MONDO SONORO SEPTIEMBRE 10.pdf

Septiembre de 2010 nº 176

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MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

INTERPOL

HOMBRES DE NEGRO KLAXONS

MÁS VALE TARDE QUE NUNCA THE GASLIGHT ANTHEM

NACIDOS PARA CORRER

EL GUINCHO

,

REBELION EN LAS ONDAS Y ADEMÁS ESTE MES...

ARCADE FIRE • !!! (CHK, CHK, CHK) • MITTENS • HURTS • ADANOWSKY • SLEIGH BELLS • THE PINKER TONES • BAND OF SKULLS • JOSH RITTER PHOSPHORESCENT • RÖYKSOPP • S CURRO • THIS DRAMA • FLORIA SIGISMONDI • PREMIOS UFI • MONKEY WEEK • FESTIVALES El Guincho Foto Albert Jodar

Más en:

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MondoSonoro · Septiembre 2010 /5/

sumario

staff Coordinador general Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) Coordinador editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Coordinador redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Mondoweb www.mondosonoro.com Coordinadora web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com)

NOTICIAS

entrevistas

escaparate

6. Adanowsky se reinventa 7. Premios UFI 8. Monkey Week

20. The Gaslight Anthem La Edad de oro 23. Klaxons Un futuro no tan lejano 24. Interpol La estrategia del caracol 26. El Guincho Alta fidelidad

36-37. S Curro, This Drama, Ane Brun

mondofreako

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com

11. !!!

12. Mittens 13. Hurts 14. Sleigh Bells 15. T he Pinker Tones 16. Band Of Skulls 17. Josh Ritter 18. Phosphorescent 19. Royksopp

◗ Edición estatal Redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) Luis Fernández M. (luis@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 Diseño gráfico y maquetación Xavier Puigbó (maquetacion@mondosonoro.com) ◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939

vinilos 39. Arcade Fire Disco del mes

mondomedia Conciertos 29-35. Bilbao BBK, Low Cost, Fib Heineken, Sonorama, Santander Amstel, Cruïlla, La Mar de Músicas, Contempopránea, Jazzaldia

49. Cine: Floria Sigismundi 50-51. Mondo Recomienda 53. Conexiones

mondoweb 54. Blogs

◗ Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 388 892 ◗ Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro. com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197 ◗ Catalunya (xavi@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons Publicidad Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 ◗ Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026 ◗ Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551 ◗ Galicia-Castilla y León (galicia@mondosonoro. com, castillayleon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379 ◗ Madrid (madrid@mondosonoro.com) Redacción Luis J. Menéndez Publicidad Maria Llorente(maria@mondosonoro. com) Tlf./Fax 915 400 055

24 Interpol

“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Toni Castarnado que sólo quiere hablar de su libro”

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

La estrategia del caracol

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AMOS! E T R O MES S

55

camisetas de

Villagers

Interpol Foto Wagenaar

Colaboradores: Textos Adrián Santos, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Francesc Feliu, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Javi López, Javi Pulido, Joan Cabot, Jordi Nopca, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jorge Obón, Juan Alonso, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marta Terrasa, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Mertxe V. Valero, Miguel Amorós, Nacho P.L., P. Muñoz, Robert Aniento, Toni Castarnado Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

TAN lejos... ◗ MY MORNING JACKET acaban de finalizar la grabación de su nuevo disco después de “Evil Urges” (2008). En una entrevista concedida a la revista Rolling Stone, el cantante de la formación, Jim James, ha asegurado que estará listo “a mediados del año que viene, probablemente en mayo”.

Adanowsky Foto Alfredo Arias

NOTICIAS /6/ Septiembre 2010 · MondoSonoro

◗ BLONDE REDHEAD tendrán nuevo trabajo este mes, un trabajo titulado “Penny Sparkle”. Así lo ha anunciado la banda capitaneada por Kazu Mazino, que además de anunciar el día exacto de salida, el día 13, también ha confirmado que el disco ha sido grabado entre Nueva York y Estocolmo con una producción a cargo de Van Rivers y The Subliminal Kid. ◗ TRENT REZNOR, líder de los ¿extintos? NIN, con la ayuda de Atticus Ross, su compañero de fatigas en el side-project How To Destroy Angels, se está encargando de la banda sonora de lo último de David Fincher (“Seven”, “El club de la lucha”), una película titulada “The Social Network” que cuenta la creación de Facebook.

Primal Scream Foto Archivo

Diez años de Razzmatazz La conocida sala Razzmatazz en Barcelona, por la que han pasado buena parte de los artistas más importantes de la escena alternativa actual, cumple diez años de trayectoria. Para celebrar tan apetitosa fecha, sus responsables nos ofrecen una programación especial que se llevará a cabo desde principios de noviembre hasta mediados de diciembre. Entre los artistas que estarán presentes en la celebración nos encontramos con LCD Soundsystem, Primal Scream, Caribou, Suede, Two Door Cine Club, Jamaica, Yelle y Richard D. James, que ofrecerá una actuación especial como Aphex Twin & Friends. A falta de nuevas confirmaciones, no cabe duda de que ya tenemos citas indispensables para acabar el año. Para ampliar la información al respecto y conocer los precios de las entradas para cada uno de los conciertos, se aconseja visitar la web www.salarazzmatazz.com ■

◗ GUIDED BY VOICES ha confirmado que la formación más clásica de la banda (formada por Robert Pollard, Tobin Sprout, Mitch Mitchell, Greg Demos y Kevin Fennell) realizará un concierto especial el próximo mes de octubre en Las Vegas con motivo del veintiún aniversario del sello Matador. De momento se desconoce si esta reunión dará lugar a más conciertos ◗ SOUNDGARDEN anuncian la salida de un best of. El disco, que se titula “Telephantasm”, incluirá canciones de todos sus álbumes de estudio, además de diversas rarezas. El grandes éxitos, que se edita el 27 de septiembre, se editará en diversos formatos y habrá diferentes ediciones de lujo que presentarán un buen número de extras, entre ellos, un DVD.

Weezer Foto Archivo

◗ WEEZER abandona Geffen tras quince años y fichan por Epitaph, una de las indies con más solera del planeta. El primer disco de Weezer para el sello de Brett Gurewitz se editará el 13 de septiembre y lleva por título “Hurley”, un nombre que hace alusión al conocido personaje de la serie de “Perdidos”. De hecho la portada es una foto del actor que lo interpreta, Jorge García. ◗ “Thank You For Your Love” es el nuevo EP de ANTONY AND THE JOHNSONS, que se publicó el día 30 de agosto y que consta de cinco temas, cuatro de ellos inéditos que no formarán parte de su próximo álbum, “Swanlights”. La canción que da título al EP, sí que formará parte del disco, se trata del primer single y ya está disponible para descargarse de manera gratuita. ◗ FRAN HEALY, líder de la popular banda escocesa Travis, se encuentra de gira ahora mismo con Keane y a punto de sacar al mercado su disco de debut en solitario, “Wreckorder”.

El disco fue grabado entre Berlín, Nueva York y Vermont e incluyen un dueto con Neko Case y un tema en el que Paul McCartney toca el bajo.

Escapando a la sombra de su padre y de si mismo, Adanowsky ha acabado con “El ídolo” para dar vida a “Amador” (El Volcán, 10), un personaje que supone un nuevo inicio en su carrera y en su experiencia vital.

C

on quince años ya tenía su propia banda, The Hellboys, con la que se expuso las delicias y las miserias del rock and roll. “Abrí shows para Rancid, Joe Strummer & The Mescaleros, Rocket From The Crypt... Después los demás empezaron a drogarse y me desesperé un poco. Fui a México a ver a un curandero y me di cuenta de que tenía que dar un cambio en mi vida. Decidí llamarme Adanowsky”.

También necesitaba distanciarse un poco de la larguísima sombra de su padre, y tuvo claro que lo mejor era empezar trabajándose todos los escenarios que se le pusieran por delante. Desde el principio su plan había sido cantar en castellano, algo que no tenía demasiado sentido en el mercado francés, pero sí con la vista puesta en otros públicos. “Me sentía un poco fracasado porque mi primer disco, cantado en francés, no funcionó. Decidí traducir las letras para ver qué pasaba. Conocí a un tipo que montaba giras en Chile, fui a hablar con él y se entusiasmó.

La gente cantaba, las salas estaban llenas y la canción ‘Estoy mal’ se con-

virtió en un éxito. Grabé las voces de nuevo y me fui a México, Argentina, España y Colombia; y encontré una discográfica en cada país”. Creó el personaje de “El ídolo” para esconder su timidez y superar en parte sus problemas de comunicación. El personaje no era demasiado amable: torturado, angustiado y siempre sufriendo. De sus cenizas nació “Amador”, una vez decidido que no quería encasillarse en un único héroe. Ahora cuenta con la producción de un Phoenix y la colaboración de Devendra Banhart, pero vayamos a las canciones. Son íntimas y acústicas, de tono folklórico y en parte nostálgico de espíritu setentas. “Cuando escribía para el nuevo me estaba separando de una mujer y escuchaba mucho ‘Pink Moon’ de Nick Drake y a la Plastic Ono Band. Me di cuenta de que quería hacer un disco que se pudiera escuchar en casa y estoy convencido de que ‘Amador’ transmite un mensaje de amor humano, no amor”.

■ J. Batahola



◗ “The Promise: The Making Of Darkness On The Edge Of Town” es el nuevo documental sobre BRUCE SPRINGSTEEN que se estrenará en el canal norteamericano HBO en octubre. ■

Adanowsky se reinventa en “Amador”

Más información en: www.mondosonoro.com

Berri Txarrak Foto Archivo

El festival Getafe En Vivo ultima los detalles Todos los seguidores del rock nacional tienen una nueva meca a la que acudir, una cita ineludible situada en Getafe, una vez que el Viña Rock y el Derrame Rock quedan ya en la lejanía. Se trata del Getafe En Vivo, festival que, a pesar de estrenarse este año, ya cuenta en su cartel con más de sesenta bandas confirmadas, otras tanto de tributo y todavía algunos nombres más que no se desvelarán hasta el último momento. El próximo 30 de septiembre, 1 y 2 de octubre, por el escenario del evento desfilarán artistas consagrados y veteranos de la escena como Def Con Dos, Siniestro Total, Rosendo, Boikot, Narco, Soziedad Alcohólica, Berri Txarrak, Ska-P o Fito y Fitipaldis. Además de propuestas más enfocadas al hip hop como Chacho Brodas, El Chojín, Violadores del Verso o La Mala Rodríguez, e incluso artistas como Macaco, Bebe, Quique González o Havalina. Un pastiche de grupos y estilos con un mismo fin, el de disfrutar de tres días de la mejor música rock de nuestro país. Los abonos ya están a la venta a un precio de 69 euros + gastos, y a partir de 25 euros + gastos, las entradas de día. www.envivofestival.com n

La Bien Querida recogen uno de los dos premios obtenidos Foto Dani López

MondoSonoro · Septiembre /7/ NOTICIAS

TAN cerca... ◗ El festival BAM, Barcelona Acció Musical, que tiene lugar coincidiendo con las fiestas de la Mercè de Barcelona (del 23 al 25 de septiembre), acaba de anunciar los primeros nombres que conforman el cartel de su programación entre los que están Belle & Sebastian, Ok Go, Goldfrapp o El Guincho. ◗ Ya falta menos para disfrutar de una nueva edición del festival urbano HIPNOTIK, que se celebrará el próximo 18 de septiembre en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB). Una lista que cuenta con artistas como Chacho Brodas, SFDK o Q-bert.. ◗ El concierto de U2 previsto para el 29 de septiembre en el Estado Olímpico de Sevilla cambia de fecha y tendrá lugar el día siguiente, el 30.

La organización ha decidido atrasarlo para evitar posibles problemas ya que ese mismo día está convocada la huelga general en nuestro país. U2 estarán además de en Sevilla, en San Sebastián el 26 del mismo mes.

Premios de la Música Independiente Al menos en España, los premios son algo que suelen despertar muchas sospechas. Teniendo en cuenta que los dos galardones que había hasta el año pasado no prestaban atención a la música independiente, tampoco es algo que deba sorprendernos. Por suerte, para cambiar algo las cosas, la UFI, instauró estos premios el pasado año

N

anterior, como nos resumía Marian Lozano (UFI). “Ha habido más premios. El año pasado el hip hop y el heavy estaban dentro de otras categorías y en esta edición tienen galardón propio y también tenemos un premio Myspace. El ochenta por ciento de las novedades que se publican lo hacen en sellos independientes y es importante la forma en la que se eligen”. El sistema no es perfecto, pues deja fuera a artistas que graban para multinacionales, los nombres de los encargados de las nominaciones no son públicos (aunque UFI no plantea ningún problema para acceder a la información) y quizás haya demasiadas categorías. Fue un acierto ubicar la entrega en el Auditorio de la Casa de América, en el que las actuaciones se disfrutaron mucho más que



o hay que despegar los pies del suelo. Todos los premiados con los que hablamos coincidían en señalar algo que Juan Santaner (I’m An Artist) expresó sin resquicio a las dudas. “Como todos, los premios UFI tienen una importancia relativa. Sirven para dinamizar, para juntar a mucha gente, y para hacer promoción, que es lo que interesa, que es algo muy importante dado el poco espacio para mostrar lo que es la música independiente en los medios. Estos premios los votamos entre todo el sector, así que tienen un punto extra de credibilidad”. La segunda edición de los Premios de la Música Independiente, organizados por la Unión Fonográfica Independiente (UFI) partía con algunas novedades respecto a la edición

el año anterior. Presentados por un sobreactuado aunque simpatiquísimo Tony (sí, el clásico de los años sesenta), que no dejaba de hacer bromas sobre cómo a su edad había llegado a ser un artista independiente, la gala transcurrió con fluidez superando los problemas de la edición anterior. No hubo claros ganadores en esta ocasión (Vetusta Morla arrasaron en 2009) y sólo La Bien Querida se llevó dos premios: Mejor Álbum del año por “Romancero” y Artista Revelación.

“Erasmus borrachas” de un incrédulo Francisco Nixon se llevó el premio a la Mejor Canción. The Sunday Drivers (a punto de separarse) vieron premiado su último trabajo, “The End Of A Maiden Trip”, editado por Mushroom Pillow. Marcos Collantes, responsable del sello y editor del disco del Mejor Grupo del Año (Delorean), apuntó: “Los premios de la música independiente son totalmente necesarios para dar visibilidad a todos los que estamos detrás: artistas, sellos, promotoras”. El premio al Mejor Álbum de Rock fue a manos de Tokyo Sex Destruction por “The Neighbourhood”. ■ J. Batahola

Diez años de Ebrovisión El festival Ebrovisión se ha convertido ya en uno de los habituales en nuestro país, una cita señalada con ansia en el calendario por todos los seguidores del indie y el rock.

Los días 16, 17 y 18 de septiembre, Miranda de Ebro se llena de una retahíla de propuestas novedosas unas y consagradas otras, que ponen el punto y final a un verano festivalero. Por sus escenarios a lo largo de estos años han desfilado grupos como Vetusta Morla, Niños Mutantes, Templeton y Love Of Lesbian, entre una larguísima lista.

Este año el festival cumple diez años y para celebrarlo cuentan de nuevo con algunos de los grupos veteranos ya de la cita burgalesa, como los de Santi Balmes, y junto a ellos propuestas que cuentan con una base de fans bien asentada como The New Pornographers, L.A, The Wave Pictures, Lori Meyers, La Habitación Roja, The Heavy, Iván Ferreiro, Triángulo de Amor Bizarro y muchos otros. Los abonos cuestan 45 euros anticipada y 25 euros las entradas de día. www.ebrovision.com ■

◗ Cambios en la gira española de THE DRUMS. Debido a la gran demanda de entradas se han cambiado las salas de los conciertos para permitir la asistencia de más público. Los de Brooklyn estarán el 12 de noviembre en la sala Heineken de Madrid y el 13 en el Razzmatazz 2 de Barcelona.

Rex The Dog Foto Archivo

Más información en:

www.mondosonoro.com

Días Nórdicos, otoño caliente

The New Pornographers Foto Archivo

◗ Hay vida tras la separación de Half Foot Outside. Israel Medina, bajista de los pamplonicas, ha unido esfuerzos con Amaia Tirapu de Kokoshca, para crear un nuevo grupo llamado REINA REPUBLICANA. De momento acaban de grabar una demo en El Refugio Antiaéreo con Banin Fraile (Los Planetas), maqueta en la que han contado con la ayuda de Guille Mostaza (Ellos).

Nada mejor que despedir el verano con un acercamiento cultural a los países con temperaturas más frías de Europa, a saber: Dinamarca, Finlandia, Noruega y Suecia. Desde el 14 de septiembre y a lo largo de dos meses, los responsables de la revista Zona de Obras han organizado un festival multidisciplinar dedicado a la cultura de todos esos países, que se llevará a cabo en diversos escenarios. Durante varias semanas podemos descubrir una larga lista de propuestas como conciertos, proyecciones de películas (ciclo cine danés), documentales (en colaboración con el festival In-Edit Beefeater), charlas, debates y muestras diversas (publicaciones, diseñadores, etcétera). Entre las actuaciones musicales anunciadas, podemos citar las de los finlandeses Kaspar, los suecos Jonathan Johansson, José González, The Soundtrack Of Our Lives, el dúo danes Murder y el noruego Moddi. Para ampliar la información al respecto, visita la web oficial del evento: www.diasnordicos.com n

◗ Esta temporada INTROMÚSICA PRODUCCIONES cumple diez años y para celebrarlo anuncia la programación de eventos y clubes más importante desde sus comienzos. Erol Alkan, “Unknown Pleasures” Joy Division performing by Peter Hook, Dorian, Ettiene de Crecy…

Además se celebrará el séptimo aniversario del Low Club de Madrid, con una gran fiesta en La Riviera el 30 de septiembre con Rex The Dog, Dorian y Polock. ◗ Este mes de noviembre se pone en marcha PICNIC EXTRATERRESTRE, una interesante gira que reunirá a tres grupos muy diferentes entre si: Iván Ferreiro, Standstill y Najwa. Las entradas ya están a la venta y las fechas son las siguientes: día 3 Madrid (La Riviera), 26 Barcelona (Sant Jordi Club) y 27 Barakaldo (sala Rockstar). ◗ El 2 de octubre se celebra en la sala López de Zaragoza en el KING OF PATIO FESTIVAL, un evento organizado por el conocido sello maño del mismo nombre. El cartel lo forman los siguientes grupos de su escudería: De Vito, The Closers, Copiloto, Domadorr, Volador y Sheriff.

José González Foto Archivo

◗ El festival CIRC DE LES CULTURES 2010 se celebra este año en Palma de Mallorca los días 8 y 9 de octubre con un cartel más que potente donde destacan Los Delinqüentes, Albert Pla, Reincidentes, Tomasito, Tonino Carotone y Daniel Higiénico. Más información en www. lococircodelavida.org n

Paco Loco en Monkey Week 2009 Foto Miguel Paez

NOTICIAS /8/ Septiembre 2010 · MondoSonoro

We Have Band Foto Archivo

Todo a punto para el South Pop Isla Cristina Empieza la cuenta atrás para la próxima edición del South Pop Isla Cristina, uno de los festivales más preciosamente íntimos de nuestra geografía. Durante los días 10 y 11 de septiembre, Huelva se empapará de música con las actuaciones de grupos tan diversos como los nórdicos The Whitest Boy Alive, The Radio Dept o Sad Day For Puppets, los británicos We Have Band o los españoles Dorian, Hidrogenesse, The Baltic Sea o Nito Niko. La programación se completará con sesiones de Dj’s como Bob Stanley (Saint Etienne), Guille Milkyway (La Casa Azul) o Pin&Pon. Además de la música, los organizadores del festival han pensado en todo: servicio de guardería gratuito para los más pequeños, rutas en kayak, servicio de shuttle desde Sevilla también gratuito, metros y metros de césped e incluso una barbacoa para despedir un fin de semana de buena música y sol. Todavía estás a tiempo. Más datos en: www.southpopfestival.com ■

El sur se tiñe de independencia con el Monkey Week Si el año pasado el Monkey Week sorprendió al reunir a buena parte de la industria musical de nuestro país y con conciertos diversos, este año la intención es ampliar su oferta tanto en el sector profesional como en actuaciones para el público de a pie. Apunten la cita: del 8 al 12 de octubre en El Puerto de Santa María.

T

ras la repercusión de la edición del pasado año, vuelve a pleno rendimiento el Monkey Week, Muestra Internacional de la Música Independiente, que se celebrará en El Puerto de Santa María (Cádiz) desde el 8 hasta el 12 de octubre. El evento volverá a presentar una programación profesional con infinidad de empresas del sector musical, que se darán cita en conferencias, talleres, mesas

redondas, etcétera. Aunque el Monkey Week no se olvida de las actuaciones, con lo que, en el Escenario Heineken, estarán nombres tan destacables como Andrew Bird, Faust, Joy Orbison, Chain & The Gang, Chrome Hoof, Kid Koala, Lüger, Triángulo de Amor Bizarro, Pony Bravo, Rhys Chatham o The Strange Boys entre otros. Junto a las actuaciones principales, el Monkey Week presenta nuevamente

el Circuito de Showcases, en el que participarán más de sesenta grupos, que actuarán en los escenarios MondoSonoro, AIJ-Desencaja y AIE-Artistas en Ruta, así como en la selección Carhartt Shuffle.

De hecho, te aconsejamos que te pases por el escenario MondoSonoro, en el que podrás ver los shows de grupos de diversos estilos como Me And The Bees, This Drama, Papá Topo, DeVito, Autumn Comets, Mujeres, Ainara LeGardon, Joaquín Pascual, 17, Guinea Pig, Ornamento y Delito, Dani Llamas, Espaldamaceta, His Majesty The King o Holywater.

Puedes informarte sobre fechas, escenarios, precios (entradas disponibles por días o como abono), alojamiento y muchas otras cosas en la web oficial del festival: www.monkeyweek.org ■

El festival In-Edit Beefeater presenta su octava edición

Alice Cooper Foto Archivo Massive Attack Foto Archivo

Diez años de FIZ en Zaragoza La décima edición del Festival Internacional de Zaragoza, más conocido como FIZ, viene todavía más cargada de lo habitual.

A las iniciales confirmaciones nada despreciables de Massive Attack, Peter Doherty, The Go! Team, We Have Band, We Are Standard y el espectáculo musical y visual de Addictive TV, se les suma ahora una retahíla de nombres que completan la oferta. Se trata del conocido actor Tim Robbins, quien debuta como músico junto a The Rogues Gallery Band, Dorian y Anni B. Sweet, que, junto a la programación del FIZ Club, completan así el cartel de esta edición. Además, el FIZ continua con su misión de escaparate de la escena local aragonesa, con las actuaciones de Tachenko, Bigott, 3Mellizas, Estige o las sesiones de Chelis, La Lata Dj’s o Genzor Dj, entre otros. Todavía puedes conseguir tus entradas en las redes habituales de distribución a un precio anticipado de 60 euros el abono y 40 euros la entrada de día.

Amplía detalles en www.fizfestival.com. ■

Xacobeo Importa, recta final El ciclo Xacobeo Importa llega a su recta final con los conciertos de Mudhoney, Young Fresh Fellows, Interpol y Alice Cooper completando de esta manera una diversa oferta de estilos musicales destinada a locales de aforo reducido que comenzaba el pasado mes de enero con la actuación de los norteamericanos Vetiver y por donde han pasado Richard Hawley, la primera dama de la canción protesta Joan Baez, el rapero Raekwon (Wu Tang Clan) y destacadas formaciones de la primera generación de grupos independientes de los noventa como Yo La Tengo. La tríada final del ciclo patrocinado por la Sociedade de Xestión do Plan Xacobeo llega con una actuación conjunta de Mudhoney y Young Fresh Fellows, dos bandas radicadas en Seattle que sobrevivieron al grunge, siendo la primera grupo de referencia en este estilo y autores del incendiario himno “Touch Me I’m Sick”.

Para octubre se espera la visita de Interpol, las entradas llevan meses agotadas, y ya en noviembre aterrizará el show de Alice Cooper para poner punto final al ciclo con un espectáculo que rememora los salvajes años setenta, tiempos de excesos y trasgresión en los que se forjaron las estrellas del rock. ■

Justo volver de vacaciones, el Festival Internacional de Cine y Documental Musical de Barcelona In-Edit Beefeater nos alegra el retorno anunciando los primeros títulos para la que será su octava edición. Desde el 28 de octubre hasta el 7 de noviembre volveremos a tener la posibilidad de asistir a una larga lista de proyecciones de títulos que se mueven en el mundo de la música. Para empezar, se presenta un homenaje a dos figuras claves del documental musical de todos los tiempos: D.A. Pennebaker y su compañero Chris Hegedus. De su obra se proyectarán los títulos “Bob Dylan: Don’t Look Back”, “Monterrey Pop” y “Ziggy Stardust And The Spiders From Mars”, “101”, el documental que cubría la gira del mismo nombre de Depeche Mode, así como su último trabajo, “Elaine Stritch At Liberty”. En todo caso, lo mejor que deberías hacer es ir visitando de vez en cuando la web www.in-edit.beefeater.es para estar al tanto de los títulos a proyectar en la programación. ■

“Ziggy Stardust And The Spiders From Mars” Foto Archivo

mondo-ok:Maquetación 1 17/08/10 17:38 Página 1

MADRID / Septiembre + Octubre 2010

festival multidisciplinar de cultura nórdica UN EVENTO DE ZONA DE OBRAS MIÉRCOLES 15 DE SEPTIEMBRE

KASPAR (

FINLANDIA)

JONATHAN JOHANSSON (

SUECIA)

JUEVES 16 DE SEPTIEMBRE

MURDER (

DINAMARCA)

MODDI (

NORUEGA)

Sala Galileo Galilei (c/Galileo, 100) - 21:30 hs / SOLICITAR INVITACIÓN EN DIASNORDICOS.COM) En colaboración con ROSA

ENTRADA LIBRE CON INVITACIÓN (HASTA COMPLETAR AFORO

MARTES

JOSÉ GONZÁLEZ

21 DE SEPTIEMBRE / PROYECCIÓN «The Extraordinary Ordinary Life Of José González»

(Preestreno del documental que presenta el Festival Internacional de Cine Documental Musical de Barcelona In-Edit.Beefeater)

Casa de América - Sala Iberia (Pº Recoletos, 2) - 20:00 hs ENTRADA LIBRE CON INVITACIÓN (HASTA COMPLETAR AFORO / SOLICITAR INVITACIÓN EN DIASNORDICOS.COM) ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

22 DE SEPTIEMBRE / JOSÉ GONZÁLEZ EN CONCIERTO Casa de América - Anfiteatro Gabriela Mistral (Pº Recoletos, 2) Apertura: 22:00 hs ENTRADAS: 20 €- A la venta en www.ticketmaster.es

MIÉRCOLES

//// EN OCTUBRE /// CICLO DE CINE DANÉS (Próximamente más información) EXPOSICIÓN: PUBLICACIONES CULTURALES NÓRDICAS (Muestra de revistas de arte, diseño, moda, literatura, música, cine, fotografía, tendencias) Del viernes 8 al viernes 29 de octubre - IED (Istituto Europeo di Design) - c/ Flor Alta, 8 - Entrada libre ENCUENTRO LITERARIO (La literatura nórdica contemporánea más allá de la novela negra. Relación entre literatura nórdica e iberoamericana - Jueves 28 - Casa de América - Próximamente más información) EXPOSICIÓN: CAMISETAS NÓRDICAS (Muestra de diseño de camisetas. Próximamente más información)

¡ADEMÁS, EN OCTUBRE, MÁS CONCIERTOS POR CONFIRMAR!

Más confirmaciones e información en Patrocinan

Organiza

www.diasnordicos.com

Colaboran

Con la colaboración de

MondoSonoro · Septiembre 2010 /11/

MONDOFREAKO

!!! Foto Lane Coder 4

!!!

Las aceras crujen El grupo de los nombres infinitos se deja seducir por la escena berlinesa para grabar su cuarto disco, “Strange Weather, Isn’t It?”, un trabajo urgente y bipolar que tira hacia el baile y el hedonismo de club tanto como hacia el espíritu pop. Cuidado, puede que no consigas sacarlo de tu reproductor.

“

Lo que nosotros hacemos es música extraña y funky”, explica con vehemencia Nic Offer, cantante y líder del grupo estadounidense. Offer se encuentra en Madrid para promocionar su nuevo disco, “Strange Weather, Isn’t It?”, un trabajo grabado en Berlín con la principal intención de atrapar la esencia de la cultura de club, tan difícil de encontrar en Estados Unidos. Para ambientar su cuarto larga duración, los miembros del grupo (la mayoría afincados habitualmente en Nueva York) alquilaron los bajos de un club berlinés y durante varias semanas ensayaron, convivieron y trataron de absorber y sintetizar las vibraciones de una de las ciudades más excitantes de Europa. “Me gusta cuando todavía es temprano y la gente está bailando, está disfrutando, aunque no esté drogada. En Estados Unidos parece que tengas que enseñar a la gente a bailar.

Viniendo desde fuera, da la impresión de que aquí la música de baile es parte de la cultura”, comenta Offer, maravillado por el

hecho de que en Europa sea posible “estar de fiesta a las cinco de la mañana”. Las generalizaciones no son del todo buenas, cierto, pero sirven para que la gente se entienda (“Si crees que exagero, vete a pasar un mes a Los Angeles y a la vuelta me cuentas”). El caso es que Berlín fue una parada más dentro del proceso de grabación de “Strange Weather, Isn’t It?” (únicamente un veinticinco por ciento del material fue registrado allí), pero su espíritu sobrevuela todo el álbum. Y es que, a veces, todo se reduce a tener una idea y estar orgulloso de ella, dejar que te acompañe. Quizá es por ello también que el eco de las palabras “extraña” y “funky” sigue resonando a lo largo de nuestra conversación. El nuevo disco de !!!, efectivamente, es una bomba para la pista, pero también es perfecto para ser disfrutado en el sofá con los auriculares a tope. Hay percusiones, guitarras, elementos electrónicos, ritmos sincopados… y estribillos como casas. “La mayor contribución de la música popular en la última dé-

cada ha sido el dance-rock”, explica Offer con un tono neutro y con la seguridad de encontrarse en un buen lugar, en el del músico que se siente absolutamente contemporáneo pero que no se deja llevar por el hype del momento, que forma parte de un todo con un pasado y una evolución.

De ello trata “Steady As The Sidewalk Cracks”, un corte que (también en lo musical) bien podría representar la esencia del disco e incluso la declaración de principios de los americanos.

Confía en la música, no mires atrás, dice la letra.

to en 2005 en un accidente de bicicleta. Offer rechaza hablar de este asunto en entrevistas, no desea mecanizar una respuesta y, sin quererlo, terminar hablando de carrerilla de algo tan grave. Puede que por ahí vaya la explicación a la elección del título para el disco. “Proviene de la película ‘In The Mood For Love’. Entre la pareja protagonista las cosas han cambiado, ha pasado algo pero la vida sigue. Un día se encuentran por la calle, está lloviendo, hay tanto de que hablar, pero a lo único

"La mayor contribución de la música popular en la última década ha sido el dance-rock" Pero mantente firme mientras las aceras crujen.

“La música está cambiando constantemente. Te cansas de leer que es el final, pero lo cierto es que siempre sale música buena.

De lo que no hay duda es de que el cambio es algo que siempre está presente”, explica Offer, orgulloso de mantener activo un grupo que ha necesitado sobreponerse a varias desgracias, la última de ellas acaecida el pasado noviembre cuando Jerry Fuchs (encargado de las baterías en “Myth Takes”) perdió la vida al caer por el hueco de un ascensor. En una tétrica coincidencia, Mikel Gius, primer batería del grupo, había muer-

que llegan es a comentar cómo está el tiempo. Evitan la cuestión pero a la vez la están abordando, aceptando lo que sucede y dónde están”. Aceptando el cambio, siempre presente, para poder continuar. Offer termina su desayuno en la cafetería de un hotel de Gran Vía mientras mira por la ventana. La gente camina relajada, las posibilidades son infinitas. “Éste es el mejor tiempo, al menos el mejor que vamos a tener tú y yo”. ■ Jorge Ramos “Strange Weather, Isn’t It?” está publicado por Warp/Pias.

(MONDOFREAKO /12/ Septiembre 2010 · MondoSonoro)

Mittens

Están preparados para dar el salto. Habituales en el circuito madrileño de salas, Mittens debutan de largo con “Deer Park Mirage”, un esmerado trabajo de pop orquestal para el que definitivamente ha merecido la pena esperar.

S

i 2009 fue el año de Guillermo Farré y su proyecto personal Wild Honey, quizá para este final de curso pueda ser Mittens, su grupo de toda la vida, el que experimente ese avance en cuanto a exposición y reconocimiento que únicamente es posible conseguir con un disco bajo el brazo. El grupo ya tenía experiencia en directo, mucha compenetración y una loable falta de urgencia, la de quien, antes que cualquier otra cosa, es aficionado a la música. Faltaba combinar todos esos ingredientes en un disco con el que poder dar ese difícil paso adelante. “Tras haber sacado dos siete pulgadas en los últimos tres años, decidimos que era hora de ponerse a trabajar en un álbum. Ensayamos muchísimo y desglosamos todas las canciones antes de entrar a grabar en el estudio, con lo que teníamos las cosas bastante claras, sabíamos qué queríamos y qué no queríamos en cuanto a sonido después de la experiencia de los singles”, explica Guillermo, que se felicita porque el grupo haya acertado en su apuesta de largo recorrido: “La ventaja de que haya pasa-

do tiempo entre la formación del grupo y este primer LP es que ahora sonamos mejor que nunca y hemos grabado un disco del que estamos muy orgullosos, tanto de las canciones como del sonido final. Nuestro debut hubiera sido muy diferente si lo hubiéramos grabado hace tres años”.

Con el material de “Deer Park Mirage” grabado en Madrid y masterizado en Nashville, y pese a haber manejado ofertas de alguna discográfica, Mittens se decantaron finalmente por la autoedición, una solución más que viable en la actualidad. “Antes tenías la idea de que para grabar un disco había que esperar sentado a que viniera una discográfica y te lo propusiera. Hoy día, si le dedicas tiempo y ahorras pasta de los conciertos para la grabación, lo puedes hacer perfectamente sin el apoyo de un sello”, comenta Guillermo. “No tienes ni un uno por ciento del conocimiento o los contactos de un sello normal, pero tienes margen para dedicarle todo el tiempo del mundo y hacerlo con más cuidado y más

cariño”. Cuidado y cariño que se notan tanto en el contenido (pop pluscuamperfecto, sutilmente americanizado e interpretado con cegadores destellos de melancolía y sofisticación) como en la edición (“Deer Park Mirage” está publicado en vinilo de ciento ochenta gramos y se vende acompañado de una copia en CD, aunque también se encuentra disponible para descarga gratuita desde la web del grupo en Bandcamp). “Es algo matemático: sin presupuesto para promoción y sin una distri-

Mittens Foto Archivo

Amor de aficionado España parece que afortunadamente se está desechando el inglés como idioma comodín a la hora de cantar, pero eso no significa que todos los grupos que lo utilicen lo hagan porque no tienen nada interesante que contar.

“Más allá del idioma en el que cantemos, nos parece muy importante cuidar las letras, al igual que cuidamos al dedillo las melodías o los arreglos. Para este disco hubo muchísimo trabajo, rehaciendo partes y tratando de darle una solidez a las

"Antes tenías la idea de que para grabar un disco había que esperar sentado a que viniera una discográfica" bución al uso, pues llevamos nosotros el disco a las tiendas. Sería totalmente invisible si no fuera por las descargas. Tenerlo en descarga gratuita hace que mucha más gente lo conozca y así hay más compradores potenciales de la edición física, que es con lo que financiamos tanto la grabación como la fabricación del disco”.

Así, gestionando su propio devenir, y tan cercanos a sus innumerables referentes americanos como al pop de zona neutra de grupos como The Cardigans, Mittens piden paso con la seguridad de quien sabe que sus elecciones no son resultado de tendencias externas. En

historias que queríamos contar. Los cinco escuchamos muchísima música, tanto en inglés como en castellano, y por ahora estamos muy cómodos haciendo canciones en inglés, sin hacer de ello una bandera, ya que es una decisión tomada sin darle muchas vueltas al asunto. Creemos que lo importante es tratar de hacer buenas canciones y contar buenas historias más allá del idioma en el que acabes cantando”. ■ Jorge Ramos “Deer Park Mirage” está publicado por Lazy Recordings.

(MondoSonoro · Septiembre 2010 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

“Hace nada perdí una bolsa de hierba grandísima. Estoy muy cabreada” Bethany Cosentino de Best Coast, en NME

“Me encanta Lady Gaga. Es una buena cantante” Tony Bennett, en Mojo

Hurts

“Mi madre y Jimi Hendrix pasaron una noche juntos en España” Katy Perry, en Q

“En Estados Unidos todo el mundo me odia” Kate Nash, en NME

“Acabo de aprender a hacer arrobas” Bigott, en Jenesaispop

“Hace un año veíamos casi imposible otro disco de Triángulo” Rodrigo Caamaño de Triángulo de Amor Bizarro, en Muzikalia

La hora de la verdad A finales del pasado año empezó a circular por Internet un exquisito vídeo que mostraba a dos tipos impecablemente vestidos. La canción era “Wonderful Life”, firmada por Hurts. A partir de ahí, información con cuentagotas, un single igualmente impactante (“Better Than Love”), las necesarias dosis de misterio y una creciente expectación ante “Happiness”, el que es uno de los estrenos más esperados de la temporada.

T

heo Hutchcraft y Adam Anderson aparecen tal y como podía esperarse de ellos, fieles a la imagen que han ido dejando en sus vídeos. Elegante sobriedad, pelo engominado, camisa blanca por un lado, chaleco negro por otro, absoluta corrección y también una juventud que va de la mano con su aspecto de dandies neo-románticos. Ambos forman Hurts, aspirantes a grupo revelación y protagonistas de “Happiness”, el debut más publicitado de los últimos meses. (Theo) “Somos así, tal como nos ves; no es una pose. Siempre nos ha gustado vestir bien, incluso cuando estábamos en el paro, antes de que pasara todo esto. Nos ayudaba a mantener la dignidad, a no bajar la cabeza y seguir hacia delante; forma parte de nosotros”. “Wonderful life” fue lo primero que supimos de ellos, recuperando los años ochenta no sólo por estética (deudora claramente de Anton Corbijn) y sonido, sino por el propio hecho de que fue un vídeo, como pasaba hace tres décadas, lo que les sirvió para mostrarse al mundo. (Theo) “La imagen es algo que consideramos fundamental, no tanto por lo que enseña directamente, sino por lo que sugiere; quien lo ve también tiene que poner de su parte para completar la historia. Es más divertido así”. (Adam) “Eso es lo que buscamos, porque muchas veces escribimos los temas con un punto de vista casi cinematográfico. Además, creo que en parte también nos explicábamos un poco a nosotros mismos. Es un complemento perfecto para las canciones”. Poco a poco fueron revelándose más datos para completar una exigua biografía: veintitrés y veintiséis años, procedentes de Manchester y antes en Daggers,

banda que facturaba un synth-pop muy en la línea de los propios Hurts, aunque menos depurado. (Theo) “Fue una buena escuela, crecimos como músicos y sobre todo pudimos tocar en directo, lo que nos ha servido mucho para este nuevo proyecto”.

Convertidos en la gran apuesta de la multinacional Sony, el paso de los meses fue repartiendo nuevas noticias de Hurts: “Better Than love”, “Blood, Tears And Gold” (otra vez dos cuidadísimos vídeos), apariciones escogidas (entre ellas un ‘secret show’ de Myspace en Madrid a finales de junio), rumores de todo tipo, la confirmación (tras más de un desmentido) de que

Hurts Foto Archivo

“El sonido de Crosby, Stills And Nash nació en tan solo cuarenta segundos. Aún me tiembla todo cuando hablo de ello” Graham Nash, en Uncut

to promocional de rigor, Theo Hutchcraft amaga con salirse del tópico. “Puede que la gente vea esto como una sucesión de trucos”. Y de inmediato, el cantante mancuniano vuelve a la senda conocida. “Pero no lo es. De alguna forma hemos estado escondidos de forma premeditada hasta tener todo listo. Ha sido un año de nuestras vidas en el que hemos dado lo mejor que teníamos. Lo que pueda pasar ahora es una incógnita. En todo caso, estamos preparados para lo que se pueda decir”. Entre otras cosas, lo que se dirá es que su primer álbum contiene, al margen de los temas que ya conocíamos, unas cuantas baladas en las que la épica y la melancolía (aunque ellos digan que hablan más bien de esperanza) constituyen los principales pilares, con un sonido para el que no es difícil buscar comparaciones: Talk Talk, Ultravox, Tears For Fears, los primeros Pet Shop Boys, The Human League o Depeche Mode. (Theo) “Es evidente que nos gusta la música de los ochenta y también de los noventa. Todas esas bandas han sido y son muy importantes para

"Siempre nos ha gustado vestir bien, incluso cuando estábamos en el paro" la ubicua Kylie Minogue colabora en “Devotion” y un creciente run-run ante la posibilidad de que, tras el lanzamiento de su primer álbum, se convirtieran en un auténtico fenómeno de fans, conjugando el respeto del circuito independiente con la puesta en escena de una banda de corte mainstream. (Adam) “Todo este proceso ha sido muy rápido, en realidad mucho más de lo que podíamos imaginar, pero no nos sentimos especialmente presionados. De hecho, la presión más fuerte es la que nos hemos puesto nosotros mismos a la hora de trabajar en este disco, sobre todo porque siempre hemos tenido claro lo que queríamos hacer. Intentamos no pensar en lo que podía pasar fuera, sino centrarnos únicamente en las canciones”. Tras el alega-

nosotros, sería estúpido negarlo, pero no queremos quedarnos como algo retro, sino sonar actuales. También hay que ser cuidadoso con esto. Sin ir más lejos, hay quien asegura que somos los nuevos Depeche Mode; es algo que nos halaga, pero que también puede decepcionar a quien lo haya escuchado y luego vea que no somos exactamente eso, además de que es obvio que nos queda mucho camino por recorrer”. Ahora, después de meses de incógnitas y expectativas, llega el momento de poner las cartas boca arriba. Es, por fin, la hora de la verdad. ■ Enrique Peñas "happiness" está publicado por sony

(MONDOFREAKO /14/ Septiembre 2010 · MondoSonoro)

Sleigh Bells Foto Archivo

Sleigh Bells

Bum bum El dúo de Nueva York presenta su primer álbum, una potente combinación de ritmo urbanos, guitarrazos y voces entre el R&B y el pop. “Treats” es pura energía. Suficiente argumento para que Sleigh Bells se hayan colado entre los debuts más aplaudidos del año.

C

ada vez que me da por pensar que a la música de baile le quedan ya pocas posibilidades por explorar, aparece algún disco para demostrarme lo contrario. No siempre se trata de grandes hallazgos. Es más, normalmente se trata de sutiles aportaciones, combinadas con elementos recientes o revivalistas, pero cuyo resultado siempre es más o menos el mismo: de repente tengo ganas de bailar. Sleigh Bells han conseguido animar el cotarro con una fórmula sencilla y efectiva a partes iguales: bombos robustos y guitarras punzantes acompañadas de una voz femenina que navega entre la angustia juvenil y la autoafirmación. Conjugan el descaro del R&B y la contundencia del rock con algunos trazos de ingenua dulzura pop. A la vez que resulta innegable que la música de Sleigh Bells no va a cambiar el mundo, resulta difícil resistirse a “Treats”, su primer álbum. En cierto sentido suenan como si Switch hubiera producido el nuevo disco de Best Coast. Lo primero, en cualquier caso, es confirmar

la extraña historia que circula por la red sobre cómo se conocieron el guitarrista y productor Derek E. Miller y la cantante Alexis Krauss. “Es totalmente cierta”, explica una risueña Alexis Krauss al otro lado del hilo telefónico. “Derek trabajaba de camarero y nos atendió a mí y a mi madre. Se puso a hablar con mi madre, porque ambos son de Florida. Le contó que tenía un grupo y que buscaba una cantante. Ella le dijo que yo cantaba. Después de aquello nos estuvimos mandando correos electrónicos durante un tiempo y empezamos a componer canciones. Es una historia bastante rara, lo sé”. Eso sucedió hace apenas dos años. Dos años llenos de intensidad. En 2009 fueron una de las grandes revelaciones del CMJ Music Marathon y un año después presentaban en el pasado festival Primavera Sound su primer disco. “Sí, todo ha sucedido muy rápido”, confiesa Krauss.

“Intentamos mantener la cabeza serena y ser agradecidos por todo lo que nos está

sucediendo. Sabemos que somos unos afortunados. Ahora lo que queremos es mostrar nuestra música a cuanta más gente mejor”.

“Yo me dedicaba a dar clases a tiempo completo”, prosigue, “y durante un año, Derek y yo estuvimos intercambiando ideas a través de Internet y grabando demos, pero no empezamos a dar conciertos hasta septiembre de 2009. Hemos trabajado juntos durante

y mi voz ha tendido a ser más melódica y pop”. Miller, ex miembro del grupo de hardcore salvaje Poison The Well, crea tracks a partir de riffs de guitarra o patrones de batería y a partir de allí van construyéndose las canciones de Sleigh Bells.

“Es un proceso curioso”, comenta Alexis. “Un elemento te lleva a otro. El hip hop es una de nuestras mayores influencias y en gran medida condiciona mi manera de cantar...

"Queremos conseguir un efecto parecido al hip hop en cuanto a la sinergia entre voz y ritmo" dos años, pero sólo hace uno que mostramos por primera vez nuestra música en público”. Krauss explica que, durante ese breve período, les ha dado tiempo a madurar las canciones que forman parte de su debut y a asentar su propio estilo. “El sonido ha ido evolucionando ligeramente. Derek ya tenía experiencia componiendo canciones y yo también tenía mis propias ideas. Mucho de lo que hablamos cuando Sleigh Bells se formó todavía está presente, forma parte de nuestra esencia, pero las bases son cada vez más duras

queremos conseguir un efecto parecido en cuanto a la sinergia entre voz y ritmo”. Los textos de Krauss en cualquier caso parten de una narrativa más propia del pop que del rap: la juventud. “Un montón de canciones hablan sobre ser joven, sobre lo bueno y lo malo de serlo, sobre ser libre para hacer lo que quieres y también sobre el tener que empezar a tomar decisiones sobre tu vida”. ■ Joan Cabot “Treats” está editado por Sony

(MondoSonoro · Septiembre 2010 /15/ MONDOFREAKO)

NO

confidencial

BIGOTT de esas personas que van más allá de lo corpóreo para convertirse en una personificación de su propia música. Para ver si realmente es un ser de carne y hueso, nada mejor que obligarle a contestar nuestro cuestionario más ofensivo. ◗ ¿Te gusta cantar en la ducha? ¿Qué sueles cantar?

Sí, temas prehistóricos. En invierno no siempre funciona el calentador. ◗ ¿Qué canción te hubiese gustado componer y cuál odiarías haber escrito?

Me hubiera gustado componer y odiar. ◗ Nos han preguntado quién es más freak, si tú o Paco Loco y nos hemos quedado sin respuesta. ¿Qué crees que podríamos contestar?

Es tu respuesta, esa cúrratela tú. ◗ ¿Es cierto que solamente tocas y grabas con él por su piscina y las comidas que prepara su mujer?

Claro que no. ◗ ¿Por qué motivo cuando cantas “Dancing In The Dark” de Bruce Springsteen se te nota más el acento maño?

Porque cuando me pongo de mala hostia me sale el acento maño y Bruce Springsteen me pone de muy mala hostia. ◗ ¿Cuál es el último libro que has leído, la última película que has visto y el último disco que has comprado?

El libro es “Cosas que los nietos deberian saber” de Mark Everett. La película la voy a ver esta tarde: “El gran corazón” o “Un gran corazón”.

Disco, el último de MGMT. ◗ ¿Es cierto que todas las críticas positivas que has tenido a lo largo de tu carrera las han firmado amigos tuyos?

No leo mis críticas, pero seguramente sí. ◗ ¿Cuál ha sido el sitio más cutre en el que has llegado a tocar?

En el Royal Albert Hall de New York. ◗ Si no te dedicases a componer canciones, ¿qué harías con tu vida?

Lo mismo, pero sin componer canciones. ◗ ¿Cuál es el más sucio y desagradable de los miembros de tu grupo? ¿Por qué?

Paco. Le sale así, de forma natural. ◗ ¿Cuál es el personaje más famoso que se cuenta entre tus seguidores?

Si hay alguno me ayuda muy poco. ◗ ¿Es cierto que sólo vas a los conciertos de otros grupos cuando la barra libre está asegurada?

Si fuera cierto no iría a ninguno. ◗ ¿Qué ventajas e inconvenientes tiene el que la bajista de tu banda sea tu pareja?

No es mi pareja. Con Clarin se está bien en cualquier lugar. ◗ ¿Le romperías las piernas a algún crítico musical de este país?

No soy agresivo y no leo las críticas, así que sería bien raro que hiciera eso. ■

The Pinker Tones

The Pinker Tones Foto Archivo

Bigott Foto Archivo

es un tipo enigmático, una ◗ Bigott ◗

Aires renovados Los barceloneses publican ‘Modular’, un álbum gestado para hacer de las suyas en el directo en el que Mister Furia y Professor Manso han encontrado la fórmula secreta para no caer en el agotamiento y dar un paso adelante.

A

escasos dos días de que The Pinker Tones estrenen su renovado directo en el Sónar, con motivo de la publicación de su último largo, “Modular” (en el que ha dejado su granito de arena el mítico percusionista de Cypress Hill, Eric ‘Bobo’ Correa), Mister Furia y Professor Manso se encuentran atrincherados en su Pinker Land ultimando los detalles. Se encuentran más que satisfechos de su nuevo retoño. Pero si una noticia reciente les eclipsó, fue la decisión de repartir altruistamente cincuenta mil copias del disco por diversas estaciones de metro de la geografía española.

“Como muchas ideas, surgió del azar.

Estábamos acabando de pulir el álbum y nos encontrábamos dándole vueltas a la cabeza para decidir cómo lanzarlo. Lo único que teníamos claro era que tenía que llegar al máximo de personas posible.

De manera que lo mejor era regalándolo”, comenta Manso. Dicho y hecho. Por esta anárquica acción no han conseguido el disco de oro, pero ni falta que les hace. “Lo más importante de todo esto es el gesto, aun sabiéndonos muy mal que, ni mucho menos, todos nuestros seguidores consiguieron una copia. En España no se venden discos.

Así que gastarnos una cantidad industrial de dinero para promocionar el álbum por las vías habituales, haciendo cuentas, no valía la pena”, remata Mister Furia al respecto. Manso retoma la palabra: “No pensamos sentar cátedra con esto. Aunque sí queríamos poner sobre la mesa toda la hipocresía existente sobre la piratería y la demonización de los usuarios por parte de las administraciones. La gente escucha más música que nunca en estos momen-

tos. Pero ni mucho menos el valor de un disco ronda los veinte euros”.

“Modular” supone un nuevo rumbo para la banda barcelonesa. Aquellos collages imposibles en los que tenía cabida desde el funk, la bossanova y el funky (del todo audibles en sus anteriores trabajos), han pasado a mejor vida.

(Furia) “Teníamos ganas de renovarnos y no llegar, incluso, a sentir los primeros síntomas de agotamiento”. “Es el disco más difícil en cuanto a composición y grabación que hemos hecho nunca. El reto consistía en renovarse sin perder un ápice de nuestra identidad. Hemos acotado mu-

co diferente es que antes eran en francés y ahora en español. Esos referentes de cantar susurrando, a lo Serge Gainsbourg, siempre han estado presentes en nuestra carrera”. En todo caso, cantan más que nunca y, encima, sus últimas composiciones están cargadas de batallitas y auto-referencias que deben tomarse como un diario de a bordo de lo que estos dos jóvenes han experimentado durante estos diez años de productividad. Que se dice pronto. Pero, incluso, como en el caso de “Sampléame” (un título del todo irónico si se tiene en cuenta que, precisamente, los samples brillan por su ausencia a lo largo de estos catorce temas) nos dejan para la posteridad una ácida crítica a los derechos de autor. (Manso) “Nosotros no estamos en contra de ellos, aunque creemos que el sistema no funciona correctamente. La persona a la que se samplea debería sentirse orgullosa de

"Queríamos poner sobre la mesa toda la hipocresía existente sobre la piratería" chos aspectos a nivel conceptual y sónico.

Hasta el momento en nuestros álbumes cabía de todo. Sin embargo, en ‘Modular’, queríamos representar de la manera más fidedigna nuestro directo. Estilísticamente nos apetecía seguir la línea de temas más cañeros como ‘Sonido total’ o ‘Karma Hunters’, en los que pudiéramos pasárnoslo pipa sobre el escenario”, responde Manso. En algún que otro tema encuentro un sospechoso deje a Delafé y las Flores Azules (a quienes nuestros protagonistas produjeron su reciente nuevo disco), ¿es algo premeditado? El propio Mister Furia nos da la respuesta. “Mucha gente nos lo ha dicho y nos los seguirá diciendo, pero la verdad es que en cada uno de nuestros anteriores largos ya existían temas de esta misma tesitura. Lo úni-

ello. Pero, por otro lado, si una marca se basa en un tema tuyo para enriquecerse a tu costa, es lógico que uno tenga que llevarse un trozo del pastel. No decimos que los derechos de autor tengan que desaparecer, aunque es del todo diferente cuando tu música se emplea para un uso comercial o bien sirve para rendir un homenaje a nivel artístico”. Más que complejos son los dilemas que nos presentan The Pinker Tones aprovechando el lanzamiento de “Modular”. Sin embargo, lo más importante de todo esto es que durante los próximos meses nos deleitarán con su energía por lo largo y ancho del país. ■ Sergio del Amo “Modular” está publicado por Pinker Land

(MONDOFREAKO /16/ Septiembre 2010 · MondoSonoro)

Band Of Skulls Foto Archivo

Band Of Skulls

Trío calaveras Publicado originalmente el pasado año “Baby Darling Doll Face Honey” supone el debut discográfico de Band Of Skulls, trío de Southampton al que auguramos un futuro excelente. ¿La fórmula para conseguirlo? Una combinación de lo más efectivo de rock primario, psicodelia e indie rock.

B

and Of Skulls es un grupo que disfruta tocando rock primitivo, pero que nunca le hace ascos al indie, disfrutando por igual con canciones que recuerdan a Kings Of Leon y a The White Stripes, sonando como una banda atmosférica o de pura psicodelia para, en un momento dado, no hacerle un feo a bandas como Muse. Mientras asimilan el éxito en el Reino Unido, Matthew Hayward nos explica cuáles son sus sensaciones. “Como estamos girando sin parar no nos da tiempo a recopilar información, no nos damos cuenta de lo que sucede a nuestro alrededor. Ahora vuelvo a Londres y sólo siento que tengo ganas de tocar, que todavía me quedan por visitar muchos sitios, que alrededor nuestro aún hay un montón de bandas que merecen una oportunidad como la nuestra, pero que desgraciadamente no generan esas expectativas, algo muy usual en Inglaterra. Casi todo es flor

de un día”. La variedad de registros puede despistar a más de uno, habrá quienes los etiquetarán como banda de rock setentas y quienes, por otro lado, les verán demasiado atrevidos e independientes. “Tenemos diferentes variantes, no nos gusta tener el mismo gusto para cada canción. En el grupo los tres escribimos, y ese puede ser uno de los factores que justifique esa indeterminación que tanto nos gusta. Nos encanta que prácticamente todas las piezas del disco sean distintas las unas a las otras.

Eso posibilita que haya varias bandas en una, que cada single que publicamos tenga su público y su cuota de popularidad. A la gente le encanta catalogar, pero con nosotros lo tienen difícil. En Band Of Skulls necesitamos muy pocos elementos para dar forma a una canción, ya sabes, batería, guitarra, bajo y voces. Con eso ya es suficiente”. En todo caso, una formación

que trabaja en tantas líneas distintas no podía tener unas sesiones de grabación demasiado sencillas o tranquilas. “El disco lo grabamos en distintas fases, primero tres canciones, luego otras tres que también grabamos.

Fue entonces cuando pensamos que podíamos completar un álbum completo. No ha sido un proceso normal, sino que hemos pasado por diferentes estados, y la verdad es que no ha sido la manera más

con él”. Junto a los inclasificables John & Jen, Band Of Skulls han hecho hace poco una versión de “Sympathy For The Devil” de The Rolling Stones, aprovechando que se ha reeditado su clásico “Exile On Main St.”. “Obviamente son una influencia básica. Durante toda mi vida he escuchado sus discos. Mis padres tenían una gran colección, y mi padre llegó a tocar como telonero suyo en los sesenta y en los setenta. Y obviamente, ‘Exile On

"A la gente le encanta catalogar, pero con nosotros lo tienen difícil" cómoda de trabajar. La próxima vez será más natural, más cómoda. Haremos todos los temas al mismo tiempo”.

Ian Davenport, productor de Supergrass o Bradly Drawn Boy entre muchos otros, ha sido el encargado de producir un disco con mil matices. “Ian es un tipo apasionante. Para nosotros ha sido como tener a un cuarto miembro en el grupo. Nos dejaba todo el espacio necesario y nos dejaba explorar y experimentar con nuestras propias ideas. Le encanta trabajar y siempre está feliz. Seguro que, para el siguiente disco, volvemos a contar

Main St.’ es su gran obra”. Vayamos ahora a sus directos. Tras girar junto a Black Rebel Motorcycle Club e incluso visitar nuestro país, ahora andan enfrascados en una gira junto a The Dead Weather, el enésimo proyecto de Jack White.

“Para nosotros es una gran honor, además nos comparan constantemente con The White Stripes. Eso no es un problema, aunque nos lo repitan en casi cada entrevista que hacemos”. ■ Toni Castarnado “Baby Darling Doll Face Honey” está publicado por Dro/Warner.

(MondoSonoro · Septiembre 2010 /17/ MONDOFREAKO)

10 S

DISCO

No contento con su carrera al frente de G.A.S. Drummers, el andaluz Dani Llamas acaba de lanzar un primer disco en solitario, “Speaking Thru The Others” (Red Vanette Music, 10), influido por sus grandes ídolos. En todo caso, con esta selección podremos tener más claro de quienes se trata.

Hüsker Dü “New Day Rising” (1985) Cuando lo escuché por primera vez en la otra cara de una cinta de Pixies, me estremecí. La producción echa para atrás, pero desempolvando las canciones una a una me di cuenta de que estaba conociendo a mi grupo preferido. Todavía lo son.

Wilco “Yankee Hotel Foxtrot” (2002) En el momento en que salió, me ayudó a comprender que debajo de los estilos y de los géneros existían las canciones, pero de esas con mayúsculas.

Nirvana “Nevermind” (1991) Yo nací en 1980, y por una cuestión contemporánea este es el disco de toda mi generación. A mí personalmente creo que me gusta más “In Utero”, pero este fue la llave. Cambió mi vida. Sin él seguramente hubiera sido rapero.

Josh Ritter

La maldición

The Clash “Give ’Em Enough Rope” (1978) Ya sé que “London Calling” es una obra maestra, pero los auténticos The Clash están aquí. Además de un gran Strummer, nunca pierdan de vista lo grande que era Mick Jones. Escuchen “Stay Free” y acuérdense de lo que les digo.

Josh Ritter es un grande, aunque mucha gente no lo sepa todavía. Con “So Runs The World Away”, su último disco, ha vuelto a subir el listón y, como en las grandes citas deportivas, pocos habrá este año que puedan igualarle. Compruébalo por ti mismo en la Sala El Sol el próximo 9 de septiembre.

The Beatles “Revolver” (1966) Cuando era más jovenzuelo, The Beatles estaban prohibidos. Era de “pureta rock”. Luego te das cuenta de que hay que rendirse ante ellos, claudicar. “Revolver” fue el primero de sus discos que comprendí en toda su esencia.

E

Bad Religion “No Control” (1989) Mi vida desde el bordillo, con un monopatín y un walkman, con quince años. Cuando sonaban los tres golpes de bombo y la caja al abrir “Change Of Ideas” creía que nada me podía detener.

Neil Young “Harvest” (1972) Quizás uno de los mejores discos que jamás haya podido escuchar, a pesar de los dos momentos “Broadway” que tiene. Sólo tengo que decir “Old Man”, “Heart Of Gold” o “The Needle And The Damage Done”.

Superchunk “On The Mouth” (1993) Había una tercera vía para los que nos gustaba el punk rock y el indie americano. Recuerdo que versionábamos “Precision Auto” con el primer grupo que tenía. Discazo.

Propagandhi “Less Talk, More Rock” (1996) Aún sería capaz de recitar las letras de este disco de carrerilla desde el principio hasta el final. De lo más salvable del punk rock norteamericano de los noventa, con unas letras impresionantes.

The Constantines “Tournament Of Hearts” (2005) No todo iba a ser nostalgia y aquello de “cualquier tiempo pasado fue mejor”. Hay un grupo que he descubierto en los últimos años, The Constantines, de Toronto. “Tournament Of Hearts” lo editó Sub Pop hace unos años, y créanme que merece estar en esta lista. Escuchen “Lizabeta”, “Soon Enough”, “Draw Us Lines” o “Working Full Time”. ■

Josh Ritter Foto Archivo

Dani Llamas Foto Archivo

Dani Llamas

n irlanda lo adoran, en su Idaho natal también. A cada disco que edita (este es su sexto álbum de estudio) la crítica se deshace en elogios, tan merecidos, que, por ejemplo, es incluido en un listado de la revista Paste como uno de los cien mejores compositores vivos de todos los tiempos. Y no sólo eso: su cancionero contiene canciones enormes como “Right Moves”, “Rumors”, “Kathleen”, “Girl In The War” o “Snow Is Gone” por las que cualquier otro trovador con guitarra acústica, vendería su alma al diablo en un cruce de caminos. Vaya, que todo son parabienes para Josh Ritter, lo cual no impide que, al menos en España, no lo conozca ni el tato, y un servidor tenga que asistir con verdadero dolor a su papel de telonero de unos The Swell Season que, Dios me perdone, no le llegan ni a la suela de los zapatos. ¡Qué injusto!... En ocasiones le da a uno la impresión que lo mejor es morirse para que te hagan caso... “Bueno, no puedo imaginar un peor destino para mí o para mi música que el tener que morir para que sea apreciada. El culto a la muerte que rodea con un halo a los músicos es ridículo y pernicioso, y básicamente está ideado por personas que pretenden vendernos algo. Me imagino que desde Hendrix hasta Jeff Buckley y todos los demás, preferirían estar vivos y escribiendo música hoy en día”... Eso, eso ¡Qué no se muer(v)a nadie! Quiero seguir disfrutando de discos como su último “So Runs The World Away”, el cual sucede al exuberante y dinámico rock americano del anterior “The Historical Conquest Of...” entrando en una nueva dimensión mucho más íntima e intensa, donde el discurso gira alrededor de la idea de esa búsqueda constante de la quimera, de algo que

a todas luces es imposible. Un disco que posiblemente sea el más completo de su autor, y el que sin duda se disfruta más como un todo, imposible de deshacer en partes. “Creo que tienes razón. Estoy tremendamente contento con este disco como un todo, Como una novela, y eso es algo que se me había resistido hasta ahora. Es siempre extraño ver qué canciones son las que se desmarcan cuando el álbum ya se ha publicado.

Eso es parte de la diversión del proceso.

Cuando escribo una canción por primera vez es como un potrillo. Es genial y divertido ver cómo el potro empieza a caminar por su cuenta y ver hacia dónde va”. Pues en esta ocasión los pequeños cuadrúpedos se

no han cambiado con los años, pero por fortuna soy una persona obsesiva y se me hace muy duro lograr una letra de la manera exacta en la que quiero que sea.

Claro que escribir canciones tiene que ver con tus intereses, y los míos han cambiado como el viento en estos últimos diez años. Miro atrás y vuelvo a los primeros discos y me pregunto quién es aquel que escribía esas letras. ¡Me pregunto qué pensaría el ‘yo de entonces’ sobre las canciones que escribo ahora!”. Pues que son cojonudas en su apego a la tradición folk-rock de tu país, pero con una personalidad cada día más definida. “Nunca he hablado de originalidad en mi música. La búsqueda de la originalidad es un ejercicio inútil. Todo lo que puedo hacer es escribir canciones que sean honestas con lo que siento, pienso, y que me hagan sentir bien y capaz de vivir con ellas, salgan de la manera que salgan, y sea como sea que las haya conseguido componer”.

Unas canciones, las del último álbum, que en

"Nunca he hablado de originalidad en mi música.

La búsqueda de la originalidad es un ejercicio inútil" han convertido en unos percherones capaces de arrastrar una muela de molino. Tan sólo hay que sumergirse en la maravillosa historia de amor entre una momia reanimada y su arqueóloga en la conmovedora “The Curse” para darse cuenta de que el Josh Ritter de ahora, ese que está a punto de cumplir treinta y dos años, ha crecido mucho desde su primera colección de canciones grabadas hace once años. Por aquella época Bob Dylan era todo un referente y uno de los motivos principales, junto a Johnny Cash, para abandonar la tradición familiar de convertirse en neurólogo y acabar estudiando nada menos que “historia de Estados Unidos por la música folk narrativa” en la Universidad Oberlin de Ohio. “Los patrones de mis canciones continúan siendo los mismos y

algunos casos han recibido el apoyo vocal de su mujer, la también cantautora y productora Dawn Landes. Un matrimonio musical de altura. “Dawn y yo nos conocimos hace bastantes años. Me estaba grabando cuando tocaba una canción de Hank Williams.

Tenemos el mismo tipo de vida: interesados en viajar, las noches largas, las horas brujas. Amamos la música, y tocar el uno para el otro, pero a la hora de la verdad no hablamos tanto de música. Ella es una crack, e invierto mucho tiempo en intentar seguirle el ritmo”. ■ Don Disturbios

“So Runs The World Away” está publicado por Pytheas/Popstock!

(MONDOFREAKO /18/ Septiembre 2010 · MondoSonoro)

Phosphorescent Foto Archivo

Phosphorescent

hogar, dulce hogar Bajo el atípico nombre de Phosphorescent, Matthew Houck ha entregado a lo largo de la última década un puñado de las canciones más vibrantes surgidas del suelo americano, una preparación para el volantazo de “Here’s To Taking It Easy”, un disco de aroma clásico y agridulce sabor a carretera.

L

a América profunda, entendida como un territorio poblado por muertos en vida y fantasmas evanescentes, ha sido el caldo de cultivo perfecto para dar salida a las inquietudes musicales de atormentados, y generalmente barbudos, solitarios. En ese panorama, Matthew Houck parecía el perfecto eslabón perdido entre Bonnie “Prince” Billy y Bon Iver, gracias a tres cuidados y parcos discos de levitación campestre. Esto hasta que Willie Nelson se cruzó en su camino, lo que le llevó el pasado año a grabar “To Willie”, un álbum homenaje al pelirrojo de las trenzas que, al mismo tiempo, significó un redescubrimiento por parte de Matthew de su propósito como músico y de la capacidad de sus compañeros de gira para explorar un sonido más panorámico. “Mientras escribía las canciones para este disco me di cuenta que tenía en la banda a toda esta gente con la que había grabado ‘To Willie’ y que me permitía aspirar a este sonido. Era el momento de hacer mi disco de rock clásico”. Un trabajo con el

▲ Sigue subiendo la popularidad de Love Of Lesbian aunque en un noticiario de TV nacional se refiriesen a ellos repetidas veces como Gay Of Lesbian.

que puede sacar a la música de raíces de la preocupante dualidad entre el cliché del mainstream de Nashville y el, no por más reciente menos importante, cliché del country alternativo, anquilosado en una introspección y un minimalismo en muchos casos, más forzados que naturales.

Houck aborda y actualiza la figura del outlaw, aquel movimiento que a mediados de los setenta significó una ruptura con el establishment country, encabezado por el ya nombrado Nelson, Kris Kristofferson y Waylon Jennings entre otros. “Lo interesante es ver cómo cuarenta años después de todo eso, aún permanecen vigentes, mientras que otros discos publicados hace apenas dos años ya suenan viejos. Personalmente no creo que sea un disco de country, pero entiendo que la gente lo piense. Tiene mucho que ver con el R&B de los setenta.

No creo que haya tanta diferencia con un disco de The Rolling Stones, que también tocaron country. Me gusta la producción de esa época, lo que me llama la atención de

▲ Suben los miembros de MANOS DE TOPO por sus trabajos audiovisuales. Son los responsables de los spots del RC Celta de Vigo y del festival barcelonés BAM.

ella es algo que se ha perdido con las técnicas de producción modernas, esa magia, el espacio que proporciona el sonido analógico”. Pero no nos encontramos ante un ejercicio de nostalgia ni de mera reivindicación, sino a la utilización por parte de un artista perfectamente consciente de formas y temas musicales pretéritos, generalmente menospreciados y olvidados, y abordados no sin cierta ironía, como en el tema que abre el disco, “It’s Hard To Be Humble (When You’re From Alabama)” (es difícil ser modesto, cuando uno es de Alabama). “Hay ironía, por

de gira. Por supuesto que al viajar he aprendido mucho, pero es una actividad bastante cansada, y hay cierta alegría en el hecho de volver finalmente a casa y tener cierta estabilidad”. Que se lo digan al protagonista de “The Mermaid Parade”, pieza central que condensa en su narrativa varios de los temas del álbum. En ella, el protagonista, aislado en Nueva York, en su intento de reencontrarse con su ex mujer en Los Angeles, termina finalmente vagando en el desfile carnavalesco de Coney Island. Los Angeles, una ciudad que parece ser un personaje central, signo

"Algo que se ha perdido con las técnicas de producción modernas, esa magia..." supuesto. El título de esa canción proviene de la placa de una matrícula que encontré en una tienda de segunda mano”. Se trata de una canción que explota al mismo tiempo otro de los mitos tan caros a la imaginería estadounidense como es el del viaje, sus avatares y, finalmente, el tedio que el continuo movimiento puede causar, entre estallidos de vientos y pedal steel guitar que recuerdan a la frondosidad de la Rolling Thunder Revue dylaniana, una comparación que halaga enormemente al sureño. “Curiosamente, escribí esa canción en Europa, mientras estaba

▲ Sube el grupo demoscópico catalán CHINESE CHRISTMAS CARDS. Con solamente una maqueta se han convertido en la banda sonora de una campaña televisiva.

de lo inalcanzable, a lo largo del disco, y que da título a la larga y eléctrica canción final. “Viví allí durante unos pocos meses, cuatro o cinco, pero la cosa no funcionó. No era la ciudad ideal que yo tenía en mente. Mudarme de Athens a Nueva York ha cambiado el punto de vista que tengo sobre mi música. Seguramente haya alguna conexión entre ello y mi evolución”. ■ Héctor G. Barnes “Here’s To Taking It Easy” está publicado por Dead Oceans/Popstock!

▲ Sube la EDICIÓN ARAGONESA de MondoSonoro por cumplir sus primeros diez años de trayectoria. Para celebrarlo, se montan una fiesta por todo lo alto.

SUBEN ▲ t Baja que la ACCES (Asociación Estatal de Salas de Música en Directo) y la SGAE no hayan llegado a un acuerdo con respecto a un sistema de tarifas.

▲ Suben las PETICIONES para que Radio 3 reconsidere su decisión de eliminar el programa “Ambigú”, así como el despido de su responsable, Diego Manrique.

▼ bajan t Bajan los CACOS. Si en el Azkena Rock le robaron una guitarra única a Chris Isaak, a Phosphorescent les han robado todo su equipo.

t En el bajan no podemos dejar de incluir la muerte de SATOSHI KON, sin duda uno de los directores imprescindibles de animación japonesa.

t Baja la muerte de HARVEY PEKAR, uno de los guionistas imprescindibles de la historia del cómic y uno de los nombres fundamentales del underground.

t Baja la moral de los miembros de THE SWELL SEASON después de que un hombre se lanzase al vacío sobre el escenario durante una de sus actuaciones. n

MondoSonoro · Septiembre 2010 /19/

MONDObeats

EN LA

Radiocontrol Roger Cervantes, más conocido como Radiocontrol, es uno de los motores fundamentales del barcelonés Noise Club, por el que han pasado un aluvión de grandes nombres. También es el cincuenta por ciento de theAmplid, pero mejor hablemos de su faceta como Dj. ◗ ¿Por qué motivos empezaste a pinchar? ¿Para ligar, para ser una estrella?

Primer año de universidad, amigos nuevos… unos tenían unos platos y algunos discos… así que empecé para pasar el rato en el sótano de casa de un amigo. ◗ ¿Qué disco nunca falla en una sesión tuya?

Aunque ahora me centro mucho más en el electro y he dejado el indie un poco de lado en mis sesiones, siempre hay algo de guitarras entre tanto bombo… eso sí, con el mismo poder revientapistas: “Song 2” de Blur o “Teenage Kicks” de The Undertones son algunos de los que no suelen faltar. ◗ Por contra, ¿cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya? ¿Por qué?

Me encanta la música, todo tipo de música, pero no toda es para la fiesta. Soy muy fan del pop sueco, pero si pongo “Ljudet Av Ett Annat Hjarta” de Gyllene Tider (en sueco) la gente me mira con caras raras. ◗ ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

Quitar la aguja del plato que está sonando (o darle al eject del compacto)… es algo que a veces pasa (risas) y en ese momento no sabes dónde esconderte… Otro fallo creo que es “gustarse demasiado”. Si te estás gustando más a ti que a tu público, algo falla. ◗ ¿Hasta qué punto es importante que la gente baile más o menos para cambiar la línea de tu sesión?

Totalmente… pero siempre con unos límites. Partiendo de mi estilo y de la música que me gusta, las reacciones del público pueden variar el desarrollo de la sesión. Pero no nos vamos a engañar… pincho lo que yo quiero.

Adapto mi selección a sus gustos. ◗ ¿Vinilo o CD? Antes era de vinilo… y aún lo soy, pero más a nivel de coleccionista que como Dj. Aunque el tacto es diferente, me he acostumbrado a los compactos. Ahora mi maleta es más cómoda de transportar, y los CD’s te permiten hacer cosas que el vinilo no. ◗ ¿Tienes algún problema a la hora de mezclar guitarras y electrónica en la misma sesión?

NO (corto, seco y en mayúsculas!). Si hace algo más de un año empezamos el Noise Club fue precisamente con esa idea, que hay una electrónica más rockera que el techno y menos hortera que el house facilón, y un indie más contundente y electrónico. ◗ ¿Cuáles son tus Dj’s actuales favoritos?

Por su trayectoria durante años… me quedo con Erol Alkan, por su técnica y creatividad en la mezcla… con Boys Noize y aunque sólo fuera por lo que hacian hace unos años…

2many djs! Obviamente podria destacar a Jeff Mills o Richie Hawtin… pero ya habrá muchos que los prefieran, a mi me gustan más los otros, a mi me gusta la fiesta! ■

Röyksopp

Descartando el hit Los suecos se nos han puesto introspectivos con “Senior”, su cuarto larga duración, un álbum atmosférico que rehuye las radios y las pistas de baile a las que tanto le debieron hace tan sólo un año con el aclamado “Junior”. Hay que ver lo que ha llovido desde que nos sorprendieron con “Poor Leno” y el álbum “Melody A.M.” en 2001.

S

i tenemos en cuenta el buen recibimiento que hace poco más de un año los suecos consiguieron con “Junior”, lo más lógico hubiera sido que el dúo continuara aferrándose a esa electrónica humanizada con invitadas vocales de postín que han alegrado nuestras salidas nocturnas durante los últimos años. Lo que ocurre es que el tándem, para la ocasión, ha decidido parir un largo del todo opuesto a su predecesor, carente de singles potenciales y anclado en el terreno del ambient ensoñador. “Senior”, tal como se llama la criatura, nos muestra otra faceta de Röyksopp, aquella en la que el sofá y el recogimiento hogareño pesa más que la pista de baile. “Tanto ‘Junior’ como ‘Senior’ se enmarcan en un mismo concepto. Cada uno tiene su propia identidad, aunque son compatibles, de todos modos. Somos capaces de componer por igual tanto temas más bailables y accesibles como, en este caso, piezas introspectivas influenciadas por el ambient, un sonido que hemos escuchado durante toda nuestra vida. A diferencia del resto de nuestra discografía, ‘Senior’ se basa en las atmósferas, no en las melodías”, comenta la mitad creativa del dúo, Torbjørn Brundtland. “Desde un principio teníamos claro que algún día queríamos lanzar un álbum como este. Es más, compaginamos en un primer momento la grabación de estos temas con los de ‘Junior’. El largo tenía que haberse publicado hace unos meses, pero hemos preferido esperarnos hasta ahora para demostrar a la gente que

somos unos auténticos dementes”. Una de las mayores particulares de “Senior” recae en la ausencia de partes vocales a lo largo de sus nueve temas. ¿Tal decisión fue premeditada?

“Ciertamente, sí. Lo que pretendemos es que el disco pueda oírse desde el principio hasta el final. Al principio, todo el mundo tiende a decir que aquellas canciones que incluyen voces son futuribles singles.

Y precisamente queríamos huir de eso.

Buscábamos que la totalidad de las piezas

cientos de personas y no se siente atada por nada ni nadie”.

La sombra de Brian Eno viene a la cabeza nada más escuchar el álbum. ¿Podríamos considerarle uno de los mayores referentes? “Me gusta la comparación. Eno ha creado algunos de los álbumes que más nos han influenciado, como es el caso de ‘Apollo’. Para aquella ocasión, Eno hizo un disco cuyas canciones eran el hilo argumental de un filme, y nosotros con ‘Senior’ hemos querido contar diversas historias que en ningún momento se cuentan explícitamente”.

Después de producir “None Of Dem”, uno de los temas que conforman la primera parte de la trilogía que se trae entre manos Robyn, tengo la impresión de que existe una estrecha relación entre la nueva generación de artistas que campan por Suecia. “Básicamente, se trata de

"Cuando la fiesta termina y uno se hace mayor llega la impotencia y el desencanto" tuvieran el mismo peso sobre la balanza y que ninguna destacara por encima de otra”. La nueva criatura de Röyksopp coge el testigo de la vejez, aquel momento en el que los años pesan y la juventud es un mero contenedor de recuerdos. “Muchos discos hablan sobre la alegría de vivir, la juventud o el baile. Con ‘Senior’ hemos explorado otro punto de vista. Cuando la fiesta termina y uno se hace mayor llega la impotencia y el desencanto. Nos parecía muy interesante explorar esta idea”, afirma Brundtland, quien nos habla de uno de sus temas preferidos, “The Alcoholic”. “El alcoholismo es un tema muy delicado. Sin embargo, nos gusta la idea romántica de esa persona que decide subirse a su barquito y ver mundo. Gente sin oficio ni beneficio, pero que conoce a

una coincidencia que todos provengamos del mismo país. Nos admiramos mutuamente y por ello colaboramos entre nosotros siempre que podemos. Artistas como Karin Dreijer (The Knife, Fever Ray) son mucho más que una gran voz. Ocurre un poco como en la serie ‘Fringe’, todos vivimos en universos paralelos que transcurren en el mismo tiempo”. Ahora tendrán que romperse la cabeza para trasladar “Senior” al directo con todas las garantías. “Será el momento perfecto para sacar nuestra armónica”, dice Brundtland soltando una reprimida sonrisa.

Definitivamente, el humor sueco no es lo mío.

■ Sergio del Amo “Senior” se publica el 13 de septiembre vía Wall Of Sound/Pias.

Röyksopp Foto Archivo

Radiocontrol Foto Archivo

MALETA

ENTREVISTA

/20/ Septiembre 2010 · MondoSonoro

The Gaslight Anthem

Como un redoble de batería académico, parece que The Gaslight Anthem no han necesitado casi nada, o que ya venían con la inercia, para posicionarse en un lugar notorio en el panorama norteamericano. Si con su segundo larga duración habían pasado la prueba con creces, con “American Slang” tienen pinta de dejar ya la etiqueta de promesa.

“

The 59 Sound” era un disco notable de rock’n’roll de inspiración norteamericana, cuyos firmantes se habían logrado subir a un escenario junto a su ídolo Springsteen y al que la prensa dedicaba alabanzas y avisaba de la capacidad de esa banda de New Jersey llamada The Gaslight Anthem. Ahora, un par de años después de aquello demuestran que no se equivocaban los que apuntaron su nombre. Brian Fallon, Alex Levine, Alex Rosamilia y Ben Horowitz, nuestro interlocutor, han entregado uno de los discos más pulcramente disfrutables del año. “En este disco se nota una producción más cuidada y también, sobre todo, que somos, aunque suene tópico, un año mayores, o más viejos.

Según se mire. Eso es importante para las canciones. En un año y pico pueden pasar y cambiar muchas cosas”. Horowitz habla con ese inconfundible tono de confianza que se les

tenido importancia en estas canciones”. The Gaslight Anthem tienen una gran ventaja sobre otros muchos grupos de rock actuales: su música te hace sentir joven, joven de verdad como cuando veíamos “Cuenta conmigo” o “Rebelde sin causa” hasta aprendernos sus diálogos, cuando la magia y lo desconocido le ganaban aún la partida de manera inexplicable a ese afán de estar de vuelta de todo que desprenden muchos que tienen la misma edad que ellos. Eso sí que es una ventaja. “Creo que las letras son las más conseguidas y también extrañas que hemos hecho. Como te digo, todo tiene que ver con crecer, sentir responsabilidades y ver cómo funcionan las cosas a tu alrededor. Son muy honestas y personales”. Atrás quedan en su anterior trabajo, y comparativamente hablando, sonidos un poco más urgentes puestos uno al lado del otro. Otros dirán que han suavizado algu-

“Estamos orgullosos del resultado, aunque nunca acabas de saber de antemano si le gustará a la gente” pone a los músicos cuando saben que han hecho bien las cosas. Cuando Fallon empezó a escribir estas canciones el verano pasado en la gira del segundo disco, todo estaba abocado a grabar en Nueva York, dándole a la ciudad otra pieza musical que no se entendería sin la Gran Manzana. Ella es la quinta protagonista del disco en los aspectos lírico y gráfico. “Todas las fotos que aparecen en el diseño del álbum las hemos tomado nosotros mismos. El objetivo de poner esas fotos y ese determinado estilo fue el de tratar de expresar lo que estábamos viendo o sintiendo en esos precisos momentos. Era y es nuestro entorno natural y, como tal, ha

nas de sus formas en lo que interpretarán como una concesión al mercado. Sin embargo, por más que uno intenta buscarlo, “American Slang” no es un disco comercial ni evidente. Es simple rock, como ha habido en Estados Unidos desde que se hicieron bastardos (más de lo que eran) los sonidos de los negros del delta del Misisipí… y ya saben el resto de la historia. “De entre los temas del disco, si tuviera que quedarme con alguno… particularmente me gusta mucho y estoy orgulloso de haber hecho ‘The Queen Of Lower Chelsea’, con ese toque en plan reggae tan divertido de tocar. Otra de mis favoritas es ‘Orphans’”. Siguiendo el nudo de

la conversación sobre el lugar al que puede traer este disco a su grupo y las implicaciones que ello puede tener en el propio seno de la banda, los fans o en cómo los medios perciben, o mejor dicho percibirán a partir de ahora, Horowitz continúa hablando. Nos encontramos, y es agradable, con una banda en la que la confianza y la sencillez parecen ir de la mano. “Las críticas son importantes pero desde luego que no son lo más importante cuando haces música. Estamos confiados y orgullosos del resultado, aun-

The Gaslight Anthem Foto Archivo

o r o e d d La eda shore” que parece quedarles ya, más que nada, pequeña, uno de los puntos de enlace entre ellos y su público es lo cercano de su planteamiento.

Un grupo joven y consciente de los anhelos y frustraciones de la gran mayoría de la población sujeta a los vaivenes de esa gran superficie comercial llamada planeta Tierra. “No sé si se nos puede considerar un grupo ‘muy americano’ porque realmente hablamos de cosas universales como la vida o problemas económicos, cosas que son comunes a la gran mayoría

“No sé si se nos puede considerar un grupo ‘muy americano’ porque realmente hablamos de cosas universales” que nunca acabas de saber de antemano si le gustará a la gente, y especialmente no tienes ni idea de lo que dirán del disco los periódicos y las revistas. Nuestros fans están respondiendo muy bien a las nuevas canciones, están teniendo una acogida excelente”.

R

esulta inevitable, de todas maneras, pensar sobre lo acertado del material a cada escucha del disco y acabar dándose cuenta de que, si alguien ajeno a la banda se da cuenta del salto tan fácilmente, qué no pasará por la cabeza de los miembros de la banda en relación a este salto cualitativo, posibles ofertas o nuevas maneras de hacer las cosas en el seno de la banda. En definitiva, saber si The Gaslight Anthem se muestran de alguna manera sorprendidos por el avance o ven su situación actual como el comienzo de algo nuevo. “Bueno, nosotros estamos muy contentos de cómo están yendo las cosas para The Gaslight Anthem. El anterior disco tuvo muy buena acogida y puede que este nos esté llevando a un escalón superior como dices. No lo sé, el caso es que no hemos parado de tocar y que ‘American Slang’ también nos está haciendo sentir muy bien.

De todas maneras, crecer entendiéndolo desde un punto de vista comercial no es algo que necesitemos”. Definitivamente alejados por su propia voluntad de esa etiqueta “Jersey

de civilizaciones, no sólo a la norteamericana. Son los problemas, las grandes luchas de las personas en su día a día las que nos interesan y sobre las que hacemos música.

Quizá parecen historias americanas porque nosotros somos americanos pero la cosa no va desde luego sobre el sueño americano”.

También hablan de reversos, de inocencias rotas y del paso del tiempo, cómo no. “Ahora soy viejo, pero lo hicimos cuando fuimos jóvenes”, cantan amargamente. Pero el sueño del que hablamos con Ben, la consecución del mismo, tiene otra ventaja en el contexto de The Gaslight Anthem: como en los cincuenta, la sobriedad y autoafirmación son dos de los ingredientes básicos que te hacen ser mejor, al menos en lo que haces.

Ese punto de chulería mezclado con humildad que convierte a una banda de la Costa Este en la banda sonora perfecta para un viaje de carretera un fin de semana o en los minutos frenéticos en compañía de iguales entre bar y bar un viernes cualquiera. “He podido conseguir que la música sea mi oficio y eso sí que es un sueño.

Ya no tengo que hacer un estúpido trabajo que no me satisface. Esto es todo lo que siempre he querido hacer y eso me hace muy feliz. Ya sólo me queda una familia, una casa y todo eso (risas)”. ■ Ignacio Pato L. “American Slang” está publicado por Side One Dummy.

(MondoSonoro · Septiembre 2010 /23/ ENTREVISTA)

Klaxons

Un futuro no tan lejano

L

eyendo las vicisitudes de la grabación del segundo álbum de Klaxons es fácil llevarse una impresión equivocada sobre cómo fue creado “Surfing The Void”. Empezó a hablarse de la continuación del exitoso debut de los británicos a principios de 2008. De hecho, el grupo entró en el estudio por aquella época con el productor Tony Visconti (David Bowie, U2) a los mandos. Poco después, volvían a grabar junto a James Ford de Simian Mobile Disco, quien les había asistido durante la grabación de su debut.

En aquel momento parece que la intención era que el disco estuviera listo en algún momento de 2009, pero según algunas fuentes el álbum fue rechazado por la discográfica y Klaxons volvieron al estudio a finales de año, de nuevo con Ford, para trabajar en las nuevas canciones. A finales de 2009 Klaxons se pusieron en manos de Ross Robinson, productor de Glasjaw, Deftones y At The Drive-In entre otros, con el que grabaron la versión definitiva del disco. Toda una odisea, diría cualquiera. Cualquiera menos Jamie Reynolds, bajista y cantante del grupo, que niega rotundamente que el proceso haya respondido a presiones por parte del sello. “Entramos varias veces en el estudio, es cierto, pero sin intención de grabar un disco sino más bien la de trabajar en las canciones y prepararnos para cuando llegara el momento de grabarlo”. “En realidad fue todo bastante simple”, prosigue Reynolds. “Antes de entrar a grabar con Ross en noviembre de 2009 habíamos estado preparándonos a fondo y eso hizo que la grabación en sí fuera una de las mejores experiencias que hemos tenido como banda”. Klaxons tocan esta noche en el Festival

Internacional de Benicassim, y su bajista y cantante responde a las preguntas con un entusiasmo que raya la euforia en algunos momentos. Cosas de la excitación previa al show. Reynolds tiene el discurso aprendido respecto a toda la leyenda que rodea a su nuevo trabajo, y no porque forme parte de un guión para negar las supuestas tensiones con la discográfica, sino porque al parecer toda la información sobre esa primera versión del disco rechazado que circula por la red es inexacta y le preguntan por ello en cada entrevista. Es cierto que trabajaron con Ford, pero sólo han grabado un disco y ha sido con Ross Robinson.

“Cuando conocimos a Ross ni siquiera ha-

somos una banda pop. De hecho, trabajamos mucho mejor cuando dejamos de darle tantas vueltas al sonido y dejamos fluir las canciones de forma natural”. “Echoes” y “Valley Of The Calm Trees” son las canciones más antiguas del disco. Fueron compuestas hace año y medio. El resto fueron escritas en Londres tras la última gira del grupo, en septiembre de 2009.

Reynolds y compañía habían estado trabajando en otras composiciones, descritas por algunos como más densas y progresivas y por otros como más folk, que ahora verán la luz en forma de EP separado del álbum. Su forma de demostrar que todo el revuelo en torno a los descartes ha sido en el fondo una exageración.

C

omo cualquier aficionado a la ciencia ficción sabe, hablar del futuro no es más que otra forma de hablar del presente.

En “Surfing The Void”, Klaxons reinciden en el uso de la narrativa sci-fi de su debut, pero en esta ocasión parecen mucho más conscientes de que hablar en términos futurísticos y sobre mundos

“Estuvimos experimentando con sonidos más densos... nos llevó un tiempo recordar que somos un grupo de pop” blamos de música. Estuvimos hablando de nuestras vidas, cosas personales. Es un tipo maravilloso. Su manera de trabajar es precisamente esa: te trata como un individuo y como parte de un colectivo y saca lo mejor de tí. En ningún momento hablamos de cómo debía sonar el disco, simplemente de lo que queríamos expresar cada uno de nosotros”. “Lo que sí es cierto es que nos llevó un tiempo recordar que somos un grupo de pop”, comenta. “Durante un tiempo estuvimos experimentando con sonidos más densos, probando cosas nuevas, pero en ningún momento hubo intención de que todo aquello acabara formando parte del nuevo álbum. Siempre hemos tenido claro que

imaginarios no es más que una forma parabólica de describir el mundo en que vivimos. “Sí, en esta ocasión hablamos mucho más sobre el ahora. ‘Myths’ era un disco sobre el futuro, en cambio ‘Surfing The Void’ es un álbum sobre el presente. Esta vez hemos querido hablar de cómo nos sentimos ahora mismo, que el disco reflejara realmente quiénes somos. Quizás sea nuestra forma de decir que el presente es un buen lugar en el que estar”. “Hay muchas ideas detrás del disco”, continúa Jamie. “Cada canción tiene su propia historia, incluso para cada uno de nosotros, pero si hay alguna idea detrás del disco es la absoluta celebración de la vida”. Esa visión celebratoria se ha traducido en un disco más pop

que su antecesor, menos apabullante en su puesta en escena. “En realidad no había tanta expectación”, responde Reynolds cuando preguntamos sobre la presión en torno al grupo a la hora de publicar su segundo disco. “Hicimos un gran disco que a la gente le encantó pero mientras trabajábamos en ‘Surfing The Void’ no nos detuvimos a pensar en si gustaría o no.

Ahora que está grabado, por supuesto, esperamos que sea así y que la gente disfrute.

En muchos sentidos es un trabajo parecido a nuestro debut, ya que se trata de una mezcla de canciones muy diferentes que forman un conjunto, pero también pienso que hemos mejorado como compositores y como músicos. La gente que ha escuchado el disco es bastante entusiasta. Si en algún momento hemos sentido presión no ha sido por conseguir un disco de éxito, sino la que nos hemos impuesto a nosotros mismos por hacer el mejor disco posible”. Aunque “Surfing The Void” no resista la comparación con “Myths Of The Near Future”, Klaxons salvan el compromiso con un trabajo digno que les consagra como una rara avis en el mercado británico, tan hábil a la hora de fabricar en cadena copias al carbón de fórmulas de éxito. “Queremos crear música nueva. Si no sintiéramos que estamos creando algo novedoso nos aburriríamos. No concibo un futuro en el que Klaxons no intentemos llevar un paso más allá nuestra música”. Hay que concluir que la orientación más pop del nuevo álbum responde al impulso de la propia banda. Reynolds, en cualquier caso, cree que la etiqueta nu-rave todavía sirve para describir su música. “Cuando hablámos de nu-rave nos referimos al espíritu de celebración de aquella música.

Cuando componemos siempre intentamos que nuestra música sea una celebración y creo que es algo que siempre formará parte de nosotros”. n Joan Cabot “Surfing The Void” está publicado por Polydor/Universal.

Klaxons Foto Archivo

Tras convertirse en una de las bandas más importantes de la escena británica en el cambio de década, Klaxons se enfrentan al difícil segundo asalto en el que tantos han besado la lona. “Surfing The Void” no alcanza las apabullantes cotas de “Myths Of The Near Future” (07), pero los únicos a quien decepcionará de verdad será a aquellos que esperaban una debacle.

Interpol Foto Wagenaar

(ENTREVISTA /24/ Septiembre 2010 · MondoSonoro)

Interpol

La estrategia del caracol Es una práctica habitual entre las bandas, reducir las explicaciones sobre la razón de ser de sus canciones y la suya propia a un mero “Hacemos esto porque nos divertimos tocando juntos”. En realidad el presente de Interpol, los cambios de sello y formación que llegan de la mano de su cuarto y homónimo largo dan, deberían dar, para mucho más que para eso...

M

adrid se encuentra paralizado por la huelga de metro -en su momento crítico tras dos días sin servicios mínimos- y el transitar de la Selección por un Mundial de fútbol en el que terminará conociendo la gloria. Dejamos atrás un invierno especialmente deprimente y una primavera igualmente plomiza y en la terraza del Hotel Urban fácilmente se alcanzan los cuarenta grados. A pesar de ello y ajenos a todo Daniel Kessler (guitarra) y Sam Fogarino (batería) cumplen con el guión y se presentan de riguroso luto, abotonados con pulcritud. De hecho, Daniel viste una chaquetilla de punto que da calor de sólo verla y hace que me pregunte por el sentido de todo esto. Al

cantante Paul Banks, caramelo promocional por su condición de líder, letrista y también estrella del cuore -ahí está su noviazgo con la ex top model Helena Christensen- se lo lleva en la tómbola el enviado del diario El Mundo. Con él se van una serie de cuestiones sobre su carrera en solitario como Julian Plenti y los aspectos líricos del nuevo álbum, incluida la primera canción en su carrera con recitados en castellano (“The Undoing”). Don’t panic, la actualidad de Interpol está llena de novedades, empezando por el abandono tras la grabación de este homónimo cuarto álbum de Carlos Dengler, primera baja en los doce años de historia de la banda. En la conversación Daniel lleva la voz cantante con

un Fogarino que puntualmente le hace coros.

“Lo que ha hecho pertenece a su vida personal”. No tanto como a la profesional... “Bien.

Yo no quiero hablar por su boca, no me siento muy cómodo avanzando cuáles son sus proyectos al margen de la música. Y puedes hacerte una idea visitando su página web”. En realidad el secretismo no es tal. Al

más). “En principio David y Brandon (Curtis, teclista de Secret Machines) entran exclusivamente para ayudarnos con los directos, pero quién sabe lo que puede ocurrir en el futuro. Por el momento sólo hemos dado cinco conciertos juntos y la química fue excelente. David estaba girando con Yeah Yeah Yeahs y cuando nuestro ingeniero

“Nunca hemos sido una banda gigantesca, nunca hemos ocupado una posición privilegiada como Radiohead” margen de que desde hace tiempo se apuntan supuestas diferencias creativas entre nuestros hombres, es bien sabido que Carlos lleva tiempo interesado en desarrollar una carrera en el terreno audiovisual, llegando a participar en el “Vojeur Project” de la cadena HBO y firmando el cortometraje “My Friends Told Me About You” junto a Daniel Ryan. Su lugar lo ocupará por el momento David Pajo (ex Slint, Aerial M, Papa M, Tortoise, Stereolab y mil bandas

de sonido, que también es el de ellos, nos sugirió ficharlo ya no pudimos pensar en nadie más. Pajo ha participado en varios de mis discos favoritos de los noventa”.

La otra gran noticia es el repliegue a posiciones independientes tras su breve paso por Capitol con “Our Love to Admire”. Entonces Banks justificó el salto a una multinacional como una oportunidad para crecer… “En cualquier caso, tanto en nuestra etapa en Matador

(MondoSonoro · Septiembre 2010 /25/ ENTREVISTA)

CronologÍa de la desazÓn

00’s Interpol Su irrupción, como la de The Strokes y Franz Ferdinand volvió a situar las guitarras en el primer plano del universo indie. A diferencia de aquellos, Interpol desatendían el baile y apostaban por la solemnidad que desde entonces han reinterpretado otras formaciones de éxito como Editors o The XX.

90’s Piano Magic La explosión grunge, la definitiva democratización electrónica,… Los noventa fueron mala época para la parroquia oscura. A Piano Magic nos los quisieron colar como post-rock cuando -el tiempo y su fichaje por 4AD lo demostró- Glen Jonhson no pretendía otra cosa que adaptar a su tiempo la épica y formas afterpunk.

80’s Chameleons Estamos en 1981, con Joy Division cadáver, The Cure a punto de afrontar su etapa tecnicolor y los New Romantics asomando la cabeza en las listas. The Chamelons fusionaron con elegancia ambas corrientes para convertirse en la banda que mayor influencia ha ejercido sobre el sonido de la banda neoyorquina.

como después en Capitol, siempre hemos tenido el control sobre lo que hacíamos.

Entonces pensamos que fichar por una multinacional y trabajar con el equipo de Radiohead era lo más correcto. Pero el mundo discográfico ha cambiado mucho en poco tiempo y hemos entendido que tal vez lo mejor era volver a Matador (en EE.UU. V2/Coop en Europa). Son cambios para quedarnos como estábamos”.

L

a sentencia define la trayectoria de Interpol, sin apenas vaivenes de público y crítica desde que en 2001 debutaran con “Turn On The Bright Lights”. “No nos engañemos: nunca hemos sido una banda gigantesca, nunca hemos ocupado una posición privilegiada como Radiohead y luego hemos dado un paso atrás. Como no hemos tenido un gran hit no ha existido la presión de tener que componer otro para seguir adelante. Eso se nota en los conciertos, en que las canciones favoritas no están claras”. Fogarino apostilla: “No creo que no seguir creciendo resulte necesariamente malo. En realidad resulta hasta cómodo, porque acaba con las falsas expectativas y elimina tensión. De todas formas

yo sí pienso que el tercer disco supuso un empujón para la banda, y nos habituamos a tocar para cuatro mil personas”. Veamos qué es lo que ocurre ahora, en cuanto que ¿estamos de acuerdo en que “Interpol” es vuestro álbum menos inmediato hasta la fecha?

“Sí, aunque nunca actuamos premeditadamente. No escribimos canciones pensan-

le sienta igual de bien. Pero lo cierto es que los Interpol de hoy me traen a la cabeza a los Bauhaus de “Burning From The Inside”, alejados ya del fulgor de los inicios, al borde de la desintegración, pero valientes en la búsqueda de nuevas sonoridades, de nuevos (e incómodos) caminos. “El desafío es importante, y también que nuestro público sepa apreciarlo.

“Cuando los Pixies sacaron ‘Trompe Le Monde’, quería que aquel disco me gustase tanto como los anteriores...” do en si son o no potenciales singles. Pero está claro que este disco tiene arreglos más complejos, y existe una búsqueda por contar una historia de forma diferente”. ¿Y qué ocurriría si os lo propusieseis? ¿Se puede reproducir en 2010 el sonido más comercial de “Turn On The Bright Lights” o “Antics”?

“Tal vez, tal vez… Pero eso iría contra el ADN de la banda. Nuestra razón de ser es juntarnos y divertirnos haciendo música y en el momento en que factores externos influyeran sobre las canciones todo dejaría de tener sentido”. Es el discurso tan sobado sobre la autenticidad que no a todo el mundo

Recuerdo cuando los Pixies sacaron ‘Trompe Le Monde’ y quería que aquel disco me gustase tanto como los anteriores. Pero conseguirlo me llevó un tiempo porque las claves habían cambiado”. Por desgracia “Trompe Le Monde” sigue siendo en 2010 y de largo el peor de los discos de los duendes de Boston. ■ Luis J. Menéndez “INTERPOL” ESTÁ PUBLICADO SOFT LIMIT / V2/ NUEVOS MEDIOS Interpol estarán el 29 de septiembre en Sevilla, el 1 de octubre en Santiago, el 5 en Bilbao, el 13 de noviembre en Madrid y el 14 en Barcelona.

70’s Siouxsie & The Banshees A Interpol la comparación con Joy Division les persigue desde “Turn On The Bright Lights”, sin embargo no fueron los mancunianos quienes dieron pistoletazo de salida al movimiento siniestro, sino unos Siouxsie & The Banshees que a partir de su formación en 1976 hicieron colisionar expresionismo, nihilismo punk y regusto sado.

60’s Velvet Underground Reed, Cale, Nico y Cía. fueron precursores de muchas cosas, y desde luego también de una tradición gótica (a la vez que urbanita) que Interpol hicieron suya cuatro décadas más tarde en lo estético y lo musical: luto riguroso, gafas de sol hasta a la hora de la siesta y un romanticismo decadente y cortavenas. ■

El Guincho Foto Albert Jodar

(ENTREVISTA /26/ Septiembre 2010 路 MondoSonoro)

a t l A ad d i l e d i f

El Guincho

(MondoSonoro · Septiembre 2010 /27/ ENTREVISTA)

Tres años después del fenómeno “Alegranza”, Pablo Díaz-Reixa regresa con un disco que dará mucho que hablar. Y es que el canario dice casi adiós a sus devaneos tropicales y entra de lleno en la música que reinó en las radios durante la década de los ochenta. Sin perder un ápice de su personalidad en el camino, El Guincho se reinventa en “Pop negro”.

“

Juerga Tropical” (sí, en un guiño a ese clásico del cine estival protagonizado por Mark Harmon), es el título que le hubiera puesto a la entrevista de El Guincho si hubiera tenido la oportunidad de charlar con él hace unos tres años. “Alegranza” acababa de salir en plena explosión afro-pop y Pablo Díaz-Reixa, tras darse a conocer en sociedad con Coconot, empezaba una ascensión meteórica que le ha acabado situando como uno de los músicos nacionales más solicitados fuera de nuestro país.

Un pequeño gran fenómeno global a nivel indie que, en poco tiempo, le llevó a fichar por XL Recordings y a telonear a Vampire Weekend, entre otros logros. Ahora, la historia es diferente y el título adecuado es “Alta Fidelidad” que preside esta entrevista. Lo es por dos razones. Primero,

jodido de las relaciones, y no sólo de relaciones personales, sino de relaciones del hombre con las cosas. El disco tiene un punto muy de confrontar, de enfrentarse.

Muchas de estas letras las escribí en Berlín y fue una época rara porque estaba solo, no conocía a nadie en la ciudad. Fui a Berlín porque en Barcelona estaba viviendo con mi novia y no podía hacer temas porque mi casa es súper pequeña y ella tenía que dormir. Por las noches no podía hacer ruido, para no molestarla. Me tuve que ir a otra ciudad para poder escribir las canciones. El ambiente en Berlín es diferente, se nota mucho la presión estatal, se nota al estado presionando al ciudadano, presión en la calle, en el metro... Me entró una es-

“Me pasé un año que lo que más hacía era recibir contratos, discutir sobre los samples y lo que había que pagar...” porque el músico canario ha grabado un disco a lo grande poniendo gran parte de sus ahorros y muchas ganas. Un trabajo de espíritu hi-fi producido por el propio Pablo y Alejandro Mazoni (Giulia y Los Tellarini) entre Berlín, Barcelona y Madrid, mezclado por Jon Gass (habitual de Mariah Carey, Destiny’s Child, Babyface) y masterizado por Nilesh Patel (mano derecha de Daft Punk), que guiña el ojo a los discos de pop más celebrados y visionarios de la música comercial de los últimos treinta años (con especial querencia por la década de los ochenta). Lo hace, ojo, sin traicionar las raíces del sonido made in El Guincho (en su nuevo disco aún hay rastro de su herencia canaria y algo, aunque poco, del afro-pop que lo hizo grande), manteniendo su personalidad intacta.

S

egundo, porque Pablo Díaz-Reixa, parafraseando a John Cusack en la adaptación cinematográfica de la célebre novela de Nick Hornby, no sabe si hace música pop porque está triste, o si está triste porque hace música pop. Me explico. “Pop negro”, detrás de sus nueve hits rompepistas, esconde un tono oscuro (¿el negro del título?) en los textos. Un contrapunto perfecto para el, a primera vista, pop epidérmico y festivo del canario. “Me gustan los discos que se mueven en ese espectro

pecie de alma destructiva, buscando el espectro oscuro de mi personalidad, y quizás por ahí salieron letras tipo ‘Muerte Midi’ y cosas así, qué son como metáforas más chungas…”. Así de sincero se muestra Pablo Díaz-Reixa desde su retiro en la playa de Maspalomas en el sur de Gran Canaria. En septiembre inicia una gira que le llevará por todo el mundo y, mientras puede, coge fuerzas en su tierra natal para lo que viene. Consciente del gran paso adelante que ha dado con su nuevo disco, no tiene pelos en la lengua. Él mismo reconoce ese regusto a los ochenta que transpira “Pop negro”, y me pone como referentes a Bryan Ferry, Babyface y Mecano, entre otros. “Cuando empecé la búsqueda de ideas para la producción de este disco lo principal fue buscar los hits más grandes, las cosas que más han vendido en la historia del pop y ver quién lo había producido y quiénes eran los ingenieros. Y claro, el acabose de la música pop fue en los ochenta, los megaventas, los directivos de las discográficas viajando en jet privado para fichar a Janet Jackson en una isla, todo eso… En esa época había unos veinte productores y unos treinta ingenieros que hicieron casi todos los hits”. Continúa. “La idea de producción del disco es de súper alta fidelidad, serie Oro

de la radio, intentar ir a buscar los sonidos más hi fi posible. Las estructuras son como reconocibles, como decías antes de hit. Un poco la idea era partir de un hit y llevarlo para otro lado, con valores de producción interesantes”. Esto nos lleva a otra de las claves de “Pop negro”. Que no es otra que la de prestigiar y, casi en una actitud quijotesca reconocida por el mismo Pablo Díaz-Reixa, la de cambiar el sonido de la radio. “Mecano llegaron al éxito más extremo utilizando producciones muy raras. En ‘Ya viene el sol’ hay muchas de ellas, voces con eco de cueva, unas capas de sintetizadores extrañísimos. Me parece impresionante.

Que esa gente cambiara el sonido de la radio en España y fuera de ella es súper inspirador. Uno de los leitmotiv del disco era eso, intentar, en mis sueños claro está porque eso no puede ocurrir, cambiar otra vez el sonido de la radio con valores de producción interesantes, timbres guapos de sintetizadores, bombos fuertes…”. Llegados a este punto queda claro que el canario es un geek de la producción musical. A lo largo de la entrevista nombra a un gran número de productores que admira (para saber más chequea al despiece de esta entrevista), y me confiesa que la mayoría de las canciones de “Pop negro” tienen entre ochenta y cien pistas, una locura vamos. El Guincho actual suena mucho más orgánico, dejando a un lado toda la retahíla de samples que contenía “Alegranza”. “En este disco no hay samples. Y te diré por qué. Lo que me quemó del disco anterior fue tener que clarear todos los samples. Me pasé un año que lo que más hacía era recibir contratos, discutir sobre los samples y lo que

de El Guincho creo que haré uno o dos más como mucho. No me veo diez años más haciendo cosas con El Guincho, y eso que me encanta, me lo paso increíble y me obsesiona. Pero lo que más me apasiona es producir… A tu pregunta, un sí rotundo”. Y, ¿a quién te gustaría producir? “Me interesan mucho las voces de chicas. Me gustaría trabajar con Luz Casal, que está en otra onda lo sé, pero sería genial rescatarla con capas de sinte. O hacer un disco para Ana Torroja, currado de sintes, bien trabajado, que se dejara llevar. De fuera me gustaría trabajar con Kashif (figura del r&b norteamericano de los ochenta) que está muy olvidado. Intenté contactar con él para que me aconsejara para mi nuevo disco, pero obviamente no obtuve respuesta”.

H

acia el final de la entrevista le apunto a Pablo un comentario a propósito del primer single del disco, “Bombay”, una excelente canción donde más de uno ha querido ver ciertos aires latinos. “Me lo dice mucha gente (risas). Igual es una obviedad pero creo que mi acento hace mucho cuando canto (más risas). Hace muchísimo que no escucho el disco, pero uno de mis ídolos es Jerry Masucci, que junto a Johnny Pacheco crearon Fania Records (legendario sello de música latina), y siempre he sido megafan de Fania y de Masucci, un tío que musicalmente era súper limitado, pero que tenía una ideas de producción bestiales. Supongo que se me ha pegado algo de ellos”.

Lo que sí es latino, y mucho, es la serie Piratas de Sudamérica, un nuevo proyecto en el que El Guincho da rienda suelta a su amor por el géne-

“La idea era partir de un hit y llevarlo para otro lado, con valores de producción interesantes” había que pagar… Con el primer dinero que me dio la discográfica me compré un par de sintetizadores, y con la onda que empezaba a molarme, Mecano y demás, fue toda una serie de cosas lo que me llevó a tener claro que quería hacer canciones pop grabadas absolutamente por mi y trabajarme los sonidos en un estudio tranquilamente. Encontrar en el estudio lo que antes encontraba en los samples”.

Escuchando algunas canciones de “Pop negro” no es difícil imaginarse al músico canario, en un futuro no muy lejano, ejerciendo de productor a sueldo. Un productor que, al estilo de Timbaland, tenga una marca de fábrica propia. ¿Se ve Pablo Díaz-Reixa en ese papel? “Totalmente. Discos

ro haciendo versiones de clásicos perdidos de la música latina. De momento ha editado un primer Ep de cinco canciones, con composiciones de artistas como Orefiche y Valdespi o el cubano Miguel Matamoros entre otros, y para el que ha contado con la colaboración de Julieta Venegas.

“Me hice con los derechos de una bolsa de cincuenta canciones sudamericanas de diferentes estilos y épocas, y queremos hacer diez epés de cinco temas cada uno.

Me saldrá pelo blanco (risas)”.

■ Xavi Sánchez Pons “Pop negro” se publica el próximo 13 de septiembre vía Young Turks/Popstock! el guincho estará tocando en el bam

EL SONIDO FM POR EL GUINCHO

Luther Vandross +Marcus Miller/Kashif:

De Luther Vandross destacaré los álbumes “Luther Vandross” (2001), “Forever, For Always, For Love” (1982) y “Busy Body” (1983); de Kashif, la canción “Stone Love” –de “Kashif” (1983)- y su trabajo con Evelyn Champagne King. Uso magistral de las reverbs, plano de coro gordísimo, más fuerte que el lead principal. El trabajo con las estructuras también es máximo nivel, dos estribillos diferentes en la misma canción, codas dentro de estribillos, progresiones como de tres o cuatro partes antes de llegar al coro, etcétera.

Ocurre más en Luther que en Kashif.

Paco Trinidad/Mecano:

De Paco Trinidad me gustan los temas que produjo en “LUZ V” de Luz Casal. Rodea la voz de un montón de timbres increíbles, muy raros muchos de ellos, con un sonido muy separado y muy limpio pero que te envuelve por la producción del bajo y las subdivisiones de la percusión que están muy presentes y con una reverb sutil. De Mecano destacaría, por poner uno, “Ya viene el sol”. Me encanta la ambición que tenían en el estudio, las composiciones son increíbles, se sostendrían solas con voz y piano. Sin embargo cargan un montón la producción con arreglos muy inteligentes y repetitivos. Obra maestra.

Jon Gass/Babyface:

Me flipa la imagen estéreo en “Tender Lover” y cómo reparten los sintes a los lados para dejar espacio a la voz, el bombo y las mega cajas con claps que pueden parecer tipo Trevor Horn, pero mucho más profundas. Temas que tienen como tres lecturas independientes. La L, la R y el mono. En verdad cosas súper locas si escuchas con atención, tensiones armónicas muy pasadas de vuelta en temas que son para la radio, haciendo soul con una voz súper nasal, progesiones chulísimas.

Me enamoré mucho de este sonido y al final conseguí hablar con Jon Gass para que mezclara mi disco.

Jerry Masucci/Willie Colon:

Seguramente el productor más influyente y visionario en cualquier estilo de la historia. No necesitaba ser muy musical porque tenía al lado a los mejores. Era un tío muy de juntar ideas en su cabeza, experto en crossovers y en encontrar a los músicos para que las llevaran a cabo. Un punto álgido para mí es el “Cosa nuestra” de Willie Colon, con Willie a los arreglos, Héctor Lavoe en la voz y Johnny Pacheco en la dirección musical. Es un disco que no importa que no te guste la salsa, trasciende cualquier prejuicio y ese equipo es una inspiración máxima.

Bryan Ferry+ Rhett Davies/Nile Rodgers:

Los masters del uso de la línea en el estudio. Dueños del sonido hi-fi planteando ideas muy avanzadas, antipáticas para lo que se hacía entonces y que resultaron revolucionarias porque petaron las listas de ventas. Tanto Bryan Ferry como muchos de los cantantes con los que trabajó Nile Rodgers tenían una voz que normalmente no se te ocurriría poner detrás de nada, y, sin embargo, tanto “Bête Noire” como, por ejemplo, “Let’s Dance” de Bowie, plantean un ataque radical a esa idea, mezclando la voz al volumen mínimo. n

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Noticias

Agenda

P Durante los próximos 18 y 19 de septiembre, la asociación Tatakae organiza las “XIV Jornaicas de Manga y Anime de Zaragoza” Con base en el Centro de Historia, las “Jornaicas” reunirána aficionados y profesionales del comic y la cultura japonesa en un ambiente donde los protagonistas son el ocio y el acercamiento cultural.

P Viernes 3 de Septiembre: Taffman +The Paperbacks, La Ley Seca P Sábado 4 de Septiembre: The Dust Bowl. Sala Zeta P Viernes 10 de Septiembre.

La Teloneros Band. Arena Rock P Sábado 11 de Septiembre: The Sundays Republic, La Ley Seca P Sábado 11 de Septiembre: O’Carolan. La Campana de los Perdidos P Martes 14 de Septiembre: The Wave Pictures. La Lata de Bombillas P Viernes 17 de Septiembre Sesion LadyFunk. Sugart P Sábado 18 de Septiembre: Kilimara + Ariday. Sála Zeta P Sábado 18 de Septiembre: The Cure Tribute Band. La Casa del Loco P Sábado 18 de Septiembre: Terela Gradín Trio. La Campana de los Perdidos P Viernes 17 de Septiembre BLASPHEMER....

THRASHER FEST III. Ultimatum P Sábado 18 de Septiembre BLASPHEMER....

THRASHER FEST III. Ultimatum P Viernes 24 de Septiembre: Zenttric + Almas Mudas. La Casa del Loco P Sábado 25 de Septiembre: Carlos Dolz. El Olmo Rosa P Sábado 25 de Septiembre: María José Hernández. La Campana de los Perdidos.

P Sabado 25 de Septiembre 69 Revoluciones. Arena rock

P El sello Zaragozano King of Patio lanzará el próximo septiembre los discos del trio oscense Domador y del afincado en Madrid Julio de la Rosa, ex miembro de la banda El Hombre Burbuja P El proyecto GRADUADOS Engloba toda la creación actual, desde las artes plásticas a las artes escénicas, pasando por las artes visuales y el diseño industrial. Presenta obras realizadas por alumnos que están cursando sus estudios en los centros seleccionados, y que trabajan disciplinas tan variadas como: pintura, escultura, grabado, fotografía, videoarte, dibujo, diseño industrial, intervenciones sonoras, sesiones de dj`s, artes circenses, etc. La exposición puede verse en el Centro de Historia.

Peter Doherty

Festival Independiente de Zaragoza 2010

U

n clásico ya en las Fiestas del Pilar. Si una fórmula tiene éxito; ¿por qué cambiarla? De nuevo la combinación perfecta: cabezas de cartel de renombre internacional, primeras espadas de la independencia estatal y bandas locales (de solvencia y proyección más que sobrada, todo sea dicho). Será el ocho y el nueve de octubre, en su habitual ubicación: la Sala Multiusos del Auditorio de Zaragoza. Los barceloneses

Dorian abren el día 8, con su efectiva mezcla de pop y elctrónica, El genial, controvertido y mediático Pete Doherty presenta su disco en solitario “Grace/Wastelands”. Poco hay que decir de Tachenko, probablemente la banda zaragozana con más proyección. El actor Tim Robins presentará su primer disco.

Los locales Estige y The Go! Team cierran el primer día del festival. El plato fuerte para el sábado 9 son los británicos Massive Attack. Los

padrinos del trip-hop vienen con disco nuevo: “Helligoland”. Addictive TV presentarán su increible directo audiovisual en el que remezclan tanto música como vídeo.

Tres Mellizas, Go Betweens, We Are Standard, Biggot, Annie B Sweet y We Have a Band cierran el cartel. Y como siempre, en el FIZ Club, Dj’s locales para que no paren tus pies: Chelis, Genzor, La Lata Dj’s, Cis, Hang de DJ y Funkforward .

E

Zaragoza Photo 2010

Leo Simoes

l zaragozano colectivo de fotógrafos Zphoto organiza de nuevo este año la segunda edición del festival Zaragoza Photo. El festival tendrá lugar entre el ocho y el 12 de septiembre. En esta edición contará con la presencia de importantes nombres de la fotografía española como Ricky Dávila, Alejandro Castellote, Roger Guaus y Leo Simoes, además de seguir apostando por los autores emergentes. Exposiciones, conferencias y talleres, que se repartirán entre el espacio Zphoto, el Centro Joaquín Roncal y el Centro de Historia de Zaragoza.

The Closers

King of Patio Festival

E

l próximo 2 de octubre y como antesala perfecta al FIZ. El sello zaragozano King of Patio celebra, en la Sala López, el KOP Festival. Volador, Domador, DeVito, The Closers, Sheriff y Copiloto, todas ellas bandas de la casa, defenderán en el escenario sus propuestas.

Saltimbanco del Circo del Sol

D

Circo del Sol

el 20 al 26 de Septiembre desembarcará el Circo del Sol en Zaragoza. Tras su increible participación en la cabalgata de la Expo, la compañia nos presenta su espectáculo “Saltimbanco”. Un espectáculo que según ellos ” Invita al espectador a hacer un viaje alegórico y acrobático al corazón de la ciudad.” Acrobatas, contorsionistas y un sinfín de recursos que nos haran pasar un rato inolvidable. El Circo del Sol es uno de los mayores espectáculos mundiales. Pero

el también llamado “Cirque du Soleil” no es solo circo moderno.

Es algo más. Bailarines, actores, payasos, malabaristas, músicos… todos ellos componen la magia de un espectáculo fabuloso, lleno de emoción y de impactantes momentos sin apenas un momento de respiro para la vista. “Saltimbanco”, uno de sus espectáculos más famosos, representa la celebración de la vida, el optimismo y la alegría. Las entradas se pondrán a la venta a partir del 22 de Julio a través de livenation.es

De Gira

P De Vito Presentando su nuevo EP BERLUSCONI 3 de Septiembre Sintonizza Festival. Sta Coloma de Gramanet. Barcelona 16 de Septiembre Festival Ebrovisión. Miranda de Ebro.

Burgos.

P BIG CITY Presentando su nuevo álbum CELEBRATE IT ALL 18 de Septiembre. Café del Teatre. LLeida 23 de Septiembre. Club Brodway. Toledo P TACHENKO Presentando su nuevo disco OS REIS PORQUE SOIS JÓVENES 18 de Septiembre. La Llotja.

Elche, Alicante 24 de Septiembre. Festival Fesem 2010. Torrijos, Toledo.

CONCIERTOS

Faith No More

Jeff Tweedy

Pearl Jam

Skunk Anansie Fotos Ion Positivo

MondoSonoro · Septiembre 2010 /29/

Lugar Monte Kobetamendi (Bilbao) Fecha 8, 9 y 10 de julio de 2010 Estilo diversos Público 76.000 personas aprox. Promotor Last Tour International La apertura, el jueves 8 de julio, de esta quinta edición estuvo dedicada casi en exclusiva a los sonidos más contundentes de la música actual, meridiano que otrora pertenecía al Kobetasonic y que se ha optado por compaginar con el Bilbao BBK Live. Los locales Rise To Fall cortaron la cinta inaugural; Rise Against cumplieron; el resurgimiento felino de Skunk Anansie tras una década de parón no restó firmeza al carisma de su vocalista, y Slayer volvieron a dejar claro que no son una banda para alérgicos al volumen al once. Los efectistas Rammstein derrocharon dineral en esta época de crisis para demostrar que consideran más importante los fuegos artificiales que las propias canciones.

El viernes 9 Gomez sacaron la espinita a la gente que les creía inmersos y perdidos en el pozo de la década pasada. Coheed And Cambria tensaron sus guitarras, se fueron viniendo arriba hacia el final del pase pero el sabor de boca, a la postre, resultó insípido. Gogol Bordello acusaron demagogia ante tamaño buenrollismo, y entre arengas a la inmigración, les tomé la palabra y escapé a las primeras filas del escenario pequeño. Paul Weller triunfó en esta segunda jornada. Ajeno a las críticas a su etapa en solitario, y sobre todo la más reciente, la que le acusa

de sumergirse en el AOR, mantiene su físico igual de en forma que su canciones antiguas, como “Shout To The Top”, de Style Council o “That’s Entertainment” de The Jam. Alice In Chains preludiaron a Pearl Jam en una noche casi temática. Perfectamente ubicados en el cartel, dedicaron “Nutshell” al malogrado Layne Staley, versionearon “Arms Aloft” de Joe Strummer pero resultan, y siempre bajo el criterio subjetivo del arriba firmante, más plúmbeos que una resaca de anís. Turno para Pearl Jam, y sensación agridulce. Sensación, en términos generales, de que el concierto podría haber sido mejor (para todos excepto al espontáneo que subió a cantar con Eddie Vedder “Daughter”, y que para mayor emoción, se lo dedicó a su novia). “Black” o ya al final con “Alive”, equilibraron la balanza, pero por ser canciones que se mantienen por sí mismas. Finalizaron de madrugada Dropkick Murphys, y una pena tener a estas alturas el cuerpo tan castigado. Más punk incluso que The Pogues, la ascendencia irlandesa del grupo de Boston se apoderó de los presentes como fin de fiesta. El sábado, Los Campesinos! y su pop casquivano tuvieron ciertos momentos de puntería, pero el refrito del pop noventas y cierta ínfula de innovación no convencen. La definición de ser un grupo de estu-

diantes tocando para estudiantes resulta certera. Jeff Tweedy, además de poder presumir que Wilco es la banda de hoy en día con mejor sonido, puede hacer lo propio con su repertorio en sí.

En formato acústico, es decir, desnudándolas hasta el esqueleto, temas como “I’ll Fight”, “Hummingbird”, “A Shot In The Arm” o incluso “I’m Trying To Break Your Heart”, a priori sólo defendible con esa tormenta de guitarras, le aúpan como uno de los genios del rock contemporáneo. The Soundtrack Of Our Lives en su última etapa llevan haciendo conciertos más psicodélicos, más litúrgicos si se quiere, en detrimento del rock’n’roll. Nada que objetar, sin embargo, a una banda que representa como nadie su nombre, y a piezas semi clásicas como “Big Time”, “Sister Surround” o más recientes como “Thrill Me”. Feeder nos retrotayeron, estética y estilísticamente, al Seattle de los noventa, a pesar de ser de Gales. Contemporáneos de Nirvana, del “Nevermid” exactamente, versionearon “Breed” por si cabía alguna duda de por dónde iban los tiros. Se notaba la expectación por Manic Street Preachers.

Aun con el morbo presente de la desaparición de Richey James, manejaron el mejor sonido de todo el festival y para regocijo de la audiencia, tiraron de clásicos: “Tsunami”, “Suicide Is Painless” o “A Design For Life”. Gran recital, como el de Faith No More, cabezas de cartel de esta tercero y último día por derecho propio.

La mezcla del histrionismo escénico de Mike Patton y sus dotes de maestro de ceremonias con un repertorio nostálgico, a pesar de pecar de cierta irregularidad, cuajaron. Con cierta mácula, pero cuajaron. Álvaro Fierro

Afro-cubism Fotos Eduardo Tébar

Bilbao BBK Live

La Mar De Músicas Lugar Auditorio Parque Torres (Cartagena) Fecha 9-07-2010 Estilo diversos Público lleno Promotor Ayto. de Cartagena Colombia fue la protagonista de la presente edición de La Mar de Músicas, un festival que proporciona milagros como el de ver a Os Mutantes y Salif Keita en una misma velada. Sin embargo, en la noche inaugural, dos sílabas se pintaban en los labios de todos los asistentes: Cu-ba. El vocablo “transculturación” está hoy universalmente aceptado. Lo acuñó Fernando Ortiz, suprema autoridad cubana en indagaciones etnológicas y antropológicas. Hoy, a nadie escapa la fuerte influencia africana como preludio de la floración del folclore musical isleño. El viernes, en el inmejorable entorno del Auditorio Parque Torres de Cartagena, brotó de nuevo la música ritual de los negros de Cuba. O, dicho de otra manera: se recuperó la voluntad inicial del proyecto Buenavista Social Club. Aquel espejismo redentor impulsado por Ry Cooder y Nick Gold para honrar a viejas glorias como Ibrahim Ferrer o Compay Segundo. Hace catorce años ya existía la gozosa intención de juntar a los abuelos con músicos africanos. Objetivo frustrado entonces por la farragosa inflexibilidad que algunos sufren en cuestiones de visados. Ahora, el sueño es una realidad. “Afrocubism” verá la luz el próximo otoño, pero en La Mar de Músicas presenciamos el estreno mundial. Uno de esos trances, rallando el misticismo, que devuelven la experiencia de la música en directo a toda su pureza. Lástima que sólo Eliades Ochoa, único superviviente de la pléyade, llega a tiempo para contarlo. A sus sesenta y cuatro años y con su sombrero perenne, el santiaguero canta y toca la guitarra cincelando la mayor fruición a la que aspira un amante de la ‘world music’, también

catalogada como “ritmos étnicos”. Cuba y Mali. El maridaje imposible del hemisferio sur. Una utopía en la que participan algunos de los mejores instrumentistas del mundo. La exótica belleza de la kora de Toumani Diabaté. Los culebreos del n’goni de Bassekou Kouyaté. La melancolía tribal que rezuma a la guitarra Djelimady Tounkara. Y, comandando la embajada maliense, un bailongo Kasse Mady. Si Cuba es la expresión danzaria de lo culto y lo popular, África representa un ceremonial místico. Cuentan que, nada más encontrarse, grabaron diecisiete canciones en cinco días. Estaba escrito en el destino: cubanos y africanos debían unirse para crear magia y mecer este mundo. En la primera fase, mayor peso del virtuosismo africano. Al final, desaforo cubano hasta un reconstruido “Guantanamera” y los sobreagudos trompeteros. Los hombres de Afrocubism buscan un camino no transitado. De ahí las imperfecciones y los largos parones entre las canciones. Elíades Ochoa y su tropa malí articulan todavía ese puzle eterno de la música afrocubana. La mecha se prendió con Muchachito Bombo Infierno, que presentan “Idas y vueltas”, flamante entrega tras su escapada por los paraísos tropicales. Se atreven a pasar por su filtro de rumba ratonera al mismísimo Francis Cabrel (“La quiero a morir”). Pocas novedades: Muchachito es garantía de delirio festivo cuando arrebata a la audiencia con ese

“Ojalá no te hubiera conocido nunca”. Arreglos vertiginosamente urbanos en la senda del rock callejero más genuinamente español.

Que se lo cuenten a Kiko Veneno. No obstante, los de Muchachito se bifurcan por momentos hacia ambientes de ‘brass band’ de Nueva Orleans, zigzagueante swing afrancesado y efervescente burbujeo rústico. Y como La Mar de Músicas pone su lupa este año en Colombia, a Bomba Estéreo les correspondió animar la madrugada a golpe de bit. Una pareja simpática y contagiosa.

Chica y chico. Salero y descaro en un concepto de música digital y sabrosona. Cumbia psicodélica o electro vacilón. Da igual. El lúbrico magnetismo sexual de su cantante, Li Saumet, encauzó la noche hacia la perdición. Eduardo Tébar

Brett Anderson Fotos Imanol Villota

( CONCIERTOS /30/ Septiembre 2010 · MondoSonoro)

Sonorama Lugar: Aranda de Duero (Burgos) Fecha: 12, 13 y 14 de agosto Estilo pop y rock Público 30.000 asistentes aprox. Promotor: Art de Troya perfecto preludio para la apoteosis de Love Of Lesbian, seguramente la banda estatal del momento. Con el escenario principal abarrotado, los barceloneses repitieron su efectista espectáculo y pusieron muchas pieles de gallina echando mano sobre todo de su último disco, haciendo prevalecer siempre los temas bailables por encima de sus brillantes baladas. Así, aunque se echó en falta alguna que otra pieza, la energía contagiada entre los expectantes espectadores y la calidad de la “banda especial” de Santi Balmes convirtieron el recital en un cierre magnífico de la jornada, perfecto para abordar posteriormente las carpas de Dj’s.

Supersubmarina abarrotaron las calles burgalesas la mañana siguiente, horas antes de que Los Punsetes volvieran a demostrar que son capaces de agitar a sus fans con el himno de la zona de acampada, “Tus amigos”, por mucho (o debido a) que Ariadna hace su vida sin mover ni una pestaña. Brett Anderson se negó a resucitar a Suede (no nos queda otra que pasar por caja en breve) y aun así fue capaz de sorprender y enamorar con su voz, su actitud y la banda que le respaldaba tirando de sus dos últimos discos en solitario. Se nos puso la piel de gallina con “The Hunted”, pero el respetable ante el desconocimiento de sus últimos temas no reaccionó como debía ante uno de los mayores emblemas del brit-pop. Mientras Sidonie se daban un etílico baño de masas con su actitud canalla, Hola A Todo El Mundo nos dejaron con una risa bobalicona ante su cuidada puesta en escena. El público de Lori Meyers coreó con fuerza su último disco contradiciendo las malas críticas recibidas, y la banda respondió con un directo de lo más potente, como más tarde lo harían Los Coronas con su tarantiniano sonido, tanto que acabaron rompiendo, incluso, el bombo de la batería.

The Ettes sonaron vacíos y sin gancho para atraer a las masas, agolpadas literalmente en las barras, y, aun no estando del todo inspirados si tenemos en cuenta sus anteriores visitas, The Raveonettes convencieron a fans y paganos sin recurrir a la accesibilidad de las piezas de “In And Out Of Control”, como viene siendo costumbre. El mayor chasco del festival se lo llevaron Delorean, damnificados por los retrasos arrastrados de toda la jornada y por unos problemas con la iluminación y el sonido que les impidieron terminar su concierto. El año que viene regresarán para enmendar la conspiración técnica en su contra. Eso sí, otras que volverán a encender gritos, seguramente, serán las duchas frías de la zona de acampada, poco apetecibles en medio del clima continental severo del norte de Castilla.

Sergio del Amo y Germán Aranda

Belle & Sebastian Foto Óscar Mulero

The Raveonettes

Delorean

Si la primera década del siglo XXI ha servido para que el indie y, en general, el pop-rock español se ponga las pilas y dé un nuevo estirón cuyo techo aún está por ver, la reciente edición del festival Sonorama, en Aranda de Duero, ha supuesto un buen resumen de lo que ha dado de sí el decenio en el sonido patrio: desde veteranos como Los Planetas, que a tantas bandas abrieron camino, hasta apuestas que se consolidan con apenas uno o dos discos en el mercado como Nudozurdo. Las pinceladas de prestigio internacional –The Raveonettes y Brett Anderson, las más destacadas- fueron las perfectas guindas del éxito del festival, pero por una vez no la motivación principal de los treinta mil asistentes que se congregaron esos días y parecieron multiplicarse al son de Love Of Lesbian, una vez más vencedores por aclamación popular.

El aperitivo de la primera jornada (cuyo acceso era libre) lo abrió Arizona Baby, quienes se atrevieron a interpretar un cover del “The Model” de Kraftwerk y conquistaron al público. El rockabilly de Vinila Von Bismark & The Lucky Dados entretuvo, sin más, y Loquillo, sin sus Trogloditas, volvió a impactar con su planta de tiarrón y su rock’n’roll attitude contagiadas de nostalgia.

En las sesiones matutinas preparadas en el bello centro histórico de la ciudad, Ramón Rodríguez -The New Raemon- se alzó como triunfador indiscutible de la resaca al día siguiente, un rato antes de que Klaus & Kinski (quienes no tuvieron su mejor día y se mostraron más nerviosos que de costumbre) cerraran con una versión de “Ritmo de la noche”, un título premonitorio de los platos fuertes que más tarde llegarían al recinto ferial. Ya allí, The Pains Of Being Pure At Heart, una de las grandes revelaciones internacionales del pasado año, decepcionaron con un directo insulso e irregular –Kip Berman demostró ser mejor guitarrista que cantante-, que no hizo justicia a su disco debut. Standstill tiraron de la épica desgarrada de “Vivalaguerra” tanto o más que de su nueva obra y The Sounds montaron la gran fiesta tirando a lo seguro abriendo con una apuesta segura, “Tony The Beat”. Nudozurdo, una de las sensaciones del festival, nos supieron a poco tocando sólo seis temas, los suficientes, eso sí, para envolvernos con su oscuridad, sus líneas frías de bajo y sus vibrantes guitarras. Como contraste de su buena forma, Los Planetas iniciaron un directo sin energía y aburrido, que sólo se corrigió ligeramente al final, por la propia fuerza emocional de sus ya antiguos “Segundo Premio”, “Un buen día” o “Pesadilla en el parque de atracciones”. Estereotypo, grata sorpresa, pusieron a todo el público a bailar con su rock discotequero,

Santander Amstel Music Festival Lugar Campa de la Magdalena (Santander) Fechas 23 y 24 de julio Estilo pop y rock Público 12.000 personas aprox. Promotor Mouro El ciclo de conciertos de la Semana Grande de Santander arrancó con la nueva edición del Santander Music Festival, una de las citas más ambiciosas del verano de Cantabria. Quizás en esta ocasión el público no haya respondido con el entusiasmo esperado, pero desde luego que en lo musical el cartel se ha visto fortalecido respecto a ediciones anteriores, con la programación de artistas de mayor calado y una mayor presencia de grupos internacionales. El festival lo abrieron Delafé y las Flores Azules mientras el público todavía entraba al recinto y canjeaba entradas y tickets. The Wave Pictures dieron la primera gran sorpresa. Su sonido enjuto se vio robustecido por su gran descaro, su facilidad para simpatizar con el público y un puñado de temazos como “Love Me Like A Mad Man” o “Leave The Scene Behind”. Un excelente calentamiento antes de Belle And Sebastian, que se mostraron majestuosos. Arropados por una sección de cuerdas (llegamos a ver a trece músicos sobre el escenario, a modo de una big band pop), consiguieron darle, si cabe, más brío a un repertorio en el que apenas sonaron canciones de su maravilloso último LP y que se concentró en repasar la colección de clásicos que nos han ido ofreciendo a lo largo de toda su carrera. A un concierto en el que suenen como lo hicieron “Like Dylan In The Movies”, “The Stars Of Track And Field”, “I’m A Cuckoo” o “The Boy With The Arab Strap” no le puedo poner ninguna pega. El éxtasis en el que nos dejaron fue aprovechado por Delorean para lanzarnos al bucle infinito de su rave celestial. Consiguieron que la bruma etérea que envuelve “Ayrton Senna” y “Subiza” se tornara algo físico (quizás demasiado físico: por momentos el sonido se pasó de revoluciones) y dieron el concierto más bailado del festival. Pero si

estos nos trajeron el momento más cool del fin de semana, Vive la Fête nos dieron el más verbenero. El electropop de los belgas sonó flojo y no mostró muchos más argumentos que los contoneos de esa bomba sexual que es la vocalista Els Pynoo. Aunque, paradójicamente, lo más pasable de la actuación llegó cuando esta abandonó el escenario y el grupo afiló sus guitarras hasta terminar con un “I Wanna Be Your Dog” que fue coreado por el público que resistió hasta el final. El sábado empezó por todo lo alto con La Habitación Roja. Apostaron sobre seguro y repasaron lo más celebrado de su discografía, lo que a estas alturas de su carrera supone volver a escuchar varios de los temas más celebrados del pop en castellano de los últimos lustros. A la sencilla y azucarada receta musical de Dorian no le fueron de gran ayuda los parones y los numerosos problemas técnicos. Con todo, a base de tablas e himnos como “A cualquier otra parte”, “Te echamos de menos” o “Paraísos artificiales” se las apañaron para dejar satisfechos a sus seguidores. Está claro que a los británicos White Lies todavía les queda camino para llegar a ser unos Editors o unos Interpol, pero tampoco son el bluff que nos habían contado. Dieron un concierto potente, sonaron certeros como pocos en todo el fin de semana y supieron sacar todo el jugo a un repertorio que en disco suena bastante menos atractivo. Para buena parte de los asistentes Sidonie era el grupo más esperado en la jornada del sábado, aunque lo que se vio no estuvo a la altura. Tocaron un repertorio demasiado irregular, con el que descubrimos que viejos éxitos como “On The Sofa” o “Fascinado” se ven empequeñecidos cuando suenan junto a los momentos más endebles de su discografía. Por otro lado, su actitud rockera a base

de poses, continuos saludos al público o versiones de The Doors cada vez parece más forzada. Se les ha visto en días más inspirados.

Y otros que tampoco terminaron de convencer fueron The Dandy Warhols. Por momentos llegaron a animar al personal (los nostálgicos recibieron con agrado “Bohemian Like You” o “Not If You Were The Last Junkie On Earth”), pero un directo desganado provocó una pequeña desbandada entre un público cansado tras dos días de festival. Carlos Caneda

Gorillaz Fotos Kaiko

Goldfrapp

The Prodigy

Charlotte Gainsbourg

Kasabian

(MondoSonoro · Septiembre 2010 /31/ CONCIERTOS)

Fib Heineken Lugar Recinto Conciertos de Benicàssim Fecha 15, 16, 17 y 18/07/10 Estilo varios Público 127.000 personas (4 días) Promotor Maraworld La presente edición del FIB Heineken se ha caracterizado por un descenso en el número de visitantes en comparación al año anterior, excepto conciertos puntuales (Kasabian, The Prodigy, Gorillaz) en los que se desbordó el Escenario Verde. Nuestro periplo empezó en dicho escenario bajo un sol de justicia con The Paris Riots, cumpliendo con creces con una actuación enérgica, tanto que el cantante tuvo un traspié y acabo en el suelo. Recogieron el testigo The Southern Arts Society. Los sevillanos, con su vocalista inglés, estuvieron más que correctos, muy comunicativos con el escaso público presente con temas como “Birds Fly South” o “The Cazador”. Charlotte Gainsbourg fue la viva imagen de su madre, Jane Birkin, aunque adaptada al siglo XXI con elementos de rock, trip-hop y pinceladas electrónicas, pero le falto algo de brío.

En el escenario Eastpack, disfrutamos del rock y el folk americano de Brendan Benson que, con los mínimos recursos (guitarra, batería y teclados), ofreció una gran actuación, con joyas como “Cold Hands (Warm Heart)”. En el escenario Fiberfib.com, Love Of Lesbian volvían triunfales al FIB después de años de ausencia y con su directo habitual se ganaron al respetable de manera notoria, dedicando su tema, “Me amo”, al nuevo héroe nacional, Andrés Iniesta. Con temas como “I’m Not Like Everybody Else”, “Victoria”, “You Really Got Me”, “Lola”, “Sunny Afternoon” o “David Watts” , ¿hace falta decir más de Ray Davies? A su edad demostró que sigue siendo un referente, acompañado de una fantástica banda nos dejó a todos extasiados. Los australianos The Temper Trap lograron un triunfo rotundo con el público de su parte bailando con sus guitarras y percusiones en un delirio colectivo que alcanzó su momento clave con su éxtito “Sweet Disposition” con la que finalizaron. Llegó el turno de los cabezas de cartel británicos Kasabian, una de las actuaciones más esperadas y con público ingles mayoritariamente en las primeras filas, donde se desató la locura con el enérgico comienzo con “Shot The Runner” y “Underdog”, pero que se diluyó con canciones alargadas hasta el exceso en busca de un toque oscuro y demasiado psicodélico. Repuntando con temas como “Club Foot” y acabando en un explosivo bis con “Fire”, “Vlad The Impaler y “L.S.F”. No era la hora adecuada para Broken Bells, quienes cerraron el Escenario Verde con un magnífico concierto, de sonido apabullante y rico en matices entre los sonidos fifties y temas más ambientales pero vigorosos y contundentes.

La jornada del viernes comenzamos en el Escenario Verde con los gallegos Triángulo de Amor Bizarro, donde el sonido sucio y ruidoso se mezclaba con toques ambientales y el post punk más afilado. La bajista llegó a bromear en una fase de la actuación con que iban a comenzar con el ¡heavy metal! Sr. Chinarro estuvo bastante animado (más de lo habitual) con un cambio de look, en

lo referente a la estética, y un toque menos lacónico que antes musicalmente hablando. A falta de The Strokes, bueno es un Julian Casablancas, debieron pensar bastantes asistentes, que se citaron en el Escenario Verde para ver la actuación del neoyorquino, que además de presentar su disco en solitario, con temas como “11th Dimension” interpretó otras canciones de The Strokes como “Hard To Explain” o “Reptilia” logrando un discreto éxito ya que el sonido en su actuación le hizo un flaco favor. En el Escenario Fiberfib.com, Mumford And Sons se dieron un auténtico baño de masas, ya que la marea británica acudió en gran afluencia a disfrutar de un concierto vibrante, donde se entregaron en cuerpo y alma, convirtiéndolos en unos de los triunfadores del festival sin lugar a dudas. Hot Chip convirtieron el escenario Verde en una inmensa pista de baile, comenzando con “And I Was A Boy From School”, con sonidos contundentes y provocando el delirio con otros éxitos como “Over And Over”, para finalizar con un brillante “Ready For The Floor” que dejó extenuado al respetable. El sonido más “glamouroso” de Goldfrapp desbordó el Fiberfib haciendo bailar a todos los presentes que veían como Alison se rodeaba de un halo de erotismo en el que destacaron temas como el nuevo “Rocket” y repescando otros éxitos como “Ooh La La”. Los americanos Vampire Weekend y su mezcla de pop con sonidos afro-tropicales reventaron el Verde. Su propuesta tuvo gran acogida y en momentos puntuales se desató la locura como en “A-Punk”, pero no lograron atraer nuestra atención por lo que decidimos ver a Peter Hook con ciertas dudas a priori. Dudas que quedaron despejadas en los primeros minutos de su interpretación del “Unknown Pleasures” de Joy Division. Esta banda-homenaje que ha reclutado para interpretar el álbum lo traslada al directo de manera magistral, con un excelente sonido y una muy buena actitud. Si además, finaliza con la mítica “Love Will Tear Us Apart”, nos podemos dar por más que satisfechos. Dj Shadow cerró con su show habitual, mezcla de drum’n’bass y hip-hop con una excelente técnica y sonando “Six Days” u “”Organ Donor” que incluyó en el set. El cupo de nu rave de la noche fue de Boys Noize, con subidones interminables de sonidos ácidos que pusieron la guinda al pastel electrónico.

El regreso de Ash ha tenido buena acogida, y además de interpretar grandes éxitos de su carrera, que tienen hasta decir basta (“Oh Yeah”,“Kung Fu”), presentaron algunas canciones de la recopilación “A-Z”. La presencia de Johnny Marr dota de calidad a la música de The Cribs, y sus himnos juveniles fueron coreados por el público, como su gran hit “Man’s Needs”. Otro regreso sonado lo protagonizaron The Specials, con la música de 2Tone como estandarte. Nos hicieron bailar ska con un punto de nostalgia, y así se sucedieron excelentes canciones como “Do The Dog”, “Stereotypes” y “Rudy (A Message To You)” acompañados de una sección de viento. El

concierto de despedida de The Sunday Drivers fue especialmente emotivo y extenso, con el público gritando a los toledanos que no se separaran y con invasión del escenario incluida. En el Escenario Verde, Ian Brown ofreció una irregular actuación, ya que empezó muy fuerte, con el éxito que encumbró a The Stone Roses “I Wanna Be Adored”, pero se evaporó por momentos. Su fuerza vocal fue disminuyendo conforme pasó el tiempo, le salvó la impecable banda que llevaba. John Lydon tampoco defraudó en su concierto con PiL, con un sonido contundente que comenzó con “This Is Not A Love Song” al que le siguieron otros temas como “Rise” o “Flowers Of Romance”, dedicando el concierto a “los amantes de la buena música”, por el escaso número de seguidores que allí congregaron, una pulla lanzada contra The Prodigy, que en esos momentos desbordaban el Verde con una gigantesca rave. Una masa enfervorizada bailaba al son de “Poison”, “Firestarter” e “Invaders Must Die”, entre sudor y litros de agua lanzados por los seguridades que velaban por la integridad de la multitud. El momento álgido llego con “Smack My Bitch Up” ya que los feligreses destrozaron sus maltrechas zapatillas al ritmo de la música. El pop electrónico de Cut Copy brilló con sus alegres temas como “Lights And Music” y otros nuevos que presentaron en una actuación que disfrutamos bailando. Klaxons fueron los encargados de cerrar en esta ocasión el Verde, e hicieron bailar a los valientes que se quedaron tras The Prodigy con temas como “Golden Skans” y cerraron con una explosiva “Atlantis To Interzone” La jornada final del festival trajo a The Courteeners al Escenario Verde, que se les quedó grande. No podemos explicarnos como esta banda es tan famosa en Inglaterra. Lo mejor sucedió en el Fiberfib, con Two Door Cinema Club y sus canciones sencillas pero efectivas. Los irlandeses echan mano del pop y las guitarras funk para fabricar joyitas resultonas como “What You Know”. A continuación, Foals jugaron en una línea peligrosa ya que el segundo disco está a años luz de su debut, y mantuvieron el tipo con “Cassius” y la intensidad de “Spanish Sahara”. Los que no decepcionan nunca son Echo & The Bunnymen, Ian McCulloch continúa componiendo nuevos y brillantes temas como “I Think I Need It To” sin olvidar las clásicas “The Killing Moon” o “Lips Like Sugar”. Lo de Gorillaz fue un enorme espectáculo por la cantidad de personas sobre el escenario, incluidas sección de cuerda y percusiones además de los audiovisuales. Damon Albarn lleva en su banda a Mick Jones y Paul Simonon, ex-The Clash, además de invitados de la talla de Bobby Womack o De La Soul, interpretando temas de sus tres discos como “Stylo”, “Dare” y finalizar de manera apoteósica con “Feel Good Inc” y “Clint Eastwood”. Midnight Juggernauts recogieron el testigo de los más atrevidos que aún tenían ganas de bailar y tuvieron como recompensa un show corto pero muy intenso, donde los australianos hicieron de su electrónica salpicada de tintes rock una fiesta. El cierre con Leftfield y su mezcla de dub y electrónica recurrió también a vocalistas invitados para bailar al son de “Song Of Life” y tras una hora extenuante terminar con “Phat Planet”. Carlos Ciurana / Xavi Hernández

Adam Green Fotos Alfredo Arias

( CONCIERTOS /32/ Septiembre 2010 · MondoSonoro)

Cruïlla Barcelona

El festival Low Cost apostaba este año por instalarse en la curiosa localidad de Benidorm, cuyo consistorio anda empeñado desde hace varios veranos en “ganar la batalla de la calidad” en términos turísticos, toda vez que la de la cantidad se la lleva de calle desde hace décadas. Y nada mejor que intentarlo aprovechando el tirón de un festival como el Low Cost, que desea posicionarse como alternativa real al FIB. Finalizado el evento, los organizadores y el ayuntamiento local pueden darse por satisfechos: 30.000 espectadores durante todo el fin de semana. Números aparte, y al margen de algún detalle logístico mejorable, en lo musical la cita rayó a gran altura gracias a un cartel compuesto por la plana mayor del indie español actual, un par de nombres extranjeros de primera división y algunos lujazos intermedios. En el primer apartado destacaron Lori Meyers, Love Of Lesbian, Iván Ferreiro y Los Planetas, todos responsables de conciertos multitudinarios y ampliamente celebrados. Lori Meyers y Love Of Lesbian abarrotaron la plaza de toros de la localidad alicantina el viernes y el sábado, respectivamente, y convirtieron sus actuaciones en sendos karaokes-fiesta confirmando una vez más que en España hay cierto tipo de público, extensísimo, que no encaja en las categorías radicales y excluyentes que a menudo mantenemos con vigencia entre todos. Menos populistas pero igual de populares, Iván Ferreiro y Los Planetas hicieron lo propio en el auditorio municipal, con el famoso busto de Julio Iglesias bendiciendo las actuaciones. Tras cientos de conciertos en principio imprevisibles, llama la atención la actual solvencia de los granadinos sobre un escenario: repaso un tanto caprichoso de sus últimos discos y ronda final de hits como el que no quiere la cosa. En lo que a cuota foránea se refiere, tanto Editors como Placebo supieron cumplir con creces en el papel de cabezas de cartel en sus respectivas jornadas. Cada uno a su manera, eso sí: los primeros, con la sobreexcitación del aspirante que ya no se siente como tal pero que probablemente lo siga siendo siempre y los segundos, con el glamour de quien sabe que lo ha tenido, lo que de alguna manera significa seguir teniéndolo: sutileza no exenta de potencia, confianza en un apoyo instrumental básico y grandes canciones (excepcionales “Nancy Boy” y “Every You, Every Me” y el final con “Taste In Men”). De la serie media sorprendieron Los Coronas, una institución en Madrid pero descubiertos in situ por la mayoría del público presente.

Fernando Pardo y los suyos divirtieron en el cierre del viernes con su surf instrumental y sus constantes chascarrillos, aunque quizá pecaron de “españolear” en demasía en sus interpretaciones. Como llegados de un planeta diferente al de los madrileños, These New Puritans habían justificado al comienzo de la noche por qué se les consideraba la joya escondida del cartel al desplegar una intensa actuación. Para los más sibaritas, el concierto del festival. El más divertido, eso sí, el de Adam Green, que hizo el bestia todo lo que quiso y se tiró al público una docena de veces, en sentido literal y casi también en el otro. La papeleta con la que se encontraron los animosos pero un tanto desubicados 1990’s teniendo que actuar justo después fue de las gordas. En el apartado “De repente, un extraño”, horario y ubicación hicieron que The Raveonettes el viernes y Vive La Fête el sábado se dieran sendos baños de masas que a priori se habrían considerado improbables. De entre los meritorios nacionales, los valencianos Polock demostraron por qué son una de las revelaciones de la cosecha 2010, Napoleón Solo despacharon frescura a diestro y siniestro, Tokyo Sex Destruction y The Right Ons (con ayuda de miembros de Arizona Baby) chutaron fuertes dosis de rock histriónico y Hola A Todo El Mundo dejaron nuevamente serias dudas sobre si realmente son capaces de sonar en directo tan bien como en el discazo que han grabado. Con todo esto, y con el aderezo de otros momentos más que interesantes, como los propiciados por Jessie Evans, The Phenomenal Handclap Band o The Chemistry Set, el Low Cost cierra su segunda edición dejando muy buenas sensaciones y se consolida como cita festivalera a tener en cuenta ahora que parece que definitivamente ha encontrado su sitio en Benidorm, una excesiva ciudad de playa y sol donde lo moderno y lo desfasado se funden en un inefable batiburrillo kistch. Jorge Ramos

Ben Harper Fotos Fernando Ramírez

Lugar Parque de L’Aigüera (Benidorm) Fecha 23-24 de julio de 2010 Estilo pop rock Público sold out Promotor Low Cost

Alpha Blondy

Festival Low Cost

Este festival nació en Mataró en 2005 mirándose en el espejo de eventos como Pirineos Sur o La Mar de Músicas. A lo largo de casi un mes se programaban conciertos en diferentes salas y espacios de esa ciudad costera. Los dos últimos años, animados por su buena acogida, se atrevieron a montar una edición como fin de fiesta en el Parc del Fòrum de Barcelona. Pero este año, debido a la poca motivación de las instituciones municipales para facilitar espacios adecuados, sus creadores decidieron dejar Mataró, instalarse en la Ciudad Condal y dar forma a un evento de dos días. Repasando el cartel, parece que haya tomado un aire que, salvando las enormes distancias, tiene más parecido con festivales internacionales como Roskilde o Glastonbury, donde la mezcla de estilos musicales es la norma. En un festival de estas características siempre te encuentras con grupos que marcan la diferencia, algunas sorpresas, otros pasables y hasta prescindibles, pero ahí está el criterio de cada espectador para vivir su propio e intransferible festival. Desde luego que grupos de solvencia contrastada como Ben Harper, Macaco, Muchachito Bombo Infierno o Alpha Blondy eran los reclamos para la venta de abonos de uno o dos días. Y podemos decir que los cuatro cumplieron. Ben Harper junto a su nuevo trío, Relentless7, sigue ofreciendo una mezcla explosiva de blues, rock y soul que en directo recuerda a bandas como Cream o Led Zeppelin, e incluso Jimi Hendrix. En dos contundentes horas demostró que tiene una complicidad especial con Barcelona. Macaco también mantiene un público fiel y su propuesta sigue llegando cada vez a más gente. Su show no tiene fisuras y acabó con una festiva y bailada versión de “Monkey Man”. Muchachito Bombo Infierno, por su parte, es ante todo una banda de directo y por mucho que estés sin ganas, sus tremendas canciones, la impresionante banda, su simpatía y su desparpajo acaban por atraparte. Otra certeza cumplida. Alpha Blondy lo mismo. Tiene un repertorio de clásicos y una banda que hacen que su “african reggae” te enganche sin remisión. ¿Otras bandas interesantes? Muchas. Sin escapar del reggae, The Wailers.

La de caras felices que se veían escuchando sus míticas canciones. Cómo no, Albert Pla, que acostumbra a formar banda eléctrica para sus recitales de verano. Haga lo que haga, resulta genial. Si además le acompañan musicazos como Diego Cortés o Tino Di Geraldo, pues poco que añadir. Love Of Lesbian también tuvieron su público, a pesar de parecer “unos indies en tierra de nadie”. Pero hicieron valer su cancionero de calidad y cumplieron. Femi Kuti entregó una de las actuaciones más enérgicas que le recordamos y esto es mucho decir. Su afrobeat sigue evolucionado, su amplia banda está muy engrasada, él la dirige con minuciosidad y aquello fue una olla a punto de estallar. Vinicio Capossela era una sorpresa anunciada, y así fue. Muchos se quedaron prendados de su show tremendamente teatral. Eli ‘Paperboy’ Reed también fue descubierto por muchos que hasta que no lo miraban de cerca, creían que su vista y su oído ya no distinguía entre el blanco y el negro. Gran espectáculo el suyo. Charlie Winston, artista en alza en Europa, ofreció sus melódicas canciones y gran carisma en el escenario. A Ebony Bones la organización ya la catalogaba como la sorpresa del festival y la verdad es que acertaron. Pop tribal (a lo M.I.A.) con un concepto en escena muy festivo y espectacular, que unos meses atrás también había participado en el Primavera Sound. La representación estatal en el apartado hip hop se sustentó con el zaragozano Rap’susklei, que empezó muy fuerte, pero el coincidir con Alpha Blondy le dejó mermado de espectadores. Por otro lado la aperturista y valiente propuesta de Kase’O & The Jazz Magnetism, uno de los mejores raperos estatales y una banda sin complejos que suena súper compacta. Muy buena combinación. Quizás los que más tuvieron que luchar contra “los elementos”, fueron los del escenario Sol Música, algo más pequeño.

Por ejemplo los senegaleses Daara J, ahora con batería y bajo, pero con el mismo hip hop africano expresivo y efectivo; Rupa & April Fishes, con una muestra de agradable cabaret multicultural que tubo el problema de coincidir en horario con Muchachito; At Versaris & Asstrio que no dejan a nadie indiferente con su mezcla de hip hop+jazz, soul y funk. Los sevillanos Pony Bravo fueron una sorpresa para muchos. Y no nos gustaría dejarnos a grupos que cumplieron como Los Barrankillos, D’Callaos, Terrakota, La Kinky Beat o los italianos Bandabardo (y aún quedan más) que fueron igual de importantes para mantener la llama de este efervescente festival. Miguel Amorós

Macaco

Editors

Lugar Parc del Fòrum (Barcelona) Fecha 16 y 17 de abril Estilo diversos Público 16.000 personas aprox. Promotor Clap & AA Company

Napoleón Solo

Delorean

Tachenko Fotos César Moreno

Arizona Baby

(MondoSonoro · Septiembre 2010 /33/ CONCIERTOS)

Contempopránea Sala Alburquerque (Badajoz) Fecha 22-09-2010 Estilo pop Público lleno Promotor Contempopránea Quince años de fidelidad pop, quince años en familia, quince de reuniones y aventuras, de amor y gratitud, de himnos y temazos multicolores, de cómics, fanzines y piscinas, de elegancia, glamour y pop... quince años indelebles en nuestros recuerdos, y uno muy especial, Alburquerque, lugar de peregrinación indie para la historia e irrefutable villa del pop patrio. Puntual a su cita aunque con cambios evidentes (como el ganar un día más de conciertos en la ladera, desistiendo de la tradicional fiesta de bienvenida, con las afterparties como preponderante) daba el pistoletazo de salida la edición 2010. Capitán Sunrise abrieron mecha con dosis de pop colorista, haciendo realidad sueños con la salida del sol.

Gran propuesta la de este grupo, con figuras de Band A Part, Lois Casino y Ultranol en sus filas. Julián Elsie se nos desveló reconvertido en juglar extremeño con reminiscencias a Cohen y Dylan.

Paradójicamente muchos tenían recuerdos de su primera etapa en Contempopránea, saboreando las mieles del éxito con Animal Crackers, proyecto efímero y de peso que, por fortuna, ha tenido encadenamiento en este novicio pero maduro artista. Hola A Todo El Mundo saltaron tímidamente al escenario con algún que otro problema de sonido y es que es todo un hándicap coordinar al unísono todos los instrumentos del sexteto: violín, piano, ukelele, acústica, bajo, flautas y, sobre todo, unos coros portentosos que erizaban el bello y un pasmoso público que no daba crédito al rico espectáculo que estaban presenciando. “A Movement Between These Two” marcó el canturreo y tarareo general. El grupo catalán Sidonie volvió el despertar el interés masivo, rubricando así, su singular historia de amor con el festival, en el que hace un par de años apenas pudieron ejecutar tres canciones. Fuera rencores, “El incendio” fue el motor de empuje de su set con algún que otro hit olvidadizo y, claro está, sus características poses canallescas y regocijo con y entre el público incluido. Maga tenían muchas ganas de salir al escenario y es que los sevillanos han crecido musicalmente en Contempopránea y con ellos el público, que abarrotó el foso, demostrando así su eterna y paciente pleitesía. Maga dejaron de ser maga durante un tiempo, pero ahora han vuelto con más energía que nunca con un Miguel Rivera exultante y gran ejemplo de frontman. Arizona Baby podrían verse como unos pucelanos en pro del rock sureño en territorio popie, pero nada más lejos

de la realidad. Imprimieron desde los primeros acordes grandes dosis de rebeldía y maestría, doblando con destreza sus guitarras acústicas y ukeleles creando un atmósfera y ambiente parecido al del rodeo chileno. Klaus&Kinski prometían mucho con su original set sampleado y virtual, pero su excesivo eclecticismo no fue del todo compacto y la actuación se agrietó poco a poco con algún que otro desacorde y desafinamiento inusual de Marina. Un mal concierto, sin más, de veinte buenos. La Familia del Árbol disfrutaron de tiempo extra para presentar sus canciones, ya que Joe Crepúsculo se cayó a última hora por enfermedad. Anni B. Sweet acaparó los primeros flaxes y piropos por su belleza y buen hacer sobre el escenario. Bien arropada por su banda, brilló con luz propia gracias a sus irresistibles melodías y su voz cristalina.

“Start, Restart, Undo” fue el guión principal de su actuación, muy aplaudida y con una Ana muy cómoda y con gestos de agradecimiento corte tras corte. Second fueron un delirio de principio para las groupies remontando posiciones hasta compartir escenario para bailar “Todas las cosas” junto al quinteto que se atrevió con una versión de Danza Invisible, “Sin aliento”. The Primitives se conviertieron en su retorno a la vida en un gran atractivo para el deleite del público más nostálgico. Avalados por Morrissey, en su sonido vía C-86 destiló el brillo trémulo de las guitarras de The Byrds con el estilo motosierra de Ramones y melodías de grupos de chicas de los sesenta convertidas en gemas del pop de dos minutos y medio.

Los neoyorquinos The Pains Of Being Pure At Heart plasmaron muchas de esas mágicas composiciones de noise-pop acristalado con guiños hacia The Jesus And Mary Chain o The Pastels, además de nuevas canciones de enorme factura. La Habitación Roja consiguieron, no encender, sino incendiar la noche de Alburquerque. Pura fruición de principio a fin. Predominio de canciones del victorioso “Nuevos tiempos”, así como otros clásicos que ya forman parte de la aristocracia indie. Se atrevieron con “El nunca ganaremos el mundial”, aludiendo a la selección catalana. Por su parte, Dorian continúan con su imparable ascenso, siendo una de las bandas más punteras de la escena. Lo dejaron claro en un set cargado de sentimientos con melodías electrónicas y letras poéticas y reivindicativas a partes iguales. “Cualquier otra parte” es sin

duda uno de los hits estatales de la década. Los mayores aplausos de la noche fueron para ellos. Los sevillanos Mañana, ganadores del concurso Grupo Revelación Nacional 2010, pusieron firmeza en su directo marcado por composiciones al estilo de Sufjan Stevens y alguna ligera aproximación a Wilco. Muy correctos sobre el escenario y merecedores de este galardón que les brindará nuevas y mejores oportunidades. Napoleón Solo se conviertieron en la sensación de la tarde, con “Lolaia Carmona”, hit en potencia, vitoreado por los miles de fans que se agolpaban en las primeras filas siendo aún de día. Pasos de gigante, los de estos granadinos.

Underwater Tea Party presentaron su segundo trabajo, con más ganas que pasión y viceversa, con la ausencia destacada de Clara. El sexteto, reconvertido en cuarteto, tuvo en Martí a su líder de expedición, muy activo y vigoroso, imprimiendo mucha furia al de por sí reposado repertorio de los madrileños. En cuanto a los maños Tachenko, podemos decir que siguen siendo esa clase de bandas que nunca fallan. Fueron los encargados de soplar las velas del quince cumpleaños del festival. No faltaron los bigotes entre los fans, en referencia al siempre entrañable Sergio Vinadé. Los Planetas consiguieron aburrir al personal con sus sonidos aflamencados. La piedra angular de su set fue, una vez más, la promoción de cabo a rabo de “Una ópera egipcia”. La segunda parte del concierto es la que todos ansiaban, la de los clásicos, la de canturrear y bailotear hasta la saciedad “Santos que yo te pinté”, “Pesadilla en el parque de atracciones” o “El artista Madridista”, entre otras.

Parece que, en sus conciertos, la música tradicional andaluza vista por los granadinos sigue generando más reproches que aplausos por parte de la todavía gran legión planetaria. Love Of Lesbian fueron, un año más, los grandes triunfadores. Los catalanes siguen disfrutando del éxito de “1999”. Considerando que su primera etapa fue errática cantando en inglés, su trayectoria es ejemplar y se ha ido labrando a base de grandes composiciones y sobre todo directos, donde se atreven a hacer playback, con coreografía incluida, de “Algunas plantas”. Por otro lado, Delorean definitivamente son de otro planeta. Su condición de banda sideral alteró por completo la fisonomía del Contempopránea, al estilo Creamfields, protagonizando una rave de gran escala, casi como en el Manchester de los primerísimos ochenta. Los Punsetes fueron los últimos, que para muchos los primeros, ya que el suyo fue uno de los mejores shows de este año. Su “gótico ibérico” a modo de humor grueso y vacilón con bajos salvajes, guitarras distorsionadas y afiladas y, sobre todo, Ariadna, y su singular pose, hierática y sofisticada al mismo tiempo, fue todo ímpetu y jarana. Javier Solís

Kiss

( CONCIERTOS /34/ Septiembre 2010 · MondoSonoro)

Azkena Rock Festival Lugar Mendizabala (Vitoria) Fecha 24,25,26 de Junio de 2010 Estilo rock Público Promotor Last Tour International causas ajenas a su encanto. Teddy Thompson luchó contra el despiste generalizado del público de ver a un joven y a su acústica en el festival de las guitarras.

Más que digno, el hijo de Richard y Linda Thompson tiene canciones y trayectoria. Habrá que tomarle más en serio. The Saints defraudaron tanto que incluso los que pasamos del fútbol nos acercamos a ver el partido de España, y de paso a coger sitio para The Damned. El miedo a las giras alimenticias se disipó enseguida: siguen en forma y coreando “Neat Neat Neat” o “Smash It Up”. Por su parte, Slash fue el foco de atención en un bolo meramente nostálgico y artificial (“Sweet Child O’ Mine” por boca de Myles Kennedy como que no cuela), y turno para Kiss.

Quizá por que al abajo firmante no le pilló de joven su música, ahora no puedo sino asombrarme de cómo canciones tan anodinas hayan podido llegar tan alto.

Plataformas elevadoras, llamas, petardos y… ¡fuegos artificiales! y demás megalómana pirotecnia no maquillan sus canciones. Exceptuando “Rock’n’ Roll All Night” (ahí sí que sí), la verborrea de ese trasunto de Sara Montiel que es Paul Stanley dio la puntilla a un concierto efectista. El sábado 26, el hard setentero de Maggot Brain superó en calidad al garaje australiano de The Roussian Roulettes, no así el blues deconstruido de The Cubical, una banda a tener en cuenta. Robert Gordon traía como acompañantes a Slim Jim Phantom (Stray Cats) y Chris Speeding -casi nada- y con un set plagado de versiones nos dejó maravillado. Igual que Terry Adams R&R Quartet, repertorio perfecto y un sonido que dictó sentencia a su favor a sus más de (infravalorados) cuarenta años en el negocio. Bob Dylan, como es costumbre, hizo lo que quiso, ralentizó las canciones y concedió material mítico a espuertas (desde “Just Like A Woman” a “Like A Rolling Stone”, ésta cerrando el concierto).

Es decir, se disfrutó. Chris Isaak fue el ganador de este año, y dejó claro por que le dieron un programa de televisión en Estados Unidos. Excelente comunicador, la (maldita) tormenta no aguó la fiesta a nadie, es más, dio un nuevo brío a su aura de perdedor, y al público, lo que le corría por la mejilla no eran gotas de lluvia precisamente. Imposible no emocionarse con “Somebody’s Crying”, “We Lost Our Way”, “One Day”, Wicked Game”, “Blue Hotel”, “San Francisco Days” o “Pretty Woman”, de su adorado Roy Orbison. Y es que llamar “Forever Blue” a un disco y “Mr. Lucky” a otro es una deliciosa contradicción que sólo él puede llevar a cabo. Álvaro Fierro

Kris Kristoferson y Elvis Costello

Slash Fotos Ion Positivo

A falta de un año para su décimo aniversario -momento de hacer balances-, ya se puede adelantar que el Azkena Rock Festival ha materializado de largo el objetivo anhelado por cualquier empresa: fidelizar clientela. Además de comprar la entrada apenas se confirmen los primeros nombres, el asistente al recinto de Mendizabala sabe que en el rock caben muchos subestilos y que este, además, colinda con otros tantos. Lo que conlleva a que se dé una suma de géneros diametralmente opuestos pero perfectamente compatibles, maneras de entender la música que pasan de la sobreactuación hedonista de Kiss a la sobriedad intelectual de Bob Dylan, y que, sin embargo, casan exentos de pompa en el cartel. El jueves 24 los locales Bronze y las suecas Baskery abrieron esta novena edición, dejando paso al apresurado psychobilly de Legendary Shack Shakers, que junto a The Jim Jones Revue sirvieron de estímulo suficiente para enfilar el resto de la jornada. Sobre todo éstos últimos, pupilos talluditos de Jerry Lee Lewis que, simplemente por el trabajo que lleva su líder desde años ha, deberían subir de peldaño. La decepción mayúscula la provocaron Kitty, Daisy & Lewis, grupo episódico en plena pubertad cuyo encanto amateur se reduce a anécdota al escuchar las primeras notas. El tiempo dirá si se les puede catalogar en la sección de juguetes rotos. The Hold Steady cambiaron las coordenadas espacio-temporales, pasando del rock and roll inglés a setenta y ocho revoluciones por minuto a las collegue radios norteamericanas de los noventa: o sea, a provocar morriña por The Replacements y Soul Asylum. Empezaron con “Constructive Summer”, y excepto por mermas de intensidad coyunturales, el concierto fue rodado. Gov´t Mule fueron al grano por lo acotado de su tiempo, y se agradeció. Con una cerveza en la mano, se puede concluir que el binomio pan y circo se personifica con Airbourne.

Tanta acrobacia instrumental (¡hasta a veinte metros del suelo!) acaba chirriando. El viernes 25 el epígono de los añorados Georgia Satellites, Dan Baird & The Homemade Sin, sonaron lúdicos, como pretenden, aunque no tanto como El Vez. Epatante (y perdón por el tópico) repertorio de trajes y de versiones, medleys imposibles de Mocedades con The Clash y Elvis con The Velvet Underground, y cabaretera actuación. Imelda May se antojó por debajo de las expectativas. Un sonido exiguo y un escenario, el principal, demasiado grande para alguien que lleva tiempo currándose los aforos más pequeños fueron

Heineken Jazzaldia Lugar diversos espacios de San Sebastián Fecha 21-25 de julio de 2010 Estilo varios Público 106.000 aprox. Promotor Jazzaldia Cada año que pasa el Heineken Jazzaldia abre un poco más su punto de mira para captar a todo tipo de audiencias. De hecho ya no es solo un festival de jazz, y bueno muestra de ello es la programación con regusto a festival indie que hubo este año en el coqueto y gratuito Escenario Verde, situado en el marco incomparable de la playa de la Zurriola justo delante del Kursaal. Casi un festival dentro de otro festival, la programación del Escenario Verde se abría el miércoles 21 y ese día el plato fuerte era Patti Smith And Her Band. La otrora diva del punk llegó como siempre arropada de Lenny Kaye y compañía ofreciendo un show más que sólido en el que, eso sí, olvidó casi por completo sus inicios punk para abrazar una actitud hippie que convence por su autenticidad y su carácter casi entrañable. Recuerdos a Roberto Bolaño y Jim Carroll (cayó una festiva versión del “People Who Died”), para confirmar que el carisma de la norteamericana sigue intacto. El jueves 22 llegó el turno a dos propuestas indies muy diferentes entre si. Los primeros en aparecer fueron los aún muy blandos The Morning Benders. En algún lugar entre los primeros The Shins y los Death Cab For Cutie de “Plans”, a los estadounidenses se les quedó algo grande el Escenario Verde, y tuvieron que tirar de versiones (New Order, Neil Young y Fleetwood Mac) para animar al respetable. De momento se quedan en promesa. Tras la bisoñez de The Morning Benders, tocaba cambio de tercio con los cabezas de cartel de la noche, These New Puritans. El grupo británico llegaba a Donosti para presentar “Hidden”. Monótono y algo falto de fuerza a pesar del numerito de las dos baterías y una sección de vientos algo deslucida, el concierto del cuarteto inglés ejemplificó a la perfección

eso de “mucho ruido y pocas nueces”.

En directo su art rock está más cerca de poner música a una procesión de Semana Santa en Segovia, que a un film de David Lynch. El viernes los conciertos gratuitos en la playa de la Zurriola continuaban con dos propuestas que invitaban al baile de forma muy diversa. Por un lado el soul festivo de Mayer Hawthorne & The County, que, a pesar de presentarse con muchos pregrabados, hizo pasar un buen rato a los allí presentes.

Y por otro el pop electrónico y tribal a lo MIA de The Very Best, que ofrecieron el concierto más verbenero de todo el festival con guiño incluido a la cantante inglesa con un orgiástico bootleg de “Paper Planes” como fin de fiesta. El sábado, el Escenario Verde echaba el cierre con un par de conciertos que unían el pop selecto de siempre, The Divine Comedy, con el indie pop de nuevo cuño más interesante, The Pains Of Being Pure At Heart. Neil Hannon se presentó solo, y acompañado de un piano, una guitarra, su bombín y su inseparable botella de vino tinto, repasó algunas canciones de su notable nuevo disco y viejos clásicos. Cayó una versión del “Time To Pretend” de MGMT, y a pesar de cumplir, ya echamos de menos verle con una banda completa como Dios manda. Tras el inglés, los de Brooklyn dejaron bien a las claras que lo suyo va muy en serio. Los neoyorquinos han crecido desde su primera visita a España en el Primavera Sound 09. Ahora suenan

sólidos y seguros de si mismos sin, eso sí, perder ese aire amateur que los hace especiales y encantadores como sus adorados Holiday. Se atrevieron con un par de composiciones nuevas que mostraron su lado más crudo, y consiguieron picos de emoción con “A Teenager In Love”, “Still Alive” o “Young Adult Friction”, entre otras.

Fuera del Escenario Verde, es de justicia dedicar unas cuantas líneas al sonado concierto de clausura del festival, que tuvo lugar en la coqueta Plaza Trinidad y que tuvo como protagonistas a Kris Kristofferson y Elvis Costello. El primero emocionó por la cercanía, el carisma, y la verdad que respiró todo su concierto, un show donde combinó canciones nuevas con clásicos como “Me & Bobby McGee” o “Help Me Make It Trough The Night”. El segundo protagonizó un concierto festivo de country rock acompañado de seis músicos en estado de gracia, que estuvo coronado con Costello y Kristofferson compartiendo escenario para interpretar juntos tres canciones. Xavi Sánchez Pons

Triángulo de Amor Bizarro

Delafé y Las Flores Azules Fotos Janite

(MondoSonoro · Septiembre 2010 /35/ CONCIERTOS)

Vigo Transforma Lugar Peirao de Transatlánticos (Vigo) Fecha 8, 9 y 10 de julio Estilo diversos Público 4.000 personas Promotor Vigo Transforma Primera edición del Vigo Transforma, un festival de tamaño mediano y excelentes infraestructuras -desde luego ayuda su ubicación frente a la ría- que esperemos tenga continuidad más allá del presente año Xacobeo. Tras el preámbulo que supuso el jueves la presentación en un teatro del espectáculo “Room” por parte de Standstill, que repitieron el show de la pasada edición del Primavera Sound, los conciertos del fin de semana arrancaban con las actuaciones de las bandas maqueteras Mequetrefe (post-rock ruidoso) y Carrero Bianco (con un ex Triángulo de Amor Bizarro en sus filas) en el escenario MondoSonoro, que servía para recibir a los más madrugadores a la entrada del recinto. Precisamente fueron Triángulo de Amor Bizarro, quienes bajo un sol de justicia arrancaron los primeros aplausos del día demostrando que la incorporación de un cuarto elemento les hace mucho bien en directo. Todavía demasiado temprano un Devendra Banhart encantador en su interacción con el público e irreconocible por su nuevo look, desafió a los que le crucificaron por “What Will We Be” con un show estupendo, en el que pasó con soltura del rock clásico a la bossa y hasta el sonido disco ochentero (versioneó “Tell It To My Heart” de Taylor Dayne). Estupendo. No tanto el concierto de Jeff Tweedy, parapetado tras un arsenal de acústicas y que tuvo el detalle de colocar una bandera española como recordatorio de la final del Mundial que tendría lugar un día más tarde. El cancionero de Wilco reducido al formato folk-singer resulta demasiado monocromático, excesivamente lineal.

A continuación, y con el handicap que supone para un grupo como The XX afrontar un directo a plena luz del día, los recién galardonados por los Premios de la Música Independiente como autores del mejor disco internacional del pasado 2009 ofrecieron su enésimo concierto en España, el tercero al que yo he asistido en apenas un par de meses. También el mejor. Muy compactos, mucho más trabajados en el aspecto técnico y haciendo de su hieratismo una virtud. Otros habituales en los últimos tiempos de nuestros escenarios son Fanfarlo, a los que, cada vez queda más claro, no es justo limitarlos a la categoría de meros imitadores de Arcade Fire. De Love Of Lesbian, ¿qué decir? En realidad lo de siempre. Lo suyo es un permanente baño de masas cuya única novedad en esta ocasión fue la irrupción de Iván Ferreiro que saltó al escenario como un hooligan enloquecido y terminó siendo reclamado por la banda para que los acompañase a las voces. La última gran atracción de la noche, Os Mutantes, combinaron el reciente “Haih Or Amortecedor” con algunos de sus temas clásicos que sonaron pesados como un elefante. Progresivos y lejanos del luminoso encanto naïf por el que se les recuerda. El presente no es suyo sino de bandas como Miike Snow que pusieron el cierre a la jornada con una más que correcta ejecución de psicodelia pop -qué bonita es “Animal”- enmascarados y perdidos en la niebla. El sábado arrancó con unos Polock recios y Eladio y Los Seres Queridos, cuota galleguista del festival. Pero quien se llevó los primeros aplausos generalizados fue Neil Hannon, nuevamente en formato “solo”, destilando charme, simpatiquísimo en su trato con el público y enorme en la interpretación de clásicos de hoy –“At The Indie Disco”-, de ayer -“Everybody Knows”- y ajenos -preciosa cover del “Time To Pretend” de MGMT-. También recurrieron a una versión, el “Ceremony” de Joy Division/New Order, The Morning Benders, una banda a la que resulta complicado ubicar: por momentos parecen la reencarnación de Seam para, al instante siguiente, tirar de manual brit pop. Mucho más claro lo tienen Delafé y Las Flores Azules, que salieron por la puerta grande con un “Enero en la playa” que les venía como anillo al dedo -”¡¡¡sí, esta vez ganaremos el mundial!!!”-. A partir de este momento el festival tomó un cariz complicado: cerrar con Orbital y Fischerspooner a una hora todavía demasiado temprana convirtió Vigo Transforma en una inesperada rave cuando la mayor parte de nosotros no teníamos cuerpo para ello. Y eso que los hermanos Hartnoll demostraron cintura en la recta final reservándose “The Box”, su versión de “Dr. Who”, “Halcyon” y uno de sus novísimos temas, “The Gun Is Good”. Un arsenal del que no pueden presumir Fischerspooner, apostando por la zapatilla más criminal y olvidándose por completo del supuesto show en el que se convierten sus conciertos. Luis J. Menéndez

escaparate

S Curro

Jonah Smith Foto Archivo

Ane Brun es una especie de Jose Gonzalez en femenino, por el planteamiento minimalista de máximo efecto de su música. “¿De verdad?”, pregunta ella sorprendida-. “Es todo un cumplido. Me encantaría ser su versión femenina porque adoro su música”.

Discreta y risueña, con la inocencia casi imperturbable aunque esté ya en la treintena, esta cantautora folk nacida en Molde (Noruega), es capaz de llenar estadios junto a una orquesta y alcanzar el número uno con sus álbumes en su país. Precisamente, la presentación de su nuevo trabajo, “The Changing Of The Seasons”, la trajo a España; eso sí, en salas de mucho menor formato. “Mi música encaja perfectamente en salas pequeñas y es genial, por el contacto con el público. Aunque tocar ante miles de personas es especial también, un intenso flujo de energía. Ambas cosas me entusiasman. Sé que sonaré muy diplomática y aburrida, pero es la verdad”. Trenes que parten, activismo político (“Round The Conference Table”), sueños infantiles (“The Treehouse Song”), amores y desamores (“My Star”) y recuerdos escritos en castellano –estudió Historia y Literatura Española en Oslo-, son experiencias que la cantante no duda en mostrar al desnudo en sus canciones. “Escribo mis ‘historias’ en clave poética, así que la gente tampoco sabe detalles exactos sobre mí. No me interesa ser una famosa del corazón”. Desearía poder dedicarse a componer, a luchar en pro de la naturaleza, a retomar sus lecciones, pero puestos a elegir “quiero escribir un disco en castellano; con canciones tradicionales o nuevas escritas por mí”. En septiembre nos visita como vocalista de acompañamiento de Peter Gabriel. ■ Marta Terrasa

Jonah Smith

Ane Brun Foto Archivo

Viene de: Estados Unidos Publican: “Lights On” (Voluptuary, 10) En la onda de: Van Morrison, The Band, JJ Cale

Ane Brun Viene de: Suecia Publica: “The Changing Of The Seasons” (Karonte, 10) En la onda de: Jose Gonzalez, Joni Mitchell, Cocorosie

En la visión romántica de la historia, Jonah Smith recoge su guitarra del suelo y se enfrenta a un público que no entiende muy bien qué está diciendo. Las luces menguan y una gota de sudor cruza la frente del cantante. Suspira. Los fantasmas de todos aquellos cantautores vagan perennes por el ambiente. Nada más lejos de la realidad. Jonah Smith entiende la vida y la música de la misma manera pasional. La joven promesa americana del songwriting no está sola, la competencia es feroz. “Hay un montón de grandes cantautores y cantantes, pero no hay tantos que puedan hacer ambas cosas de manera genial. Creo que como cantautor tengo la suerte de enfocar mis canciones desde muchas perspectivas distintas, sin embargo, hay muchos otros cuya manera de escribir es siempre la misma”. Criado en bares y cafés, el neoyorquino obtuvo mayor notoriedad tras su paso por SXSW en 2006. Desde entonces no ha parado de actuar, cosechando incluso cierto éxito en nuestro país, sobre todo en Catalunya. Reconoce estar Influenciado por artistas menos obvios como Donny Hathaway, Anders Osborne o Malcolm Holcombe, pero más allá de comparaciones, el compositor sabe desmarcarse en esta sobresaturada escena. “Hay dos tipos de creadores: los que miran a su alrededor e intentan hacer algo distinto, como David Bowie. Y hay otros, entre los que me incluyo, que solamente quieren hacer temas honestos y bellos y no prestan atención a modas pasajeras. Una gran canción es siempre una gran canción. Historias y música que se quedan grabadas en tu mente”. Jonah Smith estará actuando este mes en España. ■ Marta Terrasa

con cualquier pasaje con independencia de su química. “Mi discurso se encuentra cómodo hasta en el más piojoso de los colchones sonoros”. De la misma forma S Curro y compañía se han colado, y con éxito, en más de un concurso prestigioso (Lagarto, Circuito Pop Rock Andalucía, Hip Hop Rock Marchena…) donde el hip hop no era protagonista. “A mí personalmente no me gustan demasiado los concursos, pero la verdad es que son una buena forma de promocionarse y de tener bolos.

Quiero pensar que ahora estamos en otra etapa aunque estamos convenciendo a Papa Wilson para que se presente a Hombres, Mujeres y Viceversa”. Papa Wilson y Maromo Diyei acompañan a S Curro en directo en una formación sui generis distinta al line up jipjopero ortodoxo de MC más Dj y que, dada la naturaleza del álbum, exige incluso más manos de verdad a la hora de ejercitar los temas en el escenario.

“Como en el disco hay muchos samples y arreglos de guitarra, para la gira hemos incluido a un guitarra, Juanma Moneo (Falso Dogma). Hemos eliminado muchas pistas de las instrumentales para que estos tres las interpreten en los directos. Además hemos arreglado la mayoría de las canciones de manera diferente, casi todas llevan alguna sorpresita”. ■ Arturo García

Mucho ha cambiado el cuento para The Midnight Travellers desde que les descubrimos con su primera maqueta. Alcanzada la que podríamos denominar mayoría de edad para el grupo -en forma de segundo discosus principales referencias han dejado de ser el rock sureño y el hard rock de los setenta para centrarse en un poderoso sonido focalizado en la década de los noventa. Joel y Omar así lo ratifican. “En el primer disco ya se adivinaba un poco y, por otra parte, estábamos un poco cansados de que se nos englobara siempre en el southern rock, cuando en realidad estamos mucho más por lo que mamábamos cuando teníamos catorce y quince años.

Es decir, The Black Crowes, pero también Pearl Jam, Alice In Chains, Stone Temple Pilots... Si a esto añadimos que entró a cantar Omar, que tiene una voz más cercana a ese rollo, uno se anima a componer apuntando a ese estilo”. Con todo, el auténtico deseo del grupo es evolucionar constantemente y abrirse a influencias de lo más diversas. “En este disco ya no hay nada que recuerde a rock sureño, pero sigue habiendo ramalazos Led Zeppelin o The Who. También hemos incorporado coros más tipo Beatles e incluso algo de pop británico”. Es más, esta actitud inquieta podría llevarles a lugares inesperados en el futuro. “Lo que estamos empezando a componer para el tercer disco, por ahora, no tiene nada que ver con el hard rock. Será más experimental en el sentido de que vamos a hacer todavía más lo que nos dé la gana. Con ‘Ant Made’ hemos logrado un sonido propio, algo de lo que no muchas bandas pueden presumir”. ■ Xavier Llop

The Midnight Travellers Vienen de: Barcelona Publican: “Ant Made” (Wild Punk, 10) En la onda de: Stone Temple Pilots, Alice in Chains, Pearl Jam

The Midnight Travellers Foto Archivo

E

nfant terrible de la escena hip hop sevillana, Francisco Morales aka S Curro firma en su puesta de largo un auténtico manifiesto de regeneración del rap patrio.

“Distorsión” es el título inequívoco de su debut y además un término amplio que este MC sintetiza en trece cortes de hip hop y otros demonios. “La pérdida total de control, las alucinaciones, la montaña rusa emocional, el cansancio, la energía, la dictadura de las dioptrías, las experiencias cercanas a la vida, el rock’n’roll en sentido amplio y el gore sentimental”. En sus producciones hay samplers de Guns n’Roses, The Cure, Black Sabbath, Jane’s Addiction, Bauhaus o Sonic Youth, y cualquier paisaje sonoro, propio o extraño, destinado a reproducir ese vistazo personal que S Curro hace de su realidad, o de su ficción. “Si está en mi cerebro existe, luego es real, al menos para mí. Oscuridad y decadencia sí, pero siempre se cuela algún rayo de luz en mi trastero”.

Ese horizonte de amor agridulce se plasma de forma certera en temas como “Contigo no funcionan mis poderes”, para el sevillano su mejor corte. “Me gusta como suena ‘Bici contra coche’ y la frescura de ‘Free Party’, pero con lo que me quedo del disco es con los paisajes sonoros de los últimos cinco temas”. Y es que su lírica es camaleónica y se mimetiza sin problemas

S Curro Foto Archivo

Viene de: Sevilla Publica: “Distorsión” (Mogra/Kasba, 10) En la onda: Juaninacka, Silvio, Antonio Arias

Nine Stories Foto Archivo

MondoSonoro · Septiembre 2010 /37/ escaparate

This Drama Vienen de: Canarias Publican: “Tarantula Mata” (KTC/Deep Elm, 10) En la onda de: Refused, The Bronx, Fucked Up

Nine Stories Vienen de: Madrid Publican: “Nine Stories” (Gran Derby Records, 10) En la onda de: Belle & Sebastian, Wild Honey, The Zombies

rotundamente en que empezáramos a incluir algunas frases. Así que nos encontramos en el estudio cambiando letras a última hora. Fue divertido. Su idea de mezclar los dos idiomas era justamente la de tener, ante el público angloparlante, un elemento diferenciador más en el grupo. Veremos cómo funciona”. Como se puede intuir, estar casi a caballo entre dos lugares tan particulares como los nombrados obsequia a This Drama con una buena terapia de contrastes. “California te da una dinámica de trabajo envidiable. Muy constante. Se respira música las veinticuatro horas al día y eso para la salud de un grupo en gira o en el estudio, es básico. Un ritmo frenético que no tenemos en las islas y que, a menudo, echamos de menos. Canarias significa, sin embargo, el paréntesis necesario para planificar, trazar nuevos objetivos y sacar conclusiones”.

■ Ignacio Pato L.

Same Old Foto Archivo

“De alguna manera, diría que Nine Stories existe desde siempre, al menos desde que empecé a hacer canciones cuando tenía catorce o quince años. Luego estuve metido en otros proyectos y este, como tal, con las características concretas y el nombre de Nine Stories empezó hace un par de años”. El que habla es Nacho Ruiz, el artífice de este proyecto que toma prestado el título de una recopilación de relatos de J.D. Salinger. “El nombre se le ocurrió a la persona con la que compartía mi vida en aquel momento. Ella y yo éramos (somos) muy fans de Salinger e inmediatamente me pareció bonito, evocador y que tenía sentido para mí y para lo que quería transmitir con este proyecto. El libro en cuestión es uno de mis favoritos”. Nacho, que aparte de componer también escribe relatos, antes de formar Nine Stories estuvo en Seine, donde tiraba más hacia el rock anglosajón en la línea The Libertines. Ahora sin embargo sus temas se acercan más al pop folk de The Beatles, Simon & Garfunkel o Belle & Sebastian, el mismo que practican otras formaciones madrileñas como Wild Honey o Mittens. “Es curioso, porque nos hemos conocido a través de nuestros respectivos proyectos. Creo que hay cierta admiración mutua, por lo menos yo la siento por Guillermo Farré y sus dos grupos. Me gustan mucho sus canciones y me veo absolutamente reflejado en su manera de entender la música a través de la autoedición, el doit-yourself y el cariño que demuestra en cada cosa que hace”.

Un cariño que también se refleja en las cancione­s de Nacho, las cuales versan sobre “cosas que pueden parecer pequeñas, pero que son las cosas que marcan nuestra vida diaria”. ■ Marc Luelmo

D

espués de un exitoso “San Diego XIII”, los canarios This Drama vuelven a grabar en California su continuación. Un corto pero intenso tratado de hardcore rockero que esta vez se llama “Tarantula Mata”. “Siempre nos hemos considerado fans de los discos cortos, de los singles y de los EP’s.

Son formatos que parecen huir del relleno y de esas canciones que, muchas veces, hacen perder la coherencia y una línea definida en los discos.

‘Tarantula Mata’ tenía que convencer y convencernos ahora, pero también dentro de diez años”. Su vocalista Asdrúbal nos cuenta sobre el fichaje por Deep Elm y la confianza que ello les ha dado, la presencia del libro de Deborah Curtis en las horas de aeropuerto entre Tenerife y Los Angeles y de cómo está la cosa por las llamadas islas afortunadas. También sobre el castellano.

“Precisamente fue Joby (Ford, productor y miembro de The Bronx), durante la grabación, el que nos insistió

Same Old Vienen de: Vitoria Publican: “Traidor, inconfeso y mártir” (Malverde/Aloud, 10) En la onda de: Standstill, The Mars Volta, Vetusta Morla A Steven Munar se le intuye sereno, con una actitud más reposada ante la vida y una plenitud vital envidiable. Es por culpa de su radiante nuevo cancionero; algunas composiciones, las más conseguidas de todo su repertorio: por la sinceridad y naturalidad con que se expresa.

Contagia vitalidad, por lo qué canta, por cómo canta -más relajado y no tan exaltado que con sus The Tea Servants-, y por la sencillez con que lo hace en “The Language Of The Birds”, su reconfirmación después de “Miracle Beach”, su debut en solitario de hace ya tres años con el que pasó página a unos Servants con quienes llegó a firmar cinco discos.

“Me puse a grabarlo un año después del anterior. Después hice un parón, mi hija acababa de nacer. Ha sido un proceso lento.

Ahora me gustaría no tardar tanto para el siguiente, ya tengo nuevas canciones y creo que a finales de año podría entrar de nuevo en el estudio”. Plenitud, vitalidad y serenidad se dan la mano en versos de sinceridad paternal como en “And If You Want My Records”, una de las más preciosas canciones. Y es que habrá pocas cosas más bonitas que un padre cantándole a su hija “Si quieres mis discos te los daré todos, así cantaremos juntos”. “Obviamente la paternidad te marca y en las letras he querido transmitir esa sensación de ser padre. De todas formas en mi anterior disco mis letras ya avanzaban hacia una madurez, si así lo quieres decir”. Aquí hay pequeños grandes placeres por los que uno da la vida. “Travelling”, “God Has Helped (Hallelujah)” o “The Sun” redondean un disco en el que, cómo no, aparece Miguel Pérez, su inseparable compañero desde su adolescente aventura con The Walk. No es el único mallorquín, porque en el disco también ha colaborado Xisco Vich de los siempre eternos La Búsqueda, consiguiendo así su mejor obra hasta la fecha, madurado y degustado tranquilamente con el placer de la lentitud. ■ Celestí Oliver

Steve Munar Viene de: Mallorca/Barcelona Publica: “The Language Of The Birds” (La Productiva/satélite K, 10) En la onda de: Bob Dylan, Josh Rouse, Los Valendas

Steve Munar Foto Archivo

Same Old llevan ya mucho tiempo sudando sobre los escenarios y dando rienda suelta a su creatividad, dotándola de forma bajo estilos y tonos variados. Una de las cosas que llaman la atención de “Traidor, inconfeso y mártir” es lo acertado del sonido, lo bien que combina con la propuesta abiertamente rockista de estos vascos. “El hecho de haber grabado con Karlos Osinaga ha sido fundamental para conseguir un sonido con el que estamos muy identificados. Nos sentimos muy cercanos a su forma de entender un disco, a su concepto musical y a la forma en la que trabaja. Hemos aprendido de nuestras anteriores experiencias en el estudio, sacando lo más positivo de cada una, como grabar en directo, algo que hicimos en ‘Contrafacto’, y trabajar mucho la producción, como hicimos en ‘The R.E.M. Phase’”. Hablando estrictamente de música, se puede decir que lo que han hecho los vitorianos ha sido posicionarse claramente en un terreno pantanoso, del que han salido muy bien parados: el de ese rock polirrítmico que hará sin duda que mucha gente mencione a otros para hablar de ellos. Algo en lo que sin duda ha influido el hecho de haber incorporado de forma permanente a un percusionista a la banda. “Está claro que hay que etiquetar a cada grupo dentro de un determinado estilo, y dentro de ese estilo, con una banda. Eso lo hacemos todos, creo yo... Y bueno, estoy de acuerdo en que ver sólo a The Mars Volta en nuestro sonido es un tanto simplista, ya que hemos bebido de muchos grupos tanto actuales, como de otras épocas, consiguiendo, en nuestra opinión, crear un sonido bastante personal. Aun así, que nos emparenten con ellos no es algo que nos ofenda, ni mucho menos, peor sería que nos emparentaran con otros grupos, de los que no daré nombres, ¿no?”. ■ Ignacio Pato L.

This Drama Foto Archivo

MondoSonoro · Septiembre 2010 /39/

3 MELLIZAS “3 Mellizas”

Naked Man/I+D

ROCK

1114

Debut muy prometedor el de los zaragozanos 3 Mellizas. Distorsión a raudales, cambios de ritmo y guitarras sucias, tan cerca de bandas como Built To Spill o Pavement como de Mogwai. Después de siete años y haber tocado en las pasadas Fiestas Demoscópicas en Zaragoza, han grabado en los madrileños estudios Brazil a las órdenes de Javier Ortiz y mezclado en California en el estudio de JJ Golden. Con la voz –cantan en inglés- apenas intuida en la mayoría de las canciones, es en los desarrollos instrumentales donde la banda gana enteros. Ya sea en las guitarras fogosas de “Maricón”, en la introducción de “Puteico” o en el tema con el que suelen cerrar sus conciertos, “Chinarr”, el ruido es lo que manda. Los temas más “tranquilos” (“G” o “Ry”) son de una melancolía alborotada con puntuales estampidos eléctricos que recuerda al mejor noise-nock de los años noventa. No esconden sus influencias, pero tampoco las convierten en un lastre. Tan sólo les queda mejorar un poco en las voces, porque canciones tienen más que de sobra. Y un directo arrollador. J. Batahola

ABE VIGODA “Crush”

Bella Union

ROCK

1114

Respecto a su anterior trabajo, “Crush” supone para los angelinos Abe Vigoda más o menos lo que ha supuesto “Odd Blood” para Yeasayer: un volantazo inesperado y un triunfo creativo a partes iguales. Si no fuera por la edición en 2009 de ese EP puente titulado “Reviver” que dejaba entrever los esfuerzos del grupo por alejarse de la alargada sombra de Animal Collective y encontrar un lenguaje más accesible, uno diría que desde la edición de “Skeleton” (Bella Union, 08) no han escuchado otra cosa que The Cure. En “Crush”, abandonan los ritmos espasmódicos en favor de un sonido más atmosférico, de épica medida y tenso en lo emocional. Se acabaron los continuos redobles y las guitarras rugientes para dar paso a secuenciadores y sintes. La rabia ha sido reemplazada por una melancolía volcánica, el magma de un inicio de álbum fascinante con “Sequins” y “Dream Of My Love” a la cabeza. Su cuarto álbum presenta unos parámetros totalmente nuevos: menos colorido, más monotonal, doblemente evocador. Joan Cabot

AGAINST ME!

“White Crosses” Warner

ROCK

111

“New Wave” significó hace tres años un punto de inflexión en la carrera de los de Florida. Coincidiendo con su fichaje por la multinacional Warner, Tom Gabel y cía pulieron su sonido, adecentaron sus formas y se convirtieron en un grupo de punk rock apto para todas las edades y públicos.

Ahora sería ilógico pedir a sus nuevos lanzamientos que nos retrotraigan a los tiempos de “Reinventing Axl Rose” o “As The Eternal Cowboy”. Son derroteros sonoros que ya quedaron sepultados en la evolución de la banda. “White Crosses”

prosigue por tanto el camino de punk rock melódico y accesible de su anterior trabajo.

“I Was A Teenage Anarchist” y “Because Of The Shame” recogen el relevo de “Stop!” y “Thrash Unreal” como grandes singles del disco. De nuevo cocinado por el productor estrella Butch Vig, el resto de temas no rebajan sus ambiciones. Tan inofensivo como eficaz, tan alejado de la agresividad de sus inicios como cercano al rock springsteeniano de estadio, el punk rock de Against Me! actuales propone una evolución más que digna de la agresividad hacia la madurez compositiva, sin perder acritud en sus análisis, siempre insidiosos, pero ganando en melodía y complejidad musical y dirigiendo sus objetivos hacia un público de gustos mayoritarios. Robert Aniento

vinilos

arcade fire: cada vez más grandes

ANGELUS APATRIDA “Clockwork” Century Media

METAL

11114

Que una banda haga thrash metal, no es novedad pero que sean de Albacete y hayan fichado en su tercer disco finalmente por Century Media sí que lo es.

Angelus Apatrida llevan batallando estos diez últimos años y al fin, concierto tras concierto, con esfuerzo y dedicación han logrado lo que muchas bandas anhelan: reconocimiento. Su nuevo disco nos recuerda a todos los grupos de la primera era de Combat Records, pero con producción actual. Es un disco con canciones rápidas como “Of Men And Tyrants”, con un estilo derivado de todas las bandas de los noventa, de las que estos chicos han mamado, como podemos comprobar en esa gran intro que usan al inicio del disco o bien en unos riffs con los que Guillermo Izquierdo o David G. Álvarez convierten las melodías en algo muy propio más allá de las influencias. Seamos claros: “Clockwork” es un disco enorme de principio a final, sin desperdicio ninguno, algo que se ratifica además en sus excelentes directos. Como regalo nos ofrecen su versión del “Be Quick Or Be Dead” de Iron Maiden, dejando clara la influencia de los británicos en su sonido. Eduard Tuset

AUTECHRE

“Move To Ten” Warp/Pias

ELECTRÓNICA

1114

No es sólo que con el reciente “Oversteps” hayan recuperado el pulso sonoro de sus mejores obras, sino que la publicación de este “Move To Ten” nos retrotrae a un tiempo en que el dúo de Sheffield alternaba monumentales trabajos largos con lanzamientos en formato maxi que escondían algunas de sus mejores composiciones: los “Anti”, “Garbage”, “Anvil Vapre”… El caso es que Autechre vuelven al formato corto y lo hacen por partida doble, diez temas reunidos en un compacto que originalmente fueron concebidos como dos vinilos independientes entre sí y continuación lógica de su particular “back to the roots”. Dominado mayormente por la pulsión rítmica, “Lp1” lo componen cuatro temas de electro alienígena marca de la masa, espectral, frío, de resonancias industriales. La apertura del “Lp2” con “Nth Dafuseder.B” marca las distancias: continúa la inquietud claro, pero ahora es su oscura concepción de la melodía, esa que en su día les mostró el camino a Boards Of Canada, la que se coloca en primer término. En la confirmación de un renacimiento en toda regla, tan sólo un pasito por detrás de los logros conseguidos en “Oversteps”. Luis J. Menéndez

Arcade Fire Foto Archivo

ARCADE FIRE “The Suburbs” Universal

POP

1111

“Neon Bible” marcó un punto de no retorno en la carrera de Arcade Fire. Cualquier intento de llevar más allá el sonido catedralicio y excesivo, la compleja pirueta en que se convirtió su segundo disco, estaba condenada al fracaso. Los de Montreal lo supieron entender y se tomaron con calma su siguiente paso, una calma que condicionó el tiempo de entrega pero también el proceso compositivo y, por supuesto, el resultado final. Tres años después aquí llega “The Suburbs”, un trabajo que -juguemos a pitonisos- me atrevo a asegurar tendrá propiedades sanadoras para la banda y ayudará a prolongar su vida. Porque por vez primera da la sensación que Arcade Fire levantan el pie del acelerador y presentan una colección de can-

ciones que no pretenden superarse constantemente a sí mismas, que no aspiran a tocar el cielo con el consecuente riesgo de hundirse en la sima de la derrota.

En “The Suburbs” encontramos abundantes medios tiempos, más rock’n’roll springsteeniano que nunca, algún punto de fuga en forma de arreglos electrónicos y, por qué no decirlo, algunas de las composiciones menos excitantes que los canadienses han presentado nunca: la titular “The Suburbs”, “Half Light II”, “Wasted Hours” o “Deep Blue” podrían perfectamente desaparecer haciéndole un favor al excesivo minutaje final. ¿Hasta qué punto es eso decisivo en la valoración del disco? No tanto como podría parecer. Porque éste es también su trabajo más maduro hasta la fecha, aquel que mejor funciona a nivel conceptual por su complejo entramado lírico y posiblemente el álbum de Arcade Fire que, a pesar del la pequeña decepción inicial, aguante más y más escuchas con el paso del tiempo. Luis J. Menéndez

en la onda

Fleetwood Mac

Bruce Springsteen

R.E.M

POP

ROCK

ROCK

“Rumours” (Reprise, 1977)

11111

La irrupción de la pareja sentimental formada por Stevie Nicks (voz) y Lindsey Buckingham (guitarra) le dio un giro de ciento ochenta grados a una banda que pasó a convertirse en referente del pop adulto de calidad en las listas norteamericanas, una posición muy similar a la que hoy día ocupan Arcade Fire.

“The River” (CBS, 1980)

11111

Doble álbum, como “The Suburbs”, a partir del cual “el Jefe” se saca de encima definitivamente la sombra dylanesca.

Hay pues un antes y un después en su carrera a partir de “The River”, un álbum que afronta el rock desde múltiples caras, de la festiva a la más romántica y apesadumbrada, pero siempre tocado por su particular lírica costumbrista.

“Out Of Time” (Warner, 1991)

1111

El definitivo salto de gigante de REM. Buena parte de culpa la tuvo “Losing My Religion”, pero es que, al igual que sucede con “The Suburbs” –además de ser superventas- “Out Of Time” era un cajón de sastre en el que cabían redondas canciones pop, temas de corte folk-pop y arreglos orquestales anticipo de “Automatic For The People”. ■ L.J.M.

(vinilos /40/ Septiembre 2010 · MondoSonoro)

la evolución de nothink DAY OF RISING

“Deceivers United” Young & Loyal

ROCK

111

Comienza bien el debut, valga la redundancia, de Day Of Rising, banda castellonense ya curtida y lista para dar este paso que dan ahora con “Deceivers United”. El comienzo, como decimos, evoca directamente el rock americano de los noventa, ese que todos conocemos -zapatillas, aceras y tristezas- y que parecen clavar los chicos de Day Of Rising en “Winners And Cheaters”. El devenir, sin embargo, va dejando claro que no solo va a haber Jimmy Eat World en el planteamiento de la banda, sino que ese cierto punk-pop chicloso californiano también estará dejando notar su peso en el minutaje del disco. Así, “American Professional”, “How To Be Wrong” o “Gentle (Sad)man” intentan sacar la cara por la accesibilidad y enganchar (y seguro que lo conseguirán en gran medida en los directos) a base de inflexiones vocales, estribillos, coros… melodía pura y dura, vaya. Day Of Rising han conseguido poner en circulación su debut, tras años de formación y de decisiones valientes, la última de ellas siendo el poner todo de su parte para que estas primeras canciones vean finalmente la luz. Ignacio Pato L. Nothink Foto Archivo

NOTHINK

“Hidden State” Aloud

ROCK

1111

Parece que el salto que ha dado Nothink no sólo ha sido para llegarse hasta Seattle para grabar de la mano de Matt Bayles (ex Minus The Bear y productor de The Blood Brothers, Botch o Isis, entre otros), sino también a nivel cualitativo. Y es que menudo disco se han marcado los madrileños, porque quien escuche ahora a la banda podrá ver como han logrado superarse por tercera vez, conjuntando un álbum de empaque perfecto

ORPHANED LAND

“The Never Ending Way Of OrwarriOR” Century Media

METAL

1114

Tras el aclamado “Mabool” se esperaba con ganas lo nuevo de esta banda israelí.

“The Never Ending Way Of Orwarrior” es el título de su sucesor, con el que queda claro que no han querido ponérnoslo fácil.

Orphaned Land, que siguen, a grandes rasgos, con su especial mezcla de death metal, progresivo e influencias del Oriente Medio, regresan con una extensa y ambiciosa obra conceptual de dura crítica hacia las religiones. Un álbum difícil, escabroso, que pide a gritos un sacrificio, pero a la postre gratificante. Como una larga travesía por el desierto del Sinaí, escenario de parajes majestuosos, enigmáticos, pero también de sufrimiento, de resistencia. Los israelíes, que en esta ocasión se benefician de la labor de Steven Wilson en la producción, mezclas y teclados, van más allá con una obra grandilocuente como pocas. A la vez que un prodigio en arreglos y acabado, que en esta ocasión pasan por encima de la labor compositiva. Quizás no tan redondo y determinante como “Mabool”, pero otro trabajo que hace honor a la magnitud de esta banda única. Ferran Lizana

tanto en el orden instrumental como en el muy destacable tratamiento vocal, que muestra a “Hidden State” como un disco fuertemente compacto y equilibrado en la suma de sus muchas influencias. Así, con los posos muy bien asentados que diferentes géneros han hecho mella en el trío –del grunge al hardcore pasando por el metal- y con poco que ver ya con ese primerizo “Bipolar Age” del que cada vez quedan más distanciados, este puñado de canciones directas suponen, por el momento, todo un logro. Una cima que, aparte de hacerles subir unos cuantos peldaños más arriba, seguro va a suponer un antes y un después para el grupo. Francesc Feliu

GANGLIANS

BETUNIZER

“Monster Head Room”

“Quien nace para morir ahorcado nunca morirá ahogado”

Woodsist/Popstock!

ROCK

114

La gran asociación noise de vínculo lo-fi que bajo el cobijo y carácter de la discográfica Woodsist (uff…) habían formado Wavves y Ganglians se rompe en la juerga coral del inicio de “Monster Head Room”, anunciando el cambio de aires de la banda de Sacramento. Se les ha calmado el pulso, o a lo mejor se han vuelto hippies, pero este disco no contiene prácticamente nada del carácter bruto y abrasador de “Ganglians” (2009).

De allí sólo repiten “The Void” y “Candy Girl”, es decir, aquellas canciones que anticipaban lo que iba a ser su nueva identidad. Porque aquí se homenajea a The Beach Boys, que además de ser una moda constante, es casi una obligación y está muy bien. La mayor parte del disco se desarrolla así, tomando la inspiración del legado de Brian Wilson y, en la práctica, recordando de la nueva hornada a gente no del todo similar como Port O’Brien, Megafaun, Fleet Foxes o el Devendra de Megapuss. Pero cuando intentamos acercarnos al universo que generó The Incredible String Band en 1968, cuando tocamos el palo de la psicodelia… uno ya tiembla. De ahí es difícil salir bien parado. El límite entre genialidad y aburrimiento es fino. Vladimir Lozano

B-Core

ROCK

1114

Quizá no sea muy significativo que sus miembros hayan dados sus primeros pasos en proyectos como -entre otros- Balano, Orquesta del Caballo Ganador o Estrategia Lo Capto, pues, a tenor de lo que se observa en este trabajo de debut, sus pasos van encaminados hacia otros derroteros. En este sentido, a pocos extrañaría que sus creadores fueran originarios de Washington DC o, sin ir tan lejos, de Euskadi, pues en verdad su música posee muchos de los elementos –robustez, electricidad, sonido grueso basado en los bajos- que también emplean unos cuantos combos representativos de todo un sector alternativo estadounidense -vía Touch And Go, Dischord y demás- o incluso de la vertiente más vigorosa del rock vasco. Rock altamente efervescente, capaz de subirnos la adrenalina tanto por lo rudo y ruidoso de su carácter -unas veces aplastante, otras sesudo-, como por el tono surrealista de las voces y sus textos. Eso, si además lo hacen sin ceñirse a ningún esquema prefijado, lógicamente desemboca en unas canciones atrayentes que hacen de ésta una obra realmente convincente. Francesc Feliu

EMINEM

“Recovery” Universal

RAP

1114

Pocos esperaban algo de valor de Eminem a estas alturas. Su cacareado regreso del año pasado en forma de “Relapse” se saldó con un disco decepcionante, sin temas a los que agarrarse y con una lírica de combate ya trasnochada y cuya pretendida acidez no era más corrosiva que un vaso de gaseosa. Si a eso sumamos que su último largo antes de la retirada, “Encore” (2004) tampoco había estado a la altura, el séptimo largo del de Detroit dejaba poco espacio a la esperanza.

Pero no. Eminem se ha sacado de la manga su mejor disco desde, al menos, el ya lejano en la memoria “The Eminem Show”.

El rapero empieza disculpándose (“Los dos últimos álbumes no cuentan”) y se muestra más relajado e introspectivo. No es que haya dejado atrás su lengua afilada, pero en esta ocasión son utilizadas con la ironía que brota de la madurez y sin el pataleo infantil que se desprendía de “Relapse”. Los singles, “Not Afraid” y “Love The Way You Lie” (con Rihanna), tienen la pegada comercial que driblaba al rapero desde hace casi una década.

Eminem vuelve a mirar hacia su interior, se vuelve a mostrar creíble y con ello consigue volver a ser relevante. Robert Aniento

DISCO ENSEMBLE

“The Island Of Disco Ensemble” Fullsteam Records

ROCK

111

Una suerte de pop-punk nervioso con algunos aderezos de sintetizador es lo que viene a poner sobre la mesa el grupo finlandés Disco Ensemble en su ya cuarto larga duración. De una de las cartas de presentación en forma de single de “The Island Of Disco Ensemble”, “White Flag For Peace”, se infiere el amor que este cuarteto tiene por los ritmos rápidos y

contundentes, algo sucios y precedentes de medios tiempos con estribillo in crescendo, como mandan algunos cánones ya manoseados de este estilo, para qué negarlo, algo abotargado. Siendo esa la gran losa que arrastra el transcurso de un disco -que deja aun así detalles como esa “So Cold”, que aúna un poco peregrinamente el “Don’t Cry For Me Argentina” con unos sintetizadores tan horteras que hasta están bien y acaban por moverte- que no es tampoco para desdeñar en su totalidad y que deja las puertas abiertas a los fineses a la mejora en próximas entregas o, mejor y más cercano aún, a subir los decibelios de algunos de los momentos rescatables de esta particular isla suya en sus conciertos. Ignacio Pato L.

FAR

“At Night We Live” Arctic Rodeo

ROCK

111

Con “At Night We Live” vuelve Far, la banda de Sacramento, en forma de disco, tras su reunión, llevada a cabo en 2007. Ya saben, los autores de varios álbumes que han tenido mayor éxito conforme el tiempo ha ido pasando, quedando como piedra angular “Water & Solutions” de 1998. Y lo cierto es que confirman lo que ya había, que Matranga y los suyos saben hacer canciones, que a veces aciertan y a veces son capaces de aburrir con saña por una especie de falta de pretensiones aun habiendo materia prima. Pero, si nos quedamos con la parte positiva, daremos con el esperanzador inicio de “Defeaning” y sus decibelios, con el homenaje que le hacen a Robert Plant en “Give Me The Reason”, con de nuevo esa tensión de “Fight Song #16, 233, 241”, el sentido recuerdo a Chi de Deftones (en coma desde hace un par de años por un grave accidente) en la canción homónima del disco o la oscuridad de “The Ghost That Kept On Haunting”. Tirón comercial, sí, pero no la capacidad de sorpresa que tenían en los noventa cuando el rock emocional de los californianos les encumbró cerca de la categoría de grupo de culto. Ignacio Pato L.

FRED I SON “Diu Que No Sap Què Vol” Sones

POP

1111

Sí. Necesitamos más discos en este país como el debut de Fred I Son. Discos pequeños a primera vista que se acaban convirtiendo en gigantes gracias a la facilidad con la que los haces tuyos. El primer esfuerzo de los catalanes tras haber sido uno de los grupos demoscópicos de Mondosonoro el pasado año, toca un género no muy transitado en nuestras tierras. Y es que aunque parezca mentira, en este país, el indie pop más selecto, ese que tiene su piedra filosofal en las primeras referencias de Postcard y Cherry Red, brilla por su ausencia salvo contadas excepciones (ahí están Le Mans para confirmar la regla). Por ello, un disco como “Diu Que No Sap Què Vol” se recibe como un milagro. Lo es por la clase que transpira, por lo bien que hace propias las enseñanzas de grupos como The Orchids, Marine Girls, The Lucksmiths, Le Mans o The Go-Betweens, entre otros, y por las catorce canciones que lo forman, todas ellas excelentes. El debut de Fred i Son es una pequeña gran declaración de amor a una forma de entender el pop en la que la modestia, la honestidad, el buen gusto y el talento lo son todo. Bravo. Xavi Sánchez Pons

(MondoSonoro · Septiembre 2010 /41/ vinilos)

el incómodo disco de M.I.A.

top10 internacional BEACH FOSSILS “Beach Fossils” Captured Tracks

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

ARCADE FIRE “The Suburbs” Universal

THE GASLIGHT ANTHEM “American Slang” Side One Dummy

KLAXONS

“Surfing The Void” Universal

GRINDERMAN “2” Mute/Pias

HURTS

“Passions” Sony BMG

PHOSPHORESCENT

“Here’s To Taking It Easy” Dead Oceans/PopStock!

EDWYN COLLINS

“Losing Sleep” Heavenly/Nuevos Medios

BEST COAST

“Crazy For You” Wichita/Nuevos Medios

SAM AMIDON

“I See The Sign” Bedroom Comunity

INTERPOL

“Interpol” Nuevos Medios

1114

Meses después de un primer single venenoso con dos de sus mejores canciones, “Daydream” y “Desert Sand”, no incluidas en este disco de debut, ha llegado el momento de la demostración para el ahora cuarteto de Dustin Payseur. ¿Será más morralla lo-fi disparada desde el epicentro de la modernez? Sí, cierto, Captured Tracks es un pequeño tesoro, pero no todo lo que reluce será oro… diría. Pues ahí va la respuesta a ciertos temores. La suma de nuevas canciones da más aciertos a estos jovencísimos.

De rebote también da más valores a la moderna Brooklyn underground scene y, cómo no, al sello que cantando en un idioma que a los yanquis –y a otros- les debe sonar a extraterrestre –el catalánha acogido con los brazos abiertos al trío barcelonés Aias. Una escudería que demuestra seguir teniendo buen olfato, aunque sean moderneces, desenterrando diamantes en bruto como Beach Fossils. Puede pecar de ser un disco algo lineal y estático, pero en verdad esto tiene su rollo. A la citada y adictiva “Daydream” añade “Youth”, “Sometimes”, “Twelve Roses” o “Vacation” y ya tienes la candidez perfecta para dejarte llevar por estos refrescantes oleajes cortados por rayos de luz que esclarecen la sombra. Todo gracias a esas telarañas de guitarras tejidas por punteos psicodélicos y algo tropicales, con ecos del jangle pop, con mucho regusto al postpunk y al garage-surf nuevaolero más lánguidos, y con la voz de Dustin algo difuminada y entrecortada. Sedante y algo jacoso, pero chutado de vitalidad.

Celestí Oliver

top10 nacional

M.I.A Foto Ravi

M.I.A.

“/\/\/\Y/\” Interscope

POP

1114

Desde que “Paper planes” partió la pana en el Billboard, M.I.A. ha sido vigilada con lupa como potencial agitadora anárquica en EEUU. Se le pueden cuestionar las vacuas declaraciones acerca del genocidio tamil y su infantiloide cabreo con el New York Times, pero nadie puede poner en entredicho el puesto de honor que hasta ahora se había ganado en el pop globalizado del siglo XXI. “/\/\/\Y/\” poco tiene que ver con aquel luminoso “Kala”. Ahora, llevada por las grandezas del dubstep y los sonidos industriales (“Meds And Feds”, perpetrada por Derek E. Miller de Sleigh Bells, es la joya terrorista de la temporada), nuestra protagonista ha radicalizado

un discurso que se regodea en la vertiente conspiradora de la red en temas como “The Message” o “XXXO”, r’n’b con sorprendente aroma a chicle. El mayor problema de “/\/\/\Y/\”, de todos modos, se encuentra en su primera mitad: relegando a Diplo a un segundo plano, Rusko y Switch, como si de unas inacabadas demos se trataran, optan por la suciedad sonora y poner patas arriba los cimientos de nuestra protagonista en “Steppin up” y “Story To Be Told”. Hasta que “It Takes A Muscle” no hace acto de presencia (sampleando a Spectral Display), el álbum no remonta (buena parte de culpa la tiene, gentileza de Suicide, “Born Free” y Diplo a los mandos de “Tell Me Why”). Y aún, encontrándonos con su trabajo menor, M.I.A. nos da fe de que a estas alturas tiene el estatus para hacer lo que se le antoje. Ya lo decía Warhol, ya sea para bien o para mal, lo importante es que la gente hable de ti. Sergio del Amo

BETTYE LAVETTE

“Interpretations: The British Rock Songbook” Anti/PIAS

SOUL

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

EL GUINCHO

“Pop negro” Young Turks/Popstock!

TOTEKING

“El lado oscuro de Gandhi” Octubre

MITTENS

“Deer Park Mirage” Lazy Recordings

JULIO DE LA ROSA

“La herida universal” King Of Patio/Ernie Records

DEPEDRO

“Nubes de papel” Pias

ANGELUS APATRIDA “Clockwork” Century Media

THIS DRAMA

“Tarantula Mata” KTC/Deep Elm

FRED I SON

“Diu que no sap què vol” Sones

BETUNIZER “Quien nace

para morir ahorcado nunca morirá ahogado” B-Core

STAY

“Passport To Freedom” Subterfuge

114

Sabe mal decirlo, pero Bettye Lavette ha perdido gran parte de la fuerza con la que asomó de nuevo la cabeza dentro del panorama del soul hace ahora un lustro, con la edición del mayúsculo “I’ve Got My Own Hell To Raise”, curiosamente, un disco que apareció en la trastienda del soul mucho antes de que el estilo estuviese de nuevo de moda gracias a Amy Winehouse, Eli Paperboy Reed o la fastuosa celebración del aniversario de la Motown.

Ya aquella aventura discográfica posterior grabando a medias con Drive-By Truckers no fue tan satisfactoria como se esperaba de un encuentro como ese, lo cual no quita que hubiese quilates de buena música.

Ahora que parece que no exista otro estilo musical más de moda que el soul, a Lavette le entra la flojera. Su apuesta es la de reinterpretar a los grandes nombres del rock británico, con The Beatles (tira hasta en tres ocasiones del catálogo de los de Liverpool), The Who, Elton John o Led Zeppelin entre la nómina de elegidos. Acude a canciones que no son las que todos imaginamos, aunque quizás no hubiese venido nada mal un poco de riesgo a la hora de escoger a los artistas. Ella canta de maravilla, eso es obvio, pero la producción es demasiado blanda, falta garra y un poco de pasión. Solamente “Salt Of The Earth” de The Rolling Stones nos hace vibrar casi al final, pero demasiado tarde ya para equilibrar la balanza. Aprobado justito. Toni Castarnado

HANNUMAN

“Estamos aquí para llevarnos sus tenedores” Hang The DJ

ROCK

111

Aunque este disco suponga el debut del trío barcelonés, sus miembros no nos son del todo desconocidos, pues sus currículos incluyen bandas relevantes del underground pasado, caso de All Ill o Unabomber, así como de un presente aún en proyección, caso de Valero. Una aparición, la suya, que acaba resultando de lo más acertada, pues cubre uno de los huecos más significativos dentro del panorama alternativo estatal, el del rock instrumental. En su caso, defienden un enclave confeccionado con influencias que pueden apuntar tanto al post-metal (aunque en conexión con el sonido más afable del género) como al post-hardcore, el math rock o el rock con prefijo post, y que ellos engarzan creando estructuras desarrolladas de forma fluida. Contundente aunque amable, funcional aunque compleja, su línea discursiva es de las que se deja llevar pero sin partir de apriorismos, manejando un sentido del equilibrio y la creatividad poco afines a la espectacularidad y que presta poca atención a los clímax y mucho menos a la ya manida calma y tormenta. Lo que se dice un inicio más que acertado. Francesc Feliu

HERE WE GO MAGIC

HIDROGENESSE

“Pigeons”

“Hidrogenesse vs. The Hidden Cameras”

Dead Oceans/Popstock!

POP

114

Existe cierta clase de discos cuya gran virtud es un sonido agradable. Sucede con los peores Stereolab, grupo con el que Here We Go Magic guarda no pocas similitudes (pop barroco, ritmos kraut). A veces daba la impresión de que Tim Gane se había concentrado tanto en crear un sonido único que olvidaba que ese sonido debía acompañar canciones.

Sucede más o menos lo mismo con parientes próximos como The High Llamas o Black Moth Super Rainbow: En ocasiones su elaborado trabajo estético no está a la altura de lo más esencial en la música pop. Tras sorprender con su debut, estaba por ver si Here We Go Magic eran capaces de llevar su etéreo y colorista pop más allá de la seducción pasajera. Y lo consiguen en parte, gracias a temas como “Collector”, en el que el grupo de Luke Temple suena como si el espíritu burlón de Devo se hubiera apoderado de una pandilla de faunos, o “Old World United”, que podría pasar por una maqueta casera de The New Pornographers. Pero buena parte del disco transcurre sin sorpresas en el estrecho margen que dejan las melodías hipnóticas y las estructuras circulares. Tan bonito como insustancial. Joan Cabot

Austrohungaro

POP

1114

Hidrogenesse, desde que en 2007 demostraron que lo suyo iba muy en serio gracias a “Animalitos”, han dado muestras de que son culos de mal asiento en el aspecto creativo. Y lejos de caer en la tan temida autocomplacencia de repetir los aciertos de su obra cumbre se han dedicado, con muy buenos resultados, a jugar con los límites de su propuesta. Hace dos años llegó “Bestiola”, un disco-sesión de treinta y nueve minutos de duración en el que presentaban temas inéditos y reinventaban de forma genial algunos de sus cortes más conocidos. Tras esa operación los tenemos de vuelta con “Hidrogenesse vs. The Hidden Cameras”, un disco donde Genís Segarra y Carles Ballesteros hacen suyas cuatro canciones del último disco de The Hidden Cameras, “Origin: Orphan”. Utilizando solo las pistas de voz de las canciones originales de los canadienses, Hidrogenesse usan todo su arsenal de sintetizadores, cajas de ritmo y demás, para darles nueva vida. Entre el tecno-pop más epidérmico y los experimentos con sustancia, el resultado es un mini-lp más que estimulante. Xavi Sánchez Pons

(vinilos /42/ Septiembre 2010 2009 · MondoSonoro)

la extraña vida de mr. e

EELS

“Tomorrow Morning” Nuevos Medios

POP

1111

Mientras espero la visita de Mr. E y tras el regalazo que supuso la lectura de su tremenda biografía, “Cosas que los nietos deberían saber” (Blackie Books, 09), llega a mis manos “Tomorrow Morning”. Parece que con este nuevo trabajo se cierra el viaje que comenzaba con

Eels Foto Archivo

“Hombre Lobo” y al que le siguió “End Times”. La austeridad sonora vuelve a estar presente en un disco que poco adorno más necesita, para convencer. Lo que si es cierto que he tenido que escucharlo algo más de lo que pensaba, pero sospecho que era más problema mío que de Everett. Estoy seguro. Hasta el quinto corte no nos encontramos con la firma inconfundible de Eels, esa “Spectacular Girl”. De todos modos, la lentísima “I’m A Hummingbird” ya avisa de que no se ha perdido, aunque en “Looking Up” nos encontremos ante un soulero teenager.

“Oh So Lovely” es casi perfecta, “Baby Loves Me” es un reclamo para los remezcladores y “The Man” el ritmo perfecto para ir caminando al súper a hacer la compra. Mr. E lo ha hecho de nuevo, y que dure. “I Like The Way This Is Going”.

Rafa Angulo

THE HOLD STEADY

HOWE GELB

IRON MAIDEN

ISAN

JEREMY JAY

Rough Trade/Popstock!

Eureka

Emi

Morr/Popstock!

K Records

“Alegrías”

“Heaven Is Whenever” ROCK

111

Quizás se deba a una fórmula demasiado clara (Sugar más Springsteen y algo de Thin Lizzy) y su comprensible agotamiento, pero ni siquiera la marcha del grupo del teclista Franz Nicolay ha servido de revulsivo para The Hold Steady, cuya inspiración ya temblaba en su anterior “Stay Positive” (Vagrant, 08) y en “Heaven Is Whenever” se acerca peligrosamente a un sonido con un descarado tufillo AOR en el que se echa de menos el nervio de sus primeros discos. No debería sorprendernos: ya en “Boys & Girls In America” (Vagrant, 06) asomaba la cabeza ese gusto por la épica americana típica de la FM, sin grandes sobresaltos, aunque por lo menos más pegadiza. Craig Finn y su grupo suenan a viejo recopilatorio de gasolinera yanqui, e incluso las letras de Finn, hasta ahora uno de los puntos fuertes de sus trabajos, suenan pálidas y desvalidas sin el acompañamiento de esa fiereza heredada de sus tiempos de Lifter Puller. El quinto disco de los de Minneapolis suena a rock bien hecho, impecable, pero del montón. Aquí falta algo.

Joan Cabot

MESTIZAJE

“Glow In The Dark Safari Set”

“The Final Frontier” 1111

A un servidor de ustedes que es un amante de la fusión, del mestizaje, de la rumbita, del flamenquito y de mover el culo, pero también del rock, el folk y el pop alternativo siempre le ha fastidiado esa postura de ciertos sectores “indies” de descalificar cualquier cosa que huela a lo que podríamos resumir, y para entendernos, como mestizaje. Son esos que se llevaban las manos a la cabeza cuando Amparo Sánchez prestaba su hermoso timbre vocal a las canciones de Calexico o no acaban de digerir que Jonathan Richman pueda colaborar de tú a tú con Muchachito Bombo Infierno. Afortunadamente los “guiris” no tienen tantos complejos de inferioridad ni prejuicios, y encima les han enseñado a tener un profundo amor por su música de raíces. Un respeto que hacen extensible a otras formas de raíz profunda como el flamenco. Y aquí es donde un maldito con aureola de grande como Howe Gelb se acerca, de la mano de músicos españoles y colaboraciones de lujo (Raimundo Amador, John Parish, Fernando Vacas...), al encuentro fronterizo entre el sur de Arizona y España. Por fortuna el duende le pilló trabajando, pues el experimento ha salido de auténtico lujo. Don Disturbios

HEAVY

1111

Los británicos son posiblemente la banda que más ha influenciado a una larga generación de músicos dentro del heavy metal.

Que saquen su decimoquinto álbum y que mantengan un gran nivel en todas sus composiciones y sigan innovando como con la intro de más de cuatro minutos de su primer tema “Satellite 15 … The Final Frontier” te hacen notar cosas que quizás un no iniciado a este grupo no captaría en su vida. Inicios que se parecen a temazos de “Somewhere In Time” como “El Dorado”, cambios de tono típicos del estilo de Iron Maiden, y, cómo no, duelo de guitarras y un bajo predominante en la escucha del disco.

“The Alchemist” es el tema más rockero y donde se comprueba la evolución de Bruce Dickinson en la voz gracias a su carrera en solitario y que tan bien ha aplicado a estos últimos discos de la doncella. “Isle Of Avalon” y “Talisman” son las canciones más largas del álbum y en las que dejan entrever de nuevo su predilección por temas progresivos (aunque “When The Winds Blow” aún es más larga). Un nuevo acierto protagonizado por una de las bandas fundamentales del Reino Unido. Eduard Tuset

ELECTRÓNICA

1114

Son el grupo por el que en vano siempre suspiró Warp Records, aquellos que definieron el sonido Morr -por mucho que quienes se llevasen la fama fueran múm- y padrinos de todo un revival electrónico-analógico que aún colea disfrazado de nuevas etiquetas como la cada vez más recurrente hauntology. Y todo ello casi sin pretenderlo, en un discreto segundo plano del que Anthony y Robin apenas han salido, al igual que nunca han necesitado salir de sus casas -cada uno de la suya- para completar un nuevo disco. Así las cosas ¿a quién le puede sorprender que hayan pasado ya cuatro largos años desde que entregaran “Plans Drawn In Pencil”? Jugueteando con la expresión popular, “Isan están, pero no se les espera”.

En parte porque su evolución a lo largo de estos casi quince años de vida ha sido de lo más sutil. Su séptimo álbum no es una excepción, si bien destaca porque el dúo británico parece renunciar de una vez por todas a las melodías naïf para, en su lugar, completar una colección de ambientes, de estados de ánimo, que posiblemente sean lo más abstracto que hayan firmado hasta la fecha. Luis J. Menéndez

“Splash” POP

“En MondoSonoro hemos superado la de los

barrera

1114

A lo largo de los años, Calvin Johnson (ex Beat Happening) se ha arropado en K Records de un plantel de riesgo (The Bundles, Old Time Relijun, The Pine Hill Haints...), gente que ama la imperfeccción, la diferencia, el carácter y, algunos, lo feo. Jeremy Jay podría pasar como su artista fetiche que acabe dejando una carrera de larga distancia, de enormes canciones. Con “A Place Were We Could Go” (08) ya se abrió tirando de inspiración en un disco perfecto.

“Slow Dance” (09) y, ahora, “Splash” le suceden, relacionándose y compartiendo más entre ellos dos que con aquél, pero sin perder el espíritu inocente, naif, burlescamente amateur que ha acomodado un repertorio sin tacha que además de garantizar regularidad, tiene golpes ganadores que no olvidamos. En su voz hay una declaración pop inacabable, una fraternización con el género que vale una fortuna. Necesitamos sus golpes de acorde tanto como la intuición y fragilidad, que sí, se han descuidado ensuciando las guitarras en composiciones más directas, pero sin desplazar del centro de gravedad a la voz imperfecta, mágica.

Vladimir Lozano

(MondoSonoro · Septiembre 2010 /43/ vinilos)

las nubes de papel de depedro DEPEDRO

“Nubes de papel” Pias

POP

1114

Tras su extensa experiencia como componente de formaciones como Vacazul o Amparanoia, Jairo Zavala ahonda en la fórmula de su debut en solitario y entrega “Nubes de papel”, un trabajo intimista, generoso con los vientos y los medios tiempos y presentado en un formato predominantemente acústico, con elementos de mestizaje global. Zavala cambia definitivamente el riff por el arpegio y el rasgueo y se deja llevar de nuevo por la influencia de sus amigos de Calexico, tal como se demuestra en la apertura con “Eternamente”, en la instrumental “Tramuntana” o en las dos canciones incluidas en inglés, “Empty Fields” y “What Goes On” (curiosa versión de The Velvet Underground,

como la podría firmar M. Ward). Aunque es cierto que existen buenos momentos al cruzar atmósferas recogidas (“Diciembre” o “La brisa” entre ellas), es en los tiempos más ligeros donde Zavala se muestra más cómodo (“Chilla que tiemble”, “Cuando el día se acaba”, “Mientras espero”). Apuesta continuista, en fin, que no sorprende ni agita en exceso, pero que asienta a Depedro en un lugar no muy frecuentado por otros grupos españoles. Jorge Ramos

THE JIM JONES REVUE

LAS CERDAS

LORDS OF BUKKAKE

Punk Rock Blues/Popstock!

Interestelar De Discos

Total Rust

“Burning Your House Down” ROCK

1114

ROCK

LOS CHICOS

“Desorden y rencor”

“Dancin’ en España”

Me alegro de que Jim Jones haya titulado su nuevo disco con el título de uno de sus singles ya conocidos previamente, “Burning Your House Down”, en la que canta con más robustez que nunca, combinando a Tom Waits y Howlin’ Wolf con Little Richard y Jerry Lee Lewis. Al leer estas últimas referencias, verán ustedes que no hay demasiados cambios en lo estilístico, aunque sí resulta ser fundamental la producción de este segundo largo del grupo del británico, mucho más pulida, menos áspera, pero igualmente cargada de energía y pegada. El responsable es Jim Sclavunos, miembro de The Bad Seeds y curtido en mil batallas (desde The Cramps a Sonic Youth). Con su ayuda, la banda del ex Thee Hypnotics da un paso adelante, haciendo más accesible su música –también un punto más clásica-, sin que pierda un ápice de la garra que les ha caracterizado hasta el momento. Y lo mejor de todo, “Burning Your House Down” no empacha. Jones sabe de qué va la historia y nos planta en los morros un disco de treinta minutos que se acaba cuando aún estamos pensando en la siguiente pirueta que nos gustaría hacer bailando sus canciones. Joan S. Luna

Depedro Foto Archivo

111

No son tan cochinos ni tan caústicos como G.G. Allin o The Dwarves, como podría dilucidarse por semejante onomástica.

Tampoco son Turbonegro ni Hanoi Rocks, pese a que su estética glam pueda dar lugar a semejantes suposiciones. Pero sí dejan claras cuáles son sus intenciones en el corte con el que abren fuego: “Dame rock’n’roll”. De ahí que salga a relucir su admiración por los Stones vía Burning (“Rey de la farmacia”), o su inequívoca filiación con las plataformas y el transformismo de New York Dolls (“Born To Be A Star”). El deje chulesco de la voz del cantante y guitarrista Anal Groove se codea con líricas algo chuscas y títulos que invocan a la hilaridad (“Yo preñada (tú en Alcalá Meco)”, “Dancin’ (mira que soy zorra ‘79)”. Saltan del castellano al inglés con el festivo y algo funky “Hot Stuff”, y se despachan con bastante fidelidad el “Rock’n’Roll All Nite” de Kiss, con un guiño al “Land Of 1000 Dances”, y un órgano que constituye otra de sus señas de identidad. Las Cerdas son al rock lo que la Fundación Tony Manero es al funk. Despiporre y verbena total.

Miguel Ángel Sánchez Gárate

METAL

“We Sound Amazing But We Look Like Shit” 1114

Sucio y atonal se presenta el segundo disco largo de Lords Of Bukkake. Los barceloneses continúan haciendo de su música una correosa apuesta de amenaza y desafío para el oyente poco familiarizado con los sonidos que practican. Desde luego, “Desorden y rencor” no es un disco para cualquier tipo de público, o al menos podemos decir que usa ese gran invento del underground que es el filtro del receptor. Pocos, pero buenos. Otra de las claves está en que Lords Of Bukkake le da sopas con ondas en dureza y actitud a un ingente número de bandas que posan como si fueran delincuentes europeos. En estos cuatro temas nuevos hay mucha chicha y casi nada que sobre, sólo música y oscuridad a través de ésta, con enganches tan efectivamente emocionales como el brillante comienzo de “Alucarda”, la cara psicodélica de la banda al descubierto en “Magia necia” o esa magna obra de doce minutos que lleva por título uno fabuloso: “Asco desesperado”. Si Toni, Jaume y Sergio continúan haciendo loas sludge a la mugre como ésta, nosotros sin duda lo disfrutaremos. Ignacio Pato L.

Dirty Water

ROCK

Cuarto disco de estos madrileños maduritos con un titulo sugerente, pero ya se sabe: las apariencias engañan. Siguen mostrándose honestos en su propuesta en canciones de apenas tres minutos donde concentran todo el rock, el blues y el garaje que corre por sus venas. Suenan a añejo, no podía ser de otra manera, ofrecen diversión y, tras unos segundos de escucha, provocan excitación y aseguran la diversión. Los Chicos saben dar forma a un sonido que atrapa. Sirva como ejemplo esa “I Bet I Win”, un gran tema de aires rockabilly y mucha pegada. Aunque ahí no acaba todo. Daremos con piezas clave para entender la actualidad del quinteto madrileño como “A Band”, “Headphones” o el tema que da título al disco.

Si aún no les has dado una oportunidad, piensa en los primeros Tokyo Sex Destruction de juerga con Doctor Explosion.

Además, todo esto bajo la producción de Mike Mariconda (The Raunch Hands, Stepbrothers). Lo dicho, por su imagen los juzgarás, pero que diantre: ¡A bailotear se ha dicho! Marcos Martín Lora

25.000 fans en

111

MELVINS

“The Bride Screamed Morder” Ipecac/Popstock!

ROCK

111

No digan que no tiene mérito que lleven casi treinta años como banda y aún sigan sorprendiéndonos con discos más o menos audaces. Y es que hablar de Melvins significa hacerlo de un combo de veteranos siempre inquieto por encontrar nuevas salidas al rock. Una gesta que esta vez vuelven a conseguir mediante un conjunto de canciones que reúne muchas de las distintas máscaras y facetas de lo que ha representado hasta ahora el sonido Melvins. En este sentido, no vamos a encontrarnos con demasiadas novedades, sino más bien con un compendio de canciones muy variadas en su contenido –por tanto ameno-, en el que quizá, lo de menos, sea su coherencia entre ellas o la compacidad de su tratamiento, sino la correcta efectividad y resolución de todo el conjunto.

Un experimento que se aleja de los tintes más convencionales de su anterior álbum, “Nude With Boots”, sorprendiendo por su heterogeneidad (con algunas incursiones altamente extrañas, entre ellas, la versión que se marcan de “My Generation”), aunque sea en detrimento de la emoción. Cuando lo bizarro predomina sobre lo interesante.

Francesc Feliu

para celebrarlo sorteamos

10 auriculares

(vinilos /44/ Septiembre 2010 · MondoSonoro)

julio de la rosa: amor y sexo SHIT ROBOT

“From The Cradle To The Rave” DFA/Nuevos Medios

ELECTRÓNICA

Julio De La Rosa Foto Archivo

JULIO DE LA ROSA “La herida universal”

King Of Patio/Ernie Records

POP

1111

Su anterior disco, “El espectador”, resultó ser para su autor algo así como esos esperanzadores rayos de luz que se filtran entre los nubarrones tras la tormenta.

Pues bien, ahora que el sol luce con fuerza en su imaginario lírico, Julio De La Rosa se desmarca con un tratado sobre dos de las fuerzas vitales que, junto al miedo a diñarla, mueven los hilos del mundo: el amor y el sexo.

Ambas no deben confundirse porque, por mucho que puedan ir de la mano, no son ni mucho menos lo mismo.

Y Julio que siempre ha sido tan crapulilla como bohemio

–puede que lo primero vaya unido a lo segundo- lo sabe muy bien. Tan bien lo sabe que nos lo explica a lo largo de dieciséis canciones en las que despliega el arte de la ironía revestido de una poesía en apariencia sencilla, pero sólo en apariencia pues al excavarla te anuda la sorpresa de la profundidad con la que radiografía el deseo, la vanidad o el desengaño. En lo musical, el álbum nos muestra a un Julio relajado, seguro de sí mismo, conocedor de un estilo propio, ya curtido, que despliega a través de melodías que parecen construidas alrededor del texto y no a la inversa. “La herida universal” es, por tanto, un disco variado que alcanza sus mayores cotas en canciones que van de la tierna delicadeza de “El amor desperdiciado” al ritmo trotón y desenfadado de “Las camareras”. Don Disturbios

MENOMENA

MORTI

MY JERUSALEM

City Slang/Nuevos Medios

Awá Records

One Little Indian

“Mines” POP

“Gone For Good”

“ExMundus” 111

La creatividad de Brent Knopf es un pozo sin fondo. Hace cosa de un año compaginaba su trabajo al frente de Ramona Falls, su proyecto paralelo, con los últimos retoques a las catorce canciones que conforman el tercer largo de la banda de Portland. A tenor de su contenido, no se deduce que la criba haya sido cuantiosa. Porque si algo se le puede achacar a “Mines”, en comparación con su predecesor, el soberbio “Friend & Foe” (07), es su dispersión. El imaginativo cromatismo de Menomena sigue ahí: los cambios de ritmo, los giros inesperados, la molla instrumental de unas melodías que, en su mejor versión, perfilan un indie tan ensoñador como pleno de nutrientes no siempre fáciles de identificar, primo hermano de The Helio Sequence, Modest Mouse o Wolf Parade. El problema no reside tanto en la anulación del factor sorpresa como en la incontestable sensación de que, quizá en su intento por dar un paso adelante, se les ha ido algo la mano.

Aunque siempre nos quedará “Killemall”, la mejor concreción pop de un disco al que le hubiera venido bien no difuminar tanto sus contornos. Carlos Pérez de Ziriza

ROCK

111

Al acabar su proyecto más prolífico con El Fantástico Hombre Bala y antes de su experimento con Bushido y su etapa en Skizoo, Morti ya había sacado a la luz “Estatua de sal” (2000) bajo el nombre de ExMundus y rodeado de amigos como Ricky Froutchman (Shuarma), Dani Baraldes (FHB, Macaco…) y Pablo Salas (The Unfinished Simpathy). Ahora bajo su propio nombre, Morti continúa con la línea trazada hace años aprovechando las buenas críticas que recibió aquel primer trabajo. Para este nuevo disco, recupera además de los antiguos componentes, temas de “Estatua de sal”, como son “Nubila Khan”, “Sopla el viento” y “Es de hiedra”, cantada a dueto con Enrique Bunbury. Morti vuelve a abrazar el pop y el rock sutil, aunque vigoroso, de la manera que lo hacía con El Fantástico Hombre Bala, y se aleja de la dureza de Skizoo, consiguiendo así unas composiciones intimas y emocionales por igual, con “Promesas” y “Ya no encajan las piezas” como bandera del disco, y una buena retahíla de medios tiempos impregnados de teatralidad circense como “Sueño contigo” o “Cielo crepuscular”. Marcos Martín Lora

ROCK

1111

Cuando Jeff Klein entró a formar parte de The Twilight Singers y The Gutter Twins ya llevaba tres notables trabajos en solitario.

En cualquier caso, sus días con Greg Dulli, alguien con quien comparte algo más que recuerdos de carretera, han supuesto un antes y un después para el músico, marcando un punto de inflexión tanto en su manera de componer, aunque puede que sutil, como a la hora de encontrar socios para su nuevo proyecto: encontramos a miembros de Great Northern, The Polyphonic Spree, Bishop Allen y su compañero en The Twilight Singers Dave Rossner. “Gone For Good” recurre además a una narrativa que le sonará familiar a cualquier fan de Afghan Whigs, de Dulli e incluso de compadres de borrachera de éste como Mark Lenegan: ese tremendismo cuasi bíblico para hablar de lo mundano, un malditismo estoico que busca algo de luz en cualquier pozo imaginable... Y eso que el álbum arranca con un pequeño engaño, “Valley Of Casualties”, un amago de fácil redención que inmediatamente después “Sweet Chariot” se encarga de desbaratar. La Tierra Prometida no se alcanza sin esfuerzo. Joan Cabot

1111

Iba siendo obligado que, después de montar las fiestas electrónicas más molonas de New York durante años y publicar algunos maxis que prometían un futuro brillante, Marcus Lambkin debutase en larga duración con el sello de sus vecinos y sin embargo amigos DFA. Lambkin, recuperando temas ya conocidos y añadiendo novedades, completa un debut que se disfruta de principio a fin repetidamente, en una aventura de disco ochentas, sonidos analógicos y house a la manera de la factoria capitaneada por Murphy y Goldsworthy. Ahora bien, no se equivoquen: Lambkin no anda solo, sino que, además del propio Murphy (que participa en la composición de algunos cortes y en las voces de “Triumph”), le echan una mano Juan Maclean, Nancy Whang, Alexis Taylor de Hot Chip, Saheer Umar del dúo House Of House o un Ian Svenonius (The Make Up). Un disco que nos recuerda de nuevo que DFA no es un sello como los demás, sino uno muchísimo mejor y más divertido. Joan S. Luna

PLAN B

“The Defamation Of Strickland Banks” 679 Recordings/Warner

POP

111

MC con ínfulas de convertirse en un relevo británico de Eminem se pone el mundo por montera y decide publicar un álbum de soul conceptual. Para mear y no echar gota, ¿verdad? Pues con esto mismo es con lo que nos ha sorprendido Plan B en su segundo álbum, una prueba de fuego en forma de largo con la que Ben Drew da su parecer de la Motown inspirándose en la ficticia historia de un cantante convicto acusado falsamente de un delito que nunca cometió. Los ecos de Otis Redding y Smokey Robinson son las bases de este “The Defamation Of Strickland Banks” que abre acertadamente con un single que suena a Lionel Richie, “Love Goes Down”. Drew sigue incrustando (con mayor o menor acierto) sus rapeados en temas como “Stay Too Long” o “She Said”, pero desde un principio quiere dejarnos claro que puede cantar más que dignamente. Y supera el reto en la mejor canción que podremos encontrar, “Prayin’”, que recuerda, por igual, a revitalizadores del soul contemporáneo como Amy Winehouse y Gnarls Barkley. Pocas veces se había visto un rapero con tales delirios de grandeza abocado a alcanzar las mieles del público mayoritario (obviando el ego de Kanye West), así que la metamorfosis es digna de aplaudir. Sergio del Amo

VV. AA.

“A Selection Of Tunes Recorded At The Red Bull Music Academy London 2010” Red Bull Music Academy

ELECTRÓNICA

111

Entre los muchos milagros que se han producido en el mundo de la música en la última década brilla con luz propia la creación del Red Bull Music Academy, unas jornadas anuales e itinerantes en las que

algunos de los mejores alquimistas de la escena electrónica internacional interactúan e intercambian experiencias con sus colegas bajo la atenta mirada de pesos pesados como Jeff Mills o Steve Reich, que hacen las veces de profesores. El caso es que su última edición tuvo lugar en Londres con la participación de sesenta alumnos y profesores entre los que se encontraban nombres del calibre de Hudson Mohawke, James Pants, Lucrecia Dalt, Modeselektor, Marco Passarani o TOKiMONSTA, y este doble CD lo que hace es recopilar el resultado de las colaboraciones entre todos ellos. Resultado que no deja de ser un interesante laboratorio de pruebas, un espacio abierto a la experimentación y la colisión de estilos (grime, IDM, house, un soul, electropop…) que, como tal, no aporta ninguna pieza memorable, pero logra su objetivo de documentar un muy especial momento de comunión musical. Luis J. Menéndez

ROWLAND S. HOWARD “Pop Crimes” Infectious/Pias

ROCK

1111

Rowland S. Howard falleció víctima de un cáncer de hígado el pasado 30 de diciembre de 2009. Desde hacía unos meses sabía que se aproximaba el fin, así que aceleró el proceso de grabación de “Pop Crimes” en la medida de lo posible para convertir el disco en una suerte de epitafio. Retirado del circo musical desde que, a principios de los noventa, pusiera punto y final a These Inmortal Souls, un retiro que apenas abandonó, poco más que para firmar su debut en solitario “Teenage Snuff Film” en 1999, la concepción musical del que fuera guitarrista de The Birthday Party y Crime & The City Solution evolucionó con el tiempo, paralela a la carrera de su antiguo compañero de batallas Nick Cave: cada vez más cercano al concepto crooner, entregado a una oscuridad romántica que tiene aquí momentos álgidos como “Ave Maria” o el arranque con “(I Know) A Girl Called Jonny”. Todavía queda espacio para el blues ponzoñoso marca de la casa, aquel que dio sentido a la aventura These Inmortal Souls y que con “The Golden Age Of Bloodshed” pone punto y final a un álbum hermoso por lo que es pero también por lo que representa. Luis J. Menéndez

RUSKO

“O.M.G.!”

Mad Decent/Nuevos Medios

ELECTRÓNICA

1114

Además de ciudadano británico, Chris Mercer es un actor influyente en la escena dubstep desde que abandonó su Leeds natal para instalarse en Londres, donde empezó a pinchar habitualmente junto a Caspa. Precedido por el éxito de su single “Cockney Thug” (Sub Soldiers, 09), su debut para el sello de Diplo no hace más que acreditar la apertura del género hacia un sonido menos purista: ya no hay tanta distancia entre Baltimore y el Reino Unido.

“O.M.G.!” es de hecho un ejercicio de estilo en toda regla. Rusko no renuncia a nada e incluso se atreve con cortes cercanos al house de Basement Jaxx (“Feels So Real”), el drum’n’bass (“Kumon Kumon”) y a recordar su pasado en los Sound Systems de su ciudad natal (“Rubadub Shakedown”). La piedra angular de este debut la encontramos, en cualquier caso, en ese “Woo Boost” inicial, corte a medida para las sesiones del capo del sello: contagiosamente enérgico, sulfúrico y dinámico a pesar de un tempo ralentizado. Un hitazo, vaya. Joan Cabot

(MondoSonoro · Septiembre 2010 /45/ vinilos)

SAM AMIDON

“I See The Sign” Bedroom Community

FOLK

1111

Un pie en la tradición, otro en un presente aún por desvelar. El americano Sam Amidon vuelve a poner sus composiciones en manos del islandés Valgeir Sigurdsson (Björk, Bonnie ‘Prince’ Billy) para dar forma a su cuarto álbum, un disco que debería garantizar su entrada en la corte de los grandes revitalizadores del folk de nuestros días. “I See The Sign” produce una sensación extraña: la de algo atávico, puro y plácido, algo que está allí desde el principio de los tiempos, envuelto en un sutil manto de contemporaneidad.

La habilidad de Amidon y Sigurdsson reside en hacer que estos elementos cohabiten orgánicamente. El ejemplo más claro de ello quizás sea la cinética y a la vez serena “How Comes That Blood”, en la que el banjo y la voz cabalgan sobre un ritmo secuenciado.

“Pretty Fair Damsel”, “Your Better Mind” (junto a Beth Orton) o la preciosa y devastadora “Rain And Snow” sitúan a Sam Amidon al lado de Will Oldham y Bill Callahan entre los cantautores folk destinados a definir los límites del género. Joan Cabot

SOL LAGARTO

“Días mejores... (?)”

Music Bus/Warner

ROCK

1111

Por fin tenemos de vuelta a uno de los clásicos del rock en castellano de la última década. Sol Lagarto se dieron a conocer a principios de la misma -antes incluso de grabar su disco de debut- noqueándonos con sus explosivos directos y despertando el culto de un número de fieles nada despreciable.

Se les asociaba entonces al rock sureño y a los primeros M-Clan, hasta que, coincidiendo con su tercer álbum y aprovechando el empuje de los cambios en su formación, supieron desencasillarse y enriquecer su abanico sonoro con influencias de otros estilos como el funk. En este “Días mejores... (?)”, los barceloneses se reafirman en su amplitud de miras, acentuándola en función de quién escribe cada tema. Pero más allá del registro estilístico, lo realmente importante es la solidez que demuestran en estos días (seguro que mejores) en los que ha acabado para ellos la locura de engullir cientos de kilómetros en un tiempo récord. Por eso, aquí encontramos unos Sol Lagarto que evolucionan sabiendo encontrar la pausa, pero también revisitando sus raíces con la confianza que proporciona la experiencia. Es un disco impecable, créanme. Y como decía al principio, de un grupo ya clásico. Xavier Llop

SOULFLY “Omen”

Roadrunner/Divucsa

METAL

1111

Max Cavalera no para y edita nuevo disco. “Omen” es su séptimo trabajo, con lo que ya ha hecho más que con su banda madre, Sepultura. Aquí recupera la agresividad y fuerza que, a veces, se habían quedado por el camino (no hace falta más que escuchar el primer corte, “Bloodbath And Beyond”, para tener una muestra fehaciente de ello). Tanto Cavalera como su

guitarrista Marco Rizzo han evolucionado hacia los terrenos más thrash y hardcore primitivo de su trayectoria, añadiendo ahora partes lentas y parones propios de los tiempos actuales. En todo caso, con este disco Soulfly, o mejor dicho Max Cavalera, nos ofrece una verdadera declaración de principios como una patada en la cara.

“Omen” es lo que nos gusta escuchar del brasileño, y canciones como “Great Depression” nos hacen retroceder a tiempos que echábamos de menos. Las grandes bandas vuelven y los buenos discos van y vienen. Ya que costará reunir a los Sepultura originales, espero que este disco sirva al menos para que no miremos demasiado al pasado. Eduard Tuset

La selección Jäger:

best coast: eterno agosto

STAY

“Passport To Freedom” Subterfuge

ROCK

111

Stay no podría haber escogido mejor nombre para “Passport To Freedom”, su nuevo disco, el tercero y la llave que confirma el camino de la banda hacia el rock’n’roll. Temas que a golpe de guitarras, uptempos, panderetas y teclados refrescan las calurosas noches estivales.

“The World Is In Our Hands” abre el disco y lo hace de manera contundente, en toda una declaración de intenciones sonoras.

Aunque también hay lugar para el tonteo con estilos más próximos al pop sixties y psicodélico de sus inicios o incluso a la americana, como en “Thoughts And Beliefs”. Canciones pegadizas y de fácil escucha que se cuelan rápidamente en el subconsciente. En temas como “Losing You” y “Master If The Earth”, los catalanes orbitan en la línea de The Sunday Drivers, quién sabe, incluso podrían asumir el espacio dejado por los toledanos. Si algo se le puede echar en cara a este nuevo disco es, quizá, la falta de un sonido propio diferenciado. Aunque la originalidad se puede sacrificar en un álbum en el que los temas fluyen con naturalidad y atrapan por su rebosante energía. Marta Terrasa

STONE SOUR

“Audio Secrecy” Roadrunner/Divucsa

ROCK

111

Sin duda, Stone Sour no habrían llegado tan lejos sin el enorme impacto de Slipknot, en el que militan dos de sus miembros, Corey Taylor y Jim Root. No menos cierto es que la banda no habría crecido como lo ha hecho sin buenas canciones. Y “Audio Secrecy”, una vez más, las tiene. No solo eso, sino que se percibe en su conjunto una personalidad cada vez más definida y menos deudora del sonido de los enmascarados, como ya apreciamos en su anterior “Come What[ever] May”. “Mission Statement” supone un gran arranque, con gancho y buenas armonías, pero también de una notable crudeza. “Digital” tampoco se queda atrás, con una parte central progresiva bastante novedosa. Aunque el viraje hacia su faceta más melódica no se hace esperar, con la concatenación de los medios tiempos “Say You’ll Haunt Me” y “Dying”, la mejor de las baladas de un disco que peca de exceso de ellas (hasta siete, la mitad del álbum). Puede que alguna de ellas (“Hesitate”, quizás) repita el fenómeno de “Bother”, nunca se sabe. Pero por si acaso, en “Unfinished”, “Nylon 6/6” y “The Bitter End” vuelven a poner la directa. Dos mitades demasiado diferenciadas para un disco en el que, a pesar de todo, suenan mejor que nunca. Sin competidores a la hora de mezclar metal moderno y el rock americano más radiable. David Sabaté

Best Coast Foto Maja Fink

BEST COAST

“Crazy For You” Wichita/Nuevos Medios

POP

1111

La ingenuidad es un elemento consustancial a la música pop. Si algo nos permite afirmar que el pop nos hará eternamente jóvenes es precisamente la dolorosa resistencia con la que artistas como Brian Wilson, Smokey Robinson o Phil Spector se han enfrentado al inevitable proceso de convertirse en un ser adulto, ese punto en el que se supone que debemos enfrentarnos a las cosas de la vida con madurez. Frente a eso, nos queda la ingenuidad del primer amor, la primera decepción sentimental, esa que parece que nos dejará marcados para toda la vida pero que no tardaremos en olvidar, y la heroicidad que supone mantener esa fe cándida a toda costa. Bethany Consentino canta al

amor en términos abiertamente ingenuos, los de cualquier adolescente que escribiera su primera balada en una habitación llena de pósters de The Ronettes, The Beach Boys y The Jesus And Mary Chain; su música es obcecadamente simple, sin más artificio que el uso constante de la reverb, pero escuchar “Crazy For You” es una invitación a pasear de la mano de Consentino por una playa desierta. Y ella es, además, una compositora torrencial que no ha necesitado rescatar ningún tema de los numerosos singles que han precedido este primer álbum. Como suele suceder con nuestro primer amor, quizás la hayamos olvidado para el próximo verano, pero seamos ingenuos. Pensemos que este agosto va a ser eterno y que no vamos a crecer nunca. Joan Cabot

(vinilos /46/ Septiembre 2010 · MondoSonoro)

edwyn collins recupera el pulso STROMBOLI NO

“Autotaxidermia emocional crónica” Siete Señoritas Gritando

POP

1114

Reparen en la paradoja: Stromboli No, grupo de música con inevitable orientación a la nostalgia en sus acciones y sensaciones, da un portazo más a la idea (inevitablemente nostálgica también, pero sobre todo snob como la mayoría de las opiniones indemostrables) de que antes se hacía mejor música que ahora. Los de Barcelona son otras hormiguitas que poco a poco se han labrado un camino que es el que ellos quieren, y no otro. Y eso ya saben que se nota. Raúl Piedras escribe por encima de la media, suenan inquietantes pero a la vez relajados, un debut que parece un quinto o sexto disco (¿el que nunca llegó de Piratas? ¿el de Standstill si en lugar de ser geniales hubieran sido buenos?) y tienen una sobriedad que pondrá nervioso a quien no sepa estar a solas consigo mismo. A ese no está destinado este “Autotaxidermia…”, pero aquel a quien le guste el contenido y decida comprar el disco en formato físico tiene además premio: su diseño artesanal es tan sencillo como elogiable. Ignacio Pato L.

Edwyn Collins Foto Archivo

EDWYN COLLINS “Losing Sleep”

Heavenly/Nuevos Medios

POP

1111

El camino hacia la luz que ha recorrido Edwyn Collins tras sufrir en 2005 una doble hemorragia cerebral que a punto estuvo de apartarle de la música para siempre ha sido largo y difícil. Por eso este “Losing Sleep” es tan especial. Lo es no solo porque presenta a un Collins ya recuperado en gran parte de su enfermedad, sino porque también nos lo devuelve en su mejor forma, la de los primeros trabajos de Orange Juice. Rodeado de

amigos y fans (en el disco participan miembros de Franz Ferdinand, The Magic Numbers, The Cribs, The Drums, e incluso Johnny Marr), lo más gratificante de “Losing Sleep” es que las mejores canciones son las que vienen firmadas en solitario por el músico escocés. Tomen nota: “Losing Sleep”, “Bored”, “Over The Hill” y “Searching For The Truth”, las tres primeras cumbres absolutas de pop soul de guitarras, cortan la respiración. La guinda del pastel es “All My Days”, corte en el que Roddy Frame (Aztec Camera) contribuye con su guitarra cristalina. Crónica emotiva de las luces y sombras de su recuperación, el nuevo disco de Collins es una de las mejores noticias de este 2010. Xavi Sánchez Pons

VV. AA.

AUDIO BULLYS

CANCER BATS

“Bears, Mayors, Scraps & Bones”

“Embolingats... Un tribut a Skatalà”

Cooking Vinyl

Roadrunner/Divucsa

Black Borinot

“Higher Than The Eiffel” ELECTRÓNICA

11

Cierto es que en 2003 Audio Bullys lograron que se nos abrieran las carnes, de par en par, con aquella tremenda y golfa apuesta sonora que bebía directamente de los charcos que aún rezumaban de las últimas grandes raves noventeras diestramente salpimentados con esa patina quebradiza, garajista y hip-hopera que tan bien le sentaba en lo alto de la cresta. El caso es que el tiempo ha pasado y aquellos adorables juligans del house han mutado en una especie de The Chemical Brothers -en versión suavita, vocal y funkoide- más pendientes del estado de su cuenta corriente y ser cabezas de cartel de Glastonbury que en epatar o sorprender a nadie.

Que cuando este indolente “Higher Than The Eiffel” por fin parece empezar a moverte el juanete derecho te corte el rollo un tema tan prescindible y escaso de talento como es “Daisy Chains” es como para buscar un juzgado de guardia. Menos mal que recuperan el tono con “Fell Allright” -mejor tema por tumbao y peleón- que rápidamente vuelven a extraviar sin solución de continuidad con “Twist Me Up”, una especie de guiño al indiepop más trasnochado, ñoño y tabernario.

Fernando Fuentes

HARDCORE

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No hay lugar para la nostalgia: sigue habiendo grandes grupos y discos de hardcore. “Bears, Mayors, Scraps & Bones” lo es, y convierte a su titular, Cancer Bats, en una realidad rotunda tres álbumes después. Un disco violento y amenazador, un tercero donde muchos pinchan y donde los de Toronto no lo han hecho. No han rebajado la dureza de su propuesta y eso cuenta con mayor mérito dado ese peligro en forma de despacho discográfico con afán edulcorante que suele amenazar este tipo de propuestas. Pero para prevenir eso ahí están “Trust No One” o ese “Dead Wrong” con vocación de himno, los aires de metal sureño en “Doomed To Fail”, “Darkness Lives” y “Raised Right” o la conseguida “Scared To Death”. Sí que es cierto que da la sensación de que de los catorce temas alguno podría haberse quedado fuera y así la entrega hubiera ganado en ferocidad y contundencia, algo que sin duda habrá en el potentísimo directo que traen los canadienses a nuestro país junto a The Dillinger Escape Plan. Vayan por tanto pronto a la sala, chicos: merecerá la pena. Ignacio Pato L.

SKA-PUNK

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Reivindicar ahora que se cumplen veinticinco años de su formación la importancia y respeto que merecen los miembros de Skatalà parece tan obvio como necesario.

Lo exiguo de su discografía (la maqueta, dos discos y el directo de Padova) sólo contribuye a hacer más grande su leyenda, ahora actualizada con la visión de algunos de sus temas más clásicos por parte de una selección de bandas que se antoja bastante acertada. Algunos de los highlights de “Embolingats” son ese “Boski” macarra de Subterranean Kids, los inmisericordes The Capaces con “Bolingas”, el ineludible “Capità Swing” teñido de blaugrana de Fenicians, la maquinaria jamaicana de The Cabrians recreando un temazo como “Waltzing Mathilda” o Root Diamoons recordando otro himno como “Iaio Bugia”. Sirva por igual esta colección de revisiones de clásicos de Skatalà para hacer justicia a la banda pionera de la fructífera escena jamaicana en Catalunya y también para que las nuevas generaciones se interesen y conozcan una gran raíz del árbol de sonidos negros en el Estado.

Ignacio Pato L.

TOM PETTY & THE HEARTBREAKERS “Mojo”

Reprise records

ROCK

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El rock, y en general cualquier música apegada a una tradición o de raíces, vive desde el principio en un bucle en el que todo se recicla para regurgitarse y de nuevo vuelta a empezar. Si Tom Petty tenía a The Byrds en su visor cuando empezó su carrera a mediados de los setenta, muchos son los músicos más jóvenes que lo han adoptado a él para dar el pistoletazo de salida a la suya. Pues bien, el decimoquinto trabajo del maestro Petty con sus Heartbreakers es el logrado intento de un regreso a los orígenes de todo. A lo que sería la madre del cordero. Un viaje al blues de B.B. King (Running Man’s Bible) o Muddy Waters (“Takin My Time”), a la psicodelia de Buffalo Springfield (“First Flash Of Freedom”) o al rock correoso de LedZep (“I Should Have Know It”). Y es que por atreverse a recuperar sonoridades añejas, incluso se lanza con un reggae que provocará algún sarpullido, aunque en realidad tampoco desmerece. Y lo mejor del disco, obviamente, es la pericia, clase, elegancia y solera instrumental con lo que está todo ejecutado, sin apenas repeticiones y manteniendo el espíritu de una banda que los tiene ya pelados, intacto. Una delicia de sonidos clásicos que no provocará desmayos, pero sí te hará pasar un buen rato. Don Disturbios

UNICORNIBOT

“Hare Krishna” Autoeditado

MATH-ROCK

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Más instrumentales. Síntoma de una salud patria mejor de la que muchos auguran, Unicornibot son también destacables en el particular. ¿Y cuál es éste?, se preguntarán. ¿Qué les hace diferentes de otros? Es difícil responder, pero como virtudes de los gallegos cabe citar una concreción sinónimo de

conexión inmediata con aquellos que disfrutan a rabiar de bandas como The Joe K-Plan (“SuperMarioCésar” como homenaje) o Picore, una manera de entender el math-rock directa y una integral de su sonido que dota al conjunto de una cohesión (incluyendo el cada vez más importante diseño y la marginación del CD en su lanzamiento en vinilo y descarga gratuita) que les sitúa a la vez en un terreno favorable y casi militante desde el que continuar haciendo lo que hacen. Masterizado por Bob Weston, suena muy, muy bien y dura menos de media hora, razones de más para prestarle atención. Eso sí, deberán desplegar armas más contundentes y profundizar en su propuesta debido a la gran calidad y cada vez mayor presencia (aunque toda sea poca) de bandas instrumentales que tenemos cerca. Ignacio Pato L.

VILLAGERS

“Becoming A Jackal” Domino/Pias

POP

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“Becoming A Jackal” es uno de esos discos que surgen más como producto de individualidades singulares que como resultado de la alineación con catálogos de temporada. En él, el dublinés Conor O’Brien canta y toca la mayoría de los instrumentos para debutar de largo y colarse con sigilo y seguridad en la lista de doce candidatos para el Mercury Prize de 2010. Y bien que lo merece. Como buen irlandés, en su aproximación poética O’Brien se lo juega todo, y medio y mensaje van de la mano. Al igual que Conor Oberst, con quien comparte mucho más que nombre de pila, pasa en un pestañeo de la desnudez sentimental (“The Meaning Of The Ritual”) al relato de terror (“Home”) o al derrumbe confesional (“Becoming A Jackal”). Y lo hace cantándote a la cara, masticando todas las palabras, hablando en primera persona, sin ironías ni esnobismos, y echando mano de un revestimiento sinfónico que parte del folk y evoluciona hacia el pop adulto para grandes audiencias. A ratos excesivamente rimbombante, “Becoming A Jackal” es espiritual, muy lírico y está muy bien cantado. Difícil no disfrutarlo. Jorge Ramos

RAYDEN

“Estaba escrito” Boa

RAP

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El rap nacional nunca había gozado de un ecosistema tan diverso como ahora. Nos estamos acostumbrando a escuchar trabajos que huyen de la tradicional escuela hardcore para abordar el hip hop de formas dispares, y esa es una gran noticia. Miembro de uno de los grupos más interesantes del panorama nacional, A3Bandas, y con un don especial para el freestyle, Rayden puede ser el MC que al fin abra una brecha en la escena para un discurso diferente al habitual, alejado de la batalla. A diferencia de otros artistas cuyo público potencial está tanto dentro como fuera del rap, Rayden apunta directamente al corazón del b-boy a fuerza de convertir “Estaba escrito” en una declaración de principios tanto artísticos como humanos. El MC de Alcalá de Henares aborda temas de lo más diversos: cumplir los treinta (“Veintitantos”), las relaciones (tanto “Mariposas” como “Síndrome de Otelo”), el relato generacional (“Imágenes”), las estrecheces (“Malvivir del nombre”) o algo tan mundano como ir en metro (“El pasajero”). También hay pelea, pero con “Sastre de sonrisas”, el antídoto definitivo contra el tremendismo, Rayden ya ha dejado claro que lo suyo va más con eso que los Monty Python llamaban el bright side of life. Joan Cabot

R U O T H S I N A P S S K THE MORLOC

MORLOCKS PLAY

07/09/10 08/09/10 09/09/10 10/09/10 11/09/10

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CHESS

JIMMY JAZZ / VITORIA-GASTEIZ LA BOCA DEL LOBO / MADRID ESTUDIO 27 / BURGOS JAPAN ROCK CLUB / VILA-REAL “LA 3” / VALENCIA

+ LOS ESPANTOS + HOLLYWOOD SINNERS

“The Runaways” Foto Archivo

MondoSonoro · Septiembre 2010 /49/

MONDOMEDIA CINE

Floria Sigismondi

Teenage kicks El 10 de septiembre se estrena en nuestro país “The Runaways”, notable biopic sobre la legendaria banda femenina de punk rock adolescente liderada por Cherie Currie y Joan Jett en los setenta.

Dirigida con pulso firme por Floria Sigismondi, la película huye de los tópicos del género para convertirse en un apasionante y duro retrato sobre la adolescencia.

E

l terreno del biopic musical es más que resbaladizo. La historia del cine está plagada de películas sobre grandes figuras musicales que apenas pasan de la corrección académica y el espíritu casi enciclopédico. “The Runaways” podía haber caído en ese saco, pero su directora, la reconocidísima realizadora de videoclips Floria Sigismondi, ha sabido superar las limitaciones del género y sacar jugo a la historia de la que fue, sin ningún tipo de dudas, la banda de punk rock adolescente más importante de la historia. Con un pie en “Over The Edge” y otro en “Ladies And Gentlemen, The Fabulous Stains”, dos de los relatos más certeros, duros y malcarados de lo que significa ser un adolescente inadaptado, “The Runaways” brilla con especial fuerza cuando apuesta por el retrato más crudo de la adolescencia. Sigismondi, que debuta con este filme en el mundo del celuloide, nos atiende vía telefónica desde Londres. “Me gusta muchísimo la escena del

rock’n’roll y esta película suponía una especie de vuelta atrás a mi propia juventud.

Estas dos chicas juntas, en un momento tan especial, durante trece meses... Todo eso me intrigaba y quería contarlo”. Las dos chicas a las que se refiere la directora canadiense son Cherie Currie y Joan Jett, núcleo duro de The Runaways durante su etapa más exitosa (la que comprende la grabación de “The Runaways” y “Queens Of Noise”). Una época en la que la banda, formada por cinco adolescentes en Los Angeles de mediados de los setenta, vivió en primera persona las luces y las sombras del negocio de rock. De hecho, ahí radica uno de los aciertos del film, su falta de mojigatería a la hora de mostrar los excesos con las drogas y el sexo. “Después de reunirme con las chicas tenía claro que esta película necesitaba ser calificada para mayores, porque las historias de sexo, drogas y demás debían ser contadas, estaban ahí. No quería tener

problemas ni tener que suprimirlas. Los productores desde el primer momento estuvieron de acuerdo conmigo. No habría sido honesta con The Runaways sin esta parte”. Buena parte del éxito “The Runaways” se apoya en un dúo protagonista de lujo. Kristen Stewart, como Joan Jett, y especialmente Dakota Fanning, como Cherie Currie, están más que convincentes en su papel de punk rockers adolescentes. “Me emocioné mucho al saber que Dakota había aceptado el papel. Creo que es una actriz estupenda. Además, interpreta a Cherie sin sentir pena por ella,

la cara de ese robaescenas que es Michael Shannon. Sigismondi contactó con Fowley para preparar la película. “¡Ha sido la cosa más increíble que he hecho en mi vida! Fue una reunión de cuatro o cinco horas. Fue encantador y hasta se trajo unas cuatro cajas llenas de fotos, recuerdos. Muy preparado para mostrar su versión de la historia. Así que el reto estaba ahora en contar cómo era su personaje, porque si te basas en los recuerdos de cada chica, la versión de Fowley es totalmente distinta. Si tuviera que tomar sólo el testimonio de Currie, creería que era un villano. Pero después hablas con Joan y todo lo que te cuenta son risas y el tiempo genial que pasó con su banda y un Fowley muy divertido. La complicación llegó a la hora de mostrar un personaje retorcido, pero con ese punto

“Después de reunirme con las chicas tenía claro que esta película necesitaba ser calificada para mayores” lo que hace que todavía sea más creíble.

Para mí, uno de los aspectos clave era que las chicas entendieran la música de The Runaways y lo hicieron. Se fueron a ensayar varias veces con la banda de mi marido para que vieran y tocaran cómo era aquello de verdad. Dakota lo pilló y fue más allá de una simple actuación”. El tercer protagonista en discordia del film es Kim Fowley, bufón y trilero del rock antes que el mismísimo Malcolm McLaren. En “The Runaways“ tiene

divertido, curioso a la vez”. Las verdaderas Joan Jett y Cherie Currie (la película esta basada en su autobiografía “Neon Angel: The Cherie Currie Story”), también estuvieron muy implicadas en el rodaje. “Era una pasada, porque nos dieron muchísimo apoyo. Joan Jett es una de los productores ejecutivos y ayudó mucho, sobre todo a Kristen. No me gustaría hacer una película sobre la vida de alguien sin contar con su apoyo, la verdad”.

■ Xavi Sánchez Pons

Adolescentes rebeldes música pop y cine

“Riot On Sunset Strip”

(Arthur Dreifuss, 1967) Típica producción exploit de la entrañable American International Pictures, esta película aprovechó las revueltas reales juveniles que tuvieron lugar en legendario barrio de Hollywood en 1966 para trazar un amarillista relato con Mimsy Farmer a la cabeza y cameos de The Chocolate Watchband y The Standells.

“Rock’n’Roll High School”

(Allan Arkush, 1979) Obra cumbre del cine teen más pasado de vueltas, esta producción auspiciada por Roger Corman tendría que ser un rito iniciático obligado para todos los adolescentes del mundo.

PJ Soles, con la ayuda de Ramones, tendrá que acabar con el régimen autoritario de la nueva directora del instituto, la warholiana Mary Woronov. ¿Hace falta decir algo más?

“Over The Edge”

(Jonathan Kaplan, 1979) Hubo una época en la que Tim Hunter fue el mejor cronista de la desazón adolescente americana de los setenta y ochenta. Suyo es el guión de “Over The Edge”, una durísima visión de la América suburbana protagonizada por un Mat Dillon quinceañero y contada a ritmo de canciones de Ramones, Cheap Trick y The Cars. Obra maestra.

“Ladies And Gentlemen, The Fabulous Stains”

(Lou Adler, 1982) Lou Adler, toda una figura del pop californiano de los sesenta, refleja el ascenso de un grupo de chicas de punk DIY procedentes de una gris ciudad industrial de los Estados Unidos que son puro white trash. Protagonizada por una jovencísima Diane Lane, es el precedente más claro de “The Runaways”.

“This Is England”

(Shane Meadows, 2006) Shane Meadows, bestia parda del cine inglés que tiene muy pocos títulos estrenados en España (intenten ver “Dead Man’s Shoes”, el “Kill Bill” británico en versión rural), consiguió en su sexta película un acertado retrato de la cultura skin de los ochenta que flojea, eso sí, cuando toca cuestiones políticas. Suenan The Specials, UK Subs y los Dexy’s. ■ X.S.P.

mondorecomienda

CINE “Gainsbourg. Vida de un héroe” Foto Archivo

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ FANZINES

cómics

Tenemos la bomba de neutrones

Indigno de ser humano

Igual o mejor que su hermano mayor, el obligatorio “Por favor, mátame”, el tomo que nos ocupa es un orgiástico repaso por la pionera escena punk de Los Angeles contado en primera persona por sus protagonistas. Los génesis de The Runaways, Go-Go’s, X, Weirdos... X.S.P.

Demostrando que temas como la autodestrucción o el enfrentamiento del individuo con la sociedad no entienden de fronteras ni de diferencias culturales, el japonés Osamu Dazai, suicidado a mitad del siglo pasado, creó en esta breve novela la figura de un inadaptado. J. Picatoste Verdejo

Marc Spitz & Brendan Mullen Munster Books (11111)

Osamu Dazai Sajalín (111)

Joan Sfar

Litros de alcohol Patti Smith

Acero

Una muchacha de veinte años llega a Nueva York en busca del romántico sueño de ser artista. Empieza por dormir en la calle y pasar hambre, pero el destino la unirá de por vida a su alma gemela. Él atesora el mismo sueño, y ambos se conjuran para lograrlo. Ella es Patti Smith y él Robert Mapplehorpe. D.D.

Si la almibarada saga crepuscular de los vampiros es el pop, “Acero” representa el after punk y la resaca. Pero no se equivoquen, la relación nada asexuada entre Justine y Keith se plasmó hace más de una década, y es ahora que podemos disfrutar de esta historia de amor y venganza.

Ignacio Pato L.

Historias, excesos

Querido diario

“Éramos unos niños” Ed Lumen (1111)

y tribulaciones de la mal llamada Música Gay

Andrés López Martínez Milenio (111)

Todd Grimson Valdemar/Es Pop (1114)

Lesley Arfin Alpha Decay (1111)

Resulta algo contradictorio enfrentarse a un libro que al mismo tiempo que se intenta evitar que hablemos de música gay, el autor se empeña en subrayar ese punto en la mayoría de creadores.

Ernesto Bruno

A la manera del Jonathan Caouette de “Tarnation”, pero en versión escrita, el descarnado diario de Arfin cuenta todos los detalles del descenso a los infiernos de una adolescente criada en los noventa fan de los Beastie Boys y “Reality Bites”.

A un paso de la pornografía emocional, el libro de la neoyorquina convence. X.S.P.

VV. AA.

La niña desdichada

En 1965 se llevó a cabo uno de los últimos procesos judiciales por inmoralidad que se recuerdan en occidente. El título protagonista, “El almuerzo desnudo” de William Burroughs. En su defensa comparecieron Allen Ginsberg y Norman Mailer. Este pequeño libro documenta lo que allí se expuso. L.J.M.

Excelente labor la de los responsables de esta editorial a la hora de recuperar la obra del inclasificable y fundamental Edward Gorey en los formatos más diversos y cuidados. En todo caso, “La niña desdichada” es uno de sus relatos más crudos, sin pizca de humor o ironía, un auténtico drama gótico. J.S.L.

“El exterminador hizo bien su trabajo” La Felguera (1111)

Edward Gorey Libros del Zorro Rojo (1111)

“Gainsbourg. Vida de un héroe” ha llegado a las pantallas españolas. No se trata solamente de un biopic filmado con respeto y admiración, sino que supone el salto sin red del dibujante de cómics Joan Sfar al mundo de la imagen en movimiento.

“

La vida de Gainsbourg no tiene nada de heroica. Es viejo, borracho, bebe y folla, pero como es el que habla, pues es el héroe de una vida que a veces fue infernal e ingobernable. La fantasía de la película es que estoy en un club a las cuatro de la mañana, me encuentro a Gainsbourg totalmente borracho y me cuenta su vida”. Así resume Joan Sfar su película sobre uno de los grandes mitos de la música francesa. Un caballero, pero también un crápula que despertaba tantas pasiones como rechazo a causa de su vida disoluta, canalla y exquisita. Dibujante de cómics de éxito internacional, Sfar ha abordado con humildad un tema sobre el que todo el mundo parece tener una única verdad en el país vecino. “Es importante desde un punto de vista simbólico, porque Francia ya no es lo que era. He tratado de pensar como si fuera para el público del cómic; el París que enseño es el que le gusta a los turistas japoneses”. En

su primera película, reconoce que si bien el cómic le ha resultado un inconveniente, el dibujar ha sido una ventaja a la hora de trabajar en equipo y lanzarse a lo desconocido. “Tardé veinte años en aprender los códigos del cómic para poder pervertirlos, así que no puedo hacer teorías sobre el cine que hago, simplemente me sale así porque no tengo los conocimientos necesarios. Intento pensar en imágenes y olvidar el guión. Aun así creo que hay cosas que han quedado demasiado clásicas respecto a lo que hago cuando dibujo”. A pesar de las dificultades, optó por hacer interpretar a los actores las canciones de Gainsbourg, algo que le ha gustado tanto como filmar mujeres desnudas, por el simple placer de aprender a hacerlo. “Me gusta mucho filmar la música, porque para un autor de cómic es muy frustrante no poder tener sonido.

Creo que es la parte con la que más he disfrutado”. ■ J. Batahola

DVD MÚSICA

Mogwai “Burning”

Rock Actino/Pias (1114) Mogwai estaban en deuda con quien tiende a idolatrar trayectorias más que discos sueltos. Tras sus últimas decepciones, esta se paga en parte con un directo que reconcilia a la banda con la capacidad de emocionar que tiene en vivo, y que trae consigo el audiovisual “Burning”. La realización de Moon y Le Scouarnac trata de acercar lo más posible el salón de casa al suelo de una pista donde tocan Mogwai.

Sus planos movidos, cortos y con grano hacen que sintamos esa presión como si la cámara fuera nuestra mirada y estuviésemos a punto de llorar con los ojos cerrados con “Hunted By A Freak”. Pero no se apuren, la lágrima no llega porque dura escasos cincuenta minutos y a estos puñeteros y –cuando quieren- geniales escoceses es muy difícil transmitirlos en seco. Ignacio Pato L.

MondoSonoro · Septiembre 2010 /51/

LA ENTREVISTA

MONDORECOMIENDA LOS CLIPS DEL MES

libros

www.dailymotion.com

“Other Lives”

Peter Bagge La Cúpula (1114)

◗ Interpol “Lights” (1111) El primer single de lo nuevo de Interpol es inquietante a la par que bello. Secuencias a cámara lenta, planos detalle, la armonía de los colores y la composición en general. Eso sí, seguimos sin entender muy bien de qué va la historia que cuenta.

Milo J. Krmpotic Foto Archivo

Un poco a la manera de los personajes de “Quemar después de leer”, el filme de los hermanos Coen, Peter Bagge se introduce en el terreno de la novela gráfica con una historia a medio camino del humor y la intriga, comandada por un grupo de treintañeros confundidos entre los que encontramos periodistas con problemas de autoestima, conspiracionistas y novias casamenteras. L. J. M.

Milo J. Krmpotic El destino del artista Eddie Campbell Astiberri (1114)

Conocido popularmente por crear “From Hell” junto a Alan Moore, el escocés Eddie Campbell publica en nuestro país una de sus obras más complejas centradas en el mundo de la creación. “El destino del artista” requiere esfuerzo por parte del lector, pero también compensa al tratarse de un trabajo tan personal como experimental. Enrique Gijón

Skibber Bee Bye Ron Regé Jr. Apa-Apa (114)

Describir este libro como el extraño viaje de una familia disfuncional hacia una onírica realidad (¿o habría que llamarla irrealidad?) de elefantes pasteleros y animalillos voladores que se guían por los estados de ánimo sería quedarse en la superficie. Sin embargo, hay que rascar demasiado para hallar algo más valioso, algo que justifique este ejercicio de experimentación. Óscar Gual

“Paul se muda” Michel Rabagliati Astiberri (1114)

Rabagliati nos ofrece una nueva entrega de las cotidianas aventuras de Paul, suerte de alter ego del que ya habíamos disfrutado en “Paul va a trabajar este verano” y “Paul en el campo”. Y si ya habíamos asistido a su despertar a la vida como adolescente, ahora le toca el turno a sus años de estudiante de diseño, el abrazo de la “alta cultura” y el nacimiento del primer amor. L. J. M.

El negro y sus matices

◗ The Jim Jones Revue “High Horse” (114) El espíritu de Jerry Lee Lewis se funde con la magia de los rojos zapatos de Dorothy en “High Horse”. Pianos, piruetas gimnásticas y ritmos rockabilly de los que no te dejan ni respirar. Trágico final y vuelta a empezar.

Con motivo del lanzamiento de su última novela “Las tres balas de Boris Bardin” (Caballo de Troya, 10), una historia apasionante y apasionada Milo J. Krmpotic nos habla de ella y de mucho más, sin tapujos.

D

espués de varias obras juveniles y de la celebrada “Sorbed mi sexo”, Milo J. Krmpotic se desmarca con una novela que mezcla el noir y el western con un estilo carnal y directo que engancha irremediablemente al lector y termina emocionando sin remedio.

Además, tiene el atractivo de estar escrita en un argentino casi histriónico, a pesar de que nuestro autor haya nacido en Barcelona, en lo que supone una especie de Stanislavski literario. “El que la novela esté escrita en idioma argentino responde al hecho de que quería conseguir la máxima coherencia con la historia. Si la trama transcurre en Argentina, entre argentinos, y el verdadero motor que se esconde en el fondo es la idiosincrasia de la humanidad argentina, no concebía otra cosa que no fuera narrar en argentino”. Novela corta, de lectura rápida, el libro se devora con avidez, gra-

cias al talento de Milo para captar la atención del lector y dejarle con ganas de más a cada página.

“El género negro plantea unas estructuras reconocibles para el lector, si le quitas algo también tienes que darle algo. Hay que saber jugar con estos mecanismos e improvisar con las cosas que tú quieres contar.

Yo quería contar emociones”. Preguntado por la crisis y su relación con el futuro de las letras españolas, Milo lo tiene claro. “Aquí nunca llegaremos al nivel de crisis que se vivió, por ejemplo, en Argentina. Todo pasará y espero que la narrativa sepa resistir el envite. De hecho ahora mismo se venden más libros que antes, pero muchos enfocados al entretenimiento. El best seller ha vuelto. El verdadero futuro está en las editoriales jóvenes, y en hasta dónde sean capaces de llegar”.

■ Daniel Arnal

◗ Arcade Fire “Ready To Start” (111) Larga espera para ver a estos chicos de nuevo en acción. Y para darle la bienvenida, qué mejor que “Ready To Start”, toda una declaración de intenciones acompañada de un video potente a la vez que sencillo.

◗ El Guincho “FM Tan Sexy” (1114) Los primos de Pablo, El Guincho, ya tienen su propia página de fans en Facebook y son la sensación en Youtube. Aunque este no sea un videoclip oficial, seguro que tendrá mucho más éxito.

cine

Canino, una de las sorpresas de la temporada Siempre es bueno descubrir que se puede hacer un cine verdaderamente original e interesante alejado del mainstream americano y europeo. Es el caso de “Canino”, la multipremiada (Sarajevo, Montreal, Montpellier, Estoril, Estocolmo, Trieste y Dublín) y fascinante ópera prima del griego Giorgos Lanthimos, que se inspira en un caso real para contarnos la historia de una familia disfuncional y sumamente especial, en la que los padres no ha dejado salir nunca a sus hijos de la urbanización en la que viven. Con un estilo frío y raruno muy a lo Haneke, su director se ha apoyado en un guión imprevisible y en unos actores en estado de gracia para realizar una comedia negrísima que habla sobre el aislamiento y sus consecuencias. Después de su paso por la cartelera estatal, se publica en DVD de la mano de Avalon, con una lista de extras que ayudan a darle mayor sentido a lo que vemos en pantalla. ■ Jordi Balfagón

◗ The Midnight Travellers “One Of A Kind” (111) Vuelven a la carga los barceloneses con nuevo disco y, a modo de avance del mismo, este clip en el que demuestran que no han perdido ni un ápice de energía y pasión por el hard rock.

◗ M.I.A. “XXXO” (1114) Lo cierto es que resulta complicado juzgar si el vídeo de la mejor canción de Maya va en serio y pretende ser una obra artística Bollywoodiense o si, por el contrario, pretende sacarla de contexto. En todo caso, la factura es excelente. n

MondoSonoro · Septiembre 2010 /53/

mondomedia

CONEXIONES cerle saltar, todo ello gracias a la tecnología interactiva. Compruébalo en www.bluebelljeans.com.

The Real McKenzies Foto Arch ivo

◗ Eastpak, la marca del auténtico estilo de vida urbano, ha celebrado una serie de fiestas Eastpak Happy New Year que marcaron el comienzo del nuevo año académico en toda Europa. En Madrid, la fiesta tuvo como anfitriones a los Zombie Kids y se llevó a cabo en la Sala Heineken el miércoles 29 de septiembre. La música en directo corrió a cargo del grupo The Real McKenzies.

Camisetas Deadmau5 Foto Archivo

◗ Este verano, el fenómeno musical Deadmau5 ha hecho sus primeros pinitos en el mundo de la moda con el lanzamiento de su primera colección de camisetas. Esta edición limitada muestra la icónica cabeza de ratón, recreada y reinterpretada en cinco modelos diferentes disponibles en exclusiva en las tiendas Foot Locker Europeas. ◗ Converse presenta un nuevo vídeo protagonizado por Rostam Batmanglij de Vampire Weekend. Tras el lanzamiento del vídeo de Bethany de Best Coast y de Kid Cudi, llega la última entrega. Este vídeo es la pieza final de la serie antes del lanzamiento de la canción, y cada una de ellas ha estado protagonizada por cada uno de los artistas del proyecto. Esta tercera película muestra a Rostam, multi-instrumentalista de la banda indie Vampire Weekend, echando un vistazo a su vida como artista en Brooklyn (New York), un barrio lleno de creatividad.

canal, que sustituye en la parrilla a Pachá TV, se podrá sintonizar desde el 1 de agosto en el dial 66 de la televisión de Orange. Sol Música está disponible en la oferta ADSL con Orange TV, con la que además de disfrutar de ADSL hasta 20Mb con 1Mb de subida y llamadas ilimitadas a fijos nacionales, el usuario contará con una selección de más de sesenta canales temáticos para toda la familia (cine, deporte, documentales, series, etc.). Todo ello ahora en promoción seis meses desde sólo 29,95€/mes (+14€ de cuota de línea). ◗ MySpace acaba de dar un paso más para convertirse en un portal de ocio y entretenimiento en el que sus usuarios puedan recibir, compartir y recomendar contenido. Este nuevo paso son las Playlists, las listas de canciones favoritas que cada usuario puede crear y también compartir con sus amigos. Los usuarios podrán acceder así a las Playlists de sus celebrities favoritas y también crear las suyas propias personalizadas a través del site especial habilitado por MySpace www. myspace.com/lasplaylists.

◗ Orcon, proveedor de Internet en Nueva Zelanda, se ha alzado con el Gran Premio de Marketing Directo en Cannes por una campaña desarrollada por la agencia Special Group que promocionaba la mayor rapidez de su banda ancha. Con poco presupuesto y mucha innovación, la operadora confió en un gancho famoso, el cantante Iggy Pop, y en un concurso para poder tocar con él una nueva versión de su tema “The Passenger”. Iggy apareció en anuncios de televisión, de exterior y de Internet, sobre todo en Facebook. En esta red social, Orcon creó una aplicación para que los usuarios pudieran recibir lecciones de música, subir sus audiciones y ver las de otros. Finalmente el artista eligió a nueve músicos con los que tocó la nueva versión a través de Skype, puesto que Iggy se encontraba en su estudio de Miami. ■

◗ La serie Tele-Bration Custom Shop 60th Anniversary conmemora los primeros modelos de la casa Fender, aquellos que a principios de 1951 fueron llamados Telecaster. Las cinco guitarras Tele-Bration representan recreaciones muy precisas de varios de los instrumentos Fender históricos más buscados por los coleccionistas -cada una limitada a sesenta guitarras- que serán lanzadas progresivamente, a partir del verano de 2010.

◗ Los amantes de la música más actual pueden disfrutar, desde este mes de agosto, de Sol Música a través de Orange TV, la plataforma de TV por ADSL de Orange. El nuevo

◗ El legendario modelo Tony Ward vuelve a ser el protagonista de las novedades Wrangler y viste ahora el oscuro y sofisticado denim de la colección Otoño/ Invierno 2010 de Blue Bell, atrapado en un paisaje industrial oscuro y húmedo.

Los visitantes de la web pueden tirarle por una escalera, quitarle la ropa o ha-

Iggy Pop Foto Archivo

◗ Ahora es posible darle voz a tus palabras en tu página web, lo único que tienes que hacer es acceder a www.spreaker. com, registrarte y, una vez confirmada tu cuenta, podrás empezar a utilizar la tecnología Spreaker. Con la deejay console realizas un podcast y con el código embed, es posible insertar en tu página una ventana que reproduce el podcast grabado: sin cambiar el diseño podrás modificar la recepción de tus mensajes aumentando el número de lectores.

◗ Ron Brugal colabora con Spotify y desarrolla una aplicación por la cual en base a nuestro estado de ánimo se nos propone una lista de reproducción diferente y la receta de un cóctel con Brugal. Además si estás registrado en el site de Brugal podrás conseguir un Day Pass de Spotify gratis por usar la aplicación.

MONDOWEB

/54/ Septiembre 2010 · MondoSonoro

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Héroes por un día

Despido improcedente (Luis Menéndez) Menudo revuelo se ha montado con el tema del despido de Diego Manrique. Hay unanimidad en destacar que la desaparición del “Ambigú” es una gran pérdida para la música y la radio española, la misma que existe a la hora de ensalzar a Manrique como nuestro crítico musical más influyente y destacado.

De hecho, este es uno de esos raros casos en que no se escucha ni una sola voz discordante, lógico, en cuanto que en sus muchos años en la profesión ha demostrado unos conocimientos inabarcables y sus escritos son espejo en el que mirarnos aquellos que nos dedicamos a la prensa musical escrita: didácticos, divertidos y notables en lo literario. Sinceramente, dudo que llegue a alcanzar su nivel por muchos años que le dedique (que me dejen dedicarle) a la profesión. He de reconocer sin embargo que en los últimos tiempos Diego Manrique se había convertido para mí (insisto, además de en maestro) en una figura un tanto incómoda. Me explico. Al contrario que locutores como Jesús Ordovás, o el todavía (afortunadamente) activo Julio Ruiz, Manrique ha dado escasas muestras de amor por el producto pop y rock juvenil, y más concretamente por aquello que en los noventa fue bautizado como “independiente”.

De hecho siempre tuve la impresión de que al locutor le producía un profundo desdén esa nueva escena que le pillaba demasiado mayor (¿demasiado sabio?) como para dejarse impresionar por esos jóvenes balbuceantes y sin apenas pericia instrumental. ¿Black Lips o The Clash? ¿Bon Iver o Bob Dylan? ¿LCD o Marvin Gaye? ¿Mus o Música Dispersa? En sus escritos y emisiones Manrique parecía tenerlo

claro... El “Ambigú”, con su exquisita selección de versiones balinesas de canciones de los Beatles, con temas traídos de un mundo y un lugar al que tan sólo el Dj tenía acceso, ha venido a ser el polo opuesto del modelo, del programa, que condujo el llorado John Peel, cuyo principal valor era precisamente seguir emocionándose con unos mozalbetes de Manchester con idéntica pasión que aquel día que descubrió a Pink Floyd. Ese fue el valor de Peel, y el enciclopedismo lo de menos.

Desde las barricadas con un Martini seco

R.E.M.emorando (Don Disturbios) Con motivo de la reedición de los tres primeros discos de la banda de Athens, acompañada de un más que jugoso material extra, rememoro los inicios de un grupo que estaba llamado a convertirse en uno de los grandes... ya desde sus inicios. Me gustaría poder afirmar que estuve ahí desde el principio, pero faltaría a la verdad. Era demasiado joven para ello... De hecho no descubrí a R.E.M. hasta la edición de “Green” (1988), cinco años después de “Murmur” (1983) su álbum de debut. Todo empezó con su inclusión en un artículo de una revista especializada dedicado a ese entelequia imprecisa y difusa que se bautizó como NRA (Nuevo Rock Americano) y que miraba de trazar rasgos en común entre bandas tan dispares como los propios REM, The Dream Sindycate, Green On Red o Violent Femmes.

Un texto que me impulsó a comprarme un disco que se quedó instalado en esa historia particular, construida a base de vinilos, que los más viejos recordamos con cierta melancolía gris. Tras el impacto que me provocó “Green” con canciones como “World Leader Pretend”,

“Orange Crush” o “Stand”, tocaba investigar y adentrarse en lo que había realizado la banda de Athens hasta la fecha... así es como fui a parar a sus primeros discos, antes de que esa eclosión llamada “Losing My Religion”, aupada por la MTV, convirtiera a los de Michael Stipe en un auténtico fenómeno de masas.

El primero en caer en mis manos fue su disco de debut, “Murmur”, que un compañero de facultad me pasó en una cinta de cassete tuneada, de esas de noventa minutos y que si no recuerdo mal, podía contener el “Doolittle” de Pixies en la otra cara. De hecho yo no lo sabía por aquel entonces, pero bandas como R.E.M., Minutemen o Husker Dü, allanaron desde la independencia a primeros de los ochenta la eclosión “indie” que se produciría a finales de esa misma década, con bandas como los propios Pixies, Dinosaur Jr o Superchunk. En cierta medida, establecieron las bases y fueron el caldo de cultivo de todos estos grupos que se desarrollaron tras el post-punk y que además surgían desde ciudades de provincia, lejos de grandes mecas culturales como Nueva York o L.A.“Murmur”, sin ir más lejos, está grabado bajo el ala del sello I.R.S. propiedad de uno de los hermanos Copeland y representados por la agencia FBI, que pertenecía a otro de los Copeland, apellido que os sonará porque el tercer hermano en discordia, Stewart, es batería de The Police, de ahí que R.E.M actuaran como teloneros de la banda de Sting el 6 de diciembre de 1980 en Atlanta el mismo día que Peter Buck cumplía veinticuatro años, sin tener ninguna referencia editada hasta la fecha. Un disco de debut siempre es importante y hay que reconocer que “Murmur” lo fue a su manera. Primero porque fue muy bien acogido por la crítica especializada que le dedicó grandes elogios y segundo porque contenía un single tan poderoso como “Radio Free Europe”, rescatado de la que había sido en realidad su primera referencia discográfica, el Ep

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“Chronic Town”, y que empezó a ser muy radiado en todas las emisoras universitarias que, por aquel entonces, empezaban a ser un contrapunto alternativo a la radio comercial copada por Lionel Richie, Michael Jackson o Dire Straits. “Murmur” tenía un sonido único e inimitable que empezaría a sentar las bases de lo que vendría después y que se consolidó con su segundo disco, “Reckoning”, grabado tan sólo un año después (1984) y que aprovechó lo trazado por el primero, asimilándolo y dándole una cobertura todavía más pop, mucho más luminosa, inteligible y fácil de asimilar que facilitaba las cosas. Pese a su desigualdad y ser un álbum mucho más disperso y menos cohesionado que su debut, conforman un universo melódico amable y diferente que sufre un ligero revés con su tercer álbum, “Fables Of The Reconstruction”, un disco que refleja el difícil momento en el que fue grabado y que a la postre resulta mucho más oscuro, denso, tenebroso y de sonido incluso amenazante. Pero es precisamente en esa nada disimulada tensión, donde surgen unas canciones nerviosas y crudas que componen una nueva cara en su poliédrico sonido. Y eso me gusta más que la placidez algo acomodada del segundo. ■

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