Mondo Sonoro agosto 2020 by MONDO SONORO

Nº 286 Agosto 2020 www.mondosonoro.com

o g n xT ara ! u é d A

RUFUS WAINWRIGHT, KHRUANGBIN, CUPIDO, WESTERMAN, DJ NANO, STAY HOMAS, DEFTONES, LOS RODRÍGUEZ BEJO, EL BÚHO, GHOSTPOET., TOM G. WARRIOR, JORA I GOMORRA, JARV IS..., ALBERT PLA, FONTAINES D.C., THE STREETS

Rufus Wainwright vuelve al pop. Lo hace sin rencores y sin deudas, sencillamente por el placer de sentirse rejuvenecer en tiempos de madurez. Eso es lo que destila Unfollow The Rules (BMG, 20), un disco que se sitúa desde ya entre lo mejor de su discografía.

RAS UN LARGO periodo en el que ha estado inmerso en musicar sonetos de Shakespeare, componer un par de óperas y trabajar para otros proyectos escénicos, toda esa miríada de disciplinas que siempre se han considerado como de alta cultura, Rufus Wainwright está de nuevo de vuelta al mundo del pop tal y como lo conocemos. Al menos, tal y como entendemos el pop en sus manos. Obviamente, la experiencia acumulada durante todos estos años se nota en un disco tan complejo, elegante, suntuoso y, por momentos, soberbio como Unfollow The Rules. Un álbum de madurez

absoluta, grabado en Los Angeles producido por Mitchell Froom, que lidia con los rigores de la mediana edad, con la plenitud vital y creativa de un hombre que tiene cuarenta y seis años, lleva ya casi una década felizmente casado con su marido, es padre de una niña de nueve años y ha vivido varias vidas en una misma, ya sea en el plano íntimo o en el artístico. SE PODRÍA DECIR que supone su retorno al pop, algo así como la continuación de Out Of The Game (12), después de unos años embarcado en trabajos que circulaban por derroteros distintos. “Sí, forma parte de esa ecuación, también en la forma de promocionarlo, ya que me servirá para tocar en festivales, girar mucho, hacer videoclips… Estoy de vuelta a la silla del pop, podríamos decir, sea lo que signifique el pop hoy en día, porque si escuchas la radio no queda demasiado claro”, matiza. Y es que el significado del pop hoy mismo, tal y como él afirma, es más extraño que nunca. “Creo que vivimos un momento de ruptura, porque cuando ves a gente como Billie Eilish, por una parte, y a… no sé, Jennifer López o Taylor Swift aún en activo, da la sensación de que no hay

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5/Mondo freako

Rufus Wainwright Espléndido cierre del círculo

un patrón general”, corrobora. HACIENDO HONOR al título (inspirado por una frase que su hija de nueve años dice a menudo, nos confirma), Wainwright opina que hay muchas reglas que merecen ser desobedecidas, aunque por suerte cada vez sean menos, ya que le resulta “fascinante, desde el punto de vista de un hombre gay como yo, el hecho de poder casarte, adoptar niños y poder criarlos, así como la forma en la que las mujeres son tratadas ahora, mejor, afortunadamente”, concede. Esa sensación de esperanza que impregna casi todo el álbum tiene su contrapeso más visible en Hatred (“Odio”), que también se aparta en lo formal, introduciendo sintetizadores. Es una canción que escribió “en un momento muy intenso, lidiando con asuntos muy serios, tratando de ganar una guerra particular” que ya considera resuelta, pero que no le ha hecho desmentir la idea de que a veces ese odio sirve como combustible para sobreponerse a la adversidad, tesis que desplaza de lo particular a lo colectivo porque “este 2020 hay elecciones en Estados Unidos y noto un espíritu similar, con la gente poniéndose su armadura particu-

agosto 2020 #3

MONDO FREAKO

LA MÍA ¡Están locos estos alemanes!

a “Los últimos cincuent s años han sido lo más fascinantes en la historia de la música”

lar, poniendo sus armas a punto, metafóricamente, claro, y luchando por aquello en lo que creen”. La entrevista tiene lugar semanas antes del estallido del Coronavirus en su país, una crisis tan descomunal que otorga ahora mismo un significado extra, bastante más dramático, a sus palabras. UNFOLLOW THE RULES se grabó en los míticos Ocean Way de Hollywood, con músicos tan legendarios como Jim Keltner o Matt Chamberlain. También con algunos mucho más jóvenes, como Blake Mills, quien fundó a Dawes junto a Taylor Goldsmith. Un trabajo concienzudamente facturado a la antigua usanza. “Trabajé con Jim Keltner en mi primer álbum, hace veinte años, y fue maravilloso volver a esa mentalidad”, reconoce acerca de unas sesiones que le parecieron “increíblemente especiales y sagradas” por lo que tuvieron de vuelta a una era prácticamente finiquitada: “Muchos de esos músicos y estudios están… no quiero decir que sean reliquias, pero remiten a una era que ya pasó”, rememora. Hasta el punto de que parecen formar parte de un mundo en extinción. “Cuando empecé, David Bowie, Bob Dylan o The Beatles estaban en las portadas de sus discos, en las portadas de Rolling Stone, en todas partes, pero ahora que son gigantes que empiezan a morirse… los últimos cincuenta años, o más, han sido los más fascinantes en la historia de la música, y creo que no lo estamos valorando en su justa medida”, lamenta. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

EL APUNTE

Regate a la crisis de la mediana edad RUFUS WAINWRIGHT superaba, en el momento de componer estas canciones, la barrera de los cuarenta y cinco años. Reconoce, por tanto, que es “un disco de mediana edad”, con el que tiene la sensación “de viejo guerrero, de querer continuar el viaje por la vida, pero siendo consciente de todas las cicatrices acumuladas”, se explaya, congratulándose de ser “más sensible ahora que cuando tenía veinte años”. De hecho, la vuelta a ese formato más pop también tiene mucho que ver con la necesidad de rejuvenecer creativamente. “Componer dos óperas es un trabajo más profundo e intelectualmente desafiante, que puso a prueba mis habilidades como artista”, comenta, pero luego empezó a aburrirse “rodeado de gente tan mayor (risas)”, y a cansarse “de las reglas tan estrictas por las que todo ese mundo se rige, por lo que sentí que era el momento de volver a la música pop y sentirme joven otra vez”. Este álbum ha sido para él como el cierre de un círculo que llega, además, en un momento clave de su vida, en la encrucijada vital que, pasada la mediana edad, nos acerca a ese asunto tan peliagudo llamado madurez. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

l 22 de agosto se celebrará en Leipzig un concierto del artista pop Tim Bedzko. Será en un recinto cerrado y podrán asistir –si todo sale según lo esperado– un total de cuatro mil personas. Suena complicado en estos tiempos, pero ocurrirá. Y lo mejor de todo es que ocurrirá por un buen motivo. ¿Y cuál puede ser ese buen motivo en estos tan complicados momentos de pandemia y rebrotes? Pues intentar analizar todas las posibilidades que permitan que disfrutar de la música en directo en la nueva normalidad encuentre un nexo de unión con lo que fue la vieja normalidad o como demonios queramos llamar a lo que vivíamos ajenos a todo hace apenas medio año. El concierto se celebrará en un recinto en el que todo el público estará sentado y se pondrán en marcha tres experimentos dirigidos y coordinados por un equipo de científicos con apoyo gubernamental. El primero permitirá que la gente actúe exactamente en la forma en la que lo hacía antes de la pandemia; el segundo distribuirá a la gente a partir de ocho entradas distintas al recinto y habrá distancia entre asientos; el tercero reflejará la nueva normalidad, distribuyendo a solamente dos mil personas en este recinto con aforo de doce mil y dejando una distancia de metro y medio entre cada espectador. Dos días antes del concierto las cuatro mil personas (en una franja de edad de los dieciocho a los cincuenta años) pasarán por un test de Covid-19 y aquellos que lleguen al recinto sin una prueba escrita de que son negativos serán eliminados del experimento. Una vez en el recinto, todos los asistentes deberán colgar en sus cuellos un transmisor que enviará señales y datos cada cinco minutos sobre como interactúan con otros sujetos. También deberán lavarse las manos con un gel desinfectante fluorescente que permitirá hacer visibles sus huellas. A todo ello habrá que sumarle además que se utilizarán máquinas de vapor para simular la propagación del Covid-19. La idea es analizar posteriormente los datos y plantear en octubre una fórmula que permita garantizar la mejor forma de celebrar actividades culturales y deportivas de dimensiones similares sin que los promotores se arruinen a causa de las limitaciones estrictas de público. Una locura vamos. Tan locura que el gobierno alemán, consciente de que las industrias culturales necesitan ayuda y no pueden dejarse caer por las buenas, va a destinar un millón de euros al experimento. En apenas una mañana se consiguieron más de ochocientos voluntarios. Y tengo claro que esas cuatro mil personas se habrán sumado en apenas unos días más. Porque los alemanes saben que salvar su mundo, el viejo y también el nuevo que vendrá, es cosa de todos y cada uno de sus ciudadanos. —JOAN S. LUNA

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#4 agosto 2020

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Khruangbin Música de la tierra

Khruangbin se han hecho un nombre en el mundo de la música a base de cocinar un guiso en el que caben ingredientes de todo el mundo, ya sea funk tailandés, dub jamaicano o música disco. El resultado es un sonido cien por cien propio en el que, en Mordechai (Dead Oceans/ Popstock!, 20), cabe incluso la música popular española con un toque disco

en anteriores trabajos. Speer sabe de la importancia de ese recuerdo y afirma que "posiblemente dentro de veinte años ese momento seguirá ligado a esta música". EN EL DISCO, los recuerdos y la importancia de contarnos cosas importantes con nuestros seres queridos son dos de los temas principales. Sobre lo segundo el guitarrista opina que "2020 está siendo una locura y creo que está muy bien que globalmente nos digamos lo que sentimos unos a otros, que seamos amables con los demás y que les digamos a las personas que nos importan cómo nos sentimos". Y es que, para esta banda, sentirse cómodos y tener un buen ambiente es muy importante, por eso siguen grabando en su granero tejano, en medio de la nada, un lugar en el que aseguran que se puede escuchar el viento, a los pájaros o ver los rayos del sol, algo que no se puede hacer en los fríos estudios profesionales. Eso mismo es lo que les llevó a colaborar con Leon Bridges en el notable EP que sacaron a principios de año, Texas Sun. La química con Bridges surgió de manera natural, mientras compartían gira el año pasado, primero surgió la amistad y luego la idea de grabar algo juntos. Como dice DJ "así es como pasa, conectas con alguien y sale algo interesante, al contrario de poner piezas al azar juntas para ver que sale al hacer música". HAN VUELTO A TIRAR de influencias globales de todo el mundo, aunque

en el primer sencillo, la irresistible Time (You And I), se nota que se pasaron toda la gira de 2019 escuchando música disco. Tampoco se olvidan de la música jamaicana, con referentes como Sly & Robbie de los que afirman que "fueron unos innovadores, unos revolucionarios y son tremendamente influyentes en todo lo que nosotros hacemos". Esas influencias globales les vienen de vivir en Texas, un lugar en el que el acordeón de Flaco Jiménez es tan propio como la guitarra de Albert Collins. De todas formas si hay algo que Speer cree que no entra en su olla de ingredientes es la música psicodélica de los grupos de Haight Ashbury, una referencia que cree que se debe más a las experiencias de los que les escuchan que a ellos mismos, y creo que sé a lo que se refiere por "experiencias". Y es que cuando les pregunto por cómo llamarían a ese sonido que algunos siguen llamando 'Thai funk', responden con un escueto "música de la tierra". SOBRE LAS POSIBILIDADES de presentar el disco en directo se muestran cautos. A pesar de estar confirmados para el Primavera Sound 2021, tienen claro que si algo ha demostrado 2020 es que puede pasar lo impensable o, como mejor explica DJ, "puedes planear ir de picnic pero no puedes predecir el tiempo que te va a hacer". —SERGIO ARIZA

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IENTRAS KHRUANGBIN estaban dando forma a Mordechai, ellos mismos me lo comentan, los texanos han estado escuchando cosas tan sorprendentes como El Fary, Paloma San Basilio o Perlita de Huelva, una influencia que se nota especialmente en una de las canciones del disco, Pe-

lota, tercer sencillo de presentación del disco. Mark Speer, guitarrista, y Donald "DJ" Johnson Jr, batería, están al otro lado de la línea telefónica para hablar de este último disco, la bajista y, ahora más que nunca, cantante Laura Lee Ochoa no ha podido aparecer. Una pena porque este disco se titula así por una experiencia que vivió hace poco, en la que un casi desconocido la invitó a irse de paseo con su familia hacia una catarata cercana. Una vez allí invitó a la bajista a arrojarse al agua y ella aceptó encantada. Esa experiencia del viaje y del salto al vacío como una especie de nuevo bautismo marcó las letras de este disco, mucho más presentes que

MONDO FREAKO

locura “2020 está siendo una en que y creo que está muy bi mos lo globalmente nos diga otros” que sentimos unos a

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agosto 2020 #5

FOTO: PEDRO MARNEZ

MONDO FREAKO

Cupido Se hace camino al cambiar

EN LA MALETA

Les entrevistamos hace un tiempo con motivo de su primer disco y volvimos a charlar con ellos hace pocos meses. Ahora nos mantenemos a la espera de ver qué ocurre con sus conciertos tras esta complicada etapa de confinamiento por la que todos hemos tenido que pasar.

DJ Nano

El madrileño DJ Nano lleva años siendo uno de los pinchadiscos de más éxito en nuestro país, tanto por sus sesiones como por los temas que va publicando. Ahora, además será el protagonista de uno de los primeros shows de WiZink Center (Madrid) tras el confinamiento. Será el 18 de julio con su fiesta I Love!

#6 agosto 2020

N LAS PELÍCULAS, cuando un joven aspirante va camino del estrellato, casi siempre hay una advertencia que sobrevuela la trama: “Que la fama no te cambie”, o peor, en pasado, “La fama le ha cambiado”. Cupido quisieron

ué crees que ha cambiado en tu forma de pinchar o en los estilos que sueles mezclar desde que te entrevistamos hace unos años para nuestra sección En La Maleta? Bueno, pues cambiar creo que ha cambiado en la forma, posiblemente en aquel entonces se pinchaba en vinilo, que es como he pinchado la mejor parte de mi carrera y luego entramos en la era digital y ahora la música va totalmente digital y el vinilo pasó a otra vida exceptuando algunos eventos en los que sí, me gusta pinchar con ese formato. En cuanto a los estilos han variado muchísimo, ¡gracias a Dios! Escuchas una sesión mía de hace veinte años y no tiene nada que ver con las que se producen ahora pero lo que no ha cambiado es la actitud que es la misma. —Aunque eres un nombre sobradamente conocido, ¿sigues aprendiendo cosas a la hora de pinchar o ya dominas a la perfección la profesión? Bien, yo creo que aprender tienes que hacerlo de manera constante, es un aprendizaje constante. Vivimos hace unos años en una era tecnológica y por lo tanto las mesas de mezclas se van actualizando con muchos más extras para las sesiones. Los equipos se van a actualizando con una complejidad

de girar " Si no hay posibilidad os no habrá disco, al men de momento" que, desde el primer momento, cuando Pimp Flaco y Solo Astra eran dos propuestas musicales alejadas entre sí en el universo musical española, se supiera que iban a cambiar. La propia fundación de Cupido es un cambio. El del trapero catalán al pop

de aparatos que te llevan mucho más allá de poner dos discos, y es algo que me fascina de esta profesión, que es un aprendizaje constante. —¿Qué DJ o artista te ha dejado noqueado recientemente? Pues estoy pensando y la verdad es que no se me ocurre ninguno que me deje noqueado. Sí que hay artistas siempre que los veo que me fascinan y que siento debilidad por ellos. Por ejemplo, un artista que intento ver cada año es Fatboy Slim, que se puede decir que me deja noqueado. Sigue con su misma energía de siempre, y me encanta. No sé si llamarlo noqueado, pero fascinado sí, sin duda. —Danos algunos motivos para considerar, como apuntas, que I Love! será la fiesta más bonita de Madrid. Bueno, pues la fiesta más bonita del mundo como dice su claim, no lo es solo por la parte musical, que efectivamente intento hacer una recopilación con los temas más bonitos que he pinchado durante toda mi carrera (quizás los temas más vocales, emocionantes, las melodías más bonitas y mas sobrecogedoras), sino también porque intentamos crear un espectáculo visual que acompañe a la música. La idea es crear un espectáculo visual que consiga poner muchos pelos de punta, ¿no?

y el de los marginales Solo Astra a las grandes expectativas. Prometieron que el Cupido de 2020 sería diferente al de 2019. Así ha sido. “Ahora hemos creado una especie de género y de escena y han salido muchos grupos y para nada queremos seguir sonando igual, hay muchos grupos ya con ese sonido. Siempre hemos pensado en hacer cosas nuevas, distintas”. Esas cosas nuevas son letras más tristes y un acercamiento a “esa esencia dosmilera, nos fuimos bastante a referencias como Oasis, Supergrass… Estamos escuchando mucho esa música para estas nuevas canciones y también rock de los sesenta, pero a su vez, esas dos épocas están un poco unidas, porque, claro, Oasis trataron de imitar un montón a The Beatles”. LA VIDA DE LOS INTEGRANTES del grupo también ha cambiado desde que el 14 de febrero de 2019 vio la luz Préstame un sentimiento, su primer álbum. El éxito del trabajo les llevó a programar una gira por España y Latinoamérica de más de sesenta conciertos. A Pimp Flaco le pudo el estrés. “Íbamos muy justos y muy quemados. De repente, claro, conciertos para mil personas, con las salas llenas y los recursos de esta gira eran muy limitados”. Cuando quisieron retomar la gira, en marzo de 2020, con un sold out en pocas horas en La Riviera, el

—MS

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TAN. CERCA RRSonorama Ribera llevará a

cabo una edición en streaming que serviría de homenaje a todos los colectivos sanitarios que se han preocupado de nosotros durante la pandemia. Será los días 14 y 15 de agosto con conciertos para mil personas en Aranda de Duero y con retransmisión en streaming. Participarán Izal, León Benavente, Miss Caffeina, Sidonie, Varry Brava, Shinova, Comandante Twin y Arde Bogotá. Al mismo tiempo se celebrará en Madrid el SonoraMAD, en el que participarán León Benavente, Varry Brava, The Levitants, Arde Bogotá, Ladilla Rusa y Comandante Twin. RRLos responsables del Mallor-

—LUIS M. MAÍNEZ

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ca Live Festival organizan el ciclo Mallorca Live Festival Summer Edition. El honor de inaugurar el ciclo ha recaído en manos de Mala Rodríguez, quien actuará en el Antiguo Aquapark de Calvià (Mallorca) el 14 de agosto, con aforo reducido y con todas las medidas sanitarias de seguridad. A partir de ahí podremos ver a Anegats (sábado 15 agosto); Benavent, Di Geraldo & Pardo (domingo 16); León Benavente (jueves 20; Taburete (sábado 22); Kiko Veneno (domingo 23); Carlos Sadness (jueves 27); Xoel López (viernes 28); Morodo (sábado 29) y La Fura dels Baus (domingo 30). RRTras la celebración del Natu-

ral Live los días 24 a 26 de julio con sold out, el Natural Live Xtrafresh se ha aplazado hasta el fin de semana del 28 y 29 de agosto (en Férez, Albacete), debido a los rebrotes en algunas partes del país. El Natural Live Xtrafresh mantendrá su cartel completo con lo que podrás continuar viendo a artistas como Novedades Carminha, Elyella, Aníbal Gómez, Ladilla Rusa, Algora, Ginebras y muchos más.

Your Hero Is Not Dead (Partisan/[PIAS], 20) es la interesante carta de presentación larga del joven británico, a medio camino entre mundos diversos.

OGUEADO COMO CANTAUTOR indie de la penúltima hornada londinense, Will Westerman ha apostado en su debut por una producción sobria y electrónica que concilia a Nick Drake y Mark Hollis. Muy pegado a la tierra, espera poder presentar sus canciones en directo cuando la pandemia lo permita. “Hacer un álbum siempre tiene un grado de dificultad, pero las mecánicas que han rodeado este disco y las circunstancias han sido un reto, sin duda. Afortunadamente, ya está en la calle, y me siento bien”, dice un compositor que asegura que “nunca ha habido un cálculo premeditado para pasar de lo acústico a lo electrónico. Lo que ha salido más bien tiene que ver con haber trabajado en estos últimos años con un productor que tiene sus raíces en la electrónica. Y por eso, trabajando juntos, se ha producido esta mezcla”. Fan de Neil Young, Joni Mitchell y Bon Iver, en sus canciones asoma una sensibilidad dulce y melódica de delicadeza folk. GRABADO ENTRE EL IDÍLICO y espacioso sur de Portugal y el bullicio de Londres con su amigo y productor Nathan Jenkins, el álbum destila serenidad melódica y optimismo. “Me puse el reto de ser optimista. Era lo más difícil que podía proponerme, pero lo quería intentar. El reto estaba en mirar a esas cosas que me parecían potencialmente difíciles y angustiosas y tratar de crear un ambiente de esperanza, a pesar de todo lo que nos rodea”. Las letras se han beneficiado de sus estudios de filosofía y un espíritu curioso. “Supongo que hay muchas preguntas a las que no doy respuesta. Lo irónico es que mucha

gente que estudia filosofía en busca de respuestas acaba haciéndose más preguntas. Pero creo que gran parte del proceso trata precisamente de sacar esas preguntas que me preocupan y que estoy seguro que no son exclusivamente mías. Hay algo bastante catártico en el proceso de formulártelas y hacer de ello un disco”. RESPECTO A SU ESTILO tan especial y depurado, que combina toques excéntricos con melodías accesibles, apunta que: “a nadie le gusta meterse a sí mismo en una categoría por lo que hace, pero creo que mi música, estructuralmente hablando, está en el reino del pop. Ciertamente no viene del lugar más mainstream, sino de otro sitio, aunque las estructuras están ahí. Siempre me he considerado un cantante y compositor. Lo demás son extensiones que se ponen, pero yo no puedo decir mucho más”. LAS CIRCUNSTANCIAS SANITARIAS han obligado a posponer sus bolos londinenses y una gira por Estados Unidos. No obstante, Will ve el vaso medio lleno. “Estoy decepcionado, pero todo el mundo está sufriendo. La industria se había centrado mucho en el directo y las cosas cambiarán un poco. En este sentido, creo que esto va a ser beneficioso, porque la gente tendrá más tiempo para prestar una mayor atención a la música. Podría no ser tan terrible como en otras industrias. Al fin y al cabo yo tengo mucha suerte y no necesito girar ahora para mantenerme a flote”. —JC PEÑA

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RRVibra Mahou y Tomavistas

Extra unen fuerzas para ampliar con una cita más su ciclo veraniego. Natalia Lacunza y dani serán protagonistas absolutas de la jornada del 2 de septiembre en el escenario Vibra Mahou del Tomavistas Extra. Recuerda que, en el Tomavistas Extra, también podrás ver a artistas como Dorian, Novedades Carminha, Carolina Durante, Los Punsetes o Javiera Mena. —MS

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a “ La industria se habídirecto centrado mucho en el y las cosas cambiarán un poco ” FOTO: ARCHIVO

Gobierno cerró la cultura del país el mismo día que el concierto iba a tener lugar. Cambio de fecha, Mayo. Imposible. Ahora miran a septiembre. Lo intentarán “aunque fuera con varios pases. Se nos quedó la espina un par de veces clavada ya por la gente. Así que lo intentaremos.” El virus también ha cambiado los planes del grupo. Quien esperara un nuevo trabajo de Cupido deberá seguir esperando. Si no hay posibilidad de girar no habrá disco, al menos de momento. “Un disco es para pensar en una gira. Y si no, no es como regalar un disco, porque ahí está, pero… No es como antes. Los Beatles estuvieron vendiendo discos durante diez años sin estar tocando”. PESE A TODO, siguen componiendo y haciendo música de la manera que saben, sencilla. Que no simple. Sus últimos lanzamientos, La pared y Tu foto, prescinden de demasiadas capas. De lo que no hay ninguna duda es de que parece que Cupido ha dado con la tecla. El mundo indie ha dado su beneplácito por la trayectoria de Solo Astra y la frescura de Pimp Flaco les ha conectado con un público masivo. Con virus o sin él, Cupido siguen su camino de cambios, fieles a no serlo.

Westerman Al mal tiempo, buena cara

agosto 2020 #7

EN PORTADA

La d prod Y El secreto de su éxito

A HACÍA MESES que la noticia circulaba por la red ante el estupor de muchos: Txarango lo dejan después de diez años de increíble carrera. Y como es posible que fuera de Cataluña cueste entender lo que es y ha significado el enorme fenómeno que ha rodeado a estos chicos, vamos a intentar explicarlo. A nadie se le escapa que los del Ripollés han crecido a la par que el famoso y denostado 'procés' catalán. Un movimiento político y social del que se ha hecho muy poca y mala pedagogía más allá de Cataluña, y que no se explica sin su famosa transversalidad. La que ha sumado para la causa sensibilidades de todo tipo, sin tener en cuenta peculiaridades como la edad, la polaridad entre el mundo urbano y el el rural o la famosa y maltrecha división de derecha versus izquierda. Una suma de voluntades que para mí ha sido lo más destacable y digno de admirar, de todo lo que aquí ha acontecido. Lo demás lo vamos a dejar para otros foros, que esta es una revista de música, y soy consciente que la incomprensión, y cierta falta de empatía, ha sido la nota dominante a un lado y a otro de esa frontera imaginaria que en ocasiones trazan las ideas. Así que vamos a quedarnos con esa idea de la transversalidad que ha sido, sin duda, el secreto del éxito de estos diez chavales que ya están en la treintena. POCOS GRUPOS como ellos pueden sonar en el coche familiar sin provocar el disgusto de algún miembro de la familia. De la “iaia” a la “tieta”, pasando por el “nen” o incluso el canario. Su música expansiva y festiva, heredera directa de la tradición “verbenera” y popular que tanto arraigo tiene en Cataluña; sumada a unas letras universales: más la presencia de todo un pedazo de frontman, carismático, guapo y con más labia que el padre de Peret –el mismo “que inclús havia venut trajos a algun guàrdia civil”– han sido la combinación perfecta para el secreto de su éxito. Su desorbitado éxito. SIN EMBARGO, Txarango lo dejan y sin Yoko Ono de por medio. ¿Por qué? (Sergi Carbonell, teclista) “Eso de Yoko Ono me ha gustado como concepto” (risas). (Alguer Miquel, cantante) “Al final todo esto es el resultado de un proceso vital. Nosotros medimos mucho lo que

#8 agosto 2020

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década digiosa Txarango

De vent i ales (Halley Records, 20) es el disco de despedida de Txarango. El combo catalán con más éxito en Catalunya decide dejarlo y nos alcanza la pandemia. Porca Misèria! Sus planes y los de muchos se han ido al traste, pero estamos seguros que salvarán los muebles y saldrán al rescate de ese público tan fiel al que se deben. Hablamos con ellos para desentrañar, entre otras cosas, el 'perquè de tot plegat'. —TEXTO Don Disturbios —FOTOGRAFÍA Bernat Almirall

sucede en nuestras vidas y Txarango es un proyecto que hemos tenido para ser felices, y que responde a un sueño colectivo en el que llevamos diez años volcando toda la energía de nuestras vidas. La decisión de dejar el grupo ya viene de cuando cerramos la última gira, después de dos años muy intensos... Digamos que no sabemos vivir todo esto con poca intensidad. No sabemos tener un grupo y no volcar toda nuestra energía y que este no sea como queremos que sea, Por eso cuando, al finalizar la gira pasada, nos vamos al Brasil a vivir, como grupo, una experiencia conviviendo con los indígenas, pues eso hizo que te vayas planteando toda tu vida. Que te preguntes qué te está aportando todo esto y cuántas cosas de todo esto nos hacen felices; y cuántas cosas de todo esto ya no tenemos ganas de volver a vivir. Así que vas sopesándolo todo. Y a la vez tenemos la suerte de ser felices con muy poca cosa. Yo he sido feliz trabajando de camarero o haciendo otras cien mil cosas en la vida... Y lo cierto es que suman muchas cosas y, aunque podríamos entrar en un proceso indefinido de escribir canciones, grabarlas y volver a hacer todos esos festivales que ya hemos hecho muchas veces, también sabíamos que esto se acabaría tarde o temprano... Y como estamos en un punto en el que todavía todo esto tiene sentido para todos, nos dijimos: 'Vamos a vivir este último capítulo' y el mismo hecho de decidir que era el último disco y la última gira nos volvía a inyectar ilusión... Así que un poco la decisión viene precisamente por esto: por cansancio, por necesidad de querer hacer otras cosas en la vida, de querer vivir en otros lugares... Además es un lujo haber tomado la decisión antes de que todo empezara a desmoronarse. De esta forma lo podemos cerrar de forma ordenada y cómo queríamos.

“No sabemos vivir Las tres patas de Txarango LGUER ME CUENTA todo esto con poca en esta entrevista que intensidad... Es mantenemos en su local de ensayo, situado en un un lujo haber polígono industrial de Vic, Txarango siempre han tenido tres tomado la decisión que patas. La primera y más obvia es la que tiene que ver con la música. La segunda antes de que es también muy conocida e importante todo empezara a en el seno de la banda. ¡Tanto que merece ser explicada con un mimo especial! desmoronarse” Se trata de su cara más social y política

Con un disco al servicio de una gira que tenía que servirnos para iniciar toda una serie de proyectos colaborativos con la intención de dejar algo diferente en el mundo de la música. Algo que no existía y que nos hubiera gustado encontrar que son espacios al servicio del bien común”. NO ES NECESARIO recordar, a estas alturas, que esa gira tan especial y única no se va a realizar. Se habían programado más de cuarenta conciertos en una carpa de circo montada por el propio grupo, que iban a servir para dar a conocer diferentes proyectos en los que se han involucrado mucho. Iniciativas como una plataforma de venta de entradas con vocación social; la posibilidad de utilizar una cooperativa de cervezas artesanas para nutrir de néctar rubio a los diferentes surtidores de las barras, al igual que refrescos o producto alimentario de proximidad sin generación de residuos o el montaje de lavabos secos en los que otra cooperativa se encargaba de recoger los desechos para elaborar compost... Todo eso ha quedado dinamitado por culpa de lo que todos sabemos. (Alguer) “La cancelación de esta gira ha sido lo más doloroso y frustrante de la historia de Txarango”.

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de la que escribo en el despiece de este mismo artículo. La tercera pata es desconocida, pero no por ello menos importante. Se trata de su lado más espiritual e íntimo. Una pata que ha ido forjándose

en los numerosos viajes que han realizado a rincones del mundo donde han encontrado injusticia y sufrimiento, pero también otras formas de ver y sentir el mundo. Viajes al Sahara, Senegal, Palestina e India, y en especial el viaje a Brasil que realizan tras finalizar la pasada gira. Visita en la que estuvieron conviviendo con comunidades indígenas que, entre otras cosas les enseñaron a como 'abrazar la muerte'... (Alguer) “Los indígenas en Brasil nos enseñaron a agradecer a la vida. Agradecer que yo estoy vivo en ti, al igual que tú estás vivo en mí. Todo un proceso de deconstrucción del ego muy importante. Nos enseñaron que la vida es un templo y que el torrente que pasa por el interior del bosque, es el mismo que pasa por dentro tuyo y por dentro mío. Todo esto es algo que, aunque intuyes, vivirlo en primera persona y conocer comunidades sabias espiritualmente y que viven desde este lugar, logra que la cabeza te explote. En Brasil tuvimos el privilegio de que nos acogieran y de que compartieran con nosotros su medicina, y de que nos ayudaran a canalizar toda una serie de procesos emocionales. Pero eso es algo que ya nos ha pasado en los últimos años, porque hemos tenido contacto con personas de nuestro entorno que han ido despertando en nosotros todo este lado más espiritual. Y creo también que, todo este proceso, nos hace abrazar de una forma muy bonita este final. Porque al fin y al cabo se trata precisamente de eso: Desprenderse de todo para ir fluyendo e ir haciendo cosas nuevas. Es un proceso importante y a la vez liberador . Porque si lo piensas ¿qué necesitamos en realidad? Estamos vivos y yo, por ejemplo, tengo necesidad de vivir al ritmo al que crecen las tomateras y ya está. Es así”. —D.D.

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Political World

a lo decía Bob Dylan en la desgarradora canción que abre Oh Mercy (89), todos vivimos, nos guste más o menos, en un mundo político. Todo lo que hacemos, desde comprar alegremente en Amazon a encargar comida a través de Glovo, tiene consecuencias que acaban resultando un tiro en nuestro propio pie. En muchas ocasiones no nos damos cuenta, pero como individuos tenemos más responsabilidad de la que nos atribuimos. Aunque también es cierto que resulta mucho más fácil culpar siempre a los políticos, como si ellos no fueran el reflejo de la sociedad que hemos construido entre todos. Conscientes de ello, Txarango siempre han puesto al grupo al servicio de sus ideas. Desde el principio decidieron fijarse todos un sueldo y dedicar el resto de sus ingresos a aquello

que, decidido en asamblea, les resultara digno de ser respaldado. Ya fuera costear un viaje junto al colectivo Pallasos en Rebeldía a la frontera Serbia; financiar una escuela de arte y centro cultural en el Senegal o formar parte de un festival sin ánimo de lucro en Sant Joan de les Abadesses (Girona). “Hemos iniciado la hostia de empresas y hemos participado y ayudado a un montón de gente cuyo proyecto nos ha parecido que valía la pena... Hemos querido acompañar a la gente que trabaja por un mundo que nos representa y hemos dado todo lo que teníamos porque, en realidad, nos lo estábamos dando a nosotros mismos”. Cuesta creer que un grupo que hubiera podido, de quererlo, reventar con cada gira el Palau Sant Jordi de Barcelona, lo haya invertido todo en hacer aquello que para ellos merecía la pena. —D.D.

agosto 2020 #9

Blake Babies Sunburn (1990)

OS OCHENTA SE ACABABAN. El grunge estaba por llegar. Y Juliana Hatfield andaba jugueteando con un proyecto que se había activado en Boston en 1986 pero que iba a llegar a su máxima expresión con Sunburn (90), disco que llegaría a Europa justo cuando el grupo ya ni siquiera existía. Grabado en los estudios Fort Apache de la capital de Massachussets, el álbum supuso no solo el punto culminante de un grupo ya en aquel momento herido de muerte por el aura que envolvía ya a Hatfield y que la proyectaba como futura estrella en solitario, sino también del movimiento cercano al pop de guitarras que se adueñó de la Costa Este durante finales de la década de los ochenta. John Strohm a la guitarra y Freda Boner a la batería eran los dos elementos que completaban la ecuación en esta banda nacida en el Berklee College of Music de Boston. Bautizados por Allen Ginsberg, cuando una osada Hatfield aprovechó una conferencia del poeta para preguntarle qué nombre pondría a una banda de rock, este hace referencia a William Blake y a su libro Songs Of Innocence And Experience. Tras compartir escenarios con grupos de la escena como Dinosaur Jr. o The Lemonheads (eran muy amigos de Evan Dando, y Hatfield algo más que eso), su discografía es ciertamente irregular, con un par de mini LP's –uno de ellos en la compañía de Billy Bragg–, y un disco largo como Earwing (89), hasta que llegan al excelso Suburn, donde son capaces de conjugar todas sus fortalezas. TRAS UNA PORTADA COLORISTA como pocas, que roza lo cutre para hacerla emblemática, los tres miembros de la banda esconden un buen puñado de canciones que no pueden definirse de otra manera sino como pop. Cargado de rabia y aristas que huían de la pulcritud que al final se le tiende a asociar al estilo, pero a fin de cuentas pop. Gary Smith, productor del álbum, se encargó de incidir en ese aspecto. Su fuerte eran las melodías adictivas, y hacia ahí debían dirigirse las canciones. A reforzar ese aspecto. Y el grupo responde. No solo desde el momento en que presenta un repertorio perfecto para ello, sino desde una interpretación impecable en la que, claro está, hemos de destacar a una Juliana Hatfield en estado de gracia. Lo bueno es que lo tenían todo para que pasara algo, y lo malo que no pasó nada. Cuando empezaron la gira europea de presentación el disco Freda ya no estaba, y Hatfield ya andaba más metida en su carrera individual que en cualquier otra cosa. Una lástima. —EDUARDO IZQUIERDO #10 agosto 2020

“

Stay Homas Triunfo de estar por casa

Stay Homas ha sido uno de los pocos regalos que nos ha dado el confinamiento. Klaus, Guillem y Rai, integrantes de los grupos Buhos y Doctor Prats, se encontraron compartiendo piso y para combatir la monotonía comenzaron a colgar en Internet sus famosas “confination songs” acompañados de un cubo de fregar y una guitarra y han acabado publicando Desconfination (Sony, 20), colaborando con una larga lista de artistas y protagonizando una sorprendente gira internacional.

omo surgió la idea de Stay Homas? ¿Cuál fue vuestra idea principal al poneros a componer temas durante la cuarentena? Stay Homas salió un poco sin querer. Estábamos haciendo un vermutillo en la terraza como ya nos gusta hacer cuando hace sol, era el primer día de confinamiento, cogimos la guitarra y decidimos hacer una canción sobre el tema de moda. Después la colgamos en Internet, a la gente le gustó mucho y decidimos hacer una por día, porque la gente estaba recibiéndolo muy guay. A partir de ahí empezó la hecatombe. —¿Cómo reaccionaste al ver que todo iba creciendo muy rápido? Realmente ha sido un poco raro de gestionar, porque a la vez estábamos aquí en casa sin poder salir, e íbamos recibiendo inputs a través del móvil que siempre tienen ese punto de irreal y de virtual que no acabas de gestionar de manera normal. Pero ha sido increíble. —Michael Bublé compartió una de vuestras canciones, “Gotta Be Patient”, y luego hizo una versión. ¿Cómo os afectó personalmente que alguien

a nivel internacional reconociera vuestro trabajo? Bueno, yo creo que es una de las cosas que más nos han impactado de todas las historias que nos han ido viniendo. El hecho de que músicos con reconocimiento a nivel mundial como Michael Bublé o Rubén Blades digan, 'Oye, que estos tíos molan'... y mira que tocamos con un cubo de fregar, es como que no nos entra en la cabeza. Es decir, nosotros estábamos aquí tocando sin salir de casa, pero nuestra música ha llegado muy lejos y piensas, ¿algo estaremos haciendo bien, no? —Por otro lado, ¿en qué momentos decidís firmar con Sony Music? Bueno, no es que digamos “Oye, vamos a hacer algo con Sony” sino que, durante la primera semana, ya se acercaron ellos diciendo “Oye, lo que estáis haciendo mola mucho. Creemos que podemos ayudaros a colgarlo en Spotify y a poner en orden todo esto…”. Nos llevó unas cuantas semanas de charlas y de ponernos de acuerdo, pero la verdad es que estamos muy contentos de que ellos hayan querido sumar en todo esto. Además, nos flipa bastante el hecho de que hayan querido involucrarse en un proyecto en el que no hay ni tatuajes, ni beats traperos, ni música moderna, sino que solo hay un cubo de fregar y una guitarra desde una terraza, y eso es muy raro... y la verdad es que hacer reuniones por Skype es curioso. Pero bien, nos elogia bastante el hecho de que se hayan interesado por esto, por nuestra música. Tenemos ganas de hacer cosas y si ellos están para echarnos un cable, genial. —Los tres formáis parte de otras bandas. ¿Creéis que podéis combinar el éxito de Stay Homas con los otros proyectos que tenéis? Sí, totalmente, de hecho es una de las cosas que los tres tenemos claro. Tenemos compromisos, muchos años de trabajo en X banda, y no queremos ahora tirarlo por la borda. Igual se nos vienen años moviditos, pero tenemos ganas de compaginarlo todo y de hacerlo todo con el cariño que se merece. —NÚRIA CARDÚS

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"Nos han impactado que músicos con l reconocimiento a nive e mundial digan 'Oye, qu estos tíos molan'"

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EL DISCO. RECUPERADO.

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MONDO FREAKO

Deftone Veinte años de "White Pony"

A las puertas de lanzar un noveno álbum de estudio, los de Sacramento, con una discografía sumamente envidiable, continúan siendo una de las bandas más representativas y respetadas del metal alternativo. Repasamos su trayectoria para celebrar las dos décadas que han pasado desde el alumbramiento de White Pony (Maverick/Warner, 00), su trabajo más aclamado, del que se espera además una inminente reedición que incluirá un disco de remixes.

—TEXTO Jesús García Serrano

RAS EL ÉXITO DE SUS DOS CONTUNDENTES primeros álbumes, “Adrenaline” (95) y sobre todo de su excitante “Around The Fur” (97), era sumamente complicado atisbar el sorprendente giro que adoptarían los californianos en su tercer álbum. Predominantemente más pausado y experimental, “White Pony” daba la espalda a todo aquello que estaba teniendo éxito en el mercado. Sin duda un trabajo de carácter atemporal que transgredió géneros y etiquetas, cuya reputación se ha mantenido por encima de las modas y que ha acabado por convertirse en una obra de culto. PRODUCIDO POR TERRY DATE y por la propia banda, “White Pony” (00) presentaba un sonido limpio, pesado y asfixiante, que desaceleraba las altas revoluciones de sus dos primeros trabajos, sin dejar de lado la agresividad y los contundentes riffs de guitarra marca de la casa. Así, se dio forma a una nueva identidad que mezclaba el rock alternativo de coetáneos como Faith No More y el hardcore de Refused con el space rock de Spiritualized, el post-metal de Neurosis, o el shoegaze de My Bloody Valentine. LA MÚSICA DE DEFTONES no es para oídos sensibles, pero para los más avezados es fácil dejarse llevar por la oscuridad espacial que infligen Stephen Carpenter (guitarrista) y Chi Cheng (bajista), aderezada por la sobresaliente pegada de Abe Cunningham (batería). Por ende, sobre la exquisita mezcla, que compacta las sugerentes atmósferas de Frank Delgado (teclista), se mueve la versatilidad vocal de su cantante, Chino Moreno, fan confeso de Morrissey, que bebe tanto de los berridos de Black Flag como de las melodías de The Cure. #12 agosto 2020

"White Pony” daba la espalda a todo aquello que estaba teniendo éxito en el mercado.

“WHITE PONY” es un trabajo en el que predominan las baladas y los medios tiempos y donde sobresalen la rabia sostenida de las lentas, atemporales y exquisitas “Digital Bath” y “Change (In The House Of Flies)”, la majestuosa “Knife Party” que hace gala de una endiablada progresión vocal de la actriz Rodleen Getsic con ecos a “The Great Gig In The Sky” de Pink Floyd, una soberbia “Passenger” con la aparición estelar de James Maynard Keenan (Tool, A Perfect Circle, Puscifer) o la letalidad abrasiva de “Elite”. LEJOS DE CONTENER UNA PISTA que, aparentemente, pudiera funcionar como un single que reprodujese los patrones repetitivos de principios del nuevo siglo, su sello les presionó para que “redondeasen” la propuesta con una nueva canción, proceso que culminaría con la entrega de “Back To School (Mini Maggit)”, que en realidad era una versión acelerada, con letras expandidas en clave hip hop, del ya excelente tema que cerraba el disco, “Pink Maggit”. En cualquier caso, “White Pony”, con o sin la ayuda de este nuevo single, hizo que la banda siguiera creciendo, reventando auditorios, estadios y festivales con su brutal directo, que alcanzó el multiplatino y que ganase un Grammy (a la Mejor Actuación Metal por la canción “Elite”). mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

POR AQUELLA ÉPOCA, Deftones surfeaban emparentados pero muy por encima de la corriente del nu metal que invadía tanto la MTV como las calles y conciertos de medio mundo, junto a otras bandas de excelente reputación como Tool, Nine Inch Nails, Rage Against The Machine o System Of A Down. Algo que les favoreció, pues de la escena nu metalera hoy apenas quedan en buena forma los gigantes Korn y Slipknot, de convocatorias inquebrantables, pese a las idas y venidas de algunos de sus miembros e incluso habiendo intercalado lanzamientos muy irregulares. LOS SIGUIENTES TRABAJOS de Deftones fortalecieron su trayectoria; el aún más denso “Deftones” (03) y el continuista “Saturday Night Wrist”( 06) sirvieron para limar las aristas de una formación en estado de gracia que, no obstante, pronto se vería marcada por la tragedia. A FINALES DE 2008 y a punto de finalizar el que iba a ser su sexto álbum de estudio, “Eros”, Chi Cheng sufrió un accidente de tráfico que le dejó en coma más de tres años y uno más en estado de seminconsciencia, incapaz de moverse o de articular palabra, hasta que finalmente nos dejó en 2013. “Eros”, que prometía ser de corte similar a “White Pony” pasó a ser guardado en un cajón de forma indefinida, con la promesa por parte de la banda de ser lanzado algún día en homenaje al final de una época. Sin embargo, más de una década después, su salida continúa en el aire, y las expectativas de los fans no han parado de ir en aumento hasta el punto de que se ha convertido en uno de los discos perdidos más famosos y esperados del rock alternativo.

FOTO: ARCHIVO

es ma entregando dos trabajos impecables “Diamond Eyes” (11) y “Koi No Yokan” (12), que no hicieron más que acrecentar su legado y fortalecer su trayectoria, engrosada en multitud de conciertos alrededor de todo el mundo. Si bien su último “Gore” (16) no ha convencido tanto como sus anteriores entregas, la reputación de Deftones permanece imperturbable y sus seguidores se han manteniendo fieles, a la expectativa de cualquier movimiento de la banda. SU ESPERADO PRÓXIMO DISCO, cuyo título, portada y tracklist están aún por anunciarse, ha sido ya grabado al completo y se encuentra en proceso de mezclas. Terry Date se encuentra al cargo, una vez más, de las labores de producción y su lanzamiento está previsto para septiembre, según comentaron los miembros de la banda la pasada semana. Los de Sacramento han asegurado en varias ocasiones que tendrá un sonido experimental que guardará cierta relación con el logrado hace veinte años ¿sonará tan impecable y grandilocuente como su obra maestra? PARA QUIENES DESEEN CONTINUAR deleitándose con el material clásico, Deftones tienen previsto, además, publicar una reedición de “White Pony”, que vendrá acompañada de un disco de remixes (del que aún se desconocen los detalles) al que la banda se ha referido en rueda de prensa como “Black Stallion” y en el que está involucrado el célebre DJ Shadow. —J.G.S.

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CON SERGIO VEGA, procedente de Quicksand, sustituyendo a Cheng a las cuatro cuerdas, la nueva formación recuperó su mejor formondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

agosto 2020 #13

NO DE LOS DATOS MÁS CURIOSOS de la carrera de Los Rodríguez es que apenas duró seis años, desde su gestación en 1990 hasta su última gira en 1996. Todo arrancó a partir de las cenizas de Tequila, el grupo que a finales de los setenta y principios de los ochenta había conseguido hits como Rock & roll en la plaza del pueblo o Salta!! Mientras que en la incipiente escena roquera del Madrid de aquel entonces lo que pegaba fuerte eran los sonidos pesados de Leño, Barón Rojo u Obús, este quinteto consiguió el éxito comercial con una apuesta mucho más moderada y refinada en una suerte de versión española de The Rolling Stones (bastaba con ver los bailes y la indumentaria a lo Mick Jagger de Alejo Stivel). OCHO AÑOS DESPUÉS DE SU DISOLUCIÓN en 1982, los guitarristas Julián Infante y Ariel Rot volvieron a aliarse. El primero, originario de Ciudad Real, andaba montando una nueva banda junto al baterista madrileño Germán Vilella. Rot se incorporó incluyendo a otro argentino en sus filas: un aún desconocido por estos lares Andrés Calamaro, cantante y teclista con quien había colaborado en sus últimos discos en solitario: Por mirarte (1988) y Nadie sale vivo de aquí (1989). DEBUTARON EN 1991 con Buena suerte, al que todavía no se sabe muy bien por qué siguió un álbum en directo, Disco pirata (1992). A punto de tirar la toalla, en mitad de una trayectoria que no sabían #14 agosto 2020

De izquierda a derecha: Andrés Calamaro, Ariel Rot, Julián Infante y Germán Vilella.

Rodr

hacia dónde les llevaría, pegaron el pelotazo con Sin documentos (1993). Siempre les gustó fusionar la música latina con su rock&roll stoniano, y la canción que daba título al trabajo (compuesta por Calamaro) se convirtió en uno de los temas estrella del rock hispanoparlante gracias a su mezcla de rumba y guitarras eléctricas.

ASÍ LLEGAMOS A 1995, año en el que entrarían a grabar el disco que nos ocupa. La mayor parte se registró durante el mes de enero en El Cortijo, el chalet que Trevor Morais (batería de Björk) reconvirtió en estudio en mitad de la Sierra de Ronda (Málaga). Allí no solo ha grabado la islandesa, también otros artistas nacionales como Amaral o internacionales como Rammstein. Hasta allí se desplazaría desde Nueva York para la ocasión Joe Blaney, encargado de grabar, mezclar y producir el trabajo. Contaría con Walter Chacón como segundo ingeniero (encargado también de la producción junto a Los Rodríguez) y Álvaro Alonso como asistente. LAS GRABACIONES SE EXTENDERÍAN durante el mes de febrero en Eurosonic, más alguna grabación adicional en Red Led (ambos estudios de Madrid) y South Beach Studio (Miami, Florida, donde se realizarían las mezclas). La faena se remataría con la masterización de Ted Jensen en Sterling Sound (Nueva York).

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El 24 de abril de 1995 salía a la venta Palabras más, palabras menos, el tercer y último disco de estudio de Los Rodríguez. Recordamos la despedida de aquel súper grupo irrepetible de los noventa.

Los ríguez

—TEXTO Jesús Casañas

Veinticinco años de Palabras más, palabras menos

ADEMÁS DE LAS NUMEROSAS COLABORACIONES que van desde Raimundo Amador hasta Coque Malla (y en las cuales nos extenderemos más adelante, al analizar el disco canción a canción), el cuarteto volvió a contar con Daniel Zamora como bajista, que a pesar de permanecer en el seno del grupo desde 1993 hasta su disolución nunca fue considerado como un miembro oficial de Los Rodríguez (que quizás se fijaban una vez más en sus venerados Stones para tomar tal decisión). EL RESULTADO FUERON TRECE CANCIONEs bautizadas como Palabras más, palabras menos, segundo corte del LP compuesto por Calamaro. Cual Paul McCartney y John Lennon, Andrés Calamaro y Ariel Rot firmaron la gran mayoría de los temas de la banda, si bien es cierto que el peso de Andrés fue cada vez mayor. A Julián Infante le tocaría el puesto de George Harrison, aportando en este álbum solo una canción (Extraño). Joaquín Sabina, con quien habían entablado una gran amistad, les regalaría la letra de Todavía una canción de amor. Sergio Makaroff, músico argentino que también había emigrado a España en los años ochenta, era otro viejo amigo de la banda que ya les había ayudado a componer desde los tiempos de Tequila, aportando en esta ocasión su granito de arena en La puerta de al lado. EL DISCO SALIÓ A LA VENTA el 24 de abril de 1995 bajo el amparo de Dro East West (absorbida ya por Warner). El diseño gráfico corrió a cargo de Óscar Mariné (OMB Madrid), que para la icónica ilustración de la portada se había basado en los trabajos para Le Petit Gaulois del mexicano José Guadalupe Posada (1853-1913). EL TRABAJO TUVO UNA GRAN ACOGIDA. Tanto, que el grupo murió de éxito. Hay quienes hablan de luchas de egos y desavenencias económicas, y hay quienes aseguran que nunca hubo conflictos. Lo único cierto es que no habían parado de girar desde el pelotazo de Sin documentos (1993), y que Calamaro, que había llegado el último, se había posicionado como líder indiscutible y pedía a gritos retomar su carrera en solitario. SE LANZARON HASTA CINCO SINGLES, todos recordados a día de hoy por el gran público: Palabras más, palabras menos, Milonga del marinero y el capitán, Aquí no podemos hacerlo, Para no olvidar y Mucho mejor. Sabina, que en 1996 lanzó Yo, mi, me, contigo (y donde los propios Rodríguez intervenían en el tema Viridiana, toda una juerga mexicana), les enroló en una gira conjunta que sería la última del grupo. Aquel año publicarían el recopilatorio Hasta luego, que a pesar de ser su disco más vendido dejaba claro el final del cuarteto desde el propio título. CALAMARO Y ROT emprenderían sus carreras en solitario. Infante no lo conseguiría, puesto que antes de lanzar su ópera prima murió víctima del sida en el año 2000 con 43 años. Dos años después se lanzaría un nuevo recopilatorio: Para no olvidar, que pese a estar compuesto de dos CDs y un DVD con diverso material audiovisual no logró superar en ventas al Hasta luego. EN 2006, diez años después de su disolución, Rot y Calamaro se enrolaron en la gira conjunta Dos Rodríguez. Al año siguiente se suicidaría el bajista Daniel Zamora, que años atrás se había retirado a su localidad natal de Palafrugell (Girona) para combatir un cáncer. La última reunión oficial hasta el momento de Los Rodríguez fue en 2019, cuando Rot, Calamaro y Vilella entraron a grabar su versión de Princesa en el tributo a su queridísimo Sabina, Ni tan joven ni tan viejo.—J.C.

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agosto 2020 #15

Palabras Más, Palabras Menos Canción a canción 3

Aquí no podemos hacerlo (Calamaro)

La oda a la marihuana de Andrés fue, como no podía ser de otra manera, a ritmo de reggae. Mientras Los Rodríguez tocaban en un festival en la ciudad de La Plata (Buenos Aires, Argentina), el cantante soltó aquello de “me estoy sintiendo tan a gusto que me fumaría un porrito. No me digan que en cien mil personas no hay algún habilitante...”. Se inició un proceso judicial al acusarle de apología de las drogas del que sería absuelto diez años después. Tercer single.

Milonga del marinero y el capitán (Rot)

Los característicos riffs de Ariel abrían el disco acompañados del Hammond de Andrés. Un himno portuario que supuso el segundo single en ser lanzado, donde mezclaban una vez más los aires latinos (gracias en gran parte a la percusión de Luís Dulzaines, que metió bongos, congas y cabasa) con el guitarreo de Chuck Berry.

Todavía una canción de amor (Calamaro/Sabina)

Cuenta la leyenda que Calamaro estaba comiendo en un restaurante con Sabina cuando le pidió una letra para su nuevo disco, y que el “Dylan de Úbeda” volvió a los diez minutos con el tema escrito. Andrés le puso música, dando como resultado uno de los mejores cortes del álbum.

El tiempo lo dirá (Calamaro/Rot)

El rock vuelve a ser el protagonista con un aire a las bandas sonoras del spaghetti western de Ennio Morricone, culpa sin duda de los arreglos de Ariel. “Solamente lo que había era una carta y propaganda en el buzón, y la carta no era mía” era puro costumbrismo calamariano.

En un hotel de mil estrellas (Calamaro)

Los ritmos se relajan y el piano (adornado por los fraseos de armónica) toma protagonismo en esta balada que Andrés le dedicó a la gente sin techo.

Mucho mejor (Rot)

Uno de los temas más cantados y bailados de Los Rodríguez. Toda una canción del verano apodada popularmente como “Hace calor”. Un rock canallesco obra de Ariel, quien se turna en la voz con Andrés y el invitado de honor: Coque Malla (otro gran amigo de la banda). “Podrían acusarme, ella es menor de edad”: la letra difícilmente podría defenderse hoy día, pero en los noventa causó sensación siendo el quinto y último single.

La puerta de al lado (Makaroff/Calamaro/Rot)

Tal y como comentábamos más arriba, el músico argentino Sergio Makaroff le echaba de nuevo un cable a sus compatriotas en la composición. Esta vez escribiría la letra a medias con Calamaro, dejando a Rot la parte musical.

10 11

Una forma de vida (Calamaro)

El rock regresa en esta breve composición de Calamaro, con Rot poniéndole el aire sureño gracias a sus arreglos de guitarra slide.

Extraño (Infante)

El momento de gloria de Julián Infante, que además de aportar su única aportación compositiva asume la voz principal y la guitarra solista. “No es una canción de amor, eso al menos pienso yo, es algo más sano”, afirmaba el músico.

Palabras más, palabras menos (Calamaro)

El tema estrella por el que apostó la banda, usándolo para bautizar el álbum y protagonizar el primer single. Un rock acelerado de quintas distorsionadas donde Calamaro ponía de manifiesto su talento compositivo para convertir una canción de tres acordes en un hit. #16 agosto 2020

Para no olvidar (Calamaro)

Los Rodríguez volvían a esa mezcla de rumba y rock que tan buenos resultados les había dado en Sin documentos. Esta vez con la guitarra flamenca de Raimundo Amador, que se pasó por El Cortijo junto a Juan Maya y Conchi Heredia, que pondrían por su parte cante y palmas. Se lanzó como cuarto single.

Diez años después (Calamaro)

Otro de esos temazos calamarianos: pegadizo, stoniano, simple y emotivo. En su día pasó desapercibido, pero fue el elegido para abrir el recopilatorio Para no olvidar de 2002.

Algunos hombres buenos (Calamaro)

Y aquí unas pinceladas de los desbarres que Calamaro desarrollaría más adelante en su carrera en solitario, con casi seis minutos de sus reflexiones particulares como colofón del último disco de Los Rodríguez.—J.C. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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agosto 2020 #17

WALA. WALA.

“Me estaba volviendo loco con el camino que ha tomado el mundo, así que decidí luchar por lo que me preocupa. Quiero cuidarme de mis amigos y de mi familia, y relacionarme solocon gente que tiene un espíritu positivo” Simon Neil, de Biffy Clyro, en Spin

“Creo que las mujeres están triunfando en cualquier género,. Incluso en el mundo del pop, muchas están rompiendo moldes y haciendo lo que realmente quieren” Amalie Brunn de Myrkyr, en Consequence Of Sound

“Ha sido un secreto hasta para amigos y familias porque queríamos tener primero el disco. Eso nos ha llevado a guardar este secreto durante un año. Que no fuera 'hemos montado un grupo, tenemos tres canciones' y que quedara en nada” Zahara, de _juno, en Jenesaispop

“ES MUY ROMÁNTICA LA IDEA DEL DO IT YOURSELF, PERO NECESITAS CONTACTOS QUE POR MUCHOS MOTIVOS NO TIENES. MIENTRAS UN SELLO NO TE OBLIGUE A HACER COSAS QUE NO QUIERES, NO VEO NINGÚN PROBLEMA. DE HECHO NOS SIGUEN DEJANDO CERRAR COSAS PEQUEÑAS QUE NOS PUEDEN APETECER” Arnau Sanz, de Mujeres, en Rockzone

El Búho Un árbol frondoso Robin Perkins, británico conocido como El Búho, lleva años recopilando beats para su maleta de DJ. Enamorado de los sonidos de raíz, ha hecho de su tercera entrega, Ramas (Wonderwheel Recordings, 20), un homenaje a músicas ancestrales de medio planeta junto a diecinueve artistas más. Folktrónica de múltiples vestigios.

O HAY ÁRBOL BONITO O FEO. Pero los más impresionantes son los que de primeras no se adivina cuántos vástagos emanan de su tronco. Algo parecido pasa con el último disco de Robin Perkins, productor británico conocido como El Búho. Folk, house o ambient conviven en Ramas, un disco al que no se le intuye el final. Eso pasa por dos motivos. El primero, la profundidad y versatilidad de las producciones. No hay canción plana en Ramas. Y el segundo, y sin desmerecer la mano del afamado melómano, porque el largo está confeccionado junto a diecinueve artistas de medio planeta. Es inevitable la riqueza de matices. “El proceso ha sido orgánico y fruto de años de colaboraciones y encuentros. La lista de artistas no la decidí, se cerró automáticamente. Al final el disco refleja la variedad de productores y amigos alrededor de la escena”, atiende Perkins, que ha compartido proyecto con músicos tan diferentes como Didacte, Tremor o Rumbo Tumba. “Fue imposible homogeneizar procesos. Parte de la belleza de este disco ha sido aprender nuevas mirada”, complementa. SIN ESPECIAL INTERÉS porque el álbum fuese una radiografía de la folktrónica actual,

la sensación de paseo por el globo es amplia. “Lo considero más bien un compilado mío que un disco tradicional. No se podía lograr un sonido igual y no lo busqué. En la mezcla, eso sí, dejamos el estilo de cada uno”, dice. México, Taiwán, Islas Galápagos –entre otros países– están representados en el largo. También España, gracias al gallego Baiuca (A minha fraga). “Hace tiempo que soy muy fan de Baiuca. Fue Chancha Vía Circuito quien me habló de él. Y lo conocí en mi show en Madrid. Me fascina su exploración y celebración del folklore gallego”. RAMAS DEMUESTRA cómo, yendo a la esencia, la colaboración, la mirada no invasiva, se puede saltar fácilmente el perjurio de la apropiación. Así ve el debate Perkins. “Es muy importante respetar y entender de dónde viene y qué significa cada cosa. Todos hemos visto edits usando samples estereotípicos tipo Icaro (chamán de Perú). A la vez, no me gusta ese concepto que la música tradicional es algo congelado en la historia, intocable. Al contrario, se mueve, evoluciona y se mezcla”. EL BÚHO SIGUE con la exploración de las enseñanzas del pasado, una idea que no es sólo estética y que combina con el respeto por el planeta. El confinamiento ha sido una excusa perfecta para desencallar próximos proyectos. “Estoy trabajando en muchas cosas, como A Guide To The Birdsong Of Mexico, Central America, & The Caribbean (Shika Shika), un compilado inspirado por los cantos de aves en peligro de extinción cuyas ganancias se destinarán a organizaciones de conservación. También estoy trabajando mucho con DJ's For Climate Action”. —YERAY S. IBORRA

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epto “No me gusta ese conc nal que la música tradicio es algo congelado e” en la historia, intocabl

#18 agosto 2020

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“CUANDO HACÍA EL PROGRAMA DE RADIO EN LA BBC EMPEZARON A ENVIARME MUCHOS DISCOS. AL PRINCIPIO PENSÉ QUE PODRÍA ESCUCHARLO TODO, PERO TARDÉ POCO EN DARME CUENTA DE QUE IBA A SER IMPOSIBLE ESCUCHAR TODO LO QUE LA GENTE ME ENVIABA” Jarvis Cocker, en Brooklyn Vegan

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Bejo A malos tiempos buena cara

MONDO FREAKO

an sido tiempos difíciles para todos. Pero me ha servido para estar un poco más centrado en mis cosas también y aprovechar el tiempo como me gusta, creando cosas”. Cosas tan sobresalientes como Chachichacho, uno de sus trabajos más completos y ricos hasta la fecha. Creado durante el tiempo de cuarentena. “La mayoría del disco la he hecho en estos meses de confinamiento en casa, con el equipo que tengo aquí. Había algunas cosas de antes pero el ochenta por ciento lo he hecho en este período”, reconoce el canario, de quien hay que reconocer que ha estado más que inspirado en este disco. Porque Chachichacho saca la mejor versión de Bejo en todos los estilos sobre los que suele despegar su arte: trap, reggaetón, salsa y, sobre todo, rap, mucho rap. “Es cierto que es un poco popurrí como los anteriores. No suelo buscar una línea o un patrón a seguir antes de grabar un disco, al final son canciones que voy grabando. Pero con las más raperas como Rap Largo me quedé bien a gusto. Hay gente que me decía “ya no haces boom bap, tal, ya sólo te dedicas a los autotunes e intentar cantar”, pero a mí siempre me ha gustado el rap. Hace diez años sólo hacía rap. Y aunque ahora haga otros estilos me sigue flipando. No tengo ni idea de cantar, ni de solfeo, hay algunos estribillos más entonados pero sí es verdad que los temas de rap me los hago más del tirón y me siento cómodo”. Para muestra otras canciones como A pico y pala, Avarisocio y, fuera del disco, la reciente colaboración con el afamado Bizarrap. Un featuring que “surgió cuando estuvimos de gira en Buenos Aires. Nos contactó e hicimos una colaboración Patri y otra yo, y encantados porque es un chaval con mucho talento. Se hace las bases ahí en el momento”. Y que demuestra dos cosas: que el bejismo es apreciado también más allá de nuestras fronteras y que existe una intensa unión entre las escenas española y argentina. “Su escena ha pegado un pelotazo

EL APUNTE

Con cholas y a lo loco

SI YA RESULTA DIFÍCIL dirigir con éxito una carrera musical, imagínense dos. Pero Bejo (y Don Patricio) lo están logrando (de Uge aún se espera que dé el gran paso en solitario). El trío canario Locoplaya es aclamado tanto por sus festivos conciertos como por sus singles, algunos de los cuales rondan los cinco millones de visitas. Así que la pregunta a Bejo era obligada: ¿para cuándo el esperado disco de Locoplaya? “¡Es la pregunta de la Bonoloto! (risas). La cosa se ha ido demorando, tenemos música hecha pero al final es complicado coincidir los tres e ir terminándolo. Yo tengo muchas ganas de poder sacarlo, creo que son buenos temas y muy variados, con la esencia de Locoplaya vacilona del verano y otras cosas a las que igual la gente no está tan acostumbrada. Llevo un año diciendo que va salir ya pero al final nada (risas), así que no puedo decir fechas. Pero esperemos poder ir terminándolo y que salga pronto”. —A.G.R.

muy grande. Veo mucha gente que tiene su propio estilo, con su acento ya de entrada. E igual que Puerto Rico por ejemplo tuvo hace años ese tirón internacional, en Argentina también veo mucho potencial. Me gustan mucho Ca7riel y Paco Amoroso y Lucho por ejemplo. Y para los conciertos son muy calientes y lo viven mucho. Tengo ganas de volver, se está muy a gusto allí, comiendo esas empanadas”. PERO TODOS CONOCEMOS que la música no es la única habilidad de Bejo. El canario destaca también por sus divertidos e innovadores videoclips, y también se ha buscado la manera de seguir creándolos. “Si no podemos salir a calle, nos las tendremos que ingeniar con un croma. Me encanta el mundo del videoclip, es como hacer una peliculita y le da más significado a las canciones. Y me sirve para expresarme de otra manera y diferenciarme un poco de resto. Además, ¡me lo paso de puta madre haciéndolos!”. Una situación que se repite con sus ya famosos “dibejos”. “Tengo la casa petada de cuadros,

no tengo pared para tanto cuadro ya, pero no voy a parar. Dibujar me relaja y me ayuda a expresarme, y si además puedo darle salida porque a la gente le interesa y puedo hacer exposiciones, pues otra suerte más en mi vida”. Y es que el arte de Bejo parece no tener límites. Chachichacho es una explosión de originalidad en forma de música, de un cantante que dejó los prejuicios de lado hace mucho mucho tiempo. “No tengo por qué cerrarme a ningún estilo. Hay bases de son de productores que he ido conociendo y otras que cojo de Internet. Algunas veces me pongo a buscar instrumentales por la red y me da igual que sea de un productor de Bulgaria, de Estados Unidos o de Australia; si me hace tilín la guardo en mi carpetita hasta que tengo una letra que le encaje”. Sólo así puede entenderse la libertad y espontaneidad que transmite Chachichacho. —ALFONSO GIL ROYO

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“A mí siempre me ha gustado el rap... Y aunque ahora haga otros estilos me sigue flipando”

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La música ha sido uno de los mayores bálsamos que hemos tenido durante el confinamiento. Y algunos artistas como Bejo han aprovechado para intentar sacar algo positivo de una situación tan desastrosa. Chachichacho (Autoeditado, 20) es un álbum que además demuestra el gran nivel artístico que ha alcanzado el canario.

agosto 2020 #19

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MONDO FREAKO

Ghostpoet Verdades que duelen El británico sigue haciendo gala de su oscura narrativa en un I Grow Tired But Dare Not Fall Asleep ([PIAS], 20) en el que, de forma involuntaria, parece que le canta a este presente lleno de incertidumbres.

que “Muchas de las cosas ía on escribí están en sint sando” con todo lo que está pa

RRMarilyn Manson ha estrenado el single We Are Chaos, que ha servido además para anunciar el que será su nuevo trabajo bajo el mismo título. El disco verá la luz el 11 de septiembre de la mano de Loma Vista/Music As Usual y está producido por Shooter Jennings.

TAN.LEJOS

RRLa banda de crossover Fishbone reúne a su formación más emblemática para grabar un nuevo trabajo. Y lo más sorprendente es el anuncio de que Fat Mike de NOFX se encarga de la producción, no en vano el vocalista y bajista ha actuado en directo en varias ocasiones junto a Angelo Moore, cantante y saxofonista de los primeros.

Tom G. Warrior El padrino del extremo Existen muy pocos nombres con un peso y trascendencia mayor que el de Tom G Warrior dentro del metal extremo. Ha sido la protagonista activo de legendarias bandas como Celtic Frost, Hellhammer o más recientemente los sofocantes Triptykon. Hablamos con él acerca de su legado y su faraónico nuevo trabajo Requiem (Live At Roadburn) (Prowling Death/Century Media, 20).

#20 agosto 2020

RRAlex Kapranos, conocido por ser el líder, guitarra y vocalista de la banda escocesa Franz Ferdinand, y la cantante francesa Clara Luciani presentan juntos Summer Wine, versión de Nancy Sinatra y Lee Hazlewood, Summer Wine, cantada a medias entre inglés y francés. Y es fantástico porque el resultado está a la altura de lo esperado. RRFallece la cantante británica Denise

Johnson, quien fuera pieza importante de Primal Scream entre 1991 y 1995, además de colaboradora de A Certain Ratio durante los últimos años. Suya es la voz en hits como Don’t Fight It, Feel It o Hig-

stos cuarenta años de trayectoria te han permitido explorar diversas facetas de lo que podríamos entender como metal. ¿Cómo te sientes respecto a la evolución que ha experimentado la escena extrema a lo largo y ancho del mundo? Aunque pueda parecer una pregunta sencilla me llevaría escribir un libro entero poder responder a ello. La música, como todo, es algo susceptible al cambio. Es difícil ver cómo algo que ha tenido un significado especial en la vida de uno cambia como un momento particular de una escena o un género en particular. Pero la cuestión del asunto es que el cambio es el mecanismo más normal que existe, nos guste o no; está claro que el espíritu del black metal ha evolucionado en los últimos treinta años, y la aproximación de las bandas actuales es radicalmente distinta a la de hace décadas, por supuesto. Pero eso es lo que cabría

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suma adeptos día tras día y la sociedad, siendo esclava de las nuevas tecnologías, sobrevive como puede sin rumbo fijo y con la salud mental muy maltrecha. “La verdad es que me encantaría escribir sobre temas más alegres. No obstante, ¿qué es en realidad la felicidad? No lo sé. En definitiva, hablo sobre cuestiones muy universales porque la vida siempre tiene esa parte oscura por mucho que a algunas personas les cueste admitirlo”, cuenta desde su confinamiento en Londres, a donde volvió el pasado diciembre después de pasar los últimos años junto a su pareja en la localidad costera de Margate. “AL TERMINAR Dark Days + Canapés surgió la posibilidad de poder vivir de una forma mucho más aislada y tranquila que en la capital. Allí monté una estación de radio y una cafetería en la que los músicos de la zona podían venir a tocar, así que la experiencia me sirvió para hacer de productor de radio e ingeniero de sonido, cosas que hasta entonces nunca había probado. Empecé a ver la vida

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miembro del grupo en los discos Organix (93), Do You Want More?!!!??! (95), Illadelph Halflife (96) y el exitoso Things Fall Apart (99).

her Than The Sun. Aunque Johnson no solamente acompañó a Primal Scream, sino que también fue elemento indispensable de A Certain Ratio, siendo habitual en sus directos durante distintas etapas de la carrera del grupo y participando en un total de cuatro discos.

RRBillie Eilish ha estrenado el sin-

gle, My Future, la primera pieza que muestra después de No Time To Die, composición de la cantante americana para la banda sonora de la nueva película de James Bond. —MS

RRMalik Abdul Basit, es decir Malik

B, quien fuera miembro de The Roots durante los noventa, ha sido hallado muerto a la edad de cuarenta y siete años. No se han dado a conocer todavía las causas de su muerte. Malik B fue

esperar, y ese es el resultado de la evolución musical a la que han contribuido músicos y fans a lo largo de las generaciones. Uno no debería olvidar que las bandas más antiguas, en su momento, se fijaban en grupos como Discharge, Motörhead, Venom o Hellhammer con el mismo asombro. Esta –y esa– nueva generación de grupos también representó un cambio radical para esas formaciones. —Triptykon os embarcasteis hace algunos meses en lo que parece uno de los proyectos más ambiciosos que jamás hayas enfrentado: “Requiem (Live At Roadburn)”, un proyecto realizado especialmente para el festival neerlandés homónimo. Desde 2018, las piezas comisariadas son algo que Walter Hoejimakers [director del festival] ha presentado a su fiel público como un valor añadido. ¿Cómo se te presentó la idea? A finales de 2017, Walter, de quien soy muy amigo, contactó con quien ha

de otra forma y, llegado el momento, encontré la inspiración necesaria para poder centrarme en cuerpo y alma en este trabajo”, confiesa sobre la génesis de este reciente álbum en el que, por vez primera, ha dado el paso de autoproducirse. “Más allá de mis propios discos me gustaría producir a otras bandas y artistas”, contesta al respecto, no sin antes apostillar que “quise poner a prueba mi creatividad, crecer como artista llegados a este punto. La forma en la que hago música es poco ortodoxa porque me inspiro principalmente en mis propias experiencias y en los libros que leo. Por ejemplo, en Are We Still Rolling?, la autobiografía del ingeniero de sonido Phill Brown. Lo que más me interesaba de aquellas páginas era saber cómo había hecho el que para mí es uno de los mejores discos de todos los tiempos: Laughing Stock de Talk Talk”. —SERGIO DEL AMO

sido mi manager durante mucho tiempo, Antje Lange, y le presentó la idea. Originalmente iba a ser “simplemente” una colaboración entre una banda de metal y una orquesta, y Walter pensó en mí porque llevaba escribiendo ese tipo de música desde los inicios de Celtic Frost. Antje me lo explicó todo y me preguntó si me interesaba la idea (por supuesto que sí). Walter y yo hablamos largamente sobre ello, y le propuse que tal vez podríamos llevar la idea un paso más allá utilizando esta plataforma para la conclusión del “Requiem”. Él se mostró de acuerdo de inmediato, y ahí empezó todo. —En diversas ocasiones has hablado de la importancia que tienen para tu proceso creativo las artes plásticas. Esta es la primera ocasión que vemos una portada de Triptykon ilustrada por alguien distinto a Hans Ruedi Giger (por razones trágicas y evidentes). Cuéntanos acerca de la elección de Daniel Valierani para

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este proyecto. “Blood Angel” [nombre del cuadro utilizado en la portada] es uno de mis [cuadros] favoritos desde hace mucho. Valeriani y yo somos amigos, y adquirí los derechos de la pintura hace algún tiempo. Es un artista remarcable, y me gustaría volver a colaborar con él algún día. Dicho esto: el próximo trabajo de estudio de Triptykon incluirá la última portada que H.R. Giger concibió, diseñó y aprobó en vida. Giger y yo acordamos realizar un tríptico de portadas para Triptykon, y diseñamos juntos la del segundo y el tercero tras el lanzamiento de nuestro debut. Él estaba muy orgulloso de lo que hicimos, y falleció no mucho después de ello. —FERNANDO ACERO

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Jorra i Gomorra Pop de vicio FOTO: ARCHIVO

O ERA ALGO RETICENTE, pero tanto mi sello como mi manager fueron los que me animaron a, pese a las circunstancias actuales, sacar el disco en estas fechas. Al final he hecho bien en hacerles caso. Cuando hace un año empecé a grabar las primeras canciones no podía imaginarme qué parte de lo que cuento acabaría sucediendo meses después. De una forma no intencional, lo prometo, muchas de las cosas que escribí están en sintonía con todo lo que está pasando. Soy el primer sorprendido de ello”. Quien habla no es un tarotista ni un ferviente seguidor de las predicciones de Nostradamus, sino Ghostpoet, detrás de quien se esconde el británico Obaro Ejimiwe. Y sí, nadie puede discutirle que anda en lo cierto porque su último I Grow Tired But Dare Not Fall Asleep deja noqueado al oyente. Aunque no precisamente por cómo suena, ya que sigue la senda de su anterior Dark Days + Canapés de 2017, sino por unas letras que anticipan un mundo de tintes apocalípticos donde la extrema derecha

Manacor tiene dos hijos ilustres, De uno de ellos dicen que juega muy bien al tenis. El otro se llama Jorra Santiago y tiene una facilidad inaudita para perfilar temazos de pop memorables. Vellut i purpurina (Bubota, 20) es su nuevo largo.

s están lloviendo elogios por todos lados. Estoy súper contento. La verdad es que estoy alucinando con el recibimiento que está teniendo el disco. Lo más normal es que a la gente no le importe lo que haces. He hecho un disco y me lo he pasado genial haciéndolo, pero no tiene por qué gustar a nadie. No quiero dar a entender que lo que hago es insignificante, porque para mí es súper importante, pero dentro del cosmos su importancia es relativa. —Vellut i purpurina suena a pop español de los ochenta, a Nacho Pop, El Último de la Fila... Siempre han sido una influencia. Mis padres son relativamente jóvenes y en casa siempre han sonado discos de El Último de la Fila, Nacha Pop, Aviador Dro, Golpes Bajos, Siniestro Total, Los Enemigos... —Es un disco, también, con cierto aire glam rock, ya desde su portada y el título, Vellut i purpurina (Terciopelo y purpurina). Todo muy Velvet Goldmine. ¡Exacto! Con catorce o quince años descubrí a David Bowie. Y tras él a Lou Reed e Iggy Pop. Me explotó la cabeza. En aquella época todo el tema de Internet aún estaba en su fase inicial y yo me compraba los discos por catálogo. Así, uno a uno, fui descubriendo los discos de David Bowie. Y cuando me llegaban, no solo los escuchaba hasta quemarlos sino que me pasaba horas mirando la portada, aprendiéndome los nombres que aparecían en los créditos... Aquella manera de entender y disfrutar la música era una escuela. Y luego estaba la imagen de todos estos artistas: Bowie, Bolan, Reed... que siempre nos ha fascinado. —ORIOL RODRÍGUEZ

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agosto 2020 #21

DEL 27 AL 30 D’AGOST 2020 Diverses poblacions de TERRES DE L’EBRE

WWW.EUFONIC.NET MÚSICA I PERFORMANCES, INSTAL.LACIONS ARTÍSTIQUES, ACCIONS SONORES I ACTIVITATS EN ESPAIS SINGULARS

23/Mondo VINILOS

Juice WRLD

Tim Burgess

Legends Never Die Grade A/Interscope

TRAP / A diferencia de lo que supone muchos trabajos póstumos de aquellos artistas que nos dejan mucho antes de lo que es habitual, Legends Never Die de Juice WRLD es aún mejor de lo que podíamos esperar del desgraciadamente fallecido cantante estadounidense. El álbum, de veintiuna canciones y casi una hora de duración, recupera lo mejor de un Juice WRLD que deslumbró al mundo con su Goodbye And Good Riddance en 2018 antes de perder un poco de su toque en proyectos como el discutible WRLD On Drugs junto a Future. En Legends Never Die encontramos frescura y energía (bajo control) y uno de los mayores talentos para interpretar que han surgido –y triunfado– en la escena de Chicago en muchos años. Conversations o I Want It son solo dos ejemplos.

Jarvis Cocker vuelve a lo grande Jarv Is…

Beyond The Pale Rough Trade/Popstock!

POP/ Once años después de Further Compli-

cations (09) y tras su mano a mano con Chilly Gonzales en Room 29 (17), Jarvis Cocker vuelve a reinventarse y presentarse como Jarv Is… en este experimental y vibrante Beyond The Pale. Se trata de un proyecto concebido como una nueva forma de crear música en colaboración con la audiencia. Para ello, la formación grabó sus directos, analizó el desarrollo de sus canciones en vivo y ha acabado materializándolas en este trabajo que ahora tenemos entre manos. De los susurros cohenianos de Save The Whale, entre sonidos intergalácticos y una omnipresente arpa, al fundir en la creciente velocidad rítmica de Must I Evolve?, tormenta de meteoritos, pulso desenfrenado y voces que nos empuja a una evolución sin control hacia lo desconocido, recorriendo en una máquina del tiempo la historia que le sigue al big bang particular y continuo que Cocker dibuja surco a surco. Si la cara B nos recibe en una pista de baile con la suave y seductora brisa de House Music All Night Long, mientras la lava ardiente del centro de la tierra se abre paso entre las grietas de un corazón herido, en Am I Missing Something? encontramos el latido primigenio del proyecto dirigido por el ex-Pulp… piedra filosofal rodante y hit que comenzó a coger forma hace más de

I Love The New Sky Bella Union

POP / De vez en cuando Tim Burgess se toma un respiro como carismático frontman de The Charlatans, para sumar una nueva referencia a su carrera en solitario. Una costumbre retomada ahora con el optimista I Love The New Sky, que muestra a un autor liberado de los imperativos marcados por su grupo y positivista si atendemos al aspecto de las doce canciones prensadas. Un álbum en el que, dentro de ciertas coordenadas, el británico acomete un pop melódico de diferentes formas, y que igualmente se distribuye entre aciertos y esas piezas anecdóticas que terminan por limitar la pegada de la propia entrega. Este es un trabajo bien acabado y cuya generosidad en arreglos prueba el interés de Burgess en el mismo, pero que no pasa de meramente agradable.

siete años y, desde entonces, no ha dejado de mutar. El palpitar de la conciencia elevándose entre estrellas en la negritud del universo, externo e interno en busca de un puñado de felicidad o algo que se le parezca, con Alan Watts y las teorías del inconsciente de Jung pululando a sus anchas entre líneas. Una lluvia de sintetizadores, percusiones futuristas, arreglos de cuerda y un coro que nos hace cerrar los ojos y levitar, mientras Cocker, reencarnado en el último Bowie, irrumpe dejándose la garganta y todo lo demás. Si Sometimes I Am Pharaoh es la tormenta sónica que describe la sensación de extrañeza, incomunicación y baile de máscaras alrededor del consumo rápido en los lugares turísticos masificados, en Swanky Modes, Cocker nos da un respiro, tejiendo un oasis de aparente calma con su envolvente fraseo y un elegante piano, aderezados con los arreglos de cuerdas preciosistas y luminosos de Serafina Steer. Y tras ese reencuentro inesperado en una tienda de ropa de mujer de Camden (Swanky Modes), removiendo recuerdos y despertando deseos, nos dejamos arrastrar por la atmósfera compleja de Children Of The Echo, tema de cierre que para muchos será familiar, ya que se grabó durante la actuación de la banda en el Primavera Sound de Barcelona en 2019. “Un álbum vivo”, un proceso de creación en continuo movimiento y cambio, una experiencia inconclusa que seguirá creciendo y sorprendiendo en directo. Solo queda despertar o creer que lo hacemos… De una manera u otra, como recita Jarvis Cocker, “somos hijos del eco” y bailando repetiremos su mantra hasta desvanecernos.

—LUIS M. MAÍNEZ

ROCK/ La negligencia tiene algo de descuido, de despiste. Por eso programarla suele ser contradictorio. Aunque también tiene algo de pasotismo. De “me importa tres pimientos lo que opines, pero lo voy a hacer”. Y por ahí “programan” la suya Biscuit. Porque no solo vuelven a escena, sino que lo hacen con un disco que, sin abandonar su dosis habitual de referencias a The Who o Redd Kross, vira hacia el rock más psicodélico. Y eso los acerca a personajes como Pau Riba o Los Negativos. Y no es casualidad que cite en primer lugar al autor de Dioptria porque, además, por primera vez en su carrera, el disco está cantado íntegramente en catalán. Y no diré que no choque. Incluso que no cueste. Lo hace, pero al final, y aunque alguna cosa chirría, te acostumbras a esa nueva vía.

INDIE/ Matt Sharp, el antiguo bajista de Weezer, reactiva su proyecto junto a Nick Zinner (Yeah Yeah Yeahs) y Ronnie Vanucci (The Killers). Dave Fridmann (Mogwai, The Flaming Lips) aporta su sello habitual en las mezclas. Son credenciales prometedoras, pero Q36 acaba siendo un trabajo tan interesante como excesivo y autocomplaciente. Son dieciséis cortes en los que Sharp despliega un festín demasiado abundante de estilos, colores y sonidos bajo el paraguas de una psicodelia amable que aúna momentos electrónicos (Invasion Night), riffs de cemento armado (Forgotten Astronaut), college indie de estribillo eufórico (el single Conspiracy, Great Big Blue), espíritu juvenil conciliado con Mercury Rev (Nowhere Girl, Machine Love) o alguna delicadeza acústica (9th Configuration).

—DAVID PÉREZ

—EDUARDO IZQUIERDO

—JC PEÑA

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—RAÚL JULIÁN Biscuit

The Rentals

Negligència programada La Castanya

Q36 Autoeditado

agosto 2020 #23

MONDOVINILOS

Cloud Nothings

The Black Hole Understands Avant Garden

Fontaines D.C. buscan el clasicismo 8

Fontaines D.C. A Hero’s Death Partisan/[PIAS]

9 POST-PUNK / Hay algo intangible que de-

termina el momento de un grupo: química, estado de ánimo, conexión cósmica. El nuevo extraordinario disco de los irlandeses, que llega poco más de un año después de su celebrado debut, deja claro que el quinteto necesitaba capturar ese momento de estado de gracia tan volátil y esquivo. El esfuerzo de un año frenético y el fuerte revés de haber desechado una primera grabación en Los Angeles para volver a trabajar con Dan Carey, ha merecido la pena: tras las dificultades han llegado a un sitio muy diferente, indudablemente más complejo, exigente, oscuro. Han traspasado la línea de sombra que delimita juventud y madurez. Siempre que se dice que el rock o la música de guitarras se ha agotado en beneficio de modas más o menos efímeras aparece un grupo que lo desmiente. Pocos casos más palmarios que el de los irlandeses, empeñados en revitalizar el poder

catártico y poético del rock, poniendo de acuerdo a varias generaciones. Lo hacen porque van sobrados de personalidad y se empeñan en no caer en pedanterías fatuas. Si todo grupo importante es un milagro en el que todas las piezas encajan, Fontaines D.C. aspiran a ser unos clásicos. El lado más jovial de Dogrel se sacrifica por los bucles hipnóticos de quienes han aprendido a marchas forzadas sin rendirse: la descarnada I Don’t Belong, A Hero’s Death con sus engañosos coros soleados, o You Said,

en la mejor tradición romántica. A Lucid Dream apabulla con su visceral letanía vocal, sus guitarras apocalípticas y un tremendo trabajo de percusión. La banda tampoco tiene miedo de explorar momentos de calma introspectiva, como Oh Such A Spring y Sunny para culminar con sus raíces melódicas celtas, la preciosa No, en la que el vocalista Grian Chatten da lo mejor de sí con una interpretación en la que volvemos a recordar que la música trata, por encima de todo, de emociones. —JC PEÑA

POP / Creado íntegramente

durante el confinamiento, el nuevo disco de Cloud Nothings muestra al grupo alejado de su faceta más ruidosa y expeditiva, para manejar a cambio un fantástico power-pop que les ajusta como un guante. El nuevo aspecto oxigena a la formación, con piezas de tres minutos que no son sino pildorazos certeros e impregnados con un poso de tristeza lírica. Melodías acertadas y una instrumentación tan sólida como fluida, expandida con el realismo e impactos propios de una actuación en directo hasta convertir la referencia en una delicia para los aficionados a estos sonidos. Diez piezas y media hora sin desperdicio para presentar sus respetos a clásicos del revival noventero del género como Teenage Fanclub, Fountains Of Wayne, Velvet Crush, The Posies o Gigolo Aunts. Lejos de un mero entretenimiento con el que pasar el encierro, el séptimo álbum del combo supone la enésima confirmación del talento de Dylan Baldi y compañía.

—RAÚL JULIÁN Los Estanques

Micka Luna

IV Inbophonic Records

PSICODELIA / En su cuarto

álbum los cántabros se mantienen firmes como impagable rareza local. Aprovechan su contrastada pericia con los instrumentos y una cultura musical insólita para zambullirse en una especie de intrincado pop progresivo que en el single y primer corte No hay vuelta atrás se llena de sol californiano, brisas psicodélicas y vientos, con una frescura que haría palidecer al mismísimo Kevin Parker. En realidad, su mayor referencia es el compositor madrileño de culto Malcolm Scarpa, lo cual les define a la perfección. Son apenas treinta y cinco minutos que harán las delicias tanto de millennials enterados como de veteranos melómanos felices de ver a unos chavales recuperar el sonido de sus años mozos, con un toque contemporáneo, humor absurdo y abundantes giros. Que en la fantástica Emilio el Busagre se atrevan a rivalizar con el pop desatado de los setenta, para terminar dándose el baño de sintetizadores retrofuturistas de Reunión, lo dice todo. —JC PEÑA #24 agosto 2020

POP / Como una de sus ban-

das sonoras para películas o espectáculos de danza, pero llevado a lo más personal. Micka Luna conquista el mundo discográfico con 11, su primer álbum. El compositor da el paso al formato disco en un proyecto sumamente personal, sacado de sus propias entrañas, sumergiéndose en sus cenizas sentimentales para extraer puras joyas. El artista catalán ha compuesto bandas sonoras de películas como Barcelona, la rosa de foc (Manuel Huerga, 14) o Íngrid (Eduard Cortés, 09). De esta última rescata You’ll Never Catch Me, la canción que interpretó junto a Leonor Watling, un dúo magnífico de voces que se completa con los sonidos de sintetizadores de Adrian Utley (Portishead) y los beats de Euan Dickinson (Massive Attack), además de la guitarra de Rubén Martínez, los sintetizadores de Rodrikson y la batería de Héctor Bardisa, invitados de lujo para un disco hecho con sumo detalle y elegancia en la producción.

—KAREN MONTERO

Jessie Ware

Margo Price

POP / Jessie Ware, quien ya despuntó con su debut Devotion (12) se aparta ahora en What’s Your Pleasure? del R&B y del soul de sus tres primeros trabajos y se zambulle en el disco, el house y el dance pop más retro, manteniendo la distancia con los sonidos que copan la radio en la actualidad. La británica ha logrado relanzar su carrera con un trabajo que bebe de Chic o Prince, rememorando el giro hacia el funk de Daft Punk en Random Access Memories (13). Pero que, además, no tiene nada que envidiar del talento de divas como Donna Summer, Kylie Minogue o Madonna. Algunos de sus mejores momentos los encontramos en la impecable cara A del vinilo con una secuenciación sin fisuras en la que destacan Spotlight, What’s Your Pleasure? o Soul Control, que te harán contorsionarte a través sonidos orgánicos, con sintetizadores propios de los ochenta, arreglos orquestales y un groove de bajo saltarín.

AMERICANA / Con producción de Sturgill Simpson y cambio de discográfica (del sello de Jack White a Loma Vista), la artista afincada en Nashville lanza su disco más versátil, más ambicioso y más heterogéneo. Música de raza, vocalista de excepción y compositora –junto a su marido, Jeremy Ivey– de gran calibre, aquí se luce con arreglos eléctricos que remiten a Led Zeppelin (Twinkle Twinkle), con un perdigonazo de synth pop que debe producir sarpullidos a las viejas esencias de Nashville (Heartless Mind, con esos sintetizadores que recuerdan a The Cars) o un fantástico avance (Letting Me Down) con el que podría competir con Jenny Lewis al trono de nueva Stevie Nicks, junto a medios tiempos y baladas como Hey Child, Stone Me, What Happened To Our Love? y la enorme I’d Die For You, que transpiran la misma vulnerable humanidad, emoción y honestidad que sugieren sus títulos. Un gran salto adelante para una carrera que podría marcar época.

—JESÚS GARCÍA SERRANO

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Vlack

11 Plenilunium Records

Mental Diaspora Ripper Records

PUNK ROCK / No sé si tratar

este nuevo paso en la carrera del grupo de Marc Teichenné, ahora apoyado en la batería por su hermano pequeño Joan, de álbum o mini álbum, pero en todo caso es su nuevo trabajo y, como siempre hacemos, nos paramos en él. Seis canciones cargadas de intensidad – cómo no – grabadas en los estudios Ultramarinos de la Costa Brava con Santi García y Borja Pérez, a los que se une el mastering de Víctor García. Ya sabemos que Vlack es el combo con el que Teichenné ha dado rienda suelta a su vena más experimental, frente a esos The Rippers más tradicionales en cuanto a cánones. Y eso, claro está se repite aquí. No abandona por tanto ese aire oscuro a lo Michel Cloup Duo o Joy Division, pero añade un aroma al primer grunge que no sientan a sus temas nada mal. Todo parece más directo, más urgente, y como prueba está ese A Veil That Blinds cuya cadencia casi te genera ansiedad. Buen trabajo y buena muestra del estado en el que se encuentra el punk en Cataluña. —EDUARDO IZQUIERDO

That’s How Rumors Get Started Loma Vista/ Music As Usual

What’s Your Pleasure? Virgin

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Sticky M.A.

Julianna Barwick

Healing Is A Miracle Ninja Tune

EXPERIMENTAL / El nuevo disco de Julianna Barwick es el cuarto largo de su carrera y es el que ‘entra’ con mayor facilidad. Y cuando digo entra, me refiero a que las canciones, si cabe hablar de canciones, son cálidas, suaves y confortables, porque la intención de la artista ha sido precisamente esa: jugar entorno a la capacidad de sanación del espíritu a través de la música. Una intención loable dada la época por la que estamos a travesando en todo el Planeta. Y si la pregunta es si lo logra, yo diría que sí, pero para ello hay que hacer lo que decía al principio: concentrarse única y exclusivamente en la música. Cerrar luces y ojos, tumbarse y dejar que la voz de Julianna te mezca. Y ese es el problema. Estamos tan acostumbrados a escuchar música mientras hacemos otras actividades que pocas veces hacemos el ejercicio de escuchar con todos nuestros sentidos sí, pero también con el alma. Solo así puede ser disfrutado este disco para ser justos con la intencionalidad sanadora de la artista. —DON DISTURBIOS

Kodaline

Konbanwa Agorazein

TRAP / Sticky M.A. presenta Konbanwa (“buenas noches” en japonés), un trabajo en el que se frena la increíble progresión de sus dos álbumes anteriores. El de AGZ sigue siendo uno de los artistas más interesantes de la escena pero en Konbanwa se muestra previsible: aumenta las dosis de psicodelia para napar unas canciones dolorosísimas. El problema es que se pasa. Se agradece, en comparación, la claridad de C. Tangana en su verso en Ya no pero, claro, no es eso lo que hay detrás de un Sticky que, aún con todo, arma un proyecto completo con letras por encima de la media, una estética muy definida que clarifica la propuesta artística y un gusto exquisito para las colaboraciones. Tanto en las producciones (Jambo ha trabajado con Future o Juice WRLD y Clusi con Yung Lean) como en los vocales, con el ya mencionado C. Tangana, o Polimá Westcoast en Extendo. Konbanwa es el reflejo de un estado de ánimo mudable envuelto en un único tono en lo musical. —LUIS M. MAÍNEZ

Ghouljaboy

One Day At A Time B-Unique Records

POP / Después de que un

grupo logre la aceptación popular siempre surgen imitadores que, con mayor o menor fortuna (y poco disimulo), siguen esa misma senda. En su tercer disco, Kodaline fusilan sin tapujos a Coldplay y Mumford & Sons, patinando hasta quedar como lastimero y cantoso plagio, además de refrito preconcebido a medio camino entre el estudio y la sala de juntas de la discográfica. Todo en One Day At A Time huele a artificial, de las propias canciones a la interpretación vocal de Steve Garrigan –jugando en todo momento a ser Chris Martin–, pasando por una sobreproducción a todas luces excesiva y obsesiva con los adornos. Un exceso de medios y efectos que contrasta con la escasa miga del contenido, en lo que supone un álbum empalagoso y de compleja digestión. Un empacho en el que cualquier atisbo de honestidad queda sepultado bajo esa intención obsesiva del cuarteto irlandés por consensuar el éxito fácil derivado de la burda copia.

—RAÚL JULIÁN

Las Kellies

El Rascal La Vendición

URBANO / El Rascal de

Ghouljaboy se ha ganado un lugar entre los mejores discos de 2020 gracias a su mixtura única de géneros, sus potentes –y coherentes– colaboraciones y, en definitiva, a su indiscutible calidad. Surfeando todo lo imaginable, desde el punk hasta el urbano más oscuro, pasando por el pop electrónico, El Rascal es, además, un álbum conceptual en el que se cuenta la historia de El Rascal o Fausto hasta encontrar el amor. Una joya que ve la luz bajo el paraguas de La Vendición y que se distingue de la mayoría de las propuestas de gran parte la escena independiente por méritos propios. Letras sentidas y de calidad (no todo el mundo escribe canciones bien y es algo que se hace evidente cuando escuchas a alguien que sí) que encajan con sus variadas propuestas musicales, demostrando que, con criterio y talento, se puede hacer buena música diluyendo las ideas canónicas de los géneros tal y como los conocíamos. —LUIS M. MAÍNEZ

Suck This Tangerine Fire Records/ Popstock!

POP / El dúo formado Ceci-

lia Kelly y Silvina Costa presenta un trabajo instantáneamente adictivo, sobre todo en una primera mitad en la que hila temas irresistibles con aparente naturalidad. Un disco protagonizado por un pop que insinúa constantemente su alma punk, y que tampoco descarta ciertas pinceladas de exotismo. La referencia apunta al menos es más como filosofía para desarrollar unas canciones que, en realidad, no parecen necesitar mucho más para convencer. Una efectividad concretada en marcadas líneas de bajo, afiladísimos punteos de guitarra colocados con esmero y una batería fiable. Cuarenta minutos que se sitúan cerca de The Slits, The Shangri-las o Dum Dum Girls, y que señalan a las argentinas como una de esas formaciones a tener en cuenta si de lo que se trata es de levantar un día algo grisáceo. Y de paso resulta reconfortante comprobar que el talento todavía puede venir presentado en bruto, presidiendo de adornos innecesarios. —RAÚL JULIÁN

The Streets vuelve con colaboraciones de lujo

Sand And Salt

Thrive/All The Good Things Autoeditado

The Streets

None Of Us Are Getting Out Of This Life Alive Island

8 RAP / Aunque ha pasado casi una década

del último álbum de The Streets, nunca tuvimos la sensación de que fuera una despedida definitiva. Mike Skinner recupera el proyecto en una fantástica mixtape que sirve para demostrar que sigue en plena forma a la hora de generar bases brillantes y adictivas. La estrella británica se rodea en None Of Us Are Getting Out Of This Life Alive de colaboraciones de lujo (IDLES, Tame Impala) y de algunas de las figuras del hip-hop británico de los últimos años que considera con mayor potencial (Ms. Banks, Jesse James Solomon) a las que apadrina para generar un compilado de temas cargados del ingenio y la ironía del clásico MC. Aunque las preocupaciones de Mike ahora son otras y el paso de los años no perdona. Da gusto ver que Skinner ha vuelto a The Streets para crear algo sólido y que aporta un extra a su carrera. El rapero sigue sacando a relucir algunas de sus obsesiones como la toxicidad de los modelos de comunicación actuales, la decadencia social o la degradación de la

vida moderna británica. Sin embargo, narra cada elemento desde un punto de vista mucho más maduro, dejando su parte más callejera a un lado y adaptando el proyecto a su presente para que no suene a un regreso impostado y artificial. Autoproducido en su totalidad junto a cada una de las colaboraciones, En general None Of Us Are Getting

Out Of This Life Alive enlaza los últimos años más clubbing de Mike (y su faceta de Dj) con esa nostalgia de la etapa dorada de su carrera. Es decir, se trata de una reunión de auténticos bops fáciles de retener, que suenan actuales y a la vez se alimentan de los clásicos de Skinner que han marcado la historia del grime británico. —ÁLEX JEREZ

HARDCORE / Sand And Salt

se presentan en sociedad con un doble EP. El primero, Thrive, es puro Youth Crew de los ochentas con una producción totalmente actual. Detrás de Sand And Salt encontramos al cantante de las formaciones andaluzas Truth Through Fight y Minority Of One, Fede De la Calle, cuyas letras en el primer EP hablan de caer y levantarse (Restart, My Best), también de las malditas etiquetas identitarias que solo sirven para separarnos (Don’t Label Me) y la importancia de evolucionar como seres humanos (Thrive). La segunda parte, All The Good Things, parece rendir homenaje al hardcore melódico de los noventa y firman cuatro trallazos con unos estribillos emotivos que por momentos recuerdan a los primeros The Get Up Kids. Fede canta, toca la guitarra y el bajo; le acompañan miembros de Clear Lines en los coros y el G.A.S. Drummers Pablo Magallanes con algún guitarrazo.

—LUIS BENAVIDES mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

agosto 2020 #25

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Bury Tomorrow

Amends Concord/ Universal

Cannibal Music For Nations

METALCORE / Tras el boom internacional de su Black Flame (18), los reyes británicos del metalcore están de vuelta. Estos dos años de gira por todo el mundo y de trabajo en el estudio han sido de lo más productivos para la banda, muestra de ello es su nuevo álbum que mejora la fórmula de su predecesor y que los catapulta a lo más alto del metalcore moderno. El disco comienza con Choke, una perfecta introducción para dejarnos claro que nos espera un álbum pesado a la par que melódico (The Grey, Cold Sleep o Better Below). Si por el contrario buscas el lado más hardcore de la banda, The Agonist te encantará. Pese a la pandemia y por lo que se refiere a discos de estudio, 2020 está siendo un gran año para los amantes del metalcore y del metal en general. Álbumes como los de Code Orange, August Burns Red, The Ghost Inside y los propios Bury Tomorrow nos dejan muy claro que, a pesar de sus detractores, el género sigue muy vivo. —ALEJANDRO TEIGA ROBLES

ROCK / Grey Daze es la ban-

da a la que pertenecía Chester Bennington antes de Linkin Park, y que tras más de veinte años sin sacar nuevo material, han decidido rendir homenaje al fallecido vocalista remezclando voces archivadas desde los noventa con pistas grabadas en la actualidad. Siguiendo el estilo post-grunge de la época, la banda nos brinda once temas de espíritu atemporal. Y es que pocas canciones destrozan tanto el alma como Soul Song y Sometimes, en las que los gritos de Chester en sus estribillos nos recuerdan a canciones como Crawling o In The End, te pone los pelos de punta. Las canciones siguen una estructura muy marcada, partes lentas intercaladas con los estribillos protagonizados por la desgarrada voz de Bennington, junto con los breaks y riffs de guitarra más potentes del disco. Sin intención de presentar en directo este álbum sin su querido vocalista, el disco termina siendo un homenaje a la altura de la figura y del legado de Bennington.

—ALEJANDRO TEIGA ROBLES

Salina

Teddy Thompson

Lava Beauty Fool/ Saltamarges

Heartbreaker Please Chalky Dounds

ROCK / El volcán Salina al fin ha despertado y su primera gran erupción es el presente Lava. En sus anteriores referencias la formación transitaba entre el power pop y el indie rock con mucha clase y quizá demasiada prudencia, sin hacer plena justicia a su explosivo directo. Este Lava, en cambio, destaca por su fuerza sobrehumana (Llac Sec, Set Me Free, Golden Fate). También por su magia y su capacidad de envolvernos con su lado más gaseoso (Últim Avís, We Become Ethereal). Imposible detener esta avalancha de canciones con capas y capas de melodías incandescentes, un torrente de emociones desbordante. Lava pasa por encima de todo, incluyendo etiquetas, fronteras e idiomas. En catalán y en inglés, los temas de este disco conceptual (Sorra negra, Atlantic Days y Volcanic) fluyen de maravilla y suenan a Salina. Solo era cuestión de tiempo que el trío que completa desde ya hace un par de años Carles Generó (L’Hereu Escampa) sacara todo eso que lleva dentro.

POP / Si hay un adjetivo que me gusta administrar con cuentagotas en mis reseñas es el de delicioso. Pues bien, deberéis perdonar mi incapacidad para ser más descriptivo, pero es que el nuevo trabajo de Teddy Thompson es simplemente eso: delicioso. Heartbreaker Please recoge la esencia que ha desplegado el inglés durante dos décadas de carrera y siete discos de estudio. Soul, folk, pop, country… la diferencia es, que en esta ocasión, parece que las canciones han madurado en barrica de roble americano, y ha sabido extraer lo mejor de ellas. Explotando su voz de barítono, adornándolas con unos arreglos de viento y teclados que le dan ese sabor ‘oldie’, pero sin caer en lo retro. Solo hay que escuchar el tema titular que da nombre al disco y rendirse ante la evidencia de que es un tema por el que matarían de Ryan Adams a Jason Isbell, pasando por Josh Rouse, Dylan Leblanc o Robert Ellis.

—LUIS BENAVIDES

—DON DISTURBIOS

MONDOVINILOS

Grey Daze

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Bejo lo vuelve a hacer Bejo

Chachichacho Autoeditado

9 RAP / Todo es relativo. Pero Bejo es el mejor y punto. ¿Hace falta una primera frase rimbombante para captar unos segundos de atención sobre un disco que vale la pena ser escuchado? Pues se hace. Bajen las hachas los fans de cualquier otro. Cada devoto con su Dios, pero “Chachichacho” es una Biblia con varias utilidades. Cuento o profecía. Ahí ya cada uno. Hasta ahora Bejo había despachado dos álbumes vacilones, diferentes –como poco– a lo estampado en la escena. Pero ninguno había llevado tan lejos lo genuino de su propuesta. “Chachichacho” es el Bejo raperísimo de sus directos, el de voz y respiración inmaculadas, y el de cestos con golosinas. Un álbum que hace pensar en la idea de música de Bad Bunny: accesible y todoterreno. Mejor escrita aún. “Este es el nuevo disco de Bejo, disfrútalo”, nos invita el propio rapero desde el principio. “Un tropical flow no monótono”, canta en “Avarisocio”, donde repasa su historia

hipi-hapa. Juegos de palabras, versos rotos, rimas al ralentí, cacofonía... Untado con mantequilla. Fluido como pocos. Ha habido distanciamientos en las carreras de los Locoplaya. Don Patricio ha alcanzado una popularidad insospechada, básicamente. Pero Bejo también podría: “Chachichacho” tiene temas para millones de escuchas. “Burbuja”, “Fyah Fyah” o “Andando al andén”. Sin colaboraciones pero con bases cuajadas de Kay Be, Livinglargeinvenus, Kabasaki o Nico Miseria. Hay mucho más. Incluso sampler de “Azúcar” de Celia Cruz. Salsa, son y guaguancó. Y una “Chocolate blanco” con cadencia para enfriar cervezas. A medida que avanza el largo, crece la influencia normativa de Sólo los Solo. También hay trap-pop, tipo Cupido: “Ñoño”. O buenísima-onda en “Oh Happy Day”. En fin. Mucho-mucho. Nadie dudaba de que Bejo era el más rapero de su crew. Aunque los estrambóticos y coloristas videoclips, los peinados y looks, confundieran, y pudiera parecer que la parafernalia era más llamativa que la obra. Nada más lejos. La realidad es que con el tiempo su slang ya no resulta adictivo sólo por exótico. Bejo se ha consagrado con un masajea cerebros privilegiado. El canario escupe y le sale un rimón. —YERAY S. IBORRA

agosto 2020 #27

29/Mondo Media Albert Pla En pie de guerra LIBROS Manolo Tarancón Efe Eme

8 Este nuevo volumen editado por Efe Eme, los dos protagonistas de la cosa están a la altura. El principal, Xoel López tiene mucho que contar. Sus pasos por Elephant Band, Deluxe y su conversión definitiva en un cancionista orgulloso de su nombre y su trayectoria tiene mucha miga. Pero es que además, Manolo Tarancón aparca su carrera como músico para recuperar la previa como periodista. —EDUARDO IZQUIERDO

Pere & María

Fernando Alfaro Muzikalia

8 De manera paralela al último disco de Chucho, Fernando Alfaro se manifiesta como narrador implacable y sin adornos, desarrollando aquellas sensaciones asfixiantes que atraviesan al protagonista tras una ruptura sentimental. Cualquiera que se haya visto inmerso en la espiral venenosa derivada de esa relación tóxica que alterna luz y felicidad con tinieblas y odio penetrante, puede verse reflejado. —RAÚL JULIÁN

LIBROS

Conversaciones con Xoel López

Albert Pla acaba de publicar su segunda novela, Espanya en guerra (Amsterdam, 20), relato delirante (por el momento publicado solo en catalán) en el que, y esta vez de forma literal, no deja títere con cabeza. Hablamos con él de su nueva entrega literaria y de los millares de proyectos que tiene en marcha.

N GRUPÚSCULO clandestino de catalanes ha secuestrado un objeto de un valor incalculable, símbolo de la autoestima del pueblo estadounidense: la primera botella de Coca-Cola envasada en Europa. Todo apunta a que este tesoro nacional se esconde ahora en algún punto de España. Sólo un batallón como el de Els Sonats (los locos) podrá recuperarlo. Y allá donde esté este batallón, la guerra se torna inevitable. Relato delirante y disparatado, la cosa más o menos va así en la nueva incursión, la segunda tras aquel España de mierda (Roca Editorial, 2015) que provocó tanta urticaria entre los sectores más casposos y fachoides. “Este libro que escribí originalmente en castellano pero lo he acabado publicando en catalán porque no he encontrado a nadie que lo quiera publicar en español”. EXPLICA ALBERT PLA que muy probablemente, el primer libro que leyó fue Gargantúa y Pantagruel. No lo recuerda con exactitud, pero tendría unos doce o trece años. “Me impactó muchísimo. Nunca he vuelto a leer nada tan bestia, pero a la vez tan culto. Una historia tan fundamentada y sofisticada y tan catalana, aunque su autor fuese francés, por su humor negro y escatológico. Pero hace cuarenta años que la leí, tal vez ahora ha cambiado (risas)”. No, sigue siendo el mismo li-

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os “A los escritores muertcaso” se les debe hacer más

bro de siempre. Una obra que hoy, por aquello de lo políticamente correcto e incorrecto, nadie recomendaría leer a un crío. “Ya... Pero es que ahora el Arcipreste de Hita estaría al talego. La lucha continúa (risas)”. ALBERT PLA NO SE CONSIDERA un lector compulsivo. De hecho dice que, excepto del tabaco, no ha sido consumidor compulsivo de nada. “He leído y leo rápido, sí, pero no me considero lector compulsivo. En los últimos dos meses he leído la obra entera de Stefan Zweig, que deben ser unos treinta libros”. Pero no, según él, leerse una trentena de libros en sesenta días entra dentro de los parámetros de la normalidad (o de la nueva normalidad). “No, es eso del iPhone, que te puedes poner tantos libros como quieras. Pero no, no me considero un gran lector, porque de la misma manera, podría pasarme un año sin leer”. Sí que admite que, desde que lee con el teléfono (aunque estos aparatos ya hacen de todo menos llamar) lee más que antes. “Antes leía especialmente en los viajes: en el avión, en la furgoneta, en el tren... Ahora si me tengo que esperar cinco minutos por cualquier cosa, pillo el móvil y me pongo a leer. Dice el siempre singular cantautor (y

escritor y actor y...) de Sabadell que no tiene ningún escritor de referencia, como tampoco tiene ningún músico de referencia. Y que es probable que si le hacemos leer otro libro de François Rabelais, el autor de Gargantúa y Pantagruel, es probable que no le guste. “De Leonard Cohen, por ejemplo, me puede gustar mucho una canción y muy poco otra. Lo único que tengo claro es que no me gustan The Rolling Stones. No tengo ninguna fidelidad a nadie, ni soy mitómano. De Stefan Zweig pero porque está muerto, y a los escritores muertos se les debe hacer más caso. Últimamente, sin embargo, sí que he descubierto a Cristina Morales y a Max Besora y me han gustado mucho los dos”. —ORIOL RODRÍGUEZ

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Espanya en guerra Albert Pla Amsterdam

agosto 2020 #29

RETROVISOR.

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com PUBLICIDAD Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación

Little Richard

Origen: Macon, Georgia (1932-2020)

ISTRIÓNICO, IMPACTANTE, transgresor, extravagante, excesivo… Richard Wayne Penniman, conocido mundialmente como Little Richard, destacó entre los pioneros del rock and roll de la década de los cincuenta por reunir en poco tiempo una colección de hitsingles inmortales, por su imagen provocadora y andrógina, por su estilo salvaje al tocar el piano y por un timbre de voz cargado de sexualidad que, además, retaba a las leyes de la física con unos aullidos tan estridentes como irresistibles. Little Richard apareció en escena como si procediera del espacio exterior y cambió el aspecto de la música popular para siempre, al ritmo de temas tan influyentes para generaciones posteriores como Tutti Frutti, Good Golly Miss Molly o Lucille. Se llamó a sí mismo, con razón, el arquitecto del rock and roll. SIENDO NEGRO y abiertamente gay, no debía ser nada sencillo abrirse paso en el segregado y mojigato sur de los Estados Unidos de finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta. Menos aún en una familia con doce hermanos, en la que el padre se dedicaba al tráfico ilegal de whisky, antes de que el mejor amigo de Richard le asesinara en una disputa sin sentido. Sin embargo, Richard se creció ante las adversidades, supo alimentar su confianza en sí mismo y, sobre todo, su gran deseo de convertirse en una estrella. El advenimiento del rock and roll, al que contribuyó decisivamente, fue su salvación. SU MADRE LE APUNTÓ a clases de piano cuando era un crío, en una etapa de su vida en la que cantaba en la iglesia los domingos mientras absorbía la influencia de la música góspel. Su fe

#30 agosto 2020

Depósito legal B. 11 809-2013

en Dios le acompañaría siempre, con distinta intensidad dependiendo de la época y a pesar de las contradicciones a las que a menudo le llevó enfrentar su religiosidad con su salvaje estilo de vida. EN 1951 GANÓ un talent show local en Macon, lo que llevó a firmar un contrato y grabar varios singles para RCA. Al no lograr notoriedad, se vio obligado a subsistir fregando platos en la estación de autobuses de su ciudad natal. Allí conoció a Esquerita, una especie de alma gemela portadora de una glamurosa y maquillada imagen en la que, obviamente, se inspiró; aunque sería más preciso sostener que, en realidad, estos dos pianistas tan apartados de lo convencional se influenciaron mutuamente.

IMPRESCINDIBLE

Here’s Little Richard (1957)

En una década en la que reinaban los singles, Little Richard había colocado en 1956 hasta seis discos de 45 rpm’s en el Top 40 americano. Al incluir esos seis cortes en su primer elepé, convirtió el mismo en un híbrido entre recopilatorio de grandes éxitos y álbum de debut al uso. Lo relevante, en cualquier caso, es que la docena de canciones de Here’s Little Richard son todas vibrantes y arrolladoras. —X.LL.

Y LLEGÓ LA REVOLUCIÓN. Elvis Presley derribaba muros raciales y prejuicios a golpe de movimiento de cadera. Era 1956. Por su parte, Little Richard suavizó la explícita letra de Tutti Frutti para, gracias al sello Specialty Records, lograr su primer éxito. “A wop bob alu bob a wop bam boom!”. Nunca antes una combinación tan espontánea, aleatoria y absurda de sílabas había transmitido tanto. SIGUIÓ APORREANDO su piano con contagiosa furia en Rit It Up, Long Tall Sally y Good Golly Miss Molly entre otras, distanciándose así varios años luz de las azucaradas y blanqueadas versiones de sus temas que popularizaba el santurrón Pat Boone. Estando en la cima de su carrera, Richard la abandonó abruptamente para estudiar y ordenarse ministro en la Alabama Bible School Oakwood College. Su siguiente disco fue de música góspel y, aunque regresaría al rock y al soul, ya nunca más irrumpiría en las listas de éxitos. EN ADELANTE, sus obligaciones religiosas se alternaron con consumo de drogas (como relató en primera persona en su delirante biografía de 1984, en la que también afirmaba que ¡la homosexualidad le había sido contagiada!) y con giras en las que contó con músicos entonces desconocidos, entre ellos Jimi Hendrix, James Brown y Billy Preston. Su influencia se extendió masivamente durante décadas, como evidenciaron The Beatles, The Kinks o Prince. Algunos ilustres admiradores, como Tom Petty, Steve Van Zandt o Cyndi Lauper, consiguieron que el arquitecto del rock and roll oficiara sus respectivas bodas. Fue, sin lugar a dudas, genio y figura hasta su deceso, a los ochenta y siete años. —XAVI LLOP

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