil, el disco es mucho más que dopamina inmediata “para llevar”. “Hoy he recibido flores” es una de esas sorpresas dignas de escuchar (y sudar) y “Safari” es la clara demostración de que las reglas las usan como servilleta, y que la enseñanza estrella del álbum es no tomarse la vida demasiado en serio. Bueno, y de que quieres a estos chicos a tu lado de fiesta. mara gómez

INDIE ROCK / Distópico, cercano y futurista, onírico y en alta definición, quinto álbum de los sevillanos Pony Bravo. Una docena de canciones en las que la banda andaluza más genuina, mutante e influyente de las casi dos últimas décadas, sigue rezumando esa efervescencia creativa insaciable que les caracteriza, ahondando en su propio universo y expandiendo su personal y magnética fórmula, con extra de música exótica y aroma a banda sonora atemporal. De la bruma resplandeciente de una “Chichén Itzá” industrial y perturbadora, al tántrico “C’est Chic-C’est Bon”, pasando por la reivindicativa “Piedra de Gaza” o esa verbena infinita de “Jazmín Megatrón”, rebosante de funk, disco, versos flamencos, eclecticismo lisérgico y humor surrealista marca de la casa. Puede que el mañana no sea muy esperanzador, pero si llega, que nos pille bailando o subidos a una palmera con la música de Pony Bravo sonando de fondo. david pérez

Pony Bravo Trópico Telegrama

JUEVES 20 | XUEVES 20

DELFINA CAMPOS

VIERNES 21 | VIENRES 21

DERBY MOTORETA´S BURRITO

KACHIMBA • TATTA & DENSO

• LA MILAGROSA • JOHNNY GARSO • TWO DOOR RADIO CLUB

SÁBADO 22 | SÁBADU 22

XOEL LÓPEZ • FILLAS DE CASSANDRA

• CARLOS ARES • KOMFORTRAUSCHEN

• HOLOGRAMMA • ELENA DEL FRADE • MEDIOCRE DJ

DOMINGO 23 | DOMINGU 23

ROCÍO SÁIZ • LAS DIANAS • LUCÍA DILEMA

.LOS DISCOS.DE MI VIDA

Jools Gizzi (GUN)

La banda escocesa GUN vuelve a la actualidad con “Hombres” (Cooking Vinyl/Popstock!, 24), un nuevo y eficaz trabajo que han estado presentando en nuestro país. Por ello hemos aprovechado para pedirle a Jools, guitarra y miembro fundador del grupo, por sus discos favoritos de siempre.

Uno de mis discos favoritos de todos los tiempos. Una absoluta obra maestra. Incluye canciones tan icónicas como “Changes”, “Life On Mars” y “Oh! You Pretty Things”. Cada canción muestra la genialidad de Bowie con influencias del rock, del pop y el glam, con letras muy punzantes y melodías memorables. Un clásico atemporal que sigue sumando fans con su sonido innovador.

GUN fuimos muy afortunados de poder abrir para The Rolling Stones en el pasado. “Exile On Main Street” está considerado uno de los mejores álbumes de la historia del rock y a mí me gusta por su sonido crudo y arenoso en el que se combinaba rock, blues, gospel y country, todo en un mismo disco. ¿Qué puede decirse de “Tumbling Dice”, “Happy”, “Rocks Off” y “Let It Loose”? Para mí, la mejor banda del mundo.

Este es mi disco favorito de la carrera de AC/ DC, la que es una de mis bandas favoritas. Contiene canciones tan increíbles como “Down Payment Blues”, “Sin City”, “Riff Raff” o “Gone Shootin”. Adoro absolutamente la energía cruda y el hard rock cargado de blues del disco. Para muchos fans es un clásico del grupo y los críticos suelen estar de acuerdo por sus riffs memorables y su poderosa interpretación.

Thin Lizzy es otra de las bandas con las que crecí. Y tuve la suerte de verles en directo muchas veces cuando era un chaval. Mi álbum favorito es “Jailbreak” que, sin lugar a dudas, es uno de sus mejores trabajos y un clásico del rock. Me encantan canciones como “The Boys Are Back In Town”, “Jailbreak”, “Cowboy Song” y “Emerald”. Phil Lynnott fue un compositor increíble y una verdadera superestrella.

Recuerdo escuchar por primera vez a Prince en 1984 con este disco. Escuchar su forma de tocar la guitarra, su forma de cantar... honestamente pensé que era la reencarnación de Jimi Hendrix. Este disco es uno de los más definitorios de los ochenta, con su diversidad de estilos musicales, desde el rock al pop, pasando por el funk o el R&B. Además muestra el extraordinario talento de Prince como músico, compositor e intérprete.

Cuando era pequeño, mis padres adoraban a The Beatles. Cuando me sumergí en “Sgt. Pepper’s” descubrí uno de los mejores discos de la historia. Era una muestra de la capacidad del grupo para experimentar con las técnicas del estudio, la instrumentación y la composición. Son los culpables de que yo quisiera ser músico y llevar una carrera en el mundo de la música. MS

David Bowie Hunky Dory (1971)

The Beatles

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967)

Prince Purple Rain (1984)

The Rolling Stones Exile On Main Street ( 1972)

AC/DC Powerage (1978)

Thin Lizzy Jailbreak (1976)

49/Mondo Media

Volviendo a Amy

Hasta el momento, el único referente cinematográfico importante sobre Amy Winehouse, fallecida en 2011, era el polémico documental “Amy”, de Asif Kapadia, que apuntaba a su marido y a su padre como dos presencias tóxicas en el final de su vida. Ahora llega su biopic, “Back To Black”.

EL RETO PRINCIPAL para encarar este proyecto era dar con la actriz para encarnar a Winehouse. Para ello se optó por una semidesconocida, Marisa Abela, una joven británica –veintisiete años ahora, la edad con al que falleció la cantante– cuyo crédito más importante era la serie “Industry” “La directora de casting seleccionó, de entre muchas aspirantes, a ocho para que yo las conociera e hiciéramos una lectura del guion. Marisa fue la primera que vino a la prueba y, obviamente, la mejor”, cuenta la directora Sam Taylor-Johnson. Abela cumple con las expectativas y tiene en “Back To Black” una excelente carta de presentación. No solo en la faceta imi-

“Quería hacer el film más como fan de Amy Winehouse que como productora”

tativa, sino también en la dramática. La voz única de Winehouse, por otra parte, es calcada por la actriz, una tarea que Abela, sin experiencia como cantante, califica de “dura” aunque “no era necesaria” ya que tenían “la música de Amy y se podía utilizar en cualquier momento”. Pese a ello, Abela decidió poner su voz. “Ella cantaba con tanta vulnerabilidad que yo sentía que necesitaba cantar para no desconectarme emocionalmente”, concluye.

A PESAR DE LA EXPERIENCIA de Taylor-Johnson en videoclips de Elton John, R.E.M o The Weeknd –en ese caso, el tema de “Cincuenta sombras de Grey”, película de la que ella fue directora–, “Back To Black” no surgió de la voluntad de la cineasta, sino de Alison Owen, productora de otros filmes con protagonismo femenino (“Elizabeth”, “Sufragistas”). “Quería hacer el film más como fan de Amy Winehouse que como productora. Es el mayor talento musical del siglo XXI y creía que su legado estaba en peligro de ser eclipsado por la tragedia de su muerte, que es algo que suele pasar en la cultura y con mujeres artistas, por ejemplo, Janis Joplin o Judy Garland”, precisa Owen. Imaginamos que, sabedora de los problemas que suelen dar los familiares de un

cantante fallecido cuando su vida se traslada al cine, Taylor-Johnson, según nos cuenta Owen, ponía una sola “gran condición”: “No quería ninguna colaboración con nadie, ninguna aprobación de nadie. Mi deber como productora era asegurarle que tendría carta blanca. Afortunadamente los derechos de las canciones los tenía la discográfica y no la familia. Por cortesía también queríamos conocer a Mitch y la madre de Amy, pero no hubo colaboración como tal”.

EL LIBRETO ES DE MATT GREENHALG, que acomete en “Black To Black” su tercer biopic de cantantes británicos fallecidos, después de John Lennon (“Nowhere Boy”, también de Taylor-Johnson) e Ian Curtis (“Control”). “Back To Black” es un biopic al uso centrado en el deseo de Amy Winehouse de mantenerse fiel a sí misma y en la pulsión romántica que la encadenó a su tóxico marido. El film nos deja una gran interpretación de Marisa Abela, algún momento musical destacado y una escena magnética, la del encuentro, en un pub, con Blake Fileder-Civil, un magnífico Jack O’Connell, posiblemente su mejor trabajo.

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CINE Y SERIES

CADA EQUIS TIEMPO Paco Roca ve como sus obras cobran vida y se trasladan del papel al celuloide con más o menos acierto. Para esta ocasión, Álex Montoya ha sabido elegir con tino una de las mejores de su repertorio, galardonada con un Eisner y capaz de robarnos el corazón al primer estoque. Con poco más de una hora y veinte de metraje, la adaptación de “La Casa” se postula como una firme y sencilla candidata a mejor película nacional del año gracias a su brillante forma de conducirnos dentro de ese personalísimo relato del autor valenciano que retrata los tiras y aflojas de tres hermanos enfrentados contra el paso del tiempo y las vicisitudes de la madurez. Dignificando la ya manida etiqueta del drama intimista, la traslación entre formatos resulta exquisita, brillando en

La Casa Álex Montoya

equivalencia cuando es preciso e improvisando cuando toca. Su elenco no podría estar en mejor estado de forma, con un siempre certero Miguel Rellán, un David Verdaguer dispuesto a seguir convenciendo, un sorprendente Óscar de la Fuente y un Luis Callejo en la sombra y en pretérito, encargado de robarnos los sollozos más audibles. A pesar de evolucionar desde el drama, su tono nunca llega a sobrepasar el exceso lacrimógeno y se mantiene en ese estoicismo contemplativo que sus espectadores agradecerán. Tres días de reencuentro, recuerdos en Super-8, vino y sensaciones a flor de piel donde sus protagonistas aprenderán a amar las disparidades que les separan y a comprender con mayor benevolencia los matices y claroscuros en la herencia de su progenitor. fran gonzález

CONTAR CON STEPHEN KING como voz prescriptora es un galón que no se puede pasar por alto así como así. En redes sociales, el súper-ventas literario nos retaba a encontrar una película más negra que “La Mesita del Comedor” y honestamente, tras su reciente aterrizaje en Filmin, podemos confirmar que el desafío no es fácil. Abstenerse estómagos sensibles, pues lo que Caye Casas nos propone aquí es un experimento de adictiva inquietud, una madeja de sórdidos dilemas y sofocantes enredos, salpimentados con siniestras dosis de comedia negra, que nos obligará a cubrirnos el rostro con angustiosa incredulidad al tiempo que no podremos evitar entreabrir los dedos para continuar admirando su delirante planteamiento. Pese a que su corpus principal sea el de un cortometraje estirado y su narrativa

DESDE SU PRIMERA APARICIÓN en los cines en aquel lejano 1968 a través del clásico de Franklin J. Schaffner hasta este 2024, bajo la batuta de Wes Ball (“El corredor del laberinto”), el universo de “El planeta de los simios” ha sabido sobrevivir al paso de las décadas (con sus altibajos, y no miro a nadie, eh, Tim Burton), dejándonos cintas con fondo y calidad, Especialmente la trilogía anterior liderada por el famoso César, el cual se sostiene en el imaginario global del público pese al paso de los años. Tras el éxito de la trilogía pasada, a Wes Ball se le presentaba una tarea difícil, el estar a la altura ¿y lo consigue? Pues en realidad no del todo, aunque es posible que el factor nostalgia afecte nuestra perspectiva. Lo que sí logra es no decepcionar, que ya es a día de hoy. Esta cuarta entrega o reinicio de la franqui-

La Mesita del Comedor

Caye Casas y Cristina Borobia

sufra pasada la mitad del metraje, entroncándose en un ritmo más estático e incidiendo circularmente sobre la misma idea, la cinta nos regala a un espléndido David Pareja enfrentándose a su papel más rocambolesco y dramático hasta la fecha. Deshojando los ademanes propios de la personalidad de un psicópata latente y junto a una excelente Estefanía de los Santos (quien desde su despótico temperamento y sus anhelos más personales contribuye a que entendamos mejor la crisis sentimental que subyace entre ellos), la pareja protagoniza un nudo en la garganta de hora y media, tan excesivo como absorbente, que centrifugará en nuestro juicio con acuciante vehemencia tras su visionado. Desde luego, no nos extraña en absoluto que al legendario escritor de Maine le hiciera perder la cabeza fran gonzález

El reino del planeta de los simios

Wes Ball

cia, se ambienta en el futuro tras el reinado de César, con los simios como especie dominante, mientras que los humanos viven en la sombra. De este modo, la película sirve de puente entre la original (de la que se dejan ver grandes influencias) y la trilogía de César, centrándose en la historia de Noa y su viaje de redención y Mae (el punto de vista humano de la cinta) interpretada por Freya Allan (“The Witcher”). Como en todas las películas recientes de la saga, la captura de la acción y los efectos especiales son absorbentes, aunque la cinta potencie la parte más emocional y dramática de la historia, mostrando a las nuevas generaciones un soberbio ejemplo de apropiación cultural y dejándonos con preciosas imágenes. Un blockbuster cuidado y trabajado que no busca sorprender. alejandro teiga robles

SE LE HA DE RECONOCER a Luca Guadagnino su capacidad de transformación. “Rivales” no se parece a aquella “Call Me By Your Name” (17) que lo encumbró internacionalmente y menos a “Yo soy el amor” (09) que dio noticias de él como cineasta a tener en cuenta. Si en aquellas películas elegantes, de corte intelectual, el fondo y la forma, gustasen más o menos, estaban en consonancia, el cineasta italiano juega aquí a la transgresión. “Rivales” es un melodrama deportivo a partir de un trío amoroso –de nuevo, las pulsiones sexuales de la juventud como “Melissa P.” (05) o “Hasta los huesos” (22)– situado en el mundo del tenis en el que uno espera encontrar esos momentos rituales de respeto absoluto en la pista en los que apenas se oye nada. En una declaración de sonoras intenciones, Guadagnino rompe con la

expectativa y recurre a una (molesta) banda sonora electrónica creada por el dúo Trent Reznor y Atticus Ross para trasmitir (hipotéticamente) una constante tensión y obligar al espectador a un éxtasis forzado. No es una cancha de tenis, es una discoteca. A partir de ahí, Guadagnino se desata con la cámara hasta que el manierismo se torna caricatura en los momentos finales. Por otra parte, la torpeza narrativa del guion (de Justin Kuritzkes) se desenmascara con el abuso de mareantes y cansinas idas y venidas temporales que entorpecen la progresión de la historia. “Rivales”, en cambio, se beneficia de un buen diseño de complejos personajes y unos intérpretes a la altura. Zendaya disfruta como controladora ambiciosa y Josh O’Connor y Mike Faist se entregan como reñidos pretendientes. j. picatoste verdejo

Rivales

Luca Guadagnino

LIBROS

De su puño y letra

Amy Winehouse Libros del Kultrum

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Una recopilación de los textos más tempranos de Amy y un intento de analizar la evolución literaria de la artista desde que en su infancia esbozara sus primeras notas de amor a sus seres queridos, hasta la complejidad de la inspiradora autodestrucción. El libro recopila piezas de sus diarios, borradores de los procesos creativos de algunas de sus composiciones, notas íntimas, desarrollo de ideas… Y lo intercala con frases célebres de Amy, fotografías o destacados de sus canciones. Una idea interesante para poder conocer a Amy más allá del ojo público y arañar los comienzos antes de toda la masa oscura con la que luchará más adelante. Sin embargo, una vez más ocultan los últimos y primordiales años de Amy para disfrazar todo de unión familiar. álex jerez

Los sueños de La Dama Se Esconde. Conversaciones con Nacho Goberna Fidel Oltra Muzikalia

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La web Muzikalia va completando la retahíla de libros de conversaciones que antes protagonizaron Antonio Luque, Fernando Alfaro o Antonio Arias, con este de Nacho Goberna, alma mater de los añorados La Dama Se Esconde, a quien se enfrenta Fidel Oltra, quien sabe sacarle jugo a una tanda de charlas en las que el guitarrista, compositor y productor donostiarra se explaya a fondo en un registro hablado que resulta casi tan literario como el de sus canciones. El intercambio de preguntas y respuestas es muy orgánico, siempre vivo y honesto, inteligente. Casi doscientas páginas indispensables para el fan y recomendables para el neófito, en las que sabrán acerca del desdén que siempre ha mostrado Goberna hacia las modas o los peajes de la industria. carlos pérez de ziriza

2. La historia del disco que no pudo ser

Este libro tiene todo aquello a lo que cualquier buen ensayo debería aspirar. Indagación, reflexión, recopilación de datos y de testimonios y reevaluación crítica de un trabajo cubierto por el polvo del olvido. Un bien tramado acto de justicia. “Cecilia 2” (1973) fue un disco incomprendido, que ni siquiera ha sido reeditado con todos los honores y que se adelantaba a su tiempo por su forma de abordar temáticas que eran tabúes en su época, como los estragos de la cruel dictadura, el suicidio o la emancipación femenina. Obviamente, fue un fracaso de ventas. El autor cuenta con el inestimable plácet de su familia y agrupa diferentes opiniones para ir completando un puzzle en el que también se desgrana el álbum canción a canción. carlos pérez de ziriza

Si tu mes dices... Javier Menéndez Flores Libros Cúpula

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El periodista madrileño Javier Menéndez Flores –autor de obras dedicadas a Extremoduro, Sabina o Dani Martín, todos ellos también presentes aquí– compila aquí entrevistas con un total de cuarenta nombres en mayúsculas de la música española, lo cual viene a significar desde Bunbury a Robe Iniesta, pasando por Alaska, Manolo García, Kiko Veneno o Amaral, por citar algunos. Así podremos leer charlas de mayor o menor profundidad que fueron publicadas originalmente en medios tan diversos como Interviú, Carácter, El Mundo o Rolling Stone, garantizándonos un voluminoso puñado de buenos momentos. Las charlas se completan con partes de hasta cuatro entrevistas distintas con cada uno de los artistas, en distintos momentos de sus trayectorias. mercè gutiérrez

Las guerras de Lucas Laurent Hopman y Renaud Roche

Norma

Editorial 7

Recientemente premiado en Francia como Mejor Cómic Documental, “Las guerras de Lucas” es una suerte de making of de doscientas páginas en las que los autores –Hopman, crítico de cine y series; Roche, dibujante de storyboards– repasan todo el proceso de creación y rodaje del que es uno de los grandes clásicos cinematográficos de aventuras galácticas. Por el camino descubriremos desde el carácter de Lucas hasta los problemas de financiación iniciales, las mil vueltas que le dio al guion inicial de la película, pasando incluso por sus relaciones de pareja, la creación de Industrial Light & Magic o su trato con cineastas, actores, productores y equipo técnico. Un título adictivo para fans de la saga y divertido para el lector general. martí viladot

Perros

Keum Suk Gendry-Kim Reservoir Books 8

Vuelve al mercado español Keum Suk Gendry-Kim (“Hierba”, “La espera”) con un nuevo y muy emotivo cómic dedicado, en esta ocasión, a esos perros que le dan título. A medio camino entre los fantásticos “Tierra de sueños”/“Mascotas” de Jiro Taniguchi y el reciente “Jim” de François Schuiten, “Perros” es un cómic dulce y emotivo en el que la artista coreana –inicialmente contraria a tener mascotas– narra sus primeros momentos con los tres perros que entran en su casa y la de su pareja, así como breves episodios vividos con otros animales con los que se cruzan de vez en cuando. Una historia llena de sentimiento, algo todavía más destacable en un país en el que los perros, siguiendo la tradición, pueden acabar en un estofado. joan s. luna

Monstruo David Muñoz y Andrés G. Leiva Astiberri 7

Que el monstruo de Frankenstein merecería otras vidas es algo que cualquiera que haya disfrutado con el libro de Shelley ha pensado alguna vez. Y ojalá no fuesen tan desgraciadas, aunque eso es algo que Muñoz y Leiva saben inevitable: el monstruo jamás podrá ser una persona como los demás. De ahí que la amargura y la rabia ante la imposibilidad de ser amado por aquella a quien ama se extiendan por su corazón como una sombra negra, tan negra como algunos de los momentos en los que le sitúan los autores. Y obviamente, esas sombras solamente pueden traer más desgracia y crueldad, algo que Muñoz narra con mano diestra y que Leiva dibuja con un dibujo áspero acorde con la España cruel y oscura en la que el monstruo pasa parte de su eternidad. joan s luna

Blanco Humano Tom King y Greg Smallwood ECC Editorial 8

En plena pandemia, el guionista Tom King bromea en redes sobre un ficticio guion de Blanco Humano, algo inofensivo sobre lo fácil que sería hacer una historia sobre un personaje que se deja matar en la primera viñeta. Le llama su editor de DC y le pregunta si tiene ganas de hacer algo con Chance. Él cree que es una broma y dice que adelante. Y aquí tenemos el resultado con el arte sixtie de Greg Smallwood, una mezcla en la que une superhéroes bufones muy ochenteros con un superguardaespaldas de los años sesenta, y que funciona, y vaya si funciona. Más que cercana a “Mad Men”, “Blanco humano” respira a película de ladrones y espías protagonizada por Gary Grant. manu gonzález

Cecilia

Eduardo Bravo Lengua de Trapo

EL VERANO SUENA EN FNAC

ENYTECNOLOGÍA GAMING

Somos esa canción que te alegra el día

PODCASTS

Sí, buenas noches, ¿dígame? Cinemanía y La Libreta

Llevando por título las primeras palabras que el histriónico locutor decía al responder las llamadas de su programa, “Sí, buenas noches, ¿dígame?” es un podcast producido a pachas por la revista Cinemanía y La Libreta con el objetivo de honrar la memoria y el legado hertziano del irreverente, incorrecto y cruelmente honesto Carlos Pumares, desaparecido en 2023 y cuyo legado hertziano queda ahora enmarcado en cinco entregas imprescindibles para los amantes del celuloide y de la mala baba. Un trabajo de arqueología que homenajea a uno de los iconos de la radiodifusión española. Aunque eso sí, los verdaderos protagonistas son los oyentes, responsables de azuzar sus endiablados monólogos y de originar algunos de los momentos más memorables de la comunicación patria. fran gonzález 7

La Hora Chinaski

Raquel Sánchez y Eduardo Izquierdo

Primero fue “Sentido Común” en la radio local Ona Sants, ahora es “La Hora Chinaski”, cuyo título ya es una declaración de principios, con ese guiño a Charles Bukowski. ¿Se trata entonces de un podcast de literatura sucia y etílica? Pues no realmente, aunque la suciedad y los efluvios alcohólicos impregnen la música de buena parte de los artistas que Edu Izquierdo –respaldado de vez en cuando por Manel Celeiro– suele pinchar en el programa. Rock americano, punk rock, rockabilly, blues, alt-country, soul, power pop e incluso, de vez en cuando, algo de metal, se amalgaman en un podcast en el que las novedades discográficas copan buena parte del protagonismo con un tratamiento muy fresco y que, al mismo tiempo, deja entrever que quienes le dan forma saben muy bien de lo que hablan. martí viladot 7

PODCASTS MS

Alizzz

Alizzz se ha convertido en uno de los productores indispensables para entender el sonido del pop y la música urbana de nuestro país. Ahora, tras un redondo y exitoso primer álbum, “Tiene que haber algo más” (21), y el reivindicativo “Boicot EP” (23), vuelve a la actualidad con un segundo larga duración, “Conducción Temeraria”

ESPECIALES WEB

Cathi Unsworth

La británica Cathi Unsworth es la autora de “Temporada de brujas” (Contra, 24), un tratado sobre el rock oscuro y gótico por el que, entre sonidos densos y asfixiantes, se pasean bandas que firmaron verdaderos clásicos del género. La hemos invitado a que ella misma seleccione seis discos imprescindibles.

Los vizcaínos Shinova no paran quietos y continúan enfrascados en la gira de presentación de su nuevo álbum “El presente”. Hemos aprovechado un pequeño alto en el camino de su extenso tour, y les hemos preguntado por esos discos que les han dejado huella a lo largo de sus vidas.

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