MondoSonoro abril 2017

FOTO: GUSTAFF CHOOS

Residente La búsqueda

Future Islands Todo corazón

$kydrvg Nueva generación

TXARANGO, SOZIEDAD ALKOHOLIKA, ZOO, CRUDO PIMENTO, THE SHINS, AMPARANOIA, PLACEBO SPOON, JOAN MIQUEL OLIVER, RAYDEN, RIOT PROPAGANDA, L.A., THE JESUS AND MARY CHAIN

Nº 249 Abril 2017 www.mondosonoro.com

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abril 2017 #3

Julio 13 | 14 | 15 | 16 Benicàssim

FOALS · LOS PLANETAS DEADMAU5 CRYSTAL FIGHTERS STORMZY | LOVE OF LESBIAN LIAM GALLAGHER | BONOBO | RIDE COURTEENERS | KAYTRANADA | DUA LIPA PETER DOHERTY | BLOSSOMS | MURA MASA (LIVE)

SLAVES | JAMES VINCENT MCMORROW | KALEO TYLER, THE CREATOR | SURFIN’ BICHOS | RÜFÜS | PIONAL BELAKO | DECLAN MCKENNA | THEME PARK | PEAKING LIGHTS TWIN PEAKS | MYKKI BLANCO | SUNFLOWER BEAN | MOURN y muchos más…

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5/Mondo freako “Voy a dejar de producir a raperos.

Quiero dedicarme a hacer mi música y ya está”

Pablo de Echave, más conocido artísticamente como $kyhook, es uno de los nuevos productores con más talento de nuestro país. El beatmaker zaragozano publica ahora ViA DIGITAL ($kydrvg 2.0), nuevamente junto a Pedro Ladroga.

R

esultaría fácil para $kyhook (nacido Pablo de Echave en 1994) sacar pecho y llenarse la boca diciendo que ha conseguido ser uno de los pocos productores con un sonido propio capaz de situarse al mismo nivel que los MC’s con los que colabora. Tampoco sería raro que se auto-alabara por esa piedra de toque que fue su SKYDRVG 1.0 (Autoeditado, 14) junto con Pedro Ladroga, referencia que sirvió para pavimentar el sonido actual y, si apuramos, el futuro. En su lugar, nos enseña su casa sin un atisbo de prepotencia, prefiere contarnos anécdotas relacionadas con su música, desde que la ventana de su cuarto sirvió de inspiración para hacer el tema Win2Drug a que esos bloques que observamos desde su balcón aparecen en

sus clips improvisados con una cámara VHS. ¿Y a qué viene esta visita? Tras el rotundo epé $kydrvg Season que vio la luz hace un año, lanza la versión 2.0, también conocida como ViA DIGITAL. Qué mejor oportunidad para saber más de este beatmaker zaragozano y desgranar su sonido.

El proceso de creación musical debe ser muy distinto al de la escritura, ¿también tienes en cuenta las imágenes a la hora de crear beats? Me vienen imágenes ya cuando plasmo un sonido, más que al revés. La música es algo que tienes en la cabeza que no sabes que está ahí, dejo que la música hable por sí sola. Noto cuando una canción transmite o no… aunque luego digo ‘mierda, ¿qué estaba pensando

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$kyhook, talento del presente

cuando la hice?’ (risas). También me gusta hacer música al revés. Cuando estoy mal no hago música triste, intento hacer música alegre y eso me activa y cuando estoy tranquilamente puedo hacer algo más oscuro. Para mí la música es como terapia, un rato que te puedes sentar y no pensar en nada.

Como hacer deporte o jugar a videojuegos, pero aquí haces algo productivo aunque no te tenga por qué salir un producto.

Este último tiempo has tenido mucho trabajo, además de esta referencia, has sacado Skytourist (2016) con A. Tourist, Skyrich (2017) junto a Rico Snchez, la colaboración con Rels B que en mes y medio ya lleva casi dos millones y medio de reproducciones en Youtube… ¿Cuando creas lo haces pensando en alguien o vas componiendo y luego limas aristas dependiendo de la colaboración?

Depende, hay veces que nos juntamos para hacer música. Si estás con alguien en la habitación es mucho más fácil que esa canción acabe para él, y hay

3 abril 2017 #5

PROTAGONISTAS

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veces que me jode porque piensas ‘esto le pegaría más a otro pero éste ya ha empezado a escribirla…’. A Pedro es a quien le paso casi todo, es como el filtro, y coge casi siempre las que menos me molan, lo cual me viene bien también. Las más raras que igual no iba a coger nadie, con Pedro puedo darles salida, porque hay cosas muy raras…

De todas estas producciones mencionadas las que más me han sorprendido han sido las del Skytourist con ese rollo casi, no sé cómo llamarlo, ‘oriental’ Sí, suena un poco más japo, ¿verdad?

Skytourist es el trabajo que he hecho que menos pensado está, no por nada, el Tourist ha ido cogiendo esos ritmos y estos otros y al final encajan, pero para mí son más diferentes.

La forma de rapear de Rico Snchez es muy distinta de la de Ladroga, tendrías que adaptarte a sus particularidades.

Con Rico hicimos más trabajo continuo o me traía un sample y a partir de ahí yo me hacía algo… Este ViA DIGITAL tiene dos años, el tema de Nadie como yo es el último que hicimos que suena más nuevecillo, el resto son superviejos. Se me jodió primero el disco duro, luego se me jodió el ordenador cuando ya estaba recuperando todo y no tenía pasta para otro disco duro y volví a perderlo y ya caí en depresión (risas). Hay temas que están rehechos tres veces.

Teniendo en cuenta lo ‘viejos’ que son estos temas, lo próximo que saques, ¿va a ser muy distinto?

Voy a dejar de producir a raperos.

Con Pedro y tal guay, pero no me voy a meter a hacer más trabajos de momento. Quiero dedicarme a hacer mi música y ya está.

Más estilo colectivo Withered (de música electrónica) del que también formas parte… Estás haciendo el camino contrario al de mucha gente que empezó a producir electrónica y vio que la pasta estaba en el rap. Me refiero a nivel global, no estatal.

No es por dinero, pero cansa currar con otras personas, por mucho que te valoren. Es un poco desquiciante a veces, aunque ahora la peña está concienciada del papel de los productores.

Y es que yo no escucho mucho rap tampoco. Estoy en otras cosas. Cuando me aburra volveré a hacer un disco de rap y ya está. —sergio marqueta

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#6 abril 2017

char un vistazo al pasado de Pedro Ladroga (Sevilla, 1994), supone imaginar un niño de creatividad desbocada que se crió entre la calle y la consola.

El mismo que con quince años (2008-2009), formaría un colectivo en compañía de Nerbi Galgo, AcidoP y Bloody Shao llamado LaDrogaLab. Así, lo que empezó como un grupo, ha terminado siendo un netlabel de corte experimental y fondo ciberpunk, en el que Pedro desarrolló más de cincuenta trabajos y abrió las puertas a $kyhook (Zaragoza, 1994).

Si la hiperactividad y calidad creativa de Pedro llama la atención, la del productor zaragozano no es para menos.

En el 2012, comenzó a producir rap y electrónica para, el año pasado, dar rienda suelta a su independencia y formar el colectivo Withered, cuya intención es lograr que las mentes “entiendan que el mundo está marchito, que tras la muerte y la destrucción hay también belleza, quizás la belleza más natural de todas”.

Así las cosas, nada anodino podía resultar de semejante pareja, ni siquiera la portada de su tercer trabajo juntos ViA DIGITAL que puede servirnos de clave interpretativa ante su vinculación $kydrvg. En ella se nos muestra un retrato de dos niños felizmente enganchados a la tele por cable, mientras la decadencia se levanta a su alrededor. Podríamos traducirlo como la unión de dos universos tan propios como paralelos que se unen para generar un sonido singular al margen de la tendencia y lo clásico. Si bien este ejercicio se nos podría antojar como un trasteo con el trap, el space hop, el vaporwave e incluso el glitchpop. Tan solo con escuchar su último trabajo y la loca sincronía que lo gobierna, caemos en la cuenta de que no hay trastos a la vista, únicamente un artefacto tan experimental como pulido que los establece como imprescindibles del género. —manuel jubera

Pedro LaDroga “Mi música soy yo, y yo soy mi música.

Nunca he intentado ni pretendido nada”

El sevillano lleva un tiempo marcando a fuego su nombre en la actualidad de la nueva generación rap. Esta vez aprovechamos para entrevistarle como cincuenta por ciento de $kydrug y de su VíA DIGITAL.

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ontradicciones son síntomas de inteligencia” es una frase que Kase O entona desde el 2011 y que inevitablemente se hace presente al escuchar a Pedro LaDroga cantar o decir eso de: “No tengo idea de nada… de todo un poco, pero de nada.

Sigo siendo el mismo pero cada día soy otro diferente, todo está en constante transformación”. Y es que las paradojas no se acaban ahí, empezando por una estética “súper trashy y sucia porque no tenemos tantos medios y es todo autodidacta. Si no, sería igualmente trashy, pero con más clase. […] Queremos que sea exactamente como nos gusta: distorsionado, puro y asqueroso. Eso es todo, porque cuando escuchas música ves cosas, y cada uno ve lo que quiere y puede”.

También podemos descubrir algo de eso en su complejo concepto de futuro rebobinable o retrofuturo que “influye directamente en todo lo que hago, porque forma parte de mí. No recuerdo nada, pero recuerdo cosas que veía en Vía Digital –pirateada, por supuesto- con cuatro o cinco años. No sé, cierro los ojos y veo ese retrofuturo. Soy otro tipo de energía, no tengo procesos, voy libre”.

El sevillano logra construir de la mano de $kyhook VíA DIGITAL, uno de los trabajos más compactos, innovadores y honestos del momento. “Pues mi música soy yo, y yo soy mi música. Nunca he intentado ni pretendido nada. He hecho y dicho lo que he visto, vivido, pensado y me han contado. He hecho lo que quería escuchar”. Ante un escenario semejante donde parece que únicamente gobierna la relatividad, ¿qué patrón podríamos establecer? “Ese sonido que te roza como el vapor del agua de la ducha”, nos comenta permitiéndonos encontrar la respuesta.

“Es una sensación-emoción-nostalgia que se puede conseguir de mil formas diferentes, no solo con el sonido. Que el vaporwave sea una crítica al capitalismo… pues vale. Aun así, seguimos usando miles de referencias a cosas que hemos robado, comprado y heredado porque nos flipan. Al final, todo se contradice. No sé por qué la gente se esfuerza tanto en buscarle una explicación a las cosas en vez de disfrutarlas”.

—manuel jubera

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FOTO: YAHWT

MONDO FREAKO

Hay quién prefiere canalizar su descontento a través de una rabia vacía que se queda en pataleta. Txarango son de los que prefieren llevar su balie a los necesitados para hablar con sus acciones. Su tercer largo, El cor de la terra (Discmedi, 17), más todo lo que le rodea así lo demuestra.

M

e vais a tener que perdonar, pero empezar este artículo volviendo a enumerar los motivos que han llevado a Txarango a ser una de las bandas más populares de la escena catalana, me resulta una obviedad tan cansina como innecesaria. A la banda nadie le ha regalado nada, y su éxito es proporcional a la profesionalidad y al talento que demuestran a la hora de desplegar su bazas más infalibles. Las que están basadas en el baile, la fiesta, la verbena y la alegría que transmiten a través de sus letras y su encomiable actitud vital frente a los desafíos que nos impone la vida. Un estado de ánimo contagioso y viral, que mantienen intacto en El cor de la terra, su tercer álbum, cuya novedad más evidente en

LA GIRA l Villarrobledo 28-30 de abril. Viña Rock. l Barcelona 12 de mayo. Cruïlla Primavera. l Selva del Camp 2 de junio. Párquing de l’institut. l Bilbao 3 de junio. Kafe Antzokia. l Inca (Mallorca) 10 de junio. Quarter General Luque. l Sant Joan de Les Abadesses 24 de junio. Clownia Festival. l Valencia 30 de junio. Jardines de Viveros. l Canet 1 de julio. Canet Rock. l Cádiz 6-8 de julio. Cabo de Plata. l Barcelona 8 de julio. Cruïlla BCN. l Castellón 1-6 de agosto. Arenal Sound.

FOTO: BERNAT ALMIRALL

Txarango, embajadores de la alegría

“Nosotros nunca hemos politizado las letras s, de nuestras cancione y lo que hemos decidido es politizar nuestras acciones”

lo musical sería el excelente tratamiento que le han dado a la sección de vientos, mucho más potente de lo que había sido hasta la fecha. (Alguer Miquel, cantante) “Cierto, queríamos mejorar el sonido de los vientos, porque pensábamos que en los dos discos anteriores quedaba muy sintético. Lo que hemos hecho ha sido grabarlos a todos juntos y en directo, en lugar de hacerlo pista por pista como habíamos hecho siempre. Y por eso tiene esa sonoridad a la que te refieres”. El resto no llama a engaños. Es ese sonido de la banda en estado puro que tan reconocible resulta desde la primera escucha con sus coordenadas de positivismo y buen rollo intactas. Una exaltación de la alegría que, paradojas de la vida, les ha proporcionado la oportunidad de cambiar la tristeza y el dolor más terrible que se concentra hoy en Europa en una pequeña llama para la esperanza. La misma Malegría de la que nos hablaba Manu Chao en su Clandestino (1998), piedra filosofal del mestizaje Mediterráneo.

No se puede entender el corazón de Txarango en la actualidad sin pensar en las diferentes visitas que han realizado para tocar en los campos de refugiados en Grecia, la Palestina ocupada o esa África siempre necesitada. “Hemos podido ir a todos esos lugares porque nuestra música es alegre y hace bailar, y eso allí era una verdadera bomba. El hecho de que la gente se lo pasara bien y bailara generaba un ambiente tan mágico que hace plantearte que, si ahora nosotros nos pusiéramos a cantar sobre cosas tristes, ¿qué iríamos hacer allí? Nuestro papel era otro. Por eso al principio sí que nos asustamos un poco, porque nos estaba saliendo todo muy pesado, muy triste y lento, pero al final hemos construido un disco al que hemos conseguido darle la vuelta y levantarlo”. Todas esas diversas experiencias vividas han moldeado, aún más, la conciencia política y social del grupo catalán. “Nosotros nunca hemos politizado las letras de nuestras canciones, y lo que hemos decidido es politizar nuestras acciones, porque en el fondo no lo entendemos de otra forma. Nuestra música habla de reconstruir las cosas juntos y de celebrar la vida tocando temas universales. Eso hace que mucha gente se acerque a Txarango y que después se encuentren con la esencia de lo realmente importante, que es la responsabilidad de cómo y dónde participas”. —don disturbios

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Una canción, una causa

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emos entendido que nuestra música tenía que servir para todavía más y, como siempre, hemos buscado vías para ver cómo podíamos usar nuestra música para construir y para incidir socialmente. Se nos ocurrió que podíamos ceder el cincuenta por ciento de los derechos de cada canción del disco a un colectivo que nos represente, a toda una serie de colectivos con los que ya hemos hecho cosas a lo largo de los últimos años.

Por ejemplo, los derechos del primer single (Una lluna a l’aigua) van destinados a la Plataforma de los Afectados por la Hipoteca, un colectivo que aboga por recuperar edificios y dar vivienda social a gente que no tiene.

E igual que a la PAH, hemos elegido catorce colectivos que recibirán parte del dinero que generará este disco. Por eso mismo vamos a ir pre-

sentando las canciones una a una a través de nuestra web, porque pensamos que es importante que la gente que se acerque a Txarango como grupo, lo haga también a organizaciones como la PAH o la Plataforma ‘Cerremos los CIES’ o a la gente de Human Supporters, que es el colectivo que nos acogió en Palestina y se dedica a dar apoyo psicológico a los niños que crecen en territorio ocupado. Sin duda todo esto hace que este disco todavía sea más especial”.

Colectivos de El cor de la terra PAH, Unitat contra el racisme i el feixisme, Tanquem els CIE, Fundació MAP, Human Supporters, Fundació Esperanzah, Fundació Maresme, Pallasos en Rebeldía, Eko Comunity, Pro activa open arms, El Cor Safari, Hospital Sant Joan de Déu, El Banc dels aliments, Stop mare mortum

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abril 2017 #7

MONDO FREAKO

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roducido por su guitarrista Jimmy, Sistema Antisocial se grabó en Gardelegi Studios (País Vasco), Your Sound Recording Studio (CAT) y Antfarm Studio (DK).

Han tardado lo suyo, pero la espera ha merecido la pena, y es que, como nos cuenta Juan, vocalista de la banda, la lesión de Roberto, batería hasta 2013-14, les dejó “un poco descolocados. Desde hace un par de años ya teníamos muchas canciones con la parte musical muy avanzadas y bastantes letras, pero hemos tenido que esperar a que los planetas se alineen”. Por suerte, Alfred Beregena, el nuevo batería parece haberse adaptado perfectamente a su puesto. “Es un monstruo y en este disco lo ha vuelto a demostrar. Roberto sigue peleando contra la lesión que le apartó de la batería, y es un titán porque ha asumido todo con muchísima entereza”.

Duros, precisos y con ese sonido robusto tan contundente que caracteriza sus últimos trabajos, Causas podridas, Cuentas pendientes, Más ruinas (“intro de sitar incluido, nos pusimos un poco espirituales jaja”) o Farmacocracia son auténticas obras maestras. Las baterías suenan nítidas, las canciones fluyen y son ideales, además de para gritar y hacer pogo, para escucharlas con unos buenos cascos.

En el apartado de colaboraciones, Policías en acción cuenta con el vozarrón de Mark ‘Barney’ Greenway (Napalm Death), a quien “conocemos desde que empezamos. Somos unos fans acérrimos de Napalm (seguramente es uno de los grupos que más veces he visto en directo) y la verdad que a su lado parezco un niño de San Ildefonso (risas)”.

También incluyen bastantes temas cortos y veloces como Fugitivos, Resurgir, la ya mencionada Policías en acción, Siervo de derechas, etcétera. Y es que a los gasteiztarras les “gustan bastante los temas directos y cortos, y sin demasiada floritura, aunque eso no quita que en un momento dado nos liemos la manta a la cabeza o intentemos hacer partes algo más complejas si el tema lo pide”. En esa línea de temas frenéticos está también Alkohol. “Somos Soziedad Alkoholika, somos vascos, nos gusta mucho comer y nos gusta mucho beber, y aun no habíamos dedicado ninguna al alcohol”.

En todo caso, la denuncia social y política continúa siendo protagonista, como en No olvidamos, 3 de marzo, que además

#8 abril 2017

LA GIRA l Igorre (Bizkaia) 14 de abril. Gate Akelarrea. l Villarrobledo 28 de abril. Viña Rock. l Oviedo 5 de mayo. Otero Brutal Fest. l Ponferrada 6 de mayo. Sala La Vaca. l Rivas Vaciamadrid 13 de mayo. Rivas Rock Festival. l Iruña 27 de mayo. Iruña Rock. l Comillas 10 de junio. Beltane Fest IV. l Santa Coloma de Gramanet 30 de junio. Rock Fest BCN. l Viveiro (Lugo) 5 de julio. Resurrection Fest.

es el primer videoclip del disco. Juan apunta a que “Lo del estado español y su amparo a los crímenes fascistas de la dictadura es una vergüenza. Allí estaban reunidas unas 6.000 personas de la clase trabajadora y la lluvia de balas fue indiscriminada”.

Para lanzar Sistema Antisocial, han vuelto a cambiar de discográfica, yéndose esta vez a Maldito Records. “Nos transmitieron pasión por su trabajo y ganas de hacer las cosas bien. Creemos

“Los atropellos contra la libertad de expresión y opinión son perpetuados en el estado español”

Soziedad Alkoholika Viento de libertad

que es gente con fundamento”. Algunas cosas han cambiado, otras continúan igual. Como esa censura que siempre ha sido una constante alrededor del grupo, por lo menos desde el cambio de siglo. Y lo que más sorprende es que, desgraciadamente, es un asunto que ahora mismo está muy a la orden del día. En ese sentido, su opinión está muy clara. “Los atropellos contra la libertad de expresión y opinión son perpetuados en el estado español. Hasta hace poco esto era casi patrimonio exclusivo de los vascos, el ser criminalizados y censurados por sus ideas o por su ideología. El enemigo se ha extendido a todos los que ideológicamente estén contra las ideas que defiende el PP, y ahora los montajes tanto periodísticos como policiales los están sufriendo también en España, como hemos visto en el caso de los titiriteros, de Cesar Strawberry, etcétera.

Cualquiera que moleste, que no piense como ellos o que critique al poder puede ser su víctima y de su dictadura encubierta. Mucho me temo que, al ritmo que llevan, a este paso el bueno de Mariano Muniesa (nota: periodista que publicó en 2013 el libro La Caza de Brujas. Censura y persecución contra el rock vasco) a este paso va a tener material para escribir una enciclopedia sobre la censura y la persecución ideológica y cultural”.

—urko ansa

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FOTO: ARCHIVO

Sistema Antisocial (Maldito, 17) es poderoso y lo más impactante de la banda en muchos años. Si te gusta el metal de sonido corpulento, rudo y compacto, los S.A. de ahora mismo son la respuesta.

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ORBITAL FOTO: ARCHIVO

La séptima edición del madrileño Dcode, a celebrar el próximo 9 de septiembre en el Campus de la Universidad Complutense de Madrid, anunció hace unas semanas que iba a contar con la presencia de Interpol, Band Of Horses, The Kooks, Milky Chance y Carlos Sadness. Hasta ahí ya estábais informados, pero se ha dado a conocer ya una segunda tanda de actuaciones que combinan nombres nacionales e internacionales.

Entre los nacionales están Miss Caffeina, Iván Ferreiro, Maga, Exquirla, Varry Brava, Holy Bouncer y los Dj’s Yall y Elyella. En cuanto a la plantilla internacional, se suman Liam Gallagher, Charli XCX y La Femme, además de un artista sorpresa que se desvelará en unas semanas. MS www.dcodefest.com

DEADMAU5 FOTO: ARCHIVO

Se amplía el cartel del Dcode

Deadmau5 entre los confirmados del FIB Ya os hemos informado antes de que la próxima edición del FIB se llevará a cabo los días 13 a 16 de julio en Benicàssim, y que Red Hot Chili Peppers, The Weekend y Kasabian están entre los cabezas de cartel.

Bien, pues hay novedades. Por un lado, se suma en la parte alta de la parrilla Deadmau5, uno de los grandes nombres de la electrónica popular actual. Otros nombres conocidos que se han anunciado son Crystal Fighters, Pete Doherty o James Vincent McMorrow. Por lo que respecta a nombres españoles, la nueva lista va de Love Of Lesbian a Belako. MS www.fiberbib.com

The Horrors y Goldfrapp, novedades del Tomavistas Más nombres para el WAM Festival Llegan más novedades para el WAM Estrella de Levante. El festival confirma en el apartado internacional a Orbital, Future Islands, Trentemøller o Samonik. Ahora bien, también ha habido una tercera tanda de nombres nacionales que incluyen a nombres tan variopintos como los de La Habitación Roja, Sr. Chinarro, La Bien Querida y Josele Santiago en formato acústico, Noise Box, Ojete Calor, Joe Crepúsculo, Lidia Damunt...

Todos ellos se suman a un cartel que cuenta además con White Lies, Lori Meyers, Belako, Delorean, Niños Mutantes y muchos más.

Os recordamos que el WAM se celebrará en Murcia durante los días 2 a 7 de mayo. MS www.wammurcia.es

Nace el Monkey Weekend Desde que anunciaron su traslado a Sevilla, los organizadores del Monkey Week dejaron claro que no cerraban la puerta a recuperar de alguna manera esa particular cita de la industria musical en el Puerto de Santa María. Pues dicho y hecho. El Monkey Weeekend se presenta como esa primera escapada veraniega en busca de la brisa gaditana. Será los días 16 y 17 de junio en distintos espacios de la ciudad y actuarán artistas como All La Glory, Bejo, Betunizer, Cabezafuego, Cuello, Fiera, Kaixo, Pedro Ladroga, Rosalía & Refree o Za!, entre muchos otros. Por otro lado, el Monkey Week se celebrará en octubre de este mismo año. MS www.monkeyweek.org

El festival Tomavistas confirmó hace unos días a Goldfrapp como cabeza de cartel para su edición de este año, que se celebrará del 19 al 21 de mayo en el parque Enrique Tierno Galván de Madrid. Tras siete años sin pisar nuestro país, podremos disfrutar de su directo presentando su nuevo álbum, Silver Eye, que salió a la venta el 31 de marzo. Pero el abanico de novedades es muy amplio y abarca desde los británicos The Horrors a los estadounidenses Hercules & Love Affair, pasando por The Big Moon, Lori Meyers, Mourn, Morgan, Svper, Aries, Como Vivir en el Campo, Suuns, L.A., C. Tangana, León Benavente, Los Bengala, My Expansive Awareness o Pavvla. MS www.tomavistasfestival.com

Bilbao BBK añade más nombres El festival Bilbao BBK Live ha presentado ya la distribución de sus artistas por días y continúa añadiendo nombres a un cartel al que poco le falta para completarse. El festival, que tendrá lugar los próximos 6, 7 y 8 de julio en Kobetamendi (Bilbao), suma diecisiete nuevas bandas y cinco DJ’s entre los que destacan nombres internacionales como Cage The Elephant, Spoon, Jessy Lanza, Circa Waves o The Lemon Twigs. Lo nacional tampoco se queda atrás: desde Xoel López a Anímic, pasando por Biznaga, Los Bengala y Kokoshca. La lista la completan, entre otros, Austra, Gus Gus, The Orwells o Carla Morrison. Todos ellos se suman a puntas de lanza del cartel como Depeche Mode, The Killers o Die Antwoord. MS www.bilbaobbk.com

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Los. CONCIERTOS. de mi Vida.

Sebas Puente (Tachenko) La banda aragonesa Tachenko acaba de publicar Misterios de la canción ligera (Limbo Starr, 17), un trabajo en el que interpretan sus clásicos en formato dúo. Aprovechando que participarán en los directos de SON Estrella Galicia, le preguntamos a Sebas Puente sobre los conciertos que le han marcado.

El primer concierto al que asistí Fui a ver a Therapy? cuando sacaron Troublegum, a la sala En Bruto, en Zaragoza. Tenía quince años y casi no me dejan entrar, pero mis amigos y yo, que ya teníamos la entrada desde hacía días, prometimos no beber nada de alcohol. Una vez terminado el concierto nos pillaron con una triste lata de cerveza y nos echaron; he de decir que muy amablemente.

El peor concierto al que he asistido nunca No creo que fuera el peor, soy muy respetuoso con eso: pero viendo a The Cure en la sala Multiusos (otra vez, Zaragoza) me aburrí como una ostra. Hoy me hubiese ido, pero en ese momento pensaba que “había que verlo hasta el final”. En realidad, no había ninguna necesidad.

El último concierto al que he ido Fue el festival por el 17º Aniversario de La Lata de Bombillas. Tocaron, entre otros, The New Raemon & McEnroe, Chucho, Nueva Vulcano, Toy, Hidrogenesse, Sheriff y Da. Cuando se publique esto ya habré visto a The Sadies.

El mejor concierto que he visto en mi vida Tendría que elegir entre Yo La Tengo en Apolo (Barcelona), Wilco en la sala Oasis (Zgz), la primera vez que vi a The Posies (también en Oasis), o la primera vez que vi a The Flaming Lips y Mercury Rev (FIB, 2001). Tirando para casa, tengo que mencionar el festival Shaman, en Zaragoza, con Los Planetas, El Niño Gusano, y Manta Ray (Nacho Vegas incluido, a los mandos del theremin). Aquello fue una cuestión de aprendizaje. MS

Los directos de SON Estrella Galicia Teatro Barceló, Madrid Voces Femeninas (Austra + PIXX) / 6 abril Café & Pop Torqal, Ourense The Paperhead / 6 de abril Steve Gunn / 28 abril Mardi Gras, Coruña Sensacional / 7 abril Loco Club, Valencia The Limboos / 7 abril

Le Club, A Coruña Uli Jon Roth / 14 abril El Sol, Madrid Uli Jon Roth / 16 abril Talisco / 26 abril The Fuzztones / 29 abril Teatro del Arte, Madrid Voces Femeninas (Françoiz Breut) / 18 abril Voces Femeninas (María Arnal i Marcel Bagés) / 27 abril BeGun / 28 abril

Teatro Lara, Madrid Voces Femeninas (Lisa Hannigan) / 19 abril Lemon Rock, Granada Tachenko / 20 abril Café Berlín, Madrid Sensacional / 21 abril Garrufa, Coruña The Soul Jacket / 29 abril La Riviera Madrid The Jesus and Mary Chain / 30 abril

abril 2017 #9

Spoon también E bailan

FOTO: ZACKERY MICHAEL

“Antes se entablaba una relación más a” profunda con el artist

LA MÍA

Sin confrontación

V

ivimos en tiempos convulsos, sí, pero sobre todo crispados.

Tiempos en los que los haters campan a sus anchas sintiéndose incluso orgullosos de su propia y publicitada estupidez, tiempos en los que se da poca cancha a los lazos y a los nexos que nos unen emocional, grupal o creativamente. En muchos ámbitos hemos pasado de la unión hace la fuerza a lo mío es mío y lo tuyo es una mierda pinchada en un palo. Y claro, así nos luce el pelo. ¿De qué nos está hablando este tipo, se preguntarán algunos? Pues de música, como viene siendo mi costumbre desde hace unos años. El caso es que el otro día andaba dándole vueltas al odio generado en redes sociales entre los detractores y los partidarios de aquello que conocemos como el trap español, aunque en el fondo muchos encajen bajo esa etiqueta propuestas distintas que

Hot Thoughts (Matador/Popstock!, 17), noveno álbum de la inquieta banda de Austin, es un brillante festín de pop rítmico e imaginativo, que supone su vuelta a su sello original, Matador. Conversamos con su líder, Britt Daniel, en un hotel de Madrid.

spigado, pálido y vestido de negro riguroso, el fundador de Spoon se sobrepone a los estragos de la promoción. La ocasión lo merece, porque Hot Thoughts, con su misteriosa portada –“preciosa y grotesca a la vez”, como la define Daniel-, y esa calavera multicolor obra de una amiga se beneficia de su buen momento personal y la química de una banda en plenitud. Spoon han sabido prolongar los aciertos de They Want My Soul. “Ha habido periodos en los que he pensado de forma retrospectiva: ‘Eso estaba muy bien’, pero siempre era a posteriori, mientras que esta vez lo pensaba cuando estábamos en ello.

Creo que es algo bastante raro”.

En tiempos en los que una parte sustancial del mainstream es patético, Spoon son accesibles y raros. O viceversa. ¿Cómo lo hacen? “Es un buen truco, ¿verdad? (se ríe). No tengo ni idea. Creo que es porque empezamos por los acordes y las melodías de voz. La gente responde emocionalmente a eso en primer lugar. En el último año he leído un montón de citas de David Bowie, y una de ellas decía algo así como que ‘todo lo que quiero está en los acordes y las melodías de voz’. Todo. Y sé de qué está hablando porque yo lo veo igual”. Daniel sostiene que más de #10 abril 2017

veinte años después de su debut, no es más fácil encarar un nuevo disco. “Al principio, no estás muy seguro. Piensas: ‘bueno, no está mal’, y luego progresivamente vas mejorando, te metes en tu papel y recuerdas cómo se hace. Pero aunque sea más sencillo por la experiencia acumulada, sigue siendo arduo”. Ahondando en su método de trabajo, Daniel destaca la complicidad que ha vuelto a darse nuevamente con el productor Dave Fridmann (Mercury Rev, Tame Impala) y el resto del grupo.

El de Austin es críptico cuando define, tras un largo silencio, la inspiración para su nueva colección de canciones: “Me sentí en un buen lugar, en un momento muy positivo. Saqué de mi vida a algunas personas que me habían causado mucha incertidumbre y ambigüedad. En el momento en que se fueron, me quité un gran peso de encima”. Terminamos haciendo balance de una carrera de fondo que se ha acelerado en la última década. Daniel destaca su determinación. “No conozco muchos grupos que no tuvieran éxito durante tanto tiempo, doce años, y en un momento dado fueran capaces de cambiar las tornas, así que me siento realmente afortunado de estar donde estamos”. Nostalgia, la justa. De los ya lejanos

noventa, Daniel dice con mezcla de sorna y preocupación que sólo echa de menos al Presidente (el simpático Bill Clinton) y el hecho de que la gente comprara discos en vinilo, CD o cassette, claro. “No quiero decir que Spotify esté mal, yo lo uso cuando necesito saber algo rápidamente, pero me parece que la gente se está perdiendo algo de aquellos días en que no había acceso ilimitado a la música.

Recuerdo que en el instituto tenía sólo seis discos (U2, Tears For Fears, Prince y The Art Of Noise, entre ellos) y los machacaba. Se entablaba una relación más profunda con el artista”. Como sucede con el directo: Daniel está feliz ante la gira que les espera, incluyendo la próxima edición del Mad Cool.

“Para mí sigue siendo la parte más divertida de todo esto. Cuando terminamos el último tour, me vine muy abajo. Me encanta tocar”.

Y se nota.

—josé carlos peña

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Hot Thoughts

Matador/Popstock!, 2017 Pop-Rock 9/10

JOAN S. LUNA EN UNO DE SUS MÚLTIPLES VIAJES

únicamente comparten algunos aspectos (influencia estadounidense, Youtube, lanzamiento continuo de material...) y que van del nuevo rap al reggaetón atlantizado. Desgraciadamente es una lucha en la que todos se creen mejores que los demás, en los que se rasca poco y se acude a los tópicos más obvios. Supongo que será porque siempre he sido más de sumar y de escuchar, que de restar y erigirme en profeta en la república independiente de mi ombligo. Quizás por ello no entiendo cuando, en un extremo de la balanza, escucho a unos despreciar a casi una generación entera y ventilársela sin caer en la cuenta de que, como siempre, entre la paja también hay bastante grano. Será por eso que me repatea el estómago escuchar, en el otro extremo, a artistas con mucho que demostrar todavía resumiendo dos décadas de rap nacional en un par de improperios dignos solamente de un chiquillo malcriado al que todavía no le ha caído el peso de la realidad encima. Tan gris y triste veo una actitud como la otra, porque lo que de verdad me gustaría –y el tiempo me dará la razón, no lo dudo- es que todo se normalice y los que estamos en medio seamos conscientes de que rap y trap no están enfrentados (sino que pueden ser perfectamente compatibles e incluso complementarios), de que no hay rap de viejos y rap de niñatos (sino buen rap y mal rap). —joan s. luna

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“

Crudo Pimento Algunos festivales nos ven como a perros verdes” El dúo murciano Crudo Pimento sigue nuevamente su propio camino, virando hacia lugares inesperados. La prueba es Teleiste Mouska (Everlasting/Popstock!, 17).

T

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Teleiste Mouska Everlasting/ Popstock!, 2017 Rock 8/10

FOTO: DIEGO MONTANA

ras pasar varios días atrapados en los surcos de Teleiste Mouska, quedamos con sus autores en las oficinas del sello Everlasting para que nos cuenten cómo han pergeñado este artefacto contenedor de una riqueza sonora y un ingenio lírico de los que dejan turulato al oyente incauto. El dúo murciano acaba de terminar una entrevista, revisa algunas publicaciones recientes sobre el primer adelanto, Pesadilla Rara, y hay algo que les llama poderosamente la atención. “¿Que es nuestra canción más pop? ¡No tenemos ni puta idea de a qué se refieren!”.

No es fácil ni conveniente intentar etiquetar la música de Crudo Pimento, y menos en singular, pues son tantas las músicas que suenan en su cabeza que resultan incontenibles, estallando en un caos perfecto en el que puedes identificar mil y una fuentes de inspiración de todas las épocas y de todas las latitudes planetarias imaginables, interpretadas además con los instrumentos que ellos mismos construyen. Más de uno lo ha llamado frikismo, pero lo que transmiten es conocimiento, espíritu aventurero y por qué no, militancia sonora.

“Es un planteamiento que queda pretencioso si lo decimos nosotros”, responde Raúl Frutos, cantante y multiinstrumentista del dúo. “Pero es que no es algo pretendido, es como una necesidad. Por eso en Murcia seguimos estan-

do en nuestra burbuja. Hay mucha explosión de bandas, pero nosotros con quien nos llevamos al final es con pocos. Gente como Schwarz, y algunos más”. “Por eso algunos festivales nos ven como a perros verdes”, añade la también multiinstrumentista Inma Gómez. “Los festivales de garage, de blues y rock’n’roll ya no nos llaman. Se pensaban que lo del primer disco era lo que íbamos a hacer siempre, y no”. Aquel álbum de debut epónimo mostró, en efecto, su lado más bluesero y accesible, pero, como señala Frutos, “con el segundo todo eso cambió. Se nos acercó más gente del metal y del rollo siniestro. A ver qué pasa con el tercero”.

A falta de tribus urbanas que hayan declarado pleitesía a Teleiste Mouska, lo que está claro es que ha generado una considerable oleada de comentarios positivos de diversa procedencia, lo cual podría dar la razón a la reseña que tanto sorprendió a los Pimento antes de hablar con nosotros. Pero que nadie se engañe. Siguen siendo un reto sonoro en toda regla. “Desde que soy pequeño ya me gustaban las cosas raras, siempre he puesto la oreja en lo que no me cuadraba, en lo que me hacía cosquillas”, comenta Frutos, señalando “una figura capital” en su aprendizaje, la de Robert Fripp, “porque siempre se adelantó veinte o veinticinco años a todo lo que existía”. —nacho serrano

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marzo 2017 #11

#12 abril 2017

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Residente.

Del cañaveral. al mundo.

El análisis de su ADN ha llevado a René Pérez Joglar, alias Residente, a recorrer medio mundo para grabar con músicos de los lugares que menos podían evidenciar su origen. Un viaje vital que ha dado pie a un magnífico documental y disco titulados ambos Residente (Sony, 17), en el que la senda trazada en el último trabajo de los extintos Calle 13 sale fortalecida por el hilo conductor con el que se planteó este intrépido proyecto.

—texto Don Disturbios —fotografía Gustaff Choos

FOTO: GUSTAFF CHOOS

B

asta salir tan solo unos días del caparazón de tu hogar para darte de bruces con el hecho de que vivimos en un mundo global e interconectado en el que lo popular y masivo trasciende como jamás lo había hecho. Es sentarse en un bar del aeropuerto de Miami esperando esa siempre molesta conexión con tu vuelo a Austin y que un camarero de origen cubano te cuente, con entusiasmo y para tu sorpresa, que jamás había presenciado un partido como la remontada del Barça frente al París Sant Germain. “¡6 a 1, hermano! ¡6 a 1! ¡Qué loco!”. Pequeñas anécdotas que dan rendida cuenta de que algo que sucede en tu ciudad puede ser proyectado, a la par que magnificado, hasta el último rincón del mundo sin que uno cobre consciencia.

Es una máxima que sin duda puede aplicarse a todos aquellos artistas cuya música tiene los canales del éxito engrasados y bien dispuestos para que el mensaje no quede en el saco roto de la indiferencia. De todo ello es muy consciente René, alias Residente, un predicador de la conciencia que anda embarcado en una huída constante de la obviedad, quien sabe si para lavar los pecados más chulos y caribeños de sus inicios. Su nuevo trabajo en solitario no sorprende porque le precede Multiviral (Sony, 14), el último trabajo de Calle 13, que venía a fijar las bases sobre las que asentar a la par que perfeccionar el discurso. Esa fusión entre la arenga vital y política basada en el constante símil más cierta hipérbole aupada por un riff rockero con fuerte tendencia al crescendo, compactado todo ello por la percusión más primigenia y tribal. Una fórmula que funciona, gana adeptos, y permite a mi interlocutor

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3 abril 2017 #13

EN PORTADA

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“La dificultad, más que en el plano musical, pasaba por darse cuenta de que cuando trabajas con personas hay que saber tratarlas bien”

ARENGA ROCK Residente Sony, 2017 Rap mestizo 8/10

convertirse en referente “alter-latino” con un enorme altavoz que alcanza los rincones más insospechados del mundo. Posición de privilegio en la que es fácil caer en el canto de sirenas de la complacencia, pero lo cómodo, lo fácil, no encaja en el universo creado por Residente. Solo hay que mirarle a esos pequeños ojos de lince para darse cuenta del fuego que atesora su mirada. Se le podrán reprochar ciertas cosas, como a todos, pero nadie podrá negar que embarcarse en el proyecto de rastrear su ADN y atestiguarlo con un disco y, sobre todo, con un documental excepcional que él mismo dirige, es para quitarse el sombrero y brindar por el aguante. “Al principio, este proyecto no lo estaba dirigiendo yo solo. Lo estaba co-dirigiendo, porque todo el concepto a nivel de las canciones, las letras, lo que iba a pasar en cada lugar era mío pero tenía un ‘feel producer’ que estaba dirigiendo la parte de las entrevistas. Además yo no quería usar solamente mi nombre porque inicialmente el proyecto del documental era sobre la música y mi proceso creativo, por eso me parecía raro dirigir algo que tenía que ver tanto conmigo. Pero luego, a medida que avanzó todo, decidí darle más importancia a las historias que me iba narrando la gente y el proyecto cogió otro rumbo. Me parecieron historias mucho más interesantes que plasmar en el documental más que atestiguar tan solo lo que sucedía en los diferentes estudios #14 abril 2017

E

l disco tiene una especie de orden. Primero viene la guerra, luego lo apocalíptico, después se produce el desencuentro, sigo con la esperanza y la vida para acabar con lo que nos depara el futuro y cerrar con el tema dedicado a Puerto Rico que es el presente”. De esta manera tan gráfica René me describe el hilo conceptual que teje su primer trabajo en solitario. Un sentido unitario que va más allá del proporcionado por el análisis de su ADN y la adaptación que ha realizado de las diversas músicas del mundo a su capacidad para la rima. En el fondo, lo que Residente ha logrado es ahondar en lo trazado en el último trabajo de Calle 13, dándole un toque mucho más homogéneo sin que ninguna canción desentone dentro del conjunto. Residente es un disco con una fuerte presencia de la electrónica, pero sobre todo del ritmo más tribal que crea un esqueleto sobre el que construir su forma de decir las cosas. Un trabajo en el que el crossover y las guitarras se cuelan por casi todos los poros para alcanzar lo que podríamos calificar de arenga rock superlativa que, en ocasiones, utiliza el juego de los contrastes entre lo suave y lo fuerte, la paz y el conflicto, la vida y la muerte, el presente y el futuro. Porque, en definitiva, nada es lo que parece. Y si no me crees pregúntale a tu ADN. —D.D.

de grabación. Ese proceso creativo también se ve, pero es más importante lo que me va contando la gente”.

Desde que el mundo es mundo millones de relatos se han ido tejiendo y destejiendo como el manto de Penélope. René ha sabido captar con la mirada de su cámara, la excusa de su sangre y la conexión universal que ofrece la música, una serie de historias locales, a la par que universales, que iban mutando a cada nuevo país, pueblo o ciudad que pisaba en los diversos viajes realizados a lo largo de dos años. Cada capítulo merece especial atención y trata sobre un tema distinto, además de recoger un folclore musical que debía ser adaptado al definido estilo de su rima. El reto empujaba para que el resultado estuviera a la altura de lo soñado. “La dificultad, más que en el plano musical, pasaba por darse cuenta de que cuando trabajas con personas hay que saber tratarlas bien para lograr sacar lo mejor de cada una de ellas. Eso es algo que muchos productores no saben hacer porque no logran transmitirte seguridad.

Es ese tipo de trato que he tenido en producciones anteriores, el que ahora apliqué hasta elevarlo a la quinta potencia para lograr colaborar con personas que no están acostumbradas a tratar con los beats a los que yo trabajo”. Artistas anónimos -y otros no tanto- que se prestaron a compartir su esencia cultural ya estuvieran en Siberia, África, China o el Cáucaso. En todas partes había una historia que tejer, ya fuera chiquita e íntima o universal y grande.

Cualquier viaje que se precie ofrece un buen número de miradas en los que fijar la atención. Y la verdad es que el documental logra con creces jugar en esos diversos planos gracias a la capacidad que demostró el propio René para adaptarse a lo que podía ofrecer por sorpresa el viaje. Su visita a China podría ser un buen ejemplo de ello. “Mi idea inicial antes de llegar a China no era hablar de la contaminación como pasó desmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTOS: GUSTAFF CHOOS

LA GIRA l Barcelona 7 de julio. Cruïlla Barcelona. l Madrid 15 de julio. Ifema. l Sallent de Gállego (Huesca) 21 de julio. Pirineos Sur.

pués al comprobar que todo lo que me habían contado al respecto era cierto. En realidad yo quería hablar de la sexualidad pensando en que es el país con más gente del mundo. De esa primera idea basada en la reproducción pasé a la sexualidad y mi idea era encontrar a una prostituta para que cantara en el disco. Fue en esa dirección que el equipo de producción del documental encontró a una muchacha que no era prostituta, pero que trabajaba como cantante en un bar de alterne y, cuando decidí ir a ver como cantaba me pareció espectacular como lo hacía. Pero a la vez cuando llegué a China me di cuenta que no podía hablar de la sexualidad, que tenía que hablar de la contaminación Y así fue como nació el tema”. Pero además del desastre ecológico, el documental, y por consiguiente el disco, profundiza en temas que van de lo conceptual (como en esa perla rockera en la que colaboran Bombino y Omar Rodríguez-López titulada La sombra) a lo más concreto (ese Somos anormales que ya hemos visto reflejado en un clip espectacular). Temas universales que tienen que ver con la fuerza de una vida que nace, aunque también acabe profundizando en los desastres de la guerra. Mención especial merece una secuencia en la que René se ve sorprendido por el llanto de un niño que le narra su experiencia en el maléfico triángulo bélico del Cáucaso. “Sí, me pilla por sorpresa y en el documental se ve como tardo en reaccionar, allí en su casa en presencia de la familia. Como son lugares que culturalmente son tan diferentes a veces uno no sabe uno muy bien como reaccionar y la mejor forma de hacerlo es como un ser humano y por eso le abracé. Un abrazo es universal y fue algo bien fuerte”. Miles de experiencias acumuladas que han tenido un vehículo de expresión en esa rima fuerte, sin pelos en la lengua que arremete contra lo establecido y que en el fondo busca provocar reacciones. Solo hay que escuchar un tema tan cachondo y provocativo como El futuro es nuestro para darse cuenta de ello. “Sí más de uno se va a escandalizar con este tema que va de cómo preveo que va ser el futuro. La idea surge cuando estaba investigando sobre los gitanos y analizando todas la quejas que hay sobre ellos. Una de las quejas que compilé es la de un policía que dice que no solo se dedican a robar sino que para colmo predicen el futuro mal (risas) Y claro, ¿cómo sabe él que predicen el futuro mal? Entonces me pareció interesante la idea y quise hacer una canción sobre predecir el futuro mal y vamos a meterle un poco de realismo mágico”. —D.D.

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Desde Austin con amor

C

ualquiera que haya estado en el SXSW de Austin (Texas) sabrá de qué hablo. Este encuentro de la industria musical no es un festival al uso. Es un inabarcable escaparate en el que las actuaciones se solapan por decenas y los nombres de artistas desconocidos auguran que algo puede acabar por sorprenderte en el bar menos pensado. Pero más allá de los garitos concentrados a lo largo de la Sexta, existe un gran escenario a orillas del río Colorado en el que se realizan los conciertos más multitudinarios. Fue en ese precioso marco donde se desarrolló la actuación de un Residente arropado por un público, en su mayoría latino, al que en numerosas ocasiones se dirigió en español para arremeter contra la industria musical, la radio o revindicar la independencia de Puerto Rico. Pero si alguien esperaba comprobar de primera mano cómo sonaban en directo los temas de su nuevo trabajo saldría decepcionado, porque solo se atrevieron con dos. El primer single, Somos anormales, lo hizo bien prontito para sonar engrasado y poderoso. Desencuentro, también futuro single, corrió la suerte inversa al tratarse de un tema suave y delicado al que el propio René no acabó de cogerle el pulso en el susurro. El resto de la actuación se basó en temas infalibles de Calle 13 como El aguante, La vuelta al mundo, Calma Pueblo o Latinoamérica, dimensionados por una nueva banda que le confiere una solidez más rockera y en la que destaca la figura de Omar Rodríguez-López (The Mars Volta, At The Drive-In) al bajo. Ahora solamente nos queda esperar que, poco a poco y durante los ensayos, temas tan potentes de su último disco como La sombra, con la guitarra Tuareg de Bombino como protagonista, Guerra, con un desgarrador crescendo que eriza el bello, o la cachonda El futuro es nuestro, con el toque de fanfarria cortesía de Goran Bregovic, se vayan incorporando a su repertorio. —D.D. abril 2017 #15

The Shins, un hombre contento Cuatro años después de Port Of Morrow (12), James Mercer vuelve al ruedo con un disco producido casi en solitario.

En Heartworms (Columbia/ Sony, 17) hay algo de retorno a los orígenes de The Shins, pero en él también se atisba el futuro del grupo. Las melodías de siempre siguen ahí, pero ahora hay más máquinas y un mensaje claro.

EN LA. MALETA.

Will Blake

Will Blake es el pseudónimo de un músico y Dj que, además de producir su propio material y el de otros artistas, es uno de los residentes del club barcelonés Fuego, centrado en sonidos rap, trap, r’n’b, reggae, etcétera.

#16 abril 2017

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

to “Creo que todo lo bonida vi la y maravilloso de viene también con su negativo”

J

ames Mercer se siente contento (iba a decir feliz pero la palabra es algo odiosa). Durante la charla telefónica se muestra cercano y permeable a todas las cuestiones, no para de reír y de hacer bromas cuando toca. Son tales el buen rollo, la confianza y la humildad que desprende, que en el último tramo de la charla nos

Q

ué disco nunca falla en una sesión tuya?

Algo de rap clásico fijo o también de principios de los

2000,.

Por contra, ¿cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya? ¿Por qué?

Mis discos favoritos siempre han sonado, de una forma u otra. ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

No saber lo que está pasando a su alrededor. ¿Qué es lo que más te gusta y lo que más odias de otros Dj’s?

Gustarme es muy amplio, porque hay muchos Dj’s a los que admiro. Odiar, creo que nada. Cada uno ve las cosas a su manera. ¿Hasta qué punto es importante que la gente baile más o menos para cambiar la línea de tu sesión?

Para mí es crucial, ya sea suave o con energia, dependiendo del mood. ¿Recuerdas alguna anécdota especial a lo largo de tu carrera como Dj? Buenos cierres, gente que te da dinero por poner tal o cual, garitos pochos, de todo, bueno y malo. ¿Mp3, vinilo o CD? Mp3 y promos en Wav. ¿Qué es lo que más te ha costado aprender a la hora de pinchar?

Me costó unos años el dejar de preocuparme por el set y disfrutar de la noche.

venimos arriba y acabamos hablando del AOR de los ochenta (con este plumilla cantándole Don’t Answer Me de The Alan Parsons Project a través del auricular, mientras el entrevistado me confesaba su amor por Eye In The Sky).

En fin, que Mercer se encuentre en el mejor momento de su vida. Y eso es algo que se nota en Heartworms, un

¿No estás harto de trabajar siempre de noche?

Me encanta la noche, pero sí es verdad que agradezco otros formatos. ¿Alguna vez has perdido o te han robado el material?

Robarme no, ¿perder? Mucho material (risas). ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s?

Viene y va, pasa por etapas. Ahora no sé decirte en qué momento estamos, pero creo que el papel del dj es atemporal. Solo piensa que ,habiendo Internet (Youtube, Spotify, iTunes, etcétera) seguimos estando nosotros poniendo la música en los clubes. ¿Qué estilos sueles combinar en tus sesiones?

No filter. Se me da fatal etiquetarme, pero si tengo que decir algo te diré que cualquier cosa que me flipe. ¿Cuál ha sido la mejor sesión que has protagonizado hasta la fecha? ¿Por qué?

Mi primer cierre en Razz. ¿Cuáles son tus Dj’s actuales favoritos?

Jarreau Vandal entre otros. Siempre tomé la escuela holandesa como referencia, mucho más que la americana. ¿Bebes o haces cosas malas mientras estás pinchando?

Fumaba cuando se podía. Hay que volver a fumar en los clubes... MS

disco en el que el músico norteamericano ha recuperado las viejas sensaciones de enfrentarse a la grabación en solitario. “Me sienta bien hacerlo, me siento más cómodo” cuenta, “en Port Of Morrow tuve que recurrir a Greg Kurstin porque básicamente en esa época me había quedado sin banda (risas). Greg me ayudó mucho y quedó de lujo, pero ahora me apetecía recuperar la libertad en el estudio que tenía en los inicios de la banda. Las cosas friquis y raras que se pueden escuchar en los discos de The Shins son elementos que añadí cuando estaba solo en el estudio, contento y un poco colocado (risas). Cuando estoy solo, me encanta juguetear con los mandos y los volúmenes de la mesa de grabación”. Un buen indicador para medir ese estado de gracia vital, es el relajado horario que se impuso para la creación del disco.

Aquí va, explicado en tiempo presente por Mercer: “me levanto por la mañana, despierto a mis hijas mayores (por cierto, ¡tenemos un nuevo bebé en la familia!), les hago el desayuno, las llevo al colegio y luego vuelvo a casa.

Me hago un café generoso y empiezo a tocar la guitarra y escribir ideas para canciones (sobre todo la estructura).

Luego, sobre las diez de la mañana, voy al estudio y me hago una siesta.

Me despierto al mediodía, empiezo a grabar cosas hasta la tarde, y de paso me tomo unas cervezas (risas). Sobre la hora de cenar, acuesto a mis hijas, regreso al estudio, y a veces estoy allí gran parte de la noche. Algunos días me quedo dormido ahí y todo (risas). ¡Es un horario loco pero muy produc-

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James Mercer es el líder absoluto de The Shins.

tivo!”. Ese ambiente relajado también se ha filtrado en las letras de sus canciones. El cripticismo de sus inicios ha dado lugar a una lírica más accesible.

Y tiene un porqué. “En el pasado tenía la necesidad de decir cosas, pero no podía hacerlo de forma directa porque no quería ofender a la gente de la cual hablaba. Ahora no necesito hacerlo así porque ya no me enfrento a ese tipo de cosas. Actualmente, tengo el deseo de ser entendido. Intento mantener mi lado poético, pero a la vez quiero que el mensaje llegue bien. Me siento orgulloso de haber conseguido eso en este disco. Creo que las canciones tienen buenas rimas y pasan muchas cosas a su alrededor. Estoy contento porque las letras funcionan sin forzar la máquina, de forma natural”. Lo que no ha dejado atrás Mercer en Heartworms es la cualidad mórbida y tenebrosa que ha marcado parte de su obra. La portada del disco (un esqueleto japonés), el Heartworms

Columbia/Sony, 2017 Pop 7/10

título (Heartworms, un gusano parásito), y canciones nuevas como Dead Alive y The Fear. ¿De dónde viene esa vena oscura? (ríe) “No lo sé. Siempre he sentido atracción por lo grotesco. ¿Has visto la portada del disco? Esa imagen y el título del disco son como desagradables (vuelve a reírse). Creo que todo lo bonito y maravilloso de la vida viene también con su negativo. Es algo triste y no me gusta, pero está ahí.

Un ejemplo: consigues a la chica de tus sueños y eres feliz por ello, pero seguro que hay alguien que también está enamorada de ella. Y ese tío está triste. Hay algo sobre la vida que siempre es imperfecto, y de una forma extraña ¡eso me gusta!”. —xavi sánchez pons

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Las Odio, marcando terreno “Una banda de chicas”. A estas alturas, una etiqueta que se sigue viendo en críticas y crónicas, como si de una novedad se tratase. Las Odio vienen a combatir este y otros clichés a golpe de punk y yé-yé con las canciones de su álbum Futuras esposas (Autoeditado, 17)

Uli Jon Roth, The Jesus and Mary Chain, Austra...

SON Tickets Entradas, descuentos y promociones en son.estrellagalicia.com Agenda Salas SON Estrella Galicia

Café & Pop Torgal, Ourense The Paperhead / 06 de abril Steve Gunn / 28 de abril

Loco Club, Valencia The Limboos / 07 de abril

D

espués de un single y varios coqueteos con los escenarios, el cuarteto madrileño decidió tomarse su aventura musical en serio y publicar su primer largo. Nos reunimos con Ágata, Alicia, Paula y Sonsoles antes de uno de sus ya tradicionales ensayos de los jueves en Pandora’s Vox (“El planazo de la semana”, aseguran), Para situarnos, ¿de dónde y cómo surgen Las Odio?

(Alicia) Surge del final de Dúo Divergente, Paula y yo nos quedamos sin grupo, y queríamos montar otra cosa. Nos pusimos a pensar con quién hacerlo, y surgieron ellas, que las conocíamos del circuito de conciertos y de Sisterhood a Ágata y del Matadero a Sonsoles (gestora cultural que ha coordinado los contenidos de Matadero).

(Paula) Queríamos montar un grupo de amigas. Era un poco el experimento de ver cómo nos salía hacer algo en lo que compusiésemos las cuatro, lo acordásemos todo entre las cuatro… que no fuese un creador o dos y luego una sección de acompañamiento.

Formáis parte del colectivo Sisterhood. ¿Qué es lo más importante de este proyecto? (Ágata) Para empezar, para mí fue un punto de encuentro con personas con inquietudes parecidas. Y, desde ahí, una especie de trampolín para hacer lo que nos diera la gana. A mí me gusta mucho la música y me parecía muy interesante intervenir en el circuito musical programando conciertos y sacando discos, pero haciendo las cosas desde otra óptica. Tanto en audiovisual, literatura, etcétera. Todo lo que hacemos es por y para el activismo, y desde una perspectiva muy feminista del cuidado, de que todas las personas que estamos intervenimos, tenemos voz, y todo se desarrolla por consenso. Esas son las ideas principales.

De aquel primer single grabado en noviembre de 2015, ¿qué os animó a finalmente meteros a editar un disco entero?

(Todas) ¡Zara! (Sierra, su mánager) (Alicia) Sí, porque nuestra idea era hacer un epé.

(Sonsoles) Nos ha ayudado también a tomar conciencia del proyecto que estábamos iniciando. Para nosotras empezó como un juego y una manera de pasárnoslo bien, y Zara nos ha hecho bajar el proyecto a tierra y pensarlo de una manera más profesional.

—beatriz h. viloria

Mardi Gras, A Coruña Sensacional / 07 de abril

Le Club, A Coruña Uli Jon Roth / 14 de abril

Sala El Sol, Madrid Uli Jon Roth / 16 de abril Talisco / 26 de abril The Fuzztones / 29 de abril

Lemon Rock, Granada Tachenko / 20 de abril

Café Berlín, Madrid Sensacional / 21 de abril

Teatro del Arte, Madrid beGun / 28 de abril

Garufa Club, A Coruña The Soul Jacket / 29 de abril

La Riviera, Madrid The Jesus and Mary Chain / 30 de abril

Giras y festivales SON Estrella Galicia

100% Psych Sonic Boom / 23 de abril / Sala El Sol, Madrid

Voces Femeninas

Austra + PIXX / 06 de abril / Teatro Barceló, Madrid Françoiz Breut 18 de abril / Teatro del Arte, Madrid Lisa Hannigan / 19 de abril / Teatro Lara, Madrid María Arnal i Marcel Bagés 27 de abril / Teatro del Arte, Madrid

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recomienda un consumo responsable

abril 2017 #17

#18 abril 2017

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Placebo en doce canciones El impactante debut homónimo de Placebo cumplió veinte años la pasada temporada.

Para celebrarlo, Brian Molko y Stefan Olsdal anunciaron una gira especial con la que recuperar temas clásicos Special K (Live At Le Cigale, 06) que llevaban tiempo sin tocar en directo. Con motivo de La banda ha sido garantía de dicha gira, repasamos la carrera de la formación británica fiabilidad sobre el escenario, y a través de doce canciones válidas para entender ha evolucionado sobre las tablas para la personalidad de la banda y su evolución artística. pasar de una actitud visceral, explícita

7

1

Nancy Boy (Placebo, 96) Placebo fue un estreno personal y afilado, con el que el trío conseguía situarse bajo un foco de popularidad que ya nunca abandonaría. El secreto radicaba en altas dosis de glam urbano con el que cualquiera podía llegar a identificarse, descaro y una pretendida y marcada esencia andrógina con la que aumentar el morbo.

6

Song To Say Goodbye (Meds, 06) El quinto álbum del grupo no es ni mucho menos desechable, pero carece del nervio necesario como para mantener la intensidad a lo largo de toda su duración. A favor puntúan las acertadas colaboraciones de Michael Stipe y Allison Mosshart, pero en él había exceso de piezas anecdóticas.

2

Every You Every Me (Without You I’m Nothing, 98) La confirmación definitiva llegó con el segundo elepé, que mantenía intacta la esencia del debut, pero al mismo tiempo mostraba un sonido más cuidado, elaborado y elegante. Un logro basado en la depuración de todos los elementos ya manejados en su ópera prima, que fluyeron con solvencia y seguridad hasta alumbrar el que sería su mejor disco.

3

Taste In Men (Black Market Music, 00) El trío certifica estatus y demuestra que el éxito (más o menos) masivo no estaba reñido con la calidad. El tercer disco de los británicos presume de un intermitente aspecto industrial, pero al mismo tiempo bien podría ser también un trabajo apto para el gran público, tras incluir piezas extremadamente directas e inmediatas.

4

Special Needs (Sleeping With Ghosts, 03) Si bien es cierto que, en comparación, palidece con respecto al trío de ases inicial, no es menos plausible que este material alberga un conjunto de canciones coherente y equilibrado que, aunque eléctrico y agresivo, comienza al mismo tiempo a insinuar cierta madurez dentro de la banda.

5

Running Up That Hill (Covers, 03) Placebo siempre han disfrutado llevando su terreno canciones de otros autores y, en 2003, estas revisiones se agruparon bajo el explícito título de Covers, incluyendo apropiaciones de Pixies, The Smiths, Boney M., Depeche Mode, Kate Bush o Robert Palmer.

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y agresiva, hasta sus actuales ejecuciones, más técnicas y precisas que antes.

Un cambio que puede apreciarse a través de los diferentes documentos en directo que el combo ha ido publicando.

8

For What It’s Worth (Battle For The Sun, 09) En cualquier caso y a día de hoy, la entrega más floja de Placebo continúa siendo Battle For The Sun. Se trata de un disco excesivamente largo tras in-

cluir un total de trece temas y en el que, por momentos, el grupo incluso llega a parecer una caricatura de sí mismo, tras sonar inofensivo y prefabricado.

9

Hare Krishna (B-Sides 19962006) En una época de bonanza para la industria musical, Placebo solían aprovechar sus caras B para incluir remezclas, demos o versiones de otros artistas. Entre este tipo de canciones también hubo mucha experimentación poco trascendente y tirando a anecdótica, como sucede con este tema.

10

Loud Like Love (Loud Like Love, 13) Cuatro años después de publicar una obra definitivamente menor dentro de su discografía, Placebo regresaron con un trabajo muy bien medido.

El último disco del grupo es su mejor entrega en una década, mostrándose vigente dentro del entorno, más reflexivo y realista tras asumir una madurez artística que les favorece.

11

36 Degrees (MTV Unplugged, 15) Placebo grabaron un concierto en el que adaptaron sus canciones a ese formato otrora popularizado por la cadena televisiva. Aunque no fue una actuación estrictamente acústica, la banda desnudó sus composiciones cediendo aún más protagonismo a la aguda (e inconfundible) ejecución vocal de Brian Molko. Y el resultado fue fascinante.

12

Jesus’ Son (A Place For Us To Dream, 16) Hasta la fecha, Placebo han publicado dos recopilatorios. El año pasado, la formación lanzó el doble compacto A Place For Us To Dream con un total de treinta y seis temas. En él se incluía la absolutamente inédita (y atractiva) Jesus’ Son. —raúl julián

LA GIRA l Barcelona 26 y 27 de abril. Razzmatazz. l Madrid 29 de abril. WiZink Center. l Granada 4 de mayo. Palacio de los Deportes. l Logroño 6 de mayo. Palacio de los Deportes. l Mallorca 12-13 de mayo. Mallorca Live Festival.

abril 2017 #19

Rayden, A favor de contrariar Tenemos costumbre de medir la madurez de un artista según su alejamiento de sus inicios, como si hiciera de menos al género que le vio crecer. Y puede que Rayden ya sea más de David que del alias, pero mantiene las cenizas fieles al fuego. La prueba es Antónimo (Warner, 17), su nuevo largo.

TAN. LEJOS. Joan Miquel Oliver Mitología viva Sin saberlo, Joan Miquel Oliver inició hace un par de años una trilogía que encuentra su segundo capítulo en Atlantis (Sony, 17), la antítesis de Pegasus; del ‘yo’ al ‘nosotros’, en doce canciones que engordan las imprescindibles del ex Antònia Font. Un nuevo largo que nos enfrenta a lo que somos: seres mitológicos. #20 abril 2017

RR La leyenda del rock’’n’roll Chuck Berry falleció el 18 de marzo a los noventa años. Berry murió en su casa, dejando un legado de infinidad de discos y algunos de los mayores clásicos de la historia como Roll Over Beethoven, Johnny B. Goode o Rock And Roll Music.

Eso sí, en breve se publicará Chuck, el disco que Berry grabó hace unos meses y que incluirá sus primeros temas nuevos en treinta y ocho años.

RR Feist anuncia nuevo disco tras seis años de inacti-

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ace tiempo que Rayden come un tanto aparte de la escena rap. Su debilidad por las producciones con más de rock que de boom bap manifestadas en En carne y hueso hicieron que muchos se preguntasen si el de Alcalá seguía considerándose un MC. Él por si acaso y jugando a confundir más al personal, descolgó un No hago rap con el que declara seguir con los pies dentro del tiesto y las vistas fuera. “Por desgracia parece que si no lo recuerdas de vez en cuando se olvida que el rap es un estilo de música ‘joven’ que nace de la fusión en su creación. Me parece una forma muy interesante de empezar con un disco, jugando con esa ironía y doble lectura. En el 99,9% de los discos de rap se comienza con un ‘yo hago’, ‘yo he hecho’, ‘yo tengo’, ‘yo vuelvo’ y simplemente quería empezar con su antónimo” Si con En alma y hueso andaba a caballo entre el rap y el pop (musical, que no líricamente hablando), en Antónimo Rayden deja que ese pop rock lleve las

riendas de su ya cuarto largo. “Cada disco me llama hacer una cosa diferente porque si no creo que me aburriría de crear. Las hechuras a la hora de escribir son las mismas y en la mayoría de temas de este trabajo rapeo, pero en este disco prefería hacer un sonido sucio más cercano a grupos como The White Stripes, The Black Keys (o su proyecto de rap, Blakroc), Arctic Monkeys, RATM, etcétera”. A estas alturas, se puede decir sin resultar controvertido que a Rayden el rap se le está quedando pequeño. Antónimo es otro ejemplo más de las ganas del MC de superar líneas en un género que tiene en la frescura y heterodoxia su mayor virtud, pero al que se señala muy a menudo de inmovilista. “Posiblemente en el rap hay mucho miedo de trascender, de salirse de la línea marcada y de doblar las normas y parámetros preestablecidos. No hay nada más manido que lo evidente y es una pena la verdad, que algo tan joven sea tan conservador. Se ‘quieren salvar los muebles’ cuando la mayoría todavía están en cajas sin montar”

vidad discográfica. El próximo 28 de abril verá la luz Pleasure, que incluirá nuevo material de la canadiense producido por ella misma junto a Mocky y Renaud Latang.

quienes ya han trabajado anteriormente.

RR Taylor Swift se ha cansado de luchar contra las grandes plataformas y anuncia que quiere lanzar su propio servicio de Streaming. Sería un sitio web con “contenido multimedia no descargable en formato audio” al que posiblemente llame Swifties. La cantante también planea lanzar una línea de equipo musical que incluirá guitarras, correas, púas y baquetas.

RR La banda punk estadounidense Downtown Boys anuncia nuevo disco, esta vez de la mano de Sub Pop, con quienes acaban de fichar hace unas semanas. De momento han presentado un tema nuevo Somos chulas (no somos pendejas), que formará parte de un disco grabado con Guy Picciotto (Fugazi) y Greg Norman, con

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adie diría que la continuidad es un concepto que Joan Miquel Oliver no maneje bien. Sin grandes giros en su carrera, ya fuera como compositor de Antònia Font o en solitario, el músico mallorquín ha hilvanado una trayectoria sólida y sin estridencias. No ha sido hasta Atlantis, eso sí, cuando dicha continuidad ha empezado a formar parte de su discurso artístico. “Yo quería alejarme de Pegasus... Pero Albert Pinya, con el que ha hecho el arte del anterior disco y del nuevo, me dijo en el estudio: ‘¡Pero si siguen la misma línea uno y otro!’”. Ante la evidencia, lo tuvo claro: una trilogía. Tesis (Pegasus), antítesis (Atlantis) y síntesis (¿?). “¿La diferencia con el anterior disco? Aquí entro a valorar a las personas”, comenta Oliver, mientras alza las manos al cielo como intentando capturar las palabras que tan sencillas le brotan en sus canciones y tan esquivas le resultan en las entrevistas. “Tengo una sinapsis muy caótica. Lo que hago al compo-

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FOTO: ESTEBAN STARFISH

MONDO FREAKO

Si los trece raps que conforman este disco te parecen menos personales que En carne y hueso… estás pinchando en hueso. Pero no te culpes: sé bienvenido a otra “trampa” del protagonista, como hiciese con No hago rap. “Justamente en el tema de Puertas, me desnudo completamente hablando de todo lo que me ha ocurrido en la vida (pérdida de familiares y amigos por el cáncer, el alcohol, las drogas) utilizando el hilo conductor de las puertas que me han abierto o me han cerrado. Este disco es una trampa, disfrazo particularidades y fantasmas personales de generalidades en primera persona”. Una detallada escucha del disco nos desvelará lo que su autor considera “galería de temores de un niño que se ha convertido en padre y teme al mundo que el hombre ha creado para su hijo”.

La llegada de un crío siempre suele marcar el devenir de un artista y Rayden no iba a ser la excepción. Pero además de este hijo, la condición de Rayden (manifiesta en Ubuntu) es producto de otros para los que segura-

RR La banda de metal industrial Rammstein han estrenado en cines Rammstein: Paris, filmación de dos conciertos suyos de 2012 a cargo de Jonas Akerlund. El director rodó durante dos noches con hasta sesenta cámaras con la intención de captar todo

el espectáculo de la banda alemana.

Por otro lado, os recordamos que Rammstein son uno de los cabezas de cartel de la próxima edición del festival español Resurrection (5-8 julio, Viveiro).

de lo que he escuchado antes: escuchar otras músicas me desvía de mi camino”, dice con tono pausado.

—yeray s. iborra

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Atlantis Sony, 2017 Pop 7/10

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La pena de Eskorzo El pasado 29 de marzo estrenamos en nuestra web el vídeo de La pena, single de adelanto del que será el nuevo trabajo de los andaluces Eskorzo. Por ese motivo nos pusimos en contacto con ellos para hablar sobre sus clips y ese nuevo álbum que verá la luz en octubre.

E

ner es anotar y anotar. Un escritor es alguien que lee la realidad, que la interpreta con cierta lucidez”. ¿Cuál es la mejor forma de plasmar esta lucidez?

Las historias, las unidades narrativas más potentes. ¿Dónde se han escrito las mejores historias? En la mitología, que él mezcla a su vez con otros temas del día a día. “La Biblia, los cuentos de Mallorca o la mitología explican lo mismo. Son buenísimos cuentos. Nuestro lenguaje está fundamentado en ellos. Somos mitología viva”, sostiene en el café de El Palau de la Música, de máximo apogeo estos días por el juicio a Félix Millet (también camino de ser mito).

Las doce canciones del nuevo largo de Oliver siguen los derroteros habituales: pop mestizo, desde rumba alucinada hasta funk. Un oasis fruto de la relación poco común que el mallorquín guarda con el resto de músicas de su entorno. “La música ilustra un mensaje abstracto. Por eso procuro escuchar poca música. No quiero sonar a nada

mente, se haya convertido en referente.

“Soy el resultado de todas las personas que han pasado por mi vida, para bien y para mal. Desde el rapero del instituto que se metía conmigo por escuchar rap y me preguntaba sarcásticamente que para cuándo sacaría un disco hasta mi profesor de Lengua y Literatura de ese mismo año y que ahora en sus clases manda a sus alumnos analizar canciones mías”.

Sociopolíticamente, seguimos inmersos en una dinámica convulsa de la que Rayden ni escapa ni quiere y a la que, lejos de aportar su granito, contribuye con un meteorito de tema en el que demuestra mantenerse en pie entre el vaivén de alternativas políticas y la irrupción de propuestas que pasaron de extravagantes-impensables a preocupantes y reales. “Lo bueno de las alternativas es que nadie tenga mayoría absoluta y sobre el papel se puedan cambiar cosas”. —dobleache

skorzo siempre se han caracterizado por cuidar todo lo relacionado con su imagen, desde el diseño de sus portadas a los videos de la banda. En el clip de La pena, su nuevo single de adelanto, hay que estar atento a los diferentes personajes que aparecen mientras el grupo interpreta un vitamínico tema con aires de fanfarria balcánica. (Toni Moreno, vocalista) “Siempre nos ha gustado entrelazar historias y tejer sutiles hilos conductores, crear conexiones. Ya lo hicimos con una trilogía de video clips en Camino de fuego (2014), donde las tres historias se interconectaban entre ellas y formaban un todo. En el caso del video de La pena hay muchos guiños a la portada del single y también pistas ocultas que lo conectan con el disco al que pertenece. La rosa, por ejemplo, simboliza el apego, la añoranza, la nostalgia de días más felices… la eterna espera de aquello que se fue… la tigresa es la ira por la pérdida, la jaula de pájaros en la cabeza el sentimiento de culpa”… Y es que estamos ante un grupo que, aún llevando en la carretera desde finales de los noventa, siempre ha estado en constante evolución, aprovechando todos los canales que la tecnología ponía a su disposición. “Cuando te haces viejo encima del escenario y llevas más de veinte años en este invento de la música te das cuenta de que todo está en eterno movimiento cambiante y que no solo el

YOUTUBEANDO

Q Eskorzo La Pena

“Ahora prima más la originalidad y el talento. Cualquier artista del planeta cuenta ahora con herramientas para enseñar lo que hace y cómo piensa”

video mató al artista de radio, lo hizo también Facebook, Instagram, Youtube y el enorme monstruo de la red. Bajo nuestro punto de vista todo ha cambiado a mejor. Creemos que, ahora más que antes, los artistas tienen acceso a tecnología y formas de difusión de su obra que no existían cuando empezamos nosotros”.

—don disturbios

abril 2017 #21

MONDO FREAKO

“Me estoy haciendo mayor y cínico, y eso no me gusta, no es un buen lugar en el que estar”

FU ISL Future Islands en el Razzmatazz de Barcelona en octubre de 2014

FOTO: HARA AMORÓS

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#22 abril 2017

a voz grave de Samuel T. Herring y una sonrisa casi perenne acaparan el lugar; William Cashion, quien suele andar ocupado con las cuerdas de la guitarra y el bajo, no para de gesticular con las manos –arrancando las risas de sus compañeros, hasta que opta por sentarse sobre ellas– y Gerrit Welmer, encargado de teclados y programación, se mantiene en un tímido segundo plano. Esta es la dinámica que se establece desde la primera pregunta de nuestro encuentro con Future Islands, motivado por The Far Field, quinto álbum de los de Baltimore y el primero tras su paso por el programa de David Letterman.

Su gloriosa aparición televisiva no hizo más que acabar de catapultar a una banda sobrada de estilo y calidad, cualidades trabajadas desde 2008 que llegaron a otro nivel en Singles, gracias a joyas como Seasons (Waiting On You), Spirit o A Dream Of You And Me. Con todo, el de Letterman es uno de esos vídeos que no caen en el olvido y les ayudó a llegar a mucha gente que no les había escuchado hasta entonces, pero esto no les ha descentrado. “Quisimos asegurarnos de que no afectara a la composición. De entrada ya nos estresamos y nos presionamos mucho con cada actuación y cada álbum”, asegura Herring. De hecho, afrontaron la tarea adoptando unos estrictos horarios de trabajo para corregir errores pasados.

“Trabajábamos desde por la mañana hasta media tarde. Por la noche nos separábamos y cada uno se iba a hacer lo que quería, menos hablar del disco. A la

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UTURE LANDS A corazón abierto

Su anterior disco, Singles (4AD/Popstock!, 14), marcó un antes y un después en su carrera, independientemente de sus cuatro minutos de gloria televisiva. Nos reunimos con la banda para hablar de The Far Field (4AD/Popstock!, 17), sucesor natural donde hilan aún más fino su elegante pop electrónico, acompañado de una nueva entrega de sinceridad hecha letras.

mañana siguiente, volvíamos a ello. Antes trabajábamos hasta la noche, cuando la gente ya había dormido poco, salía el mal humor, y nos cabreábamos entre nosotros. Creo que estamos mejorando en eso”, recuerda Cashion. Modificaciones de agenda laboral al margen, su enfoque y proceso creativo se mantienen intactos, y en The Far Field elevan a su máximo potencial ese sonido encontrado en Singles. “No teníamos intención de cambiar o revolucionar nuestro sonido. Queríamos continuar puliendo aquello en lo que llevamos trabajando tanto tiempo. Siempre hemos creado de la misma manera y hemos intentado eliminar la parte racional. Creamos sonidos, y si conectan con nuestros corazones y nuestros oídos, trabajamos sobre ellos”, comenta Herring. No citan ninguna influencia concreta para este álbum, pero su condición de amantes de la música les lleva a interesarse por unos desconocidos para ellos como Mecano (Cashion escuchó en la radio Me colé en una fiesta, tiró de Shazam para averiguar quién cantaba y revolucionó a sus seguidores españoles cuando la colgó en Facebook) y a interpretar roles diferentes en proyectos paralelos. Welmers experimenta con el sonido en Moss Of Aura; Cashion y Herring se desmelenan con The Snails; Cashion también coquetea con la música instrumental en Peals y Herring rapea como Hemlock Ernst. Y todos suman. “A mí me ayuda a construir mi voz, a decir cosas que igual no puedo decir con ellos. Es importante para un artista contar con varias facetas”, explica el cantante. “En este grupo tenemos unos roles establecidos y está bien poder tener una vía de escape”, añade Cashion. Sin embargo, recién

celebrado su 11º aniversario, reconocen que han intentado rescatar elementos del pasado. “Singles sonaba demasiado pulido y echaba de menos el calor y el crujido de los primeros discos, que los grabábamos con cuatro micros en una casa”, confiesa Herring. Esta nostalgia ha impregnado la portada, que ha vuelto a ser obra de Kymia Nawabi, diseñadora de las dos primeras y componente de la aventura musical universitaria del trío, Art Lord & The Self-Portraits.

El mismo título, The Far Field, es un poema de Theodore Roethke, de quien ya tomaron prestadas palabras para In Evening Air en 2010.

Además de ser dueño de unas cuerdas vocales que se han convertido en una seña de identidad, Herring es el compositor de las emotivas letras que siempre han tratado sin tapujos sus vivencias personales. Con la misma sinceridad se explaya sobre el fugaz idilio vivido cuando empezó a cobrar vida The Far Field. “Es complicado mantener o iniciar una relación cuando estás constantemente de gira. Había renunciado a esta idea de un amor joven, porque me estoy haciendo mayor y cínico, y eso no me gusta, no es un buen lugar en el que estar. Sin embargo, conocí a una persona con la que saltaron chispas, pero se enfrió enseguida. Empezamos a hablar cuando tuvimos nuestra primera sesión de composición en Carolina del Norte, donde habíamos alquilado una casa.

Por tanto, buena parte del álbum lidia con este intenso romance”. Y a pesar de esa intensidad que se disimula sobre un enriquecido manto de pop electrónico, tener que enfrentarse a estas historias sobre los escenarios doce meses des-

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pués no parece importunarle. “Por supuesto que he compuesto temas que me encantaban en el momento y más tarde no los quería interpretar en directo porque no me parecían honestos. Pero creo que aquí todo se sostiene, lo cual es bueno, porque significa que aquello fue real. De eso va Aladdin –que abre el disco– ‘nuestro amor fue real’”. Aunque el amor, el desamor y el camino hacia ambos estados inspiran sus canciones –Beauty Of The Road o el single Ran, donde canta “¿Qué es una canción sin ti, si cada canción que escribo habla sobre ti?”–, no todo es desesperación.

Herring se esfuerza en ver el lado positivo, apostando por la posibilidad de encontrar belleza en los recuerdos más amargos en Time On Her Side y de hacerse fuerte al plantarle cara a las sombras, las sentimentales y las propias, en el estupendo dueto con Debbie Harry, Shadows, otro hito en su línea del tiempo. “El productor, John Congleton, que acababa de grabar lo nuevo de Blondie, sugirió que la cantase ella. Le mandó la canción y le encantó. Nos sigue pareciendo una locura. Aún tenemos que conocerla en persona, porque sólo hemos hablado por correo electrónico”, cuenta Herring.

Y, sin querer, el mensaje esperanzador de Through The Roses, donde se abre en canal para confesar defectos y miedos y cuyas voces se grabaron al día siguiente de las elecciones norteamericanas, adquiere un nuevo sentido. “Intentamos no ser políticos, pero creo que nuestras canciones se vuelven políticas porque lidian con el corazón”.

—beatriz h. viloria

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DISCOGRAFÍA Wave Like Home Upset The Rythm 2008

Entre instrumentales acuosos, atropellos rítmicos que revelan su background post-hardcore, un armazón synth pop que emerge rotundo pero con cuentagotas y esa pujante angst tan característica de Samuel T. Herring se mueve este debut, que aún suena a esbozo de potencialidades por desarrollar.

Lo mejor está al final, con el emotivo tema titular y la serena Little Dreamer, favorita de su núcleo duro de fans.

In Evening Air Thrill Jockey 2010

Establecidos ya en Baltimore y pululando en la órbita de Dan Deacon, consiguen pulir de forma determinante su híbrido particular de post-punk y new wave en un imponente salto cualitativo.

Long Flight, Walking Through That Door o Vireo’s Eye hechizan desde la primera esucha, mientras que en Tin Man o An Apology, Herring parece extraer su vozarrón conjugando una extraña y magnética animalidad en un contexto sintético. Había grupo para rato.

On the Water Thrill Jockey 2011

La calma tras la tormenta. O esa serenidad melancólica que sucede a la agitación post-ruptura y que ayuda a atemperar cualquier resaca sentimental.

Eso podría representar este disco. Más maduro, más pausado y reflexivo que su antecesor. También más consistente. A destacar, Before The Bridge, Give Us The Wind, Balance o The Great Fire.

Singles 4AD 2014

Poco nuevo queda por decir sobre este disco, el de su eclosión internacional merced a un puñado de temas melódica y rítmicamente inapelables, con Seasons (Waiting On You) oficiando de mascarón de proa entre otras diez canciones que hacen honor al título del álbum. No han bajado de la nube desde entonces, cómodamente instalados en la esfera de lo infalible. —carlos pérez de ziriza

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abril 2017 #23

#24 abril 2017

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MONDO FREAKO Mucho ha llovido desde aquel sorpresivo single que fue Estiu y de su primer álbum, pero ZOO no han perdido las ganas de utilizar su música como instrumentos de reivindicación. Obviamente, su nuevo trabajo, Raval (Propaganda Pel Fet!, 17) no es una excepción.

ZOO Vuelven las palabras

“Los músicos han de tener una cierta independencia de de nosotros nos esperábamos lo que las instituciones” iría llegando y menos tan rápido”. Sea

CRÍTICANDO

D

esde el calor de Gandia irrumpieron en el panorama musical con Estiu, su primer tema y automáticamente primer éxito, y revolucionaron la costa mediterránea.

Lejos de desaparecer y dejar la hazaña en one-hit wonder, los valencianos ZOO decidieron experimentar combinando temas reivindicativos, instrumentos eléctricos, rap y bases electrónicas.

Ligados a la tierra y a sus raíces, por las filas del grupo empezaron a pasar artistas de trayectoria para crear y llevar Tempestes Vénen del Sud (Propaganda Pel Fet!, 14) por casi todo el estado a lo largo de más de año y medio.

En una Valencia bañada por la lluvia matinal nos encontramos con quien fuera miembro de La Gossa Sorda y que ahora ejerce de guitarrista y voz en ZOO, Arnau Giménez; con Toni ‘Panxo’ Sánchez (voz principal) y con el Dj y teclista Héctor Galán. Tres quintas partes de uno de los proyectos musicales valencianos que más rápido crece tanto en seguidores como en presencia.

Entre bromas y nervios por los meses venideros charlamos sobre su segundo trabajo. “No hemos tenido demasiado tiempo para pensar a largo plazo, todo ha sido muy repentino y nos ha remolcado hasta Raval”, nos cuenta Panxo, a quien el propio Arnau tilda de artífice de —casi— todo. “Panxo fue quien montó Estiu y yo creo que ni él ni nadie

Raval

Propaganda pel fet!

Crossover 7/10

Los márgenes ZOO reafirman su sonido, dando cabida al tropical bass, al reggae o al breakbeat. El colectivo reivindica la periferia valenciana y critica la corrupción y la indiferencia, las etiquetas y los juicios sin sentido, al tiempo que defiende la pluralidad.

Pero en Raval hay, sobre todo, espacio para el cuestionamiento del poder y el orden establecido. Todo ello por medio de una atmósfera sonora en la que las melodías rápidas y enérgicas se convierten en protagonistas. Mención especial para las producciones de Ainz Adams, Plan B y 1101vs13 & Zette, estos últimos también productores de Dremen, formación a la que inevitablemente se apela al escuchar Raval.

Tampoco podemos olvidar las reminiscencias de Orxata Sound System, Aspencat o Los Chikos del Maíz.

—anaïs lópez sánchez

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como fuera Raval ya está en la calle.

Once temas que a pesar de ser difíciles de enmarcar dentro de unos patrones estilísticos concretos, son una continuación y consolidan al grupo en lo que Héctor define como “música festiva donde trabajamos diferentes aspectos, sobre todo géneros afroamericanos con muchas connotaciones electrónicas”. Variedad que se acentúa con el hecho de contar con producciones de varios artistas como Ainz Adams (artífice del beat del aclamado Estiu), Plan B o 1101vs13 & Zette. “Aunque es simple: somos bases electrónicas con rapeos y arreglos instrumentales. Con estos ingredientes obviamente no puedes hacer un disco de salsa”, bromea Panxo. En todo caso, Raval es una continuación que a pesar de seguir con los mismos ingredientes, se ha sazonado con dos años de carretera y un centenar de conciertos.

“Plenets de pols i de pors/buidets de pau i de glòria” son los versos con los que se presentan en el tema que da nombre al álbum. Las dos voces de ZOO explican la frase coincidiendo en que “vivimos entre el polvo y el miedo y, a pesar de que queremos que cada uno lo interprete a su manera, es una batalla interna de las personas dentro del conflicto estructural de fuera”.

Por ello, siguen poniendo música a lo cotidiano, reivindicando la riqueza de la lengua y del pueblo, defendiendo una educación libre y condenando las represiones. Como muchos artistas y grupos —y abundantes en territorio valenciano— han tenido que tirar del DIY, pero no les importa. “Los músicos han de tener una cierta independencia de

las instituciones y más cuando la política cultural es nefasta”, comenta Arnau, mientras Héctor detalla que el boom musical en el País Valencià actualmente es la respuesta a las dos décadas de gobierno de derechas. “Al sentirnos reprimidos por los estamentos, los valencianos hemos cogido la música como herramienta para reivindicar muchas cosas”. Y centrados en reivindicar, una de las colaboraciones la borda César Strawberry (Def con Dos), con quien grabaron justo una semana después de que saliera su condena. “Llegas a pensar si tendrás problemas con lo que escribes, pero no hemos modificado nada de lo que ya teníamos y nunca dejaremos de hacer ni decir nada por eso”. —andrea coll pons

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LA GIRA l Valencia. 20 de abril. Sala Repvblica. l Barcelona. 26 de abril. Apolo. l Manresa. 28 de abril. Stroika. l Girona. 29 de abril. La Mirona. l Lleida. 10 de mayo. l Bilbao. 11 de mayo. Antzokia. l Zaragoza. 12 de mayo. Sala López. l Alicante. 19 de mayo. Sala One. l Granada. 20 de mayo. Planta Baja. l Pamplona. 26-27 de mayo. Iruña Rock. l Salamanca. 1 de junio. Potemkin. l Orense. 2 de junio. OurenRock. l Madrid. 3 de junio. Caracol. l Cantabria. 10 de junio. Festival Beltane.

abril 2017 #25

FOTO: ARCHIVO

WALA. WALA.

“Tengo sesenta y cinco años y he visto mucho.

Antes lo hacíamos todo contra el establishment, porque en aquel momento nadie quería formar parte de él. En los últimos veinte años parece que todo el mundo está obsesionado con ser una parte de la cultura de los Grammy” Chrissie Hynde en Uncut

Riot Propaganda En las calles

“Lo realmente terrible es que en pleno 2017, n tengamos que estar co” el rotulador tachando

Rock y rap combinados para lanzar un mensaje, un mensaje que atiza a los causantes de la realidad que nos está tocando vivir. Así es la música de Riot Propaganda, y así es Agenda oculta (Boa, 17).

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n 2013 el 15-M comenzaba a vadear, Podemos aun no existía y llevábamos casi dos años de gobierno del PP. Se necesitaba un látigo, una lengua viperina, y nos encontramos con tres: las de Nega y Toni de Los Chikos del Maíz y la voz de M.A.R.S., vocalista de Habeas Corpus: nacía Riot Propaganda, un combo de rapcore que unía a ambos proyectos en uno mucho más grande, tanto en género como en número. Lo que hace cuatro años eran solo voces de resistencia hoy tiene homólogos sentados en el Parlamento, y Agenda oculta mantiene discursos comunes con Podemos. En ese sentido, ¿Riot o Propaganda? “Que nos digan que hacemos propaganda de los nuevos procesos que ha habido, como Podemos, cuando le metemos caña a Ada Colau y Manuela Carmena… creo que no es el disco que toca decir eso”, dice Nega. “Sí que han cambiado cosas: ha irrumpido Podemos, hay ayuntamientos del cambio… pero en lo económico, en lo sustancial, el país está como está: sigue habiendo desahucios, unos niveles de precariedad increíbles, vemos que cuando no son los estibadores son los del Metro o los de la limpieza o los teleoperadores”.

M.A.R.S. añade: “Que haya cosas que han cambiado no quiere decir que todo ha quedado atrás. La prima de riesgo no va a cambiar nuestro discurso, pero sí lo que se deriva de ella. Antes había casi seis millones de parados, ahora más de cuatro, pero las condiciones laborales son las que son. Hay argumentos de sobra para que Riot Propaganda o artistas de cualquier índole o disciplina participen y ejerzan la crítica y la reivindicación como parte de su cometido”. Aunque esto no sea precisamente lo que hagan todos los compañeros

de profesión. Menos aún los que tienen mayor visibilidad y unas cifras de ventas astronómicas.

“Está bien que la política haya afectado a la cultura a este nivel, pero sería mejor que a Pablo Alborán le hiciesen preguntas sobre política. Diría ‘yo no opino’, pero el que calla otorga”.

“La música puede acompañar a un cambio político o social pero siempre desde una parte de control o de crítica. Nadie debe estar libre y a salvo”, dice Toni. “Carril bici arriba o carril bici abajo, las estructuras sociales siguen igual o peor. Somos enemigos de la cultura política tan española de ‘yo voto y me olvido’. No es así: hay que estar pendiente de que se oiga el pulso de la calle, de que la gente participe: la democracia no es votar cada cuatro años y nada más. Me atrevería a decir que somos más necesarios que antes”, añade el otro Chiko del Maíz. Si el disco hubiera salido dentro de unos meses, ¿le habría caído una colleja a Íñigo Errejón? “Muy probablemente”, dice Nega. “Estamos más legitimados que mucha otra peña: nos hemos batido mucho el cobre en la calle, en manifestaciones, en actos…”. Legitimados y perseguidos. Y es que los sucesos en los últimos meses con César Strawberry, Pablo Hásel o Valtonyc han obligado a Riot Propaganda no solo a afinar los instrumentos, sino también sus frases.

“Ninguno de los que escribimos tenemos vocación de mártir, pero no por ello vamos a dejar de decir aquello que piensas. Tratamos de decirlo de otro modo para evitar ese linchamiento gratuito, esa cesión en bandeja. Sobre todo porque luego la trascendencia sería mínima”, dice el vocalista de Habeas Corpus. “Lo realmente terrible es que en pleno 2017, en el contexto en el que vivimos, con el desarrollo que hay a todos los niveles, tengamos que estar con el rotulador tachando”, completa Nega. —alan queipo

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“Sí, hablé con Brian Johnson hace unas semanas. Coches.

Solo hablamos de coches.

Sobre coches y sobre que yo conduzco más rápido que él.

Nos deseamos buena suerte, somos buenos amigos. Y todo está muy bien” Phil Rudd en Ruta 66

“Mis padres ponían Supertramp, Queen, Bruce Springsteen... No tenía discos, solamente escuchaba lo que había por ahí. No vengo de familia de músicos, ni de familia de la industria musical, ni de contactos...”

Rosalía en Tentaciones

“Quien tenga el disco Omega no creo que sepa quién es Pepe el de la Matrona o Bernardo el de Los Lobitos, o Don Antonio Chacón. Pero que algunos seguidores de Toundra me conozcan a mí o a la poesía de Enrique Falcón, ya es un logro” Niño de Elche en Rockzone

“Me siento muy orgulloso de que Los Planetas hayan llegado hasta donde lo han hecho sin el apoyo de los medios generalistas.

Aunque hemos intentando tenerlo, no lo hemos encontrado” J de Los Planetas en Rockdelux

abril 2017 #27

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO Luis Alberto Segura está de nuevo por aquí. King Of Beasts (Sony, 17) es un nuevo movimiento en una carrera que, paso a paso, va abriéndose camino aquí y allí.

L.A. abriendo camino S

Se puede alcanzar la paz en una interminable gira por todo el mundo, rodeado de miles de personas prácticamente cada noche, codeándote con algunos de los iconos del rock actual? ¿En qué espacio se cuelan los rayos de luz de una melancolía especialmente sensible? ¿Cómo consigue el rey de la selva convertirse en tu disfraz, un alter ego que ponga orden a una anarquía ordenada?

En el punto en que Luis Alberto Segura (o L.A.) decida: King Of Beasts es su colección de canciones más ambiciosa (diecisiete canciones en su versión extendida; once en la de las plataformas digitales), su película más luminosa y un retorno al trabajo doméstico en Mallorca junto a Toni Noguera (con quien había trabajado en Heavenly Hell) y su repertorio más repleto de matices y sensibilidades pop. “Llegan momentos en los que estás solo, en la habitación, en el camerino, en la calle paseando…

A veces pesa más el momento de soledad que el de trajín, gente y ruido. Ese momento es tan común que se crea como una nota constante donde pasan mogollón de cosas pero de repente estás solo; y el contraste es tan grande que afecta más al corazón. Y lo que te viene a la cabeza tiene más peso que lo que te viene en el momento de euforia”.

Una euforia que nace de la necesidad, y que en este disco ha tenido como vehículo a un león imaginario, un rey de las bestias que hace las veces de médium entre Luis Alberto y su repertorio. “No soy Bowie, pero en esta ocasión hay un personaje en el que me cobijo debajo #28 abril 2017

CRÍTICANDO King Of Beasts Sony Music, 2017 Pop 8/10

Reinicio

“Las etiquetas acabarán muriendo.

No me da miedo el mainstream” porque me va bien tener ese primo grande donde esconderme. Son canciones muy alineadas con el aislamiento y la inocuidad, de estar en una especie de habitación blanca kubrickiana”.

Una habitación con vistas en la que ha sonado mucha música contemporánea (“en mis últimos discos solo escuchaba en el estudio grabaciones de hace cincuenta años”) y un aparato que ha cambiado la noción del sonido del proyecto: un emulador llamado OP-1, y del que ya había tirado para su último disco Bon Iver. “Lo hemos agotado, prácticamente: lo hemos filtrado, pa-

LA GIRA l Madrid.

19 de mayo. Festival Tomavistas. l Barcelona.

25 de mayo. Bikini. Guitar Bcn. l Valencia 26 de mayo. Sala Moon. l Benidorm 28 de julio. Low Festival.

sado por cinta, lo hemos vuelto a grabar”. Y de pronto, el sonido americano quedó relegado a un segundo plano: el disco suena más cerca de patrones como los de Sparklehorse, Death Cab For Cutie, Telekinesis o Rogue Wave, si acaso. “Ha nacido un sonido que no tenía hasta ahora. Es algo que hemos perseguido: no pisar nada que hayamos hecho antes y construir un suelo nuevo en el que ir pisando. Es el disco en el que más en el momento he estado a nivel de influencia e inspiración.

Si quiero volver a sonar a Tom Petty volveré a aliarme con un productor americano”.

Ese sonido melancólico ha conseguido empastar con unos halos de luz prácticamente desconocidos en la ‘marca L.A.’. “Es el disco en el que más he arriesgado por la luz. Hasta ahora no lo había hecho. Producirlo yo mismo me dio rienda suelta a encender todas las luces de la habitación”. Un encendido de luces que lo traslada a los orígenes de L.A.: una vuelta a las bases en metodología, estructura, libertad y autosuficiencia casi virgen. “Este podría ser uno de mis tres primeros

Si bien el proyecto no dejó de evolucionar y de proyectar su música en cada vez más rincones del planeta y escenarios de mayor alcance, algo se había perdido en L.A. en sus últimos movimientos. Quizá esa ambiciosa escenificación de que el proyecto había cambiado de envergadura, de que las giras por América tenían que tener un efecto artístico en la obra de Luis Alberto Segura. El caso es que, aunque buenos, los excesivamente americanistas SLNT FLM, Dualize y From The City To The Ocean Side eran casi ejercicios de género: la búsqueda de un sonido de aristas americanas perfilado gracias a sus alianzas con capos del american way of sound como Richard Swift o Matt Wignall. En King Of Beasts, Luis Alberto Segura decide patear su propio tablero, reiniciar su sonido gracias a un cacharro como el OP-1 (el que utilizó Bon Iver para su último disco), retomar en su Mallorca natal su alianza con Toni Noguera (con quien había trabajado en Heavenly Hell (08), el disco que lo cambió todo) pero teniendo mayor protagonismo como productor e inventarse un personaje que sirve como médium para comunicar emociones tan melancólicas como luminosas. Y se nota: no solo es su colección de canciones más polifónica y menos desprejuiciada hasta la fecha (hay retazos dreampop, folk-rock de autor, guiños indietrónicos y rocktrónicos, nanas, canciones instrumentales y auténticas epopeyas de orfebrería pop), sino la más larga y en la que da carpetazo a grandes rasgos a esa americano-dependencia de sus últimos dos álbumes: aquí suena más cerca de Sparklehorse, Death Cab For Cutie, Starsailor o Telekinesis; y consigue firmar sus hits más redondos hasta la fecha. —alan queipo

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Amparanoia, el retorno

TAN. CERCA.

SELECCIÓN MONDO

Grey Coloured Melodies

Heavenly Hell

Dualize

From the City to the Ocean Side

Autoeditado, 2004 Pop 7/10

Dreamville Records, 2013 Rock 8/10

Universal, 2009 Pop 8/10

Sony Music, 2015 Pop 7/10

discos anteriores a Heavenly Hell, pero sonando hi-fi y grabado con mejores medios. Es el mismo concepto de disco loco: partes instrumentales, canciones acústicas mezcladas con otros patrones de canción pop…”. ¿Y lo de la “película” que mencionaba antes? L.A. concibe cada disco como la banda sonora de una película imaginaria. “Pero esta, por su tamaño, más aún. En las canciones veo ecos de Kubrick, Shyamalan, Scorsese, Wes Anderson… Sería una película mainstream sin duda. Estoy cansado del indie”. Segura no tiene miedo a confesar que su total falta de prejuicios no solo lo lleva a componer uno de sus cancioneros más polifónicos, sino a quitarse complejos. “Hay bandas a las que les daría pánico tocar en una fiesta de LOS40. Yo no tengo ese prejuicio. Los complejos que pudiese tener ya me los he quitado todos. Y con este disco más que nunca.

Ojalá llegase a un nivel Leiva. Quien diga lo contrario está mintiendo, a no ser que sea multimillonario y se pueda permitir el lujo de no trabajar. Yo, si puedo seguir creciendo y llegando a más gente, ¿por qué no? Las etiquetas acabarán muriendo. No me da miedo el mainstream”. El rey de la selva vuelve a rugir. —alan queipo

r

RR El Mallorca Live Fest (12 y 13 de mayo, Calvià) amplía el abanico de grupos para su próxima edición.

Destacan especialmente los británicos Placebo en su primera visita de su carrera a la isla. El resto de nombres que completan esta tanda lo conforman Chambao, Nastia, Sexy Zebras, Club del Río y los argentinos Onda Vaga. Todos ellos se suman a artistas anteriormente confirmados como Lori Meyers, C.Tangana o Mala Rodríguez.

RR Este mes de abril se celebrará en Callús (Manresa) la tercera edición del Own Spirit Festival, un evento subtitulado como Psychedelic And Healing Gathering. Del 13 al 17 de abril habrá actividades relacionadas con la cultura psicodélica, con actuaciones de artistas internacionales, actividades lúdicas y de desarrollo personal para gente de todas las edades. Actuarán nombres como Alwoods, Bajan, Globular, Tina Malia, Sonic Species, Kula Ritmundo o Zeitgeist, procedentes de países como Reino Unido, Estados Unidos, Portugal o Alemania.

RR La mítica banda asturiana Ilegales ha escogido el festival madrileño Cultura Inquieta como parada en su próxima gira, que se extendrá de abril a agosto. El grupo actuará en el festival el 6 de julio, y tristemente será sin la presencia de Alejandro Blanco, bajista de la banda durante más de veinte años, que fallecía el 12 de marzo del año pasado.

RR La 26ª edición del Pirineos Sur, que se celebrará del 14 al 30 de julio en el Pirineo aragonés en las localidades de Sallent de Gállego y Lanuza, confirma sus primeros cuatro grandes nombres: Kase.O, Crystal Fighters, Residente –nuestra portada de este mes- y Youssou N’Dour.

Más en: www.pirineos-sur.es RR El francés Jean-Michel Jarre estará el próximo 29 de abril en Santo Toribio de Liébana (Cantabria) para dar el pistoletazo de salida al Año Jubilar Lebaniego con un concierto que se espera que congregue a unas 6.000 personas. El evento, que será retransmitido en directo a todo el mundo vía streaming, ha sido bautizado como ‘The Connection Concert‘.

RR El ex-Apeiron Emilio José vuelve a la carga una mixtape con sesenta y cuatro temas que estará disponible para descarga gratuita desde su bandcamp y llevará por título Nativos Digitais. MS

Más en www.mondosonoro.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Tras tres álbumes a su nombre, Amparo Sánchez ha retomado la marca Amparanoia para celebrar no solamente los veinte años transcurridos desde el álbum que la consagró como referencia ineludible del mestizaje sonoro a finales de los noventa (el exitoso El poder de Machín, de 1997), sino también para revindicar la penetración popular de un discurso que caló entre sucesivas oleadas de músicos posteriores.

FOTO: BERNAT ALMIRALL

RR El SanSan Festival se celebra ya en Benicàssim. A lo largo de los días 13 a 16 de abril podremos ver a Kaiser Chiefs, Leiva, Coque Malla, Los Del Río, La Raíz, M-Clan, Manel, Niños Mutantes, Miss Caffeina, Second, Neuman, Fuel Fandango, Corizonas, Varry Brava, Delafé, etcétera. www.sansanfestival.com

E

l coro de mi gente (La Marmita/Calaverita Records, 17), su nuevo disco, es un álbum de duetos con un puñado de músicos afines que acercan a su terreno particular trece canciones del repertorio de Amparanoia, extraídas de todas sus fases creativas. Desde Manu Chao a Depedro, pasando por Andrea Echeverri, Sargento García, Fito Cabrales, Calexico o Dani Macaco, con quien comparte ese single de adelanto que es precisamente el único inédito del álbum. “Todo fue desarrollándose: cuando nace una idea, se va ramificando. Y lo que en un principio era remasterizar El poder de Machín, o grabar algunas versiones actuales de su contenido, pues se convirtió en que todos mis compañeros de camino versionearan a Amparanoia”, comenta acerca de un disco que es “la prueba de amor, de compañerismo y de reconocimiento por parte de todos ellos, sin límites marcados”.

Tanto la influencia de su sonido (“Me lo ha reconocido gente más joven, que dicen que soy un referente para ellos, o que mis discos han puesto banda sonora a su vida en una época”) como la vigencia de El poder de Machín (“No es que lo diga yo, es que me lo dice mucha gente, que El poder de Machín podría haber salido hace una semana.

Es actual, es vigente y no ha perdido la

frescura: creo que tiene algo de eterno, de popular”), han sido los dos motores que han impulsado esta nueva gira, de la que Amparo cree que “va a dar muchas respuestas de lo que significó Amparanoia realmente”.

—carlos pérez de ziriza

r Más en www.mondosonoro.com

LA GIRA l Ibiza 20-22 de abril. Sueños de Libertad. l Villarrobledo 28-30 de abril. Viña Rock. l Quintana de la Serena 29 de junio - 1 de julio. Granirock. l Torre del Mar, Málaga 5-8 de julio. Weekend Beach. l Chipiona, Cádiz 12-15 de julio. Alrumbo Fest. l Bueu 3-5 de agosto. Sonrias Baixas. l Villena 18-19 de agosto. Rabolagartija Festival. l Madrid 2 de diciembre. La Riviera. l Barcelona 15 de diciembre. Apolo.

febrero 2017 #29

MONDO FREAKO

Canteca de Macao Granada (1 abril, El Tren), Bilbao (6 abril, Kafe Antzokia), Viñarock (28 a 30 abril, Villarrobledo), Granirock (1 julio, Quintana de la Serena), Cabo de Plata (6 julio, Barbate), Weekend Beach (5 a 8 julio, Torre del Mar), El Chamán (18 agosto, Los Escullos), Rabolagartija Festival (19 agosto, Villena) y Madrid (11 noviembre, Palacio Vistalegre).

AgeNda. ABRIL.

RR La banda madrileña se despide definitivamente, mientras Anita Kuruba y Chiki Lora toman caminos que nos harán pasar grandes momentos. Pero dicen adiós ofreciendo una gira que les llevará por muchas ciudades españolas y les acercará a varios festivales.

r Más en www.mondosonoro.com #mondosonoro/agenda

#30 abril 2017

¿Lo de emprender carrera en solitario tiene algo que ver con que “decidir las cosas uno solo, o una sola, resulta más fácil”?

(Ana) En mi caso tiene más que ver con tener otras inquietudes musicales muy lejanas a Canteca.

(Chiki) En mi caso, es una manera de encontrarme a mí mismo.

De sentirme de la manera más profunda y sincera. De conocer mis limites y vencer mis miedos.

Decís que hacéis una gira de despedida pero de buen rollo. ¿Al final será cierto que “Nunca es tarde” para que Canteca de Macao vuelva’?

(Ana) Nos lo están diciendo mucho. “Oye, ¿os separáis de verdad o es una estrategia de marketing?”. Pues es de verdad. Así que este año va a ser increíble.

Cada nota, cada canción, cada concierto, cada escenario, cada hora de rula con los compañeros y cada fiesta postbolo.

(Chiki) Nunca es tarde, pero primero tendremos que despedirnos. Y luego ya la vida nos dirá. ¡Por lo pronto vamos a gozar de una gira maravillosa! Y de unos cuantos años de parón indefinido.—miguel amorós

Parkway Drive Barcelona (25 abril, Razzmatazz), Madrid (27 abril, La Riviera)

RR En Ire (Epitaph/[PIAS], 15), los australianos Parkway Drive exprimieron los límites del género para ofrecernos himnos pegadizos y una versatilidad envidiable que demostró una vez más su capacidad de sorprendernos después de más de una década de carrera. De ahí que piensa en una banda de metalcore de los últimos cinco años y seguramente citarán a Parkway Drive entre sus influencias, incluso teniendo en cuenta que Ire marcó un punto de inflexión entre sus seguidores. Hablamos con Winston McCall, vocalista de la banda. ¿Los cambios de Ire eran por miedo a encasillaros, por huir del aburrimiento?

No fue tanto el aburrimiento como el hecho de llegar a un punto en el que si seguíamos haciendo lo mismo sí que acabaría por volverse muy monótono y entonces sí que sería aburrido. Fue el hecho de pensar que si llegábamos a tener un

sonido completamente definido, no tendríamos la capacidad de sorprender ni aportar nada creativo.

Cuando empezamos a escribir música no teníamos ni idea de adónde nos dirigíamos, ni teníamos idea de qué podíamos llegar a hacer. Es justo ahí donde te vuelves más creativo. Con Ire recuperamos ese sentimiento de ‘todo es nuevo’ de nuestros inicios.

Habéis llegado a un punto de vuestra carrera en los que estáis del otro lado y vosotros sois la influencia. ¿Cómo os sentís cuando bandas como Northlane hablan de vosotros como inspiración?

Es una locura. La primera vez que coincidimos con Northlane recuerdo que nos dijeron lo mucho que les gustaba nuestro primer álbum y nosotros no nos lo creíamos. Nos había encantado su primer disco. Es genial influenciar de esa manera a otra banda local tan grande como Northlane tanto como a otras bandas. Cada vez que alguien nos cita como influencia nos hace sentir muy agradecidos de formar parte del arte de otros. Es algo con lo que somos muy humildes. —montse galeano

Delafé

PAIN OF SALVATION

Zaragoza (1 abril, Sala López), Benicàssim (13 a 16 abril, SanSan), Terrassa (7 mayo, Nova Jazz Cava), Sevilla (19 y 20 mayo, Interestellar), Santiago de Compostela (2 junio, Sala Riquela), Pontevedra (3 junio, Teatro Principal), Barcelona (10 junio, Sidecar), Barbastro (23 y 24 junio, Polifonik), Torre del Mar (6 a 8 julio, Weekend Week), Aranda de Duero (10 a 12 agosto, Sonorama), Granada (22 y 23 septiembre, Granada Sound)

Barcelona (Bikini, 8 abril) Madrid (Teatro Barceló, 9 abril)

RR Meses después del lanzamiento de La fuerza irresistible (Warner, 16), Óscar D’Aniello y Dani Acedo ponen en marcha una nueva parte de gira como Delafé. Esta vez habrá sorpresas, porque además de sus hits más reconocibles, los barceloneses rinden su particular homenaje a la música pop sampleando a algunos de sus artistas favoritos de todos los tiempos (Marvin Gaye, Massive Attack, Underworld, Beastie Boys, Depeche Mode, James Brown, Portishead, etcétera).

RR Formando parte de la gira de presentación de su disco In The Passing Lifht Of Day ( Century Media, 17), que incluye singles del potencial de Reasons o Meaningless, el quinteto sueco Pain Of Salvation vuelve a nuestro país para recordarnos los motivos por los que continúan siendo una de las bandas de metal progresivo indispensables y más respetadas del mundo.

Los teloneros serán los también suecos Port Noir, una formación de metal progresivo que combina los medios tiempos melancólicos con la personal y especial voz de Love Andersson, también guitarrista del grupo.

La gira europea les llevará por todo el continente, apenas semanas después de girar por Estados Unidos.

BIG OK

Zaragoza (Arrebato, 11 abril) Bilbao (Shake, 12 abril) Oviedo (Lata de Zinc, 13 abril) Pontevedra (Liceo Mutante, 14 abril) Ourense (El Pueblo, 15 abril)

RR Es muy posible que el nombre de Big Ok todavía no le diga nada a muchos de nuestros lectores, pero eso cambiará en breve o sencillamente al descubrir que se trata del proyecto conjunto de Edi Pou (Za!, La Orquesta del Caballo Ganador), Sara Fontán (ex Manos de Topo, La Orquesta del Caballo Ganador) y el cantautor Paul Fuster.

Juntos acaban de publicar un primer larga duración, Big Ok, grabado por Santi García en los estudios Ultramarinos Costa Brava y editado a medias entre los sellos españoles Gandula y Chesapik y el francés Tant Rêver du Roi. Mexican Hats es el título del single que han presentado en formato videoclip.

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The Jesus And Mary Chain “El rock es una forma de arte a la que no se puede añadir nada más” Barcelona (Razzmatazz, 29 abril), Madrid (La Riviera, 30 abril)

Damage and Joy (Warner, 17) es su primer álbum en casi diecinueve años. Han llegado a él más por insistencia de su propio entorno que por una sólida determinación.

D

a la sensación de que todo lo que ocurre en torno al tándem formado por los hermanos Jim y William Reid lo hace por inercia. Más aún después de hablar con el primero de ellos, quien nos atiende -con su proverbial tono amable pero poco proclive a devanarse los sesos- por teléfono desde su casa de Shaldon (Devon), una bonita localidad en la costa sur del Reino Unido. Al menos han tenido el olfato y el oficio de despachar un trabajo sumamente consistente con material compuesto a lo largo de los últimos diez años y que en ningún momento suena a caricatura de sí mismos. Los artífices de que aquella deflagración de ruido blanco y melodía incandescente que volteó la escena rock británica en la segunda mitad de los años ochenta retienen parte del mojo, aunque sea a base de parchear inteligentemente con retazos sonoros legados de su propio pasado un tapiz que, sobre todo, suena a los clásicos The Jesus And Mary Chain.

Una digna faena de reciclaje, en cualquier

caso. Autorreferencial, pero digna.

Cuando tuve la oportunidad de hablar contigo hace un par de años, me comentaste que el principal problema era que teníais diferencias entre tu hermano y tú sobre cómo enfocar un nuevo trabajo. ¿Cómo lo habéis resuelto al final?

En realidad no era exactamente un problema, para serte sincero. El principal inconveniente es que nos creaba algo de nerviosismo meternos en el estudio juntos, teníamos miedo a que las cosas no salieran bien y nos quedáramos estancados durante dos meses en el estudio. Y no podíamos parar de discutir. Supongo que yo mismo tampoco estaba muy por la labor de volver al estudio, aunque William diría que sí. A mí me pesaba mucho aún el mal recuerdo de cuando grabamos Munki (1998). No me hice a la idea hasta que todo el mundo empezó a animarnos a volver a grabar.

No sé hasta qué punto un título como Damage And Joy pretende resumir los aspectos negativos y positivos de mantener un proyecto durante tres décadas junto a un hermano con quien la relación no siempre es fácil...

En realidad expresa lo que tienes cuando compras un disco de The Jesus And Mary Chain: obtienes algo de daño y algo de alegría. Y eso parece que nos resume bien.

Rinôcérôse Gijón (27 abril, Sala Albéniz), Villalba (28 abril, FIV), Madrid (29 abril, Teatro Barceló)

RR Viejos conocidos de nuestros escenarios, los franceses Rinôcérôse vuelven a visitarnos tras una larga ausencia. Lo harán defendiendo los temas de Angels And Demons (2016), su útimo álbum, que se publica en formato físico el 14 de abril. Aprovechamos para hablar con Patou Carrié sobre el largo período de mutismo discográfico por el que atravesaron hasta la edición de su último trabajo y sobre más cuestiones acerca de la trayectoria del dúo.

Entre Futurinô (2009) y Angels And Demons han pasado siete años, el mayor lapso de tiempo sin un nuevo álbum de Rinôcérôse desde que se fundó el proyecto. ¿Por qué?

Bueno, ya sabes, ocurrieron bastantes cosas durante ese tiempo, como el hecho de que Jean Philippe y yo rompiéramos, pero no hay de qué preocuparse... no hay sentimientos amargos al respecto. ¡Simplemente nos llevó algo de tiempo rehacer nuestras vidas!

En la última entrevista que concedísteis para esta publicación, justo cuando se publicaba Futurinô (2009), dijistéis que vuestro siguiente álbum supondría una revolución para vuestro sonido. ¿Crees que habéis cumplido aquella predicción?

No, la verdad es que no, en absoluto. Angels And Demons es algo bastante natural, un disco que reúne temas nuevos y algunos más antiguos que se habían quedado sin editar hasta ahora.

No lo vemos como una ruptura.

Más bien es algo que teníamos pendiente hacer, y este disco era una forma de hacerlo mediante un regreso continuista, repleto de buenas vibraciones.

Cuando os disteis a conocer comercialmente, a finales de los años 90, había mucha atención mediática para lo que se daba en llamar el french touch: bandas como Daft Punk, Motorbass o vosotros. ¿Cómo los véis ahora en retrospectiva? ¿Creéis que la escena francesa sigue teniendo argumentos para ser igual de exportable que entonces?

Bueno, lo que se dio en llamar el french touch se corresponde con un tiempo y un lugar muy concretos. Honestamente, nunca entendimos por qué se nos metía en ese cajón, ya que nuestro sonido era muy diferente del de los otros grupos, la verdad.

Supongo que fue porque somos franceses, tocábamos por todo el mundo y hacíamos música bailable, aunque la hiciéramos con batería, tres guitarras y un bajo.

Músicos como Moby, Madonna, New Order, Massive Attack, LCD Soundsystem, The Roots o Iggy Pop se han declarado fans de vuestra música en algún momento. Supongo que eso debe ser gratificante.

Bueno, después de veinte años, atraviesas diferentes fases: el revuelo mediático alrdedor del primer álbum, la consecución de nuevos públicos con canciones como Cubicle or Where You From y luego el vacío experimentado tras los años que han sucedido a Futurinô, durante los que nos editamos material nuevo. No queda más remedio que aceptarlo sin resentimiento.

Hoy en día se nos considera pioneros del electro rock y creo que trabajamos duro para llegar hasta aquí. Siempre que nos sintamos con la capacidad de hacer cosas nuevas, lo haremos.

Nuestra amistad se mantiene fuerte, así que eso hace que también nos lo pasemos bien yendo de gira.

—carlos pérez de ziriza

—carlos pérez de ziriza

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abril 2017 #31

Murcia 2 - 7 mayo

2017

ORBITAL FUTURE ISLANDS TRENTEMØLLER WHITE LIES THE SOUNDS LORI MEYERS FANGORIA SHURA SIDONIE LOS ENEMIGOS FAT WHITE FAMILY SECOND LA HABITACIÓN ROJA NIÑOS MUTANTES PERRO L.A. BELAKO DELOREAN VARRY BRAVA ANNI B SWEET

ANA CURRA presenta EL ACTO JOSELE SANTIAGO(acústico) SR.CHINARRO LA BIEN QUERIDA(acústico) THE EXCITEMENTS JOE CREPÚSCULO LOS MAMBO JAMBO HIDROGENESSE OJETE CALOR live FUTURE THIEVES CRUDO PIMENTO PABLO UND DESTRUKTION LIDIA DAMUNT PERLITA ALIEN TANGO CAPSULA (DREAMING OF ZIGGY STARDUST) KUVE LOS SUSTOS VERA GREEN SAMONIK LEADFOOT TEA NOISE BOX AYOHO MERIDIAN RESPONSE LÍGULA LAS CHILLERS JUMP TO THE MOON AIRE CANADÁ CLAIM CLARA PLATH POOLSHAKE GARAJE FLORIDA... Y MUCHOS MÁS

www.wammurcia.es

Estrella de Levante recomienda el consumo responsable

#32 abril 2017

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33/Mondo VINILOS

Boss Hog

Las Odio

Brood X Bronze Rat/ Popstock!

rock / Lanzarse a grabar un nuevo disco diecisiete años después de la anterior entrega es, a priori, una osadía meritoria por sí misma. Pero es sabido que estas aventuras también conllevan un riesgo de desactualización y pérdida de toque que, en definitiva, puede terminar dibujando una caricatura de la banda en cuestión. Este no es el caso de la formación liderada por la vocalista Cristina Martínez, quien acompañada de su marido Jon Spencer y compañía, entrega un álbum capaz de mantener ardiente toda la esencia y sentido del grupo. La banda se muestra fuerte, en plena forma y solvente, con un álbum de diez temas, cortito y al pie, que funciona en ritmo y canciones. El quinteto continúa sonando explícitamente vigente y expeditivo en esa mezcla de rock, garage y punk con ligero regusto bluesero. —raúl julián

FOTO: TOM HINES

7

Future Islands: canciones sin trampa ni cartón Future Islands The Far Field 4AD/Popstock!

8

POP / Las canciones de Future Islands siguen

siendo tan perfectas que hasta llegan a dar rabia. No es posible advertir grietas en su arquitectura sónica. Las únicas novedades, más cosméticas que esenciales, residen ahora en el departamento de personal adjunto: han cambiado la producción de Chris Coady (Beach House, We Are Scientists, Delorean) por la de John Congleton (Sleater-Kinney, David Byrne, St. Vincent, Explosions In The Sky, Cloud Nothings), han reclutado la batería de Michael Lowry para dar algo más de naturalidad -se supone- a unas tramas rítmicas tan sintetizadas como las suyas, y se han agenciado también los arreglos de viento y cuerda de Patrick McMinn, un músico procedente de su ciudad, hábil en el equilibrio entre lo acústico y lo electrónico. Pero su fórmula sigue instalada, como si el tiempo se hubiera detenido hace tres años, en la misma pétrea fiabilidad que hizo de Singles (2014),

una de las colecciones de canciones más radiantes de las últimas temporadas. Y la seguirán rodando este año en festivales en los que (con) vencerán casi sin necesidad de bajar del autobús, a lo Helenio Herrera. El quinto álbum de los de Baltimore, gestado en los legendarios estudios Sunset Sound de Los Angeles (crisol de obras totémicas a cargo de The Beach Boys, Led Zeppelin, The Rolling Stones o The Doors), posiblemente no tenga ningún hit tan inapelable como Seasons (Waiting On You), pero vuelve a romper una baraja synth pop de reflejos iridescentes y líneas melódicas irrebatibles, capaces por sí solas de aclarar el día más aciago. North Star, Through The Roses, Ancient Water, Shadows (con la voz de Debbie Harry, de Blondie) o esa maravilla final que es Black Rose, guiñando un ojo a los New Order más emotivamente frágiles, formarían una retahíla de éxitos incontestables en esa radiofórmula perfecta que ya nunca disfrutaremos. Porque Samuel T. Herring, Gerrit Welmers y William Cashion mantienen su mejor activo: esa honestidad brutal que prima el poder de la vulnerabilidad emocional en canciones que se muestran sin trampa ni cartón, en un mundo que rebosa descreído cinismo. —carlos pérez de ziriza

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Futuras Esposas Autoeditado

7

del “infraunderground” han subido un par de escalones para dar un toque de atención al panorama indie y sus clichés mediante un sonido directo y un discurso claro. Con el costumbrismo como género preferido y una ironía tan afilada como las uñas de la portada de su debut, ponen el foco sobre los listillos (Yo lo vi primero) y animan al personal a tener criterio propio, tanto en sus gustos musicales y culturales (A tu ritmo) como en sus opciones de ocio (Puede ser divertido).

Apostando por el lo-fi presentan diez temas que beben del garage, punk, yé-yé y, ante todo, del riot grrrl. El activismo y los principios feministas que reunieron al cuarteto en el colectivo Sisterhood protagonizan la narrativa, con Indiespañol, un fiel retrato del machismo imperante en la industria. —beatriz h. viloria

Polock

Nathan Fake

Magnetic Overload Sony Music

POP /El cuarto trabajo de los valencianos no deja de ser un disco clásico, en el que sobresalen las guitarras y los riffs pegadizos. Pero al mismo tiempo conserva las melodías pop que caracterizan al quinteto, ahora reconvertido en trío. Esto se traduce en un sonido fresco, moderno, donde lo vintage campa a sus anchas en composiciones como Oh I Love You. Hay más fuzz, más distorsiones, muestra de ello es Best Friend, con cambios de ritmos y atmósferas casi alquímicas, como la portada del disco. El tema que da nombre al álbum recuerda a las exquisitas baladas de AM, de Arctic Monkeys. No es de extrañar, no solo porque seguramente ambas formaciones hayan compartido referentes, si no porque han contado con Brian Lucey, que ya trabajó con Alex Turner y los suyos, para masterizar Magnetic Overload.

6

—maría martín-consuegra

rock / Las embajadoras

Providence Ninja Tune/ [PIAS]

8

ELECTRÓNICA / El productor

de Norfolk consigue en su cuarto álbum escapar de las fórmulas del pasado, y al mismo tiempo recupera la frescura de su magnífico debut Drowning In A Sea Of Love, llegando a un sonido final estéril y alejado de todo hype. Un viaje que atraviesa espacios sonoros repletos de juegos de luces, arpegios y efectos, y en cuyo interior conviven temas de corte claramente ambient con otros más frenéticos. El discurso de Fake aquí se acerca al mito de aquel que resurge con fuerzas de las sombras, al del artista que encuentra en su instrumento el mejor antídoto a sus fantasmas.

Paralelismos que recuperan sentido cuando descubrimos que Providence marcó el fin de un oscuro periodo en la vida de su artífice. De ahí, ese halo casi sagrado que envuelve algunos cortes. —daniel mesa abril 2017 #33

MONDOVINILOS

Xavi Alias Carib Escafandra

Un trabajo ambicioso Father John Misty Pure Comedy Bella Union/[PIAS]

8 poP / ¿Comenzar con una balada de más de seis minutos redondeando un escenario de regresión distópica, con la humanidad eligiendo a payasos como gobernantes y bajo los efectos perniciosos de la religión? Les suena, ¿no? Hasta el propio Josh Tillman parece consciente de los riesgos que comporta marcarse tal inicio (no es el único en un álbum que sobrepasa los setenta y cinco minutos y en el que un par de cortes bordean o sobrepasan los diez).

Podría ser cosa de un charlatán de feria, pero Pure Comedy, apertura de su tercera entrega como Father John Misty, es una grandiosa canción con la rara habilidad de evocar al mejor Elton John en un contexto de actualidad. Quizá la mejor forma de disfrutar de estas trece canciones sea haciendo propias sus palabras en la megalómana perorata escrita con la que desentraña el tuétano del álbum: la ironía ayuda a las

Miquel Vilella

Disciplina Atlántico

7

ROCK / La puesta de largo

de la banda establecida en Madrid sigue los derroteros de su epé homónimo publicado hace un par de años. Ambiente postpunk anguloso, muy a lo Gang Of Four, pero revestido de una fiereza que aflora en los estribillos y acaba por encontrarse con guitarras más contundentes de bandas como Wipers. Un amplio abanico de referencias noise, sin resultar ser una copia obvia, ya que Disciplina Atlántico se encargan de imprimir un toque dramático y muy distintivo a la mayoría de ambientes. Llevando los temas hacia un terreno generacional, donde lo aciago parece estar a la vuelta de la esquina. Una combinación milimétrica de enfado y desesperación que aflora sobre todo en los momentos más pop como es el caso de Tu gemelo enfermo o Anna Nicole. Territorios que los sitúan cercanos a bandas como Ornamento y Delito (grupo compartido por su vocalista Ricardo), donde el paso del tiempo adquiere forma de cuchillo.

—noé r. rivas

#34 abril 2017

POP / La inspiración para crear de cero un disco viene dada, muchas veces, por momentos importantes de nuestras vidas como, entre infinitos, el matrimonio. Tras haber debutado en solitario con el bilingüe Després del món/Farewell, Dear Towermen (Discmedi, 14), el cantautor Miquel Vilella (ex integrante del grupo The Mighty Fools) confecciona cada una de las canciones de La línia màgica fijando la mirada en un claro eje central: el amor. Una realidad presente y palpable tanto en las letras como en el sonido de este segundo trabajo, el cual ha sido grabado en su estudio y en el MBG Audio de Tarragona. Más allá del nuevo enfoque narrativo, este disco supone un nuevo giro para el cantautor de Reus, quien decide vestir su puro y cercano estilo de ritmos más dinámicos, pegadizos y alegres, dando rienda suelta y acercándose así a su óptica más pop hasta el momento.

Nuevos matices que enriquecen la propuesta de Vilella.

6

—raquel pagès

especies a sobrellevar su vulnerabilidad y a reconciliar la desproporción entre su imaginación y la monotonía de su existencia. La ironía, bendita y cáustica ironía que se gasta quien una vez fuera batería de Fleet Foxes (¡qué lejos queda eso!), vuelve a revelarse como un arma de seducción masiva para enhebrar un tapiz sonoro y conceptual en torno a la política, el amor, la religión o las drogas. La fama, las redes sociales o el paso del tiempo. Casi nada.

Se desmarca así de aquella peripecia vital de su recién estrenado matrimonio con la fotógrafa Emma Garr (ahora Tillman), que enmarcó el relato de I Love You, Honeybear (2015), para abrazar una ambiciosa alegoría sobre este desorientado mundo, en estado casi de descomposición, en una maniobra que -caso de caer en manos menos diestras- podría haber incurrido en un pretencioso ridículo. Es este su trabajo más ambicioso, con diferencia, de nuevo con la coproducción de Jonathan Wilson y con el pedigrí que otorga haber grabado en los estudios favoritos de Sinatra o Beach Boys en L.A. (y en no más de dos tomas, preservando el primer hálito de naturalidad).

—carlos pérez de ziriza

ELECTRÓNICA / Cinco años después de su flamante debut, Racing With The Sun, el colectivo francés encabezado por Zé Mateo, High Ku y SLY nos entrega este trabajo gestado entre Marsella, Bombay y la campiña francesa. Esta nueva colección de canciones tiene su fundamento en el riesgo, en la aventura de intentar unir pasado y presente para avanzar hacia el futuro. Dieciséis canciones que combinan electrónica con muestras de música tradicional asiática, un disco basado en el recorta y pega de la sampledelia de The Avalanches con la elegancia en los arreglos de los extintos 4 Hero, o el virtuosismo creativo de los Nightmares On Wax más inspirados. Escape es una delicia; Warriors tiene una fuerza demoledora sustentada en un trabajo de Djing brutal; la belleza y el romanticismo melódico de Golden Age es arte en mayúsculas, mientras que L’Aurore es una pieza fascinante y evocadora. El cierre con Goodnight es un coda casi perfecto. —marcos molinero

ha mutado el indie folk de su primer largo por un pop electrónico con artistas como James Blake, pero también las minimalistas producciones del trap, en el punto de mira. De esa guisa ha confeccionado una espectacular colección de canciones que tiene en temas como la preciosa Nit d’Estiu su punto más álgido. Una maravilla en la que a base de superponer tan solo capas de voces, usadas como si de un instrumento más se tratara, se alcanza un éxtasis sonoro que te pondrá en modo random. A ello hay que sumarle otras canciones de una solidez y madurez exquisitas. Y no solo me refiero al planteamiento sonoro de las mismas, también a su interesante discurso existencialista. Solo hay que dejarse llevar por el bucle percusivo de Temps, el adictivo ritmo de Petita salvatge, el hipnótico ambiente de Com bèsties o la exuberancia de Crida, para darse cuenta de que estamos ante uno de los mejores discos de la temporada.

Alejandro Escovedo

The Feelies In Between Bar None Records

Burn Something Beautiful Distrijazz

Shikantaza Chinese Man Records

8

7

POP/ El catalán Xavi Alias

—don disturbios

Chinese Man

La línia màgica MET Records

Gran Oriente Limbo Starr

8

rock / Este es uno de esos

artistas grandes. Y lo es porque a una carrera honesta como pocas ha unido momentos de calidad inalcanzables para muchos de los que se encuentran en primera línea mediática.

Canciones que para él parecen fáciles, pero por las que otros matarían. Un artista al que muchos conocieron por aquel tributo que le dedicaban gente como Lucinda Williams o Steve Earle para cubrir los gastos de una afortunadamente superada enfermedad. Eso nos ha permitido seguir disfrutando de un artista con mayúsculas que es capaz de hacer estribillos tan impecables como el de Heartbeat Smile, facturar medios tiempos atmosféricos inolvidables como Beauty And The Buzz o acercarse a parámetros punk, siempre desde su punto de vista, en Luna de miel.

Todo ello bajo la producción de dos auténticos hachas de esto como Peter Buck (REM) y Scott McCaughey (The Minus 5).

—eduardo izquierdo

7

ROCK / Para los que ama-

mos el pop de guitarras, está claro que nada habría sido lo mismo sin The Feelies. Y en especial sin aquel seminal Crazy Rhythms, de allá por 1980, en el que sentaban cátedra ejecutando un pop nervioso y melódico, pero al mismo tiempo de estructura intrincada, propia del post- punk, con unas canciones llenas de recovecos y murmullos, siempre crecientes en intensidad. In Between viene a marcar el cuarenta aniversario de la banda, e interrumpe un silencio de seis años desde Here Before (el regreso del grupo dos décadas después). Y en la casa-estudio de Glenn Mercer parecen haber encontrado la tranquilidad suficiente para crear once canciones absolutamente inspiradas y producir el que será, probablemente, uno de los mejores álbumes de rock clásico americano del año. Hace mucho que dejaron atrás aquel sonido enrevesado de Crazy Rhythms, aunque las deliciosas guitarras acústicas sigan estando omnipresentes. —miguel díaz herrero

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Los Labios Birthday Industrias Bala

El retorno de un clásico Depeche Mode Spirit Mute/Sony

ROCK/ No es precisamente un detalle menor pertenecer a la estirpe de uno de los rockeros más carismáticos y geniales que hemos tenido, Silvio Melgarejo, condición que ostenta Sammy Taylor, vástago del bohemio intérprete y voz cantante de Los Labios. Una genética canalizada por medio de una representación musical setentera tan clásica como variada. Los sevillanos, debutantes pero con integrantes de largo bagaje como el brillante guitarrista Charlie Cepeda, desprenden, tanto en imagen como, sobre todo, en lo sonoro, ese enérgico desenfado característico en este contexto. Actitud visible entre acometidas punk (She Don’t Come Anymore), a medio camino entre Ramones y New York Dolls, o en el desparpajo stoniano de By All Means. No le falta a este trabajo colorido, a base de rítmico glam o espíritu popero, ni el habitual baladón (All Summer Long) que todo buen disco de rock & roll tiene. —kepa arbizu

6

7 ELECTRÓNICA/ Decir que lo nuevo de los britá-

nicos se encuentra entre lo mejor de su discografía es algo con lo que cualquier conocedor medio de la banda no estaría de acuerdo. No obstante, su decimocuarto largo está lejos de ser un álbum mediocre o por debajo de sus trabajos más recientes. Si hay algo que se lee entre las líneas de este Spirit es que por primera vez en años y de manera más evidente asistimos una vuelta a la esencia de sus grandes hits, situándonos frente a unos Depeche que operan a medio camino entre la zona de confort y la demanda. Los de Essex vuelven a apostar una vez más por melodías hipnóticas, paisajes sombríos y producciones regadas de sintetizadores ochentas que recuerdan la habilidad de Martin Gore para la construcción de espacios gélidos y enigmáticos, en especial en cortes como Cover Me o You Move. Un contexto que se crece con letras que tratan a menudo temas como la decepción en las relaciones –como en la nocturna y bluesera Poison Heart–, el hastío y la propagación del nacionalismo en Europa, hecho al que se refiere Dave Gahan en letra de la política Where’s The Revo-

Thundercat

6

POP/ Si Like We Were Young

captó la atención de este comentarista, con su preciosa melodía, con la voz de Esther Margarit dibujando una mezcla de ternura y resignación por el tiempo que pasa, Menos mal debería por fin hacer justicia con ellos.

Con la producción (mano a mano con Mau Boada) y la sonorización del incansable Joan Colomo, las canciones del álbum vuelven a hacer de la sencillez virtud. Pero, sobre todo, vienen a contradecir a quienes creen que el pop de guitarras, hoy por hoy, ha perdido la capacidad de sorprendernos y emocionarnos. Y es que las quince canciones (en poco más de medio hora) muestran una enorme variedad. Con el pop sesentas y el indie-rock noventero todavía como referentes más obvios, el álbum está lleno de guitarras titilantes (Feel Good), de pop puro y glorioso (21, 32, 45, 69), de ecos a The Primitives (On Fire), a las canciones pop de Kim Deal con Pixies (Desire) o a Dinosaur Jr en las fantásticas guitarras de Lord.

—miguel díaz herrero

8

ELECTRÓNICA / Stephen

Bruner, Thundercat, declaraba en 2008 que el hip hop podía ser el nuevo jazz, y la verdad es que con la publicación de Drunk uno tiene claro que sigue en ello.

El estadounidense formó parte bien joven de la banda de crossover Suicidal Tendencies y desde entonces ha colaborado con multitud de artistas (Snoop Dogg, Erykah Badu, etcétera), además de aportar su talento al aclamado To Pimp A Butterfly (2015) de Kendrick Lamar. Drunk te lleva de la mano para mostrarte una fusión de funk, jazz, electrónica y hip-hop en perfecta sintonía. Las veintitrés piezas que conforman el disco convencen tanto si hablamos de las principales como las que actúan como interludios.

El bueno de Thundercat toca temas como sus demonios interiores, la angustia vital o la dependencia del alcohol. Además, reúne un plantel de colaboraciones envidiable como Kendrick Lamar en Walk On By o Pharrell Williams con una voz espacial para The Turn Down. —marc oliveras deu

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—daniel mesa

Freedom Highway Nonesuch

8

AMERICANA / El segundo

trabajo de Rhiannon Giddens en solitario es un disco de texturas variadas que juega en terrenos comunes a la música tradicional americana y gira alrededor de lo que ha significado y significa ser madre y negra en los Estados Unidos. Así el disco se abre con un estremecedor tema titulado At The Purchaser’s Option, que narra cómo mediante anuncios en diarios se producía la venta de esclavos separando a los hijos de sus madres sin ningún tipo de escrúpulos. Una canción desgarradora en la que el banjo de Rhiannon Giddens marca un tempo cadencioso sobre el que sobrevuela hasta imponerse la preciosa voz de la artista.

Salvando las distancias de estilo, me ha estremecido de la misma forma en que lo hizo Let England Shake de PJ Harvey. Del r’n’b más elegante al jazz de Nueva Orleans o la balada desgarradora, para finalizar con una versión de The Staple Singers que da nombre y sentido a este maravilloso trabajo. —don disturbios

DD LJM JSL DC Med

1 Future Islands The Far Field

7 8 8 7 7,5

2 Joe Goddard Electric Lines

7 7 8 8 7,5

3 Clark Death Peak

7 8 7 8 7,5

4 Spoon Hot Thoughts

8 7 7 7 7,25

5 Drake More Life

7 6 7 8 7

6 Father John Misty 6 8 7 6 6,75 Pure Comedy 7 Depeche Mode Spirit

7 8 7 5 6,75

8 Guadalupe Plata 6 7 7 7 6,75 Guadalupe Plata 9 Joan Miquel Oliver 6 7 7 6 6,5 Atlantis

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

Menos mal La Castanya

hemos evolucionado/No tenemos respeto/Hemos perdido el control”. Puede que no estemos ante la gran obra maestra del siglo XXI y que canciones como Poorman o No More (This Is The Last Time) funcionasen mejor como caras B que en un álbum que se antoja cuanto menos ambicioso, pero desmeritarlo sería tan injusto como caprichoso. ¿Es Spirit un disco imprescindible? Quizás no, pero sí necesario.

Rhiannon Giddens

Drunk Brainfeeder

top 10.

Me and The Bees

lution (“Te han tenido abajo/Te han oprimido/ Te han mentido/¿Quién toma tus decisiones?/ Tú o tu religión/Tu gobierno, tus países/Tus yonkis de la patria”). Aunque no es la primera vez que Depeche Mode introducen estos temas en sus letras, podemos decir abiertamente que este es su disco más político. Sin ir más lejos, Going Backwards, esclarece desde la primera pista todo tipo de dudas acerca del concepto del mismo con las punzantes afirmaciones “No

10 Polock 6 6 6 6 6 Magnetic Overload

abril 2017 #35

Fee Reega

Minus The Bear

Voids Suicide Squeeze/ Popstock!

POP / Es complicado decidir si el sexto disco de Minus The Bear se trata de un trabajo potable y bien construido en torno a sus parámetros o, por el contrario, apunta al pastiche prefabricado y con claras intenciones populares. Es la indecisión derivada de una alternancia, casi matemática, de canciones convincentes con otras de perfil convencional dentro del género en el que se ubican. La banda de Seattle se mueve (sin menearse demasiado) en torno a un indie pop-rock (consistente, eso sí) y con clara preferencia por el vistoso remate tecnológico con el que engalanar las composiciones. Así una amplia presencia de sintetizadores y teclados se cuela con fuerza entre la instrumentación tradicional, hasta por momentos llegar a copar el protagonismo principal. Una elección que a su vez deriva en el perfil épico de la mayoría de las piezas, cualidad que en la práctica también se intuye como premeditada y remarca la irregularidad de la presente entrega. —raúl julián

5

We Ride

Empowering Life Victory Records

Los Campesinos!

Sonambulancia Humo

FOLK / Cuando la madrugada afilada te muerde los párpados y te agarra por el cuello un mal sueño o la peor de tus pesadillas, lo mejor que te puede ocurrir es que pase por allí una Sonambulancia. Diez canciones que serpentean con vida propia, entre el estado de vigilia y lo soñado, en la negritud de unos misteriosos ojos abiertos de par en par. Recupera el castellano de su notable La Raptora (14), pero con un enfoque totalmente distinto, creando desde la inicial La noche cae una atmósfera oscura de creciente tensión, que te envuelve poco a poco la piel desnuda como una enredadera de espinas y fuego. Delicado folk freudiano en el que estalla una tormenta eléctrica de cuerdas, fantasmagóricos vientos y una palpitante batería que, junto a la voz vaporosa y penetrante de Fee Reega, no nos marca el camino de vuelta a casa para resguardarnos, sino que nos empuja a adentrarnos en un frondoso e hipnótico bosque de miedos, deseos y heridas abiertas. —david pérez

7

Dois

6

POP / Tras cuatro años de

silencio, los galeses se han ido asomando poco a poco dejando caer a cuenta gotas tres singles en estos cuatro meses. Lo cierto es que escuchando solamente esos temas la incertidumbre se acrecentaba, ya que con I Broke Up Amarante parecía que la banda se aferraba de nuevo a sus inicios de jóvenes hiperactivos de pura energía. Sin embargo, resultó ser un espejismo. Los Campesinos! habían decidido cambiar el expreso doble por un descafeinado de sobre. Es cierto que los temas que abren (Renato Dall Ara 2008) y cierran el disco, (Hung Empty) apuntan bien, pero el conjunto produce más bien indiferencia. Es una pena que cortes más potentes como Here’s To The Fourth Time o Sad Suppers sean excepciones en comparación a temas más desganados. Con este Sick Scenes, Los Campesinos! pasan de nuevo a ser la banda que toca en un festival mientras la gente charla, en lugar de comerse al público. Una pena.

—ane barcena

David Bazan

Está bien Orphan/Discos de Kirlian

Sick Scenes Wichita/[PIAS]

7

POP / Dois se estrenaron

musicalmente en año 2014.

Lo hicieron con EP homónimo de cinco canciones editado por Seara Record que ya contenía, en gran medida, la esencia juvenil y desenfadada de su sonido. Su gran puesta de largo, Está Bien”, doce temas que reafirman la urgencia pop del trío vigués. Si en la maqueta las voces estaban sumergidas en capas de reverb, ahora se sitúan más arriba, ganando claridad y protagonismo, defendiendo unas letras impulsivas pero cuidadas que destilan ese aura juvenil. También hay una evolución en cuanto a sonido, más limpio y conciso, combinando grandes melodías e inmediatez en temas como Dinosaurio o Todo mal con medios tempos luminosos y de aires psicodélicos como Saudade o Está bien. Una formación clásica de pop con una manera atemporal de entender el género, pero con semejanzas estilísticas con bandas referenciales como The Feelies o Patrullero Mancuso y su característico desenfado. —manuel novo

Care Barsuk Records

7

POP / Con David Bazan me

pasa algo tremendamente curioso. No me gustan sus producciones, pero en cambio soy capaz de extraer la magnificencia de sus canciones, despojándolas mentalmente de instrumentos que no me convencen para llegar a descubrir a un escritor de canciones excelso.

Algo similar a lo que me ocurre con Damien Jurado. Es problema mío, lo sé. Porque el que se acerque a este nuevo trabajo del hombre que empezó con Pedro The Lion encontrará terrenos familiares.

Sintetizadores soft, baterías programadas, trabajo ambiental…

Aunque para mí su particular fingerpicking con la guitarra acústica sigue siendo el protagonista instrumental del disco. Luego están las canciones. Soberbias, como casi siempre. Deambulando entre el pop y el indie folk. Y con un extraño nexo de unión, no sé si consciente o no, con las de Control (2002), álbum conceptual de Pedro The Lion. Porque volvemos a hablar de canciones sobre la infidelidad, la paternidad o la muerte. —eduardo izquierdo

El mago del pop electrónico en solitario Joe Goddard

HARDCORE / A la tercera

7 va la vencida. Los diez temas que conforman Empowering Life confirman el potencial de la banda viguesa a la vez que abren una brecha considerable respecto a sus dos obras predecesoras, Direction (2010) y On The Edge (2012). Sin que se perciban demasiadas sorpresas en sus nuevas composiciones, el quinteto mantiene intacto su nervio y su solvencia compositiva/interpretativa a lo largo de treinta seis minutos de hardcore cortante, rítmico y despiadadamente machacón.

Un bloque demoledor y homogéneo en el que las mezclas de Cameron Webb (Motörhead, NOFX) han contribuido a amplificar sus virtudes como banda.

La hímnica What You Are –en la que colabora J.J. Peters, de Deez Nuts– o una Do It All Again cargada de contrastes se alinean junto a Hands Off, Everybody Matters o la inicial Voices como los puntos álgidos de Empowering Life.

—tomeu canyelles #36 abril 2017

Electric Lines Domino/Music As Usual

7 ELECTRÓNICA / Discos como este devuelven cierta esperanza a la música y, en concreto, a ese pop electrónico que se debate entre el underground y la gran superficie comercial.

Esta puede ser la conclusión final tras escuchar los diez temas que sustancian este segundo álbum titulado Electric Lines y que rubrica Joe Goddard a través de su sello Greco Roman bajo el amparo de Domino. El alma de Hot Chip y mitad de The 2 Bears es uno de los tipos más talentosos, omnipresentes e influyentes dentro de la electrónica que es pop y viceversa. A través de este largo formato, se da el gustazo de seguir sus propios instintos e intuiciones para hacer el disco que le ha dado la gana y así atraparnos y hasta encantarnos. Aquí hay lugar para el synth-pop soleado y optimista, para el softtechno psicodélico con querencia clubbing, el soul-house casi radioformulista, el UK garaje metido en vereda y para el deep naif, ensoñador y vocal. Partiendo de un título -que es un homenaje a los cables de colores que unen los sintes modulares- el primer tema que quiso descubrirnos fue Lose

Your Love -una delicia de versión pop-funk sintetizado de un clásico setentero de The Emotions , que muta en house tecnificado y trotón, sobre el que vuela una melodía retrofuturista y unas voces autotuneadas. Luego le sucedió Music Is The Answer, que es también una cover de un hitazo dance noventero, original de Celeda, en clave pop vocal, arpe-

giado y ambiental, a velocidad amable. Por lo demás, nos quedamos con la sofisticación deepera y soul-funky de Home, el viaje lisérgico y technoide que nos propone Children y el garageo londinense tamizado y díscolo de Truth Is Light. En fin, no pasará a la historia pero dibuja sonrisas. Misión cumplida pues, mister Goddard. —fernando fuentes

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abril 2017 #37

TODOS SOMOS IGUALES, TODOS SOMOS HUMANOS AKI KAURISMÄKI

#38 abril 2017

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Renaldo & Clara

Els afores BankRobber

Stephin Merrit celebra sus cincuenta años The Magnetic Fields

POP / Insinuar más que enseñar. La máxima del cine erótico, de los electricistas –si te muestran su método descubres que lo puedes hacer tú mismo– y también la de Renaldo & Clara. Els afores sigue luciendo un vestido cercano a Le Mans, al sonido Donosti, pero en las transparencias escupe nuevas apuestas (¿afropop?). La idea: no jugar todas las cartas en una misma mano. Además, si bien la producción de este segundo largo pierde en espontaneidad, gana en matices. Un ejemplo: el pop ortodoxo de Gira-Sols (Fruïts del teu bosc, 14) no encajaría en el nuevo disco de Renaldo & Clara, que a cambio ofrece otras exquisiteces como Laberint. Ya sea por los cambios en la formación o por la evolución de la mirada de Clara Viñals, la banda vislumbra nuevos horizontes: explica algo más allá de Lleida.

También en lo lírico, donde su narrativa pasa a ser una voz en el abatidor, de la profundidad de las metáforas al costumbrismo inocente. —yeray s. iborra

50 Song Memoir Nonesuch Records/ Warner

7

8 POP / Cuando Robert Hurwitz, el capo de Nonesuch Records, propuso a Stephin Merritt hacer un álbum para celebrar su cincuenta cumpleaños (desde el pasado 9 de febrero ya son 52), probablemente tendría en mente el triple 69 Love Songs (99). La apuesta se reproduce en este 50 Song Memoir, aunque desde otra perspectiva: éste no es un disco conceptual, sino que hace un heterodoxo recorrido, año a año, por la vida de Merritt.

Acostumbrado a la ficción, esta vez le tocaba recrear su propia existencia. El líder de The Magnetic Fields acepta el juego, pero pone sus reglas, construyendo más un anecdotario que una autobiografía, de manera que este quíntuple álbum no es un sentimental ejercicio de desnudez (de hecho, casi lo más revelador en este sentido es que de pequeño tenía un gato que se llamaba Dionysus), sino más bien un paseo musical por la personalidad de una de las más finas figuras del pop de los últimos treinta años. Por supuesto, a lo largo de estas dos horas y media hay tiempo para recuperar episodios personales (aunque en realidad sea a modo de contexto, como ocurre

Porter Ray

Captains

Watercolor Sub Pop/ Popstock!

rAP / No hay espacio suficiente aquí para entrar en los avatares personales de Porter Ray, pero podéis creerme: explican perfectamente que pertenezca a la escuela que se refugia en lo literario como centro y alma de su rap, que sus letras se acerquen más al exorcismo personal que a la ostentación o la crítica social marcada, y que su voz apueste por la expresividad y la urgencia. Watercolor se inserta en unas coordenadas muy claras, como contrapunto en el panorama y como puente entre la vieja escuela y los beats más experimentales y flotantes que podrían firmar sus compañeros de escena Shabazz Palaces. Y no sé si Ray aspira a rookie del año con su largo de debut, pero -hemos venido a jugar y tal- no creo que vaya a ser el caso. Watercolor apunta maneras y sabe encarnar esa autenticidad tan valorada en el rap como imposible de aprehender, pero no puede evitar caer en la monotonía y acusar la transparencia en sus lecturas y la falta de singles. —darío garcía coto

5

rock / El debut homónimo de Captains suena feroz, potente, rabioso... suena a muchos apelativos, pero ninguno sinónimo de debut. La cantante alemana Fee Reega y el productor David Baldo han creado una banda cuya consistencia y visión artística no se correlaciona en absoluto con el tiempo que llevan tocando juntos.

A lo largo de estos diez temas muestran una amplia gama de referentes, del post-punk al shoegaze, pasando por el krautrock y el synthpop. Hay algo profundamente visual en su música y se refleja también en los textos. Las canciones se inspiran en “paisajes extraños” que expresan una necesidad de cambio y libertad que deriva en atracción sensual hacia aquello que promete esa liberación: vehículos, riesgo, nuevos amantes. Las canciones parecen vivir en los estados mentales de sus protagonistas. Y obligan al oyente a hacer lo mismo. Captains explotan esa fantasía de escape como un constante y penetrante tic-tac, entre la tensión y la liberación. —tomás crespo

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rock / Los gallegos son

buenos. Muy buenos.

Aunque eso ya lo sabíamos desde que en 2012 debutaran con Wood Mama. Un par de EPs y dos discos después nuestra opinión no ha cambiado ni un ápice. Más bien lo contrario.

Porque The Soul Jacket publican con este tercer larga duración el que probablemente sea su mejor disco. Amparados bajo la producción del infalible Hendrik Röver, consiguen su trabajo más variado, si se me permite y sin que se utilice como algo negativo, su álbum menos negroide.

Han abierto influencias. El grupo deja que no solo el soul y el rock negro les influya para que el country, el folk o la western music pasen a formar también parte de su paleta de colores.

Siguen conservando una línea estilística, marcada básicamente por el excelente trabajo vocal, una vez más, de Toño López, pero aquí se atreven acercarse a la música de The Band y a las raíces americanas más clásicas. Espléndidos. —eduardo izquierdo

Why?

We All Want The Same Things Partisan Records

Untitled / Volume III Autoeditado

7

A Teenager)- con más espacio para la melancolía. También hay momentos de melodramáticas baladas (Life Ain’t All Bad, I’m Sad), una enorme secuencia en el inicio de los 2000 (Ghosts Of The Marathon Dancers, Have You Seen It In The Snow y Be True To Your Bar), canciones menores solo en apariencia y una fantástica colección de melodías de 2010 en adelante, de manera que este disco acaba convirtiéndose en un auténtico dispensador de caramelos. —enrique peñas

Craig Finn

The Soul Jacket

Captains Jabalina

7

con la crisis del Sida), para hablar de su Nueva York y también para volver a 1969 y decir, en tres maravillosos minutos, que en el año de Woodstock y el Je t’aime… moi non plus, fue Judy Garland quien nos hizo libres. Del pop de alta escuela al cabaret-folk, pasando por la música disco, Merritt retrata, partiendo de sus cincuenta años, medio siglo de cultura popular, primero con un tono más lúdico, como el gran entertainer que es, y después -desde mediados de los ochenta (Why Am I Not

8

rock / Lo cierto es que no

acabo de entender la carrera en solitario de Craig Finn fuera de The Hold Steady. Y no es que no me guste, sino todo lo contrario, pero me cuesta diferenciar en muchas ocasiones ambos proyectos. Dicho esto, Craig Finn, ha vuelto a sacarse de la manga otro gran álbum. Quizá el más melódico de los firmados con su nombre.

Estamos hablando de un disco de rock maduro e inteligente, pero rock con mayúsculas. No intenten buscar otras definiciones. Es elegante, característica esta que suele acompañar a todo lo que toca Finn, pero también arriesgado, llegando a ser casi juguetón: hay blues hablados, juegos de instrumentos de viento, voces femeninas… Con una técnica narrativa cercana a lo cinematográfico, como Faith In The Future (2015), sin ser un álbum fácil sí que pasa por ser el más accesible de los que ha realizado en los últimos tiempos en cualquiera de sus proyectos. Ojalá eso sirva para que acabe girando por nuestro país. —eduardo izquierdo

Moh Lhean Joyful Noise/ Popstock!

5

POP / Los años siguen pa-

sando para los hermanos Wolf, intentando revitalizar como buenamente pueden la fórmula que a principios de los 2000 los situó como una de las formaciones de hip-hop más accesibles del panorama internacional. La forma de esbozar sus composiciones no varía para nada en este nuevo trabajo, dejándose llevar por el spoken word sostenido sobre cálidas tonalidades semiacústicas y un engranaje pop que funciona a las mil maravillas a la hora de trascender al gran público. El gran acierto del trabajo reside en controlar a la perfección las emociones, moldeando bien los estados de ánimos que se traducen en temas más amplios que en anteriores referencias. De este modo, sacan a relucir su capacidad de sugerir sobremanera mediante los singles más claros como son Proactive Evolution y George Washington, sin perder hacia el final del disco el cierto desconcierto folk que causaron en su anterior trabajo Golden Tickets. —noé r. rivas abril 2017 #39

MONDOVINILOS

Les Sueques

Moviment El Genio Equivocado

Ten Fé: canciones conocidas Ten Fé

Hit The Light Some Kinda Love([PIAS]

7 POP / Pasemos por alto la tilde que han co-

locado en “fe” y vayamos directamente al contenido de este primer álbum del grupo liderado por Ben Moorhouse y Leo Duncan (ambos se reparten el protagonismo a la hora de componer y también de cantar), quienes en unos años han pasado de tocar en el metro de Londres a convertirse en uno de los grupos más prometedores que ha dado el Reino Unido en estos últimos meses.

Y ello gracias a los singles que han ido publicando de forma escalonada desde hace año y medio, de Make Me Better a Overflow, pasando por Turn o esa pequeña joya que es Elodie, con una irresistible línea inicial de piano y una fragilidad tan convincente como familiar. Porque al final casi todo en este disco recuerda a algo que ya conocíamos: por un momento, como ocurre en este caso, aparecen los Coldplay con más capaci-

dad de emocionar; en otro (el más recurrente) el turno es para The 1975, que luego (o antes, tampoco importa mucho) ceden el paso a The War On Drugs, el sonido Madchester, Simple Minds, Hall & Oates, el Bruce Springsteen más comercial o incluso The Killers. Si añadimos a esto que la producción corre a cargo de Ewan Pearson, el resultado podría apun-

Cameron Avery

El Desvän Del Macho

Ripe Dreams, Pipe Dreams Anti/[PIAS]

ROCK / Ripe Dreams, Pipe Dreams es la demostración definitiva de que Cameron Avery es mucho más que el bajista de Tame Impala o el ex batería de Pond. Enfundado en un elegante traje de crooner e influenciado por voces como las de Frank Sinatra o Dean Martin, el australiano se aleja de su reciente hábitat, el rock psicodélico, para confeccionar un exquisito y solemne trabajo de pop-rock melódico con ciertas reminiscencias del blues y el soul. Un disco que refleja la fuerza de los viejos clásicos de los sesenta y los setenta y que encuentra en los medios tiempos, los trabajados arreglos y la profunda voz de Cameron el mejor telón para hablar de sus inquietudes y preocupaciones. Desnudarse y expresar que, a pesar de estar viviendo su ripe dream - estar en Los Ángeles y poder vivir de la música -, aquello que realmente desea es querer a alguien y estar enamorado - su pipe dream-. Una utopía y un deseo que se convierte en el leitmotiv del disco. —raquel pagès

7

#40 abril 2017

ROCK / Desde su debut, Hermana Violencia (1994), El Desvän del Macho han mostrado siempre una personalidad y una visión musical únicas de forma arrolladora, que marcan profundamente y definen toda su obra posterior. Sin embargo, y aunque aquella fiereza post-punk, deudora de Killing Joke o The Stranglers a la vez que incómodamente personal, sigue sonando amenazante, casi parece un balbuceo al lado de la exquisita precisión con la que Funeral económico te trepana el cerebro. Sobre una base cercana al post-hardcore de Unsane o Today Is The Day y apoyados en el fabuloso derroche de destreza e imaginación cubista de Jose G. Izkue a la guitarra –por no hablar de las inconmesurables letras-, la banda desarrolla un discurso más propio de maravillosos outsiders como Marc Ribot, o un Javier Colis, que de cualquier banda “de género”.

Pero ante todo, brillan las propias canciones, verdaderas protagonistas de este (otro) prodigioso ejercicio de concisión musical.

7

—antton iturbe

tar a priori más a un collage sin demasiado sentido que a un álbum con cierta coherencia, pero resulta que las cosas no siempre son como parecen y este disco acaba funcionando como una entretenida colección de canciones, de esas que, casi sin que uno se dé cuenta, te acaban acompañando durante un buen rato. —enrique peñas

Temples

VV. AA.

7

RUMBA / Parecía que la

reivindicación de la rumba se localizaba sobre todo en Barcelona. La edición de discos como el recopilatorio Gipsy Rhumba (Soul Jazz), El Noy “La Bomba Gitana”, o los últimos discos de la serie Achilifunk Sound System, Robot Caló y Disco Jondo, están abriéndose paso en los circuitos internacionales. Pero ahora llega desde Madrid un disco que recoge una valiosa muestra del catálogo de una discográfica, Acropol. A mediados de los sesenta, Noumbar Hamathis, de origen egipcio, fundó esta compañía que editaba música folclórica, melódica o clásica, y rumba flamenca. Una rumba cruda y vital que retrataba toda una época. Era un autentico do it yourself con tiradas cortas, grabaciones a primera toma y donde el mismo Nuombar hacía las fotos y diseñaba. De nuevo, un amante de la música, Daniel Gutiérrez, ha hecho un gran trabajo de campo para recuperar tesoros firmados por Tony El Gitano, Antonio El Kalifa, Antonio El Camborio o Los Gitanos de Hoy. —miguel amorós

Hibernales

Volcano Heavenly Records

Acropol Discos Templo

Funeral económico Discos Alehop!

POP/ Desde su estreno en 2013 con Cremeu les perles, el punk colorista y con gran dosis de desparpajo de Les Sueques ha crecido y evolucionado a pasos agigantados. Eso sí, sin dejar de lado ni un ápice de su personal y original estilo. Moviment, su tercer álbum, explora una versión más elaborada de lo que llevan cosechando los últimos años, con ritmos más frenéticos y contundentes, una voz que toma más presencia y un sonido más completo y con más capas. Unas mejoras que invaden y enriquecen el exquisito catálogo formado por once enérgicas y bailables canciones. Once piezas que, al ritmo de sólidas baterías, bases de bajo cadenciosas y teclados ochenteros, hablan sobre diferentes visiones del movimiento en un cuerpo, tanto a nivel emocional como físico, tanto contemplativo como explosivo. Un movimiento que, más allá de ser el título del disco y casi el eje del mismo, es aquello que respiran e incitan cada una de las composiciones de este nuevo trabajo. —raquel pagès

7

7

POP / El primer single de

adelanto (Certainty) de este segundo trabajo de Temples, un tema eminentemente electrónico, sin guitarras ni ecos sixties evidentes, dejó algo tristes a los fans del sector más retro de su hinchada. Pero pueden estar tranquilos. Los británicos no se han marcado un Currents con este disco, ni mucho menos. De hecho, aquel sencillo tiraba más hacia un cómodo MGMT way of life que al vanguardismo mainstream de Kevin Parker. En realidad, Volcano no se diferencia tanto de Sun Structures como podría parecer. El entorno sonoro catedralicio resulta familiar, y las canciones brillan por los mismos motivos: sus melodías están indefectiblemente poseídas por maravillosas influencias digeridas y asimiladas en sus propios genes. Esta vez más que nunca, hay que darse varias escuchas para apreciar todos los detalles que estos obsesos han insertado en cada maldito segundo del disco, pero el esfuerzo merece la pena. —nacho serrano

Tu casa, mi casa El Genio Equivocado

6

POP / Elisa y Eloy Bernal

son hermanos y también Hibernales. Su debut, Un corazón con pelos (2012), tenía como columna vertebral el poemario de título homónimo del peruano Peru Saizprezl. A pesar de ese teórico anclaje lírico en él se dibujan muchas de las vetas estilísticas que se encuentran en este Tu casa, mi casa. Grabado en la calidez del hogar, una sensación que se palpa en todo el disco, Tu casa, mi casa es un trabajo radiante e imaginativo, que conjuga su concepción del pop con un fuerte peso de la electrónica, aportando numerosos y precisos detalles a la paleta sonora con canciones armadas a base de sintetizadores, pedales y cajas de ritmos. Todo ello se funde deliciosamente con las guitarras y la bonita voz de Elisa, cuyas letras, impregnadas de amor y de la belleza de lo cotidiano, pueden recordar a grandes representantes de la tradición indie pop patria como Le Mans o Nosoträsh. —manuel novo

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Sleaford Mods

Tachenko

Misterios de la canción ligera Limbo Starr

English Tapas Rough Trade/ Popstock!

7

PUNK/ Sleaford Mods son el

paradigma de todo lo que nos repugna (y al mismo tiempo nos atrae) de la cultura británica.

Ya desde el título comprendemos el afilado mensaje que James Williamson y Andrew Fearn quieren trasmitirnos. English Tapas vuelve a golpear duro a todas las miserias de su patria, pero esta vez lo hace con una coartada irrefutable; el Brexit.

El retrato de país que muestra el disco es el de una isla repleta de gente desmoralizada que se aleja en el océano hacia la más absoluta irrelevancia. Al tiempo que la sociedad británica navega en aguas tormentosas, Sleaford Mods afianzan su papel de irreverentes cronistas del descontento de sus clases populares. El dúo nos sirve, una detrás de otra, doce canciones que se saborean como doce pintas (resaca incluída). La fórmula podría empezar a dar visos de agotarse, pero si hace unos años Sleaford Mods eran la banda más original que nos llegaba desde Reino Unido hoy en día son la más necesaria. —tomás crespo

7

POP/ Sebas Puente y Ser-

gio Vinadé son, ahora mismo, los cocineros de Tachenko.

Con el futuro nuevo guiso de autor en fase de maceración, la dupla recupera diez temas de su mochila para darles el giro Burroughs; un almuerzo desnudo en el que la rima consonante y ese ying/yang de sus letras y melodías (apocalíptica la semántica, luminoso el ropaje) vuelven a funcionar, con acento especial en Nuestro ganador, Sonrisa o Vámonos. Lo mejor de la apuesta aparece al principio: dos temas nuevos, a piano, guitarra y voz, para saciar el hambre del personal. Y si Nuestra especialidad es un excelente ejercicio de introspección, Armagedón pasa por derecho propio al podio olímpico de los zaragozanos; belleza en estado puro, desde los juegos vocales a las imágenes dibujadas. Es la alegoría de una cuenta atrás, la más dulce de las despedidas, los títulos de crédito de una historia de amor que brilla como el rayo verde mientras el mundo revienta. —pablo ferrer Niños Mutantes

The New Pornographers

Diez Ernie

Whiteout Conditions Caroline/Music As Usual

POP / Más que un supergrupo, The New Pornographers es una unión de talentos que a menudo ha soltado chispazos de brillantez, canciones y discos excelentes. Han pasado apenas tres años del inspiradísimo Brill Bruisers, y su estela continúa en esta entrega. Y es que, sin haber sido nunca un grupo de rock clásico americano o de power-pop al uso, el regusto a bubblegum pop y new wave ochentera siguen aquí.

Como lo hacen los sintetizadores perfectamente encajados en las guitarras, el mismo carrusel de melodías, y las fantásticas voces de A.C. Newman y Case dándose la réplica estupendamente. La dupla de voces alcanza su esplendor en High Ticket Attractions, primer y efectivo single con ciertos tonos psicodélicos. Sin embargo, y con la excepción de This Is The World Of The Theatre, con su pegadiza introducción, el grupo transita por su reconocible sonido pero sin la pegada de, por ejemplo, las recientes War On The East Coast o Brill Bruisers.

6

—miguel díaz herrero

La selección

Perros verdes Crudo Pimento

7

POP/ Lo fácil para Niños

Mutantes hubiera sido seguir por la senda de sus últimos discos; esos que les hicieron subir de escalón. Pero de éxito también se muere y ellos venían de recibir la extremaunción hace poco. Menos mal que pudieron vomitar a tiempo todo lo que les estaba matando y darle forma de disco. El resultado es Diez: el álbum más oscuro y menos amable de la banda en toda su carrera.

Desde su sobria portada ya intuimos por dónde irán los tiros. Está grabado en casa de Martin ‘Youth’ Glover (Killing Joke) y producido por César Verdú y Abraham Boba (León Benavente). Todo encaja.

Suena Menú del día y esto no es lo de antes. Hay músculo, hay rabia. Aparece el Lorca más siniestro en FGL y en la gélida Glaciares y volcanes, mientras Pura vida para una tormenta tropical.

No hay dioses en Salmo y el mejor retrato que jamás hayan hecho de sí mismos está en NM. Ver la muerte tan cerca les ha hecho más fuertes, no cabe duda.

Teleiste Mouska Everlasting/Popstock!

8 EXPERIMENTAL/ Instrumentos comprados en tiendas (pocos), instrumentos de fabricación casera (muchos) y un teclado MPC para enlazar samples en capas y cadenas de armonías imposibles. Con ese punto de partida logístico, el dúo murciano (es curioso que el corrector de word se empeñe en convertirlos en marcianos) se ha enfrentado a un tercer proceso de grabación de cuyos resultados pueden extraerse muchísimas cosas. La primera es que definitivamente, no se puede esperar nada de Crudo Pimento.

Porque jamás harán lo que esperas o lo que intuyas que puedan atreverse a engendrar.

Del poso bluesero de su álbum de debut pasaron al blackmetalero de Fania Helvete, y ahora vuelven a girarnos la cabeza de un bofetón con este Teleiste Mouska, probablemente el disco más bestia que hayan soltado hasta ahora. En estos temas encontramos a los Pimento más aventureros, menos previsibles si es que alguna vez lo fueron. Aunque su pasión por el cine de terror quedó más claramente evidenciada en su segundo

largo, en este nuevo plástico también hace su aparición a través del mega-acuófono que se han fabricado, un instrumento que será digno de ver en los conciertos, al igual que el teclado de pies que invoca la sombra del productor de hip hop J Dilla, generando una atmósfera microsampleada de pesadilla rara increíblemente absorbente. Quizá sea por la repentización (improvisación lírica) de Raúl Frutos (por cierto, ¿no es el mejor cantante de este puto país?), que añade ese punto loco y casi infantil al cuadro, o por la inconsciente lejanía cultural que tenemos con algunas músicas caribeñas, pero este álbum resulta el más colorista, entretenido y sorprendente de los tres. Las trazas de jarocho, mento, raggamuffin, calipso y demás estilos resuenan en todos sus trabajos, pero de alguna manera resultaron más amables y familiares en Crudo Pimento por el mencionado poso bluesero que nos hacía sentirnos ubicados, y también en Fania Helvete, por la misma razón pero añadiendo el black metal a la ecuación.

—nacho serrano

—víctor martínez

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abril 2017 #41

LIBROS.

42/Mondo Media Se publica en nuestro país Cómo ser Bill Murray (Blackie Books, 17), guía alternativa para descifrar la muy singular personalidad de uno de los actores más entrañables y carismáticos de las últimas décadas. Su autor, Gavin Edwards, nos descubre los mitos y leyendas que conforman el imaginario vital del protagonista de Atrapado en el tiempo o Lost In Translation.

“Me gustaría que los lectores se quedaran con el sentido de espontaniedad de Bill Murray y la manera en que disfruta de todos los aspectos de la vida”

Gavin Edwards cazador de mitos

B

ill Murray no tiene agente.

Tras el rodaje de Cazafantasmas entró en una fase de depresión que le llevó a despedir al que había sido su representante desde el inicio de su trayectoria profesional. Desde entonces, todo aquel que quiere contactar con él, debe llamar a un número teléfono, esperar a que salte el contestador automático, dejar un mensaje y rezar para que el actor sienta cierto interés por el motivo de la llamada y devuelva la telefoneada, si es que la devuelve. Esta es una regla de oro que el protagonista de Lost In Traslation utiliza tanto para los más reputados directores de cine como para periodistas semi desconocidos interesados en hacer un libro sobre su persona. Gavin Edwards nunca llamó a ese teléfono, sin embargo ha acabado escribiendo Como ser Bill Murray, algo así como un manual para descubrir y descifrar la personalidad de una de las figuras más entrañables del mundo del séptimo arte. “Quería escribir un libro sobre alguien que tuviera una carrera profesional digna de repasar así como una personalidad interesante”, recuerda Edwards. “Nadie encajaba mejor en ambos requisitos que Bill Murray. Y aunque yo nunca le llamé para proponerle hacer un libro sobre él, tuve la suerte de entrevistarle en una habitación de hotel de Toronto para un artículo que me había encargado la revista Rolling Stone. Aquella

#42 abril 2017

SELECCIÓN

Las cinco mejores películas de Bill Murray (Según Gavin Edwards) Lost In Translation Sofia Coppola, 2003 Como un sueño febril, una película maravillosa a través de esa cualidad adormilada por el jet lag de ambos protagonistas y su ruborizante amor a primera vista.

Academia Rushmore Wes Anderson, 1998 Un punto de inflexión en la carrera de Bill Murray. La película en que evidenció que el joven divertido se había convertido en un (carismático) viejo triste Cazafantasmas Ivan Reitman, 1984 La cima de su colaboración con Ivan Reitman: un éxito de taquilla lleno de ectoplasma y carcajadas.

Flores rotas Jim Jarmusch, 2005 Una interpretación tan maravillosa como subestimada de Murray en esta road movie de Jim Jarmusch llena de dolor y confusión.

Tootsie Sydney Pollack, 1982 Es posible imaginar una versión de Tootsie sin Bill Murray (aquí el indiscutible protagonista es Dustin Hoffman), pero fue mucho mejor y más divertida gracias a su improvisada actuación como compañero de piso.

charla, en la que me descubrió muchos detalles de su vida más allá del cine, fue la base del libro”.

La vida de Bill Murray más allá del cine tiene mucho más de película que muchos de los filmes que ha protagonizado. Sobre el actor norteamericano corren infinidad de leyendas, algunas de ellas, aunque delirantes, ciertas. “En la vida de Bill Murray hay muchas cosas surrealistas, pero, no sé por qué, la historia que más me sorprendió fue su amor y amplio conocimiento de la poesía. Pero si nos ceñimos a las leyendas urbanas, la que más que gusta es aquella en la que se acerca a un extraño y después de interactuar con él (es famosa su debilidad por entrar en restaurantes y robar patatas fritas a desconocidos) le dice ‘nunca te creerá nadie’ y se larga. Me gusta especialmente porque aunque es algo que hace habitualmente, durante muchos años la gente no sabía si era cierto o simplemente un mito”. Sobre Bill Murray también se ha dicho, entre muchísimas otras cosas, que le gusta presentarse por sorpresa en despedidas de soltero de desconocidos y sabotear la fiesta; que de vez en cuando se deja caer por un local de karaoke y comparte micrófono con extraños; O, majaderia disparatada, aquella leyenda que afirma que Bill Murray ha sido visto varias veces montando una bicicleta para niños entre los pasillos de diferentes supermercados de la cadena Wal-

mart, teniendo especial predilección por el local de la ciudad de Southfield (Michigan).

“Ciertas o falsas todas estas historias, me gustaría que los lectores se quedaran con el sentido de espontaniedad de Bill Murray y la manera en que disfruta de todos los aspectos de la vida, incluso en los días más anodinos”.

Autor de una interesante obra bibliográfica, más allá de Como ser Bill Murray entre los títulos firmados for Gavin Edwards destaca Last Night At The Viper Room: River Phoenix And The Hollywood He Left Behind (It Books, 13), brillante biografía (aún inédita en nuestro país) del malogrado protagonista de My Own Private Idaho (1991). Con más de una idea sobre la mesa, entre los planes de futuro de Edwards sobresale la redacción del recorrido vital de Prince. “Sí, este es uno de mis proyectos de futuro. Lo he tenido un poco olvidado, porque los últimos meses me he centrado en mi carrera como periodista, publicando para diversos periódicos y revistas. Pero imagino que me pondré con el libro de Prince en el algún momento de este primer trimestre de 2017”.

—oriol rodríguez

Santos y francotiradores Luis Boullosa 66 RPM Edicions, 16

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Un millón de años

David Sánchez Astiberri

LIBROS.

COMICS.

“La canción es tecnología punta no superada”, reza también el periodista y músico madrileño Luis Boullosa en este “Santos y francotiradores” (66 RPM Edicions, 16).

8

Un trabajo maduro, bizarro y simbólico en el que David Sánchez “no recuerda a”, sino que toma su carrera por las riendas como nunca antes para llegar a horizontes que, en el fondo, no son más que metas volantes en una trayectoria que únicamente se rige por sus propias normas. Sánchez combina simbología clásica y oculta con un batido de imágenes brutales, crudas, místicas y sobre todo muy libres. —joan s. luna

L

uis Boullosa explora y analiza, desde su puño y letra, la relación entre música -pop y rock- y la literatura, a través de letras escritas por autores oriundos entre los que destaca la presencia de Fernando Alfaro, Niño de Elche, Jorge Ilegales o Josele Santiago, entre otros genios del asunto.

Supervivencia, literatura y rock&roll, ¿siempre por ese orden o no necesariamente?

“Los muertos no ladran”, decía el refrán. Primero supervivencia, queramos o no. El mito del artista muerto de hambre, mendicante y torturado que palma en un callejón a los dieciocho (o a los veintisiete) es una creación burguesa (compensatoria y bastante sádica) que muchos artistas, por desgracia, se han tragado.

Una creación en todo el sentido de la palabra, es decir, una idea convertida en realidad. En cuanto a la literatura y el rock&roll, o mejor, la música popular en

Art & Beauty Robert Crumb La Cúpula

D4VE

Ryan Ferrier/ Valentin Ramon Sapristi

7 Habla una conocida web de venta por correo de este volumen como la perfecta mezcla entre Yo, robot y The Office, y la definición, ciertamente se ajusta bastante a lo que encontramos.

La cosa va de un mundo dominado por robots, tras derrotar a los humanos, pero que han adquirido los vicios y defectos de estos.

Un mundo en el que nuestro protagonista D4VE, no se desenvuelve bien. —eduardo izquierdo

LIBROS.

7

Es esta una recopilación de los tres primeros números de lo que Crumb ha decidido titular Art & Beauty Magazine, cuyo primer volumen salió en 1996, el segundo en 2003 y el año pasado cerró con el tercero. ¿Y de qué trata esa revista arty? Pues de mujeres, ¿de qué demonios iba a tratar?

Dibujadas del natural y desde fotografías, el maestro captura a un sinfín de mujeres intentando transmitir los diversos cánones de belleza. —octavio botana

Luis Boullosa, elogio de la canción

sentido amplio, yo defiendo en este libro que la canción popular y por extensión la “pop” es una de las ramas de la literatura. Una rama realmente antigua.

Y sin más preámbulo la pregunta del millón: ¿Hay buenos escritores en el rock underground nacional actual? ¿Qué son, mejores compositores o literatos?

Hay grandes escritores de canciones.

Cuando haces canciones ambos elementos van unidos, palabra y música. El equilibrio es el que hace al arma más potente. Mis obsesiones del momento eran los que aparecen en el libro, pero sin duda hay muchos otros de igual fuste. España tiene una tradición de canción popular de enorme potencia, nunca han faltado genios, por mucho que nos empeñemos en lapidarlos lo más rápido posible.

En este libro cuentas con artistas de la talla de los populares Josele Santiago, Fernando Alfaro, Rafael Berrio, Javier

Colis o Niño de Elche ¿por qué precisamente ellos y por qué no otros? ¿Cómo consigues dar cabida, y sobre todo cohesión, al discurso de gente tan dispar?

Son dispares en la forma, quizá incluso en el fondo, pero tienen en común el talento, el compromiso con su obra, la paciencia, la persistencia. Tienen el común el ser artistas y no ventajistas o meros domingueros de la música. La pureza, en definitiva. Ese es el hilo que los une. Podrían haber sido otros, con otras formas y otros fondos, siempre que conservasen eso. Esa pureza en la intención. —fernando fuentes Santos y francotiradores Luis Boullosa 66 RPM Edicions, 16

La autobiografía de Anthony Kiedis El frontman de Red Hot Chili Peppers lleva casi treinta años siendo foco de atención y centro de millones de miradas, reflejo de sueños y aspiraciones. Pero como suele ser habitual, y él siempre se ha encargado de recordar en letras de canciones y entrevistas, el éxito, la fama y todo lo que ambos conllevan han venido acompañados de los más ingratos polizones.

D

epresión, incontables enganches y recaídas a todo tipo de drogas, alcohol, y un largo etcétera de sinsabores vitales. Scar Tissue es la mejor ilustración de todo ello, un billete de viaje en primera clase al fondo de armario en la vida de Kiedis, a la infancia y a vivencias que le han arrastrado a vivir igual número de alocadas aventuras que de desquiciantes desventuras. Desde su aparición, hace ya trece años, se ha erigido como una de las obras de referencia para todo aquel interesado en el rock de las últimas décadas, e imprescindible para cualquier fan de la banda. Nos permite por ejemplo descubrir que su adicción a las drogas llega mucho antes que la fama de la banda: ahí el relato de su cuelgue de setenta y dos horas en un motel barato junto con su camello mexicano poco después de la edición de su primer trabajo, o su infructuosa búsqueda de paz interior a través de los centenares de mujeres que han

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pasado por su vida, entre otros muchos retazos de una existencia tan envidiablemente intensa como indefectiblemente turbulenta. Es una historia de, ante todo, sexo, drogas y rock and roll en Los Angeles de los ochenta y noventa, pero tampoco faltan las anécdotas con la banda, desde la comunión de hermandad que le une al inefable Flea a una impagable descripción de los shows que dieron los Peppers abriendo para The Rolling Stones a finales de los noventa, a cuyos fans Kiedis ataca sin misericordia. Rolling Stone la eligió como una de las veinte mejores autobiografías del rock de la historia, una historia prototípica de ascenso, caída y redención. Recuerdo que tuve ocasión de tener una larga entrevista con Kiedis en uno de los bungalows del Chateau Marmont poco después de la aparición de Scar Tissue, en 2006, como parte de la promoción de su nuevo álbum de entonces, Stadium Arcadium, y me sorprendió descubrir uno de los caracteres más frágiles y vulnerables de los que había tenido ocasión de conocer.

—robert aniento Scar Tissue

Anyhony Kiedis & Larry Sloman Cpitán swing, 16

abril 2017 #43

44/Mondo Conexiones CERVEZA 1906 < > CICLO 1906

Museu del Disseny de Barcelona <> “David Bowie Is” El Museu del Disseny de Barcelona será el único espacio en España que albergará en exclusiva la exposición de David Bowie, una colección comisariada por el Victoria and Albert Museum de Lonres, en la que se expondrán más de trescientos objetos del artista: letras manuscritas, vestuario, fotografías, películas, vídeos e instrumentos. La exposición abrirá sus puertas el próximo 25 de mayo y las entradas pueden adquirirse ya.

www.davidbowieis.es www.ticketea.es

El ciclo 1906 celebra su X Aniversario con una programación de más de treinta conciertos en ciudades de todo el país, del 13 de marzo al 19 de junio.

El ciclo lo inauguró el pasado 13 de marzo Nik West en Madrid y a esta siguen muchos conciertos más: Pepe Habichuela, Jack Broadbent, Arron Parks, Melissa Aldana, Carlos Sarduy o Josemi Carmona.

El ciclo se clausurará con un concierto triple en Santiago, Madrid y Brasil. Las entradas están a la venta en los canales habituales.

Ron Barceló <> Desalia Ron Barceló Desalia cumple este año su décimo aniversario y para celebrarlo traerá el espíritu del Caribe por primera vez al Mediterráneo: una semana a bordo de un crucero que partirá desde Málaga y recorrerá del 16 al 21 de abril Ibiza y Mallorca.

Pero sin duda, la noche más especial será el 18 de abril, en la que actuarán Juan Magán, Dorian, Brian Cross y Kiido. Además, Ron Barceló repartirá entre los seguidores de sus redes sociales 1.000 camarotes. www.viveahoradesalia.com

SHURE <> MICRÓFONO SM58 Shure ha formado equpio con Paul McCartney y The Who para sacar una edición limitada de seiscientos micrófonos SM58, con un diseño único, y que serán subastados. Todos los fondos recaudados irán destinados a las organizaciones Meat Free Monday y Teen Cancer America.

FIRESTONE <> RUTA FIRESTONE 2017

El festival madrileño cierra un acuerdo de patrocinio de tres años con la marca que irá más allá de la presencia de la cervecera en el festival. Fuel Fandango y DePedro, confirmados para Mad Cool 2017 y que ya han colaborado en el ciclo Cómplices de Mahou, fueron los encargados de amenizar este acuerdo con un concierto en acústico en Madrid. El festival tendrá lugar los días 6, 7 y 8 de julio en La Caja Mágica de Madrid y cuenta con artistas como Foo Fighters, Alt-J, Green Day, Ryan Adams o Kings Of Leon. Aún quedan entradas de día .

La Ruta Firestone es una gira de cinco conciertos en cinco ciudades españolas que quiere acercar a cinco artistas en un formato íntimo y en salas de capacidad media. La ruta arrancará el próximo 20 de abril en Vigo con Sidecars. Los otros artistas confirmados son Sidonie, David Otero, Bambikina e Iván Ferreiro. Las entradas pueden conseguirse en las redes de Firestone.

madcoolfestival.es

web www.rutafirestone.es

Mad Cool Festival <> Mahou Cinco Estrellas

#44 abril 2017

Low Festival <> The Live Club By Matusalem Las fiestas The Live Club by Matusalem en colaboración con Low Festival han programado conciertos de Carlos Sadness, Javiera Mena, León Benavente o Belako en Murcia, Madrid o Alicante.

En 2017 ha sido el turno de Triángulo de Amor Bizarro, Rusos Blancos y próximamente será el de Los Punsetes, que visitarán el viernes 26 y sábado 27 de mayo Alicante y Murcia respectivamente. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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abril 2017 #45

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Publicidad Catalunya: Cristina Benito cris@mondosonoro.com, T. 657 701 015 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com

RETROVISOR.

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Tad

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Origen: Seattle, USA. Etapa: 1988–1999

L

a apisonadora mediática que supuso la explosión de Nirvana y el grunge, encumbró a varias de las bandas de la escena musical de Seattle, pero no todas tuvieron la suerte de subirse al tren del éxito, un tren que parecía destinado para TAD pero en el que no encontraron acomodo.

La banda liderada por Tad Doyle fue una de las pioneras dentro de una amalgama de grupos que compartían escenarios y filosofía de vida, pero no necesariamente influencias musicales; en Seattle, y en lo que se ha acabado convirtiendo el saco del grunge, había bandas que estaban influenciadas por el hardcore, por el noise rock, por el soul rock o por el heavy metal, como era el caso de TAD. La formación del orondo Doyle cumplía perfectamente con el estereotipo de banda potente, bizarra y llena de incendiarios riffs metálicos que unos responsables de Sub Pop en racha creían poder encajar y vender -todo esto queda perfectamente retratado en el documental sobre la banda Busted Circuits And Ringing-.

Debutaron antes del big bang, en el 89 con God’s Balls, producido por Jack Endino –responsable del Bleach de Nirvana-, al que le dieron continuidad con el epé Salt Lick del que se encargó Steve Albini. Ambos artefactos, aunque tenían canciones más que interesantes, quizá abusaban de un sonido demasiado duro para llegar a las masas por lo que para su tercer trabajo con Sub Pop eligieron a Butch Vig, que en breve saltaría a la fama gracias a la producción de Nevermind, para edulcorar su sonido. La banda lo tenía todo: estaban en el sello de moda; habían trabajado con los productores más afamados de su estilo; y aunque no llegaban al estrellato tenían un gran cartel en el underground americano; pero también parecían querer torpedear su propia carrera.

Además de tener un carácter difícil y algunas

#46 abril 2017

IMPRESCINDIBLE Inhaler Giant Records/ Warner Bros, 1993

Tras sus tres referencias en Sub Pop, TAD dieron el salto a una multinacional con la esperanza de pillar la estela de unos Nirvana que se habían convertido en la sensación mundial gracias a Nevermind. Al igual que había hecho la banda de Kobain, Grohl y Novoselic, en este nuevo disco y con la ayuda de J Mascis, limaron mucha de la rabia desbocada y potenciaron la vertiente melódica de las canciones. A pesar de que Tad Doyle continuaba tentando la suerte con su extraño sentido del humor – mencionando a un asesino en serie, el recurrente Ted Bundy - , este fue el trabajo del grupo que tuvo una mejor acogida, tanto crítica como comercial. Hasta su polémica con el poster de Clinton, claro.—d.b.

letras controvertidas les cayó una sonada demanda de Pepsi por la canción Jack Pepsi.

Cuando todas estas vicisitudes hubieran sido suficientes para agotar la paciencia de muchas bandas, TAD seguían empeñados en reclamar el pedazo de pastel que se merecían y que ya se estaban comiendo sus compañeros de generación. Aparecieron brevemente en la película generacional Singles de Cameron Crowe y Giant Records –subsidiaria de Warner Records– les publicó Inhaler, que gracias a lo abonado que estaba el campo en aquel momento, y al apoyo de la discográfica, consiguieron hacer sonar en todas partes, justo hasta que la compañía les dio la patada por un polémico poster promocional en el que se leía “It’s heavy shit” y se veía a Bill Clinton sosteniendo un porro. Tras este controvertido asunto, consiguen que Futurist Records les publique un directo, tras el cual les ficha East-West Records -subsidiaria de Elektra Records- con quienes sacan Infrared Riding Hood, su quinto y último trabajo. Los cambios de formación, el abuso de las drogas, la esquizofrénica imagen de generadores de escándalos y el hartazgo por estar siempre cerca pero no conseguir llegar, dieron al traste con una de las bandas que lo tenía casi todo para reinar en los noventa. Después de algunos proyectos sin ninguna repercusión, Tad Doyle formó en 2006 Brothers Of The Sonic Cloth, banda que tuvo en standby hasta un sorprendente debut en 2015. Este magnífico debut homónimo, transporta a Doyle al post-metal en una faceta mucho más experimental de lo que nos tenía acostumbrados, con abundante doom y unos riffs verdaderamente aplastantes. Durante este 2017, han anunciado que publicarán su segundo trabajo. Al mismo tiempo, Sub Pop ha reeditado sus discos. —david blutaski

Ed. Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván MarcosTlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción Cantabria: Carlos Caneda Tlf. 669 06 82 72 (cantabria@mondosonoro. com) Publicidad Cantabria: Ernesto Castañeda 657 67 41 97 (publicantabria@mondosonoro.com) Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Ed. Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 981 160 102 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Edu Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Silvia R. May

f 163.085 seguidores t 90.600 seguidores g 234.206 seguidores 21.600 seguidores 20.800 seguidores

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SOUND ISIDRO MAYO 2017

MADRID

MISS CAFFEINA VALLADOLID

THE BEACH BOYS FUENGIROLA

24 JUN

CONCHITA MADRID

21 ABR 20 MAYO

CONCIERTOS OCHOYMEDIO CLUB MADRID

GIRAS 2017

FANGORIA Y NANCYS RUBIAS (FESTIVAL EUROPA SUR) CASTILLO DE TRUJILLO (CÁCERES)

20 ABR

VARIAS FECHAS

CELTAS CORTOS ESCENARIO ESLAVA

VARIAS FECHAS

8 ABR

30 ABR

REVOLVER DON BENITO (BADAJOZ)

CONCIERTOS MOBY DICK MADRID

IVÁN FERREIRO - MAGA -TRÈPAT - LEIVA - DINERO - CAPITÁN COBARDE - RAPSUSKLEI - PEDRO PASTOR MAFALDA - SHINOVA - BULTUR - SIBERIA - RUFUS T. FIREFLY - MOLINA MOLINA - ZUCO 103 - CHIP WICKHAM

FESTIVALES 2017

TOMAVISTAS 19-21 MAYO - MADRID - METRÓPOLI BY TESLA 30 JUNIO-9 JULIO - GIJÓN MUNDAKA 28-30 JULIO - MUNDAKA (BIZKAIA) - THE JUERGA’S ROCK 3-5 AGOSTO - ALMERÍA SUNSHINE SUANCES 30 JUNIO-2 JULIO - SUANCES (CANTABRIA) - CROMADAY 6 MAYO - ALBACETE TARIFEANDO 19 AGOSTO - TARIFA (CÁDIZ) - VINTORO 23-24 JULIO - MEDINA DEL CAMPO (VALLADOLID) VÉRTIGO ESTIVAL 4-6 AGOSTO - MARTOS (JAÉN) - ROCK ‘N’ BLUES 20 MAYO - DON BENITO (BADAJOZ) MEDUSA SUNBEACH 9-15 AGOSTO - CULLERA (VALENCIA) - ISLAGO 28-29 JULIO - ISLA CRISTINA (HUELVA) MEDU Si eres promotor infórmate en soypromotor@wegow.com

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