MondoSonoro julio-agosto 2019

KATE TEMPEST, SLEATER-KINNEY, SLEAFORD MODS, FRANK CARTER ELPHOMEGA, GARBAGE, INNA, MAC DEMARCO, HOT CHIP, BAD RELIGION NIร O DE ELCHE, GOA, TASH SULTANA, SLAVES, KAIXO

Nยบ 274 Julio-agosto 2019 www.mondosonoro.com

Modeselektor

Todos a la pista

JULIO

ESPACIO MAD COOL • VALDEBEBAS - IFEMA • MADRID JUEVES 11

BON IVER VAMPIRE WEEKEND • THE CHEMICAL BROTHERS • MS. LAURYN HILL HIGH FLYING DISCLOSURE dj set • IGGY POP • NOEL GALLAGHER’S BIRDS KIND HEAVEN PERRY FARRELL’S ORCHESTRA • TASH SULTANA • THE HIVES • KAYTRANADA

LA DISPUTE • CHARLOTTE DE WITTE • LEWIS CAPALDI • TOKIMONSTA NAO • SG LEWIS • AMBER MARK • LET’S EAT GRANDMA • PHOTAY • FOXING • JASSS REWS • PIERCE BROTHERS • HAIKU HANDS • THE SNUTS • MOLINA MOLINA • KOKOSHCA GENTLEMAN CLEF • SHEAFS • RED GURD VIERNES 12

THE NATIONAL • THE SMASHING PUMPKINS VETUSTA MORLA • EMPIRE OF THE SUN • ERIC PRYDZ • VINCE STAPLES MARINA • SHARON VAN ETTEN • WOLFMOTHER • MILES KANE REIMAGINING WALKING ON A DREAM

AMERICAN AUTHORS • ALMA • ROLLING BLACKOUTS C.F. • GEORGE FITZGERALD

MALL GRAB • HELENA HAUFF • PALACE • TOURIST • DEMOB HAPPY • HAAI • SOPHIE HUNGER SEX MUSEUM • MILK TEETH • THE SLOW READERS CLUB • SAOIRSE BLACK MIDI • HIMALAYAS • CARIÑO • VALERAS Y.AZZ X B-MYWINGZ • SOFI MARSTON • STAYTONS SÁBADO 13

THE CURE PROPHETS OF RAGE THE 1975 • ROBYN • YEARS & YEARS • GOSSIP GRETA VAN FLEET • JORJA SMITH • BONOBO dj set • JON HOPKINS live

MOGWAI • CAT POWER • JOHNNY MARR • CARPENTER BRUT • BEAR’S DEN PARQUET COURTS • ALIZZZ • RONE • AVALON EMERSON • BLACK HONEY YONAKA • THE TWILIGHT SAD • LE BUTCHERETTES • DR. RUBINSTEIN DELAPORTE • LALA LALA • PIP BLOM • MITÚ • DOBLECAPA TIRANO • SALIO

TICKETS A LA VENTA EN: www.madcoolfestival.es

Kate Tempest El poder A de la palabra

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5/Mondo freako

y mira a la "Sal a la calle , recuerda gente a la cara aislado" que no vives

Kate Tempest sonríe mucho, sujeta con ambas manos una taza humeante de café y habla despacio, con un tono de voz calmado y amable. El entorno impersonal y frío de la recepción de un hotel madrileño parece una elección casi irónica para sentarnos un rato a charlar acerca de lo que rodea a The Book Of Traps And Lessons (Republic/[PIAS], 19).

LEJADO de la banalidad y la inmediatez, centrado en la profundidad y honestidad del mensaje, The Book Of Traps And Lessons, el nuevo trabajo de la inglesa nos obliga a un exigente ejercicio de atención y reflexión que nos recuerda el poder transformador del arte y la creación cuando están al servicio de un mundo mejor o, como mínimo, más humano. “Me encontraba en un lugar muy oscuro cuando empecé a escribir Let Them Eat Chaos, estaba en un momento tenebroso de mi vida y los retratos de los personajes de ese disco salieron así, ninguno de ellos tiene paz, simplemente no están bien. Era un disco oscuro, pero terminaba con un mensaje de redención: despierta y

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ama más, y ten un poco de esperanza.

En The Book Of Traps And Lessons, en cambio, hay una luz que atraviesa todo el disco. Es como cuando consigues expulsar algo tóxico de tu organismo, una vez que pude escribir todo aquello en el disco anterior sentí que podía pasar a otra cosa, me sentí inspirada de una forma nueva y necesitaba ofrecer algo diferente, algo luminoso. Mi deseo es que la gente sienta que este disco surge de un lugar lleno de intenciones positivas, hay un deseo puro de amor detrás del proceso creativo”.

TODO ESE IMPULSO POSITIVO del disco está canalizado en una llamada urgente a la conexión entre seres humanos, a la necesidad de colocar la empatía en el centro de la vida, y de ese sentimiento tan íntimo y personal

surge un posicionamiento político, de una manera menos directa, pero más profunda, que en Let Them Eat Chaos.

“Deja que te diga una cosa: uno de los trucos más eficaces que el capitalismo occidental postindustrial ha llevado a cabo en su proceso de construcción de sociedades de consumo crueles e hiper individualizadas es habernos convertido en seres insensibles. Están consiguiendo que nos olvidemos de sentir, somos consumidores adormecidos, anestesiados, y creo que los artistas tenemos la responsabilidad de recuperar el significado de sentir.

Creo que eso es lo más importante que podemos ofrecer, eso es lo que tenemos, ese es nuestro don”.

CON THE BOOK OF TRAPS AND LESSONS, Kate Tempest bucea en las contradicciones de un mundo que

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MONDO FREAKO

LA MÍA Mucha, mucha tontería

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tiende a la deshumanización, observa con mirada radiográfica la atomización y alienación del individuo dentro de una realidad infectada por la desigualdad y el egoísmo y escribe desde el desgarro de quien se niega a caer en la indiferencia. Resulta imposible salir ileso de los cincuenta minutos que dan forma al trabajo más completo y complejo en la por ahora intachable discografía de la inglesa.

“Cuando consigues crear una reflexión, cuando consigues dotar de contenido y darle sentido a una experiencia a través del arte, la gente se reconoce a sí misma de nuevo, recuerda que existe de verdad y sabe que somos mucho más que el trabajo que mantenemos para poder pagar un alquiler tan ridículamente alto que muchos días ni siquiera encontramos un momento para pensar en nuestros seres queridos. Ese es mi compromiso como artista respecto a todas las personas que me rodean: motivar y animar a sentir otra vez, y sí, es un compromiso político también”.

AMOR Y EMPATÍA FUNCIONAN como ejes principales del necesario y urgente mensaje que envuelve a este disco. Dinamitando géneros, situándose a medio camino entre el rap y el spoken word, todo en The Book Of Traps And Lessons gira en torno a la importancia de las palabras, en un ejercicio tan anclado en la música como en la literatura. “El amor puede ser un reflejo de las normas y valores de una sociedad, y en ese sentido puede ser un veneno, puede ser posesivo, tiránico, insano y directamente peligroso. En el disco está presente ese tipo de amor individualista, ese amor de carácter capitalista, pero hay también otro tipo de amor atravesando todo el disco, un amor mucho más sólido y comprensivo, mucho más abierto, sin fronteras de ningún tipo, que se manifiesta en lo físico, atraviesa los cuerpos, es simple y no tiene límites. El amor no es solamente algo redentor, el amor es un impulso que nos conduce a la libertad: no puedes pretender cambiar el #6 julio-agosto 2019

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mundo si te comportas como un tirano en tus relaciones, así de simple. No podemos esperar que no hayan monstruos en los gobiernos si normalizamos y permitimos la tiranía en nuestra forma de relacionarnos con los demás. Cuida de tu vecino, sal a la calle y mira a la gente a la cara, recuerda que no vives aislado, todos estamos conectados, para bien y para mal”. —ricky lavado

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CRITICANDO The Book Of Traps And Lessons

Republic Records Rap 9/10

Hip hop, poesía, spoken word, narrativa, teatro… con tan sólo 35 años, la rapera inglesa atesora un legado artístico que la convierte en una de las voces imprescindibles no ya de su generación, sino de las últimas décadas, y ese estatus de artista única, inalcanzable y necesaria no hace más que confirmarse con The Book Of Traps And Lessons. Nos encontramos ante el trabajo más denso y complejo en la por ahora intachable discografía de Kate Tempest.

No es una obra de fácil digestión, el equilibrio entre música y literatura en el que tan bien se maneja la inglesa, con una novela, varios poemarios publicados y diversas obras teatrales estrenadas a sumar a sus dos enormes discos en solitario, se decanta esta vez hacia la dimensión literaria. —r.l.

ANTENER EN EL CANDELERO una publicación como Mondo Sonoro nos ha obligado en los últimos años a redoblar esfuerzos en actividades que ni siquiera existían cuando hace veinticinco empezamos con la revista impresa. De hecho, nuestra versión digital, y como consecuencia nuestra actividad en redes sociales, se lleva en la actualidad gran parte de un tiempo y unos recursos que antes dedicábamos en exclusiva a la revista que tienes entre manos. Nuevos modelos de negocio que han provocado, al menos en el gruñón que escribe, un rechazo algo visceral a lo que representan. Y cada día soy de los que me posiciono más en contra de mantener ningún tipo de presencia privada en redes por todo ese exhibicionismo banal, superfluo y a menudo idiota que representan. Claro que luego a alguien de mi entorno se le ocurre recomendar una serie fantástica como Years And Years, y parte de ese factor de resistencia queda dinamitado. Y es que enfrentarte a diario a las redes sociales te muestra ese catálogo enorme del comportamiento humano que a menudo te saca de quicio, mientras que en otras ocasiones te ayuda a descubrir joyitas con recomendaciones que vienen avaladas por personas cuyo criterio te merece confianza. Pero dejadme que me centre en los comentarios que como voyeur no activo, me sobran de veras. Me refiero a cosas como hacer gala de no haber visto series de éxito como Juego de tronos o Chernóbil y sentirse diferente, incluso especial por ello. O esa moda tan idiota de cargar contra los festivales como si alguien te pusiera una pistola para acudir a ellos.

Me parece perfecto que ese espectáculo de masas no vaya contigo, pero no hace falta intentar convencer al resto de los mortales de lo mucho que se equivocan. Eso por no hablar de que, muchos de esos mismos que jamás acudirían a un festival, llevan luego agazapado en su interior un programador muy listo, sagaz y hábil que siempre dispone de un cartel mejor con una distribución de horarios en lo que nada interesante se solapa. Aunque la cima más reciente de la tontería en Internet, ha sido comparar la cancelación del Doctor Music Festival con el fiasco de Fyre festival narrado en el famoso documental de Netflix. Como si una estafa basada en publicidad engañosa que nadie se atrevió a suspender aunque iba de cabeza al desastre, pudiera compararse con una dolorosa cancelación por la baja venta de entradas. ¡Con qué ligereza se puede juzgar una decisión tan difícil que además ha privado a un buen número de personas de obtener unos ingresos para ganarse la vida! Son ese tipo de actitudes, en las que confundimos crítica con provocación, las que me sacan de quicio y me empujan a reducir mi dosis de mierda todos los días.

Resulta difícil. La capacidad de enganche de mi móvil cuando me subo al metro es tan adictiva que, con gran esfuerzo, estoy intentando volver al libro de tapa dura como metadona para mi mente. ¡Ojalá se me gaste cada día antes la batería! —don disturbios

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Sleater-Kinney La metamorfosis The Center Won’t Hold (Caroline/Music as Usual, 19) reinventa con sumo acierto el sonido de la fenomenal banda de rock formada por Carrie Brownstein, Corin Tucker y Janet Weiss. Con la primera de ellas charlamos sobre el disco y su momento actual.

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ARRIE BROWNSTEIN, cantante y guitarrista (y actriz en la serie de culto Portlandia), nos explica las claves de esta mutación sonora promovida por Sleater-Kinney y Annie Clark (St. Vincent) como productora. Influencias de Depeche Mode, New Order, Fleetwood Mac, Kate Bush... y ¡Ministry! Todo ello permea un disco de fuertes claroscuros en el que lo personal y lo político se confunden. “Estamos viendo mucha oscuridad, falta de emociones y violencia en el mundo. Y queríamos coger estos asuntos políticos tan amplios y colocarlos en narrativas personales: gente que tiene que vérselas con la desesperación, que vive en una especie de ansiedad existencial, mientras otras personas aceptan la corrupción. Creo que el tema del disco es cómo lidiamos con esta sensación de ruptura, cómo repararla, para recuperarnos y seguir adelante. Siempre hemos casado lo político y lo personal, pero creo que hemos hecho un esfuerzo consciente por mostrarnos vulnerables. Queríamos sacar la fragilidad y la vulnerabilidad sin contenernos”.

EL ENFOQUE SONORO está al servicio de esta idea central. “Con cada disco siempre nos ha interesado plantearnos un reto. En este caso, cambiamos la metodología con la que componemos.

Yo vivo en Los Ángeles y Corin Tucker vive en Portland, así que en lugar de hacer las canciones juntas con guitarras en el local, acabamos componiendo por separado en casa con teclados y sintetizadores, lo cual dio como resultado maquetas más pulidas. Fuimos capaces de compartir una visión más concreta de lo que queríamos con cada canción.

Y creo que, debido a esto, la paleta sonora cambió. Para nosotras ir al estudio es normalmente un proceso de ‘documentación’, pero en este caso fue de descubrimiento”.

“El tema del disco es cómo reparamos la sensación de ruptura”

EL APUNTE Lo que dijimos de los últimos discos de Sleater-Kinney One Beat Kill Rock Stars/ Matador, 2002 Las necesito. Las necesitas. Las necesitan… pero ellos no lo saben. Así es, amigo/a, jode ver que uno de los mejores grupos de los últimos diez años siga sin ser de dominio público. Tienen actitud y le cantan a la vida de frente, sin medias tintas. —roger estrada

The Woods Sub Pop/Popstock!, 2005 Un disco de rock robusto y aguerrido que que cogerá a muchos de sus fans por sorpresa. En esta ocasión han optado por experimentar y moverse en un terreno tan amplio que las lleva de Led Zeppelin a Sonic Youth pasando por Huggy Bear.

—don disturbios

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No Cities To Love Sub Pop/Popstock!, 2015 Un disco directo y compacto, con diez temas en poco más de media hora, que va al grano sin concesiones. Ni baladas ni canciones que superen los cuatro minutos, casi un regreso al punk rock si lo comparamos con The Woods.

—darío garcía coto

The Center Won’t Hold Caroline/ Music As Usual, 2019 La mutación del sonido rockero hacia texturas más sintéticas hace tiempo que no es novedad. El trío de Olympia presenta un disco de violentos contrastes, maduro (que no acomodado) sobre cómo superar la crisis personal y política, que aquí se funden en un todo. —j.c.p.

BROWNSTEIN ADMITE entre risas que hay bastantes más guitarras de lo que parece. “Hay un montón, lo que pasa es que suenan como sintetizadores”. En su opinión, el papel de Annie Clark ha sido “crucial”. “Es genial, muy brillante como compositora y también ahora como productora. Tenía un montón de ideas estupendas, nos empujaba a ir más lejos con las letras, a meternos más en las canciones y pensar en cómo sacar todo su potencial. Ha sido una colaboración realmente inspiradora”. Uno de los planteamientos básicos fue “yuxtaponer algunos de los temas oscuros que tratamos con melodías pegadizas.

Y al mismo tiempo, crear una variedad de texturas y dimensiones. El disco empieza con un momento muy oscuro e inquietante. A partir de ahí, está bien dejar que el oyente viva un viaje. Una canción más pesada tiene más impacto si la siguiente es más ligera y gozosa”.

CON DIEZ DISCOS ya a sus espaldas, tres desde su regreso en 2013, la norteamericana cree que es “imposible separar este álbum de la experiencia que tenemos. Hubo una especie de proceso de deliberación e intencionalidad que yo he disfrutado muchísimo. Cuando haces tu décimo disco, te sientes libre para expresarte sin preocuparte de las expectativas”. ¿No les preocupa, entonces, la reacción de algún fan recalcitrante? “Creo que venimos de un lugar en el que la integridad y la sinceridad predominan y creemos en la inteligencia de los que nos escuchan. Nuestra intención siempre ha sido fortalecer la conexión con la gente. No podemos preocuparnos por el gusto individual de alguien. Puede que perdamos algunos fans, pero con suerte también ganaremos otros. En cualquier caso, estamos muy orgullosas de este disco”. La cantante y guitarrista termina reflexionando sobre cierta dictadura de lo juvenil que impera en el pop, en especial con las mujeres. “Para mí la música es una necesidad. Pero es verdad que en otros géneros artísticos hay una longevidad que se suele admirar más. Lo esencial es tratar de ser relevante y conectar con gente. Yo admiro a artistas como David Byrne, Nick Cave, Patti Smith o Bruce Springsteen, que continúan componiendo y buscando”.

—j.c. peña

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MONDO FREAKO

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L HILARANTE VÍDEO de Nobody, con el artista haciendo de extraño reptil ataviado de vaquero es la perfecta carta de presentación de un trabajo que se pudo ver en el Primavera Sound. Una inquietud sobrevuela la conversación que me conecta con Los Ángeles a horas locales intempestivas: ¿Será tan pillo por teléfono como en sus actuaciones? El canadiense se muestra esencialmente tímido. “Aprecio la figura del vaquero como personaje icónico y raro del pasado en la cultura occidental. Era alguien en quien podías confiar, pero ha dejado de tener ese significado. En realidad, no estaba tratando de decir algo demasiado específico o de dibujar un personaje que el oyente pudiera entender, sino dejarlo abierto a su interpretación.

Desde luego, no es un disco de country o de música de vaqueros, es sólo algo divertido”, me explica sobre un título que funciona a varios niveles. “Es un tema recurrente a lo largo del álbum.

Quizá las canciones están escritas más como pequeñas historias, aunque trato temas que me encuentro en mi propia vida: el aislamiento, el escapismo. Aunque nunca es algo muy literal, todo es muy personal”. ¿Un progreso desde sus primeros trabajos? “Sin duda. Mis letras son ahora más personales. He tenido que aprender a meter más en ellas lo que siento, y a decir más cosas musicalmente. Antes, me salían raras un poco por accidente, y ahora soy capaz de esculpir mejor las letras para llegar a un sentimiento concreto”.

Y ES QUE EL ARTISTA tiene claro que prefiere escribir sobre la condición humana en toda su extensión en lugar de enredarse en temas políticos tan en boga en Norteamérica. “Es estupendo que haya gente haciendo ese tipo de cosas, pero no es lo mío. Me interesa más la condición humana, el día a día de estar vivo. Ni siquiera soy estadounidense. Los humanos y sus emociones son suficientemente interesantes. Me parece que estamos un poco saturados de política”. De ahí

que una de sus especialidades sean las canciones de amor (y desamor) en todas sus inagotables variantes. “No lo sé, me atraen las canciones que hablan de estar enamorado, incluso aunque no lo esté. Todo el mundo siente que es algo consustancial al ser humano. Siempre he sentido una conexión fuerte con la música que trata ese tema”.

AL MISMO TIEMPO, cierta sana ligereza sigue caracterizando la música del canadiense, que se suelta con jugosos apuntes funk y soul y un final en el que, literalmente, se echa unas risas.

“Sí, esa canción representa un poco la locura en la que estaba cuando hacía el disco. Hubo un poco de presión porque teníamos una fecha límite.

Aunque he aprendido más sobre grabación, me sentía un poco dándome de cabezazos contra la pared. Cuando la grabamos nos tomamos un par de tequilas. Al final, esa risa dice que no había sido para tanto”.

VERNOR WINFIELD (su verdadero nombre) ha apostado en su propio estudio de L.A. por un sonido sobrio, con mucho espacio entre instrumentos muy medidos. “Quería que sonara como los discos que me gustan. Lo

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Mac DeMarco El hombre tranquilo

que lo hace diferente es que hoy la mayoría de la gente graba de cualquier modo, sin preocuparse mucho de cómo colocar los micrófonos, y hace el trabajo después. Yo quería que fuera al revés: en lugar de editar sonidos a posteriori, me puse a aprender mucho de equipo antiguo, técnicas de grabación e intenté que todo sonara natural. En cierto modo, se trataba de grabarlo a la antigua usanza, aunque también usamos un ordenador. Ha sido más bien una mezcla”.

A DIFERENCIA DE OTROS artistas, el canadiense se muestra prudente cuando le preguntamos si considera que Here Comes The Cowboy es su trabajo más redondo. “No lo sé, realmente. Intento no ponerle nota a lo que hago, pero… Me gusta. Me gustan las canciones y espero que le guste a otra gente. Esto es todo lo que puedo decir, no tengo ni idea de si es el mejor o el peor. Esperemos que guste”.

—jc peña

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“Me interesa la condición humana, el día a día de estar vivo”

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Here Comes The Cowboy (Caroline/Music As Usual, 19), es el cuarto disco en solitario del joven autor canadiense, compositor de canciones plácidas, atemporales y encantadoras, ahora con un poso más clásico, pero el mismo punto extravagante.

DeMarco presentó el disco en el pasado Primavera Sound.

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La veteranía es un grado pero hay muchas otras razones por las que se pueda considerar a Adrift como una de las bandas más respetadas de la escena extrema española.

Su nuevo trabajo, Pure (Temple Of Torturous, 19), no hace más que confirmarlo.

D

ESPUÉS DE AQUEL LEJANO –e increíble– Black Heart Bleeds Black (12), el cuarteto madrileño redujo progresivamente su actividad con la clara intención de centrarse en su nuevo trabajo. “En el 2015, paramos de tocar en directo un poco para componer el nuevo disco, pero la cosa se fue alargando”, afirma su bajista, Dani. “Nuestro ritmo compositivo siempre ha sido tranquilo, porque nos gusta hacer las canciones que vayan tomando forma en los ensayos”. Fruto de su perseverancia, paciencia e intuición llega Pure, un álbum capaz de combinar la variedad con el particular sello corrosivo de Adrift. “Hay unas canciones más largas y densas; otras en las que se dejan ver influencias más psicodélicas; en alguna también hemos experimentado un poco más para crear estructuras diferentes… Todas encajan entre sí y, aunque no se han compuesto como un todo conceptual desde el punto de vista musical, sí que ha quedado como un disco completo, como si hubiera sido casi intencionado”.

Seis canciones en las que la banda vuelve a explorar registros introspectivos. “Los humanos tendemos a corromper todo aquello que creamos, y que de alguna forma siempre necesitamos mantener algo puro dentro de nuestro círculo. Creemos que Pure representa muy bien ese concepto global del disco”. Con casi dos décadas de trayectoria a sus espaldas, Adrift han terminado convirtiéndose en un referente para la comunidad metalera española al conjugar el componente denso y corrosivo del sludge con la vocación experimental del post-metal. Pure se ha grabado en los estudios Ultramarinos de la Costa Brava, experiencia que, según lo vivido, ha dado los resultados esperados.

“Macon (guitarra) había grabado antes con Toundra y su feedback era muy bueno. Es muy fácil trabajar con Santi García: es una persona muy agradable y muy buen técnico.

Ha conseguido una calidad excelente, sobre todo en las baterías”. —tomeu canyelles

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Sleaford Mods En modo pop

No dejan tiempo para el descanso.

Sleaford Mods siempre tienen algo que contarnos. Ahora, el dúo de Nottingham ha vuelto a la carga con Eton Alive (Extreme Eating/Popstock!, 19), probablemente su trabajo más variado y ambicioso.

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ROLÍFICOS EN SU MINIMALISMO impertinente, Jason Williamson y Andrew Fearn disfrutan probando matices. Su disco más bailable y melódico, como el single Discourse, pero también el que presenta textos más oscuros y personales. El letrista se atreve incluso a cantar. Su extenso tour les traerá al Vida Festival y al BBK Live.

“La música de Andrew va cambiando y mejora. Me pareció que yo tenía que ponerme a su altura y probar algunas de las cosas que me estaban influyendo en aquel momento, como el soul y R&B de los ochenta.

Queríamos que fuera un poco más pop, porque estamos escuchando mucho trap y música con estribillos”, me dice un agradable Williamson por teléfono. Que nadie se preocupe, todo sigue en su sitio. “Oh, Dios, sí. Sería un error tratar de hacer algo completamente diferente. Porque al mismo tiempo, me sigue gustando la música dura, aggro, así que era importante intentar fusionar ambas cosas. Sin duda, he cantado un poco.

Lo más importante era que no acabara siendo una mierda [risas]. Creo que empezamos experimentando un poco con ello hace un par de años en English Tapas. Y ahora queríamos ir más lejos, lo necesitábamos.

La gente podía pensar en su momento que íbamos a tener un solo truco, pero desde luego no era nuestra

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intención cuando empezamos en esto”.

UNA DE LAS GRANDES APORTACIONES de los ingleses sigue siendo su carácter recio: hagan lo que hagan, suenan de verdad. “Hay tantísima mierda por ahí que no queremos que se nos asocie con ella. El mundo ya es suficientemente complicado como para aguantar esa porquería. Hay música que no me gusta que puede tener su lugar, pero no me creo parte de ella”. Lo curioso es que Sleaford Mods ya no quieren sólo escandalizar. “Puede que nos estemos moviendo hacia un área más convencional de canciones con estrofa y estribillo. Quizá dentro de un tiempo todo suene totalmente convencional en ese sentido. No sé explicarlo, te puedo decir que ya no me da miedo escribir cosas que no escandalicen a la gente, y Andrew está un poco en las mismas. Hacemos lo que hacemos y ya está”.

EL BRITÁNICO CONFIESA estar “cansadísimo” del estéril culebrón del Brexit –dedican el disco a sus “hermanos europeos”–, aunque desde el mismo título (referencia a la escuela de élite que hizo célebre Paul Weller en la demoledora The Eton Rifles), el caos político que vivimos sigue muy presente. “Quería destacar que seguimos a merced de los privilegiados, que han ayudado a orquestar estas políticas falsas de austeridad y que lo que han conseguido es llevarnos al caos y solidificar la idea de la pobreza”.

Y tiene la humildad suficiente para reconocer que el fichaje por Rough Trade no salió bien, de ahí su vuelta a la autogestión. “Te das cuenta de lo que cambian las cosas porque no puedes llevar discos en el maletero del coche.

Fue un movimiento prematuro y se hizo muy estresante”.

Inasequibles al desaliento, intentan mantener la cabeza fuera del agua en una industria en la que “Internet se lo cargó todo”. —jc peña

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“Ya no me da miedo escribir cosas que no e” escandalicen a la gent

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Adrift El círculo negro

julio-agosto 2019 #11

FOTO: RONALD DICK

MONDO FREAKO

a “Preferimos la respuest ros, positiva a momentos dunta” se como el soul en los se

Hot Chip Un baño de sol

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EN LA MALETA

Joe Goddard y Owen Clarke, dos quintos de la banda británica Hot Chip, pasaron por Madrid para dar cuenta de su séptimo disco: A Bath Full of Ecstasy (Domino/Music As Usual, 19). Este verano podremos verles en directo en Vida Festival (4 julio, Vilanova i la Geltrú) y Bilbao BBK Live (14 julio, Bilbao).

Salvatore Ganacci Pese a haber trabajado con gente como Jillionaire o Sebastian Ingrosso, Emic Kobilic se ha dado a conocer como Salvatore Ganacci gracias al hit Horse y a sus sesiones en grandes festivales.

El próximo 27 de julio participará en el Unite With Tomorrowland barcelonés.

#12 julio-agosto 2019

H

orse tiene posiblemente el clip más bizarro que vayamos a ver este año. ¿Es un videoclip proanimalista o algo por el estilo?

Es una historia eslava de hadas que gira alrededor del concepto del karma. Pero nos alegramos mucho de que hubiese animales a los que hayamos podido ayudar.

—Atendiendo a tus shows, no cabe duda de que eres uno de los DJ’s más peculiares del momento. ¿Cuándo nació esta faceta de Salvatore?¿Qué importancia crees que tienen tus performances en tu meteórica popularidad en la escena EDM? Pues para serte sincero, siempre he actuado de la forma en la que lo hago ahora mismo. Nada ha cambiado desde que empecé a pinchar en los clubes nocturnos de mi ciudad.

—Da la impresión de que has aportado algo de sentido del humor a la escena electrónica actual, y eso siempre es positivo. ¿Qué opinas al respecto?

Yo sencillamente pretendo ser positivo y repartir amor durante mis sesiones, lo cual puede verse como humor.

—¿Por qué motivos empezaste a pinchar? ¿Y cuándo empezaste con tus performances?

Empecé a pinchar porque me gusta la música. Soy un tipo muy expresivo, así que mis performances son sencillamente un signo de que adoro lo que hago y

de que disfruto cada minuto mientras estoy sobre el escenario.

—¿Son Emir Kobilic y Salvatore Ganacci la misma persona?

Son familiares, sin duda.

—¿Hay algo que odies de otros Dj’s?

No. No tengo tiempo para odios.

—¿Qué opinas de la popularidad que se le da a los Dj’s frente a los músicos?¿Le das mayor valor a los músicos de pop o de rock que a los Dj’s?

Respeto mucho a los músicos, independientemente del tipo de música que hagan. Desde el momento en que hagan algo creativo y que les guste, ya me parece bien.

—¿Cuál podría ser tu mejor sesión hasta la fecha?

Las sesiones en Tomorrowland son siempre increíbles y es uno de los festivales en los que más me fijo siempre.

Estoy superexcitado con participar en el Unite With Tomorrowland en Barcelona. Haré dos shows de Tomorrowland en un mismo día, terminando en Barcelona. ¡Será una verdadera locura! ¡Espero veros a todos en Barcelona y que lo pasemos muy bien juntos!

—¿Puedes adelantarnos en qué estás trabajando ahora mismo?

Estoy metido en grandes cosas, no lo dudes. Me sabe mal no poder añadir más detalles por el momento, pero estad atentos. —MS

OMPENDIO DE SU MANERA de entender el pop electrónico, en el nuevo álbum de los londinenses se funden la accesibilidad luminosa con la melancolía marca de la casa. Por primera vez, han trabajado con productor. Y no uno, sino dos: el francés Philippe Zdar (Phoenix, Franz Ferdinand) y el escocés Rodaidh McDonald (The xx). “Surgió porque queríamos que nos llevaran un poquito más allá. Me da la impresión de que cuando nos juntamos a hacer música tenemos una fórmula que funciona y disfrutamos. Usamos teclados, cajas de ritmos, componemos de una cierta manera y lo que sale es esencialmente un disco de Hot Chip. Pero esta vez queríamos probar nuevos métodos, técnicas, software, hardware… y también ser más un poco más exigentes, trabajar más la composición”, dice Goddard. Clarke añade que “no diría que el sonido es más ligero, pero sí que el hecho de haber trabajado con más gente le da como más libertad y espacio, te lleva a diferentes lugares.

Este álbum tiene una energía diferente”.

GODDARD ASEGURA que la luminosidad que impregna todo el disco, desde la portada y el título, “No fue consciente.

Cuando empezamos a hacer un disco, no buscamos un concepto, una emoción o un sonido determinado. Pero retrospectivamente, sí que creo que hubo un deseo inconsciente de promover cierto positivismo. Siempre me ha gustado ese enfoque a la hora de enfrentarte a tiempos duros o penurias: es lo que pasaba con el soul en la América de los sesenta o con el reggae en Jamaica en los setenta”. “Tampoco estoy diciendo – se apresura a matizar– que quisiéramos promover una especie de escapismo descerebrado: claramente vivimos un momento política y ecológicamente increíblemente importante. Y el título suena a escapismo y hedonismo. Pero en realidad no es de ahí de donde salió, porque Alexis (Taylor), que fue quien escribió la letra de A Bath Full Of Ecstasy, nunca ha tomado drogas. Supongo que el positivismo viene del hecho de que, cuando nos juntamos a hacerlo,

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TAN. CERCA RREl Resurrection Fest Estrella Galicia, que se celebra los días 3 a 6 de julio en Viveiro (Lugo), anunció recientemente sus horarios.

Los cabezas de cartel son Slayer, Slipknot y King Diamond. El día 3 habrá fiesta previa con Kvelertak, e Ignite, entre otros.

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RREl Pirineos Sur se celebrará del 12 al 28 de julio en diversas poblaciones de Huesca con The Waterboys, Emir Kusturica, Lee Scrath Perry, Green Valley o Third World. Igualmente, participarán propuestas locales.

RREl Sónar, que se tendrá lugar en Barcelona desde el 18 al 20 de julio, cerró definitivamente su cartel hace unas semanas con el anuncio de artistas como Sevdaliza, Theo Parrish, Dellafuente, Dano, Petite Noir, Perel y otros.

RRDel 30 de julio al 4 de agosto se celebra en Burriana la nueva edición del festival Arenal Sound., que agotó todos sus abonos hace más de seis meses. Los principales cabezas de cartel son Farruko, Oliver Heldens, Martin Garrix, Thirty Seconds To Mars, Vetusta Morla o C. Tangana.

RREl Santander Music cierra su undécima edición con Kaiser Chiefs, Bad Gyal, Fuel Fandango, Cupido o Carlos Sadness, entre otros. El evento, que tendrá lugar los días 1, 2 y 3 de agosto, incluye a otros nombres como Zahara, Second Toteking o Carolina Durante.

RRCartel de lujo el que presenta la nueva edición del Tsunami Xixón, a celebrar los días 2 y 3 de agosto. En su parrilla encontramos artistas como Good Charlotte, The Offspring, Kaiser Chiefs, NOFX, Berri Txarrak, La M.O.D.A., Carolina Durante, etcétera.

¿Recuerdan a aquel veinteañero pelirrojo, con cara de poquísimos amigos y que canalizaba en Gallows su predicción sobre un futuro apocalíptico y lleno de odio y desesperanza? Pues, diez años después, le tenemos dándolo todo sobre los escenarios a propósito de End Of Suffering (International Death Cult/Popstock!, 19)

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E GASTADO MUCHÍSIMO tiempo y energía durante mi vida en sentir odio cuando en este mundo también hay bondad, pasión y amor”, afirma Carter al preguntarle por el tono más positivo de su nuevo trabajo, End Of Suffering, tercero como Frank Carter And The Rattlesnakes desde que comenzaran su andadura allá por 2015. Si bien su evolución hacia terrenos menos agresivos ha sido evidente a lo largo del tiempo, también lo es que la banda ha conseguido traspasar las fronteras del hardcore y abrirse a un público más amplio. Eso sí, su tremenda implicación y visceralidad para expresar su estado de ánimo en cada momento continúan intactas como el primer día. “Ha sido un recorrido muy, muy salvaje esta vez. Estoy constantemente intentando descubrir quién soy. La gente cambia, crece… Voy probando para saber con qué estoy cómodo, con qué no y sobrepasar mis límites hasta el extremo es la mejor forma que tengo para averiguar todo esto.

Creo que los artistas y músicos tenemos que ser valientes”.

PARA EL LONDINENSE, haber llegado a editar un tercer disco con su banda es clave a la hora de ver continuidad al proyecto. “Ahora mismo el mundo está planteado de una manera en la que todo es increíblemente fugaz, y puedes perderte en ese ritmo loco que llevan las cosas, pero para cuando llegas al disco número tres, creo que ya tienes suficiente material a tus espaldas como

para que te haya quedado claro lo que te gusta, y también lo que no”. Sin duda, uno de los aspectos que más llaman la atención del álbum es la evolución vocal de Carter, algo que le permite moverse por registros muy diferentes y que ha conseguido a base de sentarse con la otra mitad del proyecto, Dean Richardson. “No tengo ni idea de música, ni sobre sus aspectos más técnicos, ni sobre ritmo, tempos, ni nada, pero cuando nos juntamos él me va ayudando y como si fuera un sastre va entallando todo hasta que finalmente llegamos a mi tono correcto”. Puede que esta evolución (¿podríamos hablar de madurez?) no le cuadre a sus fans más acérrimos y a aquellos nostálgicos de su versión mas salvaje y fuera de control, pero si algo tiene claro es que “lo que menos queremos con esta banda es tener la sensación de estar estancados. Simplemente queremos hacer algo que nos guste y sin ningún tipo de presión sobre lo que la gente espera de nosotros”. Lejos de centrarse en los pensamientos negativos, el amor es el tema más recurrente del disco. “Es esta cosa mágica y misteriosa que todos intentamos entender y que sin duda guía nuestras vidas, nuestras decisiones, nuestro pasado y nuestro futuro… Al final es lo que más relevancia tiene en la vida, ¿no crees?”.

—sofía cuevas gonzález

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RREntre los últimos nombres que se han sumado al Dreambeach Villaricos –7 a 11 de agosto en Playa de Villaricos-Palomares (Almería)– están Dj Snake, Loco Dice, Infected Mushroom, Claude Von Stroke, Uner, Umek o Tiga.

RRDel 8 al 12 de agosto se podrá disfrutar del The Boaty Weekender, un festival en un barco de ida y vuelta entre Barcelona y Cerdeña. Del 8 a 12 de agosto podrás ver, en un cartel seleccionado por Belle & Sebastian, a Mogwai, Yo La Tengo, Teenage Fanclub, Django Django, etcétera. —MS

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FOTO: DANIEL ALEXANDER

todos estábamos muy felices por volver a trabajar juntos. Dicho esto, creo que hay un lugar para la música inspirada por el amor que una a la gente en lugar de dividirla”.

AMOR, TAMBIÉN, y contagioso, por el fecundo legado de la electrónica.

“Somos una especie de historiadores del pop. Cuando pinchamos, también.

Y creo que esto, a menudo, emerge en los discos. Tampoco se trata de una decisión consciente. Sale porque son los sonidos que realmente amamos.

Pero cuando hacemos un nuevo disco, no queremos hacer un pastiche de los ochenta: la producción es contemporánea, pero lanzamos referencias a aquellas eras. Eso sí que nos importa”.

Combinando equipo moderno y vintage. “Nos gusta utilizar lo mejor de lo analógico y lo digital. Una mezcla de estas fuentes de sonido es, pienso yo, una de las cosas más divertidas que hay. Lo hemos hecho desde que empezamos”.

GODDARD TERMINA reflexionando sobre el estado actual de la electrónica.

“El volumen de material que se publica es inabarcable. Tienes a gente subiendo veinte mil cortes de house en streaming cada semana o algo así. Es un problema. Es fundamental tener curators que seleccionen. La gente que lleva las playlists de Spotify, por ejemplo, o los DJ’s, porque esta oferta oceánica es imposible de asimilar. Una parte es magnífica y otra, un desastre. Es tan fácil hacer música con un portátil que, inevitablemente, parte va a ser bastante mala.

Pero hay toneladas de material fantástico, ya sean discos experimentales con sintetizadores, techno, dance, y de todo el mundo”. Clarke se muestra encantado de presentar las canciones nuevas en el Vida y el BBK, probando otra vez su entusiasmo por los grandes escenarios. “Es una de las cosas que más disfrutamos, e intentamos contagiar esa vitalidad. Además de que puedes ver a grupos que siempre has querido ver.

Siempre es divertido”. —j.c. peña

Frank Carter Joven y salvaje

julio-agosto 2019 #13

16 – 22 aGOstO 2019 benICàssIM #standupforEarth

ZIGGY MarLeY CHrOnIXX bUsY sIGnaL MOrGan HerItaGe tHe abYssInIans antHOnY b IsraeL VIbratIOn CULtUre Ft KenYatta HILL QUeen IFrICa bUsHMan MarCIa GrIFFItHs tHIrd WOrLd MIstY In rOOts tHe rOOtZ Green VaLLeY sLIGHtLY stOOPId WarrIOr KInG &WarrIOrs MaCaCO rOCKers sOUnd traCK Ft bernard COLLIns, bIG YOUtH, HOrseMOUtH, KIddUs I, KUsHart, LLOYd ParKs & tHe FIreMan & tHe dUb L’entOUrLOOP Ft trOY berKLeY & n’ZenG brInsLeY FOrde &W/ tHedennIs bOVeLL Present babYLOn sOUnd JO Mersa MarLeY traCK JaH9 treatMent stOnebWOY CreW & strOnG LIKe stYLO G seVana tHe JOLLY bOYs IseO & dOdOsOUnd MOUseHUnters tHe seLeCter naÂMan KranIUM LInVaL tHOMPsOn saMPsOn band LILa IKé Ward 21 & tHe FaMILY & tHe tHe sKY band bednareK GentLeMan’s dUb CLUb MICaH sHeMaIaH dreadItes taÏrO band ObF & a1 CreW Ft CHarLIe P, sHantI d, sr WILsOn eMeterIans &eVerFOrWard brUsC0 &InrOOts nY sKa-JaZZ enseMbLe WOMen sOLdIer W/ CHaLart58 Ft sIsta aWa, MataH, beLén nataLí & HIGH PaW WInstOn FranCIs MarIna P & stand HIGH PatrOL InternatIOnaL dUb aMbassadOrs aarOn nIGeL sMItH IstItUtO ItaLIanO dI CUMbIa aLL stars tHe YOUnG rObOtIKs Ft LadY MarGa, Zeena, redHed QI, JOe arIWa &tHe reGGae band Mad MUaseL aCseL rebeL band banda MeLaO nattY bO eVa LaZarUs KOers KInG HaMMOnd reeMaH FOreLOCK &araWaK ItaCa band LasaI &eVerFOrWard & tHe dUb tHe danCe CrasHers aLL b trOUbLes rHOManIFe JaMaLeÓnICs PIerre & We tHe PeOPLe band

★★★

MIGHtY CrOWn . stOne LOVe . renaIssanCe 30 W/ JaZZY t . IratIOn stePPas . JaH tUbbYs . Mad PrOFessOr FreddIe KrUeGer . ZJ LIQUId . sentIneL . V rOCKet . KInG sHILOH . bLaCKbOard JUnGLe . Green LIGHt nOrtHern LIGHts . dJ CHIQUI dUbs . LaMPadread . bLaCKUP Ft sOrIbaH . sInaI . 48 rOOts . JaCIn neW ZIOn sOUnd . drUM sOUnd WOrLd sYsteM sOUnd sYsteM

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GLaddY WaX trOJan reCOrds OFFICIaL nIGHt asHer G teXas ranGer MIstaH brOWn COnstant JaMMIn MC KIKO nUÑeZ 8 esCenarIOs / reGGae UnIVersItY / FOrO sOCIaL / PaCHaMaMa / aFrICan VILLaGe / rOtOtOMCIrCUs / sUnbeaCH nOn PrOFIt / MaGICOMUndO / sOCIaL art GaLLerY / CaMPInG / MerCadILLO / restaUrantes / bares / MerCadO artesanO

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Amb la col.laboració de / Con la colaboración de

El vigués publica #newpunk Riots 1 “The Black Bloc” (Overdose, 19), el primero de tres minis que recorrerán horror trap, hip hop angustioso o electrónica industrial. Todos ellos centrados en la modernidad.

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Elphomega Filosofía autodidacta

Elphomega siempre ha querido tomar su propio camino. Un camino que le ha llevado a publicar The Freelancer (Autoeditado, 19), un álbum que, bajo un valiente espíritu conciliador, pretende unir el sonido y el espíritu de dos generaciones.

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AS FRONTERAS, POR LO GENERAL, ya no sirven una mierda para explicar a las personas. Así lo cree Kaixo, un vigués casi en la treintena, que no compartió suburbio con Barrington DeVaughn, aka Jpegmafia, pero que calca cosmovisión con él. “Ni siquiera en España tenemos nada que ver los unos con los otros. Yo siento que hago música para el exterior. La cultura aquí está acotada. Incluso en la música urbana: hay conceptos llevados a una idea ibérica horrible”, atiende, amable pero mordaz. A Kaixo se la trae al pairo cómo se cite todo aquello que acontece hoy día en Vigo. “Este es un país ultra-mega-centralista. Se nos ve algo exótico, aunque me gusta esa cosa diferenciadora”, añade. Pero sí reconoce que algo se cuece por el Atlántico. Músicos que colaboran indistintamente con personas de todos lados. Él mismo nutre #newpunk Riots 1 “The Black Bloc”, su último EP, de variopintas firmas. La facilidad de conexión, eso sí, es un arma de doble filo.

Es mala para la guerra de clases. “Quiero un movimiento cultural como a mediados de los noventa, cuando había gente de rap con grupos de punk, skaters, raveros...”.

Kaixo, como cualquier hijo de este siglo (o de finales del pasado), viven la contradicción: le interesa el Primavera Sound, pero no gusta de las grandes marcas en el festival; ha trabajado en la industria, pero no le molan muchas actitudes. “Soy dual, sé cómo funciona el sistema. Creo que no tenemos capacidad de tomar decisiones industriales”, ríe. Su música es su manera de relacionarse con un mundo que le genera ansiedad, una visión guerrera y emocional que tiene su cénit en una versión de From Darkness With Love, de Cecilio G, incluida en este EP, y con quien comparte visión: demonios y diálogos. “Hay una empatía bonita. Nos respetamos”. Esos impulsos tienen múltiples expresiones sonoras, por ello Kaixo editará dos minis más en los próximos meses.—yeray s. iborra

IEMPRE HE SIDO CONSIDERADO como el que va a su rollo, por su cuenta, el outsider… una especie de agente libre”. Y por esa razón a Elphomega se le cataloga como uno de los cantantes más originales del rap nacional. Tanto que en esta ocasión ha querido superarse a sí mismo introduciéndose en nuevos campos que no había explorado. “Una de las principales filosofías del proyecto es que quería canciones en las que pudiera mezclar a artistas de distintas edades y sensibilidades y tender puentes entre todos nosotros. Tenía que ser divertido para mí y era la ocasión para colaborar con artistas que me interesan y bregar un poquito con el sonido de los nuevos chavales”. Y así nace The Freelancer, álbum en el que resurge de sus cenizas para buscar nuevos estímulos, ya que dice encontrarse “en el momento de querer controlar menos todo lo que pasa alrededor de mi música y planificar más a corto plazo, con menos dramas y previsión.

Estoy intentando reencontrar la frescura que para mí tenía escribir en ciertas condiciones. Estoy en el momento de querer divertirme. En muchos aspectos estoy volviendo atrás para avanzar”. O dicho de otra forma, renovarse ya no era una opción, era una necesidad. Unas palabras que adquieren más sentido

viniendo de un cantante con más de veinte años de carrera en el hip hop, un movimiento del que siempre ha sido un fiel defensor a pesar de no estar satisfecho con el rumbo que ha tomado su evolución. "Es triste, pero el hip hop como la cultura que entendíamos en su inicio es ahora mismo bastante borroso, o eso me parece a mí. Quizás sea por la ruptura de los cuatro elementos o por la integración y uso de ellos en una cultura pop mundial más global, no sé… Creo que ese espíritu en su mayor parte ha sido engullido por el dinero. Sigue ahí, en ciertos estratos, hay artistas de todas las disciplinas a nivel mundial que siguen manteniendo esa actitud real en un perfil underground, pero ese hip hop de paz y unión con el que crecí ahora mismo más que una realidad me parece una bonita historia de superación que contarle a los nietos". Pero Elphomega no parece dispuesto a conformarse y tirar la toalla, y por eso ha concebido un disco donde el concepto de “unión” es la piedra angular, con invitados como Sr. Chen, Doc Diamond, Joseph, Absolute Terror, One Path y un largo etcétera. "No separaría a los artistas por edades, porque hay chavales de veinte años con la cabeza más amueblada y unas inquietudes y un saber que le pasarían por la cara a muchos de treinta para arriba", asegura el malagueño. Quien además cree haber encontrado su rol en la escena. "Es que es muy extraño, porque soy de la generación iniciática de esto pero encuentro ahora mismo más afinidad y comparto más sensibilidades con la sangre nueva, y a la vez estoy ahí que me siento el tío de estos chavales. Es guay. A lo mejor al final ese es mi papel, el de tito enrollao”. —alfonso gil royo

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"El hip hop como la os cultura que entendíam en su inicio es ahora o" mismo bastante borros

FOTO: ÁLVARO MANOF

FOTO: MIGUEL GONZÁLEZ

Kaixo Ansiedad vital

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julio-agosto 2019 #15

FATBOY SLIM FOTO: ARCHIVO

HOT CHIP FOTO: ARCHIVO

THE SMASHING PUMPKINS FOTO: ARCHIVO

Río Babel

Ya se han confirmado los horarios y los ganadores del Mad Cool Talent, así que a falta de sorpresas ya está todo preparado para la próxima edición del festival, que tendrá lugar del 11 al 13 de julio en Madrid. Y ojo, porque a esos tres días, encabezados por The Cure, Bon Iver, The National, The Smashing Pumpkins y Prophets Of Rage, hay que sumar una Welcome Party con entidad suficiente para ser considerada un cuarto día en toda regla: Bring Me The Horizon, Rosalía, Lykke Li, The Cat Empire o Metronomy actuarán el miércoles 10 de julio. También habrá Escenario MondoSonoro, por segundo año consecutivo, con grupos como Let’s Eat Grandma, Delaporte, The Twilight Sad, Cariño o Viagra Boys.—MS www.madcoolfestival.es

Si en el anterior número adelantábamos que el VIDA rozaba el sold out para su próxima edición, en este ya lo podemos confirmar: tan solo quedan entradas de día y abonos infantiles para esta nueva celebración del festival de Vilanova i la Geltrú, prevista para los días 4, 5 y 6 de julio. Hot Chip, José González, Madness, Beirut, Sharon Van Etten y The Charlatans ejercen como cabezas de cartel, aunque hay mucha miga bajo las grandes letras: desde la rabia de clase británica de Sleaford Mods y Fat White Family hasta el folk de Didrri y Stella Donnelly pasando por varias revelaciones recientes del panorama estatal como Carolina Durante, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba y Egosex. —MS www.vidafestival.com

La tercera edición de Río Babel cerró su cartel hace unas semanas con nuevas confirmaciones, destacando un Bad Bunny que lidera la nueva jornada –la del jueves 4 de julio– junto a PJ Sin Suela y Pedro Capó. Un día que prácticamente gira en torno a Bunny y que confirma la apuesta del festival por la música urbana contemporánea. En el resto del cartel podrás encontrar a gente como Love Of Lesbian, Jorge Drexler, La Pegatina, Fuel Fandango, Dorian, Mon Laferte, Fatboy Slim, Bomba Estéreo o El Mató a un Policía Motorizado. Recordad que el festival se celebrará desde el 4 al 6 de julio en el Recinto IFEMAFeria de Madrid. —MS www.festivalriobabel.com

BLACK EYED PEAS FOTO: ARCHIVO

FOALS FOTO: ARCHIVO

Vida

ROSALÍA FOTO: ARCHIVO

Mad Cool

Bilbao BBK Live

Weekend Beach Festival

Cruïlla

El Bilbao BBK Live sigue haciéndose fuerte en uno de los fines de semana más movidos en materia festivalera, y este año, del 11 al 13 de julio, presenta uno de los carteles más equilibrados de la temporada. De las guitarras y el indie rock (Liam Gallagher, Weezer, Vetusta Morla, Suede o The Strokes) a electrónica de diverso pelaje (Modeselektor, Nils Frahm o The Blaze), pasando por el rap de Vince Staples o el directo explosivo de Idles, sin olvidar a Rosalía o a Thom Yorke. Además, las actuaciones de Kobetamendi se complementan con el escenario Akelarre, situado en la zona de camping y con cartel sorpresa. —MS www.bilbaobbklive.com

Ozuna, Ska-P y Black Eyed Peas son, con el cartel ya cerrado, los tres principales reclamos del Weekend Beach Festival, pero son solo la punta del iceberg de un festival donde el eclecticismo y lo festivo mandan. Habrá, como viene siendo habitual en el Weekend, mucho mestizaje, rap de vieja y nueva escuela, grandes nombres del indie estatal, electrónica de primera línea y, sobre todo, una buena representación del panorama actual: de Rozalén a Dellafuente pasando por SFDK, Fuel Fandango o Ayax y Prok. El festival tendrá lugar del 3 al 6 de julio en Torre del Mar (Málaga) y ya ha hecho públicos los horarios. —MS www.weekendbeach.es

El festival Cruïlla, que se celebrará en el Parc del Fòrum (Barcelona) los días 3 a 6 de juliol, descubrió su cartel hace ya meses, con la nueva combinación de bandas de estilos y trayectorias diversos que ha caracterizado a este evento barcelonés: desde Black Eyed Peas a Foals, pasando por Vetusta Morla, Years & Years, Natos y Waor, Ayax y Prok, Berri Txarrak o Cala Vento, entre muchos otros. A todos ellos se suman propuestas extramusicales como una exhibición de Red Bull Batalla de los Gallos, un espectáculo de La Fura dels Baus y del Aquelarre de Cervera, etcétera. —MS www.cruillabarcelona.com

#16 julio-agosto 2019

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KINGS OF LEON FOTO: ARCHIVO

CRYSTAL FIGHTERS FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

LOS DISCOS DE MI VIDA

La edición 2019 del Festival Internacional de Benicàssim se celebrará entre los días 18 y 21 de julio, con algunos cabezas de cartel ya más que conocidos: Kings Of Leon, Vetusta Morla, Lana del Rey, Fatboy Slim, Franz Ferdinand, George Ezra, Jess Glynne o The 1975. Hay, sin embargo, una hornada de nuevos nombres que sirven para dar cerrado el cartel, entre los que están Bakermat, Cherry Glazerr, Totally Enormous Extinct Dinosaurs, Bawrut, Joakim y Miqui Brightside, y se podrán ver tanto en los escenarios principales como en la South Beach Pool Party. Este año, además, el festival se extiende un poco más, ya que en las noches previas habrá sesiones de Dave Rowntree (Blur), Carl Barât (The Libertines) o IDLES en Benicàssim. —MS www.fiberfib.com

Steve Von Till (Neurosis)

VETUSTA MORLA FOTO: ARCHIVO

Neurosis continúan siendo unos verdaderos referentes en lo que a metal se refiere. Aprovechando que nos visitarán en breve (16 julio, Sala Apolo, acompañados por YOB), entrevistamos a Steve Von Till sobre algunos discos que han marcado su vida.

Un disco que descubrí gracias a mis padres...

Queen

El primer disco que me hizo llorar...

Arvo Pärt

Mis padres escuchaban mucha música.

Mi padre escuchaba artistas como Jim Croce o Elvis Presley.

Mi madre estaba más metida en The Beatles, The Rolling Stones o Queen.

No sé si podré recordar la primera vez que un disco me hizo llorar, teniendo en cuenta que he tenido experiencias profundamente emocionales escuchando música durante toda mi vida. Pero me vienen a la cabeza Te Deum.

Te Deum (1984)

Live Killers (1979)

El Sonorama Ribera vuelve del 7 al 11 de agosto a Aranda de Duero y ha presentado ya la programación distribuida por jornadas. Ladilla Rusa, Mastodonte y Siloé encabezan la de presentación y Despistaos, Kitai, Dinero y La Excepción la de despedida, mientras que dentro de los tres días principales Miss Caffeina y Taburete están al frente del jueves; Love Of Lesbian y The Vaccines en lo alto del viernes y Crystal Fighters, Fangoria, Nacho Cano y Shinova lideran el sábado. El festival ha confirmado también el cartel del Escenario Charco, en el que actuarán Javiera Mena, Kumbia Queers, Los Caligaris, Kill Aniston, Vanessa Zamora, Muerdo, La Gusana Ciega, Doctor Krápula, Meneo, OKills, Boogarins y Frikstailers DJ. —MS www.sonorama-aranda.com

El disco que más veces he escuchado en mi vida...

Motörhead

ZIGGY MARLEY FOTO: ARCHIVO

FIB

Sonorama Ribera

Overkill (1979)

Sin duda es Overkill, de Motörhead, seguido muy de cerca por Are You Experienced? (1967) de Jimi Hendrix o Unknown Pleasures (1979) de Joy Division...

Rototom Sunsplash Low Festival La esperada 11ª edición del Low Festival ya tiene cartel por días, en el que se encuentran artistas de la talla de Foals, Bastille, Vetusta Morla o The Vaccines aunque todavía quedan nombres por confirmar.

Para esta edición (días 26 a 28 de julio), el festival ya ha sumado a más de cuarenta y cinco de los más de sesenta artistas que conformarán tres días. Entre la programación encontramos a grupos como Foals y Bastille, Dorian, Zahara, New Order, Cut Copy o <<Rinôçérôse>>, Vetusta Morla, The Vaccines, Carolina Durante o Cupido. También se ha cerrado la programación de Dj’s con nombres como los de Muevelokumbia, Cori Matius o Veneno Give Me Veneno, entre muchos otros. —MS www.lowfestival.es #18 julio-agosto 2019

El disco del que has robado más ideas...

Public Enemy

Un disco que odiaba y ahora me encanta...

Led Zeppelin

Obviamente, su estilo musical no ha sido una influencia, pero su uso del sampler cambió la música para siempre. Sonaban como una auténtica guerrilla tomando las calles...

Odiaba esos discos de una forma extraña y sin explicación, Pero un día tuve un momento de claridad y abrí mi mente más allá de los prejuicios estúpidos. Me di cuenta de que había estado activamente intentando que no me gustase, pero su poder era indiscutible.

It Takes A Nation Of Millions... (1982)

Discografía entera

El último disco de un grupo que acabas de descubrir...

Deafkids Configuração do Lamento (2017)

Es un destilado único entre D-beat hardcore, industrial primitivo y una sensibilidad rítmica afrobrasileña en un contexto de espiritualidad profunda.

Adoro a este grupo.

El festival Rototom Sunsplash cumple su décimo aniversario desde que aterrizara –desde Italia– en España. Los números, sin embargo, engañan (veintiséis años desde sus inicios, algo que pocos festivales manejan). A lo largo de los días 16 a 22 de agosto, pasarán por Benicàssim nuevos nombres y leyendas del reggae, al margen de infinidad de sound systems.

Por el Main Stage sonará gente como Ziggy Marley, Chronixx, Morgan Heritage, Busy Signal, Anthony B, The Abyssinians, Third World o Marcia Griffiths. En el Lion Stage, podremos ver a Stonebwoy, Nâaman, OBF, Charlie P o Aaron Nigel Smith, entre muchos otros. Además de tan amplio abanico musical, no podemos dejar pasar el compromiso de la cita con el medioambiente: Stand Up For Earth. —MS www.rototomsunsplash.com

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FOTO: ALICE BAXLEY

"El punk rock es mucho más político hoy en día de lo que lo ha sido nunca antes”

Bad Religion La cana punk Que Age Of Unreason (Epitaph/[PIAS], 19), el álbum número diecisiete de Bad Religion, se haya publicado en este preciso momento es consecuencia de muchos factores, pero la casualidad no es una de ellas. Aprovechamos su paso por el festival Punk In Drublic para entrevistarles.

T

RAS TRUE NORTH muchas cosas en el mundo empezaron a cambiar, y obviamente teníamos algo que decir sobre cómo estaban yendo”, apunta Jay Bentley, bajista desde los inicios de la formación a principios de los años ochenta. “Todos los álbumes de Bad Religion han sido el último… Hasta que hacemos otro. Al final, los discos se hacen cuando tienen que hacerse, no cuando se espera que se hagan” añade Brian Baker, guitarra de los californianos desde 1994 e integrante de otras formaciones como Dag Nasty o los eternos Minor Threat. Brett Gurewitz, guitarra (en el estudio e itinerante), miembro fundador (junto a Greg Graffin y Jay) y capo de Epitaph, ha asegurado que es el disco más relevante desde The Empire Strikes First, publicado en 2004 como reacción a las políticas de la administración Bush. “Ambos han sido escritos en un momento mundial muy relevante a todos los niveles”, dice Brian. “El ascenso de los nacionalismos ha sido también una piedra importante en el discurso que la banda quería transmitir con el álbum. “Algunos creen que este movimiento hacia la derecha es la respuesta soñada a las enfermedades de la sociedad y otros pensamos que es la causa de estas enfermedades”, continúa. “Al final todo lo que escribimos no está tan marcado por una ideología sino por el comportamiento humano. Siempre nos ha interesado lo sociopolítico como conjunto”, añade Bentley.

EL CAMBIO QUE HA SUFRIDO el mundo en los últimos tiempos le ha hecho incluso replantear aspectos de su discurso. “Solíamos decir que la respuesta estaba en la educación, pero ahora no tenemos tiempo para eso. Tienes que saber lo que está pasando en cuatro minutos, y si al final te tiras esos cuatro minutos leyenmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

do algo que es falso, esa es la postura que vas a adoptar, y eso es algo muy difícil de deshacer”. Con respecto a la relevancia del punk en la música, Baker cree que “el punk rock es mucho más político hoy en día de lo que lo ha sido nunca antes, pero estoy hablando del verdadero, no de cosas como el Warped Tour. Hablo de la escena que se mueve en los sótanos, y de todo este movimiento profundamente underground que siempre ha estado ahí y en el que hay una agresividad y una frustración brutales”. Bentley apunta: “Creo que hay más ahora de lo que había a principios de siglo, donde hubo un boom de bandas que respondían mucho más al modelo de boy-band que a cualquier otra cosa pero que llevaban esos cortes de pelo que les hacían parecer punk rockeros. Nosotros crecimos en una época en la que bandas como The Clash marcaron una diferencia”.

Para Baker, el problema reside en que “el mainstream se ha vuelto completamente no-político, supongo que ya no es cool estar enfadado”.

CON EL SONIDO tan característico que llevan abanderando décadas, a veces incluir temas que se salgan un poco de la norma es bien recibido. “Me encanta tocar y grabar, y todos los tipos imaginables de música así que siempre intentamos meter canciones algo más extrañas en todos los discos, y me encantan”, reconoce Baker. Con respecto al contenido de las canciones y la utilización de un lenguaje complejo, Age Of Unreason continúa manteniéndonos en el podio del género, gracias a las letras de Brett y Greg Graffin. “Los dos son científicos en una banda de punk y dos cabrones muy inteligentes que saben expresarse a la perfección, así que eso es el resultado de unir ambas cosas”. La banda cumplirá nada menos que cuatro décadas el próximo año. “Queríamos empezar a documentar nuestra historia, porque a medida que nos alejamos del núcleo y de cómo empezó nuestros recuerdos se van a volver cada vez más borrosos, pero no sé aún si haremos algo para celebrarlo…”, relata Bentley. “Vamos a celebrarlo”, zanja Baker con un susurro.

—sofía cuevas gonzález

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julio-agosto 2019 #19

Modeselektor Volver para petarlo

El dueto alemán saca la bestia a bailar con su nuevo trabajo en ocho años, Who Else (Monkeytown Records, 19). Treinta y cuatro minutos que nos devuelven la cara más hedonista y gamberra de estos guardianes de la electrónica del nuevo milenio. Este mes de julio podremos verles nuevamente en directo en el Bilbao BBK Live —texto Daniel Mesa —fotografía Birgit Kaulfuss

3 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

julio-agosto 2019 #21

EN PORTADA

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A

QUELLOS QUE PENSABAN que, tras hallar la receta del sould out y del beneplácito unánime de crítica y público con su proyecto paralelo Moderat, Modeselektor raramente retomarían su faceta más underground, se equivocaban. La dupla de productores formada por Sebastian Szary y Gernot Bronsert no solo recupera el proyecto que les situó con su debut Hello Mom! (BPitch Control, 10) en mitad del último gran seísmo del techno –la vertiginosa e hiperactiva escena berlinesa de principios de milenio–, sino que lo hace con un álbum de una madurez sonora aplastante con el que vuelven a sus raíces sin decaer un ápice en la repetición de fórmulas.

OCHO AÑOS DESPUÉS de su último lanzamiento, Who Else llega como un soplo de aire fresco para el género. A lo largo de su minutaje, hip-hop, grime, dubstep o el techno más afilado dialogan entre sí en un espectro en el que apenas se atisban límites entre estilos.

Y esto, claro, lleva su tiempo. “Nos hemos tirado alrededor de dos años en terminar el disco. Tuvimos incluso que reducir el número de Dj sets porque nos era imposible meternos en el estudio. También, cuando trabajas con colaboraciones, cuadrar agendas se hace más complicado”, explica Szary al otro lado del teléfono. Salpican este álbum featurings del rapero estonio Tommy Cash, la última joya del UK hip hop Flohio y el productor latino de breakcore y amigo del dúo Otto Von Schirach. “El single Who lo empezamos a producir en una habitación de hotel en Barcelona en 2016. Garnot tenía ya finiquitadas las líneas principales, batería y bajos y, ya una vez casi acabado el tema fue cuando descubrimos a Tommy Cash”, apostilla.

A ESTO HAY QUE AÑADIR el tiempo que el dueto ha vertido en los últimos años en el proyecto que comparten con Apparat. “Justo después de terminar la gira de nuestro anterior álbum, nos pusimos a trabajar en el segundo disco de Moderat. Nos costó mucho decidir qué hacer, si retomar Modeselektor o seguir con el proyecto con Sascha (Apparat), y eso fue básicamente lo que hicimos. Apenas ter-

A lo grande Who Else

Monkeytown Records

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ELECTRÓNICA / Parecía que nunca volveríamos a ver a Gernot Bronsert

y Sebastian Szary ponerse el traje de faena de Modeselektor, acostumbrados como nos tenían a esos nuevos ropajes elegantes y cómodos que compartieron junto con Apparat en ese exitoso proyecto llamado Moderat. Parecía difícil que volvieran a ponerse ese chándal algo desgastado, ideal para el baile intenso y desprejuiciado, algo que ellos habían certificado en el pasado en alguna entrevista, comentando que el techno ya no les parecía tan divertido como cuando comenzaron a colaborar juntos. Pero poco a poco el gusanillo de la electrónica más orientada a la pista de baile les volvió a picar y su primer movimiento de acercamiento/vuelta a esa música de baile lo vimos hace un año de mano de Sebastian, quien resucitó su sello Seilscheibenpfeiler tras llevar desde el 1994 sin sacar nada y con el que ha publicado ya algunos trabajos interesantes (y cañeros) de gente como el italiano Lory D o ese excelente Keflavik de Kasper Marott. La vuelta a sus raíces basada en una electrónica más cañera y desprejuiciada se refleja en Who Else. Un disco corto pero intenso, cuya energía está bien concentrada y dosificada para no llegar a cansar y dejarnos así con ganas de más producciones con ese espíritu libre e indómito de estos dos grandes productores.

—raúl linares #22 julio-agosto 2019

“

"Puede que al techno le queden diez años de vida; algo tiene que cambiar"

minamos la gira, y: ‘¡Oh dios, un tercer disco con Moderat!’.

Es normal que necesitáramos un par de años para escapar de ahí (risas)”. Poner en cuarentena tu faceta creativa más personal no es fácil. “Se entremezclaron muchas emociones y dudas cuando decidimos postergar nuestro proyecto tanto tiempo. Súmale, además, que cada uno de nosotros tenemos ahora dos hijos y que nos hemos mudado a las afueras de Berlín”, apostilla.

Lejos de tratarse de un disco conceptual, la cuarta referencia de los berlineses –sin contar su serie de recopilatorios Modeselektion– se presenta al mundo como un puñado de canciones donde lo que de verdad cuenta es el plano puramente musical. “Mientras producimos solo pensamos en lo que estamos haciendo, ni siquiera en los títulos. Se nos ocurrió llamar al disco 4, pero es justo lo que habíamos estado haciendo con Moderat. También Apparat había tomado la vía fácil en su último disco, titulándolo LP5 (19). Como no queríamos repetirnos, hicimos una lista con unos cincuenta nombres cortos sin mucho sentido que se nos iban ocurriendo. Un día, en una entrevista, un amigo vino al estudio y dijo: 'Sois lo únicos que podríais hacer un disco como este. ¿Quién si no?' (Who else should do it)”. Y de ahí, Who Else, cuenta.

SOBRE EL PROCESO DE CREACIÓN a dos, Szary lo tiene claro: “Desde luego, es más fácil a tres”, dice con una risa socarrona. Pillamos la indirecta. “Sobre todo en la toma de decisiones. Cuando no trabajas solo, es muy importante cómo te tomas el tiempo que pasas en el estudio. Nos gusta que nuestro espacio de grabación sea un lugar abierto, al que puede venir gente y darnos su opinión o echarse unas birras. Nuestro estudio está en un complejo de estudios de Mitte (Berlín), muy cerca de Kreuzberg, donde también graba gente como Marcel Dettmann, quien venía cada día a tomar café o a recogernos para dar una vuelta –¡airearse de vez en cuando es fundamental!– Además, como Garnot no fuma, no me queda otra que salir fuera a echarme los pitis”, dice.

EL ESTUDIO DE MODESELEKTOR, además de un lugar de intercambio de ideas, es, como pueden imaginar, un edén para cualquier freak de la producción.

Sintetizadores antiguos, una TR-808, procesadores de audio varios o un sistema modular al que han dado especial uso en la creación de este álbum. “Casi todo lo que se oye en el disco proviene de instrumentos externos. Solo para mezclar o incluir arreglos pasamos al ordenador”, comenta. Aunque en ocasiones, también el azar juega sus fichas. “El corte Wake Me Up When It’s Over surgió a partir de una grabación que se hizo sola capturando el sonido ambiental de nuestras voces. Luego, le pusimos un efecto de autotune de una app que tiene Gernot en su móvil”. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MODERAT FOTO: FLAVIEN PRIOREAU

EL DE MODESELEKTOR HA SIDO desde sus comienzos uno de los nombres recurrentes en la programación de la noche berlinesa, una escena que siempre se ha caracterizado por servir de escenario al underground mundial. “La nuestra es la tercera generación del techno desde su nacimiento en Detroit en los años ochenta. Hemos conseguido conectar a personas de diferentes partes del mundo alrededor de un sonido y Berlín ha tenido mucho que ver en la creación de ese punto de cohesión. Sigue siendo un imán para todos los amantes de la música electrónica, y digo música electrónica porque no se trata ya solo del techno como se conocía antes. Muchos creen que el sonido de la ciudad sigue siendo el que escuchas en Berghain, pero no es más que una ínfima parte de todo lo que hay fuera. En realidad, el sonido de Berlín no es sino la mezcla de un montón de estilos e influencias como resultado del intercambio cultural y de un cruce de gente de todo el mundo que no ha dejado de crecer en la ciudad”, explica.

CUANDO LE PREGUNTAMOS Sobre la escena electrónica actual, la mitad de Moderat se muestra reticente. “Puede que al techno le queden diez años de vida; algo tiene que cambiar. Se necesita una mayor experimentación y reinvención, nuevas estructuras dinámicas.

Hay muchos sellos que siguen anclados en el mismo sonido de hace veinte años, y artistas –o mejor dicho, las superstar del techno– que se repiten constantemente para dirigirse a un mayor público. Básicamente porque aunque algunos consumidores de música electrónica sigan comprando discos, descubriendo nueva música en streaming o asistiendo a conciertos o a fiestas, el ochenta por ciento restante ha dejado de pensar en el techno con el interés de antes. Hay mucha copia, todo recuerda a algo. Es parte del juego. Tengo la impresión que la mayoría de temas que se lanzan hoy tienen solamente un mes de vida”, dice, para seguidamente quitarle hierro al asunto: “En todo caso, creo que podré vivir con ello”. —daniel mesa

Moderat, fin de una etapa

C

ON ÚNICAMENTE TRES DISCOS, y a pesar de algún que otro comentario por parte de sus diferentes partes apuntando a una posible disolución del proyecto, Moderat han sabido hacerse con un lugar privilegiado entre los cabezas de cartel de los line up de festivales de todo el mundo, con una fórmula basada en la democratización y la fusión con el pop de una electrónica de baile que seguía confinada al otro lado del mainstream. A día de hoy, sus miembros piden al unísono nuevas vías de experimentación en el sonido de la formación. “Moderat es un proyecto que pretende ser accesible, todo es más simple en cuanto a estructuras y, por supuesto, seguimos varias fórmulas. A veces es como trabajar en línea recta, sin salirnos mucho de la zona de confort”, dice Sascha Ring (Apparat) desde su nueva residencia en Los Ángeles. “Es quizás por ello que últimamente he necesitado explorar por mi cuenta y ser más freak cuando compongo como Apparat. Son dos mundos separados”, zanja. Pero, ojo, esto no es más es un punto y aparte. “Moderat no ha muerto, solo necesitábamos un descanso para poder redefinir el sonido del proyecto. No queremos encerrarnos en el estudio para volver a hacer el mismo disco. Seguro que a la gente le gustaría, pero creo que es mejor dejarlo madurar un tiempo”, dice Sebastian Szary. —d.m. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

julio-agosto 2019 #23

MONDO FREAKO

Garbage El retorno Garbage ha quedado como un grupo icónico de los noventa y, tras una separación ya superada, continúan plenamente activos sobre los escenarios. El 5 de julio estarán en Cruïlla, por lo que aprovechamos para contactar con el guitarrista Steve Marker.

cuánto “Es una locura pensarado dinero fue desperdici en su por las discográficas imos búsqueda de los próx Nirvana”

FRIENDLY FIRES FOTO: ARCHIVO

TAN.LEJOS

RRLa mítica banda de Gran Bretaña

RRLa vuelta del supergrupo Pro-

Friendly Fires ha anunciado su vuelta. El tercer larga duración de la formación, Inflorescent, se publicará el 18 de agosto y cuenta con la producción de Mark Ralph, James Ford (Simian Mobile Disco) y Disclosure. De momento han adelantado el single Silhouettes.

phets Of Rage (miembros de Rage Against The Machine, Public Enemy y Cypress Hill) mantiene las coordenadas habituales –estilística y líricamente– del proyecto.

Esta vez nos hablan sobre la opresión capitalista, el clickbait y los medios de comunicación. El tema lleva por título Made With Hate y la podremos escuchar en directo el 13 de julio en el festival Mad Cool.

RRBrittany Howard, conocida por

ser la cantante de Alabama Shakes, lanza disco en solitario. Se trata del álbum Jaime, del que de momento ha adelantado la canción History Repeating. El álbum se publicará el 20 de septiembre.

Inna A rebufo Inna es un camaleón musical: más latina que una estrella de reggaeton de Puerto Rico, pese a ser de Rumanía; más enamorada de los sonidos urbanos que J. Balvin, pese haber empezado con el EDM; y comprometida con las causas sociales y de género... Pese, pese a quién le pese. Ahora presenta Yo (Roc Nation, 19), su sexto largo.

#26 julio-agosto 2019

Y

a lo dicen, ir casi todo el tiempo tras los primeros, ser paciente, tiene su recompensa. E Inna sabe cuando atacar. Tras más de una década de éxitos, primero en el campo de la electrónica más facilona (muy olvidables temas como Good Time) y ahora encaramada a los sonidos urbanos (pepinazo el suyo con J. Balvin, Cola Song), la cantante de ascendencia rumana está lista para disputarle el cetro a las nuevas estrellas del pop global. Yo, álbum que ha ido destripando por fascículos, está llamado a incomodar a Becky G o Anitta.

Lo latino, término con tintes peyorativos en Estados Unidos por culpa de los discursos racistas, pero que en esencia quiere decir cualquier cosa que provenga del latín, es un campo en el que Inna se mueve como pez en el agua. Tras explorar el éxito en inglés, la joven se ha subido a la ola del castellano. Todo su nuevo largo está escrito en la lengua de Bad Bunny. “La

“Apoyo aquello en lo que confío y lo hago con todo mi poder, de forma honesta”

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por Roddy Bottum (Faith No More), lanza nuevo disco. Now We Are Timeless se mueve en una línea similar a la de sus predecesores y verá la luz el 12 de julio de la mano del sello Merge, propiedad de Superchunk.

RRLa banda australiana de rock psi-

CHIVO

codélico King Gizzard & The Lizard Wizard ha demostrado sobradamente su afición por saltar entre géneros y por su incontinencia creativa. Ahora anuncian su disco número quince en siete años, Infest The Rats Nest, en el que cambiarán nuevamente de tercio

empezaron a mejorar rápidamente. ¡La química de la banda necesita contar con su carisma para funcionar!”. La escocesa tuvo mucha culpa de que el cuarteto haya quedado como símbolo de los noventa, época ahora lejana y que tuvo sus peculiaridades. “Es una locura pensar cuánto dinero fue desperdiciado por los sellos discográficos en su búsqueda de los próximos Nirvana. Creo que en la actualidad es más trabajoso para los jóvenes llamar la atención, pero no tienes que firmar con un sello o conseguir que la MTV te adore para que se escuche tu música. Hay un millón de formas nuevas de encontrar nuevos talentos. Y eso no puede ser malo”. Los de Wisconsin estarán actuando en la próxima edición del Festival Cruïlla y parecen ansiosos ante la cita. “Nos dicen que tocamos mejor que nunca. Ahora tenemos mucha confianza en el escenario después de todos estos años”. —raúl julián

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para acercarse al thrash metal clásico, reconociendo influencias de bandas como Exodus, Kreator, Overkill, Sodom o Metallica. De momento puedes escuchar varios avances en Internet.

RRDevendra Banhart ha anunciado

nuevo disco, Ma, que verá la luz el 13 de septiembre de la mano de Warner.

De momento se ha podido escuchar el tema Kantori Ongaku, un homenaje a la leyenda de la música experimental japonesa Haruomi Honoso, miembro de Yellow Magic Orchestra junto a Yukihiro Takahashi y el mismísimo Ryuichi Sakamoto. —MS

primera vez que vine a Barcelona me enamoré de la ciudad. Yo nací cerca del mar. Soy una sirena”, atiende, con sonrisa perenne, desde un hotel en la calle Balmes. Curiosamente, cerquita de un piso que ostenta con su pareja, con la que se vio durante años en la capital catalana. Empezaron de hostales, pero después se compraron un inmueble. Hace ya seis años de eso.

INNA ANDA TODO EL DÍA de aquí para allí. La hemos podido ver en nuestros país recientemente, pero las colaboraciones y proyectos no le permiten prodigarse demasiado en un único sitio. Aún así, lo disfruta. “Lo haría aunque no tuviese más que unas pocas reproducciones”. La cantante viaja con los suyos; nadie sabría decir con qué personas de las que la acompañan en esta entrevista comparte un lazo de consanguinidad. Prima el buen rollo entre la media docena de miembros de su crew.

PESE A TENER UNA CONEXIÓN fa-

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miliar con las músicas de raíz, no fue hasta hace poco menos de dos años que Inna abandonó lo anglosajón. Su abuela, su madre, también cantantes, interpretaban “desde el amor, desde dentro”. Así se lo recordó David Ciente, productor de Rumanía y responsable los temas de su nuevo disco, que le insistió después de una sesión de grabación que “cantara como le naciera”. “Y fue en castellano, con esa vibe”. De ahí nace la semilla de Yo. Y de su discurso más comprometido: Inna se prodiga a menudo en cuestiones de género. “Apoyo aquello en lo que confío y lo hago con todo mi poder, de forma honesta”. —yeray s. iborra

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Bearoid Ultravida ultrapop FOTO: LAKAJADE

Internet”. Después llegaría Bleed Like Me (05), última entrega del grupo antes de su separación. “En la discográfica estaban mosqueados con nosotros por no ser más populares, el ambiente era venenoso y el proceso fue tan agotador que tuvimos que parar”. Por su parte, Not Your Kind Of People (12) y Strange Little Birds (16) significaron el retorno en firme de los norteamericanos, y desde entonces seguimos esperando a que llegue material inédito. “Estamos a medio camino de nuestro próximo disco, que posiblemente sea un poco diferente de lo esperado”. Al hablar de Garbage todo el mundo piensa en su vocalista Shirley Manson, que fue “descubierta” por nuestro entrevistado. “Fuimos realmente afortunados de encontrarla. No creo que hubiéramos tenido mucho éxito sin ella. La oímos con su banda Angelfish y pensé: ‘Esa es exactamente la voz que escucho cuando imagino lo que podría ser Garbage’. Vino e intentó cantar con nosotros. El primer intento fue terrible, pero seguimos intentándolo y las cosas

DEVENDRA BANHART FOTO: ARCHIVO

RRImperial Teen, la banda liderada

FOTO: AR

FOTO: ARCHIVO

N

UESTRA CHARLA INCLUYE repaso por la discografía del grupo, comenzando por aquel arrasador debut que parece mantenerse intacto al paso del tiempo.

“Fue increíble porque el mundo estaba listo para algo nuevo, después del dominio del grunge tan monopolizado por el género masculino. Queríamos la perspectiva de una mujer y escuchar electrónica, loops, atmósferas y bellas melodías. Tuvimos éxito al agrupar todo eso junto a guitarras ruidosas”. Después llegaría una fantástica continuación como fue Version 2.0 (98), que mantenía la esencia de la banda pero con un sonido algo más depurado. “Queríamos coger todo lo que ya habíamos logrado y refinar y dar brillo a nuestro enfoque, no un sonido completamente nuevo”.

Tras eso fue turno para Beautiful Garbage (01), trabajo menor con un aspecto inofensivo. “Mucha gente no estaba lista para algunos cambios. Esperábamos que fuese un gran éxito comercial, pero la industria se estaba desmoronando con

Bearoid, culo inquieto por naturaleza, siempre suma colores por doquier. Años después de darse a conocer y de ser incluso demoscópico de esta publicación, publica Ultravida (Helsinkipro, 19).

C

ómo es eso de que tu renacer musical vino de la mano de C. Tangana y su Antes de morirme?

Hace un tiempo viví una especie de depresión musical. Disfrutaba lo que hacía, pero no me llamaba demasiado la atención, fui perdiendo interés en mi propia música: C. Tangana lo cambió todo. Para mí es un concepto.

—¿Un concepto?

Lo que hizo fue abrir un melón: unir muchos mundos, una piscina con todo por descubrir. Todo lo que podía sonar ahí me iba a gustar. Yo no soy ni clásico del rap, ni del indie… Siempre me habían dicho que estaba enmedio de la nada. El melón que abrió C. Tangana, ese pop nuevo de España, fue iluminador. A partir de iniciar todo un campo en español para los artistas, descubrí mi propio idioma.

—¿No se entiende Ultravida sin el cambio al castellano?

Ultravida viene de poder componer en español. Nunca hablé con tanta honestidad, nunca me exploré tan bien. Es un análisis de mi propia personalidad. Con mi idioma puedo desarrollar mejor esas sensaciones profundas.

—¿Cómo un tipo tan enfocado a los singles decide tirarse a un largo de once temas?

Lo primero que hice casi en mi carrera fue sacar dos Ep’s. Y luego empezó a crecer la cultura Youtube. Eso era bombazos y más bombazos, y la gente lo escuchaba. Pero ahora quería algo diferente; fue una decisión conjunta de la agencia y mía. Un single funciona como campaña de promoción y el producto se convierte en el márqueting, claro. El disco responde a que estaba un poco harto de esa búsqueda continua del hit y quería hacer un discurso, enseñar lo que soy. Quería explicarme. La gente no acaba de entender todo lo que soy... —yeray s. iborra

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julio-agosto 2019 #27

THOM YORKE FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Nos Alive La verdad es que los responsables del Nos Alive pueden estar contentos, porque este año les ha quedado un cartel la mar de interesante, con nombres nuevos y artistas sobradamente consagrados. Del 11 al 13 de julio pasarán por Lisboa desde Thom Yorke –con nuevo disco bajo el brazo, Anima, sobre el que puedes obtener más información en este mismo número de la revista– hasta Bon Iver, pasando por Vetusta Morla, The Cure, Idles, Jorja Smith, Weezer, Cut Copy, Robyn, Sharon Van Etten, Tash Sultana, o unos Gossip que se acercarán para celebrar el décimo anivesario de Music For Men. En todo caso, una programación de lo más variopinta y con suficientes nombres para captar la atención del público. —MS www.nosalive.com

Niño de Elche Cante de ida y vuelta Francisco Contreras Molina, más conocido como Niño de Elche, viajó un mes a Bogotá para encontrarse con Eblis Álvarez, una de las figuras más notables de la música colombiana actual, líder de Meridian Brothers y asociado al movimiento tropicalismo caníbal bogotano. El resultado de este intercambio de creatividad puede escucharse en Colombiana (Sony Music, 19).

CALA VENTO FOTO: DAVID MAROTO

E

L EXPERIMENTO EN EL QUE DOS ARTISTAS de culturas o universos musicales diferentes se unen para dar a luz un proyecto conjunto ha sido una fórmula ampliamente usada a lo largo de los años. Ha habido resultados muy diversos, pero en la mayoría de casos interesantes gracias a la universalidad y la magia de la música. Sin embargo, este ejercicio no era una opción para Niño de Elche.

“Nuestra intención no era hacer un trabajo de fusión, ni un trabajo de hermanamiento cultural, ni esas mierdas, porque eso ya existe. El flamenco en sí tiene ya una mezcolanza, una heterodoxia brutal, que hace que esos condimentos ya estén ahí, y el resultado es el flamenco clásico”. Continuando la charla, Contreras se encarga de disipar dudas y evitar suspicacias acerca de la etiqueta.

Que nadie clasifique esto como “colombiana”. “No soy nada partidario de la etiqueta world music. Me parece vomitiva, vergonzante, es una etiqueta mercantil que vino bien para conocer nombres de cosas, pero todo se occidentalizó, se llevó a un territorio muy light. Eran productos occidentales, de empresas occidentales, que buscaban el exotismo del negro, del latino, del pobre, del marginal, para acabar ellos haciendo lo mismo de siempre, pero con un toque exótico. Nuestro trabajo es una crítica frente a eso”. Quizás por ello, Niño de Elche eligió a Eblis Álvarez para darle forma a Colombiana, pensando más en la similitud de sus dos maneras de trabajar que en unir esos dos mundos musicales de los

que proviene cada uno de ellos. “La forma de trabajo de Eblis y la mía son muy parecidas, a la hora de cómo afrontar, cómo plantear, cómo estructurar, por eso me vinculo con músicos de tan diferentes índoles, porque las estéticas no deben ser una diferencia abismal. Para mí que uno venga del rock y otro de la música clásica, no es el punto. Lo que une no es la estética, sino como esos músicos trabajan a la hora de plantear una canción, una pieza, el acto de cantar, de tocar, el acto performativo. Es ahí donde están realmente las conexiones”.

Teniendo como base este principio y un interrogante que pretendía ser resuelto a lo largo de la grabación, sobre lo que puede ser “el cante de ida y vuelta”, Niño de Elche se metió en el estudio para tener una experiencia que él ha simplificado como la música y su devenir.

Para ello superó prejuicios y se sumergió en los ritmos de raíz de Colombia de la mano de Álvarez, con quien se ha dedicado a investigarlos a fondo. Encontró en estos sonidos imperfecciones, ritmos rotos, y sucios, grabaciones con soplo, instrumentos rústicos que no estaban muy afinados. Ahí ambos descubrieron que no había que dar tantas vueltas, que la música colombiana de décadas como los veinte o treinta está muy cerca del flamenco, y viceversa, en parte gracias a esas imperfecciones. “Llegamos a esa idea pero no porque seamos unos iluminados, sino porque conozco el flamenco, y Eblis conoce la música colombiana. No hizo falta que yo tuviera que cambiar un ritmo para amoldarme, o que Eblis tuviera que cambiar una voz para acercarse. No hubo tanto ejercicio de desplazamiento. Fue más bien un trabajo de superposición más cercano a una terapia de choque”. —liliana ramírez

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EN CONCIERTO l Barcelona 8 de julio. GREC l Cartagena 26 de julio. LA Mar de Músicas

Ebrovisión

#28 julio-agosto 2019

io “No soy nada partidarusic. de la etiqueta world m Me parece vomitiva, vergonzante...”

FOTO: ÁLVARO PERDICES

El Ebrovisión 2019 va cogiendo forma y, aunque no ha cerrado cartel definitivamente, ya ha presentado la distribución por días de los grupos que pasarán por Miranda de Ebro del 5 al 7 de septiembre: Novedades Carminha, Kelley Stoltz y Cala Vento encabezan el jueves, Temples, Fuel Fandango y Arizona Baby hacen lo propio el viernes y Dorian, Zahara y Morgan son los platos fueres del sábado. Además, se unen a la lista de actuaciones el cuarteto alicantino Olivia y el quinteto levantino Novio Caballo. Esto, claro está, en lo que se refiere al cartel musical propiamente dicho: cualquiera que haya pasado por el Ebrovisión sabe que hay mucho más, desde la Muestra Gastronómica al Ebropeque... —MS www.ebrovision.com

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FOTO: MICHAEL BUISHA

Big Thief La danza de la vida

Big Thief amplían su embelesador arsenal con U.F.O.F. (4AD/Popstock!, 19), tercera referencia discográfica en la que el grupo de Adrianne Lenker se asienta como un proyecto de presente sin etiquetas wannabe de por medio.

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o New Order, “Pochi te ha escuchadana, te ha te ha escuchado Nirv ye… escuchado Marvin Ga yo qué sé, de todo”

FOTO: ARCHIVO

A

DRIANNE LENKER afronta cada disco nuevo de Big Thief como si de un lienzo en blanco se tratase. Un lienzo sobre el que la estadounidense acaba plasmando de forma expresionista, cual Edvard Munch de nuestros tiempos, todos los miedos, inquietudes y fobias que ha ido adquiriendo a lo largo de los años. Si en Capacity abrazó la rendición como una meta positiva y vital, en U.F.O.F. la artista aboga por hallar luz en la más absoluta oscuridad. “El álbum también tiene mucho que ver con acercarse a tu yo más alienígena. Incluso también con el concepto de sentirse alejado de tu entorno”, nos matiza telefónicamente el bajista del grupo, Max Oleartchik. El tercer larga duración de estos chicos se grabó en los Bear Creek Studios de Washington, un local ubicado en medio de una fascinante entorno rural. La decisión de grabar allí no fue para nada arbitraria. “Creo que estamos muy conectados con la naturaleza. Y obviamente es algo recíproco. Por lo que sentimos que cada vez que grabamos queremos estar sumergidos en un profundo estado de meditación, aunque sea que estemos comiendo, cenando…”. Esa conexión nació desde el punto que concibieron Masterpiece (16) en Lake Champlain, algo que por pura necesidad han repetido sistemáticamente hasta el día de hoy (“la primera vez que apostamos por este tipo de espacios funcionó tan bien que no hemos querido trabajar en otro entorno”).

Estilísticamente, Big Thief han partido en U.F.O.F. de aquel folk onírico presentado en Capacity (17), llegando a permitirse el lujo de reinterpretar algunas de las canciones incluidas previamente en el repertorio en solitario de Adrianne. Ese es el caso concreto de From y Terminal Paradise, cortes incluidos en abyskiss (18), que han visto expandidas sus alas en este larga duración respecto a sus versiones originales. “La idea de emplear esos dos temas afloró en una conversación que mantuvimos todos. Surgió de forma muy natural. Pensamos que añadirían un feeling algo diferente al trabajo”, —pablo porcar

Goa Espíritu adolescente Todavía vive en Fuenlabrada pero ahora está en esa fase de patearse Madrid a ver si encuentra piso en el centro. No le ha dado tiempo a mudarse y ya ha sacado un disco con Yung Beef, uno propio junto a su “hermano” y escudero Pochi y otro, Segador de Almas, bajo el sello de La Vendición, con Fish Narc, uno de los productores más afilados y geniales del colectivo Gothboiclique.

C

uéntame un poco sobre tus inicios. Porque tienes una figura rodeada de cierto halo de misterio…

(Goa) Creo que, en sí, es misterioso por la música. Por un lado, la música no es como el trap, que era lo nuevo y tal y entró más de golpe… Para mí, la música que hago ya la llevo escuchando cinco o seis años y soy consciente de que el público que me rodea aquí a lo mejor no tanto. Sí que en pequeños grupos la gente conoce canales más especializados de hace mazo tiempo…

—Tenéis cosas del rock alternativo, del emo, del sad rap… ¿Cuál es el imaginario musical que compartís? ¿Qué habéis mamao?

(Goa) Oh, pues Pochi ha influido en este álbum que flipas, haciendo de segundo productor. Y a ver, Fish Narc pues había venido de allá y había que darle sentido, que cuidarle. Imagínate que tienes a un chico americano en tu casa haciendo beats contigo… es como “bueno, pues haz beats”. A Pochi le tengo todos los días conmigo, pero aun así él ha hecho todos los beats con Fish, ha metido de todo en el primer álbum, sintes, también ritmos, mezcla. “Oye,

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esto quítalo, o ponlo”. Pochi, tanto como Fish Narc y como yo, es una pieza importantísima, aunque salgan los nombres de Fish Narc y Goa. Pochi, por ejemplo, sus influencias musicales son tan amplias que te juro que son cinco minutos hablando, hermano, porque su viejo es un puto genio de la música, tenía una tienda de discos… Así que Pochi te ha escuchado New Order, te ha escuchado Nirvana, te ha escuchado Marvin Gaye… yo qué sé, de todo.

(Pochi) Sí, a ver, o un año me tiro escuchando samba, otro año con la música latina, yo que sé. Buscando, buscando siempre. Mi padre sí es verdad que me puso mucho New Order y me introdujo en ese estilo punk, post-punk… Days Of Sorrow, que es un grupo así de ese rollo, oscuro…

(Goa) Guapísimo.

(Pochi) Todo el rollo Joy Division, al final. Ese estilo me mola. Porque a lo mejor con Fish Narc él tiene un estilo más…

(Goa) Yo a Fish Narc, sin preguntar, le veo más…

—Más grunge, ¿no?

(Goa) Eeeso te iba a decir. Es de Seattle, hermano, piensa en esto. Mira, el imaginario sería, vamos a decirlo: Nirvana, bandas emo en general (porque yo ahí ya no te sé decir cuál es su preferida), punk de Seattle y en general (porque él es muy punk star), y luego a parte yo le veo un poco goth, grupos rollo Sisters Of Mercy. También habrá mamado de eso un poquito. Sin preguntarle creo que el imaginario sería un poco ese. Luego por ejemplo un grupo como The Strokes también nos puede influenciar mucho, pero yo creo que con todo lo que te he dicho se puede montar una idea mental de a qué suenan los dos álbumes que hemos hecho. —manuel jubera

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julio-agosto 2019 #29

MONDO FREAKO

Tash Sultana FOTO: ARCHIVO

“Hay muchas maneras de patear a tus demonios” Barcelona (Razzmatazz, 10 julio) Madrid (Mad Cool, 11 julio) Lisboa (Nos Alive, 12 julio)

AgeNda. julio-agosto.

Bilbao (BBK Live, 11 julio)

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#30 julio-agosto 2019

De ser fans de Él Mató a un Policía Motorizado pasaron a que Los Planetas versionaran una de sus canciones. A poco para cumplir ocho años de vida, Las Ligas Menores vuelven a España para continuar su gira con su segundo disco Fuego Artificial (Laptra, 18).

T

ocasteis en España en diciembre y volvéis en mayo. ¿Sentís que estos viajes os están influenciando a nivel musical?

(Pablo Kemper) Sí, más en los directos.

Pero ya en su momento teníamos como referencia a grupos como Los Punsetes. Son las bandas que estaban en la época que comenzamos, por allá el 2011. Muchos de nosotros escuchamos rock español, como Los Planetas.

—De hecho, Los Planetas han hecho una versión vuestra de Renault Fuego en su último EP, Ijtihad.

(Annabella Cartolano) Ninguno se imaginó cuando hicimos Renault Fuego que iba a pasar eso años después. Fue bastante raro y lindo a la vez.

Salió cuando estábamos en España y pudimos conocer a Jota en persona. Nos gustó la versión, fue una buena retribución. Ojalá nos pase con otra banda otra vez. ¡Sería genial que Weezer hicieran una versión nuestra! (risas) —Claro, han pasado ya cinco años desde que sacasteis vuestro primer disco con esa canción.

(Pablo Kemper) En cierto modo, todo ese tipo de bandas españolas empezaron a mirar y a escuchar bandas argentinas. Por ejemplo, Los Planetas también tienen un tema basado en un tema de 107 Faunos, que se llama Seguiriya de los 107 Faunos, en su último disco. Nos encanta que se hayan dado cuenta de que nosotros los escuchamos. Es más recíproco. En diciembre del año pasado fuimos a España y ahora están viniendo bandas españolas a Buenos Aires, como Apartamentos Acapulco o Kokoscha. Se ve la relación entre dos escenas que estaban muy separadas: hace un año esto no existía. La clave fue cuando Él mató a un Policía Motorizado fueron a España.

—Además, Annabella participó en canciones de Apartamentos Acapulco.

(Annabella Cartolano) Sí, fue cuando ellos vinieron a Buenos Aires. Ismael Cámara le dijo a Lucas Rossetto de añadir unos coros y ahí salió.

Siempre es lindo hacer este tipo de colaboraciones, sobre todo si es una banda de fuera: te crea un puente. Cuando nosotros fuimos, hicimos fechas con Carolina Durante y estuvo bueno porque como ellos ya tenían un público, nos conoció más gente. Con las redes pasa algo gracioso: de repente vemos que una de las chicas de Cariño toca con una camiseta nuestra, o Diego Ibáñez de Carolina Durante, o Amaia... —karen montero

La australiana visitará España para presentar su disco del pasado año, Flow State (Sony Music, 18). Así que hemos aprovechado la ocasión para entrevistarla.

E

n entrevistas anteriores has comentado que, si pudieras hacerlo de nuevo, ahora grabarías tu debut de manera muy diferente. Al mismo tiempo has confesado que has volcado toda tu creatividad en Flow State, así que, ¿qué es exactamente lo que habrías cambiado?

Ahora ya no pienso en Flow State o en las cosas del pasado. Si le preguntas a cualquier artista, siempre te responderá que haría las cosas de manera diferente.

Es la progresión natural ligada a ser compositora. El pasado es el pasado y el presente te deja espacio para preparar lo siguiente que vendrá. Yo estoy ya muy lejos del lugar mental y musical en el que se hizo Flow State, y esa es la mejor parte, ese ciclo artístico infinito.

—Tus actuaciones en directo son bastante diferentes a lo que escuchamos en el disco...

No le veo el sentido a comprarte un disco para que luego vayas al concierto y suene exactamente igual. Como no me gusta concentrar toda mi esencia en el estudio, ir a grabar para mí representaba un poco un obstáculo, porque los directos son un patio de recreo y al final es la energía lo que hace especial la actuación, no la música.

—En los últimos años, aumenta el

número de campañas y asociaciones que intentan visibilizar algo tabú como son las enfermedades mentales.

En temas como Big Smoke hablas de identidad y también de tus propios problemas en ese sentido. Como artista, ¿sientes cierta responsabilidad a la hora de ayudar a ese cambio de percepción?

Una vez conté por equivocación en una entrevista cosas de mi pasado y eso cambió las reglas del juego. Sí, yo vengo de un lugar oscuro y creo que es normal que una parte de nuestra esencia genética esté más predispuesta a ciertas enfermedades. La funcionalidad del cuerpo es diferente para cada persona y yo intento vivir una vida ahora desde un punto de vista mucho más holístico, para así mantener la calma, sentirme más estable y disfrutar más de la vida. Hay muchas maneras de patear a tus demonios, solo tienes que salir y buscar la tuya.

—¿Te sorprende ahora que la gente quiera más de ti? ¿Quiera saber más allá de tu música?

La palabra fama me asusta. Nadie quiere ser famoso o, si me apuras, diría la gente que es famosa odia esa palabra. El éxito en el mundo de la música estaría mucho mejor si pudieras desconectar tu identidad de artista por un rato y volver a ser una persona anónima. Pero me he dado cuenta de que puedes hacerlo, así que cuando me voy a casa no soy Tash Sultana, porque ella es quien está encima de un escenario. —marta terrasa

FOTO: ARCHIVO

LAS LIGAS MENORES

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Slaves

Segovia (Huercasa, 5 y 6 julio, Riaza)

“La gente quería que le hablaran de lo que ve a su alrededor” Bilbao (BBK Live, 12 julio)

El tejano Hayes Carll es uno de los grandes nombres que este año protagonizan el cartel del Huercasa Festival. Lo hace, además, con un disco como What It Is (Dualtone, 19), bastante reciente y uno de los discos de country de la temporada.

FOTO: ARCHIVO

E

El tercer disco del enérgico dúo de Kent, Acts of Fear and Love (Virgin, 18), les ha consagrado como depositarios de la energía guitarrera con espíritu hip-hop. Este año vuelven al BBK Live con las armas cargadas.

E

n la primera y accidentada jornada del pasado Mad Cool comprobamos que Slaves trascienden el hype. Isaac Holman (batería, voz) y Laurie Vincent (guitarras, voz) han conectado con una juventud hambrienta de riffs cavernícolas, coña inteligente y honestidad callejera. En plena vorágine –una primera tentativa de entrevista se truncó hace meses, Dave Grohl les eligió para telonear a Foo Fighters en Escocia–, tenemos quince minutos de reloj para conversar con un afable Laurie. “Acts está funcionando muy bien. Probablemente ha sido la experiencia más positiva que hemos tenido con un disco. Yo quería que fuera diferente a los anteriores.

Tenía la impresión de que habíamos probado nuestra capacidad para hacer música heavy que te diera en toda la cara, pero no tanto nuestra capacidad como compositores. Estas canciones estaban mucho más elaboradas, las reescribimos una y otra vez en cuanto a melodía, voces y armonías. Todo el proceso nos llevó a tener canciones más grandes y en forma de himnos, que es algo que queríamos añadir, porque los elementos de cabreo ya los teníamos. Ahora queríamos desarrollar más dinámicas”. Para lograrlo, se encerraron en un estudio en Bélgica. “Resulta que era el único que encontramos disponible. Habíamos decidido alojarnos en el estudio porque queríamos vivir el

disco, pasar con él dos o tres semanas, dejarnos absorber, que es algo que nunca habíamos hecho. Antes, pasábamos un tiempo grabando, y nos íbamos a casa.

Esta vez queríamos concentrarnos totalmente en ello, por eso lo hicimos así”. La ampliación de horizontes no ha mitigado el trasfondo del hip-hop de su propuesta, sino todo lo contrario. “Isaac fue MC antes de formar esta banda, siempre ha rapeado. Los dos somos fans totales y estamos siempre escuchando cosas del género. La cadencia y el ritmo es bastante similar, en el sentido de que en el hip-hop siempre hay una base y un bajo. La influencia es enorme, también por su simplicidad: una melodía sobre un ritmo de batería, que funciona muy bien. Los dos crecimos oyéndolo y siempre ha estado ahí”. Respecto al éxito de su propuesta, Laurie cree que “hace mucho tiempo que la gente quería que le hablaran de lo que ve a su alrededor. De la vida real, del día a día. Todo el mundo ha experimentado esas sensaciones. Creo que les atrae la honestidad de que se diga en una canción, en lugar de azucarar las cosas y decir que todo es bonito. Siempre va a haber gente que diga cómo son exactamente las cosas en un momento determinado, en el país o donde sea”. Eso, y que la vida está lejos de ser sólo un drama. “Como británico, reírnos en circunstancias desgraciadas forma parte de nuestra herencia. Es parte de lo que somos. Negar nuestro lado divertido y tomarnos muy en serio… Hay demasiadas bandas que lo hacen y las cosas no son así. A la gente lo que le gusta es reír porque se siente bien, y deberías ser capaz de expresar eso a través de la música”. —jc peña

s una lástima que, recientemente, Carll haya sido más noticia por su conocido enfrentamiento con Steve Earle, curiosamente presente en Riaza el año pasado, que por su música.

Algo injusto. Porque el de Woodlands es uno de los grandes del country rock de este siglo, y discos como Trouble In Mind (08) y KMAG YOYO (11) demuestran la razón. Aprovechamos esta primera visita a nuestro país para preguntarle por su vida en la carretera. “Hay mucho bueno. Evidentemente no es agradable estar fuera de casa y alejado de la gente que quieres, pero eso se compensa con el hecho de poder recorrer el mundo y experimentar con otras culturas. Ves nuevas formas de arte, lenguaje, arquitectura y, por supuesto, música.

Me gusta ir trampeando aquí y allá por las ciudades, aunque a veces mis días son más complejos de lo que me gustaría.

No siempre tengo todo el tiempo que quisiera”. Esta visita a España será en el marco de un festival dedicado al country y al sonido americana, una ocasión especial aunque no sea en una gran ciudad. “Los lugares que me gustan tienen más que ver con la gente que con las ciudades. Hay algunos locales en los

que disfruto más que en otros, igual que hay ciudades en las que lo paso mejor que en otras.

La cuestión es la recepción de la gente y que esta te transmita la energía adecuada. A partir de ahí se crea la magia”. ¿Y cuando no la hay? “Llevo muchos años tocando y ha habido conciertos que han sido muy duros, pero intento bloquear esos recuerdos para permanecer sano mentalmente. Eso sí, mi nombre está mal escrito muchas más veces de lo que me gustaría, pero el resto de cosas no me molestan”. Ahora mismo continúa presentando What It Is, su larga duración del pasado año. “No he decidido todavía el setlist, pero imagino que al menos tocaré cinco o seis canciones del disco. Lo decidiré cuando vea el recinto y la ciudad. Me gusta llegar al lugar, ver dónde voy a tocar, el ambiente y cómo está la gente.

En función de eso intento escoger aquellas canciones que me van a hacer disfrutar más en ese momento”. Hay músicos que reniegan de ellos, pero, ¿te gusta tocar en festivales?

“Es cuestión de entender lo que estás haciendo. La verdad es que puede ser algo muy explosivo. Es increíble estar ante tantas personas a la vez y sentir como ellos transmiten una energía que te acaba llegando a ti al escenario. No hay una sensación similar que haya experimentado nunca. El único inconveniente real que me viene a la mente es que a veces la gente puede estar muy lejos, y eso puede hacer que la conexión sea más difícil. Pero también hay que buscarle ventajas, y esas existen. La energía que consigues en esos grandes lugares es diferente, y cuando funciona es simplemente increíble”. —eduardo izquierdo

FOTO: DAVID MCCLISTER

HAYES CARLL

julio-agosto 2019 #31

ANIMA THOM YORKE

UN NUEVO ÁLBUM

33/Mondo VINILOS

The National

Hidrogenesse

I Am Easy To Find 4AD/Popstock!

POP / Este octavo álbum, que nace de su colaboración con el cineasta Mike Mills para su corto homónimo, esgrime la dialéctica entre Matt Berninger y su mujer, la escritora Carin Bessner. Enriquecido por las colaboraciones de Gail Ann Dorsey, Lisa Hannigan, Sharon Van Etten, Mina Tindle o Kate Stables, tiene el dinamismo justo para no soliviantar a los fans ni aburrir a los profanos.

Sigue siendo The National por los cuatro costados, pero se nutre de una alteridad que les beneficia. Cosquillea al oyente transitando del sigilo a esa épica contenida ya marca de la casa, pero también buscando agitación por contagiosas sacudidas rítmicas. A los de Ohio les sienta bien enfundarse de vez en cuando los trajes –y los vestidos– de otros.

FOTO: ARCHIVO

7

Thom Yorke y el inconsciente Thom Yorke Anima XL/Popstock!

8

ELECTRÓNICA / Hace tiempo que Thom Yorke

rompió todos los puentes posibles con aquellos que esperasen que sus trabajos en solitario fueran una prolongación de su trayectoria al frente de Radiohead, reescribiendo desde el ensimismamiento su visión de la música electrónica. Anima no es una excepción.

Todo lo contrario. Más bien estamos ante la sublimación de lo que empezó sin previo aviso con The Eraser (06) y que continuó con Tomorrow’s Modern Boxes (14). Si entonces sorprendió con su publicación a través de la plataforma BitTorrent, esta vez ha optado por un lanzamiento convencional, a través de su discográfica de siempre, aunque sin renunciar a las habituales dosis de misterio: un anuncio en el metro de Londres promocionaba una especie de cámara de sueño para atrapar nuestros pensamientos, incluyendo un número de teléfono tras el que estaba la noticia de que las autoridades habían ordenado el cese de las actividades de ANIMA Technologies, dando paso, por fin, a un fragmento de Not The News, primer adelanto de un trabajo que pivota sobre la ansiedad en un entorno distópico.

No hay que esperar mucho para comprobarlo: Traffic, arrancando en clave de enfermiza IDM,

presenta un recitado angustioso que desemboca en pesadilla (“I cant’ breathe/there’s no water […] A brick wall/you’re free”). Un tema de ritmos duros al que sigue la más envolvente Last I Heard (…He Was Circling The Drain) y una compleja Twist que se mueve entre la densidad, el ambient y la electrónica de baile, arrojándonos a una suerte de agujero negro en el que encontrarnos con el concepto de anima según Carl Gustav Jung: el arquetipo de lo eterno femenino en el inconsciente colectivo de los hombres. La dualidad se reproduce a lo largo de este tercer disco de Thom Yorke (el cuarto si contamos su banda sonora para el remake de Suspiria, publicada el pasado año), con Dawn Chorus como uno de los momentos de mayor belleza: una melodía disonante acompañada de un spoken word que ejerce como elemento central de estos cuarenta y siete minutos. Después, el patrón casi pop de I Am A Very Rude Person. Paradójicamente, la canción más amable del conjunto acaba siendo una anomalía que no estorba, pero que no termina de encajar en el desarrollo global de un álbum que vuelve a reencontrarse con su espíritu, sobre un suelo de cristales rotos, en Not The News y –de otra manera, reposando en un colchón de sintetizadores– en The Axe. La distopía continúa en Impossible Knots (“I’m heading in the wrong direction”), para terminar con el ritmo desencadenado de Runwayaway, cerrando desde la extrañeza un círculo en el que no faltan imperfecciones e incoherencias, como en todo sueño que se precie. —enrique peñas

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—carlos pérez de ziriza

Joterías bobas Austrohúngaro

8

POP / ¿La vida imita al arte?

¿O es el arte el que imita a la vida? Ese uno de los leitmotiv de Joterías bobas, la nueva genialidad de Hidrogenesse y un nuevo ejemplo de la creatividad insobornable y libre de ataduras de los catalanes. Genís Segarra y Carlos Ballesteros, a lo largo de estas dos últimas décadas, han creado una cosmogonía pop solo comparable con ellos mismos, un mundo propio que en cada disco muta en algo nuevo. En su último álbum, grabado en París con cacharrería analógica que no les era familiar y lleno de referencias a la cultura mexicana, le cantan a su caja de ritmos y vocoder averiados, convierten una cita amorosa en un cuento bucólico, se inventan el concepto de “Llorreír”, guiñan el ojo a sus adorados Denim o firman el conjuro tecnopop definitivo con Brujerías jotas.

—xavi sánchez pons

North State

Clinic

Before the Silence Club Ruido

8

ELECTRÓNICA / Con solo I

Know You, su primer single publicado en 2017, y simplemente habiendo sacado la cabeza en la escena electrónica, North State empezaron a alcanzar una repercusión sin precedentes. Al margen de convertirse en artistas Demoscópicos de esta publicación, pasaron por festivales como el Primavera Sound o el BBK Live, algo que ahora culminan con la edición de su primer larga duración, Before The Silence, una obra de enorme potencial.

El resultado es más que sobresaliente. Una propuesta sólida en la que clase y potencia se combinan con una cuidada estética sonora y visual totalmente contemporánea y capaz de no encasillarse en un único estilo. Una cara propia que les permite aceptar influencias de artistas tan diversos como King Krule, Anderson .Paak o Flume. —karen montero

Wheeltappers and Shunters Domino/Music As Usual

7

POP / Clinic es uno de los

grupos más originales aparecidos con el cambio de siglo en la escena independiente británica. Desde que debutasen hace ya casi dos décadas, no han dejado de entregar nuevas obras inquietas y de gran nivel compositivo. El combo de Liverpool regresa siete años después de su anterior entrega, revitalizando peculiaridades creativas y manejándose con la convicción, soltura y falta de prejuicios habituales en la banda. Ajena al paso del tiempo, la formación continúa trabajando esa amalgama sonora enredada entre indie-pop/rock con aristas y estructuras atípicas, para retorcerlo y añadir algo de psicodelia antes de presentarlo al oyente. La formación mantiene tino a la hora de mezclar la fórmula, y siguen sonando frescos, insinuantes, contemporáneos y llamativos.

—raúl julián

julio-agosto 2019 #33

MONDOVINILOS

Stray Cats 40 Surfdog Records

Música para limpiar la casa Carly Rae Jepsen

Dedicated Interscope/Universal

8 POP / “Música para limpiar la casa” podría ser el título de una maravillosa playlist de Spotify, pero era el primer título que Carly Rae Jepsen barajó para este álbum, y sobre cuyo concepto empezó a trabajar. Datos como éste hacen imposible que la canadiense te caiga mal y que, cuando conoces a alguien que sigue hablando de ella como “la de Call Me Maybe”, enseguida le empieces a recomendar pistas de Emotion y Emotion Side B (y de los también disfrutables Kiss y Tug Of War). Porque sus trabajos son ideales para escuchar mientras limpias la casa (y no, no es fácil), pero los dos últimos son también una muestra de que a Carly le encanta el pop y lo conoce, y sabe rodearse de la gente adecuada para entregar muestras de un pop cuidadísimo y, aparentemente, sin grandes pretensiones. Emotion es

Elphomega

Rhiannon Giddens (With Francesco Turrisi)

The Freelance Autoeditado

Dead Normal

RAP / Siempre se ha consi-

derado a Elphomega uno de los referentes del sonido de la vieja escuela. Hasta este disco, con el que él mismo ha decidido quitarse esa etiqueta. El malagueño regresa con un álbum que supone un punto de inflexión en su carrera, un nuevo reto con el que mostrar además que el rap antiguo y el actual no son tan diferentes como pensamos. Para ello se ha rodeado de nombres importantes de ahora, en un disco que es la primera entrega de una trilogía que publicará próximamente y que le sirve para demostrar que está preparado para fluir sobre cualquier sonido gracias a una versatilidad envidiable. Aunque con unas liricas, eso sí, menos elaboradas que en anteriores trabajos, dejando más espacio a la improvisación y la espontaneidad. Porque esa era la idea de Elpho, sentirse libre haciendo música y liberarse de ataduras, incluidas las suyas propias. Y así queda reflejado en Freelance, el álbum que simboliza el primer día en la nueva vida de Elphomega. —alfonso gil #34 julio-agosto 2019

8

FOLK / Asumir la parte

lúdica de la música no debe eximirla de su responsabilidad en cuanto a elemento clave en la constitución de la memoria colectiva. Una tarea que sí asume el encuentro entre la estadounidense Rhiannon Giddens y el instrumentista italiano Francesco Turrisi, no tanto en la escenificación de una mezcla de culturas sino en la búsqueda de esa raíz común a todo cántico. Orientado por una sobriedad formal que en manos de Joe Henry adquiere un tono majestuoso, este hermanamiento entre sonoridades mediterráneas y norteamericanas fundirá el lamento negro con el ritual arabesco (Gonna Write Me A Letter) o situará los Apalaches en el desierto africano (Trees On The Mountains). Bajo trepidantes ritmos transalpinos (Pizzica di San Vito) o arias operísticas (He Will See You Through), el álbum supera el conflictivo primer encuentro con ‘el otro’ para erigir un punto común artístico y emocional mucho más rico que la mera suma de influencias. —kepa arbizu

ELECTRÓNICA / Como si Atari Teenage Riot hubieran sido ralentizados entre las miasmas turbadoras de Scorn, este trío barcelonés ha fraguado un artefacto de corazón cyberpunk y relieves ruidistas como una nube de polvo tóxico en una fábrica ballardiana.

Distopía de barricada a mayor gloria de mordiscos envenenados como Bobby o Reasons To. Precisamente, en esta última recuerdan a una versión asilvestrada de eMMplekz, aunque de quienes siempre encontramos una pauta de acción es del spoken word de Mark E. Smith. Su sombra late con fuerza en ejemplos tan elocuentes como The Epiphany y Guilt Hits Harder Than The Truth, dos de las muescas que integran este tambor de balazos a quemarropa. Canciones que huelen a cáncer social, y que parecen haber sido fagocitadas en las entrañas de un Chernobil imaginado por el Charles Burns más cáustico. A una viñeta tan políticamente incorrecta ayuda el dueto vocal, femenino/masculino, que resuena como una cabeza bicéfala. —marcos gendre

8

ROCK’N’ROLL / 40 no es solo

el nuevo disco de Stray Cats, que nos ofrece la mejor versión de la banda que podemos obtener hoy en día, sino también el álbum que los va a traer a nuestro país, para actuar en el Azkena Rock Festival. Un trabajo con defectos, por supuesto. Siendo quizá el auto plagio y una cierta falta de adrenalina puntual sus mayores máculas. Pero, en líneas generales, funciona la mar de bien. Es un disco de rock and roll, y eso es lo que esperábamos de ellos. Un trabajo que, además, me parece superior a otros encumbrados como Rock Therapy (86) o Blast Off (89) algo que, creo, todos acabaremos reconociendo cuando tengamos un poco más de perspectiva. Cat fight demuestra que siguen rockeando como nadie, That’s Messed Up que Setzer toca la guitarra hoy mejor que nunca, I Attract Trouble que Dick Dale puede estar tranquilo tras su reciente marcha y Desperado, con su deje western, que siguen siendo únicos. Y es que estamos hablando de los jodidos Stray Cats. —eduardo izquierdo Nilüfer Yanya

El Diluvi

There Is Nothing Left But The Enjoyment Of Senseless Destruction Harbinger Sound

There Is No Other Nonesuch

7

uno de los mejores álbumes pop de la década, así que este Dedicated lo tenía muy difícil. ¿Veredicto? No, no es mejor que Emotion... pero por poco. Al contrario que con su predecesor, aquí sí que teníamos las expectativas por las nubes, y aún así las reacciones ante este disco han sido mayoritariamente positivas. Ya conocíamos buenos temas como Julien, No Drug Like Me, Now That I Found You, Too Much o Party For One, pero es que Want You In My Room (bajo la producción de Antonoff), Real Love o Everything He Needs se cuelan desde ya entre las mejores canciones que ha sacado, experimentos como Right Words, Wrong Time o la melancólica For Sure no están nada mal, y sigue habiendo delicias para los amantes del sintetizador ochentero como Happy Not Knowing o The Sound. Dedicated es, en general, un disco para apasionados del pop hecho por una artista genuinamente apasionada por el pop. Y si os quedáis con ganas, podéis respirar tranquilos: Carly ya ha anunciado que aquí también habrá un EP de descartesque-no-parecen-descartes. Queremos ese EP para ayer. —pablo tocino

8

Junteu-vos Halley Records

7

POP / La esencia folk de

la formación de L’Alcoià recurre a una estudiada metamorfosis en cuanto a sonoridades en su último trabajo. Con lo que se configura ya como su tercer larga duración, Junteu-vos, la banda mueve ficha y se adentra a la experimentación de nuevos caminos, todos dirigidos hacia el terreno de pop actual. Pequeños tintes de electrónica, campanas, efectos de acordeón alejados de lo usual e, incluso, cantos de ballenas se acomodan sin dificultad al engranaje base formado por violín, bandurria, acordeón, guitarra flamenca, guitarró y percusiones.

El flirteo con nuevos lenguajes, atreviéndose hasta con el folk mexicano y el anglosajón en temas como Somriure o Mostra’m demuestran una total soltura en esta nueva piel de especie híbrida en la que se ha enfundado el septeto. Manteniendo su carácter festivo y reivindicativo y con un eje vertebrador claro, la banda apela al sentimiento de colectividad desde la frescura de un cambio de aires. —andrea giménez

Miss Universe ATO/[PIAS]

POP / Me permitiré el tópico: sólo en la magalópolis global de Londres podemos encontrar una mezcla de sangres –turca, irlandesa y de Barbados– como la de esta joven de meteórica carrera. En su debut largo Nilüfer (guitarra y voz) destila un sofisticado compuesto musical sin prejuicios ni corsés en el que se confunden, sin conflicto alguno, y con mucho gusto, desde el R&B soulero como las melodías indies noventeras o la electrónica. Todo, con una frescura pop orgánica y una producción discreta que suma. Miss Universe alterna las canciones con curiosos interludios de una ficticia compañía. Una reflexión sobre el culto exagerado a la imagen hace de hilo conductor del álbum. Y el disco fluye con destellos de un notable talento natural. Del estribillo eufórico del single In Your Head a la frescura descarada de cortes como Paralysed o las melancólicas Angels y Safety Net, en las que demuestra su pericia vocal.

7

—jc peña

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Plaid

AMERICANA / Tras el evidente patinazo que había representado su anterior disco, Life In The Dark, a The Felice Brothers les tocaba mover ficha para hacer algo sonado o asumir el riesgo de quedar relegados.

Ellos mismos habían reconocido en público que no estaban contentos con sus últimos pasos y, no sabemos si a consecuencia de ello, ha habido un relevo de parte de la banda que ha incorporado a Will Lawrence (batería) y Jesske Hume (bajista). Sangre fresca que ha revitalizado la propuesta de los hermanos Ian y James, que han asumido de nuevo ese punto habitual de mala leche y diversión. Un cachondeo que queda patente desde el primer tema, el excelente Undress, en el que despelotan literalmente a todo cristo en Estados Unidos. La ironía sigue su curso y queda de lo más patente sobre todo en la primera mitad del disco. Luego varían el tono y la recta final del álbum recupera un tono más críptico y apocado, pero no menos interesante. —don disturbios

ELECTRÓNICA / Los tiempos oscuros en política y cultura suelen significar tiempos lúgubres para el arte en general. Así lo demuestra el dúo británico en su nuevo largo formato. Inspirado, según ellos, en la situación social y la política ambiental actual, Polymer sigue la estela del sonido Plaid, premiando la instrumentación acústica a través de sus composiciones. Éste oscila entre universos más oscuros y sintéticos que nunca, sin embargo trae consigo varios cortes directos y pegadizos, probablemente lo más bailable publicado por los de Londres en años. Porque este álbum vuelve a ser una aproximación al IDM más romántico y fresco, salvo en contadas excepciones como Recall o el agresivo arranque de Meds Fade. Como casi siempre, sus cortes más melódicos resultan los más notorios. Y es que en este Polymer nunca estás alejado de algún mágico gancho nostálgico, sobre todo cuando presentan su lado más Plaid, véase melodías, y un híbrido entre lo orgánico y lo artificial. —diego fernández

8

Life Metal Profound Lore

8

METAL EXPERIMENTAL /

Con cuatro canciones que suman una hora y diez minutos en total, Greg Anderson y Stephen O’Malley publican el primero de los dos álbumes que, según sus previsiones, han de aparecer bajo su nombre durante este 2019. Sin la oscuridad asfixiante de Black One (05) o la espectacularidad de Monoliths & Dimensions (09), su nueva entrega consigue paliar la decepción momentánea que representó Kannon (15) con un nuevo material en el que Steve Albini consigue realzar el sonido de la banda sin sacrificar la esencia de aquello que les ha convertido en el grupo más reconocido de la escena drone. Su sobresaliente labor puede percibirse, sobre todo, en la pieza Between Sleipnir’s Breaths, con una ambientación inicial en la que es difícil no acordarse del Odens Ride Over Nordland de Bathory. Entre espectral y angelical, la voz de la islandesa Hildur Guðnadóttir (Múm) coexiste con la impenetrable muralla de graves en la que, quizás, sea la mejor pieza del álbum. —tomeu canyelles

DD LJM

1 Sleater Kinney The Center Won’t Hold

8 7 8 8 7,75

2 Thom Yorke Anima

7 8 8 7 7,5

3 Jamila Woods Legacy! Legacy!

7 7 8 8 7,5

4 Ty Segall First Taste

7 8 7 7 7,25

DC JSL

Med

5 Bruce Springsteen 8 8 5 7 7 Western Stars 6 Elphomega The Freelance

6 8 7 7 7

7 Richard Hawley 7 7 7 7 7 Further 8 Bsn Posse Untitled Album

7 7 7 7 7

9 The Black Keys Let’s Rock

7 6 6 7 6,5

10 Madonna Madame X

6 4 5 6 5,25

El lado amable de Bill Callahan

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

Undress Yep Roc Records

8

Sunn O)))

Polymer Warp/Music As Usual

top 10.

The Felice Brothers

Carla

Kill A Feeling Great Canyon

Bill Callahan

Shepherd In A Sheepskin Vest Drag City/ Popstock!

7

9 FOLK / Desde su pasado en las catacumbas del country alternativo más arisco, el norteamericano ha construido un mundo paralelo de una sobriedad, elegancia y rigor sólo al alcance de los elegidos. Si un artista, palabra a menudo devaluada hoy, es alguien que tiene una visión única sobre lo humano, que explora sin restricciones, Callahan dignifica el término.

Sumemos a esto esa normalidad alejada de cualquier atisbo de egolatría, que se traslada a sus canciones. Ya nos tenía avisados de lo que era capaz. La ‘trilogía’ que cerraba el magnífico Dream River (13) había elevado su obra a cotas de excelencia. Y he aquí que nuestro hombre se casa, es padre y destila su producción por un tamiz de calidez que anuncia la misma portada. No es que el artista haya abandonado su sabiduría acumulada y su seco sentido del humor, muy presente desde el mismo y contradictorio título del disco: ahí están las divertidas referencias personales en delicias como The Ballad Of The Hulk, con discreta caja de ritmos, la

onírica Writing o Watch Me Get Married. Pero como él mismo explica, todo es más… Amable.

La escala de su disco más generoso y abierto abruma: veinte canciones de base acústica –muchas de ellas, muy breves– en las que el de Maryland no afloja, confirmándose como el gran escritor que es, lanzando aquí y allá pensamientos agudos, divertidos y poéticos, como quien no quiere la cosa. Arropado por arreglos sutiles y a veces sorprenden-

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tes, como los sintetizadores analógicos. La sobriedad que cultiva brilla en cortes de la casa como Shepherd’s Welcome o Morning Is My Godmother, y exquisiteces como Black Dog On The Beach, 747 o Son Of The Sea, potencian el lado tierno de nuestro hombre.

“True love it’s not magic, it’s certainty. And what comes after certainty, a world of mistery”, canta en What Comes After Certainty. Y que lo digas, Bill. —jc peña

POP ELECTRÓNICO / Los aires

bailables se dejan entrever en el segundo álbum de Carla Serrat. Para empezar, Kill A Feeling es más lúcido, bailable y abierto que Night Thoughts (16). Después de debutar hace tres años ahora palpamos el gran progreso de una cantautora que sorprendió por atreverse con canciones de synth pop oscuro. La reflexión viste las letras de un disco que mantiene la esencia de la catalana. Y como ya ocurrió en el inicio de esta aventura, su hermano Toni da la pincelada analógica al conjunto con su batería. Kill A Feeling habla de la necesidad de acabar con esos sentimientos nostálgicos y de anhelo. El título ya lo expresa, pero en It’s A Race, el primer adelanto que pudimos escuchar, exploramos junto a ella una relación que acaba convirtiéndose en una carrera. Es una de las canciones más bailables del álbum que funciona perfectamente para resumir las intenciones de la artista de Vic. —maría martínez julio-agosto 2019 #35

MONDOVINILOS

Perry Farrell

Aldous Harding

Kind Heaven BMG

8

ROCK / Aún recuerdo el pri-

mer disco de Perry Farrell con Porno For Pyros. Aquello nos cogió a todos desprevenidos. Si con Jane’s Addiction creó un universo inigualable, a su proyecto paralelo (o más bien sustitutivo) le quitó una parte de rock y le sumó extravagancia. Ahora le tenemos de nuevo aquí con un disco en el que tira de agenda. Produce Toni Visconti (David Bowie, Iggy Pop) y le acompañan un montón de amigos: Matt Chamberlain (Soundgarden, Pearl Jam), Taylor Hawkins (Foo Fighters), Mike Garson (David Bowie), Phil X (Bon Jovi), Chris Chaney (Jane’s Addiction) e incluso su mujer y sus hijos. En realidad es una jugada de marketing porque su presencia no influye nada en el resultado del disco. La imaginación de Perry Farrell es lo que realmente crea un álbum con tantas capas. Desde el rock festivo de (Red, White And Blue) Cheerfulness a ese doo-wop moderno que es Snakes Have Many Hips, pasando por la electrónica bastarda de Where You Have Been All My Life.

—toni castarnado

Designer 4AD/Popstock!

8

de Aldous Harding nos muestra un prisma más de la versatilidad de la artista neozelandesa. Anclada de inicio en el folk más oscuro de su seminal trabajo y la evolución sutil de Party (17), con Designer da un salto definitivo hacia un sonido más luminoso que alterna con acierto lo orgánico de temas como Damn, con arreglos orquestales delicados sobre melodías pop (Zoo Eyes), o medios tempos acústicos condimentados con una fantástica sección de cuerda (Fixture Picture). El chamber pop de The Barrel, la jovialidad desgarradora de Weight Of The Planets, la oscuridad de Heaven Is Empty y el cierre sobrio de Pilot, completa una colección de canciones notable, en la que sobresale la vigorosa voz de su protagonista. Bajo la producción de John Parish, el álbum presenta una deliciosa factura sonora, a la que se suma la habitual narrativa de Harding, que hacen de esta obra la más compacta de su carrera. —iñaki molinos

Tesa

Da Loma

Rural Halley Supernova

Madonna retoma el pulso Madonna

Madame X Interscope/Universal

8 POP / Madame X es una extravagancia muy necesaria en el cosmos del pop mainstream.

A primeras podría parecer que aglutinar influencias portuguesas, música latina y hasta dance noventero (I Don’t Search I Find nos hace rememorar al Shep Pettibone de Erotica en una suerte de Deeper And Deeper 2.0.) es cuanto menos una marcianada, pero sorprendentemente todos estos elementos encajan cohesivamente en un trabajo que gana, y mucho, con las escuchas. Las producciones de Mirwais, con quien no trabajaba desde los tiempos de American Life (03), están repletas de matices: ahí está el festín disco de God Control, su tema más loco desde Impressive Instant; Extreme Occident, donde vuelve a coquetear con las instrumentaciones moriscas de Ray Of Light, o una Dark Ballet sobrada de melodramatismo

#36 julio-agosto 2019

teatral que conjuga a Tchaikovsky con el Wendy Carlos de la banda sonora de La naranja mecánica. Mike Dean, por su parte, está detrás de las melódicamente preciosas Crazy, Come Alive y Looking For Mercy, tres excelentes muestras de pop igual de majestuoso que atemporal. Como no podía ser menos hay las justas dosis de mamarracheo como esa Bitch I’m Loca en la que le acompaña Maluma, aunque lo que no se entiende es cómo el equipo de la artista no escogió Faz Gostoso como primer single en vez de Medellín: aun tratándose de una versión del tema de 2018 de la brasileña Blaya, la reinterpretación mejorada de Madonna y Anitta da ganas de dejarlo todo, irse a Río de Janeiro y bailar en la favela hasta que el mundo se extinga. Hit incontestable donde los haya.

Por mucho que algunos hayan aprovechado su discutible actuación en Eurovisión para desacreditarla, no cabe duda de que la diva en Madame X ha trabajado creativamente sin ataduras y callará muchas bocas. Se ha hecho de rogar, sí, pero estamos ante lo mejor que ha editado desde Confessions On A Dance Floor. —sergio del amo

7

RAP / Real y rural. Así se

autoproclama Tesa en la canción que da nombre a su segundo álbum, una reafirmación de raíces y principios en un mundo en el que lo urbano se antepone a cualquier otra forma de vida. No extraña la contundencia con la que presenta este nuevo trabajo, que continúa siendo un soplo de aire fresco y reivindicador en la escena rap valenciana –y en valenciano–: ya ocurría en 2017 con el disco que supuso su debut autoeditado Al Tesa. Rural mantiene la vertiente reivindicativa con la que Tesa se posicionaba como una de las artistas de referencia en el territorio. Y de nuevo, lo hace con la habilidad y el talento de quien es capaz de abordar en una misma composición estilos como el hip hop, la electrónica, el reggaeton o la música tradicional.

En Rural nos encontramos ante once poderosos temas en los que la almusafense rompe barreras para demostrar que la revolución está llena de sensibilidad, amor… y macarrismo. —anaïs lópez

FOLK / El nuevo trabajo

El espejo Limbo Starr

7

ROCK / El debut en solitario

de David López –capo del sello Limbo Starr y ex Kebrantas– es un álbum coherente y amparado por férrea instrumentación, que sirve además como nexo entre las diez piezas de la referencia. Por su parte, las propias historias contenidas en las canciones resultan erguidas como protagonistas principales, y es ahí donde el autor se despacha a gusto situándose cerca de Abraham Boba, Julio de la Rosa, Santi Campos u Ornamento & Delito. El madrileño ha esperado pacientemente y ahora apuesta por revelar estas canciones con una honestidad que, con frecuencia, las convierte en dardos ásperos, afilados y directos. Y es que un poso punk con preferencias ochenteras tiende a aparecer en el fondo, completando la lista de elementos aclaratorios. El espejo es, en definitiva, una obra de narrativa actual con la que el músico expresa sin tapujos vivencias, motivadores y opiniones personales que generan cierto reflejo en el oyente. —raúl julián

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Hot Chip

A Bath Full Of Ecstasy Domino/Music As Usual

7

POP / La banda británica

liderada por Joe Goddard y Alexis Taylor lleva casi veinte años empeñada en dignificar el pop electrónico, cultivando vocación masiva sin olvidarse del control de calidad. En su séptimo trabajo no dan muestras de perder el norte a la hora de elaborar sus elegantes himnos bailables.

Desde la luminosa portada y título, guiño a la cultura rave, los de Londres apuestan por un hedonismo inteligente, haciendo balance del legado de décadas de electrónica, house o pop electrónico. El resultado es un disco tan accesible como disfrutable, que empieza en una euforia matizada y se va deslizando suavemente hacia esa leve melancolía en la que siempre se han mostrado tan cómodos. El eje central es el excelente single Hungry Child, odisea acid house funk de más de seis minutos, pero hay más alicientes: ahí están el estribillo fresco de Spell o el delicado corte que da título al disco; y, sobre todo, la estupenda segunda cara del álbum. —jc peña

BSN Posse: arde la pista BSN Posse

Untitled Album Autoeditado

8 ELECTRÓNICA / Este nuevo disco de BSN Posse

salió primero a la luz a través de Soundcloud como un trabajo exclusivo para sus seguidores y ha acabado siendo publicado de manera más o menos oficial en su Bandcamp, desde donde actualmente se puede comprar. El dúo de Málaga sigue con la sana intención de mezclar juke, UK garage, drum’n’bass y muchos más estilos para dar un poco colorido y variedad a la escena electrónica estatal; y tras oír los nueve temas que dan forma a este disco, se nota que no han perdido ni la inspiración ni el olfato para una buena melodía que se te grabe en la cabeza y un buen ritmo que no deje quietos los pies. Bebop sirve para arrancar a base de samples de contrabajo y percusión tipo jazz, a los que se les une al poco un ritmo urgente y rollo techno, con unos cuantos scrachtes y unas voces y vientos sampleados que lo hacen ideal para reventar toda pista de baile de casi

María Toledo

Bastille

Corazonada Universal

FLAMENCO / Desde finales del siglo XX, el piano dentro del discurso flamenco ha cogido una fuerza inusitada: Chano Domínguez, Pedro Ricardo Miño, Jairo León, Dorantes, Alfonso Aroca, Sergio Monroy y un largo etcétera.

Una fuerza que no lo sería sin la irrupción de la mujer y María Toledo es una de ellas. Además, su nuevo disco, Corazonada, está lleno de colaboradores de primer nivel: Diego del Morao, Bandolero, Carles Benavent, Alain Pérez, entre otros.

Juntos nos proponen compases por Alegrías, Sevillanas, Tangos, Tientos y Bulerías. Corazonada sale después de tres años de silencio y firmado por una artista con cinco discos en su haber y cuatro nominaciones a los Grammy latinos. En algunos cortes, viene al encuentro con otras música, algo que al instrumento protagonista le viene como anillo al dedo: latin jazz, rumba, canción… Pecando quizás de demasiados arreglos en la producción. Por su parte, la voz de María no deja de nadar entre el preciosismo y la jondura.

7

—curro velazquez-gaztelu

Local Natives

Doom Days Universal

6

POP / Considerar a Bastille

como una banda política es algo lejano, incluso bizarro, sin embargo, en este tercer esfuerzo, Doom Days, la banda ha conseguido subir un peldaño en cuanto a profundidad lírica. De los himnos nihilistas de su debut Bad Blood y sus letras postadolescentes, ahora queda solo un consuelo sonoro. Doom Days, como su título bien indica, es un repaso a lo que se ha acontecido en estos últimos tres años desde que publicaran Wild World, donde aún había esperanza para Hillary Clinton, el Brexit parecía un farol y así un largo etcétera.

Dan Smith y compañía se abrazan a un pop mucho más pulido, con aire solemne y apoyándose en frases épicas que se cuestionan nuestra existencia, combinado con una huida hacia delante.

Como ya pasara con singles como Happier junto a Marshmello, el disco tira de clichés y recursos que lo hacen el perfecto candidato para sonar en las emisoras mainstream y llenar estadios.

—marta terrasa

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todo tipo de sesiones. I’m The Drug In Your Veins es una mezcla muy loca y lograda a base de voz soulera y almibarada que atrapa.

Follow The Rhythm (If You Can) baja un poco el tempo, acercándose al house de manual.

Petrichor sigue un poco la misma jugada, arrancando con otro cuatro por cuatro que rompen llevándolo luego a su terreno más juke. Internet le mete un rollo un poco dembow con esas cajas a la contra, pero con una velocidad más cercana al juke y en Enya’s

Cate Le Bon

POP / ¿Recuerdan el sophis-

ti-pop? Pues bien, Local Natives siguen siendo la versión siglo XXI de aquello, entre un folk nada fundamentalista, ese indie rock pizpireto y urbano-bohemio con denominación de origen neoyorquina –aunque ellos son angelinos– y un soul pop de ojos azules y baja intensidad. Y lo resuelven con mucha clase. Su cuarto álbum no le pierde la cara a una sana comercialidad, ni a las ganas de bailar ni a accesos de cierta espiritualidad. Taylor Rice exprime las posibilidad vocales en modo falsete y conjuga un contraste de estados de ánimo aparentemente opuestos, se casó un poco antes, que la producción de Shawn Everett lleva a buen puerto. No es un álbum redondo, sin mácula (pocos lo son), pero brinda canciones tan radiantes como When Am I Gonna Lose You, Café Amarillo, Shy o Gulf Shores, de estilizada factura, cierto poso Costa Oeste –qué menos– y una razonable combinación de accesibilidad y complejidad. Muy disfrutable. —carlos pérez de ziriza

Fujiya & Miyagi

Reward Mexican Sumner

Violet Street Caroline, Music As Usual

7

Trip se centran en el ambiente, poniéndose más melancólicos y etéreos. 1up vuelve a tirar de juke, con melodías preciosistas y detalles que lo ornamentan a la perfección.

Siguen con la inspiración y los sampleos de jazz en Drunken Trumpet Ballad Y cierran con una remezcla del vaporoso Let Me Feel de Murlo, al que le meten un buen bombo, un sintetizador y bajo nuevos, y lo dejan preparado para que la pista de baile vuelva a arder. —raúl linares

8

POP / Tras el universo da-

daísta, guitarrero y caótico de Crab Day (16), el segundo asalto de experimentación postpunk junto a Tim Presley (Drinks) en Hippo Lite (18) y producir el genial Why Hasn’t Everything Already Disappeared? (19) de Deerhunter, Cate Le Bon se recluye en las montañas de Lake District y, mientras aprende a fabricar muebles artesanalmente, le da forma a Reward, su quinto y más intimista trabajo. Diez composiciones efervescentemente abstractas, donde los gritos y susurros celestiales de Le Bon, juguetean con guitarras, pianos, marimbas y un saxo que deja un adictivo rastro de azufre a lo largo de los surcos. De la cadencia expansiva y reconfortante de Home To You y Daylight Matters, con un “I love you, I love you, I love you” que no podrás sacarte de la cabeza, a la martilleante Mother’s Mother’s Magazines o la hipnótica estridencia ganadora de Magnificent Gestures, con Kurt Vile acompañando a las voces.

—david pérez

Flashback Impossible Objects Of Desire

7

ELECTRÓNICA / La forma-

ción de Brighton siempre ha sabido cómo lograr que su carrera se mantenga en un plano interesante, desplegando todo tipo de recursos electrónicos e influencias con tal de ofrecernos algo nuevo. Quizás este planteamiento no sale tan a flote en este nuevo elepé como en anteriores ocasiones, pero lo que sí está claro es que vuelven a encontrar el gancho preciso a base de combinar su intrínseca vena de krautrock junto con oscuras capas de sintetizadores. Definido por ellos mismos como una postal enviada a su yo del pasado, este disco cuenta con una medida accesibilidad y un punto bien alcanzado entre las canciones con pura vocación dance y desarrollos más cercanos al art rock cargado de nerviosismo. Lo mejor de todo es que la transición existente entre estas dos facetas no resulta nada pronunciada, sintiendo una vez más cómo la coherencia alcanzada resulta total.

—noé r. rivas

julio-agosto 2019 #37

To d o t u m Ăş s i c a e n l a r e d

#38 julio-agosto 2019

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Cokie The Clown

PUNK ROCK / El alter ego de Fat Mike debuta con un álbum que despelleja sin miramientos sus propios fantasmas. A Bathtub y su voz altamente alcoholizada le sigue una banda de punk tocando pop en Fair Leather Friends. Si The Queen Is Dead se tiñe del espíritu folk, la figura del payaso triste se visualiza durante la orquestal Down With The Ship. Negative Reel se regala con las primeras distorsiones genuinamente rockeras, que amplifican un mensaje sublimado en su último verso: “La única forma en que puedo apagar mi cerebro/ es a través de un dolor exquisito”.

Fuck You All no deja títere con cabeza dentro de la “industria”, y Punk Rock Saved My Life esconde cuarenta y cinco segundos de vértigo donde destaca un bajo diabólicamente enfurecido. You’re Welcome supone una mezcla explosiva entre la voz carajillera de Mike y sus colaboradores, creando un complot de bellos arreglos de piano, teclados y cuerdas para construir un disco brutalmente sincero. —toni feliu

6

—carlos pérez de ziriza

Jailed Jamie

Loops In The Secret Society Fire

ELECTRÓNICA / El hipnótico

y brillante séptimo trabajo de la británica la muestra en pleno dominio de su fascinante mundo particular. Ha llovido mucho desde los tiempos de su apadrinamiento por parte de Rob Gretton, manager de New Order, tras el final de su grupo Kill Laura. Pese a malograrse aquello con la prematura muerte de Gretton, la de Liverpool siguió destilando su fórmula, en especial a partir de la publicación en 2006 de su segundo disco en solitario. Desde entonces, su actividad creativa ha ido in crescendo. Y en este álbum intercala digresiones instrumentales abstractas con cortes de atractiva sobriedad, en los que da rienda suelta a su voz delicada.

Puede sorprender que nombres como Ladytron o Goldfrapp se lleven toda la gloria ante propuestas artísticas tan sólidas como la de Weaver (que el año pasado teloneó a los, por otro lado, estupendos Public Service Broadcasting), pero tenemos asumido que la justicia no siempre impera en este mundo.

—jc peña

POP / Los británicos esca-

paron del sambenito de nuevos Mumford & Sons o nuevos Noah & The Whale con un Red Earth & Pouring Rain (16) con el que se distanciaban del folk rock expansivo para abrazar los sintetizadores y sumergirse en esa América que tanto les fascina.

Entre las cuerdas de nylon y las luces de neón, en este tercer álbum optan por la vía de en medio: la combinación de minimalismo y tacto acústico con arreglos lustrosos, de tono abrillantado. Por vez primera han prescindido de Ian Grimble (The 1975, Simone Felice) para delegar en Phil Ek (Fleet Foxes, Father John Misty), pero el discurso del tándem que forman Kevin Jones y Andrew Davie no cambia lo esencial: tonadas confesionales (y convencionales) talladas al molde de grandes audiencias, de estupenda factura.

Resultonas. Perfectas para sonar ante vastas explanadas. Intensas o intensitas, según las encaje cada cual de acuerdo con su bagaje y su propio universo de referentes.

Jane Weaver

8

FOTO: ARCHIVO

So That You Might Hear Me Caroline/Music As Usual

You’re Welcome Fat Wreck Chords

7

MONDOVINILOS

Bear’s Den

Rave Tool Templos Tapes

ELECTRÓNICA / Jaime Tellado, mejor conocido por su álter ego Skygaze, sorprende al personal con un nuevo trabajo firmado bajo el pseudónimo Jailed Jamie. Rave Tool, título del álbum y primera referencia del sello gijonés Templos Tapes –lanzado por el propio artista junto a dos amigos–, rompe con la faceta jazzy y downtempo del productor y Dj asturiano. Su ecléctico y esquizofrénico entramado sonoro poco tiene que ver con la intelectualización del género que caracteriza muchos de sus trabajos.

Los cortes de esta celebración del parkineo, en cambio, han sido creados deliberadamente para la pista de baile, fruto de una serie de experimentos que Tellado aprovechaba para potenciar la carga rítmica, cruda y hedonista de sus lives. Complejo de principio a fin, salpicado de breaks, ritmos quebrantados y bajos punzantes, la propuesta se crece gracias a atmósferas asfixiantes, elementos propios del acid o el hardcore UK y un diestro uso del sampling. —daniel mesa

7

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Sleater-Kinney: el futuro está aquí Sleater-Kinney

The Center Won’t Hold Caroline/Music As Usual

8 ROCK / Asumiendo que la mutación del

sonido rockero hacia texturas más sintéticas hace tiempo que no es novedad, el último grupo del que esperaba algo así era el trío de Olympia. Y no por prejuicios, sino porque en su regreso tras un lapso de diez años, No Cities To Love retomaban el lenguaje de guitarras que está en su ADN. El directo de París, con el que han finiquitado su larga relación con Sub Pop, las mostraba cómodas y engrasadas en su piel. Sin embargo, la distancia física que separa a Carrie Brownstein y Corin Tucker y un legado de ocho discos de estudio ha promovido el cambio: por primera vez han compartido material a distancia y, en no pocas ocasiones, compuesto con sintetizadores. La incorporación de Annie Clark (St. Vincent) como productora ha resultado ser también decisiva. Sleater Kinney han hecho un disco de violentos contrastes, maduro, que no acomodado, sobre

cómo superar la crisis personal y política, que aquí se funden en un todo. En lugar de inspirarse en The Clash o Bikini Kill, han puesto el objetivo en Depeche Mode, New Order, Ministry y… Fleetwood Mac. Pero sin dejarse por el camino esa visceralidad marca de la casa. De la introducción de blues industrial con final grunge que da título al disco, pasamos al single Hurry On Home, momento más contundente, urgente e impecable vuelta de tuerca a la tensión vocal que dominan pero con un punto estilizado y frases memorables (“You know I’m unfuckable, unloveable…”).

La calidad compositiva y la producción brillan en Reach Out y ese estribillo que firmarían Dave Gahan y compañía. Como en la cincuentera Can I Go On: sus coros juguetones e irresistible estribillo se me antojan lo más pop que han hecho nunca.

Las influencias del hip-hop no se les indigestan en la progresiva Ruins y el divertimento electro-pop de Love carbura. Puede que el tono de vodevil siniestro de Bad Dance sea lo menos inspirado del conjunto, pero se compensa con el fraseo de bajo de The Future Is Here (¡Peter Hook podría pedir derechos!) y los estribillos joviales de The Dog The Body. —jc peña

julio-agosto 2019 #39

MONDOVINILOS

Skepta

Ignorance Is Bliss Sony Music

The Black Keys: a piñón fijo

GRIME / En los tres años que han pasado entre Konnichiwa y Ignorante Is Bliss, el grime, el trap e incluso la vida de Skepta han dado muchas vueltas.

Algunas voces han dictaminado que el inglés de origen nigeriano se ha domesticado, que ser padre entre otros factores han afectado a su música. Quizás letrísticamente Skepta se ha alejado de su cara más combativa y política, algo que se evidencia en este disco lustroso y con músculo que pierde fuelle al superar el meridiano, aunque nada sangrante como quieren hacernos creer por ahí. Si hay que poner algún pero a este disco es lo antiguamente moderno que suena comparado con gente como Flohio o Slowthai.

Tras un inicio a todo trap(o), permítanme el chiste, la cosa se pone old school sobre todo en What Do You Mean? que es pura crema. Tras un par de cortes algo reguleros, la cosa levanta el vuelo al final de nuevo. Gangsta, Greaze Mode o la brutal Redmur son el ejemplo de hacia dónde debería ir su sonido en el futuro. —marcos molinero

6

The Black Keys Let’s Rock Warner

7 ROCK / Desde que lo petaran definitivamente con Brothers (10) y El Camino (11), el dúo de Akron, Ohio, se ha hecho carne de estadio gracias a su amable y expansiva versión del blues. Receta aseada para paladares amplios, cierto, pero respetuosa con sus referencias. Tras un parón obligado –Dan Auerbach se confesó “completamente quemado” tras la última gira–, la portada de su nuevo trabajo, una ominosa silla eléctrica, y el título, remiten a la electricidad incontenible a la que hacían referencia AC/DC, ZZ Top y otros clásicos del blues acelerado (es decir, del rock and roll). Y eso pretende conseguir este disco, el noveno ya que firman Auerbach y el batería Patrick Carney, cinco años después de Turn Blue (14), en el que la mano de Danger Mouse se notaba demasiado: una vuelta a la esencia primitiva y simple del rock. ¿Es así? Pues en parte. El sonido más crudo, producido por ellos mismos como

FOTO: ARCHIVO

en los viejos tiempos, ayuda. Cierto que Eagle Birds es una convincente vuelta de tuerca, con nervio, al blues del Delta, como la estupenda Lo/Hi, de la tradición rock con un toque moderno; que el single Go, pese a su indisimulada vocación de estadio, funciona, y que Every Little Thing bebe directamente de las elegantes fuentes del blues rock inglés. Es verdad, también, que Get Yourself Together y Fire Walk With Me tienen gancho y demuestran que se puede hacer rock comercial sin faltarle el

Amyl And The Sniffers

Cave In

8

PUNK / Para este álbum

homónimo debut los australianos han dado un salto de calidad al contar con Ross Orton, el productor de AM de Artic Monkeys, para plasmar sus temas en el estudio, pero este salto en la producción no ha sacrificado ni un solo decibelio por el camino: los once temas suenan más directos que nunca, y Amy Taylor demuestra con sus arrolladora personalidad y sus ácidas letras que podría haber sido una dignísima componente de la versión más inmediata y callejera de Plasmatics, The Devotchkas o Bikini Kill si hubiera nacido unas décadas antes. Por su parte, sus compañeros le siguen el frenético ritmo, cargado de angustia y frustración moderna, a golpe de mullets y riffs que por momentos recuerdan a The Damned o a The Stooges, en un torbellino sonoro transmitido a través de bombas de dos minutos de duración y que con las escuchas se vuelve completamente adictivo y, sobre todo, tremendamente divertido.

—sofía cuevas gonzález #40 julio-agosto 2019

Alex Serra

Final Transmission Hydrahead

Amyl And The Sniffers Flightless/ Popstock!

8

ROCK / La pérdida del

bajista Caleb Scofield en marzo de 2018 en un accidente de tráfico representa el momento más doloroso en la larga trayectoria del cuarteto de Massachusetts.

Repuestos con la incorporación de Nate Newton de Converge, Cave In publican como homenaje y despedida a su compañero Final Transmission, un álbum que empezó a gestarse en el 2017 y en el que Scofield llegó a participar activamente en su proceso compositivo; piezas de su autoría, como All Illusion o el intermedio Lunar Day, llegan a estremecer por el trágico trasfondo que las acompaña.

A pesar de su escasa media hora de duración, la banda liderada por Stephen Brodsky consigue convencer al oyente haciendo prevalecer su material más luminoso (Shake My Blood, Strange Reflections, Lanterna) por encima de la oscuridad de cortes como Night Crawler o Led To The Wolves. Es en Winter Window donde consiguen los mejores resultados para una obra a la altura de su discografía.

—tomeu canyelles

respeto al público. Pero no lo es menos que el estribillo de Shine A Little Light se queda a dos pasos del rock AOR; que Walk Across The Water evoca a unos Wilco de los noventa desinflados, como Sit A Round And Miss You se queda en tributo de The Beatles; que en Tell Me Lies se ponen un traje sofisticado un poco forzado y que Breaking Down les ha quedado blandita.

Para bien y para mal, siguen en el mismo punto donde les dejamos hace un lustro: nadando y guardando la ropa. —jc peña

POP / La historia de este trotamundos llamado Alex Serra es tan curiosa, como definitoria para su propuesta. En 2012 se embarcó en un viaje de cuatro años por Sudamérica y Sudáfrica, que sería su particular Taller de Musics a la hora de forjarse como artista. Finalmente, y tras mucho recorrer, sus huesos irían a parar de nuevo a Barcelona donde daría con otro de esos personajes maravillosos de la bohemia musical: Toti Arimany, productor maestro del dub y las programaciones, básico para entender el sonido surgido de La Fournier, el caserón que acogió los discos de Dusminguet primero y La Troba Kung-Fú después. Pues bien, Alex Serra acaba de publicar un delicado disco de debut donde expone sus principales bazas. Una voz cálida e hipnótica, con ese punto de espiritualidad que recuerda a Devendra Banhart, y que se mueve sinuosa sobre un colchón downtempo en el que el dub, el pop electrónico, el trip-hop y el reggae se dan un abrazo cósmico.

8

—don disturbios

Blaze Out

A.A. Bondy

In The Real World Mundo Zurdo

Instinct Blood Fire Death

Enderness Fat Possum/ Popstock!

FOLK / Cada vez parecen quedar más y más lejos los años en los que Scott Bondy lideraba a los descarados Verbena, siendo todo un referente a la hora de guiar una vertiente rock de lo más ardua a través de la canción americana concentrada. Sin embargo, no es que echemos de menos esa etapa teniendo en cuenta lo bien que ha sabido desarrollar A.A. Bondy, su proyecto en solitario. Tras ocho años de silencio discográfico regresa de una forma muy inspirada con Enderness, un trabajo donde la calidez folk da la mano a una gran solemnidad a la hora de lograr arreglos de puntilla psicodélica y recursos propios del rock progresivo. Encontrando por completo la mezcla entre serenidad y experiencia en su vida, este trabajo supone el perfecto álbum de postales capturadas con total emoción pero también con un cierto filtro de languidez. Solo así es capaz de exhibir su habilidad para que todo acabe tomando tintes reconfortantes, aunque el contenido lírico apunte en una dirección diferente. —noé r. rivas

8

METAL / El metal nacional goza de una salud, nunca mejor dicho, de hierro. Numerosas bandas dan lustre a la escena y algunas de ellas incluso están dejando huella fuera de nuestras fronteras haciéndose habituales del circuito de salas y festivales europeos. Con Instinct, su tercer larga duración, los barceloneses Blaze Out reafirman su posición de privilegio dentro del gremio patrio.

Modelan sus evidentes raíces trash con aportes contemporáneos consiguiendo un sonido fresco que combina la potencia, riffs afilados, pétrea sección de ritmo, con una buena dosis de melodía en las partes vocales y un acertado uso de los coros.

Composiciones del calibre de Drunk Empire, Savage Blue, Evil Dead, Deadfall o No More Fear, con letra que parte del atentado terrorista en La Rambla del pasado 2017, harán sufrir a base de bien tus vértebras cervicales.

Sube el volumen y no olvides tener un collarín a mano.

7

—manel celeiro

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The Raconteurs

ROCK / Más de una década

después y sin que casi nadie lo esperara a estas alturas, nos llega la tercera entrega de la súper banda de Jack White, Brendan Benson, Jack Lawrence y Patrick Keeler. El rock de espíritu retro y dinámica juguetona, con paradas en la psicodelia añeja y el soul, se combina con momentos más reflexivos, en un disco de marcado tono clásico, enriquecido por los devaneos progresivos de White y compañía. El cuarteto se pone a veces demasiado reverencial con el legado que les nutre. Es en los momentos de desmelene rockero, dando rienda suelta a su contrastada química, cuando llegan algunos de los hallazgos más brillantes y divertidos: Don’t Bother Me y su ritmo avasallador, los riffs macarras de Sunday Driver, Live A Lie y What’s Yours Is Mine, con cencerro y guitarras desquiciadas. Brendan Benson tiene su momento de gloria en la estupenda Now That You’re Gone y Thougths And Prayers cierra con acústicas, sintetizadores, violines y crescendo final. —jc peña

An Obelisk Merge/ Popstock!

7

single (I Blame) Society, Patrick Stickles (o su álter ego) hace suyo ese clásico argumental de la contracultura y el punk.

La garra del tema se apoya en la producción del maestro Bob Mould, que se confiesa fan del espíritu old school del grupo. El caso es que en su sexto álbum, la cambiante banda de Nueva Jersey, cuyo único miembro original es el barbudo e inquieto vocalista y guitarra, apuesta por potenciar su lado más visceral.

Es su disco más breve y directo y en una reciente entrevista Stickles mostraba su preocupación por volver “demasiado pronto” a su esencia guitarrera. No es una reflexión caprichosa, teniendo en cuenta que se acomodan en los márgenes del punk rock canónico (Just Ringing A Bell, On The Street), con incursiones en el pub rock (Troubleman Unlimited); el rock asilvestrado (Hey Ma, Beneath The Boot); riffs graníticos (Within The Gravitron); y divertimentos macarras de bar de carretera (My Body And Me). —jc peña

Vanishing Twin

B Boys

Dudu Capture Tracks

The Age Of Immunology Fire

POP-VANGUARDIA / Este quinteto internacional arty se inspira en un controvertido libro del antropólogo A. David Napier como título para su nuevo trabajo, donde exploran diversos géneros en un cóctel tan personal como atractivo. Su espíritu vanguardista entronca con la apertura de miras de pioneros tan respetados como Can, el free jazz, la psicodelia, el lounge pop y el surrealismo. No es ninguna sorpresa que su receta les haya servido para telonear recientemente a los gigantes del retrofuturismo Stereolab y despertar creciente interés. Porque tienen sobrados argumentos. Con KRK (At Home In Strange Places) y Wise Children, despliegan un encanto tan elegante como sutil: abstenerse oyentes con prisa o necesitados de golpes de efecto. No es hasta Magician’s Success, después del corte en japonés que da título al conjunto, cuando demuestran que pueden hacer joyas de pop sofisticado, emparentadas con las de Tim Gane y Laetitia Sadier.

8

—jc peña

ROCK / En su vigoroso

FOTO: KATHRYN VETTER MILLER

Help Us Stranger Third Man/ [PIAS]

7

MONDOVINILOS

Titus Andronicus

8

ROCK / Nervio, guitarras y

actitud punk son las tres mejores palabras para definir el espíritu del tercer trabajo de B Boys. Tras unos notables discos previos, el trío de Brooklyn continúa demostrando que el rock de guitarras tiene mucho que decir aún, y lo hacen a través de un sonido en el que es fácil identificar referencias que van desde The Clash o Wire, hasta Parquet Courts o Protomartyr, pero sin perder una identidad propia.

Dudu comienza con Cognitive Dissonance, un ejercicio de rock rabioso con ramalazos post-punk que marcará la identidad del disco a lo largo de sus quince temas. El frenetismo tan presente provoca que con las escuchas nos entren ganas de sumergirnos en sudorosos y agresivos pogos mientras gritamos a viva voz los enervados estribillos, los cuales esconden explícitos mensajes contra el consumo excesivo y el capitalismo. En definitiva, B Boys se han marcado uno de los mejores discos de la temporada.

—guillermo chaparro terleira

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Jamla Woods: nueva canción protesta Jamila Woods

Legacy! Legacy!

Jagjaguwar/Popstock!

8 El segundo largo de Jamila Woods es un absoluto manifiesto feminista por la libertad, la superación y la lucha contra lo preestablecido. La artista se apoya en su herencia, y no solo hablamos de referentes musicales, para construir un álbum sólido, directo y con un enorme espíritu de protesta. Revisa el pasado para mirar hacia el futuro y le grita con fuerza al presente que piensa seguir luchando por los suyos.

Poetisa, activista, especialista en estudios africanos… Jamila se dedicó a analizar de forma detallada cada una de las figuras artísticas que hicieron historia en su ciudad de origen, Chicago, defendiendo a esa gran masa de americanos que fueron juzgados simplemente por su color de piel.

De esta forma, con Legacy! Legacy! realiza una especie de homenaje que resume a la perfección las temáticas abordadas por esos artistas y, a su vez, muestra a las

nuevas generaciones cómo lucharon por defender sus derechos (“We are a precious creation, our black has no imitation”).

Habla así, por ejemplo, en Sonia de la esclavitud abordada por Sonia Sánchez en uno de sus poemas (“My great granny was born slave. She found liberation before the grave”). O en Betty de la lucha de la mujer por la igualdad que en numerosas ocasiones el sistema ha intentado frenar (“Let me be, I’m trying to fly, you insist on clipping my wings”). En lo musical, el álbum baila entre la idea de plasmar la esencia de sus referencias e ir un paso más allá de lo conseguido con su anterior trabajo. Bajo la producción de Slot-A, Woods se mete en el funk de lleno (Octavia), abraza el neo-soul con su cruda voz en temas como Basquiat, se ensucia con una brutal guitarra que saca su lado más bluesero en Muddy o explora el jazz setentero en Miles, con un juguetón teclado como protagonista. Y es que, si algo nos queda claro después de analizar lo nuevo de Jamila es que su interés por la música respira libertad y está ligado a un espíritu creativo indomable que nos regalará muchos tesoros en el futuro. —álex jerez

julio-agosto 2019 #41

42/Mondo Media CÓMICS Jon Bilbao y Javier Peinado Astiberri

8 Jon Bilbao, novelista de pura cepa, se mete en el barro tecnológico-rural con la ayuda de Javier Peinado convirtiéndose en un poderoso tándem creativo. No se puede contar mucho sin chafar el libro, así que diremos que el primer acierto es llevar el manido ámbito de la ciencia ficción a un escenario años luz de la ciencia ficción canónica: un pueblo costero con guiños al Cantábrico.

Page turner gráfico de primera categoría, bello en fondo y forma.

—octavio botana Mi vida en un barco Tadao Tsuge Gallo Nero

9 Eclipsado por la alargada sombra de su genial hermano, Yoshiharu, Tadao demuestra ser un maestro del manga del yo en esta extensa obra autobiográfica (más de seiscientas páginas) a la que dedicó cuatro años.

Extensa como la interminable crisis de un hombre en plena madurez que se aleja del mundo para dejarse llevar por la corriente de la vida. —joan s. luna #42 julio-agosto 2019

CÓMICS

La auditora

Seth Un genio en la sombra Más allá de la primera impresión que causa un autor que hace años decidió detener el tiempo y anclar su manera de vestir en un periodo que no pasa de mediados del siglo pasado, hablar con el canadiense Seth, resulta toda una experiencia inmersiva. Pero su obra maestra, Ventiladores Clyde (Salamandra Graphic, 19), merece toda la atención que podamos dispensarle.

G

regory Gallant, más conocido como dibujante por el sobrenombre de Seth, visitó España para presentar Ventiladores Clyde, monumental obra desarrollada de manera intermitente a lo largo de dos décadas, en un reguero de presentaciones, firmas y declaraciones en las que ha dejado patente su manera de entender el proceso creativo.

—¿Cómo se maneja un proyecto que ocupa dos décadas de tu vida?

Creo que lo que lo que la gente está

pensando cuando me pregunta por el tema es: “¿Cómo mantuviste el interés en el proyecto durante veinte años? Podría deberse al hecho de que trabajo todos los días en una variedad de proyectos. Y parte de ello es que, en realidad, sólo estoy interesado en hacer el trabajo más que en el resultado final.

—Muchos artistas que piensan que cada obra es una especie de inversión de tiempo, creativo y personal. ¿Ves tu trabajo más como una línea constante en la que realmente no importa mucho si trabajas en un libro u otro?

Correcto. A medida que envejezco, siento que tengo más proyectos en los que estoy trabajando y que son un poco más variados. Y es verdad, aunque siempre hay algunas cosas que me gusta hacer más que otras.

Pero, al final, lo que me gusta es estar ocupado. Para mí se trata de estar en el estudio, en una especie de burbuja en la que trabajo, en una especie de pequeño mundo cerrado, como un taller. Eso es un mundo ideal para mí.

—En algún momento pensaste: “¿Quién va a querer leer una historia sobre dos tipos que venden ventiladores?”?

No. Y parte de la razón por la que no pensé mucho en eso fue cuando empecé el libro, el panorama era muy diferente. Cuando empecé mi cómic solamente se vendía en tiendas de cómics. Y a la gente que compraba mis cómics le daba un poco igual el tema. Tenía una especie de libertad.

Si tuviese que hacer Ventiladores Clyde hoy, si tuviera que ir a la oficina de una editorial y presentar una propuesta y decir “me gustaría hacer esto sobre dos tipos que venden ventiladores”, sé que la primera impresión sería muy aburrida y carente de gancho moderno, que tiene terribles problemas de imagen. En su momento daba igual cuál era la historia porque mi editor publicaba todo lo que yo hacía.

—¿Hay algo sobre Ventiladores Clyde que crees que puede pasar desapercibido y te gustaría contarnos?

Supongo que lo que para mí... El elemento interesante del libro que puede no trascender... Es que hay un cierto tipo de giro místico, un punto en el que te preguntas si lo que está pasando es real o no es real. Creo que hay pistas por todo el libro para poder responder a esa pregunta, así que yo no voy a responder esa pregunta. —alex serrano

r Más en www.mondosonoro.com

Ventiladores Clyde Seth Salamandra Graphic, 19

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Beastie Boys.

El libro

Michael Diamond/Adam Horovitz Reservoir Books

Olivier Schrauwen Abriendo vías

CÓMICS

LIBROS

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Obra tras obra, el belga Olivier Schrauwen se ha ido consolidando como uno de los autores fundamentales a la hora de buscar nuevas posibilidades para la historieta. Con Guy, retrato de un bebedor y Vidas paralelas (ambas editadas por Fulgencio Pimentel) recién salidas del horno, el autor realizó una visita a España que hizo posible esta entrevista.

Creadores de singles totales, nombre imprescindible en el mapa sonoro de finales del siglo XX. Siete años después de llegar prematuramente al final de su trayecto debido a la muerte de Adam Yauch (MCA), desde sus inicios en el submundo del hardcore neoyorquino hasta devenir iconos del hip hop, Michael Diamond (Mike D) y Adam Horovitz (Ad-Rock) repasan la trayectoria de Beastie Boys en un libro que es un regalo para los sentidos. —oriol rodríguez

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Con Billie Holiday.

Una biografia coral

a experiencia de Olivier Schrauwen en autoedición le han permitido tener una visión privilegiada en cuanto a las posibilidades estéticas del color y la composición, y su trayectoria en el campo de la animación hacen que su experimentación nunca vaya en detrimento de la fluidez narrativa. Con su capacidad de imaginar situaciones imposibles de peculiar humor y su abierta voluntad de adentrarse en una postmodernidad bien entendida, Schrauwen lleva tiempo consiguiendo que cada una de sus nuevas obras sea esperada con ansia y celebrada con fruición. Eso es exactamente lo que ha ocurrido con sus dos novedades recientes, Guy, retrato de un bebedor y Vidas paralelas.

—¿Cómo fue la experiencia de meter-

Julia Blackburn Libros del Kultrum

8 Quienes mejor te conocen pueden hablar sobre ti con propiedad y argumentos. Y Julia Blackburn, tras recoger el testigo de los testimonios que recopiló Linda Kuehl, agudiza su ingenio para crear una biografía en base a las experiencias de los demás con Billie Holiday. El conjunto es sólido, se sale de la norma y dibuja un perfil de la cantante que complementa la visión genérica que teníamos de Lady Day. —toni castarnado

“Guy no tiene toras. cualidades redendesde il Es sólo un imbéc hasta el principio el final”

se en un proyecto como Guy, retrato de un bebedor, tras una obra tan intensa como Arséne Schrauwen?

Todavía estaba trabajando en Arséne cuando empecé a trabajar en este libro.

Así que nos llevó muchos años probar algunas cosas y moverlas de un lado a otro.

—Entonces, ¿mantienes varios proyectos simultáneos?

Sí, siempre. A veces algunos nunca cristalizan. En este, estaba trabajando en París. Hay un gran edificio en el centro de la ciudad. Era una casa ocupada, ahora está regulada y hay un montón de artistas de cómic trabajando. Yo estaba allí para una residencia corta, que es una palabra elegante para referirse a tener un colchón sucio en una habitación. Y entonces empecé a hablar con Ruppert & Multo de ello. Me parece muy agradable volver a trabajar con otras personas, algo que ya hice cuando era más joven, cuando todavía estaba haciendo animación y era más habitual trabajar con otras personas.

Lo encuentro agradable. A veces. No todo el tiempo [risas].

—¿Cuál fue el principal atractivo de la historia para ti?

Era la idea de tener una historia de piratas con algunos de los elementos nostálgicos que siempre se encuentran en el género, pero en lugar de tener como protagonista a un bastardo encantador que al final es muy agradable y leal, este tipo, Guy, no tiene cualidades redentoras. Es sólo un imbécil des-

de el principio hasta el final. Y eso que esto es un elemento que crea todo tipo de problemas, porque no se involucra en la historia, siempre sabotea todo con la bebida.

—Tienes experiencia en animación. ¿Sientes que esto ha sido una gran influencia, que ha hecho que trabajes en el cómic de una manera determinada?

Sí, creo que sí. Para mí, el tempo y el movimiento de la narración, cómo fluyen las secuencias, es muy importante, así que lo reviso mucho. Miro las veinte páginas que acabo de dibujar y compruebo si todo está equilibrado, y edito las cosas y alargo las escenas. Mi actitud es un poco similar a cuando trabajaba como animador.

—Es muy tentador usar el término “surrealista” a la hora de hablar de tu trabajo. ¿Te sientes cómodo con ese adjetivo?

Las cosas que me influencia nunca fueron directamente surrealistas, aunque en la habitación en la que crecí había un cartel de Magritte y uno de Dalí, así que era una cosa ambiental que estaba alrededor, pero mis influencias directas son más bien el humor sádico y el cine más experimental. Mi nuevo libro, Vidas paralelas, es de ciencia-ficción y nadie lo llamará surrealista porque está ambientado en esta realidad, aunque luego hay ovnis y tal. —alex serrano

r Más en www.mondosonoro.com

La plaga de los cómics David Hajdu Es Pop

Tras leer este documentadísimo estudio, subtitulado “cuando los tebeos eran peligrosos”, uno no puede dejar de mirar atrás con ira.

Porque si algo demuestra Hajdu es que los tebeos no fueron ni una décima parte de peligrosos de lo que lo fueron quienes los quemaron y desterraron, destrozando vidas y profesiones por el camino. Leamos y aprendamos de unos errores del pasado que jamás deberían repetirse. —joan s. luna

FOTO: ARCHIVO

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julio-agosto 2019 #43

44/Mondo Conexiones WEGOW <> YELLOW PLANS

Wegow y Schweppes se han unido para proponerte un plan exclusivo para las tardes estivales. Se trata de un ciclo de conciertos únicos de formato íntimo y en las localizaciones con más personalidad de la capital. Además de música, también habrá espacio para poder ganar numerosos premios tales como cenas, reservados, meets&greets… El ciclo cuenta con 10 fechas y artistas como Chelsea Boots, Despistaos o Ana Mena, entre otros. Entradas disponibles a través de la página web de Wegow.

DORADO LIVE SHOWS <> CICLO DE CONCIERTOS

Toyota <> JBL La marca japonesa Toyota ha sacado una edición especial limitada de su modelo Toyota C-HR hybrid. El nuevo Toyota C-HR ‘Limited Edition’ Amarillo Wasabi es una edición única de 150 unidades que cuentan con un extenso equipamiento. Dentro de los extras que ofrece este coche se encuentran, entre otras cosas, el sistema de navegación GO, Sistema Avanzado de Asistencia al Aparcamiento (SIPA), Toyota Safety Sense así como un sistema de audio premium JBL. Además, todo el que adquiera un Toyota C-HR ‘Limited Edition’ Amarillo Wasabi se llevará un paquete exclusivo de productos JBL que incluye unos auriculares JBL Endurance Dive capaces de ser usados bajo el agua, unos auriculares JBL Tune 600BTNC para usar en casa y un Pulse 3, altavoz portátil que cambia de color en función del sonido. También cuenta con una suscripción al Club JBL y seis meses gratis en Deezer, el servicio de música en streaming. Gracias a este paquete podrás disfrutar de la mejor música dentro y fuera de tu coche. Ahora ya no tienes excusa para no aprenderte los temas que estarán sonando este verano en los festivales de nuestro país y a los que podrás ir a bordo del nuevo Toyota C-HR ‘Limited Edition’ Amarillo Wasabi. #44 julio-agosto 2019

Dorado Live Show es un ciclo de conciertos en acústico celebrados en Ibiza durante todo el verano, desde junio a septiembre. Para su cuarta edición, cuenta con un cartel compuesto por artistas como Viva Suecia, Carolina Durante, Zahara, Sex Museum o Marlango entre otros. Además, el 15% del dinero recaudado se destinará a la ONG “Save a girl, save a generation”.

Entradas disponibles a través de la web www. doradoliveshows.com

Ecoembes <> Festivales de verano

Este verano contribuye a hacer de los festivales una forma sostenible de ocio con la campaña promovida por Ecoembes “¡Diviértete y recicla!”, que ya ha pasado con éxito por Viñarock e Interestelar.

Una iniciativa que, además de ser comprometida, no olvida el carácter festivo de estos eventos. Para reforzar este mensaje, se ha instalado un tótem de ocho metros en los festivales que representa un ovni-contenedor que ha bajado a la Tierra para reciclar botellas de

plástico. Nota mental para cuando vayas este año a tu festival favorito: latas, briks y botellas de plástico siempre al amarillo. Y no solo eso, anima también a tus amigos y conocidos a que se conviertan en #ecofestivaleros.

Low Festival<> Vibra Mahou Low Festival y Vibra Mahou siguen apostando por nuevas experiencias musicales innovadoras en la provincia de Alicante, con algunos de los directos más potentes del circuito nacional. La puesta en marcha de los Escenarios Vibra Mahou x Low Festival comenzó el pasado 1 de junio con la actuación de Mueveloreina en la Sala Stereo de Alicante, seguida del directo de Pony Bravo el viernes 14 de junio. A estos nombres se unieron dos nuevos protagonistas musicales, programados para los meses de otoño. Se trata de la actuación de Los Punsetes el 26 de octubre y la de Kuve el 16 de noviembre, ambas fechas programadas en la Sala Stereo de Alicante. Próximamente se ampliarán las fechas con nuevos directos en la provincia, convirtiéndose así en un plan imprescindible en el que Mahou refuerza su apoyo a la música, compartiendo la pasión y la cercanía entre los artistas y el público con los mejores directos.

JÄGERMEISTER <> BE THE MESITER

Jägermeister lanza una edición limitada de botellas inspiradas en “Be The Meister” y su diseño sigue la línea creativa de la campaña que une a los artistas Rels B y Deva.

Estas ediciones limitadas estarán disponibles a partir de junio y durante todo el verano en las principales cadenas de supermercados, hipermercados y tiendas de conveniencia.

J&B <> Gelatería J&B DJs, helados y experiencias son los ingredientes básicos de cualquier verano a la altura y este año J&B está dispuesto a traer todo esto a la capital con la Gelatería J&B. Se trata de la primera heladería pop up para mayores de 18 años, donde además de beber, ahora el whisky se come. Aquí, tu J&B lo podrás tomar en forma de helados, perlas y hasta poptails. La heladería estará situada en la Calle Sandoval, Nº3, al lado de la calle Fuencarral. Abrirá de jueves a domingo del 5 hasta el 21 de julio, con diferentes actividades sorpresa programadas. Por ahora, solo te podemos decir que estés atento a los ciclos de DJs en directo, que cada semana tendrán una temática diferente reflejando el pulso de la ciudad. Y si no te puedes acercar a Madrid, puedes disfrutar de su Gelatería online en: www.lagelateriajb.com. #LaGelateríaJB mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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julio-agosto 2019 #45

Hablan los artistas Dando un repaso a lo que dejamos a las espaldas hemos caído en la cuenta de que nuestras portadas de julio-agosto han sido mucho más rockeras de lo habitual. Quizás por ello este mes rompemos la tónica apostando por la electrónica consolidada.

RRMuchachito Bombo Infierno siempre ha personificado el desmadre y el desparpajo. Lo hacía ya en nuestro número 142, julio-agosto de 2007. La sesión de portada fue divertidísima, quede claro. Le acompañaban como grandes entrevistados Interpol y Sidonie.

RRHablábamos al principio de rock, lo que la portada de nuestro número 208 (año 2013) no hace sino confirmar. Josh Homme en plena portada con unos Queens Of The Stone Age que, por aquellos días, publicaban Like Clockwork. Le seguían entrevistas con Mala Rodríguez, Fuck Buttons, Bad Religion, Major Lazer o Miles Kane, entre otros.

“Los gafapasta más puristas no nos han sabido aceptar por nuestra actitud vitalista, que encaja mal con su ideario” (Axel Pi de Sidonie, en 2007)

“No esperaba que el disco saliera ni siquiera de mi jodido pueblo” (Justin Vernon, Bon Iver, en 2008)

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com PUBLICIDAD Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com Edición Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com

“En la nueva hornada electrónica el noventa por ciento es mierda, pero el diez por ciento restante es muy bueno” RRPoca gente se acuerda a estas alturas de Cansei De Ser Sexy, la banda brasileña que nos lo hizo pasar en grande durante unos pocos años. Les dedicamos nuestra portada del número 153, en 2008. En cambio, sí tenemos muy fresco al otro gran protagonista del número, Bon Iver, que acababa de publicar For Emma, Forever Ago, una obra maestra atemporal.

RRNos acercamos un poco más, llegando hasta 2014, número 219. Y se cumple eso que comentábamos del rock. Nada menos que Mastodon, una de las últimas bandas de metal que han aparecido en nuestra portada. También charlamos con The War On Drugs, Glass Animals, Linkin Park, Sleaford Mods y muchos otros.

(Tiga, en 2009)

a propósito de Common Dreads de Enter Shikari)

#46 julio-agosto 2019

“Hay quien dice que los seguidores de Sigur Rós nos hemos convertido en una suerte de secta en la que el fanatismo se equipara casi a la fe. Pero no se olviden de la magia. Algunos creemos en ella, otros no, pero ahí está” (Joan S. Luna, a propósito de Kveikur de Sigur Rós, 2013)

Edición Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Edición Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Edición Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Edición Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245

Hablan los críticos

“Hay que reconocer que Enter Shikari son mucho más grupo de lo que parecían a simple vista al escuchar su debut. Su segundo disco es un puñetazo distópico que suda naturalidad. Ojalá sigan así” (Nacho P.L.,

Edición Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com)

COLABORADORES Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra

“Resulta difícil no sucumbir a su encantos: canta en plan ‘me importa todo una mierda’, sus letras son inteligentes y divertidas, su música accesible pero con el punto justo de pasotismo para que resulte personal” (Joan Cabot, a propósito de The Double EP... de Courtney Barnett, 2014)

“Hay quien interpretaba, cuando le dije que me había dormido las cuatro primeras veces que intenté escuchar este disco, que era bueno. Yo no lo veo así”

Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

f 189.000 seguidores t 96.300 seguidores 60.200 seguidores 72.208 seguidores x 11.911 seguidores

(Eduardo Izquierdo a propósito de Fallen Angel de Bob Dylan, 2016)

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