MondoSonoro febrero 2020 by MONDO SONORO

El Columpio Asesino Viaje al fin de la noche

FOTO: GUSTAFF CHOOS

Nº 280 Febrero 2020 www.mondosonoro.com

MARÍA JOSÉ LLERGO, GREEN DAY, FOYONE, FUEL FANDANGO, GREG DULLI, LAS BAJAS PASIONES, ARCO TOUNDRA, RODRIGO CUEVAS, CAMELLOS, NADA SURF, ELYELLA, DIGITALISM, MILKY CHANCE

5/Mondo freako

La cantautora consagra su universo, el apego a la tierra y la autoexploración en la juventud, con un doce pulgadas producido por Lost Twin, Sanación (Sony, 20). Siete temas editados en vinilo en los que el flamenco con calidades electrónicas funciona como mantra curador en tiempos de fast food.

FOTO: PALOMA WOOL

María José Llergo Cante sanador

on pocos los que viven –y sufren– la hipertimesia, una rara condición que permite recordar hasta la última minucia de la biografía propia. La mayoría nos conformarnos con almacenar imágenes, ideas y algún olor de nuestra historia de vida. Y con esas mínimas partículas construímos un relato. Por tanto, los detalles son parte indispensable de la identidad: la práctica totalidad de stories serán olvidados mañana y los selfies se perderán en la enésima actualización de iOS. Pero los objetos de infancia, las riñas de nuestros padres o el sabor de los bocadillos de Nutella, perdurarán en la memoria. Los profanos nos contentamos con avivar dichos detalles en nuestras tertulias con amigos; artistas como María José Llergo (Pozoblanco, 1994) pueden dejarlos marcados de por vida en los surcos de un vinilo. Sanación, un EP de siete temas con poso de disco largo, es una colección de las señas que han acompañado este tiempo a la cordobesa. La azada que se clava en la tierra, el estallido de los nudillos contra una antigua puerta de chapa en Pozoblanco, la voz de su abuelo –de quien aprendió a cantar– al recibirla en casa. Sonidos que parecen azarosos en el inicio de De qué me sirve llorar, pero que explican todo lo que la cantautora ha demostrado en estos dos años de carrera: apego a las raíces y compromisos varios. Una forma de resiliencia en medio de multitud de debates de la contemporaneidad. “La primera letra dice: ‘Mientras araba mi tierra, alzaron cuatro columnas, cuando tú aras la tuya, no se alza más que una’. Las cuatro columnas son las que se alzaron en mí mientras mi abuelo labraba. Lo que pienso, lo que canto, lo que siento y lo que hago”, justifica María José Llergo por teléfono desde Madrid, donde estableció su residencia el año pasado. Entre el paisaje sonoro costumbrista del principio del EP también se percibe un sonoro “om”, uno de los mantras sagrados de las religiones dhármicas. En su caso agudo y dulce, apoyado en un compás incipiente. Sanación es un debut de flamenco con calidades electrónicas, pero sobre todo es un gran mantra curador en tiempos de fast food.

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febrero 2020 #5

MONDO FREAKO

LA MÍA Algo se muere en el alma...

“Tenía la necesidad de sanarme y por eso compuse los temas”

Las canciones parten de turbulencias personales pero caminan hacia preocupaciones más universales. Los enunciados, cortos pero contundentes, reflexionan sobre la gestión del dolor y la limpieza del yo y, por ende, del mundo que los provoca. “Tenía la necesidad de sanarme y por eso compuse los temas. Me di cuenta de que tenía demasiado dolor dentro y me hacía peor persona no sacarlo de una forma bella”, explica. Estamos ante un álbum de conceptos (orígen, identidad, equilibrio, mística y arte), donde María José Llergo no rehuye posicionamientos políticos: Nana del mediterráneo, sobre el drama migratorio, o la reivindicación de clase de la tonada tradicional flamenca Soy como el oro. “Soy como el oro me recuerda mucho a la actitud que tiene la gente del campo... De saber que la jerarquía de los humanos es una construcción banal, que un amanecer y un atardecer son superiores a eso”, dice Llergo, alimentando las palabras con pausa y precisión. En lo musical, el disco transmite sensación de suspensión, de habitación amplia y enmoquetada, gracias a unas bases de electrónica fina a cargo del sevillano Lost Twin y la masterización del reputado Max Miglin. El proceso ha sido respetuoso con la voz, que manda sobre el conjunto. “Es un disco contextual, por lo que la música tiene que sonar en su contexto, el de sanar. Para eso la utilicé yo. Hay un curro de sonido y de texturas detrás de eso. Hay un trabajo magistral de producción de Lost Twin para conseguir esa atmósfera, esa burbuja para pensar en lo que molesta o duele. En el tiempo para uno”. Las canciones de Sanación son en su mayoría temas que ya había ido lanzando y quehabían sido probados antes en directo, de donde no se bajó prácticamente el pasado año. Sin material físico en las estanterías, ya había actuado en el festival Primavera Sound, en la Mercè Música y también en las fiestas demoscópicas de esta publicación. En momentos en que la vida pasa a golpe de like, la joven elige componer a escala humana, dotando de significado a todo lo que edita e #6 febrero 2020

EL APUNTE

Meditación Cuentan que la sensación de conexión que procura la respiración en la meditación es parecida a la de cantar sobre un escenario. Y que la reparación personal de una y otra cosa también va a la par. María José Llergo sabe a ciencia cierta que así es. Desde hace un par de años, los mismos desde su estreno artístico, la meditación forma parte de su rutina nocturna y ha sido un elemento salvador, sin el cual Sanación no existiría. “Cuando cantas tranquilo y no piensas en nada, cuando dejas que la música fluya a través de ti, es como meditar; como cantar con el tercer ojo”, comenta. La cordobesa descubrió la meditación en una clase de formación corporal en ESMUC, la escuela en Barcelona en la que estudió música gracias a una beca, y se empapó a posteriori de todos los mantras posibles en Youtube, hasta entender que flamenco y meditación casaban a las mil maravillas. “Para mí el flamenco es un mantra. Todo lo que se repite y tiene una intención detrás lo puede ser. Me miras pero no me ves, con ese compás por seguiriyas... Entro en trance”. —y. s. i.

intentando vivir un camino “propio y libre” dentro de la industria musical. Dicen que lleva toda una vida conocerse a uno mismo. El tiempo aproximado que hace falta también para pasar esa vida a obra artística. Maria José Llergo quiere tener ese tiempo para sí, para luego compartirlo en forma de canciones. “Los temas llevan un proceso muy largo. Como decía un pianista muy famoso, una obra nunca se acaba, se abandona”. —yeray s. iborra |

FOTO: PALOMA WOOL

l pasado lunes 20 de enero de 2020 fallecía, a los 59 años de edad y víctima de un cáncer, un grande de la escena mestiza barcelonesa como fue, es y será el percusionista Xavi Turull. Triste no, muy triste. Un ‘blue monday’ que quedará grabado a fuego en la memoria de los muchos que, no solo admirábamos la destreza de Xavi dándole a los parches, sino que recordaremos su entrañable franqueza, su sonrisa cósmica, su entereza. Quiso el destino que la última entrevista que realizó Xavi Turull en vida la hiciera con un servidor y para este medio. Quiso el destino que la última entrevista reuniera en el barrio del Carmel de Barcelona a los tres magos que nos conquistaron con su arte durante el cambio de siglo. Una distendida charla entre los tres motores de Ojos de Brujo: Marina (cantante), Ramón Giménez (guitarra) y Xavi, con motivo de un libro de fotos y entrevistas que estamos preparando y que ya sabemos a quién dedicar. Y lo cierto es que hubo mucha complicidad durante el encuentro de esa tarde en la que ¡por fin! pudieron hablar de todo, incluso de la posibilidad de volver a reflotar la nave bruja en el futuro. Un anhelo que más tarde quedaría frustrado, pero que planeó como algo más que posible en el ambiente. Sin embargo, lo más importante, lo que me quedará grabado a fuego para siempre, fue ser testigo de primera mano de como algunas heridas abiertas, por y tras la separación del grupo, podían cicatrizarse. Solo había que ver con qué pasión rememoraban sus inicios, la complicidad que había logrado con su música o cómo habían creado esa fusión imposible que luego determinó lo que se dio a conocer como el ‘sonido Barcelona”. El mismo sonido que ha marcado la senda de otros artistas que han llegado después como la mismísima Rosalía. No olvidemos que, la hoy estrella internacional, formó parte de Kejaleo, proyecto tejido en 2011 por el propio Xavi Turull junto a Diego Cortés, Cristo Fontecilla y el también fallecido Roger Blàvia. Pero más allá de los méritos profesionales de Xavi, que son muchos, más allá de su sabia aportación a la música de primeras espadas como Ketama, Rosario Flores o Estopa, más allá de todo eso nos queda, y por encima de todo, la persona. Ahí es donde Xavi Turull era imbatible. La misma pasión con la que golpeaba cualquier cosa que se le ponía a tiro, la puso para dotar de sentido a su vida. Un sabio camino que lo llevó a vivir en la montaña, alejado del mundanal ruido, en contacto directo con esa naturaleza que tanto amaba. La misma que ahora le acoge. Descansa en paz amigo Xavi que ya no encargaremos nosotros de mantener imborrable tu recuerdo. —sergi ‘don disturbios’ marqués

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ueda claro que el grupo no entiende este proyecto sin las imágenes de la película de Robert Wiene, pero puede abrirles un camino con el que llevan soñando desde sus inicios, tener una carrera paralela como compositores de bandas sonoras. “Pensábamos que algún día nos iban a proponer hacer una banda sonora de una película nueva, pero nos han propuesto hacer una que tiene cien años, con lo que supongo que lo que quiere decir es que estamos ya viejos”, bromea Girón, sobre el hecho de que la película a la que han puesto música vaya a celebrar su centenario este 2020. Eso no quita para que esta obra maestra del cine expresionista alemán no siga estando vigente. “La gran motivación que tuvimos es que es una película estrenada en 1920, en el periodo de entreguerras, con el surgimiento de los fascismos. Cien años después nosotros estábamos poniendo música a esa película con el resurgimiento del fascismo”. Es un tema que les toca de lleno, en especial a un Girón que ve claros los paralelismos con la época actual en muchos lugares del mundo, España sin ir más lejos, con un escenario político donde “la mentira no es castigada y la apropiación de los símbolos de todos es impune”. A pesar de no tener una inspiración clara los nombres de gente como Mogwai y Max Richter salen varias veces durante la entrevista. Aun así Girón reconoce que intentaron dar un giro para este proyecto, abordándolo sin fijarse en nada en particular sino utlilizando la perspectiva que les daba tener

en concierto l Valencia 22 febrero, Rock City l Madrid 28 febrero, Teatros del Canal (Das Cabinet des Dr. Caligari) l Zaragoza 6 marzo, Las Armas (Das Cabinet des Dr. Caligari) l Barcelona 7 marzo, Cines Aribau (Das Cabinet des Dr. Caligari) l Badalona 13 marzo, Teatro Círcol l Granollers 14 marzo, Nau B1

Toundra Sin palabras

EL APUNTE

Otras músicas, otros Caligaris A lo largo de los últimos años, han sido muchos los artistas que se han enfrentado al reto de crear una banda sonora para la película que nos atañe. Vayamos con algunos ejemplos. Conocido por ser fundador de Be Bop Deluxe, Bill Nelson ha firmado bandas sonoras para El gabinete del doctor Caligari y para La bella y la bestia (1913) de Jean Cocteau. La primera se creó en 1981 para la representación teatral a cargo de la Yorkshire Actors Company. Una de las más inquietantes bandas sonoras creadas para el clásico de Wiene la firmaron The Clubfoot Orchestra en 1988, formación especializada en dotar de banda sonora propia a diversos clásicos del cine mudo (Nosferatu (22), Metropolis (27), El acorazado Potemkin (25), etcétera). En 1994, el reconocido contrabajista de free jazz Mark Dresser publicó una banda sonora completa para el filme. Clásicos del sonido Sheffield de los ochenta, In The Nursery son un dúo de electrónica oscura cuya música ha aparecido en infinidad de filmes y que también ha creado y grabado sus propios soundtracks para ésta y otras películas silentes como Man With a Movie Camera (29) o La pasión de Juana de Arco (28) o sonoras como La caída de la casa Usher (60). Una de las experiencias más curiosas al respecto fue Caligari. An Exquisite Corpse en 2007. Casi una docena de artistas experimentales se unieron a modo de cadáver exquisito para crear dos bandas sonoras completas para la película con la música de artistas como Steve Burnett, Fastus, Mank, Rob Switzer o Mike Fazio. Y acabamos con un proyecto más cercano. En 2016, el sello catalán Marbre Records publicó un soundtrack denso y asfixiante firmado por Alozeau, (Josué Coloma). —joan s. luna

el país natal de la película, Alemania, donde son especialmente bien recibidos, dice no sentir especial presión ya que “la gente está tan gilipollas con Netflix que la mayoría de los que nos vayan a ver ni siquiera habrán visto la película”. Eso sí, bromea con lo que le gustaría que la canciller Merkel se pasase a verlos para poder enseñarle cómo “el fascismo lleva en su país más de cien años”. Ante tanta insistencia sobre por qué no considera a este proyecto un disco propiamente de Toundra (“hay que editarlo porque la gente es fan y va querer tenerlo y nos lo va a pedir, además de que es una remuneración, no hay que ser hipócrita, que vivimos en el siglo XXI”), le pregunto si es posible un nuevo disco de la banda para este año. Primero me dice que lo más seguro es que graben uno y lo editen el año que viene, pero luego rectifica y, a pesar de ser un madridista confeso, cita al ‘Cholo’ Simeone para asegurarme que hay que ir "partido a partido" y toca disfrutar de este proyecto. Un proyecto que puede abrirles una carrera paralela musicando imágenes, puede que incluso de algunas que no tengan cien años de edad. —sergio ariza

"Esto no es un disco de Toundra, es una banda sonora creada por Toundra"

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una “cultura audiovisual mayor” que la de los músicos originales, afrontando la composición tomando notas e improvisando con la guitarra mientras veían innumerables veces la obra de Wiene, tantas que el guitarrista reconoce entre risas estar “hasta los cojones de ver la puta película. La he visto más veces que Sólo en casa (90)”. Eso no quita con que la banda esté muy motivada para presentar este proyecto en directo con las imágenes de Cesare y el doctor Caligari de fondo. Unos conciertos de alto riesgo en los que cualquier fallo o descoordinación pueden llevar a la ruina al espectáculo, no en vano me reconoce que antes de presentarlo por primera vez, en el cine Capitol de Madrid, vomitó antes de salir al escenario. Y es que sabe que esta música está tan asociada a la imagen que si hubiera un fallo en la proyección, “se acaba el concierto y se devuelve el dinero a la gente”. Sobre sus fechas en

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FOTO: ARCHIVO

Nos reunimos con Esteban Girón de Toundra en las oficinas de Holy Cuervo en Malasaña. Su banda anda presentando Das Cabinet des Dr. Caligari (Inside Out, 20), edición física de la banda sonora que le han puesto al clásico del cine. El guitarrista es todo un profesional de las relaciones públicas y sabe perfectamente cómo hacer para que el otro se sienta a gusto. Se tiene bien aprendido el discurso y sabe qué ideas remarcar.

febrero 2020 #7

El malagueño Foyone publica Presidente (Autoeditado, 20), con el que presenta su candidatura a liderar el rap en este año que acaba de arrancar. Un disco cargado de verdades, no de promesas

sa muletilla que teníamos de ‘Pal año 2020 Foyone Presidente’ surge en el Rapsincorte 28, en 2016. Desde entonces se hizo famosa en todos nuestros conciertos. Y dadas las circunstancias actuales lo vimos claro, este disco debía llamarse Presidente. Creo que ha sido la campaña de promoción de una disco más larga de la historia”. Y si no la más larga, una de las más oportunas sin duda. Porque en plena época de convulsión política, de pactos, acuerdos, fraudes, manifestaciones y, en resumidas cuentas, crisis y cambios, Foyone presenta el disco con mayor carga política de su carrera. “Aunque no es algo que haya buscado conscientemente, ha sido una evolución natural. Es cierto que cada vez soy más viejo y gruñón, pero estoy harto del mundo en el que vivimos desde chico”, reconoce el malagueño. Cansado de la situación económica de un país que le ofrece incontables argumentos para que aumente su hartazgo. “Estamos atrasados en todo lo que está relacionado con el trabajo y el dinero. Cualquier persona que destaque al final acaba saliendo de España y sólo vuelve por Navidad o verano, si

en concierto l Málaga 15 febrero, Sala París 15 l Granada 21 febrero, Sala El Tren l Almería 22 febrero Sala Ferrera l Almería 27 febrero, Teatro Cervantes l Sevilla 29 febrero, Sala Custom l Madrid 6 marzo, Sala But l Barcelona 14 marzo, Apolo l Murcia 18 marzo, Sala REM l San Sebastian 3 abril, Sala Dabadaba l Bilbao 4 abril, Santana 27 l Zaragoza 17 abril, Sala Lopez l Pamplona 18 abril, Zentral l Córdoba 24 abril Sala m100 l Cáceres 25 abril, Sala Barroco

“La misión de un artista es expresarse, no educar”

puede. Hay bases del sistema en el que vivimos que son por naturaleza injustas pero que todos aceptamos, y creo que habría que cambiarlas”. Pero no todo es política y mala leche en el nuevo disco de Foyone. El cantante alterna letras de protesta con otras autobiográficas y cargadas de sinceridad. Como es el caso de Papá y mamá, donde narra con extrema crudeza la relación con su padre “y mi madre me pidió que no la sacase, pero al final entendió que no era algo malo compartir esa realidad”. O Amor tóxico, en la que da su propia visión del amor “evitando que suene muy cursi. Todos somos tóxicos como persona, por eso hay que saber aceptar el lado tóxico de la otra”. El resultado de todo ello es el mejor álbum que

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que se repitiesen, pero íbamos a sacar el disco para el 31 de enero igual. Para los músicos que nos autoeditamos es importante hacer una buena promo, pero mucho más es hacer un buen disco. Ya lo decían Hablando en Plata: hacerlo bien es la mejor de las promos”. —alfonso gil royo

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FOTO: ARCHIVO

Foyone Candidato a todo

ha publicado Foyone hasta la fecha no sólo en cuanto a sonido, también en líricas. Aunque siendo consciente de que su repercusión es cada vez mayor, siente “responsabilidad, pero solo de que el mensaje que transmito sea fiel con mi manera de pensar. Por supuesto creo que el mensaje de un cantante influye en el oyente, pero pienso que la misión de un artista es expresarse, no educar, por lo que la responsabilidad más allá de con el oyente debe ser con uno mismo”. Una visión con la que el MC ha sabido dar forma a un álbum que, fiel a su sonido gracias a la labor de Sceno, supone un nuevo escalón en su trayectoria. Y para el que además, fruto de su ingenio, supo sacar partido de la repetición de las Elecciones Generales. “La magia del destino hizo

EL APUNTE

Sagradas escrituras Mucho ha cambiado Foyone desde que comenzó en 2011. ¿O quizá no tanto? El malagueño es de esos artistas que, sin perder sus señas de identidad o sus raíces, ha sabido actualizarse y mimetizarse con la escena. Su primer disco Mi Zoológico (11) ya nos daba las primeras pistas: a Foyone le pone el rap clasicón, ese de bombos gordos y un toque oscuro. Y en esa dirección ha seguido hasta este último, Presidente, donde el cantante se mantiene fiel a su estilo aunque con un sonido más elaborado y potente. Entre

ambos, media docena de discos con los que ha ido desarrollándose y a los que además hay que añadir Lacura (18) y sus exitosos #rapsincorte. El primero es un videojuego narrado en primera persona en el que él mismo pone la banda sonora y el segundo una serie de vídeos en los que rapea a cámara, sin cortes ni arreglos. Ya lleva cuarenta publicados y no tiene intención de dejarlo: “El límite nos lo pusimos hace tiempo en 20.000”. Una prueba más de la inagotable creatividad de nuestro candidato. —a.g.r.

febrero 2020 #9

FOTO: DARÍO VÁQUEZ

MONDO FREAKO

Fuel Fandango Diez años de camino propip

EN LA MALETA

Han cumplido una década creando una música que los medios nunca hemos sabido bien como etiquetar y eso es algo que no va a cambiar con su nuevo trabajo, Origen (Warner, 20), en el que continúan explorando caminos distintos.

Sr. Melles

Carlos Mellado es un joven periodista amante de la música de baile y del vinilo que se hace llamar Sr. Melles cuando se pone el traje de DJ en diversos clubes de la capital, casi siempre acompañado por sus compañeros del colectivo Chineurs de Madrid.

#10 febrero 2020

que “Somos músicos desde re” nos parió nuestra mad

i tuviéramos que intentar definir a Fuel Fandango con una única etiqueta quizás la más adecuada respecto a lo que hacen sea “música de fusión”, porque si al principio se decía que fusionaban flamenco con funk, poco a poco la

ay alguna canción en concreto que haya estado en todas tus sesiones? Hay discos que son titulares en mi maleta desde el primer día, pero hay un tema en concreto, un remix de Four Tet del Leave A Trace de Chvrches, que lo he pinchado mil veces y me sigue flipando como el primer día. —¿Hay alguna situación particular (para bien o para mal) que recuerdes de tu carrera hasta ahora? Recuerdo hacer un warm up a Young Marco, uno de mis artistas predilectos, con mi colega Savino y que al terminar se acercase a decirnos que había flipado con la selección que habíamos hecho. Me quedé a cuadros y me volví a casa como si hubiese ganado la Champions League. —¿Vinilo, CD, archivos digitales…? Aunque últimamente estoy pinchando más con archivos digitales que antes, para mí siempre va a ser más especial un vinilo. Por todo lo que hay detrás. Creo que podría decir dónde, cuándo y por qué me he comprado cada uno de los discos que tengo. Sin embargo, la música en formato digital no suele tener ese componente emocional. Pero al final es cuestión de gustos y no seré yo quien critique a quien prefiera los archivos digitales. —¿Qué canción de las que eres muy fan nunca te has atrevido a pinchar y

cosa se ha ido ampliando cada vez más hasta que ya resulta imposible describir el cóctel sin dejarte algo. Para Origen han querido “aunar ese rollo tan añejo de la guitarra flamenca con lo novedoso de la electrónica, y sobre todo fusionarlo con ritmos más africanos y percusi-

por qué motivo? Traumprinz 2Bad (DJ Metatron ‘What If Madness Is The Only Relief’ rework). Es mi tema favorito, de mi disco favorito, de mi artista favorito y nunca he encontrado el momento perfecto para pincharlo en un club. Creo que me da miedo ponerme a llorar en público. —¿Qué opinas de la popularidad de los DJ’s frente a los músicos? ¿Le das más valor a los músicos de pop o de rock que a los DJ’s? Para mí el valor de un artista está en conseguir emocionar y hacer disfrutar a la gente. La forma de hacerlo es lo de menos. —¿Podrías decirme cuáles son tus Dj’s favoritos y por qué motivos? Aquí sí que lo tengo muy claro: Ben UFO y Dj Dustin. El primero por ser una fuente inagotable de musicón y por mezclar como muy poca gente es capaz de hacerlo. El segundo por la manera de hilar una sesión y conseguir que pierdas la noción del tiempo. Dos auténticos genios. —¿Qué festivales y clubes recomendarías, tanto a nivel nacional como internacional? En cuanto a festivales me quedo con Waking Life en Portugal y L.E.V. en Gijón. A nivel clubes, Café Berlín en Madrid, por ser mi segunda casa, y De School en Ámsterdam.

vos, hacer un sonido más del mundo”. Y, en cuanto al flamenco, cuentan con las colaboraciones de Rycardo Moreno, Dani de Morón y, ojo, Vicente Amigo. “Nosotros hemos escuchado sus discos hasta la saciedad, y de repente surgió un puente para contactar con él”, me cuenta Ale. Y no se lo pensaron. “Fuimos a Córdoba a verle y al día siguiente ya estaba preparando el tema”. Rápido y además intenso, porque siguen en contacto, según me comenta Nita: “Todavía me llama para decirme que le encanta lo que hemos hecho. Es una persona maravillosa, aparte de un grandísimo genio”. El hilo conductor de su primer álbum tras el décimo aniversario no es otro que “intentar volver al origen de las cosas, mantener el contacto con la naturaleza, los pies en la tierra. El origen de todo viene de África, el origen de la vida”. La naturaleza y la espiritualidad son también piezas claves en esto, y Nita y Ale apuestan por ambas y por la mirada positiva, tan necesaria en un sistema en que “lo único que hacemos es producir y consumir. Hay gente que se muere de hambre y está en la miseria y, mientras, hay otra que no sabe qué hacer con tanto dinero”, lamenta Nita. Al hilo de esto, me cuentan cómo hablaban con el encargado de hacer el making-of del disco, el director chileno Michel Gajardo, sobre la situación en su tierra, y lo estupendo que sería “que eso se pueda expandir al resto del mundo, y que la gente sea capaz de salir a la calle a quejarse y a expresarse, que no sea solo salir a la calle a ver las luces de Navidad”.

—raúl linares

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TAN. CERCA RREl festival Planeta Sound, que tendrá lugar los días 17, 18 y 19 de junio en Ponferrada, presenta nuevos nombres para su cartel. Se trata de Novedades Carminha, La Bien Querida, Astropálido y Brewsters. Todos ellos se suman a los anunciados previamente, como Amaral o La Casa Azul. RREn su edición más ambiciosa y con más presupuesto, el Guitar BCN 2020 traerá a Peter Frampton el 18 de junio al Sant Jordi Club, con su gira de despedida. Joe Bonamassa visitará también el Guitar BCN el 23 de agosto en el Espai Port de Sant Feliu de Guíxols en su único concierto en el Estado español.

Hablamos también sobre cómo la música juega un papel muy interesante al respecto, cómo puede ayudarte a cambiar el estado de ánimo, y cómo a ellos mismos les ayuda. Cuenta Nita que si quiere sacar su rabia se pone a Extremoduro; si quiere venirse arriba, a Moderat, y, si la cosa va de relajarse, a Debussy. La música es tan poderosa que, cuando les hago la pregunta inevitable (sí, imaginando que empezasen ahora y tras todo lo que han conocido de la industria en estos diez años, volverían a dedicarse a la música), lo tienen claro. “Este mismo proyecto no lo sé, pero sí haríamos música. Es que es lo que vamos a hacer hasta que nos muramos. Somos músicos desde que nos parió nuestra madre. Es lo que mejor sabemos hacer y es así como somos felices”. —pablo tocino

RREl pasado 20 de enero falleció a causa de un cáncer de estómago el percusionista Xavi Turull a la edad de cincuenta y nueve años. Músico muy querido y apreciado en la escena mestiza , Turull había sido, entre otros múltiples proyectos, miembro fundador y pieza clave de Ojos de Brujo. RRLa barcelonesa Aiala, autora del apreciado Nothing Less Than Art (New Beats, 19), presentó su disco en Cruïlla de Tardor y el Mercat de Música Viva de Vic, pero ahora inicia una nueva gira que la acercará hasta L’Hospitalet (8 febrero, Let’s Festival), Madrid (22 febrero, La Boite), Barcelona (4 marzo, La [2] de Apolo), Girona (3 marzo, Black Music Festival) y Reus (15 marzo, también dentro del Black Music Festival).

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en concierto l Madrid 1 y 2 febrero, Teatro Circo Price l Palma de Mallorca 8 febrero, Es Gremi l Málaga 21 febrero, Paris 15 l Granada 22 febrero, Industrial Copera l Santander 6 marzo, Escenario Santander l Santiago de Compostela 7 marzo, Capitol l San Sebastian 27 marzo, C.C. San Agustin l Pamplona 28 marzo, Zentral l Vitoria-Gasteiz 17 abril, Jimmy Jazz l Bilbao 18 abril, Kafe Antzokia

RREl barcelonés Sónar ha dado a conocer su cartel completo (del 18 al 20 de junio). Así, podrás ver a The Chemical Brothers, Arca , The Blaze, Carl Cox, Richie Hawtin, Laurent Garnier o propuestas nacionales como Niño de Elche, Morad, el debut en la electrónica de Maria Arnal i Marcel Bagés, el estreno en Barcelona de Califato 3/4, Egosex, Kaydy Cain con orquesta de salsa por citar algunos. RREl festival valenciano 4Ever

Fest, que se celebrará los días 26 y 27 de junio en la Plaza de Toros de Valencia, ha dado a conocer los nombres internacionales que darán forma a su cartel. Serán Wilco, Madness, OMD, The Stranglers y Marc Almond. A ellos se sumará Quique González y dos nombres valencianos todavía por confirmar. —MS

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febrero 2020 #11

Gianluca es un joven artista de Santiago de Chile que después de dos mixtapes en la calle, acaba de lanzar su primer álbum de estudio, Yin Yang (Quemasucabeza, 19), en el que da un salto de calidad en todos los sentidos.

a primera parada en su asalto al mundo ha sido España, y no es por casualidad. Gianluca reconoce su admiración por la escena urbana de nuestro país, “Escucho un montón lo de España desde hace muchos años: Yung Beef, Pxxr Gvng, Dellafuente, Bad Gyal, Ms Nina, C. Tangana también… Y pienso que es una escena super variada y que tiene un código que también es cierto que me llega”. Como muchos de los artistas españoles que toma como referencia, ha querido desmarcarse de la etiqueta del trap, un género que vive un éxito mundial absoluto pero que muchos de los artífices de dicho éxito evitan citar. “Hago música con batería de trap como también hago música con batería de reggaeton, también r’n’b, una canción de pop con Javiera Mena o canciones que pueden ser indie como Serenata. Hay unos matices que son muy amplios, y a mí lo que me gusta de la música es experimentar, hacer cosas distintas y salir de la zona de confort. Lo que más me entretiene es hacer cosas nuevas siempre porque no me gusta repetirme. Los artistas que más me gustan son los que hacen eso, los que mezclan, los que no son predecibles ni aburridos”. A diferencia de otros muchos artistas jóvenes, la versatilidad de Gianluca sí ha tenido reflejo en Yin Yang, un álbum en el que ha ampliado sus referencias y que le sirve como una carta de presentación, en el que se ve (y se escucha) todo lo que puede hacer en la música. Gianluca forma parte de una nueva generación de artistas chilenos que han conseguido trascender el mercado nacional y que cada vez suenan con más fuerza en todo el mundo. “Yo creo que este año próximo ya se va a dar la internacionalización más grande, lo que ha conseguido Pablo Chill-E, por ejemplo, que va adelantado. Yo creo que van a empezar a darse giras fuera del país, colaboraciones…”. —luis m. maínez

“

… And You Will Know Us By The Trail Of Dead Caos y orden

El décimo disco de la banda de Austin, X: The Godless Void And Other Stories (Superball/InsideOut Music, 20), retoma la atrevida propuesta del grupo, cuya conciliación de la energía punk con laberintos progresivos les convirtió en únicos durante los primeros dos mil. Hablamos con Jason Reece (batería, guitarra, voz).

ecesitábamos dar un paso atrás y repensar lo que íbamos a hacer. Averiguar cómo podíamos seguir de una forma que no fuera aburrida”, explica por teléfono Jason Reece (batería, guitarra y voz). Que Conrad Keely, su socio creativo, cambiara durante una larga temporada Austin por Camboya y sacara un disco en solitario, también sumó. “Habíamos despedido a nuestro manager…hubo bastante caos hasta que pudimos empezar de nuevo”, insiste. Su décimo disco, X: The Godless Void and Other Stories, retoma la audaz propuesta del grupo con un sonido único durante los primeros dos mil. Con los años, su visión se ha hecho aún más expansiva. “Queríamos ser creativos y desarrollar un disco que fuera más diverso. Madonna (99) o Source Tags & Codes (02) siguen siendo para nosotros relevantes, pero estaban más influidos por el punk y eran más crudos y ruidosos. Me parece que este tiene muchas más capas y texturas. Supongo que cuando haces música no quieres permanecer en el mismo sitio”. Y pone una analogía: “Nunca hemos querido ser como Ramones. Me encantan, son increíbles, pero no somos ese tipo de banda. Somos más bien de las que quieren

innovar”. Por si fuera poco, “este álbum ha sido un gran reto porque estábamos como volviendo a empezar y no teníamos una foto panorámica o una idea general de lo que queríamos. Acabamos inspirándonos en sonidos más oscuros de los ochenta, no necesariamente música gótica”. El oscuro título (“El vacío sin Dios…”) tiene toda una historia detrás. “Me inspiró el título de un reportaje sobre los amigos de Dylann Roof, un joven tirador asesino que mató a un montón de gente en una iglesia. El artículo se titulaba The American Void. Era un reportaje en profundidad sobre la cultura americana y los chavales. Los videojuegos, 4chan, la basura que comen, el consumismo… Le sugerí a Conrad que el título fuera The American Void, porque refleja el momento que vivimos en Estados Unidos, pero nos dimos cuenta de que aunque el disco tocaba un poco el tema de la sociedad, al final es más existencial y abstracto”. Curioso que un suceso así inspirara a un grupo con una estética tan extravagante. Jason lo admite. “Somos un grupo peculiar porque las canciones tienen elementos personales. En las letras hay elementos metafísicos, fantasía, porque siempre nos han inspirado los libros y cosas así. A veces hay elementos de ciencia ficción. Y creo que todo esto es lo que nos hace ser una banda tan rara. No tenemos un estilo definido y nuestras influencias son una locura”. Explica que estar en una banda no es para todo el mundo –una de las causas de la inestabilidad en la formación– y espera volver pronto a mostrar sus vigorosas armas en España, pasando página de aquel último concierto en Madrid al que, por varias circunstancias desafortunadas, no fue casi nadie. —jc peña

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“No tenemos un estilo definido y nuestras influencias son una locura”

FOTO: VIKTOR SCOTT

FOTO: ESTEBAN VARGAS

Gianluca De Chile para el mundo

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#12 febrero 2020

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Greg Dulli La ley del deseo

MONDO FREAKO

Por raro que suene, Random Desire (BMG, 20) es el primer trabajo en solitario propiamente dicho del alma de The Afghan Whigs y The Twilight Singers en más de tres décadas. Él alega que Amber Headlights (One Little Indian, 05), era “un proyecto y no un disco en solitario”.

bía “Cuando empecé no ha ho dinero, luego hubo muc sas). (ri y ahora no hay nada disco Pero yo nunca hice un ra que lo petara, ni siquie estando en Sub Pop”

EL APUNTE

Treinta años de magia negra La carrera de Greg Dulli ha sido tan poco propensa a patinazos que avistar cumbres es delicado, aunque será complicado que nos regale ya algo a la altura de Gentlemen (1993), Black Love (1996) y 1965 (1998), la mágica trilogía –aunque el segundo fuera algo denostado en su momento– de Afghan Whigs: explosión, implosión y jubilosa despedida (respectivamente) de un trayecto que, naciendo del grunge y Sub Pop, fue muchísimo más allá en su destilación de rock con corazón soul. Un libro de estilo propio e inimitable.

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Cerca se queda, sin embargo, el reciente Random Desire (2020), uno de sus mejores trabajos (quién lo diría a estas alturas), que no tiene mucho que envidiar al notable Blackberry Belle (2003) de The Twilight Singers, su mejor proyecto paralelo (por encima de su alianza con Mark Lanegan en The Gutter Twins), o a aquel más que estimable retorno de los Whigs que fue Do The The Beast (2014), un álbum que fue presentado en conciertos tan memorables como el que ofrecieron en la Apolo de Barcelona en febrero de 2015. —carlos pérez de ziriza

FOTO: MACIEK JASIK

ocas sensaciones más reconfortantes que comprobar cómo un héroe de tu juventud resulta ser encantador. El de Ohio está de promoción en Madrid y se toma la entrevista con tanta pasión como la que pone en su música. “Éste es el primer álbum que saco en solitario. Amber Headlights (05) eran descartes. La razón principal es que al terminar la gira de In Spades (17) de The Afghan Whigs sabía que todo el grupo iba a estar ocupado. Me di algo que hacer”. Dulli tiene la impresión de que vive en un momento creativo dulce desde que los Whigs se reactivaron más allá del directo con Do To The Beast (14). “Yo no puedo salir cada noche a tocar canciones de hace veinte años. Incluso si te pagan un pastón, qué más da. Puedes ganar dinero de otros modos. Las últimas treinta canciones que he sacado creo que están al nivel de cualquiera de las que he hecho”. El tono elegíaco de estas últimas composiciones no es casual. “Me acuerdo de que cuanto tenía treinta y tantos años oí una historia: hay dos épocas en las que pierdes gente a tu alrededor, cuando eres un niño y cuando tienes mediana edad. Ahí es cuando la muerte te visita. Somos criaturas finitas, pero con veinticinco años no piensas en ello”. Sus progresos vocales tampoco son fortuitos. “Hace unos diez años que dejé de fumar, y un amigo que enseñó un par de ejercicios para calentar la voz. Simplemente, me tomo lo de cantar un poco más en serio que lo que quizá solía hacer antaño, cuando la forzaba sin calentar ni nada. Cuando oigo grabaciones en directo de los noventa, me parece que sueno a mierda. Pero bueno, en direc-

to puedes ser un poco descuidado. No hay nada malo en ello”. Además de doblar y triplicar voces como Brian Wilson e inspirarse en el estilo vocal de Dylan en su disco country Nashville Skyline (69), Dulli toca muchos de los instrumentos del álbum (baterías incluidas), aunque participan músicos amigos como John Skirbik, Rick Nelson o John Theodore. Todos bajo la atenta mirada del técnico Christopher Thorn, guitarra en Blind Melon. “No hay nada mejor que trabajar con gente con la que te llevas bien”, sentencia. En este sentido, el balance que hace de su carrera no puede ser mejor. “Me lo he pasado de miedo. Eso es lo más importante. En el momento en que me di cuenta de que la felicidad es el éxito, me liberé. Tengo amigos estupendos, hago lo que quiero hacer con quien quiero y cuando quiero: he ganado. Antes de cumplir diez años ya sabía que quería dedicarme a esto”. Y eso que los tiempos de abundancia quedan muy atrás. “Cuando empecé no había dinero, luego hubo mucho, y ahora no hay nada (risas). Pero yo nunca hice un disco que lo petara, ni siquiera estando en Sub Pop. Siempre he sido un forastero y siempre lo he disfrutado. Porque para bien y para mal, estás solo. Nunca he tenido un público masivo, pero tengo uno pequeño que me quiere y es fiel. Me tomo eso muy en serio y trato de no decepcionarle”. —jc peña

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febrero 2020 #13

MONDO FREAKO

Rodrigo Cuevas Asturies siglo XXI

Agitando el árbol de las tradiciones, así es como se presenta Rodrigo Cuevas en Manual de cortejo (Aris Música/Altafonte, 19), un prodigio en el que investigación y vanguardia han regado las raíces a golpe de autodescubrimiento. Y, de paso, nos ha regalado una obra de un gran valor. Sobre todo ello y mucho más nos habla un Rodrigo Cuevas, sabedor de haber parido una criatura de resistencia en tiempos globalizados.

“agitador folclórico”. Definición que amplia su margen de maniobra a la hora de enfocar el pasado y remozarlo en el siglo XXI. O como él mismo lo ve: “Se trata de una etiqueta que me pongo, que suena bien para definir todo, que al final me deja mucha libertad. Dentro de lo folclórico, puedo hacer casi cualquier estilo musical. Intento generar algún tipo de agitación en la conciencia de la gente, intentando hablar siempre desde el punto de vista de lo tradicional, de lo humano, de plantear qué consecuencias puede tener el abandono del mundo tradicional, que es lo que más me conmueve y lo que más me mueve a mí”. Los

diferentes prismas utilizados para que Rodrigo Cuevas cortejara a Refree han desembocado en una investigación en la que ambos se han encontrado con un cancionero repleto de grabaciones de campo y un surtido de clásicos populares que intentan eludir esos “greatest hits del folclore que la gente versiona y reversiona. Hay que estar ahí, buscando una joya para utilizarla”. Misión cumplida en un trabajo dotado con el aura especial que únicamente desprenden los discos-guía.

—marcos gendre

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“Los que vivimos en el e no pueblo no somos los qu mos tenemos otra opción; sote” la resistencia, realmen

en concierto l Sevilla 1 febrero, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo l Valladolid 22 febrero, LAVA l Avilés 14 marzo, Centro Niemeyer l Alicante 4 abril, Teatro Arniches l Vigo 8 mayo, Sala Rebullón l Santander 23 mayo, Sala Summum l Vilafranca del Penedés 7 junio, Festival EVA, Auditori l Palencia 14 junio, Palencia Sonora, TBT

#14 febrero 2020

FOTO: ARCHIVO

l otro día el periodista Luis Lles me comentaba que hace mucho tiempo que piensa que de la intersección de raíces y cables está desarrollándose la mejor música de ahora mismo. Manual de cortejo – producido junto a Raül Refree– entra de lleno dentro de esta definición. La misma por la cual Rodrigo entiende que “lo mejor que se hace en Estados Unidos es del resultado de todo eso. Como Beyoncé, que vende mogollón de discos y hace una música muy comercial pero de calidad, tanto en lo vocal como en lo musical. Se trata de alguien que está siempre investigando, a la vanguardia, absorbiéndolo todo. Ella es un ejemplo de que todo lo que triunfa tiene que tener algo tuyo. Si haces una imitación todo el rato de lo estadounidense, lo anglosajón, al final va a ser una fotocopia barata”.

Dentro de esta intersección entre raíces y cables, Rodrigo imprime un fuerte peso narrativo en el disco, con voces del rural asturiano como en Fíjate si era rojo o en varios trozos de Rambalín. Preservar esas voces del pasado es el profundo hilo contextual que teje un discurso lírico que, en el disco, comienza con unos fandangos y un texto que, tal como explica él: “Habla de la decadencia de la muerte del mundo rural, de la muerte de una era. Y me gusta hablar desde ahí. Asistimos a la muerte de una era, es el fin de lo comunitario, entramos en lo individual. Pero todavía podemos utilizar todas estas cosas que aprendimos de esa época, que es la época humanista por necesidad, de hacer las cosas en colaboración con los demás porque no había otra”. Para llegar a un resultado final como Manual de cortejo, la labor de investigación ha sido tan relevante como la composición en sí misma. De hecho, en su web se le describe como

CRÍTICA Rodrigo Cuevas

Manuel de cortejo Aris MúsicaAltafonte

8 FOLK / Con una mochila y diez días por delante en que las prisas no tomaron partido, Rodrigo Cuevas y Raül Refree viajaron al norte del que procede Cuevas, Asturias y Galicia. Con la filosofía de Los Hermanos Cubero y la actitud excéntrica de Niño de Elche, el dúo cuaja una gran coalición que ha dado como resultado este Manual de cortejo. No es un disco fácil, y menos de una sola escucha o en modo random. Se entiende mejor como pieza compacta, como unidad ajena al escrúpulo. Que los

sonidos tradicionales mezclen con la electrónica, que en sus versos se hable de libertad, de WhatsApp o del vivo de las castañuelas, se fragua en el encanto de Ronda de robledo de Sanabria, en la recuperación coplera de El día que nací yo, el caos de Xiringüelu, la emoción de Rambalín (con coro minero) incluso el spoken-word de A galán tiene que ser el baile o el rito mágico de Muñeira para a filla da bruixa. Y para acabar, homenaje a Angelita Caneiro.

—toni castarnado

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Green Day

Tres amigos

Envueltos en el lujo de un exclusivo hotel en un barrio caro de Madrid, nos sentamos con Billie Joe Armstrong, Tré Cool y Mike Dirnt para desentrañar qué esconde Father Of All Motherfuckers (Warner, 20), el nuevo capítulo de esa carrera que, visto lo visto, no vislumbra de momento señales de agotamiento. El nuevo trabajo de los californianos nos muestra a una banda en forma, apasionada e inspirada como nunca. Tres tipos divirtiéndose con lo que hacen. —texto Ricky Lavado

ucho ha llovido desde que Green Day aparecieron con sus pelos decolorados y sus bermudas gigantes en sótanos y conciertos en casas ocupadas de la escena punk rock californiana, inaugurando la década de los noventa del siglo pasado con su no especialmente original pero sobradamente efectiva manera de generar auténticos himnos de espíritu canalla adolescente, actitud punk y redondez pop. A base de guitarrazos certeros, golazos comerciales y un éxito masivo que los convirtió desde muy pronto en un fenómeno mundial con su tercer disco Dookie (94), el trío ha sabido construir una carrera sólida y respetable que supera ya las tres décadas sobre los escenarios. (Billy Joe) “Creo que una parte muy importante de esto que comentas es que siempre estamos preparados para probar y hacer cosas nuevas. Es importante intentar hacer las cosas de forma diferente y mantenerte en movimiento, alerta. Siempre es importante estar inspirado, buscar continuamente la inspiración en diferentes cosas y sitios, al margen de las expectativas de éxito que puedas tener en cada momento. Supongo que la base de todo es que siempre estás creciendo y aprendiendo y evolucionando y moviéndote de un sitio a otro. El proceso de composición nos ha llevado a pasarlo bien, simplemente, y a estar felices. No a sonar como si lo estuviéramos pasando bien, no a sonar divertidos, sino a estar pasándolo bien de verdad. En esta grabación ha habido un montón de sonrisas en el estudio, y un montón de carcajadas también”. Cargado de rock de raíces, sonido sucio y una producción llena de arreglos que nos transportan al rock primigenio de los años cincuenta y sesenta, Father Of All Motherfuckers es, con

#16 febrero 2020

diferencia, el disco más “clásico” de la banda, en el que abogan por el sonido añejo de un tipo de rock’n’roll que hasta la fecha no había aparecido en el ADN de Green Day. Por momentos, el trabajo de Butch Walker como productor lleva a buscar tanto la crudeza de las míticas producciones de Phil Spector, como la inmediatez y energía del soul más clásico. (Billy Joe) “Todas esas influencias forman parte de nuestro bagaje musical, es música que siempre hemos adorado pero que hasta ahora no habíamos incorporado al sonido de Green Day. Está bien centrarte de repente en escuchar de nuevo y con nuevos oídos todos esos discos antiguos de Motown, por ejemplo, mucha música soul y mucho glam rock también. Música que siempre hemos amado y que ahora por primera vez sale a la superficie y aparece en las nuevas canciones”. (Mike Dirnt) “El espíritu de muchas canciones se encuentra en mucha música de los cincuenta y los sesenta, sí, así que tenía todo el sentido del mundo probar todas esas cosas e incorporarlas a la grabación. Siempre hemos escuchado ese tipo de música, de forma individual o en grupo, pero nunca nos habíamos aventurado a escribir canciones en esa dirección. Cuando empezamos a escribir investigando y profundizando en la historia del rock’n’roll, a todos nos pareció natural y coherente, y por lo tanto también tenía sentido orientar la producción y el sonido del disco en esa dirección”. Todo ese empeño por sumergirse en los orígenes del rock’n’roll da como resultado un disco en el que la energía de las canciones (no busquen baladas aquí), se ve acompañada por una luminosidad que, paradójicamente, nos recuerda inevitablemente a los primeros discos de la banda. Algo conecta el espíritu festivo de Father Of All Motherfuckers con el de Kerplunk (91) e incluso Dookie. (Billy Joe) “Creo que Revolution Radio (16), por ejemplo, mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MONDO FREAKO EL APUNTE

Butch Walker

“ “Motown, soul, glam rock... Es música que siempre hemos amado y que ahora por primera vez sale a la superficie”

se convirtió en un reflejo de unos tiempos complicados, canciones como Troubled Times estaban ancladas a una época difícil. Todo tendía a volverse muy serio en ese periodo, y creo que llegó un momento en el que nos sentamos a reflexionar que nosotros nunca pensamos en mostrarnos como gente seria cuando empezamos. No nos tomábamos demasiado en serio a nosotros mismos, y cuando empiezas a escribir canciones más ‘políticas’, vamos a decirlo así, de repente te enfrentas al riesgo de que lo que escribas no parezca que te salga del corazón, y que poco a poco empieces a dejar de disfrutar de lo que haces, porque pasas a intelectualizar demasiado las cosas, empiezas a darle demasiadas vueltas a todo. Una buena canción tiene que salirte de la cabeza, del corazón y de entre las piernas también. Es una de las cosas más interesantes del hip hop, por ejemplo, algunas letras pueden llegar a ser muy serias, pero aún así tú sigues bailando mientras las escuchas. En algunas de nuestras letras yo puedo llegar a ponerme muy serio, pero tiene que haber algo ahí que te haga bailar. Piensa en gente como Little Richard, por ejemplo: todo va sobre fuego, llamas, sexualidad, ser

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Nombre habitual detrás de algunos de los aciertos comerciales del rock más mainstream norteamericano de la última década, Butch Walker ha sido el elegido para encargarse de la producción de Father Of All Motherfuckers. Veterano de los noventa como guitarrista de glam rock en SouthGang, o cosechando un relativo éxito comercial en los años de esplendor grunge con Marvelous 3, Walker tiene en su haber varios discos en solitario (a destacar Afraid Of Ghosts, hecho mano a mano con Ryan Adams en 2015) y un extenso curriculum como compositor y colaborador de nombres tan dispares como Pink, Katy Perry o Panic! At The Disco. Con su nuevo trabajo, Green Day se suman a la larga lista de producciones firmadas por Butch Walker, junto a Avril Lavigne, The Donnas, Weezer o Taylor Swift entre muchísimos otros. (Billy Joe) “En parte nunca sabemos exactamente qué estamos haciendo o qué vamos a hacer, lo cual hace que todo sea excitante e inspirador. Eso es algo importante para nosotros, y da miedo también. Butch Walker tuvo bastante que ver con esto, lo pasamos muy bien con él en el estudio, nos divertimos trabajando con él, escribiendo canciones que a lo mejor te soltaba ‘tío, esto es horrible’, y a lo mejor la siguiente canción de repente te hacía decir ‘ahora sí, esto es exactamente lo que queremos’”. —r.l. homosexual en esa época... y todo habla también de pasarlo realmente bien. Al final es lo que te queda: cuando el mundo se venga abajo, mejor que te pille de fiesta”. Da la impresión de que, en estos tiempos complicados que estamos viviendo, Green Day hacen un esfuerzo consciente por alejarse de la negatividad reinante a base de melodías infecciosas, trallazos de pop desenfadado y mensajes directos y bienintencionados. A veces, centrarse en la diversión y alejarse de las ansias de profundidad y trascendencia puede resultar revolucionario también. No todo van a ser malas caras, ¿no? (Mike Dirnt) “Ese equilibrio es raro... obviamente hay una responsabilidad detrás de todo lo que haces, no puedes abstraerte del mundo. American Idiot (04) salió de una forma muy natural, y pasa lo mismo con el disco nuevo. En este disco hay mucho contenido social, hay muchos comentarios sociopolíticos, pero nosotros somos músicos, no políticos: nos dedicamos a tocar instrumentos y también tenemos esa parte de responsabilidad respecto a lo que tocamos, esa obligación de explorar nuevos terrenos, de buscar ese algo nuevo y fresco. Cuando ambas cosas coinciden de forma natural y ambos intereses funcionan a la vez, salen cosas de las que sentirte orgulloso, cosas que valen la pena”. —r.l.

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febrero 2020 #17

Los Discos de mi Vida KRAFTWERK FOTO: archivo

LANA DEL REY FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Warm Up Estrella de Levante

Primavera Sound

Miss Caffeína/Varry Brava

Los madrileños Miss Caffeina y los murcianos Varry Brava comparten gustos y gira. Dancetería, les llevará a A Coruña (8 febrero), Madrid (14), Barcelona (22), Murcia (7 marzo) y Benicàssim (9-11 abril, Sansan Festival).

Miss Caffeína

Phoenix

Bon Iver

Madonna

Lisztomania rompió todos los esquemas poniendo de nuevo a Francia en el punto de mira musical. Reinventaron su sonido abriendo un nuevo camino para el pop con un disco lleno de temazos.

Personalmente este disco me dio la mano en uno de los momentos más difíciles. Me ayudó a desahogar, a comprender y empezar de nuevo. Nunca olvidaré mi relación con él y todo lo que significa para mí. Todos los discos de Bon Iver me atrapan porque están vivos.

Después de haber hecho discos de pop redondos, de haber arriesgado dando giros de ciento ochenta grados, Ray Of Light es la Madonna más experimental, creativa y profunda que podemos escuchar.

MANEL FOTO: ARCHIVO

Wolfgang Amadeus Phoenix (2009)

Bon Iver (2011)

El festival murciano Warm Up Estrella de Levante –que se celebrará los días 1 y 2 de mayo en La Fica (Murcia)– vuelve a desvelar nombres de carácter nacional e internacional para su cartel de esta edición. La última tanda de confirmaciones incluye a Digitalism y Moon Duo, por la parte internacional, y Ojete Calor, Blanco Palamera, Kuve y Confeti de Odio. La anterior, incluyó a Los Enemigos, Triángulo de Amor Bizarro, La Bien Querida, Cala Vento, Niños Mutantes y Fangoria. Todos ellos se suman a Kraftwerk (con su espectáculo 3D), Hot Chip, Modeselektor, Mando Diao, Johnny Marr, León Benavente, Carlos Sadness, Georgia, Nunatak, Rutus T Firefly y un largo etcétera. —MS www.warmupfestival.es

Ray Of Light (1998)

VETUSTA MORLA FOTO: ARCHIVO

Por si no hubo suficiente con la metida de pata de Idles que, en su momento, obligó al festival a desvelar su cartel antes de tiempo, una nueva filtración –esta vez se trata de los primeros confirmados para esta edición, es decir, de los estadounidenses Pavement– ha generado que el Primavera Sound 2020 (a celebrar en Barcelona del 3 al 7 de junio) tuviera que adelantar el anuncio de su cartel. Pero ya lo tenemos aquí y con una larga lista de artistas para todos los públicos. A los ya anunciados previamente como los propios Pavement, Bikini Kill, Jawbox o Chromatics, se suman Lana del Rey, Massive Attack, Tyler The Creator, Beck, The Strokes, The National, Bad Bunny, Bauhaus, Black Midi, Caribou, Disclosure, Kim Gordon, C. Tangana, Bad Gyal, Iggy Pop, Abbath, Weyes Blood, Cigarettes After Sex, Einstürzende Neubauten y muchos más. —MS

Varry Brava Dcode,

Cranc Illa de Menorca De momento son ya doce los artistas que el Cranc Illa de Menorca Festival ha anunciado hasta el momento. Este evento balear, que se celebrará entre el 28 y el 30 de mayo en la Cala Figuera de Maó y en el Museo de Menorca, contará con un cartel bien nutrido de nombres nacionales. Los cuatro últimos artistas que se han sumado son Manel, Novedades Carminha, Joe Crepúsculo y Ortiga. Ahora bien, previamente ya se había dado a conocer que estarán presentes artistas como Maika Makovski y Bronquio. Otros participantes serán Yana Zafiro, Maria Jaume, Ombra, Holly Miranda, Enjoy & Division y Palmers. —MS www.crancfestival.com #18 febrero 2020

The Beatles

Alejandro Sanz

Radio Futura

Tierra para bailar (1992)

White Album (1968)

(Óscar Ferrer) Es el disco con el que más profunda y místicamente me emociono. Las letras, las melodías, la producción, el paisaje, el recuerdo de cuando era niño. Se respiran felices noventa en cada segundo.

(aarönsáez) Porque no se puede acabar mejor una carrera, porque la tierra es para bailar, y las salas para entrar en mística comunión con los sonidos, las personas, los flujos y los licores, y en este disco hay de todo eso. Hay ritmo, hay fuerza, hay clase.

(Vicente Illescas) Estaban los cuatro, pero a la vez no estaban. Es tan fuera de su tiempo y tan innovador que no te puedes creer que cuatro años atrás compusieran canciones como Eight Days A Week. —MS

Viviendo deprisa (1991)

Nada mejor para celebrar el décimo aniversario del madrileño Dcode que regresar al formato de dos jornadas con las que el festival nació en su momento. Ubicado como de costumbre en la Universidad Complutense de Madrid, el evento ya ha dado a conocer buena parte del cartel que se desplegará sobre sus escenarios a lo largo de los días 11 y 12 de septiembre. Los principales cabezas de cartel serán Leiva y Vetusta Morla. Pero habrá muchos más shows, entre ellos los protagonizados por artistas nacionales como Coque Malla, Sidonie, Fuel Fandango o Belako, e internacionales como Crystal Fighters, Mando Diao o Maxïmo Park. —MS www.dcodefest.com

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FOTO: ROBERT BONET

“ s "Hablamos de vivencia y emociones y eso cualquiera lo tiene"

Las Bajas Pasiones Lo raro es lo bello Los cabarets Fúria Queer se han convertido en un espacio de fiesta y cuidados LGTBIQ indispensable. Del seno de esos encuentros nacieron Las Bajas Pasiones, que presentan segundo disco: Bichx rarx (Kasba Music, 20), mensajes inclusivos y muchísimo ritmo. Bailar lo político para fortalecer la comunidad.

por eso, y voy haciendo. A veces también me gustaría estar con ellos”, ríe Bello. “Por suerte, hemos estado un año tocando todos los meses en la sala Sidecar, lo que no dejaba de ser un ensayo con público”, añade Libra. Confiesan que si bien Fúria Queer eran fiestas con público más politizado, los asistentes a sus conciertos como banda son más variados. Las Bajas Pasiones se abren a seguir ampliando la base. “Al final hablamos de vivencias y emociones y eso cualquiera lo tiene. ¿Por qué yo he escuchado toda la vida música hecha por heteros y he conectado? Porque se puede. Hay una parte que sí que nos interesa construir desde la comunidad LGTBIQ, pero la música es música”, dictan. Motivos en lo musical para esa expansión, hay de sobras; en primera instancia, las colaboraciones difuminan espectros, están –entre otros– los valencianos Zoo. Pero también en los mensajes se azuzan otras contiendas políticas. Bichx rarx habla sobre cadáveres emocionales o la reivindicación de lo raro, muy a lo Putochinomaricón. Precisamente esa exhortación de lo diferente como nueva normalidad tendrá una fuerte presencia en sus shows. Para empezar, formarán parte del cierre del festival de danza y performance Sälmon. “La actuación se llamará ‘Lo bello en lo siniestro’ [también participarán Alfred Martínez, Norma Mor o Rubén de Flamenco Queer]. Vamos a reivindicar las monstruosidades de cada una, de cuando te empoderas y de ahí sale lo bello”, explican. Parte de ese espíritu estará en sus otras presentaciones. Argumentos para llegar a más público, no les faltan. —yeray s. iborra

n la pista me he querido deshacer de mi ego”. Y no sólo. En la pista todos nos igualamos y, todavía mejor, nos liberamos. Así lo creen Las Bajas Pasiones, así lo cantan en Desaparecer, el segundo tema de su disco Bichx rarx, un nuevo alegato LGTBIQ que aúna mil y un debates y que se suma con galones a una escena trans local concienciada sobre la diversidad de género y sexual formada por artistas como Tremenda Jauría (colaboran en el largo) o Putochinomaricón. Bichx rarx son doce temas en los que lo político no distrae al baile, ni al revés. Los mensajes cabalgan con naturalidad sobre los beats. No están engañando a nadie, trabajan sobre discriminaciones en carne propia. “Estamos bastante cercanos en las vivencias y nos salen cosas que estamos viviendo todos”, comenta Edu Libra, mientras a su lado asienten Dani Vera (Trusty) y Toni Bello (Taboo). Dichos debates conviven con bases de rap, electrónica y guitarras con cadera. Un viaje por aquello que ellos mismos saben que funciona en directo. Al fin y al cabo, Las Bajas Pasiones naciel Madrid 26 febrero, El Sol ron de los encuentros Fúria Queer, l Córdoba 3 marzo, Sala Glam un espacio de fiesta y cuidados l Sevilla 7 marzo, Tavora Teatro LGTBIQ indispensable en Barcel Barcelona 13 marzo, Razzmatazz 3 lona y Madrid. “Las fiestas, haber l Murcia 27 marzo, Sala Yakka ido sintetizando referencias, lo ha l Valencia 28 marzo, La Peligro hecho todo más sencillo a la hora l Oviedo 25 abril, Lata de Zinc de componer. Yo estoy en Girona,

en concierto

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febrero 2020 #19

WALA. WALA.

“El trap es interesante porque juega mucho con la mentira, el ‘fake it until you make it’, por eso representa tanto el momento presente, de apariencias, de mentiras y de ficciones” Pablo Und Destruktion en Jenesaispop.com

“Cuando estás tan lejos de todo sientes que, en realidad, a nadie le importa un pimiento si haces una canción nueva... lo cual es totalmente cierto” Lidia Damunt en Ruta66

“El año pasado en Pitchfork me acusaron de racista... ¿De verdad un tío blanquito de clase media alta desde un ordenador en su oficina de Nueva York me va a decir a mí sobre qué puedo opinar?” Lias Saoudi, de Fat White Family en Rockdelux

“Estoy fascinado con TikTok, porque un meme de 15 segundos te lo puede decir todo”

Camellos ¿Que si quiero o que si tengo? Con la personalidad que les otorgan las distintas influencias de cada uno de sus miembros y unas letras sin filtro que te hablan directamente a ti, jovencito confuso, Camellos han ido llamando la atención progresivamente hasta llegar a su mejor momento, que coincide con la publicación de Calle para siempre (Limbo Starr, 19). Un segundo álbum más compacto y atrevido que su debut con el que escapan del sonido maquetero, y que viene a demostrar que el nivel de inspiración no fue un caso aislado.

l grupo formado por Frankie Ríos, Fernando Naval, Tommy Dewolfe y Jorge Betrán da un paso hacia adelante impulsado por la buena acogida en directo durante el pasado año, fruto del entendimiento con un público cada vez más numeroso. El reflejo en el nuevo álbum es evidente. “Sí que hay una diferencia que noto mentalmente con respecto al anterior disco, incluso con el EP”, confiesa Frankie. “Nos ha dado mucha confianza ver cómo reacciona la gente, y nos hemos atrevido a hacer otro tipo de cosas. Está el sarcasmo de antes, alguna barbaridad en las letras pero también hay más seriedad. Cosa que, igual, si nos hubiera dado un poco más de miedo la reacción hubiésemos podido ser más conservadores, continuando con lo que funcionaba”. Parece que el esfuerzo ha valido la pena, pues

recientemente agotaban entradas en sus presentaciones en Madrid y en Barcelona. ¿Las razones del éxito? Complejo cuantificarlo, pero Frankie se aventura con algunas teorías. “Hemos sufrido los mismos males que mil bandas y, no sé por qué, también ventajas que otras no. Lo de adivinar por qué le gusta a la gente una cosa es como metafísica. Creo que dar una imagen muy desenfadada pero luego ir muy en serio en directo, lo más potente y mejor posible, ha acabado gustando. A veces me ha dado la sensación de que la gente esperaba un show cómico, pero esto es en serio, una hora o lo que dure y a saco. Eso ha podido jugar a nuestro favor”. Llegamos así al tema que sobrevuela irremediablemente la trayectoria de Camellos, su particular sentido del humor. ¿Resta puntos en el mundo del rock? Sus canciones, plagadas de sarcasmo, jerga generacional y bromas semiprivadas son parte de su esencia, y el grupo tiene presente el posible hándicap. “Yo, a título personal, creo que sí”, asegura Jorge, batería. “Por ejemplo, Mamá Ladilla musicalmente son impecables y quizás canciones suyas con otra letra podrían haber llegado a ser otra cosa, nunca lo sabremos, pero es algo que te penaliza. Nosotros nos dimos cuenta de que teníamos el peligro de caer en ser una banda de coña, y me gusta cómo lo hicimos porque en lugar de cambiar hemos seguido más por ahí pero dejando claro que no lo somos. Y la gente lo ha acabado entendiendo”. —bruno corrales

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Putochinomaricón en Revistaderiva. com

caer "Teníamos el peligro de ña" en ser una banda de co

FOTO: LAURA BERMEJO

“A veces, en Berri hacíamos la coña de que éramos como Kofi Annan, porque hemos atravesado por encima de ideologías, lenguas y de todo” Gorka Urbizu, de Berri Txarrak en Rockzone.com #20 febrero 2020

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EL COLUMPIO L

“ " Cada vez hay menos tiempo para la contemplación, para la melancolía, para la tristeza... ¡Joder! es que sentirse mal forma parte de la vida. ¡Siéntete mal! ¡Ya te sentirás bien!"

#22 febrero 2020

os discos importantes acostumbran a tener una historia detrás digna de ser contada. Si, además, el grupo responsable del álbum en cuestión ha sido referente dentro de la escena indie española, ha tardado la friolera de casi seis años en darle vida y encima entrega una obra que introduce cambios evidentes en su sonido, esa misma historia contiene entonces unas cuantas incógnitas que debemos despejar. La más evidente es saber si la propia banda estuvo en peligro de desaparecer como tal, durante el largo impasse entre discos. Albaro Arizaleta (voz, batería) “A ver, hubo un momento en que la continuidad de El Columpio estuvo en el aire ¡eh! Recuerdo un fin de semana en que mi hermano y yo tuvimos una charla en la que se dijo: Bueno ¿qué? Esto está acabado ¿no?”. Dani Ulecia (bajo) “Es que eso forma parte de la evolución natural de las bandas. No se puede mantener un proyecto con toda la vehemencia e ilusión del principio para siempre. No. Tienes que buscar recursos a los que engancharte para seguir haciendo rodar el tren, y a veces esos recursos se encuentran y a veces no”. En cualquier caso lo que resulta evidente es que, tras editar un disco tan complicado y en cierta medida absorbente como Ballenas muertas en San Sebastián (Mushroom Pillow, 14) y embarcarse en su posterior gira, la banda precisaba de al menos un año de desconexión en el que sus miembros, pese a seguir en contacto y verse, se auto impusieron un silencio que les obligaba a no hablar de nada relacionado con el grupo. Fue así como llegaron a 2017. (Albaro) “Nos vimos las caras y fue ¿qué hacemos? ¿grabamos otro disco? Pues venga. Y nos pusimos a ello con un horario de trabajo. Yo de ese año sabático tenía como varios proyectos de canción que fueron puntos de partida, pero a la vez teníamos claro que con Ballenas habíamos acabado una etapa. De hecho fue Dani el que propuso que, como siempre se nos había asociado con el sonido oscuro, podía resultar más transgresor y arriesgado volver siendo nosotros mismos, pero dándole un giro a nuestra música”. ¡Y menudo giro! Ataque Celeste sorprende de entrada por su brevedad –apenas treinta y un minutos repartidos a lo largo de ocho canciones–, después lo hace por su búsqueda desenfadada de la melodía, luego por su desprejuiciado envoltorio electrónico, al que hay que sumar el protagonismo al micro de Cristina Martínez, y por último por mantener, gracias a las letras y las historias que narra, la esencia de El Columpio Asesino. De hecho Raúl Arizaleta (guitarra) me apunta durante la entrevista que han buscado hacer “Perlas sofisticadas”, en el sentido de que han ido tras un sonido más abierto y con más brillo, sumado a una intencionalidad mucho más pop. Y eso es algo que resulta evidente en los singles de adelanto como la pistera Preparada o el balanceo electrónico de Huir, pero también en el fantástico crescendo de temas que están por venir como Siempre está tú o la más sinuosa Mi general. Un cambio de piel en el que la figura de Dani Ulecia ha sido clave a la hora de darle una barniz al sonido del álbum que, pese a la disparidad de lo temas entre sí, le diera unidad al conjunto. Y todo grabado en el mismo local de ensayo de la banda, montando y desmontando de forma continua las canciones, con un nivel de exigencia que por momentos podía rayar lo obsesivo. (Albaro) “En este disco hemos perdido mucho la deriva y, sino llega a ser por Dani que lo recondujo todo y se ha pegado un gran curro, este disco no lo sacamos. Ha sido un álbum en el que lo hemos pasado muy mal. Por ejemplo la canción Tu último relato la grabamos prácticamente in extremis porque ya habíamos firmado contrato con Oso Polita sin estar el disco acabado, y además íbamos cerrando fechas de la gira también sin estar el disco acabado. Estamos hablando que este pasado diciembre todavía no lo teníamos”. Cuesta creer que, tras seis años de silencio, hace apenas seis semanas Ataque Celeste no estaba del todo cerrado. (Albaro) “Si canciones sí que sacábamos, pero también hay que decir que no cerramos cualquier cosa. Además es verdad que nosotros desde Diamantes (Mushroom Pillow, 10) estamos atravesando un periodo difícil y por eso vienen todas esa mierdas de si lo dejas o no lo dejas, porque somos muy conscientes de que nos cuesta mucho componer y, sobre todo, como tenemos una manera de entender la música en la que con cada disco hemos de hacer algo diferente, pues cada vez nos cuesta más. Y no te creas, que incluso hemos estado tomando pastillas porque hemos tenido momentos muy jodidos. Al final, cuando habíamos

Ataque Celeste (Oso Polita, 20) es el regreso a lo grande de El Columpio Asesino tras casi seis años de silencio discográfico. Pero el disco también representa un salto sin red hacia la búsqueda desenfadada de la melodía, aupada en un envoltorio todavía más electrónico que dará que hablar. Un giro radical que les ha dado más de un quebradero de cabeza y en el que reivindican el derecho a sentirse mal. —texto Don Disturbios —fotos Gustaff Choos

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O ASESINO Perlas sofisticadas

EN PORTADA

firmado contrato porque pensábamos que teníamos el disco, va y se nos cae una canción fue... Ten en cuenta que para nosotros que se nos caiga una canción es como si a otro grupo se le caen cinco (risas)”. Lo que resulta meridiano es que este Ataque Celeste no va a dejar a nadie indiferente. Y también que debe servir para volver a colocar a los navarros al frente del cartel de un buen número de festivales, incorporando a un público nuevo, aunque corran el riesgo de que alguno de sus fans más veteranos se pierda por el camino. (Albaro) “No tenemos ni puta idea de lo que van a decir de este disco. ¡Hombre! está claro que mucha gente se va a quedar noqueada porque van a decir ¡qué cojones! Pero también creo que la gente que realmente nos conoce lo va a respetar, porque yo siempre digo que El Columpio tiene ese espíritu escorpión que es: si quieres cruzar el río con nosotros lo cruzas, pero que sepas que corres el riesgo de que te vayamos a picar... Además tengo la sensación de que los seguidores que vayamos a perder, porque este disco no les gusta, lo van a respetar igual porque nos conocen. Y creo, además, que nuestra impronta sigue estando en este disco que, como mínimo, me parece tan arriesgado como el anterior”. Esa identidad se refleja sobre todo en unas letras muy de la casa, que giran alrededor del vacío existencial y hablan sobre la imposibilidad que tiene el ser humano de divorciarse de si mismo. (Albaro) “Exacto. Gira entorno a eso, que es un problema universal que tiene todo el mundo. Unos en un grado, otros en otro grado, ese mito de Mr. Hyde y todo eso. Pero yo quería enmarcar esos problemas personales en un contexto de ahora, que es el “ataque celeste”. Porque hay una obsesión, ya no solo con aprovechar el tiempo, sino por explotarlo, por sacarle rendimiento, por la felicidad obligada. Y ese exceso de positivismo al final nos lleva a un colapso emocional, y a la vez también nos lleva a lo que es una histeria y a una enfermedad social ¿sabes? Una huída hacia delante continua... Cada vez hay menos tiempo para la contemplación, para la melancolía, para la tristeza... ¡Joder! es que sentirse mal forma parte de la vida. ¡Siéntete mal! ¡Ya te sentirás bien!. Eso y no otra cosa es el disco”. —d.d.

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DISCOGRAFÍA ASESINA El Columpio Asesino (Astro Discos, 03) 7/10 Muy lejos queda este debut de los hermanos Arizaleta, en el que mostraban a cascoporro y sin cuartel todas esos referentes de los que se nutrían. Tan ecléctico como sólido, van sin complejos del after-punk al noise, pasando por el indie-rock más yanqui (versión de Pixies incluida). De mi sangre a tus cuchillas (Astro Discos, 06) 8/10 Tras su debut y dos peligrosos y excelentes Ep’s, El Columpio Asesino se gradúa en el indie-rock patrio con este segundo trabajo que resulta más cohesionado, pero igual de lascivo y descarnado. Ecos, como no, a Pixies, pero también a The Velvet Underground.

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La gallina (Astro Discos, 08) 9/10 Su propuesta se afianza con rotundidad. Cristina ya es una realidad en la banda y su aportación vocal empieza a darle una nueva dimensión a un sonido que, ahora sí, se aleja de referentes externos para encontrar un mayor lirismo, juego de contrastes y profundidad. Diamantes (Mushroom Pillow, 11) 10/10 Poco que añadir a lo que no se haya dicho ya sobre este disco. Su consagración definitiva y un single del que van a ser esclavos de por vida, pero con cadenas de oro. Combinan todas sus múltiples caras que son muchas y lo hacen con una maestría que les hace únicos. Ballenas muertas en San Sebastián (Mushroom Pillow, 14) 8/10 Tras la sombra alargada del anterior todo podría conducir al fracaso, pero no. Juegan fuerte y se deshacen de la influencia de Iñaki de Lucas, productor de todos los discos anteriores, para ahondar en su vertiente más oscura, perturbadora y de electrónica insana. —d.d.

febrero 2020 #23

FEBRERO - MARZO 2020 ASTURIAS, EUSKADI, GALICIA, LA RIOJA Y NAVARRA ASTURIAS

LA LATA DE ZINC, OVIEDO 28/02/2020 FÔNAL 08/03/2020 MARIA RODÉS

EUSKADI

SALA CÚPULA TEATRO CAMPOS, BILBAO 13/03/2020 MARIA RODES 20/03/2020 LORENA ÁLVAREZ SANTANA 27, BILBAO 07/02/2020 MACHETE EN BOCA

GALICIA

CAFÉ AURIENSE, OURENSE 20/03/2020 MISSISSIPPI QUEEN & THE WET DOGS LA FÁBRICA DE CHOCOLATE, VIGO 25/02/2020 LORENA ÁLVAREZ

LA RIOJA

BIRIBAY, LOGROÑO 13/03/2020 MARIA RODÉS

NAVARRA

KAFÉ ZENTRAL, PAMPLONA 08/02/2020 MACHETE EN BOCA 28/03/2020 HAKIMA FLISSI

CASTILLA LEÓN, CASTILLA LA MANCHA Y MADRID CASTILLA LA MANCHA

PÍCARO, TOLEDO 13/02/2020 FINO OYONARTE 14/02/2020 MOURN

12/03/2020

LOS SAXOS DEL AVERNO

MOBY DICK, MADRID 07/03/2020 MACHETE EN BOCA

MADRID

CASTILLA LEÓN

MAGOKORO, EL ESCORIAL 01/03/2020 JAVIER ALCÁNTARA

AVALON CAFÉ, ZAMORA 13/02/2020 JAVIER ALCÁNTARA

CLAMORES, MADRID 29/02/2020 JAVIER ALCÁNTARA

C.T. AVALON GREEN, SORIA 07/02/2020 MISSISSIPPI QUEEN & THE WET DOGS

EL SOL, MADRID 20/02/2020 BRONQUIO 05/03/2020 JOSÉ DOMINGO

KARMA, PONTEVEDRA 28/03/2020 BRONQUIO

CATALUÑA, ARAGÓN Y COMUNIDAD VALENCIANA CATALUÑA

APOLO, BARCELONA 12/02/2020 BRONQUIO SIDECAR, BARCELONA 27/02/2020 JOSÉ DOMINGO 30/02/2020 ZULU ZULU FABRA I COATS, BARCELONA 27/03/2020 NANJAZZ logo_nuevo_trazado.pdf

22/2/16

ANDALUCÍA

SALAMANDRA, L’HOSPITALET 21/02/2020 MACHETE ENBOCA

LÓPEZ, ZARAGOZA 08/02/2020 MARUJA LIMÓN

WAH WAH, VALENCIA 06/03/2020 MARUJA LIMÓN

CAFÉ DEL TEATRE, LLEIDA 08/03/2020 NANJAZZ

GENIUS, HUESCA 07/02/2020 MARUJA LIMÓN

EL LOCO CLUB, VALENCIA 07/03/2020 MISSISSIPPI QUEEN & THE WET DOGS

ARAGÓN

COMUNIDAD VALENCIANA

CREEDENCE, ZARAGOZA 28/02/2020 JOSÉ DOMINGO

TEATRE DEL RAVAL, GANDÍA 15/02/2020 FINO OYONARTE

ANDALUCÍA

SALA X, SEVILLA 06/03/2020 JOSÉ DOMINGO LA CALLE, SEVILLA 21/03/2020 MARUJA LIMÓN EL PELÍCANO, CÁDIZ 28/03/2020 FÔNAL

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Triángulo de Amor Bizarro

El Kanka

Alice Wonder

Morgan

Viva Suecia

PUBLIRREPORTAJE

GPS, diez años apoyando el talento emergente y la música en directo Girando Por Salas se encuentra en plena celebración de su décimo aniversario, con una gira conformada por veintiséis bandas y más de un centenar de salas implicadas. Con el apoyo del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) el objetivo de GPS es apoyar a artistas emergentes, potenciando la música en directo, el reconocimiento de la profesión y al mismo tiempo facilitando un circuito de conciertos que favorece la movilidad de los artistas por distintas zonas geográficas dentro del territorio español. Además, la organización ofrece ayudas a las bandas seleccionadas tanto para la producción discográfica como para las acciones promocionales.

n esta décima edición se inscribieron un total de 699 grupos que se sometieron al voto del jurado y también al del público a través de una votación en la web propia de GPS. De las veintiséis bandas seleccionadas, seis lo fueron gracias al apoyo del voto popular. Una vez elegidos, los grupos pasaron a formar parte de la gira de conciertos: 59 actuaciones en directo que empezaron el pasado 18 de enero y terminarán el 9 de mayo. En total, cuatro meses en los que los artistas tendrán la oportunidad de conectar con el público de diferentes salas repartidas por todo el territorio nacional. De las diez ediciones de GPS han formado parte muchos artistas como Mujeres, Los Punsetes, Novedades Carminha, Varry Brava, Mucho, Rufus T. Firefly, Izal… Grupos que en su momento eran emergentes y que ahora es raro que no ocupen un sitio en el line-up de festivales nacionales. Triángulo De Amor Bizarro fueron una de las bandas que formó parte de la primera edición: “Nos

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ayudó a poder desarrollar un poco más el grupo y fue un empujón extra para poder vivir de esto. Como estar subiendo una montaña y encontrar una cuerda puesta”. Para ellos la iniciativa de Girando Por Salas es fundamental “para ayudar al desarrollo de una industria sólida”. Lo mismo opinan Viva Suecia, uno de los grupos seleccionados en la séptima edición, junto con otros como Cala Vento, Los Nastys, Biznaga o Rubén Pozo. “La gente que va a ver a estas bandas sale de los conciertos con un nuevo grupo al que van a seguir y se crea una simbiosis positiva para la música en el país”. Además, el grupo confiesa que la oportunidad que tuvieron con GPS fue la “primera experiencia más profesionalizada para cuatro tíos de Murcia dispuestos a todo por enseñar sus canciones”. Morgan fue otro de los grupos que gracias a esta iniciativa pudo afrontar el vértigo de la primera gira de

una forma diferente. “Pudimos viajar a ciudades en las que pensábamos que teníamos muy poco público, sin ayuda hubiese sido prácticamente imposible hacer esos conciertos en una primera gira”. Y El Kanka, que fue seleccionado en la sexta edición junto con Carmen Boza y Club del Río entre muchos otros, reconoce que lo que se facilita a través de GPS saca a muchos artistas del bucle de: “No puedo girar por miedo a arruinarme, pero si no giro no me doy a conocer”. En la última edición participaron grupos como La Plata, Los Vinagres, Ladilla Rusa y Alice Wonder que asegura recordar esa primera gira con un cariño especial e incluso va un poco más allá. “Salir a tocar es ridículamente caro nada más pisar la carretera y la ayuda económica de GPS me permitió estar más relajada en el escenario sin pensar en el dinero que iba a perder al volver el fin de semana”. Su favorito en la edición de este año es Sweet Barrio: “La gente va a flipar cuando les vea en dirwecto”, confiesa la cantante. Aunque todos los artistas coinciden en que es difícil decantarse porque hay mucha variedad y talento entre los veintiséis seleccionados, al final todos se acaban mojando. Para Triángulo de Amor Bizarro hay grupos muy interesantes como El lado Oscuro de la Broca, Mourn y Aaron Rux. Los chicos de Viva Suecia coinciden con Alice Wonder, y se declaran fans de Sweet Barrio junto con Uniforms y The Levitants, grupo al que atribuyen unos directos súper cañeros. “Es genial que puedan girar por muchas salas y que la gente les vea en acción”. n febrero 2020 #25

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Arco Sonido a sur Arco no se separa del escenario mientras da las últimas pinceladas a su tercer álbum de estudio, que se publicará después del verano. Ya ha lanzado el primer single, Debo, y pronto podremos escuchar el segundo, Las ideas. Entretanto arranca una gira en febrero a nivel nacional a la que seguirán varias fechas por Latinoamérica.

en concierto

“Hay que ser ejemplo de algo cambio si quieres que cambie a tu alrededor”

TAN.LEJOS

ELYELLA La bella y la bestia Son los amos de la pista y acaban de publicar su primer álbum Dreamers (Vanana Records, 19) en el que, además de descubrirnos temas propios, trabajan junto a artistas del indie nacional de la variedad y calidad musical de Jero Romero, Viva Suecia, Zahara o Neuman.

#26 febrero 2020

l Córdoba 1 febrero, El Hangar l Málaga 8 febrero, Cochera Cabaret l Granada 15 febrero, Aliatar l Murcia 29 febrero, REM l Valencia 6 marzo, Loco Club l Barcelona 7 marzo, Apolo l Sevilla 14 marzo, Sala X l Almería 20 marzo, Sala Madchester l Madrid 21 marzo, Mon Live l Benicàssim 10 abril, SanSan Festival

RRDesde ya, los seguidores de Radiohead pueden acceder a una colección online de archivo oficial del grupo con material gráfico detallado, videoclips, directos en alta definición sin publicidad, caras B y canciones aparecidas en recopilatorios. Además, podrán escuchar las listas de reproducción de las sesiones de grabación de In Rainbows, The King Of Limbs y A Moon Shaped Pool o conseguir merchandising agotado que se fabricará a medida y bajo demanda.

a partir del próximo verano. El músico se suma así a otros artistas que ya lanzaron sus cepas previamente como Willie Nelson (Willie’s Reserve) y Snoop Dogg (Leafs). RRSteve Martin Caro, miembro fundador

RREl famoso guitarrista Carlos Santana,

de The Left Banke, falleció el pasado mes a causa de una enfermedad cardíaca a los setenta y un años. Hijo de la guitarrista y cantaora flamenca Sarita Heredia, Steve Martin Caro saltó a la fama en 1966 como vocalista y miembro fundador del grupo de pop barroco The Left Banke.

de setenta y dos años, comercializará su propia línea de productos de marihuana

RREl cantante y compositor norteameri-

llos lo tienen claro. “Con Dreamers queríamos ofrecer un viaje musical por los diferentes estilos que puedes escuchar cuando vienes a vernos en directo”. Y la razón por la cual se han metido en las lides de la producción, así en largo formato, retrotrae de nuevo a su labor como DJ’s. “En la actualidad dos tercios de nuestra sesión tiene nuestro ADN y a nadie le extraña que suenen siempre estos temas; es más, tiene sentido y quieren escucharlos”. Ahora mismo están en la cumbre del diyeismo indie-dance, pero ¿qué es lo que los hace diferentes del resto gente que pincha indie y que han encontrado un filón en la electrónica mainstream? “Intentamos siempre interactuar con nuestros fans en nuestros tan criticados shows”, contestan. Sobre cómo consiguieron que destacados artistas del indie –como Jero Romero o Paco Neuman– a priori

“Intentamos siempre interactuar con nuestros fans” mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

cano David Olney fallecía el pasado sábado en pleno concierto, a los setenta y un años, en el 30ª Songwriters Festival de San Rosa Beach (Florida).

la práctica vocal e instrumental. Y semanalmente seguimos revisando y mejorando nuestro concierto. En cuanto al estudio, el nuevo álbum se está gestando entre Madrid y Barcelona y solemos plantear quedadas de varios días para avanzar”. Arranca una gira con banda a nivel nacional el 1 de febrero en El Hangar de Córdoba. “Llevamos un concierto renovado en todos los aspectos (repertorio, iluminación, dinámica…) y estamos muy ilusionados por cómo suena esto, los ensayos son un disfrute y esperamos llevar esa energía a cada uno de los escenarios que nos esperan”. Después seguirá Latinoamérica. “Estamos esperando a la fecha definitiva de presentación del documental Octavas en el festival In-Edit de Santiago de Chile, ya que estaremos en este evento a finales de mayo. También aprovecharemos y queremos visitar por primera vez Bogotá, volver a mi querida Lima, donde tanto cariño nos dieron en nuestro debut. Y quizás haya otras ciudades, pero depende de cómo final-

RRTras siete años inactivos, My Chemical Romance volvían a subirse a un escenario en diciembre en el Shrine Expo Hall de Los Ángeles, sellando una reunión que se había rumoreado varias veces. Ahora, con el lanzamiento de An Offering…, parece que

mente se logre cuadrar la agenda”. El primer adelanto ha sido Debo, donde el andaluz vuelve a sus raíces. “Aunque no deja de ser un álbum muy diverso y cada canción tiene identidad propia, son unas canciones que suenan a Sur. Con Tato Latorre incidimos en la búsqueda natural de mis raíces, de la herencia recibida, del origen…”. Después seguirá Las ideas, una canción “muy positiva y alegre. Verso sobre la necesidad de empatizar y comprender a todo el mundo dentro de su diversidad, evitando conflictos gratuitos e intentando ser ejemplo de cambio si quieres que algo cambie a tu alrededor”, sentencia. —jesús casañas

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su regreso es oficial y hay nueva música en camino. Al final del videoclip aparece anunciada la fecha de un concierto en el Milton Keynes, en Reino Unido, para el próximo 20 de junio.—MS

generativa asistida por inteligencia artificial para el hotel Sister City de Manhattan. La pieza se titula Kórsafn. La cantante y compositora islandesa ha utilizado tecnología de Microsoft para extraer una selección de fragmentos de sus arreglos vocales favoritos pertenecientes a su archivo.

o compositores es que no se engañen a sí mismos e intenten ocultar a su equipo de trabajo. En nuestro proceso de creación, y en nuestras canciones, nada de lo que hemos hecho se podría haber hecho sin nosotros”. Finalmente les preguntamos si en un futuro próximo dejarán de ser solo dos para dar paso a una banda que pueda tocar en directo, en recintos más grandes, en horarios de headliners y cobrando ya cachés de grupo. Y aquí se muestran contundentes. “La realidad es que el FIB el BBK o MadCool entre otros ya son recintos grandes y en algunos de ellos hemos actuado en los mismos horarios que headliners de la talla de Chemical, Vitalic, Digitalism…. y referente a la pasta, preferimos cobrar en salario emocional”. —fernando fuentes

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en lo que creen

Los murcianos Glas despidieron el año con un primer larga duración que deja claro que van muy en serio: Todo ha cambiado tanto (Autoeditado, 19).

RRBjörk ha creado una partitura

tan poco cercanos a los bombos y los sintetizadores, trabajasen con ellos, Ella y MØNØ dicen que nos sorprendería el buen gusto que tienen ambos para la electrónica. “Fue más sencillo de lo que pueda parecer. A ambos les sedujo la idea de salir de sus registros habituales, nos dieron confianza para proponerles cosas y después fluyo todo muy rápido. Casi todos los que hemos llamado les ha seducido la idea de trabajar con nosotros”. Cuando se les pregunta por qué características concretas y especiales debe de poseer un tema para convertirse en un himno-bomba en los festivales en los que pinchan, nos confirman que tiene que ir directo al sistema límbico, “ese que no entiende de palabras, solo de emociones”. Sobre la presunta utilización de productores fantasmas que venden sus temas a Dj’s del indie-dance, ellos lo tienen claro: “Lo más importante de quien trabaje con otros productores

Glas Aquello FOTO: ARCHIVO

ntonio Arco está a punto de rematar el que será su tercer disco en solitario. “Prácticamente lo tenemos terminado, a falta de algunas voces y mezclas. Es cuestión de semanas que todo esté listo”, asegura el otrora cantante de El Puchero del Hortelano. Está producido por Tato Latorre, con quien ya había trabajado en su anterior álbum. “En esta ocasión hemos contado con más tiempo para trabajar con calma la preproducción y para elegir y revisar las canciones que al final forman parte de él”. Contará con las colaboraciones de Rayden, Diana Navarro e Iván de Efecto Pasillo. El músico granadino admite que “todos ellos han sumado mucho a cada canción de las que cantan, también incluso aportando letra en algunas ocasiones y siendo partícipes de la etapa creativa. He quedado muy contento con el resultado”. Mientras tanto no se ha bajado del escenario. “Intento cuadrar agendas y dedicar cada día un ratito a la creación, de cualquier tipo, a

en concierto l Zaragoza 8 febrero, Las Armas l Valencia 15 febrero, Moon l Murcia 22 febrero, REM l A Coruña 14 marzo, Inn Club l Granada 25 abril, Industrial Copera l Benicàssim 18 julio, FIB l BEnidorm 31 julio - 2 agosto, Low

xplican su nombre diciendo que significa “cristal” en alemán, y que éste simboliza la pureza y el reflejo (“tenemos tendencia a ser bastante positivos en nuestras letras”). Los Glas surgieron en Murcia como la unión de miembros de varias bandas: Paco Ganga (The Leadings, Lofelive), Fede Gas (Varry Brava), Tommy Roch y Álvaro Carbonell (Adiós Nicole) son sus cuatro integrantes. Y tienen claro que, como sucedía con Derby Motoreta Burrito’s Kachimba, esto les ha echado un cable a la hora de enfocar este nuevo proyecto. “Por supuesto que la experiencia con nuestras bandas precedentes nos ha ayudado a entender cómo funciona esto de la música a un nivel más profesional. También nos han aportado el bagaje cultural y musical que nos define y el cual también reflejamos. Sin duda The Leadings tiene mucho que ver en Glas porque la base de los temas las compone el mismo”. El nuevo proyecto de estos murcianos llegaba a la escena con New Order, The Cure, Depeche Mode o Cut Copy como sus grandes pilares, y una idea muy clara sobre lo que querían aportar. “No somos una banda de electropop al uso, nosotros mezclamos la electrónica con la música analógica sin encasillarnos en nada en concreto. Es difícil saber qué nos diferencia de otras bandas e incluso sonaría feo compararnos, pero la potencia, los estribillos directos sin rodeos, la actitud en el directo, tal vez sea el conjunto de todos esos factores lo que nos marca”. En el disco continúan con su apuesta por el pop electrónico a modo de sesión única, al estilo de lo que hizo Stuart Price para Confessions (05) de Madonna “Teníamos ganas de hacerlo así para que la gente viajase a otro mundo y se metiese de lleno en la movida que queríamos transmitir sin desconectar ni un solo segundo del disco”). —pablo tocino

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febrero 2020 #27

FOTO: ARCHIVO

Nada Surf Siempre juntos La banda estrena su octavo trabajo de canciones originales con las melodías intactas pero la madurez propia de quienes superan ya el cuarto de siglo al pie del cañón. Hablamos con Matthew Caws sobre Never Not Together (City Slang, 20).

os citamos en Madrid con Matthew Caws para hablar de las particularidades de este nuevo Never Not Together. “Mi mujer y yo tuvimos un bebé, yo tenía menos tiempo para componer, y la banda vino a Cambridge para ensayar, cosa que nunca habíamos hecho antes”. De ahí que el disco se haya grabado en el histórico estudio galés Rockfield por su técnico de directo Ian Laughton y masterizado en Abbey Road. Por ello estamos ante el disco más británico de la banda, aunque Matthew, que vive en Inglaterra desde hace años, no sepa muy bien qué significa ese adjetivo. También es el más colectivo. “En el pasado, un poco para ahorrar, grabábamos todos y luego me quedaba yo solo para terminar los detalles. En esta ocasión nos quedamos todos hasta el final. En ese sentido, es un disco más grupal que otros. Cuesta más hacerlo así, pero creo que es mucho mejor”. Con una menor participación del guitarrista Doug Gillard y una mayor del teclista Louie Lino, el álbum no se resiente del inevitable toque de madurez que aporta la experiencia acumulada. “Venía pensando en esa cita de Joe Strummer que decía ‘quiero envejecer con mi público. No quiero ser un tío de cincuenta años cantando a críos de dieciocho’. Bueno, si a un

#28 febrero 2020

“No quiero ser un tío de cincuenta años cantando a críos de dieciocho”

EL APUNTE

Europa en el corazón Desde hace años, Matthew Caws, Daniel Lorca e Ira Elliot mantienen un idilio especial con España y Francia. El cariño es recíproco. Caws y Lorca se hicieron amigos en el Liceo Francés de Nueva York. La conexión española viene de parte del bajista madrileño, cuyo carisma siempre ha caído bien por aquí. La cosa viene de lejos: Elektra ni siquiera publicó en Estados Unidos su segundo álbum The Proximity Effect (98) y rompió con ellos mientras estaban de promo por Europa. Lejos de venirse abajo, despegarían con el memorable Let Go (02) y una presencia constante en escenarios y festivales europeos. Desde entonces, han continuado desplegando sus encantos con discos que nunca han bajado del notable y han recibido mayor atención en nuestro continente: The Weight Is A Gift (05), Lucky (08), The Stars Are Indifferent To Astronomy (12) y You Know Who You Are (16). En 2010 publicaron el álbum de versiones If I Had A Hi-Fi, en el que se atrevían con una estupenda versión de Mercromina (Evolution) en su idioma original. Para conmemorar el quince aniversario de Let Go (02), artistas españoles como La Habitación Roja, Lagartija Nick o Viva Suecia reinterpretaron sus canciones en Tu aura brilla más (18). —j.c.p.

montón de chavales de dieciocho años le gusta este disco, genial, pero creo que es así. Quiero ser maduro porque me siento un poco menos dramático. Me alegro de ser mayor”. Eso no le impide embarcarse en alguna aventura, como la parrafada de Something I Should Do, donde le da una vuelta de tuerca al espíritu de su temprano hit noventero Popular. “Daniel (Lorca, bajista) me mandó un mail diciéndome que alguien en Francia escribió en Twitter que deberíamos hacer una nueva versión de Popular sobre los medios sociales y los memes. Pensé que era una idea terrible, pero me quedé con ella. Un día fui a visitar a mi amiga Autumn De Wilde a Londres y escribí en el tren toda la parrafada en diez minutos. Y bueno, lo que sucede es que ¡algunas preguntas son tan grandes que no sabes qué decir! Creo que el mundo moderno es una locura. La canción migró a una conversación. Paso muchísimo tiempo online o en Twitter. No creo que sea una buena idea, pero es así”. Es inquietante pensarlo, sí, pero aunque ha sido testigo privilegiado del Brexit, que define como “una auténtica tragedia”, el cálido humanismo marca de la casa permea el álbum desde el mismo título, inspirado por una canción de Bon Iver. “Nunca he querido celebrar la oscuridad. No hay

“Quiero ser maduro porque me siento un poco menos dramático. Me alegro de ser mayor nada romántico en ello”. Si echa la vista atrás, el compositor califica de “bastante milagroso” haber llegado hasta aquí. “Que cada uno vivamos en una ciudad distinta es una locura, pero si nos hubiéramos forzado a estar en un mismo lugar los discos no habrían sido tan buenos… o quizá habrían sido mejores y nos habríamos separado. A estas alturas tenemos un contrato social con nuestro público: somos muy afortunados”. —jc peña

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en concierto l Valencia 4 mar zo, Moon l Murcia 5 marzo, Sala REM l Madrid 6 marzo, La Riviera l Bilbao 7 marzo, Kafe Antzokia l Pamplona 8 marzo, Zentral

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MONDO FREAKO

Milky Chance FOTO: ARCHIVO

“Cuando escribes tienes que evitar copiar ese hit que tuviste en el pasado” Barcelona (17 febrero, Razzmatazz) Madrid (18 febrero, La Riviera)

AgeNda. febrero

Málaga (1 febrero, La Trinchera) Murcia (21 febrero, Sala Spectrum) Mislata (22 febrero, Sala Repvblicca) Sevilla (6 marzo, Sala Fanatic) Barcelona (20 marzo, Sala Bóveda) Madrid (27 marzo, Independance)

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#30 febrero 2020

Little Pepe publicó recientemente El Real One Love (Boa Música, 19), un álbum grabado junto a Acción Sánchez de SFDK en el que ha recogido lo mejor de su amplio conocimiento del reggae y lo ha pasado por un filtro que en esta ocasión lleva los colores de su tierra, Málaga, y muchos años de experiencia.

ittle Pepe ha construido un álbum largo, de hasta quince canciones, en el que pone el foco sobre el amor, Dios, la familia, pero también sobre las injusticias sociales y la disparatada carrera capitalista en la que todos participamos. Dice el malagueño que El Real One Love es “El apodo que me he ganado a lo largo de estos años por estar haciendo música por todos lados”. También es el nombre de su álbum, un proyecto interesantísimo en el que ha trabajado muchas horas codo con codo con Óscar ‘Acción’ Sánchez de SFDK en La Factoría Creativa, el nuevo proyecto de producción de SFDK. Un Acción Sánchez que ha llevado la batuta musical del trabajo. “Desde el principio ha tenido en su mano dinero para comprar bases, tenía un presupuesto para eso y ha indagado, ha buscado pero al final me gustaba más lo que me ponía él. Hay muchos más productores en el disco. Está Niggaswing, hay gente de Alemania… mucha gente implicada, pero al final tiene el toque de Óscar porque, incluso cuando las producciones eran de otros, Óscar estaba metido ahí”. Con Sevilla como centro de operaciones y la brutal influencia, fruto de su amor por Málaga, que Andalucía tiene en Little Pepe, El Real One Love quizá sea su disco más personal, en el que la esencia de la actual música popular andaluza más se mezcla con el reggae, la pasión de Little Pepe desde que era un niño. “Yo me acuerdo de ir del brazo de mi mamá con seis, siete, ocho, nueve años y ver ahí a la gente con las rastas tocando los timbales y yo decía ‚yo quiero ser como ellos’ y tuve la suerte de que Ángel, un amigo del barrio (el único que tenía Internet), me fue a regalar los discos que se bajaba de Napster, con las carátulas, y yo me los estudiaba, como diez discos a la semana y eso que no entendía un carajo. Me dio hasta un dossier de expresiones de diez o doce páginas para poder entender las palabras, para que yo tradujera”. Colaboraciones con Green Valley o el propio Zatu de SFDK se mezclan con las de Pinnacle Rockers o Fyahbwoy para conseguir que este trabajo suene profesional y auténtico.

Milky Chance se presentaron al mundo en 2012 con Stolen Dance, un hit inmediato que les llevó a coronar las listas de reproducciones. Siete años después, el trío alemán acumula en su haber una extensa lista de conciertos por todo el mundo y tres discos, de los cuales el más reciente, Mind The Moon (Universal Music, 19) vio la luz el pasado mes de noviembre.

a grabación del nuevo trabajo de Milky Chance, Mind The Moon, vino precedida de una extensa gira de conciertos. Si para otros grupos lo más natural hubiera sido tomarse un respiro entre el fin de gira y la entrada al estudio, para los alemanes “fue el momento perfecto. Durante los viajes se nos iban ocurriendo nuevas ideas y canciones, y ya estábamos ansiosos por volver al estudio”, cuenta Clemens Rehbein, vocalista de la banda. Una vez inmersos en la creación del disco, decidieron grabarlo en cuatro lugares distintos (Kassel, Berlín, Italia y Noruega). “El primer álbum lo grabamos en casa de mis padres. El segundo lo hicimos en un estudio cerca de donde vivo. Y con el tercero queríamos algo completamente distinto. Queríamos buscar la inspiración a través de las vibraciones que nos podían transmitir diferentes lugares”, explica. Algo que también tenían claro a la hora de ponerse a trabajar en el nuevo disco era el punto de partida de su sonido. Tomando como referencia el minimalismo de su primer trabajo, a la hora

de grabar Mind The Moon –en el que colaboran Tash Sultana o Ladysmith Black Mambazo– partieron de “la idea de volver a ese minimalismo, pero con los conocimientos adquiridos diez años después. Todo ello con el fin de darle pureza a este nuevo trabajo”. Un disco en el que también volvemos a encontrar unas de las señas de identidad de los de Kassel: la mezcla de letras melancólicas con melodías bailables. “Esa es nuestra forma de escribir canciones. De alguna manera esta mezcla es algo natural, ya que cuando estás pasando por algo malo y triste, resulta pesado en nuestro interior y tienes necesidad de soltarlo, y la mejor forma para lograrlo es moviéndote, dejándote llevar por melodías que nos hagan bailar”, explica Rehbein. No obstante, pese a insistir en esa forma de hacer canciones a lo largo de su trayectoria, tienen claro que sería un error intentar repetir un hit como Stolen Dance ya que “cuando escribes canciones tienes que evitar copiar ese hit que tuviste en el pasado. Simplemente tienes que sentirte bien cuando estés componiendo las nuevas canciones. Una canción excelente y de tal repercusión mundial como fue Stolen Dance no volverá a suceder, hay que ser realistas”. Otro de los puntos fuertes de la banda son sus conciertos. Es en directo donde sus canciones ganan más fuerza, algo que han podido comprobar en cada una de sus visitas a España: “siempre que hemos tocado allí ha sido hermoso y disfrutamos mucho. La gente se volvía loca en los conciertos. Los españoles tienen mucha energía”, comenta entre risas el cantante. —guillermo chaparro terleira

FOTO: ARCHIVO

Little Pepe

—luis m. maínez

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Digitalism “Por alguna razón, seguimos sorprendiendo a algunas personas” Madrid (14 febrero, Sala But; Inverfest) Barcelona (15 febrero, Razzmatazz) Murcia (1-2 mayo, Warm Up Festival) Palencia (13 junio, Palencia Sonora) Benicàssim (19 julio, FIB Benicàssim)

Murcia (13 febrero, REM) Valencia (14 febrero, Moon) Barcelona (15 febrero, Festival CaraB) Madrid (20 febrero, Ochoymedio) Zaragoza (21 febrero, Las Armas) Granada (22 febrero, El Tren) Córdoba (23 febrero, Hangar) Sevilla (24 febrero, Sala X) Oviedo (26 febrero, La Salvaje) Bilbao (27 febrero, Kafe Antzokia) Donostia (28 febrero, Dabadaba) Vigo (29 febrero, La Iguana) Ourense (1 marzo, Cafe Torgal)

El futuro luce con esplendor para los argentinos. No ha dejado de crecer desde La dinastía Scorpio (13), sobre todo con La síntesis O’konor (17). Ahora Santiago Barrionuevo y los suyos entregan La otra dimensión (Primavera Labels, 19), un reverso de canciones que no pudieron tener cabida en su anterior trabajo.

FOTO: WILL ZHANG

H El dúo alemán Digitalism va y viene de la actualidad, pero lo que es evidente es que siempre mantienen viva la capacidad de publicar buenas canciones. No hay más que escuchar su último disco, JPEG (Magnetism, 19), para encontrar unas cuantas.

uando el dúo de productores alemanes Digitalism comenzó su carrera a mediados de los dos mil, otro dúo llamado Justice había sacado un poco antes ese hitazo que fue Never Be Alone en el sello de Ed Banger. Ellos comenzaron a publicar sus primeros trabajos a través de otro sello francés, Kitsuné, que también se especializó en esa mezcla de electrónica y pop que surgió en aquella época y que con el tiempo se volvería algo más agresiva, cruzaría el Canal de la Mancha, y acabaría por derivar en otro estilo de mucho éxito: el famoso new rave que popularizaron Klaxons y compañía. “Fue una época muy loca. La gente hacía muchas cosas juntos: había menos separación entre géneros musicales que la que hay ahora; todo era fluido de alguna manera. El techno se inspiró en la música de guitarras. Las bandas independientes comenzaron a usar sintetizadores y cajas de ritmos techno. Todo estaba al revés”. Unos cuantos años después quedan pocos grupos de esa época que hayan aguantado, y más aún que todavía tengan algo interesante que decir. Por eso no podemos más que sorprendernos ante la calidad de este nuevo disco en el que siguen sonando frescos y con cosas que decir. “El nuevo álbum ha sido muy bien recibido por los fans y por la prensa. Prometimos a nuestros seguidores que lanzaríamos un nuevo disco en 2019 y cumplimos

nuestra promesa. Por alguna razón, seguimos sorprendiendo a algunas personas”. Un trabajo llamado JPEG en el que se han volcado para volvernos hacer bailar y emocionarnos con su música. “JPEG representa la forma en que vemos nuestra música. Las canciones son como pinturas o instantáneas de emociones y experiencias, y estamos tratando de recrear ese sentimiento con música”. A lo largo de doce temas, que varían bastante de duración y de estilos, tocan algunos palos como ese french-house de los inicios con un toque más gamberro; toda una delicia de principio a fin que muestra su buen estado de forma y lleva a preguntarnos de dónde sacan su inspiración para seguir publicando temas tan buenos después de todo este tiempo. “La inspiración surge a menudo inesperadamente de la nada cuando estamos en el estudio. Las grandes influencias para nuestro trabajo siempre han sido la música de los videojuegos de los ochenta y las bandas sonoras en general. Y el concepto musical de la ‘coda’: ese bucle interminable al final de una canción, el final de una película que sigue y sigue”. También tiene algo que ver su profesionalidad a la hora de afrontar la composición de los temas, destacando su intenso trabajo en el estudio de grabación, un estudio que les inspira mucho para componer, pero del que se mudarán en breve. “Nuestro estudio ha estado en un búnker de la Segunda Guerra Mundial durante años, y acabamos de comenzar uno nuevo que se encuentra en un antiguo almacén de té del siglo XIX. Son edificios realmente inspiradores, y el búnker con su crudeza ha condicionado mucho nuestro sonido. No tiene ventanas y está completamente oscuro cuando apagas las luces, así que tienes que inventar cosas, imaginar cosas, crear algo”. —raúl linares

ubo un cambio fuerte con La dinastía Scorpio, que fue el primer trabajo que editamos en España, en Estados Unidos… empezamos a hacer giras largas por todas partes y tuvimos que acomodarnos un poco a eso. Pero bueno, no es una queja (risas), te acomodas porque surgen un montón de oportunidades para mostrar nuestra música y creo que eso se duplicó con La síntesis O’konor. Empezamos a viajar a más lugares por nuestro continente que están fuera del circuito, lugares que nos son algo ajenos pero con gente cantando las canciones, que es algo que nos emociona mucho”, me comenta Barrionuevo telefónicamente. Con este nuevo tratamiento el muro de guitarras marca de la casa ha dejado lugar a nuevas ideas.“Ahora pasa todo por otro lado, por otras estructuras, por otros climas que se generan gracias a estas estructuras y estos detalles de texturas que tienen

otro protagonismo, con otra función digamos, y que antes dejábamos más de lado”. En su último trabajo, La otra dimensión, canciones ya publicadas disfrutan de una nueva vida en un nuevo recorrido más intimista y sin tanta urgencia. “El disco, no por algo planeado, sí que fue quedando como una versión más relajada de La síntesis O’konor, más climático, con otras pausas, con esas versiones acústicas que le bajan el pulso pero que ganan en otro lado, así como más emocional”. El ritmo de la banda resulta frenético en cuanto a conciertos, lo que no les impide seguir componiendo y ahondando en el camino iniciado en La síntesis O’konor. “Tenemos canciones como para empezar a hacer el trabajo de darle forma definitiva. A algunas les faltan letras, algún detalle, partes… pero en su base más fundamental tenemos bastantes canciones. Un poco sí que vamos a seguir esa línea, es algo que nos entusiasma, que también tardamos en desarrollar y en el momento en el que llegamos a ese lugar nos encantó y lo queremos seguir recorriendo”. Entre tanta actividad, hay proyectos que han tenido que esperar, como el split con Los Planetas. “Me han invitado a cantar un montón de cosas y me entusiasma que lo hagan, pero después quedo mal (risas). Pero bueno, la canción con Los Planetas la pudimos grabar, lo hicimos en Barcelona en medio de una gira”. También el esperado estreno en solitario de Santi ha ido sufriendo contratiempos. “Empecé el disco hace ya dos años y grabé las bases en un estudio acá en Buenos Aires. Lo que pasa ahora es que volví a escuchar las viejas bases y ya no me gustan (risas), pero no las quiero abandonar, son canciones que las quiero mucho y espero encontrar alguna vez el lugar para grabarlas de una”. —manuel novo

FOTO: ARCHIVO

Él Mató a un Policía Motorizado

febrero 2020 #31

33/Mondo VINILOS

Underworld

Fat Joe & Dre

Drift Series 1. Sampler Edition Caroline/ Music As Usual

ELECTRÓNICA / El veterano proyecto Underworld vuelve a la carga con un nuevo trabajo en el que demuestran que la edad no va unida con una falta de inspiración ni de ganas de currar. A lo largo de cincuenta y dos semanas Rick Smith y Karl Hyde no han parado de producir música y de colaborar con varios músicos y artistas audiovisuales para dar como resultado Drifter, un trabajo en forma de cinco epés y un DVD de cortos. El disco que nos ocupa es Drift Series 1. Sampler Edition, diez de los mejores temas de esos trabajos en los que cuentan con colaboradores tan interesantes como el productor de techno inglés Ø-Phase (Border Country) o Lewis Evans y Georgia Ellery del grupo Black Country, New Road (Appleshine y Schiphol Test). Aún les quedan ganas para hacernos bailar y emocionarnos al mismo tiempo. —raúl linares

La sanación de María José Llergo María José Llergo Sanación Sony

FLAMENCO / Un cante libre, pasional y trascen-

dente, sin ataduras ni cuentas pendientes, pero comprometido socialmente con su ahora y con la tradición que sustenta cada uno de sus quejíos. Así nos llega la joven cantaora cordobesa (Pozoblanco, 1994) María José Llergo, como un rayo de luz auténtico que emana calor propio y escapa del frío de las modas, mutando en brisa fresca y juguetona, provocando quemaduras y sanando al mismo tiempo. Aire nuevo y combativo a su manera, palpitante de honestidad que esquiva el omnipresente eco rosaliano y toda etiqueta castradora de libertad creativa. Un dejar fluir por sus propias venas la sangre de los pueblos oprimidos, reavivando su memoria con el fuego de una poética curativa que mira al mundo a los ojos y da voz al dolor de los silenciados. Tocados y hundidos quedamos rápidamente con la modernidad descarnada de ese canto clásico y profundamente cristalino de Nana del Mediterráneo, single que meció entre lágrimas a la luna y que ahora abre la cara B de este flamante Sanación, narrando e interpretando a corazón abierto las vidas que injustamente se traga y duerme el mar para siempre. La reivindicación continúa con fuerza genuina en Me miras, pero no me ves,

donde las raíces se empapan bajo una fina capa de electrónica, percusiones tribales y el soul de una garganta hipnótica, enfocando las heridas que suelen estar fuera de plano: De la desigualdad de género y raza, a la falta de expectativas de la juventud, lastrada por la desesperanza. En medio, El péndulo, ese vaivén de cambios y sentimientos que marcan el rumbo del sin sentido de vivir. Quizás la pieza más ambiciosa, urbana y ecléctica del lote, que bambolea el aire con regusto lynchiano, a base de R & B, compás flamenco y una elegante y envolvente sesión de cuerdas. Con Lost Twin dejando, como en los cortes anteriores, su sello en la producción. Pero es en el primer parpadeo, cuando la aguja se abre paso entre los surcos iniciales, donde encontramos el motor sentimental de María José Llergo: La voz de su abuelo Pepe, la persona que le enseñó a amar el cante sin imposturas, al son del escardillo, el olor a tierra mojada y La niña de fuego de Caracol. Memoria, recuerdos y cariño que nos hacen ser lo que somos. Una ¿De qué me sirve llorar? en la que Llergo rezuma sensibilidad flamenca y arte. Pureza desencadenada que se extiende por esta cara A en la iniciática Niña de las dunas, para volver a darle alas a la tradición y volar en otro de los temas más futuristas de Sanación, los cantos de sirena de Soy como el oro. Cierra cara con El hombre de las mil lunas, en la que vuelve a abrir las aguas del pasado y del futuro, fundiéndolo en un presente magnético que la encumbra desde ya como una de las artistas más imprescindibles y singulares del momento. —david pérez

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Family Ties RNG/Empire

RAP / Fat Joe, una leyenda del rap norteamericano que ha decidido retirarse y lo hace de la mano del músico y productor Dre. Aunque, desgraciadamente, con un trabajo que no pasará a la historia del género. Aunque es de agradecer el intento del artista por despedirse intentando modernizar su discurso. En este caso, Fat Joe intenta juntar sus rimas old school con sonidos más actuales y la cosa le queda algo descafeinada. Es más, en los cortes que intenta no sonar tan moderno, sobre todo al inicio del disco, la cosa funciona más que dignamente. En cuanto Dre toma el control y juega a ser Drake u otros productores de sonoridades más actuales y/o latinas que dirigen el cotarro, la cosa se tuerce. Hay pelotazos, momentos de puro edulcorante artificial y colaboraciones de altura, pero al final te deja un sabor agridulce.

—marcos molinero

White Reaper

The Flaming Lips

You Deserve Love Elektra

POWER POP / Recomen-

dados por Billie Joe Armstrong, White Reaper llegan con este You Deserve Love a su tercer disco. Un álbum, en mi opinión, más abierto que los anteriores. Y me refiero al estilo. El grupo de Louisville ha ampliado su gama de sonidos y al habitual punk-rock y power pop han añadido detalles más clásicos que los acercan a la new wave o al AOR. Y no lo digo como algo negativo, sino como aviso a navegantes. Y es que tienen entre ceja y ceja convertirse en algo grande y piensan que esa es la forma. Puede que tengan razón, pero lo que es seguro es que, curiosamente, eso hará radicalizar a los que escuchen su música. De golpe se han convertido en una propuesta de esas que no dejan a nadie indiferente. De las que amas u odias. —eduardo izquierdo

The Soft Bulletin Recorded Live... Warner

POP / Celebrando el vigési-

mo aniversario de The Soft Bulletin (99), The Flaming Lips reclutaron a la Orquesta Sinfónica de Colorado para ofrecer una épica y espectacular relectura del álbum en cuestión. El resultado de juntar sobre el escenario la elegancia instrumental propia de una orquesta sinfónica y a una banda tan imaginativa, con la intención de perpetrar un conjunto de canciones inspirado y probadamente atemporal, propiciaba forzosamente unas expectativas de lo más jugosas. Unas perspectivas a la postre satisfechas, con la orquesta añadiendo un sinfín de texturas sonoras adicionales con respecto al original y elevando los temas hasta niveles inéditos. La psicodelia del grupo se entrevera en armonía con arreglos clásicos consiguiendo una experiencia emocionante e implicante. —raúl julián febrero 2020 #33

MONDOVINILOS

Yann Tiersen

Portrait Mute

La madurez de Núria Graham Núria Graham

Marjorie Primavera Labels

8 POP / Puede sonar osado, precipitado y, hasta cierto punto imprudente afirmar algo así con tanta rotundidad. Pero Núria Graham ha grabado el disco de madurez que nadie esperaba a estas alturas. A sus veintitrés años, sin pedir permiso, derribando barreras y mirando de tú a tú a quien pretenda retarla. Que nadie confunda su mirada y sonrisa inocentes como signos de fragilidad, porque son la demostración de que Graham se enfrenta a cada movimiento con naturalidad y sin complejos, algo que consigue gracias a una cabeza muy bien amueblada y un entorno que la mima y mantiene con los pies en el suelo. A su edad medita y razona cada uno de los pasos de su carrera, algo que la lleva a no dar jamás ninguno en falso. La catalana se muestra siempre emocionalmente equilibradísima y cono-

Travis Scott & Jackboys

Sun Of The Dying

Jackboys Cactus Jack/ Epic

TRAP / Travis Scott es uno

de los artistas más importantes del panorama musical. Su anterior trabajo, Astroworld, (18) fue aclamado por unanimidad como uno de los mejores del 2018. Por desgracia, no ha conseguido repetir el éxito en este Jackboys, su primer proyecto junto a varios artistas de su compañía, Cactus Jack. En Jackboys encontramos una sorprendente colaboración con Rosalía, así como otras –más esperadas– con grandes nombres de la escena norteamericana como Lil Baby o Young Thug. El proyecto es desigual. Mientras que un tema como Gatti se encuentra entre lo peor que ha lanzado Travis Scott en los últimos años, otros como Gang Gang –con Sheck Wes– funcionan perfectamente. Si bien es cierto que, tras una primera escucha, el álbum puede caer perfectamente en el olvido (no esperéis aquí nada revelador de Rosalía), con las escuchas sucesivas gana enteros gracias al inimitable estilo de Travis Scott y a unas muy buenas producciones que lo respaldan. —luis m. maínez #34 febrero 2020

Roddy Ricch

DOOM / Con su segundo

álbum, la banda madrileña pulveriza los registros de un disco interesante, aunque irregular, como fue The Roar Of The Furious Sea (17). El sexteto, en el que se halla algún que otro componente de los desaparecidos –y reivindicables– As Light Dies, regresa con un disco mucho más robusto y, sobre todo, ambicioso: no en vano, su edición corre a cargo de Art Of Propaganda, hogar de los austriacos Harakiri For The Sky. Tres cuartos de hora de una gran carga emocional en los que consiguen revertir su principal defecto –la fuerte influencia de My Dying Bride o los primeros Anathema– mediante una capacidad compositiva incuestionable, además de resolver de forma solvente los complejos arreglos –por ejemplo, los de Monolith, punto álgido del disco– que la excelente producción de The Earth Is Silent no hace más que realzar. Sombrío, emocionante y, a todas luces, convincente.

—tomeu canyelles

RAP / Roddy Ricch es uno de

los jóvenes talentos de la escena trap norteamericana y lo que ya venía apuntando ha terminado de explotar en 2020 con este Please Excuse Me For Being Antisocial, que se ha aupado (en dos ocasiones) al Nº 1 de Billboard. Lo ha conseguido porque este álbum es el ejemplo perfecto de cómo el sonido trap ha alcanzado la perfección formal como música mainstream y, también, porque Roddy Ricch es uno de los mejores de su generación. Ricch ha conseguido armar un trabajo en el que sobresale la calidad de las producciones (Mustard, Fabio…), la buena elección de los featurings (suman y el artista no se difumina) y la incontestable versatilidad de la que hace gala a lo largo del trabajo, que le permite acercarse al sonido Atlanta a pesar de que es un artista de Compton, una de las cunas del sonido West Coast. The Box, High Fashion o Prayers To The Trap God dan buena prueba de que Ricch es uno de los nombres más prometedores del momento. —luis m. maínez

Pinegrove

Marigold Rough Trade/ Popstock!

La Cruz La Vendición

URBAN / Haber nacido en Ceuta, residir actualmente en Granada y tener veintiséis años son, cuando menos, ingredientes interesantes a la hora de ofrecer una propuesta musical. Es el caso de Soto Asa, que acaba de lanzar La Cruz, mixtape en la cual se atreve a experimentar con el trap para acercarlo al reggaetón sin ningún tipo de prejuicio. Las letras son duras y oscuras, pero el ritmo digno de ser pinchado en la pista de baile. Y esa es una combinación peligrosa si lo que buscas es permanecer en el underground y no caer en la radiofórmula. Sin embargo, él sabe con quiénes rodearse para no desviar su visión y sonido: Yung Beef, La Zowi y DJ Florentino, entre otros, colaboran en el proyecto. La Cruz tiene joyitas como Iahla o La Nesesito, pero algo nos dice que no pasará a la historia del trap nacional y que Soto Asa podría haberlo hecho mejor. No obstante, pensar eso sobre un artista que acaba de despegar hace relativamente poco no está nada mal, ¿no? —álvaro tejada

CONTEMPORÁNEA/ El día

que se evalúe el grueso de la trayectoria de Yann Tiersen, 2019 será un año que brille de forma especial. No en vano, si a principios del mismo, se sacaba de la manga All (18), uno de sus pináculos discográficos, ahora le toca a Portrait, una especie de examen interior abocado hacia la oscuridad. Tanta luz y afrancesamiento achampañado nunca fueron del gusto de Tiersen, que a través de estas veintidós reinterpretaciones de su repertorio, más tres temas de nueva cosecha, le dedica una transfiguración muy especial a la su espectro luminoso. En este sentido, su reinvención siniestra de La Dispute, una de las piezas más reconocidas de Amelie, no podría ser más significativa. Por otro lado, Stephen O’Malley, de Sunn O))), es pieza básica en Prad, uno de los temas nuevos de tan abrumador repaso a un cancionero que, tal como indica el mismo título del álbum, es el verdadero retrato de Dorian Gray de un músico en estado de gracia. —marcos gendre

Soto Asa

Please Excuse Me For Being Antisocial Atlantic/ Warner

The Earth Is Silent Art Of Propaganda

cedora de las herramientas con las que trabaja. Aunque, como siempre ocurre con los grandes artistas, todo depende de la combinación entre el talento y el grado de compromiso. Precisamente de eso no adolece Núria Graham. Para su tercer disco, con viajes a esa Irlanda que la nutre de ideas, la de Vic canta con un tono grave y profundo, interpreta con más serenidad y aplomo. Sirva como primer ejemplo Connemara, canción en la que nos cuenta cómo alguien que no esperas desaparece. En Do You Wanna Wake Up For A While Everyday ríe de inicio, haciéndole por el camino un guiño a la euforia controlada de Florence Welch, mientras que en Hazel parece invocar a la lluvia de ranas de Magnolia como hacía Aimee Mann. Y podríamos seguir canción por canción, destacando piezas como Shirley –en la que recupera el estilo de Does It Ring A Bell?–, Heat Death –en la que se cuestiona si es necesario seguir buscando respuestas– o No Returning, una demostración más de que la madurez no está reñida con la juventud. Que se lo pregunten a la Graham. —toni castarnado

POP / Les estábamos esperando y os explicaré por qué, pero antes dejadme apuntar algo sobre el pasado reciente de la banda. Pinegrove empezaron a despuntar en el 2016 con Cardinal, su segundo trabajo, y se convirtieron en la banda de indie folk y americana de los emos modernos. Solo un año después, cuando la banda atravesaba su mejor momento, el cantante y compositor de la banda, Evan Stephens Hall, decidió aparcar el proyecto y cancelar numerosas fechas. Los problemas personales y legales con los que estaba lidiando Hall, en los que tampoco toca entrar ahora, forzaron el hiato indefinido de la banda, que perdió el apoyo de su sello. Ya tenían un nuevo disco grabado, Skylight (18), que finalmente lanzaron ellos mismos como pudieron y pasó bastante desapercibido. Si la banda de New Jersey ya destacaba por sus letras personales e introspectivas, en el presente Marigold, Hall se desnuda como nunca y airea sus heridas. —luis benavides

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Syberia

POP ELECTRÓNICO / Pet Shop

Boys publican el decimocuarto álbum de su carrera, en un momento en el que ese synth-pop que Neil Tennant y Chris Lowe vienen facturando desde hace décadas se encuentra en evidente auge. Un tirón que los londinenses aprovechan para realzar estatus, tras sonar descaradamente vigentes y encantadores, además de sugerir esa seguridad del que se sabe experto en la materia. Diez piezas que no incluyen grandes sorpresas, con el esperable indie-pop electrónico –elegante y cuidado– protagonizando el hilo argumental al tiempo de concretar un notable nivel compositivo. Hotspot incluye canciones imponentes y pegadizas, pero también cortes preciosos recreados en su carácter introspectivo y prueba, en definitiva, que Tennant y Lowe se mantienen irónicos e inteligentemente cáusticos. Además de tremendamente influyentes e inquietos a la hora de retocar sonidos pretéritos para que luzcan tan vanguardistas y actualizados como ellos mismos. —raúl julián

POST-ROCK / Escuchar postrock exige pensar de un modo distinto al habitual, pues se abre un debate mental sobre los significados de la música, el ritmo, la vibración, sin ser esta una actitud que forzada, y acabando siempre como una adictiva pero insignificante divagación. Los barceloneses se enfrentan de nuevo a eso, con una continuidad de calidad creciente, desde el anterior Resiliency (15) o su debut discográfico, Drawing A Future (12). De nuevo, nos abruma una especie de relato sonoro en el que parece predominar un espíritu de lucha contra lo sistémico y lo preestablecido como eje que vincula, figuradamente, sensaciones con temáticas; una especie de sinestesia sonoro-política. Mensajes que, aun así, se disipan en la oscuridad de lo intangible. Beirut aspira a sonar como el aliento de una ciudad que se reconstruye tras la guerra. Y de eso habla quizá, en suma, este álbum: de la regeneración. Un álbum meditativo, de conciencia y energía. —rubén g. herrera

Bigger Than Life Sacred Bones/ Popstock!

POP / Algo ha cambiado en

el sonido de Black Marble. Desde los primeros instantes percibimos una atmósfera con mayor luz y vitalidad que en sus anteriores discos. Chris Stewart achaca este cambio a la edad: “se trata menos de cómo veo las cosas y más de cómo son las cosas”. Si bien es cierto que su esencia coldwave aún está presente, Bigger Than Life nos presenta a un Black Marble más cercano a un synthpop con ganas de baile y nostálgico gracias al protagonismo de unas melodías a base de sintetizadores que nos evocan esa adolescencia ochentera que, sin haberla vivido, todos tenemos en el imaginario colectivo gracias al cine y la constante retromanía en la que vivimos. Una sensación que alcanza sus cotas más altas con los bonitos temas instrumentales que esconde el disco. Es posible que con este nuevo trabajo, Black Marble pierda autenticidad, pero su incitación para seguir bailando (y soñando) en la oscuridad sigue intacta.

DD LJM

DC JSL

1 María José Llergo 8 8 9 8 8,25 Sanación 2 Georgia Seeking Thrills

8 8 8 8 8

3 Biznaga Gran pantalla

8 8 8 8 8

4 El Columpio Asesino Ataque celeste

9 7 7 8 7,75

5 Taifa Yallah Ep.01. Causa

7 7 7 7 7

5 Fuel Fandango Origen

7 7 7 7 7

6 Toundra Das Cabinet Des Dr. Caligari

7 7 7 7 7

7 Núria Graham Marjorie

8 6 6 7 6,75

9 Grimes 7 6 7 7 6,75 Miss Anthropecene 10 Real Estate The Main Thing

6 7 7 6 6,5

—guillermo chaparro terleira

La banda sonora de Toundra

Megansito el Guapo

MEG Autoeditado/ Ground Control

Toundra

Das Cabinet Des Dr. Caligari Inside Out

7 ROCK / Toundra ha dejado bien claro, por

activa y por pasiva, que esta banda sonora no es un disco propiamente dicho del grupo y que no tiene mucho sentido sin las imágenes de una de las obras maestras del cine expresionista alemán. Pero aun así esta obra tiene suficientes ideas y motivos musicales para poder disfrutarse por cuenta propia. Es cierto que como disco sus temas y motivos se repiten varias veces, un truco que sirve para identificar a ciertos personajes cuando aparecen en la película de Wiene, y que puede hacer que ciertos momentos, sin las imágenes, suenen repetitivos. Además es, con mucho, el disco menos directo de su carrera, el más progresivo si se prefiere. Si tenemos en cuenta sus dos influencias más claras dentro del rock clásico, Led Zeppelin y Pink Floyd, la balanza cae mucho más del lado de los de Roger Waters que de los de Jimmy Page. Es su obra más introspectiva y calmada, algo normal si se tiene en cuenta que están poniendo banda sonora a una pesadilla, al surgimiento del fascismo (o a su resurgimiento, cien años

después). El disco se divide en seis movimientos de más de diez minutos de duración cada uno y una pequeña introducción a los títulos de crédito. Esta última marca el carácter del disco, íntima y lírica, alejada de los momentos más fieros de la banda. En muchos momentos Álex Pérez deja la batería para tocar el piano, dando un giro a la música de Toundra. La atmósfera general es oscura y claustrofóbica, como la propia película, jugando con melodía y armonía en modo pausado, y creciendo en intensidad a medida que se acerca el final de

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Med

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

Hotspot x2/Popstock!

Black Marble

Seeds Of Change Metal Blade

top 10.

Pet Shop Boys

los actos. Esta estructura se repite en varias de las piezas, acentuando una ligera sensación de monotonía. Muchos de los motivos del movimiento vuelven a aparecer en el movimiento final, el VI. Como ocurre en la película, la vuelta de tuerca en la que descubrimos que la historia que nos han contado, nos la ha contado un loco desde un manicomio dirigido por el Doctor Caligari o ¿nos han engañado y vivimos en una pesadilla dirigida por un psicópata? Parece que Toundra se decantan por esto último. —sergio ariza

URBAN / Después de casi

cuatro prometedores adelantos lanzados en el último año, Megansito el Guapo, un proyecto formado por dos jóvenes madrileños desde una habitación, lanza a la calle MEG, su primer larga duración. En él podemos encontrar las que, de momento –porque sí que se nota la agitación de los primeros pasos– son sus señas de identidad: letras originales y desprejuiciadas, en las que se fluctúa rápidamente de lo alegre a lo triste; beats que remiten a una electrónica happy en babuchas de andar por casa y una característica actitud DIY sin la habitual reivindicación de lo cutre que suele acompañarla. Las canciones más destacables son Perdona, Mentiroso o QQH, que ya habían visto la luz, sin embargo, la atmósfera construida alrededor de ellas en este trabajo les proporciona mayor calado. Nueve temas que auguran un buen futuro al proyecto.

—luis m. maínez

febrero 2020 #35

MONDOVINILOS

Ozuna

Nibiru Aura Music/ Sony Music

The Black Lips evolucionan mirando al pasado 8

The Black Lips

In A World That’s Falling Apart Fire

9 ROCK / Lo de The Black Lips va a traer cola y va a descolocar a unos cuantos de sus fans. De hecho, no me extrañaría que algunos se bajaran del barco. Aunque a mí me han ganado por la base. No solo porque su sonido se haya acercado tremendamente a los parámetros en los que habitualmente se mueve un servidor (country, rock americano…), sino porque admiro ese movimiento arriesgado que supone este trabajo y, sobre todo, que ese riesgo se asuma con coherencia. Si hubieran ido a lo fácil, habrían metido cuatro sintetizadores detrás de sus melodías, como tantos otros, y lo hubieran llamado evolución. Ellos no. Los labios negros, notoriamente remozados últimamente, han optado por investigar nuevos sonidos, evolucionar mirando al pasado. Hacerse clásicos, y a partir de ahí dar una vuelta de tuerca a su propuesta. Haciendo que instrumentos como la pedal-steel, que ni siquiera

había asomado la cabeza en discos anteriores, aquí se convierta en esencial. Desde que esa voz de cowboy pasado de vueltas o hijo bastardo del Bob Dylan de Highway 61 Revisited (65) arranca con la histriónica Hooker Jon sabemos que aquí nada va a ser lo que parecía. Aunque no solo es una cuestión de sonido. Me da la sensación de que este hecho, además, ha coincidido con la mejor colección de canciones que los de Atlanta han conseguido reunir nunca en un disco. Incluso nos dan algo del

Lindemann

Él Mató a un Policía Motorizado

F&M Universal Music

METAL / El proyecto sueco-

germano Lindemann regresa al mercado con su segundo trabajo F&M, sonidos metal industriales que beben del influjo directo de Rammstein, no en vano Till Lindemann es el líder de este dúo que se completa con Peter Tägtgren de Hypocrisy o Lock Up. En F&M vamos a descubrir trece cortes que rescatan la dinámica de su debut, Skills In Pills (15); sin embargo ahora el sabor a Rammstein se encuentra mucho más marcado en su estilo que antes. En esta ocasión No se coquetea tanto con otros estilos, centrándose en desarrollar un disco que hereda el peso y la potencia del conjunto seminal de Till Lindemann. No duda en jugar con paisajes sonoros épicos en Schlaf Ein, para pasar a los baños de metal ardiente que contiene Gummi u ofrecernos tonadas infalibles que enganchan de forma inmediata gracias a sus estribillos y a las medidas fluctuaciones de potencia, como Steh Auf, Ich Weiss Es Nicht o Frau & Mann.

—fernando o. paíno #36 febrero 2020

Destroyer

POP / La banda platense presenta La otra dimensión, un disco con dos nuevas canciones, “El perro” y “Buscando más allá”, junto a caras B de los singles de su anterior trabajo y versiones de temas ya conocidos. Bajo una óptica general, estamos antes un trabajo que continúa la línea discordante dibujada en La síntesis O’Konor (17), en donde el muro de sonido habitual de la banda dejó paso a otro tipo de estructuras, con especial énfasis en los sintetizadores y las percusiones. Un nuevo lenguaje que encontramos aún más acentuado en La otra dimensión. La versión de Las luces, junto a Anabella Cartolano de Las Ligas Menores, lo ejemplifica a la perfección, bajando las revoluciones de la original para conseguir un clima más pausado y etéreo. Sin necesidad de grandes pretensiones, este disco parece funcionar bastante bien como transición hacia una nueva etapa sin desviarse en exceso de La síntesis O’Konor.

—manuel novo

POP / Los seguidores de Dan

Bejar están de enhorabuena, Have We Met, su nuevo disco bajo el nombre de Destroyer, es el acompañante perfecto para ken (17) y Kaputt (11), nuevamente influido por los sonidos más ochenteros, del Synth Pop al Sophistipop, pero con ese giro irónico en sus letras y su voz tan propio del colaborador de The New Pornographers. No era su plan inicial, y es que este disco comenzó con Bejar buscando un sonido más fuerte y abrasivo, antes de terminar convirtiéndose en una obra construida en capas, en la que lo primero es su voz y luego es arropado por la producción sintética de John Collins, con Nic Bragg actuando como su Phil Manzanera particular, poniendo los adornos con la guitarra. Al final una cacofonía de sonidos recuerda al oyente que esto no debería ser un disco pop, a pesar de contener esas maravillosas melodías que le salen con tanta facilidad. Pero Bejar disfruta dejando al personal desconcertado y con ganas de más. Prueba conseguida. —sergio ariza

lanzado uno de los mejores trabajos del año. Nibiru es un álbum completo en el que el puertorriqueño da su mejor nivel a lo largo de dieciocho canciones que son reflejo del hegemónico momento del reggaeton en la música mundial y del relevante papel de Ozuna en este movimiento. En Nibiru, las colaboraciones encajan perfectamente al elevar un trabajo que combina el potencial comercial con la calidad musical; está lleno de canciones perfectamente compuestas, con producciones a cargo de algunos de los mejores de siempre (Mambo Kingz, Eliel, High Flow) y letras en las que explota los temas típicos del reggaeton sin sonar aburrido ni repetitivo, algo que está en la mano de muy pocos. Qué pena, Patek, Reggaeton en París o Yo tengo una gata son algunos de los grandes temas de Nibiru, un álbum imprescindible tanto para los fans del género como para quienes todavía tienen sospechas acerca del reggaeton.

—luis m. maínez

La Zowi

Magalí Saré & Sebastià Gris

Have We Met Merge/ Popstock!

La otra dimensión El Segell

pasado con Odelia, un temazo tremendamente adictivo, que sirve para que recordemos que estamos hablando del mismo grupo que grabó los garajeros Good Bad Not Evil (07) o Satan’s Graffiti Or God’s Art? (17), por citar algunos. En ellos, y en el resto de su discografía, ya nos daban muestras de su inquietud, pero nunca imaginamos que escuchando uno de sus discos nos vendrían a la mente Violent Femmes o los Stones de Exile On Main Street (72). Una genialidad. —eduardo izquierdo

Élite La Vendición Records

A Boy & A Girl Microscopi

POP / Del montón de len-

guas incomprensibles que suponen la música clásica y contemporánea para los profanos, Magalí Saré (voz) y Sebastià Gris (guitarra) han hecho un sólo idioma de fonemas pop. A Boy & A Girl es un disco de raíces de conservatorio, pero de vocación emocional, fruto del pasado trotamundos del dúo. Ambos han cursado estudios en el Liceu; Saré ha formado parte del Quartet Mèlt; y, no menos importante, ha participado de Estòmac (19) de Clara Peya. Las similitudes entre las catalanas se palpan: sus canciones se llenan y se vacían como lo hace la tripa de una gaita. El uso de la instrumentación, de furioso a sensible, no se entendería en el debut sin los anclajes electrónicos de David Soler y Santi Careta. Los productores se han vuelto a probar con en un largo que lleva la música popular –mallorquina, en este caso– a la vanguardia. Como con Maria Arnal y Marcel Bagés: músicas de antes que adquieren nueva relevancia en base a saturaciones.

—yeray s. iborra

REGGAETON / Ozuna ha

TRAP / La Zowi ha vivido

en dos años una irrupción a la altura de lo más petón de La Vendición Records. Gracias, sobre todo, a “Ama de casa” (18). Y, claro, no ha escapado de las polémicas, que poco o nada tenían que ver con ella, sino con cómo se entendía –o se malinterpretaba– su obra. Pero, como pasa muchas veces, el problema lo tiene más el que escucha que el que habla. Porque La Zowi no para de explicarse. Hasta el punto que “Élite”, su segunda mixtape, es un recorrido por su ascenso en el sector, traducido a lenguaje trap (de fulana a boss) y con un fondo de alto empoderamiento femenino. En lo musical, sigue fiel a aquello que le ha hecho llamar la atención del público: reggaeton de bajos gordos y electrónica oscura y asfixiante. Aunque la base trap convive con caramelitos que empiezan a destilar suavidad y gusto por lo melódico: Full time, junto a Based Kash (808 Mafia), puede abrir nuevos horizontes. En el trap game lo tiene casi todo ganado. —yeray s. iborra

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Tras el Francés Tras el Francés Madmua

POP / La estela dejada por Sergio Algora parece reavivarse cada vez más, en lo que es un espontáneo acto de justicia con una de las mentes creativas más originales que han dado estas latitudes. Ahora ve la luz música de Tras el Francés, otro de los grupos en los que el vocalista militó. La referencia muestra unas preferencias creativas alejadas de aquellos logros populares concretados en El Niño Gusano y La Costa Brava, a través de nueve piezas claramente deudoras de su tiempo (finales de los ochenta y primeros noventa). La generosa presencia de teclados comparte así protagonismo con la lírica imaginativa y retorcida del autor, dejando en evidencia la influencia de grupos diversos como New Order, Sigue Sigue Sputnik, Golpes Bajos, Pixies o Happy Mondays. Un disco que también alberga una extraña belleza y deja entrever valiosísimas cualidades, posteriormente potenciadas hasta derivar en legado incorruptible de la música pop de este país. —raúl julián

The Inner Encouraged Desire Maldito Records METAL INDUSTRIAL / Gomad! & Monster es un trío madrileño enfundado en cuero negro y escondido tras máscaras de cráneo que ha irrumpido con mucha fuerza en el panorama alternativo tanto nacional como internacional. The Inner Encouraged Desire es un decálogo de temas incendiarios en los que se combina la agresividad del metal con el ritmo electrónico cercano al drum’n’bass. Es como meter la esencia de The Prodigy en una coctelera y mezclarla con la potencia de combos como Rammstein, Slipknot o Marilyn Manson. The Inner Encouraged Desire destaca por ser un trabajo ambicioso e intenso que ha contado con la participación de nombres punteros como Jon Howard (guitarra de directo de Paramore) o Matt Rose, entre un nutrido elenco de artistas, aspecto que aporta una heterogeneidad muy acertada. Hablamos de una suerte de metal industrial apto para todos los paladares.

—fernando o. paíno

Brighton 64

Maruja Limón

Como debe ser B-Core

POWER POP / Valientes y

honestos, los Brighton ya apuntaron por donde iban a ir los tiros con el adelanto que fue, a principios del verano, el tema Juez y parte. Lo que desconocíamos es que todo su nuevo disco iba a girar sobre ese mismo eje político, con temas tan directos e impactantes como La cara infame del poder o El estado de la nación. Eso sí, no se quedan solo en el día a día que azota su tierra y el procés catalán, y tienen suficiente pólvora como para apuntar a la línea de flotación de los que se niegan a resolver el problema de los inmigrantes que mueren en las playas (Playas del Mediterráneo) o los que defienden la evidente pérdida de libertad de expresión (Este es un país libre). Solo se alejan algo de la denuncia en La balada de los pérfidos hermanos Gil, dando al oyente un merecido descanso. Coproducido junto a Paco Loco, Brighton 64 muestran signos de permanencia en la escena tras un regreso del que ya ni nos acordamos. Como si nunca se hubieran ido. —eduardo izquierdo

MONDOVINILOS

Gomad! & Monster

Ante mí Kasba Music

MESTIZAJE / Este quinteto femenino debutó en 2018 y desde entonces casi no han parado de actuar. Este segundo trabajo mantiene esas bases flamencas aderezadas con ritmos latinos, pero ha ganado en coherencia sonora y rítmica. Eso gracias a la producción de Carlos Manzanares y a la incorporación del bajo a su insólita formación. Su sello distintivo es el contrapunto de sus dos voces junto a la percusión, guitarra española y trompeta. Sin olvidar esas interesantes y personales letras. Aquí además nos regalan agradables sorpresas como la colaboración a la voz de Pedro Pastor en Mira a tu lado, o de las Balkan Paradise Orchestra en Rosario Dinamitera, que les da vigor y sabor. Esta última con letra de Miguel Hernández, al igual que Tres heridas, que trazan en clave de bulería. A destacar Fuerza, con esa letra de empoderamiento femenino, la rumbera Vinc amb tu en catalán o Sombras con un camine contagioso. Esto es dar un paso al frente.

—miguel amorós

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Greg Dulli continúa en forma Greg Dulli

Random Desire Royal Cream/BMG

8 ROCK / Dice Greg Dulli que este es en reali-

dad su primer disco en solitario, aunque ya editó a su nombre Amber Headlights (05) hace quince años. Ocurre que aquel álbum llegó prácticamente por la puerta de atrás, interrumpido en su gestación por Blackberry Belle (03) de Twilight Singers, un disco mucho más consistente –sea dicho de paso– al que dio prioridad por aquello de escenificar el súbito duelo por su amigo el cineasta Ted Demme, director de (entre otras) aquella Beautiful Girls (96). Curiosamente (o no), esta nueva colección de canciones llega también marcada por el luto, en este caso por David Rossner, guitarrista de los Whigs que también había acompañado a Dulli en su última gira por nuestro país, en febrero de 2016, al que un cáncer de colon se llevó en solo unos meses. En cualquier caso, Random Desire prolonga su excepcional estado de forma, su acreditada segunda juventud, ratificando un modus operandi

que no cambia en esencia respecto al de las dos últimas soberbias entregas de Afghan Whigs, más allá de que el piano sea aquí quien cobra primacía en detrimento de las dentelladas guitarreras, de que algunos cortes exhiban un colchón más sintético de lo acostumbrado o de que su voz suene algo cascada ya, ajada por el tiempo. Hay singles de efecto fulminante como Pantomima, serpenteantes medios tiempos que, como Sempre o The Tide, entran en ebullición de esa forma que sólo él sabe activar, con la pasión desbordada del soul y del rock flamígero, sigilosas baladas del averno que magnetizan como Marry Me y emocionantes crescendos pianísticos como Scorpio o Black Moon. Y aunque hay presencia puntual de algunos secuaces habituales, Greg Dulli se lo guisa y se lo come prácticamente todo él solito para evocar a su manera, salvando cualquier distancia posible, a grandes genios del estudio como Prince o Todd Rundgren y regalarnos así una obra tan completa que es como su cosmovisión particular del rock, un álbum que podemos colocar en el mismo estante que las cumbres de los Whigs sin sentir que es un desvaído apéndice. Su tintero no se agota, su pulso tampoco titubea. —carlos pérez de ziriza

febrero 2020 #37

MONDOVINILOS

... And You Will Know Us By The Trail Of Dead X: The Godless Void And Other Stories InsideOut Music

Algiers contra el conformismo

ROCK / Surgidos en las catacumbas del post-hardcore con el cambio de milenio, los de Texas irrumpieron conciliando de forma muy personal la energía primaria del punk con devaneos abiertamente progresivos. Sin embargo, constantes cambios de formación, un sonido cada vez más ampuloso que intentaba conciliar demasiadas ideas y una producción discográfica sin filtros condujeron a un declive del que se recuperan parcialmente con su décimo trabajo. El espléndido single Don’t Look Down –de lo mejor que han hecho en mucho tiempo–, que combina una acertada ligereza melódica casi pop con la épica instrumental a que son tan aficionados, se me antoja el centro de gravedad de un disco que, sin alcanzar el nivel global de sus primeros trabajos, presenta más argumentos que sus dispersos y mayormente prescindibles álbumes anteriores: la energía siniestra de All Who Wander, Who Haunts The Haunter o Into The Godless Void evoca su mejor época. —jc peña

Algiers

There Is No Year Matador/Popstock!

7 ROCK / El mundo se está yendo al garete. Eso solo te puede sorprender si llevas más de cinco años sin ver un telediario o leer un periódico, Trump, el Brexit, Bolsonaro, Boris Johnson, etcétera etcétera y eso sin meternos en el cambio climático, con Australia actualmente en llamas, o Estados Unidos e Irán amenazándose mutuamente. El futuro no pinta nada bien y ante esto se pueden hacer dos cosas, mirar hacia otro lado o declarar lo evidente. Algiers se encuentran entre estos últimos y su nuevo disco, There Is No Year es la banda sonora del apocalipsis que nos espera como no espabilemos. Se trata de una obra mucho más compacta que su anterior disco, el notable The Underside Of Power (17), unida por las letras de su cantante, Franklin James Fisher, que ha usado su extenso poema Misophonia como base de las mismas. Musicalmente siguen mezclando el post-punk de sus orígenes con el góspel de

Georgia

Harry Styles

Seeking Thrills Domino/Music As Usual

POP / Grabado en el estudio de su jardín, este segundo larga duración continúa la filosofía del DIY y exhala vitalidad, frescura, nocturnidad, humanidad. Como ocurre en la sesión DJ de cualquier gran fiesta, Georgia inicia su nuevo proyecto a lo grande. Started Out es la perfecta entrada a la pista de baile con una predisposición a desmelarse por completo. Un corte ochentero que sitúa el álbum en las alturas y le obliga a ir descendiendo poco a poco. About Work The Dancefloor se presenta dispuesta a continuar con la fiesta con unos pegadizos beats houseros para todos los públicos. Honey Dripping Sky es una fantástica electro-balada en la que la británica abre su corazón y luce su voz. Y En Till I Own It se sincera para explicar su amor-odio hacia el Londres actual y su aburguesamiento. Junto a Georgia, Mark Ralph (Clean Bandit, Friendly Fires, Years And Years) y Sean Oakley (Kanye West, Frank Ocean) firman la producción de este acertado regreso. —álex jerez

#38 febrero 2020

su devoción, sonando todavía más oscuros si cabe que en anteriores entregas. Como suele ser habitual no se andan con rodeos, lanzándose a la yugular del oyente desde el principio. Sirvan como ejemplos la canción titular que abre el disco con una hipnótica base sobre la que Fischer se desgañita sin dejar prisioneros. A mitad unos coros nos recuerdan porque es tan fácil, más allá de su color de piel, comparar su papel en la banda con el del predicador sudoroso al frente del púlpito. O Disposses-

Lina_Raül Refree

Fine Line Erskine/Sony

POP / Con la ayuda de productores como Greg Kurstin, Jeff Bhasker o Kid Harpoon, Harry Styles ha tratado de darle forma a un disco “sobre tener sexo y sentirse triste”, algo que se ve de forma explícita (“spreading you open is the only way of knowing you”, llega a decir) y también de forma más velada, reflejada en temas sobre su reciente ruptura o sobre sus inseguridades y su tentación por dejarse llevar y liberarse (probablemente el mayor leit-motiv del disco). Despachar sus tres hits justo al empezar no le pesa a un álbum que guarda joyas como Cherry (atentos fans de Sufjan), Canyon Moon, She o el tema que da título a este trabajo. Sin inventar la pólvora, Fine Line es un notable trabajo que desprende tanto delicadeza en sus guiños y referencias como honestidad y que, ahora sí, nos confirma a Harry Styles no como a alguien a quien “seguir la pista” por si más tarde hace un discazo, sino como a alguien que ya es capaz de hacerlo. —pablo tocino

sion, una de las mejores canciones del disco, una demostración sonora de esa mezcla entre post-punk y góspel que les define. Desde luego Algiers no son optimistas con respecto al futuro y lo demuestran con ese lúgubre final que da paso al tema extra Void, una bofetada en la cara, la canción más punk de su carrera, en la que tratan de buscar soluciones, dejando claro que por muy negro que pinte el futuro la rendición o el conformismo no entran en su vocabulario. —sergio ariza

Lina_Raül Refree Glitterbeat Records

FADO / Las producciones de Refree son tan minimalistas, tienen tanta pericia para reforzar lo esencial y desechar lo superfluo, que no extraña que en los últimos tiempos se haya especializado en remozar géneros tan venerables y poco dados a la hojarasca como el flamenco o la copla (Sílvia Pérez Cruz, Niño de Elche, la primera Rosalía) o el folk astur (Rodrigo Cuevas). En ellos permite que la esencia de todos estos estilos perviva, que respiren con naturalidad pese al lifting que les imprime. Aquí, desestimando la guitarra – elemento clave del fado– para primar el piano clásico y unos sintetizadores analógicos que proyectan texturas tan tenues, casi espectrales, que recuerdan a lo que Warren Ellis hace últimamente en los discos de Nick Cave & The Bad Seeds, su alianza con la joven vocalista portuguesa preserva intactas las melodías y las letras del repertorio de Amália Rodrigues, de quien Lina es fiel devota, y sobre el que se sostiene el álbum. —carlos pérez de ziriza

Bill Fay

Queralt Lahoz

Countless Branches Dead Oceans/ Popstock!,

1917 Say It Loud Records

URBAN / Llega como puña-

lada, con una precisión y una agilidad que entran a matar. 1917 es el primer EP de Queralt Lahoz: cinco temas que dejan con ganas de más. En Como puñalá, el primer adelanto que publicó, ya evidenció su facilidad para combinar estilos y géneros, sin caer en lo abigarrado. En estos fugaces dieciocho minutos, conjuga con éxito el sonido urbano con la tradición flamenca más arraigada y sentida que encarna Queralt, estableciendo un sugerente diálogo entre el pasado y el presente. La producción, de la mano de Fede Jahzzmvn, Viktor Pizza y Pau García, está en consonancia con la escena urbana actual, pero consigue sorprender con giros en las melodías, que beben de otros estilos que van desde los fandangos (Valor), a la guajira (Línea 18) pasando por el afrobeat (Me gusta). Las mujeres de su vida y el orgullo de clase han inspirado las letras de 1917, un logradísimo EP que saca a relucir el potencial destinada a crecer y crecer.

—carme garau

FOLK / Bill Fay –figura imprescindible del folk británico en los setenta– completa su particular trilogía de resurrección con un obra mayúscula cargada de espiritualidad, además de empapada en un emocionante y acogedor halo orgánico. Countless Branches alberga delicados lienzos sonoros que el londinense remata con detalles preciosos (violín o chelo entre otros recursos), igualmente minimalistas pero capaces de realzar aún más ese tipo de elegancia inherente a las composiciones. El londinense completa así un trabajo dotado de ese tipo de belleza clásica y pastoral atribuida habitualmente a nombres sagrados como los de Nick Drake, George Harrison o Donovan. Un alegato a favor del orden natural en la tierra madre, y el triunfo de una aparente sencillez que deriva en la mayor de las profundidades: esa que alcanzan unas canciones dispuestas a acoger el oyente en su cálido seno, a través de un abrazo que tendría idéntica intensidad ahora que dentro de un lustro. —raúl juián

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Mueveloreina

Todo ha cambiado tanto Glas Music

Carne Helsinki

URBAN / Mueveloreina re-

pasan en tres actos –hambre, regocijo y reposo– el proceso de comer física y mentalmente en Carne, su primer disco. Tras cuatro años de Cheapqueen, Karma Cereza y Joaco J Fox viajan por el sistema digestivo con ritmos latinos, pop, electrónica y trap. Hambre, en colaboración con Ortiga, inaugura el álbum con sonidos salsero-cumbieros y una onda muy fiestera, que también se repite en Tiburona o YIPIKYEY. Y si hablamos de las letras, tienden a la oscuridad algo lógico para un disco difícil de parir. La segunda parte cuenta con Gohzala o Llorando en Spook, que mezclan trap y pop de manera sublime. Y no reparan en hablar sin tapujos como en Napalm, de la tercera parte. El clímax termina con Imparable, un halo de luz dance que sacia del todo el hambre. Producido por el mismo Joaco, han conseguido que cada tema funcione por sí solo, pero enmarcados todos en una obra conceptual increíble con un sonido diferente a sus anteriores sencillos. —karen montero

POP ELETRÓNICO / Los murcianos Glas llamaron la atención el año pasado con el EP Ya estamos salvados. Ahora se atreven a dar el salto al largo con una reflexión sobre “cómo vemos y apreciamos los cambios constantes en el mundo que nos rodea, para bien o para mal”. Pero no dejan de bailar mientras hacen esa reflexión, entregando un trabajo más disfrutable aún, y al que beneficia enormemente su planteamiento como sesión única, que une todos los temas bajo un manto electrónico. La banda formada por Paco Ganga, Fede Gas, Tommy Roch y Álvaro Carbonell ha elegido como primer single Misterio, pero no es el único tema con potencial para haberlo sido: el disco ya empieza dándolo todo con Aquello en lo que creo, y está muy bien atado al cuidar también su final con la estupenda En mis sueños. Pero Glas se guardan otros temas que harán las delicias de los fans de Dorian o de los últimos Miss Caffeina, como Estrella, Lo que me cuesta mirarte o Hay tanto en juego. —pablo tocino

Israel B

Free Nationals

Who Is Israel B.? Lowlight/ Sony Music

URBAN / Israel B se confirma como uno de los nombres más sólidos del panorama urbano español con Who Is Israel B.?, su segundo larga duración desde que dejó de ser Markés. En este álbum, el madrileño vuelve a condensar su vocación callejera en siete canciones entre las que se encuentra el éxito YYANOSÉ, con la que consiguió el Disco de Oro. Cuenta con colaboraciones habituales como las de Kaydy Cain o Lowlight, así como la del argentino 0-600 o $kyhook, uno de los más talentosos de la nueva hornada de productores patrios. Who Is Israel B.? puede llegar a pecar de falta de variedad en los beats y su delivery, pero, a cambio, le sirve al madrileño para asentar su nueva imagen y su nuevo sonido, más cuidados. Un trabajo que da la impresión de ser un puente hacia nuevas metas musicales y más profesionalización –Sony Music se ha hecho con la distribución de este álbum– por parte de uno de los pioneros del nuevo urbano en España que cuenta con el respeto de toda la escena. —luis m. maínez

MONDOVINILOS

GLAS

Free Nationals Obe.LLC/ Empire

SOUL FUNK / Si Anderson .Paak nos conquistó no fue únicamente por su talento, sino también por el respaldo de Free Nationals, esos tipos molones que le han acompañado durante estos años y que dan forma a una banda que todo músico quisiera tener. Ahora es su turno, el de los eternos olvidados, de probar suerte sin su estrella y líder. En este primer disco homónimo, Free Nationals transmiten una cálida sensación de banda de jam session, apostando mayoritariamente por un soul funk suave, pero dejando que su abundante lista de colaboraciones acabe por definir el álbum: Daniel Caesar, UMO, Kali Uchis, Syd, Chronix, T.I o los versos póstumos de Mac Miller. Diversa, pero no dispar, esta obra no transmite un ambiente o sensación muy homogénea, pero acaba siendo una muy buena playlist que homenajea a buena parte de la música negra del siglo XX; funk, r&b, soul, hip hop, g-funk, reggae, y también a un nombre propio, el gran Stevie Wonder. —ignasi estivill

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Dellafuente hace crecer el rock andaluz con Taifa Yallah Taifa Yallah

Ep.01-Causa Santa Catalina

7 ROCK / Salir de la rueda no es fácil. El

barbecho es tabú en una escena donde el Stories diario es ley y el silencio equivale al olvido. Pero Dellafuente, hace dos años, fue capaz, y abrió una etapa en la que algunos vieron sequía y otros descanso; la merecida recolección de la cosecha. Lo que no sabíamos era que, a la vez, estaba sembrando en otros terrenos más fértiles, y que estos dos años han sido de experimentación a puerta cerrada. Los frutos los estamos empezando a ver: en diciembre se sacaba de la manga Salomon Sessions Vol. 1, un single doble de UK garage, y ahora presenta el que probablemente sea su proyecto más ambicioso a nivel conceptual: Taifa Yallah. Una banda con la que expande sus horizontes artísticos y estira el concepto de “música folklórica atemporal” con el que definió su música hace un lustro, entendiendo la herencia granadina no como una serie de patrones

a replicar, sino como una reivindicación de la pureza de la mezcla y la riqueza de la búsqueda. Ep.01-Causa es un disco de rock andaluz, pero no es un disco revivalista de rock andaluz. Parece, si acaso, dar peso a ese componente atemporal y existir en un agujero de gusano en el que se cruzan imaginarios separados por décadas (en lo musical) y siglos (en lo lírico). Es fácil encontrar referencias, pero no tanto enmarcarlo en una tradición concreta. En sus momentos más épicos y atmosféricos puede incluso recordar a exquirla, el efímero proyecto de Toundra y Niño de Elche. Y épica hay de sobra: es el ingrediente principal de temas como La verdad o 400 demonios, que pasan de la calma a la tormenta en segundos con una combustión de guitarras y voces que realza la dimensión mística de algunas de las letras del proyecto, especialmente las que se alejan de los códigos del rap para alcanzar –de nuevo– lo atemporal. Puede que Taifa Yallah, pese a su solidez conceptual y estética, tenga más valor como canal de búsqueda que como producto acabado, pero lo cierto es que crece con cada escucha. El tiempo dirá si es más fruto que semilla.—darío garcía coto

febrero 2020 #39

CINE

40/Mondo Media LIBROS Había una vez... Sr. Chinarro

Manuel Pinazo & Chema Domínguez Muzikalia

8 Un volumen que no hará sino reafirmar (e incluso radicalizar) la postura de partidarios y detractores de Antonio Luque, después de asimilar las incontables anécdotas, recuerdos y opiniones que copan doscientas cuarenta páginas. Y es que el mayor logro del libro radica en esa ardorosa franqueza que bombea sin parar, hasta convertirse en auténtico hilo conductor y denominador común de generosas conversaciones, consecuencia de diferentes encuentros con los autores. —raúl julián Beautiful Ones

Mark Korven El sonido del infierno A finales del siglo XIX, dos hombres en precaria convivencia mantienen un pequeño faro dentro de una remota isla de Nueva Inglaterra. El frío, la soledad y la implacable inmensidad del Océano comienzan a erosionarles poco a poco. El faro (20) es la nueva película de Robert Eggers, director de La bruja (15). Hablamos con Mark Korven, compositor de su lóbrega banda sonora.

mpezamos hablando de la importancia en su trayectoria de la banda sonora de La bruja. “Para mí lo cambió todo. Antes nunca me había considerado un compositor de música de terror, pero tras su éxito acabé en ese nicho, lo cual realmente no me importa, porque me encanta experimentar con los sonidos [...] y realmente puedes hacer de todo dentro de ese género”. La música de Mark Korven siempre deja una indeleble huella de su fuerte personalidad. Es fácil de encontrar: basta con recordar los tonos electroindustriales de la película de culto Cube (97) o el reciente estreno de

Netflix, In The Tall Grass (19), también dirigida por Vincenzo Natali. “Intento no pensar las cosas demasiado, francamente. Cuando hago piezas relacionadas con el terror siempre trabajo con un encaje más experimental, buscando las sorpresas o accidentes [sonoros] que mi oído encuentre”. Es imposible desligar el éxito de las películas de Robert Eggers de la figura de su artífice sonoro, cuya música produce siempre una inmersión similar a la más intensa de las pesadillas. “Eggers suele tener un montón de reglas. Para La bruja, una de ellas era la de conseguir una banda sonora muy disonante durante toda la película. No quería dar a la audiencia ni una oportunidad de relajarse. Creo que llegó a decir que quería que la música fuera como un monstruo que se sienta sobre tu pecho durante dos horas”. Para su siguiente trabajo con Eggers, la recién estrenada El faro, Korven ha utilizado The Apprehension Engine, instrumento fabricado por él mismo y bautizado por Brian Eno como “el más terrorífico de todos los tiempos”. “Los sonidos son un guiño a la época, como el de la nyckelharpa [especie de violín medieval sueco] y el waterphone [instrumento experimental]. Ninguno pertenece a la época de La bruja, pero tienen un sonido arcaico y místico. En El faro

utilizamos bastantes instrumentos metálicos de viento, que son el corazón de la banda sonora. Robert quería algo muy primario, había que expresar musicalmente los sonidos del viento, las olas chocando, las gaviotas... todo lo relacionado con el mar. Tiene una visión artística muy fuerte y sabe siempre lo que quiere. Trabajar con él es muy distinto de trabajar con otros directores de cine, es como ayudarle simplemente a completar la idea que tiene en su cabeza”. Lo único tan terrorífico como El faro es, probablemente, su propio rodaje en las gélidas Provincias Marítimas de Canadá. “Cuando hablé con miembros del rodaje me dijeron directamente que había sido como ir a la guerra. Robert Pattinson, por ejemplo, estuvo de noche metido en el helado mar canadiense con el agua hasta la barbilla. ¡Fue salvaje!”. —pelayo de las heras

r Más en www.mondosonoro.com

El faro

Robert Eggers New Regency Pictures / RT Features 8/10

Prince Reservoir Books

Se supone que estamos ante un libro de memorias. Prince decidió contar con Dan Piepenbrig (The Paris Review) para que le ayudara, pero solo pudo finiquitar treinta páginas debido a su muerte. Dejó, eso sí, el resto del libro encarado, y tras tres años de trabajo, Piepenbrig nos trae las palabras del genio de Minneapolis y la visión de su propia carrera. —eduardo izquierdo #40 febrero 2020

“Quería que la música o fuera como un monstrupecho que se sienta sobre tu durante dos horas”

FOTO: ARCHIVO

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Julien Frey/ Nadar Astiberri

7 El cineasta es uno de esos cómics que atrapa no únicamente por la frescura narrativa conseguida por el francés Julien Frey y el nada excesivo dibujo del español Nadar, sino por descubrirnos una historia realmente curiosa: la del cineasta galo Édouard Luntz y sus problemas con Hollywood. Planteada casi como un caso detectivesco, uno no puede desengancharse hasta que Frey consigue dar con una película casi secuestrada de Luntz. —joan s. luna El Buscón en Las Indias Alain Ayroles, Juanjo Guarnido Norma

8 Aventurarse a dar continuación a una de las cimas de la novela picaresca es un hazaña al alcance de muy pocos. Allá por el siglo XVII, Francisco de Quevedo concluyó La vida del Buscón prometiendo una secuela en la que don Pablos viajaría a Las Indias. Cuatrocientos años después Alain Ayroles y Juanjo Guarnido emprenden ese viaje incierto, desbordando ingenio sobre las viñetas. —albert fernández Rompepistas

Rosa Codina La Cúpula

7 Que Rosa Codina, una artista nacida a finales de los ochenta fuese capaz de conectar con una novela generacional como Rompepistas de Kiko Amat –cuya acción se desarrolla precisamente en 1987– como lo ha hecho es toda una sorpresa. El espíritu original se mantiene y es un placer ver a Rompepistas, Clareana, Carnaval y todo el resto de la cuadrilla del libro convertidos en personajes de cómic. —joan s. luna

Richard Lloyd Honestidad brutal

ero el “No sé por qué, p gas alcohol y las dro do sa nunca le han pa oria” em factura a mi m

Richard Lloyd se abre totalmente en Material inflamable (Contra, 19), una autobiografía en la que no se esconden ni los momentos más complicados, ni tampoco los más surrealistas, de su vida.

nhebró junto a Tom Verlaine algunos de los más hermosos diálogos de guitarras de la historia del rock, como los del Marquee Moon (77) de Television, especialmente en su glorioso tema titular. Formó parte de Rocket From The Tombs y del espléndido elenco de instrumentistas que acompañó a Matthew Sweet en el primer tramo de los noventa. También se alió con John Doe o emprendió carrera en solitario con discos tan estimables como Alchemy (79), Field Of Fire (85) o The Radiant Monkey (07). El año pasado le pudimos ver por aquí junto a Marc Johnson y Víctor Ramírez. Pero Richard Lloyd (Pittsburgh, Pensilvania, 1951) también estuvo a punto de morir por sobredosis un par de veces, recibió un bofetón de Jimi Hendrix una noche de farra, fue invitado por John Lee Hooker a compartir escenario con él cuando apenas era un músico anónimo, pasó un par de temporadas en centros psiquiátricos por síndromes maníacos (sus padres no permitieron que se le aplicaran los electroshocks que sí le propinaron a su amigo Lou Reed), bebió como un cosaco, copuló lo que no está escrito e incluso se ganó unos chavos haciendo de chapero en el famoso cruce de las calles 53 y 3, y descubrió a los Ramones antes de que estos pisaran su querido CBGB. Una vida rebosante de excesos, pero también de una determinación casi lunática en sus propias posibilidades como músico: el destino le dictaba que acabaría siendo un legendario guitarrista. Todo eso lo cuenta con pelos y señales en Material inflamable, sus memorias recientemente publicadas en castellano, que bien valen una charla de veinte minutos. Nos atiende por Skype desde su casa en Tennessee, y tras contarnos que no necesitó teclear en un PC (“utilicé un transcriptor que convierte mi voz en texto”), nos explica por qué aprendió la técnica de Jimi Hendrix y de Jeff Beck sin necesidad de conocerles, de segunda mano. “Cuando eres muy joven, una diferencia de edad, aunque sea solo de un par de años,

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es enorme, así que tenía claro que no iba a convertirme en el mejor amigo de ninguno de ellos, solo quería saber qué era lo que hacían, aprender sobre cómo manejaban la guitarra”. Asombra su capacidad para recordar aspectos de su vida cuando era un crío, después de tantos años de excesos: “La verdad es que no sé por qué, pero el alcohol y las drogas nunca le han pasado factura a mi memoria”. El libro reserva una inevitable cuota de acritud para Tom Verlaine, alguien que, según Lloyd, siempre trató de imponer una visión muy dictatorial dentro de Television. “Ojalá hubiéramos sido como una banda de verdad”, dice, “pero él no lo permitía, porque siempre pensaba en sí mismo, y es una pena”. Opinión que contrasta con la fe que tuvo en él desde el primer momento en que le vio sobre un escenario y supo que era el complemento perfecto para formar una banda. El músico neoyorquino expone en sus memorias sin ningún pudor su crecimiento en público –que diría Lou Reed–, como cuando recuerda que una crítica de Mick Jagger a su atormentada forma de tocar

la guitarra le enseñó a mejorar. “Cuando alguien a quien admiras dice algo así acerca de ti, te sienta como un tiro. Pero era verdad, me ayudó el saberlo y aprendí”. Y sobre su influencia sobre otros guitarristas mucho más jóvenes (Johnny Marr, Jeff Tweedy, Nels Cline, Peter Buck, The Edge, Thurston Moore o Ivan Julian), aunque esgrime que no es su trabajo evaluar la obra ajena, sí que asume que “debe haber toneladas de guitarristas que conozcan los discos de Television y los míos en solitario, y supongo que les habrán influido de alguna manera”. —carlos pérez de ziriza

r Más en www.mondosonoro.com

Material inflamable

Richard Lloyd Contra, 19 10/10

FOTO: ARCHIVO

El cineasta

LIBROS

CÓMICS

febrero 2020 #41

MONDO MEDIA

A24 La distribuidora y productora indie de cine de moda

No te habrás dado cuenta, pero desde principios de la década pasada llevas viendo su logo antes del inicio de algunas de tus películas favoritas. A24 es la distribuidora y productora independiente que más buen ojo tiene a la hora de elegir filmes que luego pasan por los cines o por las plataformas de Internet, además de participar en la producción de algunas de ellas.

a mayoría de las películas producidas por A24 tienen guiones e historias originales, están dirigidas por directores y directoras jóvenes y se atreven con multitud de géneros: terror, ciencia ficción, comedia dramática o western. La lista de títulos apadrinada por este sello neoyorquino es excepcional. Aquí van solo unos cuantos: Spring Breakers de Harmony Korine, The Bling Ring de Sofia Coppola, Enemy de Denis Villeneuve, Ex Machina de Alex Garland, The Witch de Robert Eggers, Good Time de los hermanos Safdie, The Florida Project de Sean Baker, Lady Bird de Greta Gerwig, The Disaster Artist de James Franco y High Life de Claire Denis. Aprovechando el estreno reciente de El faro, lo nuevo de Robert Eggers, y la llegada el 31 de enero a Netflix de la extraordinaria Uncut Gems, la última proeza de los hermanos Safdie con Adam Sandler de protagonista en un papel dramático, repasamos seis perlas producidas por A24 que reflejan el ADN de la distribuidora y productora.

De arriba a abajo El sacrificio de un ciervo sagrado, Lo que esconde Silver Lake, Hereditary y Moonlight.

Moonlight

Mid90s

Barry Jenkins 2016

Jonah Hill 2018

La segunda película de Barry Jenkins y uno de los coming of age más atípicos y emocionantes de la pasada década, dividido en tres episodios que destilan sensibilidad y buenas ideas de puesta en escena (su tercer tramo, que retrata una historia de amor entre dos hombres, es magistral). Se convirtió en el primer filme de la historia en ganar el Oscar a la Mejor Película con un reparto completo de actores afroamericanos y con una temática LGTBI.

Notable y prometedor debut tras las cámaras del actor Jonah Hill (Súpersalidos, Todo sobre mi desmadre (10), Cyrus (10), El lobo de Wall Street (13)), que aquí realiza un retrato duro pero a la vez conmovedor de un adolescente californiano alienado de trece años y de clase obrera que encontrará una vía de escape en la cultura del skate. Mid90s está llena de detalles autobiográficos de Hill y de guiños al cine de Harmony Korine (aparece en una cameo en la película) y de Larry Clark.

El sacrificio de un ciervo sagrado

Lo que esconde Silver Lake

Yorgos Lanthimos 2017

David Robert Mitchell 2018

Tras hacerse cargo de la distribución americana de Langosta (15), A24 se animó a coproducir una de las películas más inquietantes y locas de Yorgos Lanthimos, el Lars Von Trier griego. El sacrificio de un ciervo sagrado es una historia de venganza sobrenatural, esa maldición gitana que parece caer sobre la familia burguesa de Colin Farrell y Nicole Kidman, llena de un humor negrísimo y de escenas memorables e inesperadamente desasosegantes y retorcidas como la del plato de espaguetis.

La obra maestra incomprendida y maldita (su paso por cines ha sido casi testimonial) de David Robert Mitchell tras el bombazo que supuso It Follows (14), una de las obras clave del terror millennial. Lo que esconde Silver Lake es un fascinante e hipnótico laberinto de enigmas, imágenes y símbolos que a veces toma la forma de una aventura gráfica con regusto indie. Rematadamente pop y meta, y con referencias directas a la serie negra de autor de Robert Altman, se convertirá en una obra de culto.

Eighth Grade

Hereditary

Bo Burnham 2018

Ari Aster 2018 El debut de Ari Aster y obra que en solo dos años se ha convertido en un clásico del género de terror y del cine moderno. Altamente influenciado por películas como La semilla del diablo (68) y Amenaza en la sombra (73), Hereditary (19) propone un descenso a los infiernos de la esquizofrenia que consigue reinventar el terror psicológico con una imaginería macabra y unas hechuras de cine indie. Además de producir Hereditary, A24 también se ha encargado de distribuir Midsommar (19), la segunda salvajada de terror de Aster.

#42 febrero 2020

A la espera de su estreno comercial en nuestro país, Eighth Grade es otro de los fantásticos debuts que A24 atesora en su catálogo. Dirigida por Bo Burnham y estrenada en una de las secciones oficiales del festival de Sundance de 2018, la película plantea un coming of age naturalista y una radiografía de la generación Z a través de los ojos de una adolescente videoblogger que está a punto de acabar la educación primaria y de iniciar el instituto. Su actriz protagonista, Isla Fisher, es un feliz descubrimiento. —xavi sánchez pons

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44/Mondo Conexiones C. Tangana <> Yeloseason

Ed is Dead <> Desigual El artista Okuda San Miguel y Desigual se unieron el pasado mes de diciembre para diseñar la nueva fachada de la tienda Desigual situada en Herald Square, Nueva York. La fachada diseñada por Okuda se llama “Statue of all cultures” y está protagonizada por una nueva imagen de la Estatua de la Libertad. La acción fue presentada gracias al documental A story of diversity and urban art, pieza en la que Ed is Dead colabora en la banda sonora. A la hora de componer la canción, Ed is Dead se inspiró en las obras de Okuda y las calles de Nueva York generando así un track que respira urban y arte callejero. La banda sonora ya está disponible en todas las plataformas digitales con el nombre NYC Graffiti.

Yelo es el nuevo track de C.Tangana y Alizzz que trata el comienzo de esta nueva temporada. Sin embargo, este nuevo tema no solo se ve y se escucha, también se viste. Además de la nueva línea de merchandising creada para la ocasión - disponible en www.yeloseason. com-, el propio título de la canción hace referencia al slang norteamericano (“ice” se utiliza para referirse a los diamantes). Se trata de un guiño a la especial relación del mundo del rap y las joyas que ya adelantó en la playlist conjunta del madrileño con la famosa joyería Popular Jewlery Inc.

Absolut <> Absolut Manifesto Absolut Manifesto vuelve para celebrar su tercera edición. Esta cita regresa para crear y vivir un mundo más abierto e inclusivo. Los asistentes vivirán durante las noches del 31 de enero y el 1 de febrero en un lugar que no pertenece a nadie y en el que no importa dónde hayan nacido llamado We are from Internet. Este concepto resume que la única nación de las personas es Internet y la única identidad existente es la digital. El line up de este evento cuenta con nombres de la electrónica como HVOB, DJ Tennis, LSDXOXO y JASSS. Por su parte, la música urbana estará a cargo de Yves Tumor, Mykki Blanco, Chico Blanco, Inés y Toppanga Kiddo. Además de música, también habrá espacio para propuestas creativas de artistas digitales como Natalia Stuyk entre muchos otros. Más información y entradas en www.absolutmanifesto.es

Bad Religion <> Vans Music Tour

Pioneer <> Controladora DDJ-200 Entre sus diversas novedades, Pioneer DJ ha lanzado recientemente al mercado su controladora DDJ-200, una mesa de dos canales enfocada a principiantes y especialmente indicada para trabajar con archivos digitales (permite trabajar con Rekordbox en ordenadores o con el móvil/tablets gracias a WeDJ; además de permitir trabajar con Bluetooth). Aunque la marca la ha enfocado a principiantes, lo cierto es que se trata de una controladora muy versátil gracias a contar con los elementos imprescindibles para pinchar y mezclar: volúmenes, equalizador y previos por canal, botones Beat Sync para el tempo, ocho performance pads para loops y cue, además de un botón de FX (con once posibilidades de efecto distintas). Si a eso le sumamos su peso ligero y su precio (159 euros), pocas excusas se nos ocurren para que no empieces a dedicarle tiempo ya mismo. #44 febrero 2020

El Vans Music Tour vuelve a España para ser el altavoz de la música en directo de las bandas más icónicas del panorama punk rock internacional. Esta vuelta viene de la mano de Bad Religion, los padres del hardcore melódico que este año celebran sus 40 años en activo. Esta gira aniversario cuenta con siete fechas en España y Portugal concentradas durante el mes de mayo.

Remate <> Néboa Gonzalo López-Gallego estrenó el pasado mes de enero una nueva serie producida por Televisión Española y titulada Néboa. La serie se ambienta en el carnaval gallego, el entroido, donde se empiezan a producir una serie de asesinatos. Una agente de la UCO intentará entonces resolver dichos crímenes que la gente del lugar relaciona con la leyenda del Urco, un monstruo marino que roba el alma a cinco incautos. La banda sonora de esta serie está formado por veintiocho temas compuestos e interpretados por el multiinstrumentalista Remate- autor de álbumes como Ballads Don’t Change Things (04) o Safe and Sound. (08). Además, Carlos Tornado ha sido el encargado de la mezcla de la banda sonora. Se puede escuchar en todas las plataformas digitales y en formato de doble vinilo. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Mondosonoro-2020-febrero-v3.pdf

CMY

21/1/20

12:36

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com

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Big Black

Evanston, Illinois, Estados Unidos. 1981-1987 y 2006 (reunión) El pasado 24 de diciembre de 2019, Dave Riley falleció a causa de un cáncer de laringe. Fue en los años ochenta cuando, junto a Santiago Durango, Steve Albini y una Roland Tr-606, formó parte de Big Black: una apisonadora de frenopático.

ada mejor para empezar que las contundentes declaraciones de Riley a Melody Maker en 1987. “Cuando escucho la palabra ‘violencia’, pienso en ‘victima’. Cuando pienso en ‘agresión’, pienso en ‘intensidad’. Big Black es intensidad”. Enmascarado bajo pintas redneck de instituto y recurrentes inclinaciones a empinar el codo, Riley fundió su bajo en la trepanación sísmica de la Roland que acompasaba los volantazos eléctricos ejecutados por Durango y Albini, verdugos de unas guitarras que sonaban como mordiscos a degüello. Post-hardcore caníbal al que Riley dotó de funk atómico, imposible de bailar sino era desde la enajenación del pogo. No es ninguna casualidad que, entre versiones a sus admirados Wire o Krafwerk, el trío de Chicago también reinterpretara canciones de James Brown (impagable su versión de The Big Payback), Cheap Trick (He’s A Whore) y las Mary Jane Girls (In My House). Pero hasta llegar a esta fórmula, Big Black tuvieron que evolucionar rápidamente desde su quilómetro cero, con el EP Lungs (82), donde un solitario Albini dispuso las líneas maestras de un sonido, aún esquelético, al que en sus siguientes pasos Durango y Riley aportaron el músculo que hizo de epés como Bulldozer (83) y Racer X (84) un díptico esencial de su cuaderno de bitácora. A través del mismo, refuerza características básicas de su estilo, tal que uno de los odios más evidentes de

#46 febrero 2020

Albini. “Odio la voz humana. Nuestra idea es alterar mi voz todo lo posible y luego sepultarla al final de la mezcla”, llegaría a declarar el propio Albini en 1987. A pesar de las virtudes vislumbradas en cada nuevo paso discográfico del grupo y en temas suicidas como The Ugly American, nadie podía esperarse un salto cualitativo tan vigoréxico como Atomizer (86). Sin embargo, la contraportada de Racer X (84) ya lo advertía por medio de un mensaje profético, que cumplieron con creces. “The next one’s gonna makes you shit on your pants” (con el próximo te cagarás por los pantalones). Literal. Solo por Kerosene, su primer álbum debería ser considerado piedra filosofal de las teorías post-hardcore, seis minutos de agresión constante que suenan a continuación exasperada del Something To Do de Depeche Mode. Las arremetidas nucleares del bajo de Riley en esta canción son el punto álgido de la cosmología Big Black. Sin embargo, el resto del álbum no le iba a la zaga. Atrocidades como Passing Complexion o Jordan, Minnesotta hacen que adalides del post-hardcore siglo XXI, como Idles O Fucked Up, suenen a hermanitas de la caridad. La agresión interina de cada inflexión vocal, rítmica o eléctrica del disco viene dictaminada por la misma esencia cancerígena de los mensajes encriptados en canciones donde se pasean seres sádicos, alcóholicos, psicópatas y asesinos a sueldo. Como el propio Albini llegaría a reconocer para Nuestro grupo podría ser tu vida, de Michael Azerrad: “Son estudios elípticos de tipos espeluznantes como adictos al crack, abusadores de niños e, incluso, un individuo que vive en un agujero” [como en Live In A Hole, perteneciente a Lungs]. —marcos gendre

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IMPRESCINDIBLE Songs About Fucking (Touch And Go, 1987) 9/10

SU predisposición hacia el lado oscuro del sueño americano floreció en Songs About Fucking, un trabajo en el que subrayan de forma evidente su inclinación hacia la aceleración desbocada, en sprints esquizofrénicos como Pavement Saw, Fish Fry o la brutal L Dopa. L Dopa no es más que uno de las inmersiones hacia las profundidades del horror, en unas letras en las que H.P. Lovecraft ha sido apresado en la demencia de enfermedades incurables y toda inclinación hacia la visión de la vida desde los ojos de un perturbado mental. No hay escapatoria en un conjunto de arremetidas que atenazan desde sus articulaciones y se cuelan en el subconsciente en forma de pesadillas escabrosamente reales. Las cogorzas de Riley en pleno directo y la propia devastación emocional generada por su sonido fueron razones básicas en el cierre a una experiencia al límite de la que surgió la rama más virulenta de la escena posthardcore. —m.g.

Edición Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com Edición Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com) Edición Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Edición Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Edición Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Edición Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

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NA20_MUNDO SONORO_21_01_20_v1.pdf

21/01/2020

16:15

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11 JULIO

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