Mondo Sonoro mayo 2024

MÅNESKIN

REMA

THE KILLERS

freako

Gaspard Augé y Xavier de Rosnay cumplen veinte años sonando en las pistas. A sus espaldas tres discos impecables, hits históricos y un compromiso con su intuición musical inquebrantable. Ahora vuelven con un cuarto trabajo de estudio, “Hyperdrama” (Ed Banger/ Virgin, 24), que les mantiene en lo alto.

PARÍS, 2002, dos jóvenes de poco más de veinte años sueñan con dedicarse a la música, pero lo más cerca que están de la industria es porque uno de ellos trabaja como diseñador gráfico para un pequeño sello. Un día se entera de que se está trabajando en un recopilatorio experimental de canciones que podrían sonar en Eurovisión, y aunque ellos son más de guitarritas, disco y electrónica, se apuntan. Nada cambia, no desfallecen. Se presentan a un concurso de remixes de una radio universitaria de la ciudad. Su remix de “Never Be Alone” de Simian no queda ni entre los cuarenta seleccionados. Ellos no desfallecen. Una noche, aparece Busy P, manager de Daft Punk y fundador de Ed Banger Records. Le ponen su temita. “C’est mortel, on se voit demain”, contesta. Aquí va en crescendo, firman con su sello, el tema se vuelve un hit en las discotecas y en Internet, en 2006 se hace un re-lanzamiento comercial y al ganar en los MTV Europe Music Awards a video del año, Kanye West se sube al escenario para reclamar que debería haber sido él. Ya sabéis, que Kanye West te interrumpa, siempre es buen augurio. Si fuera una película, la cosa terminaría con un plano de discoteca abarrotada con todo el mundo bailando enloquecido, y ellos, con las gafas de sol puestas, observándolo todo con una sonrisa de saber que lo han lograda mientras que por los altavoces suena incansable ”We Are Your Friends”.

POR SUERTE, no se trata de una ficción y la cosa no quedó ahí. El dúo francés Justice cumple veinte años sonando en las pistas. A sus espaldas “† (Cross)” (07), “Audio, Video, Disco” (11) y “Woman” (16), discos en directo, documentales, hits históricos y

Hágase la luz

“

“Somos más o menos buenos decepcionando jugando con las expectativas de la gente”

3un compromiso con su intuición musical inquebrantable. Pero no todo es nostalgia, 2024 abrió con las primeras señales de vida de Gaspard Augé y Xavier de Rosnay en años, con el anuncio de su cuarto álbum de estudio, “Hyperdrama”. Unas semanas después del lanzamiento de su primer adelanto, nos conectamos París-Barcelona para hablar de cómo ha sido este regreso. Por lo tanto, era inevitable preguntar cómo se siente volver a sacar música y ver las reacciones de la gente después de los ocho años que han pasado desde su anterior disco. (Xavier de Rosnay) “Para ser sincero no tenemos redes sociales personales, y no suelo buscarnos en Google, así que no he leído nada de momento. Todo el feedback que tenemos es desde nuestro sello, ¡y están contentos! Pero los dos estamos emocionados por haberlo acabado y sacarlo”. (Gaspard Augé) “Para nosotros hacer música sigue siendo algo muy serio, pero la creación en sí está muy desvinculada de lo que pueda esperar la gente. Nunca nos tomamos las reacciones del público como algo personal o a tener en cuenta para decidir qué hacer”. (Rosnay) “La primera canción que lanzamos fue ‘We Are Your Friends’, y después hicimos un tema que claramente no era para

la gente que le gustó esa canción, ‘Waters Of Nazareth’, que es electrónica cruda, y luego, cuando la gente esperaba que siguieramos por ahí, sacamos ‘D.A.N.C.E.’, una pista disco con voces de niños. Así que desde el principio nos acostumbramos a ser más o menos buenos decepcionando, o jugando con las expectativas de la gente”.

“HYPERDRAMA” es un álbum en el que la electrónica dura y oscura se mezcla con las melodías funk y el carácter disco groovy sin llegar nunca a solaparse. (Rosnay) “Una de nuestras ideas era crear algo parecido a tener un botón espacial-temporal que simplemente pulsaras y te transportara del sonido disco más funky, groovy, a algo mucho más violento. Fue un reto muy interesante este proceso de dejar a la música que nos llevara y crear estas dos atmósferas tan opuestas en muchos casos dentro de un mismo tema”. Sin buscarlo sus composiciones se convirtieron en una muestra del proceso de pasar de un sonido al otro sin perder la coherencia. (Augé) “No queríamos un álbum disco, sino crear loops disco... Creo que al final es algo muy inherente a nuestra escuela, al french touch, trasladar de una manera clara este sonido aunque cambie la estructura del mismo”. Se cuestionan el uno al otro con esa calma acelerada francesa un par de veces más, utilizando mi pregunta para justificarse. Cuando se percatan de ello, me miran, se ríen y se disculpan. Les pregunto si también es así en el estudio. (Augé) “Muchas veces nos reímos diciendo que somos ya como un viejo matrimonio. Ya van más de veinte años haciendo música

juntos. Esto es lo que más amamos de ser un dúo y de conocernos desde hace tanto tiempo. Hay algo que se refleja muy bien y se traslada a nuestra música, del hecho de conocernos tan tan bien el uno al otro. ¡Es tan satisfactorio! Cuando trabajamos nos entendemos a la perfección, es intuitivo”. (Rosnay) “Lo mejor que hacemos, siempre sale de nuestras puestas en común, de hablarlo mucho”.

AUNQUE SEAN UNOS EXCELENTES artesanos de la música electrónica, no han estado solos. Desde su adelanto ya se preveía que habría distintos colaboradores en el disco como Tame Impala. (Rosnay) “Una de las cosas más interesantes es que, cuando terminamos, nos dimos cuenta que toda la gente que trabajó con nosotros tenía como punto en común una alta autonomía como músicos. Todos escribían, tocaban instrumentos, cantaban e incluso producían en sus proyectos. No fue una decisión consciente, pero sin duda eso ayudó muchísimo en el ritmo y la energía a la hora de trabajar”. En el disco encontramos, al margen de la de Kevin Parker, colaboraciones tan brillantes como las de Miguel, Thundercat, Rimon, The Flints o Connan Mockasin. (Rosnay) “Cuando vinieron no queríamos tratarlos como invitados, sino que se sintieran como parte de la banda, de Justice. Para nosotros son mucho más que cantantes, son entidades en su totalidad, con las que intentamos que se dé una simbiosis por ambas partes, y así absorber mucho de su energía y transmitirla a nuestra música. A todos ellos, les pusimos las primerísimas

demos que teníamos sabiendo que, después de que ellos nos dieran sus inputs, esos temas acabarían cambiando y tendríamos que readaptarlos a sus ideas para que también encajaran sus voces y sus identidades”.

ANTES DE DESPEDIRNOS, les digo que, aunque no estén mucho en Internet, es probable que su música se haga grande en Tiktok y que toda una nueva generación les conozca a partir de este disco. (Rosnay) “¡Esto lo hablamos mucho entre nosotros y nuestros colegas! Si lo piensas no llevamos tanto tiempo, a veces me siento aun como nuevo en todo esto”. Aquí Gaspard se ríe y le tira alguna puyita en francés, porque, seamos sinceros, rookies ya no son, más bien una institución en lo suyo. (Augé) “Estamos encantados, es un momento muy interesante. La primera generación de gente que nos empezó a escuchar, es gente que ahora quizás ya tenga hijos, o sobrinos y sobrinas. Estamos viendo cómo una generación muy joven empieza a descubrir nuestra música del mismo modo en que nosotros descubrimos en su día a Sex Pistols, Donna Summer, o cualquiera de nuestros artistas favoritos, a través de discos de segunda mano, o por un hermano, o nuestra tía, incluso, a través de nuestros padres. ¡Y es genial!”. EVA SEBASTIÁN

LA MÍA

El tiempo

ESTAMOS TONTOS o qué pasa? Una cosa son las fake news, otra las noticias con vocación de clickbait y un tercer tipo serían las noticias que te dejan con la sensación de que los humanos estamos cada día más agilipollados. Lo bueno es que las primeras cada día interesan menos –o estamos empezando a asimilarlas, lo cual no es tan bueno– y que las segundas cada día son más evidentes. Pero las terceras, joder, las terceras es que merecen que Dios descargue su furia sobre nosotros para que espabilemos. Hay muchas de ese tipo, muchísimas. Lo que ocurre es que, por una evidente deformación profesional, las que captan mi atención suelen ser aquellas que guardan algún tipo de relación con el mundo de la cultura, sea cine, música, literatura o cómic. Dentro de este tercer tipo podemos encontrarnos con toneladas en las que aparece la palabra “inteligencia artificial”, pero vayamos mejor a mis noticias favoritas de este tercer tipo. Estoy hablando de todas aquellas noticias que tienen que ver con nuestro tiempo, con eso de que la gente ya no puede mantener la atención ante tal o cual cosa por habernos acostumbrado demasiado a un mundo en el que TikTok mueve masas y montañas y en el que los algoritmos son los nuevos visionarios para la humanidad del futuro. Un estudio habla sobre que las canciones cada vez son más cortas, repiten más su estribillo y tienen un vocabulario más pobre. Vale, lo entiendo, pero también hay millares y millares que se extienden durante seis o siete minutos y cerrarles la puerta sería eso, de agilipollados. El que una canción tenga magia poco tiene que ver con lo que dure. Cada uno es libre de contentarse con lo mínimo o aceptar retos para hacer su vida mejor. Otro estudio habla sobre que la gente no puede aguantar dos horas seguidas viendo una película o que hay quien las mira aumentando la velocidad de visionado. ¿Es eso una noticia relevante? Para quien la haya escrito quizás. Para mí lo es que haya muchos otros millones de personas a quien no les dé miedo enfrentarse a una película, sea la que sea, independientemente de lo que dure. Quizás soy un freak al que no le preocupa que un film dure tres horas si el resultado vale la pena, aunque tengo claro que no. Desde que he tenido uso de razón ha existido gente que únicamente ha entendido la cultura como sinónimo de rellenar tiempo libre, gente a la que le ha interesado bien poco la parte artística de todo ello. Por suerte, quienes entendemos que la cultura es cosa seria somos muchos. Es posible que no seamos los que más ruido hacemos, ni los que protagonizamos noticias absurdas, pero estamos orgullosos de ser como somos.

FOTO: JULIA & VINCENT

NOFX Adiós amigos

El pasado año y dentro de su “Final Tour”, NOFX protagonizaron tres noches para el recuerdo en Barcelona. El 14 de mayo estarán actuando en el WiZink Center de Madrid como cabezas de cartel de otra noche que se intuye histórica para cualquier aficionado al punk rock.

TEXTO Fran González

FOTO Susan Moss

APROVECHANDO la ocasión, entrevistamos a Fat Mike, Mike Burkett, un viernes por la noche y a escasos minutos de tener que coger un avión con destino a República Dominicana. A la protocolaria pregunta sobre cómo se encuentra, nos responde que ahora mismo está borracho, mientras se encoge de hombros con gesto alicaído y nos deja ver su bebida a través de la pantalla. “Están siendo unos meses muy jodidos, no te lo negaré. Cada show con NOFX es más duro que el anterior. Durante el último, en Melbourne, directamente rompí a llorar como un bebé y no podía ni continuar cantando. Tuve que marcharme”, nos confiesa con la mirada perdida. “No verás este grado de emoción en los conciertos de despedida de otras bandas porque muy poca gente siente esto como yo lo hago”. Por supuesto, el leitmotiv de nuestro encuentro es la disolución definitiva de su banda madre; un asunto que comprobamos en vivo y en directo que le apena enormemente y hasta provocará que sus ojos se humedezcan y su voz se quiebre en varios momentos de la conversación. Por suerte, también hay temas que le dibujan una sonrisa y parecen devolverle la ilusión, como la recién estrenada andadura de Codefendants, su nuevo proyecto junto a Sam King y Ceschi. “Son un par de borrachos de la hostia, pero estoy orgullosísimo de ese álbum”, dice en referencia a “This Is Crime Wave”, su primer álbum publicado el pasado año. “Y déjame decirte que si nuestro primer disco te ha gustado, el segundo te va a volar la cabeza. Lo tenemos medio hecho

EL APUNTE

Invitados de lujo

SI EL AÑO PASADO, en sus tres conciertos barceloneses, Fat Mike y los suyos contaron con bandas invitadas como los estadounidenses Lagwagon, Comeback Kid o Get Dead!, los alemanes Donots o los barceloneses Subterranean Kids, para su despedida madrileña también sumarán a varios amigos con quienes han compartido escenario a lo largo de sus cuarenta años de trayectoria. Para este final show –a celebrar el 14 de mayo en el WiZink Center de Madrid–, la banda californiana de punk rock estará acompañada por otros grandes referentes del punk y el hardcore estadounidense, los mismísimos Circle Jerks de Keith Morris y Greg Hetson (que actuarán en Barcelona el día después, 15 de mayo, en Razzmatazz 2), así como por el británico Frank Turner junto a su banda The Sleeping Souls y el dúo británico The Meffs, quienes publican en Fat Wreck Chords, la discográfica del propio Fat Mike. Como representantes españoles, NOFX cuentan con los andaluces G.A.S. Drummers, que, por su parte, andan enfrascados en la celebración de sus veinticinco años de carrera. J S L

ya, hemos colaborado con un miembro de Wu-Tang Clan y además The D.O.C. vuelve a unirse a nosotros para otro tema”.

LOS PLANES DE FUTURO se le acumulan en la cabeza y, embriagado por la ilusión, continúa dándonos pinceladas sobre los mismos. “Quiero hacer esto a partir de ahora todo el tiempo”, nos cuenta tras charlar sobre “Get Strungs Out”, su reciente álbum de versiones instrumentales con arreglos de cuerda. “Me gustaría mandar estas canciones a los institutos para que sean interpretadas por bandas de escolares. Quiero hacer cosas que trasciendan. Quiero demostrarle al mundo que las canciones de NOFX son más complejas de lo que muchos creen”. Respecto a ello, no perdemos la ocasión de hablar sobre esos discos inéditos de NOFX que parece tener en el bolsillo y sobre la posibilidad de publicarlos antes de que la banda oficialice su retirada. “’Half-Album’ saldrá

este año (lo hizo el pasado 19 de abril, N.del R.), pero no tengo ninguna prisa por sacar el resto del material. Ha llegado un punto en el que hago francamente lo que me da la puta gana con los discos. Tengo como cincuenta canciones inéditas por acabar, de las cuales me estoy encargando prácticamente yo por entero. ¿Y quieres saber una cosa? Mi banda ni siquiera ha escuchado el próximo disco que vamos a lanzar”. Ante nuestra incredulidad, decidimos seguir tirando del hilo y aprovechar con exceso de confianza su momento más confesional de la entrevista. “Simplemente, se la suda. Les mandé la primera mezcla a todos hace unos meses y nadie me respondió. Tan solo Karina, nuestra teclista. Me dolió muchísimo, la verdad. Después de tantas horas en el estudio y, ¿en serio no sois capaces de responderme y decirme si os parece que las guitarras se oyen demasiado fuertes o cualquier otra cosa? Lo sacaré con o sin su visto bueno y ya lo escucharán cuando

llegue a las tiendas de discos”. “Esta actitud les viene de ahora, concretamente desde el momento en el que les anuncié que no podía seguir en la banda por más tiempo”, nos explica. “Se enfadaron muchísimo conmigo. Estuve muchos años aguantando el tipo solo por ellos y llegó un punto en el que tuve que exponerles mi punto de vista. Les dije que llevábamos cuarenta años haciendo lo mismo, que yo tenía que salir ahí cada noche y fingir que todo estaba bien y que estaba súper feliz, y que para ello necesitaba estar borracho y tomar cocaína. No podía seguir llevando ese puto ritmo de vida por más tiempo. Entiendo que sin mí la banda no puede continuar, y sé que es en cierto modo injusto, pero quiero hacer más cosas a partir de ahora. Tengo muchísimos planes”.

ANTES DE LA SEPARACIÓN, eso sí, Fat Mike y los suyos se despedirán de sus fans por todo lo alto, con citas tan especiales

“Todavía me queda mucha felicidad que traer al mundo” “

como ese último concierto doble en su California natal. “Si te soy sincero, no tengo ni idea de cómo voy a ser capaz de enfrentarme a ese último concierto. Mírame, solo con pensarlo rompo a llorar”, sonríe, mientras se seca los ojos. “Pero estoy contento, porque sé que vamos a montar una fiesta descomunal a la altura de nuestros fans. No sabes lo jodidamente agradecido que les estoy por todo, de verdad. Vamos a retransmitirlo en streaming, y será en uno de los recintos más grandes en los que hayamos tocado, con gradas alrededor del escenario para nuestros colegas y bandas amigas. Solo de pensarlo tiemblo. Es casi como asistir a tu propio funeral, ¿no? Pero en cierto modo me gusta ver esta despedida como la oportunidad de empezar a enseñarle a la gente otra versión de mí. Todavía me queda mucha felicidad por traer al mundo”.

Depedro

Momento dulce

Jairo Zavala continúa con el incansable viaje musical que supone Depedro, su proyecto musical más ambicioso y personal. Acaba de publicar “Un lugar perfecto” (Calaverita Records, 24), diez nuevos temas tan amables como variados.

TEXTO Jesús Casañas

FOTO Juan P. Fajardo

PARA ESTE SÉPTIMO DISCO de estudio, “Un lugar perfecto”, ha dejado de lado el do it yourself y se ha puesto por primera vez en manos de un productor externo. El elegido es el venezolano Gustavo Guerrero, que viajó el verano pasado hasta el pueblo de la sierra madrileña en el que Jairo tiene su base de operaciones para orquestar este nuevo trabajo. El resultado nos hará viajar tan pronto como le demos al play.

¿Buscaste tú a Gustavo Guerrero?

Sí, le busqué yo a él. Es la primera vez que pasa esto, que no me autoproduzco. Ya era hora de que me dejara guiar, porque, en manos de otro, uno llega a destinos diferentes, y el viaje es más ameno. Además luego tengo una víctima, por si acaso hay un fracaso absoluto, al que echar la culpa [risas]. Fuera de bromas, Gustavo es un tío al que admiro, me gusta mucho su trabajo tanto como artista, porque tiene su proyecto Augusto Bracho, como productor. Es un tipo que tiene una mirada anglosajona, porque sabe mucho de música occidental, y luego también tiene una mirada a Latinoamérica en común conmigo, que me ha ayudado mucho a cumplir el deseo de hacer este disco.

Se ha grabado en Becerril de la Sierra (Madrid). ¿Dan las montañas la calma y la inspiración necesarias?

Es la primera vez que grabo un disco entero aquí en Madrid, con tanto tiempo. Gustavo se vino dos meses desde México, e hicimos un trabajo arduo, dedicado, detallado, poniendo el foco en sacar la emoción de las canciones.

La banda base habéis sido tú, Gustavo, Martín Bruhn y Héctor Rojo, y luego habéis ido metiendo lo que necesitaba cada canción.

Sí, hay un par de colaboraciones reseñables. Uno es Kilema, un músico con el que he hecho un documental en Madagascar, que aporta en un par de canciones. Tiene la valiha, que es un instrumento de los más populares de allí. Hicimos un documental que saldrá a final de año, dándole voz al trabajo de una ONG que se llama Agua de Coco. Parte de sus patas están basadas en la docencia musical y artística, para darle salida a las situaciones tan difíciles que vive la gente por allí. Y luego la otra es que Gustavo propuso que los arreglos los hiciera Juanma Trujillo, un músico mayúsculo que vive aho -

EN CONCIERTO

l Zaragoza 08 junio. El Bosque Sonoro

l Sevilla 13 junio. Malandar

l Badajoz 14 junio. OFF Cultura

l Toledo 15 junio. Círculo del Arte

l Quintanilla de Onésimo

l Viana 28-30 junio Mugacu

l Valencia 28-30 junio. Tierra Bobal Fest

l Madrid 05 julio. Río Babel

l Barcelona 12 julio. Cruïlla

l Ponferrada 12-14 julio. Planeta Sound

l Illa de Arousa 19-21 julio. Atlantic Fest

l Cartagena 25 julio. La Mar de Músicas

l Maó 02 agosto. Es Claustre

l Santa Cruz de Tenerife Festival Peñón & Más

l Vitoria-Gasteiz 25 octubre. Jimmy Jazz

l Bilbao 26 octubre. Fever

l Burgos 08 noviembre. Andén 56

l Santander 22 noviembre. Escenario Santander

l Pamplona 17 enero. Zentral

l A Coruña 08 marzo. Ópera

ra en España, con un cuarteto de cuerdas que se llama O Kwarteto. Son unas diosas, han dado colores, han apoyado mucho a la dirección emocional del disco.

¿Son las personas o los sitios los que convierten en perfecto a un lugar?

Son sus gentes, sus habitantes siempre. Da igual, lo que le da entidad a un lugar es la personalidad de sus habitantes.

“La siembra” fue el siguiente single. Aquí metéis los arreglos de cuerda de O Kwarteto que comentabas, además de en otros dos temas. La letra viene a decir que, si nosotros mismos sembramos, no tendremos que llamar al hechicero.

Hay un denominador común en el disco. No es que sea conceptual, pero sí que voy rotando sobre conceptos comunes como lo que tú acabas de decir, mirar en perspectiva, darle valor

“Los errores son parte de nuestra naturaleza”

CRITICANDO

a las cosas cercanas, al instante. También con la conciencia de que te puedes caer, te puedes tropezar, los errores son parte de nuestra naturaleza. Todo eso está reflejado en las letras. Y la esperanza también.

También hay mucho amor en “Lo que va pasando” y “Ojalá el amor nos salve”, los siguientes singles. ¿Estoy en lo cierto?

Sí, desde luego. “Lo que va pasando” es de los temas más emocionales del disco. Juego con un concepto que no había hecho, que está robado de mis viajes, de la mirada mesoamericana, de los pueblos originarios, que no tienen el yo sino el nosotros, el “nosótricos”, la cosmovisión. Me parece muy interesante, porque parece una pareja pero puede ser un amor fraternal a tus hijos, a tu abuela, entre amigos… Y “Ojalá el amor nos salve” pues sí, desde luego que es una tabla a la que agarrarse ante lo que viene.

Ya tienes unas cuantas fechas de presentación anunciadas por España (Valencia, Madrid, Ponferrada, Benicassim, Bilbao…), además de Ciudad de México. Ya hemos tocado en Ciudad de México, acabamos de venir.

¿Y qué tal?

Muy bien. Además, ha sido el primer sitio en el que he tenido la oportunidad de presentar las canciones nuevas. Y he notado, seguro que la culpa otra vez es de Gustavo Guerrero, que cuando un productor hace bien su trabajo, coloca las canciones en el lugar. A veces tú grabas las canciones, y hasta el año de tocarlas no llegas a cómo deberían de sonar. Un productor coge la canción y le da todo el brillo que se pueda para llegar a ese punto. Y quizá por eso él encaja en el repertorio mejor que nunca las nuevas canciones. Siempre están un poco cojas hasta que agarran músculo, pero esta vez ha sido como… Funcionan dentro de un repertorio, no quiero decir sólido, pero con un bagaje de unos cuantos años. Ya son canciones que la gente espera. Muy contento, la verdad.

JARFAITER

Barras sin cortar

Desde los márgenes del sistema, y con el espíritu del que está de vuelta de todo, surgen las duras barras de Jarfaiter. Todo un filibustero de la rima que de nuevo demuestra en “No soy nadie” (Autoeditado/ DDB Music, 24) su enorme valía.

TEXTO Don Disturbios

SI ESTÁS LEYENDO esta entrevista con Jarfaiter en Mondo Sonoro, me da en la nariz que caben dos posibilidades: O eres un joven de barrio desencantado con el sistema, que ha pillado por primera vez nuestra revista en un bareto, o eres un treintañero curioso y fascinado con el fenómeno causado por este rapero que se mueve en los márgenes de lo establecido. Aunque, bien pensado, existe una tercera posibilidad y es la que me afecta a mí en primera persona: Eres un padre con hijos que empiezan a afeitarse y llevan un tiempo machacándote las neuronas en casa con las barras sin cortar y a todo volumen del rimador más malote al sur de los Pirineos. Pero ¿es tan fiero el león como lo pintan? Lo es, pero no tanto como a priori pueda parecer. Y es que no todo es violencia en el mensaje de Jarfaiter, Existen también una serie de valores que nacen de lo más profundo del barrio. Un mensaje de corte antifascista que aboga por cuidarse, lejos de los excesos del alcohol y las drogas, y que no desea ser instrumentalizado. Pero dejemos que nos lo aclare su protagonista.”Mi mensaje no es tan incorrecto. Puede que tenga partes que es fácil que sean mal vistas porque es un mensaje muy directo, muy explícito. Entiendo que es un contenido violento y que la violencia no está bien, eso está claro. Pero al final mi mensaje es también social, es también de superación, de responsabilidad, de cuidar a tu familia. De crítica social y de cambiar el mundo. Entonces, aunque mi música sea violenta, al final, la historia ha demostrado que los cambios importantes en el mundo muchas veces han sido a través de la violencia. Tal y como está ahora

el planeta, creo que al sistema le interesa que los chavales estén flojitos, tengan una mentalidad débil, no entrenen, estén drogándose, bebiendo, distraídos con cosas absurdas y no aprendan. Por eso pienso que mi mensaje no es tan incorrecto. Lo que pasa es que puede ser malinterpretado, eso sí”.

“NO SOY NADIE” es el explícito y clarificador título del nuevo disco de Jarfaiter. Un álbum que ha conseguido llamar la atención más allá del habitual círculo del rapero, gracias a temas como “Jota Castellana” o a acciones como la de convocar a tus seguidores, a través de las redes, a la presentación del disco en el rastro de Madrid y tener que ser desalojados por la policía desbordados por el enorme poder de convocatoria. Pero “No soy nadie” es también un disco en el que el rapero se ha esmerado en el cuidado de ese sonido seco y cortante propio del drill. “Es el disco que hemos tardado más en hacer. Lo grabé entero primero con material que ya teníamos en el estudio, pero como faltaba todavía un tiempo para sacarlo, y estaba haciendo algún festival y teníamos unos ahorros, decidí comprar material nuevo, una tarjeta de sonido, un micro, unas cositas, y lo volví a grabar entero… Por eso ha subido en cuanto a calidad. Vamos mejorando poco a poco las cosas y también vamos aprendiendo. Piensa que mi productor [Gecko de la Rue] es autodidacta. No es una persona que haya estudiado producción musical, ni que tenga músicos en la familia, ni todas esas cosas que se suelen dar. Somos gente que vamos mejorando día a día y que hacemos lo que podemos. Pero bueno, a la gente le está gustado bastante”. Una reestructuración en el sonido que incluso ha incorpo-

“

“Al sistema le interesa que los chavales estén flojitos”

rado el uso del scratch en temas como “No soy nadie”. “Eso me ha hecho una ilusión especial . Tengo amigos que, como no son tan raperos, pues como que no les gustaba mucho que lo metiera… Cualquiera que haya escuchado rap viejo oye eso y… es difícil explicarlo, ¿sabes?… Es como algo que todos hemos querido meter siempre cuando éramos más chavalines pero, como hacíamos puro underground, nadie tenía unos platos, ni conocíamos a nadie que tuviera unos platos para poner un scratch de nada”.

JARFAITER SIEMPRE ha estado más cómodo en los márgenes de la escena y del sistema. Es ese forajido que disfruta al sentirse un bandolero que traza su leyenda a golpe de barras con las que crea todo un ideario. “Sí, son los ideales de la calle, pero que tampoco todo el mundo en la calle los tiene, ¿sabes?… A los chavales hay que darles principios para construir sobre ellos su forma de pensar y su forma de actuar en la vida… Y es que algunos les están enseñando que lo importante es mirar solo por ellos mismos y que da igual cómo hagan las cosas, que lo importante es llegar arriba, ganar mucho dinero sin mirar a quién pisas. Pues, no sé, al final eso es capitalismo puro, que es en lo que estamos y es algo que está visto que no funciona. Entonces, vamos a pensar más en lo colectivo, aunque sea a pequeña escala. Y no te voy a decir que seas comunista, pero aunque sea con tu familia, con tu grupo de amigos, con tu gente más cercana, hay que tener ese sentido de la colectividad, de ayudar en tu barrio y no tanto ese individualismo de querer estar por encima a toda costa y ya está. ¿De qué te sirve tener un cochazo y una casa que flipas y un montón de dinero si la gente de tu alrededor está jodida?”.

Deap Vally La despedida

Deap Vally, el dúo de blues punk de Los Angeles, visitará nuestro país dentro de su gira de despedida, en la que también presentan la nueva edición de “Sistrionix” (Autoeditado, 24).

DEAP VALLY, el dúo formado por Lindsey Troy (guitarra y voz) y Julie Edwards (batería y voz), anunció su retirada en septiembre del pasado año declarando que su carrera musical y sus giras se estaban volviendo incompatibles con su vida familiar (ambas son madres de dos hijos) y con su salud mental. Además, dar conciertos le supuso al dúo unos gastos que no acababan de equilibrar con los beneficios. Las californianas también regrabaron su disco debut “Sistrionix” e iniciaron una gira final que concluirá en junio de este año. A raíz de todo esto, charlamos con Lindsey. “Hemos sufrido para ganarnos la vida con la música a pesar de que consideramos la banda como un trabajo a tiempo completo y ha sido un desafío para nosotras, especialmente ahora que ambas tenemos dos hijos. Julie quería dejar el grupo y volver a estudiar y era un poco raro continuar sin ella, así que decidimos decir adiós al grupo.

“Tuve todas mis pertenencias en un depósito y me quedaba en las casas de mis amigos para que las cosas funcionasen”

Yo voy a trabajar en un disco en solitario y Julie estará también haciendo sus cosas, aunque también es cierto que tener hijos y girar es un reto”. Hace unos meses empezaron su larga gira de despedida “Está siendo realmente impresionante. Creo que nunca hemos sonado tan bien. Nuestros fans son los mejores y han traído tantísima energía y amor a los conciertos”. Aunque a ellas nunca les ha faltado esa energía. “Contad con que tendréis un espectáculo de rock’n’roll súper ruidoso, sudoroso y salvaje. Os lo pasaréis muy bien. ¡Nos encanta tocar en España y Europa! Hemos pasado muy buenos momentos por allí en el pasado y estamos deseosas de visitaros de nuevo”. El tour coincide también con la regrabación de su primer álbum, “Sistrionix” (13). “Siempre tendrá un lugar especial en nuestros corazones. Es nuestro primer disco y recorrimos el mundo con él. Tenemos un montón de recuerdos maravillosos tocando esas canciones. No me atrevería a decir que es nuestro disco favorito porque nos encantan todos nuestros trabajos y cada uno es especial a su manera. Decidimos regrabarlo para poder tener los derechos de las masterizaciones, y para poder monetizarlo, porque el primer contrato que firmamos con una discográfica no fue demasiado favorable para nosotras como artistas y nunca vimos ni un céntimo

de las ventas de ‘Sistrionix’. Queríamos hacer algo especial por su décimo aniversario, además la edición original en vinilo estaba agotada. Ahora tenemos este ‘Sistrionix 2.0’ para vender mientras giramos y somos dueñas de los másters, ¡así que es un win-win!”.

EN CUANTO A LAS RAZONES de esta despedida, la principal es el querer estar con sus respectivas familias. “Sí, es muy dificil estar lejos de mis hijos. Me gustaría haberlos traído en esta gira, pero al final decidí que era mejor para su desarrollo quedarse en casa con su papá y su abuelo que estar en una silla de coche entre cinco y diez horas al día. Me pone triste perder cualquier momento con ellos, sinceramente, pero trato de aprovecharlo al máximo”.

De Navarra al cielo

La histórica sala madrileña El Sol albergó el evento organizado por Navarra Music Commission. El objetivo era poner el foco en los artistas musicales emergentes de una Comunidad Foral que sigue siendo una de las más fecundas y creativas de todo el país. Y se consiguió con creces, en un formato agradecido que por momentos recordó al de los showcases de Eurosonic.

Tanto profesionales de la industria musical como el público joven que se animó a disfrutar de música en directo en una tarde de martes disfrutaron de una noche festiva y de contrastes. Los artistas agradecieron de corazón la oportunidad de actuar en Madrid en un escenario tan prestigioso. Antes de las actuaciones de Andrea Santiago, Fyra, Rig3l e Inazio, que se encadenaron con mucha uidez, se pudo degustar una selección de productos gastronómicos de aquella región: además de vino, espárragos -por supuesto-, alcachofas y varios quesos. Fernando Fernández Garayoa, coordinador de la o cina NMC -creada por el gobierno foral para impulsar el sector musical- puso en valor la pujante escena navarra con un dato: hay más de setecientos artistas (bandas y solistas) en activo. La periodista de Pamplona Belén Montes se encargaría de presentar a cada uno de los cuatro

artistas que actuaron poniendo tablas y entusiasmo a partes iguales. Los elegidos habían sido seleccionados a través de una convocatoria abierta de la o cina NMC, que ha resuelto un jurado compuesto por periodistas de Mondo Sonoro.

Y llegaron las esperadas actuaciones: Andrea Santiago derrochó delicadeza y personalidad con su guitarra acústica, interpretando un puñado de canciones de su repertorio. No tocó nada del inminente nuevo disco que ha grabado con el Vetusta Morla Juanma Latorre -que, según con rmó, presentará con banda-, pero aunque tuvo que sobreponerse al runrún de la abarrotada sala, mostró madurez y una sensibilidad especial.

Íñigo Vidaurre, cuyo nombre artístico es Fyra, salió al escenario acompañado por su productor y guitarrista: bases electrónicas

de inspiración urbana, canciones pop cortas y al grano -incluyendo una bossanova espacial, como así la cali có-, entre lo tierno y lo bailable se ganaron al público.

Le tocó el turno a continuación a Rig3l, proyecto personal de Goizueta Yoni Salaberria, cuya propuesta en euskera, combina guitarras potentes con electrónica densa y bases poderosas. Acompañado por otros dos colaboradores, puso energía y actitud a un repertorio que osciló entre lo urbano, el hip-hop y el rock, con una tremenda capacidad para rimar e involucrar al público.

Por último, Inazio salió al escenario con una banda muy solvente para interpretar unas canciones que navegan entre el indie folk romántico y un clasicismo inspirado por la americana. Entusiasmado ante la oportunidad que tenía, lo dio todo en canciones como “Norte”, sentido homenaje a su tierra, que fueron muy coreadas por sus fans.

Fue una velada que puso en valor la vitalidad de la cantera musical navarra: quedó claro que la Comunidad Foral continúa produciendo artistas y bandas tan diferentes como exportables a un público amplio con muchas ganas de descubrir talentos en proyección. n

RIG3L FOTOS: NATALIA GARCÍA

FYRA

Future Islands

Dolor, renacimiento y… continuismo

“People

Who Aren’t There Anymore” (4AD/Popstock!, 24) es el séptimo álbum de los norteamericanos Future Islands. Un trabajo declaradamente continuista en lo musical, aferrado a su pop electrónico de alto voltaje sentimental, aunque en lo lírico se erige en crónica de la ruptura de su vocalista Samuel T. Herring con la actriz y modelo sueca Julia Ragnarsson.

TEXTO Carlos Pérez de Ziriza

FOTO Frank Hamilton

UNA DE LAS PRIMERAS COSAS que, en nuestra charla, me deja clara Samuel es que ahora tiene otra novia. Es un disco, pues, de desamor, pero también de superación del trance, acontecido en medio de aquella pandemia que sembró tantas líneas divisorias en las vidas de mucha gente. Hablo con él y con el batería Mike Lowry (el guitarrista y bajista Will Cashion y el teclista Gerrit Welmers completan la formación), quienes me atienden a través de la pantalla del PC desde dos pantallitas diferentes porque están en ciudades distintas, algo habitual en ellos desde que viven a miles de kilómetros y Baltimore dejó de ser su casa común.

“PEOPLE WHO AREN’T THERE ANYMORE” suena a fórmula más que afianzada, desde luego. Acomodada, en cierto modo. Samuel T. Herring lo achaca a la experiencia. “Hemos crecido, hace tiempo que no vivimos en la misma casa ni en la misma ciudad, pero sabemos exactamente cómo hacer que todo suene a nosotros, y es verdad hay una comodidad en eso, aunque es algo que puede jugar a tu favor o en tu contra, porque es más difícil salir de tu zona de confort, pero al mismo tiempo nos resulta más fácil lograr que suene a una gran canción de Future Islands, y estas son realmente buenas”, remata con una risa. Mike Lowry abunda en esa idea, asumiendo que a veces los experimentos no son la mejor de las ideas. “Siempre hay un desafío inherente a

SYNTHPOP / Esto podría ser un no news, good news en toda regla, pero algo me dice que la fórmula empieza a desgastarse. O quizá son mis oídos los que acusan tal reincidencia en los mismos esquemas, apenas aligerados por detalles que son muy de matiz: en este caso, la producción conjunta de su fiel Steve Wright (U.N.K.L.E, Mos Def, Gregory Isaacs, Slipknot, Omar Rodriguez, M.I.A.) o el trabajo de Chris Coady (TV On The Radio, Grizzly Bear, Beach House, Blonde Redhead) en las mezclas, quien no se aliaba con ellos desde el aclamado "Singles" (2014). Escasean canciones con la pegada o la profundidad que antaño tenían “Seasons (Waiting On You)”, “Black Rose”, “Ran” o “Moonlight”. ¿Es esto más de lo mismo? Sin duda.

P Z

“Esta puede ser la última vez que escriba sobre mi vida amorosa”

mantener un proyecto consistente en el tiempo, y creo que tiene mucho que ver con el hecho de que no todos los días puedes estar súper ilusionado, pero no pasa nada: cuando terminas un disco, tienes la sensación de haber solventado un enigma, y es como si no hubieras aprendido nada del disco anterior, pero no tienes por qué estar tres días buscando un sonido de teclado determinado porque todo el mundo en la banda sabe cuál es la paleta a utilizar, todo eso nos resulta ahora más fácil, va con la experiencia”.

DESDE LUEGO, ES COMPLICADO detectar diferencias entre este nuevo trabajo y los anteriores. No existen en el sonido. Pero sí en cuanto al arco temporal en el que fue compuesto, que en el caso de Samuel T. Herring abarca las distintas fases de una relación de pareja truncada. “Al principio del disco, yo estaba aún en una relación, muy feliz, queriendo volver a Suecia, pero en la segunda y la tercera estoy en mi habitación recluido, en plena pandemia, sin poder salir. En la quinta ya estoy completamente roto, porque esta persona ha salido de mi vida. En la octava estoy tratando de recomponerme y para el final ya han pasado dos años y estoy echando la vista atrás y pensando en todo lo que he perdido, creciendo personalmente”, afirma, antes de confesar que siempre ha intentado “escribir sobre momentos dramáticos y con mucha emoción, nunca sobre aspectos veniales de la vida”, aunque tras lo mucho que se ha vaciado en estas canciones, empieza a plantearse no hacerlo nunca más. “Este disco me duele demasiado, y no sé cómo me sentiré dentro de un año, pero ahora no tengo ganas de volver a escribir sobre mi vida amorosa, no quiero volver a pasar por ello y puede que esta sea la última vez”, esgrime.

LES COMENTO QUE SU MÚSICA me parece muy insular, sin apenas influencias de cosas que se han estado haciendo en la última década. Herring no está del todo de acuerdo. “Siempre hay influencias, sin duda. Recuerdo leer una entrevista hace años a

un productor de hip hop que decía que no escuchaba material de otra gente… ¡Venga ya! A mí siempre me van a influir el viejo soul y el r’n’b con los que crecí. No importa si no los he escuchado en diez años: están en mis genes. Es aún más profundo, intrínseco a quien soy como músico. Parte de mi educación. Ahora escucho más hip hop que ninguna otra cosa, y es gracioso porque la gente no entiende que eso pueda influir en Future Islands, pero lo hace. A nivel emocional, de carácter, en el flow… Se nota en ‘The Garden Wheel’, por ejemplo”. Por su parte, Lowry apunta que “Yo también he escuchado mucho rap underground en los últimos años, pero quizá lo que más me ha influido son cosas que he leído, como la autobiografía de Philip Glass, el libro ‘Faith, Hope And Carnage’ de Nick Cave y Sean O’Hagan, cosas como esas. Porque me centro más en los procesos que en los sonidos. En las aproximaciones al proceso creativo. En cómo salir del bloqueo. Vi un documental de John Cage sobre su carrera durante los años noventa, en el que habla de la equidad del sonido, sobre cómo no hay unos que sean mejores que otros, y ese tipo de cosas me enriquecen para saber cómo voy a enfocar mi trabajo propio. Por extraño que pueda parecer, ese tipo de cosas me motivan más que la música misma”.

YA QUE HA SALIDO A LA LUZ el tema del rap, me dirijo a Herring a propósito de “Face Time”, una de las canciones de “Maps” (23), el disco de Kenny Segal y Billy Woods, en el que Samuel colabora. “Conozco a Kenny Segal desde 2015, e hicimos un disco juntos en 2019, llamado ‘Back At The House’. Y a Woods le conocí en Nueva York en un concierto mío, allá por 2016. Son colegas, dos de mis raperos favoritos. Me propusieron colaborar en esta canción, y me tocó la fibra, porque trata sobre la vida en la carretera y sentirte lejos de todo lo que te es familiar, pero al mismo tiempo sentirte como en casa. Y esa es una sensación que entiendo completamente. Mira, ese es un buen ejemplo de dos artistas que suponen una influencia para mí sin conectar con Future Islands de un modo instantáneamente reconocible”.

The Reytons Una banda de barrio

En la alegórica portada de “Ballad Of A Bystander” (Autoeditado, 24) una joven pelirroja se contempla a sí misma exhibida en una galería de arte, convirtiendo así esta contrastada imagen en un poderoso y metafórico mensaje que define a la perfección la situación actual de The Reytons.

UNA BANDA DE BARRIO, hecha a sí misma y sin delirios de grandeza que, desde la humildad y el costumbrismo más honesto, ha conseguido hacerse hueco en la escena indie de su país hasta posicionarse en el número uno de las listas. “Lejos de creer que no estaríamos a la altura de nuestro anterior trabajo, lo que su buena acogida provocó fue un sentimiento compartido por querer volver a intentarlo cuanto antes”, nos cuenta Jonny Yerrell cuando le mencionamos la posible presión causada por su éxito pretérito sobre su actual proyecto. “En lugar de frenarnos o generar ciertas inseguridades, desarrolló una energía súper positiva en nosotros y nos hizo querer volver lo antes posible al estudio a seguir haciendo música. A fin de cuentas, lo que nos gusta hacer es escribir música y seguiremos haciéndolo tenga o no éxito”. Su impacto, influencia y acogida han sido tan unánimes entre los amantes del rock más “lad” y el indie de toda la vida que irremediablemente buscamos respuestas que puedan explicarlo. “Desde que fundamos esta banda teníamos claro que la verdad, el ser honestos y el mostrarnos tal y como somos ante el público, iba a ser por entero lo que nos definiera”, dice Jonny. “La gente viene a nuestros shows, escucha nuestros discos, y entiende lo que les estamos contando porque son historias con las que pueden verse representados, y eso es lo que hace que una banda sea querida”. Además, sin caretas ni imposturas, la banda contribuye loablemen-

“Autoeditarnos es lo más satisfactorio del mundo y no lo cambiamos por nada”

te a poner en el mapa a su ciudad natal, nunca antes dibujada de esta manera en el espectro musical. “Rotherham ha gozado de muy mala prensa siempre”, confiesa. “Pero desde el principio tenía claro que con la banda iba a tratar de contribuir de alguna humilde manera en cambiar eso. Por eso trato de ofrecer una visión más positiva y certera de todo lo que esta ciudad tiene, que por supuesto es mucho más de lo que siempre se ha transmitido”.

ENTRE LAS VIRTUDES del grupo que su público abraza con devoción, destacamos sin duda su compromiso con el ser una banda autogestionada. “Para nada, y mucho menos ahora que la banda se encuentra en un momento tan bueno”, nos suelta entre risas cuando le preguntamos si alguna vez se sintieron tentados por firmar con una multinacional. “Al principio de nuestra carrera te confieso que se nos pasó por la cabeza. Ya sabes, eres un

artista joven y piensas que todo tiene que pasar por un sello. Pero con el tiempo descubres que es un paso que te puedes saltar y que puedes aprender a hacerlo tan bien como cualquier otro. Además, es genial ver que todo tu trabajo lleva tu firma y la de tu equipo, y que todas las decisiones recaen en nosotros sin tener que lidiar con contrapropuestas de nadie. Autoeditarnos es lo más satisfactorio del mundo y no lo cambiamos por nada”.

FRAN GONZÁLEZ

ENTREVISTA

Si su anterior disco, “Everything Harmony” (23), fue el mejor con diferencia de su carrera, los hermanos D’Addario vuelven con otro disco a la altura, “A Dream Is All We Know” (Captured Tracks/Music As Usual, 24).

TEXTO Sergio Ariza

FOTO Stephanie Pia

“A DREAM IS ALL WE KNOW” es otra coleccion de canciones clásicas de pop artesano inspirado en los sesenta y los setenta. Es imposible hablar de la música de Brian y Michael D’Addario sin hablar de sus influencias, pero estos dos hermanos han conseguido que se deje mirar a su música como pura imitación y se convierta en pura adoración. Tanto es así que canciones como “Golden Years” y “They Don’t Know How To Fall In Place” les colocan a la altura de sus ídolos, dejando claro que han alcanzado su pico.

ME REÚNO CON ELLOS a través de Zoom, primero aparece Brian, el mayor de los dos, y luego se une Michael, les comento que me han encantado sus dos últimos discos y que me parece que este último es un poco más animado y menos acústico que el anterior, Brian me da la razón y apunta que “Everything Harmony” fue un disco más realista, más melancólico, señalando que este no tiene tanta conexión con la realidad. “Es quizás más como meterse en territorios de sueños, de ahí el título. Ha sido un disco muy divertido de hacer y creo que se nota, además teníamos mucha confianza en él, porque aprendimos muchísimo haciendo el anterior”. Esa confianza se nota al ver cómo han decidido publicar este “A Dream Is All We Know” apenas un año después del anterior, Brian defiende su decisión diciendo que sacar un disco “es la mejor manera de promocionarnos. Darle a nuestros seguidores algo con verdadera substancia en vez de subir fotos o cualquier cosa que se haga ahora”. Dejando claro que estos hermanos de veintipocos años se sienten tan desconectados de las políticas de la industria musical como sus propias influencias.

MICHAEL, EL PEQUEÑO de los hermanos, ya lleva un rato con nostros, pero sigue dejando la voz cantante a Brian que afirma que esta excelente racha de discos cada año podría continuar el año que viene. “Estamos trabajando en eso actualmente”. También afirma que en el nuevo disco podría haber más participación de Danny Ayala y

“

“Nos interesa la gente a la que le gusta mucho la música y sabe de lo que está hablando”

Reza Matin, los músicos que les acompañan en la gira y aparecen en sus vídeos, pero que, por ahora, se sienten “muy protectores porque somos los que tomamos las principales propuestas en cuanto a arreglos y producción”. Sobre cómo se reparten las composiciones en los discos entre los dos, Brian lo tiene claro: el método adecuado para hacerlo es que cada uno meta el mismo número de composiciones. “Porque siempre hemos sentido que las canciones del uno complementan las del otro”. Eso sí, en un futuro ve claro que habrá discos en solitario de cada uno de los hermanos. “Cuando tengamos demasiadas canciones y cada uno necesite un espacio propio será el momento de hacer discos en solitario”.

CUANDO PREGUNTO por la maravillosa

“My Golden Years” es cuando Michael, su autor, toma la palabra, después de que su hermano se la ceda. “Estaba bastante obsesionado con The Raspberries cuando escribí esa canción. Tiene ese sentimiento un poco alegre y Beatle, y luego esas armonías que son muy de The Beach Boys, tipo “I Can Hear Music”. Es como la canción definitiva de todos los tiempos, lo tiene todo”, dice antes de echarse a reír. Les comento que escuchando su música se puede ver que son de los que prefieren a McCartney antes que a Lennon, así que les pregunto por su disco favorito de cualquiera de los Fab Four fuera de la banda y me responden que “Plastic

Lemon Twigs Años dorados

Ono Band” (Lennon) o “Ram” (McCartney) son, sin discusión, los discos definitivos post- The Beatles, Brian también pondría a ese nivel el “All Things Must Pass” de Harrison si le quitaran el disco entero de ‘jams’.

LUEGO HABLAMOS de sus increíbles armonías vocales y me comentan que llevan haciéndolo desde niños y entre sus influencias en ese campo vuelven a surgir los sospechosos habituales: The Beatles, The Beach Boys, The Byrds, Simon & Garfunkel y Bee Gees, eso sí, Michael remarca que hay armonías que no son de su gusto como las más recargadas tipo Crosby, Stills, Nash & Young o las de Yes. Pasamos entonces a hablar de influencias generales en su música y Brian me cuenta que compuso “Ember Days” con Nick Drake en mente y que Elliott Smith fue una gran influencia para “Everything Harmony”. Entre los discos que más les han marcado hablamos del “Odessey & Oracle” de The Zombies y “Odessa” de Bee Gees, aunque me reconocen que si hubiera que hablar de un solo disco y periodo de The Beatles que les haya influido sería “Revolver”. Hay mención especial para Todd Rundgren del que ambos destacan “Todd” y “Hermit Of Mink Hollow”, y es que, evidentemente, tienen gustos similares. Se quedan con “Third” y “Radio City” de Big Star y “Bookends” y “Bridge Over Trouble Water” de Simon & Garfunkel, cuando les nombro el “Into Your Ears” de Pete Dello reconocen que es uno de sus favoritos y Brian añade el “The Nightmare Of J.B. Stanislas” de Nick Garrie. También suenan en su particular “jukebox”, The Move, Emitt Rhodes, The Flamin’ Groovies, Badfinger, The Byrds, The Monkees, The Millenium, Sagittarius… Brian da una última recomendación, “Studio” de Tages, banda sueca de los sesenta. Cuando les digo que debido a esas influencias tan marcadas va a haber gente y medios especializados que van a pasar totalmente de ellos, lo tienen claro. “No nos importa mucho. La verdad es que nos interesa más la gente a la que le gusta mucho la música, tiene muchos discos y sabe de lo que está hablando”. Si estás entre ellos, esta es tu banda y está en plenos años dorados. S.A.

COMO de costumbre, Londres me saluda gris y con chubascos empapando sus calles. Afortunadamente el panorama no es el mismo en el interior de los Metropolis Studios. En su interior todo luce con más color y en armonía. El lugar es una maravilla, un oasis escondido en el barrio de Ealing para músicos que lo adoptan durante un tiempo como su propio hogar. Por aquí han pasado recientemente Foo Fighters, Noel Gallagher, The Orwells o The Big Moon. El plan del día incluye una audición de este deslumbrante “All Born Screaming” para un reducido grupo de asistentes, prensa e invitados. Más tarde tendremos nuestro encuentro privado con una St. Vincent que ejercerá de anfitriona. Aunque el disco ya lo habíamos devorado y diseccionado anteriormente

en unas de esas escuchas promocionales, al escucharlo aquí cobra otra dimensión. Los sonidos y las sensaciones que provocan se amplifican. Puedes cerrar los ojos y dejarte llevar con cada canción.

ANNIE [CLARK] NO PASA desapercibida al llegar al encuentro. Viste un elegante atuendo de color negro, unos guantes de seda oscuros y casi transparentes, unos calcetines blancos de lo más cool y, como color representativo de su disco de mayor éxito [“Masseduction”, 17], un brillante bolso de mano rojo. No en vano siempre ha cuidado su imagen y su estética, llegando incluso a crear su propia colección de ropa y complementos para una marca de moda. Vista de cerca, la conclusión es que pocas artistas hay con tanto estilo y personalidad como St. Vincent. A veces te preguntas si es un personaje real o de ficción. En realidad, esta mujer nacida en Oklahoma hace cuarenta y un años puede

“

“Los artistas no podemos ni debemos aburrir al oyente”

ST. VINCENT

Pobres criaturas

Sucede cada cuatro años. El 29 de febrero es un día especial que, en ocasiones, nos reserva sorpresas. Como la que supone charlar en Londres con Annie Clark, más conocida como St. Vincent, a propósito de su nuevo álbum, “All Born Screaming” (Total Pleasure/Virgin, 24).

TEXTO Toni Castarnado

FOTOS Alex Da Corte

transmutar en lo que le apetezca, adaptándose a cualquier papel. Me la imagino en “Pobres Criaturas” de Yorgos Lanthimos –a Annie le fascina la película– o como aquella Cate Blanchett de “Manifesto”, la película dirigida por Julian Rosefeldt en 2015, en que la glamurosa actriz pasa por el tamiz a doce personajes, con doce formas distintas de concebir la vida. Y es que las transformaciones de St. Vincent siempre nos brindan algo satisfactorio al tiempo que consiguen sorprendernos. En cada uno de sus discos, desde su debut “Marry Me” (07), ha experimentado una clara evolución en busca de su propio yo, que alcanzó su cumbre con “Misseduction” (17), una obra descomunal y adictiva. Por el camino quedan colaboraciones como su aparición junto a Nirvana en el Rock’n’Roll Hall Of Fame o su disco y gira junto a David Byrne. De su actuación conjunta en el Auditori de Barcelona en 2012 recuerdo los pasitos

mecánicos que ella dada a uno y otro lado. Y es que, ya por entonces, mostraba un magnetismo que el tiempo no ha hecho más que engrandecer. Una prueba de cómo funciona –aunque fuese con un tono la mar de irónico– lo encontramos en el documental “The Nowhere Inn” (21), un experimento entre lo cotidiano y lo ficticio con su amiga Carrie Brownstein como cómplice. Con ello volvemos al principio, preguntándonos si St. Vincent es un personaje real o ficticio. Cuando la tengo frente a mí, un comentario la hace muy humana. El agradecer que, tras siete discos, todavía haya tanta gente que la cuide y preste atención a lo que hace. Un gesto sincero y honesto.

EL QUE “ALL BORN SCREAMING” se presente en dos partes nos lleva, para empezar, a hablar sobre el formato. “En cuanto a sonido, tengo en cuenta las frecuencias de muestras que tiene un vinilo,

que creo que son cuarenta y cuatro. Pero esa no es más que una decisión tecnológica arbitraria, pero para mí lo importante es que son cuarenta y cinco minutos de música. En los antiguos cassetes podrías poner dos álbumes en una cinta y te encajaban, y cuando aparecieron los discos compactos en los noventa cabían sesenta o setenta minutos de música. Pero no... ¡Eso es mucho! ¿Quién puede mantener la atención durante tanto tiempo? Yo creo que nadie [risas]. Es demasiado tiempo y no es necesario. Los artistas no podemos, ni debemos, aburrir al oyente. Con cuarenta o cuarenta y cinco minutos hay suficiente para contar una historia”. Esas dos partes de las que hablábamos se distinguen por una primera cara más caótica, abrupta y eléctrica, y una segunda que nos dirige a una reconciliación con la vida. “En la primera parte del álbum está representado el infierno, mientras que cuando llegas al final del disco te encuen-

tras con el cielo. Y cuando llego ahí me reservo el derecho de gritar y protestar. De alguna manera es cíclico. Una cosa te lleva a la otra. El proceso no fue para nada espontáneo, sino que ya estaba pensado así, aunque durante el trayecto fue cogiendo la forma correcta. Empiezas pieza a pieza, pero con la idea de construir una imagen global y completa que te explique el razonamiento del disco. Mientras, vas observando cómo queda todo, la línea que estás siguiendo y descubriendo cuál es el objetivo que, consciente o inconscientemente, estás persiguiendo. Por lo general, siempre busco esa foto final, pero mientras compones las piezas por separado no sabes con exactitud cómo va a ser esa última imagen, por mucho que ya imagines algo”.

EL APUNTE

Viva la vida

APESAR DE LAS DIFICULTADES y de este complicado mundo en el que nos ha tocado vivir, Annie es una de esas personas que prefiere vivir el momento. “Creo que, contrariamente a lo que muchos piensan, las cosas nunca deberían ir a peor. Me niego a admitir o asumir que todo era mejor hace cien años. Algunas cosas son absolutamente mejores y otras quizás sean peores, pero al final lo que importa es el amor por tu entorno, por las personas que están cerca de ti. Para mí esto no es sencillo y a veces, como en este disco, me contradigo. Pero el ser humano y su condición, a veces errónea, suele ver lo contrario. Da la impresión de que vamos todo el rato en dirección prohibida”. Aún así, insiste en sentirse agradecida, en ser consciente de que ha llegado a su séptimo disco y que eso ya es, por si mismo, un gran logro. “Veo a demasiada gente ir y venir y la mayoría con dudas y poca protección. No es que yo me sienta la persona más afortunada del mundo, pero a mí manera puedo ser feliz. Estoy bien rodeada y puedo

SI BIEN LA ARTISTA siempre se ha sumergido en los procesos de producción, esta vez se ha encargado ella solo. Únicamente ha contado con el apoyo de Cate Le Bon en alguno de los temas. “Tenía una serie de sonidos en mi cabeza que necesitaba que salieran a la superficie y así liberarlos. Llevo trabajando desde los catorce años en temas relacionados con el sonido y he coproducido mis trabajos. En ese sentido, cada cual tiene un sistema, sus propios rituales, y esta vez quería seguir mi propio instinto. Mirarme al espejo y comprender que lo que estaba buscando era un nuevo vocabulario sonoro. Sinceramente, era algo que necesitaba tocar y sentir. Insisto en la sensación de tocarlo. Por ejemplo, quería hacer especial hincapié en las baterías y en el piano. Tam-

hacer la música que me importan con una audiencia que me apoya. Quizás no hago un tipo de canción que llegue a todo el mundo, pero las puertas siguen abiertas para quien quiera entrar. Yo tengo la suerte de seguir creando. No todo el mundo va a conectar con lo que haces, eso es algo que respeto, y que, ojo, me ayuda. Acepto cada opinión, cada crítica buena o mala, pero mientras seguiré esforzándome para dar lo mejor de mí misma”. Llegados a este punto le comento que quizás ahora vivamos en un momento en el que la falsa realidad de “The Nowhere Inn” (21) cobra más sentido todavía. “Estamos en un momento en el que la línea entre lo público y lo privado es muy fina. No sabemos exactamente dónde está la frontera. Fuera del escenario me puedo entretener jugando con una consola o haciendo un puzle, siendo una persona corriente. Es como al inicio del documental, cuando estoy dentro de esa limusina y el chófer me pregunta: ‘¿Eres famosa?¿Y qué canciones cantas?’. Y yo me lanzo a cantar ‘New York’... Ese es definitivamente un momento único en el que se mezcla realidad y ficción”. T C

“

“Lo que más aprendí con David Byrne es la forma de conceptualizar un espectáculo”

bién tenía claras las guitarras, aunque quería comprobar sus texturas”. Lo más complicado suele ser decidir cuándo una canción está terminada. “La clave para ello está en las palabras y sobre todo en tu determinación. En saber decir ‘Ya está, se acabó. La tenemos lista’. Soy obsesiva, como todos los músicos, pero sé cuándo parar para no volverme loca. Aunque siempre tengas la tentación de volver a tocar botones [risas]”. Con quien seguro que aprendió mucho en esa parcela fue con David Byrne, cuando trabajaron juntos en “Love This Giant” (12), al tratarse de otro obseso de la perfección. “Lo que más aprendí con él es la forma de conceptualizar un espectáculo, algo que, créeme, es muy complicado y complejo. Primero debes tener a los mejores bailarines y coreógrafos del país. Fíjate en lo que hizo con ‘Stop Making Sense’. David juega con la nostalgia, pero mirando siempre al futuro. Eso es algo que también sigo a rajatabla, y en parte es gracia a él. Me refiero que siempre voy mirando al frente”.

UNA DE LAS CANCIONES más llamativas del disco es “Broken Man”. Tiene una mirada distinta; nunca antes había sonado así, tan directa y tan agresiva. “Esta canción me lleva a otros lugares en cuanto a sonido y en cuanto a estilo. Puede que sea hacia dónde vaya en un futuro y es posible que sea lo más intenso que he grabado nunca. La génesis de esta canción está en cómo me siento a veces, en la violencia que percibo a mi alrededor y ese grito

que deseo pegar frente a un espejo. Esa es la clase de éxtasis que expongo en esta canción. Es un retrato muy fiel sobre la desesperación”. En ella colabora su amigo Dave Grohl –también está en el disco Josh Freese–, una inagotable fuente de anécdotas. “Dave tocó en la parte final de la canción y, definitivamente, es el mejor batería del mundo. Es impresionante ver cómo atina con cada melodía. Además la actitud que tiene ante la vida... Llega en su camioneta bebiendo café, empieza a contar esas grandes historias y siempre te conquista con una sonrisa. Y si le insinúas que quieres que toque en tu disco, nunca te pondrá ninguna pega”.

OTRA PIEZA SIGNIFICATIVA del disco es “Violent Times”, con esa ambientación tan propia en las canciones de Portishead –hace poco cantó “Glory Box” en The Tonight Show– y una frase que habla sobre cómo empleamos la mirada según sea la circunstancia. “En este tema hablo sobre un deseo y un imposible: quiero que haya paz en el mundo. Entonces, creo que esta es una canción de amor. Y sí, la melodía me lleva a cantar como una diva, como si fuese Judy Garland”. En “All Born Screaming”, la canción de siete minutos que cierra y da título al disco, hay una frase sobre una pantomima, acerca de lo deprimida que se puede sentir oyendo de nuevo una versión de karaoke del “Hallelujah” de Leonard Cohen. “Es una de las mejores composiciones de la historia, pero, por alguna razón que desconozco, desde hace diez años no he dejado de escuchar versiones de la misma. ¡Incluso en ‘American Idol’! Y la cantan sin ningún tipo de filtro. Nadie le ve una dificultad, cuando la tiene. El resultado es que la convierten en algo horrible [se pone a cantarla con ese registro de voz tan típico de esos programas]. ¡Y yo digo que no! ¡No, otra vez no, por favor! Es lo peor que he escuchado en mi vida y lo hacen con la mejor canción del mundo [risas]. Por eso hago esa referencia. Obviamente, la versión de Jeff Buckley era fantástica”. T.C.

EL DISCO. RECUPERADO.

Elastica Elastica (1995)

SE LAS HA ENGLOBÓ siempre dentro del britpop por lugar de procedencia (Londres) y fechas (los gloriosos años noventa). Pero lo cierto es que parecían tener más que ver con lo que se hacía en Seattle que en Reino Unido en aquella época. Aunque sí que cogían el testigo de lo que había ocurrido por allí en el 77. Eran más punkis, más grunges y, en definitiva, más guitarreras que sus grupos coetáneos. La banda nació a mediados de 1992, cuando Justine Frischmann (voz y guitarra) y Justin Welch (batería) unieron fuerzas tras haber militado efímeramente en Suede y Spitfire. El cuarteto se remató en el otoño de ese mismo año, con Annie Holland (bajo) y Donna Matthews (guitarra y coros, ex Darling Buds). Los singles que fueron lanzando las colocaron de la noche a la mañana en todas las radios británicas: “Stutter” (93), “Line Up” (94), “Connection” (94) y “Waking Up” (94) ya habían funcionado a la perfección. Así que, cuando en marzo de 1995 las reunieron junto a otras nuevas, en este “Elastica”, el éxito se extendió al resto del planeta. Y es que era un disco sin desperdicio, con temas frescos y bien producidos que se te metían en la cabeza a la primera para no irse jamás. Cogían el testigo abierto por The Runaways en los setenta, pero en una época en la que el mundo del rock ya empezaba a estar preparado para aceptar grupos femeninos.

“ELASTICA” ENGANCHA desde el principio. La primera guitarra de “Line Up” es rápidamente respondida por la segunda rítmica paneada en el otro

lado, a las que se termina uniendo el bajo y, finalmente, la batería. Un ritmo hipnótico que se remataba con la voz grave de Justine. “Annie” es un tema acelerado, femenino y punk rockero, de apenas un minuto de duración, de los de salir a darlo todo al pogo. “Connection” es posiblemente su gran hit, con ese riff inspirado en Wire que te mete en el tema desde la primera nota y te transporta sin darte cuenta hasta el estribillo. “Car Song” fluye a través de su marcada línea de bajo, sus redondos coros y sus insidiosas guitarras. El punk puro y duro regresa en la efímera “Smile”, de apenas un minuto cuarenta de duración. “Hold Me Now” y “S.O.F.T.” muestran esa faceta más relajada pero igualmente adictiva del grupo. “Indian Song” saca su lado más experimental, introduciendo sobre una línea de bajo diversas líneas vocales, pianos y percusiones varias en un corte de lo más psicodélico. El rock guitarrero vuelve con “Blue” y la punk “All-Nighter”. “Waking Up” es una mezcla perfecta de melodía melancólica, guitarreo grunge y arreglos de cierto aire new wave. Posiblemente la mejor canción del álbum junto a la siguiente, “2:1”, ese hipnótico medio tiempo que cogió gran popularidad al aparecer en un anuncio televisivo. “See That Animal” es un tema machacón, pero el ritmo se vuelve a acelerar con “Stutter”. “Never Here” es de nuevo un tema melódico y oscuro, antes de cerrar con la gamberrada de “Vaseline”. No pudieron repetirlo ni ellas mismas, y su segundo álbum, “The Menace” (00) desgraciadamente también fue el último. JESÚS CASAÑAS

TAN. CERCA.

RR Este pasado mes se dieron a conocer en Zaragoza los ganadores de los Premios MIN con Cala Vento, Baiuca & Alba Reche, Valeria Castro y Zahara, entre ellos, y con las actuaciones de Sexy Zebras, Fillas de Cassandra, Lia Kali, Valeria Castro, Xoel López, Tacho y Los Manolos.

RR El sevillano ToteKing, uno de los nombres imprescindibles del rap en castellano, se despide con “Luces Fuera”, su octavo larga duración, y próximamente anunciará una amplia gira. En el disco aparecen invitados como Hard GZ, Nico Miseria, Maikel Delacalle, Dollar, Ill Pekeño, Ergo Pro, Bejo o Hoke.

RR Fermin Muguruza celebrará sus cuatro décadas de trayectoria con una cita muy especial. El concierto tendrá lugar el 20 de diciembre en el Bilbao Arena y se recordarán desde sus trabajos en Kortatu y Negu Gorriak hasta los publicados en solitario.

RR La banda murciana de indie rock y pop urbano trashi adelanta su álbum debut con el lanzamiento del single “Coma profundo”. El disco verá la luz de la mano de Vanana Records.

RR Sila Lua regresa con material nuevo: “EQUILIBRIO”, el primer sencillo de adelanto del que será su nuevo álbum, previsto para finales de 2024. En ella suena más melódica y latina que nunca.

RR Carlangas y Los Cubatas nos invitan a disfrutar a ritmo de dance punk con “Mucho con poco”, un tema en el que guitarras, saxos y música de baile se entrelazan a la perfección en una oda a las pequeñas cosas.

RR Los murcianos Viva Suecia no bajan el pistón y siguen trabajando. Ahora acaban de presentar nuevo single, “La Orilla”, una oda a la derrota que todos vivimos en algún momento de nuestras vidas.

RR Los madrileños Parquesvr se abren a un pop alternativo, más melódico y romántico, con “Tu nombre es una puerta por cerrar”, el nuevo adelanto del que será su tercer álbum. MS

Steffen Morrison La voz del alma

El soulman surinamés Steffen Morrison sigue creciendo. Lo hace gracias a discos como “Legacy” (DEMP Music/Tall Tree Records, 24).

“ CUANDO ESTÁS MUERTO de hambre y tienes la oportunidad de comer exactamente lo que necesitas, ni más, ni menos, eso se convierte en una experiencia inmejorable. Bien, con ‘Legacy’, lo que quise darle al oyente es precisamente eso: canciones con los ingredientes perfectos”. Quien habla es Steffen Morrison, residente y protagonista de una exitosa carrera en Países Bajos –al punto de que la televisión nacional neerlandesa estrenó un documental sobre su vida en marzo pasado– y representa al colectivo de artistas surinameses, con importante

TAN.LEJOS

presencia en la escena musical del país de los tulipanes. El cantante agradece la pregunta sobre sus orígenes y cómo se acercó a la música. “Nací y crecí en Paramaribo, la capital del país. Vengo de una familia grande, doce hermanos y hermanas. La música para nosotros tiene una importancia vital; como buenos sudamericanos necesitamos el ritmo, la música, el disfrute, el baile. Hacemos música con cualquier cosa y la encontramos en todas las situaciones. Así fue mi infancia. Luego, ya de adolescente, me rodeé de discos, porque en mi casa había muchísimos, sobre todo de las grandes voces del soul de Estados Unidos. Mis padres eran unos melómanos increíbles. Sus colecciones de discos eran magníficas”.

VOLVIENDO A “LEGACY”, su más reciente trabajo, es un disco milimétrico, de minutaje corto y groove de alto impacto. “El

“Quise darle al oyente canciones con los ingredientes perfectos”

RR Después de “Skinty Fia”, su aclamado álbum de 2022 y disco del año para nuestra publicación, los irlandeses Fontaines D.C. vuelven con nuevo material. “Starburster” –ya en plataformas– es el primer adelanto de lo que será “Romance”, a publicar el 23 de agosto.

RR Se publica digitalmente la banda sonora que Thom Yorke (Radiohead, The Smile) ha compuesto para la película “Confi-

Bananas Profesionales de lo suyo

Formados bajo la acepción de “supergrupo” y sin ánimo de defender la propuesta en directo, Bananas son una banda de una naturaleza poco común. La libertad que ello conlleva los trae de vuelta con “Errekak nola” (B-Core, 24).

TRAS EL SOBRESALIENTE “Garun ta Eztarri” (Aloud, 21), y con el concierto de presentación de “Errekak nola” en Dabadaba, nos

acercamos hasta Donostia a disfrutar de un soleado día y mantener una animada charla con la banda tras la prueba de sonido. El disco nos ha pillado por sorpresa incluso a quienes seguimos al grupo, y siempre resulta complicado saber en qué estado se encuentra una banda de sus características. “Yo siempre digo que Bananas es como un Erasmus”, confiesa Iri (batería) entre las risas de sus compañeros. “Es como un amor de verano. No te vas a casar con Stefano, pero ese puto amanecer en Italia no te lo quita nadie. Bananas es el amor de verano que, curiosamente, ha durado más”. Volviendo a la

denza” de Daniele Luchetti. La película adapta la novela homónima de Domenico Starnone y la banda sonora se lanzará en vinilo y CD el 12 de julio.

RR Jamie XX continúa publicando singles. Tras “Let’s Do It Again”, “Kill Dem” y “It’s So Good”, comparte “Baddy On The Floor”, colaboración con la DJ y productora Honey Dijon, y adelanto del disco que publicará en algún momento de 2024.

seriedad, “seguimos teniendo mentalidad underground. Sabemos que nuestra agenda es limitada y cumplimos con lo que nos propusimos desde el principio: poco, pero bueno. Ya sé que es muy cliché lo de ‘hemos hecho lo que nos da la gana’, pero esta vez es verdad. Porque, con otros grupos en el under, después de un millón de años, te vas autoimponiendo intentar mejorar, intentar dar mejores bolos… y esto nos concede la libertad que sentíamos que habíamos perdido”. Da la sensación de que la banda es ahora el proyecto principal de sus miembros, repartidos entre combos como Madeleine o Adrenalized.

RR Joe Goddard (Hot Chip) tendrá nuevo álbum en solitario en julio. Llevará por título “Harmonics” y contará con voces invitadas como las de Eno Williams (Ibibio Sound Machine), Alexis Taylor y Al Doyle (Hot Chip) o Hayden Thorpe (Wild Beasts), entre otros.

RR Dave Grohl (Foo Fighters, Nirvana) ha publicado oficialmente su versión de “The Regulator” de Bad Brains junto a Scott Ian y Charlie Benante, miembros de Anthrax.

RR La cantante canadiense Alice Glass (ex Crystal Castles) ha compartido una versión

ochenta por ciento de las canciones soul tienen una estructura clásica que es intro/ verso/pre-coro/coro/ verso/puente/outro, etcétera. Pero al escribir ‘Legacy’ nos preguntamos ¿por qué habría que mantenerlo de esa manera? ¿Por qué no hacer algo completamente distinto? Si ofreces la cantidad correcta del plato correcto, la gente se quedará enganchada, pero no habrá más. Esa es la idea detrás de que las canciones tengan la duración que tienen”, explica.

PARA LLEVAR A ESE CONCEPTO a buen puerto Morrison debió haber trabajado a conciencia en este grupo de elaboradas y tozudamente arregladas canciones, las cuales puede que suenen a soul clásico (hay elementos compositivos que recuerdan a Marvin Gaye, otros a Seal y hasta a James Brown), pero al ocupar temáticas universales, puede que sirvan para aplicarse a los nuevos modos de escuchar música. “Al haber escrito sobre tópicos humanos en general, las canciones de este disco, sobre todo temas como ‘Crazy’, ‘Temptation’ o

MONDO FREAKO

‘Deal With The Devil’, pueden resultar relevantes para mucha gente, entonces es posible que encuentren un espacio de identificación en las letras y usen los temas para musicalizar posteos en redes, por ejemplo. Conozco muchísima gente que se enfrenta a estos temas a diario y quiero creer que estas canciones pueden ayudarles a ser creativos. Ojalá así sea; de todos modos me siento muy afortunado por el hecho de que ‘Legacy’ tuvo más de un millón de reproducciones en menos de una semana. Es muy importante porque no hay muchos cantantes de soul en esa situación”, comenta con humildad.

ADRIANO MAZZEO

Más en www.mondosonoro.com

“Bananas es como un Erasmus”

LO PRIMERO que llama la atención de “Errekak nola” es una menor inmediatez en su sonido respecto a su predecesor y al EP debut, “Azal bat, urdina” (Crystal Mine, 18). “Buscábamos diferenciarnos, sobre todo, del primer EP, siguiendo la línea del ‘Garun ta Eztarri’ pero ya sabiendo cómo sonamos los cinco y cómo hacemos las cosa juntos. Hay pasajes más lentos, hay zonas un poco más pausadas que hasta ahora eran más zapatilla...”, comenta Xabi (bajo). “En nuestros otros grupos tenemos otros vicios, otros corsés, y esa libertad que antes se mencionaba nos da una frescura que es la hostia”, añade Ander (guitarra) para que Iri apostille: “No tenemos condicionantes. Son todo propuestas, propuestas, propuestas. Eso,

del tema de Smashing Pumpkins de 1992 “Drown”. La artista ha grabado este homenaje con el productor y colaborador habitual Jupiter Keyes.

RR U2 publican nuevo EP digital, “Staring At The Sun EP”, el segundo de la serie “To Love And Only Love (Deep Dives And B-Sides)”. Incluye “Staring At The Sun”, “North And South Of The River”, “Your Blue Room”, “Staring At The Sun (Monster Truck Remix)” y “Staring At The Sun (Sad Bastards Mix)”. MS

cuando llevas mucho tiempo en un grupo, es difícil de mantener”. Recurrir a la producción de Santi Garcia resulta pues una decisión consciente. “Un Erasmus dentro del Erasmus” bromea Gartxot (voz), mientras Itzal (guitarra) explica que “podíamos haber elegido a cualquiera, pero fue más ‘Venga, vamos a poner un deadline. Para esta fecha tendremos las canciones que tengamos, y vamos a grabar’. Y a grabar lejos de casa. Lo que no queríamos era estar en el estudio y luego cada uno a su casa, cada uno con sus movidas. Queríamos estar los cinco en eso”.

REUBEN WEEDIANAUT

FOTO: JEAN MARC KESSELEY

R l Valencia 04 julio. 16 Toneladas

l Murcia 05 julio. Festival Jazz de San Javier l Vilanova i La Geltrú 06 julio. Vida Festival

MONDO FREAKO

Hablar con un artista el día del estreno de su disco es algo entre mágico y difícil. Hay mucha presión, muchos nervios y también mucha emoción. Sin embargo, el peso se torna un poco más ligero si se trata de un artista como Carlos Sadness, que presenta “Realismo Mágico” (Sony, 24). Nos vimos en una de las terrazas de La Central del Raval en Barcelona, en un jardín íntimo y soleado, como en un oasis de cuento en medio del humo y la ciudad.

CARLOS ESTABA “muy contento, especialmente contento”, aunque cansado tras su concierto de presentación en Barcelona, en la sala Apolo, el día anterior. Recordó la “atención y euforia” del público, que llenaron el recinto de magia. Porque es casi un salto de fe hacer un concierto presentando un disco que aún no ha salido en una sala con un aforo como el de la Apolo. Muchas de las canciones de Sadness —las más conocidas, al menos— están siempre teñidas de mucho color y optimismo. “En general, soy bastante positivo”, explica. Y eso ha construido alrededor del catalán un aura “buenrollera” que, según el cantante, “es un punto de vista externo a veces”. En su discografía también hay lugar para los temas tristes y emocionantes, como sucede en “Realismo Mágico” con “Lo que fuera”, “Pequeño amor” o “Malandra”. Los fans del cantante definen su música como “canciones para bailar llorando”, concepto que Sadness agradece. “A mí me gusta la música emocionante, y es verdad que mucha música que escuchamos para bailar no es emocionante”. Sobre el estilo más galáctico de este disco, el músico asegura que es “un poco involuntario”. “Las canciones nacen en función de lo que quiero contar, del paisaje en el que quiero contar, porque soy muy paisajista”. Sadness juega en sus temas a ser “un pintor” y, en esta obra, la luna, las estrellas —“que están en todas las canciones”— o la noche tienen un gran peso como elemento pictórico. El sonido del disco e, incluso, la lógica compositiva de sus letras beben directamente de la influencia latinoamericana. “Todo lo que consumas a nivel artístico te va dejando huella”, sobre todo, especifica, “lo que consumes cuando eres pequeño”. Destaca,

Carlos Sadness Personita buena

por ejemplo, que de la música de Roberto Carlos ha podido quedarle “esa dialéctica y manera de explicar”.

DE ESTAS NUEVAS CANCIONES, el catalán admira el poco pudor que tienen a la hora de hablar de las emociones, puesto que “nosotros somos un poco más fríos”. En este sentido, asegura que este disco reivindica la emoción y la ternura. “Porque al final para mí es lo que nos va a abrazar cuando todo lo demás esté vacío”. Sadness dicta sentencia: “La ternura es un acto de

rebeldía en un mundo en el que nos da pudor ser tiernos”. Critica, además, lo superfluo y lo efímero de las relaciones actuales y aboga por la compañía y la empatía. Hablando de compartir, agradece sentirse libre de comparaciones o competiciones con sus compañeros. “Esa idea de que competir nos lleva a ser mejores es muy capitalista. Aplicarlo en un iPhone está bien, pero no en las canciones”, concluye.

EL DISCO TOMA EL NOMBRE de una entrevista en la que compararon su música

“La ternura es un acto de rebeldía en un mundo en el que nos da pudor ser tiernos”

con el movimiento literario del mismo nombre, que conecta con el músico “en la idea de encontrar la magia en un mundo en el que cada vez hay menos lugar para la magia”. Pero no todo son rosas en “Realismo Mágico”. “Tuve dificultades con este disco porque pensaba que se iba a retrasar todo dos meses”, explica. Una persona que había participado en el álbum “no se sentía valorada” y bloqueó la salida de una canción. Por suerte, el problema se solucionó “de manera legal, unos días antes de que saliera el disco”. “Realismo Mágico” se va convirtiendo en un álbum más oscuro conforme avanza, “como una fruta que madura”. Carlos explica que el primer tema del disco tiene la función de “describir rápidamente lo que te vas a encontrar después”, pero que, al final, las canciones tienen “un espacio más reservado a la gente que realmente va a profundizar en él”. En esta intensidad se esconden tres colaboraciones: tres mexicanas que aportan “las personalidades de sus voces” a “Morrita Linda” (Melissa Robles), “Lo que fuera” (Ximena Sariñana) y “Pequeño Amor” (Carla Morrison).

CARLOS SADNESS ha participado, como suele hacer, en el proceso creativo completo del disco. “Mi instrumento es la producción”, explica. También ha ilustrado la portada de “Realismo Mágico”. “Fui a la imprenta e hice diez diseños distintos”. En medio de la incertidumbre, escogió su primera creación: “Confié en lo intuitivo”. “Realismo Mágico” empezará a llenar escenarios de festivales como el Toledo Beat, el FIB o el Rio Babel para volar en octubre a Latinoamérica y pasar por Perú, Ecuador o México. Sin embargo, asegura que empieza en América Latina “porque justo coincide allí”, pero que, de cara al año que viene, habrá una gira de salas por España. “Tengo muchas ganas”, asegura. Y así acaba la charla, con el sol casi en posición cenital, una taza de café vacía y un jardín lleno de pájaros que cantan la llegada de la primavera. Como si el realismo mágico tuviese más de real que de mágico ahora que ha visto la luz.

JOAN SÁNCHEZ GONZÁLEZ

EN CONCIERTO

l Toledo 11 mayo. Toledo Beat

l Sevilla 18 mayo. Interestelar Fest

l Valencia 07 junio. Les Arts Fest

l Barbastro 28 junio. Polifonik Sound

l Málaga 04-06 julio. Weekendbeach Sound

l Pontevedra 04-06 julio. Portamérica

l Madrid 04-06 julio. Rio Babel

l Benicàssim 18-20 julio. Fib

l Guadalajara 29-31 agosto. Gigante Fest

l Granada 13-14 septiembre. Granada Sound

l Lugo 20-12 septiembre. Caudal Fest

WALA. WALA.

“Hay algo en el sonido y la estética analógica que nos fascina. Realmente lo que hacemos nos sale así,

sin pensar en los noventa”

“Este material con John [Squire] demuestra un compromiso con lo que estamos haciendo. Y, en realidad, es un disco jodidamente bueno”

Liam Gallagher en NME

“Uso un montón de acordes en mis canciones... Pero los acordes no son lo que hace una canción buena o mala”

Lucy Dacus de boygenius

Stereogum “PARA SER HONESTO, MI FAMILIA, MI HIJA Y MI PADRE SON LO QUE ME HACEN SEGUIR VIVO. A VECES ENCONTRAR ESPERANZA EN LO QUE TIENES CERCA ES COMPLICADO”

“Parece que la gente tiene ganas de masacre, de que llegue un dictador y se ponga a fusilar gente. Son tan gilipollas que igual es buena idea bombardearlos”

Sr. Chinarro en Jenesaispop

en

Bobbie de Bob Vylan en Kerrang!

Jazz Rodríguez de Mourn en Ruta66

MONDO FREAKO

Bala Apuntando a matar

Ánxela Baltar y Violeta Mosquera conforman Bala, dúo gallego que lleva ya tiempo haciendo ruido. Ahora publican “Besta” ([PIAS], 24), su cuarto álbum y ese disparo definitivo tras el que resultará del todo imposible ignorarlas.

“BESTA” ES YA EL CUARTO ÁLBUM en la trayectoria de Bala, y Ánxela Baltar matiza, bajo su punto de vista, las diferencias del lanzamiento con respecto a las tres entregas previas de la dupla. “En mi caso puedo decir que es un disco especialmente personal: en las letras decidí abrirme más que de costumbre. Me salió así… Hasta ahora siempre había escrito desde un punto de vista menos explícito. Además, es el disco más extenso que hemos sacado, con doce canciones, y estilísticamente creo que es el más trabajado de los cuatro”. En “Besta” hay mucha frustración, energía y reivindicación en primera persona, motivando así la curiosidad en torno a la inspiración y a cómo la han canalizado sus artífices para dar a luz a las canciones. “Una vez que la parte instrumental estaba hecha pusimos en común un montón de te-

máticas que nos apetecía tratar. Cosas que llevamos dentro y que de alguna manera queríamos sacar y compartir. Es una suerte poder tener esta herramienta para soltar lo que ocupa tu cabeza en un determinado momento de tu vida”. El resultado es un disco asfixiante (al menos en apariencia) y que apenas ofrece concesiones al oyente, quizá entre esa rabia y desasosiego que resulta de una desesperanza que puede que trascienda a una generación concreta. “Dejamos que todo fluya mientras vamos soltando lo que nos sale. La desesperanza es hoy en día un sentimiento generalizado, casi independiente de la generación. A mí me gusta mezclar luz con oscuridad, gritar cosas bonitas entre riffs pesados que quizás provocan una imagen errónea de lo que intento transmitir. ‘Besta’ es un disco más rabioso, aunque no todo en él es catártico”. Canciones que, incluso, pueden llamar a la movilización ¿Un manifiesto? “Lo consideraría, simplemente, reflejo de cosas que nos preocupan, a nosotras y a una gran parte de la población. Pero bienvenida sea la movilización siempre”. Lo que es innegable es que este disco potencia (¡y cómo!) las ganas de ver a Ánxela Baltar y Violeta Mosquera en directo, hábitat en el que prometen lucir arrasadoras. “Seguimos siendo las mismas que pillan cada concierto con muchísima ilusión, pero a lo largo

EL APUNTE

Colaborando

EL DISCO CUENTA, entre otras, con la colaboración de una de las mujeres más míticas en la historia del punk de este país como es la ex Parálisis Permanente Ana Curra. “La admiramos muchísimo y la seguimos desde hace mucho tiempo. Yo, además, tuve la oportunidad de trabajar con ella en una producción hace unos años y allí charlamos un rato. Me dijo que le encantaba lo que hacíamos y me hizo una ilusión tremenda. No dudamos en proponerle esta colaboración y aceptó encantada. Puso absolutamente todo de su parte con ganas y energía al cien por cien. Somos muy afortunadas”. Por otro lado, también han trabajado con Tanxugueiras en “Ouveo”, un tema de corte más folclórico. “Es un homenaje muy especial a un compañero de cuatro patas. Lamentablemente falleció y escribimos sobre el duelo que atravesamos cuando esos compañeros de otras especies con los que compartimos nuestra vida se van. Pensamos que las voces de Tanxugueiras encajaban a la perfección para convertir esta canción en una especie de ritual”.

“La desesperanza es hoy en día un sentimiento generalizado”

de estos años supongo que hemos ganado en soltura y confianza. No hay nervios, solo gozo, desahogo y diversión. El escenario se ha convertido en nuestro lugar favorito del mundo. Nuestro espacio más seguro, nuestra zona de confort”.

BALA FORMAN PARTE de esa amalgama de formaciones femeninas que acaban dando forma tangible a una suerte de escena de sobrada consistencia, desde Las Odio a shego, pasando por Melenas, Ginebras, Cariño, Pinpilinpussies, Tiburona o Aiko el Grupo. Un listado cada vez más extenso que podría apuntar al fin del yugo masculino. “Queda mucho por hacer. Hay, en general, más conciencia que antes sobre estas cuestiones en la industria musical, pero las desigualdades en un montón de aspectos siguen siendo evidentes. Las mujeres siempre han estado ahí, pero silenciadas o invisibilizadas. El noventa por ciento de nuestros referentes han sido masculinos”. Otra escena obviamente candente en la actualidad es la gallega, atendiendo a nombres como los de Grande Amore, Boyanka Kostova, The Rapants, Ortiga, Mondra, Fillas de Cassandra, las propias Tanxugueiras, Mundo Prestigio y tantos otros. “Galicia es un lugar mágico en el que ocurren cosas maravillosas. Somos muy afortunadas de poder compartir escena y nutrirnos de todos esos proyectos que mencionas, así como de muchos otros”.

RAÚL JULIÁN

TOP VÍDEOS.

QLenny Kravitz

Human

1 Se echaba a faltar en esta sección el típico vídeo de una súper estrella que combinara un gran presupuesto, una buena idea y un perfecto desarrollo. Un vídeo como los de la época dorada de la MTV. ¿Os acordáis?.

QOques Grasses Com està el pati

2 Oques Grasses siempre le han concedido gran importancia al denostado género del clip musical y es de agradecer. Una nueva muestra de ello es este paródico vídeo para este sorprendente “Com está el pati”.

QLa La Love You No se te puede dejar nada

3

El pop guitarrero y fresco de La La Love You tiene en sus vídeos el complemento perfecto a ese imaginario paródico y sin complejos de los madrileños. Y este clip para no es una excepción.

Q4

Wos Estímulo

El argentino WOS acaba de publicar un nuevo largo titulado “Descartable” y lo ha hecho acompañado de este oscuro y tenebroso vídeo para ‘Estímulo’. Clip dirigido por Rafael Nir y Tomás Curland que muestra un mundo onírico de lo más extraño.

QWeyes Blood Andromeda

5 Weyes Blood ha estrenado el videoclip de una de las canciones más aclamadas de “Titanic Rising” (19) para celebrar el quinto aniversario del lanzamiento. Parte del video fue grabado en 2018 y no se completó hasta este año. MS

FOTO: LEO LÓPEZ

THE SMITHS

40 años de su debut

En mayo de 1982, Johnny Marr (dieciocho años), el guitarrista más prometedor de Manchester, se plantó en la puerta de la casa de Steven Patrick Morrissey (veintitrés años), desempleado y viviendo con su madre, para pedirle que se convirtiera en su pareja compositiva, después de un documental que había visto en el que Jerry Leiber y Mike Stoller comenzaban su relación así.

DECIR QUE DE AQUELLA unión surgió magia sería quedarse muy corto, porque The Smiths son, para el que esto escribe, la banda más importante de los ochenta. Desde el principio la fórmula se descubrió perfecta, Marr ponía el manto de guitarras emulando el Muro de Sonido de Phil Spector pero nunca buscando el foco para sí mismo, sino para crear la mejor canción posible y Morrissey era el encargado de las melodías y de la parte literaria. El resultado era algo totalmente peculiar y propio. Marr era un guitarrista único, una enciclopedia pop y rock que siempre terminaba sonando solo a sí mismo, mientras que Morrissey era un cantante sin ningún referente claro. Su forma de cantar estaba cerca de un Frank Sinatra bisexual que tomara antidepresivos. Y luego ficharon a Andy Rourke y a Mike Joyce como sección rítmica y como Ringo en The Beatles, todo hizo click y conformaron una de las secciones rítmicas más imparables de la historia, dándoles mucha más fuerza a las brillantes composiciones de Morrissey y Marr.

Su primer disco apareció en febrero de 1984, y lo grabaron dos veces, primero bajo la supervisión de Troy Tate y, en la definitiva, con John Porter como productor. No se quedaron contentos con ninguna y son muchos los que piensan que las mejores versiones de estas canciones se encuentran en “Hatful Of Hollow” que se editaría a finales de ese mismo año. Pero el caso es que este disco fue un verdadero soplo de aire fresco en la música pop. En medio de una maraña de sintetiza-

dores y purpurina se podría decir que “The Smiths” fue una de las primeras muestras de la música que iba a dominar en los noventa. Tanto los grupos alternativos como los del Britpop tendrían en esta banda y este disco uno de sus referentes fundamentales. Para celebrar sus cuarenta años desglosémoslo canción a canción:

Reel Around The Fountain

The Smiths decidían abrir su primer disco con la canción más larga y una de las menos movidas. Un extenso episodio de seis minutos en el que Morrissey reflexiona sobre la pérdida de inocencia y el despertar sexual de un adolescente. Existió polémica en su tiempo, con algunos creyendo ver un tema pedófilo. Un brillante comienzo.

You’ve Got Everything Now

El ritmo se acelera a partir de aquí con esta nerviosa canción en la que el cantante expresa su amargura hacia una persona de la que da a entender que sólo finge su felicidad. El cambio hacia el estribillo es brutal y ,como en muchas de sus canciones, termina con otro cambio totalmente imprevisto, con Morrissey pasando a su falsete de maniático y Marr coloreando todo con la guitarra.

Miserable Lie

Una de las canciones con una estructura más libre de su catálogo y, aun así, es puro Smiths. Comienza como una melancólica canción post-punk, con ese tintineante sonido de la guitarra de Marr acompañando las lamentaciones del cantante pero de repente Joyce y Rourke aceleran y Morrissey pasa a desgañitarse con su falsete.

La línea de bajo de Andy Rourke en lo alto de la mezcla es la que lleva musicalmente esta canción en la que Morrissey se saca de la manga otra de sus maravillosas melodías melancólicas, a pesar de que el arreglo musical es totalmente optimista, casi con un punto caribeño.

The Hand That Rocks The Cradle

Johnny Marr la compuso a partir de los acordes del “Kimberly” de Patti Smith, que estaba en uno de los discos fundamentales tanto para el propio Marr como para Morrissey, “Horses” (75). Nuevamente Marr construye un muro de guitarras, con toques ‘jangle’ y acordes en staccato juntándose con su acústica para que Morrissey se suelte de la lengua sin buscar en ningún caso un estribillo ni nada parecido, solo un torrente de poéticas palabras. Es una de las primeras canciones que compusieron,

Pretty Girls Make Graves

con una fórmula opuesta a la habitual. Y es que normalmente era Marr el que escribía toda la música y se la pasaba a Morrissey para que añadiera melodía y letra, pero aquí construyó la canción a partir de varios poemas de Morrissey.

This Charming Man

El segundo sencillo de la banda, tras “Hand

In Glove”, se lanzó el 31 de octubre de 1983,aunque no estaba incluida en la primera versión en vinilo de este disco que se lanzó en el Reino Unido. Es la canción que definiría a The Smiths en la consciencia popular y sobre la que se construyó el mito de la banda. Estamos hablando de una de las tres mejores canciones de la banda, junto a “How Soon Is Now?” y “There Is A Light That Never Goes Out”.

Still Ill

Que The Smiths no eran como ninguna otra banda también se puede ver en el hecho de que decidieran usar las canciones más conocidas y los sencillos de la misma en la segunda cara de su debut, en vez de en la primera. “Still Ill” no fue elegida como sencillo, pero debería, y es que esta canción

mayestática abría por todo lo alto la segunda cara del disco.

Hand In Glove

El primer sencillo de la banda, lanzado en mayo de 1983, es una de sus canciones más fieras y apasionadas, con una curiosa mezcla entre punk y ‘jangle’, en el que incluso cabe una armónica diabólica, con Marr y Rorke nuevamente jugando el uno con las líneas del otro y otra ambigua letra con la que Morrissey cortaba con el machismo y la testosterona que se solían aplicar a la música rock.

What Difference Does It Make?

El riff de Marr ya debería venderte la canción por sí sola, es el riff más directo y rock de todo el disco, The Smiths pocas veces han sonado tan cabreados y furiosos como aquí, con Morrissey volviendo a desatarse con el falsete al final. Fue el tercer sencillo de la banda y se convirtió en su mayor éxito subiendo hasta el puesto doce de las listas británicas.

I Don’t Owe You Anything

Y tras el frenesí llega la calma con pura melancolía hecha canción, con un punto cerca-

no a las canciones de los grupos de chicas de los sesenta. La canción es otro de esos lamentos románticos de Morrissey en el que se encuentra desencantado con una chica que está mucho menos interesado en él de lo que querría. Porter utiliza a Carrack para meter un órgano que se integra bien con la música.

Suffer Little Children

¿A quién coño se le ocurre terminar su disco de debut con la canción pop más escalofriante jamás escrita? Una canción discreta, tranquila, hermosa e inocente, pero totalmente perturbadora y es que, aunque instrumentalmente parece acariciarte, trata sobre unos niños que fueron violados y asesinados cerca de la casa natal de Morrissey en Manchester en 1965, cuando él contaba con ocho años de edad. Le ponían el final más brutal a su debut y se confirmaban como una banda totalmente única e irremplazable.

SERGIO ARIZA

39/Mondo VINILOS

El sano delirio de Oques Grasses

POP / “Fruit del deliri” es justo lo que su título indica. Un disco fruto de un proceso de dejarse llevar en el estudio y poner en práctica cualquier idea por zumbada que a priori pudiera parecer. Es un sacarle jugo y máximo partido a ese jugueteo con la consola, las bases y los efectos para que todo suene gordo, con más electrónica que nunca y revitalizar de paso a los Justin Delasiembra. Ese dúo de productores que el propio Montero conforma con Joan Borràs, teclista de la banda, que parecen hacer un muestreo en el disco de todo lo que son capaces de hacer, para ofrecer luego sus servicios a todos los jóvenes cachorros de la escena urban catalana. Así, el álbum abre con “Com està el pati”, muestra imbatible de lo que resul-

ta combinar una base rap clásica, con efectos creados a partir de un globo desinflándose y ese sentido del humor de tradición “boletaire”, capaz de reírse en dirección de ida y vuelta, es decir, del entorno y de mi mismo porque, por mucho que lo vea todo desde una posición de privilegio, no dejo de formar parte del mismo ecosistema. Y así llegamos a “Bambi”, tema de bases bailables saturadas que es, junto a “Molta Tralla”, “Com el dia i la nit” y los ritmos dembow de “Toca”, donde más se vislumbra el nuevo interés del combo catalán por la electrónica, como si aquella “Hitzeman”, maravillosa y lejana colaboración con el vasco Zetak, hubiera dejado una huella profunda que desarrollar en el futuro. “Fruit del deliri” es uno de esos discos que va ganando enteros a cada nueva escucha que le otorgas, porque en cada una de ellas irás descubriendo detalles que te habían pasado inadvertidos desde el principio. Un disco variado en la elección de ritmos, pero con la amalgama del sello Oques, caracterizado por esa libertad y ausencia de complejos para encarar un tema como solo ellos saben hacerlo, con personalidad propia. don disturbios

ROCK’N’ROLL / Los hermanos

Chris y Rich Robinson siguen viviendo apartados de cualquier corriente fuera de lo que se les da mejor, esto es, reproducir de la mejor manera esos comienzos de los setenta, donde el rock sucio y afilado de los Stones se codeaba con el rock sureño, el country rock y el comienzo del hard rock de Led Zeppelin. No ha habido ni una banda surgida después de 1974 que haya sonado mejor, ni tenido mejores canciones que los Black Crowes dentro de esos parámetros. Si te gusta este estilo, te gustan los Black Crowes, si no, no te va a empezar a gustar en 2024 con “Happiness Bastards””, el noveno disco de la banda, mejor empieza por “The Southern Harmony And Musical Companion” (92). Puede que este nuevo disco se quede un poco corto ante su primera trilogía de comienzos de los noventa, pero puede mirar a los ojos, o por encima de ellos, al resto de su discografía. sergio ariza

POP / Hay muchas maneras de gestionar l’enyor, pero quizás la mejor sea coger el tercer disco de Maria Jaume y viajar con su particular “Nostàlgia Airlines” a una pista de baile liberadora. Más divertida, ligera y traviesa que nunca, Maria Jaume nos regala once cortes del pop más bailable de su discografía. Y no solo eso, sino que mientras nos cuenta sus idas y venidas amorosas, nos plasma de una manera brillante, y con una ironía finísima, la realidad de su vida mallorquina. El auténtico Balearic 2024. Desde los guiris que cruzan “Super Mala Pinta” junto a Renaldo & Clara, hasta el absurdo de vivir en un destino turístico, en “Hotel, Sol y Playa” con Pau Debon (Antònia Font). El disco nunca le pierde el pulso a la pista de baile, desde ritmos más urbanos en “Ella sempre crema” a un pop electrónico absoluto junto a Julieta en “Trista a Miami”, o su evolución más disco en “Xin XIn i Bye Bye”. eva sebastián

Maria Jaume Nostàlgia Airlines Bankrobber

The Black Crowes Happiness Bastards Silver Arrow

Oques Grasses Fruit del deliri Halley Records 8

FOTO: MARTA MAS

Vampire Weekend: bailando el siglo XX

Vampire Weekend Only God Was Above Us Columbia/Sony

INDIE POP / Bienvenidos (y bienhallados) al territorio de la aventura. ¿Cuánto tiempo hacía que no dábamos con una versión tan recreativa, juguetona, experimental y audaz de Vampire Weekend? Ezra Koenig, Chris Tomson y Chris Baio han resuelto los cinco años de espera con un quinto álbum tan jubiloso en lo sónico como razonablemente afligido en lo lírico, ante los zorros en que estamos dejando este mundo. Hay momentos de cegadora fantasía sonora: la combinación de ritmo hip hop, trompetas y arreglos de cuerda de “The Surfer”, el delirio colorista de una “Connect” que recuerda al “Steppin’ Out” de Joe Jackson, los resultones injertos free jazz de “Classical” o la deliciosa opereta pop de “Ice Cream Piano”, como si

quisieran complementar la línea sucesoria que une a Elton John con Ben Folds y Mika. Un no parar. Es un disco de belleza aural, una sucesión de pellizcos, de nuevo con la producción de su fiel Ariel Rechtshaid y las mezclas de Dave Fridmann, en la que junto a las afortunadas probaturas figuran también clásicos instantáneos como “Prep-School Gangsters” o “Gen-X Cops”, con esa guitarra de electricidad supurante, quizá el mejor single de The Strokes sin llevar la firma de The Strokes porque tiene todo aquello a lo que su música debería aspirar en este momento. “Only God Was Above Us” es un disco que, sin el menor asomo del africanismo pop que les puso en el mapa, suda por sus cuatro costados los estragos de siglo XX (ya no solo por sus textos, una mezcolanza de guiños a titulares de prensa y personajes de la cultura neoyorquina de hace décadas), sino por cosas tan explícitas como el sampler de Soul II Soul en la sensacional “Mary Boone”, redondeando eso que solo un puñado de elegidos es capaz: gestar un material deslumbrantemente actual con parches del pasado. carlos pérez de ziriza

HEAVY METAL / El hecho de que Judas Priest hayan sacado un disco nuevo es un hito histórico. Lo hace justo medio siglo después de su debut, “Rocka Rolla” (publicado en 1974), con lo que se convierte en el primer grupo de heavy metal en conseguir tal hazaña. No es de extrañar, por tanto, que no pretendan ni innovar ni engatusar a las nuevas generaciones. “Invincible Shield” es Judas Priest en estado puro: riffs machacones, gargantas agudas, temas épicos y desarrollos armónicos con los que dar el descanso justo a la tralla que hay a lo largo de los hasta catorce cortes que tiene el álbum. Supone el álbum de estudio número diecinueve de la banda, y llega seis años después de “Firepower”. Todo bajo la producción de Andy Sneap (también guitarrista de directo de la banda) y con la correspondiente gira de presentación, que incluye hasta cuatro fechas en nuestro país. Sus seguidores están de enhorabuena. jesús casañas 8

6

COUNTRY / A muchos les sorprendió la producción tan pop y aventurera de “Star Crossed” (21), el anterior disco de Kacey Musgraves, pero la artista country siempre se había caracterizado por una producción mucho más fluorescente y atrevida que a lo que nos tiene acostumbrado su género madre, pero en este “Deeper Well” entrega su disco más austero y despojado, con un ojo puesto en Laurel Canyon, lo que pasa es que sus tenues arreglos suenan repetitivos en algunas de sus canciones y hace que suenen muy similares. No toma ningún riesgo aquí, es un disco que suena demasiado monótono. Podría haber más cosas como el final de “Sway” en el que mete unas complicadas armonías y vuelve a utilizar el vocoder. Aunque puede que el principal problema sea que el nivel general de las canciones no es demasiado alto. Si todas tuvieran la altura de “Slow Burn”, “Oh What A World” o “Rainbow” estaríamos hablando de otra cosa. sergio ariza

FOTO: DANIEL PRAKOPCYK

Judas Priest Invincible Shield Sony Music

Kacey Musgraves Deeper Well Interscope/ MCA

ELECTRÓNICA / Sigue haciendo lo que le da la real gana, y con una maestría incuestionable. Kieran Hebden subraya su dominio de las texturas, su capacidad para tallar frondosos paisajes sonoros, su rol de chamán en eso de masajear los sentidos a conciencia. Igual da que nos adentre en el ritmo hip hop de los primeros noventa, una suerte de downtempo que suena como un cruce entre DJ Shadow y J Dilla (“Loved”), que se enfangue en un dub fracturado (“Storm Crystal”), que apele al ambient y al primer chill out, el de The KLF (“Gliding Through Everything”), que nos haga bailar a ritmo de house a piñón (“Daydream Repeat”) o de minimal techno (“31 Bloom”), que nos sumerja en las propiedades balsámicas de su folktrónica (“Skater”) o que directamente nos haga volar con una “Three Drums”, pura magia. Siempre hay un punto diferencial, una cuota de indescifrable misterio, un hormigueo en el estómago. Tremendo. carlos pérez de ziriza

INDIE POP / Tercer álbum tras el resurgir de Ride en 2017 y quizá el que ofrezca la mejor versión del cuarteto en esta segunda etapa y dentro de los parámetros por los que ahora transitan Mark Gardener y compañía. Porque aquel shoegaze obsesivo y hermético de antaño, del que los británicos fueron santo y seña en los noventa, pasa a segundo plano en una entrega que apunta al indie-pop de quilates. “Interplay” deja entrever la personalidad primigenia de los de Oxford pero que, madurada con el paso del tiempo, apuesta por dosis adicionales de luz y, en definitiva, por ese aspecto más pop y accesible que resulta del todo determinante. Lo que podría haber sido un error de cálculo se torna en aderezo favorecedor, amparado por una inspirada secuencia de temas que, en todo caso, tiende a insinuar la pura esencia del grupo y ribetea, con la seguridad de los veteranos, doce composiciones con mayoría de singles potenciales. raúl julián

POP / Doce años después de su último asalto conjunto, Gossip rompen su sostenida ausencia con “Real Power”. Once canciones bautizadas por Rick Rubin que miran inevitablemente a su contexto presente (con un corte principal que homenajea a las pandémicas marchas del Black Lives Matter) y que vuelven a traernos el aprecio de sus responsables por el sonido más añejo (esta vez menos metidos en el afterpunk y más en el discotequeo). Entre lisergia setentera (“Act Of God”), romanticismo dance (“Edge Of The Sun”), lujuria reverberada (“Turn The Card Slowly”) y desenfado funk (“Give It Up For Love”), el talento tonal de Beth Ditto se alza protagonista y nos arrebata abarcando una gana de notas sorprendentemente ambiciosa. Una lección de cuándo y cómo es preciso regresar al ruedo, reclamando su particular puesto en el trono del indie sleaze tan solo cuando verdaderamente tenían algo que merecía la pena ser escuchado. fran gonzález

Mainline Magic Orchestra Harri Poter Primavera Labels

ELECTRÓNICA / Mainline Magic Orchestra debuta en el formato largo con un proyecto contaminado por la naturaleza energética y extravagante de una boyband que podría haber salido de una viñeta de Miguel Noguera. Más allá de su innato carácter desenfadado, la consistencia con la que “Harri Poter” teje este elegante ecosistema de inconsistencias demuestra la madurez artística de un colectivo incapaz de ponerle barreras a su campo. Los Mainline no sólo han conseguido hacernos imaginar cómo sonaría “Clímax” de Gaspar Noé si se hubiera rodado en la sala La Paloma de Barcelona, sino que se han consolidado como una de nuestras figuras esenciales del sonido electrónico post-pandémico. Entre lo misterioso y lo extrovertido, la banda de variedades catalana nos introduce en un atractivo imaginario personal donde la omnipotencia de la pista de baile parece ser el único eje temático coherente.

dani grandes

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Oques Grasses Fruit del deliri

2 Alizzz Conducción temeraria

3 DMBK Bolsa amarilla y piedra potente

4 Guillem Gisbert Balla la masurca!

5 Za! & Perrate Jolifanto

6 The Rapants La máquina del buen rollo

7 Emilia, Pardo y Bazán La fiesta que me prometiste

8 Carla Eclipse

9 Carlos Sadness Realismo Mágico

10 Maria Jaume Nostàlgia Airlines

1 St. Vincent

All Born Screaming

2 English Teacher This Could Be Texas

3 Adrianne Lenker Bright Future

ROCK / Golpe en la mesa de los muradanos con un tercer álbum con identidad propia. Un disco que podría ser considerado continuista, con toda la esencia rapante, pero que es más maduro y cercano a sus directos. Algo fruto de la grabación en analógico realizada por Paco Loco, que otorga más valor al sonido del grupo. De la misma forma que en su anterior trabajo hay himnos como “O Avión”, este “LMDBR” tiene canciones que pasarán a la historia de la banda. Por ejemplo “Meu Cariño” o “Tuenti”, en la que hablan del amor, en “Country Asesino” donde denuncian el turismo masivo, o ese “Cando Pensa en Min” que suena al artista definitivo surgido de la unión The Rapants con Grande Amore. No menos importante es la parte musical, con variedad de ritmos, sonidos y estilos. Todo aderezado con melodías pegadizas, que provocan sea toda una experiencia escuchar todo el disco, cuyo título hace honor a su nombre. daniel pose

4 Metz Up on Gravity Hill

5 Vampire Weekend Only God Was Above Us

6 Gary Clark Jr. JPEG RAW

7 Ride Interplay

8 Justice Hyperdrama

9 The Black Crowes Hapiness Bastards

10 Gossip Real Power

Fresquito y Mango Lo que me mató Sonido Muchacho/ BMG

POP / A pesar de llevar tanto tiempo resonando en nuestra memoria musical reciente con temas de infeccioso efecto y mediática viralidad, es ahora y de la mano de “Lo que me mató” cuando los zaragozanos Juan Figols y Mario Lázaro han decidido saltar de nivel y debutar en larga duración. Un trabajo que supone la guinda a un meteórico inicio de carrera y que responde a la ambiciosa e inconformista metodología de la dupla, exhibiendo su divergente y ecléctica mirada creativa (del latineo de “Cara de lunes” a la contundencia de “Creo que algo está a punto de pasar” o la calma de “Sol naranja”) y endulzando el drama con su característico lenguaje zeta. La proyección futura de la dupla parece quedar asegurada gracias a su ahora corroborada habilidad para seguir creando temas fervientes y letras más maduras, encabezando así la escena musical de una generación del todo ajena a categorías y etiquetas. maite aparicio

Ride

Interplay Wichita

8

The Rapants La Máquina del Buen Rollo Autoeditado

8

7

Viernes 24

THE BLAZE

EDITORS · LOS PLANETAS (30 aniversario “Super 8”)

DINOSAUR JR. · THE REYTONS · DRY CLEANING

JOE GODDARD · STANDSTILL · BAIUCA · HINDS

BODEGA · LA LUZ · REPION · MELENAS · PIPIOLAS

Sábado 25

PHOENIX

BELLE AND SEBASTIAN · THE JESUS AND MARY CHAIN

VILLAGERS · ALIZZZ · CARIÑO

DERBY MOTORETA’S BURRITO KACHIMBA

HURRAY FOR THE RIFF RAFF · GEORGIA

LAETITIA SADIER & THE SOURCE ENSEMBLE

LOS ESTANQUES · AIKO EL GRUPO · ADIÓS AMORES

ROCÍO SAIZ BUM MOTION CLUB

Alizzz sigue como un tiro

POP / Cuando uno emprende en solitario acostumbra a aprovechar para dar rienda suelta a sus pasiones, para arriesgar. No ha sido el caso de Alizzz, que en su camino junto a otros artistas como productor (C. Tangana como máximo exponente) ha desarrollado lo más vanguardista y rompedor de su carrera. En cambio, bajo su alias ha apostado por algo más estándar y accesible. En su primer disco, “Tiene que haber algo más” (21), el sonido mainstream y las guitarras noventeras maridaron con alegría, con alguna sorpresa nostálgica e incuestionable, como su dueto con Amaia. En el segundo envite como solista, Cristian Quirantes, se ha vuelto algo más previsible. La carretera perdida, las voces saturadas, los paisajes cinematográficos, las guitarras rasgadas, la ventanilla bajada y los miradores tipo Collserola, las latas y las colillas, esa noche eterna… Después de su an-

tecesor, “Conducción temeraria” no sorprende. Letras que inciden una y otra vez en el anhelo amoroso, la obsesión, el humo del tabaco con el que el propio Alizzz parece haberse turbado. En cuanto a las colaboraciones, que tan buen rédito le habían dado al de Castelldefels, funcionan sin sorprender. Maria Arnal sube al carro de unos Mecano distorsionados en “Despertar”. La balada con Cuco es comedida. Declaraciones que, si no ofrecen plomo en el pecho, se quedan en la cursilería. Y se suma también Renaldo

y Clara para darle forma al tema en catalán “No Ho Se”. Lo que no falla en el largo, obviamente, es la calidad de la producción. De un pluscuamperfecto que asusta. Lo roto suena limpio, los ruiditos PC Music (“Dónde estás”), también. Alizzz es el mejor productor de su generación. Pero él mejor sabe que en el pop gobiernan muchos más factores que el virtuosismo técnico. Y nos hubiera gustado que este “Conducción temeraria” hubiera tomado algunas curvas más. yeray s. iborra

POP ELECTRÓNICO / De pop hivernal a pop estelar. En su cuarto disco, Carla se desprende de la niebla pausada de la que se solía rodear, para abrirse paso por un universo de electrónica pop. De la mano de Jolly Damper, su productor, “Eclipse” responde a la necesidad de entregarse al reto y dejar que las canciones vivan de forma orgánica entre elementos mecánicos. Busca esculpir la tensión que existe entre las dualidades propias de un eclipse: oscuridad vs clarividencia. Su producción, basada en la electrónica de sintetizadores, se contrapone a una voz, que se trabaja apenas sin modificarla, para aportarle calidez. De esta manera abre caminos hacía patrones más urbanos con su tema más bailable “Part Of Me”, junto a Falle Nioke; nos sumerge en balada pop que se estructura alrededor de un piano en “Uncertainty”, o nos evoca reminiscencias al pop más PC Music de Charli XCX en “Over Too Soon”. eva sebastián

ROCK / Las jóvenes catalanas Mourn presentan su ya quinto álbum “The Avoider”, producido por Santi y Víctor García, manteniendo la frescura y fusionando el rock noventero con pop, punk e incluso elementos orquestales que por momentos nos llevan hasta American Football, Foxing o Cap’n Jazz. En las once canciones de “The Avoider” siguen su evolución regalándonos tanto melodías pop en canciones como “Could Be Friends” o la ochentera y machacona que da título al disco “The Avoider” como algo de ruido y poderío rock del que también brota el punk melódico en “Headache”, “Aftertaste” o “Scepter” sin olvidarse de la influencia de una PJ Harvey impulsada por el emocore en “Truck Driver” y “At Midnight”, demostrando con todo ello que, a pesar de llevar ya diez años dando guerra por medio mundo, siguen siendo perfectamente reconocibles y superan el nivel de sus dos anteriores álbumes. jaime tomé

POP / Relaciones oxidadas, desamores de sitcom y cortes que siguen escociendo conviven entre guitarras y bases pop en el segundo álbum de la formación. El dúo madrileño ha cambiado de aires respecto a los sintetizadores de su anterior elepé: una apuesta (ganadora) hacia su dimensión más pop rock sin abandonar ese espíritu de nuevo pop que ellos mismos van levantando en cada tema. Ejemplo de ello es “números rojos”, con Besmaya; aunque si un tema encapsula la esencia de vangoura sería “carameloraro”: producción muy bien tratada (compartida con Ganges y Bearoid) y letras muy sentidas que no se hacen pesadas. “Intensismo” del siglo XXI: click. Para vangoura, “sangre y sal” es la prueba de fuego de que ya no son un grupo emergente, y de que, si el nuevo indie español tuviera una definición, ellos saldrían en la primera acepción. mara gómez

ROCK / Kim Gordon sigue siendo, de todos los miembros de Sonic Youth, quien más se aleja de su argumentario. Como si quisiera dar la razón a quienes creían que su mayor o menor aportación a aquellos discos les otorgaba su cuota diferencial, más allá de su inapelable coolness cada vez que encaraba el micro. El caso es que aquí no solo continúa sino que profundiza en la fórmula del que fuera su debut en solitario, “No Home Record” (19), de nuevo con Justin Raisen (Yves Tumor, Lil Yachty) en la provisión de beats, ahora más escorados que nunca a las atmósferas del hip hop, el dub y el trap, y con la producción adicional de Anthony Paul Lopez (The Voidz, Charli XCX). No hay rastro de acomodo. Entre arrebatos de protoelectrónica, brotes de art punk, ritmos pesados y dispendio de spoken word, la neoyorquina afincada en Los Ángeles sigue puliendo un lenguaje de belleza convulsa. carlos perez de ziriza

Carla Eclipse Great Canyon Records

Kim Gordon The Collective Matador/ Popstock!

Mourn The Avoider Montgrí/ Cielos Estrellados

Alizzz Conducción temeraria Whoa/Warner Music

vangoura Sangre y sal BMG

El mejor momento de Waxahatchee

Waxahatchee Tigers Blood Anti/[PIAS]

AMERICANA/ Katie Crutchfield ha ido evolucionando a lo largo de los años de sus comienzos punk a su paso por el indie rock, hasta abrazar sus raíces sureñas y un toque country, con una evidente influencia de Lucinda Williams. Aquí vuelve a dominar esa especie de country alternativo en el que brilla su voz en primer plano y la guitarra de MJ Lenderman, el excelente músico joven de la banda Wednesday, que también se luce en las armonías en la mejor canción del disco, “Right Back To It”, o en la también notable “Evil Spawn”. Aunque este “Tigers Blood” está lleno de momentos y canciones notables que confirman que Crutchfield se encuentra en su mejor momento, siendo este un disco continuista con respecto al maravilloso “Saint Cloud”, pero que está a su altura o, si miramos canción a canción, puede que

6

incluso un poco mejor. Ya sea en los momentos más sentidos y melancólicos como “Lone Star Lake” o “The Wolves, o en los más animados como “Ice Cold”, “Bored” o “Crowbar”, donde se nota que también ha estado escuchando a los Drive By Truckers, el disco mantiene un enorme nivel compositivo, aquí no hay una canción que sea menos de un siete. Mirando en su interior y en su pasado pero sonando totalmente presente, Waxahatchee entrega un disco

8 POP / Cuatro años después de su último periplo, los neerlandeses Chef’Special reflexionan en su nuevo elepé sobre su lugar en el mundo, al tiempo que analizan cómo ha cambiado éste en tan poco tiempo. Prácticamente ajenos a cualquier tipo de evolución, su regreso peca tanto de sentirse atrapado en un limitado abecé creativo como de apelar a un revival nostálgico excesivamente temprano. Sin embargo, “New Gold” también tiene el encanto de darnos justo lo que promete: cuarenta minutos de asueto, divertidos e inocentones, que remitirán directamente a las juguetonas y tórridas vibras de esa fugaz escena indie-pop, condenada a caducar antes de lo que muchos hubieran deseado. Es en la energía de ese movimiento pretérito donde la banda de Haarlem encuentra la manera de invitarnos a vibrar de forma conjunta con una gran fiesta, al menos hasta que alguien o algo decida echarnos. maite aparicio

The

HARD ROCK / Tras una pandemia que cortó el ritmo ascendente de la banda bilbaina, llega “The exit Garden”, en el que siguen transitando su camino dentro del heavy y el hard rock clásicos. En esta ocasión, ellos han sido los encargados de la producción en los estudios de Slippery Studios, con un resultado excelente. Sonidos duros y rotundos en un disco con desarrollos largos, en temas como “The Exit Garden”, “Questions” o “Full Moon Scorpio”, recordando la época en que sacaron el disco del mismo nombre. En “Oniros” se acercan al stoner, sin desentonar en el estilo particularísimo de una banda con una personalidad arrolladora, y el hard rock más clásico está presente en “Holy Mountain Mind”, y “Equinox Of Fire”; también hay espacio para composiciones más oscuras como “Crawling Knights”, cerrando con “Dawn Of Another Life”, en un formato desnudo. Un disco sobresaliente, en el quevuelven a dar en el clavo. sergio iglesias

honesto y valiente con el que es fácil sentirse identificado. En un momento en el que el zeitgeist de la música popular en EEUU se está moviendo hacia las raíces country, como demuestran los últimos trabajos de Beyoncé, Adrianne Lenker y su banda Big Thief, Lana del Rey o Taylor Swift, puede que haya llegado el momento de que Crutchfield lleve sus estupendas críticas a un nuevo nivel de popularidad. sergio ariza

T.N.T. Una bomba desactivada Kasba Music

PUNK ROCK / ¿Fue T.N.T. la banda más parecida a The Clash que existió en España? Para responder a esta pregunta hay que tener en cuenta que Jesús Arias trabó una amistad cercana con Joe Strummer y que en este vinilo se esconden algunas pistas. En el apartado estrictamente musical también cultivaron a principios de los años ochenta la furia del punk pero matizándolo con la elegancia del rock. Así, piezas como “Gilmore 77”, “Eclipse”, “Habitación 101” o “Cucarachas”, en la que suena un riff que parece sacado de Sex Pistols, formarían parte de la cara más visceral del grupo granadino. Sirviendo de contraste, composiciones como ”El jardín extranjero” y “Amor en Sarajevo”, con guitarras acústicas y arreglos varios, reflejan la sensibilidad de este combo que contaba con dos miembros de 091 en sus filas. El mejor homenaje posible para el guitarrista Jesús Arias, quien falleció en 2015 a los cincuenta y dos años de edad. jordian fo

EXPERIMENTAL / De la tensión más alquímica, entre la improvisación más salvaje y lo detenidamente planificado, parte esta suerte de afiladísimo tridente en “Jolifanto”, una imprescindible aventura en la que se entra como cuchillo al rojo vivo en la manteca, pero de la que no querrás salir y, cuando lo hagas (si es que puedes), saldrás distinto. A lo largo del recorrido, les escucharemos: abrazar la experimentación desde escenas diferentes con la mente abierta y hambrienta para arriesgar; dialogar entre géneros con la curiosidad intacta y la pasión por la exploración rítmica como latido; mezclar estilos con técnica controlada y sin miedo, sólo con el impulso del riesgo como motor; saltar a nuevos abismos creativos, del flamenco al punk, pasando por los sones africanos y el post-rock, la psicodelia y la música antigua, la electrónica y el free-jazz, el noise y el dub, los boleros y un omnipresente espíritu dadaísta. david pérez

Wizards The Exit Garden High Roller Records

Chef’Special New Gold Kaiser/ Calaverita Records

8

Za! & Perrate Jolifanto Lovemonk/ Discos Buenos

witis

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.LOS DISCOS DE MI VIDA.

César Sebastián

Antonio Carlos Jobim Stone Flower (1970)

Jobim fue mi puerta de entrada a los sonidos brasileños, que ahora me parecen tal vez la tradición musical más rica que existe. Es casi imposible escoger un disco de Jobim, pero tal vez este sea mi preferido. Una obra cálida, sensual, luminosa, y exquisita. Un refugio y un bálsamo al que siempre vuelvo, obra de uno de los grandes genios musicales del siglo XX.

Gil Scott-Heron Pieces Of A Man (1971)

“Pieces Of A Man” es la instantánea de un momento histórico convulso visto desde la perspectiva de un hombre negro en Estados Unidos. Dolor, adicción, lucha, política e incertidumbre ante el mundo que dejamos a nuestros hijos. Un disco perfecto, lírica y musicalmente. Gil Scott-Heron es una brújula moral y artística para mí, un referente total.

Laura

Quienes conozcan su trabajo previo al celebrado “Ronson” (Autsaider Cómics , 23), sin duda uno de los grandes cómics españoles recientes y mejor título del año pasado para MondoSonoro, sabrán de la relación de César Sebastián con el mundo de la música. Le preguntamos por los seis discos de su vida.

PJ Harvey Let England Shake (2011)

“Let England Shake” se publicó cuando cursaba un año de Bellas Artes con la beca Erasmus en Leeds (Inglaterra). Recuerdo escucharlo en bucle por aquel entonces, y cada vez que lo escucho me transporta a aquella época. A día de hoy sigue siendo uno de mis discos favoritos de una de las grandes artistas de nuestro tiempo. Una obra hermosa y estremecedora sobre los horrores de la guerra

Joni Mitchell The Hissing Of Summer Lawns (1975)

Comparado con sus álbumes más populares, este es algo más difícil, esquivo y experimental. Me fascina la capacidad de Mitchell de reiventarse, de huir de las fórmulas. Esta obra no fue bien comprendida en su momento, pero ahora es evidente el vanguardismo de estas canciones protagonizadas mayormente por mujeres de los suburbios. Joni Mitchell es una de las artistas que más me inspiran.

Nyro es una de una de mis artistas favoritas, a mi juicio algo infravalorada. Este disco condensa su increíble creatividad y virtuosismo compositivo e interpretativo. Una obra arrolladora por su impresionante inventiva, sus cambios de tempo y el júbilo que contagia.

Paco de Lucía

Gracias a mi padre tuve contacto con el flamenco a una edad muy temprana. “Almoraima” es tal vez mi álbum preferido de la discografía del gran genio de la guitarra flamenca. Los aires árabes y latinos de este disco me evocan lugares lejanos y sensaciones intensas cada vez que lo escucho. Una obra maestra a la que vuelvo con frecuencia.

Almoraima (1976)

Nyro Eli And The Thirteen Confession (1968)

49/Mondo Media

La película de Los Planetas Segundo premio

“Segundo Premio” es una película que narra el camino de Los Planetas a uno de sus discos más importantes, “Una semana en el motor de un autobús”. Dirige Isaki Lacuesta con la ayuda de Pol Rodríguez, mientras que el guión lo firman entre Lacuesta y Fernando Navarro, con quien pudimos charlar un rato.

AFERNANDO NAVARRO, la relación con el cine le viene de largo. Llevaba mucho escribiendo guiones de largos cuando le llegaron oportunidades como la serie “Hispania. Dos puntos importantes en su carrera fueron “Verónica”, la obra maestra de Paco Plaza y su primera serie como creador, “Romancero”, que pudimos ver el pasado año. Pero, ¿en qué momento se metió en este proyecto? “Jota y Los Planetas formaban parte de mi entorno personal y, cada vez que yo me juntaba a tomar cañas con ellos, Jota me decía, medio en broma medio en serio, que hiciera una película sobre Los Planetas, que ‘Una semana en el motor de un autobús’ contaba una historia, y que por

“Las canciones nos cambian la vida... Y al final esta película va sobre todo eso”

qué no la contaba. Al final me decidí a hacerlo junto a mi amigo el productor Cristóbal García, y se lo propusimos a Jonás Trueba, que es casi familia. Estuvimos trabajando en el proyecto, pero Jonás, agotado por algunas dinámicas complicadas, decidió no seguir adelante con la película ya financiada, y propuso a Isaki, al que yo conocía de nochecitas sanjuaneras en Madrid”, nos cuenta. “Lo que nos ha mantenido tanto tiempo en pie a pesar de los problemas de la producción fueron las canciones. Las canciones nos cambian la vida, ¿no? Y al final esta película es sobre todo eso: un homenaje a un montón de buenas canciones”.

CIERTAMENTE LA PELÍCULA da mucha importancia al poder de las canciones, como cuando May dice que Jota y Florent hablaban entre ellos a través de las canciones. De hecho, queda la duda de si hay cierto homoerotismo latente entre ellos, o más una amistad íntima en la que, quizás por sus personalidades, por el corsé de la masculinidad o por ambas, no saben expresarse su afecto. “Es que la película es realmente una historia de amistad. Y la amistad es una forma de amor, ¿no? Quizás, la forma más bonita de amor”, comenta Fernando, analizando también el plano que conecta a Jota y Florent entre dos océanos, y en el que Florent aparece des-

nudo. ¿Simboliza cómo se siente sin Jota? ¿Hay una asimetría entre ellos? “Ese plano forma parte de los muchos aciertos visuales inventados por el gran Isaki, que es único para resumir en un solo plano una idea: que en una banda, en nuestra banda, no existen las individualidades, que uno sin el otro no son nada”. Desde luego este desarrollo de los personajes está reforzado por la entrega de su reparto, especialmente de unos brillantes Daniel Ibáñez y Cristalino. “Encontrar los actores fue un reto, fue imprescindible la ayuda de Marichu Sanz, nuestra directora de casting. Además, muchos eran músicos de Granada sin experiencia previa en una película... nunca nos planteamos usar el playback, siempre tuvimos claro que la música la tocarían los intérpretes, costara lo que costara”. pablo tocino

EN CONCIERTO

CON MOTIVO del 30 aniversarios de su disco de debut “Super 8”, Los Planetas preparan una gira en la que interpretarán el álbum de principio a fin. De momento comenzarán la gira en varios festivales de la península

l Málaga 16-18 mayo. Galaxy Sound

l Valencia 17-18 mayo. Deleste Festival

l Madrid 24-25 mayo. Tomavistas

ARDE BOGOTÁ

CINE Y SERIES

y D.B. Weiss (“Jue) unen fuerzas con “True Blood”) para la entrega de una nueva adaptación audiovisual de “El problema de los tres cuerpos”, el primer asalto de la célebre trilogía literaria de Liu Cixin. A fin de tratar de convencer tanto a los fans de la saga como de atrapar a quienes sean ajenos al texto original, sus ocho episodios desenvuelven con paciencia el enigma de su trama a golpe de salto temporal, trasladándonos desde la dictatorial China de los sesenta hasta el presente. Ahí conoceremos a nuestros protagonistas, un súper-grupo de cinco cerebritos cuidadosamente trabajados a nivel narrativo y cuya capacidad para crear un relato coral hará que pasemos por alto las notables licencias que los responsables de la partitura se toman con

El problema de los tres cuerpos

David Benioff, D.B. Weiss, Alexander Woo

respecto a la novela original (si por alusiones lo que buscáis es una mayor fidelidad, su versión china de treinta episodios le sacará los colores a su hermana mediática en términos de exactitud). Quizás por ello huelga decir que la serie consigue captar con mayor eficacia la atención de ese espectador que jamás se ha asomado a las páginas de Cixin, en favor de la de aquellos que esperan una minuciosa revisión de las mismas. Como redención ante sus fallas, la vemos coger los fundamentos principales de su punto de partida y los desarrolla con inteligente proporción, compaginando la turra nerd con una costosa posproducción que hará imposible que eludamos su capacidad para engancharnos y seguir descubriendo más sobre este conflicto diplomático e interestelar. fran gonzález

QUÉ POCO VIMOS VENIR que el relevo generacional de la mayúscula herencia de comedias como “Fleabag” acabaría en manos de una guionista treintañera y semi-novel, cuya despiadada forma de retratar la desidia existencial de sus contemporáneos es hoy una de las mejores propuestas audiovisuales que Reino Unido podía regalarnos en 2024. Kat Sadler protagoniza y dirige un divertido y negrísimo tranche de vie de carcajada amarga que no necesita inventar la pólvora para igualmente invitarnos a devorar de una glotona sentada sus respectivos seis episodios. Con una mirada auto-paródica e hija de su tiempo, Sadler retrata los esfuerzos de una joven por encontrarle sentido a su existencia y curar su traumática post-adolescencia mientras lidia con su episódica ansiedad y una

descacharrante familia que no tendrá reparos en volcar cruelmente sobre ella todas sus frustraciones. Haciendo gala de un narcisismo crónico total y una absoluta falta de escrúpulos en su discurso, el trío protagonista desestima cualquier posible línea roja y enuncia la necesidad del feminismo desde la más retorcida ironía, retrata la precariedad emocional desde el más agudo ingenio, banaliza el sexo con surrealista desafecto, habla de salud mental y suicidio con resiliente arrojo y logra que hasta la más vulgar de las escatologías nos termine fascinando y mondando. Quien todavía diga que ya no se puede hacer humor de nada definitivamente necesita dejarse seducir por el espíritu punk y deslenguado de “Such Brave Girls” fran gonzález

STEVEN ZAILLIAN (1953) ganador de un Oscar por el guion de “La lista de Schindler” y responsable también de los libretos de “El Irlandés”, “Moneyball” o “American Gangster”, ha emprendido la tarea de trasladar a la pantalla todas las novelas que la gran Patricia Highsmith, la maestra inigualada del thriller psicológico, dedicó a su personaje más célebre: Tom Ripley. Ripley es un norteamericano en Europa, un tipo encantador, inteligentísimo, bastante entendido de arte, capaz de genuinos actos de valor y buen amigo (si cree que mereces su amistad). También es un sociópata terriblemente amoral que, si se ve en peligro, estafará, engañará, falsificará y, por supuesto, matará sin que eso afecte su inexistente conciencia. Para interpretarlo, eligió al actor británico Andrew Scott, quien ya saltó a la fama con

un papel de villano: el Moriarty de “Sherlock”. En su primera temporada adapta la novela en la que conocimos el personaje, y que ya se ha llevado dos veces al cine: “El talento de Mr. Ripley”. El Ripley de Scott es más maduro e, indiscutiblemente, mucho más psicópata que los anteriores, pero funciona a la perfección en el entorno que crea para él Zaillian, un mundo lóbrego y siniestro, aunque contenga pisos lujosos, paisajes idílicos y obras de arte. El ritmo es a la vez pausado e implacable; y tanto la fotografía como la selección musical de canciones de la época son exquisitas. Las víctimas (en distinto grado), interpretadas por Johnny Flynn, Dakota Fanning y Eliot Sumner, están igualmente fantásticas. Es una serie tan cuidada y meticulosa con los detalles que, la verdad, no parece de Netflix. josé

martinez ros

TRAS LA EMBARULLADA “Men”, el escritor y cineasta Alex Garland vuelve a la senda del cine estimulante que inició con aquel “Ex Machina” que convertía a Alicia Vikander en un androide y que ganó un inesperado Oscar por los efectos especiales por encima de “Mad Max: Furia en la carretera” En “Civil War”, Garland sume a Estados Unidos en una guerra civil a partir de una excusa secesionista que iguala al tío Sam con cualquier zona de conflicto mundial que los medios de comunicación hayan cubierto en las últimas décadas: se suceden imágenes de destrucción, amontonamiento de cadáveres, amenazantes parajes vacíos, brutalidad irracional... De hecho, una de las peculiaridades de la cinta es el aspecto visual. Si es habitual alabar la exquisitez pictórica en las imágenes de los filmes de época que tratan de la

vida de pintores (por ejemplo, “La joven de la perla” o “Turner”), la excelente dirección de fotografía de Rob Hardy convierte al film en un álbum de instantáneas dignas cada una de ellas del premio World Press Photo. Porque más allá de la atractiva (aunque sensacionalista –¿y premonitoria?–) premisa, más allá de intentar dilucidar a qué diferentes Américas se refiere Garland –hay algún inequívoco indicio trumpista, pero sorprende la coalición secesionista entre los Estados de California y Texas, tradicionalmente antitéticos–, esta tensa “Civil War” se interroga sobre el papel del periodismo en los conflictos bélicos con cuestiones que no son nuevas, pero, por vigentes, no dejan de interesar y de funcionar narrativamente. Ahí destaca el personaje central interpretado por una soberbia Kirsten Dunst. j. picatoste verdejo

Ripley Steven Zaillian

8

Such Brave Girls Kat Sadler

8

Civil War Alex Garland

8

El sentido de Metallica

William

Este ligero volumen no engaña. Se subtitula “el significado de sus canciones” y en su introducción ya avisa de que es un libro para fans, aunque evidentemente puede disfrutarlo quien no lo sea. Esto último se me antoja difícil, ya que mediante capítulos como “Religión”, “Adicción”, “Muerte” y hasta siete más, se agrupan análisis de las letras de James Hetfield al que se compara con el mismísimo Bob Dylan (sic). No entraré ahí, terreno pantanoso para seguidores de uno y otro. A mí, que lo soy de ambos, me parece osado. En todo caso, volviendo al tema, su autor asegura que cual “Rayuela” de Cortázar pueden leer los capítulos en el orden que quieran. Yo les recomiendo el establecido. Aunque no haya orden cronológico, que el autor nos trace el camino. eduardo izquierdo

¿Seiscientas páginas dedicadas a uno de los personajes más emblemáticos de los años en los que los mixes de música de baile copaban el mercado comercial español? Pues sí, y lo más sorprendente es que el resultado es un libro plagado de anécdotas y momentos más que interesantes para cualquiera con un mínimo de curiosidad por aquellos tiempos. Aunque vaya más allá, el autor nos va narrando la carrera de Toni Peret, DJ, productor, locutor radiofónico de dance y muchas cosas más, como descubriremos en estas páginas, en paralelo al evolucionar de la industria musical de este país. De todos modos, y aunque todo gire a su alrededor, él no es el único protagonista, algo que consigue ampliar el valor del libro.

martí viladot

Por encima de la ciudad, por debajo de las estrellas Barry Adamson Liburuak

Esta es otra historia de iniciación a la vida que nos muestra una visión tan cinematográfica e imaginativa como los propios discos de su autor en las últimas décadas. Barry Adamson se ve a sí mismo desde fuera y con lucidez, como si su vida fuera una película. Y lo cierto es que nunca lo tuvo fácil. Sus orígenes humildes, la discondroplasia que lo lastró de niño, la enfermedad de su hermana y la adicción a las drogas se van interrumpiendo por epifanías como el “Fever” de Peggy Lee, la banda sonora de “Goldfinger” (64) en un cine de la costera Morecambe, el “Good Vibrations” de The Beach Boys, los discos de Alice Cooper en la adolescencia y todo aquello que le empujó a convertirse en el nuevo seductor Barry tras los pasos del viejo John Barry.

carlos pérez de ziriza

Los muros invisibles

Las señas de identidad artísticas del noruego Jason son muy claras: animales antropomórficos, personajes apáticos devorados por la melancolía, los silencios, un genuino amor por el noir, la ciencia-ficción y el pulp, montones de guiños por doquier a la baja y alta cultura. Y de nuevo las volvemos encontrar en “Amanecer roto” es su última obra en llegar a España.. Es una colección de relatos breves, que podría funcionar como un greatest hits o una antología, con sus mejores trucos. Así, por ejemplo, “Crimen y Castigo” se nos relata como uno de esos true crime que tanto abundan en las plataformas. Sólo por el maravilloso “Contratiempo en la Ciudad de la luz” en la que mezcla al Spock de Star Trek y al pintor japonés Foujita, valdría la pena su lectura. josé martínez ros

Autor de varias novelas, uno de los responsables de la editorial Males Herbes y sobre todo vocalista de una larga lista de formaciones punk y hardcore catalanas (FP, Daltabaix, Matagalls), Ramon Mas publica el que es su mejor título hasta la fecha. Lanzado al mismo tiempo en castellano y catalán, “Los muros invisibles” es un sencillo, cercano y a la vez emotivo libro autobiográfico en el que Mas intenta explicarse –como suele ocurrir en estos casos– por qué uno de sus grandes amigos decidió tomar un atajo con su vida. Lo hace con la distancia que da el tiempo, con la capacidad de análisis que llega con la madurez y sobre todo con la intención de rememorar aquellos momentos que compartieron juntos y que se mantienen imborrables en su memoria. joan s. luna

El Manu Larcenet más oscuro –el de “El informe de Brodeck” y “Blast”– se enfrenta a la impactante novela post-apocalíptica de Cormac McCarthy, Premio Pulitzer en 2007. Y aunque es cierto que ya teníamos un referente visual a través de la película de John Hillcoat, el dibujante y guionista francés consigue que nos sumerjamos en el universo cruel, desvastador y pesadillesco creado por McCarthy en apenas unas pocas páginas. Para ello utiliza su dibujo más crudo, infinidad de viñetas de detalle que nos van describiendo todo ese mundo en ruinas por el que se mueven los protagonistas y las palabras justas para que nos metamos en la cabeza de padre e hijo. Su capacidad de convertir textos ajenos en auténticas obras de arte está fuera de toda duda. joan s. luna

Resulta complicado explicar el impacto generado por “Lo que más me gusta son los monstruos 2”. No en vano, su narrativa sin corsés de ningún tipo está marcada por una tendencia natural por absorber, cruzar y renovar géneros donde destaca, sobremanera, su capacidad para conjugar lo entrañable con la extrañeza, el terror con el horror y el humor con el surrealismo de a pie. En todo momento, se desprende la toxicidad de la urbe a través de una historia en la que la linealidad de los patrones habituales narrativos son continuamente dinamitados a base de ingenio y amor por lo profundamente raro. O cómo Ferris es capaz de coger a Tod Browning, Marlowe y Tim Burton y mutarlos en una hidra creativa de tres cabezas hablando el mismo lenguaje. marcos gendre

En el mundo del manga hay artistas clónicos, artistas con cierta personalidad y autores totales. Como ha demostrado a lo largo de los años con obras del calibre de “Tekkonkinkreet”, “Sunny” o “GoGoMonster”, Taiyou Matsumoto es uno de estos últimos. En esta obra de tres volúmenes, el mangaka utiliza a Kazuo Shiozawa, un editor jubilado anticipadamente –casi de la misma edad que el propio autor–, para dar un nuevo volantazo a su imaginario y plantearse muchas cuestiones alrededor del mundo del manga a través de varios personajes: el valor del cómic, la contraposición entre lo artístico y lo comercial, el renunciar a quién eres en favor de tu carrera. Una muestra más de la amplitud de los márgenes del cómic japonés. mercè gutiérrez

Irwin Libros Cúpula 6

8

Amanecer roto

Jason Astiberri 7

Toni Peret y sus herman@s en el ritmo

David Cuevas Applehead

7

Ramon Mas Temas de hoy

8

La carretera Manu Larcenet Norma Editorial

Tokio día a día Taiyou Matsumoto ECC 7

Emil Ferris Lo que más me gusta son los monstruos 2 Reservoir Gráfica 10

TODA LA CULTURA Y LA TECNOLOGÍA ESTÁN

EN FNAC

El Dado Único

Samu, Fantastijavi y Torke

Hay muchos podcasts dedicados a los juegos de mesa. Algunos se centran en los juegos en solitario, otros en los euros, otros en los narrativos, otros en los wargames... pero uno no escucha estos programas solo para estar enterado de las novedades, a veces los escuchamos para pasar un buen rato. Y eso es precisamente lo que ocurre con “El Dado Único”, aunque resumirlo parezca un chiste de aquellos: un canario, un madrileño y un gallego pasando el rato hablando sobre board games. Nadie dice que Samu, Fantastijavi y Torke sean quienes más saben de juegos de mesa del país –aunque tampoco vayamos a negarlo–, pero lo que sí diremos es que escucharles garantiza pasar un buen rato de verdad, con sus piques, sus cambios de opinión, sus bromas, sus acentos y lo mucho que vibran cuando nos hablan de sus juegos favoritos. joan s luna

Bienvenido a los 90

Roberto Martínez

La última década del siglo XX inspiró un proyecto radiofónico, “Bienvenido a los 90” (B90), que hoy cuenta con más de 9.000 suscriptores solo en la plataforma Ivoox y tiene el respaldo de un centenar de mecenas. Nace en la FM en enero de 2012 como un espacio semanal en Radio Utopía (Madrid), pasó por otras emisoras madrileñas en diferentes formatos y actualmente es uno de los podcasts más escuchados en plataformas como Ivoox. Detrás de este proyecto encontramos a Roberto Martínez, uno de esos chavales que mamaron a diario mucho rock alternativo en los noventa y que se formaron musicalmente pegando la oreja en el transistor, escuchando con atención a prescriptores como Paco Pérez Bryan y Julio Ruiz. Nuestra década favorita merecía un buen podcast como este. luis benavides

PODCASTS MS

Grande Amore

Hace tiempo que Grande Amore son una de las bandas con más tirón dentro de la siempre efervescente escena gallega. “II” (Ernie, 23) fue el mejor disco surgido en Galicia de la temporada pasada para la redacción de la edición noroeste de Mondo Sonoro. Charlamos con el vocalista y compositor Nuno Pico en nuestro estudio de Madrid.

ESPECIALES WEB

Bonnie Prince Billy

“I See A Darkness” de Bonnie Prince Billy cumple 25 años. Es extraño pensar en este disco en términos de los años cumplidos porque es uno de esos raros discos a los que se puede aplicar, sin que suene a cliché, el término intemporal. Y es que estas canciones tratan de los dos temas sobre los que gira la existencia humana: amor y muerte.

Gorka Urbizu MONDO TV

Gorka Urbizu se encuentra en plena gira de presentación de “Hasiera Bat”, su excelente primer disco en solitario. Y en una de esas citas en directo, tuvo tiempo para pasar por la redacción de Mondo Sonoro en Barcelona e interpretarnos esta versión en acústico de su tema “Tren Bat”.

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