Mondo Sonoro septiembre 2024 by MONDO SONORO

5/Mondo freako Fontaines D.C.

Románticos empedernidos

Los irlandeses se reinventan otra vez en “Romance” (XL/ Popstock!, 24), un cuarto álbum en el que acentúan su lado dramático combinando futurismo y un aliento acústico clásico. Volviendo a demostrar que tienen algo especial entre manos.

EL QUINTETO –apoyado ahora en directo por su colega Chilli Jesson de Palma Violets– está en Madrid de promo y para rodar el vídeo de la fabulosa “Favourite”, último corte de su nuevo álbum producido por el músico y técnico de moda James Ford, en el sello de Radiohead. Una canción pop de guitarras en estado puro muy distinta del abrasivo e hipnótico single “Starburster”. Y se nota que

en esta nueva etapa los muchachos viven en una vorágine sin ﬁn. Nos han citado en las oﬁcinas de Popstock!, aparecen Grian y el bajista Deego, pero no Carlos O’Connell, con quien me he citado. El guitarrista hispano-irlandés llega algo más tarde, también con sus maletas para viajar después rumbo a Italia. Estarán el 2 de noviembre en el WiZink Center de Madrid.

EL TONO DRAMÁTICO, casi excesivo, de “Romance” está inspirado por la animación japonesa –del clásico de ciencia ﬁcción “Akira” a los largometrajes mágicos del estudio Ghibli– combinada con sus raíces. “Esas películas –explica Carlos– te afectan de modo extremo, están como encima de todo. Esa idea nos encajaba mucho. Este disco nos pedía ser un universo entero”. La conversación es larga y fructífera, y comienza por la decisión de cambiar de sello. “Habíamos terminado el contrato de tres discos. Estábamos muy contentos con Partisan, y les dijimos

que no nos íbamos a acercar a nadie, ni íbamos a responder a ninguna oferta sin antes hablar con ellos. Seguimos trabajando ‘Skinty Fia’ (22) sin abrir ningún mail, y Partisan puso encima de la mesa una oferta muy buena. El resto de discográﬁcas que se habían acercado tampoco nos interesaban mucho. Y entonces, en el último minuto, XL vino a vernos a Los Angeles. Siempre ha sido un sello que nos ha encantado”. No obstante, la decisión “no fue fácil para nada. Nos hacía ilusión hacer algo distinto, que todo siguiera moviéndose. De repente, te empieza a llenar la ilusión del principio. Como cuando empezamos a hablar con Partisan. Creo que eso lo decidió todo. Llevamos mucho tiempo trabajando con Partisan, y son amigos. Pero pensamos que, por el futuro del grupo, para seguir con energía, necesitábamos esa frescura”.

EN CAMBIO, CARLOS NO VE UN PLAN consciente en la capacidad camaleónica

FOTO: THEO COTTLE

MONDO FREAKO

3de su banda para reinventarse disco a disco, sin perder su identidad. “Lo que nos pasa es que no paramos. Acabamos un disco y seguimos, no dejamos de componer hasta dentro de dos años. El desarrollo es constante. Yo veo muy bien dónde acaba un disco y empieza el siguiente. Una canción empieza a explorar algo un poquito, una textura, y esa textura inﬂuencia el principio del siguiente. Si no estuviésemos girando, haríamos un disco al año, probablemente dos”, asegura.

ESTA VEZ DECIDIERON CAMBIAR de productor porque empezaron a poner la lupa en los detalles. El guitarrista tuvo una epifanía con “Heart-Shaped Box”, de Nirvana, y la melodía secundaria de su estrofa. “La canción se siente así simplemente por esa melodía que ni siquiera es la principal. Creo que todos tuvimos momentos así, de escuchar las cosas con más detalle. Decir: ‘Esto lleva mucho más trabajo y meditación que simplemente hacer una canción’. Esa parte le empezó a atraer a cada uno de manera distinta. Fue una decisión muy buscada. Así llegaron todas las cuerdas, o si hay dos guitarras eléctricas, la idea de meter una acústica que le cambia el carácter a la canción. Intentamos aportar ese detalle enterrado que cambia totalmente la emoción”.

EL REPUTADO MÚSICO y productor James Ford, que acaba de hacer el sublime nuevo disco de Beth Gibbons, y el año pasado llevó a buen puerto el regreso de Blur, era el hombre adecuado. “Yo le veía como un productor muy ‘limpio’. Pero hasta hace poco no había encontrado su estilo. Hay cosas que me gustan de la producción de los discos de Arctic Monkeys, y otras que no. Pero había un disco que hizo él que nos encanta y yo no tenía ni idea de que lo había hecho: el de un grupo americano de psicodelia que se llama Crocodiles. No me podía creer que el tipo pudiera hacer un disco así y el nuevo de Arctic Monkeys, era increíble. Así que decidimos hacer una prueba”. Y el test funcionó tanto que dos canciones de esas sesiones experimentales acabarían en el álbum. La “paciencia y organización” de Ford se plasma en una capacidad contrastada de grabar al grupo en vivo dejando espacio para otros arreglos, algo que no es el fuerte de Dan Carey, el hombre que

hizo sus otros tres trabajos. La banda se metió con el británico en el estudio La Frette de París, uno de los favoritos de Ford, y muy recomendado por colegas como Shame o The Murder Capital. Ford ha llevado a otro nivel el sonido de los irlandeses y su intención de ser más dramáticos, de ganar en profundidad y matices. El título fue idea de Grian Chatten, y a los demás les encajó a la perfección. “La idea era esa. Estas canciones tienen mucha más ambición, y lo que une todos nuestros discos es el romanticismo, por distintas cosas: por Dublín, por estar completamente aislados, de vivir fuera. ¿Por qué no ir al concepto en general?”, se pregunta Carlos. “Hay ironía en el

sentido de pensar que ese título igual nos venía grande, pero intentamos que no”.

CARLOS ADMITE que poner de acuerdo los gustos de cada uno no fue tan fácil como en las anteriores ocasiones. “Es bastante difícil [risas]. Y en éste lo ha sido aún más. Porque lo que sucede es que pasamos tiempo juntos y compartimos canciones. Empiezas a convencer al otro de lo bueno que es algo, y acabamos escuchando la misma música. A unos le gusta más y a otros menos… Pero con éste igual no nos pusimos tan de acuerdo. Grian podía estar muy metido en Shygirl; cuando me lo enseñaba me molaba, pero no me sentaba en casa a escucharlo. Y normalmente

FOTO: THEO COTTLE

“

“Estamos muy unidos y tenemos pocos amigos fuera del grupo”

antes sí pasaba”. Con el ﬁn de compensar sus diferencias, los cinco tuvieron que acotar un terreno común para no escorarse demasiado hacia un género concreto que podría alienar al otro. Pero la química que tienen, eso tan precioso que les ha traído hasta aquí, sigue presente, como demuestran canciones tan poderosas como “Favourite” o “In The Modern World”. A estas alturas Carlos es muy consciente de que tener un grupo longevo y creativo de éxito es casi un milagro. Ellos siguen siendo los mismos, lo cual en esta era líquida tiene mucho mérito. “Es como mantener una relación o un matrimonio. Hay tensiones, hay veces que estás hasta el culo, harto, pero te tienes que acordar de lo que era al principio, de por qué te casaste. Tienes que hacer casi un ejercicio pragmático, intentando pensar en cómo querías a esa persona en 2016, y olvidarte de ahora. Nosotros estamos muy unidos y tenemos pocos amigos fuera del grupo. Porque nunca hemos necesitado más [risas]”.

LA MÍA Crisis

EEL GUITARRISTA, que en este álbum también se ocupa de muchos teclados que trasladará al directo, cree que la meteórica progresión de su grupo ha sido “muy natural”. Y aunque no le impresiona tanto tocar en los grandes escenarios internacionales que llenan, o haber vendido veinte mil entradas en Londres, sí admite sentir cosquilleos al pensar en el WiZink que les espera en otoño. “En Madrid sí que me parece una locura, porque yo me fui de la ciudad para hacer esto. Crecí aquí y a los dieciocho me piré porque dije: ‘Aquí nunca me va a salir nada’. Y ahora vuelvo con este grupo a tocar en estos escenarios… Eso es lo que más me impacta. Tocar en el WiZink me da un poco de vértigo”.

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JC PEÑA

STE MES me vais a tener que permitir la licencia de que os hable de mí y de mis circunstancias. Y todo porque este verano me he sumergido en una PEQUEÑA crisis. Y resalto lo de pequeña para no preocupar a nadie y porque en realidad es una hipérbole tan solo dedicada a llamar vuestra atención, que es lo que hacemos todos en mayor o menor medida. El caso es que durante las vacaciones de verano tiene uno más tiempo para dedicarse a hacer otras cosas que no sea escuchar discos de forma compulsiva, que también. Y con tanto tiempo libre me he dado cuenta de que, o soy muy difícil de complacer, o el mundo del audiovisual anda sumergido en una alarmante falta de ideas. El caso es que no ha habido nada que realmente me haya golpeado lo suficiente como para recomendarle a mis amistades con un sonoro ¡No te puedes perder esta! La sensación de vacío que me ha quedado al final del verano es parecida a la que te queda después de ver la segunda temporada de “La Casa de Dragón”: Mucho ruido para tan pocas nueces. Y eso que me apunté a Apple TV, esperanzado por encontrar una oferta interesante que no me daban las otras plataformas. Bueno, por eso y porque quería ver la tercera temporada de “Slow Horses” para darme cuenta que es la más floja y que el personaje de Gary Oldman ya no convence tanto como en las dos primeras. Lo intenté también con otras dos que tenían buenas puntuaciones para sentir una enorme pérdida de tiempo con una (“Presunto inocente”) y pasarlo muy bien durante buena parte de la temporada con otra (“Dark Matter”), aunque luego comprobé como naufragaba en su final, embarullada con la idea del metaverso y sus infinitas (nunca mejor dicho) posibilidades. También lo intenté con “Masters Of The Air”, que pasa por ser una de las joyas de la corona de este año, pero me descolgué al tercer episodio por no ser muy fan del cine bélico y por unas interpretaciones con más muecas que un mimo. Y si ampliamos más allá de la plataforma de la manzanita no comprobé que la cosa mejorara demasiado. Le di una oportunidad a “Ripley” y resultó que su ritmo pausado y su hipnótico blanco y negro funciona mejor que cualquier somnífero. Luego pasé a la nueva temporada de “Hacks” y sufrí por la pérdida de la química entre las protagonistas y sus desgastados chistes. Hace un par de días he empezado una de romanos “Those About To Die”, pero ahora mismo no estoy muy seguro de que vaya a finalizarla. Lo dicho: una crisis en toda regla, que por suerte he logrado superar gracias a la lectura de la gran Chimamanda Ngozi Adichie y su estupenda “Medio sol amarillo”, Sara Barquinero (“Estaré sola y sin fiesta”), Elisa Victoria (“Otaberra”) y con Miqui Otero y su “Orquesta”. Estas cuatro sí se las recomiendo. DON DISTURBIOS

Hinds

Próximo capítulo

Pese a los cambios, Carlotta y Ana continúan siendo grandes amigas. Juntas gritan eso de “VIVA HINDS” (Lucky Number, 24), el título de su nuevo disco, un trabajo con invitados especiales y algunas canciones en castellano.

TEXTO Álex Jerez

FOTO Darío Vázquez

“HINDS SIN LA AMISTAD no es nadie”. Carlotta Cosials y Ana Perrote lo tienen clarísimo. La liberación de Hinds es una realidad gracias a la mano de todos esos amigos que agarraron fuerte el proyecto y tiraron hacia arriba al grito de “VIVA HINDS”, el que es ahora el nombre de su cuarto álbum. “En todo este camino hemos tenido más o menos amigos, no los quiero llamar moscas, pero hemos visto muchas caras que han ido variando si nos iba mejor o peor. Pero los que han estado siempre y nos han susurrado al oído todo el rato lo de ‘Viva Hinds’ son los que no están ahí para que les metas en el backstage del festival. Porque la verdad es que en estos cuatro años lo único que les podíamos dar era enseñarles las demos y que fueran partícipes del proyecto en el más puro estado”, explica Ana. Han pasado rupturas que hicieron volar todo por los aires, se han visto sin sello, sin manager, con deudas… “Hemos salido del negativo y no es nada fácil. Una cosa es empezar desde cero, pero salir de negativo te ahoga”. Así que, con el corazón lleno de tiritas, mucha rabia que soltar y ganas de un nuevo futuro, quedamos con Carlotta y Ana para tomar un par de cervezas en el centro de Madrid y conversar sobre este esperado renacer que supone solo el principio de una nueva era. “Teníamos una sobredosis de emociones que había que sacarlas por algún lado. Hubo un antes y un después mientras escribíamos y fue por un cambio de chip, una especie de aceptación. A mi hermano le gustan mucho los cowboys y siempre me dice que el verdadero cowboy deja de luchar contra su destino y lo acepta. De algún modo nos pasó eso, dejamos de

esperar que todo fuera perfecto y aceptamos lo que teníamos. Puede que no fuera lo mejor del mundo, pero teníamos cosas bien tochas dentro que nos iban a estallar y decidimos usar todo lo que estaba en nuestras manos. Creo que es un álbum super expresivo”, explica Carlotta.

VALIENTES, FUERTES y “por amor a la música” recuperaron la esencia de lo que fue la banda en sus inicios para mimarla y devolverle todo lo que en estos ocho años les ha dado. “Ya no hay nada que demostrar, ya es un todo o nada. Quien nos odia nos odiará igual, quien dude nos dudará igual. Claramente es un cuarto disco de tener esa conﬁanza y esa tranquilidad después de haberlo hecho todo. Un álbum de no tener ya toda esa infraestructura con la que hemos pasado ocho años trabajando. Ha sido un viaje muy largo en el que no hemos parado, aunque haya sido muy progresivo, y claro de pronto bajar cinco pisos de golpe fue muy fuerte. Pero, a la vez, nos dio una especie de tranquilidad porque sentimos que nada podía ir a peor. Que lo único que podía pasar peor es que Carlotta y yo nos lleváramos mal y se acabara Hinds”. El resultado, posiblemente el disco más Hinds desde el debut. “Un día cenando con Pete Robertson, productor, salió el debate de dónde grabar el disco y nos propuso montar en Francia un estudio en un Airbnb. Nos dijo ‘Fuck estudios, están completamente sobrevalorados’ y le dijimos que vale. Acordamos qué cosas metíamos cada uno en su coche para llevar, nosotras metimos todo el mundo amplis, guitarras, alfombras… Perro [risas]. Ellos trajeron batería y demás y montamos todo en el salón de la casa”.

“VIVA HINDS” es un regreso a lo grande con colaboraciones de lujo como Beck o Grian Chatten (Fontaines D.C.), este último ya amigo de Hinds después de años. “Hubo una época muy pequeña y breve en la historia de la música en la que fueron nuestros teloneros. Hace poco nos confesó Grian que en aquella época estaban obsesionados con ‘Leave Me Alone’ y no te puedes imaginar lo que es para nosotras eso con lo muchísimo

que le admiramos”, explica Carlotta. Pero, sobre todo, es un disco lleno de emociones, poco premeditado, instintivo y muy directo. “Nunca hemos sido pasivo-agresivas porque cada vez que tenemos un monstruo delante le miramos a los ojos y si hay que pelear se pelea. Yo creo que mola enfrentarse y siempre hemos ido muy de frente con todo. Así que pasa igual en las canciones, no vamos a hacer algo así sibilino pero que en realidad esté empapado en inquina. No, no, lo nuestro es más ‘Mira tío, estoy enfadada’”. La prueba está en que, por ﬁn, dan el salto al castellano sin miedo en algunos temas y vuelven a no cortarse a la hora de lanzar necesarias balas de ira que tenían que soltar con temas como “Superstar” o ese eslogan que sueltan en “Mala Vista” con aquello de “Madrid City rat”. “¿Por qué? Pues porque hay ‘Madrid City rats’, las hay. Como las hay en el metro de Nueva York, pues también las hay por Malasaña”, lanza

“

“Ya no hay nada que demostrar, ya es un todo o nada. Quien nos odia nos odiará igual”

Ana. “Mucho Ratatouille”, cierra Carlota. Un disco que pone a prueba lo mucho que confían en el proyecto y lo fuertes que están en el presente: “Esto ha sido un test de cuánto realmente creemos en Hinds y por qué razones. Si hubiésemos querido buscar una señal para dejar el grupo, habríamos tenido una cada día. Y la verdad es que fue lo contrario, cuantos más impedimentos teníamos más ganas había de seguir. Hay muchas cosas que hacer todavía”. A.J.

EN CONCIERTO R

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l Menorca 27 de septiembre. Cranc Festival l Barcelona 16 de enero. Sala Apolo l Valencia 18 de enero. Sala Jerusalem l Madrid 24 de enero. Teatro Barceló

GRACIAS A SU DEBUT, “Reeling” (22), el cuarteto de Liverpool despegó con la incandescencia propia de los más grandes, teloneando a estrellas de renombre (Arctic Monkeys, The Hives, Frank Carter & The Rattlesnakes, Bloc Party) y llevando su grunge femenino por todos los rincones del nuevo continente. “Si supimos digerir el éxito de ‘Reeling’ con buen pie fue gracias a que, de forma colectiva, entendimos que no estábamos en esto para dejarnos llevar por los engaños de la fama”, nos cuenta la joven Lia Metcalfe, vocalista y líder de la formación británica, sobre el impacto inicial que su primer disco trajo consigo.

SIN EVIDENCIAR NOTA ALGUNA de fatiga tras un inicio de carrera apoteósico, Metcalfe y los suyos se consagran ahora con “Afraid Of Tomorrows”, su oportunidad de mostrarle al público las partes más privadas de su imaginario con la conﬁanza y seguridad que les da ser un valor al alza en su escena. “No puedo decir que hayan cambiado nuestras expectativas o presiones con respecto a cómo concebimos nuestro primer disco”, sentencia la británica. “En lo referido al trabajo creativo, siempre hemos sido muy exigentes con nosotros mismos. Tenemos la máxima de responder solo ante nosotros y considero que eso es muy bueno. Nos hace crecer profesionalmente, querer escribir canciones cada vez mejores y tocar mejor”. Conscientes de querer ofrecer algo nuevo a su público, la banda no bebe de logros ya conseguidos, sino que apuesta por testimoniar su madurez con arrojo. “Este disco se siente como una metamorfosis natural, propia de cualquier banda joven. Para nosotros era importante que eso se viera reﬂejado. Nadie quiere verte sacando el mismo disco una y otra vez, ¿verdad? Aunque acabes de comenzar tu carrera, es fundamental seguir sorprendiendo”. Esta mentalidad, sumada a su apertura de corazón y espíritu, es lo que, sin duda, ha ayudado a que el disco, producido por el renombrado John Congleton, supere con creces la siempre compleja tarea de enfrentarse a un segundo disco tras un impecable debut. “Escribir desde la honestidad es el arma más empoderadora de la que dispongo actualmente”, comenta Lia en referencia a la intensidad liberadora de sus nuevos temas. “Cada canción es una suerte de cápsula del tiempo que me recuerda que ciertas cosas han sucedido y otras no deben pasar jamás”.

The Mysterines

Sin miedo al mañana

Con los tiempos propios de un plusmarquista aventajado, The Mysterines han superado la categoría de talento emergente y se han convertido con “Afraid Of Tomorrows” (Virgin, 24) en una de las bandas de rock alternativo con más presencia y buen pronóstico del momento.

TEXTO Fran González

TEXTO Steve Gullick

CRITICANDO 8

Afraid of Tomorrows Fiction / Universal

INDIE ROCK / HACE UN PAR DE AÑOS The Mysterines podrían haber sido considerados como uno de los secretos mejor guardados del rock independiente de las islas británicas. Hoy, y gracias a la consagración de la que les dota su segundo larga duración, “Afraid of Tomorrows” (24), la banda capitaneada por Lia Metcalfe es un portento de identidad propia que no arrastra ninguna posible duda sobre su impecable proyección. Si sobreponerse al arrollador éxito de un debut cinco estrellas es habitualmente un dolor de muelas del que no todos los grupos nóveles salen airosos, desde luego este cuarteto liverpuliano parece vencer y convencer en su respectiva renovación de votos. F G

Y ES QUE PARECE QUE ALGO estaba ya escrito en el destino de esta joven banda para convencernos sin réplica del éxito de la misma. De hecho, a lo largo de nuestra conversación con Lia también tenemos la oportunidad de rescatar un par de anécdotas que, como poco, resultan verdaderamente curiosas contadas ahora en perspectiva. “Cuando iba al instituto frecuentaba un club de escritura creativa que organizaba nuestra profesora de Inglés, a quien apreciaba mucho y de quien lamenté mucho su marcha cuando decidió irse de la escuela. En su último día allí me regaló un diccionario de rimas y en su interior había escrito una dedicatoria preciosa donde decía que algún día mi talento me llevaría al show de Jools Holland”. Y eso es algo que, efectivamente, terminó cumpliéndose, gracias al meteórico despegue de la banda. Más surrealista es, sin embargo, su encuentro con cierto icono del rock oscuro cuando ella era tan solo una niña. “Mis padres me llevaron a un festival aquí, en Liverpool, en el que él actuaba y yo estaba en la zona de los backstages, jugando a la mía con un globo. En un momento dado el globo se me escurrió y fue a parar a los pies de un tipo

“

“Aunque acabes de comenzar tu carrera, es fundamental seguir sorprendiendo”

con unas pintas un tanto extrañas que lo reventó de un pisotón. Yo me quedé aturdida, mirándole con incredulidad y pensando ‘ ¿Pero quién coño se ha creído que es?’. Años más tarde descubriría que ese señor era Nick Cave”.

ENTRE RISAS Y APROVECHANDO este deceso a sus orígenes musicales más pretéritos, Lia tiene a bien rematar nuestra conversación con un consejo para su yo adolescente, edad en la que comenzaría formalmente a idear los lodos y los barros de su actual y exitoso proyecto. “Le diría que se lo pasara muy bien y disfrutase al máximo de la experiencia, pero también que no perdiera la oportunidad de conocer gente y preguntarles todo lo que pueda”, responde Lia. “¿Sabes? Yo no terminé la escuela, dado que decidí dedicarme a esto desde muy temprana edad y quise focalizar todo mi tiempo y energía en esta profesión, así que los escenarios, las bandas, los artistas, los productores y el resto de personas que se han cruzado en mi camino durante estos años han sido mi verdadera fuente de aprendizaje. A través de este tipo de situaciones he descubierto mucho sobre mí misma y sobre el tipo de personas en las que debo conﬁar y en las que no. Así que lo que le recomiendo a la Lia adolescente es que no deje nunca de hacerse preguntas ni de descubrir a las personas adecuadas para responderlas”. F.G.

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BITS TO KNOW Edición especial Road to BIME Observatorio Mondo Sonoro

La irrupción de nuevas tecnologías ha estado inexorablemente vinculada a cambios profundos en diversos ámbitos (económicos, legislativos, medioambientales, culturales, sociales…) Estos cambios, siempre han enfrentado una resistencia y desconﬁanza inicial, pero han acabado por desarrollarse y provocar grandes transformaciones a pesar de las reticencias que han suscitado en su momento.

EL CAMPO DE LA MÚSICA es fértil para la experimentación y estos procesos de transformación han sido más que evidentes. La historia nos muestra que la música y su industria, siempre han encontrado formas de adaptarse y evolucionar con las nuevas tecnologías, a veces resistiéndose a ellas sí, pero finalmente incorporándolas como parte fundamental de su propio desarrollo.

EL CASSETTE, EL WALKMAN, el CD, el MP3 y el streaming, por mencionar algunos ejemplos contemporáneos, han supuesto una auténtica revolución y han influido en la forma en la que creamos música, la escuchamos o la distribuimos/compartimos. Todos estos cambios encontraron su cuota de resistencia en mayor o menor medida, porque todo cambio implica romper con estructuras que conocemos para adentrarnos en territorios desconocidos. Sin embargo, es precisamente en esa tensión entre la incertidumbre y lo establecido donde la música y su industria, han encontrado siempre impulso para avanzar y reinventarse.

HOY LOS CAMBIOS y lo “nuevo” se presentan de la mano de tecnologías emergen-

tes como la IA, el aprendizaje automático, la realidad virtual/aumentada, la WEB3, entre otras. En este contexto, el Observatorio se propone mirar al pasado y destilar aprendizajes que podamos aplicar en el contexto actual, además de sumergirnos en nuestra contemporaneidad para elevar preguntas nuevas y fomentar conversaciones que nos ayuden a reflexionar desde perspectivas diversas, a veces incluso, antagónicas, sobre el impacto de estas tecnologías en el presente de la música y el futuro que se está configurando a través de ellas.

LAS TENSIONES Y LOS TEMORES son evidentes en cada conversación que mante-

nemos con artistas y otros agentes de la industria durante el proceso de nuestra investigación. Temas como la autoría, la saturación del mercado, el reemplazo del artista, la creación de una nueva industria donde las tecnológicas toman el mando, el impacto medioambiental de estas innovaciones… son cuestiones que inquietan sobre las que urge reflexionar y dialogar para encontrar la mejor forma de adaptarnos al nuevo contexto que el desarrollo tecnológico nos impone. Contexto que por otro lado, nos ofrece oportunidades nuevas y la posibilidad de aprender y expandir nuestra creatividad.

PARA PODER SEGUIR profundizando alrededor de la intersección entre música y tecnología, desde el Observatorio de Mondo Sonoro, hemos impulsado BITS TO KNOW. Un encuentro con el que buscamos ofrecer un espacio en el que intercambiar conocimiento, fomentar el debate, el pensamiento crítico y acercarnos a nuevas formas de crear y de relacionarnos con la música a través de la tecnología uniendo experiencias y generaciones diversas en un mismo lugar. Todo con el objetivo de aprender y construir un futuro musical en común que sea enriquecedor y apetecible para todos y todas.

LA PRIMERA EDICIÓN de BITS TO KNOW será el próximo 2 de octubre en el Espacio Solo. Una edición especial “Road To Bime” en la que contaremos con participantes muy especiales que podréis ir conociendo a lo largo de este mes a través de nuestro IG: @observatorio_ms n

BITS TO KNOW es posible gracias a nuestros partners: BIME; LECLUF Music, Célula LAB, AIE y RootedCon.

ENTREVISTA

Por lo general las carreras exitosas de artistas que hacen honor al emblema “hazlo tú mismo” suelen venir del hardcore o el punk. Como una rutilante excepción a esa regla no escrita, Bandalos Chinos asoman desde la zona norte de Buenos Aires para facturar un pop do it yourself que es providencial en la actual escena argentina y va ganando peso en otros países de América y en nuestro territorio.

TEXTO Adriano Mazzeo

TEXTO Leandro Frutos

GOYO DEGANO, el majísimo cantante del grupo no disimula su entusiasmo cuando se le consulta por la vuelta a España “Es muy grosso. No deja de sorprendernos tener la posibilidad de llevar nuestra música a Europa y sobre todo a España, con quienes tenemos la cercanía del idioma, pero al mismo tiempo la distancia bien gráfica de un océano en medio. Es hermoso poder ir y seguir ampliando nuestra presencia allá, poder ir todo los años y en este caso está buenísimo poder ir fuera de la temporada de vacaciones. Siendo independientes y autogestivos siempre es un desafío poder llegar a un lugar nuevo. El hecho de que nos apoyen en España comprando las entradas de los shows es muy valioso, nos da la posibilidad de seguir yendo”. Para el momento de la gira el grupo estará en un impasse en la grabación de su quinto disco de estudio, del cual Goyo tiene una sensación particular. “Cuando pienso en el próximo disco me da un cagazo bárbaro (risas). La hoja en blanco siempre es un desafío. Venimos de cinco años con tres discos y muchas giras, todo muy solapado. La idea es quitar el pie del acelerador, bajar la cantidad de shows e ir hacia un lugar creativo nuevo. Es nuestra necesidad colectiva. Ahora mismo estamos en una instancia de laboratorio compositivo, un proceso muy interesante teniendo en cuenta que en la banda somos seis caciques, entonces hay mucho trabajo de consenso para definir el rumbo de los nuevos temas. Las posibilidades son infinitas”. Infinitas y seguramente diferentes ya que el grupo grabó sus tres últimos discos en el estudio Sonic Ranch de Texas bajo la producción de Adán Jodorowsky (Natalia Lafourcade, Enrique Bunbury, etcétera) y en este caso la gra-

“

"Siendo independientes siempre es un desafío poder llegar a un lugar nuevo"

bación será en Buenos Aires con la idea de dejar las puertas abiertas del estudio a la espera de inspiraciones inmediatas y colaboraciones instantáneas. “La onda es grabar en dos o tres meses y que vengan colegas, amigos, músicos, músicas y gente que pueda llegar a involucrarse. Hay un cambio de contexto que genera cierto nerviosismo, estamos cambiando una fórmula que siempre funcionó”.

“BIG BLUE” (22), el hasta hoy último trabajo de la banda en estudio, obtuvo importantes premios y tiene la particularidad de haber sido grabado con toda la banda tocando al mismo tiempo y sin claqueta. “Fue súper desaﬁante. En una primera instancia hasta dudamos de nosotros mismos en plan ‘Che, pará boludo, nosotros no somos Led Zeppelin’ (risas). Ahí inﬂuyó la visión del productor que nos convenció de que era una buena idea. Y no estaba equivocado”. La gira por nuestro país puede que sirva de laboratorio de prueba de las nuevas composi-

Marca personal

La amenaza china Bandalos Chinos

ciones. “Para ese entonces ya deberíamos estar bastante avanzados con el disco. Nos gusta la idea indie de que la música nueva pueda ser tocada antes de que salga, está bueno usar esa situación como termómetro”.

EL PÁNICO a la hoja en blanco que Goyo refería minutos atrás tiene sentido en el hecho también de que todos los discos anteriores del grupo fueron premiados y reconocidos por público y prensa, una situación que no ejerce como incentivo ni como presión en la interna de la banda. “Nosotros somos underdogs, no estamos ﬁrmados con ninguna compañía, entonces es un logro acceder a los premios, es como un equipo chico que se clasiﬁca en la Libertadores y le va bien. Presentamos tres discos en los premios Gardel [los más importantes de Argentina] y ganamos con los tres. Es una locura, boludo. Increíble. Nos funciona como un mimo, un reconocimiento a cómo venimos construyendo nuestra propia escena”.

SI SE HICIERA una encuesta entre los distintos tipos de público que siguen a Bandalos Chinos sobre cuál es la máxima virtud del grupo, la respuesta posiblemente sería tan obvia como poderosa: sus canciones. Para Goyo una canción pop perfecta es “El amor después del amor” de Fito Páez, pero ¿qué necesita tener un tema de Bandalos Chinos para ser una potencial canción pop perfecta? “Hay algo que aprendimos de Adán, nuestro productor. Nosotros éramos muy fans de la forma de trabajar de Kevin Parker de Tame Impala, ese laburo de un chabón produciendo todo en su estudio. Adán nos sacó de ese foco y nos pidió que le lleváramos canciones en guitarra y voz. Si la canción funciona en ese formato, ya está. Después la podés vestir como quieras. Cuando eso sucede con una de nuestras canciones, queda clasiﬁcada al estudio”. A.M.

El Columpio

SILVIA LE ESTÁ DANDO las últimas puntadas al pequeño vestido de lamé dorado que más tarde lucirá Cristina sobre el escenario. Estamos echando la tarde en casa de Jaime Nieto, el afable teclista de la banda, que vive en uno de esos pueblos residenciales pegados a Bilbao. Esa misma mañana, a eso de las doce, el grupo ha probado sonido tras un cambio de planes propiciado por el deseo de Arcade Fire de cambiar el horario de su prueba. Al ﬁn y al cabo, en los festivales, como en la selva, impera la ley del más fuerte del cartel y el resto de fauna debe adaptarse a los caprichos del rey de esta jungla. Tampoco ha supuesto un problema. El Columpio Asesino juegan, como aquel que dice, en casa y la opción tarde de piscina con cervezas es lo suﬁcientemente atractiva como para coger la furgoneta y bajar de Kobetamendi en busca de cierto relax antes del bolo. La noche va a ser intensa y se nota en el ambiente que la cita con el público del Bilbao BBK Live hace especial ilusión a la banda y a toda su crew. Es una de las fechas de esta gira de despedida, que ha estado marcada con doble círculo rojo en el calendario festivalero de El Columpio Asesino. Por eso estamos aquí. Para dejar constancia de ello .

LLEVAMOS SEMANAS intercambiándonos mails con Ane G. Bereciartu, responsable de comunicación del sello Oso Polita, con la idea de cuadrar el día perfecto para acompañar a la banda y dejar constancia de lo que están siendo estos últimos bailes de los navarros. La idea es inﬁltrarnos como

un miembro más de su equipo y vivir la experiencia y el cúmulo de emociones de este adiós de un grupo que ha dejado una de las huellas más profundas en la escena indie estatal de estas dos últimas décadas. El primer encuentro ha tenido lugar por la mañana en el escenario principal del festival. La banda ha descendido de su furgoneta blanca de gira, todos con ropa informal, pantalón corto y camiseta, adaptados a las temperaturas de mediados de julio. Todos menos Cristina, que luce esas sempiternas gafas de sol, vestido negro y botas camperas. Anda vestida para probar. Y será precisamente la “furgona” –y sus “raticos”–, me conﬁesa Álvaro, una de las cosas que más eche de menos cuando todo esto haya tocado a su ﬁn. Ese lugar de encuentro cómplice de la banda que ha acumulado un montón de anécdotas a lo largo de los años. Como cuando surcaban las inacabables carreteras con la anterior de segunda mano, color azul, y unos logos blancos de UNICEF en la carrocería que les libraron en más de una ocasión del típico control policial de carretera. Un método del que tomar buena nota.

LA MAÑANA EN KOBETAMENDI luce fresca y soleada. Por lo visto, la noche anterior llovió y los operarios se han afanado en poner paja sobre el barro para evitar males mayores. Resulta extraño subirse a un escenario tan grande, pero a la vez vacío, y con las casi imperceptibles señales de los estragos de la jornada de ayer con toda su energía ﬂotando en el ambiente. Un viernes noche en el que la mismísima Grace Jones reivindicó bajo el cielo de Bilbao su papel

Columpio Asesino

El último balanceo

La carrera de El Columpio Asesino está llegando a su ﬁn. “Amarga Baja” es su gira de despedida de los escenarios y resulta obvio el vacío que van a dejar es una escena a la que han contribuido, y mucho, con discos tan sólidos como “La gallina” (08), “Diamantes” (11) o el último “Ataque Celeste” (20). Por todo ello, Mondo Sonoro no podía faltar a la cita para dejar constancia de lo que está signiﬁcando ese último balanceo.

TEXTO Don Disturbios

FOTOS Gustaff Choos

de musa de la música disco neoyorquina de hace unas décadas. Pero ahora son los miembros de El Columpio los que asumen una de las facetas más tediosas del mundillo: la prueba de sonido. Su backliner, “Látigo”, se mueve con conﬁanza conectando cables y colocando microfonía. Luce una camiseta de trabajo negra con la palabra “Tovarich” [“Camarada”] en letras rojas, que ha sido idea del bajista de esta gira: el ínclito Íñigo Cabezafuego. A él le tocó el difícil papel de sustituir a su amigo y productor, el malogrado Dani Ullecia, cuando resultó obvio que el cáncer no le permitiría ser participe de este último vals de la banda. Su energía también ﬂota en el ambiente. Y es evidente que, si alguien podía asumir su vacío, ese no era otro que un histórico como Cabezafuego. Además, el navarro ha sabido aportar no solo su pericia al instrumento, sino también su peculiar sentido del humor. Algo de lo que hace gala cuando decide colocarse dos calcetines en las orejas y entonar a las cuatro cuerdas el himno de España, con una socarrona sonrisa en el rostro. Todo ello sucede a la vez que Xavi, su técnico de sonido –quien trabaja también para Belako–, se pelea con los botones de la mesa bajo la atenta mirada del Tour Manager de la banda. Un experimentado Iñaki Pepón que tiene en su currículum el haber prestado sus servicios para otros grupos como Hinds o Cariño. Este es básicamente su equipo y se les nota la combinación justa de profesionalidad y buen rollo. Como debe ser para que todo funcione.

LA PRUEBA TOCA A SU FIN y llega la hora de comer. Abandonamos el escenario principal y nos dirigimos a pie a la zona de backstage desde la que se puede disfrutar de unas estupendas vistas a las verdes colinas que rodean este idílico emplazamiento. Caen las primeras cervezas y nuestras pulseras nos permiten acceder a la carpa comedor en la que nos espera un apetitoso buffet libre en el que no faltará la carne, el pescado, las verduras, pero tampoco el txacoli y un buen rioja. Sentados alrededor de la mesa, surgen las primeras conversaciones, las bromas y la decisión de ir a pasar la tarde a la piscina comunitaria de Jaime. Mientras bajamos de Kobetamendi, empezamos a ver las primeras txarangas que, con sus instrumentos de viento, hacen más llevadera la peregrina ascensión al festival de los más tempraneros.

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SILVIA, ESA AMIGA ﬁel de la banda que hace las veces de modista, sigue dando puntadas al vestido que estrenará esta noche Cris. Ane, y el periodista que esto escribe, marchan al supermercado más próximo a por cervezas. Los más valientes se lanzan a las frías aguas de la piscina, mientras Jaime pincha bajito un vinilo de bebop en el equipo de su casa. El ambiente es distendido. Muy Tovarich. Pero ha llegado la hora de que Chus, nuestro fotógrafo, improvise un set de entrevistas en el estudio de grabación que ha montado el teclista en el sótano de su casa. La idea es grabar unas declaraciones que luego lanzaremos también vía redes.

¿Cómo os imagináis el proceso de transición a esa nueva vida cuando ya haya ﬁnalizado esta gira de despedida?

(Álvaro) A no se sabe qué… Pues la verdad es que yo no sé cómo me voy a sentir cuando acabe la gira. Creo que nos vamos a asomar a un precipicio que, aunque estemos preparados psicológicamente para ello, nos va a sorprender. Porque, por ejemplo, yo no he tenido más vida y rumbo que El Columpio y ahora, cuando desaparezca este rumbo, habrá un tiempo durante el que nos vamos a sentir muy a la deriva, muy perdidos. Aunque bueno, me imagino que la vida nos irá abriendo nuevos caminos. Pero la verdad es que no tengo ni idea de lo que va a ser ese primer año, o esos dos primeros años.

(Cristina) Yo tampoco me he hecho a la idea, pero seguro que la vida provee y algo nos tiene reservado.

Por la forma en la que habláis veo que no existe un plan B para cuando esto acabe. ¿Realmente es así?

(Álvaro) Es así. No hay plan B. Y además creo que no lo tiene nadie en la banda. En mi caso, ahora que tengo un hijo, lo que quiero es descansar y hacer mucho curro personal. Creo que el primer año me va a dar para muchas cosas. Probablemente visite a un psicólogo, que es algo que debería haber hecho hace mucho tiempo. Y voy a intentar desenredar muchas cosas que tengo que desenredar.

(Cristina) Es una buena opción tomarte un tiempo de calma, descansar y digerir todo lo que estamos viviendo y todo lo que hemos vivido.

(Álvaro) Y pensar en hacia dónde vas, sobre todo... Porque lo pasado, pasado está. (Cristina) Sí... Pero bueno, ahí estamos... con la incertidumbre.

Andáis inmersos en una gira de despedida en la que estáis haciendo muchos festivales y es evidente que ahora existe un circuito festivalero que antes no existía. ¿En qué hubiera cambiado la carrera

del grupo de haber existido ese circuito festivalero en vuestros inicios?

(Álvaro) Pues en que tendríamos el triple de pasta [risas].

(Cristina) Totalmente.

(Álvaro) Cuando nosotros empezamos, todo este circuito estaba por construir y más de la mitad de nuestra carrera ha sido dentro del circuito de salas.

(Cristina) Y es una pena que ese circuito de garitos esté ahora devaluándose en favor de los festivales.

Para acabar, ¿cuánto de incredulidad hay a vuestro alrededor sobre el hecho de que esta sea vuestra última gira?

(Cristina) No se lo cree nadie. ¡Ni Dios! [risas] (Álvaro) Hay mucha gente que piensa que nos haremos un LCD Soundsystem en toda regla.

(Cristina) Pero no. Rotundamente no.

O sea, que es un adiós deﬁnitivo... (Álvaro) Como el de James Murphy [risas].

(Cristina) ¡Cállate! ¡Ahora no metas polémica! [risas].

SE NOS HA HECHO ALGO TARDE –otro clásico– y hay que salir pitando para llegar con tiempo al concierto. Kobetamendi ya tiene el color y el calor de los grandes festivales y riadas de gente joven se desplazan al ﬁnalizar el concierto de Alcalá Norte con dirección a los bolos de Zea Mays o Los Bitchos. La banda se refugia en su camerino para cambiarse y encarar en soledad los nerviosos minutos previos a subirse al escenario. Es el momento de dar un paseo por el recinto y constatar de nuevo que, una importante culpa del éxito y consolidación del Bilbao BBK, reside en la gestión del espacio. Un lujo que respira naturaleza y campo.

SON CASI LAS 20:15H. La banda se encuentra en la rampa de acceso al escenario. Cristina luce el vestido dorado con capucha que Silvia ha acabado de confeccionar durante

el día. Se abrazan en círculo y lanzan al aire un último grito de guerra con el que apaciguar ese gusanillo eterno. Bea, directora del sello Oso Polita, también ha venido para la ocasión y, junto a Ane, nos desplazamos a la zona de público para ver y escuchar el concierto en mejores condiciones de sonido que sobre el lateral de escenario. Ahora le toca a Chus hacer su magia con la cámara de fotos y a mi constatar lo bien que funciona un set de una hora de duración, compuesto por clásicos como “Babel”, con la que abren fuego, “Ballenas Muertas en San Sebastián”, “Perlas”, “Preparada” o esa inevitable “Toro” ﬁnal que pone a todo el público a saltar deseando un buen azote. Y así como subimos hasta el cielo, caemos hasta el fondo al constatar que esto se acaba. Corremos hacia el escenario para llegar a tiempo de ver cómo Álvaro y su hermano Raúl, Íñigo, Jaime y Cristina acaban con una enorme sonrisa de satisfacción. De nuevo, el público de Bilbao los ha arropado como nunca y todo ha salido a pedir de boca. Abrazos, felicitaciones

y momento de atender a todos esos amigos que han venido a verles en otro de sus últimos balanceos.

PASAN DE LAS DIEZ DE LA NOCHE. Suena de fondo “Back On 74” de Jungle y el brillante vestido de lamé dorado que hace apenas unos minutos lucía todo su esplendor bajo los focos parece ahora un guiñapo abandonado en el camerino de la banda. El día toca a su ﬁn y, aunque puede que alguno se deje confundir por la noche, lo cierto es que toca plegar las velas con el recuerdo de haber disfrutado del baile ﬁnal de El Columpio Asesino en Bilbao. Ahora, tras unos conciertos en ese México que siempre les ha acogido con mucho cariño, solamente quedarán dos últimas actuaciones: los días 8 y 9 de noviembre en La Riviera de Madrid. ¿Y luego? Luego que sea James Murphy quien nos pille confesados. D.D.

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“Cuando acabe la gira, creo que nos vamos a asomar a un precipicio”

Nathaniel Rateliff & The Night Sweats

Clasicismo

Este verano Nathaniel Rateliff volvía a nuestro país junto a The Night Sweats para presentar en Mad Cool las canciones de “South Of Here” (Stax/Music As Usual, 24). También se pasó por Barcelona para tomarse un respiro y, de paso, acometer algunas entrevistas promocionales.

TEXTO Toni Castarnado

NATHANIEL RATELIFF necesitaba cambios, en lo personal y también en lo profesional. Tras diversas crisis y dudas, el músico de Denver ha rehecho su vida. Y eso se plasma en la música: más detalles, más calma, muchas historias que contar en cada canción. Vivencias relacionadas con la ansiedad, la inseguridad o el dolor. Todas ellas musicadas junto a sus inseparables The Night Sweats, a base de sonidos de raíz americana. Las canciones de “South Of Here” se pudieron escuchar en Mad Cool, y en los días siguientes se estableció en Barcelona con la idea de hacer promoción y disfrutar de unos días de vacaciones. Nathaniel nos atiende en la habitación de uno de los hoteles más lujosos de la ciudad. Es amable, pero hay algo de contención en sus actos, en sus palabras. Me recuerda al personaje de Tony Soprano. Por actitud e incluso por su vestimenta. En una de las repisas tiene un pequeño altar con velas, ﬁguras y varias fotos, una de ellas de su desaparecido amigo Richard Swift. “Siempre me acompaña. Está junto a mí

allá dónde vaya. La noticia de su muerte fue dura, no lo esperábamos. En lo musical tenía un gran talento y no sabemos dónde iba a estar su techo”. Pero volvamos a “South Of Here”. En discos anteriores, Rateliff se había decantado más hacia el soul y, aunque en este trabajo todavía hay canciones que van en esa línea, aquí el camino es más de cantautor con una ﬁlosofía más pop en el contexto general del álbum. El disco se grabó en una primera tanda de diez días para preparar demos y algunas voces y, más tarde, se juntaron todos en el estudio para grabar a la vieja usanza. “Para este disco me apetecía estar todos en la misma sala, tocar mucho las canciones, que tuvieran un rodaje y pudieran coger su forma. Quería sentir la sensación de equipo, de unión. Para mí, esta vez era muy importante. También estaba la ﬁgura de Brad Cook, el productor, que tenía que estar de acuerdo con el plan. Y lo estuvo”.

“SOUTH OF HERE” nació tras superar el bache vital de Rateliff, un bache en el que conﬂuyeron tanto la pérdida como la sensación de vacío y desesperanza. Por eso ha

decidido escribir sobre esos sentimientos. “No es fácil escribir sobre esos asuntos tan dolorosos que aparecen en tu vida, pero hay que afrontarlos y, una vez lo consigues, tienes una sensación de alivio que te permite seguir adelante. Y ahora más que nunca necesitaba exponer todo esto. Así que ahí están las canciones como representación de un proceso vital”. El disco aparece una vez más en el sello Stax, uno de los emblemas de la música americana, del cual se estrenó recientemente un documental sobre el que Rateliff me comparte su opinión. “Me gustó tanto lo que vi como el tratamiento, pero eché de menos que apareciesen más The Staple Singers. Hace poco coincidí con Mavis Staples, con quien somos buenos amigos, y me sorprendió ver cómo canta a sus ochenta y cuatro años. Es increíble. ¡Un prodigio!”.

SOBRE NATHANIEL RATELIFF, el mismísimo Robert Plant dijo que era uno de los músicos que debía mantener la antorcha, destacando su capacidad compo-

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“Mi mayor triunfo es poder subirme a un escenario”

sitiva. Otros le han comparado con Bruce Springsteen. Es más, en el programa de Howard Stern nos sorprendió con una fantástica versión de “Dancing in The Dark”. “Me siento halagado, aunque esas son palabras mayores. Yo debo seguir mi camino y lo que llegue bienvenido será. No me marco metas más allá de las que tengo al alcance de la mano. Lógicamente hay que ser ambicioso y por eso celebro cada logro como una victoria, pero mi mayor triunfo es poder subirme a un escenario”.

APROVECHANDO LA COYUNTURA, me intereso por la opinión del artista

por otros temas al margen de su carrera musical. Por un lado, este otoño tendrán lugar las elecciones en Estados Unidos, un momento crucial para sus ciudadanos que marcará el futuro de un país que ahora mismo se mueve en arenas movedizas. “El país está en un momento en que hay que establecer unas líneas que aseguren el futuro. La clase media está desapareciendo, hay demasiadas diferencias entre ricos y pobres. Yo me decanto por la vía demócrata, pero al ﬁnal me ﬁjo sobre todo en las personas y son estas las que me tienen que convencer con un programa sólido”. También tenemos unos minutos para hablar de baloncesto. Él es asiduo a los partidos de la NBA y gran seguidor de los Denver Nuggets. “Me divierto mucho viendo deporte en directo, sobre todo baloncesto. Y sí, me gusta mucho Nikola Jokic. Entiende muy bien el juego. Tiene ese IQ europeo”. T.C.

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EN PORTADA

Ventana al futuro

Karavana

Érase un grupo de pop-rock que murió en la disco. Y érase una resurrección cargada de autosabotaje, excesos y mucha guitarra. Esta es la historia de "Entre amores y errores" (Vanana Records, 24), el segundo disco de Karavana.

TEXTO Mara Gómez

FOTOS Edu Pomares

AGONZALO (voz y guitarra), Emilio (bajo) y Jaime (batería) les quemaba en las manos este trabajo desde hace casi ya dos años, cuando empezaron a incluir los primeros temas en aquella carpeta de su ordenador: “Disco 2”. Producido enteramente por ellos, por primera vez siendo tres integrantes (Fabián, vocalista principal, dejó el grupo por razones personales a ﬁnales de 2022) admiten que el proceso fue “caótico”. Pero no lo cambiarían por nada. Porque tener siempre a mano las grabaciones les daba un control pleno que nunca habían tenido, pero también “la facilidad de poder meterte en la canción y corregirla en cualquier momento, algo que complicaba un poco más las cosas”. Conformistas no son, así que su obsesión les hizo descartar muchas piezas “por no estar a la altura”: todo debía tener su peso. Y sin ese perfeccionismo caótico, “Entre amores y errores” quizá no habría funcionado tan bien.

AÚN ASÍ, sí que han contado con algún nombre externo. Tan externo que ni siquiera lo conocen en persona: Aron Kobayashi, un productor e ingeniero de sonido neoyorquino que empieza a hacerse oír por sus trabajos con Been Stellar o Miss Grit, ha sido el encargado de mezclar el álbum. “Nuestro guitarrista, Luis, llegó un día al local y nos enseñó un grupo que se llamaba Momma, teloneros de Weezer, con un estilo noventero. Vimos que las canciones las mezclaba el propio guitarrista de la banda [Aron] y dijimos ‘Vamos a probar con alguien de fuera’”. No tuvieron ningún miedo al descubrir que Kobayashi apenas tenía veinte años. “Seguramente una persona con esa edad tiene muchas más ganas de aprender y de comerse el mundo que un tío de sesenta que te dice ‘Mira, esto lo hago así y te jodes’”. Al ﬁnal, señalan, la experiencia ha sido muy positiva. “¡Otras bandas ya nos han dicho que suena como un pepino!”.

AL TRÍO SEVILLANO se le lleva conociendo en los titulares como el grupo de las “guitarras sucias y letras cursis” durante años ya. “Lo pusimos un día en la biografía de Spotify porque había que poner algo y nos ha perseguido toda la vida, pero no es que vayamos buscando que sean más sucias las guitarras en cada disco”. Aunque sigue habiendo hueco para sonidos más “chicharreros” en algunos temas, porque para ellos era importante que no todas las guitarras sonasen igual. “Ahora tenemos un mucho mejor sonido”, aseguran orgullosos. Si algo les ha enseñado también esta autoproducción es a centrarse. “Es un trabajo mucho más introspectivo en el que ha habido un progreso importante”. Han crecido en su forma de componer, de grabar y de trabajar en general y, admiten, haber sido “más exigentes que nunca en este nuevo trabajo”. Y lo reﬂejan no solo en el sonido, sino también en la temática: un autoanálisis con más errores que amores, lo reconocen. “…Errores que te hacen

plantearte toda esa relación que tienes tú mismo con el amor. Porque hablamos del concepto del amor: de lo que signiﬁca el amor propio, hacia un amigo o hacia quien sea, no de uno especíﬁco”.

Una especie de resaca

DE AHÍ QUE CONCIBAN este segundo álbum no como una continuación de “Muertos en la disco”, sino como… una especie de resaca. Los tres chavales vuelven a casa después del after y el discurso ya no es el de juerga eterna, sino “una hostia que les da el sol como venganza” de “¿Qué estoy haciendo con mi vida?”, como cantan en “Martes sábados”. “Entre amores y errores” recoge todo lo que han vivido “desde ‘Muertos en la disco’ y sus consecuencias”. El momento también inﬂuye, sostienen: “Cuando sales de una pandemia, lo único que quieres en tu vida es reventarte la cabeza; y cuando

te la revientas lo suﬁciente, dices ‘Igual como siga así me voy a morir’”. Y es que ya no son esos muchachos que rozaban los veinte en aquellos primeros singles. Ahora son adultos (según el Ministerio de Salud) de veintisiete años, y se plantean otras cosas. “Me he dado cuenta hace poco de que no hay ninguna canción de amor en el disco”, comenta Gonzalo. “Antes, en el anterior elepé, buscábamos que todo fuera medianamente alegre y cantable, pero aquí ha sido como ‘Vamos a hablar un poco de nosotros’”. Sin embargo, seamos realistas: quizá no hay juerga eterna, pero no serían Karavana sin un poco de dosis de desfase. Aquí entra “¿Quién quiere más?”, con un sonido más roto que nunca y un alejamiento del poprock al que nos tenían acostumbrados. El tema nace de un cántico que el propio vocalista canturreaba en cada ﬁesta. “Siempre que había algo de tecno en alguna discoteca, intentaba seguir el ritmo cantando ‘¿Quién quiere más MDMA?’”. Un día, de resaca en su cuarto, tonteó con

su guitarra y así nació esta “fumada de canción”, como él mismo la ha bautizado. Es precisamente esa habitación, la de Gonzalo, la que protagoniza la portada de este nuevo trabajo… y la que podría considerarse el cuarto miembro de la formación. “Ahí han pasado todas estas historias. El que ha vivido esto siempre ha tenido que pasar por ese cuarto, ya sea al principio o al ﬁnal de cada historia”. Tampoco quieren que pase desapercibida la presencia de la ventana. Inesperadamente, Emilio, Jaime y Gonzalo se enzarzan en una profunda conversación sobre lo mucho que les gusta esta parte de la casa. “¡Son muy libres, muy atractivas! Una metáfora de la vida: te puedes tirar por ellas o mirar al cielo y soñar”. Ya lo dicen en su mayor hit: “Saltaré por tu ventana si pones a C. Tangana”. Va a ser verdad que Karavana y ventana son conceptos inseparables.

HAY OTRO PERSONAJE más del elenco del disco que aparece en la habitación. La silueta que se esconde en la contraportada nos lleva a otro de los singles del álbum, “Fantasma”. Una ﬁgura que atraviesa prácticamente todas las pistas. “Nos sentimos un poco perseguidos por nuestra propia sombra, por lo que hemos sido, por lo que lo que se espera que seamos o por lo que nosotros queremos ser”. Esa sensación de “angustia por algo que está a tu alrededor, pero que no se percibe” está presente en toda la grabación, ya sea en forma de espíritu fantasmagórico o del “careto de Bryan Myers”.

ENTRE LOS BÁRTULOS de ese dormitorio que lo ha visto todo, encontramos también cierto resquemor hacia Madrid, ciudad en la que llevan varios años asentados. En el primer disco, esta ciudad ya se llevó dedicada una canción entera (“Madrid”), pero ahora las calles son más grises en la capital. “Mismos vicios” refleja ese “amor/odio”. “Es una ciudad que te lo da todo y te lo quita al mismo tiempo”. Una trampa asfixiante pero seductora que “los lleva a buscar una vía de escape en esas noches eternas que no tienen final”. De hecho, afirman que “Madrid” y “Mismos vicios” pueden ser “la misma canción vista desde distintos años”. En la de 2021, querían expresar “que siempre acabábamos en los mismos lugares, pero estaba muy bien porque al final veías a la persona que querías… Y ahora ya parece que te da exactamente igual incluso la persona que querías ver. Ya estás cansado hasta de hacer siempre lo mismo”. No descartan una entrega más. “A lo mejor en el tercero ya es ‘Me he mudado a un pueblo”, comentan entre risas.

LO QUE ESTÁ CLARO es que los tres adolescentes que aparecían borrosos

“

“Nos sentimos perseguidos por nuestra propia sombra”

en aquel primer single, “Me matabas” (18), probablemente no imaginaban ni que acabarían viviendo fuera. Y es que, realmente, ni siquiera lo iban a subir a Spotify. “Lo teníamos en Soundcloud escondido, hasta que conocimos a Jaime y nos dijo ‘¿Por qué no lo subimos? Igual en un par de años nos hacemos un Wembley’. Y nada, aquí estamos, intentando hacer un Wembley”. La canción se coló en lo más viral de España y explotó sin que se dieran cuenta hasta dos semanas después. “Yo creo que ahora hay mucha más competencia, y bastante buena. Aun así, incluso saliendo ahora, confío en que le gustaría a la gente”, considera Emilio. Han pasado seis años de aquello y hay un asunto que sigue presente desde entonces. Ninguna colaboración en sus lanzamientos. Abordo el tema sigilosamente y Gonzalo admite que siempre le ha dado “bastante vértigo. Para nosotros tiene que ser algo que tenga mucho sentido artístico…”. “Que de ahí salga una bomba”, completa Jaime. “Tengo la sensación de que ahora todo pasa por hacer ‘colabo’, y es uno de mis mayores miedos dentro de la música: que sea necesario hacer una colaboración para llegar un poco más alto”. Les aprieto un poco hasta que me dan un nombre soñado para “Entre amores y errores”: Pereza. “Si estuvieran Rubén y Leiva juntos, les incluiríamos en ‘Pastillas’”. Lo que sí conﬁesan sin presiones es que inﬂuencias no les faltan, y que cada canción tiene miles de alusiones. Señalan a Wallows, The Strokes o The Vaccines como sus referentes. “En “Mismos vicios” hemos hecho una parte muy rollo Muse, pero en otras hay detalles que nos recuerdan desde Harry Styles hasta LCD Soundsystem, o incluso The Prodigy en ‘MDMA’”.

EN SU ANTERIOR CHARLA con Mondo Sonoro, contaban que la canción que más les representaba era “Resaca Pop”. Ahora

el trío tiene más dudas (y más repertorio) y los tiros se reparten entre “Martes sábados” (con unas de las letras más absorbentes de las diez) y “Verano de los 27”, que ha sido, efectivamente, la banda sonora de sus últimos meses. “Está siendo nuestro verano ideal tocando. Aunque, hombre, ¡mi verano ideal sería todo pagado en Punta Cana!”.

CON QUINCE NOCHES repartidas por los festivales de todo el país, su gira “Verano del 27” está desaﬁando los termómetros subiendo las temperaturas hasta extremos imposibles. “Los conciertos están yendo guapísimo”, expresan. Para la producción de directo en esta gira, han contado con Raúl de Lara (responsable del sonido en vivo de Arde Bogotá, Second o IZAL, entre otros) y no recomiendan perderse los nuevos detalles: “¡Nuestros directos son un pepino!”. Cualquiera que haya estado en uno, sabrá que los conciertos de Karavana son difíciles de olvidar. Han atrapado hasta al público del otro lado del Atlántico, con varios conciertos en México, y agotado todas y cada una de las citas con su audiencia madrileña (La Riviera, Ochoymedio, Sala Cool…). “Nuestras canciones en directo, cuando estás con gente, ganan mucho. Mola ver cómo la gente comparte entre ellos la música que hacemos”. Eso sí, es una hora y media de “sudar, pasártelo bien y luego un par de horitas bebiendo agua”. Por si a alguien se le están poniendo los dientes largos: calma. Karavana encadenarán este tour de infarto con un recorrido por más de una decena de salas españolas a partir de otoño. Esperamos que sea cómoda la caravana (si me permiten la broma) en la que van a compartir tantos kilómetros. “Molaría poner una GoPro en nuestra furgo”: mucho humo de tabaco, palos de Chupa Chups por el suelo y cervezas del día anterior es lo que encontraríamos por allí. Postulan claramente para ser el icono del pop rock español de las nuevas generaciones. “Suelos sucios y letras cursis”, sentencian. M.G.

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EN CONCIERTO

l Lugo 20 septiembre. Caudal Fest

l Sevilla 27 septiembre. Sala Custon

l Madrid 19 octubre. La Riviera

l Valladolid 02 noviembre. Sala Porta Caeli

l Granada 09 noviembre. Aliatar

l A Coruña 24 enero. Garufa Club

l Oviedo 25 enero. Garufa Club. Tribeca Live

l Murcia 14 febrero. Sala Rem

l Alicante 15 febrero. Sala Stereo

l Barcelona 04 abril. Razzmatazz 2

l Valencia 06 abril. Sala Moon

EL DISCO. RECUPERADO.

Buffalo Tom Let Me Come Over Situation Two/Beggars Banquet (1992)

FORMADOS EN 1987, Buffalo Tom acaban de publicar su décimo disco, “Jump Rope”, un trabajo excelente que no desentona en una carrera que ha transcurrido con calma con apenas cuatro discos publicados en el nuevo milenio. Eso no evita que, de vez en cuando, acudamos a la estantería para rescatar uno de los trabajos del genio Bill Janovitz y los suyos y, para qué negarlo, que muchas veces optemos por “Let Me Come Over”, su tercer trabajo en estudio y su primer puñetazo encima de la mesa. Quizá porque fue el primero que la banda encaró de manera profesional, como recordaba su líder en una entrevista con el periodista Dom Gourlay en 2017: “Todavía estábamos trabajando en trabajos diurnos cuando hicimos nuestros dos primeros discos y todo eso había cambiado cuando comenzamos a grabar el tercero”. Los bostonianos consiguieron con ese álbum asomar la cabeza en el rock alternativo americano, obnubilado por el grunge, el hardcore, el punk y un americana que no les quedaba tan lejos.

PUBLICADO EN 1992, cuando todo parecía reducirse a Nirvana y satélites musicales, el grupo abandona la producción de J Mascis de Dinosuar Jr que había coproducido sus discos anteriores para encargar esa tarea a Paul Kolderie y Sean Slade. Un año más tarde, la misma pareja estaría haciendo lo propio con el debut de unos tales Radiohead. No hay duda de que su participación es vital para el resultado ﬁnal, pero sobre todo, lo

que hay que destacar aquí es el nivel compositivo que muestra Janovitz y cuya excelencia se mantendrá en ese estado hasta el siguiente “Big Red Letter Day” (93). Bill no es tan oscuro componiendo como Dinousaur Jr. Ni tan depresivo como Nirvana. Pero tampoco es tan rabioso como Bad Religion, ni tan dulce como a veces The Lemonheads, ni tan crudo como Bob Mould. Pero tiene algo de todos ellos que se refleja en canciones como “Velvet Roof”, primer single del álbum, “Porchlight” o “Mineral”. Aunque sería “Taillights Fade” la canción que lo cambiaría todo. “No sé por qué se convirtió en nuestra canción más reconocible”, dice Janovitz. “Se convirtió en algo más, y no quiero decir que cambiara el espíritu de la época como lo hizo Nirvana. Pero recuerdo haber escuchado historias sobre cómo la gente se relacionaba con esa canción. Qué significó y cómo puso la banda sonora a ciertos eventos en sus vidas. Estoy orgulloso de tener una canción como esa, y si esa es la única canción nuestra que se destaca hoy en día, está bien para mí”. En todo caso, que la canción sirva para que nuevas generaciones que ahora ven a Buffalo Tom como una banda de veteranos cincuentones se acerquen a ellos, tampoco está mal. Descubrirán un grupo con unas melodías fantásticas y una personalidad, reflejo de la de su líder, aplastante. Porque hubo un tiempo en que las guitarras y las melodías unidas también dominaron el mundo. EDUARDO IZQUIERDO

TAN. CERCA.

RR El festival Boreal volverá a celebrarse los días 20 y 21 de septiembre en Los Silos (Tenerife) con un cartel en el que prima la diversidad e igualdad de género. Participarán artistas como Iseo & Dodosound, Rodrigo Cuevas, Miss Bolivia, Las Ninyas del Corro, Bombino, Francisco el hombre y más. Más información en www. festivalboreal.org

RR La mítica banda argentina Los Auténticos Decadentes visitará nuevamente nuestro país este mes de septiembre. Podremos verles en Barcelona (jueves 5 septiembre, Sala Razzmatazz) y Alicante (viernes 6 septiembre, Sala The One).

RR Vetusta Morla van a tomarse un merecido descanso durante todo 2025, pero antes se despedirán con cuatro conciertos especiales: los días 3 y 4 de septiembre en Barcelona (Sala Razzmatazz) y 8 y 9 de septiembre en Madrid (La Riviera).

RR Tras su edición de este pasado mes, el festival andaluz Canela Party da a conocer sus primeros nombres para el año que viene. Por la parte internacional, The Get Up Kids, Joyce Manor, Les Savy Fav y Tropical Fuck Storm. Por la española, Bum Motion Club, Depresión Sonora, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Grande Amore, Maple y Mourn.

RR La rapera y cantante Mala Rodríguez lleva su “Un mundo raro tour” a Latinoamérica. Después de pasar por Brasil y Argentina, en septiembre pasará por Uruguay, Chile, Venezuela, Panamá y Colombia). También se la podrá ver en Gran Canaria (21 septiembre), Cáceres (27 septiembre) y Alicante (10 octubre).

RR Pablo Senator, es decir Pablo Martínez, ex vocalista de Desakato, publicará su primer álbum, “La Mano En El Fuego”, el 20 de septiembre. De momento ha anunciado presentaciones en Barcelona (15 noviembre, Sala Wolf), Valencia (16 noviembre, 16 Toneladas), Madrid (11 enero, Sala Mon Live), Bilbao (14 febrero, Stage Live) y Xixón (15 febrero, Teatro Albéniz). MS

Jordan Rakei Ambición

Después de pasar por el Bilbao BBK Live, el músico y productor Jordan Rakei volverá a nuestro país para presentar su todavía reciente “The Loop” (Universal, 24).

ALA ALTURA DE SU QUINTO disco, Jordan Rakei parece ir acercándose a la forma artística que ha buscado desde su debut, una década atrás. El neozelandés-via-Australia-vía-Londres de voz tan vulnerable como seductora llega a “The Loop” buscando (y logrando) dar un paso de grandilocuencia a su música, un arte que destila sensibilidad y cercanía, pero no duda en exponer intenciones sonoras conmovedoras. “Cada álbum en mi carrera fue ligeramente diferente en lo musical y ‘The Loop’ es mi mayor maniﬁesto. Lo siento muy natural y orgánico pero también es bastante ambicioso, ya sabes, la orquesta, el coro, la big band. Creo que presenta al Jordan más épico [risas]. Si está

marcando mi carrera por algo diría que es porque es un disco ambicioso”.

“THE LOOP” SUENA COMO una continuación de lo propuesto en el sólido “What We Call Life” de 2021. Aunque ambos álbumes se caracterizan por la intimidad de sus composiciones, en “The Loop” la producción crece en exquisitez y detalle. “La idea era que se sienta como una grabación clásica de los sesentas pero con la alta ﬁdelidad moderna, con estética de hip hop. Es como si mezclaras el sonido de Marvin Gaye con el de Kendrick Lamar. Tiene ese sonido fuerte de baterías y también el clásico de las cuerdas. Crecí escuchando hip hop y por eso para mí las baterías tienen que estar bien al frente. Cuando escuchas a Stevie Wonder, Marvin Gaye o a Aretha Franklin, notarás que las baterías son muy tranquilas. Aquí fueron primero las baterías y luego los elementos orquestales”.

AUNQUE BASTANTE RESERVADO, Rakei es un músico tan sensible como su voz y

“Si se siente vulnerable es porque probablemente sea algo bueno”

RR Los Gallagher hacen las paces y Oasis se reúnen. De momento será para ofrecer catorce conciertos por Inglaterra, Escocia e Irlanda en julio y agosto de 2025. Las ciudades en las que actuarán son Cardiff, Manchester, Londres, Edimburgo y Dublín, aunque meses más tarde se les verá probablemente en Estados Unidos

RR La salud de Josh Homme sigue delicada. Queens Of The Stone Age cancelan buena parte de sus conciertos programados para este

Gigolo Aunts Por los viejos tiempos

Gigolo Aunts, una de las bandas de power pop más queridas de nuestro país, se despedirá en septiembre de sus fans españoles en una serie de conciertos en los que venderán la esperada reedición en vinilo de “Minor Chords And Major Themes” (99).

“MINOR CHORDS And Major Themes” es para muchos, incluyendo al propio Dave Gibbs, la obra magna de Gigolo Aunts. Ahora, por ﬁn recibirá

el tratamiento que se merece. El grupo celebrará los veinticinco años del disco y, al mismo tiempo, se despedirá de su público español en una gira de siete fechas. Allí estará la formación clásica de la banda. En los noventa el grupo cautivó al público español con más canciones de pop soleado, y el idilio culminó con aquella estupenda versión de “La chica de ayer” de Nacha Pop. Quienes acudan a la cita podrán comprar una copia –por primera vez en vinilo– de “Minor Chords...” en ﬂamante doble desplegable, con abundantes notas y arte completamente nuevo. La edición es muy limitada: quinientas copias y se acabó.

año para que su líder pueda recuperarse de su reciente operación. Otros se aplazan hasta 2025.

RR La bailable banda francesa Rinôçérôse vuelve a la actualidad anunciando para septiembre el que será su próximo álbum, “Psychôanalysis”. Como anticipo puedes escuchar su efectiva colaboración con Benjamin Diamond.

RR Los recientes conciertos benéﬁcos de Sex Pistols con

“Juntarnos los cuatro para tocar de nuevo fue mágico”

Dave, todo simpatía y calidez, está en Madrid porque toca el bajo con su viejo camarada Tom Morello en el festival Mad Cool. Aunque vive en el presente, el tiempo pasa y la nostalgia asoma. Sobre todo cuando uno se despide de sus amigos. “Después de mis problemas de salud, resulta que empecé a estar muy bien. Velvet Crush me pidieron tocar con ellos y les dije que sí, porque son muy colegas. Y luego, unos amigos de Boston, Letters To Cleo, con los que tocamos mucho en los noventa, nos pidieron que Gigolo Aunts tocáramos algunos conciertos con ellos. Se sumó Paul [Brouwer], el batería original, y fue diver-

desde sus letras suele desnudar sus sentimientos con resultados épicos, una característica dualidad que también lo deﬁne. “Mi música es muy terapéutica para mí. Es divertido porque yo no soy muy abierto en la vida real, en las conversaciones reales, pero cuando estoy en el estudio puedo escribir lo que quiera y nadie me juzga. Cuando esa música sale de mi sistema es como un alivio. Pero luego hay una segunda ola de miedo sobre que los demás escuchen esto, ya sabes, ‘Eres muy dulce al escribir esto, amo esa canción’ y luego cuando la tienes que mostrar es como ‘Oh, no’ [risas]. Trato de no preocuparme por esto, porque si se siente vulnerable es porque probablemente sea algo bueno ir tan profundo”.

“HOPES AND DREAMS” es una canción plena de belleza escrita alrededor del nacimiento de su hijo y cómo este evento cambió su eje, y demuestra que tan profundo puede llegar el neozelandés. “Obviamente cambiaron mis prioridades. Antes la música era todo lo que pasaba en mi vida…

El estudio, las giras. Ahora los estreses de la industria se me hacen divertidos. Cuando tu bebé está enfermo, eso sí es preocupante. Ya no me importan las redes, las ventas de tickets, los streamings... Son simplemente una broma divertida. Con esa misma mentalidad escribí estas canciones, después de que él naciera. Un joven Jordan, cuando tenía veintidós años por ejemplo, estaba muy encima del tipo de producción, de las letras, o los tipos de procesos de la música, pero ahora la verdad es que me da igual lo que piensen los demás. Tengo un bebé y ya. Es algo que cambia la forma de tu ego, deﬁnitivamente”.

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l Madrid 04 septiembre. Lula Club l Barcelona 05 septiembre. Razzmatazz 2

Frank Carter como vocalista han sido un éxito de público y de crítica. De ahí que hayan anunciado ya nuevas fechas en Londres, Birmingham, Glasgow y Manchester para ﬁnales de septiembre y con posibilidad de que la lista se amplíe.

RR Shavo Odadjian, bajista de System Of A Down, pone fecha al que será el álbum de debut de su nueva formación, Seven Hours After Violet. El disco verá la luz el 11 de octubre y ya han compartido dos canciones: “Paradise” y “Radiance”.

tidísimo juntarnos los cuatro para volver a tocar esas canciones. Fue mágico”. La magia obedece a que, a pesar de la salida de Steve y Paul a mediados de los noventa, los cuatro miembros originales del grupo se llevan muy bien. “Vivimos en sitios diferentes del país, pero seguimos siendo muy buenos amigos. Todavía nos vemos cuando podemos, pero es complicado. Somos mayores, tenemos vidas diferentes. Pero empezamos a hablar del tema, e hicimos tres bolos en la Costa Este a ﬁnales de año. Y David [Jiménez, de la promotora Heart Of Gold], cuando había terminado con Velvet Crush, me dijo que teníamos que reeditar ‘Minor Chords And Major Themes’, que cumplía veinticinco años. Luego, claro, se habló de hacer un bolo.

RR El próximo 18 de septiembre, Paramount + estrenará internacionalmente la serie documental “Nöthin’ But a Good Time: The Uncensored Story Of 80’s Hair Metal”, inspirada en el libro del mismo título que recoge los años dorados del género a través de bandas como Poison, W.A.S.P, Skid Row, Guns ‘N Roses y más.

RR Después de Wendy Carlos y Daft Punk, se ha conﬁrmado que Nine Inch Nails serán los responsables de la banda sonora de la tercera película de “Tron” La película se estrenará en octubre del próximo año. MS

Pasaron a ser dos, tres, cinco y al ﬁnal son siete. Yo le dije que sólo la haría si podía conseguir la formación original. Todos dijeron que sí, así que va a ser muy divertido”. JC PEÑA

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EN CONCIERTO

l Vigo 20 septiembre. Festival Underfest l Vitoria 21 septiembre. Helldorado l Mallorca 22 septiembre. Es Gremi Centre Musical l Barcelona 24 septiembre. Upload l Bilbao 26 septiembre. Kafe Antzokia l Madrid 27 septiembre. El Sol l Murcia 28 septiembre. Visor Fest

ADRIANO MAZZEO

MONDO FREAKO

Maximiliano Calvo todavía no las tiene todas consigo. Tampoco hace tanto tiempo que salió de rehabilitación, y el fantasma de la recaída acecha. Pero la sobriedad le ha dado una clarividencia y sinceridad que podría llevar su música a una nueva dimensión. Su nuevo EP “Barato y Romántico” (Universal, 24) es un primer pequeño paso para ello. Pero es solamente el principio.

MI CONVERSACIÓN con Maximiliano Calvo se alarga hasta la hora de duración. El músico argentino aﬁncado en nuestro país tiene unas ganas enormes de explicar por lo que ha pasado. Y sí, es otra de esas historias de caída en el abismo, dolor y redención que tanto abundan en el mundo de la bohemia. Pero, por más que la literatura nos haya hecho creer lo contrario, no hay nada de romántico en todo ello. No ha sido divertido. Puede que con anterioridad haya engrandecido la leyenda de más de un artista, pero no es así para el que lo vive en primera persona. Además, lo que más le pesa a Maximiliano es la sensación de haberla cagado. De haberse cargado su carrera y se pregunta si todavía estará a tiempo de enmendar tantos errores acumulados. “Barato y Romántico”, un nuevo epé de cinco luminosas canciones pop, es un primer paso para ello. Aunque no quiere que sea el último, de ahí que esté ya trabajando en lo que será su próximo disco. “Estoy componiendo solo, que es algo que nunca he hecho, porque antes siempre necesitaba jaleo a mi alrededor. Y todas las canciones hablan de cómo la cagué, que es algo que me pregunto mucho… Habla de la adicción, pero más desde una óptica de querer pedir perdón. Y es que en el fondo me da más miedo parecerme al que fui que consumir de nuevo. Pienso mucho en hasta qué punto estoy preparado para soportar tantas frustraciones en la música, en este mundo en el que

"Me da más miedo parecerme al que fui que consumir de nuevo"

Maximiliano Calvo Acostumbrarse a tanta luz

todo resulta tan instantáneo”. Y es que las grandes expectativas suelen jugar muy malas pasadas, y el argentino tenía mucha fe en que “El Gallo”, su último largo publicado en abril de 2023, tuviera una repercusión que luego no tuvo y a partir de ahí… “empiezo a consumir mucho por culpa del desespero”.

LA SUPERVIVENCIA, poder vivir de tu música, aunque sea con lo mínimo y sin tener que traicionarte por ello faltando a tu verdad, a ser auténtico, es otro de esos demonios que persiguen y han perseguido al argentino hasta la saciedad. Por eso respeta tanto a Alex Turner de Arctic Monkeys, al que tilda de “la última rockstar que nos queda”. Lo respeta por esa

responsabilidad enorme que demuestra tener para con su música. Al igual que me habla maravillas de su amigo Carlos Ares, de Guitarricadelafuente y de Carolina Durante. Para Calvo todos ellos son buenos ejemplos de músicos que buscan la verdad. Que no se conforman con los cinco minutos de fama que alumbran a los chicos de la academia de Operación Triunfo. Un mundo que Maximiliano conoce muy bien, pues una de sus formas de supervivencia pasa por trabajar componiendo para todos ellos, vía Universal, su sello discográﬁco. “Cuando, por ejemplo, trabajo con un artista como Lucas [Curotto] de OT intento darle una sinceridad a sus canciones en base a lo que me cuenta. Intento charlar mucho con el artista y

entender qué le pasa, a dónde quiere llegar”. Pero la ecuación que combina variables como credibilidad y fama en ocasiones cuesta mucho de resolver. Por eso no puedo reprimir el preguntarle si se arrepiente de su paso por el talent show televisivo “Dúos increíbles” y si ahora repetiría esa experiencia. “Ahora siento que no. Que no tienen nada que ver conmigo… Además me pilló en mi época de consumo más fuerte y me cuesta verme. En ese momento pensaba que mi personalidad en televisión podía ser disruptiva, porque alguien como yo no es lo que se espera que aparezca en televisión,. Pero luego me di cuenta de que no. De que en ese mundo se preﬁere a alguien como Alfred [García], quien ya era una cara conocida y allí se va a lo que se va. Y lo entiendo”.

MAXIMILIANO CALVO se expresa sin ningún filtro y sorprende. Se nota que el periodo de rehabilitación le ha servido para reflexionar sobre su vida, su adicción y su carrera. Por eso no se corta a la hora de reconocer que no siempre ha actuado como una buena persona. Que ha hecho daño a gente que no lo merecía o que incluso la envidia ha sido un motor existencial de consecuencias muy negativas. “Cuando veía la carrera que estaban desarrollando en mi país Bandalos Chinos o Conociendo a Rusia lo primero que me salía en mi época de consumo, y no lo podía manejar, era la envidia. Ahora, en lugar de tomar esa envidia como algo negativo, intento copiar cómo han hecho ellos las cosas para que a mí me vaya mejor. Pero lo primero que me sale es una envidia muy grande y lucho contra ella porque son mis amigos y quiero lo mejor para ellos”. Tampoco le pone paños calientes al hecho de que borraría de las plataformas de streaming todo lo anterior a “El Gallo”, porque es un material con el que ya no se siente ni cómodo ni representado. Canciones que son fruto de decisiones que no siempre han sido las correctas. “Tan solo dejaría ’Febril’ y la canción que tengo con María Jiménez [“El lío”] porque es la última canción que grabó en vida y es muy importante para mí, pero el resto lo borraría sin duda”. Una necesidad de borrón y cuenta nueva que deseamos de corazón que le funcione y que se mantenga firme en su sobriedad y convicciones. Nadie dijo que fuera a resultar sencillo. DON DISTURBIOS

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Entrevista completa >>

WALA. WALA.

“Charli [XCX] lleva las canciones a lugares a los que no esperarías que lleguen. Me encanta ver que un trabajo duro como el suyo, da sus frutos”

Taylor Swift en Vulture

“Soy un grandioso fan de Pearl Jam. Cada miembro del grupo es un gran compositor, un gran cantante y un gran multiinstrumentista. Son una banda de virtuosos”

Andrew Watt en Spin

“Mi Tiny Desk Concert fue una sorpresa. Me enteré quince minutos antes de llegar. Fui al baño, me puse lápiz labial ¡y hora de tocar para Tiny Desk!”

Suzanne Vega en Muzikalia

“Pienso en los noventa, soy de esa década. En el liceo, escuchábamos Rage Against The Machine y queríamos quemarlo todo. ¿Hay una banda como R.A.T.M. en este 2024 a ese nivel?”

Ana Tijoux en Rockzone

“ODIO A LAS BANDAS HABLAR SOBRE LO DOLOROSO QUE FUE UN DISCO, PORQUE NO LES CREO. PERO ‘GHOSTEEN’ TUVO SU AGONÍA ASOCIADA, SIN DUDA. Y NO ES ALGO QUE QUIERA REPETIR”

Nick Cave en Mojo

Rita Payés

El camino de la magia

La catalana Rita Payés es una de esas artistas cuya personalidad y capacidades generan admiración allá por donde pasa. Ha trabajado con artistas de lo más diverso, pero ahora tiene en la calle su esperado “De camino al camino” (Sony, 24), un álbum en el que se asoma por muchos rincones distintos.

RITA PAYÉS TIENE UN IMÁN.

Quién se le acerca, desea trabajar a su lado. Nombres como los de Jon Batiste, C.Tangana o Silvia Pérez Cruz son solo un ejemplo. A los veinticuatro años de edad ha vivido lo que otros músicos no consiguen siquiera acariciar en una vida entera. Queda ya lejos su paso por la Sant Andreu Jazz Band, su hermoso “Lua Amarela” (16) o incluso la aventura junto a su madre, Elisabeth Roma [el disco “Como la piel” fue toda una revelación]. Su presente ahora es otro, el que reﬂeja “De camino al camino”, un trabajo que muestra a una artista que se asoma por distintos rincones de su personalidad. “El disco se gestó canción a canción. Cada una es de su padre y de su madre, pero al ﬁnal, cuando las juntas, todo cobra un sentido. En cual-

quier caso me siento muy libre porque me gustan cosas muy distintas”, me comenta en persona. Hemos quedado en una cafetería del Poble Nou de Barcelona. Su casi recién nacida hija duerme plácidamente mientras charlamos. Rita Payés es una persona tranquila y que, en apariencia, parece tímida. Luce una bonita sonrisa fruto de la sinceridad con la que habla. Reconoce que, en esta nueva vida, ha descubierto que la paciencia es elástica. La cantante y trombonista ha grabado un disco que es una fotografía de este momento. Por eso, al margen de los planes que puedas tener, destaca la importancia del aquí y el ahora. “Fíjate, no era consciente de que el disco salía ya. No te das cuenta y lo tienes a la vuelta de la esquina. Es algo muy real. Es cierto que nadie recomienda publicarlo en medio del verano, a no ser que tengas un hit de temporada, que no es el caso, pero no queríamos esperar. Como es un disco que pide un poco de paciencia, así la gente tendrá tiempo de descubrirlo poco a poco. De todos modos, tengo que reconocer que yo desconecto un poco de esas cosas del marketing”.

LA ARTISTA DE VILASSAR DE MAR, tal y como declara en el título del disco, preﬁere degustar el proceso y no precipitar las cosas. “Es algo muy de la sociedad actual. Esa necesidad de correr para hacerlo todo. Yo

intento que eso me resbale. Un disco puede ser la grabación de un solo día o un proceso mucho más largo. Son procesos muy románticos, pero no es la realidad. El mundo no espera. Por ello debes intentar disfrutar el momento al máximo”. Lo cierto es que es prácticamente imposible escapar de las normas que marca una industria que no pone freno. Si quieres subirte al tren debes estar preparado para afrontar los retos que se te plantean. “Sería ideal sacar disco solamente cuando lo sientes. Uno cada diez años, o tres en un mismo curso, si es que los tienes”.

AUNQUE, DE PRIMERAS, se asocia el nombre de Rita Payés con el jazz, es mucho más que eso. En su universo entra también la canción de autor, el pop, la música clásica o la bossa nova. No se pone límites ni barreras. “Sigo en el camino. Es algo que no me preocupa porque me siento muy libre en el sentido creativo. Este disco ha salido así, pero el siguiente ya se verá si será diferente o no. No me pongo limitaciones y sé de dónde vengo. Y me gusta, porque no creo que me tenga que encasillar en ningún lugar concreto”. De ahí que haya invitado al estudio a artistas que la han ayudado a explorar caminos distintos. Hablamos de Yeray Cortés, Lau Noah o Lucía Fumero, quienes aportan su sabiduría y una necesaria frescura. “Es una maravilla tenerles en el disco por-

“Es un disco que pide un poco de paciencia”

que son músicos que admiro mucho. Nos conocemos desde hace años y aprendo gracias a ellos. Y por ahí anda también mi hermano Eudald, que me ha escrito ‘Alma en vilo’”. O que haya apostado mucho por unas cuerdas que ella misma ha arreglado. Un poco a la forma y estilo de Sílvia Pérez Cruz. Cabe recordar que Rita fue una de las invitadas al coro que Pérez Cruz presentó recientemente en el barcelonés Grec. “Lo que está haciendo Sílvia es increíble y lo del Grec fue una bomba. Lo que dicen es cierto, su voz ha marcado a una generación. Todos tenemos una inﬂuencia suya muy fuerte porque lo que hace es muy potente”.

YA QUE HABLAMOS DE CONEXIONES, recordemos que Jon Batiste contó con ella en “My Heart”, una de las canciones de su celebrado “World Music Radio”. “Que surgiese aquello fue una suerte muy inesperada. Me pasó unos audios y me dijo que hiciera con ello lo que quisiera. Pero lo que me sabe mal es que todavía no he conseguido conocerle en persona”. Y claro, no podías despedir la charla sin hablar de C. Tangana, con quien giró. Tanto impactó al madrileño la magia de Payés que “Comerte entera” es una canción que surte tras escuchar en profundidad su música. “El documental ‘Una ambición desmedida’ me gustó mucho. Fue una oportunidad de recordar aquella gira, una experiencia bastante loca y que me siento muy agradecida de haber podido vivir”.

TONI CASTARNADO

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TOP VÍDEOS.

The Hives

Rigor Mortis Radio

Los suecos demuestran en este clip que, lo que a priori puede parecer una idea absurda, acaba por resultar una genialidad que nadie espera y que combina el factor sorpresa con ese sarcasmo tan de la banda.

Cariño

Nada Importa Tanto

Entrañable video el que nos presentan Cariño para este giro de guión en su estilo que representa “Nada Importa Tanto”. Y es que todo el mundo tiene cabida en el proceso de selección que realiza la propia banda para subirse a su autobús de gira.

Fontaines D. C. Here’s The Thing

Video que alcanza los siete minutos de duración en el que Fontaines D.C. le rinden homenaje al cine de terror adolescente y a películas como “Jóvenes Brujas” o “Carrie”. La historia resulta algo tipicona, pero el vestuario y la puesta en escena la salvan.

MGMT

People In The Streets

Extraño clip el que presentan MGMT para uno de los singles de “Loss Of Life”. Y es que tanto las imágenes como los dos impersonales protagonistas, se muestran tan enigmáticos como la letra del tema. Lisa New Woman (feat. Rosalía)

El experimentado y premiado director de videoclips Dave Meyers dirige con profesionalidad, pero sin ningún toque diferencial, este single que une en colaboración a Lisa del grupo de k-pop Blackpink con la Rosalía más internacional y mainstream. MS

37/Mondo VINILOS

El álbum más completo de Fontaines D.C.

ROCK / El cuarto disco de los de Dublín les ha llevado a XL, el sello de Radiohead y sus adorados The Prodigy. De la parte técnica se ocupa un peso pesado: James Ford (Arctic Monkeys, Blur). Todo esto certiﬁca que han llegado a otro nivel. Sucesores de grandes bandas de guitarras que concilian calidad artística e interés masivo, lo dejan claro: el quinteto (ahora sexteto en vivo) apunta alto y acierta. Porque aunque estén relativamente lejos de la inmediatez punk retro de su estupendo debut, “Romance” es su álbum más completo y redondo. El título hace justicia a unas canciones impregnadas de drama, guitarras acústicas, cuerdas y puntuales sonidos sintéticos, con esa cima que es “In The Modern World”, en la que la voz de Grian Chatten, que canta con más autoridad

que nunca, y los coros a su alrededor, alcanzan el cielo. Lejos de la apatía o el fatalismo, transmiten una vitalidad contagiosa, un hambre de vida que es parte esencial de su encanto. En “Starburster” apuestan por la contundencia rítmica futurista con resultados muy convincentes, y aunque el falsete de “Here’s The Thing”, tan de los noventa, me suene un poco forzado, suma en la narrativa de un trabajo que cohesiona la voz de Grian y el espíritu inquieto de la banda. Ya se pongan evocadores como en la majestuosa “Bug”, abiertamente teatrales (“Motorcycle Boy”) o bien oscuros (“Death Kink”), las melodías vocales de Grian alcanzan el magisterio, y Ford hace brillar la instrumentación con mil matices. Imposible terminar más alto que con las melodías tan eufóricas como melancólicas de “Favourite”, cuya brillante inmediatez evoca a sus compatriotas de culto Power Of Dreams. Es curioso cómo la excéntrica estética actual del grupo en vídeos y fotos recuerda el desmelene de los primeros noventa; en realidad, lo que hace a Fontaines grandes, más allá de su portada tan de hoy, es su facilidad para conectar con lo mejor del pasado desde el presente. JC PEÑA

Moby always centered at night always centered

POP / Bien puede ser este el mejor disco de Moby desde “Play” (99). Su diversidad de texturas, la solvente heterogeneidad de su plantel de colaboradores y lo aﬁnado de sus melodías lo validan. El procedimiento es muy similar al del disco que le hizo una celebridad: un paseo por algunos de los géneros más venerables de la música de raíz negra, surtido por un puñado de voces que esta vez no proceden de samplers de ignotas grabaciones del siglo pasado, sino por artistas de la actualidad, no necesariamente conocidos. Todos cuentan con un vocalista distinto. El neoyorquino sigue así mostrando sus dotes de excepcional zahorí de gargantas en un paseo global que nos lleva del soul al jazz, pasando por el ambient, el house, el dub, el blues y hasta el drum’n’bass, prácticamente cincuenta años (o más) de música negra remozada (ni rastro de punk ni de rock de guitarras), de la mano de un amplio rango de artistas. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA 7 7

POP / Si pensamos en que entre “Parklive” de 2012 y este nuevo disco doble en directo de Blur solo hay dos álbumes de estudio, es fácil preguntarse si realmente hacía falta que Blur lanzaran “Live At Wembley” Entonces, ¿cuándo comienza este disco a tener sentido? Cuando uno aﬁna el oído y nota que lo que aquí prima es la idea de ofrecer la fotografía más sincera que una banda puede dar a estas alturas de carrera. La canciones están tocadas con una naturalidad admirable, adueñándose de un nuevo tempo, más lento, más de cantautor. Exponiendo como baluarte una desprolijidad perfecta y sobre todo regalando una versión bellamente cansada de ese elemento generacional que es la voz de Damon Albarn. Aquí los grandes momentos no se pueden señalar con precisión: la estrella es el repertorio en general. Divertido, emocionante y entrañable de cojones. ADRIANO MAZZEO

Blur Live At Wembley Parlophone Records

MONDOVINILOS

Nick Cave supera el luto

Nick Cave & The Bad Seeds

Wild God PIAS

ROCK / Se acabó el duelo. O se atenuó, porque nunca desaparecerá del todo. Pero volvió la dicha, el regocijo, la ilusión. Quedó atrás el luto. En cierto modo es como si la trilogía que formaron “Push The Sky Away” (13), “Skeleton Tree” (16) y “Ghosteen” (19), con el apéndice que supuso “Carnage” (21), se pudiera dar por amortizada. Este décimo octavo álbum pasa pantalla e inaugura una nueva era (ese término tan de moda) en su carrera, pero tampoco puede decirse que “Wild God” pudiera sonar igual de no ser por sus inmediatos predecesores. Algo queda de ellos. Sobre todo en la sinuosa “Final Rescue Attempt” y ese sintetizador modular de cualidad ondulante y obsesiva, que por algo remite a la superación del trauma familiar por su mujer. El vocablo gospel proviene originariamente de la palaba divina, y es evidente que para el

australiano la música (y el hablar sobre ella con sus fans y con la prensa) se ha convertido en una herramienta para tratar de entender el mundo y arañar la trascendencia. En ningún corte es esto tan explícito como en la mayúscula “Conversion”, que remite a una experiencia real, y se erige en eje central de este disco cocinado a fuego lento desde el primer día de 2023. La interpretación a capricho de las sagradas escrituras sigue ahí, pero aflora ahora la torrencial expresividad de cortes como “Joy”: exultante, aún con irrefrenables ganas de contar cosas. Queda algo de la cromática serenidad que proyectaba “Ghosteen”, pero aquí la progresión de acordes y la exuberancia instrumental –imponentes los arreglos de cuerda de “Frogs”, por ejemplo– apuntan a algo que también se veía venir: la recuperación plena de The Bad Seeds en toda su potencialidad. Tan solo la recta final del álbum se me desinfla un poco, con cierta reiteración de claves melódicas y coartadas líricas que dejan en notable (¿alguna vez ha bajado de ahí?) un trabajo que apuntaba a sobresaliente. ¿Preocupante con el currículo que atesora? En absoluto. El 23 de octubre (Palau Sant Jordi de Barcelona) y el 25 (Wizink Center de Madrid) ni nos acordaremos. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Pond Stung!

Spinning Top

PSICODELIA POP / Los discos de Pond han ido luciendo cada vez más ambiciosos, mientras esa alianza paralela y entreverada con Kevin Parker de Tame Impala tenía continuidad de una u otra manera. Sea como fuere, el grupo liderado por Nicholas Allbrook entrega un nuevo álbum que podría haber llevado la ﬁrma de Tample Impala… o de MGMT. “Stung!” combina habituales texturas psicodélicas con un ramalazo de indie-pop colorido que resulta determinante a la hora de dejar algunas de las mejores canciones del grupo hasta la fecha. Una referencia aderezada además con otros géneros con funky, rock setentero o new wave que aportan tintes inéditos. “Stung!” es un disco más que notable que deja la sensación de que, de haber quedado convenientemente acortado, hubiera presumido de redondez y pegada deﬁnitiva, pero cuya pluralidad estilística bien entendida enaltece, en cualquier caso, el valor de la obra. RAÚL JULIÁN

COUNTRY / Espero que se me perdone ser tan directo, pero a Orville Peck se le ve mucho el plumero. Y digo esto porque resulta muy evidente que, tras llamar la atención de los medios con sus dos primeros discos, ha querido ascender al Olimpo del mainstream por la vía rápida. Y lo intenta con el típico álbum de duetos estratosféricos y algunas versiones tan conocidas como innecesarias, a las que cabe añadir una producción muy blandita, en la que su voz de barítono a lo Elvis queda en primer plano y todo suena con esa capa de falso níquel ideal para las emisoras del medio oeste americano. Pese a todo, “Stampede” nos regala buenos momentos en los que Orville Peck juega de forma inteligente sus cartas y aﬁanza su enmascarado estatus en el universo country más heterodoxo, aunque la vía elegida sea tan previsible como facilona. Así que cabe pedirle mucho más si quiere convertirse en el referente al que sin duda aspira. DON DISTURBIOS

Orville Peck Stampede Warner Music

Eminem The Death Of Slim Shady (Coup De Grâce) Shady Records/ Interscope

RAP / La leyenda del rap Eminem completa su undécimo álbum “The Death Of Slim Shady (Coup De Grâce)” con diecinueve temas que no calan por falta de novedad y gracia, reﬂejando una pérdida de mojo que ya viene desde incluso antes de “Revival” (17). Este nuevo trabajo muestra a sus dos alter ego enfrentados: el Slim Shady provocador y humorístico y Marshall Mathers, más profundo y consciente, que “asesina” al primero como se simboliza en la portada. Lleno de referencias humorísticas polémicas bastante valientes en estos tiempos, su ensañamiento forzado e infantil –especialmente hacia Caitlyn Jenner– es poco más que intento fallido de volver a su estilo provocador. Un paso desesperado, con unas correctas pero insuﬁcientes “Renaissance”, “Fuel”, “Houdini” o “Guilty Conscience 2” que no salvan la faena a este batiburrillo disfuncional.

JAIME TOMÉ

Lankum Live In Dublin Rough Trade/ Popstock!

FOLK / Lankum son revolucionarios vestidos de tradicionalistas. A pesar de que la banda basa gran parte de su repertorio en canciones tradicionales, son mucho más originales que la mayoría de los que componen sus propias canciones. Porque estos tipos son verdaderos renovadores de la forma, un grupo que ha sabido darle un nuevo giro a un género, en este caso la música folk, dejando su propia impronta como hicieron hace ya unas décadas The Pogues. Pero mientras los de Shane McGowan aportaban su espíritu punk, Lankum han añadido una intensidad y oscuridad a la hora de abordar esta música que los emparenta con otros estilos tan alejados como el metal, el rock gótico y, sobre todo, la música drone. Es increíble ver la fuerza y la amenaza que consiguen utilizando únicamente instrumentos tradicionales, y en este “Live In Dublin”, grabado en directo en uno de sus sitios favoritos, el Vicar Street, lo demuestran. SERGIO ARIZA

Zach Bryan The Great American Bar Scene Belting Bronco/Warner

AMERICANA / Desde estas latitudes cuesta creer que un músico como Zach Bryan sea capaz de congregar multitudes en estadios como el Mercedes Benz de Atlanta o el Caesar Superdome de Nueva Orleans. Centenares de miles de tickets vendidos para ver al que se ha convertido en la gran esperanza blanca del country-folk estadounidense con tan solo cuatro discos de estudio. En “The Great American Bar Scene” se permite el lujo de contar con músicos de la talla de John Moreland, John Mayer o al mismísimo Bruce Springsteen, con quien ha sido comparado a menudo. Y es que Zach Bryan también gusta de una producción parca y áspera sobre la que mascullar sus versos sobre perdedores y perdidos en bares de carretera. Un álbum de diecinueve canciones que adolece de lo que le pasa a la mayoría de los discos tan largos: que hay temas de relleno que le restan lustre y, sobre todo, pegada.

DON DISTURBIOS

Kasabian Happenings

Sony

INDIE ROCK / Pese a sus buenas intenciones, Pizzorno y compañía nos demuestran en su octavo disco no haber encontrado todavía la fórmula precisa para que nos olvidemos de su etapa imperial y el estudio parece seguir siendo una asignatura pendiente para estos “nuevos” Kasabian. Aunque es innegable que se trata de un disco puntualmente divertido y luminoso, también evidencia la actual falta de recursos de la banda que busca a la desesperada firmar un himno de estadio que no llega. Sus pistas manifiestan una consistencia e inmediatez más lograda que en su anterior periplo, pero también ponen de relieve un definitivo viraje en el sonido hacia lo que su ahora líder nos propuso en su proyecto en solitario de 2019. Buenas noticias para quienes disfruten de esa vertiente más electrónica y experimental de la formación, pero no tan buenas para quienes añoren la simplicidad y efectismo de sus golpes clásicos. FRAN GONZÁLEZ 7

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Karavana Entre amores y errores

2 Hinds Viva Hinds

3 Rita Payés De camino al camino

4 Tiger Menja Zebra Admirables

5 Maximiliano Calvo Barato y Romántico

6 Brava Fina Estampa

7 Sofía Gabanna Sideral

8 Rozalén El Abrazo

9 Mala Rodríguez Un mundo raro

10 Los Estanques Uve

1 Fontaines D.C. Romance

2 Been Stellar Scream from New York, NY

3 Clairo Charm

4 Sturgill Simpson Passage Du Desir

5 Jack White No Name

6 Nick Cave & The Bad Seeds Wild God

7 State Faults Children Of The Moon

8 Hiatos Kaiyote Love Heart Cheat Code

9 The Smashing Pumpkins Aghori Mhori Mei

10 Magdalena Bay Imaginal Disk

Hiatus Kaiyote Love Heart Cheat Code Brainfeeder

Empire Of The Sun Ask That God EMI

PSICODELIA / En “Love Heart Cheat Code” la sofisticación reinante no tiene que ver con géneros ni el omnipresente virtuosismo de la banda, sino con la visión y la práctica del grupo sobre lo extraordinario. Aquí se posan con maestría sobre lo no obvio comenzando en modo faraónico con “Dreamboat”, ouverture grandilocuente y ornamentada como una puerta india, anfitriona de un universo fascinante. “Make Friends” guiña el ojo a Stevie Wonder y a Erykah Badu y cuando llega la pegadiza “Everything’s Beautiful” nos preguntamos qué magnitud de éxito tendrá un single con semejante sentido de la musicalidad en 2024. El cierre con “Cinnamon Temple” y el “White Rabbit” de Jefferson Airplane, llevan el delirio y la genialidad del grupo a un nuevo y esperanzador nivel. Yendo de lo grandilocuente a lo cool y de lo friki a lo emocional, Hiatus Kaiyote sigue engrandeciendo su figura y haciendo flipar en colores. ADRIANO MAZZEO

POP ELECTRÓNICO / Empire Of The Sun son al verano lo que la depresión al lunes o el ajo al perejil. Un pack indivisible del que habíamos sido privados durante ocho años y que por ﬁn podemos volver a disfrutar con un trabajo tan carente de ambición como rebosante de júbilo. “Ask That God” nos ofrece un pasaje sin escalas por los lugares comunes de la dupla australiana que no defraudará a quienes tengan claro a lo que vienen. Explosiones de color y euforia que resuenan en nuestra cabeza con sólida inmediatez (“Changes”), recursos felizmente previsibles que subrayan su espíritu nostálgico y retro (“Cherry Blossom”) y una sencilla vocación por el hit sin pretensiones ni trasfondo (“AEIOU”). En efecto, sus tachas y máculas son al mismo tiempo sus virtudes y los motivos por los que continúan creando melodías inolvidables a golpe de sintetizador y falsete conmovedor. No se les puede pedir más y ni falta que hace.

Domingo 8 SEPTIEMBRE RAZZMATAZZ · BARCELONA

Viernes 13 DICIEMBRE RAZZMATAZZ 2 · BARCELONA

Entradas en:

Sábado 5 OCTUBRE RAZZMATAZZ 1 · BARCELONA

Miércoles 20 NOVIEMBRE RAZZMATAZZ 2 · BARCELONA

Sábado 14 DICIEMBRE RAZZMATAZZ 3 · BARCELONA

La regresión de The Smashing Pumpkins

The Smashing Pumpkins

Aghori Mhori Mei Martha’s Music

ROCK / The Smashing Pumpkins anunciaban, por sorpresa y solo unos días antes de su publicación, que tenían nuevo disco. La buena nueva residía en el hecho de que la banda respetaría el concepto tradicional de álbum. Nada de óperas rock interminables, obras seccionadas en partes, sobreproducciones, ni otros inventos pretenciosos y fallidos. Diez temas colocados a lo largo y ancho de cuarenta y cinco minutos hasta conformar la presente entrega. Sin más. La principal noticia señala, sin embargo, al propio sonido del grupo: primigenio, crudo y musculado, en lo que cabe entender como un pretendido regreso a los orígenes, al tiempo de huir de aquellos sintetizadores cargantes y omnipresentes en entregas recientes. “Aghori Mhori Mei” es, en efecto, el elepé más “puro” de Billy Corgan, James Iha y Jimmy Chamberlin en años. Quizá

KOKOKO! Butu Transgressive 8

ELECTRÓNICA / Tras haber puesto la cara más experimental del idioma lingala en el mapa de la escena independiente con su debut de 2019, el colectivo congoleño KOKOKO! regresa con un segundo disco en el que dan rienda suelta a su distorsión y nervio natural a través de doce pistas que no decaen en ningún momento. Un cóctel imparable de ritmo y frenesí con el que Makara Bianko y Xavier Thomas contribuyen a esa inmersiva sensación de estar dentro de una rave nocturna en su Kinshasa natal y cuyos relampagueantes beats harán que cualquier barrera idiomática termine resultando meramente anecdótica. Continuista en lo necesario y transgresor sin límite, “Butu” es un choque de trenes frontal entre lo atávico y lo moderno, con el resultado de cerciorarnos que uno no se topa todos los días con una banda igual. Razón suﬁciente para que abramos nuestra mente a la divertida experiencia que supone escucharles.

FRAN GONZÁLEZ

también el mejor de todos en mucho tiempo, gracias a un puñado de canciones con pulso e inﬂuencias clásicas en las que la sombra de Black Sabbath queda proyectada sin disimulo. Sobre todo, en torno a una primera mitad que se abre con “Edin” y “Pentagrams”, dos piezas poco cuestionables de más de seis minutos y guitarras asﬁxiantes, antes de que la inmediatez de “Sighommi” tome el relevo en forma de single potencial y cierre el ilusionante trío inicial. También suma la melancolía implícita de “Who

State Faults Children Of The Moon Dog Knights Productions/ Deathwish

SCREAMO / State Faults nos ofrecen su obra más completa con “Children Of The Moon” tras cinco años sin un nuevo álbum, pareciendo marcar con este su cima creativa con una odisea catártica que incide en la ansiedad y pánico sobre un trasfondo existencialista y natural, esta vez como cuarteto y superando sus propios límites contribuyendo también al renacimiento del screamo. Aunque su minutaje pueda parecer excesivo para un disco del estilo, el álbum contiene catorce temas excepcionales que no caen en la redundancia y fusionan a la perfección gritos, caos y algo de post-rock con pinceladas más cautelosas de doom, sludge, math o black metal en joyas como “No Gospel”, “Nazar”, “Divination” o “Palm Reader. La producción y los arreglos son también impecables y enriquecen con cada escucha (el solo de “Nazar”, los nuevos registros de “Bodega Head”, las progresiones o esos interludios cinemáticos). JAIME TOMÉ

Goes There”, “Sicarus” o el medio tiempo “Goeth The Fall”. Aunque la euforia se relaje con el paso de los minutos, “Aghori Mhori Mei” es una referencia que deja buen sabor de boca. Algo no tan habitual en ese tramo de trayectoria de The Smashing Pumpkins que abarca desde “Zeitgeist” (07) hasta la actualidad. Unas sensaciones que se suman al buen estado de forma del grupo sobre el escenario y reverdece (en parte) aquella poderosa presencia de los noventa. RAÚL JULIÁN

Sturgill Simpson Passage Du Desir High Top Mountain Records

AMERICANA/ “Passage Du Desir” es un esplendoroso álbum compuesto por ocho gemas que sacan lo mejor de su autor. Por lo pronto, y pese al accidente que sufrió con su voz, nos encontramos con un vaquero crepuscular que canta mejor que nunca. Con un dulce tono de barítono que encandila al insensible y enamora al descreído. Y todo ello revestido por un envoltorio sonoro elegante, preciso y dulzón que puede trasladarte del soft-rock más setentero y romántico (“If The Sun Never Rises Again”) a la más elegante psicodelia vaquera, a la manera de Israel Nash, en el que no se escatiman duelos entre guitarra y slide (“One For The Road”). Por el camino te dejará sin aliento en maravillas tan preciosas como “Jupiter’s Faerie” que nos hacen recordar porqué hace ocho años estuvo en boca de todos en unos premios en los que compitió en los Grammy como mejor álbum del año. Igual hasta lo nominan de nuevo. DON DISTURBIOS

6 The Raveonettes The Raveonettes Sing... Cleopatra Records

INDIE ROCK / Son ya siete años sin recibir nuevo material con la impronta de un proyecto tan cool como fueron en su momento The Raveonettes. Por eso, y a pesar de ser una evidente mezcolanza de entretenimiento y curiosidad, el presente álbum de versiones deja agradable sabor de boca, en lo que en la práctica no es sino el reencuentro con ese tipo atmósferas densas manejadas por el combo danés y resultado directo de entreverar indie-rock, shoegaze, dream-pop y querencia garagera, todo al amparo de la alargadísima sombra de The Velvet Underground. Sune Rose Wagner y Sharin Foo no asumen demasiados riesgos a la hora de afrontar estas relecturas de Gram Parsons, Johnny Kidd & The Pirates, The Shangri-Las, The Cramps, Buddy Holly o The Everly Brothers o, claro, The Velvet Underground, unos y otros pasados por su ﬁltro hasta quedar convenientemente homogeneizadas. Puede que incluso demasiado. RAÚL JULIÁN

MONDOVINILOS

Jack White vuelve a la guitarra

Jack White No Name Third Man Records

ROCK / Jack White se ha desprendido en este “No Name” de toda esa inquietud más experimental propia del estudio y ha vuelto al redil de las guitarras aﬁladas, sacando humo de nuevo a su pedalera, para apuntalar un sonido crudo y directo. No deja de ser curioso que el elemento sorpresa del disco sea ese nada disimulado regreso a la casilla de salida. Y no deja de ser menos curioso que la acogida haya sido de auténtico entusiasmo. Un recibimiento que invita a pensar y preguntarse: ¿Tan anquilosado está el rock que ir hacia atrás, volver a lo genuino, es motivo de alabo? ¿No debería ser al revés? Recuerdo que cuando Jack White editó el maravilloso “Boarding House Reach” me dio la sensación –que todavía perdura– que el álbum no estaba siendo

comprendido como merecía. Que era justo en ese disco en el que Jack White había realizado un laborioso trabajo en aras de intentar romper las reglas, de la misma forma que Kendrick Lamar había hecho en el mundo del rap. Recuerdo haber escrito que en ese disco Jack White había recogido todo el legado del blues y el rock, para darle la enésima vuelta al calcetín de la tradición y hacer algo que no sonara añejo. Todo lo contrario que en “No Name” y, sin embargo, este será su disco más celebrado. ¡Pues celebrémoslo, aunque con ello contribuyamos a ponerle un nuevo clavo al ataúd de un genero en el que no avanzar supone un acontecimiento! “No Name” es un disco nostálgico para nostálgicos. Y, aunque posea piezas de gran peso como la inquietante apertura de “Old Scratch Blues”, la hipnotizante “That’s How I’m Feeling”, la vacilona “What’s The Rumpus”, la expansiva “Morning At Midnight” o la acelerada “Bombing Out”, el disco no aporta nada que no se haya escrito con anterioridad. Sin embargo, y una vez superada la pantalla de lo novedoso, “No Name” es un disco disfrutón, así que pongámonos a ello.

POP / Apenas esbozados y sin un remate memorable, los diez temas que Blake y Yachty nos proponen en este álbum al alimón demuestran estar lejos de las expectativas que un combo como el suyo podría generar. A pesar de que ambos compartan un evidente gusto por la experimentación y el arrojo, no serán tantas las ocasiones que nos brinde el disco de verles saliéndose de su habitual tono, provocando así que nos topemos con un producto excesivamente lineal y con riesgo de caer en el olvido. Mientras que en temas como “Save The Savior” o “Midnight” les vemos conﬂuir hasta alcanzar una armonía que excuse el sentido de su colaboración, también son varios los cortes en los que cada interlocutor avanza por su cuenta y riesgo, demostrando ser más agua y aceite que uña y carne. Ideas a medio camino de lo que ambos podrían ofrecernos por separado y más voluntad que acierto para un todo de escasa trascendencia.

FRAN GONZÁLEZ

Kiasmos II

Erased Tapes

ELECTRÓNICA / Si teníamos dudas sobre si los diez años de espera entre su primer y segundo disco han valido o no la pena, Ólafur Arnalds y Janus Rasmussen nos las despejan rápidamente con “II”, el regreso formal de Kiasmos y la evidencia de que la paciencia acaba teniendo premio. Tan pronto como escuchamos los estratos y matices que meticulosamente conforman las once pistas nuevas del dúo, automáticamente comprendemos que alcanzar una belleza así solo es posible a partir de una consensuada retirada que rompa con los lastres de la prisa. Una calma tensa que se transmite al oyente y le envuelve entre texturas y capas tan apropiadas para cerrar los ojos y dejarse llevar en medio de una rave como en la soledad de una habitación. Un disco sanador que le hace justicia a la marca personal de la dupla y refuerza su habilidad para emocionarnos desde lo sintético y lo abstracto.

FRAN GONZÁLEZ

Been Stellar aman Nueva York

INDIE ROCK / La resurrección de las guitarras en la capital del mundo en forma de desesperación, conciencia, romantización y catarsis. Un grito a lo que representa Nueva York en la actualidad y cómo se ahogan los sueños de los jóvenes entre la abundancia de sus calles. El debut de Been Stellar con “Scream from New York, NY” coloca a la banda en el punto de partida que todos esperábamos, para despegar a lo grande tras un pasado EP de oro. Desde que asomaron la cabeza por la industria, la banda despertó un gran interés en la crítica como futuros grandes herederos de una escena que cada vez se sentía más desgastada. Y, por lo pronto, parece ser que están haciendo muy bien las cosas. Las guitarras están de vuelta y el espíritu punk lleva ya un par de años

Brava Fina Estampa Altafonte

salvando a las personalidades del pop más mainstream. “Scream From New York, NY” es una carta de amor/desamor a una ciudad que les ha dado prácticamente todo lo que son hasta el presente. Bajo la producción de Dan Carey (Fontaines D.C., Squid, Foals), el disco debut de Been Stellar no podía sonar a otra cosa. El proyecto se presenta como la coronación de la banda a esa infusión que mezcla la raíz shoe-

Speed Only One Mode Flatspot Records

ROCK / El éxito de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba o Alcalá Norte hace ver que algo se está moviendo en la escena nacional del rock. Propuestas cuajadas en el local de ensayo de barrio aﬂoran y bolo a bolo llegan a un público amplio con hambre de escuchar cosas pegadas a la tierra. Nerea Santotomás, líder de esta banda madrileña, viene de Aluche, uno de los barrios más populares del sur de Madrid, y apuesta por celebrar lo que son sin complejos. Con inﬂuencias que van del del rock cañí o urbano al funk, y faros como Rosendo, Aurora Beltrán, Robe Iniesta o Luz Casal. En sus letras, la vocalista recupera una terminología castiza transmitida generación a generación y que se hace muy natural en cortes como “En carne viva”, “Farolero”, “Muy profesional” o “Perrx”. Historias del barrio y desvelos sentimentales, que tienen la gracia de arrojar luz femenina a un género normalmente sobrado de testosterona.

JC PEÑA

HARDCORE / La banda australiana de hardcore formada por los hermanos Aaron y Jem Siow, Dennis Vichidvongsa, Josh Clayton y Kane Vardo debuta con “Only One Mode”. A pesar de algunos clichés del hardcore bastante cargantes, el disco ofrece momentos interesantes e innovadores en temas como “Real Life Love” o “The First Test”, con esas ﬂautas tribales, o en la destrozacuellos

“Don’t Need”. La banda forjada en la escena underground de Sídney cuenta con un trasfondo antirracista que invita a unión, aunque musicalmente no aporta mucho más allá de lo habitual del género que no hayamos visto ya en Biohazard, Madball, Agnostic Front o Sick Of It All. Speed muestran potencial de cara al futuro, pero por ahora su sonido no es demasiado distinguible. En deﬁnitiva, “Only One Mode” es un disco sólido que va al grano ideal para los amantes del hardcore más básico, pero al que le falta algo más para destacar. JAIME TOMÉ

gaze de las inﬂuencias de sus miembros con el post-punk del presente. Hay un gran trabajo por parte del grupo de jugar con el ruido, amasarlo y llevarlo por terrenos más dóciles. También de generar melodías pop pegadizas que atrapen a su público más directo. Una auténtica espiral de guitarras y batería en la que entrar para salir de ella con la adrenalina por las nubes. ÁLEX JEREZ

Villano Antillano Miss Misogyny La Buena Fortuna/ Sony Music

URBANO / Lo nuevo de la villana se presenta como un disco frontal con el ego por las nubes. Un proyecto que quema fuerte cualquier mínimo síntoma de debilidad, para generar una batalla física en la que ella siempre sale ganando. Una propuesta con la tensión acelerada, barras duras, iconos pop y mucho “power”. “Miss Misogyny” surge así como una declaración de intenciones alrededor de la realidad actual de la artista en la que no tiene, ni quiere, que dar explicaciones a nadie sobre quién es, cómo se enfrenta o disfruta la vida. “I’m the leader of my coven” coloca en “1-800-Cristal”. Por ello, nos da pena ver que toda esta abrasiva energía se quede en el disco atrapada de una forma tan superﬁcial. Ni siquiera el plan de la ruptura de ciertos prejuicios a través de letras sin ﬁltros que buscan la provocación, termina de frenar ciertos tópicos a los que recurre en bucle y que desdibujan todos los intentos de brillar. ÁLEX JEREZ

Glass Animals I Love You So F***ing Much Polydor

Dave Bayley llena el nuevo disco de Glass Animals de amor y luces espaciales usando la ciudad de Los Ángeles como enlace de unión. Tras un tremendo bloqueo generado por el éxito de “Dreamland” en 2020, esta nueva entrega se presenta como un boca a boca de emergencia a la banda para tratar de revivir el encanto que enamoró a las masas en plena pandemia. Sin embargo, todo el gancho que podría tener su predecesor, a pesar de las imperfecciones, se desvanece en un nuevo disco poco inspirado, construido sobre ﬂojas bases pop y una forzada literatura que te agota e incluso llega a generar una sensación de vergüenza ajena en algunos momentos. Es imposible que una ciudad tan increíble como Los Angeles haya llevado a Glass Animals a presentar algo tan hueco. Y siendo honestos, llegados a este punto, cuesta mucho imaginar cuál será la fórmula que verdaderamente les salve en el futuro. ÁLEX JEREZ

POP /

Been Stellar Scream From New York,

La reinvención de Clairo

Clairo Charm Autoeditado/Virgin

POP / Tras el fenómeno “BRAT” o la lucha contra la tiranía del single capitaneada por Billie Eilish, el verano de 2024 vuelve a demostrarnos que el buen pop se conjuga innegablemente en femenino singular. Y para terminar de convencernos, Clairo pone la guinda al pastel con una reinvención natural y expansiva de su obra de la mano de un tercer álbum tan nostálgico como hermoso. Con “Charm” deja entrever que sus días como diva del bedroom pop han concluido en favor de una reinvención formal que encaja a la perfección con lo que cabría esperar de su evolución natural. Poniendo en manos del productor Leon Michaels (Lee Fields, Norah Jones, The Arcs) la responsabilidad de llevar a un nuevo territorio los mimbres de su propuesta, la estadounidense abraza derroteros preciosistas, soﬁsti-

Tiger Menja Zebra

Admirables Dog From Hell/ Astro/Ataque!

EXPERIMENTAL / Haciendo honor al primer mandamiento de su estatuto de autonomía, los catalanes Tiger Menja Zebra nos entregan un nuevo disco conceptual inspirado en ocho ﬁguras del espectro cultural contemporáneo que han servido de inspiración para ellos en algún determinado momento. De Pepe Rubianes a Kim Gordon, pasando por Miguel Noguera, Éric Cantona o Mimi Parker, “Admirables” deja atrás la misántropa concepción del mundo vista en sus anteriores aportes y nos envuelve con su ritmo contundente y su arrebatadora digresión dance. D.A.R.A.L. y DJ Dražen Petrović, acompañados por los hermanos Tavo y Pablo García, se saltan todas las reglas y ﬁrman un chute de luz emanado desde el mismísimo corazón con el que nos demuestran jugar en otra liga; una tan salvaje como honesta en la que impera tanto el gusto por el hedonismo club como la voluntad de subrayar un trasfondo sentimental. FRAN GONZÁLEZ

cados y deudores de otra época en un álbum capaz de unificar la festividad más setentera (“Thank You”) con su oriunda melancolía (“Nomad”) y el jazz-pop más accesible (“Juna”). A fin de no pasarse de frenada vintage y casi reducida a un susurro profundo, la voz de Clairo encuentra el equilibrio perfecto entre el ayer y el hoy, formalizando desde la cohesión y la armonía colores complementarios que suenan familiares y nuevos a partes iguales. La catarsis autobiográfica y reveladora de “Sexy to So-

Megan Thee Stallion

Megan Hot Girl Productions

RAP / Tras el maltrato que recibió “Cobra” como single, había cierta incertidumbre, y algo de miedo, alrededor de los futuros pasos que pudiera dar Megan. No queríamos que todo lo bueno que había aportado este “main single” a su carrera se desvaneciera en la nada al no cumplir con las expectativas comerciales. Y fue entonces cuando llegó “HISS”, aquel himno que sirvió de banda sonora al beef con Nicki Minaj, tema que marcó la línea de todo el resto del disco y empujó en el desarrollo del que ahora ya es el tercer largo de la rapera. “Megan” es continuista sí, pero reﬂeja una vez más la capacidad que tiene la artista de crear proyectos en los que el “todo” está muy por encima de los hilos sueltos. Muestra a una creadora que, casi como una artesana, expone en el álbum su personalidad, su universo, alcanza las esferas del mainstream, arriesga con nuevos pasos y avanza ﬁrme sobre lo ya construido sin temblar ni un segundo. ÁLEX JEREZ

meone” desvela que la veinteañera continúa encontrando en su música el espacio ideal para recorrer los caminos más dolorosos de la memoria, mientras que los instrumentales de “Add Up My Love” resumen a golpe de batería, tecla y ﬂauta el nuevo ecosistema sonoro en el que ahora crece su honestidad. Un combinado de facetas y escalas con el que Clairo garantiza la atemporalidad de su música y refuerza la trascendencia de la misma. FRAN GONZÁLEZ

Milton Nascimento & Esperanza

Spalding

Milton + esperanza

Concord/ Music As Usual

JAZZ / Este encuentro generacional congrega la fuerza espiritual de un homenaje de devoción por una obra inmensa como la de Nascimento. Aún siendo acompañado en distintos momentos del álbum por invitados de la talla de Lianne La Havas, Dianne Reeves o Paul Simon el tándem de voces entre la de Spalding, airosa y dulce, y la de Nascimento con toda su historia a cuestas es el elemento sonoro que decide la atmósfera general del disco, un evento de inspiración reluciente, cimentado en climas que van de lo psicodélico a lo entrañable. Semejante colección de logros se cristaliza también gracias a la excelente participación del núcleo de la banda de Spalding, entre quienes está ese gran maestro del piano que es el argentino Leo Genovese. Entregarse a una escucha consciente de “Milton + esperanza” es revelador, un ejercicio en línea temporal difusa en el que la profundidad de la música juega sus mejores pasadas. ADRIANO MAZZEO

Alcest Les Chants de L’Aurore Nuclear Blast

METAL / Se estimaba que para su primer álbum post-pandémico los franceses Alcest nos entregarían un trabajo a la altura de sus mejores gestas, y efectivamente, el séptimo disco ﬁrmado por Neige y Winterhalter es un brillante reencuentro con los lugares comunes de su sonido y otra pieza más para enmarcar dentro de su discografía. Llevando a otro nivel su competencia cautivadora, la dupla revela aquí su versión más lumínica (“Komorebi”), redirigiendo nuestro estado de ánimo a su completo antojo (“L’Envol”) y convirtiendo sus diatribas en auténticos torbellinos de emoción y purga escapista (“Améthyste”). Fieles a esa inquebrantable fórmula (ahora más reﬁnada que nunca) que golpea donde más duele y nos da exactamente aquello que se nos promete, es cierto que podríamos haberles exigido más riesgo en su esperado regreso. Pero si algo funciona bien, ¿para qué cambiarlo? FRAN GONZÁLEZ 8

.LOS DISCOS DE MI VIDA.

Pablopablo

Pablo Drexler, Pablopablo, ha trabajado con artistas como C. Tangana, formando parte del “Sin cantar ni aﬁnar Tour”. También ha sido telonero de Alizzz. Este año ha lanzado “Sidekick” junto a Guitarricadelafuente y “Mi Culpa”. Después de pasar por festivales como Sónar, Vida, Santander Music o Prestoso, podrás verle en el Cranc Illa de Menorca. Pablo nos cuenta cuáles son los discos de su vida.

Es el primer disco que escuché suyo en general, y me encanta. No es muy conocido, porque creo que la gente conoce más otros discos como “XO”. Parecen demos grabadas por él solo en su casa. Es increíble y super bonito. Me inﬂuenció un huevo a cantar canciones muy bajito y hasta tarde, por la noche, con la guitarra. Todo muy intimista, porque el disco tiene mucho de eso.

Creo que fue el primer disco en el que me metí de lleno con Kanye. Me voló la cabeza. Me parece increíble. Es un disco que todavía suena completamente nuevo, parece que lo hicieron ayer. Me impresiona mucho cómo puede hacer que algo tan electrónico perdure. A veces los plugins y el material van cambiando y algo que se hizo en 2000 suena muy anticuado, pero esto de 2013 ha perdurado perfectamente.

Caetano Veloso Cinema Trascendental (1979)

Es como un guiso que me recuerda al verano en Uruguay. Mi familia es de allí y tengo una conexión muy fuerte. Es el típico disco que has escuchado en verano y te recuerda mucho a ese momento.

The Beatles Revolver (1966)

Es literalmente mi infancia. Es uno de los primeros discos que recuerdo amar mucho y pedirle a mis padres que lo pusieran en el coche todo el tiempo. Me impactó muchísimo ese disco, de hecho todos los de The Beatles, pero este me lo sé de memoria totalmente.

Me encanta. Lo grabaron todo en Nashville en cuatro días, currando de las once de la noche a las siete de la mañana. Todo en una sola sala. A Bob Dylan le faltaban letras, pero él curraba todo el día. Terminaba las canciones, entraba y se las enseñaba a los músicos y las grababan de una. Tiene algo muy fresco y urgente este disco.

Para mí, es su mejor disco. Es increíble. Creo que cambió el rumbo del pop en muchos sentidos. Me inﬂuenció mucho en la producción y en todo. Es otro disco que suena muy moderno. Suena como si se hubiera hecho ayer. MS

James Blake James Blake (2011)

Bob Dylan Blonde On Blonde (1966)

Kanye West Yeezus (2013)

Elliott Smith Roman Candle (1994)

48/Mondo Media

Sobrevivir al trauma, al shoegaze y al britpop para contarlo

“Cruzando los dedos” (Contra, 24), la autobiografía de Miki Berenyi (Londres, 1967), quien fuera cantante, guitarrista y una de las dos compositoras de Lush, es uno de los grandes libros musicales publicados en castellano este año.

“Miki Berenyi “

CRUZANDO LOS DEDOS” se publicó originalmente hace un par de años en Reino Unido como “Fingers Crossed: How Music Saved Me From Success”, y es un magnético relato en primera persona sobre la engañifa del éxito y la complicada convivencia con su compañera creativa Emma Anderson, los abusos sexuales sufridos en la infancia, los desajustes emocionales de criarse en una familia muy desestructurada, la complicada ambivalencia de ser hija de una japonesa y un húngaro en la Inglaterra de los años setenta y ochenta, los estragos de sufrir un atosigante machismo en la época del britpop y además lidiar luego con el suicidio del batería Chris Acland, que dio al traste con la banda en 1996. ¿Demasiado para cualquier mortal? Quizá. Experiencias muy intensas, algunas francamente traumáticas, que Miki resuelve con sensibilidad y todo el sentido del humor posible, el tono reﬂexivo de la mediana edad y un encomiable pulso narrativo. Hablo con ella a través de la pantalla del PC. Es risueña, divertida, perspicaz. Encantadora, en resumen.

COMO MUCHOS OTROS MÚSICOS, el diario que escribió durante aquellos años le vino muy bien, pero no fue su única fuente. “También recuperé fotografías, cartas y un montón de cosas que tengo aquí en casa, de las que no me he deshecho, y creo que el hecho de mudarme tanto de casa y de país, estar en Japón, en Los Ángeles, en Londres o en Windsor, es algo que te hace recordar las cosas con más nitidez”, recuerda sobre una niñez y adolescencia algo nómada, a causa de la separación y el distinto origen y ocupación de sus padres. Reconoce que el suyo es “un tipo de libro poco común”, lo que al tiempo es uno de sus valores añadidos, porque lo escribió “siendo consciente de que el libro puede enganchar a cualquier persona que no sea fan de Lush”. Es difícil abordar experiencias tan abrasadoras por su intensidad sin que el relato deje damniﬁcados por el camino. La relación de amistad pero a la vez competencia

“Nadie quería verse adscrito al shoegaze”

que mantuvo con Emma Anderson ha dejado sus jirones. “Creo que fue la única realmente enfadada al leerlo”, conﬁesa. Difícil, por no decir imposible, que a estas alturas se pueda producir una nueva reunión del cuarteto, como la que les acercó al Primavera Sound de 2016. Al menos ella lo tiene claro. “Tenemos personalidades muy diferentes. Estar en una banda es muy estresante y creo que no manejaríamos esto muy bien. Algo malo ocurriría, desafortunadamente”.

DOS SON LAS ETIQUETAS que incomodan a Miki Berenyi: shoegaze y britpop. La primera, por reduccionista. La segunda, porque derivó en una escena auto complaciente y tremendamente machista, que además

restó visibilidad a Lush. No dice que por sí sean negativas, ojo, reconoce que se les puede sacar provecho, pero sí las considera algo castrantes. “Nadie quería verse adscrito al estilo, pero hay que entender que había tres semanarios compitiendo entre ellos, tratando de vender ejemplares, y el problema es que el shoegaze acabó siendo un insulto: ‘Oh, mira a esos tipos que no levantan la cabeza, con esos ﬂequillos. Qué aburridos’”, explica. El cambio de paradigma que se produjo entre 1993 y 1994, excepcionalmente plasmado en el libro, también les marcó. “El sexismo ha existido siempre, pero creo que en la era post-punk, quizá también porque gobernaba Margaret Thatcher, había un movimiento underground, con grupos como Gang Of Four o las Au Pairs, incluso bandas como New Order, que nunca hablaban de sexo o política: tenían a Gillian [Gilbert] y era una mujer de lo más normal, no necesitaba mostrar su sujetador sobre el escenario ni nada de eso, nadie se lo demandaba”, aﬁrma. El britpop se convirtió para ella “en el mainstream, sin rescatar aquellos valores previos, favoreciendo que los tabloides mostraran a chicas enseñando las tetas y se volviera todo muy sexualizado”, algo que además se unió a una especie de dictadura mediática que apenas dejaba resquicio para que otras músicas gozaran de atención. “Era como si fuese el único tipo de música que se nos permitía hacer y todo lo demás fuera una mierda”.

MIKI BERENYI, quien recuerda entre risas cómo se acercó al FIB de 1996 para tocar con Lush en coche desde su país junto a Moose (K.J. “Moose” McKillop, líder de la banda del mismo nombre, quien ya entonces era su pareja y lo es hoy, además de padre de sus hijos), porque enlazaban aquel pase con unas vacaciones, dedica el mismo espacio al apartado más estrictamente musical (la segunda parte) que al de su complicada infancia y adolescencia (la primera), pero es consciente de que es esta la que más puede sorprender y atrapar al lector. “Fue bastante terapéutico el hacer todo esto público, aunque tuve que equilibrar el relato entre lo que quería contar y lo que la gente implicada iba a decir cuando lo leyera, algo que espero haber logrado, y lo digo también por el suicidio, una cuestión sobre la que también es complicado escribir”, argumenta. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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CINE Y SERIES

EN SU NUEVA PELÍCULA Luc Besson constata que “el hombre es un lobo para el hombre” y parece replicar como solución que “el perro es un hombre para el hombre”. Tal es la falta de esperanza en el ser humano que hay que encontrar en la especie canina un consuelo. En esta reinterpretación parcial de “El fantasma de la ópera” –“Dogman” se podría titular “El fantasma del cabaret”–, el protagonista es un hemipléjico maltratado por la vida, en especial un padre y un hermano desalmados, además de víctima de un amor imposible, que encuentra en el mundo canino el afecto que le escatiman los bípedos y que se reinventa en un cabaret de transformistas. Esto permite al cineasta explorar el tema de la identidad. Besson lleva la comunión humano-canina hasta extremos tan irreales como gozosos. Especialmente en su vertiente

Luc Besson

criminal, puesto que el protagonista se convierte en una suerte de Corleone de las clases necesitadas. El ﬁlm, libre y disfrutable, está comandado por un extraordinario Caleb Landry Jones, actor de la misma clase que Joaquin Phoenix, Michael Fassbender o Javier Bardem, destinado a hacer grandes papeles si hay directores que saben apreciarlo. El intérprete texano tiene un dominio de la escena y del gesto, la capacidad de ser intenso sin excederse, que le hace salir victorioso de una empresa difícil. Y es que la película juega a retorcer las emociones. No le importa rebasar la barrera de la verosimilitud o regocijarse en los tics del melodrama kitsch, potenciado además por una selección musical gloriosa que incluye a Edith Piaf –ojo al momento “La foule”– o Charles Trenet, entre otros. J PICATOSTE VERDEJO

LA TRILOGÍA “X”, de la que nos llega su tercer episodio, funciona en base a dos pulsiones amorosas. La primera es la desatada adoración de la cámara de Ti West por su protagonista, Mia Goth. No se me ocurre ningún ejemplo contemporáneo tan obvio de una serie de películas de autor construidas ad maiorem gloriam de una intérprete. La segunda es una compulsiva cineﬁlia, visible en toda la trayectoria del director. Su éxito explica que, en esta ocasión, haya contado con un presupuesto mucho más generoso. De una granja perdida en medio de ninguna parte, viajamos a la ciudad de los neones y los sintetizadores, a Los Ángeles a mediados de la década de los ochenta. Han pasado unos cuantos años después de lo acontecido en “X”, y Maxine, nuestra heroína, se ha convertido en una estrella del porno, aunque cree

HAY ALGO QUE TOCA AFIRMAR desde hace tiempo sobre el cine de terror: ya no tratamos con películas mediocres para pasar el rato, los estándares han subido. “Insidious”, “The Conjuring”, “Hereditary”, “Cuando acecha la maldad”, “Talk To Me”, la nueva generación de “Evil Dead” y “Late Night With The Devil”, entre muchas otras, han resucitado este género y lo han convertido en algo que supera el simple entretenimiento. Con estos antecedentes y sabiendo que “Longlegs” estaba dirigida por Oz Perkins (“Gretel & Hansel”) y protagonizada por Maika Monroe –quien nos deslumbró en “It Follows”– buscando al asesino en serie que le da nombre a la película –encarnado por Nicolas Cage–, el hype estaba servido. Ante un escenario así es difícil evitar la pregunta: ¿me-

rece la pena después de tanto revuelo? Vayamos por partes. La historia comienza en su punto más alto, con un escalofriante cliffhanger desde la perspectiva de una niña pequeña. Esa escena previa al título nos deja con los pelos de punta. Lo que sigue es la construcción de una mitología alrededor de este asesino en serie que no deja rastro y que genera tanta curiosidad que solamente queremos saber más. Ahí se inspira tanto en “Zodiac” como en “Seven”, ambas de David Fincher, aunque la magia se rompe cuando vemos físicamente a Longlegs. Lo que sigue es una trama de satanismo que se mastica hasta no dejarle ni una migaja al espectador para que se lleve a casa. A pesar de ello, la película aún tiene que ofrecer una factura técnica de lo más deliciosa. LUIS DE LA IGLESIA

que ha llegado el momento de saltar al cine convencional, pero, justo en ese momento, una serie de cruentos asesinatos empiezan a sucederse a su alrededor… Además del cine de slasher, los giallos italinos o los thrillers de De Palma, West también referencia en “MaXXXine” a los crímenes de un asesino en serie real de la época, Richard Ramírez, “The Night Stalker”. La película empieza con muchísima energía, gracias a su gran ambientación, al atractivo voyeurístico de sus sórdidos escenarios y la innegable fuerza de la interpretación de Mia Goth. Pero, lamentablemente, cuando llega a su clímax, el argumento empieza a desmoronarse. Hay un personaje que, en cierto momento, “habla de películas de clase B con ideas de clase A”. “MaXXXine” habría necesitado más ideas de primera clase.

JOSÉ MARTÍNEZ ROS

POR SUS PRECEDENTES y su maltrato promocional (no llegó a ser estrenada en salas de España y ahora goza de una segunda vida en streaming) podemos erróneamente pensar que se trata de un ﬁlm menor, pero lo cierto es que la propuesta del noruego André Øvredal supera con creces sus malogradas expectativas y nos presenta una ingeniosa reinvención de los eventos descritos en aquella bitácora de abordo encontrada en el séptimo capítulo de la legendaria obra de Bram Stoker. A golpe de convención y terror de la vieja escuela, y sin más pretensión que la de regalarnos dos horas de puro entretenimiento, “El Último Viaje del Demeter” enfrenta con éxito sus posibles riesgos de terminar siendo reiterativa y circular (a pesar de transcurrir en un limitado espacio naval, con su menguante tripulación como

únicos protagonistas) de la mano de un modesto elenco de caras reconocibles y convicentes (Corey Hawkins, Liam Cunningham, Aisling Franciosi, David Dastmalchian). Por exigencias obvias del guión, el relato deja de circunscribirse a una única mirada narradora, tal y como Stoker nos presenta en su epistolar literatura, y crece junto a una serie de personajes nuevos que engrandecen una historia originalmente escasa y sucinta. Especial mención para Javier Botet, quien encarna maravillosamente a la criatura y deja su genial huella en un ﬁlm que hasta se permite el lujo de sugerirnos una posible continuación. Lástima que si su primera entrega ya se las ha visto y deseado para terminar llegando a término, muy poco probable se estima que sus responsables puedan permitirse una futura secuela. FRAN GONZÁLEZ

Dogman

Peter Gabriel, un explorador musical y su tiempo Javier De Diego

Romero Sílex

Un soberano ejercicio de periodismo. De los que indagan, investigan, trazan conexiones, desmontan tópicos y extraen conclusiones. De los que ni mucho menos se quedan en la superﬁcie. De los que aúnan erudición y un tono narrativo ameno. Poco importa que te guste Peter Gabriel o que desconozcas su obra. Leer este libro equivale a testar lo poliédrico y ambivalente de su personalidad. Javier De Diego Romero ya había dado muestras de su capacidad para contextualizar –por algo es historiador– social y culturalmente la obra de The Kinks en el estupendo “The Kinks. Música, cultura y sociedad” (17), pero aquí se supera. Una prueba de que empleando el castellano es posible aportar mucho a la ensayística pop, aún ciñéndose a artistas foráneos. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Dinosaurio David Pascual (aka Perfumme)

Colectivo

Bruxista 8

El valenciano David Pascual (Mr. Perfumme) no deja de sorprender. Es posible que no sea su intención, sino que sencillamente su narrativa se mueve en un universo particular e inclasiﬁcable que conlleva esa sorpresa con cada uno de sus nuevos títulos. Esta vez nos presenta un relato oscuro, inquietante, cruel y francamente turbador, en el que nos va sumergiendo en el mundo de un personaje infantil al que vamos comprendiendo –si eso es posible– poco a poco, descubriendo quién es y cómo se relaciona con su extraño entorno. Con sus padres, con su hermano, con Dinosaurio y con los escasos seres humanos que se cruzan accidentalmente en su camino. Pascual nos lleva a plantearnos preguntas sobre cuestiones complejas. JOAN S. LUNA

Rock & Revolución

José Manuel Sebastián Sílex 7

El rock dejó de ser la expresión cultural de los jóvenes hace unos cuantos años, así que parece un buen momento para hacer balance de su influencia. El periodista radiofónico José Manuel Sebastián se cuestiona si este género musical jugó realmente o no un papel relevante en las revoluciones acaecidas en el siglo XX. Ese es el punto de partida de este ensayo en el que se plantean preguntas como: ¿El rock es machista?, ¿El rock es racista?, ¿Es reflejo del imperialismo anglosajón?, ¿Está comprometido políticamente?, ¿Es de derechas?, ¿Sigue siendo sinónimo de rebeldía? Sebastián no ofrece respuestas definitivas a estas y otras cuestiones, pero diserta sobre todo ello hasta llegar a algunas conclusiones válidas con las que podemos estar más o menos de acuerdo. JORDIAN FO

Pearl Jam. El último gigante que camina sobre la Tierra Eduardo Izquierdo Redbook

Hacía falta un tomo que abordarse en profundidad y, al mismo tiempo, con orientación directa y amena, la trayectoria de Pearl Jam, unas de las bandas más icónicas de la escena grunge y del rock en general. Izquierdo entrega un libro que cabe entender como guía funcional hacia el profuso universo de Eddie Vedder y compañía, prestando especial atención a aquel amplio espectro de personajes que cabe dar de paso como parte de Pearl Jam. Ese análisis del árbol genealógico es sin duda uno de los valiosos activos de este libro, pero para nada el único. El autor bucea con idéntico afán entre la discografía de los de Seattle, además de en esa trayectoria que en el libro plasma con naturalidad, agilidad y ﬁdelidad a los hechos.

RAÚL JULIÁN

El hermano pequeño

Jean-Louis Tripp Norma Editorial 8

Quienes no hemos vivido grandes desgracias en la vida podemos intentar imaginar lo que sería perder a un hermano pequeño cuando el destino lo arranca de tus propias manos, pero todo quedará lejos de lo que el protagonista de esta historia sintió. Tripp nos lo pone ante los ojos en este cómic autobiográﬁco en el que se enfrenta a la pérdida y a la devastación emocional, pero sobre todo a un sentimiento de culpa que duele incluso más. Atendiendo fugazmente cuestiones como el juicio al responsable, el francés –ﬁrmante junto a Regís Loisel de la serie “Magasin Général”– se centra mucho más en la espiral de dolor a la que resulta imposible escapar. De ahí que “El hermano pequeño” sea prácticamente un ejercicio de sanación en público.

JOAN S LUNA

Fortaleza volante

Miguel Vila y Lorenzo Palloni Ediciones La Cúpula 8

Aunque nos encontremos con alguna que otra relación extraña entre personajes, esta vez Miguel Vila se encarga exclusivamente del dibujo de este alambicado thriller ambientado en 1933 y en el que conviven espionaje político, extraterrestres, amores homosexuales, amistades que no culminan y muchas cosas más. Vila mantiene su estilo característico –crudo y muy trabajado al mismo tiempo– y Palloni ﬁrma una historia –Premio Micheluzzi al Mejor Guion– que acaba como un madeja de lana en las garras de un gato inquieto a base de intrigas políticas, visitas alienígenas, traiciones injustiﬁcables y unos personajes que sobreviven como pueden –en un bando u otro– en la Italia del fascismo. MERCÈ GUTIÉRREZ

Los evaporados

Isao Moutte Astiberri 7

Ni he leído la novela de Thomas B. Reverdy que este cómic adapta, ni conocía el fenómeno de los “evaporados” o johatsu. Y creo que mejor, porque así vamos entendiendo paso a paso los motivos por los que, anualmente en Japón, decenas de miles de personas deciden cambiar de identidad y evaporarse voluntariamente sin que se denuncie su desaparición. Lo descubrimos a través del personaje principal de este cómic ﬁrmado por el franco-japonés Isao Moutte, quien combina un dibujo cercano al manga de autor con una estructura narrativo-visual muy a la francesa –discreta, austera, al servicio de la historia–. Decide huir a medianoche sin siquiera avisar a su esposa y a su hija para acabar viviendo una vida muy distinta y en la que tampoco parece encajar. JOAN S LUNA

Luces de Niterói Marcello Quintanilha ECC

Aﬁncado en Barcelona, el brasileño Marcello Quintanilha nunca decepciona. Recordemos que suyas son “Tungsteno”, “Talco de vidrio” o “Escucha, hermosa Márcia”. Y “Luces de Niterói” no es una excepción. Inspirada en su padre, futbolista y todo un buscavidas de joven, y ambientada en el Brasil costero de los cincuenta, esta historia nos sumerge en una aventura marítima inesperada para, en realidad, hablarnos de cosas que realmente importan en la vida: la amistad y ﬁjarnos en el interior de las personas y no en su exterior. Sí, también se habla de fútbol, pero que nadie no interesado en el deporte le cierre las puertas. Se estaría perdiendo una historia de amistad de esas que nos recuerdan que no está todo perdido. MARTÍ VILADOT

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PODCASTS

Dones, Flors i Violes

Blai Marsé

Heredando su título de un célebre recopilatorio de canciones populares de Maria Aurèlia Capmany, “Dones, Flors i Violes” es un podcast de Catalunya Ràdio con un propósito directo y sencillo: ahondar en los orígenes, pormenores, influencias y protagonistas de ocho temas de pop contemporáneo catalán con nombre de mujer. Conducido por la voz de Blai Marsé y acompañado por el exhaustivo análisis de las pistas elegidas en compañía de sus artífices, sus ocho capítulos nos descubren entresijos y curiosidades de las mismas, no solo con el fin de reivindicar a sus responsables, sino también a sus respectivas homenajeadas. Mujeres, muchas de ellas condenadas históricamente al ostracismo artístico, hoy consiguen que sus nombres sean un poquito más recordados. MAITE APARICIO 7

¡Estamos Vivas!

Xavi Sánchez Pons y Javier Parra

Tan pronto como escuchamos el “Surﬁn’ Dead” de The Cramps junto a una victoriosa Belén Esteban gritando “¡Pues jódete, que estoy viva!”, Xavi Sánchez Pons y Javier Parra arrancan su autogestionada y apasionada propuesta con la que desde hace tres años nos contagian su indiscutible devoción por el cine de género. A caballo entre una iniciativa conversacional y un programa enciclopédico, la dupla nos conquista con su naturalidad, al tiempo que nos cerciora de su evidente erudición a golpe de monografías, especiales, chácharas improvisadas y merecidas reivindicaciones, obligándonos a escucharles con papel y bolígrafo para no perdernos detalle de sus fascinantes disertaciones. Estrenos de hoy, títulos de ayer y promesas para mañana son el caldo de cultivo para los “Javis del terror”. FRAN GONZÁLEZ

ESPECIALES WEB

Tras su esplendoroso paso hace unos meses por el Primavera Sound de Barcelona, no hemos podido resistirnos a la tentación de repasar la discografía de Lana del Rey clasiﬁcando sus discos del peor al mejor. Una disección que viene a revindicar la enigmática ﬁgura de la estadounidense.

Shoegaze

Más allá de My Bloody Valentine, el universo shoegaze británico nos brindó una arcadia majestuosa de distorsiones ensoñadoras de todos los colores. Un género abanderado por grupos como Pale Saints, Lush, Slowdive, Kitchens Of Distinction o Ride, cuyo nuevo LP es una excusa ideal para recordar diez discos bendecidos por los cánones de estilo patentados por Kevin Shields y Robin Guthrie, sus máximos ideólogos.

“Lo que parece que va a ser el mayor de los miedos termina siendo la mayor de las curas”. Para Valeria Castro subirse a un escenario es sanador y así nos hablaba de ello hace unas semanas antes de su concierto en el Sonorama Ribera. Tuvimos oportunidad de charlar con ella sobre la importancia de cuidar nuestra salud mental, su paso por el festival y lo visibles que están y han estado sus raíces durante todo su proyecto.

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