Nº 182 MONDO SONORO MARZO 2011

Marzo de 2011 nº 182

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

THE STROKES

de ENTRE LAS SOMBRAS

NACHO VEGAS

LA COMEDIA HUMANA NUDOZURDO

INSTINTOS PRIMARIOS

THE NEW RAEMON

LOS DEMONIOS DE SU ÉXITO SR. CHINARRO

CHINARRO SOMOS TODOS

ERIC FUENTES • VIVIAN GIRLS • IRON & WINE • REMATE • LA PEGATINA • BAND OF HORSES • CHRISTINA ROSENVINGE • WARPAINT MUCHO • EL COLUMPIO ASESINO • SMILE • MASERATI • MANEL • THE SOULBREAKER COMPANY • LA BIEN QUERIDA • PIANOBOMBA www.mondosonoro.com

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!!! (Chk Chk Chk) / Arizona Baby / Crookers Editors / Everything Everything Hola a Todo el Mundo / Lee Ranaldo* Lori Meyers / MGMT / Mujeres / Patti Smith* Somiatruites (Albert Pla & Pascal Comelade)* Standstill presentan “Rooom”* Steve Aoki / Suede / The Bloody Beetroots Death Crew 77 The Kooks / These New Puritans - Hidden Live* Tiga / Trentemøller (Live) / Triángulo de Amor Bizarro Two Door Cinema Club / Varry Brava / Vetusta Morla We Have Band / White Lies / Yann Tiersen / y mucho más... *Concierto en el Auditorio. Aforo limitado.

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Dirección del Festival:

staff Coordinador General Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com)

MondoSonoro · Marzo 2011 /5/

NOTICIAS

Publicidad Director Comercial Dani López (dani@mondosonoro.com) T. 687 914 719 Coordinador Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) T. 607 366 693 Publicidad Estatal Luis Fernández M. (luis@mondosonoro.com) T. 672 072 263 Publicidad Madrid María Llorente (maria@mondosonoro.com) T. 676 881 519 Publicidad Catalunya Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) T. 629 705 103 Administración y Contabilidad Vanessa Garza (vanessa@mondosonoro.com)

7. Mucho se presentan en sociedad 8. The Jayhawks reeditan sus dos mejores discos 10. Def Con Dos veinte años dando guerra 11. ¿Te atreves a remezclar a Tote King?

mondofreako 13. Sr. Chinarro 14. Vivian Girls 15. Eric Fuentes 16. Iron And Wine 18. Remate 19. La Pegatina 20. Warpaint 21. Christina Rosenvinge

Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación Xavier Puigbó (maquetacion@mondosonoro.com) Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com

entrevistas 25. Nudozurdo Instintos primarios 26. The New Raemon Asociación de ideas 28. Nacho Vegas Las inmensas respuestas 30. The Strokes De entre las tinieblas

◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 963 987 ◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197

28 / NACHO VEGAS Las inmensas respuestas

Conciertos 33-36. Demoscópicas, Madee, Hurts...

◗ Ed. Canarias (canarias@mondosonoro.com) Redacción Job Ledesma Tel 615 125 126 Publicidad Enrique Santana Tel 689 53 39 53 Jacob Cabrera Tel 609 55 12 00

escaparate

◗ Ed. Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026

41-43. Maserati, PianoBomba, Smile, ...

◗ Ed. Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

vinilos 45-54. Manel Disco del mes

◗ Ed. Galicia-Castilla y León (galicia@ mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro. com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

mondomedia

◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 Colaboradores: Textos Alberto Comeche, Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Fernando Fuentes, Francesc Feliu, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Héctor García, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, María Baigorri, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, P. Muñoz, Óscar Gual, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

“no solo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Don Disturbios porque ha sido domado y aún no lo sabe”

56-59. Mondo Recomienda 60. Conexiones

mondoweb 25 / NUDOZURDO Instinto básico

Si el mes pasado esta breve editorial estaba dedicada a las riñas internas y maniobras barriobajeras y subterráneas que aparecían en los meses en los que nuestras apuestas de portada eran distintas entre la gente que formamos parte de esta publicación, este mes no puedo pasar por alto otro de nuestros problemas más habituales: las grandes estrellas del pop rock internacional y los pasos de la promoción in extremis. Conforme más grande es el artista (este mes se encontrarán con The Strokes en portada) más problemas. Entrevistas que cambian de día una y otra vez, miembros que son requeridos por medios anglosajones pasando el relevo a un músico menos relevante del grupo, fotografías que llegan dos días más tarde del deadline final,

30 / The Strokes De entre las tinieblas

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C.P. E-mail

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streamings (escucha online) que nunca funcionan como deberían y mil cosas más. Por suerte, al final las cosas salen bien, y podemos dedicarle nuestra primera portada a The Strokes, aunque no tenga el mérito que hubiese tenido en tiempos de su primer largo. Pero no me malinterpreten, solamente quiero compartir con ustedes estos pequeños problemas. Que uno es crítico musical y no la Sofia Coppola de “Somewhere” y su pobre niño rico. Aunque en esto de disfrutar de la música todos tengamos algo de niño, y mucho de pobre. En todo caso, disfruten de la entrevista de nuestro redactor Joan Cabot a Nick Valensi, guitarrista de The Strokes. Vale la pena. Para escuchar “Angles” –22 de marzo en la calle- deberán tener algo más de paciencia. ■ Redactor Jefe Joan S. Luna

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Domicilio

(1 año, 11 números)

SUSCRÍBETE

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62. La entrevista Fan: Bill Reynolds (Band Of Horses)

26 / THE NEW RAEMON Por libre

Y volvieron The Strokes

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

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*La suscripción anual consta de 11 números **La tarifa de correo ordinario te permite recibir con mayor rapidez la revista Rellena y envía este cupón (o fotocopia) a la redacción de Mondosonoro). *Por correo: C/Llull, 57-61, 6º 6ª · 08005 Barcelona. *Por Fax: 93 320 85 78 *Por correo electrónico: envía todos los datos del cupón a suscripciones@mondosonoro.com

5

camisetas de

No Children

/7/ Marzo 2011 · MondoSonoro

Mucho Foto Rebeca Garcia Merino

NOTICIAS

TAN lejos... ❚ ARCADE FIRE dieron la campanada en los pasados premios Grammy. Su nuevo disco “The Suburbs” fue escogido como Mejor Disco del Año, por delante de otros nominados como Lady Gaga, Eminem o la triunfadora Lady Antebellum. Además de en Mejor Disco del Año, Arcade Fire también estaban nominados como Mejor Actuación de Rock, galardón que se llevaron The Black Keys. ❚ LCD SOUNDSYSTEM dicen adiós. La despedida será el 2 de abril en el Madison Square Garden de Nueva York. Además, en su web anuncian que “por una noche más, actuaremos durante tres horas con amigos y familia, con un repertorio con material que nunca antes hemos tocado”. El grupo ha pedido que, por favor, los asistentes vistan de blanco, negro o ambos.

Arcade Fire Foto Archivo

Mumford & Sons, The Streets y otros en el FIB Heineken

❚ El pasado 6 de febrero fallecía uno de los mejores guitarristas de las últimas décadas, GARY MOORE, en un hotel en Estepona donde se alojaba. El músico norirlandés, que se dio a conocer tocando con Thin Lizzy en los setenta, tenía 58 años.

Las confirmaciones para la próxima edición del FIB llegan no sin generar polémica, como ha pasado con la presencia de la cantante mexicana Julieta Venegas. Pero más allá de las críticas o simpatías que estas puedan generar, ya se conocen más nombres. Mumford & Sons y The Streets también confirman actuación en la cita de Benicàssim. Los primeros regresan tras su paso por el festival el pasado año y después de embarcarse en una gira mundial durante meses. Por su parte, Mike Skinner, o lo que es lo mismo, The Streets, presentará su nuevo disco. Además se añade una retahíla de grupos nacionales como Lori Meyers, Catpeople, Grupo Salvaje, The Marzipan Man y Smile. Y para terminar, el FIB contará con las actuaciones también de The Coronas y Veronica Falls. Recordad que los abonos de tres y cuatro días todavía se pueden adquirir a un precio de 140€ y 170€ respectivamente hasta el 10 de marzo y que estos nombre se suman a los ya anunciados (Arcade Fire, Arctic Monkeys, Portishead, The Strokes...). El FIB se celebrará del 14 al 17 de julio. www.fiberfib.com ■

❚ THE WHITE STRIPES se separan y así lo anuncian en su página web con un comunicado en el que aseguran que no ha habido ninguna discusión entre Meg y Jack que propiciara la separación, sino que se trataba de empezar una nueva etapa. Recordemos que Jack White está inmerso en varios proyectos como The Racounteurs, The Dead Weather… ■

TAN cerca...

Mucho se presenta en sociedad

Rob Zombie Foto Archivo

Conoce el cartel por días del Azkena Rock Las bandas confirmadas para el Azkena Rock comienzan a dividirse en los tres días del festival y ya se pueden comprar las entradas sueltas para cada jornada, después de que finalizara la oferta del bono de lanzamiento. Así, el primer día, jueves 23 de junio, serán cabeza de cartel Ozzy Osbourne y Rob Zombie, que estarán acompañados de The Cult, Black Country Communion y Kyuss Lives!, a falta de más confirmaciones. El viernes lo ocupan Primus, Bad Brains, Reverend Horton Heat, Blue Rodeo, Clutch, Atom Rhumba y The Riff Truckers. Y el último día, sábado 25 de junio, estarán en Mendiazabala: Brian Setzer, Gregg Allman, Bright Eyes, Band Of Horses, The Avett Brothers, Arizona Baby, New Bomb Turks, The Whybirds y Juke Box Racket. Sin embargo, aún faltan más bandas por confirmar para esta décima edición del Azkena Rock Festival. Así que habrá que seguir atentos. El bono para los tres días pasa a costar 100€ + gastos de distribución y la entrada para cada jornada costará 52€ + gastos. Más información en: www.azkenarockfestival.com. ■

De las cenizas de The Sunday Drivers y Underwater Tea Party surge Mucho, una formación que está ultimando en Barcelona el que será su primer trabajo. Un equipo de Mondo TV les pilló en pleno proceso de grabación en los estudios Blind Records.

B

ajo la atenta mirada y experto oído de Ricky Falkner a la producción, Mucho están dando forma al que será su primer trabajo de estudio.

Un disco grabado en directo, con toda la formación a la vez moldeando su descarado y enérgico pop-rock en castellano.

Una nueva etapa que se abre tras la separación de sus respectivos grupos.

(Martí, voz y guitarra) “En realidad el grupo surgió antes de que acabáramos la gira con los Sundays. Siempre nos ha vuelto locos el mundo de la música y queríamos seguir en ello haciendo nuestras canciones. Nos costó un poco de tiempo porque ha sido un año largo de composición para llegar a hacer algo que realmente nos molara. La premisa del grupo fue: ser sinceros. Por eso cantamos en castellano, porque es nuestro idioma y también por eso queremos hacer un rock sencillo, directo y que

sintamos dentro de nuestras venas”.

Esta nueva etapa, como ellos mismos me explican, no parte de cero. No son unos recién llegados a la escena y saben perfectamente cómo funcionan las cosas en nuestro país, lo cual no quita que su intención sea... “empezar poco a poco, en salas pequeñas y tocando lo mejor posible en directo. Ganándonos a la gente desde el escenario”. Es precisamente esa confianza en sus posibilidades y su música la que augura un prometedor futuro a una banda que quiere desmarcarse del pasado. “Nosotros queremos hacer nuestra música y no tiene nada que ver con lo otro. Nuestro estandarte es la sinceridad y los grupos que nos molan son bandas como The Raconteurs o The Black Lips”. ■ Don Disturbios

+en

❚ DORIAN siguen aferrados a la carretera.

Acaban de confirmar nuevas fechas para su gira, de la cual podremos disfrutar de nuevo en nuestro país a partir de marzo, con citas en Barcelona (viernes 18), Badajoz (jueves 24) y Granada (viernes 25). Después regresarán a México para actuar en el festival Vive Latino, en D.F. ❚ El próximo 1 de abril, la barcelonesa sala KGB acogerá un concierto benéfico que contará con la presencia de D’Callaos, LA TROBA KUNG-FÚ, varios músicos de Che Sudaka, Amparo Sánchez, Costo Rico y Mario Díaz, de momento. El objetivo es recaudar fondos para la Casa dels Xuklis; un proyecto que acogerá familias de niños con cáncer durante de su tratamiento en el hospital Vall D´Hebron. ❚ VORTICE se ponen en marcha con la gira de presentación de “Zombie”, que les tendrá ocupados dos meses. La gira comenzó el pasado 18 de febrero. Este mes de marzo estarán el día 5 en el Valencia Under Fest, el 11 en la Teteria de Úbeda y el 12 en la sala Eventual Music de Málaga. En abril el 8 en el Wombat Fest (junto a Entombed, Adrift y Neila) en Durango y el 23 en el Sant Jordi Metal Party en Manresa. ❚ SEXY SADIE vuelven a los escenarios tras un parón de cinco años con la intención de repasar en directo sus canciones más celebradas. De momento han confirmado que estarán en la sala Caracol de Madrid el 29 de abril, y también una serie de festivales: Festival Do Norte, Low Cost Festival, Contempopranea y Sonorama. ■

The Jayhawks Foto Steven Cohen

NOTICIAS /8/ Marzo 2011 · MondoSonoro

The Jayhawks reeditan sus dos mejores discos Hablar de “Hollywood Town Hall” (Sony, 92) y “Tomorrow The Green Grass” (Sony, 95) es hablar de los dos mejores discos de The Jayhawks de Gary Louris y Mark Olson, lo cual no es poca cosa. Por eso celebramos por todo lo alto esta merecida reedición repleta de suculentos bonus-tracks y demos.

V

ivimos una época dorada del folk-rock alternativo estadounidense o americana, y eso lo demuestran bandas como Fleet Foxes, Deer Tick, Vetiver o The Felice Brothers. Por eso se nos antoja un momento excelente para mirar casi dos décadas atrás y dar con este par de discos, ahora reeditados, que dieron paso a toda esa generación de bandas que vino después pisando fuerte...

(Gary Louris) “No sé si tiene algo que ver

con las bandas que has mencionado, pero creo que es un buen momento para lanzar este set de reediciones de The Jayhawks. Pienso que el mundo necesita este tipo de música, teniendo en cuenta los tiempos tan difíciles que corren para mucha gente. Creo que nuestra música tiene ese punto de esperanza”. Unas reediciones que también pueden servir para descubrir a The Jayhawks a los más jóvenes...

“Eso espero. Hay también un montón de bonus tracks que harán las delicias de los fans de toda la vida, pero esperemos que estas reediciones permitan a toda esa gente que era demasiado joven para saber de nosotros o vernos en directo, empezar a conocernos y experimentar nuestra música para convertirse en fans hasta el final”. Unos seguidores que tendrán pronto noticias discográficas por parte de la que fue la formación más clásica de la banda, ya que ahora mismo se encuentran mezclando su nuevo álbum en los Wave Lab estudios de Tucson, Arizona. Mientras tanto Mark Olson tocará en siete ciudades de nuestro país a finales de este mes de marzo Fechas en nuestras agendas: www.mondosonoro.com.

■ Don Disturbios

Eli "Paperboy" Reed Foto Perou

Décimo aniversario del Black Music Festival Llega la décima edición del Black Music Festival que se celebra en Salt, Girona, y que tiene lugar del 11 de marzo al 15 de abril. Como su nombre indica, el festival pretende acercar los mejores artistas actuales de esta escena, así, artistas como Morcheeba, Eli “Paperboy” Reed o James Hunter se convierten en cabezas de cartel. Además de estas recientes confirmaciones, la lista continua con las incorporaciones de The Wailers, Esperanza Espalding, Joe Quarterman con Jezebel Sextet y artistas nacionales como SFDK, Achilifunk, La Vella Dixieland y muchos más.

Además, podéis consultar los conciertos y otras actividades complementarias en la web del festival: www.blackmusicfestival.com ■

MondoSonoro · Marzo 2011 /9/

NOTICIAS

Jack Daniel’s se lo monta a lo grande Jack Daniel’s, la conocida marca de bourbon, ha decidido dar un paso más en su apuesta por la música. Hasta el momento nos tenían acostumbrados a las Jack Daniel’s Masterclass; una oportunidad de disfrutar de bandas como La Habitación Roja, Lori Meyers o Tachenko, -entre muchas otras-, en las distancias cortas, pudiendo disfrutar de un concierto intimista y diferente, además de las sesiones de Dj y las actuaciones de las Jack Sessions. Y como siempre, este año se celebra también la VI edición del concurso de maquetas de Jack Daniel’s Backstage, cuyo objetivo es el de dar la oportunidad a talentos emergentes de ser escuchados e incluso que puedan compartir cartel con sus ídolos. Ahora, sorprenden de nuevo a muchos con el Jack Daniel’s

Music Day. El próximo 9 de abril en la Terraza del Estadio Olímpico de Barcelona actuarán We Are Scientists, Nada Surf, I Am Kloot, Sr. Chinarro, Cold Cave, Frankie Rose & The Outs, Odio París, Arizona Baby, Franc3s, Los Planetas Dj’s, Pin&Pon Dj’s, Nacho Ruiz Dj y Dj Capo. Además, conoceremos el nuevo ganador del concurso de maquetas Jack Daniel’s Backstage, que también actuará en el festival. Y hay más, porque la organización ya ha anunciado que habrás muchas sorpresas, de las cuales podemos anunciar una suculenta barbacoa para reponer fuerzas para aguantar más de siete horas de conciertos. Ya puedes comprar tu entrada en la web de Jack Daniel’s a un precio de 18€ anticipada y 20€ en taquilla. www.jackdanielsmusic.es ■

Interpol Foto Archivo

Sufjan Stevens, Interpol y PJ Harvey en el San Miguel Primavera Sound

Nada Surf Foto Ellen By

Acaban de anunciarlo y ya hay revuelo en la red; Sufjan Stevens y PJ Harvey encabezan las nuevas confirmaciones para el San Miguel Primavera Sound 2011. PJ Harvey llega para presentar su nuevo disco, “Let England Shake”, y no lo hará sola. Se confirman también las actuaciones de P.I.L, el grupo de John Lydon; Dj Shadow; M. Ward; Einstürzende Neubauten, Ainara LeGardon, The Black Angels, Caspa, Jamie XX, John Talabot, Avi Buffalo, Darkstar, Explosions In The Sky, Glasser, Gonjasufi e Interpol, entre otros. Además, habrá una reunión de la banda

Nosoträsh en exclusiva para el festival, así como un concierto de El Guincho con varias colaboraciones especiales. Toda una retahíla de novedades que se añaden al ya de por si nutrido cartel con: The National, Pulp, Fleet Foxes, Mogwai, las Aias, Animal Collective, Salem, The Suicide of Western Culture, Yuck, Mercury Rev, Gold Panda, Caribou, Tennis y muchísimos más. El San Miguel Primavera Sound tendrá lugar del 25 al 29 de mayo en el Poble Espanyol y en el recinto del Fórum de Barcelona. www.primaverasound.com ■

Def Con Dos Foto Archivo

NOTICIAS /10/ Marzo 2011 · MondoSonoro

SIMBA 2010 Foto Archivo

Def Con Dos: veinte años dando guerra La banda celebra sus veinte años de trayectoria con una edición especial conmemorativa que incluye el CD tributo “La culpa de todo la tiene Def Con Dos”, un CD recopilatorio con veinte temas y un DVD con sus mejores clips y documentales de su última gira “Hipotécate tú”.

C

omo no podía ser de otra manera, el merecido tributo que ha recibido la banda señera del rap metal patrio (junto con Sindicato del Crimen) ha aglutinado a grandes nombres de la música: Calamaro, Sociedad Alkohólika, Los Delinqüentes, La Cabra Mecánica, Narco… que, desde sus particulares ópticas y estilos, han reinterpretado algunos de los temas más destacados de la discografía de Def Con Dos, como ese anfetamínico “Dogmatofobia” de Digital 21, (Strawberry) “que me flipa especialmente y es una ralladu-

ra alucinante”. El autocrítico título de este largo podría hacernos pensar que tras veinte años “gritando contra la pared” como cantan en su nueva versión del “Qué dice la gente”, también recogida en el disco, estos agitadores han bajado los brazos, pero lo cierto es que lo suyo responde más a la máxima del “morir matando”. “En España estamos demasiado acostumbrados al escaqueo permanente. Nadie asume la culpa de nada y, sin ir más lejos, el destrozo causado por la cultura del ladrillazo, que ha hundido a

millones de familias, permanece impune y todos miramos hacia otro lado. La estupidez ha triunfado a nivel masivo y el concepto de Ultramemia está hoy más vigente que nunca. En ese contexto Def Con Dos nos autoinculpamos de los males del mundo para morir lapidados en la plaza pública a modo de chivo expiatorio.

Si hay que irse a la mierda, mejor irse siendo punk”. Aunque lo cierto es que parece que la banda va a seguir con su lucha, porque ante la pregunta de si ya están trabajando con material nuevo, el ácido Strawberry lo deja claro: “Sí, vamos a probar la efectividad del Semtex y en cuanto al próximo disco, aún lo estamos rumiando, pero será muy bestia porque ya le tenemos muchas ganas”. ■ David Lorenzo

Llega una nueva edición del SIMBA El próximo mes de marzo tendrá lugar una nueva edición del SIMBA, Seminario Internacional de Música y Artes Escénicas. Una vez más, el objetivo del seminario es la de erigirse como punto de encuentro para todos los profesionales del sector de la música y las artes escénicas. Además de ofertar cursos, talleres y eventos específicos para complementar la formación de los asistentes. Una de las novedades de este año es que el SIMBA tendrá lugar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, durante los días 11, 12 y 13 de marzo. En cuanto a los cursos, se estrenan los de Producción de eventos musicales y escénicos de medio y gran formato, Management musical y teatral, Autogestión musical”, etcétera. Una oportunidad perfecta para conocer a otros colegas del sector y talentos emergentes gracias al concurso de EMAP & SIMBA, cuyo ganador recibirá una sesión de grabación, un contrato editorial y actuar ante promotores y managers. Para más información sobre entradas, precios y la oferta educativa, visita: www. asesoriajuridicadelasartes.com/simba/ ■

madamente tre ex e nt ge a sc bu Se . ie v o Burn YOUR MIND the m Todos somos distintos, todos particulares, todos corrientes y al mismo tiempo, sin saberlo, cualquiera de nosotros puede tener mucho de especial. Burn lo sabe y eso es lo que quiere descubrir. ¿Qué tienes de especial?¿Qué sabes hacer para sorprender a los demás?¿Hasta dónde puede llegar la energía que acumulas en tu interior?

diferente

el mundo avanza día a día y no lo hace gracias a aqu ellos que se acomodan y se contentan con ser com o los demÁs. el mundo está en manos de los más intrépidos, de aquellos que saben que la vida debe disf rutarse en toda su plenitud marcando nuestra s propias reglas y disfruta ndo cada día de las cosas que nos hacen felic es. la creatividad, la libertad , el amor por lo que hacemos.

EN BURN SABEN que ahí fuer a son muchos los que tien en energía suficiente para contagiarLES. quIEREN unir SE a vosotros, que os uná is a ELLOS y que, juntos, podÁIS dar pasos adelan te sin mirar atrás, con el cuerpo siempre a pleno rendimiento y exprimiendo la vida con alegría.

NOTICIAS Tote King Foto Archivo

MondoSonoro · Marzo 2011 /11/

After After Hours Foto Archivo

Tremendo Pop completa su cartel La cuarta edición del Tremendo Pop tendrá lugar los días 8 y 9 de abril en la localidad oscense de Monzón, apostando nuevamente por el producto estatal con la destacada presencia de El Columpio Asesino y CatPeople presentando sus trabajos más recientes, cuarto y tercero de sus respectivas discografías.

Arizona Baby y Los Coronas llevan su actitud salvaje y canalla en esta gira conjunta llamada “Dos Bandas y un Destino”. También confirma asistencia la nueva banda que Marc y Belly de Dorian han bautizado como After After Hours, así como el dúo formado por Eva y Jave en Idealipsticks y los barceloneses Stay con su acertado tercer disco “Passport to Freedom” (2010) como valuarte. Uno de los últimos en añadirse al cartel y que, sin duda, levantarán expectación son Sexy Sadie, quienes se han vuelto a reunir para una gira muy especial, entre la que cuenta esta cita festivalera. Además, actuarán Miss Caffeina, De Vito y Dístopia, de momento. Pinchadiscos de renombre como Amable, Bilbadino, Vértigo o Tupe completan el cartel. www.tremendopopfestival.com ■

¿Te atreves a remezclar a Tote King?

Participa en el concurso ReloadMusic (by Microfusa)-MondoSonoro para remezclar "Nada cambia" y podrás formar parte del nuevo EP de Tote King además de actuar con él.

T

ote King presentó hace unos meses su nuevo disco, “El lado oscuro de Gandhi”, consiguiendo, entre otros logros, ocupar la portada de MondoSonoro y llenar en sus conciertos. Ahora, desde ReloadMusic (by Microfusa) y esta publicación, queremos que seas tú quien remezcle o cante el tema “Nada cambia”. Si quieres participar, solo tienes que visitar la web de ReloadMusic, acceder a la sesión Pro Tools de “Nada cambia” y elegir una de estas dos

opciones: crear tu propia base instrumental remezclando la ya existente o crear un nuevo rapeado: una nueva letra para la base de Dj Randy que puede ser combinada con versos o estribillos de Tote. Una vez hayas escogida una –o las dos- opciones, tienes que subirla a la web para poder participar en el concurso.

El plazo termina el próximo 14 de abril. Los ganadores verán cómo su remezcla formará parte de un Ep digital en el que se incluirán las versiones junto al tema original. Por si no

hubiera suficiente, todos los seleccionados subirán al escenario con Tote King en el siguiente concierto más cercano a su ciudad.

Y eso no es todo: también podrán optar a un curso de técnico de sonido (sonido básico + sonido profesional) en la escuela Microfusa y vales descuento para la tienda. Un jurado compuesto por miembros de la escuela, de la redacción de MondoSonoro y el propio Tote, será el encargado de seleccionar a dos ganadores. Una excelente oportunidad para dar salida a tu creatividad y estar codo con codo con uno de los artistas más valorados de la escena nacional. Puedes encontrar todos los detalles en: www.reloadmusic.net y www. myspace.com/toteking1. ■

Extiende el contagio nd! eres Se busca. Burn Your Mi Is con ELLos. muEstra de lo que

esté estÁN contigo y quIEREN que ELLos para que luego sorprendÁIS al a ero prim LES nde pré sor fuerzas y capaz, y la gente debe saberlo. unID la edad, a mundo juntos. eres especial ort imp que quIEREN hacer. no treza, las forma parte de la película iones, las energías, la des ilus las , nas ga . importan las pio pro lo esti n lo que haces co ganas de vivir, todo aquel el mundo se que es dej no s tica erís act s a través Si haces algo de estas car vídeo o contactar con ELLo lo pierda, puedes enviar tu de SUs canales sociales: http://twitter.com/burn_es http://www.burn.es urnYourMind http://www.facebook.com/B rmind you urn m/b co http://www.tuenti. rnyourmindtv /bu om be.c utu .yo ww ://w http

En Burn sabeN que puedes hacer cosas fantásticas, fabulosas y excitantes. se LES han unido ya muchos amigos. repasa todos los vídeos que están compartiendo en SU facebook, contágiate y da un paso adelante. no importa que tengas 15, 30 o 1oo años. la edad está en el corazón. también las ilusiones, así que contágiaLES y forma parte de SU aventura.

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11 Marzo, Bilbao @ Santana 27. Bilbao Rock City 17 Marzo, Austin, USA @ Brush Square Park (East Tent), SXSW 17 Marzo, Austin, USA @ Nuvola Primavera Sound, SXSW 18 Marzo, Austin, USA @ Red Eyed Fly, SXSW 7 Abril, Bilbao @ Arteria Campos Elíseos tocando “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” 15 Abril, Zaragoza @ Sala López.

14 Mayo, Madrid @ Wurlitzer Ballroom.

Aniversario Sonicwave

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mondofreako

/13/ Marzo 2011 · MondoSonoro

SR. CHINARRO

Un hombre de costumbres Cada día un punto más alejado de la escena indie que le vio nacer, Antonio Luque dedica su tiempo a diversos menesteres, entre los que destaca una novela a publicar en breve. Hasta que la tengamos entre manos deberemos contentarnos con un nuevo disco, “Presidente”, que verá la luz el próximo 4 de abril.

E

ntrevistar hoy en día a Antonio Luque está cerca de ser una prueba de humildad para cualquier periodista y a años luz del hermetismo de los principios de su carrera. La prudencia del que escribe para no llenar el texto de titulares debe imponerse a la cantidad de carnaza que pone encima de la mesa con frases, eso sí, exquisitas. No le apetece hablar sobre su nuevo trabajo porque, una vez terminado, ya tiene la cabeza en otra cosa. Tal vez, una revista no cumpla las condiciones de inmediatez necesarias, aunque sí las de mediocridad. “Me pliego a dar las entrevistas después de hacer el disco porque yo también soy parte de la industria aunque me da la sensación de que las redes sociales os van a comer el terreno. Hay un feedback que no se puede tener en estos encuentros promocionales. El caso es que si pongo el álbum por mi cuenta en Itunes tendría que pagar la grabación, y no estoy dispuesto mientras cuesten lo que cuestan”.

En el caso del músico con relaciones contractuales, poco más se puede hacer. No tenerlas, pero

sale un poco caro. También es completamente lógico que si te dedicas a hacer canciones y a pasearlas, pretendas pagar tu casa con ello. Lo insólito es que no parezca lo más normal del mundo. “Me pregunto por qué lo primero en ser gratis tienen que ser los productos culturales. Seguramente sea por el mensaje que suelta la derecha para que los que nos dedicamos a inventar dejemos de ser peligrosos. Hacer canciones es mi profesión y en el momento en el que escribo estoy haciendo un esfuerzo peculiar que podríamos llamar de creación y que tiene algo de especial. Es el que intentamos recoger con los derechos de autor y que no lo tiene el que está trabajando en una oficina”. El que quiera jolgorio y alegría tiene otros muchos grupos entre los que elegir. En el imaginario de Chinarro nunca ha habido demasiada luz, y la que hay sirve para acentuar las sombras que esconde el absurdo de lo cotidiano. Pocos lo ven de manera tan lúcida como él. Las palabras y sus juegos son el principal interés de Sr. Chinarro en este momento, en el

que parece un poco aburrido de hacer canciones.

“Lo que más me gusta es estar en casa y escribir. Luego voy a correr, y a veces quedo con alguna chica porque soy un hombre.

Lo demás me importa un carajo. La primera novela está esperando a que se publique.

He empezado hace pocos días la segunda y estoy dando alguna charla. Ha sido un gran paso y ahora mismo disfruto más con ello que intentando buscar otra canción que diga algo nuevo, porque no todos los libros han sido escritos”. Algo se nota a primera vista

suena raro pero interesante “En este disco deliberadamente trato de cantar echándole más valor, por eso me apunté a clases de canto.

He conseguido que lo de cantar sea fruto de un esfuerzo y quitarle importancia a la inspiración y al estado de ánimo. Es muy necesario cuando tienes que hacerlo con regularidad y por encargo; hay que disponer de una técnica”. Luque habla maravillas sobre su banda.

Le ha costado, pero por fin tiene un grupo estable en el que confiar y poder centrar sus esfuerzos en las canciones. Es muy crítico consigo mismo,

“Me pregunto por qué lo primero en ser gratis tienen que ser los productos culturales" en su nuevo disco, además de que las canciones se pueden defender de maravilla con tan solo una guitarra acústica y de la cantidad de pistas de piano y de cuerdas “Me hubiera gustado que los bajos sonaran más fuertes, pero no había sitio para todo. Cómo hemos llegado a esa situación habría que preguntárselo a Jordi Gil, el productor. En el siguiente no va a haber tantos arreglos, además el disco ha salido muy caro porque le hemos dado quizás demasiadas vueltas”. Luque, consciente de que el enemigo casi siempre está en casa, ha puesto empeño en domar su voz. Y el resultado

muchísimo, y ligeramente condescendiente con su público. “Puede que Chinarro durante mucho tiempo fuera un grupo que servía más para excitar la imaginación de otros artistas, de gente capacitada y con inquietudes que para el indie que salía a bailar o a restregar la cebolleta”. Coherente y polémico, ¿bocazas o iluminado?, lo cierto es que sus letras siguen estando a la altura y que el listón que él mismo se marca, sigue estando alto. ■ J. Batahola “Presidente” se publicará el próximo 4 de abril vía Mushroom Pillow.

Sr. Chinarro Foto Luis Diaz Diaz

ENTREVISTAS ★ WALA WALA ★ NO CONFIDENCIAL ★ LOS DISCOS DE MI VIDA ★ SUBEN/BAJAN ★ EN LA MALETA

mondoFREAKO /14/ Marzo 2011 · MondoSonoro

VIVIAN GIRLS

Tras dos discos que las convirtieron en las madres de facto de la nueva oleada de grupos de chicas de pop ruidoso, Vivian Girls demuestran de nuevo sus galones de mando con el que quizás sea el mejor trabajo de su carrera. “Share The Joy” rebaja el ruido, apuesta por el pop y presenta una colección de canciones de aúpa.

S

i hubiera un Balón de Oro en esto de los grupos de chicas de pop ruidoso, habría que dárselo a Vivian Girls sin dudarlo ni un segundo. No solo porque fueran de las primeras en asomar la cabecita allá por 2008 con un excelente debut homónimo, sino porque tienen los mejores discos, las mejores canciones y el mejor directo del género, muy por encima de otras alumnas aplicadas como Dum Dum Girls, Best Coast o Frankie Rose And The Outs. De hecho, si alguien aún tiene dudas sobre si merecen o no ese título, solo tiene que escuchar “Share The Joy”, tercer disco de su corta pero intensa carrera, y la muestra de talento más grande parida nunca por este trío de Brooklyn. El nuevo trabajo de Vivian Girls es el más pop en todos los sentidos, tiene más estribillos, hay menos ruido y las melodías son más tatareables que nunca.

Cassie Ramone, jefa del grupo, nos atiende vía telefónica desde Los Angeles, ciudad en la que ha

buscado cobijo del frío invierno de Nueva York.

La primera pregunta es obligada, y está referida a ese cambio de sonido. “Claramente es un disco más limpio. Queríamos bajar un poco el volumen del ruido y solo ponerlo en ciertas partes. Queríamos conseguir una onda de los setenta, como Fleetwood Mac, Neil Young, Steely Dan y cosas de esas…”. Que no se me asusten los fans más integristas del trío.

Vivian Girls no han traicionado su corazón surf pop chispeante y su espíritu lo-fi, simplemente han ido un paso más allá, perfeccionando lo justo su fórmula. “I Heard You Say”, soberbio single de presentación, deja bien a las claras que la nueva dirección de las neoyorquinas es la correcta, con esos aires a lo The Byrds que gasta. O igual no.

“La inspiración para ese solo de guitarra que dices es Wanda Jackson, de una canción suya que se titula ‘Tunnel Of Love’”. Glups.

Otra de las novedades que presenta “Share The

Vivian Girls Foto Archivo

Balón de oro Joy”, primer disco de Vivian Girls bajo el amparo de Polyvinyl, es la inclusión de un par de canciones que superan los seis minutos de duración. Un hecho impensable en sus inicios, cuando muchas de sus composiciones apenas sobrepasaban los dos minutos. Una de ellas, “Light In Your Eyes”, tiene un claro regusto shoegazer. “Sí, un poco”, comenta Ramone, “estábamos pensando en My Bloody Valentine cuando la grabamos”.

Ahora bien, la sorpresa más grande de lo nuevo

“Queríamos conseguir una onda de los setenta, como Fleetwood Mac, Neil Young” de Vivian Girls es la excelente relectura que realizan de un tema de Green On Red, banda de culto del nuevo rock americano de los ochenta. “’Sixteen Ways’ es una versión de Green On Red. Es una canción que me gusta mucho, pero Katy y Fiona no la habían escuchado. La idea de la versión se me ocurrió estando en casa, saqué los acordes de la guitarra, luego llegué al estudio y la enseñé. Me gusta mucho porque no nos hemos limitado a copiar el original”. Vayamos ahora a por las cosas que

Suben los Grammy por haber premiado a Arcade Fire como responsables del Mejor Disco del Año por “The Suburbs”. Iba siendo hora de que sus premios se fijaran en otro tipo de artistas.

Y ya puestos, suben Arcade Fire por también haber triunfado en los Brit Awards, y por anunciar un concierto –13 julio- en el fantástico Museo Guggenheim de Bilbao.

Sube el prestigio de Amaral entre la escena indie tras sus conciertos en pequeños bares y su apuesta por la autoedición.

me gusta eso de estar todas frente a un micro, queda mejor”. Más constantes que se repiten: el amor de Vivian Girls por los grupos de chicas de los sesenta, ejemplificada en el disco por “Take It As It Comes”, joya absoluta a lo The Shangri-las. ■ Xavi Sánchez Pons “Share The Joy” está publicado por Polyvinyl. Vivian Girls forman parte de los conciertos Heineken Music Selector y actuarán en Sevilla el 26 de marzo, el 29 en madrid, el 30 en barcelona, el 1 de abril en palma de mallorca y el 2 en vigo.

Baja Jorge Drexler por agradecer el Goya cantando, repitiendo sin demasiada fortuna la jugada de los Oscar.

Baja la Concejalía de Cultura de Ceuta por vetar una actuación a Kiko Veneno, a causa de unas declaraciones suyas.

Baja Lady Gaga porque esta vez ya se le ha ido la mano copiando a Madonna en su reciente nuevo single.

BAJAN

SUBEN

Baja tanto la audiencia de Operación Triunfo que ha provocado la cancelación del programa

Sube el grupo madrileño HAMLET por desembarcar nuevamente en Europa de la mano de la agencia internacional de artistas como Devil Driver, Ill Niño o Helmet.

casi no han cambiado en este “Share The Joy”.

Una de ellas son sus ya clásicos y trabajadísimos juegos vocales. Unas armonías que ahora brillan más que nunca. ¿La clave? Un ligero cambio en su modus operandi. “Antes siempre grabamos las armonías y los coros todas a la vez en el estudio, como si estuviéramos tocando en directo, pero para este disco lo hemos hecho por separado. La verdad es que en un futuro volveremos a grabarlo juntas porque

MondoSonoro · Marzo 2011 /15/

mondoFREAKO

¡¡¡ wala wala!!!

“Simple Minds fueron una de las bandas británicas más inventivas de la historia” Manic Street Preachers, en NME

“La primera vez que conocí a Rick Rubin tenía un tampón en el pulgar” Adele, en Q

“Me gustaría ir dos mil años atrás en el tiempo para viajar a Palestina y conocer a Jesucristo”

Eric Fuentes Foto Archivo

ERIC FUENTES

Sed de mal

Rumer, en Uncut

“Morir muy joven: el mejor método es un accidente de coche” Shaun Ryder de Happy Mondays, en NME

Tenemos músicas nuevas de Eric Fuentes: “Eric Fuentes & El Mal”, diez canciones que comienzan agresivas, se tornan melódicas y acaban en un aterrizaje dulce tras un corto pero revelador viaje, los minutos musicales de lo que algunos despistados creerán un debut. De los cómos y porqués, de milanos, del bien y del mal nos habla su autor.

Q

“Ya no soy muy amiga de la cerveza. Ryan Adams me convirtió al vodka” Lucinda Williams, en Uncut

“La gente, hacia finales de año, llamará a sus hijos Beady Eye” Liam Gallagher de Beady Eye, en Q.

uien haya escuchado “Bahía Paraíso”, álbum de esos que son capaces de despertar un singular cariño y que supuso la anterior referencia de Eric Fuentes tras su debut de verdad, “Descarrilant”, de 1997, sabe que el catalán que nos ocupa sabe de distancias de todo tamaño y que la transparencia es una de las marcas de la casa. Pero aquel era un disco nostálgico; este no. “No he conseguido expresar ni un uno por cien del cabreo que tenía con el mundo cuando lo hice. No tenía pena ni melancolía, tenía muy mala leche, pero por mucho que me enfade siempre acabo haciendo las cosas más fifis de lo que me gustaría”. Pero hablemos de cosas alrededor de “Eric Fuentes & El Mal”, un álbum que pierde por el camino las etiquetas deliberadamente y para el que Eric ha contado con la colaboración inestimable de Pol Fuentes, Iban Rodríguez y Bernat Sánchez. Pero El Mal tiene mucha más miga, veamos. En la portada tenemos la majestuosa imagen de un milano real, depredadora de pequeños vertebrados. “Exactamente igual que todos los depredadores que, como los tigres, cocodrilos, tiburones, se han convertido en nuestra cultura en iconos de ‘el mal’. Otros depredadores como, por ejemplo, el delfín, son en cambio una imagen del bien. Pero ni el milano, ni el tiburón, ni el delfín tienen que ver nada con el bien o con el mal. Al igual que tantas y tantas conductas humanas que tienen que ver con el bien y el mal en función del código moral

de una civilización. Hay que dejar de pensar en el bien y en el mal y pensar más en lo eficiente y lo eficaz. Nos daremos cuenta en que toda la humanidad coincidimos en una cosa: el mal es la ineficiencia o la ineficacia. Eso es un mal universal”. La eficacia y la eficiencia siempre han sido algo subyacente a aquello en lo que Eric ha participado musical-

territori enemic”, “Odd Girls”, “Growl” o “Kickstart My Hopes” han tenido como menú de acompañamiento. “’Sasquatch, enigma antropológico’ de Renzo Cantagalli, ‘El informe 11-S’ en novela gráfica, ‘Josep Pla, inèdit’ de Josep Valls y ‘L’hort urbà, Manual del cultiu ecològic als balcons i terrats’ de Josep Mª Vallès. Películas no porque últimamente me duermo antes de que empiecen las letras del principio”. “Rock And Roll Is A Full Time Job”, uno de los temas que integran “Eric Fuentes & El Mal”, lo dice todo con el título, un tema del que Eric nunca ha rehuido y que en el pasado sirvió de base para temas como “Rock For Food” o “Avida Dollars”. “La música habla de cuestiones románticas, pero eso no significa

"No tenía pena ni melancolía, tenía muy mala leche" mente. Estamos hablando, obviamente, de The Unfinished Sympathy, la banda que fundó y de la que formó parte durante una década en la que puede decirse que “lo consiguieron” y lo hicieron con economía de medios, es decir, de nuevo, eficacia y eficiencia. “Veo Unfinished tan circunscrito a un espacio concreto de diez años, a unas actividades tan concretas hechas con personas tan concretas, que más bien considero Unfinished un periodo concreto de mi vida en el mundo de la música, que empezó mucho antes de Unfinished y que hasta que no se me acaben las canciones a publicar no creo que cese, aunque pueda variar en intensidad”. Pero si “Bahía Paraíso” era un disco casero, no se puede decir lo mismo de los temas que ahora nos ocupan, fruto quizá de una época más expansiva en aquello del acordeón de la vida. “Hora punta en

que la gente que vive de ella tenga más romanticismo que quien tiene otras profesiones. Al fin y al cabo uno se acaba dedicando a aquello que mejor le proporciona equilibrio entre esfuerzo y recompensa, sea económica o espiritual. Yo de momento he conseguido sobrevivir haciendo y tocando mi música, soy muy afortunado. Pero si no me salieran los números acabaría apartándome de este mundo, me lo tomaría como un hobby, le dedicaría un uno por ciento de esfuerzos y energías y me buscaría otro curro”. Ahora, y tras catar este nuevo Mal de Eric Fuentes esperamos su propagación en la inminente primavera y posteriormente en los festivales de verano. ■ Ignacio Pato L. “Eric Fuentes & El Mal” está publicado por Subterfuge.

mondoFREAKO /16/ Marzo 2011 · MondoSonoro

Los discos Guillermo Izquierdo (Angelus Apatrida) Foto Archivo

de mi vida

Guillermo Izquierdo (Angelus Apatrida) Guillermo Izquierdo es cantante y guitarrista de Angelus Apatrida, una de las formaciones españolas actuales con mayor éxito internacional y de las más respetadas. Aquí nos desvela cinco de sus discos más queridos.

El que escuché por primera vez “Live After Death” (1985) ¡Lo primero que escuché y lo primero que ví! Ya que con ocho años no tenía mucho interés por nada más que los juegos de la Nintendo o los personajes de “Los caballeros del Zodíaco” y “Dragon Ball”. Un día agarré un VHS que tenían mis hermanos mayores de Iron Maiden y me encontraron de rodillas en el salón babeando ante tan descomunal muestra de heavy metal. Definitivamente ese era mi rollo.

Iron And Wine Foto Piper Ferguson

Iron Maiden

IRON AND WINE

Irse de casa

El que he comprado más veces

Soziedad Alkohólika

“Y ese que tanto habla…” (1993) Es mi banda favorita de todo el estado y les sigo desde su maqueta “Intoxicación etílika”.

Lo poseo dos veces en cassete y dos en CD desde que fueron lanzados y reeditados más adelante. ¡Sólo me falta el vinilo! Con el tiempo les conocí en persona. ¡Qué grandes sois!

El que me cambió la vida

Pantera

“Far Beyond Driven” (1994) Durante mis primeros años en el heavy metal había escuchado cosas como Sepultura, Anthrax, Megadeth o Metallica, pero cuando mis hermanos trajeron aquel vinilo de Pantera con la portada original (la del culo taladrado), definitivamente cambió mi manera de ver el metal. ¡Ya tenía a mi segunda banda favorita!

El que escucho casi todos los días

Iron Maiden

“Somewhere In Time” (1986) Casi todos los días tengo un momento para escuchar algo de este magnífico disco. Iron Maiden han sido desde pequeño mi banda favorita y este disco, junto con “Seventh Son…” mi más preciado tesoro. Up the Irons!!!

El último que me dejó boquiabierto

Machine Head

“The Blackening” (2007) Soy gran fan de Machine Head y pensaba que nada podría superar a sus dos primeros álbumes, sin embargo “The Blackening” no solo me parece su mejor álbum hasta la fecha, si no el mejor disco de metal de la década de 2000 sin duda, ¡increíbles! ■

Ya tenemos nuevo disco de nuestro barbudo favorito. Con “Kiss Each Other Clean”, la apuesta de un músico que busca alejarse de lo seguro, Iron And Wine se instala en los setenta e indaga en la fórmula enriquecida de sus últimos trabajos.

S

am Beam es todo amabilidad al otro lado de la línea. Mientras comienza a hablar del recién editado “Kiss Each Other Clean”, recupero el aliento y enciendo la grabadora. He llegado corriendo a las oficinas de Popstock! en Madrid, desde donde me está esperando la llamada hace cinco minutos. Converso con el músico que firma sus discos como Iron And Wine, el autor de títulos como “In My Lady’s House”, “Lovesong Of The Buzzard”, “He Lays In The Reins”, tantas canciones que he escuchado tantas veces… Siento que hablo con un amigo de toda la vida. Padre de cinco niñas, barbudo insigne, precursor del DIY lo-fi folk del nuevo milenio, Beam amplía los caminos estilísticos que se abría a sí mismo en el celebrado “The Sheperd’s Dog” (07), su anterior trabajo. El pasado noviembre habíamos saboreado un adelanto de “Kiss Each Other Clean”, con la difusión del corte que ahora abre el disco, “Walking Far From Home”, una canción de esas de fórmula cíclica que tanto gustan a Beam, sin estribillo, con muchas vueltas, mucha melodía, que crece en la repetición y avanza con el texto que se va desplegando como un mantra.

Con un punto espiritual, hasta religioso, casi sanador. El mismo Iron And Wine de “Passing Afternoon” o “The Trapeze Swinger”. Buena presentación para lo que vamos a encontrar en el resto del álbum. “Tiene algo de lo que Iron And Wine era antes y algo de lo que es ahora”, explica Beam. Cierto, hay algo nuevo. Esto ya no son discos de cantau-

tor, quizá los anteriores en espíritu tampoco lo fueron. “Todo tiene un sonido más sintético. Todavía soy yo escribiendo canciones, eso no ha cambiado, pero, a la hora de grabar, realmente no estoy siguiendo una agenda preestablecida.

Simplemente quiero enriquecer todo, permanezco abierto a lo que pueda ir surgiendo. Hago varias versiones de las canciones, busco darme de bruces con lo que sea y ver si me gusta”. Así, Beam se da de bruces (y parece que le gusta) con

des interés o no sabes qué más hacer.

Simplemente te marchas y lo dejas así ya para siempre”. Ahí queda una definición desapasionada del proceso creativo real, el lío que resulta a fin de cuentas apañártelas para bajar al suelo un pedazo del mundo de las posibilidades infinitas. En “Kiss Each Other Clean”, por haber, hay sitio incluso para amagos de R&B y funk. “Bueno, no te creas, aunque me veas así de paradillo, yo en realidad tengo mucha marcha, soy un batería frustrado” bromea Beam, que aún recuerda su última visita a Madrid, hace más de seis años. “El concierto fue horrible, todo salió mal. Nos metieron en un sitio con gente que no estaba allí para vernos… Bueno, al menos recuerdo que después cené estupendamente”.

Ahora comienza una gira que en principio no

"Aunque me veas así de paradillo, yo en realidad tengo mucha marcha" sintetizadores, percusiones, arreglos de producción, añade multitud de capas, instrumentos, reverberaciones, coros... Pero sigue siendo Iron And Wine, prudente y preciso, reconocible; instalado, eso sí, “en una zona más cercana a los setenta y a Fleetwood Mac” que a los sesenta y a los popes del folk rock. Le pregunto si no es un poco peligroso meterse a grabar con la idea de probar mil cosas, si no hay riesgo de morir intoxicado y de paso estropear el pastel. “Al final esto es como pintar, o como escribir. Haces un par de marcas y trabajas a partir de ahí. Luego vuelves a ellas, añades más marcas, continúas... y realmente no sabes cuándo tienes que parar, o dónde vas a llegar. Muchas veces pier-

pasará por España (“No os guardo rencor por lo de aquella vez en Madrid, ¡tengo que volver!”) y en la que Beam actuará acompañado por los mismos miembros de grupos como Califone o Antibalas que le han ayudado a grabar el disco. Como en “Walking Far From Home”, Iron And Wine se aleja de casa, de lo seguro y lo conocido, vive e incorpora lo que va encontrando, nuevos sonidos, nuevas visiones. Y, sin que suene religioso en el sentido asquerosamente civilizado de la palabra, como canta en la canción, todo se asemeja a lo que debe de ser una llamada de Dios. ■ Jorge Ramos “Kiss Each Other Clean” está publicado por 4AD/Popstock!

mondoFREAKO /18/ Marzo 2011 · MondoSonoro

no confidencial REMATE Cornelius 1960 Foto Archivo

Hallazgos de luz

Antonio Casado y Toni B. Willisch (CORNELIUS 1960) Los de Vilagarcía de Arousa (Pontevedra) comienzan 2011 preparando las canciones del que será su tercer trabajo.

Sobre la marcha, nos responden muy cortésmente a este nuestro más insolente e imposible. ◗ ¿Vuestro contrato discográfico ha dado para pagar la casa y el coche?

Por supuesto. Intercambiamos nuestros deportivos para ir al local de ensayo.

◗ Ya existe otro grupo llamado Cornelius, ¿en qué pensabais cuando elegisteis vuestro nombre?

En moscas trazando ochos. Moscas groovies en Harlem, racionalistas en la Bauhaus… Es obvio que nuestro fuerte no es la música electrónica. ◗ ¿Dónde es más fácil encontraros una noche de fiesta: ¿en una rave techno o cantando en un karaoke?

Posiblemente en una rave, redimiéndonos de nuestra devoción por lo analógico. ◗ ¿Cuál ha sido el momento más complicado sobre un escenario?

Hemos competido con el locutor de una tómbola en una fiesta portuguesa. ◗ Un chico de catorce años os pregunta por un disco para comprárselo, ¿cuál le recomendarías?

Cualquiera de The Beatles. Los de su clase se encargarán del resto. ◗ ¿Con quién os gustaría hacer un dueto: Huey Lewis, Enrique Bunbury o José El Francés?

Con los tres y Phill Collins a la batería. Todos junticos en plan Travelling Willburys, versionando "Echame a mi la culpa" de Albert Hammond. ◗ ¿Sabéis que piensan vuestros familiares de la música que hacéis?

Sabemos lo que dicen, que no es poco. ◗ ¿Podéis recomendarnos un disco, un libro y una película?

Somos unos carcas. Lo último que hemos leído es de Borges y John Dos Passos. Nos dio pena no haber visto en directo el último de Band Of Horses. ◗ ¿Leéis las críticas de vuestros discos?

Por supuesto. Aceptamos las críticas, incluso las positivas. ◗ ¿Hay alguna relación de pareja en el grupo?

Desconfiamos del feeling de la base rítmica. Los demás, a dos velas. ◗ Sin contar esta, ¿cuál es la entrevista más inútil que habéis contestado?

Esta pone el listón muy alto. ■

Remate Foto Archivo

◗ ¿Os habéis sentido rock stars en algún momento?

Ni siquiera respondiendo a la primera pregunta.

Somos de los que hacemos la cama al dejar el hotel.

Grabado en Nueva York con una banda creada ex profeso para la ocasión con Stephin Merritt entre sus componentes, “Superluv. Por lo que tiene de romántico” es el nuevo disco del músico madrileño, una indagación de lo imperfecto y lo azaroso como generadores de orden.

M

ientras el mundo perfecto, el de las ideas puras y de las categorías continúa por siempre fuera de la cueva, aquí dentro hay que seguir viviendo e inventando nombres, explicaciones para lo que hacemos. Justificando, esquivando o abrazando la gran paradoja. “Superluv.

Por lo que tiene de romántico”, el nuevo disco de Remate, indaga en estos pequeños hallazgos de luz, en aquello que se salta el guion y en sus simbolismos. Está dedicado a una serie de actrices de la industria pornográfica norteamericana que se apellidan artísticamente Luv, un amor con erratas pero tan real, más si cabe, que el amor al que suplanta o sustituye, al que refleja. Y a recrearse en el efecto de su onda expansiva.

“Todo comenzó porque estaba escribiendo canciones que tuvieran que ver con la palabra amor mal escrita, pero en principio se basaban, podría decirse, en el ingenio, que es algo que en el fondo valoro muy poco. Eran ideas mías acerca del amor con erratas. De repente encontré una entrada en Internet que hablaba de estas chicas y comencé a tirar del hilo. Actrices porno que deciden ponerse ese nombre es casi lo último que te puedes imaginar que puede existir en la industria del porno. En seguida vi que aquello sería mucho más interesante que cualquier cosa que yo pudiera inventar”, explica.

Ese mismo día, pese a que Remate aún no tiene mucho material, decide escribir a L.D.

Beghtol, músico, productor y habitual colaborador de Stephin Merritt, el genio que se esconde tras The Magnetic Fields. Remate y Beghtol mantienen el contacto desde que este reseñara los primeros trabajos del músico madrileño en algunas revistas.

“A L.D. le dije que ya tenía el disco, aunque no lo tuviera todavía. A partir de ahí todo fue rodando, me tiré desde una sima. Me dijo que me lo producía, entró Stephin Merritt, se formó la banda, hice el plan de grabación,

decirlo, son trincheritas en vez de murallas. La paradoja está en hacer algo grande de cosas pequeñas”. Un poco de la mano de la temática del disco, ampliada con una galería de personajes también reales y enigmáticos, como Elvis Presley, Shirley MacLaine o Daniel Johnston, todos ellos presentes en las canciones de “Superluv”.

Otra vez la paradoja, lo imperfecto y real frente a lo puro e irreal, la onda expansiva de gestos azarosos que superan a la razón.

“Esas chicas consideran que en lo suyo hay un amor pero además es un amor especial, a cámara rápida, extraño. El efecto es como si el punto de vista lo diese Shakespeare, o incluso Woody Allen. Ves la película y no te genera exactamente ese deseo físico, sino una especie de emoción romántica. Me parecía que la realidad era tan increíble y

"Cuando no hablas de ti mismo, lo que digas va a ser siempre muchísimo más interesante" me fui a Nueva York a grabarlo… ”. A conseguir ese efecto magnético, algo que Remate en parte ya traía de casa. “Más allá de la forma que tuvieran mis discos, ellos siempre vieron en mi manera de construir e interpretar las canciones algo que les interesaba y que querían producir, algo que sentían cercano”, explica Remate. “Pero esto al final es de esas cosas que se escapan un poco de la primera impresión. Sabíamos, eso sí, que la composición de las canciones era sólida y que nos íbamos a ir a algo que no tenía nada que ver. La producción es barroca, tiene un efecto ‘Phil Spector de las pequeñas cosas’, por así

tan simbólica que para qué iba a buscar otra cosa”. Como ya hiciera en su anterior disco, “Somersaults”, grabado con y para Muni Camón, Remate se deja atrapar por las musas para crear, musas en este caso personalmente desconocidas para él. “Ahí fui un poco Daniel Johnston, dedicando días y noches a personas que ni siquiera conocía. De todas maneras el resultado es mucho mejor. Cuando no hablas de ti mismo, lo que digas va a ser siempre muchísimo más interesante”. ■ Jorge Ramos “Superluv. Por lo que tiene de romántico” está publicado por Popstock!

MondoSonoro · Marzo 2011 /19/

mondoFREAKO

La Pegatina Foto Ibai Acevedo

LA PEGATINA

El secreto es currar Llega “Xapomelön”, el tercer disco de esta joven banda de Montcada, que fieles al “háztelo tú mismo”, se han autoproducido. Y al igual que sus discos anteriores, lo regalan desde su web. Musicalmente depara algunas sorpresas y sabemos que va a conseguir que sus seguidores se multipliquen, si es que eso es posible.

S

u impresionante éxito es un misterio para muchos y ha servido de base de estudio a quienes investigan la “generación de las redes sociales”. Ellos han utilizado sabiamente Internet y aprovechan como pocos sus posibilidades. Sus cifras en ese sentido realmente marean: tienen amplia presencia en una docena de ellas, más de 60.000 amigos en Facebook, más de medio millón de descargas de su primer compacto “Al carrer!” y más de ¡un millón y medio! del segundo “Vía Mandarina”, muchas de ellas en Sudamérica. Hay que reconocer que desde que empezaron en 2003 apostaron por la autogestión y se lo han trabajado intensamente y casi sin descanso. A sus interminables giras le sucede la realización de un disco y así sucesivamente. Este año presentarán por toda España este "Xapomelön", con algún festival por medio como el Viña Rock, donde seguro que triunfarán, y más eventos por una Europa que ya les empieza a conocer bien. De hecho esta entrevista tiene lugar por teléfono, en medio de su gira por diez ciudades

de Holanda y Bélgica. Primero les felicito por su repercusión también allí (sold out en varias salas) y, a continuación, le pregunto a Rubén, una de las voces, guitarra y de los principales compositores de la banda, qué es lo que vamos a encontrar de nuevo en este disco. “La primera diferencia es que hemos grabado con batería. En directo la incorporamos para la gira del ‘Via Mandarina’, pero en estudio es la primera vez. Y después hemos incluido diferentes estilos, aparte del reggae, rumba y ska que es nuestra base. Hay una ranchera, muchos sonidos cumbieros, alguna sorpresa y hasta un ¡merengue-tecno!”. A veces me choca de los grupos que regalan su música que insistan en hacer un disco completo, cuando no tendrían problema en ir regalando canción por canción a medida de que las tuvieran listas. “Para nosotros no es tanto el concepto del disco, sino que es la excusa para parar la máquina, ver qué hemos compuesto y decidir qué grabamos. Esta vez teníamos veinte cancio-

nes previas y entramos en el estudio con la idea de descartar alguna, pero es que luego añadimos otra más. Pensamos que era mejor dar todo lo que teníamos”. Han leído bien, veintiuna canciones. Ninguna pasa de los cuatro minutos, y sólo tres pasan de los tres. Una vez le dije que eran los Ramones de la rumba urbana, pero ahora con más motivo. “Somos muy directos, preferimos meter una canción nueva que meter paja de relleno,

en torno a La Pegatina, abierta a todo el mundo. Por eso cantamos en castellano, catalán, inglés, francés, gallego, euskera...”.

Una comunidad que día a día se hace más grande gracias a la proximidad que consiguen con su, sobre todo, joven audiencia. Esa es otra de sus particularidades, pertenecen a una generación posterior a Amparo, Manu Chao o Macaco y se han creado su propio hueco. También hay que reconocer que sus intensos directos (llevan más

“Dicen que el tercer disco es el de la madurez, pero hemos pasado de esos conceptos’” de esta forma si a alguien no le gusta una canción, sólo son dos minutos de ‘sufrimiento’. También dicen que el tercer disco es el de la madurez, el de la consolidación, pero hemos pasado de esos conceptos y no nos hemos autocensurado... La gente identifica la rumba como sonido ‘pegatina’, pero hemos querido hacer cosas diferentes para oxigenar”. A ello han contribuido las colaboraciones de Amparo Sánchez con su voz o Joan Garriga con su acordeón, entre otros. El título del disco es una palabra inventada, pero con significado. “‘Xapomelön’ es nuestra ciudad, la comunidad virtual que hemos creado

de cuatrocientos cincuenta) son una de sus armas. “Queremos que la gente que venga a vernos se olvide de sus problemas durante las dos horas que dure el show. Que lo baile, lo disfrute y acabe sudando. Nosotros también lo hacemos y eso se contagia. Por eso seguimos confiando la producción del directo a Gambit (Radio Bemba). Él es muy claro y directo y nos compenetramos muy bien”. ■ Miguel Amorós “XapomelÖn” está publicado por Kasba. La Pegatina estarán actuando los días 25 y 26 de marzo en Barcelona.

mondoFREAKO /20/ Marzo 2011 · MondoSonoro

WARPAINT

Su repercusión en el Reino Unido ha superado cualquier expectativa, aunque estas angelinas continúan siendo casi unas desconocidas en España. Para que las tengamos más presentes en nuestro país, se acercarán al San Miguel Primavera Sound para descubrirnos las virtudes de su alabado “The Fool”.

E

l año que hace poco nos dejó no será especialmente recordado por su calidad musical, aunque nos haya brindado un puñado de grandes discos y algunos estrenos notables a los que seguir el rastro en el futuro. Entre esas novedades está Warpaint, cuarteto femenino de Los Ángeles que ahora nos ocupa. Debutaron en 2009 con un EP, “Exquisite Corpse” que ya anunciaba las calidades que iban a definir la banda, este año pasado por fin han editado su primer larga duración, “The Fool”, que satisface y confirma todo lo bosquejado en su primera referencia.

Theresa Wayman, una de las dos guitarristas y voz del cuarteto junto a Emily Kokal, habla de la evolución de una a otra referencia. “Nos conocemos mejor entre nosotras. Estamos más cohesionadas y ello nos ha permitido afrontar arreglos más complejos, más intrincados, con la pretensión de sonar, en realidad, más simples y accesibles. Es una de esas paradojas que solo te puedes permitir llevar a cabo cuando existe una conexión total entre los

miembros de la banda”. Guiños e influencias de The Cure, la electrónica y el pop de los ochenta se mezclan en inquietantes paisajes sonoros, predilección por los ambientes evocadores de una serena pero inquietante oscuridad que hacen pensar en “The Fool” como el símil transatlántico del debut de The XX hace dos temporadas. Menos perfecto, no tan destilado, pero igual de atrayente.

Theresa explica la génesis del álbum. “El sonido de ‘The Fool’ es el sonido de Los Ángeles.

Me gusta ver a Warpaint como una representación de la decadencia, la oscuridad, las debilidades y los fracasos que envuelven a la ciudad. Podría ser una perfecta banda sonora de una madrugada escogida al azar en cualquiera de los barrios menos turísticos de la ciudad”. Hasta el momento, lejos de limitarse a los suburbios de la ciudad californiana, las canciones de Warpaint, especialmente su estandarte “Undertow”, se han convertido en uno de los hypes más celebrados de los últimos meses. “No nos molesta. Al contrario, es una

suerte. Somos afortunadas por el hecho de que la gente nos quiera escuchar. Cualquiera que se acerque al disco comprenderá que no nos hemos permitido ninguna licencia, y que puede ser definido como cualquier cosa menos comercial. Si aun así, en lugares tan lejanos como España, os interesan nuestras canciones, es todo un halago”. Aunque también aquí los rincones alternativos de medios y blogosfera están acogiendo la banda con los

Warpaint Foto Archivo

Canciones exquisitas mos; no podríamos estar más contentas con ellos”. Otra de las particularidades del combo son sus múltiples conexiones con una de las grandes bandas de su ciudad, Red Hot Chili Peppers. El primer guitarrista de Warpaint, Josh Klinghoffer, es ahora el flamante siete cuerdas de los Peppers en sustitución del dimitido John Frusciante, que fue a su vez novio de una de las componentes de la banda, Emily Kokal, y el encargado de mezclar y editar su primer EP. Por otro lado, su algo estra-

“Me gusta vernos como una representación de la decadencia y las debilidades de Los Angeles” brazos abiertos y alabanzas, es en el Reino Unido donde más fuerte han sonado y su publicación estrella, NME, les situó dentro del Top 20 de mejores discos publicados el pasado año... “¿En serio?

Vaya, es toda una sorpresa... Lo apreciamos, pero también te hace sentir algo incómoda y presionada. Y no me gusta esa sensación”.

Una presión que la banda siente ya desde antes de editar su primer EP, cuando tuvieron que lidiar en una guerra de sellos que compitieron por editarlas. Al final fue la independiente Rough Trade quien se llevó el gato al agua. “Estábamos en medio de nuestro primer tour. Creo que ni siquiera nos habían visto. Pero acerta-

falaria imagen, actitud y declaraciones también les ha valido la etiqueta de hippies de nuevo cuño “El único problema que veo es la asociación actual del concepto hippie a connotaciones negativas. Muchos de los atributos que los definían me parecen perfectamente válidos para nuestra filosofía de vida. Nuestro mismo nombre ya indica actitud de confrontación; de querer mostrar nuestra propia creatividad artística, sin dejarnos manipular por nada ni por nadie”. ■ Robert Aniento “The Fool” está publicado por Rough Trade/Popstock! warpaint estarán en san miguel primavera sound.

mondoFREAKO /22/ Marzo 2011 · MondoSonoro

EN LA

Guillamino Foto Archivo

MALETA

Guillamino Músico curtido en mil aventuras y discos, Guillamino también pincha por placer y se mueve muy bien en terrenos bailables, como bien demuestra el doce pulgadas “Whip Gymnastix” (Bankrobber, 10). Lo hace para explorar otras facetas suyas y para pasarlo bien. Y nosotros encantados.

◗ Por contra, ¿cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya? ¿Por qué?

Aunque miro de poner siempre al principio, desafortunadamente el hip hop tiene poco espacio en mis sesiones. Somos un país poco ecléctico que le cuesta no tener su ración de “bombo a negras” a ciertas horas/copas. ◗ ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

No sé, ¿sacarse los mocos? No mirar a la pista. ◗ ¿Qué es lo que más te gusta y lo que más odias de otros Dj’s?

Me gustan los Dj’s que confunden los temas entre ellos, para mí es la esencia de pinchar, generar pequeñas creaciones a partir de la mezcla de dos temas.

El super-cuadreteo de temas. ◗ ¿Recuerdas alguna anécdota especial a lo largo de tu carrera como Dj? En un sitio muy pijo de Barcelona, se me acerca una chica y me dice: “Qué guay. Me gusta cómo pinchas, bla bla bla’. Le explico que hago música, me pregunta cuál es mi nombre y me dice: “mañana te busco en el emule”. En fin... ◗ ¿Tienes algún problema a la hora de mezclar guitarras y electrónica en la misma sesión?

No, aunque nunca sonarán guitarras con distorsión en mis sesiones. ◗ ¿No estás harto de trabajar siempre de noche?

Trabajar de noche me mantiene fuera del mundo de la noche, como trabajo saliendo, salgo trabajando. ◗ ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj's?

En el contexto de la electrónica el djing manda. Ha conseguido difuminar la diferencia entre un Dj y un live electrónico. Supongo que al gran público no le importa demasiado, y eso es en cierta manera preocupante. Es el tipo de público poco musical, el que solo valora el pulso (BPM’s) que mantiene en la pista.

Puedes poner una sesión grabada y nadie se enterará. Contra eso cuesta más competir.

Yo no lo hago... sería muy aburrido. ◗ ¿Qué opinas de los músicos que pinchan?

Yo soy uno de ellos. Para mí lo de pinchar es muy musical, así que no concibo el pinchar sin tener una sensibilidad de músico. Creo que ahí está la diferencia.■

CHRISTINA ROSENVINGE

Corazón de acero Christina Rosenvinge se ha superado de nuevo a sí misma.

Si con la edición de “Tu labio superior” dio en el clavo con un disco soberbio, ahora la madrileña ha conseguido alcanzar un nivel aún más alto con las canciones de “La joven Dolores”.

E

n “La joven Dolores”, Christina Rosenvinge ha alcanzado ese punto exacto de madurez que busca desde hace un tiempo, sin perder un ápice de su inocencia. Con canciones cada vez mejores y esa capacidad innata para escribir letras que no dejan a nadie indiferente, la suya es una fórmula que funciona a las mil maravillas. “En mi música tienen la misma importancia la música que las letras. Diría que un cincuenta por ciento es música y el otro cincuenta son las letras. Es muy importante que la historia que cuentas tenga un significado para ti, que transmitas sensaciones de cualquier tipo a quien las escucha”. En este caso ella no ha escogido el camino más fácil, sino que este es un disco que necesita de varias escuchas, pero una vez te introduces en su universo resulta fascinante descubrirlo. “Soy consciente de que es un disco arriesgado, pero no he tenido miedo de llegar hasta ahí.

Empezar con una canción como esa de seis minutos marca la pauta del disco, y aunque teníamos dudas sobre si era o no lo adecuado, al final hemos quedado satisfechos”. Su voz sigue manteniendo los rasgos y señas de identidad de antes, pero ahora ha añadido otros registros que la

convierten en mejor cantante. “Es curioso, pero con la edad tu voz va cambiando.

Ahora hay matices que antes no existían, sobre todo los graves, que andaban desaparecidos. En el mundo de la mujer las voces van cambiando más que las de los hombres, son siempre más interesan-

nivel profesional, es curioso porque me siento más cerca de la música que hacen los hombres, solo hay que ver la lista de músicos españoles con los que colaboro.

Mi banda es íntegramente masculina, pero defiendo y apoyo que haya más mujeres trabajando y aportando en todos los sectores posibles”.

En “La joven Dolores” ha colaborado otra vez el comando neoyorquino que le acompañó en “Tu labio superior”, el guitarrista Charlie Bautista que es su mano derecha, y hasta nos encontramos con Benjamin Biolay.

“Esta es una banda consolidada, pero

"¿Por qué no hay chicas que sean críticas? ¿O chicas que sean técnicos de sonido?" tes”. Y hablando de mujeres, ella es una fiel representante de ese selecto grupo de damas que dominan el cotarro a nivel nacional, entre ellas Russian Red, La Bien Querida, Maika Makovski, Marina Gallardo, Mala Rodríguez, Ainara LeGardon o Anari. “Me gusta analizar el papel de la mujer dentro del negocio de la música, y en otros muchos ámbitos. Todavía me encuentro con chicas a las que les cuesta dar el paso de ser músicos, que no se atreven por el simple hecho de ser mujeres, y a mí eso me preocupa. ¿Por qué no hay chicas que sean críticas? ¿Por qué no hay tampoco chicas que sean técnicos de sonido? Eso daría para muchas teorías, Y en mi caso, a un

nada es fijo en esta vida, siempre hay la posibilidad de dar un nuevo giro que pueda resultar excitante. Hay que romper con ciertas rutinas y huir de la monotonía, si bien es cierto que con ellos he encontrado mi sonido, una identidad. Y es que, por regla general, el ser humano es cobarde, nos falta tener ese punto de valentía. Nos cuesta tomar decisiones, saber afrontarlas cuando éstas vienen”.

■ Toni Castarnado

"la joven dolores" está publicado por warner. christina rosenvinge estará el 4 de marzo en madrid, el 17 en vitoria y el 18 en bilbao.

Christina Rosenvinge Foto Pablo Zamora

◗ ¿Qué disco nunca falla en una sesión tuya?

Durante mucho tiempo me signifiqué con la rumba catalana y siempre caía un “Mig amic” de Peret, o el siempre efectivo y atemporal “The Bomb” de Bucketheads.

-------------------Agenda musical SON Estrella Galicia

Los Coronas y Arizona Baby 09 y10 de Marzo & 18 de Marzo Teatro Lara, Madrid & Playa Club, Coruña Venta Ticketmaster Fecha Lugar

Jonny

(Norman Blake + Euros Childs)

18 de Marzo & 20 de Marzo Lugar Teatro Lara, Madrid & Capela do centro cultural Torrente Ballester, Ferrol Venta Ticketmaster, Caixanova Fecha

Christina Rosenvinge 25 de Marzo & 26 de Marzo Le Club, Coruña & Café Pop Torgal, Ourense Venta Nonis, Portobello, Café Pop Torgal Fecha Lugar

Marianne Faithfull Ciclo conciertos sublimes vertical pop Fecha

04 de Abril Lugar Teatro Lara, Madrid Venta Ticketmaster

Hindi Zahra Fecha

14 de Abril Lugar Teatro Lara, Madrid Venta Ticketmaster

-------------------Festivales SON Estrella Galicia Marzo

Waupop Festival Fecha

2, 3 y 4 de Marzo Lugar Málaga

FIV

Festival Independente de Vilalba Fecha

26 de Marzo Lugar Vilalba, Lugo

-------------------Otras fechas SON Estrella Galicia

José González, Ólöf Arnalds, Cats On Fire, The Sea and Cake, Chapel Club, The Dodos…

-------------------Programación Salas SON Estrella Galicia

Teatro Lara, Madrid 09 y 10 Los Coronas y Arizona Baby 18 Jonny 30 Cats On Fire Leclub, Coruña 10 The Dustaphonics 17 Fuel Fandango 19 Stormy Mondays + The Highlights 25 Christina Rosenvinge 26 Depedro + Jane Joyd 01 Abril Willie Nile Ciclo SinSal, varios espacios 20 Jonny Organiza

www.estrellagalicia.es

Conciertos Sublimes de Vertical Pop, Teatro Lara 07 Ólöf Arnalds 04 Abril Marianne Faithfull Mondo Club, Vigo 11 The Dustaphonics 12 Make The Girl Dance 18 Standstill 19 Kiko Veneno Sala Nasa, Santiago 09 The Dustaphonics Playa Club, Coruña 18 Los Coronas y Arizona Baby

Café Pop Torgal, Ourense 26 Christina Rosenvinge

/25/ Marzo 2011 · MondoSonoro

Nudozurdo Foto Pedro Agustin

entrevistaS

NUDOZURDO

Instintos primarios Recién estrenado su estatus como primeras espadas del indie-rock nacional, Nudozurdo se enfrentan con “Tara, motor, hembra” a la gran reválida: consolidarse ante esa audiencia que abarrotó salas de gran aforo al final de la última gira, reinventarse sin traicionar un sonido que no pertenece a nadie más que a ellos mismos. ›› Tara

P

or un momento estuve tentado de titular este artículo “Nudozurdo, esa banda de anormales”. Luego recordé que en respuesta a un comentario muy parecido, Joy Division tomaron la decisión de no volver a hacer declaraciones a ningún medio por el resto de su corta carrera. Son los riesgos de jugar a confundir persona y artista, trayectoria vital con carrera profesional. Un par de minutos de conversación son suficientes para comprobar que los componentes de Nudozurdo (tres comparecen a la interviú: Leo, César y Meta. Se ausenta el último fichaje, el ex Zoo Josechu) no difieren demasiado de los colegas de barrio con quienes compartiste adolescencia. Sin embargo, todo lo que ha rodeado el crecimiento de la banda ha estado condicionado por lo peculiar, por una indudable anormalidad.

Desde la grabación del recientemente reeditado “Nudozurdo” (02) hasta la refundación del grupo tres años más tarde para entrar a registrar “Sintética”, su peregrinar en busca de sello, la definitiva publicación del disco en 2008, el contundente rechazo de ciertos medios -que les señalaron como émulos desaventajados de la escuela “corcobadiana”- y el discurrir del boca oreja, que les ha llevado del anonimato a convertirse, casi diez años después de su formación, en referencia del rock alternativo en castellano. (Leo) “Cuando empecé a trabajar en ‘Sintética’ solo tenía claro que no quería cometer los errores que había cometido con el primer disco. Y como no teníamos ni puta idea de hacer nada y fue un poco desastre todo, cuando salió yo ya no sabía qué coño iba a pasar, porque

además había transcurrido mucho tiempo y el proceso había sido muy amargo, incluida la negociación con algunos sellos que nos marearon para nada. Así que todo lo que vino después fue la hostia”. (César) “Yo quiero pensar que ‘Sintética’ era lo suficientemente bueno como para que pasara lo que pasó. Por otro lado pusimos muchísima pasión en directo. Yo he llegado a sentir auténticos éxtasis musicales tocando, y te juro que no son fingidos (risas). La gente percibió que, con sus errores y sus aciertos, se trataba de una propuesta sincera”. (Meta) “Es que además hay algo muy primitivo en las canciones de Nudozurdo. Son muy viscerales, ritmos básicos que llegan a todo el mundo”.

›› Motor

L

as dificultades, los cambios de formación vuelven a condicionar el nuevo disco. (Leo) “No acabábamos de encontrar un punto de encuentro con Jorge en el que todos estuviéramos satisfechos. Llegábamos a sitios guays, pero había que forzar mucho la máquina. Y además, como en las familias, también podemos hablar de caracteres diferentes”. (César) “Josechu actuó de forma muy inteligente, porque se dio cuenta de que tenía muy poco tiempo, que la mayor parte de estructuras ya estaban cerradas, y el tío ha sido muy receptivo, siempre con una sonrisa en la cara”. Todo ese tiempo en que trabajaron en el local con el puesto de batería vacante les sirvió para jugar con la caja de ritmos

en busca de nuevas sonoridades que ocupan la “cara b” en canciones como “Sueño demo” -con ese aire a los tempranos New Order- y que le aportan al grupo otros puntos de fuga. En la misma línea rupturista y melancólica, ahí están también los magníficos arreglos orquestales de Manuel Moreno (Autumn Comets) o el contrapeso vocal de las hermanas de Leo en el tema de cierre “El diablo fue bueno conmigo”, cuyo origen se me ocurre situar en la versión de “Cenizas” de El Columpio Asesino que hicieron junto a Ana Bien Querida en el escenario de FNAC Callao hace un

pero todo está mucho más ordenado de lo que puede parecer. Lo que ocurre es que intento conseguir que las canciones tengan varias lecturas”. (César) “En cualquier caso yo creo que hay un montón de grupos exitosos en España que no han dado a su público aquello que les demandaban. Se me ocurre así, a bote pronto, Nacho Vegas o Los Planetas”. Ejemplos, sí, de un modo singular de afrontar el aspecto lírico, pero que siempre se han regido por una lógica, incluso por un pálpito narrativo del que Nudozurdo parecen prescindir.

“Yo he llegado a sentir auténticos éxtasis tocando, y te juro que no son fingidos” par de años. (Leo) “Es el disco más premeditado. Lo que teníamos claro es que no queríamos hacer ‘Sintética II’. Estamos en otro momento, sabemos más de música y lo que ha salido es un disco más luminoso”.

›› Hembra

¿

Luminoso? Quede claro que las canciones de Nudozurdo aún se mueven en el alambre y sus protagonistas, imaginarios o no, naufragan en lo emocional y rasgan sus vestiduras en una sucesión de escenas de alto voltaje sexual. (Leo) “No te puedo decir si el acercamiento a la mujer que hago en mis letras tiene un mayor componente sexual o sentimental. En realidad no creo que se puedan desligar ambos”. También rechaza la escritura automática como fuente de una lírica a menudo indescifrable, que no cuenta con referentes válidos dentro de las más populares bandas indie-rock que utilizan el castellano como vehículo. (Leo) “Para hacer bien escritura automática tienes que ser un puto genio.

No es mi caso. Obviamente hay cosas que incluyes sin saber muy bien de dónde salen,

En ese sentido no extrañan las comparaciones habituales con 713avo Amor, Vírgenes Adolescentes y la tropa del sello Triquinoise. (Leo) “Lo veo así en parte. Por otro lado, canciones como ‘El hijo de dios’ o en este disco ‘Ganar o perder’ cuentan historias muy claras”. La consecuencia de todo esto es que esperamos de vosotros un discurso trascendente, poético, filosófico... ¿No estáis hasta los huevos de tener que parecer inteligentes en las entrevistas?

(César) “Intentamos que esos marrones se los coma Leo (risas)”. (Leo) “Hay veces que nos han hecho reflexionar sobre detalles de nuestras propias canciones en los que no habíamos caído. Pero también es una putada, porque reconozco que hago música para evitar tener que hablar de determinados temas. Para mí la música es una forma de trasmitir sentimientos que no puedo explicar con palabras, y ahora toca hacer el ejercicio contrario, decodificarlo”.

■ Luis J. Menéndez “Tara, motor, hembra” está publicado por Recordings From The Other Side

entrevista /26/ Marzo 2011 · MondoSonoro

THE NEW RAEMON

El retrato de Dorian Gray La cara y la cruz de Ramón Rodríguez y de la popularidad se enfrentan en un pulso en “Libre asociación”, la obra más compleja y brillante de su autor y el lienzo en el que permanecerán encerrados para siempre los demonios de su éxito.

R

amón Rodríguez lleva años exponiéndose en cada una de sus letras, enfrentándose a sus sentimientos en voz alta y haciendo pública su fragilidad y sus contradicciones. Lo he escrito ya antes en diversas ocasiones, así que eso no es una novedad cuando me refiero a The New Raemon. Aquí lo novedoso está en lo mucho que supone “Libre asociación”, el nuevo larga duración de un artista en estado de gracia. Por un lado vendría a ser un paso adelante mirando hacia atrás con cierta ira, poniendo en la balanza lo bueno y lo malo que se ha hecho para llegar hasta dónde se está (“exprimo este talento hasta desangrar a mi comunidad, me llevo por delante al personal que aún está por llegar”). Por otro, es la evidencia hecha canción del conflicto moral y personal que puede suponer el éxito (“estar en lo más alto no va conmigo”), la inquietud frente lo que deparará la vida y la carrera (“soy un hombre asustado, voy dando traspiés”). Aunque a primera vista dé la impresión de que “Libre asociación” sea, tanto en lo lírico como en lo musical, un disco mucho más meditado que “A propósito de Garfunkel” o “La dimensión desconocida”, la realidad es que no ha sido así. “La diferencia es que esos discos iban dirigidos a personas concretas y hablaban de situaciones muy reconocibles. En este nuevo trabajo hablo conmigo mismo sobre cosas como la culpa

o la sobredosis de uno mismo”. No importa que todo se exponga desde la sinceridad habitual de temas pretéritos, porque aquí ha sido el subconsciente el que ha ganado la partida, con la mano revelando automáticamente esos secretos que al cerebro le gustaría esconder. “Curiosamente he escrito improvisando y utilizando la escritura automática, eso ha provocado un tono más opresivo y complejo. El subconsciente ha sido el motor del disco.

Tomé la decisión de enfocar el resultado final más como una entidad. Me explico, la voz no tiene tanto protagonismo, aquí es algo así como un elemento que debía estar perfectamente integrado al resto de sonidos que cuentan las historias en cada canción en lugar de destacar. No sucede lo mismo con el primer disco, en el que la voz era el hilo conductor, esta vez mi intención era plasmar algo totalmente opuesto a esa dirección”. Resulta sencillo entender que “Libre asociación” supone un viaje alucinante al centro de la mente de un artista, pero no un creador al borde del abismo, sino uno que medita sobre el punto de no retorno en el que se encuentra (“la idea de seguir, pues vamos a morir”), sobre las luces y las sombras de la percepción en torno a uno mismo (“me gustaría verte fracasar, reiría al verte llorar”) y como influye eso en su círculo más

íntimo. “Nunca he llevado bien lo de tener que estar expuesto, ya sé, una contradicción... Al ser así (contradictorio) se me plantean demasiadas dudas respecto a recibir esa clase de atención. Por otra parte hacer lo que sé hacer me apasiona, pero llegado a este punto en el que me encuentro, esta habilidad me ocupa más tiempo del que me gustaría y hace que las personas de mi circulo más personal lleguen a echarme demasiado de menos con mucha frecuencia”.

D

e ese modo, las decepciones amorosas, el despecho y los remordimientos en las relaciones personales (“hizo lo que supo y no lo que es debido, no le gusta perdonar… hice lo que hice estando malherido”) se sitúan como temas en un segundo plano, dando paso a algo más complicado de entender para aquellos que no hemos estado en la piel de un artista tímido

sorprendo siendo más seguro de mí mismo.

Si estoy tranquilo pierdo toda la timidez y el sentido del ridículo”. Aunque no se vayan a preocupar, no se trata de un ejercicio de autoflagelación sino de la necesidad de analizarse a uno mismo, tomar aire y tirar adelante consciente de lo que uno es, del lugar al que ha llegado. En algunos momentos da la impresión de que, arropado por la tensión de las guitarras y la oscuridad de algunas voces y arreglos, Rodríguez se convierte a si mismo en un muñequito vudú al que atraviesa con puntiagudas y brillantes agujas. Y el resultado no son dolores intensos y lágrimas, sino algo más cercano a la sanación mediante acupuntura. Las penas duelen menos cuando se comparten, la rabia pierde potencia cuando se expulsa. “Las penas duelen de verdad cuando no tienes forma de expulsarlas de tu interior. Una sola canción sería el equivalente a diez sesiones de terapia. Así que en el fondo me ahorro

“Si estoy tranquilo pierdo toda la timidez y el sentido del ridículo” de cierta repercusión. Usar la tercera persona no suele servir para huir de uno mismo, ni siquiera para verlo con la distancia suficiente. Es solamente una forma de presentarlo a los demás, de acercarse al fuego evitando caer en las brasas (“… canción, la de un hombre de paja que ahuyentará nuestra argumentación”, canta Rodríguez en “Lo bello y lo bestia”). “Vas bien encaminado con lo de la timidez, pero en algunas situaciones que nada tienen que ver con la música me

un buen dinero con cada disco que escribo (risas). Ha llegado un punto en el que ya no interpreto esas historias en directo como si me hubieran sucedido a mí. Es lo que ocurre cuando las llegas a tocar tantas veces, al final se transforman en historias universales y puedes ser capaz de preocuparte solo de ofrecer la mejor interpretación posible sin tener que poner el dedo en la llaga. No olvidemos que algunas canciones en directo

entrevista

The New Raemon Foto David Elvira

MondoSonoro · Marzo 2011 /27/

terminan perteneciendo a las personas que están allí cantando contigo”.

A

hora bien, no todas las novedades que aporta “Libre asociación” tienen que ver con lo que Rodríguez canta. En lo musical también hay mucho que cortar. Nunca antes The New Raemon había sonado tan rico, tan variado y tan arisco como ahora. Sirvan como ejemplo “Verdugo”, “La vida regalada” o “Aspirantes”. Por lo menos desde que los recientemente disueltos Madee echaron el freno. Aunque lo que en sus inicios sonaba más a dramatización contemplada en el guión, a orgasmo medio fingido, ahora parece cada día más real, más espontáneo. “Desde ‘Orion’s Belt’ hasta ahora ha sido así. Mis discos más impersonales son los dos primeros de Madee, todavía no tenía muy claro cómo podía escribir canciones y eso es un problema gordo si tienes intención explicar algo en ellas. ‘A próposito de Garfunkel’ quizás sea mi disco más sincero con los demás, ‘Libre asociación’ es el más sincero conmigo”. Pero llegar a una cima, cualquiera que esta sea, hace falta escalarla desde la base. “Con Madee aprendí a escribir canciones, a tocar en directo, a aprender cómo se hacen los discos... Estoy muy agradecido de haber vivido eso junto a ellos. De llevar veinte años con Pep Masiques y Lluís Cots (que iba conmigo al colegio). Y especialmente orgulloso de los dos últimos discos que hicimos juntos. Los dos primeros eran necesarios para llegar allí, pero son irregulares –y repito, necesarios – y todavía no habíamos encontrado nuestra propia voz. Estos días, ensayando y tocando

con todos ellos me he llegado a sentir muy bien, y tal vez esto de la separación no sea más que una parada técnica, Lluís está en un momento de su vida en el que no puede asumir más responsabilidades y no tiene tiempo para comprometerse a componer material nuevo debido a su frenético ritmo de trabajo. Así que le esperaremos hasta entonces, es lo que hacen los amigos”.

R

amón Rodríguez no sería quién es -como no lo seríamos ninguno de nosotros- sin los amigos. Muchos han aparecido ya citados en sus canciones, otros resultan ya indispensables para entender su trayectoria. Ricky Falkner, Santi García, Jordi B-Core e incluso el ahora desterrado (sin rencores) Martín Romero.

de los mejores amigos que tengo, gente de mucha confianza. Con Jordi B-Core llevo diez años y solo puedo decir cosas buenas.

Me ha tratado siempre con cariño y siempre estaré en deuda con él. Martín Romero fue una de las claves del éxito de The New Raemon y es sin duda unos de los mejores ilustradores de aquí y de más allá. Está ultimando una novela gráfica, pinta muy bien.

Hay mucha más personas detrás de The New Raemon: Tule, que es mi mánager y un buen amigo, la banda (que es una familia numerosa) y Anna Romeu haciendo toda la promoción. Tengo personas brillantes a mi alrededor, y para mí eso es lo mejor de todo esto”. Pero ahí no acaba todo. Rodríguez no deja de ampliar su círculo de amistades musicales.

“Falkner fue quien supo provocarme para que me atreviera a cantar en castellano” “Una persona muy importante en todo este asunto es Santi Garcia. Me ha enseñado casi todo sobre cómo puedo sacar lo mejor de mi mismo y a saber prescindir de partes musicales innecesarias. Falkner fue quien supo provocarme para que me atreviera a cantar en castellano. Le estaré agradecido siempre... Me abrió una puerta que sigue abriendo otras. También he podido tenerlo cerca, ver cómo trabaja, tocar y componer con él... Muy afortunado de poder trabajar con dos productores que entienden y amplifican tu lenguaje musical. Encima son dos

En breve publicará material junto a Francisco Nixon, adora trabajar con Maga y con Manos de Topo, quienes también ocuparon un puesto importante en la compilación “Epés reunidos”.

“A todos los he conocido de forma casual, o bien porque ellos eran fans o viceversa.

Lluís Gavaldà es muy buen tío, entrañable y divertido y con mucho talento para escribir grandes canciones. Fran Nixon lo mismo, entrañable y además es una de las personas más cultivadas que conozco (charlar con él es una maravilla) y escribe que te mueres.

Miguel Rivera es casi como mi hermano,

Sevillano como mi madre y mis abuelos... siempre se le echa de menos. Manos de Topo son los tíos más divertidos del mundo y escriben unas canciones cojonudas”. De hecho, algunos miembros de Manos de Topo también han dirigido clips suyos como los de “La cafetera” o “Verdugo”. Rodríguez, agradecido, acaba de producirles diversos temas que apuntan cambios importantes en la línea de los firmantes de “Ortopedias bonitas” y “El primero era mejor”. Nos lo descubrirán en breve en un split con los barceloneses Tarántula. Ahora falta saber cómo empezó todo. “Fue algo natural. Ellos se encontraban en un momento extraño.

Habían escrito un segundo disco -que según mi humilde opinión tiene mejores canciones que el primero-, pero no fueron capaces de sacar el sonido que tenían en mente en el estudio. Hablando con ellos de eso, de que a mí sí me había parecido un gran disco pero que era una pena que sonara tan plano, se me ocurrió proponerles la producción de su tercer disco. A ellos les encantó la idea y fue una nueva motivación para la banda.

El pasado mes de enero ya grabamos dos canciones juntos (en realidad la tercera si contamos su versión de mi canción “Sucedáneos”) y estamos muy contentos con el resultado. Tengo muchísimas ganas de que llegue el mes de julio y pasar dos semanas en la Costa Brava produciendo el nuevo disco de Manos de Topo y comiendo tapas en El Corsari”. ■ Joan S. Luna “Libre asociación” está publicado por B-Core.

entrevista /28/ Marzo 2011 · MondoSonoro

NACHO VEGAS

Las inmensas respuestas Ahora que las escuderías de Fórmula 1 ponen a punto sus coches para el inminente inicio de la temporada, en “La zona sucia”, Nacho Vegas pilota sus canciones con renovados bríos, acercándose a la primera curva con el chasis de siempre, pero con eficaces difusores en forma de certeros estribillos y una depurada carga aerodinámica.

E

n el argot de la Fórmula 1, la zona sucia es aquella que no se corresponde con la trazada habitual, de modo que no está limpia por el paso continuo de los monoplazas. Por eso no es casualidad que este haya sido el título elegido por Nacho Vegas, acostumbrado a apartarse del camino más fácil, para su quinto álbum, que en términos estrictamente numéricos es el más corto de su carrera (cuarenta y dos minutos,

Loco siempre se reía de mí porque yo pensaba que un tema podía durar tres o cuatro minutos y al final se iba a siete u ocho… es como si tuviera cierta dislexia para valorar el tiempo de las canciones.

Y ahora es verdad que tenía en mente desnudarlas y dejarlas en su estructura; también en las letras, que fueran más directas y a lo mejor no tan retorcidas”.

Todo ello con dominio absoluto de la primera

“Tardo bastante en dar por terminada una canción, dejo que los temas reposen, voy corrigiendo, rescribiendo” pensando en la edición en vinilo), con estribillos más claros que nunca y con el sentimiento de pérdida como eje central de estos nuevos temas. “Comparten esa sensación de que algo que creías que es sólido se puede romper en cualquier momento y te quedas con cara de tonto”. Pero frente a la crudeza pretérita, aquí manda la necesidad de mirar hacia delante. “Cuando hay canciones que hablan precisamente de algo que se ha venido abajo, hay que dejarlas abiertas; no puedes recrearte en esos sentimientos, sino combatirlos. Es la contradicción de las canciones. Tienen que venir a decirte que estás vivo”. Ese es el punto de partida de “La zona sucia”, primer trabajo bajo el paraguas cooperativista de Marxophone, en donde también habitan Refree y Fernando Alfaro, amén de la oficina de contratación de I’m An Artist. “Parece que el negocio, tal y como se entendía, está cambiando, y mucha gente empieza a tirar por esta vía de la autoedición o la autogestión, como Quique González o Amaral. Puede ser una alternativa muy potente a las grandes corporaciones”.

E

n el capítulo artístico, lo que hay es mayor protagonismo para los teclados de Abraham Boba, un sonido en general más acústico y la decidida voluntad de ir a lo esencial, con ejemplos paradigmáticos como “Reloj sin manecillas”. “Cuando entraba a grabar los primeros discos, Paco

persona (aunque son “distintas primeras personas, incluso con visiones opuestas de la misma situación”), incluyendo el conocido apunte autobiográfico, en “La gran broma final”, de aquellas fotos en la prensa del corazón en las que quedaba retratada su relación con Christina Rosenvinge y hasta una cena en compañía de Howe Gelb (“un amigo de la pareja”, se pudo leer entonces). “Eso fue todavía más absurdo. Es la única revista en la que yo voy a ser el importante y no Howe Gelb. Cuando lo vimos nos dimos cuenta de que era un día que habíamos quedado con él y su mujer. El fotógrafo se debió tirar más tres que horas con nosotros, supongo que no tendrían muchos temas que sacar. Pero ya pasó mi momento en la prensa rosa”. Y así, como en tantas otras ocasiones, un episodio particular acaba convirtiéndose en universal, evitando la sobreexposición. “Aunque estén volcadas muchas cosas personales, la canción también te blinda, es como si se transformara en algo alejado de ti”.

C

omo parte de ese distanciamiento aparecen igualmente el sentido del humor y los coros de niños, ya utilizados antes, pero que en “Perplejidad” y “Lo que comen las brujas” se muestran de forma decisiva, con ese toque de perversa ingenuidad que tienen los cuentos. “Veo en los críos una especie de pureza, de disfrutar las cosas con plenitud. Soy de los que

piensan que solo eres realmente feliz en la infancia; bueno, si has tenido una infancia normal… Los niños sienten las cosas en el momento, sin la ansiedad de lo que pueda pasar mañana y también sin un pasado que te pueda atormentar ni nada por el estilo. Además, asistir a esto desde la perspectiva adulta es refrescante y necesario”. Una sensación a la que se une el contraste entre esa candidez de las voces de Los Guajettes (el coro infantil en “La zona sucia”) y la dificultad que en ocasiones aparece alrededor. “Me gusta que los temas estén construidos sobre paradojas y sentimientos contradictorios, y no solo por utilizar voces de niños. Muchas canciones de folk antiguas en apariencia son alegres, pero luego tienen letras duras, y eso hace que puedan servir para sacar de dentro cosas muy amargas”.

Algo parecido ocurre en “Taberneros”, que parte de un tema tradicional asturiano (en principio estaba pensado para Lucas 15, el proyecto conjunto con Xel Pereda) y acaba adaptándose al universo del propio Nacho Vegas, enlazando con “Mondúber”, de “El manifiesto desastre”, a través de una mención a la montaña valenciana. “Son guiños de autorreferencia, porque al final las canciones, aunque pertenezcan a otro

hacer. “Tardo bastante en dar por terminada una canción, dejo que los temas reposen, voy corrigiendo, rescribiendo.

Me gusta que la letra vaya dirigiendo las cosas, incluso prefiero que traicione a la melodía y no al revés. En ese sentido, te encuentras con que a veces te bloqueas, y luego, al cabo de meses o años, llega el momento de terminar lo que habías empezado. Ahí sí se mezclan cosas nuevas y antiguas”.

O

tro de los lugares comunes en el cancionero del autor de “Actos inexplicables” o “Desaparezca aquí” es la presencia habitual de un lenguaje cargado de términos militares (“un gong anuncia la retirada”, canta en “La gran broma final”). “Al final las relaciones son conflictos, y las canciones hablan de eso, de conflictos emocionales y morales, de dilemas que uno tiene. Y es verdad que el lenguaje bélico sale a veces, a lo mejor porque lo has apuntado leyendo el periódico, en alguna crónica de guerra”. Son los vericuetos de una trayectoria que acaba de cumplir su primera década, con unas cuantas victorias y más de una batalla por librar. “Nunca me acabo de sentir del todo cómodo con mi voz, pero lo bueno, incluso para quienes

“Me gusta que los temas estén construidos sobre paradojas y sentimientos contradictorios” momento, están interconectadas, a veces no sabes muy bien por qué. Las veo como parte de un todo, de un camino en el que vas dando pasos. Es algo que sale de forma natural, además de que son referentes personales importantes”.

Conforma de este modo una geografía emocional que igual que ha pasado antes por Las Mestas, la plaza de la Soledá o el Norte como reflejo de un estado de ánimo, llega ahora a rincones como la Lloca, el Musel o el azteca Mercado de Sonora (en el único tema que se sale del tono general del álbum). “Para mí es importante el sitio en el que estás, en el que vives, lo que te rodea. Todos pertenecemos a un lugar, y de hecho creo que para ir a alguna parte hay que ser consciente de dónde vienes. Es igual que cuando empiezas una canción: conoces el punto de partida, pero no exactamente dónde te va a llevar”. Algo que, por otra parte, encaja también con su manera de

tenemos registros muy limitados, es que es un mundo en el que puedes bucear y encontrar un montón de cosas únicas, ya sean más bonitas o más feas. Es algo con lo que tengo que pelear”.

E

ntre tanto, y con este quinto álbum ya en el mercado, Nacho Vegas se afana en preparar la inminente gira de presentación, que ya cuenta con las entradas agotadas en varias de las fechas anunciadas.

“Me apetece revisar canciones que no tocamos hace mucho, pero hasta que no las haga con la banda no sé cómo van quedando. A veces te encuentras con que hay algún tema que no acabas de sentir, y entonces cambias unos por otros. Intento huir de que todo sea demasiado mecánico”. ■ Enrique Peñas “La zona sucia” está publicado por Marxophone.

MondoSonoro · Marzo 2011 /29/

entrevista

“Actos inexplicables”

(2001)

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No solo sigue siendo un debut soberbio, sino que además este álbum contribuyó de forma decisiva a introducir el término “cantautor” en el vocabulario del panorama independiente nacional, poniendo la vista en Bob Dylan, Nick Drake o Leonard Cohen y, sobre todo, sumergiéndonos en un puñado de canciones que, diez años después, conservan toda su profundidad (“El ángel Simón”, “Seronda”, “El Norte del Norte”).

“Cajas de música difíciles de parar” (2003)

11114

Nacho Vegas protagonizó con este disco doble un verdadero salto sin red en el terreno emocional, con himnos de lo absurdo (“En la sed mortal”, uno de los temas que, por cierto, más se llegó a cansar de tocar en directo), sordidez (“Gang Bang”), arrebatos eléctricos (“Stanislavsky”) y no pocos hitos incuestionables (“El salitre”, “Monomanía”, “Etcétera”), exhibiendo una narrativa dolorosa y terriblemente oscura en su desnudez.

“Desaparezca aquí” (2005)

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La muerte vertebra este tercer trabajo, afianzando una manera de hacer en la que en esta ocasión se daban la mano el rock más aguerrido (“Perdimos el control”), la gravedad marca de la casa (“Ocho y medio”, “Cerca del cielo”) y una jovialidad por entonces inédita (“El hombre que casi conoció a Michi Panero”) y que ahora se revela como el primer paso hacia el cambio de registro que se percibe más claramente en “La zona sucia”.

“El manifiesto desastre” (2008)

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Hablar de patinazo sería ir demasiado lejos, pero lo cierto es que aparecen aquí los primeros borrones en una trayectoria hasta entonces casi inmaculada. No faltan buenas canciones (“Dry Martini S.A.”, “Crujidos”), incluso notables (“Detener el tiempo”, “Mondúber”, “Morir o matar” -la más clásica del conjunto-), pero la sensación final es que cada tema camina por libre, mostrándose como un álbum más disperso de lo acostumbrado.

“La zona sucia” (2011)

Nacho Vegas Foto Archivo

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Algunas de las cosas que se esbozaban en “El manifiesto desastre” aparecen aquí de forma más depurada, con estribillos certeros y una renovada agilidad (“Reloj sin manecillas”, “Cuando te canses de mí”, “Perplejidad”). Todo ello, además, sin perder la carga emocional (“Incendios”, “Cosas que no hay que contar”) y redondeando la jugada con una canción, “La gran broma final”, que pasa a figurar en su particular top cinco. ■ E.P.

The Strokes Foto Archivo

entrevista /30/ Marzo 2011 路 MondoSonoro

MondoSonoro · Marzo 2011 /31/

entrevista

THE STROKES

Hazlo trizas y empieza de nuevo La edición de “Angles” supone el punto de partida para unos nuevos Strokes. En esta ocasión todos los miembros del grupo han contribuido en la composición, lo que hace de este un trabajo más dispar y abierto, con el que los neoyorquinos se quitan definitivamente de encima la presión de tener que superar su extraordinario debut “Is This It?” (01).

E

sto podría titularse “Sobrevivir a ‘Is This It?’”. Ser los autores del mejor debut de la pasada década y uno de los mejores discos de rock de los 2000 es una losa pesada.

Lo ha sido tanto para The Strokes como para cualquiera que escuchara “Room On Fire” (03) y “First Impressions Of Earth” (07), porque inevitablemente todo juicio posterior estaba condicionado por lo que unos y otros esperaban de sus álbumes posteriores: el grupo, desprenderse de la estela del cometa, progresar, no repetirse; sus fans, una reedición de esa mágica

inicial “Machu Pi-chu”, con ese ritmo trotón en plan Blondie, un soplo de aire fresco respecto a lo último que había publicado la banda, el embarullado “First Impressions Of Earth”.

No, esto no es “Is This It?”: algunos cortes abrazan sin disimulo el tecno-pop (la ochentera “Two Kinds Of Happiness”, “Games”, “You’re So Right”, sin duda la pieza más floja del álbum junto a la difusa “Call Me Back”), otros exploran los aledaños de sus influencias de toda la vida, pero a la vez parecen haber introducido la dosis justa de himnos apelando a su pasado

“Decidimos regrabar el álbum casi por completo” unión entre economía y versatilidad llena de encanto macarra que los convirtió en un referente, tanto musical como extra-musical, en 2001. Tras casi cuatro años de parón, en los que algunos de los miembros han aprovechado para emprender aventuras en solitario, The Strokes vuelven con “Angles”, trabajo que marca un nuevo comienzo para la banda.

E

l guitarrista Nick Valensi niega de entrada que el cuarto largo de The Strokes suponga un viaje al pasado, que el grupo intente recuperar en “Angles” la simplicidad de su primer álbum, básicamente, porque eso es imposible. “Este disco es más complejo que ‘Is This It?’, donde la mayoría de canciones, los acordes, las melodías, todo, era muy simple”, explica. “Y cuando digo simple no lo digo peyorativamente, sino todo lo contrario. En realidad, es muy difícil escribir una canción sencilla. En ‘Angles’ cada canción suena muy diferente. No creo que haya un vínculo realmente unificador entre ellas, precisamente por eso decidimos titularlo de este modo. Te diría que algunas canciones suenan como nuestro material clásico pero otras en cambio no suenan a nada que hayamos hecho anteriormente. Hemos trabajado con elementos nuevos que hasta ahora no habían aparecido en nuestra música”.

Que The Strokes no han querido imitarse a ellos mismos es algo que salta a la vista ya desde la

(“Undercover Of Darkness”, “Taken For A Fool”, “Gratification”) para hacer de este, como mínimo, un trabajo esperanzador. “Algunos de nosotros sentíamos que podíamos aportar más al grupo”, explica Valensi. “Cuando volvimos a trabajar todos juntos la idea principal era que todos los miembros se implicaran por igual en la composición del disco”. De sus palabras se desprende implícitamente que él era uno de esos miembros descontentos con el control creativo que Julian Casablancas ejercía sobre la banda. “Para nosotros ha sido algo nuevo colaborar de ese modo. Personalmente, había unas cuantas canciones que ya tenía hace cuatro años, así que había un montón de cosas que han ido cambiando desde la idea inicial que tenía cuando se las mostré al grupo, pero otras canciones han permanecido más o menos igual a cómo yo las había compuesto, como ‘Machu Pichu’, que ha sido grabada tal y como la concebí. El proceso ha sido nuevo. La idea era que si todos aportábamos nuestra creatividad y participábamos del proceso podíamos conseguir ser mejor banda”.

E

l grupo empezó a trabajar en “Angles” en 2009 y tras unas primeras sesiones con Joe Chiccarelli, The Strokes se aislaron en la casa de campo de Albert Hammond Jr. para volver a regrabar casi todo el material.

Sobre las sesiones con Chiccarelli, de las que

sólo se ha salvado la final “Life Is Simpler In The Moonlight”, Valensi explica que el desecharlas no se debió a diferencias creativas, sino a falta de tiempo. “Es cierto, algunas canciones se grabaron dos veces. Bueno, de hecho, algunas se llegaron a grabar hasta cuatro veces (risas). Cuando entramos en el estudio por primera vez, estuvimos tres o cuatros meses trabajando muy duro y llegamos a grabar un disco completo, pero algunos temas no estaban listos, faltaba acoplarlos del todo y todavía teníamos que encontrar la forma idónea de tocarlos, el sonido idóneo. Esa fue la principal razón de que decidiéramos regrabar el álbum casi por completo. De hecho, las sesiones con Joe Chicarelli fueron realmente importantes, porque nos obligó a ensayar duramente para encontrar diferentes maneras de tocar las canciones y eso también supuso recuperar la confianza que habíamos perdido después de no tocar juntos durante tanto tiempo. Tocar todo el día y grabar nos devolvió la buena forma”. En casa de Albert Hammond, The Strokes encontraron la tranquilidad necesaria para terminar el álbum a su gusto, ayudados en las labores técnicas por el ingeniero que los acompaña habitualmente en sus directos. “En parte nos sentíamos como cuando grabamos nuestros dos primeros álbumes, aunque en esta ocasión estábamos en medio de la nada. Los tres primeros discos los grabamos en Nueva York, en un ambiente

tamos ensayando mucho, preparándonos para la gira, pero espero que volvamos a entrar en el estudio antes de que termine el año. Tenemos nuevas ideas, canciones nuevas, y estoy intentando que el grupo se implique para que volvamos a grabar tan pronto como sea posible. No quiero que pasen otra vez cinco años entre disco y disco, y creo que esa es la mejor forma de hacer olvidar a la gente que nos hemos tomado una pausa tan larga. Además estamos en un buen momento”.

E

s evidente que “Angles” supone el punto de partida para unos nuevos The Strokes, que han necesitado un parón de casi cuatro años para salir del callejón sin salida que era su anterior trabajo. Valensi, por su parte, prefiere no mirar hacia atrás y afirma que al grupo todavía le queda mucho por hacer. “De todos, yo soy el más analítico, el más pesimista. Cada vez que escucho nuestros discos anteriores lo único que soy capaz de ver es todo aquello que podríamos haber hecho mejor. Siempre me fijo en los defectos, aunque no creo ser una excepción. En todo caso, no creo que sea bueno fijarte demasiado en lo que ya has hecho. Si te estancas en el pasado no vas a progresar. Todavía somos muy jóvenes y este es sólo nuestro cuarto álbum.

Nos queda mucho por hacer, muchas cosas por decir. No sé si será con este o con el siguiente, pero estoy convencido de

“Estoy convencido de que hay algo mejor que ‘Is This It?’ dentro de nosotros” urbano, y cuando acababan las sesiones te ibas por ahí a tomar algo o a casa. En esta ocasión estábamos en un ambiente campestre. Te levantabas por la mañana y te encontrabas una familia de osos merodeando por ahí. Recuerdo que Nickolay (Fraiture, bajista) tenía que ir a cortar leña entre sesiones para que tuviéramos con qué encender el fuego por la noche. Fue un ambiente bastante diferente”.

U

na estampa que contrasta con el aire sofisticado del álbum, pero que sirve para explicar el talante optimista de Valensi respecto al retorno de su grupo. “No creo que eso haya tenido ninguna influencia en el sonido del disco, pero sí creo que favoreció cierta mentalidad, cierta dinámica.

Estar aislados allí durante unas cuantas semanas nos hizo estar más unidos. Es-

que hay algo mejor que ‘Is This It?’ dentro de nosotros”. En cuanto a lo que el público pueda esperar de ellos, quizás este parón también haya servido para rebajar las expectativas y el umbral de exigencia para con el grupo. “A mí todavía me sorprende que la gente le diera tanta importancia a nuestra música o a nuestra forma de vestir porque no considero que The Strokes sean un icono de nada”, comenta al respecto Nick Valensi.

“No somos The Beatles, ni The Rolling Stones, ni The Velvet Underground, ni Ramones. Creo que The Strokes son un buen grupo, un grupo realmente bueno, si me apuras, pero que todavía puede ser mucho mejor. Y seguimos trabajando en ello”. ■ Joan Cabot “Angles” está publicado por Sony BMG. the strokes estarán en el fib 2011.

/33/ Marzo 2011 · MondoSonoro

Der Ventilator Foto Hara Amorós

Monogay Foto Andrés Glez

Colectivo Oruga Foto César

Tachenko Foto Roberto Ruiz

El Guincho Foto Hara Amorós

CONCIERTOS

Fiestas Demoscópicas Galicia Sala O Túnel (A Coruña) Fecha 12-1-11 A Telephones Rouges les correspondía abrir la noche, y lo hicieron con una descarga propulsada por una elemental, pero contundente, batería. Entre los intencionados acoples de guitarra y la distorsión al máximo, las voces se abrieron paso en un repertorio de canciones interpretadas en gallego ("Cúspeo Xa!") y castellano ("Helio2) que bien podrían adscribirse a grupos como Mekons o Pavement, recordados estos últimos al aparecer en escena Santi, guitarrista de los ya extintos The Possums, para cerrar el concierto. Tras un rápido cambio de backline, llegaba el turno de Carrero Bianco. Sergio, Rocío, Blas y Quincho iniciaban su concierto alineados sobre el escenario y en excelente disposición para desgranar todos los hitazos incluidos en su primer disco "Oferta de lanzamiento". Con la actuación de Colectivo Oruga asistimos a la redefinición del power trio, que Iago y Alex han actualizado con programaciones, guitarra eléctrica, sintetizadores y el apoyo visual de las proyecciones de Cuco. El resultado convirtió la sala en una pista de baile y al público en testigo de la energía que desprenden.

Nonito Pereira Rey

Castilla y León Sala Hangar (Burgos) Fecha 11-2-2011 Pilgrims fueron los encargados de romper el hielo con las canciones de "Half Bread Surprise", Mejor demo del 2010 para esta edición de MondoSonoro. Un sonido limpio y el saxo fueron los denominadores de la actuación de los vallisoletanos. Canciones como "Funky Jam", "Golden Day" o "There Is A Place" sonaron magnánimas. Los segundos en subir a escena fueron The Pickpockets. Durante su actuación pudimos escuchar ecos a The Cramps o The Chesterfield Kings, entre otros. Guitarras bien

definidas y ritmos descarnados hicieron vibrar al publico asistente, mientras composiciones como "Hail To Me" o "Payiní My Rent Everyday" pusieron de manifiesto su estado de gracia. Tras The Pickpockets llego el turno al grupo invitado y autor de "Pillage", mejor álbum del pasado año para nuestra edición, The Three Generations.

Bajo un halo de firmeza y seguridad admirable, los burgaleses encandilaron al respetable con la inmediatez de "My Upper Neighbors", "Taxes" o "Wage Slavery".Carlos Urzal

Valencia Sala Murray Club (Valencia) Fecha 12-2-11 Los encargados de inaugurar la velada fueron los castellonenses The Por Ella Runners, quienes irrumpieron en el escenario derrochando una energía que contagió al numeroso público asistente con los temas desenfadados de su primer trabajo autoeditado, "ìWhat Can I Do If I Was Born In 1972". El relevo lo tomó el cuarteto La Gran Alianza, nuevo proyecto de Vanessa Prado e Iván Vega (Índigo, Individual), quienes dieron un repaso a las canciones incluidas en su reciente demo, que pronto podremos ver editados en EP; pop rock con ecos shoegaze inspirado en formaciones como My Bloody Valentine o Yo la Tengo, que sonaron en un directo que convenció desde el principio.

Modelo de Respuesta Polar pusieron el fin de fiesta con una intensa actuación bajo la potente voz de Borja Mompó junto a la omnipresencia de las guitarras, la crudeza y contención de las letras y el sonido pop progresivo de temas como ìCanción de cultoî, que les permitió demostrar por qué quedaron finalistas, como los anteriores, en el concurso MTV Winter. Su actuación fue el colofón de una noche para recordar. María Peris

Catalunya Sala Razzmatazz (Bcn) Fecha 18-2-11 La sala se abarrotó durante la actuación final,

la de El Guincho, que presentaba de manera oficial su exitoso "Pop negro", Mejor Disco del Año de 2010 para MondoSonoro. Su actuación respaldado por Aleix y Borja de Extraperloempezó sonando algo mal para levantar el vuelo a los pocos temas y provocar bailes mil, ovaciones y un bis con los mejores momentos de la noche. Por lo que respecta a los grupos demoscópicos, abrieron los jovencísimos The Free Fall Band. Lo tenían todo en contra (experiencia limitada en el escenario -que no como músicos-, un batería recién accidentado, una particular formación sin guitarras y ser los primeros en actuar), pero superaron la prueba con creces. Su fresco pop de querencia anglosajona funcionó mucho más de lo esperado. Les siguieron Der Ventilator, los más asentados de los tres grupos participantes.

Han pasado por diversos eventos y cuentan con un par de referencias en el mercado internacional. Su sonido shoegazer es oscuro, metálico y maquinal, y necesitan un tratamiento especial para reproducirlo sobre un escenario con total fidelidad. Hubo altibajos, pero saben hacia dónde quieren ir. Más directos son los gerundenses Aliment, combo entre dos aguas, las del hardcore y el garaje, con un resultado que les hace igualmente aptos para compartir cartel con Mujeres o con Furguson. Como The Free Fall Band y Der Ventilator son jóvenes, con ganas de hacerse escuchar y, en directo, mantienen la energía sin venirse abajo ni un instante. Joan S. Luna

Edición Sur Sala 12&Medio (Murcia) Fecha 18-2-11 Las Demoscópicas aterrizaban por primera vez en Murcia. Una lugar y también un momento idóneo, puesto que en los últimos dos años la escena murciana está agitándose de nuevo.

Cerca de la media noche la sala iba cogiendo colorcillo hasta completar sus tres cuartos de aforo. Momento en que Pájaro Jack se posaba sobre el escenario. Entre el público movimientos de cabeza para encontrar ángulo de visión y sobre todo averiguar por qué la

edición Sur de MondoSonoro les ha colocado en lo más alto del escalafón maquetero. La respuesta, sus canciones, y la primera pista, "Psicodelia avanzando" segundo corte de esa última grabación llamada "En los días de calor"."Vientos de costado", su adaptación al castellano del tema de J. Tillman, soplaban despejando la neblina y la duda sobre la calidad de una banda que como quinteto suena más grandilocuente sin perder su espiritualidad folkie. Pero si se trata de abrirse en canal, Monogay despertaron del sueño celestial al respetable con su rock ora sintético ora visceral, en dos minutos el escenario se convirtió en el planeta "Monogaxx", ese territorio de ritmos inquebrantables, artificios sonoros y guitarras entrecruzadas. Visto el despliegue de los almerienses, a Analogic no les tocaba otra que entrar a matar con toda su artillería de hitazos y una puesta en escena perfectamente estudiada y ejecutada.

Andrés González

Aragón Sala La Casa del Loco (Zaragoza) Fecha 18/02/11 The Fractal Sound inauguraron la noche con su enrevesado y vanguardista pop-rock de tintes electrónicos, insinuándose también postrock de violentos cambios de ritmo. Aunque la búsqueda del enésimo detalle es cualidad compartida con sus colegas de Limnopolar, el punto espontáneo de los primeros contrasta con la férrea disciplina aportada por la interpretación de los segundos. El quinteto demuestra una solidez y contundencia anormal para una formación que acaba de celebrar el primer aniversario de su debut en directo.

Tachenko resultó el perfecto fin de fiesta, con actitud achispada y una retahíla de éxitos que alcanzó sin dificultad su fin: que el público que llenaba la sala cantase a voz en grito canciones clásicas. Además presentaron un tema inédito titulado “No quiero sonar moderno”, que pronto pasará a formar parte del cancionero habitual de la banda. Raúl Julián

Madee Foto Hara Amorós

CONCIERTOS /34/ Febrero 2011 · MondoSonoro

MADEE Sala Apolo (Bcn) Fecha 13-02-11 Estilo rock Público lleno Promotor B-Core

escatimar energía o sonrisas. Tampoco faltaron los guiños de Ramón Rodríguez a un público que compartió las canciones con él sin, afortunadamente, convertir la sala en un karaoke. Fieles a la filosofía que siempre les guió, arrancaron con “Orion’s Belt”, intercalándolo con “L’Antarctica”, y dejaron los himnos de “Songs From Cydonia” y “The Secret Chamber” para los bises. Nos faltaron canciones pero es que ni una versión extendida de ellos mismos (estuvieron prácticamente una hora encandilándonos) es suficiente para recorrer sus extraordinarios discos. Como a Sergio Algora le hubiera gustado, la noche acabó con champán (en este caso cava) para todos, con los seis músicos compartiendo sus últimos minutos entre el público. Mertxe V. Valero

GYBE Foto Mariano Regidor

Fin de semana de conciertos memorables y despedidas emocionantes. Tras viajar el sábado a Zaragoza para, literalmente, flipar con el directo de El Hombre Lento, el domingo la emoción se servía en Barcelona. Si el pasado 2010 tocó viajar a Pamplona para despedir en casa a otra de mis bandas estatales de cabecera, Half Foot Outside, en 2011 celebramos con Madee algunas de las mejores canciones que facturaron entre 2002 y 2005, y es que hacía ya unos años que los de Cabrils no se subían juntos al escenario. Nadie lo hubiera dicho. Creatividad, contundencia y profesionalidad compartieron protagonismo con el buen ambiente, incluso cuando las baquetas de un por lo demás soberbio Lluis, entraron a destiempo. A la Apolo llegaban después de despedirse de Bilbao sin acusar cansancio, sin

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GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR Sala La Riviera (Madrid) Fecha 30-01-11 Estilo rock Público lleno Promotor Radiation

Seguir hablando de Godspeed You! Black Emperor simplemente como de una de las bandas más influyentes del post-rock de la últimas dos décadas significa haberse enterado de muy poco a estas alturas de película. Sobre todo después de haber visto la que liaron el pasado domingo en Madrid. Tras el virtuoso aperitivo que ofreció Colin Stetson con sus customizados instrumentos de viento llegó el vendaval sonoro de los de Montreal. La tormenta se desató a los pocos minutos de empezar el concierto con "Hope Drone", dejando noqueado al respetable a las primeras de cambio con una de las piezas más angustiosas de un grupo que ha querido ampliar sin cortarse un pelo el significado de la palabra ‘música’. A partir de ahí todo fue

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una paranoia en continua progresión, un infinito bucle de distorsión espectacularmente manejado y de agresividad sonora bien entendida, una amalgama de cuerdas y percusión bruta de instintos inhumanos ("Death Metheny", "World Police And Friendly Fire")… Y es que las anti-canciones de GYBE son largos movimientos ejecutados con precisión y libertad con el objetivo de crear atmósferas tan densas y oscuras que traspasen lo estrictamente musical, que remuevan conciencias y estómagos gracias a esa tensión sonora que alcanza cotas insuperables y que hacen que tengamos que admitir que La Riviera no es una sala tan mediocre, simplemente hay que saber cómo sonar.

María Baigorri

Hurts Foto Albert Jodar

CavaleraConspiracy Foto Hara Amorós

CONCIERTOS /36/ Marzo 2011 · MondoSonoro

Cavalera Conspiracy Sala Razzmatazz (Bcn) Fecha 05-02-11 Estilo metal Público casi lleno Promotor Roadrunner

Aires de gran evento para la prémière mundial de “Blunt Force Trauma”, el nuevo disco de Cavalera Conspiracy. La jornada festivalera –tocaban seis grupos- empezó a la hora de la siesta.

Siete personas en la cola y veinte para ver el hard rock impetuoso y electrizante de The Lizards, la propuesta menos metálica de la velada que, pese a todo, demostró merecer mucha más atención de la que ha obtenido hasta el momento. Noiseast noquearon. Procedentes de las Baleares, su mathmetalcore llegó, vio y venció. Vortice, en su línea, descargaron su habitual tonelaje de furia, decibelios y riffs a mansalva. Sonaron mejor que otras veces y convencieron, seguro, a los periodistas internacionales de la sala. Lo mismo podríamos decir de The Eyes. Conocidos, ya, por cualquier metalhead de la ciudad que se precie, los barceloneses se entregaron al cien por cien con un show dinámico culminado por “Wake Up Steel”. El renovado trío Berri Txarrak salió ya ante una sala casi repleta y pronto adecuó su repertorio al tono la noche con una “Hil nintzen eguna” brutal. Los de Gorka Urbizu repartieron gritos guturales sin renunciar a sus marcadas melodías para terminar con el bajista volando sobre el público. Y así llegamos al esperado clímax de la noche. Quienes habían visto a Cavalera Conspiracy en acción aseguraban que su sonido en

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directo dejaba mucho que desear. Los primeros temas lo desmintieron temporalmente. Atronadoras pero definidas, la inicial “Warlord” y los dos rápidos tiempos que la siguieron marcaron un arranque que hizo honor al título de su nuevo disco, destacando por sus ritmos vertiginosos, su simplicidad estructural y por una brutalidad desatada. Las nuevas piezas que más gustaron: “Rasputin” y “Blunt Force Trauma”, monstruosas; “Killing Inside”, filmada in situ para su próximo videoclip, no pareció, por el contrario, de las más inspiradas. A estas alturas el sonido ya hacía aguas, especialmente las guitarras. Marc Rizzo se esforzó, pero su instrumento sonaba lejano y apagado. Todo lo contrario que la sección rítmica, capitaneada por un Igor Cavalera pletórico. No podemos decir lo mismo de Max, quien retiene su poder vocal, pero se muestra lento de movimientos y apenas rasga su mástil de cuatro cuerdas. Aun así, la segunda parte del set, mezcla de temas de Sepultura y de “Inflikted”, propició arremolinados y generosos mosh pit (“Refuse/ Resist”, “Sanctuary”), incluso desató la locura momentánea (“Troops Of Doom”, la final “Roots Bloody Roots”), pero los temas sonaron vacíos, carentes de emoción. Celebramos la reunión de los hermanos Cavalera pero el directo sigue siendo su asignatura pendiente. David Sabaté

HURTS Sala Apolo (Bcn) Fecha 12-2-11 Estilo pop comercial oscuro Público lleno Promotor Live Nation

Los barceloneses Stendhal Syndrome fueron los encargados de caldear una sala que rápidamente se llenaba para poder ver de cerca a Hurts.

Aunque caldear no es quizás la mejor definición de lo que consigue su propuesta electrónica a camino entre The XX y Zola Jesus. Apuntan maneras y hasta hubo lugar para una versión del “Glory Box” de Portishead. Apenas media hora después aparecían de riguroso blanco y negro los músicos de Hurts, esta vez con las nuevas incorporaciones de una violinista, y otro guitarra, aunque se echó en falta el corista impasible con toques Il Divo de la última vez.

Lo que Hurts han conseguido tiene mérito, y es que en una misma sala estaban reunidos desde cool hunters hasta lectores de esta publicación, pasando por madres con hijas pro Kiss Fm y Cuore. Abrieron con “Unspoken”, para continuar con “Silver Lining” y “Wonderful Life”, momento de locura general en la que incluso se vieron cuernos en el aire. Un sonido limpio, demasiado nítido y que, gracias también a la presencia de unos audiovisuales sobrios pero exquisitos, consiguieron llenar con creces el espacio. La

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presencia de Theo Hutchcraft y Adam Anderson sobre el escenario estuvo controlada hasta el último detalle. Los movimientos minimalistas y dramáticos del cantante y la seriedad de Anderson tras el piano solo se truncaron en “Evelyn”, momento de enajenación mental guitarra en mano y en la que hubo algún roce sensual. Con poco más que “Happiness” en el mercado, no había mucho más material entre el que escoger, aunque el dúo presentó dos baladas nuevas, “Mother Nature” y “Verona”. Llegó el momento de demostrar que estos británicos también sudan –aunque sea poco- y encadenaron “Blood, Tears & Gold”, “Devotion”, “Confide In Me” de Kylie Minogue, la Killeriana “Sunday” y las coreadas “Stay” y “Iluminated”. Las rosas blancas sobre el piano menguaban, indicando que la cosa llegaba a su fin. El bis llegó con “Better Than Love” bajo un suelo que tembló y contemplaba atónito cómo dos dandies recién llegados, consiguen colarse entre lo más alto con baladas sin apenas gracia y media docena de rompepistas synth pop que te alegran el día.

Marta Terrasa

Les Nits de la Kasba

Brujo Foto Hara Amorós

Sala Sidecar (Barcelona) Fecha 17-2-11 Estilo electrogrooves Público lleno Promotor Kasba Music

A pesar de la que está cayendo, que haya discográficas (muy) pequeñas que apuesten por editar discos de nuevos artistas, es una valiente iniciativa digna de apoyar. Si además ellos mismos se encargan de organizan eventos como el que nos ocupa para difundirlos, más motivo para prestales atención. Si encima los músicos presentan propuestas tan interesantes como las que expusieron estas tres bandas, mejor que mejor. Pongamos nombres. La discográfica es Kasba Music, el título del evento Les Nits de la Kasba, y consistía en mostrar el subsello New Beats, que a partir de ahora dará cabida a bandas del sello de cariz más electrónico. Abrieron el concierto Xøc, trío de rock-electro-punk, en la onda de los franceses La Phaze (para dar una idea de por dónde van los tiros).

Batería, teclado y guitarra que caldearon el ambiente con una contundencia admirable. Les tocó empezar cuando el público entraba en la sala y su “dance floor punk”, como ellos lo llaman, hizo mover al personal a base de energía sonora. Después le llegó el turno de Brujo, ya independizado de los Bad Sound System de

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Irún, e instalado en Barcelona. Presentaba su primer disco en solitario, “Ex-cusas”, y lo hizo de la mano de los que le han ayudado a concebirlo y producirlo: Chalart58 (batería) y Willy Fuego, que curiosamente se hizo cargo del bajo, porque la guitarra estuvo en las manos -sorpresa- de David Bourguignon (Radio Bemba/Manu Chao). La banda se completó con Nelson a los teclados y voces. Todo un lujo oír a este rapero de verbo ágil y directo, a veces también melódico, con el respaldo de una banda completa y bien engrasada.

Ragga, dancehall, rap, drum’n’bass y jungle con unas letras agudas y francas en un set bien estructurado que fue de menos a más. Sin dar tiempo al cambio, el mismo Chalart58 se puso a los mandos de su espectacular y tuneada caja de ritmos, para entregarnos una vibrante sesión de dub, reggae y dubstep en formato sound system junto a Willy Fuego a la voz.

Para aquellos para los que la prohibición de fumar se está convirtiendo en un sufrimiento, su electrogroove humeante funcionó de perfecto sustituto rítmico.

Miguel Amorós

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Vienen de: Athens (Estados Unidos) Publican: “Pyramid Of The Sun” (Temporary Residence, 10) En la onda de: Trans Am, !!!, Delorean

H

The Black Angels Foto Archivo

ay pocos grupos que uno pueda recomendar sin miedo alguno a que todo acabe en decepción para el amigo de turno. Maserati son uno de ellos. Nunca es tarde para descubrirles, aunque en casos como este pueda parecerlo por el infortunio caído sobre el combo de Athens en forma de desgraciado accidente mortal de su batería, Jerry Fuchs

The Black Angels Vienen de: Austin (Estados Unidos) Publican: “Phosphene Dream” (Blue Horizon/Warner, 10) En la onda de: The Black Mountain, Dungen, Women The Black Angels son unos de los abanderados de la nueva piscodelia americana, junto a bandas como Black Mountain, con quienes curiosamente van a compartir doble cartel en su gira americana. “No se cómo explicarte el secreto del grupo. Tenemos nuestras influencias, recogemos el testigo de distintos estilos de música. Estoy de acuerdo en que no tenemos un sonido concreto, esa es la clave de la música de The Black Angels, pero lo que intentamos es dibujar trazos experimentales, jugar con los pedales, probar cosas nuevas cada día. Queremos reflejar ese clima que se respira ahora en el mundo, inseguro, inestable, otro tipo de arte, reciclar, crear, romper con lo convencional, rescribir ese tipo de experiencias psicodélicas que se vivían hace treinta o cuarenta años”. “Phosphene Dream” es el tercer álbum del grupo, el cruce perfecto entre lo que sonaba en su impactante debut y en su atractiva secuela. Otro ejemplo de banda que rompe moldes dentro de la escena rock actual. “Creo que es un buen momento para disfrutar de nuevas bandas, hay muchos medios para conseguirlo, mucha información, hay una gran eclosión de grupos, y aunque el negocio esté mal, pienso que ahora estamos como en 1967, poniendo el dedo en la llaga y analizando la situación actual. Se está creando música maravillosa”. Ellos ejercieron de banda de acompañamiento de Roky Erickson “La experiencia fue muy interesante e intentamos ser respetuosos con su leyenda, la música que creamos era terapéutica”. ■ Toni Castarnado

(también en !!!, Turing Machine o The Juan MacLean) hace poco más de un año. Lo primero, y siendo justos con la obra que han sido capaces de publicar, es hablar de “Pyramid Of The Sun”, un disco que tiene todo para excitar al fan y atraer al neófito, un disco magnífico, lleno de luz y oscuridad, una especie de celebración de la vida y de energías primarias. Es inevitable notar una tendencia hacia la electrónica sin caer plenamente en ella, con esos secuenciadores y bucles cada vez más vistosos y que quizá hayan dado su paso definitivo con este disco. “La banda ha ido lentamente hacia esta dirección en los últimos cinco años. En esta reciente época nos vemos cada vez más influenciados

por compositores electrónicos como Klaus Schulze, Giorgio Moroder o Tangerine Dream. Jerry por su parte también nos empujaba en esta dirección rítmica, así que creo que estos factores al menos sí juegan un papel crucial en el sonido de este disco”. Ahora que ellos mismos lo mencionan, es el momento para preguntarles por el terrible suceso del que fuera su batería fundador, Jerry Fuchs.

“La pérdida de Jerry fue devastadora para nosotros.

No solo era miembro del grupo, sino parte de nuestra familia y un gran amigo. Estructuró un montón de ideas para este disco y fue una fuerza creadora esencial para él”. ■ Ignacio Pato L.

Morti Foto Archivo

Maserati

La escena musical francesa vive una nueva edad de oro: no para de darnos grupos en la onda del electropop con ascendencia ochentera fabricantes de hits para pista de baile. Los últimos en desembarcar: Minitel Rose y su “Atlantique”. Raphael, Roman y Quentin se conocieron por casualidad hace diez años durante unas vacaciones y lanzaron a formar una banda juntos. Se estrenaron con un EP, “The French Machine” (Futur, 08), un compendio de la música de sus primeros años, y recientemente han apuntalado estilo con su primer larga duración, “Altlantique”, un álbum que han creado a orillas de la costa oeste francesa. “Al principio nos interesaba la música de club: empezamos a trabajar con samples porque teníamos muchos vinilos de los años sesenta y ochenta. Estábamos más cerca del primer french touch, pero unos meses más tarde decidimos componer únicamente con sintetizadores, teclados baratos y viejos cacharros y virar hacia la música entre pop y club con influencias del rock y el dance”. Vinculados al exitoso colectivo francés Valerie y declarados fans de las bandas australianas como Cut Copy, Van She o Midnight Juggernauts, del hip hop que mamó su generación, de la actitud glam y de los vinilos de segunda mano, Minitel Rose firman trece energéticas canciones pop plagadas de sonidos enlatados aunque en su directo se comporten como una banda de rock con sintetizadores. Te recordamos que el 19 de marzo estarán actuando en Barcelona. ■ Esmeralda Martín

Minitel Rose Vienen de: Francia Publican: “Atlantique” (Futur/Emi France, 10) En la onda de: Anoraak, Jamaica, Lo-Fi-Fnk

Maserati Foto Archivo

/41/ Marzo 2011 · MondoSonoro

Morti Viene de: Barcelona Publica: “ExMundus” (Awá Records, 10) En la onda de: Bushido, Vetusta Morla, Sr. Nadie

Minitel Rose Foto Archivo

escaparate

“No he pensado demasiado en ello, ha sido algo natural en el tiempo, un acontecimiento sin más. Pero de una manera u otra es mi primer disco en solitario. Mi opera prima”. Así de claro lo afirma Morti. Su particular forma de sentir y de interpretar la música, cogen forma en “ExMundus”, un trabajo que recoge temas de la maqueta que salió a la venta bajo ese mismo nombre, allá por el año 2000, y que ahora el propio Morti sitúa entre otros nuevos en un trabajo mucho más homogéneo. “El disco responde al resultado de un proceso muy concreto. Las canciones son como piezas de un mosaico que expresan el momento concreto que representan en mi vida, en este punto de partida”. Y es que a pesar de lo que algunos puedan opinar no es un cambio de sonido ni de estilo en la carrera del otrora miembro de Bushido y El Fantástico Hombre Bala. “Hay diferencias, pero no tantas. Para mí esta es la línea a seguir. De hecho no descarto desarrollar otros proyectos con un carácter más paralelo y ligados a un sonido más contundente, más duro”. Se trata de un proyecto personal, pero el músico siempre cuenta con la ayuda de gente como Dani Baraldés (compañero en El Fantástico Hombre Bala, y en Jarabe de palo) a la guitarra, o de The Pinker Tones en la producción artística. “En directo vamos a intentar que la parte visual y musical se compenetren a la perfección. Intentaremos ambientarlo todo para representar el estado mental en el que está basado el disco, que se proyecta en el planeta ExMundus”. ■ Marcos Martín Lora

S

Prisma en Llamas Foto Archivo

orprendieron hace dos años cuando su propuesta de pop cabaretero y lujurioso a medio camino entre Tom Waits y The B-52’s se llevaba el concurso Lagarto de Jaén. Problemas de salud de su entonces batería retrasaron la grabación de un debut largo que ahora por fin ve la luz. Pese a esta contrariedad, “Suit Vudú” no ha perdido

Prisma en Llamas Vienen de: Madrid Publican: “Aeropuerto extrañamente blanco” (Gssh Gssh Records, 10) En la onda de: Animal Collective, The Magnetic Fields...

Al dueto le gusta que su música suscite imágenes y evoque cosas hermosas. El detonante de todo fue una estancia en el Reino Unido.

Así lo cuenta Pablo, quién fuera integrante de Ensaladilla Rusa y Silence In Music. “Estuve por allí un tiempo por temas de trabajo y no encontré a nadie para hacer lo que me apetecía. Así que al volver tenía ganas de ponerme con una historia nueva”. El encuentro con Hugo, procedente de Margarita, propició una nueva singladura, que, a pesar de tener conexiones con el punk, transita nuevas sendas ornadas de reverberaciones y espíritu naïf. (Pablo) “Es interesante cambiar de instrumentos y de ‘técnicas’ de tocar, investigar nuevos sonidos, y más cuando te planteas un grupo nuevo y no quieres repetir lo anterior. La ecuación salió de forma espontánea. Yo estaba engorilado con un ukelele barato que compré en Inglaterra, y Hugo se acababa de agenciar el sampler. A los dos nos apetecía probar a ver que podíamos hacer con él”. El resultado se puede apreciar en “Aeropuerto extrañamente blanco”, un diez pulgadas que provoca el mismo efecto que degustar una papaya entre tanta fritanga y música congelada. (Pablo) “El título está sacado de ‘El hombre jazmín’, un libro de la escritora alemana Unica Zurn.

Lo estaba leyendo cuando acabábamos el disco y parecía una imagen potente”. Temas como “El primer amor del lobo” o “Adolf” -(Hugo) “un personaje del tebeo de Osamu Tekuza, que nos encanta”- interactúan en conjunción con la sugerente portada de Manuel Donada. ■ Miguel Ángel Sánchez Gárate

y pega. El belén tiene muchas piezas: colchones mágicos, guitarras reverberadas, voces agridulces, todo para recrear esa atmósfera de luz tenue que de vez en cuando se abre a cielo abierto. “Quedamos con un estudio en el que podíamos tocar todos a la vez, pero no pudo ser por lo que le ocurrió a nuestro batería. Así que elaboramos una producción basada en el collage. A priori puede parecer más compleja de escuchar, pero creo que da una idea más real de todo lo que Pianobomba es capaz”. Y para realidad, sus directos, caracterizados por esa pátina de terciopelo y tachuelas que impregna cada escenario por el que van pasando. ■ Arturo García

The Soulbreaker Company Foto Archivo

Vienen de: Granada Publican: “Suit Vudú” (Kromatik Musik, 10) En la onda: Corcobado, Tom Waits, B52’s

el factor sorpresa que caracteriza a la música de Pianobomba, una piñata cargada de sensaciones. “Evocación, ensueño, gamberrismo y seducción. Elegancia y oscuridad. Pianobomba quiere ser muchas cosas, quizás demasiadas”. Pianobomba es un encuentro de melómanos, de inquietudes musicales que se canalizan en una especie de teatrito de variedades con personajes desheredados. “El perdedor ha sido una gran fuente de inspiración para este primer álbum. Intentamos reírnos de la figura del perdedor, puesto que todos lo somos en algún momento”. Sobre la producción del álbum, a algunos les puede sugerir un prodigio del corta

Enmarcados dentro de una corriente que por prolífica comienza a adquirir tintes de revival, Sleepy Sun son uno de los grupos a tener en cuenta merced a un sonido que, a pesar de tener al shoegaze como base, juega con la psicodelia sesentera, el rock progresivo e incluso los medios tiempos del blues clásico. “Comenzamos escuchando blues y garage, así que en algo se tiene que notar.

Nuestros grupos favoritos cuando éramos niños eran cosas como The Doors, Creedence Clearwater Revival o las primeras grabaciones de The Rolling Stones”. Sus composiciones son densas, sus texturas complejas, sus atmósferas ensoñadoras, y su música en general tiene siempre un punto de lisergia y dulce caos.

En “Fever”, su último disco, han dado una vuelta de tuerca a todos estos factores para crear un todo uniforme atractivo e interesante.

“Somos cinco componentes en la banda, y todos componemos, escribimos y arreglamos. Alguien crea una melodía o una letra y todos comenzamos a volcar nuestras ideas sobre el asunto hasta que por fin conseguimos ensamblar todas las piezas. Es por esto que nuestra música tiene múltiples capas y en ocasiones puede tender a la confusión, pero, sin embargo, nos encanta el punto que esto crea, a medio camino entre la calma y el desorden”. Después de visitar España recientemente, continúan girando por Europa (“nos encanta Europa, tenemos muchos fans y además las distancias no son tan grandes como en Estados Unidos”). ■ Daniel Arnal

The Soulbreaker Company Vienen de: Vitoria Publican: “Itaca” (Alone Records, 10) En la onda de: Pink Floyd, Amon Düül II, Hawkwind

Sleepy Sun Foto Archivo

Pianobomba

Sleepy Sun Vienen de: San Francisco (Estados Unidos) Publican: “Fever” (ATP Recordings/Houston Party, 10) En la línea de: Bear In Heaven, School Of Seven Bells, Black Mountain

Pianobomba Foto Archivo

ESCaparate /42/ Marzo 2011 · MondoSonoro

Por si todavía no les conocen, vamos presentándoles a un grupo vasco de notorias influencias clásicas y con un disco, el tercero ya, que está en boca de toda la comunidad setentera de este país. Un disco con su parte de leyenda en la grabación también. “Elegimos los estudios propiedad de Dave Anderson en Gales, porque nos encanta alguna banda que ha grabado allí como Van Der Graaf Generator o Gong. El sitio y lo que lo rodea tiene pinta de ser precioso, pero la verdad es que al final yo estuve encerrado en la casa del estudio la semana entera así que no vi demasiado”. Quien nos habla es Asier, guitarra de la banda, que resume así la intrahistoria del disco. “Lírica y temáticamente el disco podría cabalgar entre Pérez Galdós, Homero, Lord Dunsany, Bill Hicks y Stalin”. Habrá sin duda quien pueda pensar que forman parte de una escena musical concreta, una logia hard rockera que ellos se encargan de desmitificar. “Hay unas cuantas bandas a las que nos gusta la música anterior a nuestra época, pero somos muy diferentes entre nosotros. Llámalo como quieras pero a un montón de gente le gusta Dylan, Young o Judas Priest y no por ello forma parte de una hermandad del rock clásico. Simplemente nos encanta la música que se hizo en los sesenta y setenta, pero también la que se hace ahora”. Planea sobre “Itaca” la sombra de la infravaloración hacia un disco redondo que merece toda la atención “A veces se tarda más en valorar ciertas cosas, pero tarde o temprano toda ‘buena obra’ acaba siendo apreciada”. ■ Ignacio Pato L.

The Thermals Foto Archivo

MondoSonoro · Marzo 2011 /43/

Smile Vienen de: Getxo (Bizkaia) Publican: “All The Roads Lead To The Shore” (December, 11) En la onda de: The Jayhawks, Jack Johnson, Ben Harper

The Thermals Vienen de: Oregon (Estados Unidos) Publican: “Personal Life” (Kill Rock Stars/Popstock!, 10) En la onda de: Superchunk, Weezer, Built To Spill

nar más cerca de lo que hacemos en directo, que es más rockero y más vintage. Y creo que cada vez estamos más cerca de sacar el disco que de verdad nos gustaría, pero que para un artista siempre es una utopía”, admite Franks. Utópico o no, lo cierto es que, para un grupo, que su sonido ideal vaya tomando cuerpo ha de ser motivo de optimismo. Una manera de enfocar el mundo que siempre ha estado presente en la formación, desde el propio nombre hasta el latido de las canciones. “No me apetece ser un grupo triste.

Smile canta sobre cosas alegres y sobre cosas tristes, pero nuestras canciones mandan el mensaje de que siempre hay esperanza. ‘Do As I Want’, el primer single, habla de un tipo con el corazón roto que decide que va a hacer lo que le da la gana porque su amada ya no quiere estar con él. Es un tema aparentemente triste pero, tal y como esta planteada, resulta muy alegre. Esa combinación es muy de Smile, la botella medio llena siempre”. Smile estarán actuando este mes en Madrid (11, Moby Dick), Bilbao (18, Antzokia), y a formarán parte del cartel del FIB Heineken y del Sonorama. ■ Tamara García

Francesco Tristano Foto Archivo

Vuelven a la palestra los norteamericanos The Thermals con nuevo disco, el quinto, y que lleva por título “Personal Life”, que presenta varias novedades. Una de ellas tiene que ver con la vuelta al trabajo en estudio junto a Chris Walla de Death Cab For Cutie, con quien no se juntaban desde “Fuckin A”, hace unos seis años.

“Queríamos que este disco sonase lo más orgánico posible. Nos lo pasamos muy bien en la grabación con Chris y lo mejor era que nunca escuchábamos la canción hasta que todas las partes estuvieran grabadas y completas”. Sin ser una entrega disonante en su biografía, sí hay diferencias notables con discos recientes que ponían toda la carne en el asador de la crítica social desarrollada bajo el mandato conservador de Bush hijo. En este encontramos hasta momentos para el humor y la ironía madura como el original vídeo de su primer single, protagonizado por Carrie Brownstein (ex Sleater-Kinney) y el vocalista de Modest Mouse Isaac Brock. Nos responde Westin Glass, batería que con este disco entra oficialmente en plantilla de The Thermals (completado por el núcleo original Hutch Harris y Kathy Foster) “No puedes estar haciendo el mismo disco una y otra vez, en este caso ‘The Body, The Blood, The Machine’, supongo que puede haber gente ligeramente decepcionada porque quizá esperasen que fuera otro disco diferente. De todas maneras, puedes hacer canciones sobre la humanidad de múltiples maneras. Creo que ha sido el momento, el lugar y el álbum justo”. ■ Ignacio Pato L.

E

l proyecto de Smile comenzó en la segunda mitad de la década de los noventa, con varios amigos reuniéndose para tocar esporádicamente. “Al principio éramos un trío acústico, luego fuimos electrificando el sonido mientras iba entrando y saliendo gente. Desde 2005 –año en el que se editó su primer disco, ‘Painting The Sun One Colour’- tenemos una formación estable, salvo el cambio de un guitarrista por dos. Esto nos ha dado más fuerza en directo y muchas ideas nuevas, ya que todos aportamos a las canciones de John”, explica Ferdy Breton, bajista, refiriéndose a John Franks, el compositor, guitarrista y cantante de origen anglosajón. Lo que diferencia a su último disco, “All Roads Lead To The Shore”, de anteriores composiciones, es un viraje a una deriva más rockera premeditada. “Hemos buscado so-

escaparate

Smile Foto Archivo

Carl Craig le presta las llaves de su estudio en Detroit para que pergeñe allí su nuevo disco. Murcof lo tiene como favorito en la agenda de su móvil y Moritz von Oswalsd se pirra públicamente por su trabajo. Francesco Tristano presenta “Idiosynkrasia” y, tras su escucha, no logramos discernir si fue primero el huevo –su piano- o la gallina –techno y hasta versiones de Autechre-.

A este jovenzuelo y virtuoso luxemburgués –además de errante, y fino como el coral- no es que le moleste que le llamen genio, es que directamente se la trae al pairo. “No soy un genio, eso está claro. Soy músico, me encanta hacer lo que hago, y también sé que es una suerte poder hacerlo”. Sobre su actual residencia en Barcelona -donde está pasando los mejores años de su vida personal y artística- Francesco Tristano lo tiene claro. “Acabé mis estudios en Nueva York en 2003, y tenía ganas de volver al viejo continente. Quería vivir en una ciudad que me diera gusto y que sirviera de base para mis diversos trabajos y viajes... Aún estoy aquí, enamorado”.

Lo que es evidente es que la labor de adaptar el piano al siglo XXI, en estos tiempos pocos propicios para la lírica, es una tarea ciertamente interesante. “El piano no solo es un instrumento lírico, sino también de percusión y de cuerdas. Es fruto de una tecnología muy avanzada, que se desarrolló a través de varios siglos”. ■ Fernando Fuentes

Ciertamente La Mancha es tierra baldía, como reza su primer disco hostil y en solitario, pero, ¿de verdad se pueden establecer paralelismos entre esa América profunda, que brota del crudo y verdadero sonido de Honky Tonky Sánchez, y los escasos arpegios que se pueden adivinar en un barbecho manchego? “Solo tienes que echarle un vistazo para darte cuenta que no, pero siempre me ha encantado esta llanura y los cambiantes cielos que la cubren”. El mismo Sánchez, de nombre Carlos, que durante años tocara la guitarra en Mercromina y más tarde sustanciara Gonzo junto a lo más granado de la escena post-Surfin’ Bichos albaceteña, a través de este “Esta tierra hostil” ha cogido de las solapas a todas sus influencias y referentes sonoros los ha metido en una inédita mezcladora y ha dado a luz un disco en el que sobre todo se lo pasa jodidamente pipa. “Digamos, que es el disco que he querido hacer desde que era un niño, y ahora con toda una vida de influencias y un mundo propio, ha llegado el momento de hacerlo. Y no creas que ha sido un puto camino de rosas, ni lo es. Tendré que seguir manchándome el traje y tragando arena, pero no pienso morder el polvo”. En estas nuevas hostilidades sonoras y terrenas ha contado con los mejores músicos que ha entendido para ello y todos estaban, no casualmente, en plena llanura abisal y manchega. “Todo el mundo no cocina igual, no ama igual, no bebe igual, no folla igual... Por eso es necesario todo este mundo de músicos; y daba la casualidad, de que ese extraño mundo estaba en Albacete” ■ Fernando Fuentes

Honky Tonky Sánchez Viene de: Albacete Publica: “Esta tierra hostil” (Molusco, 10) En la onda: Robert Johnson, Tom Waits, Johnny Cash

Honky Tonky Sánchez Foto Archivo

Francesco Tristano Viene de: Luxemburgo Publica: “Idiosynkrasia” (InFiné/Karonte, 10) En la onda de: Maxance Cyrin, Moritz Von Oswald, Carl Craig

VINILOS ALI CAMPBELL

“Great British Songs” Edel

REGGAE

11

El exvocalista del combo reggae UB40 –o su “legendaria voz”, como él mismo se define en la portada- vuelve a la palestra con su cuarto disco en solitario, primero compuesto exclusivamente por versiones. El disco podría pasar como un “Labour Of Love Part IV”. Desgraciadamente, la calidad se encuentra a años luz de la franquicia. El peculiar timbre de Campbell mantiene toda su musicalidad, de eso no hay duda. Y entre el repertorio se encuentran temas que encajan a la perfección con su personal relectura reggae. Las dos piezas de The Hollies, “He Ain’t Heavy, He’s My Brother” y “Carrie Ann” son el mejor ejemplo. Tampoco a “Love Is The Drug” de Roxy Music y “You Wear I Well” de Rod Stewart les sientan especialmente mal los trajes con los que Campbell les viste.

Pero hasta ahí llega la cosa. Himnos como el “Paint It Black” de The Rolling Stones o “All Right Now” de Free sufren aquí una derrota sonrojante. Robert Aniento

AINARA LEGARDON “We Once Wished” Aloud

ROCK

1111

De manera gradual y casi inapreciable, Ainara LeGardon se ha convertido por derecho propio en artista imprescindible dentro de la escena estatal. Ya en la década de los noventa y al frente de los salmantinos Onion, resultaba palpable el magnetismo transmitido por la vocalista. Esbozos convertidos desde entonces y a cada nuevo paso en arrasadores retratos, hasta alcanzar la presente entrega en la que responde a un entorno hostil con el no menos enfurecido “We Once Wished”. Un álbum en el que la inspiración cede sometida ante capas de rabia, incertidumbre y angustia, concretadas en canciones certeras y de inmediato efecto activador junto a la (habitual) producción áspera de Paco Jiménez. Las recurrentes menciones de mitos como PJ Harvey o Patti Smith son anecdóticas y lejos de interpretarse como referencias, innecesarias a estas alturas, deben entenderse como exclusivo reconocimiento al alcance de escasas elegidas. Mujeres incorruptibles de alma incendiaria y personalidad implicante, con su obra al rescate del tedio costumbrista de penúltima moda. Indispensable. Raúl Julián

AGORIA

“Impermanence” Infiné

ELECTRÓNICA

1111

El francés Agoria destapa las lindezas de su segundo larga duración -ideado, producido y editado en su sello Infiné- con un bellísimo tema llamado “Kiss My Soul” que sirve para dejar en evidencia que para nada estamos ante un disco más de electrónica de consumo rápido, de esos que se fríen rápidamente con aceite barato y se sirven aún churretosos en papel de estraza. Sebastian Devaud es músico y por eso sabe bien que a lo

/45/ Marzo 2011 · MondoSonoro

sintético le sienta de maravilla un toque de instrumentación clásica, unos ramalazos de human touch. También se pirra por los medios tiempos sexy underworlderos (“Souless Dreamer”) y con hitazos como “Panta Rei” pone las cosas en su sitio. Por todo ello, y mucho más, en este “Impermanence” sus nuevos temas disfrutan de una emotividad permanente y de un sinuoso cuerpo que los eleva por encima de nuestros oídos. Por si eso fuera poco, el disco nos deja estupefactos con tres temas simplemente magistrales: “Speechless” y “Grande Torino” y “Libellules”. Tremenda cumbre franchuta, sin discusión. Fernando Fuentes

manel, la confirmación de un fenómeno

AGNES OBEL

“Philarmonics” Pias

POP

1111

Agnes Obel llena salas en su país natal, Dinamarca (cuatro fechas casi consecutivas en febrero, en Copenhague, con sold out en todas ellas), dentro de una larga gira que la lleva por media Europa. Las razones son bastante claras al escuchar “Philharmonics”, su álbum de debut: una voz portentosa y una instrumentación delicada, con protagonismo del piano, que se complementan en una cadencia absorbente, con ecos de Philip Glass, el Yann Tiersen de la banda sonora de “Amelie” y Erik Satie. Parte del mérito de Agnes Obel, en una fórmula propicia a la reiteración y/o al exceso, reside en su contención, en la reducción del esquema a lo esencial. Canciones como el single “Just So” o la propia “Philharmonics” son buenos ejemplos de esto: se trata de temas que entran a la primera pero esconden una notable profundidad, no particularmente innovadoras pero sí representativas de una artista con personalidad. Lo obvio de sus referentes puede dominar la primera impresión, para disiparse a medida que uno se familiariza con las composiciones y aprende a apreciar la exquisita expresividad de la danesa.

Una revelación. Jaime Menchen

ADELE “21”

XL/Popstock!

SOUL

111

No sabemos aún si Amy Winehouse va a estar capacitada para editar un nuevo disco durante este año 2011, pero por si acaso ella no apura sus opciones, todas las chicas que luego salieron a su rebufo tras aquel éxito con “Back To Black”, sí que están publicando nuevos trabajos. E incluso surgen algunas alternativas como Rumer o Lissie. Y mientras Duffy sigue, en su segundo largo, la misma línea que su debut, sin sorpresas ni sobresaltos, Adele sí que da otro paso en firme en su carrera con “21”. Basta con escuchar el tema de apertura “Rolling In The Deep” para observar que va en serio: un temazo con un arranque explosivo. Después el resto del disco no es lo mismo, pero ya nos pone en aviso desde el primer momento. “Rumour Has It” mantiene esa intensidad, para alternar luego piezas más producidas y rimbombantes. Hay otros chispazos, con destellos de la gran cantante que es, como por ejemplo en “Take It All” o la seductora pero rítmica “One And Only”. Si mantuviera durante todo el tiempo ese nivel tan alto, estaríamos ante una obra excelente, así que cabe esperar a que alcance esas cotas y podamos disfrutar de una cantante enorme en todo su esplendor. Toni Castarnado

Manel Foto Archivo

MANEL

“10 milles per veure una bona armadura” Warner

POP

1111

Quienes no vivan en Catalunya dificilmente serán conscientes del estatus alcanzado por el cuarteto barcelonés Manel aquí gracias a su debut, “Els millors professors europeus” (08), sin duda el más brillante disco cantado en catalán publicado en años. Su folk pop amable, su imagen y su dicción de buenos chicos, sus canciones empapadas de costumbrismo y sobre todo su forma de combinar la herencia anglosajona con la tradición catalana supusieron un hito deslumbrante, erigiéndoles de cero a cien en la cabeza visible de una generación de artistas que acogían de nuevo su idioma materno sin vocación política, sino emocional.

El tiempo ha pasado y, aunque otros hayan intentado recoger su testigo sin una décima parte de su valía, el trono continúa siendo suyo. El autoproducido “10 milles per veure una bona armadura” (“diez millas para ver una buena armadura”, cita shakespearana vía Kenneth Branagh en “Mucho ruido y pocas nueces”) aporta novedades diversas al tiempo que se

mantiene fiel a lo que pensábamos que eran Manel y manteniendo esos fantásticos textos que tanto optimismo contagiaban en “Els millors professors europeus”. A lo largo de cuarenta y cinco minutos y diez cortes, Guillem Gisbert, Roger Padilla, Martí Maymó y Arnau Vallvé (con la ayuda de once vientos, diversos instrumentistas invitados, el coro Arsinova y las vocalistas Clara Molinos y Gisela Follà) nos descubren nuevamente todo el talento que atesoran, y nosotros más contentos que unas pascuas. Y es que pocos peros se le pueden poner a un disco capaz de alcanzar cotas de fantasía como las de la impresionante “Aniversari”, que nos remite al Sufjan Stevens más orquestal como si de un cuento de hadas se tratase, despedirse de los excitados oyentes con “Deixa-la, Toni, deixa-la”, una pieza –firmada por Padilla- que abre fuego con las formas de una habanera para despedirse con todo el ritmo de una brass band de New Orleans, o dejarnos por el camino piezas tan preciosas y arrebatadoras como “Boomerang” o “Benvolgut”. Manel lo han vuelto a conseguir. Y ojalá el cantar en su lengua no les cierre unas puertas que deberían abrírseles de par en par si lo único que importase en este mundo fuesen las buenas canciones. Joan S. Luna

en la onda

SUFJAN STEVENS

ANTÒNIA FONT

“Illinoise” (Red Star, 1977)

“Alegria” (2002)

POP

1114

Los mallorquines Antònia Font desembarcaron en la península con un tercer disco de diez canciones, melancólico y mucho más sencillo que “Taxi” (04), en el que dejaban entrever una personalidad tan propia como la de Manel. Aunque Joan Miquel Oliver destaca en su banda y en Manel el grupo está más equilibrado.

POP

1111

Aunque sin complicarse tanto la vida en los títulos, Manel han tomado buena nota de uno de los artistas más inquietos (para lo bueno y para lo malo) del indie reciente: ukeleles, voces femeninas, trompetas y cuerdas juntos en un mismo álbum, pero todo ello dirigido por los propios artistas.

THE WAVE PICTURES

“Instant Coffee Baby” (2008)

POP

1111

Coinciden en firmar canciones sencillas en apariencia y en las que todo parece minúsculo, pero cuya onda expansiva se multiplica precisamente gracias a ello.

Y tanto David Tattersall como Guillem Gisbert saben que, bien respaldada, una buena letra casi siempre supone una gran canción. ■ J.S.L.

vinilos /46/ Marzo 2011 · MondoSonoro

bright eyes, GENIO Y FIGURA CLOUD NOTHINGS “Cloud Nothings” Wichita

ROCK

Bright Eyes Foto Archivo

BRIGHT EYES

“The People’s Key” Polydor/Universal

POP

1111

Un análisis del esperadísimo retorno de Conor Oberst bajo el nombre de Bright Eyes tras sus diversas aventuras paralelas (ahí quedan un par de discos con la Mystic Valley Band, el primero muy recomendable, el segundo no tanto, y su participación en el súper grupo Monsters Of Folk), puede llevar a calificar de forma reduccionista a “The People’s Key” como un trabajo que sigue los pasos de “Digital Ash In A Digital Urn” (un gran disco de pop que quedó tapado por la grandeza “I’m Wide Awake, It’s Morning”, todo sea dicho). Y si bien algo de verdad hay en ese análisis, no es suficiente para describir las claves de lo nuevo de Bright Eyes. Un trabajo que, a pesar de apostar claramente por el -power- pop (canciones como “Triple Spiral” y “Beginner’s Mind” definen por si solas esa apuesta),

VV. AA.

“Bossa Nova and the Rise of Brazilian Music In The 1960’s” Soul Jazz/K-Industria

BOSSA

11111

La pregunta con las compilaciones del sello británico Soul Jazz Records no es si son buenas, sino cuán buenas. Y la respuesta suele ser mucho. Un mucho enfático con un par de ues de regalo. Publicado como complemento al tomo de portadas recopiladas por Gilles Peterson y Stuart Baker, dueño de Soul Jazz y la tienda Sounds Of The Universe del Soho londinense, “Bossa Nova And The Rise Of Brazilian Music In The 1960’s” viene a expandir las recientes excursiones del sello en la rica tradición brasileña. No era sencillo tratar la bossa sin recurrir a los tópicos y a todas aquellas canciones tan resabidas que ya han nutrido miles de recopilatorios destinados al infierno de los saldos. Así que han optado por la exquisitez y el rigor, por canciones que en su mayoría muestran una versión más desnuda y cruda de la acostumbrada, con Elis Regina como figura central y Jorge Ben, Sergio Mendes, Gilberto Gil, Vinicius y Jobim complementando una mirada sobre el género que tiene mucho de redescubrimiento. Como ya hicieron con la música reggae, la cuestión es ir más allá de lo manido y mostrar lo profundo que es el océano. Joan Cabot

funciona como un compendio de toda la carrera del menudo cantante de Omaha. De hecho, estamos ante el disco más variado de Oberst, el más abierto de miras en lo que a cuestiones de sonido se refiere. En “The People’s Key” se escuchan guitarras a lo Creedence Clearwater Revival (“Firewall”) y a lo Fleetwood Mac (“Jejune Stars”), teclados que son puro The Cars (“Shell Games”, “Haile Selassie” y “Jejune Stars”), hay escapadas al sonido americana más fresco con “A Machine Spiritual (In The People’s Key)” y la conmovedora “Ladder Song”, y guiños indietrónicos a New Order en “One For You, One For Me”. A nivel de textos, vitales para entender el universo Bright Eyes, Oberst, cual Belén Esteban del indie en versión emo, sigue aireando de forma pública sus carencia afectivas, sus demonios personales y su vena panfletaria, soltando perlas marca de las casa tales como “A snuff film on a JumboTron for all the world to see” (“Beginner’s Mind”) o “My private life is an inside joke, No one will explain it to me” (“Shell Games”).

Genio y figura. Xavi Sánchez Pons

BRUNO MARS

LA CÉLULA DURMIENTE

Elektra/Warner

B-Core

“Disco Póstumo”

“Doo-Wops & Hooligans” POP

111

Un total desconocido para el gran público con su primer single, “Just The Way You Are”, consigue colocar su álbum debut en lo más alto de las listas de ventas anglosajonas y convertirse por arte y gracia de la mediatizada globalización en objeto de culto de las teens carpeteras. La varita de la suerte en este caso no ha tenido nada que ver. Bruno Mars anteriormente ya había trabajado desde la sombra como compositor para artistas como B.o.B o las Sugababes. Lo que ocurre es que después de esconderse tras ellos ha decidido armarse de valor y lanzarse al vacío después de un premonitorio Ep en el que ya se incluía aquel dueto con Cee-Lo Green, “The Other Side”. Aunque prejuiciosamente los medios tiempos y las baladas sensibleras inundan buena parte del minutaje (habría que hacer una excepción con “Talking To The moon”), no puede negarse que el hawaiano cuando tira del soul con la carrocería bien engrasada (esto ocurre en “Marry You” o “Runaway Baby”) gana credibilidad. Habrá que ver como el resto de Europa acoge sus canciones, pero sin duda se trata de uno de los productos mainstream más dignos que nos llegan desde el otro lado del charco. Sergio del Amo

ROCK

111

Nada ni nadie ha muerto, sino todo lo contrario. Vigoroso y vigoréxico reaparece Joan Colomo reactivando la maquinaria del trío de Sant Celoni después de los pasos en solitario de estos últimos tiempos. ¡Y vaya maquinaria! Engrasada y puesta a tono. Lo digo desde ya, “Origen Aborigen” es enorme, la mejor canción de un cuarto disco que es menos dispar en estilos que los anteriores pero, sin embargo, muy anguloso en término rock e igual o más ácido y corrosivo. Se ve que el folk mediterráneo o el tex mex ya no están hechos para Inés Martínez y Narcís Prats y en su regreso se han centrado más en un garage-punk anfetamínico y callejero muy power pop consiguiendo un repertorio con más cuerpo y unidad. Las rabiosas “Deriva” o “Canción póstuma” son contundencia pura.

“Ministerio de Ergonomía” es el otro reverso por la voz de Inés que le da otro plus. Y con la latina “Línea curva” cuánta razón lleva su sello cuando en la hoja promoción se dice que puede recordar a Juanes. Sí, sí, sin manías.

Y eso es lo que no tienen ellos tres; ejemplo para muchos. Reconstruyendo lo que debería ser el rock estereotipado y convencional en este país. Celestí Oliver

1114

Apenas unos meses después de la edición de su primer largo, el aparatoso “Turning On” (Wichita, 10) en el que reunían su material hasta la fecha, Cloud Nothings publican una continuación en la que abandonan los excesos lo-fi en favor de un sonido igualmente apremiante pero de contornos más definidos. Dylan Baldi, el chico tras el nombre, es uno de esos críos hiperactivos e incontinentes. Lo bueno de eso es que algunos maduran a la velocidad que graban discos, y este es el caso: con una capa más de brillo, solo una, algunas de las canciones de “Turning On” hubieran mejorado considerablemente. “You’re Not That Good At Anything”, “Not Important” o “Nothing’s Wrong” suenan incluso más urgentes y desesperadas, como si le quemaran en la mano, mientras que los momentos más melódicos como “Should Have” o “Forget You All The Time” contienen esa dosis justa de melancolía punk y pop avinagrado, matices que el sonido descuidado de su primer largo no permitía apreciar.

Joan Cabot

COLECTIVO ORUGA “Too Many Knobs” Matamadre

ELECTRÓNICA

111

Sabemos que el secreto está en la mezcla, pero si encima los cocinitas sonoros son capaces de confesar sus ingredientes es que son muy valientes y, de veras, la intríngulis reside en cómo maridan felizmente a Devo, Primal Scream y Kraftwerk; en esos instantes en los que David Byrne se hace colega en la cola del paro de Wayne Coyne y The Postal Service se van de jarana con Arcade Fire con final feliz en un after que regentan MGMT. La oruga gallega -ahora ya grácil mariposa- se pirra desde que se arrastraba por el terruño por el electro-rock bailongo en su máxima expresión y se apoya en el diseño y lo audiovisual para -en formato colectivo- lograr que su sonido sea más exuberante, ecléctico y vistoso. Su primer disco coge cuerpo a través de un puñado de canciones que les ubica en lugares allende nuestras fronteras sonoras. Se le nota que ha currado para dar fijeza, brillo y esplendor a The Chemical Brothers y a The Rapture ha puesto sus hábiles manos encima de los temas. Prometedor debut de unos tipos a los que ya se les queda pequeña la escena ibérica. Fernando Fuentes

THE CORIN TUCKER BAND “1.000 Years”

Half A World/Kill Rock Stars

ROCK

114

Si no fuera por “Doubt” y algún que otro ramalazo enérgico la ex militante de SleaterKinney podría llegar incluso a despistarnos.

Corin Tucker se ha reinventado con un nuevo registro más sosegado, que la muestra más serena y no tan agitada como antes. Ese rock anguloso y frenético que escupía con sus chicas ha dado un vuelco hacia el folk-rock.

Es evidente que con esa nueva manera de interpretar no tiene la musculatura de antes, pero mantiene el tono y el buen estado de

forma. Otra cosa es que, para superar un pasado guerrillero de activismo y agitación, descafeíne su rock y su mensaje. Es lo que tiene a veces la asimilación de la vida adulta.

Sin la fogosidad de antes, nuestra Tucker no aporta ningún toque distintivo que la ponga en estado de gracia. Sacándolo en su propio sello, “1.000 Years”, su primer trabajo en solitario, rompe un silencio de casi tres años después de liquidar uno de los combos que dio sentido y forma al compromiso y a la actitud que debió tener siempre el revival riot grrrl. Con “The Woods” (Sub Pop 05), su despedida, y “One Beat” (Kill Rock Stars , 02) supieron llenar de contenido a esa escena siendo uno de los grupos más excitantes.

Tucker ha confundido maduración con relajar su músculo rítmico y vocal. Celestí Oliver

DËNVER

“Música, gramática, gimnasia” Federación de Universos Pop

POP

1111

Con la llegada del disco de Dënver a nuestro país, ya podemos hablar con todas las de la ley de la nueva ola chilena. Una nueva ola que está insuflando nueva vida al pop latinoamericano de manera indies con, eso sí, unos guiños al mainstream la mar de frescos. Los últimos en subirse a este carro ganador por méritos propios es este dúo de pop total que con su segundo disco, “Música, gramática, gimnasia” (producido con mano sabia por Cristián Heyne, el Bobby Orlando chileno), ha entregado un colección de canciones de aúpa, en la que encontramos un poco de todo: El electropop a lo Spicnic de “Olas gigantes”, el equivalente latinoamericano al “Kids” de MGMT que es el rompepistas “Los adolescentes”, esa joya a medio camino entre Mecano y Visage (incluye un homenaje al “Fade To Grey”) titulada “Feedback”, el pop de toda la vida con algo de mala baba en “Los Bikers” (un caramelo envenenado que detrás de su apariencia cándida esconde una historia sobre una agresión ¿sexual?), el crescendo pop de la emocionante y cortavenas “Lo que quieras”… En fin, Mariana Montenegro y Milton Mahan vuelan alto en un disco que se revela como una de las explosiones de talento pop más sonadas de los últimos meses. Xavi Sánchez Pons

EL DÍA DE LA BARBOTA “Això no porta enlloc” Music Bus

POP

111

Tras la disolución de Dunno, Roger Gascón se ha aferrado a su background en los estudios de grabación y las remezclas, para salirse por la tangente con un proyecto que se recrea espiritualmente en Juan Palomo y el hombre orquesta. Pero no uno cualquiera, sino uno dotado con un sentido del humor (cantado en catalán, eso sí) que roza lo absurdo aun contando verdades como puños.

El mandar literalmente a la mierda el revival ochentas y los atentados estéticos de aquella década nada más empezar “Els 80 van fer molt de mal” ya supone una declaración de intenciones en toda regla. Los estados deplorables después de una noche etílica (“Alcohol-i-flor”), el dramático momento en el que el móvil cae al vacío del inodoro por torpeza (“Vibracions subaquàtiques”) o la vagancia por rescatar la cuchilla de afeitar (“El día de la barbota”) son solo algunos ejemplos del desternillante temple de un artista que juega inteligentemente con su discurso (en “Dislèxic” reinterpreta desde el prisma de la dislexia el tema precedente “Sexi”). ¿Quién tiene ahora narices de afirmar que el humor es una lacra para el pop?

Sergio del Amo

MondoSonoro · Marzo 2011 /47/

top10

vinilos

el SEGUNDO ASALTO de la bien querida

internacional LUCINDA WILLIAMS “Blessed”

Lost Highway/Universal

AMERICANA

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

PJ HARVEY

“Let England Shake” Universal

R.E.M.

“Collapse Into Now” Warner

DESTROYER “Kaputt” Merge

CUT COPY

“Zonoscope” Universal

THE WOMBATS

“This Modern Glitch” (Avance) 14Th Floor/Sony

BRIGHT EYES

“The People’s Key” Polydor/Universal

SOUTH CENTRAL

“Society Of The Spectacle” Egregore/Popstock!

TORO ET MOI

“Underneath The Pine” Carpack/Green Ufos

THE GO! TEAM

“Rolling Blackouts”

Memphis/Nuevos Medios

GLASVEGAS

“Euphoric/Heartbreak” (Avance) Sony Music

1111

Es más que posible que este disco cierre unas cuantas bocazas, entre ellas la mía.

Y lo hará porque tras el anhelado paso de Lucinda Williams por nuestros escenarios presentando el que es sin duda el álbum más flojo de su carrera, “Little Honey” (2008), somos unos cuantos los que vivíamos con cierta incredulidad las noticias de una Lucinda enamorada que acababa casándose sobre un escenario al más puro estilo Belén Esteban. Pero no nos engañemos, Williams es una choni americana, lo cual no quita que escriba y cante con la autenticidad del que ha vivido mucho y está aquí para contarlo. Claro que de intelectual nada de nada. Sin embargo, el disco presenta un par de importantes novedades. Dice Lucinda que por primera vez se ha puesto en la piel de otras personas para escribir sus canciones fuera de una óptica personal, y dice también que se ha atrevido a escribir sobre algo que no sean sus propios sentimientos. Esos que tan a menudo la habían lanzado al abismo de las relaciones rotas y los corazones destrozados. Prueba superada. La Lucinda que se nos presenta en este extraordinario trabajo es la misma de siempre, pero diferente a la vez. Domina a la perfección el tempo lento y se nota la sabia mano de Don Was en una producción parca que la hace sonar real, tanto como esa América de sabor rural, de comunidades en caravanas que nutren la carne de cañón en la guerra del petróleo, y que se reflejan en canciones como la desesperada y dura sonordad “The Awakening” o el excepcional blues, bello pero crudo, que es “To Be Loved”.

Don Disturbios

top10 nacional

La Bien Quierida Foto Pablo Zamora

LA BIEN QUERIDA “Fiesta” Elefant

POP

1111

Las palmas mandan en “Noviembre”, el inicio del esperado segundo disco de La Bien Querida, consolidando el acento flamenco que ya aparecía en “Romancero”, pero en esta ocasión casi en versión cósmico-atmosférica, no muy lejos del espíritu que dominaba su mano a mano con Los Planetas en “La veleta”. Es esta una de las líneas maestras de “Fiesta”, que se reproduce luego de forma más o menos lograda (“En el hemisferio austral” y “Cuando el amor se olvida”, respectivamente). No encontraremos aquí temas que enganchen de forma tan inmediata como “Corpus Christi”, “9.6” o “De momento abril”, aunque a cambio se presenta un trabajo con mayor recorrido en lo formal. La excepción a la norma es “Hoy”, un primer single que abun-

da en las virtudes del debut de Ana Fernández-Villaverde, con un valiente interludio en el que deja una nueva frase (“la muerte es mirar y no verte”) que sumar a su memorable colección de romanticismo pop. El amor, claro, aparece de principio a fin, aunque cuidándose de aportar nuevos matices a una fórmula que en su estreno recibió el aplauso unánime, pero que, por sus propias características, corría el peligro de empezar a repetirse demasiado pronto. Precisamente de ahí nace el triunfo de La Bien Querida en este álbum, otra vez con el concurso indispensable de David Rodríguez (Beef, La Estrella de David) en la producción y los arreglos: “Sentido común”; la divertida “Piensa como yo”, que a ratos amaga con convertirse en un tema de Hidrogenesse; las vibrantes “La muralla china” y “Me quedo por ahí”, auténtica carne de directo, o la ensoñadora “Monumentos en la luna”, para dar paso al último corte, “Lunes de Pascua”, un vals juguetón perfecto para echar el cierre.

■ Enrique Peñas

MAZONI

“Fins que la mort ens separi” Bankrobber

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

MANEL “10 milles per

veure una bona armadura” (Avance) Discmedi/Warner

EL COLUMPIO ASESINO “Diamantes”

Mushroom Pillow

SHO-HAI

“Doble Vida” Rap Solo/BOA

THE NEW RAEMON “Libre asociación” B-Core

NUDOZURDO

“Tara Motor Hembra” Recordings From The Other Side/Popstock!

LA BIEN QUERIDA “Fiesta” Elefant

NACHO VEGAS “La zona sucia” Marxophone

ERIC FUENTES & EL MAL “Eric Fuentes & El Mal” Subterfuge

GUADALUPE PLATA “Guadalupe Plata” Folc Records

DOCTOR EXPLOSION

“Hablaban con frases hechas” Boomerang/Munster

1111

Cuántas parejas habrán asentido con la cabeza en el altar al escuchar la frase “Hasta que la muerte os separe” sin pararse a pensar en todo lo que conlleva. El ampordanés Jaume Pla (Mazoni) se ha inspirado en esta diocotomía digna de Éros y Thanatos para trazar once canciones aparentemente distintas que se dan la mano a través de un concepto, logrado tanto a nivel lírico como musical. Un trabajo en cierto modo comparable a “7 Songs Of Sleepess Night” (04) en lo introspectivo y conceptual, pero con un discurso cuajado desde la madurez. Pla habla de la angustia de la duda (“El dubte”), la aceptación de que tiempos pasados no volverán (“Per primer cop”) o la fábula suicida de “L’home número dotze”, con guiño a Mishima incluído. Mazoni aparca en su sexto disco su lado más rockero e inconformista de su anterior entrega “Eufòria 5, Esperança 0” (09) y sacrifica una guitarra eléctrica en beneficio de un sintetizador, con el que viaja hacía al futurismo de los alemanes Kraftwerk (“Totsants”) o a la psicodelia más ruidista (“El cromosoma Kamikaze”). Además, no solamente canta mejor, sino que expone hasta el límite las posibilidades de su voz, llegando a culminar harmonías vocales que miran al “Pet Sounds” de The Beach Boys. El disco culmina con un coro de gospel para confirmar una ruptura amorosa (“Això nostre s’ha acabat”) con ecos a The Stone Roses y Primal Scream. Una vez más, la muerte ha vuelto a ganar. Y gracias a ella, Mazoni también. Blai Marsé

DISCO LAS PALMERAS!

ELLOS

ELTON JOHN/LEON RUSSELL

Matapadre

Pias

Mercury/Universal

“Nihil Obstat” ROCK

1111

Violentos y arrolladores, como los instantes después del atentado que secuencian en “La Casa Cuartel”, el abre fuego de su -¡por fin!disco de debut. En este inicio la voz de Diego Castro aún está en un primer plano, imponente, antes de quedar atrapada por marañas de guitarras que desatan un atronador ciclón que solo da algo de tregua en “Estados emocionales (y Vaticanos)”. Puede que por cercanía aquí hay giros al estilo Los Planetas como en el citado corte o en “Testigos de Dios”, los dos más lisérgicos del conjunto, pero también hay giros siniestros y primarios a lo Lagartija Nick (“Los nuevos nihilistas” y “La soga umbilical”) e incluso a Sr. Chinarro por el modo lírico en que se canta “Me la jugasteis en China”. Y claro está que demasiado obvio y de cajón también sería citar a la legión de grupos al frente de los cuales está My Bloody Valentine porque, más que lo que hacen, lo que hay que destacar de DLP! es que han crecido como nadie y se reconfirman ya como unos monstruos. Siendo tres, te dan un ostión limpio; son dañinos. Como Triángulo de Amor Bizarro, pertenecen a ese reducto de resistencia noise y shoegaze que hay en Galicia. Celestí Oliver

“Cardiopatía severa” POP

“The Union” 1114

Partiendo de la premisa de que un servidor (sin justificación sólida que valga) cuando oye unas buenas cuerdas en un tema ya le tienen el corazón robado, la decisión de los madrileños de empaquetar su cuarto álbum con la Orquesta Sinfónica de Bulgaria lo toma como un aplaudible valor añadido.

Ciertamente, las letras de Ellos han ido perdiendo progresivamente sus dosis de humor cotidiano y se instalan en ese bucle del ‘ya lo había oído antes’. Pero aquí cuenta otra cosa: el gancho que cualquier canción pop debe tener a la primera escucha. De eso, “Cardiopatía severa”, va más que servido.

“Hasta el final” (los búlgaros aquí estaban inspirados), “Justicia cósmica”, “Cerca” o “Mientes” (donde Jota de Los Planetas, por fin, suena alto y claro) cumplen sobradamente con ese cometido de acrecentar los himnos instantáneos que Guille Mostaza y Santi Capote nos han ido ofreciendo durante esta década. Tras el patrón más rockero de “Qué fue de ellos”, el dúo vuelve a ver la luz pese a piezas menormente inspiradas como “Pobre caimán” o “Cumpleaños feliz”. Han sudado la gota gorda para tirar adelante el álbum, pero pueden estar satisfechos. Sergio del Amo

RHYTHM AND BLUES

1111

Con sonoridades clásicas que van de rhythm and blues al gospel pasando por el country o el ragtime, este par de veteranos nos regalan una serie de composiciones elegantes que aseguran el disfrute. Melodías que alcanzan cotas de máxima intensidad en baladas como la preciosa “Gone To Shilom” en la que Neil Young deja su impronta con ese falsete imposible de imitar. Solo por este tema vale la pena acercarse a este disco. Por él y por espirituales como “There’s No Tomorrow”, que bien podría imaginar uno en manos de unos Bad Seeds. También hay piezas más ligeras, al más fiel puro estilo Elton John como “Monkey Suit”, aunque mención a parte merece la incursión de Leon Russell en la composición con una balada de canción ligera, triste y emotiva como “I Should Have Sent Roses” que podría encajar de lleno en el repertorio de Carole King. Un disco espléndido de esos que se saborean con calma y cuyo tono crepuscular, algo tristón, pero pleno de savoir-faire te deja una marca ineludible. La marca del que ya está más cerca de su fin que de su principio, eso sí, sin perder ese halo de esperanza que nos hace saborear hasta el último de nuestros días. Don Disturbios

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MondoSonoro · Marzo 2011 /49/

GAF

“The Love Supreme Arkestra” Foehn Records

POP

1111

El segundo álbum en menos de un año de Gaf destapa sus influencias desde el mismo título, que hace referencia tanto al clásico de John Coltrane como a la famosa Sun Ra Arkestra. La banda liderada por Kurajica Mladen concentra algo la dispersión de su anterior obra, “Sociedad del bienestar”, en menos temas (seis frente a trece) y una secuenciación más fluida, ahondando en su ya característico rock psicodélico con notas de free jazz. El sonido es más sucio y áspero desde el tema que abre el disco, la garagera “Para el avión”, y se concreta en el pasaje central de distorsión eléctrica de “Shine”, columna vertebral del álbum con sus casi veinte minutos de duración. A lo largo del álbum la electrónica brilla sutilmente entre sonidos de saxo, guitarras eléctricas y la voz en bruto de Mladen, para desembocar en el delicado entramado de mística sonora con que se cierra el viaje, “Decata Na Suceto”, otro largo corte instrumental (más de diez minutos) que apuntala las extraordinarias capacidades de esta formación con base en Canarias. Jaime Menchén

GANG OF FOUR “Content”

Groenland/Pias

ROCK

114

La fiebre post-punk que llegó de la mano de los Radio 4, !!! y The Rapture hace ya casi un decenio devolvió a Gang Of Four a los escenarios en 2004. Desde entonces sus movimientos han sido sospechosos: abandono de dos de los miembros oficiales y lanzamiento del incomprensible “Return The Gift” en el que reinterpretaban sus temas clásicos para dejarlos prácticamente igual que estaban. Los antecedentes, pues, no invitan precisamente a la confianza. “Content” cuenta además con un handicap importante: llegar demasiado tarde a un revival que ha expoliado hasta dejarnos extenuados el legado de los grandes grupos de su generación, el suyo propio por encima de todo. ¡Qué ironía! Entonces demasiado avanzados para su tiempo, hoy lentos de reflejos para subirse al tren que debía llevarles a disfrutar (con todo merecimiento) de la fiesta en su honor. “Content” suena a Gang Of Four rindiéndose pleitesía a ellos mismos y, como si de una vieja profecía se tratase, no evitan la crueldad del destino y se convierten en víctimas de ese sistema consumista objeto de sus iras juveniles. Luis J. Menéndez

THE GET UP KIDS “There Are Rules” Quality Hill/Popstock!

ROCK

114

Los fans decepcionados son una de las alimañas más rabiosas que existen. Los críticos, una de las más carniceras. Así que imagínense cuando confluyen ambos en una misma persona, un servidor para ser exactos. ¿Qué ocurre en ese caso? Pues, sencillamente, que se acaba juzgando de manera más dura e injusta a una banda de lo que se debería, atendiendo a su repertorio. El día que The Get Up Kids decidieron que habían madurado y que ya no iban a ser los chicos

que firmaron “Something To Write Home About” o “Four Minute Mile” perdí a uno de mis grupos predilectos de finales de los noventa. Corrían los tiempos del emo auténtico, y hubo tanto jaleo alrededor –antes de la nueva hornada, con la que apenas hay puntos en común- que sus principales nombres huyeron de aquello como de la peste. Y claro, dieron pasos en falso que algunos aún lamentamos. Ahora, les tenemos de nuevo aquí y más inquietos y experimentales que nunca, explorando caminos diversos y buscando su camino, pero ya es tarde para que volvamos a vibrar con ellos como lo hicimos.

Y sabe mal porque firman algunas canciones que no están mal, pero tampoco tan bien para alejar la sensación de que cualquier tiempo pasado fue mejor. Joan S. Luna

vinilos

los tiki phantoms, unos muertos muy vivos

LA GOSSA SORDA “L’últim heretge” Maldito Records

SKA

1114

La dolçaina como instrumento dinamizador y enriquecedor del sonido ska. Este axioma lo tenían asimilado Obrint Pas desde sus inicios y los resultados para la banda valenciana han sido sobresalientes.

Por su parte, La Gossa Sorda llevan ya más de diez años intentando obtener sus propios réditos a partir de un planteamiento similar. En “L’últim heretge” los de Pego han canalizado todas sus influencias musicales (ska, punk, reggae, cançò popular valenciana, hardcore) hacia un sonido más duro del que nos tenían acostumbrados, obteniendo un resultado general brillante y acompañándolo de una actitud sincera y de unas letras que no dejan títere con cabeza: críticas directas pero sutiles a la Valencia faraónica, al moderneo de Barcelona, al imperialismo norteamericano, a la religión, al sistema, a los políticos...

Esta edición especial de Maldito Records incluye un DVD en el que cabría destacar la cercanía de “Les històries de la Gossa”, donde los miembros del grupo conversan alrededor de la mesa de un bar tomando unas cazallas. Pego, La comarca de La Marina, el País Valencià… ¡Cassalla Paradise!

Jordi Forés

Los Tiki Phantoms Foto Archivo

LOS TIKI PHANTOMS “Mueven el esqueleto” B-Core

INSTRUMENTAL

1114

Los reyes hawaianos del crimson ghost se descoyuntan en la cresta de la ola. En su tercer disco largo muestran un afán mas que notable por desentumecer los músculos para no quedarse fofos. Si en “Y El ejército de las calaveras” y “Regresan de la tumba” definían y desarrollaban sus constantes a la hora de rubricar instrumentales con denominación de origen -con permiso de Los Coronas o Imperial Surfers-, con “Mueven el esqueleto”

no se quedan mancos y meten la quinta directa. Estas quince canciones son la demostración de que estos discípulos aventajados de Link Wray y The Shadows saben liarla parda con intenciones netamente rockeras (“Bala de plata”, “Fuego“, “Sombras“, “Los jíbaros“), o espíritu manifiestamente punk (“Mar cel“, “Justicia”, “Tridente”). En “La cuerda floja” y en “La colonial” flirtean con las sonoridades latinas gracias a unos arreglos de acordeón, pero la tónica son los números bailables.

Esos que se incluyen en las juke-boxes e incitan a calzarse unos boogies. O mejor dicho, unos botines de neopreno con los que marcarse unas coreografías sobre la tabla. Miguel Ángel Sánchez Gárate

THE GO! TEAM

“Rolling Blackouts” Memphis Industries/Music As Usual

ERLAND & THE CARNIVAL

EXENE CERVENKA

FIREWIND

POP

Full Time Hobby

Bloodshot/Houston Party

Century Media

1114

En unas recientes declaraciones, Ian Parton aseguraba que podría ser que “Rolling Blackouts” fuera el último trabajo de The Go! Team. Su anuncio no debería sorprendernos. Con su tercer álbum, Parton cierra el círculo iniciado con el fascinante ejercicio de autosuficiencia que fue “Thunder, Lightning, Strike” (Memphis Industries, 05) y que desembocó en la explosión funk pop de “Proof Of Youth” (2007). En su segundo álbum, la fórmula de The Go! Team encontró la plenitud gracias a las andanadas de energía que aportaba el formato banda al ensamblaje musical concebido por Parton, pura mitomanía. Y si bien este tercer largo aporta ciertas novedades respecto a su antecesor -canciones más pop, cierto aire melancólico gracias a las voces de Bethany Cosentino, Angèle David-Guillou y Satomi Matsuzaki de Deerhoof-, en el fondo sigue unos patrones ya conocidos. Privados del factor sorpresa, The Go! Team resultan igualmente efectivos.

Si te gusta el pop y sobre todo si entiendes la música pop como algo más que solo música y solo pop, Parton, Ninja y compañía son tu milicia libertadora, nuestros muchachos, nuestros héroes... Pero, una vez vencida esta batalla, quizá sea el momento de afrontar otras luchas. Joan Cabot

“Nightingale” POP

1111

Ha pasado apenas un año desde la edición de su homónimo álbum de debut, una torrencial colección de canciones en la que mostraban sus intenciones: pop enrevesado en callejones oscuros, refinado y retorcido a partes iguales como los modales de un psicópata de novela. Tiene cierta lógica que un grupo en el que participaran Simon Tong (The Verve, Blur y The Good, The Bad & The Queen) y David Nock, colaborador de The Orb y The Cult y miembro de los Firemen de Paul McCartney, busque un sonido alejado del común denominador inglés. Al frente del proyecto, Gawain Erland Cooper, capaz de cantar sobre la más honda desesperación con cierto aire burlón y fantasmagórico. Obsesionados con lo macabro -la foto de portada documenta un supuesto caso de Poltergeist ocurrido en el norte de Londres a finales de los setenta- Erland & The Carnival son tanto un experimento en torno al folk británico y la novela gótica, como un grupo de pop con un encanto fuera de lo común, capaces de atraerte hacia una zona oscura en la que, lejos de formulismos, cada segundo es una sorpresa. Joan Cabot

“The Excitement Of Maybe” AMERICANA

111

Mitigada la furia esgrimida en los años dorados del punk angelino Exene Cervenka calza los zapatos de una madurez sabiamente asumida. Todo el ardor de “Los Angeles”, “More Fun In The New World” o “Wild Gift”, discos firmados con X, ha quedado soterrado en favor de un plácido sendero en cuyos márgenes florecen buganvillas y desaparecen los cactus. Al margen de su militancia en The Knitters, Auntie Christie y The Original Sinners, la carrera de Cervenka en solitario viene de varias décadas atrás. En “Old Wives Tales” (1989) ya demostraba que de los imperdibles y los pelos de colores a las guitarras slides, los banjos y los violines había una fina línea que su personal voz podía traspasar sin producir repudio alguno. Y es algo que ha demostrado a lo largo de otros cinco discos más en solitario.

Con su garganta algo más almibarada, y un timbre que no anda muy lejos del de Dolores O’Riordan, la diva de cincuenta y cuatro años pinta amaneceres de tonos pastel (“Alone In Arizona”), dibuja inmensas praderas (“Dirty Snow”) y erige montañas de genuino espíritu hillbilly (“I Wish It Would Stop Raining”).

Miguel Ángel Sánchez Gárate

“Days Of Defiance” METAL

111

Existía cierta expectación en el universo metálico por comprobar qué nos iban a ofrecer los griegos en su nuevo trabajo tras el regreso del guitarrista y creador de la banda, Gus G, después de ejercer de sustituto de Zakk Wylde en el último disco de Ozzy Osbourne, “Scream”. Bien: su vuelta ha sido como si el cambio de aires nunca hubiera sucedido.

“Days Of Defiance” prosigue la hoja de ruta que el grupo lleva manejando desde principios de la pasada década. Musculoso power metal de la vieja escuela, con composiciones centradas en estribillos épicos y largos solos, que mantienen viva la llama de los aficionados al género. Gus G vuelve a demostrar el porqué de formar parte de la escueta lista de elegidos que han escudado a Ozzy. Sus riffs y solos acaparan gran parte del interés en este sexto disco de la banda y su facilidad para dar con la creación de himnos metálicos de la talla de “World On Fire”, “Chariot” o “Heading For The Dawn” hace pensar que si su llegada a la banda de Ozzy hubiera sido algo anterior, a tiempo para la labor compositiva, el resultado de “Scream” hubiese sido bastante más aprovechable. Robert Aniento

MondoSonoro · Marzo 2011 /51/

GRUFF RHYS

“Hotel Shampoo” Turnstile/Pias

POP

1114

¿Es la incontinencia un don o un defecto?

Gruff Rhys no ha dejado ni un cajón sin abrir, ha probado todos los pasteles de la tienda y se ha acostado al menos una vez con todas las chicas del lupanar pop. Solo o en compañía de Super Furry Animals, Boom Bip o más recientemente el brasileño Tony Da Gatorra, el galés acumula a estas alturas una impresionante colección de tanteos, irrefrenable en sus inquietudes, que le hacen saltar de la psicodelia al electro-pop, del folk intimista a la experimentación bárbara. Lo mejor de Rhys, es que siempre vale la pena escuchar sus discos -la de SFA es una de las discografías más consistentes del pop británico de la última década y media-. Nadie espera que cambie el curso de la historia, pero como álbum es impecable, entretenido y exquisito en sus modos retro. A veces se olvida, pero la música pop también debe ser divertida y no necesariamente trascendental. En ocasiones basta solo con que te haga pasar un buen rato y que te olvides de todo lo demás y Rhys sabe cómo va esto: ha probado todos los pasteles, ha revisado todos los cajones, se ha trincado a todas las putas y robado champú en los hoteles de medio mundo.

Gruff es nuestro hombre. Joan Cabot

HA HA TONKA

“Death Of A Decade” Bloodshot/Houston Party

AMERICANA

1111

¿Serán Ha Ha Tonka las próximas rockstars inmortalizadas de forma animada en algún capítulo de “The Simpsons”? A buen seguro que no desentonarían para nada con un entrañable recital en la Taberna de Moe. No obstante, la poderosa alquimia que generaba el cuarteto de Springfield en sus cuatro álbumes previos tiene su gozosa prolongación en estas once estimulantes canciones. Camisas de leñador. El regusto silvestre de las montañas de Ozark. La impostura de un college rock bastardo que no elude escarbar en las raíces sin temor a ser tildados de herejes. Y algo así como mezclar en una petaca de bourbon a Counting Crows con Meat Puppets y Soul Asylum; amén de añadir un lingotazo extra de un Bruce Springsteen abducido totalmente por las bondades de Bill Monroe. Rotundas canciones como “Usual Suspects”, “Lonely Fortunes”, “Problem Solver” o “No Great Harm”, con una vena confesional y un aroma a fuego de campamento, nos enseñan que el camino de la americana encierra aún numerosas bifurcaciones.

Miguel Ángel Sánchez Gárate

HERCULES AND LOVE AFFAIR “Blue Songs”

Moshi Moshi/Music As Usual

ELECTRÓNICA

11

En esa caprichosa garganta profunda en la que la música disco, el house y la electrónica se comen la boca es donde se sitúa este “Blue Songs”. Lejos de esperar encontrar una joya como aquel “Blind” -que los elevó al olimpo del nu-disco en 2008- la mayoría de los temas que componen este nuevo trabajo están tan cerca en conteni-

dos y continentes a los noventeros sones de Snap!, Technotronic y Londonbeat que, hasta la voz abisal de Aerea Negrot -su actual vocalista titular- parece que va mutando para terminar siendo reclamada por la propia Grace Jones. El caso es que con “Painted Eyes” o “My House” intentarán dinamitar las pistas de baile más pintonas con un resultado solamente regulero; al menos cuando se escucha enlatado. En definitiva, este segundo disco deja claro que los más modernos de la modernez imperante siguen pensando que es un buen momento para la música disco y que a partir de ahora ya nadie los confundirá más con Scissor Sisters: ni por bmp’s, ni por divertidos, ni nada. Ánimo pandilla, siempre os quedará esperar una nueva llamada de Lady Gaga. Fernando Fuentes

vinilos

el mejor trabajo de destroyer

JOE CREPÚSCULO “Nuevo ritmo” Canadá

POP

114

El título del cuarto disco de Joe Crepúsculo es ya lo suficientemente explícito para darnos a entender que han sucedido unas cuantas cosas. La principal es que el artista barcelonés abre una nueva etapa de la mano de la productora de clips (ahora también discográfica) Canadá, en la que espera que las buenas críticas se vean también recompensadas con un reconocimiento a nivel de popularidad. El primer paso a seguir consiste en editar este atípico disco, en el que se realiza una relectura de temas ya grabados con anterioridad en sus dos primeros discos, más cuatro inéditos. Unas canciones en las que Crepúsculo demuestra ir un paso más allá a su sonido ochentero descacharrado, para dar rienda suelta a sonoridades latinas. Un nuevo ritmo que contagia sus atípicas letras de estribillos pegadizos con el color de la cumbia (“Tus cosas buenas”), la bossa (“El día de las medusas”), la presencia de vientos y acordeón en “Atardecer” o el aire festivo verbenero de “El fuego de la noche”.

Una apertura a ritmos de allende los mares, que se suma a su forma de encarar la canción ligera hispana, y que debería aprovechar con celeridad. Debería regalarnos muy pronto nuevas canciones que calmen nuestra ansia de una forma que “Nuevo ritmo” no logra del todo. Don Disturbios

JESSICA LEA MAYFIELD “Tell Me” Nonesuch

FOLK-POP

1114 Segundo trabajo de esta cantautora de Ohio producido con mano dura, al igual que el primero, por la cabeza pensante de The Black Keys, Dan Auerbach. Un hecho que debería ser suficiente para prestarle atención, y una atenta escucha, al trabajo de esta joven de veintiún años. No te decepcionará. Comparada por la prensa extranjera con Cat Power o incluso Neko Case, a mí se me antoja mucho más próxima en lo musical a Laura Veirs, además de compartir con ella un imagen de mosquita muerta, muy alejada del sex appeal decadente de Chan Marshall o incluso de la pelirroja de Virginia. Pero eso es lo menos.

Lo realmente importante son las once canciones de indie-folk decadente y crudo con la que nos ha regalado de nuevo, y la somera pero precisa sonoridad de un disco que se cuela por el patio trasero, pero se instala. Y lo hace gracias a canciones como “Blue Skies Again” cuya sensatez compositiva resultona y pegadiza te atrapa, o también por la ausencia de prejuicios en el ritmo tontorrón del Casiotone de “Grown Man”, cuya inmediatez te enamora. Si a eso le añades que en general la lírica contenga una más que evidente carga sexual tempestuosa, pues habrá que tenerla en cuenta. Don Disturbios

Destroyer Foto Archivo

DESTROYER “Kaputt”

Merge Records

POP

11114

La primera vez que oí hablar de Dan Bejar, alma mater de Destroyer, fue al descubrir su participación en el gigante “Mass Romantic” de The New Pornographers.

Corría el año 2000, y tras hacerlo me propuse rastrear en qué más historias andaba metido este inquieto músico canadiense. Lógicamente no tardé en toparme con Destroyer. La primera referencia que pude disfrutar del grupo fue “Streethawk: A Seduction” (2001), y allí empezó el idilio. Un idilio que se ha prolongado más

LCD SOUNDSYSTEM

THE LILIES

EMI

Coop/Music As Usual

MARCUS DOO & THE SECRET FAMILY

“We Are The Lilies”

“London Sessions” ROCK

de una década y que sale reforzado con este increíble “Kaputt”. Y es que Bejar, que ha ido puliendo su fórmula con el paso de los años, dejando de lado poco a poco su inspiración en la galaxia glam de David Bowie, Marc Bolan y Steve Harley, para abrazar el pop más exquisito de los ochenta, entrega con su nuevo disco la mejor colección de canciones de toda su carrera. Y eso son palabras mayores. Los nueve cortes que forman “Kaputt” reinventan y dan nueva vida al savoir faire y a las enseñanzas de Paddy McAloon, Lindsey Buckingham y Bryan Ferry, entre otros. Y es que es solo escuchar los saxos de “Song For America” y ponerse a salivar. La clase y el charme, señores, ha vuelto al pop.

Xavi Sánchez Pons

1114

Seguramente casi todos coincidimos en que, por lo general, los álbumes en directo no suelen tener demasiado sentido. Más allá de las obras emblemáticas del rock de los setenta, apenas nadie citaría un disco grabado en concierto entre sus favoritos.

“London Sessions” no supondrá una excepción, pero puedo asegurarles que su publicación tiene mucho sentido. Y no precisamente el que lo generó (grabación a pelo en los estudios londinenses Pool/Miloco con la intención de facilitar material a distintas emisoras), sino como testimonio de que una cosa es James Murphy en estudio y otra bien distinta la espontánea combustión del capo de DFA junto a su banda cuando toman un escenario. Aquí LCD Soundsystem suenan a rock, vibrantes en todo momento y funcionando como una eficaz máquina rítmica, aunque el sonido no alcance las cotas de brutalidad de sus actuaciones en sala.

Lástima que debamos contentarnos con solamente nueve cortes y que no se incluya su siempre abrasiva “Yeah” –aunque bien pensado, mejor que permanezca como una experiencia a vivir con el grupo enfrente-.

Joan S. Luna

POP

“The Magpie Returned The Ring” 1114

Escuchando “We Are The Lilies” uno tiene la extraña sensación de estar asistiendo a un extraño musical ambientado en una isla tropical: la historia de dos músicos con talento, uno francés y otro brasileño, que aprovechan la puesta de sol para hablar de la vida y tocarse unas canciones sin más pretensión que pasar un buen rato junto a la hoguera. The Lilies son David Sztanke (Tahiti Boy) y Jorge Dias, dos tipos unidos por un particular sentido de la iconoclastia que decidieron trabajar juntos después de que el primero escribiera un correo electrónico al último. Al frente de Os Mutantes, Dias fue uno de los personajes más inquietos e influyentes de la Tropicalia, así que no es nada extraño que el parisino, sintiera el impulso de trabajar con él.

Por alguna razón, el rebosante talento de Tahiti Boy parece funcionar mejor cuando tiene alguien al lado que le contenga, aunque parezca extraño hablar de contención aquí: esto es una fiesta, a la que se unen fugazmente Iggy Pop y Jane Birkin; una con cocoteros, daikiris y cosas por las que brindar hasta acabar cantándole a la luna.

Joan Cabot

Lola Bourne

FOLK

1114

El debut en largo de Marcus Doo & The Secret Family provoca una sensación agridulce.

Su folk, más deudor de Damien Rice que de Bon Iver, funciona bien en “Ephemeral”, en “Remind Me” y especialmente en “1919”, en las que el juego de voces de Marcus y Rocío se apoya en una instrumentación sencilla y precisa. De igual modo, la explosión emocional (e instrumental) de “Secret Family” y “Solipism” fluye sin sorpresas pero con eficacia, lo mismo que “Made To Measure”, el tema más alegre del álbum, cuya ejecución musical podría haber firmado Hola A Todo El Mundo. En canciones como estas se ponen de manifiesto las virtudes de una banda que ha conseguido una creciente atención mediática (no en vano el pasado mes formaron parte de las Fiestas Demoscópicas de esta publicación). Sin embargo, el conjunto del disco presenta cierta tendencia a la reiteración (“Drove All Night”, “We Could Go Out”, “Fallen Angel”) y algunos desajustes (chirría especialmente el drone en “The Lion”, más una declaración de intenciones que un elemento integrado en la canción). En crecimiento. Jaime Menchen

vinilos /52/ Marzo 2011 · MondoSonoro

SHO HAI, UN VIOLADOR EN SOLITARIO NISTAL

“Al norte de aquí” PopUp Música/Astro

POP

111

Tras dos largos publicados, la etapa de lobo solitario de Ricardo Nistal ya no es otra cosa que un recuerdo y ahora llega al tercero rodeado de nuevo por una eficiente banda y numerosas e interesantes colaboraciones, firmando un trabajo con abundantes referencias folk. No hay más que escuchar la canción que da título al álbum, “Al norte de aquí” (corte con aparición especial del ex-Manta Ray Xabel Vegas).

Aun bien acompañado en todo momento (Templeton, Leo de Nudozurdo, el Lovely Luna Félix Arias…), el asturiano afincado en la capital no esquiva las historias unipersonales de carácter abrumador (“Dejadme solo”) e incluso en ocasiones echa mano a la melancolía a la hora de mirar atrás (“Dulces 80’s”). “Al norte de aquí” puede considerarse el grito de Nistal reclamando mayor atención (y bien merecida) y una importante papeleta para meterse de lleno en la liga de bandas nacionales veteranas del género como, por ejemplo, Niños Mutantes. Jacobo Álvarez

Sho Hai Foto Archivo

SHO HAI

“Doble Vida” Rap Solo/BOA

RAP

11114

“Hate es el RAP”. Partiendo de ese frase y tomando como referencia que Sho Hai es un Violador del Verso, podría firmar esta crítica y quedarme tan ancho tras cascarle un montón de estrellas al debut en solitario de Sergio Rodríguez. Pero vaya, defendamos lo de sobra ya armado. De sobra porque en este disco encontramos a RdRumba, al resto de Violadores y a un sublime Xhelazz. Encontramos guiños a Beck, a Slipknot, a The Beach Boys, a Cloaka, y la particular visión

MIND SPIDERS

NARCÍS PERICH I LA CARAVANA DE LA BONA SORT

“Mind Spiders”

“L’arbre amb fruits”

Dirtnap Records

ROCK

que de “Sólo son vidas” y “Hamor se escribe con H” muestra Sho Hai. Por si fuera poco y para borrarles la mueca de satisfacción a los detractores de la Doble V, “La cúpula” deja claro, junto a sus hermanos, la larga vida que les queda a los zaragozanos como crew inseparable. Humor, sorna, bolinguismo, mala leche y versos impagables sobre el asco de vivir, la necesidad de amar mientras se vive, las mentiras y mitos católicos y la necesidad de creerse de verdad persona para no ofrecer un patético espectáculo. Sho Hai se muestra en este disco grande como un oso, Rumba disfruta acompañando a semejante plantígrado y quien firma no puede sino tatuarse en el pecho que Hate es el RAP. Rafa Angulo

111

Es la hora de la confirmación para la nueva distracción de Mark Ryan de The Marked Men después de ese siete pulgadas con el que hizo debutar el año pasado a su nueva cuadrilla. Su mano se nota en esos pildorazos adictivos de garaje-punk más beat con destellos a lo new wave y melodía power pop. Directos y sucios, deja claro que lo tienen todo para liarla gorda, abriendo fuego con “Go!”, su grito de que van a por todas, seguido del otro mazazo del disco, “Don’t Let Her Go”, que no esconde el homenaje a Jay Reatard que es este disco. Uno de esos álbumes instantáneos más creíbles que muchos de los que en estos últimos tiempos se aprovechan del momento que revive el gamberrismo lo-fi. Sus maneras nos impulsan a fotografiarles como colegas, entre los que se encuentra gente que milita en otros grupos como High Tension Wires, Bad Sports o Uptown Burns, que se juntan en la cochera de los padres de uno de ellos para sacar de sopetón esbozos inmediatos con la destreza que en pocos segundos ya se han convertido en canciones que son como inyecciones en vena, arrebatos de eterna juventud.

Celestí Oliver

“Strategies Against Architecture IV” Mute/Pias

PICAP

FOLK

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN

111

Escenas de spaghetti western, sonido country, Motown, soul, blues, folk: un aire muy americano para un tipo del Maresme.

Un disco impregnado de largas carreteras, de largos viajes… ninguna de esas carreteras pertenece al lejano oeste, son todas catalanas, con alguna que otra curva y algún peaje. Durante este camino, entre bolo y bolo, han cocido este “L’arbre amb fruits”, enérgico, melancólico, cercano. Canciones ya rodadas en directo que han sido grabadas con una post producción mínima y con casi todas sus capas en una misma pista, muchos podrían pensar: un pecado en los días que corren. Todo lo contrario, Narcís Perich i la Caravana de la Bona Sort se defienden a la perfección juntos y al desnudo, sin mayores artificios. Fueron más de una docena, ahora, con una formación menor, se han estabilizado y esto ha favorecido al conjunto, logrando un disco rico en coros y letras, firmadas todas por Narcís Perich, cabeza visible del proyecto y el piloto de una caravana en marcha y con muy buen rumbo. Yeray S. Iborra

EXPERIMENTAL

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Cuarta entrega de los “Strategies Against Architecture”, esa serie de recopilatorios que echa la vista atrás al legado de Einstürzende Neubauten y que en esta ocasión documenta el periodo 2002-2010, en el que la banda berlinesa publicó los álbumes “Perpetuum Mobile” y “Alles Wieder Offen”.

Pero sobre todo este ha sido el tiempo -tal y como se documenta en las notas interioresen que Blixa Bargeld y sus muchachos se replantearon el modo en que debían hacer llegar su música a su audiencia. La definitiva eclosión de Internet y la finalización del contrato con Mute radicalizó su postura en lo artístico y en lo comercial, y les empujó a tomar una decisión: disolverse definitivamente o emplearse en la búsqueda de nuevos modelos sonoros pero también de negocio.

Afortunadamente optaron por la segunda opción y en consecuencia se lanzaron a la construcción de su propio estudio, condicionando el proceso creativo a la interacción con sus fans, que se convirtieron a la vez en mecenas y lazarillos de esta nueva aventura, que ha extremado el discurso post-industrial de una banda siempre libertaria, irreductible.

Luis J. Menéndez

EL PAYO MALO

“Suelto la pala y cojo el boli” Likor Café/Soulful

RAP

1111

Mucho han cambiado las cosas desde que El Payo Malo publicó “Equilibrio” (Avoid, 03). Tras siete años en silencio, José Antonio Abril suelta la pala y coje el boli, literalmente, y entrega un trabajo que prueba una vez más que la madurez le ha sentado realmente bien a muchos de los integrantes de su generación. Producido en su mayor parte por El Puto Coke, y con WooDooh, Quiroga, Gran Pueblo y Woyza acompañándolo, “Suelto la pala y cojo el boli” muestra a un MC con los pies pegados al suelo que ha optado por buscar algo que decir en lugar de los ganchos fáciles, y lo hace con la melancolía atravesando sus versos, como si en estos siete años se le hubiese endurecido la piel. Canciones como “Musas” o “Exite un mundo mejor” son un buen ejemplo de la clase de canciones que te salen más por necesidad que por llenar un folio en blanco.

“No estaba muerto”, rumbera e insolente, abre el disco dando palmas, pero el nuevo álbum de El Payo Malo no es tanto una fiesta de bienvenida a casa como el encuentro inesperado con un viejo amigo que aprovecha para ponerte al día de sus alegrías y penas durante el largo tiempo en que no os habéis visto. Joan Cabot

PLASTIKMAN

“Arkives (1993-2010)” Minus

ELECTRÓNICA

11111

Que Richie Hawtin revolucionó la electrónica de los noventa con su trabajo como Plastikman es un hecho incontestable, tanto como para que ahora cierre un prolongado primer capítulo de diecisiete años con una enciclopédica colección de su material desde 1993.

Tiempo después, sorprende comprobar la vigencia del primerizo “Sheet One”, con temas como “Koma” o “Plasticity” que continúan siendo clásicos entre los clásicos. Lo

mismo puede decirse de “Musik” o “Consumed” y, en menor medida, de “Recycled Plastik” y “Artifakts”, hasta llegar al inmenso, tribal y claustrofóbico “Closer” (03), una de las cimas absolutas del minimal techno. Esto ya bastaría para hacer de “Arkives” un recopilatorio de enorme valor, agrandado aún más por la apabullante presencia de extra, desde remixes para otros artistas a rarezas difíciles de encontrar o el último single de Plastikman (“Slinky”), aunque es en el compacto de “Replikants” donde encontramos lo más valioso de esta parte del lote: Vince Clarke, Flood, Chris & Cosey, Danilo Vigorito, Dubfire o Moby, entre una extensa nómina de participantes, reconstruyen el material de Hawtin. Todo ello en cuatro formatos diferentes (“Analog”, “Digital”, “Reference” y “Komplete”), siempre en edición limitada y bajo pedido. Descubrir (y redescubrir) este catálogo se revela como una tarea apasionante. Enrique Peñas

POL AND SONORA

“The Lottery Song” Rival

FOLK

111

Veintitrés minutos solamente es lo que dura el debut de este barcelonés, para más datos, primerísimo guitarra de Aina.

Un baluarte que, a base de canciones cálidas y pausadas, cantadas tanto en inglés como francés y ejecutadas de manera espartana, nos remiten fundamentalmente al folk americano y a ciertas propuestas del nuevo pop francés. Ya sea rescatando las voces impostadas de Scott Walter, rememorando la tersa simplicidad de Nick Drake o recreando la sedosa austeridad de Dominique A -entre otras referencias-, sus composiciones se configuran, reconfortantes, a partir de una voz y guitarra siempre en primer plano y adornadas con unos arreglos mínimos, bastante bien puestos, por cierto.

Incluso si se trata de la acaramelada relectura del “Little Lies” de Fleetwood Mac, algo innecesaria pero no por ello menos interesante, el grueso de este material, brillando con un impecable sonido a cargo de Santi Garcia, pese a revelarse algo escaso, es de los que invitan a regodearse en su austera dulzura. Un nuevo valor que habrá que seguir. Francesc Feliu

POOMSE

“Tomorow Will Come & It Will Be Fine” Foehn Records

ROCK

1114

No es casualidad que uno remueva en su pasado y le dé por revisar “Loss Leader” de Codeine. Aquello le removió por dentro y en parte le hizo tal y como es. El slowcore de los autores de aquel “The White Birch” (1994), de Come o los primeros Low han marcado al mallorquín Llorenç Rosselló y cierto trasfondo, cierto alo de la desolación de aquellos noventa, hay en este debut. La parsimonia de la inicial “No Tomorrow” no lo puede esconder, incluso en el tono grave y fantasmagórico de su voz. Pero la cosa no va por aquí porque este sobre todo es un trabajo de trazo pop y folk que podría ensamblar también con las tristezas a la guitarra de Red House Painters o Dakota Suite.

Y la belleza clásica de “The Lost Years” y “Anhedonia” son el mejor ejemplo de cada.

Un trabajo que cuida los arreglos de forma delicada y por los que Foehn se enamoró vía myspace y acabó tirando el lazo a un autor prolífico que ya tiene la continuación con “Star EP”, que se puede descargar gratis desde su bandcamp y en el que sigue trabajando en arreglos, incluso de viento, y capas de instrumentos mucho más complejas. Celestí Oliver

MondoSonoro · Marzo 2011 /53/

PURO INSTINCT

“Headbangers In Ecstacy” Mexican Summer

POP

1111

Hace unas semanas, bromeaba a costa del debut de Puro Instinct afirmando que cada vez que sonaba en alguna parte del mundo, a Blonde Redhead, más que pitarles, les estallaban los oídos. Estaba siendo un poco malo, lo sé, pero es que a ratos las californianas me parecían una versión teenager de Kazu Makino y cía. Ahora bien, escuchando el disco con calma, uno descubre que “Headbangers In Ecstacy” es un señor debut con una amplia gama de matices. De hecho, si las jovencísimas Piper y Skylar Kaplan, núcleo duro del grupo, hubieran editado el disco en 1981, les estaría hablando de uno de esos grandes discos de nueva ola inclasificables pero llenos de frescura y grandes canciones. La Siouxsie más pop de “Hong Kong Garden”, las The Go-Go’s de “Beauty And The Beat”, o los Blondie de “Autoamerican”, entre otros, servirían como referentes. Pero la personal revisión de la new wave que llevan a cabo estas dos hermanas se enriquece gracias a una colaboración sonada (son las protegidas de Ariel Pink, que presta su ayuda en “Stilyagi” y “Slivers Of You”) y al desparpajo y falta de prejuicios -musicales- propias de su corta edad. Xavi Sánchez Pons

RAYDIBAUM

“Per fi potser demà” RGB

POP

1114

Siempre hay un disco en una banda al que hay que considerar como el del inicio de su madurez. Y en el caso de Raydibaum, no hay duda que éste es “Per fi potser demà”. Un álbum al que, a diferencia de sus otros dos largos y ese estimulante primer Ep, habría que calificar como el menos inmediato de su carrera, recogiendo perfectamente todos los rasgos característicos de lo que hasta ahora han sido sus credenciales, aunque ahora éstos vengan amasados de manera menos urgente y efusiva. Con esto queremos decir que ésta es una obra de esas que hay que degustar y no deglutir, ya que su capacidad para emocionar no es instantánea, pues pocos hits claros vamos a encontrar aquí, sino que más bien consiste en dejarse llevar ante el torrente cualitativo que el quinteto destila pausadamente. Un buen puñado de melodías pop, más melancólicas y cálidas que antaño, encaradas a estimular a nuestras emociones mediante una firma cada vez más reconocible. El trabajo que debería hacerles subir de división. Francesc Feliu

SEEFEEL “Seefeel” Warp/Pias

ELECTRÓNICA

114

Niños mimados de la prensa británica, estandartes de la primera revolución postrock -aquella cuyas coordenadas sonoras resultaban menos concretas- Seefeel arrancaron su carrera como afectos al shoegaze y le pusieron punto y final marcándole los pasos a la generación que nació del “Artificial Intelligence”. Y de la indefinición que generó el paso de un estadio al otro surgió lo más valioso de su producción musical: una banda de

guitarras vaporosas que funcionaba en lo rítmico como el mecanismo de un reloj (digital). A Mark Clifford terminó de írsele la olla con la fiebre electrónica, montó Disjecta y Seefeel dejó de tener razón de ser.

Hasta una reciente reunión que en realidad enfrentaba a dos miembros originales, Clifford y Sarah Peacock, con DJ Scotch Egg y el batería de Boredoms, cuya aportación parece más bien anecdótica. Porque si bien el nombre del DJ nipón aparece acreditado como coautor de buena parte de los temas, el sonido de Seefeel apenas ha cambiado con el paso de los años, aún abstracto, aferrados a un bucle infinito (o casi) que en su momento interpretamos como el principio de algo grande y que hoy resuena como eco de un pasado que fue mejor. Luis J. Menéndez

vinilos

La selección Jäger:

sonidos pantanosos

SHACKLETON “Fabric 55” Fabric/Pias

ELECTRÓNICA

1111

Con dos bemoles -damos fe de que los tiene- el británico Shackleton se pasa por el arco del triunfo material ajeno y para el mix, que acaba de seleccionar y facturar para el flamante “Fabric 55”, solo utiliza temas propios. Lo cierto es que este directo enlatado -aquí no hay lugar para trucos, está grabado en directo en la misma sala londinense- contiene un bizarro, proceloso y exuberante universo sonoro tan exquisito, dark y exótico a veces, como difícil de digerir siempre. El caso es que el actual dueño y señor de la emoción técnica más turbia y pesadillesca no engaña a nadie y expone, en carne viva, su enorme y avanzadísimo discurso musical parido con máquinas o lo que es lo mismo, la cuarta dimensión de lo que los más listos de la clase han venido a llamar dub-tech. El resultado final es, como en las grandes ocasiones, totalmente extremo: o te engancha al primer golpe de beat o va directamente al fondo del baúl de los recuerdos sonoros.

En cualquier caso se trata de un disco apasionante, para los profanos sensibles con aspiraciones, y un live solo aseadito para los fieles adoradores del cadavérico artista.

Fernando Fuentes

THE SOFT MOON “The Soft Moon” Captured Tracks

ELECTRÓNICA

111

“Parallels” o “Breathe The Fire” anticiparon esa patología que tiene Luis Vasquez por el after punk y la dark wave más siniestros y aterradores, con líneas de bajo poderosas y machaconas. Pero, sin embargo, no preveíamos tanta monotonía final en su conjunto. Y así resulta el debut largo de este proyecto unipersonal salido de las entrañas del desierto de Mojave y que es uno de los misterios envolventes de Captured Tracks, ya solo sea por su precioso artwork. Un género más que repastado, con miles de reproducciones sobrantes y cansinas que aquí acaba siendo pasto de otro ganado. No se trata de un revivalismo al uso sino que es mucho más opresivo que lo oído habitualmente. Cajas de ritmo y sintetizadores repetitivos y obsesivos y melodías gélidas y tétricas con murmurios y voces susurrantes que encierran atmósferas claustrofóbicas. Deudor del cuerpo que Peter Hook daba al bajo, aquí también hay algo más que guitarras a lo Sisters Of Mercy o Bauhaus. Y por extensión –y concretando más- Tones On Tail. Muy esquizoide y primario como bien muestra “Primal Eyes”. Hay, incluso, restos de industrial y EBM. A tanto estado febril el único sedante es “When It’s Over”. Lo suyo es fantasmagórico y aullador.

Celestí Oliver

Guadalupe Plata Foto Archivo

GUADALUPE PLATA “Guadalupe Plata” Folc Records

ROCK

1111

Cuando muchos grupos no saben aún por qué camino tirar (más por miedo que por indecisión) Guadalupe Plata son uno de esos exponentes que aúnan iniciativa y calidad. Los de Úbeda lanzan a quien quiera escucharles su segunda referencia tras el diez pulgadas, en formato vinilo y descarga gratuita y destinada a ser la que les sitúe en un punto de no retorno. Efectivamente, ahora su blues pantanoso y de azada y sus lamentos ebrios ganan entidad y pierden el factor sorpresa, pero Guadalupe Plata siguen siendo ese sudor que cae fruto de la pasión y la vio-

lencia, o de las dos cosas a la vez quizá, ganándose el respeto ajeno siendo firmes pero sin maltratar, la fórmula contemporánea. Y lo más importante y concreto, continúan hipnotizando como malditos en “Como una serpiente”, “Rai” o “Boogie de la muerte”, candidatas a favoritas desde la primera escucha de un disco grabado en distintos puntos de la Andalucía indómita que retrata a un grupo crudo, rasposo y vibrante, cuyo futuro desconocemos pero cuyo presente los sitúa sin duda en un lugar sobre el que mirar desde arriba un panorama que adolece del sudor que les sobra a los jiennenses.

Ignacio Pato L.

vinilos /54/ Marzo 2011 · MondoSonoro

el columpio asesino, con paso firme

E.C.A. Foto Peio Izcue

El Columpio Asesino “Diamantes”

Mushroom Pillow

ROCK

11114

Sin apenas darnos cuenta, el panorama musical nacional ha visto cómo una serie de bandas carga tintas e intoxica el paisaje con una propuesta que maneja referentes diversos -del noise de The Jesus & Mary Chain, al afterpunk, el kraut y lo velvetiano- y comparte un público muy concreto, esa cuota de pantalla para la que el rock aún se mueve en el filo de la navaja. Hablo de Triángulo De Amor Bizarro, Pony Bravo o Nudozurdo, pero, por encima de todos ellos, ejerciendo ya cierta labor de padrinazgo -la veteranía es un grado-, de El Columpio Asesino. Aunque lo esencial de la propuesta de los hermanos Arizaleta quedaba más que claro en su ya lejano debut de 2003, cre que no alcanzaron la plenitud de sus facultades hasta “La gallina”, un trabajo sobresaliente y ajeno a cualquier tipo de tendencia que me llevó a pensar si a partir de

TORO ET MOI

aquel momento no estaría ya todo dicho. La respuesta ha tardado tres años en llegar, con la aparición de este “Diamantes” que les une a una discográfica que se está especializando en cobijar carreras largas y ejemplares. De un primer vistazo “Diamantes” confirma su amor por el clasicismo tanto por su duración como por la elección de la preciosa “The Endless Plain Of Fortune” de John Cale, reconvertida para la ocasión en “Cisne de cristal”. ¿Se han domesticado? Podría parecerlo tras una escucha superficial en la que sobresaldría su producción, más limpia que nunca. Pero no nos llamemos a engaño. “Toro”, primer single, es la canción que mejor define hasta la fecha el inconfundible y malsano discurso de la banda: ritmos kraut, ecos a Suicide, guitarrazos desquiciados de la escuela Joey Santiago, speed, mucho speed, y Berlín todavía hoy como icono de lo decadente y lo noctámbulo. Y es que la noche, una noche interminable y devoradora, es más que nunca el escenario en el que se desarrolla el universo romántico de E.C.A. en lo lírico y también en lo sonoro. Un universo que nos pertenece a muchos pero que nadie como ellos sabe reflejar en forma de canciones. ■ Luis J. Menéndez

VV. AA.

ÚRSULA

“Underneath The Pine”

“Supernanas.org vol. 2”

“Hasta que la soledad nos separe”

Carpark/Green Ufos

Ediciones Pae

Foehn Records

POP

1111

Chazwick Bundick ha vuelto mucho más adictivo e infeccioso que en su debut “Causers Of This” de ahora hace justo un año. Su synth-pop voluptuoso y veraniego, puntualmente algo estéril entonces, se encuentra ahora con pies y alma de lleno en la pista de baile de un disco-funk setentero más sideral y acuoso. Ha sabido sacar buen provecho de la herencia del space disco con unas líneas de bajo latentes que marcan el pulso y cargan de cuerpo todo el minutaje de un disco que se va desarrollando con sensualidad y flotando en algodones.

Hay buena muestra, desde el sonido más a la vieja escuela de “New Beat” hasta el space disco de “Light Black”. Si “Go with You” ya es un holograma de aquellos veranos de sensaciones a flor de piel, más excitantes y volátiles son “Still Sound” y “Elise”, los dos refrescos para conquistar a cualquier indeciso. Un trabajo más negroide pero también mucho más luminoso, por ejemplo “Got Blinded”, en el que se asoman las melodías vocales pop a lo Brian Wilson -hoy en día tan imperantes- sobre todo en “How I Know” o la citada “Elise”. Y en “Before I’m Done” se cuela la misma luz enrarecida que Air proyectaron en aquellas atrevidas vírgenes suicidas. Retro, también en esos sintetizadores progresivos que en el pop han dado grupos como Stereolab. Muy buen disco. Celestí Oliver

POP

1114

Segunda entrega del proyecto solidario en el que diversos autores de la escena alternativa estatal reinterpretan el concepto de nana. Persiguiendo el mismo objetivo –recaudar fondos para la ONG TheLoveComes, dedicada a la protección y fomento de valores solidarios en la infancia-, este segundo volumen vuelve a ser una infalible banda sonora nocturna para todos aquellos padres veinte y treintañeros que han crecido en un universo de cultura independiente y que quieren trasladar el modelo desde un buen principio a sus recién estrenados retoños. Estirando el argumento, podría servir como complemento musical a la lectura de los cómics de Bill Willingham o el visionado de los filmes de animación de Tim Burton. Las catorce composiciones, todas ellas creadas para la ocasión, retratan la fina sensibilidad de nuestros artistas a la hora de acometer una tarea tan motivadora como arriesgada. No es difícil caer en la cursilería, pero la mayoría de las canciones triunfan en su acometida. Desde las desacomplejadas “Es muy tarde” de Coque Malla o “Nana de los peces muertos” de Bunbury hasta los ribetes indie de First Aid Kit en “Dirty Flea” o en “Dolços somnis” de Pastora, pasando por la sobresaliente “Una vaca amb un vedellet en braços”, de El Petit de Cal Eril.

Robert Aniento

AMBIENT

1111

Paso a paso David Cordero ha ido dejando atrás, y ya quedan lejos, aquellos inicios pop de fondo ambiental y versado que tenían temas como “El principio de mi posible fin” que junto a Balago con piezas como “ADF” cimentaban por entonces la incipiente orientación experimental y abstracta de Foehn. Un sello que ahora, once años después y visto en perspectiva, transita por terrenos más pop cuando, por el contrario, sus dos firmes apuestas iniciales han acabado definiendo su camino por un abstractismo dominado por el ambient y el neoclasicismo. Mención paralela y conjunta más que merecida porque, aparte de ser como gemelos de un mismo progenitor, muy tímidamente y siempre a su aire se han ido haciendo grandes. En un mismo año “Extractes d’un diari” es el mejor conjunto de extractos ambient que se haya escrito jamás en nuestro país y éste “Hasta que la soledad nos separe” comparte también ese puesto, como buenos hermanos que son. Y no solo esto, son capaces de arrebatar el lugar que ocupan referentes internacionales del género como Stars Of The Lid o Gas. Y pueden por derecho propio aunque especies así surjan en Cataluña o Andalucía y este curioso país aún no lo tenga ni asimilado ni se enorgullezca. Y ellos... siguen su propia orientación.

Celestí Oliver

mondorecomienda

/56/ Marzo 2011 · MondoSonoro

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELÍCULAS ★ CLIPS ★ documentales

libros

“Secuestrados” Foto Archivo

cine

El apocalipsis de los trabajadores Valter Hugo Mae Alpha Decay (1111)

Una demostración fantástica de creatividad y originalidad. Mae, con un dominio brutal del lenguaje y la palabra y un enfoque único, dibuja un maravilloso y fidedigno retrato de la sociedad portuguesa actual, de una manera trágica, divertida, irónica y alegre. Una obra magnífica de un autor joven con una voz nueva, clara y personal.

Daniel Arnal

Leonard Cohen, La biografía Alberto Manzano Libros La Cúpula (1114)

Alberto Manzano es amigo personal y una de las personas que más ha hecho por dar a conocer el trabajo de Leonard Cohen en España. Ha traducido sus canciones y alguno de sus libros y publicado varios tomos sobre el poeta canadiense. Aquí ofrece un retrato cercano del genio, componiendo una elegía íntima en honor de uno de los grandes autores de nuestro tiempo. Joan Cabot

Intervenciones Michel Houellebecq Anagrama (1114)

De carácter insolente, provocativo y ácido, Houellebecq es uno de los escritores europeos más polémicos de los últimos veinte años gracias a una lengua viperina que nunca da un paso atrás. Aquí se recogen entrevistas o artículos publicados previamente en prensa francesa. Entre los highlights su descripción de los jubilados alemanes o un cáustico texto sobre Valérie Solanas. Joan S. Luna

Cita en los infiernos Maurice Druon Asteroide (1111)

Magnífico cierre de la trilogía “Las grandes familias”, elaborada por el autor a mitad del siglo pasado. Ya sólo su primer capítulo, “El baile de los monstruos”, es una apabullante obra maestra. Implacable cronista de la decadencia de la última generación de la saga protagonista, a Druon no le importa llevarnos al fango para acabar encontrando en la sordidez hermosura. J. Picatoste Verdejo

MIGUEL ÁNGEL VIVAS

Secuestrados por el terror “Secuestrados” triunfó en Texas, luego en Sitges, y aunque a Miguel Ángel Vivas, su director, todavía le cuesta reconocerlo, ya está dentro del grupo de directores españoles del nuevo cine de género a tener siempre presentes.

Niño A

Jonathan Trigell Sajalín Editores (1111) Inspirándose en el caso del asesinato de James Bulger (dos años de edad) en 1993, Jonathan Trigell narra la compleja reinserción de un joven co-autor de la muerte de una niña cuando era un chiquillo.

En su debut en novela, Trigell se nos descubre como un escritor que maneja las emociones con claridad, sin necesidad de centrarse tanto en el crimen como en sus consecuencias. Joan S. Luna

El juego del otro VV. AA. Errata Naturae (111)

La editorial Errata Naturae empalma en este tomo tres trabajos con un denominador común. Tanto el intercambio epistolar entre Jean Echenoz y Enrique Vila-Matas, como el diario inventado de Barry Gifford y el experimento llevado a cabo entre Paul Auster y Sophie Calle ofrecen una jugosa reflexión en torno a la otredad, un juego de espejos que es ante todo eso, un juego. Joan Cabot

La hora de las sombras Johan Theorin Mondadori (1114)

Otra muestra del boom de la literatura negra sueca tras la aparición de la conocida trilogía de Stieg Larsson. Los ecos de la misteriosa desaparición de un niño décadas atrás en la isla de Öland son el eje central de una inquietante novela que combina la narración en distintas épocas y cuyo sorprendente final lleva a altas cotas la máxima de que las apariencias engañan. Marcos Arenas

Perro come perro Edward Bunker Sajalín Editores (111)

Hay tipos duros que encandilan con sus historias, y luego están los que además las saben escribir. Es el caso de Bunker, señor Azul para Tarantino, fugitivo del FBI y nominado a los Óscar como guionista. Sin la potencia de “No hay bestia tan feroz”, vuelve a narrar el mundo criminal que tan bien conoció.

Luis Argeo

“Secuestrados” Miguel Ángel Vivas Vértice Cine

M

iguel Ángel Vivas ha irrumpido en las pantallas con la misma fuerza que los criminales en su lujosa casa de Las Rozas. “En Austin fue la primera vez que proyectábamos ‘Secuestrados’ con público. Antes de verla, nos decían expectantes: es española y es de terror, así que algo bueno debe tener. Me sorprendió muchísimo ese comentario, y me di cuenta de que al nuevo cine de género, al de directores como Paco Plaza, Rodrigo Cortés, Eugenio Mira, Luis Berdejo y otros, lo siguen mucho, lo tienen en cuenta, y me sorprendió, porque yo dentro de España no percibía esta visión sobre el cine español”. Su largometraje “Secuestrados” repele y acojona con tantos gritos y tanta violencia. Cumple a rajatabla los propósitos del terror. “Yo quería hacer terror puro y duro, pero desde un estilo hiperrealista y sin convencionalismos. Quería que el público compartiera con los protagonistas esa experiencia de vivir un secuestro”. El director asegura que, en el momento de documentarse, previo a las dos semanas de rodaje, encontró varios casos de secuestros inverosímiles. “Su violencia era tan extrema, que si hubiera querido retratarla tal cual, me habrían dicho que lo había exagerado todo”.

Por eso, fue clave la carga de trabajo de sus personajes-víctimas. “En las películas, los personajes son muy listos, siempre saben dónde está el

conducto de aire para escapar por él. Aquí, se acaban de mudar, no conocen la casa, y además son tontos como todos nosotros, porque cuando te ponen una pistola en la cabeza, nadie piensa, nadie…”. La singularidad de esta irrupción son los doce planos-secuencia que componen la totalidad del filme. “Rodar en plano secuencia sirvió de apoyo a esa idea de convertir la peli en una experiencia más que en una historia. Una vez que consigues meter al espectador en la película, al no haber cortes no tiene hueco por el que salir. Está ahí dentro, con la familia. Eso me lleva al tercer acto.

En este género suele ir siempre en montaje paralelo: los sufridores dentro de la casa, y el héroe fuera, acercándose para salvarlos. Yo quería hacer ese montaje, pero sin cortes. Vi que partiendo la pantalla en dos y conectando los dos escenarios, tenía que jugar siempre con el tiempo real y dejar al espectador la responsabilidad de hacer su montaje, mirando a una u otra pantalla, derecha, izquierda, siendo partícipe del montaje, casi autor, decidiendo el momento en el que quiere estar en la casa, o en el coche. Ese montaje visual se va acelerando hasta que finalmente ambos espacios, ambas pantallas, se juntan, sin corte. Confluyen en un solo espacio y una sola escena”. El allanamiento la emparenta con “Funny Games” de Michael Haneke. “Él intelectualiza la violencia, y yo busqué todo lo contrario, no racionalizarla sino enseñarla de una forma orgánica. La suya es una violencia reflexiva, la nuestra es orgánica. Muchos dirán que es gratuita, pero yo creo que la violencia siempre es gratuita… no hay manera de justificarla. Por eso decidí que no quería jugar con ella. No quiero darle vueltas, ni convertirla en discurso ni espectáculo…”. ■ Luis Argeo

MondoSonoro · Marzo 2011 /57/

mondoRECOMIENDA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

cómics

David López y Nacho Vegas Foto Archivo

DOCUMENTALES

Todo el mundo es imbécil menos yo Peter Bagge La Cúpula (111)

Somos conscientes de que Peter Bagge no necesita presentación tras una trayectoria sobrada en obras populares en esto del cómic underground (es un decir), pero también sabemos que hay que subrayar el carácter crítico-periodístico e irónico del que hace gala en este montón de historias cortísimas. Enrique Gijón

Batu

Tute Bang (111) Divertida incursión del historietista argentino Tute (colaborador habitual de “El Estafador”) en el mundo del humor infantil presentando al pequeño Batu, a su perro Tútum, y a sus colegas Boris y Rodolfo. Pese a ser una propuesta más que conocida el resultado es simpático, sincero y ocurrente. A medio camino entre la Enriqueta de Liniers y el Calvin de Watterson. Óscar Gual

El amanecer de los conejitos suicidas Andy Riley Astiberri (14)

Puede que al principio las ocurrencias del humorista y caricaturista británico Andy Riley sonaran originales, e incluso que tuvieran su gracia. No obstante hemos llegado a un punto en el que la acumulación de chuscadas llega a saturar de tal manera que ya nos da exactamente igual si los conejitos se suicidan o si siguen con vida. Óscar Gual

La cara más dulce de Robert Crumb Robert Crumb La Cúpula (11)

Desordenada e inconexa recopilación de ilustraciones y (pocas) historietas del maestro del cómic underground norteamericano. Se presentan dibujos de temática diversa que abarcan desde sus inicios hasta la actualidad. Tiene interés sobre todo para aquellos que todavía no supieran lo excelente artista que es Crumb, y para los más acérrimos. Óscar Gual

DIEGO OLMO

CUENTA ATRÁS El sudor frío recorre tu espalda al enfrentarte a un folio en blanco. Todavía no tienes ni idea que terminarás por firmar uno de los documentales musicales más apreciados de 2010. No sabes nada de las reacciones del público del In-Edit o incluso de los propios protagonistas. Aún así, Diego Olmo y la productora Letsgoproject, decidieron invertir más de un año de sus vidas en rodar “Diez años de Limbo Starr”.

“Limbo Starr.

Diez, cuenta atrás”

Megalex

Diego Olmo Letsgoproject

Jodorowsky/Beltran Mondadori (111) Alejandro Jodorowsky es uno de esos creadores que suelen dejar volar su imaginación al máximo. El resultado es una forma de entender la vida y el arte muy libre, pero al mismo tiempo más bien excesiva. En todo caso, “Megalex” agradará a quienes ya disfrutaron de “El Incal” o de las aventuras de los Metabarones y dejará a medias al resto. Enrique Gijón

La sombra sobre Innsmouth H.P. Lovecraft Astiberri (1111)

La historia eterna de Lovecraft presentada aquí en una edición de ensueño cuidada hasta el límite e ilustrada de modo sobresaliente por un Alberto Vázquez que consigue captar a la perfección el tono y la esencia de la historia y la personalidad del autor. Una nueva manera de leer uno de los clásicos de uno de los autores que mejor han sabido transmitir el horror y la desesperación. Daniel Arnal

3, Calle de los Misterios Shigeru Mizuki Astiberri (111)

Astiberri continúa publicando en castellano el grueso de la obra del particular Shigeru Mizuki. Aunque no sea su mejor obra ni la más emocionante, “3, Calle de los Misterios” reincide en los mismos temas que Mizuki lleva tratando décadas: la muerte, los fantasmas, la inmortalidad, y como siempre desde una óptica que no aparca el humor negro y la humanidad. Ernesto Bruno

“

Pues la verdad es que alguna duda hubo, no voy a mentir, pero creo que es algo normal cuando te enfrentas a la tarea de retratar diez años de vida de un sello como Limbo Starr, por el que han pasado muchos artistas, mucho trabajo y muchos buenos y malos momentos. Fue muy difícil condensar esos años de historia en una película de cien minutos, pero creo que consigue que el espectador no pierda el interés en ningún momento”, asegura el propio Olmo, director también de clips y miembro del grupo Versatile. Aunque solo sea por la cantidad de rostros conocidos que desfilan ante la cámara: David López y Carmen S. Ulla, Nacho Vegas, Fernando Alfaro, además de las bandas del sello como Tachenko, Half Foot Outside, Maga,

Remate u otros músicos como Pau Roca o Julio de la Rosa, e incluso periodistas como Santi Carrillo, Manu González o Joan S. Luna. “Hay que tener en cuenta que al trabajar con un presupuesto muy reducido, hay aspectos técnicos que quedan fuera de tu alcance, pero desde un principio tuvimos claro que queríamos hacer algo cercano, humilde y sin artificios, como la historia que se cuenta en la película”. Declaraciones íntimas, sinceras e incluso alguna controvertida conversación pillada off the record.

“Tanto Nacho Vegas como David vieron el documental antes de su estreno en In-Edit y quizás al principio les pareció chocante, pero entendieron perfectamente el motivo por el que habíamos utilizado ese trozo off the record y lo respetaron”.

Mucho material se ha quedado fuera, es por eso que Olmo y compañía preparan un DVD con extras, para no perderse detalle de la crónica de cómo dos apasionados de la música (López y Ulla) decidieron montar un sello indie, en un momento poco al uso. Y para terminar, ¿lo mejor de dirigir esta cinta? “El primer viaje a Madrid, donde después de trabajar, nuestros anfitriones nos enseñaron el verdadero significado de salir de copas por Madrid…y hasta aquí puedo contar”. ■ Marta Terrasa

dvd MÚSICA Steven Wilson “Insurgentes” Kscope (1114)

Interesante trabajo el que nos ofrece el líder de Porcupine Tree para completar su primera entrega firmada con nombre propio. Un conjunto suculento formado por un doble DVD, que gracias al magnífico documental de Lasse Hoile y otros complementos, dota de imágenes lo que fue “Insurgentes” (Kscope, 2009). Buen material para que los fans puedan profundizar un poco más en la vida y milagros de esta nueva lumbrera del rock. Francesc Feliu

Ranx Integral

Stefano Tamburini y Tanino Liberatore La Cúpula (14)

Lynyrd Skynyrd

El tiempo no pasa en balde, aunque a algunos les afecta más que a otros. A Ranx (nacido RanXerox) le ha dejado bastante fuera de juego, y los más de treinta años transcurridos desde su primera aparición en la revista “Cannibale” lo han convertido en un vestigio arqueológico del primitivo cyberpunk. Lo mejor es quedarse con el exagerado virtuosismo de Liberatore y olvidarse de todo lo demás. Óscar Gual

Disponible por separado o junto al audio CD con el mismo concierto, esta filmación nos permite contemplar un actuación completa -y relativamente reciente- de la incombustible banda sureña por antonomasia. No son éstos los Lynyrd Skynyrd de los mejores tiempos, pero sin duda sus temas clásicos han superado el paso de los años con gran solvencia. Los supervivientes de la banda aún entretienen. Xavier Llop

“Live From Freedom Hall” Roadrunner/Divucsa (111)

MondoSonoro · Marzo 2011 /59/

mondoRECOMIENDA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales Toni Castarnado Foto Archivo

libro

C7HPE (&'' 7IJKH?7I" 97DJ78H?7" 97IJ?BB7 B;äD" ;KIA7:?" =7B?9?7 O D7L7HH7 CASTILLA Y LEÓN EL HANGAR, BURGOS 05/03/2011 HORTHY + TELEPHUNKEN

GALICIA

LA OVEJA NEGRA, SEGOVIA 05/03/2011 DAMBA

LE CLUB, A CORUÑA 17/03/2011 FUEL FANDANGO

BAR SECRETOS, (MAYORGA) VA 04/03/2011 DAMBA

NAVARRA

EUSKADI

TONI CASTARNADO

Donde merecen estar

Siempre es un placer y también un motivo de orgullo que un colaborador habitual de esta y otras revistas edite un libro. Toni Castarnado se ha adentrado a través de ciento cuarenta y cuatro discos en el papel de las cantautoras dentro del mundo de la música en “Mujeres y música”. Ya iba siendo hora de que alguien las colocara en el lugar en el que merecen estar.

“Mujeres y música” Toni Castarnado 66 rpm Ediciones

C

ualquiera que pertenezca a su círculo de amigos, sabe de la pasión de Toni Castarnado por la música al igual que conoce la entrega y dedicación que ha puesto en este trabajo. Un libro que, en cierta medida, logra rellenar un hueco en el panorama del libro divulgativo musical y de paso ¿reivindica el papel de la mujer en la música? “La reivindicación no es el punto de partida del libro, pero sí creo que alguien debía poner a la mujer en el lugar exacto tanto en lo musical como en lo social. Basta con leer el prólogo de Rickie Lee Jones o la conversación con Patti Smith para darnos cuenta de lo importante de reivindicar el papel de la mujer, del trabajo que ya se ha hecho y de lo que queda aún por hacer. Un libro titulado ‘Hombre y música’ no hubiese tenido sentido, en cambio éste lo tiene. Y eso lo explica todo”. Un sentido capitalizado a lo largo de ciento cuarenta y cuatro obras perpetradas por otras tantas féminas, en las que podemos encontrar de todo y que no renuncia, por tanto,

a cierta labor didáctica y divulgativa de su obra... “La idea del libro es acercar la música facturada por mujeres a todo el que crea necesario o interesante descubrir y entender cómo ha sido ese recorrido durante el último siglo.

Se puede tomar de la manera o con el sentido que uno quiera, bien como una guía de consulta e incluso para divulgar ciertos valores e inquietudes. Hace poco Christina Rosenvinge me dijo: ‘este libro ayudará a que muchas chicas que no se atreven aún a hacerlo, empiecen a tocar’”. Aunque de lo que no cabe ninguna duda es que Castarnado se ha dejado llevar por lo que más y mejor domina, que es el mundo anglosajón. “Es verdad que la lista tira más hacia lo anglosajón, esa es la clase de música que personalmente más me ha tocado la fibra, y no solamente a mí, creo que a mucha gente. Y no nos podemos engañar, las artistas anglófilas son las que tienen y han tenido un mayor peso específico. Igualmente he procurado copar un poco todos y cada uno de los terrenos, por eso están Carmen Consoli, La Lupe, Jane Birkin, M.I.A., Frida Hyvonen, Astrud Gilberto o Lhasa”. Por cierto, el propio autor promete una segunda parte que destaque el papel de la mujer como líder de una banda y dar cabida a nombres como... “Debbie Harry, Chrissie Hynde, Grace Slick y otras tantas que ya tengo en mente”. n Don Disturbios

revista Muskaria, testigo del rock vasco No cabe duda de que la difusión de la explosión del punk y del rock radical vasco de los ochenta no hubiese sido la misma sin “Muskaria”, la primera revista dedicada exclusivamente a la música hecha en Euskal Herria durante casi toda la década. La reedición corre a cargo del colectivo Banizu Nizuke, que no ha dejado pasar la oportunidad de descubrirle a las nuevas generaciones (y poner de nuevo a disposición de quienes los leyeron en su momento) los treinta números que “Muskaria” editó desde 1980 hasta 1987 bimestralmente. La obra en su conjunto puede considerarse una auténtica enciclopedia de la música vasca de los ochenta, llegando incluso a los años del Donosti Sound. Todos los números se reeditan en su formato original en una caja en edición limitada que incluye un ejemplar extra, el número 31, en el que los redactores originales analizan lo que supuso la revista en su momento. Más información en: muskarialdizkaria@hotmail.com. ■

HELLDORADO, VITORIA 04/03/2011 FUEL FANDANGO

LA LOCURA DE ANGEL, TUDELA 04/03/2011 SOM DO GALPOM 18/03/2011 DAMBA

7H7=äD " 97J7BKz7" L7B;D9?7 O CKH9?7 CATALUÑA ARAGÓN SALA LOPEZ, ZARAGOZA 25/03/2011 TELEPHUNKEN EDÉN, HUESCA 26/03/2011 COSTO RICO LA BARRACA, CRETAS 19/03/2011 DAMBA

SALAMANDRA 2, HOSPITALET (BCN) 18/03/2011 COLOR HUMANO

COM. VALENCIANA SALA 3, VALENCIA 25/03/2011 COSTO RICO EL LOCO, VALENCIA 03/03/2011 VERY POMELO 25/03/2011 CHIN YI

97IJ?BB7 B7 C7D9>7" ;NJH;C7:KH7 O C7:H?: CASTILLA LA MANCHA

MADRID

ARCO, ALCAZAR DE SAN JUAN 19/03/2011 COSTO RICO GARCILASO, TOLEDO 04/03/2011 TELEPHUNKEN

COSTELLO, MADRID 12/03/2011 CHIN YI LA BOCA DEL LOBO, MADRID 16/03/2011 VERY POMELO

7D:7BK9à7 O 9;KJ7 ANDALUCÍA

+en

BERMEAKO ANTZOKI, BERMEO (BIZKAIA) 04/03/2011 HORTHY

MALANDAR, SEVILLA 05/03/2011 FUEL FANDANGO 12/03/2011 COSTO RICO

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

Conselleria d’Educació i Cultura

AKASHA, MARCHENA 25/03/2011 CHICO MALO EL TREN, GRANADA 12/03/2011 FUEL FANDANDO + TELEPHUNKEN

conexiones

/60/ Marzo 2011 · MondoSonoro

Ellas Crean

Dayna Kurtz Foto Archivo

La séptima edición de Ellas Crean afrontará en diversas ciudades españolas durante los meses de febrero, marzo y abril una amplia y variada programación que consolida a este festival como la mayor de las citas culturales protagonizadas por las mujeres creadoras. La oferta de este año incluye la participación de doscientas artistas, procedentes de quince países, entre las que se encuentran las hermanas Labèque, Nathalie Stutzmann, Dayna Kurtz, Ana María Matute, Rutu Modan, Carmen Maura, María de Medeiros, Susheela Raman, Concha Buika o La Shica. Más información en www.ellascrean.com. ■

Daft Punk Después de unos primeros muñecos que ahora cuestan su peso en oro, acaba de aparecer una segunda tirada de toys del dúo electrónico francés Daft Punk (Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter). Medicom lanza al mercado estos diminutos muñecos aprovechando el aún reciente estreno del largometraje “Tron: Legacy”. Se trata de una serie limitadísima en formato Kubrick y en Real Action Hero, así que deberías ir dándote mucha prisa. ■

Sennheiser

Ka2 Skis Iron Maiden Iron Maiden y K2 Skis triturarán el metal y la nieve este invierno con la limitadísima edición del esquí: K2 Iron Maiden. Serán sólo once los pares de esquís que se pondrán a la venta en España a través de un selecto grupo de especialistas en este deporte. Para el grafismo de esta edición limitada K2 se ha inspirado en el clásico álbum de Iron Maiden “Killers”, de 1981. El diseño superior, los laterales, la suela y los perfiles han sido personalizados con los gritos del icónico Eddie, con el logotipo de Iron Maiden y el grafismo ha sido aprobado por la banda. Más información en www.k2skis.com. ■

Eastpak Artist La revista Lamono junto a Eastpack han celebrado un concurso el pasado mes de febrero cuyos ganadores han sido los invitados de honor a la inauguración privada del Eastpak Artist, convirtiéndose de esta manera en los primeros en ver en vivo las veinticuatro bolsas customizadas por nombres tan populares como Buenafuente, David Delfín, Diego Ramos, etc. Además, los encargados de animar la fiesta fueron Eric Fuentes y The New Raemon convertidos por una noche en djs, mientras que unos metros más allá Freddy Cordon llevó a cabo un graffiti en directo. ■

Después de escuchar el master del disco de Cosmonauta en las oficinas de Magnetrón los representantes de Sennheiser en España llegaron a la conclusión que sus caminos tenían que unirse. Y qué mejor manera de hacerlo que vincular uno de sus productos estrellas, los auriculares OMX 60 VC de la serie Street II, con un producto tan cuidado como el nuevo álbum de Cosmonauta, donde se han tratado minuciosamente los planos, intensidades y los diferentes mapas sonoros de cada tema. Este es el pack que ofrecen ambas marcas al público, y que estará de venta en todas las Fnac de España. ■

J&B

Jonston

Shape Ups

J&B, líder de bebidas espirituosas en el mercado español, presenta un año más los premios Notodo 2011, seleccionando lo más destacado en el ámbito de la cultura. Entre los nominados a mejor disco del año están The Drums, LCD Soundsystem, Arcade Fire o Delorean. Más información en www.notodo.com/premiosnotodo.

La popularidad de Jonston en otros territorios de habla hispana sigue aumentando, y recientemente la serie mexicana "XY" (de gran éxito en el canal OnceTV de México) ha utilizado la canción "Comandante Cousteau" como fondo para una de sus escenas.

Preámbulo para la visita del madrileño a tierras mexicanas.

La final de la Super Bowl, el evento más seguido por televisión a lo largo y ancho del planeta, sirvió en esta última edición para que se estrenase el nuevo anuncio de Shape Ups, protagonizado por la que para muchos es la mujer de moda, la modelo y actriz norteamericana Kim Kardashian.

Buffet Libre Dj's

Atlántida Film Festival

Intermón Oxfam

Tras aparecer en el recopilatorio Much Dance 2011 y en Nightclub City, el remix de Buffet Libre Dj’s para Dragonette acompaña musicalmente la nueva campaña de Armani para todo el mundo.

Puedes verlo en: www.youtube.com/watch?v=HLYatIRqXlU.

La Primera Edición del Atlántida Film Festival (del 5 de febrero al 5 de marzo) estrenará las películas que competirán por el Premio del Público y el Premio del Jurado. Se trata del primer festival online del mundo de cine inédito en habla hispana.

El pasado febrero, más de cincuenta salas se sumaron al ritmo solidario de “Música en Vivo”, iniciativa organizada por Intermón Oxfam, que busca movilizar a favor de la campaña “Objetivo Robin Hood: que no paguen los de siempre”. ■

mondoweb

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/62/ Marzo 2011 · MondoSonoro

ENTREVISTA FAN

LOS BLOGS Héroes por un día

Me follaría a Marc Almond

Band Of Horses Foto Archivo

(Luis J- Menéndez)

Bill Reynolds (Band Of Horses) Band Of Horses continúan de gira para presentar “Infinite Arms”, un disco aclamado por la crítica y el público.

Sin apenas deshacer las maletas, Bill Reynolds (bajista) nos recibe con su innata paciencia y con la mejor de sus sonrisas para contestar a los lectores de MondoSonoro.

(Emilio Gómez Barranco) ¿Cuál es la historia detrás del tema “Laredo”?

La verdad es que no tiene nada que ver con el municipio español. Ben vino un día con esta palabra en mente, no sé de dónde la había sacado, pero le encantaba. Decía que sonaba bien, aunque no sabíamos qué quería decir, ni qué era.

(Manuel Torres Silvestre) ¿Cuál ha sido el mejor disco de 2010?

“When The Devil’s Loose” de A.A. Bondy. Es medio popular. Lo será más. Es un rollo parecido al nuestro, folk-country. No escucho muchas cosas nuevas, no leo revistas ni miro los blogs de Internet, ¡ni siquiera tengo Ipod! Pero Ben es el que está más al día y nos mantiene informados.

Yo me dedico a escuchar viejos discos.

CONCURSOS

WEB

(Gerardo Gutiérrez) Ya que hacéis versiones de grupos como Mojave 3 o Pavement.

5 Hugo colonias

Boss

¿Quién os gustaría que hiciera una versión vuestra?

Guns n’ Roses –con Slash, por supuesto- cantando “Funeral”. Tendría que ser la ostia escuchar los falsetes de Axl Rose en ese tema.

(Xisca Gracia Bonnín) ¿Qué pensáis sobre la acogida del nuevo disco?

Todavía no nos lo creemos. Este álbum era el deliberadamente más salvaje, más rompedor y en el que dijimos: “que les den” y nos autoproducimos para poder hacer lo que nos viniera en gana. No pensamos en ningún momento que al público le gustaría y la reacción ha sido todo lo contrario.

(David Dudo) ¿Qué música escuchabas cuando eras joven?

Guns n’ Roses… Era un metalero, escuchaba toneladas de discos de metal y mis preferidos eran Megadeth.

Nos han llegado peticiones de anuncios de coches y tal. Sí, ¿por qué no? A ver, según que cosas está claro que dirías que no, pero al resto supongo que sí. Una vez cedimos un tema a las tiendas Wal-Mart, -y nos pagaron realmente bienmuy al inicio de nuestra carrera, y los fans se nos tiraron encima. También tienen que entender que necesitamos dinero para grabar, para salir a tocar, etcétera Además, está bien porque así la gente accede a tu música, ya que las radios no es que se dediquen a tocar este estilo demasiado.

(Albert Rey)

¿Qué os parece que Robert Plant dijera que sois “la revelación del momento”?

Una pasada, estamos muy agradecidos. Vino a tocar a nuestra ciudad y le enviamos un ramo de flores gigante. Está claro que Led Zeppelin son también una gran influencia en nuestra música, como Neil Young o Willie Nelson, que también son amigos.

(Santi Villanueva) ¿Cuál

es la canción que más te gusta tocar en directo?

“Detlef Schrempf”, sin duda. Y que no me guste tocar… la verdad es que todas las que tocamos nos gustan, si no fuese así te aseguro que no estarían en el setlist.

(Ángel Gómez) Compañías como MasterCard ofrecen jugosas cantidades por utilizar canciones de grupos emergentes. ¿Habéis recibido alguna oferta similar? ¿Qué diríais?

(Marc Rockenberg) ¿cuáles son tus tres discos preferidos?

“Damn The Torpedoes” de Tom Petty, “Rumours” de Fleetwood Mac y “Time Out Of Mind” de Bob Dylan. Lo tengo muy claro. Los tres son discos de rupturas, esos que te pones una y otra vez cuando estás todo triste y tal. Ya sabes… ■ PARTICIPA EN WWW.FACEBOOK.COM/MONDOSONORO

El otro día me contaba Víctor Coyote que hace años, el director de una conocida revista musical le entrevistó y ya hacia el final de la interviú le dijo: - Venga Víctor, ahora necesito un buen titular para la entrevista.

- ¿Un buen titular?

- Sí, coño. Algo así como "Me follaría a Madonna".

- No hombre no, todo el mundo se follaría a Madonna, ese titular es una mierda... Si acaso "Me follaría a Marc Almond"...

Cuando abrió la revista al mes siguiente se encontró la entrevista de marras coronada por un llamativo titular: "Víctor Coyote: Me follaría a Marc Almond".

En eso andaba pensando yo mientras terminaba la entrevista a Nudozurdo que aparecerá publicada en el siguiente número de MondoSonoro... ■

Un, dos, tres, al escondite inglés

“Black Swan”, el cine de terror más festivo y verbenero se cuela en los Óscar.

(Xavi S. Pons) Pues aquí me tenéis aun en estado de shock tras disfrutar como un enano de “Black Swan”. La he visto en el pase de prensa barcelonés y aún me dura el subidón. La nueva película de Darren Aronofsky (director que no es santo de mi devoción; solo me gustó, pero mucho, eso sí, “El luchador”) quizás sea una de las cintas más enfermas y verbeneras nominadas nunca para los Óscar.

La primera cosa que cabe destacar de “Black Swan” es que estamos ante uno de los tributos más conseguidos y honestos a los mejores y más pirotécnicos films de Brian De Palma. Los guiños a obras maestras del calibre de “Hermanas”, “Carrie”, “El fantasma del paraíso” o “Doble cuerpo”, son evidentes y están ejecutados con mucha admiración y respeto por Aronofsky. Algunos querrán ver también ecos del cine de Alfred Hitchcock, pero, ¿acaso Brian De Palma no fue su alumno más aventajado? ■

+en

3

lotes formados por el disco

“Buen Viaje” de Cosmonauta, unos cascos Sennheiser y una mochila Adidas/ Sennheiser Consulta los ganadores de los sorteos en nuestra web. Entra y participa ¡¡¡SUERTE!!!