MondoSonoro julio agosto 2017

Nº 252 Julio-agosto 2017 www.mondosonoro.com

PHOENIX, ALGIERS, MANDO DIAO, R.E.M., THE GIFT, LA SRA. TOMASA, SEXY ZEBRAS, BONNIE ‘PRINCE’ BILLY THE BLACK ANGELS, KING GIZZARD AND THE LIZARD WIZARD, RADIOHEAD, SMILE, NIÑOS MUTANTES, NADA SURF

Todos quieren a Haim

JULIO 6-7-8 / CAJA MÁGICA / MADRID

2018

NUEVAS FECHAS

12-13-14 DE JULIO

135.000

GRACIAS! más allá de la música....

FOTO: NOEMÍ ELÍAS

5/Mondo freako

The New Raemon Diez años cruzando puentes

Hace diez años Ramon Rodríguez, por aquel entonces al frente de Madee, daba vida a The New Raemon, alter ego creativo con el que inició una trayectoria en solitario que le ha llevado a convertirse en una de las voces más interesantes de la escena indie estatal.

Una efeméride, esta década de vuelo libre, que celebra con la publicación del doble álbum recopilatorio Quema la memoria (B-Core, 17) y de un libro homónimo que recoge las letras de sus canciones con ilustraciones de Paula Bonet.

E

n algún momento, cuando empezaste con The New Raemon, pensaste que esta aventura en solitario acabaría siendo la parte central de tu trayectoria creativa?

Pues no pensé en nada de eso. La verdad es que no quería publicar aquel disco, lo hice gracias a la insistencia de Ricky Lavado, Ricky Falkner y Jordi Llansamà, y les estaré siempre muy agradecido.

Gracias a ellos ahora puedo dedicarme a escribir y tocar mis canciones.

Aunque el primer disco, A proposito

de Garfunkel (B-Core, 08), salió en 2008, el personaje The New Raemon nació hace diez años. Si miras atrás, ¿cómo valoras esta década?

De forma curiosa, porque realmente empecé a tocar en 1990, así que en realidad hace veintisiete años que escribo canciones. Lo que pasa es que hasta hace diez años no fui capaz de hacer de esto que hago un oficio. Quizás lo que más valoro es precisamente esta experiencia. Darme cuenta de que, como todos, este es un trabajo cíclico, con altibajos a los que he tenido que acostumbrarme y adaptarme

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para seguir adelante. Por otra parte, me siento afortunado de poder dedicarme a la música sin tener que prostituir mis canciones. ¿Esto sería lo mejor de estos diez años?

Esto y el haber conocido a mi actual pareja haciendo un videoclip y terminar juntos años después teniendo un hijo. ¿Eres nostálgico?

Mucha de la música que siempre me ha llamado la ateción tiene un punto melancólico y melodramático, eso supongo que aporta algo a mi forma de ver las cosas. Encuentro muy interesante la idea de observar y aprender del pasado de una forma constructiva, algo que desafortunadamente parece no poner en práctica el ser humano. Así nos va.

El aniversario ha venido acompañado de Quema la memoria (Lunwerg Editores, 2017), un libro que recoge las letras de tus canciones con ilustraciones de Paula Bonet. ¿Cómo surgió esta colaboración?

“Este es un trabajo cíclico, con altibajos a los que he tenido que acostumbrarme y adaptarme para seguir adelante”

3 julio-agosto 2017 #5

LA MÍA Oknotok

3

A Paula la he ido siguiendo desde los tiempos de Myspace. Ella también conocía mi obra. En los últimos años hemos ido coincidiendo y charlando un poco.

Cuando pensé en recopilar todas mis letras aproveché que venía de invitada al Bonus Cracks, el programa de iCat que presento con Guillamino, y la invité a comer para explicarle el proyecto. La idea le gustó mucho y hemos estado un año y medio dándole forma. Hemos quedado muy contentos con el resultado, es un libro muy especial.

También acabas de publicar un álbum epónimo.

Se trata de un álbum doble. El primer disco es una elección personal de mis canciones que más me gustan. El segundo disco esconde diversos temas que quedaron fuera de los discos y que hasta ahora nunca se han publicado en formato vinilo o compact disc. La elección ha sido eterna, un auténtico dilema.

Me tenía que ceñir a la duración de la cara de cada vinilo, eso ya limitaba la selección. Por otro lado no quería hacer un greatest hits, aunque tampoco tengo muchos (ríe). Al final pensé que era más interesante hacer una especie de Best of personalmente escogido por mí y añadir un segundo disco con todo lo que se había quedado fuera de los discos: inéditas y una canción nueva titulada “Naturaleza”, que me gusta especialmente. ¿Tienes más temas nuevos por ahí escondidos esperando a ser publicados?

Ahora mismo mi hijo me ocupa muchas horas. Supongo que cuando sea un poco más mayor podré ponerme a escribir el próximo álbum. Tengo algunas ideas, apuntes, títulos de canciones, conceptos... Siempre pienso en estas cosas antes de ponerme plenamente a trabajar en un álbum. Ahora mismo, lo que haremos es dedicarle una temporada a celebrar los diez años en los escenarios. No creo que haya nada nuevo hasta finales de 2018 o principios de 2019.

Y si tuvieras que resumir estos diez años en una de tus canciones, ¿cuál sería?

Todo Oh, rompehielos (B-Core, 15) ya fue un buen resumen de síntesis de todo lo que hago en mis discos.

—oriol rodríguez

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#6 julio-agosto 2017

M

ientras en Barcelona sonaban las modestas explosiones de millares de petardos, los chiquillos se reunían alrededor de las improvisadas hogueras callejeras y los guiris –con la inestimable ayuda de los locales menos escrupulosos- dejaban las playas de la ciudad hechas una mierda, Radiohead actuaban por tercera vez como cabezas de cartel de Glastonbury. Thom Yorke y sus muchachos se enfrentaban a decenas de miles de seguidores entregados que no querían perderse una actuación muy especial. Los británicos celebraban los veinte años de la publicación de Ok Computer, uno de los discos más influyentes de las últimas décadas y lo hacían en el mejor de los escenarios posibles. Fueron dos horas largas divididas en tres secciones que se abrieron con Daydreaming y se cerraron con Karma Police. Cualquiera puede ver la actuación completa en Internet, ver a la banda sonando de forma casi perfecta en el escenario, desenvolviéndose parsimoniosa y buscando la intensidad tras una muralla de banderas que los fans venidos de todo el mundo levantaban orgullosos. Y se lo dice alguien que ha perdido mucho interés en el grupo durante los últimos años. Pero tanto da, porque a la gente parece importarle poco eso de contrastar informaciones. Tanto da que Radiohead hubieran ofrecido una de las actuaciones más masivas de su trayectoria, que hubieran aprovechado para cargar las tintas contra Theresa May frente a más de ciento treinta mil personas, que el líder laborista Jeremy Corbyn fuera invitado al festival para ofrecer un discurso político masivo o incluso que Ed Sheeran tenga el valor y el temple suficientes para enfrentarse desde el Pyramid Stage, totalmente en solitario, a ese centenar de miles de aficionados largo. Parece –vista la repercusiónque lo más importante para muchos ha sido difundir vía redes sociales la falsa noticia que decía: “miles de fans de Radiohead avergonzados después de aplaudir tres minutos de afinación de guitarra, confundiéndolo por una nueva canción del grupo”. Hay que reconocer que la broma tiene gracia, mucha si me apuran. Pero recibirla hasta quince veces vía whatsapp (súmenle Facebook, etcétera), todas ellas dándola por cierta, acaba por aburrir. Y le deja a uno con las ganas de decirle a los remitentes: “¿Tan complicado es hacer una búsqueda en Google para ver que la primera entrada ya desmiente la noticia?”. Vivimos tiempos de posverdad, de mentiras que se toman por verdades a base de repetición y todo eso, vale, pero todos formamos parte de esta estupidez, así que apliquémonos todos el cuento. En realidad, este caso es una tontería, pero funciona para reflejar cómo están las cosas. Más que nada porque ocurre lo mismo cuando estamos hablando de asuntos realmente importantes. Y claro, así nos luce el pelo.

—joan s. luna

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MONDO FREAKO

Niños Mutantes

De la luz a la oscuridad

Tenía que llegar. Lo oscuro, lo siniestro, ha llamado a la puerta de Niños Mutantes en Diez (Ernie, 17). No esperes más de lo mismo. Se han cansado de ser chicos buenos y del estribillo fácil. Desde la sobria portada ya intuimos por dónde irán los tiros: after punk, post-punk, new wave, industrial, kraut… da igual cómo lo llames.

E

n Diez todo se tiñe de negro desde la primera canción.

Algo que incomoda, que no te esperas, pero que a ellos les estiliza como nunca. Más aún, después de todos los pedruscos que han sorteado en el camino. “Este disco ha sido una auténtica batalla. Personal y musical. Hacer un décimo disco da pánico, da vértigo.

Teníamos mucho peso encima y la sensación de que o hacíamos algo que rompiera con lo anterior, o estaríamos cavando nuestra tumba.

Queríamos ser capaces de romper con nosotros mismos y afrontarlo como un desafío. Y encima, tuvimos que resolver nuestros problemas internos y darnos cuenta de que la única forma de hacerlo era partirnos los cuernos juntos en un disco especial y diferente a lo que habíamos hecho antes”. Juan Alberto Martínez lo deja claro; el grupo venía de recibir la extremaunción hace unos meses. Menos mal que pudieron vomitar a tiempo todo lo que les estaba matando y darle forma de disco. Han quedado secuelas, pero lo importante era salir adelante con la cabeza alta.

“Ha sido doloroso. Siempre se ha notado que nos queremos y nos llevamos bien. De repente, justo a la semana del concierto de Mutanciones en Madrid, tuvimos la bronca más grande de nuestra historia. El fantasma de la ruptura nos visitó por primera vez. Descubrimos mucha mierda entre nosotros, que salió de golpe y a borbotones. Las cosas han cambiado, son lazos familiares; nos queremos y nos odiamos a partes iguales. Nos cuesta relacionarnos sin discutir. Luego nos perdonamos enseguida, pero es agotador. La música es la única que nos calma y nos vuelve a dar paz y armonía”.

Lo mejor que pudieron hacer fue tocar, tocar y tocar. Luego pusieron rumbo hacia la casaestudio de Martin Glover (Killing Joke) y llamaron a César Verdú y Abraham Boba (León Benavente) para encargarles la producción. Ya estaban todas las piezas en su sitio, ya lo habían conseguido. “No queríamos lo fácil. Pensamos en gente no habituada a producir, sin tics ni rutinas, pero que podría asumirlo perfectamente. Músicos que nos ayudaran a asumir riesgos, a recuperar un músculo y una rabia que habíamos abandonado. César y Boba eran perfectos. Tienen las ideas muy claras y a músculo, no les gana nadie. También están acostumbrados a dejar sus egos atrás para darlo todo en proyectos ajenos. Ha sido uno de nuestros mayores aciertos”. —víctor martínez

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FOTO: FIRMA FOTÓGRAFO

Tras el abandono de Gustaf Norén, Mando Diao se enfrentan a una nueva etapa de su carrera en la que, dicen, se sienten más libres y con ganas de recuperar lo que fueron. Lo demuestra su nuevo trabajo Good Times (BMG, 17), que presentarán en Mundaka Festival (28 julio, Mundaka) y en el Low Festival (30 julio, Benidorm).

Mando Diao El cambio es oportunidad

N

o hay nada como la ironía para contrarrestar con creatividad los palos que te da la vida. Ayuda a relativizar, a darte cuenta de que no hay nada imposible. Con esa premisa y ante la inesperada marcha de su cantante y miembro fundador Gustaf Norén, Mando Diao se han refundado en Good Times, así tal cual, sin el yang zeppeliniano, en el que echan la mirada atrás para reencontrarse con el espíritu que los impulsó a formar la banda.

“Cuando Gustaf dejó el grupo fue todo un shock, pero nos dimos cuenta de que necesitábamos una reacción rápida”, cuenta Björn Dixgård, antes sólo guitarrista del grupo y ahora también su nuevo frontman. “No es que nos dijésemos: ‘venga, vamos a volver a las raíces’.

Simplemente entramos en el estudio y empezamos a tocar, a ser una banda otra vez. El álbum es fruto de esos ensayos, de dejarnos sonar como queremos, en directo, como siempre ha sido Mando Diao, de forma completamente natural, sin filtros, y combinando nuestro lado más vintage con nuestro lado más modernista”. Dixgård asegura que la reacción de los fans a este cambio ha sido “increíble”, y percibe que están “muy contentos al ver que el grupo sigue”. Pero para ellos, los primeros días post-Norén fueron algo complicados. “En los conciertos estábamos un poco nerviosos, pero en cuanto vimos el apoyo y la euforia del público, nos vinimos arriba”. Además, la inclusión de un nuevo miembro,

CRÍTICANDO Good Times BMG, 2017 Pop Rock, 7/10

Cambios Puedes llamarlo etapa de transición o de ida de olla total, pero lo que es innegable es que Mando Diao han pasado los últimos años despistando al personal. Quizá ellos también lo estaban, y por eso se haya marchado el que hasta ahora era su líder y principal compositor, Gustaf Norén. En cualquier caso, su deriva synth-pop ha acabado pasando ya no inadvertida, sino incomprendida e incluso detestada por algunos fans. Afortunadamente, de los tiempos de Ælita sólo queda la costumbre de las portadas feas. Hay algo de vuelta a las raíces, y el disco sube la apuesta a nivel creativo, pero acaba perdiendo fuelle en la segunda mitad. —nacho serrano

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Jens Siverstedt, ha supuesto “una inyección de energía, una nueva dirección que nos lleva por un camino más optimista”.

Esta atmósfera tan fresca y positiva ha permitido respirar más hondo que nunca a todos los miembros del grupo.

Según explica Dixgård, esta ha sido la primera vez que todos han compartido el mismo nivel de implicación. “Esa es la gran diferencia con nuestros discos anteriores. Cada uno de nosotros ha aportado cosas y ha estado involucrado en todo el proceso, desde la composición, hasta la grabación y la producción. La filosofía de trabajo ha sido mantener esa implicación de todos nosotros valorando cada aportación por igual. Esto nos ha hecho ser más abiertos y tener más confianza en nosotros mismos, porque nos ha permitido comprobar que todos en el grupo teníamos talento, y que hemos tenido siempre buenas ideas”.

A lo largo de sus dieciocho años de vida, los suecos han pasado por otros altibajos, no relativos a la alineación pero sí a la inspiración. Dixgård asegura que “en cada nuevo disco que hemos hecho hemos puesto nuestro corazón y nuestra alma, y siempre hemos esperado lo mejor de cada uno de ellos”, al tiempo que reconoce que hay trabajos que no funcionaron como esperaban. Never Seen The Light Of Day, por ejemplo, no recibió la atención suficiente. Y creo que es porque, cuando lo hicimos, estábamos pasando por una de las temporadas más locas de nuestras vidas, aun así creo que tenía buenas canciones”. Pero no es momento de mirar atrás. La gestación de Good Times parece haberles sentado de maravilla y ahora tocar disfrutar de su música sobre el escenario, intentando transmitir sensaciones positivas al público. “El doble sentido del título está muy

“En los conciertos estábamos un poco nerviosos, pero en cuanto vimos el apoyo y la euforia del público, nos vinimos arriba” claro, creo. El mundo se está poniendo realmente asqueroso en muchos sentidos, por eso queremos hacer música positiva que traiga algo de buen rollo a este planeta”.

En el disco se pueden detectar nuevas influencias, y es que, desde el lanzamiento de Ælita en 2014, los miembros del grupo han estado escuchando literalmente de todo. “Últimamente hemos estado escuchando bastante un clásico entre los clásicos, The Last Waltz de The Band, pero también mucho nuevo soul, rythm’n’blues y electrónica. Hacemos unos mixes increíbles cuando escuchamos música en los viajes (risas)”. De ahí precisamente vino la inspiración para uno de los títulos de su disco, Voices In The Radio. “En los autobuses, los coches, las furgonetas, los aviones, lo que te salva del aburrimiento son esas voces que suenan en la radio. ¡La música es importantísima en la carretera!”. Por momentos muy juvenil y descarada, la música de Good Times es casi un contrapunto a la madurez vital de los miembros de Mando Diao, que ya están cerca de los cuarenta. “Cada vez es más difícil mantener el equilibrio con la vida familiar”, confiesa Dixgård. “Esta vida es un poco loca, eso es cierto, pero la amamos y queremos seguir viviéndola. Hay buenos tiempos para Mando Diao en el horizonte (risas)“. —nacho serrano

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julio-agosto 2017 #7

DORIAN FOTO: ARCHIVO

El eclecticismo del Arenal Sound

Sexy Zebras

Contra los snobs Entrevistamos a los Sexy Zebras a raíz de La polla (Vagabundo records).Líneas más abajo le toman el pulso a la escena del rock nacional, se habla de misticismo, espiritualidad, industria, caballos blancos, del poder de la polla y se nos llama snobs. Aquí recogemos tan solo algunas de las respuestas de Jose, guitarra, a nuestras preguntas.

El levantino Arenal Sound, que celebrará su octava edición durante prácticamente una semana (del 1 al 6 de agosto, en Burriana, Castelló), demuestra una vez más ser uno de los festivales más eclécticos a la hora de dar forma a su cartel. Eso le permie pasar de los hit mainstream de Jonas Blue al rock sucio de Sexy Zebras, del indie bailable de Satellite Stories a Martin Garrix, del pop rapeado de C. Tangana a la fiesta de Txarango, del pop clásico de Clean Bandit al rock enérgico de León Benavente, pasando por Kase.O, Kakkmaddafakka, Jake Bugg, Lori Meyers, Icona Pop o Amaral. www.arenalsound.com.

FOTO: ARCHIVO

No cabe duda de que una de las intenciones del festival barcelonés Cruïlla siempre ha sido la de abrir Barcelona al mundo, lo cual ha implicado desde el principio que su cartel fuese variado y capaz de combinar desde el pop anglosajón al rap, desde la música africana hasta el mestizaje. Pero esta edición, que se llevará a cabo en el Fòrum el fin de semana del 7 al 9 de julio, va todavía más allá combinando a Die Antwoord con Jamiroquai o Two Door Cinema Club el viernes, y a Pet Shop Boys con The Prodigy o Ryan Adams el sábado. Y podríamos continuar con Ani DiFranco, Los Fabulosos Cadillacs, Kase.O, Youssou N’Dour, Residente, Benjamin Clementine, La Raíz, Nicola Cruz, Exquirla y muchos otros. www.cruillabarcelona.com

MARTIN GARRIX FOTO: ARCHIVO

Cruïlla, abriendo horizontes

Low Festival, la fuerza del indie Sonorama Ribera, producto nacional Para el vigésimo aniversario del icónico festival de Aranda de Duero no hay un nombre tipo Raphael que destaque por encima del resto, pero la organización ha intentado una vez más casar pasado, presente y futuro del pop nacional con la presencia de clásicos como Coque Malla, Loquillo, Ilegales, El Drogas o La Granja, nombres mediáticos como Leiva, El Langui, Nacho Vegas, Lori Meyers, Sidonie, Iván Ferreiro o Xoel López y habituales de la casa como Novedades Carminha, Nixon, Dorian, La Habitación Roja… Del 10 al 13 de agosto. www.sonorama-aranda.com.

A lo largo de sus diez años de existencia el Low Festival ha ido desarrollando una personalidad que lo identifica como un evento muy cómodo por sus excelentes instalaciones en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor, que casa la música con la actividad playera. Además, desde su nacimiento, el Low ha apostado por abonos a precios más que razonables. Musicalmente todo esto se traduce en una serie de nombres internacionales de sobrada solvencia y los nacionales que más kilómetros hacen cada verano en nuestro país: Pixies, Franz Ferdinand, Mando Diao, The Hives, !!!, Roosevelt, Triángulo de Amor Bizarro, Nada Surf, Sidonie, Lori Meyers, El Columpio Asesino, Dorian, Viva Suecia, Xoel López, Los Punsetes, Biznaga, Kokoshca… De 28 al 30 de julio. www.lowfestival.es.

Santander Music, pop, pop y más rock

Llega la primera edición de Río Babel

Hace unas semanas informábamos de que el grupo granadino Los Planetas se sumaba al cartel del Santander Music Festival para presentar su último disco hasta la fecha, Zona temporalmente autónoma.

Su actuación será el viernes 4 de agosto, aunque el festival se celebra en Santander los días 3, 4 y 5. El cartel cuenta sobre todo con nombres nacionales de pop y de rock como Sidonie, Los Del-Tonos, Triángulo de Amor Bizarro, Shinova, Delorean, Lori Meyers, Belako, La Casa Azul y Anni B Sweet.

Aunque también hay espacio para nombres internacionales como M. Ward, Roosevelt, The Vaccines y Nothing But Thieves. www.santandermusic.es

El evento se celebrará del 13 al 15 de julio en Ifema, Feria de Madrid, y cuenta con un cartel que posiblemente jamás haya tenido la posibilidad de juntarse en América Latina, con mitos de la música como Residente, Los Fabulosos Cadillacs, Aterciopelados o Los Amigos Invisibles, bien acompañado de primeras espadas de nuestro país como Estopa, Macaco, La Pegatina... El Ayuntamiento de Madrid ha decidido dar todo su apoyo al festival con una primera jornada (el jueves 13, con Macaco, Mala Rodríguez, Illya Kuryaki & The Valderramas,…) gratuita que pasa a formar parte de la programación de Veranos de la Villa. www.festivalriobabel.com.

#8 julio-agosto 2017

C

ada uno tiene ojos para ver qué es lo que queremos decir. Tiene un sentido… es como hacer místico algo banal. Al final, nos damos cuenta de que el disco, ya lo hemos dicho más veces… del poder de la polla, pero el poder de la polla a nivel de hombres, de reivindicarnos como hombres, de dejar nuestra huella, de tomar nuestro impulso, nuestra fuerza; y a la vez, entendido en un tono sencillo.

El disco sigue una línea continuista, clara y provocadora como nosotros.

Entonces, ya está, que cada uno haga su lectura”.

“En México se nos ha abierto la puerta de la escena latina alternativa. Entramos en la liga de Los Fabulosos Cadillacs, Molotov… te estoy nombrando a los grandes, obviamente no les llegamos ni a la suela de los zapatos en cuanto a magnitud. Hay algo, no sé si en la educación de la gente, en la forma de entender el negocio, o si es algo global que va en la cultura, pero allí nos entienden muy bien, nos sentimos como en casa, muy arropados”.

“Nosotros estamos obsesionados con que la gente nos entienda. A veces, hemos llegado a estar frustrados porque la gente no nos entiende. Me llega un fan y me dice “Ey, ¿qué pasa caníbal?”. Con canciones

como Caníbales, Quiero Follar Contigo o Semental se piensan que me hincho a follar y llevo con mi novia ocho años, ¿sabes? Soy hombre fiel.

Hablas de unas cosas y cada uno entiende lo que quiere”.

“Creo que lo menos pretencioso es ser comercial. No he buscado sonar en Los 40, no estoy siendo más ni menos guay. Es un hecho, mi canción suena en Los 40, ya está. Y eso está llegando a más gente, de puta madre. Si hablo en un lenguaje que la gente pueda entender, de puta madre, me refiero, que no me he vendido, a lo mejor, estoy entendiendo las cosas mejor. Ahora siento otras cosas, ahora se hablar más claro, ahora me he quitado miedos.

Antes era un snob que decía “¿Yo sonar en Los 40? Que le den por culo”. Pero qué cojones, si me abren la puerta, adelante, ¿sabes?”.

“Me mola Mondo, y es increíble que haya una revista de la música independiente, pero sí, creo que a veces se pasa de snob. Pero que es guay, que es el público y que está bien. Me refiero, igual que alguien pensará que nosotros somos snobs… está bien...”. —manuel jubera

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VERANO 2017 DESCUBRE MÁS ALL-NEW FORD FIESTA Gama Ford Fiesta consumo combustible combinado de 3,3 a 5,2 l/100km: medición de consumo realizada en laboratorios, conforme a la normativa vigente; el consumo depende de la conducción que se haga del vehículo. Emisiones de CO2 de 84 a 118 g/km: emisiones medidas conforme la normativa vigente. Las emisiones, en condiciones reales, pueden variar.

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I FESTIVAL INTERNACIONAL DE CORTOS

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LEÓN BENAVENTE THE WHIP LUIS BREA Y EL MIEDO THE LIMBOOS GOLD LAKE

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#12 julio-agosto 2017

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MONDO FREAKO

The Black Angels, brillante oscuridad

Acaban de pasar por el Primavera Sound para enfrentarse a un público que les ama y les respeta como lo que son, uno de los nombres más sólidos del rock psicodélico actual. Si alguien lo duda, que repase Death Song (Partisan/[PIAS], 17) y despeje dudas.

A

lex Maas (voz) y Christian Bland (guitarra), miembros fundadores y actuales líderes de The Black Angels, nos atienden a su paso por Barcelona. Están en la ciudad para participar en un festival. Están ahí como representantes consagrados del panorama actual más psicodélico. Han vuelto más oscuros que nunca en su reciente Death Song, título con el que cierran un pequeño círculo. “Nuestro nombre lo tomamos prestado de la canción The Black Angel’s Death Song de The Velvet Underground, así que decidimos seguir con ese juego con el título de este disco”, explican sus miembros entre risas en la zona de prensa del Primavera Sound. Sin embargo se ponen más serios cuando explican que el álbum es “algo así como un libro de instrucciones para alguien que viene a la tierra por primera vez, lleno de problemas y situaciones complicadas a los que se van a tener que enfrentar”. Este manual de uso de once canciones esconde, tras su aura oscura y negativa, un mensaje de esperanza para la sociedad de hoy en día. “El pesimismo que esconde puede acabar siendo esperanza o muerte, solo hay dos opciones.

Estas canciones son una catarsis que deriva en esperanza, alejándonos del enfado y la destrucción”, argumentan para hacernos ver que son capaces de dar un giro a la superficial interpretación de la oscuridad de Death Song. Además, siguiendo la misma línea inciden en la importancia que tiene la música a la hora de transcender sensaciones negativas: “La música tiene la capacidad de generar reflexión, hacernos cuestionar la autoridad, abrir nuestras mentes…

La música y todas las artes en general se convierten en una vía de escape muy necesaria”. Escaparse en su caso, de la farragosa situación que está viviendo Estados Unidos a raíz de la presidencia de Trump. “Las canciones las escribimos en 2014, nadie se preocupaba por quién era Trump entonces, pero cuando salió

electo ‘tuvimos suerte’ ya que el disco se relaciona perfectamente con la incertidumbre que esto conllevó. Si las cosas hubiesen sido distintas no creemos que Death Song hubiese tenido tanta repercusión”. La portada del disco también juega un papel muy importante en todo el subtexto ya que “se pensó que los colores contenían esa ironía que en parte viene implícita en las canciones. Queríamos que fuera como una chuchería y que todo el mundo se sintiera atraído por él y más en un país tan patriota”.

Este disco empezó a gestarse hace tres años, hasta reunir más de treinta posibles canciones a incluir. “Las que quedaron fuera son igual de buenas que las escogidas. En nuestra opinión es mejor poner una cantidad razonable de canciones que crear un álbum con muchas canciones que pasan más desapercibidas”.

Lo que es evidente es que la calidad (y no la cantidad) es algo que los componentes de The Black Angels miman. Pasaron por varios procesos de criba de canciones antes de crear el definitivo Death Song. Canciones que de cierta manera vienen influenciadas por razones obvias por The Velvet Underground y, aunque parezca curioso, por bandas más fundacionales como The Beatles ya que “sus canciones constan de partes muy metafóricas e interpretaciones abiertas que ofrecen más de una lectura, bien sea por la sensación que transmitan, o por las letras”.

Por otro lado, Alex Maas y Christian Bland explican que su música, aunque parta de diferentes influencias musicales, está en constante evolución y que encuentran dañino el hecho de que la gente se guíe por etiquetas. “Es cierto que esta fórmula de etiquetar ayuda a buscar algo en concreto y encontrarlo más fácilmente”, afirman a regañadientes, sin embargo reivindican que “poner una etiqueta puede dañar a una banda, porque tal y como nos pasa a nosotros

no te atas a un solo estilo. Por ejemplo el término ‘psicodélico’ ya tiene la connotación negativa por la relación con ciertas drogas”. Por ejemplo, los conciertos de los propios The Black Angels han sido más de una vez catalogados como “banquetes psicodélicos” por su sonido y sus impecables visuales. “Nos gusta entrar en trance espiritual y quedarnos ahí durante todo el concierto; perdernos con la música y hacer que el público se pierda con nosotros. A día de hoy nos seguimos poniendo nerviosos antes de salir al escenario, supongo que es porque queremos hacerlo perfecto”.

Tras su paso por el Primavera, la agrupación seguirá realizando el mayor número de directos posibles, eso sí, sin dejar la parte creativa y la composición.

“Tomamos como referencia una frase hecha de nuestro idioma ‘A song a day, keeps the doctor away’. Además, desde 2013 tenemos un nuevo miembro que nos ayuda a ver las cosas de manera completamente diferente a las que conocíamos, así que estamos cada vez más en la misma onda todos, cosa que viene genial para sacar nuevos temas”.

Por último y antes de despedirse, los dos integrantes de The Black Angels compartieron un par de consejos para todos aquellos que estén empezando con una banda. “Lo primero mantener la mente abierta, lo segundo, arriesgar y... lo tercero y más importante irse a vivir todos juntos. Para que se conozcan mejor que nadie en este mundo y estén cien por cien seguros de que al final y al cabo serán sus compañeros, no solamente de banda, si no de vida”.

—ane bárcena

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“La música tiene la capacidad de generar reflexión, hacernos cuestionar la autoridad, abrir nuestras mentes…”

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julio-agosto 2017 #13

MONDO FREAKO

E

l disco no llega a ser un trabajo conceptual sobre Italia, pero está lleno de motivos italianos. ¿De dónde proviene esa fascinación por el país transalpino?

De alguna manera, cada nuevo disco que hacemos es como si fuera el primero: siempre buscamos una especie de orilla segura y a la vez algo prohibido de lo que reapropiarnos; llámalo reto. Intentamos crear nuestro propio lenguaje, y para nosotros el hecho de utilizar diferentes idiomas es para encontrar eso, una voz propia. Así que Italia representa todo eso, fue nuestra herramienta para ser capaces de ver esa orilla segura. Pero al mismo tiempo no es una visión auténtica de Italia, es la visión de ese país desde los ojos de unos franceses. Eso se puede aplicar también a cuando cantamos en inglés: no queremos ser auténticos ingleses, sino cerebros franceses cantando en esa lengua. ¡Ah! Escuchamos un montón de música italiana en nuestra última gira y, ojo, dos integrantes de Phoenix son de origen italiano.

En Bankrupt! (Glassnote, 2013) ya estaban presentes esas influencias italianas. Hace tres años entrevisté a Laurent Brancowitz (guitarrista del grupo), y me comentaba la importancia de Lucio Battisti y Nino Rota en la composición de las canciones…

Eso es cierto. Como te decía antes, cuando estamos de gira escuchamos mucha música. De hecho, lo que haces es recuperar muchas canciones de tu infancia porque, cuando estás girando, echas de menos tu casa. Ahora bien, cuando estamos en el estudio no solemos escuchar nada.

Una cosa que me gusta de Phoenix es que no os molesta reconocer la música que os ha influenciado en cada disco.

Es más, sois como unas esponjas: absorbéis pero luego sois capaces de crear vuestro propio discurso. Es un poco lo que habéis hecho en Ti Amo con la música italiana que os gusta.

Te diría que casi hay un par de influencias claras en esto de la música, italiana y de todos los países. Tienes a los clásicos respetados y sólidos, gente como Lucio Battisti, puro ADN Italia, y luego tienes todo ese grupo de canciones que no te gustaban en el momento en que salieron, pero que luego co-

#14 julio-agosto 2017

discografía

United

Alphabetical

It’s Never Been Like That

Wolfgang Amadeus Phoenix

Bankrupt!

Ti amo

EMI, 2000 Pop 7/10

EMI, 2006 Pop 8/10

Glassnote, 2013 Pop 6/10

EMI, 2004 Pop 6/10

Glassnote 2009 Pop 8/10

Glassnote 2017 Pop 7/10

“Somos los primeros sorprendidos en haber realizado un disco alegre y hedonista en una época como esta”

gen un brillo y un encanto fuera de lo común que te recuerda a una época especial; evocan la nostalgia. A veces son one hit wonders o temas sueltos que no fueron un éxito. Una de las cosas que más me gustan de estar de gira es cuando, de noche, enciendes el televisor de tu hotel y empiezas a ver videoclips clásicos que varían según el país en el que estés. Todas esas canciones y videos tienen algo en común, y a la vez una cualidad autóctona rara pero siempre interesante.

Esos descubrimientos han sido una influencia clave para nuestro nuevo disco.

Si te digo que vuestro nuevo disco es el más bailable y synthpop de Phoenix, ¿estás de acuerdo?

La verdad es que ya no pienso o no tengo en cuenta que instrumentos usamos en Phoenix. Ahora mismo, por ejemplo, existen guitarras que pueden sonar como sintetizadores y a la inversa. Es más, Chris Mazzalai, uno de nuestros guitarristas, tiene una guitarra que transforma sus sonidos en lenguaje japonés y los convierte en algo vocal. Así que ahora todo es un gran lío para mí, y no sé decirte como son los arreglos o de donde los hemos sacado. Si tú impresión es que suena más sintético y electrónico debes de estar en los cierto.

Fleur de Lys tienen un subidón casi disco…

Sí, tienes razón. Ese tema lo empezamos con un sample de Fela Kuti -de la canción Expensive Shit-, y lo convertimos en un loop que nunca baja de intensidad. Esa era la intención, y es verdad que eso la relaciona con cierta música disco y ese lugar dulce que a veces crea, aliviador y susurrante, que quieres que no acabe nunca. Es una canción que da vueltas sobre sí misma.

Volviendo brevemente a la grabación de Bankrupt!, ahí fue clave un sintetizador muy barato que encontrasteis en una tienda de Versalles. ¿Habéis utilizado en Ti Amo algún aparato de segunda mano que os haya ayudado a crear el sonido del disco? mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: ARCHIVO

PHOENIX INTELECTUALES DEL POP Tras el ligero resbalón de Bankrupt!

(Loyauté/Glassnote, 2013), los Daft Punk de la música pop recuperan el pulso con Ti Amo (Glassnote/Warner, 17). Un álbum bailable y hedonista plagado de hits que sirve para iluminar los tiempos oscuros en los que vivimos, y les vuelve a catapultar alto. Thomas Mars, cantante e ideólogo del grupo, repasa las claves.

Les veremos en el Vida y el Bilbao BBK.

Sí, para mis partes vocales usé un micrófono chino de doce euros. Es uno de los que usaban en las Naciones Unidas para hacer conferencias y discursos largos. El sonido particular que tiene me ha servido para grabar mi voz en casi todas las canciones. Siempre nos gusta utilizar cosas de segunda mano. Más aún si son herramientas que no se usan habitualmente en el pop. Esas cosas te permiten crear sonidos por accidente, y eso nos encanta.

Hace unos meses contabas en una entrevista publicada en The New York Times que los atentados en París de noviembre de 2015 os pillaron grabando en un estudio de la ciudad. Y que, después de esa experiencia, os llegasteis a sentir culpables por estar haciendo un disco de pop hedonista. Ahora bien, lo que queda claro tras escuchar Ti Amo, es que ese aspecto hedonista y luminoso es una reacción contra la oscuridad que supusieron esos atentados. ¿Estoy en lo cierto?

Somos los primeros sorprendidos en haber realizado un disco alegre y hedonista en una época como esta. Y sí, es una reacción. Todo el mundo estaba haciendo lo contrario y, como dices, llegamos a pensar que estábamos haciendo algo mal; que no teníamos empatía por lo que estaba pasando. Pero creo que hay un montón de empatía en las canciones, es una reacción a este periodo oscuro. Necesitábamos un disco con algo de luz y alegría.

Pero no de escapismo ni de negación de la realidad.

Es más, muchas de las canciones del disco son de espíritu agridulce…

Eso siempre ha estado con nosotros. Todos nuestros discos tiene un punto agridulce y este lo es aún más. Lovelife es una canción alegre, hedonista y simple, que acaba con una nota amarga. Role Model habla de la rueda del poder y al mismo tiempo de encontrar tu lugar en el mundo. Hay una cosa que nos gusta hacer mucho con las canciones: no dejar claro su significado, así el oyente tiene algo propio que añadir. Dejar espacios para que las interpreten de forma libre.

Una cosa más sobre el sonido de “Ti Amo”. Me ha parecido reconocer un montón de arreglos y guiños de procedencia oriental. ¿Ando equivocado?

Hay un montón de escalas pentatónicas asiáticas en el disco. Pero también hay muchos sonidos mediterráneos, como si estuvieras en una discoteca griega. Nos encanta jugar con esos referentes y combinarlos en una misma canción. En relación con esto debo decir que nos gusta jugar con géneros y subgéneros que aún no han sido explorados o llenados por completo, terrenos en los que se pueda innovar o mejorar. Cuando en los sesenta se publicó Pet Sounds mucha gente empezó a copiar el mismo sonido. Si yo hubiera estado haciendo música en esa época, habría ido por otro lado porque ese disco era insuperable, no se podía mejorar. Cómo te decía antes, nos inspiramos en un montón de pequeños detalles y referencias que nos llegan de muchos lados e intentamos llevarlos a nuestro terreno.

Y crear así nuestro propio lenguaje.

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—texto Xavi Sánchez Pons mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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julio-agosto 2017 #15

FOTO: la sra. tomasa

WALA. WALA.

“Siempre quería hacer las cosas complicadas.

Quería tocar acordes de jazz y que todo fuera intrincado. Creo que Dookie de Green Day fue el primer disco que me hizo pensar: ‘Sabes, si todo el mundo toca un único acorde al mismo tiempo, suena increíble” Vic Fuentes, de Pierce The Veil, en Alternative Press

“Desde el inicio queríamos hacer algo distinto... Cuando encontramos la conjugación musical que nos indicó el camino, vimos que era un espacio que estaba vacío”

“Cuando Warren (Ellis) vino a tocar el violín en Murder Ballads, vestía unos shorts que su novia le había hecho con unos sacos de harina y una camiseta de AC/ DC. Era lo más anti-Bad Seeds que podías imaginarte (risas)” Nick Cave, en Mojo

“Keith Richard me puso Blues & Lonesome y fue como ‘tío, tenéis mucha clase. Tocáis mejor ahora que nunca’.

Qué gran movimiento han hecho. Todo en el disco es perfecto” Evan Dando, en Uncut

“Gus y Joe son adorables, aunque sean estirados y excéntricos. Las cejas y el bigote de Gus son tan espesos que parecen falsos, como si estuvieran pegados a sus gafas negras” Thom Green, de Alt-J, en NME

“¿Quiénes somos? ¿De dónde venimos? ¿A dónde vamos? de Siniestro Total, es una canción que la gente la canta y se parte el culo...

Ahora, coge esa letra y mira lo que te está contando. What the fuck?! Gigante” Anntona, de Los Punsetes, en Jenesaispop.com

#16 julio-agosto 2017

La Sra. Tomasa Esto no se para

Después de pasarse casi tres años de gira continua en la que se han recorrido el país y media Europa, la joven banda barcelonesa nos presentan su sorprendente segundo trabajo, Nuestra clave (AudioMaze, 17). En él profundizan aún más en su personal combinación de los ritmos latinos más roots con la electrónica más actual.

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”

peración, etcétera”. Sí que es cierto que han querido ocupar un espacio musical que estaba vacío y que además les apasionaba. Así esa búsqueda inquieta les ha permitido combinar la creatividad del trap con la fuerza del breakbeat, el calor de la salsa con la fiereza del drum’n’bass, el poder del boogaloo con la fluidez del rap o con el espíritu tremendamente bailable de la cumbia electrónica.

“Musicalmente ya desde el inicio queríamos hacer algo distinto. Por ejemplo, de las primeras canciones existen más de una veintena de ideas y maquetas que no vieron la luz. Cuando encontramos la conjugación musical que nos indicó el camino, vimos que era un espacio que estaba vacío y jugamos con esa baza”. Ese nuevo espacio se aprecia sobre todo en directo, que es cuando sus canciones alcanzan una dimensión espectacular. “Intentamos que este disco fuera para escuchar y disfrutar en casa, en el coche o en una pista de baile, pero tenemos una tendencia compulsiva a mezclar y cambiarlo todo. De ahí que la gran mayoría de los temas ya hayan evolucionado a una nueva versión de directo”. En ese punto el productor Genis Trani ha tenido bastante que ver, así como las colaboraciones que enriquecen el disco. “La de Niño Maldito ya la teníamos pensada, pero el resto surgieron durante el proceso de manera espontánea. Rapsusklei y Kabaka Pyramid habían trabajado con Genis.

Les enseñó las canciones y a las pocas semanas ya teníamos los tracks grabados. Con Gloria Boateng coincidimos en el Kokopelli Festival de Bélgica y nos quedamos literalmente flipando. Es pura energía en directo. Le propusimos la aventura y accedió. Viajar, tocar y coincidir con músicos es un gran regalo”. —miguel amorós

iguen siendo los mismos chavales que se subieron al escenario por primera vez y que han puesto patas arriba salas y grandes festivales a base de energía y profesionalidad. Lo han conseguido con un directo espectacular, festivo y que se ha convertido en su mejor carta de presentación. Los años de carretera les han permitido evolucionar y conseguir ese importante equilibrio entre mantener el respeto por las raíces y sumergirse en el futuro a base de electrónica cien por cien actual. Ahora, Nuestra clave es, justamente, la perfecta muestra de lo que la banda es a día de hoy, pero según nos cuentan no fue fácil llegar hasta él. “El proceso creativo nos pilló con la resaca de dos años de experiencias increíbles viajando y tocando, lo que hizo que nos costara encerrarnos a grabar. Hubo un trabajo previo que esbozaba más o menos la idea de lo que queríamos y a principios de 2016 teníamos el disco terminado. Pero decidimos darle una vuelta más, ya que no nos convencía. Descartamos temas, otros los empezamos de cero y aprovechamos el esqueleto l Barbate de muchos otros para vestirlos o 8 de julio 2017. Cabo de Plata redefinirlos. El resultado reprel Madrid senta una evolución y ha sido un 13 de julio 2017. Río Babel aprendizaje a todos los niveles, l Vilanova de Sau organización, definición como 24 de agosto 2017. Bioritme banda, convivencia, procesos, coo-

LA GIRA

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20/6/17 12:57

FOTO: PABLO ALMANSA

MONDO FREAKO

Nada Surf Gente de paz A Nada Surf se les quiere mucho en nuestro país. Nunca dejan de visitarnos y de compartir sus canciones con el público español. Esta vez vuelven para presentar You Know Who You Are (Ernie Records, 16), un disco que ya conocemos bien, en varios festivales de la península.

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ese a la energía electrizante que les caracteriza, las canciones de Nada Surf siempre han transmitido algo de paz, por lo menos interior. Sin embargo, después de grabar un álbum en directo con dos orquestas europeas, rular una versión de Pixies para una campaña publicitaria y, entre tanto, darle bola a su séptimo álbum

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or qué el cambio de nombre (de Boxinbox & Lionsize a Boxinlion) ahora que ya habéis firmado trabajos impor-

Boxinlion

Los barceloneses Boxinlion son, probablemente, el mayor valor en alza de la escena electrónica nacional. Han remezclado oficialmente a Major Lazer y The Chainsmokers y su último lanzamiento original, Black And White, acumula seis millones de visitas en Youtube en menos de un mes. #18 julio-agosto 2017

tantes?

Los trabajos que vamos a sacar en esta nueva etapa van a superar de largo los que hemos firmado hasta ahora.

Nosotros lo vemos más como una simplificación del nombre que un cambio, haciendo mas fácil que nuestra marca se pueda extender. ¿Estáis en Los Angeles para quedaros o tenéis pensado volver a Barcelona?

Ahora es momento de estar en Los Angeles, quizás en el futuro cambie. Nosotros estaremos donde nos ayude más a crecer y a trabajar en lo que nos apasione.

Tras haber actuado en Estados Unidos y México, ¿Qué diferencias notáis entre el público de América y el barcelonés?

El público en América es mucho mas fanático que en Barcelona, están más habituados a la bass music, se conocen los temas, la movida, etcétera. En México es ya otro nivel de entrega de los fans hacia los artistas. Les tenemos mucho cariño.

Como remezcladores, por vuestras manos han pasado Major Lazer, Sak Noel o The Chainsmokers. ¿Cuáles son vuestros próximos retos?

Seguir remixando a artistas aún mayores. Lo único que podemos decir es que no serán tan electrónicos ni actuales.

apetece “La verdad es que nos encima para estas fechas, que molan, son festivales que nos algo de rock&roll” de estudio You Know Who You Are, no parece que la paz reine en la vida de Matthew Caws, Ira Elliott y Daniel Lorca, pese a que este último contesta nuestras preguntas desde Ibiza. “Llevo mucho tiempo queriendo poner paz en mi vida, un poco de tranquilidad, y creo que ahora que esta gente empieza a tener hijos e hijas a izquierda y derecha puede que

Con la ayuda de Trap Nation estamos preparando proyectos que nos ilusionan mucho. ¡¡¡Y además este año toca sacar muchos originales!!!

Como artistas en plena expansión, ¿qué otros retos tenéis?

Llegar al mismo nivel de credibilidad con nuestros originales del que tenemos con los remixes. Acabamos de sacar un original, Black & White, para Lowly Palace, el sello de Trap Nation, y en unas semanas ya tenemos seis millones de reproducciones en Youtube, doscientas cincuenta mil en Soundcloud y cuatrocientas cincuenta mil en Spotify.

El canal Trap Nation le da difusión en Youtube a la gran mayoría de vuestros trabajos. ¿Cuán importante es el apoyo que se recibe de este tipo de plataformas online independientes?

Es importante, pero estas plataformas apoyan la buena música igual que ha hecho siempre el canal de distribución del momento. Si haces buena música, que se alinee con la audiencia del momento, encontrarás el canal. ¿Qué se puede esperar de vuestra reciente colaboración con Sak Noel y con Redfoo de LMFAO? Es un proyecto que está en el horno desde hace tiempo. Hemos intentando vocales con otra gente grande antes de trabajar con Redfoo. No podemos decir mucho, pero tenemos ganas de que salga y que a la gente le guste tanto como a nosotros. MS

haya llegado el momento. Sin embargo para nosotros estar en casa componiendo o grabando es algo parecido a estar en paz”. Algo de paz sí se respira, más allá del título, en Peaceful Ghosts, el álbum en directo grabado con ORF Radio Symphony Orchestra (Viena) y la Babelsberg Film Orchestra (Berlín) con un resultado excepcional, toca preguntar sobre si existe la posibilidad de llevar ese repertorio al directo acompañado de una orquesta o de arreglos de cuerda o viento. “Recuerdo ver a Mercromina con cuerdas actuando en algún festival y era increíble. Los de hacer arreglos orquestales en directo ya lo hicimos con Benjamin Violay y fue algo extraordinario. Después vino esta aventura de Peaceful Ghosts que fue alucinante, aún así es algo que sólo nos planteamos de manera excepcional y no para una gira, entre otras cosas porque no nos lo podemos permitir”.

En cuanto a la versión de Pixies, Where Is My Mind se grabó a principios de los noventa, así que lo urgente ha sido convencer a Black Francis para que diera su consentimiento a la campaña. “Imagínate si hace tiempo que se grabó que la voz alta, la que hacía Kim, la hice yo (Daniel). Ahora, como puedes escuchar, es imposible para mí llegar a ese tono. Fue una versión que nos llevamos a nuestro terreno, no podíamos competir con ellos en el suyo, así que la hicimos más lenta y eso puede haberle dado un tono más publicitario”. Y así es, porque la compañía, por cierto de telefonía, prefería la versión de Nada Surf al original de Pixies.

Encima Black Francis dio su aprobación así que, como veníamos diciendo, aquí paz y en el cielo... “Yo soy casi accionista de cualquier empresa de dispositivos de

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Smile

Optimismo esencial

FOTO: PARCHIVO

Los getxotarras Smile editan su cuarto trabajo Happy Accidents (Warner, 17) en lo que supone un cambio de rumbo en su trayectoria por medio de sonidos más frescos y accesibles. Un giro tan pretendido como normal que surge del propósito de escuchar más y preocuparse menos. Hablamos con John Franks, vocalista de la banda y un entusiasta por naturaleza.

comunicación, así que no es lo mismo que si hubiera sido para McDonald’s o Monsanto”.

De todos modos, ahora lo que más les pide el cuerpo es recuperar su repertorio más rockero, y así parece que va a ser en sus inminentes conciertos en nuestro país, tanto en el Weekend Beach de Torre del Mar (Málaga) como en el Low Festival de Benidorm, a los que seguirán otros dos en septiembre. “El otro día alguien me mandó un email con una lista de canciones que ya no tocamos nunca y me agarré un cabreo que flipas.

Llamé a estos y les dije que teníamos que recuperar muchas de ellas que son bastante cañeras. La verdad es que nos apetece para estas dos fechas, que encima son festivales que nos molan, algo de rock&roll”. Además, a falta de que se les una en directo algún músico más, como es el caso de Martin Wenk (Calexico), el habitual cuarto Nada Surf, no descartan volver al power trio de los inicios, porque si algo ha mantenido a esta banda veinte años en la cresta de la ola es precisamente eso, ser fieles a ellos mismos.

—arturo garcía

LA GIRA l Torre del Mar 7 de julio 2017. Weekend Beach l Benidorm 29 de julio 2017. Low Festival l Miranda de Ebro 1 de septiembre 2017. Ebrovisión l Guadalajara 2 de septiembre 2017. Gigante

C

ity Girl, de su tercer largo Out of Season (2013), es uno de los temas más exitosos de Smile hasta la fecha. Y es precisamente el que marca el punto de partida de este nuevo álbum gracias a un sonido que acabó calando entre sus fans.

Esa perfecta conexión entre banda y público en temas como este acabó provocando que, entre otras cosas, John Franks se plantease un álbum menos complicado de lo habitual, pero no por ello más banal. “Que nos tachen de grupo de buen rollo me flipa. Muchas veces la gente piensa que eso significa que hacemos música superficial o fiestera, pero no, es sencillamente hacer algo que nos define”, apunta. “A nivel de letras y demás sí que nos planteamos cosas que nos afectan de verdad, pero intentamos afrontar todo desde el optimismo”. Esa visión positiva se refleja, por tanto, en el renacer de la banda tras una etapa difícil con bajas de por medio y que les llevó a una crisis de sonido. “Con cada disco vuelves a nacer, haces las cosas bastante diferentes. Al final ocurrieron circunstancias diversas entre los miembros de la banda, como la marcha de Josu, y nos quedamos cojos. Pasamos por un período de incertidumbre total en el que trabajábamos, pero no sabíamos realmente cómo hacerlo”. Fueron momentos de estancamiento que se han resuelto en el momento en el que han apostado por temas luminosos como Light You Up o el single When The Lights Change. “Las canciones son un especial reflejo del momento que vivimos como grupo, porque cuando llegas a una edad no todo es emocionante y hay cosas que empiezan a ser monótonas. En nuestro primer sencillo, por ejemplo, hablamos de la necesidad de seguir alimentando las cosas que nos inspiran”. Ese movimiento también se reflejará sobre los escenarios. Smile ofrecen ahora un sonido mucho más colorido y suman más energía a lo que es Happy Accidents. “Estoy seguro de que, sin querer, uno piensa ‘esto puede funcionar en directo’, así que a la hora de hacer la selección de canciones no hemos buscado una idea conceptual. Estas son las diez canciones que más nos gustaban y ya está. Por supuesto que nos las imaginamos sobre el escenario y nos parece que suenan con mucha fuerza. Tenemos muchas ganas de defender este trabajo en los conciertos”. —alberto bonilla

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julio-agosto 2017 #19

MONDO FREAKO

Bonnie ‘Prince’ Billy El vampiro de Merle Haggard El hombre de la barba ancestral sigue embarcado en su particular huelga a la japonesa. Vamos a ver: su participación en el filme A Ghost History, su nuevo disco de versiones de Merle Haggard, Best Troubadour (Drag City, 17), y una gira junto a Bitchin Bajas, que le traerá por terreno español en el mes de julio. Sobre todo esto y el arte de la vampirización del pasado charlamos con él.

TAN. CERCA. The Gift Jóvenes veteranos The Gift llevan más de veinte años de carrera y acaban de publicar Altar (Distribuidos, 17), sexto trabajo que ha contado con un productor que realmente ha sido un quinto miembro: Brian Eno. Una pieza clave para expandir su creatividad y su sonoridad. #20 julio-agosto 2017

RR Los grandes de la electrónica comercial se vuelven a dar cita en Barcelona, dentro de la programación del Barcelona Beach Festival, que esta vez se celebra el 15 de julio en la playa del Fòrum y el parque de la Pau (Sant Adrià de Besòs). A lo largo de catorce horas ininterrumpidas de música pasarán por el único escenario del evento nombres del calibre de Armin Van Buuren, Axwell Λ Ingrosso, Martin Garrix, Dimitri Vegas & Like Mike o Kygo. Toda la información en: www.bcnbeachfestival.com.

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ecir que Bonnie ‘Prince’ Billy está de vuelta suena casi a chiste. En serio, ¿alguna vez se ha ido? Entre colaboraciones, discos en directo y en estudio, su catálogo supera ya el medio centenar de referencias. La última, Best Troubador, un álbum de versiones del que sabemos que las canciones son de Merle Haggard por los títulos de los cortes. “Cuando hago una versión, intento hacer una canción diferente. Tiene que ser así porque la persona que hizo la original está muerta o ya ha pasado mucho tiempo. Tampoco quiero hacer canciones que nieguen el pasado. Eso sí, cuando rehago algo tomado del pasado, mi idea es la de respetar mi presente. No quiero hacer discos homenaje a Merle Haggard. Cuando hice este disco, traté de apartar lo máximo a Haggard de mi mente... Me gusta pensar que hago discos que no podrán ser repetidos de nuevo, porque han surgido de una forma única”. Por este mismo motivo, se quedaron fuera cortes como A Friend In California y Bad Actor. “En casos como éstos, no funcionó la noción

RR El que empezó como un modesto festival dedicado al hardcore, al punk y al metal, llega este año a su edición número doce, convertido en uno de los grandes festivales de nuestro país. Durante los días 5 a 8 de julio, los escenarios del Resurrection contarán con las actuaciones de Rammstein, Anthrax, Dropkick Murphys, Rancid, Mastodon, Sabaton, Napalm Death, Airbourne, Enter Shikari o Agnostic Front. Entre los nombres nacionales encontrarás a The Wax, The Blackjaw, We Ride, Vita Imana o Kitai. www.resurrectionfest.es.

RR Si lo tuyo es el sonido americana, entonces no deberías perderte la nueva edición del Huercasa Country Festival, que se celebra en Riaza (Segovia) durante los días

7 y 8 de julio. Participarán artistas como Dale Watson & Ray Benson, Aaron Watson, Shooter Jennings y otros. Más en www.huercasacountryfestival.es

O

s imaginasteis alguna vez trabajar con alguien como Brian Eno? (Miguel) Soñar más que imaginar. Es una persona que siempre estuvo en nuestra cabeza como un ídolo, no como un compañero de trabajo, y se ha realizado. Es una persona que está muy arriba como para pensar alguna vez que podríamos tenerlo. Pero surgió la oportunidad, le encantó The Gift, la voz de Sónia y la música. Es un sueño que se ha cumplido para todos nosotros.

(Sónia) Produjo, cantó, hizo las letras conmigo, las canciones con Nuno… Es como si fuera un quinto elemento de The Gift más que un productor. ¿Tenéis en mente volver a trabajar con él?

(Sónia) ¡Claro! Al final, nos hemos hecho amigos. Estuvimos trabajando el tiempo que fue necesario para sacar el disco, sin presión, nos reuníamos cuando podíamos y disfrutábamos. Incluso nos ha dicho que irá a Londres a nuestro concierto. Más que un productor y un mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

de hacer una canción nueva a partir de una antigua. Era imposible. Cuando estoy componiendo un tema, se trata de algo que aún desconozco. Se trata de preguntarse a uno mismo: ‘¿Qué es esta canción?’. Pero si estoy versionando, se trata de abrir en canal un tema que ya existe. Son dos formas totalmente diferentes de trabajo”.

FOTO: ARCHIVO

rsión, “Cuando hago una ve ión intento hacer una canc r así diferente. Tiene que se hizo porque la persona quea” la original está muert

RR Hace unos meses, la banda mallorquina Maicø publicaba su primer disco, Emotional Tourist. Con ese disco mostraban ya un sonido muy pulido y un abanico de influencias amplio, que va del soul a la electrónica, y que se encuentra en un pop con potencial suficiente para entrar en cualquier radio. Pero ahora viene la sorpresa con su nuevo tema, How We Dream, que te regalamos este

profesional, es un amigo, es una gran persona.

Es un disco muy heterogéneo. Pasáis de la fiesta disco de Big Fish a la solemnidad de Hymn To Her, pasando por la electrónica de Love Without Violins, por ejemplo. ¿Hay algún estilo que hayáis disfrutado especialmente?

(Sónia) Antes te hablaba de Mali. Brian Eno estuvo allí con Damon Albarn para un proyecto, y cuando volvió a España para estar con nosotros, venía entusiasmado, y nosotros nos entusiasmamos también. Empezamos a ver, a escuchar, y, de repente, teníamos guitarras que sonaban a Mali en una canción. También nos encanta, después de tantos años, descubrir que los caminos no están cerrados; hay muchos más, sólo hay que investigar un poco y prestar más atención, porque la creatividad tiene que continuar. Eso nos abrió los ojos. Y más cosas… Nosotros estábamos habituados a hacer todo solos, entonces, tener un par de oídos extra que nos dijera lo que estaba bien o mal fue muy bueno.

Sólo tres meses después de la publicación de Best Troubadour, la película A Ghost Story llega a las carteleras norteamericanas. En ella, Will Oldham reanuda su carrera como actor. “Cuando actúo con un director es como cuando lo hago delante de un ingeniero de sonido, fijándome en lo que él está absorbiendo de la grabación. En cualquiera de los dos casos, estás grabando algo que será para que la gente lo vea o lo escuche. Se trata de dos procesos muy similares”.

Será también en julio cuando se pase por nuestro país. La excusa, Epic Jammers And Fortunate Little Ditties (16), su álbum a medias junto a Bitchin Bajas, una banda ambient-kraut de Chicago,

mes encartado con la revista. Se trata de un single que la banda acaba de lanzar y al que no le falta potencial para convertirse en una de las canciones del verano. How We Dream cuenta además con la colaboración de Ed Is Dead y la producción de Manuel Colmenero, quien ha trabajado anteriormente para bandas como Vetusta Morla o Eladio y los Seres Queridos.

Esto comentaba al respecto: “Maico ya habían captado mi atención como banda musicalmente solvente y con un carácter muy internacional antes de conocerlos”. How We Dream formará parte de la reedición del largo de debut de Maico, Emotional Tourist, prevista para el 17 de julio. MS

Aunque cantáis en inglés, ¿cómo ha sido para vosotros lanzaros al continente? ¿Os ha costado?

(John) No nos ha costado como algo que ya hemos conseguido, nos cuesta cada día. Ahora vamos a The Great Escape en Brighton, Londres, Berlín y luego a Nueva York, a Central Park con miles de personas delante de nosotros, ahí va a ser grande. Pero en octubre volvemos y hay más ciudades que “conquistar”: Hamburgo, Frankfurt, Munich, etcétera. Y, como contábamos hace poco en una entrevista en Portugal, mientras no tengas mil personas cada noche… es muy difícil conseguir eso en el mercado alternativo. Estamos contentos con lo que conseguimos, pero siempre estamos intentando ir a más.

—beatriz h. viloria

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cuyo líder, Cooper Crain, explica lo que nos encontraremos: “Nuestra intención será mantener la improvisación del disco sobre las tablas, aunque no queremos repetir las mismas notas del álbum.

Queremos hacer algo muy abierto. En la grabación fue todo muy improvisado, muy suelto. Antes de grabar, ya habíamos hablado con Will sobre el tema y decidimos que podía funcionar”.

“Hacer este disco fue como una jam”, prosigue Oldham. “Y cuando una idea

LA GIRA l Barcelona 17 de julio 2017. Razzmatazz l Madrid 18 de julio 2017. Veranos de la Villa l Bilbao 19 de julio 2017. Kafe Antzokia l Oviedo 20 de julio 2017. Lata de Zinc

musical está floreciendo, tienes que estar preparado, escarbar y aproximarte al elemento que está funcionando. Una de las cosas más geniales de mi profesión es la dedicada al tiempo artístico, y cómo desarrollarlo entre varias personas. Es lo que provoca la sensación de que el tiempo se va desacelerando, eternamente. Tienes que moverte rápido o hacerlo más lento, dependiendo de la complejidad de lo que tengas entre manos. Así como vas de nota en nota, de palabra en palabra, un segundo puede convertirse en un minuto, en algo hermoso. Creo que grabamos un gran disco juntos. Se percibe como una pieza de música total, con vida propia, algo sobre lo que significa esta relación musical y cómo pasa el tiempo”. —marcos gendre

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El fresco del barrio Coincidiendo con el veinte aniversario de su edición, acaba de salir una versión de lujo del clásico Hecho, es simple de 7 Notas 7 Colores, sin duda uno de los trabajos más influyentes del rap en español. Pero para esta sección, hemos preferido centrarnos en la restauración de Buah!, único clip de aquel disco.

S

olamente tienes que hacer una búsqueda del Buah! original de 7 Notas 7 Colores en tu gestor de vídeos preferido para darte cuenta de la mala calidad de la imagen con la que se había conservado el único clip extraído del mítico Hecho, es simple del combo más vacilón del estado.

Por eso era de recibo que la celebración del veinte aniversario del disco también afectara al único testimonio visual de la época. Cabía por tanto encargar la restauración a un empresa que lograra devolver cierto esplendor a las imágenes. Y los encargados de hacerlo han sido Passion Digital y más en concreto su editor Miguel Lázaro quién muy amablemente nos explica en qué ha consistido este trabajo de reconstrucción visual. “El proceso es sencillo pero muy elaborado. Se da la circunstancia de que el vídeo original está rodado en Super 16 mm y por eso tiene esa textura de grano en la imagen. Antiguamente se rodaban algunos clips con esa calidad por un menor coste y unos resultados muy cinematográficos en texturas, profundidad de campo y colometría.

El procedimiento de ampliación de la imagen para pasar de 4:3 a 16:9 conlleva partir de la calidad máxima del master original para tener las menores pérdidas de calidad. En este caso disponíamos del master original tanto en vídeo como audio. Después hemos tenido que reencuadrar cada una de las secuencias de la

YOUTUBEANDO

Q 7 Notas 7 colores Buah!

Mucho Mu entre aeroplanos demostrando por qué cualquier intento de parar su pepino va a ser en vano, cabrones.

imagen y proceder a la ampliación de la misma trabajando secuencia a secuencia poco a poco. Lo cierto es que estamos muy contentos con el resultado del trabajo y deseamos que el público disfrute de nuevo como merece este vídeo”. Un clip cuyo máximo valor reside en atestiguar una época capital a la hora de establecer los cimientos del rap español, al ser uno de los primeros vídeos que se rodaron dentro de esa misma escena. —don disturbios julio-agosto 2017 #21

#22 julio-agosto 2017

nosotros dos durante estos últimos años mientras componíamos el disco. Vivimos un montón de cambios, decidimos publicar el álbum nosotros mismos y luchamos mucho para conseguirlo. Estábamos caminando a través del fuego. Fue una época que nos abrió los ojos realmente, y aunque ahora las cosas están mucho mejor vivimos momentos en los que llegamos a desear que todo fuera simplemente un mal sueño, y cuando soñábamos de verdad lo hacíamos deseando que todo mejorara.

Si buceamos en vuestra discografía encontramos un trabajo constante de investigación en sonoridades que se alejan de los parámetros más o menos convencionales del rock o del pop de tradición anglosajona y por momentos os acercáis mucho más a cosas pertenecientes al terreno de la world music. En The Fifth State Of Consciousness seguís jugando con los aires tropicales en algunos temas.

Esta es complicada... La música es algo tan etéreo cuando la analizas en profundidad... Una persona puede sentirse atraída por una serie de elementos que a lo mejor están representados de una manera amplia en su cultura y eso provoca que esa persona se sienta conectada con su propia cultura a través de la música, y luego tienes todo ese otro aspecto en el que simplemente hay algo que te emociona por una razón desconocida.

No puedo explicar por qué me interesan tanto todas estas influencias “no anglosajonas”, es algo que está más allá de las palabras, como la música misma está más allá de las palabras. —ricky lavado

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Ebrovisión, el festival de Miranda de Ebro La decimoséptima edición del Ebrovisión, el festival que tiene lugar en Miranda de Ebro (Burgos), se celebrará este año del jueves 31 de agosto al sábado 2 de septiembre. En el momento de escribir estas líneas la organización todavía no había cerrado el cartel al completo, aunque el grueso de la programación ya se ha hecho pública. Este año llama la atención por encima de todo una primera jornada, el jueves 31, que aun sin contar con el fondo de cartel de los otros dos días se convertirá en una celebración del rock con Ty Segall, Rufus T. Firefly, Biznaga y Wolf Parade.

Para los otros dos días, una sucesión de nombres sobradamente conocidos: Nada Surf, Love Of Lesbian, Sidonie, León Benavente, Corizonas, Joe crepúsculo, Cala Vento, etcétera. www.ebrovision.com

modestep FOTO: ARCHIVO

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an pasado tres años desde Cosmic Logic, y durante este tiempo en vuestro país se han vivido tiempos políticamente revueltos, por decirlo de forma suave. ¿De qué manera ha influido todo este ambiente en The Fifth State Of Consciousness?

El ambiente está muy loco ahora mismo en Estados Unidos. Realmente California es bastante diferente de la mayoría del país, es mucho más progresista (y podría serlo aún mucho más...), pero cuando todas estas injusticias han salido a la luz, se ha producido una llamada de atención masiva. Yo crecí bajo una gran influencia del pensamiento anarquista, durante un tiempo viví en un almacén en Oakland llamado Punks With Presses, y ahí era donde estaba la editorial AK Press. Leer todo aquel material encendió una chispa en mí desde muy joven. Indra por su parte estuvo muy involucrada en el movimiento riot grrrl durante la década de los noventa, así que supongo que ambos vemos todo lo que está pasando en nuestro país como una oportunidad de cambio que arroja luz sobre un montón de injusticias y que está provocando que muchísima gente se una para defenderse unos a otros.

Siento curiosidad por las ideas recurrentes sobre la pérdida de la inocencia, la búsqueda de fuerza y el mundo de los sueños que planean sobre vuestro nuevo trabajo y que parecen ejercer de hilo conceptual del disco...

La principal inspiración ha venido de nuestros hijos. A medida que van creciendo vemos como la cultura y la sociedad les va moldeando y se produce esa pérdida de inocencia que va unida a la edad. La ingenuidad se va perdiendo y entran en juego una serie de normas culturales, y lo mismo nos ocurrió a

RRA mediados de julio, concretamente los días 13 a 15 de agosto, se celebra en el parque de Naçoes (Lisboa), uno de los festivales más importantes de Portugal, el Super Bock Super Rock. Este año uno de sus atractivos principales es la actuación exclusiva de Future, uno de los grandes del trap internacional. A su nivel están Red Hot Chili Peppers, reclamo para buena parte de la audiencia. En cuanto al resto del cartel, podrás ver a gente como Deftones, The New Power Generation, Pusha T, London Grammar, The Gift, Kevin Morby, Foster The People, etcétera. www.superbocksuperrock.pt. dua lipa FOTO: ARCHIVO

FOTO: ARCHIVO

Han pasado tres años desde su anterior disco Cosmic Logic, tiempo durante el que el mundo ha cambiado mucho. The Fifth State Of Consciousness (Two Flowers Records, 17) es el reflejo de lo que pasa ahora mismo por las cabezas de Indra Dunis y de Aaron Coyes, quien contesta a nuestras preguntas unas semanas antes de actuar en el FIB (16 julio, Benicàssim).

ty segall FOTO: ARCHIVO

TAN. LEJOS.

Peaking Lights De California a Jamaica

RROtro festival portugués que se celebra este verano es el Meo Sudoeste, que ocupa del 1 al 5 de agosto. Puedes encontrar toda la información en su web (www. sudoeste.meo.pt), pero podemos anunciarte que actúa gente como Afrojack, Dua Lipa, Dj Snake, The Chainsmokers, Jamiroquai, Crystal Fighters, Two Door Cinema Club o Mac Miller, entre otros.

RRLa población francesa de

Clermont-Ferrand acoge una nueva edición del Europavox, que se extenderá hasta el 2 de julio.

Este año los participantes son Manu Chao, Agnes Obel, Jacques, Chinese Man, Boys Noize, Archive, Puppetmastaz, Zeal & Ardor, Little Cub, etcétera. Participan nombres españoles como Bearoid, The Excitements, The Parrots o Belako. Más en www.europavoxfestivals.com.

RRTambién en Francia se desarrolla el Garo Rock, un evento en el que se combinan diversos géneros, desde el pop a la electrónica. Por la edición de este año pasarán desde Phoenix a Foals, pasando por Justice, Beth Ditto, Little Big, Diplo, Kungs, London Grammar, M.I.A., Ho99o9, Royal Blood y muchos otros. Más información en www.garorock.com. MS

Dreambeach Villaricos, novedades suculentas Os hemos hablado ya de la edición de este año del Dreambeach Villaricos, que se celebrará desde el 10 hasta el 15 de agosto y que se llevó el premio a Mejor Festival en la pasada edición de los Vicious Music Awards, pero todavía hay novedades que se van añadiendo constantemente a su cartel. Los últimos que llegan para sumarse a la celebración del quinto aniversario del Dreambeach son los holandeses Atmozfears, el italiano Marco Faraone, los británicos Modestep –que ofrecerán un live- y los españoles Coyu, Ramiro López, Raúl Pacheco y Villain. Entre los nombres confirmados previamente están Pendulum, Don Diablo, Marshmello, Joris Voorn, David Guetta, Carl Cox, Nicky Romero, Nervo, Borgore, Luciano, Oliver Heldens, Tchami o Dillon Francis, entre otros. www.dreambeach.es

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julio-agosto 2017 #23

Haim El largo y cálido verano mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Que los árboles -la producción de Ariel Retchshaid y el Vampire Weekend Rostam Batmangli, o las colaboraciones de Blood Orange, Twin Shadow o Nico Muhly- no nos impidan ver el bosque: Alana, Danielle y Este son las únicas dueñas de su destino.

Lo demuestran con un segundo álbum Something To Tell You (Universal, 17) con el que van a seguir haciendo amigos a lo largo y ancho del planeta.

—texto Luis J. Menéndez

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omos una banda de rock”. El mantra se repite varias veces durante la conversación telefónica. Alana, Danielle, Este y la manager de Haim atraviesan Nueva York dentro de un coche con el manos libres activado mientras responden aleatoriamente a mis preguntas. Este es el único hueco, en el tránsito desde un plató de TV hasta la siguiente cita promocional, de una agenda imposible que da la medida del estatus actual de las tres hermanas a un par de semanas de la publicación de su segundo disco, Something To Tell You. Cuatro años después de un debut, Days Are Gone, que les llevó a girar con Lorde y Taylor Swift, colaborar con Calvin Harris o A$AP Rocky y recibir la invitación de Bono (aceptada, por supuesto) para pasarse por su estudio personal en Malibú. Con todo y con ello, Alana considera que “el grupo ha crecido de forma natural. Y tras tres años de gira dando miles de conciertos increíbles estamos muy excitadas ante la idea de volver a la carretera”. Hay novedades. La más palpable durante nuestra conversación, el rol que desempeña Danielle, cantante principal y guitarra. Cualquiera que haya visto a Haim en el contexto de una entrevista sabrá que Este (la mayor: treinta y un años) y Alana (la pequeña: veinticinco años) siempre han acaparado la atención frente a la patológica timidez de su

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julio-agosto 2017 #25

EN PORTADA hermana. Pero durante nuestra conversación es Danielle quien responde a la mayor parte de las preguntas, encantada de explayarse hablando sobre un disco con el que tuvieron que superar un bloqueo creativo. Tras ver como les rechazaban un tema escrito para la banda sonora de Jurassic Park (15) las canciones empezaron a surgir “como un vómito”. Por eso no es de extrañar que la propia Danielle afirme que, más allá de la aparente temática amorosa que domina el disco, “y de esa sensación de intentar comprender y encajar en qué consiste realmente el amor para una veinteañera, las canciones tratan del hecho de ser mujer, sentir confianza y ser fuerte. De ir a por eso que quieres. De hecho en eso consiste ahora mismo para nosotras Haim: girar por el mundo y… rock’n’roll”.

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aim se esfuerzan en recalcar su autosuficiencia en un mundo de hombres. “Tomamos todas las decisiones: Haim somos al cien por cien nosotras tres”. Y lo más parecido a un momento de tensión en la entrevista surge por mi insistencia a hora de preguntarles por la inclusión en los créditos como co-autor de las canciones de Ariel Retchshaid, además de pareja sentimental de Danielle, productor principal del disco junto al Vampire Weekend Rostam Batmanglij. (Danielle) “El disco ha sido grabado por nosotras con la ayuda de Ariel y Rostam. En realidad tenemos diez millones de ideas y viene bien contar con un punto de vista externo que ponga un poco de orden. Tanto Ariel como Rostam tienen experiencia trabajando en estilos muy diferentes y son buenos con el sampler, las cajas de ritmos o los sintetizadores, pero también grabando instrumentos orgánicos. Por eso nos encanta trabajar con ellos.

Ariel ha producido Climax de Usher, una de nuestras canciones favoritas, pero también a Cass McCombs, que es un artista increíble. Con Rostam pasa lo mismo, y de hecho Vampire Weekend son una combinación de sonidos muy diferentes. Así que, aunque puede ser una elección obvia, nos sentimos muy afortunadas de haber trabajado con dos productores tan talentosos”. Y tanto. En el curriculo de Ariel Retchshaid figuran Adele, Blood Orange, Charli XCX, Major Lazer, Carly Rae Jepsen, Kylie, Brandon Flowers, Madonna… aunque con ninguno de ellos el joven productor de Los Angeles mantiene una relación tan intensa como con Haim. Las excursiones de Something To Tell You por géneros como el r’n’b, el soul o el pop expansivo animan a analizar con detalle el trabajo de producción y las pistas sobre la posible evolución del grupo. Y hacen bien en marcar el territorio si ese crédito les pertenece. (Danielle) “Cuando escribimos una canción tenemos clarísimo desde el primer momento cómo queremos que suene. En realidad somos una banda de rock, tocamos dos guitarras y un bajo, yo toco la batería en todo el disco, pero nos gusta probar sabores diferentes. Hay quienes pensarían que por el hecho de ser una banda de rock no deberíamos utilizar una caja de ritmos o modificar la voz, pero a nosotras no nos parece un problema”. Tal vez por eso, a la hora de avanzar en público el nuevo disco, Haim optaron por una opción cuanto menos arriesgada: una toma en directo registrada en el estudio de Right Now, precioso tema-crescendo que no sigue los patrones convencionales del pop de radiofórmula. (Alana) “Queríamos mostrarle al mundo cómo habíamos trabajado en el estudio, una manera muy natural de construir las canciones”. Justo en ese momento uno de los cineastas más importantes de la actualidad, Paul Thomas Anderson (There Will Be Blood –Pozos de ambición-, Magnolia, The Master), acababa de interesarse en colaborar con el grupo. “Fue en noviembre del año pasado.

Paul nos propuso grabar un vídeo y estábamos encerradas en el estudio trabajando en Right Now, así que fue una elección natural. Lo cierto es que ese plano-secuencia era la forma en que queríamos presentar el disco: en el estudio, en directo, en una toma, sin cortes ni overdubs, que es como grabamos allí. Ahora entendemos de verdad la manera de trabajar de Tom Petty o Fleetwood Mac”.

“

“Nos gustaría que las chicas que nos vieran adquirieran confianza para salir ahí afuera y tocar música”

Haim durante el concierto sorpresa que dieron en el reciente Primavera Sound 2017.

Fotos: Kevin Zammit

#26 julio-agosto 2017

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unque hay dos temas que su discográfica recomienda no tratar con la banda durante la entrevista (política y relaciones personales), en cierto modo ellas convierten en alegato su reivindicación del papel de la mujer en la música: (Alana) “Nos gustaría ayudar a que las chicas que vienen a vernos se quiten de encima prejuicios y se animen a hacer cosas que pueden parecer vetadas para ellas, como tener un grupo de rock. No sé, entras a una tiendas de guitarras y el dependiente te ignora, parece como si penetraras en un ambiente que no te corresponde por el hecho de ser mujer”. (Este) “Nos gustaría que las chicas que nos vieran adquirieran confianza para salir ahí afuera y tocar música. Y no sólo tocar un instrumento: que ellas sean las productoras, las ingenieras de sonido y las tour managers del futuro. Aquello que deseen ser. Eso es lo que nos gustaría compartir con ellas”. Es su posición ante un mundo en el que, al igual que su amiga Taylor Swift, prefieren no tomar partido ideológico. En una entrevista reciente Alana decía que: “En ese sentido no somos diferentes al resto de la gente. Despertamos por la mañana, leemos el periódico e intentamos mantenernos informadas”. Su lucha es musical porque “para nosotras la música es mucho más que entretenimiento. La música, de hecho, lo es todo”. —l.j.m.

Días de cine RR A pesar de definirse como “rockeras” lo cierto es que las hermanas Haim llevan una vida más bien relajada que habitualmente les preserva de sustos como el que Este dio en Glastonbury, cuando se desmayó por falta de azúcar (es diabética) justo al terminar la actuación. Así las cosas, una de sus mayores aficiones es disfrutar de una película juntas al acabar su actuación. La película favorita de Alana es Ellas dan el golpe, la de Danielle Very Important Perros y la de Este Cinema Paradiso. Aunque, puestas a elegir, la cinta que mejor representa el espíritu Haim sería Los Goonies “porque nos encanta meternos de cabeza en aventuras épicas”. —l.j.m.

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Algo que contarte Haim

Something To Tell You Universal

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POP / Más allá del hecho incontestable de que han pasado cuatro años desde entonces, la foto de portada de Something To Tell You perfectamente podría ser una toma cercana de la sesión que ilustró Days Are Gone. Ahí siguen las hermanas Haim, con gesto entre desafiante y burlón, calzando gafas de sol como cualquier joven californiana que se precie, pero sin la distancia de seguridad que mantenían en su debut. Tienen algo que decirnos… Danielle comentaba en una entrevista reciente que, como toda buena historia que se precie, Something To Tell You comienza por el final. Night So Long es la última canción del álbum. La escribió durante la interminable gira mundial con la que cimentaron su amistad con Taylor Swift, pero la grabación tuvo lugar en la intimidad del chalet que Danielle comparte en Los Angeles con su novio Ariel Rechtshaid, también productor de la banda y co-firmante junto a las tres hermanas de la mayoría de los temas.

Night So Long habla de soledad, una sensación que en el contexto del disco se interpreta en clave amorosa, pero que Danielle reconoce haber sentido en lo alto del escenario, cuando

la rodean miles de personas. Ese desamparo del que llega a lo alto y al mirar a su alrededor descubre de que allí arriba no hay nadie de alguna forma recorre un álbum de regusto amargo, que casi siempre se sitúa en el momento exacto en que una relación amenaza con irse a la mierda.

Aunque es probable que Something To Tell You definitivamente confirme a Haim como estrellas globales, también supone un campo de pruebas y, en consecuencia, un paso adelante en su intento por quitarnos de la boca esa coletilla que las señala como las Fleetwood Mac de la generación millennial. Con el apoyo del ex Vampire Weekend Rostam Batmanglij a la producción, el grupo ha aportado capas y matices a su sonido. Pierde parte del encanto de lo inmediato que desprendía su debut y ofrece en compensación una visión más completa de la enorme paleta musical que manejan Alana, Danielle y Este, verdaderas máquinas a la hora de regurgitar la historia del pop norteamericano. En Little Of Your Love, Rechtshaid (también productor de Adele) enfrenta el sonido Haim al soul contemporáneo; las cuerdas de Nico Muhly en Found It In Silence sitúan el sonido del grupo a caballo de Coldplay y Arcade Fire; y a lo largo del disco se aprecia el declarado gusto de las hermanas por el r’n’b, Beyoncé y Rihanna, explícito en Walking Away.

Aunque probablemente el detalle definitivo que nos ayude a situar a Haim en 2017 y también su mayor muestra de libertad sea la elección de la maravillosa Right Now como primer avance del álbum. —luis j. menéndez julio-agosto 2017 #27

THE WEEKND STORMZY

BONOBO (LIVE) | RIDE | THE JESUS AND MARY CHAIN COURTEENERS | KALEO

HONNE | MICK JENKINS | KÖLSCH | SYLVAN ESSO | BELAKO | IBIBIO SOUND MACHINE TROYBOI | BEJO � DJ PIMP | TWIN PEAKS | SUNFLOWER BEAN | GENER | EME DJ OCHOYMEDIO PRESENTA: VIVA SUECIA | TÓRTEL | DREAM WIFE | GATOMIDI | TEN BEARS | OCHOYMEDIO DJS

FOALS · DEADMAU5 · LOS PLANETAS 2MANYDJS (DJ SET) | BLOSSOMS | TEMPLES | LA CASA AZUL

JOE CREPÚSCULO | JAMES VINCENT MCMORROW | AUSTRA | OLOF DREIJER (THE KNIFE) MYKKI BLANCO | MOURN | THE SHERLOCKS | THEME PARK | JAMESZOO | ELLA RAE | CHILDHOOD + CHARLOTTE CHURCH’S LATE NIGHT POP DUNGEON OCHOYMEDIO PRESENTA: BIGOTT | CÁPSULA | BLAENAVON | FLOWERS | ALIEN TANGO THE WHEELS | VIRGINIA DÍAZ | OCHOYMEDIO DJS

RED HOT CHILI PEPPERS BIFFY CLYRO

LIAM GALLAGHER | DINOSAUR JR. | PETER DOHERTY MURA MASA | SURFIN’ BICHOS | MALA RODRÍGUEZ

RÜFÜS | THE STRYPES | LAS BISTECS | MARIKA HACKMAN B.TRAITS | TCTS | LAS KELLIES | LAO RA | ARTURO PANIAGUA RAZZMATAZZ PRESENTA: NUDOZURDO | BIZNAGA | DESPERATE JOURNALIST CÓMO VIVIR EN EL CAMPO | CONTTRA | NAVVIER | LEICOMERS | DJOHNSTON | BUENAVISTA | CASCALES

KASABIAN

CRYSTAL FIGHTERS YEARS � YEARS | LOVE OF LESBIAN KAYTRANADA | DUA LIPA | TIGA

SLAVES | THE VIEW | PIONAL | PEAKING LIGHTS | DECLAN MCKENNA | DJ TENNIS | RON GALLO BAD GYAL | THE BLAZE | EVRIPIDIS AND HIS TRAGEDIES | SIR WAS | THE MAGIC MOR RAZZMATAZZ PRESENTA: HAVALINA | LAS ODIO | LINDA GUILALA | CAPTAINS ONE PATH | EL TRINIDAD | AMABLE | GATO | ALDO LINARES

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OK Computer, profecías en replay F En breve se publicará una edición especial del que es uno de los grandes clásicos del pop rock internacional de los noventa. Ok Computer.

Oknotok 1997-2017 (XL/ Popstock!, 17) recupera el disco y le añade un montón de descartes que harán las delicias de los aficionados de todo el mundo. Ahora bien, creemos que vale la pena echar la vista atrás y ver qué partes del mensaje distópico del OK Computer original se han cumplido a estas alturas.

ue un 16 de junio de 1997 cuando los británicos Radiohead publicaron su tercer larga duración.

Desde el mismo título, OK Computer, se abría la cortinilla del misterio, acentuado por su portada, invernal y desangelada, además de repleta de símbolos. El álbum de Thom Yorke y compañía desprendía un aura de grandeza crepuscular, una especie de reconversión del agnst característico de la generación X por una desazón vital que se nutría de una retahíla de mensajes en clave, ensamblados bajo la influencia de la lectura de Noah Chomsky. Pero también como de un reflejo directo con los futuros distópicos de J.G. Ballard, resuelto dentro de un estado de control poblado de alienígenas, androides melancólicos y revueltas callejeras en los suburbios. Radiohead habían plasmado el reverso del falso optimismo del britpop. Su compañía discográfica estaba de uñas: presentían un descalabro comercial sin precedentes. Y más, cuando Paranoid Android fue escogida como primer single. Casi siete minutos de progresión fuera de las coordenadas

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de la metodología del hit para unos tiempos dominados por la explotación roma del legado de The Beatles y The Kinks.

Inglaterra vivía en un estado de ilusión constante: la prensa musical hacía de titiritero y las peleas Blur-Oasis retomaban la vieja confrontación entre The Beatles y The Rolling Stones, aunque de una manera más tosca y falta de imaginación. La gestación de un viaje en el tiempo hacia los años sesenta había funcionado como distracción ante la tensión premilenio que Tricky ya había anunciado en 1996.

La realidad de las políticas capitalistas se escondían bajo la falsa sonrisa del Primer Ministro rockero, Tony Blair.

La historia del pop se mueve en un bucle; siempre está condenada repetirse.

Y, así como en 1968 el White Album de The Beatles y el alunizaje del demonio invocado por The Rolling Stones en Sympathy For The Devil anticiparon la muerte del verano del amor a manos de Charles Manson, en pleno 1997 la nueva línea temporal se vería marcada por la intromisión de OK Computer, que se anticipó a la debacle de Oasis en Be Here Now y al accidente fatal de Lady Di, la princesa del pueblo. La mascarada del britpop quedó en cueros y la diversión dejó paso a un estado de paranoia anestesiada, perfectamente preconizada entre la docena de cortes que integran OK Computer, uno de los discos más influyentes en las generaciones posteriores. Entre las letras de Yorke, la X es despejada en una ecuación donde la psicosis por el inminente cambio de siglo toma forma desplegando vasos comunicantes con el Bitches Brew (Columbia, 1970) de Miles Davis y el Fun House (Elektra, 1970) de The Stooges: los dos discos que, tras la gran toga hippie, invocaron el caos como modus vivendi y, de paso, aniquilaron cualquier resquicio de alegría sesentera. Si en el caso de Fun House, su relación con Ok Computer es simplemente a nivel simbólico, en cuanto a Bitches Brew, las fuerzas desatadas por Miles hacia la opresión instrumental

como reflejo del aura apocalíptica de su época sirvieron de pauta para los de Abingdon.

La teoría de los contrarios como fuerza motriz creativa cobra dimensiones de ópera egipcia en OK Computer. De la paciencia del rock progresivo al saqueo intencionado de las dinámicas krautrock, pasando por la proyección en cinemascope del rock espacial e incluso las formas más rebuscadas del glam, Radiohead lo amalgamaron en un rostro donde las arrugas del pasado describen surcos de juventud imponente. La compleja estructura de canciones como Paranoid Android claman la reinvención del pasado como vía alternativa; rehúyen del bucle temporal como forma nostálgica a la que honrar sin remisión. Pero, aún más significativo, retoman la actitud de los años setenta para postergar la idea del rock como obra de arte entre piezas de ambiciones faraónicas, tal como Physical Graffiti (75) de Led Zeppelin o las óperas rock de The Who. OK Computer ha tenido una influencia mayor a nivel emocional que instrumental. Y ahora, en unos tiempos de globalización perenne y viejos modos disfrazados de nuevos, estas profecías, ya contenidas en OK Computer, han retornado en forma de pósters enigmáticos.

Una palabra clave: OKNOTOK, el título del que será la reedición más esperada del año: el rastro de una huella condenada a repetirse en círculos a lo largo de la historia.

—marcos gendre

Ok Computer.

Oknotok 1997-2017

XL/Popstock!, 2017 Pop 10/10

julio-agosto 2017 #29

Los Discos. de mi.

Vida.

Rototom Sunsplash, la costa cálida Benicàssim acoge el FIB, cierto, pero también es el escenario de la que es una cita fundamental para los aficionados a las músicas de raíces jamaicanas de toda Europa. Se trata del Rototom Sunsplash, que este año se extiende desde el 12 de agosto hasta el 19 del mismo mes, en una semana completa que se desarrollará bajo el hashtag #celebratingafrica y el lema “Reggae For Freedom”. Las actuaciones se desarrollarán en un total de siete escenarios especializados por géneros (Dancehall, Dub Academy, African Village...), contando con nombres que van de Toots & The Maytals a The Wailers, pasando por Bombino, Youssou N’Dour, Luciano, Alpha Blondy, African Head Charge y un larguísimo etcétera que te recomendamos descubrir en la web del festival. MS

THE WEEKND FOTO: ARCHIVO

FOTO: SERGIO ALBERT

MONDO FREAKO

FIB, en la cumbre

Stu Mackenzie (King Gizzard &The Lizard Wizard)

Aprovechamos el lanzamiento de Murder Of The Universe (Flightless/[PIAS], 17) para que Stu Mackenzie, líder del grupo australiano King Gizzard & The Lizard Wizard, Stu Mackenzie nos descubra algunos discos que han influido en su trayectoria musical.

www.rototomsunsplash.com

Ya os hemos informado en números anteriores de que la edición de este verano del FIB se llevará a cabo los días 13 a 16 de julio en Benicàssim, en la Costa del Azahar. Y lo que está claro es que, este año, se vivirá una verdadera lucha en la cumbre para ver quién de entre los cabezas de cartel congrega a mayor número de público. Habrá que ver si el superventas mainstream The Weeknd gana la partida a Red Hot Chili Peppers, una banda que siempre revienta en España, o si los popularísimos en Inglaterra Kasabian consiguen erigirse en los reyes del evento. También puede haber sorpresas, ojo, porque la segunda línea del FIB quita el hipo, desde el rapero grime Stormzy hasta Foals, pasando por Crystal Fighters, Deadmau5, Biffy Clyro o Years & Years. En unas semanas os lo contamos en nuestra web.

El primer disco que recuerdas haber escuchado:

green day FOTO: ARCHIVO

Neil Young (Harvest, 1972)

Mad Cool, a la segunda va la vencida En su segunda edición, Mad Cool se confirma definitivamente como uno de los festivales nacionales con mayor potencial internacional de cuantos se celebran en nuestro país. Lo hace a base de nombres incontestables en lo alto del cartel (Foo Fighters, Green Day, Kings Of Leon, Wilco, Ryan Adams, M.I.A., Alt-J, Foals, Belle & Sebastian, Rancid…) y una espléncida clase media (Kurt Vile, Savages, Slowdive, Moderat, Kiasmos…). Además MondoSonoro tendrá una presencia muy especial con un escenario propio dominado por los grupos nacionales: WAS, Neuman, Nora Norman, Sexy Zebras, Aurora & The Betrayers, Shinova o Full, entre otros. Con todas las entradas vendidas desde hace un par de meses, Mad Cool tendrá lugar del jueves 6 al sábado 8. www.madcoolfestival.es

Sería alguno de la colección de mis padres. Probablemente algo de Neil Young, porque mis padres lo escuchaban mucho. De hecho, mi padre aprendió a tocar la guitarra con sus canciones, así que me decanto por Harvest.

El disco que más inspira a King Gizzard:

El mejor disco de la historia:

Es una pregunta complicada de hecho, tenemos muchos, aunque hay uno en concreto que se llama Elektronik Türküler de Erkin Koray. Es un artista turco de principios de los setenta, con tintes psicodélicos. Tocaba el baglama, un instrumento folklórico de cuerdas que se puede amplificar.

Es algo que cambia constantemente, pero últimamente he estado escuchando mucho los tres grandes discos de Dylan: Bring It All Back Home, Highway 61 y Blonde On Blonde…

Highway 61 es una de las piedras angulares de King Gizzard.

Erkin Koray (Elektronik Türküler, 1975)

Bob Dylan (Highway 61, 1965)

Un disco para escuchar con psiotrópicos

Un álbum que significó un antes y un después:

El álbum que sonaría en tu funeral:

Algo que no sea demasiado estimulante, algo de Brian Eno quizás. Me siento asustado si recibo muchos inputs cuando consumo ciertas sustancias.

Bueno, creo que entre todos me quedaría con Space Ritual de Hawkwind.

Cuando era pequeño, siempre teníamos muchísimos discos en casa y vivía rodeado de guitarras y de música folk y country.

Pero fue cuando escuché AC/DC por primera vez que algo cambió. Fue como una revelación en mi adolescencia así que me quedo con Highway To Hell.

Creo que hace poco pensé en esta misma pregunta… Le doy muchas vueltas a la muerte por algún motivo, sí, soy un poco friki. Pero pondría algo no muy serio y algo irónico. Creo que Black Sabbath sería lo idóneo. MS

Hawkwind (Space Ritual, 1973)

AC/DC (Highway To Hell, 1979)

THE KILLERS FOTO: ARCHIVO

www.fiberfib.com

Black Sabbath (Black Sabbath, 1970)

Bilbao BBK Live, una docena de éxitos Un año más, Bilbao se convierte del jueves 6 al sábado 8 de julio en una de las capitales mundiales de la música. Aunque es evidente la dificultad que implica para cualquier festival de primer nivel programar año tras año nombres del máximo nivel sin repetirse o dar la sensación de cierto agotamiento, el Bilbao BBK Live sigue siendo el tipo de cita de la que cualquier aficionado puede reservar las entradas aún sin conocer el cartel de la siguiente edición. Tal es el grado de fiabilidad de un festival que este año tiene en Depeche Mode, The Killers y Die Antwoord a sus mejores bazas. Pero, como siempre, la parte templada del cartel no desmerece: Fleet Foxes, Phoenix, Royal Blood, The Avalanches, Brian Wilson, Two Door Cinema Club, Primal Scream, !!!, Trentemøller… www.bilbaobbklive.com

MONDO FREAKO

A

las cuatro de la tarde, cuando el sol dibuja las cúpulas de la Ópera House sobre el mar, Robin Pecknold aparece entre sus intrincados pasillos. Han pasado seis años desde que publicaran su segundo disco Helplesness Blues y expectante, como en una segunda cita que parece nunca llegar, me pregunto cuánto hemos cambiado. Crack-Up es la respuesta, pero también un viaje, un principio y su todo. Frente a mí, Pecknold sostiene su té de menta entre las manos mientras se queda pensativo. “Creo que en el pasado me dediqué a hacer lo que debíamos hacer, esperando que en el futuro pudiera escribir un disco con el que me sintiera más cómodo, que fuera más personal o más único: más nuestro. No me daba la sensación de haberlo conseguido con los dos anteriores.

Crack-Up sí que es lo que inicialmente quería que fuera”, asegura el cantante. Crack-Up es el tercer larga duración de estudio de estos ex-barbudos de Seattle, que saltaron a la fama con su debut homónimo en 2008. Ahora, seis años después de Helplesness Blues vuelven con un trabajo que se asemeja más a un filme que a un disco, invitando al oyente a un viaje sonoro hacia lugares remotos.

“Sí, esa era mi idea inicial cuando empezamos a grabarlo. Me decía ‘con suerte contaré con la atención del oyente durante cincuenta y cinco minutos’ y pensaba cómo debería sonar el disco como un todo, cómo quería usar esa atención. La intro que suena es la de la película Black Orpheus de Marcel Camus y empieza muy suave y de golpe… ¡hay una explosión de color! Al final, concebí el disco como un viaje en el que vas cambiando de paisajes, de momentos del día, de escenas. La cuarta canción (Kept Woman) sucede de noche, pero en Third Of May/Odaigahara es de día de nuevo”. Y sí, hemos cam#32 julio-agosto 2017

“La parte de escribir el disco fue casi un exorcismo; como tener una conversación contigo y aprender cosas que no sabías”

Cons yd

biado. Los ecos de ola revitalista folk son hoy más débiles, las barbas y las camisas de franela dan paso a pulcros afeitados, Laurel Canyon y los hits redondos evolucionan en nuevos sonidos. No hay un Your Protector ni un White Winter Hymnal, pero sí que sorprenden temas como On Another Ocean o Naiads, Cassadies. En Crack-Up flirtean con la psicodelia, con el rock setentero y los contrastes que te ciegan como el abrir una persiana al mediodía.

“Todos los detalles, todo está ahí por una razón. En este disco sí que sabía lo que estaba haciendo. Era como si el álbum te llevara por ciertas emociones y decíamos: ‘vale, la gente espera eso, así que démosles lo contrario’. Dejar que las canciones tengan un minuto de casi aburrimiento para de golpe, implosionar y ¡transformarlo en algo diferente! Ha sido un trabajo exhaustivo para diseñar la experiencia del oyente”, confiesa el compositor entrecerrando los ojos.

La Ópera House empieza a vibrar, el té de menta dibuja suaves surcos y mi grabadora se mueve lentamente, al tiempo que Robin la recoge entre sus manos y trata de amortiguar las vibraciones. Sonríe con los labios ligeramente apretados. Es inevitable no pensar en el título del disco, Crack Up, que en este caso no se traduce como “par-

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Han pasado seis años desde su anterior movimiento, pero su nombre se ha mantenido en el corazón de los aficionados. Por eso teníamos ganas de escuchar Crack-Up (Warner, 17), su nuevo disco y el motivo por el que visitan nuestro país para actuar en festivales. Aprovechamos para entrevistar a su líder, Robin Pecknold, en Sidney.

—texto Marta Terrasa —fotografía Shawn Brackbill

strucción derrumbe Fleet Foxes

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tirse de risa”. Sino que hace referencia a un texto del escritor Scott Fitzgerald que empieza diciendo que “claro que la vida es un proceso de construcción y derrumbe…”. Un proceso que el propio Robin ha vivido en su piel, si bien no llegó a sucumbir en una depresión diagnosticada.

La presión, un ritmo de vida frenético y la tensión con sus compañeros de banda, se convirtió en una combinación peligrosa. En el momento álgido de su carrera, Fleet Foxes decidió tomarse un descanso y Pecknold aprovechó para estudiar música en la universidad de Columbia, aprender a surfear en las playas californianas y reconstruir la amistad con sus compañeros, en especial con el multiinstrumentalista Skye Skjelset. ¿Estamos ante uno de esos discos que sirven para exorcizar demonios? “Cuando escribí las canciones de Crack Up sí que me encontraba más bien en el estado mental que describes. Fue una escritura casi automática o inconsciente. Me sentaba y me ponía a escribir y a ver qué pasaba. Así que sí, la parte de escribir el disco fue casi un exorcismo; como tener una conversación contigo y aprender cosas que no sabías. Pero esa es sólo una parte del proceso. Una vez que tienes suficiente material escrito desde ese lugar, entonces te quitas ese sombrero y te pones el de productor. Y el productor del álbum se lo mira y dice: ‘vale, y este tipo cómo quiere que suene todo lo que ha escrito’. Te transformas en otra persona. Y luego te vuelves a cambiar el sombrero y eres el artista sobre el escenario”. Al final parece abocado a un trastorno severo de personalidad. “¡Sí!”, afirma entre risas, “pero también es lo más interesante de un proyecto así. Escribir un disco es para mí la parte más pura”, confiesa Pecknold. “Cuando grabábamos el disco me sentía con fuerzas, como renacido. Justo por ese proceso de

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CRÍTICANDO Crack Up Warner, 2017 Folk, 7/10

Opiniones polarizadas Seis años de ausencia, tras haber alcanzado la cima de la popularidad, dan para crear unas expectativas que pueden verse satisfechas o convertirse en mera decepción. Y algo de eso ha pasado con el nuevo disco de Fleet Foxes, que no solo ha polarizado a sus seguidores, también lo ha hecho con la prensa internacional. No hace falta más que echarle un vistazo a las puntuaciones y comentarios de la revistas y webs especializadas para darse cuenta de que las opiniones no han sido ni mucho menos unánimes alrededor de Crack Up. Si buscamos del lado de los que han acogido el disco con entusiasmo, sorprende la elevada puntuación de una pla-

taforma como la estadounidense Pitchfork (87/100) poco dada a regalar elogios. Sin ir más lejos en su reseña podemos leer cosas como: “La infalible y profunda belleza de Crack-Up asegura que se muestre siempre como un disco acogedor”. Por el contrario, si atendemos a quienes han tratado el disco con cierta tibieza, nos encontraremos con una veterana revista como la británica MOJO (6/10) que afirma que: “Si bien Crack-Up no llega a la perfección, inspira esperanza de que cierta trascendencia está esperando a la vuelta de la esquina”. Otro al que el disco no le ha parecido la maravilla que otros sí defienden es a Alexis Petridis de The Guardian (6/10) que acaba calificando el disco directamente de “indulgente”. Por el contrario, a la revista Spin (9/10) le parece que el disco nos muestra a: “un músico y escritor extraordinariamente talentoso que explora sus conflictos, tanto internos como externos, descubriendo que entre ambos hay mucho en común”. El debate permanece abierto, y eso significa que el disco no asume el pecado de la indiferencia, lo cual siempre resulta más positivo que negativo. —don disturbios

julio-agosto 2017 #33

MONDO FREAKO

construcción, de destruirse y volver a juntar las piezas. Me sentí lleno de energía. Creo que publicar un disco es más estresante que grabarlo” comenta aliviado. Unas horas más tarde después de esta conversación, Fleet Foxes tomarían la Ópera House para una serie de cuatro conciertos prácticamente agotados, dentro del festival VIVID Sydney. “Con los directos, el grupo se nutre también de la energía del público, pero a la vez tu armadura se hace añicos con cada show”.

3

Hablamos de la importancia de reconocerse vulnerable, de saber cuándo parar y del trágico final que demasiados artistas han sufrido, como recientemente pasó con Chris Cornell. “Da mucho miedo. Para mí, tomarnos un tiempo no fue algo tan dramático. A veces me llena hacer cosas que no se esperan de mí. Tampoco le doy muchas vueltas. En su momento pensé que sería guay poder dar un paso atrás y dejar que todo se calmara un poco. Todo pasó en ese momento de revival del folk y era como ‘¡oh, estas otras bandas van a ser mucho más populares que vosotros!’. y te preguntaban cosas estúpidas en plan: ‘¿vais a reclamar lo que es vuestro? ¡Vosotros estabais antes!’. Prefiero no participar en todo eso, no competir de esa manera en la música. Sólo quería hacer música que me gustara”, asegura el músico. Pecknold parece estar cómodo en su introvertida piel. Sus manos rodean el té de menta, mientras arquea su espalda entre risas al comentar lo críptico de sus letras. “Pienso en cada canción de manera diferente e independiente, no les veo ninguna conexión más allá del momento en el que fueron escritas y que provienen de experiencias similares. Hay algunas como Naiads, Cassadies en la que uno se pregunta cómo otra persona puede #34 julio-agosto 2017

“Cuando grabábamos el disco me sentía con fuerzas, como renacido.

Justo por ese proceso de construcción, de destruirse y volver a juntar las piezas”

ejercer tanto poder sobre otra, por ejemplo. Cassius va sobre las protestas. Creo que en las letras hay más preguntas que respuestas. ¡Muchos interrogantes!”. Repasamos su carrera y parece que sólo Helplessness Blues se salva. “Es la canción que parece que a la gente le llega más, quizás porque es la más explícita. Fue el único caso en el que sentí que debería decir las cosas como muy claras.

Porque en general es como… [se encoge de hombros] ‘no lo sé, ¡tengo muchas preguntas!’.

Así que en esta canción quería ser más claro y me encanta que la gente se la haya hecho suya, por eso me gusta tocarla”, confiesa. Robin Pecknold nada a gusto contracorriente, valiente, firme. Asegura que no siente presión “¡porque no tendría sentido después de tanto tiempo! Ni nos planteábamos si alguien estaría esperando un disco nuestro. Y la verdad es que yo también me lo pregunto, ‘¿por qué no estoy asustadísimo?’. Quizás es porque al fin me siento satisfecho con este disco, o al menos en paz, en cierta manera”. —m.t.

r Más en www.mondosonoro.com

LA GIRA l Vilanova i la Geltrú 1 de julio 2017. Vida Festival l Bilbao 7 de julio 2017. Bilbao BBK

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27/6/17

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Automatic For The People, veinticinco años

Nos adelantamos un poco a la celebración del veinticinco aniversario del lanzamiento de Automatic For The People (1992), uno de los discos que cambió la carrera de R.E.M. para siempre y les convirtió en una banda superventas. Recordemos los misterios que siguen presentes entre las doce canciones del que, por derecho propio, sigue siendo uno de los discos más fascinantes de la historia del pop.

1

Drive

¿Cómo es posible alcanzar lo más alto de los charts con el anti-single por antonomasia? Pues bien, R.E.M. lo hizo con Drive. Sin estribillo, de ritmo funerario, los ejecutivos de Warner debieron quedarse alelados cuando R.E.M. propusieron este corte como single de presentación del álbum. Pero, en plena generación X, donde la depresión era un cepo atrapa-masas, Drive funcionó. La leyenda no había hecho más que echar a rodar.

2

Try Not To Breathe

6

Sweetness Follows

5

New Orleans Instrumental 1

Así como en Out Of Time habían dispuesto temas instrumentales celestiales como Belong o Half The world Away, para su nueva criatura las intenciones reflejan al dedillo las coordenadas tomadas. En consecuencia, New Orleans Instrumental 1 se trata de una pieza enigmática, oscura, de melodías abstractas. No hay asidero melódico al que agarrarse.

El siguiente puerto de atraque del álbum retoma la controversia como modus vivendi. No en vano, tal como recordaba Michael Stipe en su momento: “describe el punto de vista de una mujer de ochenta y siete años. Capturé bastante bien la voz femenina para esa canción y me sentí insultado cuando leí que se trataba de un anciano o un joven con SIDA”.

3

The Sidewinder Sleeps Tonite

Un resquicio de luz. Entre el rastro a muerte y desolación crepuscular predominante, este single modélico funciona como respiradero para recordarnos que estamos ante una obra de extremos, donde la presencia de la muerte es expresada como un lazo de unión en la comunidad y las palabras más ocres resuenan como arrebatos de romanticismo vital al que aferrarse en los momentos de bajón más pronunciados. Single de postín.

4

Everybody Hurts

Posiblemente la canción más recordada del álbum, una oda al sufrimiento humano para el que tomaron como inspiración la crecida progresiva del You Can’t Always Get What You Want de The Rolling Stones. Grandiosa y borracha de cuerdas, el bajista y arreglista de Led Zeppelin, John Paul Jones, dejó en ella su huella de forma más prominente.

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La extrañeza invocada en New Orleans Instrumental 1 es metabolizada en un ambiente de liturgia lynchiana.

Para la letra de esta canción, Stipe arma una canción de amor al estilo que lo harían el Frank Booth de Terciopelo Azul (1986). Y eso, inspirándose en el arreglo de coros del I’m Not In Love de 10CC. Brillante, y me quedo corto.

7

Monty Got A Raw Deal

De los misterios de Lynch a sonidos de raíces ancestrales, fronterizos.

Canciones como Monty Got A Raw Deal subrayan el recuerdo al viejo Oeste que desprenden los surcos del disco; en este caso, por medio de un corte en el que Stipe parlamente cara a cara con el espíritu de Montgomery Clift. Stipe se siente atrapado en el mismo tipo de incomprensión de la vivida por el mítico actor, homosexual y con la cara desfigurada en sus últimos tiempos debido a un accidente de coche.

8

Ignoreland

El momento más discordante de todo el trayecto se materializa por dos vías: la inflamación eléctrica, a modo post-punk disparado, que vertebra cada giro o puente de la canción con una letra muy politizada.

9

Star Me Kitten

Vuelta a los cauces habituales, la sombra de Lynch vuelve a estar presente en este corte, que parece extraído de la alcoba donde Stipe almacena sus sueños más fantasmagóricos. De nuevo, todo suena intangible, dentro de formas ambient-pop. Es como si quisieran hipnotizarnos justo antes del incólume tramo final de esta obra.

10

Man On The Moon

Las grandes extensiones fronterizas de Ennio Morricone, la sonrisa torcida de Andy Kauffman y un viaje por el limbo junto a Moisés, Charles Darwin o Elvis Presley. ¿Alguien da más?

Man On The Moon te devuelve a los desiertos del lejano Oeste. El espectro lunar es una gran sombra que lo imbuye todo. Desde la inolvidable steel guitar con la que se abre el telón hasta la crecida desbordante del estribillo, R.E.M. posiblemente hayan cimentado la expresión más elocuente de country-rock onírico.

11

Nightswimming

De la voluptuosidad resplandeciente en Man On The Moon al piano juguetón y solitario de Nightswmimming sobre el que Mills pulsa las teclas. “Básicamente, se trata de una pieza de piano que da vueltas y vueltas”, recuerda Mills. “Me siento allí y la toco durante veinte minutos seguidos para intentar perfeccionarla. Lo que no me esperaba es que Michael escribiera sobre ella porque no había ninguna estructura de canción. Así que cuando la oyó y se inspiró, agregué la introducción y los dos descansos, y se convirtió en una canción. No me esperaba aquello”.

12

Find The River

Esta gran road movie en carromato llega a su fin y lo hace entre tintes fordianos de emotividad en Cinemascope, altanera. Los coros resuenan desde un cielo abierto en canal. La estampa de los cuatro de Georgia reluce como los detectives salvajes de Roberto Bolaño, pero también como la de unos centauros del desierto condenados a una búsqueda sin fin; al menos, hasta que el 5 de octubre de 1992 Automatic For The People vio la luz.—marcos gendre julio-agosto 2017 #37

MONDO FREAKO

Ho99o9 Barcelona (3 julio, La [2] de Apolo) Valencia (4 julio, 16 Toneladas) Madrid (5 julio, Caracol)

Estuvieron en el Primavera Sound 2016, ahora les tenemos de vuelta con su primer disco recién publicado.

United States Of Horror (Toys Have Powers/ Caroline, 17). Ho99o9 o la combinación de rap y hardcore más bruta que jamás hayas visto.

AgeNda. julio-agosto.

RR¿Cómo os conocísteis y de-

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junio 2017 2017 #38 julio-agosto

cidísteis poner en marcha el grupo? (theOGM) Nos conocimos en un coche de policía. Nos habían recogido por motivos levemente parecidos, por ser negros. Después de aquello formamos el grupo simplemente por reirnos de la policía, por mi madre, para hacer algún dinero, para viajar por el mundo y para perder mi virginidad una y otra vez.

—¿Por qué cambiaste Nueva Jersey por Los Angeles? (theOGM) Sencillo. Porque hay mejores tacos, porque no hay nieve y porque me quería alejar de mi madre.

(Eaddy) Pensé que mi sueño a realizar era pasarme el día paseando por Hollywood Blvd y continuar mi viaje a la búsqueda de 2 Pac. —No sois ni una banda de

gangsta rap ni un grupo de hardcore punk. ¿Es un problema estar entre ambos estilos? (theOGM) Es un problema si crees que ambos mundos no se pueden combinar.

—¿Cómo ha ido la grabación del primer disco?¿Estáis contentos con él? (theOGM) Fue como un jodido grano en el culo. Estaba jodidamente arruinado mientras lo hacíamos. ¿Si estoy feliz con él? A veces adoro el disco, otras veces lo odio. Así es la vida.

—¿The Wire o The Sopranos? (theOGM) Es una pregunta excelente (risas). Y tengo que elegir The Wire porque salen algunos niggas en ella.

(Eaddy) The Wire, sin ninguna duda. —marcos molinero

Cage The Elephant Después de visitar España por primera vez, nuestro entrevistado Matt Shultz y sus muchachos volverán a nuestro país para actuar el 6 de julio en el Bilbao BBK y el 7 en el madrileño Mad Cool.

—El año pasado cumplíais diez años como banda, aunque vuestro debut homónimo salió en 2008. ¿Algún plan de aniversario en mente?

Ni siquiera sabía que era nuestro aniversario (risas), pensaré en ello. Ahora mismo estamos componiendo, así que esperamos poder sacar un nuevo disco pronto. También vamos a hacer una gira acústica con una sección de cuerda y vamos a grabarlo para editar un álbum en directo.

—Una sección de cuerda… Algo muy diferente a lo que estáis acostumbrados, ¿no?

Sí, por supuesto. Ya habíamos sacado un disco en directo, pero esto va a ser totalmente diferente. En 2016 participamos en el festival benéfico de Neil Young, Bridge School Benefit, en el cual todo era en acústico, y contamos con una sección de cuerda.

Nos gustó y nos sentimos cómodos, así que vamos a hacerlo otra vez y esta vez vamos a grabarlo, espero.

—Habéis tenido a Dave Grohl en la batería, Alison Mosshart os ha prestado su voz, Dan Auerbach ha producido vuestro último disco… Aunque aún estáis componiendo, ¿ya habéis pensado en otro gran nombre con el que trabajar?

Bueno... (risas). Estamos empezando a compartir ideas y buscando nuestro camino, así que no hay necesariamente ninguna colaboración en el horizonte. Me encantaría hacer cosas con muchos grandes artistas. Sería un sueño trabajar con Julian Casablancas, con una banda que me gusta mucho llamada La Femme, con Kendrick Lamar o Chance The Rapper… ¿Quién más? James Murphy de LCD Soundsystem. Me encantaría colaborar con ese tío.

—Llevabais un tiempo sin pisar Europa...

Estuvimos dos años viviendo en Londres y dimos muchos conciertos en el Reino Unido y Europa. Pero al volver a Estados Unidos, nuestra carrera despegó y nos quedamos allí una temporada. Les pasó algo parecido a Arctic Monkeys, por ejemplo. Cuando les empezó a ir muy bien en casa, se fueron a Estados Unidos, Nuestra idea ahora es quedarnos más tiempo por Reino Unido y Europa, así que, con suerte, os veremos más las caras.

—Contáis con Twin Peaks de teloneros. ¿Qué otras bandas jóvenes os gustan y seguís?

Sé que Devendra Banhart no es un artista joven, pero sus dos últimos discos son increíbles, estoy muy obsesionado. The Growlers, cuyo último álbum fue producido por Julian (Casablancas) y que creo que fue mi favorito de 2016. Los franceses La Femme son una de mis bandas favoritas. También me gustan Morning Teleportation y hay un grupo de Nashville llamado Savoy Motel que es genial.

—beatriz h. viloria

Satellite Stories Satellite Stories vuelven a España. Esta vez pasarán primero por dos festivales Low Festival (30 de julio, Benidorm) y Arenal Sound (5 agosto, Burriana) RR Presentarán su nuevo disco, el cuarto, Young Detectives (Universal, 17), producido por la banda y mezclado por Fernando Lodeiro (Vampire Weekend, Regina Spektor) y masterizado por Joe LaPorta (The Killers, The Weeknd).

—¿Es el disco más alegre de Satellite Stories?

Estamos convencidos de que la música debe transmitir alegría,

así que sí. Queremos ayudar a que la gente se lo pase bien y a que disfruten tanto con nuestra música como nosotros mismos.

—¿Venir del norte de Finlandia es algo que dificulte el éxito?

Puede ser un problema, pero con el trabajo duro y las buenas canciones puedes conseguir éxito fuera sin importar del lugar del

que vengas. Nunca lo hemos visto como un problema al margen de que los costes de girar cuestan una fortuna.

—¿Dónde os véis en diez años? ¡Haciendo tres sold outs seguidos en Razzmatazz! (risas).

—marcos molinero

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!!! (Chk Chk Chk) “Nos gusta improvisar durante horas sobre un loop’”

FOTO: HARA AMORÓS

Benidorm (27 y 28 de julio, Low Festival) Barcelona (25 octubre, Apolo)

Nic Offer y sus muchachos ya tienen nuevo disco, Shake The Shudder (Warp/Music As Usual, 17), una nueva muestra de que bailar es la mejor venganza contra el mundo que nos ha tocado vivir.

Q

ue los estadounidenses !!! se encuentran como en casa cada vez que vienen a nuestro país era algo que cada vez se hacía más evidente, pero, por si acaso hubiese lugar a dudas, su último álbum Shake The Shudder, grabado a base de improvisaciones en Barcelona, las ha disipado completo. Líneas más abajo, el vocalista, showman y líder de la banda, Nic Offer, nos habla de este nuevo trabajo, de la relación entre música y ciencia y nos explica como el secreto para mantenerse en los escenarios es la amplitud de miras dirigida siempre al porvenir.

—Uno de los temas se llama Imaginary Interviews, esta entrevista no es precisamente imaginaria… ¿qué preguntas te hacían en tu imaginación?

Me encantan los detalles que podrían encajar en esta historia… pero no me gustaría contar demasiado sobre qué trata, es mejor que el oyente lo construya en su cabeza. Cada uno tiene las preguntas que quiere contestar. Por ejemplo, yo quiero que cada entrevista que me hagan empiece con algo como: “Este álbum es increíble. Quizá el mejor que he oído. ¿Cómo te las arreglas para escribir canciones tan brillantes y rebosantes de genialidad?” (risas).

—Cada uno vive en una parte del mundo,

lo que hace que la improvisación haya sido vuestro modus operandi… En cambio, discos como Thr!!!ler creo que no fueron tan improvisados, sino que os pusisteis más de acuerdo. Shake The Shudder nace a base de improvisar en Barcelona, háblame un poco de esto…

Siempre hay partes de los álbumes hechas improvisando, pero estás en lo cierto al caer en la cuenta de que la mayor parte de este último disco está hecho de esa manera. Nos gusta improvisar durante horas sobre un loop, después cortar las mejores partes y construir canciones a partir de ellas. Improvisando tiendes a alcanzar lugares extraños a los que no puedes planear llegar.

—Por una parte, en Shake The Shudder encuentro vuestra actitud más reflexivaintrospectiva que en otros discos, aunque sea para decir al oyente que baile hasta la muerte; y por otra parte, menos reivindicativa…

Pienso que siempre hemos sido introspectivos… lo que ocurre, creo, es que es un aspecto que tiende a ser eclipsado por el hecho de que voy siempre en pantalones cortos… Pero incluso canciones antiguas como Heart Of Hearts… dicen cosas muy personales.

—Me gustaría saber lo que se siente al llevar veinte años tocando… Cuando echas la vista atrás, ¿no piensas en el final?

Me hace sentir vértigo, pero al mismo tiempo nos sentimos muy afortunados. La verdad es que no sabemos cómo nos hemos podido mantener frescos durante tanto tiempo, pero creo que tiene que ver con nuestra actitud hacia las cosas. No tiendo a mirar atrás, y creo que las bandas corren peligro al hacerlo.

—manuel jubera

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Mike Portnoy’s Shattered Fortress Mucho ha llovido desde que Mike Portnoy abandonase Dream Theater. Su nombre no ha dejado de crecer y ha practicado una diversidad musical que le ha mantenido en primera línea. Ahora nos visita con Shatthered Fortress formando parte del cartel del festival Be Prog! My Friend (30 junio y 1 julio, Poble Espanyol, Barcelona).

RR Con una carrera tan diversa (has pasado por Dream Theater pero también has colaborado con multitud de artistas) no es de extrañar que publiques recomendaciones tan variadas en tus redes sociales.

Todos los años escucho un montón de nuevos álbumes y artistas y subo un ranking en mi perfil de Facebook. Uno de los que más me han gustado últimamente es el último de Avatar, Feathers And Flesh (16). Tienen un look y una imagen únicos con ese acercamiento teatral. Me recuerdan un poco a mi época en Avenged Sevenfold y también tienen mucho de King Diamond. Siempre he sido un fan de la música en el sentido más amplio, desde muy pequeño. En mi colección había desde The Beatles hasta Kiss, pasando por Ramones y Rush.

Mi gusto musical abarcaba todo y aquí estoy, cuarenta años después sigue siendo prácticamente lo mismo. Ahora mismo escucho desde Radiohead hasta Sepultura. Me encanta la música.

—Echando un repaso a tu propia carrera, ¿qué disco es el que ha marcado un antes y un después para ti?

Es muy difícil quedarme con alguno, pero si reviso mi carrera a día de hoy puedo ver que hay discos que sí que marcaron un antes

y un después. El más obvio sería, en 1992, Images And Words. Sinceramente creo que fue el disco que empezó mi carrera, el disco que lo cambió todo. Claro que ya llevábamos juntos desde hacía un tiempo, pero con Images And Words empezamos a girar por todo el mundo y empezábamos a encontrar nuestro sonido. Hace poco hemos lanzado el nuevo disco de Neal Morse Band, The Similitude Of A Dream, y estoy convencido de que es uno de los mejores discos que he hecho en toda mi carrera. Eso es lo mejor de este momento para mí, que después de tantos años tocando puedo sentirme orgulloso de mi música y seguir creando algo que me inspire con la misma pasión del principio.

—¿Hay algún disco de tu propia carrera que te cause el efecto contrario?

Todas las decisiones musicales las he tomado con orgullo. Nunca he querido hacer algo obligado o porque sentía que tenía que hacerlo. Todo lo que hago lo hago de corazón. Esa fue una de las razones principales de mi marcha de Dream Theater. Recuerdo esa etapa con muchísimo cariño, pero al final no me sentía inspirado por la situación ni por el ambiente en el que trabajábamos.

Sentía que éramos una máquina y necesitaba probar nuevas maneras de hacer música.

—¿Debemos entender el set de Shattered Fortress como un ejercicio de nostalgia?

No, es una celebración. Ha sido una gran parte de mi vida, veinticinco años para ser exacto. Todo lo que he hecho desde aquellos días ha sido muy variado y me ha inspirado mucha gente y muchos proyectos. Sí, he pasado página, pero no por ello deja de ser una gran parte de mi vida, y es un buen momento para celebrar este legado con mis fans.

—montse galeano

junio 2017 #39

41/Mondo VINILOS

At The Drive-In

In·ter a·li·a Rise Records

HARDCORE / Cuando un grupazo anuncia su regreso a los escenarios después de un largo parón, todos corremos a hacernos con una entrada. Sin embargo, cuando esta misma banda anuncia un nuevo disco después de muchos años sin publicar nada nuevo, el recibimiento es muy diferente. Y es que estos ‘comebacks’ discográficos son muy puñeteros, la mayoría no puede evitar compararlos con ‘ese disco’ que tanto nos marcó. Aquí, la banda y su nuevo trabajo siempre tienen las de perder. Pues olvídate de listones y disfruta. In·ter a·li·a no requiere un gran esfuerzo, una escucha activa, como otros proyectos bastante más enrevesados de sus miembros. The At The Drive-In no se andan con tonterías en este disco, un trabajo con once temas bastante directos, con poca experimentación y mucha efectividad.

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La bomba incendiaria de Algiers Algiers

The Underside Of Power Matador/Popstock!

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ROCK / Con Algiers la sombra de la duda

siempre ha estado ahí, planeando sobre sus cabezas. El hecho de que la banda surgiera como de la nada con un discurso tan medido y oportunista, en un tiempo y un lugar tan determinados, en plena crisis y con vientos de revueltas azotando la cada más evidente decadencia del sistema capitalista, daba mucho que pensar. Que sus miembros no fueran precisamente unos jovencitos surgidos de un infecto local de ensayo, vivieran unos en Londres y otro en Atlanta, y además acabaran contando, como el que no quiere la cosa, con la incorporación de Matt Tong, baterista de Bloc Party, tampoco ayudaba mucho. Todo tenía un tufillo de banda pensada para aprovechar el enorme hueco de descontento que el pop nunca afrontará y que tan solo quedaba cubierto por el rap. Les tocaba por tanto el turno a las guitarras, pero no abordadas desde la perspectiva más clásica, la del punk. La jugada era darle al soul-rock más aguerrido una pátina de modernidad post-punk, dub y electrónica radical. No en vano las comparaciones con unos TV On The Radio hasta las cejas de speed no iban desencaminadas. Y ya está. El resulta-

do de la formulación funcionaba y se colaban en todas las publicaciones especializadas con unas críticas de altura. Pero llegaba la hora de la verdad y el segundo disco, ese que debe poner las cosas en su sitio, debía dirimir si lo de Algiers era flor de un día a lo Black Rebel Motorcycle Club o por el contrario había motivos para darles más que un voto de confianza. Pues bien, el veredicto está claro y debo reconocer que este The Underside Of Power consigue borrar de un plumazo cualquier atisbo de duda malintencionada. Y lo hace subiendo el listón de su primer trabajo en todos los aspectos. El disco suena mucho más radical e inflamado y abraza la experimentación sin meter la pata. Solo hay que escuchar un tema como Hymn For An Average Man y su gospel espectral para reconocer que la banda se ha roto los cuernos a la hora de buscar un estilo propio que los defina. Un sonido que, en el fondo, se basa en darle unas cuantas vueltas de tuerca a la fórmula de su debut, pero arrinconando las estructuras propias del garage-soul, y ahondando en todo tipo de ritmos y sonoridades donde la presencia de las bases y la electrónica en general ha tenido más peso. Apenas escuchar Walk Like A Panther, la barbaridad con la que abren el disco, uno debe rendirse a la evidencia.

Algiers serán todo lo listos y oportunistas que tú quieras, pero tienen los cojones de un toro a la hora de crear una bomba incendiaria que debería arrasar cualquier dispositivo de escucha. —don disturbios

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Silvia Pérez Cruz

—luis benavides

Vestida de nit Universal

8

cias, Vestida de nit podría ser un disco anecdótico, contemplado como un mero capricho de artista excéntrica. Pero no es el caso, Silvia Pérez Cruz convierte estas canciones en una delicatessen para oídos inquietos. Grabado con un quinteto de cuerdas, este excepcional proyecto tiene mucho de obra espontánea y al mismo tiempo está mimada gracias al trabajo compartido. Silvia Pérez Cruz juega con cartas ganadoras porque las canciones ya estaban grabadas a fuego en su interior. Algunas ya las grabó antes a propósito de otros discos (Gallo rojo, gallo negro o Ai, ai, ai), otras son fruto de la educación que recibió de niña (Vestida de nit) y alguna otra es una de esas habituales versiones que agarra y lleva a su terreno. Silvia sigue alimentando su propia leyenda.

—toni castarnado

The New Pornographers

Beach House

B-Sides & Rarities Sub Pop/Popstock!

Whiteout Conditions Caroline/MAU

6

POP / Más que un super-

grupo, The New Pornographers es una unión de talentos que a menudo ha soltado chispazos de brillantez, canciones y discos excelentes. Han pasado apenas tres años del inspiradísimo Brill Bruisers, y su estela continúa en esta entrega. Y es que, sin haber sido nunca un grupo de rock clásico americano o de power-pop al uso, el regusto a bubblegum pop y new wave ochentera siguen aquí. Como lo hacen los sintetizadore, el mismo carrusel de melodías y las fantásticas voces de A.C. Newman y Neko Case dándose la réplica estupendamente. La dupla de voces alcanza su esplendor en High Ticket Attractions. Sin embargo, y con la excepción de This Is The World Of The Theatre, acabamos con la sensación de que esta vez, nos han faltado canciones redondas. —miguel díaz herrero

POP / En otras circunstan-

POP / Cuando a una le cae en las manos un CD de rarezas y/o caras B suele no emocionarse demasiado. Tiendo a pensar que se trata de una colección de canciones desechadas que el grupo de turno quiere rentabilizar o que, a menudo, es material solo apto para ultra fans. Mi sorpresa ha sido comprobar que nos encontramos ante algunas de las canciones más redondas desde Bloom (12) y que la etiqueta de “rarities” es más nominal que real.

Puede que el género que manejan, un dream-pop de altos vuelos que siempre huye de la obviedad, implique que diferenciar entre canciones de cara A o B sea una tarea estéril. Aquí volvemos a encontrarnos con los Beach House más frescos e inspirados, los que consiguen crear melodías oníricas que transportan al oyente a base de tiempos lentos y teclados envolventes. —maría fuster

8

julio-agosto 2017 #41

MONDOVINILOS

Ani DiFranco Binary Righteous Babe

Lorde, solo se vive una vez Lorde

Melodrama Universal

8 POP / Lorde no va a poder igualar las

millonarias ventas de aquel Pure Heroine con el que debutó en 2013. Pero ni falta que hace. Este Melodrama que ahora nos ocupa no tiene ningún monster hit a lo Royals, aunque nadie puede discutirle a la neozelandesa que este es un disco sólido y que destila por momentos una brillantez que muy difícilmente se ve en coetáneas suyas. Bien es cierto que sonoramente su puesta de largo era de lo más cohesiva gracias al trabajo de minimalismo que su productor de entonces, Joel Little, le puso en bandeja en exclusiva (cuatro años después sólo se cuela en los créditos del grower Green Light o la enérgicamente Chvrches Supercut, co-producida también por el Air Jean-Benoît Dunckel). No obstante, al trabajar ahora con varios

Flogging Molly

Phurpa

7

PUNK CELTA / Life Is Good

es el despertar discográfico, después de seis años, de una de las bandas americanas más emblemáticas del irish punk, Flogging Molly. Una de las más populares además, con el irlandés Dave King (ex Fastway) liderándola con rotundidad. Es lo agridulce en estado puro. Lo íntimo y lo personal. Sonrisas y lágrimas. Un disco que llama al recuerdo y, a la vez, a la celebración de la vida. Welcome To Adams Town o The Day ‘s We’ve Yet To Meet muestran la capacidad de la banda de saber, todavía, jugar a su favor. Son la cara más bailable de la banda, aunque a una primera parte llena de energía la siguen, sin previo aviso, momentos de sonidos tradicionales, familiares y melancólicos. Se habla de esperanza, de calidez humana y así hasta que llega el final y Until We Meet Again se convierte en un hasta luego. Y es que no hay nada más sobrecogedor que un álbum homenaje a los que más quieres. —blanca olivella #42 julio-agosto 2017

Conttra

Gyer Ro Cyclic Law

Life Is Good Spinefarm/ Music As Usual

8

AMBIENT / Tras el nombre

de Phurpa se esconde un colectivo ruso que hace música ritual de Bon, la tradición budista más antigua de Tibet. Para ello utilizan instrumentos ancestrales y una técnica tantra de canto.

Cantos guturales y en tonos muy graves que tienen un razonable parecido a los didgeridoos australianos o al throat singing de Tuva y Mongolia. El que Sunn O))), representantes del drone metal, les eligieran para abrir algunos de sus conciertos les ha puesto de actualidad, pero lo cierto es que llevan desde el 2003 en ello. Gyer Ro incluye solo cuatro temas, cada uno de ellos un largo mantra a varias voces que ocasionalmente cede el protagonismo a instrumentos de viento más agudos o a percusiones metálicas, que sirven como intervalo, creando un ambiente minimalista, repetitivo, hipnótico que puede inducir a la meditación o al trance. Escuchar la hora y dieciocho minutos de su primer disco, completa y con auriculares, te puede dejar muy tocado. —miguel amorós

productores, el sonido de Lorde se ha expandido como nunca y esta ocasión le sirve para demostrar nuevamente no sólo su talento, sino para adentrarse en otros terrenos como esas dos preciosísimas baladas capaces de erizar los pelos a todo aquel que no tiene horchata en las venas, Liability y la increíblemente bella Writer In The Dark, o lanzarse sin fisuras en la pista de baile con una Perfect Places, que es todo un canto a la esperanza para la generación millennial. Lo cohesivo aquí es la historia de la que Lorde nos hace partícipes. Una fiesta casera le sirve de excusa a la artista para contarnos que, de repente, alguien puede convertirse en tu amor perfecto, pero sobre todo para gritar a los cuatro vientos que la juventud es algo que sólo se vive una vez y que hay que aprovecharla independientemente de que lo hagas solo o en pareja. Sin caer en lo cursi o en los melodramas del desamor, el concepto del disco está más que definido conceptualmente y funciona de principio a fin. —sergio del amo

POP / Hace casi dos años la

joven banda de Barcelona publicó su primer epé con un sonido que llamaba al baile desde el minuto cero, con unas guitarras dinámicas al más puro estilo Franz Ferdinand. En su primer larga duración amplían un poco su abanico estilístico y sus fronteras, enriqueciendo una propuesta con un buen puñado de elementos cercanos al rock independiente británico. Al pop eufórico que ya nos habían mostrado en temas como Your Sister, le podemos sumar ritmos con el espíritu funk del My Number de Foals en canciones como We Couldn’t Be Together o Queen Of Smiles. Incluso nos encontramos con reminiscencias a las atmósferas susurrantes y sintetizadas del Disintegration de The Cure en Map, una de las joyas de los barceloneses. Como resultado del trabajo de estos años tenemos un disco sólido, con cuatro jóvenes que andan a la búsqueda de un estilo propio a base de energía, alegría, guitarras eléctricas con groove y teclados frescos. —ferran palau

FOLK / La reina del anti-folk

es sabia. No cabe duda de que la de Buffalo es ahora mucho más astuta. Calibra mejor cada paso para no equivocarse y se toma más tiempo entre discos. Y aunque sea difícil discernir si los resultados son mejores o no, lo que es obvio es que sus canciones actuales están más trabajadas y mejor escritas. Si en alguno de sus discos iba en una única dirección, ahora toma varias, algo que ya probó en el anterior Allergic To Water (14) con la música de raíces como banco de pruebas o en clave más libre en el lejano y expansivo Revelling/Reckoning (01). En Binary no hay filtros, cada pieza del puzzle tiene su aroma exclusivo (incluyendo colaboraciones de lujo como las de Justin Vernon o Maceo Parker), y a primera vista es una obra compleja y atrevida.

Empieza enérgica con el tema que da nombre al disco, sigue reflexiva en Pacific’s Lament, misteriosa en Zizzing, extravagante en Sasquatch y apuesta por un estribillo luminoso y pop en Terrifying Sight. —toni castarnado Nine Stories

Mary J. Blige

Conttra Wonder Music

7

8

Cinéma Vérité Mont Ventoux

Strength Of A Woman Capitol Records

7

SOUL / La neoyorquina no

es una pipiola, y se nota. A sus cuarenta y seis años y mucha vida vivida, Blige edita su decimotercer largo, en el que feminidad y empoderamiento de la mujer son el leit motiv. Letras personales que nos hablan de sentimientos profundos, siempre en clave femenina, de su fracaso matrimonial y del descenso a los infernos emocionales. Puede que por ello suene a ese soul de mujer sufridora que logra superarse, recogiendo la herencia de las divas del soul (de Aretha Franklin a Nina Simone).

Musicalmente hablando vuelve a apostar por la mezcla de soul, R&B y hip hop que le ha funcionado durante más de veinte años y recupera un sonido mas clásico que había abandonado en su anterior trabajo. La colaboración con Kayne West abre el álbum y nos avisa de qué tipo de sonoridad encontraremos. Samplers y cajas de ritmos inundan el disco, pero lo que hace especial la música de Blige es su voz, aguda y penetrante, que dota a las canciones de este aire cálido. —maria fuster

7

POP / El nuevo álbum de

los madrileños Nine Stories resulta ser todo un tratado acerca de cómo gestionar la mejor herencia del pop y orientarla hacia el beneficio propio. Se trata de esa vertiente del género cuidada y mimada, obligatoriamente elegante y en la que la melodía cobra vida propia con la intención de realzar la propia canción.

Catorce temas en los que la formación capitaneada por Nacho Ruiz prueba sus asimiladas influencias de clásicos como The Byrds, The Beach Boys o The Beatles, pero también de Prefab Sprout, The Lilac Time o King Creosote. Unos referentes a partir de los que dar forma, sencilla en apariencia y compleja en estructura, a las diferentes composiciones. Para la misión, el vocalista se acompaña de colegas capaces de aportar su impronta al conjunto, tales como Alondra Bentley o Carasueño (Ex Big City). Juntos enriquecen unos cortes que resuenan familiares casi al instante, gracias a su universalidad y atemporalidad.

—raúl julián

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L.A. Takedown

ROCK / Escuchando el retorno de Roger Waters, hay dos aspectos que saltan a la vista. Primero, el ex de Pink Floyd sigue nadando en las mismas aguas que comenzó a surcar cuando hizo The Wall (1979). Y segundo, Radiohead siempre han estado muy cerca de la pátina épico-prog instaurada por el bajista desde aquel mítico doble disco. De hecho, la participación de Nigel Godrich no es ninguna casualidad. Por la parte dedicada al autohomenaje, Picture That suena a continuación expresionista de One Of These Days y Deja Vu no habría desentonado en The Final Cut (1982). A pesar de esta huella inherente del pasado, estamos ante una obra abigarrada, repleta de escenas para el recuerdo.

Como Bird In A Gale, una curiosa versión sci-fi de Pink Floyd, que subraya el aspecto indagador de un artista para el que los tics más manidos de su impronta musical ya no suenan desfasados, sino incluso magnificentes. ¿Causas del revival crónico que vivimos en este siglo? —marcos gendre

7

ELECTRÓNICA / La cinema-

tográfica propuesta del angelino Aaron M. Olson crece sobremanera respecto a su debut homónimo publicado en 2015.

En esta ocasión el compositor se acompaña de una banda formada por siete músicos para que cada uno de los temas de este II tenga un espacio vital amplio. La sensación que desprende el trabajo tras varias escuchas es la de estar viviendo diferentes películas de una forma muy intensa.

La conexión existente entre los temas se debe a la repetición de recursos instrumentales, más que optar por continuar las líneas de un género definido. Por ello, todo lo que aparece en el trabajo puede tomar aires muy diferentes según el momento en el que los escuches. Desde el contrapunto de guitarras sintetizadas muy al estilo de Ratatat hasta los guiños a las bandas sonoras de Vangelis a la hora de ponerse más ambiental.

Un disco que remite directamente al futurismo, intentando que los límites se encuentren totalmente difuminados. —noé r. rivas

Compassion Ninja Tune

ELECTRÓNICA / Matthew Barnes, alma del proyecto Forest Swords, cosechó una excelente respuesta con su álbum Engravings (13), que apareció entre los mejores discos del año de varios medios. El sonido del disco era, entre otras cosas, más oscuro que el de Compassion.

El motivo nos le revela el propio Barnes al apuntar que: “con todo lo que ha estado sucediendo, he luchado para visualizar cualquier tipo de luz al final del túnel”. Para ello, no abandona las secciones instrumentales que le caracterizan, ni los coqueteos con el folk, el glitch o el ambient, con voces y coros esparcidos a lo largo del minutaje. Ahí están Panic o Knife Edge para subrayar la valía del disco. El inglés, que se declara interesado por distintas formas de comunicación, experimentó con la promocion publicando su móvil en Twitter y prometió enviar temas inéditos a aquellos que le contactaran por Whatsapp. ¿El resultado?

Unos mil mensajes. —marc oli-

7

DD LJM DC JSL Med

1 Vince Staples Big Fish Theory

8 8 9 8 8,25

2 Haim Something To Tell You

8 8 8 8 8

3 Lorde Melodrama

9 8 8 7 8

4 King Gizzard Murder Of The Universe

7 8 7 7 7,25

5 Fleet Foxes Crack Up

6 7 6 7 6,5

6 Phoenix Ti amo

7 7 6 6 6,5

7 Rancid 7 5 7 7 6,5 Trouble Maker

8 Stevens, Muhly, 6 7 7 6 6,5 Dessner & Mcalister Planetarium 9 Dan Auerbach 7 6 7 6 6,5 Waiting On A Song 10 Ramirez Exposure 6 6 6 6 6 A Big Bad Beautiful Noise

veras deu

Revelación

Noga Erez Off The Radar City Slang/ Music As Usual

Cigarettes After Sex Cigarettes Ater Sex Partisan Records/[PIAS]

ELECTRÓNICA / Aunque son los temas de estructuras claramente pop como Balkada, Worth None, Noisy o la ostensible Off the Radar los que entran a la primera, la chicha en el debut de la israelí la encontramos en una vertiente mucho más retorcida y personal, y que se hace patente en momentos tan gloriosos como la downtempo Junior, la reivindicativa Dance While Your Shot –una crítica mordaz al gobierno de su país– y Global Fear, una canción que habla del terrorismo de estado y que se acerca por momentos al sonido de Jenny Hval o Kelly Lee Owens. El resto del lanzamiento lo componen una serie de interludios que hacen de junta entre canción y canción teniendo en cuenta la amalgama de géneros que cohabitan en el álbum. Off the Radar está lejos de ser un disco redondo, no obstante, no se puede negar que tiene un puñado de buenas ideas y una artista con un potencial indiscutible. —daniel mesa

6

8

POP / Han ido dosificando su música en pequeñas entregas desde su primera referencia, Ep I., publicada en 2012, mientras sus fans crecían de forma casi exponencial por todos los rincones del planeta. Ahora, Cigarettes After Sex se enfrentan al siempre arriesgado ejercicio del primer álbum con el añadido de ser uno de los hypes de la temporada. Tras el éxito cosechado en temas como Nothing’s Gonna Hurt You Baby o Affection, el trío capitaneado por Greg Gonzalez pone toda la carne en el asador con este trabajo homónimo, afianzándose así como una de las grandes revelaciones del pop minimalista de guitarras. Estamos ante un álbum que se zambulle por completo en la sonoridad de sus anteriores trabajos, deudora de bandas como Red House Painters, Cocteau Twins o incluso de Francoise Hardy. Redobla la apuesta en sus puntos fuertes, concentrados principalmente en los sutiles, pero certeros ganchos melódicos, sin olvidar la presencia vocal de Greg, presentada como un suave y clari-

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

II Ribbon Music/Music As Usual

Is This The Life We Really Want?

Columbia

7

Forest Swords

top 10.

Roger Waters

vidente susurro. Los pasajes más brillantes tienen mayor protagonismo en la primera mitad con mención especial a Sunsetz o los singles K. y Apocalypse, dejando un listón muy alto que acaba decayendo en cortes más insulsos como Opera House o Young & Dumb.

En sus letras el amor lo baña todo. Basándose en experiencias y recuerdos propios, Greg construye una narrativa que opta más por lo concreto que por el doble sentido, en donde el tipo de amor que explora comprende en-

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cuentros fugaces pero apasionados como en Truly, o relaciones más longevas como ocurre en la antes citada Sunsetz. Ambas propuestas fluyen siempre en un tono nostálgico, ajustándose perfectamente a la estética monocromática de sus portadas y del grupo en general. El resultado, en todo caso, son diez baladas románticas y sombrías cubiertas por una espesa niebla mañanera de dream pop y slowcore.

—manuel novo

julio-agosto 2017 #43

MONDOVINILOS

Rancid

Trouble Maker Epitaph/Pias

Un ejercicio estilístico 7

Dan Auerbach

Waiting On A Song Nonesuch/Warner

7 SOFT ROCK/ Dan Auerbach ha logrado, gra-

cias al éxito cosechado con The Black Keys y sus siempre acertadas producciones, un estatus que le permite hacer lo que le dé la gana. Y no cabe duda que está aprovechando esa tesitura como si se tratara de un chiquillo algo gamberro, pero en el fondo simpático y de buen corazón. Tras noquearnos hace ocho años ya con un disco de género como Keep It Hind (2009) en el que desgranaba con arte el blues, el soul y el rock, y dos años después del disco de The Arcs, se descuelga con con una obra soleada y besada por las olas del Pacífico californiano. Un buen tratado de soft-rock setentero que saca a pasear unas influencias que van de The Beach Boys, pasando por Lee Hazlewood o Harry Nilsson hasta llegar a un referente más contemporáneo como Beck. Y lo cierto es que logra engatusarnos con mucho gusto y clase, eso nadie

Katy Perry

Ramirez Exposure

Witness Capitol/ Universal

4

POP/ Witness es un disco

sin identidad propia, en el que apenas vemos a Katy Perry, en el que el intento de engrandecer el pop de la estrella con electrónica y giros r’n’b se ha convertido en un cúmulo de decisiones erróneas. Y al que hay que añadir la realización de un enorme espectáculo sensacionalista a nivel promocional: dramas, afirmación de sufrir problemas mentales, polémicas con ciertos colectivos y a la vez intentar ser una abanderada de “lo diferente”. Nos encontramos con una vuelta de tuerca vacía, aburrida y muy lejos de la Katy Perry que acumulaba éxitos. Lo más atractivo, su unión a Purity Ring para firmar los dos mejores temas del proyecto (Mind Maze, Miss You More), y ver a Hot Chip tras la producción de Into Me You See, la elegante balada que cierra el álbum. El resto son temas que podríamos calificar de relleno, no aportan nada a su carrera y respiran falsedad por todos lados (un falso feminismo, una falsa rebeldía…).

—álex jerez

#44 julio-agosto 2017

lo duda, pero no acaba de darse cuenta que le falta algo fundamental: la substancia.

Esa entelequia universal anhelada por todos los artistas que hace que lo grabado deje poso, que estas tonadas tan pizpiretas se mantengan en el recuerdo y no vayan a ser olvidadas en tan solo unas semanas. A él se la traerá al pairo porque se ha ganado el derecho a hacer lo que le plazca, aunque

Anathema

POP/ Ni el lince ibérico, ni los políticos honrados, ni el pop de herencia clásica viven en nuestro país un momento boyante. Por suerte, los últimos cuentan con Ramírez Exposure.

Tampoco es que este segundo álbum sea un ejercicio de retromanía, pues traslada el adn de los sesenta y setenta a la actualidad con brillantez. El disco se forja de la conexión con su ídolo y cantautor de culto Marc Jonson, que acaba produciéndolo. Esta simbiosis potencia la vena melódica del alumno, ya demostrada en su debut, además de dotar a los temas de una riqueza digna de producciones destacadas en índices de referencia. Como guinda especial, se suman músicos de la talla de Richard Lloyd (Television) y Brian Young (The Jesus And Mary Chain, Fountains Of Wayne). El resultado es un disco exquisito, de melodías preciosistas y un sonido del que Brian Wilson y Phil Spector podrían reclamar derechos. También figura en el disco la elegante versión de su mentor Suddenly Sunshine. —david blutaski

ROCK/ The Optimist continúa la historia de A Fine Day To Exit (01) y su nuevo trabajo surge a raíz de la pregunta que se hicieron Daniel y Vincent Cavanagh sobre el destino del protagonista de aquel largo. De hecho, las coordenadas de la intro ‘32.63N 117.14W’ son las de la playa de Silver Strand en San Diego, aunque más allá de las conexiones narrativas el grupo de Liverpool continúa en la línea musical de trabajos previos como Distant Satellites (14), es decir, rock alternativo y progresivo con pinceladas de post-rock y electrónica que sirve como base en Leaving It Behind, pero los hermanos Cavanagh y compañía firman también canciones con ADN Anathema como el tema homónimo, con la conclusión épica de Back To The Start que deja al aire el destino del protagonista. Las comparaciones con su disco de 2014 o con el notable Weather Systems (2012) le hacen flaco favor, pero The Optimist es un disco disfrutable.

6

—marc oliveras

todos tenemos amigos mucho más cafres que nosotros, gente que ve la vida de un modo más libre y salvaje. Conforme pasa el tiempo, y de modo casi cíclico, esos amigos cafres aparecen de nuevo en nuestras vidas y nos lían por enésima vez. Vuelven las ganas de comerse el mundo, las cervezas volando por los aires, y nos sentimos los reyes del universo. Tanto ellos como nosotros habremos cambiado, pero ellos mantendrán su espíritu y su integridad y nos conquistarán de nuevo aunque hayan pasado tres años desde Honor Is All We Know (14). Tocarán sus nuevas canciones, nos recordarán que los colegas son siempre los colegas (Buddy). Cantaremos juntos como hermanos esa declaración de principios que es Where I’m Going. Nos convencerán de que, aunque nos recuerden a muchas otras, canciones como Cold Cold Blood o Beauty Of The Pool Hall, son diferentes. Y nos despediremos aullando como perros callejeros la letra de This Is Not The End. —joan s. luna Natalia Lafourcade

Joey Bada$$

The Optimist Kscope

Young Is The New Old Autoeditado

7

se trate de un ejercicio estilístico carente de estilo propio. Y aquí reside el problema: Músicos de su talla deben buscar, para trascender, ese sello que los defina.

El mismo sello que tienen The Black Keys y tan buenos resultados le ha dado. De lo contrario estaremos ante una curiosa colección de canciones que te alegran una o dos mañanas y punto. —don disturbios

AllAmerikkkan Badass Pro Era/ Cinematic

7

RAP/ “Porque lo necesita-

mos, porque tenemos el derecho” es una frase extraída de Temptation –tercer corte del álbum- que sintetiza todo un trabajo que comienza a virar tanto intelectual como estilísticamente.

Bada$$ ya no es el “joven” que explora su conciencia y su relación con el género, ahora, desarrolla el ámbito social de ésta e intenta sintonizar una frecuencia más pop con la que “despertar más conciencias”. Así, homenajea a Martin Luther King en Land Of Free, planta cara al racismo con Styles P en Super Predator, o le pone nombre propio al recordar el asesinato perpetrado por un policía de Baton Rouge. Y pese a que el contenido lírico pueda ser criticado por falta de consistencia, no hay que olvidar que Bada$$ no es catedrático en política, es un rapero, postura que le permite animarnos a gritar “Fuck Donald Trump” en Rockabye sin que le tiemble el pulso, o a colar tres “K” en el título del álbum generando un irónico error que evoca un terrible significado. —manuel jubera

PUNK/ A los veinte años

Musas Sony Music

7

pop folk/ Para quitarse

la presión del éxito de Hasta la raíz, que recibió múltiples premios, Grammys incluidos, Natalia quiso seguir trabajando sobre la tradición, el folk e investigar sobre su identidad como latinoamericana. Llamó a Los Macorinos, un dúo de guitarras clásicas que acompañó durante años a Chavela Vargas, con la idea de homenajear a autores de ese folclore (Violeta Parra, Agustín Lara, Roberto Cantoral), sus Musas, pero solo como divertimento.

La unión de estos dos mundos musicales fue tan creativa que Natalia, además de reinterpretar esos clásicos, empezó a componer canciones. Lo enseñó a su compañía y ahora este disco se subtitula Vol 1. Así con un fondo folk acústico de instrumentos de cuerda, contrabajo y percusiones, unos arreglos preciosistas y la linda voz de Natalia, construye doce canciones de aire intimo, atrayente y seductor. La diva Omara Portuondo colabora y pone en valor está aventura folclórica de la mexicana. —miguel amorós

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FOTO: SERGIO ALBERT

Sylvan Esso

Jlin

What Now Loma Vista/ Music As Usual

POP / “Díselo a la radio” repiten como un mantra electrónico Sylvan Esso en su canción Radio, un tema que resume a la perfección la esencia de su segundo disco, What Now: bailable, juguetón, gamberro pero con clase y sobre todo libre. El dúo da rienda a su imaginación y las consolas 8-bit se combinan con sintetizadores, mientras la siempre-tan-familiar voz de Amelia Meath se pierde en loops generados por Nick Sanborn (Megafaun) y el caos se apodera progresivamente de la pista de baile como en Kick Jump Twist o Sign. Si Sylvan Esso están más pendientes de las formas que del contenido, no lo sabemos. Pero What Now es una invitación a bailar con luces de neón y purpurina. La forma de conseguirlo va de la especie de trance techno-pop de Just Dancing a la melosa Die Young, pasando por la groovy Rewind o Slack Jaw, que bien podría haber firmado Feist. ¿Buscabas disco para quemar este verano? —marta terrasa

ELECTRÓNICA / La música de Jerrilynn Patton es tan personal como inclasificable. Si ya en su debut la artista de Indiana demostraba una virtuosidad fuera de lo común a la hora de tejer bases abstractas pero construidas en todo momento sobre una lógica casi algebraica, en su nueva puesta de largo lo vuelve a hacer echando esta vez mano de percusiones y ritmos étnicos. De una homogeneidad apabullante y un entendimiento del street dance de Chicago alejado de cualquier convencionalismo, Black Origami es ya uno de los discos indispensables de electrónica avant-garde, con colaboraciones como las de Holly Herdnon y William Basinski. Si bien su sello inconfundible labrado a golpe de estructuras complejas e imprevisibles la separan de otros productores que han militado en el footwoork, sí encontramos trazas que la sitúan en la nueva ola del género: proliferación de samples y rolls de batería, subgraves de ultratumba y temas que rondan los 160 bpm. —daniel mesa

Sufjan Stevens/Nico Muhly/Bryce Dessner/James McAlister

North Mississippi Allstars

7

Los siete magníficos King Gizzard & The Lizard Wizard Murder Of The Universe Heavenly/[PIAS]

8 ROCK PSICODÉLICO / El septeto australiano

lanza el segundo de sus cinco discos microtonales de 2017, con un título que podría haberse inspirado en los efectos de su paso por la sala Joy Eslava de Madrid.

Aquel huracán de punkadelia no apto para pusilánimes flequilleros estuvo de hecho muy basado en el álbum que ahora tenemos entre manos, posiblemente el más heavy que han firmado hasta la fecha.

Es como si hubieran añadido unas gotas de Black Sabbath al loquísimo trance-rock de I’m In Your Mind Fuzz o Nonagon Infinity, recuperando el sistema de estructuras en bucle que no estuvo tan presente en Flying Microtonal Banana y añadiendo una voz femenina narradora (de la cantautora Leah Senior) que recuerda a los discos más pavorosamente freaks de la era hippy. Las atmósferas que encontramos en Murder Of The Universe son también probablemente las más tóxicas, avasalladoras e inmisericordes que hayan diseñado los de Melbourne,

#46 julio-agosto 2017

con un halo casi black metalero en las partes más brutales del tramo inicial del disco, compuesto por siete temas que orbitan sobre las palabras “Altered Me”, “Altered Beast” en un loop infernal que te deja en estado de shock. Se trata de una ópera psych que debe entenderse como la manifestación grabada de un ritual en vivo, plagada de autoreferencias en forma de aullidos, líneas de bajo de dos notas, armónicas pululando como rémoras sobre las guitarras, ultrasónicos redobles de caja y surrealismo de cómic japonés. Incluso suenan partes de discos anteriores, así que este no es un nuevo álbum al uso ni mucho menos. Es un trabajo que vuelve a demostrar que Stu Mckenzie y los suyos están desarrollando una suerte de discografía enlazada, una especie de Gran Disco Nodriza en constante construcción, vivo, que se retuerce sobre sí mismo para después volver a estirarse, llegando a diferentes lugares con cada sacudida. La de Murder Of The Universe puede que haya sido la más violenta y desquiciada hasta ahora, quizá demasiada intensa para los incautos, y de hecho cuesta imaginarse a los Gizz yendo más allá en este aspecto. ¿Qué puede vencer a un final que evoca la destrucción del cosmos a manos de un robot que vomita? —nacho serrano

Black Origami Planet Mu

8

Prayer For Peace Legacy

Planetarium 4AD/Popstock!

POP SINFÓNICO / Encargo que la sala de conciertos Muziekgebouw Eindhoven (Holanda) le hizo hace cuatro años al compositor norteamericano afincado en Nueva York Nico Muhly, que a su vez pensó en sus amigos Bryce Dessner (guitarrista de The National) y el reputado cantautor Sufjan Stevens (y su batería, James McAlister), Planetarium es un disco ambicioso y especial. La Vía Láctea, nuestra galaxia, era la inspiración inicial, pero el cuarteto ha terminado ofreciendo una especie de ópera pop conceptual sobre la contradictoria condición humana, a través de las brillantes letras introspectivas de Stevens, con oscuras y bellas alusiones astronómicas, mitológicas y religiosas. De la robustez Jupiter a la delicadeza de Venus, el final desatado de Mars, la melancolía terrible de Saturn o las guitarras en cascada de la magnífica Mercury, tenemos un festín de texturas y ritmos, de orquestaciones en simbiosis con electrónica analógica misteriosa y destellos luminosos de voz con vocoder. —josé carlos peña

7

7

ROCK / North Mississippi

Allstars se han postulado a lo largo de sus recién cumplidos veinte años de trayectoria como uno de los proyectos contemporáneos guiados por el blues con más enjundia. Los hermanos Dickinson son principalmente los máximos responsables de crear, desde el conocimiento y respeto a la esencia del género, una visión aperturista.

Una misión en la que casi cualquier variable imaginable tiene espacio, y en este último trabajo, repleto de colaboradores y alternando composiciones propias con homenajes a clásicos como R.L. Burnside o Fred McDowell, vuelven a festejar la tradición desde el más variopinto presente. Ecuación en la que caben las texturas desérticas con ademanes hip-hoperos de la protestona canción homónima, incendiarios riffs de la escuela Hendrix (Need To Be Free) e incluso la querencia por The Rolling Stones (Stealin).

Siguen predicando con majestuosidad la palabra del blues, y lo hacen a casi cualquier audiencia que se preste. —kepa arbizu

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Downtown Boys

Bob Wayne

Bad Hombre Century Media

AMERICANA/ Bob Wayne ejemplifica una buena parte del espíritu norteamericano, lo que significa también acumular una serie de -aparentes- contradicciones. Por ejemplo, y al margen de lo estético y/o biográfico, en su escenificación musical convive el espíritu y la actitud punk con una casi reverencial atracción por los estilos tradicionales más campestres. Un irreverente y torrencial ADN que continúa imponiendo el paso en cada uno de sus trabajos, y que en este último se materializa – con pulcro aspecto- igual bajo un trepidante y lúdico hillbilly (Hell Yeah) que con atinados empastes vocales junto a Kristina Murray en la bella Fairground In The Sky. Sus habituales retratos de personajes que se agolpan en los márgenes (simbólicos y no) de las grandes carreteras adoptan, entre otras tonalidades, el honky tonk con sabor a gasolina (Take Back The USA) o sobriamente narrativo (80 Miles From Baghdad). Buena música para -solo en aparienciamala gente. —kepa arbizu

6

Chastity Belt

I Used To Spend So Much Time Alone Hardly Art

Colin Stetson

Cost Of Living Sub Pop/ Popstock!

8

pUNK/ “And when you see it

now / I hope you see yourself”. Esto canta Victoria Ruiz en A Wall, el tema que abre el disco. Y es que parece que Estados Unidos ha necesitado al del flequillo dorado para ver muros que ya estaban ahí mucho antes. Muros que oprimen a mujeres, gays, latinos, negros, queers y “a los que no se esfuerzan lo suficiente” en la tierra de la meritocracia.

Esas voces son las que resuenan en Cost Of Living con -literalmente- más fuerza que nunca gracias a una producción de Guy Picciotto (Fugazi) que pone las pistas vocales por delante de todo. Es un disco menos afilado que Full Communism (Don Giovanni, 15), el saxofón pierde protagonismo y los tempos propios del hardcore punk son ahora minoría, pero la rabia y el nervio siguen tan presentes como cabría esperar. Quien piense que fichando por Sub Pop darían un paso atrás estaba equivocado: no han hecho más que agrandar el altavoz. Y tras él está la gente que nunca lo había podido tener. —dario garcía coto

Foscor

EXPERIMENTAL/ All This I Do For Glory no es un disco para todos los públicos. Colin Stetson es un tótem del saxofón y sus continuas colaboraciones con estrellas como Tom Waits, Bon Iver o Arcade Fire son buena prueba de ello. Pero si ha sentado cátedra es con sus trabajos en solitario, sobre todo con la trilogía New History Warfare, en la que se vale de su dominio del avant-garde y del free-jazz para exprimir el saxo hasta límites insospechables. Ahora vuelve con seis rocosos temas en los que nos deja sin aliento con su repertorio de técnicas imposibles, fundiéndose con su instrumento y aislándose físicamente, reforzando la conciencia del cuerpo humano que trabaja para producir sonidos y esculpir el tiempo. Nos martillea el cerebro con la percusión fantasmagórica de Between Water And Wind y la violencia de Like Wolves On The Fold, dándonos un respiro en la luminosa Spindrift, para terminar de vaciar su universo en la sublime The Lure Of The Mine. —david pérez

7

Pumarosa

Les irreals visions Season Of Mist

All This I Do For Glory 52HZ

METAL/ Tras empaparnos de su nuevo Les irreals visions, podemos afirmar que los barceloneses han logrado romper su crisálida para ofrecernos lo que por ahora más se ajusta a lo que perseguían: una etérea pero concisa colección de canciones que combinan lo onírico con la inmediatez y recuperan el factor emocional diluido por la frialdad técnica de su antecesor. A ello contribuyen claramente unas estructuras más depuradas, unas melodías envolventes y unas letras en catalán que suman en todos los casos, bien por cercanía o bien como factor exótico. En el disco conviven singles redondos como Ciutat Tràgica y Altars, la esquemática y adictiva Malfiança o la más contundente Espectres al cau, reivindicadora de la memoria y del pasado. El conjunto se abre paso entre brumas espectrales, y cuando se desvanece la última nota, llega una extraña e inusual constatación: el reconocimiento, bajo la superficie, de una propuesta viva que trasciende lo convencional. —david sabaté

8

The Witch Fiction/Music As Usual

7

ROCK/ Pumarosa son el

claro ejemplo de que, para sorprender y dar un buen golpe sobre la mesa, no hace falta tener una larga trayectoria musical a las espaldas. Y es que a este quinteto formado en Londres le ha bastado con tan solo su debut homónimo para alzarse como uno de los grupos emergentes más interesantes del Reino Unido.

Motivos no les faltan. Su primer trabajo es un derroche exquisito de un rock matizado a base de electrónica, funk y pop que cautiva gracias a su hipnótica energía concentrada, sobre todo en los magnéticos ritmos y en la áspera y firme voz de Isabel MunozNewsome - que por momentos recuerda Jehnny Beth (Savages)-.

Una conjunción que toca el cielo en Priestess, una épica y solemne pieza de siete minutos que, por la riqueza de sus matices y su impactante evolución, hace dudar sobre si no se trata de una obra compuesta por un grupo consolidado. En definitiva, Pumarosa son toda una perla que merece ser descubierta. —raquel pagès

Revelación Vince Staples

ROCK/ Con un acerca-

7 miento humorístico hacia el feminismo, rompiendo estereotipos y demostrando el poderío femenino al frente de los instrumentos, el cuarteto de Walla Walla (Washington) Chastity Belt lanza su tercer trabajo de estudio. Una propuesta fresca y necesaria. Gamberras, ácidas y directas, Chastity Belt presentan un álbum que bebe del noise, pop y rock, sin dejar de lado el trance de unos buenos riffs de guitarras psicodélicas. Cabe destacar también la voz de Julia Saphiro, que huye de los típicos registros de niña-bien y transmite una sensación entre queja y satisfacción, lamento y quietud. También es cierto que falta algo de riesgo y que el disco peca de monótono, pero si hubieran prescindido de un par de temas, el disco les hubiera quedado sobresaliente gracias a gemas ocultas como Different Now o la balada What The Hell. Un trabajo notable que esperemos les sirva de calentamiento para coger fuerzas de cara al futuro. —ane barcena

Big Fish Theory Def Jam/Universal

8

RAp/ El segundo largo de Vince Staples

parte del brillante epé Prima Donna sobre todo letrísticamente. Si con su excelente estreno nos apabulló con un doble disco, dos años después decide que una docena de cortes son suficientes para ponernos al día de su visión del mundo.

Unas letras cargadas de sustancia, la vida en el barrio (Ramona Park Is Yankee Stadium), el amor (Love Can Be), la marihuana y Basquiat o la política con referencias a Trump, Sanders y si será posible que una mujer negra y del guetto llegue alguna vez a la casa blanca. Un trabajo que, en las letras, mira a la cara a los mejores de la actualidad como su amigo Lamar, pero que también se acerca a los grandes del género. Si Kendrick es la versión actual de KRS One, Vince es la versión 2.0 de 2Pac. El disco cuenta con invitados de lujo, que aportan su paleta de colores sobre todo en los textos, de ahí la denuncia social y la mordacidad de Kendrick Lamar en Yeah Right, la visión gótica de los Estados Unidos de Ty Dolla Sign o la locura

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anárquica de A$AP Rocky en Samo. Porque Big Fish Theory es un álbum brillante, de esencia electrónica en lo musical, conciso y breve pero repleto de proteínas; una colección de canciones que van ganando con las escuchas y donde impera el menos es más musical tan típico de Vince. La teoría nos dice que un pez crece según sea de grande

su pecera, pues Vince no tiene límites, su crecimiento no vislumbra un techo. Este es otro ejemplo de que el rap, un año más, copará las listas de los mejores discos del año.

Mientras la crisis en la música de guitarras es cada vez más patente, el rap sigue creciendo, expandiéndose y mutando.

—marcos molinero

julio-agosto 2017 #47

MONDOVINILOS

Dan Croll

Emerging Adulthood Communion/ Music As Usual

pop/ Emegring Adulthood es el segundo disco de Dan Croll, el artista británico que conocimos detrás de esa apariencia de niño bueno en su época de telonero de Imagine Dragons.

Superadas las dudas de su primer trabajo en solitario, por fin nos presenta un segundo mucho más personal y maduro que el primero.

Con toques autobiográficos y bases de batería muy marcadas, este disco pretende ser un alegato para todos los que dais el salto a la edad adulta con un mar de dudas en la cabeza. Dan Croll os dice que podéis hacer todo lo que se os ponga por delante. Él mismo es el ejemplo. Músico autodidacta, meticuloso y sin miedo a que sus directos suenen distintos al disco, se fue a Atlanta a grabar con Ben Allen. Quería atrapar a las masas desde un ángulo de visión alternativo. De ahí que sea letrista, compositor e intérprete único de todas las canciones. Aunque a veces echamos de menos que suelte un poco más de voz, no se nos ocurre mejor guía para la adultez emergente. —raquel ríos

7

Desde ya, uno de los grandes Jason Isbell & The 400 Unit

The Nashville Sound Southeastern/Popstock!

9 AMERICANA/ Comparar es inevitable. Cuan-

do uno ha sido miembro de una banda tan importante como Drive By Truckers, siendo además parte esencial de discos como Decoration Day, The Dirty South y A Blessing And A Curse, debe estar preparado para que su carrera en solitario sea permanentemente comparada con la que labran sus ex compañeros. Lo bueno de Isbell es que, hasta ahora, ha salido ganando en la hipotética batalla.

Y eso que su debut con Sirens Of The Ditch, en 2007, fue simplemente notable. Nada hacía presagiar que el de Green Hill acabaría

#48 julio-agosto 2017

asentado en la excelencia sacándose de la manga discazos del calado de Southeastern (13), Something More Than Free (15) y, por qué no decirlo, este The Nashville Sound que sirve de perfecta respuesta a la publicación el año pasado del tremendo American Band de Drive By Truckers. Nominado como cada año a los Americana Music Awards, la producción de Dave Cobb vuelve a jugar un papel fundamental en este disco cargado de grandes canciones. Dejando que la influencia Muscle Shoals de sus orígenes afloren, conjuga el bluegrass de Something To Love con el honky de barra de bar de Cumberland Gap o las tersas melodías de Chaos And Clothes. Y todo lo hace bien. Muy bien.

Demostrando por qué muchos lo consideramos ya uno de los grandes del rock de raíces norteamericano actual.

—eduardo izquierdo

Lil Yachty Teenage Emotions Capitol/ Universal

7

RAP/ Con tan solo dieci-

nueve años, Lil Yachty es visto como un mero alborotador o como un reformista capaz de transformar las ideas y el sonido de un género, todo depende de la edad de la audiencia. Al margen de la suya, el título del disco no es azaroso, canciones como Bring It Back o Like A Star

nos sumergen en un universo aparentemente inocente y teen, que, aunque falto gravedad, queda registrado a través de un contenido lírico que ocasionalmente se expresa en las vulgares llamadas de atención que le son propias. Aún así, el disco podría haber sido redondo si hubiesen quedado fuera canciones como X Men o Made Of Glass, pues cortan la circulación de ese bubblegum trap a la vez que rinden pleitesía a una tradición que lo rechaza.

Una mayor coherencia habría sentado de manera más clara las bases de un nuevo concepto.

—manuel jubera

Beth Ditto

Fake Sugar Virgin/ Universal

pop/ Gossip resultaron ser un feliz sopapo de aire vibrante y fresco en la escena del punk-pop-electrónico hace unos años. Sus tremendos Heavy Cross y Standing In The Way Of Control son dos de los mejores temarrales de la primera década del siglo XXI, eso es inapelable. Ahora, Bitto vuelve en solitario a la primera línea con este nuevo álbum tras Ep (11). Sobre un imperante garaje-rock bluesero, que hasta tontea con lo country, su vozarrón sigue sonando como un trueno sureño, pero con menos carga revolucionaria. Los temas son sencillos y puros, sin adornos.

Quieren sonar de verdad y así lo hacen. Canciones intimistas que sustancian a esta nueva y actual Beth Ditto en las que echamos de menos ese toque punk, riot grrrl y bailable que tanta alegría al cuerpo nos procuró… ¿Será cosa de la madurez? ¿De la compañía de discos? Lo que sí está claro es que, por razones obvias, nos gustaban más los Gossip.

6

—fernando fuentes

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Radiohead

Peaking Lights

Oknotok 1997-2017 XL/Popstock!

ROCK/ Veinte años del volantazo galáctico que le dieron a la música Thom Yorke y sus Radiohead con Ok Computer (97), dejando atrás el grunge, llevándose por delante el britpop y sembrando las bases del indie con el álbum más influyente de las dos últimas décadas. Un viaje orwelliano en un mundo terroríficamente tecnológico en el que, a pesar de todo, se sigue colando la esperanza entre cada una de sus doce canciones. Para celebrar este aniversario la banda nos regala una lujosa reedición en la que, al disco original remasterizado a partir de las cintas analógicas originales, suman ocho caras B y tres pistas inéditas: la bella e hipnótica I Promise, Man Of War, con unos teclados atmosféricos y riffs que giran en una tormenta eléctrica y la vibrante Lift. Meditaciones universales de una angustia compartida que eclosionaría y marcaría el rumbo de una nueva sonoridad. Ok Computer sigue siendo esa explosión interestelar que rompió las barreras del rock. —david pérez

10

The Fifth state of consciousness Two Flowers Records

7

La selección

DUB POP/ Se acerca el

verano, y Peaking lights vienen decididos a ponerle banda sonora. Tres años después del notable Cosmic Logic, el inclasificable dúo vuelve con sus señas de identidad intactas: pop de herencia psicodélica envuelto en una improbable y a la vez efectiva mezcla de dub, reggae y demás músicas de raices jamaicanas que da como resultado un disco complejo y altamente adictivo, planteado como un viaje a través de infinitos paisajes sonoros. La metáfora del viaje funciona bien, arrancando con el pop etéreo de Dreaming Outside, tema que abre el disco y en el que se acercan tanto a Beach House como a The Flaming Lips, para ir poco a poco desgranando una colección de doce canciones en la que los sintetizadores y las cajas de ritmos lo-fi llevan el mando, envueltos en ambientes dub de sonoridad vintage que colocan a Peaking lights en un terreno difuso y fascinante con un pie en el pop de tradición ochentera de Ariel Pink o M83 y otro en la world music. —ricky lavado Suey

Rise Against

Family Secrets La Cúpula Music

Wolves Universal

Un universo propio The Bug vs. Earth

8

ROCK/ No por muchas veces

afirmado deja de ser cierto: Rise Against solo sacan buenos discos de hardcore melódico con mensaje. Su octavo trabajo, Wolves, no podía ser una excepción.

Sus nuevos temas llegan en uno de los momentos más controvertidos y, sobre todo, delicados de su país. La banda liderada por Tim McIlrath, voz e ideólogo, ya levantó la voz contra George W. Bush y ahora van sobrados de motivos para arremeter con Donald Trump, un tipo con más peligro que un mono con una escopeta. Las letras del octavo disco del cuarteto de Chicago señalan abiertamente el racismo de los muros (How Many Walls) y los peligros de la posverdad y la desinformación (Welcome To The Breakdown). Así, lejos de sonar más encabronados y oscuros que nunca, suenan tremendamente accesibles en la autocrítica Far From Perfect, bajan las revoluciones en Bullshit y bordan unos cuantos himnos para estadios como Politics Of Love, Parts Per Million o Mourning In Amerika.

—luis benavides

7

ELECTRÓNICA / Tras una

década desaparecido, el madrileño Suey -ahora sin el Chop- resucita con este variopinto y sofisticado Family Secrets que contiene diez temas que se debaten entre la electrónica, el funk, el soul, el góspel, el house y el trance, y todo ello con un trasfondo gamberro, marciano, arty y, hasta, místico. Al escuchar Mutant Flower -un pasaje de pop funkoide electrónico dislocado e hiperbólico- caemos en la cuenta de que Suey ha estado, durante todos estos años, afilando sustancialmente su música -y letras- en un largo e intenso proceso natural de maduración personal y profesional. Sobre todo, su evolución desde el lo-fi hasta un sonido mucho más alicatado y reluciente es una feliz evidencia. Además, el álbum contiene otros temas -caso del hitazo electro-disco All True en el que triunfa la voz cada vez más depechemodista del crooner Sueyque suenan a futuro, mirar hacia atrás sin ira, con un trasfondo clubby que lo encanalla todo en su justa medida. —fernando fuentes

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Concrete Desert Ninja Tune/[PIAS]

8 AMBIENT DUB/ The Bug vs Earth, o lo que es lo mismo: el británico Kevin Martin vs el estadounidense Dylan Carlson. Dos genios que en los noventa revolucionaron sus escenas respectivamente. El primero de ellos se juntó con otro genio llamado Justin K. Broadrick (Godflesh) y de esa perfecta simbiosis nacieron proyectos tan estimulantes como God, Ice o los imprescindibles Techno Animal. Por su parte, en el año 1993, Dylan Carlson –hasta entonces más popular por haber sido gran amigo de Kurt Cobain- marcó el camino del drone en su versión más metalizada con el seminal Earth 2: Special Low Frequency Version.

A día de hoy ambos siguen produciendo una música de altísima calidad, algo que se ve reflejado en esta hipnótica obra de nombre Concrete Desert, una colección de diez temas que son la banda sonora perfecta que ellos imaginan para una jungla de asfalto como es Los Angeles. Lo primero que pudimos escuchar de esta magnética unión fueron los singles Boa y Cold, en las

que el Kevin Martin más dub e industrial colisionó frontalmente con la guitarra de Dylan Carlson originando dos bombas sónicas capaces de hacer temblar cualquier sound system. Pero Concrete Desert suena distinto, mucho más atmosférico y ambiental, está concebido como una obra conceptual en la que la ciudad de Los Angeles es la protagonista, una ciudad superficial desde el punto de vista de Martin y en la que nadie camina por la calle, y temas tan sugestivos y espaciales como American Dream o Concrete Desert con sus catorce minutos de duración evocan a la perfección la sensación de recorrer una ciudad llena de interminables calles vacías y consumida por el asfalto. A lo largo de los diez temas que componen el disco, los profundos y envolventes bajos de Martin se combinan de manera perfecta con la magistral guitarra de Carlson, que nos ofrece múltiples prismas y sonidos, dando como resultado un sonido hiptnotico y vibrante.

—gonzalo rodríguez

julio-agosto 2017 #49

cómics El malvado zorro feroz Benjamin Renner Reservoir Gráfica

“Siempre hemos estado p. obsesionados por el poo” ic ág Está allí. Es m

Ganadora de dos premios importantes en Francia y en breve película de animación en nuestra cartelera, esta obra del dibujante y animador Benjamin Renner cumple uno de los postulados de las mejores obras del cómic, ser apta para todos los públicos y aceptar distintos niveles de lectura. Lo hace con una fábula sobre un zorro demasiado bueno para zamparse a tres polluelos. Léan o espérense a la película, pero échenle un vistazo si quieren pasar un buen rato.

—martí viladot

Bajo un cielo como unos pantis Shun Umezawa ECC

8 Toda una sorpresa encontrarse con estos dos volúmenes de historias cortas del mangaka Shun Umezawa en castellano. Umezawa ha sido comparado con Inio Asano, al echar mano de personajes que reflejan otra cara del Japón más mediático. Sus protagonistas son mucho más particulares y extremos, más desequilibrados y víctimas, en muchos casos, de problemas que son incapaces de solventar. Un seinen que no dejo de recomendar. —joan s. luna #50 julio-agosto 2017

CÓMICS

7

Fama, adoración y cultura pop. Los dioses actuales ya no se veneran en los templos, sino en la multitud de un concierto. Kieron Gillen y Jamie McKelvie suman colaboración después de trabajar juntos en Jóvenes Vengadores y Phonogram.

Y la música vuelve a tener un protagonismo inusual en The Wicked + The Divine.

S

i Phonogram nos hablaba de los fans, el guionista Kieron Gillen y el dibujante Jamie McKelvie (diseñador de la cubierta del Brilliant! Tragic! de Art Brut y del clip de Bury It de Chvrches) se centran en los creadores, en lo efímero de los ídolos y en su música como legado. Lo hacen en su nueva obra, The Wicked + The Divine, que Norma Editorial publica en España.

Aprovechamos el momento para charlar con el guionista Kieron Gillen.

En los últimos años ha habido un verdadero boom en el mundo del cómic, sobre todo en el caso de los superhéroes. Los cómics siempre han formado parte de la cultura pop, pero lo cierto es que no solemos ver tan a menudo que la música forme parte de los cómics. ¿Dónde empezó la idea de trabajar con esta temática?

Jamie y yo siempre hemos pensado en cómo el arte influye en los seres humanos. Eso es de lo que trata Phonogram, nuestro libro original sobre la idea “la música es magia”. Cómo

podemos estar en este trabajo de la cultura y ser transformados por él.

Phonogram siempre ha tratado sobre los fanáticos de la música, mientras que The Wicked + The Divine es lo opuesto. Trata sobre las cosas que ocurren cuando pasas de ser un fan de una forma de arte a ser un practicante de ese arte. Phonogram hablaba sobre lo que era formar parte de una multitud, mientras que esta nueva obra se centra en lo que supone estar en el escenario. Y hemos decidido utilizar la metáfora de la divinidad para darle mayor peso a lo que estamos contando.

The Wicked + The Divine tiene mucho de Jóvenes vengadores y de Phonogram, pero es mucho más oscuro. ¿Cuánto de tu trabajo anterior crees que se ha reflejado en este nuevo título?

Todo. Literalmente todo. The Wicked... está diseñado como una canción de amor y una pira funeraria, incluyendo todo lo que hemos hecho y todo lo que hemos amado. La idea es mostrar de dónde venimos, lo que hemos hecho y luego destruirlo todo para que podamos seguir adelante con el resto de nuestras vidas. Las influencias de Phonogram son particularmente fuertes, pero ciertamente hay secciones que son muy Jóvenes vengadores.

Has dicho unas cuantas veces que David Bowie ha sido una inspiración para la serie. ¿Cómo te inspiró de manera personal y qué otros músicos tuvieron influencia en tu carrera?

Jamie y yo siempre hemos estado obsesionados por el pop. Está allí. Es mágico. Al principio, al desarrollar

The Wicked..., Jamie y yo jugamos brevemente con la idea de que todos los dioses se inspiraran en Bowie en diferentes etapas de su carrera.

Bowie es una figura imponente que va mucho más allá. Piénsalo de esta manera: un artista que lanza un álbum que actúa como su propia esquela justo antes de su propia muerte.

Para muchos otros artistas ese sería el motivo por el que la gente pudiera interesarse por ellos. Para Bowie fue solamente una nota de gracia al final de una carrera fascinante. ¿Qué música estás escuchando hoy en día que crees que podría influir en lo que hagas en el futuro?

Siempre se me congela el cerebro cuando me hacen una pregunta de este tipo, pero volveré a mirar mi playlist de 2016 para sacar algunos nombres que sé que han influido en mi forma de imaginar The Wicked...

Te citaré a Blood Orange, ANOHNI, Savages, Downtown Boys, Shura, David Bowie y por supuesto FKA Twigs.

De todas formas, para aquellos que quieran meterse en mi cabeza, hay una enorme lista en Spotify en la que metí cuatrocientas canciones.

—montse galeano

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The Wicked + The Divine

Kieron Gillen y Jamie McKelvie Norma, 2017

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FOTO: ARCHIVO

50/MondoThe Wicivkinede D e h T + Media Super pop

LIBROS Simon Reynolds

Como un golpe de rayo Caja negra

Aunque hay otros libros sobre el glam, ninguno se acerca ni por asomo a esta obra capital que repasa la creación, evolución y vigencia actual del género. El ensayo de Reynolds es completísimo, crítico y erudito, otorga merecidamente el título de creador del glam a Marc Bolan (ojalá la foto de portada hubiera sido para él), sigue con Ziggy Stardust, Sweet, Alice Cooper o New York Dolls.

—xavi sánchez pons

Cómo escuchar jazz

Ted Gioia Turner Libros

9

En este libro fantástico, Ted Goia –autor también de Canciones de amor. La historia jamás contada- nos cuenta de manera amena y sencilla cómo escuchar jazz, al tiempo que nos descubré géneros, sonidos, artistas, etcétera. Lo hace aportando algunos datos, los justos y necesarios, pero sin complicarle la vida al lector. Escribe de forma didáctica y hablando tanto de los músicos como del contexto en el que se movían.

—toni castarnado

Esta canción me recuerda a mí

Joe Pernice Blackie Books

7 Una buena novela costumbrista.

Una historia melancólica de amor y desamor que juega a la perfección con los demonios internos que todos tenemos. Partiendo de las desventuras de un músico fracasado que se separa apenas en el mismo momento de casarse, Pernice analiza su psique a través de pequeños detalles que permiten al lector identificarse con él.

—eduardo izquierdo

CÓMICS

8

Suehiro Maruo es uno de los mangakas más personales.

Sus obras respiran un aire malsano y enfermo que no es más que la respuesta a un mundo, el real, que, en realidad, tiene también mucho de infierno. Ahora publica en España su serie El infierno de Tomino (ECC, 17), protagonizado por dos chiquillos que se ven obligados a vivir como marginados en una familia circense a la altura de la filmada por Tod Browning hace ochenta y cinco años.

E

l personal mangaka japonés Suehiro Maruo (también autor de portadas para artistas como John Zorn y sus Naked City, Necronomidol o The Stalin) ha vuelto a la actualidad. En los últimos meses ECC ha publicado en España El infierno embotellado y La extraña historia de la Isla Panorama (adaptación de una novela del referencial Edogawa Rampô), y ahora inicia El infierno de Tomino, que se suman a títulos publicados previamente por otras editoriales como Glénat. Todos estos mangas son la demostración clara de que el cómic puede encajar, en muchas ocasiones, entre las más altas de las categorías artísticas. “Cuando dibujo lo que me apetece dibujar, el resultado se aproxima al arte. En cuanto a la proporción

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Suehiro Maruo, El infierno del manga entre la diversión y el arte, creo que se trata de encontrar un equilibrio entre entretenimiento y la obra en sí, y hacer que la obra sea comprensible”, comenta el dibujante. Lo cierto es que, al margen de su calidad, lo que más distingue al trabajo de Maruo del resto es su capacidad para reinventar el legado de los artistas clásicos japoneses más oscuros y adaptarlo al mundo de la viñeta. “No siempre soy consciente del hecho de que soy heredero de esta cultura, pero sin duda algunos elementos de mi imaginario guardan relación con la cultura japonesa [...]. Creo que, sin duda, en mi obra ha influido la escena cultural de los años sesenta y setenta, que viví durante mi adolescencia y mi juventud. Creé mi propio estilo teniendo como influencias las obras oscuras e intensas de precursores como Tadanori Yokoo, Shûji Terayama, Jûrô Kara o Tatsumi Jijikata. También me han inspirado enormemente el experto en literatura francesa Tatsuhiko Shibusawa y el experto en literatura alemana Suehiro Tanemura. Aprendí muchísimo de sus obras. Por ejemplo, la obra El jardín de los suplicios de Octave Mirbeau han tenido una gran influencia en mí, y supe de esta obra gracias a los libros de Tanemura”.

Maruo empezó su carrera haciendo cómic erótico, hasta que apostó por ampliar su espectro temático y combinar el sexo con la violencia, la oscuridad con la belleza. Empezó a dibujar mangas extremos con estética cuidadísima, protagonizados por personajes de apariencia juvenil, tierna e incluso infantil, radicales y siempre perturbadores. “Para mí, hacer que ‘los personajes sean más perturbadores’ es muy importante. Desde la juventud

a la madurez, las personas tienen una existencia dentro de la sociedad y en su esencia pueden elegir qué vida quieren llevar. Pero los niños y los ancianos no tienen libertad de elección. Creo que esa diferencia es muy atractiva. Cuando pienso en personajes vulnerables y manipulados por el mundo exterior, suelo recurrir a niños y ancianos”.

PodríaMOS hablar de sus principales obras, la recién reeditada La sonrisa del vampiro, de sus mangas inspirados en novelas de Edogawa Rampô, etcétera, pero si estamos conversando ahora es con motivo del lanzamiento en España de El infierno de Tomino, su obra más reciente, así que le pido que sea él mismo quien la introduzca en unas pocas palabras. “Es la historia de unos niños que se ven envueltos en unas situaciones terribles.

Como ya he comentado antes, creo que, en general, los adultos no nos vemos involucrados en situaciones trágicas porque si algo no nos agrada tenemos la capacidad de huir. Pero los niños no pueden huir. Ellos tienen un destino, y yo dibujé el modo en que esos niños se enfrentan a un destino cruel. Estimados lectores de España, espero que disfrutéis de esta obra”.—joan s. luna

r Más en www.mondosonoro.com

El infierno de Tomino

Suehiro Maruo ECC, 2017

julio-agosto 2017 #51

52/Mondo Conexiones HEINEKEN ESPAÑA <> HEINEKEN® JAZZALDIA

Ford España < > All The Music One New Fiesta Ford España y Carlos Jean se han embarcado en un nuevo proyecto musical para encontrar la esencia del sonido de la mano del Nuevo Fiesta. A través de All The Music One New Fiesta el productor y Dj viajará por diferentes ciudades para buscar los mejores bailarines, músicos y vocalistas, con el reto de crear una canción que reúna nuevos talentos en las diferentes disciplinas. Además, Carlos Jean ofrecerá una serie de “Conciertos Silenciosos” en diferentes localidades que solo se podrán disfrutar dentro del Nuevo Fiesta, gracias a su exclusivo equipo de sonido. Toda la información y novedades en www.AllTheMusicOneNewFiesta.com.

Heineken España ha renovado su acuerdo de colaboración con el festival Jazzaldia por dos años más, las ediciones 2018 y 2019, prolongando así una estrecha relación de ya más de 20 años, la más duradera de Heineken® con un festival en España. La edición 52 de Heineken® Jazzaldia se celebrará los días 20 a 25 de julio en San Sebastián y contará con las actuaciones de estrellas como Bryan Ferry, The Pretenders, Herbie Hancock, Wayne Shorter o Gregory Porter.

CONVERSE CT70 <> CARHARTT WIP

FIB <> Visa Visa repite en el Festival Internacional de Benicàssim (FIB) por tercer año consecutivo como Patrocinador Oficial de los medios de pago y ofrece a los asistentes la posibilidad de crear su propia música de forma innovadora y divertida. Bajo el lema “Visa te lleva al centro de la música”, los “fibers” que se acerquen al espacio interactivo y lúdico de Visa podrán crear con una herramienta láser, canciones y vídeos para compartirlos en sus redes sociales y ganar un upgrade VIP, así como merchandising.

Los dos mitos del street se unen por primera vez para crear una colección Premium de edición limitada: Converse CT70 x Carhartt WIP. Esta se compone de tres icónicas sneakers Chuck Taylor All Star ’70 Ox, en las que se emplean los tejidos clásicos de Carhartt WIP. Las sneakers están a la venta desde el 1 de junio en puntos seleccionados por Converse & Carhartt WIP, en Carharttwip.com y en Converse.com.

YALL <> ACTIMEL

Fender <> Room Mate Hotels Fender y Room Mate Hotels te ayudan a descubrir los nuevos talentos musicales locales sin tener que salir de la habitación del hotel. El proyecto City Sounds 360º se compone de doce bandas locales que han grabado sus temas en las habitaciones de los hoteles Room Mate de Madrid, Barcelona, Málaga y Granada, con la tecnología 360º. Cuando los huéspedes lleguen al hotel, se les informará de la banda que ha tocado para ellos, pudiendo disfrutar de un concierto en realidad virtual, como si el grupo estuviera realmente en la habitación. Todas las actuaciones y entrevistas están en: www.citysounds360.com. #52 julio-agosto 2017

Together, el nuevo single de Yall, suena en la nueva campaña para TV de Actimel. El tema, con más de quince millones de reproducciones, tendrá en breve un remix de Lenno así como un rework más orientado a club de los propios Yall. La banda estará de gira durante todo el verano por España y Europa.

Universal Music Festival <> Teatro Real De Madrid Por tercer año Universal Music Festival ofrecerá una programación de conciertos del 5 al 30 de julio en el Teatro Real de Madrid. Coincidiendo con la celebración de su 200º Aniversario, el Teatro acogerá las actuaciones de Sting, Pet Shop Boys, Michel Camilo & Tomatito, Pretenders y James Rhodes, entre otros. A estos se unen una serie de conciertos matinales, Las Mañanas Acústicas del Teatro Real y el UMF Campus, un conjunto de actividades de carácter formativo diseñadas en colaboración con instituciones educativas de prestigio global. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

RETROVISOR.

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: Cristina Benito cris@mondosonoro.com, T. 657 701 015 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondo web www.mondosonoro.com

Stevie Nicks

Origen: California, Estados Unidos, 1967

H

ablar de Stevie Nicks es hacerlo de una de las voces que dan sentido a la teoría de que la potencia vocal y el gorgorito ornamental no son las características que proporcionan personalidad a una manera de cantar. Como Kristin Hersh o Kate Bush, Nicks siempre ha contado con una gama de inflexiones vocales directamente proporcional al caudal de tonos y emociones que, en su caso, destilan cortes como Sara, Rhiannon y Landslide, el corpus central de su bagaje al frente de Fleetwood Mac. Fue con la gran banda anglo-americana, con la que Nicks trufó de agudos de terciopelo y el vibrato magnético de su voz quebrada obras imprescindibles del soft-rock como Rumours (Warner Bros, 77), Tusk (Warner Bros, 79) y Mirage (82). Su aportación a la banda ideada por Mick Fleetwood siempre estuvo presente desde que, en 1975, entró como parte de un “paquete indivisible” del que Lindsay Buckingham, su pareja de entonces, era el fichaje requerido. Dos años antes había publicado con Buckingham Buckingham Nicks (Polydor, 1973), el gran meridiano entre sus comienzos a finales de los sesenta como solista de la banda de psych-rock Fritz y su época dorada como vértice más estimulante de Fleetwood Mac. 1981 fue el año en el que Nicks desplegó sus alas en solitario.

Haber alcanzado cotas intimidantes de repercusión con Fleetwood Mac no era suficiente para soterrar el tapón a su creatividad, limitada a tres o cuatro canciones de su cosecha por disco.

En cuanto Nicks se lanzó en solitario, se expandió su reinado como gran dama del soft-rock. No era para menos, con esfuerzos del calado de Bella Dona (Modern, 81) y The Wild Heart (Modern, 83), ambos discos con la participación de Tom Petty y una cohorte de invitados de lujo: de Prince a Roy Bittan, pianista de la E. Street Band. Precisamente, entre los polos de la redefinición sintetizada del pop y el gesto de la épica springsteeniana, Nicks reubicó el meridiano de su estilo. El éxito abrumador cosechado con ambos largos certificó un hecho: su capacidad para marcar el paso de los tiempos. Aquella niña que empezó a tocar la guitarra con dieciséis años mientras soñaba con ser profesora se había convertido en el paradigma de estrella de la MTV. Su monumental irrupción en solitario, esa fijación en la estética del videoclip, su imagen, entre gótica y sensual, abrió las puertas a figuras femeninas como Cyndi Lauper y Madonna; no hay más que ver esos guantes de encaje de la que tantas (y

#54 julio-agosto 2017

tantos) tomaron buena nota. De hecho, nadie más que ella representó con tanta fidelidad el sonido y la estética desinhibida de los ochenta, corroborada en Rock A Little (Modern, 85), su fabuloso tercer álbum en solitario, y su participación en Tango In The Night (Warner Bros, 87), el canto del cisne de la inspiración para los Mac. Después de vivir sus años imperiales, los noventa arrinconaron a Nicks al trastero de los recuerdos olvidados. Cada nuevo disco suyo o con Fleetwood Mac parecía dar la razón a los que la habían enterrado en vida. Su único álbum de estudio en esa década fue Street Angel (Modern, 94), el punto más bajo de su discografía, una que volvió a coger impulso en estos últimos años gracias a muestras tan honrosas como In Your Dreams (Reprise, 11) y 24 Karat Gold: Songs From The Vault (Reprise, 14). A esta inesperada resurrección hay que sumar la reevaluación de su legado, tanto en solitario como junto a Fleetwood Mac, impulsado The Wild por la idealización de los Heart ochenta como estado menModern, 1983 tal que, desde comienzos de la década, están promulgando figuras como Chromatics, Ariel Pink, Destroyer o Sean Nicholas Savage. Definitivamente, Más allá de que sus grandes herederos disfuncionales aportaciones se encuentran de la que en 1981 llegó a en Fleetwood Mac y que Bella ser bautizada por Rolling Donna siempre será el referenStone como “la reina acte básico de su obra en solitatual del rock & roll”. Así rio, ningún otro disco como este era y así se le recordará capta su abanico de variantes. por siempre.

Del pop sintetizado de If Anyo—marcos gendre ne Falls a la artesanía barroca

IMPRESCINDIBLE

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