Nº 177 MONDO SONORO OCTUBRE 2010

Octubre de 2010 nº 177

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

TOTEKING

LA LENGUA MÁS LARGA

JOHN GRANT

A CORAZÓN ABIERTO BEST COAST

ETERNO VERANO DOTORE

POP DE CÁMARA OJOS DE BRUJO • THE POSIES • PETER HOOK • GRINDERMAN • DEPEDRO • JULIO DE LA ROSA • LA DÉBIL • FRED I SON • MORNING BENDERS !!! (CHK,CHK,CHK) • STAY • KIM LENZ • EELS • MONOCULTURE • MURDERDOLLS • GECKO TURNER • RODRIGO CORTÉS • DANIEL CLOWES ToteKing Foto Diego Rodríguez

www.mondosonoro.com

a m d i t n n a s í ’ n i e e d u h r c q e i o F n n z U a n l n U n Fra igue co a n M S y

han d se la n a de rdin z Fe orados ciones n a r a d F ses sya actu y coce exitoso de sus saltos s s e s s a s o ca l n lo á eso upos m cada u nrisas, bien, po r o p eso o lo to, s so s gr ora s jus o de lo nal. Por altan la itos. Ah cia com á e o n r n u nd of éx cio ega ista l mu rtido en interna s que n randes ta d s despl ados r o o e g l c a i conv ndenc igos en ono sus verles a aprano afortun che e m p ís 0 e no xK a e tre do al un ndrás d de Ale e a 1.20 ás una ind n e te nt an tos sta jam upo a fie es cant ractivas ’s. El gr lable fre idarán as de es os n u c at es vo ique unk bai e no olv gonist e clásic s tan s de l Un a mile nidade Migue post-p aga) qu os prot ritmo d “Darts l l u n e t á al a d e r é”, opo antea S de hits tián y M n Kean brincar Matine l o r l s e r p a e a que u arsen an Seb ado fue nte pod e Of Th d S s s i a , a t S o tod rcelona el año p er exci e Dark h i as Ba t”, “T (en pecial. S vez va u O e ta es tan rtos, es “Take M o e i conc nos com er mod

E

en idos 4), u l c ”, in 200 allen and” ( F e h n o “T z Ferdi ranz rls” ítica i n G a ht: F lico y cr ou Fr g “ Y i : o n s r me púb “To ”, “N t To les álbu 005) y xito de rtido po n a e ada ou W ncia r” (2 ico é onv Do Y y refere Bette autént se ha c e la déc lo “ , ” h el sd ure ticos go un Muc su s tivo r lar fue s leas Of P s fantá ve It So que ya u prime resenta eses y a y Franz o ,s un tre ld Ha nd rep do coc sus 9). A licación s más u s es an pasa ofrecie to 0 o o l 0 C o a b 2 y c ( u “Yo nand” de su pu los dis tapultó s años h atices nte aten e i a m o d c o d t s L t r ne n para d. no ue vo Fe ome os en u abajo q tualida do nue aile. Ma elente m l n xc lb tr ac en e s propi o el a de la , añadie citan a nidad e s. m o t o i n c r u e i o o t , mé so, así ra lín adurand demás na opor us amig e r m u i a t en c no) a pr núan m o que, pasar u rsela a i s ti rd tá (Dom and con el recue no deje al y con y in ci a Ferd nes par oncurso uy espe c o i l m canc ases de noche b na a las tar de u ru disf

PLUG-INTO THE MUSIC PLUG-INTO THE MUSIC, CON ESTILO Ven a tu perfumería y consigue lo más cool de la temporada!

Al adquirir tu fragancia tamaño grande*, te llevas este beanie hat (gorro con cascos integrados), para disfrutar de tu música… con estilo!

No pasarás desapercibido! * Fragancia HUGO MAN 150 ml. Promoción válida hasta fin de existencias (14.000 Unidades).

staff MondoSonoro · Octubre 2010 /5/

Coordinador General Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com)

NOTICIAS

Publicidad Director Comercial Dani López (dani@mondosonoro.com) T. 687 914 719 Coordinador Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) T. 607 366 693 Publicidad Estatal Luis Fernández M. (luis@mondosonoro.com) T. 672 072 263 Publicidad Madrid: María Llorente (maria@mondosonoro.com) T. 676 881 519 Publicidad Catalunya Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) T. 629 705 103 Administración y Contabilidad: Vanessa Garza (vanessa@mondosonoro.com)

7. Ojos de Brujo cumplen diez años 8. Peter Hook y sus proyectos 9. The Posies reunidos y en nuestro país

mondofreako 11. Julio De La Rosa 12. La Débil 13. Grinderman 14. Depedro 15. Fred i Son 16. Pendullum 18. Avenged Sevenfold 19. Morning Benders 20. Booka Shade

Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación Xavier Puigbó (maquetacion@mondosonoro.com)

entrevistas

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com

23. Dotore El bello verano 25. Antony Especies en extinción 26. John Grant Un día más 28. Toteking Agrégame o mátame

◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 388 892 ◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197

24 / ANTONY Especies en extinción

Conciertos 31-34. Arcade Fire, South Pop, Ebrovisión, Eels, Limp Bizkit, Atom Rhumba, Jose Gonzalez

◗ Ed. Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026

escaparate

◗ Ed. Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

37-39. Stay, Gecko Turner, Kim Lenz...

vinilos

◗ Ed. Galicia-Castilla y León (galicia@ mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro. com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

41. El Guincho Disco del mes

◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 Colaboradores: Textos Alberto Comeche, Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Fernando Fuentes, Francesc Feliu, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Héctor García, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, María Baigorri, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, P. Muñoz, Óscar Gual, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Joseba Vegas porque siempre comenta sus sesiones”

mondomedia 52-54. Mondo Recomienda 53. Cine: Rodrigo Cortés 57. Conexiones

26 / JOHN GRANT Un día más

El verano queda atrás y empieza a refrescar en buena parte de la península, pero algunos querríamos vivir en un estío eterno, hacer de cada uno de sus días un continuum sin fin. La vida se ve mejor bajo la luz del sol, incluso a la sombra. Y da la impresión de que los buenos discos han estado macerándose para asaltarnos en otoño.

Por eso los tenemos aquí para disfrutarlos en calma. Algunos nos harán recordar las olas, la piel morena o la arena como “Pop negro” de El Guincho, nuestro disco del mes, mientras que otros nos harán revivir los momentos más íntimos y cariñosos como “Los veranos y los días” de Dotore. Y al optimismo de los meses estivales deberemos acudir para no sentirnos solos y perdidos en el mundo al enfrentarnos a las palabras de John Grant, un artista en tiempos

28 / TOTEKING Agrégame o mátame

Nombre

mondoweb 58. La entrevista Fan: The New Raemon

difíciles, o para no pensar que este planeta está acabado, cuando Antony Hegarty nos habla en sus canciones de todos los errores que estamos comiendo en nuestra historia de amor-odio con Gaia.

Aunque no nos pongamos melancólicos, a veces es mejor coger al toro por los cuernos y enfrentarse a la vida de cara y con el puño apretado, como el sevillano Toteking, uno de esos tipos que no le teme a ningún Goliat, que vencería a Belcebú en una pelea de gallos y que jamás aceptaría hacerse una fotografía con el político de turno. Quizás por todo ello, y porque “El lado oscuro de Gandhí”, su nuevo disco, no sabe de dobles morales, suya es la portada de este número 177 de MondoSonoro que tienes entre manos. ■ Redactor Jefe Joan S. Luna

Apellidos

Domicilio

Tel:

Población

C.P. E-mail

Provincia Datos bancarios: Entidad (1 año, 11 números)

SUSCRiBETE

23 / DOTORE El bello verano

El final del verano

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

Oficina

Deseo suscribirme* por un año a Andalucía/Murcia

sumario

Para ello escojo las siguientes tarifas:

Nº Cta.

*Marca con una cruz las opciones que desees en la edición de:

Aragón

Galicia/Castilla Leon

DC

Asturias/Cantabria

Madrid

Comunidad Valenciana

18 € (Tarifa periódico)

Cataluña

Baleares

Zarata (Euskadi)

36 € (Tarifa correo ordinario**)

*La suscripción anual consta de 11 números **La tarifa de correo ordinario te permite recibir con mayor rapidez la revista Rellena y envía este cupón (o fotocopia) a la redacción de Mondosonoro). *Por correo: C/Llull, 57-61, 6º 6ª · 08005 Barcelona. *Por Fax: 93 320 85 78 *Por correo electrónico: envía todos los datos del cupón a suscripciones@mondosonoro.com

10

vinilos de diez pulgadas de

Anoraak

/7/ Octubre 2010 · MondoSonoro

Ojos De Brujo Foto Archivo

NOTICIAS

TAN lejos... ❚ BUFFALO SPRINGFIELD se volverán a reunir sobre un escenario, tras cuarenta y dos años separados, para ofrecer dos conciertos únicos.

Tendrán lugar en Mountain View (California), el 23 y 24 de octubre a propósito del Bridge School Benefit, un evento benéfico organizado desde 1986 por Neil Young y su esposa Peggy ❚ MOGWAI ha anunciado a través de su página web el fichaje por SubPop, la mítica discográfica de Seattle que será la encargada de distribuir su nuevo disco –actualmente en fase de postproducción- en Estados Unidos. ❚ The XX se alzaron hace unos días con el galardón Barclaycard Mercury Prize, cuyo sustancioso premio supone 20.000 libras. Además de The XX, otros nominados fueron Paul Weller, Mumford & Sons, Laura Marling o Wild Beasts.

Lagartija nick Foto Archivo

❚ Hacía ya mucho que no sabíamos nada de Sam Beam, más conocido como IRON & WINE, quien tras publicar “The Sheperd’s Dog” en 2007, permaneció en silencio, hasta ahora. Según su propia web e informaciones publicadas en Pitchfork, el nuevo disco se titulará “Kiss Each Other Clean” y podría publicarse a principios del próximo año.

Lagartija Nick recuperan a Val Del Omar Pocos artistas habrá en el universo que hayan rendido tributo a sus maestros filosóficos como Antonio Arias y sus Lagartija Nick.

El ejemplo más claro de toda su trayectoria es el disco “Val Del Omar” (a reeditar el 1 de octubre por Chesapik/Popstock!), que la banda publicó en 1998, de la mano de la multinacional Sony y que estaba dedicado al artista andaluz del mismo nombre, cineasta experimental y creador multidisciplinar, fallecido en 1982. Entre sus hallazgos estuvo el sonido diafónico (“que escuchan nuestras vísceras, no nuestros oídos”), que ahora recupera con una instalación sonora especial el grupo de rock para una gira de cinco conciertos en la que sonaran los temas de ese trabajo. Las fechas son 23 octubre (Granada, Teatro Isabel La Católica), 30 octubre (Madrid, Museo Reina Sofia), 13 noviembre (Barakaldo, Rockstar), 19 noviembre (Barcelona, Auditori) y 27 noviembre (Jaén, Festival de Cine Documental). Más datos en: www.lagartijanickvdo.es/ ■

Ojos de Brujo dicen adiós a una década con un disco muy especial La banda barcelonesa edita por todo lo alto “Corriente vital” (Diquela/Warner, 10), bonito broche de oro a diez años de carrera, en el que hacen una valiente relectura de sus canciones con la ayuda de invitados como, entre otros, Manolo García, Amaral, Jorge Drexler o Bebe, más la vanguardista visión de productores como Nitin Sahwney o Juno Reactor.

P Veinticinco años de Ruta 66 No nos cabe duda de que es un auténtico mérito llegar a cumplir veinticinco años en un mundo tan complicado como es el de la prensa musical. Y aún lo es más si la revista que los cumple huye de las modas y acomoda su propuesta en el mundo del rock, el soul, el blues y demás estilos con unas raíces que se clavan muy hondo en nuestra cultura. Para celebrar esas dos décadas y media, Ruta 66 editará el próximo mes de noviembre un especial con un montón de contenidos especiales, opiniones invitadas, artículos que repasan su trayectoria y mucho más, convirtiendo la efemérides en una nueva oportunidad de recordarle a sus seguidores y a los que no lo son, por qué motivo la revista continúa siendo un referente. Y como sus responsables dicen, siempre “son tiempos de rock’n’roll”. Ya sabes, mantente atento y visita el kiosko más cercano a principios de mes. ■

oco vamos a añadir en estas páginas que no hayamos glosado ya sobre la excelente trayectoria de Ojos de Brujo. Protagonistas de nuestra portada en marzo de 2006, muchas y variadas han sido las ocasiones en que se han asomado por aquí con toda justicia. Esta vez lo hacen por diferentes motivos: su décimo aniversario; un sorpresivo hasta pronto amigos que llega a nuestra redacción a última hora, y un disco. “La idea del disco surgió al considerar que el año estaba pasando de largo y que sería triste no plasmar de alguna manera el tiempo que llevamos juntos. Aparte, siempre nos ha gustado cualquier excusa para trabajar de nuevo con artistas a los que admiramos y nos parecía el marco perfecto para celebrarlo de tal manera”. Y qué mejor manera que este “Corriente vital”, donde, además de ofrecer una relectura totalmente distinta de varios de sus temas de siempre y contar con hasta veinte invitados de lujo, nos han regalado tres temas inéditos que ahora huelen a póstumos. Aunque puede que lo más sorprendente sea precisamente la reconstrucción que productores de lo más

diverso han hecho de sus clásicos. “La odisea precisamente empezó por los productores. Decidimos colaborar con determinados artistas, pero bajo la supervisión de una manera de trabajar distinta a la nuestra. Al fín y al cabo esto era una celebración, no lo olvidemos, así que fuimos a divertirnos y a invitar a otros a coger el timón artístico durante un rato”. Gente como Nitin Sawhney, Juno Reactor (co-compositor de las bandas sonoras de “Matrix”), Bob Bennozo, Guillermo Quero, Raúl Santos, etcétera… dándolo todo para crear otro universo sonoro de Ojos de Brujo”. Y para acabar tan sólo saber si este bonito experimento se va a trasladar al directo en una gira que tal y como cierra una etapa, abrirá otras seguro. “Sin duda. Habrá gira, pero aún no hemos empezado esa etapa de trabajo. Será curioso ponernos manos a la obra en estos registros tan diferentes, pero, a decir verdad, el reto es lo que más nos pone”. ■ Don Disturbios

+en

❚ El legado del llorado JOHN LENNON, que este año hubiera cumplido setenta años, sigue más vivo que nunca. El 9 de octubre, justo el día de su aniversario, se reeditarán ocho discos de su etapa post-The Beatles. Además, estos próximos meses aparecerán mas lanzamientos relacionados con Lennon. Entre ellos una caja de once compactos bajo el nombre de “John Lennon Signature Box”.

Kings Of Leon Foto Archivo

❚ KINGS OF LEON vuelven a la carga y lo hacen con “Come Around Sundown”, su nuevo disco, que tiene previsto publicarse el próximo 11 de octubre. El primer single del nuevo trabajo será “Radioactive”. Además del disco en formato tradicional, también se podrá conseguir una edición de lujo junto a un DVD de la actuación en el Hyde Park de Londres, el pasado junio. ❚ WILD BEASTS regresan a la actualidad con un disco de remezclas muy especial. Se trata de un doble vinilo de doce pulgadas que incluirá remixes a cargo, entre otros, de Junior Boys y Jon Hopkins. El disco lo editará Domino el próximo 8 de noviembre. ❚ PANDA BEAR presenta su nuevo single, “You Can Count On Me” (Domino), que incluye además el tema “Alsatian Darn”. El single tiene previsto publicarse el próximo 18 de octubre y sería el segundo de la colección de singles de siete pulgadas que publica Noah Lennox, también miembro de Animal Collective. ❚ Una de las bandas de folk-punk más veteranas de la escena actual, THE POGUES, anuncian su despedida definitiva. Shane MacGowan y los suyos mostrarán por última vez su característica combinación de música tradicional irlandesa y punk, en una gira por el Reino Unido en diciembre. ■

TAN cerca... ❚ SIDONIE pone este mes fin a la maratoniana gira de presentación del “El incendio”, su último trabajo de estudio. La banda, que no ha parado quieta desde el pasado año, se despedirá con dos conciertos: Razzmatazz (Barcelona, 15 octubre) y La Riviera (Madrid, 23).

Peter Hook Foto Steven Baker

NOTICIAS /8/ Octubre 2010 · MondoSonoro

❚ BRIGHTON 64, una de las bandas claves del revival mod nacional de los ochenta, regresa otra vez a los escenarios. La legendaria formación catalana capitaneada por los hermano Gil celebra su treinta aniversario, reuniéndose para ofrecer dos conciertos muy especiales en abril de 2011. Uno en la sala El Sol de Madrid el día 2, y otro en La 2 de Barcelona el día 9. ❚ ARIZONA BABY acaban de añadir más fechas en octubre a la gira de presentación de su primer disco, “Second To None”. Son las siguientes: 1 Kafe Antzokia de Bilbao, 9 Cultura Club de Palma de Mallorca, 15 Sala López de Zaragoza y 16 Gruta 77 de Madrid. Por otro lado, presentarán en breve un split con Los Coronas. ❚ El tema escogido por DELOREAN como segundo single de su álbum “Subiza” es “Real Love” y ya está disponible únicamente en tiendas digitales desde hace unos días. Junto a la versión editada de la canción, encontraremos remixes de The Field, Tiedye, Deadboy, Pional, Chateau y Chrissy Murderbot. ❚ El sello navarro GOR, del que la banda formó parte durante diez años, edita este mes un disco recopilatorio con lo mejor de BERRI TXARRAK titulado “Denak ez du balio. Singles 1997-2007”. El CD recogerá alrededor de veinte temas, incluyendo alguno que estaba descatalogado.

Peter Hook y la leyenda de Joy Division Peter Hook está de actualidad por partida doble: porque se publica estos días en España “It's A Beautiful Life” de Freebass, resultado de su asociación con Andy Rourke (The Smiths), Mani (The Stone Roses, Primal Scream) y Gary Briggs (Haven). Y porque se acerca hasta España para recuperar a Joy Division en la gira “Performing Unknown Pleasures” .

H Los Planetas Foto Archivo

❚ Tras su periplo por un buen número de festivales de verano, LOS PLANETAS regresan a las salas de conciertos para realizar tres shows donde presentarán las canciones de “Una ópera egipcia”. Las citas serán este mes de octubre; el 15 estarán en la sala Riviera de Madrid con Los Punsetes, y los días 28 y 29 en la sala Razzmatazz de Barcelona. ❚ WE ARE STANDARD siguen inmersos en la gira de presentación de su segundo disco homónimo. Aún así, este es un buen momento para presentar “The Golden League”, un trabajo que contiene nueve temas de la banda remezclados por artistas varios como Arthur Baker, Night Vision o The Requesters y que llegará a las tiendas a partir del 26 de este mes. ❚ Temas inéditos, algún remix e incluso un freestyle el regalo que SFDK ofrece a sus seguidores para premiar el apoyo que ha tenido “Siempre fuertes 2”, su último trabajo.

Es por esto que la nueva mixtape se ofrece en descarga libre a través de la web oficial de SFDK Records (www.sfdkrecords.com). ❚ El FESTIVAL TANNED TIN Castelló sigue anunciando nombres para su nueva edición.

Una edición que se celebrará en la capital castellonense los próximos 27, 28, 29 y 30 de enero del 2011. Las nuevas incorporaciones son las siguientes: Ryan Driver & Castlemusic, Blaine L. Reininger, Mat Riviere, Meligrove Band, Secret Cities, Nacho Umbert & la compañía, The Young Gods, Wooden Wand. ■

ook se niega a responder preguntas sobre Freebass porque “el proyecto ha sido aparcado definitivamente”. No huele la cosa a que la separación haya sido muy amistosa, tras la renuncia de Rourke y después de que Mani le haya acusado públicamente de “pesetero que hace dinero con la sangre de Ian Curtis”.

El de Primal Scream se disculpó públicamente poco después, pero visto lo visto parece poco probable que el grupo vuelva a funcionar como tal.

Una lástima o no, vistos los pésimos resultados en forma de canciones que ha dado esta unión contra natura. Así las cosas, el ex Joy Division pone toda su atención y energías en rescatar en directo el legado de la banda de Manchester. “Algo que surgió el pasado mes de marzo, con motivo del trigésimo aniversario de la muerte de Ian (Curtis), cuando me decidí a hacer una celebración conmemorativa en el nuevo Factory.

Intenté involucrar a algunos cantantes, pero

les ponía demasiado nerviosos la responsabilidad de sustituir a Ian así que decidí hacerlo yo, en algún caso con el apoyo vocal de Rowetta”. Y con una banda bautizada The Light que componen entre otros su propio hijo, Paul Kehoe (Monaco) o Nat Wason (Haven). Esta no es la única novedad relacionada con el universo Joy Division. “Warner prepara una caja con siete singles del grupo. Además tenemos grabado abundante material de los conciertos de The Light que pensamos publicar en DVD. Y yo estoy terminando un libro sobre Joy Divison que tendré terminado antes de irnos de gira a Estados Unidos en diciembre”. En todo caso, apunten las fechas de su gira española: 9 octubre (Heineken Music Selector; Sala Santana 27, Bilbao) y 10 octubre (Sala Apolo, Barcelona). ■ Luis J. Menéndez

Desvelada la programación para el In-Edit Beefeater

DeVito Foto Gustaff Choos

Monkey Week, vámonos al sur Ya falta menos para una de las citas revelación dentro del circuito musical. Se trata del Monkey Week o Muestra Internacional de la Música Independiente, un festival que sorprendió en su primera edición en el formato actual, tanto al sector profesional como a los ciudadanos de a pie. Conferencias, talleres, mesas redondas y un largo etcétera de actividades que se complementan con una oferta inmejorable de conciertos que tendrán lugar del 8 al 12 de octubre en El Puerto de Santa María (Cádiz). Nuestra publicación no podía faltar a la cita y ya se conoce la lista de artistas que actuarán en el escenario MondoSonoro, una propuesta de estilos diversos con la que podréis disfrutar de grupos como Me And The Bees, This Drama, Papá Topo, DeVito, Autumn Comets, Mujeres, Ainara LeGardon, Joaquín Pascual, 17, Guinea Pig, Ornamento y Delito, Dani Llamas, Espaldamaceta, His Majesty The King o Holywater. Puedes informarte sobre fechas, programación, precios y disponibilidad de alojamiento en www.monkeyweek.org ■

Llega una nueva edición del festival de cine y documental musical, In-Edit, y ya son ocho. De nuevo, una programación que incluye las mejores cintas de este año, además de recuperar clásicos dentro del homenaje a los cineastas D.A Pennebaker y Chris Hegedus, como “Depeche Mode 101”, “Don’t Look Back” o “Monterey Pop”. El festival dará comienzo el próximo 28 de octubre hasta el 7 de noviembre y tendrá lugar en varias salas de cine de Barcelona, además de espacios de discusión posterior. Además de cine habrá una masterclass a cargo de los homenajeados e incluso alguna de las cintas podrán verse en streaming gracias a un acuerdo con Filmin.com, cuya web tendrá un apartado especial para el visionado de los documentales. La octava edición del In-Edit presenta más de una veintena de documentales, con protagonistas tan variados como Lemmy Kilmister, Brian Eno, The New Raemon, La Banda Trapera del Río, José González o David Byrne, entre otros. Más datos en: www.in-edit.beefeater.es ■

"Lemmy" Foto Archivo

NOTICIAS The Posies Foto Archivo

MondoSonoro · Octubre 2010 /9/

Madlib Foto Archivo

Stones Throw despliega su fuerza en Madrid Se recomienda no dejar pasar la oportunidad de ver sobre un escenario al que es uno de los grandes genios actuales de la cultura hip hop actual, Madlib, auténtico motor de la combinación de los sonidos más añejos y los más modernos para el rap. Será el próximo 14 de octubre en la madrileña sala Joy Eslava, en una noche organizada por la marca Carhartt y que es una ocasión especial, puesto que el estadounidense no suele pinchar demasiado fuera de su país. Aunque este ex miembro de Jaylib (junto al desaparecido J Dilla) y colaborador de artistas como Kanye West, Talib Kweli, Quasimoto, Beat Konducta o Erykah Badu no estará solo, sino que le acompañarán otros dos nombres del sello, J Rocc (Beat Junkies) y Egon. En la actualidad, Madlib está publicando mensualmente la serie “Medicine Show”, con volúmenes dedicados a Brasil, el jazz, etcétera, que le subrayan de nuevo como uno de los músicos, productores y Dj’s más imaginativos del mundo del hip hop. Las entradas están ya a la venta. Para ampliar la información, visita: www.stonesthrow.com/madlib ■

El verdadero retorno de The Posies The Posies no grababan un disco de estudio desde 2005, cuando nos dejaron a medias con “Every Kind Of Light”, pero el grupo fundado en Seattle continuó girando y girando.

Ahora vuelven también al estudio con “Blood/Candy” (Ryko/ Warner, 10), un retorno en condiciones.

N

o cabe duda de que “Blood/ Candy” si va a colmar los deseos de un público que les adora, y que quedó decepcionado con su previo “Every Kind Of Light”. “Aquel fue un álbum experimental. Necesitábamos crear algo nuevo y, aunque había buenas canciones en ese disco, el resultado en general no fue el que esperábamos.

Hicimos un disco pensando más en nosotros que en nuestro público. Esta vez hemos estado más motivados, hemos dejado a un lado nuestros pla-

ceres particulares, y hemos pensado que teníamos que grabar un disco más potente, una obra de la que sentirnos satisfechos, una reflexión en torno a las cosas que amamos en la vida. Una de ellas es la música”. Otro de los factores que han acabado marcando “Blood/ Candy” es que no se haya grabado en su país de origen. “Ha sido esencial haber abandonado Seattle para grabar en los estudios de Paco Loco. Necesitábamos cambiar de ambiente, encontrar inspiración en otro sitio y abrir nuestras

mentes”. Por primera vez, tras limar las asperezas que había entre los miembros del grupo, reinando ahora un gran ambiente, The Posies han abierto la puerta a la participación de músicos invitados. Entre ellos podemos citar a Hugh Cornwell (The Stranglers), Kay Hanley (ex Letters To Cleo) y Lisa Lobsinger (Broken Social Scene). Ella participa en “Licenses To Here”, una de las piezas más inspiradas del álbum, un cruce entre Queen y Big Star. Sin embargo, Ken Stringfellow tiene otra teoría. “Yo tenía en mente conectar el sonido clásico de The Posies con otros provenientes de la cultura europea, ya sea alemana o bien la italiana. Esta canción es una señal de cómo nos ha absorbido la cultura de este continente”. The Posies estarán actuando en Valencia (1 octubre, Wah Wah) y Sant Vicenç dels Horts (2, Fun Festival). ■ Toni Castarnado

Buscamos el mejor videoclip del año Franz Ferdinand Foto Archivo

Franz Ferdinand, sólo para amigos R de Rumba Foto Archivo

Si el año pasado fueron los ingleses Keane los que protagonizaron una serie de conciertos en espacios reducidos organizados por San Miguel, San Miguel Unique’s, esta vez los protagonistas son los siempre disfrutables y enérgicos Franz Ferdinand. El grupo de Glasgow ofrecerá tres conciertos en nuestro país recuperando lo mejor de su repertorio y lo hará para 1.200 personas por noche.

La gira pasará por Barcelona, San Sebastián y Málaga, los días 4, 6 y 8 de noviembre respectivamente, aunque los recintos (fuera del circuito de salas habitual) de las actuaciones no se darán a conocer hasta última hora. ¿Y cómo conseguir una entrada para asistir a los conciertos?, te preguntarás. Sencillo. En cada etiqueta de las botellas de San Miguel encontrarás un código que deberás introducir en www.sanmiguel.es. De ahí saldrán los ganadores de 600 entradas dobles para cada uno de los conciertos. Por otro lado, Myspace organiza también un concurso para encontrar a las bandas teloneras de cada uno de los tres conciertos, así que si crees que puedes tener posibilidades ya sabes qué hacer: darte prisa. n

Periferias apuesta por lo nuevo Después de celebrar sus diez años de trayectoria, vuelve el festival multidisciplinar Periferias, que en esta edición se llevará a cabo desde el 22 al 31 de octubre en Huesca. El tema principal que vertebrará sus actividades (música, danza, teatro, cine, literatura, performances, exposiciones, etcétera) es lo “Nuevo”. Pero nosotros vamos a destacar la parte musical del evento. Habrá una noche dedicada a la escena musical aragonesa con artistas como Limnopolar, Napealma Dúo, Hola Hola Hermanita, Chelis y muchos otros.

Otros nombres estatales presentes serán Dead Capo y Rosvita, Guillamino y Diploide, Espaldamaceta y Caballo, Wooky, Sanjosex y R de Rumba. De fuera de nuestras fronteras destacamos Alva Noto, Lee Scratch Perry y Adrian Sherwood como Moody Boyz o los británicos Actress o Ginz. Para ampliar la información www.periferias.org. ■

Como viene siendo habitual en los últimos años, Cinemad, el bar madrileño La Vía Láctea y MondoSonoro vuelven a unir fuerzas en el concurso de videoclips que forma parte de la programación de Cinemad. El ganador se llevará el Premio MondoSonoro/La Vía Láctea de 1.000 euros, y para optar a él tendrás que subir tu pieza a la web: www.dailymotion.com/contest/ MONDOSONORO_VIALACTEA_CINEMAD, antes del 31 de octubre. Entre el 1 y el 7 de noviembre se abrirá al público la posibilidad de votar. El día 8 un jurado formado por esta revista y las votaciones del público decidirán los diez finalistas. El nombre del vídeo ganador no se desvelará hasta principios de diciembre, una vez finalizado el festival. Para ampliar toda la información sobre el concurso visita: www.mondosonoro.com ■

"In Silence" de Catpeople, ganador del pasado año Foto Archivo

mondofreako

/11/ Octubre 2010 · MondoSonoro

Julio De La Rosa Foto Laura López

ENTREVISTAS ★ WALA WALA ★ NO CONFIDENCIAL ★ LOS DISCOS DE MI VIDA ★ SUBEN/BAJAN ★ EN LA MALETA

JULIO DE LA ROSA

Llamaradas “La herida universal” es el cuarto trabajo en solitario de Julio de la Rosa, un disco que desde su título nos noquea y nos advierte de un contenido inflamable. El músico ha jugado a quitarse capas y se ha divertido haciendo un disco en el que se ríe del amor, convirtiéndolo de esta forma en la cosa más seria.

“

Déjalo ya/Para ya/Aunque te empeñes/ Nunca podrás verte sin mí”. Así empieza “Uno”, primera canción del álbum a partir de la cual se inicia un viaje de dieciséis canciones y unos cuarenta y siete minutos al interior de esa herida que comúnmente conocemos como amor y que, más o menos cicatrizada, todos sufrimos y curamos a nuestra manera. “La herida universal” es un viaje emocional y emocionante que nos conduce a través de la euforia, el deseo, el escepticismo, la pena o el miedo. Un viaje sanador que pone punto y final al discurso, un tanto victimista, de la primera canción con “Resumiendo”, el tema que cierra el álbum de la forma más contundente: “Tendré que decirlo más/Sin ti no estoy mal”. Principio y final convierten a “La herida universal” en una especie de disco-duelo que nos cuenta, una vez más, cómo el camino del amor y las relaciones humanas puede ser tortuoso y destructivo, pero siempre adictivo y, en este caso, también divertido. “Supongo que en cierta forma sí que se puede considerar como un disco de duelo, aunque no hablo de mí

exclusivamente sino que trato el amor desde distintos puntos de vista. De ahí que casi cualquiera se pueda sentir identificado con alguna de las historias y de ahí también el título del disco, porque en realidad no hay tantas cosas comunes a todos los seres humanos y el amor, para bien o para mal, es universal. Es la herida universal”. Tan común nos es el amor como lo es el sexo y, de eso, también hay mucho aquí. Sexo vicioso, sexo romántico, sexo que cura y sexo que duele, sexo triste y suciedad. El sexo como elemento catártico y omnipresente que nos hace preguntarnos hasta qué punto puede a veces llegar a funcionar como el verdadero motor de las relaciones o ser incluso más importante que el amor. “Se puede tener buen sexo sin estar enamorado y estar enamorado y no tener precisamente el mejor sexo del mundo. El amor engloba muchas otras cosas pero el sexo es unos de los pilares básicos. Yo hablo de estas cosas porque es lo que me sale, seguramente si llevase veinte años felizmente casado es-

cribiría sobre otros temas. Por ejemplo, me flipa ese disco de David Byrne sobre edificios y comida, pero a mí lo que me salen son canciones sobre amor, desamor, sexo y su puta madre. Además, cuando compones quieres que la gente sienta algo, y lo que pienso es que si a mí esto me sirve de terapia, seguramente también sirva de terapia a otras personas”. En este caso, una terapia pop, porque si Julio de la Rosa siempre nos ha tenido acostumbrados a no acostumbrarnos con su música, en este caso, su manera de experimentar y

decisión en la que seguramente juega un peso fundamental todo su trabajo paralelo como compositor de bandas sonoras, que este año le ha tenido liado con tres películas: “Primos”, “Carne de neón” y “La lección de pintura”. ¿Liado? me quedo corta. “Cada banda sonora supone entrar en un agujero negro en el que tienes que descubrir una música completamente nueva con una instrumentación peculiar y una sonoridad y unas movidas tales, que cuando por fin me he puesto a trabajar en mi disco lo que menos me apetecía era

“A mí lo que me salen son canciones sobre amor, desamor, sexo y su puta madre” no aburrirse ha sido, precisamente, dejar de lado la experimentación y volver a los formatos más clásicos del pop. “Cuando compuse el disco escuchaba mucho a todos esos artistas folk que se han puesto de moda estos cuatro últimos años y creo que fue por reacción que decidí hacer todo lo contrario. A mí me resulta mucho más estimulante parecerme a Wham! o a Ian Dury que parecerme a Eef Barzelay. Reconozco que ‘Las leyes del equilibrio’ era un disco raro. ‘El espectador’ se quedaba a medio camino y con éste me apetecía hacer algo más conciso”. Una

experimentar con ciertas cosas. Lo que quería era hacer un disco con la inspiración del pop y el rock”. Bandas sonoras, álbumes, libros y ahora también videoclips. “Lo que me gustaría es poder sacar el disco entero en DVD, con todos los vídeos. Es el sueño que siempre tenemos los músicos”.

■ Cristina V. Miranda “La herida universal” está publicado por King Of Patio/Ernie Records.

+en

mondoFREAKO /12/ Octubre 2010 · MondoSonoro

La Débil Foto Pablo Gil Rituerto

la débil

El amor les hace libres Podemos hablar de agresividad, de letras oscuras, de comparaciones más o menos acertadas; de punk, de rock, de piscinas vacías y locales minúsculos; de música y de exposiciones, de un 2-0 ante The Antlers; de la muerte y la resurrección. De lo que sea. Pero en el fondo, la de La Débil, lo dicen ellos, es una historia de amor. Descubran qué significa para ellos en “Lucha perro”.

D

esde que se descolgaron hace tres años con su primera maqueta, “Suicidio español”, el nombre de La Débil ha sido sinónimo de transgresión, agitación y surrealismo barroco, con “Lucha perro” como muestra de una forma de hacer en la que no caben las reglas.

Una demo que ahora se convierte en disco de la mano de Recordings From The Other Side, respetando la grabación que en su momento realizaron en Torrijos (Toledo) con Carlos Toronado (PAL), aunque con el añadido de la masterización a cargo de Sonic Boom (Spacemen 3, Spectrum).

(Rubén) “Es el primer escalón para dejar de lado ese movimiento independiente más desconocido y poder llegar a más gente.

Y también es un regalazo, por supuesto”.

(Borja) “Queríamos empezar con esto porque capturaba un momento de nosotros mismos y lo habíamos grabado con un amigo. Para el segundo álbum, si llega, ya veremos”. He aquí el inicio de un proceso que en su desarrollo ha menguado al grupo hasta pasar de seis a

cuatro miembros fijos (un quinto entra y sale de forma intermitente). (Borja) “Somos más exigentes, porque ya no nos podemos refugiar en una burbuja, sino que ahora todo está más desnudo. Suena más a hueso, aunque la manera de crear sigue siendo la misma.

Somos cuatro, pero con la cabeza también puesta en los otros dos; La Débil sigue siendo La Débil, aunque esté más delgadita”. En todo caso, diríamos que La Débil es un grupo cuyo nexo de unión trasciende la música. (Borja) “No tenemos un decálogo, pero sí hay algo que sabemos y que ha estado desde el principio, es el amor entre nosotros. No somos músicos, no creemos en un proyecto por encima de todo lo demás, sino que esto pasa por ser quienes somos”. Llamémoslo filosofía de vida, declaración de intenciones, falta de prejuicios o simplemente azar; el mismo espíritu que hace que convivan latigazos (“Ternera”) con mantras cósmicos (“Karma”) o grabaciones en cinta tras un ensayo de quince horas (“El antropólogo”).

(Borja) “Lo que tienen en común es la veracidad, algo que sucede y que para nosotros es auténtico. Es como si hiciéramos una serie de fotografías con nuestras imágenes, nuestros gritos, nuestros santos… Es una manera de ocupar nuestro propio espacio. Cada uno tiene el suyo, pero entre todos creamos un gran retablo. No hay nada religioso, pero sí hay una dimensión simbólica muy importante”. Algo que, en lo musical, definen, más que rock, como “punk experimental”. (Rubén) “El

podemos ser mejores entre nosotros. No sabemos qué hay que cambiar, pero no nos hace falta; nos movemos, y con eso vale”.

(Marcos) “Morir luchando es muy positivo; el caso es hacer las cosas con el corazón; ese es el buen camino”. Buscando una victoria a cada paso, convirtiéndose en superhéroes a la caza de archienemigos, alguien a quien derrotar en un ficticio cara a cara. Último ejemplo, The Antlers. (Borja) “Cuando tocamos en Barcelona, en nuestro concierto había muy poca gente,

“Cuando tocamos sentimos que estamos intentando cambiar algo” rock es para los rockeros, mientras que el punk es para todo el mundo”.

Más tarde, justo después de hablar de muerte, renacimiento, perros, cerdos, abortos, sangre y vísceras, aparece otro término que también está en su día a día: el combate. (Borja) “Es que somos combativos en la vida diaria. Con la familia, el amor, el dinero, el trabajo, la sociedad… Siempre decíamos un poco en broma que lo nuestro era punk grecolatino, algo así como música heroica. Cuando tocamos sentimos que estamos intentando cambiar algo; no una revolución política, pero sí que

pero nos pareció que fue muy bueno, y en cambio el suyo nos aburrió. Al día siguiente, de camino a Madrid, un amigo nos llamó y nos dijo que en una crítica nos habían puesto muy bien; para nosotros fue como decir La Débil 1 - Antlers 0. Y luego, en la Caracol, tuvieron un problema nada más empezar, así que ya fue el 2-0”. Ahora toca mantener la ventaja en el marcador, pero siempre sin complejos, jugando hacia delante. ■ Enrique Peñas “Lucha Perro” está publicado por Recordings From The Other Side/Popstock!

MondoSonoro · Octubre 2010 /13/

mondoFREAKO

¡¡¡ wala wala!!!

“Si escuchas un disco de David Bisbal o Bustamante, el sonido es como mono, un mono raro; una especie de pepino que viene recto hacia ti” El Guincho en El Periódico de Catalunya

“Principalmente asocio a The Beatles con el olor de la orina femenina”

GRINDERMAN

Comunidad pagana

“Mientras la mayoría de chicos escondía números de Playboy debajo del colchón, yo escondía vinilos” Jonathan Pierce de The Drums, en Clash

"Soy de quedarme en casa y ver series. 'Mad Men' me da pereza, lo mío es 'Cuéntame" Cristina Llanos de Dover en EP3

“La religión parece que esté muriendo en la sociedad, y eso es algo que me pone triste.

Siempre ha estado en mi vida” Brandon Flowers en Q

“Cuando escuché por primera vez a Gershwin sentí amor y vi colores. Azul, como el cielo” Brian Wilson en Mojo

“Grinderman 2” confirma que esto no era fugaz, y que Nick Cave aquí sólo es uno más. Tras una charla matinal con el barbudo Warren Ellis, comandante en jefe de ese grupo salvaje llamado Grinderman, nos lo vamos creyendo.

Q

ue su parco título no despiste a nadie.

“Grinderman 2” está mucho más currado y deliberado que aquel debut de estos cuatro jinetes del Apocalipsis. Con más rabia, si cabe, más distorsión e incluso rayos y centellas, Ellis, Casey, Sclavunos y Cave llegan desde el más allá para dar otra lección de rock sucio y desgarro musical. ¿De quién es el culo que aparece en el gracioso vídeo promocional, “Heathen Child”? “¿El culo? Oh…, eso es información confidencial. Piensa lo que quieras (risas)… es de alguien. De alguien del grupo”, responde Warren Ellis desde su casa de París, en conferencia telefónica, afable.

Lo cierto es que el single de lanzamiento ya fue una agradable pista del pelotazo lírico-musical que presentan en este segundo álbum. “A mi entender –afirma Ellis- es un disco mucho más extremo, pero mucho más trabajado.

El primero nos lo tomamos con cierto tono jocoso, como divertimento, sin más. Con éste, hemos conseguido cierta identidad, a lo que ha ayudado el hecho de haber tocado mucho en directo durante estos dos últimos años. Al mismo tiempo, hemos ganado confianza suficiente como para ponernos a experimentar, y eso le da el toque especial”. Oyendo hablar al cuarentón australiano, pareciera que Grinderman son unos principiantes. Sin embargo, tienen el culo –de nuevo el culo– pelado de actuar con sus respectivas bandas. Viven cada día con mayor número de proyectos personales, sin dejar de parapetarse tras Nick Cave en The Bad Seeds.

Precisamente, en Grinderman quieren acabar con los roles, y quizá convertirlo en el refugio de cuatro amigotes que buscan hacer el bestia un rato, liberándose de la elegancia del grupo por el que más se les conoce. “Bueno, yo no diría

tal cosa, porque The Bad Seeds también pueden ser muy bestias en ocasiones…

La historia de esa banda es ya larga, y hay otras reglas, otras actitudes, otras formas de trabajar, mientras que con Grinderman, precisamente lo que queremos es deshacernos de esas reglas, y probar otras formas de crear música. Evidentemente, eso conlleva nuevas actitudes. Creo que, particularmente, Nick siempre ha puesto mucho de sí mismo con The Bad Seeds, y ahora con Grinderman quiere cambiar, ponerse a un lado y pasarlo en grande,

cuando nos juntamos… En dichas reuniones, lo grabamos todo. Desde el principio.

Algunas veces salen cosas interesantes de ahí, y la gran mayoría de las veces lo único que sale es mierda… Muchas veces, de lo más ridículo sale lo válido, y cuando piensas y tratas de seguir una idea, al final no te lleva a ningún lado. Así pues, el proceso tiene mucho de experimental. Luego escuchamos las tomas seleccionadas y trabajamos sobre ellas con más atención. Ahí es cuando llegan los adornos psicodélicos, los coros… Generalmente, Nick y yo nos sentamos y nos ocupamos de esa parte, pero de todos los trabajos con esta gente, éste es el proyecto más improvisado”. Quizá sea porque cada uno de vosotros vivís en una punta del planeta… “Obviamente, es difícil ensayar, componer, grabar, pues Sclavunos

“Con Grinderman Nick quiere cambiar, ponerse a un lado y pasarlo en grande” también. Nick se toma su trabajo con mucha seriedad… Así que creo que esto le está beneficiando porque a todo ello le suma el hecho de que disfruta”. No sabemos cuánto disfruta, lo que sí se nota es su progreso con la guitarra, a la que trata con más confianza después de toda una vida sentado ante el teclado. Y el sinfín de influencias colocadas como si con ellas solucionaran un sudoku. De hecho, escuchando temas como “When My Baby Comes”, que casi alcanza los siete minutos de duración, dejan percibir referencias llegadas de cada rincón musical, el melódico, el psicodélico, incluso el del hard rock, entre coros, arreglos de cuerdas y hachazos de guitarra, lo que empuja a pensar que Ellis ha ido ganando importancia jerárquica. ¿Quién pone qué? “Nada se calcula, ni se trazan planes. De hecho, la gran parte del material de trabajo nace, procede, de las jam sessions que hacemos

vive en Nueva York, Nick en Inglaterra, yo en París… Al mismo tiempo, solemos tocar mucho, irnos de giras largas. Nick y yo, si no estamos trabajando juntos, solemos hablar mucho, mucho, por teléfono, por email… Y lo bueno de llevar tanto tiempo tocando juntos es que la conexión, la magia, ya está ahí, y todo eso ayuda en el proceso, claro…”. Para acabar, danos buenas nuevas de Dirty Three… “Pues hemos acabado de grabar, estamos con las mezclas. A ver cómo nos lo hacemos el año que viene.

Este año pasado estuvimos de gira. La verdad, soy afortunado de poder trabajar en proyectos diferentes, con diferentes tipos de gente y bandas que me empujan hacia el filo”. ■ Luis Argeo “Grinderman 2” está publicado por Mute/Pias.

Grinderman Foto Archivo

Bob Geldof, en Q.

mondoFREAKO /14/ Octubre 2010 · MondoSonoro

Los discos

de mi vida

Deu Txakartegui (We Are Standard) Frontman de We Are Standard, Deu es un tipo que sabe cómo pasarlo y cómo hacerlo pasar bien en cada uno de sus conciertos. Ahora, su grupo, para que la fiesta continúe, se saca de la manga el disco de remezclas “The Golden League” (Mushroom Pillow, 10).

El disco del coche de mi padre

Joan Manuel Serrat

“Mediterráneo” (1971) Mis padres son seguidores del catalán y lo ponían en el coche siempre. Es un discazo, no voy a descubrir nada, pero me trae muy buenos recuerdos. También tenía una cinta de Two-Man Sound que era muy loca... Ahora lo ponemos después de los conciertos para que siga la fiesta.

El disco que sacó mi lado bailón

Madonna

“True Blue” (1986) Mi tía María solamente me saca trece años. Tenía varios vinilos y siempre que iba a su casa, me los ponía. El que más me gustaba era éste. Tenía un punto bailón que para mis diez años era mágico.

Mi primer vinilo

Negu Gorriak

“Negu Gorriak” (1990) Fue el primer vinilo que compré con mi dinero. Tendría doce años y en aquella época Negu Gorriak era lo máximo en Euskadi: un grupo en el que estaban Fermín Muguruza y Kaki Arkarazo. El supergrupo. Además tenía muchas referencias a Public Enemy que era un grupo que ya me gustaba.

El disco del walkman

The Clash

“London Calling” (1979) También fue uno de mis primeros discos. En Euskadi eran dioses y me lo pasé a cinta para escucharla siempre que iba o volvía del instituto en un walkman de aquellos enormes. Es un discazo que me ayudó a abrirme a otras músicas.

Mi secreto mejor guardado

Butter 08

“Butter 08” (1997) Cuando estaba en la universidad en los noventa en pleno apogeo del indie, estaba loco con El Inquilino Comunista y todas aquellas bandas, un colega canario me puso este disco y me pareció la bomba. Es un grupo montado para la ocasión en el que estaban Sean Lennon, Russell Simins y varios colegas de Nueva York y recuerdo que me impresionó mucho. Durante mucho tiempo ha sido mi secreto mejor guardado y uno de esos discos que me gustaba solo a mí. ■

EMOCIONES EN TRÁNSITO Durante los dos últimos años, Jairo Zavala no ha parado: de Nueva Zelanda a Israel, de Luxemburgo a Canadá, y mucho Estados Unidos. Por su cuenta o acompañando a Calexico en sus directos. Una vorágine que, paradójicamente, le ha llevado a parir “Nubes de papel”; su segundo trabajo en solitario como Depedro y un disco más reflexivo e intimista.

“

Todo el segundo disco ha sido grabado durante estos dos años que se me han pasado como cinco minutos, por lo que el proceso de creación respecto al primero ha sido totalmente diferente. Esta vez no he esperado a tener dos meses libres, a centrarme en hacer la pre-producción y a tener un estudio y grabarlo sino que ¿me pillaba cerca de Arizona? Pues grabábamos allí dos o tres temas. ¿Qué volvía a Madrid?

Pues me juntaba con los chicos de Vetusta (Morla) y hacíamos otros tantos, y así hasta que todas las piezas del puzle fueron encajando, formando una imagen única”. Lo curioso es que toda esa locura en la que se ha visto inmerso durante este tiempo de creación le ha llevado a encontrar una nueva voz como Depedro, más reflexivo aunque no menos vivo y dinámico. Zavala mira hacia dentro sin abandonar el ritmo y la riqueza de matices que ya le caracterizaron en su debut. “El disco ha salido así porque entre tanto movimiento también ha habido muchas horas muertas en los aeropuertos, muchos momentos de calma en los que no puedes hacer nada salvo viajar y tienes que aprender a tener paciencia. Cuando te tiras treinta y cinco horas para ir de un sitio a otro, te da tiempo a pensar en muchas cosas y todo eso ha inspirado el contenido.

He tenido mucho tiempo para escribir las letras y decidir cómo enlazar unas canciones con otras”. Lo cierto es que las canciones de Depedro no hablan de grandes temas o problemas universales, la inspiración

la encuentra, y casi a partes iguales, entre el mundo de los sueños y el cotidiano, entrelazando temas que tratan de como una misma situación puede llegar a afectar de forma muy diferente a dos personas, con otros que simplemente hablan del mar o la brisa desde un punto de vista onírico. “También el cine es una inspiración, 'Eternamente', por ejemplo, la escribí inmediatamente después de ver ‘El secreto de sus ojos’”.

do en tu música”. Los puntos de conexión con su primer trabajo, que al mismo tiempo constituyen uno de los pilares de la música de Depedro, los encontramos, sin embargo, yéndonos al otro extremo. “La influencia de la música africana también está muy presente porque creo que es la raíz de todo y por eso siempre intento incorporar esos elementos, esos colores”. Jairo se ha lanzado al mundo pero sin olvidarse nunca de volver a España, por su familia, suponemos que lo primero, pero también para grabar siempre que puede y para poder contar con la participación de los chicos de Vetusta Morla, a los que reconoce que invitó a una solomillada para acabar de convencerles. Una colaboración que él pone al nivel de la de John Covertino o Joey Burns, de Calexico, demostrando hasta qué punto se siente

“Me ha influido mucho esa manera de emocionar que tiene gente como Bon Iver” Pero si hay algo que verdaderamente ejerce una influencia en “Nubes de papel” y lo distancia de su primer disco, aportándole un aire más folk, es el peso de la tradición americana, de la que Jairo se ha empapado de manera privilegiada gracias a sus amigos de Calexico, entre otros. “Durante todo el proceso de creación del disco he escuchado mucho a cantautores americanos, ¡pero es que he estado tocando con ellos! Y me ha influido mucho esa manera de emocionar que tiene gente como Bon Iver o Andrew Bird. También he tenido oportunidad de escuchar mucho country, por ejemplo, cuando estuve tocando en un festival en Nashville me quedé en casa de Paul (Niehaus) y me llevó a todos los bares en los que solían actuar Johnny Cash, Hank Williams, etcétera. Cuando entras de verdad en aquello es inevitable que acabe influyen-

cómodo moviéndose entre ambos mundos, a pesar de las diferencias. “En España tenemos más capacidad de improvisar, intuición y talento, no nos cuesta nada hacer bailar una canción o encontrar el ritmo, pero allí tienen mucho más desarrollado el concepto. Por ejemplo, una banda de chavales cuando empieza ya sabe qué voz tiene que tener su grupo y aquí estamos más perdidos en eso”.

Quizás otros, pero él, con su segundo disco ya editado, parece tenerlo bastante claro: el mundo es muy grande y es el momento de volver a recorrerlo, esta vez, con su propia banda. “Para mi suerte, o para desgracia de mi familia, hay demanda de Depedro fuera. El niño tiene que empezar a caminar solo ya”. ■ Cristina V. Miranda.

“Nubes de papel” está publicado por Pias.

Depedro Foto Archivo

DEPEDRO

MondoSonoro · Octubre 2010 /15/

mondoFREAKO

Fred I Son Foto Dani Cantó

FRED I SON

Llenos de vida El mejor indie pop inglés de los ochenta, canciones alegres que suenan tristes, letras para niños y no tan niños, nostalgia del verano y joie de vivre. Todo eso y más contiene “Diu que no sap què vol” (‘dice que no sabe lo que quiere’), el excelente debut de Fred i Son, demoscópicos de esta publicación el pasado año.

“

El nombre existió antes que el grupo, Eli y yo somos pareja y ‘fred i son’ (frío y sueño en catalán) era como llamábamos al edredón. Cuando llegaba el invierno siempre era, venga, vamos a poner el ‘fred i son’; de hecho en 2006 o 2007 le regalé un iPod a Eli y detrás hice que grabaran ‘Fred i Son’, pero aún no había grupo ni nada, simplemente nos gustaba mucho cómo sonaba el nombre”. Con esta presentación podemos saber rápidamente un par de cosas de Fred i Son: primero que se trata de un proyecto eminentemente casero, y segundo que hay amor –por la música o de pareja- de por medio, dos elementos que combinados, suelen producir buenos resultados. De hecho, les gusta compararse con Yo La Tengo, por el hecho de que como los de Hoboken son una banda formada por una pareja (Xavi Rosés y Elisenda Daura) y el amigo (Xesc Cabot). “Fred i Son como trío hace un año que existimos, pero

realmente empezamos Eli y yo hace tres o cuatro años, en plan casero, cuando Núria Muntaner nos pidió unas canciones para el Minimúsica, que es un ciclo de conciertos para niños. Luego el año pasado Xesc me pasó una letra, yo le puse música y como nos gustó mucho le dijimos que se uniera al grupo con el bajo. Luego en noviembre grabamos el disco con Cristian Pallejà (Nisei, Sedaiós) de productor, que luego también se unió al grupo…”. Un disco que al parecer hacía tiempo que anhelaban tener en las manos. (Xavi) “Teníamos ganas de editar de una vez el disco porque había canciones que ya tenían un tiempo e íbamos haciendo nuevas”. Entretanto, los fans tuvimos tiempo de aprendernos de memoria sus canciones gracias a “En pijama” (2009), la maqueta –segunda mejor maqueta catalana de 2009 según MondoSonoroque al principio difundieron entre amigos, luego colgaron en su blog y que acabó agotándose

en formato físico. Una maqueta que a pesar de estar grabada con pocos medios (Garageband), recuerdo haber disfrutado en su momento como disfruta uno cuando sabe que ha encontrado un tesoro. Allí se encontraban ya joyas como “Mar d’absència”, “L’arc de Sant Martí” o ese hit que ha dado nombre al álbum, temas que enseguida hacían que te acordaras de los discos de Le Mans. (Xavi) “Bueno, a los que somos de la generación del indie de mediados de los

poco es buscado, es como me sale. Es raro porque he encontrado una manera de cantar en la que me encuentro cómodo y eso marca mucho el tono de la canción”. Además del grupo donostiarra, Xavi reconoce que sus referentes son más bandas anglosajonas de los ochenta. “Prefab Sprout, Aztec Camera, Orange Juice o The Go-Betweens son mis grupos de cabecera, aunque luego quizás me han influenciado más cosas menos

“A los que somos de la generación del indie de los noventa nos marcó el Donosti Sound” noventa nos marcó mucho todo el Donosti Sound, La Buena Vida…”. (Eli) “Y también en las letras nos gusta mucho hablar de qué he hecho hoy, qué he comido…”. (Xavi) “La forma de cantar también es una de las cosas que más nos define, la manera de Le Mans o de Family era como quería cantar yo, muy natural, sin afectación”. Algo que provoca que sus temas, a pesar de tener letras vitalistas, adquieran un tono afligido y nostálgico.

(Xavi) “Eso viene dado mucho por mi voz.

Por mucho que quiera cantar súper feliz, canto de una forma que no lo parece; tam-

conocidas como The Field Mice y los grupos de Sarah Records. Eli y yo más o menos coincidimos en gustos aunque ella es más de cosas como The Pastels, Yo La Tengo…”. En cuanto a las letras, se nota en el disco una gran diferencia entre las letras de Eli -sencillas, de temática más cotidiana e infantil- y las de Xesc, más maduras. (Eli) “Xesc es más críptico, más poético, y yo no uso tantas metáforas ni tantas imágenes”. ■ Marc Luelmo “Diu que no sap quÈ vol” está publicado por Sones.

mondoFREAKO /16/ Octubre 2010 · MondoSonoro

Avenged Sevenfold Foto Archivo

AVENGED SEVENFOLD

Viva la vida

El grupo estadounidense Avenged Sevenfold sufrió una pérdida irreparable: su batería, el carismático Jimmy Sullivan, moría el pasado mes de diciembre. Una noticia trágica y una conmoción enorme que han dado como resultado “Nightmare”, un quinto disco de estudio dedicado a su amigo.

S

uperar la muerte de un amigo no es fácil, sobre todo si a eso se le suma que Avenged Sevenfold estaban trabajando en el quinto disco de estudio de su carrera. A su alrededor todo se hacía añicos debido al golpe, pero debían seguir adelante. Se lo debían a Jimmy Sullivan, y “Nightmare” es el homenaje que le han dedicado. “Es un momento extraño: perdimos a nuestro amigo, y en cambio ahora nuestro disco es número uno en Estados Unidos. Estamos agradecidos y felices, y, aunque suene contradictorio, no dejamos de estar tristes ni un solo momento. Su espíritu está en todas las canciones, que son las que él creó, pero con un sonido y un sentido en general más oscuro. Este disco es un regalo para él.

Es mágico y contiene música increíble. Es perfecto”. Tras el éxito inesperado de “City Of Evil” (2005), en el que cambiaban un poco su sonido –del hardcore de sus dos primeras

referencias pasan al metal-, llega la confirmación con el continuista “Avenged Sevenfold” (2007) y con “Live In The LBC & Rough Diamonds”, un doble con un DVD en directo y un disco con temas inéditos y versiones de Pantera, Iron Maiden y Black Sabbath, que son la antesala antes de llegar a la culminación de un disco como “Nightmare”. “Cada disco que hacemos suena cien por cien Avenged Sevenfold. Este es más largo, como ‘City Of Evil’ pero más oscuro. Somos como Metallica: cada disco es distinto, con cambios claros desde ‘Kill Em’ All’ al álbum negro. La voz de James Hetfield va mutando y cada vez parece que cante como si estuviese más y más cabreado”. En ausencia de Jimmy Sullivan (también conocido como The Rev), fue Mike Portnoy, batería de Dream Theater, la persona que se ofreció a ocupar el puesto. “Es una gran persona. Si no fuese por él no hubiese sido posible acabar el disco. Nos ofreció su

ayuda. Jimmy era una gran seguidor suyo, escuchó las demos que él dejó grabadas, las siguió al pie de letra, aunque le dio su toque personal. La pena será que, para él, resultará complicado combinar a Avenged Sevenfold con Dream Theater en gira.

Estará con nosotros hasta final de año y luego veremos que pasa, aunque supongo que deberemos buscar un nuevo batería”.

Para concretar el sonido de “Nightmare”, esta vez el grupo ha contado con Mike Elizondo (Eminem, Fiona Apple o Dr. Dre) para llevar las

ejemplo sería un tema como “Save Me”. “Queríamos que sonase más épico, que fuese muy creativo, aventurero, como ‘City Of Evil’, pero explorando esta vez otros sonidos, otros lugares, y sí, que sonase muy épico, mucho, y obviamente, más emocional si cabe”. Paul Grey, batería de Slipknot, murió hace unos meses, dejando una huella imborrable en sus fans y en quienes le conocían.

Una terrible coincidencia, un dolor compartido.

“Cuando me enteré que había muerto Paul Grey, mi corazón pensó que eso no era

“Somos como Metallica: cada disco es distinto” riendas. “Autoproducir nuestros discos fue divertido, pero necesitábamos un cambio.

Nos pasaron una lista con muchos nombres, nos recomendaron algunos, y al final optamos por Mike. No queríamos sonar como Metallica o Guns n´Roses, nos apetecía algo que fuese diferente, una persona externa que no estuviese contaminada por nada”. La gran diferencia con respecto a otros discos del grupo de Orange County, radica en el hecho que cada vez suenan más épicos. Un

posible. Lloré desconsoladamente. Creo que hay dos personas juntas que son increíbles que están en el cielo. Paul era un gran fan nuestro. Tenía mucho talento, era uno de los ideólogos de Slipknot, una de las bandas más importantes en la historia del metal”. ■ Toni Castarnado “Nightmare” está publicado por Roadrunner/ Divucsa. Avenged Sevenfold estarán actuando el 20 de octubre en Razzmatazz (Barcelona).

mondoFREAKO /18/ Octubre 2010 · MondoSonoro

Pendulum Foto Archivo

PENDULUM

bajos y guitarras Empezaron como una renovadora de propuesta de drum'n'bass bruto a la australiana. Con el tiempo, Pendulum han mutado en un grupo de rock guitarrero con bases sucias, como si Prodigy se fuesen de fiesta con Fear Factory. "Inmersion", su tercer largo, lo deja más que claro.

L

el club Fabric de Londres. La sesión, a cargo de J Majik incluía “Vault”, y fue licenciada para muchos otros recopilatorios, incluida una sesión del Ministry Of Sound londinense.

“No esperábamos nada más que tocar delante cuatro personas en Perth (Australia), pero cuando vimos cómo funcionaba en las pistas de baile, supimos que algo bueno estaba pasando”. Con su segundo disco, “In Silico” –un estudiado choque de trenes entre el sonido de baile y el rock- lograron vender la friolera de un millón de copias en todo el mundo, además de colarse como cabezas de cartel en los principales festivales del planeta. Evidentemente, lo suyo tenía poco de drum’n’bass, pero nunca han mostrado demasiado miedo al cruce de estilos y a reflejar su gusto por bandas como “Bad Company, Konflict, The Usual Suspects, Ed Rush y Optical. Son grupos

La INDUSTRIA MUSICAL INDIE de nuestro país, por organizar a finales de septiembre un desembarco en México vía UFI y Arte, con infinidad de sellos y grupos.

ARCADE FIRE, no solamente por el éxito de su tercer disco, sino por el imaginativo clip interactivo “We Used To Wait”, dirigido por Chris Milk.

El grupo sueco THE RADIO DEPT por regalar una nueva canción “protesta” contra la política de su gobierno. Descarga en: www.labrador.se/hypocrisy/

KANYE WEST por distribuir gratuitamente parte del material que está redondeando junto a , entre muchos otros, Bon Iver, Raekwon o Mos Def.

de los suecos In Flames tiene mucho que ver en el potente sonido eléctrico, que les acerca mucho a la energía de sus directos. Los excelentes visuales que acompañan sus últimas giras son otro punto a su favor a la hora de llenar estadios y arrasar en festivales, incluido el aragonés Monegros. “Creo que ya hemos conseguido los resultados que esperábamos en el Reino Unido cuando el último

“No esperábamos nada más que tocar delante de cuatro personas en Perth” que probablemente arrasará sobre las tablas.

“Siempre acabamos enfermos con el último disco que hemos grabado, así que para ‘Inmersion’ el sonido definitivamente ha cambiado”. Eligieron “Watercolour”, el tema más parecido a sus anteriores singles, como el puente a demoler para dar espacio a lo que vendría después. Líneas de sintetizadores más convencionales (“Dawn”) conviven con otras canciones en las que las guitarras mandan, a veces demasiado. La colaboración

disco llegó al número uno, ahora es el momento de trabajar en Europa y América. Los visuales nos han ayudado mucho en los conciertos, han aportado algo que nosotros como grupo no podíamos dar y estamos sorprendidos de que estén a la altura del sonido, que es muy bueno”.

■ Javi Ruiz “Inmersion” está publicado por Warner.

CARLOS SANTANA por dar forma a un recopilatorio de versiones con algunos de los temas más versioneados de la historia de Occidente.

Y seguimos con los clásicos: STATUS QUO por volver a sacar como single una nueva grabación de su “In The Army Now”. Eso sí, les salva que sea en una edición benéfica.

El musical sobre SPIDERMAN, con música de Bono y The Edge, para Broadway ha requerido 48 millones de euros en producción y, por lo que parece, la venta de entradas está siendo discreta.

La triste noticia de que el músico argentino GUSTAVO CERATI, nominado en siete categorías en los Premios Gardel 2010, continúa en coma por una grave lesión cerebral.

BAJAN

SUBEN

os australianos Pendulum han pasado del drum'n'bass ni demasiado exigente ni lo suficientemente ortodoxo como para que los puristas del género les tomen en serio a una especie de nu-metal electrónico autocomplaciente que no acaba de convencer a la crítica, pero que cuenta con una verdadera legión de seguidores. Rob Swire, vía email, nos aclara bien poco las ideas sobre qué demonios tiene esta banda para tener tantos detractores como fans.

“Nuestro estilo es difícil de definir. Nació como un proyecto de drum'n'bass pero ha evolucionado en los tres últimos años hacia algo parecido a música electrónica con influencias de rock y metal”. Swire y Gareth McGrillen, junto al DJ Paul Harding montaron la banda en el año 2002 y, en un afortunado movimiento, consiguieron colar un tema en uno de los álbumes editados por

que nos gustan a todos y es cierto que, de una u otra manera, nos han influenciado”. Cada vez más alejados de sus raíces, más metidos en ese mainstream que no duda en aprovecharse del hálito de credibilidad de una banda como la suya y fagocitarla una vez haya consumido su ciclo vital han firmado un tercer trabajo, “Inmersion”, al que no se le puede negar la etiqueta de “divertido” y

MondoSonoro · Octubre 2010 /19/

mondoFREAKO

no confidencial

ALONSO NAPOLEÓN SOLO Los andaluces Napoleón Solo aún están presentando su disco “Napoleón Solo en la ópera” (El Volcán, 10), así que aprovechamos para obligarles a contestar nuestro cuestionario malintencionado.

◗ ¿Verdaderamente alguien del grupo sabe quién es Albert Camus?

Suponemos que alguien lo sabrá, aunque ahora mismo no te podemos decir quién. ◗ ¿Quién se encarga de despertar en gira al señor Eric Jiménez por las mañanas?

Pablo, nuestro road manager, a golpe de látigo. ◗ ¿Qué ocupa más en tu equipaje, el difusor de pelo para el secador o la caja de pedales?

Si llevara difusor, me lo dejaría olvidado. De los pedales se encarga otro por precaución. ◗ De Granada, con Eric en la batería, producidos por Fino Oyonarte ¿de qué grupo estamos hablando? ¿The Estrousing Eagles…? ◗ ¿Qué otro elemento de la música de Napoleón Solo es falso?

Ninguno. ◗ ¿Desde que sois un grupo conocido a quién habéis dejado de hablar?

Ahora es cuando están empezando a hablarnos a nosotros. ◗ ¿A qué crítico musical os gustaría encontrar en los autos de choque?

Hoy hace una tarde estupenda… ◗ ¿Hay alguna pareja dentro del grupo?

Todavía nos estamos conociendo. Vamos sin prisas. ◗ ¿Dónde prefieres ver tu disco en el Top Manta o en El Corte Inglés?

En los dos. Y si puede ser en más sitios, pues mejor. ◗ Además del grupo, ¿hacéis alguno algo más de provecho?

Nada. ◗ ¿Quién es el último en llegar al hotel durante la gira?

Eso sí está claro: el señor Jaime. ◗ ¿Dónde tocaríais gratis?

Hoy hace una tarde estupenda, sí señor… ◗ ¿Con quien te marcarías un dueto? Camilo Sesto, Bruce Dickinson o Thom Yorke?

Con Camilo. ◗ Aparte de esta ¿cuál es la entrevista más inútil que os han hecho tras la salida del disco?

Una en la que Jose se vio obligado a contar una anécdota absurda, para un reportaje en un festival en Galicia. Qué mal lo pasó y qué silencio generó. ■

THE MORNING BENDERS

Una playa en las alturas El grupo de Berkeley se trasladó a Nueva York para terminar su ambicioso segundo álbum junto a Chris Taylor de Grizzly Bear: “Big Echo” supone un paso de gigante respecto a su debut, elevando su pop de inspiración clásica hacia nuevas cotas de suntuosa calidez.

C

hris Chu es consciente de que su grupo acaba de dar un importante paso con la publicación de “Big Echo”, su segundo álbum, al que si hay que encontrarle parientes deberíamos citar la indisimulable influencia de Brian Wilson y la conexión directa, vía la ayuda en la producción del bajista Chris Taylor, con el “Vecktaminest” (Warp, 09) de Grizzly Bear. “Crecí escuchando a The Beatles, The Beach Boys y todo eso...”, admite Chu. “Pero últimamente he estado descubriendo música de artistas contemporáneos y de alguna forma esas dos influencias convergen en ‘Big Echo’”. Chris formó The Morning Benders mientras estudiaba teoría musical en la Universidad de Berkeley. El debut del grupo, “Talking Through Tin Cans” (+1 Records, 08) les sirvió para darse a conocer y ganarse comparaciones con The Shins. Pero “Big Echo” es otra cosa: el segundo álbum de The Morning Benders se desarrolla en una gran espacio abierto, en el que el aire es más puro y las emociones más profundas. Sobre sus estudios, explica que: “la carrera cambió mi forma de escuchar música y mi forma de hablar de ella. Tienes un vocabulario mejor y más específico, reconocer ciertos patrones en la música pop de los que la mayoría de gente quizás no sea muy consciente”. Entonces se supone que le será más fácil describir su propia obra: “Eso es más complicado”, se ríe. “En realidad, pienso que el disco se describe muy bien a sí mismo en su título: ‘Big Echo’”. “Queríamos probar algo nuevo”, cuenta. “Desde el momento en que me puse a componer canciones comprendí que el sonido del primer álbum no funcionaría en esta oca-

sión. Así que entramos en el estudio con la mente abierta y dispuestos a probar cualquier idea. Creo que el resultado ha sido un disco más especial”. El grupo empezó a trabajar en San Francisco, con Chris Chu haciéndose cargo de las labores de producción.

“Tenía las canciones, pero el resto no eran más que sonidos que oía en mi cabeza”, añade. “En parte creo que la mejor forma de aprovechar un estudio es entrar ahí y probar diferentes instrumentos, diferentes opciones para cada canción, hasta que consigues lo que quieres”. “Grabamos

The Morning Benders Foto Archivo

◗ El germen del grupo fue El Mito de Sísifo.

Ahora Napoleón Solo. ¿Algún otro nombre espantoso se os pasó por la imaginación?

The Estrousing Eagles, Los Edredón y Los Leopardos 2 fueron nombres que estuvieron en la lista de candidatos hasta última hora.

que parecen flotar en el aire. “Las canciones salen de mí de forma espontánea y algo misteriosa a veces, pero puedo ver que muchas de ellas tratan el mismo tema: el paso del tiempo, volverse mayor...”.

La clase de cosas que te preocupan cuando eres joven. “Tienes razón, es irónico. En mi caso, puedo decir que es algo que siempre me ha preocupado, incluso cuando era un niño”. Todo parece indicar que The Morning Benders se encuentran en un momento decisivo de su carrera. Incluso el hecho de que se hayan mudado a vivir a Nueva York parece una señal, aunque en la decisión hayan pesado tanto las razones personales como las profesionales. “Nos mudamos aquí en enero y desde entonces hemos pasado en la ciudad poco tiempo, pero Nueva York lo tiene todo: puedes hacer lo que quieras cuando quieras. Además aquí tenemos

“Últimamente he estado descubriendo música de artistas contemporáneos” casi todas las pistas en San Francisco y luego las trajimos a Nueva York para que Chris aportara sus ideas”, continúa. “Mezclamos el disco en el estudio de Grizzly Bear, donde ensayan, en una vieja iglesia.

Fue una buena decisión porque el grupo había estado demasiado implicado en la grabación y Chris aportó un punto de vista fresco”. Taylor ha aportado al álbum un sonido fácil de reconocer como cercano al personal mundo de su grupo, algo que Chu admite y de hecho vino a buscar a Nueva York.

“Lo que nos llevó a trabajar con Chris fue su sentido de la atmósfera y los arreglos.

Pensaba que era algo que podía aportar a ‘Big Echo’, ese sonido espacioso que oyes en el disco”. El trabajo en los arreglos y producción del grupo y Taylor acentúa todas las virtudes de unas canciones ingrávidas, de esas

muy buenos amigos y hay un montón de grupos que ver y gente que hace cosas interesantes que nos inspiran”. Si no han podido disfrutar más de su nueva ciudad se debe a que llevan de gira la mayor parte del año, rodando unas canciones que, escuchando el disco, resulta complicado imaginar en vivo y sin tantos instrumentos. “Al principio fue un poco complicado imaginarse cómo lo haríamos. Sabíamos que sería imposible recrear el disco como está grabado, así que estaba claro que había que interpretar las canciones de otra forma. De hecho, después de estos últimos conciertos, pienso que funcionan mejor en directo”.

■ Joan Cabot “Big Echo” está publicado por Rough Trade/Popstock!

mondoFREAKO /20/ Octubre 2010 · MondoSonoro

EN LA

MALETA

EME DJ Sin duda una de las pinchadiscos más activas del momento, EME DJ ha pasado por la parrilla de los festivals más destacados de nuestro país. Su forma de manejarse tras los platos, siempre con exitación y sin dejarse llevar por los tópicos la han convertido en un nombre a tener muy en cuenta. ◗ ¿Por qué motivos empezaste a pinchar? ¿Para ligar, para ser una estrella?

Por la necesidad de compartir lo que yo escuchaba y me gustaba con el resto de la gente. ◗¿Qué recuerdos tienes de la primera sesión?

La sensación que tengo cuando pincho siempre es la misma, como la primera vez: muchos nervios, mucha ilusión y ganas de conectar con la gente.

◗ Por contra, ¿cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado?

Pues un montón. Hay mucha música que escucho que no pincharía en un club. Por decirte algo, diría Cocorosie, The Cinematic Orchestra, Cat Power, Stars, Broken Social Scene, Air... ◗ ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

Actuar desde el ego, preocuparse más de si mismo que de la gente que está dispuesta a pasárselo bien y bailar. ◗ ¿Hasta qué punto es importante que la gente baile más o menos para cambiar la línea de tu sesión?

Es lo más importante. Nuestro trabajo consiste en hacer que la gente disfrute y baile.

Somos los responsables de poner la banda sonora a la noche. ◗ ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s?

Es curioso: de cara al público quizá estemos sobrevalorados, pero en la industria musical estamos totalmente infravalorados. ◗ ¿Y de los Dj’s remezcladores?

Hoy por hoy, se ha impuesto la regla de que si eres DJ tienes que producir, perdiéndose totalmente la esencia de pinchar discos.

Pero como en todo, hay que evolucionar por que si no, te acabas estancando. ◗ ¿Cuál ha sido la mejor sesión que has protagonizado hasta la fecha?

Sònar 2010. Por la cantidad de cosas buenas que sentí, por la conexión con el público, lo gratificante que fue todo, la profesionalidad, que estuvieran mis amigos y familia, lo que vino después... todo. ◗ ¿Cuáles son tus Dj’s actuales favoritos?

Kerman, He We Are, Smart, Chelis, Buffetlibre, Hazcaso, Bflecha, Alex Sidechains, Fuimichino, K**O, Ino, Kamboya... todos nacionales. ■

Booka Shade Foto Archivo

◗¿Qué disco nunca falla en una sesión tuya?

No tengo uno fijo, voy improvisando. El público nunca es el mismo, pero si por mi fuera pincharía siempre algo de Michael Jackson.

BOOKA SHADE

Euforia Tras un tercer disco que decepcionó a muchos, el dúo alemán recupera en “More!” la esencia de su trabajo más exitoso, “Movements”. Las claves de Booka Shade siguen intactas en este trabajo. Formulaciones house, melodías pop y una constante búsqueda de la emoción.

B

ooka Shade tocaron techo con “Movements” (2006). Fue su segundo disco, el que les encumbró y con el que se ganaron un gran prestigio internacional. “The Sun & The Neon Light” (2008), sin ser un mal álbum, fue un sonoro tortazo. “Un álbum difícil, queríamos expresar otras cosas en ese momento…”, se justifica un muy educado Walter Merziger al otro lado del hilo telefónico. No era el trabajo que se esperaba del dúo. Investigaron en paisajes ambientales y medios tiempos olvidándose de la pista de baile, su hábitat natural. Este año han vuelto con “More!”, un disco que pretende ser la secuela del siempre aclamado “Movements”.

Aunque se queda a las puertas de esa obra, nos encontramos ante un digno álbum de electrónica para todos los públicos. “Siempre defino la música que hacemos como la búsqueda de feelings y emociones sobre beats para club. Ese ha sido nuestro objetivo también en este disco, pero volviendo un poco a la esencia de ‘Movements’”. Merziger reconoce que ha sido el disco más laborioso de toda su carrera. “Hemos pasado mucho tiempo en el estudio, no únicamente trabajando en la composición, sino también en la factura de un sonido que superase todo lo anterior.

Cuando hacemos música no solo pretendemos hacer un melodía de sintetizador bonita y un beat que haga mover a la gente, queremos experimentar e investigar el sonido de una manera profunda. Y las estructuras son para nosotros muy importantes, ya que cuando haces música de pista es ‘fácil caer en lo fácil’ y hacer canciones simples y re-

petitivas que pueden funcionar bien en un after pero no las puedes escuchar en casa”.

Han sido diecisiete largos meses encerrados en el estudio. Los seniors han de conservar su estatus, porque los de abajo vienen fuertes. “Era necesario. Siempre estamos en constante búsqueda de la mejora de nuestro sonido, y queremos hacerlo cada vez más genuino. Hay muchas copias de Booka Shade por ahí fuera, eso quiere decir que nuestro sonido es atractivo… pero no podemos dormirnos en

relleno (“Havanna Sex Dwarf”, “This Is Not Time”) y algún corte pop como “Bad Love“ cantado por R. Chelonis Jones que resulta un poco cheesy. Ganan cuando se lanzan de cabeza a la factura de hits épicos como “Teenage Spaceman” y “Scaramanga”, aunque en algunos cortes se perciben influencias de las tendencias que actualmente marcan la tónica en los clubes underground. “Es cierto que en estos últimos meses ha habido un resurgimiento del house en sus formas más clásicas. Muchos productores han vuelto a usar muchos vocales con toques soul, samples con sabor jazz y funk, estructuras clásicas del house americano… Nosotros somos permeables a todo esto, aunque no sea evidente en el resultado final. Sobre todo porque en los últimos tiempos hemos empezado a pinchar con más regularidad y estamos empapándonos de nueva música”. Hablamos

“Las canciones simples y repetitivas pueden funcionar bien en un after, pero no en casa” los laureles, y hemos de mantener la frescura de nuestra producción. Necesitas dolor y sufrimiento al hacer un álbum, porque la recompensa, al final, es buena…”. Otro de los retos del dúo era volver a recuperar el crédito después de la ristra de palos que se llevaron en algunas tribunas. “Fue un poco deprimente...

Muchos decían: ‘Estos tíos ya no podrán superar lo que hicieron en 2006’. Queríamos demostrar que estaban equivocados. De hecho con este disco creo que hemos llegado por fin a crear nuestro propio universo, ese que tiene un pie en el club y otro en la escucha en casa, porque los temas no son muy largos y en el disco las pistas no tienen una estructura de djtool”. En todo caso, el contenido de “More!” es variado y mantiene el tipo durante todo el minutaje aunque hay algún

ahora de groove, de swing. De esa capacidad de Booka Shade de crear ritmos que fluyen y que huyen de la secuenciación aburrida y plana. Tocar siempre será mejor que arrastrar con un ratón.

“En nuestro último disco dejamos un poco de lado las jams en el estudio y teníamos ganas de volver a crear libremente tocando los ritmos y jugando con los sintes…”. Como no podía ser de otra manera, M.A.N.D.Y. compañero de fatigas en Get Physical y co-productor del célebre “Body Language” colabora en el disco.

Concretamente en “Donuts“, que fue el primer single. “Casi no lo llamaría una colaboración, porque a este tipo lo vemos casi a diario (risas)”. ■ Javier López “More!” está publicado por Coop/Nuevos Medios

/23/ Octubre 2010 · MondoSonoro

Dotore Foto Archivo

entrevista

DOTORE

De puntillas, sin apenas llamar la atención, el donostiarra Pablo Martínez, Dotore, entrega “Los veranos y los días”, segundo trabajo de su trayectoria y uno de esos discos de pop emocional llamados a resistir el paso del tiempo a colocar en nuestra discoteca particular junto a los mejores Le Mans, Jeanette o Vainica Doble

E

n pleno intercambio de mails para concretar cuándo y cómo tendrá lugar la entrevista, Pablo Martínez rompe con el cariz protocolario de la conversación: “Leí en tu blog que ‘Los veranos y los días’ era candidato a sustituir al ‘Nº 2’ de JJ. Me hizo mucha ilusión porque aunque creo que no tiene absolutamente nada que ver con lo que yo hago, ese disco fue sin duda uno de los pocos que me atrapó y obsesionó el año pasado. Curioso ¿no?”.

No tanto. Como diría el filósofo, “lo nuestro es una cuestión de feeling”. No parece difícil encontrarle el vínculo a dos discos bien distintos entre sí que, sin embargo, laten al unísono. Ambos sufren de un soplo en el corazón, de un flujo sanguíneo turbulento provocado por el mal de amores. “Este disco refleja la ascensión y caída de dos relaciones diferentes en los últimos tres años, por eso hay momentos muy optimistas y otros que no lo son tanto. Ahora mismo no estoy con nadie así que todavía no hay mucho material para el próximo disco (risas)”. Caída y auge de dos amores que tienen en el tiempo estival un “rohmeriano” escenario para este diario íntimo compuesto por doce viñetas. En realidad, apenas un par de líneas bastan para sintetizar el segundo trabajo de Dotore: “El verano ha llegado/y sabes que te sienta bien”. “Es cierto, no considero el verano el tema central del disco sino su escenario. Cuando empecé a escribir nuevas canciones necesitaba algo más cálido, como quien necesita irse de vacaciones a un lugar con buen tiempo. No fue premeditado pero enseguida me di cuenta de que el escenario que describía de forma inconsciente era el

verano, y así fue como se convirtió enseguida en hilo conductor”. “Demonios del otro lado del océano” fue un debut esperanzador, que convertía a Dotore en la respuesta ibérica a una sensibilidad folk-pop que llega desde el norte de Europa y entronca con la tradición anglosajona. “Me alegro de que te parezca contemporáneo.

Me gusta lo que hace gente como Kings Of Convenience o Jose Gonzalez, pero la verdad es que no son mi referencia en absoluto. Sin

ejemplo,”La mañana”, arpegio de guitarra circular sobre el que se suceden con una simplicidad asombrosa una serie de imágenes que representan ese momento en que despiertas y te sorprendes de tener a tu lado a la persona de la que estás enamorado. “Es una canción muy especial para mí y una excepción en la manera que habitualmente tengo de hacer música. La escribí en diez minutos, música y letra. Acababa de despedirme de mi novia de entonces, cogí la guitarra, me vino la letra a medida que iba cerrando la canción y supe al instante que había hecho una de las mejores canciones que haría nunca. Normalmente puedo estar meses dándole vueltas a la composición de las canciones... Puede parecer que las letras son sencillas pero te puedo asegurar que les doy mucha importancia y estoy obsesionado

“Me gustan Kings Of Convenience o Jose Gonzalez, pero no son mi referencia en absoluto” embargo es probable que los tres tengamos en común la devoción por Nick Drake, Tim Hardin o Judee Sill”. Mucho más maduro y ambicioso, Pablo recluta a Iñaki Irisarri (Café Teatro), Havard Enstad (“un pianista y chelista noruego que es tan bueno que cuando empezamos a tocar me sentía ridículo limitándole a los arreglos sencillos que tenía en la cabeza”) y hasta a un Arvo Pärt enlatado (“soy muy fan.

Para ‘Mejor que antes’ me imaginaba un final épico; es casi el final del disco y quería algo intenso antes de que llegase la calma con la última guitarra, unos coros que fuesen subiendo en intensidad. Así que mi primera opción fue Arvo Pärt”) para completar un segundo paso que en realidad es un salto de gigante. Y lo hace desde una absoluta economía de medios, con una tirada inicial irrisoria y a partir de un planteamiento lírico y musical minimalista. Pongamos por

con mantener la simplicidad y la esencia tanto en las palabras como en los arreglos”.

Unos textos en los que “desnudos las cosas tienen sentido”, “la chica siente el beso de la brisa” y “no hay nada mejor que el sexo por la mañana”. ¿Sabes que, por momentos, “Los veranos y los días” resulta radiantemente sexy? “Pues a decir verdad, me agrada la idea de que pueda verse como un disco erótico o sexy. Lo que me frustra bastante es que la gente lo perciba como un disco melancólico. Una amiga mía dice que hay un estado de ánimo de felicidad-melancolía en el que siempre le apetece ponerse mis discos. Creo que esa descripción encaja mejor con la idea que yo tengo de mis canciones”. ■ Luis J. Menéndez “Los veranos y los días” está publicado por Discos Primo.

Le Mans Foto Leila Méndez

El bello verAno

Sonido Donosti

Aunque Pablo Martínez, afincado en Barcelona ahora mismo, bien podría protagonizar él sólo toda una temporada de “Españoles por el mundo” -su trabajo como técnico en el tratamiento de aguas le ha llevado a viajar por medio planeta, algo explícito en sus canciones- las raíces donostiarras empapan su producción musical.

En cierto modo Dotore viene a ser el último eslabón de aquello que en los noventa dio en llamarse Donosti Sound y que tuvo en Family, Le Mans y La Buena Vida a sus máximos exponentes. “Me sorprende bastante que se mencione tanto a Family al hablar de mis letras. El disco de Family ha adquirido el estatus de mito, y fue un disco importante en una época de mi vida, así que no me extrañaría que se filtrase de alguna forma en mis letras, pero me resulta difícil ver similitudes. De todas formas estoy convencido de que el hecho de ser de San Sebastián influye mucho en que se hagan esas comparaciones. Le Mans, sobre todo la época del ‘Saudade’, es otro grupo que escuché mucho en su día y que además veo bastante vigente aún”. En realidad, incluso hoy resulta complicado acotar los límites de una escena mucho más rica de lo que se suele recordar y cuyos protagonistas intercambiaban formaciones e instrumentos en proyectos tan diferentes entre sí como Daily Planet, Parafünk o El Joven Bryan Superstar. n

Antony And The Johnsons Foto Archivo

entrevista /24/ Octubre 2010 路 MondoSonoro

MondoSonoro · Octubre 2010 /25/

entrevista

ANTONY AND THE JOHNSONS

Especies en extinción En un panorama musical tendente a la homogeneización, la mera existencia de alguien como Antony Hegarty es un milagro, no sólo por su exquisitez musical, extrema sensibilidad y articulado pensamiento, sino porque como todo gran artista es el único de su frágil especie. Quizá por ello, se muestre en “Swanlights” tan alerta de los peligros que amenazan el medio ambiente.

R

ecostado en el sofá de una habitación situada en un céntrico hotel madrileño, Antony atiende a los periodistas con calmada amabilidad y una educación que delata sus orígenes británicos, y que le hace a uno preguntarse cómo pudo sobrevivir con esas maneras durante años en el salvaje underground neoyorquino de los noventa. Está aquí para promocionar “Swanlights”, la continuación de “The Crying Light” que aborda, de forma aun más directa que este último, el vínculo entre naturaleza y vida espiritual, a pesar de que Antony los considere trabajos paralelos. “Algunas canciones se escribieron al mismo tiempo, otras más tarde. Pero ‘The Crying Light’ fue completado primero, así que retomé ‘Swanlights’ más tarde. Estas canciones me parecían más volátiles, más extremas en sus sentimientos.

‘The Crying Light’ era un disco muy sobrio, con una narración muy definida, muy destilada. Este disco es todo lo contrario, muy cacofónico. También hay silencios, pero en la mayor parte de momentos, lo que intento es emular los sonidos del mundo natural, ya sea la paz del océano o el torbellino sónico de un bosque”. Un acercamiento que, como consecuencia, va acompañado de una urgente, casi beligerante, defensa ecológica. “Todo empezó con el deseo de ver las cosas de otra forma, de retar mis prejuicios. Si miras una montaña y lo vuelves a hacer diez minutos más tarde, ¿es la misma? ‘Christine’s Farm’, que cierra el disco, habla del misterio de la naturaleza, de su belleza creativa, incluso de su violencia. Para mí no hay nada más

expulsados del jardín del Edén y esperaban otra vida, pero ellos sabían que el Edén es este. Fue un largo proceso que nos hizo divorciarnos de la tierra y el poder de lo femenino. Quería establecer un paralelismo entre la forma en que la Europa blanca devoró el paisaje de los Estados Unidos y la forma en que estamos acabando con el ecosistema ahora mismo. Puedes considerarlo un genocidio de la naturaleza”. Al terminar su discurso me pregunta si estoy de acuerdo con él, a lo que le respondo que por supuesto, pero que qué podemos hacer para remediarlo. “Es difícil escapar del sistema en que uno nace.

E

n el precioso libro que acompaña la edición especial de “Swanlights”, una recopilación de collages warholianos y otras pinturas realizadas por Antony, prevalecen las imágenes de paisajes, animales… y retratos de indios americanos. “Me interesé por ellos buscando prueba de precedentes ‘transgenéricos’ en otras culturas, y me encontré con los ‘two-spirits’, que eran casi divinidades para ellos. Los nativos pensaban que los blancos estaban locos, que habían sido

U

n pasado, el suyo propio, que asoma en el videoclip de la propia “Thank You For Your Love”, de tintes souleros, en el que aparecen imágenes de Antony a su llegada a Nueva York en los noventa, tomadas en el ya de por sí melancólico formato Súper 8. “Era mucho más mono entonces”, dice mientras ríe. “Me emocionó lo inocente que parezco en esas imágenes. No me reconozco en ellas, lo que me pone muy triste. Ahora somos capaces de capturar el reflejo de la luz en nuestros cuerpos para siempre, mientras antiguamente, el pasado formaba parte del mundo de los sueños y la mitología y podías reescribirte continuamente. Confrontarte con tu imagen real pasada es desconcertante,

“Quiero afirmar que pertenezco a este mundo, que todo cielo, Dios o mitología emergen de la tierra, no al revés” Somos una especie gregaria. Confiamos en que las corporaciones nos digan la verdad, confiamos en que los medios de comunicación apoyen nuestros intereses. Pero ni siquiera las religiones están pensadas para la gente. Las pasadas Navidades, el papa Ratzinger dijo que apoyar a los gays era tan peligroso como la destrucción de la selva tropical. Obviamente, es la clase de afirmación que sólo puede hacer alguien que está preocupado por la perpetuación de su propio poder, no en ayudar a la gente. De todas formas, este disco habla de mi proceso interno, aunque en las entrevistas hable

“Es curioso, porque utilizo la voz de Björk como la voz de la curación, de la razón, en este álbum. ¡Y ella hizo lo mismo con la mía en ‘Volta’!” allá de la naturaleza, y quería hablar de la conexión entre ella y nuestra espiritualidad.

Cuando era pequeño, se me dijo que mi espíritu no pertenecía a este mundo, que sólo estábamos de paso, de camino a un paraíso extraterrenal, por lo que ahora quiero afirmar que pertenezco a este mundo, que todo cielo, Dios o mitología emergen de la tierra, no al revés”.

utopía! Hace treinta años, todos los artistas hablaban de un posible paraíso terrenal; ahora, la gente ni siquiera se para a pensar lo que puede ocurrir dentro de diez años.

Es de lo que trata este álbum, de utilizar el pasado como una ensoñación del futuro”.

desde un punto de vista político, porque quiero que esto se publique, que se sepa mi furia y mi desesperanza por lo que está ocurriendo con el medio ambiente”. Sin embargo, resulta curiosa la grabación de “Pressing On”, una de las canciones más radicales del período cristiano de Dylan, en el EP de adelanto “Thank You For Your Love”, y que curiosamente aparece junto a otra versión del clásico “Imagine”.

“Sinceramente, no tenía muy claras mis intenciones cuando las junté, pero creo que quería mostrar la convivencia de diferentes puntos de vista en la misma generación.

Dylan creció como judío, y más tarde afrontó en el cristianismo la necesidad de ser salvado fuera de este mundo. Lennon, sin embargo, conoció todas las religiones orientales hasta darse cuenta de que ninguna hablaba a su corazón. Pero lo que me gustaba de ‘Imagine’ es que es una visión de futuro. ¡Ya ni siquiera nos atrevemos a soñar con la

incluso alienante. Es increíble pensar que este cuerpo es el mismo que el del niño que un día fui”. Precisamente, del misterio que supone el paso entre la vida y la muerte, cómo puede desaparecer un espíritu mientras el cuerpo permanece, es de lo que trata “The Spirit Was Gone”, un tema que nos remite al Antony más íntimo y confesional. “Esa canción fue escrita cuando murió mi abuela, mi mejor amiga. Fue mi padre quien pronunció esas palabras, cada palabra de esa canción es de él. Me parecieron tan primarias, que me alegra tanto que pudiese articular algo así”. Viendo que los ojos de Antony comienzan a humedecerse y su voz a temblar, es preferible cambiar de tercio y preguntarle por “Flétta”, el dueto con Björk que aparece en el álbum, prolongación del papel de Antony en “Volta”, el disco de la islandesa. “Me llamó cuando estaba en Jamaica, sobre todo para que yo descansase, porque podía ver que después de la gira de ‘I’m A Bird Now’ me encontraba exhausto, así que además me alquiló un piano. Escribí esta canción para ella, no es muy de mi estilo. Vino al estudio e inmediatamente improvisó cinco o seis tomas vocales, en una mezcla entre islandés y un lenguaje fonético inventado, y se marchó, porque suele trabajar a borbotones. Esta colaboración trataba de encontrar un lugar donde pudiésemos habitar los dos.

Cada vez me gusta más la canción, sobre todo por la pasión y la fuerza de su voz. Esa aceptación apasionada del misterio. Y en este disco quería abordar este misterio, a veces de forma intelectual. Es curioso, porque utilizo la voz de Björk como la voz de la curación, de la razón, en este álbum. ¡Y ella hizo lo mismo con la mía en ‘Volta’!”.

■ Héctor G. Barnés “Swanlights” está publicado por Rough Trade/Popstock!

John Grant Foto Archivo

entrevista /26/ Octubre 2010 路 MondoSonoro

MondoSonoro · Octubre 2010 /27/

JOHN GRANT

Demonios tus ojos

Un día más Fue líder de aquel grupo de dream pop orgánico que se llamaba The Czars.

Desencantado y hostigado por mil demonios, John Grant se mudó a Nueva York y vivió alejado de la creación musical. Ahora regresa con “Queen Of Denmark”, un testimonio cínico y descarnado de su odisea vital, grabado con Midlake como banda de apoyo.

“

Quizá sea cierto que tengo que pasar por todo lo que estoy pasando para poder hacer la música que hago”, reconoce John Grant casi al final de nuestra larga conversación telefónica. Grant está pasando unas semanas en Berlín, desde donde está preparando una pequeña gira por Europa acompañando a Wilco y tocando en solitario.

Ninguno de los dos quiere colgar, pero yo me encuentro sin palabras. De hecho, hace un buen rato que las preguntas que tenía preparadas se han ido, con perdón, a la mierda. Conceptos como influencias, producción, industria, trayectoria o detalles logísticos se antojan menores y hasta inapropiados cuando hay una persona que se está desgarrando emocionalmente al otro lado de la línea. “A veces

por una limpieza y una naturalidad apabullantes.

“Ahora que ha pasado un año desde que fue grabado me doy cuenta de que a estas canciones las ha salvado el humor. Es el principal motivo gracias al que puedo escuchar este disco. Hablo abiertamente sobre cuestiones muy personales, doy opiniones, lo que cuento podría no agradar. Pero el humor es humano y unifica, la gente se puede sentir más identificada cuando hay humor”, explica Grant, que ingresó voluntariamente en una clínica al terminar la grabación, asustado por sus propios pensamientos.

Hoy se muestra animado. “Adoro las canciones, tengo una relación muy positiva con el disco.

Cuando pasas por los estados por los que

“A veces siento que tendría que haber seguido bebiendo, consumiendo cocaína y escapando, porque es muy duro afrontar todo esto” siento que tendría que haber seguido bebiendo, consumiendo cocaína y escapando, porque es muy duro afrontar todo esto. Hay gente ahí a la que puedo acudir. Lo que me dicen es que todo va a estar bien, ellos lo creen, pero tengo que ser yo quien lo crea. Me gustaría no tener que pasar por esto. A veces creo que mi cabeza va a explotar, porque no entiendo nada.

Pero bueno, luego te despiertas y ahí está un día nuevo”.

T

ras confesiones como ésta, de las cuales la conversación está repleta, hay momentos en los que el silencio es estruendoso. Pero pongámonos en contexto. Hace una década, John Grant era un músico que disfrutaba de un moderado éxito al frente de The Czars, un interesante grupo de shoegaze y pop ambiental establecido en Denver. El grupo se disolvió por el motivo por el que se disuelven todos los grupos y John decidió mudarse a Nueva York, donde pasó temporadas sirviendo mesas y trabajando como intérprete en un hospital, y donde, por encima de todo, continuó peleando por superar sus crónicas tendencias depresivas y sus problemas de adicciones. El contacto con la música le venía a través de la relación que conservaba con grupos como The Flaming Lips o Midlake, con quienes tocaba en directo ocasionalmente. Un día Tim Smith, cantante de Midlake, le hizo una propuesta irrechazable. El grupo iba a grabar las canciones de lo que sería su nuevo disco (“The Courage Of Others”) en el estudio que posee en Denton. Smith propuso a Grant ayudarle a grabar otro disco en el tiempo libre entre sesiones, éste con canciones del propio Grant. Midlake al completo haría las veces de grupo de sesión. Grant aceptó. El resultado es “Queen Of Denmark”, un trabajo marcado por la infancia perdida, la adicción a las drogas y al alcohol, donde también hay espacio para abordar una atormentada homosexualidad y hasta sus impulsos suicidas, pero que, lejos de resultar desolador, se caracteriza

tienes que pasar para poder crear pierdes la perspectiva totalmente. Ya no escuchas nada.

No sabes lo que la gente va a decir”. Y lo que ha dicho la gente y publicaciones de referencia como Mojo o Uncut a lo largo de 2010 ha llegado en forma de elogios unánimes ante un trabajo que, por la belleza de algunos de sus pasajes, es uno de esos discos que pueden resultar una amenaza para quienes tienden a experimentar síntomas característicos del síndrome de Stendhal. Pero no es “Queen Of Denmark” un álbum únicamente preciosista, únicamente clásico. Está compuesto a partir del piano, pero, dentro de su aire general de soft-rock años setenta, tiene su punto burlesque y hasta vacilón.

entrevista

lo que soy. Hasta ahora este disco es lo más cercano que he tenido a disfrutar en el estudio, pero al mismo tiempo ha sido muy doloroso. Todo estaba sucediendo mientras lo grababa. Me gustaría hablar de la belleza, de pasarlo bien, de ser joven. Espero poder hacerlo algún día”. Mientras llega ese día, Grant tiene ante sí un duro camino. “La gente pasa por la misma mierda por la que paso yo, así que a nadie le puedes importar realmente. Porque no eres especial, sólo eres una persona. Me resulta difícil llegar a darme cuenta de los motivos por los que yo puedo importar. Pero por otro lado pienso que estoy aquí. Estoy aquí y tengo contacto con gente cada día. Tú y yo estamos hablando ahora mismo, importamos”.

E

s cierto que una persona llorando por sus miedos e inseguridades es igual a cualquier otra, y darte cuenta de eso puede llegar a ser demoledor. “Utilizamos todas estas lenguas para comunicarnos. Un lenguaje reduce las realidades pero en esencia cada persona tiene una manera única de mirar las cosas. Reconocemos las referencias y los conceptos que hay tras los lenguajes, pero no es posible estar dentro de la cabeza de otra persona. Eso sí nos hace únicos”. Grant habla con amabilidad, sin afectación, sin muecas de victimismo. Está haciendo algo bueno, pero no lo está pasando bien. Intento cerrar la conversación en terrenos menos angustiosos para él, para mí y para quien lea la entrevista una vez publicada, y le pregunto por su método de trabajo. La respuesta es toda una lección de composición, con un final tan certero como críptico. “Normalmente el proceso empieza a partir de una idea, una sensación. Al final todo se basa en juntar piezas. Todos trabajamos con lo mismo, todos los músicos estamos haciendo el mismo puzzle. Las piezas encajan, pero tienen formas diferentes. Yo me siento al piano y hago progresiones de acordes. Cuando tengo lo básico, lo fácil, lo que me sale naturalmente, empiezo a pensar en las cosas que me gustan, en los estilos que me gustan, en lo que puedo

La historia de la música está repleta de discos que sirvieron a sus autores para volcar todo ese tormento interior que los atenazaba. Drogas, pérdidas, desengaños, depresiones, alcohol... Mierda, mucha mierda transformada en arte, y para muestra un botón... O diez.

Nick Drake

“Pink Moon” (Island/Universal, 72)

El tercer y último disco del británico antes de suicidarse es una desolada muestra de cómo, de la depresión más aguda, pueden surgir once bellas canciones con tan sólo una guitarra acústica y voz. Escucha: “Parasite”

Robert Wyatt

“Rock Bottom” (Thirsty Ear/Ryko, 74)

Tras caerse por una ventana desde una altura de cinco pisos y romperse la columna, el batería de Soft Machine entregó uno de los discos más personales e introspectivos que se han escrito jamás. Escucha: “Sea Song”

The Cure

“Pornography” (Universal, 82)

Uno de los mayores ejemplos de álbum nihilista y deprimente, grabado en un momento en el que las drogas hacían mella en Robert Smith y su atormentada mente. “I must fight this sickness, find a cure” Escucha: “Cold”

Alice In Chains “Dirt” (Columbia, 92)

La heroína es una droga muy poderosa si se trata de escapar de la mierda, pero tiene un problema: se acaba y necesitas más. Todo esa lucha y dolor infinito están en este disco desgarrador. Escucha: “Down In A Hole”

Vic Chesnutt

“Drunk” (Texas Hotel, 93)

El malogrado cantautor de Athens fue un excelente narrador de historias de fuerte calado emocional, expresadas tanto a partir de sus experiencias personales como de la observación del género humano. Escucha: “Drunk”

Elliott Smith

“Elliott Smith” (Kill Rock Stars/Popstock!, 95)

El universo crudo, disfuncional y depresivo de Elliott Smith se muestra sin ambages ni tibiezas, tan real y próximo como el pellizco de las cuerdas de su guitarra. ¡Qué duro es sentirse solo!

Escucha: “Needle In A Hay”

Eels “Electro-Shock Blues” (Dreamworks/Universal, 98)

“A veces te dejas ir y de repente te das cuenta de que estás cantando una canción de Radiohead, pero no pasa nada” Está grabado, eso sí, sin ningún miedo a sonar bien, algo que unos instrumentistas como los miembros de Midlake pueden ayudarte a conseguir como quizá ningún grupo podría ahora mismo. Las dudas de Grant venían azuzadas por su delicada estabilidad emocional. “Escribí algo en Nueva York, pero no mucho. Creo que simplemente me tomé un descanso. No tenía seguridad ni tenía planes.

Trabajé en restaurantes durante dos años, no sabía qué iba a hacer, ni siquiera sabía si alguna vez volvería a grabar. Pero esos trabajos me vinieron muy bien para salir de mi cabeza.

Cada día peleo para poder salir al mundo.

Grabar el disco es algo que me ha ayudado mucho”. Pregunto si la música no es una suerte de terapia. “Mi implicación es muy grande, casi insoportable. Para mí es inevitable hacerlo así.

Estoy intentando mirar dentro de mí y aceptar lo que veo. Necesito saber si puedo vivir con

ir aportando. ¿Qué he aprendido de todo eso, qué puedo incluir aquí que convierta lo que estoy haciendo en algo nuevo y especial?. Y, básicamente, intento hablar de lo que me está pasando. A veces te dejas ir y de repente te das cuenta de que estás cantando una canción de Radiohead, pero no pasa nada. Como músico y como alguien que ama la música, es imposible no estar influido por lo que has escuchado. Tienes que dejar salir todo lo que hay, estar absolutamente abierto a usar absolutamente todo. Puedes hacer cualquier cosa siempre y cuando, y esto es lo más importante, te quites de tu propio camino. Lo importante es quitarte de en medio”. ■ Jorge Ramos “Queen Of Denmark” está publicado por Nuevos Medios. John Grant estará actuando en el San Miguel Primavera Club.

Gracias al libro de Mark O. Everett, “Cosas que los nietos deberían saber”, hemos podido acercarnos a sus desgracias. Su segundo disco resulta crucial en ese sentido. Escucha: “Elizabeth On The Bathroom Floor”

Sparklehorse

“Good Morning Spider” (Capitol) (1999)

Escrito tras el coma producido por una sobredosis que casi acaba con Mark Linkous, es un disco de alguien que ha experimentado un estado de clarividencia tan doloroso como redentor. Escucha: “Sick Of Goodbyes”

Bon Iver “For Emma,

Forever Ago” (Jagjaguwar) 2008

Tras una ruptura sentimental y la desbandada de su grupo, Bon Iver se aisló durante tres meses en una cabaña para componer una excelente y emocionante colección de canciones.

Escucha: “Skinny Love”

The Duke And The King “Nothing Gold Can Stay” (Ramseur/Popstock!, 09)

De nuevo un músico se refugia para superar una pérdida, en este caso la de un futuro hijo que nunca llegó a ver la luz, y conmovernos a todos. Escucha: “Union Street” ■ Don Disturbios

Tote king Foto Diegol Rodriguez

entrevista /28/ Octubre 2010 · MondoSonoro

Para muchos Toteking ha dejado de ser un tipo cualquiera. Y pese a que en “El lado oscuro de Gandhi” se hace eco de reflexiones que brotan del inconsciente colectivo, el sevillano se muestra inédito a la hora de abordar las debilidades del individuo común, trascendiendo en cuerpo y alma más allá de los horizontes del propio hip hop.

C

ada vez que Toteking saca su libreta a pasear lo único que no genera es indiferencia. El día 5 de octubre se publica “El lado oscuro de Gandhi”, su quinto álbum de estudio, pero desde que vio la luz “Redes sociales”, el sencillo de adelanto, la oreja no ha parado de pitarle. Y es que no son pocos los que se han sentido aludidos por la caricatura que hace el sevillano de los más adictos usuarios de Facebook, Tuenti, Twitter… “Suele ser algo que me viene de siempre, si te arriesgas a hablar en el hip-hop de algo más que de tus huevos gordos y lo grande que te sientes, pasan cosas de estas.

Siempre que te mojes con un tema pasará esto... pero no pasa nada, no tengo miedo de nada”. Miedo sobre todo a quedarse solo en una escena, la del rap patrio, en la que el discurso de Toteking no parece tener presencia en otros MC’s. Lo que no sabemos es si es por falta de interés en estos temas o por falta de

habilidad para juntar palabras con el flow del sevillano. “Falta de habilidad con el lápiz.

Son las ventajas de no tener el seso fundido por la Play 3 o la tele. ¿Luego qué ocurre? Que saco otro álbum, la peña lo escucha y dice: ‘Joder tío el Tote dice justo lo que yo pienso, y trata temas que todos

propia escena hip hop actual, cuyos protagonistas lucen en algunos casos más la chapa que la pluma. “La escena se sale musicalmente más que nunca, los yankis son alucinantes en cuanto a la forma, la musicalidad o la melodía. Es increíble lo mucho que me gusta la forma del hip-hop y lo poquísimo que me gusta el contenido y los textos del noventa por ciento de los músicos de hip-hop... Es una pena, la peña no escribe de nada que me interese. Luego también ocurre que hay ciertos roles asociados que son penosos bajo mi punto de vista, aunque respeto lo que cada uno haga o sienta”. Con todo lo dicho no se puede afirmar

“Es increíble lo mucho que me gusta la forma del hip-hop y lo poquísimo que me gustan los textos del noventa por ciento de los músicos” pensamos, ¿cómo no se me ha ocurrido a mi contarlo así?’. No pueden contar cosas tan sencillas como las mías y con mi enfoque… He currado mucho, me gusta escribir”. Y es cierto, por eso en ese lado oscuro al que Tote pone luz y taquígrafo en este álbum, se encuentra cierto descontento con la

ni por asomo que los textos de este álbum sean un ejercicio de retórica refinada. El lenguaje en este disco es muy directo y en algunos casos abrupto, incluso pueril me atrevería a decir.

“Nunca ha sido mi fuerte, no soy bueno para lo abstracto (yo soy de los que ve una puerta delante, no veo nada más, mien-

tras que otros ven un trasfondo infinito).

Nunca he sido un erudito, nunca he leído poesía, nunca he usado recursos literarios complejos en mi lírica. La peña no se entera, yo escribo de lo que tengo delante y punto. Eso sí, tampoco pienso que mi discurso sea pueril, mi discurso es sencillo, pero no es fácil hacerlo. A veces miras por la tele a LeBron y parece fácil pero luego hay que hacerlo...”.

Y

para hacerlo tan fácil, Tote se ha tomado la grabación de este disco de otra forma, sin presiones, de hecho ya en faena no había firmado todavía con su nueva discográfica. Tranquilamente en su propio estudio junto a su amigo Randy, en un espacio de trabajo que permitiera darle una vuelta a todo lo grabado de forma distendida, entre cigarro y cigarro. Tan propicio ha sido el ambiente que entre algunos temas han trufado el disco de algunos de estos momentos de complicidad entre el MC y el Dj. “Sí tío, otro rollo. Han sido dos colegas divirtiéndose. La grabación era una fiesta cada día, muertos de risa viendo monólogos en los descansos.

Porque cuando se me atascaba una letra o cuando Randy se saturaba de tanta pantalla, nos poníamos monólogos y nos

MondoSonoro · Octubre 2010 /29/

entrevista

TOTEKING

Agrégame o mátame

El lado oscuro de Toteking

bebíamos una copita y luego vuelta al cuarto del estudio y a seguir. Un lujazo compi”. Esa conjunción se traduce en la musicalidad de las instrumentales. Y es que Randy ha sabido empatizar la pasión que Tote tiene por los sonidos de los sesentas y setentas con unas bases que no obedezcan a un estilo rígido en recursos. Randy tamiza los samplers de forma que aporten más eclecticismo sonoro. Los clásicos están presentes en las bases

“El lado oscuro de Gandhi” es un álbum con un contenido social en tanto en cuanto Tote echa un vistazo a lo que ocurre a su alrededor, sin embargo no estamos ante un disco con el rictus crispado, ni en un tono panfletario. Es cierto que temas como “La crisis” o “Redes sociales” no están exentos de un análisis certero que ya les gustaría hacer suyo el propio Amando de Miguel, pero esto es rap, vacileo, ironía y sobre todo una visión muy perso-

“Cuando escribes panfletos tienes una intención, quieres movilizar. Lo mío es una confesión porque no se me ocurre nada más que escribir” de este disco pero de forma más sutil que en “Un tipo cualquiera” por ejemplo. “Sí, los sesenta y los setenta son las décadas que más me molan y que más escucho, me flipa tío, es insuperable. Randy pasa olímpicamente de mi rollo. Él no es sibarita con décadas ni pollas, Randy es una persona infinitamente más lista que yo. Se limita a vivir feliz haciendo sus ritmos, pinchando conmigo, cuidando a su perro y a su familia. Escucha todo tipo de música y no se ralla con nada ni nadie.

Quiero ser como él de mayor”. Está claro que

nal de la vida, la de su autor, que como decíamos al principio no es un tipo cualquiera. El tema “Ese no soy yo” deja caer todo esto, pero por si acaso ahí va otra aclaración. “No, mira, es mi vida. Es así, sin trampa ni cartón. Hablo de todo lo que vivo y de cómo lo vivo. No es un panfleto para caer mejor o peor. Cuando digo que no tengo Play 3, que no lleno mi piso de compis pa fumar petas, cuando digo que paso de salir a tomar drogas por ahí no es pose. No quiero adoctrinar a nadie; mi camino no es el modelo es que no tengo nada más que

contar. ¿De qué podría hablar si no? ¿Inventarme historias? Escribo cosas reales sobre el Tote de hoy a esta hora. Cuando escribes panfletos tienes una intención, quieres movilizar. Lo mío es una confesión porque no se me ocurre nada más que escribir”. Entre sus colegas confiesa que hay más gente ajena al mundo del hip hop, entre ellos Miguel y Javi de Maga que lo acompañaron en directo cuando decidió presentar su repertorio con banda. La musicalidad del álbum y la dinámica de sus temas se prestan a un directo más visceral, más de carne y hueso, pero esto sería otra patada al orden establecido, aunque no lo descarta del todo. “Nunca se sabe.

Eso lo iremos viendo y como siempre sobre la marcha. A mí desde luego me flipa lo que ellos hacen, así que seguramente haremos más cosas juntos”. Liberado de prejuicios, de demonios y de ataduras Toteking vuelve a decir lo que no dice nadie y sobre todo como solamente él sabe hacerlo. Si es fiel a su discurso sólo lo saben los que le conocen bien, y estos, por lo que confiesa, son unos pocos elegidos. El lado oscuro de Tote King sería un buen título para un grupo en Facebook. Mejor no demos ideas. ■ Arturo García “El lado oscuro de Gandhi” se publica el próximo 5 de octubre vía Octubre/Sony BMG.

Aunque el sevillano Toteking raje de las redes sociales (que lo hace clavándola de principio a fin, que quede claro) no cabe duda de que también le saca provecho al máximo. Lógico. Y es que no hace falta más que echarle un vistazo a sus tentáculos en Internet para descubrir que sabe sacarle partido a todas las herramientas posibles y que sus fans son bastante más activos de lo que pueda imaginarse. Aquí están los números a 23 de septiembre de 2010.

MYSPACE

1.645.462 visitas y 19.805 amigos.

El vídeo de “Redes sociales” se ha visto 61.472 veces.

YOUTUBE

En la web más popular para el visionado de clips del mundo, “Redes sociales” ha sido seleccionado en más de 400.000 ocasiones.

FACEBOOK

Como suele ocurrir, Facebook alberga un montón páginas no oficiales del rapero andaluz. Encontramos desde una con 24.686 fans hasta una de 4.000, pasando por otra de 5.126.

TUENTI

Algo parecido ocurre con Tuenti. Las páginas dedicadas a Tote van de los 3.728 seguidores a los 352, pasando por alguna que se acerca a los 900.

TWITTER

Toteking tiene dos twitters. En uno le siguen 855 personas, en el otro unas 160. n

CONCIERTOS

/31/ Octubre 2010 · MondoSonoro

LIMP BIZKIT Sala Santana 27 (Bilbao) Fecha 11-IX-10 Estilo nu metal Público lleno Promotor Last Tour International 111

Arcade Fire Foto Alfredo Arias

Limp Bizkit Foto Stuart MacDonald

Estamos seguros de que fue la nostalgia por los tiempos del nu metal lo que hizo que no cupiera un alma en Santana 27 para el concierto de Limp Bizkit, pues ponemos en duda que el público estuviera ansioso de escuchar el nuevo material del grupo liderado por Fred Durst, a punto de dar forma al disco “Gold Cobra”. El ex de Britney y compañía (sí, incluyendo a Wes Borland a la guitarra), perfectamente conscientes de ello, abrieron su primera cita española en años (tras anunciarse que en Madrid y Barcelona los conciertos se trasladaban a recintos de menor aforo) con artillería pesada. Sonó en primer lugar “Rollin’” y después llegó el turno de “My Generation”, haciendo que muchos vasos de cerveza volaran por los aires mientras hordas sin camiseta daban lugar a enormes mosh pits. Calor, mucho calor y canciones como “Nookie” que hicieron que Borland adquiriera algo de protagonismo en un bolo en el que la base rítmica y los scratches fueron mucho más importantes y tuvieron mucha más presencia que las seis cuerdas. Y, por supuesto, entre los singles más celebrados, un inevitable “Break Stuff” que fue uno de los grandes subidones tras haberse estancado un tanto la cosa durante algunos minutos. Lo del bis ya fue la apoteosis chandalera con un “Take A Look Around” (la canción de la banda sonora de “Mission: Impossible 2”) que es, sin lugar a dudas, la cima creativa de los de Florida. También fue el tema más celebrado por la audiencia, si descontamos el fin de fiesta con la versión del “Faith” de George Michael introducido con acordes de “Seven Nation Army” de The White Stripes y “Axel F” de Harold Faltermeyer para la banda sonora de “Superdetective en Hollywood”.

Muy por encima de temas nuevos como “Why Try”, que nada aportan a la carrera del grupo. n Joseba Vegas

MTV Galicia 2010 Lugar Monte do Gozo (Santiago) Fecha 05/09/10 Estilo ¿rock post-épico?

Público 15.000 personas aprox. Promotor MTV 1111 Había una gran expectación frente a la presentación de “The Suburbs” de Arcade Fire en España. Era su puesta de largo antes de los esperadísimos conciertos de noviembre y uno de los primeros conciertos en los que los canadienses presentan el disco que les ha llevado al número uno en Estados Unidos. La lluvia en Santiago dio tregua a una tarde que comenzó con la actuación del grupo local Cornelius 1960, a los que sucedieron los esperados Temper Trap que sorprendieron con un concierto de menos a más que inyectó baile en vena a todas las primeras filas. Con un subidón de optimismo nos topamos de frente con el muro de Echo & The Bunnymen. Era imposible diseñar un set list peor para tirar por tierra el repertorio más que aceptable de la banda. Ian McCulloch que, horas antes en una entrevista, había asegurado haber dormido catorce horas, hizo gala de una resaca monumental que le mostró más despistado y distante de lo normal. Una lástima. Arcade Fire abrieron fuego con una premonitoria “Ready To Start”, poniendo el

concierto en lo alto desde el principio y, por si alguien tenía alguna duda de sus intenciones, el segundo tema en caer fue el festivo “Month Of May”. Confianza plena en un nuevo álbum lleno de temas optimistas. Nada pudo con ellos, ni siquiera los problemas de sonido que sufrieron en una parte del escenario durante “Rebelion (Lies)”, que superaron con su percusionista recorriendo todo el escenario tambor en mano y contagiando energía al resto del grupo. Parece que están en el momento más positivo de su carrera, sonrieron y disfrutaron tocando delante de un público entregado que esperaba el concierto como si de una epifanía se tratara.

Lucieron una escenografía recatada pero llena de detalles con unas proyecciones sobre las que desplegaban toda su música. Y de postre “Keep The Car Running” y “Wake Up”.

Hace ya mucho tiempo que descubrieron que estos dos temas son casi perfectos para terminar un concierto y dejar a cerca de quince mil personas con la boca abierta. n Alfredo Arias

MondoSonoro · Octubre 2010 /33/

CONCIERTOS

EELS Sala La Riviera (Madrid) Fecha 18-IX-2010 Estilo rock Promotor Live Nation

Hidrogenesse

El éxito de ventas en nuestro país de “Cosas que los nietos deberían saber” (Blackie Books, 09) ha sido inesperado y ha relanzado la carrera de Mark Oliver Everett. Con Eels ha firmado muchísimas canciones memorables, y algo de morralla, siendo objetivos y sin dejarnos cegar por el fanatismo (con respeto a los fans y a su falta de objetividad) que se respiraba en una sala prácticamente llena. Tras “If You Wish Upon A Star”, el clásico de Pinocho, con mono de trabajo blanco, gafas de sol y un pañuelo en la cabeza, saltaba al escenario para tocar “Grace Kelly Blues” antes de que saliera la excelente banda que le acompañaba. Cambiando de guitarra en cada canción y con un sonido excelente, centró el repertorio en sus tres últimos discos, editados en tan sólo un año. Se dejó algunos clásicos propios en el tintero, e hizo veinticinco versiones, tres de ellas de temas ajenos; (The Rolling Stones, The Loovin’ Spoonful y Gershwin).

Así de reinterpretados sonaron sus temas. Más acústico al principio y sin miedo de pisar el acelerador en las curvas del rock, el funk y el blues más sucio, dio un concierto de hora y media justita sin apenas fisuras, algún resbalón y un “I Like The Way This is Going” que dejó ver que Mr. E es (casi) feliz. Y nos alegra bastante. n J. Batahola

South Pop Isla Cristina Sala Auditorio del Parque (Isla Cristina, Huelva) Fecha 11-IX-10 Estilo pop Público lleno Promotor Green Ufos 1114 Rauelsson, alter ego de Raúl Pastor, compositor castellonense afincado en Portland, abrió mecha ante un tímido y expectante público muy sosegado en los graderíos. Canciones intimistas de aire folk, fueron el hilo conductor de una actuación cargada de vehemencia comedida. Fitness Forever, recogiendo el testigo de la canción italiana de los sesenta y setenta, firmaron una actuación rabiosamente iluminada, llena de melodías ensoñadoras e impepinables en busca de la perfecta canción pop. Nitoniko apenas pudieron completar cuatro canciones, debido al repentino apagón eléctrico, que ocasionó una demora en las actuaciones de más de una hora. Pudieron rematar su set al día siguiente, cargado de inocencia pop y electrónica con claras reminiscencias a Ellos. Dorian, sin apenas síntomas de jet lag tras su reciente gira por tierras aztecas, continúan con su imparable ascenso, siendo una de las bandas punteras de la escena gracias a un cancionero cargado de sentimientos con melodías electrónicas y letras poéticas y reivindicativas. “Cualquier otra parte” es sin duda uno de los hits de la década. Los mayores aplausos de la noche fueron para ellos. The Whitest Boy Alive, el proyecto del ávido y prolífico Erlend Oye, de Kings Of Convenience, fueron un delirio incesante para el deleite de los asistentes que abarrotaban el foso principal. Desde su entrada al escenario, Oye y compañía conectaron ante el asombro general, gracias a los contagiosos ritmos electrónicos mezclados con la contundencia de bajo y batería. El carisma de Oye y su persistente cercanía y comunicación con el público fueron una de las tónicas del posiblemente mejor directo del South Pop de este año. We Have Band demostraron con creces una vez más por qué son uno de los hypes más sólidos de la temporada. Con ellos llegó la fruición absoluta y los bailes desenfrenados gracias a las vibrantes mezclas de punk y funk de este trío juguetón que, por momentos, recordaba a The Rapture. The Baltic Sea fueron los encargados de abrir la jornada del sábado, con rigurosa puntualidad que no la del público, aún zambullido

Eels Foto Fernando Ramírez

We Have Band Fotos Roberto Lorente

1114

en el mar o la piscina. Los sevillanos ganan crédito con su nuevo repertorio en castellano, más aplaudido por sus fans. At Swim Two Birds, celebrado proyecto en solitario de Roger Quigley, se atrevió con la ardua y valerosa tarea de reinterpretar las canciones de la mismísima voz, Frank Sinatra. Con un lento tempo voca, sabedoras del protagonismo que Quigley les otorga a través de su susurrante y desgarradora voz, fue el guión de un show cargado de intimismo y abismo emocional, que no hacían más que erizar el bello corte tras corte. Sad Day For Puppets retrotraeron al público a la escena shoegaze de los noventa, gracias a sus guitarras con retroalimentación y ruidosas, contrapuestas con la voz frágil y melódica de su cantante en firme conexión de simpatía con las primeras filas. Con The School llegaron los primeros bailes de la noche del mejor pop de corte sesentero al estilo de The Supremes o The Ronettes y, por supuesto, de la exquisita escena escocesa, con Camera Oscura como preponderante y su contagiosa semejanza durante todo el concierto. El suyo fue uno de los conciertos más vitoreados de la noche. The Radio Dept, avalados por Sofia Coppola, pusieron en juego un pop emotivo de estridentes y aletargadas guitarras, creando un ambiente espacial en parte debido a sus letras, entre sombrías y melancólicas. Sus sonidos atmosféricos, algo densos y reiterativos, no fueron del todo convincentes para el sector más juicioso del público, más próximos al pop simplista y sin fisuras. Hidrogenesse y su artrock electrónico encandiló a todos, como si de un torbellino se tratara, aplaudiendo y festejando el fin de fiesta soñado. No faltaron los bailes, canturreos y caretas alusivas a “Disfraz de Tigre”, un auténtico rompepistas. Finalizó así el South Pop Isla Cristina 2010, festival que marca la esencia del pop independiente, sin necesidad de alardear de grandes nombres en su cartel y que, en tan sólo tres ediciones, se ha ganado el respeto y la admiración de un público que año tras año ha ido en aumento gracias a su irresistible y apetitosa oferta. n Javier Solís

ATOM RHUMBA Sala Gazteszena (San Sebastián) Fecha 10-IX-10 Estilo rock Público lleno

Donostia fue el lugar elegido para que Atom Rhumba comenzara su primera gira oficial tras dos años y medio en barbecho, y también la primera ocasión para catar el material más reciente, antes incluso de que salga “Gargantuan Melee”, su flamante elepé. Y con ese fin precisamente aprovecharon la cita, para rodar las canciones nuevas en el directo, donde a tenor de lo visto, siguen siendo amos y señores. Parece que el temario es más conciso pero igual de asilvestrado, los “singles” presentados emanan la sensación de que el ritmo sigue apoderándose del espinazo, y dan, por ende, otra lección de cómo saber vestir de caos organizado las estructuras del blues y del rock para expulsarlo con calibrada intensidad, todo para regocijo de las caderas del oyente. Aquí, imagino, mucho tiene que ver la nueva incorporación a la banda de Jose-

Atom Rhumba Foto Álvaro Fierro

111

ba Irazoki, guitarrista navarro y factótum del rock euskaldun (su currículo daría para otro texto aparte), un camaleón de las seis cuerdas que ahora le da la réplica a Rober! y redimensiona la fuerza del grupo. Si Rober! carbura la maquinaria, Irazoki la acelera. El carácter infalible de “Gimme Chaos”, “Body Clock”, “Funky Town” o “Eskimo Bones”, también parece que se extrapola a lo que está por venir, como a “Dema Go-Go Jane”, “Heart On Parole”, “The Secret Tongue Dance Society” o el impepinable bis de “Let’s Run” y “Istingako Mutikoa” (su primera vez en euskera). Tiempo similar llevaban sin subirse a los escenarios Chico Boom, epígono de Señor No y Surfin’ Kaos ahora más cercano a los postulados de psicodelia pop de The Soundtrack Of Our Lives que a los del punk rock guipuzcoano de los noventa. Saben mimar las canciones, y lo que a priori parece pecado venial en la música, es decir, estirarlas más de la cuenta, se vuelve y lo envuelve a su favor. La atmósfera es la que manda. n Álvaro Fierro

Lori Meyers

Iván Ferreiro

Love Of Lesbian Fotos Stuart MacDonald

CONCIERTOS /34/ Octubre 2010 · MondoSonoro

EBROVISIÓN 2010 Lugar Miranda de Ebro (Burgos) Fecha 16, 17 y 18/09/10 Estilo pop Público 10.000 personas aprox.

Promotor Asociación Cultural Rafael Izquierdo 1114 “El último gran festival del verano” cumplía diez años y, dentro de la modestia, había que celebrarlo por todo lo alto. Por ello, la gente de la Asociación Rafael Izquierdo (no está de más recordar que llevan una década montando este festival sin meterse un duro al bolsillo) programó uno de los carteles más ambiciosos de su historia, tanto en cantidad (nunca había habido tantos directos, en tantos horarios, recintos y formatos diferentes) como en calidad (con bandas internacionales como The New Pornographers a la cabeza). La cosa arrancó el jueves 16 en La Fábrica de Tornillos, antigua sede del festival mirandés, con los llamados “Conciertos de bienvenida”. Allí, los británicos The Wave Pictures fueron la gran atracción. Además, los barceloneses Stay adelantaron su próximo álbum, los baleares Haddock’s Orphans desgranaron su disco de debut y los primerizos The Wildborns se estrenaron en el festival. Chema Rey puso el broche a los platos en la discoteca Orosco. Más que un simple aperitivo, sin duda. El viernes 17 se abrió justamente con un tentempié en forma de “Concierto vermouth” a cargo de David Llosa y la Banda de Tirso sobre una furgoneta y siguió en el centro de Miranda con el concierto de Dirty Socks en plena calle. El pabellón Multifuncional de Bayas por fin abrió sus puertas a eso de las 19:30 horas y, poco después, aparecieron en el escenario P.L.V. Havoc seguidos de los aún infravalorados L.A. Los primeros grandes estribillos coreados a rabiar por el creciente público fueron los de Second e Iván Ferreiro (quien ya participase en la primera edición junto a Piratas) y las grandes estrellas de la noche fueron La Habitación Roja (a pesar de que el sonido no fuese demasiado benévolo para con los de L’Eliana) y, sobre todo, Lori Meyers. La banda granadina demostró que “Cuando el destino nos alcance” no ha significado una ruptura con su anterior sonido, sino todo lo contrario. Mezclaron canciones recientes como “Mi realidad” con singles primerizos como “La mujer esponja” y nadie notó que la cosa no concordara. Después, baile gamberrete con Devito, con parte del público enfilando el camino a casa o a la discoteca, donde continuó la fiesta con DJ Amable y Optigan1. El sábado 18 se estrenó la iniciativa Ebropeque con el concierto de los cántabros Lazy (quienes adaptaron su set a una numerosa audiencia que apenas levantaba un palmo

del suelo). La Fábrica de Tornillos contó con una “banda sorpresa” que no fue otra que la debutante Supersubmarina -petición masiva en los foros del festival- que hicieron que aquello fuera una olla a presión. Menos gente hubo para ver a The Rockin’ Pneumonias y Airbag, pero satisfactoria cita mañanera, completada por la tradicional comida popular (se recuperó la Plaza de España frente al Ayuntamiento para tal menester) amenizada por el directo de los vizcaínos Mild y las sesiones de Danni Pippermint, Pommelux(e) y Dj Patrullero. Bastante gente hasta casi la hora de los conciertos grandes y momentos muy bizarros como cuando decenas de personas interceptaron el coche de unos recién casados y les obligaron a ser partícipes de la fiesta. No llegamos a tiempo para ver a The New Raemon ni a Triángulo de Amor Bizarro, pero sabemos que hubo bastante público desde primera hora (no era para menos) y que ambas formaciones se salieron, cada una en su estilo. Una pena perdérnoslo. Lo de llevar bandas internacionales se sabe que vende mucho en la teoría, aunque casi siempre resulta una experiencia fallida en la práctica de cara a un público como el ebrovisivo. Poca gente conocía a los ingleses The Heavy y eso les restó pegada, aunque nada se puede reprochar al grupo. Los que fueron tremendos y contaron con el favor del público fueron los canadienses The New Pornographers con sus contagiosos estribillos, su sentido guitarrero del pop, la mezcla de voces masculinas y femeninas y el uso de muchos instrumentos, lo cual dotó a su concierto de muchos matices. Sin embargo, la gran atracción de la noche eran Love Of Lesbian. Hace un año ya compitieron con Vetusta Morla por la cabeza del cartel del evento y este año me atrevería a decir que fueron los absolutos vencedores, tanto por expectación previa a pesar de repetir solo un año después, como por la completa comunión con el numeroso público. Nada nuevo bajo el sol, pero supieron darle al público lo que éste esperaba. We Are Standard pusieron el broche con sus ya conocidos hits bailables y nos adelantaron un par de temas nuevos que, atención, buscan nuevos derroteros en el sonido de la banda. Se avecinan cambios. Después, fin de fiesta en la pista de baile con Dj Kinki y Dj Brummel para todo aquel que guardara fuerzas… y todo listo para Ebrovisión 2011. Felicidades. n Joseba Vegas

Vienen de: Barcelona Publican: “Passport to Freedom” (Subterfuge Records, 10) En la onda de: The Sunday Drivers, Sidonie, Vetusta Morla

E

Javelin Foto Archivo

l trabajado camino de estos jóvenes barceloneses debería ser el que todo grupo indie que se precie ha de recorrer: tras autoeditarse dos demos, el sello británico Matchbox Recordings lanzó su tercer EP, después llegaron un par de largos de la mano de los madrileños Wild Thing Records, actuaciones en escenarios tan relevantes

Javelin Vienen de: Estados Unidos Publican: “No más” (Luaka Bop, 10) En la onda de: The Avalanches, The Go! Team, DJ Shadow Tom Van Buskirk y George Langford no necesitaron de presentaciones: son primos, así que esa parte del trabajo ya la tenían superada.

Ambos hacían música por separado, hasta que hace cinco años decidieron que la unión haría la fuerza y, con el nombre de Javelin, empezaron a componer decenas de temas, recopilados en unas demos (“Jamz’n’Jemz”) cuya onda expansiva llegó hasta Luaka Bop, el sello de David Byrne, que ahora publica su debut en largo, con el título de “No más”, culminando unos últimos meses en los que su popularidad ha crecido de forma vertiginosa, hasta convertirse en teloneros de Yeasayer y revelarse como la nueva sensación de Brooklyn. Las razones para el revuelo hay que buscarlas en este refrescante álbum en el que conviven el synth-pop ochentero, el sonido disco de los setenta, el hip hop de los noventa y el soul de corte sixtie, todo ello con un barniz lo-fi y algunos toques de funk y electro. (Langford) “Nos gusta pensar que es la sensación que alguien tendría al pasar de una emisora a otra en la radio, rastreando el dial en busca de buenas canciones. Y queremos también que sea música festiva, que invite a pasarlo bien”, nos comenta Langford. Un collage de buenas vibraciones en el que los samplers juegan un papel fundamental, con la imagen de The Avalanches en el recuerdo. Hablan lo mismo de Bach que de De la Soul, de Beck que de J Dilla... (Langford) “No nos obsesiona la originalidad; la música que hacemos es la música que amamos, es el producto de todo aquello que escuchamos, que es mucho y muy variado”. n Enrique Peñas

como los de Primavera Sound, Bilborrock, Radio 3, y varias referencias más hasta llegar a este disco, publicado por Subterfuge, que parece ser la consagración definitiva de una banda que aúna indie, pop y psicodelia manejando sus numerosas influencias con mano maestra y consiguiendo un sonido pulido y redondo. “Nos lo hemos currado mucho. Llevamos un montón de años en esto y nunca hemos dejado de trabajar. La gente piensa que porque hayas ido a tocar a Londres ya eres lo más, y quizá has actuado para veinte personas… Nosotros nunca nos hemos creído más de lo que somos, amamos la música y nos tomamos

esto muy en serio, sabemos que hay que ir paso a paso y que la paciencia es una gran virtud que a veces escasea en todo este mundillo. Lo único que queremos es seguir tocando y disfrutando como hemos hecho hasta ahora. ¿Hasta dónde llegar?

Eso el tiempo lo dirá”. Con la humildad y el trabajo por bandera, Stay tienen todo a favor para continuar con su ascenso sin prisa pero sin pausa dentro del panorama indie español y colocarse en cabeza dentro de la carrera de los nuevos grupos por llegar al nivel de vacas sagradas como sus admirados (y desaparecidos) The Sunday Drivers. ■ Daniel Arnal

Murderdolls Foto Archivo

Stay

A pesar de que los cinco miembros de Monoculture llevan toda la vida en el mundo de la música, ya sea con otras bandas, produciendo o como técnicos de sonido, este es su disco de debut, un álbum enérgico y vitalizante en el que mezclan música electrónica con guitarras, bajo y batería, y con bastante tino, por cierto. “Cada uno coge lo que le gusta, lo echa al guiso y quién sabe cómo va a salir. Es muy importante no tener miedo, mezclar diferentes instrumentos o máquinas y dejar que el resultado sorprenda. En los conciertos, las guitarras, el bajo y la batería dan al público un punto de emoción e intensidad que los instrumentos electrónicos por si solos no alcanzaban...

Tocamos fuerte, sin pausa, para que la gente baile desde la primera nota”. Canciones sobradas de fuerza y empaque, que invitan al baile y al disfrute hedonista de la música, pero no sólo eso: desde Monoculture reivindican también el valor de la letra en la música electrónica. “Si tienes la plataforma de poder decir algo al mayor número de gente posible, ¿por que no usarlo para mandar un mensaje? Hablar de tonterías y de lo happy que está todo el mundo nos parece un poco frío”. A pesar de las evidentes influencias, Monoculture intentan mantener una personalidad propia. “Hay muchas bandas que nos gustan y se nota en nuestra música, pero a la hora de componer un tema no nos planteamos en qué línea queremos ir. Nos centramos más en conseguir que el tema sea bueno”. n Daniel Arnal

Monoculture Vienen de: Barcelona Publican: “Monoculture” (Tsunami Records, 10) En la onda de: New Order, The Whip, Infadels

Stay Foto Archivo

/37/ Octubre 2010 · MondoSonoro

Murderdolls Vienen de: Estados Unidos Publican: “Women And Children Last” (Roadrunner, 10) En la onda de: White Zombie, Alice Cooper, Wednesday 13

Monoculture Foto Archivo

escaparate

Tras la enorme tragedia que ha supuesto para todos los seguidores de Slipknot y del metal en general, la muerte repentina del carismático Paul Grey, qué mejor que intentar seguir adelante con proyectos estimulantes. Y Murderdolls es uno de ellos, con Joey Jordison como cabeza pensante, y Wednesday 13 como fiable mano derecha. Un conglomerado en el que punk, glam y metal tienen cabida, con efluvios de ese sleazy que llevaba la batuta del negocio musical a finales de los ochenta, aunque esta vez la música que ha facturado el grupo suene más a rock clásico. “Nuestro primer disco, del que hace ya ocho años, era diferente a éste. Éramos más jóvenes, las melodías eran más pop, había también más descontrol. Ahora hemos madurado, y eso se tiene que notar en el sonido.

No es tan heavy, es mucho más emocional, y las letras son básicamente personales”. Como productor han elegido a Zeuss, responsable de trabajos para Hatebreed o Shadows Fall, bandas que van en otra onda a la suya. “Eso era lo que buscábamos, alguien ajeno a nuestro universo, al de Murderdolls y al de Slipknot, y él era la opción ideal. Veníamos de la experiencia con 3 Inches Of Blood, y nos apetecía probar con un cambio de rumbo”. Amén de la gira junto a Rob Zombie, cabe destacar la presencia en el disco de Mick Mars de Mötley Crüe. “Nuestro manager buscaba un invitado conocido, y a nosotros siempre nos gustó el sonido de Mick. Siempre fue el miembro menos mediático, el más infravalorado del grupo, pero sin él no se podría entender a Mötley Crüe”. n Toni Castarnado

ESCaparate /38/ Octubre 2010 · MondoSonoro

Gecko Turner

“

Hannuman Vienen de: Barcelona Publican: “Estamos aquí para llevarnos sus tenedores” (HangTheDJ) En la onda de: Pelican, Russian Circles, Red Sparrowes Aunque su pasado se sitúe en bandas otrora muy agresivas, parece que su actualidad se decanta hacia algo menos extremo que señala otros intereses musicales. “Es un paso más en nuestra evolución como músicos. Hay mucho más abanico de sonoridades y tempos que en bandas anteriores como Unabomber, All Ill o incluso Cube, pero siempre hemos estado en proyectos paralelos de distinto tinte como Rizoma, Valero y otros”. Y aunque ahora podríamos ubicarles en los alrededores del postmetal, quizá hay que matizar esta afirmación, y es que pisan terrenos poco transitados aún en este mundillo. “Hannuman es una banda más en la que seguimos nuestra búsqueda de estructuras ajenas a la fórmula segura. Lo hemos hecho siempre así con las anteriores y lo hemos vuelto a dejar claro ahora. Centramos el discurso en el rock, punk, jazz sin dejar de banda el sonido ‘alternativo’ de bandas de los ochenta y noventa.

Este concepto nos lleva a no encajar en una escena concreta”. Quizá por ello se les pueda identificar por una mayor inclinación a los matices o por ese grado diferencial de amabilidad que destilan con una complejidad que no se deja dominar por las espectacularidades, sino que fluye a través de desarrollos que buscan crear distintas atmósferas. “El planteamiento sigue siendo captar la atención de cualquier oyente por media hora. A la hora de componer, nada está improvisado, todo lo contrario. Es un proceso complejo donde hay mucha implicación de la banda”. n Francesc Feliu

Fiction Plane Vienen de: Estados Unidos Publican: “Sparks” (Roadrunner/Divucsa, 10) En la onda de: Something Corporate, Fountains Of Wayne, J.E.W.

por situaciones personales. A su favor cuenta con la composición de temas para Brenda Boykin, cantante de nu jazz, y la producción de un disco del gran cantaor Fernando Terremoto. Desgraciadamente éste murió el pasado febrero, aunque su disco se presenta en estos días. “Ha sido una de las experiencias musical y personal más enriquecedoras de mi vida. He podido estar con los mejores músicos del flamenco actual.

Terremoto era un fenómeno como cantaor y guitarrista, pero, como persona, sobrepasaba todo eso. Ha sido una gran perdida a todos los niveles”. En todo caso, recordemos que “Gone Down South” ha sido grabado entre Mérida, Madrid, Londres, Los Ángeles y Austin, y con la ayuda de Sunny Levine (nieto de Quincy Jones). “Crecí en Badajoz, que para mí es el sur.

El calor, el río Guadiana, la vegetación. El sur es la cuna del flamenco, que conecta con el ‘deep south’ de Estados Unidos, que por su parte es el germen de músicas como el jazz, soul, blues y todo su desarrollo”.

■ Miguel Amorós

Carontte Foto Archivo

Resulta imposible no entrar a comparar cuando un hijo de padre famoso que es músico se pone a desempeñar la misma tarea que él. En el caso de Joe Sumner, no vamos a evitar encontrar ciertas similitudes con Sting. La primera canción del disco, “You Know You’re Good (La La La Song)”, le delata, si bien en el resto de temas sí se puede observar cierta personalidad y perspectiva por parte de un músico que ya va por el tercer disco en una carrera compartida con Seton Daunt y Pete Wilhoit. “Sparks” es otra reválida, otra oportunidad más de demostrar su valía al margen de los lazos familiares. “Siempre intentas cambiar un poco, hacer cosas distintas. Es aburrido escribir el mismo tipo de canción todo el tiempo. No me gustaría estancarme dentro de un estilo concreto”. Su disco de debut, “Everything Will Never Be Ok”, sorprendió por su frescura a propios y extraños, si bien su continuación no tuvo el mismo efecto. Ahora se podrá quitar la espina clavada gracias a un álbum tan dinámico como “Sparks”. “El proceso de los discos anteriores fue muy largo, demasiado largo. Esta vez hemos sido más precisos, más versátiles, hemos estado bastante más excitados durante la grabación”. Sorprende ver a un grupo como éste en un sello como Roadrunner, si bien cada vez es menos extraño encontrarse con este tipo de afiliaciones. “Es una discográfica diferente y muy potente. Nos gusta su discurso, su filosofía”. n Toni Castarnado

Carontte Vienen de: Barcelona Publican: “As Grey As They Said” (Five Years, 10) En la onda de: Isis, Mogwai, Toundra

Fiction Plane Foto Archivo

Hannuman Foto Archivo

Gone Down South” es el tercer y brillante disco de Gecko Turner.

Han pasado cuatro años de su anterior “Chandalismo Ilustrado”, mucho tiempo dado lo efímero del recuerdo musical. Sin embargo, sólo escuchar los primeros acordes del luminoso “Truly”, el tema que abre el disco, junto a esa inconfundible voz, aparentemente desairada, recordamos lo mejor de este extremeño que ha sabido metabolizar y personalizar de manera única los sonidos negroides. Algo que ha trascendido fronteras, porque sus trabajos se han editado en múltiples países con gran aceptación.

A su discográfica le gusta destacar un adjetivo que medios anglosajones han puesto a su música, “effortless” (sin esfuerzo). Gecko ríe cuando se lo decimos.

“Se piensan que estoy todo el día tirado fumando canutos (risas), y que, cuando me pongo, las canciones salen fácilmente, pero para nada. En realidad lo difícil es pasarte horas y horas trabajando y que luego eso suene natural”. Esos cuatro años de intervalo han sido provocados en parte por la indulgencia de Gecko, pero también

Gecko Turner Foto Archivo

Viene de: Badajoz (España) Publica: “Gone Down South” (Lovemonk, 10) En la onda de: Marvin Gaye, Erykah Badu, D’Angelo

“Hemos querido controlar toda las fases del disco en la medida de lo posible. No ha sido costoso, pero hemos sudado bastante, y eso se puede apreciar al escuchar el disco”. Si algo se nota en la evolución de Carontte es cierto endurecimiento entre las canciones de éste y su primer Ep, “La Tormenta”. “Siempre hemos tenido esa faceta ruda a la vez que ambiental. Los temas se compusieron hace bastante, pero fueron sufriendo diversos cambios a medida que íbamos conociéndonos. Muestran una evolución y recoge distintas etapas. Nunca ha habido un rumbo fijo”.

Siete temas, por tanto, reflejo de un momento determinado de la banda. “Los empezamos a componer exclusivamente para poder tocar en directo. Con los meses, nos vimos obligados a realizar cambios, evolucionarlos y readaptarlos, por eso quizás se puedan sacar muchas influencias dispares.

Realmente sentimos que es un disco sincero”. Buenas canciones, gran diseño y alguna que otra deuda pendiente referente al sonido. “Es nuestro disco de debut y estamos contentos con el resultado. Siempre hay fallos y errores difíciles de prever si no se te han planteado antes. No hemos querido dejar nada al azar...”. Un control delimitado en un espacio a caballo entre post-rock y post-metal que les sitúa en terreno de nadie. “El verdadero éxito es que el disco le gusta a gente de gustos dispares. Eso es lo importante: romper barreras”. n Francesc Feliu

Betunizer Foto Archivo

MondoSonoro · Octubre 2010 /39/

Kim Lenz And The Jaguars Vienen de: Los Angeles (Estados Unidos, 10) Presentan: “It’s All True!” (Riley, 09) En la onda de: Wanda Jackson, Big Sandy, Nick Curran

D

estacada de la escena rockabilly actual, Kim Lenz está auténticamente inspirada en los cincuenta.

“No soy fan de la palabra auténtico, porque creo que cada uno debe hacer lo suyo, aunque esté influenciado por el pasado. En mi disco me he mantenido en el rockabilly, pero sin ser tan estricta como para no expresar lo que llevo dentro. No cojo otro tema rockabilly y cambio sólo la letra, como hacen algunos. Todo el mundo puede ser auténtico en algo, pero no es tan sencillo expresar lo que llevas dentro”. Poseedora, junto a su marido, de una inmensa colección de discos, Lenz conoce el estilo que la inspira y por qué éste atrae a muchos jóvenes.

“El rockabilly está en la base de toda la música que escuchamos. El rock & roll existía antes, pero sólo los negros lo escuchaban. Con el rockabilly, por primera vez, la guitarra asumió el papel de líder para unir el rythm & blues y el hillbilly. Tiene que ver con la pasión y la locura de América. A la gente le suena familiar, los niños lo escuchan, la gente mayor también. Y sí, mucha gente joven está metida en el rollo, la ropa vintage y demás, pero también con esa influencia del rockabilly

Betunizer Vienen de: Valencia Publican: “Quien nace para morir ahorcado nunca morirá ahogado” (B-Core, 2010) En la onda de: Shellac, Dut, Unsane

ochentas y noventas. Madre mía, ¿eso qué es? ¡Yo nunca he pasado por ahí!”. Además, nuestra heroína se encuentra muy cómoda en su ciudad. “La escena rockabilly californiana actual está muy bien. En Los Angeles la escena siempre ha sido diferente, porque tiene esa influencia hispana un poco chula.

Hay buenas bandas y un sello que las apoya, se visten con esas chaquetas largas llamadas Ricardo Jackets, con esos cinturones... y me encanta. Tenemos esa chica llamada Marlene, que ha estado en los Rythm Shackers, que es increíble y estoy segura de que hará algo grande”. Siempre locuaz y simpática, Lenz evita profundizar acerca de Kitty, Daisy & Lewis. “Son muy monos y jóvenes. Compartimos cartel pero no sé mucho de ellos. ¿Tienen éxito en España? Pues me alegro”. ■ Xavier Llop

Be Brave Benjamin Foto Archivo

“Esto es algo que no hemos planificado. La regla del 33,3% nos ha llevado a lo que somos. Los tres miembros de la banda tenemos planteamientos diferentes y respetamos al cien por cien el punto de vista de los demás”. Así es como llegan a su propio concepto musical estos tres músicos de extenso currículo, cultivado en bandas de distintos géneros, en su aposento en los sonidos más duros.

Esos mismos con los que saben crear compacidad, mirando con el rabillo del ojo a todo un sector alternativo estadounidense –Touch & Go, Amphetamine Reptile- aunque también gozando de muy diversas influencias externas. “El hecho de venir de ámbitos musicales muy diferentes amplia el abanico de influencias. No nos planteamos nada, excepto el hecho de que la base y la fuente de nuestros objetivos se basa en hacer cuantos más directos mejor. El sonido apareció solo”. Quizá por eso sorprenda la manera de enfocar los textos y cómo cantarlos. “Puede haber algo de surrealismo en nuestras letras, también algo de sugerente, pero también de cosas físicas, instintos primarios. Utilizamos la voz como un instrumento más. No tiene más importancia que el resto de elementos de la banda”. Es decir, que lo suyo es rock grueso basado en el sonido de los bajos, en el cual Santi García ha tenido mucho que ver a la hora de sacarle jugo.

“El papel de Santi fue el de transmitir nuestro sonido del directo al disco, sin interferencias”. n Francesc Feliu

escaparate

Be Brave Benjamin “El nombre viene de mi creencia en que para hacer algo que valga la pena en este mundo hay que ser valiente. Es demasiado fácil rendirse a tus miedos y dejar que ellos decidan tu camino. En mi caso, yo nunca confiaba en mis habilidades para tocar y cantar mis canciones, sin embargo tenía muchas ganas de hacerlo, así que escogí el nombre de Be Brave Benjamin para darme un empujón y lanzarme más con la música”. De esta manera se presenta Benjamin Palmer, galés afincado en Barcelona que hace tiempo ya que se deja ver en las salas más pequeñas de la Ciudad Condal acompañado de su guitarra y algún que otro amigo músico, aunque hasta ahora no se había decidido a entrar en el estudio.

“Ha sido un proceso largo, no soy el músico más centrado del mundo y me distraigo fácilmente. He tocado bajo distintos nombres y he sacado una serie de maquetas por mi cuenta antes de llegar a este disco. Cuando empecé a tocar con banda me entraron más ganas de grabar un disco bien hecho, así que cuando Cristian Pallejà (Nisei) se ofreció para grabarnos, no dejamos pasar la oportunidad”.

El resultado de ese ofrecimiento es un álbum de folk teñido de sombras con leves rayos de luz. “Sí, este disco contiene mis canciones más oscuras, aunque la mayoría tienen trazos de esperanza y un poco de humor también. Pero quizás hay que fijarse bastante en las letras para poder apreciar eso”. n Marc Luelmo

Si no fuera por Björk, Sigur Rós y un pequeño volcán, poco más sabríamos de Islandia. De sus algo más de trescientos mil habitantes, cuatro mil compraron el disco de debut de la joven Ólöf Arnalds, “Vid Og Vig” (07), elegido como mejor álbum de ese año por varios medios del país. Tras casi media década como músico de apoyo en las giras de múm, llegó el momento de dar salida a unas canciones que, de momento, sólo estaban en su cabeza. “Tocaba con ellos la viola, la guitarra y cosas pequeñas que hacían ruidos curiosos. También cantaba de vez en cuando, pero no era realmente un miembro del grupo. Tengo unas opiniones bastante fuertes sobre mi música y tal vez sea mejor que sea yo la que está al cargo de todo”. Sus composiciones son íntimas y delicadas, elegantes y bastante complejas. Al igual que las de múm, la diferencia está en los detalles. “Lo que más me gusta de la música son esas pequeñas cosas que le dan personalidad a una canción. Tal vez fui demasiado obsesiva cuando grabé el primer disco...”. Calificar lo que hace de folk es un recurso fácil, pero ni ella misma sabe definirlo con exactitud. “Diría que son canciones emocionales, luminosas y acústicas que no están dentro de un estilo definido. Me gusta el folk americano, pero también la música clásica y los grupos islandeses de los años cincuenta”.

Jonathan Richman se la llevó de gira por Estados Unidos, Björk (quien ha grabado voces en “Surrender”) habla maravillas de “su voz joven y anciana a la vez” y Kjartan Sveinsson (teclista de Sigur Rós) ha vuelto a ser el encargado de acompañarla en el estudio a la producción. n J. Batahola

Ólöf Arnalds Viene de: Islandia Publica. “Innundir Skinni” (One Little Indian/Houston Party, 10) En la onda de: Björk, Kate Bush, Vashti Bunyan

Ólöf Arnalds Foto Archivo

Vienen de: Cardiff/Barcelona Publican: “A Fine Dance” (Mamacita Music, 10) En la onda de: Neil Young, Johnny Cash, Ali Farka Touré

Kim Lenz And the Jaguars Foto Archivo

VINILOS 50 CENT

“Before I Self Destruct” Interscope/Universal

RAP

111

Nunca he sido muy devoto de 50 Cent y de su estilo. El de Queens tiene un talento natural para los estribillos, sí. Ésa es su gran carta, la del tipo duro con un flow discutido pero una habilidad soberbia para los hooks.

Reconozcámosle también que siempre se ha mantenido fiel a sí mismo. Incluso sus ataques de autoindulgencia forman parte del personaje, encajan perfectamente en el relato que Curtis Jackson construyó a modo de autobiografía ideal del chico del Ghetto, el guión al que hasta ahora se ha ceñido y en el que “Before I Self Destruct” supone uno de los capítulos más crudos y honestos.

Si bien este nuevo trabajo aporta pocas novedades, vuelve a mostrarse como un MC hambriento y depredador (qué otro rapero con millones de ventas podría cantar un tema como “Death To My Enemies”). Aunque siga sin convencernos su falta de clase, sí lo hace su fuerza bruta. Joan Cabot

AFRICA HITECH “Hitecherous” Warp/Pias

ELECTRÓNICA

1114

Oh, Mark Pritchard ha vuelto y yo con estos pelos. El alma y responsable de aquel maravilloso proyecto hip-hopista y electroide llamado Harmonic 313 regresa a la palestra con un bizarro y extenso compendio de sonoridades, hijas de las mil leches, en el que igual cabe un roto de grime bien aderezado de technazo dark que un descosido de dancehall marciano, guarrete y ladrador. Este flamante y bastardo “Hitecherous”, que firma junto a su camarada y cantante Steve Spacek, es más peligroso que un mono con dos pistolas y a no ser por lo corto de su metraje –seis temas- podríamos catalogarlo de obra maestra de lo que está por venir.

De nuevo en el presente, recomendamos abiertamente temas como el mutante “Said Speed” y ese apocalíptico himno llamado “Lash Out”. Si hubiera que ponerle una pega diríamos que cuando se pone más pesadillesco y tóxico, atufa que tira de espaldas a Aphex Twin y que en casi todo el disco hay tanta luz artificial que es mejor calzarse una gafas de soldador. Fernando Fuentes

AIRBAG

“16 versiones y rarezas para Norbert & Cali” Wild Punk Records

POP

1114

Siempre recordaré la primera vez que escuché una canción de Airbag. Fue en 1999 el programa de radio “Flor de pasión”, cuando Juan de Pablos empezó a pinchar la primera maqueta de los malagueños. Después de escuchar “El flotador”, apunté corriendo lo datos para poder pedir un CD-R de siete canciones que les servía como demo. Once años después de eso, y tras cinco discos de estudio publicados que son clásicos absolutos del punk pop patrio, Airbag publican “16 versiones y rarezas para Norbert & Cali”. Se

/41/ Octubre 2010 · MondoSonoro

trata de un disco dedicado principalmente a los fans que han seguido al grupo desde sus inicios que recoge, como su título indica, versiones, algunas inéditas hasta el momento, que han hecho a lo largo de su carrera (Ramones, Los Flechazos, The Ventures y Los Nikis, entre otros) y rarezas (me quedo con ese guiño a Juan de Pablos que es “Surf instrumental para separar fases”). Los que quieran descubrir a Airbag que empiecen con “Mondo Cretino” o “Alto Disco”, ahora bien, si ya tienes alguno de esos discos, ya tardas en pillarte este “16 versiones y rarezas para Norbert & Cali”. Xavi Sánchez Pons

El pop negro de El Gunicho

ALAIN ALONE

“A New Beginning” Shady Lady Records

FOLK

1114

Le pudimos conocer en Growing, banda vasca de emocore en la que milita como guitarrista y vocalista, pero parece que ha llegado la hora a Alain Hernáez de comunicar al exterior todo el trabajo realizado en paralelo en sus horas libres, abriéndose paso con este séquito de canciones sin cabida en su otro combo. Un acercamiento al folk, sin perder esas inclinaciones emotivas que siempre ha cultivado, capaz de tejer un tapiz de medios tiempos fuertemente emparentados con el legado de bandas como Cobolt, Starmarket o con la obra actual de figuras como Jeremy Enigk.

Características que equivalen a definirle como un compendio de sonido delicado, lleno de gráciles melodías que saben acariciar la intimidad como pocos, y que encima rezuman calidad. Sepan que detrás de todo esto también está el siempre efectivo Hans Kruger, ex Half Foot Outside y productor cada vez más en boga, otra muesca más que tiñe de languidez y melancolía clásicas este magnífico álbum de debut en solitario, creador de un espacio propio a la espera de ser recorrido. Simple pero excelentemente construido, accesible pero siempre memorable. Francesc Feliu

ANORAAK

“Wherever The Sun Sets” Grand Blanc/Naïve

POP

1111

Iba ya siendo hora de que alguno de los nombres relacionados con Valerie, el colectivo de Nantes que ha recuperado con buenas formas un sonido de lo más añejo, asomase la cabeza. Y me alegro de que el elegido haya sido Anoraak, quien así se distancia un trecho de compañeros de correrías. Lo merece por su actividad, por sus directos en solitario, por haber publicado antes el apetitoso “Nightdrive With You” y por sus remezclas para gente como Mika, We Have Band o incluso nuestros We Are Standard. Por eso uno se alegra tanto de tener entre manos un fresco tratado de pura nostalgia ochentas en la que se amontonan algunas canciones pop realmente disfrutables. Me refiero a “Try Me”, “Can’t Stop”, “Crazy Eyes”, “Don’t Be Afraid” (cantada por Sally Shapiro), “Long Hot Summer Night” o “You Taste Like Cherry”, modestos hits que harán las delicias de cualquier seguidor auténtico de Valerie, pero también de Kitsuné, Wall Of Sound, Modular, Italians Do It Better, y tantos otros adoradores del pop electrónico de los ochenta. Y lo mejor es que “Wherever The Sun Sets” está a la altura del trabajo de cualquiera de sus competidores. Para que después vengan los lumbreras a quejarse de los ochenta.

Joan S. Luna

El Guincho Foto Albert Jodar

EL GUINCHO “Pop negro”

Young Turks/Popstock!

POP

1111

Debemos alegrarnos y mucho de que El Guincho haya traspasado fronteras, de que haya abierto las puertas a otros artistas independientes estatales que se hubieran buscado la vida por el mundo con el apoyo del público, los medios y los sellos españoles o sin él. La repercusión y el respeto que genero con “Alegranza” supusieron mucho más que la confirmación de que Pablo Díaz-Reixa era un maestro del sampleo y el ritmo, que había crecido con cada movimiento. Pocos tipos han dejado tan claro que ser permeable a todo tipo de sonidos siempre suma y nunca resta. Si El Guincho llegó a donde ha llegado –en términos de creatividad, no de repercusión- ha sido por su necesidad de aprender, por su inquietud por experimentar, por su forma de fijarse en el trabajo de los demás siempre con respeto. Eso es lo que le permite iniciar una serie de Ep’s como “Piratas de sudamérica”, rendir tributo a Radio Futura o al tandem Arozamena & Marshall. Y es que sola-

mente así uno puede llegar al R&B de los ochenta y adaptarlo a su propuesta sin que nadie tenga que ruborizarse por ello. Ahora bien, esas intenciones (subrayadas sobre todo por las palabras del canario afincado en Barcelona) se vislumbran a medias en el disco. Uno lo puede descubrir en la producción, en las segundas y terceras voces, en el sonido de algunos teclados, en las estructuras de los estribillos y sobre todo en el tramo final del álbum (“Muerte midi”, “(Chica-Oh) Drims” y “Danza invinto”), pero lo mejor de “Pop negro” continúa estando en los sonidos más caribeños, en su adictiva rítmica (que ha ralentizado, mutando del baile nocturno al meneo a la hora del crepúsculo) en su particular reinterpretación mestiza y globalizadora en tiempos de Animal Collective. Sus grandes momentos, por tanto, están en “Bombay”, “Novias”, “FM Tan Sexy” o “Ghetto fácil”. Obviamente, “Pop negro” no es un álbum para los amantes de la world music más ortodoxa, sino que se trata de uno de esos trabajos que abre la perspectiva de aquellos que hasta ahora le daban la espalda a los sonidos tropicales, a aquellos que consideraban que las músicas del mundo eran sinónimo de cuarentones aburridos y oenegeístas. Joan S. Luna

en la onda

PANDA BEAR

BABYFACE R’N’B

MILTON NASCIMENTO

“Person Pitch” (2007)

“Tender Lover” (1989)

1111

Si ha habido un paso crucial en la evolución del sonido de El Guincho ha sido su viraje hacia la música negra, especialmente el R’n’B y el funk ochentero.

Si en discos como “Tender Lover”, Kenneth Edmonds apostó por una producción desbocada e incluso histriónica, se convertiría tiempo después, en uno de los productores más exitosos de la FM americana.

POP

“Clube Da Esquina” (World Pacific, 1972)

11111

Uno de los mejores discos surgidos del laboratorio Animal Collective. Noah Lennox tiró por los suelos las reglas del pop, formales y técnicas, con un disco colmado de intuición. Si Animal Collective fueron una inspiración decisiva en “Alegranza” por su uso del sample y su manera despreocupada de abordar lo experimental, ahora esas influencias siguen más como un espíritu común.

WORLD

1111

El cártel de maestros brasileños no podía faltar. “Clube Da Esquina” es uno de los mejores trabajos de Milton Nascimento, firmado junto a Lô Borges y para el que contó con la colaboración de Eumir Deodato entre otros para entregar una de las obras más cruciales del pop brasileño, una puerta de entrada perfecta al tropicalismo.

■ Joan Cabot

vinilos /42/ Octubre 2010 · MondoSonoro

LOS BAJOS ROBUSTOS DE EVERYTHIG EVERYTHIG ESPALDAMACETA

“Miedo al silencio” Bankrobber

FOLK

Everything Everything Foto Archivo

EVERYTHING EVERYTHING “Man Alive”

Polydor/Universal

ROCK

1111

Sé que sonará extraño y hasta podría echarles atrás, pero va llegando el momento de que abran un nuevo espacio en su archivo estilístico. No porque Everything Everything hayan inventado un género, que no lo han hecho, sino porque que el pop rock puede sonar progresivo, jazzístico y bailable a la vez y son muchos los ejemplos actuales que lo subrayan. Los británicos Everything Everything se mueven por terrenos similares por los que algunos han explorado recientemente (sirvan los ejemplos de Foals, The Week That Was/Field Music, Yeasayer, Wild Beasts, Minus The Bear…), combinando bajos robustos, guitarras curiosas, estructuras

complejas, por lo menos no habituales en el pop rock de ahora mismo, y una voz muchas veces en falsete que pasa de recordarnos a Chris Martin (“Final Form”) a jugar con el espíritu a lo The Associates de Wild Beasts o hacernos imaginar cómo cantaría Jeremy Enigk un tema de los primeros The Police. Vamos, que lo de Everything Everything suena a pop bailable atípico, algo que bien subrayan temazos que ya fueron singles previos (aquí incluidos) como “Photoshop Handsome”, “Suffragette Suffragette” o la brutalmente ochentas “MY KZ, UR BF”. Por no hablar de unos textos narrativos que cuentan historias completas y que evitan concienzudamente lo esquemático. Supongo que, a estas alturas, ya se habrán dado cuenta de que Everything Everything no es un grupo para gustar a muchos, pero tengan por seguro que gustará mucho a unos pocos. Y cuéntenme entre ellos a la voz de ya. Joan S. Luna

BEN FOLDS & NICK HORNBY

THE BLACK CROWES

BLACK MOUNTAIN

NoneSuch/Warner

Silver Arrow/Popstock!

Jagjaguwar/Popstock!

“Lonely Avenue” POP

111

La unión compositiva del novelista británico más musical de las últimas décadas y de uno de los compositores norteamericanos más cultivados de la actualidad tenía todos los números para haber dado lugar a un infumable pastel de ambiciones excesivas y pretenciosos preciosismos. Pero no. Bajo la dirección musical nada irrelevante de uno de los mejores arreglistas de la historia, Paul Buckmaster -de sus manos han salido alguno de los mejores trabajos de Elton John, David Bowie o Leonard Cohen-, Folds realiza un brillante trabajo al musicar las letras, cada una de ellas en sí una pequeña novela, de Hornby. La historia, nacida de, ya se sabe, la admiración mutua, etcétera, etcétera, se ha ido desarrollando en temas que fluyen entre el pop delicado y refinado y un power pop sin complejos que recuerda en ocasiones a Matthew Sweet. Claro que para disfrutar de “Lonely Avenue” debemos prestar atención a los argumentos de Hornby, pequeñas joyas de orfebrería novelística, desde la historia de la madre que visita a su hijo al hospital en Nochevieja de “Picture Window” hasta el recuerdo del compositor de añejos hits de los cincuenta en “Doc Pomus”.

Robert Aniento

“Croweology” ROCK

“Wilderness Hearth” 111

Veinte años y, lo siento por caer en el tópico, parece que fue ayer. O quizás no, y tan sólo quiera engañarme a mi mismo. Recuerdo perfectamente cómo The Black Crowes entraron en mi corazoncito cuando estudiaba en la facultad, cómo me hicieron recuperar la fe en que era posible hacer rock’n roll, del de toda la vida, sin deberle nada a nadie, con canciones y méritos propios. Y todo ello en una época en la que si exceptuamos alguna honrosa excepción, pocas eran las bandas que tuvieran algo interesante que decir que no hubieran dicho antes The Rolling Stones o los Faces. The Black Crowes eran el genuino rock’n’roll, el de verdad, el que bebía de Gram Parsons y Otis Redding por igual. Los Crowes llegaron en el momento justo de mi vida, en el momento en que puedes exhibir con orgullo camiseta y actitud. Ahora dicen que lo dejan por un tiempo y yo apuesto que volverán, porque de tanto en tanto hay que llenar las arcas. Y se despiden con este doble compacto en el que reinterpretan en formato acústico canciones, en su mayoría, de su época gloriosa: la de los tres primeros discos, obviando totalmente sus dos últimas entregas. Don Disturbios

HARD ROCK

1112

Dicen que el halago debilita, y es posible que sea verdad. Pero de lo que no hay duda es de que, tras editar una referencia como “In The Future” (2008), que recibe parabienes de sectores incluso ajenos al estilo que practicas, se debe hacer muy difícil superarla. Para ello puedes optar por usar los mismos patrones, variarlos un poco, o hacer un cambio radical al concepto. Lo último suele salir mal, así que mejor lo segundo, es decir, seguir con mimbres parecidos, pero modificar algo la jugada. Y eso es lo que han hecho los canadienses. Han dejado a un lado buena parte de esos devaneos más psicodélicos que les hacían tan atractivos, han echado mano del manual del riff aplicado que tan buenos resultados les dio a los grupos de stoner (Fu-Manchu, Karma To Burn…) y han combinado canciones de puro hard-rock con baladas y medios tiempos de ensoñación acústica y algo épica, basadas en la infalible baza de combinar las voces masculina y femenina. Resultado: un disco un punto más que correcto que se hace querer con cada escucha. Pero por favor que en el siguiente regresen al hard más progresivo. Don Disturbios

111

Al frente de su proyecto como Espaldamaceta y a lo largo del presente segundo disco, José Juan González Nieto continúa ahondando en ese formato acústico, sentido y solitario que maneja convenientemente desde sus inicios. El catalán pertenece al tradicional gremio de los cantautores, aplicando a su música un tamiz de punzante sinceridad rematado con grabación cruda y exenta de adornos. En una obra como la suya son las abatidas historias contenidas en las letras las que asumen el protagonismo hasta arrinconar en segundo plano a los acordes acompañantes. Una visión agotada y vencida de la existencia que el artista no rehúsa mostrar a través de diez composiciones propias y una adaptación del “The Partisan” popularizado entre otros por Cohen. En “Miedo al silencio”, el músico ofrece un alma despojada en forma de canciones orientadas hacia el interior del oyente, probando en el tránsito que el dolor es dinámico inspirador. Raúl Julián

FRANKIE ROSE AND THE OUTS

“Frankie Rose And The Outs” Memphis Industries/Nuevos Medios

POP 1112

Corren buenos tiempos para el pop chatarrero que importa. Frankie Rose And The Outs, banda liderada por una ex Vivian Girls que también tuvo tiempo de pasearse con las Dum Dum Girls, se suma al carro de heroínas lo-fi de nuevo cuño con un debut que, si bien se sitúa un escalón por debajo de sus hermanas mayores (léase las dos bandas antes citadas más Best Coast), ofrece maní para los amantes del pop cardíaco con fugas ocasionales a esos medios tiempos a la Phil Spector que tanto gustan a este gang de mujeres tatuadas. Y es que este “Frankie Rose And The Outs” puede presumir de no presentar una sola canción de relleno, que ya es mucho. De hecho, detrás de su naturaleza de obra parida a la sombra de, se esconde un puñado de buenas canciones que casi miran de tú a tú a las reinas del género. Las aceleradas, y muy Tiger Trap, “Girlfriend Island” y “Little Brown Haired Girls”, son de lo mejorcito de un disco que, ojo, crece con las escuchas.

Xavi Sánchez Pons

BULLET FOR MY VALENTINE “Fever”

Jive/Sony

METAL

111

Comentábamos hace un par de años, con motivo de la reseña de su segundo largo –“Scream Aim Fire”-, que los galeses Bullet For My Valentine parecen nadar entre las aguas del heavy clásico y las del metalcore más previsible pero siempre con la vista puesta en las cada vez más desangeladas y circenses tiendas de música. “Fever” son, pues, once canciones que ahondan un poco más en ese curioso credo de combinar dobles bombos con melodías vocales dulzonas y rimas en

infinitivo, pero que también tienen su ración de rabia que es de largo cuando Bullet For My Valentine FMV mejor han sonado desde siempre. Tómese como ejemplo “Begging For Mercy”, una canción que irrumpe casi al final del disco como un huracán thrash y que se ve lastrada por un estribillo y unos coros que no le hacen ningún favor. Y como llueve sobre mojado, y como “The Poison” no estaba mal del todo (si bien es cierto que este tercer largo puede ser considerado superior a su antecesor), y como de vez en cuando se dejan ver esos arrebatos de coraje que les sientan tan bien, pues uno empieza a pensar que están escuchando consejos equivocadamente encorbatados.

Ignacio Pato L.

THE CHEMISTRY SET

“This Day Will Never Happen Again” Tsunami Music

POP

111

Seguramente a los miembros de The Chemistry Set no les importaría que les alineáramos con la muy prolífica corriente del pop y el rock psicodélico que arranca con los coqueteos de The Beatles o The Kinks con los sonidos hipnóticos de la India, estalla con The Doors y Pink Floyd, renace con Spacemen 3 y sigue latiendo perenne con The Verve, My Bloody Valentine u Oasis. No pretendemos con este arranque jactarnos de nuestra dudosa cultura musical, sino dar al lector un contexto histórico y sonoro de lo que encontrará en este nuevo álbum de estos ya veteranos británicos.

Así lo prueba el uso permanente, tanto en las voces como en las guitarras, de efectos electrónicos tales como los delays, las reverbs o los ecos, así como los desarrollos instrumentales que alargan los temas hasta duraciones que no son precisamente de radio-fórmula. Pero más allá de la psicodelia y su tributo a Syd Barret, esta banda es sobre todo una banda de pop, de perlas pop que se suceden una tras otra, de coros a la The Beach Boys, de momentos íntimos y acústicos que les acercan a Simon & Garfunkel, o sobre todo de genuinas melodías como las del single “She’s Taking Me Down”, que nos obliga a reconocer que el retorno de esta banda, que empezó con el boom de la neo-psicodelia en los ochenta, no debería pasar inadvertida. Edgar Gili

CHERRY GHOST

“Beneath This Burning Shoreline” Heavenly/Nuevos Medios

POP

1111

Complicado superar la dosis de elegancia sonora contenida en este segundo trabajo de esta banda proveniente de Bolton. Simon Aldred y los suyos barajan unos naipes ganadores tanto a la hora de instrumentar unas letras exquisitas como a la hora de cantarlas. Desde la trotona “We Sleep On Stones” y esa tensión a base de violines y piano enfrentados, hasta “Strays At The Ice Pond”, el nuevo álbum de los ingleses pone de manifiesto el buen gusto de Heavenly Recordings a la hora de tenerles en nómina.

Si a ratos suena a The Coral no es sino para hacerles la ola a Cherry Ghost, por haber sabido recoger lo mejor del sonido de sus paisanos, así como el modo, al más puro estilo Cave, de hacer sonar los violines. Si en “Thirst For Romance” ya apuntaban maneras, canciones de esta nueva entrega como ”A Month Of Mornings”, “Only A Mother Could” o “The Night They Buried Sadie Clay” colocan a la banda en los primeros puestos de una lista que brilla por alejarse de modas y hypes. La lista en la que pongo a Calexico, The Coral o Arcade Fire. La lista, vaya. Rafa Angulo

MondoSonoro · Octubre 2010 /43/

top10

vinilos

wild nothing, un hype con sustancia

internacional BRANDON FLOWERS “Flamingo” Universal

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

ARCADE FIRE “The Suburbs” Universal

JANELLE MONÁE “The Archandroid” Bad Boy/Atlantic

CRYSTAL FIGHTERS “Star Of Love” Zirkulo

EVERYTHING EVERYTHING “Man Alive”

Polydor/Universal

BEST COAST

“Crazy For You”

Wichita/Nuevos Medios

KLAXONS

“Surfin The Void” Universal

SONNY AND THE SUNSETS “Tomorrow Is Alright” Fat Possum

CAITLIN ROSE

“Own Side Now” Names

WILD NOTHING “Gemini”

Captured Tracks

GRINDERMAN

“Grinderman 2” Mute/Pias

top10

111

La historia es conocida. Tras una extenuante gira de presentación de “Day And Age”, el disco que ha hecho de The Killers una banda definitivamente de masas, los componentes han decidido tomarse un respiro y concederse un break de su incansable actividad en los últimos años. ¿Todos? No. El vocalista Brandon Flowers, en una nueva muestra de su descacharrante personalidad, ha decidido que la cima no es el mejor lugar para relajarse y se ha puesto en marcha para seguir conquistando nuevos fans o fidelizar los millones ya conseguidos. Y así lo ha confesado. Peculiar este Brandon, que combate sus inseguridades íntimas con una honestidad y sinceridad desarmantes. Y ese mismo desolaz interno es el que proyecta en sus composiciones, que en “Flamingo” adquieren tintes menos épicos, no tan rimbombantes como los construidos en la banda madre, pero que conservan toda la fuerza melódica y la pasión de la voz de Flowers. El de Las Vegas da una nueva muestra de su destreza compositiva –consciente de ello, ha declarado que debe proseguir sin demasiados altos en el camino mientras le dure la musa- y reúne diez temas de pop cristalino, que llega a ser mágico en sus mejores momentos, como en “Only The Young” o “Hard Enough”, pero que mantiene una calidad aceptable en todo el minutaje.

Un homenaje a su ciudad de origen (otro más) para el que se rodea de un equipo de colaboradores de lujo, empezando por los productores estrella Daniel Lanois y Stuart Price. No es un disco redondo, ninguno de los creados por Flowers lo ha sido, pero sigue contando con esos dos o tres ases en la manga que le sacan triunfador de cada nuevo reto. Robert Aniento

nacional

Wild Nothing Foto Archivo

WILD NOTHING “Gemini”

Captured Tracks

POP

1111

Hay discos que partiendo de la independencia más absoluta y del revival más subterráneo, consiguen trascender fuera de la órbita underground. A veces lo hacen tanto que se convierten en un hype, con sustancia, eso sí, como es el caso que nos ocupa. Pasó hace un año con The Pains Of Being Pure At Heart, y es probable que se repita este 2010 con Wild Nothing.

Jack Tatum, hombre orquestra detrás del grupo, es, como los de Brooklyn, un enamorado del indie pop de los ochenta. Aho-

ra bien, le separa un matiz. Si TPBPH abrazaban la herencia del C-86 más saltarín, Wild Nothing tienen la mirada puesta en Flying Nun Records y en un halo oscuro a lo 4AD. Así que no es difícil intuir la sombra alargada de, por ejemplo, The Chills en más de una canción de este excelente “Gemini”, un disco que apela al poder de unas canciones inspiradísimas para superar su condición revivalista. Cortes gigantescos como “Drifter” (canción con regusto a Poundsign, héroes del indie pop subterráneo de los noventa), “My Angel Lonely”, “Summer Holiday” y “Chinatown” (que me recuerda mucho al “Goodbye Little Boy” de The Triffids), harán que el debut de Wild Nothing ocupe una posición alta en las listas de lo mejor de año. Y con todo merecimiento, ojo. Xavi Sánchez Pons

CARLOS BERLANGA

“Reproches y vehemencias” EMI

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

TOTEKING

“El lado oscuro de Ghandi” Octubre

EL GUINCHO “Pop negro”

Young Turks/Popstock!

DOTORE

“Los veranos y los días” Discos Primo

JULIO DE LA ROSA

“La herida universal”

King Of Patio/Ernie Records

KIKO VENENO “Dice la gente”

Elemúsica/Warner

THE NEW RAEMON “Epés Reunidos” B-Core

MITTENS

“Deer Park Mirage” Lazy recordings

FRED I SON

“Diu que no sap que vol” Sones

GECKO TURNER

“Gone Down South” Lovemonk

AIAS

“A la piscina”

Captured Tracks

1111

De justicia divina debería considerarse esta recopilación que aglutina cuarenta de los temas que Carlos Berlanga nos dejó como herencia perpetua de la historia del pop español. Su figura sigue siendo considerada esencial para entender lo que supuso la Movida madrileña, pero sorprende que hasta este preciso momento nadie se animara a publicar una compilación de estas características (en breve también homenaje en toda regla de la mano de algunos grandes del pop de aquí). Compuesto de dos compactos (el primero, centrado en el éxito mediático que alcanzó junto a los Pegamoides y Dinarama y su debut “El ángel exterminador”, mientras que el segundo reúne algunas de las canciones más célebres de su carrera en solitario), sigue echándose en falta la incorporación de “Ni tú ni nadie” o más piezas de aquel excelente “Indicios”. Siempre es una ardua tarea no dejarse algo en el tintero en estos casos, pero aun así la inclusión de la demo de “Perlas ensangrentadas” o la versión acústica de “La cajera” hacen de este “Reproches y vehemencias” un excelente compendio para enaltecer (aún más si cabe) a una de las personalidades más creativas que nuestro país ha tenido la oportunidad de conocer. Seguimos echándole de menos, pero gracias a este álbum su recuerdo permanecerá por muchos años más entre nosotros.

Sergio del Amo

GALLINA

COLOR HUMANO

CUZO

La Productiva

Kasba Music

Alone Records

“Madibá”

“Gallina” FOLK

114

Nos encontramos ante el proyecto de Ángel Santiago y Nando Oterino (Whisky’ns, Lax’n’Busto…) que deciden plasmar sus años de juventud en este disco con letras muy que tan pronto te hacen pensar como provocan cierto rubor. A Gallina se les podría situar en algún lugar entre El Sobrino del Diablo y Espaldamaceta, con una producción bien trabajada y una serie de canciones muy resultonas. “Tuercas y tornillos” podría sonar en radio fórmulas, gracias a un estribillo pegadizo y una letra que, de tan simple, acaba sonando elegante. “Personajes magnéticos” y “Bisoñé” quizás sean sus mejores bazas, temas directos, con una buena base rítmica y una lírica coherente con el conjunto.

Incluso se pasan al catalán para afrontar “Senyor vermell amb nens” y “Regidora”, en las que mantienen el tipo, algo que no ocurre con “Melocotón” o “Invasión de hormigas en enero”, víctimas de unos textos tirando a absurdos que bajan el nivel del disco de una forma incomprensible. El camino a seguir está claro, falta que ellos, los autores, sean de la misma opinión.

Marcos Martín Lora

MESTIZAJE

“Otros mundos“ 1114

Es posible que a los lectores más jóvenes del Mondo el nombre de Color Humano les diga poco, pero los que llevamos unos años en esto recordamos con especial cariño sobre todo el segundo álbum de la banda afincada en Barcelona. Un álbum grabado en 1997 que contenía canciones cautivadoras como “Cómete la vida” o “Hijos de un mismo mar”.

Tras “Hambre de vida”, que así se llamaba aquel mítico disco, les dío para editar “Burundanga”, para acabar separándose definitivamente. Ahora regresan seis años después de su adiós. Siguen trazando sus sencillas melodías afro-latinas con guiños al caribe y a las que cabe añadir un funky contenido y aderezado por el inconfundible sonido de la armónica de Stephane Laidet, bajo un sólido colchón de percusiones, y unos contagiosos estribillos con las letras siempre comprometidas de José Capel. La única pega que se le puede achacar al disco es que, en ocasiones, las rimas se resisten a encajar del todo. Quizás por eso son precisamente las canciones cantadas en francés las que mejor suenan, como la deliciosa “Misère”, con ese toque de “chanson” francesa o la más elegante “Droits des homes”. Ernesto Bruno

PROGRESIVO

1111

Cuando escuché por primera vez “Otros mundos” me quedé más frío de lo que esperaba: me seguían viniendo a la cabeza los riffs y ritmos del debut. Y entonces ocurrió; las que en principio fueron catalogadas como escuchas rápidas a la busca de detalles con las que comenzar a hablar de ello aquí, han acabado convirtiéndose en casi una obsesión con el disco en repeat. Mi percepción sobre el segundo disco de los catalanes (con miembros de Warchetype y 12twelve entre sus miembros) ha cambiado para que no cambie (o para que incluso se refuerce) mi opinión sobre ellos: que son capaces de hacerme pensar siempre en cosas que alegran el mundo. Cosas como el laziale Argento festejando un gol de Falcao, como marcianos a lomos de dinosaurios, como la fascinación de la infancia y cosas como el grupo Zombi comiendo un grasiento bocata de tortilla. Desde luego que son otros mundos, cosas imposibles en éste, las que sabe provocar Cuzo con su música deslizada y densa, que tiene cada vez menos de metal y más de emular a los grandes de cuando este mundo estaba desteñido.

Ignacio Pato L.

vinilos /44/ Octubre 2010 · MondoSonoro

EL ENCANTO DE MITTENS

MITTENS

“Deer Park Mirage” Lazy Recordings

POP

Mittens Foto Rosa Ponce

THE DUKE AND THE KING

CYNDI LAUPER

“Memphis Blues” 111

www.cooperativemusic.com

Cyndi Lauper ha ido siempre a la suya. No le ha importado ni el miedo al que dirán, ni tampoco que su música tenga una salida comercial digna. Ella ya dijo lo que tenía que decir en sus dos primeros discos, los fundamentales “She’s So Inusual” y “True Colors”. Tras ese momento de gloria e inspiración, Lauper se ha mantenido al margen de la popularidad. “Sisters Of Avalon” tenía potencial, pero se quedó en eso. En “At Last” grabó versiones, con la interpretación del tema principal de Etta James como reclamo, y en una jugada de su discográfica, regrabó todos sus clásicos de nuevo para un recopilatorio con una adaptación reggae de “Girls Just Want To Have Fun”. Y ahora, tras reinventarse para la pista de baile con el aún reciente “Bring Ya To The Brink”, le llega el turno al blues, en un disco para el que cuenta con la aportación de músicos consolidados como Charlie Musselwhite, B.B. King o Allen Toussaint, en un buen puñado de clásicos al alcance de su mano. Es mérito suyo que el registro de una voz tan aguda que no se asocia precisamente al típico blues, se adapte tan bien a los estereotipos del género. Curioso. Toni Castarnado

Junip Fields

City Slang Ya disponible

AMERICANA

114

Acostumbra a suceder: La primera referencia de The Duke And The King era básicamente un proyecto casi uni-personal (tampoco quiero restarle méritos al bajista Bobby Bird Burke) de Simone Felice, que tras dejar a sus hermanos de The Felice Brothers se embarcaba en una aventura con unas sentidas y trabajadas canciones bajo el brazo. Temas que en directo cobraban forma y textura, gracias a una banda de cuatro componentes que, en este segundo trabajo, han participado mucho más activamente en la elaboración del álbum. Y eso que podría ser bueno a priori, ha acabado restándole ese empaque que tan bien le sentaba a su antecesor, bajando de paso el listón de calidad en lo compositivo y dotándole de una variedad que le sienta bien, pero que le resta aureola de cantautor maldito, convirtiéndolo en un disco correcto de una banda de rock americano correcta. Se acercan al soft-rock clásico a la manera de los Eagles en “No Easy Way Out”, en la balada soul a la manera de Sam Cooke en “Hudson River” o incluso incurre en el auto-plagio en “Shaky” Lo mejor, esa sentida “Don’t Take That Plane Tonight” al más puro estilo Neil Young de “Zuma”. Don Disturbios

Les Savy Fav Root For Ruin Wichita Ya disponible

ERLAND AND THE CARNIVAL

THE BOOKS

THE FLAMING LIPS

Full Time Hobby

Temporary Residence

Warner

“Erland And The Carnival”

“Long Live” Silva Screen/Popstock!

Mercer Street/Naïve

BLUES

1111

El caso de Mittens llama la atención. Se trata de un grupo que lleva varios años funcionando en directo pero que, aparte de un par de siete pulgadas autoeditados, no contaba con un larga duración. Pero, ay, tomarse las cosas con calma hasta que llegue el momento adecuado (postura vital en

Interpol Interpol

Soft Limit Ya disponible

desuso) tiene su recompensa. Por sabio, equilibrado y rico en matices, vaya discazo de debut este “Deer Park Mirage”, un ejercicio de pop internacional en el que la voz de Anita, de irresistible encanto atemporal, se entrelaza gozosamente con una instrumentación elegantísima y medida en doce canciones que son doce soles y que lo ponen muy fácil a cualquiera que deba dedicarle elogios. La juguetona “Marblehead” establece el tono de inicio, a partir de ahí, sólo hay que dejarse ir, abandonarse a la pomposidad melancólica de “Deer Park Mirage”, dejarse envolver por las guitarras de “I Shot The Skier”, sorprenderse con el academicismo de “Stuck In Champagne Jelly”, tararear el pegadizo estribillo de “Toxic Black Mould”, notar el giro americanizante de “Our Last Party”, rescatada de las primeras maquetas... Disfrutar, en fin, de un trabajo sobresaliente. Jorge Ramos

ROCK

1111

Erland Cooper lidera este atractivo proyecto secundado por dos músicos de lujo: David Nock (The Fireman, The Cult) y Simon Tong (The Verve, The Good, The Bad And The Queen). Sin saber si tendrá continuidad o si sólo ha sido una colaboración esporádica, lo cierto es que el fruto de la unión de este trío es un disco inconmensurable. Toda una lección de cómo revitalizar el rock clásico de los sesenta y setenta, con aires psicodélicos, creando y recuperando un compendio de canciones memorables e imperecederas: la intensa y arrebatadora “Love Is A Killing Thing” (muy The Animals), “My Name Is Carnival” (sobrevuelan The Byrds), “You Don’t Have To Be Lonely” (con unos toques balcánicos exquisitos), “The Sweeter The Girl The Harder I Fall” (coros con aires sixties), ”Everything Came Too Easy” (de nuevo detalles balcánicos mezclados con elementos cercanos al western), “Gentle Gwen” (otra vez The Animals e incluso los olvidados Geordie, con unos violines que parecen salidos del mismo infierno)... David Lorenzo

Edwyn Collins Losing Sleep

Heavenly Ya disponible

“The Way Out” POP

“The Dark Side Of The Moon” 1111

Cinco años después de su último disco The Books rizan su ya de por sí enrevesado rizo musical para entregar un álbum con el que se alejan definitivamente a millones de años luz del folk de sus inicios (“The Lemon Of pink”, 03) y se introducen, como ya se preveía desde “Lost And Safe” (2005), en el fascinante mundo de la electrónica deconstruída, acercándose al imaginario musical de los grandes del género (Luke Vibert, Amon Tobin, Prefuse 73). Los neoyorquinos eligen el pop como vía de entrada al universo de los samplers y las maquinitas, pero este queda siempre en un segundo, tercer o cuatro plano respecto a los verdaderos hilos conductores del largo: electrónica abstracta, samples enfermos e increíblemente numerosos (desde sesiones de autohipnosis hasta paisajes instrumentales new age), downtempo, hip-hop, (la sombra de DJ Shadow es en ocasiones demasiado alargada) ambient, y mucha influencia de los magos del break y del sampleo que viven en Warp, la casa por excelencia donde nace la experimentación sonora más avanzada desde hace ya un buen puñado de años.

Daniel Arnal

Maximum Balloon Maximum Balloon

ROCK

1114

Habría que empezar a ponderar seriamente la faceta provocadora de The Flaming Lips, una dimensión maquillada en los últimos años por la vocación popular de sus trabajos post-”Zaireeka”, pero nunca del todo abandonada. De hecho, sólo un grupo sin ningún miedo a molestar puede ser capaz de crear una genialidad como “Embryonic” (sigo defendiéndolo como uno de sus mejores trabajos), de la misma forma que cabe calificar de provocación recrear uno de los discos más importantes de una banda con tantos adoradores y detractores como Pink Floyd y hacerlo de manera que es mucho más probable que este experimento guste a los fans de los versionadores y no lo haga en absoluto a los de los versionados. Los oakies han tenido incluso los santos cojones de invitar a Star Death & White Dwarfs, el grupo del sobrino de Coyne, que junto a Peaches y Henry Rollins completan la lista de contribuyentes a esta jam cósmica que parece no tener mayor pretensión que divertirse a costa de reensamblar sin piedad alguna, una de las obras que mayor empeño en el estudio de grabación supuso para una banda siempre quisquillosa con estas cosas. Joan Cabot

LA COOPERATIVA

DE SELLOS INDEPENDIENTES / NUEVOS MEDIOS Tel. 91 532 67 80

V2 4 de octubre

Próximos Conciertos

BRMC 10 nov Madrid - Sala La Riviera, 11-nov Barcelona - Sala Apolo THE CORAL 10-nov Madrid - Caracol, 11-nov Barcelona - Razz3 THE WALKMEN 11-nov Barcelona - Be Cool, 12-nov Madrid - Ramdall THE DRUMS 09-nov San Sebastián - Gazteszena, 12-nov Madrid - Heineken,

Killing Joke Absolute Dissent Spinefarm 4 de octubre

The Walkmen Lisbon

Bella Union 11 de octubre

Mt Desolation Mt Desolation V2 11 de octubre

Smoke Fairies Through Low Light�and Trees

Paul Smith Margins

13-nov Barcelona - Razz

INTERPOL 13-nov Madrid - Palacio Vistalegre,

14-nov Barcelona - Sant Jordi Club

Billingham 18 de octubre

V2 18 de octubre Mondo 250x84 sep 10.indd 1

17/9/10 12:44:30

t Best t Philip

MondoSonoro · Octubre 2010 /45/

vinilos

INSPIRACIÓN CINCUENTAS SONNY AND THE SUNSETS “Tomorrow Is Alright” Fat Possum

POP

11112

“Too Young To Burn”, canción que abre el disco de Sonny And The Sunsets, es, con permiso de Cass McCombs y su “Dreams-Come-TrueGirl”, la mejor tonada indie de aires cincuenteros de la historia. Así como suena y sin miedo a exagerar. Y al igual que pasaba con el último disco de McCombs, lo que sigue, canciones como, “Strange Love”, “Planet Of Women” o “Stranded”, por decir tres al azar (todas son de traca amigos) está a la altura. El Buddy Holly de canciones gigantescas como “Everyday” y “Heartbeat”, el Jonathan Richman y los Modern Lovers de “Rock’n’Roll With The Modern Lovers” y “Back In Your Life”, la Velvet más reposada de “The Velvet Undergound”, son algunas referencias que sirven para explicar lo

BRIATORE

1111

Sin tener apenas referencias de Briatore presencié su actuación en el concierto de aniversario del sello Bip Bip. Debo admitir, además, que desde hace bastante tiempo apenas presto atención a las novedades relacionadas con el mundo del ska y los sonidos jamaicanos, si bien grupos clásicos influenciados por esos ritmos –con mención especial para The Clash- serán siempre referencia de cabecera para un servidor. El caso es que, al descubrir a esta formación andaluza, pude apreciar cómo en lugar de obsesionarse en recrear las raíces caribeñas más características del género, se decanta por enriquecerlas dándoles otra vuelta de tuerca. Acercándose más a la facción londinense que a los orígenes centroamericanos, su ska se revela energético y perfectamente ejecutado, ganando además en interés al acoger matices procedentes del garage, el surf e incluso el psychobilly. Es decir, que su punto de mira es multidireccional, pero fijándose ante todo en bandas como The Clash o The Specials. Y, por supuesto, “A Way Of Life” -su disco de debut- recoge todas esas virtudes mostradas en vivo. Una muy grata sorpresa. Xavier Llop

Sonny And The Sunsets Foto Archivo

GHINZU

HURTS

INTERPOL

JACK JOHNSON

Pias

Sony BMG

Soft Limit/Nuevos Medios

Warner

“Happiness”

“Mirror Mirror”

“A Way of Life” Bip Bip

SKA

grande que es “Tomorrow Is Alright”, debut de esta banda de San Francisco que es una especie de dream team del pop underground de la ciudad capitaneado por el buscavidas Sonny Smith y amigos de altura como Kelley Stotlz, John Dwyer de Thee Oh Sees o Tahlia Harbour de The Dry Spells, entre otros. Publicado originalmente el noviembre pasado en un pequeño sello (Soft Abuse), regresa a la vida de la mano de Fat Possum y no merece pasar desapercibido una segunda vez. Xavi Sánchez Pons

ROCK

1114

Ghinzu es una banda belga, todavía desconocida en nuestro país, pero que en su tierra y en otros países europeos se está labrando un nombre de culto, tenido cada vez más en cuenta. “Mirror Mirror” es su tercer trabajo, el primero distribuido fuera de su país (por Universal en Francia) y fácilmente su mejor obra hasta la fecha. En su contra hay que achacarles que las costuras con las que tejen sus influencias quedan muy poco disimuladas en el producto final. Es difícil no recordar a The Strokes al escuchar “Take It Easy” o no pensar en Phoenix en cuanto suena “The End Of The World”. En general, a lo largo del disco, un racimo de préstamos de los grandes nombres de la escena alternativa de los últimos años, desde Arcade Fire a The White Stripes, pasando por Muse o Biffy Clyro, se transparenta de forma casi indecente. Pero una vez asumido, si nos centramos en las composiciones, “Mirror Mirror” contiene un buen puñado de buenos momentos. “Dream Maker”, “This War Is Silent”, “Cold Love” o “Mirror Mirror” merecen presencia en las playlists de la nueva temporada. Probablemente con vocación asumida de segunda división, Ghinzu consiguen interesar. Robert Aniento

POP

“Interpol” 114

Recuerdo la mañana en que escuche “Wonderful Life” por vez primera. Diría que recuerdo incluso la luz exterior y cómo me sumergí en el ambiente melancólico y al mismo tiempo cuidadísimo que creaban los mancunianos Theo Hutchcraft y Adam Anderson. Me cautivaron con su imagen oscura, andrógina y su sonido ochentas, algo que se mantuvo con los siguientes cortes que iban soltando con cuentagotas, con la muy efectiva “Better Than Love” al frente. Y claro, las expectativas se dispararon. Ahora, con “Happiness” finalmente entre las manos me lamento de que estuvieran tan altas. A causa de ello siento decepción. Quizás el problema sea mío, que esperaba situar a Hurts en algún lugar entre Tears For Fears, Pet Shop Boys, XX y Soft Cell, cuando su lugar está mucho más cerca de un híbrido entre Keane y los temas más lánguidos de Depeche Mode. Demasiado medio tiempo de un romanticismo aclichetado que no me alcanza el corazón, pese a estar facturado con exquisito buen gusto para lo suyo (la electrónica, los teclados majestuosos…). Es una lástima que un disco con algunos momentos tan logrados se torne gris con la escucha de todo el conjunto. Joan S. Luna

ROCK

“To The Sea” 1114

Cualquier artista ha sentido aquello del vértigo ante el papel en blanco. Cualquier persona que maniobre con la creatividad lo habrá sentido alguna vez. Ahora bien, si eso ocurre es porque siempre hay un momento en el que el acto de crear no aparece como una necesidad vital inabarcable, sino como una obligación. Esta reseña es una demostración palpable de que ese vértigo existe. Lo siento yo al intentar escribir sobre un disco del que poco puedo apuntar, sobre un álbum que aporta ligerísimos cambios (más marcados en los últimos cortes y en algún toque electrónico, aportaciones del bajista Carlos Dengler, ahora ya fuera del buque) con respecto a los pasos previos de los estadounidenses, sobre un trabajo que, como ya imaginábamos, vuelve a trabajar el sonido y no busca hits (aunque algunos, a la particular manera del grupo, sí que hay: “Barricade”, “Memory Serves” o “Summer Well”). Y creo que lo deben haber sentido Interpol al enfrentarse a la creación de su cuarto larga duración tras los tres años de rigor entre disco y disco. ¿Sienten la necesidad de componer nuevas canciones en su línea habitual o son ya esclavos de ese sonido?. Joan S. Luna

POP

1114

El exitoso Jack Johnson no cambiará el curso de la historia de la música, eso está claro, pero tampoco es algo que el hawaiano parezca buscar en sus movimientos.

Dejémonos de seriedades y relajémonos un poco. Imaginémonos en las costas de Oahu encima de una tabla o en la misma arena mirando al horizonte. Es ahí donde las canciones de discos como “To The Sea” toman todo su sentido. Dedicado a la figura paterna, el quinto álbum de Johnson entra directamente a los corazones de los oyentes que no quieren enredarse en estériles discusiones sobre arte, sólo sentir que el agua puede acariciarles los pies un día cualquiera. Estamos, como ocurre con artistas de diferentes sensibilidades, ante alguien que usa una de sus habilidades (aunque parezca a veces lo contrario, no el cien por cien de la población sabe tocar una guitarra y/o cantar) al servicio de la difusión de una idea necesaria y beneficiosa para todos. Si alabamos propuestas de parecida intención con otras bandas, por qué no guardar el esnobismo bajo siete llaves y dejarnos llevar por el surfero más conocido del siglo XXI. Ignacio Pato L.

vinilos /46/ Octubre 2010 · MondoSonoro

KIKO VENENO RECUPERA EL PULSO WEEZER “Hurley”

Epitaph/Pias

POP

Kiko Veneno Foto Archivo

KIKO VENENO “Dice la gente” Elemúsica/Warner

ROCK

1114

A muchos de los que hemos pasado grandes tardes de gloria con la música de Kiko Veneno gracias a “Está muy bien eso del cariño” (1995) y sobre todo a “Échate un cantecito” (1992), ya empezábamos a echar de menos un disco que se aproximara a la altura creativa de estos dos clásicos. Con el anterior “El hombre invisible” (2005) se acercaba un poco a este objetivo, pero no ha sido hasta el recién editado “Dice la gente” cuando se ha mostrado certero del todo. Y lo hace sobre todo gracias a un inicio de disco espectacular con un temazo como “La chispa” que recupera al Kiko más rockero e ins-

pirado. Tras esta, la sinuosa “Cadena de oro” nos remite al Kiko de “Memphis Blues” con una letra bordada. En la tercera, “Dice la gente”, se le ve la conexión africana en una elegante balada donde la percusión y un precioso fraseo de guitarra flamenca son los protagonistas. “Campeones de la suerte” es canela pura, con un estribillo vacilón marca de la casa que se graba a fuego. “La rama de Barcelona” es una rumbita pachanguera con tanto duende que se convertirá en puro desenfreno en sus directos. Y aunque es posible que durante la segunda parte del disco el nivel baje un poco al acumular medios tiempos y baladas sinuosas como “Andalucía”, “Totupan” o la tierna “Cuando caiga la noche”, la cosa se recupera con el cachondeo marca G-5 de “El mosquito suicida”. Vaya que, para no extendernos más, es lo mejor que ha hecho Kiko Veneno en años. Don Disturbios

!!!

JIMMY EAT WORLD

KORN

Warp/Pias

Interscope/Universal

Roadrunner/Divucsa

“Strange Weather, Isn’t It?” ROCK

111

Si ahora mismo me encontrase a Nic Offer por una calle no podría resistir abordarle.

Siempre he sentido una conexión cósmica con él, gracias a sus grandes canciones y unos conciertos estratosféricos. Y me siento en deuda. Por eso me siento triste al ver cómo el edificio se desmorona a su alrededor. Algunos amigos se han ido para siempre, otros saltan por la borda como ratas que ven el navío hundirse en aguas turbulentas. Pero ahí está él, como un orgulloso capitán que confía en que su buque supere la tormenta y vuelva a surcar los mares con la bravura de antaño. Necesito decirle que aún confío en él, incluso ahora, sin su mejor tripulación, con una brújula que duda sobre dónde está el norte y con una estructura que adolece de la solidez de los mejores años: los de las aventuras, del todos a una contra el mundo, del post-punk salvaje y bailable hasta la extenuación.

Debe salir adelante, encontrar horizontes excitantes hacia los que orientar la proa, porque sería una lástima ver cómo uno de los barcos más intrépidos del rock bailable de todos los tiempos naufraga en un mar en calma. Joan S. Luna

“Invented” ROCK

“III Remember You Are” 111

El título de la primera canción del nuevo disco de Jimmy Eat World dice que es difícil encontrar el corazón. No estoy de acuerdo en su caso: sólo hay que saber buscarlo, y ellos han sabido casi siempre dónde hacerlo. Los de Arizona tienen bien aprendido su método para tocar la fibra sensible del respetable y eso les hizo grandes a principios de siglo. Sin embargo –y esperábamos con ansia creciente este lanzamiento- algo no funciona del todo esta vez. Quizá el error es del crítico, desorientado y desalentado –en ese orden- por el hecho de que “Invented” provenga de las mismas manos que “Clarity” o “Bleed American”. Otros dirán que es cosa de la madurez –terrible palabra e inverosímil concepto- que lo que le da al músico como persona, en la esfera privada, se lo quita como creador inquieto en la pública. Sea como sea, quien quiera acercarse se encontrará con fondos de armario dignos como “Coffee And Cigarettes” o “Action Needs An Audience”, nervio sobreproducido pero nervio al fin y al cabo. Entremedias y a los lados, canciones en barbecho para evaluar cuando vengan, con suerte, a tocarlas de cerca. Ignacio Pato L.

METAL

11

Bob Dylan se sacó de la chistera hace muchos años aquel lema convertido en canción que rezaba que los tiempos están cambiando, pero parece que hay quién todavía no se ha enterado, y los miembros de Korn necesitarían hacer un curso acelerado para darse cuenta de que la gloria de los noventas queda ya muy lejos. Sin embargo, hasta hace bien poco ellos continuaban facturando buenos discos, como por ejemplo “Take A Look In The Mirror” y “See You On The Other Side” (algo menos), pero la capacidad para grabar obras compactas empieza a estar en entredicho. El declive es progresivo (incomprensible aquel “Unplugged”), aunque la personalidad del grupo sigue intacta, su sonido es exactamente el que era, el único problema radica en unas canciones faltas de alma y credibilidad, salvo en casos contados, como en la hipnótica “Pop A Pill” o la inspirada aunque algo forzada “Are You Ready To Live?”. Ni la vuelta del productor de sus dos primeros discos, el ínclito Ross Robinson, ha hecho que puedan reverdecer viejos laureles. Una toma en directo de “Blind” como última canción del disco alimenta la nostalgia.

Toni Castarnado

114

Olvidémonos de la portada. Más allá de eso, el contenido de “Hurley” es... Weezer, claro. A estas alturas, ya nada sorprende en el campo de visión de Cuomo.

Estrenándose en un nuevo sello, el ya mítico Epitaph, el cuarteto vuelve a hacer de si mismo y entrega diez nuevos temas, menos de un año después de su último “Raditude”, con todos los síntomas de los últimos discos de la banda. Lo bueno, el plantel de colaboradores de lujo en las tareas compositivas, desde los creadores de éxitos Desmond Child y Linda Perry a Ryan Adams, y las melodías memorables, que siempre se acaba sacando Cuomo de la manga: “Memories”, “Ruling Me” y “Hang On”. Lo malo, la sensación que ya no se puede esperar ningún factor sorpresa ligado con la genialidad de sus tres primeros álbumes, y que no queda otra que conformarnos con algo más de lo mismo, que fluctuará entre el no-está-mal o el pues-está-bastante-bien, dependiendo de la inspiración de Cuomo en ese momento.

Robert Aniento

LILA DOWNS Y LA MISTERIOSA “En París. Live A Fip”

World Music/Harmonia Mundi

FOLK

1111

Ya no es un secreto, Lila Downs es la artista latina más en forma de la “world music”.

Para demostrarlo, este directo grabado en París donde se comprueba la realidad de su propuesta. Quince temas extraídos de toda su discografía con especial atención a su trabajo anterior, “Ojo de culebra”, nominado a los Grammy. Lila nació en Oaxaca y creció en Estados Unidos. Hija de un profesor de cine norteamericano y una cantante mixteca de México. Y pocos saben que fue una deadhead (seguidora de The Grateful Dead), pero no hay reflejos de ello en su música, donde instrumentos precolombinos comparten protagonismo con los modernos. En directo, su voz de amplia tesitura encanta más que en disco y sus cambios de registro son sorprendentes. Musicalmente Paul Cohen es su mano derecha y la acompaña con arpa, saxo o teclados. El resto de músicos complementan esa suerte de músicas a medio camino entre los cantos indios mixtecas, las rancheras, los corridos, el bolero, el jazz, la bossa o el blues. No estuvieron allí invitados ocasionales de sus canciones como Rubén Albarrán (Café Tacvba), Enrique Bunbury o la malograda Mercedes Sosa, pero ni se notó.

Miguel Amorós

LONELY DRIFTER KAREN

“Fall Of Spring”

Crammed/Nuevos Medios

POP

1114

Lonely Drifter Karen encarnan en la vida real el ideal de vida que cantan en sus canciones: Tanya Frinta es austríaca y ha vivido en media Europa; en Barcelona conoció al mallorquín Marc Melià, ex El Diablo en el Ojo y entonces compañero de Jordi Maranges en El Piano Ardiendo; poco tiempo después se unió con ellos en la Ciudad Condal Giorgio Fausto Menossi, con quien Frinta ya había

colaborado. Desde entonces se dedican a surcar Europa en tren (esto último no es cierto, pero debería serlo), dando conciertos en los que interpretan (ese “interpretan” debería ir bien subrayado) las románticas canciones de Frinta, a medio camino entre el bucolismo folk, la chanson y el cabaret de entre guerras.

Si bien en éste su segundo álbum, parecen haberse esforzado por abordar un pop más formal, el suyo sigue siendo un universo propio marcado por la delicada voz de Frinta y esas ensoñaciones que a ratos parecen robadas de un cuento. En esta ocasión ofrecen una partida de canciones más completa y diversa, menos encorsetada que en su debut, lo que lo convierte en la clase de trabajo que, esta vez sí, puede rivalizar con sus adorables directos. Joan Cabot

MAGIC KIDS “Memphis”

True Panther/Popstock!

POP

1111

El pop soleado made in California reverdece laureles. Y lo hace desde la escena indie yanqui, que está recuperando con tino el legado que The Beach Boys inmortalizaron en los sesenta. Magic Kids, compañeros de generación y amigos del alma de Girls y esos Redd Kross de juguete que son Smith Westerns, debutan con un disco que da nuevo significado a eso del pop cristalino y pluscuamperfecto. Canciones tocadas por la varita mágica de Brian Wilson y cía. como “Hey Boy” y “Little Red Radio”, entre otras, dejan bien a las claras la aplicadísima y emocionante manera de entender el pop que tienen estos seis chavales que siguen de pe a pa eso del “verano sin fin”. Ya puestos, no es difícil imaginárselos como unos Beulah casi teenagers. Y es que la llorada banda de Miles Kurosky ya intentó rescatar ese sonido hace una década con resultados excelentes. Escuchen sino maravillas del calibre de “When Your Hearstrings Break” o “The Coast Is Never Clear”.

Ahora, Magic Kids se presentan como sus más dignos herederos, y apuntan alto con este “Memphis”. Xavi Sánchez Pons

THE MAGIC NUMBERS “The Runaway”

Heavenly/Nuevos Medios

POP

111

Han tardado casi cuatro años en volver, y no puede decirse que la acogida que se les ha dispensado haya sido precisamente cálida.

Las más que tibias primeras evaluaciones de “The Runaway” obligan a hacerse la pregunta: ¿se les ha pasado el arroz a los Fleetwood Mac del pop británico de última generación?

Pues no del todo. Ellos también tienen derecho a crecer, a cantarle al desamor o a cubrir de nubarrones su hasta ahora despejado horizonte. A dejar de ser los frescos del barrio, siempre y cuando no bajen en exceso el notable listón de sus dos entregas anteriores. Y de verdad que no lo hacen, aunque es lógico también que cualquier fan de la banda prefiera su primera versión. Ahí siguen las melodías prístinas, la dulzura heredada del pop soleado de la Costa Oeste, el detallismo en la producción. Lo que ocurre es que ralentizan el tempo, descoloran sus estribillos al tiempo que aumentan su mullido de cuerdas y además ahora carecen (eso sí que no era previsible) de hits en potencia. Y así cuesta más entrar en su mundo. Pero, tratando de ver la botella medio llena, hay por lo menos media docena de canciones deliciosas, comenzando por el giro amargo de “Once I Had” y continuando con ambrosías como “Throwing My Heart Away” u “Only Seventeen”. Que eso sea suficiente ya depende de dónde pongan ustedes el listón de su exigencia. Carlos Pérez de Ziriza

MondoSonoro · Octubre 2010 /47/

MARINA GALLARDO “Some Monsters Die And Another Return” Foehn

FOLK

111

Si aún no lo tenían registrado por su primer disco, apunten un nuevo nombre que añadir a la persistente tendencia que en los últimos años introduce en escena a jóvenes damas que, acompañadas prioritariamente de guitarra acústica, interpretan sentidas composiciones propias. La gaditana Mariana Gallardo presenta un segundo disco lírico en el que asoman dos facetas diferenciables. Por un lado encontramos una cara melancólica y amable que la empareja irremediablemente con Russian Red, Anni B Sweet o Alondra Bentley, y por el otro la artista muestra una vertiente tornada áspera y belicosa, virando hacia temperamentos como Ainara LeGardon o P.J. Harvey. Mientras que la versión melódica de la artista resulta válida, es sin embargo esa parte brusca e incómoda la que tiende a perfilar su propia personalidad, y con la que consigue puntuar alto a lo largo de los trece cortes que componen este álbum co-producido con Paco Laco. Y es que la voz de trazo grueso de la compositora se revaloriza al embravecerse desde la calma.

Raúl Julián

MARY J BLIGE

“Stronger With Each Tear” Geffen/Universal

R&B

111

Nadie duda del lugar de Mary Jane Blige como gran dama del R&B, la cantante femenina que más respeto despierta en la vecina escena del rap por esa mezcla de glamour natural y denominación de origen Bronx.

Sus credenciales están fuera de toda duda y haber colaborado con Method Man y Ghostface Killah no hace más que alimentar esa imagen de mujer poderosa que no se deja intimidar ni ante el más temible de los machos. En “Stronger With Each Tear”, de hecho, su acompañamiento masculino no le da ni para merendar. ¿Qué edad tenían T.I. y Drake cuándo ella empezó reinar? Y aun así el primero encaja perfectamente en su rol en “Good Love”, uno de los mejores momentos de un álbum en el que Mary J no muestra nada que le hayamos visto antes. Éste no será uno de sus mejores discos, quizás sólo sea uno más, pero en su caso eso es más que suficiente: cortes como “I Feel Good”, “In The Morning” y “Color” (de la banda sonora de “Precious”) son la prueba de que quien quiera discutirle el cetro no lo tendrá fácil. Blige es de esas artistas a las que el apelativo diva les queda tan ajustado como un anillo de su talla. Joan Cabot

ME AND THE BEES “Fuerza Bien” La Castanya

POP

1114

Lo primero que sorprende del debut de Me And The Bees es que se han alejado un trecho del folk tranquilo que practicaban en sus inicios. Por una parte han mejorado en los juegos vocales y los arreglos, pero también se han decantado por un sonido más crudo, cercano al rock lo-fi de Pavement, Guided By Voices o The Breeders.

Lo que antes era un susurro, ahora de

repente ruge, lo eléctrico se sobrepone a lo acústico, y lo suave se vuelve punzante. Esther Margarit, que lleva la voz cantante, se me antoja como la niñita mona que primero te sonríe para luego lanzarte una pedrada. Temas como “Thank You So Much”, “Aaahhh!!!” o “Now Alone Come Back” –que bien podría ser una canción de The Pipettes si no fuera por ese coro que dice “Why don’t you go and fuck yourself” y eso punteo guitarrero del final- parecen decir: podemos ser dulces, pero, ándate con ojo, en el pastel hemos puesto clavos.

Y aunque hacia al final se calman un poco y retoman el folk, mantienen en todo momento esa sabia combinación de registros, que al final es lo que enriquece el álbum y hace que se te pasen los dieciséis cortes en un suspiro. Marc Luelmo

vinilos

EL CONTROVERTIDO TRABAJO DE KLAXONS

MIGUE BENÍTEZ

“Cómo apretar los dientes” El Volcán Música

FLAMENCO

1111

Se cuenta que muy poco tiempo antes de morir con veintiún años, el que fuera más clarividente de Los Delinqüentes, Migue Benítez, se encerró en un estudio de grabación y dejó maqueteados una treintena de temas.

Tras un arduo trabajo de estudio y mucha constancia, su hermano Manu ha conseguido sacar a la luz este disco-libro que contiene un compacto con veinte nuevas canciones, siete poesías suyas recitadas por artistas afines, y un libro de ciento sesenta páginas, que recoge poemas, fotografías, dibujos, canciones o pensamientos. La idea original de Migue era editar un triple disco bajo el nombre de Matajare, pero todo eso se ha transformado en este “objeto” digno de deseo. En la parte musical hay que mencionar a algunos de aquellos que han trabajado a posteriori enriqueciendo sus canciones, como Muchachito Bombo Infierno, Tomasito, Juanito Makandé, Palocortao (el grupo de El Ratón), Rafael Amador, Josele Santiago, Raimundo Amador o sus amigos inseparables de Los Delinqüentes. Como tituló Migue a uno de sus capítulos, esto es “flamenco transgresivo” de una mente lucida que tristemente se apagó, pero que sigue garrapateando más que el sol. Miguel Amorós

MINUS THE BEAR “Omni”

KLAXONS

“Surfin The Void” Universal

ROCK

1114

En el mundo hay dos tipos de personas. A un lado están las que leen mucho y no aprenden nada; en el otro, los que leen y de cada obra que pasa por sus manos (sea buena o mala) sacan algo de provecho. Aquellos que quieren gustar a los demás y para ello se convierten en lo que no son, y quienes se expresan tal y como son, gusten o no al prójimo. Como Klaxons. El cuarteto británico ha aprendido que ser un hype es lo peor que le puede pasar a un grupo aquí y ahora, así que han apostado por continuar siendo ellos mismos, con toda la rareza e incomodidad que puede tener una propuesta como la suya. Klaxons no escuchan lo que hay que escuchar. Klaxons no leen lo que hay que

1114

Sí, señor, Minus The Bear siguen sacando buenos discos. “Omni” es su cuarto largo y viene después de un “Planet Of Ice” que fue lo más parecido a un paso en falso que han dado los de Seattle. Sobre alerta pues (algunos medios han machacado también el disco que nos ocupa), suena “My Time”, avanzadilla funkoide del álbum desde hace meses, con los sonidos quizá más naïf y de gominola que el grupo haya parido en la década. ¿Bien? Bien.

Porque “Omni” no viene a salvar el mundo, sino a apagar la luz –pueden bailar a oscuras- y a mostrar a unos músicos que no parecen preocuparse por acusaciones de falta de garra o de producciones tan limpias como ésta de Chiccarelli. “Secret Country” es capaz de pelear directamente con las mejores canciones del repertorio: su oscuridad es como el vacío de Camus, el que lo ha sentido ya nunca abandona.

Y “Animal Backwards” es la clave de unos Minus que no deben esconder su filiación electrónica y suave, en busca y captura de un sonido vaporoso que no se escape tan fácilmente como a veces ocurre. La complicada empresa revaloriza el resultado. Ignacio Pato L.

leer, leen a Pynchon, a autores chamanistas como Daniel Pinchbeck o al pintor esótérico José Argüelles, y, claro, eso se nota. Se lo digo sin ínfulas, no me malinterpreten. Pero todo ello les revela como una banda que no es como las demás. De ahí que, tras trabajar con James Ford o intentarlo con Tony Visconti, hayan apostado por un productor tan rock como Ross Robinson (aquí no encontrarán ustedes nada que recuerde a Korn, pero sí algo de At The DriveIn/The Mars Volta). ¿Entonces, tras tanto mareo, debemos entender que “Surfin The Void” vale la pena?, se preguntarán. Pues, pese a no tratarse de un disco grandioso, la respuesta es sí. Sin duda. Klaxons no superan lo expuesto en “Myths Of The Near Future”, pero firman un disco psicodélico, denso o accesible dependiendo del minuto; una obra inteligente que no les llevará más arriba, pero que justifica nuestra confianza y constata que son unos perros verdes en un mundo gris. Joan S. Luna

MUGSTAR

MUYAYO RIF

“Construmón”

“Serotonin”

Important

Kasba Music

Rough Trade

“... Sun, Broken,...”

Dangerbird/Nuevos Medios

POP

Klaxons Foto Ravi

EXPERIMENTAL

1114

Entre la infinidad de estilos y tendencias que están siendo revisitados en este inabarcable presente musical que nos toca vivir destaca un revival psych-rock de lo más nutritivo, con nombres bandera como los de Oneida o Wooden Shjips y movimientos estratégicos desde sellos como Southern Lord que proponen un coito salvaje entre la tradición stoner y las sustancias psicotrópicas. En medio de este caldo de cultivo surgen Mugstar desde Liverpool, que han ido dejando diseminadas sus canciones en forma de diversos siete pulgadas durante el último lustro y afrontan ahora una verdadera reválida con su segunda referencia larga, primera para el sello Important. El quinteto británico apuesta por la transgresión eléctrica en forma de largos instrumentales, seis concretamente, pero en sus formas descartamos cualquier atisbo de intentar evolucionar un género cuyas normas ya definieran Hawkwind y compañía varias décadas atrás: riffs repetitivos, guitarras pesadas, organillos insidiosos, coartada cósmica.

Son esos alumnos aventajados que temen abandonar el camino que les mostraron sus maestros. Luis J. Menéndez

SKA-PUNK

MYSTERY JETS

111

Con la muerte de uno de sus integrantes, el saxofonista Álvaro Barbero sobre volando esta crítica -falleció hace unas semanas en un accidente de coche cuando regresaba de hacer un concierto en la vecina Francia- la música de Muyayo Rif cobra un nuevo sentido. Porque lo de estos chicos, o lo de bandas cercanas como Che Sudaka o Ska-P, es una exaltación a la vida y a las ganas de disfrutarla con la intensidad que cada segundo merece, sin que eso signifique olvidar las injusticias y sufrimientos que nos rodean y denunciarlos. Los Muyayo lo hacen sobre la base del ska-rock más divertido y menos ortodoxo, más cerca de unos Betagarri que de Skatalà y con unas letras ingeniosas y no exentas de cierto desparpajo cachondo que los muestra ideales para ambientar cualquier fiesta mayor o verbena, ya sea en un squad o en la plaza mayor de cualquier pueblo.

Canciones como “Oye” con esos acordes latinos o “Puede ser genial”, con un estribillo demoledor para ser coreado, levantan a un muerto para que se vaya de parranda. Ernesto Bruno

POP

111

Lo de Mystery Jets siempre ha sido un quiero y no puedo de lo más frustrante. Desde que aparecieron por nuestras vidas los británicos anhelaban convertirse en el grupo del momento, y aun esforzándose en conseguir tal objetivo han quedado relegados en todas las ocasiones a un segundo plano. Con este tercer trabajo, no cambiará su suerte, pero gracias al histórico productor Chris Thomas (Roxy Music, The Beatles) Blaine Harrison y los suyos nos presentan un puñado de temas más melódicamente luminosos que de costumbre atreviéndose, incluso, a dar su parecer del soft rock setentero en “It’s Too Late” y recorriendo terrenos más épicos en “Alice Springs” y el desenlace que marca “Lorna Doone”. De la fiereza juvenil de su debut poco queda a día de hoy, ni siquiera de la forzada eficacia de algunos de sus siguientes pasos. Y a pesar de esos clichés romanticones propios de un niño de parvulario que Harrison se gasta en piezas como “Lady Gray” o el single “Dreaming Of Another World” la banda nos da motivos suficientes para no catalogarlos, de momento, en la creciente lista de bandas herederas del brit pop ahogadas en la fórmula. Sergio del Amo

vinilos /48/ Octubre 2010 · MondoSonoro

EL DEBUT CONCEPTUAL DE JANNELLE MONÁE PHILIP SELWAY

“Familial”

Bella Union/Nuevos Medios

FOLK

Janelle Monáe Foto Archivo

JANELLE MONÁE “The Archandroid” Bad Boy/Atlantic

R’N’R

1111

Hay pocas cosas que me produzcan más bostezos que la expresión “álbum conceptual”, si bien una lista de excepciones sería bastante extensa. El caso es que los ejemplos en el mundo de la música negra contemporánea serían más bien excasos, por no mencionar la de aquellos relacionados con el hip hop. En más de un caso, lo “conceptual” es una excusa barata, una treta para camuflar el hecho de que un álbum tiene un par de buenos temas y mucha paja.

No es éste el caso. En gran medida porque Janelle Monáe,

OASIS

“Time Flies... 1994-2009” Sony BMG

ROCK

a pesar de su ambición desmedida por crear un contexto narrativo para su primer y segundo disco, ha dejado el suficiente espacio para que las canciones puedan ser disfrutadas sin necesidad de atender al libreto y, bola extra, ha conseguido en “The Archandroid” hilar los temas de su segundo trabajo de manera que el verdadero pegamento sea la música y no algún dislate más o menos ocurrente.

Las canciones aquí se suceden como si fueran una sola, con un contagioso espíritu cinético que te arrastra sin remedio, y ella va barajando jazz futuro, soul del pasado y frescura R’n’B con una combinación de descaro y aplomo que demuestra que, lejos de ser la debutante por la que muchos la podían tomar, Monáe tenía pensada en su cabeza cada uno de los detalles del disco. Y sí, “Tightrope” es la bomba. Joan Cabot

OCEANSIZE

PENDEJO

“Self Preserved While the Bodies Float Up”

“Cantos a la vida” Chancho Records

Superball Music

1114

Movimiento casi inevitable tras el anuncio de la separación (veremos hasta cuándo dura), el problema de la edición de esta nueva compilación del grupo británico es que llega tres años más tarde del también oficial “Stop The Clocks”, con tan solo un disco de estudio entre uno y otro. En esta ocasión la estrategia se centra en recoger los veintisiete singles lanzados por la banda en sus quince años de historia. Pero eso significa dejar fuera del minutaje joyas de los primeros largos de los Gallagher como “Rock And Roll Star” o “Champagne Supernova”. Tampoco opta, al igual que “Stop The Clocks”, por un recorrido histórico lineal. Unas cosas y otras hacen que el nuevo recopilatorio además de tener nueve temas más, compense más entre los álbumes clásicos de la banda y los editados en sus últimos años y acabe compartiendo solo diez cortes con el anterior, una cifra escasa teniendo en cuenta la nada extensa discografía de la banda, de tan solo siete álbumes. La aparición por primera vez de oscuros singles como “Whatever” y “Lord Don’t Slow Me Down” es otro de sus alicientes. Un acertado repaso por la historia incontestable del grupo. Robert Aniento

ROCK

1114

Definitivamente, la palabra continuismo no existe en el diccionario de los de Manchester. Lejos de cualquier encasillamiento, con cada nueva entrega marcan distancias con respecto a las anteriores. “Self Preserved While The Bodies Float Up”, no iba a ser menos. Un tema tan especial como “Oscar Acceptance Speech”, tan luminoso como desgarrador con ese final tan barroco, se erige en bandera de su insaciable sed de experimentación y evolución. El emotivo y épico “Silent/Transparent” es la otra joya de un cuarto álbum incluso más sorprendente y variado que sus antecesores. Ahí están, si no, el inicio doom con “Part Cardiac”, la belleza ensoñadora de “Ransoms”, el sabor post-rock de “A Penny’s Weight” o la furia desatada de “Superimposer” y “It’s My Tail And I’ll Chase It If I Want To”. Pero no debería ser necesario hablar de individualidades en un álbum que, ante todo, funciona como un bloque. Y es que Oceansize son únicos en la creación de sensaciones, de sentimientos contrapuestos, y esta vez lo bordan con una obra equilibrada como pocas. Su álbum más completo hasta la fecha. Ferran Lizana

ROCK

111

Pese a la existencia de un caldo de cultivo histórico, pocas bandas de metal más o menos extremo nos han llegado aquí desde las costas mexicanas. Ahora inicia su andadura Pendejo, que podría considerarse una fusión de Brujería y Molotov, con bases pesadas, importadas del stoner rock, y voces que lamentan en ese acento tan latinoamericano las miserias de la realidad. Pero el tema es que... ejem, se trata de una banda holandesa.

No de oaxaqueños que viven su momento en Amsterdam, ni nada parecido. Los componentes de Pendejo son tan holandeses como los tulipanes o los quesos de bola. Así que resulta como mínimo chocante escuchar de boca de unos tales Jaap Melman o Arjan Rijnen –con sobrenombres como “Monchito” o “Er Juan”- frases como “la mierda subiendo y tú sin flotadores”. Sus vivencias en diferentes países de nuestra lengua son el origen de las letras y el idioma elegido por sus integrantes.

Y lo cierto es que, más allá de la anécdota, temas como “Flotadores”, “Arrecho vengo” o “La ola negra” rivalizarían en corrosión y contundencia con las denuncias cantadas de bandas realmente mexicanas como La Cuca o Transmetal. Robert Aniento

111

Philip Selway es el tercero de los integrantes de Radiohead que decide tomar un camino paralelo en solitario, tras las aventuras de Jonny Greenwood y Thom Yorke. En el caso del batería, “Familial” es su carta de presentación tras casi veinte años detrás de las cajas de la banda británica. Y sorprende. No maravilla, pero no defrauda. Sin la carismática presencia y voz -para algunos insoportable- de Yorke ni las guitarras espaciales de Greenwood, “Familial” se nutre, eso sí, de los paisajes y ambientes hipnóticos que tanto definen a la banda madre. Pero hasta ahí las similitudes. Selway, lejos de las experimentaciones de sus compañeros, se sirve de esos elementos para dar forma a un disco de folk emotivo, intimista, desnudo. Más melódico y orientado a canciones, el álbum empieza con uno de sus mejores temas, “By Some Miracle”, y desde ahí, otros nueve cortes llevados con la máxima de “menos es más”, acompañado en ocasiones por la voz de Lisa Germano. Temas como “Beyond Reason” o “Falling” hacen merecedor a “Familial” de un puesto destacado entre las obras colindantes a Radiohead. Robert Aniento

THE PINEAPPLE THIEF

“Someone Here Is Missing” Kscope

PROGRESIVO

1114

Con su habitual discreción, Bruce Soord y los suyos vuelven a la carga con nuevo álbum. “Someone Here Is Missing” vuelve a poner de manifiesto el gran momento por el que pasan los ingleses, que ni siquiera necesitan de grandes novedades ni complejidades para volver a convencernos. Temas más directos, jugueteos con ritmos electrónicos y endurecimiento de su sonido a la manera de Porcupine Tree, son las novedades de un trabajo que es más que nunca un conjunto de canciones. Sin duda un álbum más espontáneo que ambicioso, nada efectista, cuyo punto fuerte no es otro que la labor compositiva. Y es que piezas tan irresistibles y efectivas como “Nothing At Best” y “Preparation For Meltdown” hablan por sí solos. Sin olvidarnos de “Wake Up The Dead”, “3000 Days”, el intimismo de “Barely Breathing” o ese “So We Row” que inevitablemente se aposenta en tu cerebro. En definitiva, otro paso firme que debería confirmar a Bruce Soord como creador de canciones y melodías adictivas y que consolida a The Pineapple Thief en el pelotón de cabeza del progresivo más moderno. Ferran Lizana

RED SPAROWES

“The Fear Is Excruciating, But Therein Lies The Answer” Sargent House

POST ROCK

114

Es curioso como los grupos más característicos del post-rock actual se parecen cada vez más, hasta el punto que empieza a resultar complicado diferenciarlos. Como si de tanto acercarse unos a otros, algún día acabaran fundidos en un solo ente. Red Sparowes es una de esas bandas de post-rock “de libro”, que parecen dispuestos a cambiar el guión

de este género. Una vez tenemos claro lo que hay, no hay más que disfrutar con lo que nos ofrecen los americanos, que calidad no les falta. Difícil lo tenían tras el excelente “Every Red Heart Shines Toward The Red Sun” y efectivamente, además de no aportar novedades, el nuevo álbum queda bastante por debajo de aquel. Pese a todo, su rock melancólico y épico, resulta ciertamente emotivo y da para unos cuantos momentos de disfrute. Así, “A Swarm” se sitúa entre lo mejor que ha dado este estilo en los últimos años, mientras que “As Each End Looms And Subsides” se queda muy cerca.

Por mucho que buena parte del álbum resulte más bien tedioso, al menos este par de temas dan para seguir confiando un tiempo más en el género. Ferran Lizana

THE RODEO

“Music Maelström” Emergence/Naïve

FOLK 1114 La francesa Dorothée Hannequin (quien realmente se esconde detrás de The Rodeo) ha dejado aparcadas las guitarras rockeras de sus extinguidos Hopper para pasarse al folk como buena muestra nos dio de ello hace dos años con el “My First EP”. Para “Music Maelström”, siguiendo los pasos de Moriarty, nos propone un curioso viaje por los fantasmas olvidados del Mississippi para dar rienda suelta a este curioso collage estilístico que abarca su debut. Desde el country (“Little Soldier”), pasando por el blues (“Bird” y “Love Is Not On The Corner”) y el folk estrictamente minimalista (“My Ode To You” junto a “Uncle Sam”), Hannequin nos aporta su parecer de esos Estados Unidos sureños, donde el paso del tiempo poco importa, prescindiendo de florituras embellecedoras y bastándose de su voz al borde de la ronquera. Producido por Stuart Sikes (Cat Power, The Walkmen), la puesta de largo de The Rodeo debe analizarse estrictamente como un bicho raro del actual folk europeo, el elemento donde precisamente radica su mayor polo de atracción. Sergio del Amo

RÖYKSOPP “Senior” Pias

ELECTRÓNICA

1114

Justo después de lanzar un rompepistas como “Junior”, Röyksopp nos advirtieron de que se traían entre manos un álbum que dejaría los vocales invitados, los hits incontestables y las melodías bailables aparcadas hasta nuevo aviso. La criatura en cuestión se llama “Senior”, y no es otra cosa que la cara amarga, solitaria y decadente de su antecesor largo. Decantándose por el ambient y las atmosferas opresivas el dúo nos hace rememorar la etapa dorada de Orbital y a aquellos genios de la primigenia electrónica setentera como Kraftwerk o Vangelis. Nos encontramos ante un disco difícil (sobre todo para aquellos amantes de la vertiente más pop de los noruegos), pero en ningún caso en una lacra de su discografía. Las paranoicas líneas sintéticas de “The Fear”, esa nueva reformulación a la que se avocada “Tricky Tricky“ bajo el nombre de “Tricky Two”, la mutación del country electrónico que predican en la imprescindible “Forsaken Cowboy” (que podría haberse incluido en su debut “Melody AM”) o esa tristeza por la juventud caduca que transmite “Senior Living” no hacen más que ampliar el campo de miras en el que hasta ahora Röyksopp se había acomodado. ¿Seguirán este camino en su próximo trabajo? Probablemente no, de modo que no nos queda más que degustar este “Senior” como el bálsamo creativo que realmente representa. Sergio del Amo

MondoSonoro · Octubre 2010 /49/

SALTAMARTÍ “Saltamartí” La Casa Calba

POP

111

Con Oliva Trencada, Pep Toni Ferrer ya plasmó en “Lluneta del Pagès” (Fonart, 08) su devoción poética. Ahora, acompañado de varios músicos insulares, se ha iluminado con un artista del otro lado del charco: Joan Brossa y su “El Saltamartí”, editado hace ya cuarenta y dos años. Su mundo complejo y su visión poética se traduce en un disco denso repleto de imaginario y concentración-centrifugación de ideas. Y qué mejores herramientas que el loop y el sampler para recrear este universo visual y convertirse en lanzador de flashes de anuncios y audio de nuestra tierna infancia que se van sobreponiendo en las canciones y que Ferrer ha expoliado de Youtube con todo el morro. Así ha reconstruido musicalmente estos textos, sin separar las piezas en un todo conceptual en un disco de alma muy lo-fi pero con producción delicada. Con Saltamartí deja de lado su folk de raíces más rurales para recuperar el sonido indie americano de los noventa, la otra cara de la moneda que parece que va a marcar el inminente nuevo trabajo de su proyecto madre. Celestí Oliver

SAMANTHA DE SIENA “Here Inside”

Whatabout Music

FOLK

114

Samantha De Siena es una de esas compositoras, en este caso británica, que ha sucumbido al encanto parece que perdurable de Barcelona y se ha afincado en la ciudad para desarrollar en ella sus inquietudes artísticas. “Here Incide” es el primer fruto, y viene acompañado de algunos de los músicos más conocidos en la escena jazz de la ciudad, como el pianista Ismael Dueñas. Un EP largo (o un álbum corto) de ocho temas, que podría ejercer de banda sonora en tranquilos paseos nocturnos por el barrio gótico de la ciudad o encajar como relajada música en directo de algunos locales semiescondidos entre los barrios marítimos menos transitados. Folk muy teñido de influencias jazzísticas, con unos delicados arreglos que embellecen las postales visuales que dibuja la compositora, que en algunos momentos nos recuerda con su voz a la Beth Gibbons de los noventa, y en otros aparece el recuerdo de Cat Power de sus primeros discos. Al final, un elegante ejercicio de estilo, y una nueva muestra del embrujo que esconde la Ciudad Condal a la hora de dar luz a multitud de nuevos valores en cualquiera de los géneros. Robert Aniento

S. CAREY

“All We Grow” Jagjaguwar/Popstock!

POP

1114

Para Sean Carey haber formado parte del grupo de Bon Iver supondrá algo bueno y algo malo al mismo tiempo. No nos engañemos, escuchando su precioso “All We Grow” nadie va a poder evitar citar a Justin Vernon, de quien Carey no solamente es acompañante, sino también fan. Ni siquiera un servidor. Y, en parte, es una lástima, aunque Carey se acerque al trabajo del fir-

mante de “For Emma, Forever Ago” y no parezca esconder demasiado que anda tras su estela. Ahora bien, a su favor debemos subrayar Carey da forma a unas canciones preciosas que se levantan sobre unos pianos que beben, como apunta siempre que puede, de Steve Reich. Así, tan pronto suena ambiental (“Rothko Fields”), como hipnótica (“We Fell”), rítmica (“Action”), pero siempre muy sutil, muy minimalista, muy para escuchar en nuestros dormitorios con la luz apagada. No sé, quizás lo mejor que pueda decir de “All We Grow” es que, más allá de sus textos, acaba siendo un disco a disfrutar si a uno le gustan artistas como Bon Iver, Damien Jurado, Sam Amidon, Dave Bazan, Perfume Genius… ya saben. Joan S. Luna

vinilos

La selección Jäger:

FIESTA SIN FIN

SINDICATO DEL CRIMEN “XYY”

Discos Especiales/DFX

CROSSOVER

1111

La trayectoria de Sindicato Del Crimen es como el cauce del Guadiana, que va y viene, que fluye y luego se esconde; pero por suerte, ahora, después de ocho años de silencio tras su último disco “Viaje al fondo de la mente” (2002), su caudal de rabia vuelve a desbordarnos. De las dos primeras etapas de la banda de metal rap más importante de este país ya sólo quedan Terry -miembro fundador del grupo- y Javi Mayor -que se unió en la reaparición de Sindicato en 1994-, pero el espíritu original sigue sin perderse, es más, se ha enriquecido con los nuevos miembros: Curtonates (ex-Terroristars), Llanas (exSugarless), Brubaker XL y O’Belleiro (Skunk D.F.). El síndrome XYY, que da título a este nuevo álbum, es una anomalía en los cromosomas que durante mucho tiempo generó la creencia de que provocaba una innata tendencia a la criminalidad. Declaración de principios acerca de lo que vas a encontrar en este trabajo: guitarras demoledoras; bases brutales y arrolladoras, y letras rabiosas. Los reyes de la metáfora animal, escatológica y salvaje (“…¿paz y amor? A otra puta con ese preservativo…”) han vuelto. Ojalá se queden mucho tiempo. David Lorenzo

SMALL BLACK “New Chain”

Jagjaguwar/Popstock!

POP

1114

Es un consejo: apresúrense a disfrutar del sonido chillwave porque, vista la avalancha de formaciones y de discos que siguen ese camino, van a acabar hartos mucho antes de lo que imaginan. Y es una lástima, porque hemos estado pasando momentos preciosos con muchos de los artistas que forman parte del pelotón. Small Black son uno de ellos.

Nacidos como proyecto en solitario de Josh Kolenik, al que se han ido uniendo paulatinamente Ryan Heyner, Juan Pieczanski y Jeff Curtin, Small Black llevan un par de años destilando canciones chulas de pop electrónico psicodélico de dormitorio, acompañando en gira a Washed Out y firmando un primer Ep con piezas tan preciosas como “Despicable Dogs” o “Weird Machines”. Ahora, apenas unos meses más tarde y ya consolidados en Jagjaguwar y como cuarteto, presentan “New Chain”, un disco que, en conjunto, supera a obras como las de Toro Et Moi, pero que aún no cuenta con esas grandes canciones que les harían falta para convertirse en “el grupo” chillwave por delante de Neon Indian, Washed Out, Baths, Memoryhouse y tantos otros.

Aunque no se me despisten con el comentario, en “New Chain” hay varias canciones que merecen bastante la pena, así que agéncienselo: ahora es el momento (vuelvan al inicio de esta reseña, para recordar el motivo).

Joan S. Luna

Crystal fighters Foto Archivo

CRYSTAL FIGHTERS “Star Of Love” Zirkulo

POP

1111

Viejos conocidos de los escenarios de las grandes capitales españolas (quién sabe si debido a sus raíces navarras –de ahí que utilicen txalapartas entre sus percusiones-, pese a ser británicos) Crystal Fighters deberían haber debutado en larga duración hace meses para aprovechar el tirón de esos pedazo de singles que son “Xtatic Truth” y la kurudesca “I Love London”, pero se han tomado su tiempo. Hippies con pinta de haberse descontrolado con la dosis de hierba en el canuto de media tarde, los londinenses han conseguido que la espera haya valido la pena. “Star Of Love” es un disco variado que nunca aburre (¿cómo iba a hacerlo contando con “Solar System”, “In The Summer”, “Swallow”,

“Follow” en su tracklist?), una obra de espíritu buenrollista que pasa de Delorean a Late Of The Pier, que tan pronto tiene un no sé qué a lo CSS como suena ibicenco, que tanto echa mano de guitarras metaleras como cimienta un tema sobre un riff de mandolina, que usa voces (femeninas y masculinas) pitcheadas a lo Pitufo aquí o un extraño acento hispano-británico allí, que va de la electrónica pistera a la folktrónica sin inmutarse lo más mínimo. Y la mejor manera para disfrutarlo es plantarse en bañador en la playa, hundir los pies en la arena, elevar los brazos hacia el cielo, dibujarse una risa tontorrona y girar una y otra vez como una peonza. Dios mío, qué precioso es el color del mar cuando el sol se pone en el horizonte. ¿O está amaneciendo ya? Joan S. Luna

PUBLICIDAD

Noticias

Agenda

P El alcalde de Zaragoza, Juan Alberto Belloch, ha confirmado que se cambiará el nombre del parque más importante de Zaragoza, el Parque Primo de Rivera, conocido popularmente como Parque Grande, por Parque José Antonio Labordeta, en honor al recientemente desaparecido cantautor aragonés.

P 1 de Octubre: Pecker. La Lata de Bombillas P 2 de Octubre: Motarrica + Suda Chandran, Arena Rock.

P 2 de Octubre: La Señal de Flint. La Casa del Loco, Zaragoza P 7 de Octubre: Los Peyotes. La Lata de Bombilas P 8 de Octubre: Festival Independiente de Zaragoza.

FIZ10. Sala Multiusos P 8 de Octubre: Los Madison. Arena Rock P 9 de Octubre: Festival Independiente de Zaragoza.

FIZ10. Sala Multiusos P 10 de Octubre: La Pulquería. Sala López P 13 de Octubre: Pop Gun. La Lata de Bombillas P 14 de Octubre: MClan.

Sala López P 15 de Octubre: Arizona Baby. Sala López.

P 21 de Octubre. El Factor Humano. La Casa del Loco.

P 22 de Octubre. Cuchillo.

La Lata de Bombillas P 23 de Octubre Shuarma.

La Casa del Loco P 29 de Octubre: Nothink.

Sala López P 30 de Octubre. Honky Tonky Sánchez. La Lata de Bombillas P 31 de Octubre: Dan Baird.

La Casa del Loco

P El jurado del Festival de Cine de Zaragoza ha decidido que el ganador del I Certamen de Carteles del FCZ sea el aragonés Iñaki Villuendas, con una obra llamada “Zaragoza en 3D”, que pasará a ser la imagen oficial del Festival en su decimoquinto cumpleaños.

P Gran oferta musical en la ciudad durante las fiestas del Pilar.

En el recinto interpeñas podremos disfurtar de Joaquín Sabina, La Fuga y Despistaos entre otros.

Aute y Juan Manuel Serrat actuarán en la Sala Mozart del auditorio. David Guetta, Calle 13 y Bebé, Barricada y Rosendo, David Bisbal, Maldita Nerea y Pncho K nos ofrecerán sus actuaciones en el recinto de Valdespartera. Y en independencia Celtas Cortos o Loquillo acompañado de Amaral y Gabriel Sopeña.

Deprisa Deprisa

Arte en el Centro de Historia

C

omo viene siendo habitual, el Centro de Historia de Zaragoza acoge exposiciones que abarcan diversos ámbitos, disciplinas y sensibilidades. Quinquis de los 80, Cine, Prensa y Calle, es una exposición producida por Casa Encendida de Madrid y el CCCB de Barcelona.

Una exposición que partiendo del fenómeno del cine sobre delincuencia juvenil en la España de los 80, retroalimentado por la imagen

que devovía la prensa sensacionalista de la época, resulta ser un fiel reflejo de las transformaciones sociales, urbanísticas, políticas y económicas que azotaron el pais durante aquel periodo. Retrata un estereotipo estético por el que, a día de hoy aun sentimos una destacada fascinación. Podemos disfrutarla del 23 de septiembre al 21 de noviembre. Por otra parte, Spanish Verbena es una instalación en la que a través de Art Toys se

integran el arte y el entretenimiento. Los autores Zaragozanos Carlos Melgares Asensio y Miguel Frago Monzón consiguen un ambiente jovial y festivo en un espacio que recrea una fiesta popular. Una atmósfera caleidoscópica que repele y atrae al mismo tiempo, como el impacto abrumador de luz y color. También continúa el Proyecto Graduados en el que estudiantes de diversas disciplinas creativas acutuales, muestran su trabajo.

Y

MVT en Directo

Isobel Campbell & Mark Lanegan

D HPSLH]D D SHU¿ ODUVH la programación del ciclo MVT en Directo para la próxima temporada. Para el miércoles 24 de Noviembre contaremos con The Divine Comedy: an evening with Neil Hannon, en la Sala Oasis.El norteamericano Micah P. Hinson, que eligión a los zaragozanos Tachenko como banda para su anterior gira ibérica, nos visitará el jueves 16 de Diciembre también en la sala Oasis. Y para el domingo 5 de diciembre el duo formado por la escocesa Isobell Campbell, vocalista de Belle and Sebastian y Mark Lanegan : ex Screaming Trees.

De Gira The Closers

Guns’nRoses en Zaragoza

E

l próximo 22 de Octubre la mítica banda de hard rock americana Guns & Roses visitará Zaragoza. La cita es en el pabellón Principe Felipe. Teloneados por Sebastian Bach. El precio de las entradas es de 50€ más gastos anticipadas, y ya pueden adquirise a través de Ticketmaster.

Festival Independiente de Zgz

E

Massive Attack

l ocho y el nueve de octubre, en su habitual ubicación: la Sala Multiusos del Auditorio de Zaragoza. Dorian abren el día 8, con su efectiva mezcla de pop y elctrónica, El controvertido y mediático Pete Doherty presenta su disco en solitario “Grace/Wastelands”. Poco hay que decir de Tachenko, probablemente la banda zaragozana con más proyección. El actor Tim Robins presentará su primer disco. Los locales Estige y The Go! Team cierran el primer día del fes-

tival. El plato fuerte para el sábado 9 son los británicos Massive Attack. Los padrinos del trip-hop vienen con disco nuevo: “Helligoland”. Addictive TV presentarán su increible directo audiovisual en el que remezclan tanto música como vídeo. Tres Mellizas, Go Betweens, We Are Standard, Biggot, Annie B Sweet y We Have a Band cierran el cartel. Y como siempre, en el FIZ Club, Dj’s locales para que no paren tus pies: Chelis, Genzor, La Lata Dj’s, Cis, Hang de DJ y Funkforward .

P De Vito Presentando su nuevo EP BERLUSCONI 1 Oct 2010 Villa de Bilbao Bilbao 2 Oct 2010 KING OF PATIO FESTIVAL ZARAGOZA 11 Oct 2010 Monkey Week 2010 Puerto de Santa maria P BIG CITY Presentando su nuevo álbum CELEBRATE IT ALL 30 Sep 2010 (THE POSIES + BIG CITY) Madrid 1 Oct 2010 WAH WAH (THE POSIES + BIG CITY) Valencia P TACHENKO Presentando su nuevo disco OS REIS PORQUE SOIS JÓVENES 1 Oct 2010 Concierto acústico (Sergio y Sebas) Madrid 2 Oct 2010 La Calleja Oviedo 8 Oct 2010 FIZ, Sala Multiusos Zaragoza 15 Oct 2010 Subsuelo Pamplona

MondoSonoro · Octubre 2010 /51/

vinilos

reediciones

BIG CITY

“The Brugal Years” Grabaciones en el mar

ROCK

1111

Grabaciones en el mar edita esta compilación de una de las formaciones más exquisitas del indie nacional, en la cual se incluyen “A Spring Of Summers” (2003) y “Call An Ambulance” (2006), junto a un puñado de rarezas, demos y versiones. Poco más que decir que no se haya dicho ya sobre ellos, si acaso que, ahora que por fin, tras haber recorrido con calma y estilo un lento y trabajado camino, merece la pena echar la vista atrás y repasar la fantástica colección de canciones que han hecho que los artistas más importantes de fuera de nuestras fronteras les elijan para compartir escenario y que los críticos musicales más exigentes les colmen de elogios. Sin prisa, después de multitud de conciertos, miles de horas de estudio y mucho trabajo, Big City pueden recoger el fruto de las semillas que llevan sembrando desde hace casi diez años con la satisfacción de saber que lo mejor todavía está por venir.

Imprescindibles. Dani Arnal

ESKORBUTO

“Maldito país (Primera época 1982-84)” Munster

PUNK

1114

Doble CD recopilatorio que condensa el germen de la que debe considerarse mejor banda estatal punk de la historia. Toda una joya para coleccionistas y fans que contiene canciones de las sesiones de grabación de su primer single, el mítico “Mucha policía, poca diversión”, su primer álbum de estudio: “Primeros ensayos 1982” y sus dos primeras maquetas: “Jodiéndolo todo” y “Que corra la sangre” (en directo). Además de la ya citada “Mucha policía, poca diversión”, en este trabajo aparecen muchos temas que son ya historia del punk más aguerrido y visceral: “Maldito país”, “Terroristas” o “Escupe a la bandera”. Pese a las deficiencias de sonido en muchos momentos del disco, “Maldito país” es una oportunidad única para disfrutar de la formación original de Eskorbuto y para poder conocer los primeros pasos de la banda que firmó los imprescindibles “Eskizofrenia” y “Anti-todo”, para muchos el mejor disco de punk nacional de todos los tiempos. Música escupida desde las entrañas que plasma el hastío de toda una “de-generación”, cargada de odio.

Punk con mayúsculas. David Lorenzo

JUDAS PRIEST

“British Steel. 30th Anniversary Edition” Sony

HEAVY METAL

11114

En ocasiones me compadezco de aquellos que se vanaglorian de haber sido adolescentes escuchando folk o pop acaramelado. Lo hago porque, de algún modo, tengo la impresión de que nunca fueron adolescentes de verdad. Quienes lo fuimos escuchando los clásicos de la NWOBHM hemos podido (por lo menos algunos) aprender a disfrutar de

los discos que marcaron la historia de otros géneros; mientras a ellos el heavy metal se les continuará escapando. Cuánto se equivocan. “British Steel” es, lo duden o no, una obra maestra fundamental del rock duro de los ochenta. “British Steel” es sangre y espíritu del heavy metal, un género vilipendiado y adorado a partes iguales. Cuero, tachuelas, duelos de guitarras, bajos que cabalgan, la enérgica y siempre fantástica voz de Rob Halford, y unos textos de una rebeldia inocente, pero contagiosa. Todo eso era y es, pasado el tiempo, Judas Priest, y esta reedición remasterizada y en formato de lujo es un ejemplo de que la justicia existe. Uno de esos discos de heavy metal que ustedes deberían tener más allá de géneros, más allá de prejuicios. Joan S. Luna

el último gran disco de the cure

U_MÄ

“u_mä” Amniòtic

POP

1114

Publicado por primera vez en 2007, la reedición a cargo de la recién nacida Amniòtic del primer trabajo de u_mä nos devuelve en un momento oportuno el trabajo conjunto del ubicuo Pau Vallvé (Estanislau Verdet) y la no menos inquieta Maria Coma, que también publica en la misma discográfica su primer álbum en solitario (cocinado junto a Vallvé en sus estudios MIAU). Fruto de dos sensibilidades formadas en la música clásica, “u_mä” se infiltra en los terrenos de ese pop ensoñador y frágil, casi de juguete, con reminiscencias de Tiersen y Comelade, que en algo los emparenta con sus vecinos Cabo San Roque. Hay mucho de infantil en la quebradiza belleza de “Miau” o la fantasía sideral que es “Adéu”, a la vez que sus concienzudos y elaborados arreglos acaban convirtiéndose en el esqueleto mismo de la canción dejándola como suspendida de ninguna parte. Si eso es posible es porque, al fin y al cabo, u_mä residen en el terreno de lo improbable, en el de los sueños y la inocencia. Joan Cabot

NICK CAVE & THE BAD SEEDS

“Tender Prey” “The Good Son” “Henry’s Dream” Mute/Pias

ROCK

11111 11114 1111

Con la publicación hace cinco años del triple “B-Sides & Rarities” y, poco antes, del DVD “Nick Cave And The Bad Seeds: The Videos” pocas deudas pendientes le quedaron al australiano para con su pasado y sus fans. Por eso estas ediciones deluxe con DVD incorporado inciden más en la ingeniería sonora que en sorprendernos con nuevas canciones extraídas del baúl de los recuerdos: todas las “caras B” que aquí se incluyen y hasta las versiones acústicas de “The Mercy Seat”, “Deanna”, etcétera, ya aparecían en el citado recopilatorio. Así que el fan de Cave a la búsqueda y captura de nuevos tesoros tendrá que conformarse con un extenso documental, en realidad una suma de entrevistas tituladas “Do You Love Me Like I Love You” y debidamente fragmentadas en un capítulo por lanzamiento. Más allá de ello, todo el valor de estas reediciones recae en la remasterización de unos álbumes que realmente nunca necesitaron de ella y la posibilidad de escuchar a Cave y sus Bad Seeds en 5.1 o Dolby Surround, como si de “Avatar” se tratara. Luis J. Menéndez

The Cure Foto Archivo

THE CURE

“Disintegration” Polydor/Universal

POP

11111

Las ediciones deluxe de The Cure llegan a “Disintegration”, el disco definitivo de la banda de Robert Smith y también el que mejor combina sus dos facetas: la de orfebres pop y aquella otra que les señala como campeones del goticismo romántico. Sin novedades con respecto al álbum propiamente dicho, el primero de los tres plásticos adjuntos en esta edición reproduce “Disintegration” tal y como lo conocimos en su día en su versión digital: esto es, los diez temas incluidos en el vinilo y los añadidos de “Last Dance” y “Homesick”. Los

LOVE OF LESBIAN

“Maniobras de escapismo”/ “Cuentos chinos para niños del Japón” Naïve

POP

1114

Parece que fue ayer cuando el grupo catalán se enfrentaba a la situación de tener que justificar su salto al castellano tras un tercer largo, “Ungravity” que parecía haberles acercado algo el favor de la concurrencia indie. Santi Balmes y sus compañeros de fatigas habían superado una profunda crisis de identidad que a estuvo a un paso de poner fin a su carrera como banda. Planteado como punto de inflexión o despedida, “Maniobras de escapismo” era un grito de auxilio tras una travesía por el desierto de tres discos prácticamente desapercibidos y editados en sellos independientes diferentes. Poco esperaba nadie (¿ni siquiera ellos mismos?) que se sacarían de la manga un conjunto de doce ases que hacía de “Maniobras...” una de las mejores obras musicales realizadas en nuestro país durante la pasada década. Dos años más tarde, sin llegar a las mismas cotas de inspiración, “Cuentos chinos para niños del Japón” proseguía el camino de perfeccionamiento de las cada vez más cuidadas letras y dejaba otro puñado de canciones para el recuerdo. Robert Aniento

extras llegan en un segundo disco con mucha más sustancia de la que nos tienen acostumbrados este tipo de productos: para empezar una serie de demos domésticas e instrumentales con sonido más que correcto que incluso incorporan algunos temas inéditos: “Noheart” y “Esten”. Menos interés tienen las versiones “studio rough”, demasiado cercanas a los originales, pero entre las que también se cuela alguna joya: “Delirious Night”, la preciosa versión del “Pirate Ships” de Wendy Waldman y alguna cara B como “Out Of Mind” o “Babel”. El remate llega con la inclusión de “Entreat”, aquel directo de la época con coartada benéfica que en teoría se publicaría en edición limitada para no volver a reeditarse nunca más. Pues bien, aquí está, con todo su exceso de maquillaje post-estudio incluido. Luis J. Menéndez

SODOM

LOS MODELOS

ARD/Pias

Discos de paseo

“Agent Orange” METAL

“En primer plano: Los Modelos” 1114

Bien pensado, quizá ahora sea el mejor momento para celebraciones como ésta, la de los veinte años de la publicación de “Agent Orange”. Y lo es, porque con esta coyuntura en la que encontramos, en la que el thrash metal clásico goza de una buena (aunque discreta) salud, ya sea gracias a algunas bandas renacidas de sus cenizas o a lanzamientos de nuevo cuño que no han dudado en adoptar y trasponer a la época actual este género que vivió sus años dorados a finales de los ochenta, hay bastante a favor. Un aniversario que, en el caso de los germanos Sodom, también serviría de reivindicación para que, de una vez por todas, estos pioneros que tanto aportaron a la escena metálica de entonces, y en especial con discos como éste, tengan el reconocimiento que merecen. Tenemos la oportunidad de recuperar la tercera de sus grabaciones, en la que el trío se enzarzó en las artimañas clásicas de este estilo y unos temas capaces de remover tripas y agitar cabezas. Como extras, un segundo compacto con temas en directo –aunque ya editados-, con los que poder saborear de la furia de su directo. Francesc Feliu

POP

111

Los Modelos fueron uno de los múltiples grupos nacidos a principios de los ochenta bajo la etiqueta de la ya trillada hasta la saciedad, Movida Madrileña. Su pop edulcorado y guatequero de toques sixties, dentro de lo que se denominó como nueva ola, no fue bien visto ni asimilado por gran parte de la industria musical de la época y mucho menos por todos aquellos grupos que formaron parte de las denominadas Hornadas Irritantes (Glutamato Ye-Yé, Derribos Arias, Sindicato Malone…) que les acusaron de hacer un “pop baboso”. Vilipendiados por ser diferentes al resto, tan sólo publicaron un mini-álbum y apenas dos años después de su formación, se separaron y desaparecieron para siempre. Treinta años después, “En primer plano: Los Modelos”, que reedita sus únicas seis canciones grabadas en estudio e incluye además nueve temas extra grabados en directo, intenta rendirles un sentido homenaje.

Tal vez haga las delicias de los nostálgicos, pero para los que creemos que la Movida ya caducó hace mucho tiempo, se trata de un disco correcto (destacan “Noche de lluvia en Madrid” y “Detrás de unas gafas negras”) y poco más. David Lorenzo

mondorecomienda

/52/ Octubre 2010 · MondoSonoro

películas

El americano

Director: Anton Corbijn Intérpretes: George Clooney, Bruce Altman, Violante Placido, Thekla Reuten (111) Los géneros cinematográficos no viven su mejor momento. De la banalización de Hollywood a los intentos de depuración de cineastas más comprometidos artísticamente. Así, “El americano” es al thriller lo que “El asesinato de Jesse James” era al western: cual cocinero exquisito, Anton Corbijn (viejo conocido en el mundo de la música gracias a sus fotografías y videoclips) flambea su manjar reduciendo el sabor propio del género a unos delicados trazos aromáticos. Al igual que en aquel western, no interesa tanto la acción que rodea a los personajes como lo que les mueve interiormente. Por ello, el filme no tiene como referentes los clásicos norteamericanos sino cintas europeas como “El silencio de un hombre” de Jean-Pierre Melville o “Las consecuencias del amor” de Paolo Sorrentino. George Clooney logra, en el tramo final, agrietar la distancia emocional que el director marca un poco rutinariamente y con su desgarradora interpretación restituye a la cinta la fuerza que le ha faltado.

J. Picatoste Verdejo

CÓMIC

Exit Through The Gift Shop

Director: Banksy Intérpretes: Banksy, Shepard Fairey, Thierry Guetta (1111) Es curioso que se estrenen casi simultáneamente este espléndido “Exit Though The Gift Shop”, dirigido por el artista urbano Banksy, y “I’m Still Here”, la gamberrada en forma de (falso) documental del gran Joaquin Phoenix. Si en este caso sus autores han acabado confirmando que todo era trola, en el caso que nos ocupa deja lugar a cualquier tipo de interpretación. El documental viene a explicar la fascinación de un chalado por el submundo del arte callejero, los graffitis, etcétera. El filme, narrado a varias bandas, nos muestra como este hombre viaja por medio mundo hasta seguir los pasos de Banksy y acabar metido en el negocio. Que Banksy, que aparece en la cinta encapuchado y con la voz distorsionada, dirija esta obra orienta sobre la veracidad o no de lo que se nos está contando. Lo que no admite duda es que estamos ante una joya que, desde la ironía y la provocación, propone una reflexión sobre el arte moderno. Y lo hace a partir de uno de los personajes más fascinantes que ha dado el género desde Timothy Treadwell (“Grizzly Man”). Jordi Balfagón

DANIEL CLOWES

Un tipo serio

Convertido por méritos propios en uno de los autores de cómic más importantes del momento, el estadounidense Daniel Clowes ha crecido en profundidad conforme se suceden sus obras. Ahora llega a nuestro país “Wilson” (La Cúpula, 10), su enésima obra maestra desde “Ghost World”.

“Wilson” Daniel Clowes La Cúpula, 10

V Greenberg

Saw VI

Noah Baumbach es de largo uno de los cineastas más queridos por la parroquia indie, y es de justicia reconocer que “Una historia de Brooklyn” y “Margot y la boda” eran grandes películas, pero le faltaba algo para llegar a la perfección. Ese algo era dejar atrás la frialdad y los aires snob que acababan lastrando sus guiones, siempre demasiado intelectualoides para llegar a emocionar. En “Greenberg”, por fin, rompe el maleficio, entregando una historia de amor atípica y realmente conmovedora que se fija en los trabajos más locos de Hal Ashby y John Cassavetes para ofrecer lo que sería el reverso tenebroso de una comedia romántica.

Muy incómoda de ver, los personajes de Ben Stiller y Greta Gerwig están escritos y pensados para crear cero empatía con el público, “Greenberg” demuestra que eso del encanto del perdedor es un mito falso, a la vez que deja bien a las claras que para tocar la fibra no hace falta recurrir al sentimentalismo de manual.

Xavi Sánchez Pons

Sin querer entrar a fondo en la polémica que hace unos meses impidió el estreno en España de la nueva entrega de “Saw” por su extrema violencia (lo de calificarla X fue casi una prohibición de facto), tiene guasa que todo esto pasara con una de las partes más reposadas de la saga. Y es que “Saw VI” (que ahora si llega a las pantallas españoles con cortes, es decir, censurada) es de lejos una sus continuaciones menos crueles y sanguinolentas, lo que no quita que tenga más de una escena marca de la casa para los amantes del torture porn más rebuscado. Dicho esto, la sexta entrega de esta máquina de hacer dinero que es “Saw“ no aporta nada nuevo a la saga.

Ahora bien, se agradece la mala leche en el MacGuffin de la historia, una crítica llena de humor negro a la precariedad del sistema sanitario yanqui. Sólo apta para fans de Jigsaw, “Saw VI” es un gamberro entretenimiento de espíritu drive in. Y ojo que la séptima parte está ya al caer en formato 3D. X.S.P.

Director: Noah Baumbach Intérpretes: Ben Stiller, Greta Gerwig, Rhys Ifans (11114)

Director: Kevin Greutert Intérpretes: Tobin Bell, Costas Mandylor, Shawnee Smith (114)

iejo conocido de los aficionados al cómic, independientemente de las preferencias, gracias a una obra que ha mutado tanto con el paso de los años como algunos de los personajes de “Como un guante de seda”, Daniel Clowes es uno de los grandes.

De los más grandes. Nunca lo pensé al principio, cuando sus “Bola 8” me desconcertaban y aturdían, cuando algunas historietas me parecían fabulosas y otras un sinsentido que apenas proporcionaban placer como lector. Pero, por fortuna para todos, las cosas cambiaron.

Clowes decidió dejar de epatar para pasar a conmover.

“Ghost World”, “Dave Boring”, “Ice Haven” y ahora “Wilson”. “Me gustaría pensar que he desarrollado

mi carácter y complejidad conforme me he ido haciendo mayor y eso ha ocurrido a través de mi trabajo. Quizás sea la persona equivocada a la que preguntar sobre mis temáticas. Intento hacerlo lo mejor posible para vivirlo desde muy adentro más que observarlo o analizarlo de forma objetiva”. Lo ha conseguido. El caos narrativo de alguno de sus primeros trabajos ha devenido anécdota frente a unos cómics que ahondan mucho más en las aristas del ser humano, en la incomunicación y en la forma en la que abrimos nuestros sentimientos al otro. Al principio, uno podría pensar que los actos de Wilson son extraños, pero conforme la obra evoluciona todo encaja y descubrimos algo de cada uno de nosotros en el tipo malcarado y agrio que protagoniza las historias de este nuevo triunfo de Clowes.

“A lo largo de los años cada vez me ha interesado más crear personajes que tengan vida propia, personajes que respiren. Wilson, por ejemplo, existe para mí como un ser autónomo que ahora mismo está durmiendo en su destartalado apartamento en Oakland”. “Wilson” acaba de publicarse en catalán por La Cúpula, pero verá la luz en castellano el próximo mes en Grijalbo. ■ Joan S. Luna

cómic La vida al ritmo de jiro taniguchi Hace falta vivir muy en paz consigo mismo para darle forma a una obra como “El gourmet solitario” (Astiberri), con dibujo de Taniguchi y guión del también historietista Masayuki Kusumi, editada originalmente en 1997. Menos contemplativo que “El caminante”, “El gourmet solitario” es un cómic inusual, que funciona al tiempo de guía gastronómica y de retrato social de un país en el que el contraste entre la calma más espiritual y la velocidad más frenética mantienen una encarnizada lucha por hacerse con el control de la vida de sus habitantes. Una suerte de “El elogio de la sombra” de Junichiro Tanizaki en versión novela gráfica. Leyéndolo uno recuerda que, si pisamos el freno, los pequeños placeres de la vida nos harán más felices. En este viaje a través de diecinueve platos viviremos al ritmo de su protagonista, contagiándonos de su visión sencilla, apacible, cándida y en ocasiones algo nostálgica del mundo que le rodea. No es una de las grandes obras maestras de Taniguchi, pero sí resume algunos rasgos de su visión del mundo. ■ Joan S. Luna

Daniel Clowes Autorretrato

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

MondoSonoro · Octubre 2010 /53/

mondoRECOMIENDA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

cine

rodrigo cortés

Un hombre enterrado vivo en un ataúd. Su objetivo, salir de él. Noventa y cuatro minutos de agonía contados en tiempo real. “Buried” es un audaz thriller de suspense que basa su éxito en un actor en estado de gracia, Ryan Reynolds, y en un director que ha sabido trasladar a la pantalla un guión a priori imposible de adaptar. Rodrigo Cortés cuenta las claves del milagro en esta entrevista.

E

l director gallego me recibe en una conocida cafetería de la parte alta de Barcelona. Ha pedido bloques largos de entrevistas porque quiere explicar muy bien todo lo que ha rodeado “Buried”, una película imposible que se ha acabado convirtiendo en realidad. Y es que una historia que transcurre de forma íntegra en una sola localización, el ataúd (Cortés prefiere llamarlo “caja”) donde Ryan Reynolds está enterrado vivo y del que trata de salir a toda costa, no es fácil de adaptar a la gran pantalla. “El guión de ‘Buried’ llevaba año y medio dando vueltas por Hollywood consiguiendo muy buenas reacciones pero considerándose improducible por absolutamente todo el mundo. Cuando cayó en mis manos lo devoré y decidí atreverme a hacerlo”. Prosigue. “Desde el primer instante solo me interesaba la película en la medida que la pudiera hacer toda dentro de la caja. Me interesaba el reto y el desa-

fío técnico y narrativo, a priori imposible, de una película que probablemente no se pueda hacer y que no se deba hacer”. El resultado de tal quijotesco empeño es un thriller atípico, por su premisa, y trepidante, por su gran puesta en escena, que, tras arrasar en la pasada edición del festival de Sundance, se estrena en octubre en casi todo el mundo con la intención de romper taquillas. “Buried” es una película pequeña que aspira a todo. Una notable serie B que muy probablemente plante cara a los grandes estrenos hollywoodienses de este otoño. Y ojo, de producción española. “El tamaño de las películas no depende de sus centímetros cúbicos sino de si se inventan a si mismas, si evolucionan, si uno necesita saber qué va a suceder después… Este era el caso absolutamente. Al principio la gente pensaba ‘esto será una película experimental, oscura, introspectiva’, ‘en el mejor de los casos sería un ‘Open Water’’. Y la respuesta siem-

pre era: ‘no, no, esto será como ‘Indiana Jones’. Hay que rodar ‘Indiana Jones’ dentro de una caja, esto es un thriller de máxima tensión, un filme de Hitchcock, esto es un mecanismo narrativo que merece más que ninguno todo el engranaje para hacerlo”.

La pasión con la que Cortés habla de su nueva película tras la prometedora “Concursante” es contagiosa. Enseguida empezamos a hablar de los referentes de “Buried” que, a pesar de su apuesta formal novedosa, los tiene, como buen filme de género que es. Le comento que

“Buried” Foto Archivo

A dos metros bajo tierra que ver con ‘Alfred Hitchcock presenta...”, que, a la vez, tiene mucho que ver con ‘La dimensión desconocida’. Richard Matheson tiene una falta de pretenciosidad enorme, pero su resonancia, su alcance metafórico, es inmenso. Como cuando lees ‘El increíble hombre menguante’ o ‘Soy leyenda’… ’Buried’ comparte con Matheson eso…”. La premisa de “Buried” recuerda a los mejores capítulos de las series de televisión antes citadas. Ahora bien, enriquece la fórmula al estar rodada en tiempo real, y al ofrecer ju-

“Me interesaba el reto de una película que probablemente no se pueda o deba hacer” la película me ha recordado mucho a los relatos de suspense de “Alfred Hitchcock presenta” y al Richard Matheson autor y guionista de “La dimensión desconocida” (más conocida por el título original, “The Twilight Zone”) y de “El diablo sobre ruedas”. “En esta película la sombra de Hitchcock ha sido alargada desde el primer momento. De hecho, es ese tipo de desafío insensato que él llevó a cabo con ‘Náufragos’, rodada en una barca en mitad del mar o ‘La soga’, con un solo plano…”. Matiza. “Eso sí, ‘Buried’ tiene más

guetones giros de guión que animan, y mucho, la función. “Si la película está contada en tiempo real es porque quería convertirla en una experiencia física, que la gente experimente exactamente lo que vive Paul Conroy, el protagonista (un excelente Reynolds)…

El objetivo es que el espectador salga del cine con dos kilos menos de peso, con la manos convertidas en muñones, buscando un masajista de guardia que le libere los músculos contraídos de cuello”.

■ Xavi Sánchez Pons

Enterrados vivos en el cine…

(Roger Corman, 1962)

“La serpiente y el arco iris”

Edgar Allan Poe temía a la catalepsia más que a la muerte, y son varios los cuentos que escribió sobre el miedo a ser enterrado vivo. Roger Corman adaptó uno de ellos en la serie de películas que rodó basándose en relatos del escritor de Baltimore. “La obsesión” está llena de detalles macabros para el recuerdo y presenta a un Ray Milland brillante

Wes Craven, uno de los padres del cine de terror moderno, intentó tocar horrores reales en esta desigual película sobre el vudú. Bill Pullman, protagonista de la cinta, las pasaba canutas en la piel de un antropólogo que visitaba Haití para investigar supuestos casos de zombificación. Ni decir tiene que acababa enterrado vivo.

“La obsesión”

(Wes Craven, 1988)

(Frank Darabont, 1990)

“CSI Las Vegas: Peligro sepulcral”

A Frank Darabont, antes de dar el campanazo con “Cadena perpetua” y entregar esa obra maestra que es “La niebla”, le tocó sobrevivir en la televisión. Suyo es este brillante telefilme que recuerda a los cuentos de terror de EC Comics pasados por el tamiz de Hitchcock. Un tenso thriller protagonizado por Tim Matheson y Jennifer Jason Leigh.

Tarantino, que ya había enterrado viva a Uma Thurman en “Kill Bill”, ofreció una pieza maestra de este, por así decirlo, subgénero, al entregar un memorable capítulo doble de CSI Las Vegas donde uno de los esbirros de Grissom era sepultado vivo.

John Saxon era el malo de la función, y a las primeras de cambio, volaba por los aires.

“Enterrado vivo”

(Quentin Tarantino, 2005)

“The Descent” (Neil Marshall, 2005)

Si bien no están enterradas en ataúdes, el grupo de mujeres que protagoniza el film se encuentra sepultado vivo en unas peligrosas grutas del monte escocés a merced de unas monstruosas criaturas. “The Descent” comparte con “Buried” los elementos claustrofóbicos, más unas ricas subtramas y una carga dramática digna de la mejor serie B. ■ X.S.P.

mondoRECOMIENDA /54/ Octubre 2010 · MondoSonoro DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

CÓMIC

videos www.dailymotion.com

◗ Johannes Stankowski “Down Below” (1114) ¿Cómo se recorre una vida más allá de nuestras memorias? Aquí tenéis la solución. Simplemente foto a foto y además, sin salir de casa.

◗ Crystal Fighters “In The Summer” (111) A camino entre David el Gnomo y una versión de “Donde viven los monstruos”, su nuevo clip es perturbador y alucinógeno.

Bruce Paley

Vivir el rock’n’roll La novela gráfica “Jirafas en el pelo” (La Cúpula, 10) vuelve a contar la historia tanta veces escrita de la contracultura de los setenta en Estados Unidos, el sueño hippy y la deriva hacia un Nueva York de pesadilla dominado por la tiranía de la heroína. Lo hace en primera persona y a la manera de unas memorias Bruce Paley, con su pareja Carol Swain a los pinceles.

“Jirafas en el pelo” Bruce Paley La Cúpula, 10

C

uriosamente ésta es la primera incursión en el cómic de Paley, que hasta la fecha cuenta con una larga lista de novelas y trabajos de investigación a sus espaldas, entre ellos uno especialmente célebre sobre Jack el Destripador. “He leído cómics

desde que era un crío: EC, Marvel, DC… Pero nunca me había planteado enfrentarme a mi propio guión hasta que Carol me propuso dibujar una de mis historias para un encargo que le habían hecho”.

La propuesta se ha convertido en un grueso volumen de historietas autoconclusivas que en conjunto conforman unas memorias en las que se abarca aproximadamente quince años de su vida, desde su rodar por las polvorientas carreteras del Medio-Oeste colgado de ácido, hasta el vagabundeo por las calles de Nueva York de la mano de Johnny Thunders en pleno estallido del fenómeno punk. “El libro tiene tres motores claros: las drogas, mis relaciones con las mujeres y el rock’n’roll.

libros

Hay varias referencias y hasta apariciones de The Who, The Rolling Stones, Patti Smith, y el título lo he tomado prestado de una canción de Marc Bolan”. ¿Y qué diferencia a aquellos Estados Unidos idealizados por el paso del tiempo de los actuales? “Creo que América era un lugar más inocente.

Por ejemplo cuando hacíamos dedo a veces nos paraba una mujer con sus niños, algo impensable hoy. Pero en otros aspectos nada ha cambiado. En aquellos años teníamos a Johnson y Nixon y ahora a Bush y Blair, apenas hay diferencias entre lo que fue Vietnam y lo que significa Irak: las mismas mentiras, los mismos muertos”. ■ Luis J. Menéndez

cómics

Coltrane. Historia de un sonido

La celebración

Maravilloso retrato de uno de los grandes de la historia del jazz. El autor analiza de manera brillante la carrera de Coltrane poniendo especial atención en su búsqueda eterna de la perfección estilística, la importancia de su herencia, los músicos que le acompañaron en su carrera y, sobre todo, su carisma personal. Daniel Arnal

Con la crudeza de un Jason y la sobriedad narrativa de un Anders Nilsen, el artista de Mozambique afincado en Suecia Rui Tenreiro nos presenta un cómic en el que la tradición y la fantasía (la historia se inspira en un sueño del propio dibujante) se combinan como en los cuentos populares africanos o japoneses. Enrique Gijón

Jernigan

Charles Burns

Publicada en 1991, primera novela de Gates y finalista del Pulitzer.

Poco recomendable para lectores en plena crisis de los cuarenta, para los que sería algo así como una invitación al suicidio. El sarcasmo y la pátina de excentricidad que reviste algunos pasajes disfrazan el patetismo que envuelve al protagonista. J. P. Verdejo

No fue hasta “Agujero negro” que Charles Burns perfiló definitivamente su estilo, un estilo cuyas líneas maestras, a pesar de su fijación por el modelo noir, ya estaban presentes en “El Borbah”: humor negro, surrealismo y estética de ciencia ficción granguiñolesca. Luis J. Menéndez

Los chicos de las taquillas

Templanza

Ben Ratliff Global Rhythm (1111)

David Gates Libros del Asteroide (111)

Ryu Murakami Ediciones Escalera (1111)

El “otro” Murakami, autor de culto donde los haya, publica ahora en España esta obra en la que pone de manifiesto de nuevo su condición de escritor maldito y bizarro, entregando una preciosa y cruel disección de la realidad actual: desesperación, autodestrucción y nihilismo moderno descrito con delicadeza y frialdad. D.A.

◗ Cee Lo Green “Fuck You” (1114) Nos encantan los tupés, los guiños retros, las pintas de nerd y las historias en las que los losers terminan ganando.

◗ Aeroplane “Superstar” (1114) La actitud deliberadamente camp de Aeroplane es la tónica predominante de un vídeo en el que lo más “in” es llevar cintas de bacon en la cabeza.

Selección

Rui Tenreiro Apa Apa Cómics (111)

“El Borbah” La Cúpula (1114)

Cathy Malkasian La Cúpula (114) Como ya demostró en “Percy Gloom”, Cathy Malkasian no solamente dibuja con genio, sino que sabe cómo convertir sus historias en auténticos reflejos del mundo en el que vivimos, de las trampas y falsedades de la sociedad moderna. Y todo ello, dando forma a unos personajes llenos de complejidades y temores. E.G.

◗ Lüger “Puro gamberrismo” Lüger se presentan ante todos los seguidores de nuestro canal y nos hablan sobre su nuevo disco y su peculiar relación con los críticos.

◗ Julio De La Rosa “Las camareras” No siempre tenemos la oportunidad de descubrir los entresijos del rodaje de un clip, y con Julio De La Rosa lo hemos conseguido.

“Entiendes por qué Jools Holland está tan loco por ella…auténtico piano boogie-woogie, una voz genuina que se revoluciona como un bólido en la línea de salida, y escribe su propio material”

- Mojo

“Una presencia estelar en el escenario”

– The Independent

“Recoge su crepitar vital de los pulmones de Janis Joplin y su postura valiente del alma de Patsy Cline”

– The Guardian

“…es una visión de retro-chic acompañada de su sensacional banda. Una mezcla de habilidad a lo “vieja escuela” y de bravuconería moderna”

– The Times

CONCIERTOS: 27 octubre – Bilbao 29 octubre – Madrid 30 octubre – Barcelona

MÁS INFORMACIÓN EN: www.universalmusic.es | www.mercurywheels.com

A LA VENTA EL 19 DE OCTUBRE

conexiones

/57/ Octubre 2010 · MondoSonoro

MTV en TDT

These New Puritans Foto Archivo

El 16 de septiembre, coincidiendo con el décimo aniversario del canal en España, MTV inaugura una nueva etapa emitiendo toda su programación en TDT gracias al acuerdo estratégico firmado por VIACOM y Vocento a través de NET TV. Para sintonizar MTV en el decodificador de TDT hay dos opciones. Una es la búsqueda automática que aparece en todos los menús. Y la otra es hacerlo de forma manual. En www.tdt1.com se puede encontrar el multiplex y la frecuencia en la que se localiza MTV dependiendo del lugar desde el cual se sintonice. MTV España será la segunda MTV que emita en abierto, tras la experiencia italiana. ■

Levi’s Unfamous Music Awards Levi’s presenta, de la mano del look slim del Levi’s 519, a la banda británica These New Puritans como protagonistas de su nueva campaña Worn By Doers -fotografiados por Ben Rayner y con estilismo a cargo de Sam Voulters- y como cabezas de cartel de la tercera edición del Levi’s Unfamous Music Awards, la plataforma que busca a jóvenes talentos emergentes, que en anteriores ediciones ha contado con la participación de dos mil quinientas bandas, y que en España contará con tres fechas: sábado 6 de noviembre en Valencia (sala Wah Wah), viernes 12 en Barcelona (City Hall) y sábado 13 en Madrid (Joy Eslava). ■

Caribou Foto Archivo

Atentos a la programación del Heineken Music Selector para los próximos meses porque viene potente. Tan sólo en el mes de octubre contamos con los conciertos de Joy Orbison (13, Madrid), Peter Hook interpretando canciones de Joy Division (9, Bilbao), The Strange Boys (11 Sevilla, 12 Valencia y en noviembre en Madrid y Vigo), Lori Meyers (23 Pontevedra, 29 Sevilla, 30 Málaga), Xoel López & La Caravana Americana (28, Bilbao, 29 Madrid).

Además, para los meses de noviembre y diciembre ya están confirmadas las giras de Best Coast, Surfer Blood, Caribou, The Pains Of Being Pure At Heart, Love Of Lesbian… ■

Que Desigual se ha convertido en una de las grandes firmas de ropa en el último lustro es algo evidente con sólo darse un paseo por nuestras ciudades y atender a su presencia en la calle. Ahora la firma da un paso adelante con la inauguración de su nueva tienda en Madrid, un espacio de 2.100m2, repartidos en seis plantas que abrirá sus puertas el próximo mes de noviembre en la Plaza del Callao (Calle Preciados nº 25). Los MondoSonoro Dj’s estaremos allí amenizando una fiesta que terminará Dj Batidora a los platos y para la que sortearemos entradas en nuestro Facebook a partir del 20 de octubre. Mantente al tanto de las últimas noticias relacionadas con la apertura y con todo el universo Desigual en http://blog.desigual.com. ■

AFI Foto Rubén Navarro

Heineken Music Selector

Inauguración nueva tienda Desigual

Concurso de fotos Yes.fm Yes.fm, el servicio de música en streaming pionero en España, ha anunciado ya el ganador de la segunda edición del Concurso de Fotos de Música En Vivo. El jurado del certamen, formado por periodistas y fotógrafos especializados, ha decidido finalmente que Rubén Navarro Martín se proclame vencedor, gracias a una instantánea que fue tomada a uno de los integrantes de la banda de hardcore melódico AFI (A Fire Inside), en el Festival Groezrock 2010, que tuvo lugar en Bélgica. De cara al próximo verano, los responsables del certamen ya comienzan a dilucidar las bases de lo que será la tercera edición del concurso. ■

Jack Daniel’s Sessions

Adidas Originals - Foot Locker

John Legend & The Roots

Jack Daniel’s vuelve con las Jack Daniel’s Sessions. Tachenko darán el pistoletazo de salida en Pamplona (Sala Subsuelo, 15 de octubre). Les seguirán Lori Meyers en Bilbao (Sala Santana27, 12 de noviembre). Ambos actuarán junto a Reina Republicana.

Adidas Originals y Foot Locker se han asociado para encontrar al mayor adicto de zapatillas como parte de su campaña de “Vuelta al cole 2010”. La campaña homenajea al clásico modelo Adidas Top Ten Hi y su versión contemporánea, Top Ten Remodel, con detalles históricos pero un aspecto más moderno.

John Legend & The Roots estrenaron su nuevo álbum (“Wake Up!”) en un concierto en Terminal 5, de Nueva York, en el marco de Unstaged: An Original Series from American Express. Fue dirigido por Spike Lee, organizado por American Express, Youtube y Vevo y se retransmitió en directo por Internet.

Chupa Chups y Dani Martín

Fiesta décimo aniversario Fnac.es

Chupa Chups trae en exclusiva el primer concierto de la gira en solitario de Dani Martín que tendrá lugar el 20 de noviembre en Madrid Caja Mágica. ¿Cómo conseguir invitaciones? Acumulando envoltorios de Chupa Chups.

En 2010 Fnac.es celebra su décimo aniversario en la red. Para conmemorar este acontecimiento ha reunido a Sr. Chinarro, Delorean y La Habitación Roja en un concierto muy especial que tendrá lugar el próximo 21 de octubre en La Riviera (Madrid). ■

Movistar En Vivo Movistar muestra una vez más su apoyo a las nuevas iniciativas musicales con su presencia en la primera edición del Festival En Vivo que tendrá lugar del 30 de septiembre al 2 de octubre, y que se celebrará en el nuevo recinto Open Air de Getafe, con artistas como Violadores del Verso o Mala Rodríguez.

mondoweb

/58/ Octubre 2010 · MondoSonoro

ENTREVISTA FAN

LOS BLOGS Desde las barricadas con un Martini seco

Surfeando con El Guincho

The New Raemon Foto Alba Lajarín

(Don Disturbios)

(Javier Serrano Fernández) ¿Por qué crees que The New Raemon ha recibido mucha más atención que lo que has hecho con Madee? (Prefiero a Madee) Principalmente por el idioma. El hecho de ser más pop y sencillo también ha hecho lo suyo. Yo también prefiero a Madee, es mi grupo de toda la vida.

(Javier Andres Infante) ¿Por qué alguna de vuestras canciones se me hace corta? Podría haber sido perfecta estirándola un poco más.

Ser breve y conciso son conceptos que me interesan cuando escucho canciones de otros autores. Si alguna vez escribo alguna más larga o compleja es porque la canción y el mensaje de la misma requiere algún ingrediente más.

(Jesús Rodríguez Fernández-Chinchilla)

CONCURSOS

WEB

Después de escuchar tu versión de "En ningún lugar" de Charades y de "Silencio" de Maga uno se plantea si no tienes miedo a ser considerado un “versioneitor” más que un tipo que canta copla que te cagas...

Hacer versiones de grupos de aquí es la mar de divertido. Se aprende mucho tocando las piezas de otros artistas.

5

(Ewoken Solipsista) ¿De qué grupo de metal extremo harías una versión acústica?

No me importaria hacer una de Converge.

prensa ya es delirante. En el perfil de mi blog me describo como “gilipollas”. No soy Chopin, tampoco he inventado el órgano Hammond y tengo tantos complejos y dudas cómo puedas tener tú.

Espero que esto aclare las tuyas.

(Daniel Bodelón) ¿Habrá cambio de idioma en el próximo disco de Madee?

No tengo ni idea. De momento ensayamos y en breve haremos algunos conciertos por España y así coger las ganas de escribir nuevo material.

Tiempo al tiempo.

Héroes por un día

(Sergio Valentín) ¿Cuántas veces te han dicho: "Tu primer álbum es mejor que el segundo", y qué sueles responder a preguntas de este estilo?

Muchas veces, es normal. Uno siempre le coge cariño al disco con el que descubre a ese artista.

Yo siempre defenderé que el tercero (todavía inédito) es el mejor de los tres... Vamos, que uno siempre valora más el trabajo reciente.

(Mariangels Puig) Cataluña es tierra de músicos y artistas polifacéticos, ¿no es un poco ambicioso autopromocionarte como el catalán más polifacético? ¿De verdad crees que lo eres?

Jamás me he promocionado así. Estás en un error. Supongo que te refieres al banner que colgó Myspace durante la semana que se estrenó “Epés reunidos” en el que se leía algo así: “El catalán más polifacético...blah...blah...blah...”. No tengo nada que ver con lo que puedan escribir algunos medios sobre mí a la hora de promocionarme en sus páginas. Pensar que uno es el más polifacético de su tierra es un poco preocupante... pensar que yo escribo mis notas de

dobles

Inauguramos esta sección con la ayuda de nuestros lectores y amigos. En ella, un artista deberá enfrentarse a las preguntas que estos les planteen. Y no se nos ocurrían muchos nombres más abiertos a ello para empezar que Ramón Rodríguez (The New Raemon), quien publica ahora mismo “Epés reunidos” (B-Core, 2010).

(Itzel Orlando) ¿Qué versión te gusta más, la tuya de “Pollo frito” o la de Manos de Topo de “Sucedáneos”?

La suya me parece mucho mejor que la mía, pero, aunque queda mal decirlo, reconozco que la mía me gusta bastante.

(Víctor De Prada Fernández-Manchón) Después de que Paco Loco dijese en un programa de televisión que quería trabajar contigo, leí que tenías pensado grabar “La dimensión desconocida” en su famoso estudio. ¿Qué pasó al final? ¿Te dió pena dejar a Santi en Sant Feliu?

Me supo muy mal tener que comentarle a Paco que al final no podía grabar con él. Tres meses antes vi que no tenía ni una canción escrita, así que no quise arriesgarme a ciegas. Santi y Sant Feliu son mi segunda residencia, eso no se deja nunca... lo llevas siempre contigo.

(Iñaki Ilundain) ¿Para cuándo una portada de un disco en la que no salga un dibujo de tu cara? ¿Tienes algo que ocultar?

Para febrero. Nuevo disco, nueva dirección, cambio de artwork. Respecto a la pregunta final: todos tenemos algún esqueleto en el armario.

(Álex Pérez) ¿Quién es Simon, quién Garfunkel?

Garfunkel es bailarina, Simon un tipo de Cabrils. n

para el concierto de

TOTE KING

en Zaragoza dentro de las Fiestas del Pilar (16 de octubre en el Espacio Z de Valdespartera)

Héroes románticos (Luis J. Menéndez) "Una de las cosas que hacen especial a la selección de basket es que además de ser muy buenos, llevan apelando a la épica y el dramatismo desde aquel glorioso Mundial de Japón. Desde entonces, cada campeonato se ha convertido en un perfecto guión cinematográfico del que se pueden extraer conclusiones para nuestro día a día y hasta toda una actitud vital: sigue intentándolo aunque parezca que todo está perdido. Y así Juan Carlos Navarro -y no los Hurts- representaría en el perfecto héroe romántico de nuestro tiempo. Algo así deben de pensar un buen montón de veteranos en horas bajas que entregan nuevos discos: Tricky (“Mixed Race" es entretenido, moderno a pesar de caminar contracorriente de las tendencias y, lo mejor de todo, corto), Underworld (más pop que nunca y tan reconocibles como siempre), OMD (imitándose a sí mismos con clase y hasta algún tema sobresaliente como el kraftweriano "The Right Side") y Robert Wyatt (dándole a los standards del jazz, un buen trabajo para dormir la siesta tranquilamente)". n

4

entradas

The New Raemon

“…lo realmente interesante de todo esto vino después durante la comida. Fue delante de un plato de ”fideuá de marisco” cuando, en un ambiente más distendido, me enteré de una serie de trazos sobre su persona que desconocía y que me ayudaron a forjarme una idea mucho más sólida sobre la personalidad de Pablo Díaz-Reixa. Para empezar me sorprendió su edad, veintiséis años, pues con el aplomo que trasmite me lo imaginaba con la treintena ya superada. Me sorprendió también la azarosa historia de por qué vino a vivir a Barcelona, ciudad que no estaba entre sus preferencias.

Resulta que con tan sólo dieciocho años se fue a vivir a Madrid, a casa de los padres de la chica con la que mantenía una relación sentimental, y a los pocos meses esta relación se rompió con lo que los motivos de permanecer en la capital ya no estaban tan claros. Fue su tío, vicerector de la Universidad Ramón Llull de Barcelona, el que lo animó a venir a la Ciudad Condal para estudiar telecomunicaciones. Aunque el hecho que realmente le impulsó a hacer el traslado, fue su desmesurada pasión por el Barça, club del que por cierto es socio”. ■

lotes de 10 CD-singles de

Nuevos Medios (Dandy Warhols, Fleet Foxes, Soulsavers, Peter Bjorn & John...)

10

ejemplares del cómic

“Bob Dylan Revisited” (Norma Comics)

Consulta los ganadores de los sorteos en nuestra web. Entra y participa ¡¡¡SUERTE!!!