MondoSonoro abril 2018

LA PEGATINA, BAD GYAL, mgmt, EDITORS, EGON SODA, NATHY PELUSO, DANIEL AVERY, FATBOY SLIM U.S. GIRLS, ALBERT PLA, la plata, SFDK, NUNATAK, IZAL, IMAGINE DRAGONS, TOUNDRA, PETER BAGGE

MONDOSO

NORO BES

T MEDIA P ARTNER

s o m a g l a b a c o g e u l , n a Ladr

FOTO: sergio albert

Nยบ 260 Abril 2018 www.mondosonoro.com

Hinds

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15/03/2018 21:49

5/Mondo freako ir “Es complicado escribe una canción que habl de las dinámicas de y poder de los hombres s cómo sus decisiones no afectan a las mujeres”

La entrevista con Megan Remy se produce con el 8-M, su huelga y multitudinarias manifestaciones en el horizonte. Todo encaja. In A Poem Unlimited (4AD/ Popstock!, 2018), el nuevo disco de U.S. Girls, el primero en el que se apoya en una banda, es también epítome de una carrera que ha hablado largo y tendido desde diferentes ángulos sobre la causa feminista.

FOTO: COLIN MEDLEY

H

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U.S. Girls El miedo cambia de bando

ace un par de años y con motivo de la publicación de Half Free, un álbum que trata abiertamente de las complejas relaciones paterno-filiales, ya había intentado entrevistar a Remy. ¡Vaya si lo había intentado! Por mail, por teléfono, y hasta a la salida de su concierto en la sala Boite de Madrid. Todo fue inútil. Lo recuerdo y al otro lado del teléfono suena una risilla sofocada. Ahora la promoción de In A Poem Unlimited nos da una segunda oportunidad, sin embargo el contexto es otro. Días antes de la entrevista una banda de chicas se congratula de que quien lance las preguntas sea alguien de su mismo sexo. “¡Qué guay que nos entreviste una mujer!”. Algo está cambiando, sin duda. Arranco la entrevista con todo esto en la cabeza y la duda de si solamente las mujeres pueden ya aspirar a comprender a las mujeres. Me acuerdo de Chan Marshall (Cat Power), de Gata Cattana y también de mi pareja.

Me siento un obstáculo, ¡un impostor! ¿Y si ésta fuera nuestra última oportunidad para entendernos?

—In A Poem Unlimited habla del enfrentamiento entre géneros. ¿Son las canciones consecuencia de una crisis personal o una serie de reflexiones sobre las relaciones heterosexuales?

Es una pregunta complicada… La idea general surgió durante un periodo de crisis personal que experimenté con las elecciones a la Presidencia del Gobierno de los Estados Unidos. Era algo que, como americana residente en Canadá, me afectó mucho. Fue un momento surrealista y de ruptura, de repente me sorprendía tirándome del pelo y gritando (risas). Tenía visiones de poblados ardiendo en Vietnam. Creo que era una forma de decirme a mí misma que la gente tenía que despertar del circo en que se había convertido la política de Hillary Trump… ¡Oh, dios mío! Acabo de llamarle Hillary Trump. Pero tiene todo el sentido que haya tenido ese lapsus, porque en el fondo Hillary Clinton y Donald Trump son la misma persona

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abril 2018 #5

FOTO: COLIN MEDLEY

MONDO FREAKO

discografía Introducing

Siltbreeze, 2008 5/10

Poco o nada de lo que aquí encontramos podría hacernos imaginar el camino que tomaría la carrera de U.S. Girls: cacofonías, grabaciones que parecen haberse realizado al fondo de una cueva, versiones primarias e irreconocibles de temas de Springsteen o The Kinks…

Go Grey

Siltbreeze, 2010 6/10

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para mí... Fue algo que además viví con especial intensidad porque mi familia apoya a Trump. Yo sabía que eran conservadores, pero no tenía ni idea de que pudieran llevar sus ideas hasta ese punto. Hacerte consciente de que personas con esa visión te han dado la vida es muy duro.

—¿De alguna forma les entiendes o te resulta inconcebible que defiendan esas ideas?

Puedo entender que les han lavado el cerebro. Tienen esa forma de pensar característica de quienes han crecido en ciudades pequeñas.

No les culpo por ello.

—Las letras tienen un tono de ruptura sentimental, pero cuando hablas del disco lo haces en clave sociológica.

Es que a la hora de explicar la estructura social lo mejor es hacerlo desde una perspectiva personal. Es complicado escribir una canción que hable de las dinámicas de poder de los hombres y cómo sus decisiones nos afectan a las mujeres.

—Partiendo de la base de que tú misma dices que Hillary Clinton y Donald Trump representan dos caras de la misma moneda, ¿cuál es la conexión entre política y esas grietas en una relación heterosexual de las que hablan las canciones?

Donald Trump fue elegido después de afirmar que si eres famoso puedes agarrar a las mujeres del coño.

Un hombre en posición de poder dice eso sobre las mujeres y a pesar de ello se convierte en Presidente del Gobierno. Por no hablar de toda la mierda que Hillary Clinton tragó cuando su marido era presidente, con Bill Clinton utilizando su poder para tener sexo con una mujer que trabajaba para él. No sé, puede que no seas capaz de ver la conexión #6 abril 2018

porque eres hombre. Todas estas dinámicas se reproducen luego a un nivel doméstico en las relaciones de pareja, son el espejo en el que nos miramos. Es un desastre.

—Me parece injusto que creas que lo pregunto porque, como hombre, soy incapaz de comprender lo infame de determinados comportamientos machistas.

Si acaso te diré que desde España le hemos prestado más atención a las políticas de inmigración y económicas, o a su boicot a las medidas contra el calentamiento global que a los episodios abiertamente machistas de Trump.

Supongo que porque son las que nos afectan directamente.

Pero es que todo está conectado. Su falta de respeto a las mujeres tiene una conexión directa con su falta de respeto por la gente de color o los pobres. Si la gente no empieza a verlo tenemos un problema.

—¿Crees que tiene sentido un movimiento como el #MeToo en el mundo de la música?

Algo ayudaría. En cualquier caso #MeToo no es un movimiento que reivindique la representatividad, sino una denuncia de los abusos sexuales. Y también hay mucho de eso en el mundo de la música, aunque no tengo claro que vaya a producirse un movimiento de protesta por ello. Por desgracia en la música siempre ha existido la tendencia de idealizar a tíos que utilizan a las mujeres como objetos. Es el caso de Led Zeppelin o de Mötley Crüe, hay mucha literatura al respecto de cómo se aprovechaban de las groupies. Espero que eso cambie algún día. —luís j. menéndez

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La propuesta se hace aún más extrema.

No es ya que la calidad de la grabación resulte cavernícola, es que la mayor parte de temas ahondan en una suerte de ruidosa psicodelia no wave.

Gem

FatCat, 2012 7/10

Su paso por FatCat se traduce en un sonido más limpio. Aunque el método de trabajo sigue siendo el mismo (sampleos caseros de girl groups de los cincuenta y los sesenta) lo industrial se convierte aquí en fantasmagórico, con su característico timbre vocal al frente de canciones que por vez primera pueden calificarse de tal.

Half Free 4AD, 2015 8/10

Todo lo que prometía Gem se concreta en Half Free, un disco en el que Meghan da un salto de gigante como intérprete.

Es también su álbum más descarnado hasta la fecha, con referencias explícitas a la compleja relación con su padre.

In A Poem Unlimited 4AD, 2018 8/10

De buenas a primeras sorprende escucharla acompañada por una banda, el colectivo avant-jazz de Toronto The Cosmic Range que aporta una nueva dimensión al proyecto. El disco arranca con un verso que da idea de lo crudo de su temática: “Has estado durmiendo con un ojo abierto porque él podría volver…”. —l.j.m.

LA MÍA Flamencos

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lo largo de toda mi vida he cambiado de gustos musicales en infinidad de ocasiones y con una facilidad sorprendente. Siempre digo que, en cierta medida, se lo debo a mi padre y a la mezcla increíble de géneros con las que nos deleitó a mi hermano y a mí de pequeños sin proponérselo, ni mucho menos planteárselo, en ningún momento.

En casa se pasaba de la salsa a la disco music sin problemas, y el abanico se amplió muchísimo más cuando todavía siendo un chaval me metí en géneros del momento como los new romantics o el heavy metal.

A partir de ahí, para lo bueno y lo malo, me dije que jamás iba a cerrarme a un estilo musical sin antes haber escuchado ejemplos distintos que sirvieran para definir un poco su espectro. Es obvio que algunos géneros me han llevado más trabajo que otros, pero al final siempre he encontrado un disco o varios que han funcionado como puerta de entrada a nuevos universos sonoros. Los prejuicios, aunque hubieran existido, iban cada día quedándose más y más arrinconados en mi perspectiva sobre la amplitud de miras de la música. Quizás sea un bicho raro, quién sabe, o quizás todos los que vivimos la música como parte fundamental de nuestras vidas lo seamos, pero hay cosas que leo y veo por ahí fuera que jamás entenderé. Me resulta imposible entender cómo alguien puede cerrar sus oídos a la primera de cambio frente a géneros concretos, pero también me resulta francamente sorprendente que, a estas alturas de la película, se continúen suscitando polémicas sobre si Niño de Elche hace flamenco o no. Los puristas han saltado, han gritado muy fuerte y han cerrado las puertas de su género intocable cuando les ha apetecido. La historia está llena de rechazos que luego fueron adoraciones. Y no les hablo del Dylan que pasó del folk a la eléctrica, sino de ejemplos que ya casi todos conocemos. Si me apuran, todavía puedo entender a quienes hablan de apropiacionismo cultural y todo eso – otra cosa que me sorprende en pleno siglo XXI-, porque podría llegar a entender que se critique desde el purismo el hecho de que se le preste más atención a Francisco Contreras por el camino a través del que ha llegado a mis oidos. Lo que no entenderé es que se esté cuestionando si es flamenco o deja de serlo. “Este tío no hace flamenco, hostias”. Pues muy bien, pero lo que ocurre es que no entiendo esa absurda necesidad de subrayar lo que es y lo que no es. Sencillamente porque la música va más allá de las etiquetas. La música va de combinar géneros, fusionar estilos, romper fronteras, entender lo que hay dentro para salir fuera, conocer la gramática para que empiece el libertinaje. Y, oigan, que si Niño de Elche no es flamenco me parece perfecto. Es tan sencillo como olvidarse de él y dejar de darnos la turra a nosotros.

—joan s. luna

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FOTO: PABLO DE PASTORS

Bad Gyal da un paso de gigante con Worldwide Angel (Pure Records/Canada Editorial, 18): sonido de vanguardia, productores de bandera y un trasfondo de curro intenso. La catalana ha aprendido a ceder y a esperar, palabras de otra generación. El resultado: una mixtape –la segunda en tres años– disfrutable aquí y en Reykjavik.

que se oye en Internationally, otro de los cortes juguetones de la mixtape, hemos quedado que se cumple más en las letras que en las producciones. Tal vez por ello, el slang propio de su escritura sigue vivo, pero reiteradamente simplón. Las relaciones, la noche... Y nuevos temas: andanzas de gira, su nuevo estatus como artista. Hace un tiempo decía que entendía a los raperos que, pese a millonarios, seguían hablando de la calle. A ella le han bastado tres años para cambiar de tercio. “Yo sólo puedo hablar de lo que me está pasando”. Farelo decide que la conversación debe darse al aire libre.

Estamos en la semana más fría del año, y está lloviendo en Barcelona. Pero hay costumbres que no cambian. Mientras lía, responde. Lo que le sorprende, lo enfatiza. Sabe cuando toca ser seria y se aleja del discurso de sus coetáneos en

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asar de pantalla es sencillo, siempre y cuando uno sepa cuál es el siguiente nivel. Pero si éste no está escrito, hay que inventarlo. Y Worldwide Angel, la última mixtape de Alba Farelo (Vilassar de Mar, 1997), aka Bad Gyal, marca nuevos caminos: letras espontáneas, todo un ceviche lírico, pero amarradas a un sonido de vanguardia (el que más): dancehall, reggaetón, dembow y hasta EDM. En las tripas de Worldwide Angel conviven los sonidos más distinguidos del club pero también estructuras asumibles, puro pop. “Puede llegar a mucha gente... Pero no es música para todo el mundo o para ir de fiesta.

Esto es un paso heavy de cómo mostrar muchos tipos de sonido en una tape.

No es algo nuevo de dancehall o de reggaetón, son mutaciones de esos estilos”, responde Farelo, parca en palabras hasta que se posa ante ella un enorme café con leche. Al principio de la conversación, que se da a media tarde en su barrio de acogida (Poblenou en Barcelona), responde tan sólo un paso por encima del sueño profundo.

Más allá de los beats. Hay algo más en Worldwide Angel, algo que lo aleja de sus competidores. Simple: suena a disco, a compacto. Se escucha del tirón. Farelo lo atribuye a dos cosas. Si bien –destaca– el ochenta por ciento de la mixtape “sigue estando grabada en casa”, hay un mastering “muy potente” (Vlado Meller, por cuyas manos han pasado Kanye West o Frank Ocean, se ha encargado de esa parte) y los productores con los que ha trabajado ya sabían de ella. “Ahora me conocen”. Su inseparable Fake Guido, pero también Jam City, Dj Florentino (firma con él Blink, de las mejores del largo) o Dubbel Dutch. Ha habido menos colaboraciones por email, aunque eso no ha evitado que haya ardido Troya igual por los consensos. “A mí no me intimida que un productor sea super tocho, y quiero que mi voz se respete. Al final hemos llegado a treguas en los temas”, zanja.

La catalana reconoce que con el único involucrado en el proceso con el que no ha habido discusión ha sido con El Guincho, que ha actuado de árbitro.

Conclusión: el año pasado Bad Gyal incorporó dos nuevas palabras a su diccionario, ceder y esperar.

“En un par de horas ya tengo lo que va a pegar, I do it really fast”. Esa máxima,

EN CONCIERTO l Barcelona 13 de abril. Apolo l Madrid 5 de mayo. Festimad l Palma de Mallorca 11-12 de mayo.

Mallorca Live Festival l Barcelona 30 de mayo-3 de junio.

Primavera Sound l Murcia 15-16 de junio. Animal Sound l Bilbao 12-14 de julio. Bilbao BBK l Burriana 31 de julio-5 de agosto.

Arenal Sound

“Me crea mucha inseguridad pensar que todo esto me transformará en una Tangana”

Bad Gyal Sin rival Internationally

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uena internacional. Lo decía incluso Yung Beef. Aunque, sin necesidad de demasiados padrinos, ahora se lo canta ella misma. Lo hace con cierta guasa en Internacionally: “Hemos visitao’ once países; los bolos llenao’; cada finde nos vamos por ahí, y está pagao’”. No, no se está tirando el pisto la catalana. En los últimos meses ha visitado la mayoría de capitales europeas, y va a más. Esta conversación con MondoSonoro se desarrolla prácticamente en la víspera de un viaje a Estados Unidos para presentar allí su nuevo material. Si bien la experiencia universalista de Pablo DíazReixa (El Guincho) amasando el sonido hará porque el trabajo pegue aquí y en Reykjavik, hay un componente industrial que está haciendo por su carrera tanto o más que su sonido. Alba Farelo,

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benjamina de lo que la prensa está catalogando –como puede– como nuevas músicas urbanas, está decidiendo mejor que sus coetáneos más fogueados. Tras la estela de espontaneidad y viveza que persigue su imagen se esconde una apuesta de largo aliento, cuyo primer paso fue decidir que las cuentas las llevase alguien de confianza (su madre), para luego aliarse con criterio con Canada. Por ello, la carrera de Bad Gyal empieza a parecerse más a la del propio El Guincho o Delorean, con opciones en Inglaterra y Estados Unidos. Y la apuesta no le está saliendo mal. El portal Pitchfork la recomendó en sus escuchas el pasado 23 de febrero, día del lanzamiento de su mixtape, y a las pocas semanas le endosaba un 6,2 en su review. Una nota modesta para un escaparate sin par. —y.s.i.

casi todo. Ella: trabajo, trabajo y trabajo (siempre a lo Rihanna)... “Yo quiero hacer lo que me gusta, que todo sea natural. Si me voy de mi esencia me pongo triste. Me crea mucha inseguridad pensar que todo esto me transformará en una Tangana. Con todo el respeto hacia él, pero me has puesto un ejemplo muy fácil. No me quiero convertir en alguien súper masivo, vamos”.

Los meses de curro han ido más allá de lo musical para Bad Gyal. E incluso le han llevado a Jamaica (MondoSonoro estrenó hace unos días un documental sobre su viaje). Allí ha perfeccionado el baile. El head top –paso de twerk donde la cabeza reposa sobre el suelo mientras el cuerpo da vueltas– no anda tan lejos, asegura. Allí ha visto las condiciones en las que trabajan los músicos de dancehall. “Un colega me decía lo que cobran los músicos jamaicanos... Y yo, ¿en serio, loco? Y yo que decía que me sabía mal cuando no podía pagar más… En comparación, esa peña está fatal. Yo no estoy explotando ni engañando a nadie. ¿Por qué voy a pagar porcentaje si puedo pagar sueldo fijo?”. Farelo sostiene que se harán las cosas “a su manera” y que no le faltan multis esperando a que decida. Ahora, dice, se podría comprar un piso, pero quiere mirar más allá del tiempo presente. Le ronda la cabeza “ser rica” para poder estar un año sólo haciendo música y ni un bolo. “Estoy en la bisagra”. —yeray s. iborra abril 2018 #7

La Plata Hoy es el momento

Pop triste acelerado, dicen.

Y no está mal para hacerse una idea de cómo suenan las canciones del vertiginoso estreno de este grupo valenciano. Las puedes escuchar en Desorden (Sonido Muchacho, 18), el primer larga duración de la banda.

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rgencia y determinación son los términos que mejor pueden resumir el año y medio que va desde el primer concierto de La Plata en la sala Magazine de Valencia hasta la publicación de Desorden, dibujando una impetuosa trayectoria cuyo punto de partida hay que buscarlo en el momento en que Diego Escriche (voz y guitarra) colgó Un atasco en Youtube cuando el grupo ni siquiera existía. “Somos muy urgentes en nuestra forma de actuar en general, no podemos parar de hacer cosas. Se ve también en nuestra música, en la velocidad de los temas”.

Con Miguel J. Carmona (batería) salieron nuevas canciones y comenzaron a perfilar el sonido de la banda, que se completaría poco después con la incorporación de María Gea (bajo), Patricia Ferragud (teclados) y Salva Frasquet (guitarra).

Aprovechando su paso por Madrid con motivo de las Fiestas Demoscópicas de Mondosonoro, hablamos con ellos acerca de su fulgurante irrupción en la escena. (Diego) “La suerte es que encajamos muy bien, tanto en nuestra forma de tocar como en nuestras personalidades”.

(Carmona) “Teníamos claro que era el momento y todos hemos ido al cien por cien. Nos hemos volcado con La Plata, pero también porque desde el principio hemos visto una respuesta”. (María) “Todos conocemos mil proyectos que molan un montón, pero luego uno ha tenido un hijo, otro está con otra historia… y entonces se para. Por eso es tan importante apostar por la banda para que salga adelante, aunque tengamos que dejar atrás otras cosas”. Con las ideas así de claras llegaron al estudio de Carlos Hernández para grabar este primer álbum (“queríamos conseguir más definición y que sacara nuestro lado más pop”, comentan), en el que aparecen de nuevo los cuatro temas que previamente habían publicado el año pasado, avisando de lo que estaba por venir y poniéndose el listón bien alto para confirmar las apuestas que les situaban como uno de los grupos que más dará que hablar en este 2018.

(Carmona) “Al principio igual sí había un poco de presión y antes de grabar se te puede pasar por la cabeza, pero luego te olvidas de todo”. (Diego) “Es un aliciente para armarse de valor, una oportunidad para continuar trabajando. Cuando haces algo y ves que hay gente que apuesta por el grupo, te entran aún más ganas de seguir creando”.

#8 abril 2018

“Ser nostálgico con ro veintitrés o veinticuat años es absurdo”

Más que canciones

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n aspecto que La Plata ha cuidado mucho desde el principio ha sido el de la imagen, con el logo del grupo que creó Ostap Yashchuck -un joven artista gráfico procedente de Ucrania, aunque afincado en Madrid- y unos diseños de María Gea que de alguna forma remitían a la movida valenciana y los carteles de Quique Company para ACTV. (María): “Queríamos que hubiese una identidad fuerte, global. A una banda la puedes identificar por el sonido, pero también por la estética, porque al final es mucho más que canciones; es también el reflejo de las personalidades de quienes están detrás de esa música”. Uno de los nombres a los que hace referencia es el de Throbbing Gristle. “Me interesa mucho cómo trabajan el concepto de identidad. También están Laibach y el colectivo NSK. Me gusta esa idea de provocación y que pueda haber distintas interpretaciones. Si te lo dan muy mascado, para mí es menos interesante”. —e.p.

El título de su puesta de largo -Desorden, en un claro guiño a Joy Division- ya sitúa al grupo en un contexto determinado, entre el punk y la new wave (también hablan de Television, The Jesus & Mary Chain o The Velvet Undergrund, y a la vez de nombres contemporáneos como los daneses Iceage), aunque ellos hayan acuñado ya su propia definición: (Diego) “Es difícil ajustarse a un término concreto. Patricia dijo el otro día que, para contárselo a alguien que nunca nos haya escuchado, podría estar bien hablar de pop triste acelerado”. Eso sí, por mucho que algunas referencias nos puedan devolver a los setenta y ochenta, no aparece aquí el más mínimo atisbo de nostalgia. (María) “Nos gusta vivir el momento y disfrutar lo que estamos experimentando ahora. Ser nostálgico con veintitrés o veinticuatro años es absurdo”. (Diego) “Sí que teníamos la idea de buscar una sensación de melancolía continua, y eso es algo que no se puede conseguir si únicamente muestras tristeza, o solamente felicidad, sino que nos gusta jugar con los dos sentimientos”. (María) “Antes nos han preguntado que si siempre estába-

mos tristes, y lo que hemos respondido es que cuando estamos muy contentos no nos ponemos a escribir temas, sino que estamos haciendo otras cosas…”.

(Carmona) “Al final estamos hablando de la sociedad y de una franja generacional que no únicamente es la nuestra. Todo el mundo puede entender Esta ciudad o Un atasco, da igual que estés en Valencia, en Madrid o en cualquier otro sitio, que tengas veinte o treinta y cinco años.

Obviamente son situaciones personales, pero que podemos sufrir todos”. Se trata, dicen, de plantear algo abierto a distintas interpretaciones, escapando de las evidencias y con la irrenunciable intención de aprovechar hasta el final todo lo que pueda venir: (María) “Diego y yo tenemos también Alfa Estilo, pero somos conscientes de que se mueve a otro ritmo. Las expectativas son las que queramos poner en cada momento, pero creo que mantener a la vez otro proyecto con el mismo nivel de exigencia que el que tenemos en La Plata es imposible”. —enrique peñas

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FOTO: MARIANO REGIDOR

MONDO FREAKO

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LORI MEYERS FOTO: ARCHIVO

Los Planetas son la nueva incorporación del VIDA, que celebra su quinta edición del 28 de junio al 1 de julio en Vilanova i la Geltrú (Barcelona). Se cuelan así en una zona alta del cartel que hasta ahora copaban nombres internacionales como Franz Ferdinand, St. Vincent, Iron & Wine y Calexico. Pero hay mucho más: Curtis Harding, Nick Mulvey, Of Montreal, Hookworms, Bart Davenport, Elvis Perkins y muchos otros, por lo que respecta a internacional. En cuanto a cosecha nacional, podremos ver a Novedades Carminha, Pacosan, Futuro Terror, Joe Crepúsculo, Esteban y Manuel, Oso Leone, Za!, El Petit de Cal Eril, Perro, Mourn, The Zephyr Bones, La Plata, Museless, Mareta Bufona y un largo etcétera. Un festival que huye de las grandes aglomeraciones habituales en los grandes eventos musicales. www.vidafestival.com

ED IS DEAD FOTO: ARCHIVO

Mucha música en el Vida 2018

Novedades del WAM Estrella de Levante Neuman, Carlos Sadness, Elyella, Shinova, Ms Nina, Ed Is Dead live band o North State –recientes demoscópicos de MondoSonoro-, entre las nuevas confirmaciones de WAM Estrella de Levante, que se celebra los días 4 y 5 de mayo en el recinto de La Fica (Murcia). Todos ellos se suman a una larga lista de confirmaciones que se han ido escalonando desde hace meses. Los primeros en anunciarse fueron Izal, Vitalic, Dorian, Sidonie, Viva Suecia, Yelle o Biznaga, a los que siguieron Kasabian, Alt-J, The Bloody Beetroots, Nada Surf, Joe Crepúsculo, Nunatak, Murciano Total y un largo etcétera. www.wammurcia.es

Tomavistas, cinco últimos nombres El FIV completa cartel El FIV de Vilalba (Lugo) tiene ya todo listo para su edición 2018. Tras la confirmación de los granadinos Lori Meyers, los gallegos Novedades Carminha y los valencianos La Habitación Roja, el festival ha sumado durante semanas nuevos nombres. Entre ellos encontrarás a Xoel López, Carlos Sadness, Shinova, Nunatak y a Dj’s como David Kano (Cycle). Por otro lado, también podrás ver una vez más a la Banda de Música de Vilalba haciendo versiones y a una banda sorpresa –Concierto sorpresa Mahou Cinco Estrellasque no se desvelará hasta las fechas del evento. El festival se celebra los días 27 y 28 de abril en la localidad de Vilalba. www.fivdevilalba.com

El festival madrileño Tomavistas (25-26 de mayo, Parque Enrique Tierno Galván) ha desvelado los últimos artistas que pondrán el broche de oro a la edición de este año. Se trata de los británicos Ride, los alemanes Roosevelt y los artistas nacionales Novedades Carminha, Iseo & Dodosound With The Mousehunters y Texxcoco.

Estos artistas se suman a los anunciados previamente The Jesus And Mary Chain, La Casa Azul, Superchunk, El Columpio Asesino, Belako, Chad Vangaalen, Melange, Kokoshca, Altin Gün y Chlöe’s Clue, Los Planetas, Django Django, Princess Nokia, Pony Bravo, Javiera Mena, La Bien Querida, Él Mató a un Policía Motorizado, Perro, Tulsa, Disco Las Palmeras!, La Plata y The Zephyr Bones. www.tomavistasfestival.com

Resurrection Fest, Chapter 13

El Paráiso, sigue sumando nombres

El festival gallego Resurrection Fest, sin duda uno de los referentes del hardcore y el metal en nuestro país, llega a su nueva edición –a celebrar los días 11 a 14 de julio en Viveiro- en plena forma y tras ganar el pasado mes un buen puñado de premios en los Iberian Festival Awards.

Tras los principales cabezas de cartel (Kiss, Scorpions y Stone Sour), vienen nombres tan diversos como los de Ministry, At The Gates, Over Kill, Cancer Bats, Anti-Flag, Saint Vitus, Stoned Jesus, Riot Propaganda, Leprous, Bellako, Against The Waves, Trono de Sangre, Boneflower, Anteros, Malämmar, etcétera... www.resurrectionfest.es

El festival Paraíso, que celebrará su primera edición los días 8 y 9 de junio en el Campus de la UCM de Madrid, sigue ampliando cartel. Después del golpe dado en la mesa con el primer avance, que contaba con confirmaciones como Róisín Murphy, Kelly Lee Owens, Apparat, Guy Gerber, Ibeyi o Kiasmos, el festival presenta ahora unos pocos -pero importantes- nombres más.

Entre ellos está Floating Points, Damian Lazarus & The Ancient Moons o el mítico Larry Heard. Completan la tanda Danny L Harle, Tom Trago y tUnE-yArDs, que se salen -aunque no del todo- de la línea electrónica del resto de nombres. www.paraisofestival.com

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Los. CONCIERTOS. de mi Vida.

Cris Lizarraga (Belako)

Cris es voz y teclista de Belako, protagonistas de nuestra portada del mes pasado. Ahora vuelve a nuestras páginas para descubrirnos cuáles han sido algunos de los conciertos a los que ha asistido desde que es aficionada a la música.

El primer concierto al que fui como público…

The Ettes + Joseph Arthur And The Lonely Astronauts. Fui con mi hermana Marta al Antzoki de Bilbo. Yo tenía quince años y ella veinticinco. A partir de ese vinieron muchos más (The Hives, Juliette And The Licks, Electric Six…). Gracias a ella descubrí mi pasión por la música en directo, afición que no mucha gente de mi edad compartía en ese momento.

El mejor concierto que he visto en mi vida…

Lukiek me han dado varios de los mejores conciertos de mi vida, pero me quedo con el que dieron en el gaztetxe Errota en Mungia.

El peor concierto al que he asistido Hay que esforzarse mucho para despuntar en esta categoría, y soy muy previsora, no voy a conciertos de Taburete. “Nosotrxs” mismos hemos dado algún que otro bolo que ha sido para colgarnos del pino más alto, pero los he borrado de mis archivos de memoria.

El último concierto al que he ido…

Cecilia Payne en el Euskalduna. Yo estaba muy nerviosa, pero verlas siempre me da subidón. Barriendo pa’ casa oye.

Belako - Conciertos SON Estrella Galicia Santiago (6 abril, Capitol) A Coruña (7 abril, Garufa) Valladolid (12 abril, Porta Caeli) Santander (26 mayo, Escenario Santander)

Los directos de SON Estrella Galicia 5 abril 15 Aniv. Torgal- Nathy Peluso 6 abril 15 Aniv. Torgal- Christina Rosenvinge Belako + Izaro- Sala Capitol, Santiago Nathy Peluso- Radar Estudios, Vigo 7 abril Belako + Izaro- Garufa Club, A Coruña Christina Rosenvinge- Radar Estudios Vigo 11 abril The Clientele- Sala 0 (Palacio de la prensa), Madrid 12 abril 15 Aniv. Torgal- Maria Arnal i Marcel Bagés Belako- Sala Porta Caeli, Valladolid Fernando Alfaro- Sala 0 (Palacio de la prensa), Madrid

13 abril 100% Psych- The Bug featMiss Red- Shoko, Madrid Maria Arnal i Marcel Bagés- Radar Estudios, Vigo 14 abril 15 Aniv. Torgal- Los Hermano Cubero 17 abril Vinicio Capossela- Teatro Lara, Madrid 18 abril Micah P.Hinson- Sala Hangar, Córdoba Fogbound- Fun House, Madrid 19 abril Micah P.Hinson- Lemon Rock, Granada Pájaro- Teatro Lara, Madrid 20 abril 100% Psych- LCC- Sala 0 (Palacio de la prensa), Madrid

Trinidad Road- Porta Caeli, Valladolid 21 abril Dead Bronco- Cool Stage, Madrid Micah P. Hinson- Sanagustin, Azpeitia 25 abril Carlos Cros- Fun House, Madrid 26 abril 100% Psych, Circuit des Yeux, Sala 0 Madrid 27 abril Zombie Zombie + Flavien BergerSala 0 Madrid 30 abril Blitzen Trapper- Loco Club Valencia

abril 2018 #9

FOTO: RAHI REZVANI

MONDO FREAKO

Editors Felices cuando llueve

EN LA MALETA

Nombre destacado en el resurgir del post-punk, Editors acaban de publicar Violence ([PIAS], 18). Majestuoso álbum de pop tintado de oscuro e incursiones en parajes de música electrónica y muy probablemente su mejor referencia. Su cantante e impulso creativo, Tom Smith, nos descubre cómo han dando forma a su sexto trabajo de estudio.

DJ Surda

Uno de los más populares exponentes del mashup en nuestro país, Dj Surda suele viajar también a Estados Unidos para desplegar su potencial combinando géneros y canciones.

Salt (La Mirona, 7 y 8 abril), Mataró (Clap, 13 abril), Terrassa (Born, 20 abril), Salt (La Mirona, 21 abril) y Mataró (Clap, 28 abril)

#10 abril 2018

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a primera vez que escuché terminado Violence, me puse a pensar qué iba a decir sobre él en las entrevistas”, admite entre risas Tom Smith. “Puede parecer una estupidez, pero no lo es. Cuando acabo un disco necesito un tiempo para recapacitar y analizar mis propias

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uántas canciones diferentes pueden llegar a sonar en una sesión de Dj Surda?

Si el set es mashup al menos tres veces más que un Dj estándar de estilo pop. Si no, un cincuenta por ciento más. ¿Qué canción no te atreverías jamás a mashupear? ¿Cuál es la que te ha resultado más complicada de combinar?

No hay ninguna que no me atreva, de hecho no es raro decir que “hay que atreverse a mezclar”, “a hacer música”, “a crear”... ¿No os suena raro? No te sabría decir, suelo hacer los mashups por intuición y la lista de mashups a hacer se acumula en una libreta… ¿Cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya? ¿Por qué?

Hay mucha música que no encaja en mis sets. Por ejemplo Thick As A Brick de Jethro Tull es un muy buen disco, pero quien lo conozca sabrá que es un disco para disfrutar en otro ambiente que no el de la disco. ¿Cuál es el primer mashup que hiciste y cuál es el último hasta el momento?

Diría que el primer mashup del que me siento orgulloso es el I Follow Hotstepper (Lykke Li vs. Ini Kamoze). Mi último, bueno, estas últimas semanas he producido como diez, pero me quedo con Girls Just Wanna Have FunK (Cyndi

“Un mundo en el que no puedes escapar de lo preestablecido es violencia” canciones”. Y en eso estamos en los Ridge Farm Studios, durante más de veinticinco años uno de los estudios más solicitados por las estrellas de pop y del rock, actualmente una impresionante casa de turismo rural, bucólico enclave en la campiña inglesa elegido por la banda de Birmingham para des-

Lauper vs. Bruno Mars). ¿Qué Dj’s y productores son un referente clarísimo para ti?¿De quién has aprendido más?

2 many Dj’s, Party Ben, Dj’s From Mars, Dj Moule, Dj Schmolli, etcétera. Hay etapas, pero del que más he aprendido es de Dj Schmolli. ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

Quejarse. ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s y a los productores?

Me parece normal que, tras un desgaste de la fórmula de la música pop en vivo y la aparición de tecnologías digitales, haya tantos artistas digitales, productores de música electrónica.

Otra cosa es que se use la figura del Dj para otros fines que no el de crear un discurso artístico… ¿Cuáles son tus Dj’s actuales favoritos?

Yuksek, Dj Schmolli, Loopido (Loo & Placido), ¿Compras el material que pinchas o que mashupeas?

No todo. Hay mucha música que directamente es gratis, también hay bibliotecas, DJ pools, etcétera. Hecho en falta una licencia para Dj’s que facilite este tema… lo que no hago es ripear de Youtube.

cubrirnos su nuevo álbum. “¿De qué va Violence? Hay algunas ideas que se repiten en algunas de las canciones. Lo mismo con el sonido. Leo Abrahams y Blanck Mass han conseguido crear una entidad sonora que abraza todo el disco, pero no hemos desarrollado ningún concepto”, destaca el cantante y principal compositor de Editors. “De hecho es un disco muy directo”, explica Tom Smith que esas ideas que ejercen de denominador común en la mayoría de las canciones son las relaciones y conexiones que se establecen entre las personas, entre padres e hijos, entre amantes, entre amigos… y como muchas veces somos incapaces de escaparnos de ellas. “Un mundo en el que no puedes escapar de lo preestablecido es violencia”.

No aparece en los créditos como productor, pero Blanck Mass (Benjamin John Power de Fuck Buttons) ha jugado un papel muy relevante en la creación del disco. “Justin (Lockey, guitarrista) es amigo de Benjamin y uno de esos días nos puso Please, uno de los singles de su disco World Eater (Sacred Bones, 2017)”, recuerda Tom Smith. “Flipamos con el sonido, tanto que pensamos que sería genial que colaborara con nosotros. Para entonces ya habíamos grabado buena parte del disco en los Glasshouse Studios de Oxford. Justin le llamó, le comentó nuestra propuesta y nos dijo que sí”.

Editors le enviaron las canciones que habían grabado por e-mail. La idea era que remezclara uno o dos de esos temas. La sorpresa vino cuando les devolvió el material y vieron que ¡había

—MS

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TAN. CERCA. RREl Cruïlla (del 12 al 14 de julio en Barcelona) ha confirmado ya el noventa por ciento de su cartel para este verano. De momento sabemos que cuentan con N.E.R.D., The Roots, David Byrne, Jack White, Prophets Of Rage, Justice, Kigo, Chase & Status, Orbital, Gilberto Gil & Amigos, Ben Howard, Soja, La Pegatina, Els Catarres, Jessie Ware, La M.O.D.A., Camille o Fatoumata Diawara, entre muchos otros.

RREl quinto Weekend Beach (del

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en concierto l Barcelona 26 de abril. Razzmatazz l A Coruña 28 de abril. Sala Pelícano l Madrid 29 de abril. La Riviera

RREl Tsunami Xixón (3 y 4 de agosto, Xixón) sigue sumando nombres y ya supera ampliamente en tamaño a la edición del año pasado (acaban de ganar el premio a Mejor Festival de Tamaño Medio en los Iberian Festival Awards). Entre los anunciados están Gogol Bordello, Royal Republic, Marky Ramone, Crim, Futuro Terror, Niña Cotote eta Chico Tornado, Bala, Minor Empires y, desde Asturias, The Attack of the Brain Eaters, Tigre y Diamante, Bobkat’65, Pingüino y The Black Panthys Party.

RRLa sexta edición del Montgorock Xàbia Festival (11 y 12 de mayo en Xàbia) contará con artistas como Tequila, Gran Cañón (Leiva, Carlos Tarque, Ovido de Los Zigarros y Julián Maeso), Rulo y la Contrabanda, La M.O.D.A., Sexy Zebras, Guadalupe Plata, Agoraphobia, La Raíz, Sidecars, Vinila Von Bismark, Kitai, Dinero, Los Labios, Nixon y otros.

Egon Soda llegan ya a su cuarto disco, El rojo y el negro (Autoeditado/Heart Of Gold, 18), una obra que no dejará indiferentes ni a sus seguidores, ni a sus detractores. Los catalanes vuelven a apostar por darle un golpe de timón a su música.

E

l rojo y el negro, cuarto álbum de Egon Soda, no dejará indiferentes ni a sus seguidores ni a sus detractores. Más que nada porque los catalanes vuelven a demostrar que, ante todo, son músicos. Y arriesgan.

Con esa duda sobre cómo saldrá la jugada pero la satisfacción de haber hecho lo que sentía, nos sentamos a charlar con Ferran Ponton, alma máter del grupo que nos asegura que: “es difícil decir que algo así es premeditado o no. Yo tenía muy claro que iba a hacer un disco más negro, eso sí. En todas sus vertientes. La premisa era intentar no pensar si aquello tenía sentido que lo hiciera Egon Soda o no. Al final, al hacer un disco, descartas muchas cosas, y si lo haces es porque no se adaptan al plan que tienes en la cabeza”. Aunque no es una ruptura total. De hecho, el inicio del disco no difiere tanto de trabajos anteriores. “Está claro que, sobre todo Lucha de clases podría haber estado en el disco anterior sin ningún problema. En Espíritu de la Transición ya hay algo novedoso pero, como dices, donde realmente se aprecia el cambio es al llegar a Glasnost”. Algo que, confiesa, está hecho de manera consciente.

“Totalmente. No quería romper desde el principio. Además, el disco tiene algo que no habíamos hecho nunca antes y es que lo hemos grabado en el orden que sale y se ha mezclado también en ese orden. Así que supongo que eso hace que evolucione. La idea es esa, que tú entres poco a poco”. Y así llegas incluso a temas funk o latinos. “Es que a mí me gusta mucho el funk. Mi primera banda en la universidad era de funk. Me encantan grupos como Funkadelic, por ejemplo.

No tenía muy claro si iba a funcionar con Pablo y con Ricky pero estaban encantados. Y sobre Matanza, que es donde está

todo el poso latino, y que habla del atentado de Barcelona dudé mucho. Tuve ese reparo de si meterme en un sitio en el que estabas hablando de los espíritus de otras personas. Pero es que cuando pasa te quedas tocado. No te pasó nada directamente pero podías haber estado allí. Y esa sensación de que todo se podía desmontar duró cuatro cinco días de manera muy intensa y luego se fue diluyendo. No quería juzgar sino hacer pensar sobre algunas cosas. Me jodió mucho cómo se trató todo mediáticamente. Pensaba: ‘¿queréis dejar ya de sacar petróleo de esto?’”. Porque Pontón, letrista de todos los temas no se corta.

Toma partido. Y eso dota al trabajo de otro tipo de negrura. “Parte de la infancia que yo he vivido, fue en un ambiente muy progresista, con unas ideas políticas muy marcadas. Y he tenido que aprender a vivir también con eso. A veces es fácil y difícil, porque te da unas herramientas muy útiles para vivir en el mundo pero, a veces, también te apetece tener una imagen más naíf, menos agresiva de las cosas. En las letras me pasa como en la vida, que intentas salir del patrón que te han marcado, pero al final vuelves a ellas”. Por ello tiene claro que: “a mí me gustan los discos que son una foto de un momento. Hay momentos en los que se necesita reflexión, pero una cosa no excluye la otra. También hay momentos de hedonismo y felicidad. Yo creo que lo que ya no nos podemos permitir los músicos es no plantearnos las cosas. Si no te vas a meter en el jardín tienes que ser consciente de que no lo vas a hacer”.

—edu izquierdo

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RRLos días 28 a 30 de junio se celebrará el O Son Do Camiño (Monte do Gozo, Santiago de Compostela), que cuenta con un cartel de nivel. No hay más que ver los nombres que se han anunciado ya, desde The Killers a Jamiroquai, pasando por Franz Ferdinand, C. Tangana, La M.O.D.A., Toundra o Martin Garrix. —MS

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rehecho al estilo Blanck Mass todo el disco! Ahora tenían dos discos, el que habían hecho ellos y el que había hecho Blanck Mass. “¡Nos gustaban los dos! Lo que había hecho Blanck Mass era jodidamente increíble. Ante tal disyuntiva, llamamos a una tercera persona para que nos echara un cable conjuntando ambos trabajos”. El elegido fue Leo Abrahams, este sí, oficialmente acreditado como productor.

“Era la persona perfecta para entender qué queríamos hacer: coger los mejores elementos de cada uno de esos extremos y transformarlo en lo que ha acabado siendo Violence. Creo que ha quedado un disco perfectamente equilibrado entre el rock de guitarras y las partes electrónicas, además de mantener ese poso emocional tan característico de nuestra personalidad como grupo”. —oriol rodríguez

4 a 7 de julio en Torre de la Mar, Málaga) anuncia ya su distribución de cartel por días. Te recomendamos visitar su web oficial (www.weekendbeach.es) para tener la lista completa, pero podemos apuntar que el día 5 estará más dedicado al rock y el mestizaje (The Offspring, The Toy Dolls, Boikot, La Raíz, etcétera), el 6 a la electrónica y el rap (David Guetta, Pendulum, Mala Rodriguez, Natos y Waor, etcétera) y el 7 será el más diverso (del reggae al rap, pasando por el pop y el metal).

Egon Soda “Queríamos que ante todo, el disco fuera negro”

abril 2018 #11

19 · 20 · 21 · 22 JULIO

JUSTICE TWO DOOR CINEMA CLUB BASTILLE · IZAL · MADNESS THE VACCINES · THE KOOKS CATFISH AND THE BOTTLEMEN BELLE & SEBASTIAN · J HUS DORIAN · JESSIE WARE WOLF ALICE · SLEAFORD MODS PARQUET COURTS · PRINCESS NOKIA

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egún recoge su texto de introducción, Miedo es “un espectáculo multimedia de poética sorprendente que utiliza, música, canciones, textos teatrales y tecnologías vanguardistas. En él se propone un viaje íntimo y muy personal, desde la infancia hasta más allá de la sepultura, por las sensaciones, emociones y sentimientos que nos produce ese fantasma que vive en nuestra mente alimentado por nuestros pensamientos, el miedo”.

En todo caso, el único personaje real es Albert Pla. Para el diseño y la realización del espectáculo se ha unido a unos buenos amigos y excelentes maestros en cada uno de sus oficios. Para la música ha trabajado con el ubicuo Raül ‘Refree’ Fernández. De la parte visual (dibujos, objetos, fotografías, etcétera, que aparecen en escena) se encargan los artistas plásticos Mondongo, es decir, los argentinos Juliana Laffitte y Manuel Mendanha, quienes llevan desde 1999 exponiendo sus obras conceptuales en ciudades como Buenos Aires, Madrid, Londres, Bruselas, Roma, Chicago, Beijing o Bangkok, por citar algunas. El estudio de creación audiovisual Nueveojos, que lleva desde 2008 trabajando con el video mapping y recibiendo premios por ello, anima y da vida a esas imágenes.

Del montaje sonoro se hace cargo Judit Farrés, y de la dirección Pepe Miravete, habitual de sus últimos espectáculos.

Pero quién mejor que Albert y los Mondongo para que nos expliquen –vía Skype desde Buenos Aires- lo que vamos a encontrarnos en Miedo. “La verdad es que esa respuesta tan abrumadora de la crítica y del público nos ha sorprendido, porque antes de estrenar teníamos algo de ‘miedo’”, comenta entre risas Juliana. Sin embargo, parece que desde la primera función todo ha ido sobre ruedas. Ni siquiera ha habido que hacer retoques sobre la marcha. (Albert Pla) “Empecé haciendo dos o tres canciones medio en broma con Raül y cuando nos dimos cuenta teníamos un montón y todas relacionadas. Ahí vimos que podía ser algo más que un disco. Enseguida pensé en Mondongo y en Nueveojos. Los primeros hicieron toda la parte visual y los segundos digitalizaron las imágenes

No callar

A

lbert Pla no es de los que se calla. Eso sí, sabe emplear la ironía y, por qué no, el sarcasmo.

Son sus herramientas a la hora de decir lo que piensa, algo que suele usar con la suficiente inteligencia para que no lo parezca. Canciones como Carta al rey Melchor o La dejo o no la dejo son ejemplos pasados bien claros.

Recientemente también lo ha hecho en otras facetas artísticas, como el corto El catalanazo , dirigido por Juanma Bajo Ulloa, o el texto Os quiero mucho,

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sobre cómo componer una canción.

Ahora más que nunca no hay que tener miedo y ser valiente para hablar claro.

Le pregunto por Valtònyc, Pablo Hasél, César Strawberry o La Insurgencia. “Es surrealista. Creíamos que no nos hacían ni puto caso, pero ahora resulta que son expertos en poesía catalana o especialistas en rap mallorquín. Pero estoy contento. Antes me sentía muy solo y veo que ahora somos muchos los que estamos hasta los cojones”.

—m.a.

FOTO: NORA LEZANO

Albert Pla estrena Miedo

el “Cuanto más intimo es r tema, más puedes llega a otras personas”

Albert Pla tiene nuevo espectáculo y se llama Miedo.

Lo presentó este pasado enero en Buenos Aires (Argentina) y lo ha prolongado hasta marzo con numerosos sold outs y con excelentes críticas. En abril llega a Madrid (Teatro Nuevo Apolo, del 5 de abril al 6 de mayo) para luego girar por toda España. y le dieron movimiento. Después Miravete me ayudó a fijar y ordenarlo todo, a darle sentido y ritmo. Aunque como nos pasamos nueve meses trabajando, ya no sabemos quién hizo cada cosa”.

Parece evidente que Albert canta la mayoría de veces como si fuera un niño, pero en este espectáculo, eso forma parte del guión. (Albert) “Sí, es mi forma de cantar, aunque es verdad que, sobre todo al principio, hay canciones desde el punto de vista de un niño”. (Manuel) “Que el tema sea el miedo y en la forma en que son cantadas las canciones, hace que tenga mucho enganche con el público”. (Juliana) “Aunque hay que avisar que hay algún momento de grito bien loco, alguna escena en la que el público se tapa los oídos y alguna otra en la que se tapan los ojos”. (Manuel) “También diremos que hay momentos en los que el público no sabe si lo que está viendo son imágenes o es real. Se amalgama todo en una sola cosa y eso permite introducirse en el todo del espectáculo y resulta más interesante”. Y ya que hablamos del miedo, les pregunto al respecto. El miedo parece algo universal, pero me gustaría saber si es algo que cambia en cada sociedad. (Albert) “Creo que cuanto más para dentro miras, más generalizas. Cuanto más intimo es el tema, más puedes llegar a otras personas”. (Juliana) “Por lo que hemos visto y vivido, la temática es intergeneracional porque a las funciones ha venido mucho público joven, pero también mayor”. Mejor no desvelar más, así que interesémonos por la música. (Albert) “Habrá disco con las canciones, porque muchas de ellas tienen sentido fuera de la obra y, además, Raül ha hecho un gran trabajo muy bonito de arreglos y composición”. Por último, le pedimos a Pla un consejo sobre cómo debemos prepararnos para ir a ver Miedo. “Lo mejor es ir con ilusión, ponerse cómodo y dejarse llevar. Pero no solamente para Miedo, sino para cualquier obra de teatro”.

—miguel amorós

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abril 2018 #13

Nathy Peluso La escucha tu pana Se fogueó en Youtube con versiones de soul, jazz y r&b; exploró las fronteras de la música fusión, y el año pasado su nombre se expandió con una serie de canciones entre el urban, el r&b, el rap y el trap.

Ahora, saca un nuevo EP, La Sandunguera (Everlasting/Popstock!, 18).

TAN. LEJOS.

RR Björk acaba de lanzar tres remezclas de la canción Arisen My Senses, perteneciente a su último álbum Utopia (One Little Indian/Popstock!, 17).

Las firman Kelly Lee Owens, Jlin, Lanark Artefax. Los remixes ya están disponibles en las principales plataformas digitales y se puede adquirir un vinilo de 12″ con las tres remezclas en One Little Indian.

RR Migos y Drake rinden

tributo al programa de los setenta Soul Train en el clip de Walk It

Daniel Avery Luz tras la oscuridad

tendé “¡Abrí tu puto orto y en no la vida, porque la vidae es un esquema, hay qu abrirse y disfrutar! ”

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Talk It, ataviados con pantalones de campana y peinados afro. El presentador del programa es Jamie Foxx y el invitado es Drake, que luce un grandioso peinado modelo fregona. En otro orden de cosas, Drake es noticia también por haber lanzado un remix oficial de Lemon, el gran single del último disco de N.E.R.D., en el que colabora Rihanna.

base de fans bastante similar debido a que el origen de sus canciones, tan complejo, violento y extravagante, atrae a oídos parecidos. De hecho, la unión entre Tool y Death Grips es algo deseado por la comunidad de seguidores, y se ha hecho notar en la cantidad de memes que, desde hace años, vienen representando el sueño de ver a estas dos bandas colaborando juntas.

RR Death Grips compartieron hace poco

RR El conocido rapero Snoop Dogg acaba

una fotografía en la que salen grabando su próximo álbum. En ésta podemos ver a Zach Hill tocando al lado del bajista de Tool, Justin Chancellor. La colaboración con el bajista de Tool es un proceso natural, puesto que ambas formaciones comparten una

de estrenarse en el gospel con el lanzamiento del disco Snoop Dogg presents Bible Of Love. Un mes después de lanzar por sorpresa el EP 220, Snoop Dogg está de vuelta con un nuevo álbum, pero esta vez de gospel compuesto por treinta y dos

Dos ideas vertebran el segundo disco del británico Daniel Avery, Song For Alpha (Phantasy Sound/[PIAS], 18).

La música como vehículo para trasladarte a territorios inexplorados y un rayo de luz que se abre paso entre la negritud. Escapismo y un mensaje optimista para un trabajo que busca trascender más allá de la escena de club que asaltó hace un lustro con Drone Logic. Podremos verle en el Mad Cool.

los pocos rincones idílicos que quedan en Londres a la ribera del Támesis.

“Necesitaba cierto equilibrio en mi vida. Generalmente llegaba al estudio el martes y eso me permitía dejar a un lado toda la locura del fin de semana.

Eso ha resultado crucial para mí y creo que el disco lo refleja. Aunque también hay elementos del fin de semana, de los clubes... en el disco se pueden percibir diferentes tipos de energía”. Sin entrar en detalles, Daniel reconoce que el salto de los veinte a la treintena supuso un momento de mala racha en lo personal.

“Por eso una de las ideas detrás del disco es la de la luz emergiendo de la oscuridad. Puede ser una metáfora de cualquier cuestión relacionada con la vida: cualquier cosa que te haya ocurrido, todo lo negativo que sucede a tu alrededor… Como te decía, el proceso composición de Song For Alpha ha sido muy importante para superar esos malos momentos”.

A la hora de poner sobre la mesa los referentes válidos para enfrentarnos

A

costumbrados como estamos a verle en plena faena detrás de los platos a las tantas de la mañana, resulta llamativa la imagen de Daniel Avery madrugador, entrando en la oficina en uno de

#14 abril 2018

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N

athy Peluso es todo el rato lo que menos te piensas que será y, sin embargo, es una de las artistas más auténticas que hayan surgido en los últimos años. Va maquillada como una diva de teatro mientras se está cepillando una mousse de chocolate blanco en un céntrico bar de Lavapiés. Charlamos a propósito de su nuevo Ep, La Sandunguera, un ejercicio conceptual con un tratamiento más orgánico, en el que coquetea con la salsa, el blues, los estándares del jazz vocal, la canción italiana y la radionovela.

—Me llamó la atención que lo primero que digas en el EP sea “¡la concha de su madre!”, uno de los insultos más ofensivos de Argentina. No sé si hay algún mensaje, si hay algún recado entre líneas, si es una descarga hacia algo o alguien…

(Ríe y aplaude) Es una descarga emocional. Me gustaba buscar la contraposición de una sandunguera; por eso empiezo el disco hablando de tristeza.

Lo que uno espera de una sandunguera

en concierto l Orense 5 de abril. Café&Pop Torgal.

Son Estrella Galicia l Vigo 6 de abril. Radar Estudios.

Son Estrella Galicia l Granada 13 de abril. Sala Prince l Sevilla 14 de abril. La Calle l Barcelona 20 de abril. Apolo l Madrid 4 de mayo. Joy Eslava l Barceloa 14-16 de junio. Sónar

es a una piba refeliz bailando salsa… pero yo creo que incluso las personas que están la mayor parte del tiempo aparentemente felices, están tristes en algún momento. A mí misma me pasa.

Todo este proceso tan fuerte que estoy viviendo me está rajando por adentro emocionalmente… hay mucha felicidad, pero también hay momentos que me pierdo, que estoy triste con lo que tengo.

—La Sandunguera es un disco que quien venga de escuchar las canciones del año pasado igual va a quedar

RR La tercera y última entrega de la trilogía de EP’s

de Nine Inch Nails se lanzará en los próximos meses, según Trent Reznor. En declaraciones a BBC Radio 6 el jueves, Reznor dijo que el EP debería estar a la venta antes del comienzo de la gira de festivales europeos (con visita al Mad Cool el 14 de julio) de la banda en junio. El EP, aún sin título, marca la conclusión de una trilogía que comenzó en diciembre de 2016 con Not the Real Events y continuó en julio de 2017 con Add Violence. —MS

—alan queipo

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Si tienes este número de MondoSonoro entre las manos y estás disfrutando con nuestros textos, todavía hay algo que te puede alegrar más el día. Revísate bien el ejemplar, porque igual te encuentras con una sorpresa.

S

de que la música te conduzca a otro lugar. La sesión arranca con un tema ambient (Soundscape 1, de In Aternam Vale) para tomarte de la mano y progresivamente iniciar un viaje por carretera que desemboca en otro tema ambient, en este caso propio (Space Echo), con el que despiertas del sueño”. —luis j. menéndez

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todos los medios me decían: “claro, porque tú haces hip-hop y eres trapera…”.

Y era un poco desesperante. Ahora ya ni me meto, pero hace un tiempo me metía a ver los comentarios de los vídeos y había algunos que decían: “Esta tipa, ¿quién se cree que es? ¿en qué idioma habla, por qué no entiendo un carajo lo que dice?”. ¡Abrí tu puto orto y entendé la vida, porque la vida no es un esquema, hay que abrirse y disfrutar! El objetivo de mis canciones es provocar sensaciones, aunque no sean buenas, incluso. Que a lo mejor les moleste cómo canto, o que no me entiendan…

—Si no les va a gustar, que al menos te odien, ¿no?

Claro. Como decía Soledad Pastorutti: “prefiero que me odien, pero nunca me olviden”. La cuestión es que la gente viva y reaccione con tu música. Para mí, la música de calidad es la que te hace sentir y te transporta a algo.

MondoSonoro y Vetusta Morla en edición limitadísima

pistas y cuenta con las colaboraciones de grandes artistas del género como Tye Tribbett, Faith Evans, Rance Allen y Kim Burrell. Snoop Dogg ya había hablado de grabar un álbum de gospel desde el 2017 y confesaba en una entrevista: “Siempre ha estado en mi corazón.

Necesito hacerlo ahora“.

a este trabajo, Avery reivindica la música de William Basinski y la generación post-acid que quedó plasmada en aquel histórico recopilatorio de Warp, Artificial Intelligence. “El factor humano presente en la electrónica de aquella época es algo que encuentro muy inspirador.

De Basinski me quedo con el componente emocional y la fragilidad de su música. Sus piezas requieren tiempo y paciencia. Exige poner el disco, sentarte y dejar que la historia se vaya desarrollando ante ti. Es una cualidad que he intentado tomar de él”. En realidad son elementos que ya se apreciaban en el DJ-Kicks que publicó el pasado año. “El lenguaje es diferente, porque el DJ-Kicks es una sesión en el estricto sentido. Pero al igual que ocurre con Song For Alpha mi intención era que al cerrar los ojos el oyente se transportara en una suerte de viaje psicodélico. Song For Alpha cuenta con más dinámicas, momentos más tranquilos que no tienen cabida en una sesión de club. Pero ambos trabajos comparten esa idea

descolocado. ¿Te apetecía dar un giro radical y que se te deje de catalogar como una artista de música urbana únicamente?

Exacto. Yo no vengo a complacer a nadie. Vengo a hacer mi música y a desarrollar mi carrera como creo que puedo aportar algo al mundo. A mí me aburre Esmeralda: cuando me lo pongo escucho a una mina ahí rapeando, me veo como limitada…

—La palabra “sandunguera” me recuerda a aquella canción de Thalía: “soy la hembra sandunguera caliente como un fogón: dulce cuando me enamoro y te entrego mi corazón”…

Es que viene de ahí, boludo… (risas) —En La Sandunguera dices en un momento: “no sé si estoy haciendo música urbana, lo único que sé es que me escucha tu pana (…) abre tu ser: veo tu mente llana”. ¿Ves mucho fundamentalista en el circuito de la música urbana?

Estamos muy acostumbrados a querer encasillar a todo el mundo, pero yo recuerdo que hasta hace unos meses

Song For Alpha Phantasy Sound/ [PIAS] 2018

e trata de un original y muy especial flexi disc de los mismísimos Vetusta Morla. El disco incluye la canción Consejo de sabios, una de las piezas que forman parte del último trabajo de los madrileños, Mismo sitio, distinto lugar, que además fue la primera de las que el grupo trabajó antes de la grabación en los Hansa Studios de Berlín.

Este lanzamiento tan especial sirve para que los fans de la banda y nuestros lectores recuerden ese momento no menos especial que Vetusta Morla protagonizaron en las Fiestas Demoscópicas del pasado mes de febrero, cuando la banda en formato trío la interpretó en plena pista

de la sala Joy Eslava, rodeados por el público. Y lo más importante de todo es que este flexi disc –un formato de culto que hace las delicias de los coleccionistas- solamente se distribuirá con algunos ejemplares de nuestra revista en una edición limitadísima (no se comercializará posteriormente, así que esperamos que tengas suerte). Si eres uno de los afortunados o afortunadas que lo consigue, los propios Vetusta Morla quieren saberlo, así que te piden que lo compartas en redes sociales con la etiqueta #MondoConsejodesabios y comentes qué te ha parecido. Lo dicho, que tengáis muchísima suerte.

—m.s. abril 2018 #15

FOTO: JUAN PÉREZ FAJARDO

WALA. WALA.

“¡El otro día nos llamaron Hinds de provincias! Y aunque nos hizo bastante gracia, la verdad que nos sorprendió, porque nuestras canciones no se parecen mucho a las suyas. Solo que somos chicas.

Punto. Pero nosotras más viejas.

Eso no lo dijeron pero lo decimos nosotras. Vie-hinds” Melenas en Jenesaispop)

“Haber tenido una hija de mayor significa que he podido estar ahí viéndola crecer. Cuando era joven nunca estaba en casa...

Ahora empieza a interesarse por la música y algunos de sus amigos tienen discos de The Damned” Dave Vanian, The Damned, en Mojo

“Somos como una película de sábado por la tarde de los noventa”

“Metallica es algo que vive y respira a través de toda la gente que forma parte de esto. Me da la sensación de conectar con algo mucho más grande que yo mismo” Lars Ulrich, Metallica, en Q

“La banda que más nos influyó en cuanto a imagen fue The Scientists. Su pelo era como una especie de versión larga del corte de pelo de los Ramones. Una vez en Holanda llegaron y pensé: ‘whoah, son lo más cool’” Kevin Shields, My Bloody Valentine, en Uncut

“Trump es un monstruo, pero no es más que el reflejo de la estupidez americana, de nuestro deseo de conseguir todo sin reparar en las consecuencias” Eric Earley, Blitzen Trapper, en Ruta 66

#16 abril 2018

Nunatak Con la calma Conscientes del momento que les toca vivir los murcianos han pasado a la acción. Han roto su techo, su cielo, y con las piezas han montado la portada de Nunatak y el tiempo de los valientes (Warner, 18). Después del grito viene la audacia.

E

l tópico del tercer disco se cumple en Nunatak. Después de andar con el deadline siempre pisándole los talones, de mantener ese pulso infinito con el tiempo de grabación, tenían claro que era el momento de madurar las canciones en el estudio. Porque sí, porque es en ese tiempo y en ese lugar donde se toman las decisiones valientes. “Está claro que es el disco que más tranquilos hemos hecho y al que hemos dedicado más tiempo a madurar el sonido de cada canción. En comparación con los dos anteriores que tuvimos un par de meses para todo el proceso, en este hemos empleado más del doble”. Y más teniendo en cuenta que este álbum se empezó a gestar inmediatamente terminado su predecesor. En estos dos años Nunatak han definido su hoja de estilo, la intención de sus canciones y han movido piezas en su sonido. Uno de estos movimientos, no exento de debate en el seno de la banda, ha sido el tratamiento de esos mantras marca de la casa, que ahora suenan con más rotundidad, al unísono, un concepto que rompe con ese espíritu melódico armonizador en aras de “La semilla del mantra viene ya del disco anterior, del tema Principio y fin, en la que probamos a introducir un mensaje concreto en la canción y repetirlo. Nos gustó como quedó y en este disco lo hemos explotado más”. Se refieren a cortes como Romper el cielo, que fue el primer single del disco, Aún respira y Disonancia perfecta, uno de nuestros temas favoritos del álbum. Todos coinciden que fue el álbum The Hope Six Demolition Project de PJ Harvey el

que les iluminó el camino en este ejercicio y sobre todo una actuación de la británica en el Bime de Bilbao en 2016. “Estilísticamente PJ Harvey no tiene nada que ver con nosotros, pero técnicamente ese disco y ese directo del Bime nos puso en la pista de cómo hacer las cosas”. La fuerza de esos coros al unísono tiene que estar respaldada por un texto, por una expresión contundente en fondo y forma. En este sentido Nunatak siempre se han declarado modestos con sus letras. “No nos importa reconocer que hasta ahora las letras de Nunatak han estado un escalón por debajo de la música. Y que en este disco hemos conseguido dar un salto de calidad en los textos que son más claros y directos”. Y así, en las canciones de Nunatak y el tiempo de los valientes, esa estructura cinematográfica de introducción, nudo y desenlace está más definida. Gonzalo es coguionista junto a Adrián y así lo define. “Somos como una película de sábado por la tarde de los noventa. Buscas la superproducción en la que empiezas pasándolo mal pero que al final terminas arriba con un gran final”.

La primera sensación que uno tiene conforme arranca el álbum y suena Bestias sedientas es que el tono ha cambiado, de la espiritualidad han pasado al activismo, por un lado han querido romper muros –el de Trump vino después-, pero por otro construirlos creando un sonido por capas también novedoso en Nunatak. Una atmósfera respetuosa en la mayoría de los casos con ese folk expansivo original salvo El espejismo, una licencia para distender después de tantas horas en el estudio y con el que cerrar el disco y quién sabe si abrir otra puerta.

—arturo garcía

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abril 2018 #17

Nuevas confirmaciones para el FIB

black lips FOTO: archivo

Los Discos de mi Vida

MONDO FREAKO

Black Lips también estarán en el Mallorca Live Festival

Esteban Girón (Toundra)

Toundra vuelven a la actualidad con el que será su quinto disco, Vortex (InsideOut Music, 18), a publicar el próximo 27 de abril. Y lo hacen en un excelente estado de forma y de popularidad. Esteban Girón, nos descubre algunos discos que le han marcado.

biffy clyro FOTO: ARCHIVO

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Novedades para el Low Festival El festival, que se celebra los días 27, 28 y 29 de julio en Benidorm, ha desvelado algunos nombres más del cartel de su décima edición. Las últimas novedades incluyen doce nombres encabezados por Biffy Clyro. Junto con la banda escocesa también estaran en el festival, León Benavente, Vintage Trouble, Santiago Auserón + Sexy Sadie, Mujeres, Las Chillers, DJ Coco, Fogbound y Escorpio.

En esta edición, Sona La Dipu nos trae tres nuevos nombres: Odd Cherry Pie y Dûrga.

Estos nombres se suman a los ya anunciados The Chemical Brothers, Phoenix, Izal, La Bien Querida, Vitalic, Iván Ferreiro, Los Planetas, La Habitación Roja, Javiera Mena, Kakkmaddafakka, Novedades Carminha, Belako, La Plata, Modelo de Respuesta Polar, Elyella, Joana Serrat o Alien Tango. —MS www.lowfestival.es

#18 abril 2018

Con los últimos fichajes de Black Lips, Macaco, La Casa Azul y Henrik Schwarz se da por completado el cartel del Mallorca Live Festival, que celebra su nueva edición los días 11 y 12 de mayo en el Antiguo Aquapark de Calvià (Mallorca). Pero habrá muchísimo más. Podrás ver a grupos españoles como El Columpio Asesino, Polock, Bad Gyal, Oso Leone, Sexy Sadie, L.A., Izal, Kase.O, Muchachito, Morgan, Sobrinus, El Petit de Cal Eril, Agoraphobia, The Wheels o Jump To The Moon (grupo demoscópico MondoSonoro 2018), entre otros. Por lo que respecta a los invitados internacionales, destacan nombres como los de The Prodigy, Primal Scream, !!! (Chk Chk Chk), Nina Kraviz, Vitalic o Dj’s From Mars. En total cuarenta artistas y más de veinte horas de música en directo repartidos en tes escenarios en los que tendrán cabida los diferentes géneros musicales. www.mallorcalivefestival.com

Un disco que descubrí por mis padres...

El disco que me cambió la vida...

Pink Floyd The Dark

So Long And Thanks For Al The Shoes (1997)

Lou Reed

Side Of The Moon (1973)

Mi padre ponía a todo volumen Pink Floyd en el salón y cuando les pinchaban en la radio subía a tope el volumen en el coche.

Mi padre, mi madre, mi hermana y yo somos fans.

Un día en Navia me puse a ver cómo hacía skate un chaval. Me dio este disco en casete: “Sé que tienes una guitarra eléctrica, si te mola esto, hacemos un grupo”. Nunca he estado sin grupo desde ese día con trece años.

Era el típico monete que mi padre sacaba en las fiestas a tocar la guitarra. Me mandaba sacarme canciones de sus artistas favoritos. Nos dio una época obsesionados por este disco.

NOFX

El primer disco que escuché completo...

Transformer (1972)

El último disco que me ha encantado...

El álbum que más te pones para componer...

Un disco que te gusta regalar...

Papa M

Cave In

Ry Cooder

Ya no me pasa, pero cuando comencé a tomarme en serio esto de componer con Toundra (entre I y II) Cave In estaban siempre ahí: ¡la unión del hardcore y Pink Floyd! ¡Eran perfectos! .

Me gustar regalar este disco, que para mí es el culmen de Ry Cooder. Le ha gustado a todo el mundo, incluso en algunas ocasiones me han dado las gracias por descubrírselo. —MS

Live From A Shark Cage (1999)

Llevo un buen tiempo obsesionado con este disco. Su imperfección lo humaniza y lo perfecciona. Es brutal y me ha influenciado mucho.

Jupiter (2000)

crystal fighters FOTO: ARCHIVO

Benicàssim volverá a ser uno de los grandes centros neurálgicos internacionales del pop rock y otros géneros durante los próximos días 19 a 22 de julio. La localidad de la costa levantina acogerá una nueva edición del FIB en el que no faltan los nombres apetecibles, tanto en lo internacional como en lo nacional. Por lo que respecta a los grandes cabezas de cartel, están confirmados The Killers, Liam Gallagher, Pet Shop Boys y el rapero Travis Scott. A ellos les acompañarán también Justice, Two Door Cinema Club, Bastille, Madness, The Vaccines, The Kooks, Catfish And The Bottlemen, Nathy Peluso, Belle & Sebastian, Jessie Ware, Wolf Alice, Sleaford Mods, Princess Nokia, Everything Everything, Tune-Yards y muchísimos más. Por lo que respecta a artistas españoles, de momento están confirmados Izal, Dorian, Rusos Blancos o Melenas, aunque habrá muchos más. —MS

Chavez Ravine (2005)

Crystal Fighters completan el Río Babel El Festival Río Babel que se celebrará los días 6 y 7 de Julio en Ifema (Feria de Madrid) presenta el cartel completo de su nueva edición en la que destacamos a Crystal Fighters, Bunbury y The Cat Empire, entre otros. Siguiendo con la esencia de su primera edición apuesta por un ciclo de conciertos vinculados entre la escena española y la iberoamericana, con gastronomía y cultura completando la fiesta. Desde jazz latino, indie, folk, eléctronica o reggae nos encontraremos en este festival que apuesta por la diversidad. A los nombres que acabamos de citar debéis sumarle también los de Molotov, Jenny And The Mexicats, Bebe, Arco, Dengue Dengue Dengue, Alamedadosoulna, King Coya, Quantic, Juanito Makandé, Los Auténticos Decadentes, We The Lion, Miranda y Los Caligaris. —MS www.festivalriobabel.com

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“

Izal Grandes pasos hacia la felicidad

Quedaban aún unos días para que Autoterapia (Hook, 18) viera la luz, pero Izal ya habían superado las cifras de reproducciones de Operación Triunfo. Su cuarto disco supone un paso adelante y la constatación de que la banda quiere llevar su música a otros mundos creativos.

últimos años, e intentar que el ‘éxito’ que vivimos sea positivo. Nunca dejamos de ser nosotros: ni cuando nos subimos a un escenario, ni cuando vamos a comprar el pan. El cambio está en la persona ajena.

Yo ni me miro al espejo, ni me pienso de una forma diferente a como lo hacía diez años atrás”, dice Mikel.

De ahí que frases como “mi lucha es dejar de imaginarme que cada paso es el más importante” sean casi escapularios en este cuarto disco. Algo que sostiene también Emmanuel “Gato” Pérez. “Me gusta mucho la metáfora de la zanahoria: no se trata de comerse la zanahoria, sino de encontrar siempre una que te guste”. Acerca de cómo gestiona el propio Mikel que uando entro en la habitación en su apellido sea también una marca de éxito, confiesa: la que los cinco miembros llevan con“Alguien propenso a ver la parte positiva de la vida, testando preguntas como si de unos lo será trabajando en una mina o siendo una estrella hamsters en una rueda se tratase, Mikel del rock. Sigo creyendo que no es que tengamos tanestá hablando con Antena 3 para ver cómo será tísimo público, sino que el que tenemos encuentra en su intervención en los informativos. Ese es el Izal algo que no les da nadie. Si me sacas a la calle y estatus de una de las bandas más convocantes y, preguntas por mí a la gente, no me conoce nadie; si sin embargo, la última de estas dimensiones que preguntas por Pablo Alborán, lo conoce todo el munpermanece fuera de la estructura de los sellos do. Nos ganan cincuenta a uno. multinacionales. Incluso Esa es la vara real para mepara un cuarto álbum que, dirnos”. Con quiénes no están además de presentar su muy de acuerdo a la hora de cara más versátil (desde el medir su obra es con nosotros, violín de Ara Malikian a los críticos musicales. “Somos ritmos andinos, la canción l Murcia 4.-5 de mayo. WAM Festival un claro ejemplo de un grupo más lenta de su repertorio, l Calviá 11-12 de mayo. Mallorca Live ecléctico a nivel de arreglos, soguiños a la psicodelia, Festival l Granada 18-19 de mayo. Bull nido y composición. Si alguien, canciones sin estribillo…), Music Festival l La Roda 15-17 de junio. todos los temas que hacemos, trata, según dicen, sobre la Festival de Los Sentidos l Valencia 4 desde el que está más cerca búsqueda de la felicidad, de julio. Recinto por confirmar l Torre del folk andino al que está más dejando también recados del Mar 4-7 de julio. Weekend Beach cerca del heavy metal, le parea sus yoes interiores: sobre l Caldas de Reis 5-7 de julio. Festival ce que son iguales, quizá sea todo, los que hablan de Portamérica l Barcelona 13-14 de julio. un error de percepción del que lidiar con esta dimensión Cruïlla l Cádiz 19-21 de julio. Festival escucha”, dice Iván, que sentende grupo de masas, con No Sin Música l Alburquerque 20-21 cia: “¿Quizá tenga algún tipo este loop salvaje, con la de julio. Contempopránea l Benidorm de prejuicio?”. Un, dos, tres, exigencia de ser una marca 27-29 de julio. Low Festival l Santanresponda otra vez. que genera grandes númeder 2-4 de agosto. Santander Music l ros y grandes emociones.

—alan queipo Aranda de Duero 8-12 de agosto. Sono“Nunca está de más hacer rama Ribera l Almería 17-19 de agosto. el esfuerzo por tener una Cooltural Fest l Gran Canaria 29 de foto limpia de lo que te está Más en www.mondosonoro.com septiembre. Sum Festival pasando, un análisis de los

C

en concierto

r “Alguien propenso a vela la parte positiva de do vida, lo será trabajan do en una mina o sien una estrella del rock” mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: JESÚS ROMERO

” abril 2018 #19

Piñata Protest llegan de San Antonio, Texas, para dar un nuevo giro estilístico al viejo y querido punk rock. Ahora lanzan Necio Nights (Kasba Music, 18) y charlamos con su líder, el carismático frontman y acordeonista Álvaro del Norte.

C

ómo se te ocurrió mezclar el punk rock con el acordeón?

Desde niño la música mexicana, la norteña o la cumbia eran lo que mis padres escuchaban todo el tiempo. A mí no me gustaban, así que en secundaria me metí en el rollo del rock y el punk rock, lo que me llevó a empezar a tocar. A los veinte años pensé en hacer algo diferente, original, algo que nadie hubiera intentado antes. Y ahí volví a la música que escuchaba con mis padres. Para mí fue muy natural combinar esos dos mundos. Al poco tiempo ya era fan de la música mexicana tanto como del punk rock.

—Recientemente girásteis con Brujería y Powerflo, dos grupos más agresivos que Piñata Protest. ¿Qué tal fue la experiencia?

Muy buena. Ya giramos varias veces con Brujería y siempre nos fue muy bien. Esta vez nos acompañaron Powerflo, un grupo con gente de Biohazard, Cypress Hill... Es un súper grupo.

Los fans de Brujería son mayormente latinos entonces entienden nuestro código. Aunque Brujería suene bien a metal y sean más duros que nosotros, hay una cultura que nos une.

—¿Cómo es para una banda de las características de Piñata Protest y para la comunidad mexicana en general, vivir en Estados Unidos en la época de Trump?

Es algo en lo que pensamos mucho desde que Trump es presidente. Es como que la gente se unió más a partir de esto. Tuvimos un show en Baltimore y allí fue un grupo racista para mirar lo que estaba pasando. Estábamos tocando con Brujería y nos vinieron a observar a la sala, todo se está poniendo peor respecto al racismo. Me gusta ser una voz de los jóvenes que pelean contra el racismo, el muro en la frontera y todo eso.

—¿Crees que bandas como vosotros, Gogol Bordello o Flogging Molly son buenos conductos para que los jóvenes conozcan las músicas de otros países?

Sí claro, por supuesto. Me encantan esas dos bandas y gracias a ellas conocí la música gitana y a The Pogues. —adriano mazzeo

r Más en www.mondosonoro.com

#20 abril 2018

“

FOTO: ARCHIVO

Piñata Protest Noches necias

El pasado, presente y futuro de SFDK Los sevillanos SFDK redimen sus pecados con Redención (BOA, 18), un disco en el que Óscar y Zatu recuperan su mejor versión, subsanando además ciertos “errores del pasado”.

convencieron. Es algo que necesitaba hacer. Empecé hace unos años de forma casual visitando a unos chiquillos que estaban ingresados en oncología infantil.

Entrar allí te cambia la vida para siempre. Sientes que todos tus males empequeñecen. Hice la canción porque lo necesitaba. Después, a sabiendas de que me había quedado bonita, decidí darle salida y qué mejor manera que destinando sus benéficos a quien doloroomos el grupo más longevo del hip hop hecho samente me inspiró a escribirla”, relata Zatu. Esta canen España. En ningún otro grupo se han soción, sin duda una de las mejores del disco, es un ejemportado durante tantos años y sin pausa”. No plo de la dedicación que hay detrás de las líricas de le falta razón a Zatu, quien puede presumir de Redención. Y es una muestra del buen estado de forma llevar casi veinte años en el rap, desde que publicase allá que han recuperado SFDK, quienes además en este álpor 1999 Siempre fuertes. Durante este tiempo el grubum vuelven a fusionar su rap con otros po ha tenido altibajos, el propio Zatu géneros, “pero nunca fui de fusionar a lo reconoce, pero parece que con este medias. Yo hago rap, y cuando quiero álbum han vuelto a dar en la tecla. Las mezclarlo con algo, llamo a unos artiscríticas que ha recibido Redención son tas del género en cuestión y lo hacemos excelentes, y eso nos conduce a una bien». Sin embargo, pese a la buena pregunta: ¿Estamos ante el mejor disco l Valencia aceptación que ha tenido Redención, de SFDK desde Odisea en el lodo? El 6 de abril. Sala Moon este éxito parece que no termina de sevillano lo tiene claro: “No. Este disco l Alicante compensar a Zatu y Óscar, ya que nos es mejor que Odisea en el lodo. Odisea 7 de abril. Sala The One confiesan que éste será su último largo. marcó una época, pero ni las producl Córdoba “Hemos llegado a la conclusión de que ciones están al nivel de las de ahora, 20 de abril. Sala M100 no nos es necesario hacer más discos, ni los rapeos y la forma de coger los l Villarobledo es demasiado trabajo. Esto no quiere ritmos, pero, sobre todo, el contenido.

28-30 de abril. Viña Rock decir que dejemos de hacer música, ya Este disco tiene, a mi parecer, el mejor l Madrid que a partir de ahora trabajaremos de contenido de toda mi carrera”. Si escu5 de mayo. Sala Riviera otra manera; sacando temas sueltos. No chamos con detenimiento Redención l Barcelona sacaremos más álbumes, pero SFDK no vemos que no exagera. El egotrip de su 11 de mayo. Razzmatazz se acaba, aún tenemos planes para diez adolescencia ha cedido su sitio a unas l Girona años”. Y que sean muchos más. letras comprometidas y cuidadas. Zatu 12 de mayo. La Mirona se muestra como un músico preocupa—alfonso gil royo l Sevilla do por aspectos como el mal uso de las r 18-19 de mayo. Interestelar redes sociales, la educación o la infanl Granada cia. Como nos demuestra en la canción Más en www.mondosonoro.com 18-19 de mayo. Bull Music Me queo en mi casa, cuya recaudación l Gran Canaria irá destinada a organizaciones benéfi22 de junio. Sotavento Club cas y en la que nos cuenta sus vivencias l Tenerife con niños afectados por enfermedades.

23 de junio. E.C. Aguere “Hace dos años que la tengo escrita y no quería incluirla en el disco, pero me

S

EN GIRA

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abril 2018 #21

Hinds

—texto Sofía Cuevas González —fotografía Sergio Albert

ADE MARTÍN, CARLOTTA COSIALS, ANA GARCÍA PERROTE Y AMBER GRIMBERGEN FOTO: sergio albert

La prueba de fuego

¿Tocar en Glastonbury? Doble check. ¿Recibir piropos de tus bandas favoritas que no hace tanto llenaban las paredes de tu habitación? Check. ¿Que los principales medios musicales anglosajones se deshagan en piropos?

Check. En la lista de deseos de Hinds, y a pesar de su juventud, podría parecer que pocas cosas quedan por cumplir.

Pero Ade, Ana, Carlotta y Amber tienen muy claro que I Don’t Run (Lucky Number/Music As Usual, 18) es otra prueba de fuego que afrontan seguras de todo el trabajo bien hecho.

#22 abril 2018

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C

uando esta revista llegue a tus manos las madrileñas estarán afrontando las primeras citas de presentación de I Don’t Run por Estados Unidos, Reino Unido y Europa aunque, de momento, con pocas paradas confirmadas en nuestro país.

“Nos da rabia porque aquí giramos este pasado diciembre e hicimos bastantes fechas y ciudades, así que nos ha sido bastante complicado ubicar nuevos conciertos en España a lo largo del 2018”, apunta Carlotta. “Fuera de España la gente compra entradas y les da igual que sólo hayas sacado un videoclip desde la última vez que te vieron, ¡o que no hayas sacado nada!”, añade Ana sobre las diferencias que, habiendo girado tanto como lo han hecho en los últimos años, perciben entre el público español y del resto del mundo. Inmersas en un tour internacional casi infinito, el momento de ponerse a trabajar seriamente en el nuevo álbum se fue retrasando y, aunque estaba previsto para 2017, no será hasta este el 6 de abril cuando I Don’t Run por fin vea la luz. “La idea de ponernos a trabajar en el nuevo disco estaba siempre presente, pero la gira era tan larga que resultaba imposible, así que en cierto momento pedimos a nuestros booking agents que nos dejaran un poco de espacio”. Y de esta forma durante enero y febrero Hinds entraron mes y medio al estudio para componer y en marzo comenzaron a grabar el nuevo álbum. No es chocante entonces que, con la mente y el cuerpo aún intentando aterrizar en Madrid, en él aparezcan de forma recurrente cuestiones como la noche y la propia vida convertida en una suerte de gira perpetua.

“Nunca habíamos tenido una canción que tratara sobre estar lejos de casa y, joder, somos el grupo para hablar de esto. Te das cuenta de lo que quieren decir los músicos cuando hablan del ‘camino’, y es que están hablando literalmente de la carretera, sin metáforas: están ahí de verdad. Tu vida se reduce a esas dos líneas que te llevan a un sitio y tampoco puedes escapar. Todo esto te transforma un poco la personalidad, estás todo el rato tan activo que este es de los pocos momentos que tienes en los que puedas estar tú solo contigo mismo”. Hasta el título del álbum, I Don’t Run, va en esa línea. “En el rock parece que todo tiene que ir deprisa, aunque tu destino sea un lugar que no conoces. Todo este rollo del ‘live fast…’. De pronto nos pareció interesante plantear justamente lo contrario”.

En un claro intento de llevar su música y su proyecto por los caminos que ellas desean en todo momento, las cuatro son coproductoras de las once canciones que conforman el álbum, labor a la que también ha contribuido Gordon Raphael (The Strokes, Regina Spektor), quien les dejó hacer y deshacer a su antojo en el estudio. “Al final lo escuchas y sabes que todo lo hemos decidido las cuatro, es nuestro” explica Ade. “No hay ningún truco en el disco, ni nada que no hayamos tocado nosotras. Lo que se escucha es lo que hay ahora”. Toda la experiencia que han adquirido en estos años lejos de casa también les ha servido para terminar de manejar el enfoque que querían darles a las canciones. “En este disco no hay nada que haya surgido de forma aleatoria, sin que sea premeditado. Tenemos mucho más claro lo que nos gusta y cómo expresarlo” explica Ana. Esta seguridad se nota no solo a nivel instrumental, sino también compositivo. Además, las letras de I Don’t Run han dejado de lado las metáforas presentes en Leave Me Alone para dar paso a un lenguaje mucho más directo. “Las utilizábamos un poco ingenuamente, pensando que si la persona sobre la que escribes la canción la escucha va a saber que se dirige a ella. Y eso nos daba como reparo”, admite Carlotta. “Ahora nos apetecía quitarnos esa vergüenza y que todo el mundo tenga claro cuándo estamos enfadadas o tristes. Que el mensaje llegue sin ningún tipo de problema”. Donde no ha habido margen para los experimentos ha sido a la hora de elegir estudio y técnico de grabación: repiten a las órdenes de Paco Loco, que es a su vez la figura que públicamente más les ha apoyado dentro de la industria en nuestro país. “En España aún nos falta un referente, un padrino, alguien importante dentro de la música de este país al que le gustemos. Lo más cercano es Paco, que es una leyenda y le encantamos. ¡Y cuánto más gritamos más le gusta!”.

Su repentino éxito, del que tanto se ha escrito y hablado en los últimos años, les ha hecho conocer de golpe las luces y sombras del business musical. Por eso, con este segundo disco han querido tener control sobre cuanto envuelve su proyecto. “En realidad todas las decisiones que tomamos a nivel de industria fueron al principio, y desde entonces hemos mantenido los mismos booking agents, sellos, etcétera. Fuimos muy sabias a la hora de escoger a partir de nuestras sensaciones a todo el equipo con el que queríamos trabajar”. Tienen muy presente que el día a día de una banda no se reduce a subirse a un escenario y tocar, y por eso adoptan también la función de empresarias y todas las decisiones relativas a la banda deben pasar por su filtro previo. “Es muy bonito decir ‘Yo hago mi música y ya está, porque a mí la industria me la suda’, pero la realidad es otra, y tienes que estar muy encima”. Hinds afrontan más unidas y confiadas que nunca esta nueva etapa y, más allá de críticas y giras interminables que te trastocan los horarios y la cabeza, no dan absolutamente nada por hecho. Tienen muy l Barcelona presente el camino que les queda por recorrer: 30 de mayo-3 de junio.

“Cuanto más mundo vemos más pequeñas nos Primavera Sound sentimos. Aún hay muchísimas cosas por hacer l Madrid y un montón de gente por encima de nosotras”.

7 de junio. Joy Eslava,

EN CONCIERTO

—s.c.g

Sound Isidro

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Los highlights de una carrera hacia las estrellas El cierre de la Nasti en 2013 (Carlotta) “Para la ocasión Los Nastys y The Parrots formaron un supergrupo, Los Chicano. De pronto ver a nuestros amigos fuera de su rol habitual y sin las cosas demasiado atadas hizo un clic en nuestras cabezas y ese mismo verano Ana y yo cogimos de nuevo las guitarras”.

Salida de la demo (Ana) “Hacíamos pellas para tocar y nos poníamos objetivos semanales como aprender a tocar con púa, etcétera. Al día siguiente de subir dos temas a Bandcamp nos llegó un email de la NME diciendo que querían hacernos unas preguntas”.

Concierto en Wurlitzer Ballroom (Ana) “Nuestro primer concierto las cuatro juntas.

Solamente teníamos seis o siete canciones y tocamos Easy y Garden avisando de que no estaban acabadas aún”.

Leave Me Alone y gira mundial (Carlotta) “Nuestro primer disco es tan DIY, raro y poco comercial que cuando pensamos a dónde nos ha llevado (Hong Kong, Vietnam, Bangkok, Singapur…) nos deja un poco locas”.

SXSW ‘15 (Ade) “Nuestra primera vez en Austin. Cuando llegamos no nos podíamos creer cómo era aquello y nos dimos cuenta de que allí las bandas pequeñas tenían una oportunidad”.

Late Night Show con Stephen Colbert (Amber) “Nos pasamos en el plató el día entero de los nervios, y al salir de allí nos fuimos al primer bar que vimos, pusimos la tele, y ahí estábamos tocando en directo para más de tres millones de personas”. abril 2018 #23

Pegada de carteles

Reparto de flyers, cd’s...

Distribuciones

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Fatboy Slim Aquí y ahora

“La música inglesa de baile actual no tiene mucha identidad”

You’ve Come A Long Way, Baby (Skint/BMG, 18) cumple veinte años y se reedita a lo grande en una edición especial comentada. Un disco irrepetible que cambió vidas, sobre todo la del propio Norman Cook.

F

ue toda una sorpresa escuchar el primer disco de Norman Cook bajo el alias de Fatboy Slim. El tipo que fue batería de The Housemartins y cabeza pensante de proyectos como Beats International publicaba Better Living Through Chemistry en 1996. Pero la sorpresa fue todavía mayor cuando vio la luz su segundo largo, el grandioso You’ve Come A Long Way, Baby, un disco que ahora cumple veinte años. El principal mérito del segundo largo de Fatboy Slim fue su capacidad para mezclar géneros como el hip hop, el reggae, el house o el jungle, liderando a finales de los noventa un nuevo estilo de lo más golfo, el big beat, que enloqueció tanto a clubbers como a indies y rockeros. En las últimas dos décadas no ha existido un estilo de música para bailar más gamberro, desprejuiciado, divertido y para todos los públicos… ¿Y lo habrá?

—You’ve Come A Long Way, Baby -que ahora cumple veinte años y se reedita- te cambió la vida… ¿Qué recuerdas de aquel momento en el que te diste cuenta de ya nada iba a ser igual?

Mmmmm… No lo sé. Sí recuerdo pensar que hubo un momento en mi vida que supe que todo iba a cambiar. Pero no era solamente por este álbum, también fue por mi boda, tener un bebé.

Pero sí, mi vida no fue la misma desde entonces. Eso fue hace veinte años y me cuesta recordar cómo era mi vida antes de todo eso.

—Estaremos de acuerdo en qué el máxi-

mo mérito de que el Fatboy Slim de You’ve Come A Long Way, Baby fue que supo ser capaz de liderar un estilo nuevo -el big beat- a base de mixturar géneros como el hip hop, reggae, house, breaks y jungle? ¿Se te puede considerar su creador?

(Risas) ¡Yo no fui el primero en hacer big beat! Había toda una pandilla empeñada en ello. The Chemical Brothers y The Prodigy, de alguna manera, fueron quienes lo crearon. Yo supe subirme y despegar con ello.

—¿Ha existido un estilo de música para bailar más gamberro, desprejuiciado, divertido y para todos los públicos?

La verdad es que era una mezcla muy entretenida. La idea era romper las reglas y luego, después de un tiempo, se volvió a esas mismas reglas, así que era tiempo de mirar para adelante… Cada vez que sale un nuevo estilo de música dance, se puede ver algo de lo que hicimos, como con el dubstep que definitivamente se relaciona con el big beat de alguna manera. Si es bueno, si se sale de las normas, generalmente tienes a personas actuando como hooligans.

—Una de las grandes virtudes que hizo tan grande a este disco fue que gustaba tanto a los club-kids, como a los indies o incluso a los rockeros recalcitrantes… ¿Fue algo premeditado o simplemente salió así?

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Sí, definitivamente. Al principio solamente había dos clubes diminutos en los que se pinchaba esta música. Nos dimos cuenta rápido de que era muy accesible para los jóvenes a los que les gustaba el rock, para los que escuchaban hip hop, para los que bailaban house y también para el público de la música pop… La idea era que abarcara a todo tipo de públicos e invitarlos a todos a una fiesta y así todos pudieran disfrutar del dance music.

—Uno de los grandes hitos del disco fue de la impresionante forma en

You’ve Come A Long Way, Baby Skint/BMG, 2018 Electrónica 10/10

que fue acogido en Estados Unidos. ¿Se te puede considerar el precursor del EDM en aquel país? ¿Eres tú el culpable?

No soy el culpable, pero sí creo que -de alguna manera- fuimos los precursores del EDM. Y lo siento muchísimo. Es bonito ser parte de la historia musical, y éramos como una especie de culto anterior a que llegara el EDM, más viendo cómo serían las cosas después. Era muy divertido abrir los ojos a los americanos al dance music.

—¿Crees que You’ve Come A Long Way, Baby es un disco que ha sabido envejecer bien? ¿Lo escuchas ahora y te gusta?

Sorprendentemente sí.

Cuando lo hice pensé por primera vez que sonaba como

un álbum. No, no, no. Pensé que era música desechable en ese momento y estaba equivocado. Right Here Right Now, Praise You, etcétera, han durado mucho más de lo que jamás imaginé.

—The Rockafeller Skank, Gangster Trippin, Praise You y Right Here Right Now son temas imposibles de obviar cuando se repasa la música electrónica más bailada de la historia… ¿Te siguen dando dinero? ¿Eres tan jodidamente rico como dicen?

No. Esas cuatro canciones que mencionas no dan demasiado dinero, todas son samples. Estoy cómodamente acomodado, soy cómodamente rico (risas), pero no tanto por esas canciones. A la gente le gusta John Barry y a los artistas originales les llega el dinero antes que a mí, pero soy feliz.

—En aquel 1998, con este disco, pusiste la música de baile inglesa en lo más alto del mapa mundial… ¿Qué opinas de la actual escena inglesa de la música de baile? ¿Cualquier sonido pasado fue mejor o para nada?

No lo sé. Creo que la música inglesa de baile actual no tiene mucha identidad. En los últimos años los suecos, holandeses y americanos han sido los que han estado haciendo todo el ruido.

Creo que esto significa que nos estamos reagrupando para nuestra siguiente movida. Vendrá algo nuevo desde el underground, en Londres. Y está a punto de explotar.

—No paras, no te haces viejo, no engordas. Entre otras muchas cosas acabas de preparar un directo para actuar en B2B con Eats Everything, ¿por qué precisamente con ellos? ¿Cómo te fue en Cream/Amnesia con ellos?

No les conocía. En Ibiza estaban pinchando en un club distinto cada noche.

Hasta que, gracias a Danny Pierce, coincidimos en Glastonbury y actué con ellos. Fue como conocer a la familia de la que nadie te había hablado antes. Tus padres y hermanos perdidos. Compartimos el mismo sentido del humor y las ganas de montar una gran fiesta con cada show.

—fernando fuentes

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abril 2018 #27

MONDO FREAKO

A

hora o nunca es un disco exuberante en arreglos, con nuevos himnos de la banda y algunos experimentos que no dejarán indiferente a quienes les hayan seguido a lo largo de los años.

Pero es que las sorpresas nunca faltan cuando se habla de La Pegatina. La primera de ellas es cuando vemos que solamente contiene diez canciones y que dura poco más de treinta minutos. ¿Crisis de creatividad? “¡Que vaaaa!”, dicen al unísono Adrià, Rubén y Ovidi, tres de sus componentes que se sientan enfrente nuestro y que iniciaron este proyecto allá por 2003.

“Teníamos más de treinta canciones antes de empezar el disco, pero los hábitos de escuchar música han cambiado”. Y cuidado porque si lo dicen ellos será verdad.

La Pegatina son grandes expertos en redes y comunicación y capaces de mirar mucho más allá del presente.

“Ahora los grupos editan singles, así que si hacíamos un disco con muchas canciones, algunas se iban a perder por el camino porque no se les iba a hacer caso. Ahora tenemos un ‘baúl’ de temas para cuando nos lleguen propuestas”.

Otra de las sorpresas es que la producción ha corrido a cargo del argentino Rafa Arcaute (Calle 13, Andrés Calamaro, Residente) y no del habitual Marc Parrot. Arcaute le ha dado una nueva profundidad a sus imaginativas canciones y ha ampliado aún más sus horizontes musicales, si es que cabía. “Si alguien nos pregunta en qué se nota la producción de Rafa, es que no ha escuchado nunca a La Pegatina”, afirma Adrià riendo. ¿Ejemplo? Escuchen Solo yo, el clásico tema medio rumbero que Rubén aporta a cada disco y que llevó con únicamente su voz y guitarra, y vean cómo ha acabado, con unos arreglos preciosistas y un aire épico entre Mumford And Sons y Beirut que te deja alucinado. Pero lo que quizás puede sorprender más sean algunas de las colaboraciones que habitualmente incluyen y que han sido cinco en este disco. En el bombazo balcánico que le da título al álbum es Macaco el que hace la replica a Adrià a la voz. “Ese tema le encantó a Dani Macaco, ade#28 abril 2018

El papel del productor Rafa Arcaute RR La Pegatina nos hacen saber la importancia del trabajo de Rafa Arcaute para este nuevo disco.

(Rubén) “Antes de hacer este disco, Marc Parrot nos dijo: ‘Si hay algún momento de vuestra carrera en la que os podáis equivocar, es ahora, aprovechadlo’. Así que este era el disco para encontrar un sonido diferente, para experimentar, para evolucionar y aprender, para explotar al máximo las posibilidades que tenemos y para cambiar la forma de hacer las cosas [...]. Para mí, lo mejor ha sido poder confiar en su criterio, lo cual hacía que nos relajásemos mentalmente y nos ocupásemos únicamente de la faceta de músico”.

(Ovidi) “Buscamos un productor que fuera alguien que no hubiera ‘tocado nuestro estilo’ y que no nos conociera, para ver cómo se nos veía desde fuera. Desde el principio Rafa nos dijo: ‘no ensayéis los temas, venid frescos y con ganas de probar y disfrutar de la grabación. ¡Ah! y traeros todos los instrumentos que tengáis, sobre todo una mandolina (que suena en varias canciones)”.

(Adrià) “Aquí los productores están viciados de lo mismo. Todos los grupos que salen de nuestro estilo al final acaban haciendo los mismos arreglos de vientos, los mismos de percusión… suenan parecidos. Si quieres hacer algo distinto tienes que ir a otro lado del charco para sonar diferente”. —m.a.

“Ahora el músico además de tocar e interpretar, tiene que saber de todo, de redes, de cómo promocionarse, etcétera”

más habla de Barcelona y de cómo la ciudad se ha ido despersonalizando desde hace años”. En Y volar son de nuevo los skataliticos argentinos de Los Caligaris los que ayudan a materializar otro tema que entrará a formar parte de los clásicos de La Pegatina. “Ya habían colaborado en Malifeta del revulsiu, el disco anterior, y cantaron en catalán porque ellos quisieron, pero nos apetecía que lo hicieran en este merengue-reggae muy en su onda”. Quizás estas dos colaboraciones sean más de su cuerda, pero la del grupo pop británico Will And The People en el tremendo Stand And Fight, llama la atención. Más que nada porque es otra de las delirantes joyas que en cada disco compone Romain y que suena a algo entre The Pogues y Dropkick Murphys, pero con grallas sonando como gaitas.

“Esta colaboración es muy curiosa, porque se produjo por la madre de Will que tiene ascendencia española y es muy fan de La Pegatina. En estos últimos años coincidimos con ellos en algunos festivales europeos e hicimos amistad. Les mandamos la canción y enseguida hicieron su parte. Teníamos muchas ganas de hacer un tema de aire celta irlandés y nos ha quedado muy de taberna”. Y llegamos a las más sorprendentes, o no. En Algo está pasando es la albaceteña y combativa cantautora Rozalén la que encaja como un guante en un ska clásico y moderno. “Este tema estaba maquetado como ska rápido, pero Rafa le cambió el tempo y lo hizo más melódico. En ese punto vimos que encajaría para Rozalén. Ella tenía que haber cantado en el disco anterior y quedó pendiente colaborar”. Y por último, y no menos sorprendente, nos encontramos con Eva Amaral en La tempestad. “Con Eva ya habíamos colaborado en algún festival en el que coincidimos. Cantaba con nosotros Amigos de lo ajeno, que hicimos con Santi Balmes de Love Of Lesbian, y nosotros con ella La ratonera. En este caso sí que hicimos la canción pensando en mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

LA PEGATINA CON ROZALÉN FOTO: ARCHIVO

El gran salto de La Pegatina —texto Miguel Amorós

Ahora o nunca (Dro/Warner, 18) es el título del nuevo trabajo, el sexto ya de estudio, de esta joven, enérgica y festiva, pero experimentada, banda de Montcada i Reixac, y con el que esperan dar el salto definitivo en su carrera.

ella”. Añadan a estas canciones enumeradas, la facilidad que tiene para hacer hits instantáneos que ya puedes corear a primera escucha, como la vibrante Dale!, la salsera Mama o Sonqueson en clave de rumba. Así verán que estamos ante un disco redondo y que funciona de principio a fin. Cambiando de tercio, resulta inevitable preguntarles sobre los textos de sus canciones. Después de demostrar con su experimento Laboratorio Sonoro la importancia de sus letras, queríamos saber hacía dónde iban a apuntar las nuevas. Adrià, principal responsable de la mayoría, nos lo cuenta. “Me ocurre que, según lo que me rodea y sobre todo lo que lea, eso se refleja en los textos. Mientras estaba componiendo estos temas estaba leyendo Siddhartha y quizás por eso haya quedado reflejado lo del cambio interior para cambiar el mundo, sobre todo en Eh Madame (la única pieza en catalán), que cierra el disco a modo de mensaje final”.

Con la experiencia que dan quince años de trayectoria, más de mil conciertos en casi treinta países y el ser uno de los grupos más internacionales de nuestra escena, les pedimos consejo para las bandas que empiezan.

(Rubén) “El consejo es sencillo: currar, currar y currar. Ahora el músico además de tocar e interpretar, tiene que saber de todo, de redes, de cómo promocionarse, etcétera. l Bilbao 11 de abril. Kafe Antzokia También conseguir el equilibrio l Madrid 12 de abril. Joy Eslava en una banda y que todos se implil Burgos 13 de abril. El Hangar quen por igual es muy importante”. l Santiago de Compostela (Adrià) “Además tienes que ser 14 de abril. Sala Capitol original, hacer algo diferente que l Girona 27 de abril. Escales de la te distinga de los demás”. Trabajo y Catedral originalidad son algunas de sus virl Villarobledo 29 de abril. Viña Rock tudes, por eso a principios de abril l Mallorca 5 de mayo. Es Gremi fletarán un autobús para llenar de l Las Palmas de Gran Canaria música las calles y los campus uni2 de junio. LPA Beer & Music Festival versitarios de Madrid y por la nol La Bisbal de L’Empordà 16 de junio. che harán acústicos en La Boca del Festival Coordenades Lobo. Después se embarcarán en la l Torre del Mar 4 de julio. Weekend gira de presentación que acabará Beach con “la fiesta más grande del año”, l Barcelona 13 de julio. Festival Cruïlla también en Madrid para el 22 de l Cambrils 10 de agosto. Festival diciembre en el Wizink Center. ¡Que Internacional de Música de Cambrils no pare la fiesta! l Madrid 22 de diciembre. Wizink Center

en concierto

—m.a. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

abril 2018 #29

MONDO FREAKO

Ballena Málaga (MAF, Teatro Echegaray, 12 abril) Granada (Fest En Órbita, 12 mayo) Torre del Mar (Weekend Beach Fest, 4 julio)

AgeNda. abril.

Ballena es una especie en extinción. Cuando el pop independiente es presa de la pesca de arrastre, el trío malagueño hace de Navarone, su debut, una especie de santuario en el que las canciones viven en libertad.

r Más en www.mondosonoro.com #mondosonoro/agenda

#30 abril 2018

RR “Hemos intentado huir de lo fácil o de lo evidente, parece que últimamente se ha instalado una especie de soundsystem del indie pop dirigido a facturar himnos de festivales. Navarone está exento de prejuicios, si hay que usar una trompeta se usa o una flauta travesera, coquetear con la bossa o con un pedal steel, pero sobre todo divertirnos y experimentar”.

Es lo que le queda a tres músicos que han militado en bandas como Cecilia Ann, Fila India, Notes To Myself y han surcado ya muchos mares. Ballena es un proyecto que destaca por lo lúdico de su planteamiento instrumental y esa acidez que respiran las letras de algunas canciones. “Tras años de escenarios y local de ensayo, hijos, trabajo, etcétera, no hay más remedio que tomarse el rock’n’roll -además de muy en serio- con mucha ironía. La acidez es consecuencia de lo primero”. Esos per-

Falsalarma Murcia (6 abril, Auditorio Murcia Parque), Granada (7 abril, Principe) Villarrobledo (30 abril, Viñarock).

Los de Sabadell fueron pioneros en el bombo-clap, y respetados por un buen puñado de temas que reventaron nuestros altavoces. Más de un lustro después regresan con La memoria de mis pasos (BOA, 18), un largo en el que el objetivo era ser fieles a su propia historia.

C

orría el año 2011 cuando Falsalarma publicábais Dramática y, tras la gira de conciertos, poco a poco su actividad comenzó a disminuir. Contadnos, ¿Por qué volvéis ahora? ¿Qué os ofrece este momento que no encontraseis antes?

Bueno… si te fijas en las fechas de los discos anteriores podrás comprobar que nunca tuvimos prisa en realizarlos, cada tres años más o menos sacábamos disco nuevo. En este caso además hemos de sumar las prioridades personales, responsabilidades que precisan de gran atención y algún que otro obstáculo, aunque siempre estuvimos de alguna manera cocinando cosas, el disco Algo personal de Santo y Tosko por ejemplo… Este nuevo trabajo se ha cocinado a fuego lento. Llevábamos ya tiempo en el estudio (WildDiamond) trabajándolo y tuvimos que fijamos una fecha por aquello de presionarnos a nosotros mismos para no quedarnos a vivir en el estudio.

—Musicalmente, el disco mantiene el sonido que hizo grande a Falsalarma, con ciertos retoques actualizados. Y sin embargo no encontramos a Dycache entre las producciones del disco. ¿No ha participado en el álbum o es que ha tenido otra labor?

Siempre hemos gozado de estudio propio, que es donde Dycache pilota, hasta hace un par de años.

En este disco al carecer de estudio propio llamamos a las puertas de WildDiamond del cual tenía-

mos buenas referencias y hemos trabajado como en casa. En cuanto a las producciones siempre nos ha gustado contar con un amplio abanico de productores en todos nuestros trabajos sin perder ese sonido que nos caracteriza.

—Hablando de memoria y el título del disco, lleváis más de veinte años en esto de la música. ¿Qué sensación os viene cuando miráis atrás y veis todo lo hecho y recorrido?

Muy orgullosos la verdad, la música nos ha dado mucho a niveles increíbles, el hecho de mirar hacia atrás nos enriquece el alma por haber podido vivir momentos extraordinarios y a la vez ocupar un espacio en la memoria de mucha gente.

—En los últimos años ha cambiado notablemente todo lo que rodea al rap, con nuevos sonidos, nuevos públicos, nuevos mensajes… ¿Dónde creéis que encaja o va a encajar Falsalarma en este nuevo escenario?

Pensamos sinceramente en que no nos hemos quedado en el camino, ni nos hemos descongelado, es más, hemos evolucionado y madurado en nuestro rollo con algunos toques actuales y acordes al sonido de hoy pero sin perder nuestra identidad.

Creemos que este disco está más allá de encajes, escenarios o edades.

—Muchas canciones de La memoria de mis pasos hablan de cometer errores para aprender. ¿Qué errores son estos de los que habláis? ¿Qué os ha aportado al experiencia en este sentido?

No son más que los errores cotidianos que puede cometer cualquiera, cuando uno se analiza a sí mismo a la hora de escribir es cuando escarbas verdaderamente entre las esquinas del alma, es en esos momentos cuando todo lo demás fluye y se escribe de corazón. Sin duda una buena práctica para reflexionar y no caer otra vez en la misma piedra. —alfonso gil royo

sonajes como El policía del estilo, esos pequeños placeres de Sagres Mini o esos secretos desvelados por el Taxigrafo están en el imaginario de Miguel Rueda. “Aunque no en su totalidad, sí es cierto que la mayoría de las letras hablan de cosas reales que me han pasado, siempre intentando adornar los hechos y reírme de situaciones que quizás en su momento no eran tan graciosas. Al ser la primera vez que escribía letras necesitaba sentir que lo que decía era real, hablar de mis hijos, de la muerte y de la vida. Con las letras del disco creo que me he ahorrado meses de terapia…”. Y aunque los tonos agridulces están presentes en todas las canciones, es un disco de colores fuertes, vitalista. “Somos una banda que tira hacia el optimismo. Hay muchas sombras en el indie español...”. —arturo garcía

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Imagine Dragons “La banda ha estado muy cerca de romperse” Barcelona (6 abril, Palau Sant Jordi), Madrid (7 abril, WiZink Center)

Kiki Morente

Huesca (Matadero, 3 mayo), Zaragoza (Teatro Principal, 4 mayo), Donostia (Teatro Victoria Eugenia, 16 junio; con Pepe Habichuela), Motril (La Azucarera, 7 julio)

Han pasado ya siete años desde que Enrique Morente, uno de los grandes del flamenco más inquieto, nos dejase huérfanos. Pero su legado y su candor se mantienen vivos todavía.

Sus hijos no dejan de sorprendernos con trabajos en los que sobra el talento y en los que hay madera de gran artista.

Albaycín (Universal, 18) es la demostración de que José Enrique ‘Kiki’ Morente continúa la estirpe familiar.

A

Tras tomarse un descanso para recapacitar sobre el futuro, el grupo liderado por Dan Reynolds volvió el pasado verano al candelero discográfico con Evolve (Universal, 17) un tercer trabajo del que han conseguido vender más de un millón de discos en todo el mundo.

Así pues, ya recuperado del bache que a punto estuvo de acabar con el proyecto Imagine Dragons, el cuarteto visita España de nuevo.

D

espués del descanso, imagino que estaríais muy atentos a las primeras reacciones a vuestro nuevo disco.

(Dan Reynolds) Está siendo maravilloso, lo cual nos emociona mucho porque hemos estado nada menos que dos años trabajando en este disco. Nunca sabes qué va a pensar la gente, pero esta vez estamos muy felices.

—¿Esta vez, el “menos es más” fue una premisa en el estudio?

Eso es lo que hemos intentado, sí.

—¿Fue una conclusión a la que llegasteis tras la grabación de Smoke + Mirrors?

No exactamente. Fue más como una reacción al darnos cuenta de la mayoría de nuestros discos favoritos tienen producciones muy sencillas, basándose en la belleza de la melodía y la calidad de las letras. El ejemplo perfecto podría ser Abbey Road, tan limpio y transparente. Ahora hay demasiados discos sobreproducidos, avasalladores.

—Las letras son mucho menos oscuras ahora. ¿A qué se debe?

Ha sido algo muy natural, no quise que fueran así premeditadamente. Pude pasar tiempo en casa, tener mi espacio, y eso hizo

que mis letras fueran más saludables, menos viciadas. Sentí como si el cielo se despejara de nubes negras. Pude reflexionar mucho, y eso me ayudó a encontrar más brillo, color y celebración en mi interior.

—Sé que la grabación del anterior disco fue bastante tortuosa, y da la sensación de que habéis pasado por un proceso de auto-aceptación para poder grabar este.

Estás en lo correcto. En el anterior disco todo era como una búsqueda, pero sin encontrar nada. Estaba pasando por una depresión bastante dura, de repente lo veía todo negro, y así se plasmó en Smoke + Mirrors.

Aun así estoy muy orgulloso de ese álbum, de lo bien que representa el momento por el que pasé. Nada de lo que hoy está ocurriendo en la banda habría sucedido sin él.

—¿La fama y el éxito tuvo algo que ver en esa depresión?

Toda esa fama te la puedes esperar, pero lo que no puedes controlar es que tu vida empieza a verse afectada de formas que no habías esperado. Hay algunos cambios bastante dramáticos, que amplifican tu estado de ánimo en cualquier dirección, y yo no estaba bien en ese momento.

—De alguna manera, Evolve suena como vuestro disco más globalizado. ¿Las giras influyeron mucho en él?

Las giras te abren nuevos territorios físicos y mentales. Y sí, conocer nuevas culturas influye mucho. Aunque no somos muy de componer estando de gira, todo eso se cuela después de forma inconsciente.

—¿Cuál ha sido el lugar más exótico que habéis visitado con Imagine Dragons?

Beirut. Mientras tocábamos, veíamos a soldados francotiradores apostados en las azoteas. —nacho serrano

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Kiki Morente no le han temblado las piernas, ante la posibilidad (y responsabilidad) de seguir alimentando la leyenda y la envergadura de su familia, ha respondido con un disco como Albaycín que hace justicia a su apellido. “Me lo estoy tomando como una carta de presentación, afrontando esto de una manera más seria. Estoy dando más la cara, es algo que tengo muy presente. Mi gente está encantada, los que he convivido en el barrio, en el colegio, los aficionados más veteranos...

Es una alegría que amigos con los que no me relaciono tan a menudo, te manden un mensaje para felicitarte”.

Estrella Morente ha sido su sabía consejera, un elemento básico para que el benjamín no se desvíe y tome las decisiones que ahora corresponden.

“Estrella ha estado cañón, supervisándolo todo. Ha cuidado para que no me salga de la línea del cante flamenco. Yo lo tenía claro, pero si luego metes batería o guitarra eléctrica, te lo llevas a otro terreno. Visto lo que hicimos con Omega, está claro que eso nos tira. No me puedo cerrar para nada, ojala un día le podamos poner tejas a la casa, pero de momento estamos con los cimientos”.

El disco lo ha producido Juan Carmona “Camborio” y el listado de guitarristas que ha manejado quita el hipo,

entre otros están los Habichuela.

“En este disco sólo toco la guitarra en los Tangos del Albaycín, pero no he querido explayarme.

Esta vez íbamos sobrados de primeras espadas. Venir de una saga de guitarristas así me ha ayudado mucho. Tener una en las manos, para mí es algo natural”. Y es que Kiki Morente estudió en el Conservatorio de Juventudes Musicales de Granada, compartiendo pupitre con su padre. “Los años de conservatorio me han enriquecido muchísimo. Ha sido una formación beneficiosa. Aprendí a tocar la guitarra clásica, aprendí solfeo, lenguaje musical, etcétera.

Además, mi padre se matriculó conmigo, lo cual era tremendo.

Por las tardes estudiábamos juntos, nota por nota, nos motivábamos mutuamente. Esa disciplina diaria me ayudó a entender cada partitura”.

Además de flamencos, Kiki tiene otros héroes musicales, entre ellos destaca Michael Jackson, eso le lleva a intentar probar otras cosas. Si atendemos a un contexto social al que tiene el flamenco, el rap o el trap alternativas a barajar. “Michael Jackson es rey de reyes. Estoy deseando colaborar con gente como PXXR GVNG, que son amigos míos, o con Ayax y Prok, que son de Granada, tienen un canal propio en el que les siguen tres millones de personas y donde actúan llenan. Escriben muy bien y, claro, yo no puedo rapear, pero sí hacer un par de fandangos con ellos.

Tengo el oído educado y acostumbrado a escuchar todo tipo de música. Como digo yo, no es fusión, sino músicas revueltas”.

—toni castarnado

abril 2017 #31

33/Mondo VINILOS

Laura Veirs

Fischerspooner

The Lookout Bella Union/ [PIAS]

POP / Que en el disco que Laura Veirs compartió con k.d.lang y Neko Case, dos mujeres que supuestamente tienen una gran peso específico en la industria, fuese la chica nacida en Seattle quien liderase la acción dice mucho a favor de una mujer que, a pesar de que tiene todavía cara de eterna adolescente, lleva veinte años publicando discos.

Su carrera ha transcurrido sin altibajos, pisando siempre segura con la ayuda de su marido, el productor Tucker Martine.

Veirs nunca ha tenido prisa, en todo momento ha elaborado sus proyectos en función de su inquietud. Para The Lookout, Veirs ha reunido un conjunto de canciones con alma pop. Con dos invitados de campanillas, Sufjan Stevens y Jim James, este es su trabajo más maduro, aunque también en el que ha tomado menos riesgos. —toni castarnado 7

Sir Ultra Records

POP ELECTRÓNICO / Nada más y nada menos que nueve años se ha hecho esperar el nuevo trabajo de aquellos neoyorquinos que abanderaron el electroclash como nadie hace casi veinte años. Warren Fischer y Casey Spooner regresan de la mano con la producción de Boots y el mismísimo Michael Stipe, sí el de REM, por sorprendente que parezca. El caso es que Sir nombre con el que han bautizado a su nueva criatura, sigue siendo portador del sonido característico del grupo, pero deja con una sensación de flojera tras varias escuchas.

Quizás sean las expectativas generadas tras una espera tan larga, pero el disco discurre en una especie de “quiero y no puedo” a la espera de una explosión que nos recordase al menos por momentos a su aclamadísimo Emerge. —esther at-athamna 6

Izal

Ministry

Autoterapia Hook

Amerikkkant Nuclear Blast

La redención de MGMT MGMT

Little Dark Age Columbia

9

POP / Ser esclavo de tu éxito es una maldición muy común en el pop y algo peligroso porque te puede acabar paralizando. Eso es un poco lo que les pasó a MGMT, que tras el bombazo de Oracular Spectacular en 2008 e intentar experimentar con el pop psicodélico en los exigentes pero notables Congratulations y MGMT, pasaron de ser los autores guays de Kids y Time To Pretend, a ser una banda rara que no sonaba en la radio y que no hacía hits.

La realidad es muy jodida, y si no entregas lo que se supone que la gente –discográfica, medios, público- espera de ti, puedes pasar de héroe a villano en menos que canta un gallo.

Andrew VanWyngarden, una de las mitades del grupo y el motor creativo de MGMT, salió tocado de ese pequeño descenso a los infiernos.

Para curarse, se compró una casa en Rockaway

Beach, y se pasó un par de años surfeando y comprando y escuchando vinilos con sus amigos. De ahí que resuma lo expuesto en este álbum así: “En este disco no hemos querido dar mensajes oscuros y cínicos. Solamente hacer canciones que unan a la gente”.

Tras recuperar las ganas de hacer música, a VanWyngarden se le ocurre la idea de hacer un disco colaborativo en el que participen sus amigos y los de Benjamin Goldwasser. Una fiesta de genios que reúne, entre otros, a Ariel Pink, Connan Mockasin y Dave Fridmann. El resultado de ese brainstorming festivo de ideas es Little Dark Age, un álbum en el que MGMT dan rienda suelta a su amor por el synth-pop de los ochenta sin olvidar su ADN psicodélico. Su cuarto trabajo de estudio se convierte en la colección de canciones más compacta de su carrera, y quizás la que muestra mejor su doble naturaleza: la epidérmica de los hits y la excéntrica que les anima a juguetear y a retorcer las estructuras clásicas del pop. Con Little Dark Age MGMT se fortalecen como grupo, y al mismo tiempo, es posible que recuperen la atención perdida. Jugada maestra. —xavi sánchez pons

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INDIE DE AUTOR / ¿Cuántas veces un artista de éxito se pregunta qué es lo que ha pasado para pasar de ensayar en un garaje infecto a convertirse en una garantía para llenar pabellones y festivales? Izal reflexiona(n) sobre esto en un cuarto álbum en el que se vuelve a poner a prueba no sólo la capacidad de la banda para generar himnos de estadio neo-indie, sino también su capacidad de reinvención; a la vez que deja en su repertorio una nueva retahíla de clásicos para los izalers. Autoterapia no supone un reinicio kamikaze que pone a prueba a sus seguidores, pero es innegable que llevan a un nivel más lo iniciado en Copacabana, permitiéndose nuevas licencias (ramalazos del sonido de Leiva, Rufus T. Firefly, el folclore latino o el pop sin estribillos), haciendo evidente que sus marcas son cada vez más identificables. —alan queipo 8

METAL INDUSTRIAL /Los padres del metal industrial, Ministry, celebran su trigésimo séptimo año de vida con el lanzamiento de un disco crítico y punzante. En él se cultiva la tónica preponderante que define el último sonido de la banda, es decir, dinamita metalera acondicionada con altas dosis de esencia industrial. A su líder Al Jourgensen no se le pasa nada por alto, y aprovecha la ocasión para regalarnos una audaz crítica hacia Donald Trump, patente en temas tan emblemáticos e intensos como Twilight Zone, en el que se conjuga la acometividad metal con toda suerte de instrumentación neoclásica y scratches en pura herencia del hip-hop. En Wargasm se condena la guerra como medio efectivo para alcanzar intereses y en Antifa se acerca directamente al thrash más clásico. —fernando o. paino 8

abril 2018 #33

MONDOVINILOS

The Bellrays

Punk Funk Rock Soul Vol.2 TBR/Popstock!

El perro verde texano Josh T. Pearson

The Straight Hits!

Mute/[PIAS]

8

AMERICANA / La vida está

FOTO: ELIOT LEE HAZEL

llena de farsantes que pretenden rodearse de un halo de autenticidad ficticia y luego están los perros verdes de verdad.

En esta segunda categoría hay un músico de Texas, que responde al nombre de Josh T. Pearson, que hace tiempo debería ser de obligado rastreo para cualquier amante de los sonidos americana.

No es fácil. Su último disco en solitario, el aclamado Last Of The Country Gentlemen, data de 2011 y luego hay que irse hasta los inicios de este milenio para disfrutar de ese glorioso, aunque soterrado pasado, al mando de los siempre reivindicables Lift To Experience. La buena noticia es que podemos recibir con alga-

Cavern Of Anti-Matter

Jon Brion Lady Bird

Hormone Lemonade Duophonic/ Music As Usual

POP / El parón indefinido de Stereolab se prolonga ya casi una década, pero Tim Gane, una de las cabezas más brillantes del pop de los noventa, está muy activo con su proyecto berlinés. El tercer largo en tres años de la banda que completan Holger Zapf y Joe Dilworth, se mantiene en los insobornables parámetros retrofuturistas del británico. Cajas de ritmos primitivas y un arsenal de sintetizadores y secuenciadores antiguos, usados con sentido minimalista, se funden en una serie de experimentos en los que el sonido orgánico y las notas, como sucede en Stereolab, forman una simbiosis indivisible.

Un festival de teclados analógicos y percutivos, ritmos primarios engarzados con trepidantes bajos de espíritu kraut, sonidos robóticos y abrasivos de esa utopía tecnológica suplantada desde hace años por el software de todo a cien. Material de sobra para hipnotizarnos en un viaje del pasado al futuro en doble dirección. —josé carlos peña

7

#34 abril 2018

Morgan

BANDA SONORA / El produc-

tor de Fiona Apple, Rufus Wainwright, Robyn Hitchcock o Spoon tiene una prolífica carrera como compositor de scores habiendo trabajado en Magnolia (99), Punch-Drunk Love (02) o ParaNorman (12), pero el intimismo de Lady Bird le queda muy pequeño, aunque se acerque al maravilloso score que Badly Drawn Boy realizó para la película de About A Boy (02). Alternando pop y orquestación jazz, este trabajo se traduce en apenas tres movimientos, siendo uno de ellos el más importante de todos, el de Drive Home, el tema que suena cuando Lady Bird y su madre van en coche por las carreteras y calles de Sacramento, algo muy importante en el desarrollo de la película. Como disco único se queda poco ambicioso al tratarse de temas que apenas llegan al minuto. Como trabajo narrativo en la película sólo brilla en esos momentos en coche, pero queda inane en el resto del metraje, donde las canciones externas son más importantes. —manu gonzález

7

ROCK / Morgan han vuelto.

Aprovechando el rodaje de la frenética y extensa gira de North, la formación se metió en el estudio de grabación a finales de 2017 para dar rienda suelta a la imaginación. El resultado es que tres meses después de despedir su primer disco en un emotivo concierto en Madrid les volvemos a tener con nuevo trabajo y gira bajo el brazo.

Air es un recorrido a través de estilos que nacen del rock americano pero que nos llevan por el folk, el soul, el R&B o el funk con paradas anecdóticas en la música disco. Es un disco vivo, orgánico, formado desde la experimentación y las ganas de jugar con las canciones en el estudio. Esa sensación de estar escuchando una banda en directo se incrementa en momentos como los protagonizados por las guitarras bluseras de Oh Oh, los teclados y vientos incendiarios de Flying Peacefully o en el adictivo ritmo partido que le da todo el flow del mundo a Blue Eyes.

—maría martín-consuegra

ROCK / El gran problema de

Lisa Kekaula es que llegó demasiado pronto a esto. No es que fuese pionera en nada, pero con su actitud y una propuesta en que mezclaba todo lo que pregona el título de este disco (quizás sólo falta por apuntar el término garage), rompió algún molde que otro. Y fue tras su aparición cuando la música negra volvió a reflotar, a pesar de que el carácter más rock de su música en The Bellrays no la dejaba como alternativa exclusiva. Si bien siempre le quedó clavada esa espina y, en el resto de proyectos en los que era protagonista, Kekaula tiraba por los derroteros del soul de vieja escuela. Después de un primer volumen en formato Ep y con la perspectiva del tiempo que nos recuerda la solidez de The Black Lighthing, el disco anunciado como vuelta a la escena en 2011, The Bellrays nos brindan un disco sin sobresaltos y muy equilibrado. No rugen tanto como antes, pero tampoco bajan en exceso las revoluciones.

—toni castarnado

Tripulante y Crucero

Brian Fallon

Air North Records

Lakeshore/ Fire

6

rabía etílica, algo que sin duda merece, este segundo trabajo de un aseadito Josh T. Pearson. The Straight Hits! es un álbum que nace con la vocación de entregar diez canciones que enganchen, diviertan o conmuevan, compuestas bajo cinco premisas autoimpuestas, alguna un poco chorra (Todos los temas deberán incluir la palabra “straight” en el título”). Así nos encontramos con un disco muy variado que se inicia con el espíritu juerguista y tabernero de bandas como Deer Tick, The Felice Brothers o los actuales Titus Andronicus, para finalizar con una segunda parte más delicada que igual puede rescatar el espíritu romántico de Elvis Presley (The Dire Straits Of Love), el de M. Ward (Whiskey Straight Love) o el de Father John Misty (A Love Song, Set Me Straight). Referencias todas ellas que te ayudarán a situar a un músico atípico que ha sido en muchas ocasiones su peor enemigo. —don disturbios

7

Meseta Selva Mont Ventoux / Gran Sol

Sleepwalkers Island/ Universal

8

POP / Habría sido muy

sencillo para Brian Fallon plantear su proyecto en solitario como la continuación de The Gaslight Anthem. Sí, su inconfundible timbre de voz y algunas melodías recuerdan irremediablemente a la banda de New Jersey, pero en Sleepwalkers, su segunda referencia solo ante el peligro, Fallon se ha abierto a la variedad sonora y ha facturado un disco mucho más diverso y positivo de lo que cabría esperar.

En él, la distorsión da paso a un amplísimo abanico de instrumentos, desde la sencillez de la voz con un único acompañamiento de guitarra acústica en See You On The Other Side, a los sintetizadores de Little Nightmares, al piano y saxo en el tema que da nombre al álbum y mezclando americana, soul, retazos de Motown y apellidos como Cash, Costello, Springsteen o Petty y a la presencia de un órgano a lo largo de todo el disco, Brian ha facturado la colección de canciones más inspirada que ha compuesto en una buena temporada. —sofía cuevas gonzález

6

POP / El sol siempre pare-

ce brillar en el horizonte de Tripulante y Crucero. Es un sol cálido, no muy fuerte, que calienta lo justo como para agradar pero sin llegar a abrasar. Es por eso que la música del grupo madrileño siempre funciona a la hora de dibujar una sonrisa satisfactoria en la cara del que escucha. En el logro tiene mucho que ver una despreocupación de lo más natural, sus generosas pinceladas exóticas, y unas melodías con alma pop. Todo esto vuelve a suceder en el que es su tercer álbum, que con diez piezas de poco más de tres minutos no va a cambiar el mundo, pero seguramente sí que es capaz de convertirlo en un lugar más agradable durante cierto tiempo. Meseta Selva es un disco de aparente inocencia, pero que cumple precisamente en sus pretensiones nada disparatadas. Ese es su principal logro, además de incluir alguna pieza tan deliciosa como Tropicalia, Amanecer o, por encima de todas, esa gema que da título al álbum.

—raúl julián

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Wild Beasts

POP / Elastic Band regresan

con una amplia amalgama de colores plasmada en canciones poderosamente animosas.

Pop tintado que se retuerce en diferentes direcciones, ambicioso y perfeccionista en el concepto pero abrumadoramente directo en su impacto. Da igual que el invento tienda hacia el funk-disco, la psicodelia, el tropicalismo, el synth-pop o el boogie, porque las cualidades circenses del sonido generan un efecto hipnótico del que resulta complicado escapar.

El jugueteo constante en el tercer disco de los granadinos esconde además una obsesión por los detalles y los adornos, esos con los que completar la creación. El proyecto de Pablo Román y María Sánchez persigue el festejo a través de un sonido universal y elaborado, que cumple por igual con los sintetizadores y las luces de neón. Y es que, canciones tan deliciosas como All It’s Done, La La La, BaRRy W o TiGer! son un triunfo seguro en cualquier reproductor o pista de baile del planeta. —raúl julián

7

POP / Wild Beasts anuncia-

ron su separación el pasado septiembre y, en lugar de despedirse con recopilatorio al uso, dicen adiós publicado una certera grabación en directo. La referencia presenta una actuación privada del grupo en los estudios londinenses RAK, en el que se aprecian esas cualidades con las que definieron su propia personalidad. El cuarteto dibuja formas limpias, haciendo de la pulcritud una virtud no reñida con la inclusión de elementos enriquecedores colocados con extremo cuidado. Los británicos dan especial protagonismo a una base rítmica precisa, sintetizadores embellecedores y el valor añadido que suponen los juegos de voces de Hayden Thorpe y Ben Little. Lo suyo es una modernidad comedida y casi etérea, capaz de tejer pasajes ampliamente descriptivos.

El canto de cisne de una banda imaginativa, inquieta y elegante, de aparente aspecto frágil pero de composiciones sólidas y personales. —raúl julián

Dead Magic City Slang

8

POP /Anna Von Haus-

swolff regresa a su manera, llena de barro, reptando entre melodías sinuosas, inconformista, intensa.

Anna siempre ha sido una artista poco complaciente, rara y oscura, con una clara visión artística, experimental e inquietantemente retorcida. Esta vez, la joven sueca vuelve con otro disco imposible, de esos que son tan de su gusto, con temas larguísimos que van desde los cinco a los dieciséis minutos, más propios de una banda sonora y del desarrollo de un relato que necesita ser contado a su ritmo, poco se detiene esta pianista, cantante y organista a pensar en cómo darán su single las emisoras de radio o quién incluirá un tema de diez minutos en una playlist, lo cierto es que parece no importarle con tal de conseguir una atmósfera extraña, decadente y bella. Cinco temas le bastan para acunarnos tiernamente, arrastrarnos a los infiernos, pasar por un réquiem al órgano y redimirnos con Dead Magic mientras nos contempla con una mirada angelical. —esther al-athamna

DD LJM DC JSL Med

1 U.S. Girls In A Poem Unlimited

9 8 8 8 8,25

2 George Fitzgerald 8 8 8 8 8 All That Must Be 3 Bad Gyal Worldwide Angel

7 8 8 8 7,75

4 Josh T. Pearson 8 8 7 8 7,75 The Straight Hits!

5 Daniel Avery Song For Alpha

7 8 8 8 7,75

6 Hinds Song For Alpha

6 7 7 7 6,75

7 Titus Andronicus 8 6 6 7 6,75 A Productive Cough 8 David Byrne American Utopia

7 7 6 6 6,5

9 Yo La Tengo There’s A Riot Going On

6 7 7 6 6,5

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

Fun Fun Fun Everlasting/ Popstock!

7

Anna von Hausswolff

Last Night All My Dreams Come True Domino/[PIAS]

top 10.

Elastic Band

10 Eels 7 7 5 7 6,5 The Deconstruction

Catorce años de espera para A Perfect Circle

Los Chicos

By Medical Prescription El Segell

A Perfect Circle

Eat The Elephant BMG

8

8 ROCK / Catorce años son muchos. Es el

tiempo que ha transcurrido entre Emotive, aquel extraño y singular disco con versiones y discurso político, y Eat The Elephant, el disco que llevaban años prometiendo y que alivia a quienes descubrieron una nueva forma de escuchar música con Mer de Mons o posteriormente Thirteenth Step, un disco en el que perfeccionaban la fórmula y echaban mano de un sonido más delicado y elegante. Desde luego, el sonido de A Perfect Circle sigue siendo identificable, por mucho que en esta ocasión hayan incluido más pianos, haya decrecido la intensidad y tomen más curvas de lo habitual, sin dejar entrever un concepto tan concreto como hasta ahora. Eat The Elephant no es mejor ni peor que sus predecesores, sino simplemente diferente. A lo largo de su minutaje reinan las melodías escritas por un Billy Howerdel que sigue ejerciendo de líder espiritual y la magnética voz de Maynard James Keenan, quien demuestra

una vez más que no quedan cantantes como él, con tanta pureza y personalidad. En cuanto a las canciones, hay mucho a destacar, desde Disillusioned a la intensa y teatral The Doomed, piezas que les colocan en paralelo a Tool. También sorprende encontrarse con la pieza más comercial que hayan

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grabado nunca, So Long And Thanks For The Fish, o ese epílogo que es Get The Lead Out, un corte en el que experimentan sin lógica aparente, quedándose a dos pasos de la meta y dejando algunas preguntas sin respuesta de cara al futuro.

—toni castarnado

ROCK / Si tenemos cerca

una banda que ostente de manera visceral y completa la denominada “rock and roll actitud” esa es sin duda Los Chicos. No se trata solamente de su virtud para interpretar dicho estilo -y sus rugientes vástagos-, sino la capacidad para transmitir una energía tal que todo lo demás quede eclipsado. Quizás ahí esté la explicación de titular a sus nuevas canciones con este sanitario nombre. Una fórmula, a la que se suman en diferentes tareas Hendrik Röver, Johnny Casino y Mike Mariconda, que tiene como norma esencial la infatigable intensidad, aquí iniciada por el desbocado ritmo a lo Devil Dogs (Restless Noise) y concluida con el ambiente coreable y comunal ligado a Sham 69 (How You Like It). Entre ambas, espacio para el pub-rock (The King Of The Party), el garage contagioso (The Price) o el conciso y descarriado punk (Backfiring). —kepa arbizu abril 2018 #35

MONDOVINILOS

The Lazy Lies

Less Talk, More Action U98 Music

POP / Aún inmersos en la nostalgia, The Lazy Lies ofrecen con Less Talk, More Action otro puñado de canciones inspiradas en el pop luminoso y despreocupado de los sesenta.

Desde The Monkees hasta Nancy Sinatra, desde The Kinks hasta los mismos The Beatles, el segundo disco de los barceloneses es un nuevo trabajo con aires revisionistas que se esfuerza por escapar del simple déjà-vu. ¿Es posible avanzar con la vista puesta en el pasado? No demasiado, pero lo cierto es que el álbum resulta de lo más agradable sin necesidad de responder a este tipo de cuestiones. Así, con menos garra aunque con más densidad, este disco nos deja inmaculadas perlas de pop vintage, elevadas por la cálida producción del guitarrista Roger Gascón, pero también algún que otro intento que acaba deshinchándose por el camino. Un segundo álbum muy resultón que se pasa volando y que te recuerda por qué está bien tenerlos cerca.

FOTO: RHODRI DAVIES

6

La emotividad bailable de George Fitzgerald George FitzGerald

All That Must Be Domino/Music As Usual

8

electrónica / Lo de George FitzGerald es

electrónica que nos hace bailar desde la emoción, desde el pellizco de lo intrínsecamente humano, desde esa melodía -arpegiada desde el mismo dolor de entretelas- que hace soñar, sonreír y, en su exceso, nos lleva a pensar que somos mejores. El productor londinense firma este All That Must Be que es su segundo álbum de estudio -tras aquel celebrado Fading Love de hace tres años- y que supone todo un halo de esperanza sobre lo que está siendo, es y será la música hecha con máquinas en pleno siglo XXI, que tiene, en este extraordinario caso, una cualidad bipolar y deliciosa: sirve para bailar y sentir. Y es precisamente ahí, en ese peculiar lapso o espacio virtual en el que convergen ambas cosas, donde este productor talentoso

#36 abril 2018

Hans Laguna & Shreevats Venkateshwaran

y valiente se siente más a gusto que un arbusto. Y lo hace desde una visión caleidoscópica -y hasta transversal- de algo que, partiendo del pop, se deja aderezar y revestir por estilos sintéticos - house, el tech-soul, el deep, el dowtempo o lo bass (sus orígenes)- para alcanzar, en buena parte de temas de este nuevo disco cotas de emotividad bailable ciertamente magníficas. En cortes como Two Moons Under, el encanto progresivo y house de Frieda o la acidez de Sirens Call -dos de los pasajes en los que FitzGerald suelta más el beat- o las bellísimas, profundas y emocionadas Outgrown -a medias con Bonobo-, Roll Black -con Lil Silva en pleno falsete “thomyorkiano”- o la tristona aunque clubby Half-Light en la que canta la mítica e infalible Tracey Thorn (ex Everything But The Girl), nos encontramos ante un maduro y entonado FitzGerald que ha cambiado los afters por las mañanas soleadas sin resaca; el dubstep y el techno de antaño por esta electrónica sugerente y con alma y al que le sonríe una paternidad que le ha sentado mejor que bien a la vista de los resultados. —fernando fuentes

—martí juan batet

Homónimo El Genio Equivocado

8

POP ÉTNICO / Si con Oteiza

(2013), Hans Laguna ya había dejado claro que su curiosidad está por encima de la intención de definir un estilo reconocible, con este póquer de cortes sentencia a muerte cualquier posible rastro de homogeneización en su discurso. Con tal fin, qué mejor que absorber las propiedades mántricas de la música india y adaptarlas en su praxis de acción. En esta misión, ha sido clave Shreevats Venkateshwaran, con quien ya había dejado aflorar tan agradecida comunión cultural en el BAM del año pasado. Aquella experiencia vino acompañada de un viaje a la India. Dicha curiosidad por ampliar sus coordenadas geográficas ya se habían podido contemplar en su anterior álbum, del que recoge cuatro canciones, totalmente reinventadas bajo los usufructos del canon hindú.

Un maridaje continental que refuerza de argumentos la saludable tendencia de Hans Laguna por romper en carcajadas a todo el que lo etiquetó de cantautor indie en su día. —marcos gendre

Marlon Williams

Ruta 57

1995 Lenguaje Constructivo/ Lengua Armada

Make Way For Love Dead Oceans/ Popstock!

POP / Cuando el río suena, agua o piedras lleva. Y a Marlon Williams está claro que le gusta que suene el fluir de las aguas de su música. Sin inventar nada, sin romperse mucho los cascos y sin la idea de ser diferente a nadie, ha creado un sonido clásico con una forma de componer que le aproxima a mucha gente sobradamente conocida. Ahora bien, el tratamiento, la instrumentación y sobre todo su propia voz le ayudan a crear un mundo particular. Es cierto que nos remite a nombres como los de Chris Isaak o Roy Orbison, pero su influencia no es tan descarara como para acusarle de apropiación indebida. Es un crooner moderno, pero al que le gusta pasear por el barrio, es un rockero que prefiere seducir con la mirada antes que con una actitud digamos canalla y, de alguna manera, va a gustar a todo el mundo. Apunta alto, así que ahora solamente dependerá de una cosa, de que si llega a la fama no se le suba a la cabeza. No sería ni el primero ni el último.

7

—toni castarnado

7

ROCK / Pese a ser su primer

álbum, se nota que Ruta 57 tienen bagaje a sus espaldas. Las bandas en las que se curtieron sus integrantes antes de crear este proyecto en 2011, junto a los dos previos –Cruce de caminos (2012) y Vivir, latir, vibrar (2014)– han preparado y enriquecido a estos músicos de Alcalá de Henares lo suficiente para publicar una ópera prima rebosante de contundencia y calidad.

Riffs hard rock a lo Led Zeppelin se mezclan con ramalazos funk, compases que se salen del cuatro por cuatro e influencias noventeras dando como resultado un rock con mucho groove que suena como una máquina perfectamente engrasada (que no te engañe el patito de goma de la portada). El power trío se puso en manos de Ricardo Escassi en sus Estudios Rocksoul a la hora de grabar y mezclar, llevando después las pistas a Masterispont para que fuesen masterizadas por Jesús Arispont (Dogo y los Mercenarios, Def Con Dos). Disfruten de la ruta.

—jesús casañas

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MONDOVINILOS

Moby

Everything Was Beautiful, And Nothing Hurt Little Idiot/ Mute

8

electrónica / A inicios de

2015 Moby ponía en marcha The Void Pacific Choir, proyecto con el que, llevado por la rabía provocada por la actual situación política en Estados Unidos, volvía a colgarse la guitarra al estilo de Animal Rights, el disco que publicó en 1996 dando rienda suelta a su bagaje más hardcore punk. Tras dos álbumes en dos años -These Systems Are Failing Little Idiot (2016) y More Fast Songs About The Apocalypse (2017)-, el descendiente de Herman Melville sigue con su actitud protesta pero retorna a la electrónica con su nuevo largo. Actualización de lo expuesto hace casi veinte años, Everything Was Beautiful, And Nothing Hurt es un muy notable ejercició groove hipnótico y atmosférico. Temas como Like A Motherless Child, The Last Of Goodbyes, The Sorrow Tree, The Middle Is Gone... destacan como lo mejor que Moby ha facturado en mucho tiempo, la perfecta banda sonora para contemplar cómo se desesmorona este mundo.

—oriol rodríguez

Christina Rosenvinge siempre en movimiento Christina Rosenvinge Un hombre rubio El Segell

9

POP / Dos décadas de reinvención, con figuras como Steve Shelley y Nacho Vegas a su vera, dan para muchos eslabones de un crecimiento; en su caso, siempre con una pauta de acción: la necesidad de renacer con cada nuevo álbum. Así fue con el caveiano La joven Dolores (2011) y el endogámico Lo nuestro (2015), sus dos anteriores largos.

Para esta ocasión ha tocado la vía directa, un exuberante ramillete de ganchos, asimismo, nacidos de la abstracción en la singularidad.

Retazos kraut, minimalismo electrónico, búsqueda incesante de texturas y la adopción del poso atonal como refuerzo lírico. Christina se ha convertido en una nigromante a la hora de traducir riesgo e investigación en canción de ley. Solamente así es posible que puedan surgir milagros como Afónico, en la que da rienda suelta a una sinfonía que absorbe la cadencia krautrock, y es capaz de

Lucy Dacus

Alexis Taylor

Historian Matador/ Popstock!

8

POP / Estamos ante una de

esas delicias que puede quedar sepultada entre el aluvión de referencias que nos asolan cada mes. Y sería una lástima porque esta joven de Virginia (Estados Unidos) ha demostrado con su segundo trabajo ser una poderosa letrista, a la par que compositora, sin realizar demasiados aspavientos, tan solo echando mano de una sinceridad y sencillez pasmosa que hacen que su propuesta emocione y cale como el que no quiere la cosa. Temas como Nonbeliever o la que abre el disco Night Shift demuestran que estamos ante una músico de raza con un bagaje muy noventas que despliega con candidez de hierro un fornido indie pop de autor muy bien trazado a la par que aupado por una voz suave pero firme. Una sonoridad clásica en el que la guitarra asume el peso justo y las melodías te envuelven en una ensoñación sincera que estalla en el momento adecuado. Ahí es cuando te deja con ese punto de dulce desolación ante sus historias de esperanza y muerte. —don disturbios

electrónica / Aprovechan-

do el descanso discográfico de Hot Chip, Alexis Taylor se aventura con un tercer disco en solitario que supone la obra más cercana a su formación titular.

Tras dos trabajos como fueron Await Barbarians y Piano, en los que se refugiaba en una marca más orgánica y recogida, en esta nueva entrega nos lo encontramos de lo más cómodo facturando canciones pop llevadas a unos territorios bailables. Sus impulsos irrefrenables por conseguir melodías dance accesibles emergen de lleno en este conjunto de temas, controlando muy bien los medios tiempos para que el trabajo no suponga una escucha fatigosa. De este modo, el inicio fulgurante del disco con Dreaming Another Life y la propia Beautiful Thing da paso a temas que logran enredarse en una combinación de teclados sin sintetizar y efectos minimalistas.

Un hecho que se hace evidente en canciones como Roll On Blank Tapes, donde rechaza cualquier invitación a la pista de baile.

Jericho Sirens Sub Pop/ Popstock!

—noé r. rivas

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ROCK / El grupo más querido de la escena de San Diego es siempre un valor seguro. Ni siquiera el salto a un sello grande como Sub Pop ha suavizado lo más mínimo a una banda que lanza el trabajo más áspero y rabioso de toda su discografía. El grupo lleva su propia fórmula a otro nivel en velocidad, rabia y contundencia. En ocasiones se alejan del punk para acercarse al rock más primitivo (Psychoactive), un terreno que sólo habían explorado hasta la fecha a través de Obits o Rocket From The Crypt. Cabe destacar el papel de un desbordante Rick Froberg, que escupe el alma en cada verso, especialmente en cortes como Having Another? o Why Don’t It Sink In?, donde los latigazos rítmicos y los espídicos riffs de guitarra nos hacen poder sentir hasta las salpicaduras de sudor a través de los altavoces.

Aunque a estas alturas a uno le reconforta encontrarse con el ADN de sus tres primeros discos, es de agradecer que la banda siga haciendo temblar sus propios cimientos. —manel m. hontoria

8

casi inapreciables como estos son los que afloran en un discurso que, más allá de su indudable riqueza melódica, muestran a una artista incapaz de dejarse mecer por la comodidad del reconocimiento, ya labrado desde hace unos cuantos discos atrás. Y menos con demostraciones de este calado.

Se mire por donde se mire, un soberano triunfo de los que traspasan hypes y cadenas temporales. —marcos gendre

Fino Oyonarte

Hot Snakes

Beautiful Thing Domino/Music As Usual

7

metabolizarse en un destello pop de ansiedad polimórfica. En su nueva empresa, una de sus motivaciones radica en la dilapidación de los roles genéricos: como en la tensión a lo P.J. Harvey que arrecia en La flor entre la vía.

Desde esta marca de salida, la cascada melódica rompe en un abanico esplendoroso de frentes, ya sea desde el lirismo sentido de La niña animal o el traqueteo de música disco soterrado en Berta multiplicada. Detalles

Bart Davenport

Sueños y tormentas Buenaventura

8

POP / Lo cuenta él mismo en

Afortunado: “Me vine con veinte años, cambio que marcó mi vida”. Una melodía sencilla va meciendo esta letra de corte confesional que da cuenta del paso del tiempo, desde los primeros trabajos poniendo copas en locales de Malasaña hasta llegar a un presente en el que la rueda, aunque más despacio, sigue girando. Fino Oyonarte, pieza fundamental en la historia de Los Enemigos (además de contar con una amplia carrera como productor y estar detrás de Clovis y Los Eterno), se sitúa aquí en un plano completamente diferente. Este primer disco en solitario encaja más junto al sonido orquestado de La Buena Vida, el sosiego de AMA o los juegos de Vainica Doble.

Arreglos de cuerda y armonías vocales asumen un papel determinante en unas canciones que se mueven con serenidad, mientras una instrumentación ajustada al detalle deja que crezcan casi sin querer, para conseguir que nos olvidemos de todo lo que sabíamos de él. —enrique peñas

Blue Motel Lovemonk/ Gran Sol

7

POP / Con Bart Davenport

regresa también ese encanto inherente al músico, representado ahora por once nuevas canciones irresistibles y seductoras.

El californiano firma un álbum de pop nostálgico en el que un halo de luz surge como hilo de esperanza, en un equilibrio ante el que resulta imposible no claudicar.

Davenport bebe directamente de los ochenta y de finales de los setenta, y centra sus influencias en nombres que incluyen a Prefab Sprout, Paul McCartney o Aztec Camera, mientras busca la belleza de una relativa simplicidad y remata con adornos ligeros que no desdibujan el contenido. Blue Motel es un disco elegante pero también cercano y familiar, en el que cada uno de los temas supone un pequeño placer y cuya ponderación global lo convierte en un tesoro.

Davenport envuelve su alma de crooner con una amabilidad empática, y completa un bálsamo que transmite esa harmonía vital cada vez más necesaria dentro de un entorno confuso y atropellado como el actual. —raúl julián abril 2018 #37

#38 abril 2018

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Titus Andronicus

A Productive Cough Merge/ Popstock!

8

ROCK / Cuando me pasan

el nuevo trabajo de Titus Andronicus desde redacción lo hacen con una coletilla, “mejor que lo hagas tú porque es muy clasicote”. Todavía analizando cuánto tiene de bueno o de malo esa afirmación para mí, tengo claro que para el grupo de Nueva Jersey es, sin duda, algo positivo.

Nunca he tenido a Patrick Stickles y los suyos por un grupo de punk radical. En su música había mucho de indie norteamericano clásico y las influencias de bandas como The Replacements o The Hold Steady se me hacían palpables en sus discos. Quizá por eso este trabajo, menos urgente sin duda que los anteriores, me ha parecido su mejor plástico hasta la fecha.

Porque en el lugar en el que estaban, fuese cual fuese, corrían el riesgo de estancamiento y este A Productive Cough les abre, indudablemente, nuevas vías sonoras.

Y lo hacen sin traicionarse. No siempre es fácil mirar atrás para seguir adelante y ellos lo han hecho. Solo queda quitarse el sombrero. —eduardo izquierdo

El disco jugoso de Los Nastys Los Nastys

Música para el amor y la guerra El Volcán Música

8 ROCK / Aquí uno de esos discos jugosos,

diferentes, a exprimir tanto por fans incondicionales como por detractores, y con sorpresa asegurada para ambos frentes. Quizá a más de uno/a le haga cambiar de opinión, puede también que los indiferentes se suban ahora al tren. Se advierte un cambio de actitud en el seno del grupo en el que ya es su segundo largo y da la sensación de que o esta es la buena o morirán matando, pero felizmente. Habiéndose encontrado. Aunque el grupo liderado por los hermanos Serrano no abandone un cierto componente teatral, presentándose en una currada promoción como una guerrilla a raíz de la esencia y discurso del disco, sí consiguen dejar de lado cualquier sospecha de impostura poniéndose en manos de Raúl Pérez en La Mina para grabar el disco profesional del que hace un tiempo son capaces. Se acabó lo del

Orelsan

Kasbo

Places We Don’t Know Family Foreign/[PIAS]

POP ELECTRÓNICO / Desde Goteborg y con tan solo veintitrés años, el DJ y productor Carl Garsbo, más conocido como Kasbo, nos presenta su debut en largo Places We Don›t Know: trece temas de pop electrónico de factura puramente mainstream marcados por los medios tiempos, las voces filtradas y unas bases cercanas al house más amable y digerible.

Todo en este disco está bien hecho: la producción es impecable, las colaboraciones vocales encajan perfectamente y le dan un aire dreamy de lo más disfrutable, y el disco en general supone una escucha agradable.

Tan agradable como predecible, y ahí está el problema: a pesar de lo efectivos que resultan temas como Snow In Goteburg, con su épica intimista a medio camino entre Sigur Rós y M83, o el dance hipnótico de Over You (uno de los mejores momentos del disco), el resultado final termina por resultar empalagoso y por momentos aburrido.

5

—ricky lavado

Geowulf

La Fête Est Finie Wagram

RAP / Seis largos años han esperado en el país vecino por el tercer largo de Orelsan.

Seis años en los que la música el rap ha dado mil vueltas. Lejos queda su debut en 2009 con una actitud y una música muy diferente de la de hoy. Lejos quedan los ecos de Eminem y The Streets de su primer disco. La polémica ha pasado a ser reconocimiento y ahora juega una liga diferente.

Las letras siguen siendo retorcidamente burlonas, pero el poso social de todo el rap francés ha ganado cuerpo en su discurso.

Musicalmente ha dado un paso de gigante, maduro y pausado.

Elegantes composiciones que ganan con las escuchas, puñetazos directos al estómago, pero muy estilizados. Los dos primeros sencillos y sus brillantes clips son una maravilla, pegadizas y un cebo perfecto para un disco con muchas sustancia en su interior. Hay colaboraciones de peso (Stromae, Dizzee Rascal o Ibeyi) pero la personalidad de Aurélien Cotentin puede con todo y todos.

8

—marcos molinero

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lo fi porque sí, también lo de encuadrarse necesariamente como una banda de garage o limitarse a un círculo concreto. Y visto el resultado el proceso les ha sentado genial.

Acierto igualmente en su fichaje por El Volcán Música, sello con amplitud de miras en el plano artístico y sin la presión de una

Barrence Whitfield & The Savages

Great Big Blue [PIAS]

8

POP / Esto va de parejas.

Si Stevie Nicks y Lindsey Buckingham de Fleetwood Mac hubieran conocido a Victoria Legrand y Alex Scally de Beach House, no me cabe la menor duda de que hubieran firmado este disco. El pop pura sangre de los primeros fusionado con las composiciones lánguidas pero pegadizas de los segundos son definición perfecta de la música que hacen Banjanin y Star Kendrick. En mayo de 2017 publicaron cuatro temas en el Ep Relapse, injustamente desapercibido en nuestro país.

Ahora recogen aquellos cuatro temas que lo integraban y los acompañan de unos cuantos más para configurar un bestial primer largo. Auténticos artesanos pop lo-fi de letras oníricas y melodías que miran hacia la tradición musical del pop/rock de finales de los setenta. Y lo hacen sin esconder su amor por aquellos shoegazers más actuales como Cigarettes After Sex, añadiendo sin complejos arreglos ochenteros en todos aquellos temas que los piden. —maría fuster

multinacional. El viento sopla a favor de Los Nastys, que desbarran como siempre pero ahora con mayor credibilidad, alternando provocación y ganas de guerra con sensibilidad y pasión. A su manera, claro, y en base al contraste de las experiencias vividas. —bruno corrales

Yo La Tengo There’s A Riot Going On Matador/ Popstock

Soul Flowers Of Titan Bloodshot/ Bertus

8

ROCK’N’ROLL / Si a estas

alturas tenemos que presentar a Barrence Whitfield mal vamos. El auténtico rey del garage’n’roll de nuestros tiempos está de vuelta y, como no, lo hace con un disco tremendo. Y es que estamos ante una especie única.

Porque nadie es capaz de hablar en sus discos de temas como las armas de fuego o los momentos de separación de tu mujer y que poco después te entren ganas de bailar. Barrence lo consigue.

Siempre. Y quizá lo compacto que suenan esos The Savages, en permanente tareas de guardaespaldas, tenga mucho que ver.

Porque Whitfield es un hacha. El puto amo. Pero sin una banda tan explosiva y a la vez excelsa como la que lleva detrás la cosa no sería lo mismo. Podría hablarles de canciones como Tall, Black And Bitter, puro punk & blues o de Slowly Losing My Mind, sin duda uno de los temas del año, o incluso del soul de I’ll Be Home Someday, pero sería restarle importancia al resto. Y eso no sería justo. —eduardo izquierdo

POP / Más de tres décadas después de sus primeros pasos, la banda de Ira Kaplan, Georgia Hubley y James McNew, se mantiene inquieta y alerta, siempre en su propio, personalísimo mundo de sonidos pasados y futuros. Espoleado por el clima político y social de su país -el título hace un guiño al contestatario disco de 1971 de Sly And The Family Stone-, el trío opta por buscar amparo en ese universo delicado, llevándonos de la mano.

Y menos de tres años después del elegante disco de versiones Stuff Like That There, recupera su vertiente más experimental y atmosférica, con un trabajo que tomó forma sin ensayos, y que culminaron las mezclas de John McEntire (Tortoise). Su decimoquinto disco nos sumerge pronto en territorios familiares, con el sentido melódico velvetiano de Shades Of Blue.

Como muchas de las obras de su discografía, There’s A Riot Going On despliega su magia a un ritmo opuesto al del mundo histérico que nos suele abrumar.

8

—josé carlos peña

abril 2018 #39

MONDOVINILOS

Moaning Moaning Sub Pop/ Popstock!

FOTO: SERGIO ALBERT

8

Hinds: objetivos cumplidos Hinds

I Don’t Run Lucky Number/Music As Usual

7

POP / Hinds siguen siendo lo único que

te hace sentir más viejo que el trap. Pero, ¿han crecido desde Leave Me Alone? La respuesta es sí. Para empezar aquí están sus tres mejores composiciones hasta la fecha. La primera es The Club, pieza de avance del disco y con el que lo abren, y la segunda es Tester (un hit al estilo Harlem donde el ímpetu “teen” y la imperfección despliegan su magia de forma brutal), dos temazos hábilmente trabajados en desarrollos que no dejan que la frescura se quede perdida durante el trayecto. La tercera es Linda, que simboliza lo que

se le debería pedir al segundo disco de Hinds. Delicado y con una de esas líneas melódicas que sólo salen en estado de gracia, inaugura un registro vocal sonoro que empieza a ser más apetecible que el filtro metalizado del que se suele abusar para apañar las tonadas flojas haciéndolas más molonas de lo que en realidad son (Soberland en este caso). También debemos reconocer que se han colado un par de temas bastante intrascendentes, vestigios de su amateurismo compositivo como To The Morning Light o Echoing My Name (también hay algunos del técnico: esos punteos ni-no-ni-no-ná resultan algo cansinos). Pero mejor así, porque viendo su ritmo casi parece recomendable que tengan cosas que mejorar y objetivos por cumplir o se aburrirán pronto. Además, a mí me da la sensación de que van por el buen camino. Ah y por cierto, ni rastro de trap. Gracias Hinds. —nacho serrano

POP ROCK / Aunque son

insultantemente jóvenes y acaban de publicar su primer trabajo, Moaning no son unos debutantes cualquiera. Sean, Pascal y Andrew llevan casi una década metidos de lleno en la escena musical más DIY de Los Angeles. Allí se conocieron y allí decidieron poner en marcha esta banda de post-punk con un destacable ramalazo shoegazer. En otras palabras, Moaning parecen los hijos de papá New Order y mamá Slowdive. Primero llamaron la atención del productor Alex Newport (Melvins, At The Drive-In, Bloc Party) y grabaron en su estudio este disco homónimo. El disco llegó a los oídos de los capos del mítico sello Sub Pop, quienes imagino sintieron el mismo flechazo que servidor al escuchar por primera vez la voz cavernosa entre guitarrones de Don’t Go o Artificial. Una de las bandas revelación del año. —luis benavides The Damned

Evil Spirits Search & Destroy/Spinefarm

5

ROCK / Diez años después

de su último trabajo, So, Who’s Paranoid?, The Damned regresan con este Evil Spirits, un disco financiado gracias a una campaña de crowdfunding.

El grupo, formado actualmente por Dave Vanian (voz), Captain Sensible (guitarra), Monty Oxymoron (teclados), Pinch (batería) y Paul Gray (bajo), ha contado para la producción con la ayuda del veterano Tony Visconti. Su primer single, Standing On The

NUEVO DISCO

DISPONIBLE EN TIENDAS Y PLATAFORMAS DIGITALES

#40 abril 2018

Edge Of Tomorrow, canción que abre además el disco, es un tema muy pegadizo compuesto por Vanian que funciona perfectamente como hit. El resto de las canciones tiene un punto épico y un sonido setentero, analógico y muy old school, que al parecer buscaban. Destacan algunos temas como el psicodélico Procastination o We’re So Nice, canción que podrían haber firmado The Who. Un álbum de rock que bebe de la nostalgia de otra época.

—tere vaquerizo

Chris Carter

Chemistry Lessons Volume 1 Mute

ELECTRÓNICA / Cuenta el propio Chris Carter que, aunque en 2010 ya tenía todo listo para armar este álbum, la muerte de su excompañero de Throbbing Gristle Peter ‘Sleazy’ Christopherson por aquellas fechas le causó tal conmoción que el proceso se dilató siete años en el tiempo. Es por ello que su primer lanzamiento en largo tras dieciocho años de silencio presenta atisbos de oscuridad e introspección. El británico logra crear un universo industrial, cósmico y futurista a través de los veinticinco temas que conforman su regreso. Por supuesto, esa curiosidad vanguardista y experimental que tanto ha marcado su carrera sigue estando presente en este trabajo. Como Nils Frahm en la concepción de su extraordinaria última obra, Carter juega con los límites de los instrumentos y las voces hasta alcanzar unos sonidos para los que no fueron diseñados, convirtiendo Chemistry Lessons Volume 1 en la prueba más reciente del influyente y particular legado de este científico del sonido.

6

—guillermo chaparro terleira

16 MAR - LA SALVAJE- OVIEDO 12 ABR - KAFKA - VALLADOLID 13 ABR - TÍO VIVO - SALAMANCA 14 ABR - BELMONDO - LEÓN 28 ABR - MEMPHIS - GIJÓN 3 MAY - CAFÉ BERLÍN - MADRID 11 MAY MAY- SLOW - BARCELONA 12 MAY - LA CAMPANA UNDERGROUND - ZARAGOZA 17 MAY - EUTERPE - ALICANTE 18 MAY - CAFÉ DEL ALBA - MURCIA 19 MAY - VOLANDER - VALENCIA 1 JUN - LA CASA DE ARRIBA - VIGO 2 JUN - HO GRUF - LUGO 30JUN - PRESTOSO FEST. - XEDRÉ 10 AGO - EWAN DAY - SALINAS

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David Byrne

7

POP / El primer álbum en

solitario de Byrne en los últimos catorce años no brilla con la misma intensidad en todos y cada uno de sus cortes, pero el poder mesmerizante de sus mejores pasajes ya basta para masillar sus pequeñas grietas y hacer de esta utopía americana un opus necesario. Las texturas electrónicas de I Dance Like This, el ritmo de soca de la luminosa Everyday Is A Miracle, la agitación tribal de Bullet, la ensoñación en technicolor de Doing The Right Thing o el inmediato poder de contagio de Everybody’s Coming To My House (su single más fulminante en muchísimo tiempo) son algunos de los momentos más memorables –todos con el viejo conocido Brian Eno como lugarteniente– de un disco que también se beneficia, y de qué forma, de los siempre inquietantes arreglos de Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never) en Here, Dog’s Mind y This Is That.

Como él mismo dice en la letra del primer sencillo, ninguno de nosotros dejamos de ser turistas en esta vida. —carlos pérez de ziriza

MONDOVINILOS

Disco Las Palmeras!

American Utopia Nonesuch/ Warner

Cálida Sonido Muchacho

8

ROCK / Disco Las Palmeras!

rebajan ligeramente la densidad sonora en su cuarto álbum.

La banda continúa facturando una contundente mezcla de post-punk y shoegaze, pero al mismo tiempo reserva mayor espacio para la melodía, en lo que se traduce en la asimilación (con naturalidad) de un componente pop que se suma como actor secundario al habitual nervio del grupo. Algo así como si The Smiths se uniesen a Joy Division y Ride como influencias básicas, apostillando con la decisión una música más matizada en detalles y de mayor recorrido global. Un paso importante con el que los gallegos abandonan su zona de confort y que, a la postre, sienta francamente bien al sonido del grupo tras refrescarlo de manera sensible. Un punto de inflexión en el que, manteniendo la esencia de su creatividad, afrontan una dirección distinta. Y lo hacen con acierto y determinación, firmando un álbum diverso, con numerosos recovecos y plagado de canciones convincentes e hipnóticas.

—raúl julián

Turnstile

Jordi Lanuza

Time & Space Roadrunner

FOTO: GUS BLACK

Com a casa Bankrobber

7

HARDCORE / La presión

puede ser jodida. Turnstile llevan años siendo uno de los grandes hypes del hardcore estadounidense, y este segundo disco se anunció prácticamente como el trabajo en el que alumbrarían el futuro del género. Y nope. Turnstile siguen mirando hacia atrás.

Y por suerte: descarrilan precisamente en los momentos en que intentan hacer su The Shape Of Punk To Come particular. En este disco beben más que nunca del rock noventas, del grunge e incluso de QOTSA, pero siguen siendo Turnstile. Y eso significa que siguen teniendo groove. Mucho groove. Cada vez que se meten en el NYHC es gloria y Brendan Yates está impecable a la voz. El problema de Time & Space es que deja la sensación de que podrían haber desarrollado este mismo material en una dirección diferente y podrían haber parido “El Disco” de Turnstile. Aún así, temas como Real Thing, I Don’t Wanna Be Blind (puro Bad Brains) o High Pressure van directos a lo mejor de su discografía. —darío g. coto

FOLK / Tras cuatro discos al frente de Inspira, Jordi Lanuza abandona la parte más eléctrica de su faceta musical y se adentra en un terreno folk que ciertamente se me antoja muy interesante. Solo voz, guitarra y piano adornan estas once pinceladas que navegan entre melodías sedosas, delicadas y cálidas. Bajo la producción de Pau Vallvé y Darío Vuelta, Lanuza muestra su faceta más íntima, eso sí, buscando la inmediatez de la grabación en directo. Con la vertiente del Neil Young más acústico en mente, el catalán apuesta por las imperfecciones y las aristas de las canciones, dejando que estas también se conviertan en parte de las historias que buscan en la simplicidad su razón de ser. Por eso, quizá, suena tan fresco. Amparado en la tranquilidad que aportan unas melodías no alejadas de lo clásico pero que funcionan la mar de bien, como una especie de oasis en entre la rotundidad de los discos de su banda. Y yo, al menos, me siento más cerca de esta cara de su música. —eduardo izquierdo

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El álbum bonito de Mr. Everett Eels

The Deconstruction Eworks/[PIAS]

8 POP / Veinte años atrás Eels (proyecto que siempre ha sido el altavoz de las inquietudes creativas de ese personaje fascinante que es Mark Oliver Everett) se presentaban en sociedad con Beautiful Freak (96), álbum excelente en su totalidad pero que quedó eclipsado por un single imbatible como Novocaine For The Soul. Posteriormente vendrían discos igual de recomendables (sino más) como Electro-Shock Blues (98) y Daisies Of The Galaxy (00) pero que, erroneamente etiquetado Eels como un one-hit wonder, fueron ignorados por una gran mayoría.

Curiosamente, se volvió a reivindicar a

Mark Oliver Everett a partir de la publicación del libro Cosas que los nietos deberían saber (Blackie Books, 2009), autobiografía de lectura obligada. Ensalzado a figura de culto, desde entonces el norteamericano ha seguido erigiendo una obra discográfica que extrañamente ha bajado del notable. Explica Mr. E que tal y como está el mundo actualmente, más su país, liderado por un majara como Trump, le apatecía grabar un disco bonito. Objetivo cumplido. The Deconstruction es un álbum que exhala belleza de principio a fin. Retornando al pop sublime de corte clásico de Daisies Of The Galaxy, Everett ha modelado una plusquanperfecta colección de melodías radiantes redondeadas por un deslumbrante catálogo de arreglos y detalles. Imposible resistirse al poder seductor de The Quandary, Rusty Pipes, In Our Cathedral o la propia The Deconstruction. Uno de sus mejores trabajos.

—oriol rodríguez

abril 2018 #41

CINE

42/Mondo Media LIBROS Memorial Device

David Keenan Narrativa Sexto Piso

6 Encaro la lectura de este libro condicionado por frases como la de Kim Gordon, asegurando que le gustaría vivir dentro de sus páginas. Pero yo no lo veo. No lo sé ver. Y no creo que sea un tema de exceso de expectativas. Simplemente no conecto. Y reconozco que la idea es buena. Me gusta mucho, de hecho. La reconstrucción de la historia de un grupo que nunca existió a través de entrevistas con los protagonistas de su ficticia carrera en la época del post-punk. —eduardo izquierdo

Los amores de Zappa

El cantante de Manos de Topo tiene lista una nueva película, la primera de ficción de su carrera. Hablamos con Miguel Ángel Blanca de Quiero lo eterno, uno de los platos fuertes de la próxima edición del D’A Film Festival de Barcelona (del 26 de abril al 6 de mayo), un filme arriesgado que se adentra en los terrenos temáticos y visuales de Harmony Korine y David Lynch.

M

iguel Ángel Blanca salta al mundo de la ficción con Quiero lo eterno, una pesadilla suburbana de carácter experimental. Un tripi fenomenal que fue creado desde la libertad creativa más absoluta. “’Quiero lo eterno es sobre todo una película libre y una reivindicación de una forma de hacer cine que se asemeja más a una fiesta con tus amigos que cree y disfruta en lo que hace, que a un set de rodaje profesional donde todo es tedio, chismorreo y gente pretenciosa. Al equipo le prometí que íbamos a ser felices durante quince días rodando y lo conseguimos.

Resulta que la película nos ha salido bien pero eso ya no es tan importante”. Jóvenes asesinos y nihilistas, sectas ufológicas, entidades sobrenaturales que se comunican a través de frecuencias y sonidos, guiños apocalípticos

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Con un cuidado diseño, un formato de 21x27cm, casi cien páginas e ilustraciones, el autor crea un original recorrido por los amores de Zappa (la familia, la orquesta, el synclavier, la guitarra, el jazz, el cine, la ironía/el sarcasmo, el rock, el cómic y la libertad) que permite al neófito acercarse de una manera personal y amena al artista y su obra, y a su vez al músico y a la persona. Un libro diferente e imprescindible para sus fans.

—miguel amorós #42 abril 2018

a c n la B l e g n Á l e u Mig a r u c s o s á m e h c o La n

y una periferia de Tarragona abandonada e industrial de pesadilla…

La nueva película de Blanca es casi género fantástico y de terror. “El fin del mundo como fantasía y fetiche es el caldo de cultivo ideal para el conflicto total”, comenta el director barcelonés, “superstición, conspiranoia, espiritualidad de última hora, que la gente se deje guiar por el miedo, planes extremos para salvarse…

Los referentes que teníamos cuando empezamos eran ciencia ficción costumbrista, donde los protagonistas se pierden y se transforman en mad doctors haciendo cosas que no acabamos de entender pero que nos dan la sensación que tienen algo trascendental entre manos. El trabajo de Shane Carruth, tanto en Primer como en Upstream Color son claros referentes de esto e influencia para crear los demiurgos de Quiero lo eterno. Después está Inland Empire que es una influencia muy fuerte todo el rato a nivel visual y narrativa”. Quiero lo eterno descubre al mundo a un colectivo de jóvenes artistas, Generación Genética, del ambiente subterráneo de Barcelona.

“Cuando conocí a los Generación Genética estuvimos durante varios meses quedando con ellos, saliendo de fiesta, tomando cervezas en las plazas y hablando de la vida, de lo que les gustaría hacer en la película…

Son unos tipos con mucho talento, bastante desequilibrados pero libres en muchos aspectos. Muchas de sus escenas están escritas a partir de situaciones que ellos me contaban o que yo mismo viví con ellos. De ahí la frescura documental de algunas escenas”.

—xavi sánchez pons

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FOTO: GUSTAFF CHOOS

Arturo R. Camba/Pilar Fdez.-Pinedo Cuestión de Belleza

“El fin del mundo como fantasía y fetiche es el para caldo de cultivo idealtotal” el conflicto

Quiero lo eterno Miguel Ángel Blanca 2018

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¡Cuidado, que te asesinas!

Lorenzo Montatore Ediciones La Cúpula

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¿Qué sucede cuando te quedas encallado en medio del viaje al fin de la noche? Centramina y Optalidón recuperan la picaresca española de hidalgo y escudero con temblor de yonki y música de Mocedades, devolviendo una inusitada frescura de colores bombásticos a nuestros días. Un rara avis cuya técnica reinventa el significado del tebeo. O el de la lectura tradicional. O algo así.

—octavio botana

Peter Bagge y sus hermanas

CÓMICS

LIBROS

Veinte años después de su primera visita a España, Peter Bagge aterriza en nuestro país en una gira promocional de su nueva obra, Fire!!, la historia de Zora Neal Hurston (La Cúpula, 17). Por segunda vez consecutiva, el autor de Odio nos presenta la biografía de una escritoria, activista y revolucionaria feminista de principios del siglo pasado.

Q

El show de Albert Monteys

Albert Monteys ¡Caramba!

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El show de Albert Monteys –recopilación de la serie publicada en Orgullo y satisfacción- es uno de esos cómics que empiezan provocando carcajadas por los sufrimientos ajenos del autor y acaba haciéndote recapitular sobre tu propia existencia.

En todo caso, es un Monteys en estado de gracia que, riéndose de si mismo, se ríe también de todos nosotros.

—joan s. luna

En la cocina con Kafka

Tom Gauld Salamandra

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El escocés Tom Gauld vuelve a hacernos reír –se lo garantizopor enésima vez. Ahora bien, esta vez sus historias y chistes gustarán mucho más a gente con amplios intereses culturales.

Digamos que Gauld demuestra ser un tipo muy leído y que sabe bromear con los tópicos de literatura o el cine con el ingenio y la frescura que caracterizan cada uno de sus pasos.

—joan s. luna

ué te llevo a abordar la historia que cuentas en esta ocasión? ¿Cómo llegaste a ella?

Hace mucho tiempo, no recuerdo cuando o por qué, leí su novela más conocida, Their Eyes Were Watching God. Al principio no sabía qué pensar, pero conforme me acostumbré al lenguaje que empleaba, me encantó.

Además, me parecía muy graciosa, que es lo que me acabó de enamorar. Años después estuve leyendo textos suyos y un montón de artículos sobre ella en Internet y eso hizo que volviese a interesarme por su figura, sus opiniones políticas y su actitud hacia la vida, con las que me siento muy identificado.

—Cuando lees Fire!!, te das cuenta de que Zora se parece mucho a un personaje de Peter Bagge. ¿Te atrajo en cierto modo por eso?

Sí, porque era muy vivaracha, muy divertida. Todo lo que he leído sobre ella indica que tenía mucha personalidad, era el alma de la fiesta, un sentido del estilo muy salvaje, e intenté aprovechar todo eso. Si te fijas en su obra, puedes ver todo eso, por supuesto. Llevó una vida muy loca, viajando mucho, le pasaron las cosas más absurdas... Cuanto más leía sobre ella, más me parecía que había material para un cómic.

—A los lectores habituados a tus anteriores trabajos, quizás les llame la atención el giro que has experimentado hacia obras biográficas sobre mujeres notables con las que la historia no ha sido justa. ¿En qué

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“Esta tercera ola de feminismo... la verdad Eso no me pareció un problema. Cuanes que no entiendo do dejé de hacer Odio, hice un montón qué quieren decir” de obras muy distintas entre sí, y hubo

momento planteas este cambio?

Cuando se me ocurrió la idea de hacer estas obras, estaba muy interesado en la obra de un puñado de escritoras que llevaron una vida muy salvaje e independiente, especialmente para los años veinte y treinta. En esa época era sorprendente leer sobre mujeres que llevasen esa vida tan atrevida. Saber más sobre todas esas mujeres me llevó a conocer la vida de Margaret Sanger (protagonista de su obra La mujer salvaje).

No tenía una idea específica de escribir sobre activistas, pero leer sobre ella, sobre su vida y las cosas que había hecho, me resultó muy inspirador, así que quise hacer un cómic interesante que pusiese en relieve su apasionante vida.

—¿Hay plan de seguir con la serie?

Sí, estoy trabajando en un tercer libro.

Es otra autora norteamericana de la misma época llamada Rose Wilder Lane. Después de eso, no sé qué haré. La editorial quiere que haga más. Por alguna razón, se les metió en la cabeza que iba a hacer siete (se ríe), pero después del tercero no sé si seguiré con el tema.

Es muchísimo trabajo. Me lleva tres años hacer cada uno de estos volúmenes (se para y piensa). Bueno, ya veremos. Ya veremos.

—¿Se te pasó por la cabeza que el lector que te conoce por Odio o Apocalipsis Friki les iba a echar para atrás este cambio temático?

algunas que no gustaron a algunos fans de Odio. El problema suele ser más bien al revés: gente que lee mis últimos trabajos porque les interesan el tema y el personaje, pero no conocen mis trabajos anteriores ni les gusta mi dibujo (risas).

—¿Has notado mucho ese flujo de nuevos lectores, de gente que normalmente no compra novela gráfica?

Sí, un poco sí. De hecho, últimamente he visto que muchos autores se animan a hacer biografías. No sé si todas se venden bien, pero sí parece ser tendencia.

—¿Cómo de cómodo te sientes con la etiqueta feminista para las obras en las que has estado trabajando últimamente?

Lo primero que quiero decir es que las mujeres sobre las que he escrito y dibujado vivieron antes de la segunda oleada de feminismo, la de los años sesenta.

En parte, por eso me pareció tan intere-

Fire!!, la historia de Zora Neal Hurston Peter Bagge La Cúpula, 17

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sante cómo habían elegido vivir. Hacían lo que les daba la gana en una época en la que se supone que las mujeres no podían hacer eso. No pedían permiso para nada, se permitían hacer lo que querían, y esa es una de las razones por las que me atrajeron tanto sus historias.

Me encantó su valentía y atrevimiento, su decisión de vivir a su manera. Son cosas que veo más cercanas al igualitarismo entre sexos, que es la postura con la que me siento identificado. Esta tercera ola de feminismo, la que parece que se limita a discutir en Twitter y en los campus de las universidades... la verdad es que no entiendo qué quieren decir. Me da la impresión que son un grupo de gente muy privilegiada buscando problemas (risas). Son gente buscando algo de lo que quejarse. Cuando veo las cosas sobre las que se quejan, pienso “tu vida debe ser muy fácil cuando pierdes la cabeza por estas cosas”. Sé que, al decir esto, estoy sonando como un viejo cascarrabias.

—alex serrano

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abril 2018 #43

44/Mondo Conexiones MADTOWN DAYS <> JIM BEAM

Neolabels <> MondoSonoro MondoSonoro ha sido elegido como el medio especializado favorito para informarse sobre festivales y conciertos por los usuarios online (25,4% respecto al resto de medios musicales). Este es uno de los datos publicados del estudio “Oh, Holy Festivals!”, el primer Observatorio de Patrocinio de Marcas en Festivales, presentado por la consultora especializada en comunicación digital Neolabels y la plataforma digital de gestión de eventos y entradas, Ticketea.

“El sector cuenta con mucha inversión pero poca información, por lo que se hacía necesaria una mayor profesionalización de una actividad con un gran crecimiento”, asegura Hugo Albornoz, CEO de Neolabels, para concluir que: “Queremos que “Oh, Holy Festivals!” sea un referente aportando datos del mercado que permitan a las marcas y a los festivales tener un contexto de referencia sólido, así como aumentar su confianza hacia al patrocinio”. www.ohholyfestivals.com

El ciclo de conciertos Madtown Days, celebra una nueva cita en las salas de Madrid y Barcelona con el apoyo de Jim Beam. El mes de abril coinciden en el cartel Lucas Colman, Papaya y Bambikina. La marca de whiskey americano continúa así brindando su apoyo a la música en vivo. En cada cita, los asistentes podrán descubrir y disfrutar de Jim Beam con su propuesta de perfect serve con Ginger Ale. www.madtowndays.es

RON BARCELÓ <> DESALIA Ron Barceló Desalia celebra su undécima edición con cinco días de música, fiesta y diversión en la costa de Portugal, bajo el lema “Vive Ahora”. Los miles de seguidores de la marca han sido los encargados de escoger este destino en Twitter, con el uso de los hashtags #DesaliaLand y #DesaliaCity. Los usuarios también han podido decidir el carácter del festival y, en los próximos días, se lanzarán más preguntas a través del perfil de Ron Barceló en Twitter para seguir definiendo la propuesta. www.viveahoradesalia.com

WAM <> Estrella de Levante Estrella de Levante repite por segunda año consecutivo como principal patrocinador del festival We Are Murcia (WAM), que este año se celebra los días 4 y 5 de mayo en el recinto de La Fica (Murcia).

WAM ha sido recientemente galardonado con el premio a Mejor Programa Cultural, y es que el festival desarrolla actividades en paralelo a los conciertos dentro del recinto que van del 30 de abril al 6 de mayo, con más de una treinta conciertos en diferentes plazas y salas de la ciudad. Además, Estrella de Levante colabora con todas las giras y conciertos de presentación del festival, entre ellos los de Swans, Baby Dee, Neuman, Belako, PBSR, Poolshake y Jump To The Moon, promoviendo el talento local. A poco más de un mes de su celebración, WAM ya ha vendido más entradas que su pasada edición y espera acoger a más de 70.000 asistentes. www.wammurcia.es

GINMG <> LAMONO PHOTOAWARDS 2018

Iberian Festival Awards <> MondoSonoro El mes pasado se celebraron en Lisboa los Iberian Festival Awards (IFA), unos galardones destinados a premiar diferentes aspectos de los festivales dentro de la península ibérica, así como también la labor de los medios y grupos participantes, como es el caso de los galardones Best Media Partner o Best Live Performance, respectivamente. El premio a Best Media Partner fue entregado a MondoSonoro, destacando su labor de apoyo y difusión en más de una decena de festivales nacionales en 2017. Resurrection Fest fue uno de los grandes triunfadores. El premio a mejor festival de tamaño medio fue para el Festival MED y de pequeño formato el Party Sleep Repeat, ambos portugueses. Puedes consultar la lista completa de premiados en www.talkfest.eu/iberian-festival-awards #44 abril 2018

Lamono convoca la primera edición del concurso de fotografía GINMGlamonoPHOTOAWARDS2018, con la aspiración de convertirse en una cita anual de referencia. Esta primera convocatoria ha sido posible gracias al sponsor principal GIN MG y a los colaboradores FUJIFILM y el Ajuntament de Barcelona . La convocatoria se ha alargado hasta el 2 de abril. lamonomagazine. com/photoawards/

Bad Gyal <> Paper Sessions por OCB La artista catalana Bad Gyal inaugura el proyecto OBC Paper Sessions, un nuevo proyecto musical que pretende promover la música contemporánea en sus múltiples géneros. OCB, el fabricante líder de papel de liar, pone así en marcha un año de música en directo que apuesta por artistas frescos y transgresores. Se trata de la grabación de mini-sesiones musicales de manera abierta, libre y a nivel internacional, con una estética muy cuidada en blanco y negro. Durante un año, Paper Sessions lanzará cada mes un nuevo concierto, que se compartirá a través de sus propias plataformas online (página web, Facebook, Instagram y YouTube). mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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Edita Sister Sonic, S.L.

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C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondo web www.mondosonoro.com

Mark Renner

Origen: Baltimore (Estados Unidos)

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a historia de Mark Renner comienza en una granja situada en Upperco, al norte de Baltimore. Como la biografía de tantos, Renner sintió una necesidad artística de crear desde pequeño. Estar alejado de la civilización fue lo que le empujó a coger primero una guitarra y años más tarde un pincel. La influencia materna marcó unos primeros gustos musicales que protagonizarían Simon & Garfunkel y Carole King. Con el paso del tiempo, tanto aquella música como Upperco comenzaban a quedársele pequeños. “Para cuando llegué a la adolescencia, me sentía como George Bailey queriendo salir de Bedford Falls”, recuerda. Su pueblo natal y aquellos discos se habían convertido en un páramo de monotonía vital y cultural en el que un joven Renner se asfixiaba. Fue en medio de este tedioso clima cuando a finales de los setenta el punk vino para salvarle. El enervado género enseñó a Renner que si quería algo debía ir a por ello, aunque no tuviera muy claro cómo hacerlo. Impulsado por esta fuerza, pone en marcha una trayectoria musical que comienza con un viaje en autostop a Baltimore para tocar en una banda tributo a Ultravox y continua con el descubrimiento del Unknown Pleasures, un creciente odio al excesivo rock de los setenta y la formación de dos bandas con apenas éxito. En medio de estas idas y venidas para encontrar su camino, Renner se topa con el álbum de Skids Days In Europe.

Aquel disco puso patas arriba su concepción musical hasta el punto de comenzar un intercambio de correspondencia con Stuart Adamson, el frontman de la banda escocesa. A través de aquellas cartas, Adamson enseñó al de Baltimore un mundo de posibilidades más allá de las limitaciones musicales de la época que, junto al viaje interior que proponía la obra de Herman Hesse, empujaron a Renner a

#46 abril 2018

forjar una trayectoria en solitario que comenzó en 1985. Con un teclado prestado de cuatro pistas, un sintetizador Casio CZ-101 y un oboe, comenzó a componer en busca de un sonido al margen de cualquier género establecido, donde lo único importante era el sentimiento y la búsqueda de belleza. Tal propósito le llevo a fijarse en artistas como Yellow Magic Orchestra, Bill Nelson o New Order por su experimentación con el sonido. Todo ello se tradujo en un primer álbum titulado All Walks Of This Life, lanzado por su propio sello (The Gate International) en 1986. Por aquel entonces ya había comenzado a dar sus primeros pasos con la pintura, por lo que esta ópera prima reflejaba esa simbiosis visual y sonora que tanto marcaría su proceso creativo. Esta idea tan conceptual y experimental de entender la música llegó a llamar la atención de un locutor de radio local que no podía creer que algo así podía salir de Baltimore. Aquellos resquicios de repercusión, sirvieron para que Renner firmara con Dimension (sello perteneciente a Restless Records). Esta relación laboral apenas duró un álbum, su segundo largo: The Painter’s Joy (1988). Pese a que dos años después lanzaría Creatures That Die In A Season, la falta de un sello que le proporcionase la tecnología necesaria para grabar sus cada vez más complejas y ambientales canciones, obligó a Renner a dejar a un lado la música para centrarse en la pintura.

Ya en la década de los noventa se ve obligado a dejar a un lado la vida artística y acepta un trabajo de funcionario con el fin de mantener a flote a su familia y su pintura. En 2006 retoma la música para poner banda sonora a sus exposiciones pictóricas, dando como resultado cuatro nuevos discos en la primera década de siglo.

—guillermo chaparro terleira

Ed. Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Pablo Ferrer, Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com

PISTAS Skids Days In Europe (1980)

“Impactó en mi mundo musical como ningún otro disco lo había hecho. Una combinación de poderosa melodía ligada a sonidos electrónicos, agitación de guitarra y un estilo lírico provocativo”.

Van Morrison No Guru, No Method, No Teacher (1986)

“Hay muy pocas grabaciones en que mantengan el poder de transformar por completo una habitación treinta y dos años después de su lanzamiento. Es una experiencia íntima”.

Ed. Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván MarcosTlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción Cantabria: Carlos Caneda Tlf. 669 06 82 72 (cantabria@mondosonoro. com) Publicidad Cantabria: Ernesto Castañeda 657 67 41 97 (publicantabria@mondosonoro.com) Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Ed. Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 981 160 102 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra

Mark Renner Few Traces (RVNG, 2018)

Una de las pocas huellas que podemos encontrar de la obra de Mark Renner. Veintiuna canciones que van desde el pop melódico al ambient y que nos evocan a artistas como John Maus, Ariel Pink o The War On Drugs. G.C.T.

Fotografía: Alfredo Arias, Edu Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Silvia R. May

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