Mondo Sonoro noviembre 2024

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LA MILAGROSA · LOS ZIGARROS LEÏTI · LEÓN BENAVENTE TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO WORAKLS

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FRANK CARTER & THE RATTLESNAKES

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7/Mondo freako

Dorian Abriendo puertas

Los barceloneses Dorian regresan con nuevo álbum, “Futuros imposibles” (Intromúsica, 24), asentados como banda clásica dentro de la escena indie patria. Entre otras cosas, por esa impronta reconocible que vuelve a brillar en una entrega cuyo contenido voltea, paradójicamente, su título.

texto Raúl Julián fotos Abel Trujillo

ATENDIENDO AL TÍTULO elegido y, en realidad, a las primeras escuchas de “Futuros imposibles”, podría cometerse el error de pensar que este es un disco especialmente melancólico o nostálgico, pero Marc Gili, en conversación vía Zoom, desmonta cualquier posibilidad al respecto, dando una vuelta de ciento ochenta grados a la perspectiva en cuestión. “La

melancolía o la nostalgia es el deseo de que una pasado que tú recuerdas glorioso no muera o regrese, pero yo diría que ‘Futuros imposibles’ es la asunción de que todas las cosas en la vida son un ciclo y, por lo tanto, tienen que terminar. No es, por tanto, una mirada nostálgica a ese pasado que nunca volverá ni a ese futuro imposible, sino que, en muchas canciones, flota la idea de que tenemos que asumir que las cosas terminan y debemos quedarnos con el buen recuerdo. Cuando algo termina, podemos hacer una mirada amarga al pasado o, a cambio, centrarnos en recordar los buenos momentos brindados por esa persona que ya no está. Es así como nuestra mirada al pasado pasará a ser mucho más madura. Es un disco de duelo, pero no melancólico”. No hace tanto que ha comenzado la entrevista, pero a estas alturas ya resulta evidente que este es un trabajo mayoritariamente autobiográfico. “He volcado mucho de los últimos tres años de mi vida en estas letras. Creo que el álbum va a conectar con muchas personas porque habla de cosas que nos han pasado a todos. Estaba cansado de las canciones de ruptura con rencor. Desde el dolor y el duelo, intenté buscar la salida por el lado positivo. Puedes escoger si

los recuerdos te afectan positiva o negativamente. Esto va en contra de la moral cristiano/católica, que nos ha enseñado a llevar encima la cruz del sufrimiento. Prefiero apuntarme a aquella filosofía de George Harrison de que todo tiene que pasar (‘All Things Must Pass’)”. De este modo, es un álbum basado en hipótesis. En lo que pudo haber pasado y no pasó. En ese sentido, casi podría entenderse como un álbum temático en torno a ese argumento sustentado en premisas. “No diré que es un álbum conceptual, pero sí que es un álbum que tiene una idea flotando y un espíritu común a todas las canciones. En griego antiguo, la palabra ‘crisis’ implicaba una oportunidad: se ha cortado este camino, tengo la oportunidad de moverme en otra dirección. El concepto de ‘Futuros imposibles’ habla exactamente de eso. Casi todas las canciones del álbum hablan de procesos que se han visto interrumpidos por rupturas sentimentales o por el fallecimiento de alguna persona cercana, de tal manera que esos futuros que se habían proyectado ya nunca será posible materializarlos. Pero la idea final del álbum es que, por cada futuro imposible, la vida nos abre otros futuros posibles. Creo que es una actitud positiva que nos puede

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ayudar a ser más equilibrados y felices. Por cada puerta que se te cierra en la vida, cuando levantas la vista, te das cuenta de que hay diez más a tu alrededor. Más que la tragedia de la vida, yo me apunto a lo que llamaría danza de la realidad”. Y es este mensaje que sobrevuela el disco el que a Marc le gustaría proyectar sobre el propio oyente. “Ojalá calara ese mensaje y poner sobre la mesa la idea de que no debemos tener miedo a que las cosas terminen. Me gustaría que no nos bloquee esta idea de que las cosas tienen sus ciclos y que debemos de aceptar que, tarde o temprano, deben terminarse, sino que nos impulse a vivir. Parece una paradoja, pero en realidad es un motor de vida”.

EN EL DISCO APARECEN las colaboraciones de Santiago Motorizado (“El Sur”), Rafa Val de Viva Suecia (“Lo que recuerdo de ti”) y Daniela Spalla (“A cámara lenta”). “Mientras estaba componiendo ‘El Sur’ tuve muy claro que esta canción era para Santi. Para nuestra sorpresa, porque él no suele hacer colaboraciones, nos respondió que sí y la bordó. En el caso de Rafa Val, resulta que esa épica tan bonita de la canción le va como anillo al dedo. Queríamos una interpretación muy emotiva para

“

“No debemos temer que las cosas terminen”

este tema y había que cantarla con mucha fuerza, pero también sensibilidad. En el álbum también queríamos una cantante femenina con esa fuerza, y me gustaba la idea de hacer con Daniela Spalla este dueto un poco al estilo de Serge Gainsbourg y Jane Birkin”. Unas colaboraciones a las que se sumaría el papel protagonista de la propia Belly de Dorian, poniendo voz, por primera vez, a una canción (“Por ti”) del combo. “Hacía años que se lo pedíamos. Belly no es una cantante técnicamente sofisticada, pero tiene una voz muy bonita, sensual y particular. La historia del pop está llena de este tipo de voces femeninas que, sin ser normativas, son tremendamente sensuales, como la de Nico”.

YA NADIE PUEDE DUDAR de que, a estas alturas del partido, Dorian son una formación clásica de la escena, tras amasar una carrera ininterrumpida de veinte años. “Podemos estar orgullosos de haber hecho una trayectoria muy fiel a nuestros principios, que es muy fácil de decir, pero no tanto de hacer... Porque el diablo llama a menudo a tu puerta y no es fácil darle portazos. Hemos sido fieles a nuestro sonido, con una evolución muy intuitiva, creciendo como artistas dentro

de nuestro propio marco. Y por el camino hemos ido dejando canciones que le siguen importando a mucha gente. Eso nos hace felices, sobre todo en una época en la que todo es tan efímero”. Hay un elemento determinante en Dorian que es aquel que señala a una personalidad artística muy reconocible. Un activo complicado de conseguir y ciertamente valioso. “No he sacado discos en solitario porque creo que Dorian es la suma de todos sus elementos. Sería imposible llegar al mismo resultado sin la suma de Belly, Bart y Lisandro. De alguna manera, entre todos creamos este sonido que sale de forma muy natural. Esa mezcla de indietrónica de nueva ola; de guiños al pasado pero con los pies en el presente, con letras existencialistas y guitarras afiladas. Desde entonces lo hemos ido desarrollando mientras el grupo se volvía más profesional pero mantenía esa esencia”. En los dosmiles fueron uno de los grupos claves en redefinir los cánones de la actual escena indie nacional, con su circuito de festivales y llegando a un público muchísimo más numeroso que aquella hornada previa en la que estaban Los Planetas o Sexy Sadie. “Los grupos de nuestra generación nos creímos que podíamos sonar igual de bien que los grupos que venían de fuera y nos pusimos a

trabajar para conseguirlo. Nadie nos ayudó mucho al principio. Hablo de Sidonie, Love Of Lesbian, El Columpio Asesino, Vetusta Morla o We Are Standard. Eso no estaba tan presente en los noventa, mientras que sí que lo estuvo en algunas bandas de los dosmiles. Y cuando estas bandas empezaron a sonar bien en disco y en directo, encontraron automáticamente un amplio público que estaba deseando escuchar música en español. Tenemos que sentirnos orgullosos de toda esta generación de bandas que, desde mi punto de vista, es tan importante como la surgida en La Movida de los ochenta”. r.j.

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EN CONCIERTO

l Donosti 07 noviembre. Teatro Victoria Eugenia

l Vitoria 14 noviembre. Jimmy Jazz

l Pamplona 15 noviembre. Festival Santaspascuas

l Burgos 16 noviembre. Sala Andén 56

l Madrid 29 noviembre. Live Las Ventas

l Barcelona 12 diciembre. Sala Razzmatazz l Tarragona 13 diciembre. Tarraco Arena l Girona 14 diciembre. La Mirona l Benicàssim 17-19 abril. San San Festival

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LA MÍA

Observando treinta años

EL PASADO MES DE OCTUBRE Mondo Sonoro alcanzó sus tres décadas de vida. Y me consta que algunos de nuestros lectores más fieles, a la par que juerguistas, se están preguntando dónde está esa fiesta de celebración con los grupos del momento, repitiendo la fórmula de cuando cumplimos veinte (recordemos: concierto en Razzmatazz con Love Of Lesbian, Dorian, Standstill y Sidonie) o veinticinco años (concierto en La Riviera con Viva Suecia, El Columpio Asesino, Bejo y Hinds). Pero os hemos de comunicar que en esta ocasión hemos decidido que no. Que ya hay bastantes celebraciones y conciertos cada semana para que un aniversario resalte en esa amplia programación con otro evento innecesario. No hay más que fijarse en un día como el pasado viernes 18 de octubre en Barcelona y comprobar la coincidencia esa misma noche de los directos de Estopa (Palau Sant Jordi), St. Vincent (Razzmatazz), Marcus King (Apolo) o Viva Belgrado (Paral. lel 62). Casi nada. Un buen ejemplo de que, pese a los elevados precios y algunas actuaciones rácanas y desganadas, el directo goza de una salud estupenda. Hay tanta oferta y tan variada que el mercado no necesita de otra propuesta que quede diluida en otra noche de viernes como la citada. Por eso este año hemos cambiado de estrategia y hemos volcado todos nuestros esfuerzos en otro proyecto para conmemorar nuestro treinta aniversario. Me estoy refiriendo a lo que hemos bautizado como Observatorio Mondo Sonoro y que viene a ser un ambicioso “Think Tank”, o laboratorio de ideas, sobre el futuro de la música en general y de su relación con diferentes entornos y problemáticas en particular. Para ello, hemos creado un centro de pensamiento y reflexión en nuestra redacción de Madrid, por el que han ido pasando diferentes protagonistas de la industria, que nos han aportado su experiencia en campos tan diversos como el cambio climático, la inteligencia artificial, el futuro de las salas, la igualdad de género, la sostenibilidad en los festivales… Un contenido enorme y casi inabarcable que estaremos presentando en esta edición del BIME de Bilbao ante los más de tres mil profesionales acreditados en esta feria de la música. Y es que el reto está muy claro. Si en los treinta años de vida que tiene Mondo Sonoro hemos convivido y nos hemos adaptado a grandes cambios como la casi aniquilación del formato físico, el advenimiento de las plataformas de streaming, la proliferación de festivales y el uso masivo de la redes sociales como mecanismo de promoción, ahora se trata de anticipar lo que está por venir y prepararnos para ello. Y si, de paso, podemos ayudar con nuestra experiencia en la toma de decisiones de otros actores o entidades, pues bienvenido sea. don disturbios

“LA EXPLANADA de Windows delante de nosotros”. Eso es lo que ven ahora mismo la banda, que acaban de regresar con su tercer disco después de dos años de silencio. Un periodo en el que, lejos de hacerse olvidar, se han subido por las paredes (recomiendo buscar ese vídeo de Diego andando por el techo de la sala madrileña Wurlitzer Ballroom) y han sacado colaboraciones de millones (“Yo pensaba que me había tocado Dios”, con Barry B). Cómo para no ver el prado entero de ese fondo de pantalla. “Estamos en un momento muy bueno. Evidentemente es algo que sabemos hacia dónde va a ir, que es a tocar diez mil millones de conciertos, pero sí que veo como un campo abierto bastante amplio”, explica Martín.

SI UNO ESCUCHA cinco minutillos de “Elige tu propia aventura” después de otros de aquel “Cuatro Chavales” (Sonido Muchacho, 22), verá que el factor “grito” ya no anda tan presente. “Yo necesitaba cantar un poco más”, señala Diego, un poco harto ya de estar todo el rato “en modo hooligan. Creo que hay cosas que no puedes llegar a transmitir si estás todo el rato arriba, en ese plan”. Cuentan que, componiendo, tenían ganas de dejar más espacio, “muchas más transiciones, más dinámica… Que no sea todo un chorizo que te va directo a la cara, que era lo que queríamos que fuese ‘Cuatro Chavales’”. “¿Ya no os sentís identificados con ellos?”, les pregunto. “Si no lo hiciéramos, estaríamos muertos por dentro”, responden.

HAY GIRO DE SONIDO (hacia la melodía y cierta psicodelia) y también de temática (menos risas, un poco más de amargura), pero cero nervios por el recibimiento. Por ahora, únicamente se lo han enseñado a un público selecto y lo tienen claro: “A la peña le va a molar. Va a ser la hostia”. Bueno, selecto “and company”… “No se lo enseño yo a mis a mis colegas más íntimos y este, de ciego, ¡se lo enchufa al batera de Karavana!”, lanza Diego. A Jorge de Los Punsetes –“clara influencia”, apuntan– también le flipó. “Cuando él nos dijo que era nuestro mejor disco dijimos… ‘Vale. Hecho’”.

Y LO DE PASAR DEL POPURRÍ de ventolines, cervezas y preservativos de “Ca-

rolina Durante” (Sonido Muchacho, 19) a una portada al más puro estilo Leño de los ochenta tampoco es casualidad. “Nos dimos cuenta de que en el disco se repetían las palabras ‘hoyo’ y ‘suicidio’… Y había una frase de Juan que decía ‘Del hoyo no se sale, se aprende a vivir en él’”. Ese rollo de “vivir en el hoyo”, de no salir al mundo –metafóricamente– les molaba, y así llegó esta imagen de la alcantarilla. “Queríamos algo muy madraca”. Y vaya sí lo consiguieron.

“ELIGE TU PROPIA AVENTURA” va de estar en lo más bajo, sí, pero también de dosis de euforia a gran altitud. “TOMÉ CAFÉ” y “Dios Plan” son el reflejo de ello. “Nuestra vida no es una rutina de curro, gimnasio y a las once de la noche lees un poco y a dormir. Y nunca va a serlo”. Según Diego, “Nuestra vida es: ‘¿Qué coño hago hoy? ¿Qué cojones hago hoy? ¿Intento jugar a hacerla parecerse a la vida de mis amigos? ¿O llamo a todos los que sé que no tienen esta vida, nos vamos a un puto bar a las seis, nos pimplamos cervezas hasta las nueve, y acabamos yendo a la Wurlitzer para estar con veinte mataos

Carolina Marcando su camino

Un martes normal, Carolina Durante elegirían salir de fiesta. Este, sin embargo, me reciben tomando un café por el centro. Es lo que tiene lanzar su trabajo más completo hasta la fecha, “Elige tu propia aventura” (Sonido Muchacho, 24): que hay que salir de la rutina unos cuantos días.

texto Mara Gómez foto Adrià Cañameras

Carolina Durante Marcando camino

de turno que salen un martes?’”. A la Wurlitzer o a la Tempo 2, apunto. El pub clásico de San Bernardo protagoniza una de las joyas del álbum y, afirman, no fueron ellos quienes lo escogieron: “Es él el que nos eligió a nosotros. Es el epicentro de la música que nosotros escuchamos”. Y lo de ese guiño a Shrek ahí en medio… “Queríamos darle un aire Beastie Boys, Beck… y Smash Mouth entraba ahí”. Confiesan que el disco está lleno de referencias, porque “al final todos hacemos música escuchando otra música y todas las noches están pintadas de canciones”. Y, al parecer, las veladas en el Tempo suenan a “All Star”.

SABEN QUE ESTA RUTINA no rutinaria es un privilegio absoluto, pero cuidarlo psicológicamente no es tan fácil. Aun así, se lo toman todo con su mentalidad de “risas dramáticas”. De hecho, el objetivo de “Joderse la vida” no era en absoluto “hacer una canción amarga, era hacer una como de medio risas. Me jodo la vida, pero entre comillas”. El futuro tampoco es algo por lo que se rayen en exceso. “Lo que digan de nosotros en sesenta años ni

nos preocupa ni nos perturba”. Lo que les gusta de un grupo es “cuando se ve que tiene una personalidad y unas ganas de crecer en un sentido artístico. Y ya está”. Les pregunto si ellos lo han conseguido. Afirman con seguridad que sí. “Que se nos recuerde como un grupo con ambición, como algo que ocurrió” es lo único que piden a los titulares.

DIEGO, MARTÍN, MARIO Y JUAN quizá no sepan qué van a hacer dentro de dos años. Probablemente tampoco dentro de un par de horas. Lo que no pueden esconder es su meta principal en este momento. “Estamos trabajando en que el directo sea mejor: ese es el objetivo ahora”, aclaran. Quien vaya a su gira de salas a principios de 2025, que espere que “ocurran cosas”: “show”, “espectáculo”, “un amanecer”, “parque de atracciones” y “fuegos no artificiales”. Esa es la aventura que os proponen. Ahora nos toca a nosotros elegir si queremos también hacerla nuestra. m.g.

“Queremos que se nos recuerde como algo que ocurrió” r

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EN CONCIERTO

l Valencia 16 y 17 enero. Palau Alameda

l Zaragoza 24 enero. Teatro de las Esquinas

l Barcelona 24 enero. Sant Jordi Club

l Granada 30 enero. Industrial Copera

l Málaga 31 enero. Paris 15

l Sevilla 01 febrero. Pandora

l Coruña 07 febrero. Pelicano

l Gijón 08 febrero. TBA

l Pamplona 20 febrero. Zentral

l Bilbao 21 febrero. Santana 27

l Madrid 28 febrero. Wizink Center

l Benicàssim 17-19 abril. San San Festival

Cariño

Que nada quede sin hacer

Paso a paso, Cariño no solamente han ido madurando su propuesta, sino también afianzando su posición en la escena musical de nuestro país. Ahora lanzan “Tanto por hacer” (Sonido Muchacho/Universal, 24), su esperado tercer larga duración.

texto Eva Sebastián foto Lola Errando

HARÁ SEIS AÑOS, Cariño irrumpieron en la escena nacional con su debut, “Movidas” (Elefant, 18), y una cover de “Llorando en la limo” de C. Tangana, que reconcilió a los indies-detote-bag con la posibilidad de estar disfrutando con el trap. Eso las llevó a realizar uno de los formatos virales de Vice. En el video las tres llevan el mismo peinado y pintalabios, y se ve a María sujetando una pizarra donde ponía “Si hemos sacado un disco, tú llegarás donde quieras”. Todo estaba por hacer, todo era posible. Había un refrescante frenesí en el aire. Llegaron entonces las giras por festivales, su paso por Coachella, centenares de bolos en salas, otro disco, su estreno en KEXP y vuelta a empezar. Ahora, con la llegada de su tercer disco, y las tablas de unas auténticas veteranas, desaceleran, guardan la etiqueta tonti, y sientan cátedra en el pop en mayúsculas.

NOS LLAMAMOS UNA MAÑANA de viernes para hablar de “Tanto por hacer”. Bromeamos sobre cómo de ajetreadas iban en esa primera entrevista. Todo a trompicones, pero salía. Ahora, con las ideas más claras que nunca, y una paz latente, me comentan que precisamente ese cambio de ritmo fue la base para este trabajo. (Alicia) “El disco se plantea desde el ser honesta con la gente que te escucha y con nosotras mismas. Hay muchos artistas que endiosan el ser artista. Se habla mucho de la parte positiva, pero siempre

se olvida la negativa. Los primeros años que estuvimos tocando muchísimo, no veíamos a nuestros amigos, perdimos contacto con todo el mundo. No veíamos a nuestras familias tampoco y eso te hace perder contacto con la realidad”. (Paola) “Necesitábamos parar y valorar lo realmente importante. Tocar un poco de tierra”. En este punto nace la canción que abre el disco “Nada importa tanto”, que resume a la perfección el prisma desde el que Cariño nos hablan. Huyen del endiosamiento de la vida del artista, para hablar de una forma sincera y cercana de lo que sienten. (María) “Ahora valoramos la comodidad, sentirnos libres, y la buena compañía. Estar en un escenario es genial, pero al final es también un trabajo”. (Paola) “Nos ha dejado de importar todo lo que esté ligado a aparentar ser guays y tener que proyectarlo constantemente. Hemos abandonado todo eso. Al final solo somos tres personas, hacemos música y ya está”. (María) “Además, somos gente tímida, y estas cosas pueden generar ansiedad”.

LO QUE NO HAN ABANDONADO es su tema estrella: el amor. (Alicia) “Lo único de lo que podría escribir es de amor o de política. Pero me da vergüenza hacer una canción protesta, porque ¿quién soy yo desde mi salón para protestar? Y en cambio el amor sale de forma natural”. Nos vuelven a abrir sus corazones, quizás con una visión más descorazonadora que otras veces, pero más realista. (María) “El amor lo es todo. Pero no es únicamente

amor romántico, hablamos también de amor con las amigas, pero a veces no se diferencian. Quizás antes el amor del que hablábamos era más obsesivo, incluso de apego ansioso, y ahora es desde puntos más reales. No son tan ficticios como cuando se te genera una obsesión”. Esta visión más madura del amor, ha sido como quitarse una venda de los ojos, y aceptar el propio desamor. (María) “Es una pérdida en las relaciones en general. Las relaciones con tus amigos, con los espacios en los que no vives”. (Alicia) “Incluso el desencanto contigo misma. Desconectarte un poco de lo que has vivido en tu tierna juventud y darte cuenta de cómo te dejan de valer ciertas cosas”. (Paola) “Yo lo veo súper positivo, ver la vida desde otro punto más adulto. Al final cuando empezamos la banda teníamos veintidós o veinticuatro años. Hacíamos canciones, muy desenfadadas, nos importaba todo prácticamente nada. Por eso ya no podemos sonar igual”.

DEL TONTI-POP, AL POP en mayúsculas, más instrumentalizado y desacelerado. Esta maduración en su sonido ha venido también de la mano de trabajar con Luis Lamadrid y El Malamia (Lucas Solovera), conocidos por ser los productores del rapero y compositor Dillom. (Paola) “En el momento en el que se dio el disco estábamos un poco como perdidas en sí. Sentarnos con los productores fue una especie de terapia, de canalizar lo que sentíamos. Enfocamos lo que queríamos cada una individualmente y como grupo y encontramos nuestro discurso”. Por primera vez afirman haber creado un disco a través de un concepto, en lugar de un mixtape de canciones. Y como no hay dos sin tres, también encontramos un cambio estético. Su portada se aleja de la imagen bubblegum pop que solían presentarnos. (Alicia) “Que fuese una cosa completamente alejada de la felicidad y de lo adolescente, era lo primero que se decidió, incluso antes de qué tipo de imagen queríamos utilizar. Que fuese un poco dark, más dramático y adulto. Y para que no fuera demasiado cogimos un

“Nos ha dejado de importar todo lo que esté ligado a aparentar ser guays”

meme”. (María) “Al final es aceptar la realidad, y que el mundo está también muy jodido”. (Paola) “Nosotras somos gente posicionada políticamente, aunque nuestras canciones no hablen de ello. Así que como nuestro trabajo, al estar siempre la cara, también se lee como nuestra personalidad, no podemos estar proyectando un mundo de yupi cuando nosotras no lo vivimos así”. Pese a ello, aunque hablen del disco como un aceptar ciertos puntos de derrota, su puesta en escena promete ser la más enérgica y vivaz hasta la fecha. Esta vez ya no estarán solas encima del escenario. Después de haber luchado tanto por ser valoradas, les pregunto si les da miedo que esta incorporación de personajes masculinos les pueda acarrear críticas. (Paola) “Al principio nos daba un poco de miedo. Pensábamos ‘Tienen que ser chicas’. Pero nos preguntaron tanto por lo qué es ser una banda de chicas que nos cansó un poco tener que defenderlo

constantemente. Además Cham [batería] y Zazo [teclados] están en nuestra onda al cien por cien, y eso es mucho más importante que el hecho de que se identifiquen como género femenino”. (María) “Lo que miramos siempre es la energía”. e.s.

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EN CONCIERTO

l Bilbao 21 noviembre. Kafe Antzokia

l Murcia 29 noviembre. Mamba

l Málaga 20 diciembre. La Trinchera

l Sevilla 21 diciembre. Custom

l Valencia 30 enero. Palau Alameda

l Granada 31 enero. Aliatar

l Almería 01 febrero. Berlín Social Club

l Barcelona 28 febrero. Razzmatazz

l Zaragoza 01 marzo. Oasis

l Madrid 02 marzo. La Riviera

l Benicàssim 17-19 abril. San San Festival

Contra la sutileza Geordie Greep

El joven vocalista de Black Midi debuta en solitario con “The New Sound” (Rough Trade/Popstock!, 24), exhibición de su avasalladora y extravagante manera de entender el

pop. Greep anunció por Instagram hace pocas semanas el parón indefinido de su banda.

texto JC Peña foto Yis Kid

EN UN PAR DE MINUTOS de este doble álbum hay más ideas y complejidad que en discos enteros de los que se publican cada semana. A Geordie Greep le sale el talento por las orejas, y no es de extrañar que su nuevo trabajo sea un álbum tan excesivo y abrumador como arrojado y original. “The New Sound” pulula por un lugar fronterizo e imprevisible entre el punk loco, el rock progresivo, el musical excéntrico, la samba brasileña, el jazz, la chanson y los ritmos latinos. Grabado en gran parte en Brasil con músicos locales, puede considerarse una excentricidad milagrosa para los tiempos que corren. Encantador y reflexivo, el músico se lamenta de lo “soso” y mimético que se ha vuelto el pop contemporáneo. Aquí está él para compensarlo. Acaba de cumplir los veinticinco y se explaya como un veterano, con referencias cultas de gente que triplica su edad.

“SIEMPRE HE TENIDO EL FEELING de que iba a acabar haciendo un disco en solitario -asegura-. En un momento dado pensé que tenía que ser lo antes posible para quitármelo de encima. Además, la gente hace discos en solitario, ¿no? A menudo si esperas hasta los treinta o treinta y cinco has gastado mucho tiempo, hay menos expectativas y has empleado parte de tu creatividad. Los artistas que tuvieron carreras en solitario exitosas después de estar en un grupo, Lou Reed, Frank Zappa, Todd Rundgren, fueron a ello sin más”.

LAS CIRCUNSTANCIAS DE SU BANDA condujeron a una grabación singular. “Tenía la idea de hacer una gran sesión en Londres. Buscaba músicos que tuvieran experiencia tocando música latina, porque hay influencias de salsa. Y entonces Black Midi nos fuimos de gira a Brasil ese mismo mes. Tenía días libres, así que se me ocurrió hacerlo allí. ¿Por qué no? Llamé al único tío que conozco en Brasil y le pregunté si conocía músicos. Los reunió, reservamos un estudio y realmente pareció que todo conducía ahí”. Greep les había pasado algunas maquetas para que se aprendieran los arreglos y las estructuras. “Cuando llegamos al estudio se las habían aprendido. Algunos tenían instrumentos baratos y tal, pero eran muy buenos músicos, y se metieron a tope. Para ellos era un reto diferente. Salió mejor incluso de lo que había pensado”.

GRABADO ESENCIALMENTE en directo (aunque también se añadieron arreglos a posteriori) “The New Sound” tiene mucho de música latina, lo cual llama poderosamente la atención. Greep ha cultivado con el tiempo su pasión por el tango y artistas brasileños como Milton Nascimento. Lo de la salsa es una historia curiosa. “La escucho desde muy pequeño. Mi madre trabajaba en un club y la ponía. Entonces no me gustaba nada. Me parecía molesta, todo tan alto y pasado de rosca. Hace cinco o seis años volví a oírlo y me pareció la mejor música del mundo”. El gusto por la teatralidad de Kurt Weill, ciertos musicales clásicos y el estilo también dramático

del francés Léo Ferré son otras influencias importantes en este debut. Pero al final, la imprevisibilidad más audaz domina sus laberínticas composiciones. “Hay muchas cosas que no me gustan de la música de hoy -admite-. Una de las principales es algo que la crítica reverencia mucho, y es que la principal cualidad del disco bueno de una banda respetada de indie, es que sea sutil. Y sutil no como un adjetivo que describa algo matizado: muchas veces quiere decir que es más bien soso. Muchísima música indie son dos acordes y luego alguien cantando “Me senté en la mesa, me sentía mal…”. ¿Dónde está la ambición? ¿Vas a algún lado? La gente tiene demasiado miedo a hacer mierda, así que acaban no haciendo nada”.

EL BRITÁNICO TAMPOCO ENTIENDE la extendida tendencia a “copiar lo mejor de la música del pasado. “¿Qué sentido tiene? Tendrías que estar proponiendo algo

rías oír. Estás al tanto de cosas de las que nadie debería estar al tanto. Supongo que hacia el final todo suena más real, si te metes en las capas y crees que hay cierto viaje. Pero a lo largo del disco te queda esa sensación de no saber muy bien qué pasa”.

distinto. No digo que todo el mundo tenga que hacer canciones locas de veinte minutos, pero sí ser ambicioso dentro de lo que es tu música”. La ambición es evidente también en la duración: un doble álbum que, según Geordie, funciona muy bien en las cuatro caras del vinilo. El narrador “poco fiable” trata desesperadamente de ganarse el favor de su amor platónico, un planteamiento complementado con la chocante portada del artista japonés Toshio Saeki. “El narrador es poco fiable porque presenta las cosas desde distintos puntos de vista. Y a veces puede estar bromeando. Incluso en una canción como ‘Through A War’: estás en un bar y un tipo te cuenta una historia grandiosa: hice esto y lo otro, teníamos un ejército, y todo te da una impresión extravagante. ¿Qué narices…? No sabes si nada de eso es verdad, pero es interesante. ¿Qué tiene de verdad? También es que con estas canciones oyes conversaciones o monólogos que no deber

YENDO A TEMAS MÁS PEDESTRES, el británico cuenta con amargura que en algunas giras de Black Midi se llevaron “cien pavos” de beneficio. Es un dato que refleja lo difíciles que están las cosas para músicos de su liga. “Hay mucha gente a la que pagar. Demasiada. Para agendar un bolo necesitas un agente, y después un promotor. ¿Qué es la promoción hoy, si todo está en Internet? No es que necesites a alguien a que salga a pegar pósters. Pues ese alguien se va a llevar un veinte por ciento, y luego el agente de booking otro diez. Hay demasiados costes y gente llevándose comisiones. Hasta se llevan una parte de tu merchandising”. Si no hay dinero ni en

el directo ni en los discos, “lo único que puedes hacer hoy es grabar buenos discos, tener buen catálogo, porque eso permanece”. También para contrarrestar las estrecheces económicas del mundo moderno, su plan es extender la fórmula creativa al directo. “Creo que Keith Jarrett hizo algo similar en los setenta, tenía una banda escandinava y otra americana. Acabaron haciendo cosas completamente diferentes pero igualmente buenas. Es lo mismo que hemos hecho con los músicos brasileños en el disco. Me gustaría tener un grupo para Reino Unido y Europa, otro para Estados Unidos, otro para Latinoamérica, una banda asiática… ¿Por qué no intentarlo? La música será distinta en cada sitio. Podremos probar nuevas canciones y material. Creo que será genial. Y en el futuro, ¿quién sabe?”. j.c.p.

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“La gente tiene demasiado miedo a hacer mierda, así que acaban no haciendo nada”

Observatorio Mondo Sonoro

BITS TO KNOW ¿Qué es la música?

El pasado 02 de octubre, Bits to Know transformó el Espacio SOLO de Madrid en un escenario de diálogo y reflexión en torno a la influencia de las nuevas tecnologías en la creación musical contemporánea.

DESDE EL OBSERVATORIO de Mondo Sonoro, liderado por el equipo de Célula Lab, construimos un espacio de exploración colectiva en el que participantes de diferentes disciplinas, junto a los más de sesenta asistentes, nos reunimos para cuestionar el concepto de música, su evolución y la eterna influencia de la tecnología en el proceso creativo. Aquí os dejamos un frugal resumen sobre todo lo que conversamos a lo largo de las dos horas que compartimos.

¿Qué es la música? ¿Qué es una canción?

Empezamos fuertes, sí. Quisimos ir más allá de las definiciones tradicionales de lo que entendemos como “música” en el presente y permitirnos abordar distintas perspectivas sobre cómo puede llegar a cambiar este concepto en un futuro no muy lejano.

De la mano de Alicia Chavero, fundadora de Design For Permanence, planteamos un debate que tenía como punto de partida preguntas como estas:

¿Qué elementos son necesarios para decidir que algo es una composición musical? ¿Necesitamos una intervención humana? ¿O es suficiente con la intervención de máquinas y tecnología? ¿Es imprescindible una intencionalidad emocional en la música o puede haber otras formas de definirla?

Como podéis leer, son preguntas que no

tienen una sola respuesta, correcta o incorrecta. Pero el objetivo no era poner sobre la mesa certezas absolutas, sino más bien agitar las mentes, atravesar los miedos que algunas de esas respuestas pueden llegar a provocar y compartir inquietudes de forma libre y sin prejuicios.

¿Es posible crear música sin emociones? La respuesta común a esta pregunta fue que no: “Si no hay respuesta emocional, no hay música”. Esta reflexión se centró en la idea de que aunque la tecnología puede asistir en la composición, la emoción sigue siendo un elemento central que define a la música y esta, debe evocar si o sí, una respuesta emocional en el oyente, por lo que se debe marcar una línea clara entre lo que podemos valorar como un ejercicio técnico de sonidos y una verdadera composición musical.

¿Es necesario saber tocar la guitarra para poder hacer música?

Esta fue una de las cuestiones que subieron al escenario Nina Emocional y Teo Ruffini, tras presentar su proyecto Spectral Resonator en el que la tecnología es un factor indispensable. Hoy cualquiera puede hacer una canción sin la necesidad de dominar un instrumento tradicional o tener conocimientos avanzados de teoría musical. Entonces, ¿la tecnología limita o expande la creatividad humana?

No hay música sin audiencia

Otro de los temas sobre los que conversamos durante la jornada fue el papel de la audiencia como un elemento indisociable de la música: “La música, no es solo una experiencia del creador, sino una interacción que requiere de un receptor para completarse”.

Se definió “audiencia” como un grupo de personas (de cualquier tamaño y en cualquier espacio) o incluso el propio creador. Sin audiencia, una pieza musical no está completa. “La audiencia es la que legitima la música, ya que interpreta la intención del creador y le otorga significado”.

Futuro: diversidad cultural, conocimiento libre, creación colectiva y una industria más flexible

La música está condenada a transformarse continuamente, porque esta responde al avance de la sociedad y del desarrollo tecnológico. Es por esto que el futuro de la música debe abrirse a nuevas formas y narrativas.

Se mencionó como primordial, romper con la primacía del modelo anglosajón y también la necesidad de abrazar una mayor diversidad cultural, permitiendo que voces de diferentes culturas del mundo, tengan un espacio más visible y protagónico.

La intervención del colectivo de LiveCode Mad, compuesto por Adrián Cano, Jesus Jara y Fernando Fernández, abrió también la posibilidad de visualizar el futuro de la música como un espacio colectivo de intercambio basado en un acceso más democrático al conocimiento (con herramientas de creación Open Source). “La creación musical es más rica cuando es colectiva y se aleja del modelo individualista del ‘home studio’ (...) La gente tiene que seguir entendiendo que el conocimiento es libre y se debe compartir como tal. No hace falta pagar por aprender a hacer música”

Por último, algunos participantes señalaron que la industria musical actual, como ha sucedido en otras ocasiones en el pasado, no facilita la evolución de la música, porque acaba aferrándose a las fórmulas comerciales que conoce y le funcionan.

Bits To Know: Próximas ediciones

Este fue el primer encuentro de una serie de espacios de exploración y debate sobre música y tecnología abiertos a quienes quieran formar parte de una comunidad dispuesta a cuestionar y a cuestionarse. Os esperamos en la próxima edición, porque no queremos que el futuro de la música lo defina una sola voz.

Este evento fue posible gracias al esfuerzo y la colaboración de Alicia Chavero (Design For Permanence), Nina Emocional y Teo Ruffini (Spectral Resonator), Adrián Cano, Fernando Fernández, Jesús Jara (Live Code Mad), Antonio Díaz_Maroto (Le Cluf Music) y Gabriela Lendo.

También al apoyo de nuestros partners: BIME, Espacio SOLO/LeCluf Music, RootedCon, AIE. n

FOTOS: JORGE FERRER

Carlangas

Darwinismo en el punk de baile

La evolución musical de Carlangas podría entenderse a través de la lente del darwinismo: la adaptación y el cambio son esenciales para la supervivencia y el crecimiento. El gallego lleva tiempo demostrándolo y “Bailódromo Vol. 1” (Virgin, 24) es un perfecto ejemplo.

texto Noel Turbulencias

COMO EN “El origen de las especies” de Charles Darwin, la música del santiagués Carlos Pereiro, es decir Carlangas, ha ido mutando y refinándose con el tiempo, transformándose de un punk crudo y visceral a un sofisticado “punk de baile” que fusiona con un sinfín de influen-

cias. Eso es lo que podemos escuchar en “Bailódromo Vol. 1” (Virgin, 24). Desde sus inicios con Novedades Carminha hasta su segundo disco en solitario hemos sido testigos de un crecimiento creativo que, aunque inesperado a veces, siempre ha mantenido una coherencia sólida. “Creo que tiene que ver con mi carácter, que por un lado es muy curioso y, por otro, bastante inconformista.

Necesito evolucionar, esa es mi gasolina para seguir haciendo música”, reflexiona el músico gallego. “Hay canciones que te abren caminos y que, poco a poco, te llevan hacia lo siguiente. Lo veo claramente desde el segundo o tercer disco de Novedades Carminha, cuando empezaron a aparecer canciones que abrían puertas hacia nuevos territorios” continúa Pereiro.

HACE YA TIEMPO que Carlangas entiende su carrera discográfica como algo colectivo, la conjunción de talentos y/o las colaboraciones forman parte de ADN. “Siempre he sido muy consciente de que mi fuerte no está en lo técnico o lo musical, sino más en la dirección artística, en tener claro hacia dónde quiero llevar el proyecto. Yo pongo las ideas, pero ellos son los que hacen que todo cobre vida”. La gran mutación de su proyecto en solitario se expresa claramente en su último trabajo, “Bailódromo, Vol. 1”, un disco en el que Carlangas vuelve a contar

con Los Cubatas (también conocidos como Mundo Prestigio), quienes se han convertido en la columna vertebral de su sonido. Ya no es simplemente un grupo de músicos que lo acompañan, sino que son parte de la esencia misma del proyecto. El santiagués lo deja claro. “Ellos [y Luca Petricca] han sido los productores del disco y también son mi banda en directo desde el año pasado. Con Los Cubatas había una energía muy especial, algo que quería aprovechar”.

ESTE ÁLBUM NO ES SOLO una colección de canciones; tiene una narrativa clara, que Carlangas define como “una noche de fiesta”. A través de una mezcla ecléctica de estilos que va desde la música disco, al funk y hasta el bolero, “Bailódromo, Vol. 1” teje una narrativa en torno a una noche de fiesta, desde que te estás preparando en casa, pasando por el momento en que entras en el club con tus amigos, hasta cómo va avanzando la noche y cómo acaba, con un bolero que representa el momento en que encienden las luces al final de la fiesta. “Es un disco que capta esa energía, la euforia del momento, y termina con esa sensación de recogida cuando las luces se encienden y te vas a casa, o no”, añade Carlangas con una sonrisa.

COMO EN TODOS LOS VIAJES musicales que nuestro protagonista ha realizado, nuevamente nos ofrece una versión, en este

“Necesito evolucionar, esa es mi gasolina para seguir haciendo música” “

caso junto a Russian Red. Se trata de “Nosoutros”, ese bolero que pone fin al horario legal del club escrito originalmente por Pedro Junco. Y es que Carlangas siempre reivindica a otras bandas y artistas, ya sea en la entrevistas, en sus secciones radiofónicas, en sus directos o en las múltiples versiones que ha sacado en todos o prácticamente todos sus discos. “Para mí, cada disco es una oportunidad de rendir homenaje a las influencias que me han traído hasta aquí. No hago versiones para ocultar mis influencias, sino para celebrarlas y mostrar de dónde vengo”, conectando así su pasado y presente musical.

TRAS UN AÑO de más de cincuenta conciertos en festivales, Carlangas ahora se prepara para una nueva gira por salas. “Cuando decidimos parar con Novedades Carminha, una de mis últimas propuestas fue hacer una gira de salas pequeñas. Veníamos de tocar en salas grandes y festivales, pero siempre he sentido que las salas pequeñas son especiales”. Y es que, sin duda, es un formato que lo emociona particularmente. “Lo necesitaba. Las salas pequeñas son especiales. Es el lugar en el que empiezan las bandas que te marcan. Me encanta tocar en festivales, pero hay algo en la cercanía de esas salas que es

imprescindible para el proyecto y para mí como artista”, sentencia el artista.

DESPUÉS DE AVENTURARSE en diferentes proyectos relacionados, además de con la música, con la comunicación, la futura trayectoria de Carlangas se va a centrar en darle robustez al proyecto a lo largo del 2025, buscando siempre nuevas mutaciones que le permitan sobrevivir y prosperar en el complicado ecosistema musical. “El proyecto Carlangas es algo que me apasiona y que quiero desarrollar de manera más profunda y ambiciosa. Estoy trabajando en ideas para un próximo disco que será más grande y mejor elaborado. Mi enfoque está en seguir tocando en directo, pero también en preparar un proyecto que marque una nueva etapa en mi carrera”, concluye Carlangas. Así que toca disfrutar de su directo e ir dilucidando hacia dónde irá la siguiente rama de la línea evolutiva de Carlangas. n.t.

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EN CONCIERTO

l Murcia 08 noviembre. Sala Rem

Madrid 21 noviembre. Ochoymedio (Sala But)

“Something In The Room She Moves” (Domino/Music

As Usual, 24), sexto disco de la norteamericana Julia Holter, la muestra como pez en el agua en su propio mundo, un espacio onírico en el que la electrónica ambiental, el pop elegante de vanguardia y el surrealismo plantean un cálido encuentro sensorial con el oyente.

NO HAY MANERA de encasillar la música de Julia Holter. Su inquieto espíritu de búsqueda brilla en ese nuevo álbum doble concebido en la era pandémica en el que la compositora explora la idea de lo corpóreo. Nos encontramos con ella físicamente –menos mal–, en un hotel de Madrid. Se la ve encantada de poder hablar de lo que hace en persona. Se dispone ahora a presentar sus nuevas delicadas composiciones en directo con el mismo grupo que la acompañó en su anterior gira, lo cual promete ser “súper divertido”. “Cuando hago música a menudo el sonido viene primero. No suelo tener conceptos antes de empezar. Lo que esta vez emergió fue focalizarme en el cuerpo, en lo físico. Puede que tuviera que ver circunstancialmente con estar más presente, por las situaciones que viví, como estar embarazada. Además era la época del Covid, empecé a componer las canciones en 2020. Fue un momento… [se lo piensa] frágil para la gente en general. Con el tema del Covid el cuerpo estaba muy presente con los pulmones, respirar, y no acercarte a otras personas. Distanciarte de otros cuerpos”.

EL SURREALISMO y la exploración impregnan sus textos, y Holter admite que llegar a ellos es un proceso misterioso. “Me cuesta escribir palabras. Más bien los temas emergen gradualmente. Los patrones y los textos. Normalmente parto de improvisaciones con el teclado, aunque no siempre. Me di cuenta de que grabar las voces en casa es difícil. Y más ahora en mi situación doméstica, con una niña. Fue una situación rara porque tenía que grabar las voces y pillé el Covid. No estuve muy enferma, pero me quedé sin voz. Llevaba como dos años trabajando en las letras y no acababa de terminarlas… Llegó el momento de mezclar y todavía no tenía las letras, así que las hice en el estudio en el que estábamos mezclando, una locura. Pero me acabó encantando grabar las voces en un estudio, lo cual no suelo hacer. Además las terminé muy rápido. Me di cuenta de lo extraño que puede ser escribir: puedes pasarte dos años pensando en ello y al final todo te llega y encaja”.

Julia Holter Espíritu inquieto

“Cuando hago música a menudo el sonido viene primero”

ESTA APERTURA DE MIRAS tiene que ver también con el título del álbum, referencia a una canción de The Beatles (“Something”). Ella lo cuenta con humor. “Hice la improvisación que acabaría siendo esa canción, y cuando estaba guardando el archivo la guardé con ese nombre por alguna razón. Pasó el tiempo y me gustaba mucho. No sé de dónde me vino ese título inicialmente, no tengo ni idea. Pero resulta que más tarde me metí mucho en The Beatles, porque le cantaba canciones a mi hija. Y vimos el documental ‘Get Back’ y me cautivó, porque mola muchísimo. Me encanta el rol de Yoko Ono y su relación con John, no sé, todo me encanta. Me gustó mucho ver el proceso creativo, las colaboraciones, y cómo se dejaban llevar por su imaginación. Pero no es que mi disco vaya sobre The Beatles…”. Eso está claro. La canción homónima fue una de las primeras que compuso para este disco. “Tiene una conexión conmigo, porque

está relacionada con la canción ‘Feel You’, que salió en 2015. Tiene un feeling similar. Creo que es más sinuosa que ‘Feel You’ y más optimista. Estoy buscando una palabra para definirla… Es la única canción del disco que es como anhelante, pero no en un sentido romántico. Creo que tiene un trasfondo feminista, pero no de un modo explícito. Es surrealista”. jc peña

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MONDO FREAKO

“Mucha de la energía e inspiración del grupo viene de tocar en directo”

Whispering Sons Horizontes de grandeza

Europa siempre ha dado buenas bandas en la órbita del postpunk. Este quinteto belga ha ampliado sus horizontes con “The Great Calm” (PIAS, 24), un fascinante tercer disco que presentarán en nuestro país.

TELONEAR A NICK CAVE & The Bad Seeds o Placebo, además de haber actuado en el Azkena Rock, certifican su solidez. Al sonido marcial y gélido del post-punk casi gótico que dominó sus inicios, en sus nuevas canciones asoman también referencias ilustres del calado de Television o Tindersticks. Ayuda mucho la voz profunda y la magnética presencia andrógina de su vocalista Fenne Kuppens, quien responde con mucha cordialidad a las preguntas que enviamos por correo electrónico. “En España hemos estado un par de veces, pero con muchísimo tiempo de por medio. La primera vez fue en Madrid en 2016, durante nuestra primera gira europea. Después, en 2018 teloneamos a The Soft Moon en una gira corta. La última vez fue en Barcelona en 2022. Tocar en España siempre es divertidísimo. Te llega mucho entusiasmo y energía del público, así que estamos deseando volver”. CON EL GRUPO ENFRASCADO en la exten-

sa gira de presentación de su último disco, Kuppens afirma que “Cuando estás fuera un par de semanas, tienes la impresión de que girar se convierte en una rutina. Empiezas a vivir en tu propia burbuja. Eso puede ser bueno, porque los conciertos se hacen cada vez mejores; pero también te puede desorientar mucho, especialmente cuando vuelves a casa y confrontas el hecho de que la vida ha seguido sin ti. No obstante, nos encanta visitar sitios, cada ciudad y país son completamente diferentes. Tocar en ciudades puede hacerse muy salvaje, mientras que hacerlo en zonas rurales es muy familiar y confortable”.

EN CUALQUIER CASO, las canciones de “The Great Calm” son protagonistas, aunque el grupo hace paradas en su material antiguo. El resultado es un repertorio “equilibrado”. Kuppens resalta, eso sí, las virtudes de su último trabajo. “Suena mucho más maduro y abierto que los otros álbumes. Es menos oscuro y grandioso también. Como lo producimos nosotros, tuvimos un montón de control creativo y dedicamos mucho tiempo a cada fase. Nos dimos tiempo para experimentar y saber cómo tenían que sonar las canciones. Ha sido un disco muy colectivo. Y supongo que es una de las razones por las que estamos tan orgullosos de él, porque es muy nuestro”.

SIN EMBARGO, la esencia del grupo sigue siendo su directo. “Creo que es nuestro fuerte –admite la vocalista–. Es muy crudo e intenso, y las canciones ganan otros significados en vivo. Además, mucha de la energía e inspiración del grupo viene de tocar en directo. Cuando no tocamos, tenemos muchas ganas de volver al escenario, porque no podemos canalizar la energía”. La exigencia colectiva pone el listón alto en sus bolos. “Es muy raro que nos bajemos del escenario y digamos los cinco: ‘¡Este ha sido bueno!’. Siempre hay algo que está mal para alguno, ya sea mal sonido, problemas técnicos o sensaciones incómodas. Creo que un concierto es bueno cuando a pesar de estas dificultades, ya sean técnicas o emocionales, lo das todo, y acaba siendo muy divertido. La energía del público es fundamental en ello”. jc peña

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l Barcelona 06 noviembre. Wolf

l Madrid 07 noviembre. The Bassement Club

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FOTO: LUCINDE WAHLEN

La Sra. Tomasa

Un destino sin rumbo

Resulta obvio que podemos entender el destino como una meta, ese lugar al que por fin se llega. Pero el destino también puede resultar esa cadena de sucesos considerada irremediable y de la que no se puede escapar. Ha querido el universo que ambas acepciones sean igual de válidas para situar en el mapa este “1040” (Guspira, 24), el nuevo y magnífico disco de La Sra. Tomasa.

texto Don Disturbios fotos Claudia Herrán

Tomasa

“ UN RUMBO SIN DESTINO” es el tema bandera con el que La Sra. Tomasa abren su disco. Canción fundacional que define en un solo verso el momento vital en el que se encuentra la banda en la actualidad. Justo cuando entonan lo de: “Vivo pisando el camino, el que siempre he querido”. Y es que escuchando “1040” con detenimiento, cualquiera diría que los seis integrantes de La Tomasa estaban predestinados a forjar la bonita historia que esconde este álbum desde el principio. Pero vayamos por partes.

A ESTAS ALTURAS DE LA JUGADA los seguidores de la banda ya saben que “1040” hace referencia a los días que han tardado en confeccionar este álbum. Tres años en los que la banda se marcó una única premisa: Aprovechar los países que iban a visitar durante sus giras para, una vez allí, involucrar a músicos populares con sus instrumentos y tonadas tradicionales, y confeccionar una enorme galería de samplers que luego utilizarían para armar al álbum. Una idea en la que el azar jugaba también sus cartas. Porque, cuando la definieron, ellos desconocían por completo los países que iban a visitar en el futuro. (Pau Lobo, cantante) “El rumbo era hacer un disco allá dónde pudiéramos, en el máximo de sitios posibles. Pero del destino no teníamos ni idea, porque no sabíamos a dónde íbamos a ir. El único objetivo era hacer música por el mundo”. Quiso la diosa fortuna que los países que durante este largo periodo solicitaron el directo de La Sra. Tomasa fueran Colombia, México, Vietnam y Estados Unidos. Aunque son los dos primeros los que más huella sonora han dejado en el disco. No hay más que escuchar temas como la propia “Un rumbo sin destino”, pero también “Bébeme agua”, “Camino” o “Vive en ti” para rastrear samplers que nacen del folclore latinoamericano y que han sido utilizados del mismo modo en que otros han hecho con anterioridad. Me refiero al trabajo de productores como Nicola Cruz o El Búho y bandas como Chancha Via Circuito o Bomba Estéreo. (Marc Soto, batería) “Nosotros no somos un grupo de world music al uso. Somos como productores de world music, al igual que lo puede ser Nicola Cruz. Y luego está el hecho de que hemos grabado muchos samplers que son de Colombia o de México y que luego, cuando te pones a trabajar con ellos, te llevan a un sitio concreto que nosotros procuramos sacar de contexto. Pero, aún así, no deja de ser un sonido muy latinoamericano que hemos mezclado con electrónica, que es lo que nos gusta y lo que queremos defender en directo. Entonces sí, Nicola Cruz podría

ser una referencia como muchas que tiene el grupo, dependiendo del proyecto o el disco que haga”.

“1040” ES TODA UNA PIEZA de orfebrería y ese es uno de sus principales valores, aunque no el único. El propio Marc Soto me comenta que han llegado a plantearse mostrar las diferentes y múltiples capas de sonido con las están hechas las canciones. “Para que los más frikis como yo puedan apreciar en su totalidad el enorme trabajo de post-producción que tienen cada uno de los temas del disco”. Porque la premisa inicial de que todas las canciones tuvieran al menos un sampler de cada uno de los países que visitaban, pronto saltó por los aires y cada una de ellas contiene varios, incluso muchos, de esos mismos samplers. Eso sí, siempre desde el respeto a los músicos populares y tradiciones para evitar meter la pata. (Marc Soto) “Ha habido samplers de voces que, una vez teníamos el resultado final, se lo hemos pasado al intérprete para tener su feedback y no fuese que hiciésemos sin querer cosas muy fuera de lugar. Por ejemplo, en Colombia vino una chica, Mónica, que se cantó cinco o seis canciones tradicionales. Y me acuerdo que usé una de ellas y, cuando le enseñamos el resultado, nos explicó que esa precisamente era una canción que se canta en los funerales de los niños. Y, claro, de repente fue ‘¡¿Qué hacen unos tipos de Barcelona usando una canción así con una base electrónica y súper fiestera?! Estaba absolutamente fuera de lugar porque, además ¡quiero volver a Colombia! [risas]. Y tampoco nos hemos querido meter en terrenos religiosos”. El respeto y que los músicos invitados se sintieran lo más cómodos posible era algo básico para que del intercambio se obtuvieran unos resultados óptimos y no se produjera ningún desencuentro. Porque ¿lo hubo? (Pau) “Pues mira, en México sí. Nos juntamos la primera semana con una gente para componer y esa canción en concreto no la hemos vuelto a escuchar. Pero es el único momento que destacaría así como medio raro y que lo que salió no ha entrado en el disco”. Todo un proceso de aprendizaje que no puedo evitar decirles me recuerda mucho al viaje que emprendió hace décadas Mauricio Aznar de Más Birras y que ha quedado magistralmente reflejado en una de las sensaciones cinematográficas de la temporada “La estrella azul”. (Pau) “¡Cierto! Pensé mucho en nosotros al verla, porque ya habíamos terminado el viaje, pero estábamos en la producción del disco y sí obviamente me vi reflejado en muchos momentos. Y no solo en mí, porque había partes que lo veía a él y partes que veía a Alberto…”. (Marc) “De hecho Alberto [Limi-

ñana, bajo] se puso como loco cuando vio esta película, y nos dijo a todos que teníamos que ir a verla”.

SIN EMBARGO, no todo ha sido experimentación y trabajo de estudio en “1040” También encontramos momentos en los que La Sra. Tomasa no ha olvidado su ADN más genuino. Canciones como ese merengue salvaje titulado “El Cuadradito”; ese bolero maravilloso que es “Mala fama”; el crescendo electro que conforma “Mundo” o el drum’n’bass de “Se va”. Piezas que, junto a las que hemos mencionado con anterioridad, conforman un álbum variado a la par que importante. Un disco que emite todas esas invisibles señales de que va a marcar un antes y un después en la carrera de La Sra. Tomasa. (Pau Lobo) “Yo creo que es un segundo primer disco de la banda… Todo ha sido tan novedoso que no tiene nada que ver con lo antiguo, donde siempre hemos jugado en casa, ¿no? De repente fuera, muy lejos, la experiencia ha sido súper larga y bonita. Y sí, creo que va a ser un disco importante. No sé de qué manera, aunque para mí ya es importante antes de que pase nada con él, por cómo y dónde esta hecho”. Como oyente, a mí se me antoja incluso un disco catártico. Uno de esos trabajos que limpia y ofrece energías renovadas a una banda que ha pasado por momentos complicados y que ha paseado en más de una ocasión por el filo del abismo. (Pau) “Es que el nuestro es un grupo catártico hasta el máximo nivel [risas]. Es un poco eso, en realidad”. (Marc) “Sí, creo que lo vivimos todo muy intensamente y el grupo en sí ya es catártico… Pero este trabajo, que nos llevó a sitios que no eran nuestra casa, que teníamos que improvisar, entendernos, componer, hacer letras, hemos hecho muchas cosas fuera de nuestra zona de confort. Aunque, vaya, creo que estamos acostumbrados a hacer muchas cosas siempre fuera de nuestra zona de confort y eso nos hace fuertes también”.

EN CUALQUIER CASO “1040” sí debería servir para colocar de una vez por todas a La Sra Tomasa en el lugar que les corresponde dentro de la escena “mestiza” de nuestro país y compartir las mieles de éxito que sí han catado grupos como La Pegatina. Algo que, si sucede, se me antoja que tendría un componente de justicia poética. Pues me resulta obvio que, hasta el momento y en general, La Sra. Tomasa no han tenido la consideración que merecen. (Marc) “A ver, sin rencores ¡eh!.. Pero al menos sí nos gustaría vivir de esto [risas]. Además, pensamos que, como grupo, hemos hecho suficientes cosas, poniendo en valor la música y el arte, como para que la cosa camine guay. Y seguimos luchando por ello”. (Pau) “Nunca hemos pasado por el aro tampoco. O sea, nunca he-

CRITICANDO

1040 Guspira

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MESTIZAJE / EL 6 DE DICIEMBRE de 2021 empezó la aventura que iba a suponer grabar este disco. Ese mismo día La Sra. Tomasa viajaban a México para empezar su andadura, con el objetivo de grabar en cada uno de los países que los acogiera en gira y, una vez allí, implicar a músicos del folclore local para participar con sus instrumentos y ritmos populares. Además, todo debía tener un componente azaroso, que debía consistir en que fueran lo bolos que surgieran fuera los que marcaran la agenda y no a la inversa. Por eso este disco se ha confeccionado en México, Colombia, Vietnam, Estados Unidos y, cómo no, Barcelona. Y por eso las sonoridades del mismo se han empapado del folclore de estos territorios. Sin embargo, si entramos en una escucha detenida y profunda del álbum, vemos que es el folclore andino-colombiano el que más ha calado en este nuevo traje a medida que se ha confeccionado La Sra. Tomasa. Ritmos tribales que han abierto una nueva vía de experimentación, cuando los han combinado con esa electrónica que forma parte de ADN de la banda desde sus orígenes. Solo hay que escuchar ese maravilla titulada “Un rumbo sin destino”, pero también otras como “Bébeme agua”, “Camino” o “Vive en ti”, para encontrar paralelismos con la folktrónica de proyectos del otro lado del Atlántico como Nicola Cruz o Chancha Via Circuito e, incluso, en momentos de mayor excitación sonora como “Alegría en rojo” y, sobre todo, “Camino”, de los Bomba Estéreo más tribales. De todas formas, y pese al evidente salto que significa este “1040” para la carrera de La Sra Tomasa, el grupo no se ha desprendido del todo de los ropajes más clásicos de su sonido. Por eso podemos encontrar también desde un merengue titulado “El cuadradito”, un maravilloso bolero (“Mala fama”), su habitual parada en el drum’n’bass más salvaje (”Se va”, “Mundo”) o el hip-hop (“King Of Mambo”). d d

“ “Nunca hemos hecho nada que no quisiéramos hacer”

EN PORTADA

mos hecho nada que no quisiéramos hacer y todo lo que hemos hecho ha sido con máximo respeto al oficio y con la intención de hacerlo lo mejor posible para nosotros y para el oyente sin tener en cuenta los números y si va a vender o no va a vender. Tenemos temas que antes de sacarlos ya sabemos que no van a vender, pero nos da igual sacarlos porque para nosotros es un temazo. Pero sí, sería muy bonito que de repente pasaran cosas con este disco, claro que sí”. (Marc) “Y a nosotros tampoco nos gusta vivir con la queja esta de no sentirnos suficientemente valorados. Sentimos mucho amor de poder viajar y haber podido visitar quince o dieciséis países y haber tocado y compartido un montón de cosas”.

LO QUE ESTÁ CLARO es que “1040” llega en un momento propicio para la propuesta que ofrece. Una coyuntura, la actual, que ha dado voz y escaparate a músicos como Rodrigo Cuevas, Maestro Espada o Tanxugueiras o productores como Baiuca y Bronquio que están armando una nueva forma de disfrutar de la música tradicional y el folclore pasado por el tamiz de la electrónica y dándole una coartada vanguardista a lo que forma parte de nuestro pasado. Una escena en la que la propuesta actual de La Sra. Tomasa encaja de lleno y que les puede jugar de cara. (Marc) “Yo creo que sí. Totalmente. Al menos a mí la música que me gusta en cuanto a producir y componer es ese tipo de música de raíz con electrónica. Y los que comentas son artistas en los que me veo. Es cierto que se está viviendo un momento bonito como lo que está pasando también con el flamenco y artistas como Ángeles Toledano o los Califato desde hace años o lo que está haciendo Bronquio. Se está jugando mucho a esto y además de una forma muy artística, por así decirlo”. (Pau) “Sí, pero yo no creo que hayamos hecho el disco con esta sonoridad para aprovechar este momento”. Me queda claro, y lo atestigua el hecho de que el álbum se iniciara hace tres años y haya tenido tan largo recorrido. Pero hay que aprovechar las circunstancias actuales y más si aterrizas con un trabajo tan vital y completo como “1040”. Porque, como ellos mismo afirman en “Mundo”: “No pares de jugar con el tambor, aunque a veces estés fuera de la clave”. d.d.

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l Málaga 08 de noviembre. Sala Trinchera l Granada 09 de noviembre. Industrial Copera l Valencia 15 de noviembre. Sala Jerusalem l Madrid 16 de noviembre. Sala Paqui l Barcelona 29 de noviembre. Razzmatazz

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EL DISCO. RECUPERADO.

Game Theory

Lolita Nation (1987)

GAME THEORY fue un grupo estadounidense de college rock, fundado en 1982 por el cantante y compositor Scott Miller, que combinaba el jangle pop melódico con una vena experimental, en el que cabían guitarras distorsionadas y ecos de la psicodelia de los sesenta, junto a letras literarias muy cuidadas cercanas a un Costello o un Morrissey. Para 1987 ya llevaban tres discos bastante buenos, que dejaban claro que Miller era un gran artesano de canciones que se movían por terrenos power pop, jangle y de rock alternativo. Eso sí, tenían claro que si “24” o “Erica’s World” no se habían convertido en éxitos, entonces es que el éxito era algo imposible. Así que cortó por lo sano e hizo un disco doble, “Lolita Nation”.

SE VOLVIÓ A METER en el estudio con Mitch Easter, miembro de Let’s Active y productor de los primeros discos de R.E.M., para intentar grabar el equivalente college rock del “Odessey & Oracle” de The Zombies o al doble blanco de The Beatles. La banda nunca sonó más libre y exploratoria que aquí, saliéndose de los marcados márgenes del power pop. “We Love You Carol And Alison” es una de las maravillas por las que este grupo ha alcanzado la categoría de culto. No exagero si digo que podría haber aparecido en “Murmur” o “Reckoning” (discos también producidos por Mitch Easter) sin problema, también en el “Liberty Belle” de The Go-Betweens, con su riff acústico y sus cuidadas armonías y melodía, esto es pura perfección pop al alcance solo de

las grandes bandas de la década. “The Real Sheila” fue el sencillo que sacaron antes del disco, lo que demuestra la fe que le tenían (por supuesto, no sirvió de nada, y Game Theory volvieron a quedarse en “oscuridad nacional”) mientras que “Chardonnay” debería haber sido el éxito que les convirtiera en estrellas. Tenía un estribillo matador, aunque en el mejor estilo de auto sabotaje de Scott Miller no sonaba hasta casi pasados dos minutos de empezar la canción. Y el estribillo explotaba, siendo el remate perfecto a esas estrofas sobre un juguetón teclado, simplemente jugando con la forma de decir la palabra del título. Por Dios, ¿cómo no fue esto un hit en medio mundo? “Mammoth Gardens”, co escrita por Miller junto a Donnette Thayer, que también se encarga de cantarla, era otro de esos momentos en los que te preguntas cómo diablos estos tipos no tuvieron un poco más de suerte.

COMO OCURRE con casi todos los discos dobles, se podría recortar hasta dejarlo en un único disco absolutamente impecable, pero el que no fuera así es parte de su encanto y lo que más me hace apreciarlo en su parte loca y experimental, esa especie de “no nos importa nada y vamos a meter aquí todo lo que queramos y más”. Si te gustan los primeros R.E.M. y los últimos Hüsker Dü, la escena Paisley Underground, el jangle pop y el rock alternativo, esta banda y este disco es una de esas joyas escondidas que hay que sacar de su relativo anonimato y reivindicar todo lo posible.

sergio ariza

TAN. CERCA.

RR “Gata Cattana. Poesía completa” es un nuevo libro que recopila en un único volumen todos los poemas de la tristemente desaparecida rapera Gata Cattana

RR “Yo solo quería escribir una canción de amor” supone el retorno a la actualidad de Zahara. Una canción que sirve de adelanto del que será su próximo larga duración a publicar el primer trimestre de 2025 bajo el nombre de “Lento Ternura”

RR Miren Iza, más conocida artísticamente como Tulsa, ha sido galardonada con el Premio Nacional de Músicas Actuales, que concede el Ministerio de Cultura, por su disco “Amadora”. Recordemos que este galardón se lo han llevado con anterioridad artistas como Joan Manuel Serrat, Silvia Pérez Cruz o Rodrigo Cuevas.

RR Derby Motoreta’s Burrito Kachimba han anunciado un elenco especial de artistas que les acompañarán el 24 de enero en el WiZink Center de Madrid. ¿Y quienes son esos artistas de los que estamos hablando? Pues nada menos que Ángeles Toledano, Anni B Sweet, Kiko Veneno, El Canijo de Jerez, Indio (Vetusta Morla), Julio Ródenas, Javi Ruibal, Álvaro Jushicú (The Milkyway Express) y Elena Gog.

RR ELYELLA y Lori Meyers han creado juntos una de esas canciones de pop y electrónica que unen ambos mundos y que te obligan a bailar. Se trata de “Tenemos la respuesta”, ya disponible en plataformas.

RR Triángulo de Amor Bizarro nunca dejan de sorprender. Ahora están celebrando su gira "XX20 AÑOS DEL TRIÁNGULO", en la que se ponen en manos del Tarot, el azar y el público para decidir qué discos íntegros tocarán en cada actuación. Tras pasar por diversas ciudades les quedan plazas importantes como Madrid (14,15 y 16 noviembre), Sevilla (23 noviembre), Zaragoza (12 diciembre), Barcelona (13 diciembre), A Coruña (20 diciembre) y una sorpresa final el 28 de diciembre. MS

Trentemøller Luz oscura

Anders Trentemøller, más conocido artísticamente por su apellido, nos atiende desde el sotano de su casa en Dinamarca con motivo del lanzamiento de “Dreamweaver” (In My Room, 24), su nuevo disco y su inminente visita a nuestro país. Carga con un resfriado que le obliga a hacer algo tan “sacrificado como descansar y estar en casa viendo Netflix”.

EN UNAS SEMANAS le tendremos en España para presentar “Dreamweaver”, un trabajo de corte onírico en el que confirma, una vez más, su sonido shoegaze, darkwave y algo de dream pop. Pero hoy empezamos hablando sobre sus nervios e inseguridades. “Siempre tengo un sentimiento

extraño antes de que el disco salga porque lleva muchos meses en mi cabeza. Me pone bastante nervioso pensar en las críticas, si la gente lo odiará o no, pero aun así yo estoy muy contento y orgulloso, y pase lo que pase seguiré estándolo”. Aunque algunos temas ya han sonado en directo en los últimos festivales del verano, el disco se presentará oficialmente en una gira europea que cuenta ya con más de treinta y ocho fechas. En ellas, el artista irá acompañado por su banda habitual, un prodigioso grupo de músicos profesionales que ya han conquistado al público en anteriores ocasiones, como en su deslumbrante paso por los conciertos de Arte.tv, con colaboración de Jehnny Beth incluida. Anders explica con mucha ilusión que celebra volver a tocar con la banda que él mismo configuró, aunque su fórmula definitiva parte siempre del trabajo individual. “Me gusta ser mi propio jefe. Soy un poco loco y controlador y me gusta estar solo, especialmente porque

“Los sentimientos difíciles son los que me parecen más interesantes de explorar”

RR The Cure publican su esperadísimo nuevo álbum “Songs Of A Lost World”. Supondrá su disco número catorce y será el primero en dieciséis años.

RR Ha fallecido Paul Di’Anno, quien fuera el primer vocalista de Iron Maiden, y una de las voces más emblemáticas de la New Wave Of British Heavy Metal. Tenía sesenta y seis años de edad y ha fallecido por causas naturales. También capitaneó proyectos como Battlezone, Killers o Warhorse.

Villagers La polilla y la luz

Al inicio del verano Conor O’Brien publicó “That Golden Time” (Domino/Music As Usual, 24), tratado de pop exquisito sobrado de argumentos musicales y esa inconfundible nostalgia irlandesa.

DESPUÉS DE PASAR por el Tomavistas en Madrid, este mes vuelve a nuestro país para actuar en Barcelona. Allí presentará el que considera su trabajo más personal.

“Lo escuché después de acabarlo y tuve la impresión en todas las canciones de que ‘el cantante’ estaba al borde del precipicio [risas]. Lo hice entero en mi apartamento de Dublín. Incluso lo mezclé. No pretendía hacerlo así, quería trabajar de nuevo con el grupo como en el último, con un técnico de verdad en un estudio, pero no fui capaz. Empecé a hacer las maquetas y dos años después se las entregué tal cual estaban al ingeniero de mastering [...] Cada trocito del disco es justo como lo pensé para cada canción en términos expresivos. Incluso las cosas que no toco. Yo estaba allí hablando con la persona y sintiendo cómo

RR La banda de kawaii metal japonesa BABYMETAL y los alemanes Electric Callboy colaboraron en ese hit de rock duro bailable y potente que es “Ratatata”. Ahora regalan un juego que ya puedes descargarte gratuitamente en ratatata.io.

RR Tyler, The Creator publica “Chromakopia”, su nuevo álbum y el primer nuevo material del artista desde “Call Me If You Get Lost” de 2021. Ha sido escrito, arreglado y producido por el propio artista.

tocaba la cuerda… Mis huellas están por todo el disco”. O’Brien admite que trabajar en solitario –aunque algunos arreglos de cuerda fueron grabados al final del proceso por músicos amigos– tiene sus pros y sus contras, pero está encantado con un álbum que nace de una necesidad profunda de reconectar con el mundo. “El punto de partida fue esta sensación de estar desorientado y perder el norte con todas estas lucecitas y pantallas que nos rodean. Empecé a pensar en ello con la idea de la polilla que de noche se cree que va hacia la luz de la luna, y acaba yendo a las luces humanas artificiales, donde perece… Me

sigo siendo un poco vergonzoso con mi música y no la enseño hasta que esté por lo menos un noventa por ciento acabada”.

ECHANDO LA VISTA ATRÁS, se podría decir que este nuevo disco es un poco ave fénix, y es que resulta que el estreno del anterior “Memoria” (In My Room, 22) fue en parte agridulce, ya que la gira se vió afectada por el fatídico Covid-19, lo que provocó una sensación de incertidumbre que podría haber acabado con el proyecto. “Fue una época muy dura. Las salas apenas se llenaron y llegué a pensar que quizás era la última vez que nos íbamos de gira. No tenía muy claro si la gente realmente querría venir a nuestros conciertos en adelante”. De aquel temor brotó un soplo de inspiración sin precedentes y al mes y medio “Dreamweaver” ya estaba escrito y listo para entrar en el estudio. Así que este resurgir de Trentemøller parte de un viaje al subconsciente, de ahí un título que hace referencia a los sueños y a la

dimensión más abstracta del pensamiento. Una vez más, una nostalgia de aspecto ligeramente gótico se apodera del aura del disco y, sin ser del todo intencionada, lo sobrevuela una sensación de extrañar a alguien amado. “Es curioso porque estoy feliz, tengo un hijo genial y una pareja preciosa, pero aun así tengo esos sentimientos escondidos en las profundidades de mi ser”. Aunque la melancolía no parece ser un terreno incómodo para el artista. “Los sentimientos difíciles son los que me parecen más interesantes de explorar. Creo que sería malísimo haciendo un tema feliz y bailable”. mirentxu palomar

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EN CONCIERTO

RR Liam Payne, uno de los miembros de la conocida banda, One Direction, falleció el pasado 16 de octubre tras caer desde el balcón de un tercer piso de un hotel en Buenos Aires, a la edad de treinta años.

RR Inger Lorre, vocalista de la banda alternativa de culto The Nymphs, falleció en octubre a causa de un cáncer. Tenía sesenta y un años y formó parte del grupo entre 1985 y 1992, y posteriormente en su reunión en 2016, además de publicar varios discos en solitario.

“Somos seres mucho más interesantes de como nos presentamos”

pareció que era una alegoría interesante, casi cristiana”. O’Brien, que en su momento estudió sociología, se empapó de filosofía –del estoicismo de Marco Aurelio al vitalismo provocativo de Nietzsche– como fuente de inspiración. Su inquietud se traslada a las texturas musicales, porque le encanta la parte técnica. “Muy a menudo cuando tengo una idea para una letra ya estoy pensando en cómo voy a producir la canción. Me encanta pensar que estas cosas están conectadas, no son artes separados”. El compositor acabó “aburrido” de la gira anterior en la que recurrieron a la tecnología para tocar en vivo. Ahora las recrean por necesidad y gusto. “Si el batería se acelera, le sigues y ya está, hay más libertad”, dice. Y se muestra “bastante optimista” con el futuro de la música. “In-

RR METZ, la banda de noise rock y post-punk originaria de Toronto, ha anunciado que se tomará un descanso indefinido tras su próxima gira europea y británica. El grupo ha publicado cinco álbumes de estudio y un recopilatorio desde que empezaron en 2007.

RR Sigur Rós anuncian una nueva gira acompañados por una orquesta de cuarenta músicos. Viajarán por Europa, Reino Unido y Asia, pero la mala noticia es que, de momento, no hay ninguna fecha en nuestro país. MS

cluso en Irlanda hay bandas que tienen la mitad de mi edad y hacen cosas muy locas que suenan muy humanas. Creo que muchos chavales se dan cuenta de la mierda de la que hablo en este disco porque saben lo que es”. jc peña

EN CONCIERTO

l Barcelona 13 noviembre. Apolo (Banco Mediolanum 26è Festival Mil·lenni)

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FOTO: PHILIPPE MAZZONI

l Barcelona 11 noviembre. Apolo l Madrid 12 noviembre. La Riviera

MONDO FREAKO

Mateo Sujatovich, más conocido por el nombre artístico de Conociendo Rusia, volverá a nuestro país para protagonizar una nueva gira de cinco fechas en las que presentará “Jet Love” (Popartdiscos Internacional, 24), un disco de canciones inspiradas en el amor a distancia.

OTRA VEZ DE GIRA por España. ¿Qué echas de menos de allí cuando estás un tiempo sin ir?

Extraño mucho la comida, que me encanta. De hecho, cada vez que vuelvo a Buenos Aires me traigo varios paquetes de jamón y de queso manchego [risas]. También extraño algunas esquinas que me gusta mucho recorrer, algunos restaurantes y por supuesto amigos que están allá y que cada vez que voy tengo la suerte de ver.

¿Cuáles fueron los highlights de tu última gira española?

Tocamos en lugares hermosos, muy hermosos. Podría decir que uno de los lugares más lindos en los que toqué en mi vida fue en Pirineos Sur, un festival increíble. Tocamos en un escenario que prácticamente estaba sobre el lago en una montaña, un lugar espectacular, para un montón de gente. Fue una noche inolvidable.

Los viajes, tanto físicos como espirituales, son la inspiración de “Jet Love”. ¿Qué te puede llevar más lejos, subirte a un avión o poner un disco inspirador? Quiero decir, ¿qué te resulta más potente, un viaje en el que se impone la lejanía física o los lugares a los que mental y sentimentalmente te puede llevar la música? Creo que la música tiene el poder de hacerte viajar en una tarde. De repente puedes viajar a otras épocas y a distintos lugares del mundo sin moverte de tu habitación. La música es como una máquina más desarrollada que un avión que únicamente puede llevarte a un destino. Te pones cuatro o cinco discos en una tarde y vas desde Led Zeppelin, en la Inglaterra de los setenta, a Billie Eilish, con quien te vas un ratito a Los Ángeles… Vas viajando por etapas de la historia y de la historia de la música y de lugares con un solo play.

El hecho de viajar haciendo lo que a uno le gusta es la fantasía de mucha gente, pero ¿es todo color de rosa cuando pasas tanto tiempo fuera de casa y estás solo?

No es todo color de rosas pero podemos

"La música tiene el poder de hacerte viajar en una tarde"

Conociendo Rusia Viaje con nosotros

decir que es un muy buen trabajo. Uno se puede quejar de cualquier cosa en la vida, pero la verdad es que el trabajo del músico, si te gusta la música que estás tocando y te gusta el grupo humano con el que estás trabajando, es un lindo modo de vivir. Por supuesto que es difícil, por el hecho de estar lejos de los seres queridos. Mantener algunos lazos importantes en la distancia me parece que es el desafío de todos los que trabajamos en este rubro.

¿Cómo crees que ha influido en el disco el hecho de grabarlo en Texas? ¿Por qué elegiste ese lugar?

Es de los estudios que más me recomendaron en estos años y teníamos muchas ganas de ir a grabar ahí. Lo teníamos como

un súper objetivo. Creo que el estudio, por ser un estudio residencial y sostener al grupo durante veinte días muy unido, además de los instrumentos que hay en él, que son increíbles, ayudaron mucho a la construcción del sonido del disco y a la personalidad.

Es tu tercera experiencia con Nico Cotton produciendo. ¿Cómo madura esa relación y qué parte de la responsabilidad del sonido de Conociendo Rusia crees que tiene?

En este último disco, su mano ha sido muy protagonista. Se puso a tocar muchísimos instrumentos... los teclados, el sonido de la batería. Creo que él tenía muchas cosas en la cabeza a la hora de entrar en el estudio

que yo no. Yo estaba más concentrado en las canciones, en terminar algunas letras, en componer más, mientras que él ya sabía hacia dónde quería llevar el sonido del disco. Y la verdad es que a mí me encantó lo que propuso.

Respecto a cuestiones de producción, ¿cómo encaraste el proceso creativo de este disco? ¿Cómo fue eso de componer en aviones, aeropuertos, buses...?

Componer en todos esos lugares es lo normal para mí y lo posible, lo que puedo hacer. Además es inspirador componer en esos lugares porque son siempre nuevos y distintos y creo que, exceptuando las composiciones con colegas, en general componer es un acto solitario y estamos hablando de habitaciones de hotel o momentos en el avión, lugares que directamente te llevan a una sensación de soledad y son buenos para componer y trabajar una canción.

El disco tiene influencias variadas y vas desde algo cercano a Calamaro al folk, sintetizadores sorprendentes... ¿Buscas las influencias, aparecen espontáneamente o simplemente afloran de tu memoria emocional y auditiva?

Creo que, sobre todo, afloran en mi memoria emocional y auditiva. Cada tanto vuelvo a escuchar discos de otros artistas que me encantan, por supuesto, y eso reaviva de algún modo su esencia en mí. Aunque creo que son ya tantos años de haber escuchado a mis referentes que se van apareciendo en mis modos y se descubren en este disco.

¿Cómo surgieron y qué tal fueron las colaboraciones con Natalia Lafourcade y Tiago Ioric?

Muy linda experiencia con ambos. Las dos fueron a distancia. Con Tiago fue muy hermoso porque fue una colaboración que se nos ocurrió ya terminando prácticamente el disco, y en general las colaboraciones tardan mucho en confirmarse o llegar al artista y por suerte con él fue súper mágico. El mismo día que se la mandamos nos dijo que le encantaba la canción y que quería grabar. En diez días teníamos su grabación y la canción mezclada. En cuanto a Natalia, ella estaba en el medio de una gira así que tardamos más tiempo en terminarla pero me contestó súper rápido también que quería cantar la canción. Cantar con ella es un sueño total, algo increíble. Es un gustazo que me di en este disco y en la vida. Así que son dos muy lindas colaboraciones de las que estoy muy contento. adriano mazzeo

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EN CONCIERTO

l Madrid 17 noviembre. La Riviera

l Barcelona 19 noviembre. Paral·lel 62

l Valencia 21 noviembre. Sala Moon

l Alicante 23 noviembre. Sala The One

l Málaga 24 noviembre. Sala Trinchera

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WALA.

WALA.

“En este momento de mi vida, me da vida salir en bicicleta, en silencio. Solo escuchando el sonido de las ruedas y el camino. Eso me da paz”

Jamie XX en Indie Rocks

“La portada del disco cuenta la historia de por qué nos llamamos Maestro Espada y se lee en el sentido de las agujas del reloj” Maestro Espada en Muzikalia

“Creo que soy una persona más triste, insegura y solitaria siendo Lara que siendo Judeline. Mi lado creativo y artístico impulsa a que mi vida tenga un poco más de color y alegría.”

Judeline en 20 Minutos “NO QUIERO CANTAR SOLAMENTE SOBRE BASURA. EL MUNDO ESTÁ LLENO DE CAPAS Y CAPAS Y CAPAS DE BASURA SIN SENTIDO. Y YO NO QUIERO CONTRIBUIR A ESO”

“Al poner en marcha mi tributo a Operation Ivy estaba aterrorizado por lo que Tim Armstrong pudiera pensar. ¡Es mi jodido héroe del punk!”

Laura Jane Grace en Spin

Amy Taylor, de Amyl And The Sniffers en NME

Camellos Familia disfuncional

Esto es una crónica, no una entrevista. Es la crónica del día que Camellos me citaron en el Museo del Jamón de Usera horas después de que su “Gran Hostal” (Ernie Records, 24) viera la luz.

FRANKIE, JORGE Y FERNANDO piden unos tercios y charlan como si no hubiera una grabadora en el medio de la mesa. Abel, el nuevo integrante del grupo, sostiene al recién nacido. Mide más de un metro y está enmarcado a duras penas: es la lámina pintada a mano que conforma la portada del elepé. Después de ver las ilustraciones de Clara S. Prous y salir pensando “Joder, qué desagradable”, y al mismo tiempo no poder apartar la mirada, decidieron que eran perfectas para Camellos. “Retrata cosas muy reales, sí, pero siempre aplicándoles un toque de feísmo. Va muy casado con nuestro estilo”. Y si empiezo a hablaros sobre “Gran Hostal” por su fachada (esas “situaciones delirantes” que ilustran cada single) es para que os dé tiempo a coger aire. Porque dentro del disco no huele a rosas precisamente. “Creemos que está bien mostrar cosas que no son tan sumamente triunfadoras. ¡Parece que solo podemos hablar de lo triste que estoy porque me han dejado, o de lo bien que me

va en la vida!”. Desde la elección de “hostal” y no “hotel” (“el hostal tiene menos categoría, y nos gusta jugar con esa gracia de las cosas no ostentosas”) hasta los personajes alojados, variopintos como ellos solos, todo contribuye a su concepto de álbum “costra”: “Escuece y gusta como arrancarse un padrastro. ‘Gran Hostal’ es lo que hay debajo”.

SACO EL TEMA de uno de los huéspedes más rancios, “Juan In The Middle”. Les pregunto cómo surge esta canción. Que cómo NO iba a surgir esta canción, replica Jorge. Juan “el middle man” es “esa típica persona que tiene por lo general un puesto más alto que tú, y seguramente un sueldazo, y que no sabes qué hace en la empresa”. Esa gente que se dedica a “marear el Excel o a pasar bolas como si estuvieran en un partido de tenis. ¡Me hierve la sangre!”. Por eso fue sumamente fácil escribirla, explican. Es una de esas pistas que terminará siendo insignia del grupo, y que, de haberse lanzado unos años atrás, habría formado parte de “la gran batalla de Camellos”. “Al principio nos comparaban con grupos como Mama Ladilla y, a día de hoy, la gente nos sigue queriendo meter en el saco del humor”. Pero están consiguiendo ganar esta reyerta. “Recientemente estamos consiguiendo que la gente entienda que sí, que estamos para pasarlo bien, pero que también intentamos meter un mensaje en las canciones”.

Ese es uno de sus objetivos, señalan; el otro, seguir haciendo música sin morir en el intento. Llevo unos escasos quince minutos con ellos y ya han repetido varias veces que en la banda no funcionan las cosas del todo como deberían, pero al final acaba saliendo bien. “Somos un poco disfuncionales como banda y en nuestras vidas, pero bastante felices”. El universo les pone tropezones, pero “todo acaba caminando solo”, ni ellos saben muy bien cómo. “El secreto es no dormir”. Ejemplo claro: la colaboración en “1900” con Marina de Repion, entregada por los pelos, unas horas antes de mandar a masterizar el álbum completo. “Repion es un grupo que admiramos mucho”, y después de que en La Riviera de 2022 la vocalista los acompañara en algún tema, tuvieron claro que “eso había que grabarlo”. “Marina sabe cantar algo de OT y bordarlo, y después algo de rock y hacerlo también genial”. Puestos a hablar de colaboraciones, curioseo sobre por qué en este, después de tres discos con escasos featurings (solo uno, con Josele Santiago), les ha dado por hacer “tantas”. “¡Los nuevos C. Tangana!”, comentan entre risas. “Literalmente el disco estaba hecho y de repente salió el tema de ‘Oye, ¿y si hacemos colabos?”. Un telefonazo a Biznaga, Perro y la mencionada Marina de Repion y ya estaba el nuevo “El Madrileño” montado. “Eran propuestas que, como casi todo en Camellos, tienen un

“Somos un poco disfuncionales como banda, pero bastante felices”

punto de hacerlo todo solo con gente de confianza”. De hecho, había una cuarta colaboración que se quedó en el tintero al ser imposible cuadrar horarios, confiesan: Alcalá Norte. Bandas como la de los de “La vida cañón” son las que coronan sus playlists ahora. “Actualmente hay un nivelazo de bandas que flipas. Ahora todo el mundo tiene una calidad muy superior a la de hace diez años, pero en la creatividad… Ahí sí que veo una falta”. Nombran grupos como CORTE!, Nerve Agent, Pantocrator o Tetas Frías, en los que coinciden todos, pero pronto alguna pullita sobre escuchar a Bob Dylan y a Nickelback cruza la mesa. En este ambiente de concordia piden otra cerveza. Yo dejo de grabar para limitarme a disfrutar del ingenio de estos “storytellers de barrio”. El resto de noche disfuncional se queda solo entre El Museo del Jamón y nosotros. mara gómez

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EN GIRA

l Madrid 16 noviembre. Teatro Barceló

l Valencia 29 noviembre. Sala Moon

l Murcia 30 noviembre. Sala REM

l Tarragona 20 diciembre. Sala Zero

l Zaragoza 21 diciembre. zaragozafelizfeliz

l Málaga 31 enero. Sala Marte

l Palencia 07 febrero. Universonoro

l Segovia 08 febrero. WIC

l Sevilla 21 febrero. Sala Malandar

l Almería 08 marzo. Sala Berlín

TOP VÍDEOS.

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Biznaga

La gran renuncia

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El artista gráfico aragonés conocido como Grey Trash se encarga de dirigir este explícito clip para Biznaga, dando rienda suelta a su desbordante sentido del humor y toda su mala leche contra ese capitalismo repleto de ratas.

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Kaytranada Witchy (feat. Childish Gambino)

2Interesante clip el que nos muestra esta colaboración entre Kaytranada y el gran Childish Gambino que, cómo no, deja su huella con esos pases de baile que son ya marca de la casa.

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Maika Makovski Hunch Of The Century

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Maika Makovski nunca deja a nadie indiferente y sabe cuidar al detalle cada paso que da para dotarle de esa aureola arty que tan bien domina. Este clip es una nueva y magnífica muestra de ello.

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Arde Bogotá La Torre Picasso

Aitor Guerrero, director y animador de la productora Hautsa Gara, sale muy airoso del reto de ilustrar la fábula de La Torre Picasso adentrándose en un paisaje apocalíptico de lo más hostil. iLe Me hiciste quedar mal

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Muchos hemos fantaseado alguna vez con usar a la persona que nos ha roto el corazón como si fuera un saco de boxeo. Pues bien, iLe lo lleva a la práctica es este clip para su nuevo single. MS

Soundgarden

"Superunknown" o el canto del cisne del grunge

Si el pico comercial del Grunge y el Rock Alternativo se sitúa entre la aparición del “Nevermind” de Nirvana, el 24 de septiembre de 1991, y la muerte del tipo responsable del mismo, Kurt Cobain, un 5 de abril de 1994, entonces los dos discos principales de Soundgarden; que junto a los propios Nirvana, Pearl Jam y Alice In Chains, formaron el póker principal de bandas más exitosas de Seattle; se encuentran al principio y al final del mismo.

“Badmotorfinger” apareció solo dos semanas después de “Nevermind”, alcanzando la onda expansiva de su éxito, se coló en el Top 40 del Billboard en febrero de 1992, aunque sin alcanzar las cotas de éxito de las otras tres bandas. Algo que cambiaría con “Superunknown” que apareció un 8 de marzo de 1994, justo un mes antes de que el cuerpo de Cobain se encontrara con un tiro autoinfligido en la cabeza. Eso sí, para ese momento “Superunknown” ya habría debutado en el número uno de las listas, imponiéndose al “The Downward Spiral” de Nine Inch Nails, en un momento en el que el Grunge ya estaba perdiendo la batalla de las listas contra el R&B, el Pop y el Rap, los géneros que iban a tomar el relevo del rock como música más popular a finales del Siglo XX.

La banda grunge por excelencia

Tiene su lógica que los dos grandes discos de Soundgarden sirvan para encuadrar el pico del género, porque si existía una banda de las cuatro grandes que mejor ejemplificase el ethos de un género con límites tan amplios eran ellos, aunque supuestamente si el grunge era una mezcla entre espíritu punk y riffs hard rock y metal, Soundgarden estaban mucho más inclinados hacia lo segundo, siendo los parientes más cercanos de Black Sabbath que residían en Seattle. Si el ADN de la banda se encontraba a medio

camino entre la privilegiada garganta de Chris Cornell y los riffs esculpidos en piedra de Kim Thayill, con “Superunknown” abrieron las puertas para que se colaran otras influencias más amplias, permitiendo mucha más libertad a los compositores de las canciones, algo de lo que haría buen uso el principal de ellos, un Cornell que entregaría la canción por la que iban a ser siempre recordados, un tema que no sonaba tanto a Ozzy y compañía sino a otros ingleses todavía más famosos. También cambiaron a su viejo colaborador tras la mesa, Terry Date, por el productor Michael Beinhorn, que había grabado un par de discos con los Red Hot Chili Peppers. En “Superunknown” Soundgarden deja de lado su vena más pesada y dura para adoptar un estilo más psicodélico y con ramalazos pop, aunque eso no quiere decir que no siguieran sonando tan potentes como siempre, además de contar con varias canciones en tempos extraños que, sin embargo, no suenan raros al oído del que las escucha lo que demuestra que la banda de Seattle era un combo casi tan bien engrasado como Led Zeppelin.

Black Sabbath, Led Zep y los Beatles

Para este disco su espectro se amplió, con nombres como los Beatles saltando a la palestra, como se puede escuchar en “Black Hole Sun” o “Head down”, sin olvidarse de los potentes riffs, deudores de Zeppelin y Sabbath, que llenan “Spoonman”, “Let Me

Drown” o “The Day I Tried to Live”. Lo bueno es que Soundgarden se distinguían del resto de imitadores de Zeppelin y Sabbath en que sabían sonar a sí mismos, construyendo canciones en vez de fangosos ejercicios de estilo en los que es imposible encontrar una melodía o un propósito. Además se sigue notando la influencia más grunge y alternativa, de grupos como Mudhoney, The Melvins, Green River o incluso Sonic Youth. Aunque, evidentemente, la sombra de los de Page y los de Iommi sigue siendo fundamental. Líricamente es un disco con una atmósfera opresiva, sombría y pesada, tratando sobre temas oscuros inherentes al grunge, como el suicidio, las drogas, la depresión... Todos los temas tienen ese aire turbio que luego estalla en un arrebato de emoción. A ojos actuales se podría ver con cierto sarcasmo ese estado de ánimo depresivo general, esa contradicción entre cantar en una banda de rock, convertirse en estrella del rock y luego rechazar ese papel. Pero la voz de Cornell es tan potente que todas sus palabras suenan sinceras, es una voz que duele mucho más por cómo lo canta que por lo que canta en sí.

Repaso canción a canción

El disco se abría con “Let Me Drown”, construida sobre un riff épico, pero es que luego se acelera la canción y Cornell demuestra que tiene una de las voces más privilegiadas de su generación. El puente ya demuestra que este disco no va a ser tan unidimensional como sus pasados trabajos. “My Wave” era más punk rock, construida sobre un riff de acordes, aunque con un ritmo más pausado y stoner, hasta llegar a un estribillo extrañamente adictivo. Mientras que “Fell On Black Days” era una de las grandes canciones de la banda, una especie de medio tiempo tocado en un extraño tempo de 6/4. Riffs pesados y oscuros y la sombra de Black Sabbath que aparecía en “Mailman”, una canción hipnótica y cercana a Kyuss y el Stoner Rock. Mucho mejor era la canción titular, un trallazo en el que la voz de Cornell vuelve a llegar a sitios increíbles. “Head Down” veía a la banda abriendo nuevos horizontes sonoros, una especie de canción psicodélica pero de mal viaje de ácido. Entrábamos en la mejor parte del disco, la que lo hacía distinto y especial,

llegaba “Black Hole Sun”, la canción más exitosa de su carrera, una que sonaba como si los Beatles irradiaran malas vibraciones en vez de buenas, un oscuro presagio de tormenta, que sonaba a mal augurio. “Spoonman” seguía demostrando que estaban de dulce con otro riff para enmarcar para otra canción increíblemente contagiosa a pesar de estar en otro tempo extraño, en este caso 7/4. En “Limo Wreck” vuelven a sonar amenazantes y pesados, cercanos al sludge metal, con un Cornell en increíble forma. “The Day I Tried To Live” fue otro de los míticos sencillos del disco, donde mejor conjugan la fiereza de sus riffs con la vocación más melódica, nuevamente construida sobre otro tempo medio imposible, en esta ocasión a 15/8. Con “Kickstand” vuelven al punk, eso sí punk tocado por músicos capaces de meterse en riffs medio imposibles y con un cantante con mucho más en común con Robert Plant que con Johnny Rotten. En “Fresh Tendrils” volvían a inspirarse en los Zeppelin más psicodélicos. Con “4th Of July” regresaban los ecos Stoner, es una de las mejores canciones de esta segunda cara, con Cornell doblándose la voz. Sonaba a profecía del Apocalipsis. “Half” fue la canción que menos amor despertó, por lo general, con sus aires orientales. Eso sí, servía de preludio al magnífico final con “Like Suicide”, una canción que resumía a la perfección el malestar general del disco y de toda una generación, y que Cornell escribió después de que un pájaro se estrellara contra una ventana de su casa.

NO FUE EL FINAL DE LA BANDA pero sí el momento en el que alcanzaron su cúspide. El proceso de grabación de su siguiente disco, “Down On The Upside”, sería el clavo casi final en su ataúd con un Thayil, en particular, resintiéndose de que su papel en el grupo se redujera, ya que Cornell quería aligerar las cosas. Eso sí, la banda volvería a reunirse en 2010 para grabar un último disco que tampoco alcanzó la brillantez de su obra maestra, antes de que Cornell siguiera los pasos de Cobain y terminara suicidándose en 2017.

NO SÉ SI SE PUEDE CONSIDERAR a “Superunknown” el canto del cisne del grunge o ese título habría que dárselo a “Mellon Collie and the Infinite Sadness” de los Smashing Pumpkins, un disco mucho más variado por otra parte, pero lo que sí que es, sin lugar a dudas, es la cúspide de la producción de Soundgarden y una obra maestra del Hard Rock que ayudó a revitalizar el género. sergio ariza

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39/Mondo VINILOS

Jamie XX lo vuelve a hacer

Jamie XX In Waves Young/Popstock! 8

ELECTRÓNICA / “In Waves”, el nuevo disco del también integrante de The xx, llega nueve años después de “In Colours”, uno de los discos que definieron la electrónica y la música de baile a mediados de la década pasada. Una creación directa desde la pista de baile para la pista de baile: “In Waves” no existiría sin las raves, sin todos esos años como productor que le han curtido tras pausar el proyecto de banda, sin haber recorrido tantas discotecas en las que encontró inspiración. Una de sus primeras canciones, “Treat Each Other Right”, se convierte en una de las más bailables incluyendo la voz de Almeta Lattimore en “Oh My Love”. El esperado retorno de los tres miembros de The xx llega con “Waited All Night”, con las voces de Romy y Oliver Sim. Una reminiscencia a sus tiempos juntos y en la que los dos

cantantes vuelven a tomar protagonismo bajo las directrices productoras de Jamie. “Baddy On The Floor”, junto a Honey Dijon, es el tema de la noche, el punto álgido en que se puede imaginar al público bailando sin parar en un club. Tras ese momento extasiado, la conexión con la comunidad: “Dafodil” brinda momentos casi oníricos de la mano de las colaboraciones con Kelsey Lu, John Glacier y Panda Bear. “Still Summer” es un regalo a las noches de verano, a aquellas llenas de fiesta y poco sueño, no saliendo del club hasta que sale el sol. En “Life”, el productor suma a Robyn y hace justicia a esa relación de amistad tan estrecha con la artista sueca. Sin embargo, The Avalanches lidera las colaboraciones con “All You Children”, banda de la cual ha sido fan desde adolescente y con la que ya había participado en el tema “Wherever You Go”. Aludiendo al sentimiento de bailar en grupo, la astucia de Jamie xx ha recaído en dar la importancia que se merece a la música en una pista de baile, algo que sus fans habían echado tanto de menos. Su inmensa búsqueda y maestría para componer música han alineado una madurez artística que traspasa fronteras estilísticas. Para Jamie xx, salir a bailar nunca fue tan liberador. karen montero

León Benavente Nueva Sinfonía sobre el caos Laventura

POP ROCK / Muchas cosas le han pasado al cuarteto en estos últimos años: entre ellas, paso a la autoproducción y cambio de management. Conscientes de que no tiene sentido quedarse quietos y menos ahora, Abraham, César, Eduardo y Luis sintetizan su carácter apostando abiertamente por la electrónica, con su solidez contrastada, aunque algún corte algo menos inspirado. Es un largo camino que viene de “Vamos a volvernos locos” (19), se refinó en “ERA” (22) y aquí culminan. En poco más de media hora, con canciones de vitalismo desafiante, en las que su vena de kraut rock se empasta de manera visceral con sintetizadores futuristas y bajos electrónicos. Una declaración de intenciones bajo la producción de Martí Perarnau IV (Mucho), cuya mano se nota, aunque no entierra la personalidad del grupo ni los textos de Boba, llenos de ironía inteligente.

jc peña 7 7

The Offspring SUPERCHARGED Concord/ Music As Usual

PUNK ROCK / Tres años después de dejarnos claro que su regreso no era un paso en falso, The Offspring vuelven a demostrarnos su buena salud con “SUPERCHARGED”, un vitamínico cancionero con el que los de Dexter Holland recurren a los trucos de siempre para sonar como nunca (“Make It All Right”). Contagiados por la sobrevenida inyección de juventud del recién llegado Brandon Pertzborn a la percusión (“Come To Brazil”) y con el objetivo de disipar cualquier acuse de desgaste, los californianos nos proporcionan en cada uno de sus nuevos envites una síntesis efectiva de lo que supone estar ante un disco suyo. Ni excesivamente reiterativos (“Light It Up”) ni incrédulamente inventivos (“Get Some”), nos dan lo que nos prometen con un undécimo álbum que supone una irrebatible respuesta para quienes cuestionen el sentido de seguir escuchándoles a día de hoy. fran gonzález

MONDOVINILOS

The Smile y la heterodoxia

The Smile Cutouts XL/Popstock!

ROCK / Últimamente, un servidor se pregunta si en algún momento se va a detener el grifo de la inspiración de Thom Yorke y Johnny Greenwood. Ya no se trata sólo de que hace poco más de medio año que nos regalaron una pieza discográfica con la enjundia de “Wall Of Eyes”, sino que, ahora, su continuación llega en un tiempo record, como si hubiéramos vuelto a la década prodigiosa de los años sesenta. Artefactos como este tercer largo del grupo emerge con entidad totalmente propia. No en vano, en esta decena de canciones, podemos rastrear espasmos de electrónica cubista en el primer tramo de “Don’t Get Me Started” y en “Foreign Spies” asoma la belleza abisal capaz de levantar

Burial. De hecho, algo hay de lo que Yorke hizo con Burial hace tres años en esta pieza cuasi ascética, ideal para entender el grado de ingravidez emocional que son capaces de tejer las también cabezas pensantes de Radiohead. Hay algo en su capacidad para fusionar ritmos lentos con rápidos que desarma a través del fantasioso crisol de texturas que Greenwood es capaz de desplegar a lo largo de unas canciones encadenadas a una dualidad central: beats espasmódicos junto al golpe de batería humana ejecutado por Skinner. Porque, al fin y al cabo, lo que representa este trabajo es una máxima que los Yorke y compañía están desplegando desde que se sacaron de la manga The Smile: fundir futurismo y clasicismo instrumental desde una perspectiva en la que el pop es fruto de un modélico trabajo de heterodoxia. Una que antepone siempre el alma a la forma. Y que en esta nueva demostración de marciano post-punk progresivo vuelven a alcanzar cotas inquietantes de humanidad que suenan a pura supervivencia.

SOUL / No lo tenían fácil para este nuevo disco. Koko-Jean Davis y sus chicos debían comprobar cómo iba a afectar en estudio la sustitución de un medio tan esencial como el batería Anton Jarl. Pero si Jarl fue el mejor batería que The Tonics pudieron tener en su momento, Marc Benaiges (The Excitements, Fundación Tony Manero o Nación Funk) es el mejor que pueden tener en la actualidad. Porque su forma de tocar, más enfocada al funk, es sin duda clave para entender el sonido de la banda en este “Love Child”. A eso sumemos que la rotundidad y la fiereza de una frontwoman como Koko se mantiene intacta. Producido por el francés Arnaud Fradin, que parece haberle cogido al grupo el punto al sonido de la banda, el rhythm & blues, el soul y el gospel se desparraman a borbotones por unas canciones que pueden pasar por el mejor catálogo del grupo.

eduardo izquierdo

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The Hard Quartet The Hard Quartet Matador/ Popstock!

INDIE ROCK / La nueva formación compuesta por Stephen Malkmus (Pavement), Jim White (Dirty Three), Matt Sweeney (Chavez, Zwan) y Emmett Kelly (The Cairo Gang) destila naturalidad y cierta despreocupación. Unas cualidades determinantes en el resultado final y que, en realidad, resultan escandalosamente familiares. “The Hard Quartet” luce sin disimulo como un revival de los noventa, con Sonic Youth, Polvo, Sebadoh, Dinosaur Jr, Guided By Voices, The Apples In Stereo o los propios Pavement supurando sin medida a lo largo de todo el minutaje. Los componentes de The Hard Quartet rinden, de este modo, su particular tributo a los noventa en lo que, en ocasiones, deriva en (merecido) auto homenaje. En el extremo opuesto, y también como consecuencia directa de esta bien controlada relajación, está el ofrecernos un exceso de piezas que acaban por menguar la euforia inicial.

raúl julián

Koko Jean & The Tonics Love Child Buenritmo

POP / Los álbumes póstumos deberían prohibirse. Una maniobra de marketing para generar beneficios de su legado. Pero hay excepciones. Y este es el caso del disco homónimo de Sophie. Después de su inesperada muerte en 2021, la pionera, compositora, productora, DJ y activista por los derechos trans dejó un vacío latente. Ahora podríamos bailar con ella una última vez, lástima que la euforia inicial quede descolorida. Si somos justos, no deberíamos analizarlo desde la perspectiva sonora de 2024. Pero lo que hay, es lo que es. En poco más de una hora, nos sumergimos en una oscura pista de luces de neón. Abstracto a veces, y destellantemente pop en otros, exprime un espíritu marcadamente club. Bubblegum pop jugando a favor de patrones techno, como en “Berlin Nightmare”. O ese “crear el pop más brillante, luminoso y fuerte que se pueda”, como en “Exhilarate”, “White Lies” o su tema junto a Hannah Diamond. eva sebastián

Bridges Leon Columbia/

POP / Con una premisa sencilla, pero no exenta de corazón, Love Of Lesbian festejan su unidad a través de un nuevo larga duración repleto de entrañabilidad, poesía, amistad y sentimientos a flor de piel en el que impera el deseo de demostrarnos que, contra viento, marea y sus más de dos décadas en activo, el amor mutuo que estos cuatro amigos se profesan sigue moviendo montañas. Acompañados de una pulida producción con sello de Falkner, Santos y Fluren y junto a una extensa lista de colaboradores (Amaral, Leiva, Jorge Drexler, Rigoberta Bandini o Zahara), la banda convierte su décimo álbum en su trabajo más colaborativo hasta la fecha y logra bajar su discurso a lo concreto y lo prosaico, conscientes de no necesitar de metáforas maximalistas ni símiles desmesuradamente sagaces para alcanzar su fin: celebrar por todo lo alto que siguen en pie y que nosotros podemos presenciarlo. fran gonzález

Çantamanta Pasarela Rimas Entertainment

top 10 .

NACIONAL INTERNACIONAL

1 La Sra. Tomasa 1040

2 Camellos Gran Hostal

3 Ángeles Toledano Sangre Sucia

4 Carlangas Bailódromo, Vol. 1

5 Pau Vallvé Agorafília

6 La Inquisición Mundo Invisible

7 Niño De Elche Cante a lo gitano

8 Dan Peralbo I El Comboi Dan Peralbo i el Comboi

9 La Habitación Roja Crear

10 Cápsula Primitivo Astral

SOUL / En ocasiones, la línea que separa lo excelso de lo simplemente aburrido, puede resultar muy fina. Y eso es justo lo que sucede con “Leon”, el cuarto disco del texano Leon Bridges. Que aspiraba a dejar huella y acaba durmiendo a las ovejas. Y lo peor de todo, es que no es la primera vez que le sucede a lo largo de su carrera. Algo que enciende las luces de avería de su dulzona propuesta soul para todos los públicos. “Leon” es un álbum en el que se ha buscado en exceso la elegancia. Tanto, que uno acaba por añorar mucho los dos epés que Leon Bridges realizó junto a sus paisanos Khruangbin. Y no porque estos no resultaran de igual forma elegantes, aunque de distinto modo. Porque una cosa es sonar bien y otra es rodearte de una producción tan pulida y anodina que acaba por estropearlo todo. Justo lo que le ha sucedido con el tándem de productores Ian Fitchuk y Daniel Tashian. don disturbios

POP / Lo que se deja reposar siempre sabe mejor. Çantamarta, que han tardado tres años en lanzar “Pasarela” —su álbum debut—, lo saben bien. Tras cinco años sacando sencillos y con un EP en el mercado, la banda se ha atrevido a estrenar el primer largo de su carrera desde el lugar romántico de quien solo se atreve a crear un disco cuando todo cobra su debido sentido. “Pasarela” es un álbum lleno de matices cuidados hasta el extremo. Las canciones esconden un cóctel extraño de estilos y sonidos que, en principio, no deberían sonar juntos, pero que crean melodías exquisitas. Con los ritmos caribeños como base, Çantamarta incorporan muchos elementos de lo electrónico y lo flamenco en un trabajo arriesgado, pero muy eficaz. Tambores dignos de una procesión andaluza, rapeos de la Venezuela más urbana o cánticos indígenas convierten a este “Pasarela” en un álbum inclasificable. joan sánchez

7

8

1 Jamie X X In Waves

2 The Smile Cutouts

3 Cumgirl8 the 8th cumming

4 Geordie Greep The New Sound

5 Touché Amoré Spiral in a Straight Line

6 Blood Incantation Absolute Elsewhere

7 Floating Points Cascade

8 Fantastic Negrito Son of a Broken Man

9 The Linda Lindas No Obligation

10 Coldplay Moon Music

The New Raemon y McEnroe Nuevos bosques Cielos estrellados

INDIE FOLK / Tienen mucho en común, pero son complementarios. Y creo que esa es la clave para que la alianza entre Ramón Rodríguez y Ricardo Lezón depare discos tan bien trabados. Ocho años después de “Lluvia y truenos” (16), llegan trece nuevas canciones (tres más en la edición en vinilo que valen mucho la pena) que reinciden en ese equilibrio entre lo acústico y lo eléctrico, entre lo personal y lo colectivo, siempre desde una intimidad que suena sincera. Brota incluso una veta synth pop, casi bailable (aunque digan bailar en la siguiente, en la serena “El saltillo”), en una canción como “Viernes noche”. Hay mucho lirismo, finura y oficio en estos cuarenta y cuatro minutos grabados en los estudios Nautilus con la producción de Jordi Solans y el propio Ramón y la participación de gente de confianza como David Cordero, Leia Rodríguez, Ricky Lavado y Marc Clos. Una entente que es más que suma de sus partes. carlos pérez de ziriza

6

Charli XCX Brat and It’s Completely Different But Also Still Brat Atlantic

POP ELECTRÓNICO / A estas alturas, con “Brat And It’s Completely Different But Also Still Brat” siendo el tercer lanzamiento relacionado con “Brat” en lo que llevamos de año, queda claro que el álbum de Charli XCX es, más que un disco, un fenómeno cultural, una especie de saga o movimiento que se ha apoderado de la conversación en el mundo del pop y con el que todos quieren estar asociados. El caso es que el disco está bien pero puede que no sea esa nueva obra maestra que se esperaba cuando los dos primeros adelantos se convirtieron en la mejor canción de todo el proyecto, la colaboración con Lorde, y la más popular, por lo menos en Spotify, la colaboración con Billie Eilish. Las dos funcionaban tan bien que parecía que íbamos a tener otro contendiente a disco del año, pero el resto del material es mucho más irregular. En definitiva, un disco de remixes original que complementa a la perfección el fenómeno “Brat” sergio ariza

Leon

Sony

MONDOVINILOS

Touché Amoré buscan nuevos caminos

Touché Amoré Spiral In A Straight Line Rise Records

POST-HARDCORE / Touché Amoré se han consolidado como una de las bandas más influyentes del post-hardcore de la última década. Tras más de quince años de carrera y el lanzamiento del gran “Lament” (20) en plena pandemia, el quinteto de Los Ángeles regresa con “Spiral In A Straight Line”, su sexto disco de estudio producido por el mítico padrino del nu metal Ross Robinson y lanzado esta vez con el respaldo de Rise Records. Aunque el primer adelanto del disco titulado “Nobody’s” (previamente estrenado en directo en el Outbreak Fest) dejó una sensación agridulce por ser bastante plano, y “Hal Ashby” un poco más de lo mismo, la energía y el característico sonido de los californianos vuelve de golpe con “Disasters”, un tema más crudo y directo, y se mantiene en “Mezzanine” (evocando a “~”

7

Vacaciones Permanentes Vacaciones Permanentes Everlasting Records

ROCK / Intenso, excesivo o desquiciado serían términos que definen a la perfección el debut de Vacaciones Permanentes, proyecto liderado por el salmantino Iván Andrén consagrado a la actualización de sonidos clásicos como el blues, el garage o el psychobilly. Con un cariz contemporáneo a la par que atemporal, con pocos mimbres logra acelerarte el pulso en la menos de media hora que dura un disco que se va expandiendo en cada escucha como una bomba de racimo, revelando matices que la intensidad del primer impacto no deja apreciar. Porque, aunque se trata de un álbum cohesionado y coherente, de sus surcos brotan múltiples maneras de acercarse al mismo objetivo –conseguido– de sonar clásico y moderno. Con referentes como Suicide, The Cramps, los The Black Keys de antes o los Guadalupe Plata de siempre, el hilo conductor de estos ocho temas radica en la intensidad de la ejecución. Un disco que no deja indiferente. edu cornejo

del “Parting The Sea Between Brightness And Me”), en los geniales medios tiempos de “Altitude”, “This Routine” o en la descarnada y sensible “Finalist” confirmando que el grupo todavía está en plena forma. Con Lou Barlow de Dinosaur Jr. y Sebadoh en la reposada y atmosférica “Subversion” o la genial Julien Baker (solista y también parte de Boygenius) colaborando en el gran cierre “Goodbye For Now”, en la que hay tanta tralla como emo-

8

Thurston Moore Flow Critical Lucidity Daydream Library Series

ROCK / Es evidente que, a estas alturas, Thurston Moore disfruta de absoluta libertad para hacer lo que plazca en el plano creativo. Entre otras cosas, porque esa anarquía artística ha guiado toda su carrera, desde los tiempos de Sonic Youth y en un movimiento que clave para asegurarse ese título de icono del noise y la experimentación que todavía luce en la actualidad. El nuevo trabajo en solitario del de Florida es un explícito compendio de ese don compositivo carente de límites, concretado en siete piezas de diferentes direcciones, texturas y duraciones. Un proceso empírico que, en destino, adquiere la forma de inquietante disco en el que sumergirse una y otra vez con la intención de dejarse seducir por vaivenes sonoros que van del krautrock al indie de los noventa, con la figura de John Cale en el fondo. Un álbum con preferencia por los medios tiempos que, en cualquier caso, emana la esencia misma del músico. raúl julián

8

tividad, también salen a flote algunos momentos de ligera reinvención que no perjudican en absoluto su esencia y energía. Aunque hay indicios de un posible giro hacia algo más calmado en un futuro, Touché Amoré siguen firmes con la aparente promesa de mantener su vigorosidad durante todavía muchos años con un Jeremy todavía ansioso y desconsolado llevando los sentimientos a flor de piel. jaime tomé

Drug Church Prude Pure Noise Records

ROCK / Grabado y producido por su amigo Jon Markson, con el que han grabado sus últimos discos, “Prude” supone otra colección de canciones agresivas pero melódicas con unas letras cargadas de cinismo y una pizca de misantropía. Así, mientras en “Demolition Man” envidian la simplicidad de la existencia de los perros, en “The Bitters” cargan contra todos aquellos miserables que celebran el error del prójimo y en “Business Ethics” relatan la historia real de un tipo que se inventó un secuestro para obtener dinero rápido para drogas. Que nadie espere lecciones o moralejas, aquí solo encontramos retratos de perdedores, historias de una sociedad rota y enferma en canciones como “Mad Care”, “Slide 2 Me”, “Myopic”, “Hey Listen” o “Yankee Trails”. ¿Unos Pixies haciendo hardcore?. Lo cierto es que ahora esta comparación se queda muy corta. Y es que la banda demuestra aquí tener una propuesta única. luis benavides

ROCK / Pese a ciertos esfuerzos valorables en su afilada producción, a “Darker White” se le complica trascender lo vulgar. Más allá de que aquí la actitud no se negocia y esto se plasma en cada uno de los furiosos pero pegadizos temas. La escucha sucesiva de ideas harto gastadas –algunas usadas hace más de veinte años por RATM, Linkin Park, P.O.D. o Hed(pe)– se vuelve sumamente cansina. Pero si pensamos en las intenciones del trabajo, es posible que la cosa sume algún punto: a la altura de la mitad del disco, en la que “Swing” impregna actitud al ADN del álbum, la cosa queda definida frente a un interrogante ¿para qué es bueno “Darker White”? Pues funcionará para hacer ejercicio, para musicalizar un pre concierto, en TikToks de acción o como soundtrack de tienda de skate de centro comercial ¿Es eso suficiente para recomendarlo? Probablemente no, pero está claro que potencial tiene, raro, pero lo tiene. adriano mazzeo

Fever 333

Darker White Century Media

METAL / “Foundations”, el nuevo EP de Serj Tankian, el multidisciplinario cantante de System Of A Down lo vuelve a colocar dentro de algunas de las coordenadas que hicieron que su voz se vuelva un elemento distintivo de la escena del metal alternativo de finales de los noventa. Esta nueva colección breve de canciones se ubica en el “costado visceral” del catálogo del armenio. Yendo a lo musical en sí, “Foundations” entrega una acertada cuota de dinámica. Las canciones pertenecen todas a un universo definido, pero que esto no significa que todas suenen igual, por el contrario, la escucha completa es excitante y al finalizar quedan ganas de más. Tankian dispensa momentos de frenesí delirante los SOAD más bestias, deja caer su influencia por el metal clásico y los machaques sofocantes, baja el tempo pero no la intensidad, se viste de concientizador y da un outro épico con vocalizaciones extremas. adriano mazzeo

Muerdo Sinvergüenza Altafonte

Manu Chao: el retorno de un mito

MESTIZAJE / Hay ocasiones en la que resulta necesario dejarse de apariencias y arrasar con todo. Olvidar las vergüenzas, las falsedades y las opiniones de otros y confiar en la verdad. Eso es lo que ha hecho un Muerdo en calzones, despojado de toda fachada, con el lanzamiento de “Sinvergüenza”, su sexto álbum de estudio. Tras “La Sangre del Mundo” (21), un disco lleno de sonidos chamánicos y electrónicos, Pascual Cantero vuelve a sus raíces. Y lo hace de la mano de Fernando Illán, ganador de dos Grammys Latinos, quien viste las once canciones del disco con un estilo mestizo inteligentemente tejido. Muerdo se vale de los sonidos del Caribe, de la música afrolatina, combinada con la sonoridad mediterránea del sur de España para ser fiel a su verdad a ritmo de rumba, de son cubano o de balada. Un trabajo que llega a su clímax con “Sinvergüenza”, tema que cuenta con la colaboración del mítico artista cubano Elíades Ochoa. joan sánchez

Manu Chao

Viva Tu El Volcán 7

MESTIZAJE / La gran pregunta que surge al escuchar “Viva Tu”, el primer disco de Manu Chao en diecisiete años, es ¿por qué ha vuelto al estudio después de tanto tiempo? La respuesta perfecta hubiera sido que tiene algo nuevo que decir, o por lo menos en la forma de decirlo, y le apetece, que se ha visto inspirado por sus múltiples viajes y va a emprender un nuevo camino, uno que siguiera a la espectacular coctelera musical que fue Mano Negra o a ese cantautor de la ‘world music” que conocimos con “Clandestino” (98). Era evidente que no nos íbamos a reencontrar con el Manu Chao ‘patchankero’ de “Puta’s Fever” (89), ahora que el hispano-francés cuenta con sesenta años, ese es un Manu que hace tiempo que se perdió en estudio pero quizás se podría esperar algún cambio más con respecto de aquel díptico formado por “Clandestino” y “Próxima estación: Esperanza” (01), que ya

era básicamente el mismo disco, por lo menos, otros ritmos, otras sorpresas... Pero no, “Viva Tu” es un disco continuista, ritmos sencillos basados en el reggae, la rumba, la bossa, pero en el que no se nota ese parón de diecisiete años para nada y hace que podamos pensar que, quizás, la respuesta a la gran pregunta sea esa que deja caer Peter Culshaw en ‹El País›: «Tal vez necesite el dinero y por eso ha sacado el disco. Tiene una relación compleja y neurótica con el dinero. ‘El dinero es la raíz de todos los males’, dice, pero el dinero también compra la libertad, que es muy valiosa para él”. Aquí vuelve a lidiar con los temas que siempre le han preocupado rodeados de la música (en solitario) que le hizo famoso. Hay dos opciones a la hora de recibirlo, la primera, más amable, es estos temas me resultan familiares, es como reencontrarse con un amigo después de mucho tiempo. La segunda, más pesimista, sería algo así como esto ya lo he escuchado y quizás no hacían falta diecisiete años para escuchar “Clandestino III”. No lo sé, el caso es que si te gusta Manu Chao, como es mi caso, el mundo es un poquito mejor pudiendo escuchar trece nuevas canciones suyas después de tanto tiempo, aunque este nómada en lo vital se haya vuelto sedentario en lo musical. sergio ariza

Maestro Espada y el clasicismo moderno

Maestro Espada

Maestro Espada Sony Music

FOLK ELECTRÓNICO / Los hermanos Alejandro y Víctor Hernández tienen ya un recorrido en la escena electrónica y como músicos tanto en solitario como girando junto a Guitarricadelafuente. Para su debut como entidad creativa han enrolado a Raül Refree, inquieto artista-productor que aporta valor añadido a aquellos proyectos en los que se involucra siempre a fondo. El amplio currículum del barcelonés junto a Lee Ranaldo, Rosalía, Albert Pla o Silvia Pérez Cruz habla con elocuencia de una amplitud de miras que se amplía ahora con este trabajo singular, que puede ser un hito. La implicación de Refree alcanza aquí también la parte instrumental. Confiándose a su visión sonora, los murcianos bucean en su memoria y sus raíces recuperando su infancia y una imagen mítica de su tierra, entre cantares huertanos, parrandas y cuadrillas. Alejados de

una perspectiva académica, tienden puentes de ida y vuelta entre tradición y vanguardia. En un momento en que demasiadas veces se reivindica el presente denostando el pasado como universo apolillado de gente menos lista y más pobre que nosotros (la soberbia de los nuevos ricos), ellos recuperan tiempos, sonoridades, estructuras y emociones de hace siglos. Pero llevándolo todo al presente y el futuro de forma evocadora y también romántica. Resulta inevitable pensar en magistrales ejercicios de síntesis que se han hecho por aquí de un tiempo a esta parte, pero es de justicia reconocer la singularidad de este trabajo: “Maestro Espada” –con la melancólica y maravillosa canción como eje– va en una dirección distinta en cuanto al ropaje instrumental; es un austero collage de samples, voces e instrumentos, percusiones imaginativas e incluso guitarras distorsionadas, resuelto con valentía y acierto. Maestro Espada y Refree sintetizan la electrónica y los instrumentos acústicos formando un todo sólido. Entre la desnudez y la densidad sombría, las doce composiciones, muchas veces inspiradas en obras populares del pasado, nos llevan de la mano a un viaje que reivindica de forma elegante un cancionero hecho de susurros y sugerencias. jc peña

INDIE POP / Más expansivo y puro que sus predecesores, “My Method Actor” nos muestra a una muy introspectiva Nilüfer Yanya capaz de sumergirse ahora en territorios del todo reflexivos e insulares, con el objetivo de formularse preguntas hasta la fecha inéditas en su registro. Con Will Archer como único colaborador y escribiendo desde una perspectiva casi conceptual, la británica se vale del símil entre la figura del actor de método y el músico para hacer balance de lo que su vida artística ha supuesto y dedicarle una carta de amor profundo a la profesión. De la mano de una singular honestidad destinada a dejar huella en su presente y comenzar a condicionar su futuro, el tercer disco de Yanya supone el tipo de progresión al alza que cabría esperar de una cantante innovadora y atrevida como ella, siempre capaz de darle una vuelta de tuerca más a su propuesta y seguir cautivándonos.

maite aparicio

8

The Linda Lindas No Obligation Epitaph

PUNK POP / Cuando en 2021

The Linda Lindas se volvieron virales con “Racist, Sexist Boy” su batería tenía solo once años. Desde entonces han recibido los elogios de Tom Morello, Flea o Thurston Moore, han sido teloneras de Bikini Kill, Green Day, Smashing Pumpkins o The Rolling Stones. Ahora vuelven con su segundo disco, “No Obligation”, cuando tres de sus cuatro componentes siguen en el instituto, demostrando que contemplar su crecimiento es igual de emocionante que escuchar su trepidante música. Se podría decir que esto es una especie de mezcla entre las combativas letras y música del movimiento riot grrrl y las melodías más pop punk de bandas como Green Day. Su música es a la vez contundente y fácil de digerir, una especie de golosina para tapar el olor de los primeros cigarrillos a los padres. Un disco burbujeante, refrescante y adictivo, con mucho encanto y una gran colección de estribillos. sergio ariza

Nilüfer

Yanya My Method Actor Ninja Tune

Coldplay, el optimismo por bandera

Coldplay Moon Music Parlophone

POP / “Moon Music” es la canción más bonita que ha escrito Coldplay desde sus primeros discos. Aquel momento en que Chris Martin y los suyos siquiera soñaban con ser una banda de estadios. Todos a mi cuello. Vale, pero “Moon Music”, que da nombre a su nuevo trabajo, es una travesía apacible que desemboca en una melodiaza. ¡Está hecha junto a Jon Hopkins! Debe inspirarle también a él la banda británica, pues hacía mucho que el productor no transitaba el formato tres minutos. Hay muchos que han dejado de amar a los de Martin desde que se separaron de la senda de sus primeros álbumes. Desde que se subieron a las modas, se les fue de las manos la pretensión o amasaron éxitos en los más variados géneros. La realidad: sin todos esos virajes, Coldplay no podría haber hecho cuatro fechas seguidas en Barcelona. Y es

Thom Archi Co(m)ping Esmerarte

ELECTRÓNICA / El compositor y productor británico afincado en Pontevedra Thom Archi se estrena en formato largo con un álbum en el que distinción, vanguardia y diversidad van de la mano en un trabajo hipnótico y poco menos que majestuoso. El artista se mueve entre la inquietud y la solemnidad, creando pasajes activos en unos tonos de blanco y negro muy específicos y que alcanzan hasta la misma portada. Diez temas de visión creativa poliédrica, en los que maneja tiempos y texturas con un olfato y seguridad no tan habituales en un debutante. Media hora remarcada por un sonido impecable, con unas sonoridades desarrolladas con sedosidad entre electrónica, hip hop, trip-hop e incluso algo de post-punk. Todo amparado por una refinada capa de oscuridad, en una obra en la que cabe localizar influencias de Massive Attack, Tyler, The Creator, Tricky, James Blake o Thievery Corporation. raúl julián

un momento de balance. Tienen todos los hits del mundo para crear un setlist histórico. Pero deciden volver a las canciones sencillas. Este es un largo lleno de canciones. De vaivenes vocales de Chris Martin, de estribillos dulzones, de cuerdas. Incluso de armonías a la The Beatles (“All My Love”). Y de alguna que otra colaboración, tampoco demasiado altisonante, en equilibrio con el conjunto, como las de “We Pray”. Es que hasta las más horteras, como la setentera y funk “GOOD FEELiNGS” o la altermundi “One

8

Ezra Collective Dance, No One’s Watching Partisan

JAZZ / Ezra Collective nos llevan por un camino de desinhibición cultural. Abrazando raíces africanas y sintiendo el ritmo de Occidente, la banda londinense se quita el polvo y hace valer su posicionamiento como grupo que está logrando descontracturar al conservador mundillo del jazz. Como su título expresa, en este álbum el baile es Dios. Sorprenden unas composiciones rebosantes de energía y desparpajo, lejos del perfil cool y sofisticado marca de la casa. El afrobeat toma la parada en “Ajala” y en “The Herald”. “Hear My Cry”, “Expensive” y “Shaking Body” van incluso más allá tomando elementos de lo afrocubano (¿Alguien dijo Gloria Stefan?) y hasta haciendo recordar a las fanfarrias de los equipos de fútbol de Sudamérica. Así es como Ezra Collective se muestran en el momento más álgido de su carrera, fieles a sus principios y rompiendo algunos prejuicios al mismo tiempo. Y sonando cañón como de costumbre, claro. adriano mazzeo

7

World”, funcionan. Pese a Max Martin, productor entre muchísimos otros nombres de Katy Perry, Avril Lavigne o Pink, todo es más comedido de lo esperable. Tiene además sus incógnitas. Sus rinconcitos. Como esa medio ambient “Arcoíris” (realmente, un emoji de arcoíris por título; ya saben, no siempre Coldplay puede escapar de ser Coldplay). Y por supuesto, momentos AOR que ya estaban en directo, y que sobre pletina son deliciosos: dígase “iAMM”. yeray s. iborra

Soul Asylum Slowly But Shirley Blue Elan Records

ROCK / Que nadie busque en este disco a los Soul Asylum de “Grave Dancers Union” (92) ni canciones como “Runaway Train” porque se va a llevar un chasco. Aquí lo que vamos a encontrar a la banda de Minnessota cerca de sus más crudos inicios y de discos como “Made To Be Broken” (86) o “Hang Time” (88). Hay poca dulzura y suavidad en estas canciones, y por contra mucho desgarro. Dedicando su título y su portada a Shirley “Cha Cha” Muldowney, una pionera de las carreras de coches y una debilidad de su líder Dave Pirner, nos lo ponen fácil abriendo con una de las mejores canciones del lote, y quizá la que más recuerde a sus momentos de éxito multitudinario, la infalible y guitarrera “The Only Thing I Missing”. Además marca el tono que va a seguir el conjunto. En cualquier caso, el disco es disfrutable y además nos devuelve a una de esas bandas a las que uno le tiene cariño por lo que fueron y también por lo que no llegaron a ser. eduardo izquierdo

8 Niño de Elche Cante a lo gitano Sony

FLAMENCO / Niño de Elche cierra su trilogía flamenca con “Cante a lo gitano”. Catorce piezas en las que traspasa y se deja traspasar por el repertorio del mítico Manuel Torre, cantaor expresionista y dionisíaco, desgarrado, oscuro y doliente. De la “Farruca Asturgalaica” junto a la gaita de Andrés Rodrigues, a la “Ppppppppetenera” experimental con Ylia a la electrónica o la “Saeta de los golpes” con las percusiones de Eric Jiménez; y completando, dos mano a mano con voces imprescindibles, la más timbrada y melismática de la genial Rocío Márquez, bordando junto a Paco los vibrantes “Fandangos Abandolaos” y la garganta áspera y densa de Perrate de Utrera en una descarnada “Seguiriya de la casa” que corta la respiración. Y aunando estos renovados cantes, la guitarra maestra de Yerai Cortés, gitana y austera para la ocasión, mientras el Niño de Jerez y el de Elche, surco a surco, se encuentran, pierden y transforman. david pérez

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.LOS DISCOS DE MI VIDA.

Exsonvaldes

EN CONCIERTO

l Bilbao 14 noviembre. Azkena l Oviedo 15 noviembre. Sala Gong l Valladolid 16 noviembre. Festival Tonal l Madrid 17 noviembre. Sala El Sótano

Hace unos meses, Exsonvaldes estuvieron presentando “Maps” en Valencia, Zaragoza, Sevilla y Madrid con una excelente respuesta por parte del público. Ahora completan la gira del disco volviendo una vez más a nuestro país.

(Simon Beaudoux) Es uno de los primeros discos que recuerdo haber escuchado junto a “Imagine” de John Lennon y “Radioactivity” de Kraftwerk. Formaba parte de la colección de vinilos de mis padres. Yo debía tener unos ocho o nueve años y a esa edad no sabía nada sobre ellos, sobre su historia o sobre que fuese el último disco del grupo. Solamente sabía que era un disco muy extraño, bonito y soleado.

(Simon Beaudoux) Junto a “Nevermind” de Nirvana, este fue el disco que me hizo querer escribir mis propias canciones. Nunca había escuchado nada así antes. Eran una banda de Hawai que, sorpresivamente, tocaba música lenta y triste que mantenía una tensión que solía resolverse de una forma preciosamente violenta. Eran muy intensos. No está disponibles en las plataformas de streaming (aunque puedes escucharlo en Youtube).

Green Day Dookie (1994)

(Martin Chourrout) Siempre he sido un gran fan de las melodías vocales. Nunca estuve interesado por los arreglos complicados, por lo menos por aquellos días. Por eso “Dookie” me representa: grandes melodías sobre unas guitarras distorsionadas y una base rítmica muy enérgica. Nada más, ni nada menos.

Nirvana In Utero (1993)

(Martin Chourrout) Podría escribir algo parecido sobre “In Utero” y “Dookie”. “Dookie” es divertido y brillante, mientras que “In Utero” es rabioso y oscuro. La misma simplicidad pero para conseguir algo opuesto. Y además está Dave Grohl a la batería por encima de todo el resto.

(Antoine Bernard) Siempre he sido un gran fan de Pearl Jam y, entre todos sus discos, este es especial. Supuso su paso del grunge a algo diferente, influido por el pop, el folk... Recuerdo el impacto que me causó cuando tenía catorce años y escuchaba fundamentalmente grunge y metal. Sigo escuchándolo de vez en cuando y lo tengo en distintos formatos.

Wolfgang Amadeus Phoenix

(Antoine Bernard) Phoenix son una gran influencia para mí y este disco es una obra maestra por la calidad de sus composiciones, por la profundidad de la producción del gran Philippe Zdar. Incluso sus directos de aquella época eran perfectos. ¿Quién no ha bailado y cantado a gritos “Lisztomania” o “1901”? MS

Phoenix

(2009)

Pearl Jam No Code (1996)

Chokebore Black Black (1998)

The Beatles Abbey Road (1969)

48/Mondo Media

El rock es un juego duro

De Jackie Fox sabemos que fue miembro de las rockeras The Runaways y que ha trabajado como abogada de grandes celebridades en Estados Unidos. Pero lo que no sabíamos es que su enorme afición por los juegos de mesa la ha llevado a crear “Rock Hard 1977” (Devir, 24), un juego de tablero en el que seguirás todos los pasos para llegar al Olimpo del Rock en Los Ángeles.

QJACKIE FOX “

UIENES NO LA HAYAN seguido de cerca dificilmente sabrán de la conexión de Jackie Fox, quien fuera bajista adolescente en las primeras The Runaways y posteriormente abogada de celebridades, con el mundo de los juegos de mesa. Así que, para ellos, “Rock Hard 1977” –que publica Devir– será una sorpresa todavía mayor. Un juego de tablero entre el eurogame y los temáticos en los que deberemos dirigir a nuestro grupo hasta la cima del rock’n’roll... Es decir, la realidad aunque ambientada en el momento en el que Fox abandonó The Runaways. Pero vayamos al principio. Fox lleva desde pequeña jugando, pasando de los juegos de cartas a los videojuegos, de los videojuegos a los juegos de mesa y así hasta hoy. Un hoy que nos brinda un board game que permite vivir la experiencia de cualquier grupo rockero que quisiera triunfar en Los Angeles de 1977. “El juego está ambientado en 1977 por distintas razones. Por un lado, fue un año mágico en el que afloraron todo tipo de estilos musicales al mismo tiempo. El rock clásico, el punk rock, el protometal, el funk, la disco music... Fue un gran momento musicalmente hablando. Pero ambientarlo en los setentas también simplificaba el juego porque era más fácil definir cómo funcionaba la industria en aquel momento. Ensayabas, tocabas en clubes, grababas una ma-

queta, te hacías con un manager y fichabas con una discográfica. Empezabas a hacer entrevistas y te construías una reputación. Contratabas a tu equipo y girabas. Por la noche salías a tomar algo con tus amigos y conocías gente que podía ayudarte en tu carrera. Estabas de fiesta. No te tenías que preocupar por las redes sociales o por hacer bailecitos o por la descarga pirata de tus canciones. Las cosas eran más simples. Todo el resto puede convertirse más tarde en expansiones o en nuevos juegos en el mismo universo que este”. Obviamente, atendiendo al pasado de Fox, es evidente que habrá mucho de su experiencia vital en “Rock Hard 1977”. “Hay una parte muy importante de mí en este juego, especialmente los textos de ambientación, así que en ese sentido te contestaré que sí. Pero al mismo tiempo, cuando lo juego, estoy pensando en estrategias y tácticas; sobre lo que mis oponentes van a hacer. ¿Es mejor intentar pararles o me centro en mis propios planes? ¿Queda alguna carta de Eventos en el mazo que puede llevar al traste mi estrategia? ¿Puedo quedar con alguien que pueda ayudarme con mi carrera o tengo que irme a dormir pronto para ser el primero al día siguiente?...”.

TRASLADAR UNA AVENTURA así y las sensaciones que puede generar a un

“1977 fue un año mágico en el que afloraron todo tipo de estilos musicales al mismo tiempo”

tablero lleno de fichas y cartas suena complicado, pero parece que no lo ha sido tanto. “No lo ha sido porque he dedicado la mayor parte de mi vida a la industria del entretenimiento y la conozco muy bien. Y gracias a la interrupción por la pandemia pude dedicarle un año extra al juego. Quería que todo funcionara perfectamente”. Por si no hubiera suficiente, “Rock Hard 1977” aparece bajo la etiqueta Devir Iberia, una editorial independiente de juegos de prestigio mundial. “Devir no fue una elección inmediata porque la mayor parte de sus juegos son independientes del idioma y parte de la gracia del mío es el humor y los juegos de palabras. Pero después de jugar ‘Lacrimosa’ ví que tenían tanto temas variados como diseñadores diversos. A eso hay que sumarle que también tenían algunos de los mejores componentes de todo el mundo de los juegos, así que pensé que le harían justicia a los amplificadores que yo tenía en la cabeza como tableros de jugador. Les envié un resumen y lo cierto es que no esperaba que me contestasen, pero lo que yo no sabía es lo mucho que le gusta el rock’n’roll a la gente de Devir. Así que finalmente resultó ser el match perfecto”. ¿Y qué nos puede contar Fox de su

Los juegos favoritos de Jackie Fox

Juegos duros:

“Lisboa” y “Twilight Struggle”

Juegos medios:

“Dune: Imperium”, “Los viajes de Marco Polo” y “Obsession”

Juegos ligeros:

“Hardback”, “So Clover!” y “Just One”

Juegos party:

“Wavelength” y “Blood On The Clocktower”

Juegos en solitario:

“This War Of Mine” y “Arkham Horror: LCG”

trabajo con Jennifer Giner, la artista que ha plasmado sus personajes sobre el cartón. “Devir buscaron cuatro diseñadores interesantes y me preguntaron cuáles podrían ser mis dos favoritos. Jennifer fue una de los dos que elegí. Creo que su trabajo es muy bonito y al mismo tiempo ha creado unos personajes realmente sexy, con lo que tengo claro que entendió desde el principio lo que quería”.

TENIENDO EN CUENTA que Fox es una jugona empedernida, le pregunto sobre qué juego le ha servido de referencia a la hora de crear el suyo. “¡Mi vida es la principal referencia! Creo que tomé la inspiración de ‘Abomination: The Heir Of Frankenstein”’ (19) que tiene algunos mecanismos y componentes que me gustan mucho y además el tema y las mecánicas encajan perfectamente. Quería que mi juego tuviese el corazón del estilo de los eurogames de estrategia pero con la parte divertida de los americanos, con los giros rápidos y con el que te interese lo que tus oponentes están haciendo durante la partida”. joan s. luna

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CINE Y SERIES

NO SERÉ YO QUIEN REAFIRME que “Joker: Folie à Deux” es una mala película; de hecho, no lo es. En otra ocasión me limitaría a argumentar que el imaginario cinematográfico estadounidense está agotado, pero, justamente tras presenciar la secuela, me veo obligado a no hacerlo. Todd Phillips regresa con una propuesta que vuelve a enfrentar a la sociedad ante sí misma, desafiando sus concepciones por medio de un ensayo fílmico en el que la interacción con el espectador es tanto activa como directa. El neoyorquino busca generar, nuevamente, un diálogo que invite a la audiencia a cuestionar no solo la narrativa, sino también su propia percepción del mundo. Hablando en plata: a pesar del discurso político-social que intenta articular, el filme se siente más como un

Joker: Folie à Deux

Todd Phillips

compendio de ideas interesantes mal ejecutadas que se quedan cortas ante las expectativas desencadenadas por su predecesor. Para empezar, Phillips y su fiel Scott Silver optan por alejarse de la introspección silenciosa que convirtió al villano en antihéroe hace cinco años, invitándonos a una continuación completamente opuesta en su naturaleza: musical, ruidosa y grandilocuente. Aun así, es encomiable que la humanización del protagonista se mantenga. Por otro lado, la llegada de Harley Quinn, interpretada por Lady Gaga, no acaba de cuajar. Se coge con pinzas. Más que nada porque, además de presentar una caracterización contenida, plantea interrogantes sobre si era realmente necesario incluirla en la narrativa; ¿locura para uno y medio? abel olivares

TRAS LA MALA FORTUNA de algunos biopics musicales estrenados este año, “Kneecap” se siente verdaderamente como disfrutar de un exquisito maná en medio de un desértico peregrinaje. Para la cinta inspirada en la vida de este joven trío irlandés (retorcida hasta ser convertida en una ficción adulterada pero deliciosa), Rich Peppiatt recurre a un maravilloso juego de espejos, a caballo entre la meta-realidad y la fantasía, a fin de distinguirse de sus parientes cercanos y no caer en los vicios sobre-expositivos y cargantes de cualquier biopic al uso. A golpe de visiones ketamínicas, poesía urbana en cuadernillos y oscurísimas bromas anti-británicas, la banda (interpretada por sus propios miembros en un arriesgado y sorprendente ejercicio actoral) nos sumerge en su particular espiral de drogadicción, reivindicación

PROBABLEMENTE HAYAS OÍDO hablar ya de “La sustancia”, película protagonizada por Demi Moore que se llevó el Premio al Mejor Guión en el pasado festival de Cannes. Resulta curioso el apetito del certamen francés por las alegorías ultraviolentas sobre la cosificación del cuerpo femenino o la tiranía de la imagen a través del subgénero del body horror: ahí quedan ruidosos y estimulantes precedentes como “Neon Demon” o “Titane”, vistos también en Sitges, un hábitat a priori más natural para este tipo de propuestas. La última cinta de Coralie Fargeat, que ya en Sitges 2017 ganó el Premio a la Mejor Dirección con la notable “Revenge”, es una sangrienta sátira sobre la dictadura heteropatriarcal del entretenimiento y sus exclusivos cánones estéticos, que relegan al ostracismo

Kneecap

lingüística, hostilidad política y conciertos desmadrados, logrando así que entremos sin cuestiones en su caricaturizada realidad y en su inmisericorde imaginario a la Irvine Welsh. Lo demás, como se suele decir, es historia: la de una banda dispuesta a convencernos de la importancia de su empresa y destinada a poner en el mapa su lengua materna como pocos artistas se han atrevido antes. Lejos de tratarse de un vacuo capricho nacionalista, “Kneecap” logra ir más allá de las lindes propias de su género y resignifica con devoto cariño un sentir compartido por millones de voces silenciadas. Si todavía queda alguien preguntándose por qué una formación tan joven se ha ganado ya los honores de protagonizar su propia película, el visionado de la misma responderá a cualquier duda. fran gonzález

La sustancia

Coralie Fargeat

a todas aquellas mujeres que no se ajusten a la edad y medidas requeridas. Una de estas víctimas subyugadas por los imposibles cánones imperantes posee en “La sustancia” los rasgos de una exultante Demi Moore, quien interpreta aquí a una actriz de Hollywood en la cuerda floja a quien la industria empieza a dar la espalda. Conviene no desvelar mucho de una historia dividida en tres capítulos desiguales pero interrelacionados hasta el último átomo y cuyos ciento cuarenta minutos fluyen como la hemoglobina: a raudales. Un potente artefacto visual en el que Fargeat invoca al Cronenberg más explícito, en un juego de espejos entre belleza y monstruosidad que arranca de forma inevitable la sonrisa –y la náusea– del espectador. david sabaté

TRAS DEBUTAR con una espectacular acogida crítica en “Las Niñas”, Pilar Palomero entregó hace un par de años “La Maternal”, con la que se fue de vacío en los Goya pese a ser (en mi opinión) bastante mejor que su debut. Al menos sí que se vio reconocida en el Festival de San Sebastián de ese año, donde Carla Quílez, su joven protagonista, se llevó la Concha de Plata a Mejor Interpretación (junto a Paul Kircher de “Winter Boy”). Y es en esta edición del Festival de San Sebastián donde Palomero presenta su tercera película, “Los Destellos”, que diríamos más cercana a “Las Niñas” que a “La Maternal”, y a su vez distinta a ambas desde el minuto uno por la edad de su protagonista. Esta vez no tenemos niñas ni adolescentes en primer plano, sino una mujer ya asentada en

los cuarenta interpretada por Patricia López Arnáiz, a quien acompañan Marina Guerola como su hija, Antonio de la Torre como su exmarido y Julián López como su pareja actual. Basada en “Un corazón demasiado grande”, relato de Eider Rodríguez, “Los Destellos” llegó a la directora propuesta por el productor Fernando Bovaira, “pero no lo sentí como un encargo, porque la hice muy mía, rodé en el pueblo de mis padres”, según contaba recientemente. En ella, vemos cómo Isabel decide cuidar a su exmarido, enfermo terminal con el que tiene una relación a priori bastante tensa, para intentar quitarle esa carga a su hija y que ésta se concentre en sus estudios. La interpretación de una inmensa López Arnáiz y la fotografía resultan lo mejor de “Los Destellos” pablo tocino

Scream Queer 2

Javier Parra Dos Bigotes 8

Ni caso a los que dijeron que las segundas partes nunca fueron buenas. Hay algo profundamente esperanzador en la óptica desde la que Javier Parra enfoca el ensayo sobre cine. Desde el primer vistazo a su contraportada hasta el punto y final de su última página, “Scream Queer 2” propone una Historia del cine en primera persona, una geografía cinéfila en la que la periferia artística se pone al servicio de las identidades periféricas. Parra vuelve a confirmar que el cine de terror es esencialmente queer en una secuela que —como ocurre con las buenas secuelas— eleva al cuadrado las intenciones de su predecesora. “El futuro será queer o no será”, defiende el autor mientras ayuda con sus líneas a que el presente ya lo esté siendo. daniel grandes

Dirty Deeds –Actas profanas–Mark Evans Libros del Kultrum

7

En ocasiones puede dar la falsa sensación de que en AC/DC las aguas siempre han corrido tranquilas de puertas adentro. Pero son documentos como este repaso a sus primeros años, firmado por Mark Evans, quien fuera su bajista entre 1975 y 1977 para posteriormente tener las puertas cerradas para siempre en el universo de los Young, que demuestran lo contrario. Apenas tenían veinte años –excepto Bon Scott, que rozaba la treintena–, pero el choque de personalidades ya estaba ahí. Con los Young o contra ellos. Cerveza, rock duro, centenares de conciertos, sexo, discusiones, sudor, humo, más cerveza y –sorpresa– mucho humor a lo largo de trescientas y pico páginas. Si adoras al grupo, la diversión está garantizada. ismael ochoa

Vida de un pollo blanquecino de piel fina Andrés Pérez Perruca

Jekyll & Jill

Imaginativo, docto, pormenorizado, evocador, descacharrante, tierno, vigoroso, emocionante. Puedo agotar el arsenal de calificativos y aún así me quedaría corto. El batería del Gusano Loco (me encanta que se llamaran así a sí mismos) despliega un amplísimo repertorio de habilidades narrativas –hay más de quinientas notas a pie de página, 859 páginas– a lo largo de sesenta y siete capítulos que se corresponden con todas y cada una de las canciones que el glorioso cuarteto maño grabó entre 1993 y 1999. Si añoras la irrepetible alquimia que brotaba cada vez que Sergio Algora, Sergio Vinadé, Mario Quesada y Andrés Perruca se juntaban sobre un escenario, este es tu libro. Es lo más parecido a revivir aquella experiencia. Esa misma magia. carlos pérez de ziriza

tal vez

En el mundo del terror, como en cualquier otro género literario, es de apreciar que aparezcan voces personales o por lo menos cuyo universo escape de los tópicos más usuales. Por eso debemos siempre apoyar firmas que aporten, que sean capaces de acongojarnos como es debido. Que no sean un ejemplo más de esa truculencia de best seller con tintes de factura en cadena. Si queremos que nos hagan sentir mal, incluso miserables, será de otro modo. Del modo en el que, por ejemplo, lo consigue el húngaro Attila Veres. “Negro tal vez” recoge relatos –doce en total– procedentes de “Escuelas de medianoche” (18) y “La restauración de la realidad” (22) que pueden ir del terror existencial al horror cósmico, del urbano al rural, siempre con excelente estilo. joan s. luna

Dulces tinieblas Vehlmann y Kerascoët Norma Editorial 9

No podemos juzgar un libro por sus tapas. Tampoco un cómic. Y una buena muestra es “Dulces tinieblas”, una bella y desconcertante fábula que podría definirse como un cruce entre cuento de hadas y “El señor de las moscas” de William Golding. Fabien Vehlmann nos propone en “Dulces tinieblas” una lectura, inquietante desde las primeras páginas, que retuerce los tópicos. En este cuento cruento y tenebroso, las princesas son vanidosas y desalmadas; los príncipes no son valerosos; los animales, que se comportan como animales, no hablan; y esa naturaleza, que siempre se presenta como un oasis idílico, es despiadada y amoral. Una fábula en la que no existe ninguna moraleja.

laura madrona

Raíces de ginseng

Craig Thompson Astiberri 9

Que nadie se acobarde por estas más de cuatrocientas páginas, porque la lectura es siempre ágil. A lo largo de ellas, volvemos a encontrarnos ante el mejor Craig Thompson (“Blankets”, “Adiós, Chunky Rice”) retratando su infancia y las vidas de sus padres y hermanos, relacionando todo ello con, precisamente, las raíces de ginseng, cultivo del que depende en buena parte la economía de Wisconsin. En un momento dubitativo (¿vale la pena seguir luchando tanto para ganarse bien la vida con el cómic?), la mejor opción para Thompson ha sido volver al principio, agarrar con fuerza sus raíces y tirar de ellas, como si fuesen esas de ginseng que dibuja como graciosos duendecillos del bosque. Y la jugada le ha salido mejor que bien.

joan s. luna

Furiosa

Geoffroy Monde y Mathieu

Burniat

Norma 7

El mítico y legendario Rey Arturo está viejo y alcoholizado. Su hija Ysa quiere escapar de un matrimonio concertado con un viejo barón mientras que la mítica espada forjada por Merlín se aburre en palacio; así que ambas deciden huir del reino en busca de la hermana mayor de Ysa, quien ya había huido mucho antes. Ese sería, más o menos, el argumento de “Furiosa”, una historia que ofrece una lectura irreverente de algunos mitos de la Edad Media y, de paso, una original trama sobre el empoderamiento femenino. La espada habla, lo cual no deja de resultar curioso, pero también intenta manipular mentes. El humor de estilo manga de Monde y al desenfadado y juvenil dibujo de Burniat encajan a la perfección, incluso cuando llegan los momentos de madurez. jordian fo

Vivian Maier. En la superficie del espejo

Paulina Spucches Garbuix Books

7

El cómic acerca al lector la personalidad misteriosa de la fotógrafa Vivian Maier, con muestras destacadas y representativas de su obra y también algunos pasajes de la vida de la francesa-americana, ya sean estos reales, adornados, o directamente imaginados por parte de la autora. Paulina Spucches reúne todas estas particiones, manteniendo una estructura interesante que en la práctica funciona con agradecida sencillez visual y estructural. La parisina parte de una fotografía tomada por Maier para elucubrar con la historia escondida tras la misma. El mismo argumento sirve a la dibujante cuando se trata de despejar retazos acerca de la vida de la protagonista, en un puzle bien diseñado que, en conjunto, haría las veces de biografía ligera. raúl julián

Negro

Attila Veres

Sexto Piso

PODCASTS

A Tres Bandas

Aitor Carrasco e Iñaki Beruete

“A Tres Bandas” es un pódcast presentado por dos músicos (ambos militan en Hiri Galduak) con charlas mayoritariamente con otros músicos, pero desde una perspectiva muy abierta y, como ellos mismos dicen, con muchas ganas de aprender. Por su podcast ha pasado también gente de la industria musical y los medios de nuestro territorio para charlar sobre sus trayectorias. Ahora bien, recientemente han decidido darle un pequeño giro al programa para hablar sin ningún tipo de pretensiones sobre influencias musicales. ¿Y con qué músicos charlan? Pues Iñaki y Aitor han tenido largas conversaciones –algunas en euskera, cuando los artistas proceden de Euskadi– con Mourn, Viaje a 800, Heal, Viva Belgrado, Fin del Mundo, Blowfuse, Marta Movidas, The Secret Society y muchos otros. martí viladot 7

Asier Serrano, capo del webzine cultural dod Magazine, ha optado por darle una segunda vida a su marca abrazando el formato podcast como complemento de su actividad por escrito. Dentro de su “dod Cast” encontramos “La Primera Vez”, una suerte de subprograma en el que su voz conductora enfrenta a una retahíla de preguntas basadas en sus vidas profesionales y personales a diferentes personalidades del sector de la cultura. Cómo conocieron a sus compañeros de banda, los motivos por los que esa canción ocupa el primer puesto en el tracklist de su disco, cuál fue su primer instrumento o a quién fueron a ver en concierto por primera vez son solo algunas de las líneas recurrentes y atemporales con las que Asier pilota este dirigible en el que cualquier voz con una buena historia tiene sitio. maite aparicio 7

ESPECIALES WEB

Sigur Rós

“Ágaetis byrjun”, el disco que inauguró el Siglo XXI, abriendo nuevos caminos a la música pop. “No pretendemos convertirnos en superestrellas ni millonarios. Simplemente vamos a cambiar la música para siempre, y la forma en que la gente piensa sobre la música. Y no creas que no podemos hacerlo, lo haremos”.

Películas para Halloween

Bien entrado el otoño, esta época desprende un aire distinto; el paisaje se tiñe de un color rojizo anunciándonos, entre otras cosas, el inicio de Halloween. Por la razón que sea, aunque esta festividad importada se enfrenta constantemente a otras tradiciones autóctonas, celebrarla con un maratón de películas de terror es ya costumbre.

Alcalá Norte

Comida de barrio, menú del día a día con el ritual báquico con el que los de Ciudad Lineal celebran sus canciones. Echamos a los fogones relatos de Ernst Jünger salpimentados por los delirios de Torrente y con esa receta en la que Suneo descifró ingredientes como The Cure y Burning. Álvaro y Barbosa pillados con las manos en la masa. Para chuparse los dedos.

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La Primera Vez dod Cast