Mondo Sonoro diciembre-2 2020 by MONDO SONORO

Nº 290 Diciembre/2 2020 www.mondosonoro.com

MR. BUNGLE, JOE CREPÚSCULO, FINNEAS, IGORRR, PUTOCHINOMARICÓN, SIDECARS RESUMEN DE LO MEJOR DEL AÑO INTERNACIONAL: DISCOS, PELÍCULAS, CÓMICS Y LIBROS

Lo Mejor Del Año Perfume Genius mejor disco del año internacional 2020

KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD

CD | LP 11/12/2020

STEVEN WILSON THE FUTURE BITES

CD | K7 | BLU-RAY | LP | LP LTD 29/01/2021

WWW.CAROLINEINTERNATIONAL.COM

FOTO: SHARON LÓPEZ

5/Mondo freakox “Todos hemos ganado eliminando prejuicios musicales”

Joe Crepúsculo Orfebre del collage

Segundas partes pueden ser buenas. Si son diferentes. Más de una década separa a Joe Crepúsculo de su primer “Supercrepus”. Ahora presenta “Supercrepus II” (El Volcán, 20), distopía y amor, una ensalada de estilos más setentera y ochentera, pero con toquecitos de magia. Repasamos con él estos años como orfebre del collage.

ideral vive”, se lee en una pared al final de unas escaleras en penumbra en Barcelona. A Joe Crepúsculo le hace gracia la pintada. Es un buen sitio. “En ausencia de terrazas y cañas…”, dice. Sideral vive, pero no en el nuevo disco del cantautor de Sant Joan Despí. En “Supercrepus II” se han embalado las máquinas y, dentro de la mezcolanza de siempre, hay más sonido setentas. De banda. Su atuendo acompaña: mueve las piernas como un muelle sobre los escalones y los botines rascan. Se escuchan por encima de su tono de voz, siempre pausado, un punto trasnochado –aunque se confiesa devoto de la luz solar– pero entregado. —Hay un pequeño reflejo del confinamiento en el disco: “Cuarentena sin ti”. ¿Hay algo más del encierro que no

vemos en él? Hay que remarcar que el disco lleva haciéndose dos años. Dos años desde que se creó la primera canción. ¿Cómo ha influenciado el confinamiento? Pues la segunda tanda de baterías se grabó un día antes de la declaración del Estado de alarma. Un poquito más tarde y no llegamos a tiempo. Las canciones ya tenían un punto muy apocalíptico antes de todo esto, eso sí. —Te pasa como a Sr. Chinarro: adivino de los colapsos. ¿Y eso? “Ratas salvajes” salió en enero y ya había otras que tenían ese punto. Algo que he visto es que eso ya estaba allá, como en “Discoteca en ruinas” o “Comiendo shawarmas”. Todo ha cogido más fuerza que la que tenía antes, aunque no fuese premeditado ni intencional. —Te salió el disco distópico y al final la

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realidad te dio la razón. Yo soy muy fan de la ciencia ficción, de la literatura de ciencia ficción, y de alguna manera en mi proyecto quiero dar cabida a mis gustos. No había canciones así en este disco. Y poco a poco fueron metiendo la patita. Quería remarcar conceptos que me apetecía sacar… He hablado ya de tantas cosas… —¿Llegará un punto que no sepas de qué hablar? He hecho muchos discos en doce años, sí. He hecho muchas canciones. Pero bueno, llevaba dos años sin sacar nada nuevo, teniendo en cuenta que han ido saliendo adelantos. He hecho muchos conciertos. No sé, no me voy a levantar y a ver series. Me gusta trabajar. —Y no han sido pocas las canciones nuevas: ¡Diecisiete! Y se quitaron tres, antes eran veinte. —¿Para hacerlo como el primer “Supercrepus”? Sí, pero el disco funcionaba mejor sin esas tres. Al final es una hora de disco, como el otro. —La sensación entre ese primer “Supercrepus” y el lanzamiento de este otro, ¿ha variado? Todo ha cambiado mucho, sí… Cuando

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FOTO: SILVIA COCA

MONDO FREAKO

LA MÍA Esnobismo, estilo y otras cuestiones

saqué ese primer disco tenía mi trabajo, en una oficina, digitalizando documentos antiguos. Me podía tirar meses escaneando multas de tráfico y luego a casa a hacer el disco. Ese disco me abrió puertas. Ha sido brutal. Y siempre he ido jugando a romper la baraja, después fue “Chill-out”, un AOR raro, “Nuevo ritmo”, música latina... —De todo. Hay mucho coqueteo. La gente tal vez cuando le gusta algo, quiere que repitas la fórmula. Yo he acostumbrado al público a otra cosa. Puede que eso haya hecho perder seguidores en algunos casos. Los hay que querrían otro “Supercrepus”... Pero eso es un disco grabado en una habituación, fresco y directo. Esa frescura tal vez no se vuelva a repetir. Yo lo que quiero es que un disco tenga cabida dentro de mi aceptación. Quiero que a la gente le guste pero necesito vibrar yo. Prefiero mil veces estar contento con el disco a que guste… —¿Sí? Si hiciese algo que no gustara y tuviera que defenderlo… Girarlo… Venderlo… Me lo comería con patatas. Yo quiero un disco guay, y después viene la gente. Si yo estoy al cien por cien con estas canciones, la gente también. —No te pesa lo que la gente opina, pero, ¿durante la cuarentena has temido que esto se pudiese acabar? ¿Giras y demás? Obviamente siempre pienso que lo mío se puede acabar. Para mí es un sueño. Cada día lo pienso… Esto es algo tan subjetivo… Puedes estar muy contento con un disco y que no guste. Puedes estar ahí y luego chao. Cada poco lo pienso. Y tengo varias otras opciones. —¿Cuáles? Tengo dos trabajos que me gustaría hacer: reponedor o pasear perros. —¿Sin cinismo, eh? Lo prefiero. Estaría pensando en mis canciones. Es lo más parecido a digitalizar multas de tráfico. —Mucho de lo que tú tocabas en ese primer “Supercrepus” estaba totalmente denostado. Cómo ha cambiado el panorama ahora… En 2008 no había Youtube ni Spotify. Eso lo ha #8 diciembre 2020

cambiado todo. Es una industria diferente. Yo hice “Supercrepus” y me gasté un dineral en discos en cartoncillos que luego regalaba… Y, ¡pusimos el disco gratis en Internet con Producciones Doradas! Lo que en aquel momento era una forma de ver cómo usar las plataformas y las redes. Y mira ahora. Al final los géneros también han cambiado mucho. Tenemos músicas que lo petan a un nivel bestia, a nivel global. Estamos en un punto en que tenemos opción de escuchar cualquier cosa que te imagines y al final, el noventa y nueve de la gente escucha lo mismo. Es contradictorio. —¿Pero es un momento más asimilable que antes para escuchar a Roxette en rumba (“No sé si es amor”), no? Estamos en un punto en que la gente joven está muy desprejuiciada. Pasar de Nirvana al reggaeton, se puede. Antes había mucho prejuicio. A mí me decían: “Di tus influencias”. Y citaba a Dire Straits, a Supertramp… Y la gente se reía. Era la verdad. Me gusta esa música. Aunque me salga otra cosa. Ahora lo puedo decir libremente. Hemos ganado todos a la hora de quitar, eliminar, prejuicios musicales. —¿A tu proyecto eso le beneficia o le quita un punto de sorpresa? Conforme tienes capacidad de llegar a más gente, quieres hacer las cosas mejor. Los discos cada vez han ido sonando mejor, he aprendido a cantar… Tengo la responsabilidad de hacer las cosas mejor. Muchas letras y sonidos no los cambiaría, pero ahora trabajo de otra forma en las cosas. —¿Y por qué tiene que ir ‘”a mejor”? ¿Si el “Supercrepus” es historia por cómo está hecho, por qué cambiar esa forma de hacer? Me apetece. Me gustan los Eagles. Y no sé si sonaré como ellos algún día. Pero si puedo hacer que las guitarras suenen un poco parecidas, me gusta. Hay un momento para todo y ahora estoy en este punto. —YERAY S. IBORRA

levo como director de esta revista la friolera de veintiséis años, y desde esta atalaya forjada a base de dedicación he leído y editado de todo. Estilos de prosa diversos, tejidos para ejercer el noble arte de la reseña y la crónica. He visto sorna, cinismo y también mucho párrafo innecesariamente engalanado como este. Pero lo que me ha interesado siempre, es si un texto era capaz de capturar la esencia de la obra y explicarla. Me ha dado igual si lo hacía de forma sencilla, cruda o adornada. Lo que de verdad me ha resultado importante es su capacidad de transmitir la esencia de la obra. De dar a conocer al resto del mundo, con un punto de pasión, aquello que de verdad te conmueve. Y aquí reside el quid de la cuestión: No a todo el mundo le conmueve lo mismo y ¡Menos mal! Nos zumbaríamos toda la diversidad y riqueza creativa de un plumazo, asomándonos de forma peligrosa al abismo de lo totalitario. Por eso, lo que a mí me llega puede estar muy lejos de lo que te llega a ti, y eso no me hace ni mejor ni peor que tú. Lo realmente importante es que haya cosas que te conmuevan y que las quieras compartir con el resto de los humanos en busca de cierta complicidad. Es precisamente ese anhelo por buscar cómplices, el mejor remedio contra esa superioridad elitista, cutre y esnob de haber encontrado un tesoro único y unipersonal porque eres más listo que el resto de los mortales. Cualquier manual zen de pacotilla, te dirá que la auténtica sabiduría reside en compartir todo aquello que te produce placer, porque lo multiplicará como el milagro de los panes y los peces. Si me has leído hasta aquí, cosa que dudo, te preguntarás con toda la razón del mundo a dónde demonios quiere llegar este pesado, que además está empezando a gustarse demasiado. ¡MEC! Pues quiero llegar al hecho de que las listas que os presentamos en este número no son más que eso: Una forma de compartir con todos vosotros aquello que nos ha tocado la patata. ¡Uy! Perdón. Aquello que nos ha conmovido. Y lo hacemos en busca de cómplices, sin ningún alarde de superioridad. Todo lo contrario. Con ese instinto por lo popular que siempre ha sido nuestra razón de ser. Esa es la esencia del Mondo Sonoro. Quién lo entienda de igual modo, siempre será bienvenido en estas mismas páginas. —SERGI ‘ DON DISTURBIOS’ MARQUÉS

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u primer EP, “Blood Harmony” (19) fue el punto de partida oficial de una prolífica carrera en solitario. Finneas tiene tan solo veintitrés años, pero bajo su nombre se han producido y coescrito canciones que todos hemos escuchado alguna vez en la radio. No solo las de su hermana, Billie Eilish, otro joven talento. También las de artistas como Tove Lo, Halsey, Selena Gomez o Ben Platt, entre muchos otros. Pero Finneas también tiene tiempo para su propia música. Antes de sacar su primer EP, ya había publicado varias canciones. En lo que llevamos de 2020, además de editar una versión ampliada de “Blood Harmony”, ha contentado a su público con tres singles: “What They’ll Say About Us”, “Can’t Wait To Be Dead” y “Where The Poison Is”, estas dos últimas con una acidez y una sinceridad no vista antes en su música. Estos temas son la carta de presentación de un disco que, aunque el artista nos ha afirmado que aún desconoce su fecha de salida, va tomando poco a poco forma. No solo hemos hablado de música con él, también hemos aprovechado para comentar la actualidad de Estados Unidos, algo que ha influenciado su trabajo durante estos últimos meses. —En primer lugar, felicidades por “Can’t Wait To Be Dead”. Muestra una cara de Finneas que no habíamos visto antes. Es la segunda canción que has sacado este 2020. ¿Está tu próximo álbum más cerca de lo que pensamos? ¿Nos va a sorprender? Gracias, aprecio tu comentario. Espero que el álbum os sorprenda. Sigo trabajando muy duro en él, pero aún no lo he acabado, así que de momento no puedo darte una fecha concreta. Pero sí, creo que será para 2021. —¿Va a haber al menos nuevo single pronto? ¿O tendremos que esperar? (Nota: al día siguiente, al confirmarse la victoria de Biden, Finneas sacó “Where The Poison Is”, crítica con el gobierno de Trump y su gestión del Covid-19.) Estoy trabajando en un montón de canciones nuevas y tengo un par que están muy cerca, ya en camino (risas). —“Can’t Wait to Be Dead” habla de tu relación con Internet, y parece que a

veces es un poco tóxica. ¿Has intentado alguna vez desconectar y sacar tiempo para ti, es decir, salir de Internet durante un tiempo? Sí, es cierto, mi relación con Internet y las redes es un poco tóxica. He intentado desconectar, sí. No soy tan bueno como espero serlo algún día. Me paso demasiado tiempo conectado, pero quiero mejorar en eso de desconectar. Creo que durante estas elecciones ha sido muy difícil apartarse de las redes porque, ya sabes, hay muchos temas importantes de los que hablar. Por eso ha sido difícil desconectar, pero creo que ahora que vamos a dejar las elecciones atrás voy a tener una nueva oportunidad de intentar hacerlo. —Hablando de las elecciones… Se te ha visto muy metido en política durante estas últimas. No creo que sea una persona metida en política, pero los derechos humanos son muy importantes para mí, y creo que deberían ser importantes para todo el mundo. Y los derechos humanos se han politizado mucho últimamente, y como resultado de eso, me he vuelto algo político. —Sí, es totalmente comprensible. Además, has sido muy crítico con Donald Trump, como hemos podido comprobar en el videoclip de tu última canción, y has pedido a la gente que vote por Biden. ¿Cómo de importante es para ti, como persona con cierta influencia, tomar partido en los problemas políticos y sociales? Bueno, es importante que todos tomemos partido en las problemáticas sociales. Creo que como persona con cierta influencia en las redes es incluso más importante, porque tienes que explicar a tus seguidores porqué piensas algo. Y, ya sabes, lo que pienso es que el cambio climático es real e importante,

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que los derechos humanos también, que el racismo es malo. No creo en cosas polémicas, solo siento que a uno de los candidatos presidenciales no le importan estas cosas que yo pienso que son realmente importantes. —Tienes 23 años. Eres muy joven, es increíble la de cosas que has hecho hasta ahora para tu edad – componer, escribir tus propias canciones, colaborar en canciones ajenas. No sé cómo tienes tiempo para tantas cosas. Sinceramente, no hago tantas cosas. La verdad es que paso la mayoría del tiempo creando música, eso es una de las partes más importantes de mi vida. Simplemente paso mucho tiempo trabajando en música, y en nada más que eso. —Hablando de producir, estás muy presente en todo lo que hace tu hermana, Billie Eilish. Se os ve muy unidos: os vais juntos de gira, le produces su música, cantas con ella. Ahora que ella es adulta, ¿Sigues actuando como el hermano mayor? La base de todo es que la quiero y que soy su hermano mayor, y siempre trato de ser un apoyo para ella como ella desearía. Así que, a pesar de la edad, siempre voy a estar ahí para ella. —Merece la pena mencionar, además, que tu música y la de tu hermana no tienen nada que ver. La verdad es que espero que no sean lo mismo, porque quiero que mi música y su música coexistan por su propia cuenta. Pero, ya sabes, creo que el hecho de que estoy involucrado en ambos trabajos hace que vengan del mismo sitio. Igualmente espero que sean lo suficientemente diferentes como para que el público pueda disfrutar de ambos. —MARÍA RIVAS COLLADO

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Finneas Donde está el veneno “Paso la mayoría del tiempo creando música, es una de las partes más importantes de mi vida”

FOTO: ARCHIVO

Finneas O’Connell no solo es el hermano y el genio detrás del triunfo de Billie Eilish, también es cantautor. Se presenta como un músico lleno de inquietudes que se pueden ver reflejadas en sus canciones, como se puede ver en su reciente “Can’t Wait to Be Dead” o en su último tema, “Where The Poison Is”, publicado tras la victoria electoral de Biden.

diciembre 2019 #9

Dirty Projectors 5EPs

The Kills Little Bastards

CD | 2LP | 2LP LTD

CD | 2LP | 2LP LTD â&#x20AC;&#x201C; 11.12.2020

Seamus Fogarty A Bag Of Eyes

Young Marble Giants Colossal Youth 40th Anniversary

CD | LP | LP LTD

2CD & DVD | 2LP & DVD | 2LP & DVD LTD

dominomusic.com

MONDO FREAKO

“Spirituality And Distorsion” (Metal Blade, 20) es el quinto álbum de la formación francesa capitaneada por Gautier Serre. Su música es una combinación difícil de explicar, entre música electrónica, sonidos del barroco, o el más salvaje metal extremo. Desde su estudio, en Provenza, Serre nos relata la situación de la salida del disco durante la pandemia y el parón de la gira.

osiblemente Igorrr es uno de los proyectos musicales más difíciles de escuchar, al menos, para el oído menos… “preparado”. Numerosas etiquetas vienen a colación cuando se habla de su música tan experimental: breakcore, trip hop, glitch, tunecore, death metal neoclásico… Pero ninguna es realmente válida, según se avanza en la escucha. ¿Pensáis que si pudiéramos “normalizar” de algún modo, la visión de esta música, como algo no “violento” o “radical”, podríamos simplemente hablar de que hacéis “música multicultural”? ¿Crééis, como muchos musicólogos diagnostican, que estamos ante una especie del fin de la “era de los géneros” en la música? Creo que la música existe siguiendo los sentimientos de la gente en función de una época concreta. Y estamos en constante evolución. La música no deja de evolucionar, así que no creo que estemos “terminando” nada, como tal. En cambio, dado que la gente y la música están evolucionando, mientras más lo hagamos, más variedad habrá de música muy nutrida de influencias (aparte de la música popular de mierda). No estoy seguro de si “normalizar” algo como un estilo musical sería bueno per se; la música es algo muy personal y realmente depende de los sentimientos de cada uno. Probablemente, hay tantos géneros como personas. Así que, tratar de normalizarlas significaría reducir su calidad alterando sus características y sus especificidades naturales para adaptarse a un gusto popular. Por el contrario, también pienso que muchas bandas underground merecerían una atención mucho mayor. De hecho, muchas de esas bandas podrían ser definidas tranquilamente como “multiculturalistas”. La mayoría de

Igorrr Monstruo de mil cabezas “Probablemente, hay tantos géneros como personas”

los medios se centran en bandas estrella porque quieren rentabilizar sus espacios, y estas bandas son siempre más visibles que otras. Este bucle se da incluso cuando esas bandas ya no aportan nada nuevo. Y eso teniendo en cuenta la cantidad de bandas que hay haciendo música increíble. —Gautier, eres un artista que a menudo ha confesado la influencia de la sinestesia en el proceso creativo. ¿Cómo definirías esa sensación en

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tu mente? ¿Cómo la empleas para el proceso creativo? Es difícil de explicar, es como unir la parte del cerebro que entiende los colores y la parte del cerebro que entiende la música. De alguna manera, ambas están un poco ligadas en mi mente, así que algo de la música para mí tiene un color, puedo “sentir” el azul, verde, marrón, blanco, etcétera, según un sonido concreto. No estoy seguro de si tiene una gran influencia

en mis creaciones. Es principalmente una forma más amplia de escuchar y percibir la música. Todos los músicos invitados que invito a mis discos tienen un “color muy fuerte” para mí cuando tocan. Quizás eso me ayuda a “pintar” mis temas ya que tengo una visión más clara de cómo suenan. —¿Cómo crees que podría afectar a futuros creadores y artistas el impacto del COVID-19? Son tiempos de cambio, con esta terrible pandemia, y también de enorme crisis económica. Pero, viéndolo desde el lado optimista, podría ser también un nuevo tiempo para la inspiración. ¿Cómo lo estáis viviendo vosotros? El Covid-19 es un verdadero drama para músicos independientes como yo. Algunos de nosotros no sobreviviremos a esto. Algunos ya se fueron a buscar otro trabajo. Puede ser genial si lo traduces en un recurso inspirador; eso es lo que sucedió aquí al principio para mí, ya que estaba muy enfadado. Me ha quedado un gran sentimiento de injusticia cuando el virus llegó, un par de semanas antes de que comenzáramos la gira de “Spirituality And Distorsion”, y ya ha dado como resultado dos pistas muy oscuras y desalentadoras. Pero no creo que una pandemia sea algo demasiado inspirador; no vives cosas inspiradoras. Para mí es más valioso el movimiento, el trabajo, las giras, tocar cada en un lugar nuevo, conociendo gente, viajando, compartiendo ideas, descubriendo nuevos paisajes, nuevas comidas, etcétera… Esas cosas que no se pueden hacer en una pandemia. —En el videoclip más reciente de este disco, “Downgrade Desert” se explora cierta estética cyberpunk, o al estilo de la novela Dune. ¿Es el formato de vídeo un elemento ya inseparable de la creación musical? Para nosotros parece haberse convertido en parte del proceso musical. Comencé a hacer videos muchos años después de empezar a hacer música, pero me gustó hacerlo, por lo que se está convirtiendo un poco en parte del proceso natural. Refleja una parte más cómica y entretenida, el compaginarlo con videos musicales, así que si lanzo nueva música en algún momento del futuro, ya estará planteada en conjunto con el video. —RUBÉN G. HERRERA

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diciembre 2020 #11

Soleá Morente (Evento ¿A qué suena tu cerveza? Teatro Lara, noviembre 2020)

Rocío Márquez (Posidonia, noviembre 2020)

SON Estrella Galicia

Otro año de resistencia y incondicional a la música #12 diciembre 2020

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PUBLIRREPORTAJE

Con más de once años a sus espaldas, el proyecto lleva el amor a la cerveza y la música a otro nivel, promoviendo las experiencias musicales en España y fuera de nuestras fronteras

Holy Fuck (agosto, 2020)

esde hace más de una década, cuando SON Estrella Galicia empezó a recorrer su camino, se han tenido claras las directrices para que este proyecto funcionara. Resistiendo contra la estandarización de la música, se ha apoyado a los nuevos artistas nacionales e internacionales dándoles visibilidad ante más de 350.000 espectadores en los más de 1.200 conciertos en los que se han involucrado. Desde su nacimiento, SON Estrella Galicia ha sido toda una oportunidad para los nuevos artistas, proporcionándoles escenarios donde sorprender a un público ávido de nuevos sonidos con sus propuestas musicales. Tanto es así que no sólo se ha dado respaldo a más de un millar de conciertos, sino que hasta cuentan con un festival propio que concentra por completo la filosofía de todo un proyecto: SON Estrella Galicia Posidonia, celebrado en Formentera, es toda una declaración de intenciones en la que música y cerveza van de la mano en un entorno inigualable.

Jorge Drexler (Streaming, julio 2020)

apoyo

Incluso este 2020 en el que la música en directo ha atravesado grandes dificultades para sobrevivir, dejando la industria muy dañada con pérdidas muy elevadas e incertidumbre, Estrella Galicia ha sabido reinventarse, adaptarse y, en una palabra, resistir, dando una respuesta rápida, ágil y digital a esta provisionalidad en que la música se encuentra. A través de streamings de conciertos, se retomaba la actividad del live continuando la línea marcada en años previos de propuestas musicales ambiciosas en las que se contaba con la presencia de artistas nacionales e internacionales. De este modo, el primer día de confinamiento ya se lanzó esta nueva iniciativa y hasta hoy han pasado por los streamings de SON Estrella Galicia grupos

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como The Posies, La habitación roja, Big Star, Emma Pollock, Micah P. Hinson, Mattiel, Kimberley Tell, Marem Ladson, Fantastic Negrito, Alexis Taylor, Diamante Negro, Elle Belga, Choley, Sam Amidon, Alondra Bentley & Nine Stories, Dorian Wood. Sin embargo, la propuesta ha ido más allá con todo tipo de iniciativas en las que la música y la cerveza han sido las auténticas protagonistas. Ya en abril, aún en pleno confinamiento, se promovió el formato Sound Crafters, un concurso de creación musical en el que la cultura de la cerveza se mantenía muy presente. El streaming ha sido el mejor compañero de viaje a lo largo de este año y gracias a él, en mayo, se llevaron a cabo catas de cerveza y la que fue la primera presentación de un disco, de Triángulo de Amor Bizarro, en directo en Internet. De este mismo modo, pudo celebrarse en junio el festival intercontinental Sound Brewing Festival reuniendo a artistas como Califato ¾, Hotelo y Laura LaMontagne o, ya en julio, la entrevista y el directo de Jorge Drexler, uno de los streamings mejor producidos y más cuidados a nivel global, con una repercusión de más de 700.000 visualizaciones. Esta era la forma de poder seguir haciendo música en directo y seguir llegando al público, manteniendo este empeño por darle a la música en directo el puesto que reclama. De hecho, a lo largo del año se ha podido disfrutar de iniciativas como el propio SON Estrella Galicia Posidonia que, celebrándose el pasado 19 de noviembre, se convertía en el primer festival inmersivo de pago. En esta atípica cuarta edición colgó el cartel de sold out en los 150 packs que salieron a la venta con los que se podía disfrutar del acceso al festival virtual -con actuaciones de artista como Rocío Márquez, Lorena Álvarez y Marina Herlop-, una beer box y una taste box con cervezas y conservas premium.

De este modo se certificaba el éxito de esta forma de celebrar festivales de música a la vez que se mantenía la colaboración con Save Posidonia Project, aportando los beneficios de cada pack para contribuir en la conservación de la pradera más grande del Mediterráneo. Pero no fue el único: otras iniciativas como el Resurrection Fest Estrella Galicia, cuya campaña -con el hashtag #elresuEGresiste- se coló entre los Trending Topics, siendo uno de los temas más comentados en redes, o el Monkey Week SON Estrella Galicia, que pudo disfrutarse en abierto desde YouTube. Afortunadamente, también han podido vivirse experiencias analógicas -o presenciales, como prefieran llamarlo- en las que, con el sello #SafeStage, se garantizaba la seguridad en los conciertos. Gracias a ello han podido tener lugar experiencias, bien en forma de conciertos como los de Califato ¾ el pasado 19 de noviembre o de Los Estanques el próximo 10 de diciembre, o bien en forma de Masterclass, como la que brindó Diego El Cigala el pasado mes de julio en el madrileño Café Berlín. Por su parte, Soleá Morente y Paco León presentaron el 30 de noviembre -esta vez a través de los canales digitales de SON Estrella Galicia- el videoclip de la cantante, dirigido por uno de los actores y cineastas más reconocidos a nivel nacional. Este año 2020 no ha sido fácil para la industria del directo, pero desde SON Estrella Galicia se ha ido un paso por delante y se han reorientado todos los planes en tiempo récord hacia las experiencias digitales. Gracias a la capacidad de adaptación y al trabajo de Estrella Galicia, la música en vivo que no sigue reglas ni estándares ha resistido y seguirá resistiendo. Y lo hará, cómo no, con una cerveza en la mano. n diciembre 2020 #13

VUELVE LA MÚSICA A LAS SALAS

DANI NEL·LO QUARTET · JOAN GARRIGA PACO EN LA LUNA (BOHEMIOS DE ETIQUETA) TARKOLOGY · LLUÍS COLOMA · VERGÜENZA AJENA RESISTENCIA FLAMENCA BARCELONA, CON YIYO Y TETE · Cardevore + Adoro DJ set · MEDALLA FLAMENCO ARBOREÁ FEAT. EL DUENDE MYRIAM SWANSON RHYTHM N’ BLUES QUINTET PAULA PESO · YEHOSUÁ ESCOBEDO LATIN VIBES RADIO REGGAE · NUEVA VULCANO La Ludwig Band · Anatomia Humana Desmontable + ASSASSANI · JUANTXO SKALARI · GÈRARD ALAN & LA GENERACIÓN DECAPITADA · RAQUEL LÚA MARIA JAUME + MARIA HEIN · FERRAN PALAU JUNCO Y MIMBRE · CASERO DAMN! presenta Luces Negras + VLIVM Prison Affair + Pringue · Carles Benavent Trio ZA! · ULTIMO REKURSO (en acústic) · THE TYETS MISHIMA: CONCERT DE NADAL · QUIM VILA CARLA COLLADO · EBRI KNIGHT · JOAN MASDÉU MAZONI · FERRAN EXCESO · RUMBAKANA JOAN GARRIGA & MADJID FAHEM · JOAN ROVIRA HOTEL COCHAMBRE · PLATAFORMA + NOIS TRÍO FEAT. DANI PÉREZ Y MELISA BERTOSSI PELUKASS · LA TIETA CLARA · OFER RONEN QUARTET IGNASI TERRAZA QUARTET · NÚRIA GRAHAM FITO LURI · JOSEP XORTÓ & CONGOSOUND + TMN Salina · UNDO (Live) + Kuunde + Coco the Coconut ORQUESTA DIVERSIONES · SANTERO Y LOS MUCHACHOS (ACÚSTIC) · CLASH CITY ROCKERS · CARLES VIARNÈS ALBERT PLA · IRENE RIBAS + EL CHVNCO · SÍBARIS Furguson · Carlota Flâneur · DE LA CARMELA JOÃO BRAZ, SARAH CLAMAN, AGUSTÍ FERNÁNDEZ, EL PRICTO, SEBASTIÁN VIDAL · BRIGHTON 64 VIC MIRALLAS & FRIENDS · BIEL BALLESTER TRIO TRAVIS BIRDS · DELTA DELTA + LA ESTRELLA DE DAVID · SMOKING STONES · ALCALDESSA RENALDO & CLARA · SODA JAZZ QUARTET · LA KLAVE NATXO TARRÉS & THE WIRELESS · LUIS CARRILLO FRANK GÁLVEZ · Bernat Padrosa · HDSUBSTANCE ZA! · Damn! presenta Rombo + ETERNA JUVENTUD Oscar Mulero (Special Set) · Trau AMABLE DJ · GEMMA HUMET ROGER MAS · GUILLEM ROMA VENTA DE ENTRADAS EN WWW.SALACAT.CAT Organitza:

Amb el suport de:

ROSTER

LOS DISCOS DE MI VIDA GFOTY

If You Think You Think I’m a Bitch, You Should Meet GFOTY (2019)

“GFOTY, Girlfriend Of The Year” apareció entre descansos para el café y viajes en el 223 en mi último año de arquitectura, enseñándome que más allá de la monotonía del menú de la cafetería, había mundos sonoros como el de “GFOTV” o “Ham Chunks And Wine”, un espacio para la libertad creativa y la irreverencia.

Skye Sweetnam

Noise From The Basement (2004)

Skye Sweetnam fue la encarnación de aquellas adolescentes rebeldes que leía de pequeño, la Chloë Sevigny de “Kids” o Schaech en “The Doom Generation”, pop cantado con mala hostia, despertando al mall rat y el mall punk que llevaba dentro

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Dorian Electra My Agenda (2020)

Desde que me topé con Clitopia en uno de mis scrollings infinitos a la nada, me enamoré del trabajo de Dorian Electra por su capacidad de sintetizar temas complejos como podría ser el machismo, la misoginia utilizando el pop como herramienta de resistencia, llenándola de extravagancia, humor y denuncia social.

Sonia Calico

Simulation Of An Olverloaded World (2020)

Nos desvirtualizamos por primera vez en el Lucky Dragon, un festival en un templo abandonado en las montañas de Taipéi. “Iridescent Vision” retumbando en las paredes del templo explica muy bien su capacidad de unir el sonido tradicional chino con la música electrónica.

FOTO: ARXIU

Chenta Tsai (Putochinomaricón) #BETHEMEISTER es el nuevo proyecto de Jägermeister, una iniciativa que reúne a cuatro artistas de cuatro disciplinas creativas que se caracterizan por por su personalidad original y disruptiva. Los elegidos son Andrea Wilshusen en skate, Abel Iglesias en pintura, Fatu Africangyal en baile y Chenta Tsai, también conocido como Putochinomaricón, en la de música. Aprovechamos la ocasión para preguntar a Chenta Tsai por sus seis discos imprescindibles.

Grimes

Visions (2012)

No sé si es porque Grimes escribió este álbum encerrada en su cuarto durante dos semanas, o el espacio sonoro que consigue ‘layering’ sus voces y sus instrumentos, pero siempre que escucho este álbum escucho todas las canciones en bucle, casi de manera religiosa.

VV.AA.

Home Feat Jägermusic (2020)

Decir que me cambió la vida puede ser una exageración, pero ¿a quién no le gusta ver a sus artistas favorites juntándose y haciendo música juntes? —MS

diciembre 2020 #15

ENTREVISTA

Mr. Bungle El mejor chiste de Mr. Bungle

En los tempranos ochenta en Eureka, una pequeña ciudad del norte californiano que tiene entre sus ciudadanos notables a un asesino en serie, no había demasiadas opciones de diversión. Afortunadamente no todos los adolescentes de nivel secundario se convertían en operarios del bullying más cruel o caían en la delincuencia.

—TEXTO Adriano Mazzeo —FOTOGRAFÍA Buzz Osbourne

l menos tres de ellos se inclinaron por una simbiótica curiosidad por la música como un todo y los sonidos extremos en particular. Mike Patton, Trey Spruance y Trevor Dunn obtuvieron en lo infinito de la música un universo donde volcar todas sus preguntas y obsesiones, utilizando la voz, la guitarra y el bajo respectivamente como un espacio en el que saciar esa curiosidad inabarcable. Declarados fans de todo lo que fuera ruido en aquella época (thrash, punk, hardcore, death, etcétera) formaron una banda a la que bautizaron Mr. Bungle. Su primer demo “The Raging Wrath Of The Easter Bunny” –que representa el ADN del thrash más puro–, es hoy día una preciada pieza de colección, más allá de que, como dijeron sus protagonistas, “sonaba como a través de una aspiradora”. Con los años Mr. Bungle cambiarían de piel numerosas veces y se convertirían en uno de los grupos más influyentes de la escena alternativa y experimental (como reseñamos en nuestro especial por los veinte años de su disco “California” de 1999); Bungle es un ente creativo que jamás temió a los límites y que con humor inconfundible entregó una triada de discos en los que el delirio se da la mano con la teoría y los universos paralelos experimentan curvas que los llevan a chocar, deshaciéndose para dar lugar a nuevas formas y percepciones. En la actualidad no hace falta hablar de quién es Mike Patton y, aunque obviamente menos populares, también sabemos de la genialidad asombrosa de Spruance (el hombre al frente de Secret Chiefs 3 y ex guitarra de Faith No More) y Trevor Dunn (colaborador de John Zorn, parte de Fantomas, Melvins, etcétera). Total que, tras años sin compartir escenario bajo el nombre de Mr. Bungle, este pequeño grupo de amigos tuvo la idea de volver a sus raíces. Y lo hicieron literalmente: regraba-

#16 diciembre 2020

ron aquel mítico demo con la ayuda de dos míticos del thrash metal, Dave Lombardo (ex Slayer, Suicidal Tendencies, Fantomas) a la batería y Scott Ian (Anthrax, S.O.D.) a la guitarra. El resultado es tan sorprendente como espectacular y, aunque deje con ganas a la fanaticada que espera una vuelta de Bungle en el formato de sus tres discos “oficiales”, es un gran comienzo para poder ver en el horizonte una reactivación de una de esas bandas que siempre estuvieron adelantadas a su tiempo y funcionaron como taller de inspiración para otros cientos de músicos. Aquí abordamos la salida de “The Raging Wrath Of The Easter Bunny” desde la perspectiva de Trevor Dunn, quien tuvo la idea de regrabarlo y tocarlo en vivo y de Scott Ian, el último en subirse a este barco que navega a fuerza de distorsión, velocidad y un nivel técnico simplemente avasallante.

Trevor Dunn —Esta vuelta se siente tan extraña como emocionante… (Risas) ¡Perfecto! —Pensando en la personalidad de la banda y su sentido del humor ¿esta es la manera más “bungleana” en la que podían volver? ¡La manera más bungleana! ¡Sí! A ver, no fue pensada de esa manera, realmente no pensamos en volver de la manera más rara posible, sino que creímos que era una buena y muy divertida idea, así que decidimos hacerla. Una vez que estuvo definida, ahí pensamos “mira, esto es exactamente lo que nadie hubiera esperado” (risas). Es básicamente un actuar muy Bungle: hacemos lo que queremos hacer y no nos preocupamos por las consecuencias. Es lo que hay (risas). mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

—Este proceso, ¿supuso esto un redescubrimiento de las canciones o siempre estuvieron familiarizados con este antiguo demo? Este primer demo siempre tuvo un lugar especial en nuestros corazones. Trey, Mike y yo hablamos mogollón de él y hubo una serie de veces en las que tocamos algunas de esas canciones en vivo, las cuales por supuesto nadie conocía. Volver en el tiempo y aprender esta música de nuevo fue definitivamente un redescubrimiento. Indagar profundamente en estas canciones, aprenderlas de nuevo y cuestionar por qué escribimos aquel material fue casi como aprender canciones de otros, solo que esos otros éramos nosotros como adolescentes. —En la hoja de prensa del disco se os califica como “death metal virgins”. ¿Cuál es la relación del hecho de haber crecido en un pequeño pueblo y el haberse convertido en death metaleros vírgenes? (Risas) Primero que todo, más allá de quien haya dicho eso, no fue una broma: éramos literalmente vírgenes (risas). Y sí, vivíamos en un lugar bastante aislado, no muchas bandas tocaban en vivo allí, así que si querías ver shows tenías que conducir cinco horas al sur hasta San Francisco. Al estar tan aislados, debíamos crear nuestras propias formas de entretenimiento, algo típico de los millones de pequeños pueblos de Estados Unidos en los que hay pobreza y los chicos no tienen muchas opciones. Así que comienzan a beber de muy jóvenes, a hacer fiestas, a drogarse. A nosotros nos pasó que afortunadamente estábamos interesados en la música, no sé por qué, pero fue una inclinación natural por la que estoy muy agradecido. —La idea de esta nueva forma de Bungle fue tuya, ¿verdad? Sí, es algo que pensé apenas lo conocí a Dave. Esta música fue escrita pensando en Dave. Éramos grandes fans de Slayer como todo el mundo en los ochenta, “Reign In Blood” es uno de mis discos favoritos y cuanmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Scott Ian, Dave Lombardo, Trevor Dunn, Mike Patton y Trey Spruance

do lo conocí pensé que era una buena idea regrabar esto con él, y tocarlo con la intención original. Les comenté la idea a todos los demás en un show de Dead Cross, ese día los teloneaban los Secret Chiefs 3, así que todo el mundo estaba allí. A partir de eso, fue como una bola de nieve. —¿Cómo te sentiste luego, cuando Scott completó la formación? Oh, genial. Y él estaba súper emocionado también. Nos sorprendió que conociera nuestro demo. Resultó que él es un gran fan de Bungle, lo cual es totalmente loco para nosotros ¡Es como un gran Thrash Metal Love Fest! (risas). —Los tickets para los shows y los vinilos se vendieron muy bien, lo cual demuestra que la popularidad de Mr. Bungle creció mientras estuvísteis inactivos. ¿Crees que el público está más preparado para Bungle hoy día que en el pasado? Mmm, no sé. Mr. Bungle nunca hicimos suficiente dinero hasta los dos últimos tours de “California”. Luego dejamos de tocar y diez años después comenzamos a recibir ofertas de todo el mundo, y más importantes que las que solíamos tener antes. Es una cuestión de demanda, quieres tener lo que no puedes. Y eso jugó en nuestro beneficio, pero por supuesto ahora nadie puede tocar, así que estamos jodidos igual. —Imagino que esta música os pide mucho en cuanto a lo físico. ¿Cómo describirías el placer de tocarla a esta edad? Una cosa que me encanta de esta versión de Bungle y de tocar metal de nuevo es que exactamente eso, algo físico. Sienta muy bien. Lo coreográfico y la interacción en el escenario, el crear esa suerte de drama dentro de las canciones… Eso es lo mejor de todo tipo de música pero en el metal, que es súper agresivo lo sientes en el cuerpo. Y por supues-

3 diciembre 2020 #17

ENTREVISTA CRITICANDO

to tener a Dave en escena es brutal. Tiene fuego en el culo constantemente (risas). Pero bueno, lo que me gusta de mi carrera es que puedo ir y volver hacia distintas cosas, quiero decir, esa también es la manera en que escucho música. No me interesa volcarme a algo por mucho tiempo. —Entonces ¿eres de escuchar metal normalmente? Sí, definitivamente. Este demo es ciertamente algo fuera de actualidad. Es thrash metal del 86, y las cosas fueron evolucionando, como todo. Me gusta bastante el grindcore, amo a Full Of Hell, a Cephalic Carnage y me gusta, como a la mayoría de los jazzeros, Meshuggah. Ya no escucho tanto como cuando era adolescente, hay muchas bandas de estos estilos y es difícil seguirles el paso, pero de vez en cuando sigo recomendaciones.

Scott Ian —¿Cómo te sentiste cuando Patton te llamó para unirte a esta versión de la banda? ¡Muy feliz! Fue por mensaje de texto, y se ve que puse alguna cara muy rara porque mi mujer pensó que algo estaba mal, como si estuviera leyendo un texto horrible, como si alguien hubiera muerto. “¿Está todo bien?”, me preguntó preocupada. Levanté mi vista y le dije “Mike Patton me está invitando a unirme a Mr. Bungle ¡Coño!”. Me emocioné mucho. Fue un poco confuso para mí hasta que Mike me explicó la historia completa detrás de esto y enloquecí. Soy fan desde que escuché esta cinta, la original. Nunca me hubiese imaginado ser parte de Mr. Bungle y grabar un disco con ellos, hacer conciertos y dar entrevistas. Creo que es algo que nadie pensó nunca (risas). —¿Cómo llegó aquella demo a tus manos en los ochenta? #18 diciembre 2020

“

“Hacemos lo que queremos hacer y no nos preocupamos por las consecuencias”

Solía intercambiar cintas todo el tiempo. Pareces lo suficientemente mayor como para recordarlo, pero en los ochenta había una gran comunidad que se enviaba cassettes de aquí para allá. Así fue como me descubrí mucho del metal de aquella época. Por ejemplo, descubrí a Mercyful Fate por un amigo trader de Dinamarca. No sabía ni qué imagen tenía King Diamond, sólo tenía una copia en cassette de su música. Intercambiaba cintas con gente de Los Ángeles, San Francisco, Reino Unido... Alguien que conocí en el Área de la Bahía me envió unas cintas y me advirtió “chequea a esta banda, es muy ruidosa, pero muy divertida, creo que te gustará”. Era una copia de una copia de otra copia. No tenía la portada original, solo ponía “Mr. Bungle. The Raging Wrath Of The Easter Bunny”. Recuerdo darle play y sentir que no entendía qué diablos estaba escuchando. Claramente se estaban divirtiendo y tenían un gran sentido del humor, me gustó. Dos años después salió la demo “OU818”, me encantó y poco después Mike entró en Faith No More y el resto es historia. Fui fan desde el comienzo y cada día lo soy más. —¿Crees que el thrash fue un buen trampolín para la musicalidad que Mike, Trey y Trevor desarrollaron después? La cosa es así: yo aprendí muchísimo en el último año y medio al estar relacionándome con ellos. Hablamos de su historia y les pregunté todo lo que siempre quise como fan que soy. Ellos ya eran “músicos locos”. Trey y Trevor se conocieron en una clase de teoría musical cuando tenían quince años, así que ya estaban en su camino. Su música favorita en aquel momento era el metal pero ellos ya estaban metidos en todo ese otro mundo; jazz, clásica y world music a una edad muy temprana. Y en aprender teoría musical, aprender a escribir y leer. Muchas más cosas sobre Mr. Bungle tienen sentido para mí ahora que aprendí este material. Cuando salió el primer disco de Bungle en 1991, me voló la cabeza porque ahí suenan tantos géneros y estilos y los arreglos más locos. Era como Frank Zappa encontrando a Slayer, muchas influencias mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

y sonidos súper locos, no había escuchado nada como eso anteriormente. Ahora, conociendo bien este material, yo puedo apreciar, aún cuando lo que tocan son riffs de metal, su sabiduría y su habilidad para llegar a esos arreglos, que a simple vista parecieran no tener ningún sentido, pero cuando te metes en detalle, todo tiene su razón de ser. —¿Formar parte de un proyecto retrospectivo como este, te hizo sentir nostalgia por un género que contribuiste a crear? ¡Sí! Esa es una muy buena pregunta. Sí, así fue. Porque ¿cuándo iba yo a tener la oportunidad de tocar thrash compuesto en 1986? Casi nadie había escuchado esta música antes. Y fue escrita en 1985/6, en ese momento, cuando la génesis de mi banda y de Megadeth, Metallica, Slayer, Exodus, Possessed, y cientos más. Eso me llevó a un gran lugar en mi cabeza, especialmente cuando comencé a aprenderme los riffs porque muchos de ellos me sonaban muy familiares. Trey y Trevor hicieron nuevas demos de este material, para que lo pudiéramos aprender, porque no había manera de aprenderlo desde la cinta original. No podías descifrar lo que sonaba, aún ellos no podían hacerlo, tuvieron que repensar algunas partes. Cuando empecé a sentir esos riffs me encontré con S.O.D., con Slayer y todo comenzó a tener sentido musical para mí. Algunos riffs son muy difíciles de tocar al ser tan rápidos, pero amé ese feeling, esa vibra. Y por supuesto esto me llevó a escuchar un montón de discos del 84, 85 y 86 que no había escuchado en mucho tiempo. —Has declarado en varias veces ser fan de Faith No More y ahora estás compartiendo banda con Patton, a quien algunos informes declaran como el cantante más grande de la historia del rock. ¿Cómo es para tí trabajar con él? Mike Patton es uno de los más grandes cantantes y frontmen, ciertamente desde finales de los ochenta hasta ahora. Pero si me preguntas por el cantante más importante de la historia, yo mencionaría a Freddie Mercury. Pero sí, yo mencioné muchas veces a Faith No More, a Bungle, mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

a Patton públicamente porque soy un enorme fan de todo su trabajo. Él lo sabe porque somos amigos desde hace mucho y siempre le dije cuánto le admiraba (risas). Estar en una banda con él es un sueño hecho realidad. Es maravilloso estar en la banda con el maestro y ver cómo trabaja. Él nunca dirá algo así sobre él mismo, por supuesto, pero es un vocalista increíble, no sólo por su rango sino por su habilidad de hacer de todo con su voz, que funciona realmente como un instrumento, ya sea como una percusión, o un sonido de cuerdas o vientos. —No te considero un músico directamente político, pero sí que has hecho política indirectamente, ya sea con la colaboración de Anthrax con Public Enemy en el pasado y también con las camisetas que tú y Charlie (Benante) usaban en los ochenta y noventa, que eran de grupos que no relacionarías para nada con el sonido de Anthrax o S.O.D., como The Police, Bob Marley, The Smiths, etcétera. ¿Crees que esa es una manera de hacer política sin hacerla directamente? ¡Oh, sí! Si eres alguien que en estos días está en el ojo del público, en las redes sociales y tu imagen recorrerá Internet, todo lo que hagas puede ser considerado una declaración: la camiseta que uses, la gorra que uses, lo que digas, obviamente. Y en aquel entonces, sin redes sociales, sin Internet, lo único que había eran revistas o algo de televisión. Por supuesto que era a posta. Cuando yo vestía mi camiseta de Public Enemy en 1987, estaba haciendo una declaración. Nadie en el metal usó una camiseta de una banda de rap antes que yo. Nadie. Fue una declaración bien clara: me gusta su música, su política, me gustan como gente y voy a apoyarlos usando esta camiseta y así quizá tú los descubras y también te molen. —RUBÉN G. HERRERA

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diciembre 2020 #19

Herman Dune Confinado en Los Ángeles

nueva escena country en Estados Unidos. Es una especie de mezcla entre Kris Kristofferson y Linda Ronstadt. Soy un gran fan de ella, y ella adora mis canciones también. Simplemente le envié las grabaciones en bruto, antes de añadir los instrumentos, y ella básicamente hizo lo que quiso con ellas, después yo adapté la música al resultado. Spencer es de los mejores en la escena musical country de Nashville. Toca en grandes actuaciones como por ejemplo con Miranda Lambert. Tengo la oportunidad de contar con él en mis canciones simplemente porque le gusta Herman Dune, por eso soy muy afortunado. Al igual que Caitlin, no necesita ninguna dirección por mi parte, solo toca lo que FOTO: ARCHIVO

En el veinte aniversario de su primer álbum, Herman Dune (ahora con dos miembros menos y una desaparecida diéresis) nos sorprende con “Notes From Vinegar Hill” (Santa Cruz Records, 20). Su tercer trabajo autoeditado, el duodécimo de su carrera, ha sido grabado durante el confinamiento, y pone a prueba a David Ivar: pasa de la banda en vivo a los loops, de las grabaciones cortas e intensas al trabajo duro de estudio.

bar local, cuidar de mis gatos. Me he vuelto una persona muy local. Cultivo fruta de la pasión y melocotones, y hago mi propia mermelada que vendo por la ciudad. Mi arte se enseña en galerías locales, pinto y hago escultura y cerámica, y mis cómics se venden en las librerías de aquí. He encontrado una vida que es emocionante y artística sin tener la necesidad de estar corriendo por todas partes todo el tiempo. —A pesar del confinamiento, has podido colaborar con otros artistas, como Caitlin Rose, Spencer Cullum III o Jon Natchez. Ya habías colaborado con ellos en tu anterior álbum, “Santa Cruz Gold” (Santa Cruz Records, 18). ¿Qué te llevó a repetir y cómo ha sido

a carrera de los franceses Herman Düne empezó con los hermanos David y André Ivar como protagonistas, junto al amigo de la infancia de David, Omé, en la batería. Néman entraría en la ecuación más tarde como sustito de Omé. Con el inglés como lengua vehicular cuando esto no era concebible, Herman Düne sacaron hasta ocho álbumes juntos. Tras la publicación de “Giant” (06), el trío se convertiría en dúo. André abandonaba el proyecto, y junto a él, la diéresis desaparecía. En 2011 era Néman el que se despedía, dejando solo a David. Tras el primer álbum en solitario como Herman Dune, Ivar se mudó a Los Ángeles, concretamente a Vinegar Hill, San Pedro, y el proyecto tomó otro rumbo. Fundó el sello Santa Cruz Records, adoptó a una pequeña familia de gatos y encontró en las costas californianas un oasis artístico que jamás habría imaginado. Ahora presenta su tercer álbum autoeditado, “Notes From Vinegar Hill”, un homenaje a su nuevo hogar. —Este nuevo álbum es un tributo al barrio en el que llevas viviendo desde hace cinco años, Vinegar Hill. ¿Qué te ha aportado ese sitio que ahora llamas tu hogar como cantante, artista y como persona? Vinegar Hill es una pequeña parte histórica en el barrio de San Pedro. Es un barrio muy trabajador, en el que la vida empieza antes del amanecer y está enfocada alrededor del puerto, alejado del glamour y la vida nocturna de Hollywood, o el turístico frenesí de Venice y Santa Mónica. Es un lugar tranquilo, y espero que se quede así el máximo tiempo posible. A parte de esta básica #20 diciembre 2020

ar “Vale la pena contempl el mundo en lugar de o” andar siempre ocupad descripción, me mudé aquí como un músico en tour, que pasaba doscientos días al año en la carretera, y vivía en pequeños apartamentos en grandes centros urbanos. He pasado más tiempo sentado en el asiento trasero de una furgoneta de gira leyendo cualquier cosa –desde los cómics de Love & Rockets hasta Moby Dick– que en cualquier otro sitio. Cuando me mudé a San Pedro me apeteció quedarme aquí. Construí mi propio estudio de grabación en el jardín trasero, y empecé a poner más atención en ese lado de mi vida musical, grabar bandas sonoras, álbumes y colaboraciones. De hecho, ya casi nunca toco fuera de Los Ángeles. Obviamente, como hemos estado confinados por meses, eso no es ni siquiera una opción. Pienso que también vale la pena contemplar el mundo en lugar de andar siempre ocupado. Me encanta caminar por el puerto, ir al océano, tocar en mi

la experiencia de trabajar juntos de forma separada debido a la pandemia? No ha sido fácil conseguir que alguien grabara conmigo. Los Ángeles tenía un confinamiento muy estricto, y todos estábamos asustados de estar en el estudio con otras personas. Aquí tengo una banda con la que adoro tocar (Kyle McNeill, Maesa Pullman, Lewis Pullman, Jason Hiller), la que se escucha en mi álbum “Sweet Thursday”, grabado en directo en mi estudio. Pero como no se contemplaba la posibilidad de tocar en directo por la pandemia, no importó que Caitlin y Spencer estuvieran en Nashville, ya que lo habríamos hecho de forma remota igualmente. Conocí a Caitlin en Nashville años atrás cuando estaba tocando allí y ella vino a mi show en The Basement. Es una de mis cantautoras favoritas. Es una intelectual a la par que cruda y salvaje figura de la

le apetece y nunca hay nada que quiera cambiar de ello. Aunque en este álbum, muestreé muchísimo a Spencer, cogí pequeñas porciones de lo que había tocado que después use como un sample de hip hop. Igual que con Jon Natchez. He tocado con Jon desde “Giant”. Toca las trompetas en “I Wish That I Could See You Soon”, “My Home Is Nowhere Without You”, “Crazy Blue”, “Life On the Run”, todas mis canciones favoritas de Herman Dune. Le conocí en Nueva York, pero se mudó a los Ángeles hace poco, tocando con The War On Drugs y otros grandes artistas. Muestreé la línea que tocó para “Say You Love Me Too”, para construir la canción como un tema de hip hop. Jon es un trompetista fantástico, con un sonido muy único. —MARÍA RIVAS COLLADO

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En un año enturbiado por las fake news, los bulos y los rumores llega “Ruido de fondo” (Warner, 20). El séptimo trabajo discográfico de Sidecars viene irremediablemente marcado por la crisis sanitaria. No tanto en su contenido, pues estaba ya grabado cuando todo pasó, sino en su continente.

uido de fondo” se ha ido grabando en diversos estudios de Madrid: las bases en Estudio Uno, recordings en Estudio Montepríncipe y la mezcla en el estudio PKO. ¿En qué punto se encontraba cuando llegó el estado de alarma? (Ruli) Por suerte habíamos terminado de grabar todo. Llevábamos ya cerca de dos semanas de mezcla. Fuimos un día a ver cómo estaba yendo, porque no queríamos estar en la mezcla desde el principio como otras veces e íbamos de vez en cuando. Estábamos todavía con la coñita de darnos así en el codo, no entendíamos muy bien lo que estaba pasando. No pensábamos que fuera tan grave, y a los ocho días nos confinaron. Dentro de todo lo que ha pasado, tuvimos suerte de que no nos pillara en mitad de la grabación. —En general, ¿cómo ha afectado todo lo que ha pasado al lanzamiento del disco? (Gerbass) El lanzamiento en realidad lo teníamos previsto para después del verano, y como no teníamos pensado

Sidecars Ruido de fondo

girar este verano no ha afectado mucho a las fechas que teníamos previstas para el lanzamiento. Sí que ha afectado de cara a la futura gira de presentación. Pero como decía Ruli, hemos sido afortunados porque nos ha pillado todo esto en un impasse que teníamos pensado dejarlo libre, a excepción de las mezclas. —El disco se publicó el 4 de septiembre en digital, CD y vinilo. ¿Sigue consumiendo el formato físico vuestro público, o pesa más lo digital? (Ruli) Hay de todo. El primero que lanzamos en vinilo fue “Fuego cruzado”, sacamos una tirada de trescientas copias y alguna se vendió. Claro que desde esa fecha hasta ahora sí que se ha revalorizado el vinilo, pero el CD… La gente tira más de streaming. Lo que sí que es cierto es que como en esta ocasión como viene de regalo un DVD con un documental, igual sí que incentiva que se compren más discos. Pero tenemos en cuenta cómo ha evolucionado la industria y cómo ha evolucionado todo. (Juancho) El CD es un poco para románticos, y nosotros seguimos siendo de esos románticos. Seguimos concibiendo los CD, no tanto el formato CD como el cómputo de once canciones, el formato físico, el sacarlo de la caja y mirar cómo ha quedado. Nos gusta mucho y vamos a intentar mantenerlo mientras se venda alguno. —El primer single ha sido “Mundo imperfecto”, que abre también el disco. ¿Es la canción que mejor representa el nuevo trabajo para vosotros? (Juancho) No, era una buena carta de presentación. Nos apetecía salir con una canción guitarrera, y no pensamos mucho más en ello.

—El segundo es “La noche en calma”, una “nana trasnochada”. ¿Cogió el piano protagonismo en el estudio, o era la idea desde el principio? (Juancho) La escribí con una guitarra vieja, acústica, afinada en Re así como grave. Con los dedos, la grabamos así y la imaginábamos así para el disco. Cuando llegamos al estudio, Sergio Valdehita, que tiene una sensibilidad tocando alucinante, se lanzó y se puso a tocar la intro mientras montábamos, y nos pareció tan bonito que dijimos: “Esto tiene que arrancar así”. Lo otro ya lo haremos en otro momento, en directo o lo que sea. —“Ruido de fondo” es la que da título al trabajo. ¿Lo teníais elegido antes de todo esto, o hace alusión a todo este ruido de fondo que hemos tenido este año con tantas fake news, tantos bulos y tantos rumores? (Juancho) Es una casualidad. Como lo de “Mundo imperfecto”, que parece que está escrito hablando de esta movida pero la escribí hace un año y medio a lo mejor. En el caso de “Ruido de fondo” sacamos el título de ese verso de esa canción, porque habla del ruido de fondo como ese runrún que dicen que tenemos todos en la cabeza, que te jode un poco y que tienes ahí. No lo escuchas durante el día, pero cuando se calla todo un poco parece que se sube el volumen. Nos dimos cuenta de que la mayoría de las canciones están hablando de ese runrún, de diferentes cosas, diferentes sensaciones, diferentes miedos. Nos pareció que englobaba todo bastante bien. —Y ahora, ¿cuál va a ser el recorrido del disco?¿Más singles?¿Más videoclips?

(Ruli) La gira más bien. Hemos tenido la suerte de que este año no íbamos a girar, no íbamos a tener nada más que un festival, que se ha movido a octubre de momento. Lo único que arrancábamos la gira a finales de diciembre, el resto del año no nos ha pillado tocando. Tenemos colegas que les ha pillado en mitad de una gira todo esto y ha sido un desastre. Nosotros, dentro de lo malo, hemos tenido la posibilidad de ir reuniéndonos semanalmente e ir viendo cómo evolucionaba la movida para redactar los planes, que hemos cambiado cincuenta veces. Aparte, tenemos un formato más allá de las salas y recintos de cada ciudad. Tenemos pensado siempre para cada disco terminar cada gira con una gira de teatros, y como esta vez parece que la única cultura de momento que va a poder ser va a ser la de teatros, pues hemos invertido el orden. Vamos a arrancar todo el proceso de presentación del disco por teatros, donde nos dejen, porque creemos que es lo más seguro también dentro de todos los planteamientos que puede haber a la hora de organizar un concierto. —JESÚS CASAÑAS

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cos “El CD es para románti os , y nosotros seguim siendo de esos románticos” #22 diciembre 2020

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MONDO FREAKO

CALEXICO SEASONAL SHIFT CD | LP | LP LTD

LAMBCHOP TRIP

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PRÓXIMOS LANZAMIENTOS:

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08/01/2021 CASPER CLAUSEN · BETTER WAY 15/01/2021 GRANDBROTHERS · ALL THE UNKNOWN 29/01/2021 ANNA B SAVAGE · A COMMON TURN 26/02/2021 ROOSEVELT · POLYDANS

EN PORTADA

lo mejor d internacio #24 diciembre 2020

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Polos opuestos

de 2020 onal mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

i queremos que todo siga como está, es necesario que todo cambie”. Esta célebre frase de “El Gatopardo”, la novela de Giuseppe Tomasi di Lampedusa llevada al cine de forma magistral por Luchino Visconti me viene ni que sembrada para resumir lo que ha sido este odiado 2020 que por fin dejamos atrás. Es evidente que muchas cosas han cambiado en la industria de la música en los últimos años y que esos cambios se han visto acelerados en este año de pandemia, pero no es menos cierto que, como afirmaba Lampedusa, todo sigue como está. Pese a la facilidad que tenemos para acceder a un montón de música a golpe de un solo click, la gente sigue escuchando tan solo a una élite de artistas que son los que se reparten el pastel del negocio dejando las migajas a esos grupos indies, alternativos o de género que son de los que nos ocupamos más en esta revista. Según un estudio que publicaba la revista Rolling Stone, el 10% de los artistas más escuchados a través de las diferentes plataformas de streaming concentran el 90% de las escuchas. En cambio la mitad de los músicos que componen el 90% restante, no llegaron a las cien escuchas. Una concentración que no difiere demasiado de lo que sucedía cuando las radios comerciales marcaban la pauta antes de la aparición de Internet. Por eso encontramos un acto de justicia poética elevar a los altares del número uno de nuestra lista a un pequeño gran artista como Mike Hadreas más conocido como Perfume Genius. Se lo merece. Y no solo porque “Set My Heart On Fire Immediately” sea un gran disco que emociona y cautiva a partes iguales, sino también por ser responsable de una carrera que dura ya diez años, y que le ha hecho ser un nombre fundamental para entender ese indie-pop delicado, capaz de provocarnos una cascada emocional descontrolada. Y sí, en segundo lugar hemos puesto la otra cara de la moneda. La de la artista pop que triunfa y se lleva este año el gran trozo del pastel. Pero es que “Future Nostalgia” de Dua Lipa es un álbum arrebatador que nos ha hecho añorar todavía más la pista de baile y las bolas de espejos. Por eso, y porque en el alma de una revista como la nuestra caben esos dos polos opuestos unidos por la calidad que ambos atesoran. Lo único que nos gustaría es que el reparto del pastel fuera más justo. Pero eso sería ir en contra de la máxima de Lampedusa, y es algo que no acabamos de lograr los seres humanos. —DON DISTURBIOS diciembre 2020 #25

LOS MEJORES DISCOS INTERNA

Perfume Genius Todo M fuego

No Shape (Matador Records, 17) consolidó a Perfume Genius como uno de los artistas de referencia de la actualidad. Su continuación nos llega en pleno confinamiento bajo el título de Set My Heart On Fire (Matador/Popstock!, 20), un cuarto disco que vuelve a destacar por su honestidad emocional y la tendencia del artista americano a evolucionar y buscar nuevos caminos.

#26 diciembre 2020

IKE HADREAS, el hombre tras el alias de Perfume Genius, jamás imaginó que su nuevo disco saldría en plena pandemia. No obstante, el artista americano nunca tuvo intención de cambiar de planes. “Ninguno de nosotros hemos tenido que lidiar con algo así, pero la situación es tan incontrolable que tampoco podemos saber cuándo va a mejorar y cuándo va a ser un mejor momento para lanzar el disco”, comenta. Tal y como estaba planeado, el 15 de mayo vio la luz Set My Heart On Fire, un disco en el que vuelve a abrirse emocionalmente, pero, a diferencia de sus discos previos, desde un punto de partida distinto. “En esta ocasión no comencé con el disco a raíz de una preocupación. Más bien, fue que, por primera vez, empecé a sentirme más liberado, y esto era una sensación nueva para mí. Gran parte del álbum trata sobre sentirme más conectado con el mundo que me rodea y conmigo mismo”. Después de cinco discos caracterizados por una

fuerte carga sentimental autobiográfica, uno puede pensar que vomitar emociones sobre el papel puede resultar fácil, pero Hadreas no lo ve así. “La verdad es que pienso mucho en ello. Para mí es difícil abrirse emocionalmente. Pero creo que depende de la historia de cada persona”, apunta el músico americano. Lo que parece que no le cuesta es abandonar la zona de confort cada vez que se mete en el estudio. A través de las diferentes canciones que conforman Set My Heart On Fire nos topamos con diferentes géneros. “No me siento cómodo haciendo siempre lo mismo. Cada día, de un minuto a otro, me siento diferente. También siento que la música que escucho cambia, lo que me motiva a hacer cosas diferentes”, explica. No obstante, el disco en su conjunto está ligado bajo un mismo espíritu y es que “al tocar todos juntos en la misma habitación, creamos una atmósfera que unifica a las canciones e incluso a los músicos, aunque vayan en direcciones diferentes”.

UNA VEZ MÁS, Blake Mills se puso a los mandos de la producción, decisión que Hadreas tuvo clara desde el principio. “Volví a contar con Blake simplemente porque me encanta como persona y me encanta su forma de entender la música”. Pero Mills no ha sido la única colaboración de altura durante el desarrollo del disco. Leyendas como Jim Keltner, Pino Palladino y Matt Chamberlin han formado parte de la grabación. “Para que te hagas una idea, mi primer disco lo grabé yo mismo en una habitación, y en ningún momento podía haber imaginado que acabaría grabando un álbum con artistas tan maravillosos como ellos”, confiesa. Una evolución que también se ha visto reflejada en sus directos. “Quiero hacer una gira con una producción con la que sea capaz de transmitir el mundo que tengo en mi cabeza”, cuenta aun sabiendo que, por el momento, toca “esperar hasta que finalmente pueda presentarlo”. —GUILLERMO CHAPARRO TERLEIRA Más en www.mondosonoro.com

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ACIONALES DE 2020

Perfume Genius

Dua Lipa

Fiona Apple

Run The Jewels

Fontaines D.C.

Matador/Popstock!

Warner Records

Epic/Sony Music

Jewel Runners/BMG

Partisan/[PIAS]

POP / Desde su debut, Mike Hadreas ha mantenido siempre intacta la base de su identidad, pero aprovechando cada entrega para asumir retos inéditos y sumar tonalidades a la paleta. Un proceso que continúa en su quinto álbum, con el autor mostrándose más arriesgado y sofisticado que nunca. El barroquismo compositivo de Handreas empieza a alcanzar cotas extraordinarias de desborde imaginativo y ejecutivo. Y aunque juegue en la misma liga que Anohni, Rufus Wainwright, Peter Broderick, Owen Pallett o John Grant, la forma en la que canaliza su dramatismo comienza a consolidarse como algo único y excepcionalmente valioso. —RAÚL JULIÁN

POP / La artista británica echa mano de la música disco de los ochenta para fusionarla con el electropop de tintes futuristas. Uno de los puntos clave son las líneas melódicas que marcan los bajos. Lo podemos constatar en Don’t Start Now o la propia Future Nostalgia, en la que además nos encontramos con otro de los puntos fuertes del sonido actual de Dua Lipa: las guitarras de aires funk propias de los ochenta. Y redondeando todo, ese electropop que marca canciones como “Levitating”, “Cool” o el que posiblemente sea el tema más festivalero de todo el álbum, “Hallucinate”. Absorbe la energía de los hits del pasado para traerla al momento actual. —NÚRIA CARDÚS

POP ROCK / Quizás el universo nos esté queriendo decir algo. Pero no parece casualidad que, justo en el momento en el que Fiona Apple decide lanzar su nuevo álbum en ocho años, todos estemos confinados en nuestras casas. Anoche, de madrugada escuchándolo a oscuras de principio a fin, me daba la sensación de que estaba frente al disco que tenía que llegar en estos momentos para salvarnos a todos. Esta interrupción momentánea en nuestras rutinas está agudizando nuestros sentidos y haciendo que trabajemos el arte de la paciencia y la tranquilidad. Y ese es el escenario perfecto para poder saborear Fetch The Bolt Cutters como se merece. —ÁLVARO TEJADA

RAP / Puede que la revolución no vaya a ser televisada, ni digitalizada, pero ya tiene banda sonora: Run The Jewels 4. Escuchando los adelantos del mismo, uno podía adivinar que estaban cocinando algo especial, pero escuchando a Killer Mike convertirse en la voz de la razón tras el asesinato de George Floyd por la policía y evitar males mayores en Atlanta, confirmaba que este disco no podía llegar en un momento más adecuado. Y es que este disco es un puñetazo en la boca, un sonoro y eufórico “Fuck you!” a todos los Derek Chauvins del mundo y a la gente que los hace posible, confirmando a Run The Jewels como los Public Enemy de esta generación. —SERGIO ARIZA

POST-PUNK / Hay algo intangi-

Touché Amoré

A. A. L. (Against All Logic)

Waxahatchee

Tame Impala

Idles

Epitaph/[PIAS]

Other People

Merge/Popstock!

Caroline /Music As Usual

Partisan/[PIAS]

POST-HARDCORE / Lament es

ELECTRÓNICA / Nicolas Jaar no presenta esta vez himnos como en su anterior largo bajo este mismo pseudónimo (20122017), sin embargo el trabajo sigue una línea más lógica, con bastante más sentido y narrativa que su predecesor. Nueve cortes que giran inesperadamente hacia lo experimental, con guiños al techno de tinte industrial y ritmos deconstruidos. La distorsión es una constante durante todo el viaje que muestra una identidad propia, aunque más oscura que lo que el fan medio de Jaar pudiera imaginar. Una perfecta vuelta de tuerca a su sonido, olvidando las atmósferas y elementos ambientales y espaciales.

INDIE / Katie Crutchfield, o lo que

POP / Cinco años han pasado ya

POST-PUNK / Parece que deter-

es lo mismo Waxahatchee, comenzó su carrera con una fuerte influencia del indie rock hecho por mujeres de los noventa. Pues bien, ahora que está nuevamente en boga, Crutchfield ha decidido cambiar de dirección en su sexto disco en solitario. Ha puesto la vista en su población natal, en Alabama, se ha calzado las botas vaqueras y, con Lucinda Williams como principal faro, se ha marcado un notable disco en el que alcanza la madurez artística. Tras un rabioso disco de ruptura Waxahatchee se autoanaliza y logra madurar como persona y como artista. un punto y aparte en su carrera que abre una nueva y prometedora etapa. —SERGIO ARIZA

desde que Kevin Parker sorprendiera al mundo con su predecesor Currents (15). Visto en retrospectiva parece mentira que en algún momento llegásemos a considerar a Parker como la gran esperanza de la música de guitarras. Claramente sus planes iban en otra dirección. Adorado por gigantes como Kanye West, Lady Gaga, Rihanna, Travis Scott o Kali Uchis, se ha convertido en algo parecido al “productor de moda” y en el trabajo que nos ocupa los horizontes se expanden en todas las direcciones posibles. Parker vuelve a redefinir los márgenes del sonido psicodélico, explotando aún más su gusto por las melodías pop. —TOMÁS CRESPO

minados comentarios hechos al albur de su éxito dieron en la diana. El caso es que, lejos de arredrarse ante las críticas, el quinteto de Bristol concentra su esencia en un muro de sonido a la yugular con influencias del hip-hop y el techno, añadiendo estribillos de inmediatez rockera, con letras transparentes en su beligerancia. Se trata del aquí y el ahora, de buscar autoafirmación y positividad bajo las piedras, en este confuso y polarizado mundo post-Brexit, lo que resulta en que algunas de sus composiciones más poderosas se codeen con momentos de indisimulado trazo grueso. —JC PEÑA

Set My Heart On Fire

Lament

un álbum que va creciendo con cada escucha. En el salto cualitativo que supone este trabajo para los de Jeremy Bolm, ha tenido que ver la labor de Ross Robinson (Slipknot, Korn, Berri Txarrak) como productor. La combinación de una producción de calidad y una colección de canciones emocionantes y con gancho es lo que hace de este un trabajo tan especial. Las letras indagan en el dolor y la necesidad de pertenencia a una comunidad, en la pérdida de seres queridos y los altibajos de la amistad duradera. Un punto y aparte en la trayectoria de Touché Amoré.

—JUAN P. HOLGUERA

Future Nostalgia

2017-2019

—DIEGO FERNÁNDEZ

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Fetch The Bolt Cutters

St. Cloud

RTJ 4

The Slow Rush

A Hero’s Death

ble que determina el momento de un grupo: química, estado de ánimo, conexión cósmica. El nuevo extraordinario disco de los irlandeses, que llega poco más de un año después de su celebrado debut, deja claro que el quinteto necesitaba capturar ese momento de estado de gracia tan volátil y esquivo. El esfuerzo de un año frenético y el fuerte revés de haber desechado una primera grabación en Los Ángeles para volver a trabajar con Dan Carey, ha merecido la pena: tras las dificultades han llegado a un sitio muy diferente, indudablemente más complejo, exigente, oscuro. Fontaines D.C. aspiran a ser unos clásicos. —JC PEÑA

Ultra Mono

diciembre 2020 #27

LOS MEJORES DISCOS INTERNA

Sufjan Stevens

Spillage Village

Deftones

Rina Sawayama

Caribou

Asthmatic Kitty/Popstock!

Dreamville/Interscope

Warner

Dirty Hit

City Slang/Music As Usual

POP ELECTRÓNICO / Hace algún

RAP / El colectivo Spillage Villa-

ELECTRÓNICA / Seis años des-

—JUAN P. HOLGUERA

ge ya convenció con Bears Like This Too Muc y su hip hop de cadencias lentas y partituras fumetas, con una impronta perezosa y etérea. Pero con Spilligion se han abierto y expandido, incorporando más riqueza de recursos, adentrándose en un hip hop más lirico, imaginativo y serpenteante. Lejos de estructuras monolíticas y redundantes, se reinventan en un sincretismo que integra y trasciende. Spillage Village interpretan la música afroamericana, la giran del revés, la voltean, y la reimaginan. Spilligion es sexy, es desafiante, es espiritual, es reivindicativo, es psicodélico y es altamente adictivo.

METAL / Veinte años después de White Pony (00), su indiscutible obra maestra, quién iba a decir que los de Sacramento iban a seguir en plena forma y lanzando discos dignos de mención. Y es que el sensacional Ohms, es uno de los mejores álbumes no solo de la carrera de Deftones, si no de los publicados este año. La banda está en estado de gracia, y Chino Moreno nos trae más de sus mejores registros, con inspiradas melodías que entran bien a la primera, dentro de estructuras que te llevan de la calma a la catarsis. Deftones han concebido un disco redondo, sin fisuras y casi perfecto en sí mismo.

POP / El álbum de debut de Rina

tiempo, Sufjan Stevens decidió mudarse para vivir en el campo. Compró un tractor, se desconectó de Internet y guardó sus guitarras y banjos en un almacén. Para entretenerse, trasteaba con una caja de ritmos y diferentes sintetizadores analógicos de sonido vintage. Este es álbum entregado a la electrónica como ya lo hiciera en The Age Of Adz (10). Tras una cima creativa eminentemente acústica e íntima como Carrie & Lowell (15), nos entrega otro disco enteramente dedicado a su zona personal más íntima. Un tapiz denso y poblado de ideas y confesiones.

pués del enorme Our Love, Dan Snaith regresa con Suddenly, un trabajo lleno de calidez y luz que nos muestra a una de las figuras fundamentales en el terreno del pop electrónico y la música de club de los últimos veinte años en un estado de forma envidiable. Suddenly muestra la cara más sensible e intimista de Caribou; todo el disco está atravesado por una sensación de emotividad crepuscular, de calma casera, de alejamiento de la parte más nocturna y bailable del universo de Dan Snaith y el resultado seguramente sea el trabajo más accesible, completo y bonito que nos ha regalado hasta la fecha el canadiense.

—ANDREU CUNILL CLARES

—JESÚS GARCÍA SERRANO

Sawayama es una demostración de que sabe moverse en distintos registros y estilos musicales. Aunque el pop futurista del EP Rina ya nos dejaba intuir su potencial, todavía no podíamos imaginar de lo que era capaz. La japonesa afincada en Londres entra y sale de terrenos de lo más diverso, desde el pop de aires mainstream a las guitarras metal, pasando por los sintetizadores, el R&B, incluso la música clásica. En todo caso, siempre nos muestra su lado más rebelde y su cara menos inocente. Ha crecido en un tiempo en el que las etiquetas se entrelazan sin prejuicios, lo que se refleja en su ecléctico universo. —NÚRIA CARDÚS

—RICKY LAVADO

Working Men’s Club

Fleet Foxes

Woodkid

Metz

Lido Pimienta

Heavenly/[PIAS]

ANTI/[PIAS]

Green United/Universal

Sub Pop/Popstock!

Anti

POST-PUNK / Minsky-Sargeant y

FOLK / Una colección de canciones que, en palabras de Robin Pecknold, “celebran la vida en la cara de la muerte, como un alivio, como tus pies tocando la arena de la playa tras el descenso de la marea”. El equinoccio de otoño del tan nefasto 2020 hizo el resto, cerrando el círculo y completando el sortilegio: la vuelta de Fleet Foxes a su mejor estado de forma. Lo más brillante que han hecho en muchísimo tiempo. Desde el “Summer all over” con el que anuncian la inaugural Wading In Waist–High Water, hasta las notas de piano con las que la delicadísima Shore despide casi una hora que en ningún momento se hace larga.

POP / Desolador, crudo y oscuro

PUNK / En su cuarto disco, por

POP TRIBAL / Escuchado de

es el regreso de Yoann Lemoine. Una endemoniada pieza que refleja una sociedad ahogada en una enorme masa negra que no consigue levantar la cabeza. S16 explora así la obsesión del creador francés por el frío sector industrial, sus enormes máquinas, enfrentándolo a sonidos orgánicos que reproducen su lado más íntimo y personal. La vida contra la ciencia ficción. Lo analógico contra lo digital. Minimalista, sutil y a la vez ostentoso, cinematográfico. Woodkid exprime toda la brillantez artística que posee en una pieza repleta de paisajes sonoros fascinantes y una enorme, y bella, parte orquestal que lleva el peso del disco. —ÁLEX JEREZ

mucho que exploren temas como el de la paternidad o la mortalidad, los canadienses vuelven a echar mano de su patentado muro de sonido. Aunque se permitan darse ciertos respiros melódicos, Atlas Vending devuelve a los de Toronto a las obsesiones sonoras que exploran desde su irrupción. Un trabajo en el que volvemos a oír ecos de los Nirvana más asilvestrados, pero también de héroes del post-punk anguloso y experimental como This Heat y del brutalismo industrial. Estribillos densos como la pez y ritmos a degüello con guitarras desquiciadas.

forma virginal uno se lo imagina perpetrado en el estudio de grabación de una gran urbe de Colombia, en el que se ha buscado de forma artificial el choque entre la tradición indígena con una elegante poso electrónico. Nada más lejos de la realidad. Porque “Miss Colombia” está parido en la fría Canadá. Ese es el país de acogida de Lido María Pimienta Paz. Y eso explica por qué el disco, pese a tener un componente tribal evidente, tiene una dimensión contemporánea y moderna que le dan ese toque de rara sofisticación que ha provocado su encumbramiento por parte de la crítica anglosajona. —DON DISTURBIOS

The Ascension

Working Men’s Club

su banda echan la vista al Sheffield de la segunda mitad de los setenta y los primeros ochenta para exprimir la electrónica y el post-punk y recoger la cosecha de lo que se sembraron en aquella ciudad Cabaret Voltaire, The Human League o incluso los primeros Pulp. A partir de esa base, acuden a todos aquellos sonidos rítmicos y bailables y al mismo tiempo ligeramente incómodos que se han ido esparciendo a lo largo de los años por aquí y allá, desde The Fall a New Order/Joy Division, desde Section 25 o los primeros Happy Mondays a LCD Soundsystem, pasando por el revival punk funk o por algunos momentos de Suicide. —JOAN S. LUNA #28 diciembre 2019

Spilligion

Shore

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Ohms

S16

Sawayama

Atlas Vending

—JC PEÑA

Suddenly

Miss Colombia

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ACIONALES DE 2020

Bad Bunny

Charli XCX

Jehnny Beth

Phoebe Bridgers

Lil Uzi Vert

Rimas Entertainment

Atlantic/Warner

Caroline/Music As Usual

Dead Oceans/Popstock!

Atlantic

REGGAETON / YHLQMDLG no ha hecho más que reafirmar algo que sabíamos desde hacía un tiempo: Bad Bunny va a su puñetera bola. Pero él lo ha querido secundar con el acrónimo de su último álbum, que dice literalmente “yo hago lo que me da la gana”. Pues eso. Bad Bunny tiene una hiperproductividad tocada por la varita de la frescura. Nadie en la nueva camada del reggaeton ha conseguido tanta asiduidad y, a la vez, tanta pegada. Hasta Vibras, el auténtico disco paradigmático del cambio, el reggaeton se servía de fogonazos rompepistas dentro de discos con más paja que grano. Bad Bunny se suma a lo de Balvin y dobla la apuesta. —YERAY S. IBORRA

POP / A Charli XCX, la cuarentena le pilló en su casa de Los Ángeles. Allí decidió gestar un nuevo disco dándose treinta y ocho días de preparación. Como resultado, how i’m feeling now no puede ser más marca de la casa. Han surgido canciones enérgicas que hablan de sentimientos universales como la ira, la frustración, la tristeza, la rabia, la excitación o el amor, potenciados todos ellos por la situación que estamos viviendo. Un diario abierto sobre lo que ha pasado por la cabeza de Charli durante las primeras semanas de confinamiento. No pretende ser perfecto ni limpio ni agradable, porque eso lo arruinaría todo. —ÁLVARO TEJADA

POST-PUNK / Beth se aleja lo

que puede, y hace bien, del sonido de su grupo Savages. El resultado es un disco valiente y dislocado, que tiene en la honestidad brutal y los extremos, entre el grito desafiante y la vulnerabilidad, su mayor baza. Los ropajes instrumentales contemporáneos y el punto justo de experimentación funcionan. Beth explora terrenos sintéticos, cuasi industriales y atmosféricos, mientras su voz se convierte en el instrumento principal. Una voz con una amplitud de registros prodigiosa, capaz de pasar del desafío macarra sin restricciones de la musculosa I’m The Man a la sensualidad descarnada de Flower. —JC PEÑA

POP / Phoebe Bridgers dejó buenas sensaciones con su debut Stranger In The Alps (17), afrontando ahora una continuación en base a piezas conmovedoras y cercanas al folk clásico de Nick Drake, acercamientos puntuales al pop algo más descarado, y la esencia de las propias canciones cubiertas con una capa de actualización sonora. Un disco cocinado a fuego lento y que debe degustarse con idéntica calma, y que confirma a su autora como garantía de buen gusto e inspiración contrastada. Punisher es un álbum notable, cargado de emoción y sentimiento, además de impecablemente arreglado para la ocasión. — RAÚL JULIÁN

TRAP / Eternal Atake ha vuelto a reivindicar al norteamericano como una de las voces más importantes de su generación y como un reconocido renovador del sonido trap. Dividido en tres partes en las que se muestran las diferentes versiones del artista (Baby Pluto, estrella del trap y referencia a su papel como sucesor de Future; Renji, más emocional; y Uzi, su autentica personalidad) no es Luv Is Rage igual que P2 no es X0 Tour Lif3, pero brilla sobradamente por sí mismo y tiene peso y alcance, algo difícil en un movimiento en el que surgen nuevos artistas con nuevas propuestas cada dos o tres semanas.

Taylor Swift

Haim

The Weeknd

Jessie Ware

Bob Dylan

Republic

Polydor

Republic/Universal

Virgin

Columbia

INDIE FOLK /Taylor Swift ha de-

POP / Haim representan esa ca-

POP / En After Hours encontra-

POP / La británica ha logrado

cidido contar en la producción con Aaron Dessner de The National, y repetir con Jack Antonoff, con un resultado mucho más crudo de lo que parecía, recordándonos más a Aimee Mann o al propio Dessner, con algún toquecillo más Sufjan (“Mad Woman”, “Invisible String”). Pero aquí la clave, precisamente por ese punto más crudo, son las letras. Y tampoco es de extrañar su talento para, a la hora de componer canciones, contar historias. No sé si es su mejor disco (puede serlo) y ni siquiera sé si tienen sentido ese tipo de clasificaciones, pero lo que está claro es que es un motivo más para no dudar de su enorme talento. —PABLO TOCINO

racterística tan común a muchas de las propuestas que alimentan el mainstream contemporáneo: sus discos lucen innumerables detalles de producción, tantos giros impredecibles en el guion de sus canciones y una arquitectura sonora tan compleja y detallista que, por mucho que sus melodías apunten sin complejos a la comercialidad, hay siempre una intención de ir más allá, de combinar clasicismo con audacia, de aunar transversalidad y un aventurado espíritu de crecimiento artístico. El resultado es un disco de superpop multiforme, elástico, contagioso y (mayoritariamente) femenino en fondo y forma.

mos algunas de sus mejores virtudes: un sobrado dominio vocal y una producción musical impresionante en la que Abel Tesfaye se ha implicado de lleno. Sin embargo, a pesar de que ninguno de sus catorce temas baja el listón, tampoco encontramos ningún clásico instantáneo. También falta, por momentos, esa capacidad de hacer canciones que transmitan sentimiento y pongan las emociones a flor de piel. La dupla Hardest To Love y Scared To Live sí da la talla, igual que Save Your Tears, pero hay motivos para pedirle más a un The Weeknd que ha querido basarse en los sonidos y el espíritu de los años ochenta. —LUIS M. MAÍNEZ

relanzar su carrera con un trabajo que bebe de Chic o Prince, rememorando el giro hacia el funk de Daft Punk en Random Access Memories (13). Pero que, además, no tiene nada que envidiar del talento de divas como Donna Summer, Kylie Minogue o Madonna. Algunos de sus mejores momentos los encontramos en la impecable cara A del vinilo con una secuenciación sin fisuras en la que destacan singles como Spotlight, What’s Your Pleasure? o Soul Control, que te harán contorsionarte a través sonidos orgánicos, con sintetizadores propios de los ochenta, arreglos orquestales y un groove de bajo saltarín.

FOLK / Con setenta y nueve primaveras recién cumplidas y ocho años después de su último trabajo de composiciones propias, el sobresaliente Tempest (12), Bob Dylan vuelve a darle alas a sus raíces y firma otra cima de la historia de la música. Diez pistas que, siendo un canto a la vida, son un dialogar sin pausa con la muerte, arrebatándole los mandos y recorriendo la esencia áspera y ruidosa del caos de nuestros días. Un testamento velado en el que surcamos el pasado, presente y futuro de la identidad americana, rumbo, con tibias y calaveras ondeando en el cielo, hacia tierras prometidas y misteriosos paraísos. —DAVID PÉREZ

YHLQMDLG

Folklore

how I’m feeling now

Women In Music Part III

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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To Love is To Live

After Hours

Punisher

What’s Your Pleasure?

—JESÚS GARCÍA SERRANO

Eternal Atake

—LUIS M. MAÍNEZ

Rough And Rowdy Ways

diciembre 2019 #29

LOS MEJORES DISCOS INTERNA

Porridge Radio

Yves Tumor

Lianne La Havas

Jarv Is…

Moses Sumney

Warner

Rough Trade/Popstock!

Jagjaguwar/Popstock!

POP/ Jarvis Cocker vuelve a reinventarse y presentarse como Jarv Is… en este experimental y vibrante Beyond The Pale. Se trata de un proyecto concebido como una nueva forma de crear música en colaboración con la audiencia, analizando el desarrollo de sus canciones en vivo antes de materializarlas. “Un álbum vivo”, un proceso de creación en continuo movimiento y cambio, una experiencia inconclusa que seguirá creciendo y sorprendiendo en directo. Solo queda despertar o creer que lo hacemos… De una manera u otra, como recita Jarvis Cocker, “somos hijos del eco” y bailando repetiremos su mantra hasta desvanecernos.

POP SOUL / græ: Part 1 es todo

—DAVID PÉREZ

—ÁLVARO TEJADA

Every Bad

Secretly Canadian/Popstock!

Heaven To A Tortured Mind WARP/Music As Usual

ROCK/ Parece claro que las

POP EXPERIMENTAL / La etique-

NEO SOUL/ Si hemos de ser since-

mujeres son las principales encargadas de mantener viva la llama del rock. El debut de Porridge Radio para un sello grande, nos muestra a una joven Dana Margolin con muchas cosas que decir y canciones perfectas para expresarlo. Su método compositivo se basa en utilizar mantras repetidos hasta la catarsis, con momentos en los que una frase logra un efecto chamánico por medio de la repetición. Además, hay una polaridad entre lo que canta y cómo lo canta, porque este no es un disco para escuchar de fondo. Every Bad requiere tu atención total.

ta de experimental ha acompañado a la música de Sean Bowie, alias Yves Tumor, desde que comenzó su carrera a mediados de la década que acaba de terminar. Ahora nos llega un disco menos diverso pero más cohesionado, una especie de actualización del art rock y el P-Funk setentero mezclado con toques post-industriales y de la escena indie rock de comienzos del siglo XXI. Pero que sea menos experimental y más centrado en las canciones no quiere decir que sea menos original e innovador, este es el disco de un artista encontrándose a sí mismo en su momento de pleno apogeo.

—SERGIO ARIZA

ros nos habíamos olvidado de la maravillosa profundidad soul de la voz de la británica Lianne La Havas. Cinco años tiene la culpa. Ella era consciente de que todavía había cosas que mejorar, y que sus canciones podían alcanzar una dimensión todavía mayor y volverse mucho más sofisticadas al agregarles más detalles con los que aupar más y mejor la emoción que desprenden sus cuerdas vocales. En este lo ha conseguido del todo y puede darse por satisfecha. Porque pocos discos van a lograr hipnotizar tanto al oyente este año como este trabajo que, pese a ser el tercero, titula de forma significativa tan solo con su nombre. —DON DISTURBIOS

Adrianne Lenker

The Flaming Lips

Rolling Blackouts C. F.

The Strokes

J. Balvin

4AD/Popstock!

Bella Union/[PIAS]

Sub Pop/Popstock!

Sony

Universal Music

FOLK/ La vocalista de Big Thief, se permita la licencia de publicar en la misma tacada un doble lanzamiento que, de algún modo, cabría entender como diferentes caras de la misma moneda. Unas referencias que se reparten entre once canciones al uso –“Songs”– y dos extensas piezas instrumentales de veinte y quince minutos respectivamente –“Instrumentals”–. Es cierto que el mayor atractivo de la publicación recae sobre “Songs”, con un conjunto de temas cercanos a la desnudez que destilan ese tipo de honestidad creíble y empática convertida en principal cualidad del asunto y valioso activo. —RAÚL JULIÁN

POP/ The Flaming Lips recuperan las mejores esencias desu etapa más destacada. Es su disco más accesible desde Yoshimi Battles The Pink Robots (2002). También es el más personal de la banda, donde habla de sus años de adolescencia entre temas tan propios como flores de Neptuno 6, dinosaurios o LSD. Se ha hablado de la influencia de Tom Petty y colabora Kacey Musgraves y, sin embargo, sigue sonando cien por cien a The Flaming Lips, más a pop barroco psicodélico que americano, más The Soft Bulletin y Yoshimi... que Damn The Torpedoes o American Beauty... Pero las letras son más nostálgicas y personales. —SERGIO ARIZA

POP/ Siguen dando pasos firmes y precisos hacia la cima, una cima que no supone éxitos sorprendentes ni ventas millonarias, sino depurar al máximo su creatividad. Sideways To New Italy es la demostración de que están haciendo bien las cosas. Rolling Blackouts Coastal Fever tenían por delante una tarea que acarreaba cierta dificultad y misterio. Debían mantener la expectación creada por Hope Downs, su primer álbum, y lanzar un segundo disco que marcase cómo y dónde querían establecerse como banda. Y eso es lo que han hecho Sin perder la frescura, ni mucho menos su espíritu valiente.

ROCK/ Yo creo que sí, que solo

REGGAETON/ Con cara de preocu-

por un tema como “Bad Decisions” ya ha valido la pena esperar los seis o siete años que hace que The Strokes sacaron su anterior disco, Comedown Machine (13). Más allá de la esencia del Nueva York más sucio que siempre ha traspirado la música de The Strokes, estas nueve composiciones de nueva creación son una atractiva deconstrución, lectura modernizada, de los sonidos que latían a inicios de los ochenta. The New Abnormal es The Strokes elevado a su máximo exponente, asimilando como nadie el legado de la new wave neoyorquina y del post-punk de Television, Blondie, Talking Heads, Suicide y The Cars. —ORIOL RODRÍGUEZ

pación, el colombiano lanzaba en marzo una pregunta a sus seguidores: “¿Está la gente con vibra para escuchar Colores?”. Su compatriota Ronald El Killa, le respondía: “Hay que darle color a esto”. Ganó el sí, de calle, y el reggaetonero publicó su nuevo largo. No hacen falta muchas narices para oler el buen feeling de Colores. Esos colores evocan, se supone, felicidad, mar, vida o amor en el álbum. Motivos profundos que se evaporan al transmutar en canción. Hasta el punto que sin ese recorrido guiado, es difícil interpretar al colombiano. Tal vez tenga un sentido: J. Balvin ha virado hacia un reggaeton de primera escucha. —YERAY S. IBORRA

Songs

#30 diciembre 2020

American Head

Lianne La Havas

Sideways To New Italy

—TONI CASTARNADO

Beyond The Pale

The New Abnormal

græ: Part 1

un homenaje a esas tonalidades grisáceas que están ahí para los que no creen en que todo es blanco o negro en la vida. Un concepto sobre el que pivotan todas las canciones de esta primera parte de un álbum doble que ha supuesto el verdadero puñetazo en la mesa por parte de Moses Sumney. Porque mientras muchos altos cargos de la industria musical pretendían crear “el nuevo Frank Ocean”, él iba a su rollo. ¿El resultado? Un disco personal, hecho con mimo y con las cosas claras. Resulta difícil encasillarlo en un género musical, pero quizás ese “área gris” es justo el mensaje que el artista intenta predicar.

Colores

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ACIONALES DE 2020

Róisín Murphy

Grimes

Dogleg

Kelly Lee Owens

Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs

Loaded/BMG

4AD

Triple Crown Records

Smalltown Supersound

Viscerals Rocket/Popstock!

DISCO/ Explosivo y poderoso es el regreso de Róisín Murphy con su quinto álbum de estudio. Una colección de diez temas destinados a la pista de baile que reivindican la figura de una mujer auténtica, independiente y segura. Un viaje sonoro por una lección de autoconocimiento por parte de la estrella irlandesa, sus fantasías y libertad como creadora. Con DJ Parrot en la producción, presenta un mundo de plástico, superficial y cargado de brillo donde salir a bailar es casi tan importante como poder respirar. Temas ‘buenrollistas’ y a la vez reflexivos que convierten a Murphy en la diva absoluta de 2020. —ÁLEX JEREZ

POP / Lo primero que uno concluye tras escuchar Miss Anthropocene es que se nota que Grimes cierra una etapa –es su último álbum en 4AD– porque es lo opuesto a un disco continuista. Lo segundo es que está como una cabra y nos encanta, pero eso no es ninguna novedad. Sí, es cierto que se acerca más a la Grimes de Visions (12) que a la de Art Angels (15), pero tampoco es un Visions 2.0, porque Grimes se abre a territorios nuevos: abraza los sonidos metal, combina la oscuridad con el pop más limpio y hasta se marca dos baladas. Que su comportamiento errático no os ciegue: Miss Anthropocene es otro discazo. —PABLO TOCINO

ROCK/ Qué gran día tuvo que

ELECTRÓNICA/ Lo que comenzó en 2017 siendo como una especie de anomalía sucedida en las entrañas del indie-folk-pop con querencias electrónicas se ha consolidado como una de las realidades más destacadas en el panorama de la música hecha con medios no estrictamente orgánicos. Lo que menos llama la atención de este estupendo disco es que la escocesa disfruta de una variedad de registros apabullante, casi ilimitada. No sorprende porque ya lo demostró en su primer lanzamiento. Aquí lo que realmente destella, casi hasta cegar, es el buen gusto con el que consigue impregnar todo lo que toca; sea pop, techno, house, r&b o ambient. —FERNANDO FUENTES

ROCK/ El quinteto de Newcast-

ser el primer ensayo de Dogleg. Cuatro tipos de Michigan metidos en un garaje descubriendo que había química entre ellos cuando se colgaban los instrumentos y soltaban adrenalina a tope. No sé si sintieron algo fuera de lo común, pero es evidente que Dogleg tienen algo especial, ese mojo tan preciado y tan escaso que bien podría ayudarles a crecer y convertirse en ese grupo de emo e indie rock por el que nos partiríamos la cara. Contar con los elementos necesarios (guitarras rápidas, voces crispadas, pura visceralidad) puede parecer sencillo, pero conseguir un disco de debut como este requiere de un talento indiscutible. —JOAN S. LUNA

Soccer Mommy

Freddie Gibbs & The Alchemist

Sault

Napalm Death

Disclosure

Róisín Machine

Color Theory

Miss Anthropocene

Melee

Untitled (Black Is)

Caroline/Music As Usual

Alfredo ALC/Empire

POP/ Sublimando esa suerte

RAP/ Aunque no es el primer

SOUL/Sault aparecieron de la

de cruce entre Avril Lavigne y Liz Phair que insinúan sus canciones, Sophie Allison se nos va haciendo mayor con un disco más maduro que su predecesor, de digestión algo más prolongada pero igual de gratificante. Se nota que los rigores del estudio de grabación empiezan a no tener secretos para ella: los entramados de guitarras y la confección de tapices instrumentales que priman las atmósferas, muchas veces rozando lo evanescente, priman por encima de los estribillos, que ya no buscan la combustión espontánea que lucían en Clean (18).

encuentro entre Freddie Gibbs y The Alchemist, “Alfredo” supone la exitosa culminación de una colaboración que solamente podía dar excelentes resultados. La musculosa voz de Gibbs y su fraseo tan eficaz a máxima velocidad como en números más lánguidos, pese a las colaboraciones de lujo, comparte protagonismo al cien por cien con los fondos sonoros de un The Alchemist que ocupa el lugar de Madlib. Porque mientras Gibbs da toda una master class del mejor rap de siempre, el trabajo de su compañero justifica sobradamente el estatus de productor legendario a base de jazz, soul y otros sonidos de lo más vaporoso. —JOAN S. LUNA

nada el año pasado. Cuando publicaron dos discos, “5” y “7”, sin apenas información, se hablaba de un misterioso colectivo británico capitaneado por Dean Josiah Cover, o lo que es lo mismo el productor Inflo, el hombre detrás de los mandos del maravilloso “Grey Area” de Little Simz y colaborador habitual de Michael Kiwanuka. Menos de un mes después del asesinato de George Floyd, aparecía “Untitled (Black Is)” un disco doble que invitaba a la revolución desde la calma, posicionándose junto a las grandes obras maestras de la música negra en las que sus artistas se preguntaban qué coño está pasando aquí. —SERGIO ARIZA

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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Forever Living Originals

Inner Song

Throes Of Joy In The Jaws Of Defeatism Century Media

METAL/ Tras cuatro décadas de militancia, los británicos siguen pasándole la mano por la cara a varias generaciones de bandas extremas. Se han mantenido siempre al pie del cañón, entregando de forma regular inflamados y beligerantes festines de grindcore, death metal y crust. Su última obra no es una excepción: un nuevo mazazo a los cimientos del orden establecido; un dedo acusador frente a la hipocresía de nuestra sociedad que, hoy más que nunca, encaja como anillo al dedo en los tiempos oscuros que nos ha tocado vivir. Temas-apisonadora que conforman la columna vertebral del disco con apuntes industriales e incluso postpunk. —DAVID SABATÉ

le arremete con su tercera propuesta de larga duración, ocho cartuchos de pura dinamita en los que se mezclan generosas dosis de rock duro clásico con sludge, produciendo un sonido infeccioso y convincente. Los británicos saben sorprendernos en cada nuevo lanzamiento con perspectivas cada vez más raspantes y claustrofóbicas. Podemos aseverar sin miedo a equivocarnos que “Viscerals” es el disco más aplastante e inflexible que han conseguido idear hasta el momento. Un paso más dentro de la marcada actitud experimental de este conjunto de metal.

—FERNANDO O. PAÍNO

ENERGY

Island/Universal ELECTRÓNICA/ Cinco años se-

paran este trabajo de Caracal (2015) un trabajos en el que se alejaban un poco de los clubes; una pista de baile que vuelven a visitar con este nuevo disco a la búsqueda de esa energía que habían perdido. Y desde luego que tiene energía el disco, tanta que ponérselo a primera hora de la mañana equivale a un café bien cargado con ducha incluida, de la que saldrás con más ganas y con unas cuantas melodías en la cabeza que no se te irán en unos días; un trabajo que recupera el nivel de su primera época, conservando ese toque melódico irresistible de su segundo disco y le añade unos ritmos africanos, dándole un punto extra de locura. —RAÚL LINARES diciembre 2020 #31

ELECTRÓNICA

resumen 2020 por estilos

Hasta nunca 2020…. ¡Y gracias! P

ARADOJAS DE LA VIDA. Y, por supuesto, de la historia de la música contemporánea hecha con la ayuda de máquinas. Este maldito 2020 será recordado, además de por lo obvio y viral, por haber resultado ser –contra colapso y pandemia– uno de los mejores años, en tanto en cuanto a la producción de música electrónica se refiere. Y sí, los confinamientos –léase, tener más tiempo para crear y alicatar– habrán tenido que ver con ello, seguro; aunque muchos de los álbumes que ocupan lo más alto de este top-ten ya estaban finiquitados y programados para ver la luz en el momento en el que lo hicieron. El año del covid-19 será sinónimo del chileyorkino Nicolas Jaar, un talento en plenitud que se aupa en lo más alto del escalafón del 2020 –a través de su alias Againt All Logic y ese magnífico e incontestable “2017-2019” en el que se rebela, retuerce (contra lo pop) y muestra su querencia natural hacia una electrónica arisca, distorsionada y, en cualquier caso, magistral. Como también lo será de un Caribou que lo ha vuelto a hacer con ese “Suddenly” tan intimista y amable, como pleno de soleados hits con menos baile. Y pisándoles los talones a ambos nos encontramos con el encantador “Inner Song” de la fina (y ahora sosegada) technócrata Kelly Lee Owens. El tan sofisticado como tristón “Sixteen Oceans” del siempre genial Four Tet y el hipnagógico y mutante “Magic Oneohtrix Point Never” del ilusionista sonoro Oneohtrix Point Never son dos trabajos, en largo formato, que posiblemente en un ciclo algo menos brillante que el que ahora despedimos, podrían haber tocado el cielo. Como ese desprejuiciado, variopinto y revitalizante “Energy” con el que Disclosure se han reconciliado con gran parte de su parroquia más clubber. Y entre el reciente y excelso “Acts Of Rebellion” de Ela Minus –música destellante para respirar entre funerales– y el sesudo, elegante y ultrapulido “All The Time” de Jessy Lanza, nos topamos felizmente con ese “Kick i” de Arca –su disco más pop, emotivo y danzón hasta el momento– y ese oxigenado, poliédrico y aperturista “Sign” de los tan icónicos como veteranos Autechre. Es igualmente de obligada referencia que artistas de la mayúscula talla de Indian Jordan con su sorprendente “For You”; Bibio con su fabuloso “Sleep On The Wing” o Red Axes con su notable disco homónimo, también ya son parte de “Lo mejor del 2020” en el que tampoco podemos dejar de hacer mención a Vladislav Delay, “Rakka”; Daniel Avery, “Love + Light”; Shackleton & Zimpel, “Primal Forms”; Groove Armada, “Edge Of The Horizon”; Nicola Cruz con Pigmaliao; Pet Shop Boys, “Hotspot” y Apparat “Soundtracks: Dämonen”. En fin, hasta nunca 2020… ¡y gracias!—FERNANDO FUENTES

#32 diciembre 2020

TOP10

El primero A. A. L. (Against All Logic) 2017-2019 Other People

NICOLAS JAAR no presenta esta vez cortes bandera ni épicos himnos como pudieran ser That Kind Of Game o Now You Got Me Hooked de su anterior largo bajo este mismo pseudónimo (2012-2017), sin embargo el trabajo sigue una línea más lógica, con bastante más sentido y narrativa que su predecesor. 2017-2019 lo componen nueve cortes que giran inesperadamente hacia lo experimental, con guiños al techno de tinte industrial y ritmos deconstruidos. La distorsión es una constante durante todo el viaje que muestra una identidad propia, aunque más oscura que lo que el fan medio de Jaar pudiera imaginar. Se abre el telón con Fantasy, con un bombo rasgado y acompasado por las dulces vocales de Beyoncé y bofetones de distorsión sistemáticos. Así, sin anestesia y desde el primer corte. Le siguen los elementos industriales de If Loving You Is Wrong o el groove lineal interminable, en una fidelidad más baja y con un sinfín de texturas crudas y retorcidas, de If You Can’t Do It Good, Do It Hard. El cierre va directo a la pista, con percusiones cada vez más caóticas y alternando alma techno y elementos house con una inspiración noiseabunda. Una perfecta vuelta de tuerca a su sonido, olvidando las atmósferas y elementos ambientales y espaciales. —DIEGO FERNÁNDEZ

Against All Logic “2017-2019” Other People

Caribou “Suddenly” City Slang

Kelly Lee Owens “Inner Song” Smalltown Supersound/Popstock!st

Disclosure “Energy” Island/Universal

Four Tet “Sixteen Oceans” Text Records

Oneohtrix Point Never “Magic Oneohtrix Point Never” Warp/[PIAS]

Ela Minus “Acts Of Rebellion” Domino

Arca “KiCk i” XL Recordings/Popstock!

Autechre “Sign” Warp/[PIAS]

Jessy Lanza “All The Time” Hyperdub

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AMERICANA-FOLK

De todas las edades S

I UNO REPASA la excelente añada protagonizada por los discos de raíz americana, se da cuenta que podría haber confeccionado esta lista a base de veteranos como Bob Dylan, Neil Young, Bruce Springsteen, Bill Fay, Steve Earle o Lucinda Williams. Todos ellos han facturado discos excelentes que no hubieran desentonado en la selección que les presentamos. Pero, aunque hemos incluido a unos cuantos artistas que ya tienen una dilatada carrera como Brent Cobb, Sarah Jarosz, Laura Marling o Courtney Marie Andrews, hemos preferido echar mano de músicos que habitualmente no suenan por estas latitudes, un tanto alejadas de los sonidos más genuinamente yanquis. Joyas realizadas este año por The Secret Sisters, Bonny Light Horseman o Margo Price merecen toda la atención que podamos dispensarles. Y en lo más alto de todo nos hemos decidido al final, y tras darle unas cuantas vueltas, por unos American Aquarium que han sintetizado en su “Lamentations” la esencia del sonido americana. De hecho si alguien tiene alguna duda con la etiqueta de marras, solo tiene que adentrase en las excelentes canciones de su disco para entenderla de una vez por todas en su máxima expresión. También nos gustaría destacar lo paridad de género que exhibe nuestra lista, aunque eso es algo que no tiene mucho mérito. Las mujeres llevan décadas protagonizando trabajos excelentes en este tipo de sonoridades. Y ya para finalizar hay que nombrar a los ausentes que se nos han quedado en el tintero, pero que podrían haber sido incluidos en una lista que siempre se nos queda corta. Discos excelentes protagonizados por artistas de la talla de H.C, McEntire, Laura Veirs, Jack Grelle, Kathleen Edwards, Jason Isbell, Bill Callahan Suzanne Vallie o la visón más indie de Fleet Foxes, Phoebe Bridgers o Waxahatchee que ya han sido incluidos en nuestra lista principal. —DON DISTURBIOS mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

TOP10

El primero 1

American Aquarium “Lamentations” New West

The Secret Sisters “Saturn Return” New West

Courtney Marie Andrews “Old Flowers” Fat Possum

Brent Cobb “Keep Em On They Toes” Ol’ Buddy Records/Thirty Tigers

Sarah Jarosz “World On The Ground” Rounder/Concord

Arlo McKinley “Die Midwestern” Oh Boy/Thirty Tigers

Bonny Light Horseman “Bonny Light Horseman” 37d03d Records

Laura Marling “Song For Our Daughter” Partisan/[PIAS]

Black Lips “Sing In A World That’s Falling Apart” Fire Records

Margo Price “That’s How Rumors Get Started” Loma Vista/Concord

American Aquarium Lamentations New West Records

A MEDIDA QUE EL CANTANTE y guitarrista BJ Barham se iba quedando solo cómo único componente original de la banda, la propuesta de American Aquarium se volvía mucho más personal y adquiría ese toque confesional tan propio del buen rock americano. Ahora BJ Barham nos entrega su mejor álbum hasta la fecha, perfectamente basculado y poseedor de ese aroma de autenticidad y clasicismo muy bien entendido y aplicado. El disco tiene su origen en una de esas noches solitarias, en uno de tantos moteles tan propios de las largas giras por el interior del basto territorio americano. Allí, en su habitación, nuestro trovador se encuentra con el libro de las lamentaciones del Antiguo Testamento. A partir de su lectura se inspira para narrar una serie de historias desesperadas con un envoltorio country-rock de ejecución impecable. Una colección de canciones impolutas en el que, la presencia tras los controles y como un miembro más de la banda, de todo un veterano de la escena como Shooter Jennings (si el apellido te suena es porque es hijo del gran Waylon Jennings) se me antoja básica. De hecho el propio BJ Barham afirmaba en una reciente entrevista que el cambio de productor se decidió a última hora y fue vital para lograr que el sonido del álbum alcanzara el nivel que llevaba tiempo deseando lograr. Sonoridad cien por cien americana de esa que entra como un suave bálsamo en el que la slide-guitar embellece todo lo que toca y la voz de BJ Barham alcanza una profundidad inédita, mucho más personal y propia. Diez ‘lamentos’ de una belleza crepuscular que te parten el corazón. —DON DISTURBIOS

diciembre 2020 #33

HARDCORE-PUNK

Pisar el acelerador C

ADA VEZ CUESTA MÁS confeccionar la clásica lista de punk y hardcore, y no me refiero a la calidad de las últimas cosechas. Las etiquetas cada vez se quedan más obsoletas cuando intentas describir la actualidad musical. Y es que muchas bandas trascienden estos dos subgéneros, cuando no los mezclan, transforman o adaptan a su discurso. Y esa es una muy buena noticia, pues las posibilidades son infinitas. Así, la presente lista, elaborada por la facción ‘core’ de la redacción, incluye trabajos tan a priori alejados en el espectro musical como el “Underneath” de los brutos Code Orange y el reivindicativo “No Dream” del simpático Jeff Rosenstock. También puede chocaros ver a los otrora abandorados del pop de guitarras Boston Manor en esta selección, pero se cuelan por méritos propios con su ambicioso “Glue”, un disco con pegada post-hardcore, tintes experimentales y unas letras oscuras que tienen algo de retrato generacional. Pocas sorpresas, eso sí, en la primera posición. Los californianos Touché Amoré lideran la lista con ese canto al amor llamado “Lament”, un quinto trabajo de estudio que funciona perfectamente como la réplica al luto de “Stage Four”. Están consiguiendo agrandar su legión de seguidores sin perder ni un ápice de credibilidad y fuerza. Menos conocidos son unos jóvenes valores que responden al nombre de Dogleg, que este año nos han deleitado con el excitante y frenético “Melee”, un disco muy rápido, muy físico y muy melódico. Medalla de plata para ellos. Vienen pisando muy fuerte y tenían que estar arriba, como Coriky una nueva banda con viejos conocidos en sus filas. La espera mereció la pena: son lo más parecido a la reencarnación de Fugazi –encontramos a dos cuartas partes de la mítica formación de Washington DC: Mckaye y Lally–, pero con un tono similar al dúo The Evens. Ahí están también históricos de la escena dura Hatebreed con “Weight Of The False Self” y Cro-Mags, que han vuelto con “In The Beginning”, dos bandas que pocas veces defraudan a sus seguidores. El punk de libro pero con personalidad propia llega a la lista de bandas jóvenes como Pears, con un homónimo que es lo mejor que ha sacado Fat Wreck Chords en muchos años, una auténtica salvajada con mucha actitud y técnica, y Chubby And The Gang, que con apenas dos años de vida nos han regalado un discazo que bebe de la mejor música punk inglesa de los setenta para escupirla a toda velocidad. Se quedaron fuera por muy poco los nuevos trabajos de Highter Power, Four Year Strong, Drain y Jamie Lenman; y si no véis a Idles y Metz aquí es porque ya juegan en otra liga y podréis leer sus nombres en la lista general. —LUIS BENAVIDES

#34 diciembre 2020

TOP10

El primero 1

Touché Amoré “Lament” Epitaph/[PIAS]

Dogleg “Melee” Triple Crown

Coriky “Coriky” Dischord

Boston Manor “Glue” Pure Noise

Jeff Rosenstock “No Dream” Specialist Subject

Code Orange “Underneath” Roadrunner

Hatebreed “Weight Of The False Self” Nuclear Blast

Pears “Pears” Fat Wreck Chords

Chubby And The Gang “Speed Kills” Partisan/[PIAS]

Cro-Mags “In The Beginning” Arising Empire

Touché Amoré Lament

Epitaph/[PIAS]

QUIZÁS SINTIERAS la punzada de lo imprevisible al escuchar la descarga de agresividad y perfección técnica de “Calculating Infinity” de The Dillinger Escape Plan, o el absoluto control metálico de Converge en cualquiera de sus discos. Quizás has estado al borde de las lágrimas con cualquiera de los estribillos perfectos de “Bleed American” de Jimmy Eat World. Todos estos son discos comparten una característica común, porque albergan mucho más en su interior de lo que una primera escucha podría sugerir. “Lament”, el sexto largo de Touché Amoré es otro de estos, un álbum que va creciendo con cada escucha. Debería estar destinado a convertirse en un clásico dentro de la discografía del grupo californiano y, si me apuran, del post-hardcore de la presente década. En el salto cualitativo que supone este trabajo para los de Jeremy Bolm, ha tenido mucho que ver la labor de Ross Robinson como productor (Slipknot, Sepultura, Limp Bizkit, Korn, Berri Txarrak). Un productor capaz de lograr un sonido agresivo que, sin abandonar lo que hace únicos a cada uno de estos artistas, cale entre un público más amplio. —JUAN P. HOLGUERA

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RAP

Rap Lives Matters A

QUÍ SIEMPRE RECORDAREMOS el 2020 como el año que el covid nos encerró en casa, pero en Estados Unidos también se recordará este 2020 como el año en el que el Black Lives Matter les sacó de casa para protestar. Y este movimiento antirracista, que encuentra su origen en la comunidad afrodescendiente, también ha dejado su huella en el rap. Donde Run The Jewels nos ha regalado uno de los discos más irreverentes y guerreros que nos ha dado el hip hop en los últimos años. El dúo formado por Killer Mike y El-P ha creado un álbum que representa perfectamente lo convulso que ha sido socialmente este 2020, pero que además logra un equilibrio muy hermoso entre los nuevos y los antiguos componentes del rap. Así, la cuarta entrega de RTJ copa un podio en el que están también Spillage Village y Lil Uzi Vert, dos formas distintas de hip hop (que reafirman lo que llevamos años diciendo: el rap vive una segunda era dorada y es gracias a la variedad de sus propuestas). El primero es un colectivo de Atlanta, cuna de históricos del rap, que bebe de las raíces de la música negra más arraigada, mientras que Uzi es una de esas superestrellas del trap que cada vez que saca algo nuevo revienta todos récords de ventas, y su segundo disco no ha sido una excepción. Tras ellos nos encontramos con Freddie Gibbs, quien ha cambiado a Madlib por The Alchemist; con Dadaby, que lleva publicados tres discos en dos años y cada cual mejor; y con Polo G, representante de esa nueva generación que suena fresca y descarada. Todos protagonistas de una lista en la que encontramos representación femenina por parte de Megan Thee Stallion, aunque otras MC’s como Sa-Roc y Kamaiyah podrían ocupar también estos puestos en un género donde la voz masculina aún sigue teniendo demasiada presencia sobre la femenina. Y cerramos el listado con el sonido de Nas y del desaparecido Mac Miller y su póstumo “Circles”, habiendo dejado fuera con mucho dolor a eminencias del rap como Eminem, R.A. The Rugged Man, Atmosphere, Future, y un largo etcétera de cantantes que forman una escena que no para de crecer en cantidad y en calidad. No en vano, ya desde el año pasado el rap es la música más escuchada en Estados Unidos, superando por primera vez en la historia al rock y el pop. Una realidad que responde a dos factores: a la mejoría en cuanto a la calidad musical y a la aceptación real del hip hop como cultura. Porque por fin se toma en serio al rap como música. Ya no hace falta que te pongas una gorra y muevas las manos hacia los lados para disfrutar de una buena canción de rap. —ALFONSO GIL ROYO mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

TOP10

El primero 1

Run The Jewels “4” BMG

Spillage Village “Spillion” Dreamville/Interscope

Lil Uzi Vert “Eternal Atake” Atlantic

Freddie Gibbs & The Alchemist “Alfredo” Empire

Roc Marciano “Mt. Marci” Marci/Art That Kills

Dababy “Blame It On Baby” South Coast/Interscope

Megan Thee Stallion “Good News” 1501/300 Entertainment

Nas “King’s Disease” Mass Appeal/Music As Usual

Polo G “The Goat” Columbia/Sony

Mac Miller “Circles” Warner

Run The Jewels RTJ 4

Jewel Runners/BMG

EL MUNDO ESTÁ infestado de mierda, así que aquí hay algo crudo para escuchar mientras tratáis de lidiar con todo. Esperamos que os traiga algo de alegría. Manteneros a salvo y esperanzados ahí fuera y gracias por darle a dos amigos la oportunidad de ser escuchados y hacer lo que les gusta”. Con este comunicado Michael Render y Jaime Meline, o lo que es lo mismo Killer Mike y El-P, anunciaban la anticipada aparición de su cuarto trabajo juntos como Run The Jewels. Un movimiento que no podía ser más idóneo porque puede que la revolución no vaya a ser televisada, ni digitalizada, pero ya tiene banda sonora: “RTJ 4”. Y es que este disco es un puñetazo en la boca, un sonoro y eufórico “Fuck you!” a todos los Derek Chauvins del mundo y a la gente que los hace posible, confirmando a Run The Jewels como los Public Enemy de esta generación. En un momento en el que la mayoría de las estrellas de rap suelen estar apartadas del juego, en un ataúd o retirados en sus mansiones, Run The Jewels han logrado mantenerse relevantes bien pasados los cuarenta y entregar su obra definitiva. Si MC5 y The Stooges le pusieron la banda sonora al agitado año 68 en Estados Unidos, “RTJ 4” es su sucesor para 2020. —SERGIO ARIZA

diciembre 2020 #35

WORLD MUSIC

(Fuera de) Control global E

n este inusual año la producción y calidad de estas músicas, no se han visto afectadas. Más bien al contrario. Ha sido complicado elegir solo a diez de las numerosas propuestas. Y a diferencia de cualquier otra, esta lista tiene la “ventaja” de poder integrar cualquier estilo, invitándonos a un sugerente viaje por múltiples países y culturas. Empecemos con Lido Pimienta. Cantautora colombiana, residente en Toronto, transgresora, feminista y de ascendencia africana e indígena. Su tercer disco es “una carta de amor cínica” a Colombia y su pueblo. Canta sobre sus profundos problemas sociales y políticos, pero con hermosura, buen gusto y retorciendo los ritmos tradicionales. Junto a ella, Afel Bocoum, legitimo heredero musical del gran Ali Farka Touré. Con Damon Albarn y el mítico Nick Gold en la producción, firma su mejor trabajo. El cuarteto marroquí-francés Bab L’Bluz, liderado por la vocalista y gimbri Yousra Mansour, fusiona gnawa, blues, rock, funk, dub y hasta psicodelia. Sus letras denuncian la corrupción de los funcionarios del gobierno y celebran la naturaleza del amor. Vuelven los explosivos Songhoy Blues, el joven grupo africano sin perder sus raíces tradicionales ancladas en Mali, pero sin olvidar sus gustos rockeros y zeppelianos. Mucho ritmo aportan también la Orquesta Džambo Aguševi, nueva generación de virtuosos músicos de viento de los Balcanes. Desde Macedonia mezclan su tradición gitana con blues del delta o ska. A otro ritmo va la inquieta Natalia Lafourcade. Su expresivo pop-rock se encuentra con el son jarocho de su natal Veracruz. Otra gran voz, poderosa y sensible, la de Damir Imamović, que nos muestra la belleza de la “sevdalinka” (melancolía), género con más de cinco siglos de antigüedad enraizado en Bosnia-Herzegovina. Y para comprobar el auge de los grupos colombianos, Meridian Brothers le dan a la cumbia de vanguardia, combinada con pop juguetón o electrónica de los setenta y mensajes inteligentes para mentes abiertas. Vuelta a África, aunque Tamikrest siguen en el exilio. Empuñan sus guitarras Tuareg llevándolas más allá de las dunas para invitar al trance con un sonido hasta progresivo. Para acabar, Ammar 808. Tras su sorprendente “Maghreb United”, ahora nos lleva al sur de la India para contaminar las voces e instrumentos tradicionales con sus bases electrónicas. Si quieren más, prueben con dumama + kechou, Nihiloxica o Mulatu Astatke. Todos ellos desde África. De Latinoamérica tienen a Ghetto Kumbé o Melingo. De Oriente Medio, Aynur. De Asia Ustad Saami. Y de Europa experimenten con Pedro o Sam Lee. Lo dicho, un mundo para descubrir y disfrutar. —MIGUEL AMORÓS #36 diciembre 2020

TOP10

El primero Lido Pimienta

Lido Pimienta “Miss Colombia” ANTI

Afel Bocoum “Lindé” World Circuit/BMG

Bab L’Bluz “Nayda!” Real World

Songhoy Blues “Optimisme” Transgressive

Džambo Aguševi Orchestra “Brasses For The Masses” Asphalt Tango Records

Natalia Lafourcade “Un canto Por México Vol. 1” Sony Music

Damir Imamović “Singer Of Tales” Wrasse Records

Meridian Brothers “Cumbia siglo XXI” Bongo Joe

Tamikrest “Tamotaït” Glitterbeat Records

Ammar 808 “Global Control / Invisible Invasion” Glitterbeat Records

Miss Colombia Anti

HAY DISCOS QUE PUEDEN llevar al oyente a equívocos graves si este es lo suficientemente perezoso como para no indagar nada en la era de la sobre información. Hay discos como “Miss Colombia” que merecen ser explicados. Y es que escuchado de forma virginal uno se lo imagina perpetrado en el estudio de grabación de una gran urbe del país latinoamericano, Bogotá por ejemplo, en el que se ha buscado de forma artificial el choque entre la tradición indígena de comunidades como los wayúu con una elegante poso electrónico. Nada más lejos de la realidad. Porque “Miss Colombia” está parido, y no por casualidad, en la fría Canadá. Ese es el país de acogida al que llegó Lido María Pimienta Paz junto a su familia a la tierna edad de once años. Y eso explica porque el disco, pese a tener un componente tribal evidente, tiene una dimensión contemporánea y moderna que le dan ese toque de rara sofisticación que ha provocado su encumbramiento por parte de la crítica anglosajona. Es ahora cuando su eco llega a Colombia en un raro viaje de ida y vuelta que es esa seña de identidad que lo distingue. —DON DISTURBIOS

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METAL

Negro oscuro, casi cósmico P

UEDE QUE LA DURA realidad del momento haya condicionado nuestro juicio, pero lo cierto es que la lista de mejores discos de metal de este año nos ha quedado jodidamente oscura. Encabezan la clasificación los imbatibles Napalm Death, quienes, tras cuatro décadas de militancia, entregan un nuevo festín de grindcore con trazas industriales y post-punk. Entre sus múltiples admiradores probablemente se encuentran los segundos del ránking, los norteamericanos Black Curse y su crudo debut de black/death negro como el carbón. Desde el otro lado del Atlántico nos llega también el segundo largo de Eternal Champion, máximos exponentes del mejor heavy metal épico del momento, además de portadores del único resquicio de luz de esta lista. Más allá del podio, destacan los finlandeses Havukruunu y su black metal pagano; los doomsters británicos Paradise Lost y su disco más ecléctico en años; la sorprendente colaboración entre la cantautora Emma Ruth Rundle y el sludge de Thou; el black/ thrash de los debutantes Eurynomos; el black psicodélico de Oranssi Pazuzu; y dos regresos: el de Mr. Bungle, que acaban de regrabar su primera maqueta con la ayuda de Scott Ian y Dave Lombardo; y el de Benediction junto a su cantante original Dave Ingram. Quedan por muy poco fuera de este top los últimos lanzamientos de Witch Hazel y Uada. En cuanto a estilos, ganan la partida el black metal (Okkultokrati, Afsky, Enslaved, Akhyls), el black/death (Midnight, Lucifuge) y el doom (Celestial Season, Pallbearer, My Dying Bride). También hallamos títulos notables en el terreno del thrash (Sodom, Testament), el death (Necrophobic, Sweven, Lik) y el metal alternativo (Deftones, Kvelertak, Code Orange, Killer Be Killed), sin olvidar lo último de clásicos como Ozzy Osbourne, AC/DC o Cirith Ungol. Mención aparte para la canción “Point The Finger” de Body Count junto al difunto Riley Gale de Power Trip, uno de los mejores temas de un año marcado por la pérdida. —DAVID SABATÉ / EDU TUSET

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TOP10

El primero Napalm Death

Throes Of Joy In The Jaws Of Defeatism Century Media

TRAS CUATRO DÉCADAS de militancia, los británicos Napalm Death siguen pasándole la mano por la cara a varias generaciones de bandas extremas. Los de Birmingham se han mantenido siempre al pie del cañón, entregando de forma regular inflamados y beligerantes festines de grindcore, death metal y crust. Su última obra no es una excepción: un nuevo mazazo a los cimientos del orden establecido; un dedo acusador frente a la hipocresía de nuestra sociedad que, hoy más que nunca, encaja como anillo al dedo en los tiempos oscuros que nos ha tocado vivir. Buena prueba de ello son los temas-apisonadora que conforman la columna vertebral del disco, de “Fuck The Factoid” y “That Curse Of Being In Thrall” a “Acting In Gouged Faith”. Aunque el álbum también contiene matices, pequeños soplos de aire en los que atrincherarse entre tanto fuego cruzado. Aquí asoman apuntes industriales (“Joie De Ne Pas Vivre”, “A Bellyful Of Salt And Spleen”) e incluso post-punk (“Amoral”). Nada nuevo, por otra parte, si recordamos precedentes como “Diatribes” y su “The Greed Killing”, carne de programas generalistas de videoclips a mediados de los noventa. Lejos de meras concesiones, el oxígeno necesario para que la artillería de Napalm Death siga bien cargada.

—DAVID SABATÉ

Napalm Death “Throes Of Joy In The Jaws...” Century Media

Black Curse “Endless Wound” Sepulchral Voice

Eternal Champion “Ravening Iron” No Remorse 3

Havukrunuu “Uinuos Syömein Sota” Naturmacht Productions

Paradise Lost “Obsidian” Nuclear Blast

Emma Ruth Rundle & Thou “May Our Chambers Be Full” Sacred Bones

Eurynomos “From The Valleys Of Hades” Iron Pegasus

Oranssi Pazuzu “Mestarin Kynsi” Nuclear Blast

Mr. Bungle “The Raging Wrath Of The Easter...” Ipecac

Benediction “Scriptures” Nuclear Blast

diciembre 2020 #37

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Si hay una palabra que preside la distendida charla que mantenemos con Javier Ibarra (Zaragoza, 1980) en la terraza de un bar de su ciudad natal es respeto. El rapero mañico se lo ha ganado con creces durante una carrera en la que no ha dado ni un paso en falso. Siempre consciente de dónde viene, pero valiente a la hora de arriesgar.

A Lourdes Hernández (Madrid, 1985) le recuerdas que su aparición en la escena como Russian Red en 2008 fue descrita en Mondo Sonoro como “un advenimiento” y se ríe. Echando la vista atrás, reconoce que formó parte de una promoción fresca de bandas y artistas que dieron un vuelco a lo que hoy seguimos denominando “indie español”.

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LOS MEJORES CÓMICS internacionales 2020

Así fue y será U

n barcelonés dibujando el mejor cómic internacional del año? Pues sí. Es bien probable que haya sido la primera vez en la historia de nuestra publicación y esperemos que no sea la última. Pero es que Monteys dibuja como nunca, crea unas páginas maravillosas y el norteamericano Ryan North le echa un pulso creativo con el que salen ganando ambos. Ojalá todas las adaptaciones de grandes hitos literarios fuesen como esta. Por detrás en la lista quedan otros nueve cómics que no dejamos de recomendar y, fuera de ella, una temporada fantástica gracias a títulos como “Cassandra Darke” (Posy Simmonds), “Los sentimientos de Miyoko en Asagaya” (Sin’ichi Abe), “La saga de Grimr” (Jéremie Moreau), “¿Me estás escuchando?” (Tillie Walden), “El buen padre” (Nadia Hafid), “Moonshadow” (DeMatteis y Muth), “Isolada” (Keyler Roberts), “Sunny Sunny Ann!” (Miki Yamamoto), “Space Riders” (Rangel & Ziritt) o “Un mundo maravilloso” (Inio Asano). Y eso por no hablar de reediciones como el integral de “La Mazmorra” de Sfar y Trondheim, o nuevos episodios de obras como “La esperanza pese a todo” de Émile Bravo. Gran cosecha la de este infame año. —JOAN S. LUNA

La soledad del dibujante

Un tributo a la tierra

Adrian Tomine

Joe Sacco

Sapristi

Reservoir

Un cómic casi tan bueno como todos los anteriores de Tomine y, además, es el más divertido que haya firmado. Todo ello gracias a echarle un repaso a entrevistas de trabajo, visitas médicas, reuniones de amigos, ninguneos en ferias del cómic, firmas de álbumes francamente embarazosas, primeros escarceos con su futura esposa, la paternidad, etcétera. —J.S.L.

El origen de esta nueva crónica de Sacco es un proyecto acerca del cambio climático. Uno de los lugares que visitó para documentarse fue el norte de Canadá. Allí descubrió las zonas indígenas con los últimos supervivientes de los pueblos nativos. Una obra tan acongojante como necesaria.

Ryan North y Albert Monteys

El chico de los ojos de gato

Devastación

Astiberri

Kazuo Umezz

Julia Gfrorer

Satori

Alpha Cómic

Una de las obras clásicas de Umezz ideales para que públicos de distintas edades puedan acercarse a su trabajo. El terror, la fantasía y la acción se entremezclan a base de sangre, brutalidad, monstruos, seres fantasmagóricos, espíritus sobrenaturales y yokais. Todavía estamos a tiempo de brindarle el respeto que su obra merece. —J.S.L.

Un cómic breve, pero inquietante y crudo como la historia que narra. La estadounidense llega a nuestro país con una obra tremenda que, tomando como eje a su protagonista femenina, nos golpea página tras página, rememorando unos tiempos en los que la vida era complicada y requería la máxima fuerza de voluntad y espíritu de supervivencia. —J.S.L.

1 Matadero Cinco

Hace falta estar muy seguro de uno mismo para enfrentarse a una obra maestra como ésta. Y hace falta mucho talento para hacerlo desde una perspectiva propia y crear algo tan fantástico como lo que consiguen el estadounidense Ryan North y el barcelonés Albert Monteys en esta adaptación de la novela de Kurt Vonnegut. —JOAN S. LUNA

—JOSÉ MARTÍNEZ ROS

El difícil mañana

Preferencias del sistema

Llamarada

Ugo Bienvenu

Jorge González

Bowie. Polvo de estrellas, pistolas de rayos y fantasías de la era espacial

El humano

Eleanor Davis Astiberri

Ponent Mon

ECC

El salto de lo alternativo a la primera división está aquí y no pueden dejarlo escapar. “El difícil mañana” habla de la militancia, de la necesidad de aferrarte a tus creencias, del miedo a un estado totalitario, de la violencia inherente al poder, del ansia de libertad en un planeta enrocado, de la amistad, del amor y del mañana. —OCTAVIO BOTANA

A medio camino entre “Fahrenheit 451” de Bradbury, “1984” de Orwell y otros, “Preferencias del sistema” provoca que queramos alinearnos entre los rebeldes frente al sistema, que queramos salirnos del camino que se nos ha obligado a seguir. Aunque son muchos los momentos tristes, termina con una gran ventana abierta al futuro.—J.S.L.

Una extensa novela gráfica que recoge cuatro generaciones del porteño con residencia en España Jorge González, desde su abuelo, jugador del Racing de Avellaneda, hasta su hijo, quien ha heredado el color rojo de su bisabuelo, entre diversos estilos pictóricos, desde las acuarelas más realistas hasta la experimentación minimalista. —MANU GONZÁLEZ

#40 diciembre 2020

Michael Allred, Steve Horton y Laura Allred Norma Esta obra no es una biografía, sino una hagiografía exquisita, una oda gráfica a los primeros años de la carrera del Duque Blanco. Se entra devoto del glam rock británico de los setenta y se canta y se baila durante su lectura. Aquí no hay medias tintas. Esto es una carta de amor al gran David Bowie. —MANU GONZÁLEZ

Diego Agrimbau y Lucas Varela La Cúpula Existen diversos tipos de cienciaficción, pero si hay uno que realmente merezca toda la atención es aquella que nos lleva a reflexionar sobre la condición humana desde lo más profundo. Y este es uno de los recientes cómics de ciencia-ficción qué más preguntas nos despierta y que, al mismo tiempo, mejor nos lo hace pasar. —J.S.L.

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LAS MEJORES PELÍCULAS internacionales 2020

El cine en nuestro comedor 1 E

sta ha sido el año del parón y de todo lo contrario, la aceleración del cambio. En nuestro listado de lo mejor todavía resiste el estreno en salas pero aparecen otros de plataformas en todas las fases del año: la nerviosa “Diamantes en bruto” de antes de la pandemia; la personal mirada de David Fincher sobre el cine clásico que sí estaba prevista para Netflix durante la crisis, igual que el rompecabezas de Charlie Kaufman, pero también “El juicio de los 7 de Chicago”, rescatada online a causa de la Covid. Sin embargo el esplendor de la sala grande corona el listado con la descomunal “1917”, sin olvidar el controvertido “Tenet”, con el que Nolan quería salvar la exhibición convencional. Por otra parte, a las obras de los independientes Safdie y Kaufman se le ha de sumar la opresiva “El faro” de Robert Eggers. Y entre todos ellos, el gran clásico Clint Eastwood y su lección de cine. Redondean la selección las dos únicas cintas no americanas, la polaca “Corpus Christi” y la colombiana “Monos”. —JORDI PICATOSTE VERDEJO

1917 Sam Mendes Como prueba final de su incontestable dominio del lenguaje cinematográfico, Sam Mendes, cuyos orígenes profesionales están en el teatro, ofrece una experiencia inmersiva en los campos de batalla de la I Guerra Mundial mediante un falso pero apabullante plano secuencia, la ayuda de la música de Thomas Newman y la subyugante fotografía de Roger Deakins. —J. PICATOSTE VERDEJO

Diamantes en bruto

Estoy pensando en dejarlo

Benny y Josh Safdie

Charlie Kaufman

Diamantes en bruto se emparenta con Joker y El irlandés, tanto en su propuesta de hacer un cine de entretenimiento adulto como en su reflexión acerca de los límites de la violencia estructural y familiar. Los Safdie convierten su filme en un Malas calles judío (soberbia la escena de la cena pesach) y, tal vez por eso, no hay espacio para la redención.

—RUBÉN ROMERO SANTOS

Charlie Kaufman, uno de los guionistas con mejor reputación del cine norteamericano vuelve a ponerse detrás de las cámaras para volver a jugar con la mente del espectador. Una película inquietante e insondable en la que el dolor, las relaciones, el vacío y el paso del tiempo se presentan hechas una amalgama de sensaciones e imágenes inquietantes. —LUIS M. MAÍNEZ

Richard Jewell

Mank

Clint Eastwood

David Fincher

A aquellos que pensábamos que Clint Eastwood estaba en horas bajas, nos da un manotazo que nos deja sin habla a sus 89 años con su mejor película desde “Million Dollar Baby”. Con su tranquilo y sabio estilo saca a relucir las vergüenzas de su país mediante otra historia de héroe anónimo, excelente Paul Walter Hauser.

—J. PICATOSTE VERDEJO

Fincher es uno de los ¿dos, tres? mejores narradores del panorama cinematográfico actual y en “Mank” vuelve a demostrarlo con creces. Esta vez en blanco y negro y generando brillantemente una atmósfera densa como de nube de ebriedad constante. Una película con vida que nos traslada al proceso de creación de un guion que hizo historia. —LUIS M. MAÍNEZ

El faro

Tenet

Corpus Christi

Christopher Nolan

Jan Komasa

El juicio de los siete de Chicago Aaron Sorkin

Monos

Robert Eggers Enfoque minimalista, pantalla cuadrada, una fotografía en blanco y negro tremendamente evocativa y dos personajes atrapados en un escenario casi infernal en el siglo XIX. Con una fluidez y un poderío narrativo envidiables, Eggers construye una de las más abrumadoras pesadillas del cine contemporáneo.

A diferencia de lo que sucedía en Interstellar y Dunkirk el juego temporal que desarrolla Nolan en Tenet no es solo un mero desarrollo conceptual, sino que propone al espectador una experiencia visual alucinante y coherente que acompaña a la densa e interesante historia que propone el director y guionista londinense.

El polaco Jan Komasa utiliza la premisa del falso sacerdocio para llevarla por el camino del drama y cuestionarse temas más graves como la honestidad en la fe cristiana, el sentido de justicia y el beneficio de la mentira. “Corpus Christi” examina con precisión y osadía la validez de una sociedad (y también de una justicia) que no cree en lo que predica.

Habrá críticas que dirán que el humor le da excesiva ligereza a un tema realmente serio. Pero esa levedad es más bien una virtud, porque la hace mucho más accesible mientras la temática política no deja de ser tratada con eficacia y respeto. Lo que consigue Sorkin aquí es hacer llegar un mensaje relevante a través del puro entretenimiento.

—JORDI PICATOSTE VERDEJO

—JAN ROMANÍ

El título se refiere a la raíz griega de mono: la unidad, la soledad de los adolescentes protagonistas, reflejo de una generación sin futuro. Con una puesta en escena exquisita que recordará a “Apocalypse Now”, no propone moraleja ni pone paños calientes. No es una película fácil y remueve cosas dentro del espectador. Una experiencia audiovisual de primera categoría.—JUAN P. HOLGUERA

—JOSÉ MARTÍNEZ ROS

—LUIS M. MAÍNEZ

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Alejandro Landes

diciembre 2020 #41

LOS MEJORES libros internacionales 2020 musicales

Combatiendo la pandemia T

odavía no tenemos en nuestras manos la solución a la pandemia que ha convertido nuestras vidas en un sinsentido, pero qué duda cabe de que los libros –musicales en este caso– nos han hecho estos meses muchísimo más llevaderos. Suze Rotolo nos cuenta su experiencia al lado de Bob Dylan; Jon Savage recoge entrevista a decenas de personas; Vivien Goldman analiza el peso de la mujer en el nacimiento y la evolución del punk rock; Nikki Sixx deja a la vista sus momentos más bajos y sus adicciones, etcétera. Pero ha habido mucho más. Desde la grandiosa compilación de letras de Nick Cave hasta el completo análisis de Ted Gioia, “La música. Una historia subversiva”, pasando por “Difíciles de manejar. Vida y muerte de The Black Crowes” firmado por el propio Scott Gorman; la autobiografía grupal de The Clash, un “Smash!” que se centra en el boom del punk rock durante los noventa; “El año del mono” de Patti Smith; “Asuntos de vital interés. Una amistad de cuarenta años con Leonard Cohen” de Eric Lerner o “El nacimiento del ruido” de Ian S. Port. —JOAN S. LUNA

1 A Freewheelin’ Time. En el camino con Bob Dylan Suze Rotolo Barlin Por primera vez en castellano, uno de esos libros que los seguidores de Bob Dylan esperaban como maná. El escrito por Suze Rotolo, la mujer que permaneció junto al cantante casi 4 años, entre 1961 y 1964, y que nos narra de primera mano cómo era el mito entonces, dando una visión nunca vista del Greenwich Village.

—EDUARDO IZQUIERDO

Una luz abrasadora, el sol y todo lo demás

La venganza de las punks.

Jon Savage

Una historia feminista de la música Vivien Goldman

Reservoir Books

Contra

Jon Savage fue el guionista del magnífico documental sobre Joy Division. A lo largo de años ha entrevistado a los miembros vivos del grupo y a figuras importantísimas de su órbita. Optando por el formato de historia oral, reconstruye el intenso puzzle que fue su corta trayectoria.

—ORIOL RODRÍGUEZ

Lo clamaba Kim Gordon en una de sus camisetas más icónicas, el punk lo inventaron las mujeres y no Inglaterra. Un libro fundamental en el que Vivien Goldman, una de las primeras firmas de mujer en el mundo de la prensa musical, realiza un recorrido en clave feminista por la historia del género. —ORIOL RODRÍGUEZ

Los diarios de la heroína.

Aretha Franklin. Apología y

Un año en la vida de una estrella de rock rota Nikki Sixx Es Pop

martirologio de la reina el soul David Ritz

Combinando textos, ilustraciones, fotografías, la obra se construye en torno a dos grandes pilares: Los diarios en los que el líder de Mötley Crüe relata el día a día de un yonqui y una red de declaraciones de allegados con las que se conforma un retrato minucioso de su personalidad. —JUAN P. HOLGUERA

Ritz no oculta que también es un admirador de Aretha, pero, manteniendo siempre un tono respetuoso, ahora tiene la oportunidad de explorar sus debilidades y su lado más oscuro, junto a sus momentos de triunfo. Escrito con un notable pulso, en la mejor tradición del periodismo norteamericano.—J. MARTÍNEZ ROS

Libros del Kultrum

Historias de Terror

Satán es real. La balada de los Louvin Brothers Charlie Louvin Es Pop

Vida y muerte de Jimi Hendrix

Música de cámara. Sobre el

K-Punk. Volumen 2. Escritos

Mick Wall

Wu-Tang Clan (en 36 cámaras) Will Ashon

reunidos e inéditos (Música y política) Mark Fisher

Alianza Editorial

Temas de Hoy/Libros del Kuldrum

Caja Negra

Aprovechando su experiencia trabajando para Black Sabbath, Thin Lizzy, The Damned o Dire Straits, Mick Wall conoció el mundo del show business desde dentro para acabar escribiendo sobre Led Zeppelin, Ozzy Osbourne, Motörhead, Metallica o Guns n’ Roses. Ahora vuelve con este adictivo tomo. —EDUARDO IZQUIERDO

Treinta y seis mini ensayos para intentar abarcar lo contenido en el clásico “Enter The Wu-Tang (36 Chambers)”, el debut del colectivo neoyorquino de hip-hop. Hay rap, historiografía, sociología del desarraigo, jazz, marginación del primer mundo... Tan sesudo y erudito como divertido. —JUAN P. HOLGUERA

Aunque apenas la mitad de esta segunda compilación de textos de Fisher se centra en la música, los textos sobre Sleaford Mods, The Fall, el rock gótico, el art pop, Test Dept o su charla con Simon Reynolds justifican sobradamente la atenta lectura de estas quinientas y pico páginas.

Liz Phair Contra Esta es una autobiografía inusual, intuitiva y descarnada, tan sorprendente como algunas de las vivencias de su autora. Siempre a medio camino de lo convencional y de lo heterodoxo, fluctuando entre lo indie y lo mainstream, presa de una desubicación que, a la larga, acabó por explicar su singularidad.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA #42 diciembre 2020

En 1959, Charles e Ira Louvin publicaron el disco que da título a este libro, un clásico del country. Pero tanto da que les interesasen previamente porque este libro es un entretenidísimo viaje por la cara oculta de los Estados Unidos rurales a base de infidelidades, alcohol y un pulso constante entre las raíces y la necesidad de cumplir un sueño. —JOAN S. LUNA

—MARCOS ARENAS

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Fueron los mejores... 1994

1. “Crooked Rain, Crooked Rain” Pavement 2. “Sleep With Angels” Neil Young 3. “Experimental Jet Set, Trash and No Star” Sonic Youth

1995

1. “To Bring You My Love” P.j. Harvey 2. “Post” Björk 3. “Maxinquaye” Tricky

1996

1. “Roots” Sepultura 2. “Pre- Millenium Tension” Tricky 3. “No Code” Pearl Jam

1997

1. “Ok Computer” Radiohead 2. “The Fat Of The Land” Prodigy 3. “Portishead” Portishead

1998

1. “Mezzanine” Massive Attack 2. “Acme” Jon Spencer Blues Explosion 3. “Rafi’s Revenge” Asian Dub Foundation

1999

1. “Mule Variations” Tom Waits 2. “The Fragile” Nine Inch Nails 3. “Midnite Vultures” Beck

2000

1. “Relationship…” At The Drive-In / “The Rising Tide” Sunny Day Real Estate 2. “Ágaetis Byrjun” Sigu Rós 3. “Xtrmntr” Primal Scream

#44 diciembre 2020

2001

1. “Bleed American” Jimmy Eat World 2. “Rock Action” Mogwai 3. “Amnesiac” Radiohead

2002

1. “Yankee Hotel Foxtrot” Wilco 2. “Yoshimi Battles the Pink Robots” Flaming Lips 3. “Finally We Are No One” Múm

2003

1. “Transatlanticism” Death Cab For Cutie 2. “De-Loused In The Comatorium” The Mars Volta 3. “Elephant” The White Stripes

2004

2008

1. “Med Sud I Eyrum Vid Spilum End” Sigur Rós 2. “Third” Portishead 3. “Dear Siencie” TV On The Radio

2009

1. “Merriweather Post Pavilion” Animal Collective 2. “Wolfgang Amadeus ” Phoenix 3. “The Pains Of Being Pure At Heart” The Pains Of Being Pure At Heart

2010

1. “Teen Dream” Beach House 2. “The Drums” The Drums 3. “This Is Happening” LCD Soundsystem

1. “Franz Ferdinand” Franz Ferdinand 2. “A Ghost Is Born” Wilco 3. “Louden Up Now” !!! (Chk, Chk, Chk)

2011

2005

2012

1. “Funeral” Arcade Fire 2. “You Could Have It So Much Better” Franz Ferdinand 3. “LCD Soundsystem” LCD Soundsystem

2006

1. “Return To...” TV On The Radio 2. “Post-War” M. Ward 3. “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not” Arctic Monkeys

2007

1. “Neon Bible” Arcade Fire 2. “Kala” M.I.A. 3. “Myths Of The Near. Future” Klaxons

1. “Let England Shake” PJ Harvey 2. “Bon Iver” Bon Iver 3. “Father, Son, Holy Ghost” Girls 1. “An Awesome Wave” Alt-J 2. “The Seer” Swans 3. “Kill For Love” Chromatics

2013

1. “Overgrown” James Blake 2. “A.M.” Arctic Monkeys 3. “Yeezus” Kanye West

2014

1. “Lost in the Dream” The War On Drugs 2. “Singles” Future Islands 3. “Everyday Robots” Damon Albarn

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com

2015

1. “Carrie & Lowell” Sufjan Stevens 2. “To Pimp A Butterfly” Kendrick Lamar 3. “Every Open Eye” Chvrches

2016

1. “Skeleton Tree” Nick Cave & The Bad Seeds 2. “★“ David Bowie 3. “Let Them Eat Chaos” Kate Tempest

2017

1. “DAMN.” Kendrick Lamar 2. “Sleep Well Beast” The National 3. “Arca” Arca

2018

1. “Joy As An Act Of Resistance” Idles 2. “All Melody” Nils Frahm 3. “Vibras” J Balvin

2019

1. “Magdalene” FKA Twigs 2. “Ghosteen” Nick Cave & The Bad Seeds 3. “Igor” Tyler The Creator

PUBLICIDAD Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com Edición Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com Edición Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com) Edición Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Edición Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Edición Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Edición Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 COLABORADORES Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

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