MONDOSONORO ABRIL 2012 (Nº 194)

Abril de 2012 nº 194

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

JACK WHITE

LOBO SOLITARIO DJANGO DJANGO • DANIEL JOHNSTON • LEE RANALDO • MACACO • JOE CREPÚSCULO • NIÑOS MUTANTES • MARK STEWART • LAMBCHOP • MISHIMA THE MARS VOLTA • REBOLLEDO • MAIKA MAKOVSKI • DEER TICK • DULCE PÁJARA DE JUVENTUD • KLAUS & KINSKI • JERO ROMERO • DIE ANTWOORD www.mondosonoro.com

staff Coordinador General Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com)

MondoSonoro · Abril 2012 /5/

NOTICIAS

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7. Daniel Johnston, gira española en abril 8. Mark Stewart y sus amigos 9. Lee Ranaldo, el talento se mantiene 10. Festivales 2012

mondofreako 13. Macaco 14. Niños Mutantes 15. Joe Crepúsculo 16. Lambchop 18. Mishima 20. Maika Makovski 21. The Mars Volta 22. Rebolledo

Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Xavi Sánchez Pons (xavi@mondosonoro.com) Web Marta Terrasa Bonnin (marta@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación Manuel Fijo (maquetacion@mondosonoro.com) Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com

entrevistas

◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Pablo Ferrer, Sergio Falces, David Chapín (publiaragon@mondosonoro.com)

25. Django Django Contra las etiquetas 26. Jack White Un viejo amigo

◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197

Conciertos 29-33. Let’s Festival, Soul Train Festival...

◗ Ed. Canarias (canarias@mondosonoro.com) Redacción Job Ledesma Tel 615 125 126 Publicidad Enrique Santana Tel 689 53 39 53 Jacob Cabrera Tel 609 55 12 00

escaparate 34-36. Deer Tick, La Familia del Árbol, Dulce Pájara de Juventud...

◗ Ed. Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026 ◗ Ed. Euskal-Herria (zarata@mondosonoro.com) Redacción Eli Ibarra Publicidad Eunate Saiz (607 66 20 55) Tlf./Fax 94 415 4551

vinilos 39. The Shins Disco del mes

◗ Ed. Galicia-Castilla y León (galicia@ mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro. com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379

mondomedia

◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 506939 Colaboradores: Textos Alberto Comeche, Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Daniel F. Marco, Diego R. J., Fernando Fuentes, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Héctor García, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, María Baigorri, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, P. Muñoz, Óscar Gual, Raül Julián, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop, Virginia Arroyo Fotografía Albert Jódar, Gustaff Choos, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Nacho Ballesteros

49-51. Mondo Recomienda 53. Conexiones

mondoweb

Un viejo amigo

Lo cierto es que cada mes resulta más complicado firmar esta editorial sin recurrir una y otra vez a los mismos tópicos o sin apuntar los mismos argumentos que han leído ustedes ad infinitum. Digamos que conozco mis limitaciones intelectuales, que son muchas. Conocerse a uno mismo y ser consciente de sus virtudes y de las fronteras de su talento es fundamental para resultar honesto también con los demás. Y eso es lo que, diría, debe pensar el mismísimo Jack White cada vez que se enfrenta al silencio más absoluto con intenciones de escribir nuevas canciones. Porque, y eso no admite duda, White es uno de esos artistas que jamás estira más el brazo que la manga. Co-

Jack White Foto Archivo

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54. La entrevista Fan: Jero Romero

25 / DJANGO DJANGO / Contra las etiquetas

“no solo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Jordi Fores porque ahora sólo tiene tiempo para su hija

Andalucía/Murcia

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noce a la perfección sus herramientas y la forma de imprimirle alma a cada nota de sus cuerdas o a cada rasgeo primitivo de su guitarra. Ni experimentos con la electrónica, ni rapeados a medio tema, ni mierdas de esas... Jack White es un tipo al que le gusta más tocar que triunfar, al que le basta con hacer canciones, aunque estas no siempre sean la hostia. Ahora, en “Blunderbuss”, se presenta en solitario, apostando por el negro en lugar de aquellos ya lejanos rojos y blancos, sin descubrirnos nada nuevo, sí –eso es indudable-, pero también sin intentar vendernos motos o darnos gato por liebre.

■ Redactor Jefe Joan S. Luna

5 cds

de

“Soft Gems”

el nuevo disco de Mujeres

IGGY & THE STOOGES, THE SPECIALS, CYPRESS HILL, GOGOL BORDELLO,

LA PEGATINA, LINTON KWESI JOHNSON, AMADOU & MARIAM, NNEKA QUIMI PORTET, SHARON JONES AND THE DAP-KINGS, BIGOTT, LENACAY

6 y 7 DE JULIO

EN EL PARC DEL FÒRUM DE BARCELONA

Más confirmaciones el 17 de Abril Oferta Abono 2 días: 60EUR (sólo hasta el 30 de Abril)

Venda de abonos y más información: www.cruillabarcelona.com Organizador:

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/7/ Abril 2012 · MondoSonoro

Daniel Johnston Foto Peter Juhl

NOTICIAS

FESTIVALES ❚ La organización del FESTIVAL DO NORTE, el 27 y 28 de abril en Villagarcía de Arousa, airea la tercera tanda de confirmaciones. Con la inclusión de La Casa Azul, Klaus & Kinski, DJ Amable, Pegasvs, Varry Brava y Dirty Socks, la undécima edición del festival arousano se perfila como un ambicioso escaparate de la escena indie estatal. ❚ IBIZA & MALLORCA ROCKS han confirmado nuevos grupos: New Order, Kasabian y Bloc Party, encabezan esta nueva oleada de nombres que se añaden así a los ya anunciados Two Door Cinema Club, Ed Sheeran, Professor Green, Chase & Status o Tinie Tempah, entre otros. Del 5 de junio al 19 de septiembre. ❚ Ya se conoce el cartel de la nueva edición del FESTIVAL PLAÇA ODISSEA, que se celebrará los días 10, 11 y 12 de mayo en la Plaza Odissea de Maremagnum de Barcelona.

Antònia Font, Manos de Topo, Klaus & Kinski, Nudozurdo, Pegasvs, y los islandeses FM Belfast, son los primeros confirmados.

Daniel Johnston, gira española en abril Entrañable y legendario, así es Daniel Johnston, un cantautor que nunca será como los demás. Ahora, vuelve a nuestro país para actuar en Madrid (18 abril), Barcelona (19), Valencia (20) y Valladolid (21), junto a una banda de músicos españoles.

“

Hola, ¿cómo estás?”. Supongo que es lo que esperas que te responda Daniel Johnston cuando coge el teléfono, pero nada puede evitar que te dé un vuelco el corazón cuando va y lo hace de verdad. Johnston (California, 1961) se aburre con facilidad y en ocasiones ni siquiera responde, pero también se emociona como un niño continuamente, como cuando me explica que le han regalado una guitarra nueva o que viene de tocar con los Zep. “Ayer estuve tocando en Houston, y fue genial. No podía creerme lo bien que tocaba la banda. Eran como Led Zeppelin. ¡Ayer toqué con Led Zeppelin, tío! Fue genial”. Johnston visitará España en abril y lo hará con una banda formada por músicos locales, algo a lo que está

acostumbrado últimamente, aunque le pilla por sorpresa lo de que vaya a venir a nuestro país. “¿Voy a ir a tocar a España? No lo sabía. De eso se encarga mi hermano, que es mi tour mánager. Él se encarga de concertar una banda en cada sitio y ensayamos antes del concierto. Estoy saliendo bastante últimamente. Está bien.

Hay muchas chicas bonitas en los conciertos”.

Y a continuación me cuenta una tierna historia al respecto. “Recuerdo a una chica preciosa en uno de mis conciertos. Vestía como si le gustara el heavy metal. No podía dejar de mirarla, pero ella no se fijó en mí. Luego vi que estaba con un grupo de amigas y era como si estuvieran allí para apoyarla, porque tenía el corazón

roto. Vino a conocerme y nos dimos la mano y le dije que me gustaría verla de nuevo.

Era realmente guapa”. Es la clase de anécdota empapada en inocencia y pureza –y algo de malicia infantil- que sirve para explicar por qué Daniel Johnston es uno de los músicos más influyentes del underground americano y sus canciones el tipo de música que de verdad salva almas. También explica por qué se suceden los homenajes y tributos –“Coloreando a Daniel Johsnton” (Ondas del Espacio, 2011) y “Hola, com estàs?” (El Mamut Traçut, 11) han sido la aportación patria-. “Es bastante guay escuchar mis canciones tocadas por otros.

Estaría bien que alguien consiguiera convertir una de esas versiones en un éxito y hacerme rico con ella”. De hecho, asegura que ahora que puede dedicarse a sus canciones escribe un poco cada día y que está trabajando en un nuevo álbum junto Paul Leary y Bill Anderson, ambos colaboradores habituales (Leary fue el encargado de producir “Fun”, en 1994). ■ Joan Cabot

Musicland Festival, cita en Madrid

Orbital Foto Archivo

Rock Coast, Tenerife se suma a la temporada festivalera El Festival Rock Coast (que se celebrará en una zona cercana a la dársena pesquera de Santa Cruz de Tenerife) confirma su cabeza de cartel para la jornada del sábado 26 de mayo, la última de la cita, que empezará el 24 de mayo. Se trata de Ben Harper, que se suma a un cartel que redondean grupos del calibre de Iggy Pop & The Stooges, Smashing Pumpkins, Marilyn Manson, Orbital, Fatboy Slim, Evanescence, Marea, This Drama o Rolling Hackers. Redondeando el cartel, habrá un Escenario MondoSonoro por el que pasarán nombres canarios como The Birkins, GAF, Moustache, El Faro, Holy Disgrace y un largo etcétera. Los abonos están a la venta desde el pasado 14 de marzo en www.ticketmaster.es, aunque se anuncia que habrá nuevos puntos de venta en breve. Si son ustedes canarios, no pueden faltar; si no es el caso, ya tienen la excusa perfecta para montarse un fabuloso fin de semana en Tenerife. Más en www. rockcoastfestival.com ■

Los próximos 27 y 28 de abril, la Ciudad Deportiva del Rayo Vallecano, en Madrid, dejará de lado el fútbol para dar cobijo a dos días de música y cuatro escenarios por los que desfilarán las más destacadas propuestas de la escena electrónica, hip-hop, indie y dance de los últimos años. De momento, ya se han desvelado las primeras confirmaciones del cartel de electrónica y hip hop, encabezados por The Bloody Beetroots, 2 Many Dj’s, Carl Cox, Simian Mobile Disco y Pendulum & MC Verse, John Digweed, Dave Clarke, Violadores del Verso, Duo Kie o Falsalarma, entre otros. De todas formas, este es solamente un adelanto de la lista de nombres que se subirán a un par de los cuatro escenarios del evento, aunque se conocen ya artistas pop y rock que estarán presentes como Vetusta Morla o El Columpio Asesino. Las entradas están a la venta desde el pasado 1 de marzo en la web oficial del evento: www.musiclandfestival.com ■

❚ El FARADAY, que se celebra los días 29 y 30 de junio y 1 de julio en Vilanova i la Geltrú, tendrá a Josh Rouse & The Long Vacations como cabeza de cartel. Además de Rouse, otros nombres que se han descubierto han sido los de Frida Hyvönen, Love Of Lesbian, La Estrella de David, Pegasvs y Juli Bustamante con Fred i Son.

Steve Aoki Foto Archivo

❚ El Circuito de Velocidad de Jerez volverá a hacer rugir una nueva edición del FESTIVAL CREAMFIELDS ANDALUCÍA. Será el 10 y 11 de agosto y el cartel lo encabezan, entre otros: Steve Aoki, Tiesto, Anton Pieete, el tándem formado por Caribou y Four Tet, los franceses Dirtyphonics, Fangoria y Dorian. ❚ Llega una nueva edición del RESURRECTION FEST de Viveiro (Galicia). El cartel estarán encabezado por Descendents, Suicidal Tendencies y los suecos At The Gates. El festival se celebrará del 2 al 4 de agosto. Otros nombres confirmados son Good Riddance, Blood For Blood, Hatebreed, Suicide Silence, Converge, Unhearth y Agnostic Front, entre otros. ❚ Nuevos nombres para el HEINEKEN JAZZALDIA DE DONOSTIA que celebra su 47ª edición entre el 19 y el 23 de julio. Se trata de Sharon Jones, Madeleine Peyroux, Melody Gardot, y un concierto que reunirá a Kenny Barron, Mulgrew Miller, Eric Reed y Dado Moroni. ❚ Ghostpoet, Byetone, Robert Lippok, el colectivo a/v 1024 Architecture, Komatsu, Vittus + Paul Prudence y Las CasiCasiotone son los nombres que cierran la programación de la sexta edición L.E.V., que se celebrará durante los días 27 y 28 de Abril en Gijón.

Violadores del Verso Foto Archivo

❚ IBIZA 1 2 3 FESTIVAL SUNSET STRIP reúne a nombres consagrados del pop rock como Sting o Lenny Kravitz, junto a figuras de la electrónica en todas sus variantes como M83, Tinie Tempah, Luciano o Fatboy Slim. La cita tendrá lugar los días 1, 2 y 3 de julio en la isla. n

Mark Stewart Foto Chiara Meattelli

NOTICIAS /8/ Abril 2012 · MondoSonoro

Fuel Fandango Foto Archivo

Fuel Fandango publican disco de remezclas

Mark Stewart y sus amigos “The Politics Of Envy” es más que el colofón a treinta años de carrera en solitario o al frente de The Pop Group. Representa el cordón umbilical que une a Mark Stewart con una serie de músicos y artistas del calibre de Lee Perry, Kenneth Anger, Richard Hell o Bobby Gillespie.

“

Todavía soy ese chaval de catorce años sentado en el suelo frente a su colección de discos”. Sin embargo no podemos engañarnos, han pasado varias décadas desde entonces y a este fanático de la música, activista incansable y artista a su pesar, Nick Cave, Massive Attack o buena parte de la generación post-dubstep le señalan como “el Padrino”. Y muchos de ellos no han querido perderse la oportunidad de participar en “The Politics Of Envy”, el primer disco en el que Mark Stewart se ha abierto a las colaboraciones

(más allá, por supuesto, de su fructífero vínculo con Adrian Sherwood). “Todo es circular”, afirma. “El origen del disco hay que ir a buscarlo a mi encuentro con Kenneth Anger en unas jornadas sobre magia en Oporto. Anger es mi ídolo desde que ví sus películas por primera vez siendo un adolescente”. Su participación en el disco le animó a continuar la ronda de colaboraciones: además de los citados más arriba, Factory Floor, Tessa Pollitt (The Slits), Youth (Killing Joke), Gina Birch (The Raincoats) o Keith Levene (PIL). “El disco

es como una road movie que transcurre en los diferentes lugares en los que he vivido estos años: Oporto, Berlín, Bristol, Viena, España… Y vuelta a Londres. En ese contexto los invitados hacen las veces de actores”. Se publica además en el momento en que (redoble de tambores) The Pop Group vuelven a la vida. “Empezamos a escribir canciones antes de navidad, más o menos cuando participamos en el Primavera Club, y lo que está saliendo de ahí sorprendentemente se parece muy poco al material de The Pop Group: suena muy clásico. El disco lo producirá casi con total seguridad Paul Epworth, que es un gran fan de la banda…”, además de el hombre tras del éxito de Adele o Florence & The Machine. Pues sí, sorpresa asegurada. ■ Luis J. Menéndez

Fuel Fandango estiran la vida de su disco homónimo en un trabajo de remezclas. Para eso acaban de lanzar “Remixed” (Warner, 12), un repaso pistero a nueve temas de su estreno y que les sirve para continuar en gira. El canario Pablo Fierro y nombres famosos como los de Wagon Cookin’ y Shook, entre otros, dan aún más empaque bailable a los de por sí rítmicos temas del dúo compuesto por un lanzaroteño, Ale Acosta, y una cordobesa, Nita. Responde Acosta: “Me apetecía mucho que otros Dj’s le dieran una vuelta a los temas”. Simple.

Ale, con rodaje como pinchadiscos, también mete mano como remezclador. Un curioso giro a la música de Fuel Fandango toda vez que la banda en directo, donde se completa con el batería Carlos Sosa, está más rockera que nunca. “Tanto concierto y el hecho de ser tres te da pie a hacer arreglos, por facilidad y para no aburrirnos. Ahora los temas suenan más rockeros y ruidosos. Estamos pensando hacer alguna remezcla en directo. Quedan muchos conciertos hasta final de año y no queremos ni aburrirnos ni aburrir a la gente”. ■ Job Ledesma

NOTICIAS Lee Ranaldo Foto Archivo

MondoSonoro · Abril 2012 /9/

Metronomy Foto Gregoire Alexandre

Primeras noticias sobre el Día de la Música Se han dado ya a conocer las primeras confirmaciones del Día de la Música, que tendrá lugar de nuevo en el Matadero de Madrid los días 22 y 23 de junio. Two Door Cinema Club, quienes ya ultiman los detalles de su nuevo disco, Maxïmo Park y Fanfarlo, encabezan la lista. Pero no son los únicos. Junto a ellos estarán Love Of Lesbian, otros que presentarán su nuevo disco en el escenario del Matadero, una de las chicas de moda, Azealia Banks, Christina Rosenvinge, Twin Shadow, St. Vincent, Metronomy, The Raveonettes, Mikal Cronin, Pegasvs, Apparat y Julia Holter. Esta es la primera hornada de nombres, a las que todavía quedan muchos por sumar. De momento, ya puedes hacerte con tu abono para los dos días a precio reducido de 45€, hasta el 10 de abril. Mantente informado en: www. diadelamusica.com ■

Lee Ranaldo, el talento se mantiene Mientras el futuro de Sonic Youth sigue siendo una incógnita tras la ruptura sentimental de Thurston Moore y Kim Gordon, Lee Ranaldo publica un nuevo disco en solitario al margen de la mítica formación, “Between The Times And The Tides”.

L

ee Ranaldo me saluda con envidiable energía justo antes de contestar a mi primera pregunta acerca del críptico título de su nuevo disco en solitario. “Hay dos polos de existencia: estar en el medio de algo entre el pasado y el futuro. ‘The Times’ es el momento actual en el que todo está conectado y va rápido y ‘The Tides’ aparece como el mundo natural en el que todo se mueve orgánicamente. Entre esos dos universos están las personas”. Cuando un artista trascendente publica álbum al margen

de su banda principal, con frecuencia este suele dar salida a la faceta más intimista del músico.

Definitivamente no es el caso de nuestro protagonista, que se ha decantado por un conciso disco de rock. “Iba a ser un disco sencillo con voz y guitarra acústica, sin embargo, y de manera natural las canciones evolucionaron en el estudio y se incorporó una banda completa”. Tampoco parece que resultase demasiado planificado el momento elegido para el lanzamiento del elepé. “En Sonic Youth no hemos estado demasiado

ocupados durante los últimos años, así que he tenido tiempo para desarrollarlo”.

Ranaldo es un veterano que conversa con la fogosidad de un recién llegado, aunque al mismo tiempo alberga el realismo que otorgan más de tres décadas en el negocio. “A lo a lo largo de quince años, siempre que Sonic Youth sacaba disco nos decían que iba a ser lo más. Ahora puedo afirmar que no tengo expectativas con cada nuevo álbum”. El músico vuelve a mostrarse pasional cuando describe una trayectoria tan descomunal como la suya. “La idea de que hayan apreciado lo que haces y que todavía siga siendo así es un sueño”. ■ Raúl Julián Lee Ranaldo estará actuando en el San Miguel Primavera Sound.

festivales 2012

/10/ Abril 2012 · MondoSonoro

Territorios Sevilla

Bilbao BBK Live

 Lugar: Sevilla  Fecha: 18 y 19 de mayo  Web: www.territoriossevilla.com

 Lugar: Bilbao  Fecha: del 12 al 14 de julio  Web: www.bilbaobbklive.com

 Nuevas confirmaciones: Iggy & The Stooges, !!!, Tiga y Mad Professor  Confirmados: Mission of Burma, Kiko Veneno, The Bug, Maga, Fuel Fandango, Guadalupe Plata, El Puchero del Hortelano, Pájaro, Swan Fyahbwoy

 Nuevas confirmaciones: Garbage, Bloc Party, Mumford & Sons, The Jon Spencer Blues Explosion, The Maccabees  Confirmados: Radiohead, The Cure, The Kooks, Glasvegas, Snow Patrol, Vetusta Morla, Corizonas, Warpaint, Band of Skulls, Young Guns, The Gift, Noah & The Whale The Cure Foto Archivo

San Miguel Primavera Sound

Hot Chip Foto Archivo

Sónar

 Lugar: Barcelona  Fecha: del 30 de mayo al 3 de junio  Web: www.primaverasound.es

Iggy And The Stooges Foto Archivo

 Nuevas confirmaciones: M83, No More Lies, Sleigh Bells, Purity Ring  Confirmados: Wilco, The Cure, Mudhoney, Refused, Justice, Josh T. Pearson, Beach House, Jeff Mangum, The Rapture, Napalm Death, Rufus Wainwright, Wavves

 Lugar: Barcelona  Fecha: del 14 al 16 de junio  Web: www.sonar.es

Radiohead Foto Archivo

 Nuevas confirmaciones: Lana del Rey  Confirmados: The Roots, Fatboy Slim, Deadmau5, Hot Chip, Amon Tobin, Nicolas Jaar, James Blake, Squarepusher, Azari & III, Kode9, Modeselektor, The Suicide of Western Culture, Richie Hawtin, Luciano

Costa de Fuego

FIB  Lugar: Benicàssim (Castellón)  Fecha: del 12 al 15 julio  Web: www.fiberfib.com

 Lugar: Benicàssim (Castelló)  Fecha: 20 y 21 de julio  Web: www.costadefuego.com

 Nuevas confirmaciones: Django Django, School of Seven Bells, Buzzcocks, La Casa Azul  Confirmados: The Stone Roses, New Order, Florence + The Machine, At the DriveIn, David Guetta, Noel Gallagher's High Flying Birds, Dizzee Rascal, Bombay Bicycle Club

 Nuevas confirmaciones: Berri Txarrak, Cancer Bats, We Are the Ocean  Confirmados: Guns n' Roses, Marilyn Manson, Opeth, Lacuna Coil, Warcry, Steel Horse

Vetusta Morla Foto Archivo

Sonorama Ribera !!! (Chk, Chk, Chk) Foto Archivo

 Lugar: Aranda del Duero  Fecha: del 9 al 12 de agosto  Web: www.sonorama-aranda.com

Santander Music

 Nuevas confirmaciones: Los Enemigos, Jero Romero, La Casa Azul, Maika Makovski, We Are Standard, Eric Fuentes & El Mal  Confirmados: Vetusta Morla, The Pepper Pots, Sidonie, Love of Lesbian, Corizonas, El Columpio Asesino, Russian Red, Fuel Fandango, The Birkins, Odio París

 Lugar: Santander  Fecha: 3 y 4 de agosto  Web: www.musikaze.com/santandermusic

Marilyn Manson Foto Archivo

Florence + The Machine Foto Archivo

Estrella Levante SOS4.8

 Nuevas confirmaciones: !!! (Chk, Chk, Chk), La Casa Azul  Confirmados: Love of Lesbian, Sidonie, Lori Meyers, , Delorentos, The Zombie Kids

Cruïlla Barcelona

 Lugar: Murcia  Fecha: del 3 al 6 de mayo  Web: www.sos48.com

 Lugar: Barcelona  Fecha: 6 y 7 de julio  Web: www.cruillabcn.com

 Nuevas confirmaciones: John Talabot, Pional, Maika Makovski, SebastiAn, Yelle Dj Set  Confirmados: Flaming Lips, Pulp, Mogwai, Gossip, Friendly Fires, El Columpio Asesino, Cansei de ser Sexy, Antònia Font, Nacho Vegas, The Kills, Klaus & Kinski

 Nuevas confirmaciones: Cypress Hill, The Specials, Sharon Jones & The Dap Kings, La Pegatina, Quimi Portet, Bigott, Nneka, Lenacay  Confirmados: Iggy & The Stooges, Gogoll Bordello, Linton Kwesi Johnson, Amadou & Mariam My Morning Jacket Foto Archivo The Offspring Foto Archivo

Azkena Rock Festival

Sonisphere

 Lugar: Vitoria Gasteiz  Fecha: del 14 al 16 de junio  Web: www.azkenarockfestival.com

The Gossip Foto Archivo

 Nuevas confirmaciones: Status Quo, The Darkness, Black Label Society, Hank 3, Lisabö, The Union  Confirmados: Ozzy Osbourne, Lynyrd Skynyrd, My Morning Jacket, Pentagram, Blue Öyster Cult, Gallows, Graveyard, , Danko Jones Lüger

 Lugar: Madrid  Fecha: 25 y 26 de mayo  Web: www.es.sonisphere.eu

Cypress Hill Foto Archivo

 Nuevas confirmaciones: The Offspring, Evanescence, Machine Head, Fear Factory  Confirmados: Metallica, Soundgarden, Slayer, Within Temptation, Mastodon, Children of Bodom, Gojira, Skindred, Clutch

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mondofreako

/13 / Abril 2012 · MondoSonoro

ENTREVISTAS ★ WALA WALA ★ NO CONFIDENCIAL ★ LOS DISCOS DE MI VIDA ★ SUBEN/BAJAN ★ EN LA MALETA

MACACO

La voz del gran Saramago abre el séptimo largo de Macaco, “El murmullo del fuego”, y no por casualidad. Dani es un gran admirador de su obra y comparte con el escritor luso la pasión por la vida, pero también por todas esas pequeñas cosas que acaban por decantar la gran balanza del universo. Esa energía vital desbordante que ha marcado el devenir de toda su obra.

E

l sueño del mono loco hace tiempo que se materializó, y hablar ahora de Macaco es hacerlo de un artista que saborea con fruición las mieles del éxito. Su propuesta de estribillos coreables, himnos electrizantes y contagiosa base rítmica ha trascendido para agradar a todo tipo de público. De la ama de casa a su hijo, el estudiante de sociología; del viejo progre al nuevo bio-pijo. A todos les gusta pasar un buen rato con la mano levantada en uno de sus conciertos. Y, por lo escuchado en su nuevo álbum, parece que la cosa no va a cambiar demasiado. El músico barcelonés sigue la senda ya trazada desde “Ingravitto” (Mundo Zurdo, 06), su cuarto disco, que es algo así como la piedra filosofal de un sonido y estilo totalmente reconocible. Además, si funciona ¿para qué cambiarlo? “A mí la etiqueta que me pesaba mucho era la de ‘mestizaje’, que en el fondo me parecía más un ejercicio de estilo que otra cosa. En mis primeros discos veía que las canciones estaban ahogadas por la producción o por el hecho de querer meter demasiados estilos, y eso a mí no me gustaba con lo que obviamente tenía un

problema. Y fue en ‘Ingravitto’ donde hubo el salto de decir basta. Me apoyé en ese gran músico que es Jules Bikôkô (co-productor y bajista), que ha sido muy importante en los últimos nueve años de mi vida, y que fue quien me empujó a que me centrara sobre todo en hacer canciones bajo la premisa del menos es más”. Precisamente eso, canciones, es lo que te vas a encontrar de nuevo en “El murmullo del fuego”. Aunque la novedad quizás resida en el hecho de que este disco se me antoja el más equilibrado de su carrera. El álbum en el que no hay tanta diferencia entre los singles y un resto de temas que no se verá tan sepultado por la dictadura del éxito. “Totalmente de acuerdo y es lo mismo que me dijo Juanlu (ex Ojos de Brujo, ahora en Calima) el otro día.

Me dijo eso y que era el disco en el que se veía más que nunca el aire reggae-rumba de mi sonido”. Y no solo eso, también es el disco en el que, si obviamos los temas con vocación de himno como “Love Is The Only Way”, “Brindo por ti” o “Dime” y en los que la percusión combinada con el funk, el reggae o la rumba son los protago-

nistas, encontramos un mayor número de canciones más íntimas con vocación acústica y alma desnuda. Temas como “Calling Out Your Name”, “Lágrimas secas” o “La república de la Tramontana”. “Aunque si te fijas, ese tipo de temas los hay en todos mis discos, pero estaban más decorados con elementos electrónicos.

La diferencia es que en este saqué todos los delays porque me apetecía hacerlo de esa forma. También me gustaría precisar que en los temas más himno como ‘Sol’, que es muy Marley con un groove muy funky-

Macaco Foto Archivo

La llama del amor estructuras muy estrofa-estribillo-estrofa.

De hecho, Rodés (Roger Rodés co-productor del disco junto al propio Dani y Jules Bikôkô) me decía medio en broma: ‘¡Qué! ¿no sabes hacer otra cosa?’. Pues no (risas)”. Bueno, eso tampoco es del todo cierto, porque, a la par del disco, Dani Macaco también ha editado un libro que combina fotografías de cosas mínimas o paisajes de sus giras, con aforismos, pensamientos, poemas o cuentos que te ayudarán a conformar su particular universo. Una faceta que sorprenderá gratamente a más de uno y que saca a relucir

"Como me hago mayor y ya no salgo por la noche, me voy al hotel a escribir un rato" reggae, substituí los bombos por zurdos, aunque también he añadido goliaths y los legüeros que nos trajimos de Argentina. Y luego, muchas de las melodías que utilizo a modo de introducción o incluso de puente, y que en ‘Puerto Presente’ estaban tocadas con la mandola, ahora están hechas un poco como las bandas sonoras de Morricone, con esos sintetizadores a modo de cuerdas. Y lo cierto es que me gustó jugar con eso, aunque también con el hecho de poner baterías con cajas reales en temas como ‘La memoria de mi pulgares’, ‘Lágrimas secas’, ‘Calling Out’ o incluso ese efecto tipo arena como hace Lhasa. Eso sí, siempre sobre

una sensibilidad propia de los que, como escribe el propio Dani, se sienten seguros de sí mismos.

Es decir, los que están llenos de inseguridades, pero no lo disimulan. “Son textos que están escritos a la par que el libro durante la gira.

Como me hago mayor y ya no salgo por la noche, me voy al hotel a escribir un rato y, al librarme de la melodía, me salen otros registros que me apetecía mucho mostrar”.

■ Don Disturbios “El murmullo del fuego” está publicado por Mundo Zurdo/Emi. Macaco estará presentando su disco el próximo 5 de mayo en la sala Razzmatazz de Barcelona

JUNIO 2012

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Niños Mutantes Foto Ruth Giraldez

mondoFREAKO /14/ Abril 2012 · MondoSonoro

NIÑOS MUTANTES

Todos somos mutantes

Ocho discos después, los andaluces han visto la luz. Es posible cantar sobre cosas muy serias sin que la música sea fúnebre. Ya no están seguros de que las mejores canciones salgan del dolor, pero sí han conseguido ponerse de acuerdo en que nacen de la experiencia y, si es con amigos, mucho mejor. ¿Lo dudan? Pues escuchen “Náufragos”.

E

l uso del rencor como catalizador del proceso creativo está infravalorado, y bastante mal visto. Por alguna oscura y por otra parte probablemente siniestra razón por lo que esconde y lo que proyecta de nosotros y nuestras inseguridades, sentimos una extraña necesidad de no hacer evidente, ya no el dolor, sino la rabia, la ira y el odio hacia aquel que nos ha hecho daño. Y no es necesario andarse con miramientos; suelen habérselo ganado. Algo parecido fue lo que sintieron Niños Mutantes cuando preparando su octavo disco en Las Alpujarras, Nani llegó al local con una buena mala historia que contar. (Juan Alberto) “En primer lugar, antes que un grupo de música, somos amigos y después de tanto tiempo, compartimos la vida entera. Nani apareció con algo importante que contar; yo empecé una canción y salió la primera estrofa de ‘El infierno’, sobre algo que nos había tocado a todos a la vez. Antes había dos momentos: cuando la canción nacía para mí en mi casa, y luego cuando tomaba forma con el resto de la

banda. Ahora, por lo menos la mitad de las canciones han tenido un nacimiento colectivo”. Nunca han perseguido el éxito ni parece que lo vayan a hacer quince años después de colgarse las guitarras. Tras la gira de “Las noches del insomnio” se encuentran en un excelente momento como banda, su directo es uno de los mejores de esa entelequia talibán, malencarada y soberbia que llamamos indie. Sobre si ocupan el lugar que les corresponde o no, dejemos la última palabra al público, ya que ni banda ni redactor logran ponerse de acuerdo en una interesante conversación de esas en las que disfrutar del placer de los argumentos propios y ajenos es más importante que llegar a alguna conclusión y que a punto está de terminar entre llamas antes de ser zanjada, con mucha elegancia, por el cantante de la banda granadina. “Cualquier forma de comunicación aspira a ser escuchada por el mayor número de personas. El que escribe, pinta o canta tiene la necesidad de que se reconozca lo que hace. Afirmar lo contrario creo que es pose. El público te pone en el

lugar que mereces o no, lo que está claro es que te sientes mejor cuanta más gente esté vibrando con tu música”. “Náufragos” está cerca de ser el mejor disco de Niños Mutantes, y no es la típica frase que todos los grupos dicen en sus giras promocionales. En realidad, en la hora larga que compartimos en la Sala Costello en Madrid, ni lo mencionan. No es un álbum catastrofista, aunque la catástrofe sea un pilar importante al hablar de supervivencia. Las guitarras sucias de sus primeros discos no es lo único que se ha pulido por el camino. “Nuestros discos

hacia nuestras propias canciones de un pop más fácil. En este disco nos hemos dado cuenta de que podemos hablar de lo que nos rodea sin entrar a cortarnos las venas y sin hacer una marcha fúnebre”. Trompetas, ukeleles, sintetizadores y hasta cascabeles son sólo el complemento a una cierta búsqueda de nuevas estructuras y diferentes sonidos con los que han roto su perímetro de seguridad y se han permitido –afirman haberse limitado ellos mismos durante mucho tiempo- disfrutar de lo desconocido. “Al principio la militancia indie nos limi-

"Al principio la militancia indie nos limitaba bastante" siempre han sido bastante autobiográficos, y se va viendo lo que hemos ido haciendo con nuestras vidas en ese tiempo. Mal de muchos, consuelo de mutantes: el miedo, el hundimiento del amor, la traición, las ganas de irse del curro… son cosas que le pasan a todo el mundo. Puede que hayamos tenido un aprendizaje más lento que otros grupos hasta llegar al sitio en el que nos reconocemos, pero en este disco hemos descubierto muchas cosas, como por ejemplo, que podemos hacer música que suene alegre sin a la vez estar diciendo tonterías. Tal vez anteriormente hayamos tenido un rechazo

taba bastante. Puede que desde fuera no se note tanto ese cambio, pero ha sido una aventura en la que hemos investigado en sonidos un poco diferentes, al menos para nosotros. Hay canciones que han cambiado de estructura más de veinte veces, y posiblemente sean las que suenan a canciones pop más estándar. El no darnos por vencidos y seguir peleando tanto tiempo por una canción es algo que tampoco habíamos hecho hasta ahora”. ■ J. Batahola “Náufragos” está publicado por Ernie.

MondoSonoro · Abril 2012 /15/

mondoFREAKO

¡¡¡ wala wala!!! “’1234’ ya no estará más en mis setlists. No hay razón para que esté, no encaja, así que no está invitada a la fiesta” Feist en Uncut

“Si no me parasen por la calle me molestaría. Somos warholianos. Debería estudiarse en el colegio, y dejarse de tanto Kant que nadie entiende”

JOE CREPÚSCULO

Obrero de la canción

“¿Éxtasis? No lo he probado en mi vida, colega. ¿Qué es?”

Bernard Sumner de New Order en Q

“Empezad a ahorrar dinero ahora. La gente se gasta 300 dólares en cosas locas todo el tiempo. Así que, trabajad todo el año, reunid el dinero y venid a mi concierto. Yo lo valgo” Madonna en Mojo

Escurridizo y con facilidad para cambiar de piel como lo hace una serpiente adulta curtida en mil y una batallas, el bueno de Joël Iriarte está de vuelta con el “El caldero”, una brillante colección de canciones a través de las que el catalán se reivindica como uno de los grandes compositores pop del país.

J

“En el último recuento más de sesenta personas han pasado por The Waterboys. ¡Eso es más que The Fall!”

Mike Scott de The Waterboys en Uncut

“Es odioso interpretar uno de tus discos al completo por dinero” David Boutler de Tindersticks en Muzikalia

oe Crepúsculo está contento. Es lo que me cuenta mientras nos dirigimos a una bar de esos con encanto (quedan pocos en Barcelona) situado cerca del Paralelo. Parece que la tibieza con la que fue recibido hace un año el incomprendido “Nuevo ritmo”, el primer y último disco en Canadá antes de fichar por Mushroom Pillow, no le quitó el sueño. “Con ‘Nuevo ritmo’ pasó una cosa muy rara. Sergio y yo estábamos en una burbuja y pensábamos que iba a ser lo mejor, pero era una burbuja ficticia. Si te pones a pensar te das cuenta de que tu público es el indie. ¿Cómo les va a gustar la cumbia villera y los ritmos latinos? Nos habíamos ido de la olla totalmente, nos habíamos vuelto chalados. ‘Nuevo ritmo’ no gustó mucho a la crítica y a la gente, pero bueno, es una pena. Es el disco del que estoy más contento…”. Continúa: “Es normal que no gustara.

Si tienes una buena reputación, con un disco de cumbias villeras la torpedeas. Tenemos esa manía de, cuando algo va bien, torpedearlo, una esencia de los discos que he estado sacando hasta ahora... intentar joder la carrera, parece que cuando más intento joder mi carrera mejor me va…”. Sí, a pesar de ciertas voces que afirman que la del catalán es una carrera errática y en cierto descenso, el autor de “Escuela de zebras” está encantado con su estatus actual. “Cada uno se imagina que es ir hacia arriba, a mucha gente le gustó ‘Chill Out’, y yo no entiendo que es ir más hacia arriba que ‘Supercrepus’ que salió en todas partes y fue el mejor. Después de ‘Supercre-

pus’ empezamos a girar mucho, a acostumbrarnos a tocar casi cada fin de semana. La música se hizo algo que nunca jamás hubiera imaginado, se convirtió en mi forma de vida, y es algo que está muy bien. Para mí todo ha ido muy bien, ha sido genial”. “Cuando tu hobby se convierte en tu forma de vida todo cambia, es muy fácil corromperse, me refiero a nivel mental”, apostilla. Ahora toca hablar un poco de “El caldero”, un disco grande como una casa de payés donde Joël vuelve a apostar por la fórmula del Juan Palomo. “No hay una razón

los cambios en las canciones que me había apuntado en la libreta. Estuve mucho tiempo limando, dándole forma, estuve durante unos doce meses trabajando continuamente en las canciones de este disco”. Remata: “En ‘El caldero’ está todo muy pensado. Los otros discos tenía un frescura que este no tiene, es diferente…”. No le falta razón. Lo nuevo de Joe Crepúsculo no entra a la primera, y necesita de varias escuchas para ser valorado como merece. “El caldero” es un disco de madurez –quítenle, eso sí, el aire solemne y rancio de la expresión-, y quizás el que presenta las canciones mejor acabadas de la carrera del inquieto y prolífico músico nacido en Sant Joan Despí. “Tengo quinientas canciones más o menos grabadas en bases, sin cantar, es una retaguardia que está ahí. Lo más normal es que acaben perdidas. Es lo que me gusta hacer, hago canciones todos los días, es normal que tenga tantas y haga tantos

"Me gusta mucho Camilo Sesto, tiene ese punto rebuscado y turbio" en concreto, de hecho son varias a la vez.

La primera era que tenía muchas ganas de trabajar yo solo de nuevo, tenía ganas de poner en práctica todos los conocimientos que había aprendido, ver si podía mezclar bien las cosas, equalizar los sonidos… Los temas los tenía ahí, así que fue un proceso en el que me lo pasé muy bien, estuve meses y meses mezclando. Cogía el disco y me lo escuchaba, porque antes tenía veinte canciones, antes era un contra-‘Supercrepus’. Había muchas referencias, era un ‘Supercrepus oscuro, pero al final fui quitando temas, fui dejando los que creía que tenían la materia…

Utilizaba la técnica del paseo, vamos, que me daba un paseo escuchando el disco, iba al mar, a Marina, luego volvía a casa y hacía

discos”. Hablando de canciones, hay un triplete en su nuevo disco formado por “Si tú no estás”, “Yo voy por delante” y “Enséñame a amar”, que bien podrían ser interpretadas por José Luis Perales. ¿Tiene Joe algún cantante de canción melódica español favorito? ”Me gusta mucho Camilo (Sesto), tiene ese punto rebuscado y turbio.

Esa cosa de buscar el falso sufridor… Muchas canciones de este disco y de ‘Chill Out’ sobre todo, buscan eso del ‘falso sufridor’. Julio Iglesias tiene unas canciones como con mucho desamor, pero ¿quién se cree que Julio Iglesias sufría esas cosas? Me hace gracia”.

Genio y figura. ■ Xavi Sánchez Pons “El caldero” está publicado por Mushroom Pillow.

Joe Crepúsculo Foto Eskenazi Encursiva

Mario Vaquerizo de Nancys Rubias en QUÉ!

mondoFREAKO /16/ Abril 2012 · MondoSonoro

Klaus & Kinski Foto Blanca Galindo

no confidencial klaus & kinski

Alex y Marina son Klaus & Kinski, aunque no sabemos si sus personalidades varían cuando están metidos en el grupo. Lo que sí vamos a descubrir es qué tal responden bajo presión. La presión que provoca nuestro cuestionario más desalmado. ◗ ¿Tocáis tantos estilos distintos porque sois gente ecléctica o porque tenéis una empanada estilística de narices?

Porque somos polipolares.

◗ ¿Aleister Crowley, Anton LaVey, Iker Jiménez o Carlos Jesús?

Aleister Crowley para tomar té, Anton LaVey para charlar acerca de cultivar petunias, Iker Jiménez para contemplar los tilos al atardecer y Carlos Jesús para un cóctel elegante aunque informal. ◗ ¿Durante cuánto tiempo se puede considerar hype a un grupo?

Hasta poco después de morir. Y además entonces vendes discos. ◗ ¿Qué canción de pop en castellano os hubiese gustado escribir y cuál odiaríais?

“Cataratas de sueño” de Chucho; “Amores de barra” de Ella Baila Sola. ◗ Pongamos que a Roberto Carlos le han llegado voces de que unos españoles le han fusilado “Un millón de amigos”. ¿Aceptaréis ponerle en los créditos o intentaréis convencerle de que se trata de un sincero homenaje?

Lo que él quiera, pero gratis. O pagarle muy poco. ◗ Parade le ha dedicado un Ep al estudio de cine de animación japonés Ghibli, ¿vosotros a quién se lo dedicaríais?

A Barraca, Spook Factory, Chocolate, Espiral, NOD, Puzzle y ACTV. ◗ ¿Es “Sacrificio” el paradigma del pop castizo actual?

Es paradigma de nuestra pureza racial. ◗ Os proponemos iros de cena con un dúo. Los candidatos serían Ellos, Astrud, Amaral, Fangoria y Estopa. ¿A quién elegís?

A los Hermanos Calatrava. ◗ Nos gusta el título del disco, “Herreros y fatigas”; nos recuerda a “Putas y cocheros” de Ornamento y Delito. ¿Es bueno reivindicar profesiones con tradición?

La verdad es que saldría mejor un “Putas y fatigas” que un “Herreros y cocheros”. ◗ ¿Es cierto que buena parte de “Herreros y fatigas” se compuso bajo los efectos del pacharán?

En realidad se hizo bajo los efectos del Energy Drink del Día. ◗ ¿Qué es lo peor que se ha escrito sobre vosotros?

Una vez nos preguntaron qué es lo peor que se ha escrito sobre nosotros. ◗ ¿Le romperías las piernas a algún crítico?

Si se puede hacer por Internet… ■

LAMBCHOP

Una historia verdadera Tras diez discos al frente de Lambchop y después de la muerte de su amigo Vic Chesnutt, Kurt Wagner decidió tomarse un descanso de su grupo y entregarse a su otra pasión, la pintura.

No había fecha para el regreso pero su álbum número once, “Mr. M”, ha puesto fin a la espera.

A

penas entro en la sala en la que Kurt Wagner me espera para ser entrevistado, su sonrisa me deja claro que hace tiempo que está cansado de esto.

Con su habitual gorra en la cabeza y cómodamente estirado en un sofá, aprovechará cualquier momento para irse por las ramas, pero también para admitir que lo más difícil de retomar la música después de un largo parón (sólo roto por su disco junto a Cortney Tidwell) es “volver a funcionar como una banda, somos mucha gente tocando junta y hay que conocer el truco para ponerlo todo en marcha otra vez”. No debe ser lo mismo enfrentarse a un grupo de músicos que ante un lienzo en blanco, pero Wagner sabe que hay emociones que la música no puede expresar.

“Existe una rivalidad entre música y pintura como formas artísticas, y yo sentía la necesidad de hablarle de nuevo a la gente. Esto no quiere decir que no quiera seguir pintando, estoy haciendo muchos progresos en ese campo y si quieres ser pintor, tienes que pintar”. Algo que demuestra volviendo a elegir sus propias ilustraciones para el artwork del álbum, pero dejará aparcada la pintura durante un tiempo. “Mr. M” es ahora su máxima prioridad. Su nuevo trabajo recuerda por momentos a discos anteriores como “Nixon” o “Is A Woman”, pero Wagner tiene una sencilla explicación para esto. “Es posible que recuerde a aquellos discos porque aquí vuelve a aparecer un concepto a partir del cual todas las canciones tienen relación. Otros trabajos anteriores se basaban más en grabaciones independientes y no tenían tanta consistencia como esos que has citado.

Para lograr esa solidez es muy importante tener una idea (risas). Es como cuando vas de pesca sin un plan y acabas cenando lo que sea que hayas pescado. Mucho mejor es saber lo que quieres cenar y concentrarte en pescar exactamente eso”. Aquí había una idea previa, pero sobre todo una intención: hacerlo lo más directo y sincero posible, manteniéndose abiertos a nuevos conceptos y convencidos de lo más importante: Lambchop. La gran banda americana de los

Lambchop Foto Neu

◗ Si algún día os cansáis del pop, ¿podemos esperar un disco completo de pasodobles, rancheras o cualquier cosa por el estilo?

Hombre, pero si precisamente eso es el pop de verdad. Si nos cansamos de él, pues sería más bien de marchas militares, cantos tibetanos o de reclamos para la perdiz roja.

viejo, y tú, como un joven que se va a casar, lo ve como una abstracción y dice, ‘sí sí, claro, por supuesto…’ Esto es algo que alguna gente descubre en compañía y otra gente nunca descubre. Pasa con todas las relaciones, no sólo en tu matrimonio, la palabra amor cambia y amplía su significado a medida que envejeces, y se enriquece con el tiempo. Este concepto siempre ha estado en mi música, aunque nunca había sido tan obvio describiéndolo”. Fruto de esta suma de experiencias vitales son también los colegas que Wagner ha ido haciendo en el tiempo, algunos de los cuales se suman ahora a su nuevo proyecto, como su adorada (y de un tiempo a esta parte habitual) Cortney Tidwell o Jonathan Marx, miembro original de la banda. “Cuando quieres un tipo de sonido buscas a gente que te

"La palabra amor cambia y amplía su significado a medida que envejeces" noventa todavía tiene mucho que decir recién entrado 2012. Mucho y muy importante, porque “Mr. M” es un disco que, por fin, habla de amor. “Hasta ahora era una idea que había estado de pasada, pero nunca había sido lo suficientemente importante como para dedicarle un álbum. No sabía si sería capaz de cantar ese tipo de canciones, pero cuando lo intenté y me gustó entendí que no es tan importante lo que dices sino cómo lo dices. Fue una especie de revelación”. Para ser alguien que nunca ha querido hablar francamente de amor y llegados a este punto de la entrevista, parece que por fin empieza a sentirse cómodo. “Cuando te vas haciendo mayor las experiencias se acumulan y el amor va adquiriendo importancia mientras otras cosas desaparecen. Es como esa conversación con el cura antes de casarte, en la que te dice que te des cuenta de que te vas a hacer

recuerda a ese sonido. No creo que Jonathan se sorprendiese de que le llamase, él suele tocar música experimental con otros miembros de Lambchop, pero tiene una familia y su estilo de vida ya no es este”. ¿Quiere eso decir que no le veremos en los directos? “Ah no, espero contar con casi todos aquellos que han colaborado en el disco en algún momento de la gira.

Si vas a cobrar 30 o 40€ por un concierto tienes que ser responsable y ofrecer el mejor show posible, ¿no crees?”. Cuando uno visita la web de Lambchop se topa con una frase tan sencilla como ‘Lambchop is a band’, pero a estas alturas, pocos sienten ya que sean simplemente eso. ■ Cristina V. Miranda “Mr. M” está publicado por City Slang/Music As Usual. LAMBCHOP ESTARÁN EL 30 DE MARZO EN BARCELONA, EL 31 EN BILBAO Y EL 1 DE ABRIL EN MADRID.

PRESENTA

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mondoFREAKO /18/ Abril 2012 · MondoSonoro

Mishima Foto Noe Elias

MISHIMA

El árbol de la vida Sosiego y agitación. Idealización y gozo terrenal. Orden y aventura.

Dualidad. Ambivalencia. Y la resaca tras beber de aquel impulso que engancha y da sentido a nuestras vidas. Todo ello fluye como un río en cada una de las notas de “L’amor feliç”, sexto álbum de los barceloneses Mishima, que regresan con otro gran disco sobre el amor.

E

totalmente incorporados, empezamos a trabajar de forma más evolucionada. Creo que nuestra música siempre ha jugado mucho con las intensidades y las texturas.

La lección de Phil Spector: puedes hacer la canción pop más naïf del mundo pero si después la destripas, le das rugosidad, el resultado es más profundo y sacude mucho más”. Y en mitad de esa tensión entre detalles y sonidos, unas armonías vocales contagiosas, a menudo balsámicas. “The Beach Boys siempre han sido una de mis bandas favoritas. Xavi y Alfons se han sumado a Marc –Lloret, teclista- en los coros. Por otro lado, desde el anterior disco he cogido más confianza y me he dejado llevar. Mis vocales son ahora más largas y en ‘Ningú m’espera’ canto más agudo que nunca”.

“L’amor feliç”, título no exento de ironía, nace de la versión de “Il n’y a pas d’amour heureux” –‘No existe el amor feliz’-, de Georges Brassens, que realizaron en su último concierto en el Palau

Suben las ganas de ver qué resultará del proyecto entre RAÜL FERNÁNDEZ (Refree) y ENRIC MONTEFUSCO (Standstill), titulado “Réquiem por tu puta madre”.

Sube la productividad de ANTONIO LUQUE (Sr Chinarro), al ver cómo coinciden en las tiendas su nuevo disco, “Menos samba”, y su primera novela larga, “Exitus”.

Suben LMFAO porque, a pesar de parecer una broma, cuentan con un directo la mar de divertido. Ya le gustaría a muchos indies hacérselo pasar tan bien a la gente.

Sube el Sónar por tener las agallas de atreverse a traer a LANA DEL REY. Anda, pero si la chica ya salió por aquí el mes pasado...

amor y muerte’. Si buscas en los orígenes, siempre encontrarás esa asociación”. Otras constantes: canciones dentro de canciones como metáfora de la vida. “Es una especie de enigma. Una canción no tiene que resolver nada, sino capturar el misterio, aquello que no sabemos resolver en nuestra vida para así poder mirarlo con cierta distancia”. Y en mitad de unas y otras, ese single grandioso y adhesivo que es “L’última ressaca”.

“Todas las cosas que te molan en la vida tienen esa doble faceta, adictiva y que, por tanto, te convierte en un esclavo, pero que

"‘No pienso beber nunca más’ es la mentira que nos hemos dicho todos cada domingo" ma aún más directa. Aunque yo creo que el amor no es un tema, es un universo. Es como si dijeras que cantas sobre el hombre”. Más contrastes. Su impactante portada: un pañuelo manchado de sangre que evoca un doloroso ritual. “Creo que sólo podíamos poner este título si en la portada aparecía algo que funcionara como un desgarro... algo que te toca de forma profunda y violenta. ‘Tristán e Isolda’, por ejemplo, empieza diciendo ‘esto es un relato de

también te libera y te pone en contacto con aquello por lo que vale la pena vivir”.

Intentar luchar contra ello: “es un ejercicio exigente que te desgasta. Además, sabes que seguirás bebiendo. ‘No pienso beber nunca más’ es la mentira que nos hemos dicho todos cada domingo”.

■ David Sabaté “L’amor feliç” está publicado por Warner.

Baja MEG WHITE por no cogerle el teléfono a Jack White. Mujer, aunque solamente sea para saludarle no estaría mal.

Baja MORGAN KIBBY, teclista de M83, porque aunque como remezcladora la queremos (Junip, Active Child...), se comportó en escena como una gótica fuera de si.

Baja JOHN McCAULEY de Deer Tick por acabar su concierto en Barcelona tocando la guitarra con el pene. Y muy bien no sonó, la verdad...

Bajan todos los CANTANTES JOVENCITOS a los que las discográficas descubren por un video en Youtube, en el que interpretan una versión reconocida.

BAJAN

SUBEN

l dolor punzante de una antigua herida que vuelve a sangrar. Doblegarse. Cantar sobre ello. Y de nuevo, el bálsamo del amor y las cicatrices de su reverso. Así rompe el silencio “La vella ferida”, canción de melodías luminosas en colisión con unos versos como dagas. “Fíjate que cuando dice ‘la vieja herida ha vuelto a sangrarme’, lo hace coincidiendo con el acorde mayor, que siempre son los acordes más luminosos”, apunta David Carabén, cantante, guitarra y letrista, tras sus eternas gafas de cristales tintados. Un contraste buscado. De nuevo, un diálogo entre contrarios.

Musicalmente se suceden pianos punzantes, guitarras a lo Morricone –gran trabajo de Dani Vega- y órganos añejos. Si hay algo que destaca desde el primer instante en “L’amor feliç” es el cuidado desarrollo de los arreglos instrumentales. Una búsqueda consciente fruto del rodaje y del asentamiento definitivo de la banda como quinteto. “Con Alfons Serra y Xavi Caparrós –nuevos batería y bajista, respectivamente-

de la Música. Una pieza que impulsó lo que iba a ser un Ep sobre el amor, “al estilo de ‘A Short Album About Love’, de Neil Hannon”, y que finalmente ha cristalizado en este sexto disco.

“No todas las canciones tratan sobre el amor, ni mucho menos, pero el tema es bastante central, y se establecen los límites de esa eterna discusión entre amor y pasión -una balanza explícitamente retratada, ya, en “El temple”-. “También queríamos provocar un poco. La gente dice que siempre cantamos sobre el amor. Pues aquí tenéis dos tazas. Y ahora lo haremos de una for-

XV FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA

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mondoFREAKO /20/ Abril 2012 · MondoSonoro

Los discos

Pablo Peña (Pony Bravo) Foto Archivo

de mi vida

pablo peña (pony bravo, FIERA) Nos comenta Pablo Peña que elegir solamente cinco discos le parece una tarea titánica. Pero, tras comerse mucho la cabeza, aquí nos presenta cinco obras que considera “pilares de un movimiento y una época que me interesa por su libertad, su nervio...”.

UN DISCO DENSO Y CON MALA LECHE...

“Metal Box” (1979) La primera vez que lo escuché me dejó conmocionado. La atmósfera densa y la mala leche que transmite me sumergen en un estado difícil de explicar. Luego empiezo a darme cuenta de todo lo que hay detrás, debajo, encima, al fondo…

Maika Makovski Foto Albert Manau

P.I.L.

MAIKA MAKOVSKI

Fuera clichés

UN DISCO LLENO DE MAGIA...

E.S.G.

“Come Away with E.S.G.” (1983) No puede faltar en ninguna fiesta. No se puede tener más rollo, más groove, más estilo, más magia ni más nada. Bailoteo a tope, buen rollo, diversión, elegancia. Me quedo sin halagos para esta banda de hermanas negras que me hacen pensar en juegos de niñas en las calles del Bronx.

UN DISCO SÓLIDO COMO UN BLOQUE...

DNA

“A Taste Of DNA” (1981) Seis canciones, nueve minutos, voz, guitarra, bajo y batería: coge todo lo que sepas hacer con esto y mándalo al carajo. Lo que llaman técnica musical es algo muy relativo. Son House con la rabia intentando morderse el rabo y haciendo arte. Deconstrucción sin límites…

UN DISCO PERFECTO...

Suicide

“Suicide” (1977) La primera vez que escuche “Ghost Rider” fue en una rave debajo de un puente sobre el que circula una autovía y sigo soñando con ese momento. El día que tuve el disco en mis manos y vi que era de 1977 me meé encima. Dos personajes, una caja de ritmos y un sintetizador destripando rock and roll con un cuchillo de untar mantequilla.

Un disco QUE DESCUBRÍ POR CASUALIDAD...

Palais Schaumburg

“Palais Schaumburg” (1981) Post-punk en alemán inquieto como rabo de lagartija recién cortado. Me alucinan las bases rítmicas. Descubrí este disco por casualidad. Una amiga de un amigo, una inglesa de sesenta años, genial, muy punk, se iba a vivir fuera de España y no se podía llevar su colección de discos. ■

Tras la buena acogida que recibió su tercer disco homónimo de 2010, la cantante mallorquina publica “Thank You For The Boots”, en el que reivindica una peculiar forma de entender la música, a medio camino entre el pop clásico y la interpretación, y en el que es evidente la influencia de su reciente trabajo en el teatro con “Desaparecer”.

M

aika Makovski lleva toda la vida luchando contra los clichés. “Me encanta la coletilla que utilizan los periodistas cuando se refieren a mí como ‘una mallorquina con sangre macedonia y andaluza’. Supongo que me acompañará toda la vida”, asegura, riendo. Otro muy recurrente es el de “una cantante con actitud, en la onda de PJ Harvey”. “¿Será porque mi tercer disco, ‘Maika Makovski’, está producido por John Parish? Pero en realidad, yo nunca pienso en nadie en concreto a la hora de componer. Si tuviera referentes, serían más masculinos que femeninos.

No sé. Es cierto que de niña me encantaba Ani DiFranco. Tenía pósters suyos en mi habitación y todo eso, pero ahora…

Hombre, hay detalles que te influyen. Por ejemplo, en la canción ‘The Deadly Potion Of Passion’ hay un deje al final del estribillo, una subida con la voz, que robé a Dinah Washington. Pero son sólo pequeñas cosas que surgen en el momento. No es nada planeado”. Tanto se ha esforzado esta bellísima artista de veintinueve años en resultar diferente, que al final sus obras son un caleidoscopio sonoro imposible de etiquetar. En su último disco, ‘’Thank You For The Boots”, hay gorgoritos vocales que podrían recordar a la madrileña Russian Red, arranques guitarreros, estructuras de pop clásico e incluso juegos jazzísticos. “Sé que esta esquizofrenia musical es un hándicap, pero no lo puedo evitar. Hoy en día vivimos en la cultura del single; los artistas tenemos que ofrecer a la discográfica de turno una canción que defina el álbum. Eso no funciona con-

migo. Para mí la música es… Lo engloba todo. Hay bandas que son siempre muy oscuras, o felices, o nostálgicas. Y yo creo que la vida es muy variada. Mis últimos trabajos habían sido claustrofóbicos, pero ahora estoy viviendo un momento dulce y necesitaba hacer un disco más alegre”.

En esta apuesta por un sonido luminoso y unas letras decididamente vitalistas (“que hablan de la amistad y de la auto amistad”), tuvo un papel importante el periodo de grabación.

“Fue entre julio y agosto de 2011 en un

tiempo trabajando en esas canciones que ya estaba hasta los cojones. Necesitaba aire. Pasé dos años en Brooklyn, explorando otra de mis aficiones, la pintura.

Cuando llegas allí con ganas de pasar una aventura, es un lugar que te vuela la cabeza. Tenía una guitarra que se desafinaba todo el rato. No me atrevía a tocar, sentía que no estaba preparada. Pero iba mucho a un local de conciertos mugriento, donde solían actuar grupos de garage sucio y guarro. Vi a The Bellrays, a J. Roddy Walston & The Business, a Demolition Doll Rods… Dejaron una profunda huella en mí”, recuerda la artista, que ahora vive en Barcelona, aunque no descarta mudarse a Madrid. Makovski confiesa que, para ella, el arte significa “quitarse capas e intentar ser uno mismo, ser original sin parecer impostado”. En este sentido, parece que ha descubierto un universo creativo nuevo con la obra de teatro “Desaparecer”. “Fue una suerte que

" Me encanta la coletilla de 'una mallorquina con sangre macedonia y andaluza'" chalet a las afueras de Sevilla, donde está La Mina, el estudio de Raúl Pérez. Me gustaba el trabajo que había hecho como productor con Pony Bravo y la verdad es que ha sido una experiencia muy placentera. Nos levantábamos por la mañana, me tomaba un cafetito soluble y nos poníamos a tocar. Mientras hacían pruebas con el bajo u otros instrumentos, yo me escapaba para cuidar de sus plantas y de su jazmín. Raúl había pasado un tiempo fuera y se le había quedado un poco tieso. Me sentí como en casa y creo que eso se nota en el disco”. Es curioso que Maika hable de sentirse “como en casa”, cuando su vida está plagada de bandazos geográficos. “Es verdad. Cuando acabé mi primer disco (el casi desconocido “Kradiaw”, de 2005), decidí escaparme a Nueva York. Llevaba tanto

Calixto Bieito se fijara en mí. La idea inicial surgió a partir del disco de Lou Reed, ‘The Raven’, sobre el relato de Edgar Allan Poe. Se suponía que yo tenía que utilizar esas canciones, pero me fascinaron tanto aquellos poemas sobre la evasión que me resultó muy fácil escribir mis propios temas. Aunque pueda parecer raro, en las tablas estoy más segura que cuando canto, porque no tengo que estar todo el rato mirando a los ojos al público. En la obra estoy envuelta en niebla, protegida por el piano y por la voz de Juan Echanove; la intensidad crece, pero creo que no llega a explotar”. ■ José Fajardo “Thank You For The Boots” está publicado por Warner.

MondoSonoro · Abril 2012 /21/

mondoFREAKO

The Mars Volta Foto Archivo

THE MARS VOLTA

Adiós a la oscuridad

Rock británico de los ochenta. Nanas. Electrónica. Flores. Luz. Reencarnación. Todo ello es “Noctourniquet”, lo nuevo del dúo de Texas. Una rebelión a favor de la vida repleta de nuevos sonidos.

Hablamos con el cantante Cedric Bixler-Zabala sobre sueños, espiritualidad y, por supuesto, de la reunión de At The Drive-In.

“

Si te soy sincero, actualmente ‘Octahedron’ no me vuelve loco”, reconoce Cedric. Aunque en ningún caso nos reencontramos aquí con la vorágine de “The Bedlam In Goliath” (08), en “Noctourniquet” regresa el nervio tras la calma tensa de su anterior trabajo.

Al mismo tiempo, el dúo introduce nuevos sonidos, como los samples y las partes electrónicas cercanas al dubstep de temas como “The Whip Hand”. “Hay un club en Los Ángeles llamado Low Empire, donde ponen básicamente música electrónica. Con Dj’s que provienen del hip hop pero también de la música psicodélica de la época hippie. Dj Nobody, Max Feller... Cuando estamos en la ciudad solemos pasarnos por ahí. Incluso Thom Yorke ha pinchado música en ese local. Estamos muy conectados con esa escena”. La entrada del batería Deantoni Parks tras la poco amistosa salida de Thomas Pridgen ha jugado, también, un papel muy importante en esta reorientación.

“Deantoni ha aportado su estilo, en los noventa estaba muy metido en el drum’n’bass.

Ha dado un nuevo impulso a nuestra creatividad”. Analizando canción por canción, “Aegis” arranca de forma suave –recuerda levemente una mezcla entre Radiohead y Muse- para explotar repentinamente y entroncar con su primer largo, “De-Loused In The Comatorium” (03). “Es una de mis favoritas. La primera vez que escuché la música, me sacudió”. “Dyslexicon”, por su parte, es una pieza barroca de ritmos desestructurados y voces imposibles. “Habla sobre el poder del lenguaje y su incomprensión. Es uno de los grandes obstáculos entre humanos. La canción trata también sobre cómo algunos padres hablan a sus hijos durante su infancia y cómo éstos procesan esos mensajes”. Al mismo tiempo, se trata de otra historia surrealista pero extrañamente atractiva y de fondo espiritual. “Para algunas letras me he inspirado en algunos escritores que hablan sobre espiritualidad y flores como la Belladona o ‘High Esence Flower’. Según ellos, hay personas que vuelven a la vida en forma de flores y se reencuentran con sus herma-

nos, que murieron hace tiempo y pasaron por el mismo proceso”. No se vayan, que aún hay más: si “Octahedron” (09) hablaba, a grandes rasgos, sobre el vacío que dejan las personas literalmente desaparecidas, “Noctourniquet” apuesta por una rebelión contra la negatividad.

“Significa algo así como ‘trata de apagar la noche’. He usado la nana ‘Solomon Grundy’, que habla de fases de la vida como el nacimiento, la escuela, el trabajo y la muerte, como esqueleto de toda la historia. El disco retrata los sueños de un niño y cada can-

No he intentado copiar a Nick Cave, no podría, aunque en ella canto de forma opuesta a mi registro habitual. Será muy divertida de tocar en directo”. A todo esto, “Empty Vessels Make The Loudest Sound” se revela como una de sus mejores y más bonitas baladas. “Diría que nos hemos inspirado secretamente en bandas como The Horrors y My Bloody Valentine, que tienen casi el mismo árbol genealógico, o los Echo And The Bunnymen de ‘Crocodiles’”. Para terminar, no podemos pasar por alto una de las noticias musicales del

"Nos hemos inspirado secretamente en The Horrors y My Bloody Valentine" ción funciona como un trailer de película de distintas partes de su vida. En cuanto al título –de nuevo, un juego de palabras-, habla de la conveniencia de apagar la oscuridad, la negatividad, y dejar entrar la luz y la positividad en nuestras mentes y en nuestras vidas”. Entre tanta abstracción hallamos gemas como “The Malkin Jewel”, primer sencillo estrenado en su propia web, que se desmarca por completo de su cancionero para acercarse a The Cramps, Grinderman y Echo And The Bunnymen.

Cedric apunta a otros referentes. “Puede que haya algo del Alice Cooper de finales de los sesenta, cuando sonaba a The Beach Boys.

año: la esperada y sorprendente reunión de una de las mejores bandas de hardcore recientes, At The Drive-In, de la que él y el guitarrista Omar Rodríguez-López forman parte. “At The Drive-In es una vieja familia, un profundo corte que ha sangrado durante demasiado tiempo, y había que parar la hemorragia (risas). Vamos a intentar aplicar el concepto de ‘Noctourniquet’ a ATDI, aportarle positivismo y dejarlo crecer. Espero que ambas bandas puedan existir al mismo tiempo… Esa es mi idea romántica. ■ David Sabaté “Noctourniquet” ESTÁ PUBLICADO POR Warner.

www.espaciodemusica.elcorteingles.es

mondoBEATS /22/ Abril 2012 · MondoSonoro

EN LA

Tapio Hanaken Foto Archivo

MALETA

tapio hakanen

◗ ¿Qué intenciones tenías cuando empezaste a ejercer como Dj? Comencé a pinchar en el año 1991 y, por entonces, no existía el concepto de “DJ superstar” y sólo lo hacía por amor a la música. Aproximadamente cuatro o cinco años después, empecé a tomarlo más en serio, pero ¡no demasiado! ◗ ¿Hay algún disco que pinches en cada una de tus sesiones?

Cada sesión es diferente, así que no tengo un tema en particular que pinche siempre. “Sun” de Slusnik Luna quizás sea la canción que más haya puesto en mis sesiones. ◗ ¿Podrías citarnos tres de tus discos de electrónica favoritos?

“Northern Exposure 1” de Sasha & Digweed, “Melody AM” de Röyksopp y “Café del Mar 5” de José Padilla. ◗ ¿Qué crees que es lo peor que puede hacer un Dj mientras pincha?

Lo peor que puede hacer un DJ es llegar a pensar que el público está ahí por ti, cuando yo creo que es el DJ quien está ahí para el público. Ambos se necesitan, pero el ego de muchos hace que olviden eso. ◗ ¿Hay algo que odies de otros Dj’s? ¡Yo amo, no odio! En general no “odio” a otras personas creativas. Al contrario, tengo mucho respeto por el resto de mis colegas. Uno puede pasar mucho tiempo preocupándose por lo que hacen otros, pero eso desgasta, así que trato de concentrarme en mis propias cosas. ◗ ¿Vinilo o CD? Vinilo, CD, digital, guitarra acústica… Todo vale, siempre y cuando la música sea buena. ◗ ¿Crees que podrías mezclar guitarras con electrónica en tus sesiones?

He hecho remixes para rockeros como Nightwish o Lauri Ylönen de The Rasmus. Es divertido combinar elementos de rock y dance. Tiendo a tratar el sonido de las guitarras bastante fuerte para convertirlo en un sonido más electrónico. ◗ ¿Estás harto de trabajar de noche?

Disfruto mucho con ambas partes de mi vida, la diurna y la nocturna. Ambas se nutren entre sí.

Mis objetivos actuales en Nokia son convertir a mi equipo en un aún más reconocido grupo de diseño de sonido a nivel mundial, desarrollar aún más la forma de pensar y hacer marca con el sonido de la marca, educar a toda la empresa sobre el poder del sonido y asegurar que sus dispositivos sean los que mejor suenan del mercado. ◗ ¿Quiénes son tus pinchadiscos favoritos?

Sasha, Nick Warren, Aeroplane, Paul Oakenfold, Eric Prydz, Andy Moor, Sven Väth, Padilla…

Todos ellos han pinchado en mis eventos. Me gustan diferentes géneros y estilos. El lugar, el tiempo, las personas y todo el contexto es lo que dicta cuál es mi música o DJ favorito en ese momento. n

REBOLLEDO

Santero cachondo Amigos que te abren una ventana de chat para preguntarte qué pasa con Rebolledo que últimamente no paran de oír hablar de él. Así es este tipo: un fenómeno. Mexicano adoptado por la Alemania de Kompakt, pegó el petardazo con su single “Guerrero” (09) y retorna de nuevo al ruedo con un primer álbum, “Super Vato”.

“

Soy Dj, busco peligro, salgo en las noches, no quiero reproches y de vez en cuando visto de cuero...”. Así se autoproclama este super vato (”super tío” según traducción). Si algo no le falta es porte, chulería y cierto aire canalla sudado a mares en sus producciones; un trabajo de imagen personal que tiene una parte importante que ver en el éxito de su campaña. “Hablar de la actitud me cuesta trabajo, ya que el riesgo de sonar insoportablemente egocéntrico es muy alto… pero, definitivamente, los resultados de mi trabajo son resultados de mi actitud (sea cual sea ésta)”. Este peligroso individuo iba para diseñador industrial, pero se torció por el camino. Un hobby, la música, le llevó a los platos del club La Santanera en Playa del Carmen. “Ahí acabé de comprobar que lo mío eran las pistas de baile”. El empuje para empezar a producir lo encontró en la necesidad de crear sonidos para la pista que no escuchaba en las grabaciones. “Fue en el momento en el que dejé de encontrar la música necesaria para crear los momentos que me imaginaba y quería crear cuando comencé a hacer tools y edits para complementar mis sets... Al final, sigo siendo diseñador”. Bueno, razón no le falta al hombre. “Guerrero” fue su hit de estreno, al que siguió “Pitaya Frenesí”. “Ambos me ayudaron a ‘entrar en el mapa’”. Gracias a aquellos primeros experimentos, Colonia se ha convertido en su segunda casa. “Pasear en bicicleta y visitar las oficinas de Kompakt para ver mis asuntos pendientes son cosas de todos los días”. Mientras tanto, en su tierra natal, México, aprovecha las horas gestionando un club propio, el TOPAZdeluxe en Monterrey. “Pasamos una temporada muy difícil cuando la violencia en la ciudad apagó en gran proporción la vida nocturna, mismo problema al que se vio

enfrentado otro de los mejores clubes del país, el Hard Pop en Ciudad Juárez, que otra vez está en funcionamiento con una gran propuesta y calidad en su cartelera.

Definitivamente la situación en ambos casos ha mejorado y está repuntando”.

Ya ubicado en el panorama de la electrónica internacional, Rebolledo se puso manos a la obra con “Super Vato”, un larga duración que refleja su gusto por la electrónica ruda y potente al tiempo que desprende un fino sentido del humor. Un álbum vacilón, cachondo y grasiento. ¿Qué se puede esperar de un hombre cuya cabeza bate perversiones tan variadas como las marchas militares, el krautrock, la música western, el disco o la música conceptual? “La idea del álbum comenzó en enero de 2010 durante un viaje a Chile. Soy muy malo para las computadoras, así que prin-

mucho la intención que le puedo dar a un tema gracias a la voz, sin que la letra sea algo relevante”. Amigos, no busquen mensaje: simplemente capten la energía y dejen que el pensamiento entre en modo frenesí.

Casi hipnóticos, envolventes, los cortes de “Super Vato” se desenvuelven en medio del oscurantismo y la densidad. “No creo mucho en los géneros y ponerle etiqueta a mi propia música siempre me ha costado trabajo, pero me gusta pensar en ‘Super Vato’ como el soundtrack de una historia. La pista de baile es donde más lo he usado con muy buenos resultados, pero también me ha funcionado en el auto en autopistas abiertas (en una ciudad con mucho tráfico no me resulta tan bueno), en vuelos de distancia media, en la piscina y hasta en mar abierto”. Entre los colaboradores que planean junto a Rebolledo en el álbum merecen mención Matías Aguayo, padre del sello Cómeme (primera casa de Rebolledo) y Superpitcher, un pro de lujo con el que el mexicano anda formando hermandad. “Llevo colaborando con él ya varios años, desde que me pidió hacer vocales para un tema suyo. En paralelo nació nuestro proyec-

"Hablar de la actitud me cuesta trabajo, ya que el riesgo de sonar insoportablemente egocéntrico es muy alto" cipalmente uso el software para ensamblar los temas y hacer los arreglos. Utilicé máquinas de ritmos antiguas que tengo como una Hammond de los sesenta y una Roland ochentera muy básica, algunos sintetizadores y muchas grabaciones con micrófono de distintas percusiones y otros instrumentos, incluida mi voz”.

La mezcla final fue cosa de Ismael Pinkler en Buenos Aires, y el mastering corrió a cargo de Jörg Burguer en Colonia. En “Super Vato” se mezclan beats sucios, un aire a electrónica cacharrera, percusión a tope, ritmos gordos, bam bam y voces metidas a pelo, “pensadas para complementar la música y utilizadas como un instrumento más. Me gusta

to en conjunto que se llama ‘Pachanga Boys’, con el que hemos editado en Kompakt en algunos de sus compilados, y recientemente iniciamos nuestro propio sello ‘Hippie Dance’, en el cual hemos editado dos Ep’s hasta el momento”. Al tiempo que prepara su presentación en directo, sus pasos inmediatos pasan por impulsar estos dos proyectos, combo y sello, junto a Superpitcher.

Definitivamente Rebolledo ha encontrado su sitio en la liga de los grandes.

■ Esmeralda Martín “Super Vato” está publicado por Kompakt.

Rebolledo estará actuando en el San Miguel Primavera Sound.

Rebolledo Foto Archivo

El finlandés Tapio Hakanen lleva en activo desde principios de los noventa, aunque empezó a publicar discos y sesiones a finales de esa misma década. Ha girado por todo el mundo, y últimamente parece centrado en crear los sonidos y la base musical de Nokia.

entrevistaS

/25/ Abril 2012 · MondoSonoro

Django Django Foto Archivo

DJANGO DJANGO

Contra las etiquetas Desde su base de operaciones en Londres, estos cuatro escoceses debutan con “Django Django”, una de las mayores rarezas que el pop nos ha brindado en lo que llevamos de año. Pese a introducir un sinfín de influencias en sus canciones, van sobrados de personalidad.

A

ún tenemos muchos meses por delante pero, sin duda, Django Django han hecho ya suficientes méritos como para convertirse en uno de los bichos raros del año.

Para quien esto escribe resulta una tarea imposible definir a qué suenan. Lo de estos cuatro escoceses es un auténtico horror vacui de idas de olla que, en manos de cualquier otro, podrían sonar cuanto menos grotescas. Se pasean con una facilidad asombrosa por el spaguetti western, los juegos vocales de The Beach Boys, las percusiones mongólicamente tribales del krautrock, guitarras que huelen a un mar encabronado y la psicodelia de los sesenta. Y lo mejor es que el buffet libre, lejos de empachar, engancha y consigue dejarnos con el culo torcido ante tal explotación de imaginería ajena. No sabemos si el abuso de estupefacientes ha sido una inspiración divina para la banda, pero de lo que no cabe duda es que, desde que tímidamente despegaron allá por 2009 con “Storm”, han ido por la vida con pies de plomo para que el factor sorpresa fuera lo más llamativo de este artefacto sonoro que acaba de explotar en nuestras manos. “Cuando se colgó ‘Storm’ en Myspace solamente habíamos escrito cuatro temas más. Justo en ese momento empezamos a hacer algún concierto, aunque lo cierto es que no estábamos preparados para enfrentarnos a aquello.

Teníamos que hacer las cosas bien y comprobar las primeras reacciones del público.

En aquel entonces no teníamos opción de grabar las canciones en un estudio, todo lo hicimos desde un piso al este de Londres.

Así que prolongamos la grabación del álbum durante seis meses porque por las mañanas teníamos que madrugar para dedicarnos a

los trabajos que nos daban de comer”. Al habla está Vicent Neff, un antiguo arquitecto que, embriagado por el poder de la música, ha pasado a ser el cantante y guitarrista de este atípico combo. “Los cuatro coincidimos en una escuela de arte de Edimburgo. Aún recuerdo cuando acabábamos en la habitación de David Maclean (batería, productor y auténtico cerebro del grupo) hasta las tantas improvisando algunas piezas que después colgábamos en Internet.

Cuando los estudios llegaron a su fin, cada uno tomó su camino y el proyecto quedó aparcado. Por casualidades de la vida, un año más tarde coincidimos en Londres a raíz de nuestras obligaciones profesionales y decidimos retomar el viaje que habíamos iniciado. Al querer comprometerme por completo con mis compañeros dejé mi trabajo como arquitecto. Fue difícil tomar ese camino. Me daba algo de miedo ese cambio tan drástico, pero todo el mundo me ha acabado apoyando, incluido mis padres”.

No puede arrepentirse de la decisión, ya que ni él mismo podría haberse imaginado hace unos meses que acabaría cantando para la momia andante de Karl Lagerfeld. “Ha habido momentos muy surrealistas en estas últimas semanas. Todo está siendo muy loco. En marzo tocamos en una fiesta de Chanel y el propio Lagerfeld se nos acercó para decirnos que era muy fan de nuestro disco. Siempre que acabamos un concierto la gente quiere charlar con nosotros y exponernos sus propias impresiones de lo que les sugerimos. Una de las cosas que más gracia me hicieron fue cuando nos dijeron que éramos como una emisora de radio que emitía desde el espacio”. Razones

no faltan para tal rocambolesca apreciación. La apertura de miras de la que gozan estos treintañeros es la que da sentido a este cóctel de tintes cinéticos. “Cuando una canción es buena, lo es independientemente del estilo al que pertenezca. Disfruto por igual de la psicodelia que de un tema post-dubstep que he oído en la radio. Los cuatro siempre nos dejamos llevar, no vamos con una idea preconcebida de a qué queremos sonar. Con las aportaciones espontáneas de cada uno, el proceso de composición resulta más interesante. Las canciones son como un viaje imaginario, una materialización de lo que para nosotros es el escapismo. Nos vuelven locos las bandas sonoras, por eso, mientras

nuestros temas, lo que nos separa de ellos es esa predisposición que tenemos por sonar más pop y el hecho de que no nos negamos a introducir elementos electrónicos”.

Con la crítica especializada a sus pies, Django Django tan sólo están catando las primeras mieles del éxito. “Sinceramente, es un honor que de todas las partes del mundo nos piropeen.

Tanto lo que diga la prensa, como la gente que se acerca a vernos en directo, nos da fuerzas para creer en nosotros mismos.

Aun así, lo que quiero dejar claro es que no buscamos ser unas estrellas ni nada por el estilo. Somos gente sencilla que quiere pasarlo bien y disfrutar del momento”, confiesa Neff, siendo consciente de los frenéticos meses

“Sinceramente, es un honor que de todas las partes del mundo nos piropeen tanto” oyes el disco, puedes encontrarte tanto en una playa como en medio de un desierto.

Ahí está la gracia”, opina Neff acerca de esta bizarra travesía folclórica que llega a su clímax en “Skies Over Cairo”, el sonido que se desprendería de un hipotético remake de “Las mil y una noches” dirigido por Nicolas Winding Refn.

P

uestos a encontrar otro culpable de su sonido, también sobrevuela la sombra de The Beta Band, la banda en la que militaba como teclista el hermano mayor de Maclean y que en los noventa también predicó el eclecticismo como aniquilador de etiquetas. “Conozco su música, pero si te dijera que era fan de ellos te mentiría. No obstante, entiendo que David creciera con sus canciones y se le haya pegado algo de su visión compositiva.

Hace dos décadas eran algo así como una banda de culto que no quería quedarse en un género concreto. Lo mejor que tenían era su forma de jugar con las texturas. Aunque, buscando paralelismos entre lo que hacían y

que se le vienen encima. “Lo único que espero de este año es tocar en el máximo de festivales posibles. También tenemos en mente empezar a trabajar en nuevo material. Todavía es pronto para hablar de ello porque no hemos meditado el tema, pero tendremos que cambiar nuestra metodología de trabajo. Hasta ahora hemos marcado nuestro propio ritmo porque éramos unos novatos en lo musical. Sin embargo, desde hace unos meses ya disponemos de un estudio de grabación en condiciones y cuando nos pongamos en serio tendremos que ser más profesionales y dedicarnos por completo a lo que verdaderamente nos gusta”. En julio, cuando hagan gala de su presencia en la próxima edición del Festival Internacional de Benicàssim, quizás se atrevan a compartir alguna pieza inédita con todos nosotros. ■ Sergio del Amo “Django Django” está publicado por Because/Warner. estarán tocando en el F.I.B.

entrevista /26/ Abril 2012 · MondoSonoro

JACK WHITE

Jack White Foto Archivo

Un viejo amigo

Jack White es uno de los artistas más activos, influyentes y prolíficos y de la actualidad. Cuando colabora con otros, se adapta como nadie al guión requerido, cuando coge las riendas, es un artesano, un tradicionalista que hace prevalecer su visión de musicólogo antes que la de estrella. Ahora le toca defender su primera incursión sin socios, su estreno como líder en solitario en “Blunderbuss”, un disco que no sorprenderá a nadie, pero que contiene el suficiente material de calidad como para renovar nuestra confianza en su sello artístico.

“

¿Por qué lanzarme en solitario precisamente ahora? Es una buena pregunta.

No lo sé. No tenía ninguna intención.

Me encontré solo, componiendo, grabando los temas con músicos de sesión de mi estudio de Nashville, sintiéndome liberado de las restricciones, a nivel de concepto o a nivel de sonido de mis otras bandas y… bueno, no se me ocurrió nada mejor que firmarlo con mi nombre”. En las distancias cortas, Jack White es todo amabilidad, un enamorado de su profesión que no regatea ningún tema y se esfuerza en entender las preguntas y en explicarse lo mejor posible en sus respuestas. Durante la media hora de entrevista, tan solo alzará la voz y realizará un mal gesto al requerirle sobre la banda que en los últimos años ha ocupado el trono que dejó vacante The White Stripes, y que últimamente está gozando de incluso más éxito que el que en su día tuvo el dúo de Detroit. “Ni siquiera

conozco a The Black Keys. He oído algún tema, pero poca cosa. Sé que la gente nos compara, pero no puedo decir mucho al respecto. Lo único que sé es que a principios de la década pasada, aparecimos una serie de bandas, como The Strokes o nosotros, que creamos un modelo, un estilo, cada uno a su manera y con sus propias influencias, pero muy diferente a lo que se estaba haciendo en aquel momento. Después de The Strokes llegaron más grupos que siguieron aquel patrón: The Libertines, The Killers, etcétera. Me halaga que también haya otros que siguieran nuestra estela, pero no me voy a estar preocupando de lo que haga o deje de hacer cada uno de ellos”. “Blunderbuss” supura Jack White por los cuatro costados.

Conserva todos los destellos –riffs tan marca de la casa como el de “Sixteen Salines”, ese blues punk tan característico en “Missing Pieces”, la facilidad

para la melodía certera en “Love Interruption”que han hecho de él uno de los artistas más valorados de nuestros tiempos. De la misma manera que también contiene gran parte de los defectos que hemos encontrado en la mayoría de sus trabajos hasta el momento: la sensación que algunos de los temas son más bocetos inacabados que ideas duramente trabajadas o una cierta insipidez en unos cuantos momentos del disco que lastran su impacto y rebajan la euforia que provocan sus mejores temas. Pero eso es y siempre ha sido Jack White. Lo que sí se aprecia es un nuevo paso

mas ideas de base. Lo que más me gusta es cómo se percibe mi música dependiendo de la zona geográfica. No te lo vas a creer, pero eres la tercera persona que hoy me menciona a Tom Waits. Lo hizo justo antes que tú un periodista portugués y esta misma mañana creo que fue un italiano. En cambio, en Estados Unidos, el nombre que más oí fue The Rolling Stones. ¿Te lo puedes creer?

Son ingleses, pero todas sus influencias son norteamericanas, así que está bien. Y en Inglaterra me emparejan más con Bob Dylan.

“Ni siquiera conozco a The Black Keys.

He oído algún tema, pero poca cosa” en ese sendero evolutivo que desde hace una década White va manejando con pautas sutiles pero perceptibles y que poco a poco le han ido transformando en un joven Tom Waits. Sí, Jack White es Tom Waits con treinta años menos. Al igual que él, parte del blues y resto de raíces del rock americano para transformarlas, llevarlas a su terreno y crear un producto con sello propio. Si en el caso de Waits, retuerce y ahoga esas influencias en su propio pantano, White prefiere disecarlas; las vacía por dentro y las vuelve a rellenar con su propio universo disonante. “Joder, me encanta. No lo sé, puede ser. Evidentemente adoro a Tom Waits y es cierto que partimos de unas mis-

Ha habido quien me ha dicho que este disco es mi propio ‘Blood On The Tracks’. Todo me encanta, todo me vale. Me jodería más que todos me compararais con The Kinks, porque significaría que estoy dejando ver demasiado a las claras mis cartas. Lo que sí te puedo decir es que cuando compongo no escucho nada de música, ni actual ni antigua. Intento partir de cero y componer una canción como quien escribe sobre una hoja en blanco. Todo está ahí, claro, pero durante las semanas o meses que utilizo para cada disco, nunca escucho nada más de lo que tengo en mi cabeza”.

entrevista

Jack White Foto Archivo

MondoSonoro · Abril 2012 /27/

Más allá de The White Stripes, The Raconteurs, The Dead Weather Loretta Lynn “Van Lear Rose” (2004)/Wanda Jackson “The Party Ain’t Over” (2011)

E

l propio White afirmó poco después del lanzamiento del último disco de The Dead Weather que su próximo proyecto iba a ser llamar a Meg y recuperar su faceta más bluesera de The White Stripes. Sin embargo, los acontecimientos fueron muy diferentes y el pasado 2 de febrero de 2011 anunciaban en su web oficial que la formación había llegado a su fin, no por diferencias artísticas, ni por falta de ganas o problemas de salud, sino por una “miríada de razones”. Un año después, la situación no ha cambiado lo más mínimo. “Si quieres que te sea sincero, Meg ni siquiera responde mis llamadas. No sé ni cómo se encuentra.

Tampoco es que eso sea raro en ella, así que no estoy preocupado. Ella es así. La última vez que estuvimos juntos en un estudio fue en 2007, con Beck, grabando varias caras B para el single ‘Conquest’”. Cuando le infiero que quizás con el tiempo y la calma, Meg recupere las sensaciones y la necesidad de volver a grabar y tocar en directo –es conocido el alto grado de ansiedad y desgaste que le produjo la larga gira que siguió el lanzamiento de “Icky Thump”-, Jack lanza uno de los mensajes más tajantes de toda la entrevista. “No. Seguro. No me imagino a Meg volviendo a tocar un instrumento. Y si no es por ella, es por mí. No va a volver a existir algo llamado The White Stripes. Nunca. Créetelo. Bueno, a menos que uno de los dos se quede en la bancarrota y necesite el dinero. Pero eso sería muy triste”. ¿Quizás encontramos entonces en

“Blunderbuss” algunas de las ideas o temas que tenía White compuestos para la continuación de “Icky Thump”? “Tampoco. La verdad es que no tenía nada escrito para un nuevo álbum de White Stripes. Ninguna de las canciones de ‘Blunderbuss’ tiene más de unos pocos meses de vida”. Otra de las razones del éxito actual de White –no olvidemos que hace poco tiempo figuraba, junto a su ex-pareja sentimental, la modelo Karen Elson, dentro del Top 10 de artis-

también les interesara. La respuesta ha sido apabullante. No buscábamos algo con tantos beneficios, pero desde luego los está teniendo. En solo tres años hemos producido más de 600.000 vinilos. Imagínate”. White prepara ya la puesta en escena de la presentación de “Blunderbuss”. Juntará dos bandas para la ocasión, una compuesta enteramente por mujeres, y otra enteramente por hombres, nadie de todos ellos ha estado en ningún grupo jamás.

“Me jodería más que todos me compararais con The Kinks” tas jóvenes más ricos del mundo- es su incursión como empresario al frente de Third Man Records, un emporio musical -sello discográfico, tienda de discos y local de conciertos- dedicado y dirigido a todos aquellos que todavía estiman el valor como objeto físico de la música. Quién iba a decir que en estos tiempos una discográfica hablara de beneficios. “Su éxito me ha superado. Primero, porque no hemos hecho nada para conseguirlo. No hemos necesitado anuncios, ni marketing, ni nada parecido. Ha venido la gente a nosotros. La idea de origen era hacer algo que nos entusiasmara como amantes del vinilo que somos. Productos muy bien acabados como los que nos gusta encontrar cuando compramos un disco, esperando que hubiera gente ahí fuera que

Irá eligiendo unos u otros cada noche dependiendo de su estado de ánimo. En sus shows habrá temas, lógicamente, de todos sus proyectos, y contará con la presencia como teloneros de uno de los conjuntos que mayor interés le ha despertado últimamente. “Alabama Shakers son una de esas experiencias sonoras que te dejan noqueado. Solo su cantante, con su presencia y su voz, ya es capaz de embriagarte. Y en directo es de lo mejor que he visto en mucho tiempo”. Asegura que la gira tiene previsto su paso por España hacia finales de año.

■ Robert Aniento “Blunderbuss” se publica el próximo 23 de abril vía XL/Popstock!

❚ Jack White se ha erigido en los últimos años en un Rick Rubin de nuevo cuño y se ha dedicado a la tarea de recuperar del olvido viejas leyendas del imaginario musical estadounidense. La primera que se prestó a ello fue la mítica voz del country Loretta Lynn, que facturó junto a White uno de sus discos más exitosos y aclamados. Peor ha sido el recibimiento artístico de la reciente colaboración junto a la también legendaria líder del rockabilly Wanda Jackson, a la que White quiso llevar a su terreno con resultados no del todo afortunados.

Proyecto continuado de grabaciones de 45 RPM’s ❚ El guitarrista de Detroit inició hace varios años un proceso de producción de infinidad de singles de 45 RPM’s para artistas tan variados como Smoke Fairies, su ex-pareja Karen Elson o Tom Jones. Una de sus últimas grabaciones, y sin duda la más discutida, fue junto a los inefables Insane Clown Posse en su adaptación del clásico de Mozart “Leck Im Ich Arch” (algo así como “lámeme el culo”). Nos lo justifica él mismo: “Me encantó la idea desde el principio. ICP es una banda que despierta reacciones extremas solo oír su nombre. Su sola presencia es provocativa. Fundir eso en una versión tan bizarra de precisamente esa composición me encandiló. Y el resultado me encanta. No hay manera de que me pueda sentir arrepentido. ¡Todo lo contrario! Además, ellos son originarios de mi mismo barrio de Detroit. Y eso cuenta…”.

Danger Mouse and Daniele Luppi “Rome”/Jack White & Alicia Keys “Another Way To Die” ❚ En ambas colaboraciones, Jack White se aleja de sus parámetros habituales y se acerca a un formato cinéfilo de estilo clásico. Junto a Norah Jones, prestando su voz en el hermoso disco de Danger Mouse y Daniele Luppi inspirado en las bandas sonoras de viejos spaguetti western. Y junto a Alicia Keys arrastrándola a su fango sonoro en la interpretación del tema del penúltimo James Bond.

■ Robert Aniento

A la v en CD enta y álbu /vinilo m dig ita

l

Primeras fechas de la gira 13 de abril Girona - Auditori 14 de abril Mataró - Teatre Monumental 21 de abril València - Teatre La Rambleta 22 de abril Reus - Teatre Bartrina 27 de abril Manresa - Silenci 28 de abril Montseny - Festival Circ Cric 3 de mayo Barcelona - Teatre Lliure (Entradas agotadas) 4 de mayo Barcelona - Teatre Lliure 6 de mayo Palma - Teatre Principal 20 de mayo Vic - Plaça de la Catedral (Presentación Festival Foramuralla) 23 de mayo Madrid - Galileo Galilei

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Tachenko Fotos Hara Amorós

Hola a Todo el Mundo

/29/ Abril 2012 · MondoSonoro

El Columpio Asesino

CONCIERTOS

LET’S FESTIVAL Sala Salamandra 1 y 2 Fecha diversas Estilo pop, rock y electrónica Público lleno Promotor Salamandra

E

stamos ante la edición más amplia del Let’s Festival, capaz de extenderse durante todos los fines de semana de un mes.

La lista de nombres es interminable y de calidad, una amplia parrilla de lo que está dando la escena estatal aquí y ahora. Vamos a resumir algunas de las jornadas a las que hemos acudido. Para empezar, mejor vayamos al principio. Los encargados de romper el hielo en la séptima edición del festival fueron Las Ruinas, que aprovecharon al máximo su primera vez en un gran escenario pese a la aún tímida presencia de público. El nuevo fichaje del sello El Genio Equivocado, con Eduardo Chiniros al frente, supo ganarse los aplausos y sonrisas de los congregados con sus letras delirantes y brillantes en temas como: “Cubata de Fairy”, “Secundarios del mundo uníos” o “No es por ti”. Estuvieron algo más comedidos que en otras ocasiones pero con carácter, ganas y fuerza en sus guitarras power-pop. Posteriormente llegó el turno de Triángulo de Amor Bizarro, que ofrecieron un directo más tibio que en otras ocasiones, sin garra. Quizás fueron los constantes problemas técnicos en el escenario (acoples, micros que no iban bien, baquetas que volaban...) los que hicieron que no brillasen como acostumbran. Problemas a un lado, tuvimos la oportunidad de oír nuevos temas que apuntan a dignos sucesores a su repertorio hasta la fecha.

La interacción con el público fue a más, hasta el punto de que Isa sometió a votación de los asistentes si el grupo se quedaba con un final de

canción más “progresivo” en uno de los temas nuevos. La respuesta fue positiva y unánime: TAB gustan con sus bucles y laberintos shoegaze.

Cerraron el primer día El Columpio Asesino con la sala a reventar y entregadísima. Con menos problemas técnicos, dieron un concierto impecable y repasaron su discografía, aunque, como era de esperar, su gran momento llegó casi al final con la deseada, “Toro”.

El segundo día contó con menor afluencia de público y un cartel más ecléctico, empezando por los jovencísimos Grushenka, que se merecieron una mención especial por parte de los más veteranos Tachenko, debido a su interesante propuesta e interpretación así como su marcado espíritu emergente. Quizás como reflejo de esas ganas de progresar, Xavier jugaba a menudo con su voz, paseándose entre graves y agudos en arriesgadas melodías vocales. Los principios de los temas eran hipnotizantes, dejando claro su afición al uso del ruido con muy buen gusto y excelentes influencias (versionearon “Ceremony” de New Order). Lo de Odio París es una clara evolución desde que el año pasado pisaran este mismo escenario. Hoy cuentan con más seguidores entre el público y con un directo mucho más potente en el que finalmente han logrado el sonido que tanto han buscado. Sus reverbs son ya un sello y ellos se sienten cada vez más cómodos y entregados. Durante su actuación, los de Barcelona aprovecharon la ocasión para presentar su nuevo tema, “Salve el televisor”, y nos dieron

la sorpresa de verlos actuar con su cantante originaria, Noemí, con la que “Ya no existes” sonó espectacular. Como despedida, una exquisita versión de “When You Sleep” de My Bloody Valentine que dio paso a los veteranos de la noche, Tachenko. Contaron con el bajista Israel Medina (Reina Republicana, Half Foot Outside...), en lugar del habitual Edu Baos, que ayudó a que el sonido se mantuviera intacto. El conjunto sonó muy compenetrado, acorde con esa gran experiencia que cargan a sus espaldas. Agradecidos en todo momento por la respuesta del público, se mostraron humildes y divertidos, dotando al directo de una espontaneidad y naturalidad propia de grupos con tanto carisma. Sonaron temas de “Os reís porque sois jóvenes”, pero también hubo espacio para grandes éxitos como “Afganistán” o “Hacia el huracán”. Sin bis (con previo aviso), los maños pusieron broche y final a la segunda jornada del festival.

Saltando en el tiempo y trasladándonos al sábado 17 nos encontramos con una noche en la que los madrileños Hola A Todo El Mundo ejercerían como cabezas de cartel, aunque antes tendríamos la oportunidad de enfrentarnos a los directos de Facunda y Litoral. El dúo Facunda rompió el hielo, con la aún tímida presencia de público. Muy resueltos y simpáticos, presentaron los temas de su primer trabajo, “Ultramarinas”. Voz y guitarra se dieron la mano y redondearon su repertorio a través de letras intimistas, poéticas o sarcásticas, aunque en algunas ocasiones demasiado simplo-

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nas. Falta aún rodaje y mayor soltura, por ejemplo con los teclados, pero aún así mantuvieron a los asistentes en silencio, disfrutando de sus melodías y de la dulce voz de Nieves. Litoral llegaron con todo su arsenal para evocarnos placeres, la buena vida y el ambiente a la vora del mar. El catalán está en buena forma y ellos se erigieron como buenos defensores, combinándolo con algunos temas en francés y enriqueciendo de esta manera un directo que invitaba a disfrutar y bailar. Cada uno de los componentes aportó su fundamental granito de arena, e hicieron del directo una verbena con mucha energía. Desgraciadamente, la espera de unos cuarenta minutos para que comenzara Hola A Todo El Mundo se hizo casi eterna, y todo porque el telón no quería subir. Finalmente y ante un público con las pilas cargadas y con notable presencia extranjera como reflejo de su gran difusión, desgranaron temas antiguos y nuevos en el que fue el último concierto de la gira de “Estela castiza”. Lástima que el sonido no jugara demasiado a su favor. El violín y la flauta en ocasiones se imponían demasiado al resto de la banda, y la voz de Ari no estuvo del todo afinada. Lo que sí merece subrayarse es que sus canciones en español funcionan muy bien, algo que enriquece esos temas de ricas melodías y estructuras. Hola A Todo El Mundo saben captar la atención de principio a fin, mostrando que no son un grupo de un único hit, aunque sin duda “A Movement Between These Two” fuese su tema más coreado. Ángela Urtoller Avilés

CONCIERTOS

Manel Foto Dani Cantó

M 83 Foto Mariano Regidor

MondoSonoro · Abril 2012 /31/

MANEL Sala Teatro Coliseum (Barcelona) Fecha 23-2-12 Estilo folk pop Promotor Fina Estampa

M83 1114

Zebda Foto Hara Amorós

En el fondo a todos nos encantan las historias en las que el éxito es el verdadero protagonista de la trama. Y es muy probable que la razón estribe en que, durante décadas, hemos sido aleccionados de forma inconsciente a través del cine y la televisión yanqui, con lo que todos hemos acabado asumiendo el “sueño americano” como algo al alcance de cualquier mano. Ese sueño falaz en el que con dedicación y esfuerzo cualquier cosa es posible, incluso pasar en tan solo unos años de tocar en un bar delante de un puñado de personas a hacerlo en un gran teatro con enorme panel luminoso en el exterior incluido. Sin embargo, viendo el primero de los tres conciertos de Manel programados en el Teatre Coliseum de Barcelona, parece que los primeros en no creerse todas estas paparruchas más propias de cualquier manual de autoayuda para desesperados, son los propios Manel. Solo así se explica uno que, tras aguantar el peso del éxito con su segundo disco e incluso ampliarlo, se sigan subiendo a un escenario con las mismas escasas, casi nulas, pretensiones artísticas que su música popular sugiere.

Solamente así se explica que el apoyo de una sección de cuerda y viento, para enriquecer con arreglos sus bonitas pero simples melodías acabe convirtiéndose en algo tan circunstancial, casi anecdótico.

Porque hablemos claro, el peso de la propuesta de Manel y también el secreto de su éxito descansa en gran medida en lo lírico, es decir, en la capacidad para construir historias que en algunos casos parecen haber sido escritas pensando en ti. Un imaginario muy poderoso por lo popular que resulta, y al que han sabido encontrarle un acomodo musical basado por igual en la canción mediterránea, el folk de los sesenta, sí, sí, el de Dylan y Paul Simon y una actitud a lo Jonathan Richman que tanto nos gusta a los críticos de esa falacia llamada indie. Pues bien, con semejantes ingredientes, Manel han sabido tejer una aureola de éxito indiscutible al que solo se le puede discutir pequeños, aunque no nimios, detalles. Cosas como tener un inicio bastante tibio, producto de los nervios de torear en una plaza de las grandes o detalles como dejarnos con la sensación de que no acaban de sacarle todo el rendimiento posible a su capacidad para las armonías vocales. Un recurso que utilizan a medias, como si esa timidez intrínseca que acompaña a su propuesta les limitara para acabar de sacarle el máximo rendimiento a unas capacidades que están ahí, pero no acaban de explotar del todo. Y es precisamente por esa contención escénica que afecta a lo musical y que los mantiene cerca de propuestas similares a las de Herman Dune o Andrew Bird por lo que son tan apreciados en según qué sectores.

Lo alucinante es que puedan convencer a un público más acostumbrado a los fuegos artificiales. Pero así de inexplicables suelen ser los fenómenos que trascienden y la música de Manel, más allá de los detalles, ha logrado trascender hasta situarse en un estado en el que todo o nada puede ser razonado. ¿O acaso no te has enterado todavía de que hasta nuestra propia existencia se basa en la paradoja?

Don Disturbios

Sala La Riviera (Madrid) Fecha 10-3-12 Estilo electrónica rock Público lleno Promotor Last Tour International

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Me acercaba a La Riviera como el que va a la consulta de su psicoanalista en busca de respuestas, sin tener del todo claro cómo se iba a desarrollar el concierto y recordando por el camino mi primer encuentro con M83 hace una década, cuando el shoegaze distaba mucho de ser una etiqueta popular y quienes lo practicaban eran calificados de revivalistas sin causa. A pesar de ello, desde el primer momento el proyecto de Anthony Gonzalez encontró el cobijo de un sello grande como Mute porque, efectivamente, bajo aquellas atmósferas volátiles latía un poderoso corazón pop propulsado por bases electrónicas de ecos ochenteros, un cóctel de lo más atractivo. Lo que ha ocurrido entre aquellos días, aquellos discos, y un presente que lo sitúa como primera espada del pop, es para mí un enorme misterio al que pretendí darle respuesta acudiendo a su concierto de anoche. Y todo eso al margen de “Midnight City”, una de esas canciones elevadas a la categoría de himno popular, uno de esos goles por la escuadra que se ven muy de cuando en cuando. Pero la primera sorpresa de la noche fue precisamente por ahí: el público se entregó desde el minuto uno y se mantuvo expectante hasta el momento último en que se encendieron las luces. De hecho, el punto y final de la noche con una zapatillera versión de “Couleurs”, un tema que ni siquiera está en su último álbum y que puso La Riviera literalmente patas arriba, habla bien a las claras -devoción por el makineo del españolito medio al margen- de la entrega de un respetable que abarrotó la sala. Pero bastante antes de ese discotequero fin de fiesta hubo más, bastante más, con una línea argumental que apenas difirió de lo que unos M83 en formato de a cuatro han venido ofreciendo en la fechas previas de esta misma gira. Para empezar un arranque vibrante con “Intro” (no podía ser de otra forma), “Teen Angst” y “Graveyard Girls” en el que empezaron a mostrarse sus principales bazas. Viven M83 reñidos con aquel pasado al que hacía referencia antes y que podríamos calificar de “electrónico”, entregados a un concepción rock en la que resulta de vital importancia el trabajo de Loïc Maurin, baterista no demasiado sutil, de porrazo y tentetieso, encargado de darle el empuje necesario a una banda que en directo maneja bazas similares a las de los mitos del metal gótico para adolescentes. Me explico: la puesta en escena, sobria en cuanto al juego de luces, se lo juega todo a la carta de la descarga adrenalítica, una entrega algo impostada y que explica en buena medida el porqué de una formación con guitarra, bajo, batería y teclados. También el protagonismo vocal de la élfica Morgan Kibby, que se lleva muchos momentos a un terreno no tan alejado de unos Evanescence.

Y la tendencia cada vez más explícita de encontrar estribillos onomatopéyicos tan débiles como fácilmente coreables: “Steve McQueen” o “Year One, One UFO”. Y de esta forma, un proyecto que podría aspirar a representar lo que Jean Michel Jarre a los ochenta, termina convertido a la hora del directo en una suerte de Marilyn Manson para espíritus sensibles. Luís J. Menéndez

ZEBDA Sala Apolo (Barcelona) Fecha 6-3-12 Estilo mestizaje Promotor WAM 1111 Enorme concierto el de ayer en Apolo, uno de los que se recuerdan. Había expectación por ver si tras estos siete años de teórico descanso de la banda de Toulouse las cosas habían cambiado, pero, tal y como nos dijeron recientemente en la entrevista aparecida en MondoSonoro, parecía que Zebda solo hubiesen estado parados unos meses. Además, en el recuerdo, permanece aquel fantástico concierto que grabaron en 2003 en la misma sala Apolo (que editaron en CD y DVD bajo el título de “La Tawa”). Esta vez no se quedaron atrás. Su directo fue de diez.

Empezaron más tranquilos y, entre las diez primeras canciones, intercalaron media docena de cortes de su reciente “Second Tour”, un trabajo en el que reinciden en su estilo original, mezcla de pop, reggae, rap, rock, chanson y música de raíz argelina, patentado por ese trío de cantantes que coreografía cada tema y

los hace únicos. A partir de ahí, la intensidad fue subiendo hasta alcanzar cotas sorprendentes. “Le bruit et l’odeur”, “Toulouse” y “Tomber la chemise” marcaron la escalada sonora. Con este último pusieron a prueba la elasticidad del suelo del Apolo, con absolutamente todo el público saltando y cantándola como el himno en que se ha convertido. Primer final con “Presentation”, un tremendo groove de aires norteafricanos con los hermanos Mous y Hakim bajando a bailar entre la eufórica audiencia, que les llevó por los aires de lado a lado. Después bis de casi media hora con todo el mundo entregado. Acabaron con “L’Estaca” esa canción que tanto les gusta cantar, sobre todo en Barcelona, y acabaron con su “Motives”, una canción precursora del movimiento 15M. En total, una maratón que duró dos horas. Zebda han vuelto, pero para quedarse. Miguel Amorós

The Cherry Boppers

The Sweet Vandals Fotos Raúl Julián

CONCIERTOS /30/ Abril 2012 · MondoSonoro

Soul Train Festival Sala La Casa del Loco (Zaragoza) Fecha 5-3-12 Estilo soul y funk Promotor Buenritmo

Programar en Zaragoza un compacto pero atractivo festival en el que tenga cabida soul, funky o r&b es una apuesta segura, gracias al numeroso y siempre fiel cupo de aficionados al género residentes en la ciudad. No es de extrañar, por tanto, que la primera edición del Soul Train Fest disfrutase de una exitosa parada en la ciudad del Cierzo. El evento itinerante, que toma su nombre del mítico programa estadounidense nacido a primeros de los setenta, pretende acercar hasta cuatro localidades de nuestra geografía el inolvidable espíritu de sellos como Motown y Stax, tras aunar sobre las tablas los talentos de tres de las mejores bandas nacionales en su campo. Los incansables bilbaínos The Cherry Boppers lucieron su funk desafiante para inaugurar la velada incitando al desenfreno desde el mismísimo comienzo de la misma. Lo consiguieron presentando los temas incluidos en su tercer disco “Shakin’ The Hood” y mostrando una intachable actitud que funcionó a pesar de evidenciar ciertos tópicos, con una interesante versión del clásico “Crosstown Traffic” de Jimi Hendrix y puntual colaboración vocal de Mayka Edjo de The Sweet Vandals como curiosidades añadidas.

Precisamente los madrileños fueron los encargados de recoger

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el testigo dejado por su colegas, y no dudaron en virar hacia ese soul clásico y elegante incluido en su tercer trabajo “So Clear” (Unique, 11), concretado en la presencia de la mencionada Mayka. La exótica vocalista manejó al público a su antojo con unas dosis de descaro y carisma imprescindibles para triunfar sobre el escenario, justificando las buenas críticas cosechadas tras pasear su directo por media Europa.

The Pepper Pots era la banda más esperada de la noche tras agotar entradas sin dificultad en sus visitas previas y el reciente logro de grabar un EP compartido con el mismísimo Eli ‘Paperboy’ Reed. El numeroso combo catalán ha dado con una fórmula mágica que les está abriendo definitivamente todas las puertas, trabajando un estilo accesible y vistoso que mezcla los sonidos negroides con la tradición de los grupos de chicas de los sesenta. El bello trío femenino de vocalistas funciona como principal foco de atención, siempre respaldado por la eficiencia de los siete músicos que completan la formación titular. Cierre seductor de un proyecto un tanto extenso para el aficionado medio, donde los más fanáticos lograron transformar el local en pista de baile a desinhibido golpe de cadera. Raúl Julián

SMILE Sala Auditorio Conde Duque (Madrid) Fecha 27-2-12 Estilo rock surfero Promotor December Producciones

Asomaba John Frank por el tubo y, acompañado en su longboard por una banda acústica que clavó ejecución y coros, nos enviaba a las playas de La Jolla en cuanto tuvimos los ojos cerrados. A través de los conciertos de Smile, hemos podido pensar, a ratos, en Ben Harper, Jack Johnson y otros chicos de la arena fina. En esta ocasión, tiraron de principios más clásicos y la Cosmic Getxotarra Music puso a nuestro alcance a Gram Parsons y, cómo no, a Crosby Still & Nash. El rock de “Sunset Melancholy”, “Happy People” o “Island Paradise”, quedaba, de esta manera, recoleto. La noche y el lugar lo pedían. “Nº1”, de “All Road Lead To The Shore”, su segundo disco hasta la fecha, fue, por unos momentos, la canción más triste jamás escrita. No es empresa fácil amansar los timbres de tres vozarrones del Norte, pero Smile consiguen con facilidad, retrotraernos al sonido de la Costa Oeste. La mandolina de “Nothing More” y “Everytime” también ayuda a lograr la conjunción. Con tiempo para presentar un par de temas de la nueva grabación que empezarán en abril, Smile dejaron claro que, electrificados, funcionan muy bien. pero es en la distancia corta, cuando se convierten en eso que ninguno pudo ver allá por 1969.

Nacho Ballesteros

Smile Foto Mariano Regidor

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Vienen de: Providence (Estados Unidos) Publican: “Divine Providence” (Partisan/Houston Party, 12) En la onda de: The Replacements, J Roddy Walston And The Business, Drive By Truckers

C

Joan Colomo Foto Archivo

uando leas estas líneas la maquinaria rockera de John McCauley ya habrá dejado su impronta en medio país, demostrando de paso que una cosa son las grabaciones y otra muy diferente su plasmación en directo.

Sobre las tablas, el grupo de Providence se transforma en un animal peligroso imposible de domar. “No me lo paso bien viendo a la gente estarse quieta sobre un escenario

Joan Colomo Viene de: Sant Celoni (Barcelona) Publica: “Producto Interior bruto Vol. 1” (B-Core, 11) En la onda de: Albert Pla, El Petit de Cal Eril, Devendra Banhart “Últimamente hago canciones sin más, independientemente de cual vaya a ser su finalidad. Luego se adaptan a cualquier proyecto dependiendo del envoltorio que le quieras poner. Lo que determina el proyecto en el que van a acabar es el momento de su composición”. Y es que hablar con Joan Colomo es hacerlo con un hombre permanentemente ocupado en sus múltiples iniciativas. Una creatividad que, aunque tendiente a la esquizofrenia, en este disco se aposenta en pro de un sonido mucho más compacto e identificativo de su personalidad. “Pues no me concentro en ser reconocible.

Supongo que lo que me hace reconocible es el timbre insoportable de voz que tengo. El sonido compacto supongo que es merito de Iban y Jordi del estudio Nautilus, que grabaron el disco, y de la banda que me acompaña, que hace que todo sea mas homogéneo”. Y pese a que él se lo toma muy alegremente, no habría que obviar que uno de los aspectos que hacen más relevante y personal su propuesta recae precisamente en sus letras: frescas, inmediatas y originales a la vez. “Yo hago melodías y acompañamientos. Las letras son el último paso y normalmente se convierte en el momento más desagradable de todo el proceso creativo. Escribir es un infierno para mi, de hecho, estoy pensando seriamente en hacer música instrumental”. Quien le conozca sabrá leer la ironía en sus palabras. Mientras esperamos ese improbable paso, disfrutemos con sus últimos ingenios. ■ Francesc Feliu

mientras reproducen íntegramente un disco. Para eso prefiero quedarme en casa y escuchar el álbum desde la comodidad de mi sofá. El público tiene un pulso concreto y su propia energía. La conexión humana nos permite jugar con ello y, por lo tanto, ofrecer algo más que un show sin alma. Cuando toco, disfruto si la gente que está ahí también se lo está pasando bien”. Y lo cierto es que de los cuatro largos editados bajo el nombre de Deer Tick, el último es el más directo, desenfadado y cafre. El que más cerca estaría de sus adorados The Replacements. “No intentamos sonar a nada que no sea una versión honesta de nosotros mismos. A veces el rollo del estudio

puede succionar parte de tu identidad y terminar sonando un poco más estéril o incluso que parezca más de lo mismo. Queríamos desdibujar un tiempo real en nuestra vida, sin adornos ni decoraciones superfluas”. De lo que no hay duda es de que, si en sus inicios Deer Tick era casi un proyecto unipersonal de su líder John McCauley, ahora con la incorporación de músicos como nuestro interlocutor Ian O’Neil (Titus Adronicus) es una banda de rock de pleno derecho. “John grabó ‘War Elephant’ casi todo en solitario, pero tenía la intención de convertir Deer Tick en una banda y el camino le llevó hasta aquí. No es ni peor ni mejor, es solo un juego”. ■ Don Disturbios

Harry Up! Foto Archivo

Deer Tick

“Peladillas es el nombre que le he dado a mis propias canciones por su corta duración. Así fue como empecé con este formato lo-fi. Canciones grabadas en casa, contando con los medios de que disponía, sin preocupaciones. Una de mis principales intenciones es dejar al oyente con esa sensación de querer escuchar más”. Puede. Aunque está claro que otra de las cosas que busca el músico murciano es dotar de un sentido discursivo al conjunto global de todas las piezas del disco. “Ahora grabo con ideas más concisas, teniendo en mente lo que quiero. No descarto la improvisación, es algo que me encanta, y creo que gracias a ella a veces salen cosas muy naturales y frescas con las que me identifico. Los temas normalmente se van creando dependiendo del estado de ánimo en el que me encuentre. Según el día de grabación podrán tomar una forma u otra. Nunca se muy bien como va a terminar todo”. Algo que quizá también pueda aplicarse a los directos. “Para tocar el disco exactamente como lo he grabado necesitaría más músicos y por ahora no pienso en eso. Ahí está el elemento sorpresa.

Cada lugar, escenario de creación o de acción crea una atmósfera distinta. De ese modo me reflejo también a mi mismo. Puedo ser extremadamente tranquilo o muy loco, depende del estado de ánimo y como me lo plantee”.

■ Francesc Feliu

Cherry Viene de: Murcia Publica: “Jaulas con vistas” (Foehn, 11) En la onda de: Tortoise, Harmonia, Füxa

Deer Tick Foto Archivo

/34/ Abril 2012 · MondoSonoro

Harry Up! Viene de: Granada Publica: “Synergia” (Astro, 11) En la onda de: Cycle, Primal Scream, Bis

Cherry Foto Archivo

escaparate

¿Pop, rock y electrónica en dosis similares y que te lleva a no parar de moverte? Esto es “Synergia”, el primer trabajo discográfico de Juanfra Godoy o, mejor dicho, de su alter ego musical Harry Up! “Lo bauticé así ya que es un disco hecho por una sola persona, pero que nunca habría sido posible sin la ayuda de todos los que han participado en su desarrollo a lo largo del tiempo”. Un proyecto ya altamente madurado y que tuvo sus inicios en unos aquelarres noventeros en los que las sesiones de Dj’s y la música en directo se mezclaban bajo el nombre de Sexadelic. Si a eso le sumamos el guión aprendido en Art School, simplemente obtenemos diversión y canciones que obligan a bailar desde el minuto cero. “Todo aquello me hizo soñar con una ‘receta’ para componer canciones de pop/rock clásico que la gente pudiese bailar como en un concierto de funk o en una discoteca. Música de siempre, pero con un aire ‘renovado’ y que contuviese los matices y la fuerza de los estilos que me inspiran”. Ahora, acompañado por Carlos Nieva, Nuria Fernández, Koke González y algunas secuencias se dispone a recorrer España.

“Voy a interpretar ‘Synergia’ en tres formatos diferentes: en formato tradicional, en formato acústico y en formato live-set, un híbrido sin amplificadores, pero con formación completa. Estoy seguro de que la identidad de las canciones será diferente dependiendo del formato, aunque no lo veo como una dificultad, sino más bien como algo natural e interesante a muchos niveles”. ■ Rojas Arquelladas

escaparate

Varry Brava Foto Archivo

MondoSonoro · Abril 2012 /35/

Varry Brava Vienen de: Murcia Publican: “Demasié” (Darlalata, 2012) En la onda de: Golpes Bajos, La Mode, Ellos

La Familia del Árbol Vienen de: Elche Publican: “La montaña y el río” (Mushroom Pillow, 11) En la onda de: Bon Iver, Grizzly Bear, Nick Drake

“

Cuanto más mayor me hago, más valor le doy a la música espiritual. Una música que vaya más lejos del bombo a negras, que te produzca una sensación real o, en mi caso, una forma de sentir”.

La evolución del folk es uno de los misterios más apasionantes de la música popular. Aunque tradicionalmente se distingue por tratar sobre temas realistas y políticos, a menudo combativos, actualmente es refugio de autores intimistas con mundos propios y que encuentran en el folk la libertad creativa que no encuentran en los clichés rockeros. Nacho Casado, la mitad de La Familia del Árbol que no es Pilar, es uno de ellos. “Pasaba muchas horas en casa con la guitarra sumergiéndome en cosas y sentimientos que necesitaba sacar. Con el tiempo la necesidad se volvió obsesión y tuve que empezar a grabar esas ideas para saber qué forma tenían. Y después de tener el apoyo sincero de Pilar entendí que debía seguir ese camino”. Ese camino transita, a su modo, paisajes por los

que también han viajado Donovan o Nick Drake y en los que actualmente acampa gente como Fleet Foxes o Iron & Wine. Pero, como en todos los viajes, los mejores momentos surgen por casualidad. “No he hablado de estilos, aunque quizás sí. De los vinilos que escucho todo el tiempo la mayoría son de folk y pop de los sesenta y sesenta, aunque nunca pensé en hacer un estilo concreto sino más bien un canal con las herramientas que tenía a mi alcance”. El resultado se observa en “La montaña y el río”, un mini-álbum de seis canciones llenas de cuidados detalles instrumentales y armonías complejas que no ocultan la honradez que se le supone a un estilo que nació a partir de una única guitarra. “La evolución lógica de un proyecto así es que al poco tienes que poner los pies en el suelo y volver a defender tus canciones como surgieron. Ahora lo especial es que no intentamos recrear nada del disco sino hacer directos emocionantes. Quizás ahora arriesgamos más y tenemos que poner todo en cada concierto. Es muy difícil, pero las reacciones a este comienzo de gira están siendo increíbles”. La Familia del Árbol estarán girando por todo el territorio presentando su último trabajo y puede ser una buena oportunidad de visitar mundos que no existen en la realidad. ■ Israel Sánchez

Atleta Vienen de: Barcelona Publica: “Verdad” (Aloud, 12) En la onda de: Neu!, John Carpenter, Goblin “Se ha buscado ir más al grano en cuanto a la composición, por lo que, aunque hay diferencias estilísticas entre las piezas, todos los temas son a nivel de estructura más concretos, más estándar”. Otro gran trabajo del dueto catalán alimentado a base de muchas influencias distintas dentro de un concepto musical compacto. “Atleta es como un laboratorio, un banco de pruebas. Siempre hemos apostado por la libertad creativa total, nunca nos hemos cerrado a un solo estilo o corriente. Es cierto que a algunas personas les puede chocar, pero para nosotros esa es una de las claves de la originalidad”. Una originalidad moldeada paso a paso desde ese primer día en que estos dos ex 12Twelve se encontraron en el local de ensayo. “El grupo ha ido cogiendo entidad propia hasta el punto que se ha convertido en la plataforma desde donde exteriorizamos este sentimiento que llevamos tantos años dentro. Un colectivo de dos, pero al que todo el mundo se puede adherir. El mismo hecho de ser sólo dos ha convertido en un reto muchas cosas”. Por todo ello, este debería ser momento para empezar a trascender.

“Aquí si no tocas en los grandes festivales, nada. Tenemos en proyecto una gira por Alemania, estamos distribuyendo en Inglaterra y Francia, y tenemos comunicación constante con amigos del mundo del arte del otro lado del charco con los que tenemos previstas colaboraciones muy interesantes dentro de poco”. ■ Francesc Feliu

La Familia del Árbol Foto Luis Diez Diez

Sonny Smith nos visitó recientemente para presentar las canciones “100 Records Volume 3”. El nuevo trabajo del californiano es la tercera entrega de su proyecto conocido como “100 Records”, una iniciativa loquísima en la que Smith da rienda suelta a su amor por el garage, el pop y el rock and roll de los primeros sesenta. “Escribí un libro con músicos como personajes.

Luego el libro dio lugar a pequeñas viñetas de personajes musicales. Hice más y más bandas inventadas. Escribí canciones para esos personajes inventados y cogí a otros artistas para hacer discos inventados para ellos”, comenta el de San Francisco sobre “100 Records”. Y es que si por algo se caracteriza el norteamericano, además de su desbordante talento e imaginación, es por su facilidad pasmosa a la hora de escribir muchas canciones, y todas ellas muy buenas. “Solo trato de intentarlo y trabajar en ello todos los días”, contesta con modestia al ser preguntado por esa habilidad. Smith es una especie de Buddy Holly moderno, y le pregunto por sus artistas favoritos. Lo tiene claro. “Mis dos canciones favoritas son ‘Tears Of A Clown’ y ‘Tracks Of My Tears” de Smokey Robinson And The Miracles”. Thee Oh Sees, Bare Wires, Kelley Stoltz... San Francisco es, hoy por hoy, uno de los shangri-las del pop atemporal ajeno a modas. Una hervidero de músicos que hacen piña y se lo pasan en grande. “Sí, nos conocemos unos a otros, muchos músicos se alternan en diversos grupos, es como un patio de colegio supongo. Colaboran en los discos de los demás, se tiran a las mujeres de estos, se quitan los trabajos entre ellos. Un puñado de salvajes. Es un caos”. ■ Xavi Sánchez Pons

Sonny Smith Viene de: San Francisco (USA) Publica: “100 Records Volume 3” (Glitter End/Buenritmo, 12) En la onda de: Buddy Holly, Kelley Stoltz, Jonathan Richman

Sonny Smith Foto Archivo

Atleta Foto Archivo

Tras la irrupción de Varry Brava en 2009 con “Idolo”, su primera maqueta, estos cinco oriolanos, residentes en Murcia, no han parado de sonar ni de tocar en vivo por toda España. Y no parecen dispuestos a dejar de hacerlo. Mucho menos con “Demasié”, su esperado álbum de debut, recién salido del horno. Un trabajo que les ha llevado su tiempo, como afirma su frontman Óscar Ferrer, pero del que se sienten profundamente orgullosos. “Grabar ‘Demasié’ nos llevó más tiempo del que esperábamos. Queríamos encontrar un sonido personal y, en alguna ocasión, tuvimos que tirar a la basura el trabajo de varias semanas.

Desde el principio hemos currado muy duro, pero la verdad, de lo que más me acuerdo es de las fiestas, las risas y el cachondeo”. Un ambiente festivo que se aprecia en cada uno de los once cortes, incluso en cada estrofa, y que está especialmente presente en “Calor”, primer single y videoclip. Aunque dicen que “Templo” les define más. Suena a La Mode, a Duran Duran o incluso a Pet Shop Boys. Pop, electrónica, música disco…

Conceptos íntimamente ligados al universo Varry Brava. Tanto como Movida madrileña, new romantics e italo disco. Todo lo que tenga que ver con baile, diversión, descaro o buen humor. Algo que consiguen contagiar al público en cada uno de sus directos.

“Nuestro principal objetivo es divertirnos. Gracias a eso, la gente se divierte también. Hemos conseguido que el público sepa que, cuando viene a vernos, va a pegarse la fiesta y a bailar”. ■ Víctor Martínez

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Cosmen Adelaida Foto Archivo

reinta y ocho minutos realmente intensos. Eso es el debut de Dulce Pájara de Juventud, banda catalana liderada por Bruno de Fuckin’ Bollocks y Ricard, su amigo de la infancia. “Nos conocemos desde pequeños y volvimos a coincidir en el instituto”, explica este

Cosmen Adelaida Vienen de: Madrid Publican: “7 Picos” (El Genio Equivocado, 12) En la onda de: Yo La Tengo, Ingenieros Alemanes, Grushenka Madrid sigue siendo un foco de nuevas promesas. El turno ahora es para los inconformistas Cosmen Adelaida, uno de los últimos nombres que han ingresado en la familia de El Genio Equivocado. El quinteto, tras dos maquetas y quedarse a las puertas del Proyecto Demo 2011, acaba de editar siete nuevas piezas bajo el sol de “7 Picos” homenajeando la mítica montaña rusa del Parque de Atracciones de Madrid que echó el cerrojo en 2005, justo tres años antes de que el cantante y guitarrista Javier Egea respondiera a un anuncio internauta en el que se requería a músicos para formalizar una banda. “Con Nacho siempre habíamos hablado en la facultad de montar algo juntos, pero nunca salía. Antes de Cosmen Adelaida teníamos algunos grupillos más amateur para pasar el rato”, comenta el propio Egea, quien destaca como cordón umbilical de su nuevo retoño los diversos fetiches musicales que cada uno de sus miembros traían en la mochila. “En mi caso venía del punk y el grunge, Marcos de un grupo de góspel y jazz, Nacho tiraba más por el pop indie nacional y a Elisa siempre le han gustado las cosas más lo-fi. La divergencia de gustos nos ha aportado muchos puntos de vista en el proceso de composición”.

Tanto es así que una de sus particularidades radica en que todos y cada uno ellos se animan a canturrear ante el micrófono. “Tenemos la falsa intuición de que si para alguien es importante lo que se expresa, nadie mejor que él podrá cantarlo. No todos cantamos igual de bien, pero desde el principio lo hemos hecho así y nos resulta muy interesante”. ■ Sergio del Amo

los límites entre temas y emerja algo que sólo puede ser descrito mediante la experiencia, un golpe de luz pura. “Sí, nuestros ensayos son más o menos igual. De hecho, me provocó un trauma acústico y tuve que ensayar durante meses con tapones en los oídos”. Tal es la contundencia de estas canciones que en B-Core no pudieron resistirse a publicarlas, a pesar de que cuando el grupo entró en el estudio la intención era grabar una maqueta con Santi García. “No queríamos seguir la corriente predominante ahora mismo en la escena, que va hacia una electrónica de paper maché”, sentencia Ricard. “Buscábamos atacar la estructura y manejar la intensidad”.

■ Joan Cabot

Luis Brea Foto Archivo

Vienen de: Barcelona Presenta: “Dulce pájara de juventud” (B-Core, 12) En la onda de: The Flaming Lips, Mercury Rev, Broken Social Scene

último. “Xavi es el mayor del grupo. Lo conocía porque había tocado con mi hermano en un grupo”.

Completa la banda Sarai, pero podrían ser cientos a juzgar por el tremendo chorro de electricidad que desprende un álbum que se inspira a partes iguales en la grandilocuencia de las sinfonías wagnerianas y la explosión psicodélica de The Flaming Lips. “Concebimos el disco como una sesión, inspirándonos en la música clásica y las bandas sonoras. Para nosotros es como una sinfonía, con un hilo conductor que al final acaba explotando”. De ahí que la estructura de muchas canciones no responda a los patrones clásicos, “muchas ni siquiera tienen estrofa”, y hasta en cierto punto desaparezcan

“En cierto sentido, este disco resume muy bien lo que han sido mis anteriores trabajos. Supone un nuevo comienzo”, explica Miquel Vicensastre. Marcel Cranc nació como un álter ego, un intento de encontrar un atajo hacia la comunión pop de este músico de formación clásica con obras estrenadas en el Reina Sofía. Pero en “Imagina” (Primeros Pasitos, 10) Marcel Cranc ya eran un grupo gracias a la de cada vez más importante aportación del guitarrista Jaume Tugores y del productor/ arreglista Josep Maria Umbría. Cuando el año pasado firmó con Music Bus se abría otra etapa en su carrera. Tenía que ser un EP, pero al final se decidió alargarlo hasta las diez canciones. En esta ocasión, la inspiración han sido las películas y bandas sonoras de ciencia ficción. “He usado instrumentos que nunca hubiera imaginado en un disco de Marcel Cranc”, comenta Vicensastre, “como ciertos teclados y sintetizadores vintage.

Pero el sonido es más orgánico que nunca”. Y tiene sentido que un autor tan preocupado por la carnalidad dote a su música de una piel humana, alejándose del pop electrónico de su primer largo (con éste van cuatro). “El lenguaje usado vuelve a ser el de una historia amorosa, pero también quería reflejar el momento social por el que estamos pasando. Hemos vivido dentro de una pecera durante mucho tiempo y muchas de las seguridades que dábamos por hechas han saltado por los aires”. ■ Joan Cabot

Luis Brea Viene de: Madrid Publica: “Hipotenusa” (Marxophone, 12) En la onda: La Estrella de David, Klaus & Kinski, Julio Iglesias

Marcel Cranc Foto Archivo

Dulce Pájara de Juventud

Marcel Cranc Vienen de: Mallorca Presentan: “U” (Music Bus, 12) En la onda de: Dominique A, Ray Lamontagne, Oscar Briz

Dulce Pájara de Juventud Foto Cristina Santa Quiteria

ESCaparate /36/ Abril 2012 · MondoSonoro

Conocido como ‘el Julio Iglesias del indie’ (si no lo han hecho, escuchen “Dicen por ahí” y entenderán por qué), dejemos que sea el propio Luis Brea quien haga las presentaciones. “Tengo treinta y ocho años, hace cinco dejé mi trabajo para empezar de nuevo porque no me salía de los cojones seguir en una oficina. No me gusta esto, no quiero pasar por el aro y voy a hacer lo posible por no llevar la vida que se supone tengo que llevar. Dicen que lo más importante que podemos tener es la belleza, pero yo creo que es la voluntad”. Del dicho al hecho: primero un EP, convertido en pequeño fenómeno a escala madrileña, y ahora este debut en largo en el mismo sello de Nacho Vegas, Refree o Fernando Alfaro. “Llevo mucho tiempo tocando en grupos, como Los Sitios o Los Hijos de Han Solo, y nunca había sentido esa velocidad, que las cosas surgiesen tan deprisa. El disco es la prolongación de la filosofía con que se hizo ‘De lo dicho nada’. Un espíritu muy lúdico, disfrutar del momento, hacerlo con cariño, sin que la grabación sea un suplicio”. Ocho canciones (más el bonus-track del que hablábamos arriba) que apuntalan lo que se ha dado en llamar costumbrismo post-indie, temas de filiación nocturna que esconden miles de copas y más de una resaca, saltando de la rumba al slowcore y de aquí a la canción ligera. “Mi intención no es hacer un juicio de valor, ni hacer demasiadas preguntas, sino que las canciones sean meramente descriptivas, historias que a mí me han pasado o he visto”. ■ Enrique Peñas

Colaboran:

ARGENTINA, PAĂ?S INVITADO

Patrocina:

Organiza:

VINILOS BOY & BEAR “Moonfire”

V2/Music As Usual

POP

1114

Reconozco que, antes de convencerme con su validez, me ha costado un considerable número de escuchas tomarle el pulso definitivo al debut en formato largo de esta banda australiana. Puede que en tal indecisión influyese la presencia de dos canciones poco creíbles y empalagosas como “Lord May” y “Beach”, situadas con poco tino al inicio y hacia al final del elepé y empeñadas en complicar la reválida. No obstante algo sugería que debía insistir, y lo cierto es que las virtudes latentes durante la mayor parte de este “Moonfire” han terminado por persuadirme tras imponerse con amplitud a las imperfecciones. El quinteto capitaneado por el vocalista Dave Hosking tiene en el folk una excusa desde la que partir hasta definir diversas formas coloreadas y animosas, con una apreciable progresión en cuanto a variedad estilística y capacidad compositiva se refiere.

Esa es la característica más meritoria de los de Sidney, que resulta palpable en la serie que incluye la sucesiva escucha de composiciones incuestionables como “Feeding Line”, “Milk & Sticks”, “My Only One”, “Golden Jubilee” o “The Village”. Raúl Julián

CRYBABY

“Crybaby” Helium/Music As Usual

POP

1111

El misterioso cuarteto Crybaby se desenvuelve con soltura entre coordenadas similares a las manejadas por Morrissey, Richard Hawley, Roy Orbison o Ed Harcourt, presumiendo del siempre distinguido aire que acompaña a los crooners de aire clásico y corte tradicional.

No en vano, el activo más evidente de los británicos recae sobre la fortaleza y extraordinaria capacidad vocal de su líder y artífice Danny Coughlan, con la que éste dota de hipnótica elegancia a cada uno de los diez cortes incluidos en el presente debut homónimo. Sin embargo, el don resultaría insuficiente si la calidad de las canciones no sustentase la intensidad de la propuesta. Así, el dramatismo estilístico resulta artísticamente moldeado hasta formar parte indispensable del espectáculo en composiciones como “I Cherish The Heartbreak More Then The Love That I Lost”, “We’re Supposed To Be In Love”, “Twist Of The Knife” o “When The Lights Go Out”. “Crybaby” es un disco ciertamente hermoso y equilibrado, que deja además una de las sorpresas más agradables de la temporada. Raúl Julián

MEMORYHOUSE

“The Slideshow Effect” Sub Pop/Popstock!

POP

114

Muy pocos discos se adaptan a cualquier hora del día o la noche para ser escuchados.

El que firma este dúo canadiense habría que ponerlo pasada la hora del té, y no sin esfuerzo podría alcanzar ese primer momento afterwork, y sólo un lunes o martes.

La propuesta de Memoryhouse es, a priori,

/39/ Abril 2012 · MondoSonoro

atractiva: voz femenina reforzada por sonidos suaves y ensoñadores que tontean con el alt-country, el pop experimental y la cara más amable del rock. Mientras ella canta, él pasa de las guitarras al piano, o al vibráfono, dejando resquicios para sutiles arreglos a base de lapsteel o violines. El virtuosismo de Evan revela su educación como músico de conservatorio. Sin embargo, la voz de Denise tira por la borda cualquier intento por alcanzar singularidad, empaque, distinción, horas y días más relevantes de escucha. No es un mal disco, pero ¿quién toma el té a las cinco en este país? Y es que “Heirloom”, a mitad de disco, concluye con unas guitarras que se tensan en busca del sonido My Bloody Valentine, aunque apenas alcanzan a Interpol; “Bonfire” busca con red de protección lo que She & Him o Angus & Julia Stone son capaces de alcanzar a pelo. Luis Argeo

james mercer vuelve con fuerzas renovadas

NATXO TARRES & THE WIRELESS “Marley 30 anys. Live In Auditori” Música Global

POP

11

Para conmemorar los treinta años de la muerte de quién más extendió el reggae por el planeta, con todo lo que ello comporta, L’Auditori de Barcelona montó un espectáculo de la mano de Natxo Tarrés (Gossos en descanso) y una auténtica banda de lujo, formada por componentes de otros grupos catalanes como Macaco. Es precisamente lo que sonó en ese particular homenaje a una de las figuras más relevantes de la historia de la música popular del siglo XX lo que aparece ahora recogido en formado compacto. Pero que nadie se lleve a engaño. Ni este es un disco de reggae, ni de hecho creo que sus autores lo pretendiesen. La selección de músicos lo hubiese permitido, pero subrayemos que quién busque reggae se llevará una gran decepción. Lo que sí encontrará es un pop demasiado aséptico para encajar, un sonido muy particular que se basa en el sempiterno y cansino recopilatorio “Legend”. Tampoco ayuda demasiado la adaptación al catalán de “War” y “Redemption Song”. Musical y técnicamente impecable, pero lejos de lo que nos hubiese gustado escuchar. Ivan Ferrer

The Shins Foto Archivo

THE SHINS

“Port Of Morrow” Aural Apothecary/Sony BMG

POP

COMMON

“The Dreamer/The Believer” Warner

RAP

1111

Cinco años después de un parón que parecía que iba a durar para siempre, James Mercer desempolva el nombre de The Shins y ha dado forma a “Port Of Morrow”, un disco en el que se rodea de una nueva formación y que, en cierta medida, renueva el sonido del grupo. Me explico. El pop de aire psicodélico y poso agridulce que les hizo grandes sigue ahí, pero ahora son los pequeños detalles los que marcan la diferencia respecto a los álbumes anteriores. Algunos ejemplos serían el luminoso soul blanco de “40 Mark Strasse”, el riff de guitarra

power-pop casi a lo Cheap Trick de “Simple Song”, el poso nuevaolero de la extraordinaria “Fall Of ‘82” (muy Elvis Costello), el chicle pop de altos vuelos de “No Way Down”, o esos dos conmovedores y hermosos medio tiempos que son “For A Fool” y “It’s Only Life” (esta última quizás la mejor canción del disco), dos canciones que de la mano de 10cc hubieran roto corazones –femeninos- a finales de los setenta. Otro factor que juega a favor de este excelente retorno es comprobar que Mercer ha abierto un poco la puerta de ese mundo hermético en el que parece vivir. Frente a los jeroglíficos en forma de canción que poblaban el notable “Wincing The Night Away”, los textos de “Port Of Morrow” son más accesibles, y permiten cierta empatía más allá de las brillantes melodías. Xavi Sánchez Pons

1114

La participación de la reverenciada escritora afroamericana Maya Angelou recitando un poema inédito en el primer corte del noveno trabajo del artista de Chicago da una idea, no sólo de qué tipo de álbum ha querido plantear Lonnie Rashid Lynn Jr. en esta ocasión –más profundo y espiritual que el anterior “Universal Mind Control” (08)-, sino también de cuál es el lugar que ocupa en la cultura negra hoy día el rapero, al que cualquier madre querría como yerno. De nuevo trabajando con No I.D., que produjo sus primeros álbumes, “The Dreamer/The Believer” en realidad supone un retorno al sonido cálido y cercano de “Be” (05), cuyo productor principal fue Kanye West. De hecho, el mejor Common emerge precisamente en esos cortes que intentan inspirar amor por la vida y espíritu de superación antes que saldar cuentas y zanjar revanchas, canciones como “Lovin’ I Lost”, “Celebrate”, “The Believer” o “Cloth”.

En cambio, en “Sweet” sobreactúa descaradamente intentando meterse en un papel de duro que le queda forzado y la inclusión de “Ghetto Dreams” sólo parece justificada por la colaboración de Nas. Joan Cabot

en la onda

Toto

Beulah

Richard Swift

11114

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“Toto IV” (1982) “Port Of Morrow” está bañado por las aguas del AOR con pedigrí más reivindicable. Quizás sea la marca de fábrica de Greg Kurstin a los mandos, pero no es difícil rastrear en las canciones del nuevo disco de The Shins guiños a clásicos como “Rosanna”, “Africa” o “I Won’t Hold You Back”.

“The Coast Is Never Clear” (2001) Son muchos los puntos de unión entre los ya desaparecidos Beulah y The Shins, sobre todo en lo que hace referencia a sus respectivos líderes, Miles Kurosky y James Mercer. Los dos adoran el pop luminoso de aires psicodélicos, pero poseen mentes neuróticas y torturadas. Almas gemelas.

“The Richard Swift Collect. V. 1” (2005) Se le conoce más por la faceta de productor y como músico de apoyo (The Shins, Wilco), que por la notable carrera en solitario que atesora. Este CD recupera dos de sus primeros trabajos “The Novelist” / “Walking Without Effort”. A redescubrir.

X.S.P.

vinilos /40/ Abril 2012 · MondoSonoro

el sonido de los ochenta según kindness LAURA GIBSON “La Grande” City Slang

FOLK

Kindness Foto Archivo

KINDNESS

“World, You Need A Change Of Mind” Coop/Music As Usual

POP

1111

Adam Bainbridge es un tipo especial. Tiene duende, tiene talento, tiene imagen y tiene una personalidad tan enigmática como su propia música. Porque es escuchar “World, You Need A Change Of Mind” y darle la razón en esto del título. Pillemos a todos aquellos listos que continúan desmereciendo lo que fueron los ochenta, de los que seguramente no entendieron de la misa la mitad. Déjales señor, porque no saben de lo que hablan. Bainbridge, en cambio, sí sabe la magia que se escondía en aquellos sonidos, en aquellas producciones de riqueza inabarcable. Por eso, aunque Philippe Zdar produzca el disco, Bainbridge ha caí-

PASCAL COMELADE & COBLA SANT JORDI

DR. JOHN

“Locked Down”

“S/T”

Nonesuch/Warner

ROCK

do aquí por casualidad, como si de popular recién nacido enviado desde Krypton se tratase. Su espíritu, su música, sus arreglos beben de unos ciertos ochenta. Por eso convierte “Swingin Party” de The Replacements en un pieza que encajaría a la perfección en la discografía de Arthur Russell –sin duda el mejor referente que podamos usar-.

Por eso se atreve a reivindicar un tema tan ñoño como “Anyone Can Fall In Love” e interpretarlo con respeto y adoración. Y eso no es todo. Bainbridge no dudará en añadir solos de guitarra que podrían haberse grabado en 1987 (“Gee Wiz”), en doblar y triplicar voces con inusual acierto (“Gee Up”), en firmar esa orgía de ritmo y funk ochentas “That’s Alright” que haría las delicias de Nile Edwards, Bobby Brown, Prince, Bell Biv DeVoe y de una legión de breakdancers desbocados o en soltarse con un bajo entre Chic y Level 42 en “Doigsong”. Joan S. Luna

Atención a los más jóvenes porque este disco merece mucho la pena. Y lo hace porque aúna la parca y desaliñada producción de Dan Auerbach (Black Keys) con la desgarrada voz del Doctor. Por eso y porque traspira esa esencia de la música hecha desde las tripas, sin coartadas intelectuales y siendo además fiel al espíritu de Nueva Orleans. Porque esa ciudad ha sido parte esencial en la vertebración de la música popular estadounidense. Las canciones que aquí encontrarás podrían haber sido escritas hace cuarenta años, pero contrariamente a lo que uno pudiera imaginar no suenan pasadas de moda. Al contrario. Solo hay que dejarse llevar por la cadencia de “Revolution” que tanto recuerda a “I Put A Spell On You”, por el blues marca de la casa de “Big Shot “ la sinuosidad funky negroide de “Eleggua”, el mojo del piano en “My Children, My Angels” o volverse loco con el solo de guitarra cortesía de Dan en ese trallazo genuinamente rock que es “Getaway” y te darás cuenta de que esto no es una recuperación de un legado, ni tan solo una vindicación.

Don Disturbios

CANCIÓN

”A Flash Flood Of Colour” Ambush Reality/Pias

Discmedi

1111

ENTER SHIKARI

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Seguir la pista a la discografía de Pascal Comelade, capaz de editar hasta cuatro referencias por año, roza lo imposible. Por ello se agradece la aparición de un disco como el presente, en el cual, para resumir sus últimos veinte años de carrera, reinterpreta de modo magistral algunas de sus mejores composiciones instrumentales. Junto a sus compañeros de viaje habituales, y a la aportación excepcional de la Cobla Sant Jordi –con quienes siempre ha mantenido una relación especial– Comelade consigue aunar definitivamente su universo abstracto y a menudo surreal con la sonoridad de la música tradicional catalana. Instrumentos como la tenora, el tible o el fiscorn, que siempre han estado estrechamente ligados al mundo de la sardana, son descontextualizados y puestos en libertad en canciones como “The Skatalan Logicofobism”, “El bolero del Raval” o “Patafisiskal Polska”, para elevar el peculiar sonido de la Catalunya Nord hasta una de sus más bellas encarnaciones. A todo ello, añadir que el artwork contiene varios dibujos de Max y unos versos de Enric Casasses, dos artistas cercanos a su universo. R. Mas

ROCK

111

Puede que los chicos de Enter Shikari no tengan ya aquel factor sorpresa que tanto les benefició en “Take To The Skies” (2007), pero en su tercer largo de estudio se las han arreglado para, bajando un poco el pistón del notable “Common Dreads” (2009), continuar haciendo un cruce entre rock, hardcore y ravismo que les convierte en un grupo anti-aburrimiento. Grabado entre Tailandia y Londres, estamos ante un disco que parece relajar la rabia pre-indignación mundial que casi proféticamente inundaba a su predecesor para abandonarse a una mayor abstracción en la que la inspiración no toca nunca techo pero tampoco desciende a niveles de suspenso (excepto en ese empeño medio-tempista de “Stalemate”), manteniendo el nivel especialmente en aquellos temas más inconformistas musicalmente hablando.

“Hello Tyrannosaurus, Meet Tyrannicide”, “Sssnakepit” o “Arguing With Thermometers” constituyen las mejores esperanzas para que Enter Shikari sigan siendo dignos en lo que hacen. Eso sí, la banda sigue buscando su sitio, cada vez más cerca del rock. Ignacio Pato L.

1111

Envuelta en una manta, con el calor en su escuálido cuerpo que desprende la lumbre que hay sobre el suelo y ubicada en ese lugar llamado La Grande que evoca al desierto, con una sensación parecida a la de estar en medio de la nada y sentirse libre y en paz contigo mismo. Justo así es como parece que se ha sentido Laura Gibson grabando su tercer disco: sin ataduras, sin prejuicios, haciendo las canciones que le apetecía. Con un timbre como el suyo que es angelical, muy fino, hipnótico a ratos, y con la simple etiqueta de artista folk que se le empieza a quedar cada vez más pequeña, porque ella es mucho más que eso. Pasito a pasito, sin hacer mucho ruido, va entregando canciones y discos que son tesoros que vas descubriendo poco a poco y que siempre te dejan ese poso de melancolía. Se agradece que el disco no sea muy largo, una decena de canciones para treinta y cinco minutos que dan mucho de si, puesto que la propuesta es densa, muy profunda, una obra perfecta para disfrutar mientras viajas en tren y observas el paisaje.

De “La Grande” a “Feather Lungs” -preciosos los arreglos en esta canción- no hay un solo segundo de desperdicio, una obra redonda.

Laura Gibson lo ha vuelto a hacer. Toni Castarnado

JOE TRAVELLER

“Joe Traveller Sings” Autoeditado

ROCK

1114

A Joe Traveller le conocemos sobre todo por ser protagonista en The Midnight Travellers, pero también por servir con su destreza guitarrera a buena parte de la escena rockera barcelonesa: Suzy & Los Quattro, Freewheelin’ Tornados, Maika Makovski, etcétera.

Dando un giro estilístico radical respecto a lo que nos tenía acostumbrados, Joe sorprende ahora con “Joe Traveller Sings”, su debut en solitario. Aparcados quedan -suponemos que por el momento- el hard rock de los primeros The Midnight Travellers y el aire más grunge hacia el que evolucionó después el grupo, así como otros registros que adoptó en sus colaboraciones. Estas diez canciones, además de verle dar un paso adelante al atreverse con todas las voces, nos acercan a un Joe Traveller reflexivo, intimista y sensible. De esta forma, tocando él mismo todos los instrumentos y con la única ayuda del co-productor Àlex Vivero (ex Sol Lagarto), le redescubrimos en forma de baladas, delicadas melodías pop y algún toque psicodélico en temas como “White Girl”. Así pues, junto a su talento, demostrada queda también aquí su versatilidad. Xavier Llop

ROSA-LUXEMBURG “Classe mitjana” Zeppo Records

POP

1114

Vaya por delante lo admirable que resulta que, tras una trayectoria de siete años y cuatro discos, los integrantes de RosaLuxemburg se lancen a cambiar su registro y afronten la siempre difícil aventura de componer un disco conceptual (una novela musi-

cal, según sus propias palabras). El resultado final es una obra compleja y arriesgada, muy cercana en concepto a la ópera-rock de los setenta o a los últimos experimentos de sus contemporáneos Standstill. La historia comienza en la portada, realizada por Quico Palomar, fundador de La Fura dels Baus, ya que en ella se adivinan los personajes de la historia: un inspector de policía, su mejor amigo (¿se ha suicidado?), un grupo de gente que simboliza la clase media, y la ciudad.

Abriendo el libreto, firmado por Pol Fuentes (líder y guitarrista del grupo) y cargado de potentes ilustraciones, se descubre la parte fuerte de la obra: la literatura. Letras de corte introspectivo y nihilista, sarcástico y puntiagudo, llenas de profundidad y carga reflexiva, todo al servicio del hilo narrativo, no lo olvidemos. La música que lo envuelve está a la altura y remite al rock català de los setenta, pero también al rock progresivo de grupos como Yes o incluso, en algunos momentos puntuales, a los experimentos sónicos de un Panda Bear. Daniel Arnal

THE WAVE PICTURES “Long Black Cars”

Moshi Moshi/Music As Usual

POP

1114

Suena el primer punteo de “Eskimo kiss” y uno ya sabe que tiene algo que celebrar. La voz de Jonny Helm, enfundándose el traje de cantante, se apoya al bajo y las guitarras setenteras ya culebrean (no quiero ser osado pero, ¿he pensado en Dire Straits?); con ello, The Wave Pictures han vuelto a dar nueva muestra de su solvencia. Y es que la banda británica factura y factura pero no rebaja un pelo el nivel con su pupurri de letras del día a día, de paparruchas coléricas, irónicas y con más de un coqueteo con el ridículo, además del sello inconfundible en la voz de David Tattersall, el buenrollismo por bandera y esa mezcla de tintes amateur entre el rock-folk que comparten con Herman Dune o los cercanos Manel. Singularidades que hacen de The Wave Pictures la fábrica pop británica más solvente de los últimos años y eso que muchos pensaran que “Long Black Cars” es más de lo mismo… ¡pues mejor! Con temas como “Cut Them Down In The Passes” o “Spaghetti”, no hace más que ponerle las cosas difíciles a Tattersall para elegir entre otras masterpieces de la banda a la hora de cerrar bolo (que no se acabe el mundo en “Litlle Surprise”). Yeray S. Iborra

SOPHIA KNAPP

“Into The Waves” Drag City

POP

1114

Uno se imagina el Costa Concordia antes de naufragar y no puede evitar un recuerdo para el piano-bar del barco, en el que una chica mona y su disciplinado organista amenizan el final de la tarde. Y esa chica rubia, vestida de lentejuela plateada, podría ser alguna amiga de Sophia Knapp salida de American Idol. O ella misma, de no haber sido arropada por el bueno de Bill Callahan –que presta su suave voz en “Spiderweb” y mucho mejor en “Weeping Willow”-, ni apadrinada por Drag City, ni aplaudida por la crítica reputada de Nueva York… Uno desestima a una joven como Sophia y la abandona en un barco cualquiera para que cante ante cruceristas con ganas de cócteles de colores y no es consciente del error que comete hasta que alguien reflota el pop-vocal femenino y triunfa. “Into The Waves” te puede resultar el naufragio más absurdo o el crucero más maravilloso del último catálogo de la música pop. Si no te mareas en travesías que se aproximan con atrevimiento al litoral Françoise Hardy, o Abba, este debut te conquistará. Luis Argeo

MondoSonoro · Abril 2012 /41/

top10

vinilos

el folk puro y honesto de paul fuster

internacional

METALLICA

“Beyond Magnetic” Universal

METAL

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

DJANGO DJANGO “Django Django” Warner

THE SHINS

“Port Of Morrow”

Aural Apothecary/Sony BMG

DIE ANTWOORD “Ten$ion”

Zef/Music As Usual

JACK WHITE “Blunderbuss” XL/Popstock!

JULIA HOLTER “Ekstasis” RVNG

KINDNESS

“World, You Need A Change Of Mind”

Coop/Music As Usual

CITIZENS!

“Here We Are” (avance) Kitsuné/Music As Usual

DRIVE THE RIVER “Shallow Bed” RCA/Sony BMG

GRIMES “Visions”

4AD/Popstock!

111

Caramba con la prisa que se han dado los californianos en tratar de hacernos olvidar “Lulu”, ese ejercicio de no-se-sabe-qué que pergeñaron hace pocos meses como acompañantes de Lou Reed. Y lo hacen recurriendo a la fuente que les permitió en 2008 recibir por primera vez en mucho tiempo críticas positivas a su trabajo y un respaldo que les sacaba del vilipendio creativo de la última década. Las sesiones con Rick Rubin que originaron “Death Magnetic” habían dado como fruto catorce temas, de los que solo diez vieron la luz en su día. Bien, pues aquí están los cuatro restantes. Todos ellos son, lógico, continuación del rescate del espíritu metálico que el cuarteto emprendió en su último disco. “Just A Bullet Away” y, sobre todo, “Hell And Back” muestran las mejores credenciales que la banda puede presentar actualmente, mientras que “Hate Train” y el thrash ochentero de “Rebel Of Babylon” tampoco hubieran desmerecido en el minutaje original del disco. Si dejamos los prejuicios de lado, nos olvidamos de buscar la frescura artística que Metallica ofreció en su etapa de juventud, y asumimos una cierta sapidez a maquinaria forzada que desde hace años lastra sus aportaciones artísticas, este complemento a su último trabajo merece lograr su objetivo de borrar el recuerdo de “Lulu” y volver a reemplazarlo por el más que digno regreso que supuso “Death Magnetic”, a la espera de su parece que pronta continuación. Robert Aniento

TRENT REZNOR & ROSS

top10 ELS AMICS DE LES ARTS “Espècies per catalogar” Discmedi

POP

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

WILHELM AND THE DANCING ANIMALS

"War Of The Species" Origami

PAUL FUSTER "Repte"

Chesapik

L. A.

"SLNT FLM" Universal

MACACO

"El murmullo del fuego" EMI

NIÑOS MUTANTES "Náufragos" Ernie Records

ANGELUS APATRIDA "The Call"

Century Media

Affkt

"Punto 0" Sincopat

ELS AMICS DE LES ARTS “Espècies per catalogar” Discmedi

JOE CREPÚSCULO "El caldero"

Mushroom Pillow

ACCIÓN SÁNCHEZ & ZATU REY

"Lista de invitados" SFDK Rec.

PAUL FUSTER “Repte” Chesapik

FOLK

“Millennium: The Girl With The Dragon Tattoo” Mute/Pias

nacional

Paul Fuster Foto Archivo

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En ocasiones, una crítica puede ser un alegato y esta lo es. Desde estas mismas páginas reivindico la necesidad de aproximarse a este disco aunque el catalán pueda suponerles una barrera. Y digo todo esto porque el regreso de Paul Fuster a la tierra de sus padres, ha marcado un disco diferente, honesto y tan auténtico que nos recuerda que es así como debería ser la música, y en general, cualquier expresión artística que parte de las mismísimas entrañas de las emociones sin filtrar por el imperio del ce-

rebro. Música veraz, desnuda, descarnada que surge del peculiar sonido de una guitarra acústica de cuerpo metálico construida por el propio músico a partir de la lavadora que tenía en Nueva York. Diez canciones con una unidad melódica poco corriente que encajaría dentro de los parámetros del anti-folk, si es que eso todavía significa algo hoy en día. Y así, como el que no quiere la cosa, y con un catalán exento del corsé del purismo que, en ocasiones, ahoga la libertad creadora y comunicativa de una lengua minoritaria en constante amenaza, Paul Fuster casi ha logrado construir el disco de folk más puro que se ha hecho en nuestras pequeñas fronteras. Si se queda por aquí y sigue intentándolo estoy seguro que logrará el definitivo.

Genio para ello tiene de sobras. Don Disturbios

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Advertencia: no es lo mismo hablar de Els Amics de les Arts en Catalunya que en el resto del estado. Su anterior disco “Bed and Breakfast” (Discmedi, 2009) generó un fenómeno sociológico en Catalunya comparable al surgido con el álbum debut de Manel “Els Millors Professors Europeus” (Discmedi, 2008). Els Amics de les Arts han hurgado hasta el fondo del mainstream catalán con un mensaje cómico, próximo y circunstancial que ha llegado a un público menos exigente y, por lo general, más adolescente. Un éxito masivo que nada tiene que ver con su escasa repercusión en el resto de la península ibérica. Hasta aquí un preámbulo necesario para situarnos en “Espècies per catalogar”, un disco mucho más ambicioso y complejo que su predecesor. Un salto que se aprecia en el tratamiento de las voces, saliendo victoriosos tanto en las harmonías The Beach Boys de “L’affaire Sofia” como en el falsete de “L’home que dobla en Bruce Willis” o “Louisiana o els camps de cotó”, quizás la canción más bonita que hayan compuesto en toda su carrera. Doce canciones que ya no hablan tanto de deslices y travesuras, sino de las dificultades de la vida adulta. Sin perder la ironía y el niño que llevan dentro, se sienten más cómodos contando fábulas modernas que intentando ser poetas. Sin embargo, “Espècies per catalogar” no es exactamente un disco redondo. Su digestión se hace más pesada a medida que avanza y el grupo aún conserva ciertos tics. Quizás sea la obsesión por la rima demasiado fácil y los juegos de palabras, el exceso de teatralidad o el forzado protagonismo compartido de las cuatro voces de los miembros de la banda. El debate está servido, pero diga lo que diga la crítica, en Catalunya seguirán llenando todos los recintos que se propongan.

Blai Marsé

HURRICÄDE

SILAS LANG

BRUCE SPRINGSTEEN “Wrecking Ball”

”Pariah’s Pharos”

Safari Music

Sony

Caleiah/Saltamarges

“Lost & Found” POP

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“Lost & Found” es un disco de debut. De todos modos, cualquiera que lo escuche se dará cuenta de que no se trata de una obra primeriza, sino de una ópera prima extraordinariamente sólida. No es casualidad, ya que los integrantes de Silas Lang tienen una larga carrera a sus espaldas que se remonta a mediados de los noventa, cuando formaron parte de bandas como Parkinson DC, The Gallygows o Peanut Pie. Con este nuevo proyecto, los hermanos Hernández (Alberto y Edu), principales compositores de Silas Lang, han tirado de oficio para construir delicadas canciones de pop-rock que apuntan claramente hacia el otro lado del charco.

The Posies o Alex Chilton, para nombrar los referentes más claros, tienen buena parte de culpa del aroma americano que desprenden algunos temas. Las guitarras acústicas y eléctricas, demarcando el folk y el indie como fronteras entre las cuales se mueven cómodamente las composiciones, constituyen el telón de fondo para unas melodías vocales que son los más destacable de este “Lost & Found”. No sorprenderá a nadie pero que puede convencer a muchos. R. Mas

ROCK

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Asumiendo como obvio que los discos de Springsteen de los últimos veinticinco años no aguantan la comparación con sus grandes obras de los setenta y los ochenta, recibimos el nuevo trabajo con la esperanza de que al menos sea capaz de mantener algo del espíritu de los buenos tiempos, tal y como todavía sucede en sus conciertos.

Pues bien, encontramos algo de eso en el tema que da título al álbum, a pesar de una desafortunada sobreproducción que lima las aristas de un sonido que pedía a gritos mayor crudeza. Y poco más. Algunos cortes, los más aceptables, recuperan el aire folk de las Seeger Sessions. Otros -como “Land Of Hope And Dreams” y “American Land” (esta última añadida como bonus track)- son habituales en vivo y recuperadas aquí innecesariamente. En cuanto al resto, alguna canción gustará a los amantes del sobrevalorado “The Rising”, mientras los experimentos raperos de “Rocky Ground” dudo que satisfagan a nadie.

Ojalá en su próxima gira no caigan muchas de éstas y a partir de ahora siga más los sabios pasos que dieron Dylan o Neil Young al cumplir los sesenta tacos. Xavier Llop

HARDCORE

1114

Con un sonido mejorado y muy buenas maneras nos llega el segundo EP de los gerundenses Hurricäde, de mayor oscuridad si cabe que el anterior diez pulgadas (homónimo, de 2008, también muy recomendable en su desbocada velocidad). Una banda que indudablemente va al grano en un universo, el de los gritos emotivos, que no tolera falsas poses o imposturas, y cuya concreción se plasma tanto en la duración de estos cuatro temas como en el atractivo de los pasajes más reposados, especialmente una “Among Shadows”, cierre del programa, cuyos teclados clásicos y atmósfera insinúan -más que enseñan- mucha chicha para el futuro.

“Pariah’s Pharos” supone, pues, el punto de partida de lo que debería ser un lógico crecimiento de una banda que desempolva aquellos momentos mágicos vividos con palabras mayores como Drive Like Jehu o JR Ewing, pero con el añadido de esa mencionada penumbra que tan bien encajan, especialmente en “Crimson Passage” o en ciertos momentos de “The Bridge”, y a la que el artwork de Arnau Sala sienta igualmente de maravilla. Ignacio Pato L.

vinilos /42/ Abril 2012 · MondoSonoro

angelus apatrida, maestros del metal RODRIGO Y GABRIELA “Area 52” ATO

CUBANISMO

Angelus Apatrida Foto Leandro García

ANGELUS APATRIDA “The Call”

Century Media

METAL

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“Clockwork” dejó el listón muy alto, pero lo de Angelus Apatrida parece no conocer límites. Desháganse de expresiones como ‘futuras promesas’, ‘potencial’ o ‘proyección’.

Los de Albacete son ya una banda internacional, con experiencias europeas a las espaldas con las que se han ganado una plaza entre las mejores respuestas continentales a Warbringer o Municipal Waste. Y es que, al contrario de lo que podría parecer, no es fácil despuntar en pleno revival thrash, algo que el cuarteto sí está consiguiendo a base de mezclar elementos del género con otros más propios del

heavy clásico. En su amalgama de referentes tanto encontraréis a Slayer, Megadeth o Testament como a los Pantera de “Cowboys From Hell”, Iron Maiden o los Judas Priest más contundentes –“It’s Rising” encajaría en “Painkiller”, del que curiosamente versionan “Hell Patrol” como bonus track-. “You’re Next” enciende la mecha combinando velocidad con medios tiempos pesados, coros limpios con voces hirientes, riffs matadores con ágiles punteos y un solo de guitarra a lo Metallica sencillamente perfecto. Cuesta destacar temas concretos –acaso “Blood On The Snow”, la matadora “Fresh Pleasure” o el orgulloso despliegue de recursos de “At The Gates Of Hell”-, pero si algo deja claro “The Call” es que los de Guillermo Izquierdo van sobrados en todos los aspectos. No nos queda otra que disfrutar. ¿Para cuándo un big four estatal? David Sabaté

CLARK

THE DECEMBERISTS

UGLY DUCKLING

Warp/Pias

Rough Trade/Popstock!

Special/Popstock!

“Iradelphic” ELECTRÓNICA

“We All Raise Our Voices to the Air” 1111

Chris Clark llegó diez años tarde a la fiesta de la IDM y eso explica que desde entonces haya desarrollado una carrera a contrapié, ajena a la tendencia, radicalmente libre y que ha dado desde su debut en 2001 en seis discos de los que se pueden decir muchas cosas buenas, pero sobre todo dos: el nivel de autoexigencia (altísimo) y su capacidad de sorpresa y reinvención, siempre a partir de unos parámetros sonoros que encajan en la casa que le da cobijo -Warp- como mano en guante. Tres años después del abrupto “Totems Flare”, Clark se adelanta al anuncio del regreso de Boards Of Canada con una evocadora y en ocasiones bucólica colección de piezas en la que muestra una serie de facetas suyas desconocidas hasta ahora. Ahí están los ecos del folk británico en “Henderson Wrench” y “Open” (con Martina Topley; sí, la de “Maxinquaye”), el setentero calor analógico de “Com Touch” y “Tooth Moves” y una reivindicación, un aviso para navegantes: en “Black Stone” y “The Pining” el de St. Albans nos recuerda que Radiohead no fueron precisamente los primeros en definir el pop del futuro.

Luis J. Menéndez

ROCK

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Suponiendo que Wilco fueran la versión moderna de The Band y My Morning Jacket la de Grateful Dead, The Decemberists serían una versión más tabernera y de andar por casa de REM. Son uno de esos grupos que podríamos considerar de segunda fila, pero que siempre se les tiene en cuenta por si acaso dan la campanada. No lo harán y en eso reside su encanto. Y también por eso este disco en directo lo disfrutarán mucho sus seguidores y al resto les importará un soberano pito. En él no demuestran nada que no supiéramos antes y tampoco utilizan el directo para llevar sus canciones a otro estado digamos más grandilocuente, desarrollado o incluso pomposo.

Para nada. Son buenos artesanos, tienen oficio y con lo años han logrado reunir un puñado de temas entrañables que ahora recuperan. Sin embargo la magia de todo esto reside en darse cuenta que un grupo puede ser entrañable sin ser fabuloso y que canciones como “The Crane Wife” o “All Arise!” tienen lo justo para tocarte la fibrilla. No es el triunfo de los mediocres, pero sí el colofón de los modestos.

Don Disturbios

“Moving At Breakneck Speed” RAP

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Además del título de la canción con la que abren su nuevo trabajo, sexto del trío de Long Beach, “Keep Movin’” es un buen resumen de dónde se encuentra la carrera de Ugly Duckling: como muchos proyectos similares (sus vecinos People Under The Stairs, DJ Format, Abdominal…), Andy Cooper, Young Einstein y Dizzy Dustin han alcanzado la celebridad underground pero cualquier trascendencia fuera del estrecho círculo de los entendidos parece por ahora mera quimera. El grupo insiste en apostar por los dibujos animados, el colorido y la diversión en unos años en que prima el groove maquinal y minimalista y todo el mundo se toma tan en serio a sí mismo que habrá que buscarle nuevos superlativos a la palabra egotismo.

Pero precisamente por eso estos tres siempre tendrán su sitio. Escuchar sus discos es como la ducha de agua fría cada quince minutos de sauna, algo no sólo preceptivo sino necesario. Tanto que pueden permitirse clavar álbum tras álbum sin apenas añadir nada nuevo a la fórmula. Una poco de jarana mexicana por aquí, la discografía completa de Native Tongues por allá y voilà: “Elevation”. Joan Cabot

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En su primera y exitosa visita a Barcelona el dúo mejicano avisó de la noticia: tenían un proyecto en común con músicos cubanos, y que de esa asociación iba a nacer un disco y una gira. Lo que no sabíamos es que iba a ser algo tan inminente. De momento, el disco ya lo tenemos aquí. Acompañados por una orquesta de músicos de La Habana con trece componentes, y colaboraciones en cada una de las canciones, de artistas como Anoushka Shankar y su sitar, el bajo de Carles Benavent, acompañante de Paco de Lucia o bien la voz de Carlota Teresa Noriega, y la batería metalera de John Tempesta. El plantel de músicos es amplio y variado, la idea de llevar al terreno de la música cubana su innovadora y revolucionaria propuesta encaja a la perfección, y en cuanto al repertorio lo tenían muy fácil: rescatar piezas de sus discos anteriores y darles una capa de barniz. Clásicos que lo son desde hace un tiempo como “11:11”, “Diablo Rojo” o “Tamacun” cogen otra onda, pero no difieren tanto de las tomas originales, lo cual indica que su personalidad sigue intacta, y que simplemente han matizado y redecorado su forma de tratar esos temas.

Toni Castarnado

THIS IS HEAD “0001”

Adrian Recordings

ROCK

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Originalmente editado en marzo de 2010, el debut de los suecos This Is Head ha ido abriéndose paso lentamente, ganándose el reconocimiento internacional y desmarcándose finalmente como uno de los trabajos más interesantes publicados en años en un país con una fuerte tradición exportadora. El cuarteto de Malmö tiene un sonido marcadamente europeo, aunque no necesariamente sueco: su música evoca un cruce entre los U2 de la década de los ochenta y The Durutti Column propulsados por ritmos kraut, y, a pesar del atractivo pop de algunas de las canciones del álbum, todas ellas tituladas numéricamente según su orden de composición, el verdadero reclamo de su música se basa en la habilidad del grupo a la hora de edificar sus temas sobre sólidos cimientos instrumentales. La pieza central del disco, “0003”, es un monumento a esa forma de hacer, primero creando una atmósfera anestesiante con un groove cerebral, y luego llevando la canción hacia una culminación por fuerza expansiva. Atrevido, fascinante y a la vez inteligente, “0001” es un buen ejemplo de cómo reciclar las corrientes musicales centro-europeas sin por ello renunciar al gancho anglosajón. Joan Cabot

JERO ROMERO

“Cabeza de león” Autoeditado

POP

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A los protagonistas implicados en una ruptura no les suelen gustar nada las comparaciones, pero así es la vida y uno no puede renunciar a su legado. Por eso, tras la disolución de The Sunday Drivers parece que cada uno de los dos proyectos resultantes

haya escogido un camino diferente que, sin embargo, formaba parte de la misma esencia del grupo seminal. O dicho de forma más sencilla: mientras el resto de los músicos despechados de la banda toledana -que dieron luz al grupo Mucho- se quedaban con el pulso más rockero y canalla, el cantante Jero Romero se ha apropiado del alma más pop, delicada, tierna, incluso pizpireta (“Señor gigante”) basada en una lírica que, por fin, se entiende y que aborda lo de siempre, las relaciones que sobrellevamos con nuestras propias miserias amplificadas por los achaques del tiempo. Y así, mientras los primeros basan sus directos en la electricidad y las letras pasan a un segundo plano, aquí lo que importa es lo que se canta más que como se canta. Eso no quita que haya canciones de gran eficiencia melódica como “Las leves”.

Y si todavía lo quieren más claro, diría que Jero Romero es George Harrison, mientras que Mucho juegan a ser New Barbarians.

Ninguno de los dos supera el original.

Don Disturbios

BROT

”Despertant consciències” Autoeditado

METAL

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En la senda de la tradición del rock metalero combativo catalán, Brot presentan su debut discográfico, autoeditado y grabado con David Rosell en el estudio Can Pardaler.

Con un sonido próximo a Revolta 21, Brot no hacen gala de floritura alguna ni de lenguajes especialmente rebuscados –ni verbales ni musicales- a la hora de decir lo suyo sobre temas que, en honor a la verdad, no escapan a los lugares comunes del género del que hablamos, que más allá del metal o el rock es el que viene marcado por la reivindicación social. Así, en “Deixant la pell” es el mercado laboral el referenciado, “Palestina” habla en su título por si misma, “Com una estaca” es su versión del sentimiento independentista, “Rates” representa la reafirmación ante el “enemigo” en una dicotomía para la que “Foc” actúa de la solución propuesta por el quinteto. Si bien es a todas luces claro que “Despertant consciències” constituye una primera piedra de toque para su trayectoria, también lo es que Brot deberá buscar una fórmula que le aparte de caminos que de redundantes hacen mella en el mensaje que intentan transmitir. Ignacio Pato L.

TRENT REZNOR & ATTICUS ROSS “Millennium: The Girl With The Dragon Tattoo” Mute/Pias

BANDA SONORA

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¿Quién dijo que segundas partes nunca fueron buenas? Tras firmar la banda sonora de “La Red Social”, el tándem formado por Trent Reznor y Atticus Ross se enfrentaba a un nuevo desafío de la mano de David Fincher: el riesgo de autoparodia en el remake de “Millennium: The Girl With The Dragon Tattoo”. Más aún en el caso de un músico como Reznor, con un sello propio inconfundible, intenso hasta lo exasperante, excesivo las más de las veces (aquí, tres discos que se van hasta otras tantas horas de duración). El propio Reznor cuenta cómo durante el año largo que él y Ross dedicaron a este proyecto cambiaron sus rutinas en busca de una reinvención, dándole la espalda a las posibilidades de la postproducción digital y apostando por la ejecución de tomas en directo, lo que sin duda define el sonido y lo conduce hacia el minimalismo, hacia una suerte de evocadores bocetos sonoros que funcionan a la manera del mantra y terminan por situar al oyente en una nueva dimensión, más allá de las imágenes para las que fueron concebidas. Luis J. Menéndez

MondoSonoro · Abril 2012 /43/

DARK DARK DARK

“Wild Go + Bright Bright Bright” Green Ufos

POP

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Folk-pop intimista suave y delicado, música de cámara al servicio de una voz superdotada que recuerda a cualquiera de las divas modernas merced a su variedad de registros líricos, desde Björk a PJ, de Tracyanne a Chan Marshall. Sonido adulto y profundo. El disco que regalarías a tu padre, ese tipo tan serio que va al teatro y lee libros, para hacerte el enrollado y que les contara a toda la familia el buen gusto que tiene su hijo, “un chico serio, mi hijo, mira lo que escucha, que clase”. Seis músicos: banjo, acordeón, contrabajo, piano, clarinete, guitarra y batería, claro… un festival. Música de alto nivel, elaborada y detallista, a veces tan elevada que incluso repele un poco, ¿demasiado carca, quizás? Nah, se pasa enseguida, sobre todo cuando uno escucha himnos como “Celebrate”, con esos coros de iglesia fundidos con acordeón, una canción que recuerda a un funeral búlgaro, con todo el mundo llorando y sonriendo a la vez, así de bonita; o “Day dreaming”, donde la voz del grupo, Nona Maria Invie, se regala, con unos timbres y unas notas de piano in crescendo que estremecen mientras hablan de soñar despierto. Soñemos pues.

Daniel Arnal

VV. AA.

“Hola, com estàs? Songs by Daniel Johnston Revisited” El Mamut Traçut

POP

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Los discos de tributo tienen dos funciones: por un lado ofrecer a los fans del artista en cuestión algo que pueda caber entre la discografía del homenajeado, y por otro permitirnos descubrir infinidad de grupos que, a pesar de proceder de mundos distintos, comparten un referente. Lo peor de los tributos suele ser su dispersión musical: las diferencias de estilos y sonidos entre los participantes hacen casi insoportable su escucha de una tajada. Pero en esta ocasión no es así, ya que Maurici Ribera, más conocido como The Missing Leech, ha conseguido juntar un total veintiséis bandas de siete países distintos que, a pesar de sus diferencias, comparten una cierta sensibilidad. Tal vez el mérito sea del propio Daniel Johnston, pero el hecho es que este tributo funciona como disco (doble, por cierto) en lugar del collage de canciones en que suelen terminar este tipo de proyectos. Las versiones interpretadas por Tough Lover, Toby Goodshank, Rabe, Kana Kapila, Dizzy Spells Martian o Tortuga Bar vs Navel, son descubrimientos dignos de mención. R. Mas

DIRTY THREE

“Towards The Low Sun” Bella Union/Music As Usual

ROCK

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Pensad en una espina dorsal, con sus vértebras, su bulbo raquídeo, su sustancia gris… Así de golpe, es fea, desagradable, y sin embargo, imprescindible como principal vía de comunicación de nuestros actos y sensaciones... Todo chispazo de emoción o sentimiento recorre ese espinazo de la cabeza a los pies antes de ponernos la piel de ga-

llina. Bien, Dirty Three sería la espina dorsal de todo aquel que presuma de sensibilidad musical. Siete años han pasado desde la publicación de su anterior álbum, “Cinder”, y nadie lo diría, pues cada parte de esta columna ha continuado en activo, de algún modo preparando lo que en 2011 iban a llevar al estudio para grabar estos nueve nuevos temas: Jim White siguió tocando la batería con Chan Marshall o Will Oldham. Mick Turner se lanzó a sus aventuras musicales y pictóricas –de él es la portada - en solitario; y Warren Ellis alternó los proyectos de Bad Seeds y Grinderman con la creación de bandas sonoras para películas. Todo ello, sobre todo esto último, se ha colado en esta conjunción de violines, guitarras, pianos, órganos y percusiones con tanta armonía, nervio, viveza, brío y carácter como cabe en los cerebros de este trío de genios musicales. Si no te da un solo escalofrío al escucharlo de principio a fin, visita a tu neurólogo. Luis Argeo

vinilos

l.a., la sencillez del buen pop

CEREMONY “Zoo”

Matador/Popstock!

ROCK

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En el EP “Covers” (11), con el que ponían punto y final a su relación con el sello Bridge Nine, Ceremony rendían tributo a sus raíces punk con versiones de Urban Waste y el clásico “American Society” de Eddie & The Subtitles, pero también incluían rendiciones a Pixies y Wire. Escuchando “Zoo”, su debut para Matador Records y billete de salida de las catacumbas del underground americano, la elección no parece casual y adquiere cierto carácter de declaración de intenciones. El cuarto largo de Ceremony puede provocar cierta desilusión entre los seguidores del grupo de Rohnert Park, pero si han dejado algún gramo de abrasión en el proceso, y no ha sido tanta, el cambio está totalmente justificado por el hallazgo de un territorio de fronteras menos estrechas y definidas, aunque Ceremony sigan siendo un grupo de puro y electrizante punk. “Brace Yourself”, estandarte de la ambición de la banda, es una brillante mezcla entre la mejor versión de los autores de “Pink Flag” y la insolencia de Sex Pistols, cuyo espíritu sobrevuela buena parte de un álbum suficientemente nutrido de himnos como para que el movimiento en busca de un público más amplio no deba ser percibido como una pérdida sino como una rotunda victoria. Joan Cabot

LA Foto Archivo

LA

“SLNT FLM” Universal

POP

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Casi tres años después de la sorpresa que supuso “Heavenly Hell”, Luis A. Segura (L.A.) recobra el pulso, breve pero intensamente, con un disco de seis canciones tan crudas como contundentes, que tiran a dar y consiguen con lo básico lo imprescindible, que puedas (y quieras) escucharlas una y otra vez. Abre la partida “Over And Over”, según su creador la más difícil del disco, pero

RICH ROBINSON

PÜLSAR

SHIMMERING STARS

Circle Records

Baten Records/Radix Records

Almost Musique/Green Ufos

“Through A Crocked Sun”

DAKIDARRÍA

ROCK

”Utopías emergentes” Maldito

FUSIÓN

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Con palabras de José Saramago inicia el cuarto disco de los gallegos Dakidarría y el que según sus propias palabras supone el complemento a su penúltimo lanzamiento, “Realidades alienantes”. Producido como aquel por Javier Abreu, “Utopías emergentes” sigue haciéndonos pensar que los pontevedreses permanecen fieles a la tradición de bandas como La Gran Orquesta Republicana o Tijuana In Blue, dos nombres que pueden dar las mejores pistas para quien no les haya escuchado aún. El ska, el rock y el reggae son la lengua vehicular que habla de luchas de ayer y de mañana (antisexismo, reivindicación de lenguas originarias, solidaridad internacionalista) y la que los de Rías Baixas hablan en el disco con componentes de Obrint Pas, Betagarri, Desechos, Tiro Na Testa, Dios Ke Te Crew, Skarnio o el mismo Xurxo Souto. El mural que trazan “A mocidade activa”, “Linguas ceives” o “Polisario vencerá” se antoja así bien conocido ya para fans de este tipo de sonidos y mensajes.

Ignacio Pato L.

dueña de un estribillo efectivo que perfectamente podría haber firmado Alex Turner. Sigue “Older”, un hit que tiene toda la pinta de ir a convertirse en la nueva “Hands”, si no lo consigue antes “Hangin’ On A Wire”. Los últimos tres temas podrían considerarse una segunda parte del Ep, en la que se cuela una luz más melancólica, como de atardecer californiano, que da la pista definitiva de dónde fue grabado el disco. Ahora que The Shins también están de vuelta, ninguno de sus fans debería perderse este disco. La receta del buen pop, clásico, elegante, pegadizo y sencillo, también ha llegado a Mallorca, y está en buenas manos. Cristina V. Miranda

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No todo son malas noticias en el universo The Black Crowes. Sin demasiado tiempo para lamentarnos porque la actividad de los estadounidenses ha cesado de forma indefinida, ya podemos saborear el segundo disco en solitario de su principal compositor, el menor de los Robinson. Rich no es un vocalista que imponga la personalidad de su voz, tal y como sucede con su hermano, pero una vez asumido este pequeño lastre, “Through A Crocked Sun” presenta múltiples razones para ser colocado junto a los discos de su banda sin que aflore ningún complejo, simplemente para sumar más colorido a una trayectoria sin apenas pasos en falso. La variedad de lo que encontramos aquí va desde la introspección a algún riff guitarrero marca de la casa, de las atmósferas psicodélicas a los toques jazzísticos, de algunos blues distorsionados a la sensibilidad pop. No hay hits, ni falta que hace. Lo importante es que Rich parece cómodo y libre en este registro y nosotros podemos disfrutarlo desde otra óptica. Esto no impedirá que deseemos el retorno de The Black Crowes, pero sin duda ayudará a pasar mucho mejor el tiempo de espera. Xavier Llop

“Buen viaje!”

ROCK

“Violent Hearts” 111

En una cuidada y artesana edición nos llega el último disco de los gallegos Pülsar, punto de inflexión en una carrera que comenzó en el lejano 2001 con premisas más metaleras y voces en inglés. “Música para animales”, su anterior lanzamiento (y también primer disco largo) de 2009, marca ya un camino alejado de rudezas y sensible ante el abanico de melodías que “Buen viaje!” parece querer abrazar, junto a unas aproximaciones cada vez más evidentes a una emotividad que tiene que ver con relatividades y caminos inconclusos. “Una casa” puede servir de resumen de una colección de canciones en las que nunca se menosprecia el trabajo de las guitarras, salvadoras en muchas ocasiones de caídas en la inconcreción que también logran evitar “El cazador”, “La tormenta” o “El buen tiempo”, antes de desembocar en “Nuestras naves”, un final que, a pesar de lo que cabría esperar por parte del más prejuicioso, consigue acabar con la cabeza alta y con todas las virtudes de la banda desplegadas, especialmente una electricidad que harían bien en no abandonar.

Ignacio Pato L.

POP

1114

Apenas acaricia los dos minutos de duración, pero “I’m Gonna Try” justifica de sobras muchas cosas: la ya patológica obsesión por el sonido lo-fi del nuevo indie americano, esos miles y miles de canciones medianamente buenas que nos intentan hacer creer que son mejores de lo que son con la algo tosca treta de la reverberación, entre otras; y sobre todo la existencia de un grupo como Shimmering Stars, procedentes de Vancouver e insolentemente influenciados por la música de los cincuenta y los sesenta.

Magistrales en las melodías y doo-wops (el guitarrista Rory McClure comparte su labor a las voces con el batería Andrew Dergousoff y el bajista Brent Sasaki), la validez de “Violent Hearts” como álbum se sustenta precisamente en lo que no es sonido sino emoción: las canciones. Y es allí donde Shimmering Strings se distinguen de buena parte de sus compañeros de generación y carácter (no me cansaré de reivindicar también a Idiot Glee) entregando una colección de fulgurantes y candorosas turbulencias amorosas.

Joan Cabot

vinilos /44/ Abril 2012 · MondoSonoro

sfdk, con amigos sí puedes KING MOB “Force 9” KMBG

ROCK

Acción Sánchez & Zatu Rey Foto Archivo

ACCIÓN SÁNCHEZ & ZATU REY “Lista de invitados” SFDK Records

RAP

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Ya en su último álbum SFDK dejaron constancia escrita en alguno de sus temas de cierto desencanto con la situación actual de la escena hip hop. El rap español parece afrontar con titubeo su fase de madurez y qué mejor que dos de sus artistas más veteranos para desmentir esa acusada fractura. El resultado es esta “Lista de invitados” que cada uno ha confeccionado a su gusto para, juntos pero no revueltos, hacer un

recorrido, como ellos dicen, de costa a costa. El caso es que el álbum va más allá de un simple recopilatorio fraternal y se erige como un jugoso álbum con encuentros memorables. Como el de Zatu con Rapsuklei en “Está to feo” o el de Acción Sánchez con El Chojin y Duo Kie en “Misión buscar y destruir”. Tribulaciones del día a día en la carretera contadas por un par de colegas y cargadas sobre todo de naturalidad como ese desternillante “Espacio vital”, que delimitan Zatu, Sho-Hai y Kase O. Si este disco doble da aliento a la escena, seguro que le sentará mejor al dúo sevillano al refrescar su pletina con una especie de reset del todo generoso. Arturo García

PETRUS

GREIE GUT FRAKTION “Rekonstruktion”

“Oh Fortune”

Dues Gotes

Monika Enterprise

Arts & Crafts

“To the Future We Belong” FOLK

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El menorquín Víctor Petrus es uno de esos tipos que nacieron con un transistor fantasma en la cabeza, un aparatito que no para de susurrarle canciones y darle ideas.

La vena artística es de serie: su hermana es la directora Anna Petrus, para la que protagonizó el corto “Trumpet” (2011) y con la que colabora habitualmente. Arrimado al fuego del folk americano, con Bonnie "Prince" Billy como inspiración más evidente, Petrus se ha tomado su tiempo para componer, arreglar y grabar las diez canciones de su debut, un álbum que transpira dedicación y minuciosidad y para el que ha contado con la colaboración de Roger Gascón (El día de la barbota). Lejos de desnaturalizar el resultado, “To The Future We Belong” es uno de esos trabajos que te llevan en volandas hacia donde quieren gracias a canciones como la arrebatadora “Mariah Country” o la balada que da título al álbum, que, junto a “Shadows On The Wall”, es el ejemplo más evidente de que el músico menorquín ha encontrado una vía para dotar el folk de raíz de una atmósfera propia, cierta sofisticación pop y un discurso convincente. Joan Cabot

EXPERIMENTAL

DAN MANGAN

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Gudrun Gut es una de las personalidades más conocidas de la escena experimental alemana, como capo del sello Monika Enterprise y como fundadora en 1980 de la leyenda de la músical industrial Einstürzende Neubauten. La también alemana, pero residente en Finlandia, Antye Greie (conocida como AGF) se considera así misma una “poeta electrónica” y ha trabajado con Ellen Allien.

Los caminos de ambas se cruzaron en 2008 tras un encargo de la BBC. Este choque creativo engendró el disco “Baustelle” (2010).

El título significa “sitio en construcción” y da una pista sobre su contenido: ruidos de tornillos y martillos, capturados tras horas de grabaciones en obras y fábricas y moldeados con música electrónica. “Rekonstruktion” da una vuelta de tuerca (nunca mejor dicho) al anterior, con remezclas de Alva Noto, Wolfgang Voigt, Mika Vainio, SoulPhiction y Jennifer Cardini, entre otros. El resultado mantiene su capacidad de impacto jugando con unas herramientas nada complacientes, que generan en el que lo escucha ansiedad y un extraño placer. Casi vicio. Y al invento lo llaman “post-kraut-dub-industrial-techno”.

José Fajardo

ROCK

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Si eres de los que ya sentía predilección por la música de Dan Mangan, con “Oh Fortune” acabarás rendido a sus pies.

Si por el contrario eres de los que aún no sabe cómo se las gasta el canadiense, este tercer largo de su discografía es la mejor forma de comprobarlo. Porque este compendio de folk/rock elegante de melodías majestuosas, en el que las canciones nacen con una calidez embriagadora que se va matizando con exquisitas pinceladas de desasosiego, logrando generar un dramatismo de una emotividad subyugante, es la cima compositiva de este autor. Once canciones en las que Mangan abre su alma de par en par, hablando de la vida, del amor y sobre todo de la muerte -“If I Am Dead”, “Regarding Death And Dying”, sin tapujos pero con una belleza que sobrecoge por su sutileza, profundidad y elegancia. Con el espíritu de Nick Drake sobrevolando todas las composiciones, se erigen sobre el resto dos de las mejores canciones del momento: la imponente “Post-War Blues” y la emocionante “Oh Fortune”. Complejamente sencillo, sencillamente hermoso.

David Lorenzo

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“Los mayores también tenemos derecho a divertirnos”, debieron decirse los ya talluditos Glen Matlock, ex-bajista de Sex Pistols e Iggy Pop; Chris Spedding, guitarra de McCartney, John Cale o Brian Ferry; Martin Chambers, batería en The Pretenders y Stephen Parsons, cuando acordaron formar King Mob. El nuevo combo beat británico, en el que estos supervivientes acaban de embarcarse junto a Sixteen, un joven guitarrista que baja la media de edad del grupo en un par de décadas, viene de publicar su álbum debut titulado “Force 9”. Lo componen once cortes de rock’n’roll clásico con cierto aire psicodélico vintage. Rock de salón, que dirían los más canallas. Ellos, por su parte, ya estarán de vuelta de todo y pasan de los calificativos citando a Jimmy Page y Duke Ellington como influencias en la composición; y algo de eso hay. Al disco no se le escapan un par de baladitas, “Chapel Of Love” y “Secret Song”, que más de uno no habría firmado en el pasado ni aunque lo hubiesen untado con oro (o vino); baterías con reminiscencias rockabilly en “American Slaves”, ni algún que otro pildorazo valvulero como “Make That Call” o “Lovers Of Great Renown”.

Adrián D. Bóveda

SERENGETI

“Family & Friends” Anticon

RAP

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Desde el principio, David Cohn parecía la clase de rapero destinado a nutrir el catálogo de Anticon, salido de un suburbio de Chicago, con gustos heterogéneos que abarcan tanto rap como rock e IDM y una clara tendencia a escribir versos introspectivos y confesionales. En 2009 publicó en el sello su colaboración con el productor Polyphonic y ya entonces quedó claro que, no sólo su discurso encajaba a la perfección allí, sino que muchos de los artistas de la casa habían sido una gran influencia. Esa rendición es evidente en “Family & Friends”, en el que Yoni Wolf de WHY? se hace cargo de las labores de producción junto a Owen Ashworth, ex Casiotone For The Painfully Alone, ahora Advance Base. Hay equilibro entre ambos y la mayoría de canciones se debaten entre la electrónica de dormitorio y beats digitales en clave minimalista, un paisaje perfecto para los raps de Cohn. Curiosamente, los mejores cortes del álbum son “Goddamit”, arrastrada y algo macarra, que se sale completamente del guión, y “California”, con un estribillo cargado de ironía pero indiscutiblemente pop y luminoso. Un trabajo en el que por momentos las sombras están a punto de arrastrarle al pozo de la melancolía. Joan Cabot

FALSO CABARET

“Para muchas amigas mías” Green Ufos

POP

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Pocos grupos nuevos suenan tan veteranos.

Pocos primeros intentos definen una trayectoria anterior. Falso Cabaret se presenta como una banda debutante pero son veteranos de mil batallas, tienen el alma ronca y

sus caras nunca vendrán en las carpetas que antes regalaban en Superpop. Son tipos duros (o lo parecen) que hacen música distinta, extrovertida, demoledora, dejada caer sobre un vaso ancho donde para nadar se ha de tener buen trato con todo lo malo. Delirios tabernarios, roces con la justicia (divina) de las altas traiciones y destellos epilépticos de luces que se encienden y de guitarras que se cruzan con su propio bagaje. Retiradas a destiempo, urgencias para nada. O al menos para reivindicarse en nueve canciones que son nueve golpes de gracia e ingenio en la voz cavernosa y cavernaria de un Juamba D’Estroso que vehicula un recorrido sentimental de influencias oscuras y cadenciosas.

Una voz a punto de romperse en la descarnada “Aunque me maldigas” o a punto de echar a volar en la poderosa “Lápices de colores”. Sevillanos de callejón que lo dejan entrever en “Fácil comprarme”, que se trasladan a Manchester subidos en la batería de Alberto Calixto en “I’m Divine” o que nos transforman en nuestros padres con los coros psicodélicos y canallas de “Eres un extraño”. Un disco para escuchar por la noche o con las persianas bajadas. Manuel Ortega

SAMESUGAS

”They Are Out There” Lixo Urbano

ROCK

111

La dilatada trayectoria de Samesugas se remonta a 1999, cuando la banda nació en Santiago de Compostela, y se ve salpicada por diversos lanzamientos hasta llegar al que nos ocupa. Pero si hubiera que hacer un comentario resumen y que sirva de presentación de los gallegos, sería sin duda que son uno de esos grandes exponentes de prestancia deliberadamente olvidada por los medios. “They Are Out There” es puro rock garajero, sucio y grasiento, rápido y sin muchos miramientos, cantado en inglés con el permiso de la adaptación del poeta Lois Pereiro en “Tóxico Injecta”, con pelotazos a la mandíbula como ese “On A Leash” o ese himno de viernes noche que es “Exploding Heart”. Viendo el potencial que la banda sigue teniendo tras más de dos lustros en activo es como para pensárselo mucho antes de seguir haciéndoles el vacío. Ignacio Pato L.

DIAGRAMS

“Black Light” Full Time Hobby

POP

111

Diagrams es el proyecto personal de Sam Genders, conocido principalmente por ser miembro fundador de Tunng, una de las bandas abanderadas en aquella corriente (¿fallida?) que mezclaba el folk y el indie con la música electrónica y de la que sólo sobrevivieron tótems de primera generación del estilo como Lali Puna o múm.

Pues, bien, el bueno de Ganders abandonó la nave a tiempo y supo reconstruirse con Diagrams, una aventura en solitario de electro-pop con ritmo y gracia, cualidades estas cada vez más escasa en propuestas de este tipo. Por lo demás, lo de siempre, sintetizadores, samplers de discoteca ochentera, voces sugerentes y estribillos pegadizos, pero todo ello tratado con una profundidad melódica y un coqueteo con el cosmic-disco que provocan que el resultado final sea lo bastante atractivo como para recordar a los iconos más reconocibles (Pet Shop Boys, The Human League, New Order…) sin sonar caduco. Los hits: “Night All Night” y “Black Light”, ambas horteras y divertidas y con alma de rompepistas. Disfrutable y resultón, pero para seguidores del género. Daniel Arnal

MondoSonoro · Abril 2012 /45/

Affkt

“Punto 0” Sincopat

ELECTRÓNICA

1111

El caso es que Affkt agarra todo su imaginario electrónico, con claro aroma y ascendente berlinés, y tras empaparlo de son cubano, de buen ron de caña, de pobreza alegre, de sudor mestizo y genuina raíz sonora nos ofrece este “Punto 0” que es mucho más que una obra maestra contemporánea. Es un resumen de la historia de la música en sí mismo. En los dieciséis temas que escuchamos Affkt muestra, a tumba abierta, un dominio de la situación sonora -sintética y natural- que simplemente abruma y encanta. ¿Cómo es posible que un tipo matemático, y técnico hasta el mismo tuétano, se haya metido en un jardín de este, riesgo y dificultad y lejos de fracasar haya pergeñado un disco maravilloso de principio a fin? No hay explicación para los mortales, es cosa de talento. Nunca la castigada Habana sonó tan a Berlín y a Mediterráneo. ¿Evolución o más bien regresión? Qué sé yo. A modo de injusto resumen diremos que “Punto 0” goza de una refrescante y prístina energía, que parte de abismos insondables, para finalmente eclosionar entre beats, síncopas, 4x4, loops, groove, etcétera. No hay temas a destacar… todos apasionan, sin duda. Así es Affkt, este es su primer álbum. Fernando Fuentes

BLACK BOX REVELATION “My Perception” PIAS

ROCK

112

Black Box Revelation son belgas. No es algo muy común. Hooverphonic, Deus y unos pocos más son excepciones, así que ahora toca añadir a la lista a estos chicos. La primera vez que supe de ellos fue cuando Sharin Foo de The Raveonettes los mencionó de manera entusiasta en una entrevista. Más tarde, compartirían gira. “My Perception” es su tercer largo y en él continúan puliendo una fórmula que combina pop de tintes psicodélicos, rock’n’roll canalla y algo de glam actual.

Grabado en Los Angeles de la mano de Alain Johaness, colaborador habitual en los discos de Queens Of The Stone Age, el grupo se fija en referencias pasadas como Led Zeppelin o The Rolling Stones, en el toque noventas con Oasis, Suede o Manic Street Preachers y en lo que podrían hacer ahora mismo Black Rebel Motorcycle Club. En cuanto a las canciones, tres son las que destacan por encima del resto: el single “My Perfecption”, que recoge toda la herencia del brit pop, una “Rattle My Heart” que parece rescatada de las sesiones de grabación de “Exile On Main St.” o esa especie de himno menor en que podría convertirse “Skin”. Toni Castarnado

CARTER TUTTI VOID “Transverse” Mute

EXPERIMENTAL

1114

En apenas tres años de actividad Factory Floor han publicado infinidad de referencias en tiradas limitadísimas y sellos microscópicos que han avivado el culto y la expectación ante un posible lanzamiento largo que de momento no llega. Parte de culpa la tienen las declaraciones de amor de ilustres como

Stephen Morris (New Order) y, sobre todo, Carter Tutti (Throbbing Gristle) que de remixers han pasado a compartir escenario con miembros de la banda londinense y ahora a publicar este disco de la mano de Nik Void, uno de los tres vértices que hoy componen Factory Floor. El resultado de la comunión entre dos generaciones diferentes del más destacado avant-garde británico son cinco piezas, cincuenta minutos, de ritmos maquinales y obsesivos muy en la línea de las grabaciones clásicas de Chris & Cosey, sobre los que la guitarra de Void se convierte en improvisado cincel, con maneras cercanas a las de los no-músicos de la no-wave.

Las cuatro primeras fueron registradas el 13 de mayo de 2011, cuando el trío se presentó por vez primera en directo dentro de las jornadas del Mute Festival, cerrando el disco su única grabación de estudio hasta la fecha, “v4 Studio (Slap 1)”. Luis J. Menéndez

vinilos

La selección Jäger:

el sonido del extrarradio

GRIMES

“Visions” 4AD/Popstock!

POP

1114

La competencia está dura. Las voces femeninas andan muy de actualidad en esto del pop electrónico, y no les digo ya las chicas que beben del legado de Kate Bush (la lista de artistas que le deben la vida es cada día más larga), para adaptarlo a diversos estilos (en un extremo tendríamos a Florence + The Machine, en el otro a Claire Boucher, es decir a Grimes). Situada en algún lugar entre Austra y Zola Jesus, la canadiense se ha dado prisa en dar continuidad a sus discos del pasado año, “Halfaxa” y “Geidi Primes”, ambos inicialmente ofrecidos en descarga gratuita.

“Visions” mantiene el espíritu de aquellos, combinando los pasajes más lánguidos con los más experimentales, los más rítmicos con los más fríos (mucho menos que los de, por ejemplo, Fever Ray, no vayan a pensarse), dando forma a un conjunto de alma pop y formas electrónicas (¿o deberíamos decir alma electrónica con algo de pop?), con un punto de la ya citada Bush, pero también con –puntualmente- unas partes vocales que nos recuerdan a la Madonna de los ochenta (“Eight” o “Vowels = Space And Time” son los momentos más cercanos a la gran diva). En total, en “Visions” nos encontramos más o menos con una docena de piezas que funcionan a la perfección para sumergirnos en su universo, pero que no bastan todavía para hinchar esta reseña de adjetivos superlativos. Joan S. Luna

THE PENGUINS

“Reggae per xics” Buenritmo Producciones

REGGAE

111

The Penguins, una más que excelente banda que practica ska, rocksteady y early reggae presentan un nuevo trabajo. Un proyecto con la idea de introducir a los más pequeños en los ritmos jamaicanos de la manera más directa: invadiendo su universo de canciones, versionando clásicos catalanes de guardería y convirtiéndolos en auténticos himnos jamaicanos. Soy de los que piensan que, por jóvenes que sean, los niños deben acostumbrar el oído desde pequeños a todos los tipos de música. Por eso cualquier iniciativa que les acerque a las distintas posibilidades siempre debe acogerse con agrado. Pero nada mejor que poner en práctica su efectividad. Lo escucharon mis hijos y se alegraron al reconocer sus canciones de guardería adaptadas a un género al que ya están más que acostumbrados. En sus palabras funcionan mejor porque “tienen más ritmo que las canciones que acostumbramos a escuchar”.

Ivan Ferrer

Die Antwoord Foto Archivo

DIE ANTWOORD “Ten$ion”

Zef/Music As Usual

ELECTRÓNICA

1111

Oh, sí, “$O$” (2010) les convirtió en uno de esos hypes entre modernos y poligoneros que tanto nos gustan a algunos, pero ahora las reglas han cambiado. El grupo sudafricano no parece dispuesto a contentarse con lo conseguido hasta ahora y, apartándose de su cara más rap o en todo caso de la más tradicional, cargan las tintas en la electrónica más macarra y al tiempo personal. En este segundo larga duración esos pintorras que son Ninja y Yo-Landi demuestran tener mucha más cabeza de la que se les supone. Brutos, ariscos y hasta abrumadores en algunos momentos de tanto nervio, consiguen atrapar a cualquier bicho viviente de sangre caliente gracias a la rítmica sexual y sucia de piezas como “Fatty Boom Boom And Zefsi-

de Zol”, “I Fink Your Freaky” y muchas otras. Con todo esto quiero decir que Die Antwoord han sido capaces de ir más allá de lo que dejaba intuir ese hit que fue “Enter The Ninja”. Mantienen las claves de su sonido, pero amplían la paleta -para bien- con el rollo arisco de Dj Hi-Tek, con un aumento de su arrogancia barriobajera, con su rap ravero, con sus lenguas de ofidio amenazante, con la pitufadísima voz de Yo-Landi dándolo todo y con el contrapunto machote chandalero de Ninja marcando el minuto. Una patada en el culo a base de sonido multicultural que debería enloquecer a cualquiera que vibre con Buraka Som Sistema, M.I.A., el grime británico y los autos de choque. Ahora bien, si son ustedes de aquellos a los que les preocupa lo que piensen los demás, no se acerquen. No vaya a quedar su reputación en duda. Joan S. Luna

MondoSonoro · Abril 2012 /47/

CABALLERO REYNALDO Y EL VISIONARIO DE LA LUPA ”Nuevos romances antiguos” Hall Of Fame

FOLK

1114

A las travesuras de Luis González al frente de su inveterado proyecto de siempre, Caballero Reynaldo, hay que darle de comer aparte. Aun a riesgo de irritar a cualquier investigador de música medieval, lo que estos romances antiguos evidencian, una vez más, es una irónica, erudita y descacharrante revisión sonora de los antiguos romances del medievo, tanto en unos textos que recuperan modismos de la época como en unas composiciones que rezuman una singular exquisitez, un desprecio absoluto (y deliberado) a las modas y a las coyunturas, cifrado en el tete a tete entre las voces y letras de Luis G. y las guitarras, mandolinas y flautas de Manoel Macià, integrante de su inimitable escudería utielana. Y aromatizándolas con ecos del folk británico primigenio y también del estatal. Rebozando la tradición de contemporaneidad con retranca, como un M Ward hispano a quien se le hubiera extraviado el retrovisor unos cuantos siglos, o como unos XTC pasadísimos de rosca, saciados de ese barroquismo que a veces retorcía sus mejores obras: así es la apuesta de estos benditos tarados. Carlos Pérez de Ziriza

BRANDAUER

”Antiguas ilusiones/Nuevas decepciones” Autoeditado

ROCK

111

Con el power pop como base sobre la que asentar sus cimientos Brandauer nos ofrecen su debut con una marcada corrección como uno de sus mayores logros. En formato trío y grabado con Paco Loco en sus estudios de El Puerto de Santa María, Brandauer consiguen sacar adelante diez temas en primera persona con el objetivo de zafarse ,eso sí, de algunas de las sombras alargadas que parecen acompañarles para bien o para mal, a saber: aquellas de Hüsker Dü, Sugar o Superchunk. Sin embargo, y para acompañar a la electricidad de “Y tú, si quieres...” o “Quédate el cambio” se sirven de un cierto regusto acústico que les permite desahogar el contenido de este “Antiguas ilusiones/ Nuevas decepciones” en temas como “Prefiero seguir con dudas” o “Cosas que no puedes cambiar”, dotando al conjunto de lo que puede ser calificado como un disco de profesional factura, agradable consumo, fácilmente asimilable y de una cicatrización que la propia banda seguro se encargará que sea cada vez más larga en futuras entregas.

Ignacio Pato L.

VV. AA

“Beatles Mania” Naïve

POP

1114

El número de tributos que se han editado de The Beatles debe ser incalculable. Y entre ellos incluso una banda sonora como la de “I Am Sam”, en la que músicos contemporáneos del pop-rock que estaban en el mejor momento de sus carreras aportaban sus versiones de los cuatro chicos de Liver-

pool, siendo el resultado excelente. Esto en cambio va por otros derroteros, aunque el resultado es también satisfactorio. Con una presentación de lujo y con la selección de Béatrice Andersson -en esta serie hizo las de Bob Dylan y David Bowie- , este producto se centra más en el jazz, el soul, la música de raíces e incluso música brasileña con representantes como Caetano Veloso y Sergio Mendes. Dividido en dos partes, en la primera hay material más antiguo y de artistas más conocidos como pueden ser Nina Simone, Stevie Wonder, Ella Fitzgerald o Al Green. Y en el segundo son nombres pujantes y con propuestas más arriesgadas.

Una combinación atractiva y original para un disco que es el regalo ideal cuando no sabes que comprar y que será pasto para todos los amantes de las canciones de The Beatles. Y más ahora cuando Martin Scorsese ha vuelto a encender la llama con el documental que ha filmado sobre la vida y la carrera de George Harrison. Toni Castarnado

vinilos

el pop místico de julia holter

DRC MUSIC

“Kinshasa One Two” Warp/Pias

URBAN

1114

El recurso africano en el indie actual se ha extendido con cierto talante moroso. Una vez más, el demonio blanco recurría a la fuente primera para revitalizar un pop ahogándose en la homogeneidad, sin una verdadera voluntad por entender o dar a conocer el rico acervo musical del continente, apenas nutriéndose del mero exotismo, un concepto completamente etnocentrista. Hay excepciones, claro, y Damon Albarn es una de ellas. Si algo se respira en sus repetidas aventuras en Mali y ahora en la República Democrática del Congo, es una genuina curiosidad y la voluntad de establecer un diálogo de igual a igual entre músicos procedentes de varias culturas. Sé que suena a mamarrachada namasté, pero qué le vamos a hacer. El debut de DRC Music se grabó en cinco días, con productores británicos y americanos (Richard Russell, capo de XL Recordings, Jneiro Jarel y Dan The Automator, entre otros hasta diez) y músicos locales. De ahí que “Kinshasa One Two” suene fresco y bullicioso, menos un disco que una colección de intercambios imperfectos. Sólo “Halo”, necesario single con gancho estratégicamente colocado al inicio del álbum, puede ser considerada una canción en el sentido occidental del término. El resto, por supuesto, es mucho mejor.

Joan Cabot

Julia Holter Foto Rick Bahto

JULIA HOLTER “Ekstasis” RVNG

POP

11114

Transita Julia Holter por paisajes que están a medio camino de la fantasía y los mitos clásicos, despegada por completo de las preocupaciones mundanas y empeñada en crear un cuerpo de obra a partir de la ingravidez. Aunque lleva desde 2008 publicando discos en formatos tan poco amigables como el CD-R o la cinta de cassette, la mayor parte de nosotros conocimos hace ahora cosa de un año con “Tragedy”.

De los últimos días de aquellas sesiones surge aho-

THE HUNDRED DAYS

AZUSA PLANE

WE ARE AGUSTINES

Antipop

Rocket Girl

EMI

“Where The Sands Turn To Gold”

“Really?”

BLITZ THE AMBASSADOR “Native Sun” Embassy MVMT

RAP

1114

A veces para ir adelante hay que mirar atrás.

Es la máxima que ha seguido “el embajador Blitz” en su segundo largo. Vuelve su mirada hacia su Ghana natal y recupera, para su hip hop contemporáneo, revulsivos ritmos africanos. “En-Trance”, el tema que abre el disco, es un perfecto ejemplo, una intro jazz que crece rítmicamente a través de un vital afrobeat, para pasar a un potente funk con un rapeo intenso y efectivo. A diferencia de otros trabajos de hip hop en los que la producción es un arma, aquí es la orquestación la que le da gran envergadura a su música, haciendo que todo suene orgánico, sugerente y muy variado. Este rapero y reconocido artista visual establecido hace unos años en Brooklyn, se ha ganado el respeto de sus coetáneos. De nuevo, múltiples invitados, pero con mayúsculas: de Keziah Jones a Chuck D. Letras panafricanas, poesía callejera de lucha social y mucha emoción para una carrera en plena ascensión. Miguel Amorós

ra “Ekstasis”, una colección de diez canciones que curiosamente resulta lo más corpóreo que la joven artista de Los Angeles ha publicado hasta la fecha.

Comenzando por el excelente trabajo vocal de “Marienbad”, recreación pop de la película de Alain Resnais en el que la vocecilla de la Holger se desdobla imitando a una coral barroca, y cerrando con el tema en que da título al disco, que tal y como ocurría en “Tragedy” vuelve a fijarse en Eurípides y la Grecia Clásica. Parece inevitable que se la vincule con la avalancha de adoradoras de Kate Bush, pero en realidad las musas que visitan a la Holter estuvieron instaladas en la cabeza de los místicos de los ochenta: Virginia Astley o Cocteau Twins. Luis J. Menéndez

POP

11

Con este primer disco, los estadounidenses The Hundred Days se lanzan a hacer algo terriblemente arriesgado en la música actual: circunscribirse a un estilo de una manera total y absoluta, consagrándose totalmente a ese sonido estándar ya escuchado mil veces y que admite poca variación. En su caso es el rock bailable, el mismo que aupó a los altares a gente como Franz Ferdinand o The Killers y dejó en el camino a docenas de bandas que intentaban sonar igual que los cabecillas, pero no estaban a la altura. Pues bien, The Hundred Days se enmarcan dentro del segundo grupo, el de los perseguidores que lo más probable es que no lleguen a la meta. Su indie rock de guitarras con destellos electrónicos orientado a la pista de baile tiene ritmo, un poco de clase y es pegadizo, pero también es olvidable, obvio y nada sorprendente, el problema más común cuando tu música parte de influencias que ya vivieron su mejor época y no tienes creatividad suficiente para construir un sonido propio o dar una vuelta de tuerca a los ya existentes. Definitivamente mediocres, pasarán desapercibidos, seguro. Hay tantos. Daniel Arnal

EXPERIMENTAL

1114

Azusa Plane era el proyecto personal de Jason DiEmilio, que tras una serie de problemas de salud puso fin a su vida en 2006.

Ahora Rocket Girl le rinde un sentido homenaje con este precioso boxset que rescata del olvido seis horas de música planeadora, en la que queda clara la vocación de DiEmilio como explorador de las posibilidades de la guitarra eléctrica, en la línea de músicos como Roy Montgomery o Loren MazzaCane Connors. Pero rasquemos un poquito más a propósito de todo lo que ofrece “Where The Sands Turn To Gold”. Empezando por dos álbumes que bucean en su discografía oficial, repartida entre referencias en Colorful Clouds For Acoustics, Camera Obscura, Shrimper o K-raa-k, todo perfectamente anotado y explicado en un libreto de ochenta y cuatro páginas. Aunque la verdadera joya de este lanzamiento es el tercer disco, un DVD que contiene un actuación íntegra de Azusa Plane en formato trío. Técnicamente no es como para tirar cohetes, registrada con una cámara fija y sonido al aire, pero recoge con fidelidad el carácter ensimismado a veces, feroz otras, del grupo. Luis J. Menéndez

“Rise Ye Sunken Ships” ROCK

111

Los seguidores del indie lo-fi de The Walkmen o de Cold War Kids, preciosista y rastreador de melodías de entre las emociones, están de enhorabuena. Llega desde Brooklyn un trío que hará las delicias de todo aquel que se sienta atraído por la búsqueda intensa de afección y vigor compositivo, a medio camino entre la intensidad subyugante de The National y el timbre acuciante de Blue October. La historia que marca el nacimiento de la banda es de las que gustan a blogueros y amigos del cotilleo indie. El compositor y cantante del grupo, Billy McCarthy, tuvo que lidiar hasta hace poco con un hermano drogadicto y esquizofrénico, que después de pasar por múltiples reformatorios y psiquiátricos, acabó ahorcándose en uno de ellos. Pocos años antes también había pasado a mejor vida su madre, adicta a las drogas y desviada mental, que sucumbió a una sobredosis de pastillas y cocaína mientras se refugiaba en un centro para vagabundos, dejando huérfano a Billy y sus hermanos. Drama que deja la vida de Mark O. Everett a la altura de un cuento de Disney, y que sirve de punto de partida para que McCarthy proyecte un ejercicio de redención y superación. Robert Aniento

mondorecomienda

/49/ Abril 2012 · MondoSonoro

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELÍCULAS ★ CLIPS ★ documentales

Michael Shannon en “Take Shelter”

cine

JEFF NICHOLS

Horror cósmico Alumno aventajado de Terrence Malick, Jeff Nichols es una de las voces más personales del nuevo cine americano, y por fin llega a España uno de sus filmes. “Take Shelter” es un complejo drama de tintes fantásticos que recoge el testigo del Peter Weir más telúrico. No lo dejen escapar.

N

ichols nos atiende vía telefónica, y en el momento de la entrevista se encuentra a un paso de la sala de edición en la que está montando su nueva película, “Mud”. “Es una historia de amor entre dos adolescentes”, comenta. La historia de “Mud”, al igual que dos películas anteriores, “Shotgun Stories” (inédita en España) y “Take Shelter” (en los cines a partir del 4 de abril), transcurre en la América profunda. ¿De dónde procede esa fijación por los ambientes rurales? “Crecí y me crié en Arkansas, así que conozco el territorio y entiendo a la perfección lo que pasa por ahí. Otra razón es que, como cineasta, me gusta que mis películas sean bonitas y épicas, así que, como no trabajo con grandes presupuestos, las grandes panorámicas y las localizaciones increíbles de esas zonas de los Estados Unidos le dan un valor añadido a mis filmes. El impacto de la naturaleza y los paisajes le dan ese toque épico”. Película sobre un padre de familia normal (interpretado de forma soberbia por Michael Shannon) que de repente empieza a enloquecer debido

a unas extrañas pesadillas sobre un posible desastre natural que acabara con todo (¿el Apocalipsis?), la película de Jeff Nichols recuerda en espíritu a las grandes obras maestras del fantastique australiano más telúrico. Cintas en las que la naturaleza era un personaje más y no simplemente un entorno agradable donde enmarcar la acción. “’Take Shelter’ habla de la espiritualidad y de la conexión entre el hombre y la naturaleza, ese lazo supremo que los une”. En relación con esto último, es de justicia reconocer el parecido que guarda “Take Shelter” con “La última ola”, obra magna de Peter Weir en la que un abogado de Sídney (un inolvidable Richard Chamberlain) también sufría extraños sueños proféticos.

“Soy un gran fan de Peter Weir e incluso una vez comí con él, pero te puedo asegurar que vi ‘La última ola’ después de terminar el rodaje de ‘Take Shelter’.

Soy consciente de que el argumento es muy parecido. De hecho, hacia la mitad del rodaje de mi película, uno de los productores me comentó esas similitudes y estuve apunto de dejarlo todo (risas)”.

Menos mal que no lo hizo. El resultado de seguir con el rodaje es un complejo drama con toques fantásticos que es capaz de hermanar la lírica visual de Terrence Malick con la dureza emocional de Werner Herzog. Eso sí, sin ser especialmente castigadora. Hay lugar para la esperanza. “Personalmente, pienso que películas como ‘Requiem por un sueño’ de Darren Aronofsky, a pesar de tener una factura brillante, son deshonestas con el espectador. No entiendo esos filmes en los que todo es muy deprimente y no hay escapatoria. Por eso mis películas, por

que interpreta a los tres niveles: físico, mental y emocional. Si quiere puede ser una persona normal, y más que memorizar el guión lo analiza. Dos cosas más, nunca ensaya y siempre saca la escena en la primera toma”. Continúa. “Mira, la verdad es que a él le gusta lo que le escribo y a mí me gusta como lo dice (risas)”. Siguiendo con el casting, otro de los aciertos de la película es la elección de Jessica Chastain, que interpreta de forma brillante a la sacrificada mujer del protagonista. ”Es el personaje más poderoso de ‘Take Shelter’. La elección

"Habla de la espiritualidad y de la conexión entre el hombre y la naturaleza" muy duras que sean, siempre hablan de la esperanza como concepto. Me podría haber ensañado con el personaje de Michael Shannon en ‘Take Shelter’, no sé, meterlo en un sanatorio por ejemplo, pero no lo hice. Mi película es dura, hay ansiedad, miedo, pero también esperanza, de hecho todas esas emociones se encuentran en la naturaleza humana”. Ahora que ha salido el nombre de Michael Shannon, ¿que nos puede contar Nichols del que es su actor fetiche?

“Michael Shannon es el mejor actor de la actualidad, y eso no admite discusión.

Trae complejidad a todos los personajes

de la actriz que lo tenía que encarnar fue todo un reto, ya que debíamos encontrar a alguien que fuera capaz de competir con Michael Shannon, el mejor actor del mundo (risas). Chastain entró en el proyecto gracias a que uno de los productores ejecutivos de mi película también lo era de ‘El árbol de la vida’. Jessica vino al set y la primera vez que la vi me sorprendió lo natural y real que era. Quiero actores que parezcan personas normales, de hecho, las estrellas de cine no me interesan porque no aparentan ser personas normales”. ■ Xavi Sánchez Pons

El hombre y la Tierra, 5 terrores naturales en el cine “Los pájaros”

“La última ola”

“Largo fin de semana” “Fitzcarraldo”

“Meek’s Cutoff”

(Alfred Hitchcock, 1963)

(Peter Weir, 1977)

(Colin Eggleston, 1978)

(Werner Herzog, 1982)

(Kelly Reichardt, 2010)

Tras encadenar tres obras maestras del calibre de “Vértigo”, “Con la muerte en los talones” y “Psicosis”, el maestro inglés se reinventó con esta película de terror atávico donde hasta el más tierno pajarillo se convertía en una bestia asesina. Una enigmática rebelión de la naturaleza que servía de marco a un triángulo amoroso enfermizo.

Junto a “Picnic en Hanging Rock”, también de Weir, forma la dupla de películas que mejor ha sabido plasmar el respeto y terror que podemos llegar a sentir ante unas fuerzas telúricas que se nos escapan. Jeff Nichols ha sabido recuperar el espíritu de esta obra maestra del director australiano sin recurrir a la simple copia.

Una pareja urbanita –y bastante odiosa- en plena crisis afectiva decide pasar un fin de semana de camping con la intención arreglar el asunto. Tras acampar y sufrir unos extraños percances, hasta el arbusto más inofensivo que se convertirá en una amenaza. Clásico de culto, M. Night Shyamalan se fijó en ella para dar forma a la infravalorada “El incidente”.

Al igual que Michael Shannon en “Take Shelter”, Klaus Kinski, protagonista de “Fitzcarraldo”, se ve arrastrado por una extraña obsesión que nadie más parece compartir. En este caso, construir un teatro de ópera en plena selva amazónica. Una desafío a las fuerzas de la naturaleza que acabará en desastre.

Hasta cierto punto hermana gemela de “Take Shelter”, primero por ser también una obra hecha a contracorriente, y segundo, por apostar por el fantastique más atmosférico y sui generis, la tercera y mejor película de Reichardt es un western atípico que también se inspira en Peter Weir. Concretamente en “Picnic en Hanging Rock”. ■ X. S. P.

mondoRECOMIENDA /50/ Abril 2012 · MondoSonoro DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

cómic Macky Chuca Foto Archivo

comics Lo mejor de Carlitos y Snoopy Charles M. Schulz Debols!llo (1111)

Mientras Planeta DeAgostini lleva a cabo una rigurosa publicación cronológica que va ya por su noveno volumen, Debols!llo les ofrece a los perezosos la oportunidad de hacerse con esta antología que recoge los mejores momentos a lo largo de las cinco décadas durante las que se ha publicado la tira de prensa más popular en el mundo entero. L.J.M.

Mister Wonderful Daniel Clowes Reservoir Books(1114)

Daniel Clowes continúa en racha. Sus obras nunca decepcionan, ahora bien, el tono de “Mister Wonderful” es mucho más positivo que de costumbre. Apenas hay acritud, por mucho que leamos lo que realmente pasa por la cabeza de Marshall, el protagonista.

Pues eso, recomendado de nuevo. Joan S. Luna

De postre

Mauro Entrialgo Fulgencio Pimentel (1111)

MACKY CHUCA

Entrialgo para todos los públicos (esto es, adiós a los chistes sobre sexo y drogas) y condensando todavía un poco más su habilidad para sacar punta a lo cotidiano, por mucho que dinosaurios, monstruos de la Universal y trekkies sigan poblando sus páginas.

No le sienta nada mal ese formato de chiste de prensa, no señor L. J. M.

literatura desde el bajo vientre

The Last Days Of American Crime Remember & Tocchini Dolmen (111)

Que existe vida en el thriller es algo que no ponemos en duda, lo que ocurre es que nunca está de más encontrarse con ejemplos como esta obra firmada por Rick Remender y dibujada con personalidad por Greg Tocchini. Algo futurista y violento, pero bastante imaginativo. Ernesto Bruno

La cantante de los punk-rockers mallorquines Mostros debuta con su primer libro de relatos, “La reina del burdel”, publicado por La Noche Polar/Sloper y con el que ha ganado el VIII Premio Café Món, en el que ofrece una visión de la infancia visceral e hipersexuada.

La Reina del Burdel

Patrulla 142

Mike Dawson La Cúpula (1111) En esta nueva obra, ganadora de un Premio Ignatz, el autor de “Freddie y yo” vuelve a los años de juventud para dar forma a un cómic entretenidísimo (con su parte de humor y su parte más dramática) que, sobre todo, deja clara una cosa: la vida a los dieciséis es fantástica cuando se recuerda, no cuando uno la está viviendo.

Joan S. Luna

Paul va de pesca Michel Rabagliati Astiberri (11114)

En el cuarto de los volúmenes protagonizados por Paul lo que parecen unas vacaciones en el lago se convierten en la excusa para que el autor canadiense complete su álbum más emotivo hasta la fecha, en el que con el tono amable de siempre se plantean cuestiones que van desde la paternidad a la ecología o la desindustrialización de Occidente. L.J.M.

La industria de los sueños Paco Alcázar ¡Caramba! (1114)

Recopila la tira humorística que Alcázar lleva varios años realizando para la revista Cinemanía, en una versión amable, absurda y (al tratarse de un encargo no podía ser de otra forma) cinéfila del humor cabrón que le ha convertido en orgullo del cómic undergound patrio. Aun sin estar a la altura de Silvio José, te harás unas risas L.J.M.

Comedia sentimental pornográfica Jimmy Beaulieu Sins Entido (1114)

El primer cómic de Jimmy Beaulieu publicado en nuestro país es un voluminoso compendio de fantasías sexuales narradas con maneras de “slice of life”, trazo amable y bonitos a la vez que sencillos experimentos a la hora de aplicar el color. La deuda con L’Association y autoras como Aurélia Aurita es palpable L.J.M.

Macky Chuca La Noche Polar/Sloper

A

l principio fue el punk: cuando Macky Chuca (Buenos Aires, 1973) se instaló en Mallorca se trajo a Mostros en el equipaje. El grupo acaba de publicar su nuevo largo, “Crop Circle Blues” (Flying Peluca, 2012) en vinilo, tras regar el año pasado con una serie de splits que han hecho más llevadera la espera.

Pero hoy hemos venido a hablar de su libro, su primer libro, “La reina del burdel”, colección de relatos ganadora del VIII Premio Café Món. “Me gusta más el punk que la literatura punk”, sonríe ella. “En mi caso no tiene nada que ver una cosa con otra. Mi forma

de escribir canciones está acotada por la música.

Nunca me siento a escribirlas. Suelo dejarme llevar por lo que sucede durante el ensayo. En cambio sí que me siento a escribir cada día con cierta disciplina”. Sus relatos, que giran en su debut en torno a la infancia y el descubrimiento sexual, apuntan al bajo vientre en una serie de breves asaltos que podrían ser perfectamente comparados a canciones rock. “Todavía estoy empezando, pero si hay algo que busco conscientemente es precisamente eso: atacar a las vísceras antes que a la cabeza. En el libro hay mucho de niña pequeña que se levanta la falda.

Me interesaba hablar de esa época en la que se crean los primeros afectos y en la que se forman algunas insatisfacciones que nos acompañarán toda la vida”. Por supuesto, hablamos de una infancia femenina y de una visión de la sexualidad sin corsés que termina siendo uno de los elementos más destacables de un libro que se ha convertido en una pequeño acontecimiento local en la isla. “Por lo que he visto hasta ahora en la literatura se da el mismo grado de puterío que en cualquier otro gremio”. n Joan Cabot

VIDEOJUEGOS FIFA Street

PS3, X360, PC, PS2, Game Cube y Xbox Electronic Arts

Risen 2: Dark Waters Ps3, X360, y PC Piranha Bytes

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Después de tres años de descanso regresa el mejor juego de fútbol callejero de todos los tiempos, y vuelve con una fuerza impresionante, unos gráficos muy realistas, una gran cantidad de jugadores, con los que puedes hacer muchísimos regates diferentes. Varios estilos de partido desde 1v1 hasta 6v6, fútbol sala, jugar con o sin portero, y el nuevo rey de la pista. La música como siempre muy bien elegida. Imprescindible para los fans del fútbol.

■ Albert Miró

El nuevo juego de rol de los creadores de “Gothic” es una aventura de piratas que transcurre en varias islas que deberemos ir visitando y explorando con nuestro barco pirata. Cada isla tiene su clima y su fauna propia. También habrán monstruos marinos contra los que pelear y sobre todo una interesante historia llena de lucha y magia. Con unos gráficos impresionantes y unos personajes muy elaborados y bien hechos. Un juego muy recomendable para los seguidores del rol. ■ A. M.

MondoSonoro · Abril 2012 /51/

mondoRECOMIENDA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

Libros

Leticia Dolera en “[REC] 3 Génesis” Foto Archivo

cine

El niño perdido Thomas Wolfe Periférica (11111)

Pequeña obra maestra de uno de los grandes escritores norteamericanos del siglo XX. Con la muerte del hermano niño como excusa, Wolfe despliega su prosa emocionada y profunda, dibuja mágicamente el paso del tiempo y el fluir del mundo con una lírica preciosa, y teje con estos hilos una historia que es una oda a la palabra y al arte de narrar. Maravilloso. Daniel Arnal

1001 cómics que hay que leer antes de morir Paul Gravett Grijalbo (11114)

Aunque espero vivir algún tiempo más, me gustaría haber leído ya estos mil y un cómics. Los hay para todos los gustos y paladares, pero –y se me ocurren pocas excepciones- todo lo que aquí se recoge es recomendable. Un libro cronológico necesario para equiparar el cómic a otros artes más respetados. Que alguien se lo recomiende a Vicente Molina Foix, por favor. Joan S. Luna

Johnny Burnette. ¡¡A todo rock!!

Carlos A. Del Bosque Milenio (114)

PACO PLAZA

Pocas editoriales pueden alardear de una colección musical tan amplia y variada. Con esta biografía prolija en fechas, datos, pies de página y un tono informativo y enciclopédico, Johnny Burnette entraría de calle en la Real Academia de la Historia del Rock & Roll.

Léase mientras se escuchan “The Train Kept A-Rollin”, “You’re Sixteen” y otros clásicos básicos. Luis Argeo

La novia ensangrentada

Nick Cave. Confesiones íntimas de un santo pecador

Tras dos entregas que volvieron a poner al cine de género nacional en lo más alto, llega la esperada “[REC] 3 Génesis”, una película que dinamita la saga a base de litros de sangre, humor cañí y mala hostia. El cine de terror patrio por fin se suelta la melena.

VV. AA. Global Rhythm (111)

Mat Snow compila una serie de entrevistas publicadas en medios como Mojo o NME por diferentes plumillas -de Kris Needs a Simon Reynolds- y que completan una entretenida panorámica de la vida y obra de Nick Cave. Con un “pero” importante: una pésima traducción por alguien que evidentemente es ajeno al contexto rock y a su literatura. L. J. M.

Cleptopía

Matt Taibbi Lengua de Trapo (1111) Si estás cansado de que políticos y economistas sigan repitiéndote a la cara eso de que la crisis actual es básicamente el resultado de tu codicia, este libro te va encantar. Con un estilo directo y llamando a las cosas por su nombre, Taibbi explica los desmanes y excesos de los peces gordos que controlaban el mundo de las finanzas y ahora están viviendo como reyes a costa de tu dinero y de la poca credibilidad que le quedaba a la democracia. Joan Cabot

A

l habla Paco Plaza, co-director de las dos primeras “[REC]” junto a Jaume Balagueró, que ahora se ha encargado solito de dar forma a la tercera parte de la saga. “La única intención era desconcertar, intentar sorprender. El éxito del primer ‘[REC]’ básicamente era que la gente no sabía que iba a ver. Con Luiso (Berdejo, guionista de esta tercera parte) teníamos claro desde un principio que teníamos que colocar al espectador en un punto en el que no esperaba. Para nosotros no tenía sentido hacer una secuela para exprimir el filón, hacer una más tirando de marca. El desafío creativo era intentar reinventar la franquicia”. Con la vista puesta en el cine de terror de serie B, a veces con un salvajismo digno de la mejor serie Z de la Troma, la película es un festival de referencias cinéfilas que van de Sam Raimi a Sergio Leone. “La

idea era hacer una película muy pulp. El cine de terror de los ochenta es lo que más me ha gustado siempre, y Luiso y yo no queríamos hacer una revisión por encima del hombro, sino hacer una carta de amor a John Carpenter, a Lucio Fulci, a las películas que realmente nos emocionaron cuando éramos adolescentes. Queríamos que funcionara como una carta de amor a la serie B”.

Eso sí, si en algún espejo se ha mirado Plaza es en “El ejército de las tinieblas” de Sam Raimi. De hecho la heroína interpretada por Leticia Dolera viene a ser una versión femenina del Ash de Bruce Campbell. “Antes de empezar el rodaje Luiso y yo recuperamos ‘El ejército de las tinieblas’, que es el referente más claro para ‘[REC] 3’. Para mí es la mejor tercera parte de la historia”. n Xavi Sánchez Pons

El túnel

Friedrich Dürrenmatt Alpha Decay (1111) Dürrenmatt, una suerte de azotador de su plácida Suiza natal, hizo en este cuento -original de 1952 pero revisado un cuarto de siglo más tarde- una pieza metafórica y apocalíptica a través del relato fantástico de un túnel interminable y un tren desbocado. El brillante autor de “La promesa” rezuma existencialismo sin prescindir de su característico sarcasmo. La edición incluye, además, el final original y un extenso epílogo de Juan de Sola que desmenuza el texto. J. Picatoste Verdejo

LIBRO Neil Strauss, maestro de la entrevista

Barcelona, del rock progresivo a la música layetana y Zeleste Álex Gómez-Font Milenio (1111)

Sumergido en la escena catalana de los setenta y centrado en la mítica sala Zeleste de la calle Argenteria y sus periferias, este interesantísimo y muy exhaustivo relato de su historia, desarrollo, muerte y consecuencias, aporta multitud de datos, sus nombres propios y opiniones de sus mismos protagonistas, iluminando de manera bastante amena este importante pedazo de nuestra historia musical. Francesc Feliu

Submarino

Joe Dunthorne Suma de Letras (1114) Tiendo a no fiarme de ningún libro que contenga comparaciones con “El guardián entre el centeno” en su contraportada, pero en el caso de la novela del galés, al menos parecen comprensibles: Oliver Tate es uno de esos personajes contradictorios que despiertan cariño y odio a partes iguales y su historia es la de cualquier adolescente al que le cueste entender que el amor y la pérdida no son algo absoluto.

Joan Cabot

S

i no estuviésemos en una revista especializada en música quizás me referiría a Neil Strauss como el autor de ese libro superventas para ligar que es “El método”, pero esto es MondoSonoro, así que cambiemos de tercio y vayamos a lo que nos interesa. A Neil Strauss le tenemos en un altar sobre todo por ser el autor de uno de los mejores libros sobre una banda que se hayan publicado en los últimos años, el imprescindible “Los trapos sucios” (búsquenla en otra editorial, Es Pop), sobre los sleazy hard rockeros Mötley Crüe. Súmenle ahora otro libro divertidísimo, plagado de momentos para el recuerdo: “Todos te quieren cuando estás muerto”, publicado por la recién nacida editorial Contra, de la que les hablamos por primera vez el mes pasado. Aunque mejor centrémonos en este volumen de casi seiscientas páginas. ¿Cuál

es su principal gracia? Bien, pues dejando a un lado la sorprendente lista de artistas variopintos entrevistados (desde Madonna a Judd Apatow, de Bruce Springsteen a Lady Gaga, pasando por Ben Stiller, Trent Reznor, Julian Casablancas y un largo etcétera), es la selección de momentos reveladores, de conflictos transcritos sobre papel, de chispazos que convierten una entrevista en algo especial: hay quien habla de problemas con las drogas, otros de intentos de asesinato, los de más allá de terapias psicológicas, algunos sobre relaciones personales, incluso hay quien se nos descubre como hijo de extraterrestres. Diversión garantizada. Y espabilen, porque cuando ve la luz en nuestro país un libro como “Todos te quieren cuando estás muerto” no hay que dejar pasar la oportunidad. n Joan S. Luna

conexiones

/53/ Abril 2012 · MondoSonoro

Growmed <> Vvaa

The Kooks Foto Archivo

Growmed es la Feria del Cannabis que tendrá lugar los días 20, 21 y 22 de abril en Valencia y en la que se pretende dar un giro a lo que viene siendo habitual en este tipo de eventos. Una de las principales diferencias con respecto a otras citas de este estilo es la apertura de una Enjoy Area en la que tendrán lugar diversos tipos de actividades culturales y de ocio, por supuesto muchas de ellas relacionadas con la música. Por ejemplo allí estarán actuando en directo Rat Vidal, Mighty Mike (Blueskank) además del DJ Víctor Santana, encargado de ponerle banda sonora a la Feria. ■

Beefeater <> The Kooks Beefeater London Sessions transformó el pasado 20 de marzo uno de los templos sagrados del flamenco en Madrid, el castizo Corral de la Pacheca, en un escenario digno del Soho londinense. Beefeater ha unido a artistas de la talla de The Kooks, Emeli Sandé y Baxter Dury para ofrecer un concierto gratuito en la mítica sala madrileña para un aforo reducido, un concierto íntimo que lo convirtió en un evento muy especial. Además, ha sido la primera vez que hemos visto en España a Emeli Sandé, la nueva estrella de la música británica que lleva varias semanas consecutivas en el número uno de las listas del Reino Unido, del que ha desbancado a Adele. ■

Juanita y Los Feos Foto María Blanco

4ct7tud <> Live Nation & Hard Rock

Sailor Jerry <> Juanita Y Los Feos

Dos marcas de reconocido prestigio internacional en el mundo de la música se unen para ofrecer conciertos de calidad para bandas emergentes y abiertos al público en general, enfocados a apoyar la música y descubrir talentos.

Se trata de la promotora de conciertos Live Nation y la sala de conciertos y restaurante Hard Rock Café Madrid, que prepara un ciclo de conciertos al que han llamado 4ct7tud y del que por el momento no se han hecho oficial los nombres de los participantes. El primer concierto de este programa tendrá lugar el 26 de abril y continuará el 24 de mayo y el 28 de agosto, para seguir tras el verano. ■

Zildjian <> Drummer Love Europe En abril de 2011 arranca con éxito en Estados Unidos la primera edición del concurso para baterías Zildjian Drummer Love. Un año más tarde Zildjian lanzará por primera vez el Drummer Love en seis países de Europa: Reino Unido, Irlanda, Francia, Alemania, Rusia y, por supuesto, España.

El Drummer Love Europe comienza oficialmente el 2 de Abril y estará en funcionamiento hasta el 30 del mismo mes. Durante ese tiempo bateristas de estos países deberán visitar www.Zildjian.com/drummerlove y subir el vídeo donde aparezcan tocando además de una pequeña historia describiendo por qué tocan platos Zildjian o les gustaría tocarlos. ■

El Tour Sailor Jerry 2012 arranca desde ya con bandas como Juanita y Los Feos, Mujeres, Nu Niles o Chiquita y Chatarra. La primera de esas fechas tuvo lugar el pasado 29 de febrero, con música en directo, una pinchada a cargo de nuestro redactor jefe y una competición de bolos en la que MondoSonoro luchó a brazo partido contra gente del sector musical como Subterfuge, Rolling Stone o los chicos de la promotora Live Nation, que terminarían llevándose el trofeo a casa. Finalizamos en un honroso cuarto puesto. ■

Pepsi <> Calvin Harris

Chevrolet <> Ok Go

Telefónica <> Editorial

Pepsi presentaba su nueva campaña para 2012 el pasado 27 de febrero, y entre deportistas famosos como Messi, Drogba, Torres, Lampard, Wilshere o el ‘Kun’ Agüero, también se suma a la campaña Calvin Harris, quien llegó a ser portada de esta publicación hace ya unos años.

Chevrolet se alía con OK Go para lanzar un coche pequeño en un mercado “grande”. El vídeoclip de “Needing/Getting” ha conseguido en tan sólo dos días 3,4 millones de clics según el balance hecho por el fabricante de coches Chevrolet en colaboración con la banda.

Telefónica España acaba de crear Editorial Musical de Movistar, una editora musical que pretende potenciar repertorios nacionales e internacionales y difundir las obras de sus autores. Para ello, ya está firmando acuerdos de cesión de derechos.

Desigual <> John Talabot

43 Music <> Bravo Fisher!

Para las nuevas Friends & Family Sessions Desigual no ha reparado en gastos y no sólo proporciona a sus usuarios un veinticinco por ciento de descuento sino que ha tenido pinchando en sus tiendas a John Talabot, Pional, Ángel Molina y Music4girls.

El sello digital de Licor43 sigue buscando a grupos y DJ para hacer realidad sus sueños en www.Music.Licor43.es. La presentación de esta nueva edición tuvo lugar con un concierto en exclusiva a través de Facebook con Bravo Fisher! y Chinese Christmas Cards.

Red Bull Tour <> Grupos noveles Arranca la segunda edición de Red Bull Tour Bus Indomesticables, convocatoria para bandas noveles residentes en España de música pop, rock y experimental. Las bandas que quieran participar podrán inscribirse en la web www.redbulltourbus.es/ indomesticables entre el 14 de marzo y el 23 de abril. n

mondoweb

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/54/ Abril 2012 · MondoSonoro

ENTREVISTA FAN

LOS BLOGS Uno entre un millón

Jero Romero Foto Archivo

M83 y Beach House...

jero romero Ha pasado ya una larga temporada desde que Jero Romero era la cara más visible de una banda, han pasado unos meses desde que anunció su nueva aventura en solitario y algo menos desde que se autoeditó “Cabeza de león”. Todo ello es motivo más que suficiente para que le remitamos algunas preguntas hechas por sus fans, nuestros lectores.

Jose Luís Pérez. ¿Qué conservas de la ilusión del primer concierto en Moby Dick con Sunday Drivers?

De aquella ilusión, nada. Es imposible. Han pasado doce años. Pero espero que se me entienda, tengo otra ilusión diferente y muy grande, pero no son comparables. Dentro de doce años no quedará nada de la de hoy. Lo que conservo es un recuerdo imborrable y precioso.

ta curiosa. ¿El mejor de sus defectos y la peor de sus virtudes?

Eso habría que preguntárselo a los que me aguantan todos los días. Yo no me conozco tan bien. Por favor, no se lo preguntes.

Después del éxito que obtuviste, animarías a otros cantantes a utilizar verkami.com para que sus seguidores financien su disco?

Animaría sólo a barajar el crowdfunding como una opción. Sólo eso. Creo que habría que analizar cada caso o cada proyecto en particular.

Olaia La Nena. ¿Queda algo en tu nuevo trabajo del espiritu de The Sunday Drivers además de tu voz?

No lo sé bien. En Sunday Drivers también componía canciones, y el modo de componer y mis gustos tampoco han variado mucho. Así que algo de eso quedará.

Soleá Góngora Arias. Os dejo una pregun-

Ivana Pérez Sierra.

WEB

Tino Puertas. ¿Cuál es tu grupo español favorito? ¿Y cuál crees que es el mejor letrista?

No tengo un grupo favorito aunque hay muchos que me gustan. Sí tengo letristas favoritos, cuyas letras siempre me gustan: Santi Balmes, Santi Campos, Josele Santiago, Miren Iza...

Pat Muñoz. Si pudieras arreglar un error que hayas cometido en tu carrera hasta ahora, ¿cuál sería?

Tomarme en serio.

Suso Miguel Santana.

Ivana Pérez Sierra. ¿Qué modelo defiendes? ¿El de explotación de derechos de autor o el de libre circulación con Creative Commons?

Creo que requiere una respuesta muy amplia y que las cosas no suelen ser blancas o negras, así que te contesto con un lugar común, una gran generalidad. Defiendo la libertad y lo justo, en esos modelos y en otros.

CONCURSOS

Quienes me conocen saben perfectamente que soy un gran defensor de los álbumes en conjunto.

La historia está plagada de one hit wonders, sí, el dinero quizás vaya para sus arcas (o las de sus respectivos sellos) durante un tiempo, pero luego la nada, la nada más justa/injusta y más descarnada.

Las citas en letra pequeña, los cinco minutos de gloria en las discotecas menos exquisitas del planeta y los brincos frenéticos de gente que ni siquiera sabría escribir el nombre del grupo sin cometer dos faltas de ortografía. ¿Pero de quién es el reino de los cielos? O mejor dicho, de los cielos que a un servidor le interesan, aquellos en los que se encuentra el Olimpo de los grandes de la música pop y rock.

Pues de aquellos que publicaron dos, tres, cinco o diez álbumes redondos, majestuosos e imaginativos.

Ahora, en estos tiempos de analfabetismo contagioso, esa suerte de “para qué vamos a comprar un disco sí solamente mola una canción” duele, y duele mucho cuando sabemos que no es así en los casos que importan. Si son ustedes de esa opinión, pues felicidades. Algunos dirán que vivo en el pasado, pero permítanme que discrepe. Yo soy más de la opinión de que a esos les interesa solamente la canción de moda y no disfrutar de grandes discos... ■ Un, dos, tres, al escondite inglés

Eva Sisternes Cañete.

Te lo habrán preguntado mucho, pero ¿para cantar, el inglés es el idioma o el castellano es mejor?

Perdón, pero siempre me sale contestar con otra pregunta: ¿Mejor, para qué? Lo único que creo mejor es que hagas lo que te apetezca.

Pitino Pitinado.

peor esta nueva etapa como Jero Romero?

Por lo que sé hasta ahora, coincide lo mejor y lo peor. Tomar uno todas las decisiones está muy bien a veces, pero a veces no. De todas formas, creo que aún me quedan muchas cosas mejores y peores por conocer.

¿Cabeza de león es mejor que cola de ratón o trompa de elefante?

Jejeje. No mido así las cosas ni me propongo nada según sólo esas dos (o tres) posibilidades. No pienso en colas y cabezas, ratones, tigres, leones... Si alguien me pregunta que qué prefiero ser de las dos cosas no sé contestar. Es sólo un juego de palabras, no pretendía dar ningún mensaje. ■

¿Qué es lo mejor y lo

5

comics de

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Joan Luna

Placeres culpables de verdad... Xavi S. Pons Día de desnudos en mi blog. No físicos ojo, sino de gustos musicales. El blog de esta semana pretende recuperar la validez (el término cada día está más desvirtuado) de eso que llamamos ‘placeres culpables’, léase esas canciones que a pesar de ser tremendamente horteras y ñoñas desde un punto de vista objetivo (cheesy que dicen los americanos), nos chiflan. Hoy dejo mis vergüenzas al aire, y, para no sentirme solo, os agradecería que compartierais conmigo vuestros placeres musicales inconfesables. ❚ Jon Secada “Otro Dia Mas Sin Verte” ❚ Juan Pardo “Bravo por la música” ❚ Daniel Powter “Bad Day” ❚ Cher “Save Up All Your Tears” ❚ Sergio Dalma “Galilea” ❚ Wheatus “Teenage Dirtbag” ❚ Wet Wet Wet “Love Is All Around” ❚ Texas “I Don’t Want A Lover” ❚ Sangre Azul “No eres nadie” ❚ Bon Jovi “Always” ■

+en

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