Mondo Sonoro julio 2020 by MONDO SONORO

Malísima Mala Rodríguez

FOTO: GUSTAFF CHOOS

Nº 285 Julio 2020 www.mondosonoro.com

JEHNNY BETH, NATOS Y WAOR, BADLY DRAWN BOY, PUCHO (VETUSTA MORLA), SR. CHINARRO, PORRIDGE RADIO, FAKE NAMES MUZZ, HIDROGENESSE, CAR SEAT HEADREST., ROLLING BLACKOUTS C.F., JOY DIVISION, TXARANGO, TREPÀT, MORODO

Sofia Ellar • Arnau Griso • Nil Moliner Suu • Ramon Mirabet • Sinsinati La Bien Querida (formato acústico) • Juls Cattáneo 14 / 15 / 16 D’AGOST RECINTE FIRAL DES MERCADAL MENORCAMUSICFESTIVAL.COM

DEL 27 AL 30 D’AGOST 2020 Diverses poblacions de TERRES DE L’EBRE

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5/Mondo freako

Jehnny Beth Demasiado humana La carismática vocalista de Savages da un paso al frente con su debut en solitario To Love Is To Live (Caroline/Music As Usual, 20), mientras la banda hiberna de modo indefinido. Y la verdad es que resulta un auténtico placer tenerla por aquí con un disco así.

S “No quería hacer un disco en solitario para reproducir el sonido de Savages”

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u compleja oda hacia el amor, un álbum de aristas y claroscuros cuyo sonido quebrado y sintético se aleja del de su banda, se ha topado con un mundo en cuarentena ante la crisis del Cod-19. Ironías de la vida. Desde París, la artista ofrece respuestas tan prolijas que, cuando nos queremos dar cuenta, nos cortan. “No sabía lo que iba a pasar con este disco. No había tenido esa sensación de incertidumbre desde hacía un tiempo, y decidí que fuera el centro de todo. He tratado de seguir la música con la que no podía identificarme o que no entendía. La idea era quedarme todo lo que pudiera en ese espacio, incluso sin estar cómoda. No me importaba que esa incomodidad aflorara y se hiciera central. Es la sensación de asumir un riesgo”. SI ALGO TENÍA CLARO la francesa es que no quería replicar el sonido de su grupo. Su experiencia descubriendo música contemporánea ha sido, asimismo, también decisiva. “No quería hacer un disco de Savages, no era la idea. Savages tienen un sonido muy específico, que es el del grupo, y que es muy puro y genial. Me encanta, pero no cabe duda de que no quería hacer un disco en solitario para reproducirlo. Además,

Savages representan una parte de mi gusto musical, no todo. En este sentido, los dos años que he estado presentando un programa de radio con Johnny Hostile (Start Making Sense, en Beats 1), han sido fundamentales. Cada semana seleccionábamos música exclusiva”. Y es que “durante dos años estuve escuchando música nueva constantemente, algo que no había hecho antes con esta intensidad. Me cambió la vida. Me abrió los ojos a un montón de música nueva. Y también me los abrió a la variedad de mi gusto y de mis contemporáneos. Me di cuenta de que era mucho más feliz oyendo música nueva, porque me sentía conectada con mi tiempo y me daba la impresión de no estar sola. Me dio esperanza en el futuro. Hay algo extraordinario en encontrar a gente de tu edad que hace cosas estupendas. Hay algo muy vital en esa sensación”. Para llevar a buen puerto su visión, Jehnny ha trabajado codo con codo con su socio y compañero Johnny Hostile, además de con productores del peso de Flood o el NIN Atticus Ross. “Nos pusimos a trabajar en versiones radicalmente distintas de cada canción. La idea era divertirnos y experimentar, y también identificar después qué elementos de cada versión nos gustaban. Fue básicamente una búsqueda. Era algo muy necesario al empezar de cero”, afirma. SU INTENCIÓN, en definitiva, era “hacer un disco que mostrara tanta complejidad como sencillez, ese tipo de álbumes que tienen diferentes capas y que te obligan a oírlos varias veces. Uno de los discos que me recordó esto es To Pimp A Butterfly, de Kendrick Lamar. Me pareció brillante por muchísimas razones. Culturalmente desde luego, pero también musicalmente. Me llevó varias escuchas entender lo que era. Me

julio 2020 #3

MONDO FREAKO

recordó qué es lo que me encanta de los discos. También me encanta sentir una narrativa, sin llegar al álbum conceptual”. Beth menciona, además, Skeleton Tree, el escalofriante disco de Nick Cave, como otra fuente de inspiración. “Es un disco que casi sujetas con manos temblorosas, pensando en que contiene una profecía”. Y, por sorprendente que suene, Beyoncé. “No la había oído en mi vida. Pero hubo un disco que salió, el anterior a Lemonade, que hizo con varios productores underground, que oí mucho. Era sorprendentemente bueno, muy libre: una estrella del pop rompiendo las reglas”. COMO YA HACE en su banda, Jehnny dio rienda suelta a su lado oscuro. “Necesitamos personajes complejos en las películas o en otras formas artísticas, porque el arte es un espejo de la realidad, un espejo que nos desnuda. La única manera de progresar es si entendemos aquellas partes de nosotros mismos que en realidad no podemos comprender, que rechazamos. Hay una tendencia, especialmente en el pop, a simplificar el comportamiento humano, diciéndote que te están mostrando el lado bueno de la humanidad. Por eso yo, personalmente, tengo a veces problemas para conectar mi arte con mi activismo político. Pero al principio de todo el proceso me dije que si iba a hacer un disco personal, no debería sacar sólo el lado bueno”. —JC PEÑA

LA MÍA The Song Remains The Same

EL APUNTE

Fuera preciosismos POR ENCIMA DE GÉNEROS, Beth es una de las vocalistas más dotadas y con mayor rango de los últimos años. Sin embargo, en su disco huyó de acercamientos preciosistas a su instrumento. Una conversación con Anne Clarke (St. Vincent) allanó el camino. “Estaba en medio de la grabación y me dijo: 'Mira, a veces es mejor grabar las voces sola, por la libertad que te da'. De manera que una parte del disco la hice así. Alquilé un estudio en Hackney, Londres, y pasé varias tardes con un ingeniero grabando todas las voces que pude, sin ningún propósito ni pensar si iban a estar o no en el disco. La idea era grabar todo el material posible y después, ir eligiendo”. El productor Flood (PJ Harvey, Depeche Mode) insistió en un enfoque poco ortodoxo, para conseguir la mayor expresividad. “Se mantuvo firme en que usara mi micrófono sujetándolo con dos manos. Insistió mucho en que usara esta técnica en vez de estar sola de pie en una sala aislada con un micrófono carísimo que no pudiera mover y con el que no me atreviera a hacer lo que quisiera”. —JCP

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FOTO: STEVE GULLICK

a “Hay una tendenci r ca en el pop a simplifi nto el comportamie humano”

#4 julio 2020

o me consta que cuando el escritor francés Emmanuel Carrère noveló la increíble y azarosa vida del poeta, político y buscavidas Limonov, nadie pensó que estuviera plagiando hechos reales para apropiárselos y hacer un gran libro. Tampoco cuando lo hizo el también francés Patrick Deville, con la vida del médico suizo Alexandre Yersin en su imprescindible Peste y cólera. No me ha llegado, tampoco, que nadie le echara en cara al escritor estadounidense E.L. Doctorow, haber convertido en novela la extraña vida de los hermanos Collyer en su imprescindible obra Homer & Langley. Y, como estos, hay infinidad de casos en los que un escritor se ha apropiado de la vida de una persona para novelarla, al igual que lo ha hecho el cine o la televisión. Y... ¿A qué viene todo esto que por otra parte parece una gran obviedad? Pues bien, mi intención no es otra que compararlo, salvando todas las distancias del mundo, con la pequeña polémica que se ha suscitado por la publicación de El método Bunbury (Difácil, 20). Interesante ensayo en el que el escritor vallisoletano Fernando del Val constata hasta un total de veintisiete canciones del cantante mañico que se ha servido de fragmentos sin acreditar de otros autores. Práctica por otro lado muy habitual en el mundo de la composición, y no solo en la construcción de letras, también en la concatenación de notas. Aunque eso ya es harina de otro costal y daría, de hecho ha dado, para muchos artículos y demandas interpuestas. El caso es que muchos artistas se han valido de frases y versos que les han dejado una profunda huella para componer canciones. Quizás el artista más analizado haya sido el indiscutido Bob Dylan. Y, sinceramente, no creo que nadie es su sano juicio abogue por retirarle el premio Nobel por ello. Solo hay que echarle un vistazo al voluminoso tomo de más de 1.200 páginas de Bob Dylan. Letras (Alfaguara, 07) para ver que el bardo de Duluth ha hecho suyas en muchas ocasiones frases extraídas de los Antiguos Testamentos o de célebres diálogos de películas clásicas de Hollywood, pero también de poetas como John Keats, T.S. Eliot, W B Yeats, Allen Ginsberg y muchos otros. Y es que quizás habría que circunscribir la letra de una canción a lo que es: una letra. No es un poema ni una obra por si sola, aunque algunos lo pretendan. Es un complemento a una música con la que forma un todo y que, además, nace de la tradición popular. La misma que está construida a través de la transmisión oral y, por tanto, en recrear, adornar y mejorar historias que se pierden en los tiempos. Una tradición que muchos de esos que se escandalizan con facilidad tildarían de plagio. Como afirmaban esos grandes 'copiotas' que fueron Led Zeppelin: “The Song Remains The Same”.

—DON DISTURBIOS

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Natos y Waor Mi reino, mis normas

“Lo de música urbana es un cajón desastre e que utiliza la gente qute no sabe exactamen qué está escuchando”

Todo comenzó hace ya más de una década. Natos y Waor iniciaron una carrera sin saber hasta dónde llegarían. Y resulta que llegaron a la cima, se alzaron con la corona, y lo hicieron siendo fieles a sus principios. Todo eso se muestra en su nuevo documental Underground Kings, estrenado oficialmente el pasado 5 de junio.

STE ARTÍCULO trata sobre la historia de dos adolescentes que se conocieron en una batalla de gallos y acabaron convirtiéndose en los reyes del rap actual (con permiso de don Javier Ibarra. Siempre). Fueron construyendo su camino sin acatar órdenes, subiendo escalones, batiendo prácticamente todos los récords en el rap español. Una historia que comienza con Waor reconociendo su miedo a cantar en público. Paradójico, cuando años después actuó ante doce mil personas en Vistalegre, en un concierto que fue el origen de Underground Kings. “Fue un momento muy especial para nosotros y nos pareció una buena excusa para echar la vista atrás y hacer un repaso a nuestras vidas. Además, queríamos que nuestro público pudiera conocer un poco más sobre nosotros, ya que siempre hemos sido bastante herméticos con nuestra vida personal”, reconoce el cantante. Pero antes de aquello ocurrieron muchas cosas, momentos más y menos buenos que moldearon su evolución y de los que Natos guarda un buen recuerdo. “Fueron unos años muy intensos, de emociones fuertes y vivencias inolvidables. Y en el plano musical fuimos forjando nuestro propio estilo y aprendiendo día a día”.

No en vano, pese a que Waor reconozca que “hay una canción, de hace más de un lustro, que si hubiese sabido que iba a tener esa repercusión le hubiese dedicado más tiempo a la escritura”, da la sensación de que no han cometido apenas errores en su carrera. Ni un beef innecesario, ni una colaboración de la que arrepentirse, ni un mal disco… Pocos peros pueden ponerse a su trayectoria. “Hemos ido construyendo nuestro proyecto sin prisa, tomando las decisiones que nos parecían acertadas. Y afortunadamente no hemos tenido malos momentos. No podemos quejarnos”, reconoce Natos. A lo que Waor añade que “pese a que al principio dábamos pasos sin saber bien dónde pisábamos, que los miembros del grupo remen en la misma dirección es fundamental para una carrera larga”. Y es que su amistad es uno de los pilares de su éxito. Igual que el haber sabido aprovechar el momento que les ha tocado vivir en la música. “Honestamente pienso que si hubiésemos nacido hace treinta años lo habríamos tenido muy difícil para llegar a algo. No existía nuestro modelo de trabajo, ni las plataformas de difusión de hoy, ni el acceso a los medios era tan sencillo... Tenemos la gran suerte de haber salido en el momento perfecto y de encontrar la manera de hacer siempre lo que nos saliera de los cojones. Somos dos tíos que valoramos la independencia y rechazamos la autoridad en todos

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los planos de nuestra vida, incluida la música”, asegura Natos. NATOS Y WAOR HAN SABIDO jugar bien sus cartas. Tanto, que hay quien compara su éxito con el que tuvieron en su día Violadores del Verso. Un grupo por el que sienten “un gran respeto. Musical y estéticamente somos algo diferentes, pero es innegable que han sido una influencia en mayor o menor medida para prácticamente todos los artistas que hoy forman la escena. Cuando 'todo esto era campo', ahí estaban, junto con otros cuantos, poniendo

las primeras piedras del camino por el que ahora transitamos los demás”. Pero comparaciones y etiquetas aparte (“lo de música urbana es un cajón desastre que utiliza la gente que no sabe exactamente qué está escuchando para no pillarse los dedos”), es innegable que se han convertido en los reyes del rap actual. Su próxima conquista será expandir su reino a Latinoamérica. Y para ello ya tienen en mente un nuevo álbum. “Teníamos una idea aproximada de cuándo nos gustaría volver con un disco nuevo, pero con esta situación se nos han jodido un poco los planes. Y como no nos gusta dar fechas y no cumplir, mejor ser prudentes. De todas formas, estamos trabajando en música nueva y próximamente soltaremos canciones para amenizar la espera”. Trabajando a su manera, a su ritmo, siguiendo sus propias normas.

—ALFONSO GIL ROYO

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julio 2020 #5

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Cómo Vivir En El Campo Declaración

Cómo vivir en el campo publican Siempre te he amado, nunca he dejado de quererte, toda mi vida es para ti (El Genio Equivocado, 20), una nueva demostración del talento de un grupo que va ganando protagonismo paso a paso.

ablamos con ellos para saber de dónde vienen, dónde están y hacia dónde van. Envueltos en uno de sus mejores álbumes hasta la fecha con numerosas colaboraciones, hablamos de dudas y contradicciones, amor, muerte y separación. —Cuarto álbum y sumando. ¿Cuál es la valoración hasta ahora? Es muy difícil conseguir desarrollar un estilo y un sonido que se pueda definir como propio y original y, humildemente, creo que lo hemos conseguido a lo largo de estos años. Y mejor aún, sin llegar a repetirnos en exceso ni agotar ninguna fórmula. Nunca hemos estado, ni de lejos, de moda, así que alguna ventaja tenía que tener eso. —¿En qué momento os notáis como creadores? Antes de montar CVEEC, muchos de los proyectos en los que había participado eran a cada cual más estrafalario y experimental, en los que casi nunca tocabas dos veces la misma canción y, llegado un punto, uno de los retos que me propuse fue, sin más, demostrarme a mí mismo que podía ser capaz de escribir canciones y, bueno, creo que es una meta conseguida. Ahora estamos en un momento en el que todo nos vale verga. —¿Entonces qué hay de nuevo en este álbum? La intención era dar un giro importante al sonido de la banda, sobre todo rítmicamente, y creo que es lo que más puede llamar la atención. Distintos patrones, distintos ambientes, otro groove, quizá más baile. —Otro ambiente sin perder la identidad. La evolución natural de los grupos tira hacia producciones más asépticas; sintetizadores a mogollón, bases electrónicas y demás; huyendo de eso, hemos intentado hacer algo más orgánico, con más soul y más funk.

“

Badly Drawn Boy El chico está bien

Damon Michael Gough –Badly Drawn Boy– ha estado sumido en un prolongado silencio de diez años que ahora rompe con Banana Skin Shoes (One Last Fruit/ Popstock!, 20). Uno de esos regresos que merece ser celebrado, en base a las buenas vibraciones generadas por una exquisita colección de canciones de pop funcional para superar la incertidumbre de estos tiempos.

ANANA SKIN SHOES es el regreso al pop después de una década de silencio de Badly Drawn Boy, pero también resulta ser un bálsamo funcional para los duros tiempos que estamos viviendo. Un efecto con el que el vocalista parece estar encantado. “Yo no podría decirlo mejor. Quiero que el álbum haga que la gente se sienta positiva y conseguir que siempre exista algo de esperanza”. Lo cierto es que el británico regresa con una versión actualizada y a la vez más sofisticada y madura de sí mismo como artista. “Quizás este disco está en un nuevo nivel, tras lo aprendido durante todo este tiempo alejado del foco de atención”. Lo que no parece haber cambiado durante este periodo de inactividad es el motor de su creatividad, que además el músico explica de manera sencilla. “Mi habilidad para tocar mi piano y mi guitarra es toda la motivación que necesito para escribir canciones”. LO CIERTO ES QUE DIEZ AÑOS es mucho tiempo, el suficiente como para que pasen muchas cosas en la vida de cualquiera, también en la del propio entrevistado. “Rompí con mi ex pareja tras quince

años de relación. Poco después conocí a Leanne, que ahora es mi esposa. Con su ayuda dejé de beber en noviembre de 2015. Tuve varios problemas de salud: la enfermedad de Crohn, diabetes y un reemplazo de cadera. Así que he regresado después de todos esos golpes personales y de lidiar con un mundo en constante cambio. Eso está en este disco”. El trabajo que significa el regreso de quien ganase el Mercury Prize en el año 2000 con su estreno en sociedad, incluye el generoso número de catorce cortes. “Éste ha sido un período especialmente creativo. Tengo cientos, si no miles de canciones sin terminar. Regalo catorce canciones porque siento que es un buen número teniendo en cuenta todo el tiempo que he estado ausente”. Precisamente su debut, The Hour Of Bewilderbeast (00), fue lanzado después de ese apogeo del Britpop que se extendió durante años y que, de alguna manera, dejó el camino libre para la aparición de nuevos artistas. “Era felizmente inconsciente acerca de cualquier escena que hubiese en ese momento. Yo estaba creando mi propia escena con mi propio sello discográfico. Probablemente eso es lo que me condujo al éxito: estar en mi propia burbuja y aferrarme a mis armas. Que es exactamente lo mismo que estoy haciendo ahora y hasta el día de hoy”. Es evidente que la industria de la música ha cambiado mucho desde entonces. “Resulta irreconocible. La única forma de hacer las cosas ya no se corresponde con bandas firmando contratos discográficos. La competencia es más dura y mayor porque están las plataformas de streaming. Y con el COVID-19 de momento lo único que he hecho ha sido promocionar mi álbum desde casa durante los últimos tres meses. Queda por ver si ese es el futuro o no”. —RAÚL JULIÁN

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s “He regresado despuéy de golpes personales de lidiar con un mundo en constante cambio”

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—ALEIX MATA

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#6 julio 2020

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Pucho Vetusta Morla Días extraños

MONDO FREAKO

ómo estás llevando la evolución de esta pandemia? Pues bien, la verdad. Tranquilo, viendo muchas películas y también haciendo cositas extras: he sido jurado de un festival confinado de cine experimental, he participado en la canción “Los abrazos prohibidos” con muchas otras voces de la música española. Y también teniendo muchas reuniones con mis compañeros de banda. O sea que bien, haciendo cosas prácticamente que hacía antes del confinamiento. —Cuéntanos alguna anécdota divertida o algún descubrimiento de tu vida confinada. El mayor descubrimiento de mi vida confinada es que estoy resistiendo a estar encerrado en casa. Yo soy una persona que siempre pensaba que como fuera de casa, en ningún sitio. Y ahora estoy en el lado contrario: como en casa, en ningún lado. Estoy bastante bien y es el mayor descubrimiento que he hecho de mí mismo de estar encerrado en casa. —¿Estáis trabajando en algún proyecto novedoso que se pueda contar? ¿Se os ocurre alguna idea para recuperar esa normalidad a la que estábamos acostumbrados? La verdad que no. No estamos pensando en nada novedoso, de momento. Estábamos en mitad de una gira que ha tenido que ser suspendida y ahora también nos ha permitido parar y organizar un poco la casa por dentro y las cuestiones más burocráticas, más de empresa y demás. Estamos de momento limpiando como la gente que limpia su casa, pues nosotros también estamos limpiando de puertas para dentro. Y la verdad es que no tenemos mucha visión todavía de fuera, porque tampoco hay nada claro y nada seguro. —Parece ser que el sector de la música siempre ha quedado en segundo plano para nuestros políticos. En este sentido ¿Cómo ves el escenario

que queda para los próximos meses y principios de 2021? La verdad es que prefiero ser cauto… Más que cauto es que no veo tampoco qué es lo que va a ocurrir en los próximos meses, ni a principios de 2021 ni el año que viene. Siempre me he considerado una persona que ha vivido mucho en tiempo presente y esta pandemia nos ha puesto a todos más en el presente todavía. Entonces a mí no me ha pillado tampoco muy de nuevas, así que simplemente hay que armarse de paciencia y darle un espacio muy grande a la incertidumbre. Esta incertidumbre que estamos viviendo cada día, en la que cada día ocurren nuevas ordenanzas, nuevas maneras de concebir la vida y la sociedad, pues creo que hay que darle ese espacio y ser muy cautos, muy pacientes con la incertidumbre. Entonces creo que no puedo aventurar nada en ese sentido, qué es lo que va a pasar, lo que necesitamos es que todo el mundo esté sano y que pasemos esto lo antes posible, pero de una manera en la que todos estemos bien de salud. Es lo primero ahora mismo. —Si fueras presidente de gobierno, ¿qué harías? Si fuera presidente de gobierno no estaría contestando preguntas para Mondo Sonoro, eso seguro (risas). Pero si me dejaran, yo creo que invertiría mucho dinero en sanidad, en educación, en investigación y en cultura. Porque creo que son los pilares fundamentales

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de nuestra sociedad y creo que ya ha quedado bastante demostrado en esta pandemia el papel tan importante que cumplen todas estas áreas. Así que eso es lo que haría. —¿Qué canción tuya representa mejor este momento y por qué? Una canción nuestra que representa muy bien este momento es Las salas de espera, incluida en nuestro disco La deriva (Pequeño Salto Mortal, 14) y es un tema que habla de esa sensación, de la incertidumbre de la que hablaba antes, de armarse de paciencia y estar todo el rato expectante y esperando a que ocurra algo. Hay muchas veces que no tiene que ocurrir nada, pero ahora creo que es un momento en el que estamos esperando todo el rato a volver de nuevo a lo de antes y me parece que debemos empezar a pensar que nunca se vuelve a lo de antes. Entonces veo que hay que pensar en estar presentes todo el rato, y ser muy esponjas de todo lo que esté pasando a nuestro alrededor. Creo que esta canción habla muy bien de ello. Creo que van a subastar calma, control y noches en vela. Creo que eso muchos de nosotros lo estamos viviendo. La gente lo está viviendo en sus propias carnes, así que, si se analiza bien la letra, representa muy bien todo este estado en el que estamos ahora mismo. —MS

“Debemos empezar a pensar que nunca se vuelve a lo de antes”

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FOTO: GUSTAFF CHOOS

Durante las últimas semanas hemos estado realizando charlas con diversos artistas nacionales e internacionales para la segunda temporada de nuestro podcast, Valientes, diario de una reconstrucción. Y la que tuvimos con Juan Pedro Martín ‘Pucho’, cantante de los madrileños Vetusta Morla, es una de nuestras favoritas, así que aquí podéis leerla.

julio 2020 #7

Un proyecto de sonidos abstractos y filosofía experimental de los músicos y compositores Jared Blum, Dominic Cramp y Bill Gould. Los dos primeros llevan el sello de culto GiganteSound y lideran Vision Heat, Vulcanus 68 o Lord Tang, mientras que Gould es el bajista, principal compositor y corazón de Faith No More.

ue el mundo esté en medio de una pandemia parece un buen momento para lanzar un disco de este tipo, ¿no? (Jared Blum) Bueno, la idea completa del disco tiene que ver con una historia de un rey que está jodido, ya sabes, su reino de descontrola y él se vuelve loco. (Bill Gould) Sería como contar la historia de una civilización, de algún modo. Una que fue golpeada fuertemente y a la cual puedes observar en ese punto, y tratar de explicar qué fue lo que pasó con ella. La historia de una civilización quebrada. —Supongo que se habrá ejercitado mucho la paciencia con este disco… (Dominic Cramp) Seguro. Yo creo que llegamos a hacer suficiente música para… No sé, ¿tres discos? Fuimos en mucha direcciones dispares. (Bill Gould) Creo que en algún momento cada uno de nosotros creyó que esto no llegaría a buen puerto. No es fácil llevarlo adelante cuando tienes que parar tantas veces seguidas. Mantener ese fuego no es sencillo. Muchas veces quieres mandar todo al carajo y volver a vivir tu vida (risas). Pero, creo que al final lo conseguimos y fue un proceso muy interesante. —¿Qué significa este proyecto para cada uno de vosotros: es una forma de expresar sentimientos o más bien una manera de experimentar con sonidos o texturas? (Dominic Cramp) Para este disco en particular creo que son las dos cosas. Hay partes de belleza musical y otras de abstracciones muy bonitas. Hay fealdad… Hay de todo. (Bill Gould) Yo siento que no hay una diferencia entre ambas ideas. El sonido te da sentimientos, ¿no? Están conectados. Te da placer cuando los ingredientes son los indicados. —ADRIANO MAZZEO

“

Fake Names Canciones reales

No dejemos que los grandes nombres nos impidan apreciar el contenido por si mismo. Fake Names (Epitaph/[PIAS], 20) es un disco cuya frescura se extiende de principio a fin sin que las presiones hagan mella en lo que ha querido ser y ha acabado siendo: un álbum para pasarlo bien tanto nosotros como sus propios autores.

UNQUE FAKE NAMES tenga todos y cada uno de los condimentos de un súper grupo, su nacimiento y gestación se parecen bastante a una banda underground. Brian Baker (Bad Religion, Minor Threat, Dag Nasty, Samhain, etcétera), Michael Hampton (S.O.A., Embrace), Johnny Temple (Girls Against Boys) y Dennis Lyxzén (Refused, The (International) Noise Conspiracy) dieron forma a esta banda sin grandes planes, sólo por el hecho de hacer música. Baker me lo explica vía telefónica: “Estaba simplemente tocando, sin ningún objetivo en particular, con mi buen amigo Michael, a quien conozco desde hace mucho años. Nos dimos cuenta de que teníamos canciones que nos gustaban mucho: las canciones eran las que merecían tener una banda”. TRAS UN TIEMPO en el que lograron acercarse a un sonido personal, encontrando cada uno su espacio en esta nueva música, tuvieron lista su demo para presentar en algún sello pequeño, pero la sorpresa tocó a sus puertas. “Le mostré las canciones a Brett (Gurewitz, de Bad Religion y Epitaph Records) con la idea de preguntarle si se le ocurría algún sello que pudiera estar interesado en el proyecto. Claro, él conoce a todo el mundo en el ambiente. Le mostré la

música como amigo. Yo me imaginaba que esto saldría por algún pequeño sello de Francia, o no sé, algo en Seattle por ejemplo. Cuando expresó que quería lanzarlo él, me quedé en shock. Epitaph es mi sello independiente favorito”. El disco debut, lanzado recientemente no suena exactamente a gente de cincuenta y tantos intentando dar la talla (aunque Lyxzén sea algo más joven, claro), sino más bien se trata de un sólido grupo de canciones con gran gancho melódico, con potente mensaje, sobradas de espontaneidad y frescura. Al respecto, Baker apunta: “Posiblemente lo que escuches es esa falta de preparación surgida del hecho de que esto ni siquiera estaba pensado como disco. Era sólo una demo. Una demo que nos gustó y nos hizo pensar en un disco. Seguramente te suene juvenil porque es simple y no está sobre analizado”. EL PROCESO DE ESCRITURA tuvo a Baker y Hampton como protagonistas quienes crearon en base a las guitarras y enviaron las canciones a Lyxzén para que él les diera forma adaptándolas a sus letras, desconocidas por los demás hasta el momento de entrar a grabar en estudio. “Cuando llegó su turno de grabar, hizo todo en una o dos tomas. Y fue una gran sorpresa: no teníamos ninguna idea previa y ahí llegó él con esas letras increíblemente grandiosas, revolucionarias, nada poperas. Es un estudioso de la sociedad y lo que hace con su arte no es algo cómodo o agradable, así que fue genial la combinación de su seriedad y nuestra música. Una música que podría ir para cualquier lado, ya ves... Si pones a una mujer joven cantando y le sumas unos teclados, de pronto es una cosa completamente diferente. ¡Incluso podría ser música mala muy fácilmente! Pero Dennis la mejoró”, concluye Baker riendo. —ADRIANO MAZZEO

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s que “Las canciones eran landa” merecían tener una ba FOTO: ARCHIVO

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The Talking Book Tres (locos) amigos

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#8 julio 2020

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FOTO: JAVI MORENO

MONDO FREAKO

Sr. Chinarro El futuro hoy

EN LA MALETA

El calendario reserva espacio cada poco para un puñado de nuevas canciones de Sr. Chinarro, tradición que cumple casi tres décadas. El bando bueno (Mushroom Pillow, 20) es el nuevo mordisco pop del sevillano, que suma encomiendas. Adivino de colapsos, consciente ciudadano contra la huella climática.

The Architect

El productor francés es un beatmaker que ama pasar el día encerrado en el estudio creando música. Hace bien poco sacó un fantástico álbum llamado Une plage sur la lune (X-Ray Productions, 20), toda una declaración de amor hacia la cultura hiphop polinizada por estilos de otras latitudes.

#10 julio 2020

ON LA MISMA NATURALIDAD con la que el enamoramiento llega cada cierto tiempo, también lo hacen las canciones de Sr. Chinarro, que lleva casi tres décadas regando el panorama nacional. Sigue buscando el sevillano,

uáles fueron los principales motivos que te lanzaron hacer música y pincharla? La pasión por la música y la cultura hip hop, ¡y la curiosidad! También me encanta la reacción frente a mi música. ¡Es increíble cuando ves la reacción de la gente! ¡Por eso hago música! —¿Cuánto tiempo has tardado en sacar a la luz este nuevo disco y cuánto tiempo has dedicado a buscar todos esos increíbles samples que tiene? Hice este álbum con tiempo, buscando muestras cada día y también quería publicarlo porque quería “hablarle” a la gente. Era el momento porque tengo muchas cosas para expresarme, ¡y realmente quiero que mi música describa mis sentimientos! Me siento muy bendecido por los comentarios que me dan las personas, es increíble ver el apoyo y como se está compartiendo. En este álbum trabajé con amigos e invitados especiales y así es como describiría los últimos siete años para mí: ¡familia, viajes y música! Hay bastantes horas de búsqueda de discos en este trabajo, aunque me ayudaron mi distribuidor de discos Jerome y The Unique Orchestra en el estudio, Befour y Kill Emil. —¿Quién es tu beatmaker preferido de toda la historia? ¡Ah! Pregunta difícil porque todos tienen su propio estilo, pero realmente

iertos, "volverá a haber concpos de no hacinados en cam es, concentración musical pero ya está bien" ahora afincado en Cornellà (Barcelona), la cura del espíritu gracias al humor y la travesura. Y lo hace con un decimoséptimo trabajo, El bando bueno, rebosante de pop, psicodelia, sintetizadores, humor digital (auto meme en la portada) y hasta vaticinio.

aprecio a Cut Chemist, Nujabes, RJD2, J Dilla... —¿Y el artista del que más samples hayas sacado para tus temas? ¡Es muy difícil para mí elegir un artista o disco en particular ya que uso muchas muestras de muchas fuentes diferentes! —¿Te acuerdas de alguna situación peculiar (para bien o para mal) durante tus giras? Una vez viajé veinte horas en autobús con mi hermano Befour de Guatemala para tocar en Nicaragua. Cuando llegamos pinchamos durante dos horas, y debido a la organización tuvimos que regresar directamente a Guatemala en otro viaje de veinte horas de autobús ¡Cuarenta horas de autobús para pinchar dos horas! ¡Fue una locura, pero también tengo recuerdos maravillosos de todo Salvador y Honduras! —¿Y el mejor y peor club o festival en que hayas actuado? El mejor festival en el que he participado es el Festival Fusion sin lugar a duda, sin ofender a los otros festivales, pero es incomparable. ¡Y me encanta Cross Club en Praga! —¿Qué canción de las que eres muy fan nunca te has atrevido a pinchar? Siempre encuentro un momento para tocar estas canciones. Pero diría que El ocho loco de Gérard Dufour.

“Mi capacidad como adivino, o como agorero, ahí está. Tiene cierto mérito haberse adelantado a todo esto. Hay letras que me dan un poco de miedo; como se pueden interpretar de varias maneras, intento arrimar el ascua a mi sardina”, dicta Antonio Luque, siempre ingenioso, también al teléfono, obligado por el confinamiento. YA DESDE ASUNCIÓN (18) destila el cantautor dejes apocalípticos. Siempre se avecina algún tipo de fin, pero el colapso climático es acariciable. Anda Chinarro preocupado por esa huella (Planeta B). Con razón. “Me preocupa el progreso, sí. Las canciones sobre ecología son coñacíllo. A la gente no le gustan los sermones, pero realmente me preocupa. Es mejor echar un frenazo a nuestra actividad, intentando dejar la menor huella. Yo hago lo que puedo. Pero intento que sea el humor el que me mueva. Me gusta ser payasete. En las letras me gusta burlarme. Y en la música. Como en esa que dices, que va de lo brasileño a lo espacial. No hay más que ver a Bolsonaro y Trump, y a los chinos. Con sus carreras”, dice. EN SU LÍNEA, El bando bueno son también temas bonitos (Escorpio) o muy suyos (Sábanas santas). Las canciones de Luque son como los canelones de la abuela. Nunca sobran. Pero hacerlos tiene sus intríngulis, más con el paso del tiempo. Los teclados le han dado nuevas brisas al sevillano. “Cambian los músicos, cambia el estudio, cambian armonías, haces de otra manera. No hay una técnica ilimitada, son

—RAÚL LINARES

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RREl Low Festival, que se cele-

brará los días 30 de julio a 1 de agosto de 2021, ya ha adelantado los primeros nombres que pasarán por Benidorm. Se trata de Metronomy, Primal Scream y !!! entre los invitados internacionales, y a Amaia, Sidonie, Novedades Carminha, El Columpio Asesino, Belako, Elyella, Rufus T. Firefly, Toundra, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba y Ginebras, como nacionales. RRNace el Bilbao BBK Live UDA,

canciones de Chinarro. Tengo una rutina: un ordenador, el GarageBand, un micro, cables. Es super fácil hacer una maqueta si tienes una idea. Muchas canciones que escucho en Internet, grabadas en casa, son insuperables. Y lo del sintel, una vez busqué uno. Lo encontré subido de precio, de un chico. Seguí buscando. Y ahora tengo cinco. Tampoco me voy a convertir en un grupo de synth pop, pero porque nadie sabe tocar el teclado”, ríe. ¿Y SOBRE EL FUTURO del directo? Eso debe preocupar lo justo. “Esto va a pasar. Encontrarán una vacuna, los que lo hagan se harán muy ricos. Y volveremos a tocar. Y yo no volveré a dar la mano, que es una costumbre anacrónica, que viene de la época que llevábamos espada”. ¿Espada? “Quería decir que no ibas a apuñalar al otro. Nos lo podemos ahorrar. Pero vamos, volverá a haber conciertos, no hacinados en campos de concentración musicales, pero ya está bien”, zanja.

— YERAY S. IBORRA

un evento online que nos permitirá, del 9 al 11 de julio, disfrutar de seis conciertos exclusivos y ver algunas actuaciones históricas de la trayectoria del festival. Todo ello al mismo tiempo que se ponen las entradas para la edición 2021 del Bilbao BBK Live. Durante los próximos días se darán a conocer los artistas participantes, así que mantente atento a las redes sociales del festival o visita: www.bilbaobbklive.com. RREl ciclo Crew Nation Presen-

ta, organizado por la promotora LiveNation está que arde. Ha anunciado más novedades y todas ellas interesantes. Este ciclo, que se desarrollará en la sala La Riviera de Madrid entre el 15 de julio y el 15 de septiembre, contará con artistas como Guitarricadelafuente, Fuel Fandango, María Peláe, 84, Bely Basarte, Tomasito, El Kanka, Iseo, Izal, Miss Caffeina, Izaro, Rayden, Sex Museum, Sticky M.A., Triángulo de Amor Bizarro y muchos más. RREl próximo 17 de julio se

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El bando bueno (Mushroom Pillow)

iniciará de nuevo la gira #GPS10, Girando por Salas, que se extenderá durante los meses de julio, agosto, septiembre, octubre, noviembre y diciembre, con las actuaciones de un total de veintiséis grupos, entre ellos Aaron Rux & The Crying Cowboys, Balkan Paradise Orchestra, Bambikina, Carlos Cros, El Lado Oscuro de la Broca, J Dose, Kitai, La Sra. Tomasa, Las Sexpeares, Los Fesser, Los Saxos del Averno, Machete en Boca, Marem Ladson, Mourn, Sweet Barrio, The Levitants, The Prussians, Tu Otra Bonita, Uniforms, Veintiuno, Willy Naves y Wom’s Collective.

La penúltima sensación de la escena londinense se ha confirmado con 925 (Domino/Music As Usual, 20) de Sorry, quienes nos han estado alegrando estos tiempos de confinamiento.

harlamos con un afable Louis O'Bryen, cuyo debut largo junto a su amiga Asha Lorenz sorprende por una rara combinación de descaro juvenil y madurez. Ha recibido excelentes críticas. “Es bonito ver cómo la gente lo está escuchando y disfrutando. Toda la prensa ha sido buena. Como no hemos podido hacer bolos, la gente está más pendiente de las cosas online, pero no cabe duda de que es un buen modo de decirle a la gente cómo es el disco”. En relación a la extrema versatilidad (que no incoherencia) del álbum, afirma haber partido de “ideas diferentes, que vienen de lugares diversos. Gran parte de las canciones vienen de las maquetas que grabamos Asha y yo en mi ordenador en casa. Se las llevamos a James (Dring, Gorillaz, Nilüfer Yanya), el coproductor, para sacar de eso canciones de verdad. Algunas de ellas las grabamos el grupo entero. Al final, todo viene de lugares diferentes, pero nos gusta que el proceso sea fresco”. Respecto a Dring, “alguien nos lo recomendó. Nos cayó muy bien: es muy humilde, no tiene ego, y está encantado de trabajar con maquetas. No fue muy purista respecto al material, sino que le parecía bien que las cosas estuvieran algo desastradas y luego pulirlas un poco. Entendió de maravilla lo que queríamos hacer. A partir de ahí, estuvo encantado de avanzar con las ideas”. O'Bryen cree que la atemporalidad y las atmósferas turbias de sus canciones son tan naturales como la disparidad de influencias que manejan (de Alex G,

su ídolo, a The B-52's, Frank Ocean o los libros de Herman Hesse). “Nos divierte más hacer canciones un poco distintas. Mezclar un poco las cosas nos mantiene interesados en el proceso”. Y nos explica la misteriosa cifra del título: “Viene de la gradación de la plata. Cuando llega al 92.5 por ciento es justo cuando alcanza la pureza. Nos gustaba la idea. Es un poco abstracta. Nos gustaba también porque es nuestra primera 'oferta' como grupo, pero es también un poco imperfecta. Es una idea que creo que está presente a través del álbum y las canciones”. Asegura que, aunque la mayor parte del material lo componen él y Asha Lorenz –que decidieron montar una banda cuatro años después de conocerse en el instituto–, sus tres compañeros están en pie de igualdad. Al bajista lo conocieron en The Windmill, el club de moda del underground londinense. “Hay un montón de bandas geniales en Londres, y somos colegas de muchas. Así que podría decirse que es una especie de escena, aunque no en el sentido de que la música sea similar. Es muy variada. Pero es verdad que todos somos amigos, tocamos juntos y que llevamos un tiempo haciendo bolos juntos. Ahora todo se ha hecho un poco grande”. Haber recabado en un sello como Domino es todo un aliciente para el joven músico. “Sé que esto va a sonar a topicazo, pero realmente les apasiona la música”. —JC PEÑA

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pecie “En Londres hay una es en el de escena, aunque no ica sentido de que la mús sea similar. ”

FOTO: ARCHIVO

TAN. CERCA

Sorry Plata de ley

—MS

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julio 2020 #11

Mala de libertad Mala Rodríguez

Se abusa de aquello de “La Mala ya estaba allí” cuando lo urbano era orégano. Pero más importante que su carácter pionero tras dos décadas, es su pegada en el presente. Mala (Universal, 20) es un completísimo regreso: dancehall, pelotazos y también rimas lacerantes fruto del autoconocimiento. Mala, sí, mala de libertad.

EINTE AÑOS se han convertido en muchísimos desde que los discos se miden en bytes y no en gramos. Desde que los compactos se streamean y no se desembalan. En todo ese tiempo, se han normalizado muchas cosas. Algunas absurdas, como ir a móvil por año. Otras poderosas, tales como que las mujeres rimen y que las músicas urbanas sean universales y muy bastardas, mezcladas con pop, flamenco, electrónica o ritmos caribeños. No se entendería esa nuevo cotidiano en nuestra escena sin la tenacidad de María Rodríguez Garrido (Jerez de la Frontera, 1979). Mala Rodríguez voló los cánones del rap con Lujo Ibérico (Yo Gano, 00). Y los perdigones del bombazo derruyeron muros insospechados. Empoderamiento, libertad y orgullo gitano y andalusí. Desde entonces, la jerezana no se ha separado de sus mandamientos: “No hay que tomarse tan en serio la opinión de los demás. Mucha gente da opiniones muy buenas, a mí me gusta escucharlas si veo algo útil, aprendo, y si no, me resbalan”, se desempolva presión la artista. DOS DÉCADAS DESPUÉS de aquel disco paradigmático, Mala Rodríguez vuelve con su sexto original, Mala, flamante demostración de camino propio en el que los versos rebosan potencia y las palabras no son suficiente contenedor. Un largo donde las tendencias asoman lo suficiente para hacerlo de su tiempo, accesible, pero que conserva garra endémica. Una obra rara para tiempos de encierros. O no. “La gente que ha experimentado lo que es estar encerrada puede entender un poquito más mi música. Yo siento eso siempre, un cierto encierro conmigo misma”, reflexiona. “Hay que mirar muy adentro #12 julio 2020

—TEXTO Yeray S. Iborra —FOTO Gustaff Choos para encontrar las mejores frases, las mejores lecciones. Lo mejor está adentro. Este momento ha sido bueno para que todos hagamos lo mismo”, dicta. Sin vacilar, acompaña: “Es un buen momento para que la gente escuche este disco, sí. Y no lo he hecho queriendo, no es por el confinamiento. Al final siempre estoy buscando la paz, la felicidad, el sentido de la vida. Las canciones de mi repertorio buscan la libertad. Es bonito que todo eso tome un sentido hoy. En otro momento hubiese encajado hablar de banalidades, pero ahora es un buen momento para escuchar canciones que no lo sean”, zanja. SERÍA SENCILLO ELEVAR lo de la Mala al cuento de los dones, del talento innato. Pero la realidad es mucho más modesta (y currante): siete años han pasado desde Bruja (Universal, 13), el mismo tiempo que la jerezana ha andado buscando su centro y sus siguientes pasos. Mala es, entre muchas otras cosas, una potentísima tarea introspectiva. “Tu oro es ahora, esa' pepita' caen del cielo”, dicta en el tema que abre el disco, Nuevas drogas. “Me asombra cómo la gente, y lo respeto, hace música rápida, hay veces que sale así, pero si quieres armar otro tipo de emociones, tienes que vivir”. No se entendería la constancia del camino de la artista ni la pegada de sus rimas sin un trabajo interior que bebe del taoísmo. María Rodríguez practica Falun Dafa desde hace seis años, una teoría de origen chino que se basa en ejercicios de qigong y meditación. “Hago meditación. Es lo único que me hace no ser un puto demonio. [Ríe] Lo digo de broma, o tal vez no. Cuando no estoy tranquila, en calma, en control, soy un desparrame. Me hace mucha falta volver al centro y volver al foco. Desde que descubrí la meditación mi vida ha cambiado, parezco un anuncio, pero es que es verdad”.

EL TONO CON EL QUE LA MALA se expresa al teléfono, calmo y con las pausas necesarias para hilvanar sin ruido las respuestas, contrasta con la furia con la que escupe rimas. El arte es la voltereta con la que enfrenta sus miedos. Por ello Superbalada es una tromba que moja aun con paraguas. El disco por lo general es eso, un torrente. Pero hay algunas excepciones, como la sutil y emocionante Mami, homenaje a su madre y también a su propia maternidad. “Soy muy burra. Pero mi familia me quiere mucho e incluso cuando dicen que estoy loca, entienden que tengo mi vida. Cada ser humano tiene su camino y creo que no hay que olvidarlo. Cada uno tenemos un propósito y si nos alejamos de eso, nos perdemos, nos volvemos amargados y grises. ¿Por ser madre, tengo que dejar lo que más me gusta? Yo conozco casos a patadas y me da pena. No puedes olvidarte de ti”, dice. EL RESTO DE TEMAS DEL ÁLBUM apuntan en direcciones dispares: r’n’b, reggaeton, hardcore, urban latino. Pero el disco tiene una cuna: Jamaica. “En los dos mil, cuando empezó mi carrera, escuché mucho dancehall. Yo no tengo vinilos. Los únicos que tengo son los de Bounty Killer, imagínate. Toda esa escena es tan tan rica y se ha desarrollado tan lentamente hasta lo que es ahora que tiene un gran renacimiento mundial... Se ha hecho muy comercial y no muchos saben de dónde viene. Ahora es un amanecer y yo quería que estuviese ahí. Contigo o Peleadora tienen esa cadencia”. Su interés por el género nace en Madrid, donde compartió raves de perreo interminables. “En Madrid, sí, porque en Sevilla escuchaba flamenco y música de Marruecos y Algeria porque se cogían emisoras. Pero en Madrid empecé a escuchar mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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EN PORTADA

“No hay que tomarse tan en serio la opinión de los demás” a Sizzla. Era una loca de tirarme la noche escuchando dancehall. Había concentraciones, clases de perreo gigantescas. Fue una época que recuerdo con mucho cariño”, destaca. EL BAILE ES, INEXORABLEMENTE, uno de los centros del disco. “Lo siento, no hablo, yo hablo con mi culo”, promulga en Dame bien, junto a Guaynaa y Big Freedia, destinada hacer tambalear las pistas. O Like, co-producida por uno de los integrantes de Major Lazer, Walshy Fire. Otro de los puntales de Mala son las colaboraciones, un mundo que la jerezana ha explorado en estos años de inactividad discográfica. La más sorprendente de ellas, la de un Cecilio G con el que Rodríguez hace años que guarda estrecha amistad. “Lo conozco desde 2013 y no sé, le quiero mucho. Es muy importante para mí. Es un gran artista y responsable de mucha de la corriente nueva del trap en España. Es un valiente. Es el mejor”. Mala Rodríguez asegura que no ha pasado un mal encierro. Que ha disfrutado de su familia. “Me río mucho con mi hija pequeña, estoy descubriendo que es una auténtica loca. No entiendo cómo puede tener tanto arte y tantos cojones. No tiene vergüenza. Yo creía que yo era Mala, pero ella es más mala que yo”. Además, ha aprovechado para seguir trabajando. Pero sin dar más pistas: los caminos de la libertad piden cautela. “Estoy trabajando en un nuevo proyecto y estoy muy contenta, porque no es fácil encontrar gente que conecte contigo. Realmente está funcionando la química entre nosotros. Pero no es el momento de contar más”. —Y.S.I.

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EL APUNTE

Escuela de ‘malas’ Mala Rodríguez ganaba en 2019 el Premio Nacional de Músicas Actuales. El fallo del certamen dictaba que su quehacer había sido inspirador para muchas artistas claves del panorama musical actual. ¿La Zowi, Bad Gyal, Ms Nina? Lujo Ibérico apareció en un momento en que la escena rap estaba dominada por hombres, con contadas excepciones, como Arianna Puello. No se entendería el fervor de solistas femeninas en lo urbano, ni de bandas de marcado mensaje feminista, como Tribade, sin la Mala. Otra de las tocadas por el estilo de la jerezana es la ex Operación Triunfo, Lola Indigo, en pleno apogeo por sus múltiples colaboraciones, y que forma parte de Mala en Problema. Pero María Rodríguez se quita importancia. Dice que no todo es autoreivindicación en el título –su mismo nombre artístico– y la portada, ella de espaldas ante un aula, en su último álbum. Quiera o no, en su escuela de malas, faltarían pupitres. “Lo del Premio de la Música, me dio que pensar. Yo nunca voy mirando al pasado, sino para adelante. Pero bueno, es curioso que se haya normalizado que una tía diga ‘soy la puta ama, soy la jefa’. Es mi naturaleza, mi madre me ha educado en ese sentido: no le debes nada a nadie”, concluye. —Y.S.I.

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julio 2020 #13

Porridge Radio La mejor banda del planeta

hasta que suena como lo habías imaginado en tu cabeza". Aún así, no tiene sueños de grandeza, más allá de poder dedicarse a esto de la música profesionalmente. "Espero que sigamos haciendo música, componiendo, grabando y saliendo de gira, y no sé cómo será dentro de cinco años pero espero que esto se convierta en nuestro único trabajo". Con un disco de este calibre bajo el brazo, algo muy raro debería pasar para que no lograse eso y mucho más... —SERGIO ARIZA

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FOTO: EL HARDWICK

"Estoy aburrida a muerte, vamos a discutir", así comienza Dana Margolin Every Bad (Secretly Canadian/Popstock!, 20), el disco que debería colocar a su banda, Porridge Radio, en la rampa de lanzamiento de próximas grandes bandas de rock. Es ese mismo espíritu de confrontación el que le llevó a afirmar hace poco que eran "la mejor banda del planeta", algo que defiende con una franqueza abrumadora. Este debería ser su año, pero 2020 no está siendo un año cualquiera.

"realmente yo siempre estoy escribiendo canciones, aunque ahora tengo más tiempo para dedicarme a fondo a ello, también para leer más, que siempre ayuda creativamente", con lo que podríamos encontrarnos con un nuevo trabajo mucho más pronto de lo esperado. Eso sí, mientras tanto disfrutemos de un disco que resuena como una revelación, un segundo disco con un sonido mucho más profesional que su amateur debut, Rice, Pasta And Other Fillers, en el que se nota que han sabido sacarle partido al estudio de grabación. "Es realmente increíble ser capaz de trabajar en algo

A PERSONA que me encuentro al otro lado del teléfono, dista bastante de la combativa cantante del video de Sweet, suena lánguida y distante, mucho más tranquila de lo que cabría suponer. Evidentemente la falta de experiencia tiene que ver, por no hablar de la loca situación que estamos viviendo. En un momento en el que Margolin y su banda deberían estar comiéndose el mundo en la gira de presentación de uno de los mejores discos que llevamos de año, la cantante se encuentra confinada en casa de sus padres en Londres, lejos de la carretera y del "increíblemente bello y poderoso" mar de su añorado Brighton. SABE LA DIFÍCIL SITUACIÓN en la que se encuentran ("no vamos a poder presentarlo en directo, tampoco nos vamos a poder dar a conocer en los grandes festivales porque la mayoría van a cancelarse"), pero confía plenamente en su banda. "Cuando dije eso de que éramos la mejor banda del planeta, lo dije como algo para creer en uno mismo, para conseguir la suficiente confianza para hacer que suceda. Necesitas creértelo, necesitas tener esa confianza y estar excitado por lo que haces, porque si no, ¿por qué iba a estarlo nadie más?”. No puede tener más razón, nada de falsas modestias, aunque no le preocupe lo más mínimo que la música rock haya quedado fuera del 'mainstream'. "Para mí la música rock siempre ha sido underground

#14 julio 2020

“Necesitas creértelo, necesitas tener esa confianza y estar ces” excitado por lo que ha y ahí sigue habiendo un montón de buenas bandas si sabes buscarlas". CLARO QUE TAMBIÉN reconoce sus deudas con el pasado, es evidente que la huella del indie rock de los noventa es la que más pesa en su música, con referencias como PJ Harvey, Elastica o Nirvana, pero también hay otros nombres y estilos diferentes. "También nos gustan cosas más punk y hardcore, otras más pop, cosas con producciones resplandecientes, y también cosas mucho más raras y bizarras". Entre esas producciones pop, Margolin nunca ha ocultado su amor por Charli XCX y cuando le comento que está a punto de editar un disco hecho en confinamiento no puede evitar emocionarse. "Estoy ansiosa por escucharlo". CUANDO LE PREGUNTO si también a ella le está sirviendo creativamente el confinamiento me responde que

CRITICANDO Every Bad

Secretly Canadian ROCK 9/10

CADA VEZ PARECE MÁS claro que las mujeres son las encargadas de mantener viva la llama del rock, algo que ya habíamos visto con ejemplos como Courtney Barnett, Savages o Mitski. Ahora llega el debut en un sello grande de la banda de Dana Margolin, una joven con muchas cosas que decir y canciones perfectas para expresarlo. Su método compositivo parece basarse en utilizar mantras repetidos hasta la catarsis y sus canciones están

llenos de momentos en los que Margolin canta en bucle una frase logrando un efecto chamánico. Hay una polaridad entre lo que canta y cómo lo canta, este no es un disco para escuchar de fondo, Margolin y los suyos requieren tu atención completa, cada palabra, aunque sea repetida, resuena como una revelación en R unas canciones que beben de casi todo el rock de guitarras de los últimos cuarenta años, del post-punk al britpop, del indie rock al revival garajero de comienzos de siglo. Escuchando Every Bad uno no puede sino dar la razón a Margolis, ya no le queda nada dentro, se ha purgado y vaciado por completo en estas once canciones que colocan a su banda en la rampa de los “next big thing”. —S.A.

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The Sundays Reading, Writing And Arithmetic (Rough Trade, 90)

ARRIET WHEELER Y DAVID GAVURIN se habían conocido un par de años antes en la Universidad de Bristol. Ella venía de Reading. Él, de Londres. Entablaron una relación sentimental –que dura hasta el día de hoy– y profesional que les llevaría a probar suerte en Londres, reclutando al bajista Paul Brindley y al batería Patrick Hannan. En agosto de 1988 dan su primer concierto, en el Vertigo Club londinense. Entre el público hay tres periodistas. Se corre la voz de sus virtudes, se desata una de esas pugnas entre sellos por ver quién se lleva el gato al agua –esas refriegas empresariales que ya nos parecen pura arqueología– y es el pedigrí de Rough Trade el que gana. Su debut es el fantástico single Can’t Be Sure, de estructura tan atípica como magnética, publicado en enero de 1989. Además, sintoniza con el zeitgeist: “England my country, the home of the free, such miserable weather, but England's as happy as England can be: Why cry?”, canta Wheeler, recordando poderosamente el “England is mine, it owes me a living” que declamaban seis años antes The Smiths en Still Ill. La pareja sabía muy bien lo que era lidiar con la cola del paro en la Inglaterra de la poll tax y los últimos días de la siniestra Maggie. Y otro paralelismo justificado con Morrissey y cía: no solo por el sello discográfico o la sombría y anónima estética de sus portadas, sino también por los punteos y arpegios de la guitarra del exquisito Gavurin, inequívocamente adscritos a la escuela Johnny Marr. La soberbia You’re Not The Only One I Know, descorche de la cara B de este álbum, era entonces la mejor canción smithiana no facturada ni por Mozz ni por Marr. Reading, Writing and Arithmetic llegó al número cuatro en las listas británicas de 1990. Medio millón de copias. The Sundays apostaron por el formato álbum, sin entretener al personal con el clásico goteo de singles, y ganaron. Disco avalado por cierta sensación de hype, en aquel limbo entre el reinado de The Smiths y la consolidación de Madchester, aunque el revuelo tenía razones muy sólidas: la preciosa Here’s Where The Story Ends, la jubilosa Hideous Towns, la alborotada A Certain Someone, la intrincada Skin And Bones, la cegadora My Finest Hour… Once canciones de una delicadeza suprema, de un brillo tan incontaminado, de una belleza tan prístina, que no ha perdido propiedades en más de treinta años. Ninguno de sus dos álbumes posteriores lo pudo igualar.

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Hidrogenesse Humor español

Tras el fantástico Joterías Bobas, Hidrogenesse están de vuelta con un mini la mar de chipén titulado ¿De qué se ríen los españoles? (Austrohúngaro, 20) lleno de humor cañí y tonadas cósmicas. El nuevo disco de los barceloneses tiene su origen en Humor absurdo: una constelación del disparate en España, una exposición del Centro de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid comisionada por Mery Cuesta.

rimero de todo me gustaría preguntaros cómo estáis llevando estos meses de confinamiento a nivel anímico. ¿Cómo os sentís ante la situación tan extraña que estamos viviendo? Lo estamos llevando bien. Estamos muy acostumbrados a pasar mucho tiempo en casa. Intentamos no pensar en lo negativo que es todo. Nos informamos lo justo, sin estar todo el día pendientes de las mismas noticias. —Segundo, me gustaría saber cómo os ha afectado como grupo el parón de la actividad musical (conciertos y demás) y si habéis utilizado estos dos meses y medio para escribir y grabar cosas nuevas. ¿El mini que acabáis de sacar lo habéis concebido en parte durante el confinamiento? El álbum del humor absurdo estaba preparado de antes. La música se grabó para presentarse en la exposición, que se inauguró en enero. Como estamos muy contentos con el resultado, decidimos convertirlo en un disco de Hidrogenesse. Durante el confinamiento nos hemos dedicado a todas las labores que tiene un sello cuando se publica un disco: preparar el lanzamiento, promoción, embalaje, procesar pedidos, distribución, etcétera. —Antes de entrar al detalle con ¿De qué se ríen los españoles?, os quería decir que me parece que el timing del disco es perfecto. El humor –con re-

tranca- como vía de escape a estos tiempos tan oscuros que estamos viviendo. ¿Estáis de acuerdo? Pues claro. Pero los tiempos ya eran oscuros antes de marzo, aunque ya se nos ha olvidado todo. Cuando acabe esto, nos lo encontraremos de frente otra vez. —¿De qué se ríen los españoles? nace como un proyecto ajeno, pero escuchando las canciones del disco queda claro que lo habéis llevado a vuestro terreno. ¿Cómo ha sido el proceso de convertirlo en un disco con entidad propia? En un principio nos pidieron que hiciésemos una selección y edición del humor absurdo en la música española, pero luego cambiaron los planes y nos pidieron directamente que hiciésemos una pieza musical nueva, una canción o lo que fuera. Le propusimos a Mery Cuesta, la comisaria, cuatro bocetos para que eligiese por dónde había que tirar, y nos pidió que las desarrollásemos todas. Gracias a eso existe un álbum y no simplemente una sintonía. —¿De qué se ríen Hidrogenesse? Me refiero a vuestros referentes del humor o cosas concretas que os hagan partiros de la risa… Acabamos de ver dos miniseries francesas chiflantes: “Le Petit Quin Quin” y su segunda parte “Coin Coin”. Dos agentes de policía investigando misterios irresolubles en un entorno medio rural francés. Todo muy creepy, y sin actores profesionales. Una maravilla. Antes del confinamiento nos tronchamos de la risa viendo el último espectáculo “Under The Pelucas” de la Compañía De Jabugo. Pero el humor que más nos ha fascinado siempre es el de Chico y Chica. Es incomprensible lo geniales que son. —Volviendo a lo que os preguntaba al inicio de esta entrevista, ¿cómo veis el futuro cercano de la música en nuestro país tras la vuelta a la normalidad? Ya veremos. No tenemos ni idea, así que no nos vamos a preocupar más de lo necesario por algo que escapa de nuestras manos. Tiene pinta de que va a ir todo poco a poco, rollo “vuelva usted mañana” cada día.—XAVI SÁNCHEZ PONS

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“El humor que más nos ha fascinado siempre es el de Chico y Chica. Es incomprensible lo geniales que son”

FOTO: ARCHIVO

EL DISCO. RECUPERADO.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

julio 2020 #15

MONDO FREAKO

A INFLUENCIA DE CLOSER va mucho más allá de la historia de Bernard Sumner, Peter Hook, Stephen Morris y Gilliam Gilbert. Es tan vasta que, lo mínimo, era celebrar su aniversario de forma especial. Algo que queda de manifiesto gracias a la lujosa reedición en vinilo que se publica este 17 de julio del testamento final de Joy Division. Y que corre a cargo de Warner Music, en colaboración con Parlophone Records y Rhino Records. La cosa no queda aquí, ya que también correrán idéntica suerte doce pulgadas como Love Will Tear Us Apart, Transmission y Atmosphere. La guinda final a esta serie de novedades llega mediante Una luz abrasadora, el sol y todo lo demás (Reservoir Books, 20), libro del brillante periodista británico Jon Savage, que ha construido la biografía definitiva del grupo a través del relato de sus propios miembros. CON TODOS ESTOS INGREDIENTES, charlamos con Stephen Morris, el armazón rítmico en la sombra del grupo, que habla sobre la sensación mística que se percibía en el ambiente, durante su grabación. “En Joy Division, había mucho trabajo a la hora de escribir las canciones. Todo el mundo cambiaba cosas en el mismo momento en el que se hacían. En Closer, fue muy extraña la manera en la que fueron surgiendo las diferentes canciones. Simplemente, sucedían. No estábamos todo el rato pensando las cosas. Sencillamente, sucedían. Prácticamente, no era necesario hablar sobre ello. Fue muy muy extraño”. Más allá de la crisis personal de Ian Curtis, en aquellas sesiones, Martin Hannett se convirtió en el quinto Joy Division, no oficial. Pero su fascinante trabajo a la producción “no nos gustó a nadie. Esa es la realidad. Cuando te escuchas en el disco, y no te puedes reconocer, lo odias. Hoy en día, me gusta su sonido. Era tan tan diferente. Fue muy inteligente conseguir ese sonido y colocarlo en un lugar como Unknown Pleasures, que casi sonaba como si proviniera de otro planeta. Nunca me imaginé que, con el paso del tiempo, pudiera acabar apreciando el trabajo de Martin. Con Closer, nos pasó lo mismo. Tampoco nos gustó (risas). Todo el mundo lo odiaba. Nos enfadamos muchísimo”. Eso sí, “con Hannett se trataba de investigar. Nos fijábamos en lo que hacía. Estábamos muy interesados en la video-tecnología y en la manera de hacer los discos. Aprendimos cómo trabajar en el estudio y a utilizar la tecnología para conseguir el sonido que queríamos”. GRACIAS A HANNETT, en Closer hay sintetizadores y los elementos electrónicos entran de pleno. “En Unknown Pleasures, no hicimos sonidos como luego sí hicimos para Closer”, recuerda Morris. “Lo que tenía Unknown Pleasures es que, al fin y al cabo, era un disco rock. Fue solamente cuando ya tuvimos los sintetizadores que empezamos a interesarnos por esta vía más electrónica. Hasta I Remember Nothing, la última canción de Unknown Pleasures, nunca los habíamos utilizado. Esa clase de espacio que teníamos en esa canción era prácticamente ambient. Y cuando ya tienes un montón de espacio en la música, gracias a que la guitarra no está presente todo el tiempo, se abren las canciones. Puedo recordar cuando hicimos Isolation, una canción que, de la manera en la que surgió, fue muy emocional. Y sí, esa era la dirección que habríamos tomado si Joy Division hubieran seguido. Eso sí, creo que, en vez de haber tomado una línea más de música disco, habríamos seguido una más ambient”. —MARCOS GENDRE

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#16 julio 2020

“CLOSER” CUARENTA AÑOS DESPUÉS Joy Division

Este 17 de julio se conmemora el 40º aniversario de Closer, piedra filosofal del legado Joy Division y, seguramente, álbum más icónico de la edad dorada del postpunk. Para celebrarlo, entrevistamos a Stephen Morris, man-machine de la irrepetible formación mancuniana.

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“Everything’s Gone Green fue nuestro primer paso real para dejar de ser Joy Division y convertirnos en New Order”

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CRITICANDO Joy Division Closer Warner POST PUNK 10/10

HAY DISCOS QUE, con el tiempo, no hacen más que rejuvenecer. Quizá por el ADN espeleológico de la criatura en cuestión o porque su eco ha generado comparaciones a la baja respecto al original, la fecha de envasado se difumina a golpe de lifting. En algunos casos muy concretos, se dan estas dos circunstancias, al mismo tiempo. Así es con “Closer”, testamento discográfico de Joy Division y cumbre de la generación post-punk, en la que los de Mánchester abanderaron la facción más emocional. No es para menos con templos de lírica mayestática como “Decades”, escalón final de un trabajo donde ya se pueden atisbar los primeros rasgos genéticos de lo

que sería después New Order. “Isolation” da buena fe de ello, aunque también las capas ambient bailables de “Heart And Soul”. LOS PRESAGIOS ESTILÍSTICOS aquí reunidos llegan hasta el slowcore, con embriones tan evidentes como “Twenty Four Hours”. Por su parte, sin la dinámica imparable de “A Means To An End” no se entendería la existencia de las hordas neopostpunk del siglo XXI. Las mismas que, únicamente, se quedaron con el molde de esta obra de arte del vacío sónico. YA SEA EN EL ESTATISMO atmosférico que recorre “The Eternal” o en los silencios afilados de “Passover”, el segundo larga duración de Joy Division resquebraja los arquetipos de la canción pop y se nutre del enfoque, igualmente panorámico y opresivo, mediante el que Martin Hannett dibujó las nubes y los planos secundarios de las canciones que Ian Curtis y compañía trazaron como la Puerta de Tannhäuser del pop.

—MARCOS GENDRE

julio 2020 #17

Jon Savage Historia oral de Joy Division El reputado crítico musical Joan Savage ha reconstruido la trayectoria de la icónica banda de Manchester en Una luz abrasadora, el sol y todo lo demás. Joy Division la historia oral (Reservoir Books, 20). Volumen imprescindible para entender el legado de Ian Curtis, Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris, hablamos con su autor sobre la relevancia e influencia de los autores de Love Will Tear Us Apart.

ómo surgió la idea de Una luz abrasadora, el sol y todo lo demás? Trabajé como guionista del documental de Grant Gee sobre Joy Division. Durante el proceso de documentación y redacción entrevisté a muchísima gente del entorno del grupo, incluidos Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris. Tenía horas y horas de entrevistas grabadas con ellos. Hubiera sido una lástima que todo aquello no hubiera visto la luz. —Y entonces te pusiste a transcribir. Sí. Además, rápidamente tuve claro que debía ser una historia oral, un formato que nunca había usado pero que me encanta. De todas las maneras de escribir la historia de un grupo, al ceder la voz al protagonista y diluir la tuya como autor, me parece la más honesta, sincera y fiel a los hechos. Y yo lo que quería con el libro es que la gente pudiera sentir la historia como si la estuviera viviendo en primera persona, aquí y ahora. —¿Cuál crees que es el impacto de Joy Division en la historia de la música? Muchísimo. Si hablamos de pop y de rock, sinceramente lo digo, creo que son una de las bandas más influyentes de todos los tiempos. Grabaron tan solo dos discos pero es que esos dos discos son obras maestras. Eran buenísimos, ya está. No hay debate al respecto. —Los viste en directo. ¿Cómo eran sobre el escenario? #18 julio 2020

de las “Joy Division son una es bandas más influyent de todos los tiempos”

CRITICANDO Una luz abrasadora, el sol y todo lo demás Jon Savage Reservoir Books

9 Este pasado 18 de mayo se cumplían cuarenta años del suicidio de una de las figuras más fascinantes que ha habido en la historia del rock, Ian Curtis: envuelto en ese halo trágico que tanto y muy estúpidamente nos cautiva de los que se van demasiado pronto teniendo un talento demasiado grande. Pese a su escaso legado: un EP, dos álbumes (el 18 de julio se cumplirán cuarenta años de la edición de Closer) y un puñado de singles, fascinantes y enormemente influyentes Joy Division también fueron la banda de la que Curtis era cantante y oráculo creativo. Jon Savage es una de las firmas imprescindibles en el microcosmos de la prensa especializada musical. Un tipo que lo vivido todo y todo lo ha explicado excepcionalmente. Autor de títulos

imprescindibles como England's Dreaming, su brillante reconstrucción de la historia de Sex Pistols y el punk inglés, o el magnífico ensayo sobre la irrupción en el siglo XX del concepto adolescente y cultura juvenil Teenage: The Creation Of Youth Culture. Catálogo de incunables del género al que ahora hay que añadir Una luz abrasadora, el sol y todo lo demás. Joy Division la historia oral. Como explica en nuestra entrevista con él, Savage fue el guionista del magnífico documental homónimo sobre los autores de Love Will Tear Us Apart. Un trabajo que (junto a otras entrevistas realizadas a lo largo de los años en diversos medios) le dio la oportunidad de entrevistar durante horas a los miembros del grupo (Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris) así como a figuras importantísimas en la órbita de Joy Division: la viuda del cantante, Deborah Curtis; el fundador de Factory Records,Tony Wilson... El crítico ha transcrito todas aquellas charlas y, optando por el formato de historia oral, ha reconstruido el pasional e intenso puzzle que fue la corta trayectoria de Joy Division. El resultado es excepcional. —O.R.

He visto, como puedes imaginarte, a millares de grupos en directo, pero ninguno tan intenso como Joy Division. Había un elemento de intriga y peligro en su propuesta. La sensación era que en cualquier momento podía pasar cualquier cosa. —¿Por qué nos fascina tanto la figura de Ian Curtis? Porque era un joven de talento extraordinario que se fue demasiado pronto. En este sentido es una figura parecida a la de James Dean o Kurt Cobain, jóvenes con un magnetismo especial. —Y una muerte trágica... Se puede especular mucho sobre los motivos que llevaron a Ian a suicidarse, pero yo estoy convencido de que la causa principal fue su enfermedad, la epilepsia. Por aquella época sufría ataques constantemente y el tratamiento que estaba siguiendo no funcionaba. Eso lo estaba destrozando, afectándolo, desde lo afectivo a la música, en todos los aspectos de su vida. —¿Cómo era Manchester en aquel entonces? Una ciudad extremadamente gris, pobre y dura. No había futuro, literalmente. Lo peor es que, con el Brexit, vamos a retornar a la misma situación social. Una verdadera lástima. Por nada del mundo siento nostalgia de aquellos días. Lo pasé muy bien y viví grandes momentos, pero prefiero centrarme en el presente, en el aquí y en el ahora. —Has dedicado el libro a Tony Wilson, fundador de Factory Records y propietario de la mítica sala The Haçienda y uno de los hombres fundamentales en la irrupción de la escena musical de Manchester en los años setenta y ochenta. Tony Wilson es una de las figuras más importantes en mi vida, por eso le dedico el libro, más tratándose de la historia de Joy Division. Eran los años setenta, todos éramos extremadamente pobres y Tony Wilson, que también era productor de televisión, me propuso mudarme a Manchester y trabajar en uno de sus programas. Trabajar entonces en la televisión era como si te hubiera tocado la lotería. Creo que en el fondo lo que quería era que escribiera de sus grupos en las revistas en las que colaboraba. Cuando llegué a Manchester estuve dos meses viviendo en su casa. Seguramente, los dos meses más locos de mi vida. —ORIOL RODRÍGUEZ

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WALA. WALA.

“He encontrado la energía en casa a través del boxeo. El ring de boxeo comparte muchas cosas en común con el escenario. Necesitas actitud para enfrentarte a ello, pero te hace más fuerte mental y físicamente” Jehnny Beth en NME

“A Oderus Urungus no le gustaría ver una estatua en su honor en Richmond cerca de las de una panda de perdedores”

Para dar forma a Muzz, Paul Banks, vocalista y frontman de Interpol, ha unido sus fuerzas al productor y multiinstrumentalista Josh Kaufman (Bonny Light Horseman, Josh Ritter, The National) y al batería Matt Barrick (The Walkmen). Juntos publican Muzz (Matador/Popstock!, 20), una carta de presentación a la altura de lo esperado.

Blothar The Berserker de Gwar en Consequence Of Sound

“Somos unos tipos de sesenta años que le decimos a Trump: ¡Tío, no queremos esperar hasta noviembre! ¡Haz como Nixon y véte de una vez de aquí y vuélvete a la USFL (United States Football League)!” Chuck D de Public Enemy en Spin

“AL PRINCIPIO YO PENSABA QUE DE ESTA SITUACIÓN [CONFINAMIENTO] SACARÍAMOS CASI EL SEGUNDO DISCO… Y NO. SI ES VERDAD QUE, DE VEZ EN CUANDO, NOS HEMOS IDO PASANDO IDEAS VÍA WHATSAPP Y DEMÁS, PERO NO CREO QUE NOS HAYA SIDO PRODUCTIVA EN SI” Diego Ibáñez de Carolina Durante en Muzikalia

Muzz Murmullo en tiempos de calles vacías

UZZ ES UN PROYECTO colaborativo que Banks define como mucho más que una aventura paralela. De hecho, los tres se conocen desde hace años, llevaban larvando esta alianza desde 2015, y han participado al alimón en tareas de composición, producción y arreglos. Su tarjeta de presentación es el notable Muzz, un dechado de rock taciturno y seductor, de inspiración analógica (esos sintetizadores), que se mira sin rubor, pero también sin complejos, en el espejo de The National o –claro– The Walkmen. Deberían estar de gira desde finales de abril, pero la crisis sanitaria les has mantenido en el dique seco sin poder presentarlo sobre un escenario. Hablamos por teléfono con Paul Banks. AMIGO DE JOSH KAUFMAN desde que ambos coincidieran en un colegio americano de Pozuelo de Alarcón (Madrid) con tan solo quince años, y también de Matt Barrick desde que este tocara la batería en 2016 en su proyecto Banks & Steelz (con RZA), el músico de origen británico y domicilio neoyorquino nos explica que el sonido de este álbum busca, en esencia, la atemporalidad. “Matt y Josh le dan un toque maravilloso, todo tiene calidad por la utilización de buenos micros, preamplificadores y equipamiento analógico”, comenta, “y por eso capta una pureza que es anterior a este modelo digital de consumo de música en el que

llevamos metidos desde principios de los 2000. Era importante que todo sonase más tradicional, analógico y cálido”, remata. En realidad, la idea que tenían en mente “era que pudiera sonar igual que si hubiera sido hecho en los sesenta, en los setenta o ahora mismo”. EN CONSONANCIA con la traducción del nombre grupal (Muzz significa “murmullo”), hay una atmósfera de seductora parsimonia en estas doce canciones. La mayoría de ellas son medios tiempos, algunas incluso baladas. Hay un halo nocturno, muy orgánico en todas ellas. Logrando que respiren por sí mismas, sin apenas artificios. Paul Banks nos viene a decir que no fue algo exactamente premeditado, sino más bien fruto de un proceso de prueba/error que les llevó a descartar mucho material para centrarse en aquel cuyas hechuras mejor les sentaban. “No puedes anticipar qué es lo que mejor te va a funcionar, lo que mejor va a sonar, sino que hay unas cuantas canciones que encajan con ese temperamento, el registro en el que somos buenos”, reconoce. “Podríamos haber explorado una orientación más rock, pero este es el terreno en el que nos sentimos más cómodos, y además me da la oportunidad de aproximarme de una forma distinta como cantante”. PESE A ESA NUEVA VIS como vocalista que insinúa, incluso como letrista (“Josh y Matt han hecho que las letras sean más sentimentales”), Banks se resiste a marcar una línea divisoria férrea entre Interpol y Muzz. No considera, en absoluto, que este sea un proyecto paralelo. “Mi trabajo principal es ser artista, con cualquier proyecto, lo que ocurre es que trabajar con gente distinta hace que la química que surge siempre sea algo nuevo”, argumenta, pero eso no significa que Muzz sea una válvula de escape. “Nunca siento que aquí pueda hacer esto o allá pueda hacer lo otro”, sentencia. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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a sonar “La idea era que pudierdo hecho igual que si hubiera si tenta en los sesenta, en los se o ahora mismo”

“La gente de cierta edad tenemos tendencia a vivir en el pasado, pero somos solamente nosotros. Los jóvenes no tienen esa tendencia”

#20 julio 2020

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Bob Dylan en The New York Times

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MONDO FREAKO

AKING A DOOR LESS OPEN es el cuarto álbum de estudio que Car Seat Headrest entregan para el sello Matador, tras una larga serie de obras autoeditadas. Will Toledo, líder del grupo, me explica cómo fue el proceso compositivo del mismo. “Siempre estoy escribiendo, anticipándome al momento en el que pueda agrupar en un mismo espacio todas mis ideas. En 2016 comencé a hacer algunas demos de sonido extraño en las que utilizaba muchos sintetizadores. Cuando en 2018 llegó el momento de trabajar en serio en el álbum, utilicé esas demos como telón de fondo para lo que sería la estética final del disco”. El resultado final resulta inspirado, arriesgado, jugoso y, sobre todo, mutante de una pieza a otra. “Creo que ‘mutante’ es una forma precisa de describir el disco. Quería hacer un disco que fuera 'más grande que la vida' pero también muy humano. Y eso significaba incluir muchos elementos diferentes en cada canción. Implica que podría haber diferentes interpretaciones en diferentes contextos. Se trataba de hacer algo propicio para los diferentes estados de ánimo”. TODO SE CONCRETA en un disco de indie-pop que se permite algo de pose arty, mientras coquetea indistintamente con la electrónica o apura algún que otro ramalazo punk. “Para mí ‘indie’ siempre significó una forma de hacer y publicar música, pero que podría abarcar cualquier estilo. Me hace pensar en artistas como Animal Collective, cuya música cae entre diferentes géneros. Hacen sus discos basándose en la energía de cada uno de sus miembros y el resultado es orgánico, inclasificable. En ese sentido creo que este disco tiene un espíritu indie. Las canciones comenzaron de forma extraña, por lo que tenían que terminar de forma extraña o no habrían tenido sentido”. En la práctica, el disco apunta en diferentes direcciones y pone de manifiesto su poder hipnótico

EL APUNTE

Influencias

LA ESCUCHA DEL DISCO remite a multitud de nombres: Spoon, Devo, Beck, Dr. Dog, Peter Gabriel, Talking Heads, Buit To Spill, Clap Your Hands Say Yeah, Television… de lo que podría deducirse que Toledo tiene un sinfín de influencias externas que adapta a su propio estilo. “Todas son buenas bandas, pero Talking Heads y Devo son los únicos que realmente escuché mucho mientras hacía este disco. Principalmente trato de profundizar, así que si escucho algo que me atrae, intento averiguar cuál es su contexto. Pero prefiero aprender sobre diferentes cosas y tratar de reflejar un mundo más amplio con mi música que intentar saberlo todo sobre un nicho concreto”. En cualquier caso, este lanzamiento señala definitivamente al grupo como uno de los más interesantes e imagi-

nativos del momento dentro de sus coordenadas, lo que debería materializarse en el espaldarazo definitivo. “No tengo expectativas porque no sé cómo la cuarentena afectará a todo. Las personas necesitan tener un poco de equilibrio en su vida diaria antes de que haya espacio para la música. Sacamos el disco porque estaba hecho y tenía sentido retenerlo, pero si finalmente tiene algún tipo de impacto tardará en arraigar”. —R.J.

con cada uno de esos giros, logrando que cada una de las canciones luzca con fuerza propia. “Quería hacer algo que fuera sorprendente en todo momento, pero que no se evaporase una vez que desapareciese ese efecto sorpresa. Creo que cada canción es una ventana a un mundo diferente, pero todas ellas son ventanas de la misma casa. Muchos discos son como casas bonitas sin ningún tipo de vista. Lo único que hay en este disco son precisamente vistas”. ¿Cabría entender, por tanto, que Making A Door Less Open es más un disco de temas individuales que un álbum entendido como concepto global? “Tal vez. Es un documento de un período de mi vida, pero no hubo ningún tipo de organización predefinida durante este periodo, por lo que es más como una serie de instantáneas”. —RAÚL JULIÁN

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“Las canciones comenzaron de forma extraña, por lo que tenían que terminar igual o no habrían tenido sentido”

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Making A Door Less Open (Matador/Popstock!, 20) es el nuevo disco de Will Toledo al frente de sus difícilmente clasificables Car Seat Headrest. Un álbum que, potenciado por sus propias peculiaridades, se revela como inspirado, jugoso y, ante todo, cambiante a lo largo de sus diez temas.

Car Seat Headrest En la variedad está el gusto

julio 2020 #21

Dante Spinetta Todas las músicas “Mi alma creativa muta: nunca me até a un estilo”. Así se define Dante Spinetta cuando hablamos de canciones como Soltar, de su disco Puñal (Sony, 17), en la que colabora con la Filarmónica de Praga. Ahora publica nuevo material bajo el nombre de Niguiri Sessions.

LOS DISCOS DE MI VIDA

Francesco Tristano

El pianista y músico electrónico luxemburgués nos descubre seis discos que le han marcado. Su actuación será uno de los platos más suculentos de la primera edición del festival Pamplona Reclassics, que se celebrará en diversos espacios Pamplona del 28 de julio al 1 de agosto.

Glenn Gould

Keith Jarrett

Genesis

Si tuviese que escoger un solo disco sería sin duda este. La melodía infinita del maestro Bach en la versión del visionario Gould, el primer –y último– pianista de la historia que decidió dejar los conciertos del todo y dedicarse exclusivamente a grabar.

Es el disco que me abrió las puertas de la improvisación. No hace falta saber con antelación qué hay que tocar. A veces el escenario puede decidir por ti. Para ello hay que estar dispuesto a dejar de lado todas las convenciones que enmarcan un concierto. Aunque a veces pueda dar miedo, es un ejercicio liberador.

El rock progresivo de Peter Gabriel, y Genesis me han fascinado por sus composiciones épicas, orquestales. En ellas escuché muchos sonidos que me inspiraron. Era como si la orquesta fuera sustituida por instrumentos eléctricos y electrónicos.

The Koln Concert (1975)

A Trick Of The Tail (1975)

Plaid

Autechre

Maurizio

El arte de la fuga de la música electrónica se escribe en tres partes, y sin orden fijo. El primero es este. Plaid exploran la melodía infinita a su manera y siempre con sonidos sorprendentes. Si la música clásica existe, esto debería formar parte de ella.

El segundo lo representan Autechre. El lenguaje es cerebral y la rítmica compleja. Pero este álbum es de una belleza tremenda. Marcó un antes y un después para ellos. Escuchar esta música es un poco como hacer un sudoku, excepto que nunca te queda ninguna casilla vacía.

Y la conclusión electrónica está en manos del proyecto Maurizio, que busca la inmersión total en el dub, con bombo pesado y armonías nostálgicas. Como si la música dijera: “tú déjate llevar y nosotros nos encargaremos del resto”. —MS

Spokes (2003)

#22 julio 2020

LP5 (1998)

creció la escena a niveles soñados hoy en día”. Del rap pasó, en 2002, al R&B y al pop en Elevado, su primer disco en solitario. AHORA PUBLICA NUEVO MATERIAL, aunque la cuarentena lo ha obligado a parar todos sus planes musicales a corto plazo. Por el momento, empezará de cero. “El mundo cambió y la energía en el aire también. Cuando arrancó la pandemia, yo estaba metido en el estudio trabajando algunos tracks. Pero siendo sincero, creo que voy a arrancar de nuevo”. Su autoexigencia, mezclada con la crisis actual por el Coronavirus, le hizo replantearse sus prioridades. “Todo esto nos enseña lo frágil que es el mundo, nunca sabes cuándo todo puede terminar. Por eso, más que nunca, quiero dar lo mejor de mí y hacer el mejor álbum posible”. EL TRAP, LA ÚLTIMA OLA URBANA en Argentina, ha tenido mejor recibimiento del que tuvo el rap en su momento. Duki, Khea, Cazzu o Neo Pistea, algunos de los máximos representantes del género, son tan solo la punta del iceberg de un movimiento clave para entender la música actual en Argentina y Latinoamérica. Verano Hater y No sigas, dos colaboraciones con Duki y Neo Pistea, dan una idea de la atracción que Dante siente por todas las nuevas sinergias urbanas. “La música urbana en Argentina esta on fire. Siento que esta generación de artistas urbanos es libre y hace lo que se les canta. No tienen tantos prejuicios como antes. Me siento identificado con eso”. —KAREN MONTERO

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Maurizio (1997)

lo frágil “Todo esto nos enseñaa sabes que es el mundo, nunc rminar” cuándo todo puede te

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FOTO: ANNA POLLACK

Johann Sebastian Bach. Goldberg Variations (1981)

N SUS CASI TRES DÉCADAS de carrera musical –empezó cuando apenas tenía catorce años–, ha introducido un sinfín de estilos en su marca musical, como el rap, el pop, la electrónica y hasta el trap, género en el que ha colaborado con figuras del boom urbano argentino como Duki o Neo Pistea. Es un ser puramente artístico: como nos cuenta desde Buenos Aires. “Nunca decidí ser músico, simplemente lo fui. Nunca dudé de lo que sentía”. Cuatro discos de estudio en solitario y nueve con su anterior banda Illya Kuryaki & The Valderramas han proyectado la carrera de Dante Spinetta hacia el éxito total y convertirlo en una de las figuras musicales más importantes de Argentina y América Latina. El apellido podría haber pesado bastante para el hijo de Luis Alberto Spinetta, icono imprescindible del rock en español. ¿Trató Dante de tomar el testimonio de su padre? “No me pesa; al contrario, me da alas. Desde muy chico, mis padres me inculcaron el lenguaje de las artes. Crecer en el ambiente que viví fue una bendición para mí, rodeado de poetas y grandes músicos como mi padre y sus amigos”, confiesa el músico. Acostumbrado a mamar la música desde pequeño, pronto se sentiría atrapado por los ritmos del rap y fundaría junto a su gran amigo Emmanuel Horvilleur Illya Kuryaki & The Valderramas, uno de los grupos con más éxito en la década de los noventa en Argentina. Pero no siempre fue así “Recién en nuestro tercer álbum, Chaco, logramos la aceptación y el respeto que merecíamos. Pasamos de ser un dúo alternativo de rap y funk a ser una de las bandas con más proyección en América Latina. Es increíble como

Rolling Blackouts C. F. Atajos a la cima R MONDO FREAKO

De algún modo, Rolling Blackouts C. F. siguen dando pasos firmes y precisos hacia la cima, una cima que no supone éxitos sorprendentes y ni ventas millonarias, sino depurar al máximo su creatividad. Sideways To New Italy (Sub Pop/Popstock!, 20) es la demostración de que están haciendo bien las cosas.

somos conscientes de que hemos entrado en otra fase y que el punto de referencia va variando. Lo más importante es que lo que hacemos suene bien, pero sin llegar a obsesionarnos. Hay que saber también cuando es suficiente. No queremos perder nuestra esencia”. ROLLING BLACKOUTS C.F graban para Sub Pop, un sello histórico por distintos motivos. “Estoy orgulloso de estar con ellos. Aparte de por su historia, quienes lo llevan son gente muy maja. Son como una familia y es fácil trabajar con ellos. La mayoría de los que trabajan son jóvenes con ganas de apoyar a las bandas, además tienen todo ese bagaje de lo que vivieron en Seattle. Cuando yo era niño me entusiasmaban Nirvana, aunque me gusta el grunge en general, en especial Soundgarden. Algo que me seduce de ellos y de los sellos con personalidad es ver su logo en los discos. Y que ese logo en particular esté en los nuestros mola mucho”. —TONI CASTARNADO

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ador, "Es un disco esperanz onar no queramos preg tristeza

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FOTO: ARCHIVO

OLLING BLACKOUTS COASTAL FEVER tenían por delante una tarea que acarreaba cierta dificultad y misterio. Debían mantener la expectación creada por Hope Downs, su primer álbum, y lanzar un segundo disco que marcase cómo y dónde querían establecerse como banda. Y eso es lo que han hecho. Sin perder la frescura, ni mucho menos su espíritu valiente, los australianos han apostado por la luz y por un pop sin dobleces ni complicaciones. Atendiendo más a los paisajes y a la idea del menos es más, Tom Russo nos descubre las múltiples virtudes de Sideways To New Italy. “No sé si más pop, aunque es verdad que suena más pulido. Hemos estado trabajado mucho en el ritmo de las canciones, porque para nosotros era importante tratarlo convenientemente. Queríamos escapar de cosas más obvias. Creo que lo que sí hay en este disco es algo más de dulzura. Flota en el aire”. En Hope Downs las letras hablaban de desilusión y de la fijación por encontrar el amor. Ahora todo es pura ficción romántica. O al menos, eso es lo que han intentado transmitirnos. “Exacto, esto es pura ficción romántica. La mayoría de canciones son positivas, luminosas. Es un disco esperanzador, no queramos pregonar tristeza. Es un álbum ideal para salir a la calle. La gira del primer disco fue muy dura, al volver a casa nos enfrentamos a una realidad con puntos extraños. Nos sentíamos en un nuevo lugar, con lo cual hubiera sido fácil caer en el cinismo o en la depresión. En cambio, lo que hemos hecho es apostar por celebrar la vida”. CON LO QUE IMAGINO que habrán tenido que cargar durante el proceso de creación de Sideways To New Italy es con esa presión añadida que suele

conllevar haber publicado un debut con repercusión internacional. “En realidad no ha sido del todo así, pero siendo honesto también tengo que reconocer que algo sí había. A ver, al final la presión te la pones tú mismo cuando quieres hacer el mejor disco posible y sacar lo mejor de ti mismo. Trabajas con la intención de tener una nueva percepción, de abrirte a otras direcciones que enriquezcan tu música. Así que creo que no es una presión real, sino que es la que tú mismo te impones. Pero entiendo lo que planteas e imagino que muchos grupos habrán pasado por eso”. GRACIAS A LA REPERCUSIÓN de Hope Downs, los australianos han contado con más medios para dar forma a Sideways To New Italy. De alguna manera, todo ha sido más profesional. “Sí, en comparación esto ha sido todo más profesional, con más medios, con un buen productos. Ten en cuenta que todo lo anterior lo produjimos nosotros mismos. El entorno y las circunstancias eran diferentes. Me excita la idea de no poner techo a tu ambición, pero sin dejar de ser realista. Ahora

julio 2020 #23

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Trepàt Las fases del amor en ocho canciones

cesite “Quizás todo grupo ne y... un tiempo de desapego sí, bloqueo creativo”

Canción divina (Miel de Moscas, 20) significa el retorno de Trepàt, un lustro después de su último trabajo. Se trata de un disco conceptual sobre las fases del amor; desde lo poderoso que te sientes al conocer a alguien que te gusta (Power) hasta el final de todo, cuando ya no queda nada (Desde la oscuridad con amor). Vamos, una historia contada en ocho canciones.

RRJónsi, líder de Sigur Rós y uno de los

TAN.LEJOS

miembros de proyectos como Riceboy Sleeps o Dark Morph, presenta Swill, segundo avance del que será su segundo larga duración en solitario, Shiver. Esta vez apuesta por la electrónica (no en vano produce junto a A.G. Cook, uno de los nombres imprescindibles de PC Music). En el disco colaboran otros artistas como Robyn o Liz Fraser de Cocteau Twins. RREl próximo 4 de septiembre se publi-

cará AngelHeaded Hipster: The Songs Of Marc Bolan And T.Rex, disco de homenaje a Marc Bolan en el que participarán artistas como Father John Misty, Lucinda

Morodo El final del túnel Música como terapia para los malos momentos. Morodo regresa con un disco lleno de buenas vibraciones y mensajes positivos, Luz (Mad91, 20), cocinado a fuego lento tras más de un lustro sin publicar discos propios. Ha llegado el momento de recuperar el trono.

#24 julio 2020

Williams, U2 con Father John Misty, Lucinda Williams, U2 con Elton John, Joan Jett, Todd Rundgren, Devendra Banhart y muchos más. De momento puedes escuchar las versiones de Kesha (Children Of The Revolution) y Nick Cave (Cosmic Dancer). Es un proyecto organizado por el recientemente fallecido Hal Willner. RRPublic Enemy se muestran en plena

forma con su nuevo single, un alegato anti-Trump creado junto a Dj Premier y que responde al nombre de State Of The Union. RRArtistas como Beyoncé o Anderson

.Paak reivindican sus raíces publicando

N ESOS DÍAS NUBLADOS en los que nada parece brillar, géneros como el reggae y artistas como Morodo pueden ayudarnos a ver las cosas con más claridad. El madrileño regresa con Luz, su primer disco tras seis largos (al menos para un servidor) años de ausencia. “No ha sido por falta de inspiración, más bien se debe a la actividad y a los viajes que me impiden dedicarle tiempo suficiente al estudio. Y al tiempo invertido en Mad91”. Hablamos del sello que rige el propio Morodo y con el que lleva más de una década dando apoyo a artistas de reggae y rap. Un certificado de garantía creado sobre unos pilares bien definidos: “Somos un sello independiente y apoyamos a artistas independientes, con una filosofía de trabajo basada en que somos artistas trabajando con artistas, y como tal intentamos salirnos de

d de "No tengo la necesida to entrar en ese circui rar" de música de usar y ti mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

maduro y contenido, bonito, bailable y del que, después de tanto esfuerzo, no podemos estar más orgullosos”. Y no es para menos, pues es claro y meridiano que ahora, tras varios cambios de formación, todo encaja mejor que nunca en la banda. Dani Molina a los teclados (Elsa Bhör, Plastic Frostik Machine) y Alberto Valero (Colectivo Da Silva, Agáchate Maldito) a la batería fueron los últimos en llegar, pero han tenido tiempo de sobra para adaptarse y aportar solidez, solvencia, contundencia… Aun así, las marchas siempre duelen, más si son de amigos, como explica Patricia Pascuau (bajo): “En nuestra opinión, los cambios de componentes en un grupo son de las situaciones más tristes y amargas que puede experimentar una banda. Siempre lo comparamos con las rupturas de pareja. Sobre todo cuando hay una química tan especial. Al principio todo es un drama, pero luego pasa el tiempo y ves que la máquina sigue funcionando. Echas en falta algunas cosas, pero siempre aparecen otras nuevas”. Estos días, lo que más extrañan, no por

obvio vamos a omitirlo, es el contacto directo de las nuevas canciones con la gente. Las pueden escuchar en casa, en la calle, el coche… pero no en una sala o un festival. “Esta situación que vivimos nos ha roto el corazón. Tanto por el desastre social generado como, en lo que repercute al grupo, por los esfuerzos en la preparación del lanzamiento. Esperábamos con ansia este momento pero somos sensibles a la realidad social que nos rodea y solamente nos queda cuidarnos y esperar. La música queda ahí pero echamos de menos el directo. Nos gusta disfrutar de la música en casa, de las producciones cuidadas (y así hemos deseado que sea el sonido de Canción divina), pero cuando se produce el estallido, claramente, es ante el público”, cuenta Miriam Cobo (guitarra y coros). Necesitan alimentarse de ese feedback. Más si cabe, teniendo en cuenta que todo lo que rodea a Trepàt tiene mucho de ritual, de liturgia. —VÍCTOR MARTÍNEZ

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cifra mucho mejor, pero finalmente superó de largo lo alcanzado durante esos días por una Blue Angel Cloud 2 de Prince (563.000 dólares).

estos días canciones como Black Parade en el caso de la primera y de Lockdown del segundo. Los temas se publican como respuesta a la muerte de George Floyd a manos de un policía estadounidense.

RRBris, uno de los jóvenes

raperos norteamericanos más prometedores, falleció el pasado mes durante un tiroteo callejero. Cuando la policía llegó al lugar de los hechos, el autor de éxitos como Panhandling o Sparked A Fuse, ya había muerto.

RRLa guitarra acústica Mar-

tin D-18E de 1959 que Kurt Cobain utilizó en el histórico MTV Unplugged de Nirvana fue vendida el pasado mes en una subasta por nada menos que seis millones de dólares. La organización esperaba una

esa visión empresarial que existe en la música y nos centramos en lo que como músicos nos gustaría para nosotros mismos. Creo que esa es la gran diferencia y de ahí viene que nuestro nombre sea Mad91 Familia; nunca le ofrecería a un artista un trato que yo no aceptase”, reconoce el cantante, quien actualmente se encuentra trabajando con Jah Nattoh, Lua Kosta, El Chico Erre, Kasta, Baino Di Lion o Ras Zohen. PERO VOLVAMOS A LUZ. Seis años sin un disco de Morodo se antojan demasiados, pero “la industria McDonald’s de ahora no marca mi ritmo de trabajo y tampoco tengo la necesidad de entrar en ese circuito de música de usar y tirar”. En todo caso, el singjay regresa con un disco cargado de fuerza y energía, donde el rap copa un papel protagonista gracias, entre otras cosas, a las exce-

—MS

lentes colaboraciones de Tote King y la venezolana Gabylonia. “El reggae en España es un género que está muy hermanado al hip hop, si comparamos su evolución con la de este creo que está de más decir que es notoria. Para muestra están la cantidad de artistas, soundsystems, bandas y medios que han venido creciendo en estos últimos años”, asegura el cantante, aunque reconoce que “aún faltan más medios especializados y apoyo para que siga creciendo”. SU DISCO SUENA A REGGAE Y HIPHOP, y para lograrlo ha contado con la ayuda en la producción de Okoumé Lions y P. Leyenda, “aunque el grueso en la producción lo lleva HDO. Yo he trabajado más como arreglista, transformando algunas de las producciones y acercándolas más al sonido que yo buscaba, así como la edición y la mezcla”. Una suma de elementos y

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de talentos contribuyendo para que Morodo siga manteniéndose como la mayor referencia del reggae nacional. No obstante, pese a la ausencia editorial su presencia ha seguido siendo habitual en los mayores festivales y escenarios del circuito. Una actividad que el madrileño quiere recuperar lo antes posible. “Como el resto de artistas, sean del género que sean, todos nos hacemos la misma pregunta. Mi intención es seguir trabajando y adaptarme, esperando con cierta resignación que las instituciones actúen”. —ALFONSO GIL

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St Woods La calidez de una voz FOTO: ARCHIVO

REPÀT NO SON UNOS RECIÉN LLEGADOS. Eso es algo que se sabe, más allá de Granada. Acaban de publicar Canción divina, tercer elepé de la banda y posiblemente el que más haya costado alumbrar, por diversos motivos. “Han pasado cinco años. La suma es una gira con cierta contundencia, la composición de canciones y una grabación larga, marcada por vaivenes y contras de la vida. Quizás esos cinco años estén tocados por algo de torpeza y falta de organización del tiempo, o quizás no, quizás todo grupo necesite un tiempo de desapego y... sí, bloqueo creativo”, se sincera Juan Luís Torné (guitarra y voz), quien también saca pecho cuando hablamos del resultado final del disco, pese a que El amor está en la tierra (Miel de Moscas, 15) había dejado el listón muy alto. “En este disco se ha dedicado especial atención a la melodía, a la letra y su métrica para sacar músculo en un terreno pop que Trepàt no había experimentado anteriormente. Estamos muy contentos con el resultado. Somos conscientes de haber creado un disco

A Nacho García, conocido artísticamente como St Woods, se le ha comparado demasiado con otros artistas, pero en su primer álbum, Bones (ONErpm 20), hace méritos suficientes para que le tomemos muy en serio.

UNCA ES FÁCIL ser presentado como el nuevo alguien, el nuevo Dylan, o su símil, el Dylan español. Es una etiqueta que suele dar fama efímera para luego quedar sepultado bajo el peso de la comparación. Es evidente que la deuda de Nacho García, mejor conocido como St Woods, con Bon Iver es grande, pero cuando Tomás Fernando Flores decidió bautizarlo como el “Bon Iver español” le hizo un regalo envenenado. Pero ahora ya tenemos aquí Bones, un disco que lleva grabado desde finales de 2018, y su talento queda a la vista de todos. Para empezar, Nacho me comenta su miedo a esas comparaciones. “Nos metimos en el estudio con el miedo de hacer la ‘boniverada’ española” para agregar que “le agradezco mucho a Tomás que me llamara el Bon Iver español, pero eso me ha encasillado y no quiero caer en eso (…). Mi objetivo no sé si con este disco o con el proyecto que presento es tener mi propio género, es que alguien diga esto suena a St Woods”. ES EVIDENTE QUE LA HUELLA del proyecto de Justin Vernon es muy grande, desde el seudónimo a muchas de las piezas del disco, pero también hay otras referencias, como se puede apreciar en canciones como Wasted Love, una de las que sirvió de adelanto y que es más arriesgada en su producción con la que el cantante dice que le apetecía “jugar un poco con otros sonidos, darle una vuelta al mío”. Algo que también ocurre en otras piezas como Fire, un tema que suena “rollo Dinosaur Jr. o The War On Drugs” y que cambia la dinámica en un disco que se inclina mucho hacia los temas más pausados. —SERGIO ARIZA

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julio 2020 #25

AETIB

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La despedida de Txarango Txarango

De vent i ales Halley Records

MESTIZAJE / No deja de ser curioso que todo lo que gire alrededor del disco más corriente de Txarango sea por el contrario bastante inusual. Y, ojo, porque escribo lo de corriente, no en el sentido peyorativo del término, sino para indicar que este De vent i ales es el disco más Txarango que podrían haber grabado. Todo su mundo, su sonido, sus influencias, pero también todos sus tics y automatismos, están ahí para el goce y disfrute de sus fans. Una bacanal de dieciséis temas que te transporta, encandila y lleva a acompañar a la banda por los diferentes viajes que ha emprendido durante estos últimos años. Viajes por cuatro continentes distintos, sí, pero viajes también por diferentes experiencias vitales y sensoriales que han provocado una decisión tan dura y difícil como valiente y honesta. Txarango lo dejan y este De vent i ales es su epitafio. Un hecho que, sin duda, marca todo el tono del disco. Todo el mundo es consciente de que los catalanes podrían haber estirado el chicle hasta el infinito, De eso y de que lo dejan en su mayor y mejor momento de popularidad y ventas –las ocho mil copias que han vendido en el proceso de pre-venta de este trabajo así lo demuestra–, pero Txarango son más que una banda de mes-

tizaje que canta en catalán. El colectivo autogestionado es ante todo un potente sujeto político, empeñado en demostrar que ese eslogan tan manido que dice “que otro mundo es posible” no es solo una frase ‘chupi-lerendi’ para estampar en camisetas. En su caso es un objetivo que les ha llevado a tomar muchas decisiones tan valientes como arriesgadas. Si hay que ser consecuente se es hasta las últimas consecuencias. Y si estas pasan por poner fin a la banda para dar cabida a nuevas aventuras vitales hay que ser muy honesto. De vent i ales no es el mejor disco de Txarango, pero sí tiene todos lo ingredientes para ser muy disfrutado. Una ponderada combinación de canciones de baile, reflexión y tono íntimo cuando toca serlo. Y, claro, cualquiera entenderá que con dieciséis canciones y casi una hora de música hay de todo como en botica. De la Cuba más expansiva (Aguacero) al Senegal que tanto alegrías les ha dado (Nous camins), pasando por la cumbia (La foguera), la inevitable rumbeta-catalana (Avui que fas anys, Barcelona), el ska vodevilesco a lo Caligaris (Bendita vida), la caricia del reggae caribeño (Si sabessis) los himnos expansivos a lo Coldplay de Quan cau el sol, la vertiente más íntima en una preciosa canción marinera y mediterránea como La memòria de les mans, una balada en toda regla como Ara que balles amb mi y un dulce vallenato a modo de literal despedida con el que cierran el disco (És hora de tornar a casa). Quizás lo lo único que le falte a este De vent i ales sea uno de esos temas rotundo en forma de hit como Una lluna a l’aigua o Music de carrer. —DON DISTURBIOS

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POP / Por mucho que nos lo

intenten vender como la nueva normalidad o cualquier otra absurda etiqueta de nuevo cuño, el futuro al que vamos a tener que hacer frente es tan desolador que, sin duda, este disco llega en un momento más que necesario. Nadie sabe cuándo vamos a poder socializar, desconectar de la rutina y liberarnos en una pista de baile como hacíamos tiempo atrás, por lo que “Chromatica” funciona como un vestigio sonoro de lo que hasta hace un suspiro éramos todos y cada uno de nosotros. Y a esa nostalgia, por supuesto, se le suma el hecho de que este es un artefacto que apela sin disimulo a aquellos tiempos felices en los que se podía recurrir sin miedo de contagio a la música house, al eurodance de los noventa y a la épica petarda de las galas eurovisivas. Echábamos de menos a esta Gaga. —SERGIO DEL AMO

Lost Songs (Found) Glassnote

cualquier canción de Two Door Cinema Club en los últimos diez años, ya sea en festivales, conciertos o pistas de baile? Los irlandeses son uno de los referentes indie pop de la última década. Pero incluso uno de los nombres más visibles en estos últimos años tiene unos inicios. Estos comienzos los publican ahora en un recopilatorio vibrante de siete canciones en el que la banda incluye primeras demos, así como temas que nunca habían grabado en estudio pero que algunos fans habían podido escuchar en conciertos de sus inicios. Una revisión a la esencia, a las raíces de las cuales nacieron, en tiempos de replanteamiento por pandemia. Aquí recuperan el baúl de los tesoros de una infancia tierna y creativa, con un debut que los catapultó a la fama mundial.

—KAREN MONTERO

Owen Pallett

Pokey LaFarge

Island Domino/Music As Usual

POP / El cantante, composi-

tor y multiinstrumentista canadiense, que ha trabajado junto a Arcade Fire o The Last Shadow Puppets, entre muchos otros, se ha lanzado a la palestra una vez más sin la pretensión de arrasar en el mercado, pero sí con la de construir una obra perdurable. Grabada junto a la London Contemporary Orchestra en los Abbey Road Studios de Londres y arropada en casi todo momento por guitarra acústica y piano, su propuesta suena muy orgánica, alejada de la indietrónica con la que coqueteaba en sus anteriores entregas. La dulce voz de Pallett reluce sobre exquisitos acompañamientos de cuerda, con una producción etérea que recuerda a la colorista paleta sonora de artistas en boga como Sufjan Stevens, tanto como a la austeridad melancólica de clásicos como Nick Drake. —JESÚS GARCÍA SERRANO

POP / ¿Quién no ha bailado

Rock Bottom Rhapsody New West Records

COUNTRY / A más de uno puede darle un tabardillo cuando escuche el inicio del nuevo disco de Pokey LaFarge. El de Los Ángeles se ha convertido por derecho propio, trabajándolo disco a disco, en uno de los artistas principales de aquellos que apuestan por la vertiente más enraizada de la música norteamericana. Aunque su nuevo disco arranca con el minuto de música cláxysica del tema que le da título para luego adentrarse, afortunadamente en fórmulas más conocidas. El country austero y seminal de “End Of My Rope”, la nocturnidad de “Lucky Sometimes” o el blues de “Fuck Me Up” son terrenos ya transitados por LaFarge anteriormente, aunque aquí detectemos un intento de evolución introduciendo nuevos sonidos. Eso sí, podía haberse ahorrado el principio y final clásico. —EDUARDO IZQUIERDO

julio 2020 #27

MONDOVINILOS

Sr. Chinarro El Bando Bueno Mushroom Pillow

Run The Jewels: la banda sonora de estos días

POP / Antonio Luque cumple una vez más con la tradición de editar un nuevo trabajo discográfico cada uno o dos años (tres a lo sumo) y lo hace desde una óptica provocativa; con melodías alegres que bucean en ecos ochenteros y que sirven como contrapunto del melancólico tono de voz del artista sevillano. Una interesante colección de canciones que ahonda en sonoridades luminosas y que coquetea con la new wave y el synth pop, con hueco para armónicas y punteos. Hace tiempo que Sr. Chinarro se separó de la densa oscuridad de sus aclamadas primeras obras, para brindarnos irregulares álbumes que suelen entrañar al menos dos o tres zarpazos de pop goloso y que no suelen perder de vista las influencias de The Smiths, R.E.M. o The Cure. El Bando Bueno sigue la senda general del último puñado de discos de un genio con un estilo tan personal que poco tiene ya que demostrar y que en cada publicación tiene al menos algún momento deslumbrante que aportar. —JESÚS GARCÍA SERRANO

Run The Jewels RTJ 4 Jewel Runners/ BMG

9 RAP / “A la mierda, ¿por qué esperar? El mundo está infestado de mierda, así que aquí hay algo crudo para escuchar mientras tratáis de lidiar con todo. Esperamos que os traiga algo de alegría. Manteneros a salvo y esperanzados ahí fuera y gracias por darle a dos amigos la oportunidad de ser escuchados y hacer lo que les gusta”. Con este comunicado Michael Render y Jaime Meline, o lo que es lo mismo Killer Mike y El-P, anunciaban el miércoles 3 de junio la anticipada aparición de su cuarto trabajo juntos como Run The Jewels. Un movimiento que no podía ser más idóneo porque puede que la revolución no vaya a ser televisada, ni digitalizada, pero ya tiene banda sonora: Run The Jewels 4. Escuchando los adelantos del mismo uno podía adivinar que estaban cocinando algo especial, pero escuchando a Killer Mike convertirse en la voz de la razón, tras el asesinato de George Floyd por

Joel Sarakula

Meritxell Neddermann

Companionship Légère Recordings

SOUL / Sarakula es un

flojeras. El que busque en su música el rugido del soul más sudoroso, ya se puede ir echando a un lado. En cambio, aquellos que disfruten con melodías sencillas, guitarras limpias y sintetizadores adornando una buena cantidad de juegos de voces, volverán a pasárselo pipa. Su música, con evidente aroma a soul bailongo, tiene un aire soft que puede parecer demasiado edulcorado para los amantes de lo más arraigado del género, y no lo suficientemente gomoso para los que pierden el alma en una pista de baile. Y es que este australiano afincado en el Reino Unido ve en esa sensualidad de su propuesta su punto fuerte, e incide en él. Algo que a algunos gustará y a otros no, pero que sin duda lo definen como artista. Sonido al margen, el tipo ya nos había demostrado anteriormente que puede escribir muy buenas canciones. Así que. que sin ser un plato de los que uno se cocina habitualmente, puedo zampármelo del tirón y no empacharme. —EDUARDO IZQUIERDO #28 julio 2020

la policía y evitar males mayores en Atlanta, confirmaba que este disco no podía llegar en un momento más adecuado. Y es que este disco es un puñetazo en la boca, un sonoro y eufórico “Fuck you!” a todos los Derek Chauvins del mundo y a la gente que los hace posible, confirmando a Run The Jewels como los Public Enemy de esta generación. En un momento en el que la mayoría de las estrellas de rap suelen estar apartadas del juego, en un ataúd o retirados en sus mansiones viviendo de las

Scott Matthew

POP / La mayoría de veces los discos de debut son perfectos para ubicar a una artista, sirven como pistoletazo de salida de una carrera y, en cualquier caso, para darnos algunas pistas sobre su personalidad. En contados casos ocurre al revés, que nos encontramos con alguien que echa el resto en el primer disco y después queda la nada. En cuanto a Meritxell Neddermann –hermana de Judit Neddermann–, creo que no encaja en ni una posición, ni en la otra. Esencialmente porque este In The Backyard Of The Castle no deja nada al azar. Cada letra, cada compás, cada movimiento, está estudiado. Y así continuará siendo mientras ella haga música. Interpretado a medias en catalán y en inglés, la cantautora habla mucho de sí misma en las letras, de su mundo interior, de sus miedos y de su infancia. Por lo que se refiere a su música, cuesta etiquetarla de forma sencilla, si bien tiene una deriva emocional que, partiendo del pop, la lleva hasta el soul o el góspel, pero a su manera. —TONI CASTARNADO

POP / Scott Matthew reinter-

preta en Adored diez temas elegidos de entre su selecto cancionero. La pregunta es si, precisamente un catálogo tan elegante como el del australiano afincado en Nueva York, reclamaba cualquier tipo de aderezo adicional. La respuesta apunta a la negación, y el autor presenta unas relecturas que no se alejan demasiado de los originales, modificando ligeramente el tempo, añadiendo una leve base de electrónica que ejerce como elemento actualizador y, en definitiva, situando adornos inéditos a lo largo y ancho de las composiciones. Como hilo conductor se mantiene ese pop barroco bien justificado, rematado por trazos de glam distinguido y con la influencia de David Bowie, Peter Gabriel y Scott Walker siempre presentes. También se conserva aquella capacidad vocal tan sentida y emocionante de Matthew que deriva en canciones preciosas y cargadas de sentimiento, pero eso ya lo lograban las versiones originales y con más naturalidad.

—RAÚL JULIÁN

Basurita

Xosé Luis Romero & Aliboria

Adorned Glitterhouse

In The Backyard Of The Castle Halley Records

rentas, Run The Jewels han logrado mantenerse relevantes bien pasados los cuarenta y entregar su obra definitiva. Si MC5 y The Stooges le pusieron la banda sonora al agitado año 68 en Estados Unidos, Run The Jewels 4 es su sucesor para 2020, tomando ese espíritu abrasivo que daría paso al punk y pasándolo por el apocalipsis sonoro de la Bomb Squad. La gente está buscando música que sirva para expresar su rabia y angustia. La búsqueda ha terminado. —SERGIO ARIZA

El Gran Feliz Everlasting/ Popstock!

Latexo Raso Estudio

FOLK / Espoleados por la repercusión que ha tenido su alianza con Baiuca en Misturas (19), Xosé Lois Romero & Aliboria lanzan un segundo álbum que sube la apuesta del primero. Ya no se trata de recrear una sensación de visceralidad al límite, sino también de generar paralelismos y efectos mariposa tan interesantes como los descritos en la nota de prensa del disco: Swans, Einstürzende Neubauten o Barbatuques, banda ultrapercutiva brasileña con la que el combo gallego comparte filias por la pulsión tribal huracanada. Así es como se expresa Aliboria, un colectivo de diez personas, con mayoría femenina, que en Latexo se embarca en la búsqueda del latido más profundo de la tierra. Una donde yerguen puentes entre impacto industrial, el mantra conogoleño de Konono nº1 y la intensidad percutiva del folclores gallego. En Latexo no hay respiro ni refugio capaz de evadir la descarga de un rastro de vísceras y sangre fogueados entre llamas de queimada. —MARCOS GENDRE

POP / Basurita es el actual proyecto de Santi Real, vocalista de esos imprescindibles dentro de la escena de los noventa que fueron El Inquilino Comunista. Los vizcaínos presentan su segundo disco, con diez canciones descaradas y firmes como rocas. Resulta además entretenido buscar referencias o similitudes del grupo con otras formaciones, surgiendo nombres como los de El Columpio Asesino, The Dream Syndicate, Mercromina, Ornamento y Delito, Dinosaur Jr e incluso El Niño Gusano. Producido por Paco Loco, El Gran Feliz es una obra de aroma noventero, con alma pop pero guitarras y distorsiones luciendo en primer plano. Un álbum sólido que deja muy buen sabor de boca, bien materializado y no exento de cierta sensibilidad, que evidencia que, aunque el grupo sea incipiente, sus artífices son unos veteranos dispuestos a poner todo su bagaje al servicio de esta nueva aventura. Y, de paso, consiguen potenciar las ganas de verlos sobre un escenario.

—RAÚL JULIÁN

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Bullitt

Paradise Lost

Obsidian Nuclear Blast Records

ELECTRÓNICA / Afortunada-

mente, en las despensas de los músicos quedan reservas para pasar mejor el confinamiento. Eso sí, House Of Zef no es precisamente el tipo de disco que aportará luz al encierro. Además, hay noticia más allá de haber sido publicado en este insólito momento. El quinto álbum es el último de la banda antes de la disolución. La promesa sobre el final de la formación viene de 2017, poco después de Mount Ninji And Da Nice Time Kid. Habría un disco más, y chao. Por el momento no han dicho lo contrario, por lo que así será. Al menos, este es un adiós lanzado a una cueva con mucho eco: Die Antwoord llevan tiempo poniendo banda sonora provocadora a un mundo raro, a veces pasándose de frenada, provocando porque sí, no ajenos a polémicas, y otras muchas con tino. Su quinta entrega está entre los aciertos. Han decidido dejar fuera alguno de sus últimos singles, como Love Drug, pero lo han compensado incluyendo una despedida casi dance, No 1. No future, no plan. —YERAY S. IBORRA

Helena Hauff

Drawer Sessions B-Core

ROCK /Los catalanes Bullitt vuelven a ser actualidad con cinco temas inéditos grabados con el añorado Ferran Bonet, su bajista original. Con la frase en bucle “Will you hold me in your arms when i’m away?” rematan la inicial When I’m Away, un medio tiempo por momentos escalofriante que trata un tema tan dramático como los abusos por parte de un padre a una chica. Es uno de los tres temas que proceden de las grabaciones de Sparks. Como la instrumental Make A Promise y Fool Spirit, una pieza con sonido Dischord y letra inspirada en la precarización del rock. Bullitt también rescatan Opening Harbours, con unas guitarras que hipnotizan y una sección rítmica profunda, de las sesiones de grabación de Love Or Die; y Take You To The East, con un omnipresente riff de corte clásico, que se quedó fuera de So Many Ways. Cierran el EP con dos versiones conocidas por sus incondicionales: Up In Arms de Foo Fighters y Sorrow de Bad Religion. —LUIS BENAVIDES

Liam Gallagher

Kern Vol. 5 Tresor

ELECTRÓNICA / Las sesiones de Helena Hauff suelen ser intensas, rápidas y bien cargadas de una energía que ella dirige con precisión hacia la pista de baile. En ellas se disfruta del mejor techno, EBM, electro, new wave y acid de todas las épocas, todo mezclado a la perfección y siempre comprometida con el vinilo, lo que le da un punto extra de autenticidad. Con todo esto en mente no es difícil imaginar porqué del encargo de este mix, el quinto ya de esta serie llamada Kern, tras la que se encuentran los responsables de la mítica discoteca Tresor, y que ya ha contado con artistas de la talla de DJ Hell, DJ Stingray u Objekt. Y es que pocos DJ son capaces de comenzar un sesión a unos ciento cincuenta bpm’s y no bajarse del burro a lo largo de los treinta y un temas que incluye, secuenciados a la perfección gracias a esa fina combinación de géneros e intensidades; electro mutante, techno y EBM con paradas en el house. Una experiencia frenética, vívida y muy satisfactoria. —RAÚL LINARES

The White Buffalo

MTV Unplugged. Live At Hull City Hall Warner Music

POP / Liam Gallagher cerró

la pasada temporada una puerta que había dejado abierta hace veintitrés años, cuando hizo la espantada en el MTV Unplugged que Oasis grabaron en Londres. El mancuniano protagoniza en esplendor su propio concierto para el canal, contando con orquesta completa y una banda reforzada para la ocasión con Paul Arthurs “Bonehead”, apreciado guitarrista original de Oasis. Un formato que realza la belleza de las canciones y las dota de un nivel adicional de emoción, si bien el foco principal del evento apunta siempre al propio Gallagher, mostrando éste una capacidad vocal recuperada tanto en aspecto como en sentimiento y actitud. La referencia se reparte equitativamente entre temas de Oasis y una inteligente selección de su repertorio en solitario que encaja a la perfección. Noel era el genio creativo de Oasis, pero el presente lanzamiento evidencia una vez más que Liam era mucho mejor cantante, además del mismísimo alma del grupo. —RAÚL JULIÁN

On The Widow’s Walk Snakefarm/Music As Usual

ROCK /El alter ego de Jake

Smith tiene nuevo disco, y a mí me ha gustado. Eso vaya por delante. Rápidamente empezaron las discusiones en las redes sociales sobre si este era mejor que aquel o peor que ese otro, pero estamos sin duda ante un gran disco de rock de raíces. Con esa voz heredera de Eddie Vedder, Tom Waits, Johnny Cash y Mark Lanegan a partes casi iguales, el búfalo ha construido un trabajo de medios tiempos y baladas, donde el acelerador se pisa poco. Solo temas como No History o Faster Than Fire lo muestran fiero y algo desbocado, aunque con control. Pero eso no hace al disco peor que otros, sino diferente. Para eso ha contado con la producción de un sorprendente Shooter Jennings que, sin duda, acierta con los matices que da al álbum. Y aunque es cierto que el hecho de que alguien se presente en el estudio con canciones tan buenas como las que hace White Buffalo no sería justo quitarle su parte de mérito al vástago de Waylon. —EDUARDO IZQUIERDO

Otra obra maestra de Bob Dylan

Westerman Your Hero Is Not Dead Partisan/ [PIAS]

Bob Dylan

Rough And Rowdy Ways Columbia

10 FOLK / Con setenta y nueve primaveras recién cumplidas y ocho años después de su último trabajo de composiciones propias, el sobresaliente Tempest (12), Bob Dylan vuelve a darle alas a sus raíces y firma otra cima de la historia de la música con Rough And Rowdy Ways. Diez pistas que, siendo un canto a la vida, son un dialogar sin pausa con la muerte, arrebatándole los mandos y recorriendo la esencia áspera y ruidosa del caos de nuestros días. Un testamento velado en el que surcamos el pasado, presente y futuro de la identidad americana, rumbo, con tibias y calaveras ondeando en el cielo, hacia tierras prometidas y misteriosos paraísos. No estamos ante un trabajo fácil, pero solo es necesaria una primera escucha (saboreando cada letra), para que un escalofrío imparable nos recorra el cuerpo, como un milagroso y definitivo rayo caído del cielo: Rough And Rowdy Ways se encuentra en el Olimpo de esas pocas obras maestras de la música que, aparte de su riqueza sonora y literaria, desprenden un sobrecogedor

sentimiento y trascendentalidad extra, ese que años atrás despertaron, por ejemplo, el “hasta luego” de Leonard Cohen, You Want it Darker (16), y Blackstar (16) de David Bowie. Despedidas simuladas de quienes no pueden dejar de ser, porque son eternos. Del I Contain Multitudes inicial, con Dylan susurrando y recapitulando sus propias Canciones de inocencia y experiencia, pisando

poco a poco sus testamentarias y sempiternas Hojas de hierba particulares, a la elegía poética de diecisiete antológicos minutos en Murder Most Foul, en el que su fraseo zigzaguea en una tragedia shakespeariana continua y circular, con desfile de héroes incluido y el asesinato de John. F. Kennedy como herida abierta imposible de cicatrizar.

—DAVID PÉREZ

POP / El británico Will Wes-

terman es otra muestra más del vigor y variedad de la escena londinense. Fan confeso de Neil Young, Joni Mitchell y Nick Drake, el artista y su socio, el productor y amigo Nathan Jenkins (aka Bullion) se han decantado para su debut largo por una electrónica suave y de instrumentos espaciados, con leves apuntes experimentales. Las texturas del disco le han llevado a ser comparado con el Peter Gabriel de los ochenta, The Blue Nile, los exquisitos Talk Talk o incluso Bon Iver. Melodías y estribillos luminosos, guiños de pop de autor vía Chicago (las sinuosas The Line e Easy Money), momentos atmosféricos (Waiting On Design) y unas letras que exploran las luchas cotidianas, siempre desde la empatía y la calidez, van atrapando al oyente. Y le convencen plenamente con el derroche emocional de los dos singles consecutivos Blue Comanche y Confirmation. Un debut notable.

—JC PEÑA mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

julio 2020 #29

Vetusta Morla

POP / Tiempos extraños nos

Now Here’s An Echo From Your Future Own It Records

ocupan. Más aún cuando seis intrépidos músicos se han atrevido a regrabar por completo su último álbum y a relanzarlo sin que hayan pasado siquiera tres años entre una versión y la otra. Y es que, a pesar de las reiteradas explicaciones que nos hayan dado, resulta inevitable preguntarse: ¿Era necesario reinterpretar las composiciones de “Mismo Sitio Distinto Lugar” (17)? Pero la banda revienta taquillas del indie patrio ha logrado volver a sorprendernos con una victoria discográfica que convencerá a fieles y, probablemente, también a algunos profanos. Diez interesantes cortes que dejan a un lado la hiperbólica producción de su anterior trabajo, sumergiéndose en un sonido más orgánico, de mayor calidez y emotividad, liberado de efectos vocales radicales y de sampleados, pero poseedor de la misma garra y capacidad épica. Un trabajo que recoge su esencia, libre de los excesos del estudio y sin alardes innecesarios.

POST PUNK / Con una estética de austero blanco y negro deudora del punk, el post-punk y la era siniestra, el trío londinense imprime a sus composiciones una energía cruda sin concesiones. Si han de ponerse un adjetivo, ellos definen su música como “punk obtuso”. Lo clavan. En su primer álbum tras una pléyade de epés recopilados hace pocos meses en un solo disco, profundizan en su minimalismo. Arterial Movements pone las cosas claras: pulso eléctrico enfermizo, ritmo obstinado, oscuridad siniestra, bajos percutivo, disonancias y voz marcial. El trío se encuentra cómodo en el terreno fronterizo que hay entre el punk geométrico de Wire, los riffs monolíticos de The Fall y la mala leche de Crass, la crudeza de Joy Division o los giros experimentales de P.I.L. El punto de oscuridad gótica remite a unos Bauhaus. Pero más allá de tributos vintage, el disco va sobrado de autonomía. Un debut muy convincente.

—JESÚS GARCÍA SERRANO

—JC PEÑA

Apparat

Floating In Space

Soundtracks: Dämonen It’s Complicated Records

NEOCLÁSICA / Sascha Ring

está punto de llegar a los veinte años de carrera con su alias más famoso, Apparat, y lo celebra publicando una serie de bandas sonoras que ha ido entregando últimamente, en esta ocasión la correspondiente a la obra de teatro Dämonen, en la que colabora con el chelista Philipp Thimm y el violinista Christoph Hamann con quienes ya había trabajado anteriormente. En estos trabajos se aleja bastante de toda su música anterior y cede mucho protagonismo a sus otros dos colaboradores, centrándose en crear ambientes, percusiones puntuales y empastarlo todo con los instrumentos de cuerda que pueblan todo el disco. Ese alejamiento de sus obras anteriores hace que cueste un poco más entrar, pero tras unas cuantas escuchas uno va degustando cada vez más esos ambientes melancólicos y gélidos que recuerdan a algunos pasajes de la banda sonora de Requiem For A Dream del gran Clint Mansell junto con Kronos Quartet. —RAÚL LINARES

FOTO: GUSTAFF CHOOS

MSDL-Canciones dentro de canciones Pequeño Salto Mortal

MONDOVINILOS

Girls In Synthesis

A New Dawn Deep Elm

POST-ROCK / Muchos aso-

ciamos Deep Elm a la época dorada del emo, pero en realidad ya hace tiempo que el sello acoge otro tipo de propuestas. Entre sus últimas referencias encontramos una interesante deriva hacia la música ambiental e instrumental. En esta evolución del sello ha encontrado su sitio Floating In Space, el proyecto del multinstrumentista Rubén Caballero, que ahora acaba de publicar su tercera referencia, A New Dawn. El disco está formado por una decena de cortes cargados melodías cristalinas y momentos ensoñadores. Siguen la estela marcada por sus dos anteriores largos y puede recordar a Lights & Motion, a Explosions In The Sky más contemplativos y a los Exxasens de Eleven Miles, otro proyecto de rock con imaginería espacial armado en nuestro país que comenzó como un proyecto unipersonal. Como novedad, este nuevo disco despega con su primera colaboración vocal. El tiempo dirá si esta colaboración supone un antes y un después. —LUIS BENAVIDES

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Mala Rodríguez sigue al día Mala Rodríguez MALA Universal

8 RAP / La carrera de Mala Rodríguez es una de

las más interesantes a analizar en nuestro país como ejemplo sobresaliente de adaptación al medio sin perder el origen. Han pasado siete años desde que la artista publicara Bruja, y su regreso con MALA es más que relevante no solo por ello sino porque constata la ley no escrita que dice que, si quieres hacer las cosas bien, mejor despacito y con buena letra. En estos siete largos años, Mala Rodríguez no es que haya dejado aparcada la música, al contrario. Se ha nutrido de inspiraciones, ha abierto sus oídos ante las nuevas corrientes y se ha mostrado flexible y comunicativa a la hora de colaborar con todo aquel que le transmitiera verdad. Sin prejuicios ni egos. Porque no debemos olvidar que María Rodríguez es una de las pioneras dentro de la música urbana en este país que ha conseguido llevar sus barras al otro lado del charco desde hace

muchos años atrás, cuando la industria musical era mucho más machista y tóxica que ahora. Labró su camino, se hizo su hueco y se ganó el respeto por la sabiduría que hoy en día comparte con otras generaciones de artistas que han venido después. Por ello no sorprende que, en MALA, escuchemos a Lola Índigo, Cecilio G, Stylo G o Guaynaa en colaboraciones que muestran lo mejor de cada escuela: experiencia y dominio frente a la frescura y despreocupación. Todo se retroalimenta y el resultado final es mucho más rico y beneficioso. En cuanto a la lírica, Mala Rodríguez vuelve a demostrar que no hay nadie que escupa palabras de una forma tan desgarradora y letal como ella. Su voz se muestra generalmente agresiva y punzante (Superbalada), aunque también hay momentos para la delicadeza (Mami). En general, lo que hace que Mala sea adictiva es su don para ir al grano y su poder a la hora de contar historias cotidianas y universales con verdades como puños. Rapera en cuerpo y alma, pero no por ello insensible ante nuevos sonidos o ritmos más actuales. Eso sí, la calle siempre será su terreno de juego más favorable, y ante eso no hay rival que le gane en el ring. —ÁLVARO TEJADA

julio 2020 #31

MONDOVINILOS FOTO: ARCHIVO

Sparks

Rufus Wainwright sin reglas Rufus Wainwright Unfollow The Rules BMG

9 POP / Dice Rufus Wainwright que este disco

supone su vuelta al pop. Al pop químicamente puro, para entendernos (esto ya lo digo yo). Y aunque tiene gran parte de razón, no es del todo así. Sin todo el bagaje acumulado en la última década, escribiendo óperas y musicales o poniendo música a sonetos de Shakespeare, seguramente no se entendería la abigarrada hechura de Early Morning Madness, This One’s For The Ladies (That LUNGE!), la maravillosa Unfollow The Rules –posiblemente lo mejor de todo este álbum– o el precioso cierre que es “Alone Time”. En cierto modo, es como si esta compleja, elegante, suntuosa y, por momentos, soberbia colección de canciones, grabada en los míticos estudios Ocean Way de Los Angeles, con la producción del experimentad Mitchell Froom y la presencia de leyendas

#32 julio 2020

como Jim Keltner o Matt Chamberlain o secundarios más jóvenes, pero igualmente lustrosos como Blake Mills, fuera un cierre de su círculo particular. Es un disco que lidia con los rigores de la mediana edad, con la plenitud vital y creativa de un hombre y artista mayor (de estatura artística, no de edad) que tiene cuarenta y seis años, lleva ya casi una década felizmente casado con su marido, es padre de una niña de nueve años y ha vivido prácticamente varias vidas en una misma, ya sea en el plano íntimo o en el artístico. Más versátil que nunca como vocalista, ayudado por unos arreglos de cuerda que quitan el hipo y asistido por un par de disrupciones sobre el guion principal, dos momentos que se salen del molde: el swing que se gasta en la muy folk You Ain’t Big y el sostén electrónico con el que fluye Hatred, en una onda de crooner electrónico similar a la de John Grant, también mediada por su condición de sutil ajuste de cuentas, tanto personal (la superación de algunos demonios personales) como colectivo (por la polarización de la opinión púbica de su país en la era Trump). —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

A Steady Drip, Drip, Drip BMG/Music As Usual

POP / Ampliamente pasados

los sesenta en el caso de Ron, algo más joven Russell, los hermanos Mael se empeñan en seguir cultivando su vocación de excéntricos mediante buenas canciones. Vuelven con catorce cortes en los que se muestran sobrados del talento excéntrico que empapaba su anterior Hippopotamus (17). A ver quién tiene huevos para pasar de la solemnidad acústica de All That al riff de guitarra metal-glam futurista del single I’m Toast (“una alegre tonadilla para estos tiempos alegres”, explican sarcásticamente) y desembocar en el ingenioso y delicado synth-pop cubista de Lawnmower. Esa falta de complejos, la seguridad en su capacidad en llevar a buen puerto y con extraña coherencia las ideas más descabelladas, está en su ADN. Es su mundo. Es innegable impacto del dúo en varias generaciones de artesanos de perlas de pop inteligente y descarado. —JC PEÑA Trickfinger She Smiles Because She Presses The Button Avenue 66

ELECTRÓNICA / A pesar de

haber vuelto a los grandes titulares cuando el año pasado se anunció su retorno a los popularísimos Red Hot Chili Peppers, John Frusciante no abandona su zigzagueante camino como experimentador electrónico. She Smiles Because She Presses The Button es el nuevo EP de su seudónimo Trickfinger, con el cual ya editó Look Down, See Us en marzo y planea sacar un tercer EP en la segunda parte del año. Lo que

sucede en estos seis cortes es una interesante demostración de madurez compositiva que el versátil Frusciante consigue en este plano de sonidos sintéticos. En medio de un cosmos imperfecto, donde la síncopa es religión, el ADN melódico de Frusciante hace de lazarillo eficaz, llevando la percepción –y la emoción– a buen puerto. Ritmos rotos y vueltos a romper conviven con guiños al ambient house, generando atmósferas placenteras de escuchar, las cuales sobreviven protegidas por el alma creativa de Frusciante. —ADRIANO MAZZEO LA Priest Gene Domino/ Popstock!

POP / Cinco años han pasa-

do desde que Sam Dust lanzara Inji, bajo el seudónimo de LA Priest, pero el líder de Late Of The Pier nunca se ha destacado por ser muy prolífico. Esta vez tiene la excusa perfecta, buena parte de este tiempo lo ha pasado creando una caja de ritmos analógica a la que ha llamado Gene. Tras más de un año buscando el sonido de sus sueños parece que lo ha encontrado, quedando tan satisfecho que ha llamado al disco de la misma forma. Gene se abre de manera arrolladora con Beginning, una gema pop bailable que parece como si estuviera interpretada por Prince liderando a Dirty Projectors o Unknown Mortal Orchestra. Luego llegan Rubber Sky y What Moves, otras dos grandes canciones, pero el disco no logra mantener ese impulso inicial. Parece como si Dust estuviera tan orgulloso del sonido que ha conseguido con su nuevo juguetito que se le hubiera olvidado crear canciones donde pueda destacar. Eso sí cuando lo consigue, logra algunos de los mejores momentos de su carrera. —SERGIO ARIZA

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The Raconteurs

Nosotros Wearewolves Records

Live At Electric Lady Third Man Records

ROCK / Grabado en los míticos Electric Day Studios de Nueva York, en una sesión para Spotify – con documental en Youtube incluido–, este concierto, como no podía ser de otra manera, muestra al grupo en estado de gracia, sensación que además consigue una exquisita calidad de sonido. El cuarteto en su corto –demasiado– tracklist deja espacio a toda su discografía, y aunque el peso se lo lleva el más reciente Help Us Stranger, hay tiempo para Broken Boy Soldiers (Level) o Consolers The Lonely (Old Enough). Incluso nos obsequian con una inédita versión del Blank Generation de Richard Hell & The Voidoids que cubre la tradicional cuota de material no publicado previamente que pone la guinda a este tipo de lanzamientos. Esta, incluso, nos la ofrecen en versión doble, en directo y en estudio. Son muy buenos y, probablemente, estén en el mejor momento de su carrera, así que la cosa solo podía salir bien. Qué digo bien, muy bien. Espectacular.

ELECTRÓNICA / El dúo de Granada formado por Francisco Pérez Liébana y Miguel Membrilla Mesa dejan sobre la mesa sus cartas con el primer tema de este Nosotros, publicado por el sello laboratorio de la banda I Am Dive. Atlas, el tema elegido como single, se inspira en esa electrónica paisajística y triste con bases bailables que actualmente realizan nombres y proyectos como Rival Consoles, Kiasmos, Rone o Jon Hopkins. Como estos artistas, Matsu recogen la parte más bella del ambient y la neoclásica para lanzar canciones que podrían brillar en el catálogo de Kompakt, InFiné o Dial Records sin despeinarse. Pero también encontramos pianismos y contemporánea al estilo de músicos ya consagrados como Nils Frahm o Max Cooper. Desde el principio del paisajismo clásico de Febrero hasta la delicada orfebrería club de Nosotros, han construido un álbum que, seguramente, les abrirá las puertas en media Europa.

—EDUARDO IZQUIERDO

—MANU GONZÁLEZ

Brendan Benson

Kimberley Tell

Dear Life Third Man Records

ROCK / Séptima entrega del compinche de Jack White en The Raconteurs. Un Benson que poco tiene que envidiar al de Michigan en cuanto a genialidad. Y es que aquí hay de todo y para todos, aunque lo que para muchos será algo fantástico (apúntenmelo), para otros puede ser simplemente incoherencia y desorden. En los dos minutos del tema de apertura, I Can If You Want Me To y su continuación con Good To Be Alive se puede resumir buena parte del disco. La primera fascinará, igual que lo hará el blues rock de Evil Eyes a los amantes de The Raconteurs que ensalzaron hasta la extenuación su trabajo del año pasado. La segunda, con su sintetizador, su batería programada y sus voces tratadas, quizá les horrorice. Algo que va ir haciéndose común en todo el álbum. Pero ¿se le puede echar en cara algo a un tipo que es capaz de componer delicias pop tan espléndidas como la canción que da título al disco o Baby’s Eyes? Yo, desde luego, no voy a ser el que se atreva. —EDUARDO IZQUIERDO

MONDOVINILOS

Matsu

135 Sony Music

POP / Ha tenido que pasar-

se a la música una actriz como Kimberley Tell para que llegue a la escena española un disco de indie pop femenino sugerente y bonito, sin excesos y que no pretende nada más que aquello para lo que el pop fue creado: transmitir sentimientos y sonar fresco. 135, que viene con un concepto interesante detrás –transmitir la cotidianidad y la intimidad con la cama como lugar de referencia– consigue algo que no sucedía en la escena de nuestro país desde los mejores trabajos de Russian Red. Aúna así, Kimberley Tell, en su debut musical, lo mejor del mainstream y de indie. Consigue estar en una superproducción como Élite sin sonar a radiofórmula y, dentro de la escena alternativa, suena más atractiva de lo habitual; sin buscar la excentricidad. Gastando horas o Papelito son muestra perfecta de lo que venimos hablando. Música hecha con gusto, que habla de emociones profundas de manera natural. Ojalá no se quede aquí. —LUIS M. MAÍNEZ

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El descanso de Dellafuente xxxxx

Dellafuente

Descanso en poder (DEP) Sony

8 RAP / La irrupción y el agotamiento de las

escenas musicales ha centrado debates desde tiempos cortesianos. Esos nobles hartos de pianos barrocos (¿patillada histórica?). Sí o sí, es un tema que ocupa a medios y redes sociales. Como sostenía el jefe de redacción de esta misma revista, Joan S. Luna, en un artículo llamado “En un suspiro”, ha habido corrientes de todo tipo. Cortas, largas, trascendentes y olvidadas. Tardaremos en saber si los últimos sonidos urbanos, desde lo electrónico a lo latino, están dando sus últimos volantazos. Y qué impacto tendrán en el futuro. Pero si el estocazo al género lo tiene que poner uno de los artistas más perspicaces que ha dado el mismo, bien estará. Dellafuente anuncia un cierto final con Descanso en poder (DEP). El granadino lleva algunos meses revolcándose con músicas muy diferentes a los que le auparon con Ansia Viva (16): ha colaborado con Ana Mena y ha sacado un disco de rock progresivo, Ep.01Causa (20). Pero en su último largo, condensa todo aquello que le ha hecho uno de los puntales de esa generación que ha tenido en lo urbano su patio de recreo. Una escena que se ha comprobado heterogénea y que se distan-

cia cada vez más entre sí. Descanso en poder (DEP) es, básicamente, ese quejío tan Dellafuente. Profundo y robusto. Una forma de apoyar la voz en el autotune y en el flamenco que le otorga trascendencia. Barrio, clase y realidades digitales (Toco el cielo, junto a Maka). Abierto siempre a lo popular mientras mantiene ciertas bases sin masticar. “Hay que buscar un híbrido, entre darle al mercado algo interesante, a la vez que se coman lo que nosotros queremos decirles”, comenta el granadino en la meta-intro del disco. El álbum es un seguro, como combinar la parte de arriba y abajo de un chándal. Dellafuente, Antonio Narváez, David Marley, Chocklock o El Guincho ponen las bases. Y se nota que han trabajado a pierna suelta: Saturación es una delicia que lleva a El mal querer. Cómo no, la ‘despedida’ de Dellafuente, no podía ser sin sus anclas andalusíes. Suena el coro de la Universidad de Granada en Nubes. Muchos pensarán que el trap duró mucho. Otros que poco. Y que mejor. Pero lo que es seguro es que la hiperproductividad de los miembros de la escena, y la sensación de vida en un cohete que dan los ‘stories’, ha hecho que para los artistas los segundos hayan sido horas. Y los días, años. De ahí la portada de Descanso en poder (DEP), ese Palacio de Kamisama de Ignasi Monreal (FKA Twigs) que aquí popularizó Dragon Ball. Un lugar donde el tiempo se congela. Así deben ser las jornadas de Dellafuente, bullentes. Su cabeza debe andar ya por 2054. —YERAY S. IBORRA

julio 2020 #33

LIBROS Mata a tus ídolos Toni García Ramón Catedral

8 Mata a tus ídolos condensa en casi doscientas páginas una selección divertidísima de anécdotas y entrevistas que el propio autor ha recogido en sus muchos años como periodista de cine (y series). La prosa es ligera y fluida y le cede el protagonismo al contenido de las historias que narra –breves, interesantes y en formato artículo– sobre estrellas de Hollywood como Jack Nicholson o Tom Hanks. —LUIS M. MAÍNEZ

Todo era posible

Manuel Moreno y Abel Cuevas Libros Walden

8 Aunque los autores nos introducen en el tema y el propio Moreno firma un artículo muy esclarecedor, su principal valor reside en lo visual. En la selección de páginas indispensables de la historia cultural alternativa de nuestro país (revistas y fanzines, de lo profesional a lo totalmente amateur). La mejor historia visual contada por sus verdaderas protagonistas. Las imágenes, claro. —JOAN S. LUNA #34 julio 2020

CÓMICS

34/Mondo Media “El murciélago no tiene nada que ver con Batman”

Álvaro Ortiz La noche de las birras Conscientes de todo lo malo que ha traído el confinamiento, debemos serlo también de todo lo bueno. Entre las segundas, el haber podido disfrutar de un cómic tan divertido y alocado como El murciélago sale a por birras (¡Caramba!/Astiberri, 20) de Álvaro Ortiz. Eso y que se haya puesto en marcha una serie de televisión inspirada en su obra Murderabilia (Astiberri, 14).

A HISTORIA DE EL MURCIÉLAGO sale a por birras empieza casi como una broma para superar la presión del confinamiento. Ortiz empezó dibujando unas viñetas sobre su vida que no le convencían demasiado, hasta que una chispa de ¿lucidez? Iluminó su cerebro. Pensó en cómo viviría el confinamiento un superhéroe y sobre todo qué haría si se quedase sin birras y necesitase algunas urgentemente. El resto es historia, o por lo menos es El murciélago sale a por birras, uno de los cómics más divertidos que, con total seguridad, nos ha brindado esta complicada situación. Aunque más desgarbado y urgente, el estilo de Ortiz sigue ahí, con su personalidad, sus vicios y virtudes en cada una de estas páginas que facturó casi como

un reto, día a día durante la primera fase de confinamiento. Lo que más cambió fue el ritmo de trabajo. “No estoy acostumbrado a trabajar a esta velocidad. Cuando curro en alguno de mis cómics quizá pueda hacer entre tres y cinco páginas a la semana y con El murciélago dibujé ciento dieciocho páginas en tres semanas. Los primeros días fue más relajado, pero los últimos fue un poco locura”. LO MÁS CURIOSO es que no solamente su protagonista se parece a cierto superhéroe anglosajón, algo que es pura casualidad, sino que sus compañeros de correrías (desde Rubén a Ramsesmandias, Supermotivao o las nenas) nos traen a la cabeza a algunos ilustres personajes del mundo del cómic superheróico. “No sé por qué me preguntas por Batman porque El murciélago no tiene nada que ver con Batman, pero bueno, si te empeñas te diré que tampoco he leído tantos. Me gusta leer alguno de vez en cuando porque me gusta mucho el personaje, los secundarios, la ciudad y así. Aunque creo que mi amor por el personaje vino más por parte de la serie de dibujos de los noventa, que me pilló de chaval y me flipó”. HACE UNOS MESES Ortiz compartía en redes sociales que estaba pasando por cierto vacío creativo. Por suerte para todos, eso forma ya parte del pasado. O por lo menos ha dejado de preocuparnos tanto a él como a nosotros. “En realidad el murciélago me pilló trabajando en un cómic nue-

vo que preparo para niños, y la cosa es que no es que superase mi crisis creativa sino que opté por centrarme en proyectos de cómic muy distintos de los que he hecho hasta ahora: una cosa con un guionista, el proyecto para niños, y El murciélago va un poco en la misma línea, intentar hacer cosas distintas o más espontáneas”. PARA ACABAR, le pregunto sobre la música que ha estado escuchando recientemente y cuáles de esos discos podrían funcionar como complemento perfecto para El murciélago sale a por birras. “Durante las semanas de cuarentena quemé el disco nuevo de Triángulo de Amor Bizarro, y escuché bastante a Anna Von Hausswolff, Emma Ruth Rundle, Joe Crepúsculo o Bad Bunny. Y así como en otras ocasiones he tenido muy claro que música encajaría con cada cómic que he hecho, esta vez al ser algo más de cachondeo, no lo veo muy claro, pero debería ser algo entre la típica banda sonora random de película de superhéroes y yo qué sé... Bad Gyal”. —JOAN S. LUNA

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El murciélago sale a por birras Álvaro Ortiz ¡Caramba!/ Astiberri

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Jason Astiberri

8 Reconozco que, a causa de alguna de sus últimas obras, me había distanciado algo del inquietante Jason. Pero ha sido leer ¡Oh, Josefina! y sentir que recuperaba a un viejo amigo a través de estas historias. Vuelven los personajes solitarios y vacíos, las dudas existenciales y se mantiene el humor, claro está. Y encima nos resume la vida de Leonard Cohen en menos de cuarenta páginas. Un maestro en lo suyo. —JOAN S. LUNA Patria

Toni Fejzula Planeta Cómic

7 A ninguno y al mismo tiempo a todos los dibujantes les gustaría estar en la piel de Toni Fejzula. A nadie porque ha debido ser tarea titánica adaptar la exitosa y excelente novela de Fernando Aramburu al cómic, y a todo el mundo porque retos así se plantean pocas veces. El artista barcelonés sale bastante bien parado y consigue que tan complejo entramado de sentimientos funcione como novela gráfica. —JMARTÍ VILADOT El chico de los ojos de gato. Vol. 1 Kazuo Umezz Satori

9 Al margen del valor de esta obra por si misma, su publicación en España es un ejercicio de justicia poética con el autor. Con solo Aula a la deriva publicada hace años en nuestro país, nos estábamos perdiendo a uno de los grandes del terror japonés. Y no cabe duda de que en estas más de quinientas páginas se encuentran muchos de los motivos por los que muchos le reverenciamos. —JOAN S. LUNA

Liz Phair Horrores cotidianos

Liz Phair vuelve a la actualidad, pero esta vez con su primer libro. Historias de terror (Contra, 20) es un libro de memorias en las que demuestra ser una excepcional narradora a la hora de hablar de amistad, familia o amor.

UE UNA DE LAS GRANDES SENSACIONES del indie rock norteamericano de los noventa. Exile In Guyville (Matador, 93), una respuesta femenina, procaz, cruda, desafiante y feminista –mucho antes de los tiempos del #Metoo– al mítico Exile On Main Street (Virgin, 72) de The Rolling Stones, fue el discazo que colocó a Liz Phair en el gran puzzle de sonidos que la marea alternativa de la época nos dejó. Esta norteamericana nacida en 1967 en New Haven (Connecticut) y criada en Chicago es, desde hace años, uno de los grandes iconos femeninos del rock, y ha volcado todo el amplio bagaje personal y profesional que atesora en Historias de terror, su primer libro. Unas memorias en las que demuestra su excepcional talla de narradora, y en las que lidia con asuntos como la amistad, la familia, el amor, el sexo, las relaciones de pareja, la maternidad y, sobre todo, la necesidad de dejar un legado, una impronta que transmitir a las generaciones futuras. Y lo hace con una franqueza apabullante. Un libro abiertamente confesional que justifica sobradamente una conversación telefónica de veinte minutos que se hizo corta. HABÍA UN IMPULSO EXPERIENCIAL, confesional, a la hora de dar forma a este libro. Pero también otros dos motores que nadie hubiera predicho. “Quería evaluar lo que he sido y soy como persona, todo lo que hecho bien y lo que he hecho mal, pero también me influyó el clima político en Norteamérica, porque me cuesta entender cómo hemos ido emprendiendo este sendero de fanatismo e injusticia, y de tan poco respeto por la verdad, y también se sumó que perdimos a Prince y a Bowie: los primeros grandes músicos con los que conecté, cuya muerte me hizo darme cuenta de lo mucho que me influyeron a la hora de ser escandalosa, libre, dramática, sexual y desafiante”, argumenta. EL CONSUMADO DETALLISMO que despliega a lo largo de las más de trescientas páginas del libro y su destreza

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MONDO MEDIA

e “Prince y Bowie m r se ora de influyeron a la h ramática, re, d escandalosa, libl y desafiante” sexua

como narradora, articulando un reguero de magnéticos relatos sin orden cronológico, se combina con su capacidad para plasmar una sensación que la ha acompañado toda su vida: la de no encajar en ningún sitio. Demasiado convencional para los bohemios, demasiado provocadora para los conservadores; demasiado indie en un principio para el mainstream, y luego demasiado mainstream para el indie en el que se forjó. “Fui hija adoptada, y lo supe mientras crecía, lo que hizo que siempre me viera obligada a seguir mi instinto para averiguar quién soy en realidad: ¿Cómo vas a saber de dónde vienes si no examinas tus propios instintos?”, comenta acerca de una sensación a la que ha terminado por no considerar exclusiva, ya que al final “la mayoría de la gente se siente así, aunque no busquen de forma activa la naturaleza de la que proceden, como hacía yo”. AUNQUE SU INFLUENCIA sobre Snail Mail, Waxahatchee, Stella Donnelly, Caroline Rose o Jay Som es asumida

por ellas mismas, Liz Phair se muestra encantada pero nunca pretendió ser un modelo. “Crecí más como una artista visual que musical, quería ser como Nancy Spero o Leon Golub, para quienes trabajé en Nueva York; tan solo tenía claro que el rol del artista debía ser provocador, de agitador ante la sociedad”, comenta acerca de la sombra de su trabajo, aunque reconoce que estar más que complacida por “cuántas mujeres jóvenes están haciendo ahora aquello a lo que yo casi ni me atrevía a principio de los noventa. Representan un gran cambio”. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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Historias de terror Liz Phair Contra

FOTO: ELISABETH WEINBERG

¡Oh, Josefina!

LIBROS

CÓMICS

julio 2020 #35

RETROVISOR.

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com PUBLICIDAD Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación

The Pretty Things Origen: Londres (1962-2020)

UANDO DAVID BOWIE rellenó su disco de versiones –Pin Ups (1973)– con una docena de canciones emblemáticas salidas del circuito de clubes londinense del periodo 64-67, incluyó dos temas de The Pretty Things y reservó un lugar destacado, al principio del álbum, para Rosalyn. Este reivindicativo guiño de Bowie hacia la banda londinense no fue una excepción. Jimmy Page, The Who, Pink Floyd… la mayoría de músicos más o menos coetáneos de The Pretty Things en el efervescente swinging London de la época reconocía en la banda de Phil May y Dick Taylor a una excepcional fuerza de la naturaleza, a un torbellino capaz de articular un R&B ardiente, salvaje y arrollador, a un referente. En 1962, Taylor había formado parte fugazmente de unos primerizos The Rolling Stones, con quienes acabó tocando el bajo. Aquello no cuajó y, tras conocer al cantante y armonicista Phil May, Taylor se colgó otra vez la guitarra para poner en marcha junto a su nuevo compañero la dilatada, sólida –y a veces caótica– carrera de The Pretty Things. No iban a lograr el mismo éxito masivo que algunos de sus admiradores, especialmente en unos Estados Unidos que siempre se les resistieron, pero sí consiguieron atraer en otros países el culto incondicional de selectos grupos de seguidores. EN SUS INICIOS DESTILARON un blues de alta graduación, que tan pronto rendía tributo a Jimmy Reed como desvelaba una fijación por Bo Diddley. Por su visceralidad, algunos calificaron la revisión bluesera de The Pretty Things como cruda. Error. Crudo era el blues que salía de los campos de algodón del Delta. Lo suyo, en cambio, ayudaba a moldear una denominación de origen común para la escena londinense; en su

#36 julio 2020

Depósito legal B. 11 809-2013

caso orientada, eso sí, hacia la vertiente más tumultuosa del aire revisionista de la música negra que se respiraba en la Inglaterra de los sesenta. Genuino sí; británico también. CON LA LLEGADA DE LA PSICODELIA, Pretty Things dieron otro significativo paso al frente y, a pesar de empezar a lidiar con cambios de formación, con el álbum S.F. Sorrow (1968) innovaron al inventar el concepto ópera-rock. Sin embargo, la recompensa por este logro se les escurrió entre los dedos cuando The Who publicaron Tommy (1969), doble álbum al que masivamente se reconoció –tanto a nivel de prestigio como de ventas– como pionero en la idea de acercar el rock al mundo de la ópera. A pesar del revés, afrontaron el cambio de década con otro excelente disco, Para-

IMPRESCINDIBLE

S.F. Sorrow (1968)

La polémica que envuelve la historia de este disco conceptual tiende a distraernos de lo realmente importante: las canciones. ¿Comparaciones con Tommy de The Who? No, gracias. ¿Se inspiraron The Who en la idea de The Pretty Things al gestar su propia ópera-rock? Qué más da. Limitémonos, por favor, a que canciones como S.F. Sorrow, I See You, Old Man Going y todas las demás, hablen por sí mismas. —X.LL.

chute (1970). En el que sería su primer trabajo sin Dick Taylor –el guitarrista se reincorporaría a la banda en 1979– siguieron focalizados en los ecos psicodélicos, así como despertando entusiastas reacciones que, una vez más, no trascendieron más allá de sectores limitados de público. Led Zeppelin no dudaron en ficharles en 1974 para su recién creado sello discográfico (Swan Songs), pero la suerte estaba echada y el grupo se separó en 1976 como consecuencia de unas turbulencias internas insostenibles, en gran parte alimentadas por el propio Phil May. DESDE QUE SE REAGRUPARON tres años después y hasta hace pocos meses, May y Dick Taylor lideraron de forma permanente las distintas e inagotables reencarnaciones de The Pretty Things. Mucho más prolíficos en escenarios de pequeños y abarrotados clubes que grabando discos de estudio, acabaron obsequiándonos en el nuevo milenio con varias giras españolas, a las que llegaron en furgonetas en las que no cabía mucho presupuesto, pero sí talento a raudales y una actitud inmune a la erosión que provoca el paso del tiempo. El pasado 15 de mayo Phil nos dejó definitivamente, al complicarse una operación de cadera a la que se sometió tras sufrir un accidente de bicicleta. Hasta el último momento, sus conciertos con The Pretty Things fueron una exquisita celebración del R&B clásico y de sus composiciones psicodélicas más logradas. Así podemos atestiguarlo quienes disfrutamos de sus giras hispanas hasta el final. Por otra parte, afortunadamente también llegaron a tiempo para grabar un doble álbum en vivo de despedida –The Final Bow (2020)- con la participación de invitados de postín como David Gilmour y Van Morrison. —XAVI LLOP

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