Nº 172 MONDOSONORO ABRIL 2010

Abril de 2010 nº 172

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MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

STANDSTILL

ADELANTE

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO

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MondoSonoro · Abril 2010 /5/

staff

sumario

29 Triángulo de Amor Bizarro

Coordinador general Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) Coordinador editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Coordinador redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Mondoweb www.mondosonoro.com Coordinadora web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com)

Redimiendo pecados

Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres ! Edición estatal Redacción Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Publicidad Dani López (dani@mondosonoro.com) David Morell (david@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 Diseño gráfico y maquetación Xavier Puigbó (maquetacion@mondosonoro.com) ! Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 ! Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Rafa Angulo Tlf./Fax 976 388 892 ! Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197 ! Illes Balears (baleares@mondosonoro.com) redacción/publicidad Pablo Ochando Tlf. 659 190 479 ! Catalunya (xavi@mondosonoro.com) Redacción Xavi Sánchez Pons Publicidad Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) Tlf./Fax 933 011 200 ! Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026 ! Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

! Madrid (madrid@mondosonoro.com) Redacción Luis J. Menéndez Publicidad Luis Fernández M. Tlf./Fax 915 400 055 Colaboradores: Textos Adrián Santos, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Francesc Feliu, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Javi López, Javi Pulido, Joan Cabot, Jordi Nopca, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jorge Obón, Juan Alonso, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Mertxe V. Valero, Miguel Amorós, Nacho P.L., P. Muñoz, Robert Aniento, Toni Castarnado Fotografía Albert Jódar, Colectivo Anguila, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

NOTICIAS

ENTREVISTAS

VINILOS

6. Dani Llamas se presenta en solitario 7. Chico Ocaña mártir en la intimidad 8. Festivales 2010

25. Hola A Todo El Mundo La Casa de la Pradera 27. Eli ‘Paperboy’ Reed Clásico y moderno 29. Triángulo de Amor Bizarro Redimiendo pecados 30. Standstill Adelante

43. Los Planetas Disco del mes

MONDOFREAKO 11. Delafé y las Flores Azules 12. Supersubmarina 13. Bigott 14. Fanfarlo 17. Maika Makovski 18. Charades 19. Josh Rouse 20. Coheed And Cambria

“no sólo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Rafa Angulo por el rollo coleguita que se lleva en sus artículos”

CONCIERTOS 33-38. Let’s Festival, Red Bull Music Academy, Vampire Weekend...

MONDOBEATS 23. Mordant Music

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

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55. Absolute Beginners

MONDOMEDIA 57. Cine: Park Chan-Wook 58-59. Mondo Recomienda 61. Conexiones

ESCAPARATE

MONDOWEB

41. La Pegatina, Client, Dommin...

62. Blogs

SUSCRiBETE A (1 año, 11 números)

LA VENTANA

55

compactos de ¹B6C>D7G6H :C ?6EÔCº 9:

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5

¡ESTE ME

Triángulo de Amor Bizarro Foto Arturo García

! Galicia-Castilla y León (galicia@mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

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ediciones en K>C>AD 9:A ×AI>BD 9>H8D 9:

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TAN lejos... ! Tras el éxito rotundo de “Viva La Vida Or Death And All His Friends” COLDPLAY y el mítico Brian Eno vuelven a unir fuerzas para preparar el que será el quinto álbum de la banda británica. Así lo ha confirmado Chris Martin, que ha añadido que espera tener el disco preparado para que vea su publicación durante las navidades de 2010.

Dani Llamas Foto Archivo

NOTICIAS /6/ Abril 2010 · MondoSonoro

! El músico y productor MARK LINKOUS, líder de Sparklehorse, se suicidó el pasado mes de marzo en Knoxville (Tennesse, Estados Unidos). El artista se disparó al corazón con su propia pistola al abandonar la casa de unos amigos, según confirmaron fuentes policiales. Desde que iniciara su carrera en 1995, Linkous había grabado cuatro discos y participado en otros proyectos junto a artistas tales como PJ Harvey o Tom Waits. ! ”DARK NIGHT OF THE SOUL”, ambicioso disco que bajo la supervisión de Danger Mouse (Gnarls Barkley, Broken Bells), el malogrado Mark Linkous (Spaklehorse) y el cineasta David Lynch presenta colaboraciones de Iggy Pop, Julian Casablancas, Wayne Coyne o James Mercer, entre otros, será editado por fin de forma oficial el próximo mes de junio por EMI. ! DEFTONES vuelven a la carga con “Diamond Eyes”. El sexto disco de estudio de los norteamericanos ha sido producido por Nick Raskulinecz (Foo Fighters) y presenta por primera vez al bajo a Sergio Vega (Quicksand), que suple a Chi Cheng, bajista original (en coma) de la banda. El disco se edita el 18 de mayo.

Dani Llamas se presenta en solitario El vocalista y guitarrista de la banda andaluza GAS Drummers está presentando esta primavera su debut en solitario, “Speaking Thru The Others” (Red Vanette/Rockmyass, 09). Lejos de las influencias de su banda nodriza, Llamas impregna su guitarra de folk y su garganta de soul en una espléndida colección de canciones.

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Broken Social Scene Foto Archivo

! BROKEN SOCIAL SCENE (que este año estarán en el San Miguel Primavera Sound) regresan a la actualidad con el anuncio de la salida de su primer disco de estudio tras cinco años de silencio. El nuevo trabajo de esta superbanda canadiense de indie rock se titula “Forgiveness Rock Record” y lo edita City Slang y llegará a las tiendas el 3 de mayo.

ás de cien composiciones propias esperan ver la luz en el proyecto que Dani Llamas empieza a desarrollar en paralelo a su banda, GAS Drummers. Cuentan que el estímulo definitivo para empezar a grabarlas, fue el entusiasmo mostrado por Ken Stringfellow (The Posies, REM) a la salida de un concierto del jerezano. Tanto fue así que ambos se metieron en el estudio de Paco Loco para grabar doce canciones de vocación acústica, pero con la ayuda de los instrumentos de un buen puñado de amigos de la propia banda del

músico, de Leda3 o Paco Loco Trío. El resultado es sorprendente por la redonda sencillez de las composiciones y la calidez de Dani interpretando historias que, en sus propias palabras, siguen “orbitando sobre conceptos como ‘historia’, ‘generación’, ‘arte’ o ‘política’.

Pero con esto de hacer algo más personal e intransferible he conseguido hablar de historias más privadas, como una especie de visión pornográfica de mis recuerdos, y de, no quería decirlo, el amor”. Las referencias musicales podemos empezar a buscarlas

El festival Estrella Levante SOS 4.8 hasta la bandera

! GOGOL BORDELLO tienen un nuevo álbum. Se trata de “Trans-Continental Hustle”, un trabajo que tiene prevista su salida para el próximo 26 de abril. La novedad más grande que presenta el quinto disco de estudio de la banda neoyorquina es la presencia del legendario Rick Rubin en la producción.

The Sunday Drivers Foto Archivo

! Neil Hannon regresa con THE DIVINE COMEDY tras el paréntesis que supuso el disco bajo el nombre de The Duckworth Lewis Method, proyecto musical que tenía el mundo del cricket como tema principal. El nuevo trabajo de la divina comedia, el primero tras cuatro años de parón, se titula “Bang Goes The Knighthood”, y ha sido producido por el mismo Hannon. ! Cuatro años después de “We Are The Pipettes”, el grupo británico vuelve a la vida con nuevo single, disco y cambios en la formación. PIPETTES ahora son un dúo formado por Gwenno (miembro original) y Ani Wintour. El nuevo single del grupo se titula “Stop The Music”, y es un adelanto de “Earth Vs. The Pipettes”, el esperado segundo disco que aún no tiene fecha de salida. "

en el último trabajo de GAS Drummers. Su notable “Decalogy” (Red Vanette, 09) ya apuntaba aproximaciones al folk norteamericano que nuestro protagonista proyecta ahora con incuestionable maestría. La producción conjunta de Paco Loco y Ken Stringfellow termina de dar brillo a las composiciones. Aunque alguno de los músicos mencionados arropen a Dani en sus conciertos, en muchas de las citas estará acompañado únicamente por su guitarra. “Verte sobre un escenario con la sola compañía de una guitarra, resucita sensaciones y miedos que tenía guardados en algún cajón de mi cabeza. Esto es lo mejor que me ha podido pasar. Retos nuevos, miedos nuevos. ¡El miedo es mi motor!”. Podremos descubrirlo en Abril antes de su gira francesa el día 15 en el Centro Cultural Caja Granada, el 16 en la Funclub de Sevilla y el 17 en el Mirador Pop Festival de Cádiz. " Mertxe V. Valero

Delafé y las Flores Azules y The Sunday Drivers, en el Levi’s Unfamous Music Si el año pasado se contó con artistas como Love Of Lesbian, Catpeople, Dorian o Extraperlo, la nueva edición del concurso Levi’s Unfamous Music Awards tampoco se queda muy atrás y contará con dos importantes artistas de la escena pop estatal para arropar a los grupos finalistas. Los nueve elegidos habrán sido seleccionados de entre las más de mil ochocientas maquetas recibidas hasta el 25 de marzo, para lo que se ha contado con un jurado formado por miembros de Levi’s, MySpace, MondoSonoro, Rolling Stone, Go Mag, Scanner FM y Nublo Live. Los grupos invitados de los que antes hablábamos son Delafé y Las Flores Azules, que acaban de editar “Vs Las Trompetas de la Muerte”, y The Sunday Drivers, que continúan presentando en ruta las canciones de “The End Of Maiden Trip”. Los catalanes estarán en Madrid (8 abril; Joy Eslava), Valencia (9 abril; Sala Mirror) y Barcelona (17 abril; Sala Apolo), mientras que The Sunday Drivers estarán el 8 de mayo en el Teatro Circo Price de Madrid. Junto a ellos actuarán los grupos finalistas, de los que saldrá un ganador que se llevará 3.000 euros de premio. Más info en www.levisawards.com n

A un mes de su celebración, el festival Estrella Levante SOS 4.8 está a punto de agotar todas sus localidades. Y lo ha conseguido gracias a un cartel en el que no faltan los nombres de gran atractivo para los aficionados al pop rock independiente y a la electrónica. Así, a lo largo de los días 30 de abril y 1 de mayo, los escenarios emplazados en la ciudad de Murcia acogerán las actuaciones de Franz Ferdinand, Hot Chip, Fatboy Slim, Los Planetas, The Horrors, Orbital, Crystal Castles, Nada Surf, Tindersticks, Alondra Bentley, Delorean, Dorian, Joe Crepúsculo, Love Of Lesbian, La Bien Querida, We Are Standard y muchos otros. En cuanto a los grupos murcianos que han resultado ganadores del concurso TalentoSOS, Inkeys y Varry Brava, que abrirán las dos jornadas del festival.

Por otro lado, se recomienda no pasar por alto el sinfín de actividades paralelas, desde anti-karaoke a polipoesía, pasando por la experiencia visual y auditiva que propone Chris Cunningham (Aphex Twin, The Horrors). Más info en www.sos48.com. n

Franz Ferdinand Foto Archivo

Chico Ocaña Foto Archivo

MondoSonoro · Abril 2010 /7/ NOTICIAS

TAN cerca... ! “Cuando el destino nos alcance” es el título del nuevo disco de LORI MEYERS, un trabajo grabado en Los Angeles, en los estudios Castle Oaks Productions, que ha contado con la producción de Sebastián Krys (David Bisbal, Luis Fonsi). El grupo granadino acaba de colgar en su web el primer single del disco, “Mi realidad”. ! HIDROGENESSE acaban de anunciar la salida de un EP muy especial, se trata de “Hidrogenesse vs. The Hidden Cameras”, una referencia que incluirá cinco relecturas de canciones que aparecen en el último disco de los canadienses, “Origin:Orphan”. Según palabras de Carlos Ballesteros y Genís Segarra este EP, “no es un disco de versiones ni de remezclas al uso”.

Pauline en la Playa Foto Archivo

Cambio de aires para Pauline en la Playa

! KIKO VENENO ha sido distinguido con la medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del año 2009. La medalla se otorga a aquellos personajes y entidades que hayan destacado en el campo de la creación artística y cultural o en el fomento, desarrollo difusión del arte y la cultura. Actualmente Kiko está preparando el lanzamiento de su nuevo disco, “Dice la Gente”, que verá la luz durante este año.

Aunque aparentemente poco o nada ha cambiado en el quinto trabajo de Pauline en la Playa, las hermanas Álvarez tienen muchas novedades que contar. Se han mudado de sello y de ciudad y, entre medias, han sacado tiempo para grabar diez canciones de esas que acompañan como una chimenea en un salón de invierno y que se incluyen en “Física del equipaje” (Siesta, 10). “Ha sido un cúmulo de circunstancias. Se nos acababa el contrato y además decidimos volver a Gijón, después de nueve años en Madrid. Cuando teníamos las canciones hechas y preparamos la maqueta se la enviamos a Siesta y les encantó. Fue amor a primera vista”. Este nuevo ciclo que inaugura “Física del equipaje” tiene mucho que ver con su salida de Subterfuge. “Nos habíamos acomodado, era un rollo muy familiar después de tantísimos años: llevábamos grabando con ellos desde 1994 con Undershakers, pero teníamos ya una necesidad de cambio vital, incluso geográfico”. n P. Muñoz

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! Al Ibiza Rocks Hotel, que continua ofreciendo alojamiento y noches de rock y música electrónica, le sigue ahora MALLORCA HOTEL ROCKS. La misma idea sólo que esta vez en la isla de Mallorca. Algunos de los artistas confirmados son: Dizzee Rascal y Calvin Harris, que se suman a los ya confirmados The Kooks, encargados de inaugurar el Mallorca Rocks el 6 de junio.

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Chico Ocaña, mártir en la intimidad Justo cuando se cumplen quince años de la edición de “Flamenco Billy”, la piedra fundacional de los carismáticos Mártires del Compás, y tres desde que se produjo “el efecto tsunami” que provocó la disolución de la banda, se edita “Canciones de mesa camilla”, el primer disco en solitario de Chico Ocaña.

Bla Foto Eduardo Rubaudonadeu

Bla, una forma distinta de llegar a L-Kan Los fans de L-Kan pueden estar tranquilos. Lo confirma Belén: esto no se ha terminado. La publicación del primer álbum de Bla, “La mejor enfermedad” (Elefant, 10), nuevo proyecto de Luis y Belén, encendió las alarmas. Pero más que un punto y final a L-Kan, Bla son unas vacaciones sin duración determinada. “Cada vez nos estaba resultando más difícil juntarnos con Olaf y Maru y sentíamos la necesidad de ir a un ritmo más fluido. Por otro lado, nos apetecía mucho hacer canciones con total libertad, sin pensar en que el público de L-Kan espera un ‘Aburrida de estar salida’, un ‘Modern Talking’ o un ‘Señora’. No nos surgía ninguna así y no queríamos forzarlo”. Podríamos deducir que Bla es una cosa seria, aunque en realidad la diferencia es sutil: se mantiene el protagonismo en la voz de Belén, no desaparecen las programaciones, tampoco su peculiar sentido del humor… así que, más bien, Bla y L-Kan pueden entenderse como dos caras de una misma moneda. “No puede ser algo radicalmente distinto cuando componemos los mismos. Es un proyecto más íntimo en el que hablamos de cosas en las que nos sentimos expuestos.

Pero sí, encontrarás alguna canción que podría haber estado en un disco de L-Kan. La diferencia está más en su conjunto y en sus ausencias, creemos”. " P. Muñoz

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egún el autor, ese original título define su contenido. “Sí, porque está hecho en la intimidad y es el primer disco en el que me expreso hacia fuera, contando las cosas desde el interior”. La ruptura de la banda, después de tantos años, fue frustrante para todos y ya se sabe que cuando los creadores pasan situaciones extremas, las convierten en fuentes de inspiración. “Este disco nace de la necesidad de contar todo lo que me ha pasado desde entonces.

Empezamos a trabajarlo en casa con dos guitarras, en plan familiar, y lo hemos acabado con la banda ya formada. Pero estoy muy contento porque ha sido la primera vez que he cogido el mando al cien por cien y hemos conseguido un sonido que es el mío”. Se puede afirmar que es un disco esencial, porque recupera el origen de Mártires y porque la melódica desnudez del sonido de las dos guitarras (Chemy López y Antonio “Remendao”), el bajo (Sergi Borjas) y el cajón billy (Johnny Borjas), dan transparencia a la

textura del verso y resaltan la tonalidad de las palabras. Hay rumba con blues, bulería y soleá, algo de reggae y de fandango, tanguillos y hasta sevillanas.

Pero evidentemente el sello personal de Chico, un actor que interpreta y vive sus canciones, está más presente que nunca en sus textos. Y aunque se diga cariñosamente de él que tiene una voz malherida y maltrecha, “lo importante es lo que digo y como lo digo”.

Unas pocas colaboraciones, “elegidas totalmente por exigencia de las canciones”, como Rocío Vázquez “La Martiresa” en coros, Rafael Rodríguez “Er Cabeza” (intimo y cómplice de Chico desde tiempos inmemoriales) a la guitarra, Amparo Sánchez y Juanito Makande en las voces y Andrea Peirón en chelo, ayudan a ponerle más alma a esas trece canciones. Chico lo tiene muy claro. “En cuanto pones el disco y escuchas la primera estrofa, para quién me conozca, no va a haber la menor duda.

Es el mismo envase del creador de Mártires”. " Miguel Amorós

Half Foot Outside Foto Archivo

! HALF FOOT OUTSIDE dicen adiós tras una trayectoria impecable llena de buenos discos.

La separación es amistosa y habrá oportunidad de despedirse de ellos como Dios manda en la ciudad que les vio formarse, Pamplona (el 7 de mayo), y también en la próxima edición del festival San Miguel Primavera Sound de Barcelona (el 29 de mayo). ! MALUCA, el último descubrimiento que ha hecho Diplo para su sello Mad Decent, es el nuevo fichaje de Discoteca Océano, discográfica española que presentó en sociedad a El Guincho y que ahora es conocida por ser la casa de Joe Crepúsculo. ! El festival QUICKSILVER TAKIO FEST, que se celebrará los días 23 y 24 de julio en Suances (Cantabria), acaba de confirmar la actuación de The Get Up Kids. El grupo celebra el décimo aniversario del lanzamiento de su disco “Something To Write Home About”. El festival es gratuito y tendrá lugar en el Parque del Espadañal. ! Los próximos días 29 y 30 de abril y 1 de mayo se celebra la cuarta edición del Festival LA PLAÇA ODISSEA, organizado por Maremagnum y Depósito Legal. El festival es gratuito y contará con las actuaciones de Los Punsetes, Pauline en la Playa, Dorian, Triángulo de Amor Bizarro, Single y The Raveonettes, entre otros. ! El disco de LÜGER, una de las últimas sensaciones del undergound madrileño con su sonido de inspiración krautrockera y psicodélica, está a punto de ver la luz. Antes, eso si, han decidido ofrecerlo gratuitamente a todo el mundo colgándolo en http://luger.bandcamp.com. El 15 de abril lo estarán en la sala El Sol. "

festivales 2010 #$ FIB Heineken Siguen las confirmaciones de grupos para la próxima edición del FIB Heineken que se celebrará del 15 al 18 de julio en Benicàssim. Echo & The Bunnymen, una de las bandas míticas de Liverpool y hoy todavía en forma, presentarán su reciente disco “The Fountain”. También contaremos con Hot Chip, uno de los nombres imprescindibles de la electrónica bailable actual, los británicos Mumford & Sons, Sr. Chinarro, Ellie Goulding, The Cribs (con Johnny Marr), Foals, The Temper Trap, Two Door Cinema Club, Four Tet, Dirty Projectors, Yacht y Scratch Perverts. Y eso que la lista de confirmaciones no ha hecho más que empezar.

Echo & The Bunnymen

#$ Tremendo Pop Festival

Maga

#$ MVT Weekend Coincidiendo con el décimo aniversario de la sala zaragozana La Lata de Bombillas, organizadores del evento, esta quinta edición del MVT Weekend promete ya desde su fiesta de presentación el próximo día 17 con Ola Podrida, The Legends y Sheriff. Ya el jueves 29 y en la propia Lata de Bombillas, Men Among Animals y Souvenir con entrada libre. Mientras que el viernes y sábado siguientes, será la Oasis la sala que albergará los conciertos de Maga, The Posies, Pete & The Pirates, Lori Meyers, Tachenko, Tokyo Sex Destruction, Faith Beepers y Elastic Band.

#$ L.E.V. El L.E.V. o Laboratorio de Electrónica Visual llega este año a su cuarta edición, reuniendo un montón de propuestas audiovisuales y musicales de lo más diverso, pero todas ellas de indudable interés. Durante los días 30 de abril y 1 de mayo, Laboral Ciudad de la Cultura de Gijón acogerá las actuaciones de Shackleton, Dj Krush, Signal, Aufgangy Echtra, Plaid, Scuba, Ben Frost, Kangding Ray, Mount Kimbie, D-Fuse, AntiVJ & Murcof, Guillaume Marie & TAZCORP, Zan Lyons, Jorge Haro,Proletari Cratz, Pablo de Soto o Mauri. Otra de las actividades a destacar es el workshop RBMA que ofrecerán Alva Noto, Frank Bretschneider y Olaf Bender. Más información en www.levfestival.com

Dj Krush

Rihanna

The Requesters

Raekwon

#$ Cultura Urbana No cabe duda de que todos los aficionados a la cultura hip hop y al rap están prácticamente obligados a asistir a la sexta edición del festival Cultura Urbana el próximo 15 de mayo en el recinto de Madrid Arena.

No se trata de militancia, sino que perderse la actuación de artistas como el mismísimo Raekwon no es algo que recomendemos. Si además le acompañan La Mala Rodríguez, Juan Solo, SFDK, Rapsusklei o ZPU, junto a otro pelotón de nombres, pues casi que no quedan excusas. www.culturaurbana.es

#$ Festimad 2M

Bob Dylan

#$ Azkena Rock El festival Azkena Rock, a celebrar en Mendizabala (Vitoria-Gasteiz) del 24 al 26 de junio, de este año promete y es que a un ya nutrido cartel se le suman ahora las incorporaciones de Bob Dylan, Bad Religion y The Hold Steady. Por otra parte, Drive-By Truckers ha tenido que cancelar su asistencia, debido a una cancelación de la totalidad de su gira europea. Entre los nombres más destacados del festival están The Hives, The Saints, Kiss, Chris Isaak, Gov’t Mule, The Damned, Airbourne, Kitty Daisy & Lewis, The Black Lips, Imelda May, Toilet Boys, Imperial State Electric, The Jim Jones Revue, Dan Baird, El Vez, The Russian Roulettes... www.azkenarockfestival.com/arf/2010/

#$ Rock In Rio Madrid Rock In Rio continua aportando nuevos datos sobre la próxima edición del festival que se celebrará en junio en Madrid. De momento, se ha anunciado un nuevo escenario, el Sunset Rock, por el que pasarán artistas como Macaco, Anni B Sweet, Armando de Castro (Barón Rojo), Dinero, The Monomes y O’Funk’Illo. Además del escenario, poco a poco se configura el cartel final del festival, que entre sus propuestas cuenta con nombres tan variopintos como Metallica, Shakira, Bon Jovi, Rage Against The Machine, Cypress Hill, Rihanna, Pereza, Calle 13, John Mayer, McFly, Sôber, Motörhead, David Guetta, Tiësto, Cristian Varela o Paul Van Dyk. Tendrá lugar en la Ciudad del Rock, en Arganda del Rey, los días 4, 5, 6, 11 y 14 de junio.

Ya queda menos para la tercera entrega del festival oscense. Del 6 al 8 de mayo, la localidad de Monzón promete ser escenario de lo más granado del pop orientado al baile. Con nombres internacionales como los de The Whip, New Young Pony Club o Whitey no nos cabe ninguna duda. Si además le sumamos algunos de la tierra, caso de Delorean, Dorian, Estereotypo o The Requesters, la cosa acaba de quedar más que clara. Pero ojo, también estarán The Sunday Drivers, The Leadings, Distopía, Love Of Lesbian, Arizona Baby, Gato, Make The Girls Dance, Andy Rourke... así que cálcense zapatos cómodos.

Una vez más se celebra una nueva edición de uno de los festivales más queridos y decanos de nuestro país, el Festimad 2M. Desde el 23 de abril al 9 de mayo tendrán lugar cientos actos musicales repartidos por más de cuarenta salas de Madrid y en la Escuela CEV (Juan Perro, Vantroi, Shuarma, Hola A Todo El Mundo, Havalina, Los Ilegales, The Seihos, Robert Fripp...). Desde la organización aseguran que “no es momento de invertir esfuerzos para llenar estadios con revisitadas estrellas del milenio pasado, sino el de abrir escaparates a las propuestas contemporáneas de futuro”.

Además, como actividades complementarias a los conciertos se organiza el Festimad Taste, concurso con jugosos premios que pretende apoyar a los grupos desconocidos de entre 14 y 30 años de Madrid. www.festimad.es.

Hola a Todo el Mundo

Faith No MoreFoto Archivo xxxxxxxxxx

#$ Sonisphere y Bilbao BBK Galardonado en los UK Awards del año pasado, vuelve una vez más Sonisphere. Tras el éxito obtenido en Barcelona, el festival se traslada a Getafe durante los días 9 y 10 de julio, coincidiendo prácticamente con el Bilbao BBK, que se celebra los días 8, 9 y 10. El caso es que ambos eventos, pese a subrayar su personalidad propia, comparten algunos artistas principales: Rammstein, Faith No More, Alice In Chains, Slayer, Coheed And Cambria y Bullet For My Valentine. Ahora bien, el Bilbao BBK cuenta con un día más y con una lista más amplia de participantes entre los que destacan Pearl Jam, Rise Against, Paul Weller, Gogol Bordello, Dropkick Murphys, Manic Street Preachers o Jet.

#$ El Extratonauta

Rachid Taha

#$ Europavox Europavox ha dado a conocer los primeros artistas que conformarán el cartel del festival de músicas europeas que se celebra en Auvergne (Francia) del 20 al 23 de mayo. Durante estos días, más de sesenta bandas actuarán en los diferentes escenarios situados en la Place Du 1r de Mai. De momento, los grupos confirmados son: Gaëtan Roussel, Rachid Taha junto a Mick Jones, Hocus Pocus, Pete Doherty y Arno. Por otro lado, os recordamos que España es el país invitado y han confirmado ya su actuación Tokyo Sex Destruction, Dani Llamas, La Cafetera Roja, Bigott y Violadores del Verso entre otros. Más información en www.europavox.com

Love Of Lesbian, Supersubmarina, Dorian, We Are Standard y Zahara han sido los artistas seleccionados por el público en un reñido referéndum on line en el que han participado casi veinte mil internautas. Estos se unirán a los ya confirmados por la organización, Los Planetas, La Bien Querida, Sidonie y Ana Lógica el día 15 de mayo en el Coliseo de Atarfe (Granada). Se trata de una de las citas con el pop nacional más importantes de las que se van a celebrar en el sur en esta primavera. Además de los conciertos habrá actividades paralelas, entre ellas una Silent Disco con Dj’s de lujo, animaciones, performances y demás sorpresas. Más datos en www.extratonauta.com

Los Planetas

Macaco

#$ Viña Rock Son ya quince años los que lleva en marcha el Festival Arte-Nativo Viña Rock, que nuevamente redondea un cartel en el que no faltan los nombres imprescindibles de la escena rock y rap de nuestro territorio. Durante los días 30 de abril y 1 y 2 de mayo, los diversos escenarios del Recinto Ferial Villarrobledo acogerán las actuaciones de artistas tan respetados y vitoreados como Soziedad Alkohólika, Berri Txarrak, Macaco, Ojos de Brujo, Los Suaves, Obús, Grandmaster Flash, The Requesters, Ska-P, Narco, El Último Ke Zierre, Uzzhuaïa, Los Fabulosos Cadillacs, La Excepción, Che Sudaka, Su Ta Gar, Koma, Ktulu, Violadores del Verso, Molotov, Def Con Dos, Lendakaris Muertos, Barón Rojo, Hablando En Plata... www.viñarock.com

MONDOFREAKO

Delafé y las Flores Azules Foto Laia Benavides

MondoSonoro · Abril 2010 /11/

Delafé y las Flores Azules

Trueque trompetero Facto, o lo que es lo mismo, Marc Barrachina, se fue. De aquí el cambio de nombre. Pero los catalanes Oscar D'Aniello y Helena Miquel se han aliado a Dani Acedo (ex Mishima) para facturar “Delafé y las Flores Azules vs. las trompetas de la muerte”, su álbum más accesible hasta la fecha, donde las trompetas y la melancolía se asoman en sus costumbristas letras.

L

os cambios asustan, pero algunos tienen la capacidad de sobreponerse a las adversidades de un modo natural. Este es el caso del tándem formado por Oscar D’Aniello y Helena Miquel en su último largo, “Delafé y las Flores Azules vs. las trompetas de la muerte”. Ilusionados de su último retoño sonoro, nos sentamos en un bar de una céntrica plaza del barcelonés barrio de Gràcia para adentrarnos de lleno en su renovada propuesta. No se asusten. Los vestigios de sus dos anteriores álbumes continúan latentes, pero durante este último año su tercer compañero de viaje ha decidido marcharse. “Una banda es como una relación de pareja. Las cosas se enfrían. Todo ocurrió con total naturalidad. Él [Marc Barrachina] encontró su camino, pero entonces nos cruzamos con Dani Acedo, y estamos encantados”, comenta D’Aniello. “Al entrar alguien nuevo en la banda te transmite unas ganas tremendas de hacer cosas.

Dani es del todo hiperactivo”, remata Helena, cuya presencia vocal tiene más protagonismo que

nunca en buena parte de los cortes del álbum.

“No ha sido algo premeditado. Simplemente mientras hacíamos las demos fue saliendo solo. Ahora Oscar sabrá lo que es estar encima del escenario sin cantar”. “Supongo que en esos momentos tendré que decantarme por hacer algo de percusiones”, replica el del Masnou entre risas. El concepto de las trompetas de la muerte, esa seta que es un atentado estético de primer orden pero a su vez condensa sorpresivamente un sabor insuperable, supone el leit-motiv del disco. “Los cuatro primeros temas tratan sobre las trompetas de la muerte junto al cierre que componen ‘Éramos’ y ‘Funcionarios ausentes’, cerrando de este modo el círculo.

Mientras que, en el medio del tracklist, se condensan un buen número de singles potenciales ideados para explotar a conciencia en el directo. La energía de nuestros conciertos no la habíamos plasmado nunca en el estudio. Así que este fue uno de los principales aspectos que quisimos incluir”, afirma

D’Aniello. Y ciertamente no va nada desencaminado. De bien seguro el enaltecimiento de Tomàs Molina como icono pop o “1984”, su particular propuesta como reválida de la extinguida canción del verano a la vez que el tema más mainstream que han facturado durante su existencia, hará que Delafé y las Flores Azules tengan una agenda cuanto menos apretada los próximos meses. Aunque hay más. Por vez primera, su devoción por las trompetas rítmicas herederas del funky hacen acto de presencia. “Habrá una pequeña sección de vientos en nuestro próximo directo. Eso

positivo. Pero durante la creación del álbum han pasado muchas cosas y no podíamos engañarnos a nosotros mismos. Seguimos siendo optimistas, pero como cualquiera sufrimos momentos de bajón”, confiesa Helena.

Bajo la batuta de The Pinker Tones en la producción, estas trompetas de la muerte reivindican el baile y la conga como movimiento revolucionario al igual que Francisco Casavella en aquel “El secreto de las fiestas”, pero a todo esto, ¿estáis preparados para los posibles rapapolvos que podéis recibir a raíz de la vena populista que transpiran algunos

"Estamos a medio camino entre el indie y lo mainstream" lo teníamos claro desde el principio antes de grabar el disco. Para mí la trompeta es un instrumento más potente que un amplificador o una guitarra eléctrica. Además, en muchas ocasiones, como en el ejército cuando muere un soldado, su sonido siempre connota cambios, al igual que en este disco”, opina D’Aniello. “El tema ‘Río por no llorar’ transmite como nos sentimos, introduciendo la melancolía y la tristeza en nuestras letras, algo que no habíamos hecho aún. Cuando empezamos con el grupo existía la idea de formar una banda de hip hop con mensaje

de vuestros últimos temas? Helena lo tiene claro.

“Estamos a medio camino entre el indie y lo mainstream. Cuando empiezas en una banda lo que quieres es llegar al máximo de público posible y pienso que ya hemos calado en mucha gente durante estos años, lo cual es todo un logro”. " Sergio del Amo “DELAFÉ Y LAS FLORES AZULES VS. LAS TROMPETAS DE LA MUERTE” ESTÁ PUBLICADO POR MUSIC BUS/WARNER. DELAFÉ Y LAS FLORES AZULES ESTARÁN EL 8 DE ABRIL EN MADRID, EL 9 EN VALENCIA Y EL 17 EN BARCELONA EN LOS LEVI'S UNFAMOUS CONCERTS

Este mes, en el Espacio de Música de El Corte Inglés, encontrarás dos lanzamientos imprescindibles que mantendrán en buena forma tu colección de música.

La inconfundible personalidad de Klaus & Kinski y la extraordinaria voz de Eli Paperboy Reed.

(MONDOFREAKO /12/ Abril 2010 · MondoSonoro)

Supersubmarina Foto Archivo

Supersubmarina

Arriba periscopio Jóvenes y sobradamente preparados. Eso es lo que han demostrado en apenas dos años de vida pública los andaluces Supersubmarina.

Su debut largo ha levantado una expectación que corre como la pólvora. “Electroviral” es una colección de singles contagiosos con carga de profundidad en las letras.

S

on un secreto a voces. El cuarteto de Baeza ha deslumbrado a propios y a extraños con un disco de principios básicos, de talento seminal, y sobre todo de mucha proyección. Y es que Supersubmarina es de esos grupos con hambre de éxito, y su juventud les permite avanzar de dos en dos escalones en cada grabación gracias a un sonido muy refinado que juega con los estándares del rock con imaginación e intuición, y siempre, buscando un puntito más. “Este es nuestro primer disco, lo que andábamos buscando pero no algo definitivo porque nos consideramos un grupo en contínua evolución y en nuestra mente siempre está lograr un sonido, unas canciones que nos diferencien del resto” “Electroviral” ha conseguido hacer convivir en un álbum más de media docena de hits sin empalagar, gracias sobre todo a la intencionalidad de su oratoria. Letras que abandonan los libros de estilo del pop de fórmula para narrar lo que sucede a su alrededor, de forma identificable para cualquier mortal de su edad, nada de abusar del Scrabble. “Siempre hemos pensado que lo que más ha denostado al término pop ha sido la calidad de las letras, el

ASI COMO SUENA

buscar la rima fácil y las frases hechas.

No queremos salvar el mundo, ni enseñar a la gente a vivir pero es muy importante para nosotros hablar de lo que le ocurre a la gente de nuestra generación, que las personas que nos rodean se sientan identificadas con lo que decimos y ubiquen nuestras canciones en su vida”. Como la mayoría de los grupos de su generación la imagen viene mejorada, y es que las bandas del indie patrio han dejado de mostrar ese típico cuadro de palurdos vanidosos que acaban de atracar una tienda de ropa de segunda mano para conjugar con naturalidad y estilo su proyección audiovisual. Estos chiquillos de Baeza cuidan ellos mismos cualquier detalle gráfico y no dudan por ejemplo en ponerse a recortar letras de poliespan para el atrezzo del directo si hace falta. “Los cuatro tenemos una inspiración un poco artística y desde el principio le hemos dado vueltas a toda la estética del grupo, que haya una referencia entre las canciones y la imagen de las portadas, de la web y de todo lo que rodea a nuestra propuesta”. El primer single del álbum es “En Granada”, y viniendo de dónde vienen y

Marc Gili (Dorian) Todos aquellos seguidores de esta sección sabrán que resulta ideal para descubrir los secretos de nuestros artistas favoritos. Bien, pues aprovechando su masterclass para Jack Daniel’s, le comentamos a Marc, vocalista y guitarra de Dorian, que nos comentase su forma de trabajar de una forma distinta.

Marc Gili Foto Archivo

E

l pasado mes de marzo la gente de Jack Daniel’s nos propuso a Belly y a mi que diéramos algo parecido a una clase explicando cómo componemos y producimos nuestras

haciendo lo que hacen, la verdad es que sobra la pregunta. “Jaime vive en Jaén pero Pop y Juan Carlos viven en Granada; mi chica vive en Granada (Jose) y por supuesto que estamos muy vinculados a esa ciudad por sus grupos y lo que significa para el rock de este país, aunque esto no significa que renunciemos a nuestra ciudad, Baeza, y sobre todo a nuestro sello de Supersubmarina. Hoy en día da igual de dónde te sientas porque no tiene la mayor trascendencia en lo que haces”. Pero está claro que musicalmente son granaínos de pura cepa y no

Si les metemos aún más el dedo en el ojo en este sentido, la producción del álbum ha corrido a cargo de Óscar Claver (Ska P), quien se trasladó a los estudios Bomtrack de Baeza, es decir, nada de exotismos alternativos. “Buscábamos un buen sonido, un profesional de altura que plasmara perfectamente las ideas que nosotros habíamos madurado previamente y Óscar ha hecho un trabajo extraordinario. Ahora mismo no concebimos un productor como alguien que nos diga por dónde tienen que ir nuestras canciones, para eso está nuestro trabajo”.

"No entendemos qué es lo comercial y qué no, sí sabemos lo que nos gusta a nosotros" cabe duda que se han mamado los discos de 091, Lagartija Nick, Los Planetas o Lori Meyers, aunque también es cierto que Supersubmarina andan más desinhibidos a la hora de plantear el rumbo de su carrera. Su fórmula más abierta, su sonido más comercializable levanta suspicacias a algún sector de la militancia indie. “Intentamos alcanzar al mayor número de público, y no creo que eso sea negativo, ni que nos vendamos por ello. Respetamos al que no le guste lo que hacemos pero no por ello dejamos de intentar convencerlo con la siguiente canción o el siguiente disco. No entendemos qué es lo comercial y qué no, sí sabemos lo que nos gusta a nosotros”.

canciones. El encuentro con la gente tuvo lugar en la Salamandra de Hospitalet, y entre quienes nos acompañaron hubo músicos, Dj’s y gente curiosa que simplemente quería averiguar de dónde surgen las canciones y porqué terminan sonando de un modo o de otro. Los tiros de la charla fueron un poco por ahí. Empezamos hablando del acto creativo, es decir, del paso que va de ese momento en el que no hay nada hasta el instante en el que te sorprendes tocando algo que ya se parece un poco a una canción. Ese paso es, en mi opinión, el más importante y debe surgir siempre del inconsciente, es decir, de las tripas, nunca de la conciencia, porque es el único modo de que te salga una melodía original o cuanto

El resultado salta a la vista con las colas que sus conciertos empiezan a provocar, y es que el álbum es carne de escenario y los “niños” se mueven por él con un desparpajo inusitado. “Si hay algo que nos ha hecho crecer es haber podido tocar mucho y perder esa caraja en el escenario que tienes cuando empiezas.

En directo hay que transmitir lo que dicen tus canciones ya sea positivo o negativo.

Hay que interpretar porque el público te está viendo y tú los estás viendo a ellos”. " Arturo García

menos personal. Hay un momento en que, motivado por una mala o una buena experiencia, sientes la necesidad de expresar algo y si ese momento te sorprende con una guitarra o un piano cerca es posible que en cosa de unas horas acabes teniendo el germen de una buena canción. En ese acto inconsciente uno pierde la noción del tiempo y se convierte simplemente en un cable que va de sus tripas al instrumento. Para los que hacemos primero la música y luego (o simultáneamente) la letra, ese momento nos da también el diapasón de aquello sobre lo que va a hablar esa canción. Del estado de ánimo que te generan esas primeras notas que estás tocando surgen también los primeros versos y esos primeros versos

“ELECTROVIRAL” ESTÁ PUBLICADO POR OCTUBRE.

son los que marcan de qué va a hablar ese tema. No eres tú sino las canciones las que te dicen de qué quieren hablar.

Belly habló de lo que ocurre después de ese primer paso, que es el hecho de que hay que estructurar las partes de la canción y posteriormente darles una línea estética. Por ejemplo, “Blue Monday” de New Order era en origen un tema oscuro y tranquilo, casi una balada siniestra, y terminó siendo un tema de baile, y The Beatles llegaron a grabar hasta ocho versiones distintas de “Tormorrow Never Knows”. Sea como sea, hay que dar a cada tema el tratamiento que exige. Una vez más es la canción la que manda, no el grupo, y hay que dar a cada una de ellas el tratamiento que va pidiendo de forma natural. "

(MondoSonoro · Abril 2010 /13/ MONDOFREAKO)

!!!

wala wala!!!

“A los 24 años aún le escribía cartas a Prince, estaba obsesionada con él y cuando era estudiante le invitaba a mis shows artísticos” Alison Goldfrapp, en Mojo

“’Joder’ es una de mis palabras favoritas” Courtney Love en Clash

“En Estados Unidos Dios y Garth Brooks están en todos lados.

Sientes como tu cerebro se deshace...”

Jónsi de Sigur Rós, en Uncut

Bigott

Equilibrismos en Topanga Canyon Bigott no se han trasladado al californiano cañón de Santa Mónica para grabar, como Neil Young o Devendra Banhart, su último disco.

Aunque pueda parecerlo. “This Is The Begining Of A Beautiful Friendship” tiene su origen en Zaragoza, el desarrollo en el Puerto de Santa María y su destino es universal.

E

“Genesis era como estar en el ejército, y funcionaba como una campaña militar. Tampoco había espacio para las vidas” Peter Gabriel, en Mojo

“Durante las sesiones de ‘Exile On Main Street’ tomamos un montón de drogas diferentes, y cada uno las tomaba a su manera, teníamos diferentes hábitos” Mick Jagger en Uncut

“Nunca seremos una banda cool, y eso es parte de nuestro atractivo para todos los que nos siguen” Los Campesinos! en Clash

l cuarto disco del zaragozano Borja Laudo con Bigott, el proyecto que comparte con Clara Carnicer, Andrés Perruca, Paco Loco y Muni Camón, es una nueva muestra de su creatividad desbordante. El sello local Grabaciones en el Mar hace una nueva apuesta ganadora por el artista aragonés con la edición este mes de abril de “This Is The Begining Of A Beautiful Friendship”. Nos aclaran que “Repetimos con Gelmar porque nos tiene secuestrados por un disco más. Pedro está trabajando muy bien y estoy muy a gusto con él, no creo que haya nadie parecido en ninguna discográfica estatal, ni espacial”. Si “That Sentimental Sandwich” (King Of Patio, 06) fue la sorpresa folk y el delirio psicodélico, el auto-editado “What A Lovely Day Today” aportó mayores dosis de experimentación y locura, y “Fin” (Grabaciones en el Mar, 09) comenzaba a equilibrar la balanza de tan buenos excesos, la cuarta entrega de la banda supone un paso más en su propio camino y, quizá sólo por ser el último, el mejor.

O quizá no. Las canciones, incluso los breves divertimentos a los que el autor nos tiene acostumbrados, respiran ambientes propios y completos gracias a una perfecta combinación de bases, guitarras, voces y producción. No hay momentos huérfanos, las locuras transitorias están perfectamente engarzadas con teclados, steels, palmas y coros; los juegos vocales son simplemente extraordinarios e incluso el minuto más oscuro está inflamado de un groove irresistible. Y sí, seguimos pensando en apellidos ilustres del folk-rock americano cuando

escuchamos a Bigott: Oldham, Cohen, Presley, Callahan, Morrison, Reed, Drake, Linkous, Banhart… la lista, las referencias, apenas sirven ya para algo. Bigott es un creador diferente, único, que libera una personalidad propia e inconfundible y que hace enorme la canción de autor gracias a su banda. El disco se abre con “Dead Mum Walking”, que cuenta con uno de los mejores trabajos de coro (el autor apunta que “son coros celestiales, los canta mi madre”) y percusión del mismo (compartido por lo menos con “Sparkle Motion”), y comienza la

piré a ‘Honolulu’, allí todo el mundo bailaba el ‘Jingle Swing’ así que saqué a ‘My My Love’ a bailar; la pista de baile estaba repleta y Tommy, el camarero, no daba a basto así que tuve que metérmelo en el bolsillo con ’Tommy Can You Hear Me?’ para conseguir un buen par de piñas coladas”. Tras un análisis así sobran más comentarios sobre las canciones, que no cree que sean directamente influidas por las vivencias personales. “Si fuera así, este sería un disco de death metal”. El disco ha sido grabado, como es habitual, en los estudios de Paco Loco en el gaditano Puerto de Santa María, que parece además la residencia de verano de todo el grupo. La rutina no parece muy dura. “Me levanto a las ocho, desayuno un sandwich mixto a la plancha, dorado no tostado, voy al trono. Entro en el estudio y grabo algo, limpio la piscina, me doy un baño,

"Si las canciones estuviesen influidas directamente por las vivencias personales, este sería un disco de death metal" transmisión de imágenes indescriptibles. Una madre a quien el doctor encuentra desafinada nos remite a la muerte el pasado año de la propia madre del autor que nos explica que “es un resumen de los inolvidables meses que pasé haciendo un tour por las mejores clínicas de la geografía española -fuerza, imaginación, pasión y humor para continuar fotografiando las canciones de este compacto-.

Se me quedó cuerpo de ‘Pachanga’ y con el ritmo de las palmas me animé a declararme amor eterno en ‘Cool Single Weeding’; probé el caballo con ‘Horse Is Back’ y me quedé ‘Little Retarded’ así que compuse ‘Sparkle Motion’, hipnotizado por el maravilloso baile de la película ‘Donnie Darko’. Aburrido de ‘No Drunk Today’ me

vuelvo al estudio pero me arrepiento por el camino y me doy otro baño. Paco sale a por un trozo de sandía que no sé si se está comiendo o si se ha chocado contra él, y entro con él al estudio; luego viene Muni, comemos juntos, siesta, baño, trono, estudio, baño, cena y a dormir. El resto de las cosas que pasan allí las desconozco”. La gira les llevará este mes a Cádiz (La Bomba, 12), Madrid (El Sol, 13), Valencia (Matisse, 14), Lleida (City Arms, 15) y Zaragoza (Hispano, 16). En mayo estarán en el Europavox francés y en el San Miguel Primavera Sound de Barcelona. " Mertxe V. Valero “THIS IS THE BEGINING OF A BEAUTIFUL FRIENDSHIP” ESTÁ PUBLICADO POR GRABACIONES EN EL MAR.

Bigott Foto Archivo

“Mi gran vicio es jugar con el lenguaje; por eso, cuando no encuentro la palabra, me la invento, como frivolaridad o nolvidamor” Miguel Bosé en el Magazine de La Vanguardia

(MONDOFREAKO /14/ Abril 2010 · MondoSonoro)

Fanfarlo Foto Archivo

Fanfarlo

el sabor de la copia En ocasiones, aunque los parecidos sean más que razonables, eso no impide que podamos disfrutar de propuestas frescas y con canciones.

Es el caso de Fanfarlo, un grupo con las cartas al descubierto, pero también con “Reservoir”, un disco recuperado por una multinacional, que se hace querer.

U

na imitación puede hacernos disfrutar tanto como el original y es una forma de satisfacer otros deseos a través de algo que, simplemente, nos cuesta menos dinero, tiempo o esfuerzo. Trasladado a la música, es absolutamente imposible pretender que cada diez minutos vaya a aparecer el disco que nos cambie la vida. Esa es una de las razones por las que encendemos la señal de alarma al hablar de un grupo que se parece a otro. Pero, a estás alturas, ¿quién no se parece a algo? En el caso de Fanfarlo, sus influencias son más que evidentes, pero no es (o no debería) ser un problema si detrás hay buenas canciones. Y créanme, las hay. Con tanto estilo, la misma exuberancia y energía que bandas como Arcade Fire o Broken Social Scene, pero también Belle & Sebastian o The Flaming Lips. El proyecto gira alrededor del sueco Simon Balthazar, que en 2006 se trasladó a Londres con la intención de formar un grupo cuyo nombre hace referencia a un relato de Charles Baudelaire publicado por primera vez en 1847. Si

bien al principio los temas eran bastante más cercanos al indie de los noventa, con el tiempo y el cambio de un ordenador portátil por las ideas que aportan seis músicos subidos en el mismo barco, la cosa cambió bastante. Justin Finch (guitarra), al teléfono desde Londres, recuerda esos primeros momentos. “Cuando empezamos hace casi cuatro años, hacíamos algo mucho más folk, tanto por la forma de componer como por las letras. De alguna manera eso ha sido sustituido por un sonido muy pop con orquestaciones lo más bonitas posibles, y todas las variaciones que se nos ocurren al respecto. Hay muchas canciones antiguas que ya no nos apetece tocar porque no representan para nada lo que somos en este momento. Creo que la parte folk se mantiene de alguna manera a nivel instrumental, pero también es una etiqueta que evoluciona constantemente porque la mayoría de la gente a la que se la adjudican se esfuerza por hacer cosas distintas para salir de ella”.

Después de tres singles que fueron un éxito a pequeña escala y mucha expectación en bastantes blogs musicales, decidieron autoeditarse su álbum de debut, “Reservoir”, confiando la distribución a una multinacional. “Nos costó tres años sacar un disco, pero no queríamos hacerlo hasta que las circunstancias fueran las adecuadas. Publicamos varios singles y siempre había algo que no nos terminaba de convencer, por lo que no tenía sentido grabar un disco hasta que no estuviéramos

ensayos muy intensos en Londres antes de ir a Estados Unidos. ¡Nos llevamos todos los instrumentos que podíamos transportar!

Más o menos estábamos todos de acuerdo en que si grabábamos quince canciones en seis semanas tendríamos suficiente material. Componer y escribir las letras es algo de lo que se encarga Simon. Antes lo hacía él todo, pero ahora cada vez hay más campo para que los demás aportemos ideas que terminen de dar forma a las cancio-

"La mayoría de la gente a la que se le adjudica la etiqueta folk, se esfuerza por hacer cosas distintas para salir de ella" completamente satisfechos. Después de muchos directos tuvimos la oportunidad de grabar en Estados Unidos con un productor increíble”. El frío otoño de 2008 en Connecticut y el buen hacer a los mandos de Peter Katis en los Tarquin Studios (ha trabajado con The National o Interpol entre otros) dieron como resultado un álbum suntuoso, muy melódico y con multitud de detalles melancólicos en el que destacan temas como “I’m A Pilot” o “Fire Escape”. “Peter y su ingeniero de sonido, Greg, tienen una forma de trabajar que se adapta muy bien a nuestra banda. Hicimos cuatro días de

nes”. Casi al final de la grabación, surgió un gran imprevisto, el clásico asunto de las “diferencias musicales” terminó con la salida de Mark West.

“Perder a uno de tus guitarristas después de estar dos años juntos es difícil, pero lo veíamos venir. Era un periodo muy intenso para todos y ahí es cuando te das cuenta de un montón de cosas. Lo único bueno es que ha contribuido a que haya más unión dentro del grupo”. " Javi Batahola “RESERVOIR” ESTÁ PUBLICADO POR WARNER. FARFARLO ESTARÁN TOCANDO EN ABRIL EN GRANADA

(MondoSonoro · Abril 2010 /17/ MONDOFREAKO)

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S

JONA BECHTOLT (YACHT) Después de sorprendernos con su último disco hasta la fecha “See Mystery Lights” (DFA/Nuevos Medios, 09), Yacht vuelven a nuestro país para ofrecer dos conciertos (esta vez con banda) en Barcelona (La [2], 8 abril) y Madrid (El Sol, 9 abril; Heineken Music Selector).

Jona Bechtolt (Yacht) Foto Archivo

DISCO

THE DESCENDENTS “MILO GOES TO COLLEGE” (1982) Cada canción de este disco habla sobre la complejidad de las emociones de un adolescente y sigue siendo actual, indudable y universal. Son canciones sobre querer, sobre el resentimiento, sobre la tristeza y sobre la gente que no te entiende.

THE WIPERS “IS THIS REAL?” (1980) The Wipers representaban la credibilidad punk de nuestra región (el noreste del Pacífico) y el intelectualismo más real del género. El concepto original del grupo era grabar quince discos en diez años y no tocar jamás en directo. Eso nunca ocurrió.

MINUTEMEN “DOUBLE NICKELS ON THE DIME” (1984) ¿Ha existido alguna vez una amistad más verdadera que la que había entre D. Boon y Mike Watt?

NIRVANA “BLEACH” (1989) Crecí en Astoria, Oregon, una pequeña zona deprimida económicamente, no como Aberdeen o Washington. A veces la gente dice “ese fue mi punk rock” al referirse a las cosas que le inspiraron, pero para la gente de aquella zona, ese sí fue nuestro auténtico punk.

SUICIDE “SUICIDE” (1977) No existe ningún disco que suene más cool que este.

X “LOS ANGELES” (1980) Los créditos iniciales de “The Decline Of Western Civilization”, con X interpretando “Nausea” frente a esa audiencia es, para nosotros, una de las más importantes escenas jamás filmadas. Este disco es difícil, terrible y algo barroco.

THE VANDALS “PEACE THROUGH VANDALISM” (1984) La línea de bajo de nuestra canción “It’s Boring/You Can Live Anywhere You Want” está inspirada en gran medida en la canción “Anarchy Burger (Hold The Government)” de The Vandals, que como muchos otros temas de este disco es un clásico.

BAD BRAINS “BAD BRAINS” (1982) Existe algo muy Jekyll y Hyde en relación a Bad Brains, su dialéctica su reggae roots rasta fari punk hardcore. Nos interesa ese tipo de dualidad. Era un punto de vista honesto con la realidad.

SCREAMERS “UNRELEASED DEMOS/LIVE AT TARGET STUDIOS” (1978) Fueron una de las más grandes bandas punk sin fichar de los setenta. Nunca publicaron un disco porque querían ser la primera banda que publicase un álbum en VHS... Estas grabaciones increíbles se encuentran por Internet. "

Maika Makovski

Maika Makovski Foto Archivo

SUBURBAN LAWNS “SUBURBAN LAWNS” (1981) Para nosotros sigue siendo un misterio el momento y el lugar que llevaron al nacimiento de bandas como Suburban Lawns. ¿Por qué Suburban Lawns eran de Long Beach? ¿Por qué Minutemen eran de San Pedro? ¿Qué extraño brebaje había en los suburbios de Los Angeles?

Piedra preciosa Hasta ahora muchos veían a Maika Makovski como un diamante en bruto, un valor a la espera de ser pulido para poder brillar en todo su esplendor. Pues bien, esa espera ha tocado a su fin con la aparición de “Maika Makovski” (Origami, 10), el disco que ha marcado ya un antes y un después en su carrera.

P

letórica por la acogida que está recibiendo su nuevo trabajo, Maika Makovski nos desveló la génesis del cambio experimentado por su música.

“Sentía la necesidad de cambiar porque lo que hacía ya no me estimulaba igual. Lo forcé y, por supuesto, salieron canciones forzadas. Pero con el tiempo ocurrieron cosas, pasé por un periodo de crisis personal y, al final, la música surgió de esa conjunción: el cambio musical que me pedía el cuerpo y un cambio personal”. Curiosamente, esos sucesos vividos han pesado incluso más que la música escuchada. “Tenía en la cabeza conceptos: la espiral, la repetición, el hombre de las cavernas, el color negro… Son puntos de referencia, pero al final la música va donde quiere y lo que escuchaba no tenía nada que ver”. Con todo, algo como trasladarse temporalmente a Nueva York puede convertirse en una banda sonora casi inconsciente para las propias experiencias. “Creo que vivir allí sí fue una influencia, como todo lo que haces en la vida. El tema ‘No Blood’ tiene un aire a Brooklyn. No escucho hip hop, pero supongo que actué de esponja de alguna forma, simplemente por andar por la calle y oírlo a todas horas. El tema no es hip hop, pero tiene algo de ese mundo. Y eso lo hizo Nueva York, no lo hice yo”. Una vez creada la música, llegó la hora de inmortalizarla. Y para ello, nada mejor que contar con John Parish, conocido ante todo por producir a PJ Harvey. “Todo

sucedió de forma muy natural. Cuando las canciones ya no eran de transición ni forzadas, fui viendo su valor. Eran más sinceras que nunca. No es que antes fuera teatro, es que ahora eran igual a cero personajes. Me planteé grabar aquí en un buen estudio, pero entonces surgió lo de John”. Siempre se ha comparado a Maika con Polly Jean, por lo que parecerá que la mallorquina (de padre macedonio) ha buscado profundizar en ese paralelismo. “En absoluto. Mi ex mánager contactó con él sin yo saberlo y al principio me chocó, pero lo pensé,

muy fácil trabajar con él. Se implicó totalmente en el proyecto”. Además, la proyección internacional de este álbum no termina en su productor. “En Inglaterra lo editaremos con Outstanding, que es una discográfica pequeñita. En Estados Unidos y Europa tenemos agencias de promoción, pero discográfica todavía no. La promotora europea lo está haciendo muy bien, porque ya sonamos en la BBC 6. En cuanto al directo, tenemos ya algunas fechas en Londres, Chicago, Nueva York y Austin”. Afortunadamente, esta repercusión en el exterior no será obstáculo para una gira española que, según apunta Maika, les llevará por primera vez a varias zonas de la península, como por ejemplo el sur del país. “Tengo muchas ganas de tocar en España, porque aquí es donde la gente ha estado esperando. En Barcelona, nuestra ciudad, no actuamos desde hace mucho.

"'No Blood' no es hip hop, pero tiene algo de ese mundo. Y eso lo hizo Nueva York, no lo hice yo" vi que era el productor perfecto para el disco y que la lluvia de comparaciones la debo tomar como un daño colateral.

Me molesta hasta cierto punto, pero no dejo que me afecte. Lo importante es que me sienta orgullosa del disco”. De ahí que se dirigiera con su banda (ampliada a cuarteto) hasta Inglaterra, para trabajar con un hombre para el que no tiene una sola palabra de desaprobación. “John ama la música, no la fama. Participa en muchos proyectos simplemente porque le gustan. En nuestro caso fue preguntando en su entorno y nadie nos conocía hasta que habló con Howe Gelb. De todas formas, ya nos había dicho que sí con anterioridad. Es muy dulce y es

Me gustaría que fuera ya, pero por lo visto habrá que esperar hasta mayo”.

Por último, una advertencia: que nadie espere encontrar en sus conciertos muchos guiños a tiempos pasados. “La evolución ha sido tan radical que no es nada fácil por ahora incluir esos temas. Quizá en el futuro haga algo que consiga ser el pegamento para esas canciones anteriores. Es como la adolescente que no quiere ir de rosa, porque le parece que eso es de niña, y cuando llega a la madurez, dice: ‘¿por qué no voy a vestir de rosa?’”. " Xavier Llop “MAIKA MAKOVSKI” ESTÁ PUBLICADO POR ORIGAMI.

(MONDOFREAKO /18/ Abril 2010 · MondoSonoro)

Charades Foto Archivo

Charades

La edad de la inocencia Después de la exponencial progresión que supuso “En ningún lugar”, “Revolución solar”, el tercer largo de Charades, debía apuntar bien alto para mantener el nivel. Para lograrlo, ahora como quinteto, se han valido de sus mejores armas: armonías vocales, melodías de primera y apuntes de psicodelia. La revolución da un paso más.

T

ras el enorme salto que protagonizaron con “En ningún lugar” (BCore 08), Charades se enfrentaban a la complicada papeleta del tercer disco, con la dificultad añadida de la marcha de María Hernández (bajo), sustituida por Toño Castro al tiempo que Antía Moure se incorporaba al grupo como nuevo teclista (también voz y percusiones), de modo que el otrora cuarteto ha pasado a ser banda de cinco. Y lo cierto es que han resuelto la jugada de forma más que certera, superando el estatus de promesa para afianzarse como firme realidad de nuestro pop, sin necesidad de rupturas, sino manteniéndose firmes en un camino plagado de melodías, armonías vocales, coros, teclados y estribillos en el punto justo de ebullición. (Guillermo Llansó, batería) “Al empezar a componerlo nos encontrábamos en un momento difícil: se había ido la bajista, e Isa, Coki y yo estábamos con muy poca autoestima, pero de alguna manera también teníamos ganas y fe en nosotros mismos para seguir tocando. Cuando entraron Antía y Toño todo cambió a mejor: trajeron mu-

chas ideas y aire fresco. A lo largo de este tiempo nos han sucedido muchas cosas...

Al final nos han dejado unas ganas enormes de trabajar como nos da la gana, de aprender y de ser cada vez más nosotros mismos”. Fue “Revolución solar” la primera canción que compusieron para este nuevo álbum al que ha acabado dando título, y ese espíritu se convirtió en la fuerza motriz que prendió la mecha de un trabajo en el que han ganado un punto de nervio, del mismo modo que las letras han superado la barrera de la fragilidad para exhibir una energía más directa, como ocurre en “Medio cielo de revolución”, “Aguaceros” o “Grito tu nombre”.

(Isabel Fernández, voz y guitarras) “Pues no lo había pensado, pero es verdad; quizá ya no es estar melancólico y perdido, sino romperlo todo y explotar”. En la producción, repiten en los estudios Ultramarinos Costa Brava, a los mandos de Santi García, de quien dicen que (Isa) “es el único que improvisa en el estudio;... nosotros vamos con todo cuadrado al milímetro.

A nivel de producción esta vez hemos sido

más austeros: le pedimos algo sencillo, que todo sonase tal cual lo habíamos grabado, y las voces con mucha reverb. Pensamos muchísimo en las canciones, en cada arreglo y cada melodía. Por eso no improvisamos nada en el estudio; los arreglos, para saber que quedan bien, necesitan tiempo para tener perspectiva sobre ellos”. El resultado arroja un pop radiante y a la vez rotundo, con una notable herencia psicodélica en la que The Beach Boys o Love pueden ser algunos de los ejemplos más notables, amén de una extensa nómina de

película. La historia que narra es la de un amor puro, inteligente, mágico y divertido.

Nos gusta describir sensaciones y sentimientos que hemos experimentado. No nos inventamos personajes ni contamos ficción. ¡Yo no sé hacer eso! Neil Young decía: ‘Si canto mi verdad, ésta sacará la verdad de los demás’”. Y así, sin épica ni grandes batallas, hacen su particular revolución, consiguiendo que escribir canciones redondas parezca lo más sencillo de este mundo, y sobre todo sin perder la perspectiva de lo que son y lo que quieren ser.

"Todo eso que hoy se llama ‘indie nacional’, llega a ser más inofensivo que muchas de las cosas del mainstream" grupos sesenteros, sin olvidar que Animal Collective también está entre sus favoritos. (Isa) “No es que la psicodelia fuera un fin en sí mismo.

Nos apetecía seguir probando y profundizar en las estructuras y las melodías. Es una evolución natural; este sonido es cómo nos expresamos ahora, y nos hace felices”. Esa sensación de felicidad domina en su música, incluso en los momentos más agridulces: un ejemplo es “Nerium Oleander” y otro, con un añadido de romanticismo excéntrico y en tono de fábula, “Harold & Maude”, tomando prestado el título de la comedia de Hal Ashbly. (Isa) “Nos encanta la

(Isa) “Nos sentimos muy ajenos a la manera de hacer general, a los estándares que impone la vida moderna actual. Por no hablar de todo eso que hoy en día se llama ‘indie nacional’, que llega a ser más inofensivo que muchas de las cosas del mainstream.

En el grupo es esencial que mantengamos nuestros ideales y nuestra manera de vivir la música de la forma más inocente y pura que sea posible”. n Enrique Peñas “REVOLUCIÓN SOLAR” ESTÁ PUBLICADO POR B-CORE.

(MondoSonoro · Abril 2010 /19/ MONDOFREAKO)

confidencial NO

!!

Muchos le conocen por su faceta como vocalista y guitarra de Extraperlo, pero Borja Rosal es un tipo inquieto que ha estado en otras formaciones y que suele echar una mano a quien se la pide.

Sólo por eso le obligaremos a contestar a nuestra entrevista más cruda. ¿Te gusta cantar en la ducha?

A veces canto con la voz más ridícula del mundo los anuncios de inmobiliarias que salen en la radio. ¿Qué canción te hubiese gustado componer y cuál odiarías haber escrito?

Me encantaría haber compuesto “Stranger On The Shore Of Love” de Stevie Wonder y no me gustaría haber escrito “Boig per tu” de Sau. ¿Qué piensa tu familia de tu música?

Les parece muy bien. Dicen que tiene ritmo y las melodías son bonitas. No es un análisis muy profundo, pero no lo necesitan, es el disco de su hijo. ¿Cuántas veces se os ha ido a la mierda un directo por culpa del ordenador en el que lleváis las bases?

Dos veces en la misma sala. Hubiera sido divertido que te respondiera veintidós, pero no ha sido así. ¿Te cuesta mucho escribir letras sobre bañadores y palmeras en pleno invierno?

Una barbaridad, de hecho ahora sólo escribo letras sobre abrigos de piel y guantes de lana. ¿Cuál es el último libro que has leído, la última película que has visto y el último disco que has comprado?

“Crónicas de Clovis” de Saki. La película, “Let’s Get Lost”, el documental sobre Chet Baker, y el disco “Nothing Can Stop Us” de Robert Wyatt.

Algunos aún recordamos cuando Extraperlo sonabais a Los Planetas y Surfin' Bichos. ¿Qué os hizo cambiar de línea musical?

La idea de no querer imitar a nadie y escuchar muchos discos para ampliar nuestro punto de vista y tener un mayor criterio a la hora de componer y producir canciones. ¿Es cierto que juegas a fútbol en un equipo con lo más florido del indie barcelonés?

Sí, y creo que dejaremos todos de tocar porque nos estamos planteando muy seriamente la opción de dedicarnos profesionalmente. ¿Cuál es el más sucio y desagradable de los miembros de tu grupo? ¿Por qué? ¿Qué tipo de pregunta es ésta? Todos nos duchamos a diario y somos la mar de agradables. ¿Cuál es el personaje más famoso que se cuenta entre tus seguidores?

Joan S. Luna. ¿Qué me contestas si te digo que me gustan más los remixes japoneses de vuestras canciones que las originales?

Que me parece fantástico. Después te preguntaría cuál te gusta más de los dos. ¿Qué le dirías a uno de esos fans tuyos que tiene tus discos pirateados?

Que pongan las canciones en el orden correcto y que intenten descargar archivos lo menos comprimidos posibles. ¿Le romperías las piernas a algún crítico musical de este país?

Las dos no, por Díos, menuda desconsideración. "

Josh Rouse Josh Rouse Foto Archivo

Borja Rosal de Extraperlo Foto Archivo

BORJA ROSAL (EXTRAPERLO)

El eterno turista El 'oratge' del Mediterráneo se cuela entre las juntas del nuevo trabajo del hijo pródigo de Nebraska, en el que, con la ligereza del jazz, Rouse baraja su educación en la americana con toques de son y saudade. "El Turista" es el inventario de lo que este viajero lleva en las maletas, su nuevo largo tras cuatro años de espera.

J

osh Rouse es un turista. Lo ha sido siempre. Nació en Nebraska, pero ha vivido la mayor parte de su vida en otros sitios.

Nashville, Nueva York, Valencia... En "El Turista" no muestra su equipaje, compuesto tanto del muy americano bagaje de su pasado como los exóticos encuentros que ha ido haciendo por el camino. "Aunque nací en Nebraska nunca tuve la sensación de ser de allí. He vivido por todo Estados Unidos y he viajado por todo el mundo, así que sí, siempre me he sentido un poco como un turista.

La idea era esa, coger pequeñas cosas que he vivido a lo largo de estos años y crear a partir de ellas". En el último trabajo de Rouse emergen con toda su fuerza nuevas influencias que ya se podían rastrear en los Ep's que ha ido publicando el músico americano durante estos cuatro años que han pasado desde su último largo: el jazz, el son cubano, la bossa y el sol del Mediterráneo. No podría entenderse un disco como "El Turista" sin hablar de su esposa Paz, de su vida en Valencia, hogar a medias de Rouse que pasa medio año en la ciudad de la fallas y medio en Brooklyn. "Me influyen ambas. Valencia es una ciudad muy tranquila, donde todo lo que tengas que hacer lo puedes hacer mañana. En cambio en Nueva York siempre pasan cosas, es una ciudad muy veloz. Curiosamente la música latina está más presente en Brooklyn. Allí basta salir a la calle para escuchar música de todo tipo, y descubrir esa música me ha impulsado a intentar cosas nuevas". "Para mí se trata de un paso lógico", explica. "Aunque también supone un cambio de orientación considerable.

Estaba un poco cansado de mi mismo, así que empecé a experimentar, a jugar a partir de la idea de mezclar harmonías complejas, afinaciones abiertas, que son las que se suelen usar en la música jazz, con melodías muy simples, canciones bonitas, sin tensión. Ahora mismo apenas escucho rock. Escucho más música brasileña, jazz... música "que no tiene prisa'", remata en castellano. En este nuevo disco Rouse suena suelto y ligero. "Música para un domingo por la tarde", la define él. También con pizcas de una saudade en la que se entremezclan las riberas de varios océanos. "Sobre

probar. Cogí una canción que él solía tocar, 'Mesie Julian', y tomé la melodía pero compuse una nueva música para ella.

'Cotton Eye Joe' es una canción que solía cantar Nina Simone y 'Duerme' es una nana tradicional sudamericana. Intentaba coger canciones de hace cien, ochenta o setenta años y aportarle algo de mi música". Y, ¿cómo reacciona el público americano ante esas nuevas canciones cantadas en castellano? "Probablemente mejor que el público español", bromea. "No sé si lo entienden, pero les gusta. Para ellos es algo diferente. La gente que me ha seguido durante estos años se esperaba algún tipo de cambio, porque lo ha habido en todos mis discos". Para el directo, además, cuenta con Raül Fernández (Refree), Esteban Perles y los valencianos Xema Fuertes y Cayo Bellsever, miembros de Ciudadano y Maderita, una invitación a reorientar la producción pasada de Rouse. "Después de tocar en Estados Uni-

"Ahora mismo apenas escucho rock. Escucho más música brasileña, jazz... música "que no tiene prisa'" todo, quería que sonara cálido. Hay cuerdas, piano... Pero no suena recargado ni sobreproducido. De hecho, gran parte del disco se grabó en el salón de Brad Jones".

También en el estudio de Paco Loco y en Nueva York. Incluso grabando resulta difícil que Rouse se esté quieto. Este cambio de dirección puede suponer que se descuelguen de su estela los que todavía piensan que sus mejores canciones aparecieron hace muchos años, pero no hay duda de que "El Turista" es un disco amable y disfrutable, algo ligero en el mejor sentido y que además nos muestra a un letrista con un sentido del humor nuevo en él. "Soy muy fan de Bola de Nieve, el cantante cubano, que siempre canta con sentido del humor pero a la vez es serio, y es algo que quería

dos algunos amigos me comentaron que era la mejor banda con la que me habían visto en directo. Estoy muy contento". "La verdad es que por un momento dudé de si debía publicar este disco", confiesa Rouse.

"Me parecía muy diferente a todo lo que había hecho. En realidad, lo grabé para mí mismo, sin tener en mente nada más". Por suerte, su mánager lo convenció para que no lo enterrara en algún cajón, porque, quizás "El Turista" no haga sombra en nuestros estantes a algunos de sus mejores momentos pasados, pero sigue siendo un caramelo nada desdeñable. " Joan Cabot "EL TURISTA" ESTÁ PUBLICADO POR YEP ROC/WARNER.

Coheed And Cambria Foto Archivo

(MONDOFREAKO /20/ Abril 2010 · MondoSonoro)

Coheed And Cambria

El nacimiento Parapetados en sus densos álbumes tras un mundo paralelo creado en varias entregas de novela gráfica, los neoyorquinos Coheed And Cambria, una de las bandas más grandes de la explosión hardcore progresiva de hace una década, han vuelto con “Year Of The Black Rainbow”. Creen que no defraudará a nadie; lo ratificamos.

C

oheed And Cambria es uno de esos grupos que evitan medias tintas casi sin quererlo. Tienen una fiel legión de seguidores que han asimilado mejor que bien la mística creada alrededor de la banda y también quien recela de tanta épica. Sin embargo, sus nuevos temas suenan como un trueno y arrastran al primer extremo. “Esta vez hemos probado bastantes cosas nuevas en el estudio a la hora de grabar y eso nos ha aportado una nueva visión sobre los temas. El sonido que hemos conseguido aquí es el que buscábamos lograr en anteriores discos. Creo que ese sonido tan atmosférico es muy certero con el concepto que teníamos en mente antes de entrar a grabar”. Claudio Sánchez, sangre puertorriqueña e italiana por sus venas y alma máter del combo, nos contesta al otro lado del hilo telefónico con la tranquilidad de las cosas bien hechas. Junto a Travis Stever, Michael Todd y Chris Pennie han facturado un hermoso y furibundo quinto plástico. “El disco es tan melódico porque

creo que es una buena manera de reforzar las letras, el mensaje global del álbum. La melodía refuerza el drama, el impacto de las palabras”. Tan es así que le digo a Claudio que uno de los temas, “World Of Lines”, puede recordar a lo que Michael Jackson hubiera hecho si le hubiera dado por ser punk. “¡Qué gran piropo, muchas gracias!”. La espera de los fans ha sido saciada con dos canciones, “The Broken” y “Here We Are Juggernaut”, con las que estos han tenido que hacerse una idea del contenido del disco. Claudio cree que bastante aproximada por sonido y temática. “El single elegido simboliza un poco el mensaje del disco: conocer tus debilidades te hace paradójicamente más fuerte y capaz de seguir adelante perseverando. Hablamos de lucha interior, una tormenta con la que cada uno lidia a diario que es la que te hace ser un individuo. Vivimos en un período que parece de decadencia, y ahí es donde ese mensaje cobra más importancia para saber que, en esas luchas interiores,

cada persona no está sola y entre todas se puede conseguir algo mejor”. Como decíamos, la mística de Coheed And Cambria está alimentada por la serie de novelas gráficas “The Amory Wars”, en las que Claudio da rienda suelta a su condición de narrador de ciencia ficción interplanetaria. Con la edición especial de “Year Of The Black Rainbow” sus seguidores podrán disfrutar de la nueva entrega: nada menos que trescientas cincuenta y dos páginas de la saga Kilgannon. “La novela es una precuela de ‘The Amory Wars’, y habla

concreto al respecto. Lo único cierto es que tapa la parte, el vacío, que le faltaba al aspecto gráfico de la banda”. No es habitual, aunque tampoco raro, encontrarse hoy en día con artistas tan aparentemente bilingües en el lenguaje artístico. Claudio responde tras pensárselo un poco y su respuesta quizá sorprenda a algunos. “Las dos son muy importantes en mi vida, tanto escribir cómics como tocar son maneras que tengo de expresarme, de sacar cosas de dentro. Si me preguntas si soy un músico que escribe o un escritor

"Conocer tus debilidades te hace paradójicamente más fuerte y capaz de seguir adelante" de lo que ocurre antes de la creación de Coheed And Cambria en el contexto de esas series, pero hay que decir que no es necesaria para disfrutar del álbum, es una extensión en el que caso de que el oyente quiera más, que quieran adentrarse en una obra de ficción. Las canciones del disco provienen de dentro de mí y sus sensaciones son universales, más allá de ‘The Amory Wars’. Aún no sabemos si este será el final de una etapa de nuestros cinco primeros discos. Es pronto y hay que dejar al álbum brillar por si mismo, no hay nada

que toca música, es curioso pero diría que lo segundo. No me considero un músico en el sentido técnico de la palabra, creo que no tengo tanta fluidez tocando la guitarra como quizá con los cómics”. Eso es algo que habla bien de su habilidad gráfica, habida cuenta de los méritos de este “Year Of The Black Rainbow”, capaz de convertir a los agnósticos del progresivo a la peculiar fe de los norteamericanos. " Ignacio Pato L. “YEAR OF THE BLACK RAINBOW” ESTÁ PUBLICADO POR ROADRUNNER/DIVUCSA.

MondoSonoro · Abril 2010 /23/

MONDObeats

Mordant Music Foto Archivo

Mordant Music

Raver intimista Enfrascados como estábamos con la confección de las listas del año, a algunos nos pilló con la guardia baja en la recta final de 2009 pasado “SyMptoMs”, el cuarto lanzamiento de Mordant Music, un nombre, un hombre y también un sello que es a la electrónica británica lo que Neil Armstrong a la carrera espacial: un pequeño paso para Mordant Music pero un gran salto para la música.

I

an Hicks AKA Baron Mordant lleva más de veinte años luchando en las trincheras del techno, lo que le da una visión tan incisiva como periférica de la aventura electrónica y sus connotaciones sociales. Desde los lejanos años de su primer proyecto relevante, Deadstock, hasta la majestuosidad de ese “SyMptoMs”, lo último de Mordant Music que vio la luz en los estertores de 2009, Hicks ha trazado un camino en el que las diferentes escenas y referentes, desde la temprana cultura rave hasta la actual pujanza del dubstep, nutrían su música sin por ello robarle el alma. “El espíritu raver ha madurado como un buen queso y está fragmentándose de forma dramática, en parte debido a su esencia caleidoscópica. Las esporas más jóvenes están recogiendo el haz de luz de los láser para dispararlas en múltiples direcciones. La música tribalista urbana da una respuesta perfecta a los cambios ambientales, y aunque no será así para siempre, ahora mismo hay algunos discos saliendo desde

las radios piratas haciendo lo imposible para hacernos respirar: los últimos tragos del batido, los posos, son los más ruidosos. Yo siento que en ocasiones las frecuencias me llevan a un lado y en otras ocasiones al contrario. Squarepusher, Earth o Jack Hargreaves,… Todo es rave para mí”, comenta vía mail con un discurso alucinado, entre lo anárquico y lo apocalíptico, que se corresponde con la propuesta de un álbum que se me ocurre comparar con los Coil más espirituales y conceptualmente -no tanto en el plano sonoro- con el “Chill Out” de KLF, donde el espíritu raver colisionaba con el folk pastoral. “Musicalmente puede que no exista un sonido folk en ‘SyMptoMs’ tal y como se suele entender, pero en esencia el esquema es muy similar. Aunque por mi naturaleza no soy muy sociable, no negaría que intento introducir esporas sociales en la propuesta de Mordant Music. Y aunque en ocasiones se ha definido mi trabajo como ‘urbano’, los sonidos de la ciudad

me afectan bien poco después de tantos años viviendo entre el humo. Sin embargo me fui a terminar el álbum a Abermawr, en la costa galesa y la naturaleza prehistórica se ajustó totalmente a mis necesidades”. Hicks juguetea con las respuestas del mismo modo que hace con los elementos musicales, y confunde deliberadamente continente y contenido con saltos mortales y juegos de palabras absurdos… “El disco resume el status quo visto a través de los ojos de un sanatorio quejumbroso. Parte es evidente-

de televisión. “No reflexiono mucho sobre el concepto de la ‘hauntología’, pero me intriga observar a los que meditan sobre ello”. ¿Después de todo aún no has entendido nada? Lógico. En realidad lo del Barón no parece más que otra elusiva maniobra de distracción para uno de los más enigmáticos nombres de la electrónica contemporánea. “Mordant Music es mucho más conocido de lo que yo esperaba: Mordant Music nunca ha tocado en directo, ni ha intentado cortejar a la prensa ni publicado algo que remo-

"Mi único proyecto para el futuro es pasar un año tranquilo rechazando propuestas para tocar en festivales" mente absurdo, en otras ocasiones destaca el tono mordaz y algunos temas son claramente proféticos. Traté de condensar el espíritu de Status Quo, pero Francis Rossi me amenazó con una orden judicial.

La letra del tema que da título al álbum intenta resumir el malestar que atenaza a la urbe sin llorar como una herida…”. A volantazo limpio esquiva la “hauntología” de Simon Reynolds, a la que los otros Mordant Music, aquellos de los que también formaba parte Gary “Admiral Greyscale” Mills, se adscribieron con “Dead Air” (2006), collage surrealista de sonidos estratosféricos robados de los archivos

tamente pudiera haber llegado a una audiencia grande. Después de aquel contrato que firmé con London Records descubrí que no tenía ningún deseo o cualidad para convertirme en una estrella. Y por eso mi único proyecto para el futuro es pasar un año tranquilo rechazando propuestas para tocar en festivales, presionar para conseguir los días trapezoidales de doce horas y enseñar a ’ravear’ a mi nuevo hijo”. " Luis J. Menéndez “SYMPTOMS” ESTÁ PUBLICADO POR MORDANT MUSIC.

ENTREVISTA

Hola A Todo El Mundo Foto Luis Diaz Diaz

MondoSonoro · Abril 2010 /25/

Hola A Todo El Mundo

La casa de la pradera Con el paso del tiempo se habían convertido en una de las grandes esperanzas de la escena independiente madrileña.

Ahora, con “Hola A Todo El Mundo”, dejan de serlo para convertirse en una realidad a tener muy en cuenta.

S

e han acabado los años en los que se tachaba de pedante a todo aquel miembro de un grupo indie que se atreviera a confesar que lee libros, y que además pueden representar una influencia tan grande o más que un disco, una película o un desastre sentimental.

El nombre tras el que se esconden los seis Hola a Todo el Mundo (HATEM) es un préstamo de Walt Whitman, las letras tienen su aquel bíblico y espiritual, y las suites que usan como canciones son invitaciones para viajar por la esperanza posible ante tanta miseria como hay cada día. Con eso ya habría suficiente para decir que son extraordinarios. Sin embargo, como tienen pinta de hippies majetes, cantan en inglés como si fueran de fuera, y su raíz es el folk que nos asola, ya tenemos el terreno abonado para la crítica apriorista. Ellos lo saben y están dispuestos a aguantarlo. “Hola a Todo el Mundo” vale para soportar esas críticas y mucho más. Gospel de camisa de cuadros,

UE en los que menos inglés se habla. (Ana, acordeón, percusión) “Cierto que es una barrera, pero me cuesta creer que alguien que está disfrutando de un directo, vaya a juzgar la espiritualidad de las canciones”. Depende de los casos. Lo que sí han hecho los que ya los han oído es compararlos con Arcade Fire o Vetiver.

(Ari) “Con Vetiver incluso hemos tocado y es un tipo de música completamente diferente de lo que puedan hacer Arcade Fire o nosotros. En lo único que se parecen entre ellos es que como grupos, los dos son brutales. Arcade Fire son el grupo de la década para Mondosonoro y para medio mundo, mientras que Vetiver tienen un estilo más discreto. No inventan nada, pero lo que hacen, lo hacen mejor imposible”.

(Ana) “Tienden a buscarnos semejanzas por la estética o los instrumentos que tocamos.

Con Arcade Fire ven que hay violines y acor-

“No sé qué podemos hacer español que no sea la copla.

No sé si Los Punsetes hacen algo español...” acordeones, violines, ukeleles, banjos y una decentísima evolución de la herencia campestre norteamericana de la última década. Por otro lado, Hola A Todo El Mundo es un grupo extenso, seis de las canciones de su disco superan los cinco minutos, y sea como sea, se distinguen de la mayoría. (Ari, voz y composición) “El concepto musical del grupo está pensado para que toquen seis personas y concibamos algo rico instrumental y vocalmente, y con respecto a las canciones, la idea es como si fuéramos uniendo varias para conseguir una idea de canción lineal más que una cosa circular de volver a repetir el estribillo, y que cuando ocurre una cosa, no se vuelva a repetir.

Llega un momento en el que tenemos que terminar las canciones, pero podríamos continuar mucho más. De hecho, hay canciones en las que hemos tenido que acortar porque podríamos seguir hasta el infinito”. Un grupo como una gran hermandad, unas canciones como viajes en las que, sin embargo, han elegido partir con la barrera del inglés en uno de los países de la

deones y coros y se compara con nosotros.

Con Vetiver es más una cuestión estética”.

Por esa misma estética, se les achaca que se parezcan demasiado a grupos extranjeros. (Ana) “Hace poco leí en Internet un comentario de un chaval que decía que ya es hora de que los grupos españoles hagan algo propio de España, y ante eso sólo puedo preguntarme qué pretenden, si que volvamos al teatro de las variedades que es lo único que ha dado España, o algo como Norma Duval. No sé qué podemos hacer español que no sea la copla. No sé si Los Punsetes hacen algo español porque canten en español, no lo sé, pero a ellos no se les pide que hagan algo español”. Publicaron tres largas canciones en su Myspace como carta de presentación, y a partir de ese momento, dosificaron con cuentagotas sus apariciones sobre un escenario. Prácticamente todo el que los veía o los oía, se quedaba prendado de la frescura de este grupo que parecía salido de un sueño melancólico de The Polyphonic Spree, e incluso se diría que los sellos se los

iban a rifar. Pero el camino fue tan tortuoso que han terminado optando por la autoedición. (Ari) “Nos metimos a grabar sin hablar con nadie porque preferíamos hacerlo así, porque no queríamos tener agobios o presiones mientras estuviéramos grabando. Queríamos que sólo importara la música. Luego, cuando el disco ya estaba más o menos encaminado y grabado, empezamos a hablar con la gente que se había interesado de las discográficas. Hubo un feeling bastante bueno, pero llegó un momento en el que, como la idea de autoeditar siempre la habíamos tenido en la cabeza, tuvimos que decidir si tirábamos para discográfica o si tiramos para autoedición, y ahí sí que fue por decisión propia y convencimiento decir que lo autoeditamos”. Aunque, en 2010, empieza a ser hora, no solo de la autoedición, sino tal vez también de optar por caminos alternativos a la publicación de un álbum tal y como lo conocemos durante los últimos cincuenta años. (Ari) “Quieras que no, es un poco pronto para suprimir de buenas a primeras el hecho de sacar el CD. Puede que en unos años saques vinilo y mp3, y el compacto se quede en algo para el recuerdo. De todos modos, la inversión fuerte es la grabación. Eso sí, la discográfica hace poco.

Con una agencia que te consiga conciertos y promoción, ya tienes lo fundamental”.

E

n esos pocos conciertos que han dado hasta ahora, incluso teloneando a otros y con la sala medio vacía, han conseguido en la mayoría de los casos que el público termine entregado dando palmas con sus cantos, en apariencia alegres. (Ari) “Nuestras canciones no son especialmente felices sino esperanzadoras, y hablan lo mismo de felicidad que de infelicidad, pero luego hay letras que son bastante trágicas”. (Ana) “Hay cierta tendencia a reemplazar la felicidad de las letras con un poquito de tragedia”. Otro hecho extraordinario: como norma general, las canciones plantean situaciones, pero no suelen dar respuestas o esperanza. Ellos lo hacen. (Ari) “Prefiero los comentarios que estamos recibiendo ahora dando las gracias porque les hemos alegrado el día”. (Ana) “A la gente le gusta que disfrutemos encima del escenario”. Ya nos vamos haciendo una idea aproximada de lo que puede ocurrir con ellos sobre un escenario pero, ¿cómo podemos describir este indescriptible álbum de debut? (Ari) “Les podemos remitir a la crítica de Joan S. Luna, porque es muy

complicado”. Seguro que no lo es tanto. (Ari) “Nos ha salido un disco muy negro por fuera y blanco por dentro. Es así literalmente porque el CD es negro por fuera y luminoso por dentro, y con respecto a las canciones, el principio y el final del disco son iguales, con momentos oscuros al principio y al final, y luego la parte luminosa por dentro.

En general es bastante conceptual. El concepto es que dentro de cierta oscuridad, se encuentra el origen de todo lo luminoso con todo lo que eso conlleva. Se puede extrapolar a infinidad de cosas de nuestra vida, e incluso la vida misma que nace de la oscuridad y va hacia la luz. Las letras hacen referencia a que esa luz de la que hablamos está delante para quien la quiera ver, y para ver la luz simplemente hay que querer verla. No es un mensaje ingenuo que dice que todo va a ser maravilloso, sino que las cosas pueden ser maravillosas o no. Eso da igual”.

Lo que importa es el viaje, siempre. " Jorge Obón “HOLA A TODO EL MUNDO” ESTÁ PUBLICADO POR HATEM PRAYER TEAM/POPSTOCK!

## :he^g^ijVaZh 7aVcXdh “HATEM manifiesta su intención de andar el camino que resucita las experiencias del canto primitivo. Una voz o luz interior les guía para encontrar esta única verdad del espíritu. ¡Salúdenlos a su paso!”. Con esta declaración comienza la explicación del grupo en casi todas las webs en las que aparecen. (Ari) “Es para introducir nuestra parte mística en el plano musical. El lenguaje profético influencia nuestras canciones, que se inspiran desde la Biblia a textos hindúes”. (Ana) “Y en oraciones”. (Ari) “Lo hago por una cuestión existencial, porque veo la vida de esa forma.

No encuentro otra manera de explicar las cosas. No me veo como un evangelizador que te mete su mensaje te guste o no. No tenemos voluntad de convencer a nadie.

Simplemente lo siento así”. Las referencias a la Biblia no son nuevas. Nick Cave fuera o Surfin’ Bichos aquí, son dos de los ejemplos más conocidos de la utilización de los textos sagrados del cristianismo en sus discos. (Ari) “Es algo normal para mí porque está en el origen de todas las personas, por eso es muy fácil que muchas personas lleguen al mismo punto, ya sea por la Biblia o distintos textos que tienen que ver con la espiritualidad. En realidad, el ser humano es lo que es, y llegamos al mismo punto porque todos somos iguales”. " Jorge Obón

(MondoSonoro · Abril 2010 /27/ ENTREVISTA)

Eli ‘Paperboy’ Reed

Clásico y moderno Porque lo que hace es editar discos hoy, el chico de los periódicos se reivindica como artista contemporáneo.

“Come And Get It”, su tercer trabajo, arde con la sofisticación orquestada del legendario soul de Chicago y supone su estreno en una multinacional.

“

Siento que ahora se me presta más atención por parte de los medios y eso sucede en gran medida porque el disco está editado por una gran compañía. Es perfecto. Es lo que quiere todo el mundo, ¿no?

Ahora veremos hasta dónde llega”. Descansando en una sala de reuniones en las oficinas de Emi Music Spain, Eli “Paperboy” Reed, joven príncipe del soul revisionista, consulta su teléfono móvil mientras apura un sandwich y un refresco.

Son las cuatro de la tarde y la ronda de entrevistas promocionales que le ha traído a España no le ha permitido ni un segundo de respiro. En unas semanas verá la luz “Come And Get It”, tercer larga duración del músico de Boston que ha vuelto a poner en el mapa la música negra que relucía en las listas de éxitos en la década de 1960. Hay quien celebró la irrupción de Eli ‘Paperboy’ Reed como la de una suerte de salvación para el género y aplaudió con furor la publicación en 2008 de su vitamínico “Roll With You”. También los hubo que echaron mano de aquel dicho sobre el reino de los ciegos, ya se sabe, y compararon el disco con un producto de academia televisiva de artistas, emparentándolo con esos álbumes de ciertos grupos japoneses que, literalmente, calcan cualquier estilo de una manera tan prodigiosa como vacía. En cualquier caso, de lo que no es posible dudar es del hecho de que hacía tiempo que no

and blues y soul con reflejos funk por todo el mundo. “Todo ha sucedido muy rápido. El viaje, siendo tan joven, la estancia en el sur, en Chicago, grabaciones, giras... Tengo veintiséis años, pero siento que he conseguido mucho. En cuanto a lo de ser salvador o garante de un estilo determinado, no tengo que pensar en eso. Si pensase en ello, estaría equivocado. Para que algo que haces le guste a la gente, no puedes obsesionarte, te tiene que salir de forma natural. En mi caso, crecí con un tipo de música y lo que hago es lo que me sale”. En repetidas ocasiones Reed ha declarado que al fin y al cabo el secreto reside simplemente en hacer una buena canción que trascienda estilos. “Las buenas canciones se traducen perfectamente a otros géneros. Lo importante es hacer buenos temas. Si coges cualquiera del disco, verás que la puedes tocar de la manera que tú quieras”. A este respecto, a la hora de realizar una aproximación estilística, en la nueva grabación han mandado los aires sofisticados de la conexión Chicago-Nueva York. “He intentado introducir secciones de viento potentes y conseguir ese aire de soul muy rico en arreglos y en producción de principios de la década de 1970. He querido

existía tanta atención dirigida hacia un artista que presentase una propuesta como la suya, exenta de barnices contemporáneos pop y R&B. “El soul no es música negra. Antes que eso es música americana”, puntualiza Reed, cansado quizá de escuchar comentarios sobre el color de su piel, su procedencia y el tipo de música que factura, comentarios que debes de escuchar a menudo cuando junto al tuyo aparecen constantemente los nombres de piedras angulares del género como Al Green, Otis Redding o Sam Cooke. Blanco y del estado de Massachusetts, no parece que en principio hubiera muchas probabilidades de que el imberbe Eli acabara convirtiéndose en lo que es hoy cuando con dieciocho años aterrizó en Clarksdale (Mississippi) y comenzó a dejarse ver por la escena local de clubes. Apadrinado por varios músicos de la ciudad, fue allí donde, por su atuendo y su aspecto aniñado, adoptó el sobrenombre de ‘Paperboy’ (chico de los periódicos). Más tarde, viajaría hasta Chicago, donde fue acogido por Mitty Collier, convertida entonces en predicadora.

Reed pasaría una temporada actuando en la iglesia donde oficiaba la otrora intérprete de éxitos como “I Had A Talk With My Man”. Ya de regreso a su tierra, montó su grupo, The True Loves, con quienes todavía trabaja (“Tengo un grupo, eso no lo quiero perder nunca”), y planchó dos discos que, tal como sucede en ocasiones con artistas norteamericanos, obtuvieron una mayor repercusión en Europa (la revista Mojo nominó a Reed como Artista Revelación en 2009). Ahora está preparado para llevar su batidora de rhythm

llevar las canciones al máximo en cuanto a orquestación. Mi voz sigue siendo más dura, hace de contrapeso”. La conversación continúa y Reed hace gala de su abundantes conocimientos de historia musical.

No en vano, durante su estancia en Chicago dirigió un programa en la radio de su universidad que llegó a conseguir una amplia notoriedad en la zona. “Tengo que decir, no obstante, que yo como músico necesito sentirme contemporáneo. No es una necesidad que surja de una frustración, yo hago música hoy. No tengo interés en ser al soul o al blues lo que Wynton Marsalis es al jazz, no quiero hacer revival de nada. Además, no hay un revival del soul porque el soul siempre está ahí. El soul es buena música pop”, deja caer un par de nombres de grupos actuales y apura el sandwich sin perder su sonrisa de tipo serio. En este punto aparece en la charla el nombre de Amy Winehouse, seguramente la responsable de haber movido la pieza en la dirección adecuada para que ciertos sonidos estén recuperando vigencia en la actualidad. “‘Back To Black’. Es un disco enorme que ha vendido millones de copias y ha hecho felices a millones de personas. Así que, si me quieren poner en un mismo saco con ella, no encuentro un mejor cumplido”. " Jorge Ramos “COME AND GET IT” SE PUBLICA EL PRÓXIMO 13 DE ABRIL DE LA MANO DE EMI.

Eli ‘Paperboy’Reed Foto Archivo

“No hay un revival del soul porque el soul siempre está ahí. El soul es buena música pop”

Triángulo de Amor Bizarro Foto Juan Cea

(MondoSonoro · Abril 2010 /29/ ENTREVISTA)

Triángulo de Amor Bizarro

Redimiendo pecados Cronómetro en mano los gallegos han apurado hasta la última décima de segundo para firmar su ya ansiado segundo álbum.

“Año Santo” se despacha en un suspiro, tiempo suficiente para equilibrar los tres vértices de un sonido, que lejos de acomodarse al mundanal ruido, blinda cada una de sus nueve canciones con una marca cada vez más y mejor registrada.

T

anto Isa como Rodrigo, nuestro interlocutor, confiesan que casi les han tenido que meter en el estudio de la oreja, que son de los que se ponen a estudiar la noche antes y que su capacidad de atención se pierde con el paso de una mosca. Si encima su exultante debut les pone en la tesitura de dar continuidad a un álbum que, desde 2006, espera ver confirmada la alternativa para una banda de esas que llaman revelación, la presión se puede convertir en un suplicio para esta pareja que gusta de la vida contemplativa.

“He pasado muchos momentos de sudores fríos, de decir ‘algún día tendremos que ponernos de verdad a hacer un disco, estamos tirando nuestras vidas por la borda, con la edad que tienes y jugando al rock y demás tonterías del instinto de autoconservación ese’. Ahora que ya tenemos el segundo acabado, pues me resulta una situación cómica, pero no veas lo mal que lo pasamos.

quetas, no por el sonido, ni nada de eso, si no porque hay algunas a las que les dimos demasiadas vueltas, debido a que nos sonaban ya viejas. Con este, es todo lo contrario, las hemos recogido en la cinta frescas”. Sin embargo, esta frescura no quita la exigencia, a un grupo que aspira a todo, de un ejercicio de autocontrol de su propio sonido. Como la palabra estudiado o meditado pone a priori nerviosos a sus fans, valga esta aclaración. “Estudiado no quiere decir más blando, si no todo lo contrario. Hemos descubierto formas de llegar un poco más allá, gracias a que hemos pasado mucho tiempo probando muchas cosas con los aparatos. A eso nos referimos con que está más controlado, tenemos más control sobre lo que podemos hacer”. Esto ha influido en la producción del álbum, si en el primero Carlos Hernández tuvo que hacer magia con las pistas para conseguir plasmar un sonido

“Si podemos decir todo lo que tenemos que decir en una canción de dos minutos, mejor que en tres” Hemos mentido mucho cuando nos preguntaba la gente que para cuándo el segundo, siempre decíamos ‘está casi, va muy bien, viento en popa’ y cosas por el estilo, pero realmente no teníamos nada. Está claro que este “Año Santo” no es fruto del descarte de veinte o treinta canciones, y que la mitad de este nuevo repertorio está todavía incandescente, sin maquetas previas, sin bocetos, del ensayo al multipista analógico de Paco Loco. Algo por otro lado necesario para conseguir el máximo de frescura e inmediatez que precisan unas canciones de esencia amateur como la suya. “Que sean tan recientes es bueno para las canciones, ya que, por ejemplo, hay canciones del primero que me gustaban más las tomas de las ma-

que en aquellos momentos estaba por encima de las posibilidades técnicas de la banda, ahora Paco Loco ha podido limitarse a registrar lo que sucedía en el estudio. “Carlos hizo con el disco una foto ideal de cómo debía sonar el grupo y esas canciones. Este disco suena tal como somos ahora y aunque seguimos verdes, Dios quiera que por muchos años, controlamos mucho mejor el asunto. Paco para eso es el mejor. Pone los micros, le da a la cinta, haces una toma buena, y listo”. En esta mejora técnica ha influido la incorporación de Óscar y Rafa. Sobresale el trabajo del segundo que ha permitido con su aportación a la batería una base rítmica que faculta que el aserradero de guitarras, marca de la casa, luzca más si cabe. “La base va

ahora mucho más suelta, con muchos más detalles, y más contundente sin necesidad de trucos de producción. Donde antes había tres guitarras, ahora nos basta con una, pero el doble de alta. Siempre quisimos poner las guitarras abiertas pero en el primer disco no funcionaba, quitaban contundencia y hacía que todo se perdiera. Lo mismo pasa con el teclado. Desde que acabamos el primer disco, lo que siempre tuvimos claro es que queríamos darle más importancia a los teclados, pero ahora, como podemos hacerlo también en directo, pues no nos hemos cortado nada”.

Y

si en algo no se han cortado es como ellos dicen, a la hora de zurrar, ese término acuñado por Carlos Hernández, para definir la intensidad guitarrera de los gallegos. Los apenas treinta minutos de este “Año Santo” no dejan respiro, y por tanto tampoco dejan espacio de tiempo para entrar en divagaciones lisérgicas, y menos a ese volumen. “Me gustan los discos cortos. Mi poder de atención es bastante limitado en tiempo. Me cuesta ver una película entera sin que se me vaya la cabeza a otras cosas. Y con la música me pasa lo mismo. Además, en nuestro caso, creo que es lo que pide el cuerpo. Mientras estábamos haciendo las canciones, teníamos siempre un cronómetro a mano para ver lo que duraban. Si podemos decir todo lo que tenemos que decir en una canción de dos minutos, mejor que en tres. Intentamos no recrearnos y concretar todo lo que podamos”. Eso no significa que el álbum carezca de canciones luminosamente engalanadas, incluso canciones que beben del pop más coquetamente elaborado.

Hablamos de “Super Castlevania IV”, una “balada” que ahonda y describe la herencia musical de Triángulo de Amor Bizarro usando como vértices las tres canciones favoritas de Rodrigo, “Be My Baby” de The Ronettes, “Cheree Cheree” de Suicide y “Just Like Honey” de The Jesus & Mary Chain. “Empezamos a componerla cuando estábamos sólo Isa y yo en el grupo y como no ensayábamos, probábamos cosas con el ordenador, juntamos elementos de las tres canciones, es decir, el teclado y un poco la melodía de la voz de ‘Cheree Cheree’, la batería de la canción de The Ronettes y el

coro final de Isa lo hicimos un poco como ‘Just Like Honey’. Como teníamos una letra que nos gustaba mucho, no nos preocupó demasiado el usar tres canciones tan conocidas de base. En esa época llegamos a comprar un sampler que devolvimos en cuanto entraron Rafa y Óscar”. Sin embargo, el ingrediente personal de este, como diría Chema Rey, particular caramelo envenenado que coge su nombre del videojuego de la Super Nintendo es algo más tradicional y más cercano. “Usamos una pandereta gallega tradicional que tenía mi padre de adorno en casa, y tiene un sonido así como de coche de caballos, muy grave y con cuerpo. Nunca me gustó nada de lo que se conoce como música tradicional gallega, las gaitas y eso, pero las cantareiras me parecen increíbles, como cantan y como tocan la pandereta y el pandeiro. Estoy pensando en meterme a clases de pandereta gallega…”. De hecho Isa y Rodrigo continúan viviendo en la aldea coruñesa de Abanqueiro, algo de lo que presumen y que les sirve para resetear sus mentes, si bien su música bebe de lo que sucede fuera de la ría de Arosa. “Creo que el aislamiento no es bueno a la hora de hacer canciones. Hace falta llenar el buche de cosas que oyes por ahí, socializar, vamos. No se puede hacer nada solamente viendo películas, con Internet y leyendo algún que otro libro. Pero, bueno, con el coche y la costumbre, cuando queremos estar con gente, que es bastante a menudo, pues nos vamos de paseo. Es en esas salidas cuando realmente vas juntando cosas para hacer un disco, sobre todo la parte de las letras”. Unos textos que han ganado concreción y transparencia, para huir de frases hechas, de relleno al fin y al cabo, en un disco en el que no hay hueco para meter paja. “He intentado ser lo más claro posible y que todo fuese chicha. No liarme demasiado ni meterme en páramos de los que no se salir”. De momento han salido airosos de esa especie de reválida que siempre supone un segundo disco. Si de lo que se trataba es de la remisión de los pecados del pasado, estamos en “año santo”, no hay mejor momento. " Arturo García “AÑO SANTO” SE PUBLICA ESTE MES DE ABRIL DE LA MANO DE MUSHROOM PILLOW.

Standstill Foto Archivo

(ENTREVISTA /30/ Abril 2010 · MondoSonoro)

Standstill

TERAPIA DE GRUPO Tres años han pasado desde que “Vivalaguerra” se alzara como punto de inflexión en la creación musical patria. Tres años de espera que han merecido la pena una vez enfrentados a “Adelante Bonaparte”, una maravilla que riza el rizo y que vuelve a hacer complicado el tratar de encasillar a Standstill en cualquiera de los estilos establecidos. Ni falta que hace.

N

o voy a negar mi emoción casi infantil ante la llegada vía mail de los primeros cortes de “Adelante Bonaparte” No puedo negar el escalofrío mientras escuchaba por primera vez (sensación que sigue recorriendo mi espinazo tras decenas de escuchas) “Cuando ella toca el piano” Ya estaba aquí. Pero era un arma de doble filo. `Qué suerte que ya tienes el disco de Standstill. Qué cabrón…’ era sentencia diaria por parte de algunos de mis amigos y fans de la banda. Pues majos, a ver si sale ya el disco a la calle porque si no puedo comentarlo con alguien, voy a explotar. Por suerte Joan S. Luna, quien participa activamente durante el encuentro con Enric Montefusco, voz y claro director de orquesta en esta obra mayúscula, ha sido con quien poder descuartizar “Adelante Bonaparte” hasta que estos veinte temas han visto la luz públicamente y he podido hablar de él abiertamente. “Adelante Bonaparte” es una obra dividida en tres actos, recuerdos buenos y malos, triste reflexión y luz se suceden de la mano de Bonaparte, su protagonista. Comienza esta fábula circular con los recuerdos más tristes de B. La muerte de su padre, con un piano tenso dirigiendo la narración a la que se van añadiendo coros y cuerdas, ya hace estremecer desde el principio. Recuerdos de infancia plasmados en la experimental “Hombre Araña”,

la inmensa “La familia inventada” o la extraña “Cosquillas no (Esta niña me gusta)”. Le sigue un segundo acto en el que B. se encierra en su propio universo, flotando sobre la tristeza más cruda, la rabia y la desidia. “Sálveme quien pueda” y “Moriréis todos los jóvenes” podrían resumir lo que les cuento. Samplers, pinceladas del cercano “Vivalaguerra” y muchas nuevas formas de expresión siguen apareciendo en un trabajo que sin todos los sonidos reales de pájaros, fuegos artificiales,

Y nunca mejor dicho. “Canción sin fin”, el último tema del disco y final de la obra se aprovecha de la letra y estructura de “Todos de pie”, el prefacio de “Adelante Bonaparte” para con unos sencillos (es un decir…) cambios de palabras, una acústica trotona y unas cuerdas celestiales devolverme la esperanza. Ya no llaman para anunciarme una muerte, me llaman a horas intempestivas para anunciarme que no sólo he salido de la oscuridad de la no-vida, sino que además he sido

“Cuando sacas una cosa sincera y honesta, y lo haces más o menos bien, la gente se identifica” risas o chirriar de puertas no habría alcanzado el nivel de tensión del que puede presumir. Y al fin el tercer acto, la luz, la vida vuelven a B. y a cualquier oyente que haya vivido la historia desde un principio. Por fin se respira, por fin se levanta la vista, desaparecen las nubes. Bonaparte está enamorado y su vida comienza a cambiar de color. Sólo pensando en la joya que es “Cuando ella toca el piano” me ataca un escalofrío, se me humedecen los ojos y sonrío. Lo han logrado. Han conseguido llevarme hasta lo más profundo de mi infierno y me han rescatado de golpe con el primer corte del tercer acto. Un final feliz es lo que nos espera.

capaz de engendrar una vida, una vida mil veces más importante que la mía. Tiemblo escuchándolo. Un disco el de los catalanes que tiene mucho de terapia, de enfrentarse a los fantasmas, que a no ser que uno sea una ameba, sobrevuelan la vida de todos. ¿Exorcismo? Puede. “Creo que todos pasamos por fases parecidas y tenemos las mismas sensaciones o muy parecidas, y estos temas se trataban también en ‘Vivalaguerra’. Yo no me he inventado nada.

He intentado sacar esas cosas que tenía escondidas, y creo que cuando sacas una cosa sincera y honesta y más o menos lo

haces bien, la gente se identifica porque no somos tan diferentes los unos de los otros”.

Montefusco está orgulloso de su trabajo, orgulloso y satisfecho. “Es el disco en el que más nos hemos vaciado. En ese sentido, ya me da igual lo que puedan decir de él, yo estoy en paz conmigo mismo y he avanzado como persona. Lo que digan me podrá afectar en lo práctico, pero no en la seguridad con uno mismo. Cuando uno consigue sacar algo tan profundo, ya sea con una banda o en el trabajo de cada uno, se queda en paz, como cuando tienes una conversación con amigos de verdad”. Dejemos que cada uno saque sus propias conclusiones sobre el personaje central, sobre un Bonaparte que puedes o no llevar a tu terreno, sobre lo real o no de la historia. “Yo creo que está bien mantener la línea que marca el disco acerca de si es realidad o no. Creo que es cuestión de cada uno. Hay mucho de realidad en este disco, aunque creo que es mejor coger un poco de distancia”. No insistiré entonces, aunque parece clarísimo que para quien ha firmado estas letras este disco ha tenido mucho de terapia. “Necesitaba sacarlo. En mi vida han pasado cosas y ha cambiado en algunos aspectos, y por mi propio equilibrio vital tenía que sacarlo por algún sitio”. Lue-

(MondoSonoro · Abril 2010 /31/ ENTREVISTA)

EL EQUIPO (por Enric Montefusco) Hay muchas personas detrás de nuestros proyectos además de los miembros de la banda, y me alegra que nos déis el espacio para poder sacar esa realidad a la luz. Vamos, sin ningún orden específico, caso por caso, tanto en la creación como en la gestión de todo lo relacionado con “Adelante Bonaparte” % JORDI C. CORCHS (GRABACIÓN): Infusiones Musicales ha sido nuestra casa para probar cosas y grabar gran parte de lo que suena en el disco. Lo mejor de Jordi es que nos hace sentir muy cómodos en su acogedor estudio y, como doctorado en Pro-tools, nos resuelve a la velocidad del relámpago cualquier petición técnica fuera de lo normal. % JORDI MORA (MEZCLAS): “Adelante Bonaparte” no sería el mismo sin un ingeniero-mezclador como Mora. Ha hecho un específico y nada fácil trabajo de adaptación de conceptos abstractos como por ejemplo “añejo”, “profundo”, “madera” o “cinta de cassete” a frecuencias y espacio, dándonos respuestas y posibilidades para cada canción. Algo muy parecido podríamos decir de Alvaro Balañá con el mastering. % ALEIX PUIG Y PAU VALLVÉ (CUERDAS, VIENTOS Y PERCUSIÓN MELÓDICA): Al conocer a Aleix trabajando para una banda sonora, rápidamente vimos que teníamos muchísimas cosas en común. La voluntad de mezclar lenguajes y trazar puentes nos unía, en este caso, desde orillas distintas. Por otro lado, Pau se ganó nuestra admiración con el remix que nos hizo de “1,2,3 sombra” y su delicioso trabajo de percusiones melódicas. % RAFA CASTAÑER (DISEÑO PACKAGING/ILUSTRACIONES): Rafa es genio y figura. Codo con codo hemos dado forma al packaging del disco. Es de esas personas con quien uno aprende solo por estar a su lado, mirando a través de sus ojos. Nos hizo también en su momento el video-clip animado de “La risa funesta”. % DAVID RUANO (FOTOGRAFÍAS/IMAGEN): Lo mejor de habernos cruzado con David (y Paco) ha sido ver cómo, después de darle muchas vueltas, hemos encontrado un lugar a medio camino entre las fotos súper-profesionales y más ‘comerciales’ que él hace para teatro principalmente y nuestro estilo más ‘documental’ y cercano. % CUBE Y ALEX SERRANO (NUEVO ESPECTÁCULO): La vertiente “escénica” de la banda tiene unas posibilidades (y complicaciones) que hacen que su papel sea muy importante. Son además muy finos y abiertos en lo creativo, y creo realmente que hacemos un equipo con muchas cosas por hacer aún. % ROSA RYDAHL (DOCUMENTALISMO): Rosa tiene una habilidad innata superior y es la de poner el corazón en todo aquello que hace y toca. En lugar de Religión, “Mirar la vida como lo hace Rosa” debería ser una asignatura obligatoria en las escuelas. También se ha encargado del diseño de html, flyers y pósters. % GERMÁN DE SOUZA (PROGRAMACIÓN/DISEÑO DE WEB): La recién estrenada y completa web standstillband.com es, en buena parte, trabajo suyo, y la no-fácil resolución técnica para el mapa de nuestro proyecto de creación colectiva “Yo sólo necesito Cariño, Respeto y Atención” también. % CARLES BAENA Y JORDI RAMÍREZ (PRENSA Y CONTRATACIÓN): Buenritmo coordina la atención a medios, promotores y programadores. No quiero ni pensar qué haríamos si no hubiera alguien de absoluta confianza, trabajando cada día en esto. % PIAS (DISTRIBUCIÓN): Pias es como el delantero centro que remata después de una jugada de equipo. Sespués de estar nosotros tamponando y montando los CD’s, se los enviamos a ellos y se encargan de llevarlos a tiendas. No es fácil esto de las tiendas hoy en día, y Pias ha de pelear duro con Papito para que la gente pueda comprar nuestros discos. % OFICINA BUENA SUERTE: Es un ordenador portátil y un teléfono, que dirigen y coordinan el tinglado. Por otro lado, la promoción en Internet y la -cada vez más voluminosa (venta de discos/camisetas) nos terminan de llenar las horas. De hecho nos faltan horas al día... "

Piti Elvira, Ricky Faulkner, Enric Montefusco y Ricky Lavado Foto David Ruano

go, este es el disco más Montefusco de todos los de Standstill, el más personal y el más pensado.

“Estas ideas no se presentan de la noche a la mañana, llevan un proceso. Es verdad que las ideas centrales o más importantes de este disco han sido mías, pero tenemos una forma muy natural de funcionar. Ellos confían en las ideas que pueda sugerir o en las direcciones que quiera tomar, aunque a veces parezcan un poco locas. Lo importante es que todos confiamos en el proyecto y en la suma que hacemos todos”.

T

ambién es cierto que a la hora de plantearle al resto de la banda semejante obra, tres EPs, una caja artesanal llena de troquelados, estampados a mano…, mucho ha de confiar Standstill en su compañero para dar un salto al vacío tan arriesgado. “Cuando se planteó un formato diferente, que me parecía estimulante como objeto y como obra artística, creía que podíamos hacer algo diferente, más rico y llegar a sitios donde no habíamos podido llegar. Todos aportamos cosas en la banda.

Yo siempre he tenido bastante instinto, no sé por qué. Con el tiempo cada vez estamos más seguros de lanzarnos a la piscina. Las primeras veces era como de vértigo absolu-

to, pero ahora sabemos que hay una etapa de vértigo, luego todo se pone en su sitio y al final acabas haciendo algo especial. Esa seguridad la hemos ganado con el tiempo”.

Su decisión de cambiar al castellano o el arriesgado espectáculo “1, 2, 3…” avalan ese instinto de Montefusco para que como él dice “tener ideas de bombero” le hayan salido bien. De hecho, una clave para que esta nueva entrega haya alcanzado la magnitud que tiene ha sido el formato.

Gracias a ello se ha podido experimentar con nuevos sonidos y fórmulas. Se ha podido pasar de sonidos sintéticos a un impagable cuarteto de cuerda. “El hacer EPs nos ha permitido jugar con eso. Podemos hacer un primer EP en el que llegar más lejos, poder poner un ‘Hombre Araña’ o un instrumental largo, que ya en otra parte haremos temas más redondos. Hemos podido hacer canciones más pop, más redonditas y en otra parte hacer canciones más radicales. Eso se lo debemos al formato EP”.Yo estuve meses esperando un primer EP, ya que pensaba que así sería, que irían saliendo poco a poco. “Era la idea original, pero enseguida nos dimos cuenta, por como son nuestros discos, que se iba a quedar cojo. Yo no soy capaz de soltar el primer EP sin que se pudiera entender. Otra de las

ideas iniciales era separarlo más por estilos, que al final ha acabado pasando, pero ha primado más la historia y el equilibrio entre el estilo y el concepto”. De lo que no hay duda es de que si Standstill no tuvieran su propio sello, Buena Suerte, no podrían hacer las cosas que hacen y del modo en que las hacen. “Las cosas se pueden llevar mucho más lejos cuando no estás acotado por la estructura, los tiempos o los dineros de otro. Desde el momento en el que tú tienes el sello, tienes un proyecto, y lo llevas todo lo lejos que puedes ya que estás limitado por tus propias limitaciones, por eso además nunca le puedes echar la culpa a nadie de nada. A veces cuando tienes tu sello realizas un ejercicio de saber luchar contra ti mismo. Has de medirte bien

pación del público, como en la creación colectiva a través de su web llamada “Cariño. Respeto.

Atención” “Hay gente que no lo está pasando bien, ¿eh?” Comenta, ya que hay algunas llamadas anónimas que cuentan realidades muy duras.

“Con ‘Vivalaguerra’ ya abrimos la veda de la creación colectiva para que la gente haga suyo el proyecto. Nosotros presentamos una cosa, tú la haces tuya, participamos todos y al final el conjunto es una obra que escapa a Standstill y a todo. Se muestra algo que yo nunca hubiera sido capaz de pensar. En este caso es una forma de que la gente pueda sacar sus cosas llamando a Cariño, Respeto o Atención cuando sufre la carencia de alguno de ellos. Yo creo que poder llamar y saber que alguien entiende

“Soy y somos muy perfeccionistas, y podríamos haber estado haciendo este disco tres años más” y no pasarte ni de corto ni de largo”. Y en algún momento ponerte una fecha, que han pasado tres años… “Somos y soy muy perfeccionista, y podría haber estado haciendo este disco tres años más. Eso es horrible. Si no fuera porque alguien del exterior te dice, venga, que llevas tres años sin sacar un disco, podríamos estar dándole vueltas y más vueltas”. También hay que decir que Standstill han tenido proyectos paralelos durante este tiempo, que Montefusco incluso ha hecho la banda sonora para “Pobres Bestias”, un espectáculo de danza. Que el documental “Diez años y una zanahoria” nos mantuvo alimentados mientras llegaba “Adelante Bonaparte” y que no han parado de hacer cosas, buscando la colectividad y partici-

el momento por el que estás pasando, es un gesto muy bonito. Como Standstill lo que recibes es muy grande. Lo que más me gusta de este proyecto es que se me escapa de las manos completamente”. Lo que más me gusta de Standstill es su valentía, su humildad, su sinceridad, su fuerza y su ilusión. De todos modos, he de decir que no será el mejor disco de esta década, quedan muchos años todavía y me juego el cuello a que los posteriores trabajos de los catalanes, viendo por donde se mueven, serán sucesivas obras maestras. Tiempo al tiempo. " Rafa Angulo “ADELANTE BONAPARTE” ESTÁ PUBLICADO POR BUENA SUERTE/PIAS.

CONCIERTOS

Elastic Band

Bigott

Sidonie Fotos Hara Amoros

MondoSonoro · Abril 2010 /33/

Let’s Festival Sala Salamandra (L’Hospitalet, Barcelona) Fecha 26 y 27 febrero y 5 y 6 marzo Estilo pop Público casi lleno Promotor Salamandra Primer fin de semana.

Alejarse de Barcelona en busca de festivales es tan inquietante como para experimentar nuevas sensaciones más allá de Marina o el barrio del Raval. En L’Hospitalet también saben montar jaleos, y esto no es una novedad. Hay una escena que resiste desde hace años. Su buen gusto por la música y la especial sensibilidad hacia el producto patrio ha provocado que, desde hace cinco años, los responsables del Let’s hayan fidelizado una clientela fija, situando al festival en el calendario y el punto de mira de indies del país. Al margen de la fiesta de presentación, el día antes, los encargados de dar el pistoletazo de salida al festival fueron los catalanes, The Hairy Legs, unos jóvenes músicos, también del extraradio (Sabadell), que convierten influencias del post-punk frío de antaño con el hedonismo post-moderno de bandas de rigurosa actualidad, descargándose de pildorazos dance y riffs funk. La apuesta emergente cedía el paso a Capsula, un grupo que se esta abriendo paso a las primeras posiciones de la nueva generación indie, y cuya puesta en escena recuerda a unos primerizos Sonic Youth, cautivados por la agresividad de The Stooges o el desgarro de The Velvet Underground. Sin abandonar la intensidad, Triángulo de Amor Bizarro relevaron a los vascos, con una nueva formación (incluyendo teclista) respecto a su último paso por el festival. Los gallegos demostraron ser los mejores embajadores

de la nueva distorsión. Su puesta en escena es tan brillante e intensa que despertó el gamberrismo del público asistente, que acabó coreando “El fantasma de la transición”, “El himno de la bala” y la excelente “El crímen, como ocurre y como remediarlo”, que cerró el set. La noche acabó con el modo festivo en estado “on” gracias a Delorean que, antes de zarpar hacia Estados Unidos, dieron su último concierto en la península. Cargados de texturas, melodías psicodélicas y ritmos polédricos dejaron sonar los temas de su nuevo e imminente álbum, junto a los celebradísimos hits “Deli” o “Big Dipper”, de su Ep “Aytorn Senna”. Antes de que amaneciera estuvieron brillando el dúo Supercola, maestros del corta y pega indieelectrónico. Sonaron hits, pero también temas propios. ¡Estén atentos a ellos! Arnau Sabaté ! Incluso desde antes de telonear a The Temper Trap en su gira española de hace unos meses, el nombre de Klaudia se ha convertido en habitual de la Ciudad Condal. A medio camino entre el pop oscuro de los ochenta y una actitud indie, consiguieron animar una tarde que alcanzaría mayores dotas de energía, eso sí, con los madrileños Nudozurdo y una propuesta personal de difícil etiquetado. Lo que ocurre es que quizás no era el momento ideal para disfrutar su música, teniendo en cuenta que los asistentes querían escuchar las canciones

directas y sin miramientos de La Habitación Roja. El grupo valenciano ofreció la demostración palpable de que saben por dónde se andan y sobre todo hacia dónde se dirigen. Puede que ahora mismo busquen simplificar su música, pero en sus manos no es algo malo, sino que es una forma de recuperar la esencia de sus primeros tiempos. Y vista la respuesta de sus seguidores, parece que esa es una buena opción.

Enrique Gijón Segundo fin de semana.

El grupo barcelonés Sidonie ardió en el Let’s Festival el pasado viernes, con un público dividido entre sus fans de siempre y los nuevos adeptos. La primera canción no dejaba lugar a dudas. “Nuestro baile del viernes” ya hacía sospechar que iban a sonar los hits de siempre, al más puro estilo Sidonie. La sala entera cantó a grito pelado las mejores canciones de “El Incendio”. “Por ti”, “Sin querer” y “En mi garganta” sonaron mucho más potentes, rockeras y desgarradoras. El público también lo dio todo con los míticos “Fascinado”, “On The Sofa” y “Todo lo que nos gusta”. Ellos, como siempre espectaculares, con un directo potente y electrizante. Marc Ros, con su sensibilidad y su voz, ‘Jess’ con su estilo canalla animando al público y Axel provocando risas y aplausos. Por algo llevan casi diez años subidos a un escenario. Sidonie fue, es y será. Aunque será difícil caldear tanto el ambiente antes de un concierto como el viernes, porque Elastic Band arrasaron. Fue una ducha de energía, ganas y ritmos pegadizos que invitaban a bailar. No es fácil ganarse al público cuando viene a ver al siguiente grupo, pero ellos lo consiguieron y vaya si lo hicieron. Antes, se subieron al escenario del Let’s, Susan’s Red Nipples y el aragonés Bigott, que en algunos momentos te hacen pensar en un Leonard Cohen del siglo XXI, salvando las distancias.

Bonito, sorprendente, pero con poco público y un escenario demasiado grande para su pequeño formato. Elma Vila ! Incluso más variada que la anterior fue la segunda noche del segundo fin de semana del festival, aunque quizás Anorak y Dorian tengan algunos puntos en común a la hora de enfrentarse al pop electrónico. Comparten referentes como New Order, pero los primeros se centran cada día más en la electrónica, alejándose de la eficacia más pop de los singles y la puesta en escena de Dorian. La banda de Marc Gili ha conseguido posicionarse en un lugar de honor con “La ciudad subterránea”, un disco que ha dotado a sus directos de otro montón de canciones con las que el público puede dejarse la garganta. Y en L’Hospitalet eso es exactamente lo que ocurrió.

Ernesto Bruno

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VIERNES 23 ABRIL ESCUELA CEV: Final Pop-Rock

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SÁBADO 24 ABRIL ESCUELA CEV: Final Hip-Hop/Soul – Raices/Fusión

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SÁBADO 1 MAYO SALA LA ESFERA ALCOBENDAS : Final Categoría Comunidad de Madrid

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Alive Madrid, Bagheera, Barco, Boite, Café Galdós, Café La Palma, Café Teatro Arenal, Caracol, Cardamomo, Casa Patas, Cat´s, Centre Cultural Blanquerna, Clamores, El Juglar, El Perro de la parte de atrás del coche, El Sol, Escuela CEV, Espacio Ronda, Galileo Galilei, Gruta 77, Hebe, Jagmaster, La Boca del Lobo, La Escalera de Jacob, La Esfera, La Pequeña Bety, Larios Café, La Silla Eléctrica, Lemon, Libertad 8, Moby Dick, Orange Café, Penélope, Reciclaje, Ritmo y Compás, Rock and Roll Radio Club, Sala Heineken, Silikona, Siroco, Taboo, TAF – Joaquín Sabina, Teätro Häagen – Dazs, Wurlitzer Ballroom.

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DZA Foto Red Bull Music Academy

(MondoSonoro · Abril 2010 /35/ CONCIERTOS)

Red Bull Music Academy Londres (111) Lugar Londres Fecha 28 febrero al 13 marzo Estilo electrónica Promotor RBMA La Red Bull Music Academy el único lugar en el mundo en el que puedes estar tranquilamente comiéndote una banana en la misma mesa con Daedelus o Norman Jay, hacer una synth-jam con Modeselektor a las dos de la noche, ver a Hudson Mohawke producir un reggaetón, Fruity Loops mediante, con el participante cubano Nando Pro o charlar de tú a tú con ídolos como Todd Osborn. Son muchas cosas las que ocurren en dos semanas y es una experiencia demasiado intensa como para explicarla con detalle y claridad en unas pocas líneas. Lo que está claro, y aunque suene cheesy, es que la Academy une a las personas. La prueba de ello es que Marco Passarani (tutor ligado a la academia desde varias ediciones y uno de los que más conecta con todos los participantes) no pudo contener las lágrimas en la fiesta de despedida. ¡Y eso que repetirá el año que viene! (por cierto, se barajan México y Japón como candidatas). A esta edición, como en todas, ha asistido gente que va a dar que hablar. Ojo con Space Dimension Controller. Con veinte años recién cumplidos ya ha firmado para editar un álbum con R&S (saldrá el año próximo), casa de Joey Beltram, Patrick Pulsinger o Derrick May. Al tanto también con Illum Sphere (ya se codea con gente como Martyn), Lunice (un auténtico showman que une los puntos entre el hip hop, el electro y la bass music), el californiano B Bravo (boogie sideral en la onda de Dâm Funk) o el mexicano Juan Son, un artista-imán de voz prodigiosa. Solo él puede salir al escenario vestido de tortuga ninja y con botas de cowboy y dejarte embobado. Mi admiración también para Miguel (Homeless Inc.), el participante madrileño, que, sin poseer a priori la erótica de otros participantes, se ha posicionado como uno de los talentos más sólidos y con mejor sonido en la academia con su particular visión del wonky y el dubstep. A destacar también la agudeza compositiva del brasileño Gabriel Nascimbeni (parece surgido de la Jovem Guarda), la cumbia techno de Moisés (la mitad del dúo mexicano Los Macuanos) y la experiencia de Jakob Schneidewind, bajista de Elektroguzzi, banda que ya está confirmada para el Sónar (actuarán tras Cluster, ni más ni menos, los cuales impartieron una de las lectures más interesantes y divertidas), y con el que tuve la oportunidad de trabajar en un tema. De todo lo que he visto y oído, tanto en las lectures como en las fiestas, me quedo con varias lecciones valiosas. La reveladora frase de Moodymann: “Al Dj que le jodan, la música es lo importante”; la apelación al juego, la experimentación y a la creación sin ataduras que propuso Joe Goddard de Hot Chip; y la integridad y la coherencia del trabajo de Kode9 en todas sus áreas. Las fiestas han sido una gozada, más que nada porque en Londres los clubes son otra historia (¡qué soundsystems!). Me quedo con el live de Dorian Concept en la Brainfeeder Session en Fabric (su future funk es de otro planeta), el epidérmico live de bRuna en A Taste Of Sónar (pese al deficiente sonido de la sala), el abrasador directo de Modeselektor (amos) y las cinco horas de sesión out-RBMA de Theo Parrish en el Plastic People, velada que antepuse, no sin resquemor, a las actuaciones de John Talabot, Laurent Garnier y los lives de gente de la academia como el del polaco Monosylabik. Pero ya se sabe, la cabra tira pa’l monte… Y si pudiera, esta cabra pagaría por repetir cada año la experiencia de asistir a la RBMA. Larga vida a la Academia. Thompson (participante español)

Los Coronas Foto Ernesto Castañeda Migoya

Los Planetas Foto Ernesto Castañeda Migoya

( CONCIERTOS /36/ Abril 2010 · MondoSonoro)

EuroDemo Santander 2016 (1111) Sala Palacio de Deportes (Santander) Fecha 13-III-10 Estilo rock Público lleno Promotor Fundación Santander/Myspace La postulación de Santander como capital cultural europea para el año 2016 trae hasta la capital de Cantabria un concurso europeo de bandas noveles en colaboración con la plataforma Myspace.

Con la presentación de esta competición como excusa, la Fundación Santander 2016 logró reunir en el Palacio de Deportes de la ciudad una doble sesión musical que reunía a bandas para todos los gustos y entre las que se encontraba la flor y nata del panorama local y nacional. El turno de mañana, más destinado a un público adolescente, contó con Chema Rey como maestro de ceremonias que dejó paso a la descarga hormonal de Maldita Nerea y los locales 45º. Por la tarde ya hubo mucha más chicha. Abrió el fuego el torrelaveguense Brian Hunt, que esa misma tarde haría doblete.

Las canciones de “I Lost My Glasses” poseen el regusto de los clásicos y habrá que darles tiempo para que cojan solera, como el buen vino. Desmontando incluso a The Postal Service, fue una pena que su recital no tuviese la fuerza necesaria para superar la mala ubicación del escenario pequeño en el que tuvo lugar esta

actuación. Ni a mi peor enemigo se lo deseo, así es imposible. Los siguientes en aparecer fueron una rara avis de los festivales al uso, Single, que sorprendieron a propios y extraños con su show marciano. En su maleta cabe de todo: reggae, rap, pop naïf, spoken word... da igual, la clase innata de Teresa Iturrioz e Ibon Errazkin y la pasión desinhibida de Anti lo pueden todo. Un verdadero lujo poder contar con propuestas de este tipo en la ciudad. Templeton demostraron que juegan en primera y que lo suyo son las grandes ligas. Alguien que mejora a Wilco tiene que ser caballo ganador.

Concierto soberbio sobre seguro, sin apenas desvelar nuevas cartas y con Pablo Z (Deltonos) como nuevo bajista. A Bande Dessiné, otra banda local, le tocó lidiar de nuevo con el escenario pequeño. Buenas maneras a lo Lou Reed, aunque les falta ese puntito que los distinga. A partir de este momento todas las actuaciones se desarrollaron en el escenario grande. Los Coronas salieron a prender fuego el Palacio de Deportes: pasodobles al estilo de Dead Kennedys. Con un par. Los Coronas son como la tortilla de patata,

el pisto o el gazpacho, te hacen sentir orgulloso de ser español, sea esto lo que sea y aun más si se marcan el “Flamenco” de Los Brincos. Sobrevolaron las cabezas en vuelo rasante con sus tablas de surf y sus sombreros de cowboy. Parece que Los Planetas se contagiaron de toda esta energía y salieron enchufadísimos, tanto que a los de Granada casi les da una pájara a mitad de concierto.

Guardaron debajo del brazo su aún no estrenada “Ópera Egipcia” y se dedicaron casi por completo a desgranar su repertorio flamenco ya conocido. Probablemente se encuentren en una de sus cimas creativas, aunque esta vertiente flamenca no se traduce necesariamente en conciertos divertidos. Más serios y profesionales que nunca, ejecutaron un concierto casi perfecto pero no es menos cierto que al final remontaron el vuelo recurriendo a sus hits menos clásicos. Tan sólo hubo hueco para “Un buen día”, “Segundo Premio” o “Devuelveme la pasta” por poner un ejemplo. Dos bises (uno de ellos dedicado por Erik a Torrelavega) y hasta más ver. Genios y figuras. Roberto Palacios Fernández

Vampire Weekend Foto Dani Cantó

( CONCIERTOS /38/ Abril 2010 · MondoSonoro)

These New Puritans (1114) Sala Razz 3 (Bcn) Fecha 10-III-10 Estilo post-punk Público 200 personas aprox.

Promotor Houston Party/MilesAway Era sencillo imaginar que “Hidden” (Domino/Pias, 10) no podría sonar en concierto con la magia y el halo de misterio y oscuridad que These New Puritans han conseguido concebir en su segundo largo en estudio. ¿Le quita eso mérito a sus creadores? Para nada. No cabe duda de que ellos mismos son conscientes de que tienen que ser muchas las condiciones necesarias para recrear con acierto su nuevo repertorio. Aun así, estos cuatro jóvenes británicos fueron capaces de acercarse mucho a lo que esperábamos de ellos en más de la mitad de su show (“We Want War” o “Attack Music” sonaron con el cuerpo y la energía necesarios), gracias a la orgía de percusiones y los graves que George Barnett, Thomas Hein y Sophie Sleigh-Johnson levantaron a nuestro alrededor. Y ojalá lo hubiesen conseguido cuando arremetieron con la impresionante “Orion”, esa suerte de letanía abrumadora en la que Jack Barnett se arrodilló trayéndonos a la cabeza algunas de las escenas más crudas de “Pozos de ambición”, mientras recitaba aquello de “My place is where we’ll go”. Tampoco encajaron mal los singles de “Beat Pyramid”, “Sword Of Truth” o “Elvis”, aunque quedasen relegados a un segundo plano frente a lo complejo de su material más reciente. En otro caso quizás les hubiera hablado de decepción, pero These New Puritans han tomado tantos riesgos en “Hidden” que no queda más que ponerse de su lado. Joan S. Luna

Vampire Weekend (11114) Sala Penélope (Barcelona) Fecha 27-2-2010 Público sold out Estilo pop Promotor Heineken

These New Puritans Foto Dani Canto

Después de pasar hace un par de años por el Primavera Sound (donde ya dejaron claro que a pesar de su bisoñez lo suyo iba en serio más allá del hype), éramos muchos los que esperábamos un concierto de Vampire Weekend en una sala coqueta donde tenerlos cerca. Esa cita llegó y el concierto se saldó con un sobresaliente absoluto. Ezra Koenig, frontman rematadamente cool de aires ochenteros (parece un cruce entre unos primerizos Michael J. Fox y Andrew Mccarthy), lidera sobre el escenario a una banda que tiene claro que su potencial son las canciones. Por eso apenas las retocan en directo. Vamos, que no necesitan hacerlo. Simplemente con reproducir con arrojo, simpatía y saber estar clásicos modernos como “Oxford Comma”, “Cape Cod Kwassa Kwassa”, “Mansard Roof”, “Horchata”, “Cousins”, o “Giving Up Gun” (canción que les puede abrir las puertas al gran público), la batalla está ganada. Y no hace falta pedirles más. El pop es lo que tiene, y nos gusta más cuando es inmediato, saltarín, universal e inspirado. Prueba de ello es la sonrisa que un servidor esbozaba durante todo el concierto y un rato después a la salida, o la locura con la que eran recibidos todos sus hits por un público entregadísimo.

Los neoyorquinos han devuelto la clase y las buenas maneras al pop independiente, y es probable que consigan sacar la cabecita por el mainstream. Veremos qué pasa. Puestos a soñar, igual estamos delante de los nuevos fab four. Xavi Sánchez Pons

Sala Insular de Teatro Sala El Embarcadero Teatro Moderno Sala Babylon Sala Clan La Fábrica de Chocolate Sala Irish Rover Sala Booga Sala Malandar Sala El Loco El Templo del Perro Sala La Mercantil Sala Galileo Galilei Sala Apolo 2

Las Palmas Barbate Chiclana Cuenca Xinzo De Limia (Ourense) Vigo Salamanca Club Granada Sevilla Valencia Fortuna (Murcia) Badajoz Madrid Barcelona

Promoción y comunicación por Lengua Armada www.lenguaarmada.com // info@lenguaarmada.com Teléfonos: 630.432.167 // 914.620.817 Management y contratación por Bola 9 www.bolanueve.com // bolanueve@bolanueve.com Teléfonos: 654.909.558 // 914.771.080

Miércoles 10 de marzo Viernes 26 de marzo Sábado 27 de marzo Jueves 8 de abril Viernes 16 de abril Sábado 17 de abril Jueves 22 de abril Jueves 29 de abril Viernes 30 de abril Jueves 6 de mayo Viernes 7 de mayo Jueves 20 de mayo Viernes 28 de mayo Miércoles 2 de junio

MondoSonoro · Abril 2010 /41/

escaparate

La Pegatina Vienen de: Barcelona Publican “Vía Mandarina” (Kasba Music, 09) En la onda de: La Troba Kung-Fú, Che Sudaka, Los Aslándticos

L

el francés o el suizo, gente muy entendida en música y con la mente muy abierta. No saben qué es la rumba y no se esperan saltar como locos con un tipo de música que no conocen, pero se lo pasan en grande y nosotros con ellos”. Y es esa gira interminable en la que se hayan permanentemente embarcados los que en realidad les ha traído a esta páginas pues su segundo álbum, “Vía Mandarina”, está a punto de cumplir un año de vida, por eso muy pronto volveremos a tener noticias suyas. “La primera novedad del próximo álbum es que será el primer disco que grabemos con batería. Hasta ahora La Pegatina suena acústica en disco y alocadamente potente en directo”. " Don Disturbios

o Macaco, aunque lo suyo resuene de forma mucho más callejera y espontánea. La base es la rumba pero pervertida por el desparpajo y las ganas de liarla parda. Aunque no es ese el único secreto de su éxito. “El secreto, aunque parezca mentira, es el trabajo, el esfuerzo y las ganas de hacerlo bien. Parece que ser músico tenga que ser sólo tocar y pasarlo bien, sin embargo los músicos de ahora tienen que buscarse cada seguidor con trabajo constante. Además, hay que estar siempre dispuesto a sacar las guitarras y liarla donde sea, esa es la clave”. Unos directos de los que ya tienen sobradas noticias en países cómo Austria, Francia o Bélgica... “Hace ya un par de años que estamos disfrutando de públicos como

De toda la artillería con la que cuentan en Roadrunner, cada año hay alguna banda nueva que logra captar la atención del público y la prensa por diversos motivos (sonido, imagen, intenciones…). Este curso, Dommin parecen ser los elegidos. Su nombre no va a dejar de sonar durante los doce próximos meses. El ideólogo del grupo, Kristofer Dommin, nos lo cuenta desde el bar de un hotel en Helsinki. “Llevamos diez años tocando como grupo, así que, cuando tuvimos la oportunidad de grabar un disco en un sello importante, ya contábamos con el suficiente material para escoger las canciones que creíamos que eran las mejores tras haber grabado antes ‘Mend Your Misery’ en 2006. Los temas estaban muy rodados, así que nos bastó con grabar un par de tomas de cada canción. Al fin y al cabo, queríamos que fuese lo más parecido a la experiencia humana que son nuestros directos”. En principio, las influencias parecen claras. Provienen casi todas del rock gótico, con bandas como Lacuna Coil o HIM entre ellas, y con quienes precisamente girarán.

Artistas que en su día le dieron una capa de maquillaje al estilo de Danzig o Type O’Negative. “La gente se sorprende cuando les explico que mi música viene de distintos lugares, que, además de en todas esas bandas, me inspiro en el swing de los años cuarenta y cincuenta, en los crooners tipo Frank Sinatra o Dean Martin, en el sonido de la orquesta de Benny Goodman. Me encanta el concepto en los arreglos de esos músicos”. Logan Mader de Machine Head les ha producido el disco (en estrecha colaboración con Lucas Banker). " Toni Castarnado

Joaquín Pascual

Dommin Foto Archivo

Viene de: Albacete Publica: “El ritmo de los acontecimientos” (El Genio Equivocado, 10) En la onda de: Mercromina, Travolta, Tórtel

Dommin Vienen de: Los Angeles Publican: “Love Is Gone” (Roadrunner/Divucsa, 10) En la onda de: Danzig, HIM, My Chemical Romance

Mientras que algunas discográficas indies piden responsabilidades al Estado por el espinoso tema de las descargas ilegales, Joaquín Pascual se ha sacado de la manga una lección magistral de do it yourself, una valiente reivindicación de la figura del artista más allá de la industria musical con la que, sin embargo, no pretende adoctrinar a nadie. “El disco no es una bandera de la destrucción de la industria. Me apetecía estar solo y demostrarme a mí mismo que no necesito a nadie para hacer canciones, que estoy vivo musicalmente. Me da igual que me digan que no vendo discos o que no cumplo expectativas”, aclara, a propósito de un disco que ve la luz de la mano del nuevo sello barcelonés El Genio Equivocado. Para dar lustre a algunas de las composiciones de este diario sonoro de un momento transitorio de desengaño, Pascual no ha necesitado de más compañía que su guitarra que, eso sí, viene cargada por el diablo y San Reverb. “Me apetecía que el disco tuviera un sonido crudo. Algunas canciones tratan de captar esa mala hostia, esa sensación de rabia contenida del momento, y por eso tienen ese sonido tan bestia”. Para no perder la sensación de urgencia de estos temas, que bajo su armazón desnudo esconden un titánico trabajo de pre-producción, Pascual se impuso un reto aun más difícil: grabar el álbum en tan sólo cinco días en los estudios de Paco Loco, con ayudas puntuales de Ana Galletero. “Al segundo día me costaba seguir porque tenía la mano destrozada. A lo mejor hay canciones que podían haber quedado más producidas, pero la intención es que sonaran así”. " Javier Pulido.

El trío femenino del electro por antonomasia, en apenas unos días, volverá a ponerse sus trajes de Scandinavian Airlines para defender como se merece esa criatura que transpira glamour y estilo por sus poros llamado “Command”. Nuestras azafatas fetiches del electropop nos visitarán en breve para presentarnos una vuelta a los orígenes con beats abrasivos indudablemente confeccionados para que lo demos todo entre luces de neón. Client A, o lo que es lo mismo, Kate Holmes, nos habla sobre su retoño. “Este álbum vuelve a los orígenes de nuestro debut. Sin adornos innecesarios ni harmonías claras, nos hemos decantado por letras más duras que de costumbre y beats industriales”. Algunos de los nuevos temas podrían colar como descartes del último largo de Miss Kittin & The Hacker. “Con ‘Heartland’ dejamos la pista de baile, en cierto modo, algo abandonada. Ciertamente, nuestras últimas composiciones pueden tener reminiscencias más techno. ‘First album’ de Miss Kittin & The Hacker sigue siendo mi disco favorito de electroclash. Simplemente me encanta. ‘Life On MTV’ es todo un clásico”. ¿Vuestras influencias han cambiado de algún modo en los últimos años? “Seguiremos adorando hasta el fin de nuestros días a New Order, DAF y Kylie. Aunque en estos momentos me ha dado por oír a Delphic y 80Kidz”. Temas como “Blackheart” (“mi canción favorita para los directos”) o ese intento soul que hace llamarse “Make Me Believe In You” demuestran que el trío se encuentra en uno de sus mejores momentos creativos. Client estarán actuando en Barcelona (16 abril) y Madrid (17). Sergio del Amo

Client Vienen de: Inglaterra Publican: “Command” (Subspace, 10) En la onda de: Miss Kittin & The Hacker, Pleasure, New Order

Client Foto Fabrice Lachant

Joaquín Pascual Foto Archivo

La Pegatina Foto Archivo

a Pegatina es cualquier cosa menos un secreto. Al menos no lo es en Catalunya donde ya desde sus tiernos inicios en 2003 tienen un nada desdeñable puñado de incondicionales que les arropan allá dónde tocan.

“Ha habido muchos momentazos, aunque el que aún recuerda mucha gente fue cuando con el primer disco autoeditado y todo autogestionadísimo, nos plantamos en la sala Apolo 1 de Barcelona y la llenamos diez días antes de tocar, una cosa casi impensable para un grupo de nuestras características de entonces. Ahora lo hemos vuelto a hacer”. Ellos representan esa segunda hornada de bandas surgidas al amparo de “hermanos mayores” de la altura de Manu Chao, Dusminguet

MondoSonoro · Abril 2010 /43/

THE ALBUM LEAF

“A Chorus Of Storytellers” Sub Pop/Popstock!

POST-ROCK

111

Obviamente, hablar de The Album Leaf es hacerlo de Jimmy LaValle, guitarra de Tristeza y miembro de otros grupos del área de San Diego. En su quinto disco largo, LaValle consigue transmitir en ocasiones algo más vivo que en anteriores entregas –quizá el hecho de haber grabado por primera vez con una banda estable y en directo ayude a eso- aunque parece seguir haciendo honor a ese sonido a lluvia, pausa y melancolía que, por otro lado, es algo que alcanza sin caer en la sensiblería facilona. Se agradece. Puede que se eche en falta algo tras tanta capa y tanto bucle ambient (“Perro”, “Within Dreams”), algo que explote como sucede en el post-rock con el que a veces amaga LaValle, que se tilde a discos como los de The Album Leaf de música de fondo y sí, todo eso es cierto, pero son canciones bien pensadas y hechas con un propósito muy claro, y bajo tal prisma deben ser escuchadas y analizadas. Y en eso, no hay duda, “A Chorus Of Storytellers” es un disco estático pero un buen disco. Que no estaría de más la escucha alguna vez al día de temas como “Summer Frog”, vaya. Ignacio Pato L.

DAVE SEAMAN

“The Masters Series Part. 14 “ Renaissance

ELECTRÓNICA

114

A nadie coge por sorpresa que los maestros del house progresivo inglés, John Digweed el primero, se han reciclado con el paso de los años mezclando la esencia del que fue su sonido, esa coqueta y envolvente mezcla de house y trance, con otros más contemporáneos como el house de estirpe alemana o ese minimal tech house tan cansino que, gracias a Dios parece poco a poco perder peso específico dentro de la escena europea de clubes. Dave Seaman, uno de los grandes nombres de esa escena, cumple con el encargo de mezclar el décimo cuarto volumen de “The Masters Series” del sello británico Reinaissance y lo hace con un dj set por partida doble que mezcla estilos variopintos. El primero empieza muy bien, con Four Tet y su “Swimmer” para entrar en calor y otros nombres como Ben Watt o ese joven genio del house que es el sudafricano Culoe De Song en los créditos.

Lástima que la cosa acabe por diluirse entre edits del propio Seaman y cortes un poco vulgares. José Manuel Cisneros

ATREYU

“Congregation Of The Damned” Roadrunner/Divucsa

METAL

114

Quizá algunos todavía tenían esperanzas de que Atreyu se convirtieran en un grupo con algo que decir en el repetitivo panorama del metalcore antes de la aparición de “Lead Sails Paper Anchor”.

Esas esperanzas, mermadas por dicho disco, van a verse ahora reducidas un poco más. ¿Por qué lo decimos? Pues porque los Atreyu de “Congregation Of The Damned” parecen confirmar ya ser

una banda de hard-rock más preocupada por la melodía y poder sonar en radios que por afilar la mordiente que su iconografía invita a imaginar. Porque tras esa horrible portada (¿no es eso una virgen española abrazando un montón de figuras rupestres?) se esconden trece cortes en los que los de Alex Varkatzas no hacen sino ir de uno a otro de los tópicos del género, usando el manoseado contraste en los tonos hasta la saciedad, como en la arquetípica “You Were The King…”, una canción en la que caben veinte o treinta iguales más de la banda. Sólo cada fan sabe el tiempo y el crédito que les pueda quedar, y si discos como éste significan que Atreyu se han caído o se han tumbado. Ignacio Pato L.

vinilos

LOS PLANETAS FARAONES DEL POP

AUTECHRE

“Oversteps” Warp/Pias

ELECTRÓNICA

1111

No queda mucho para que Autechre celebren sus bodas de plata y los dos de Sheffield continúan tan insobornables como el día que empuñaron por primera vez la TR-606. De hecho su última producción, la secuencia de discos que va de “Confield” (2001) a “Quaristice” (2008), nos mostraba la faceta más críptica, áspera y autista de Brown y Boooth, cuatro álbumes cuya lógica respondía al funcionamiento interno de las ¿canciones? y no tanto al disfrute que el potencial oyente pudiera extraer de ellas. Algo parece haber cambiado con “Oversteps”, que desde el mismo título parece rehuir la abstracción que definía estos últimos trabajos y da muestras de una apertura que tiende puentes con su producción noventera, aquel momento en que los ritmos respondían a una lógica humana y los ecos del electro resonaban en sus producciones. Por supuesto la luz sigue sin hacer acto de presencia en el universo de Autechre, siniestro por naturaleza, pero la pareja vuelve a llevarnos de paseo lunar con sintonías tan hermosas como “Known(1)” o “See On See” que hacen de “Oversteps” lo mejor que han firmado desde “Lp5”. Luis J. Menéndez

BEAR IN HEAVEN

“Beast Rest Forth Mouth” Hometapes/Houston Party

POP

Los Planetas Foto Archivo

LOS PLANETAS

“Una ópera egipcia” Sony BMG

ROCK

1111

Mientras escribo suena (segunda vez en diez minutos) “No sé cómo te atreves”, la pareja perfecta para “Señora de las alturas”. Lo primero, gracias Los Planetas.

Gracias porque necesitaba otra cuchillada así por su parte, porque, y aunque el resto del disco se me haga pequeño escuchando estas dos maravillas, me valen el trabajo entregado entero. Alguno pensará que escribimos en plan mecánico, que hay que cerrar el número de abril. Pues se equivocan, quien esto escribe anda aturdido por semejantes dentelladas, porque Los Planetas se vuelven a colar en mi banda sonora, esa de la que llevan siendo parte indispensable en domingos de botella de vino en casa, de domingos con sol o sin él, con amor o sin él, con futuro o sin él, pero banda sonora de un montón de años y de domingos con y sin. Y no sólo domingos. Los Planetas, ya desde “Mi hermana pequeña” han sabido hacer que me retuerza y alce la vista cada vez que suenan. Han sabido con-

tarme lo que quería escuchar, y de nuevo lo hacen.

Y no me importa una mierda que tiren de La Bienque para ganar, entre otras porque La Bienque le mete una sonora somanta de sopapos a Arantzu (La Buena Vida) protagonista en anterior dueto planetario. Los Planetas vuelven a hacerlo, y aunque yo sea habitante de tierras de Cierzo, Violadores del Verso, Bunburys, Tachenkos o Amarales, nadie me quita mis quince años viviendo en el Sur, y si a eso le sumamos mantener (a distancia, a mi pesar) mi casita en la gaditana Sierra de Grazalema, ni hablamos. Ya lo hicieron en el magistral “La leyenda del espacio”, y repiten. Repiten pasando el flamenco, la tradición y el sentir de una andalucía perfecta y preciosa en este caso, por su tamiz. Este es un disco que ganará con más escuchas, con repetidas embestidas de los granadinos en mis domingos “con y sin”, con escuchas en las que necesite de la popera “Una corona de estrellas” o de la “morentizada y omeguizada” “La Pastora Divina” Pero un disco en el que Morente o La Bien Querida no hacen sino agrandar lo que en un principio pensé era disco menor, y que empieza a convertirse en banda sonora de días.

Rafa Angulo

1111

De las entrañas de Brooklyn, el hervidero musical por excelencia del indie, recomendado por Grizzly Bear y endiosado por Pitchfork, llega este segundo trabajo de Bear In Heaven, un álbum que juega con las texturas del progresivo y la psicodelia setentera, la magnífica voz de inclinación pop de su cantante John Philpot y la electrónica que va de la experimentación más atrevida hasta las vertientes más disco y cosmic-dance. Y como resultado muy buenas canciones: magnífica “Lovesick Teenagers”, todo un himno prog-pop psicodélico tan etéreo como bailable, “Wholehearted Mess” es un temazo pegadizo y convincente que actúa además como primer single del disco, y destacable la muy Pet Shop Boys “Casual Goodbye”, donde explotan con acierto su lado más electrónico. Un gran disco de un grupo atrevido y original, que aúna en su imaginario influencias de estilos actualmente minoritarios como el progresivo, la música disco o la psicodelia electrónica y los conjuga con clase para conseguir fabricarse un sonido personal, y al que quizá sólo pueda achacársele recordar en exceso a los últimos Animal Collective. Daniel Arnal

en la onda

ENRIQUE MORENTE

TEENAGE FANCLUB

FLAMENCO

POP

“Despegando” (1977)

11114

Disco del maestro granadino por el que Los Planetas sienten predilección. Un trabajo que dedicó a Chacón al igual que Los Planetas han buscado a Manolo Caracol a la hora de homenajear e interpretar a su manera el flamenco. Banda y cantaor experimentan con valentía llevando el pop y el flamenco a lugares incómodos para los puristas.

“Thirteen” (1993)

11111

Si hay algo en ambas bandas digno de admiración es su falta de soberbia en el momento en el que nos cuentan historias. Directos al grano, sinceros, pop en estado puro, pero más vitaminado que otros coetáneos. Además, “Thirteen” mantiene esas sombras en cuanto a la forma y al tono que tanto comparten Los Planetas.

SPIRITUALIZED

“Ladies And Gentleman We’re Floating In Space” (1997)

POP

11114

El amigo Pierce, al igual que Los Planetas, juega en este disco con nuevos sonidos. Numerosas capas de guitarras, experimentación, hipnosis y química en grandes e iguales dosis son marca de la casa de ambos grupos. Energía que revienta una vez dentro del oyente. " Rafa Angulo

(vinilos /44/ Abril 2010 · MondoSonoro)

broken bells: un dúo estelar ALKALINE TRIO “This Addiction” Hassle/Pias

ROCK

Broken Bells Foto Archivo

BROKEN BELLS “Broken Bells” Sony BMG

POP

1111

Bien es sabido que la mayoría de proyectos musicales que unen a grandes nombres del mundillo no acaban resultando del todo satisfactorios, de ahí las reservas que uno tenía a priori ante Broken Bells, banda que ha unido a James Mercer (The Shins) y Danger Mouse (Gnarls Barkley). O lo que es lo mismo, el mejor pop de guitarras de la última década con el mejor revisionista de los sonidos negroides de la actualidad. Pues bien, desde ya, “Broken Bells” es una de las excepciones que confirman la regla. Y es que el debut facturado por el estelar dúo es uno de los discos de pop más audaces

de la temporada. Me explico. Las once canciones que lo forman no están sólo llenas de brillantes hallazgos en materia de producción (se nota la mano sabia de Danger Mouse en los arreglos de cuerda, pianos y percusiones) sino que la gran mayoría de ellas esconden, tras su caparazón pop, un alto grado de perversión de las estructuras clásicas del estilo, ofreciendo un álbum variadísimo y completamente personal. Ahí van unos ejemplos: los aires a lo The Cure, con guiño incluido a Ennio Morricone, de “Mongrel Heart”, la revisión de la herencia “Pet Sounds” de The Beach Boys en “Your Head Is On Fire”, las guitarras a lo Gang Of Four de “The Wall And Misery”, o el glorioso minuto final de la enorme “The High Road”, canción que puede dar pistas de cómo pueden sonar The Shins cuando decidan volver al tajo. Xavi Sánchez Pons

VV. AA.

BLOODLIGHTS

BLOOD RED SHOES

The Maquis/Green Ufos

Lengua Armada

V2/Nuevos Medios

“Berlín 61/89” EXPERIMENTAL

“Fire Like This”

“Simple Pleasures” 111

Los periodistas galos Pascal Bussy, Caroline Cartier y Philippe Pierre-Adolphe seleccionan los treinta temas que conforman este doble disco con el que pretenden plantear “un desafío continental al Wall Of Sound de Phil Spector”. Juegos de palabras al margen, “Berlín 61/89” testa el fascinante momento creativo que se vivió en la capital alemana en los años de la guerra fría hasta la caída del muro. O al menos eso es lo que pretende, a pesar de que si nos atenemos al listado algunos nombres como Nico o The Young Gods apenas pusieron el pie en la ciudad en aquel tiempo, y otros como Cluster, Faust, Can o Neu! fueron emblema de escuelas musicales germanas bien diferentes a la berlinesa. Por el contrario echamos de menos -¿cuestión de derechos?- a los Bowie, Eno, Cave y sus bandas satélite (cuanto menos están Malaria y Einstürzende Neubauten, los más representativos del convulso Berlín del muro). Errores conceptuales al margen, en lo meramente musical agradecemos la labor arqueológica que nos permite disfrutar de propuestas como Electric Sandwich, Mekanik Destrüktiw Komandoh, Front o Die Tödliche Doris. Luis J Menéndez

ROCK

1114

No está todo perdido para los fans de Gluecifer. Es cierto que pasó a mejor vida la más interesante banda noruega que formó parte de la invasión nórdica de high energy de los noventa, pero de sus cenizas surgió Bloodlights, el proyecto alternativo de su guitarrista, el carismático Captain Poon.

Asumiendo la tarea vocal y rodeándose de nuevos y desconocidos compañeros, Poon reapareció decantándose un tanto hacia su vertiente más melódica, aunque básicamente preservando la esencia de su trayectoria anterior. Su primer trabajo bajo esta nueva denominación –“Bloodlights” (07)- pasó bastante desapercibido, hecho que no impide que nuestro hombre insista ahora con el acertado “Simple Pleasures”, una grabación en la que ha contado con Nicke Andersson de Hellacopters en un par de temas. Como cabía esperar, en lugar de grandes sorpresas, aquí encontramos rock and roll básico y deudor de la tradición punk, en línea con el espíritu que convirtió a Gluecifer en una banda muy recomendable. El impacto y la furia de sus inicios no volverá, pero reconforta saber que Captain Poon sigue ahí.

Xavier Llop

ROCK

11

Vuelven Alkaline Trio y vuelven a unas cuantas cosas. Vuelven a sacar un disco, eso es más que obvio, y vuelven a grabarlo en Chicago con Matt Allison y tratando de volver a pasados sonido del trío. Y sobre si han conseguido volver a brillar como hicieron antaño (o al menos siendo exigentes pegar algún destello) se podría hablar bastante y opiniones las habría variadas, pero siendo concisos y justos, y tras las primeras escuchas, “This Addiction” parece un globo desinflándose a velocidad de crucero, y un globo no inflado con demasiado ímpetu, si bien es cierto que el single, homónimo, que abre el disco no es una mala muestra de punk rock adolescente.

Para hablar de vuelta a unas raíces, y de base punk-rock mencionando a Ramones y Social Distortion en las entrevistas hay que demostrar más, y más viniendo de unos veteranos que saben ya mucho de los vaivenes del género y la industria. Y sobre todo de quienes han demostrado saber hacer canciones como las que le faltan a “This Addiction”.

Ignacio Pato L.

DAVID TATTERSALL “Happy For a While” WIAIWYA

POP

1111

Dado el carácter corajudo, fibroso, austero y esencialmente estajanovista de la producción de The Wave Pictures, que nadie espere novedades significativas en el planeta Tattersall en el que es el primer capítulo de su trayecto en solitario. Al líder del trío londinense le salen los temas a borbotones, ya sean reinterpretaciones de Springsteen o gemas de cuño propio, y lo mejor que puede decirse de este “Happy For A While” es que, pese a tener todas las trazas de haber sido parido a bote pronto, no baja ni un ápice el considerable listón cualitativo que viene exhibiendo últimamente. Desde esos cortocircuitos de guitarras que cercenan el nervio de “Between My Ear & The Cradle” o “The Typewritter Ribben” hasta esos serenos punteos marca de la casa que coronan las crepusculares “Moorhens” o “The Long Drive To The City”, sin olvidarnos de los puntuales coros de Stanley Brinks (el ya habitual secuaz André Herman Düne) y la dulzura de su compañera de correrías, Terence Freschard, cuya voz capitaliza la preciosa “I Saw Your Hair Between The Tree”. En estado de gracia. Carlos Pérez de Ziriza

111

Las guitarras fieras, el ritmo febril y la escueta dualidad vocal chico-chica siguen marcando el menú del dúo de Brighton en su segundo largo. Unas coordenadas que, especialmente por aquello de la tensión sexual entre sus miembros y lo abrupto de su sonido, les granjeó comparaciones con The White Stripes y, sobre todo, The Kills, aunque una escucha atenta a su propuesta asevere que andan más cerca de Pretty Girls Make Graves o The Duke Spirit. Su segunda remesa de canciones, sin suponer en modo alguno un giro de radar, sí que amplía algo su radio de acción. Porque entre las andanadas marca de la casa, regidas por mastodónticos riffs, bruscos cambios de ritmo, muy medidas dosis de azúcar pop y estribillos incendiarios (como los de “Don’t Ask”, “Keeping It Close”, “Count Me Out” o “One More Empty Chair”) hay también incitaciones al baile con un desparpajo trendie que hasta ahora no habían explotado con tanto descaro (“Heartsink”), sugerentes bajadas de tensión (“Follow The Lines”) y largos desarrollos de psicodelia malsana, como el cierre de “Colours Fade” (deudora de The Jesus & Mary Chain). Creciendo. Carlos Pérez de Ziriza

CARIBOU “Swim”

City Slang/Nuevos Medios

POP

1111

El pop del futuro inmediato será en technicolor o no será. No cabe duda de que el fuel de la psicodelia más floreada, alimentando los depósitos de las nuevas tecnologías, está deparando las obras más referencialmente desafiantes del nuevo milenio. Y no es de extrañar que, en paralelo a ese creciente modus operandi, caminos tan aparentemente divergentes como los seguidos por Grizzly Bear, Bibio o Animal Collective acaben también confluyendo en el mismo remanso de alucinada inspiración que siempre -pero ahora con más tino-ha venido practicando el canadiense Dan Snaith, primero al frente de

Manitoba y ahora (por imperativo legal del líder de The Dictators) como Caribou. Imposible no quitarse el sombrero ante la hipnotizante melodía (rematada por enloquecida trompeta) de “Kaili”, la elegancia downtempo de “Odessa”, la síncopa meciendo el sutil estribillo de “Found Out”, el infeccioso falsete de la soberbia “Leave House” o el hechizante entramado de mantos sonoros de “Jamelia”, con Luke Lalonde (Born Ruffians) dándole voz.

Una orgía de beats, cuerdas, vientos y ganchos melódicos extasiantes, que aparte de reconfortar (función exigible a cualquier buen álbum que se precie) insinúa felizmente que el lenguaje pop aún puede transitar terrenos inexplorados. Carlos Pérez de Ziriza

WE HAVE BAND “WHB” Naïve

POP

1114

Son un trío, vienen de Manchester y, a priori, tenían que comerse el mundo. Y más teniendo en cuenta que contaban con Gareth Jones (These New Puritans, Depeche Mode) en la producción. Aquel “You Came Out” (con sentido homenaje silvado al “Young Folks”) o esa muestra de minimalismo disco que supuso “Oh!” hizo que la blogosfera los enalteciera como la nueva promesa del electropop, comparándolos incluso (erróneamente) con los propios Hot Chip cuando en realidad lo suyo es más un híbrido entre los bajos de The XX y el deje oscuro que procesaban The Human League u OMD en sus sintetizadores.

Nos prometían baile, pero no se han conformado sólo con eso. ¿Ganas de abarcar demasiado? Probablemente. Sea como fuere, cuando Thomas se postula como una versión renovada de Ian Curtis en “Centerfolds & Empty Screens” o “WHB” la banda cobra sentido, al igual que en ese inicio del todo sorpresivo que conforman “Piano” y “Buffet”, las cuales se distancian drásticamente de los recodos funk y dance rock de “Divisive”. Conseguirán que bailemos sus singles por mucho que nos neguemos, aunque lo más interesante de ellos, precisamente, resultan ser esos cortes en los que las luces de neón parpadean pero no brillan en todo su esplendor para que lo demos todo en la pista. Sergio del Amo

ENTARTETE KUNST “Entartete Kunst” EK/B-Core

ROCK

1114

Sería un acto de justicia no menor que cesara ya el tortuoso camino de Entartete Kunst hacia el reconocimiento objetivo de sus méritos y de paso la asociación gregaria de su nombre al de luminarias de la oscuridad musical. “No quiero, la cosa es fácil, os lo estoy diciendo, no tengo prisa…” parecen decir ad hoc en la tremenda “Ne hochu”. Es cierto que es un grupo que suena a un siglo, el XX, gigantesco y desproporcionado en creatividad, utopías y dolor, pero no menos lo es que el debut en largo de estos veteranos aliña directamente heridas no cerradas, febriles (“Working”), confesas (“Privet”), enfáticas (“Learn”) o telúricas (“Nebo”) con una claridad y puntería que van acompañadas de nuevas maneras, intenciones y ganas, todos estos últimos elementos muy concretos y desprovistos de grandezas infundadas.

Entartete Kunst pueden sonar a la ‘puta guerra fría’, se lo dijeron desde el público una vez, y como aquella pueden hacer estragos sin saber por qué, siendo reales pero intangibles. Sin embargo, ahora se han declarado con “Entartete Kunst” y no hay vuelta atrás: es la hora de la verdad.

Ignacio Pato L.

(MondoSonoro · Abril 2010 /45/ vinilos)

jónsi en el país de los sueños

TOP10 INTERNACIONAL THE BESNARD LAKES

“The Besnard Lakes Are the Roaring Night” Jagjaguwar

ROCK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

MGMT

“Congratulations” Sony BMG

LCD SOUNDSYSTEM

“LCD Soundsystem” (Avance) EMI

ELI “PAPERBOY” REED “Come And Get It” Capitol/EMI

JÓNSI “Go” EMI

BROKEN BELLS “Broken Bells” Sony BMG

GORILLAZ

“Plastic Beach” EMI

HOT CHIP

“One Life Stand” EMI

LALI PUNA

“Our Inventions” Morr Records/Popstock!

THE EX

“30” Ex Records

THE BESNARD LAKES

“The Besnard Lakes Are the Roaring Night” Jagjaguwar

1111

Los de Montreal apelan a la misma intensidad epidérmica de Alan Sparhawk cuando se pone en la piel de The Retribution Gospel Choir. Ambos comparten el mismo don y el mismo sentir: el de Low, con más nervio que parsimonia; y ellos, narrando epopeyas que crecen hasta el clímax tal como si se acercara el día del juicio final. Guitarras recargadas de fuerza y electricidad y voces hirientes en canciones que son todo torbellino atmosférico, que crecen de tono y que rugen como si la tormenta las trajese desde más allá de los mares con las enfurecidas aguas de un océano en llamas, como ilustra su portada. Jace Lasek domina su capacidad tonal y consigue erizarte el cogote con una intensidad emocional abrumadora.

Es con su mujer Olga Goreas, sobre todo en “Albatross”, que la tensión se disuelve más en un baño de bálsamo, llegando a sonar –y salvando las distancias- a My Bloody Valentine como cuando Bilinda Butcher extasiaba entonando el “Loveless”. Allí están esas capas shoegazer a la vez tan Ride o por qué no tan Swervedriver, con quien la relación se estrecha porque el grupo ha colaborado en una canción del próximo disco de Adam Franklin. Pero también ahondan en el poderío del rock setentero: Led Zeppelin han tenido que ver. Unas referencias que difuminan del horizonte aquella primera afiliación a las voces corales a lo The Beach Boys que tenía su disco “The Besnard Lakes Are The Dark Horse” de hace tres años. Celestí Oliver

TOP10 NACIONAL XIU XIU

“Dear God, I Hate Myself”

Jónsi Foto Lilja Birgisdottir

JÓNSI “Go” EMI

POP

1111

Algunos nacemos con tendencia a la melancolía, algo que el paso del tiempo no hace más que acrecentar.

Seguimos aferrados a la idea de que la tierra de Nunca Jamás existe, aunque no sepamos cómo llegar. Echamos la vista atrás y soñamos, soñamos mucho. Una utopía, una estupidez quizás, que parece hacerse realidad al escuchar “Go”, el primer trabajo en solitario de Jónsi Birgisson y un nuevo paso en esa exaltación del optimismo y la paz a golpe de tambor, flautas y cuerdas que era “Med Sud I Eyrum Vid Spilum Endalaust”. En el

mundo de Birgisson las palomas vuelan libres, los chiquillos se encaraman a los árboles para echarle un vistazo al mundo que queda más allá de las montañas, todos aprendemos de nuestros errores y el ser humano es bueno por naturaleza. Pero Nunca Jamás no existe, por eso necesitamos discos como “Go”, el excesivo y precioso delirio de un músico extraño e introvertido, pero un delirio que, escuchado a primera hora de la mañana, da las fuerzas suficientes para enfrentarse al día quince mil setecientos setenta y dos y a todos los siguientes.

“Go” no es una obra maestra, pero sí es un precioso y exaltado disco que bebe del mismo espíritu del que bebieron Saint-Exupéry, Sendak o Lamorisse para crear “El principito”, “Donde viven los monstruos” o “El globo rojo”. La vida es bella, a veces. Joan S. Luna

Kill Rock Stars

ROCK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

STANDSTILL

“I”, “II”, “III” (avance) Buena Suerte

LOS PLANETAS “Ópera Egipcia” Sony BMG

DELOREAN

“Subiza” Mushroom Pillow

BIGOTT “This Is The Begining Of A Beautifil Friendship” Grabaciones en el Mar

POLOCK

“Getting Down From The Trees” Mushroom Pillow

HOLA A TODO EL MUNDO

“HATEM” Producciones Disonantes/Origami

SUPERSUBMARINA “Electroviral” Octubre

NIÑOS MUTANTES

“Las noches de insomnio” Ernie Records

NAPOLEÓN SOLO

“Napoleón Solo en la ópera” El Volcán Música

MONTAÑAS

“Montañas” La Alegría de Vivir/ Gramaciones Grabofónicas

111

Jaime Stewart está solo ante el peligro.

Siempre lo estuvo, aunque en la retaguardia estaba su prima Caralee McElroy que se fue a Cold Cave antes de que Stewart exclamase a Dios su último grito de destrucción existencial. Desde entonces sigue auto flagelándose solo o acompañado de su nuevo séquito, Former Ghosts, entre los que está la oriental Angela Seo. Su esperado nuevo disco en dos años, desde el enorme (digan lo que digan) “Women As Lovers”, reincide en su algo ya redundante fórmula de siempre. Sin embargo este es más maquinero y con el uso de cacharros como la Nintendo. Su nuevo cancionero de auto-odio pone a las cajas de ritmo y los sintetizadores en un primer plano y vuelve a acentuar los sonidos chirriantes y estridentes como ya hizo en “Fabulous Muscles” o en su debut “Knife Play”. Su miedo introspectivo se pierde a favor de trallazos electro-bailables. Carece de ese aire clásico y de ese romanticismo gótico que transpiraba el anterior, convirtiéndose en su disco más pop y accesible. Lo disonante de su sonido ya no nos crea el efecto distorsionador de antes y eso en Xiu Xiu, a priori, no creo que sea algo bueno. Que su sonido se domestique y se vuelva más común al resto de mortales es una señal de poder estar a un paso de dejar de ser único en su especie, a pesar de esa voz esquizoide tan característica de Stewart y de su vocación por experimentar con el pop. Aunque -y no lo voy a negar todo- sigue arriesgando en algunos cortes como en la reinvención de la tradicional “Cumberland Gap” que popularizó Woody Guthrie.

Sí, conmueve, pero si saca uno más así me temo que le dejaremos de amar por falta de riesgo. Celestí Oliver

EVERYBODY WAS IN THE FRENCH RESISTANCE... NOW! “Fixin’ The Charts, Vol. 1” Cooking Vinyl

POP

111

Los fans de la más que reivindicable época verbenera de Lawrence Hayward, la de Denim y Go Kart Mozart, estamos de enhorabuena. Y es que Eddie Argos (Art Brut) se ha propuesto él solito, con mucho morro y talento, como el aplicado sucesor del otrora jefe de Felt en el trono del músico británico más raro y extravagante del nuevo milenio.

Su último proyecto imposible tras los Glam Chops (banda que recuperaba la estética y sonido de Gary Glitter) es esta nueva encarnación donde comparte esfuerzos con la americana Dyan Valdés de Blood Arm. El carácter marciano del grupo reside en que presentan doce canciones que son, según palabras de Argos, respuestas a doce conocidos éxitos pop de todas las épocas. Para muestra un botón; el adictivo y saltarín single de presentación del disco, “G.I.R.L.F.R.E.N. (You Know I’ve Got A)” responde al “Girlfriend” de Avril Lavigne. Con mucho humor negro y frescura (el disco es puro bubblegum pop) la pareja se ríe, entre otros, de Kanye West en “Coal Digger”, de Michael Jackson en “Billie’s Genes” y de Elastica en la tronchante “Superglue”. Xavi Sánchez Pons

THE EX

F.A.N.T.A

Ex Records

Rumble Records

“30”

ROCK

“Está escrito en tu mano” 11114

La suya es una de las carreras más brillantes e insobornables del rock europeo de las últimas tres décadas. The Ex surgieron en Holanda, un país con escasa tradición musical pero que a finales de los setenta contaba con un importante movimiento antisistema que se concretó en los squats de Amsterdam.

De ese caldo de cultivo y haciendo suyo el ideario “do it yourself” más estricto, surge la primera formación de The Ex por cuyas filas desde entonces hasta hoy han llegado a pasar quince músicos. Lo que no ha cambiado desde el primer día es su absoluta integridad política -aun hoy los componentes de The Ex son los encargados de publicar sus discos, gestionar las giras y el resto de aspectos relativos a la banda- y musical, desde el feroz post-punk de sus inicios hasta la estilización de sus colaboraciones con Tom Cora y la inmersión en las raíces africanas de la mano de Getatchew Mekuria. “30”, doble disco, treinta y tres temas provenientes de veinticuatro referencias largas, se convierte, además de en un excelente pastel de cumpleaños, en el medio más idóneo de que los neófitos se introduzcan en el fascinante y alargado universo de The Ex. Luis J. Menéndez

PUNK

111

No necesitan más y nadie se lo pide. Aunque en “Metas volantes” aparezca un sintetizador, aunque en “Este invierno va a ser largo” se cuele un teclado, F.A.N.T.A sigue fiel a su chicle-punk revolucionado, agresivo de guitarras, melódico de voces con estribillos pegadizos, recurrente y simplista en estructuras y letras, de sonido más pulcro que nunca. En los dieciocho temas, perfectamente enlazados para que se escuche en un periquete, del ya noveno trabajo de los colomenses, sigue palpitando el espíritu revisionista de los Ramones, del horror-punk y algunas derivaciones pop. Pocas bandas –Airbag, parientes más cercanos, y poco más- se mantienen en liza con tanta firmeza como F.A.N.T.A con esa apuesta por dar continuidad y actualizar el sonido que introdujeron Los Nikis en este país. Homenaje a los filmes de terror (“Hombre lobo en la Barceloneta”), parodia voluntaria o no al “Pegado a ti” de Los Planetas (“No soporto estar pegado a ti”, le canta un siamés a otro) y mucha nostalgia de los veranos pasionales y los amores sencillos son algunos de los ingredientes de las entrañables letras del trío catalán. Un placer.

Germán Aranda

(vinilos /46/ Abril 2010 · MondoSonoro)

las ganas de liarla de napoleón solo GRANT–LEE PHILLIPS “Little Moon”

Yep Roc/Everlasting

POP

111

Sin lugar para las sorpresas no es este el mejor disco para descubrir a este talentoso compositor de dulces tonadas pop-rock de ascendencia folk e indudable sabor americano. No sería justo. Cualquiera de sus anteriores referencias está por encima de lo ofrecido en este “Little Moon”, un sexto trabajo de estudio en el que trasciende cierto déja’ vu que lo convertirá en un disco quizás valioso para sus escasos seguidores, pero intrascendente para el resto de los mortales. Esa mayoría silenciosa seguirá ignorando a un músico que debería gozar de mayor popularidad, pues sus tonadas son blancas, amables e incluso por momento inocuas, hechas sin aspavientos o arreglos desmesurados. Bien al contrario: en Grant-Lee Phillips todo suena como debe y poco se escapa a una profesionalidad sin mácula. Y el problema quizás resida precisamente en eso. Al americano cabe exigirle que asuma más riesgos o de lo contrario continuará en esa larga nómina de los ignorados. Don Disturbios Napoleón Solo Foto Lola Garcia Garrido

NAPOLEÓN SOLO

“Napoleón Solo en la ópera” El Volcán Música

POP

1114

Con ganas de liarla parda y aportar su propio granito a una escena pop patria que cada día se revitaliza más con grupos como sus paisanos Elastic Band o Ana Lógica, llega el primer álbum de Napoleón Sólo. Y lo hace por todo lo alto. Apoyo total de un sello relativamente nuevo aunque integrado por personas de sobrada experiencia, correcta producción a cargo de Fino Oyonarte y apadrinamiento a la batería de Eric Jiménez (Los Planetas, Lagartija Nick), quien ha aportado su sabiduría percusiva a la grabación. Por todo ello el grupo de

Alonso Díaz (voces, guitarra, programación y compositor de la banda) va a dar que hablar, pero también va a ser examinado con lupa. Una lente quisquillosa que nos mostrará un combo de efervescente pop sin complejos que no le hace ascos a utilizar recursos orquestales, guitarrazos de wha-wha setentero y un falsete que tirará de espaldas a más de uno. Lástima que el ensamblaje de las rimas patine en más de cuatro ocasiones y que haya un puñado de canciones que se queden lejos de las más favoritas, con lo que el disco se muestra desigual y poco compensado. Pese a todo, canciones como “Hola, qué tal”, “Perdiendo el tiempo” y sobre todo ese desparrame que es “Lolaila Carmona” provocarán que se hable de ellos y eso siempre es bueno.

Don Disturbios

FIRST AID KIT

TWO DOOR CINEMA CLUB

THE GUINEA PIG

Wichita/Nuevos Medios

Kitsuné/Nuevos Medios

No Land State

“The Big Black & Blue” POP

“Tourist History” 111

Suecia ya tiene a sus Cocorosie particulares, más tradicionales y menos extravagantes, eso sí. Tras “Drunken Trees”, su EP de debut, las jovencísimas hermanas Söderberg entregan un primer larga duración en el que desarrollan lo que ya se adivinaba en su presentación: melodías simples y efectivas, grandilocuencia ocasional en las voces y un cierto regusto a americana y al estilo reposado de guitarra y voz de los/as songwriters estadounidenses, aderezado todo ello con el punto exótico de provenir de la lejana Suecia (no confundir con el grupo catalán del mismo nombre). El disco tiene momentos buenos: “Hard Believer”, puro Fleet Foxes cantado por mujeres, el single “I Met Up With The King”, en la que recuerdan a la gran Hope Sandoval o la paisajística “Wills Of The River”, donde las voces se muestran más sedosas que nunca con el simple acompañamiento de tres acordes de guitarra; y otros que no lo son tanto: las fallidas “Josefin” o “Heavy Storm”, composiciones deliberadamente melosas que abusan del encanto de la acústica, y que traen sin remedio a la memoria la pesadez reciente del fenómeno Russian Red. Dani Arnal

POP

1114

Fundamentalmente pasados los treinta, hay quien considera cansino el mantenerse al pie de la actualidad, el darle una oportunidad a los grupos más jóvenes. Otros, en cambio, nos aburrimos muchísimo más, infinitamente más, escuchando una y otra vez a los mismos artistas y considerando que cualquier tiempo pasado fue mejor.

Allá cada cual. Quizás sea el síndrome de los cuarenta, pero les aseguro que me resulta sencillo, francamente sencillo, disfrutar de discos como “Tourist History”, una obra eminentemente coyuntural, pero al mismo tiempo de una efervescencia y un atractivo que enganchan. Two Door Cinema Club no son ni más ni menos que eso, como unos The Wombats con clase y con un discretísimo aderezo electrónico.

Tienen ustedes dos opciones. Una es continuar pensando que Phoenix es el único grupo de pop fresco que debería gustarle a un treintañero, o pueden darle una oportunidad a “Something Good Can Work” o “Undercover Martyn”, demostraciones de que aun hay debutantes con ganas de hacérselo pasar bien a quien escuche sus discos. Joan S. Luna

“66%” FOLK

111

La intrigante fotografía de un rostro embarrado pegada directamente sobre el cartón, presenta el nuevo trabajo en solitario de Pablo Errea (Edwin Moses, Australian Blonde), segundo de una planificada trilogía que comenzó con “33%“ (No Land State, 08) y terminará en el futuro con “99%”.

Grabado instintivamente en sólo tres días, la referencia conserva la honestidad propia del sonido recién exprimido de los instrumentos, sin posteriores adornos ni tintes que adulteren las composiciones. Acompañado por nombres como los de Remate, Muni Camón, Esteban y Pedro F. Perles de Leda Tres, Gary Louris y el incombustible Paco Loco encajando las piezas, las coordenadas del navarro cambian con cada nuevo corte. Desde Wilco o Ryan Adams en la fantástica “Sleet”, hasta Badly Drawn Boy en “Chuku-choko”, pasando por Big Star en “Stop Talking” o The Jayhawks en “Mistery Train”. Por su parte, “I Don’t Understand” recuerda al Lennon aislado y el falsete final de “The Coco Broke” remite al Thom Yorke más aullador, completando las ocho canciones que conforman este disco intuitivo y misterioso. Raúl Julián

INHABITANTS

“A Time For Giants” Foehn Records

ROCK

1114

Tras dos discos más que destacables -“Into The Engine” y “The City Was The Animal”-, la banda de los hermanos Vassallo sigue progresando hacia cotas cada vez más altas. Con “A Time For Giants” se consagran y firman el que debería ser sin duda el disco de su confirmación definitiva.

Once canciones profundas, melancólicas y pausadas; de letras hermosas y melodías vibrantes y emotivas. En el plano instrumental, las guitarras siguen teniendo gran presencia en las canciones de Ia banda -maravillosas en “Bright As The Sun”- y cobra una mayor importancia el órgano de Carlos Seoane -“Land Of Cannibals”, “The Beast In My Head”- con respecto a sus dos trabajos anteriores. Y por encima de todo, la cavernosa, oscura y cautivadora voz de un Jesús Vassallo en estado de gracia, capaz de conmover hasta entonando el prospecto de un medicamento contra las hemorroides. Un trabajo cuyas influencias -Nick Cave, The Jayhawks, Tindersticks, Neil Young-, definen por sí solas el resultado final: un discazo en el que no tienen cabida ni los adornos ni los artificios banales. Sin mentiras, trampas ni cartones. Sólo auténtico rock, sólo música de la de verdad. David Lorenzo

IRMIN SCHMIDT

“Filmmusik Anthology, 4 & 5” Spoon Records/Mute

BANDA SONORA

1111

Trompetas bastardas de Miles Davis, paisajes instrumentales oscuros, acordeones disecados de los discos de Yann Tiersen, vientos ululantes, violines tocados en habitaciones modernistas, percusiones sin raíces, una variación sobre Bach, dub en japonés, ambient de la escuela de Vangelis o de la de Bowie-Fripp-Eno. Todo cocinado durante los últimos diez años por

Irmin Scmidt para ambientar imágenes en televisión y cine. Buscar algún rastro de la escuela de Can sería hilar demasiado fino e infructuoso. Aunque el álbum lo publique Spoon Records, es un trabajo completamente independiente del grupo madre destinado a reunir ambientes organizados por películas, demostrando que, a pesar de que las trompetas de Markus Stockhausen y Daniel Rosenboom tiendan a unificar varios trabajos, Schmidt es tan versátil como requiera cada director. De algo debe servir ser uno de los ideólogos de la búsqueda de una música moderna con raíz absolutamente europea, aunque tras más de cuarenta años sigue sonando única y experimental. Otra buena lección para amantes de ambient alternativo. Jorge Obón

JAGUAR LOVE

“Hologram Jams” Fat Possum/Popstock!

ROCK

1114

Cuando Hot Hot Heat decidieron convertirse en un grupo abiertamente comercial, echando por la borda lo mejor de si mismos, algunos pensamos en que no aprovechaban las posibilidades que tenía su sonido inicial. Ojalá entonces se hubieran convertido en Jaguar Love, autores de este “Hologram Jams”, que publica un sello tan particular como Fat Possum. ¿Y quién demonios son Jaguar Love se preguntarán?

Pues ni más ni menos que Johnny Whitney y Cody Votolato, ex miembros de aquel fugaz grupo de Seattle aún referencial para algunos que fueron The Blood Brothers.

En este proyecto, más excitante que Neon Blonde, ambos músicos combinan electrónica, pop, rock y algo de experimentación y bailoteo dando como resultado uno de esos discos efectivos (escuchen el single “I Started A Fire” si lo dudan) pese a todo lo que tienen de extraños, con algunos momentos de accesibilidad apta para públicos menos exigentes. Se lo decía antes, Jaguar Love suenan como deberían haber sonado Hot Hot Heat cuando alguien les recomendó mal. De momento “Hologram Jams” les ha servido para pegarse una gira en condiciones por Estados Unidos junto a Patrick Wolf. Para ustedes quizás signifique muy poco, para mí ya es algo a tener en cuenta. Joan S. Luna

JOHN TIRADO

“Slow-Motion Party” Lucinda

ROCK

1114

John Tirado se crió en Nueva York, pero por alguna razón decidió que Mallorca era un buen lugar para vivir. Ahí tocó en la calle, formó un grupo, lo llamó The Nash y grabó varios discos. Siempre parecía que sucedería algo, que podía suceder algo más de lo que sucedió (gira con The Buzzcocks y con Superchunk, estar en Bittersweet). Nosotros ya sabíamos que sabía como componer grandes canciones, así que en “Slow-Motion Party” no hace más que exponerlas en su forma más escueta y llana. No es que esté solo -de hecho, cuenta con más instrumentos que nunca-, simplemente que “Oh Jodie” o “Who Makes You Stay” pedían otro tono, alejado del power-pop, les iba más un abrigo de noches estrelladas, copas de vino vacías y casas extrañas y una voz con un vago halo de crooner. Hay auténticas joyas, como “Suddenly” o “Let Me Take You Home”, momentos en que no puedes dejar de imaginártelo sobre un escenario en penumbra, con esa media sonrisa en la boca de quien sabe que todo lo malo pasa, que siempre hay alguien con quien subirse a casa a compartir ese último trago. Incluso en Mallorca. Joan Cabot

(vinilos /48/ Abril 2010 · MondoSonoro)

LA REVÁLIDA DE MGMT TINDERSTICKS

“Falling Down A Mountain” 4AD/Popstock!

POP

MGMT Foto Josh Cheuse

MGMT

“Congratulations” Sony BMG

POP

1111

Aseguraron que no íbamos a encontrar ningún “Time To Pretend”, “Electric Feel” y mucho menos un “Kids”, y no era ninguna exageración. No hay hits en “Congratulations”. Es más bien un ejercicio de trance pop armado desde la psicodelia y la paleta sonora de Pete Kember (ex Spacemen 3), que supervisa y dirige el camino que ha querido emprender MGMT hacia derroteros más ambiciosos, que desarrollan lo que tímidamente apuntaban en la segunda mitad de “Oracular Spectacular”.

Partiendo de esa base, el segundo trabajo del dúo de Brooklyn es todo menos una decepción. Es una huída hacia delante que bucea entre una mezcla fantástica de influencias provenientes de Spiritualized, The Flaming Lips o los propios Spacemen 3. El tema inicial que da

título al álbum es una buena muestra. Ambientes lisérgicos y elaborados juegos melódicos que contrastan con la festividad del título. A continuación, “Lady Dada’s Nightmare”, un instrumental seguido de “Brian Eno”, que más que al ex miembro de Roxy Music, podría pasar por un perfecto homenaje a Sparks. A estas alturas, las esperanzas de encontrar rastros de “Oracular Spectacular” ya han menguado de forma considerable. A cambio hemos ganado la sensación de haber entrado en un viaje, si no tan irresistible en su inmediatez, sí mucho más agradecido en su perseverancia. El leit motiv de huir del éxito de su primer trabajo parece desarrollado a conciencia. El beat sixties con el que empieza “Siberian Breaks” se transforma en un ejercicio de pop sinfónico de más de doce minutos que, junto con la sensibilidad pop de “I Found A Whistle” y “Someone’s Missing”, se cuenta entre lo mejor del disco. Los cortes finales certifican el nuevo triunfo del dúo, quizás no sobre el público, pero sí sobre sí mismos. Robert Aniento

THE KNIFE

LALI PUNA

THE LAST 3 LINES

Coop/Nuevos Medios

Morr Records/Popstock!

Aloud

“Tomorrow, In A Year” ELECTRÓNICA

“Our Inventions” 111

Cuando hace unos meses apareció la noticia de que The Knife estaban tramando una electro-ópera inspirada en los hallazgos darwinianos ya suponíamos que poco o nada tendría que ver con los espectáculos elitistas de alta alcurnia. Con la colaboración de Mt. Sims en buena parte de los cortes (y de Planningtorock en dos temas guturalmente naturalistas), los suecos han facturado un arriesgado compendio experimental de dificultosa digestión incluso para aquellos fans acérrimos que se abrazan a su intachable trayectoria como si la vida les fuera en ello.

Compuesto de dos compactos (a modo de actos) los hermanos Dreijer en la primera parte del álbum consiguen ponernos las cosas más que difíciles explorando su faceta más ambiental. Las óperas, aunque sean electrónicas, no están al alcance de todos.

Pero esa vaga idea se esfuma en la segunda parte, donde cortes como “Colouring Of Pigeons” (donde la inconfundible Karin hace su único acto de presencia), ese atisbo de baile minimalista que supone “Seeds” o el inconfundible sello sonoro de la casa incrustado en “The Height Of Summer” nos dejan un buen sabor de boca. Sergio del Amo

ELECTRÓNICA

“Crows” 11114

Después de seis años de silencio, maternidades y proyectos paralelos mediante, Lali Puna regresan por fin, y lo hacen por la puerta grande: superándose a sí mismos con un disco redondo en el que parecen haber encontrado el punto melódico perfecto entre los medios tiempos del ambient electrónico y los acercamientos a la pista de baile, siempre con la elegancia pop de la preciosa voz de Valerie Trebeliahr como hilo conductor de su música. Canciones cuidadas al límite, tratadas con extrema dedicación desde su nacimiento como simples esbozos hasta su posterior desarrollo en el estudio de producción. Dentro de la heterogeneidad del álbum, destacar “Rest Your Head”, la nana electrónica que abre el disco, y el combo de tres temas consecutivos que le sigue: “Remember”, “Everything Is Always” y “Our Inventions”, canciones que rozan la perfección dentro de su estilo, electrónica con alma pop que pone los pelos de punta gracias a unas melodías geniales y una literatura brillante, siempre con la voz como instrumento principal. La espera ha merecido la pena, Lali Puna entregan su obra magna. Daniel Arnal

POST-PUNK

1114

Sin renegar del post-punk de los ochenta, contando en sus matices con esa dosis de épica que Bono y los suyos sabían aportar en sus primeros discos, el sexteto de Barcelona ha decidido implementar un valor añadido a su música dando una mayor respuesta a la pista de baile. Porque si de algo puede presumir este breve disco es de su espontaneidad y frescura. Una vitalidad mucho mayor que la de su debut, “You Are A Deep Forest” (SiNlovers, 08), que les va a reportar más de un fan de las sonoridades actuales, pues su concisión tan sólo puede ser comparable a lo colorista de su selección, combinando épicas ochenteras, que ansían abrirse a grandes espacios bien adentrados en el pop-rock clásico, con derroteros algo más vigentes, vía por ejemplo Franz Ferdinand, en los que se adaptan a las ornamentaciones más coyunturales.

Eso sin obviar la efervescente remezcla que Mahura les hace de “Fish Tank (Our Classmates Were Robots RMX)”, sólo válida para noctámbulos danzarines. Un avance de por dónde pueden ir las cosas en su próximo álbum que nos deja con los dientes largos.

Muy largos. Francesc Feliu

1111

Tindersticks rara vez fallan. Puede que, en este octavo disco de estudio, el sexteto haya reducido instrumentación y barroquismo respecto a anteriores entregas, pero la profundidad y elegancia con que la banda británica ha sabido dotar su obra, desde el inicio y sin excepciones, sigue ejerciendo de distintivo y atemporal seguro de satisfacción. A cambio se nutre y enriquece con una comedida pluralidad apreciable por el oyente minucioso.

Desde el sinuoso jazz de “Falling Down A Mountain”, pasando por la impostada animosidad de “Harmony Around My Table” o el extraordinario dueto con Mary Margaret O’Hara en “Peanuts”, hasta llegar al grandioso final cinematográfico de “Piano Music”, al tiempo que cuerdas, vientos y órgano siguen presentes en los diferentes lienzos. Estrenando de nuevo parte de la formación, Stuart A. Staples vuelve a ofrecer su alma acercándola a través de esa inconfundible y profunda voz de crooner clásico que alberga en su interior. Un trabajo bello, melancólico, nocturno y personal a partes iguales. Raúl Julián

LIARS

“Sisterworld” Mute/Pias

ROCK

1111

Ya es un clásico arrancar un texto sobre Liars recordando que hubo un tiempo en que caminaban al paso de la tendencia. En realidad mucho llovió desde aquello, la banda cambió y el desde entonces trío ha desarrollado una carrera lo suficientemente importante como para que empecemos a fijarnos exclusivamente en lo que ha pasado desde “They Were Wrong, So We Drowned” (2004).

Por ejemplo, el retorno de “Liars” (2007) al pulso rockístico. O que una vez zanjado el autoexilio berlinés, “Sisterworld” -un estado de ánimo, un oasis mental más que un disco, tal y como aseguran en las entrevistas- es lo más accesible que Angus y compañía han facturado desde su debut. Empezando por ese arranque casi soul que es “Scissors” o las cuerdas que conducen “No Barrier Fun” dándole un aire a lo Blonde Redhead. Entre restos de la brutalidad de antaño y por encima de todo, llaman la atención medios tiempos ambientales con la tensión siempre a punto de estallar, como ese “Too Much Too Much” de cierre que parece un cover encubierto del “Practice Makes Perfect” de Wire. Remata la jugada un disco de remezclas y reinterpretaciones que en algún caso mejoran los originales, con Alan Vega, Thom Yorke, Devendra Banhart, Melvins… Luis J. Menéndez

LOVELY LUNA “Chang y Eng” Esputnik/Goidel

POP

1114

Lovely Luna se ha convertido en poco tiempo en ese proyecto esperado por mucha gente que sirve para dar un aire fresco a las carreras tanto de Xoel López como de Félix Arias. “Chan y Eng” es el tercer disco de este dúo gallego que empezó a

unir fuerzas hace ahora ya quince años.

Ha llovido mucho desde entonces, eso es cierto, pero cada vez que trabajan juntos uno tiene la seguridad de que darán con perlas para nuestros oídos. En este nuevo trabajo suenan con sencillez, redondean excelentes textos sin necesidad de rodearlos de arreglos excesivos. Lo que sí hay es un aura Dylaniana en clave de folk preciosista y muy sutil. El material que presentan encajarían en cualquier disco de Deluxe.

Algunos quizás piensen que Xoel se repite, pues bien, bendita repetición. Empiezan con tres temas que ponen el listón muy alto, para posteriormente bajar la intensidad en “Rosa” o “Borrascón”, aunque sea en piezas como “Chang y Eng” o “Tan sólo es la vida” en las que realmente se llevan la palma. Lovely Luna en su máximo esplendor. Marcos Martín Lora

THE MISTAKE “4”

B-Core

ROCK

111

Las primeras guitarras de “4”, lo nuevo de The Mistake no dejan lugar a dudas: vas a meterte de lleno en una sesión de uno de los mejores exponentes de interpretación del emocore noventero en este país.

Y es que hay quien ve en los canarios a unos émulos del indie a la Nueva Vulcano (palabras mayores), pero la sensación de tensión aquí es otra, parece menos cínica, más dolida y figurativa. La primera, “La Felguera”, es un manifiesto valiente para no ser tildados de escapistas, y la última canción, “Isla de Jura”, es una puerta abierta a la escapada, un orden inverso que parece querer dejar atrás faltas de crecimiento musical anteriores y mirar de cara a un futuro que debería reconocer a The Mistake como lo que son, los autores de himnos de pop-rock como “Extrarradio”, una de las mejores canciones que se pueden escribir bajo parámetros como con los que juega la banda. Entre medias, siete historias pequeñas, cotidianas, que se enganchan a los oídos y no te sueltan hasta que decides hacerlo tú, sabiendo que tarde o temprano volverás a ellas, como ocurre con los buenos discos. Ignacio Pato L.

MULATU ASTATKE

“Mulatu Steps Ahead” Strut Records

JAZZ

1111

Hay mucho de suspense y esencias orientales en la música del vibrafonista Mulatu Astatke. Al escucharle da la impresión de que el agente 007 y el Aladino de “Las mil y una noches” han encontrado el refugio perfecto en sus pentagramas. Así lo ejemplifica “The Way To Nice”, un número hipnótico y que surtiría gran efecto en las viejas cintas de Sean Connery. O los aires espectrales y misteriosos de “Radcliffe”, que hacen pensar en un inquietante Miles Davis. Los ecos del kraar (harpa etíope) conservan tintes de los sonidos de Sudán, pero la incursión de los vientos y el vibráfono sitúan sus coordenadas en las de una banda sonora con fondo de sabana.

Así es el genuino Mulatu Astatke, curtido en los pasillos de la tradición etíope y en el jazz de las orquestas de swing americanas de los años cuarenta y cincuenta. Este es el reverso de la moneda de su anterior disco junto a The Heliocentrics. Aquí está el alma de sus primeras grabaciones en Londres en 1965, y Addis Abeba en los setenta. El legado de un genio a la altura de Bernard Herrmann o Duke Ellington. Agazapado en su lámpara mágica.

Miguel Ángel Sánchez Gárate

GUADALUPE PLATA Ganadores del Premio

de las Fiestas Demoscópicas 2010

(MondoSonoro · Abril 2010 /51/ vinilos)

LOS CAMPESINOS!

“Romance Is Boring” Wichita/Nuevos Medios

ROCK

1114

Cualquier teen que se precie, atisba un momento en su vida en el que se ve obligado a dar un paso más allá y armarse de valor para lo que se le vendrá encima. Eso mismo es lo que Los Campesinos! han debido pensar al enfrentarse a su tercer largo, “Romance Is Boring”, en el que podemos comprobar cómo esta coalición deudora del twee pop ha madurado a marchas forzadas mostrándose más inspirados de lo normal en unas letras donde la verborrea anda a sus anchas. De mítico podríamos calificar ese “I think we need more post-coital and less post-punk” que Gareth entona en “Straight In At 101”. Pero, asimismo, temas como el ambicioso punto de partida que conforma “In Media Res” o el corte homónimo –con estribillo hooligan marca de la casa- vuelven a hacernos creer en esta banda cuyo segundo álbum, “We Are Beautiful, We Are Doomed”, nos dejó a muchos con un sabor cuanto menos agridulce. Pero este disco vuelve a hacer de los galeses una de las bandas jóvenes más disfrutables de la actualidad. Sergio del Amo

NEILA

“Danza de nieblas” Odio Sonoro

METAL

1111

Neila son cuatro músicos de Bilbao con dos discos más a sus espaldas, aunque sea en este último en el que quizás podemos observar una mayor definición en su estilo y sonido. Se acercan a lo que podríamos denominar el post-metal épico de bandas como Isis o de los últimos Cult of Luna. A medias entre la melodía instrumental y la rabia están situado Neila, como en el tema “Bajo el sol”, en el que una vorágine de sonidos intensos junto a riffs repetitivos y penetrantes, con la ayuda de los teclados, logran adentrarse en cada uno de nosotros. En temas como “Odisea” se lanzan por la vena más dura, y en cambio en otros como el último tema, de título homónimo, evocan todos sus influencias a lo largo de once minutos. Partes atmosféricas con teclados, riffs sludge y machacones a medida que avanza el tema o ritmos stoner cabalgando siempre sobre una estructura preciosista y ruda que nos deja sin palabra y exhaustos. Lo que más sorprende es que este disco no haya visto la luz de la mano de Neurot Recordings u otros grandes de la escena. Y es que Neila cuentan con el nivel suficiente para ponerle las cosas difíciles a cualquier competidor internacional.

Eduard Tuset

OCEAN COLOUR SCENE “Saturday” Cooking Vinyl

POP

1114

Los de Birmingham son algo así como unos héroes. Supervivientes que no sólo continúan activos tras formar parte en los noventa de la hoy injustamente denigrada etiqueta del brit pop, sino que lo hacen facturando discos que en el peor de los casos resultan más que dignos, sorprendiendo además de vez en cuando con un trabajo casi intachable como el presente “Satur-

day”. Fieles a sus referentes tras casi veinte años impertérritos viendo pasar modas a su lado sin siquiera rozarles, el ahora quinteto sigue centrado en el tradicional sonido británico que en su momento situó Inglaterra como epicentro de la escena, con The Beatles, The Who, The Kinks y compañía al frente. Una cristalina producción puliendo por igual la hospitalaria voz de Simon Fowler y las descriptivas guitarras de Steve Cradock -mano derecha desde hace años de Paul Weller- descubre composiciones intensas y valientes como “Mrs. Maylie”, “Magic Carpet Days”, “100 Floors Of Perception” o una “Saturday” que, tras dar título a este noveno álbum de estudio, pasa desde ya a formar parte del cancionero clásico de la banda.

OCS son absolutamente necesarios para recordar que existe vida al margen de la penúltima tendencia. Qué no falten nunca.

Raúl Julián

La selección Jäger:

el “subizón” de delorean

PABLO MORO

“Pequeños placeres domésticos” Boomerang Discos

POP

114

Pablo Moro es uno de esos cantautores que llevan años instalados en la escena del pop-rock en este país y tiene mérito lo suyo, lo ha hecho sin hacer mucho ruido ni con campañas de marketing grandiosas. En estas que el músico asturiano llega con su tercer trabajo bajo el brazo, el de la confirmación, el que le tiene que encumbrar definitivamente, pero desgraciadamente la cosa sigue igual. Este “Pequeños placeres domésticos” no enganchará al resto de la parroquia que no sepa nada de Pablo Moro, aunque su club de fans rescatará un puñado de canciones para el recuerdo. “Jólivuz” destaca por encima de las demás y no sólo por ser el primer single, pues funciona francamente bien. Moro juega a ser Quique González sin demasiada suerte en temas como “No voy a caer” o “Golpe de suerte”, aunque es en canciones como “Exhibicionistas” o “Dolores Club” donde mejor se defiende, y lo hace con el rock por bandera, qué mejor manera. Lo dicho, el potencial que veíamos a Pablo Moro en sus anteriores trabajos queda en stand by en este tercer disco. Le queda pendiente dar un paso adelante. Marcos Martín Lora

THE PEACOCKS “After All”

People Like You

ROCKABILLY

1114

Veinte años contemplan al trío suizo The Peacocks, aunque sean algo desconocidos en nuestro país más por el género que practican que por su incuestionable pericia. Rockabilly de vieja escuela y contrabajo talentoso, más cincuentero que psycho, velocidad y swing allá donde se necesite cada cual y unas melodías altamente adictivas son las coordenadas primordiales de su último lanzamiento, que cumple por tanto los requisitos básicos para ser objeto de una llamada de atención desde aquí a nuestros lectores aficionados a los tupés encrestados. Una sola y primera escucha bastará para enganchar a neófitos o incrédulos: The Peacocks suenan rematadamente bien, y “Primadonnas”, “Lean On Me”, “Thanks For The Young Idea” o “You Don’t Always Want What You Get” son concisos, divertidos y estimulantes, adjetivos que cada vez se venden más caros.

Un disco totalmente recomendable para quien se quiera acercar a un estandarte billy europeo, autores de innumerables lecciones de género como esta que nos ocupa y de un directo sobrado en energía.

Ignacio Pato L.

Delorean Foto Archivo

DELOREAN “Subiza”

Mushroom Pillow

POP

11114

Grande, un disco el de Delorean portador de una luminosidad que abruma. Luminosidad fruto de un trabajo enorme y juraría que también fruto de la buena racha que vive el grupo en este momento, ganada a pulso, por supuesto. Es un auténtico placer poder hablarles de este álbum, lo mismo que lo supuso poder hablar con sus creadores sobre su criatura frente a botellas de sidra y viandas exquisitas en Gijón hace unos días. Les contaba que me parecía un trabajo lleno de luz y buenas vibraciones, que había llegado a casa hasta los huevos una tarde, tensa y gris, y que cuando sonaba “Grow” ya estaba dando saltitos por el salón. Que es un disco que levanta, con suavidad, pero alto, muy alto. Igor y Ekhi me escuchaban hablar emocionado (el día que deje de emocionarme,

apago y me largo…) y al final, entre cabrales y sidra me dijeron “eso es lo que queríamos”. Pues chavales, lo habéis clavado. Estos vascos, ahora casi tan tropicales como su amigo El Guincho (salvando las distancias), pero menos estridentes, nos han colado un disco que mira de igual a igual a cualquiera de los grandes nombres internacionales del pop electrónico. De repente se han convertido en magos de las máquinas, en obreros más que cualificados en el arte de poner capas y capas perfectamente armonizadas para entregar su disco menos analógico, pero no por ello falto de vida orgánica. Nueve temas nacidos para competir contra la tristeza y tumbarla en el primer asalto. Un álbum que para el que firma, es el mejor trabajo de pop llevado a la pista de baile que escuchado en este terruño.

Rafa Angulo

(vinilos /52/ Abril 2010 · MondoSonoro)

el prometedor debut de polock SAN LEON

“Bits & Pieces” I+D Music/Pias

POP

1114

El cantante Aldo Comas dejó un buen sabor de boca con su último trabajo “Love, Lust & A Bit Of Champagne” (08) antes de disgregar su antigua formación, El Guisante Mágico. Actualmente con San Leon lo ha dejado aun mejor. Ahora le brinda al paladar sabores más tropicales. Y es que “Bits & Pieces” recoge una mezcla heterogénea de estilos musicales que van desde el rock al soul, pasando por el folk y hasta la rumba. En definitiva, una propuesta más madura. Comas y su banda han dado un paso adelante en las bases melódicas de las catorce canciones de su debut. Después de tocar en Francia, Gran Bretaña y una gira por las Américas junto a Television Personalities con quienes han grabado el tema “Connie And Dee Dee”, muestran el resultado de un álbum muy personal.

Las letras de las canciones de San Leon son una representación de la ajetreada vida del cantante. “Love Speed & Picasso” y “Boxes” hablan de su madre fallecida. “Queen & The Golden Rush” tiene que ver con los consejos de su abuela. “Birds” es una alusión a lo difícil que es vivir feliz. Guillermo Esteban Polock Foto Archivo

POLOCK

“Getting Down From The Trees” Mushroom Pillow

POP

1111

Como no podía ser de otra manera, el primer disco de los valencianos Polock es uno de esos debuts que pueden ser sonados y que les pone en el punto de mira para seguirles la pista más de cerca. Tras un vertiginoso y meteórico ascenso como el vivido el pasado 2009 (participantes en recopilatorios, Heineken Greenspace, Fiestas Demoscópicas, Premio Senheiser, MTV Winter, Primavera Sound), la banda de Papu y compañía se ha curtido

en cuanto a técnica y dominio de los instrumentos de manera acelerada y ha sabido concentrar todas sus intensas experiencias en su música. Dos meses en Berlín para grabar un álbum que les augura lo mejor y que va a dar que hablar. Entre sus temas antiguos, recogidos en su anterior Ep, destaca nuevamente el que daba título al mismo,“Tangerines & Unicorns”, pero también otros como el que abre el disco “High On Life”, “Fireworks”, “Sometimes”, “Nice To Meet You” o la que cierra, “Night Shot”. Un recorrido por el sonido neoyorquino más emocionante de las tres últimas décadas de la pasada centuria que va de los Television más bailables a The Strokes más inspirados. Raül Serrador

QA’A

THE NEW RAEMON

THE MARY ONETTES

Màgia Roja

B-Core

Labrador/Popstock!

“Chi’en” EXPERIMENTAL

“Cuaresma” 1111

Qa’a hace referencia a una antiquísima civilización, el Egipto de los faraones, cuyos secretos sorprendentemente todavía no han sido desvelados. Tradición y misterio, dos elementos que están bien presentes en la propuesta del ahora cuarteto barcelonés, formado en 2006 y que desde entonces no ha cesado de crecer a pasos agigantados codeándose con los mejores nombres del nuevo rock experimental de aquí. “Vesprada” fue una llamativa carta de presentación, una declaración de intenciones en toda regla que les situaba a medio camino del prog y el ruido libre. Sin embargo. “Chi’en”, registrado -entre otros- en el Faust Studio hace dos años con ni más ni menos que Hans Joachim Irmler en las labores de productor ejecutivo, supone su definitivo salto a división de honor.

Siete temas, en ocasiones de digestión pesada -como los veinticinco minutos de “Peeling Off”- y otras provistos de un gancho rítmico y hasta melódico con denominación de origen: “Eastdown Westdown”, la casi folk “Chi’en” y sobre todo la extraordinaria “Speakerbox”, bien podrían haber sido descubiertas entre los archivos perdidos de los Wümme Studios. Luis J. Menéndez

POP

“Islands” 1114

Ramón Rodríguez y el sello discográfico barcelonés B-Core demuestran sus buenas costumbres con la edición de este nuevo mini-álbum en vinilo de doce pulgadas del vocalista del grupo Madee. Si la edición del estreno de su propio cancionero, “A propósito de Garfunkel”, tuvo rápida continuidad con el diez pulgadas “La invasión de los ultracuerpos”, su segundo largo viene seguido de cerca por “Cuaresma”. Los tres primeros cortes son composiciones propias.

“La mesa redonda” es de las últimas canciones del artista en las que podemos encontrar reminiscencias de Madee mientras “Cuaresma” evoca las melodías perfectas de los mejores Love Of Lesbian, pero con “Némesis II” nos asomamos en apenas dos minutos al Ramón Rodríguez más profundo y auténtico.

En la cara B, el músico hace propias composiciones originales de Nueva Vulcano, Estanislau Verdet y Lluis Llach. “Te debo un baile” prescinde de la fiereza de sus compañeros de sello introduciéndonos en la pista a ritmo de vals. La aproximación a Verdet se hace con otras cartas, mientras que su tributo a Llach llega desde el respeto y la mayor desnudez instrumental. Mertxe V. Valero

POP

111

Con todo mi respeto por los grandes momentos que nos han hecho pasar, nadie podrá negarme que los grupos suecos de pop de guitarras a menudo se asemejan a una cadena de montaje: gotitas de nostalgia ochentera por aquí, unos gramos de actitud indie espolvoreada por allá y ¡voilá! ya tenemos otra banda perfecta. The Mary Onettes se corresponden con ese perfil, correctísimos en su homenaje a Echo & The Bunnymen y The Chameleons, hábiles artesanos del estudio de grabación, pero torpes a la hora de trasmitir su pasión por un tiempo pasado que fue mejor, especialmente a la hora de presentarse en directo. No se crean que el tiempo que se han tomado en publicar este “Islands”, continuación de un notable disco de debut, tenga que ver con que le hayan dado muchas vueltas al asunto: la grabación se fue dos veces al carajo por el robo y la rotura del disco duro donde se había registrado. Estamos ante un trabajo continuista, con mayores medios -las cuerdas sustituyen a los sintetizadores- y eficiente como un Volvo, uno de esos coches que son valor seguro pero que nunca aparece en los tops de favoritos. Luis J. Menéndez

THE CLIENTELE

“Bonfires On The Heath” Pointy Records/Green Ufos

POP

1111

Son tantos y tan buenos los grupos que me vienen a la cabeza cuando escucho “I Wonder Who We Are”, canción que abre “Bonfires On The Heath”, que, para evitar el habitual name dropping que inunda algunas de mis críticas, me limitaré a decir que el último y excelente disco de The Clientele (editado el año pasado y que ahora por fin llega a nuestro país de la mano de Green Ufos) suena como si Orange Juice jugarán a ser Love, o a la inversa. Como ustedes prefieran. Una verdadera delicia. Lo nuevo de los británicos es un Shangri-la al que debería agarrarse todo aquel que ame el pop con pedigrí y leído que eriza el bello con una sensibilidad exquisita.

De hecho, ya que estamos, “Bonfires On The Heath” es tan bueno que merece ir más allá de todo el fandom pop más elitista que lo disfrutará y, si suena la campana (algo difícil, para que negarlo), llegar a un público mayor. The Clientele llevan en esto diez años, han entregado un buen puñado de discos excelentes y me alegraría mucho por ellos si por fin su nombre no solo les sonara a los fans de The Lucksmiths o Galaxie 500.

Xavi Sánchez Pons

MONTAÑAS

“Montañas” La Alegría de Vivir/Gramaciones Grabofónicas

ROCK

1114

Montañas vuelven a la carga. Nunca mejor dicho. Tras aquel revelador siete pulgadas para Tres Pies ahora pasan a engrosar las filas de Gramaciones Grabofónicas con un breve álbum en el que se ventilan nueve temas a la velocidad del rayo. O no tan rápido: tal vez habría que decir a la de un asturcón, ese caballo enano orgullo de las Asturias que inspira uno de los temas del disco y cuyo trotar parecen intentar repro-

ducir a lo largo de buena parte los ocho restantes. Con una formación de dos percusionistas y guitarra, Montañas sólo se salen del guión previsto (¡al ataque! Como buenos hijos bastardos de Billy Childish…) en el instrumental “Fayuquín de Ponga” que sirve para tomar aire antes de lanzarse otra vez a tumba abierta con un agro-punk construido a partir de guiños locales a la Feria Internacional de Muestras de Asturias, las vacas que pacen tranquilamente en los verdes valles o uno de los deportes regionales favoritos: el levantamiento de barra de bar. Lo-fi con fundamento, muy divertido y, lo más importante de todo, con personalidad. A ver si te piensas que Los Planetas son los únicos que saben casar tradición y rock... Luis J. Menéndez

NIÑOS MUTANTES

“Las noches de insomnio” Ernie Records

POP

1111

Ya no son tan niños, pero este disco les devolverá una segunda juventud. Grabando en las Alpujarras, rodeados de nieves y la tierra inundada en el inicio de este año inclemente. Y experimentando, además, roles de paternidad. Los factores presagiaban una lenta decadencia para el grupo. El ocaso paulatino propio del cansancio y la lejanía de los gloriosos lanzamientos de “El sol de invierno” (2002) y los singles publicados a mediados de la década pasada en Astro. Sin embargo, su séptimo larga duración viene cargado con catorce canciones redondas, brillantes y carne de delirio colectivo cuando las lleven al directo. Poca paja, por no decir que ninguna, en un trabajo que promete largo recorrido. Entre sus temas hay un buen puñado de hits para sumar a su repertorio.

Juan Alberto toca la fibra en sus dos facetas: la sutil y la desgarrada. Demasiadas noches en vela. Vigilias azuzadas por el llanto de sus niños. ¿Otro argumento? El miedo a perder aquella lozanía iridiscente de la época en la que empezaban a emular a Pixies y a Los Brincos. Ellos también están en “Las noches de insomnio”. Y Depeche Mode (“Quiéreme como soy”); brotes de madejas guitarreras estilo Wilco (“Los segundos”); aires de spaghetti (“Días complicados”)...

Igual de inmediatos, el doble de profundos.

Y otra vez niños. Eduardo Tébar

THE BALTIC SEA “El Gran Blanco” Cuac Música

POP

1114

A “El Gran Blanco” se le había hecho hueco hace ya tiempo, antes incluso del estado de gestación. Eran bastantes los que esperaban la continuación de “Forthcoming Science Theory” y serán más los que se sorprendan con el segundo disco de los sevillanos The Baltic Sea. Lo que es seguro es que pocos se decepcionarán con los dos principales giros dados por la banda: por un lado un abrazo al castellano que una vez más es garantía de crecimiento cuando el grupo sabe escribir letras y no necesita del escondrijo del inglés para disimular su vacuidad. Por otro y más importante, la premisa de que “menos es más” parece ser la base de las nuevas canciones de los bálticos, tan llenas de emotividad como antes pero más cálidas, más próximas ahora. “El Gran Blanco” es ese disco que tiene canciones para ser escuchadas estando solo en una cafetería, subiendo las escaleras del metro o de vuelta a casa tras una noche en la calle, de carácter universal pero irremediablemente íntimo. Y eso es precisamente lo que más nos gusta del bonito proyecto de The Baltic Sea, parece que lo hubieran adivinado. Ignacio Pato L.

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Agenda

!" TELEPHUNKEN se encu­ entran inmersos en una gira internacional que les está lle­ vando a tocar en países como Estados Unidos, Alemania o Austria. Además, el 9 de abril celebrarán su décimo aniversa­ rio con un concierto en la ma­ drileña sala Caracol. Más info en: thelephunkenusa.blogspot. com.

!"Jueves 8 de abril Señorita Pepis, Limnopolar, The Closers, Dorian (Final MVT, Sala Multiusos del Auditorio !"Viernes 9 abril Rancapino y Juan Villar, 22h, Sala Multiusos. !"Martes 13 de abril Black Weeds, La Lata de Bombillas, 10€ !"Jueves 15 de Abril Javier Ruibal, 22 h, La Campana de los Perdidos. 20€ !"Sábado 17 abril El Gran Puzzle Cozmico, Sala el Zorro, 5€ !"Viernes 23 de abril Ute Lemper & Mario Gas, “The Bukowsky Project”, Teatro Principal. !"Viernes 23 de abril Africa Gallego, 21h, Teatro de la Estación, 10/12€ !"Sábado 24 de abril Zaragoza Comedy: Chiquito de la Calzada y JJ Vaquero, Sala Mozart Auditorio !"Sábado 24 de abril Lamatumbá, 21.30h La Casa del Loco. !"Sábado 24 de abril La Kozmic Band, 22.30 h, Sala el Zorro, 3€

!"HÉROES DEL SILENCIO ya tienen su calle en Zaragoza: se trata de la antigua Comandante Santa Pau, a la que se ha mo­ dificado el nombre atendiendo a la Ley de la Memoria Históri­ ca. En dicha calle se ubicaba la mítica sala En Bruto, por la que pasaron gran número de grupos, incluidos los mismos Héroes del Silencio. !" Varios artistas zaragozanos han sido nominados a los PRE­ MIOS DEL SALÓN DEL CÓMIC DE BARCELONA: Álvaro Ortiz e Iñigo Aguirre a “Mejor Autor Revelación”, y Antonio Altarriba a “Mejor Guión” y “Mejor Obra”.

“Gato Negro”, publicación cuya plantilla cuenta también con vari­ os dibujantes de la tierra, ha sido nominado a “Mejor Fanzine”.

Dorian

Paso de ecuador del ciclo MVT

L

a edición del 2010 del Ciclo Muévete, organizado por el Ayuntamiento de Zaraoza, llega a su punto intermedio. Por una parte ya tenemos finalistas del Concurso MVT. Los grupos elegidos por el jurado son Limno­ polar y The Closers y la votación del público lleva a Señorita Pepis hasta esta final. El próximo jueves 8 de abril defenderán en directo sus propuestas en la Sala Multiusos del Auditorio de Zaragoza con los

barceloneses Dorian como artista invitado que ya presentaron su dis­ co “La Ciudad Subterránea” dentro de este ciclo en la Sala Oasis. El grupo ganador, obtendrá un premio en metálico de 5.000 €, material musical por un valor de 4.000 €, la grabación y edición de un disco en el Laboratorio Audiovisual del Ayuntamiento de Zaragoza, la rea­ lización de un vídeo promocional y la contratación por parte del Ayun­ tamiento en una de sus programa­

ciones. Otros grupos ganadores de anteriores ediciones del Concurso han sido: Interlude, Picore, Estige, Lavodrama o Insulina Morgan.

Además, el Ciclo Muévete en Di­ recto, en colaboración con La Aso­ ciación de Salas de Zaragoza, tiene programado para el mes de abril las actuaciones de grupos locales como: Guisante, Lamatumbá, De­ calles, Horas Perdidas, Stereant, Slogan, Ariday, Iron Maños, Zeno­ bia o Santelmo.

!"BIGOTT Presentando su nuevo álbum THIS IS THE BEGINNING OF A BEAUTIFUL FRIENDSHIP

V

Plastidepop

De Vito (Pai Alcolea)

uelve PLASTIDEPOP con más fuerza que nunca. Cre­ cidos ante la adversidad, el festival estrena imagen y ubicación sin abandonar el estilo fesco y des­ enfadado marca de la casa. Las Playas de Zaragoza acogeran los días 9 y 10 de abril un cartel en el que se mezclan el pop más dulce, el sonido garagero y las guitarras distorsionadas. Para el viernes 9 disfrutaremos de Charades, Trián­ gulo de Amor Bizarro y Nudozurdo.

El sábado 10 el plato fuerte lo trae La Bien Querida acompañada por Mujeres, Guatafán y, los locales, De Vito!" #$" %"&'($" )*+(,+-$./" )*+" los Dj’s Batidora, Dongonzalo, The Jau One y Man Pop.

Luis Díez (Colectivo Anguila)

Luis Díez E

l pintor zaragozano Luis Díez, presenta en el Espacio Tránsito del Centro de Historia su trabajo “Vida y Muerte son Les­ bianas”, un mural de gran formato pintado en acrílicos con elemen­ tos en 3D, en el que se represen­ tará esa milésima de segundo en­ tre la vida y la muerte. Será entre el 6 de abril y el 30 de mayo.

Muévete Weekend

Q

Tachenko (Colectivo Anguila)

uinta edición del Muévete Weekend con un cartel de lujo para celebrar el déci­ mo aniversario de La Lata de Bom­ billas. Entre el 30 de abril y el 1 de mayo, en la sala Oasis, Lori Me­ yers y Maga, presentarán respec­ tivamente sus nuevos discos. Pete and The Pirates"0,&+&+"$")*+%".1$." las buenas sensaciones que nos dejó su álbum de debut. The Po­ sies interpretarán el “Catholic Edu­ cation” de Teenage Fanclub. Ta­ chenko estrenará en Zaragoza “Os Reis Porque Sois Jóvenes” Tokyo

De Gira

Sex Destruction y Faith Keepers completan el cartel junto con los granadinos Elastic Band. Jornada de bienvenida el jueves 29 en La Lata de Bombillas con el nuevo tra­ bajo de los daneses Men Among Animals y la mezcla de chanson y electrónica de los navarros Souve­ nir. Y para presentarlos a todos y )*123&($." 3$" *4&.($5" %"&'($" 6&" 2.&7 sentación con el folk delicado de Ola Podrida, esta vez con la banda al completo, y el rock noventero de los zaragozanos Sheriff. Será el 17 de abril en el Café Hispano.

12 Abril CADIZ Aulario La Bomba 13 Abril MADRID El Sol 14 Abril VALENCIA Matisse 15 Abril LLEIDA City Arms 16 Abril ZARAGOZA Hispano 15 Mayo MALLORCA Teatre Lloseta 21 Mayo EUROPAVOX FESTIVAL ­ Francia 27 Mayo PRIMAVERA SOUND !"TACHENKO Presentando su nuevo álbum OS REÍS PORQUE SOIS JÓVENES 16 Abril L’HOSPITALET Salamandra 17 Abril VALLADOLID Porta Caeli 14 Abril VALENCIA Matisse 18 Abril GIJÓN Saboy !"VIOLADORES DEL VERSO 2 Mayo LONDON 02 Academy Isllington 8 Mayo EDINBURGH HMV Picture House !"COPILOTO Presentando su nuevo álbum UN SEGUNDO LUMINOSO 22 Abril VALENCIA Wah Wah 23 Abril MADRID Costello

MondoSonoro · Abril 2010 /55/

LAVENTANA

Polar Foto Vanesa Prado

Absolute Beginners

La nueva voz de la experiencia

Sin prisa pero sin pausa, el sello valenciano Absolute Beginners va creciendo, camino de convertirse en una de las discográficas más exquisitas del Estado. Pocas referencias, pero todas ellas de una calidad incuestionable. El debut de Alondra Bentley fue su mascarón de proa el año pasado, y la fuerza con la que han comenzado este 2010 es patente con el nuevo álbum de Polar y el debut de Damien Lott.

J

Imprescindible

esús de Santos nos cuenta cómo una discográfica que nació hace dos años y medio casi como una distribuidora hispana de los trabajos del sello sueco A West Side Fabrication (Olle Nyman, Tupelo Honeys) viró hasta apostar por el producto nacional. “El contacto con aquel sello nos facilitaba las cosas, porque eran bandas que nos gustaban y fue una buena idea como toma de contacto: implicaba menos riesgo económico, aunque al final el trabajo era el mismo a la hora de organizar las giras. Un año

después nos dedicamos a contactar ya con bandas de aquí y algunas de fuera (que no fructificaron). Teniendo en cuenta que hoy en día los ingresos principales de las bandas provienen de los conciertos, nos interesaba volcarnos en músicos de aquí y poder tenerlos de gira”.

Predicando con el ejemplo, el primer fichaje fue el de Alondra Bentley. “Fue la primera artista que fichamos. Yo lo tuve claro desde el primer momento. La vi en directo, me metí en su MySpace, vi que no tenía discográfi-

ca y fuimos directos a por ella”. Y la apuesta valió la pena, porque De Santos coincide en que ha sido hasta ahora “nuestro disco más significativo: la primera artista propia del sello, con quien hemos trabajado cerca de cuarenta conciertos en 2009 y con una tarea de promoción muy bien hecha, con presencia en prensa, televisiones y webs”. Su futuro pasa, tal y como están las cosas, por “hacerlo todo despacito y no fichar gente a lo loco. Somos un equipo bastante reducido, y tener a cinco o seis bandas de gira al mismo tiempo conlleva mucho trabajo. Vale más la pena volcarse en la promoción que en la grabación o masterización, porque si la gente no se entera de que un determinado grupo ha sacado un disco, no se venden discos.

Puede que ese haya sido el error de muchos sellos, el minusvalorar la promoción en detrimento de otros aspectos”. " Carlos Pérez de Ziriza

Alondra Bentley

“Ashfield Avenue” (2009) 1111 En medio de un panorama en el que Russian Red, Anni B. Sweet o Lidia Damunt cotizan muy al alza, el excelente debut de la británica (afincada en Murcia) Alondra Bentley no debería ver diluido su hechizo por la mera inclusión de su nombre en el saco de cantautoras de nuevo cuño.

Ni por las colaboraciones de postín (Travolta, The Ladybug Transistor y otros) con las que cuenta un disco extraordinario, presidido por una voz celestial domando melodías sublimes.

Interesantes

Olle Nyman

“Venture” (2009) 1114 Su recomendable primer álbum, también editado por el sello valenciano (“Behind The Clouds”, 08), le había granjeado el sambenito de Van Morrison de Lulea, su ciudad natal. En su reválida, el joven sueco arrincona en cierto modo los registros vocales leoninos y la primacía de los vientos para ofrecer una depuradísima lectura de los géneros que más le han marcado, a medio camino del folk y el country. Madurando.

VV. AA. “Mundo Submarino 09” (2009) 1114 Más allá de otros trabajos recomendables que marcaron los primeros pasos del sello, el principal valor de esta ecléctica recopilación local de bandas sin sello, la tercera de su serie, es testar la efervescencia rock valenciana, sin prefijos ni sufijos. Sin cortapisas estilísticas ni efectismos, sin tratar de construir -como en ocasiones precedentes- la casa por el tejado. Un buen puñado de futuribles a tener muy en cuenta: Ratolines, Amatria, You Not Me, Tracahombres...

NOVEDADES

Polar “Fireflies In The Alley” (2010) 1111 Cada disco que editan es ligeramente superior a su precedente, y este no iba a ser una excepción. Cuando quieren, suenan más rotundos que nunca (“The Boxer Part I”), más elegantes (“The Hunting Bird”) o más sorprendentes (el surf rock de “Coronado II”). En síntesis, más maduros. Hace mucho tiempo que las referencias al slow core o a The Velvet Underground se quedaron muy pequeñas para calibrar el trabajo de una banda sin miedo alguno a los retos.

Damien Lott “Damien Lott” (2010) 1114 Las melodías diáfanas, combinando castellano e inglés, campan a sus anchas en el debut de Carlos Soler, nombre real de quien se oculta tras Damien Lott, joven músico en cuya propuesta se puede detectar el influjo de XTC, The Beatles, The Beach Boys y demás orfebres de hechuras clásicas. Abundancia de apuntes y buenas ideas para un primer trabajo que en muchos momentos no lo parece. " Carlos Pérez de Ziriza

9 Abril Sala Jimmy Jazz || Vitoria 30 Abril Festival Do Norte || Vilagarcia de Arousa, Pontevedra 5 Mayo Sala Sol || Madrid (FESTIMAD) Presentación disco 29 Mayo Sala AFTASI || Badajoz 11 Junio Wah Wah || Valencia ]iie/$$lll#Y^hdcVciZh#Xdb$]ViZb#e]e qq ]iie/$$lll#bnheVXZ#Xdb$]daVVidYdZabjcYd

MondoSonoro · Abril 2010 /57/

MONDOMEDIA CINE

Park Chan-Wook

Tras la decepcionante “Soy un cyborg”, Park Chan-wook recupera en cierta medida el pulso con “Thirst”, un filme de vampiros arriesgado y diferente que toma su argumento prestado de una de las obras más celebradas de Émile Zola, “Thérèse Raquin”. La protagonista de la cinta, Kim Ok-bin, consiguió el Premio a la Mejor Actriz en la última edición del Festival de Sitges.

S

on muchos los directores de cine que, queriendo dar un giro de trescientos sesenta grados a su carrera, se han estrellado de forma estrepitosa a pesar de tener buenas intenciones. La lista de cineastas que han patinado cuando han intentado salir de aquello que mejor conocían es grande, y uno de los últimos en unirse a ella fue Park Chan-wook. El coreano, después de la excelente “Joint Security Area”, la laureada “Trilogía de la venganza” y su memorable episodio para “Three… Extremes”, se atrevió a salir de su registro más conocido, el thriller ultraviolento repleto de humor negro y de guiños al cine de terror más crudo, con “Soy un cyborg”, fallida comedia romántica de tintes fantásticos que, detrás de una incontrolable verborrea y unas cuantas escenas oníricas shock, fracasaba a la hora de emocionar con la historia de amor que protagonizaban dos enfermos mentales. Consciente, quizás, de que debía recuperar alguno de las constantes que le habían convertido en uno de los realizadores orientales más queridos, el director de “Old

Boy” se atreve con los vampiros en “Thrist”, película aún inédita en los cines españoles (sólo se pudo ver el pasado año en el Festival de Cine de Sitges). En su última cinta hasta la fecha, el cineasta coreano recupera en buena medida los estallidos de violencia sanguinolentos y el humor

de amor con una joven femme fatale, que tiene el rostro de la bellísima Kim Ok-bin. “Cuando hace unos diez años, empecé a pensar en la idea de esta película, el cura que la protagonizaba no era un vampiro. Luego, cuando me pregunté qué le podría pasar a un hombre religioso para ponerlo en una prueba extrema pensé ‘¿qué pasaría si se convirtiera en un vampiro?’, y así podría explorar sus reacciones al convertirse en un ser maligno por accidente, la culpa que siente al necesitar sangre para subsistir, las dudas sobre la existencia de dios, y la encrucijada que se le presenta cuando la persona que lo ama le pide que la convier-

“Con esta película no he intentado reinventar el cine de vampiros ni violentar las señas de identidad del género” negro que le han hecho grande para construir una historia de vampirismo atípica que toma como excusa argumental la transformación de un cura católico en vampiro debido a un experimento científico fallido. A partir de ahí, y guiñando el ojo a Emile Zola y su “Thérèse Raquin”, la película centra sus esfuerzos en seguir las andazas del cura protagonista, interpretado por el siempre excelente Song Kang-ho (el rostro más conocido del cine coreano), su lucha con el irrefrenable deseo de beber sangre, y su historia

ta en un vampiro”. Lejos de ser una película de vampiros convencional que se apunta a la moda actual por el género (durante la entrevista Park Chan-wook se violenta cuando le planteo la cuestión), cogiendo como referentes las cintas del género que más escapan a los tópicos (confiesa que su película favorita sobre vampirismo es “Martin”, una excelente filme de George A. Romero sobre un vampiro adolescente), y a pesar de que no es del todo redonda (durante muchos tramos “Thirst” es incapaz de equili-

Thirst Foto Archivo

Santa sangre brar la paleta de géneros que utiliza y mezcla) , el nuevo esfuerzo del director de “Sympathy For Mr. Vengeance” convence por ser una obra a contracorriente y una apuesta singular por el cine fantástico más alejado de los grandes focos. “Si te soy sincero con esta película no he intentado para nada reinventar el cine de vampiros ni violentar las señas de identidad del género. Escogí contar una historia de vampiros para explicar de forma especial la historia del protagonista.

Apenas he visto películas sobre vampiros durante el rodaje, no quería tener ninguna referencia que fuera muy obvia”. Siguiendo con el carácter atípico de este trabajo, es todo un expediente X que una película como esta haya sido la primera hecha íntegramente por una major norteamericana, la todopoderosa Universal. “Soy un director muy conocido en Corea, y que siempre cuento con los actores más importantes de mi país, pero mis películas siempre tratan temas muy controvertidos y además lo hacen de una forma muy directa y explícita. Por eso siempre me ha costado dar el salto al cine americano a pesar de haber contado con ofertas para hacerlo. Así que cuando Universal se interesó por intervenir en la película sin tocar nada del guión, sin rebajar el tono y sin moverla de mi país, me pareció perfecto y todo un honor”. " Xavi Sánchez Pons

mondorecomienda

LA ENTREVISTA David Heatley Foto Archivo

DVD & CINE & LIBROS & CÓMICS & ARTE & FANZINES

libros

Cuentos pop

Federico Montalbán López Morsa (111) Curioso libro de relatos en el que, en la línea de “31 Songs” de Nick Hornby, el autor acude a diversas canciones que le han marcado para crear ficción, recuperar pasajes de su propia vida o saltar de género en género, sorprendiéndonos con temas de Sr. Chinarro, Pet Shop Boys o Lori Meyers. Acompañan las ilustraciones de José María Casanovas Rojas. Ernesto Bruno

Las grandes familias Maurice Druon Libros del Asteroide (1111)

No ha acabado uno de leer este delicioso y cáustico retrato de la clase alta de la Francia de entreguerras que ya tiene ganas de hojear sus dos secuelas, de próxima aparición. Druon, dotado de un fino sentido del humor, obtuvo en 1948 el Premio Goncourt con esta obra acerca del eterno tema de lo viejo frente a lo nuevo y sobresale como gran creador de imágenes. J.P.V.

El factor humano.

Nelson Mandela y el partido que salvó una nación

John Carlin Seix Barral (1114)

Base de “Invictus”, nueva película de Clint Eastwood, el libro combina lección histórica, reportaje y crónica deportiva poniendo siempre el acento en las personas, en el retrato humano de cada uno de los protagonistas, clara enseñanza de Mandela. J. Picatoste Verdejo

En Grand Central Station me senté y lloré Elizabeth Smart Periférica (1111)

Compleja novela autobiográfica publicada en 1945 y que se convirtió al instante en un clásico de culto. Con un lenguaje extremadamente poético y lleno de imágenes que pueden incluso llegar a aturdir, la autora narra el enfermizo amor de una mujer hacia un hombre casado. Dani Arnal

Tarde, mal y nunca

Vacilación

El poeta Carlos Zanón demuestra sus dotes para la narrativa con su primera novela, dibujando al mismo tiempo un rompecabezas de personajes lleno de intrigas y realismo descarnado y un retrato crudo y veraz de la verdadera ciudad de Barcelona, la cosmopolita y moderna, pero también la de los barrios y personas destrozados por la crisis. Recomendable. Daniel Arnal

Burgess escribió esta divertida parodia de las novelas de espionaje en 1966, cuatro años después de su éxito “La naranja mecánica”. Si fuera llevada al cine, probablemente su director sería Soderbergh, Charlie Kaufman su guionista y Clooney su intérprete. Un protagonista caricaturizado, unos secundarios delirantes y unas situaciones grotescas. J.P.V.

Carlos Zanón Saymon Ediciones (1114)

Anthony Burgess Acantilado (111)

David Heatley

Un chico de Jersey Chris Ware y Daniel Clowes ya se han rendido a sus encantos. David Heatley es sólo un chaval que una vez soñó con ser estrella del rock y acabó dibujando hasta el último de sus (no siempre) patéticos polvos. “My Brain Is Hanging Upside Down” (Norma, 09) es su primera novela (gráfica).

D

avid Heatley tiene treinta y cinco años, dos críos, una mujer estupenda (que lleva gafas y siempre viste de rojo) y un montón de cuadernos. Cuadernos como el que lleva encima en estos momentos, mientras devora una ensalada César y admite que su vida no es nada del otro mundo. “Pero la amo, por eso anoto todo lo que me pasa, quiero capturarla, no quiero dejar que se me escape”, dice, y se está refiriendo a su vida, por supuesto. Heatley nació en Nueva Jersey y empezó a dibujar debajo de la mesa de la casa de su abuelo cuando tenía cuatro años. “Copiaba los dibujos de los cuentos que me leía”. Su primera novela gráfica, “My Brain Is Hanging Upside Down” es pura carnaza para fans de la autobiografía sin cortes: desde el dudoso despertar sexual del protagonista (un Heatley que primero prefiere a los chicos, luego a las chicas y acaba alternando sesiones masturbatorias vibrador en mano con polvos con la madre de sus hijos) hasta sus primeros ataques racistas (“Ellos empeza-

ron, tenía tres años cuando un grupo de negros me dio mi primera paliza, fue en el parvulario”, recuerda el dibujante), pasando por la relación con su madre (“La odiaba, creo que gracias a este libro he aprendido a quererla”). ¿De veras no se siente pudor al exponerse de esa manera? “No, para mí todo eso es agua pasada, lo cuento por si puede servirle a alguien”, sentencia Heatley, que acaba de pinchar con el tenedor un pedazo de salmón ahumado. Antes de ponerse a dibujar para el New Yorker y el New York Times, Heatley quería ser estrella del rock. Tuvo incluso una banda, con la que publicó dos discos (“sólo éramos yo y un amigo que tocaba el clarinete”), la Velvet Cactus Society.

“Pero hace diez años que desistí y me puse en serio con el dibujo”, confiesa, aunque sigue escribiendo canciones y apuesta por una mezcla de hip hop y folk a la americana. Dice que Chris Ware es su ídolo y Chris Ware dice algo parecido de él. Por valiente. " Laura Fernández

DVD MÚSICA

Kanye West

“VH1 Storytellers” VH1/Universal (111) Para alguien tan acostumbrado a hablar de sí mismo la invitación de VH1 para participar en su serie de directos Storytellers, en la que se desarrolla la obra a modo de confesión, era algo difícil de rechazar. La actuación de West ofrece las luces y sombras habituales en torno a su persona en estos últimos tiempos: esa especie de trastorno bipolar que lo lleva a fustigarse en un momento dado y al rato arremeter contra cualquiera que se atreva a poner en duda su santidad. Algunos de sus discursos no hacen más que reafirmar su condición de cretino endiosado, pero cuando la música empieza a sonar todo eso queda relegado a un segundo plano, gracias a una puesta en escena y una orquesta espectacular. Imposible no tenerle tirria, pero el tío es un genio. Joan Cabot

Kiss

Flogging Molly

Estamos ante el tercer y último volumen de cajas recopilatorias de material audiovisual de Kiss en directo. En esta ocasión casi diez horas de directos (incluido su concierto para el programa “MTV Unplugged” y que destaca por incluir el material correspondiente al retorno de la formación original. Enrique Gijón

Quizás no sea necesario ser descendente de irlandeses o vivir en Boston para comulgar con la propuesta de Dropkick Murphys o Flogging Molly, pero seguro que sirve y mucho para aguantar muchas más cervezas mientras uno salta y brinca con sus himnos. Aquí, Flogging Molly sorprenden jugando en casa. E.G.

“Kissology” Eagle (1114)

“Live At The Greek Theatre” Side One Dummy (1114)

MondoSonoro · Abril 2010 /59/

LA ENTREVISTA

MONDORECOMIENDA LOS CLIPS DEL MES

Cómics

! Hot Chip “I Feel Better” (11114) Posiblemente uno de los clips más psicotrónicos vistos en muchos meses. A los amigos de Hot Chip se les va cosa fina a la hora de enfrentar a un ser extraterrestre a un grupito de chicos guapitos y bailongos. Un desparrame.

El carro de hierro Jason Astiberri (111)

Una nueva pirueta de Jason llega al mercado español. Esta vez se trata de la adaptación de la emblemática novela noruega de misterio “El carro de hierro”. A falta de conocer el texto original, lo cierto es que Jason maneja la trama con su habitual soltura, haciéndonos olvidar que no se trata de una idea propia.

Ernesto Bruno

! LMFAO “I’m In Miami Trick” (114) Parodia canalla de la mayoría de videoclips de raperos y demás. Hay nenas en bikini, cadenas de oro, un bus de fiesta equipado con una barra americana y una juerga bestial montada.

Petits Tours Gonzalo Rueda ET (1111)

Tom Sharpe Foto Slanzi

Gonzalo Rueda, responsable de portadas de discos para Manos de Topo o Joe Crepúsculo, es un artista inquieto y observador. De ahí que, además de dar forma a cuadros excelentes, se haya sacado de la manga este cuaderno de viaje (Italia, Croacia y Grecia) en el que incluye infinidad de bocetos, dibujos, anotaciones y comentarios vivos y con un humor de lo más contagioso. Ernesto Bruno

Tom Sharpe

! Love Of Lesbian “Domingo Astromántico” (1114) ¡Qué duro es el amor! O mejor dicho, el desamor. Un vídeo hecho por un seguidor de la banda con muchísimo gusto y mimo por las imágenes que nos cuenta una historia común pero llena de detalles bobos que nos hacen reir.

Que se mueran las feas El humor, tan sutil como ácido, que impregna sus novelas ha cautivado a millares de lectores alrededor del mundo. Con ochenta y un años el genial escritor inglés Tom Sharpe ha publicado “Los Grope” (Anagrama), un nuevo y excelente ejercicio de sátira literaria.

“Stitches”

David Small Mondadori (11) Decepcionante debut en el campo de la novela gráfica del ilustrador David Small con un relato autobiográfico, de infancia triste y desvalida. El evidente desconocimiento de las herramientas narrativas del medio da como resultado una lenta sucesión de viñetas y páginas mudas que se pretenden trascendentales y definitivas, pero que resultan reiterativas y plomizas. Óscar Güal

Kafka

Robert Crumb y David Zane Mairowitz La Cúpula (1114) Franz Kafka Vs Robert Crumb. Los seguidores de cualquiera de estos dos titanes de la cultura del siglo XX tienen motivos para hacerse con este volumen, publicado originalmente en 1993 y que pretende ser una introducción al universo del autor checo a través de los textos biográficos de David Zane Mairowitz y las viñetas (breves adaptaciones de las obras de Kafka) e ilustraciones de Crumb. L. J. M.

M

e recibe un sábado por la mañana en su casa en un pequeño pueblo de la Costa Brava donde vive desde hace años. Son las once y me lo encuentro con una pipa en una mano, aunque en el cenicero resta un puro encendido, y un whisky en la otra. “¿Quieres uno?”, me pregunta alargando la botella oculta bajo su escritorio. Yo, que no estoy acostumbrado a este tipo de almuerzos, declino su invitación. El escritor frunce el ceño y me explica por qué su última novela está dedicada a la sanidad catalana. “Estoy vivo gracias a ella.

Sufrí un ataque de peritonitis un domingo a la tres de la madrugada. Llamé a mi enfermera que vino urgentemente a casa. Me inyectó morfina y me llevó al hospital. Cuando desperté estaba en la unidad de cuidados intensivos. Al dejar el hospital el doctor me dijo que si mi enfermera no hubiera acudido tan rápido lo más probable es que hubiera muerto. ¿Si tengo miedo a morir? No, ya he vivido mucho”. Me explica algunos detalles de las muchas fotografías en blanco y negro, todas hechas por el propio Sharpe, que cuelgan en las paredes de su hogar, lo que nos lleva a rememorar sus años en Suráfrica, donde estuvo trabajando como fotoperiodista. “Me deportaron de allí. Al gobierno de aquella época, seguramente la etapa más dura del Apartheid, no le gustaba mis fotografías. Me requisaron y quemaron treinta y seis mil negativos. Me encarcelaron y luego me echaron del país”.

Fue entonces cuando, de regreso a su Inglaterra natal, este antiguo estudiante de la Universidad de Cambridge empezó a escribir. “Me había gastado todos los ahorros en juicios y abogados y necesitaba ganar dinero porque me había casado recientemente. Me puse a escribir y en tan sólo cuatro semanas terminé mi primer libro, ‘Reunión Tumultuosa’.

Luego tuve la suerte de que una editorial lo aceptara”. Más tarde llegarían títulos imprescindibles en cualquier librería como “Exhibición impúdica”, “Zafarrancho en Cambridge”, “Wilt”, “Lo peor de cada casa”… hasta llegar al más reciente, “Los Grope”, la historia de un linaje familiar dominado por sus mujeres, todas ellas horripilantemente feas. “El libro se inicia con la historia de Úrsula Grope, una mujer con la que, de tan fea, ningún hombre quiere estar con ella. Un día conoce a un vikingo que ha desertado porque se marea en el barco. Como el vikingo, aun siendo un bárbaro, no la quiere violar porque es muy fea, ella lo secuestra. A partir de aquí explico la historia de la familia a lo largo de diferentes generaciones, hasta que, ya en nuestros días, aparece la figura de Esmond Wiley. En realidad el libro lo forman dos historias que escribí por separado, la de las Grope y la de Esmond Wiley. No estaban pensadas para estar en el mismo libro, pero me di cuenta que si las unía, la novela podía funcionar”.

Evidentemente, funciona. " Oriol Rodríguez

! She & Him “In The Sun” (111) Vídeo a caballo entre “West Side Story” y “Grease”, no, no citaremos a “High School Musical” aunque el decorado se preste a ello. Zooey Deschanel monta una coreografía a lo Feist con todo el “insti”, total para que M Ward le preste más atención a su guitarra que a ella.

! Surfer Blood “Swim” (111) Este chico es un pringado. Ese es el primer pensamiento que te viene a la cabeza al ver como el cantante de Surfer Blood es ninguneado por todos sus colegas y sobre todo por culpa de ese pijama de pingüinos que lleva. Aunque al final, lo arregla.

! Baroness “A Horse Called Golgotha” (111) Heridas que supuran, gritos de dolor y un juego constante con luces, sombras y caras son la tónica predominante de este nuevo vídeo cargado de intensidad de Baroness. n

MondoSonoro · Abril 2010 /61/

mondomedia

CONEXIONES (www.diadelamusica.com). El ganador conseguirá un premio en metálico de mil quinientos euros y una entrada doble para el festival, además de convertirse en el creador de la imagen oficial del Día de la Música Heineken 2010. ! Coca-Cola Zero ha creado el concurso Rockland, una lucha en toda regla que se celebra sobre un ring de boxeo instalado en Pachá Madrid para encontrar a los nuevos talentos del rock español y en el que compiten treinta bandas de rock. El grupo ganador grabará un Ep con Sony/Warner y Fernando Montesinos. ! A principios de abril, www.yoox.com lanzará Clubland, un viaje virtual a través de las escenas de club más glamurosas de los setenta, ochenta y noventa, revisitando Studio 54 en Nueva York, Blitz en Londres y Plastic en Milán. Clubland presentará una selección de piezas one-off únicas inspiradas en la vida nocturna.

Raimundo Amador en la presentación del Fender G-DEC3 Foto Archivo

! A partir de ahora va a resultar casi imposible dejar de relacionar a La Bien Querida con la sanidad privada. ¿Por qué?

Porque su tema “9.6” ha sido elegido como sintonía para una campaña televisiva de Sanitas titulada “Cuando el cáncer aparece surge la unidad”.

! La entrega de los Laureus 2010, unos de los premios más prestigiosos del deporte, organizada en Abu Dhabi estuvo animada por el cantautor Mika. El libanés se presentó en el Emirates Palace en un Mercedes Benz con puertas de alas de gaviota y desde su entrada al final del espectáculo toda su actuación fue sorprendente. Mika hizo vibrar al público asistente y su famosa canción “Relax Take It Easy” hizo levantar de sus sillas a todos los miembros del auditorio. ! Los que todavía no se crean que Karl Lagerfeld se ha convertido en una suerte de estrella del rock deberían echar un vistazo al último capricho del diseñador: la camiseta de Karl Lagerfeld en colaboración con el street artist francés Poch, que retrata a Karl Lagerfeld y la titula “Last Rocker”. Pintada con graffiti como street art para un mayor impacto, las camisetas están disponibles para hombre y mujer en gris y rojo.

Además y por si eso fuera poco, Lagerfeld presenta también una línea de jeans en la que cuenta como modelo con Bruno, líder de la banda francesa Neïmo y Valentine, modelo y cantante ocasional de la banda británica The Big Pink.

! Absolut Vodka ha estrenado on line el documental del concierto benéfico de Jay-Z en el Madison Square Garden en homenaje a las víctimas del 11-S dirigido por el prestigioso fotógrafo y realizador Danny Clinch. Fue el pasado 22 de marzo en www.facebook.com/ABSOLUT.

! Te pongas lo que te pongas esta primavera-verano, combínalo con cuadros. Y, si son rojos, mucho mejor. Es la recomendación que te hace Levi’s y su línea S2010 Leeners Red Squares. Con denim o con chinos, los playsuits para mujer y las camisas para hombre a cuadros rojos de Lee son una apuesta ganadora por la moda.

! La marca de ropa, calzado y complementos Vans lanza una nueva serie protagonizada por una banda de rock. En este caso se trata de uno de los grupos más emblemáticos e importantes de la historia del punk, los británicos Sex Pistols.

La colección se inspira en la canción “God Save The Queen” y en las portadas de sus discos, e incluye diversas camisetas, pantalones, bermudas y un modelo de calzado en color verde y amarillo.

! Tras el éxito de la primera edición del concurso de carteles Día de la Música Heineken en 2009 se abre ya el plazo de inscripción de la edición 2010.

Las propuestas se pueden enviar antes del 5 de abril a través de la web oficial del Día de la Música

Dorian & Mendetz en el Día de la música Heineken 2009 Foto Nacho Ballesteros

! Fender se encuentra en plena campaña de promoción de su nueva apuesta en amplificación de guitarras, el Fender® G-DEC3 que supone el próximo paso en la continua evolución de la aclamada y muy exitosa serie de amplificadores G-DEC (siglas en inglés de: Centro de Entretenimiento de Guitarras Digital). Disponible en versiones de treinta y quince vatios, la serie G-DEC 3 da un excitante salto adelante en cuanto a tecnología y contenidos. La mayoría de sus cien presets y loops han sido creados por los mejores artistas y músicos de sesión proporcionando fidelidad en los sonidos propia de un amplificador del género; no se trata de un equipo de audio en general. Su presentación tuvo lugar el pasado mes de marzo en las oficinas de Fender de Villaviciosa de Odón con la presencia de Raimundo Amador, que se animó a tocar unos temas.

! Por tercer año consecutivo UFi (Unión Fonográfica Independiente) asistió a la feria internacional South By Southwest que tuvo lugar en Austin entre el 17 y el 21 de marzo, bajo el paraguas Sounds From Spain, y este año además ha cerrado un acuerdo con la AIE para facilitar el desplazamiento a otros grupos dentro del marco del Festival.

Russian Red & Sunday Drivers en el Día de la música Heineken 2009 Foto Nacho Ballesteros

En esta edición 2010 además de los conciertos que apoya la plataforma Sounds From Spain (Nudozurdo, Amaral, Los Planetas, The Unfinished Sympathy, Huecco y Tom Cary) han pasado por el festival The Right Ons y Delorean.

Vans Sex Pistols

! Arnette, la marca de gafas, patrocina la nueva edición del Suite Festival, que tendrá lugar en las salas Boite y Penélope de Madrid los días 15, 16 y 17 de abril y que contará con la presencia de, entre otros muchos grupos, White Rose Movement, Client, The Montesas, Nueva Vulcano y Stereo Total. "

MONDOWEB /62/ Abril 2010 · MondoSonoro

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Héroes por un día

La ciclogénesis de Hunter. S. Thompson (Luis Menéndez) Iba a ser el fin de semana marcado por la visita de la ciclogénesis, pero en realidad ha terminado resultando mucho más tranquilo de lo esperado. Y entre paseos, quehaceres domésticos, un poco (sólo un poco) de trabajo y quedadas varias, aún hubo tiempo para ponerme el documental “Gonzo. Vida y hazañas del Dr. Hunter S. Thompson”.

No es que el trabajo a la dirección de Alex Gibney resulte especialmente notable, pero el atractivo de una figura como la de Hunter S. Thompson y sobre todo la enorme cantidad de material de archivo protagonizado por el escritor y periodista gonzo -nos pasamos medio documental viéndolo empuñar y disparar armas de fuego de todo tipo, ametralladoras incluidas- hacen del título que acaba de publicar Versus una experiencia interesante. Una cosa que queda clara desde el inicio es que H.S.T. se convirtió desde sus años mozos en una celebridad que competía con los objetos de sus entrevistas y reportajes, buena parte de ellos musicales o que rayaban en lo musical. A menudo he escuchado opiniones que dejan el periodismo musical contemporáneo a la altura de la nadería más absoluta…Reivindican esa condición de periodista estrella y literario que representaron Thompson o Bangs, creadores de una mitología rock que ya no tiene mucho sentido en los tiempos que corren: lo dice hoy David Byrne en una entrevista, “los músicos actuales se drogan menos pero saben más de negocios”. Es la definitiva aniquilación del “vive rápido, muere joven y dejarás un bonito cadáver”. Debe ser por eso que a los

pocos ejemplos que aún quedan en nuestro país de la vieja guardia les dan por momentos ramalazos de divina y cargan sin decoro contra Animal Collective o cualquier otro nombre más o menos identificable del nuevo orden.

Su público, que es también el de Dylan y The Clash, debe de flipar en colores sin saber muy de qué coño les están hablando… Con estas, al periodista musical contemporáneo poco más le queda que ser todo lo instruido y leído posible, moverse con fluidez por el universo de referencias y bandas en el que se ha convertido la cosa musical en el siglo XXI y contar con cierto tirón y olfato a la hora de hacer nuestros textos mínimamente divertidos y diferentes de los del resto. Sobra decir que casi ninguno lo conseguimos…

Un, dos, tres, al escondite inglés

R.I.P. Corey Haim (Xavi S. Pons) Ayer fue un día triste para todos aquellos que crecimos viendo ciertas películas de los ochenta. El fallecimiento de Corey Haim, un actor que si bien no tiene una filmografía destacada, sí estuvo al menos en tres films capitales para entender el cine por y para teenagers que deja huella, nos dejó huérfanos de uno de nuestros juguetes rotos más queridos. Por esta razón mi blog está dedicado a cinco films donde el díscolo actor fue parte importante. ¹? kZcZh dXjaidhº Película icono para toda una generación, “Jóvenes ocultos” fue junto a la excelente “Los viajeros de la noche” (estrenada el mismo año, 1987) de la hoy tan de moda Kathryn Bigelow, un film que renovó la imaginería del género vampírico desde una órbita juvenil la

primera, y desde una brillante puesta en escena esteticista la segunda. Sobre la cinta de Joel Schumacher decir que la química entre los dos Coreys (el otro era Corey Feldman, el “bocazas” de “Los Goonies”) es increíble y que sus papeles como cazavampiros adolescentes improvisados son uno de los momentos más memorables del cine teen de los ochenta. Ni decir tiene que Stephanie Meyer tomó buena nota de “Jóvenes ocultos” y “Los viajeros de la noche” para crear la exitosa saga de “Crepúsculo”. ¹AjXVhº “Lucas” es una de las pocas comedias dramáticas juveniles de los ochenta que puede mirar de tú a tú al llorado John Hugues. Siguiendo la estela de “La chica de rosa” (ambas películas fueron estrenadas en 1986) la película de David Seltzer centra la atención en un Corey Haim casi niño que se enamora de Kerri Green (la inolvdable Andie de “Los Goonies”), una guapa animadora que a su vez está enamorada del mejor amigo de Haim, un apuesto adolescente interpretado por Charlie Sheen. El personaje de Lucas tiene el mismo carisma y emoción del Duckie de “La chica de rosa”, y la película es igual de emocionante y honesta que las mejores cintas de Hughes. Ojo que Winona Ryder aparece en uno de sus primeros papeles. ¹EVe{ 8VY^aaVXº Título de oro de la comedia teen ochentera y verdadero antecedente para cumbres indiscutibles del género de nuevo cuño, “Supersalidos” o “Colega ¿dónde está mi choche” le deben mucho, “Papá Cadillac” volvía a unir en la pantalla a los dos Coreys, que en esa época ya eran compañeros, fuera del plató, de farras interminables. La película era una especia de versión adolescente del “Jo que noche“ de Martin Scorsese y tenía a una jo-

EL 87% DE LOS LECTORES DE LA REVISTA TIENEN CLARO QUE LA NUEVA REDACTORA DE MONDOSONORO NO PODÍA SER DE OTRA MANERA

vencísima Heather Graham como protagonista femenina haciendo de la chica de los sueños de Corey Haim. ¹LViX]Zghº Subproducto de terror absolutamente trash a pesar de tener al grandísimo Michael Ironside como co-protagonista, “Watchers” es una de esas películas que recuerdas con cierto cariño, eso sí, cuando la vuelves a ver de mayor te das cuenta de lo mala que era. A pesar de eso, ver a Corey Haim perseguido por un monstruo de cartón piedra no tiene precio, y sólo por eso ya merece ser vista. “Watchers” se acabó convirtiendo en una saga cutre de terror que tuvo algunas entregas más. ¹8gVc` 'º Mucho se había hablado de la vuelta de Corey Haim al cine tras su exitoso paso por el reality norteamericano que bajo el nombre de “The Two Coreys”, juntó en la pequeña pantalla a Haim y Feldman. Fruto de ese éxito Mark Neveldine y Brian Taylor, decidieron darle un papel en la segunda parte de “Crank”, una acelerada y divertidísima película de acción pasadísima de vueltas protagonizada por el enorme Jason Statham. La aparición de Haim en el film es estelar como podréis comprobar. "

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