MONDO SONORO OCTUBRE 2011 Nº 188

Octubre de 2011 nº 188

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

MENDETZ

SINFONÍAS RETROFUTURISTAS

a d a t r o p a Est cobra vida

do n tromon Entra e noro.com/o so n mondo plicació tis la a ra g a rg a o desc do on o OtroM exclusiv n vídeo u e d ta y disfru ie n o id S e d

M83

EL SUEÑO AMERICANO

SIDONIE

AULLIDOS

AMARAL • LOS PILOTOS • CHINESE CHRISTMAS CARDS • GIRLS • AIRBAG • DANI LLAMAS • CLEM SNIDE • WASHED OUT • LAURA MARLING WILCO • SR. CHINARRO • DREAM THEATER • ARCHITECTURE IN HELSINKI • MUY FELLINI • LÜGER • EL CHOJIN • THE DRUMS • WU LYF • PEGATAS www.mondosonoro.com

s t h g i N

R A T S OCK

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S X

k c a Bl Dos conciertos gratuitos: Madrid, 7 de Diciembre

We Are Standard + DeVito + MondoSonoro dj's Barcelona, 8 de Diciembre

Mendetz + Chinese Christmas Cards + MondoSonoro dj's Regístrate en www.be-a-rockstar.com y próximamente recibirás la información de cómo conseguir las entradas.

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Colabora:

staff Coordinador General Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com)

MondoSonoro · Octubre 2011 /5/

NOTICIAS

Publicidad Director Comercial Dani López (dani@mondosonoro.com) T. 687 914 719 Coordinador Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) T. 607 366 693 Publicidad Estatal Luis Fernández M. (luis@mondosonoro.com) T. 672 072 263 Publicidad Madrid María Llorente (maria@mondosonoro.com) T. 676 881 519 Publicidad Catalunya Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) T. 629 705 103 Administración y Contabilidad Vanessa Garza (vanessa@mondosonoro.com)

6. Amaral, hacia lo indie 7. Los Pilotos, los otros Planetas 8. El esperado debut de Chinese Christmas Cards

mondofreako 11. Wilco 12. Tori Amos 13. Girls 14. Dream Theater 16. Lüger 17. Airbag 18. Laura Marling 20. Architecture In Helsinki 21. Washed Out

Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación Manuel Fijo (maquetacion@mondosonoro.com) Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com

entrevistas

◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 963 987 ◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197

sumario

23. Mendetz Melodías retrofuturistas 25. M83 En busca del sueño americano 26. Sidonie El regreso de los Chicos Ostra

23 / MENDETZ Melodías retrofuturistas

Conciertos 29-33. En Vivo, Ebrovisión, Turbo-rock...

◗ Ed. Canarias (canarias@mondosonoro.com) Redacción Job Ledesma Tel 615 125 126 Publicidad Enrique Santana Tel 689 53 39 53 Jacob Cabrera Tel 609 55 12 00

escaparate

◗ Ed. Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026

34-35. Muy Fellini, Los Guajes...

◗ Ed. Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

vinilos 39. The Drums Disco del mes

◗ Ed. Galicia-Castilla y León (galicia@ mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro. com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

mondomedia

◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 Colaboradores: Textos Alberto Comeche, Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Fernando Fuentes, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Héctor García, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, María Baigorri, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, P. Muñoz, Óscar Gual, Raül Julián, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop, Victoria Arroyo Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

“no solo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Xavi Sánchez Pons porque se ha tatuado a Ronnie Spector”

48-51. Mondo Recomienda 53. Conexiones

mondoweb

S

e acaba el verano y vuelve la avalancha de lanzamientos estatales. Este mes se acumulan las referencias firmadas por nombres más o menos populares de nuestra escena indie, tanto la más acomodada como la más underground, pero la cosa no acaba aquí y ahora. El próximo mes se amontonarán nuevamente discos y discos. Nadie quiere editar su nuevo material antes de las vacaciones, aunque ¿es realmente buena idea hacerlo entre otros veinte trabajos que entran en competición más o menos directa? Diría que no, solo que supongo que se me escapan otros aspectos, como empezar con la contratación de las nuevas giras, convertirse en candidatos a presidir escenarios en festivales diversos y mil cosas

Fotos Gustaff Choos

26 / Sidonie El regreso de los Chicos Ostra

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Oficina

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54. La entrevista Fan: Sr. Chinarro

25 / m83 En busca del sueño americano

Aragón

DC

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Asturias/Cantabria

Catalunya/Illes Balears

Para ello escojo las siguientes tarifas:

Nº Cta.

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*La suscripción anual consta de 11 números **La tarifa de correo ordinario te permite recibir con mayor rapidez la revista Rellena y envía este cupón (o fotocopia) a la redacción de Mondosonoro). *Por correo: C/Llull, 57-61, 6º 6ª · 08005 Barcelona. *Por Fax: 93 320 85 78 *Por correo electrónico: envía todos los datos del cupón a suscripciones@mondosonoro.com

más. Entre los artistas españoles que hemos incluido en este número están Mendetz y Sidonie, que serán los primeros protagonistas de nuestro primer “Otro Mondo”, una suerte de ampliación de contenidos de esta revista con contenidos exclusivos y sobre todo con un formato distinto y rompedor. “El fluido García” es el nuevo disco del trío catalán y una suerte de regreso al pasado que bien podría marcar su futuro. En todo caso, si les recomendamos no perderse sus canciones subrayamos que, sobre todo, no se pierdan la experiencia cibernética y exclusiva que este mes les proponemos desde nuestra portada.

■ Redactor Jefe Joan S. Luna

5 lotes de

Gandula formados por los vinilos de

Za! y Nisei & Za!

TAN LEJOS... ❚ El 31 de octubre es el día escogido para que vea la luz una nueva entrega de la serie de !K7, Dj Kicks. Esta nueva compilación corre a cargo de Derwin Panda, conocido como GOLD PANDA, y en él podrás encontrar temas propios como “An Iceberg Hurtled Northward Through Clouds”, pero también temas de otros artistas como Zomby, 2562, Bok Bok o Sigha.

/6/ Octubre 2011 · MondoSonoro

Amaral Foto Juan Pérez Fajardo

NOTICIAS

❚ Aunque es una de las colaboraciones más bizarras que hemos oído en bastante tiempo, se ha confirmado que Kesha colaborará en el nuevo disco de ALICE COOPER. La canción en la que participa se titula “What Baby Wants”, y aparece en el esperado “Welcome 2 My Nightmare”, disco que supone el recuentro de Cooper con Bob Ezrin. ❚ Después de “Mr. Lucky” y de su arrolladora visita a nuestro país tanto en festivales como el Azkena Rock, como en concierto en salas, CHRIS ISAAK vuelve a trabajar en un nuevo disco llamado “Beyond The Sun”. Se trata de un homenaje a toda una estirpe, la de los artistas que bajo el amparo de Sun Records grabaron en el estudio de Memphis.

Amaral, hacia lo indie Hacía mucho tiempo que Amaral no aparecían en estas páginas.

Cada uno verá sus motivos, como también resulta fácil de entender que hayan vuelto a hacerlo. “Hacia lo salvaje” (Discos Antártida, 11) vendría a ser, sin excesivos cambios estilísticos, su retorno al mundo del indie. ¿Hemos dicho “indie”?

D Cass McCombs Foto Archivo

❚ CASS MCCOMBS publicará un nuevo disco este año tras el excelente “Wit’s End”.

Titulado “Humor Risk”, el sexto disco de estudio de McCombs verá la luz 7 de noviembre, y ha sido grabado en diferentes casas y estudios de California, Nueva York y Chicago, producido por él mismo y Ariel Rechtshaid, con quien también trabajó en “Wit’s End” y “Catacombs”. ❚¿Cómo sonarán “Colors Of The Wind” (“Pocahontas”) o “Stay Awake” (“Mary Poppins”) interpretados por BRIAN WILSON? El 25 de octubre tendremos posibilidad de salir de dudas con “In The Key Of Disney”, disco con el que nos sorprende el incansable californiano, que declaró: “El sonido de Beach Boys y la gente de Disney hacen una fantástica colaboración. He intentado hacer justicia con todas sus canciones”. ❚ El 20 de noviembre es la fecha de publicación de “Tony Bennett Duets II”, el nuevo trabajo de duetos con el que TONY BENNETT ha decidido celebrar sus ochenta y cinco años de edad. Participan, entre otros: Amy Winehouse (en su última grabación antes de su trágica muerte), Norah Jones, Aretha Franklin, Lady Gaga, John Mayer y Michael Bublé. ❚ GASLIGHT ANTHEM preparan ya nuevo disco. Así lo ha confirmado Brian Fallon, líder del grupo. De momento, solo se trata de diez demos “de un total de veinticinco que queremos tener”, asegura el músico y nos adelanta algo más de cómo sonará este cuarto largo. “Los temas que son rápidos, son muy rápidos. De momento, es un trabajo muy personal y agresivo y estoy feliz con el resultado”. n

ecía Rousseau que el hombre es bueno por naturaleza. No es el caso del periodista musical, siempre atento a las flaquezas de sus compañeros. Casi siempre dispuesto a tirarse al cuello de aquel incauto que opine diferente y prácticamente nunca capaz de reconocer que, aunque le gusten a la mayoría, hay grupos que hacen buenas canciones. Lo diré desde el principio, en el caso de que estén ustedes en estado de shock al encontrarse esta entrevista en un medio “especializado”. “Hacia lo salvaje”, el nuevo disco de Amaral tiene muy buenas canciones. Pop de guitarras, sin más. Pero tampoco menos. Juan Aguirre, sentado debajo de una colección de gui-

tarras que haría temblar de envidia a cualquiera, intenta buscarle sentido a tanta especulación. Dudo que lo tenga. “No sé si somos los más adecuados para hablar de cambios, porque nosotros no nos damos realmente mucha cuenta de lo que cambia en nuestra música o en nuestras vidas. Este último año sí que hemos tenido cambios personales en la banda, pero como los de cualquier persona. Lo importante es mantenerte fiel al detonante que te hace querer ser músico”. “Hacia lo salvaje” no se aleja espectacularmente del sonido de la banda, pero sí que da más libertad a las guitarras y a ciertas influencias folk o country que hasta ahora no

habían estado tan presentes. (Juan) “Era un reto conseguir que los discos tuvieran ese tipo de guitarras con la misma presencia que tienen en directo. No sabemos en qué punto del proceso de grabación se perdía esa energía.

Se conservaban las melodías, el ambiente, la atmósfera, la voz de Eva sonaba muy bien, pero siempre echábamos en falta ese punto extra de presencia de las guitarras, y por fin en este disco hemos visto la forma en la que eso se puede plasmar”. Miran las pruebas de imprenta del álbum, y se nota que están nerviosos pero ilusionados. Lo editan ellos mismos en su sello Discos Antártida. (Juan) “Siempre hemos hecho lo que nos ha dado la gana. Para nosotros no hay ninguna diferencia entre estar en una discográfica como Virgin o en nuestra propia discográfica. La libertad creativa es la misma”. ■ J. Batahola

+en

Vuelven las Jack Daniel’s Sessions

“Tahilina Sky: The Story Of Kings Of Leon” Foto Casey McGrath

Llega la novena edición del Beefeater In-Edit Se acerca el otoño y con él, llega uno de los festivales más exitosos y aclamados de los últimos años, el Beefeater In-Edit. En su novena edición, el festival de documental musical barcelonés presenta una extensa programación con más de cuarenta cabeceras de todos los estilos y géneros. Este año, el director recordado es Murray Lerner, que, como los ya homenajeados Albert Maysles y D.A. Pennebaker, es uno de los precursores del género. En cuanto a las películas que competirán en la sección oficial, podemos anunciar algunos títulos como “Bury The Hatchet”, “Last Days Here”, “Tahilina Sky: The Story Of Kings Of Leon”, “Trobadours”, “Papagordo. En casa de Raimundo Amador”, “Jaime Urrutia: La fuerza de la costumbre”, y muchos otros más. Si quieres conocer toda la información de esta nueva edición, que tendrá lugar en varios espacios de Barcelona del 27 al 6 de noviembre, visita la web del Beefeater In-Edit: www.in-edit.beefeater.es. Talleres, masterclasses, conferencias, maratones, visionado online o la segunda edición del Mercado Internacional de Documental Musical de Barcelona, son algunas de las actividades complementarias. ■

El siete es el número que ha marcado desde siempre la botella de Jack Daniel’s y que ahora marcará la nueva temporada de las Sessions que se ponen en marcha este mes de octubre. Se trata de siete días de música, concentrados en la última semana de octubre, en un total de siete salas de la ciudad de Madrid. Así, el lunes 24 se podrá ver a Nacho Vegas en acústico en la sala Siroco, al día siguiente a We Are Standard en Moby Dick (solo para medios). El miércoles 26 habrá talleres de coctelería en Wurlitzer Ballroom, mientras que la noche siguiente contará con Mendetz, que presentarán su nuevo material en la sala Barco. El fin de semana se abrirá el viernes con los Ocho y Medio Dj’s en la sala la Cocina, para dejar paso el sábado a la gran noche con Delafé y Las Flores Azules, The Paris Riots y The Pinker Tones Dj en la sala Soy Orange Café.

La despedida será el domingo, con Christina Rosenvinge ejerciendo de Dj en la Sala Costello. Las entradas están a la venta a través de Ticketmaster y Centros El Corte Inglés. A partir de noviembre y diciembre, las Jack Daniel’s Sessions se extenderán por otras ciudades como Sevilla, Valencia, Barcelona, Bilbao o Logroño. ■

Christina Rosenvinge FotoPablo Zamora

Los Pilotos Foto Archivo

MondoSonoro · Octubre 2011 /7/

NOTICIAS

TAN cerca... ❚ “Nos han vuelto a expulsar. Lo llaman crisis, pero todos sabemos que nuestro sitio nunca estuvo en el paraíso”. Así empieza el manifiesto de la “Revuelta Enemiga”, cuatro líneas que sirven de preámbulo para la vuelta a los escenarios de LOS ENEMIGOS; una de las bandas más míticas del rock español. Han confirmado que regresarán en 2012 pero todavía no hay fechas. ❚ Llega una nueva edición del GPS: Girando por salas. En su estreno, el pasado año, contaron con más de cincuenta bandas, ciento sesenta salas, un total de doscientos dieciséis conciertos y hasta seiscientas cuarenta propuestas distintas. Entra en la web de GPS y échale un repaso a lo que te espera este año. Los artistas seleccionados disfrutarán de una gira de unos cinco conciertos y una ayuda para la promoción discográfica. www.girandoporsalas.com

Love Of Lesbian Foto Archivo

Love Of Lesbian publican “Últimos días de 1999”

❚ El CARTAGENA JAZZ FESTIVAL se consolida un año más, cumpliendo ya treinta y una ediciones con un cartel intachable y variado que le asegura el éxito año tras año. En esta ocasión además estrenan nueva localización, se trata del nuevo auditorio El Batel, que acogerá los conciertos del 5 al 26 de noviembre. Wanda Jackson, Fleet Foxes, Betty Lavette, Herman Dune, y Sly Jonson, son los cabezas de cartel.

Tras unos últimos meses en exitosa gira constante, Love Of Lesbian vuelven al mercado discográfico para publicar “Últimos días de 1999” (Music Bus/Warner, 11), un completo pack que sus fans apreciarán mucho. Se trata de dos DVD’s y la reedición de su último disco hasta la fecha, “1999”. El primer DVD incluye un concierto en directo filmado durante dos noches en la barcelonesa sala Razzmatazz, con la colaboración de Amaral y Carlos Cros como artistas invitados. El segundo incluye todos los videoclips del disco, la filmación de parte del concierto especial celebrado en Madrid “1999 guitarras”, así como el documental “1999 (o cómo se hizo Incendios de nieve y los otros temas con una lupa enfocando a la luna)”. Adéntrate en el mundo más marciano de la mano de Santi Balmes y compañía. Si quieres saber cómo son delante y detrás de las cámaras y compartir con ellos cada detalle, no puedes perderte este lanzamiento que está en la calle desde el 13 de septiembre. ■

❚ THE LAST DANDIES están de enhorabuena porque acaban de ser fichados por la discográfica barcelonesa independiente, Tsunami Records. De los mallorquines han dicho que su música se asemeja a la de The Strokes, Arctic Monkeys o The Libertines.

Los Pilotos, los otros planetas

❚ Tras un año en el que prácticamente ha sido imposible acercarnos a un festival y no disfrutar de su directo, ARIZONA BABY Y LOS CORONAS lanzarán el 25 de este mes el primer larga duración de estudio resultado de su cada vez más estrecha colaboración. El álbum de Coronas y Arizona Baby se llamará “The News Today” y lo publica Subterfuge.

Florent y Banin son la mitad de Los Planetas, no en el sentido numérico, pero sí en el protagonismo plástico de su música.

Ahora, ambos han decidido formalizar lo que durante un tiempo fue puro recreo casero en “Los Pilotos” (El Volcán, 11), un disco que sorprende desde el minuto cero.

Billy Corgan (Smashing Pumpkins) Foto Kristin Burns

La sala Razzmatazz celebra su aniversario a lo grande La barcelonesa sala Razzmatazz continúa, año tras año, celebrando cada uno de sus aniversarios. En esta ocasión, suman once ediciones. Y sus responsables no se relajan en absoluto, con lo que la programación no tiene desperdicio. Los distintos escenarios del local acogerán actuaciones englobadas en la efemérides desde el 3 de noviembre hasta el 22 de diciembre: el pistoletazo de salida lo dará la fiesta de los diez años de DFA, con conciertos que se mantienen aún en secreto, mientras que la clausura será con Junior Boys. Entre los nombres principales destacan The Drums (16 noviembre) The Smashing Pumpkins (6 diciembre), James Blake & Jamie XX & Jamie Woon (8 diciembre), The Rapture (22 noviembre), The Horrors (1 diciembre) y Friendly Fires (10 diciembre).

Pero la lista es interminable, incluyendo artistas tan apetecibles como James Holden, Toro y Moi, Derrick May, Kevin Sauderson, Mike Skinner (The Streets), Bill Wells & Aidan Moffat, FM Belfast, Monarchy, Wolfram y un largo etcétera. Algunos conciertos serán en horario de clubes. Más información sobre cartel completo, precios y horarios en www.salarazzmatazz.com ■

L

os Pilotos, es decir Florent y Banin de Los Planetas, nacen sin grandes pretensiones, aunque su disco homónimo provoca un aldabonazo para sus seguidores. Se trata, a fin de cuentas, de la visión orgánica de dos indagadores forjados en la esfera del pop y la psicodelia. “A Banin y a mí nos apasiona la música.

Queremos componer y crear nuevos espacios. Vamos a dar rienda suelta a los instrumentales, electrónicos o no.

En estos tiempos de crisis, de tanta presión, qué mejor que dejar fluir la creatividad. Debemos hacer música sin cortapisas”, explica Florent, fundador en activo de Los Planetas. “Los dos hemos descubierto que echábamos de menos juntarnos en nuestras casas y aportar ideas. Esa creatividad surge cuando te entiendes bien con alguien.

Cuando puedes pasar una tarde entera divirtiéndote con la música. Esa libertad y ese entretenimiento son cosas que necesitamos para seguir viviendo y ser felices. Pretendemos sacar discos con cariño y con mimo, independientemente de la repercusión que tengan, siempre que nos lo permitan el mercado y nuestros

Grupo de Expertos Solynieve Foto Archivo

bolsillos. Los Planetas es un grupo profesional, con una carrera y unos objetivos cada vez que publica un disco. Eso lo hace todo más duro. En Los Pilotos somos libres”, añade Banin.

Concebido como un trayecto por circuitos automovilísticos de todo el mundo, el álbum también se publica de manera limitada en primoroso doble vinilo (quinientas copias, tamaño doce pulgadas, con una rodaja negra y la otra blanca). ¿Su contenido? Un excitante magma de mantras guitarreros, sintetizadores, Moogs y bases sintéticas. Por supuesto, se cuelan las colaboraciones de los amigos que deambularon por las sesiones de grabación en los estudios Producciones Peligrosas de Granada: el técnico Carlos Díaz, el trompetista Jimmy García o, cómo no, Eric Jiménez, en “Cero en blanco” y “Caravana por el desierto de Atacama”. Los Pilotos preparan una puesta en escena espectacular. Quieren reinventar su obra en cada concierto.

Para ello emplearán proyecciones y una pantalla en relieve con efectos en 3D. Por lo pronto, los veremos el 22 de octubre en el Teatro Isabel La Católica, inaugurando el Festival Internacional de Jóvenes Realizadores de Granada. ■ Eduardo Tébar

❚ El GRUPO DE EXPERTOS SOLYNIEVE ha vuelto con un nuevo trabajo “El eje de la Tierra”, del que han colgado dos temas como adelanto en su bandcamp. Se trata de la “La nueva reconquista de Graná” y “Perros Muertos”. Tras su “Alegato Meridional” y varios Ep’s, llega este segundo trabajo, cinco años más tarde, sin prisas y con mucho regusto “granaíno”. “El eje de la Tierra” saldrá publicado el 30 de noviembre. ❚ Hace escasos meses apareció el último trabajo de Antonio Galvañ, “Materia Oscura”, en el que el artista murciano se entregaba a las melodías pop más setenteras. Ahora PARADE regresa con un disco de rarezas, “Parade como el jovencito Frankenstein”, que pone a vuestra disposición en su recién estrenada página de bandcamp. ❚ ALIMENT, grupo que se alzó con el premio al mejor grupo maquetero del año pasado en la edición catalana de MondoSonoro, acaban de fichar por el sello barcelonés La Castanya, casa de Me And The Bees y Ted Leo And The Pharmacists, entre otros. Los de Girona debutarán con un split en vinilo compartido con Furguson. n

Chinese Christmas Cards Foto Virgili Jubero

NOTICIAS /8/ Octubre 2011 · MondoSonoro

El esperado debut discográfico de Chinese Christmas Cards

Modeselektor Foto Archivo

La Red Bull Music Academy llega a Madrid Aunque haya sido a causa de un golpe de mala suerte (Tokio canceló debido a los problemas de Fukujima), Madrid acogerá el que es uno de los eventos musicales y educativos más importantes del momento, la Red Bull Music Academy, que ha pasado por infinidad de grandes ciudades de todo el planeta. Desde el 23 de octubre hasta el 25 de noviembre, el recinto del Matadero acogerá a un total de sesenta artistas de treinta países. De hecho, se trata de un encuentro anual a modo de talleres entre músicos, productores o Dj’s prometedores y tutores consolidados que provienen de la escena actual (esta vez se han confirmado ya algunos como Gareth Jones –Depeche Mode, Erasure-, Tom Zé o Young Guru –Jay Z-). También habrá conciertos de artistas como Modeselektor, Peaches, Ramadanman, RZA, Erykah Badu, Esplendor Geométrico o El Guincho así como talleres especiales sobre diseño, danza, arquitectura, cine, literatura o pensamiento. Infórmate sobre cualquier detalle en www.redbullmusicacademy.com ■

Tras ser una de nuestras bandas Demoscópicas, los barceloneses editan en octubre su primer Ep "Barcelona" vía Mushroom Pillow. En él no habrá espacio para nuevos temas que no conociéramos con anterioridad, pero sí para lo mejor de su pop electrónico.

E

l tiempo pasa sin que uno se dé cuenta. Aunque suene a tópico, hace cosa de dos años que dos barceloneses llamados Mario Gutiérrez y Joan Sala decidieron probar suerte en el terreno del pop electrónico, formaron parte de nuestros queridos artistas Demoscópicos y se alzaron ganadores del concurso de maquetas de la marca Levi’s.

Desde entonces, Chinese Christmas Cards (nombre promovido por los ojos achinados de Joan y la influencia directa que sobre ellos ejercieron The Postal Service), se han paseado nuestra geografía sin que tuviéramos informaciones de un futurible álbum o algo que se la pareciera. La espera llega a su fin. Este mismo mes de octubre, de la mano de Mushroom Pillow, editarán su primera referencia en formato Ep. “La verdad es que durante este tiempo hemos estado tocando bas-

tante y, entre examen y examen para acabar los estudios, también hemos estado haciendo temas nuevos que están en proceso. No es que hayamos estado componiendo el Ep, que va. De hecho, los temas que suenan en el disco, entre ellos ‘Welcome To Life’ son todos de la misma época, ya estaban creados casi desde el principio de la banda. Teniendo en cuenta que nuestra música va a llegar a mucha más gente ahora, no queríamos dejar temas como ‘No Radar’ o ‘Forest’ en el olvido maquetero.

Queríamos darles la oportunidad que se merecen y sacarles el máximo de jugo en el estudio. ¡Aun han de cruzar muchas fronteras!”, nos explica Mario quien, precisamente, le pasó a su compañero de correrías aquel disco que, según la leyenda, marcó inconscientemente

el inicio de la banda. “Nos conocimos en 3º de Eso en el colegio, y sí, yo le pasé a Joan el ‘Give Up’ de The Postal Service. Él me enseñó Lionel Ritchie y la mítica ‘All Night Long’ y ‘So Much Love’ del miembro de Daft Punk Thomas Bangalter”. A pesar de que Mario militaba en un grupo de hardcore melódico y Joan andaba metido en otros proyectos de cáliz electrónico, ambos han encontrado un equilibrio más que medido durante el siempre laborioso proceso de composición. “En términos generales quien escribe las canciones es Mario y quien entiende y cuida el sonido es Joan. Se podría decir que existen esos diminutos espacios de intimidad en los que uno respeta y acepta el criterio del otro, como si existiera un cierto rol establecido. Pero el grueso de la canción es cosa de los dos, por igual, sin diferencias”. Nos prometen trabajar bien duro en los próximos meses de cara a su primer largo. Aunque esa es otra historia que, a su debido momento, será contada. ■ Sergio del Amo

+en

Días Nórdicos vuelve a Madrid

Dorian Foto Albert Jodar

Dorian dicen adiós a la gira de “La ciudad subterránea” Dorian se merecen un respiro tras meses y meses en la carretera presentando “La ciudad subterránea” (Pias, 10) y así lo harán a finales de este año. Pero, antes y para no defraudar a sus incontables fans, ofrecerán una última gira antes de colgar teclados y guitarras durante las vacaciones. Así que todavía estás a tiempo para verles en directo presentando estos temas y sus otros trabajos. La gira da comienzo a finales de octubre con un concierto acústico en Huesca, para continuar durante todo el mes de noviembre y los primeros días de diciembre. Madrid, Barcelona, Valencia, Bilbao, A Coruña, Sevilla, Murcia, Alicante… entérate de todas sus fechas y de cómo hacerte con tus entradas en la web oficial de Dorian. Más información en: www.webdorian.com ■

Herman Dune Foto Archivo

Tercera edición del Monkey Week Tras dos ediciones de despegue, el andaluz Monkey Week, o Encuentro Internacional de la Música Independiente, llega a la tercera con la clara intención de consolidarse como propuesta alternativa y distinta a los festivales que se llevan a cabo en nuestro país. Durante los días 28 a 31 de octubre, la localidad de El Puerto de Santa María (Cádiz), contará en su programación con una larga lista de artistas estatales e internacionales, showcases de sellos, feria de discográficas y charlas diversas para profesionales y aficionados. Los conciertos se desarrollarán en cinco escenarios (Desencaja, Monasterio, Red Bull Tour Bus, Carhartt y MondoSonoro) y se han confirmado ya nombres como Neneh Cherry, Hawkwind, Herman Dune, Oneida, Chrome Hoof, Zombie Zombie... Para ampliar informaciones y conocer toda la programación de showcases: www.monkeyweek.org ■

Después de una exitosa edición en 2010, vuelve a Madrid el que es el primer festival multidisciplinar de cultura nórdica que se lleva a cabo en nuestro país, Días Nórdicos, un proyecto de los responsables de la publicación Zona de Obras. Después de algunas citas a finales de septiembre, durante todo el mes de octubre habrá diversas actuaciones, en varias salas de la ciudad, de artistas de países como Dinamarca, Finlandia, Islandia, Noruega y Suecia como Kakkmaddafakka, Fcan, Quinteto ¡Otra vez!, Junip, Rice Twins, Lo-Fi-Fnk, Veto o los islandeses GusGus en su primer concierto en Madrid. Aunque las actuaciones son solo uno de los atractivos de Días Nórdicos, que se completa con una muestra de camisetas nórdicas, un showroom de marcas de moda, un ciclo de cine finlandés, una exposición de Emil Kozak y un monográfico sobre los videojuegos en Finlandia. Toda la información sobre precios, fechas y salas en la que se llevan a cabo las actividades y conciertos en: www.diasnordicos.com ■

Lo-Fi-Fnk Foto Archivo

ray-ban.com

mondofreako

/11/ Octubre 2011 · MondoSonoro

ENTREVISTAS ★ WALA WALA ★ NO CONFIDENCIAL ★ LOS DISCOS DE MI VIDA ★ SUBEN/BAJAN ★ EN LA MALETA

WILCO

Con “The Whole Love” regresan los mejores Wilco, los capaces de canalizar el trabajo de un autor tan particular como Jeff Tweedy dentro de una formación siempre colaborativa, en la que todo funciona ensamblado con el resto. Para dejarlo claro, tenemos al habla a John Stirrat (bajista).

“

Tienes a John al teléfono”. La voz de la promocionera, tan simpática como funcionarial, me confirma que finalmente hemos podido contactar con John Stirrat, que ya carraspea al otro lado de la línea (“¿De Madrid? Hey, allí estaremos en breve”). Junto a Jeff Tweedy, Stirrat es el único miembro fundador de Wilco que aún continúa en plantilla. Hombre cuidadoso y de pocas palabras, seguramente sea el tipo de músico que todo genio necesita a su lado. Un muy buen músico, pero también una figura fiel y cómoda en su papel de necesario y reconocido actor de reparto. Nos han dado veinte minutos para hablar. Sólo una escucha de “The Whole Love”, afiladísimo octavo disco en la carrera del grupo de Chicago, precede a mi charla con él. Le confieso que no he querido escucharlo más veces, ya que aún estoy saboreando la primera reproducción. Y mientras pienso que “The Whole Love” suena como esos Wilco que todo el mundo tiene en la cabeza y espera, pero que a veces no terminan de llegar, le sugiero que quizá el disco (grabado una vez más en The Loft y editado en el recién estrenado sello del grupo, dBpm Records, en

acuerdo con Anti) puede estar a la altura de lo mejor que haya podido hacer la banda, al menos en su época reciente. “Pues creo que realmente tiene eso que no puedes explicar qué es, pero que hace que algo pase de ser correcto a ser algo más. Mirando atrás, me doy cuenta de que, por ejemplo, ‘Sky Blue Sky’ era un álbum que había que hacer, era salir de un lugar para volver a la normalidad en la vida. Hemos grabado discos en una serie de circunstancias, discos que tienen méritos particulares, pero es cierto que quizá adolecían de algo, no sé si relacionado con la actitud, el momento, la formación...”.

Stirrat no pone paños calientes al hecho de que el empuje con el que Wilco llegó a los dos mil, casi capitaneando la entrada con “Yankee Hotel Foxtrot”, no se terminaba de reflejar en el aire ¿algo autocomplaciente? con el que el grupo salía de la década con “Wilco (The Album)”, por más que la palabra Grammy sea una compañera de viaje habitual del grupo y Wilco aparezca en todo canon como un clásico moderno indiscutible. “Puede que lo que hayamos estado

Wilco Foto Zoran Orlic

POTENCIA Y ACTO haciendo haya sido encontrar un camino hacia lo que somos ahora mismo”, reflexiona Stirrat. “The Whole Love” puede que no aburra a quienes Wilco aburre y seguramente maravillará a quienes Wilco maravilla. Hay experimentación (“Art Of Almost”), muchas guitarras (“I Might”, “Standing O”), sublimación acústica (“One Sunday Morning”), y hasta alguna travesura seria marca de la casa (“Capitol City”). Se trata de un disco de Wilco hecho acto. “Al final yo creo que un gran reto para nosotros es encontrar una

do que tocar sea una parte importante”. Y por encima de todo sobrevuela la figura del Jeff Tweedy autor, que en “The Whole Love” firma una de sus mejores colecciones de canciones. “Él trae lo que tiene, lo ensamblamos, trabajamos en ello, decidimos qué vamos a hacer con la canción. Y todo funciona mejor ahora. Importa que él esté bien, pero además después de mucho tiempo hemos encontrado una formación en la que todos estamos muy compenetrados, y eso se nota”, admite

"El disco tiene eso que hace que algo pase de ser correcto a ser algo más" secuencia. En todos nuestros discos hay experimentación y hay tradición, pero el problema es dar con la fluidez para hacerlo escuchable, para que todo tenga unidad”. En el caso de “The Whole Love” (“me gusta pensar que el título es una manera de reconocer y celebrar el momento que vivimos”) hay secuencia, hay producción, pero además sucede que el grupo simplemente toca como nunca, hace físico lo que de él se espera. “Nos dejamos ir en varias canciones. Hay momentos que parece que la canción ha llegado a su fin y entonces nos desatamos y de repente lo que suena es free noise, es como verte metido de lleno en una jam session. Hemos queri-

Stirrat, que a veces no lleva nada bien eso de poner su firma en uno de los grupos que mayores expectativas genera a su alrededor, sobre todo durante vísperas de un lanzamiento. “Hemos estado muy impacientes y muy preocupados. Las semanas previas a un lanzamiento son semanas de nervios. Hace poco, antes de que se filtrara, pusimos de nuevo el disco entero en streaming gratuito en la web.

Nos pudo la ansiedad. Ahora estamos más tranquilos”, concluye. ■ Jorge Ramos “The Whole Love” está publicado por Anti/Pias. wilco estarán el 1 de noviembre en madrid, el 2 en barcelona y el 3 en donosti.

Tori Amos Foto Victor de Mello

mondoFREAKO /12/ Octubre 2011 · MondoSonoro

TORI AMOS

MELODÍAS CLÁSICAS La cantante y pianista americana tenía ante si un reto muy difícil, pero una vez más ha cumplido con creces su cometido.

“Night Of Hunters”, su nuevo disco, es un experimento al alcance de muy pocos artistas.

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esde hace dos décadas, cuando publicó su disco de debut, el impactante “Little Earthquakes”, Tori Amos no ha dejado de dotar de matices distintos a su música, y esta vez no iba a ser una excepción al adaptar composiciones clásicas. “Deutsche Gramophon se acercó a mi, y me propuso poner en marcha este proyecto, con la música clásica como objetivo. Y yo pensé: ‘Oh, Dios mío’. Al principio me causó respeto la apuesta, pero acepté enseguida. Lo primero que había que hacer era escuchar grandes cantidades de música. Había escuchado a Mozart mucho, pero me faltaba analizar a otros muchos compositores de los que debía adaptar sus partituras. En realidad nunca me había interesado del todo por la música clásica, si bien a veces había hecho alguna aproximación, ya sea por curiosidad o por mi propia formación como pianista y arreglista”. Y continúa: “Una vez analizadas las composiciones, me costó muy poco caer en sus redes. Lo que me hacía falta era buscar una historia,

encontrar un concepto y la forma en la que amoldar mis letras a las composiciones elegidas. E introducirme en ese nuevo universo era una gran experiencia, es como volver a estudiar música y aprender cada día un poco más. Es agradable enfrentarse a este tipo de retos. Ha sido fascinante descubrir y explorar música a todas horas. Volver a sentirme estimulada es algo magnífico”.

De todos modos, aunque haya composiciones ajenas, las letras son siempre muy importantes en la música de Tori Amos, con historias que tratas temas complejos sobre redenciones, relaciones frustradas e incluso sexo. “Las historias que explico en mis canciones tratan sobre gente que está en mi cabeza desde hace un largo tiempo. Aquí me lo he planteado como retroceder en el tiempo y volver al origen de las cosas, sentir la fuerza de los primeros poetas, de los escritores. Era una idea gigantesca, ambiciosa, sobre leyendas pretéritas que son muy interesantes”. En los últimos años, a Tori Amos le ha seducido grabar

discos que de algún modo pueden ser concebidos como conceptuales. Empezando por “Scarlet’s Walk”, con el 11-S como excusa narrativa, luego el cruce de personalidades femeninas en “American Doll Posse”, o bien ese punto angelical y coral que tenía “Midwinter Graces”. “Lo que posibilita hacer discos de este tipo es el poder exponer una visión personal, expresarte por ti misma, crear personajes a tu medida, y perfilar un estilo al escribir. Además eso

desarrollar un trabajo como este, relacionado con la cultura. Debo ser madre y esposa, y compaginarlo con mi oficio. Ahora está claro que las mujeres tienen más poder en la industria del pop. La postura hacia nosotras es más positiva, pero creo que no es suficiente. Sobre todo porque miras hacia otros campos y ves que no ocurre. En el teatro, en la dirección de películas...”. Aprovechando que tanto Pj Harvey como Björk han

"Me lo he planteado como retroceder en el tiempo y volver al origen de las cosas" te permite poder hacer siempre algo que sea diferente a lo que hayas hecho antes.

Mis discos no dejan de ser algo así como un diario de mi vida, como una colección de poemas musicados. Es algo parecido a lo que podría ser una catedral, de la cual no puedes extraer elementos individuales, pero en cambio puede apreciarse como un gran conjunto”. A Tori Amos, ser mujer nunca le ha impedido expresarse como ha deseado. Quizás haya sido gracias a artistas como ella que el papel de la mujer dentro del negocio musical haya mejorado sustancialmente. “Hay que ser honesto y, para una mujer como yo, es difícil poder

publicado disco nuevo en los últimos meses, le recuerdo aquella histórica portada que protagonizó junto a ambas para una prestigiosa publicación musical. “Para mí fue muy excitante formar parte de aquella portada. Ambas son artistas que llevan años inspirando a otra gente, rompiendo moldes, creando y explorando sin descanso. Y tanto Björk como Pj Harvey han conseguido sacar adelante sus carreras con naturalidad en cada uno de los pasos que han dado”. ■ Toni Castarnado “Night Of Hunters” está publicado por Deutche Gramophon/Universal.

MondoSonoro · Octubre 2011 /13/

mondoFREAKO

¡¡¡ wala wala!!!

“Lloré dos veces durante la película de Justin Bieber, y quiero que el mundo lo sepa” (Anthony Kiedis de Red Hot Chili Peppers)

“Siempre hago canciones de mierda para mis hijos con la intención de hacerles reír... esas canciones suenan como temas de Pavement” (Stephen Malkmus, en Uncut)

“Con Cela tenía amistad. Umbral era mi amigo, y ha sido el único en leer mi novela, que nunca he publicado” (Ramoncín en El País)

“En mi mente, aún estoy en la adolescencia” (Marc Almond, en Mojo)

Lo que necesitas es amor Tras disipar hace unos meses las dudas de su condición de hype de temporada con “Broken Dreams Club”, un EP que valía su peso en oro, Girls vuelven a lo grande con un segundo largo en el que dan un paso adelante en su carrera. “Father, Son, Holy Ghost” es un poliédrico disco de pop atemporal repleto de grandes canciones que rezuman belleza, melancolía y sensibilidad.

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“La gente se asusta cuando una nueva cosa es inventada” (Björk en NME)

”Solo si me ataran a una silla volvería a escuchar mis otros discos con Okkervil River” (Will Sheff de Okkervil River en El País)

Oh, ¿llamas de Barcelona?”. Sí, Chris. “¿Sabes que soy un gran seguidor del Barça?”. ¿Cuándo te aficionaste al fútbol y te hiciste seguidor del Barça? “En 1993 estuve viviendo en Dinamarca y Michael Laudrup era un héroe allí y se convirtió, junto a su hermano Brian, en mi jugador favorito. En esa época jugaba en el Barça, ahí fue cuando me hice seguidor del equipo. La pasada temporada ví todos los partidos del Barça en la Liga española”. Y, ¿cuál es tu jugador favorito? ¿Messi? “Messi me encanta, pero el equipo tiene tantos jugadores buenos que es difícil elegir uno. Iniesta y Xavi me gustan mucho, y también Pedro, que es muy joven y tremendamente bueno. Pep Guardiola también me gusta, siempre tan elegante… Mi jugador favorito era Bojan. No entiendo por qué lo han traspasado a la Roma”. De esta forma tan sorprendente se inicia la conversación telefónica con Christopher Owens, una de las mitades de Girls (la otras es Chet “JR” White). Es tanto el ímpetu y las ganas que muestra Owens por el equipo azulgrana (por si alguien lo dudaba, el F.C.B. Barcelona de Guardiola es ya un fenómeno pop around the world), que casi hay que obligarle a hablar de “Father, Son, Holy Ghost”, el excelente nuevo trabajo de la banda de San Francisco. Un bellísimo, emocionante y melancólico disco de pop con mayúsculas que empieza con una canción que habla sobre la ilusión de encontrar a tu media naranja (“Honey Bunny”), y acaba con un lamento sobre la ruptura de una relación amorosa (“Jamie Marie”). “El amor es un tema universal”, comenta Owens, “así

que es normal que muchas de nuestras canciones hablen sobre ello. Cuando me refiero al amor lo hago desde el punto de vista de que solo en unos pocos y determinados momentos de la vida llegas a tenerlo y sentirlo, además suele durar poco, sea correspondido o no. Cuando hablo de amor también me refiero al amor por los familiares, amigos y más cosas. Es algo necesario. En algunas canciones hablamos también sobre cómo a

escritas en 2008-2009 y plasman cómo me sentía en esa época”. ¿Eso significa que el próximo disco de Girls será alegre y luminoso? “Podría ser (risas)”. Otra seña de identidad del grupo de San Francisco es la naturaleza casi de jukebox que presentan todas las referencias que editan. Tanto sus dos discos de estudio, como el superlativo EP “Broken Dreams Club”, son verdaderas cocteleras pop donde se encuentra un poco de todo.

“Cuando empezamos con el grupo teníamos claro que íbamos a probar todos los estilos porque la realidad es que nos gustan cosas muy diferentes. Vivimos en la era de Internet, Youtube… ahora es fácil escuchar música de todas las épocas y nosotros lo hacemos. En los setenta por ejemplo eso no se podía hacer…”. En relación a lo anterior, hay dos canciones que han dado y darán mucho que hablar dentro de este “Father, Son, Holy Ghost”. Una es la casi hard rockera “Die”. “’Die’ tiene la misma estruc-

"Pep Guardiola también me gusta, siempre tan elegante… " veces puedes estar solo y tratas de lidiar con esa soledad, de saber que siempre tienes a alguien para agarrarte y salir del pozo, que siempre hay esperanza…”. Prosigue. “También hablamos del amor como el deseo, el deseo de tener y hacer cosas. Cuando de pequeño ves a alguien fumar piensas inmediatamente, ‘yo también quiero hacerlo’. Cuando ves que alguien tiene deseo, tú también te lo planteas y acabas teniéndolo”. En relación al tono agridulce y melancólico, que no pesimista, de gran parte de las canciones de Girls, nada mejor que hacerle una de las preguntas del millón: si ha sido desgraciado en amores. “Se podría decir que sí, pero ahora tengo novia desde hace tiempo. ’Magic’ está dedicada a ella y al hecho de amar y ser correspondido. Ahora bien, la mayoría de canciones de este disco están

tura que una canción de la primera época de Fleetwood Mac, cuando estaba Peter Green, se titula ‘Oh Well’. Somos muy fans de otras canciones de ellos como ‘Albatross’ y ‘Man Of The World’”, comenta Owens. Y otra es “Vomit”, primer single del disco, que ha sido comparada con Pink Floyd. “Entiendo las comparaciones con Pink Floyd por esos coros de chica a la mitad de la canción, pero la idea de ‘Vomit’ era intentar hacer uno de esos medios tiempos oscuros a lo Nick Cave, del que somos muy fans. Cave tiene muchas canciones parecidas a ‘Vomit’, y queríamos captar la esencia de todas ellas”. ■ Xavi Sánchez Pons “Father, Son, Holy Ghost” está publicado por Pias. Girls tocan en el San Miguel Primavera Club.

Girls Foto Archivo

GIRLS

mondoFREAKO /14/ Octubre 2011 · MondoSonoro

Dream Theater Foto Archivo

DREAM THEATER

Lluvia sobre Nueva York S

in duda, el adjetivo afable cobra nuevo significado tras entrevistar a un tipo como Mike Mangini (Newton, 1963), de poca estatura pero de constitución fuerte, media melena algo canosa recogida con una coleta y una sonrisa sincera y cercana. Pantalones cortos, camiseta de tirantes, guantes sin dedos. Repicando las baquetas contra sus muslos. El músico está calentando en el backstage del último Festival Sonisphere de Getafe minutos antes de subir al escenario y se le nota algo nervioso. Aunque aquí la palabra presión adquiere, casi, rango de tabú. “Nos hemos sentido muy bien y muy cómodos desde el principio, y eso, sin duda, ha ayudado a diluir toda presión. Además, y esto ha sido muy importante para mí, en los primeros conciertos que hemos dado, el público ha gritado y cantado mi nombre. No puedo explicar lo que eso ha significado. Demuestra que han sabido ver que respeto la música del grupo. Saben que quiero realmente a estos tipos. La banda, los fans, incluso Mike Portnoy por e-mail, me han felicitado. Port-

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noy me ha demostrado tener mucha clase.

Y estoy en la banda desde octubre de 2010, ¡así que no soy tan nuevo! (risas)”. Unos meses antes recibió una llamada que le dio un vuelco el corazón. A pesar de su dilatada experiencia como músico y de ser considerado uno de los mejores baterías del planeta. Dream Theater es mucho Dream Theater. “Sentí que por fin iba a estar completo. Sabía que era la banda para mí. Cuando me llamaron para decirme que estaba dentro, exploté. Ser buen músico, muchas veces, significa hacer lo que los otros quieren de ti, pero esta vez ambas partes teníamos un mismo objetivo: ser lo mejor posibles con nuestros instrumentos.

No quiero nada más. No me interesa la producción, por ejemplo. No estoy interesado en inmiscuirme en su camino. Esta gente son profesionales, ellos hacen su trabajo lo mejor que saben, no hay que explicarles nada. Así que me centro en la batería”.

Cualquier otro músico tendría ataques de pánico antes de enfrentarse a un cancionero como el de

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los firmantes de “Images And Words”. Mangini no es cualquier batería, aunque reconoce haber experimentado ciertas dificultades. “El mayor reto ha tenido que ver con la memorización de toda la información de las canciones”.

Una complejidad rítmica, estructural y melódica, sello característico de la formación, que no sólo se mantiene en su nuevo trabajo, “A Dramatic Turn Of Events”, sino que recupera cierto clasicismo dejando a un lado experimentos recientes como los introducidos por Portnoy. “Este es un

ción como batería clásico y haber ganado cinco veces el título de batería más rápido del mundo.

“He tocado mucho jazz y he participado en competiciones que, básicamente, me han servido para ser reconocido entre los propios baterías. Aunque también hay otra gente que lo ha criticado por considerar que estábamos convirtiendo la batería en un deporte… en fin”. Y tras confirmarme que su nuevo “cargo” le obliga a abandonar la docencia en Boston para decepción de muchos ilusionados

“Cuando me llamaron para decirme que estaba dentro, exploté” disco con un amplio espectro de dinámicas distintas. Hay partes extremadamente complejas, con baterías polirrítmicas, y, por otro lado, momentos en los que apenas se nota mi presencia. También hay variaciones emocionales, pasamos de partes muy heavies y agresivas a otras extremadamente bellas”.

Uno de los secretos de la rápida integración de Mangini cabe buscarlo en su colaboración previa en los discos del cantante James Labrie en solitario. Además de la seguridad que otorga haber grabado con bandas tan distintas como Extreme, Steve Vai o Annihilator, poseer una exitosa forma-

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futuros alumnos de batería, vuelve a pronunciar el nombre del carismático a la par que problemático ex-miembro de Dream Theater. “Son realmente muy pocos los que querrían ver a Mike de nuevo en el grupo. Aprecio esa lealtad hacia él, porque a mi también me gusta, pero les recomendaría que vieran el grupo en directo y que escucharan el nuevo disco, esa es la única verdad”. ■ David Sabaté

“A Dramatic Turn Of Events” está publicado por Roadrunner

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Los neoyorquinos viven un momento crucial con la publicación de un nuevo disco, “A Dramatic Turn Of Events”, y la salida de su ex-batería y líder en la sombra Mike Portnoy. Le sustituye otro Mike -Mangini-, quien nos explica de qué va eso de cumplir tu mayor sueño.

mondoFREAKO /16/ Octubre 2011 · MondoSonoro

Los discos

Eef Barzelay Foto Archivo

de mi vida

eef barzelay (Clem snide) Eef Barzelay y sus Clem Snide siguen batallando desde que se reunieron en 2009. Disco nuevo, Ep de versiones de Journey y gira española que este mes de octubre pasará por Donosti, Barcelona, Mallorca, Algeciras, Granada, Valencia, Zaragoza), A Coruña y Ourense. el disco que cada día me gusta más

“Paranoid” (1970) Esta música me sienta muy bien, y más aun conforme me voy haciendo mayor.

Cuando era un chico me asustaba un poco, gritando a los oídos de Dios en busca de redención. En un momento determinado, mi fantasía era encerrar a Dick Cheney en una celda y pinchar “War Pigs” durante toda una noche.

Mariano Regidor Foto Archivo

Black Sabbath

LÜGER

Más madera

el disco que tuve en cassette...

Neil Young

“On The Beach” (1974) Maldita sea, adoro este disco. Después de veinte años escuchándolo, sigo emocionándome con él. Lo compré en cassette cuando tenía diecinueve años y no dejé de escucharlo una y otra vez cuando conducía. Suena precioso mientras estás conduciendo bajo la lluvia a través de Northern California. el disco que cambió mi perspectiva de la música

Uncle Tupelo

“Still Feel Gone” (1991) La primera vez que escuché este disco en 1994 cambió mi forma de entender la música para siempre. Estaba dejando atrás mi resaca grunge y esta mezcla de punk y country me excitó muchísimo. el disco que me descubrió un amigo

Al Green

“Green Is Blues” (1970) No es uno de sus mejores discos, pero me gusta mucho. La voz de Al es muy tierna y suave y cada vez que le escucho me llega al corazón.

Hace mucho tiempo, mi compañero de habitación tenía una gran colección de viejos discos de soul y nos gustaba volver del trabajo, sentarnos en el comedor y escucharlos durante toda la noche. un disco del que nadie se acuerda

Ass Ponys

“Electric Rock Music” (1994) Nadie se acuerda de esta banda de Cleveland (Ohio).

Se separaron y se convirtieron en Wussy. Me gustan mucho las letras y la alocada voz de Chuck Cleaver. En un universo paralelo, ahora mismo son importantes y nosotros derramamos nuestras lágrimas. n

El quinteto afincado en Madrid vuelve a la carga con “Concrete Light”. Girando un punto hacia lo instrumental, el segundo disco de Lüger ahonda en la espiral de psicodelia espacial y experimentación primitiva a la que el grupo se subió con su debut homónimo.

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No hay nada en nosotros que sea de Madrid. Al principio sobre todo siempre nos mencionaban como abanderados de una cierta escena, entre comillas, madrileña, pero nunca nos hemos visto así. Cualquier día habrá que arrancarse con un chotis”. Quien habla es Raúl Gómez, “Rulo”, batería de Lüger. Hemos quedado en el bar Picnic, situado en el barrio de Malasaña, para hablar de “Concrete Light”, segunda referencia del grupo y uno de los lanzamientos nacionales más esperados del año. Sobre la mesa, también hay cervezas para Mario Zamora, pianos y sintetizadores, y Fernando Rujas, percusión. La conversación da constantes saltos de un tema a otro, pero parece que sobre el reconocimiento del músico y su identificación como miembro de un colectivo hay ganas de hablar. “Sales fuera y ves que la gente se porta muy bien contigo. Sin conocerte de nada, te meten en su casa.

Todos los grupos se apoyan entre sí, y en general gente que no tiene nada que ver con la música te trata con respeto.

Aquí eso simplemente no pasa. Estamos al menos una generación por detrás en cuanto a madurez musical, le pese a quien le pese. Hablo de Estados Unidos, pero es que en Francia, sin ir más lejos, pasa lo mismo”. Lo cierto es que hemos pasado de puntillas por los detalles de “Concrete Light”.

Las cervezas y el trasiego del bar animan la conversación cruzada y los chascarrillos (“Cuando éramos pequeños, en las ciudades sólo había heavies y rockers, si acaso algún mod despistado”; “El día que queramos algo de dinero, cantaremos en español”).

No mucho, pero algo sí hemos hablado de su música. Si acaso llevándola varios puntos más hacia lo instrumental, las siete canciones del disco, editado a principios del pasado verano, ahondan en la propuesta psicodélica experimental con la que Lüger irrumpió en 2010, y de qué manera, con su debut homónimo. “Concrete Light” fue grabado en tres días, aprove-

los discos son la hostia. Si tienes un disco de la hostia pero no lo puedes defender en directo es una putada pero no es un problema. Dónde hay que firmar”. Tras las de Refree, Nacho Vegas y Fernando Alfaro, “Concrete Light” es la cuarta referencia del sello Marxophone, por el que el grupo fichó a principios de año. La edición se ha realizado a medias con el propio grupo, representado en Giradiscos. “Nos autogestionamos, pero para todo lo que conlleva los alrededores del grupo necesitamos una mano. El disco es nuestro, ellos se comprometen a lanzar una edición y tienen ciertos cometidos.

Pero un grupo debe poseer sus másters,

"La gente es igual de borrega, sigue moviéndose con lo mismo" chando primeras tomas y tratando de capturar en lo posible la inmediatez del directo. Más instrumental, más directo, más apabullante. “El disco quisimos hacerlo lo más parecido al directo. Partir de base rítmica, guitarra rítmica y sintetizador, todo a la vez, si es posible. A lo mejor el siguiente lo hacemos de otra manera, pero de momento es como lo vemos”, explica Raúl. Mario continúa, reflexionando sobre el sonido y el estilo al que están llegando como grupo, algo “directamente relacionado” con la música que escuchan.

“Nuestra evolución musical es lógica en lo cronológico, hemos ido del beat al soul, a la psicodelia... Ahora tenemos ese punto experimental. Pero en cualquier caso, lo suyo es que las referencias salgan como algo natural. Forzar es un error. Si tienes una buena base o influencia, ésta acaba saliendo sola”. Raúl interviene: “De todas maneras, intentar hacer un disco que puedas defender en directo no tiene por qué ser la norma. Ves a Animal Collective en directo y son un desastre, pero luego

nadie debería estar expuesto a que dentro de diez años editasen un disco tuyo remezclado por un DJ cualquiera”. Vamos recogiendo. El grupo ha quedado para ensayar, toca actuación en festival a horas intempestivas. “Nos meten siempre a las cuatro de la mañana, debe de ser que pegamos bien a esas horas”, bromea Mario. Bueno, al menos os meten, que no es poco para un grupo con una propuesta, en principio, de alcance minoritario. Algo se va avanzando. “Yo soy pesimista”, admite Raúl. “La gente es igual de borrega, sigue moviéndose con lo mismo. En España la situación en cuanto a grupos es paupérrima. Hoy, La Habitación Roja, Los Planetas y Love Of Lesbian son cabezas de cartel en los festivales, igual que hace diez años”. ■ Jorge Ramos “Concrete Light” está publicado por Marxophone/Giradiscos. LÜGER ESTARÁN EL 7 DE OCTUBRE EN BARCELONA, EL 8 EN TARRAGONA, EL 13 EN SANTIAGO, EL 14 EN VIGO, EL 15 EN A CORUÑA, EL 21 EN VITORIA Y EL 22 EN BERMEO

MondoSonoro · Octubre 2011 /17/

mondoFREAKO

AIRBAG

Más de una década en activo y la máquina de producir ocurrencias sigue engrasada. El power trío de Estepona lanza su quinto disco, “Manual de montaña rusa”, otra vigorizante colección de canciones adhesivas y pildorazos de punk pop marca de la casa. Nadie lo hace como ellos.

S

on los reyes en el dibujo de viñetas juveniles de tres minutos. Con la guasa de Los Nikis y la melancolía de un Joey Ramone en horas bajas. En el mejor de los sentidos, “Manual de montaña rusa” ofrece más de lo mismo, pero el cantante y guitarrista Adolfo Díaz corrige la deducción facilona: “Bueno, eso no es lo que piensa el noventa por ciento de la gente a la que hemos oído comentar el disco. Casi todo el mundo aprecia bastante el cambio en el sonido, en las letras y en el tono general del disco, aunque en el fondo creemos que sí, sigue siendo Airbag”.

Los años pasan y los miembros del conjunto malagueño se distancian cada vez más de la realidad adolescente que siempre protagonizó su imaginario. “No hay ni una sola letra de temática adolescente”, zanja Adolfo. “La que más se acerca es ‘22’, y está contada desde una perspectiva de pasado, de nostalgia clarísima, desde el inicio: ‘Te vi saliendo del examen un viernes por la tarde, sería el 92...”. Del 92 han pasado diecinueve años.

Precisamente, ese es el cambio en las letras

que algunos nos mencionan. Las letras ya no son como algunas de antes. Creo que es una evolución natural. Igual ya no nos sale hablar de la chica nueva de la clase, porque eso ya lo hicimos hace muchos años. Y si hablamos de esos temas, tendría que ser de una manera diferente, como lo hemos hecho en ‘22’. Las letras de este disco se pueden aplicar tanto a un chico o chica de veinte como de cuarenta. Son sentimientos universales”. ¿Dobles sentidos? “El surf o los cómics son solo un trasfondo para hablar de algo que va mucho mas allá de eso”.

Airbag dan una vuelta de tuerca a su sonido.

Desaliño en las guitarras, pulsión nuevaolera, coros vitaminados y la voz en primer plano. La fórmula no es nueva. Aunque el productor, Carlos Hernández, ha pulido capas, y se ha implicado en la elaboración de arreglos. Hasta ha ejercido de psicólogo. “Sencillamente, es el productor perfecto para lo que buscábamos. Nos parece una pasada de trabajo. Estaremos siempre agradecidos porque ha dado en el clavo. Además, ha sido un apoyo psicológi-

Airbag Foto Archivo

Peter Pan adulto co para nosotros, que a veces lo necesitamos. Este disco también es suyo, claramente. Pensamos que cada trabajo debe tener una identidad, un reflejo de cada momento, un sonido personal. Ahora nos apetecía sonar más pop, más nítidos, pero sin perder la fuerza. Creemos que este disco sí que suena como tenía que sonar”. Una evolución latente en piezas como “La ola perfecta”. “Es la que va primera según los seguidores en una encuesta que hay en nuestra web”. En

parezcan fáciles. Tienen más giros o detalles. Necesita más escuchas que otros anteriores. Repetir fórmula es pan para hoy y hambre para mañana. No sé si habrá Airbag para rato. Por ahora hay para esta gira, y al cien por cien. Siempre nos planteamos el disco que grabamos como si fuera el último que vamos a grabar nunca. Eso nos ha ocurrido desde el segundo disco. Damos todo lo que tenemos, por si acaso es el último de verdad”. Aunque Airbag no están solos en el

"El surf o los cómics son solo un trasfondo para hablar de algo que va mucho mas allá" la canción colabora Josema, de Los Hermanos Dalton, que este año le ha quitado las telarañas a sus guitarras. “Es un grupazo de power pop que nos gustó desde siempre. Cuando Carlos oyó ‘La ola perfecta’ había un giro que le recordaba a Los Hermanos Dalton y nos lo dijo, así que decidimos llamarle. Accedió encantado también. Incluso hizo más cosas que las que le pedimos: metió arreglos de teclado, guitarra y voces. Y luego Carlos lo mezcló. Así que el patrón sigue funcionando”. ¿Hay Airbag para rato? “No tenemos una fórmula que repitamos a conciencia. Este disco, por ejemplo, es menos inmediato.

Hay canciones más complejas, aunque

disco. Les acompañan puntualmente Mai Meneses (Nena Daconte) y el núcleo clarividente de Los Nikis (Joaquín, Arturo y Emilio). “Los consideramos amigos, sobre todo a Joaquín, que es con el que más confianza tenemos y al que vemos más. Aparte de ser fan suyo, luego, al conocerlo, te das cuenta de que es un tío de puta madre y además nos ayuda en todo lo que puede. Es piloto de Iberia, igual que Rafa, y cuando vienen de escala a Málaga quedamos para comer, cenar o merendar”.

■ Eduardo Tébar “Manual de montaña rusa” está publicado por Wild Punk Records.

indie.espaciodemusica.com

mondoFREAKO /18/ Octubre 2011 · MondoSonoro

no confidencial

LAURA MARLING

El Chojin Foto Archivo

Candor de invierno

EL CHOJIN El Chojin es uno de los raperos más hiperactivos de nuestro país. Tipo inquieto y comunicativo, este mes no ha podido evitar que le obligásemos a contestar a nuestras preguntas menos respetuosas.

Laura Marling Foto Deirdre O'Callaghan

◗ Combatir el racismo, concienciar a la gente, promover la igualdad… Todo eso está muy bien, pero ¿cuándo piensas empezar a hablar en tus canciones de cosas importantes como dinero, drogas, zorras y coches?

Mi truco es hablar de conciencia y compromiso para ganar dinero y tener drogas, zorras y coches... ¿Tengo que aclarar que es ironía? Es que hay gente que no coge estas cosas... ◗ ¿Cuál es la última vez que has ido al cine y has salido contento de la película?

El finde pasado, “Super 8” es una película de niños, pero está bien hecha y me entretuvo. ◗ ¿Alguna vez te has olvidado de una letra a mitad de show y has tenido que tirar de improvisación?

Con los años me pasa cada vez más... pero al final siempre sale todo bien. ◗ Ya has repasado “25 años de rimas”. Si otra persona hiciera un nuevo repaso dentro de otros veinticinco, ¿qué crees que diría de ti?

Pues que fui uno de los artistas más activos del panorama nacional y que, dentro de sus posibilidades, trabajó para tanto la música rap como la cultura hip hop dejaran de ser tratadas marginalmente para ser entendidas como cosas merecedoras de respeto y atención. ◗ Si te viniera un fan con un disco tuyo pirateado para que se lo firmes, ¿qué harías?

En la pregunta falla el condicional, permíteme replantearla: “Cuando viene un fan con un disto tuyo pirateado para que se lo firmes, ¿qué haces?”.

Reconozco que hace años me ponía malo, pero ahora lo firmo porque muchas veces el chaval ni siquiera sabe que existe la posibilidad de comprar el CD en una tienda... ◗ ¿Qué le dirías a quienes afirman que te repites en tus canciones?

Nada, tienen razón, lo que no conozco yo es a ningún artista que no lo haga; amores y desamores en el pop, autoafirmación en el rap, melancolía en la canción de autor... ◗ Hace unos años conseguiste un record Guiness por tu velocidad a la hora de rapear. ¿Hay algún otro record, no musical, que te gustaría conseguir?

El del primer hombre capaz de hacerse entender por todo el mundo. ◗ ¿Un guilty pleasure (una canción de la que te avergüences un poco, pero que no puedas dejar de escuchar)?

Ahora no, pero de pequeño me daba vergüenza que mis colegas del barrio supieran que escuchaba a MC Hammer, y que incluso fui a su concierto del Palacio de los Deportes. ◗ ¿Hay alguna crítica que te hayan hecho que te haya dolido especialmente?

Por supuesto, al principio de mi carrera todas me dolían especialmente. ■

Muy joven, dulce y con una cabellera dorada que atesora una voz madura. La tercera entrega discográfica de Laura Marling es algo más que la confirmación dentro del folk británico. “A Creature I Don’t Know” se cobija bajo las melodías calmadas y añejas que salen de la aterciopelada garganta de Marling.

P

osiblemente en la sencillez y profundidad radica el encanto de esta joven música británica. Su voz, densa y a la vez añeja, sostiene un potencial muy a tener en cuenta pese a su corta edad. Sin olvidar las letras y la temática, bastante fraguadas en la experiencia. “No sé cómo pueden salir este tipo de letras. Soy una chica joven que ha tenido y vivido varias experiencias que al final han derivado en este tipo de letras. Las historias crecen y desarrollan a lo largo de la vida”. Un caso extremo de vivencias llevadas a la lírica sería por ejemplo, “Rest In The Bed”, donde una madre habla a su hijo nonato en la cama. ¿Es fácil o complicado que alguien tan joven puede llegar a narrar una historia de este calibre? “Es una historia que habla del paso del tiempo y de lo que es ser responsable. Ya sabes, un paso más en la madurez y en la situación adulta en la que uno se encuentra según pasa el tiempo”. Como antes se ha comentado, su voz madura, es un signo más que evidente de que Laura Marling no está en esto por estar, sino para asentarse. Deteniéndose a escuchar “A Creature I Don’t Know” se puede caer en la delicada simpleza que muestran canciones como “The Muse”.

“Cuido mi voz tanto o más que si fuera una guitarra, pues es un instrumento más. Empecé a tocarlo cuando era muy, muy joven. Lo necesito y es necesario para hacer lo que hago”. Por lo tanto, la unión de la voz y la composición de las letras

de canciones como “Don’t Ask Me Way” o “Rest In The Bed” han fraguado un tercer disco más serio que asienta sus raíces en un cónclave de seriedad absoluto dentro del folk.

“Siento todo lo que toco. Quiero decir que las canciones nacen por la experiencia y las historias que desarrollo. Cuido mi voz para que pueda contar lo que veo y toco”. Las características acústicas que componen “A Creature I Don’t Know” se ven contrastadas con la parte más eléctrica y

de ese tipo también. Nick Drake es una influencia, pero no es una cosa tan directa. Nunca he tomado nada de Drake en alguno de mis álbumes, pero definitivamente sí que se pueden encontrar algunas cosas parecidas”. Eso sí, evitando dejar claras las influencias más directas ofreciendo un evidente estilo propio que va en la búsqueda de un intimismo pasional y roto. Roto, sí, pero no dolido ni resentido. Al margen de las influencias musicales, las literarias también tienen su peso. John Steinbeck y Robertson Davies toman protagonismo en el single “Sophie” y también en “Salinas”, completando de la mejor manera un conjunto lírico-musical muy compacto. “Tomé algunas cosas de ellos cuando leía sus obras y me inspiré porque lo consideré importante para el disco. Experiencias ajenas que sirven de inspiración”. La edad temprana y un tercer

"Siento todo lo que toco... Cuido mi voz para que pueda contar lo que veo y toco" sucia de todo el disco. “The Beast”, una suerte de Dr. Jekyll y Mr. Hyde enseñando la cara oculta de la joven nacida en Everseley. “Pues me resulta curioso, pero a veces me siento así. Hay momentos muy tiernos y otros muy duros en los que muestro otra cara. No obstante, siempre soy yo”. Cercana al recuerdo de Nick Drake, Laura Marling recoge pequeños resquicios de “Bryter Layter”. Una influencia evidente si se habla del folk inglés más cercano, tanto a su música como a su estilo. “Es interesante este tipo de comparación. El parecido que puede haber entre Nick Drake y yo puede ser por la forma de tocar la guitarra y algunos conceptos. Si escuchas mi música te darás cuenta que tiene algún trasfondo

disco sobre la mesa, no afectan para nada a la capacidad creativa de Laura Marling, que se crece ante los desafíos. Pero, ¿cómo de importante es lo que hace? Es más, ¿cómo lo siente la propia Laura Marling? “Creo en ello con mucha fuerza. La clave está en trabajar mucho y seguir haciendo lo que más te gusta buscando la creatividad y la plenitud”. “Alas, I Cannot Swim” y “I Speak Because I Can” han servido de bandeja de plata para que este nuevo y último álbum sea el más complaciente de la prometedora carrera de Laura Marling.

■ Charly Hernández.

“A Creature I Don’t Know” está publicado por Virgin/Nuevos Medios.

------------------------------------------Agenda SON Estrella Galicia

Javiera Mena 30 de Septiembre / Le Club, A Coruña 01 de Octubre / Café Pop Torgal, Ourense 05 de Octubre / Teatro Lara, Madrid 06 de Octubre / El Ensanche, Vigo 07 de Octubre / Porta Caeli, Valladolid

Marah 01 de Octubre / Sala Infierno, Vigo

Alela Diane & Wild Divine 26 de Octubre / Teatro Lara, Madrid

John Grant 09 de Noviembre / Teatro Lara, Madrid

------------------------------------------Ciclos SON Estrella Galicia

American Autumn

Zachary Cale + This Frontier Needs Heros , Eff Barzelay, Lac La Belle y Rocky Votolato.

08 y 15 Octubre, 18 Noviembre y 01 de Diciembre Café&Pop Torgal, Ourense

------------------------------------------Salas SON Estrella Galicia

y otros puntos habituales de la Red Ticketmaster

Mondo Club, Vigo 13 Patrick Wolf 14 Lüger + Telephone Rouges 22 Laura Gibson 27 Geoff Farina & Chris Brokaw

Le Club, A Coruña 01 Napoleón Solo 21 Doctor Explosion 22 Combo Dinamo 29 Luther Russell

Porta Caeli, Valladolid 08 The Monomes + Little Indian Rabit 15 Napoleón solo + Campingas 05 Nov The Brew

Playa Club, A Coruña 08 The Pepper Pots 15 Lüger+ Disco Las Palmeras! +Telephone Rouges 05 Nov Dorian

www.estrellagalicia.es

ARCHITECTURE IN HELSINKI

Un lugar en el universo Los australianos se reafirman como uno de los grupos más divertidos e infecciosos llegados de las antípodas con “Moment Bends”, su disco más pop y en el que apuestan definitivamente por el sonido sintético de los ochenta.

H

an pasado tres años desde la edición del anterior disco de Architecture In Helsinki y “Moment Bends” supone muchas cosas. De entrada y según el líder de la banda australiana, Cameron Bird, el grupo nunca se había sentido tan lleno de confianza. En su cuarto álbum, además, se lanzan a la piscina del synthpop ochentero entregando un trabajo de acabado preciso y factura medida. “Solemos escribir y grabar al mismo tiempo, así que el proceso es siempre muy complicado”, explica Cameron Bird. “En el fondo, siempre habíamos querido hacer este tipo de álbum, pero nos ha llevado tres discos conseguirlo”. Bird habla del pop directo y desenfadado que inunda un álbum en el que Architecture In Helsinki han limado esas briznas de rareza que siempre habían salpicado las canciones del grupo, y que convirtieron sus dos primeros álbumes en las raras perlas pop que son. Todavía hoy “Fingers Crossed” (03) y “In Case We Die” (05) conta-

gian un joie de vivre difícil de describir, el puro placer de hacer música con un espíritu que tenía mucho de infantil, en tanto libre de cualquier sentido del deber. Con la salida de Isobel Knowles y Tara Shackell y la posterior edición de “Places Like This” (07) la banda disfrutó de su momento de mayor popularidad, pero la sensación, quizás no tan general, era que habían perdido algo por el camino. Grabado en su Melbourne natal en un estudio montado para la ocasión y bautizado como Buckingham Palace, en honor a Lindsey Buckingham, cuyo retrato presidía la sala principal, “Moment Bends” aborda un tema ya habitual en las canciones de Architecture In Helsinki: el anhelo de escapar de la tozuda realidad, un deseo a veces satisfecho por vía del poder de la música, otras truncado por la simple aceptación de que es imposible huir. “Me gusta eso”, comenta Bird. “Si tuviera que resumir ‘Moment Bends’ diría que trata sobre encontrar tu lugar en el universo”. “Mucha gente nos

ha comentado que ‘Moment Bends’ suena muy ochentero porque usamos sintetizadores”, comenta Bird sobre el sonido del álbum, “pero en el fondo estas son simples canciones pop. Los sintetizadores y la electrónica siempre han estado allí, simplemente han tomado mayor relevancia ahora”. Aunque no sólo se trate de sintetizadores. “Moment

últimos tiempos. “Después de la edición de ‘Places Like This’, entre 2008 y 2010, cuando grabamos el disco, casi todos los conciertos que hicimos fueron en festivales al aire libre. Nos hemos acostumbrado a tocar para grandes públicos. Quizás eso ha condicionado la forma en que proyectamos nuestra música y tocamos”. Está por ver la reacción

"En el fondo, siempre habíamos querido hacer este tipo de álbum" Bends” no es sólo otro de esos discos de synthpop con cuentas pendientes con los ochenta. Lo más destacado es, más allá de los instrumentos, el espíritu FM de muchas de estas canciones, que encajarían perfectamente en las playlists de cualquier radiofórmula pretérita. “Intentamos no repetir ninguna de las cosas que hayamos hecho antes, en gran medida para retarnos a nosotros mismos y a nuestro público. En el fondo, lo único que pretendemos es hacer música directa y honesta”, sentencia Bird, para quien otra circunstancia que puede haber influido en el sonido del álbum es el tipo de recintos en los que el grupo ha venido actuando estos

Architecture in Helsinki Foto Archivo

mondoFREAKO /20/ Octubre 2011 · MondoSonoro

de sus seguidores ante “Moment Bends”, que sin duda marca un nuevo rumbo para el grupo, alejado definitivamente de la cautivadora urgencia que impulsaba sus primeros álbumes. El caso es que el nuevo trabajo de Architecture In Helsinki señala hacia nuevos horizontes, y si la cuestión es, como comenta Cameron Bird, hacer música directa y honesta, nadie puede decir que no lo hayan conseguido. ■ Joan Cabot

“Moment Bends” está publicado por Coop/Music As Usual. estarán el 26 de octubre en barcelona y el 27 en madrid

MondoSonoro · Octubre 2011 /21/

mondobeats

EN LA

dj pegatas Miguel Castro, más conocido como Dj Pegatas, uno de los pinchadiscos de rock más activos de nuestro país, ha pasado por todos los festivales que apuestan por las guitarras (Azkena, Turborock, Monkey Week) y no parece que vaya a parar. Por eso aprovechamos la oportunidad para hacerle contestar a nuestras preguntas. ◗ ¿Por qué motivos empezaste a pinchar? ¿Para ligar, para ser una estrella?

No sé, siempre he estado rodeado de música por parte de mi familia y amigos, o por el deporte que ha marcado mi vida, el skate. En cierto momento pensé que la mejor manera de expresar mi pasión por la música era a través de los platos. La verdad es que me apasiona lo que hago y disfruto muchísimo con mis sesiones, sobre todo viendo al público bailar y pasarlo bien. ◗ ¿Qué recuerdos tienes de la primera sesión?

La primera no la recuerdo bien, pero sí la más importante, que fue mi prueba en La [2] de Nitsa, en Apolo. Nunca he estado tan nervioso como ese día. Tuve que tomarme tilas y más tilas. Y desde esa sesión llevo cuatro años pinchando en la sala. Doy las gracias a Abel Suárez (Dj Coco). Mucho de lo que he conseguido se lo debo a él y a la oportunidad que me dio. Muchísimas gracias. ◗ ¿Qué disco de garage nunca falla en una sesión tuya?

Suelo pinchar garage siempre y tengo discos que nunca faltan en mis sesiones. Si tuviera que decirte uno en concreto sería Pintura Fresca, un grupo argentino que se centra en el latin garage y el freakbeat de los sesenta. ◗ ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

Dejar todos los canales subidos y poner un disco en pre-escucha y que suene sobre el que está pinchado en ese momento. Una cacharrada. ◗ ¿Qué es lo que más te gusta y lo que más odias de otros Dj’s?

Lo que me gusta es que, como a mí, les guste compartir conocimientos y charlar de cualquier cosa sin sentirse desplazado o se respire cierta rivalidad. Y me gusta improvisar con otros Dj’s, les conozca o no. Por contra, no me gustan los Dj’s puristas que critican a otros por usar algo que no sea vinilo. ◗ ¿Hasta qué punto es importante que la gente baile más o menos para cambiar la línea de tu sesión?

Para mí es muy importante que el público baile, por eso nunca llevo sesiones preparadas. Cada sala es un mundo y el público puede exigir unas cosas u otras. ◗ ¿Es la noche la mejor hora para pinchar?

Depende de lo que quieras obtener de la sesión.

Sesión canalla por la noche y sesión purista con mucha cara B por la tarde. ◗ ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s?

Está claro que los Dj’s electrónicos tienen muchísima más relevancia que los centrados en el indie o el rock, y en mi opinión valemos tanto como ellos. n

WASHED OUT

Así suena un verano A Ernest Greene el éxito le vino casi por sorpresa. Con veintiséis años y recién casado, su EP “Life Of Leisure” se convirtió en todo un descubrimiento, además de engrosar el cuadro de honor de ese indefinido género llamado ‘chill wave’, con ecos a los ochenta, una ensoñadora fragilidad y algo de psicodelia. Con “Within And Without”, su estreno en largo, llega el momento de comprobar el verdadero alcance de Washed Out.

H

an pasado dos años desde la publicación del single “Feel It All Around”, que meses después dio paso a “Life Of Leisure”, un EP de veraniega portada y sonido aún más refrescante. Desde entonces, y coronado con tan exiguo bagaje como uno de los cabecillas de la ‘chill wave’, el primer álbum de Washed Out se esperaba con creciente expectación, a la que ahora Ernest Greene da respuesta con este “Within And Without”. “Ha sido como una bola de nieve que va haciéndose cada vez más y más grande. Incluso me llegó a desbordar; el primer concierto que hice fue un horror y en los que le siguieron tampoco mejoré demasiado, pero de alguna manera me vi obligado a presentar esas canciones sin haberlo trabajado. Fue una situación complicada, en algunos casos hasta ridícula, pero me sirvió para saber que este primer disco me lo quería tomar con calma. Tenía claro que no iba a estar pendiente de nadie que me estuviese llamando todas las semanas para ver si estaban listas las canciones”, comenta Greene al otro lado de la línea telefónica, añadiendo además que esa frustrante experiencia con el directo también estuvo presente en la composición de sus temas.

“Mi idea al empezar con este álbum era que el sonido fuese más orgánico; por una parte, más complejo, pero también más fácil de trasladar a los conciertos.

Por eso hay más baterías y bajos reales, y no únicamente loops y elementos pregrabados. Para los directos estoy trabajando con una banda, estoy muy satisfecho de cómo van saliendo las cosas; se

ajusta más a la idea que yo mismo tenía de las canciones”.

En realidad, “Within And Without” no difiere mucho de “Life Of Leisure”, aunque su propuesta aparece despojada de maneras lo-fi y, sobre todo, con una mayor sensación de unidad, sin renunciar a las señas de identidad que ya conocíamos: sintetizadores que evocan los ochenta, voces hipnóticas y una pátina de psicodelia (¿alguien dijo Panda Bear?) reforzada con el trabajo en la producción de Ben Allen (Animal Collective, Deerhunter, Gnarls Barkley...). “Puede que no haya grandes diferencias de cara al exterior, pero para mí el trabajo no ha

Y sobre todo está compuesta de una forma distinta a la que suelo emplear: habitualmente parto de un loop, de una manera parecida a un artista de hip hop, y en cambio aquí lo hice tocando el piano. Me pareció que podría ser un buen final”. Todo ello después de alternar cierta oscuridad (“Far Away”, “Echoes”) con momentos de euforia contenida (“Eyes Be Closed”, “Amor Fati”), dentro de un trabajo que se recrea en el verano más crepuscular, perfecto para detenerse en escenas de cama como la que aparece congelada en la imagen de la portada. “No me planteo si mi música suena especialmente veraniega o no, pero en todo caso no la imagino como banda sonora de una playa abarrotada y llena de niños corriendo de un lado a otro, sino de algo más íntimo, aunque eso es algo que tiene que decidir el que lo escuche”, explica este joven de Georgia antes de poner en cuarentena el sonido ‘chillwave’, cajón de sastre por el que también han asomado los nombres, más o menos próximos, de Toro Y Moi, Small Black, Neon Indian, Memory Tapes o Blackbird Blac-

"El primer concierto que hice fue un horror y en los que le siguieron tampoco mejoré" tenido nada que ver. Antes iba canción a canción, sin preocuparme de la que había hecho antes o de la que vendría después; en cambio, me he planteado ‘Within And Without’ de forma conjunta, aunque luego también haya algún tema que se desmarque un poco de ese sonido unitario”. Es el caso de “A Dedication”, el corte que cierra el disco, en donde Greene se muestra especialmente vulnerable, exponiendo la voz de forma inédita en su aún corta trayectoria. “Es una canción posterior a todo el trabajo de mezcla, una especie de epílogo con el que pretendía también agradecer el apoyo que he recibido a lo largo de este tiempo por parte de las personas de mi entorno más próximo.

kbird. “Nunca he tenido muy claro que ese término represente algo en concreto, pero parece que había la necesidad de agrupar a ciertos grupos y en un momento dado apareció ese nombre.

Luego fue tarde para dar marcha atrás porque ya estaba en boca de demasiada gente. Creo que las distintas bandas que aparecen dentro de esta etiqueta tienen más en común por las influencias que por el verdadero resultado de su música. Y en mi caso, además, trato de que esas supuestas influencias no sean demasiado obvias”. ■ Enrique Peñas “WIthin Or Without” está publicado por Domino/Pias.

Washed Out Foto Dan Wilton

DJ Pegatas Foto Archivo

MALETA

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/23/ Octubre 2011 · MondoSonoro

Mendetz Foto Archivo

entrevistaS

MENDETZ

MENOS BOTONES más diversión Se acabó eso de no levantar los ojos del sintetizador, porque Mendetz reaparecen con “Silly Symphonies”, un disco mucho más espontáneo, intuitivo y agradecido en los directos. Los robots y el retrofuturismo dejan paso a riffs y melodías vocales atemporales.

Ha llegado el momento de despojarse de la etiqueta de eternas promesas y dar un paso al frente sabiendo por qué están hoy aquí.

E

ntrar a los Abuelita Studios es ya de por si una aventura entre tanto robot e iconografía pop, pero lo es más cuando te encuentras en la entrada una esfinge de dos metros de porexpan. Al fondo, Jan Martí (voz y teclados) y Stefano Maccarrone (voz, teclados, guitarra) prueban samplers de la canción “Plasticine” para el directo. Por fin Mendetz tienen un lugar que les pertenece: un estudio en el que encerrarse horas –muchas horas- y dar forma a su tercer trabajo, “Silly Symphonies”, un disco que ha tardado en ver la luz, pero que –a pesar que suene a tópico- valdrá mucho la pena. “Estamos muy sorprendidos porque a pesar de contar con el estudio, hemos sido bastante fuertes y nos hemos controlado las ganas de retocar los temas constantemente como nos pasó con ‘Souvenir’, cuyas canciones no acababan nunca”, asegura Jan. “Nos lo pasábamos genial, pero al final los temas se volvían demasiado barrocos y difíciles de escuchar.

En cambio ahora, las ideas primigenias, las que te mueven y te emocionan, son las que forman parte del disco”. “Las ideas han surgido de hablar, discutir y tocar en el local. Es un trabajo mucho más preparado para el directo”, añade Maccarrone mientras Martí asiente removiendo el café. Así se explica que el tema presentado originalmente como “Creepshow” no aparezca en el disco. Bueno, mentimos, porque sí aparece pero dividido en dos temas: “2012” y “Phantoteck”. (Jan) “Es un ejemplo de lo que decíamos antes, porque la idea original eran los dos temas, pero empezamos a fusionar

recursos, conceptos y añadirle cosas y surgió ‘Creepshow’. Pero tras unas semanas volvimos a enfrentarnos a él y nos gustaban mucho más los dos temas iniciales, así que nos fiamos y lo cambiamos”. A pesar de estar sentados bajo un póster warholiano de Michael Jackson, con dingbots y el vinilo de su debut discográfico, Mendetz se han hecho un poco más mayores (“aunque no sé si esto es bueno”) y pasan de su dosis de nostalgia ochentera tan marca de la casa. (Stefano) “’Silly Symphonies’” está más basado en las sensaciones y menos en la sonoridad. No hay ningún tipo de reivindicación retro, es más, está orientada a los años veinte, pero de este siglo”. Cambian la inspiración y también la manera de componer, que se asemeja a la del primer disco, mucho más guiada por la intuición y el consenso grupal.

“Aquí notas una banda; sabes qué instrumento manda en todo momento, ya sea un riff o un sintetizador. ‘Souvenir’ era una composición de elementos muy compleja y costaba encontrar esa referencia”.

L

a madurez de este trabajo no viene dada porque los de Barcelona hayan huido de las pistas de baile, sino porque precisamente las abrazan con menos reparos y más experiencia, convirtiendo este tercer disco de –citando a Stefano- “pop grueso” en un idílico resumen de sus ansias, sus temores, sus experiencias y su potencial. Y de esto último tienen un rato, sino, cómo se explica la llamada que hace poco recibieron del manager de Gala, para contarles que

“su chica” quería hacer algo con ellos. Y es que en sus manos cayó una copia del cover “Freed From Desire” con la que Mendetz terminan sus conciertos –locura general- y quedó encantada.

“Cuando llamó nos asustamos, porque nunca habíamos pedido permiso para tocarla y creíamos que sería por un tema de copyright”, asegura entre risas Martí. “Nos habló de hacerle algún remix como productores y como moneda de cambio le propusimos que colaborara en el disco. Dijo que sí enseguida y decidimos que había que retrasar el lanzamiento del disco porque esto era muy potente y debía hacerse bien”, enfatiza

día tocamos en el Mercat de Música Viva de Vic y en el Ebrovisión y la verdad es que fue genial. Nos dimos cuenta de lo que echábamos de menos el directo”. (Stefano) “Pero ha sido duro porque somos como somos y tras tocar, recoger y subir los trastos a la furgoneta, quisimos obligarnos a salir de fiesta a darlo todo como antaño, pero, claro, al día siguiente, tras chupar carretera éramos espectros. Nos falta ritmo nocturno”.

(Jan) “Hay que hacer estas cosas para poder decir eso de que todavía somos jóvenes (risas). Tenemos muchas ganas de emprender esta gira porque sabemos que será muy

“El disco está mucho más pensado para el directo y hay muchos menos samplers” Maccarrone. (Jan) “¡Es una motivada! Le pasamos un par de ideas para la letra y colaboró a la hora de escribir parte de ‘Escalera’”.

(Stefano) “Estuvimos por skype conociéndola y luego me fui a Nueva York a su loft con mi estudio portátil”. Hay más de una anécdota que contar de esa estancia al otro lado del charco, pero con los ojos fijos en la grabadora, juramos no desvelarlas, al menos de momento. Pero este no es el único proyecto internacional en el que nuestros chicos han metido las manos y es que también han cedido un tema nuevo al colectivo artístico Detext, cuya obra se exhibirá en el MOMA de Nueva York. Stefano se enciende un cigarro y sonríe a Jan con complicidad conspiradora y no nos desvelan más detalles. Pero tras la aventura americana toca volver a casa, sacudirse el polvo y ultimar los detalles para los directos. (Jan) “Todavía estamos vírgenes del feedback de los nuevos temas, hemos presentado solo ‘Hap Your Clands’. Bueno, tengo la opinión de mi madre y de Alice –que es muy dura conmigo- y les ha gustado mucho. ¡Ah! Y el otro

divertida. El disco está mucho más pensado para el directo y hay muchos menos samplers y movidas de las que estar pendiente a las tres de la mañana; hay muchos menos botones y ¡podremos levantar la vista del sintetizador y bailar!”. “Silly Symphonies” –nombre de las proto películas de Walt Disneyes el tercer disco de Mendetz y el que debería marcar el antes y el después en su carrera. “Yo no me había sentido así con ninguno de los anteriores trabajos, estoy emocionado y no le he cogido manía al disco tras haberlo escuchado mil quinientas veces”, asegura Maccarrone. (Jan) “Ha nacido dentro de nosotros, ajeno a influencias forzadas... Yo dejé de escuchar música que pudiera influenciarme deliberadamente en este último año. Es un disco interno, sin presiones a la hora de demostrar nada ni pensar en el continuismo y todo eso”. ■ Marta Terrasa “Silly Symphonies” se publica a principios de noviembre de la mano de Music Bus/Warner.

MondoSonoro · Octubre 2011 /25/

entrevista

M83

M83 Foto Archivo

en busca del sueño americano

A lo grande, con “Hurry Up, We’re Dreaming”, un doble álbum que se postula imprescindible esta temporada, Anthony Gonzalez da rienda suelta a sus fantasías de infancia en una colección de temas donde cohabita la vertiente cinética y la más pop que ha procesado durante toda su carrera.

E

n un ejercicio freudiano de autoanálisis, girando la vista con nostalgia a aquellos años en los que la felicidad perpetua de la niñez le despreocupaban de la rutina y la autosuficiencia capitalista, Anthony Gonzalez se enfrenta a su mayor reto: un doble álbum sobrado de épica en el que materializa todos y cada uno de los ingredientes ya conocidos de M83. Pero ni mucho menos cayendo en los trucos sobados a lo largo de su discografía, sino dotándolos de un engranaje más maduro y medido, capaz de sobrecoger y emocionar a partes iguales a pesar de valerse en muchos momentos de sus inquebrantables y densas ambientaciones. Creando un embrión entre los parajes cinéticos de “Before The Dawn Heals Us” y la fisonomía más pop de su último “Saturdays=Youth”, el francés vuelve más ambicioso que nunca con “Hurry Up, We’re Dreaming!”, un trabajo con la friolera de veintidós temas que desde ya es una de las obras más destacadas de la temporada. “La idea del doble álbum surgió porque tenía muchas ideas en la cabeza y quería disponer del espacio necesario para improvisar con mis instrumentos sin limitaciones. Es lo mejor que he podido hacer para divertirme y disfrutar al máximo. Desde un principio, antes de que durante un año entero me centrara en su grabación, tenía claro que el resultado tenía que ser ecléctico. La mayoría de discos dobles parten de una misma atmósfera y pueden hacerse algo pesados. Me daba mucho miedo que la gente pudiera llegarse a aburrir a la mitad de la escucha. Todo cambió cuando lo oí completo, me sentí muy orgulloso de haber plasmado exactamente todo aquello que residía en mi mente antes de pasar por el estudio. Algunos dirán que la única intención que tenía frente a esta retahíla de canciones era incluirlas sin más. Sin embargo, todo tiene un propósito

y le da sentido al resto”, me comenta Anthony Gonzalez mientras le pega un sorbo a su bebida energética, sobrellevando la tentación de la piña colada a primera hora de la tarde del bochorno barcelonés.

Coincidiendo con los treinta años que luce en su carnet de identidad, Gonzalez ha decidido voluntariamente renacer en la ciudad de Los Angeles para engrosar esa gruesa lista de afortunados adscritos al sueño americano. Todo apunta a que, de momento, no tiene mucha intención de volver a su casa del sur de Francia. “Decidí componer el disco en California sin emplear ninguno de los temas que escribí a lo largo de la pasada gira. Fue algo así como empezar de cero en todos los sentidos. Mi vida ha cambiado completamente y ha nacido una nueva persona como consecuencia de ello. No sé muy bien el porqué, pero desde siempre me había fascinado el estilo de vida californiano y todo lo que representa el sueño americano. Allí todo es a lo grande”.

P

recisamente, este cambio de residencia le ha permitido contactar más rápidamente con uno de sus actuales objetos de deseo, Zola Jesus, quien presta su inconfundible voz a la apertura de “Intro”. “Ella es única, no suena como nadie más. La primera vez que la oí pensé que era la persona perfecta para esta canción. Le envié un mail a su equipo de management y, a los pocos días, dieron el visto bueno a la colaboración. Zola, aparte de ser una chica jovencísima con una gran carrera por delante, es muy divertida. Compartimos muchos gustos artísticos como las películas de serie B italianas de Dario Argento. Volvería a trabajar con ella en un futuro sin pensármelo”. Puestos a encontrar nuevos cimientos en su reestrenada vida, hasta la voz de nuestro protagonista consigue expandirse con

mayor fiereza y protagonismo que en capítulos anteriores. “Aunque siempre me ha gustado cantar, ni mucho menos me considero un cantante. Era el típico que dedicaba a mis novias alguna canción estúpida, y poco más. Cuando empezó M83 me daba mucho miedo ponerme delante del micrófono, pero con el tiempo uno aprende a que no le influya lo más mínimo lo que piensa la gente y hacer, únicamente, aquello que te apetece.

Por ello me fui, por ejemplo, a Los Angeles.

No quiero vivir arrepintiéndome eternamente de aquellas cosas que nunca he hecho.

El tiempo pasa muy rápido y hay que estar activo en todo momento, de ahí proviene precisamente el título del disco. Esto mismo es lo que siento ahora en Estados Unidos.

exploraba diversos planetas en un cohete.

Era un sueño precioso hasta que aparecían de la nada unos aliens y, entonces, me despertaba asustado y todo sudado de la cama.

Para este álbum quería escribir sobre esos sentimientos que viví inconscientemente de pequeño. Algo melancólico y nostálgico, lo cual siempre ha tenido mucha relevancia en mi música”. Con un valor añadido cinematográfico, para Anthony estos temas representan “la banda sonora de una película imaginaria”.

“Si alguna vez pudiera oír estas canciones en una sala de cine me gustaría que fuera en una película de Terrence Malick o alguna de ciencia ficción del estilo de George Lucas, largometrajes en los que además de una historia existe un atrayente poder de

“El tiempo pasa muy rápido y hay que estar activo en todo momento” No quiero decir ni mucho menos que haya perdido mi tiempo estos treinta años, pero pensándolo fríamente, podría haberlo aprovechado aún mucho más”.

D

ejando aparcados aquellos planes que no acaban de materializarse en vida por pura vagancia, volvemos a retomar el onirismo de los sueños, la piedra angular sobre la que giran sus últimas creaciones. ¿Acaso Anthony es uno de esos que recuerda lo que su mente dibuja en plena fase REM? “Lo cierto es que no habitualmente. Puede que sea porque de adolescente fumé demasiado y tomé muchas drogas que han acabado afectando mi memoria. Lo noto muchísimo encima del escenario cuando me olvido de mis propias letras. Pese a ello, lo divertido fue que cuando me trasladé a Los Ángeles, a pesar de los dos primeros meses tan duros que viví al encontrarme con un nuevo entorno y una cultura diferente a la mía lejos de mis amigos y mi familia, empecé a rememorar algunos sueños que tenía de pequeño. Supongo que influenciado por la animación japonesa, una vez al mes como mínimo fantaseaba con que

la imagen”. No sabemos si algún día alguno de estos directores descolgará el teléfono para proponerle una propuesta irrechazable al respecto a nuestro protagonista, pero antes de que nuestro encuentro llegue a su fin no puedo aguantarme las ganas de decirle que piezas como “OK Pal” o “Steve McQueen” me recuerdan irremediablemente a Peter Gabriel. “¡Para mí es todo un cumplido! No es la típica influencia que le confesaría a un periodista pero ahí está.

Respeto mucho su trabajo. Al igual que Phil Collins, me gusta cómo produce las percusiones y el sonido de la batería”. Por el momento, la gira promocional que este mes de octubre iniciará ha esquivado cualquier escala española. Pero que no cunda el pánico, a principios de año moverá todos sus hilos para actuar en nuestro país en una sala, como debe ser en estos casos. Paciencia pues y a engullir, mientras tanto, esta colección de canciones que vuelven a afianzar al francés como uno de los creadores de mayor calado de la última década.

■ Sergio del Amo “Hurry Up, We’re Dreaming” está publicado por Naïve.

entrevista /26/ Octubre 2011 路 MondoSonoro

Sidonie Fotos Gustaff Choos

SIDONIE

MondoSonoro · Octubre 2011 /27/

“El fluido García” es mucho más que el sexto largo de Sidonie, es sobre todo una vuelta a lenguaje en el que el trío se encuentra más cómodo: la psicodelia, pero no lo hacen ni aupándose en la electrónica de sus primeros pasitos, ni tampoco en la luminosidad de “Shell Kids”. Definitivamente, “El fluido García” es otra cosa.

L

a sobremesa con Sidonie se desarrolla una calurosa tarde de verano en la terraza de mi casa de forma distendida y por tanto algo caótica. En un momento de la entrevista Marc afirma que están muy contentos con la acogida que está teniendo su primer single, “El bosque”, y que en general los comentarios que han recibido son del tipo: “¡Hombre!, vuelven al “Shell Kids””. Una afirmación que a mí se me antoja aproximada, pero incorrecta. “El fluido García” es un regreso descarado a la psicodelia que había sido borrada del mapa en “Costa Azul” y “El incendio” , sus dos ante-

como la ya mencionada “El bosque”, la instrumental “Negroni”, “Carnaval”, “Perros” y sobre todo “La huida” le dan un punto de dureza que lo alejan de la amabilidad melódica de “El incendio”, y en un visionario fogonazo se me ocurre pensar que este disco es como el retrato de Dorian Gray. Un reflejo en el que sentirse joven, aguerrido y fuerte... (Marc) “Confieso que el otro día en la prueba de sonido del último bolo que hicimos en Figueres, cuando tocábamos las canciones nuevas, pensé: ‘estoy orgulloso porque lo que estáis escuchando soy yo’. En cambio cuando estaba

“Que suena a Sidonie es el mejor piropo que nos pueden echar” riores trabajos, pero no se desarrolla de la misma forma que en su último disco en inglés. “El fluido García” es un disco más áspero, rugoso, incluso por momentos oscuro y desapacible, y además está aupado a base de cortantes riffs y un desmelene instrumental hasta ahora inédito.

Ellos lo achacan al uso del castellano y a que ha sido grabado en riguroso directo, los tres juntos y a pelo, pero a mí me da la impresión de que hay algo más. Que a pesar de ser un disco de referentes suena de forma genuina a Sidonie y, lo hace como nunca antes lo había hecho. Sin artificios, sin complejos, con descaro, pericia y una inteligencia melódica a la que no estamos muy acostumbrados. (Axel Pi, batería) “Que suena a Sidonie es el mejor piropo que nos pueden echar y también es llegar a un punto deseado. Que alguien diga que puedes ser referente de un sonido, es brutal”.

(Marc Ros, cantante y guitarra) “De hecho ha sido una pequeña decepción ponerle un tema a alguien y pensar: ‘ahora va a entender el vínculo que hay con The Doors, con Hendrix, Zeppelin’... y cuando dicen: ‘es muy Sidonie’, pensar ‘¡mierda!’ (risas)”.

Se abre la veda y los comentarios sobre las diferentes canciones que componen su nuevo trabajo, caen como las hojas en un otoño que se resiste. Todos estamos de acuerdo que no es un disco de primera escucha, que canciones

tocando las canciones de ‘El incendio’ tenía la sensación de mostrar algo de lo que soy capaz de hacer, y esa es la diferencia”. Una diferencia que tiene su colofón en una clásica suite de cuatro piezas titulada “Bajo un cielo azul de papel celofán” que se me antoja como una de las canciones más logradas jamás realizada por el trío maravilla, desde su preciosa y epatante intro a capella a la muestra de bella psicodelia sobre la que se desarrolla.

(Marc) “Yo no digo que seamos los mejores haciendo voces ni los más capaces, pero sí que somos el grupo que más se preocupa por las armonías vocales, y esa canción está escrita alrededor de tres voces. Eso es algo que en este país solo hacían Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán. Aparte de ellos no conozco a nadie más”.

C

omo es verdad que el elogio debilita, me da por ponerme un poco malicioso e insinuar, a lo largo de la charla, hasta qué punto hay algo de cálculo consciente en este cambio de rumbo. Diría que es más que posible que, de haber seguido por la melodiosa senda de canciones como “Por ti”, “A la vera del mar” o “En mi garganta”, el número de acólitos a su causa hubiera aumentado sin descanso, pero esa entelequia llamada prestigio se hubiera resentido un poco. Ellos lo niegan y Marc

me convence de ello. De hecho siempre han trabajado de la misma forma y tras componer una primera canción, en este caso “El bosque”, ha sido este tema el que ha marcado el devenir del resto del disco. “Si me hubiera salido un tema AOR, posiblemente el disco hubiera cogido esa senda”, afirma Marc, y todos defienden que, hasta la fecha, siempre han estado en la misma sintonía, que nunca Jesús y Axel se han encontrado a disgusto con el camino que trazaba Marc como principal compositor de la banda. (Axel) “Lo fascinante no son los millones de coincidencias que hemos tenido los tres, que parecen incluso resultado de algo sobrenatural, pero que existe.

Lo bonito de verdad es que vivamos un momento en que uno tiene sus deseos y, cuando los compartimos, nos damos cuenta de que son los mismos. Sea por lo que sea cada uno de los tres después de ‘El incendio’ desea liberarse de un corsé pop, con el que ya se ha trabajado, para dedicarse a algo que cree que es lo que más domina y con el que más conexión tiene con el resto de los miembros del grupo, y ese algo es la psicodelia. Ocurre que venimos de hacer una gira en formato trío en el que nos dimos cuenta de lo importante que era estar los tres compartiendo un background musical con el que solo nos podemos conectar entre nosotros y con el que te sientes muy arropado”. Jesús

entrevista

ni entonces, pues no es descabellado pensar que, por las características de este trabajo, sea su obra de más largo recorrido. “Nuestro peor enemigo ahora mismo es la impaciencia”, apunta Marc sin faltar a la verdad y de paso añade: “Si no llegamos a la gente es que la habremos cagado. Todo tipo de arte es comunicación y si falla esa comunicación es que no te has expresado bien y la has cagado”. Una frase tan contundente que a día de hoy todavía resuena en mis oídos.

T

odo esto sirve para dejar bien claro que, con “El fluido García”, la banda barcelonesa ha abierto un nuevo capítulo en su carrera. Y lo ha hecho hasta tal punto que, para la grabación del disco, decidieron contar tan solo con sus inseparables Blind Joes (Santos Berrocal y Fluren Ferrer) y prescindir de anteriores colaboradores. Un borrón y cuenta nueva que también ha afectado a todo su equipo de directo, incorporando, eso sí, a un nuevo guitarra, David T. Guinzo (Catpeople, Templeton, Tuya) y prometiendo una gira muy diferente a lo realizado hasta la fecha. (Marc) “Tenemos ganas de que la gente presencie nuestro nuevo show como si se hubiera tomado alguna píldora de la felicidad sin necesidad de hacerlo. Bueno, el que quiera va a sumar lógicamente (risas). Queremos que el espectador viva una experiencia única ya desde el momento en que entre en la

“Cada uno de los tres después de ‘El incendio’ desea liberarse de un corsé pop” Senra (bajista y voces) remata la jugada con una de esas frases lapidarias que me dejan sin argumento. “Yo no sé cuál es el mejor disco de Sidonie, quiero pensar que este es el mejor, pero lo que sí tengo claro es que es un álbum muy especial. Siempre será ‘El fluido García’ de Sidonie, y también sé que es el disco más libre que hemos grabado.

Libre de acción, libre de movimiento”.

U

na libertad por la que tienen que pagar el precio de la duda, pues todos me confiesan su preocupación por ver cómo va a ser recibido entre el público. (Axel) “Bowie decía que cuando sales de un estudio de grabación con dudas, eso es bueno, esas dudas son buenas. Significa que no has hecho algo convencional”. Unas dudas que no se van a despejar hasta que el disco vea la luz a finales de octubre, e incluso puede que

• El título de “El fluido García” lo propuso Jesús (bajista) al resto de la banda tras leer en un artículo en El País sobre la vida del escritor Enrique Gaspar y Rimbau, quién se adelantó a H.G. Wells en la invención literaria de la máquina del tiempo. En la novela “El fluido García” hace que los pasajeros no rejuvenezcan cuando viajan hacia atrás en el tiempo.

• Los artistas que han mantenido viva la llama de la psicodelia dentro del seno del grupo e igual han dado pie de forma inconsciente a su nuevo disco han sido Kaleidoscope, Forever Amber o July.

•A l finalizar la grabación de la intro a capella de la canción “Bajo un cielo azul de papel celofán”, Fluren -unos de los productores del disco y que participó con su voz en la grabación de esa intro inicial- confesó a la banda que acababa de vivir su mejor momento como productor y arreglista de su vida.

sala”. (Jesús) “Este disco se presta mucho a acompañarlo de un envoltorio bonito y psicodélico y estamos trabajando en ello”. (Axel ) “Esto lo vamos a ver a partir de noviembre que es cuando empezamos con nuestra gira de presentación, y quiero destacar que, desde siempre, hemos llevado el mismo show ya fuera en una sala pequeña o un gran festival, y es obvio que no ganamos el mismo dinero o que incluso perdemos, pero siempre hemos pensado que la persona que viene a verte a una sala pequeña tiene derecho al mismo show y no le puedes ofrecer menos”. Pues que empiece la función.

■ Don Disturbios “El fluido García” se publica el próximo 20 de octubre vía Octubre/Sony BMG.

• A la hora de elaborar por separado el orden de las canciones de este disco, Marc y Axel coincidieron en todas las canciones excepto una, sin embargo, el orden trazado por Jesús era totalmente distinto.

• El diseño del disco, incluyendo la portada, está realizado con collages hechos por el propio Marc Ros. No ha utilizado ningún programa informático si no tijeras, pegamento y su colección de libros, revistas y postales antiguas.

• La primera vez que Axel pensó que Marc podía ser una gran letrista fue cuando escuchó la canción “Fascinado”. Jesús, sin embargo, pensó que el tema se refería a él.

• La canción preferida de Marc es “Giraluna”, en cambio Jesús prefiere “The Sheltering In The Sky” y “Sidonie Goes To London”. n

Bad Manners Fotos Alfredo Arias

/29/ Octubre 2011 · MondoSonoro

Offspring

Kiko Veneno

Sôber

Nach

CONCIERTOS

EN VIVO Lugar Getafe (Madrid) Fecha 10-09-11 Estilo varios Público 65.000 personas por día Promotor Last Tour International 1111 En Vivo comenzó con unos atascos de dimensiones apocalípticas que no fueron impedimento para que se rozaran las sesenta y cinco mil personas por día. Puede que la dificultad en el aparcamiento hiciera que el jueves llegaran todos a la vez para ver el final del concierto de Los Suaves o el principio de Mago de Oz, estos últimos los inexplicables vencedores del día al menos para el que esto suscribe. Menos mal que Bad Manners sí llegaron a tiempo para darnos un recital de ska a la vieja usanza y acabar con la fiesta pagana a patadas. También Foreign Beggars dieron su toque gamberro al escenario tres con su hip hop festivo.

El segundo día muchos metaleros tuvieron que madrugar para ver a Angelus Apatrida en un horario totalmente injusto para la mejor banda de metal que tenemos en este momento. No se dejaron cegar por el sol e hicieron un concierto contundente, demostrando por qué son muchos los que opinan que pueden mirar cara a cara a cualquier banda internacional del género.

Rosendo salió cuando ya caía el sol y dio otro recital de saber estar, repleto de clásicos y llevándose a la mayoría del público de

calle. The Specials pusieron el toque de fiesta ska de la noche con un grandes éxitos más que elegante, aunque The Toy Dolls eran esperados con absoluta devoción e hicieron un bolazo. Es muy curioso como la guitarra y la extraña voz de Olga, su cantante, habían conseguido arrastrar a miles de fans al festival solo para verles a ellos alzándose con la corona del día. El viernes empezó con la espantada de los franceses I Am, por segundo año consecutivo en el En Vivo, en su lugar CPV hicieron un bolo que navegó entre lo brillante y lo ramplón en algunos momentos Sus rimas aguantan bien el paso de los años, pero de vez en cuando se nota que no pueden mantener la tensión de forma constante como antaño, algo que la noche anterior Nach y Tote King sí consiguieron a lo grande. Quizás a los madrileños les falta algo de rodaje en este retorno para volver a poner la apisonadora a punto. En el escenario Hip Hop no cabía un alfiler ninguno de los días y SFDK y Sho-Hai supieron rentabilizarlo haciendo que explotara durante la noche del sábado. Pero lo que realmente reventó de la jornada fue la valla contra avalanchas durante el concierto de

The Offspring. Setenta mil personas en bloque haciendo pogo son demasiadas y la verdad es que fueron el único grupo capaz de vaciar el recinto y congregar en el escenario principal a casi todo el mundo. Claro que, aunque su actuación fuera un éxito y el público lo viviera a muerte, no fue un buen concierto. El set list hizo marchar su show a trompicones, con continuos parones y arranques espléndidos que perdían gas en sesenta segundos.

Lo pasé genial y fue muy divertido ver a todo el mundo volviéndose loco hasta límites peligrosos, pero objetivamente continúan sin ser un buen grupo de directo y es evidente que sobreviven gracias a unos temas brutales que arrasaron en la década de los noventa. Tiene guasa el tuit que colgaron al finalizar su actuación, agradeciendo la respuesta del público y que no hubiera heridos cuando la valla cedió. Una pena que su concierto eclipsase los conciertazos de Txarrena y Sôber (que ofrecieron una extraña batucada a cuatro manos entre Carlos Escobedo y Manu Reyes).

Con semejante panorama Muchachito Bombo Infierno sudó mucho para intentar recuperar al público que se había acercado a verle a él y a un clásico como Kiko Veneno. Menos mal que la aparición en el escenario de Tomasito y Los Delinqüentes subió la temperatura de la fiesta lo suficiente para devolver a la gente al escenario. ¿Quién dijo que todos los grandes eventos tienen que ser indies? Alfredo Arias

The Sadies

Gigolo Aunts

Urge Overkill

Bellrays Fotos Sant

CONCIERTOS /30/ Octubre 2011 · MondoSonoro

Turborock Sala Parque de las Llamas (Santander) Fecha 2 y 3-9-11 Estilo rock Público 2.500 personas aprox.

Promotor Heart Of Gold 1111

Tras unos meses de frenética actividad fichando en varios de los festivales más multitudinarios de la actualidad, llegar al Turborock es, cuando menos, placentero. Eso de “festival boutique”, término de moda ahora, le viene como anillo al dedo, aunque no pegue mucho con su carácter rockero. En medio del Parque de las Llamas, resguardado de la posible lluvia, empezaron los conciertos pasadas las cuatro de la tarde con puntualidad británica. The Tormentos, The Nu Niles y King Salami, del que solo pudimos ver el final (es lo que tiene desplazarse en avión). Entre concierto y concierto, nada de correr como si te fuera la vida en ello a otro escenario, sino que es el momento de sentarse en el césped a tomar una cerveza o fisgonear entre los vinilos y merchandising del festival. The Sadies aparecieron relucientes con kilos de gomina y con chaquetas de pedrería.

Salieron dispuestos a caldear el ambiente con temas como “Cheat”, aunque hubo poca presencia de sus temas más psicodélicos. Después, uno de los grandes nombres del power pop de los últimos años, Gigolo Aunts, hacía lo propio. Y fue como si no hubieran pasado casi ocho años desde la última vez que les vimos: gamberros, entregados (nunca te cansas que empiecen con “Hello”) y con un guitarrista de refuerzo. Triunfadores de la noche, conquistaron incluso a los que apenas les conocían con su sonido con clase pero no por ello soso y la calidad de -sobre todo- los temas de sus últimos discos, como “Even Though”, “C’mon” o su conocida versión de “La chica de ayer”. Matthew Sweet, por su parte, cogió el testigo de los de Boston, pero la llama se apagó tras unos cuantos temas y muchos aprovecharon para comer algo o recrearse en la terraza con las sesiones dignas de los mejores guateques sixties. Nada Surf volvieron a congregar a los asistentes para probar que se encuentran en una segunda juventud –¡a pesar de las sorprendentes canas de Matthew Caws!- y temas como “Always Love” o “If You Leave” fueron coreados al unísono. Como siempre, Daniel Lorca fumando un cigarro tras otro y deleitándonos con posturitas varias y discursos de agradecimiento. No hubo lugar para “Popular” y terminaron con aquello tan bonito de “Fuck it, I’m gonna have a party” de “Blankest Year”. ¡Así cualquiera! Man Or Astroman no tuvieron problemas para dejarnos espitosos lo que quedaba de noche con su despliegue

audiovisual, el pop rock con tintes surferos e incluso una especie de Theremin que terminó ardiendo en la última canción. ¿Algo más?

Tras un baño de surf en el frío mar cántabro, regresamos al festival solo para comprobar que el público se había triplicado. Si la jornada del viernes fue para los amantes del power pop, la del sábado era toda una invitación al punk rock más salvaje y raruno (sí, lo decimos por los inclasificables Slim Cessna). Buzzcocks fueron los que se llevaron el gato al agua, aunque no entendemos qué hacían tocando tan pronto. Ver esas letras rosas y tan relevantes en la historia de la música contemporánea mientras resonaban con fuerza temas como “Promises”, “Orgasm Addict” o “Ever Fallen In Love?” fue algo sentido, sobre todo porque la banda no se acomodó y, a pesar de contar con años y kilos de más, se retroalimentó de la energía de un público entregado. Urge Overkill volvieron a los escenarios para presentar su nuevo disco; el primero tras dieciséis años de silencio, aunque fueron “Nixon Air” o “Take Me” de “Exit The Dragon” y “Saturation” los que calaron. Y tras ellos llegó ella, Lisa Kekaula, líder de The Bellrays, quien subida a unos tacones de aguja no paró ni un segundo, para demostrar por qué se convirtió en la dueña y señora de la noche. “¿Es este un show de rock’n’roll?”, se preguntaba mientras esgrimían los primeros acordes de “One Big Party”. Pero para desfase el que llevaban D-Generation y Jesse Malin, quienes iniciaban el el Turborock su breve tour europeo exclusivo. No faltaron los himnos de “No Lunch” (“No Way Out”), ni un carismático y pasado Malin desnudándose y arrojando sillas de plástico poco antes de subirse a la barra y pedir una cerveza mientras se entregaba como si no hubiera mañana. Craso error los que se marcharon tras la orgía de D-Generation, porque faltaba lo mejor. Guitarras con hologramas de la Virgen María, unas pintas de entre rednecks y mormones y sobre todo buenas canciones y mucha fuerza. Llegaron Slim Cessna’s Auto Club. Sin dar crédito a lo que presenciábamos, escuchamos letras sangrantes e hirientes envueltas en fantásticos banjos (“Cranston”). Extraña, familiar, nostálgica y sobre todo agradable. Así fue nuestra primera experiencia en el Turborock de Santander. Nos veremos en la siguiente.

Robert Aniento y Marta Terrasa

“El fluido G�rcí�” Nuevo �lbum 18.10.2011

Primer�s fech�s de present�ción: Miércoles 12 de octubre, Z�r�goz� (Interpeñ�s) S�b�do 15 de octubre, Elche (Festiv�l Vin�lopop) Jueves 20 de octubre, B�rcelon� (Apolo, En Person�) Invit�dos: S�nti B�lmes y Juli S�ld�rri�g� de Love of Lesbi�n Jueves 24 de noviembre, M�drid (Circo Price, Heineken Music Selector) S�b�do 21 de enero, Murci� (Auditorio) Viernes 3 de febrero, León (Studio 54) S�b�do 4 de febrero, Ponferr�d� (L� V�c�) S�b�do 24 de m�rzo, V�ll�dolid (Auditorio Miguel Delibes) Much�s m�s fech�s próxim�mente.

“El fluido García” CD, LP, Digital

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MondoSonoro · Octubre 2011 /33/

CONCIERTOS Javiera Mena Fotos Stuart Mac Donald

EBROVISIÓN Sala Multifuncional de Bayas (Miranda de Ebro, Burgos) Fecha 17-09-11 Estilo rock y pop Promotor Asociación Cultural Rafael Izquierdo

1111

SOUTH POP ISLA CRISTINA Sala Isla Cristina (Huelva) Fecha 10-10-11 Estilo pop Público lleno Promotor Green Ufos 1114 Un año más, y van cuatro, el Santa Teresa South Pop Festival vuelve a ofertar además de un cartel selecto con artistas consagrados y valores emergentes, una cuidada organización que permite a los visitantes pegarse dos días de música y relax para todos los bolsillos. Para empezar, Odio París tuvieron la ardua y tediosa tarea de abrir el telón con una valerosa selección de temas oscuros de su disco debut. Guitarras demasiado atmosféricas evocando sin acierto, tiempos pasados con My Bloody Valentine como estandarte. Montevideo tuvieron al público local de cara y es que jugar en casa siempre ayuda. Por lo demás, pop simplón y muy colorido de fácil digestión, en búsqueda, sin éxito, de la perfecta canción pop.

Mièle se erigieron en una de las revelaciones de este año. Exquisita conjunción del pop vintage y chanson la de los francófonos, con una refinada amalgama de estilos e instrumentos variopintos que contagiaron al público de principio a fin. Pony Bravo definitivamente podrían haber puesto música a cualquier film del spaguetti western. Impecables e intachables como siempre, aunque con un pequeño hándicap: Pony Bravo y Fiera en la misma noche, mejor dos platos que uno y así todos llenos y contentos. Dominique A provocó cierto tedio con un set algo homogéneo casi carente de arreglos y bases sampleadas. Sin embargo, no todo fueron cosas malas; muy buenas las adaptaciones de algunos de sus temas más emblemáticos como es el caso de “Pour la peau” o “Je t’ai toujours aimé”, que complacieron a un público exigente. En cualquier caso, el compositor tuvo el privilegio de resarcirse al día siguiente con la inestimable compañía de su nueva musa, Laetitia

Velma. Catpeople cerraron la primera jornada como mejor saben: enardeciendo el ambiente a base de sus nuevos hits luminosos con cierto sabor tropical.

Sin duda fue el final de noche perfecto con un Adrián Pérez más entregado de lo habitual, constatando el porqué es uno de los mejores frontman del país.

Linda Mirada fue la encargada de abrir la segunda y última jornada de conciertos. El público fue el peor aliado de Ana, aún sumergido en la piscina o en la playa. Canciones de bella factura pero algo melosas que fueron quitando ritmo al viejo italodisco que tanto le caracteriza. LCMDF, abreviatura de Le Corps Mince de Francoise, fueron la gran sorpresa de la noche, firmando uno de los conciertos más ovacionados. Contagiosas y vigorosas estas hermanas finlandesas con un electro-pop a medio camino entre Chicks On Speed y Beck. Micah P. Hinson cada vez que sube a un escenario no deja de sorprendernos, aunque sea con el brazo en cabestrillo y reinventándose una vez más, para convertirse por momentos en el mismísimo Frank Black e interpretar de cabo a rabo el “Trompe Le Monde” de Pixies. Los zaragozanos Tachenko, como banda de acompañamiento, imprimieron con firmeza ese ritmo cáustico que tanto singularizó a los estadouni-

Micah P. Hinson

Atom Rhumba

“Silly Simphonies”, haciéndonos recordar por qué hace unos años la liaron bien parda. De todas maneras, lo más celebrado fue su versión de “Freed From Desire” de Gala.

El sábado empezó bien prontito para los más madrugadores y los padres de familia, ya que el espectáculo Minimúsica desembarcó en Miranda de Ebro para protagonizar Ebropeque, la versión infantil de Ebrovisión. Más tarde, Micah P. Hinson & The Pioneers Saboteurs se enfrentaron al “Trompe le Monde” de Pixies, en un concierto especial por muchos motivos, pero sobre todo por el factor humano, al reencontrarse el norteamericano (y los maños de Tachenko, su banda acompañante) con cientos de fans tras el preocupante accidente de tráfico sufrido hace poco. Emotividad y despiporre. Y es que, aunque no vimos a Lost Acapulco, sabemos de buena tinta que la banda mexicana (como quedó bien patente con el uso de sus máscaras de lucha libre) desbarró de lo lindo, ofreciendo un enérgico, divertido y surfero recital. Sin respiro, la cosa continuó en el casco viejo mirandés, con la ya tradicional comida popular, amenizada en esta ocasión por Fira Fem, Eladio y los Seres Queridos, The Brontës y Varry Brava a bordo del Red Bull Tour Bus. Buen rollito y confraternización entre ebrovisivos. Tras nueve actuaciones, decir que la de Pony Bravo fue la primera del festival el sábado suena a coña, pero así fue, al menos en lo que a los conciertos del Multifuncional de Bayas se refiere. Este día sí que la programación arrancó con tino, pues a los andaluces les siguieron los vascos de Atom Rhumba, propuesta diferente pero perfectamente compatible. Ellos pusieron el rock and roll. La electricidad se rebajó con los ingleses Erland & The Carnival, de tempo más relajado y toques más folkies y pop.

Grupo de muchos matices, su propuesta gustó, pues no andan faltos de recursos los londinenses. La chilena Javiera Mena se ha convertido ya en una habitual de nuestros escenarios en apenas unos meses. En la cita burgalesa se vio lastrada por un sonido deficiente que no dejó que temas como “Primera estrella”, “Sufrir” o “Hasta la verdad” se mostrasen como los hits electro pop que son. Una pena, aunque su versión de “Yo no te pido la luna” fue de lo más coreado de la noche. Aunque, para cánticos colectivos, los del bolo de Vetusta Morla, los grandes culpables de que se agotaran las entradas. Vale que ya tienen casi tantos detractores como fans y que las canciones del disco de debut siguen tirando del carro, funcionando mejor que las de “Mapas”, el segundo de los madrileños, pero no se le puede reprochar absolutamente nada. Simplemente, arrasaron en su nueva visita al festival. El fin de fiesta con “La cuadratura del círculo” fue de esos que erizan el vello, con total comunión entre banda y público. Por si había algún escéptico en el lugar. Cerraron Delorean, siempre cumplidores en sus shows y efectivos a la hora de meterle el ritmo en el cuerpo al personal. Joseba Vegas

Saint Etienne Foto Javier Agreda

Con todo vendido para la jornada de sábado, récord global de asistencia superado y más conciertos y sesiones que nunca, repartidos en mayor número de emplazamientos, es como se cerró la edición número once de Ebrovisión, el festival de Miranda de Ebro.

El jueves día 15 arrancó en su antiguo emplazamiento, la Fábrica de Tornillos, la ya habitual jornada de bienvenida, una especie de fiesta pre-festival que ya casi es una fecha más del mismo. Con Maga, Estereotypo, The Wellingtons y The Meeting Point como grupos en directo, más Chema Rey a los platos, todo quedó listo para que la localidad burgalesa acogiese las dos jornadas principales del evento y recibiese al grueso de los “ebrovisivos”, entre los cuales nos encontrábamos. No llegamos, sin embargo, a tiempo para las actuaciones que, ya a mediodía, tuvieron lugar en el centro de Miranda, en plena zona peatonal. Así, nos perdimos a El Secreto de Amelie, Last Dandies y Ruidoblanco, viajeros del Red Bull Tour Bus, una de las novedades de Ebrovisión este año. Para cuando pusimos un pie en el Multifuncional de Bayas, sede de los conciertos grandes, Bigott acababa de terminar.

Cuentan que ya había media entrada a primera hora y que la cosa fue carburando de manera que los allí presentes disfrutaron de lo lindo con el maño, bien escudado por Muni Camón y Paco Loco. Dientes largos. Con Supersubmarina ya pudimos vivir en primera persona el tremendo crecimiento de la banda en el último año (el tiempo transcurrido desde que actuasen en Ebrovisión dentro de la programación de mediodía). Recinto prácticamente lleno y karaokes multitudinarios para un grupo que, sobre todo, pareció encandilar a los asistentes más jovencitos. La próxima vez que actúen en Miranda seguramente lo hagan en horario estelar.

Tras ellos, Lapido sufrió en sus carnes la espantada del sector teen, desconocedor del legado de quien un día lideró 091. Quizá habría sido más acertado programarle después de Bigott. Aun así, concierto más que correcto, sin llegar a ser tan disfrutable como en una sala pequeña. Xoel López salió a escena en solitario, guitarra acústica en ristre y pandereta y bombo a los pies, pero pronto se hizo acompañar de toda su banda. Mucho nostálgico de Deluxe, aunque el gallego dejó claro estar ya a otra cosa. “Hombre de ninguna parte”, por ejemplo, demostró lo lejos quedan los tiempos en los que Xoel cantaba en inglés y trataba de emular a los grandes del pop británico. Aun así, mantiene un núcleo importante de fieles, quedó claro. Tras un esperado reencuentro, la primera toma de contacto para muchos con The View, los sin embargo cabezas de cartel del viernes. El grupo escocés no es Franz Ferdinand, pero la verdad es que dejó buen sabor de boca.

Con canciones que no llegan a hits, pero que son efectivas, más actitud y entrega, el show mereció realmente la pena. Después, para poner punto final a los directos, Mendetz presentaban

denses. Por su parte, Exsonvaldes cumplieron con creces el preceder la actuación de Micah P. Hinson. Claras reminiscencias de Phoenix y Radiohead con unas bases y ritmos muy bien ejecutados, que provocarían el aplauso general del público. Saint Etienne pusieron el broche final con un concierto memorable cargado de hits insignes de toda una generación de aficionados que durante veinte años continúa idolatrando ese pop bailable y elegante del trío londinense. El momento en que sonaron los primeros acordes del “Nothing Can Stop Us” el auditorio se vino arriba y no paró de vitorear y palmear cada uno de sus hits. Javier Solís

Vienen: Pamplona Publican: “La ciudad de las palmeras” (Gor/Clifford, 11) En la onda de: Dinosaur Jr, Wilco, Leonard Cohen

R

Dani Llamas Foto Archivo

egresan Edu Ugarte (Half Foot Outside) y Juan Maraví (Sök) y lo hacen dos años después de “Muy Fellini” (09), para entregarnos “La ciudad de las palmeras”, un segundo álbum editado en CD por Gor y en vinilo por Clifford. Según Ugarte, el disco nuevo “ya no es el experimento que fue el primero, sino que está todo mucho más pensado y estructurado. Los arreglos del disco han quedado muy bien también, le

Dani Llamas Vienen de: Jerez de la Frontera (Cádiz) Publican: “Minor Epic” (Red Vanette Music) En la onda de: Wilco, Ainara Legardon, Neil Young El jerezano entrega su segundo disco al margen de GAS Drummers, un trabajo más oscuro pero no por ello falto de delicadeza. A Llamas se le ve como pez en el agua en estos registros. No es que no fuera así con los Drummers, pero igual nos vamos haciendo mayores. “Te juro que te iba a decir que es la edad, por dar una salida fácil. Ni siquiera yo lo sé. Cada vez uno es más consciente de que tiene pliegues, de que puede doblarse en uno mismo, reinventarse”. Llamas me contaba en su día que este trabajo era para escucharlo de noche, y está en lo cierto. “El disco nace de una especie de apuesta con mi amigo Julio de la Rosa. Él me reta a hacer un disco para escuchar de noche, y yo lo hago. A partir de ahí remuevo los lodos de mi parte más oscura para hacer la música y la letra. Casi me deja secuelas, pero ha sido como vomitar, ahora me siento mucho más feliz... hay imaginaciones de las peores situaciones que uno puede vivir: el miedo, el engaño, la muerte y la tristeza. Soy un tipo corriente, y me gusta mucho reír, y además soy del Barça. De verás no estoy pensando en suicidarme ni inducir a nadie a ello (risas)”. Canciones como “Fate And Guns” o “Ectasy” podrían ser banda sonora de película, para entendernos, me las imagino en “Dead Man” por ejemplo.

Llamas come gracias a su trabajo tras la cámara, puede que ahí se encuentre el nexo de unión entre ambas pasiones. “Estoy seguro de que mis dos mundos, el cine y la música, se cruzan cada vez más”. ■ Rafa Angulo

han dado mucha elegancia a las canciones”, temas en los que Maraví “ha cambiado la forma de cantar”. Así, por ejemplo, en “México”: “hay claramente un cambio en su voz, que parece inspirada por la oscuridad de Leonard Cohen, tenue y misteriosa”.

Además, “el primer disco fue cincuenta por ciento acústico y cincuenta eléctrico y ya hace tiempo que en directo lo tocábamos al cien por cien en eléctrico, por lo que quisimos dar un cambio en este sentido y volvernos más eléctricos. Creo que el contraste es lo que hace el disco más ameno”.

Las letras, mucho más trabajadas en la nueva entrega, hacen uso de la primera persona. “Todas las letras tienen algo de autobiográfico, aunque también las

hay inspiradas en historias inventadas, así como en otras reales pero de personas de nuestro entorno”.

En definitiva, “La ciudad de las palmeras” es un trabajo mejor escrito, mejor interpretado y arreglado con mayor mimo. Y es que “este segundo disco afianza a la banda en todos los sentidos, está hecho en mejores condiciones y con el proyecto más asentado. En el debut seguíamos con nuestros grupos anteriores y no teníamos tan claro lo que queríamos hacer”.

Ahora, con las ideas claras, “aspiramos a poder seguir tocando con asiduidad y que nuestra música llegue a la gente. Poder seguir grabando discos y que la chispa siga ahí para seguir haciendo música muchos años”. ■ Joseba Vegas

The Delta Saints Foto Archivo

Muy Fellini

AAMP es el proyecto liderado por el californiano afincado en nuestro país Aqeel y David Alonso que, tal y como confirma el vocalista, tuvo sus inicios en proyectos pasados. “Surgió en torno a 2008, cuando monté una banda y comenzamos a tocar juntos canciones de mis discos antiguos y versiones por bares.

Ensayando en el local comenzamos a componer temas”. Eso fue después de que el músico cambiase Los Ángeles por Mallorca y posteriormente Madrid. “Allí era peluquero y no tenía tiempo para ensayar y dedicarme a hacer música, así que decidí aprovechar la oportunidad de ir a Mallorca para cantar en los hoteles. Así podía ganar dinero y aprender”. A continuación bautizaron el grupo con las misteriosas siglas de AAMP. “Significan: Siempre Observando Poder Mental”. Su primer disco bajo tal denominación es una despreocupada y rítmica conjunción estilística de soul, rock, funky, groove y R&B. “Yo lo definiría como buena música. Hemos metido las influencias de cada uno en la sopa y de ahí salen los sabores”. Más evidente es el objetivo final de dichas composiciones. “Que la gente se lo pase bien, buen rollo, funk, sexo, diversión… buenas vibraciones”. La mejor manera de comprobarlo es sin duda en directo, disfrutando de una incuestionable contundencia instrumental y la intensa voz del entrevistado. “Algunos se quedan asombrados, pero las reacciones son siempre positivas y todo el mundo acaba bailando y pidiendo más”. ■ Raúl Julián

AAMP Vienen de: Madrid Publican: “The Fantastical Revenge” (I+D Music/Pias, 11) En la onda de: Bloc Party, David McAlmont, Rinôçérôse

Muy Fellini Foto Archivo

/34/ Octubre 2011 · MondoSonoro

The Delta Saints Vienen de: Estados Unidos Publican: “A Bird Called Angola” (Autoeditado, 11) En la onda de: The Blues Traveler, The Felice Brothers, Screaming Cheetah Wheelies

AAMP Foto Archivo

escaparate

Jóvenes, muy jóvenes y prometedores son los chicos de The Delta Saints, que tras una primera entrega, bajo el título de “Pray On”, se personan como una banda muy a tener en cuenta. Se sienten totalmente liberados y sabedores de que no hay banda capaz de igualar su sonido con una media de edad tan corta. “A Bird Called Angola” viene a ser el asentamiento del conjunto de Ben Ringel.

“Cuando estábamos escribiendo y grabando cada EP, ambos estaban destinados a ser una confirmación de lo que éramos y de cómo sonábamos. Lo que hemos aprendido a través del tiempo y la experiencia es que estos trabajos fueron una entrada a la escena como también un descubrimiento de nuestro sonido”. Lo tienen muy claro, desde luego, pues en la originalidad y en la diferencia está la clave. “Para tener éxito hay que ser lo suficientemente diferentes como para atrapar los oídos de la gente”. Pero siempre atentos y profesionales. The Delta Saints planean sobre el panorama de manera independiente, sin ataduras y manejando su propio futuro. Incluso son conscientes de que para trabajar en el presente tienen que conocer el pasado.

“Mi opinión es que uno no necesita un pasado problemático o difícil para escribir una buena canción. Siempre y cuando lo que escribas provenga de un lugar honesto. No creo que importe quién o qué eres”. A tenor de la alta calidad de los dos Ep’s editados, las ganas de ponerse con un trabajo de larga duración es el presente objetivo. Estarán actuando en España desde el 1 hasta el 9 de octubre. ■ Charly Hernández

Dos Gajos Foto Archivo

MondoSonoro · Octubre 2011 /35/

Los Guajes Vienen de: Gijón (Asturias) Publican: “La vida es como un carrusel” (Fonográfica Peñarrubia, 11) En la onda de: Dr. Explosion, Los Bravos, Wau y los Arrrghs!!!

Dos Gajos Viene de: Gijón Publican: “Dos gajos” (Repetidor, 2011) En la onda de: Jad Fair, Jonathan Richman, Billy Childish

meternos en vereda, y de este modo los resultados siempre han sido de lo más satisfactorio”. Después de un primer disco de versiones con alguna incursión en la composición y un segundo elepé -siempre con el vinilo como soporte-, ya plagado de composiciones propias en las que ya se reafirman en su credo musical, el grupo vuelve a la carga en poco tiempo con otra entrega que “nos ha vuelto a dejar en la más absoluta bancarrota, pero estamos muy orgullosos de su contenido, letras atrevidas, ritmos galopantes, alguna que otra baladita para esos momentos íntimos, un diseño que sigue los gustos de la juventud, y todo esto a un precio popular. ¡Qué más se puede pedir!”. Ahora falta saber qué es lo que el grupo trata de sacar en claro de todo esto. “En primer lugar que no nos echen de nuestros respectivos trabajos. Tenemos por desgracia unos jefes bigotudos y beatos que ven con malos ojos nuestra relación con el twist y el rock and roll, y después, suponemos que, como la gran mayoría, buscamos chicas y dinero para poder presumir delante de aquellos triunfadores del instituto que otrora tanto se rieron de nosotros, abocados hoy, en su mayoría, a la obesidad y la alopecia, y al deterioro psicológico que suponen los hijos y la familia”.

■ José Luís Quirós

Edith Crash Foto Archivo

Resulta inevitable presentar el disco de debut de Dos Gajos como el comeback de Juan Carlos, quien fuera guitarrista de Penelope Trip y del que perdimos la pista casi por completo desde que la banda se disolviera allá por 1997. “Durante unos años seguí tocando con colegas por pura diversión, y en el ‘Actos inexplicables’ de Nacho Vegas metí un par de arreglos de guitarra. Después de eso me marché a vivir a Inglaterra y me olvidé completamente de la música, hasta vendí la guitarra. Pero en mi último año allí volví a animarme a tocar con un amigo y poco a poco empezó a entrarme el gusanillo de componer canciones. A partir de ese día empezaron a salirme como churros, y ahora tenemos tantas que no sabemos lo que hacer con ellas…”. Juan Carlos habla en plural porque Dos Gajos no termina de tomar forma hasta que Esperanza aparece en escena. “Yo quería grabar las canciones para ver cómo sonaban, así que hablé con Rafa (La Jr., AA Tigre) para hacerlo en su estudio doméstico. La idea inicial era llamar a amigos para que metieran las voces, pero Rafa me convenció de que tenía que hacerlo yo, y cuando le comenté que me apetecía hacer algo a dos voces con una chica me sugirió la opción de Esperanza, su chica”. El resultado es una colección de canciones de pop lo-fi y desnudo, saltarín pero contenido, que resulta imposible relacionar con las abrasivas guitarras marca de la casa en sus años en el grupo emblema de la generación noise-pop. ■ Luis J. Menéndez

L

os asturianos vuelven con su tercer larga duración, “La vida es como un carrusel”, en el que vuelven a hacer gala de su alegría y buen humor con un puñado de canciones empapadas de ritmos sesenteros y lírica mordaz. El grupo continua fiel, desde su primera grabación, a los estudios analógicos de Circo Perrotti en la ciudad que les ha visto nacer como grupo: Gijón. La producción ha corrido de nuevo a cargo del polifacético Jorge Explosión quien les ha registrado sin poner más ketchup del necesario. “Pues como debe de ser, recapacite y piense usted en ese restaurante en el que le ofrecen una merluza en salsa tal... regada con no sé qué... salpicada con lo de más allá... al final se descubre que todos esos ornamentos no son más que una urdidumbre para disimular la putrefacción del animal. Comparaciones y metáforas al margen, una vez que entramos en el estudio solemos acatar sin rechistar las indicaciones y reprimendas del gran Jorge Explosión que es de los pocos tipos capaces de

escaparate

Edith Crash Afincada en Barcelona desde hace diez años, Edith Crash ha tocado en cualquier lugar en la que haya sido invitada, y cuando finalmente se ha visto preparada para grabar en condiciones, ha dado el gran paso. Ahora, después de hacer vida en The Cannibal Queen tocando el bajo y colaborar con Muerte Swing, ha llegado la hora de sacar su primer larga duración, tras un Ep que se podía escuchar vía Internet. “Está bien ser polivalente y no encerrarse solamente en uno mismo, y como me gustan un montón de estilos, me gusta investigar dentro de cada movimiento, y la verdad, no me gusta etiquetarme, hay que dejar que fluyan las cosas, y es así como todo puede sonar diferente”. La esencia de Edith Crash está en el directo, dada su vertiente más acústica y más cruda, así que entrar en el estudio era un reto para ella.

“Cuando grabas quieres que todo suene perfecto, y a veces se pierde un poco de espontaneidad, de naturalidad, ya que la realidad de un músico es el directo, pero para mí era la oportunidad de perder ese miedo y disfrutar de la experiencia”. Musicalmente ella tiene los ojos puestos en el folk, en el blues, en el punk, definiendo un estilo propio y muy peculiar. “Voy absorbiendo de muchas cosas y al final todo se va quedando ahí. Se mezcla y surge, y entonces es cuando cojo la guitarra y empiezo a tocar durante horas, y de repente hay algo que me gusta y me quedo con ello”. ■ Toni Castarnado

Clara Sánchez Puga (voz y guitarra) y Nacho Montero (batería) son His Majesty The King, grupo que con apenas una maqueta y un EP ya sacó la cabeza en el panorama independiente madrileño y que ahora, con su primer álbum, “Long Story Sort”, confirma todo lo bueno que se esperaba de ellos, con los noventa en el punto de mira. (Nacho) “Siempre he sido muy fan de Pavement, y por supuesto hay canciones en las que se nota, igual que hay cosas de Sonic Youth o Pixies. Es lo que hemos escuchado siempre, la música de nuestra generación. Para nosotros es algo muy natural”. Grabado en seis días en los estudios Garate de Kaki Arkarazo, con Javi Ferrás (Orlando, Polen, Inhabitants) como productor, “Long Story Sort” es un disco que respira espontaneidad en temas como “Ow”, “¡Hola!” o “Langostino”, incluyendo un cambio de papeles (“estoy aprendiendo a tocar la batería, aunque de momento ritmos muy básicos”, comenta Clara), a la vez que se detiene en un noise pop con sabor a clásico (“Home”).

La historia de His Majesty The King comenzó hace un par de años de la mano de Clara, hasta que la llegada de Nacho dio forma definitiva a este ruidoso y eléctrico dúo. (Clara) “Empecé tocando con la acústica, pero tenía claro que no era lo que buscaba.

Al primer concierto vino a verme Nacho, y cuando terminó hablamos y quedamos a tocar en el local; el caso es que no lo veía muy claro, porque me daba un poco de miedo, o más bien pereza, la típica dinámica de democracia de grupo.

Pero no tenía sentido seguir sola, porque no quería tocar en acústico... Y lo que iban a ser dos canciones acabaron siendo todas, además de cambiar la guitarra acústica por la eléctrica”. ■ Enrique Peñas

His Majesty The King Vienen: Madrid Publican: “Long Story Sort” (Cuervo, 11) En la onda de: Pavement, The Breeders, Magnapop

His Majesty The King Foto Archivo

Vienen de: Perpignan (Francia)/Barcelona Publican: “De L’Autre Coté” (Autoeditado, 11) En la onda de: Ani Difranco, Zaz, Maika Makovski.

Los Guajes Foto Archivo

VINILOS CHUCK RAGAN

“Covering Ground” Side One Dummy

FOLK-ROCK

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Vuelve una de las voces más reconocibles de la hornada de admiradores del Springsteen más luchador, esa rota de Chuck Ragan. El ex Hot Water Music se despacha a gusto con diez piezas marca de la casa, guitarras, vientos y armónicas mediante, que siguen el camino marcado por notables discos como lo fueron en su momento “Feast Or Famine” o “Gold Country”.

Siquiera un peldaño por debajo de aquellos en lo que a intensidad se refiere, sería torpe no reconocer aquí un tono mucho más sosegado y cercano a cánones más clásicos que aquellos que gobernaban los álbumes precedentes, un trabajo en definitiva mucho más solitario y de luna y estrellas que de incendiar un escenario contra las administraciones de su país. “Covering Ground” supone un paso decidido hacia el lado más melancólico de un Ragan que va cumpliendo años y se va sintiendo cada vez más a gusto con su papel de trovador maduro, muy en la línea de aquellos que acaban convirtiéndose en objeto de culto de la América profunda más crítica, tan pronto carismáticos auteurs como recalcitrantes lobos esteparios. Ignacio Pato L.

THE BONGOLIAN

“Bongos For Beatniks” Blow Up Records

JAZZ

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“Bongos For Beatniks” es un increíble disco en solitario tras el que se esconde ni más ni menos que el inclasificable Masse Bouzida (más conocido por ser el frontman de Big Boss Man). Y su propuesta sorprende por su efectividad, por su auténtica locura y por lo extraño de su sonoridad. “Bongos For Beatniks” es una mezcla perfecta entre el pop de los setenta, el rhythm&blues, el latin soul boogaloo y groovy funk, en este caso facturado con la ayuda de un sucio órgano Hammond al que acompañan unos enérgicos bongos con los que parece competir en todo momento. Lo cierto es que el híbrido de The Bongolian resulta ideal para revitalizar ese género anquilosado que es el mal llamado acid jazz, gracias a una orgía de ritmo, un Hammond desbocado, sintetizadores añejos y unos bongos que echan fuego. Ivan Ferrer

LIAM FINN “FOMO”

Coop/Music As Usual

POP

111

A veces, la ignorancia puede ser una ventaja, sobre todo en el caso de que no conozcas de quién es hijo Liam Finn, pues serás capaz de enfrentarte a su música sin las eternas comparaciones con papá; Neil Finn (Crowded House, Split Enz). El joven Finn debutó con “I’ll Be Lighting”, título acertadísimo para un debut incendiario, fresco y conmovedor, en la que demostró sus dotes como compositor y multi-instrumentalista musculoso.

Lo mismo que sus directos. Ahora, llega el

/39/ Octubre 2011 · MondoSonoro

momento de repetir la jugada con “FOMO” –acrónimo de “Fear Of Missing Out” (miedo a perderse algo). Un disco mucho más ecléctico en el que demuestra la capacidad de concebir melodías jugosas, ritmos pegadizos, pero también temas alejados a sus inicios.

“Real Late” muestra un lado más sensual y pícaro, “Neurotic World”, con la que se inicia el disco, es más continuista, en la línea de ese fantástico “Second Chance” del debut.

Como “Don’t Even Know Your Name”. Capa sobre capa, a golpe de piano, percusión y su bonita y enigmática voz, consigue mezclar propuestas a veces cercanas al folk (“Little Words”), otros al pop-rock de corte más clásico (“Reckless”) y al dream pop (“Cold Feet”). Marta Terrasa

the drums confirman las expectativas

MARYLAND

“Get Cold Feet” Ernie Producciones

ROCK

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Segunda larga duración de este quinteto vigués que vuelven a la palestra después de dejarnos una pequeña muestra de sus intenciones en aquel “Surprise” (2009). Y vuelven de una forma mucho más madura, con ese rock emocional que te atrapa y te envuelve. Porque al fin y al cabo las canciones de Maryland son eso, pequeños pero intensos cortes de distorsión controlada y efectos que aúnan fragilidad y emotividad por partes iguales. Bajo la batuta de Jaime García Soriano (Sexy Sadie) Maryland se acerca a Snow Patrol o Last Days Of April en temas como “Red Boots” o “25 Springs”, sin dejar de lado su afinidad por los baleares Sexy Sadie en su mejor versión con canciones como “Atom Bomb”, “LUX” o “Every moment”. Ahora que los propios mallorquines están de vuelta y grupos como Maryland reavivan la llama del pop de guitarras vibrantes, todo vuelve a su curso. “Get Cold Feet” es un paso adelante de la formación gallega que poco a poco va ganándose un lugar es la escena nacional. Siguen recorriéndose toda la península y se empeñan en que va siendo hora de tomárselos en serio. Hagámoslo.

Marcos Martín Lora

THE JAYHAWKS

“Mockingbird Time” Rounder/Universal

AMERICANA

The Drums Foto Archivo

THE DRUMS “Portamento”

Moshi Moshi/Music As Usual

POP

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Discos como “Portamento” hacen falta, mucha falta. ¿Para qué?, dirán ustedes. Pues muy sencillo, para que la casi siempre despectiva palabra hype pierda día tras día valor en boca de los más miopes, y empiece a valorarse a los nuevos artistas por sus canciones y no por motivos extramusicales. Porque, vamos a ver, a The Drums les cayeron por muchos flancos, todas por motivos ajenos a unas composiciones: por su imagen, por la forma de moverse de Jonathan Pierce sobre el escenario, porque llevaban pregrabados en concierto, por la atención que se le brindaba a un grupo americano en el Reino Unido. Aun así, consiguieron que muchos se uniesen a su causa más allá de “Let’s Go Surfing”, un tema que no fue pura chiripa y que no les ha convertido en unos one hit wonders del

indie pop actual. Quienes comulgaron con su pop británico amanerado (aunque es cierto que nunca habían sonado tanto a The Smiths como en “Money”) estarán orgullosos ahora de ver respaldada su confianza con este segundo larga duración de la banda. Quizás suene a tópico, pero “Portamento” deja entrever unas cotas de madurez e inspiración loables para un segundo álbum. Súmenle a eso que, en lugar de dirigir sus esfuerzos a sonar más comerciales, The Drums han cargado las tintas en su cara más intimista, en ambientes más oscuros y en aportar matices electrónicos nada cómodos precisamente (“Searching For Heaven”). El resultado es un álbum que busca las escuchas, la inmersión en sus recovecos y no la gratificación de la inmediatez. “Portamento” no encanta a la primera, reclama calma y atención. Y es que sus creadores son lo suficientemente inteligentes para que la fulminante eficacia del hit single que les dio a conocer no canibalice un repertorio que merece ser disfrutado con fruición. Esta vez sí, un disco que confirma expectativas. Joan S. Luna

114

Si nos atenemos a lo que dicen Gary Louris y Mark Olson, ambos se reencontraron para reverdecer laureles y que la hierba siguiera verde y brillante como una patena. Si nos atenemos a lo que dicen las siempre imperantes cuentas corrientes, aquí había el interés añadido de rescatar un dinosaurio, aprovechando el prestigio que la americana de nueva generación les había proporcionado en su calidad de pioneros. Un interés, nada disimulado, que ha dado pie a que las composiciones de este voluntarioso aunque totalmente inocuo “Mockingbird Time” rememoren sin ningún tipo de problema el sonido clásico de la banda, pero sin las canciones que los pusieron en el punto de mira tardío de la crítica y el aficionado. Y ese es el principal drama de toda esta historia. El drama con el que ha tenido que convivir Gary Louris durante esta última década. A mediados de los noventa se sacaban de la chistera clásicos atemporales como “Blue” o “Waiting For The Sun” y no parecía importarle a casi nadie, y ahora que la gente les rinde pleitesía son incapaces de dar con un solo corte que se asome a la leyenda.

Así de cierto, así de crudo. Don Disturbios

en la onda

KRAFTWERK

“Radio-Activity” (1975) 11114

Después de las luminosas melodías de “Autobahn” (1974), llegó el momento de la melancolía, camino análogo al que recorren Pierce, Graham y Hanwick entre su debut homónimo y este “Portamento” en el que los sintetizadores inspirados en Wendy Carlos, Jean Michel Jarre y, sobre todo, Kraftwerk se cuelan hasta la cocina (“Searching For Heaven”).

THE ASSOCIATES

THE FIELD MICE

11114

11114

“The Affectionate Punch” (1980) Es habitual asociar el sonido de The Drums con la herencia de nombres como The Cure, pero si hay un grupo del período post-punk al que recuerden, especialmente en temas como “If He Likes It Let Him Do It” o “I Need A Doctor”, es a The Associates, más aun si pensamos en la teatralidad del malogrado Billy Mackenzie.

“For Keeps” (1991) Además de las manidas referencias a Orange Juice o The Smiths, entre los favoritos de The Drums se cuentan no pocos grupos de Sarah Records, con The Field Mice a la cabeza. Y no podía ser de otra manera con algunas de las maravillas pop que firmaron. Su rastro aparece en la atmósfera de cortes como “Please Don’t Leave”. Enrique Peñas

vinilos /40/ Octubre 2011 · MondoSonoro

miles kane, la nueva generación pisa fuerte DUM DUM GIRLS “Only In Dreams” Sub Pop/Popstock!

POP

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Vaya por delante que “Only In Dreams” no es un mal disco, pero la verdad es que casi no hay rastro de la inspiración y de la chispa pop de sus primeros singles y de su celebrado debut “I Will Be”. Siendo sinceros, el poco satisfactorio EP que le precedió, “He Gets Me High”, primer material producido por el raveonette Sune Rose Wagner (que repite en “Only In Dreams” acompañado de Richard Gottehrer), ya daba pistas sobre el desafortunado giro AOR que ha acabado tomando la carrera de las otrora reinas de lo cool Dum Dum Girls. Ahora, aunque duela reconocerlo, el grupo capitaneado por la esquiva Dee Dee Penny tiene más puntos en común con los primeros Texas, que con Talulah Gosh y Black Tambourine. Quizás busquen en este lavado de cara llegar a un nuevo público, y nos quieran vender la moto de que se trata de una evolución en su sonido y demás, pero la verdad es que con “Only In Dreams” la carroza se ha convertido en una calabaza algo fea. Una pena. Xavi Sánchez Pons

Miles Kane Foto Archivo

MILES KANE

“Colour Of The Trap” Sony Music/Columbia

ROCK

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Desde los tiempos embarrados de Richard Ashcroft la elegancia dentro de un álbum era complicada de percibir hasta el día de hoy. Miles Kane, el joven que con la mayoría de edad apenas cumplida ya intentó agitar los pilares del brit-pop con The Little Flames o The Rascals (aunque ha destacado más por co-liderar The Last Shadow Puppets junto a Alex Turner), muestra sus mejores artes en solitario con “Colour Of The Trap”. De hecho, seis de los doce cortes están compuestos mano

a mano con el líder de Arctic Monkeys. El resultado es un trabajo más que sobresaliente que cabalga desde el pop más oscuro hasta la psicodelia más ácida. Tocado por la barita mágica de Dan Carey (Franz Ferdinand, Hot Chip) y Dan The Automator (Gorillaz, Kasabian), el resultado de canciones como “Kingcrawler”, “Better Left Invisible” o “Counting Down The Days” es un espectáculo constante de principio a fin, maniobrando en sonoridades retro muy bien traídas. Altamente destacable es la colaboración de Noel Gallagher en “My Fantasy”, soberbia pieza que, junto al single “Come Closer”, hacen de este trabajo una perfecta joya dentro del actual panorama británico.

Charly Hernández

DAVE ALVIN

BALAM ACAB

FIONN REGAN

Yep Roc Records

Tri Angle

Heavenly/V2

“Wander/Wonder”

“Eleven, Eleven” ROCK

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A estas alturas no hace falta presentar a toda una leyenda de la Americana más primigenia y la música fronteriza como Dave Alvin, pero, por si acaso, daremos un par de pinceladas para que todo el mundo sepa de qué clase de tipo estamos hablando. Alvin nació en California y desde que era un adolescente se dedicó a tocar la guitarra y frecuentar los locales Honky Tonk en compañía de su hermano, con el que formó la famosa banda de rock de raíces The Blasters con los que alcanzaron la categoría de grupo de culto en los ochenta. Tras esto varias aventuras en solitario hasta llegar a este “Eleven, Eleven”, su último disco, una verdadera joya de música tradicional americana, en concreto, rock, blues, rockabilly y country. Una imagen inmejorable, virtuosismo en la guitarra, voz grave y profunda que suena a Texas y a bourbon, excelencia en la producción y una gran colección de canciones entre las que brillan la eléctrica “Harlan County Lane”, el beat prestado de Bo Diddley en la animada “Run Conejo, Run”, el dueto con su hermano de “What’s Up With You Brother?” y la intensa “Murrieta’s Dead”. Daniel Arnal

ELECTRÓNICA

“100 Acres Of Sycamore” 111

A falta de un comisario del libro Guinness de los Récords que levante acta y lo confirme, el witch-house bien puede pasar a la historia como el más efímero movimiento musical de la historia del pop. Un solo disco largo y un puñado de Ep’s dan cuenta del género que nos mantuvo entretenidos durante unas semanas del 2010 a los amantes de las nuevas tendencias en la electrónica. “Wander/ Wonder” debería haber sido el paso que confirmase que hay vida más allá de Salem, sin embargo Balam Acab -autor de aquel “See Birds EP” que se recordará como uno de los momentos más reseñables de la moda “witch”- se bate en retirada con un disco que apunta a nuevos horizontes aún manteniendo determinadas constantes que le vinculan a su pasado inmediato. Desde luego el pulso hip hop, del que sin embargo desaparecen los ecos cavernosos que tendían puentes con aquel también fugaz illbient noventero…

Ahora mandan en las ecuaciones musicales de Balam Acab los ecos new age y unas voces ahora operísticas, a continuación pitufadas. Todo muy de su tiempo, muy en sintonía con la rama hipersensible del dubstep.

Luis J. Menéndez

FOLK

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Al escuchar “The Shadow Of An Empire” ahora hace un año muchos se preguntaron qué había sido de aquel trovador irlandés que con su debut, “The End Of History”, se ganó las simpatías de los devotos a lo folk.

Abandonando su anterior espejismo electrificado, Fionn Regan retoma el patrón de sus primigenias composiciones para convertirse por momentos en una suerte de Fleet Foxes embriagado por el soul como ocurre en la titular “100 Acres Of Sycamore”, donde los arreglos orquestales le acompañan para realzar su lamentosa verborrea. Ya sea con una percusión al galope (como ocurre en “The Horses Are Sleep”), agarrando con firmeza la bandera del menos es más (con un piano y una guitarra ya se basta en piezas como “The Lake District”) y edulcorando sus nuevas creaciones con instrumentos de cuerda de épica contenida, Regan vuelve a sus raíces para cantarle al amor. Las manidas comparaciones con Bob Dylan o Neil Young le siguen quedando grandes, pero con este disco (compuesto en la casa mallorquina de la actriz Anna Friel) recupera el encanto que le hizo merecedor de ser nominado a los Mercury Prize. Sergio del Amo

LA INCREÏBLE HISTÒRIA DE CARLES CAROLINA “Música de mercat” Música Global

POP

111

Tras un esperanzador primer larga duración, por nombre “La ensaladilla”, vuelve Ramon “Carles Carolina” Garriga, protagonista de una increíble historia, que ahora encuentra su centro compositivo en un mercado.

Más concretamente en el Mercado del Clot de Barcelona, donde el compositor regenta una parada y desde donde ha cimentado este “Música de mercat”. El también Cabosanroque nos regala un disco ligero e irónico, justo de minutaje, compuesto a base de potencia guitarrera de corte americano, con referentes como Calexico. El conjunto deja entrever aires de psicodelia que, sumada a sintetizadores y Hammond, alcanza equilibrio setentero entre la maraña de riffs. Con tiempo para las transiciones de lujo como en “Som tots dos”, o para los hits repetitivos e hipnóticos, vistazo a “La repetició”, abriendo el álbum, el autor acoge la cotidianeidad por bandera. Creando imágenes con sus composiciones, entre Garriga y Pepe Seguí, han vestido el proyecto, menos colaborativo que el anterior, igual de inmediato y efectivo. Y es que, al parecer la historia acaba de empezar y, de momento, lo ha hecho con muy buen pie. Yeray S. Iborra

GILBERTÁSTICO “Versalles”

Comboi Records

POP

1114

Pasteles calóricos, filigranas arquitectónicas que atentaban al horror vacui y hedonismo perpetuo elevado a su máximo exponencial. Si las paredes del Palacio de Versalles hablaran terminarían confesándonos que la sangre lo invadió todo. Puestos a recordar, rodaron cabezas, al igual que en la portada del álbum debut de Gilbertástico. Tras girar junto a Jonston, el alicantino Gilberto Aubán,

después de dos maquetas autoeditadas que recibieron el beneplácito de Joaquín Pascual (quien ha acabado produciendo esta colección de canciones), aparece hecho todo un burgués en este “Versalles” que funciona a modo de opereta de cámara. Casando sus sedas sonoras con unas letras punzantes sobradas en anécdotas que nos hacen recordar a los Astrud más trotamundos, Aubán consigue firmar algunos de los temas más sinceros y descacharrantes de los últimos meses sin casi proponérselo. Ballenas asesinas que matan al tío de Björk (“Ballenas & venganza”), batallas navajeras universitarias (“Carteles”) o los siempre odiosos camareros que te arrastran a la infelicidad (“Huesos sonrientes”) son sólo algunos de los dados que el artista lanza a su particular percepción del mundo. Si a eso se le suma unos arreglos dominados por el piano, estamos ante uno de esos discos exquisitos dada su rara coraza.

Sergio del Amo

THE DEAR HUNTER

“The Color Spectrum” Triple Crown

ROCK

1114

La banda de Casey Crescenzo, uno de los músicos más insaciables de la escena actual, da el do de pecho con la obra más mastodóntica que han grabado hasta ahora.

Nada menos que una obra conceptual sobre el espectro de color, dividida en nueve epés.

En total treinta y seis canciones y dos horas y media de música. El caso es que cada EP (o color) deriva hacia un estilo diferente pero a la vez encajando asombrosamente dentro del conjunto y del particular universo de The Dear Hunter. Así, por ejemplo, “Red” se ocupa del pop-rock épico, “Orange” del hard-prog retro, “Green” sigue una onda country-folk o “Indigo” deriva hacia la electrónica. Pero no estamos ante una obra conceptual al uso. No, aquí no hay breves interludios que sirvan de nexo de unión de la obra, porque “The Color Spectrum” es ante todo un trabajo de canciones. Todos los temas que forman esta obra pueden funcionar por sí solos como singles, y al mismo tiempo todos juntos forman un trabajo compacto, equilibrado, sin apenas altibajos.

Lo mejor que hasta ahora ha hecho esta singular banda. Ferran Lizana

VV. AA.

“Dirty Water 1 y 2” Year Zero/Music As Usual

ROCK

1111

Si hay alguien que tiene derecho a dirimir en un recopilatorio cuáles son las raíces del punk ese es Kris Needs, editor a la tierna edad de veintitrés añitos del mítico ZigZag Magazine que puso cara y ojos al movimiento en Inglaterra con firmas tan prestigiosas como la de Tony Parsons o Mark Perry. Con el tiempo Needs ha ido haciendo incursiones en la música, llegando incluso a firmar remezclas para sus amigos Primal Scream, pero aún hoy su nombre se relaciona inevitablemente con sus primeros años como periodista. Y como tal ejerce ahora de curator de este doble recopilatorio con dos discos por cabeza.

Lo primero que destaca en “Dirty Water” son los generosísimos libretos de más de setenta páginas en los que Needs traza las conexiones entre la escena punk y cada uno de los nombres que aquí aparecen compilados.

En segundo lugar, aunque aún más importante, una selección que no cae en el tópico y sirve para sacar a la luz nombres más bien ignotos. Porque, sí, por ahí andan los inevitables Stooges, MC5, Velvet Underground o Dictators, pero también Zolar X, The Up, The Tidal Waves o The Vice Creems, en un lectura transversal del punk. Luis J. Menéndez

MondoSonoro · Octubre 2011 /41/

top10

vinilos

björk, rehuyendo los hit singles

internacional THE PINKER TONES “Amigos & Friends” Pinkerland/Atlantic

ELECTRÓNICA

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

THE DRUMS “Portamento”

Coop/Music As Usual

JUSTICE

“Audio, video, disco” Warner

M83

“Hurry Up, We’re Dreaming” Naïve

GIRLS

“Father, Son, Holy Ghost” Turnstile/Pias

MILES KANE

“Colour Of The Trap” Sony Music/Columbia

KAKKMADDAFAKKA “Hest”

Bubbles

FUCKED UP

“David Comes To Life” Matador/Popstock!

WILCO

“The Whole Love” Anti/Pias

BJÖRK

“Biophilia” Universal

111

A lo largo de estos diez años –materializados en cinco largos-, y mediante conciertos, producciones, colaboraciones, The Pinker Tones han hecho muchos y buenos amigos, como demuestra este “Amigos & Friends”. Un decenio reinventándose y compartiendo experiencias en pistas transnacionales, bien merecía una gran celebración que ellos mismos han orquestado. Aunque uno debe siempre pensar en lo peligroso de los homenajes: si en un disco de The Pinker Tones cabe de todo, en un tributo también. Por eso no debe extrañarnos la miscelánea de nombres (¿Berto Romero?): desde unos Ayala a unos Brazzaville que cumplen con corrección, pasando por Maika Makovski junto a Xarim Aresté (Very Pomelo) regalando en “24” la joya del disco. Aunque también hay patinazos como los de Sharma o Miqui Puig.

En definitiva, un disco irregular que, sin aportar demasiado, sí permite aumentar la colección de rarezas inclasificables de Profesor Manso y Mr. Furia. Los más fans deberían hacerse con la cuidada edición limitada (¡con un pedazo de lo que fueron los antiguos estudios Pinkerland en el interior!). Para los que no lo son tanto, una lista de versiones en un ejercicio de merecido autobombo para celebrar los primeros diez años de trayectoria de una de nuestras bandas más internacionales.

Yeray S. Iborra

JAY Z & KANYE WEST “Watch The Throne” Mercury/Universal

top10 nacional

ZOLA JESUS “Conatus”

Souterrain Transmission/Pias

POST PUNK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

Sidonie

“El fluido García” (Octubre)

LOS PILOTOS “Los Pilotos” El Volcán

MENDETZ

“Silly Symphonies” Music Bus/Warner

LOS CORONAS & ARIZONA BABY

“The News Today” Subterfuge

CHINESE CHRISTMAS CARDS “Chinese Christmas

Cards” Mushroom Pillow

THE SECRET SOCIETY “Peores cosas pasan en el mar” Gran Derby Records

THE EYES

“Hold Your Axes. Rip Their Guns” Kaiowas/Divucsa

LOS CANARIOS

“Todas sus grabaciones (1976-1972)” Rama Lama

THE PINKER TONES “Amigos & Friends” Pinkerland/Atlantic

ANNTONA “Grandes

males, remedios regaulares”

Gramaciones Gramofónicas

Björk Foto Archivo

BJÖRK

“Biophilia” Universal

EXPERIMENTAL

1111

Björk levantó su enorme prestigio cuando demostró que vanguardia y accesibilidad pueden ir de la mano. Hasta que un día comenzó a aburrirse de rendir cuentas ante su público. Fue entonces, más o menos a la altura de “Medúlla”, cuando arranca una etapa en que se muestra mas interesada por el funambulismo -la ruptura de los cánones en la música popular- que en marcarnos a fuego con cada nuevo lanzamiento. Y en ese sentido pocas cosas cambian con este séptimo disco, en el que la diminuta islandesa se muestra igualmente obsesionada por señalarlos el camino del pop del futuro, un camino que, ojo, no necesariamente es musical. Porque “Biophilia” no es tanto un disco como

un ejercicio multimedia de arte y ensayo preñado de concepto, en el que las aplicaciones para iPhone/iPad, los vídeos o el desarrollo de nuevos instrumentos parecen tan o más importantes que las propias canciones. Dejando de lado aquellos aspectos y centrándonos en estas últimas, la Guðmundsdóttir insiste en la búsqueda de nuevas formas por ejemplo en la renuncia por el clásico compás de 4/4 en “Mutual Core”, “Solstice” o “Hollow”, o en lo aleatorio del Gameleste, ese instrumento creado específicamente para su uso y disfrute. Además, y como lleva ocurriendo desde “Medúlla”, Björk renuncia a cederle la manija a ninguno de sus colaboradores -lo que sí hizo en el pasado con Nellee Hooper, Howie B, Mark Bell o Matmos- convirtiendo “Biophilia” en un nuevo paseo de figurantes -Mark Bell, El Guincho, Zeena Parkins, Damian Taylor...- que aportan pinceladas y aromas diversos, sin que nadie que no sea la firmante imponga su personalidad. Luis J. Menéndez

1111

El revival post-punk que se prolongó durante buena parte de la pasada década se fijó en elementos bailables y/o experimentales renunciando al goticismo que representaban bandas como Siouxsie & The Banshees. Sin embargo, con aquella mina de oro cerrada por sobreexplotación, ha sido Siouxsie Sioux quien ha terminado por convertirse en el modelo presente de una nueva ola de grupos y artistas (Austra, EMA, Esben & The Witch, Anna Calvi), y muy por encima de todos ellos Zola Jesus, que ya coló “Stridulum II” en la lista de los mejores discos del 2010 de esta publicación.

Desde estonces además de disfrutar de su minimalista directo en el Primavera Club, hemos podido escuchar su tête à tête con Jamie Stewart (Xiu Xiu) en Former Ghosts y la colaboración en el nuevo disco de M83, en una muestra clara de que Nika Roza Dalinova amenaza con dar el salto que la convierta en estrella global. Con tanta actividad se entiende que apenas haya habido tiempo físico para planificar “Conatus”, para convertirlo en una vuelta de tuerca a su carrera. Las diferencias entre la Zola Jesus de hoy y la que conocimos en “The Spoils” (2009) y (sobre todo) “Stridulum II” son sutiles, por mucho que en la coproducción Brian Foote sustituye a Alex DeGroot. El cambio no se traduce en nuevos arreglos -su sonido aún se reduce a la colisión de sintetizadores catedralicios y amenazantes caja de ritmos- ni en nuevas formas vocales o de composición. Suficiente para un disco con el que la ruso-americana debería consolidarse y primera señal de alarma para los que demandamos esa reinvención que la coloque en primera división. Luis J. Menéndez

GOMEZ

WE ARE THE OCEAN

VINILOVERSUS

Pias

Hassle Records

Altamira Artists

“Whatever’s On Your Mind” POP

1111

Los británicos Gomez conquistaron el prestigioso Mercury Prize con su lejano debut “Bring It On” (98), disminuyendo su fama paulatinamente en posteriores entregas hasta ostentar una actualmente discreta popularidad dentro de la mutable escena inglesa.

La banda parece encontrarse cómoda en un plano secundario que ejerce como aislante ante tendencias, resultando idóneo para desarrollar una carrera de envidiable solidez artística. La continuación del también notable “A New Tide” (09) desvela la peculiar visión de pop sólido manejada por el quinteto, mostrando de nuevo su capacidad para retratar variaciones a lo largo de un mismo álbum sin que interés, personalidad y elegancia resulten alterados. Las misteriosas voces de Ian Ball, Tom Gray y Ben Ottewell ligan singles evidentes como “Options” con gemas retorcidas del tipo de “I Will Take You There”, piezas épicas (a su manera) como “The Place And The People” o la propia “Whatever’s On Your Mind”, y delicias como “X-Rays”. Trece años de familiar fiabilidad validan a Gomez como formación en la que confiar indiscriminadamente. Raúl Julián

“Si no nos mata”

”Go Now And Live” ROCK

111

Hace no demasiado reseñábamos en estas mismas páginas el primer disco oficial de los británicos de Essex We Are The Ocean, de título “Cutting Our Teeth”, saludándolo como una buena noticia para el no siempre muy exigente mundillo post-hardcore y afirmábamos sin equivocarnos demasiado que podrían convertirse en un válido referente británico de bandas como Underoath o Alexisonfire en el lado europeo del charco. Y así es en cierta manera, aunque con los últimos compartan un peligroso parecido en estilo, juegos y tonos vocales. La banda ha crecido, ganado en composición y no ha abandonado una cierta épica (que en su vertiente negativa se traduce en algunas partes quizá algo más serenas y melosas de lo aconsejable) que le sienta bastante bien.

Todo junto le hace salvarse -aunque no definitivamente, aun les queda tiempo para demostrar mayores logros- de comparaciones con bandas más veteranas y hacerse acreedora de una progresión patente en los diez cortes de “Go Now And Live”, brevedad que también comparte con su mencionado antecesor. Ignacio Pato L.

POP

111

Llega a nuestro país, con retraso, el segundo disco de Viniloversus, este cuarteto venezolano que hace apenas tres años recibió toda clase de alabanzas en Sudamérica por su primer disco, “El día es hoy” y que pudimos apreciar en cuentagotas por la península en una mini-gira. Este “Si no nos mata” bien podría ser el disco con el que estos jovenzuelos se asienten y consigan ponernos a este lado del charco de acuerdo en que forman parte de esa esperanza rockera de América del Sur que aún debe desembarcar en condiciones en nuestro país. El disco se mueve entre las aguas hard-rock de toda la vida y el rock moderno que impera en estos días. Una mezcla con estilo propio, en gran parte por el hecho de tener dos bajos en la formación dotando a la base rítmica de mayor potencia. “Amnesia invocada” o “Llámame y desaparezco” se erigen como estiletes principales de un disco cuyos puntos fuertes son su potencia, elegancia sonora y estribillos pegadizos. Aunque les preferimos cuando suenan más personales y menos clásicos, como en “Juega bien tus cartas” o en “Ruleta rusa”. Marcos Martín Lora

vinilos /42/ Octubre 2011 · MondoSonoro

la madurez de fucked up PORRETAS

“20 y serenos” Dro

ROCK

Fucked Up Foto Daniel Boud

FUCKED UP

“David Comes To Life” Matador/Popstock!

HARCORE

11114

Asumamos que, en ocasiones, tanta sobreexposición a la música y una cierta y consiguiente insensibilidad no nos deja darnos cuenta de lo afortunados que somos por ser contemporáneos a bandas como Fucked Up. Trascendiendo los absolutos del hardcore, su praxis se centra en la heterodoxia para algunos, lo raro y herético para otros. 2011 es el año de su ópera-rock “David Comes To Life”, casi ochenta minutazos de la historia de un chico que trabaja

en una fábrica, se enamora y aparece una metanarración con bombas de por medio, convirtiéndose el grito de Pink Eyes en una especie de cámara del Godard de “Todo va bien” o el Petri de “La clase obrera va al paraíso”. Casi nada. Salir indemne de este berenjenal y andar además tocando para la MTV es toda una demostración de salud y personalidad para un grupo que va por libre y sólo juega al despiste para aquellos que todavía creen en ataduras y clichés. “David Comes To Life” tiene mucho más de “Sandinista!” que de poder recuperar para la causa a quienes son críticos con los canadienses, que seguro fantasean con una representación de la historia de David en Broadway...

Ignacio Pato

OPETH

STEARICA

GIORGIO TUMA

Roadrunner/Warner

Homeopathic/Aloud

Elefant Records

“Heritage” PROGRESIVO

“Oltre” 1111

En palabras de Mikael Åkerfeldt, este es el tipo de álbum que siempre había querido grabar. ¿El resultado? Pues se acabaron las voces guturales y se acabó el death metal.

No cabe duda, estamos ante unos nuevos Opeth y ante un álbum que marca diferencias incluso respecto a “Watershed”. Los suecos son ya casi un reflejo de los tiempos de la post-psicodelia y el inicio del rock progresivo. En lo que parece una tentativa de reproducir el añejo sonido analógico del mítico sello Vertigo, pero añadiendo unas cucharadas de folk nórdico y el característico sentimiento melancólico escandinavo.

Pero quizás más sorprendente si cabe sea la nueva estructura de los temas. Donde antes había desarrollos instrumentales que servían de nexo de unión, ahora hay interludios folkies donde Åkerfeldt deja claro que debemos pasar página respecto a los anteriores Opeth. El resultado se traduce en una colección de temas poco inmediatos, pero a la postre brillantes, luminosos y ricos en matices. Otra jugada maestra en un trabajo que marcará un antes y un después para esta banda. Qué mejor forma que empezar de nuevo que con este “Heritage”. Ferran Lizana

ROCK

“In The Morning We´ll Meet” 1114

Descubriendo esas nuevas hornadas que siguen con los actuales preceptos del post-rock, léase This Will Be Destroy o God Is An Astronaut, he aquí otro espécimen venido desde Torino del cual destacar su efectividad a la hora de mostrar sus composiciones abstractas. Un combo que, al igual que otros compañeros de su misma generación (en todo caso: una más joven que aquellos que hicieron famoso todo este invento de mezcolanza), parece que ha cogido más apego por la parte del rock que por la del prefijo post, dejando de lado ciertas intenciones paisajísticas y artísticas, para adentrarse en territorios rítmicos con más vehemencia y una siempre relativa urgencia a la hora de plantear sus partes metronímicas. Así pues, en este segundo disco del trío, previo al de su colaboración con Acid Mothers Temple & The Meeting Paraiso UFO, se constata como en pleno siglo veintiuno se puede hacer buen rock instrumental sin perder frescura y creatividad, con resultados más que correctos, y, a tenor de su cariz heterogéneo y multiplicidad de visiones, bastante apetecible.

Francesc Feliu

POP

111

Resultan palpables las complejas y ambiciosas pretensiones manejadas por Giorgio Tuma a la hora de elaborar el presente álbum. El italiano ha logrado materializar en su tercera entrega buena parte del objetivo imaginado, reclutando a un generoso número de colaboradores (Alice Rossi, Michael Andrews, Lori Cullen y Susana Karolina Wallumrød entre otros) para firmar un disco de pop delicado (que no simple), engalanado con meditada y cuidada instrumentación de corte clásico que incluye violines, chelos, piano y trompetas. Una colección de detalles en los que mecer las susurrantes voces que interpretan los textos del artista, hasta alumbrar encantadores ambientes en los que la luz se filtra en dosis nostálgicas. Un elepé ensoñador que asimila con tacto la obsesiva elaboración de Brian Wilson y la evocadora delicadeza de Nick Drake, y cuyo único borrón recae en el débil pulso que en puntuales momentos relaja en exceso la escucha, impidiendo asimilar de manera continuada los dieciséis cortes aquí contenidos. Raúl Julián

1114

No hay grupo más sencillo y sincero a partes iguales que los de Hortaleza. Son historia del rock urbano en este país y seguramente sean uno de los grupos más queridos del panorama musical. Para celebrar los veinte años que llevan en la música, con diez discos y dos directos a sus espaldas, vuelven con este recopilatorio al uso grabado con grupos invitados, y acompañado por un documental de su grabación. Por el disco pasan Fernando de Reincidentes, Yosi de Los Suaves, Fortu, Brigi de Koma, Boikot, Raimundo Amador y Cifu entre otros, con Melendi y Pereza como colaboración más atípica. Temas que no podían faltar y que se han convertido en verdaderos himnos generacionales como “Marihuana”, “Si lo sé me meo” o “Si nos dejáis”, y temas que entran en el cancionero clásico de la banda en estos veinte años como “Ahora lo llevamos bien”, “La del fútbol”, “Antimilitar-Antisocial” o “Dos pulgas en un perro”. Un pequeño homenaje a una banda que siempre ha transmitido buen rollo y compromiso a partes iguales. Y lo más sorprendente es que el mensaje que empezaban por aquellos años a cantar todavía sigue candente en estos tiempos que corren. Marcos Martín Lora

THE PSYCHIC PARAMOUNT “II”

No Quarter

ROCK

1114

Hay que inventar una categoría superior dentro de la familia del Noise Rock para The Psychic Paramount, cuya propuesta musical sólo puede ser definida como el efecto de la onda expansiva de una explosión nuclear acariciándote los ganglios basales.

Ya en Laddio Bolocko, su anterior proyecto, el guitarrista Drew St. Ivany y el bajista Ben Armstrong habían demostrado que los efectos de combinar los modos del free jazz con la intencionalidad del art rock y toda clase de ruidismos (space rock, kraut rock, psicodelia y cualquier tipo de picado en espiral que seas capaz de imaginar) puede dar como resultado algo devastador y lleno de intrincada belleza, una vorágine catártica cuyo momentum The Psychic Paramount, aplicados alumnos de Boredoms, alargan hasta el punto en que el oyente es capaz de sentir los primeros estadios de lasitud muscular propios del cansancio físico. “II” es de nuevo un tour de force, un álbum construido a base de piezas instrumentales de una intensidad extenuante, una montaña que se te viene encima y te recuerda lo majestuoso y avasallador que puede resultar el caos.

Joan Cabot

THE PIGEON DETECTIVES “Up, Guards And At ‘Em!” Dance To The Radio/Pias

ROCK

114

En su tercer disco, los británicos The Pigeon Detectives inciden insistentemente en la misma fórmula que propició el relativo éxito de su debut “Wait For Me” (07). El inconveniente es que a estas alturas la frescura se ha evaporado gracias a una irritante repetición de indie-rock

guitarrero, tan manoseado en el presente álbum como poco creíble y carente de sorpresa. Formas de manual ejercidas en un sobresaturado club compartido con Razorlight, The Kooks o The Fratellis, en el que a primera vista no resulta necesario alcanzar gran nivel para ingresar, con composiciones demasiado evidentes de atractivo empalagoso y escaso mérito.

“Up, Guards And At ‘Em!” es un álbum que no consigue sobreponerse al lastre de canciones sin chispa, pensado para cazar al adolescente despistado y poco exigente y donde cualquier otra pretensión resultaría por encima de sus posibilidades reales.

El quinteto de Leeds nunca ha destacado como excepcional, pero el divertimento y pegada presente en temas de sus inicios desaparece súbitamente tras certificar su peor entrega hasta la fecha. Raúl Julián

PETER MURPHY “Ninth”

Nettwerth

ROCK

1114

La sombra de Bauhaus es alargada. Sin embargo, los derroteros dark-góticos de Peter Murphy en solitario siempre han sorteado bastante bien esa conexión pretérita, yéndose hacia rincones seguros, en ocasiones, impensables incluso para sus acérrimos seguidores, otras veces. Pero seguros. Es decir, hay incondicionales del bueno de Peter que ya prescinden sin problemas de su etapa y su gloria Bauhaus, aunque hayan esperado siete años desde su anterior disco solista. Este noveno álbum, reconocible desde el primer verso para los versados, viene recibiendo alabanzas con sus pertinentes etiquetas y apostillas bauhasianas. Y no le vienen mal. Son nueve discos ya, sí, pero en estos tiempos tan propicios para el olvido no conviene soltar amarras a la ligera –“Memory Go” es todo un guiño atrás del letrista, igual que “Secret Silk Society”, siguiente corte de los diez que presenta, sirve de glosa musical a aquellos ochenta-, no vaya a ser que las nuevas generaciones se crean que Murphy imita a Bono/U2 en “I Spit Roses” o que afirmen que no lo haga tan bien como Zola Jesus. Larga vida al capo del rock gótico y sus reinvenciones, incluso estilo “Dust”.

Luis Argeo

BIG TALK “Big Talk”

Epitaph/Pias

POP

1114

La verdad es que no se si le ha salido este disco tan resultón de chiripa o no, pero el debut de Ronnie Vannucci Jr. (sí, el batería de The Killers) con Big Talk está lleno de chispeante y ganador pop de guitarras. De las doce canciones que lo forman, al menos ocho son grandes como una casa de pagés, juegan con acierto y gancho melódico los mil y un terrenos transitados por el género maldito por excelencia, es decir, el power pop. Empezamos la lista de las más destacadas con la nuevaolera y muy The Cars “Getaways”, la euforia y el estribillo atemporal de “Under Water” (una especie de remedo del “You Get What You Give” de New Radicals realmente arrebatador), la beatleliana “The Next One Living”, el aire noventas a lo Gigolo Aunts de la luminosa “Girl At Sunrise”, el espíritu The Knack de “White Dove”, o ese guiño al AOR que importa que es “Replica”, primer single del disco. Ni decir tiene que el debut de Big Talk es, en conjunto, muy superior a cualquiera de los discos que Vannucci ha editado con The Killers.

Xavi Sánchez Pons

MondoSonoro · Octubre 2011 /43/

ANNTONA

“Grandes males, remedios regulares” Gramaciones Gramofónicas

POP

1111

Algún día se tendrá que hacer una tesis doctoral sobre la nueva generación de músicos españoles que desde el underground y a una edad ya avanzada (los treinta pasados), están oxigenando la raquítica escena indie de este país a base de buenas canciones y de un sentido del humor que, de tan personal, hace que los ames o los odies sin posibilidad de vuelta atrás. Joe Crepúsculo, Los Directivos, Espanto y Anntona, protagonista de esta reseña, son algunos de los adalides del movimiento. El guitarra de Los Punsetes vuelve a la carga con su tercer disco, otra joya absoluta de pop bizarre e inclasificable de claro espíritu DIY. Las canciones de “Grandes males, remedios regulares” están mejor arregladas y producidas que las de “En la cama con Anntona”, y casos concretos como los de “Caramelos con droga” y “Arruino todo lo que encuentro”, aka el donosti sound reinventado en clave perversa, no dejan lugar a dudas sobre la valía de este sonado side project de un Punsete que, ojo, seguirá gustando a sus fans de siempre, y horrorizando a los que aún le siguen sin coger el punto.

Xavi Sánchez Pons

PLAID

“Scintilli” Warp/Pias

ELECTRÓNICA

1114

A lo tonto, ocupados como han estado en la composición de bandas sonoras para “Heaven’s Door” y el anime “Tekkonkinkreet”, Plaid llevaban ya cinco años sin darnos un disco que echar a la boca. No es casual: hoy la IDM alcanza cotas casi tan bajas de popularidad como el bono español y sus compañeros de generación y sello muestran una preocupante falta de actividad: ni Aphex Twin, ni LFO, Sabres Of Paradise o Boards Of Canada mueven ficha, sólo Autechre permanecen inasequibles al desaliento. Es por ello que el tiempo ha pasado sin casi darnos cuenta y apenas echamos en falta a una dupla que no cuenta con disco malo, pero cuyos puntos cardinales permanecen más o menos inalterables desde el día uno. Aunque lo mejor de “Scintilli” vuelven a ser sus coqueteos con Bach y el carillón -“Missing” o “Founded”, con voz femenina, como en su material más recordado-, el resto de las piezas discurren entre progresiones de electrofunk futurista marca de la casa y alguna que otra incursión en el ambient, limpias, imaginativas y preservando el gusto por la melodía que les hizo grandes y aún hoy convierte en misión imposible encontrarles el punto débil.

La firma Turner & Hanley siempre ha sido un valor seguro. Luis J. Menéndez

JOHN HIATT

“Dirty Jeans And Mudslide Hymns” New West Records

AMERICANA

1114

Una década, justo una década ha pasado desde que John Hiatt recuperara la forma con “The Tiki Bar Is Open” (2001), para mantener el pulso desde entonces a lo largo de cinco discos de estudio (incluido

este) en los que, sin llegar a la excelencia, apenas ha bajado la guardia. De todos ellos mi preferido es “Same Old Man” (2008), aunque es posible que en unas semanas, y a la que este nuevo trabajo se instale en mi reproductor, cambie de idea.

Y es posible porque aunque John Hiatt no ha cambiado su baraja de tahúr durante diez años y tampoco haya conseguido un disco tan absoluto como “Bring The Family” (1987) o “Slow Turning” (1988), no es menos cierto que ha logrado mantener un más que óptimo nivel con unas composiciones sólidas y adaptadas a su peculiar forma de cantar: mascullando las palabras con rictus impasible y una voz privilegiada para la sinuosidad del country rock, estilo en el que siempre ha mostrado su mejor nivel. Don Disturbios

vinilos

el pop misterioso de wu lyf

ELS PETS

“Fan Teatre” Discmedi

POP

1111

La discografía del trío de Constantí ha estado salteada de referencias en directo en momentos clave de su trayectoria. “Vine a la Festa” aparecía en el mercado para acabar marcando el final de una primera etapa marcada por el ambiente festivo, improvisado, juvenil de la banda. Dos años después aparecería “Bon Dia”, primer disco de madurez y su gran punto de inflexión. En el 2002, tras una primera trilogía de pop depurado, se tomaban otros tres años de hiato y dejaban como testigo de la época un mini-directo de seis temas desde L’Espai de Barcelona, que acompañaba al recopilatorio “Malacara”.

Ahora, tras otra trilogía iniciada por el que para muchos sigue siendo la referencia de oro del grupo, “Agost”, Lluís Gavaldà y cía. vuelven a marcar un punto y seguido –si nos olvidamos de la boutade, más visual que sonora, de “Això és espectacle!”- con “Fan Teatre”. Que en el minutaje del compacto no aparezca ni un solo tema de sus primeros años es ya un claro mensaje de cómo de cómodos se encuentran instalados en una plácida madurez, más reposada, más musical. El directo, grabado durante una gira en teatros que realizaron hace cuatro años –y que han vuelto a repetir hace poco- ahonda en el repertorio más lírico de la banda, recalcando su papel actual de gran grupo de pop atemporal y referencia obligatoria para quienes quieran conocer lo mejor que ha dado el pop en catalán durante los últimos veinticinco años. Robert Aniento

Wu Lyf Foto Archivo

WU LYF

“Go Tell Fire To The Mountain” LYF Records/Pias

POP

1114

No os dejéis engañar; los primeros minutos de “Lyf”, -tema con el que abren “Go Tell Fire To The Mountain”- presagian un disco de dream pop, con un punto fantasmal y frío gracias al solo de órgano eclesiástico.

Aunque el hielo debe forzosamente derretirse en cuanto suena la gutural, afilada y sexual voz de Ellery Roberts.

Los han tildado desde satánicos (ayuda que tras su nombre se esconda “World Unite! Lucifer Youth Foundation”) a visionarios del rock y colgada llevan la etiqueta

WOLF + LAMB VS SOUL CLAP

STEPHEN MALKMUS & THE JICKS

ISRAEL NASH GRIPKA

!K7/Popstock

Domino/Pias

ING

“Dj Kicks”

ELECTRÓNICA

CARDOPUSHER

“Yr Fifteen Minutes Are Up” Tigerbeats

ELECTRÓNICA

1114

El tercer trabajo de Luis Garbán alias Cardopusher, es dubstep directamente aterrizado desde Venezuela, es un petardo sónico materializado en un disco que, partiendo del dubstep como madre del cordero, da lugar a pequeños lechales que se descarrían y se vuelven a encarrilar en los miles de géneros colindantes que harán gozar a cualquier fan de los bajos gordotes que se precie. Un coqueteo con el techno por aquí, una vena hiphop por allá, algo de breakcore allí… Todas canitas al aire en pos de un disco de dubstep saludable y variado aunque desprovisto en ocasiones del músculo suficiente para sostener tal heterogeneidad. Las apariciones estelares de Juakali y Sensational aportan un toque de color a un álbum ya de por sí bastante colorido que cabreará a los talibanes del dubstep (si es que tal cosa puede existir), gustará a los amantes del género y picará la curiosidad de los neófitos. Venga, no sean tímidos y denle al play. Virginia Arroyo

de “hype”. El tiempo dirá. Lo que está claro es que las melodías parroquiales chocan frontalmente con la tensión de puño cerrado recreada por Roberts. Canciones que desembocan a menudo en percusiones militarizadas que los ven marchar hacia un lugar montañoso para sacrificar a alguna virgen. Abundan los medios tiempos que son algo más, como “Summas Bliss” y su repicar de baquetas o “We Bros” y “Spitting Blood” –sugerentes títulos, hipnóticos cánticos para entregarse al baile.

Hay algo en sus guitarras y en sus melodías que es muy familiar, aunque quizá lo sean menos las constantes referencias bíblicas y las intros de tres minutos. Y es que la música de Wu Lyf tiene cierto punto sectario en el buen sentido de la palabra, si es que existe. Marta Terrasa

111

La nueva sesión de DJ Kicks es ideal para escucharla al atardecer en la terraza de un hotel de esos pijos en los que te cobran una millonada por un “cóctel” que es zumo de naranja con zumo de melocotón. Con todo lo bueno y malo que eso pueda tener. La parte positiva es que esta nueva entrega de la serie es muy agradable de escuchar, incluso para los poco duchos en electrónica.

Con las revoluciones muy bajas, el discurso se articula con el deep-house como base, intoxicado ahora por un poco de R&B, ahora por unos dejes disco, pero siempre en slowmotion, si bien es cierto que hacia el final la cosa se anima (a medida que el sol va cayendo y deja paso a la noche), suben los BPM’s y parece que podríamos trasladar la velada a algún lugar cerrado y poco iluminado. El punto negativo es que el trabajo de mezcla de los Dj’s al cargo (Wolf+Lamb y Soul Clap, una doble pareja por primera vez en la historia de la compilación) no suena del todo pulido y algunas de las transiciones son imperdonablemente bruscas. No obstante, la inclusión de talentos como Nicolas Jaar y la sensualidad del conjunto del disco salvarán sin duda la velada. Virginia Arroyo

“Mirror Traffic” POP

1111

Stephen Malkmus siempre ha gustado de nadar a contracorriente. Esa inclinación hacia lo extravagante y una imaginativa inspiración le permitieron liderar Pavement hasta convertir a la banda en una de las más respetadas e influyentes de los noventa estadounidenses. La misma insistencia del vocalista por evitar lo convencional ha sido siempre un regalo para sus seguidores, que redescubren a cada pase detalles y variaciones imposibles incluidas en sus canciones. El californiano mantiene el don en su quinto disco de nuevo junto a The Jicks, reclutando a Beck Hansen como lujoso productor (palpable en acabados y arreglos) de quince nuevos temas entre los que despachar a gusto su peculiar tratamiento de texturas sonoras y bailes de punteos, sin renunciar a alumbrar singles potenciales como “Senator”, “Stick Figures In Love”, “Tune Grief” o la encantadora “Tigers” inaugurando la escucha. “Mirror Traffic” no es un disco de Pavement, pero se le parece lo suficiente como para argumentar que, por talento y fantasía, Malkmus es un tótem icónico dentro del indie norteamericano. Raúl Julián

“Barn Doors And Concrete Floors” AMERICANA

1114

Parece que con este segundo trabajo Israel Nash Gripka va a convertirse en el nuevo niño mimado de la americana actual. De hecho ya hay quién afirma que su disco va a estar en lo más alto de las listas de este género, y es fácil que así sea. Tan sencillo y obvio como nombrar a Ryan Adams como una de esas referencias que puede ir muy bien para que todos aquellos que desconocen su propuesta se hagan una idea de cómo suena esta joven promesa. Folk-rock elegante aunque algo inocuo. Me explico: Israel no asume riesgos y tira de un sonido clásico a rabiar. No se come la olla como Conor Oberst, Jakob Dylan o Elvis Perkins, sino que más bien lo basa todo en unos acordes muy típicos y su dulce tono vocal.

Vaya, que se puede afirmar sin riesgo a equivocarse que Israel es mucho más resultón.

Tan resultón que sus melodías rememoran a clásicos como el Bruce Springsteen de “Nebraska” o incluso a Steve Earle, maestros de los que se ha empapado hasta la saciedad. Todo un baile de referencias que se hace obvio a lo largo de las once canciones de un disco que entra a la primera como una exhalación. Don Disturbios

vinilos /44/ Octubre 2011 · MondoSonoro

jay & kanye, leyendas de la rima HANNI EL KHATIB

“Will The Guns Come Out” Innovative Leisure/Popstock!

ROCK

Kanye West y Jay-Z Foto Archivo

KANYE WEST & JAY-Z “Watch The Throne” Roc-A-Fella/Universal

RAP

1114

Éste es el típico caso en el que tus expectativas van a ser decisivas, en que lo que esperabas que fuera es más importante que lo que es en realidad, porque, vamos, Kanye West y Jay-Z juntos, debería ser el acabose: descorchad el champán, llamad a las chicas. Pero luego resulta todo muy terrenal, muy de fiesta-pijama; aquí los únicos que beben champán son dos de los raperos más grandes de nuestro tiempo, algo que nos recuerdan constantemente -sólo les falta rapearnos los netos de sus cuentas bancarias- y, si bien aquí hay

materia bombástica de sobra como para que ser pobre y no dormir con Beyoncé sea más llevadero, está claro que ni Kanye ni Jay interiorizaron la famosa máxima de Lobo tras ver “Pulp Fiction”. El caso es que personalmente no esperaba otra cosa de ellos, así que “Watch The Throne” me ha parecido un disco bastante aceptable, varios –muchos- peldaños por debajo del todavía reciente “My Beautiful Dark Twisted Fantasy” de West, pero con un Jay-Z creciéndose cuando no es él quien tiene que sostener la canción. Un egotrip tras otro con los mejores productores que el dólar pueda comprar (The Neptunes, Mike Dean, Swizz Beatz), un ostentoso festín narcisista que han tenido a bien compartir con nosotros, aunque sólo se nos permita mirar y asentir en modo headbangin’ al otro lado del cordón de la zona VIP. Joan Cabot

TAPES’N’TAPES

SENIOR & EL COR BRUTAL

THE LADYBUG TRANSISTOR

Ibid/Popstock!

Malatesta/La Casa Calba

Fortuna Pop/Grabaciones en el Mar

“Gran”

“Outside” POP

1114

El trío de Minneapolis vuelve a sus raíces. Y es que quizá las innegables aptitudes para configurar brebajes neo-psicodélicos de Dave Fridmann, bajo cuyas órdenes grabaron el desbravado “Walk It Off” (08) en Nueva York, no fueran las más adecuadas para un discurso tan hormonal y directo como el suyo. Así que ahora Josh Grier y los suyos se han quedado en casa, han decidido editar su tercer álbum en su propio sello y han recurrido a la co-producción de Peter Katis (Interpol, The National, Fanfarlo) para volver por donde solían con su esperanzador debut: a ese pop rugoso, exultante y pleno de aristas, de inequívoca filiación indie. A ese universo dislocado que pueden, perfectamente, aspirar a compartir con Modest Mouse, Menomena o Wolf Parade.

A esa síntesis, algo deslavazada pero en absoluto carente de argumentos para la seducción, entre la independencia yanqui de los noventa y la actual. Hacía tiempo que no sonaban tan festivos (“One In The World”) ni tan fieros (“Desert Plane”, “Hide Hoo”), ni tan embriagadores (“People You Know”).

Este “Outside” les hace recuperar crédito.

Carlos Pérez de Ziriza

ROCK

1111

“L’experiència gratificant” (2009) se abrió paso lentamente hasta ganarse una posición de honor entre los trabajos surgidos del Pais Valencià en los últimos años. En él, el ex Euro-Trash Girl Miquel Àngel Landete se reinventaba como forajido Che de la canción neo-country, el jefe de una reserva india a las orillas del Turia. Pero su segundo disco, grabado en colaboración con Raül Fernández (Refree), desmonta esa imagen y construye en su lugar una mucho mejor, la del cantautor liberado de cualquier constricción.

“Gran” es en todos los frentes un disco heroico. Hay batalla en el amor y amor por la batalla. Y hablamos de ese amor por el que te dejarías despellejar y hervir en lava, un amor kamikaze, de agarrar la vida por la cabellera y lanzarte al precipicio. Y las canciones suenan en consonancia, como si la banda se hubiera lanzado cuesta abajo sin frenos, sin temor, sabiendo que el destino está más allá de su control pero que el desastre, si llega, será un espectáculo grandioso. Así suenan “El bon any”, “Tremolar” y las dos canciones que dan título al disco, todas ellas cantadas con el pit inflat y una vitalidad más allá de la razón. Música de y para héroes. Joan Cabot

“Clutching Stems” POP

1111

Dieciséis años después de la publicación de su primer disco, que se dice pronto, ojo, es digno de elogio que The Ladybug Transistor, tras esa injusta etiqueta de simples artesanos del pop que parece querer rebajar sus logros, aún tengan cosas que decir. “Clutching Stems” es la prueba, un disco que reinventa la fórmula de los de Brooklyn al arropar su coqueto cancionero de inspiración sixties con guiños a los grupos británicos de los ochenta de más pedigrí y acabado preciosista. La sombra de Felt, House Of Love y The Bluebells, entre otros, es evidente a lo largo de todo el álbum, teniendo su cumbre en las guitarras cristalinas de canciones enormes como “Light On The Narrow Gauge”, “Fallen And Falling”, “Breaking Up On The Beat” y “Ignore The Bell” (esta última con guiño final al “Gypsy” de Fleetwood Mac”). Difícilmente se podrán quitar otra de las etiquetas que les persiguen, la de banda de culto, pero desde luego que este “Clutching Stems” deja bien a las claras que la banda capitaneada por Gary Olson es mucho más que una simple factoría de buenas canciones. Aquí, además de eso, hay emoción y un toque único.

Xavi Sánchez Pons

1111

Puede que a muchos de vosotros el nombre de Hanni El Khatib os suene a chino (bueno, siendo realistas suena más a árabe). Sin embargo, este americano nacido en San Francisco de padre palestino y madre filipina, ha sido capaz con este disco de debut, editado en su propio sello, de poner de acuerdo a toda la crítica de su país reconociéndole como uno de los más grandes revitalizadores del género del garage rock de los cincuenta y sesenta. Y no me extraña, porque este compositor y multiinstrumentista ha firmado diez canciones demoledoras en las que se entremezclan rock, garage, blues, R & B y hasta doo wop, de forma brillante y novedosa; rugosas, enérgicas y abrasivas; cimentadas en una voz sobresaliente que ora escupe, ora grita, ora recita y ora se desgañita, dando una vuelta de tuerca a los mejores Jon Spencer Blues Explosion (“Build. Destroy.

Rebuild”) y en unas guitarras crudísimas en la onda del Jack White más visceral (“You Rascal You”, “Fuck It, You Win”). La guinda la pone el bonus track, “I Got A Thing”, corte escogido por Nike para su última campaña publicitaria. David Lorenzo

VV. AA.

“Riddim Box: Excursions In The UK Funky Underground” Soul Jazz Records/Satélite K

ELECTRÓNICA

111

Podríamos definir el UK funky como un estilo de entreguerras, aparecido alrededor de 2008 y que sirvió de transición entre el UK garage y la consolidación del sonido dubstep. Como tal, se trata de una música híbrida, con elementos prestados de muchos de los subestilos imperantes en la escena de club británica cuyo único claro denominador común es la coexistencia en un mismo momento histórico y ciertos guiños al house y el techno americanos que no dejan de ser más incidentales que determinantes. Por una vez, Soul Jazz decepciona a medias y la selección falla por alguna razón. “Riddim Box” es en realidad un cajón de sastre que reúne a artistas como Kode9, Zed Bias, Lil' Silva, MJ Cole y Greivous Angel cuyas producciones podrían perfectamente encajar en otras colmenas.

Quizás haya sido el exceso de ambición que supone documentar un movimiento tan reciente y cercano, del que todavía no puede decirse que se haya hecho oficial su defunción -algunos tracks son realmente recientes- y por tanto no se ha tenido la oportunidad de abordar la recopilación con suficiente perspectiva ni, al trasladarse la efervescencia a nuevos territorios, aprovechar la excitación del momento. Joan Cabot

CLAP YOUR HANDS SAY YEAH “Hysterical”

Coop/Music As Usual

POP

111

Cuando en 2005 Clap Your Hands Say Yeah saltaron a la fama con un debut homónimo y autoeditado que les convirtió en el grupo de indie pop favorito de la troupe gafapasta de ese año (un servidor incluido, que conste), todo parecía indicar que nos encontrába-

mos ante una banda que iba a ocupar un lugar destacado dentro del pop independiente de finales esa década. Pero, ay, un segundo disco notable que no gustó casi a nadie, “Some Loud Thunder” y una falta de tablas sobre el escenario que les pasó factura, acabaron con la disolución del grupo allá por 2009. Ahora, tras ceder una de sus canciones protesta más celebradas, “Upon This Tidal Wave Of Young Blood”, para un sonrojante anuncio de tarjetas de crédito (hay que llenarse los bolsillos de alguna manera), han decidido volver a la vida con este “Hysterical”, un correcto disco de retorno que viene a ser un amalgama entre el pop eufórico y rabioso de su debut (“Open Road, “Maniac”), y los ambientes más atmosféricos y reposados de su segundo álbum (“Disabled Motorist”, “Human Shit”). Xavi Sánchez Pons

TURTLE GIANT

“Feel To Believe” Awá Records

POP

1114

Vienen de Brasil, aunque podrían habitar en cualquier fría y nublosa ciudad inglesa si nos ceñimos a los temas de “Feel To Believe”. Los hermanos Fredji y Beto, actualmente instalados en Barcelona, son uno de esos dúos que hacen suya la premisa de Juan Palomo. Sus directos tienden a la desnudez sonora (más allá de la batería y la guitarra el formato no da pie a los milagros) pero, a lo que el álbum se refiere, dejan entrever diversos estilos que en algún momento deberán replantearse de cara a su futuro. Esto mismo, que para muchos puede suponer una lacra al no tener del todo definida la línea que siguen, en ellos juega de momento a su favor al presentarnos un disco ecléctico y sumamente sentido donde el folk (“Something That You Need”) se abraza a las domadas dosis de psicodelia heredera de los sesentas ( en la potente “Talking The Heat”) y el pop de poros blueseros (“Sunlight”, la pieza que les ha abierto el camino dentro del campo de las bandas sonoras televisivas estadounidenses). La amalgama aprueba con nota, pero lo más curioso se presenta en “Dry Eye”: ese bálsamo electrónico que pese a desentonar cierra el largo avistando una puerta sintético-ambiental al grupo.

Sergio del Amo

THE SECRET SOCIETY

“Peores cosas pasan en el mar” Gran Derby Records

ROCK

1114

Cuando uno se muda al extrarradio, tiene mucho tiempo para pensar, enfrentarse a sus demonios y, sobre todo, componer. El resultado del exilio voluntario de Pepo Márquez (no en vano el primer tema es “Suances: Volver a empezar”) se puede definir con dos adjetivos: valiente y maduro -en su acepción más positiva-. Porque, en su tercer disco, The Secret Society abandona Acuarela y se autoedita en su sello Gran Derby. Porque lo canta todo en castellano. Porque este es un álbum confesional, y nosotros le creemos. Pero sobre todo porque evita adornos y rodeos y se nos presenta más crudo que nunca (cantando sobre una base para abrir el disco o simplemente gritando “El amor es una puerta que solo se abre desde dentro”), recordándonos que a veces basta con una guitarra y un arrebato de sinceridad para que una canción te llegue. Sus títulos son pura filosofía de lo cotidiano e invitan a prestar atención a las letras. La conclusión es que, cuando le plantas cara al dolor con convencimiento, puedes salir vencedor y además componer un disco al que merece la pena dedicar un buen rato. P. Muñoz

MondoSonoro · Octubre 2011 /45/

DEVIN TOWNSEND PROJECT “Deconstruction” InsideOut

METAL

1111

Tercer capítulo del proyecto que nos muestra cuatro de las facetas compositivas del loco canadiense. “Deconstruction”, nos descubre al Devin Townsend más extremo y esquizofrénico, quizás el más cercano a Strapping Young Lad. El título del álbum no puede ser más acertado ante un trabajo que comienza manteniendo un orden estructural inteligible y poco a poco se va transformando en una locura sonora difícilmente descriptible. Digamos que después de unos “plácidos” temas de metal atmosférico y épico, magníficos, las leyes de la física empiezan a tambalearse con “Planet Of The Apes” y aparentemente llegan al punto culminante con los dieciséis minutos de “The Mighty Masturbator”, una pieza increíble que entre otras cosas incluye ópera y trance. Pero todavía hay margen para superarse, porque la obra concluye con un Devin Townsend todavía más desbocado con tres arrolladores temas donde salen a relucir todos sus excesos. Otra genialidad de este excéntrico hombre, por el que parece que su capacidad creativa no tiene límites. Ferran Lizana

MAIA VIDAL “God Is Mi Bike” Karonte

FOLK

1111

Empecemos apuntando que esta chica medio americana medio francesa no es una cantautora al uso. Por un lado sorprende su amor por Rancid (llegó a publicar un Ep de versiones bajo otro nombre, y recupera alguna ahora), por el otro es sorprendente su capacidad para tocar toda clase de instrumentos y así aglutinar estilos muy diversos dentro de su amplio diccionario musical.

Además de su voz dulce y angelical, usa violines, acordeones, instrumentos de juguete, y lo mismo suena un vals que una pieza de folk o un gospel con influencia de la música francesa. El suyo es un universo complejo al que, al mismo tiempo, resulta muy fácil acceder. Su música se escucha con frescura gracias a lo original de su propuesta y a que las canciones que compone están tocadas por esa varita mágica a la que sólo tienen acceso los músicos con un nivel por encima del habitual. Maia canta en inglés prácticamente todos los temas que aquí suenan, pero hay dos excepciones, “Je Suis Tranquille” y “Le Tango De La Femme Abandonnée”, interpretadas en un francés amable y seductor.

Y como no, la versión de Rancid, una curiosa revisión de “It’s Quite Alright”. A seguir de cerca. Toni Castarnado

RICHMOND FONTAINE “The High Country” El Cortez/Everlasting

AMERICANA

1114

Willy Vlautin sigue combinando su pasión por la música con esa nueva faceta que añadido a su paleta, la de escritor. Y si la música aparece como trasfondo en sus novelas rodadas sobre carreteras americanas, moteles baratos y personajes bohemios y extravagantes, en sus discos también se nota, y mucho, la influencia de su otra afición. De todos modos,

eso es algo que ya se percibía desde hacía un tiempo en sus obras, pero que ahora está todavía más presente en el concepto global de “The High Country”. Sería un error calificarlo de obra conceptual al uso, ya que esa no es la idea, pero el guión está claro, y las intenciones también. En cuanto a la sonoridad, no hay cambios evidentes. El álbum está dividido en diecisiete cortes, y muchos de ellos son interludios de poco más de un minuto, y que sirven como introducción al siguiente o como pausa para coger aire y respirar un poco. Willy Vlautin utiliza a menudo el modo spoken word para interpretar las canciones, y eso le da aun más misterio a su música, como si recitara al mismo tiempo alguna de sus novelas. Bajo la producción de John Askew, ha vuelto a demostrar que continúa siendo un músico diferente y con personalidad propia dentro del panorama americana.

Toni Castarnado

vinilos

La selección Jäger:

frescura nórdica

KLAUDIA “Mother Phoenix” Autoeditado

ROCK

1114

Klaudia son Nacho Newman, Pedro Navarro, J. Zurita y Pau ZZ, cuatro chicos barceloneses que dignifican con su debut en largo un género con pocos representantes de calidad en nuestro país: el indie-rock oscuro de corte épico. Tomando como referencia a bandas como Editors, Interpol o White Lies, el cuarteto catalán construye un trabajo donde los ganchos melódicos y las guitarras afiladas cabalgan sobre unos ritmos potentes y trotones que confieren al conjunto una bailabilidad irresistible. Klaudia, a diferencia de la mencionada Santa Trinidad del indie-rock épico, presenta un rasgo muy característico y es la voz de Nacho, quien presenta un timbre mucho menos grave, que consigue darle un poco más de color y liviandad a unas melodías que te agarran por la solapa.

“Mother Phoenix” es, en definitiva, una estupenda puerta de entrada al sonido de una de las bandas más sólidas de la escena barcelonesa aún por descubrir, con temas tan efectivos como “A Cozy Home”, “Oveja”, “The City’s Sleeping” o la infalible “Providence”. Virginia Arroyo

ZEBRAHEAD “Get Nice!”

Rude Records

PUNK

1114

Como buen aficionado a la nueva comedia americana, a los hermanos Farrelly y a películas como “Colega, ¿Dónde está mi coche?”, oír a Zebrahead y a su “punkrockpoprapskatepunk” californiano hace que uno se sienta en una comedia sin demasiado sentido, pero con gracia. Su ritmo contagioso, sus rimas sin dobleces, su sentido lúdico y adolescente de la existencia (aunque Greg Bergdorf y los suyos ya rocen la cuarentena) y su vertiginosa manera de tomarse el hecho creativo como algo natural y disfrutable, hacen que me ponga de su lado sin demasiadas vacilaciones. No importa que se parezcan más a Simple Plan que a Green Day (y eso que el disco está producido con cariño e intuición por Jason Freese, miembro habitual de la banda de Oakland), ni que sus letras sean tan obvias como algunas de sus bases rítmicas, porque cuando dan con la tecla como en “She Don’t Wanna Rock”, con sus homenajes al hard rock y su “trágica” historia, o cuando se dejan llevar por la veneración del estribillo como centro del universo y filosofía de vida (“Nothing To Lose”, “Nudist Priest” o “Ricky Bobby”) consiguen algo catártico y singular: que sonría de esta manera.

Manuel Ortega

Kakkmaddafakka Foto Eiler Storen

KAKKMADDAFAKKA “Hest” Bubbles

POP

1111

Surgiendo desde la discreción, la numerosa banda noruega encabezada por los hermanos Axel y Pål Vindenes bien podría convertirse en una de las revelaciones del último tramo de la presente temporada, con un segundo disco de estudio producido y publicado por su compatriota Erlend Øyé de Kings Of Convenience. Parte de esas posibilidades pasan por un corte inapelable como “Touching”, próximamente disponible en las noches de todos los clubes de moda del país. El tema en cuestión

aparece secundado por ocho compañeros oportunos y eclécticos entre sí como “Your Girl”, el sencillo “Restless”, “Self-Esteem (Wenga)” o la instrumental “Heidelberg”, que combinan abiertamente el hedonismo contagioso de bandas como Foster The People o Friendly Fires con el puntual descaro de Franz Ferdinand, la influencia selecta de Paul Simon y el descaro de Talking Heads.

Kakkmaddafakka resultan suficientemente desinhibidos como para llamar la atención, mientras que su sonido demuestra una elegancia que, en pleno equilibrio, obliga a tomarlos muy en serio. Raúl Julián

MondoSonoro · Octubre 2011 /47/

MEGAFAUN “Megafaun”

Crammed Discs/Karonte

ROCK

1111

El hecho de que este tercer álbum sea homónimo es signo de que los ex compinches de Justin Vernon (Bon Iver) son conscientes de que la definitiva explosión de todas sus potencialidades está aquí. Sus celestiales armonías vocales, su prístino arrullo acústico o su sedante tono pastoral son vetas de una forma de entender el folk rock que muestra su reverencia por las sagradas escrituras (Crosby, Stills & Nash, Grateful Dead, America) al tiempo que se explaya (porque a ratos se les va la mano en minutaje), en vericuetos experimentales que a veces llegan a buen puerto, y otras no se sabe muy bien a dónde quieren llegar. No tiene mucho sentido reparar en desvaríos puntuales cuando hay aquí al menos seis temas sobresalientes: el inapelable ímpetu neilyoungesco de “Get Right” y “Post/Script”, la preciosa balada al piano de “Hope You Know”, el hálito de McCartney en la cegadora “Second Friend”, la inasible ternura de “Kill The Horns” o una canónica “You Are The Light” que Wilco hubieran firmado con gusto. El trío de Carolina del Norte se muestra tan genuino como el kudzu, esa planta típica de la America interior cuyo vertiginoso crecimiento ellos mismos comparan con el de su ingente base de fans. Y que ya merece alcanzar, y que nadie se espante, los guarismos gozados por Fleet Foxes.

Carlos Pérez de Ziriza

ACTIVE CHILD

“You Are All I See” Vagrant/Pias

POP

1111

Sabrán ustedes que el mundo de las modas en esto del indie de géneros y, sobre todo, subgéneros, anda a toda velocidad. Ocurre por tanto que lo que ayer mismo estaba en boca de algunos, hoy parece ya demodé. Por eso quizás ya no guste hablar de chill wave, justo ahora, cuando los discos empiezan a aflorar en condiciones y en sellos más relevantes que veinte meses atrás. Tanto da. Por lo menos mientras el resultado de todo sean discos como “You Are All I See”, el primer larga duración del californiano Pat Grossi tras el precioso Ep “Curtis Lane” (2010) –en el que aparecían dos de sus mejores canciones, “I’m In Your Church At Nite” y “She Was A Vision”-. Injustamente eclipsado por Washed Out, Grossi deja entrever un mayor talento para las melodías, para unos arreglos minimalistas y sobre todo para sacarle mucho partido a un registro vocal de castrati que navega entre Antony y When Saints Go Machine. El resultado es un pop electrónico, intimista, confesional, amanerado y casi religioso que, escuchado con auriculares en soledad, va creciendo desde las brumas.

Joan S. Luna

JOSEPH ARTHUR

“The Graduation Ceremony” Lonely Astronaut

FOLK

1114

“The Graduation Ceremony” es el primer álbum que el compositor de Akron edita desde que hace un año formara el trío Fistful Of Mercy junto a Ben Harper y Dhani Harrison.

Retoma ahora el puente de mando tras catorce años de productiva brega por las caudalosas aguas del folk rock americano. En lo que se puede atisbar por las letras, “The Graduation Ceremony” recoge su inspiración de una ruptura sentimental. Arthur decide arropar los temas con unos arreglos orquestados que lo alejen de lo que hubiera sido un desnudo grito de desesperanza a voz y guitarra acústica. Como suele pasar en la mayoría de casos similares –“Blood On The Tracks”, “Shoot Out The Lights”, “Rumours”, “Sea Change”, etcétera- la musa de la inspiración aparece reforzada cuando los sentimientos más profundos y dolientes afloran y la soledad se abalanza sobre uno.

No es raro entonces descubrir que el disco retenga algunos de los mejores momentos que hemos podido escuchar en voz de Arthur en los últimos años (“Almost Blue”, “Over The Sun” o “Horses”).

Robert Aniento

vinilos

jonathan wilson, el espÍritu de laurel canyon

THE DO

“Both Ways Open Jaws” Naïve

POP

1111

Lejos de ser la gran sorpresa que arrasaron en las listas de ventas francesas allá por 2008 con “A Mouthful”, The Dø vuelven con un álbum de lo más sugerente y del todo vicioso que, pese a su falsa sencillez, con las escuchas gana enteros y deja apreciar todos esos pequeños arreglos que se esconden tímidamente entre sus composiciones. Continúan con su amalgama estilística en la que tanto caben las texturas del actual pop escandinavo (al igual que ocurre con Lykke Li, la frialdad melódica se ve sobrepasada por una sonoridad que da ganas de abrazar al primer ser viviente que veamos por la calle), las justas orquestaciones de acompañamiento que ni mucho menos pretenden llegar al empalago épico (“Leo Leo”), un breve recuerdo a aquel paréntesis tribal y rítmico que dejaron entrever en el Ep “Dust It Off” el pasado año (“Slippery Slope”) y una Olivia que ha conseguido mejorar considerablemente sus dotes como vocalista. Pero lo importante del asunto es que autoproduciéndose han dado un paso firme para dejar de ser considerados exclusivamente los intérpretes de “On My Shoulders”. Qué levante la mano quien no haya acabado seducido por temas como “Bohemian Dances” o “The Wicked & The Blind”. Sergio del Amo

DAKOTA SUITE “The Hearts Of Empty”

JONATHAN WILSON “Gentle Spirit”

Bella Union/Music As Usual

ROCK

1111

Nada más y nada menos que décimo álbum del gurú Chris Hooson, alma mater del ente Dakota Suite. Esta última entrega supone el que es su encuentro más íntimo hasta la fecha con el jazz, es cierto, pero manteniendo de forma clara todos los cánones que conforman la marcada personalidad de la banda, esto es, trazos de música clásica, acercamientos a la vanguardia musical más relajada y reflexiva, jugueteo con la experimentación electrónica, y esa musicalidad sombría y triste que es una constante en todos sus trabajos. Nu-jazz, ambient, super lo-fi, neo-clásica, minimalismo instrumental, electrónica de salón… todo al servicio de una base jazzística consistente en piano, contrabajo, batería y afinidades infinitas con todo lo grande que esta confluencia de estilos posee: las sublimes composiciones cinemáticas de Angelo Baladamenti, la sutileza y elegancia de Eleni Karaindrou, e incluso los flirteos con el ambient de tótems de la electrónica avanzada.

Otro discazo de Dakota Suite. Daniel Arnal

1111

Hay discos que acaban resultando un auténtico bálsamo emocional. Obras etéreas como el reciente disco de Bon Iver o la entrega de esa superbanda que responde al nombre de Fistful Of Mercy. Pues bien, este “Gentle Spirit” es desde su propio título bastante explícito. Es decir que en él encontrarás amabilidad, belleza, pero también gotas de psicodelia muy bien trazadas y sobre todo un espíritu evocador de un clasicismo nada disimulado y un verdadero amor por los setenta, el pachuli y la bondad cargada de bue-

TAMMAR

MATXURA

“Visits”

“Matxura”

Suicide Squeeze/Popstock!

Bonberenea Ekintzak

POP

Karaoke Kalk

VANGUARDIA

Jonathan Wilson Foto Archivo

111

Sacar un álbum de debut bajo el paraguas de Suicide Squeeze y que tu nombre sea instantáneamente asociado a Neu! o al sonido Factory Records es el punto del que parten Tammar. Un punto que aunque no suene demasiado novedoso no es fácil de sobrellevar aunque lo primero debiera ser una ayuda y lo segundo un anzuelo comercial efectivo. Cuando entran en juego expectativas y comparaciones Tammar se desenvuelven con calma, como sabiendo que serán expuestos a ellas con crudeza, y alargando canciones hipnóticamente consiguen sacar adelante las mismas, sabiendo que su arma es lo que recurriendo al tópico futbolístico sería el toque eterno hasta cansar al rival y marcar a falta de diez minutos.

Al abandonar el estadio, o al quitar el disco, uno siente que no se le ha escamoteado casi ningún minuto por euro pagado, y la satisfacción y empatía se mantiene. “Visits” guarda el tipo con no mucho, y eso es un mérito, pero también una condición que no podrá mantener a largo plazo sin que sus discos acaben olvidados en cajas de mudanza. Ignacio Pato L.

METAL

nas intenciones. En ese sentido el disco de Jonathan Wilson (un veterano mercenario curtido al lado de grandes como Robbie Robertson, Jackson Browne o Elvis Costello) estaría mucho más cerca de la banda capitaneada por Ben Harper y Dhani Harrison (hijo de George Harrison) que de esa extraña magia evocadora que en forma de notas es capaz de tejer Justin Vernon, y aunque tiene de ambas, el efecto Laurel Canyon acaba por decantar la balanza de lado de esa música perfecta para entornar los ojos y dejarse llevar en un largo viaje a través de las sonoridades que marcaron los primeros años setenta de la California más hippie-drogota y que van un paso más allá de la empanada demostrada por Fleet Foxes en su segundo disco. Don Disturbios

MEMORY TAPES “Player Piano” Something In Construction

1114

Aparentemente concebido como un supergrupo del underground vasco, Matxura ofrecen en su debut discográfico algo bastante alejado de lo tradicionalmente asociado a ese tipo de bandas. La propuesta es sencilla: Mikel Kazalis (Anestesia, Negu Gorriak), Txarly Díaz (Anestesia), Aitor Abio (PI L.T.) y Fer Apoa (El Corazón del Sapo, Kuraia) se juntan para desfogar su vena más industrial bajo una óptica de clara misantropía. No busquen acomodos ni un disco sencillo, Matxura no han hecho canciones comerciales ni “de cuarentones”, más bien han venido a decir con agresividad y firmeza que el viejo mundo ha muerto por suicidio colectivo y que las actitudes punk de las que han hecho gala en sus bandas matriz durante décadas siguen imperturbables para poner música a esa decadencia mundial con estridencias, velocidad, silencios y mucha, mucha oscuridad. Por si fuera poco interesante, rinden honor a su propio contexto, transgreden oxidados lemas y se atreven incluso con una muy radical versión del mítico “Hil da jainkoa” de PI L.T. Ignacio Pato

ELECTRÓNICA

1114

La tan actual sensibilidad hipnagógica dicta que el pop electrónico de nuevo cuño se nutre de influjos semi inconscientes, una especie de absorción de registros que equipara la adolescencia (o la infancia) a la duermevela.

Mero blah blah: una manera como cualquier otra de legitimar el saqueo de motivos sonoros de los ochenta, unos placeres tan culpables que parece que da reparo asumir a las claras. En el caso de Dayve Hawk (como en el de Part Time o Empire Of The Sun, por sólo poner dos casos distintos), no hay de qué sonrojarse cuando las canciones resultan inapelables. Porque el segundo largo del de New Jersey es otro refrescante mejunje de evocaciones al synth pop más indisimuladamente comercial de años ha, pasado por el filtro de la electrónica de alcoba, con dos petardazos que remiten sin ambages a New Order: la serena “Yes I Know” y la centelleante “Sunhits”, en la onda de lo más liviano de Sumner y compañía. Hay más, claro. Hits en potencia como “Wait In The Dark” o “Today Is Our Life”, que redondean un álbum sensible, recreativo y muy disfrutable.

Carlos Pérez de Ziriza

mondorecomienda

/49/ Octubre 2011 · MondoSonoro

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELÍCULAS ★ CLIPS ★ documentales

“Mientras duermes” Foto Archivo

cine

JAUME BALAGUERÓ

De repente, un extraño Antes de la esperada “[REC]: Apocalipsis”, Jaume Balagueró se descuelga con “Mientras duermes”, un thriller modélico que detrás de su aparente clasicismo y contención, esconde una de sus películas más perversas y retorcidas. Este mes de octubre recibirá el premio Màquina del Temps en el festival de Sitges en reconocimiento a su carrera.

C

orren aires nuevos en la carrera del realizador catalán. O quizás simplemente sea coger aire tras las dos exitosas entregas de “[REC]”, pero la verdad es que “Mientras duermes” presenta a un nuevo Jaume Balagueró que se siente muy a gusto dentro del thriller mainstream más juguetón y gamberro. “No tenía la idea premeditada de dar ese paso. El guión cayó en mis manos, me atrapó y dije: ‘aquí hay un ejercicio de suspense que me apetece mucho llevar a cabo’. Efectivamente es un cambio y un alejamiento del terror más clásico”. Ahora bien, que no se asusten los horrorheads porque la nueva película del director de “Los sin nombre” esconde, bajo su empaque de film convencional y clásico, un perturbador cuento sobre la naturaleza del mal lleno de momentos que bordean la incorrección política más pasada de vueltas. “Sí, es una película sobre el mal, como muchas otras que he hecho.

Es una aproximación al mal muy diferente,

pero no menos heavy. Es la más brutal aunque no lo parezca. Y tiene momentos que son muy siniestros. Lo que pasa es que la película tiene un tono que hace que eso pase casi de una manera imperceptible.

Una cosa clave en ‘Mientras duermes’ era el tono. Es un film que está tocando en realidad un tema muy duro, la violación de la intimidad de una persona, que es muy fuerte, e incluso la violación explícita y literal y, sin embargo, quería contarlo con un tono de realismo casi mágico. Hay algo muy realista y naturalista en los personajes, y a la vez, algo mágico en ellos y en el tono. ‘Mientras duermes’ tiene apariencia de un pequeño cuento, y no tendría sentido si fuera contada como una capítulo de ‘CSI’… Estás contando una fábula, no importa pasar por alto algunos detalles de verosimilitud”. El ogro de este cuento es Luis Tosar, que interpreta de forma brillante a un portero maquiavélico,

sádico y algo torpe que disfruta en su empeño de hacer la vida imposible a los habitantes del bloque de pisos donde trabaja. “Hace un personaje que explícitamente es repugnante, que da grima, pero sin olvidar que tiene que tener algo fascinante, que sea carismático… Ese es el equilibrio que le queríamos dar Luis y yo, que los espectadores quedaran atrapados con el personaje… El punto de vista de la película es desde el personaje de Luis, vamos descubriendo la historia a través de

cios por una cuestión de interés porque era lo más factible… Y ‘Mientras Duermes’ es un guión que no era mío. De todas formas soy consciente de que tengo que empezar a cerrar la temática de las inmobilarias (risas)”.

Balagueró, que durante esta conversación confirma que ya está trabajando en el guión de “[REC]: Apocalipsis”, recibirá este mes de octubre La Máquina del Temps, uno de los premios más prestigiosos del festival de Sitges, un certamen que ha estado relacionado con el cineasta catalán desde

"Es una aproximación al mal muy diferente, pero no menos heavy" los ojos y sentimientos de él, y condicionas al espectador desde un principio a sentir simpatía por un ser despreciable”. Tiempo para una curiosidad, “Mientras duermes” es la cuarta película consecutiva de Jaume Balagueró donde los edificios vintage de l’Eixample tienen una importancia vital. ¿De dónde viene esa fijación? “Realmente es muy curioso porque no hay una razón, ni obsesión, ni trauma, ni nada con los edificios barceloneses, se trata de algo accidental. ‘Para entrar a vivir’ fue mi primera película de temática inmobiliaria, ‘[REC]’ y ‘[REC 2]’ se adaptaron a esos edifi-

los inicios de su carrera. “Recibir La Màquina del Temps es un honor que todavía intento asumir porque tú te crees que no mereces algo así. También es un orgullo y una felicidad muy grande, porque dices ‘ostia, hay gente que quiere premiar tu trayectoria’, y eso te llena de ilusión y de seguridad en lo que haces. Estoy muy contento y muy nervioso a la vez. Presentar ‘Mientras Duermes’ en Sitges me hace mucha ilusión, de hecho casi todas mis películas han pasado por ahí.

He crecido y evolucionado como espectador y director en Sitges”. ■ Xavi Sánchez Pons

Jaume Balagueró en cinco pasos

“Alícia” (1994)

“Los sin nombre” (1999)

“Frágiles” (2005)

“Para entrar a vivir” (2006)

“[REC]” (2007)

El tercer cortometraje del cineasta catalán le sirvió para sacar la cabecita dentro del fantaterror patrio.

Premiado en el festival de Sitges de 1994, “Alicia” ya dejaba claro el gusto de Balagueró por las atmósferas malsanas, desviaciones varias y cierto toque arty.

Primer largo del director catalán y título fundacional del nuevo cine de terror español que adaptaba una perturbadora novela de Ramsay Campbell. También es el primer film bajo amparo de Filmax, productora que ha estado detrás de todas las películas del director de “Darkness”.

La película que confirmaba la importancia de Balagueró a nivel internacional dentro del género de terror.

Adorado en Francia, dos de los nombres más destacados del horror galo, Alexandre Bustillo y Julien Maury, (“À l’intérieur” y “Livid”), le citan como unos de sus referentes de cabecera.

Brillante survival inmobiliario que intentaba revivir el espíritu de las “Historias para no dormir” de Narciso Ibánez Serrador (ahora bautizadas como “Películas para no dormir”), y que significaba la primera colaboración de Balagueró con Alberto Marini, guionista de “Mientras duermes”.

La primera entrega de la saga de terror español más famosa tras la de los Templarios de Amando de Ossorio, es un exploit soñado que, partiendo de filmes como “28 días después” y “El proyecto de la bruja de Blair”, se ha acabado convirtiendo en un clásico del género. n X.S.P.

mondoRECOMIENDA /50/ Octubre 2011 · MondoSonoro DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

Libros Kiko Amat Foto Marc García Fusté

Libros Piña

Michael Cera Alpha Mini (1111) Michael Cera, además de buen actor, también es un prometedor escritor de ficción. Así lo demuestra “Piña”, un punzante y sardónico relato corto que se fija en Raymond Carver y en el patetismo y el humor de vergüenza ajena made in Ricky Gervais. Xavi Sánchez Pons

Kraftwerk: yo fui un robot Wolfgang Flür Milenio (1114)

El morbo está servido: Flür se despacha a gusto con Ralf y Florian, máximos ideólogos de Kraftwerk y responsables de su salida del grupo en 1987 y estos contraatacando al solicitar en los tribunales el secuestro del libro. Una década después de su primera edición en Alemania, debidamente ampliado y con la bilis a tope llega esta versión traducida imprescindible para amantes del cotilleo pop y fans de la banda de Düsseldorf. L.J.M.

James Whale: el padre de Frankenstein Juan A. Pedrero Santos Calamar Ediciones (11114)

Pedrero Santos reivindica la trayectoria de uno de los padres del cine de terror moderno repasando su vida y haciendo especial énfasis en sus películas de temática fantástica, que son comentadas de forma prolija. El prólogo de Guillermo de Toro es de lágrima.

Xavi Sánchez Pons

El guion hablado. Conversaciones con guionistas y directores del siglo XXI Juan Carlos Sánchez-Marín Fundació Taller de Guionistas (1114)

kiko amat

pop y humanos Kiko Amat ha vuelto. Y lo ha hecho con un ensayo que es en realidad una crónica sentimental sobre música pop y la gente que la escucha, en concreto sobre la música pop que ha escuchado su autor y que ha hecho de su vida, una vida mejor, aunque suene a anuncio de lavavajillas. Se titula ‘Mil violines’ (Reservoir Books) y es un electrizante catálogo de filias y fobias imprescindible.

Pasan lo años y el oficio de guionista de cine sigue siendo en muchos casos un trabajo a la sombra que bien merece reivindicaciones como este libro. Varios directores-guionistas (Jaume Balagueró, Juan Cavestany, Cesc Gay...) y docentes repasan el estado de la cuestión en formato entrevista de forma muy amena. Xavi Sánchez Pons

Disturbios

Mil Violines

J.G. Farrell El Acantilado (11114) En 2010, el escritor británico J.G. Farrell recibió a título póstumo el Booker Price por “Disturbios” (1970), un honor que delata la talla y vigencia de un libro que relata de manera magistral la atmósfera de tensión social y decadencia imperial en la Irlanda de entre guerras. Farrell (1935-1979) es un maestro de la ironía: personajes y situaciones que rozan el esperpento, pero con drama universal de fondo, desembocan en una obra erigida en clásico por méritos propios. Joan Cabot

Cartas a Emma Bowlcut Bill Callahan Alpha Decay (11)

A Bill Callahan le ha dado un acceso de escritor. “Cartas a Emma Bowlcut”, su primera novela, es en realidad un epistolario de ficción en el que un hombre, científico para más señas, escribe una serie de misivas a la mujer de la que está enamorado. Y lo hace rehuyendo la prosa, recurriendo a estructuras e imágenes que tal vez encajen en el contexto de una canción, pero que, lejos de conquistarla, lo más probable es que hayan aburrido mortalmente a su querida Emma. O provocado que salga por patas. O ambas cosas, vaya… Luis J. Menéndez

Sun Ra. Entrevista y ensayos John Sinclair Libertor Editorial (1114)

Uno de los músicos de jazz más influyentes de la segunda mitad del siglo XX, la personalidad y peculiar mística Sonny Blount sólo podía ser recogida, por fuerza, de manera fragmentaria. Recopilados por el a su vez mítico John Sinclair (ex-mánager de MC5, activista, colgado), este volumen recoge entrevistas, artículos, poemas y hasta un cómic. Una aproximación a un genio que escribió su propia Biblia de las estrellas en sus discos. Joan Cabot

Roscoe, negocios de amor y guerra William Kennedy Libros del asteroide (1114)

“Roscoe”, la última novela de su veterano autor, es una combinación entre “El padrino” y el cine de Sidney Lumet, una inmersión en las politiquerías y corruptelas de la ciudad de Albany en el periodo de entreguerras. Pese a su localismo, la obra destaca por la atractiva idiosincrasia de su personaje protagonista y la maestría de Kennedy en la confección de diálogos ingeniosos y desconcertantes. J. Picatoste Verdejo

Kiko Amat Reservoir Books

K

iko Amat no cree que su colección de discos diga nada sobre sí mismo. Ni sobre nadie. “Algunos de los más excelsos idiotas que se han cruzado en mi vida tenían un gusto sublime, y colecciones maravillosas, lecturas elevadas y un conocimiento fílmico deslumbrante, pero sus almas estaban vacías. En cambio, algunos de los mejores hombres que he conocido a lo largo de mis cuarenta años de existencia no tenían ni un disco bonito”, dice, y añade: “Mis miles de discos no dicen nada de mí, aparte de qué estilos o artistas me gustan. Su amontonamiento no me hará mejor. Ojalá fuese así de fácil”. Kiko Amat, escritor e inquieto buscadiscos, se ha arrancado su corazón pop y lo ha servido en bandeja en “Mil violines”, suerte de biografía de amante del vinilo, cuyo título, por cierto,

homenajea al único disco de música clásica que Amat tiene en casa, el “Piano Concerto Nº2” de Rachmaninov. Partidario de no separar el tipo que tiembla, eructa y se ríe del tipo que escucha el disco, Amat echa de menos un periodismo musical que sienta más y analice (quirúrgicamente) menos. En otras palabras, odia lo que él llama el “Crítico Musicalbot 3000”. “Es ese ente intercambiable y robótico atemorizado por si se le escapa un ‘yo’ o algo de emoción palpable, y que manipula sus discos favoritos con la asepsia de un cirujano plástico”. Y aunque no soporte a Phil Collins (atentos a la despedida hater del libro: “Arráncame las orejas. Diez canciones que odio profundamente”) sería capaz de comprar una revista en la que escribiera un tipo que lo adorara (y odiara a sus queridas Supremes) “siempre y cuando utilizara el lenguaje con sensatez, no fuese pretencioso ni sobre-intelectual, tuviese sentido del humor e ideas propias, y fuese capaz de interconectar disciplinas e imágenes de distintos ámbitos”. Queda dicho. A todo esto, los últimos discos que ha comprado son... “El lindísimo álbum de The Art Museums, ‘Rough Frame’. Suenan a The Times, TVP’s, Flying Nun y cosas similares. Una anomalía, pero excelente. También me compré el ‘Da doo ron ron’ de The Crystals y ‘Gatecrasher’ de The Gorillas”. Y añade: “Viva Jesse Hector”. Viva. ■ Laura Fernández

videojuegos Resistamce 3 Ps3 Sony

1114 De nuevo la guerra contra las quimeras. En esta ocasión lucharemos como un soldado obligado a retirarse que se ofrece a dar un último golpe a la invasión extraterrestre, deberemos ir de Oklahoma a New York y por el camino nos encontraremos con la brutalidad a la que se ha sometido a la humanidad. Mas armas y mejorables, una campaña en modo cooperativo para dos jugadores y online hasta dieciséis. Compatible con move y PS eye.

■ A. M.

FIFA 2012

ps3 PC xbox360 wii ps2 psp nds E.A. Sports 11111 Nueva y esperada entrega del mejor simulador de fútbol de los últimos años. Mejorada para ser más real aún con un simulador de colisiones entre los jugadores, regates más precisos y una defensa táctica que hará que trabajemos tanto en ataque como a la hora de recuperar el balón. La música de nuevo uno de los puntos fuertes aparecen grupos como The Strokes o El Guincho. Hasta veintidós jugadores y modo online promete estar a la altura de las expectativas.

■ Albert Miró

MondoSonoro · Octubre 2011 /51/

mondoRECOMIENDA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

comics

“Hoy es el último día del resto de tu vida” Foto Archivo

cómic

Baby’s In Black Arne Bellstorf Sins Entido (1111)

Subtitulado “La historia de Astrid Kirchkerr y Stuart Sutcliff” la joven dibujante Arne Bellstorf alemana parte de una serie de conversaciones con la fotógrafa Astrid Kirchkerr para reconstruir la historia de la relación de ésta con “el quinto Beatle”, las circunstancias de su súbita muerte y, de paso, introducirnos en el excitante Hamburgo de 1960 en el que los Fab Four daban sus primeros pasos. Y lo hace con un grafismo tan dulce como rotundo. L.J.M.

Un verano insolente Rubén Pellejero/Denis Lapière Astiberri (1114)

A través de la figura de un narrador que nos presenta la trama a modo de flash-back, los autores sumergen al lector en el submundo del México DF de los años veinte, ciudad que fue refugio de numerosos artistas e insurgentes, y en dónde la agitación artística se entremezcla con las promesas revolucionarias. Todo un retrato de una época con una puesta en escena fantástica. Daniel Arnal

Ciudadano Rex Mario & Beto Hernández La Cúpula (111)

Beto Hernández (“Luba”, “Palomar”) se alía en esta ocasión con su hermano menos famoso para desarrollar una forma realmente personal, peculiar, de hacer ciencia ficción. Si ya en series anteriores Beto demostró una imaginación desbordante y ajena al uso de la lógica, en esta ocasión nos lleva aun más allá hasta el punto de que la empanada pulp-futurista-cómica amenaza con agotar la paciencia del lector más experimentado. Se agradece que aún asuma riesgos, pero el despiporre, en esta ocasión, ha pasado factura. L.J.M.

Billy Bat. Vol. 3

Naoki Urasawa Planeta DeAgostini (1111)

ulli lust

una vida por delante Cuando uno lee “Hoy es el último día del resto de tu vida” (La Cúpula, 11), un cómic autobiográfico lleno de sexo, drogas, violaciones y hambre, pero también de viajes, autorrealización y humanidad, piensa ¡joder, esta tía ha vivido de veras! Cuando uno la tiene delante y ve a una mujer llena de experiencia que habla con la misma elocuencia y calma que un viejo sabio piensa ¡joder, todo era verdad!

Aunque el punto de partida pueda recordarnos a trabajos previos suyos, en “Billy Bat” Naoki Urasawa da un giro más a la narración y, por lo menos hasta este tercer volumen, atrapa al lector con una historia inquietante que nos lleva a saltar adelante y atrás en el tiempo. En todo caso, apunta a que lo pasaremos muy bien con esta nueva serie del creador de “Monster”. Ernesto Bruno

Hoy es el último día del resto de tu vida

Electric Requiem Colombara & Maconi La Cúpula (111)

Pese a un inicio y un final algo desalentadores, “Electric Requiem” es un curioso acercamiento a la carrera de Jimi Hendrix que se deja leer, mucho más gracioso cuando relata vivencias de la vida del genial guitarrista que cuando se embarca en una narración de intenciones mucho más surrealistas. Ernesto Bruno

El sótano en llamas Toño Benavides Astiberri (1114)

Partiendo del absurdo como la explicación más racional a la vida y sus asuntos cotidianos, el autor presenta diez pequeñas historias, dibujadas en riguroso blanco y negro con recuerdos a oscuros ilustres como Kafka. La dificultad del hombre para relacionarse con sus emociones y relacionar a estas con los demás termina siendo el tema principal de esta obra interesante y audaz. Daniel Arnal

Agencia de viajes Lemming José Carlos Fernández Astiberri (1111)

José Carlos Fernández se destapa aquí con un guión maravilloso en el que el protagonista, un hombre vestido de traje perdido y confuso, deambula como turista por diferentes ciudades imaginarias. Un arte realmente fantástico al servicio de un conjunto de historias que giran alrededor de la identidad, lo urbano, las relaciones entre las personas, el sinsentido… Muy bueno. Daniel Arnal

“Monstruos”

Ken Dahl Ponent Mon (1114) El dibujo de Ken Dahl es caricaturesco, perfecto para un género humorístico en el que sin duda se maneja con soltura. Sin embargo, “Monstruos” convierte algo en apariencia tan trivial como son las “calenturas” características en el labio (una forma de herpes, en realidad) en un relato pesadillesco por el que el infectado termina convirtiéndose en una suerte de apestado social. Como el reverso oscuro del optimista y vital “Píldoras azules” de Peeters. L.J.M.

Ulli Lust La Cúpula

“

Por aquella época me gustaba mucho pasearme por la cuerda floja. Eso lógicamente implica riesgos, pero creo que yo, como artista, saqué muchas cosas positivas de vivir tan de cerca el peligro, el riesgo o el miedo. La mayoría de experiencias duras o traumáticas terminan siendo positivas si uno sobrevive a ellas”. Aquello de lo que no me mata me hace más fuerte, que decía otro alemán, causalmente. La verdad es que viendo a una adolescente todoterreno

como ella capaz de saltarse fronteras y de estar sin comer durante días uno se pregunta si aquello tan manido de que la juventud actual está acomodada no será verdad después de todo… “Eso es una falacia. Los jóvenes actuales están llenos de creatividad, el problema es que la sociedad ha avanzado muy rápido en las últimas décadas, y tengo la sensación de que en ese avance nadie ha contado con los jóvenes a no ser que fuera para convertirlos en banqueros o mano de obra. Es triste”. No le falta razón, y la verdad es que leyendo su novela gráfica uno siente ganas de volver al pasado, donde todo parecía más fácil, y más libre. “En aquellos tiempos únicamente quería tener cerca a gente loca o excéntrica. Me costó mucho integrarme en la sociedad de nuevo ¿sabes? Y ahora que lo he conseguido, tengo la sensación de que todo el mundo está loco, y de que ahora soy yo la única normal (risas)”.

■ Daniel Arnal

dvd “Gantz”, ahora en imagen real

D

espués de editar “Space Battleship Yamato”, el filme de live action inspirado en los mangas y animes de Leiji Matsumoto, Mediatres nos sorprende con el lanzamiento de las películas de imagen real de “Gantz”. “Gantz” de Hiroya Oku es uno de los mangas de acción y ciencia ficción (con altas dosis de violencia sangrienta y algo de sexo) más importantes y exitosos de los últimos años (más de dieciséis millones de tomos vendidos en Japón y traducción a diversos idiomas), que ya contó con una adaptación en anime en una serie de veintiséis episodios, tan fiel al manga original como estos filmes que ahora llegan a nuestro país. El próximo 11 de octubre estará ya disponible en España (venta y alquiler) la primera película, “Gantz”, y el 29 de noviembre verá la luz la segunda parte, “Gantz.

Perfect Answer”. Ambos filmes están dirigidos por Shinsuke Sato (“The Princess Blade”) y protagonizados por Kazunari Ninomiya (“Cartas desde Iwo Jima”) y Kenichi Matsuyama (“Tokio Blues”). n

conexiones

/53/ Octubre 2011 · MondoSonoro

Orange <> Noise Off La primera edición del Noise Off, el primer festival online de música en directo, se viene desarrollando desde septiembre a diciembre de este 2011 gracias al apoyo de marcas como Orange y BlackBerry. En él los músicos tienen plena libertad para programar sus actuaciones. Una azotea, un parque, una piscina, un ascensor o incluso una sala de conciertos. Todo es posible siempre y cuando dispongan de una conexión ADSL, un ordenador y el software que Noise Off festival facilitará en su web. El festival se puede seguir a través de Conciertos Orange, Daily Motion, webs-redes sociales de los propios artistas y desde la página oficial de Noise Off festival. Más info en www.noiseoff.es. ■

Jägermeister<> Health La edición 2011 de Casa Jäger que tendrá lugar el 20 de octubre en Madrid incluirá las actuaciones de Health, Triángulo de Amor Bizarro, The Cobras, SraSrSra, Frittenbude y Juanita y los Feos. El concierto mantiene todos los elementos que la convierten en una experiencia única: actuaciones, localización sorpresa, entrada gratuita por invitación y, sobre todo, la posibilidad de disfrutar de una experiencia increíble con la transformación de cada estancia de la casa en un espacio único y lleno de sorpresas. El público puede conseguir sus invitaciones desde el 15 de septiembre en www.facebook.com/jagermeisterspain. ■

Sensation Innerspace <> Sharam El sábado 8 de octubre llegará al Palau Sant Jordi de Barcelona tras su espectacular estreno en Ámsterdam el pasado mes julio, Sensation Innerspace. Se trata de un gran espectáculo de música dance, efectos especiales, fuegos artificiales, acrobacias y bailes que fue creado hace diez años, y desde entonces ha recorrido más de veinte países con diferentes shows donde todo el mundo tiene que ir completamente vestido de blanco, requisito para acceder al recinto. La nómina de artistas estará formada por Mr. White, Wally López, Sharam (Deep Dish), Fedde Le Grand, Sunnery James & Ryan Marciano y Daniel Sánchez & Juan Sánchez. ■

Tommy Hilfiger <> The Rapture Tommy Hilfiger, tiene el placer de anunciar una nueva edición del Hilfiger Denim Live que llegará a la Sala Heineken de Madrid el 27 de octubre con las actuaciones de The Rapture (presentarán su excelente cuarto disco, “In The Grace Of Your Love”, por primera vez en nuestro país) y Jessica 6. El cartel lo completan Cut Your Hair, Los Wallas, John Talabot, Worst, Jordi Chicletol, La Pareja Más Deseada y Damien DJ. El Hilfiger Denim Live casi podría considerarse un mini festival: dos escenarios en la misma sala y jóvenes bandas americanas y locales simultaneando su actuación con Dj’s hasta altas horas de la madrugada. ■

Jack Daniels <> Fever Tree

The Rapture Foto Archivo

El pasado 29 de septiembre, Jack Daniel’s, la marca de whisky que ha pasado a la historia como la primera destilería oficialmente registrada en los Estados Unidos, anunció su reciente vinculación a la marca británica de mixers Fever Tree. Para conmemorar la unión, Quique Dacosta, el chef cacereño acreedor de dos estrellas Michelin, creó un cóctel exclusivo que combina el auténtico whisky de Tennessee con Fever Tree Ginger Ale. Alaska y Mario Vaquerizo junto con el Dj Christian Rey Nagel se encargaron de poner la banda sonora con una selección musical. ■

Black XS Rockstar Nights

Square Bank <> Danny Avila

Adidas <> Chipmunk

Durante el mes de diciembre Black XS de Paco Rabanne te invita a las “Black XS Rockstar Nights”. Dos conciertos, uno en Madrid y otro en Barcelona, totalmente gratuitos y donde disfrutarás con la música de We Are Standard, De Vito, Mendetz y Chinese Christmas Cards. Regístrate en www.be-a-rockstar.com.

El Dj Danny Ávila participa como jurado de Squares Bank, una original propuesta que financia las ‘equivocaciones’ de los jóvenes, con 10.000 euros para la mejor equivocación y cinco microcréditos diarios. www.facebook.com/squares.kelloggs

El artista británico de hip-hop Chipmunk se une a Adidas para lanzar las últimas zapatillas deportivas Hard Court Hi y Low, en exclusiva para tiendas Foot Locker. Esta colección se celebra con una canción en descarga sólo para fans de Foot Locker.

Ballantines <> Plan B

Lee <> Revival Tour Lee

“Gimme The Base”, la tercera canción creada por El Plan B de Ballantine’s & Carlos Jean, llega al número 1 de la lista de la emisora de radio Los 40 Principales. Es la segunda canción nacida del proyecto que alcanza la cima en menos de seis meses después del éxito “Lead The Way”.

The Revival Tour 2011 es un evento internacional de música acústica ideado por el artista Chuck Ragan (Hot Water Music) en el que los músicos más reconocidos comparten cartel con otros que aún están por descubrir. Viejos amigos y compañeros de viaje, como el violinista Jon Gaunt o el bajista Joe Ginsberg. n

Quicksilver <> Charlotte O’Connor Charlotte O’Connor está lista para lanzar su primer álbum producido por Mario Caldato Junior (Beastie Boys y Jack Johnson) y publicado por Quiksilver Women. El álbum se titulará “For Kenny” y estará presentándolo el 4 de octubre en la sala Boite de Madrid.

mondoweb

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/54/ Octubre 2011 · MondoSonoro

ENTREVISTA FAN

LOS BLOGS Desde las barricadas con un Martini seco

Antonio Luque Foto Luis Diaz Diaz

Pearl Jam “Twenty”, el peso de los años (Don Disturbios)

ANTONIO LUQUE (SR. CHINARRO) El andaluz Antonio Luque es uno de los grandes autores de nuestro país y un sobreviviente nato que ha sabido evolucionar hacia terrenos más accesibles. Por ello ha llegado el momento de enfrentarle a las preguntas de sus fans.

Majdouline Larhfiri

¿Qué impresión le dio cantar con Patti Smith y su banda?! (Estuve ahí, disfrutando cada minuto!)

Creía que era un juego de Playstation.

Jose Saco. Yo le preguntaría: ¿El porqué de su peinado... actual...?

Me di cuenta de que asustaba a las viejas del barrio y, por simpatía, a sus perros lamec.

Xavi Blazquez ¿Te es muy difícil segur ocultando que eres el cantante de The Flaming Lips?

En particular en el banco.

Iré, si no a tocar de paso. Podría tocar en la Nueva Condomina el 25 de septiembre. ¿Juega el Murcia?¿Colaboraciones? Colaborar con mi banda y viceversa: eso no es poca cosa.

Lidia Canals Gispert. Parece que actualmente la música independiente ha hecho como un boom; han aumentado el número de festivales, tienen más presencia en las fiestas populares, salen en los medios...¿Qué te parece?

Que no es así. El indie triunfal tiene de indie lo que yo tenía de Cadena 100 en los noventa.

Xènia Aida. ¿Es el waterpolo un deporte de invierno?

Nadando entre cuchillas, mostly.

Lidia Díaz-Cardiel.

Cuando uno se hace un “maduro interesante”, ¿deja de escribir canciones interesantes?

Si solo te gusta la música de y para niñatos háztelo mirar.

Víctor Gozalbo Torres.

Ana Bananof ¿Con quién te gustaría hacer al-

CONCURSOS

WEB

guna colaboración en directo próximamente? La del SOS Lorca con Ana fue suprema, una preciosidad. Un fenómeno celeste no es tan espectacular como la sensación de verte tocando en directo. Esperamos pronta visita de nuevo por tierras murcianas.

Aparte de tristeza, ¿qué sustancias ilegales consumes?

Mala leche. No es ilegal aún, ¿no?

Raúl Julián.

¿Qué canción de Sr. Chinarro define mejor el actual estado mental de Antonio Luque?

Esta pregunta me gusta. Por peteneras.

Pan Manuel Lorente Pérez. Si Leopoldo María Panero grabara un disco, ¿qué tipo de música sería? ¿Crees que estarías entre sus influencias? Y a todo esto, ¿cuáles son tus influencias literarias?

Ni idea. No entiendo el fenómeno fan con ese señor. ¿Influencias? No sé. Me gustaron mucho Balzac, Kafka, Rimbaud o Proust. Los buenos, vaya.

Mario Mármol González. Soy chinarrista desde tus inicios y me gustan todos tus discos, pero los dos últimos me gustan menos. Y no porque hayas limpiado el sonido y cantes mejor (“El ventrílocuo...” y “El fuego amigo” me parecen tan buenos como tus discos anteriores), pero “El mundo según” y “Ronroneando” no parecen Sr. Chinarro.

Mi pregunta es: ¿a qué responde esta evolución de tu sonido?, ¿es un intento de llegar a más público?. Gracias Antonio.

Sí, es eso. En cuanto me forre te convido.

Ernesto Eibar. La primera vez que te vi en directo fue en un Benicàssim, y llevabas a un tipo con las letras escritas mientras tú las leías. Si ahora te olvidas de una letra, ¿qué haces para disimularlo?

Canto en falso inglés. Nunca es más de medio verso (frase). ■ PARTICIPA EN WWW.FACEBOOK.COM/MONDOSONORO

Cabe decir que debe ser muy difícil resumir en apenas dos horas de documental la carrera de una banda como Pearl Jam con veinte años de carrera a sus espaldas. Había, por tanto, que elegir aquellos momentos en los que quieres incidir con mayor entusiasmo y sobre cuáles debes pasar de puntillas. Y todo esto no quiere decir que el trabajo del cineasta estadounidense Cameron Crowe no esté a la altura de la historia que quiere contar. No. El documental es magnífico. En especial a nivel visual con toda la documentación gráfica que aporta, pues recoge grandes momentos de las múltiples actuaciones del grupo con imágenes con un impacto visual muy potente... Por lo demás y dada la dificultad de resumir veinte años de vertiginosa carrera y visto el celo que mantienen los integrantes de la banda para pasar de puntillas por los aspectos relativos a su vida privada, lo cierto es que la película hará las delicias de todos los seguidores de la banda, gracias al valor de las imágenes que atesora y a jugar de forma descarada con la nostalgia de una época en la que todos éramos veinte años más jóvenes. Casi nada. ■

Uno entre un millón

Tópicos para ser los listos de la (Joan S. Luna) clase...

Amigos lectores, saben ustedes perfectamente lo socorridos que son algunos tópicos (muchos de ellos topicazos abrumadores) para dar la impresión de que estamos de vuelta de todo... Bien, pues me he puesto con algunos amigos a intentar sacar algunos de los más utilizados... y aquí tienen el resultado.

“Los únicos Pink Floyd que molaban eran los de Syd Barrett” “El único grupo de hardcore que mola es Fugazi” “Los Beatles lo inventaron todo en el pop” “Los ochenta fueron una década de mierda” “No me gusta el heavy metal, pero Iron Maiden me flipan” “A mí, Arcade Fire me dejan frío” “Amaral no me gustan, pero les respeto” “The Smiths estaban muy bien, pero me sobraba Morrissey” “El primero era mejor” “Bah, no me interesa, suena muy 2010”... ■

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