Mondo Sonoro marzo 2025 by MONDO SONORO

ejemplar gratuito

Valeria Castro Honesta

WEEZER

7/Mondo freako

Amaia Vivir un sueño mágico

“Sería increíble ir a la luna a dar un concierto. O, no, no… De repente uno en un submarino, en el fondo del mar”. Si viésemos el mayor sueño de Amaia sería algo así, aﬁrma. Aunque si lo escucháramos, sonaría a “Si abro los ojos no es real” (Universal, 25). Un disco con cuatro productores, varios lugares de nacimiento y un hilo que lo conecta todo: el realismo mágico.

TEXTO Mara Gómez

FOTOS Lucía Artal

CON POCO TIEMPO entre promo y promo, pero con esa capacidad única de hacer que todo se sienta ligero, nos encontramos con Amaia en el centro de Madrid para hablar de su tercer álbum. “Es bastante onírico y fantasioso, pero a la vez muy terrenal y personal”. Admite, eso sí, que “el disco se fue creando sobre la marcha: al principio del proceso no sabía lo que iba a salir”. Ya desde el inicio conserva la inocencia de quien aún lo tiene todo por descubrir y experimentar, aunque hay algo en este álbum que revela que esa infancia en Pamplona con su familia cada vez es más lejana. Que sigue jugando, pero con más ojo. “Yo, entre niña y adulta, creo que, desde hace relativamente poco, me siento ya más en la era adulta… Y mira que siempre tengo a mi niña interior muy presente, pero creo que ya me siento bastante capacitada para enfrentarme a la vida adulta al cien por cien”. Aun así, es la pequeña Amaia la que aparece para rematar entre risas mi pregunta: “Igual mañana te digo otra cosa, ¿eh?”.

UNO DE ESOS TRAMPOLINES al “mundo de los mayores” está en el tándem que forman “M.A.P.S” y “Auxiliar”. “Para mí, ‘M.A.P.S’ es yo pidiéndole en primera persona a mi madre que me entienda”, señala, “y ‘Auxiliar’ es desde su perspectiva, pidiéndome a mí que yo la entienda a ella”. Supongo que si viviste en la época Tuenti M.A.P.S te suena de algo… Son las siglas de “Mejores Amigas Para Siempre”. Una expresión que, explica, ella solía usar por aquel entonces y representa el tipo de relación que le gustaría tener con su madre, aunque ahora mismo no sea del todo así. “Las relaciones de madre e hija siempre son un poco complicadas. Las dinámicas que tienes con tu familia cuando creces van cambiando”. Es lo normal, precisa, pero a veces se necesita una canción para intentar que nos entiendan. “A mi madre la quiero muchísimo, y en mi cabeza me imagino bastante encontrarme con ella, con la misma edad, pensar en cómo nos llevaríamos…”. Si se siente representada con las canciones, aún no se lo ha preguntado, pero, sonríe tímidamente. “Cuando se las puse, lloró un poquito”.

MONDO FREAKO

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TAMPOCO FALTA DOSIS De amor romántico rondando por “Si abro los ojos no es real”. “En este disco he sido bastante explícita, sobre todo en ‘Tengo un pensamiento’ y ‘Magia en Benidorm”, dos temas de una transparencia brillante que le dan ganas de estar enamorado a cualquiera (“Contra la puerta, nos besamos muy deprisa // Te tiro al suelo y después, me tiro encima”). La relación que tengo ahora es algo que… No sé… Nunca había vivido una relación así. Estoy muy enamorada, y a la vez siento que es una relación sanísima.

“Sé que lo que estoy haciendo es para lo que he nacido”

Si abro los ojos no es real

POP / Decir adiós a la infancia, intercambiándola forzosamente por la edad adulta, es un impasse vital que nos obliga a saborear la traición, a sentir el engaño de la vida. “Si abro los ojos no es real” es ese momento en el que, después de años a la deriva por las mareas del tiempo, un día llegamos a casa y nos sentamos en el sofá con un álbum de fotos bajo el brazo que encierra algo inaudito: una imagen de cuando éramos niños, o lo que es también, de cuando éramos felices. utiliza su tercer álbum de estudio con la excusa perfecta para darle voz a una dulce sonata que ﬂuye al son de una mano titiritera abierta a la exploración sonora. Ideada en presente, pero desde un rincón empapado de nostalgia, la canción de la pamplonica pone en evidencia el valor de lo mundano. Así pues, perpetuamente unida a la compañía del piano, sus dedos escriben un poema donde el pentagrama y las notas sustituyen los versos y las palabras, y en el que el amor se encarga de allanar el camino hacia la redención. Dicho de otra forma, sin querer explotar nunca el máximo potencial de la inmaculada capacidad vocal que ostenta, nos regala un susurro angelical que narra sus meditaciones más personales. “Nanai”, “Tengo un pensamiento” salieron a demostrar el talento con el que consigue hacer lo mismo y que suene distinto. Nos recordaron lo mucho que la necesitábamos. Amaia solo puede haAmaia; servirse del encuentro entre timbres variopintos (arpa, guitarra, cajita de música, violín) y la reverberación o el eco, alcanzando así un nivel de profundidad emocional que serena la mente. Su forma de hacer música me recuerda a la sinceridad de Dido cuando, allá por 2003, lanzó “Life For . La mezcla de pop melódico y letras introspectivas, con tintes melancólicos, está presente a lo largo del álbum. Sin embargo, donde mejor queda plasma“Auxiliar”. Para mí una de las composiciones más interesantes debido a ese fantástico sonido bachatero que acuna a la niña interior. Para “Despedida”, “Fantas“Ya está” concluyen la media hora que dura este viaje, el ralentizado compás detiene su actividad y volvemos a estar prendados por el carisma de la cantante. ABEL OLIVARES

cariño su visita a Yamaguchi (Japón) el año pasado, ciudad a la que dedicó un tema en “Cuando No Sé Quién Soy” (Universal, 22). “Fue un sueño… Hicieron algo como si viniera la reina de España, todos centrados en mi visita”. Hasta en las noticias niponas apareció. No puedo evitar preguntarle si no le entra el vértigo en esos momentos en los que todo el mundo –ya casi literalmente– la mira. “Ah, ¡para nada! Por ejemplo, los conciertos es de las cosas que más disfruto. Yo soy una persona, en mi vida en general, bastante insegura, pero, cuando estoy en el escenario, estoy muy segura de mí misma. Sé que lo que estoy haciendo es para lo que he nacido”, concluye.

SI HACES ZOOM en la portada del álbum, encontrarás cachitos de esas aventuras por Japón, algún muñequito Sylvanian o copas por el suelo. Y si entrecierras los ojos… “La portada está muy relacionada con el título. Me gusta un poco jugar a lo imprevisible y a lo que no se espera”, explica. La idea fue de Daniel 2000, con el “Retrato de Mae West”, de Dalí y las ilusiones ópticas generadas por IA como inspiración. Apunta que “eran referencias que conectaban muchísimo con el título del disco”, pero que “no se ha utilizado absolutamente nada de inteligencia artificial”. Y aunque muchos de esos elementos están colocados por puro azar (“¡A mí me encantan los Sylvanian! Por eso los puse: al final tiene que representar un poco lo que sería mi habitación”) algún que otro “easter egg” hay. “La partitura en la que sale el título del disco es la de ‘In A World Of My Own’ de ‘Alicia en el País de las maravillas’”, una melodía que formó parte de las primeras referencias con las que empezó a dar forma al álbum. “Me gustaba la idea de poner las típicas armonías de bandas sonoras antiguas en plan Disney, ‘El Mago de Oz’, ‘Chitty Chitty Bang Bang’…”. La canción que más refleja esto es “Visión”, destaca, que “tiene una armonía bastante cinematográfica, un poco de cine clásico. Siento que eso refleja el concepto del disco, la fantasía. Como si fuera un poco mi mundo”.

UN UNIVERSO EN FORMATO disco que –dejo caer– no cuadraría nada mal a modo de musical. “Estaría muy guay, pero al ﬁnal mi proyecto principal es la música. Me ha gustado muchísimo actuar en ‘La Mesías’ y sí que me gustaría seguir probando alguna cosa, pero siempre que sea algo que vaya conmigo. Yo que sé... Por ejemplo, Pedro Almodóvar, ¿sabes?”. Ahora es ella quien lo deja caer, entre risas. MARA GÓMEZ

LA MÍA

Que no te la den con queso

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n estos tiempos que corren, en el que existe una corriente nada disimulada por intentar diluir las fronteras entre la música comercial o “el mainstream” y la música alternativa o “el underground”, para darle una pátina de respetabilidad a la primera, hay que retomar actitudes y volver a ser mas beligerante que nunca, dejando claro dónde están los límites. Digamos pues que el mainstream es música realizada con una intencionalidad clara y fehaciente de gustar a todo el mundo, con el objetivo de ganar cuanta más pasta mejor. A partir de aquí se trata de buscar la melodía facilona, en base a unas estructuras clásicas, con un estudio minucioso de dónde colocar los ganchos y acompañarlo todo de una fabulosa campaña de marketing. Por contra, el underground nace de anteponer la expresión artística del autor POR ENCIMA DE TODO, aunque muchas veces sea incomprendida o directamente pueda resultar una mierda. Pero, eso sí, debe ser auténtica que no siempre es sinónimo de genuina. Y digo esto porque, en la música popular, uno puede ser consecuente consigo mismo, pero estar a la vez usando los mimbres del estilo en el que desea expresarse, sin tener que ser único por ello. Es fácil, por tanto, caer en la copia de otra copia aunque uno aspire a resultar ser todo lo contrario. Llegados a este punto sería lícito preguntarse ¿está reñido el éxito con el underground? Es evidente que no y hay muchos casos que lo demuestran como Nirvana, Radiohead, Metallica, Arctic Monkeys o Fontaines D.C. por citar unos cuantos. ¿Está reñido el underground con el acomodo y esa tendencia natural a dormirse en los laureles y a repetir la fórmula que me ha encumbrado? Pues tampoco. Y es que cualquier actividad artística necesita de una buena idea y es fácil que con los años estas empiecen a escasear o que en realidad no se hayan tenido nunca. Y aquí surge la crítica. En saber diferenciar cuándo el hecho artístico es tan auténtico como genuino. En apreciar las buenas ideas, aunque estas partan de un reciclaje de algo que ya se había planteado con anterioridad. Por eso los medios y los periodistas especializados son importantes. Porque se les supone una capacidad contrastada a la hora de realizar esa tarea de separar el grano de la paja. Y máxime cuando en el futuro más próximo va a ser todavía más fácil encontrarse con la copia de la copia de otra copia gracias a la Inteligencia Artiﬁcial. Con el peligro que eso tiene de eliminar del todo el acto creativo, el hecho artístico per se. Por eso habrá que excluir de la acepción “underground”, toda aquella música realizada en colaboración o interferencia de algo que no sea estrictamente humano. Y es que debemos defender aquello en lo que creemos para evitar que nos la den con queso. DON DISTURBIOS

“PUTA” (21) fue el disco mejor valorado de Zahara, de hecho fue el Disco del Año para muchas redacciones, entre ellas la de esta casa. Fue, por supuesto, un antes y un después en la carrera de Zahara. Ahora, cuatro años después vuelve con “Lento Ternura” (G.O.Z.Z./Sony, 25), sobre el que charlamos con ella.

TEXTO Pablo Tocino FOTO Adrián Cuerdo

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PUTA” supuso un antes y un después en la carrera de Zahara, tanto por el éxito cosechado con él, como por lo que contaba en él, como por el nivel de exposición mediática que le dio, y las consecuencias negativas de esto. Cuatro años después, y con ediciones deluxe, temas sueltos y proyectos paralelos en medio, la ubetense nos trae su sexto álbum de estudio. Para empezar, Zahara reﬁere no haber tenido bloqueo creativo derivado del éxito de “PUTA”. “No sé qué pasará en el futuro, pero seguramente ‘PUTA’ sea el disco más importante de mi carrera, por motivos que no solo tienen que ver con la música. De momento lo es. Y eso, más que tomármelo como una presión de que ahora tengo que hacer el triple salto mortal, es liberador: ya he hecho ese disco relevante”. Pero, ¿la gente también tiene esa visión? ¿O está llena de expectativas? “Me da la sensación, aunque igual me equivoco, de que, como ahora no cuento cosas de mi pasado, ya no va a ser ‘tan relevante’ lo que digo”.

“LENTO TERNURA” es el primer disco producido enteramente (o casi) por ella. “Quería producirlo yo sola, ver si era capaz. Una vez supe que podía ser la productora de mi disco, me apeteció contar con Martí [Perarnau] pero ya por elección, no por necesidad”. Y se estrena precisamente con su disco más experimental, tanto en producción como en melodías; por ejemplo, ‘La Ternura’ nos recuerda a Arca, algo con lo que ella coincide. “Tiene mucho que ver. Vino Cora Novoa a componer conmigo ‘un reggaeton que podría hacer Arca’. Intentábamos buscar esa oscuridad techno electrónica urbana”. La electrónica ha conquistado a la artista en los últimos años, como han podido observar sus fans. “El efecto físico que produce el techno en el cuerpo es casi como estar en una meditación”. Y la mención a la meditación no es baladí. Zahara lleva un año practicándola de forma habitual. “Me ayuda muchísimo

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“El sistema no quiere que seas mejor persona”

a estar en conexión conmigo. Además yo la recomiendo mucho porque: es gratis [risas]. Ha tenido mala fama y se asocia con cosas esotéricas, pero, al contrario de lo que piensan muchos, no tiene que estar asociada a nada religioso ni a ningún misterwonderfulismo. Al sistema no le interesa. El sistema no quiere que medites porque te vas a convertir en mejor persona, y al sistema le vienen bien las malas personas. El engorilarse y pinchar en los links exaltados, en lugar de observar y amar mejor, que es lo que te hace la meditación”. Esto tiene mucho que ver, claro, con el fondo de “Lento Ternura”.

EL DISCO SE ACOMPAÑA de un poemario introducido, entre otros, por el “t-t-tender” en “Bartender” de Lana del Rey (“Me parecía guay coger a la artista más solemne de mi imaginario y coger una de sus frases con un giro un poco tonto. ¡La Zahara gilipollas sigue aquí!”), y que puede recordar, pero a lo grande, a aquella Carta de Emergencia de “Astronauta”. En este poemario se nos trata de explicar qué es “Lento Ternura”. “Quería hablar de lo que yo entiendo por belleza, y el concepto me ataba al principio, porque intento huir de la mala hostia, pero me di cuenta de que ‘Lento Ternura’ no era solo meditar en la terraza con todo a favor […]. La calma llega cuando aceptas el ﬁn de las cosas”.

ESTO SE EXTIENDE también a su visión del amor. “Yo ahora estoy en una relación en la que soy muy feliz, y ojalá dure mucho, pero es probable que no. Y voy a intentar no retenerla a toda costa, sino aceptar que el otro o quizás yo en algún momento no querremos estar en lo mismo. Y lo disfruto más, de verdad”. Puntualiza, eso sí, que en canciones como “Quién dijo” habla de “esa manera de amar ansiosa, de amar necesitando, que es distinto de confiar en los demás y necesitar a los demás”. No es equivalente al “nadie tiene que salvarte”. “Eso me parece mierda seca. Sí, tienes que intentar salvarte, pero coño, necesitamos ayuda. Otra cosa es que tú para estar bien necesites que el otro no tenga vida, porque eso nos convierte en seres súper narcisistas”. Y, desde luego, todo esto no significa que no se identifique con canciones anteriores como “El Frío”. “Decía ‘serás afortunado si no deja de doler’, y para mí no es una contradicción: que la vida siempre te toque, ¿no? Tenemos que ser permeables y no tener miedo a sentir. A veces el amor se acaba y es doloroso... eso es una cosa, y otra es intentar retenerlo a toda costa”). Ni, en general, con sus discos previos. “Me siento orgullosa de mi carrera, no la desmerezco en absoluto. Creo que ‘La Pareja Toxica’ es de los mejores discos que he hecho en mi vida. Siempre he dado todo lo que soy con las canciones que hacía; no lo di más en ‘PUTA’”. Por suerte, sus seguidores saben que es así y, con suerte, los nuevos siempre pueden echar un vistazo a su repertorio anterior. Comprobarán que “el disco relevante” no es, en absoluto, el único interesante. P T

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EN CONCIERTO

l Santiago de Compostela 05 abril. Festival Jaleo!

l Benicàssim 17 abril. Festival SanSan

l Murcia 02 mayo. Warm Up

l Toledo 10 mayo. Festival Toledo Beat Sound

l Sevilla 31 mayo. Icónica Santalucía Sevilla Fest

l Valencia 06 junio. Festival de les Arts

l Palencia 07 junio. Palencia Sonora

l Lleida 14 junio. Magníﬁc Fest 2025

l Madrid 15 junio. Noches Del Botánico

l Jaén 27 junio. Sentir Baeza

l Barcelona 05 julio. Festival Alma de Barcelona

l Ponferrada 18 julio. Festival Planeta Sound

l Málaga 24 julio. Brisa Festival Málaga

l Benidorm 25 julio. Low Festival Benidorm

l Aranda de Duero 06 agosto. Sonorama

l Cádiz 15 agosto. Festival No Sin Música

l Almería 21 agosto. Cooltural Festival

l Granada 12 septiembre. Granada Sound 2025

l Cascante 26 septiembre. Estaciones Sonoras

l Santa Cruz de Tenerife 25 octubre. Peñón Rock

Zahara Artista relevante

Observatorio Mondo Sonoro

Rewilding La música como parte del ecosistema

Uno de los temas que exploramos en el Observatorio es la evolución de la creación musical y el impacto de la tecnología en este ámbito. Dentro de este marco, identiﬁcamos una tendencia que, aunque no es nueva, se ha ampliado considerablemente en los últimos años: la transición de la naturaleza de ser una mera fuente de inspiración a convertirse en una fuerza creadora musical más.

LA CRISIS ECOLÓGICA Actual que se nos hace bola es, fundamentalmente, producto de nuestra desconexión con el entorno natural. La urbanización y el crecimiento sin medida de las ciudades, la automatización, la hiperconectividad, la creciente dependencia de la tecnología, entre muchos otros factores, nos han ido alejando de lo que somos en esencia. Se nos ha olvidado que nosotros, los seres humanos, también somos Naturaleza y hemos cons truido una identidad colectiva “artiﬁcial” que evita que seamos capaces de valorar el lugar del que procedemos y actuar en consecuencia.

SON VARIOS LOS MOVIMIENTOS que han surgido para intentar compensar el resultado de está desconexión y el “Rewilding” es uno de ellos. Este enfoque de restauración ecológica, busca devolver a los ecosistemas su estado natural mediante la reintroducción de especies clave, la eliminación de intervenciones humanas y la restauración de procesos ecológicos. Pero este concepto no sólo es aplicable a los entornos natu rales, también se aplica al ser humano, promoviendo una reconexión con la naturaleza mediante estilos de vida más ligados a los ritmos naturales, la reducción de la dependencia de entornos artificiales, la alimentación local... Llegados a este punto y debido a que nos dedicamos a lo que nos dedicamos, la pregunta es evidente: ¿Qué podría significar el Rewilding aplicado a la música? La respuesta es amplia y podríamos abordar esta reflexión desde muchas perspectivas, pero el artículo que

escribimos hoy, va dedicado a descubrir cómo el Rewilding, es aplicado por músicos y artistas desde hace décadas en sus creaciones sonoras “sin saberlo” y mucho antes del nacimiento de este movimiento.

ILUSTRACIÓN: MUSEUM FOR THE UNITED NATIONS UNLIVE

“LA ARTISTA MÁS GRANDE de todos los tiempos nunca ha sido reconocida por su trabajo. Hasta ahora”. Este es el mensaje que aparece en la home de Soundsright. earth, una iniciativa impulsada por Naciones Unidas “que busca reconocer el valor de la NATURALEZA e inspirar a millones de seguidores para que tomen medidas medioambientales. Por primera vez, la NATURALEZA puede generar regalías a

partir de sus propios sonidos para apoyar su propia conservación”. Este proyecto comenzó a gestarse con la iniciativa del Museo de Naciones Unidas en 2019 y es el resultado de la colaboración entre artistas de más de 20 países y organizaciones públicas y privadas. Podríamos decir que esta es una forma de aplicar el Rewilding a través de la música. Puede que elevar a la Naturaleza a la categoría de artista, nos acerque un poco más a ella. Mucho antes de esto, en los inicios de la década de los setenta, R.Murray Schafer introdujo el concepto de “ecología del paisaje sonoro” que dio paso a la consolidación de la ecomusicología, disciplina de investigación deﬁnida por Aaron S Allen como “el estudio de la música, la cultura y la naturaleza en todas las complejidades de esos términos”.

SON MUCHOS LOS ARTISTAS que se han inspirado en la Naturaleza para crear o que han introducido sonidos naturales en sus obras, paradójicamente, muchos de ellos mediante la tecnología: Iannis Xenakis, Robert Rich, Brian Eno, John Luther Adams, Bernie Krause, Björk, Aurora Aksnes, Mileece, Nicolas Bernier, Takehisa Kosugi, incluso John Cage en su pieza 4′33, si entendemos el silencio como un elemento más del entorno natural. La lista es larga y, como señalábamos antes, la tendencia viene de atrás y como todas las tendencias, surge de una necesidad real.

DOUGLAS MCCAULEY, ecologista y activista, señala que escuchar los sonidos de la naturaleza integrados en la música, pueden catalizar un cambio en nuestra percepción sobre este entorno, porque nos brinda la oportunidad de recordar su belleza, su complejidad, algo que también nos lleva a adquirir un compromiso mayor con su protección y conservación.

NATALIA CISTERNA

El Observatorio MS cuenta con el apoyo de Johnnie Walker (Diageo), BIME, Espacio SOLO / LeCluf Music, RootedCon y AiE.

Merina Gris

El agujero

Con la convicción de tener entre manos una de las propuestas electrónicas más emocionantes de los últimos años, los donostiarras Merina Gris nos muestran con “Zuloa” (Sonido Muchacho, 25) la clase de evolución que cabría esperar de una banda con una sensibilidad como la suya.

TEXTO Fran González FOTOS Iker Gozategui

“NO TE NEGAREMOs que hemos tomado más precauciones que en el primer disco”, conﬁesa Paskal sobre la selección de ideas que han terminado conformando su segundo largo tras el exitoso "Zerua Orain" (22). Julen, por su parte, subraya lo dicho mencionando que es ahora, con el producto en la mano y a las puertas de compartirlo, cuando han comenzado a sentir el fantasma de la presión. “Nos han dicho que es un disco menos adolescente que el primero, y ahora no sabemos si eso es bueno o malo”. Tal observación no es baladí, pues el salto madurativo que el trío enmascarado nos ofrece aquí es incuestionable. Para muestra, varios botones. “Nos dimos cuenta de que las pistas que le mandábamos a Edu [Ed is Dead] estaban prácticamente terminadas y no queríamos acabar sobreproduciendo el disco”, recuerda Julen sobre la decisión de ser ellos los encargados de la producción. “Nos lo tomamos como un reto, tratando de comprobar hasta dónde podíamos llegar y contando con la determinante conﬁanza de Edu, que terminó encargándose de la mezcla y nos dio luz verde a nuestras ideas. Sabemos que no hemos sido del

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todo ortodoxos, pero estamos muy satisfechos con el resultado”.

LA NARRATIVA DEL PROYECTO, a su vez, también se ha visto salpicada por esta evolución y toma personal de los elementos, creando un abanico conceptual que gira en torno a las diferentes acepciones del término “zuloa” (“agujero” en castellano): “Tendemos a la melancolía, pero en el fondo somos muy luminosos”, asevera Julen. “Por eso nos daba rabia que ‘zuloa’, al menos en euskera, tuviera connotaciones tan negativas y oscuras, cuando realmente un agujero puede tener muchos otros signiﬁcados. Un agujero puede ser algo que te quitan o un lugar en el que caer, pero también es un hueco por el que respirar, por el que se ﬁltra la luz o por el que huir”. Una premisa que no solo les ha servido para construir diez temas de ilusiva voluntad, sino también una edición física de su trabajo reforzada con el arte de proximidad de colaboradores como Markel Idigoras, Adrián Romero, Nerea Garro y Alazne Zubizarreta.

“NOS ENCANTA lo que han hecho todos los artistas implicados, especialmente por el hecho de haber terminado sintiendo el proyecto tan suyo como nosotros”, remarca Paskal. “Si el oyente termina emocionándose con este disco tanto como lo hemos hecho nosotros, ya habrá valido la pena”. Y lo cierto es que el trío responsable pone a nuestra disposición recursos de sobra para lograrlo, pues han sabido elegir con puntería las palabras adecuadas

“Tendemos a la melancolía, pero en el fondo somos muy luminosos”

para atravesarnos: “Al principio nos dio algo de reparo cantarle a algo sobre lo que parece que ya está todo dicho”, recuerda Julen sobre “Hiru Damatxo”, su particular himno contra la gentriﬁcación. “Pero es cierto que su buena acogida nos ha demostrado que todavía había mucho que decir al respecto. Es evidente que es una herida común que sigue abierta y que nos polariza como sociedad. O eres víctima o eres causante, no hay medias tintas”.

MENOS HABITUAL ES, sin embargo, ver a una banda de sus características atreverse a abordar temas tan íntimos como el indescifrable universo de las emociones paternas, desarrollado en su sentida “Triste Dabil Aita”. “Siempre se ha tendido a pensar erróneamente que el padre es la ﬁgura familiar que debe mantenerse en pie cuando el resto de los miembros ﬂaquean y por ello a nuestra generación nos cuesta tanto verles como seres sintientes o nos impacta más si les vemos mostrar

su vulnerabilidad”, apunta Paskal, quien nos conﬁesa que el tema está inspirado en una etapa familiar particularmente dura. “Son circunstancias que te ponen en tu sitio. Quizás sientas que no estás preparado, que hace cuatro días tenías quince años y que, aunque ahora seas adulto, funcionalmente no puedes asumir ciertas responsabilidades. Pero todos acabamos aprendiendo tarde o temprano a madurar, queramos o no, y por ello sentimos que esta canción puede llegar a ser muy universal para muchos”.

TAN UNIVERSAL como su palabra, conjugada en su disco tanto en castellano y en euskera sin ningún propósito más que el hecho de ser ellos mismos. Algo que incluso les ha llevado a traspasar fronteras y calar en el público más centralizado. “Cuando bajamos a Madrid a ﬁrmar con Sonido Muchacho ﬂipamos al ver que tanta gente nos conocía”, recuerda Julen, orgulloso de la trascendencia de su proyecto pero sin dejar de sentirse sorprendido y agradecido. “Estamos muy lejos de hacer un disco completamente en castellano o en euskera. En nuestra música está el equilibrio lingüístico que nos representa no solo como artistas, sino también como oyentes e individuos”. —F.G.

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Vicente Calderón Juventud puteada

En 2017 el Estadio Vicente Calderón cambiaba su nombre y parte de su historia para siempre. Nadie vio venir que en 2025 el legado de aquella legendaria casa para tantos colchoneros resurgiría, esta vez de la mano de un quinteto de guitarras descarado y con actitud, quienes acaban de publicar “Vicente Calderón” (Subterfuge, 25).

JULIÁN, IKER, ÁNGELA, Raﬁ y Elena son Vicente Calderón y tienen la intención de poner patas arriba la escena underground de Madrid con su descaro juvenil y su vívida emoción. La suya es una de las propuestas más ilusionante de esta nueva ola de artistas que han venido a demostrar con méritos propios la buena salud del rock patrio. “Vicente Calderón”, el disco, es un catálogo de diez balazos dirigidos al pecho que con acidez, queja y desenfado dejan pocas dudas sobre el momento vital y generacional de sus responsables. “En nuestras canciones hablamos de amor, de desamor, de pisos inalcanzables y de vidas miserables. De resignación y de nuestro propio egocentrismo. De estar muy tristes y de saber que, pese a todo, siempre

“Este disco es el grito de una generación cansada”

nos quedan nuestros amigos. Todo desde una perspectiva generacional y muy personal”, dice la banda con respecto a lo que podemos esperar en su álbum debut. “Este disco es el grito de una generación cansada. Una crítica hacia lo que hemos heredado de las generaciones anteriores y hacia esos errores que, aunque ya no tengan solución para ellos, para nosotros tal vez sí. Los grupos de ahora, formados por gente joven, no solo queremos cambios a corto plazo, sino también soluciones de verdad”.

LAS PALABRAS DE JULIÁN, vocalista de la formación, toman un mayor sentido cuando escuchamos temas como “Costa Marrón”, su particular himno contra la especulación inmobiliaria con el que han conseguido demostrarle al público que su propuesta se mueve más allá de los tópicos de sus coetáneos. “El rock, aunque parezca una ﬁesta, también está hecho para reﬂexionar. Y mucho más si encima va cargado de dosis de humor”, subrayan. “Por suerte, muchos grupos de hoy en día quieren que la peña, además de pasárselo bien con sus canciones, también piense y desarrolle su criterio. Hablar del amor está muy bien, pero hablar de la especulación inmobiliaria y de esos problemas que nos afectan tanto a todos es aún mejor. Si los que tenemos altavoces y medios para hacerlo no lo gritamos y lo dejamos claro, ¿quién lo va a hacer?”.

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CON “VICENTE CALDERÓN” –en el que nos encontramos con invitados como Samantha Hudson, Suarma de Niña Polaca o miembros de Cora Yako–, el grupo firma un comienzo de año que sus propios miembros reconocen será difícil de superar. “El hecho de que un sello como Subterfuge nos diera su confianza y apostara por nosotros fue un gran orgullo”, reconocen. “Al 2025 no le pedimos mucho. Que a la gente le guste el disco, que lo disfruten tanto como nosotros y, si hay suerte, poder defenderlo con una girita por todo el país, que al final es lo que nos hace felices”. Por supuesto, tocar en el Estadio del Atlético de Madrid es también una de sus metas, aunque no sabemos hasta qué punto les cerraría puertas el hecho de que Julián sea merengue. “Yo creo que nos recibirían con agrado. No hay que discriminar a ningún insensato por sus errores [risas]”. —FRAN GONZÁLEZ

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EN PORTADA

“DESPUÉS DE LA VORÁGINe que he vivido en los dos últimos años, me he quedado un poco cansada, pero orgullosa también de mí misma por sobrevivir a todo esto y de la manera en que lo he hecho“. Así se le ha quedado el cuerpo a Valeria Castro después de todo. Ese no parar de crecer, gustar y tocar en todos los rincones de un país que la ha acogido con los brazos abiertos, dejándose encandilar por la profunda sencillez de sus canciones y la magia de una voz que suena tan dulce como amiga y próxima. Todo un vertiginoso recorrido artístico y vital, que la ha llevado a colaborar con artistas de pelaje tan distinto como Viva Suecia, Tanxugueiras, Ale Acosta o Izaro; además de ser nominada a los premios Goya durante dos años consecutivos, gracias a su trabajo junto a Vetusta Morla en “El amor de Andrea” y su más reciente visita a la alfombra roja por “El borde del mundo”, canción de la banda sonora de “El 47”. Éxitos que la han situado en una posición, bajo los focos de la atención mediática, en la que ella no se siente a gusto del todo… “Lo paso mal… No me siento del todo cómoda porque mi comodidad pasa por los míos, por mi círculo, y por la normalidad de mi día a día que es la de cualquiera. Pero es importante también criticar la realidad que estoy viviendo. Saber que esto no es lo que quiero que me deﬁna, y a la vez saber que esto no es algo que me pase tan solo a mí, sino que esta presión la habito yo, la habitan mis amigas, la habita mi madre y prácticamente todas las mujeres que me rodean. Entonces no es algo que me pase a mí por las circunstancias de la vida de una artista, sino que es algo resultante de una serie de cosas que la sociedad ha impuesto”. Una presión que Valeria ha sabido canalizar para sortear muy bien en un disco que aborda todas esas cuestiones que nos interpelan a los humanos. Emociones como el amor, el desamor, la ansiedad, la presión laboral o estética, la soledad, la tristeza, la alegría… Todo tiene cabida en este disco y todo acaba afectando a nuestro cuerpo creado para soportar. Por eso este disco es también un álbum para curar. Un asidero al que agarrarse de la misma forma que lo ha hecho su autora. “A mí estas canciones me han sanado un poquito. Me han reubicado y siento que estoy muy orgullosa de mí después de esto. Y espero que también puedan ayudar a la gente, que les reconforte y les haga pensar. Que sientan el disco como un lugar seguro, como yo lo he

sentido cuando lo he escrito. Creo que eso es lo mas bonito que me puede suceder con la gente. Pero, vamos, que es algo que está fuera de mi control y no quiero hacerme expectativas. Solo sé que es un disco que se ha hecho a fueguito lento, con un especial cariño y con mucho disfrute, así que con eso ya estoy feliz”.

“EL CUERPO DESPUÉS DE TODO” es un disco de contrastes. En él te puedes encontrar canciones con una gran tensión instrumental como “Sentimentalmente” o “El cuerpo después de todo”, con otros temas de corte más minimalista como “El tiempo

EL APUNTE

Ojalá que te vaya bonito

SI UNO SE PARA a pensar en todo lo que le ha sucedido a Valeria Castro en los dos últimos años, no puede mas que sentir algo de vértigo. Ha pasado de ser casi una desconocida a situarse como una de las artistas más apreciadas y queridas por esa sencillez y pureza innata que refleja en sus letras. Cualidades que, en su primer álbum, ponía al servicio de sus raíces, su tierra, su entorno, pero que esta vez utiliza para expulsar todos los demonios en busca de una sanación que desea ser compartida. Y es que la pérdida, el desamor y la ruptura sobrevuelan el disco, pero lo hacen sin entrar en el reproche, sin echar la culpa a nadie. “A mí me gusta ser muy pacifista [risas]. De hecho me ha venido a la cabeza esa referencia a Chavela [Vargas] que hay en el disco, cuando digo eso de ‘Ojala que te vaya bonito’. No deja de ser una forma de decir ‘Yo ya he sufrido así que quiero que lo que le quede al público sea algo con lo que me pueda sentir bien con los años’. Porque al final, en las relaciones humanas, creo que siempre debería quedar algo de agradecimiento, igual no tanto a la otra persona como a las cosas que has vivido y que te han hecho crecer. Por eso las canciones están planteadas desde ese punto, poniéndoles el peso justo para que a una no le haga daño cantarlas. Que estar cantando con reproche toda la vida eso de ‘Rata inmunda, animal rastrero’ igual también lo acabas sufriendo”. D D

que no estés” o “Debe ser”. Canciones que entroncan más con la orquestación menos pretenciosa de “con cariño y con cuidado” (23), en el que obtuvo un sonido del que ahora se aleja en parte para ir en busca de otras metas. Otros retos y sonoridades en los que se nota una mayor inﬂuencia de la canción y el pop latinoamericano de Natalia Lafourcade o Julieta Venegas, pero también de artistas como Sufjan Stevens, tal y como me apunta la propia Valeria Castro. Música que ha ido descubriendo gracias a toda la fase preparatoria del álbum, que la llevó a intercambiar playlists durante los primeros seis meses de trabajo de campo con el productor. Un experimentado Carles ‘Campi’ Campón al que llegó gracias, no a Vetusta Morla como en principio se podría suponer, sino de un Jorge Drexler con el que el productor catalán ha ganado algún que otro Latin Grammy. Pero lejos de acabar aquí, el juego de los contrastes continúa en el disco porque, si tenemos en cuenta que es el álbum en el que Valeria se ha encargado por primera vez de la composición de todos los temas –excepto ”Sentimetalmente”–, resulta curioso que, a la hora de grabar, haya sido su álbum más coral. “Ha sido un proceso precioso y eso que yo nunca había trabajado así. Y creo que ya no quiero trabajar de otra forma. La mayoría de las canciones se han trabajado como si el disco fuera un directo. Hemos montado una banda de estudio en México y otra en Madrid y nos planteábamos las canciones como si dentro de tres días tuviéramos que ir a tocar. Esa era la premisa, aunque todo el mundo sabía que esa versión que estábamos tocando no era la que iba a quedar en el disco porque luego ha habido horas y horas en el estudio frente al ordenador. Pero sí queríamos saber qué pedía cada canción todo el rato cuando hay cinco, seis o siete humanos tocando”. Ha sido ese “qué es lo que pedía la canción” lo que ha llevado a que “El cuerpo después de todo” acabe resultando un disco más variado y rico, aún a riesgo de perder esa esencia primigenia que nace de la raíz y que marcaba a fuego su primer álbum. Por eso hay que aplaudir su valentía por querer avanzar, mover ﬁcha y no repetir unos esquemas que fueran en busca de un “con cariño y con cuidado” parte dos, aún a riesgo de que habrá gente que preferirá a la Valeria más desnuda, sentida, cruda y descarnada.

PESE A TODO, nadie va a poder acusar a Valeria Castro de no mostrarse en este

Valeria Castro

Hasta que el cuerpo aguante

Dos años y ochenta y dos conciertos después, Valeria Castro nos regala “El cuerpo después de todo” (Warner Music, 25). Segundo disco de su corta, pero intensa carrera, en el que reﬂeja todo lo que ha crecido como artista, dando un paso adelante en lo instrumental, pero mostrando a la vez su cara más íntima.

Disturbios

TEXTO Don

Natalia Cornudella

EN PORTADA

nuevo álbum tal y como es, más bien todo lo contrario. Puede que la música haya ganado en sonoridad, perdiendo parte de esa austeridad tan característica y hasta cierto punto volcánica, pero en lo lírico se ha desnudado como nunca antes, hasta alcanzar un nivel muy íntimo, con una mayor riqueza en las formas del lenguaje, en la poesía de sus palabras. De hecho el álbum empieza con ”Devota”, tema en el que realiza toda una declaración de intenciones cuando canta eso de: “Lo cuento todo por si se vuelve lodo lo que yo pensé que era oro”. Y es que realmente ha sido así. Lo ha contado todo en una especie de exorcismo emocional que se me antoja brutal, arriesgado y valiente. “Es la primera vez que estoy un poco nerviosa, porque en este disco he escrito sobre cosas que no me había atrevido a contar antes. Si echo la vista atrás, me doy cuenta de que en mi primer disco hablaba más de un colectivo, de mi tierra, poniendo el foco ahí, en una sociedad y en un pueblo desde mi punto de vista. Y en este, pues solo he mirado las entrañas. Por eso tengo ese nerviosismo por haber contado más de la cuenta, pero también con ganas de ver si hay una respuesta por parte del público cuando salga… Porque es verdad que hay una densidad en el disco que tengo muchas ganas de ver qué pasa. Ahora que estoy empezando con las entrevistas, me doy cuenta de que no sé muy bien cómo hablar de los temas que me han salido de cuajo, porque son muy íntimos. Alguno incluso un poco doloroso todavía, y eso es algo que estoy intentando aprender a sobrellevar”. Las suyas son unas reservas del todo comprensibles y más si tenemos en cuenta que “El cuerpo después de todo” es un disco de ruptura, pero también de despedida, de desprenderse, de intentar pasar página… “Sí, es la primera vez que hablo de rupturas y de amor… Pero escribiendo estas canciones me di cuenta de que igual lo importante de hablar de las rupturas era mirar cómo salir de esos bucles. Por eso me puse a pensar en qué pensamientos le atraviesan a una. Me puse a pensar en esa mirada a tu cuerpo a través del espejo, porque alguien ahora ya no está a tu lado y quizás eso hace que te sientas menos valiosa. Por eso pensé también en cómo se enfrenta una a esa realidad solitaria después de una ruptura. Pero no quería poner el foco en la otra persona, sino en la herida que queda abierta y cómo podemos hacer para que no

“

“En este disco he escrito sobre cosas que no me había atrevido a contar antes”

sea tan honda. Y luego también, un poco por respeto a la otra persona, me interesaba hablar más de cómo he quedado yo tras la ruptura”. Un “uno mismo” al que debería resultar más fácil el quererse, tal y como aﬁrma la propia Valeria en otra de las grandes canciones del álbum titulada “Tiene que ser mas fácil”, y que plantea otra de las grandes preguntas que te interpelan a lo largo del álbum. ¿Por qué resulta tan difícil el quererse? “Pues creo que es por un aprendizaje social que tenemos muy inculcado. Yo lo veo desde el prisma femenino, pero supongo que también sucede desde el masculino porque es algo que está muy presente y es esa presión estética que vives. La presión de estar a la altura de las circunstancias todo el rato. Hay una parte en tu cabeza que, cuando está en acción, cuando estás frente a una cámara o un público, está muy activa y te dice: ‘Tengo que dar mi mejor versión, tengo que no decepcionar’. Pero después, cuando llegas a tu casa, al espejo de tu baño, te das cuenta de que no puedes mantener esas expectativas todo el rato. Es entonces cuando te dices que igual no eres eso que estás vendiendo, que no eres tan bueno… Estos han sido unos años de mucha exigencia, de mucha presión propia y auto-boicot. Han pasado muchos pensamientos por mi cabeza y no todos ellos bonitos. Eso hace que también te sientas muy vulnerable a la hora de expresarlos, porque no soy esa sonrisa que todo el mundo ve todo el rato. Y no lo soy porque no puedo mantenerla todo el rato… Eso es algo que te hace mella. Te da esa contraposición a lo maravillosa que es la vida que estoy teniendo, pero que frente al espejo a veces se cuentan cosas que todavía se tienen que curar”.

A PARTIR DE AQUÍ, y desde el momento en el que el disco empiece a andar

EN PORTADA

el próximo 14 de marzo, Valeria Castro iniciará, el 3 de abril en Barcelona, una nueva gira que recorrerá buena parte de nuestra geografía, en muchos casos ampliando los aforos del tour anterior. Toda una demostración de que su carrera parece no haber tocado techo todavía. “Eso es algo en lo que intento no pensar, porque suficientes ambiciones internas tengo como para encima ponerme la ambición del crecimiento. Tengo veinticinco años y sé que esto bajará en algún momento y no voy a llegar a ser Taylor Swift, ni tampoco lo pretendo [risas]. Intento poner el valor en volver a hacer un concierto en Barcelona otra vez, pero no en el espacio que ocupe ahora. O sea es muy bonito que cada vez venga más gente a verte, pero estaría también bien si fuera al revés… Porque al final con que este trabajo te dé de comer y te permita pagar el alquiler, ya quiere decir que estás usando esta terapia, que es la música en directo, para que eso suceda. Y para mí ese es el verdadero techo. Soy feliz porque, si me sumara a esta ambición colectiva del más y más y más, luego no podría soportar que las cosas fueran para abajo. Por eso hay que tener la cabeza bien amueblada para que la ambición no te desubique de la realidad tan bonita y del privilegio que tienes, porque al final el poderse subir a un escenario es todo un privilegio”. D D

EN GIRA R

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l Barcelona 03 abril. Auditori Forum

l Las Palmas 05 y 06 abril. Auditorio Alfredo Krauss

l Valencia 27 abril. Palau de Les Arts

l Bilbao 03 mayo. Palacio Euskalduna

l Granada 11 mayo. Palacio de Congresos

l Salamanca 17 mayo. CAEM

l A Coruña 18 mayo. Palacio de la Ópera

l Murcia 23 mayo. Auditorio Victor Villegas

l Alicante 24 mayo. Auditorio Diputación Alicante

l Donosti 29 mayo. Miramar Gauak

l Sevilla 01 junio. Cartuja Center

l Pamplona 06 junio. Auditorio Baluarte

l Tenerife 14 junio. Auditorio Adán Martín

l Málaga 29 junio. Teatro Cervantes

l La Palma 05 julio. Recinto Bajada de la Virgen

l Lanuza 19 julio. Pirineos Sur

l Albacete 23 agosto. Caseta de los Jardinillos

MONDO FREAKO

”

Llego en bici. Y llego tarde. Quintín Vargas, alias Quentin Gas, destaca bajo el gótico de la Iglesia de San Marcos de Sevilla. El autor de “El mundo se quema” (Autoeditado, 24), un artefacto sonoro en el que los géneros se entrecruzan para dar forma al Mejor Álbum andaluz del año para Mondo Sonoro Sur.

TRAS LA CHÁCHARA off the record y una ojeada al Mercado del Jueves en la calle Feria, comienza la entrevista. Quintín Vargas (Sevilla, 1982), más conocido como Quentin Gas se ha pasado seis años repitiendo en sus redes que estaba escribiendo el mejor disco de su carrera. Ahora me mira tranquilo y clavándome en los ojos esas pupilas suyas más zíngaras que la noche me dice: “Es el mejor disco de mi carrera, pero no el más importante. El más importante es el próximo”. Así es Quintín. Y su cerebro. Una amalgama de conexiones que vive en el futuro. “Es una obsesión por experimentar con el ﬂamenco y llevarlo a sitios a los que nunca ha ido. Pero, claro, esa misma obsesión me lleva a hacer locuras que luego, cuando lo escucho a solas, pienso: ¿Realmente era esto necesario?”.

“EL MUNDO SE QUEMA” es una colección de dieciséis canciones ﬂamencas, eléctricas, violentas, tiernas, brillantes, oscuras y tan repletas de adjetivos que se contradicen en cada acorde como ajenas a jaulas y etiquetas. Un cañón circense sobre cuyas balas sobrevuelan amistades y artistas como Annie B. Sweet, Miguelito (DMBK), Noni (Lori Meyers), Manu Flores (Sherry Fino), María Reina, Las Corraletas de Lebrija, Perrate, Enzo Leep, Cristian de Moret, Playback Maracas y una colaboración que, por su carácter de sangre y espiritual, no mencionaremos

“Quería quemarlo todo, y es lo que he hecho”

Quentin Gas & Los Zíngaros

Desde Sevilla al futuro

hasta el siguiente párrafo. “Este disco lo pedía. Por ejemplo, ‘La trenza de tu pelo negro’ empieza con una melodía pop al piano pero luego se mete por ﬂamenco en un registro que yo no puedo cantar, pero Cristian te lo hace perfectamente. En mis discos, este tipo de cosas siempre la hace gente de mi familia, pero en este caso me apetecía alguien externo y la voz de Cristian me ﬂipa. La requería el tema, no es un capricho. Es verdad que estamos un poco obsesionados con las colabos, y mirando siempre con quién lo podemos hacer para conseguir más escuchas, pero no es nuestro caso”. Y luego está Lorca. Federico. Y con él, “El Camborio”, corte que adapta el poema “Prendimiento de Antoñito El Camborio en el camino de Sevilla”, texto publicado por primera vez en 1926 en la revista Litoral y que, casi cien años después, entra en Spotify con voces de difuntos y samplers en bucle.

“Este texto lo iba a recitar mi madre, pero en mi casa pasan cosas como esto que te voy a contar. Cuando la estoy avisando de que vamos a grabar y de que se vaya preparando el poema, va y me dice que mi tío Rafael ya tiene grabado ese poema. Y yo: ‘¿Cómo, qué? ¿Qué me estás contando, mamá?’. Y ella: ‘Que sí, te voy a dar los cedés’. Me da los discos, los pongo y, efectivamente, ahí estaba el mismo puto poema grabado por mi tío Rafael Vargas, que aunque también escribía poemas propios, siempre había sido más rapsoda que poeta y, además, tenía una voz con mucha raza. Entonces le pedí perdón a mi madre porque le dije que creí que era mejor hacerlo con la voz de mi tío. Y ella, claro, lo entendió perfectamente”.

JORGE NARANJO

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FOTO: JORGE NARANJO

Jordana B No más dramas

Jordana B. tienen nuevo álbum, “Otra vez el mismo drama” (Subterfuge, 25), e inician gira de presentación en breve. Semanas antes del lanzamiento nos reunimos con las cuatro integrantes para conocer más sobre su nuevo trabajo musical.

“LLEVAMOS ESPERANDO este momento un montón de tiempo y por ﬁn se va a hacer realidad. Es un disco mucho más maduro y nos representa un montón a todas”, explica Mónica, la batería del grupo. “Hace dos años se empezaron a hacer las canciones y siento que hemos envejecido mucho desde entonces. Hay varios popurrís porque no se han hecho todas en un mismo espacio de tiempo”, comenta María (vocalista y compositora). El hilo conductor de “Otra vez el mismo drama” es un programa imaginario de radio La Manga, en el que suenan los éxitos de Jordana B, con un anuncio como inter-

ludio y cuñas habladas de María. “Queríamos mantener esa esencia y el primer tema que grabamos con algo así fue ‘Mar Menor’. Llegó un momento en el que quisimos darle un sentido. Para mí el nexo era que el disco debía acabar con ese tema. Al acabar con esa cuña, teníamos que introducir el álbum como un programa de radio. Como las canciones son tan únicas, es como un programa de radio”, apunta Marta (bajista del grupo). “Teníamos las canciones perfectas para crear un hilo conductor teatralizado. Queríamos que ‘Holter’ fuera la canción que abriera el disco. Lo hace de una manera muy musical. Luego teníamos ‘Gente corriente’, en la que se incluyen las partes habladas y mola porque nunca se pierde la conexion con esa persona que está locutando”, añade María.

EN LA PRODUCCIÓN DEL DISCO, se involucraron cuatro personas (Ganges, Guille Mostaza, Carlos Hernández y Mané López) por lo que “cada canción es de su padre y de su madre. Todo el mundo ha aportado lo que mejor sabe hacer y su puro estilo.

“No nos cohibimos a la hora de hacer cosas”

TAN.LEJOS TAN.CERCA

RR Mala Rodríguez celebrará en Barcelona los veinticinco años de “Lujo Ibérico” con un concierto muy especial. Será el miércoles 5 de marzo en el Palau de la Música Catalana y no solamente estará respaldada por la Orquestra Simfònica del Vallès, sino que contará con invitados especiales que se sumarán para interpretar su repertorio.

RR El grupo burgalés La M.O.D.A. ha anunciado que, este mes de marzo, empezarán a grabar nuevo

Chef’Special En directo

Tras publicar su último trabajo “New Gold” (Kaiser Records/ Calaverita, 24), los holandeses Chef’Special volverán a desplegar su festivo directo frente al público español que cada vez más se suma a su fusión entre hip hop, rock y reggae.

AUNQUE TODAVÍA les queda camino por recorrer en nuestro país, los holandeses Chef’Special son una banda de éxito tanto en

su país como en otros territorios. Pero, como a todo grupo que le gusta tocar en directo, no se les caen los anillos al trabajar duro para conseguir captar nuevos fans. “Para nosotros es como volver a nuestras raíces, reconectar con la razón por la que empezamos esta banda en un principio. Cuando empezamos, lo que nos interesaba era tocar en directo y crear energía positiva junto a cualquier público que pudiéramos encontrar, y hacerlo tan a menudo como pudiéramos. Tocamos cientos de conciertos en directo antes de empezar a pensar en grabar en estudio o llevar singles a la radio. En resumen: ¡estamos muy emo-

disco con Carlos Raya (quien ha trabajado con Quique González, M-Clan, Leiva o Los Zigarros). Al mismo tiempo los chicos han anunciado casi cuarenta fechas por toda la península con, entre ellas, seis salas La Riviera consecutivas en febrero de 2026.

RR Se anuncian dos grandes conciertos con única fecha en el Estadi Olímpic Lluis Companys de Barcelona. Hablamos de Kendrick Lamar y SZA con su “Grand National Tour” –que

cionados por tocar en salas pequeñas y conectar con el público!”, apunta Jan Derks, bajista de la formación. En España van creciendo poco a poco, con la garantía de contar con un directo enérgico y en el que no bajan nunca el pistón. Como sus amigos de La Pegatina. “Una de las experiencias más maravillosas que hemos vivido fue cuando les teloneamos en el Auditorio de Lanuza (Huesca). Había una piscina de agua frente al escenario, durante nuestro espectáculo tuvimos una vibra maravillosa con la multitud, calentando muy bien, y después del atardecer, cuando empezó La Pegatina, fue una liberación de energía mágica, con gente saltando a la piscina y volviéndose absolutamente loca de la manera más hermosa. Realmente inolvidable. En general, nos encantan las formas ge-

será el 30 de julio– y del “The BIG ASS World Tour” de Post Malone, con Jerry Roll como invitado, el 12 de septiembre.

El disco tiene de todo”, cuenta María. “De todo, pero de todo nuestro, que al final somos cuatro y cada uno tiene sus referencias”, puntualiza Marta. Además de ser el guitarrista de la banda, Mané también produce varias de las canciones, tanto de este álbum como del anterior. Para él, poder estar en la producción es algo ilusionante. “Subterfuge y Jordana B. me dan la oportunidad de poder meter mano con total libertad. Estoy muy contento por la confianza”. Precisamente Mané, es muy amigo de Sienna, quien protagoniza una de las dos colaboraciones del disco (“No he dormido nada”). Tras varios años insistiéndole para hacer algo juntos, “confluyeron los astros” al hablar de que María y él tenían insomnio. “Hace las cosas de corazón. Fue increíble contar con su voz para abrir este tema. Porque es el único tema que no empiezo cantando yo”, señala la vocalista.

LAS LETRAS DEL GRUPO son sinceras y sarcásticas, sin ﬁltros. Para María es muy satisfactorio soltar las cosas de esta forma. “Nos podemos permitir unas licencias muy chulas. Es una licencia que tenemos comprada, no nos cohibimos a la hora de hacer

MONDO FREAKO

cosas. Vamos con pies de plomo de no hacer apología de cosas que no queremos hacer, pero te encuentras un poco de todo en las letras”. Es el caso de la versión de “Common People”, que en vez de traducirse, se adaptó. “Lo interesante era representar al colectivo LGBT y darle una vuelta de tuerca a esta canción, dándole un giro que nunca se había dado”, dice Mané. Inicialmente no era un tema que pensaban publicar, pero ahí está. Jordana B. funcionan así. “A veces alguna de nosotras dice una fumada, se encuentra con el apoyo de otras y nos motivamos”, comenta María entre risas. ISABEL SANTOS

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EN CONCIERTO

l Madrid 07 marzo. Sala Changó

l Alicante 15 marzo. Los Conciertos del Baluarte

l San Cristobal de la Laguna 29 marzo, Aguere Cultural l Santiago de Compostela 04 abril. Sala Sónar

l Cáceres 25 abril. Boogaloo Club

l Badajoz 26 abril. Off Cultura

l Salamanca 09 mayo. Music Factory

l La Lastrilla 10 mayo. Octavo Arte

RR Mark Pritchard ha lanzado una versión de estudio de su colaboración con Thom Yorke (Radiohead, The Smile), “Back In The Game”. Se espera que la canción forme parte de un próximo álbum conjunto, aunque por ahora los detalles son escasos.

RR El 25 de abril se publicará “Heart Of Gold”, álbum tributo a Neil Young

“¡Estamos muy emocionados por tocar en salas pequeñas!”

nerosas y entusiastas en las que el público español puede mostrar su aprecio”. El ser una banda de directo, no impide que sus discos funcionen igualmente bien. El más reciente es “New Gold”, motivo de esta gira que les acercará nuevamente a Barcelona, Valencia y Madrid. Un disco en el que incluyen “Fly Like Me”, una canción que podría resumir muy bien cuál es su propuesta a día de hoy. “En una situación perfecta, lograríamos escribir una canción lo suﬁcientemente bien como para que se eleve por encima de estilos y géneros, o al menos eso es lo que pretendemos. Y seguimos creciendo hacia esa meta, pero creo que ‘Fly Like Me’ reﬂeja bien esa nueva fusión, que es un buen ejemplo de lo que estamos buscando”. De todos modos, el grupo sigue trabajando en nuevas canciones. Como esa

en el que participarán artistas como Eddie Vedder, Fiona Apple, Brandi Carlile, Mumford & Sons, Sharon Van Etten, The Lumineers y otros. Será un lanzamiento benéﬁco en favor de la Bridge School, escuela que el propio Young fundó junto a su exmujer Pegi, para niños con discapacidades físicas y de habla graves.

RR Peter Murphy anticipa nuevo disco con el single “Swoon”, para el que ha contado ni más ni menos que con Trent Reznor (Nine Inch Nails) como invitado especial. MS

“C’est La Vie” con la que despidieron el año pasado. “Estamos creando material nuevo y recuperando otro que ya existía, pero que conceptualmente no encajó en el álbum anterior. A partir de todo eso veremos qué sale”. Parte de ese material se combinará con sus principales éxitos en sus conciertos españoles. “Nos encanta tocar en España y ha sido muy gratiﬁcante ver la respuesta del público”.

S LUNA

JOAN

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EN CONCIERTO

l Barcelona 20 marzo. La [2] Apolo

l Valencia 22 marzo. Sala Moon

l Madrid 23 marzo. Sala Villanos

K1ZA Directa a la yugular

Con “Dosis” (DDB Music, 24), el álbum debut de K1ZA, la visceral rapera madrileña sube varios escalones aunando un crisol de sentimientos desgarradores y matices sonoros con colaboraciones de pedigrí. Podremos verla en La Demoscópica de Mondo Sonoro en Madrid.

CUANDO EL SENTIMIENTO es exprimido hasta la última gota lo que queda es la sinceridad y la credibilidad. Esta es la esencia de K1ZA, la rapera madrileña que empezó su carrera en 2020 y que sube un escalón en el género nacional con su nuevo proyecto y primer largo titulado “Dosis”. El título hace referencia a cada uno de los venenos y emociones que representan las trece canciones que componen el álbum y que va “tragando” en todo su desarrollo. Después de lanzar sus dos primeros EP’s (“Rap de Psiquiátrico” y “Agua y Tiza”) en 2020, admite que su enfoque es ahora mismo más profesional y abierto, permitiéndose trazas de electrónica y de ﬂamenco. “Hay una diferencia brutal, sobre todo a nivel de producción, ‘Agua y Tiza’ son beats de Youtube, y no tiene nada que ver con este álbum que tiene instrumentos. Me he metido en la composición, he tocado la guitarra, he trabajado mano a mano con un productor y el mensaje es mucho más sólido. Quería plantear una temática que tenga un hilo conductor y no sea simplemente vomitar todas mis emociones”.

LA VISCERALIDAD DE K1ZA es palmaria. A sus letras las recorre una pulsión oscura y desgarradora. En “Kandinsky” menciona el analgésico tramadol y en varias canciones habla sin tapujos de las pastillas y de la nube negra de los conﬂictos mentales. Unas adicciones que ya pasaron a mejor vida. “Este año cumplo cuatro años limpios. Los peores momentos de mi vida han sido en esa etapa en la que estaba enganchada a todas esas pastillas. Hoy en día veo que se hace mucha apología de la droga y, aunque en mis canciones hable de eso porque me he sentido así en algún momento, también me gusta decir que de esto he salido y tú también puedes. Ir al psicólogo me ha ayudado mucho y a día de hoy sé diferenciar quién ha trabajado sus problemas y quién no”. Para escribir, el dolor le es más útil que la alegría. “A mí me inspira más el dolor, te hace madurar más rápido. Cuando estoy contenta lo último que me apetece es estar escribiendo y me voy por ahí a disfrutar. Cuando estoy mal es cuando necesito escribir”. Al tratar estos temas escabrosos y delicados y preguntada por si siente algún tipo de responsabilidad social, se muestra muy clara: el arte debe ser libre. “Siento que es más responsabilidad de los padres. No le compres un móvil con acceso a todo el Internet del mundo. Si estoy cantando en una canción que me encanta el tramadol y que me voy a tirar de una ventana y a alguien eso le mal inﬂuencia, pues lo siento pero yo necesitaba expresarme. En el cine hay vía libre para expresar lo que se quiera y nadie se ofende, mientras que en la música no. ¿Por qué?”.

“Quiero hacer de todo. Escucho música variada y haré música variada”

EN “DOSIS” HAY, entre otras, dos colaboraciones de gran calibre por lo que representan en el rap patrio, Rapsusklei y Elio Toffana que dotan al álbum de envergadura y prestigio. “Rapsusklei desde el momento uno me ha demostrado muchísima humildad y cercanía. Lo valoro mucho en un artista, sobre todo de ese nivel. Es una de las personas que quería para mi disco, al igual que Elio, que me propuso hacer la canción”. Reconoce inspirarse en la sempiterna escuela madrileña de Charlie Hijos Bastardos o Crema, así como haber escuchado abundantemente de pequeña a Eminem y a 50 Cent. Además, se muestra impetuosamente en contra de la dicotomía que algunos hacen cuando intentan separar el rap masculino del femenino. “Es algo que me molesta mucho. El rap es rap. Deberíamos normalizar toda esta situación y no darle tanto bombo cuando una mujer hace rap. También me fastidia cuando se pretende que, por el hecho de ser mujer, tenga que dar un mensaje contra el machismo. Estoy obviamente en contra del machismo y soy feminista pero mi música es música, igual que la de un hombre hablando de lo que a él le dé la gana”. Al mismo tiempo, huye de las etiquetas y de la música panﬂetaria. “No hago música reivindicativa ni voy abanderando ninguna lucha. Hablo de mis cosas y claro que en todo hay política. Al hablar en una canción sobre mi novia, ya estoy normalizando a la gente LGTB. Lo único que quiero es expresarme”. En base a que muchas de sus letras tratan sobre el amor y sus vicisitudes, le pregunto qué es lo que más ha aprendido durante todo este tiempo sobre ese sentimiento escurridizo, pero que nos iguala a todos los seres humanos. “El amor es no tener dudas y estar en paz, hasta que no lo encuentras no lo sabes. Cuando sabes que está ahí lo sabes y punto. Todo lo demás no es para ti”.

LA AUTOCONFIANZA es uno de sus atributos más destacados, eso sí, con permiso de los hilos de la industria, que a veces son indescifrables y caprichosos. “Confío mucho en mi talento y en mi trabajo, pero no tanto en cómo funciona la industria. Hay muchas cosas por detrás que se mueven únicamente por dinero y eso es algo que me chirría bastante”. En cuanto al futuro, su horizonte está copado por la variedad musical. “No me voy a quedar aquí, tengo ganas de hacer un tema de punk, otro de reggaeton... Quiero hacer de todo. Escucho música variada y haré música variada”. DANIEL CABALLERO

EN CONCIERTO

l San Cristóbal de La Laguna 15 marzo. UrbanA La Laguna l Madrid 26 marzo. Teatro Barceló (Demoscópica Mondo Sonoro) l Barcelona 19 abril. Razzmatazz

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LCD Soundsystem

El toque de James Murphy

Cuando el 24 de enero de 2005 apareció en las tiendas el primer disco de LCD Soundsystem, James Murphy estaba a pocas semanas de cumplir treinta y cinco años, una edad bastante talludita para un debut. Pero es que Murphy no era un debutante y para esa época ya había estaba de vuelta de todo.

TEXTO Sergio Ariza

FOTO Jake Walters

MURPHY ya había grabado varios discos con diversas bandas, desde el rock gótico de “A Christening” de Falling Man, editado en 1988, cuando tenía dieciocho años, al sonido alternativo del “Cosmovalidator” de Pony, editado en 1994. Desde Falling Man hasta el debut de LCD Soundsystem le habían pasado muchas cosas, incluido un tiempo trabajando en una tienda de discos, de ingeniero de sonido, DJ e incluso la creación de su propio sello discográﬁco, DFA (Death From Above) Records, junto a Jonathan Galkin y el británico Tim Goldsworthy. Pero Murphy quería volver a ponerse delante del micrófono para cantar sus propias canciones y dejar claro su exquisito gusto musical. Puede que el hecho de tener diez o doce años más que los chavales con los que se codeaba le diera cierto síndrome de impostor, o puede que Murphy sea simplemente el mejor heredero líricamente de Randy Newman, o lo que es lo mismo el tipo más mordaz, irónico e inteligente posible, pero en vez de haber crecido con el blues, el Tin Pan Alley, la música de Nueva Orleans o el country, lo había hecho con The Fall, Gil Scott-Heron y Joy Division.

Una cinta recopilatoria

En “LCD Soundsystem”, se incluían dos discos, uno que era realmente su disco de debut, el primero, y otro, el segundo, en el

que se recogían sus primeros sencillos y varias canciones que habían tocado en sus potentes directos. Increíblemente, Murphy conseguía cohesionar todas sus referencias en un mismo proyecto, uno en el que se mezclaban Killing Joke (“Losing My Edge”) y Eno (“Great Release”), Can (“On Repeat”) y The Fall (“Movement”), Daft Punk (“Daft Punk Is Playing at My House”) y The Beatles (“Never as Tired as When I’m Waking Up”), Gang Of Four (“Give It Up”) y The Stooges (“Tired”). Solo en “Yeah” Murphy trata de resumir en nueve minutos la historia completa de la música electrónica, empezando con Kraftwerk, terminando en Daft Punk y pasando por el acid house e Ibiza. Es compleja, absorbente e hipnótica y en su “Pretentious Mix” instrumental se extiende durante más de once minutos.

Perdiendo mi toque

Pero, a pesar de sus incoherencias, este debut sigue siendo una perfecta carta de presentación del grupo, con algunas de las mejores canciones de su historia, empezando con la que Murphy dio a conocer este nuevo proyecto en el verano de 2002, “Losing My Edge”. La canción es el mejor reﬂejo del estado de la música a comienzos del siglo XXI, cuando la aparición de Internet había hecho que, de repente, toda la música posible, desde la más oscura y difícil de encontrar hasta la descatalogada estuviera a disposición de todo el mundo con solo un clic. “Losing My Edge” es la

autoparodia de uno de esos fanáticos, uno que tiene una colección increíble, que ha conseguido discos muy preciados gracias a trabajar en una tienda de discos, alguien que ha visto surgir varias corrientes musicales y las ha seguido antes de que explotaran comercialmente y ve cómo una nueva generación lo consigue todo en unas pocas horas, pero que al mismo tiempo les recuerda a todos que él estuvo ahí y lo vivió.

(Auto)retrato de un ‘hipster’

Es, a la vez, el más divertido y cínico (auto) retrato de lo que es un ‘hipster’ musical hecho por uno que lo es. Sobre un riff medio prestado de Killing Joke, Murphy construye una canción que sirve también de maniﬁesto musical, de esa mezcla de guitarras y sintetizadores, de instrumentos analógicos y digitales, de punk y música disco, sobre los que construirá su carrera. Además es un sorprendente name dropping exhaustivo con sus fuentes de inspiración, desde This Heat a The Sonics, pasando por Pere Ubu, The Nation Of Ulysses, Todd Terry, The Germs, Section 25, a-ha, Pere Ubu, Dorothy Ashby, PIL, Fania All-Stars, The Bar-Kays, The Human League, The Normal, Lou Reed, Scott Walker, Monks, Niagra, Joy Division, Lower 48, The Association, Sun Ra, Scientists, Royal Trux, 10cc, Eric B. & Rakim, Index, Basic Channel, Soulsonic Force, The Slits...

Daft Punk están tocando en mi casa

También aparece aquí “Daft Punk Is Playing In My House”, en la que volvía a sacar pecho sobre algo que ya había comentado en la anterior canción: “Fui el primero en poner a Daft Punk para los chicos del rock. Los puse en el CBGB. Todos pensaban que estaba loco”. Ahora invita a los robots franceses a una ﬁesta clandestina y les añade un riff que podría haber salido de The Fall. El resultado es la mejor representación posible de la música de esta banda, en la que no se sabe si es una banda rock haciendo música de baile, o un DJ jugando a ser una banda post-punk.

“Losing

“Tribulations” es un ‘synth pop’ que desborda energía gracias a una línea de sintetizador pulsante y una melodía que invita al baile, cuando a mitad de la canción entra la guitarra es imposible no acordarse de New Order, otra banda metida en esa encrucijada entre el post-punk y la música de baile. Mientras que “Never as Tired as When I’m Waking Up” utiliza la misma secuencia de acordes del “Dear Prudence” (y parte de su melodía también) de The Beatles, para demostrar que detrás de cada hipster con tendencia al oscurantismo también late un fan de los de Liverpool.

El in ltrado Disco

“Movement” es su mayor homenaje a Mark E. Smith y The Fall (incluso haciendo un guiño a “Telephone Thing”), y en ella vuelca todo su desprecio por ese movimiento de ‘Nuevo rock’ que se inventó la prensa a comienzos

de siglo XXI. Por su parte “Disco Inﬁltrator” es un nombre perfecto para el propio James Murphy, otra epopeya de dance punk perfecta para la pista.

Puede que este debut estuviera todavía demasiado en deuda con los héroes de Murphy, pero sólo los tipos con verdadero talento pueden rendir tributo sin parecer unos farsantes. Murphy dejaba claro su talento, demostrando que además de jugar un papel importante a la hora de devolver a sus ídolos musicales a la conciencia popular, podía jugar en su misma liga. S.A.

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EN CONCIERTO

39/Mondo VINILOS

La banda de Sharon Van Etten

Sharon Van Etten

Sharon Van Etten & The Attachment Theory Jagjaguwar/Popstock!

POP / Hace un par de años Sharon Van Etten decía en una entrevista que “es bueno mantenerse alerta y probar cosas nuevas a medida que uno envejece” y su nuevo disco es la confirmación de que no mentía. No es que Van Etten se haya quedado siempre quieta, es evidente que una vez que llegó a la perfección de su fórmula de ese indie rock confesional de sus primeros discos con “Are We There” (14), decidió ir incorporando nuevos elementos sintéticos y electrónicos poco a poco en su música, como prueban “Remind Me Tomorrow” (19) y “We’ve Been Going About This All Wrong” (22), pero lo que acaba de hacer con su nuevo disco, “Sharon Van Etten & The Attachment Theory”, en la que le acompaña una banda, es pisar nuevo terreno para alguien que es vista principalmente como

una cantautora. Aquí asume riesgos, amplía su música, añade nuevas capas y nuevos estilos. Este disco surgió con Van Etten encerrándose con la banda a tocar hasta que florecieran las canciones, aun así, a pesar del nuevo manto sonoro ella sigue controlando todo y su voz sigue siendo el elemento principal de la mezcla. Eso sí, las guitarras dejan paso a los sintes y las influencias de Fiona Apple o Lucinda Williams se cambian por Depeche Mode o Siouxsie. Hasta cuando suena una guitarra, como lo hace al principio de “Idiot Box”, no es para volver a su indie folk/rock de los comienzos sino para sonar como si fueran New Order o como en “Indio” que suena a nerviosa canción post-punk, más que a cantautora confesional. Sharon Van Etten sigue hablando en su nuevo disco del amor, la ternura, la ira y la confusión que todo ello conlleva, son temas recurrentes a lo largo de su obra y aquí vuelve a visitarlos. Pero eso no significa que a la autora de “Your Love Is Killing Me” se le hayan acabado las cosas que decir, sino que ha encontrado una nueva forma de decirlas. sergio ariza

The Weeknd Hurry Up Tomorrow XO/Universal

POP / “Hurry Up Tomorrow” es la última entrega de la trilogía que Abel Tesfaye comenzó con “After Hours” y, si le hacemos caso, es también su último disco bajo el nombre de The Weeknd. Es una obra ambiciosa, pero el resultado final se ve lastrado por la excesiva duración y la poca variedad entre las canciones. Tesfaye juega sobre seguro y las diferencias sónicas entre este disco y los dos primeros discos de la trilogía son casi imperceptibles. Todas las canciones suenan bien, pero en muy pocas se podría decir que sale de su zona de confort, la producción del disco es impecable, los sintetizadores suenan muy bien, el falsete de Tesfaye sigue funcionando a la perfección y las canciones tienen un nivel bastante sólido, pero tras un tiempo todo comienza a sonar bastante monótono y repetitivo. La sensación que queda es que Tesfaye no ha conseguido el canto de cisne perfecto para su alter ego. sergio ariza

POP / Más de dos años de búsqueda y exploración creativa, para encontrar al final el equilibrio que le ha dado paz a Sila Lua de cara a lanzar este segundo disco de estudio. Un álbum construido en la carretera, en plena gira de su predecesor, en constante cambio… De ahí la pluralidad de matices, los saltos, los juegos y la libertad con la que se desarrolla. Sila afirma que se obsesionó con los géneros latinos en los últimos años y se sumergió de forma apasionada en ellos: bachata, tonadas, reguetón… Ahí fue quizás donde encontró la respuesta a cómo narrar un presente herido y cómo llenar su ya asentado sonido con una carga sonora mucho más plural y algo más universal. Sigue siendo urbana, electro, pero ahora hay una atmósfera personal y distinta que va más allá en cada canción. Para la producción se une a Pau Aymí que construye una estructura muy clara para unificar un proyecto de naturalidad salvaje. álex jerez

Sila Lua Danzas de amor y veneno Altafonte

Ela Minus se abre en canal

Ela Minus DÍA Domino/Music As Usual

ELECTRÓNICA / Los discos confesionales, de autor, intimistas, ya no son lo que eran. Y lo digo en el mejor de los sentidos. Lejos de los pianos minimalistas o las guitarras lacrimógenas, en los últimos años, grandes artistas como Rosalía o Charli XCX han presentado álbumes en los que se abrían en canal, se mostraban vulnerables y exponían sus contradicciones más humanas, pero en lugar de hacerlo en sonidos para recluirse en una habitación lo han hecho bailando, innovando y creando vanguardia en su generación. Con el segundo disco de Ela Minus pasa exactamente lo mismo. Después de un debut que llamaba a la movilización colectiva, “Acts Of Rebellion” (20), la productora y música colombiana decide aferrarse al singular y construir un disco de electrónica de club en el que sus conocimientos de batería hacen brillar patrones de percusión como

Nukore The Blackout Revolution Records

melodías, y en el que por primera vez vemos quién se esconde tras los sintetizadores. Viene a desmontarse y a encontrarse en el proceso. A lo largo de los diez cortes que componen el disco, las pulsiones electrónicas resultan más orgánicas que nunca, como si viéramos crecer un nuevo tipo de plantas, de vida, en lugar de una codificación de

SAULT Acts Of Faith Forever Living Originals

METAL / A una banda con veinte años de carrera y cinco discos editados, en estos tiempos volátiles en los que vivimos, hay que otorgarle el crédito que merece su constancia. Una constancia que los ha llevado a transitar todas las trincheras del hardcore vasco, hasta el que parece ser su movimiento más meditado. Ocho cortes que aparecen bajo el nombre de “The Blackout”, en los que las eclécticas posibilidades del combo se estiran como un chicle y la sensación de progresión se muestra incontestable. Desde una cuidada producción por parte de Iker Bengoa en los Silvertar Studios envolviendo el producto con un lazo, hasta el detalle que se ha tenido por mimar cada aspecto de estos divertidos veinticinco minutos logrando edificar un trabajo que sin duda multiplicará la repercusión que han tenido con pasados esfuerzos y les permitirá subir un par de escalones en la escena estatal. unai endemaño

SOUL / Undécima entrega ya del siempre misterioso colectivo londinense SAULT, quienes parecen lucir como condición indispensable de su música un halo de improvisación innegociable. Una espontaneidad no reñida con la elegancia y el cuidado de formas que ampara a estas nueve nuevas canciones, manifestadas con buen trazo entre soul de libre cuño y elementos habituales en el jazz. Algo más de media hora de música tan sedosa y elegante como nada acomodada, que vuelve a poner de manifiesto las peculiaridades poco habituales que rigen la trayectoria artística del combo, gracias a un disco que no deja de crecer escucha tras escucha. En este caso, en base a unas piezas que, originalmente, el combo mostró en un único concierto ofrecido en Londres en diciembre de 2023. Un contenido que ahora cristaliza en el presente elepé, y deja a su paso una estela de querencia funk que añadir a los valedores habituales del grupo. raúl julián

ceros y unos. El mensaje global que da el disco es siempre para adelante y para arriba. Es esperanzador porque es sincero, es empoderante porque se permite ser frágil. Funciona como un círculo en constante movimiento, como el propio pensamiento humano, el final podría ser su principio y viceversa. eva sebastián

Songhoy Blues

Héritage

Transgressive

DESERT BLUES / Talentosos representantes de esa dualidad globalista actual que sitúa al folclore no ya solo entorno a lo propio, sino también a lo aprehendido, la banda maliense se descabalga en su nuevo disco de su representación más impetuosa, con afluentes al funk, stoner, rock o punk, para encomendarse a un delicado formato acústico colmado de raíces localistas. Una mirada hacia el mapa sonoro de su continente que, más allá de contar con instrumentos vernáculos y homenajear a sus danzas populares, sustenta los ritmos ancestrales sobre una dicción de guitarra con acento de blues. Soporte igualmente rocoso para afianzar el hipnótico baile de “Toukambela”, evocar un psicodélico peregrinaje entre la arena en “Batto” o tejer con estilosa elegancia una maravillosa “Garibou”. Exiliados de su propia tierra, este trabajo es un emocionante reflejo de la música como lenguaje capacitado para traducir a sentimientos cualquier idioma. kepa arbizu

8 Hamlet Inmortal Maldito Records

METAL / Parece mentira, pero ya han pasado siete años desde “Berlín”. La respectiva gira de presentación, la crisis sanitaria y el posterior tour “RevoluInsomnio-Inferno” han tenido la culpa. Así que ya tocaba nuevo álbum de estudio de Hamlet. Una vez más se han puesto en las manos de Carlos Santos en sus Sadman Studios, pasando también esta vez por los Bitterhood Studio. El resultado es “Inmortal”, cuyo título parece aspirar a la perdurabilidad en el tiempo de estas diez canciones, en las que se recrean en sus estilos habituales (rap metal, hardcore) pero también se permiten momentos de experimentación (desde rock espacial hasta música electrónica). Hamlet no pierden oportunidad de echar la vista atrás, ya sea con reediciones o giras conmemorativas. No en vano, tienen ya bastante pasado a sus espaldas, pero también les gusta mirar al futuro, y este lanzamiento es prueba de ello. jesús casañas

23/03/25

COCOROSIE OUR2025

MONDOVINILOS

Central Cee

Can’t Rush Greatness Columbia/Sony

RAP / Cuando terminas de escuchar “Can’t Rush Greatness” tienes la sensación de que has pasado por algo grande. Cench cuela en este álbum toda la verdad, la lucha, la crudeza que ha ido atravesando mixtape a mixtape hasta hacerse inmortal. Ahora por fin suena sólido, suena a clásico, a pasarse el juego, a subir de nivel y poder permitirse tomar decisiones artísticas sin miedo. “CRG” es un viaje potente hasta la cima del éxito, pero también es honesto y vulnerable. Es una respuesta a un salto en la vida que te empuja para crecer y a la vez te aísla de la realidad. Un golpe para asumir el daño que han hecho ciertas expectativas, dejar de arrastrar todo lo que has perdido por el camino y abrazar el presente. Y empieza fuerte, con ese repaso al valor de Central Cee

en la industria y cómo se ha colocado en lo más alto (abrió número uno en Reino Unido por encima de FKA twigs). “I’m feelin’ pain, but I can’t complain, my life was harder before the fame. Lost some people along the way and I miss them bad when I contemplate”, lanza mencionando a todos aquellos que no han podido verle coronado. Explicando cómo poco ha sabido conquistar Europa, romper fronteras y convertirse en una figura aspiracional. Entre los momentos más directos y crudos del disco encontramos su colaboración con Dave en el tema que da nombre al álbum o cómo en ese “Top Freestyle”, que cuenta con Mason X Beats (Fredo, ArrDee) en la produ, tira la credibilidad de la industria por el suelo, su moral, explicando que lo único que a ellos les importa es que lleves dinero al banco: “Label execs don’t care if we’re murderers long as your catalogue’s bringin’ in revenue. They’ll sign you and when you go broke and end up in jail, they’re quick to forget you”. Y eso que ha firmado un contrato con Columbia de veinticinco millones de libras. álex jerez

ROCK / Cinco años de espera han sido demasiados, pero por fin podemos escuchar las nuevas canciones de Cordura. El séptimo disco de la banda bizkaina, grabado por Martín Guevara, supone una apuesta por un sonido más crudo, y menos eléctrico, ofreciendo una versión renovada de una banda que, sin embargo, mantiene intacta su personalidad después de casi veinticinco años de carrera, en los que se han convertido en uno de los grupos más especiales de nuestra escena local. El cuarteto brilla en cualquiera de los registros que adoptan en “Noche eterna”, desde el stoner de “Carpe noctem”, o “Brisa”, al garage de “Escupir al cielo”, pasando por la psicodelia de temas como “Aflicción”, “Brisa” o “De entre los muertos”. Sin embargo, Cordura también saben pisar los extremos, bajando a sonidos más asequibles como el rock clásico de “Miembro fantasma”, o la electrónica de “Carpe Omnia”. Siguen descubriendo nuevos caminos. sergio iglesias

Sam Amidon Salt River River Lea

FOLK / A cada nuevo paso discográfico que da, Sam Amidon está dejando que las estructuras jazzísticas de sus admirados Miles David y Thelonious Monk ocupen mayor espacio a la hora de estructurar sus canciones de espíritu folk e inspiración libertaria. Para ello se hace acompañar de dos músicos con los que comparte la misma metodología. El saxofonista y productor del álbum Sam Gendel y el percusionista Philippe Melanson son culpables, en parte, de este proceso de recontextualización de la música folk. Solo hay que escuchar temas como “Big Sky”, relectura radical de un tema de Lou Reed de su álbum “Ecstasy” (00), para darse cuenta del retorcimiento ácrata que sin duda provoca más placer en el intérprete que en el oyente. Y esa es la principal pega del disco. Parece un ejercicio más onanista que una obra pensada para el deleite de receptor. don disturbios

“ MUSICAL, HUMANA, GOZOSA Y DIVERTIDA ”

Oti Rodríguez Marchante, ABC

POR TODO LO ALTO

UNA PELÍCULA DE EMMANUEL COURCOL

28 DE MARZO SOLO EN CINES

POP / Recordemos que “Salto al color” se acercó a la música electrónica, y lograron explotar al máximo esa vertiente con la que siempre habían coqueteado en sus anteriores trabajos, demostrando su continua hambre por hacer canciones distintas. Ahora, con “Dolce Vita”, el noveno disco de estudio del dúo, vuelven más a su esencia, es un disco que nos recuerda más a álbumes de hace ocho o incluso veinte años que a su recién antecesor. Un disco más orgánico en la que hay temas más cañeros (“Eso que te vuela la cabeza”) y otros más lentos (“La unidad del dolor”) pero que respira por todos los costados a Amaral.Para ello, tal y como nos explicó Juan Aguirre, recogieron unas cuantas canciones que tenían ya compuestas de antes y decidieron ponerse manos a la obra él, Eva, Alex Moreno y Pablo Fergus. “Dolce Vita” es la muestra de que Amaral se encuentran en un brillante momento de forma y siguen generando himnos.

alejandro caballero serrano

POP / Hace ya cuatro años del notable “Ignorance” (19), el disco con el que se dio a conocer el proyecto de Tamara Lindeman, ahora vuelven con “Humanhood” una obra en la que la banda se presenta, en sus propias palabras, diciendo que “fue interpretado por seis músicos que improvisaron en directo en dos sesiones a finales de 2023. Esta banda moldeó la música de forma indeleble en cuanto a forma, arreglos, estado de ánimo y sentimiento”. Lo que viene a decir que Lindeman sigue siendo el foco principal, como cantante y compositora principal, además de letrista, pero que la aportación de la banda es esencial. Así las canciones de este disco son más evocadoras que narrativas. No cuentan una historia, sino que crean una atmósfera, siendo menos inmediatas. Esto hace que el disco no sea la más fácil de las escuchas, pecando a veces de denso, pero con cada reproducciión va mejorando. sergio ariza

COUNTRY / Will Oldham ha publicado cerca de treinta discos desde que debutara en 1993 con “There Is No-One What Will Take Care Of You”, la mayoría de ellos bajo el apodo de Bonnie Prince Billy. Nunca ha estado muy alejado del country alternativo –no hay que olvidar que tuvo un proyecto con el gran Jason Molina–, pero siempre estuvo más cerca de Neil Young que de Willie Nelson. No esta vez. “The Purple Bird” suena a country clásico, piénsese en Gram Parsons con Emmylou Harris y la banda de Elvis, más que a lo que ahora se entiende por country, eso sí tamizado por el personal estilo, tanto de escritura como en su peculiar voz, de Oldham. Es evidente que a éste le fascina el género. No hay más que ver las colaboraciones como la del músico de bluegrass Tim O’Brien o la leyenda country John Anderson para descubrir el cariño que ha puesto en esta obra que suena jubilosa y arrebatadora. sergio ariza

Merina Gris

Zuloa

Sonido Muchacho

HYPER-POP / El enmascarado trío donostiarra Merina

Gris nos demuestra con “Zuloa” que, a todas luces, acertamos de pleno cuando en 2022 lo apostamos todo por ellos. Haciendo suya la semántica, la banda juega eficazmente con las múltiples posibilidades que ofrece el término (“agujero”) y con la posibilidad de arrastrarnos de un extremo emocional a otro en apenas unos beats. Su dicción experimental se retorcerá hasta rompernos, reinventando el post-punk (“Irteera”), convirtiendo en pegadizo su lado más oscuro (“Lotu Zure Txakurrak”), decostruyendo una balada entre glitches (“lilili”), exhibiendo conciencia propia (“Hiru Damatxo”) o desligándose del yo para encarar un ineludible destino (“Triste Dabil Aita”). Si hay o no luz al final del agujero es algo que no se aventuran a presagiar; lo que sí sabemos es que encontraremos la mano amiga de una banda dispuesta a hacer nuestro camino menos arduo. fran gonzález

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Amaia Si abro los ojos no es real

2 Shego No lo volveré a hacer

3 Vicente Calderón Vicente Calderón

1 Ela Minus DÍA

2 Central Cee Can’t Rush Greatness

3 Oklou choke enough

4 Merina Gris Zuloa

5 La Milagrosa Ya no me duele mal

6 María Terremoto Manifiesto

7 Amaral Dolce Vita

8 Jordana B Otra vez el mismo drama

9 Hamlet Inmortal

10 Zahara Lento ternura

Gloosito Euroslime Rich Farmers

RAP / “Euroslime” es la importación a la española más ambiciosa de esa imaginería slime-pegajosa que en Estados Unidos lleva asentada una década. Este elepé debut supone la película completa de las peripecias triunfales de Gloosito y sus hombres. Desde el poblado van derrapando por la ciudad y su subsuelo mientras completan misiones como si fuera el GTA. La versión extendida de unas aventuras siempre teñidas de humo, con una relación casi que de BSDM con el dinero, que también incluyen chicas malas malísimas y una suciedad púrpura patrocinada por el Makatussin, todo ello intercalado con el ghetto-comedy al usar de manera brillante el humor y la ironía para rebajar la negrura de la tensión y el drama. Una película con alguna sorpresa que eleva el pico del álbum, pero, también, con escenas prescindibles por su monotonía y abanico sonoro de estilos previsible. daniel caballero

4 Sharon Van Etten Sharon Van Etten & The Attachment Theory

5 Rose City Band Sol y sombra

6 Squid Cowards

7 Steve Wilson The Overview

8 Manic Street Preachers Critical Thinking

9 The Rumjacks Dead Anthems

10 Songhoy Blues Héritage

COUNTRY-ROCK / “Sol y Sombra” es el quinto trabajo de la banda integrada por Ripley Johnson (Wooden Shjips, Moon Duo) muy bien arropado por Barry Walker a la pedal steel, Paul Hasenberg a los teclados y John Jeffrey a la batería. Músicos veteranos que saben dar el contrapunto perfecto para que todo suene tan niquelado como compacto. Y es que una de las mayores virtudes de este disco es la delicadeza con la que los instrumentos empastan entre sí. El ensoñador vibrato alargado de la pedal steel con la suavidad de la base rítmica y la susurrante voz de Ripley Johnson. Una elegancia que remite a la alcanzada por otras bandas como los Mojave 3 de otro artesano de la sonoridad como Neil Halstead, los Lambchop de Kurt Wagner o en algún momento más puntual los Luna de Dean Wareham o incluso el Jonathan Wilson más sosegado. Podríamos decir que es un álbum de delicado country-rock de aroma cósmico y tintes psicodélicos. don disturbios

The Weather Station

Rose City Band Sol y sombra Thrill Jockey Records

.LOS DISCOS.DE MI VIDA

Nirvana Nevermind ( 1991)

No tienes que pensar que “Nevermind” es el mejor disco de Nirvana para admitir que ha sido uno de los más importantes de guitarras a la hora de cambiar el juego. Toda la energía cruda y el caos que había alrededor de su creación se transmitió a la música. Lo primero que escuché fue “Lounge Act” en un videojuego de skate y me enganchó al momento.

EN CONCIERTO

l Barcelona 27 marzo. La [2] de Apolo l Madrid 28 marzo. Sala Changó l Málaga 29 marzo. Tinchera l Valencia 30 marzo. Club Loco

Joe O’brien (The Reytons)

Les habíamos visto en festivales, pero iba siendo obligatoria una gira por salas de The Reytons, uno de los grupos indies del momento en Reino Unido. Ahora nos visitan para presentar su tercer álbum, “Ballad Of A Bystander” (Autoeditado, 24). Aprovechamos el momento para que su guitarrista, Joe O’Brien, nos descubra los discos de su vida.

Plan B

The Defamation Of Strickland Banks (2010)

Al escucharlo como una banda que se nutre de contar historias, este disco es enorme. La forma en que se desarrolla como una película, con cada canción y videoclip contribuyendo a la narrativa, es pura genialidad. Plan B clavó cada aspecto de este disco: artista, actor, director, visionario. Es todo él. Esa mentalidad nos llegó al corazón, con lo que nos encargamos de todo nosotros mismos, de la planificación, la composición, la dirección, el lanzamiento...

Skinnyman Council Estate Of Mind (2004)

Este álbum es el corazón de todo lo que representamos. Es absolutamente real: historias crudas de la vida de la clase trabajadora británica contadas con honestidad brutal. Jonny [Yerrell, cantante de The Reytons] siempre dice que tiene uno de los mejores títulos de álbum de todos los tiempos, y nuestro “Kids Off The Estate” (21) definitivamente se nutre de esa energía.

The Strokes Is This It (2001)

Este disco reescribió el libro de estilo del indie rock e hizo que las cosas simples volviesen a estar de moda. Todo en este disco, desde el sonido crudo hasta el estilo sin esfuerzo de las voces, funcionaba a la perfección. Canciones como “Last Nite” o “Someday” sonaban en todos sitios y siguen siendo totalmente adictivas a día de hoy. Es un de esos discos que muestran lo mucho que puedes conseguir con poco, sin sobreproducción.

Chase & Status RTRN II JUNGLE (2019)

Mis gustos son muy variados. Incluso teniendo en cuenta que soy guitarrista y que amo la música de guitarras, probablemente le dedico más tiempo a otros géneros. El hip hop y las canciones enérgicas son increíblemente profundas, con tantos subgéneros, culturas y aromas para explorar. Cuando escribimos canciones más duras como “Red Smoke” o “Low Life”, este disco es una referencia importante.

Kings Of Leon Only By The Night (2008)

Escuchar un álbum completo en orden es un arte perdido en la actualidad, pero “Only By The Night” tiene que escucharse así. Cada canción está exactamente en el lugar en el que debe estar. Ya el tema que lo abre, “Closer”, marca el tono que tendrá, encantador, atmosférico y la introducción perfecta a lo que seguirá. Empezar un disco así de fuerte es algo que siempre hemos admirado. MS

48/Mondo Media

Ocho años después de su última aventura en pantalla grande, Nacho Vigalondo regresa con “Daniela Forever”, un drama sentimental con Henry Golding, Beatrice Grannò, Aura Garrido y Nathalie Poza que se transforma poco a poco en una distópica hipótesis romántica dispuesta a ponernos contra las cuerdas de lo ético.

EL CINEASTA que se nos declaró cantando con explosivos atados al torso, que nos hizo viajar en el tiempo, que logró que Julián Villagrán nos salvara de una invasión extraterrestre y que convirtió a Anne Hathaway en la protagonista de un kaiju moderno, vuelve este año para hacer gala de su siempre subversiva narrativa, a caballo entre lo absurdo, el post-humor, la ciencia-ficción y la emoción más súbita. “La historia parte de una situación personal de duelo, gracias a la cual también he terminado ganando conciencia sobre mi propia mortalidad”, nos cuenta el realizador de Cabezón de la Sal desde su habitación de hotel en Pontevedra, horas antes de figurar en la

gala de los Premios Feroz 2025. “La película transita por lugares comunes donde quien más y quien menos ha fantaseado alguna vez con la hipotética existencia de ciertos mecanismos que nos permitan revertir este tipo de tragedias. Este es un estado que cualquier psicólogo te dirá que se aproxima bastante a la enajenación transitoria. De hecho, considero el duelo como una forma muy particular de hacer turismo por la locura”.

EN “DANIELA FOREVER” nos pondremos en los zapatos de Nicolás (Golding), un músico británico afincado en Madrid que se enamora perdidamente de Daniela (Grannò). El destino, sin embargo, le arrebatará la vida de su compañera, sumiendo a nuestro protagonista en un profundo

dolor que solo un revolucionario fármaco podrá ayudarle a sanar. “Me interesa mucho la forma en la que Nicolás evoluciona a lo largo de la película”, continúa Vigalondo. “Comenzamos viéndole como una persona positiva, pero, a medida que la historia avanza, este termina revelándonos sus grietas y convirtiéndose en una suerte de antagonista con el que el espectador no querrá empatizar. Pero aun así, lo hará. Algo me dice que cualquiera de nosotros, si tuviera la oportunidad de convertirse en una especie de demiurgo de su vida y de la de quienes le rodean, no sería mucho mejor que este personaje”.

MIENTRAS EL ESPECTADOR debate en su fuero interno sobre qué haría en el lugar de Nicolás, este avanza a través de una narración brillantemente dividida en dos planos, el real y el onírico, representados a partir de dos formas de rodar bien distintas. “Cuando Jon Díez puso sobre la mesa la posibilidad de rodar con vídeo analógico, me hicieron los ojos chiribitas”, recuerda con ilusión el director. “El valor emocional que tiene para mí rodar en Betacam es incalculable. Hay mogollón de decisiones dentro del film que vienen determinadas solo por el paso del Betacam al digital, y eso me parece fascinante”.

LA CINTA NOS OFRECE también un generoso recorrido por muchos de los elementos que nutren el imaginario del director. Desde cameos hasta emocionantes dedicatorias, sin olvidarnos de la BSO de Hidrogenesse. “Llevo toda la vida enamorado, no solo de su música, sino de ellos. Cuando les conocí en ‘Los Felices 20’ traté de no ser demasiado invasivo pero no me pude resistir a terminar proponiéndoles hacer algo conmigo”, cuenta Vigalondo sobre la primera colaboración de Carlos y Genís para su revisión de “La Alarma” (“Historias para no dormir”). “Me sentí como cuando David Fincher logró que Trent Reznor le hiciera la banda sonora de ‘La Red Social’. Son divertidísimos y te lo hacen todo fácil. Y por supuesto, si tienes a Hidrogenesse en el equipo, ¿cómo no vas a sacarles en tu película?”. Esta es una forma más de tantas con la que Nacho ha tenido a bien reivindicarse a sí mismo en el film. “Supongo que este tipo de guiños son una forma de autodeterminación, un golpe en la mesa, un ‘Aquí estoy yo’. Personalmente, creo que no hay nada que desacredite más a un cineasta que verle esforzándose por actuar solo en dirección hacia lo que sabe que funciona. Me horrorizaría que alguien pensase eso de

Nacho Vigalondo

Narraciones

“

“Siempre me planteo cada película como si fuera la última”

mí. Aunque suene un tanto mortuorio, siempre me planteo cada película como si fuera la última, y eso evidencia que mi misión aquí es otra”.

DE ENTRE TODOS SUS MENSAJES, “Daniela Forever” nos enseña de alguna forma a “saber dejar ir”. Sin embargo, su propio responsable no tiene tan claro haber aprendido todavía dicha lección. “La película comencé a escribirla en 2017, pero no la filmamos hasta 2024, con lo cual ha terminado abarcando muchas etapas de mi vida y es complicado valorar hasta qué punto me ha servido para sanar las heridas que tenía al principio y las que vinieron después. Creo que todavía estoy en proceso de descubrir si hacer esta película ha sido o no terapéutico para mí. Por lo pronto, ‘Daniela Forever’ es una historia que no solo me ha enseñado a cómo debemos enfrentarnos a la muerte, sino también al tipo de conductas necesarias para afrontar la vida. Solo el propio tiempo dirá en qué grado consigo aplicarlas a mi propia existencia”.

fran gonzález

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CINE Y SERIES

CIERTAS HISTORIAS parecen vivir en sí mismas. Algunas de ellas lo hacen de forma ensimismada, demasiado autoconsciente a veces, aparentemente diseñadas para cautivar al espectador aunque carezcan de ideas realmente propias; otras, por el contrario, logran generar un universo particular que fija en nuestro recuerdo determinadas imágenes y, en el mejor de los casos, algunas de las sensaciones vividas durante el visionado. “A Different Man” navega por momentos en la frontera entre ambas esferas, en paralelo a su devaneo por la cuerda floja entre realidad y sueño, entre fisicidad e imaginación. Premio al Mejor Guión en el último Festival de Sitges, donde convivió con “La sustancia”, otra hipérbole sobre el rol central de la imagen y el cuerpo en nuestra sociedad, el último filme de Aaron Schimberg (“Chai-

A Different Man

Aaron Schimberg

ned For Life”) no inventa nada, tampoco emociona en exceso, pero sí funciona en su equilibrio entre elementos y géneros (comedia costumbrista, drama, ciencia ficción intimista) para obsequiarnos con diálogos y situaciones con potencial de perdurabilidad. En su juego de espejos y su legítima voluntad de construir un ejercicio meta con múltiples capas y lecturas (cine dentro del cine, teatro que reproduce el propio argumento del filme, actores reales con neurofibromatosis interpretando a actores que padecen la misma enfermedad), resulta inevitable reconocer su deuda con la narrativa de Charlie Kaufman (“Cómo ser John Malkovich”, “El ladrón de orquídeas”, “Olvídate de mí”). La buena noticia es que acaba consiguiendo lo que se propone sin palidecer en exceso ante el molde.

david sabaté

EN ESE AFÁN POR ADELANTARSE a lo que pueda hacer la competencia y llegar el primero, puedes precipitarte y entregar un producto superficial, algo redundante o que simplemente le dé demasiada importancia a hechos que ya eran del todo conocidos. Pues bien, ese es uno de los problemas de “La caída de Diddy”, documental de Naiti Gámez que, a lo largo de cinco episodios, intenta desentrañar lo que ha llevado al magnate de la industria discográfica a sentarse en el banquillo a la espera de un juicio que arrancará el próximo cinco de mayo. Aunque puede que la principal pega de “La caída de Diddy” no sea tan solo su precipitación, también se nota que la productora ha ido con pies de plomo a la hora de no involucrar a nadie más que al rapero en toda esta escabrosa trama, centrándo-

EL WESTERN, como género cinematográfico puramente norteamericano, nunca acaba de irse. En realidad habría que calificar la espléndida mini serie de Peter Berg (“El único superviviente”) y Mark L. Smith como “pre-western”, porque se ambienta en 1857, antes de la Guerra Civil, cuando la noción mitológica del Oeste se estaba forjando en un país que se estaba haciendo literalmente sobre la marcha. “Érase una vez el Oeste” –por cierto, qué absurdo lo de robarle el título a Sergio Leone, con quien no tiene nada que ver– o más bien “American Primeval” si recurrimos al título original, está estrechamente emparentada con “El renacido”. Su mismo guionista propone aquí otro viaje a un tiempo brutal, esta vez a la salvaje “frontera” de Utah, cuando emigrantes europeos, aventureros, buscavidas, cazadores de recom-

La caída de Diddy Naiti Gámez

se tan solo en aquello que parece más que probado y obviando las restantes derivadas de un caso que tanto juego está dando en las redes sociales, donde la carnaza campa a sus anchas. Así pues, durante el visionado de la serie se hace evidente que las prisas son malas consejeras y que, para intentar cubrir cinco episodios, se ha tenido que recurrir a realizar un perfil biográfico del personaje algo superficial. Eso mientras se obviaban sucesos relevantes que sí aparecen en las diversas demandas interpuestas en el juicio, con lo que el tema principal que da título al documental, es el que está peor expuesto. Por todo ello uno acaba con la certeza de que. una vez finalizado el juicio, y con el paso del tiempo, se pondrán sobre la mesa muchas más evidencias y nombres propios.

don disturbios

Érase una vez el Oeste

pensas, mormones resentidos, militares de la caballería, prófugos de la justicia, granujas y tribus de nativos cabreados con los intrusos colisionaban en un entorno de violencia atroz difícilmente imaginable. Pese a un arranque peligrosamente espasmódico –demasiados planos para una trama que requiere a todas luces de un enfoque clásico–, la mini serie de Berg se asienta. La propia historia lleva a su director a dejarse de moderneces poniéndose a su servicio. El eje narrativo es el tortuoso viaje de una mujer (Betty Gilpin) y su hijo pequeño –que huyen de algo oscuro sucedido en la Costa Este del país–, guiadas a través del territorio salvaje por un montaraz lugareño criado en una tribu de la zona (Taylor Kitsch). El formato de mini serie demuestra otra vez ser ideal cuando se tiene algo sustancioso entre manos. jc peña

EN “I’M NOT THERE”, uno de los biopics más peculiares que se hayan hecho jamás sobre una estrella de la música, el director Todd Haynes multiplicaba a los actores que encarnaban a Bob Dylan para representar su trayectoria cambiante y su poliédrica personalidad: desde Richard Gere a Cate Blanchett, pasando por el niño negro Marcus Carl Franklin. Para condensar esa multiplicidad del artista Dylan, en “Un completo desconocido”, James Mangold, artesano de la confianza de Hollywood, que tanto sirve para biopics musicales como este o “En la cuerda floja”, sobre Johnny Cash, como para ambiciosos filmes de superhéroes (“Lobezno inmortal”) o de sagas sagradas como las de Indiana Jones o Star Wars (uno de sus próximos proyectos), elige uno de los momentos cruciales

Un completo desconocido

James Mangold

de la historia de la música del siglo pasado. A partir de la biografía “Dylan Going Electric!” de Elijah Wald, acude a cuando la estrella del folk se pasó a la guitarra eléctrica en el festival de música de Newport de 1965. No fue, nos dice la película, un cambio repentino, una decisión febril, sino el movimiento lógico, largamente labrado en su interior, de la búsqueda de su identidad como artista. Mangold consigue un espléndido aliado en Timothée Chalamet, actor de espigada figura y adolescencia eterna, que siempre parece inadecuado para los papeles de envergadura, pero que aquí dota de credibilidad cada una de las facetas humanas del enigmático protagonista: bisoño, compasivo, inseguro, pero, también, arrogante, injusto y odioso.

j. picatoste verdejo

Peter Berg, Mark L. Smith

David Bowie: Vidas.Una biografía oral

Dylan Jones Es Pop Ediciones

En el momento de su edición en inglés, se dijo que “Vidas. Una biografía oral” era el libro definitivo sobre David Bowie. Quizás no haya para tanto, podríamos pensar ante una afirmación tan hiperbólica, pero si “Vidas. Una biografía oral” no fuera el libro definitivo sobre Bowie, puedo asegurar que es uno completísimo y el más ameno de leer que haya pasado por mis manos. “Vidas. Una biografía oral” es un extenso libro –seiscientas páginas– en el que Jones combina sus propios textos –a modo de acotaciones aclaratorias– con una historia oral en toda regla –¡con declaraciones de más de ciento ochenta personas, incluyendo al propio Bowie– de la vida de David Bowie desde sus inicios hasta el momento de su fallecimiento. joan s luna

Canciones que te salvaron la vida. The Smiths 1982-87

Simon Goddard Ondas del Espacio 9

Resulta complicado pensar en una lectura acerca de The Smiths más completa, certera y pasional que la plasmada por Simon Goddard en este tomo. El autor utiliza como sólido hilo argumental la grabación cronológica de las canciones por parte del grupo, apostillando en torno a ese catálogo un sinfín de entresijos que no solo sirven para contar la propia historia en cuestión, sino también para profundizar (y de qué manera) en la misma. Un guion alimentado así mismo con declaraciones rescatadas, mientras progresivamente toma forma ese expandido Universo Smiths que cristaliza en el libro. Un documento enciclopédico que aclara curiosidades inéditas (también técnicas) sobre unos de esos grupos envueltos de por sí en un halo de romántico misterio. raúl julián

Porsiemprismo Grafton Tanner Caja Negra 8

Si no lo consiguió ya con su libro “Un cadáver balbuceante” (16), el filósofo estadounidense Grafton Tanner (1990) pasa a formar parte de esa suerte de Olimpo oficioso que confirmaría junto a Simon Reynolds y Mark Fisher con este “Porsiemprismo”. Y como buen filósofo, Tanner nos ofrece algunas respuestas, pero sobre todo plantea las preguntas exactas para llevarnos a pensar en la posibilidad de que la nostalgia haya sido sustituida, o mejor dicho haya mutado a causa del “porsiemprismo”. ¿Podemos sentir nostalgia por “Star Wars” cuando está siempre disponible en plataformas y tenemos spin offs, secuelas y precuelas constantemente? ¿Qué debemos pensar sobre el hecho de que el propio George Lucas alterase digitalmente sus propias películas? adrián santos

Switched On Pop Nate Sloan y Charlie Harding Liburuak

Nate Sloan y Charlie Harding son un musicólogo y un músico multiinstrumentista, responsables del pódcast que le da nombre a este libro. En este breve libro –unas ciento noventa páginas, con traducción de Ibon Errazkin– nos describen de forma didáctica y cercana –con las simpáticas ilustraciones ocasionales de Iris Gottlieb– los secretos que se esconden tras la composición de algunos grandes clásicos recientes del pop. Y cuando me refiero a clásicos, me refiero a canciones como “Hey Ya!” (Outkast), “We Are Young” (Fun con Janelle Monáe), “Paper Planes” (M.I.A.) o “Despacito” (Luis Fonsi con Daddy Yankee), por citar algunos. A propósito, para sacarle el máximo provecho a la lectura, se recomienda escuchar al mismo tiempo el tema sobre el que nos están hablando. joan s. luna

Una revolución llamada Rasputín Hernán Migoya & Manolo Carot Norma Editorial 7

Pocos personajes rusos han generado tantos ríos de tinta como la controvertida figura de Rasputín, con el sátiro místico inspirando ahora también esta novela gráfica. El argumento versa alrededor del encuentro entre Rasputín y una jovencísima Alisa que, más tarde, cambiaría su nombre por el de ¡Ayn Rand! Un encuentro con la Revolución Rusa de 1917 como inexcusable horizonte. Migoya y Carot se complementan perfectamente en la nada sencilla misión de plasmar en viñetas las diferentes personalidades del “Monje loco”, contradictorias entre sí y confluyendo en una única persona, mientras ponen encima de la mesa un buen número de incógnitas en torno a su atípico carisma. raúl julián

Los incorregibles

Julia Wertz Errata Naturae 8

Quienes leyesen “Barrios, bloques y basura” y lean el subtítulo de esta novela gráfica (“De cómo dejé de beber en Nueva York”) no necesitarán nada más para lanzarse de cabeza a sus más de trescientas páginas. Quienes no la conozcan, todavía están a tiempo. Lo que obtendrán a cambio será una lectura entrañable y divertidísima –pese a lo duro que la autora nos está contando– que atrapa a base de sinceridad, excentricidad y mucho humor, pero un humor que solamente puede surgir de las entrañas de alguien que ha pasado por todo lo que nos cuenta Wertz. Una lucha por alcanzar una sobriedad que inicialmente tiene algo de utópica, pero que finalmente está a su alcance gracias a la voluntad de una persona corriente. joan s. luna

Cerca de cumplir ochenta años, Hideshi Hino mantiene su posición de mangaka indispensable, referente de posteriores generaciones de autores de terror. Esto es así porque su estilo es personal e inimitable, bizarro y desagradable, excesivo e infantil a un mismo tiempo. Y para nuestra suerte, La Cúpula lleva años publicando sus trabajos y manteniendo el formato de los tomos para que su terror encaje en nuestras estanterías y a partir de ahí derrame sangre, olores fétidos, desechos pútridos y carnes purulentas por nuestros hogares. “Mr. Joker” no está entre sus cinco mejores títulos, pero resulta tan útil como muchos otros para adentrarse en su universo de breves historias de muerte en las que nunca nadie sale bien parado. joan s luna

La Guerra de Gaza

Joe Sacco Reservoir Books 7

Sobradamente conocidos son los cómics de Joe Sacco que giran alrededor del conflicto palestino-israelí, obras infaltables del periodismo gráfico en las que contenido y arte estaban a gran nivel. Entre ellas no cabe incluir este “La guerra de Gaza” por distintos motivos. En primer lugar por su brevísima extensión –apenas treinta y seis páginas–, en segundo porque se trata más de un manifiesto, de una serie de anotaciones de Sacco para denunciar lo que esta sucediendo en los territorios ocupados. Es una denuncia que el autor publicó por entregas en la web de The Comics Journal. Sacco, en esta ocasión, no da voz a diversos personajes y experiencias, sino que nos ofrece una crítica muy personal –y contundente– contra Netanyahu y sus actos. mercè gutiérrez

Mr. Joker Hideshi Hino La Cúpula 7

PODCASTS

La Hora Caníbal Borja Crespo

Si te gustan universos como los del cómic, el cine o lo outsider seguramente ya conoces a Borja Crespo, uno de esos activistas en cultura popular que saca su melena a relucir en infinidad de eventos, artículos, críticas... Bien, pues este es su programa de radio (bi fm)/pódcast, un crossover entre programa de radio y pódcast, entre charla distendida y conversación en profundidad, entre riguroso y desenfadado. Entrevistas interesantes para gente interesante, algunas de ellas procedentes de charlas en directo en diversos eventos culturales. De ahí que haya contado con invitados de universos diversos —aunque con muchísimo en común– como Paco Roca, Albert Monteys, Venga Monjas, Miguel Noguera, Carlo Padial, Nacho Vigalondo, Javier Rodríguez, Laura Pérez y muchos otros. joan s luna

Los Hermanos Podcast El Hematocrítico, Noel Ceballos y Nus Cuevas

Desde 2012, las voces El Hematocrítico, Noel Ceballos y Nus Cuevas nos hicieron sentir parte fundamental de una afectuosa y cachonda unidad podcastera, regalándonos desinteresadamente sus disertaciones sobre los contenidos más inesperados y peregrinos de la cultura popular de nuestro tiempo (relatos cortos sobre samuráis escritos por toreros, capítulos de “Médico de Familia”, la estatura de los famosos, las películas de los Hombres G…). Sin más pretensión que pasarlo bien y con una periodicidad indefinida, el trío responsable amplió poco a poco su desvariado imaginario hasta terminar creando una comunidad invisible que durante una década logró que hasta la chuminada más rocambolesca de la Internet fuera susceptible de obsesión y bufa. fran gonzález 8

ESPECIALES WEB

Grison

Marcos Martínez, más conocido por el nombre artístico de Grison, es parte imprescindible del programa televisivo “La Revuelta”, pero es músico, beatboxer y campeón mundial de Boss LoopStation Contest. Aprovechando su participación en una campaña de Jack Daniel’s le preguntamos por los discos de su vida.

Viva Belgrado

Viva Belgrado están presentando su fantástico “Cancionero de los cielos” (Fueled By Salmorejo, 24) por diversas salas de nuestro territorio. Aprovechando la ocasión, le hemos preguntado a Jaime Acosta, su guitarrista, por sus canciones favoritas de la trayectoria del grupo.

Cristina Len

Cristina Len, una de la artistas revelación de 2024, estará tocando en La Demoscópica de Mondo Sonoro el próximo 21 de marzo en la Sala Wolf de Barcelona. Un concierto gratuito que también contará con la participación de Capros y una importante banda catalana aún por desvelar. Por todo ello le pedimos a Cristina que pasara por nuestra redacción en Barcelona y nos regalara esta interpretación de “Se mata”, tema extraido de su primer álbum “TMLM”

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