MondoSonoro abril 2019 by MONDO SONORO

Cala Cruda Vento realidad

FOTO: DAVID MAROTO

Nº 271 Abril 2019 www.mondosonoro.com

BILLIE EILISH, CAPSULA, CUPIDO, OSO LEONE, MASTODON, FANGORIA, DEMOSCÓPICAS CHEMICAL BROTHERS, BARBOTT, AIRBAG, FÉMINA, PRODIGY, MODESELEKTOR, RECYCLED J

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CMY

20/3/19

13:05

Billie Eilish Despertar

FOTO: ARCHIVO

5/Mondo freako

"He tenido sueños horribles que me han cambiado la vida"

El tiempo se mide diferente en la vida de Billie Eilish. Cada minuto cuenta: de sus pocos años, apenas diecisiete, ha pasado la mayoría con insomnio. Entre pesadillas. De eso habla When We All Fall Asleep, Where Do We Go? (Interscope/Universal, 19), su debut. Una excelente base para opositar al reinado del pop global.

ualquiera pensaría que veinte minutos no son nada. Una partida al Fornite, una aventura gástrica mal gestionada. Pero cuando sólo has vivido –cálculo chapucero– 8.935.200, unos diecisiete años, la cosa cambia. Si eres Billie Eilish y estás inserida de lleno en la industria musical, aún sin tener edad legal para comprar alcohol, entonces cada segundo cuenta. Tal vez por eso esta conversación se da en el peor de los escenarios: un encuentro compartido con cinco periodistas, veinte minutos entre todos. Traducción: una sola bala por interrogador. Además, con cerca de hora y media de retraso: Eilish tiene fiebre. No miente. Su cara luce más pálida que la tiza y su pelo, decolorado a blanco,

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hace todavía más inquietante el gesto. “Quería atenderos, aunque fuera menos rato”, sostiene una persona de su equipo. Una de las diez que nos rodean toda la charla. Cámaras inclusive. Por descabellado que parezca el contexto, nadie quiere perderse sus palabras en el debut en Barcelona. Las expectativas son altas, sobre todo en la noche, cuando presentará sus oldies, quién diría que alguien tan joven puede tener ya canciones antiguas, en directo en el Sant Jordi Club. La gente espera realmente el contenido de When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, su primer disco, pero pese al sold out, se ciñe a la estrategia: no suelta prenda de las novedades durante el bolo. Eilish relega a la entrevista, cuya fecha de publicación está embargada por contrato, todas las

explicaciones de su nuevo material. Es parca hasta con la colaboración reciente con Rosalía (no incluída en el álbum). “Su voz suena a mantequilla derretida. [Sonríe] El tema suena a las dos. Tengo ganas de volver a casa y trabajar en él”. Los periodistas han tenido menos de cuarenta y ocho horas para escuchar su disco. 2.880 minutos. Pocos. Irrisorios para desmenuzar semejante telaraña. Un largo astuto, a ratos narrativo (las tres últimas rezan Listen Before I Go, I Love You y Goodbye), puede que incluso conceptual. Un disco, en todo caso, con cadencia, bien amasado. “Queríamos que estuviese todo fresco y reciente. Fueron una gran influencia The Beatles, que hacían todo el álbum en un par de días. En uno de estos, la última canción que grabaron fue Twist And Shout. En ella, las voces

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MONDO FREAKO

Camino al trono soñado

suenan muy raras: sientes que habían trabajado todo el día en el disco”. When We All Fall Asleep, Where Do We Go? vive ese degradé, se apaga hacia el final. El cedé de la californiana hace de lo paradójico algo aparentemente sencillo. El conjunto está cohesionado. Pero los temas se valen, para gustar, de una disrupción paranoica. “Seguimos trabajando en la habitación de mi hermano, sí. Si funciona, ¿porqué cambiarlo?”, apunta, sobre el método de elaboración. “Quería que fuese cohesivo, pero no un proyecto con la misma canción una y otra vez”, explica también. Eilish ya había dado buena cuenta en su corta carrera de lo capaz que era de combinar el emo y las canciones melódicas con la electrónica furtiva, con sonidos urbanos de todo pelaje. Lo que no habíamos visto es que cada pieza, por sí misma, pudiese volantear hacia cada uno de esos géneros. Y sin riesgo de apearse de la carretera. Los virajes son la magia del largo, un disco llamada a despertar a la otra mitad del planeta, la que todavía no tiene a la joven en el radar. De sus casi nueve billones de minutos vividos, debería haber invertido más de la mitad en dormir. Así lo hacemos todos. No es su caso. Está afectada por el insomnio y la parálisis del sueño desde temprana edad. También de forma precoz decidió convertir sus pesadillas en música. Quién sabe qué hubiese sido de ella sin unos padres actores y un hermano productor, su –sic– “mejor amigo”, Finneas. “He tenido sueños horribles que me han cambiado la vida. Y he tenido sueños que son espectaculares y que me dio pena que se terminaran. Es raro no ser capaz de escoger. Te tienes que meter ahí y gestionarlo”. Cuando la cantante habla de sueños y realidad, entremezcla ambas cosas. De ahí parte la magia de su universo. Su estética, a caballo entre un personaje de Pesadilla antes de Navidad (93) y uno de Final Fantasy (87), y su forma de comunicarse en redes (pocas sonrisas), ha conectado con los zetas, y algún millennial, de medio mundo. Eilish es una ídolo adolescente con voz propia. Y, claro, está enfadada. La rebeldía traspúa más allá de las calaveras en forma de anillo que decoran sus dedos, de las cadenas que tintinean en su cuello. Es una Avril Lavigne capaz de colar glitch en su pop lúgubre. Si bien despacha sobre todo, hay temas delicados. Ya no quiere ni desmentir la posible homofobia del título Wish You Were Gay, uno de sus últimos adelantos. El trecho que no anda entre fantasmas, prefiere invertirlo en su música. Le pese a quien le pese. Quién no ha pensado, a su edad, que el tiempo se escapaba entre los dedos. —yeray s. iborra

Billie Eilish el pasado 9 de marzo en el Sant Jordi Club de Barcelona. Foto de Kevin Zammit

l magma creativo de Billie Eilish se conjura en la noche, pero el trono por el pop lúgubre se juega durante el día, y ella tiene toda la maquinaria a punto para entrar a la disputa en puestos de pole. Así lo demostró en su primera visita. Y todo sin llevar una puesta en escena habilitada para un espacio noble como el Sant Jordi Club (Barcelona); tirando de un juego de luces algo pobre y un attrezzo pensado para un recinto de mediano formato como La [2] de Apolo, sin tickets a los diez minutos; sin siquiera disponer de toda la artillería de When We All Fall Asleep, Where Do We Go?. No mantuvo el show todo lo arriba que se podía esperar, menos pregrabados para no sonar a T wenty One Pilots y más instrumentación en directo, pero brilló. La americana hizo vibrar a las más de 3.000 personitas –la media de altura fue bajísima– que la acompañaron. Sólo papás y mamás desubicados despuntaban entre los gorros de color naranja fosforito que llenaban el espacio, además de esos pelos azul cielo y gris, fruto de estudiadas decoloraciones. Cuando vuelva en septiembre, tendrá toda la carne para poner en el asador. Para muchos, ese será el segundo bolo de sus vidas. Si una artista con la personalidad de Eilish tiene que representar laAvril Lavigne –la rebeldía por instinto– de sus años de adolescencia y tiene que hacerlo con una ensalada pop que huye de lo facilón, de las estrellas teen d e otras épocas, y que abraza la electrónica más densa, el R&B poderoso, el e mo más vívido... Bendita sea la transición generacional. —y.s.i.

CRÍTICANDO When We All Fall Asleep, Where Do We Go?

Interscope/Universal Pop 9/10

os que sufrimos de noche y mueren al despertar. O, al contrario, los que no hay alarma que ahuyente. ¿Qué monstruos dan más miedo? Billie Eilish, que padece parálisis del sueño e insomnio, lo tiene claro: no hay diferencia. Son vasos comunicantes. Por ello, la estadounidense ha lanzado una diatriba a la perturbación. Desde ya, alerta pavorosos, igual o más vívida que el propio mal que la azota. When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, su primer y esperadísimo álbum de estudio, recoge –por elevación artística y no sin poca sorna– el sufrimiento de esta joven de diecisiete años. No sólo lo hace en las letras y la estética, Eilish es la hija zeta de Tim Burton, sino también en los sonidos. Y no es algo sorprendente. La californiana había infectado en menos de dos años las plataformas de streaming con su pop lúgubre, elaborado mano a mano con Finneas, su hermano mayor, en la habitación de éste. Lo había hecho en base a colaboraciones suculentas, como la de Khalid para la banda sonora de Por trece razones (17), y gracias a un denominador común: la diversidad. La cantante había transitado con acierto desde R&B hasta electrónica disruptiva y densa. Su voz había sido comparada con Lana

del Rey, Lorde… Entre sus canciones más reproducidas había neo soul (Idontwannabeyouanymore) y beats agresivos (You Should See Me In A Crown). De lo que no teníamos previsión era de que pudiese condensar –casi– todas esas referencias en un mismo tema. Su nuevo largo, formado por catorce piezas que hilan, en algunos momentos, una narración (las tres últimas: Listen Before I Go, I Love You y Goodbye), inicia una forma total de entender la cultura masiva, donde ya nada aburre. Sus músicas se pasean de un género a otro sin complejos. Las hay que hacen de ese giro su adicción: Bad Guy o Xanni. De la miel al óxido. Como en los sueños, nada es lo que parece hasta el final. “No quiero hacer la misma canción una y otra vez”, respondía Eilish a este medio. “Quería un manojo de sonidos diferentes, pero que sonaran cohesivos”, matizaba a los segundos. No hay duda: el gran acierto de When We All Fall Asleep, Where Do We Go? es que dispara calambrazos cada poco tiempo. A su vez, bálsamo para la crítica, está producido en una misma familia de colores. Suena homogeneo. Ideal para listas de reproducción, ideal para puristas. Fantástico para nuevas generaciones, con las que ya conecta sin freno (en su primera visita hizo sold out). Nuevos oyentes que no le hacen ascos a pelotazos de ascendencia urbana, que incluso pueden llevar consigo algo de glitch, un recuerdo a Aphex Twin. ¿Les parece un sueño ver a un chavalín escuchando fragmentos de IDM de una artista con tarántulas en la boca? Ya se pueden frotar los ojos. Así viene el pop en 2019. —y.s.i.

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#6 abril 2019

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A qué suena tu cerveza? Teatro Lara, Madrid Dominique A · 01 de abril

Garufa Club, A Coruña Izo Fitzroy · 03 de abril Frankie Cosmos + Ian Sweet · 13 de abril Radio Océano · 18 de abril

Porta Caeli, Valladolid

Dominique A Bodega Madrugada

The Limboos · 05 de abril Guadalupe Plata · 26 de abril

Palacio de la Prensa. Sala 0, Madrid Ulrich Schnauss + Promising/Youngster & Mucrovision 05 de abril Bodega · 06 de abril Siete 70 + artista invitado · 26 de abril

Sala Capitol, Santiago de Compostela Freedonia · 05 de abril

Lemon Rock, Granada Stone Foundation · 09 de abril Los Hermanos Cubero · 14 de abril

Café & Pop Torgal, Ourense Cupido · 11 de abril

La Calle, Sevilla

Voces Femeninas

Airbag · 27 de abril

Elena Setién · Palacio de la Prensa - Sala 0, Madrid · 27 de abril

Sala But, Madrid

100% Psych

Madrugada · 07 de mayo

Cave · Fun House, Madrid · 05 de abril

FOTO: JUAN PÉREZ FAJARDO

MONDO FREAKO

Capsula Bestias eléctricas El trío Capsula, sustentado sobre el cerebro de dos cabezas que pertenecen a Martín Guevara y Coni Duchess, entrega otro excelente álbum, Bestiarium (Gaztelupeko Hotsak/Dynamo Tapes, 19), donde se envuelve su arrebatador sonido en un excitante ambiente fantasmagórico y crudo.

Bob Sinclar

Bob Sinclar, cuyo nombre real es Christophe Le Friant, pertenece al selecto grupo de productores estrella capaces de pinchar en Ibiza temporada tras temporada y de colaborar con estrellas que van de Raffaella Carrà a Sly & Robbie, pasando por Sean Paul o Robbie Williams.

”

#8 abril 2019

“Cruzamos, rompimos y abrimos bastantes fronteras”

o sorprende que una propuesta musical como la ofrecida por Capsula elija para articular conceptualmente su nuevo disco el catálogo de seres y fieras mitológicas al que hace

uáles fueron los principales motivos por los que comenzaste en el mundo de la música? Al principio comencé, como muchos otros, porque quería compartir con el resto de la gente mi amor por sellos del momento como Mo’ Wax o Talkin’ Loud. Quería compartir también toda esa afición por estilos del momento como el downtempo, el trip hop y el house. Así comencé a hacer mixtapes que compartía con mis amigos y que poco a poco me fueron metiendo en el mundillo. —¿Qué es lo que no puede hacer nunca un DJ durante una sesión? Perder el contacto con la pista de baile. Es algo que aprendí desde el principio, no puedes dejar de fijarte en la pista de baile, tienes que guiarte por ella para poder hacer una buena sesión. Si te fijas en la gente que hay detrás de ti, los amigos, los VIP’s, etcétera, estás condenado. Porque para hacer bailar a la gente tienes que fijarte en ella. Los que mueven la discoteca están delante de la cabina, no detrás de ella. —¿Vinilo, CD, archivos digitales…? Empecé pinchando en vinilo, como todo el mundo por esa época. Compré un par de platos y un mixer y me puse a practicar en la cocina de mi casa. Pero ahora solo pincho con USB’s. La facilidad que te dan a la hora de editar los temas al vuelo y de tener una discografía de dos mil temas en un dispositivo,

referencia su título. Una temática vertebradora que tal y como desvela Martín Guevara esconde un reflexivo origen: “La idea surge de un vídeo de Jean Cocteau de 1962 en el que él arrojaba una pregunta a los humanos

dan una libertad a la hora de pinchar que no te la da un vinilo. —¿Qué canciones de las que eres muy fan nunca te has atrevido a pinchar y por qué motivos? Siempre he querido pinchar ese gran clásico llamado Voyage Voyage de Desireless, que me parece muy kitsch y que siempre me ha gustado, pero no me he atrevido a pincharlo. Hace tiempo incluso hice un edit en el cual reemplazaba toda la letra para ir directamente a los coros, pero aun así nunca me atrevo a ponerla. —Y para ir cerrando la entrevista y aprovechando este último hit que has sacado junto a Robbie Williams, ¿cómo ha sido trabajar con él? ¿Hay algún álbum en mente? Pues ha sido todo un placer. Llevaba bastante tiempo con ganas de trabajar con Robbie. Desde que sacó aquel genial Rock DJ me interesé por su carrera y por su forma de cantar, por ese estilo que tiene de superestrella y de crooner actual. Nos conocimos en una gala de premios en Los Ángeles y ahí hablamos de colaborar en algo, y todo eso derivó en este tema. En cuanto a la colaboración fue todo cara a cara. Me gusta reunirme con el artista en el estudio para poder compartir con él la energía de la creación del tema. No entiendo eso de colaborar en la distancia.

del año 2000. Su intención era saber si a esas alturas ya éramos mitad robots. Esta es nuestra respuesta a esa cuestión en forma de canciones”. Unas composiciones por las que se filtra un presente dibujado por su propio inventario de leyendas. “Hoy en día nos engañan con otras narrativas fantásticas para convencernos por ejemplo de que hay que ir a la guerra, o meterse en una hipoteca, o dar tus huellas dactilares a una red social”. Para acompañar a esta ristra de “animales” y fábulas nada mejor que aplicar esa fórmula tan personal e identificativa –apasionante batidora de psicodelia, post-punk o garage– que ha labrado la formación vasca-argentina, ecuación en la que interviene la necesidad de no estancarse en los mismos registros. “En lo sonoro, buscarnos constantemente es algo que nos mantiene alerta. Para no repetirnos teníamos que dejar muchas puertas abiertas. En este trabajo hemos utilizado aparatos y técnicas en las guitarras que nunca habíamos usado antes. También en el tratamiento de la batería y las voces”. Novedades técnicas que se suman a ciertos ritmos de origen arabesco que se cuelan en determinadas piezas, ingrediente imbricado en el enfoque global. ”Eso que suena es nuestra manera, en 2019, de explicar que las ideas y formas que rodean a Bestiarium tienen un carácter ancestral, que nos acompañan a todos como individuos. Es algo premeditado. Queríamos dar

—MS

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TAN. cerca RRCrystal Fighters se suman al Sonorama Ribera como cabezas de cartel, aunque no es lo único anunciado por el festival recientemente: Tequila, en plena gira de despedida, Second, Carolina Durante, Fuel Fandango, Los Vinagres, Mucho y Vancouvers también han confirmado su participación en el festival que tendrá lugar del 7 al 11 de agosto en Aranda de Duero.

a entender con algunas melodías y sonidos que, de alguna manera, seguimos conectados con esa humanidad primitiva, con sus miedos y deseos”. Destaca entre esos diferentes temas que completan el álbum la versión de The Lords Of The New Church, Russian Roulette, elección perfecta, de ejecución fiel y sobresaliente. “Siendo una canción del siglo XX nos parecía que encajaba muy bien aquí por la presencia de la guerra, la locura y las pantallas. En la actualidad vivimos ese futuro distópico que ellos ya imaginaban en los ochenta”. Reflexiones que completan y definen otra estupenda grabación presentada por una banda

Bestiarium

Gaztelupeko Hotsak/Dynamo Tapes, 19

que hace más de veinte años se instaló y conquistó una escena, la vasca, que siguen revolucionando: “Cruzamos, rompimos y abrimos bastantes fronteras, algunas físicas y muchas culturales y mentales. Para muchos grupos mas jóvenes somos una referencia de algo, de cómo hacer las cosas, de posibilidades ilimitadas. Y todo esto sin estar en ninguna compañía multinacional o del lado oscuro de la industria”. —kepa arbizu

r Más en www.mondosonoro.com

RRLa Polla Records vuelven a la carga con un nuevo disco para el 10 de mayo, titulado Ni descanso, ni paz!, y fechas en grandes recintos de Valencia (21 septiembre, Plaza de Toros), Madrid (12 octubre, WiZink Center), Bilbao (19 octubre, BEC) y Barcelona (26 octubre, Palau Sant Jordi), con El Drogas como telonero. RREl Doctor Music Festival sigue engrosando su variado cartel. La última tanda de confirmaciones apuesta por las guitarras, con nombres como Behemoth, referencia fundamental del blackened death metal, Berri Txarrak, en su gira de despedida, Anathema o los míticos Hawkind, que celebran su cincuenta aniversario. Apunten: 11, 12, 13 y 14 de julio en Escalarre (Lleida). RRNo nos vamos a regodear demasiado, pero MondoSonoro se ha llevado el premio a Mejor Medio Colaborador en los Iberian Festival Awards por tercer año consecutivo. De entre los demás ganadores, el Bilbao BBK Live se ha llevado el de Mejor Gran Festival, el Resurrection Fest Estrella Galicia el de Mejor Cartel y el O Son Do Camiño el de Mejor Nuevo Festival. RRHablando del O Son Do Camiño, su segunda edición va camino de romper aún más récords que la primera: abonos agotados a la hora de salir a la venta, las entradas para el sábado también finiquitadas y las de jueves y viernes a punto (cuando leáis esto probablemente lo estén). El festival se celebra del 13 al 16 de junio en Santiago de Compostela y está encabezado por Black Eyed Peas, Iggy Pop, David Guetta, Die Antwoord y Rosalía. RRCarolina Durante, protagonistas de la portada de nuestro número de marzo, han lanzado por fin el primer single de su álbum debut. Se titula Joder, no sé y apunta a convertirse en un nuevo minihimno para el grupo madrileño, que encara una gira de festivales gigantesca este verano.—MS

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abril 2019 #9

FOTO: ARCHIVO

WALA. WALA.

“Sí, Sid Vicious era la estrella de Sex Pistols para los jodidos y falsos gilipollas como tú. Disfruta de tus drogas y ten una jodida muerte feliz” John Lydon, dirigiéndose a Marky Ramone, en la presentación de la serie documental Punk

“Deja de decir que no hay buena música y búscala. Ve a ver música en vivo, ve temprano y ve a los teloneros. Compra el merchandising de las bandas que te gusten. Habla a tus amigos sobre ellos” Nikki Hill, en Ruta 66

“Dejé de querer ser una estrella del rock a los veintiocho. Ahora tengo una cara y un cuerpo más de humorista” Ricky Gervais, sobre su carrera en el pop con Seona Dancing , en NME

“Soy una gran fan de las películas de terror, particularmente de Viernes 13. Es uno de los pocos géneros que se ha permitido aportar técnicas abstractas experimentales al mainstream” Weyes Blood, en Pitchfork

al “ No hay que sentirse m ” por creerse el mejor

Cupido Un sueño Disney Como en las mejores películas de la empresa americana, todo tiene final feliz para el supergrupo ‘post-trap’ formado por Solo Astra y Pimp Flaco. El mismísimo Walt, creador de Mickey, los ficharía: Préstame un sentimiento (Hermanx/Universal, 19) es un dulce para todos los públicos, preparado para triunfar.

banda hará en un futuro cercano. El culmen es la vaporosa Telepatía. “Creo que en el disco hay miel para repartir”, asesta Luichi Boy (guitarra), que recibe el beneplácito de Dannel (batería), Al García (bajo) y Pimp Flaco (voz), resto de miembros de Cupido. Es la escritora y activista feminista Brigitte Vasallo la que define la construcción sin perspectiva de género del amor como “Disney”. Según ella, este está cruzado por múltiples violencias. Préstame un sentimiento es un alegato –casi– monotema al amor romántico. Sólo la conclusiva Autoestima abre la puerta hacia otros horizontes Cupido, el supergrupo post-trap forma(amor propio). ¿Ampliará la paleta discursiva do por Solo Astra y Pimp Flaco, se ha pasado Pimp Flaco en próximas entregas? “En el disco ya por el forro las reglas de la narratividad. No hay temas que no son el clásico ‘te quiero cariño’. han transitado intro, nudo... Se han plantado Hay, como decías, una dedicada al amor a uno directamente en el desenlace. Y este tenía final mismo. No hay que sentirse mal por creerse el feliz: la carrera del quinteto ha sido meteórica, mejor. Si todos nos creyéramos los más guapos un auténtico sueño, desde que publicaran el la depresión no existiría. Por ahí ya creo que hay bombazo No sabes mentir. No les ha hecho falta algo distinto. No veo a Alejandro Sanz diciendo más historia. Un puro cuento de hadas (musical). eso en la radio”. Tras un bolo notable en el pasado Primavera La autopista hacia el éxito ha venido de la Club, hace unos días llegaba Préstame un senmano de la factoría Primavera Sound, que les timiento. El largo cumple con la mayoría de hizo un hueco –aprovechado con tino por la banpremisas de una buena peli Disney: producto da– en la programación de su festival de invierno –melodías– accesibles, para todos los públicos y con tan sólo un tema en el mercado. ¿Significa como leit motiv, claro, el amor. Bien romántico. eso que se volverán dóciles ante El tito Walt estaría encantado la industria o publicarán con con ellos. El lanzamiento, que la misma anarquía con la que cuenta con ocho temas, dispara Pimp Flaco se aplica tinta en el al blanco desde el principio. El cuerpo? “Puede que soltemos álbum, que en el título homel Pontevedra 12 de abril. algún tema… Puede. Siempre najea la frase que puede leerse Sala Karma l A Coruña 13 de estamos probando cosas”, conen el cassette que el padre de abril. Sala Bunker l Madrid cluye el cantante. “Y colabos Milhouse, personaje que da 9 de mayo. El Sol l Zaragoza también habrá. Ya hay rumores. nombre a uno de los temas, tira 11 de mayo. Museo Pablo Serrano Justin Bieber está sonando”. por la ventana en uno de los l Granada 30 de mayo. Quién sabe. Con Cupido, el suecapítulos de Los Simpsons (89), Sala Planta Baja l Sevilla 31 de ño sigue y Walt vive (hasta que transita por aguas seguras: pop mayo. Sala X Flaco quiera). —yeray s. iborra ochentero redondo, de teclados holgados y algo de autotune. También estarán en Primavera r Solo hacia el final el disco se Sound, Bilbao BBK Live, FIB, vuelve más colorido y diverso. Más en www.mondosonoro.com Polifonik Sound y Prestoso Fest. Tal vez muestra de lo que la

conciertoS

“La verdad es que no tengo ni idea de cómo se ha recibido el disco. He estado tan ocupado que no he prestado atención a lo que decía la crítica o el público en Internet” Slash, en Rockzone

#10 abril 2019

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18 · 19 · 20 · 21 JULIO

KINGS OF LEON LANA DEL REY FATBOY SLIM VETUSTA MORLA

ÚNICA FECHA EN ESPAÑA

INTERPRETANDO “UN DÍA EN EL MUNDO”

THE 1975 · FRANZ FERDINAND GEORGE EZRA · JESS GLYNNE KODALINE

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Cuatro años después del notable Born In The Echoes (EMI, 15), Tom Rowlands y Ed Simons confirman su segunda juventud con No Geography (EMI, 19), un disco que propone un retorno a sus orígenes y que funciona como un alegato festivo contra el Brexit y la Europa de la crisis de los refugiados. Lo presentarán en Mad Cool, NOS Alive y Doctor Music Festival.

stoy en mi estudio, que está cerca de Brighton”, comenta un animado y simpático Tom Rowlands desde el otro lado de la línea telefónica. El músico británico nos atiende para hablar de No Geography, un disco que presenta un claro retorno al sonido primigenio de The Chemical Brothers: el ramalazo rave, el acid house peleón o el proto-rap de Sugarhill Records. “Es verdad que tiene un sonido que está conectado con nuestros primeros discos, sobre todo con Exit Planet Dust (95) y Dig Your Own Hole (97). No fue algo consciente, pero mientras lo estábamos haciendo sí que nos dimos cuenta de que tenía ese espíritu. Unas veces haces un álbum con la intención de meter todo lo que está en tu cabeza y otras te dejas llevar por el instinto y aparecen cosas que no esperabas”, explica Rowlands, que, acto seguido, profundiza en el porqué de ese regreso a los orígenes. “Una de las cosas que conecta No Geography con nuestros primeros álbumes es la manera en la que está hecho. Estos últimos tres años no hemos parado de tocar en directo, y lo que hemos estado haciendo es ir a festivales el fin de semana y luego volver al estudio para grabar las canciones nuevas. Eso es algo que no hacíamos desde los tiempos de Exit Planet Dust y Dig Your Own Hole. En esa época podíamos tocar en directo una versión acabada de It Doesn’t Matter que luego en el estudio casi no teníamos que pulir. Ahora bien, eso ha cambiado un poco en No Geography. Hemos llevado a nuestros conciertos canciones como Free Yourself, Got To Keep On o MAH sin estar terminadas y han ido variando tras sentir y ver la reacción de nuestros fans. Creo que eso le ha dado mucha frescura al disco. Como músico es un proceso muy interesante: no estás creando los temas en tu pequeño mundo, sino que compartes la creación con un montón de personas”. Una de las cosas que consigue recapturar el noveno trabajo del tándem formado por Rowlands y Simons es la energía punk rock de sus ini-

cios. Rowlands se viene arriba cuando se lo comento. “¡Sí, tiene algo de salvaje, un rollo de no preocuparse por que las cosas no estén bien! A veces los músicos se obsesionan porque sus discos tengan un significado y sean racionales. A mí me gusta lo contrario, que haya misterio, que la gente se pregunte de qué va esa canción, qué hay detrás de ella… En este álbum, por ejemplo, hay varias referencias a la cultura japonesa, pero no se trata de un mensaje oculto, es simplemente porque nos gusta. Pienso que cuando adquieres un nivel alto como músico a veces pierdes la espontaneidad y el instinto. En No Geography hemos intentado capturar a los The Chemical Brothers más instintivos”. Rowlands irradia una energía y una euforia contagiosas durante toda la entrevista. Es más, confiesa que aún se lo pasa en grande toqueteando su cacharrería electrónica. “La música aun me emociona, es un sentimiento de alegría. Estar en el estudio o encima de un escenario y combinar una buena línea de bajo con un beat potente es un placer simple que aún me pone los pelos de punta”, afirma tras soltar un sonoro “¡uuuuooooh!” al otro lado del teléfono. “Otra sensación que me sigue emocionando es la de entrar al estudio y no saber lo que va a pasar. Como decía antes, cuando eres un músico experimentado necesitas perderte un poco para encontrar nuevas formas de enamorarte del oficio”. El año pasado, Orbital, compañeros de la quinta electrónica de The Chemical Brothers, decidieron volverse a juntar para entregar un disco, Monsters Exist (18), muy crítico con el Brexit y las tinieblas del mundo actual. No Geography no es tan explícito en ese

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The Chemical Brothers Segunda juventud

sentido, pero a su manera también da un puntapié a la Europafobia de Theresa May y Nigel Farage. “Las cosas que han pasado en el Reino Unido y en el resto del mundo mientras hemos estado grabando este disco, de 2015 hasta ahora, han tenido un impacto fuerte en nosotros. No somos una banda que hable de política de manera directa, pero toda la frustración y la caída al vacío que nos produce lo que está haciendo nuestro país ha acabado apareciendo de alguna manera en No Geography... No entiendo lo del Brexit y por qué ha pasado, creo que abandonar la Unión Europea no es la solución para que la gente deje de estar enfadada, no hará mejores sus vidas. Es una tragedia. La confianza, la colaboración, conocer y trabajar con gente de diferentes lugares y estar abierto a otras ideas y culturas es el corazón de lo que hacemos y de lo que somos”. El título de la canción que da nombre al disco es toda una declaración de principios. Un himno techno apátrida y solidario que resuena con fuerza en la Europa vergonzante de la crisis de los refugiados. “La letra de No Geography está inspirada en un poema de Michael Brownstein. El poema trata sobre la relación de dos personas que, a pesar de estar separadas geográficamente, mantienen una conexión fuerte entre ellos. Nosotros hemos querido llevar eso a una escala mundial. A pesar de las divisiones que nos quieren imponer y que pretenden separarnos, la esencia de nuestra música y de lo que hacemos es que la gente se una. Queremos celebrar el poder de la experiencia colectiva”. —xavi sánchez pons

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“El disco tiene algo de salvaje, un rollo de no s preocuparse porque la ” en cosas no estén bi

FOTO: HARA AMORÓS

MONDO FREAKO

abril 2019 #13

“

FOTO: ADRIÀ CAÑAMERAS

FOTO: ARCHIVO

Amparito ¡Más rápido!

Acérquense a Amparito, son ideales para descontracturarse. Una especie de terapia compartida, un soplo de aire fresco para ávidos del pop supervitaminado y del punk menos convencional. Clara oscuridad (Mont Ventoux, 19) es su primer álbum.

ecidimos que queríamos hacer algo que no fuera solo tomar cañas, o que las cañas tuviesen antes o después ese algo. Un ocio común”, recuerda Olalla, guitarra y voz de la banda y la única con preparación musical antes de meterse en este lío. Cierta inconsciencia ha sido ideal para el gupo que completan Marta (bajo), Bea (batería) y Vanesa (guitarra), quienes se lanzaron a aprender sobre la marcha sin seguir ningún esquema preestablecido. Así, su primer disco sigue sin ayudarnos a clasificarlas, afortunadamente. “El disco se llama Clara oscuridad porque es lo que somos todas las personas y sobre todo el grupo. Tenemos esa vertiente pop supuestamente alegre por lo menos en las melodías, que contrasta con unas letras que hablan de miserias cotidianas. ¿Es pop? ¿es punk? Va por ahí. Nada, y menos ahora, es solo una cosa”. En su momento, la convocatoria para el cuarto volumen del recopilatorio Hits With Tits (17) les terminaba de poner las pilas, decidiendo registrar sus primeros temas (“fue el paso a partir del cual ya nos consideramos un grupo”) y pronto empezaron a entrar en los festivales a los que un año atrás acudían como público. Afianzado el suficiente repertorio tocaba ir a por el disco, y para ello recurrirían a todo un clásico: Paco Loco. “Al ser primerizas, Paco nos ayudó a estar cómodas y es increíble la psicología de este hombre. Con lo que más nos quedamos es que allí estás en tu casa”. Con él a los mandos de poco valieron los deseos de perfeccionar un sonido sin razón aparente. “Entendió lo que somos”, asegura Marta, dueña del bajo. “Paco luchó mucho para que no perdiésemos eso. ‘No queráis ser como el resto, lo que tenéis, potenciadlo’. Y esa frase nos la decía cada día”. Así, la banda se reafirmaba en sus señas de identidad, como defiende Olalla. “Probablemente sonemos un poco destartaladas, pero es la esencia que tenemos”. —bruno corrales

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#14 abril 2019

ar "Somos muy de trabaj uir visualmente, de perseg una imagen"

Oso Leone Las caras del amor Un lustro de espera ha sido necesario para llegar hasta Gallery Love (Apollo Records, 19), tercer álbum de la banda mallorquina Oso Leone y primero al amparo de un sello internacional. Máxima expectación para un disco calmado y de paisajes muy personales.

e han hecho de rogar, porque son cinco los años que han pasado desde la última entrega de los mallorquines. Y lo cierto es que lo justifican con un nuevo álbum que se desmarca de lo que habían hecho antes. Gallery Love es el nombre de su tercer álbum. Su vocalista y compositor principal, Xavi Marín, nos explica el porqué de tan larga espera. “No hemos estado cinco años produciendo el álbum. Empezamos a montar nuestro estudio a finales del 2015. Al principio dedicamos mucho tiempo a familiarizarnos con éste y el material del que disponíamos, no había un rumbo, simplemente la imagen del álbum fue apareciendo. Todo el material salió in situ, teníamos muchas demos antes de empezar la producción pero las dejamos atrás, así que realmente han sido dos años de grabación y producción, y por un sinfín de motivos el álbum ha estado un año y medio en una carpeta”. El resultado redunda en una nueva vuelta de tuerca. La tercera ya en una banda que las cuenta por discos: comenzó practicando un folk sui generis que les granjeó comparaciones con Cuchillo, luego se escoró al post rock y ahora se muestra más cerca que nunca de lo sintético, del soul digital, del r’n’b o del jazz. ¿Necesidad de cambio constante? “Yo creo que tiene que ver con el hecho de que somos de una isla, y esa identidad es como más líquida, nos sentimos libres en ese sentido”, defiende acerca de una insularidad que, reconoce, siempre les

ha afectado, como a muchas otras bandas baleares: “Supongo que ese imaginario está ahí, es lo que nos rodea. De hecho en el álbum hay mucho paisaje sonoro de los alrededores de la casa donde estuvimos viviendo y produciendo”. Eso sí, si tratan ustedes de buscar algún paralelismo obvio con bandas como Rhye o solistas como James Blake –más que razonables a poco que uno atienda a su nueva entrega– se darán de bruces con la sensación de pinchar en hueso. Marín no les reconoce como una influencia. Señala el recopilatorio Good God! Apocryphal Hymns (13), del sello Numero Group (con grupos como Spiritual Harmonizers, Religious Souls o Supreme Jubilees; sus nombres lo dicen todo), como algo “bastante revelador e inspirador”. Quizá también de ahí provenga esa voz en falsete, explorando un registro inédito. “Es algo del proceso vocal en el que estaba en ese momento y creo que también tiene que ver con el estado de intimidad en el que grababa, porque la mayoría de veces estaba solo en el estudio, casi siempre de noche, y con tanto silencio en el exterior que se podía sentir en la sala”. En definitiva, una de las nuevas señas de identidad de una banda que, primando siempre lo estético, siempre ha sido “muy de trabajar visualmente, de perseguir una imagen, antes de que las palabras lleguen”. Música entendida, en sus propias palabras, “como un viaje”. —carlos pérez de ziriza

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LA CASA AZUL FOTO: ARCHIVO

TWO DOOR CINEMA CLUB FOTO: archivo

MONDO FREAKO

Los Discos de mi Vida Bill Kelliher (Mastodon)

El festival tendrá lugar del 18 al 20 de abril y ofrecerá en esta sexta edición acceso gratuito a su Beach Club a todo aquel que tenga abono. En este nuevo espacio extra se podrá disfrutar durante el día de música en directo de varios de los artistas del cartel y sesiones muy especiales de Dj’s. Su programación contará con las actuaciones de Ramon Mirabet o Chiki Lora y las sesiones a cargo de Guille Milkiway (La Casa Azul) y miembros de Love Of Lesbian (Two Lesbianos DJs), entre otros. El Beach Club estará en la Playa del Pinar. Para llegar a la zona se habilitará un servicio de lanzadera. —MS www.sansanfestival.com

BAD GYAL FOTO: ARCHIVO

Aprovechamos el reciente paso de Mastodon por nuestro país para conversar con su guitarrista Bill Kelliher en el backstage de la barcelonesa sala Razzmatazz y descubrir algunos discos que han marcado su vida. Una selección que resume bastante bien el eclecticismo de los de Atlanta.

Un disco muy importante en la historia del metal que no te guste… Megadeth

Rust In Peace (1990)

Nunca me han gustado Megadeth, por ejemplo, su clásico Rust In Peace. Nunca he podido. Siempre he estado más metido en Metallica. No querría dar un disgusto a Dave Mustaine, pero...

Un disco que descubriste por tus padres... The Beatles

Un disco que nadie imaginaría que te gusta mucho...

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967)

Weezer

Es un gran disco, una especie de álbum conceptual. También hicieron una película protagonizada por The Bee Gees y Aerosmith, entre otros. No sé si es mi disco favorito de ellos, pero supuso mi puerta de entrada a su música.

Me gustan mucho Weezer. En especial, The Blue Album. También me gustan mucho Pinkerton (96) y The Green Album (01), que también es muy pop, pero me quedo con el primero.

The Blue Album (1994)

Villa de Bilbao

Cranc Illa de Menorca Festival Los días 10 y 11 de mayo se celebrará en Cala Figuera de Maó la tercera edición del festival Cranc Illa de Menorca. Los dos últimos nombres en sumarse al cartel son los psicodélicos británicos Temples y la artista catalana de urban Bad Gyal. Ambos se suman a otros confirmados previamente como Carolina Durante, Los Nastys, Australian Blonde, Soledad Vélez, Zahara, Sunflowers, La Estrella de David, Miqui Puig y diversos DJ’s. Para completar el cartel, actuará una banda secreta de primer nivel que no se dará a conocer hasta el inicio de su actuación, una tendencia cada vez más habitual dentro del circuito de festivales. —MS www.crancfestival.com #16 abril 2019

Tras sumar sus últimos nombres, el Warm Up Estrella de Levante de Murcia ha anunciado su cartel por días. El viernes 3 de mayo está encabezado por Two Door Cinema Club y The Jesus And Mary Chain. Otros nombres de la primera jornada son Amaia, 2manyDj’s, Roosevelt, Miss Caffeina, Zahara, Javiera Mena, Carolina Durante, Delaporte, Red Axes o beGun. Por lo que respecta a la segunda jornada, la del 4 de mayo, están confirmados Noel Gallagher’s High Flying Birds y Vetusta Morla. A ellos les seguirán otros artistas como Tiga, Teenage Fanclub, La Casa Azul, Second, La M.O.D.A, Novedades Carminha, The Molochs, Cariño, Putochinomaricón, Catnapp, Baiuca, Axolotes Mexicanos, Sau Poler y un largo etcétera. —MS www.warmupfestival.es

satellite FOTO: archivo

El SanSan presenta Beach Club

Warm Up Estrella de Levante

Si tuvieras que explicar con un disco qué es el metal...

¿Cuál dirías que es el disco más importante de tu vida?

¿Qué disco te gustaría que sonara en tu funeral?

S.O.D.

Dead Kennedys

Slayer

Escucharlo me cambió totalmente la vida. Por aquel entonces escuchaba lo que ponían en la radio: Van Halen, Boston, Led Zeppelin, AC/DC y poca cosa más. Hasta que un amigo me puso esa cinta de Dead Kennedys.

Reign In Blood. El disco entero (sonríe). Slayer nunca fallan y este disco es una verdadera obra maestra que siempre me acompañará. —MS

Speak English Or Die (1985)

Mmmmm… Es metal del bueno. Podría parecer una especie de chiste, pero al mismo tiempo tienen unos riffs metálicos jodidamente buenos. Sí, sería bastante representativo.

Frankenchrist (1985)

Reign In Blood (1986)

Nueva edición del concurso decano en nuestro país por lo que respecta a música independiente y alternativa, léase el Villa de Bilbao, y van ya nada menos que treinta y una. Las secciones continúan siendo Pop Rock, Metal y, por segundo año consecutivo, Urban, que incluye los nuevos sonidos urbanos y los anteriormente seleccionados como Electrónica & Otras Tendencias. El plazo de inscripción se abre el 1 de abril y se extenderá hasta el 5 de mayo. Por otro lado, cabe recordar que cada categoría tiene –además de premios como cursos, talleres, conciertos, grabación de clips, etcétera– premios económicos: 4.000 euros para el ganador o 1.000 para el tercer clasificado. —MS www.bilbao.eus/bilborock

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Música electrónica y otras artes. Edición II Campus de la UCM - Madrid, 14 y 15 de junio 2019

VIERNES Bob Moses | club set, Cerrone | live set, CHVRCHES, Jacques Greene, John Talabot, Kampire, KiNK, Maribou State, Mula, Nicola Cruz, Orpheu The Wizard, Polo & Pan, Raphaël Top-Secret, Ross From Friends | live, Solomun, Young Marco SÁBADO Antal, Carista, Channel Tres, Charlotte Gainsbourg, Kalabrese | DJ set, Laurent Garnier, Mano Le Tough, Max Abysmal, Millos Kaiser, Motor City Drum Ensemble, Mount Kimbie, North State, Or:la, Pional, Rhye, Superorganism continuará...

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04.07

HOT CHIP · JOSÉ GONZÁLEZ SLEAFORD MODS · FAT WHITE FAMILY · THE 2 BEARS EL MATO A UN POLICÍA MOTORIZADO · JULIA JACKLIN EL PETIT DE CAL ERIL · PAU VALLVÉ · ALONDRA BENTLEY · DERBY MOTORETA’S BURRITO KACHIMBA CALA VENTO · INVISIBLE HARVEY · ARIES · RAMON CASTELLS · KIDS FROM MARS · ESPALDAMACETA BINAURAL DJ · JAZZ CAVA DJS · MACHINDA DJS · MIGHTY & PETITE MUTUAL FANS DJS · CULT OF ZANZIBAR

05.07

BEIRUT · SHARON VAN ETTEN KEVIN MORBY SOLO SHOW · TODD TERJE DJ

SET

· TEMPLES· SUPERCHUNK

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MADNESS· THE CHARLATANS POLO & PAN · GUS DAPPERTON · NACHO VEGAS · MEUTE CAROLINA DURANTE· STELLA DONNELLY· MOLLY BURCH FERRAN PALAU · MIQUI PUIG & ACP · CARIÑO · SOLEDAD VÉLEZ · BRONQUIO FINO OYONARTE · QUENTIN GAS & LOS ZÍNGAROS · EOTR DJS · ORTIGA · LAVA FIZZ · NYANDÚ ALEC SUN · BILBADINO · GERMÀ GRAN DJ · HIDDEN DJS · JOAN S.LUNA PIN&PON · TALI CARRETO

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“ FOTO: XEVI ABRIL

kalao “Nosotros somos de ba nk, porque venimos del puo” y el punk es el bakala

Fangoria Historias de amor (a la música)

quiere decir y nos divierte jugar con esto, pero es verdad que en la música que a mí me gusta, que es bakalaera y con ventilador, tiene que haber subidón”. Y es que ahí ha estado Guille Milkyway pilotando la nave, tratando de llevarla hacia el reggaeton y trasladando Es de bien nacidos ser agradecidos, y su fantasía de que Fangoria hagan un día un disco de Fangoria lo son. Celebran sus primeros 30 trap oscuro. (Nacho) “Guille ha intentado sacarnos años de carrera con Extrapolaciones y un poco de lo nuestro. Nosotros somos de 140 bpm’s y dos preguntas (Sony, 19), la primera parte bakalao, y él nos hace entender que la música en 2019, de un homenaje que hacen con versiones en el techno, en la música de baile que nosotros hacemos y nos gusta, los bpm’s se han reducido. Ahora es de artistas que han sentido cercanos más elegante, ya no es pumba-pumba, pero nosotros durante todo este tiempo. tenemos esa tendencia porque venimos del punk, y el punk es el bakalao”. Las canciones propias y no las versiones see OBK a Los Planetas, o de The Killer rán los singles. (Alaska) “Me parecía muy feo hacer un Barbies a Ku Minerva; en el nuevo álbum de disco de versiones porque: ¿Cuál es entonces el single? Fangoria se reúnen versiones de canciones ¿Por qué vas a elegir a Corcobado antes que a OBK, publicadas entre 1989 y 2000, más dos temas o a OBK antes que a Carlos Berlanga para que sea un propios grabados por Guille Milkyway durante 2018, single de tu disco?”. En todo caso, estas versiones proun poco al modo de David Bowie en Pin Ups (73), porcionan una ocasión para que un público más joven apunta el dúo. Este primer volumen abarca desde 1989 pueda acercarse al universo de Alpino o Family, pero a 2000 con versiones ordenadas cronológicamente y siempre desde la óptica clásica de Fangoria. (Nacho) adaptadas al sonido de Fangoria, además de incluir “Nuestra labor no es acercarnos al público joven. Tú las propias ¿Quién te has creído que soy? y ¿De qué me no le puedes pedir a Nick Cave, con lo que es ese señor, culpas?, que se ha entendido como una reacción a los que haga un disco que acerque sus sonidos al público ofendidos de Internet. Nacho Canut aclara: “También joven de Ariana Grande, no sabría nos han dicho que era por lo de Ni un lo que estás diciendo, pero tampoco paso atrás. No daré ni un paso atrás, Bob Dylan. Nosotros ya estamos a ese que es ahora lo que han dicho unas nivel. Yo tengo la edad de Nick Cave, pancartas. Cada persona lo ve según entonces, que a mí me digan que me lo que haya en su cabeza”. Y añade: acerque... ¡Acércate tú si te interesa! “La opinión está sobrevalorada”. l Madrid 13 de abril. WiZink Y si no, yo ya estoy muy bien donde Además tampoco hay subidón en la Center l Barcelona 27 de estoy”. —jorge obón canción. (Alaska) “Luchamos mucho abril. Festival Mil-Lenni. Sant con Guille por eso. Yo, si las cosas no Jordi Club l Alicante 24-25 r explotan me quedo a medias, como de mayo. Spring Festival que no me he corrido, directamente. Más en www.mondosonoro.com l Sevilla 24-25 de mayo. Yo necesito el ventilador y que de Interestelar. CAAC l Valencia repente aquello explote; la música 07-08 de junio. Festival de Les que nos gusta hoy en día no explota Arts. CAC l Tudela 14-15 de nunca. Es más, el subidón está en la junio. Ribera Sound estrofa y no en los estribillos. Son wl Burriana 30 de julio-4 de cosas técnicas pero son así. Entenagosto. Arenal Sound demos perfectamente lo que Guille

en concierto

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abril 2019 #19

VILLA DE

EDIZIOA / EDICIÃ&#x201C;N

BILBAO CONCURSO POP-ROCK LEHIAKETA

INSCRIPCIONES DEL 1 DE ABRIL AL 5 DE MAYO

POP ROCK

METAL

URBAN

www.bilbaogazte.bilbao.eus / 94 415 13 06 / bilborock@bilbao.eus

Falta de ambición

omo estos días andamos de celebraciones, parece casi obligado realizar cierto ejercicio de nostalgia y acordarse de lo que han supuesto estos veinticinco años de evolución de la revista, pero al mismo tiempo uno no puede evitar hacer cierto análisis de cómo ha evolucionado y qué problemas tiene la escena independiente de este país. Uno de ellos, pues son varios y diversos, siempre me ha parecido que tenía mucho que ver con la falta de ambición de buena parte de los responsables de las bandas y de los propios grupos en sí mismos. Y es que esa palabra, ambición, ha resonado en nuestras consciencias con una evidente carga negativa que parece reñida con otro de esos conceptos que van tan ligados a la escena indie: la autenticidad. Sin embargo, a mí siempre me ha parecido que había bastante hipocresía en eso de situar el discurso artístico por encima del resto de consideraciones en especial las económicas. Es la misma actitud algo cínica del que puede permitirse ser auténtico porque tiene las espaldas bien cubiertas por el dinero de papá. Y no, no voy a descubrir ahora la sopa de ajo si afirmo que una parte nada desdeñable del entramado de sellos discográficos independientes de este país están gestionados por pequeños equipos que pueden darse el lujo de no mirar su cuenta de resultados. Y lo mismo sucede con una gran cantidad de músicos que pueden pasear su pedigrí artístico, porque no les va a faltar nunca el plato de sopa sobre una mesa de lujo. Lo malo de todo este asunto, y por eso empezaba el artículo afirmando que era un problema, es que eso ha afectado de forma directa al crecimiento de una escena que, salvo contadas excepciones que copan con insistencia los grandes festivales, ha quedado condenada a ser algo más bien nimio, eso sí, la hostia de auténtica. Por eso cuando uno observa el otro polo de la escena y analiza el rápido crecimiento que han tenido la escena mestiza, el rap o la música urbana, se da cuenta que, no por casualidad, surge y parte de un planteamiento distinto a la par que contrario. Aquí lo auténtico no está reñido con el hecho de crecer y mejorar tus condiciones, no solo de vida, sino también las asociadas con ofrecer un show mejor y más grande. No puede ser casualidad que esta escena surja del extrarradio más humilde para conquistar el centro. Ni tampoco es baladí que esté compuesta por millenials con menos complejos éticos e ideológicos a la hora de hablar de pasta. Y es que en el fondo siempre ha resultado más sencillo ser el más puro entre lo puros si nunca has pasado por ningún tipo de penuria. Yo por mi parte veo la irrupción de esta nueva forma de encarar el negocio de la música como un soplo huracanado de aire fresco que ya está provocando un evidente cambio de paradigma. Hay que celebrarlo. —don disturbios

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LA MÍA

“Queremos llegar a más e público y queremos que” más gente nos escuch

Barbott Chicos de ahora Paso a paso, los barceloneses Barbott han ido puliendo y perfilando una propuesta que, tras los EP’s Margarita (13) y Games For Two (14) y el álbum Curves (16), alcanza una nueva meta llamada Projections (La Cúpula, 19), que les servirá de trampolín para subir en el escalafón de los artistas de aquí y de ahora.

arbott están nerviosos. Hablo con ellos pocos días antes de publicar Projections, un disco que refleja y explica cambios vitales y vivencias personales, y en el que han trabajado muy duro para conseguir el cambio de sonido deseado, así que tienen las expectativas muy altas. “Son nervios de ilusión”, puntualiza Guillem, el cantante y compositor. Y no es para menos. Aunque sus principales referentes son grupos de rock alternativo (citan a Tame Impala, Jamie XX o Marc DeMarco), también les gusta mucho la electrónica, así que “el objetivo al escribir estas canciones era trabajar en la intersección de estos dos géneros y dar nuestra interpretación de la electrónica”. Para poder conseguirlo se buscaron un productor que les ayudase a explorar esta nueva faceta, y encontraron dispuesto a Víctor Cabezuelo (Rufus T. Firefly, Mucho), con el que han trabajado encantados. Además de guiarles en esta inmersión en el mundo de la electrónica, consiguió “sacar muchos pequeños detalles del álbum que quizás nosotros no hubiésemos pensado y que ha hecho que nos quede mucho más redondo”, explica Josep, batería. El resultado es un disco bastante distinto a lo que habían hecho hasta ahora, con muchos sintetizadores y un aura mística y sensual exportada del dream pop de Beach House, que ellos mismos referencian. Otra cosa de la que están muy orgullosos es de haber incluido cancio-

nes en castellano, cosa que no habían hecho hasta el momento. Para ellos ha sido “divertido y agradable” hacer este cambio. “Queremos llegar a más público y queremos que más gente nos escuche”. Para hacerlo, apostaron por mantener el inglés “porque es lo que hemos hecho siempre y es también la música con la que nos hemos criado”, pero sentían que habían llegado “a una madurez en el sentido de no tener ningún problema en cambiar al castellano”, así que incluyeron en el disco sus dos primeras canciones en español, Find Us y Dinero. Justamente fue Find Us uno de los primeros avances que dieron a conocer. Marc, guitarrista, reflexiona acerca de la respuesta del público a los primeros singles: “Hay muchas escuchas en Spotify, muchos blogs de música se han hecho eco de los nuevos singles, y en general creo que ha habido muy buena acogida”. Guillem lo corrobora: “Está muy bien”. Puesto que Guillem vive fuera de España y todo el proceso de composición se ha hecho de forma telemática (“ha sido una demostración del potencial de la tecnología del siglo XXI”, bromean), Projections tiene vocación internacional. En mayo, actuarán en el Festival Marvin, en CDMX, y más adelante les gustaría tocar en Japón, país en el que han publicado su material. No saben si tienen fanbase, pero “el objetivo es estar juntos y tocar, entonces cuanto más random sea lo que hacemos, mejor. Poder viajar a Japón y tocar y todo lo que implica esto es uno de los motivos por los que tocamos”. —laura cánovas

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abril 2019 #21

EN PORTADA

“Ahora decimos que no el podemos acabar con sistema pero habrá un momento en que sí podremos”

evin Rowland, líder de Dexys Midnight Runners y una de las mentes privilegiadas del pop británico de los ochenta, utilizaba la siguiente expresión para hablar de sus elepés favoritos: “Un disco que da fuerza, un disco en el que SER”. Esa frase serviría para describir el espíritu de los dos primeros trabajos de Cala Vento (chequeen en nuestra web las críticas firmadas por Joan S. Luna para corroborarlo), pero es ahora con Balanceo (álbum con el que estrenan sello propio, Montgrí, el nombre de una zona montañosa de l’Empordà) cuando el grupo catalán clava de forma total eso que decía Rowland. Es más, en un giro inesperado de guion digno de una película de M. Night Shyamalan, el tercer esfuerzo del dúo formado por Joan Delgado (batería y voz) y Aleix Turon (guitarra y voz) lleva a su terreno el pop exquisito y sofisticado de unos héroes coetáneos a los Dexys. Y es que Balanceo se atreve con arreglos de viento y melodías inspiradas en otro tótem inglés del pop: Paddy McAloon y sus Prefab Sprout. “Esas referencias al pop de los ochenta y a Prefab Sprout son conscientes”, comenta Joan mientras los tres charlamos en el Mecànic, un espacio dedicado a la fotografía situado en el corazón del barrio de Gràcia de Barcelona. Cala Vento descubrió el genio de McAloon gracias a Eric Fuentes, uno de los productores de confianza de los catalanes. De hecho, ese descubrimiento llegó con el timing perfecto, justo cuando Joan y Aleix querían pasar más tiempo en el estudio para componer #22 abril 2019

y grabar canciones más elaboradas. “Somos muy fans del funk y del groove clásico, y eso también está presente en algunos temas de Prefab Sprout, que a la vez es un grupo de pop, vamos, la perfección”, dice emocionado Joan. “No hemos intentados copiar sus canciones, pero si la idea de hacer algo más currado con más medios y tiempo. Los primeros discos los hicimos solo en cuatro días y tocando en directo, y para este hemos estado unos veinte días grabando los instrumentos y las voces por separado. Nos concentramos más de una semana en un estudio residencial de Motril para

en concierto l Benicàssim 18 abril, SanSan Festival l Madrid 24 mayo, Tomavistas l Sabadell 14 junio, Embassa’t l Barcelona 3 julio, Cruïlla l Vilanova i la Geltrú 4 julio, Vida Festival l Bilbao 11 julio, Bilbao BBK l Martos 2 agosto, Vértigo Estival l Miranda de Ebro 5 septiembre, Ebrovisión

centrarnos y nos llevamos con nosotros a Eric Fuentes y Santi García [productores de Balanceo] para que solo se focalizaran en nuestra grabación”, añade Aleix. Los nuevos Cala Vento no han perdido la fuerza bruta de sus inicios, pero han ganado en concreción y gancho pop. (Joan) “Tenemos dos vertientes, la primera es que nos gusta el pop y hacer canciones que nos emocionen a nosotros mismos. La segunda es la contundencia, la energía y la violencia, la fuerza en definitiva. Las canciones nos tienen que hacer sentir algo, sea rabia o alegría”. (Aleix) “El disco es una mezcla de espontaneidad y reflexión, y eso ha sido posible gracias a dos cosas que nos pasaron durante el proceso de creación: el consejo que nos dio Eric de escribir algunas canciones siguiendo el espíritu más espontáneo de Cala Vento (16) y Fruto Panorama (17), y la pequeña crisis que tuvimos antes de entrar a grabar Balanceo porque nos estábamos aburriendo de los temas nuevos. Lo que hicimos para superarla fue dejar de tocarlos durante un mes y luego volver a ellos. En algunos casos no nos acordamos de cómo eran y eso les dio una nueva vida”. (Joan) “En el momento en que nos aburrimos o nos sentimos mal es cuando nos preocupamos”. Dejando de lado el sonido, Balanceo también significa un avance a nivel poético. Las letras escritas por Aleix consiguen hablar

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Cala Vento. Pop afilado. Tras dos discos grabados a la velocidad de la luz, llenos de talento en bruto, el dúo de l’Empordà se descuelga con un tercer álbum más cuidado y depurado que abraza definitivamente el pop. En Balanceo (Montgrí, 19) se dan cita nuevas influencias y una lírica más abstracta y conceptual. Ahora bien, la euforia, la intensidad y la facilidad para facturar himnos de sus inicios siguen estando ahí.

EL APUNTE

—texto Xavi Sánchez Pons —fotografía David Maroto

Para los fans Cala Vento es uno de esos grupos que disfruta sobre el escenario. Gracias a ello, Lori Meyers les eligieron personalmente como grupo invitado en su concierto de veinte aniversario en el WiZink Center de Madrid. Pero ahora el dúo catalán ha decidido agradecer a los fans que siguen comprando sus discos. Lo hacen con una mini-gira de cinco conciertos gratuitos para las primeras personas que se hagan con una copia física del tercer álbum de los de l’Empordà en las tiendas FNAC (Triangle, Barcelona; San Agustín, Valencia; Callao, Madrid; Plaza de España, Zaragoza y Alameda de Urquijo, Bilbao). El aforo estará limitado en cada uno de los conciertos a 100 personas y las ciudades y salas son Barcelona (8 abril, Sala Meteoro), Valencia (9 abril, 16 Toneladas), Madrid (10 abril, Wurlitzer Ballroom), Zaragoza (11 abril, La Lata de Bombillas) y Bilbao (12 abril, La Ribera). —x.s.p.

de un montón de cosas (el hecho de estar en una banda, la situación política actual, la lucha contra los mercados y el sistema o las relaciones afectivas) sin caer en tópicos manidos y siempre con un ramalazo costumbrista. A veces todas esas temáticas se combinan en una misma canción. Solo ante el peligro (con la reveladora estrofa: “Lo que hemos hecho hasta ahora, lo podéis pasar por la trituradora, pero aquí seguirá para siempre, aunque os duela, aunque os joda”), La comunidad (un pildorazo power pop imbatible), Bienvenidos a la tierra (una reflexión lúcida sobre la dificultad de enfrentarse a la sociedad de consumo), Liquidación total (un guiño a Weezer en el que participa Lluís Galvalda de Els Pets. Aleix confiesa con devoción que se sabe de memoria toda la discografía del grupo de Constantí) o la honestidad que desprende Muerte por ambición, son buenos ejemplos de ese poder de síntesis. (Aleix) “El reto era incluir todo lo que ha pasado a nivel político y social en España estos últimos dos años, cosas que me atormentan por dentro, y combinarlo con nuestras vivencias personales. Escribir me aligera el tormento, y es algo que me gusta canalizar a través de Cala Vento. No queremos convertirnos en un grupo político de manera explícita, rollo Obrint Pas, sino serlo de manera elegante”. Una de las ideas que sobrevuelan Balanceo es “la presencia tan fuerte

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que los mercados tienen sobre la vida de la gente” y las renuncias que hay que hacer ante ellos para seguir con tu vida. “Ahora decimos que no podemos acabar con el sistema pero habrá un momento en que sí podremos, porque si no nos moriremos todos. Las canciones de Balanceo tienen la voluntad de provocar cosas en la gente pero también de redimirla de esa lucha. El disco también habla de las consecuencias que supone dedicarte a la música, cuando te das cuenta de que también eres esclavo de un sistema que funciona como una máquina”. Aleix y Joan describen esa cruda realidad con esperanza y luz (la energía y ganas de vivir que respiran sus composiciones, llenas de coros y de armonías vocales festivas a dos bandas), nada de regodearse en la mierda. “Cuando tocamos esas canciones es como una redención y se nos pasa todo, una sensación que también queremos transmitir a nuestro interlocutor”, explican. Cala Vento fueron víctimas del sistema, pero solo perdieron una batalla, no la guerra. El grupo se formó en Barcelona, pero regresaron a su tierra natal, l’Empordà, para resistir y seguir dedicándose a la música. (Joan) “Esto lo aprendí de mi padre: lo más importante es vivir tranquilo y contento. En l’Empordà eso es posible. Estamos en el local desde las diez de la mañana a las ocho de la tarde y a veces solo ensayamos treinta minutos. Estar pendiente de hacer cosas para triunfar no es nuestro rollo”. (Aleix) “No somos ambiciosos, con tener dinero para ir a comprar al súper y poder hacer la carbonara ya está bien”. —x.s.p.

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abril 2019 #23

MONDO FREAKO

Airbag Siete vidas Los discos de Airbag siempre crean ese debate entre punk y pop o viceversa. En Cementerio indie (Sonido Muchacho, 19) las canciones mandan. La séptima reencarnación de los malagueños, si no les otorga la gloria, les otorgará la vida eterna.

TAN.LEJOS

RREl último disco de Anderson .Paak

no ha cumplido aún los seis meses de vida, pero el californiano ya tiene otro álbum previsto para el 12 de abril. Entre las colaboraciones del tracklist figuran nombres como André 3000, Smokey Robinson, Lalah Hathaway o el malogrado Nate Dogg.

Fémina Resistir y pensar

El trío argentino Fémina sorprendió hace unas semanas con Resist, su colaboración con Iggy Pop, adelanto de un nuevo disco, Perlas & conchas (Autoeditado, 19), que se publica este mes y que ha sido producido por Will Holland, más conocido como Quantic.

legando prácticamente al punto más al sur del continente americano, rozando el vértice del cono, una de las ciudades más reconocibles es la neuquina San Martín de los Andes. De allí son Clara ‘Wewi’ Trucco, Sofía ‘Toti’ Trucco y Clara Miglioli, las tres patas de este banco llamado Fémina, uno de los proyectos más polifónicos, poliédricos, empoderados e internacionales que dio la música alternativa argentina estos últimos años. Lo que comenzó como

#26 abril 2019

adiós a varios músicos ilustres. Entre ellos Keith Flint, parte icónica e integral de The Prodigy y referencia para toda una generación, Dick Dale, pionero de la música surf y autor de la mítica versión de Misirlou que abría Pulp Fiction (94), y Andre Williams,

un experimento musical sin rumbo concreto las erigió como un proyecto alabado por la prensa internacional y cada vez más habitual en escenarios de todo el mundo, encontrando un espacio tan transversal como su propuesta: a tientas entre el rap-fusión, el paisajismo patagónico más folk-pop y la indietrónica más atmosférica. “Nos gusta que ‘se vean’ las canciones: generar climas, paisajes, que te vayan llevando a un lugar con una estética determinada. La poética que hay en lo lírico, pero también las texturas de la música, comunican bastante bien todo ese paisajismo en el que nos hemos criado”, aseguran. Sin embargo, sienten que no pertenecen a ninguna escena. “Queremos estar en un lugar en el que podamos cuestionar todo y tener una mirada más global. Nunca nos sentimos identificadas ni con ningún género ni con ningún nicho. La música no es un lugar de llegada: va creciendo, y es un proceso de búsqueda constante, y hay un montón de cosas

RRMySpace ha perdido –según ellos,

a causa de un accidente durante una migración de servidores llevada a cabo hace un año– todos los archivos subidos a la web entre 2003 y 2015. Más de cincuenta millones de canciones han desaparecido de la plataforma, que en su época dorada hizo posible el éxito temprano de Arctic Monkeys, Calvin Harris, Lily Allen o Kate Nash. RRThe Black Keys rompen cinco

años de silencio con Lo/Hi, un single

FOTO: CECILIA GERVASO

ANDERSON .PAAK FOTO: ARCHIVO

RREl mes pasado tuvimos que decir

leyenda del r&b de los años cincuenta y sesenta.

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jar “Los discos suelen refle y el momento del grupo un en os puede que estem punto más reflexivo” carrera y entre sus seguidores confluyen varias generaciones. La militancia punk se ha hecho mayor y los nuevos seguidores ya conocen a estos Airbag que disfrutan y hacen disfrutar de los medios tiempos. “Es lo que tienen los grupos tan longevos y estables, es difícil mantener seguidores de toda la vida, seguidores nuevos, seguidores que vienen y que van. Gustar a todo eso es imposible. A unos les apetecerá más velocidad y frescura y otros ya vienen de vuelta de eso y quieren variedad y cosas distintas”. Cementerio indie refleja todos los estados anímicos de ese universo emocional que tan bien describen las canciones de Airbag. Pero si destaca algo es la melancolía. “No lo veía así, pero si lo comentas por algo será. Los discos suelen reflejar

que recupera la parte más eléctrica y cargada de groove de su última etapa. Y todos los rumores apuntan, lógicamente, a que Lo/Hi no será lo único que publique el dúo en un futuro cercano. Por si fuera poco, han anunciado también una gira norteamericana para este otoño. RRLos ganadores de la pasada edi-

VERMÚ FOTO: ARCHIVO

FOTO: ARCHIVO

viso a navegantes. El primer single de este nuevo álbum de Airbag fue El centro del mundo, una reflexión sobre ese muro de las lamentaciones en el que se han convertido las redes sociales. Había que preparar el terreno entre la hinchada para un disco con muchas novedades y la principal una mirada al pop de forma ya más decidida. “Creo que Manual de montaña rusa (11) ya fue un disco muy pop y de mucho cambio en el sonido. Mucha gente lo odió al principio, pero con el tiempo la mayoría de esa gente ahora lo ve como un gran disco”, comenta Adolfo sobre esas primeras reacciones que ya en la grabación vaticinaban conscientes de que estaban ante otro giro de Airbag. Recuerdo que hablaban de un disco más Weezer y menos Ramones. “Me esperaba algo parecido a las reacciones con Manual de montaña rusa. Siempre estás con el qué dirá la gente de esto o aquello, pero la realidad es que no se puede gustar a todos”. No hay que olvidar que Airbag acaban de cumplir veinte años de

ción #EDPLiveBands de EDP España, Vermú, nos visitaron el pasado 12 de marzo para hablarnos sobre su paso por el festival NOS Alive y sus planes de futuro. La fase de inscripciones para el concurso finalizó el día 20 de marzo, los finalistas se darán a cono-

“Nunca nos sentimos identificadas ni con ningún género ni con ningún nicho” que estamos buscando hacer que todavía no las hemos encontrado”, dicen en referencia a Perlas & conchas, un flamante nuevo álbum producido por Will Holland (el productor británico colombianizado más conocido como Quantic) que ha conseguido “potenciar” virtudes que desconocían hasta este disco. Un disco que, contra la polarización imperante, busca la unidad. “Nuestra ideología va más allá de ismos: vamos por la equidad, todos somos lo mismo. La confrontación no está funcionando. No nos gusta ponernos ‘en contra de’, sino construir algo que se perciba como compartido. Nuestro camino es avanzar desde un lugar que tiene más que ver con abrir espacios para encontrarnos y poder vivir en armonía. Trabajamos mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

el momento del grupo y puede que estemos en un punto más reflexivo. De todos modos, que las canciones logren hacer sentir algo es una buena señal, y yo creo que en este disco las canciones mueven sentimientos de una manera u otra”. Y no hay que irse a las canciones más cercanas a grupos como Teenage Fanclub o The Lemonheads, Memoriax 500 respira ese tono agridulce sin perder la vitalidad marca de la casa. “Esa canción es de Pepe y la hizo después de leerse un artículo muy denso sobre la industria farmacéutica, luego convirtió eso en una canción super Airbag que mezcla desamor con algo de ciencia ficción”. Efectivamente nada está premeditado en las canciones de Cementerio indie, ni siquiera el título, del que circulan infinidad de interpretaciones. Lo cotidiano manda, lo que sucede delante de ellos y que alguna vez solamente es relevante en el cuaderno de Adolfo o Pepillo. Hasta ahora nadie había recabado en la maravillosa historia de la chica de El Puente de los Alemanes, incluso a ellos casi se les

cer el próximo 6 de mayo y el día 18 del mismo mes se celebrará la final en la sala Cool de Madrid. MondoSonoro estará presente como jurado y medio oficial del evento.

escapa. “Nos ha sorprendido mucho la acogida de la canción en general, porque es de esas canciones que por poco ni la grabamos, y al final es de las que más llama la atención”. —arturo garcía

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de GIRA l Sevilla 27 abril, La Calle; SON Estrella Galicia l Málaga 4 mayo, Auditorio, Selva Sonora l Madrid 10 mayo, La Riviera l Castellón 17-18 mayo, Red Pier Fest l Benidorm 26-28 julio, Low Festival l Miranda de Ebro 5-7 septiembre, Ebrovisión

está en segundo puesto, crece cada vez más, y al fin y al cabo cuenta con una de las mayores multinacionales del mundo detrás. RRLabrinth, Sia y Diplo han anun-

RRApple y Spotify han comenzado

una guerra abierta, con continuos cruces de acusaciones, a raíz de la demanda interpuesta por Spotify ante la Comisión Europea por las políticas de la App Store, que según ellos discriminan ilegalmente a Spotify y sólo responden a intereses monopolistas por parte de Apple. Hoy por hoy Spotify lidera ampliamente el mercado del streaming musical, pero Apple Music

desde la humildad; no sentando cátedra”, dicen. Y resumen: “Nosotras estamos todo el tiempo dialogando, pensando y discutiendo, también desde dentro del feminismo. No tenemos posturas inamovibles: todos los días nos estamos transformando y construyéndonos”. Una postura que, con el crecimiento y expansión de su música, también ha conllevado un compromiso; y, como suele suceder, críticas y cuestionamientos. “Siento que tenemos un compromiso en lo que decimos por el hecho de ser tres mujeres”, asegura Toti, “Pero lo veo más como una gratitud, lo tomo como un regalo: me gusta usarlo como una herramienta de cambio, de transformación”. Un regalo y un nuevo espacio como banda que asumen con tanta hiperconsciencia como coherencia. Como concluye Clara: “Cuanta más gente te escuche más te van a tratar de cuestionar. Cuanto más te amen, más te van odiar. No hay que sentirse presionado por factores externos. Muchas veces

ciando su álbum debut como LSD para el 12 de abril. El trío ya había lanzado cuatro singles, agrupados más tarde en forma de EP, a lo largo de 2018. —MS

uno dice cosas y no actúa de la misma manera, y considero que nosotras sí lo hacemos: nuestras canciones también nos enseñan. La creatividad es parte de todos, y cuanto más espacio abras para eso, más libre serás”. —alan queipo

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de GIRA l Madrid 6 de Junio. Sala Cool l Pontevedra 8 de Junio. Festival Millo Verde l Barcelona 12 de Junio. La [2] l Zaragoza 13 de Junio. Teatro Las Armas l Málaga 16 de Junio. La Cochera Cabaret abril 2019 #27

Fiesta Demoscópica

MondoSonoro-Lenovo R 14 marzo. Teatro Barceló (Madrid)

De arriba a abajo: Novedades Carminha, María José Llergo, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba y Cariño en la Fiesta Demoscópica 2019. Fotos de Mariano Regidor.

ondaban las siete de la tarde cuando la cola para entrar a la Fiesta Demoscópica alcanzaba la calle Barceló dando la vuelta a la manzana. La expectación era enorme para celebrar junto a MondoSonoro y Lenovo una nueva edición de su evento fetiche, coincidiendo esta vez además con el cuarto de siglo de vida de la propia publicación. Anunciados hace pocos días como grupo sorpresa, Novedades Carminha se pondrían el brazalete de capitán para ejercer de anfitriones de varias nuevas propuestas que deberías conocer. De la irrupción del flamenco de María José Llergo: la explosión de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba engrandeciendo el rock andaluz; o el irresistible pop de Cariño. Las propias Cariño serían las encargadas de reventar la piñata de esta fiesta con el pop descarado y fresco que les ha aupado a la primera línea. Feliz efervescencia para este trío afincado en Madrid, que con un único mini-álbum publicado por Elefant Records (Movidas, 18) han conseguido demostrar una valiosa frescura cargada de ingenio e irreverencia. Sonaría Mierda seca, con Alicia Ros a la voz principal (“Eres mala y vulgar/eres como un mazapán”), y por supuesto los que ya son sus hits: el pseudo karaoke de Bisexual; su genial versión de Llorando en la limo; y Canción de pop de amor, tras la que se despedían de una sala ya hasta los topes y con ganas de más. Se acercaba el momento de la kinkidelia, de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. Un grupo que ya suele ser un éxito con solo nombrarlo (aunque también es un reto), y que sobre el escenario logra hacer sentir ese riesgo que tanto echamos de menos. Lo imprevisible, aunque sea solo una ilusión. Los sevillanos, una especie de all star de otras bandas ya asentadas, sirven como reivindicación del mejor rock andaluz, con Triana por bandera y un sentido del humor auténtico. “Es una puta fantasía estar aquí con vosotros”, aseguraba Dandy Piraña, al frente de un sexteto que terminaría de hacer saltar todo por los aires con El salto del gitano con un público muy dispuesto a los coros. Bajaría a abrazarlos uno a uno. A continuación, la noche cambiaría de tercio por necesidad, buscando otro tono con la presencia de una jovencísima María José Llergo, que con apenas dos canciones publicadas está comenzando a impresionar con su propia visión del flamenco. Acompaña por Marc López a la guitarra, y a pesar del murmullo general, la cantaora se impuso para ofrecernos una breve muestra de su arte comenzando con Niña de las dunas. A continuación se unirían David Soler al pedal-steel y Lost Twin en la electrónica, añadiendo capas a una propuesta embriagadora que todo amante de la música ávido/a de emociones debería seguir con atención. La noche avanzaba y se venía la fiesta. Desde Santiago y con galones de veteranos promiscuos, Novedades Carminha. “Dejad que escupa sobre el suelo que pisó Santi Abascal”. Así, con actitud, saltaban Carlangas y compañía al escenario, calentando el ambiente con Que Dios reparta fuerte. Un concierto breve pero muy intenso, incluyendo pogos discutiblemente justificados. Si algo no cambia en los gallegos es su capacidad para lograr que nos queramos un poco más. Como era de esperar, las canciones del reciente Ultraligero (19) coparían el repertorio, desde la ya conocida Te quiero igual a otras nacidas para cautivar (Hay un sitio pa ti o Disimulando). Novedades Carminha enfrentan pasado y presente en una tercera etapa en la que el punk rock original parece quedar ya en la prehistoria, surgiendo ahora los nostálgicos del sonido de discos como Juventud infinita (14). De locos, como su propia trayectoria, ejemplo de evolución, curiosidad y por supuesto diversión. Así, con mucha coña y el Suavemente de Elvis Crespo sonando en la sala terminabas las últimas demoscópicas, una cita ya tradicional en la que los nuevos talentos toman el protagonismo, convencidos de la idea de que existe un futuro todavía mejor. —bruno corrales

#28 abril 2019

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Keith Flint en diez canciones Nos ha dejado Keith Flint, pero su imperecedero legado está ahí para acompañarnos siempre. Al margen de sus explosivos directos, su impronta quedó marcada a fuego en diversas canciones de The Prodigy y de otras aventuras paralelas. Aquí seleccionamos diez que sirven para resumir quién fue y cuál fue su papel en la historia del breakbeat, la electrónica rock y el universo raver.

1-2

Firestarter & Breathe (The Fat of the Land, The Prodigy, 97) Estas fueron las dos canciones con las que Flint dio un paso adelante en The Prodigy, tras ser el animador-provocador del grupo en sus conciertos. Participó en su escritura y las berreó y bailó como si no hubiera un mañana. Con este par de temas toda una generación descubrió que la electrónica comercial podía ser desafiante tanto en la forma como en el contenido. Los versos rabiosos de Firestarter definen la personalidad artística de Flint, puro rave: “I’m the trouble starter, punkin’ instigator/I’m the fear addicted, a danger illustrated/I’m a firestarter, twisted Firestarter/You’re a firestarter, twisted Firestarter”.

Oozy (Oozy, Clever Brains Fryin’, 04) Tras la experiencia frustrada de Flint, el cantante de The Prodigy puso en marcha otro proyecto paralelo en el que volvió a apostar por la electrónica bastarda. En Clever Brains Fryin’ se dieron cita un buen número de

Baby’s Got A Temper (Baby’s Got A Temper, The Prodigy, 02) El primer single con material nuevo que editó The Prodigy tras la resaca del exitoso The Fat Of The Land y una de las canciones más polémicas del grupo. Flint co-escribió aquí una historia de amour fou pasada por el tamiz del punk electrónico que, a modo de provocación frontal, se atrevía a mencionar el Rohypnol, un medicamento para dormir ilegal en muchos países que puede ser utilizado como una droga (muchos violadores la utilizan para abusar de sus víctimas). “We love rohypnol/She got rohypnol/We take rohypnol/Just forget it all”, salía de la enrojecida garganta de Flint. La droga como anestesia de la cruda realidad.

Asteroids (Asteroids, Flint, 03) Aprovechando el tirón de The Prodigy, Flint intentó la aventura en solitario en 2003 con una banda de punk rock analógico bautizada con su apellido. Llegó a editar un single de forma oficial, pero la salida de su primer disco, titulado Device #1, se acabó frustrando y con el paso del tiempo el álbum se acabó filtrando en Internet. Asteroids es un pepinazo que hace pensar en la primera etapa de PIL, una mezcla de ruidismo y melodías enfurecidas con un Keith Flint en plena forma.

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colaboradores: MC Sir Real, MC Bad Manner, Claire Cherequi y DJ Jason Laid Back. El periodo de vida de la banda fue muy corto, apenas editaron dos canciones y un puñado de tracks inéditos que acabaron apareciendo en Internet. Oozy es uno de los mejores, y con Flint en las tareas vocales.

Colours (Invaders Must Die, The Prodigy, 09) Una de las canciones, salvando las distancias porque está ejecutada a la velocidad del rayo, con más pegada pop (esos sintetizadores ochenteros que suenan por ahí) de Invaders Must Die, uno de los discos de más tirón comercial de la carrera de The Prodigy. Colours es un himno anarquista y una llamada a la acción marca de la casa del tándem formado por Liam Howlett y Keith Flint: “Raise your banner/For the noise/Wake the dogs up/Call your boys/Are you ready/For the war/Bring your colours/To the floor”.

War (War, Caspa ft. Keith Flint, 12) En 2012 Flint probó suerte con el dubstep al asociarse con una estrella del género, Caspa (un proyecto del productor londinense Gary McCann). El resultado fue una canción muy Keith Flint en espíritu con un videoclip provocador en la línea del imaginario y de la personalidad del cantante de The Prodigy. Hasta la letra del tema parece escrita por él: “If you want war/If you want more/If you want more/Then let’s start the war”.

Nasty (The Day Is My Enemy, The Prodigy, 15) Una de las mejores canciones de The Day Is My Enemy, editado en 2015 y un disco en el que The Prodigy recuperaban la contundencia, rabia y suciedad de sus inicios. Flint, co-autor del tema, escupe una de las letras más directas del cancionero de los británicos, un puñado de expresiones que parecen fruto de la escritura automática y que buscan remover nuestras conciencias con, eso sí, algo de humor negro y auto-parodia: “So raw!/Nasty, nasty/Triple X rated/ Nasty, nasty/Justice, a waste-pit/Nasty, nasty/Deeper in the dirt/Nasty, nasty/ Making bodies hurt”.

Rok-Weiler (The Day Is My Enemy, The Prodigy, 15) Otra de las perlas embrutecidas que contiene The Day Is My Enemy y un vehículo perfecto para el lucimiento de Flint en las tareas vocales (también participó en la composición). En directo Rok-Weiler era una verdadera celebración de la fuerza y el carisma abrumadores del que fue el pulmón energético de The Prodigy. Una vez más, su letra parece describir su persona: “See me in the alleyway/Coming/Biting at your heals/ Running/Dressed for the night/Looking stunning Rok-Weiler!”.

Champions Of London (No Tourists, The Prodigy, 18) La única canción de No Tourists en la que Flint participó en la composición y escritura. No es casual que sea una de las más crudas del álbum, una ración de rave y breakbeat de espíritu punk y con una cualidad casi gótica. En Champions Of London Keith Flint se desgañita de lo lindo y entrega una las imágenes más poderosas de los The Prodigy recientes, una descripción impresionista y visceral del Londres actual: “Bassline drama, cuts through your armour/Dobson to Brixton, the friction”. —xavi sánchez pons

abril 2019 #31

MONDO FREAKO

Recycled J “Mi esencia es rap, pero no quiero tirarme veinte años haciendo lo mismo”

Jacco Gardner

AgeNda. Abril.

Zaragoza (31 marzo, Centro Cívico Delicias) Valencia (2 abril, 16 Toneladas) Madrid (3 abril, Sala Caracol) Barcelona (4 abril, BCN Psych Fest) Gijón (5 abril, Casino de Gijón, Gijón Sound) Lugo (6 abril, Galicia Importa)

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#32 abril 2019

El pasado noviembre, Jacco Gardner publicó Somnium (Full Time Hobby, 18), un disco instrumental influido por gente como Vangelis, Brian Eno o Cluster. Ahora se acerca a nuestro país para defenderlo sobre los escenarios.

lega Jacco Gardner a nuestro país para presentar las canciones de su último disco, el instrumental Somnium. “Siempre me ha fascinado el aspecto instrumental de los discos no instrumentales, especialmente cuando se trata de cosas como, por ejemplo, arreglos pop o el uso de la producción en el estudio para dar forma a un sonido. Aparte de esto, básicamente escucho discos instrumentales y me mantienen en un misterio constante haciendo que la experiencia auditiva sea de alguna manera más personal, más íntima y más aventurera”. Por ello se detectan en este disco influencias de algunos nombres que seguro nos han venido a todos a la mente. “Por supuesto que me encanta el trabajo de Brian Eno y de Vangelis, sobre todo sus primeros discos, pero hay muchos otros de esta época que me inspiran mucho, como los pioneros de la música electrónica Mort Garson, Cluster, Tangerine Dream o Jurriaan Andriessen y progresivos como Bo Hansson o Mike Oldfield. No estoy seguro de si alguna vez he sido un fanático de todo lo moderno, pero también me gustan algunos artistas recientes. Gente como L’Eclair, Kikagaku Moyo y Ryley Walker definitivamente me entusiasman por su enfoque aventurero”. No es difícil suponer que el holandés ha optado por un álbum en el que las atmósferas juegan un papel fundamental. “Bueno, en mis dos álbumes anteriores, el ambiente también fue muy importante, pero es cierto que en este disco decidí profundizar un poco más en la definición de estos ambientes, como entornos para habitar, y explorar eso con estructura pop y contenido melódico como base. Supongo que se escucha un poco como un jardín donde algunas partes están más estructuradas y otras tienen un carácter más silvestre”. Eso hace que su música haya crecido y que haya abierto nuevos caminos a la misma. “Me mudé a un dominio más pop hace algunos años, y ahora tiendo a gravitar hacia algunos sonidos más peligrosos”. No podemos evitar, eso sí, despedirnos preguntándole si tras discos en inglés y este instrumental, toca uno en su holandés natal. “No creo que lo haga. No estoy seguro de si es realmente mi lengua genética”. —eduardo izquierdo

Hace tiempo que Recycled J decidió empezar a reconstruirse en torno a un nuevo sonido. Hoy presenta City Pop (Autoeditado, 19), un nuevo paso en esa evolución que sólo él sabe a dónde le llevará.

l movimiento ‘City Pop’ fue un estilo musical que nació a finales de setenta en Japón, caracterizado por tonos suaves, voces melódicas y mucho sintetizador. Y es, también, una de las influencias que ha inspirado a Recycled J para la creación de su nuevo disco. “Aunque en realidad se podría decir que nos hemos impregnado más en la parte estética que en la musical. Las referencias del anime y de la esencia de este movimiento se ven tanto en las portadas de los singles, como en las tipografías, en la imagen o en el carácter nostálgico de este movimiento. En la parte musical la referencia eran esos artistas de hace cuarenta años que se la jugaron con el vocoder, los samples y las letras que hablaban sobre ‘aquellos tiempos que nunca volvieron’”. Un conjunto de elementos que se ven reflejados en su nuevo trabajo junto a otras inspiraciones como el pop español, el soul y, cómo no, el rap. “El álbum entero tiene alma hip-hop. Cuando nos pusimos a pensar qué queríamos transmitir con City Pop, y a recoger todas las referencias y referentes que tenía, me di cuenta de que todas partían del rap. Mi esencia es rap, porque mis referentes vienen de ahí, pero no quiero tirarme veinte años haciendo lo mismo (y ya llevo diez)”. Una década entera creando música, absor-

biendo influencias y bebiendo de fuentes que desembocan en City Pop, un álbum que marca un antes y un después en la trayectoria del madrileño. “No pretendo que haya un cambio radical del pasado al presente, sino una evolución. Musicalmente hablando, no me considero el mismo que en 2012, ni el mismo que en 2016”, reconoce el artista, quién además cree que la música urbana “está viviendo su mejor momento. Existe un abanico de gente muy distinta haciendo cosas brutales y no sé hasta qué punto se banaliza y compara todo con Cardi B o Bad Bunny. A la vez, vivimos en un país en el que a la gente le cuesta mucho adaptarse a los cambios. En mi caso, la gente sólo pide que vuelva Cool y no entienden que Cool nunca se fue. Cool ya no tiene dieciséis años, ha salido del barrio y se ha independizado”. Es innegable. La evolución en el sonido de Recycled J queda patente en cada canción, en un disco que además ha grabado en exclusiva con el productor Selecta porque “quería que sonase a mí al cien por cien” y que ha decidido autoeditar ya que le resultaba “demasiado impersonal dejarlo en manos de terceros”. Y es que el cantante reconoce estar viviendo su mejor momento artístico, tal como queda reflejado en este su nuevo trabajo, “un álbum 360º. Y con esto quiero decir que todo lo que le rodea tiene la misma importancia. Cada track tiene una esencia que el siguiente no tiene y no debería valorarse individualmente. Es un álbum que para entenderlo es necesario escucharlo y entenderlo como una obra única”. Como su gran obra maestra. —alfonso gil royo

FOTO: ADRI TRIMBLE

FOTO: ARCHIVO

A Coruña (26 abril, Playa Club) Granada (17 mayo, El Tren) Murcia (31 mayo, Sala REM) Toledo (1 junio, Círculo Arte de Toledo) Bilbao (8 junio, Santana 27)

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“En directo la música se manifiesta en su estado puro” Barcelona (12 abril, Razzmatazz 2) Madrid (13 abril, Sala Caracol)

Barcelona (2 abril, La [2] de Apolo) Valencia (3 abril, Loco Club) Zaragoza (4 abril, Las Armas) San Sebastián (5 abril, Dabadaba) Gijón (6 abril, Gijón Sound Festival) Lugo (7 abril, Liberdades Sonoras)

Jungle By Night es un formación holandesa en la que unen fuerzas nada menos que nueve músicos que se mueven entre el jazz, el afrobeat y el pop. Este mes vuelven nuevamente a España para presentar su disco Livingstone (Rush Hour, 18). Sobre su momento actual hablamos con el guitarrista Jac Van Exter.

FOTO: MEHDI BENKLER

Los suizos The Young Gods se han convertido en una leyenda vida. Y ha sido así gracias a su exploración de los aspectos más recónditos y también más vistosos del sonido industrial. Ahora vuelven a España para presentar su nuevo disco Data Mirage Tangram (Two Gentlemen, 19).

lo largo de sus más de treinta años de trayectoria, los veteranos The Young Gods han sabido evolucionar en una colección discográfica mutable, pero siempre interesante, en la que han pasado por todos y cada uno de los estados del llamado sonido industrial, moviéndose del rock duro electrónico a una suerte de psicodelia industrial, pasando por momentos downtempo, etcétera. Casi nada. Y es que el origen de The Young Gods es deudor de una anécdota tan curiosa como esta, tal y como nos comenta su frontman, Franz Treichler. “Cogimos nuestro nombre de un tema de Swans. En 1982 trabajaba en un club en Suiza, y nos trajimos a tocar a Gira y los suyos. Al día siguiente, mientras limpiaba el escenario, encontré su setlist. Me llamó la atención el título Young God, y tres años más tarde supe que ese era el nombre que debía tomar el proyecto”. Aunque en un principio la banda se inclinó por los sonidos aplastantes y opresivos que Swans desarrollaron en el comienzo de su trayectoria, tal y como da fe el primer disco homónimo, The Young Gods (87), o trabajos más evolucionados de la talla de T.V. Sky (92), con la entrada del nuevo siglo las cosas cambiaron radi-

calmente en lo que respecta a la estética de su música. El claro punto de inflexión lo pone sobre la mesa Everybody Knows (10). “Siempre hemos curioseado nuevas formas de hacer sonido con distinta instrumentación. En este álbum colaboramos cinco músicos, por lo que el disco es el resultado de la diversidad de influencias aportada por todos y cada uno de nosotros”. Y es que esta nueva perspectiva llamó la atención del propio David Bowie, que reconoció en una de sus entrevistas haber sido influido por el sonido de The Young Gods. “Nos sentimos muy halagados de que nuestro sonido sea una fuente de inspiración para músicos de esta talla”. Atendiendo a su nuevo trabajo, Data Mirage Tangram, diremos que es una obra maestra de introspección que contiene un buen puñado de temas magnéticos, generando unas vistosas atmósferas que han sido fruto de la complicidad entre los distintos músicos y entre otros que son del agrado del conjunto. “Eventualmente utilizamos música de otros artistas como soporte; por ejemplo, Figure sans nom, All My Skin Standing y You Gave Me A Name fueron escritas en colaboración con artistas que nos gustan”. Data Mirage Tangram tendrá su representación sobre el escenario dentro de poco en España. “Amamos actuar. Es el momento en el que la euforia y la magia se muestran. En directo la música se manifiesta en su estado puro. Este año y, posiblemente, el que viene, lo dedicaremos a girar por el globo presentando el nuevo disco para ver cuál es la impresión del público. —fernando o. paíno

ivingstone es un gran disco. El inicio con Hangmat y Pompette es fantástico. ¿Estás contento con lo que habéis grabado? ¡Sí, sí, estamos muy contentos! Hacer este quinto disco ha sido un bonito viaje para nosotros como banda. Queríamos grabar un álbum que se pudiera escuchar y también bailar. La respuesta que estamos teniendo es muy acogedora, así que son sentimos muy cómodos tocando el nuevo disco en concierto. —Vuestra música es una efectiva y bailable mezcla de jazz, afrobeat, funk, pop, dance... ¿Cómo os definís a vosotros mismos?¿Os hace falta una etiqueta concreta? La gente dice que le cuesta etiquetarnos, y nosotros no tenemos ningún problema con eso porque conlleva expectativas y preguntas como ¿Es esto jazz?¿Es pop bailable? Si tuviéramos que elegir una etiqueta por nosotros mismos, diríamos que somos un grupo instrumental que explora distintos terrenos musicales y que hace música explosivamente bailable.

—¿Cómo nació vuestro inte-

rés por la música africana y otros sonidos de fuera de Europa? Ese es parte del problema. Usar un concepto como “música africana”. Es coger toda la música de un continente y ponerle sencillamente la palabra “música” al lado. Sería como si uniésemos todos los estilos musicales que existen en un continente y los resumiéramos como “música asiática” o “música europea”. En todo caso, subrayaré que no estamos interesados solamente a la música del continente africano. Nos encanta la música de lugares muy distintos, algunos lejos y otros muy cerca. Crecimos en una ciudad con una gran escena musical lo que ha sido muy importante para nosotros. Tiendas de discos en las que podíamos descubrir cosas, salas como Paradiso o Melkweg, o sencillamente algún pequeño café en el que suena música. Es muy fácil conocer gente que está muy metida en la música y conectar. Un secreto a voces en Ámsterdam es el programa radiófonico semanal de HotMamaHot Collective, que tienen una colección de oscuros vinilos de todas las épocas y lugares de este planeta. —En España os hemos podido ver en festivales como el Vida o el BAM, y nos sorprendió mucho que tengáis un aroma clásico y al mismo tiempo que seáis tan enérgicos. ¿Significa eso que disfrutáis más con los conciertos que en el estudio? El estudio, la creación y la grabación, supone algo totalmente diferente de lo que es un concierto en directo. Personalmente me gustan ambas cosas y creo que una no existiría sin la otra. —joan s. luna

FOTO: ARCHIVO

The Young Gods

JUNGLE BY NIGHT

abril 2019 #33

2019

09.05 | 10.05 | 11.05 CALA F IGU E RA · M A Ó ( M E N O RCA )

Z a h a ra Te m p l e s B a d G ya l * S e c ret B a n d * C a r o l i n a D u ra n t e Au s t ra l i a n B l o n d e S o l e d a d Vé l e z L a E s t re l l a d e D a v i d M i q u i P u i g Dj L o s N a s t ys B i fa n n a h S u n f l ow e r s Tra n s m u n t a n u s

O rg a n i za :

M o n i l e Dj

Yo D i a b l o

I s l a nd Ca va l l

Co l a b o ra d o re s :

Honolili

T h e Tr i k i n i s Ka t e D o n o v a n Dj

Medios co l a b o ra d o re s :

35/Mondo VINILOS

Enric Montefusco

The Drums Brutalism Anti/[PIAS]

Diagonal El Segell

FOTO: birgit kaulfus

Modeselektor: la pista tira Modeselektor

Who Else Monkeytown Records

ELECTRÓNICA / Parecía que nunca volveríamos

a ver a Gernot Bronsert y Sebastian Szary ponerse el traje de faena Modeselektor, acostumbrados como nos tenían a esos nuevos ropajes elegantes y cómodos que compartieron con Apparat en ese exitoso proyecto llamado Moderat, parecía difícil que volvieran a ponerse ese chándal cómodo y algo desgastado, ideal para el baile intenso y desprejuiciado. Pero poco a poco el gusanillo de la electrónica más orientada a la pista de baile les ha vuelto a picar. Esa vuelta a sus raíces, basados en una electrónica más cañera y desprejuiciada, se refleja en este Who Else que se abre con un One United Power muy en su línea, con un bombo y bajo bien gordos, ritmo que bebe tanto del hip-hop como del techno y unos sintes alocados que invitan a acercarse a la pista de baile. Wealth es un tema que suena totalmente a los Modeselektor que todos conocíamos y que cuenta con la primera de las colaboraciones, la de la rapera Flohio, quien se adapta a la perfección a otro tema que reventará más de un subwoofer, deambulando entre el techno, dubstep e hip-hop. Prügelknabe es pura energía con las cajas de ritmo sudando sangre para crear un tema corto, pero intenso, que arranca en plan techno para ir luego

mutando y evolucionando. Who cuenta con la colaboración del rapero estonio Tommy Cash y recoge un poco el guante del tema anterior, arrancando a tope de una energía que se va dosificando poco a poco gracias a los fraseos simples pero efectivos de Tommy que cabalgan sobre la base trotona de una canción, que en tan solo cuatro minutos es capaz de combinar la tensión y la dureza con un momento más ambiental y onírico más cercano al sonido de Moderat. En WMF Love Song podemos observar el porqué de la vuelta al ruedo de esta gente gracias a una pieza de techno vacilón y contundente, bien repleta de trucos y sonidos que atrapan y deslumbran, y que también muestran que a esta pareja todavía les queda cosas por decir y terrenos por explorar dentro de la música orientada hacia la pista de baile. En I’m Your God se vuelven a ver las caras con un viejo conocido de la pareja, el gran Otto Von Schirach, quien presta su voz (y sus gritos) para que la pareja de productores la trocee y esparza a través de un tema de techno trotón con toques EBM. Fentanyl supone otra vuelta de tuerca a ese sonido Modeselektor, en esta ocasión mezclando techno con un poco de dubstep y grime; mientras que el cierre con un Wake Me Up When It’s Over que pasa de la calma a la tormenta en pocos momentos sirve de despedida por todo lo alto para un disco corto pero intenso, cuya energía está bien concentrada y dosificada para no llegar a cansar y dejarnos así con ganas de más producciones con ese espíritu libre e indómito de estos dos grandes productores. —raúl linares

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CANCIÓN DE AUTOR / Tras la

separación de Standstill, Enric Montefusco debutaba en solitario con Meridiana (16), disco de dimensión aparentemente personal pero que acababa por revelarse colectivo y con conciencia de clase. Tres años después amplía su legado con un segundo capítulo, haciendo nuevamente referencia a una de las principales arterias de su ciudad, algo para nada casual, Diagonal. Más detallista en los arreglos, en su nueva colección de composiciones, Montefusco insiste en su particular peregrinación hacia ese lugar que nos remite a una canción de autor en connivencia con formas de músicas tradicionales, música popular, ciertos detalles cabareteros y su imborrable poso rock. Y sobre este manto sonoro emerge su poética, versos nuevamente cargados de crítica social y política. —oriol rodríguez

rez que supuso Abysmal Thoughts (17) en su carrera, Jonny Pierce regresa con Brutalism, un disco continuista que le sirve para volver a dar un paso en firme en su nuevo camino y pulir algunos detalles. Cálido y crudo a la par, este larga duración muestra a un artista mucho más frágil y vulnerable. En él habla de enfrentarse a sus propios demonios (626 Bedford Avenue), de sus procesos de rehabilitación (Body Chemistry) y de sus miedos. Coproducido por el propio Pierce y mezclado por Chris Coady (Beach House), el neoyorquino explota su habilidad para crear canciones que pueden ser duras a nivel personal, pero terminan llenándose de luz y saltando a la pista de baile. La principal carencia es que sigue oliendo a disco que ya habías escuchado antes de The Drums. —álex jerez

Rozi Plain

La Casa Azul

What A Boost Memphis Industries/ Music As Usual

pop / Las canciones de Rozi

Plain siempre se han caracterizado por estar bien localizadas en un interesante espectro de pop risueño donde ciertos rasgos folk acaban por suavizarlo todo. Sin embargo, tampoco es innegable el afán experimental de la artista, bien sea a través de introducir melodías aparentemente a destiempo o incluso poner en bandeja la realización de un álbum de remixes de su última referencia, Friend. A pesar de no alcanzar los terrenos donde las discontinuidades en los temas acaban destacando sobre manera, como puede ser el caso de Cate Le Bon, Rozi Plain abre esa puerta de canciones de planteamiento nada intuitivo. De esta forma, a lo largo de este nuevo disco los arreglos resultan más prominentes que en tiempos pasados, apareciendo en muchas ocasiones de una forma de lo más pastoril. —noé r. rivas

pop / Tras el salto de madu-

La gran esfera Elefant Records

pop / En los casi ocho años

que separan La Polinesia Meridional (uno de sus obras magnas) y La gran esfera, Milkyway ha abandonado poco a poco el pop spectoriano y la etapa disco de la ELO para abrazar a los Daft Punk más chicleteros, ligeras trazas de EDM (mucho ojo a A T A R A X I A) y un electropop evolucionado de cosecha propia que sigue funcionando como un tiro. Vamos, que el nuevo disco de La Casa Azul aporta una nueva ristra de clásicos a la que es, con permiso de Joe Crepúsculo y Javiera Mena, la mejor colección de hits de bakalao-pop en castellano de la actualidad. En Nunca nadie pudo volar, Podría ser peor, Hasta perder el control o El momento, sigue presente el ADN del pop emocional de laboratorio de Guille Milkyway, ese que mezcla la euforia absoluta con la angustia existencial crónica. —xavi sánchez pons abril 2019 #35

MONDOVINILOS

Dano

FOTO: sergio albert

Itsmo Mécèn/ Ziontifik

Carolina Durante: infalibles Carolina Durante Carolina Durante Sonido Muchacho/ Universal

pop / La diferencia entre el lanzallamas y

el fuego hecho con ramitas no es tanta: de ambas maneras te quemas, pero el primero, aunque más abrasador e impactante, se apaga rápido; y el segundo se va quedando, y es difícil mirar hacia su rincón sin ver la llama. El reto de Carolina Durante con su homónimo debut era demostrar que su fuego amigo tiene más vocación de la segunda que de la primera opción y que no solo no son una moda pasajera, sino que son (o que pueden llegar a ser), más que unos buenos hacedores de hits y canciones infalibles, ese grupo destinado a liderar una generación en el circuito alternativo, y el mejor as en la manga del rock urgente contra la ex-

#36 abril 2019

pansión tanto de la música urbana como de la solemnidad épica del indie mainstream. Manteniendo las marcas de agua de su sonido (siguen fieles a Bernardo Calvo como productor), influenciado por el Madrid del pop-punk de finales de los ochenta y principios de los noventa (Los Nikis, Hombres G, The Refrescos, Los Vegetales…), el grupo asume dos retos centrales con este disco: delegar las mezclas a un superserie del rock oscuro como el británico Martin Glover Youth (productor de James, The Charlatans o The Cult y bajista de Killing Joke); y pasar olímpicamente de sus éxitos anteriores, obligándose a articular un repertorio de diez nuevos temas que demuestran su altísimo nivel productivo y su infalibilidad para seguir pariendo canciones tan frescas y contemporáneas, como absolutamente adictivas. Más allá de la vara de medir que define a los discos como buenos o malos, Carolina Durante han hecho un disco importante. De esos que abren camino.

—alan queipo

RAP / Lo bueno de Itsmo es

que, en parte, se explica en medio minuto. El medio minuto que lleva buscar la palabra en un diccionario. Porque, efectivamente, une continentes. Une viejos y nuevos mundos. Une la edad dorada del boom bap y la Nueva York de los noventa con el comienzo de una edad dorada para el rap estatal, la que marcaron Ziontifik el día en que decidieron cambiar el juego. Itsmo es el homenaje definitivo de Dano al rap, a la Cultura, y como tal es un disco lleno de capas y códigos que se entrelazan bajo un halo de nostalgia bien entendida. Porque Itsmo es una carta de amor, pero también una de despedida. Lo explica en el cortometraje que acompaña al largo: se trata de “agarrar este último momento e intentar plasmarlo porque se va, porque desaparece”. Cincuenta minutos brillantes en lo lírico y lo musical en los que Dano se despliega como itsmo entre aquella escena y el boom, esta vez ya sin el bap, que vivimos hoy.

—darío garcía coto

Hand Habits placeholder Saddle Creek/ Music As Usual

INDIE folk / El sello Saddle Creek sigue engrosando su nómina de artistas de indudable talento y voz peculiar. Una de las últimas en incorporarse a la familia ha sido Megg Duffy, conocida sobre todo por ser guitarrista de Kevin Morby, y que acaba de publicar un excelente segundo largo bajo el nombre de Hand Habits.

placeholder es una lograda colección de canciones adscritas al indie-folk ensoñador de voces tan delicadas como vaporosas y cuidadosos destellos de guitarras muy bien colocados a la manera de un Nels Cline en la segunda era de Wilco. Nada que no hayan hecho un buen número de músicos a ambos lados del charco que van, del legado de Neil Halstead o Will Oldham, pasando por Angel Olsen, Julien Baker, Lucy Dacus o nuestra maravillosa Joana Serrat. Pero no quiero desmerecer el resultado obtenido por Megg Duffy, porque resulta que placeholder sienta como un auténtico bálsamo para el espíritu. —don disturbios Niu De Corbs

Foscúria Grans Records

BLACK METAL / A veces te quedas un poco descolocado y es precisamente lo que me ocurrió hace unos meses con este álbum de Niu De Corbs. Desde la gélida y brumosa Lleida nos llega Foscúria, el primer disco de esta one man band. Y uno se pregunta cómo es posible que un proyecto de una única persona pueda sonar tan bien. Escuchándole uno imagina que su black metal puro y duro ha nacido en los bosques de Noruega o Suecia. De ahí las reminiscencias de Emperor en las voces más agudas y épicas o esos riffs enfermos y chillones que nos hacen despegar del mundo con canciones como De la eternitat i del turment. Daniel Corax (Corb) canta en catalán y cuenta con el respaldo de Alfred Berengena, batería de Soziedad Alkoholika y responsable de los ritmos del disco junto al bajista Javier Gabarrella. Juntos se mueven con una soltura increíble, dejándonos el alma partida con cada uno de sus temas. —eduard tuset

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Brant Bjork

pop / Rivers Cuomo lleva

un tiempo vacilándonos mientras se parte de risa. Sólo así puede explicarse el periplo seguido por Weezer en los últimos años, quienes confirman el desastre con el presente álbum. Diez temas de bochornosa pachanga y cachondeo sonoro, en un festival de fuegos artificiales y exuberancias que incluye piezas pegajosas, electro-pop insufrible y épica exagerada y artificiosa. Una clara sobreproducción empasta directamente con las propias composiciones, hasta multiplicar exponencialmente el nivel de horteradas. La referencia parece alargarse hasta el infinito, y sugiere la categórica defunción del grupo. Sólo queda la duda de si este será uno de los elepés más pretenciosos que verán la luz esta temporada o, por el contrario, el cuarteto ya no se toma a sí mismo demasiado en serio. Eso explicaría que gestionasen sus visitas al estudio en busca de una diversión que, en cualquier caso, no son capaces de contagiar a sus seguidores. —raúl julián

ROCK / A principios de la dé-

cada, Bjork se mete en un estudio casero en pleno Joshua Tree para grabar su nuevo disco, pero se aburre de él, y decide meterse en una especie de jam, tocando todos los instrumentos. Aunque la grabación acaba archivada, ahora aparece la gente de Heavy Psych Sounds y le proponen lanzarlas y convertirlas en su decimocuarto disco. Un trabajo totalmente instrumental, con la única excepción de Do You Love Your World que, evidentemente, y conociendo la historia nos muestra su lado más experimental. Con la libertad por bandera, los diez temas de Jacoozi, con títulos como Guerrilla Funk, Mexico City Blues o Lost In Race muestran al músico sin anclajes, absolutamente centrado en la creación. Eso sí, lo hace sin escaparse de su sonido habitual. Creando atmósferas densas, con el bajo tomando el protagonismo para hacer el sonido más pesado, y apostando por melodías que avanzan lentas e inexorables hacia un final con sabor a peyote.

—eduardo izquierdo

Psychedelic Country Soul Cherry Red

ROCK / Pocos podían esperarse a estas alturas un disco de The Long Ryders. Sid Griffin, su líder, había apostado por una carrera en solitario que, eso sí, no había acabado de arrancar, formaba parte de los interesantes Coal Porters, y, a la vez, se había dedicado a publicar libros musicales, en un sueño que siempre había tenido. Pero inesperadamente Griffin, Tom Stevens, Stephen McCarthy y Greg Sowders vuelven a la palestra con un disco, como mínimo, de notable alto. Doce temas con muy buen tono, versión incluida y destacable del Walls de Tom Petty. Esta está entre lo mejor del lote, como también pasa con The Sound, compuesta a medias con su productor Ed Stasium, la hermosa balada acústica If You Want To See Me Cry o California State Line, una maravilla folk rock en la que brilla con luz propia la steel de David Pearlman. Quizá la sorpresa por su calidad colabora a que lo valoremos más, pero desde luego ahora mismo la calificaría de emocionante retorno.

DD LJM

1 Modeselektor Who Else

8 9 9 8 8,5

2 Pony Bravo Gurú

7 8 7 7 7,25

3 Aldous Harding Designer

7 8 7 7 7,25

4 Blanco Palamera Promesas

7 8 7 7 7,25

5 Pedro The Lion Phoenix

7 7 7 7 7

dc JSL

Med

6 Enric Montefusco 7 6 7 7 6,75 Diagonal 7 Rozi Plain What a Boost

6 8 7 6 6,75

8 Las Odio Autoficción

6 7 7 7 6,75

9 Arias Juramento mantarraya

6 7 6 7 6,5

10 Yawners Just Calm Down

5 7 6 6 6

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

The Long Ryders

Jacoozi Heavy Psych Sounds

Weezer (Black Album) Atlantic/ Warner

top 10.

Weezer

—eduardo izquierdo

La primera entrega de Foals

Robert Ellis Texas Piano Man New West

Foals

Everything Not Saved Will Be Lost. Part 1 Warner

7 ROCK / Pasa el tiempo y debemos subrayar que los de Oxford, hasta el momento, no han sacado ni un disco que baje del notable. Y Everything Not Saved Will Be Lost. Part 1 no va a ser una excepción. Hasta que en otoño no podamos degustar la segunda parte de Everything Not Saved Will Be Lost (Yannis Philippakis, el líder de la banda, ya ha avanzado que sonará más rockero que esta primera) no podremos evaluarlo en su conjunto, ya que ambos títulos, a pesar de tener entidad propia por separado, han sido concebidos para ser degustados de una tacada. No obstante, estas primeras diez canciones que nos llegan ponen sobre la mesa singles de lo más resultones que en directo imaginamos que funcionarán a las mil maravillas (como ocurre con la ya conocida Exists), medios tiempos que podrían encajar en su álbum de 2010, Total Life Forever (ahí está esa Sunday que gana enteros con las escuchas), y la justa dosis de adrenalina math rock que siempre les ha caracterizado. Sobre este último punto habría que detenerse en esa apisonadora

titulada White Onions que funciona como híbrido entre su debut y los números más visceralmente eléctricos de Holy Fire (13) y What Went Down (15). Si son listos, en su próxima gira deberían guárdaselas para los minutos finales, sin duda. El ahora cuarteto después de que, a principios de 2018, Walter Gervers, su bajista, decidiera amistosamente abandonar el barco, no ha querido sustituirlo por otro miembro. Y, lo que es más importante: lejos de contar con un productor externo como hasta ahora, estas dos nuevas entregas de Foals han

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sido producidas por el propio Philippakis. A él, y solamente a él, le debemos esos más descarados coqueteos con la electrónica. In Degrees, el tema que más controversia generará, bien se podría considerar su primera pieza estrictamente pensada para la pista de baile; aunque el experimento resulta mucho más efectivo en esa Cafe D’Athens cuya percusión puede rememorar a los Radiohead post-Kid A (00). Ciertamente, les ha quedado un trabajo de lo más variado. En otoño ya tendremos ocasión de comprobar el resto. —sergio del amo

pop / Robert Ellis ya nos

dejó un tremendo sabor de boca con su anterior disco de 2016. Su capacidad para tejer canciones tan arrebatadoras y envolventes como California, nos dejó noqueados y colocó a su autor en el obligado radar de la publicación. Ahora, tres años después, el de Houston se enfunda el traje de Leon Russell y, de blanco inmaculado, sombrero tejano incluido, se sienta al piano para entregar un álbum de pop clásico atemporal y rematadamente bello. Texas Piano Man es una delicia lo pilles por donde lo pilles, y sus canciones rezuman y condensan el sabor añejo de la tradición de los que percutieron con brillantez ese mismo instrumento con anterioridad. De Elton John a Randy Newman, pasando por el ya nombrado Russell. Además tiene la facultad de no estar almibarado en exceso y no caer en la tentación del arreglo ampuloso que hubiera restado puntos al acabado final. —don disturbios abril 2019 #37

MONDOVINILOS

Cass McCombs Tip Of The Sphere Anti/[PIAS]

Vuelve la irreverencia de Pony Bravo

ROCK / Al nomadismo que ha guiado buena parte de la vida de este músico estadounidense podríamos buscarle su reflejo artístico en las múltiples representaciones que su sonido ha ido fagocitando. Una versatilidad que no le impide arrogarse un signo distintivo, siendo indiferente que se maneje en el punk o en el folk para tupir, que no inundar, de un halo embriagador y sereno cualquier interpretación. Un ambiente que domina también este noveno disco que sin embargo nos muestra a un Cass McCombs –y a su banda habitual– más inmediato y orgánico, haciendo destacar, sin eliminar el tono vaporoso, la singularidad de cada una de sus vertientes estilísticas. Actitud plasmada en la imposición del rock and roll en The Great Pixley Train Robbery, la bella psicodelia bañada de jazz de Absentee o los lúgubres manejos electrónicos efectuados en American Canyon Sutra. Condimentos ejemplares para la realización de este viaje espiritual de recia implantación. —kepa arbizu

Pony Bravo Gurú Telegrama

8 ROCK / De la zona de confort se sale no tanto

por gusto, sino porque a uno le echan de allí a patadas, y eso es lo que Daniel Alonso, Pablo Peña, Darío del Moral y Raúl Pérez vienen a hacer en este cuarto álbum, seis años después (muchos, demasiados) de que se publicase De palmas y cacería (13), reventando todos los compartimentos estanco que podamos imaginar. No se trata sólo de eclecticismo, sino de ampliar aún más si cabe un discurso único en su especie, en el que la hipnótica La yerba mala nos devuelve al sonido más clásico del grupo, tirando en su letra de refranero agrario (o de salmos bíblicos, según se mire). También Casi nazi recorre terrenos conocidos, vistiendo de ácido la new wave antes de dar paso a unos minutos de baile alucinado en Totomami. Hay más juegos de palabras en la infecciosa Errores son horrores, western fronterizo en Lawrence de Aruba y hasta una

FOTO: óscar romero

revisión (Loca mente) que lleva a Las Grecas a una dimensión desconocida, reivindicando la ruptura como seña de identidad, igual que hicieron las hermanas Muñoz en 1974 con su Gipsy Rock: valiéndose de su particularísimo punto de vista, los sevillanos crean un híbrido entre Ammi Immi y Te estoy amando locamente, los dos temas de aquel atrevido primer single que puso del revés el flamenco rock, casi en paralelo a la publicación de los grandes discos de CAN. Cuarenta y tantos años después, Pony Bra-

Unkle

Dani Nel·lo

The Road, Part. II (Lost Highway) Songs For The Def/Popstock!

electrónica / Unkle regre-

san con la continuación de ese The Road, Part. 1 (17) que publicaron hace menos de dos años. El colectivo encabezado por James Lavelle presenta un total de veintidós cortes independientes entre sí, que albergan diferentes estilos y un buen número de colaboraciones entre la que destaca la de Tom Smith de Editors. En la presente obra prevalece la electrónica o el trip-hop, pero también cabe post-punk, synthpop, jungle, sonidos industriales, dream-pop o introspectivas y emocionantes piezas al piano. El resultado resulta algo irregular y adolece de una mayor concreción, pero deja numerosos aciertos que situar entre el repertorio más granado de los londinenses. Un cajón de sastre, pero también un lanzamiento jugoso e insinuante, con mucho donde rascar y que parece sugerir la posibilidad de encontrar hallazgos inéditos a cada nueva escucha. Es así como Unkle están consiguiendo que su música tenga una reputada imagen de marca. —raúl julián #38 abril 2019

Electric Wave Bureau

Los saxofonistas salvajes. Vol.2 Buenritmo

ROCK’n’roll / Parecía un

simple pasatiempo, una movida más del siempre inquieto Dani Nel·lo, pero probablemente debido a la entidad y a la calidad del proyecto se ha consolidado como algo con vida propia, una aventura con entidad paralela a Los Mambo Jambo. La cosa se retoma, si quieren, donde se dejó el primero volumen, con un músico rebuscando entre sus héroes particulares para revisitar su estilo, eso sí, cargándolo de su propia personalidad y la de los excelentes músicos que lo acompañan. Y es que Dani Baraldés, Anton Jarl, Pere Miró, Héctor Martín, Matías Míguez y Albert Sabater cumplen a la perfección con el objetivo de apoyar al jefe en esa amalgama de sonidos que van del jazz convencional al soul, el mambo o el rock and roll. Además, detallista que es el caballero, añade a la edición física breves apuntes de cada tema, para facilitarnos la escucha. ¿Ven como hay que comprar discos físicos? Y si son discos como este seguro que no se arrepentirán.

—eduardo izquierdo

vo bebe indistintamente de unas y de otros; de esto y de lo de más allá, haciendo de su música una anomalía absolutamente necesaria. Igual que en los primeros ochenta lo fueron las canciones de Derribos Arias, o como hoy pueden serlo propuestas tan dispares como Espanto o Niño de Elche. A lo largo de casi una hora, Pony Bravo crean una vez más un exótico salteado en el que hay semillas de afro-funk, hip hop primitivo, lo-fi, dub, raíces andaluzas o krautrock en el que no hay desperdicio. —enrique peñas

Riverboy Happy Place Records

The Kid Who Would Be King Editions Milan Music

banda sonora / El niño que pudo ser rey es una comedia fantástica inglesa al estilo de aquellas aventuras ochenteras de Los Goonies (85) o Gremlins (84), además de la nueva película de Joe Cornish Attack The Block (11). Si Cornish en su anterior película contaba con temazos grime y una banda sonora compuesta a medias entre Basement Jaxx y Steven Price, esta vez ha llamado a un viejo conocido del pop británico, Damon Albarn, y a su proyecto Electric Wave Bureau junto a Mike Smith, Nelson de Freitas y Suzi Winstanley, algunos compañeros de directo de Gorillaz. La primera banda sonora que firmaron con ese nombre fue la de Broken en 2012. Consciente del espíritu ochentero juvenil de la propuesta, Albarn y su Electric Wave Bureau componen un par de temas de leitmotiv muy electrónicos inspirados, cómo no, en la banda sonora de La historia interminable (84) (Giorgio Moroder) o Lady Halcón (85) (The Alan Parsons Project).

—manu gonzález

Quentin Sauvé

Riverboy

FOLK / Carlos Yáñez, persona que se encuentra tras el personaje de Charly Riverboy, cantante y cabeza visible de The Milkyway Express, se planteó este reto como algo totalmente personal, empezando por ir entregando canciones sueltas en forma de videoclip, para acabar presentándonos un álbum a todas luces espléndido que difiere, en bastantes cosas, en su trabajo previo. Once canciones que se alejan de los parámetros más americanos de su banda madre para acercarse a argumentos británicos. Por las pistas de este homónimo disco sobrevuelan tanto los Kinks como el folk inglés que los que lo conocemos sabemos que vuelve loco al músico. Un trabajo otoñal, lisérgico. No olvida lo americano. Dillard & Clark, Townes Van Zandt o Paisley Underground tienen presencia etérea en algunos pasajes, pero más evidentes son las apariciones sonoras de Nick Drake, Pentangle, Cat Stevens, Donovan o Fairport Convention.

—eduardo izquierdo

Whatever It Takes Ideal Crash

folk / Quentin Sauvé debuta en solitario con un álbum conmovedor en el que se desnuda musical y emocionalmente sobre dulces línea de guitarra que sostienen a una delicadísima voz, creando una sensación de urgencia inevitable alrededor de un tema central: la depresión. Si Dead End aborda sentirse prisionero de uno mismo, Half Empty Glass ofrece más pistas: “Veo todo lo que he hecho / un vaso medio vacío / y nada de lo que hago / lo va a llenar”. Love Is Home juega con un final inundado de puro shoegazing, pero es Bad New Bearers el tema más redondo del disco, no sólo por su magnífica armonía, ni su impactante letra (“Dejadme sólo / porque yo cuento historias / dejadme alcanzar las estrellas de quienes sueñan / Dejadme sólo / porque sólo me traéis malas noticias”), sino sobre todo por el subidón de voz a mitad de la canción. Whatever It Takes esconde un valiente cóctel explosivo que humaniza el tabú asociado a menudo a la depresión. —toni feliu

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+ ARTISTAS POR CONFIRMAR VENTA DE ENTRADAS OFICIALES :

Fangoria

Extrapolaciones y dos preguntas (1989- 2000) Warner

POP / A pesar de su sabido

rechazo a la nostalgia, Alaska y Nacho Canut echan la vista atrás y homenajean (“como Bowie”, han dicho) canciones y artistas que han marcado a ambos desde los comienzos del dúo. Una segunda parte verá la luz este mismo año, con versiones del 2000 en adelante. Grabado y producido de nuevo por Guille Milkyway, el disco lo mismo revisita canciones y artistas archiconocidos (Historias de amor, de OBK, el Llorando por ti, de Ku Minerva) que otros como Family, La Buena Vida, Corcobado o Parade. Fangoria llevan cada canción a su terreno, unas veces con más acierto que otras. Entre los aciertos, un Historias de amor que promete ser un hit festivalero, el Gritando amor de McNamara, la preciosa Dame estrellas o limones de Family, o un Coches de choque de Corcobado que curiosamente encaja a la perfección en las hechuras del grupo. Si además logran acercar al público mainstream los discos de Family, Parade o La Buena Vida, bienvenido sea.

—miguel díaz herrero

D.M.B.K.: El salto del gitano Derby Motoreta’s Burrito Kachimba Derby Motoreta’s Burrito Kachimba El Segell/Universal

8 rock / Fue toparme con el directo de Derby

Motoreta’s Burrito Kachimba en la Alameda, en la última edición del Monkey Week, y quedarme prendado. La banda sevillana tiene un directo de los que callan bocas (si hubiese que callarlas) y, cuando pude entrevistarles al día siguiente y Scott me dijo cosas como “una cosa es un recital y otra un show de rock’n’roll; nosotros vamos a lo segundo”, vi que definitivamente había que estar atentos a ellos. Entre tanta expectación alrededor de su debut había también una duda: “¿Se mantendría el nivel de sus directos?”. La respuesta es afirmativa: Aunque es evidente que sus conciertos son otro rollo, en este álbum queda bien patente la comunión del vocalista Miguel Garc... perdón, ‘Dandy Piraña’, con su banda (Bacca, Gringo, Soni, Máscara y El Papi aka Pachuli), y la habilidad de los seis para mezclar rock andaluz y psicodelia, fabri-

Lazharus

Fat White Family

Cernunnos: El señor del bosque Pure Reactive/ Nooirax/ Sacramento Records

industrial / El ruidista

trío madrileño regresa con Cernunnos: El señor del bosque, obra compuesta por tres cortes y que se inicia con unas inquietantes voces eclesiásticas y un bajo de marcado sonido metálico que lentamente nos irá introduciendo en Psicogeometria. Las capas de ruido y las voces infernales se irán dibujando poco a poco y las bases industriales de candencia lenta emergerán a mitad de camino para llevarnos hasta un final mucho más atmosférico. En contrapunto, Bardo, son ‘solo’ cuatro minutos llenos de ruido, bombos golpeando como un martillo pilón y voces totalmente dementes pasadas por el filtro de la distorsión. El ambiental inicio de SCAP: El símbolo compensador trae un poco de paz a nuestros oídos, y poco a poco valiéndose de la constante repetición de bases y bajo crearán un perturbado y ruidista mundo sonoro propio. La propuesta musical que plantea Lazharus con Cernunnos no es fácil, pero ahí radica su atractivo.

—gonzalo rodríguez

Rocío Márquez

Serfs Up! Domino/ Music As Usual

POP / Es posible que más de

uno se sienta algo perdido con las primeras escuchas del tercer trabajo de Fat White Family. Desde ese épico y rítmico tema de apertura que es Feet comenzamos a ser consciente de que algo ha cambiado. El trío británico ha abandonado ese sonido sucio y rockero con el que emergieron y pegaron en el panorama a través de sus dos primeras entregas, para adentrarse a una dimensión más luminosa y popera. Todo esa atmósfera abrasiva y cruda marca de la casa, se ha convertido en un multiverso donde encontramos a los Fat White Family más creativos e inspirados atreviéndose con cualquier cosa: desde sintetizadores o canto gregoriano hasta arreglos de cuerdas o saxofón, definiendo así a este tercer álbum, el primero publicado a través de Domino, como el más diverso y heterogéneo de la banda. Serfs Up! marca así la metamorfosis de la formación británica, un radical cambio de imagen que inesperadamente les sienta muy bien.

—guillermo chaparro terleira

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cando temas como The New Gizz, Aliento de Dragón o El salto del gitano, que pueden gustarle a un joven fan de King Gizzard, pero también a su padre apasionado de Medina Azahara. El haber pasado por muchas bandas y lo curioso de sus edades para ser un grupo emergente (el menor tiene veinticinco, el mayor, treinta y siete) hace que sean mucho más decididos a la hora de tomar riesgos, como ese cóctel de influencias, la importancia que tiene la imagen

flamenco / Visto en el jueves nace de la búsqueda de tesoros en uno de los mercadillos con más solera de España, el de la sevillana calle Feria, “el de los jueves”. Márquez fue desempolvando recuerdos y encontrando grabaciones que la marcaron antes y después. Catorce temas que se fraguan bajo la filosofía de reusar y reciclar el arte, rescatándolo de la memoria emocional colectiva, reinterpretándolo con sus sentimientos y filtrándolo por su voz, para volver a compartirlo con un nuevo latido propio. Una suerte de juego en el que, por partes iguales, se “acancionan” los cantes y florecen palos flamencos de las canciones, difuminando los límites entre ambos géneros. Como escuderos de lujo, Juan Antonio Suárez Cano ‘Canito’, con sus imprescindibles arreglos a la guitarra, y las percusiones de Agustín Diassera. Lo tradicional en constante diálogo con las aportaciones creadoras en primera persona. Márquez es puro arte libre y ya no hay quien la pare. —david pérez

—pablo tocino

The Beat

Yawners

Public Confidential DMF Records

Visto en el jueves Universal

en su propuesta, o introducir un tema tan distinto al resto (¡y tan bueno!) como Somnium Igni I a mitad de la secuencia. En definitiva, tras escuchar este primer disco está claro que Derby Motoreta’s Burrito Kachimba han venido para quedarse (lo mismo deben pensar en Universal) y, aunque hay cosas que se puedan pulir de cara a próximos trabajos, este debut homónimo es una magnífica carta de presentación.

ska / Tras la más que refrescante reaparición discográfica de The Specials, sus contrincantes de toda la vida, The Beat, se han sacado de la manga un nuevo álbum, donde el toaster por antonomasia, Ranking Roger, se pega un auto homenaje de aúpa por medio de una de sus actuaciones más flexibles e intensas de su carrera al frente del grupo. Así ocurre en el ragamuffin acelerado de On The Road o en el dub mutante de Dangerous. Tanto en estos cortes como en el resto que pueblan las diferentes esquinas del álbum, el descontento social es bramado a través de exultantes ejercicio de estilo. The Beat no han tenido más que tirar de su libro de cocina para armar un manifiesto artístico alambicado donde broten arreones de skapunk alto voltaico como Who’s Dat Looking o el pop hiper vitamínico que reluce en A Good Day For Sunshine. Micebrina de alta graduación para aumentar las defensas bajas de nuestro día a día. —marcos gendre

Just Calm Down La Castanya

rock / La primera vez que vi a Yawners en directo, en una velada con Solo Astra allá por 2016, sentí la necesidad de aplaudirles en toda la cara en cuanto bajaran del escenario. La reacción de Elena Nieto (voz, guitarra) y Martín Muñoz (batería y coros) fue exageradamente tímida, apenas un fugaz contacto visual y un inaudible “gracias” que se evaporó entre el ruido del Café La Palma. La antítesis de lo que acababa de presenciar: un torbellino de fiereza rítmica e insultante creatividad melódica que hacía imposible apartar la mirada del escenario. Transmitían una mezcla de ingenuidad y autenticidad que evocaba otra época. La misma que su repertorio, una imponente ristra de hits de rock alternativo con aceleración noventera al estilo de unas The Breeders en estado de gracia. O de Dover, pero mejor afilado. Tres años después, así es exactamente como suena su disco de debut, un trabajazo redondo y adictivo titulado Just Calm Down. Apúntenlo para las dichosas listas. —nacho serrano

abril 2019 #41

MONDOVINILOS

Aries

FOTO: kika ramil

Juramento Mantarraya La Castanya/ K-Records

Blanco Palamera: minimal Blanco Palamera Promesas Raso Estudio

r&B / El debut de Blanco Palamera es un trabajo de una transparencia precisa. Hay una emoción realmente genuina en estas diez canciones. Manu Blanco (guitarra y voz) y Xoán Domínguez (batería y coros) funcionan como una entidad en la que todo tiene su lugar. Con una instrumentación marcadamente minimalista, este dúo compostelano explora sonidos que van del dream pop al r&b, el jazz o incluso el trip-hop. Bajo una superficie de texturas sintéticas florecen canciones cálidas y bien estructuradas con letras tremendamente confesionales. Desde el primer tema, Solo con mi voz, encontramos a un narrador con preocupaciones similares a las nuestras (“A lo mejor

#42 abril 2019

esto es lo mejor que pudo pasarnos”). Manu Blanco aborda con honestidad sus dudas sobre el amor y el crecimiento personal. Escucharlo con atención ofrece un sentimiento de intimidad y confort comparable a leer en secreto el diario de otra persona. Sus frases remiten a lugares que ya hemos visitado, grietas cristalinas que te marcan con el tiempo. Una delicadeza textual que contrarresta con la exuberancia de los sintetizadores y el finísimo trabajo a la batería de Xoán Domínguez. Las influencias de r&b y jazz se materializan de forma precisa cuando invitan a un trompetista a la aventura (Llega). Cuando las guitarras emergen (Despacio) se acercan al territorio de The xx y cuando aceleran los beats (Salvaje) se aproximan a Disclosure. Parece que haya espacio para la improvisación, pero cada nota está perfectamente elegida para conferir al álbum un sonido nítido y limpio. Resulta extraordinario que dos personas tan jóvenes puedan generar una sintonía musical como esta. —tomás crespo

pop / Como si de la banda sonora de una película imaginada por Syd Barrett en su etapa más lisérgica se tratase, este Juramento mantarraya que nos brinda Aries, tres años después de su tercer disco, es un viaje en poni por los confines del pop caleidoscópico; por las arquitecturas policromáticas que se desprenden de la psicodelia electronizada; y, sobre todo, por las batallas que la propia artista libra consigo misma. Y es que Isabel Fernández Reviriego edifica, en este nuevo repertorio, canciones en las que las melodías bonitas se funden (y se confunden) con las paredes de texturas electrónicas más abstractas, casi como si consiguiera poner orden a dos universos aparentemente distanciados, pero armónicamente orgánicos con ella como mediadora (o relatora). —alan queipo

PUP

Morbid Stuff Rise Records

punk rock / Morbid Stuff es un trabajo que transmite musicalmente diversión y desenfreno, pero también esconde letras crudas y amargas, firmadas por el cantante y guitarra tras superar una larga depresión. El cuarteto de Ontario repite una vez más productor, Dave Schiffman, el quinto miembro de la banda, al que podemos encontrar también en los créditos de muchos discos, principalmente como ingeniero de sonido. Aunque con Morbid Stuff debutan en una multinacional, la banda

sigue erre que erre con su punk rock insolente y cantan (cuando no gritan) en primera persona sobre situaciones oscuras, con un sentido del humor muy negro. Sería injusto destacar solo un puñado de temas porque el disco en conjunto es adictivo, de principio a fin, ejecutado con inteligencia, distorsión y urgencia. Dicho esto, en las primeras escuchas quizá sobresalen la enérgica Free At Last, el estribillo edulcorado de See You At Your Funeral, la mala baba de Sibling Rivalry y la contundencia de Full Blown Meltdown. —luis benavides Aldous Harding

Designer 4AD/Popstock!

folk / El nuevo trabajo de Aldous Harding nos muestra un prisma más de la versatilidad de la artista neozelandesa. Anclada de inicio en el folk más oscuro de su seminal trabajo y la evolución sutil de Party (17), con Designer da un salto definitivo hacia un sonido más luminoso que alterna con acierto lo orgánico de temas como Damn, con arreglos orquestales delicados sobre melodías pop (Zoo Eyes), o medios tempos acústicos condimentados con una fantástica sección de cuerda (Fixture Picture). El chamber pop de The Barrel, la jovialidad desgarradora de Weight Of The Planets, la oscuridad de Heaven Is Empty y el cierre sobrio de Pilot, completa una colección de canciones notable, en la que sobresale la vigorosa voz de su protagonista. Bajo la producción de John Parish, el álbum presenta una deliciosa factura sonora, a la que se suma la habitual narrativa de Harding, que hacen de esta obra la más compacta de su carrera.

—iñaki molinos

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Miss Caffeina

Millencolin

Oh Long Johnson Warner

pop / Van tres años del exitazo de Detroit, que terminó de acercar a Miss Caffeina al gran público, y ahora la banda vuelve con un disco en el que está bastante presente nuestra relación con Internet y donde se apuesta ya sin cortapisas por el pop y la electrónica. Con Max Dingel de nuevo en la producción, Oh Long Johnson está lleno de grandes temas desde que arranca con la canción homónima, una auténtica fiesta para disfrutar en esas malas rachas donde una pareja o un amigo te ayuda a evadirte. Pero la cosa no queda ahí y sigue desde el reciente y sexual Prende hasta la balada Ausentes presentes, pasando por el funk de temas como Planta de interior, o el oscuro estribillo instrumental de Calambre, que comparte temática (el bullying) con Reina. De hecho, Reina es lo que más brilla en un disco donde pocas cosas no lo hacen: incluso temas supuestamente menores se pegan que da gusto y tienen momentos muy reivindicables.

—pablo tocino

SOS Epitaph/[PIAS]

legado Millencolin, con las velocidades de Life On A Plate (95) o los exquisitos medios tiempos de Pennybridge Pioneers (00) es incuestionable. Después de viajes inciertos, los suecos regresan al punk rock con SOS balanceando armonía y líneas vocales repletas de estrofas y estribillos pegadizos y previsibles. Efectivamente, cuando uno se da cuenta que ya sabe lo que va a venir, el hechizo se rompe, como sucede en Nothing o en Do You Want War. Las letras del álbum vienen cargadas socialmente: Dramatic Planet se pregunta sobre el origen de los conflictos mundiales y Carry On se centra en la gente aletargada que no tiene más objetivo que “tirar hacia adelante”. Puede que Millencolin haya caído en el auto-espóiler melódico. Aún así, piezas como la de Trumpets & Poutine y temazos como Reach You hacen de SOS un disco técnicamente impecable con canciones que se quedarán en tu cabeza, para bien o para mal. —toni feliu

Pedro The Lion

Valira

Ecos de aventura Propaganda Pel Fet

Phoenix Polyvinyl

rock / El proyecto liderado

por David Bazan regresa a escena tras quince años de silencio con un disco tremendamente bien calibrado y manejado con la seguridad de aquél que, estando presente en el origen, asumió las bases del asunto como propias. La propuesta del grupo vuelve a situarse entre el slowcore de Low y el indie-rock de Sunny Day Real Estate o Sugar. Es precisamente ese sonido típicamente noventero a aquel lado del Atlántico el que sugiere todo el hilo argumental del álbum, retomando así sensaciones conocidas y las consecuencias derivadas del mismo. El elepé presenta un gran nivel compositivo, situándose entre lo mejor del combo con una colección de trece canciones coherentes y que apenas presentan altibajos. La quinta entrega del trío de Seattle es un latigazo sonoro anclado en otra época y que nunca pasa de moda, fiel a sus convicciones originales e intachable en el tratamiento de los propios parámetros que lo componen. —raúl julián

hardcore / El memorable

pop rock / Ecos de aven-

tura, el disco de debut de Juan Zanza, guitarrista de La Raíz, contiene un evidente pulso existencialista en el que el individuo se muestra vulnerable ante lo incierto, necesitado de esa fuerza vital que mueve el mundo: el amor. Un largo que busca el apoyo en las personas que te quieren, pero que no siempre están ahí para echarte esa mano que te salve. Hay un tono agridulce que, por momentos, se tiñe de desesperanza. Uno de esos trabajos que se escuchan de principio a fin y que te demandan una nueva reproducción para seguir fijándote en los detalles. Sin ir más lejos, abrir el disco con Guerra fría deja muestra, ya de entrada, del talento de Juan para unir la tradición del riff rockero con una evidente intención melódica. Pero la cosa no acaba ahí, y el álbum es mucho más que un solo y rotundo single: Corazones ambulantes es otra inspirada canción directa y El animal echa mano de esa fusión que tan buenos resultados le dio a La Raíz. —don disturbios

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abril 2019 #43

CÓMICS La mentira y cómo la contamos Tommi Parrish Astiberri

8 A Tommi Parrish le interesan las interacciones, y por eso plantea un encuentro fortuito entre amigos que dispara recuerdos olvidados y emociones reprimidas. Parrish afila el contraste entre la plasticidad de su dibujo y la sensación de incomodidad que crean la cordialidad forzada y los deseos frustrados, paseando las miserias de un precariado hipster narcotizado por el glitter de lo insustancial e incapaz de enfrentarse a si mismo. —alex serrano

Solid State Coulton/ Fraction/ Monteys Gigamesh Cómics

7 A partir de un disco conceptual de Jonathan Coulton, Matt Fraction (Sex Criminals, 13) y Albert Monteys (¡Universo!, 18) unen fuerzas para dar forma a una obra de ciencia ficción distópica que retrata un mundo incluso más absurdo del que nos ha tocado vivir en la actualidad. Aunque lo que plantea Solid State tiene su miga, el verdadero protagonista es un Monteys en estado de gracia. —joan s. luna #44 abril 2019

NICK DRNASO VISTO POR CHRIS WARE

CÓMICS

44/Mondo Media Sabrina (Salamandra Graphic, 19) es una de esas novelas gráficas que, al mismo tiempo que se disfrutan, le dejan a uno mal cuerpo. Además de eso, también es uno de los títulos imprescindibles de la temporada. Por ello, entrevistamos a su autor, Nick Drnaso, quien ya nos había sorprendido con el no menos recomendable Beverly (Fulgencio Pimentel, 16).

ominada al Premio Man Booker de Literatura, Sabrina parte de la desaparición de una chica para, a partir de ahí, lanzarnos a una espiral de teorías conspirativas, paranoia y pesimismo capaces de hundirle a uno el día, e incluso la semana. Un cómic incómodo que plantea temas diversos sobre los que pensar. Al loro, que estamos peor de lo que pensamos. Por lo que parece, el punto de partida de la obra fueron unas pesadillas que obsesionaron al americano, concretamente unas relacionadas con abducciones extraterrestres. Lo curioso es que, al final, le ha salido una obra de miedos muy terrenales. “En el caso concreto de este libro, tienes razón. Está muy anclado a la realidad, excepto en el caso de los personajes que inventan escenarios fantásticos a lo largo de la historia, como las teorías de la conspiración que aparecen en el texto”. De miedos muy terrenales y, dicho sea de paso, de un pesimismo extremo. “Vivo en una especie de lucha constante contra el pesimismo. Quizás me revolqué demasiado en ese sentimiento cuando era más joven, pero ahora estoy buscando razones para no ser cínico, incluso teniendo en cuenta que hay muchas cosas que me hacen sentir así”. Todo empieza con el asesinato de una chica, detonante de una espiral de conspiranoia, rabia en redes sociales y odio indiscriminado. “Todas las personas, sean sus orígenes los que sean, tienen sus rumores, sus paranoias y sus sospechas. Puede ser que una persona que, por lo general, tenga seguridad y esté ocupada, tenga un hogar, un trabajo, recursos, comida, mire por la ventana y empiece a ver cosas que no están allí”. Súmenle a eso una amargura descomunal que hace naufragar a buena parte de los

“Vivo en una especie de lucha constante contra el pesimismo”

El declive de Occidente

Nick Drnaso

personajes en las turbulentas aguas de la depresión. “Creo que todos los personajes principales tienen motivos para sentirse deprimidos y, desde mi experiencia, la depresión no tiene por qué estar ligada o surgir de factores externos”. No me gustaría sonar maleducado o irrespetuoso cuando le digo a Drnaso que una obra como Sabrina tan solo puede salir de la cabeza de un artista de los Estados Unidos. Allí, la violencia y las teorías conspirativas tienen mucho mayor peso que en la vieja Europa. “Es interesante escuchar lo que me estás diciendo, y no, no me lo tomo mal. La verdad es que he pensado en cómo se percibiría este libro en otros países y si los temas se perciben allí de forma parecida o de un modo distinto. Muchos estadounidenses probablemente rechazarían mi perspectiva como demasiado negativa, y probablemente tengan razón”. ¿Y en Chicago, una ciudad en la que mueren asesinadas seiscientas cincuenta personas al año? “Es patético, pero estoy muy alejado geográficamente

de la violencia, aunque sea solamente por unas pocas millas. No forma parte de mi vida, excepto cuando leo sobre ello en los periódicos. Chicago es todavía una ciudad altamente segregada por la raza y por la clase social. Más allá de eso, no estoy muy cualificado para hablar sobre ello. Creo que ese es uno de los fallos de Sabrina, que no abordé el hecho de la abrumadora atención de los medios al asesinato de una mujer blanca comparado con los de los centenares de personas asesinadas cada año. Es una historia de ficción, por supuesto, pero refleja la vida real de algún modo”. —joan s. luna

r Más en www.mondosonoro.com

Sabrina

Nick Drnaso Salamandra Graphic

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Hablan los artistas “He escuchado con pasión los discos de A Perfect Circle o Queens Of The Stone Age, dentro de lo que es la música rock, que por cierto me sigue gustando mucho”

Podríamos echar mano del refranero para encabezar esta sección, pero no vamos a hacerlo. Así que mejor repasar algunos de los números de MondoSonoro que alguna vez vieron la luz en el mes de abril.

(Phil Hartnoll de Orbital, 01)

RRLos Planetas fueron portada de MondoSonoro en abril de 1996, coincidiendo con la publicación de Pop, su segundo larga duración. En ese mismo número, el 18, entrevistábamos a artistas como Blur, St. Germain, Boss Hog, Anthrax, The Afghan Whigs, Filter, Tortoise o The Auteurs.

RREn abril de 2001, en el número 73 para ser más exactos, tuvimos como protagonistas de portada a Sigur Rós, una banda de indudable personalidad que ha mantenido su espíritu intacto a lo largo de los años. También charlamos con De La Soul, Orbital, Manic Street Preachers, An Der Beat –uno de los grandes productores españoles de electrónica de aquel momento– o Fear Factory.

“Hay canciones que te pagan el alquiler, pero estableces una relación de amor-odio con ellas” (Guillem Gisbert de Manel, 16)

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondo web www.mondosonoro.com Ed. Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com

RREn abril de 1997 –número 29– apostamos por una portada rockera. Nada menos que Aerosmith. Aunque no eran los únicos representantes de las guitarras. También incluimos conversaciones con Ten Foot Pole, Henry Rollins, Kula Shaker, Ktulu, Cradle Of Filth e incluso Beck, quien nunca le ha hecho ascos a dicho instrumento.

RRMucho más reciente es el número 238 de nuestra revista. Se publicó en abril de 2016 y tuvo en portada a Anthony Gonzalez, más conocido artísticamente como M83, quien ni corto ni perezoso apuntaba que “no me reconozco en la música de ahora. Los artistas que funcionan en Estados Unidos no me dicen absolutamente nada”. Entre el resto de contenidos, destacaban Novedades Carminha, Delafé, Juancho Marqués y Manel.

“Nuestra música, a veces, puede ser triste, pero pesimista es una palabra demasiado fuerte, triste tal vez. Y tampoco siempre” (Doug McCombs de Tortoise, 96)

Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Ed. Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra

Hablan los críticos

“El fallo de este nuevo disco de Iggy es que no está mal, pero tampoco aporta nada que no hayamos oído ya. Hay que exigirle más a quien tiene tanto que ofrecer”

“Tool son una de las bandas más peculiares e interesantes de la escena actual. Escucharles supone un imprevisible viaje de constantes giros que logrará dejarte exhausto”

“Ante estas canciones, no se me ocurren arreglos más rotundos que un par de acústicas, una trompeta lejana, un piano y esas melodías vocales. Brillante es decir poco”

“La primera canción del debut de MGMT, Time To Pretend, hace que me den ganas de pasarme el verano de festival en festival hasta las cejas de MDMA”

(Albert L., a propósito Naughty Little Doggie de Iggy Pop, abril 1996)

(Don Disturbios, a propósito de Aenima de Tool, abril 1997)

(Half Nelson, a propósito de Quiet Is The New Loud de Kings Of Convenience, abril 2001)

(Joan Cabot, a propósito de Oracular Spectacular de MGMT, abril de 2008)

#46 abril 2019

Ed. Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com)

Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Hara Amorós, Gustaff Choos. Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

f 188.000 seguidores t 95.800 seguidores g 232.184 seguidores 55.000 seguidores 72.208 seguidores x 10.666 seguidores

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