MondoSonoro junio 2017 by MONDO SONORO

ROYAL BLOOD, ALT-J, BNQT, QUIQUE GONZÁLEZ, TEN FÉ, LITTLE CUB, DORIAN WOOD THE DRUMS, GORILLAZ, MOUNT EERIE, ZOO, NICK CAVE, ITACA BAND, THE FLAMING LIPS

FOTO: SERGIO ALBERT

Nº 251 Junio 2017 www.mondosonoro.com

Bejo Mucho muyayo

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5/Mondo freako

Compuesto, sin novio, y sin compañero de grupo. Así se quedó Jonny Pierce justo en el momento en que empezó a dar forma a este Abysmal Thoughts (Anti/Pias, 17). El cuarto disco de The Drums es el más introspectivo y oscuro de su carrera, pero la inmediatez y las melodías pop siguen ahí. Su mejor trabajo desde Portamento (11).

FOTO: Alfredo arias

The Drums una serie de catastróficas U desdichas

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n animado Jonny Pierce atiende mí llamada. Le recuerdo la portada de hace unos años en la revista. “Llevaba una chaqueta verde y estaba muy serio en la foto”, comenta mientras ríe. Para lo que ha vivido estos dos últimos años, rupturas amorosas y profesionales, al norteamericano se le nota contento. Él mismo nos cuenta el via crucis que ha precedido a Abysmal Thoughts. “Hace un tiempo estuve viviendo en Nueva York con mi pareja, alguien con quien compartía mi vida y de quien estaba enamorado. Es más, pensaba que iba a vivir con él para siempre. Pero de repente todo empezó a desvanecerse. Eso me pasó justo cuando estaba escribiendo el nuevo disco, y me creó mucha confusión. Solo dos meses después de la ruptura, Jacob Graham, mi compañero en The Drums desde el inicio, me escribió un correo electrónico para decirme que abandonaba el grupo porque quería explorar otras áreas de la vida. En ese momento me sentí muy solo. Perdí mis dos pilares vitales en poco tiempo”. Pero la historia continúa. “Entonces decidí irme a Los Angeles para empezar de nuevo. Y aunque al principio fue algo aterrador, tuve la suerte de conectar con la ciudad. Me volqué absolutamente en la composición de las nuevas canciones. De hecho, casi se escribieron solas; me aparecieron como visiones. Desde Portamento, no había repetido esa experiencia mágica a la hora de grabar un disco”. ¿Ha sido este el periodo más oscuro de su vida? “Depende de cómo lo mires”, comenta. “Es verdad que a primera vista todo lo que me ha pasado estos dos últimos años es muy jodido. Pero ahora solo te puedo decir que nunca me había sentido más a gusto

junio 2017 #5

MONDO FREAKO

LA MÍA Cosificación

conmigo mismo. Te explicaré por qué: necesitaba que esas cosas me pasaran. Que esas relaciones terminaran. Creo que no eran buenas ni para mí, ni para mi expareja y Jacob. Musicalmente me apoyaba demasiado en Jacob, buscaba su aprobación y que me sacará de mis dudas. Soy una persona muy insegura, algo que arrastro de los sentimientos anti-gay de mis padres. Esa mala época que viví de niño y adolescente me marcó para toda la vida”. Y añade, “nunca le hubiera dicho a Jacob que dejara la banda, pero cuando lo hizo, me invadió un sentimiento de paz interior. En el fondo, le daba la razón. Y en ese momento también fui consciente de que sería capaz de hacer un buen disco en solitario. Solo hay una cosa peor que estar solo, y es estar con alguien que se siente triste. Eso hace tristes a los dos”. Lejos de ser un pozo oscuro sin fondo o un disco difícil, el cuarto álbum de estudio de The Drums supone un balón de oxígeno para el grupo después del algo disperso Encyclopedia (14). Abysmal Thoughts aúna visceralidad (sobre todo en las letras) con un acabado pop preciosista que a veces se anima por terrenos más experimentales. Pierce se enfrentó solo al proceso de grabación y ha salido fortalecido de ello. “Cuando estás por tu cuenta puedes probar cosas nuevas, jugar con otros elementos. En este disco he utilizado el saxofón, trompetas, cencerros… muchas cosas que no había usado antes. Sentía que podía experimentar con todo. A nivel lírico, es la primera vez que hablo directamente desde el corazón. He sido más específico y personal que nunca. Cuando eres capaz de ser claro con tus emociones, pasa una cosa maravillosa: la gente conecta contigo”. Pierce profundiza un poco más en eso de la claridad lírica. “La mayor novedad de este álbum es que, por primera vez, miro dentro de mí y no fuera para echar las culpas o hacer juicios. Antes mis canciones iban de señalar con el dedo y decir ‘tú me dejaste’, ‘tú me hiciste daño’ o ‘tú me mentiste’. Jugaba a ser la víctima. Y en Abysmal Thoughts al fin miro en mi interior y tomo la responsabilidad de lo que me pasa. Y no sé si eso hubiese pasado de no haberme quedado solo. Ha sido un proceso increíble y muy terapéutico; en este disco me hago preguntas a mí mismo y no a los demás”. —xavi sánchez pons

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#6 junio 2017

S CRITICANDO Abysmal Thoughts Anti/PIAS Pop 7/10

Solo ante el peligro

e publica estos días en castellano Ropa música chicos (Anagrama, 17) las memorias de Viv Albertine. Se trata de un libro de vivencias y recuerdos centelleantes como el contexto en el que transcurre, esencialmente los años del punk. Y en un momento como el actual en el que la dialéctica machismofeminismo da para al menos un debate encendido al día, no está de más conocer de primera mano la experiencia de Albertine, una mujer que junto a sus compañeras en The Slits rompió moldes en aquellos tiempos en que serlo y empuñar una guitarra eléctrica resultaba cuanto menos exótico. La lectura me empuja a reivindicar a una serie de artistas que, aunque en su mayor parte no se vinculan a la causa feminista, para mí han sido tanto o más esenciales que las riot grrrls o que sus equivalentes masculinos. A Siouxsie Sioux, que al igual

uando se acerca su décimo aniversario como banda, Jonny Pierce se queda solo al frente de The Drums y se descuelga con un cuarto disco de estudio de carácter autobiográfico y de post-ruptura sentimental que, eso sí, vuelve a profundizar en su personal manera de entender la música pop. Es decir, esa mezcla de sonidos analógicos y digitales, esas canciones desnudas con los arreglos mínimos o esos estribillos y ritmos espasmódicos. Como pasaba en sus anteriores discos, las variaciones que presenta Abysmal Thoughts no son revolucionarias, pero sí interesantes. El synth pop gélido de la agridulce Head Of The Horse, las guitarras tenebrosas y el toque jazzístico de Are U Fucked, o los aires a lo The Talking Heads de la canción que da nombre al álbum, hacen más rica una fórmula reconocible y ojo, ya influyente (sino que se lo digan a El Último Vecino). En lo lírico, lo nuevo de Jonny Pierce se mueve entre la luz y la oscuridad. Vamos, melodías chicleteras para historias de desamor y de angustia emocional. —xavi sánchez pons

LA GIRA l Madrid 14 de septiembre 2017. Teatro Barceló l Barcelona 15 de septiembre 2017. Razmatazz l Donostia 16 de septiembre 2017. Kutxa Kultur

que Albertine tuvo que enfrentarse a la violencia explícita de otras tribus urbanas y hasta de su propio público y salió triunfante. A la divina Nico, por romper con su imagen de warholiana chica florero y registrar discos radicalmente anticomerciales y sin embargo fascinantes como The Marble Index o Desertshore. A Vainica Doble, encantadoras revolucionarias de salón en una España rancia que no estaba preparada para ellas. A Neneh Cherry, casi cuatro décadas ya tendiendo puentes. A las dos “Lisas” de 4AD, Gerrard y Germano, cuyo reinado no es de este mundo, y a Virginia Astley por crear un mundo en el que habitar para luego desaparecer dentro de él. A La Bien Querida, por firmar algunas de las más hermosas canciones de amor en castellano, y por seguir haciéndolo le pese a quien le pese. A Cecile Schott, Colleen, que vuela libre como los pájaros y es un ejemplo de tenacidad. A Mala Rodríguez, porque siempre dice lo que le sale y además lo hace bonito. A Silvia Pérez Cruz, porque siempre dice lo que le sale, lo hace bonito y además lo hace con una sonrisa que, como la guitarra de Guthrie, es un arma que mata fascistas. Todas ellas personas fuertes, creativas, que con su trabajo e inspiración han dotado de sentido muchos momentos de mi vida y me han educado musical y emocionalmente. Mujeres que se han convertido en el vivo ejemplo de que el movimiento se demuestra andando. —luis j. menéndez

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FOTO: FIONA BRICE

EL APUNTE

Espíritu colaborativo La posibilidad de trabar amistades en los numerosos festivales y mantener el contacto a través de la red ha propiciado que cada vez sea más habitual colaborar en el disco de otros artistas. Solo hay que echar un vistazo a lo proclives que han estado nuestros protagonistas de BNQT para corroborarlo. Búscalos en:

Eric Pulido

-Robert Gomez Brand New Towns (2007) -Sarah Jaffe The Way Sound Leaves A Room (2011) -Cascadeur The Human Octopus (2011) -Snowbird Moon (2014) -Cascadeur Ghost Surfer (2013)

BNQT

Alex Kapranos (Franz Ferdinand)

“Colaborar con otra o, gente siempre es buen s te permite probar cosa que de otro modo no te atreverías”

El supergrupo Quédense con el nombre de BNQT (Banquet), porque tras él se esconde un buen puñado de leyendas del rock independiente actual. Eric Pulido de Midlake dirige el proyecto y varios amigos le ayudan a redondear su primer disco, Real Love (Bella Union/ [PIAS], 17).

costumbrados a ver cómo nacen súper grupos de la nada sin mucha justificación, descubrimos que el caso de BNQT es muy diferente al resto. Eric Pulido de Midlake es el ideólogo y el encargado de seleccionar a los invitados –un total de cuatro- que le han ayudado a completar las canciones de Real Love. Y esos invitados son nada menos que Alex Kapranos (Franz Ferdinand), Ben Bridwell (Band Of Horses), Fran Healy (Travis) y Jason Lytle (Grandaddy), que aportan voces a un armazón sonoro que levantan los compañeros de Pulido en Midlake. “Esta no era mi primera colaboración con algunos de estos músicos, caso de Ben Bridwell de Band Of Horses y de Alex Kapranos de Franz Ferdinand.

Pensé que estaría bien crear algo nuevo, con músicos de este universo más independiente que tengo tan a mano. Pero sobre todo, antes que amigos o colaboradores, si están en el disco es porque yo soy fan de sus grupos, especialmente de Grandaddy y de Travis. Como nos íbamos encontrando en festivales, durante las giras, fui tanteando a la gente y fue fantástico encontrarme con una reacción tan positiva”. De ahí el nombre del proyecto. “Para mí ‘Banquet’ significa encontrarse con amigos, sentarse a tomar unas cervezas y disfrutar hablando de nuestras cosas mientras suena música de fondo. Lo que vendría a ser una reunión cualquiera con la gente que aprecias”. Lo más complicado para un proyecto de este calibre era cuadrar agendas y que no faltase ninguno de los invitados, única forma de conseguir un álbum equilibrado. Ahora bien, Eric Pulido tenía la fórmula bien perfilada. “Lo primero que grabé fue el material con Ben Bridwell de Band Of Horses. Hicimos una demo, la escuchamos y después le propuse el reto al resto de miembros de Midlake. La idea les pareció fantástica, aunque ha sido un proceso largo. De todas formas, no había prisa. Con algunos trabajé por email, otros simplemente se vinieron al estudio casero que tenemos en Texas. Allí

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hacíamos jam sessions y, gracias a la atmósfera que se creaba, las canciones salían redondas”. “Aprecio mucho que todas estas estrellas hayan accedido a colaborar y que todo haya sido tan fluido y natural”, comenta Pulido. Para él, BNQT ha sido un enorme regalo y para los elegidos también ha supuesto la oportunidad de hacer algo distinto a lo que firman habitualmente. “Creo que este tipo de experiencias inusuales ayudan a los músicos a dirigir sus propios proyectos. Se toman un respiro y se involucran en una aventura distinta que les permite crecer como músicos. Es enriquecedor para todos. Colaborar con otra gente siempre es bueno, te permite probar cosas que de otro modo no te atreverías. Trabajando con ellos de una manera tradicional, aprecias otros aspectos que en otro caso pasarían desapercibidos”. Habiendo personalidades musicales tan fuertes y diferentes entre sí, lo realmente difícil habrá sido conseguir un álbum coherente y que todas las piezas encajasen. Y a fe que lo consigue, porque Real Love crea adicción. “Nos hemos tomado el tiempo necesario para ejecutar cada idea. Lo que no fue fácil fue decidir el orden de las canciones, elegir con cuál abríamos y con cuál cerrábamos. Al final se convirtió en una especie de juego. Fue divertido. Además hice a todo el mundo partícipe y cada uno daba su opinión, hasta que llegó un punto en el que tuvimos que consensuar. Ah, y por suerte no ha habido guerra de egos (risas). Yo escribí dos canciones y me centré en producir, en que la banda funcionara bien. Iba recibiendo material y para mí cada canción era como un regalo. Me sentía muy halagado cada vez que me llegaba algo”. —toni castarnado

-Handsome Boy Modeling School White People (2004) -The Cribs Men’s Needs, Women’s Needs, Whatever (2007) -Immaculate Machine Fables (2007) -Annie Don’t Stop (2009) -Edwyn Collins Losing Sleep (2010) -Boom Bip Zig Zaj (2011) -Citizens! Here We Are (2012) -FFS FFS (2015)

Fran Healy (Travis)

-Feeder Pushing The Senses (2005) -Brian Gibson Words You’ve Left Behind (2007) -Angus & Julia Stone A Book Like This (2007) -Martin And James Martin And James (2011) -Stephen Malkmus & The Jicks Wig Out At Jagbags (2014)

Jason Lytle (Grandaddy)

-Band Of Blacky Ranchette Still Lookin’ Good To Me (2003) -E-arlimart Everyone Down Here (2003) -Jackpot Moonbreath (2007) -Little Monsters All Together Now (2008) -M. Ward Hold Time (2009) -Donovan’s Brain Fires Which Burnt Brightly (2009) -The Crystal Method Divided By Night (2009) -Sage Francis Life (2010) -Admiral Radley I Heart California (2010) -Danger Mouse/Sparklehorse Dark Night Of The Soul (2010) -Giant Sand Tuckson. A Country Rock Opera (2012) -Giant Sand Heartbreak Pass (2015) -Band Of Horses Why Are You Ok (2016)

Ben Bridwell (Band Of Horses)

-Courtney Jaye The Exotic Sounds Of... (2010) -J. Mascis Several Shades Of Why (2010) -Macklemore & Ryan Lewis The Heist (2012) -Ben Bridwell/Iron And Wine Sing Into My Mouth (2015) -Calexico Edge Of The Sun (2015)

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junio 2017 #7

THE SPECIALS * SHAGGY * THE wAILERS GentLeMAn & KY-MAnI MArLeY * SteeL PULSe ALPHA bLonDY * YoUSSoU nDoUr * CHronIXX * tootS & tHe MAYtALS LUCIANO fT MAfIA&fLUXY * SEUN KUTI & EGYPT 80 U ROY MEETS BIG YOUTH fT MAD ProfeSSor * InnA De YArD * tWInKLe brotHerS Don CArLoS * CHrIStoPHer MArtIn * MeLLoW MooD * LA PeGAtInA AMPARANOIA * THE HEPTONES * THE SILVERTONES * HEMPRESS SATIVA * RAGING fYAH ISeo & DoDoSoUnD wITH THE MOUSEHUNTER * bLACK rootS * StICK fIGUre * AfrICAn HeAD CHArGe * nADIne SUtHerLAnD treeSHA * nKULee DUbe * PAnDA DUb * nAttALI rIZe * eMeterIAnS & forWArD eVer bAnD * MAnU DIGItAL fT JOSEPH COTTON MALAKA YoUtH * Sr WILSon & tHe ISLAnD DefenDerS * MArCUS GAD * DeVI reeD * PAMA InternAtIonAL * KInGfISHA MACLICK * LIKLe MYStIC * rUberA rootS bAnD * nAKAnY KAnte * CHAInSKA brASSIKA * CHILeAn reGGAe AMbASSADor fT MAXI VARGAS, KItrA, AfLorA * PICAretAS reGGAe * AIDonIA * bUGLe * KInG tUrbo * freDDIe KrUeGer * tArAnCHYLA SUPERLOCK fT SPIDA (SUPerSonIC) & toMMY (CItYLoCK) * DInAMQ SoUnDS IntL fT REBELLION THE RECALLER KInGStone SoUnD fT bAY-C * GLoCKWorK PoSSe * bIG MAMA * LUV MeSSenGer * KInG Horror fIre WArrIorS * DAnCeHALL CreW * onDUbGroUnD * KInG eArtHQUAKe * DUb enGIne NUCLEUS ROOTS fT SIMon DAn & Don HArtLeY * MAHoM DUb * UnLISteD fAnAtIC fT MoonSHIne * HornS, MC SAIMn-I KebrA etHIoPIA & tHe UnIVerSItY of StePPAS * KIbIr LA AMLAK * freeDoM MASSIVe ... más por anunciar

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#8 junio 2017

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MONDO FREAKO

PHOENIX FOTO: ARCHIVO

Cuarta edición del Vida Festival

El eclecticismo del Weekend Beach No cabe ninguna duda de que el andaluz Weekend Beach es uno de los eventos más eclécticos de los que se expanden por la geografía española durante las fechas veraniegas. Torre del Mar en Málaga verá pasar por los escenarios del festival –que se celebrará a lo largo de los días 5 a 8 de julio- a artistas de diversos géneros electrónicos (del drum’n’bass al breakbeat), de un sinfín de músicas de raíces jamaicanas (del dub al reggae o el dancehall), pasando por artistas de rap, trap, hardcore, mestizaje, rock, pop e incluso heavy metal. Eso nos lleva de Camo & Krooked a The Prodigy, de Little Pepe a Anthony B, de Kase.O a Dellafuente & Maka, de Berri Txarrak a Estricnina, de Lori Meyers a Seth Troxler, de Sepultura a Dub Inc, de León Benavente a Mago De Oz... mucho de todo para todos los públicos. Y nosotros tan contentos porque es bien sabido que en la variedad está el gusto. MS

Vilanova i la Geltrú (Barcelona) volverá a acoger una vez más la programación del Vida Festival, uno de esos eventos que prima la calidad y las condiciones en las que vemos los conciertos a la cantidad y el tamaño de los artistas. Desde el 29 de junio hasta el 2 de julio, podremos presenciar las actuaciones de una nutrida lista de nombres internacionales y nacionales, incluyendo tanto formaciones consagradas como artistas en pleno ascenso. El abanico internacional va de Fleet Foxes, Phoenix, The Flaming Lips y Devendra Banhart hasta Jagwar Ma, Dr Dog o los prometedores Parcels. En cuanto a nacional, las propuestas van de Anímic, Enric Montefusco, La Casa Azul, Mishima, John Talabot o Guadalupe Plata hasta Gener, Kelly Kapowsky, Zulu Zulu o Tversky. MS

Los. CONCIERTOS. de mi Vida. Quique González

Björk FOTO: ARCHIVO

www.es.vidafestival.com

the hives FOTO: ARCHIVO

www.weekendbeach.es

Más novedades en el Low Festival

Björk por partida triple en Sónar

El levantino Low Festival cierra su cartel con doce nuevas incorporaciones a su cartel, entre las que se encuentran los suecos The Hives. Además, estará también Xoel López, que repite nuevamente. Entre los nuevos confirmados también están Delorean, Anni B Sweet, Nunatak, Shinova, Ley DJ, Golden Dawn Arkestra, el grupo de chicas Agoraphobia, el cuarteto valenciano Geografies, Naranja y la DJ Miss Deep’ In. También se dieron a conocer recientemente los artistas presentados por Jägermeister y que son FAVX, Gilmer Galibard, Huias, Kaixo, One Path, Rrucculla, Tversky, Vulk y My Expansive Awareness. Y recuerda que sus fechas de celebración van del 28 al 30 de julio en Benidorm. MS

Cuando parecía que ya no iban a entrar más novedades en la edición de este año del barcelonés Sónar –que se celebra en la Ciudad Condal los días 15, 16 y 17 de junio-, la organización nos ha sorprendido con la presencia de una de las artistas más importantes del pop actual. La islandesa Björk completa el cartel por partida triple. Por un lado, del 14 de junio al 24 de septiembre el Centre de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) presentará la exposición titulada Björk Digital con la realidad virtual como protagonista. En la parte musical, será la gran protagonista de la Noche Inaugural del miércoles 14 de junio en Fira Montjuïc con un exclusivo DJ Set de cuatro horas .Y por último, la islandesa será una de las encargadas de participar en el congreso Sónar+D hablando de sus vínculos con lo audiovisual. MS

www.lowfestival.es

www.sonar.es

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En cierta manera, Quique González es un animal del directo. Siempre tiene alguna fecha programada aquí o allí, incluso cuando ya hace meses desde la publicación de su último material. Este mes forma parte del ciclo SON EG, con fecha confirmada en Santiago de Compostela. Será en la Sala Capitol (16 de junio). El primer concierto al que asististe como público Recuerdo que el primer concierto al que asistí de pequeño fue en las fiestas de mi barrio, en el Flori. Tocaba una orquesta al lado del Campo de García de la Mata. Yo tenía unos ocho o diez años en aquel momento. El mejor concierto que he visto como espectador El mejor concierto que he visto, o de los tres mejores, fue el de Neil Young en Barcelona el año pasado (20 de junio en el Poble Espanyol). Estuve en trance durante toda la actuación.

El peor concierto al que has asistido nunca He estado en algunos flojos, pero tampoco pasa nada porque todo el mundo tiene un mal día. El último concierto al que he ido El último ha sido el concierto de uno de mis ídolos, Jim Lauderdale. Fue el 14 de mayo en la sala Rocksound de Barcelona. Espectacular. MS

Los directos de SON Estrella Galicia Joy Eslava, Madrid Freedonia / 2 junio Freedonia / 3 junio

Porta Caeli, Valladolid Toy / 8 junio The Limboos / 9 junio

TDA, Madrid 100% Psych (Javier Diez Ena) / 6 junio Ramírez Exposure + Lois / 7 junio

Teatro Laar, Madrid Sr. Chinarro / 15 junio

Lemon Rock, Granada Toy / 7 junio

Sala Capitol, Santiago Quique González & Los Detectives / 16 de junio Taboo, Madrid Cosmen Adelaida / 16 de junio

Playa Club, Coruña II Semana de la Música de A Coruña (Toundra + The Tyrell Corporation) / 16 de junio Garufa, Coruña II Semana de la Música de A Coruña (Toundra + The Tyrell Corporation) / 17 de junio Loco Club, Valencia Ramírez Exposure + Lois / 23 de junio

junio 2017 #9

#10 junio 2017

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MONDO FREAKO

Ten Fé Confianza ciega

No hace tanto que Ben Moorhouse y Leo Duncan se encontraban haciendo versiones de clásicos del rock en el metro londinense, hasta que sus primeras canciones propias les fueron situando como uno de los nombres más prometedores de la escena británica, estatus que consolidan con su debut en largo, Hit The Light (Some Kinda Love/[PIAS], 17).

comunes. (Leo) “Todo el mundo parecía tener su propia banda, así que se montó una especie de jam session. Lo primero que hicimos fue un tema de Elvis Presley; éramos los únicos que queríamos algo de rock’n’roll: Little Richard, The Rolling Stones, The Beatles…”. (Ben) “Vimos que teníamos gustos comunes y nos dijimos: si todos aquí tienen un grupo, hagámoslo nosotros también”. Ya en aquellos primeros momentos, explican ahora, decidieron que se repartirían el protagonismo, aunque fuera por puro pragmatismo. (Leo) “Necesitábamos dinero, así que empezamos a tocar en el metro para ganarnos la vida. Cantar juntos era la mejor manera de que se nos escuchara bien, si no, nadie se hubiese quitado los auriculares para escucharnos. Fue una experiencia diver-

Rapture, M83) como productor. (Leo) “En cuanto surgió esa posibilidad, no lo dudamos. Muchas veces habíamos hablado entre nosotros de lo bueno que sería aprovechar el lado más bailable de algunos temas, y eso es lo que hemos buscado con Ewan. Nos ha ayudado a encontrar el equilibrio que necesitábamos”. Para que la experiencia electrónica fuese más intensa, Ten Fé se trasladaron a Berlín durante tres meses, grabando su debut en los estudios de Kompakt Records. (Ben) “Creo que esa influencia se nota en el álbum, pero lo que de verdad queríamos era poner distancia con Londres; salir de nuestro entorno más conocido para encontrar una energía distinta”. Un empuje que se une al sentimiento positivo que domina este primer álbum, haciendo bueno su propio nombre: (Leo) “Ahora todo parece mucho más fácil, pero ha habido momentos complicados, y en ese sentido siempre hemos creído en lo que hacíamos; no es que la convicción sea lo único que importa, pero sí ayuda a seguir adelante”. —enrique peñas

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Hit The Light

Some Kinda Love([PIAS] Pop 7/10

“Necesitábamos dinero, así que empezamos a tocar en el metro para ganarnos la vida”

FOTO: ARCHIVO

s difícil estar en Londres sin pasar en algún momento por la línea verde oscura del suburbano, District Line, haciendo parada en Westminster, Blackfriars, Temple, Tower Hill o Whitechapel, en un recorrido que atraviesa la capital británica de oeste a este. Precisamente este popular y concurrido escenario fue el elegido por Ben Moorhouse y Leo Duncan, cuando aún se hacían llamar Fé (la tilde es un añadido que no se sabe muy bien qué hace por ahí), para dar sus primeros pasos, después de que ambos se conocieran en una fiesta de amigos

tida y también enriquecedora, sobre todo porque nos ayudó a conocernos mejor como músicos; nos dimos cuenta de que nuestras voces podían funcionar bien”. Todavía hubo un tiempo en el que ambos estuvieron a la vez en distintos grupos, hasta que, hace unos cuatro años, empezaron definitivamente con Ten Fé, trabajando ya en sus propios temas y poniendo las bases para un crecimiento que se ha ido consolidando a la vieja usanza, canción a canción, hasta llegar al lanzamiento de Hit The Light: Make Me Better, Overflow, Turn y, especialmente, Elodie, single con el que Moorhouse y Duncan confirmaron el pasado año que lo suyo iba en serio, con un sonido que seguía la exitosa senda abierta por The 1975, al tiempo que evocaba nombres tan diversos como Bruce Springsteen, Jagwar Ma, A-Ha o The War On Drugs. Todo moderadamente familiar, con un rock suave, a veces hipnótico, y también con ecos al synth-pop de los ochenta, dejando atrás su pasado como músicos callejeros para explorar la vía electrónica (no es casual que en sus directos incorporen una sorprendente versión del Born Slippy de Underworld). (Ben) “Más que tener un sonido perfectamente definido, quizá de manera inconsciente lo más importante es cada canción en particular. Puede que también sea algo que tiene que ver con nuestra manera de hacer las cosas; cada uno trae sus propios temas y luego vamos trabajando en ellos. No se trata de unos roles determinados, sino que confiamos absolutamente el uno en el otro; por eso, cuando uno viene con una melodía, enseguida el otro la hace suya”. Un proceso en el que, después de haber trabajado inicialmente con Luke Smith (Everything Everything, Slow Club, Is Tropical), también ha tenido un papel importante la elección de Ewan Pearson (The

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junio 2017 #11

FOTO: HOLLY WHITAKER

WALA. WALA.

“En el ámbito del hardcore era muy raro pasarse al castellano. Solo Nueva Vulcano eran un poco referente cantando en castellano. Mucha gente, de hecho, no lo entendió, se reían diciendo: ‘¿Este ahora va de Bunbury?’. ¿Por qué? ¿Porque canto en mi idioma ahora soy Bunbury?” Enric Montefusco en Jotdown.es

“¡Me gusta la música pop! Tengo una hija que escucha mucho pop, y creo que hay producciones muy interesantes a día de hoy, como el disco de Frank Ocean. El R&B no es lo mío, pero todo el disco es como un sueño… Si eso es pop, ya no lo sé” Simon Scott de Slowdive en Jenesaispop.com

te duros “Son tiempos realmen para en política e ignorarlonitas de escribir canciones bo téntico” pop, nos parece poco au

“Siempre me ha gustado la vida en la carretera. Siempre me he sentido como si fuera un pirata que puede ir a donde quiera, desaparecer si le apetece, o meterse en peleas” Thundercat en Q

“Damon es un verdadero artista. Es uno de los pocos que conozco, pero eso también significa que puede estar un poco loco, ser difícil, y yo también puedo serlo” Jamie Hewlett de Gorillaz en Q

“Björk me mostró mi propia valentía, y donde estaba mi poder, llenando cualquier agujero que ella encontrase con savia brillante. Ha sido una guía generosísima y una buena amiga” Arca en Uncut

#12 junio 2017

Little Cub bailando el siglo XXI Acaban de publicar Still Life (Domino/Music As Usual, 17), su primer disco de estudio, y ya les tenemos abriendo fronteras. El trío de Londres comparte referentes tan diversos como Joy Division, Caribou o LCD Soundsystem, por eso no extraña que Dominic, Duncan y Ady se conociesen en el extinto club Fabric.

a poesía y el personaje de Dorian Gray, en particular, os inspiraron para empezar a escribir. ¿De qué manera se refleja esto en las letras del disco? (Dominic) Supongo que empecé a escribir algunos fragmentos mucho antes de que intentásemos transformarlos en canciones. Creo que la poesía y la música son formas de arte muy diferentes pero cuyos nexos coinciden en la historia y en el tiempo. Cualquiera que haya visto la película de Nick Cave sobre Skeleton Tree sabrá que él es un compositor de canciones y un poeta al mismo tiempo. En muchos aspectos, Dorian Gray es un personaje con el que veo paralelismos en aspectos como es mi vida en Londres ahora o cómo su personaje podría tratar de ser grandilocuente pero no importarle a nadie después de todo. Teniendo en cuenta que los tres componéis y que os conocéis desde hace más de tres años como banda, ¿cómo os sentís identificados con lo que ahora interpretáis? (Dominic) Es algo que varía. Las letras que compusimos entonces eran como capturas de pantalla de nuestra vida años atrás pero, al igual que los arreglos, han evolucionado. Sería raro seguir diciendo las mismas cosas porque nuestra opinión ha cambiado. Un amigo que se fue de gira el pasado año con Radiohead dijo que no solo habían cambiado el setlist cada noche, sino que los arreglos y la disposición eran distintos. Morrissey también hace ligeros cambios a sus letras. Así se mantienen vivas algunas canciones sin tocar el

mensaje principal de cada una, aunque muchas otras siguen siendo tan actuales como cuando las compusimos. Precisamente mucho de ese contenido tiene un contexto político y social. ¿Qué tipo de temas os preocupan en la actualidad? (Dominic) Estos son tiempos realmente duros en política e ignorarlo para escribir canciones bonitas de pop que se conviertan en hits nos parece poco auténtico. Creo que mucha gente se ha sentido desatendida por el sistema político durante mucho tiempo y ahora, más que nunca, quieren que cambie. Una de las ventajas de esta situación es que estamos empezando a ver al enemigo de nuevo. Durante décadas hemos tenido mandatarios que se han despreocupado por sus políticas y medidas populares, pero creo que la vuelta a la razón que estamos teniendo ahora es tan divisoria como clarificadora. Vuestro tema Snow presenta una sobrecogedora idea sobre la muerte. ¿Es un sentimiento común que ha condicionado al resto de temas del álbum o simplemente el reflejo de un momento personal particular? (Ady) Por supuesto. Me gusta la descripción que [el escritor británico Philip] Larkin hace de la oveja negra; que mientras esperamos a que venga el barco que nos lleve a nuestras vidas de verdad lo único que realmente puede truncar nuestro camino es la muerte. Es otra de las cosas que no podíamos pasar por alto en nuestras composiciones, aunque afortunadamente, muchos de los momentos que se recogen en el disco van sobre lidiar con esto (este tema en concreto fue escrito para el funeral de la madre de Dom). Sin embargo, lo tomamos como una experiencia más y no hemos querido ser obvios. —silvia suárez

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#NECESITASUNFESTIVAL

mayo 2017 #13 19/5/17 14:40

FOTO: MADS PERCH

MONDO FREAKO

De izquierda a derecha Thom Green (batería), Joe Newman (guitarra / voz) y Gus Unger-Hamilton (teclados)

FOTO: MIKE MASSARO

ara Joe Newman (voz, guitarra), Gus Unger-Hamilton (teclados, voz) y Thom Green (batería, electrónica), las cosas van tan bien que el lanzamiento de su nuevo álbum se ha llevado casi tan en secreto como un rodaje de Star Wars. La información sobre sus nuevos pasos es muy escasa a la hora de entrevistar a Gus Unger-Hamilton, y el teclista responde como si aún estuviera de vacaciones. Ya hablará el disco por sí solo. Menos mal que tenemos un traductor universal, capaz de entresacar la información de un puñado de respuestas sin mucho empeño. A partir del final de la gira mundial de This Is All Yours (14), Alt-J decidieron tomarse un tiempo para poner su trabajo en perspectiva, y tratar de que las opiniones ajenas no interfiriesen al volver a grabar. (Gus Unger-Hamilton) “Con ese tiempo libre sentimos menos presión para concentrarnos después en la grabación. Hemos hecho muchas cosas distintas. Thom [Sonny Green] se puso a trabajar en su siguiente disco, High Anxiety (Infectious Music, 16), y yo estuve trabajando en un restaurante. Todos tuvimos un descanso de Alt-J, de manera que, cuando nos volvimos a juntar, tuvimos una idea mucho más clara de lo que es estar en un grupo, y nos lo tomamos con calma durante el siguiente año y medio”. Silencio. Cuando Unger-Hamilton responde a una pregunta, se lanza, pero cuando parece que va a elaborar la respuesta, se calla

“Nunca hemos querido ser famosos” y espera la siguiente pregunta. Forma parte de la filosofía de Alt-J en 2017: quieren dejarte con ganas de más, y lo están consiguiendo. Llega a extrañar que un grupo con un sonido tan complejo y rico, sea tan transversal y tenga tantos fans entre gente que nunca se ha metido en berenjenales art-pop. “Esa es una observación muy interesante. Nunca he querido ser famoso, pero nuestra música representa un atractivo real para gente muy distinta. Tenemos un público muy variado y somos conscientes de ello. Creo que te pueden gustar Alt-J, pero ser fan de otras cosas, así que al final nos hemos juntado con un montón de seguidores mucho más grande de lo que hubiéramos podido imaginar”. De momento estos tres chicos de Leeds están controlando con mucho sentido común su hype y su fama: no paran de agradecer el calor que les dispensa su público, y aunque hayan crecido exponencialmente, tienen claro que si This Is All Yours fue una continuación de An Awesome Wave (12), con Relaxer, el punto y aparte no podía ser demasiado brusco. “Nunca hemos cambiado el tipo de banda que queríamos ser. Siempre hemos querido evolucionar por nosotros mismos

sin tener mucho en cuenta lo que nos dijeran por ahí. Eso nunca ha cambiado, por eso hemos seguido trabajando con Charlie Andrew en el estudio, a pesar de que hayamos evolucionado como músicos y como individuos. Esta vez se puede notar en nosotros una gran progresión”. Su sello los ha presentado en sociedad con una simple progresión binaria de ceros y unos. “Al principio solo era la letra de In Cold Blood, pero luego nuestro sello empezó a obsesionarse con ello, y tuvieron un montón de ideas interesantes que nos gustaron, pero no tiene un significado especial. Es parte de nuestra nueva manera de lanzarnos, nada más”. No, “nada más”, no. Al código binario le acompaña una portada en la que se ve un paisaje que podría ser un outtake del primer Tomb Raider, aquí hay algo más. Igual, Alt-J se están poniendo nostálgicos. “Sí, ¿por qué no? Piensa que todos crecimos en los noventa, pero no solo se trata de la portada, sino que se podría decir que este disco es bastante retro. Probablemente se trate de un disco nostálgico”. El sonido es muy contemporáneo, pero la manera de escarbar en él ha sido darse un paseo por un web game en el que te introduces en ese paisaje cibernético primitivo para ir rastreando sus fotos y sus vídeos hasta que pierdas completamente la orientación. Esta es su segunda idea importante. Gus asiente, “sí, esa es la idea”, pero vuelve a callar después. No odia contestar entrevistas, pero sigue sin ponerle mucho empeño. Y si la nostalgia de los noventa impregna el envoltorio de Relaxer, los sesenta están presentes en el interior con una revisión de House Of The Rising Sun, presuntamente recuperada de la tradición folk por Alan Lomax, pero llevada a la fama en 1964 por The Animals, y que realmente trataba sobre un prostíbulo en Nueva Orleans. Cuentan que Alt-J han echado de menos algo más de ajetreo sexual durante su gira. “Es una canción que nos gusta a todos, y de alguna manera nos une a nuestro pasado sonoro, pero además hay razones para cambiarla, porque si reinterpretas una canción es importante que se diga algo que tenga que ver con tu manera de ver la música. Si la hubiéramos hecho tal cual, habría sido solo copiar sin sentido”. Ni una palabra sobre sexo ni sobre la cuestión de que, al fin y al cabo, los Animals eran de Leeds y les pillara más cerca que otras referencias al meneíto criollo. Este es el meollo de Relaxer, en el que además de sexo, se habla de accidentes de tráfico, amor y muerte, pero enfocado como un viaje psicodélico del que ya podía Unger-Hamilton dar alguna

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#14 junio 2017

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FOTO: GABRIEL GREEN

CRÍTICANDO Relaxer

Infectious/[PIAS] ART-POP 9/10

ALT-J UNA CREATIVIDAD DESBORDANTE Ante la presión del tercer álbum después de ser más grandes que la vida hasta en la India, Alt-J cogieron un tiempecito de excedencia. Cargaron las pilas, cogieron distancia con su trabajo, y a la vuelta se han marcado Relaxer (Infectious/[PIAS], 17), un disco más rock y con arreglos orquestales grabados en los Abbey Road Studios, que debería significar su confirmación para todos aquellos que aún no se han enterado de que este trío es una de las células de creatividad más interesantes del panorama actual. —texto Jorge Obón

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Clasicismo ¿Cómo es posible que esta pandilla de diletantes de Leeds convenciera a Iggy Pop para que fuera el narrador del vídeo de In Cold Blood? Sería cabal pensar que está relacionado con su exquisita manera de transformarlo todo en un art-pop inclasificable y rico en matices, pero no: Alt-J se han enfrentado a su tercer largo sin el lastre exclusivista de la juventud que defiende lo suyo como lo único válido. Relaxer podría pasar como un disco retro que mira, antes que nada, al amor por la música, tal y como se hacía hace cincuenta años, cuando se intercambiaban ideas antes que intérpretes, y lo importante era encontrar siempre nuevas maneras de escribir canciones y grabarlas. Y todo ello con los mimbres del pop del siglo XXI, tan actual o más que las grabaciones de These New Puritans al día siguiente de publicarse. Por eso el álbum solo tiene ocho canciones; por eso estas apelan a sentimientos universales desde la experiencia particular; por eso las letras plantean un viaje dialéctico que enfrenta sexo y miedo, amor y desamor, y termina con una lógica redención. —j.o.

pista más. “Es un viaje que empieza con una propuesta de exploración, que más tarde tiene que ver con el amor, pero también con la pérdida, hasta que llegas a un punto en el que hay una cierta redención, de manera que hubiera un cierre adecuado del disco”. Y todo en tan solo ocho canciones. “Son pocas para un disco, pero porque es un disco retro, así que hemos querido tener en cuenta cómo son nuestros álbumes clásicos favoritos, y la verdad que estas eran las ocho mejores canciones para plasmar lo que queríamos que la gente escuchara de nosotros ahora mismo. Grabamos más pero al final hemos preferido solo mostrar estas”. Que se han terminado de grabar en los históricos Abbey Road Studios. “Fue alucinante grabar allí”. Pero además de estar respaldados por una orquesta cuando antes había teclados, han mezclado el disco sin miedo y a la antigua usanza de los sesenta, repartiendo los instrumentos de manera desigual por los dos canales. “Habíamos escrito algo lo suficientemente extraño, así que nos planteamos cómo sería si nuestras canciones las habitara gente con una mentalidad distinta, más abierta. Esto nos ha permitido crecer”. Gus da vueltas alrededor de las palabras “crecimiento” y “expansión” pero no da detalles. Está muy orgulloso del resultado, pero tal vez no de que para conseguirlo lo hayan sustituido en parte por una orquesta. Solo vuelve a encenderse cuando recordamos Live At Red Rocks (16) una grabación que recoge la intensidad de su última gira como si aún importaran los discos en directo. “Seguramente no volveremos a tocar en recintos como ese, así que, también es como nuestro servicio privado de documentación para cuando seamos viejos y vivamos en casas de acogida”. Ironía o no, Unger-Hamilton sabe que está en la puerta de entrada de su nueva vida, que a partir de ahora está marcada por un artefacto tan extraño como Relaxer, pero tan atractivo, que cualquier cosa es posible. —j.o.

junio 2017 #15

FOTO: PABLO ALMANSA

MONDO FREAKO

Dorian Wood un grito a la igualdad

EN LA MALETA

El polifacético músico de Los Ángeles vuelve a explorar los bajos fondos de la sociedad en Xalá (Atonal Industries, 2017). Un llanto que llega en forma de nueve canciones de una de las voces más eclécticas y necesarias del momento. Las defenderá en directo el próximo 30 de junio en el World Pride de Madrid y el 7 de julio en el festival barcelonés Cruïlla.

The Magician

Es uno de los Dj’s de electrónica de corte pop más importantes de la actualidad y autor de algunos de los remixes más populares de los últimos años. Aprovechando su participación en el Ballantine’s True Music Festival (9 junio, Sala Arena, Madrid), contesta a nuestras preguntas. #16 junio 2017

as injusticias, los desafueros y la hipermasculinidad en el mundo funcionan como motor del nuevo álbum del californiano de origen costarricense. Un trabajo grabado en directo junto a los músicos españoles Xavi Muñoz y Marcos Junquera en el auditorio de Vila-real (Castellón), en el que las letras encarnadas se deslizan en

ecuerdas tu primera sesión? Fue en una fiesta que yo mismo organizaba. Hubo unas seiscientas personas y la verdad es que yo no tenía ni idea de cómo hacer a la gente bailar, pero también recuerdo que empecé a poner música muy variada, desde house a techno, pasando por hardcore, drum’n’bass, r’n’b, dance... Estuve ahí toda la noche, desde las diez hasta las cinco de la mañana. Antes de The Magician, formaste parte del dúo Aeroplane, que nos encantaba... ¿Influyó eso en tu carrera y en tu estilo actual? Bueno, en realidad antes de Aeroplane ya llevaba años pinchando en Bélgica e incluso un poco en Francia. Cuando creamos Aeroplane, inyecté mis influencias en el proyecto y algunas de esas influencias continúan formando parte de mi música en la actualidad. Ahora bien, ha cambiado bastante la forma en la que produzco música. Aeroplane era más bien un proyecto de medios tiempos y queríamos hacer música como en los ochenta. Aeroplane me ayudó mucho a la hora de iniciar una carrera internacional por lo menos durante un año hasta que nos separamos. Después The Magician no era muy conocido, pero al cabo de poco tiempo hice el remix de I Follow Rivers de Lykke Li y todo se disparó. ¿Cuál es el concepto tras tu sello y tus fiestas Potion? Necesitaba una base sobre la que pu-

do es “Ser hombre en este mun llegado catastrófico. Si hemosestra a este punto es por nu ” culpa y no de la mujer un puñado de canciones que conviven entre el folklore y la experimentación, cantadas todas ellas en su lengua materna. “Mi idea ha sido como siempre beber de mis influencias, ya sea, Nina Simone, Scott Walker, Chavela Vargas o Swans, y dejar a un lado los prejuicios a la hora incorporarle el castellano. He tenido la suerte de no sentir jamás la presión de

blicar mi propio trabajo y en la que desarrollar cierta estética e imagen. Y luego empecé a recibir material de diferentes productores que me preguntaban si podía publicarles en Potion, así que decidí empezar a lanzar música de otros artistas y crear una especie de pequeña familia musical. Por lo que respecta a los eventos, suelo hacerlos en grandes ciudades como Londres, París, Nueva York, Los Angeles, Barcelona, Miami, Amsterdam o México DF. Al margen de lo que pinchas en tus sesiones, ¿qué artistas sueles escuchar ahora en casa?¿Y qué Dj’s le recomendarías a nuestros lectores? Frank Ocean, Anderson .Paak, Drake, Sinkane, Goldlink... por lo general escucho mucha música urbana estos días. En cuanto a recomendaciones, pues a TCTS, Bobby Nourmand, Icarus, Offaiah, Punctual... todos son artistas de house con un toque pop o urban. ¿Alguna vez has perdido o te han robado los discos? Pues ambas cosas. He pedido algunos discos, pero el peor momento fue una noche en la que estaba muy cansado para llevarme la bolsa a casa, así que la dejé por la noche en el coche. Por la mañana, el cristal del automóvil estaba roto y la bolsa ya no estaba ahí. Ocurrió hace mucho, así que he tenido tiempo suficiente para comprar de nuevo esos discos. Sabía exactamente los ochenta o cien discos que había en esa bolsa. MS

tener que encajar en un género específico, por lo que todo lo que hago sale de una forma o de otra porque tiene que salir así. Si este disco está cantado en castellano es porque un cúmulo de circunstancias me han llevado a componerlo así y porque es parte de quien soy. Al fin y al cabo, tengo muy arraigada mi cultura latina”. Xalá es un disco que invita a la reflexión y a la autocrítica en una sociedad despojada de valores, y que Wood aprovecha para verter su visión sobre ella con la crudeza que caracteriza su obra. “Xalá es una palabra de Costa Rica que quiere decir algo como ‘cállate’ o ‘vete’. El disco trata en su totalidad de la hipermasculinidad en el mundo. El hombre en su naturaleza más primitiva o agresiva dice y hace cosas sin sentido constantemente. Ahí es donde toca gritar ¡xalá! Para mí siempre ha sido una carga ser hombre, no es algo con lo que me sienta muy cómodo. Ser hombre en este mundo es catastrófico. Si hemos llegado a este punto es por nuestra culpa y no de la mujer. Es de nosotros de donde llega toda la presión que nos rodea, la inseguridad sexual y todo aquello que responde al patriarcado. Xalá es como una exploración, una denuncia al hecho de ser hombre”. No es la primera vez que el músico oriundo de los Ángeles, fogueado en escenarios de locales y clubes gay antes de devenir la estrella que es hoy, sitúa a la mujer en el centro de su inspiración. Ya en su canción La cara infinita, incluida en su EP Hymn To Freedom (Atonal Industries, 2015), las “niñas” se vengaban de un sistema condicionado por el patriarcado “Seguimos viviendo

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La discoteca de Jean Jacques Burnel

(The Stranglers)

The Stranglers fueron y continúan siendo en 2017 uno de los grupos precursores del punk británico y uno de los nombres más respetados del rock británico gracias a temas como No More Heroes o Peaches y a discos como Rattus Norvegicus (1977), No More Heroes (1977) o Aural Sculpture (1984).

en un mundo machista. Solo hay que ver las situaciones de injusticia que se siguen perpetuando en diferentes países. Estamos muy lejos todavía de la igualdad y, por desgracia, lo femenino sigue estando por debajo de lo masculino. Es complicado para mí aceptar el mundo como es. Hay tanta persecución, tantas leyes dañinas que siguen sin respetar a las mujeres como individuos libres que pueden tomar sus propias decisiones que resulta deprimente. Los hombres ya han tenido su turno en este mundo. Yo, por ejemplo, me considero hombre en cuanto a género y, sin embargo, siento alivio y felicidad al ver a una mujer con poder. Creo que es mi deber escuchar lo que ellas tienen que decir. Sería fascinante un mundo movido por mujeres. Estoy convencido de que el matriarcado es lo único que puede salvar este mundo”. La sinceridad, con sus luces y sus sombras, así como la sobreexposición son parte fundamental del universo creativo de este artista infinito. Un huracán de emociones que también en la etapa Xalá se complementa con un compendio de imágenes y vídeos que no hacen sino engrosar su cometido (vean el clip de su single Corpulenxia y sabrán de lo que hablo). “Expresarme de forma honesta es para mí una especia de terapia. El ser humano es tan profundo que explorarlo en sus diferentes facetas me parece primordial. Mi misión con mi música es dar voz al individuo, ya sean mujeres, personas de otras etnias o no-heterosexuales. Necesitamos defender la autoidentificación”. —daniel mesa

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Xalá

Atonal Industries, 2017 Pop 7/10

ste pasado mayo visitaron Madrid junto a Echo & The Bunnymen y Immaculate Fools, momento que aprovechamos para que uno de los miembros fundadores de The Stranglers, el bajista Jean Jacques Burnel, nos descubriese algunos secretos de su discoteca privada. ¿Cuál es el primer disco que te hizo soñar con ser una estrella del rock? Bueno, nunca he querido ser una estrella del rock... ¿Podrías citar un disco que fuera una gran influencia para el sonido original de The Stranglers? Pues te diré que L.A. Woman (1971) de The Doors fue una gran influencia para mí. Aceptando que es un disco de blues prácticamente, me gusta por la oscuridad de su espíritu y porque los teclados del disco me convencieron de que también debíamos usar teclados en The Stranglers. ¡Y, whoah, tuvimos que encontrar un teclista! ¿Recuerdas algún disco de la colección de tus padres que todavía te guste? No puedo recordar el nombre del artista ahora mismo, pero era una banda mexicana de mariachis con un gran bajo acústico y varias guitarras, con esos sombreros grandes y unas trompetas ligeramente fuera de tono. Era perfecto. Si solamente pudieras guardárte un disco de The Stranglers de cara al futuro, ¿cuál sería el elegido y por qué motivo? The Raven (1979). Y el motivo es porque creo que es el disco más completo que tenemos y que demuestra el peso de nuestro eclecticismo. Le seguiría de cerca Giants (2012) por exactamente el mismo motivo. ¿Podrías descubrirnos si tienes algún guilty pleasure en tu colección de discos? Snowflakes Are Dancing (1974) de Tomita. Las composiciones de Claude Debussy interpretadas con sintetizador. MS

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junio 2017 #17

THE WEEKND STORMZY

BONOBO (LIVE) | RIDE | THE JESUS AND MARY CHAIN COURTEENERS | KALEO

FOALS · DEADMAU5 LOS PLANETAS 2MANYDJS (DJ SET) | BLOSSOMS TEMPLES | LA CASA AZUL

RED HOT CHILI PEPPERS BIFFY CLYRO

KASABIAN

CRYSTAL FIGHTERS YEARS & YEARS | LOVE OF LESBIAN KAYTRANADA | DUA LIPA | TIGA

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#18 junio 2017

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TAN.LEJOS TAN.CERCA RR Como todos nuestros lectores sabrán, Chris Cornell falleció recientemente en Detroit. Las primeras noticias desconcertaban, aunque finalmente todo apunta a que fue un suicidio. Cornell fue uno de los vocalistas más importantes del grunge al frente de Soundgarden, y posteriormente mantuvo la forma en Audioslave (su banda junto a tres cuartas partes de Rage Against The Machine) e incluso en una carrera en solitario con altibajos, pero que también nos dejó algunos momentos para el recuerdo. A todo esto habría que sumar el álbum de Temple Of The Dog, grupo que fundaría como homenaje a su amigo Andrew Wood tras el fallecimiento de este a causa de una sobredosis en 1990. RR Franz Ferdinand han anunciado ya quienes serán sus nuevos miembros tras la baja de Nick McCarthy, que ha comenzado un nuevo proyecto junto a su mujer Manuela Gernedel. Se trata de Julian Victor Currie y Dino Bardot, ambos artistas reconocidos de la escena musical de Glasgow. Currie lleva años operando bajo el nombre de Miaoux Miaoux, con el que ha publicado tanto material propio como remixes de Arab Strap, Chvrches o Belle And Sebastian. Por su parte, Dino Bardot ha formado parte de V-Twin y 1990’s. Los escoceses actuarán en el Low Festival de Benidorm, del 28 al 30 de julio. RR Tras diez años de trayectoria, los madrileños Hola A Todo El Mundo ponen punto y final a su carrera. La noticia la dio a conocer su batería, Joshua Díaz. La banda llegó a ser Mejor Demo de 2008 para nuestra publicación, e incluso Mejor Disco del Año en 2012. El grupo pasó por distintas etapas, combinando folk, pop y electrónica, e inglés y castellano. Su último disco fue Away (Mushroom Pillow, 16). RR Los días 21 y 22 de julio tendrá lugar una nueva edición del ElectroSplash, ubicado en la Marina de Valencia junto a la playa de Malvarrosa. Por ello se han avanzado ya algunos nombres que formarán parte del cartel. En el ámbito internacional se han anunciado nombres de la talla de Floorplan (Robert Hood & Lyric Hood), Crazy P, Matthew Dear y Skream, además de participantes nacionales como Daniel Kyo, Elesbaan, Javi Frías, McPérez b2b be.LANUIT, y Jackwasfaster.

“

Ramirez Exposure El valor de los amigos

Victor Ramírez es el cerebro tras Ramirez Exposure. Su carrera en solitario anda respaldada por un buen puñado de amigos, gracias a lo cual ha creado un disco tan completo como Young Is The New Old (Autoeditado/Munster, 17). Lo presentará en Madrid (7 junio, Teatro del Arte) y Valencia (23 junio, Loco Club), dentro del ciclo Son Estrella Galicia (en doble cartel junto a Lois).

uizá el segundo disco de Ramirez Exposure llame la atención por el nombre de sus productores (Marc Jonson y Ken Stringfellow) o por colaboraciones de lujo como Richard Lloyd (Television) y Brian Young (The Jesus And Mary Chain, Fountains Of Wayne), pero sería injusto que esto fueran los titulares que lo definieran y no notas al margen. En Young Is The New Old nos encontramos ante una brillante colección de pop repleto de melodías frescas que rescatan lo mejor de décadas pasadas transportándolo al presente sin atisbo alguno de anacronismo. De la creación de este trabajo y de su forma de entender el mundo de la música hemos hablado con el valenciano Victor Ramírez.

Todo surgió a raíz de la versión que hice de Suddenly Sunshine, que está incluida en el disco. La grabé con Ken Stringfellow en enero de 2016, y desde que tomé la decisión de grabarla, aparte de que es una de mis canciones favoritas, sabía que si se le mandaba podía suceder algo especial. ¿Pero pensabas que sería componiendo algo juntos o tenías idea de que fuera tu productor? No había nada claro, cuando le dije que había hecho la versión no sabía que iba a pasar. No sabía si iba a ser una colaboración, si íbamos a grabar una canción juntos, si íbamos a grabar un disco juntos, pero mi manager me sugirió que le preguntara si quería grabar mi disco, y me dijo que sí. En principio íbamos a hacer una especie de disco en el que componíamos los dos, pero al final se ha quedado en un álbum con mis canciones porque yo tenía que sacar un segundo disco. Tus composiciones tienden a mostrar que la belleza radica en la normalidad y la brillantez, más que en la ampulosidad y el efectismo. Siempre pienso más en lo que una canción significa por su melodía, y por lo que intenta transmitir al oyente, que perderme en historias de sonido y producción, que también son importantes, pero antepongo el esqueleto y lo que significa para mí que cualquier otra cosa. Creo que así transmito mucho más. —david blutaski

”

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Este disco está marcado por tu relación con el cantautor de culto Marc Jonson. ¿Cómo llega un artista joven como tú a grabar un disco con su ídolo en su estudio en New Jersey?

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FOTO: eargasm

RR The Darkness anuncian fechas para una nueva gira internacional que no le teme al Brexit. El caso es que podremos verles en tres ciudades españolas en noviembre dándole a su hard rock con un punto glam. Los conciertos se celebrarán en Barcelona (3 noviembre, Razzmatazz), Madrid (4 noviembre, Sala But) y Bilbao (5 noviembre, Kafe Antzokia). MS

junio 2017 #19

Fárdelej, producto de la tierra

neuman FOTO: eva represa

Los Discos de mi Vida

MONDO FREAKO

Mad Cool, horarios y escenario MondoSonoro

Zoo

Los valencianos Zoo continúan presentando su segundo larga duración, Raval (Propaganda Pel Fet!, 17), por todo el país. Por eso aprovechamos para interesarnos por los seis discos que han marcado la carrera musical de su líder, Toni ‘Panxo’ Sánchez.

SOMAS CURE FOTO: ARCHIVO

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www.madcoolfestival.es

The Beatles

Soziedad Alkoholika

Kiko Veneno

Por poner solamente uno de The Beatles, elegiré el primero. Representan mi infancia musical, el aprender a ponerme yo mismo los vinilos mientras mis padres dormían y elegir el disco que me apetecía escuchar. Me encantaban sus juegos de voces.

Tenía doce años cuando lo escuché por primera vez. No entendía nada, ni las palabras, ni el tipo de ritmos, ni los gritos... pero tenía alguna cosa que me decía “joder, esta peña es auténtica”. Uno de los grupos que más me ha marcado a nivel de pensamiento político junto a La Polla Records.

El primer disco que quise cantar/ interpretar bien. Un disco fresco y sencillo que continúo escuchando a día de hoy y que siempre nos acompaña en la furgoneta para hacer más llevaderas algunas resacas.

Please Please Me, 1963

Y ese que tanto habla..., 1993

Échate un cantecito, 1992

Ballantine’s True Music Festival, cartel completo

El cartel nacional del Download Festival El pasado mes, el madrileño Download Festival completó su parrilla de actuaciones definitivamente. La primera edición española del festival se celebra los días 22, 23 y 24 de junio en la Caja Mágica de Madrid. Todos conocemos a los grandes nombres del cartel (léase Linkin Park, System Of A Down o Prophets Of Rage), pero no podemos dejar de destacar la amplia selección de nombres españoles que forman parte del evento dedicado a los sonidos más duros de la actualidad. Así, podremos ver en concierto a gente como Hamlet, Jardín De La Croix, Lizzies, Porco Bravo, Inmune, Somas Cure, Virgen, Against The Waves, We Ride, Late To Scream, Dawn Of The Maya, Wormed, Cobra, Trono de Sangre, Blaze Out, Syberia, Kaothic y Childrain. MS

El Mad Cool –que se celebrará en Madrid del 6 al 8 de julio- ha desplegado todo su cartel dando a conocer los horarios y escenarios por los que pasarán los artistas (con las recientes incorporaciones de Manic Street Preachers y George Ezra). Recordad que también podréis ver a gente como Foo Fighters, Foals, Warpaint, Alt-J, Rancid, Green Day, Kings Of Leon o Moderat, entre muchos otros. Y otra cosa importante, se ha dado a conocer la programación del escenario MondoSonoro dentro del festival. Por él pasará un buen puñado de grupos españoles como Neuman, Aurora & The Betrayers, Los Zigarros, Sexy Zebras o Full, entre otras. La apuesta por banda emergentes es también otro de los puntos clave de la programación, con nombres muy jóvenes como los de Nora Norman, Dear Audrey o Fizzy Soup. MS

L.A. FOTO: ARCHIVO

La quinta edición del festival riojano Fárdelej se celebrará durante los días 30 y 31 de junio y 1 de julio en la localidad de Arnedo. Y por lo que parece, atendiendo a las últimas novedades, se va a bailar mucho con algunos de los mejores artistas nacionales. Por el Arnedo Arena pasarán los madrileños Cycle, quienes ofrecerán una vez más su potente mezcla de rock y electrónica, y también el dúo We Are Not Dj’s, habituales de los festivales de nuestro país. Estos son los dos últimos artistas en sumarse, pero ya se había anunciado la presencia de Iván Ferreiro, Grises, Viva Suecia, Full y César Gallardo. Por otro lado, se informa desde la organización de que volverá a haber una zona de acampada. MS

Saian Supa Crew

Sólo Los Solo

Freestylers

Los descubrí en directo y me quedé de piedra. Sin renunciar al rap, trabajan un directo para bailar con muchísima musicalidad, sonoridades africanas y armonías de voces. Recuerdo verlos y pensar “quiero un grupo así”.

Para poner un disco de rap español, elijo este. Para mí es el mejor. Todavía suena fresquísimo a día de hoy. Un viaje sonoro y una forma de rapear y de escribir únicas, muy ligeras, que huían de la solemnidad. Y unos arreglos de scratch elegantísimos. Y claro, la música de Griffi.

El primer disco de electrónica que me enganchó. Rapeados sobre bases bailables y bajos potentes, con mucho sintetizador y sin problemas a la hora de mezclar estilos musicales. . MS

KLR, 1999

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Quimera, 1999

We Rock Hard, 1998

Un total de ciento cuarenta actuaciones que se llevarán a cabo en nada menos que diecisiete salas madrileñas (Joy Eslava, Café La Palma, Costello Club, Círculo de Bellas Artes, Siroco, Teatro Barceló, etcétera) conforman el cartel de una de las citas indispensables del mes de junio en la capital española. A lo largo del viernes 9 y del sábado 10 de junio podremos ver a una larga lista de artistas nacionales e internacionales (desde Hot Chip a Kakkmaddafakka, pasando por Fat White Family o La Habitación Roja). A la parrilla inicial del evento se han sumado un puñado de últimas confirmaciones que incluyen a Lori Meyers, Agorazein, Delorean, Easy Kid, L.A. y Pájaro. MS junio 2017 #21

EN PORTADA

EL P H

ace cosa de un año, un canario se sacaba un chicle de la nariz y rapeaba con una dicción tan particular como atractiva. Hoy, el también miembro de Locoplaya ha logrado tensar el género entre el humor y la ironía, entre la honestidad y el vacile, entrando como un soplo de aire fresco en la escena, con la diferencia de que los soplos se esfuman y él saca disco para quedarse. Para empezar me gustaría que me hablases de Borja Buche, a Bejo ya le conocemos… Lo cierto es que más allá de los vídeos creo que eres un tío bastante serio, sereno. Borja es un canario que lleva cinco años en Madrid que, como todo el mundo según el contexto en el que esté, se encuentra de una manera u otra. No todo son canturreos y hacer el bobo en los vídeos. Detrás hay un trabajo. Una cosa es que me exprese de una forma, y otra que estemos así todo el día. Pero sí, es una personalidad que forma parte de mí y que queda expresada musicalmente. Pero vamos, mi vida no es un videoclip cada vez que salgo a la calle. Si bien es cierto que tus letras no son de lo más claro, veo muy presente relaciones emocionales, el paso del tiempo y el peso de la conciencia. Por lo general no trato de contar cosas concretas con un tema… Escucho la base y en función de lo que me transmita le pongo encima lo mío. Sí es verdad que antes intentaba centrarme más en un tema concreto y ahora, es más un collage, un popurrí [...]. Aunque no diga nada concreto, las canciones sí transmiten pensamientos y sobre todo formas de quitarle hierro a las cosas… Los vídeos, en general, ya se prestan a la preparación, a montar tinglaos guapos con cánones y fórmulas que sabes que funcionan, con cosas que vemos continuamente… Y lo que nosotros hacemos es intentar echarnos unas risas. Nosotros, ¿quiénes? Patri y Uge (Locoplaya), Cachi Richi, el compañerazo, y mis compañeros de piso de Al Hueco, que son unos máquinas. ¿Qué había detrás de Fundamental? ¿Por qué había tanta oscuridad? Me #22 junio 2017

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PUTO AMO Bejo

Canción a canción, vídeo a vídeo, el canario Borja Buche, más conocido como Bejo, se ha convertido en uno de los nombres imprescindibles del nuevo rap español a base de personalidad, flow e imagen. En breve –aunque sin fecha concreta- se publicará su nuevo trabajo, Hipi Hapa Vacilanduki, que incluye hits youtuberos como Mango, Amigos desconocidos o El puto amo de casa. —texto Manuel Jubera —fotografía Sergio Albert

parece más fácil establecer una suerte de concepto en ese trabajo que en lo que estás sacando ahora. Bueno, en Canarias vivía con mi familia, y Fundamental salió cuando vine a vivir solo a Madrid. Se trata un poco de la transición hacía mi vida personal, de cómo vivir de otra forma, de cómo uno se busca su propio camino. A esto hay que sumarle el propio carácter de la ciudad, que es más impersonal… otro clima, otro tipo de contacto con la gente, además, por aquel entonces escuchaba música más parecida a eso. Entonces… imagino que es una suma de mis gustos de entonces, de mi llegada y de mis pedradas. Supongo que la causa de esa oscuridad es la combinación del gusto y las circunstancias. Llama la atención cómo pegas el pelotazo a partir de Misisipi. Un pelotazo que a su vez coincide con cierto cambio en los audiovisuales, la dicción, en la propia estética.. Antes hacías un rap más normal, no tan diferenciado u original, ¿el cambio fue algo pensado? No, no fue pensado. La forma en la que te expresas, desde: “¿qué pasó, mi parce?” a “estamos en Madrid, hace un frío de cojones”, no es que sea mentira o verdad, sino que te das cuentas de tus propias raíces. Yo siempre he hablado como me estás escuchando ahora… Llevo cinco años viviendo con gente que no habla así y, al final, te das cuenta que quieres sonar a lo que tú eres y de dónde vienes. Como estoy lejos… no es que lo eche de menos, pero como precisamente es algo bonito que tenemos, pienso: “pues vamos a usarlo” [...]. Musicalmente va por etapas. Ahora, por ejemplo, como siempre estoy en casa haciendo rollos, siempre tengo música de ambiente… desde Bad Bunny

“La polla en mi cabeza era la tontería que representa las marcas en sí... Y aparte, la polla es algo que no te deja indiferente” o Arcangel o una hora de jazz… Ahora he encontrado unos cuantos músicos cubanos que me gustan, así que al final voy por etapas, de hecho últimamente no tengo tanto tiempo para sentarme a escuchar música, más bien me acompaña en todo lo que hago. Respecto a los audiovisuales, ¿cómo lo haces? ¿Va antes el vídeo o la canción? ¿Sabes a quién me recuerdas puntualmente? A Joey Bada$$ en Christ Conscious. El de Misisipi tiene cierto parecido a ese en esos efectos de estética que incorporan cosas que de por sí no dicen nada… últimamente lo que intentamos es que haya una idea. Por ejemplo, en Amigos desconocidos se muestra una batalla que va un poco de eso, del interés, de las cosas que tan pronto como aparecen, desaparecen… Y eso está reflejado en el vídeo con personas de mentira en lugares que no hay nadie. Ahí, el vídeo y la canción van en un mismo sentido entendiéndose entre ellas. Otras veces simplemente estamos con las cámaras, se nos ocurre algo y lo grabamos; y

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otras que sí tenemos el vídeo pensado, como pasó con Mucho. Muchas veces, la canción y el vídeo son dos cosas completamente distintas que se unen y quedan de una forma, que bien podía haber sido de otra. El de Poco, por ejemplo, es una bañera por la cara. Ese en concreto, lo intentamos hacer todo en un plano secuencia en el que yo estuviese debajo del agua cantando, pero la putada es que como estas bocarriba te entra el agua en la nariz. Pero se puede hacer… yo en Canarias buceo mucho y más o menos aguanto… Hablando de hacer vídeos, Cachi Richi no va a poner la cara en la prensa, ¿no? Está liado, pero no es mucho de poner el rostro. Pero algún día tendrá que darlo, ¿no? Después de tantos premios y tantos rollos (risas). Creo que Mucho y Misisipi fueron un punto de inflexión en tu carrera, ¿Cómo surgieron?, ¿qué querías decir? Pues Misisipi fue recorta-pega de cosas que tenía. Mira, respecto a lo que me preguntabas antes… algo que he cambiado ahora es que antes acostumbraba a coger las bases de Internet y me adaptaba a ellas, ahora tengo un montón de gente con la que trabajar y que me pasan ritmos. Y respecto a Mucho, empecé con el trabalenguas y salió así. Es la más sencilla… algo curioso, grabé la voz en una sola toma, sin coros y sin nada… cuando generalmente se los pongo y meto otras mil mierdas más elaboradas. Al final, lo más simple y lo más claro es lo que funciona. Cambiando de tema, ¿qué hay detrás de bordar una polla en una sudadera? No sé, en un momento en el que todos los raperos de la escena están sacando

líneas de ropa, y en un género en el que la estética es algo fundamental… Hice poquitas, pero ya sacaré más cosas… gorritas y tal. La polla es un poco de todo, por una parte y en máxima esencia es la marca. Hoy, la moda es la marca: algo básico con un logo que te represente, algo que has visto en otra personas a las que te quieres parecer. Pero unas Nike no te van a convertir en Jordan… La polla en mi cabeza era la tontería que representa las marcas en sí, esa era la base. Y aparte, pues la polla es algo que no te deja indiferente... Vas a comprar el pan con una polla bordada y algo te pasa… Y en un sitio tan grande como Madrid, puedes ir en pijama y nadie te dice nada, pero algo sutil sí llama la atención. No es algo que tenga que ver con la música, le puede gustar a alguien que no sepa quién soy Lo cierto es que lo has bordado, pero sacarte un chicle de la nariz, un móvil del pelo o mezclar el humor en un género como el rap, no me parece una decisión fácil. De hecho, me parece una apuesta que si te llega a salir mal, no serías Bejo, serías el pavo del chicle. Nunca he estado muy relacionado con la gente del rap. Al final con quien he hecho música siempre es con Patri y con Uge, que son mis colegas. Los vídeos los hago con otra gente que tampoco están metidos en algo así como una cultura, no sé. Igual me siento más identificado con un tío que pinta cuadros, que con otro pibe de mi edad que hace temas con bases de trap pero a su rollo. Ni mejor ni peor, sino distinto. Y lo del humor... está claro que serio no es. Al final es una metáfora, pero en vídeo. Además está la duda de no dejar muy claro... de plantear esa duda... que la gente piense “¿Esto es de verdad o no?”. Primero párate a pensar en eso y luego ya veremos... ¿La Nina (su abuela) y el resto de familiares no han flipado este último año? Me imagino una familia que hace cuatro o cinco años dejaban a un chaval que iba a estudiar audiovisuales, y ahora, se lo encuentran envuelto en papel plata cantando por Internet. Claro, y todo tiene su contexto, porque alguien que escucha música lo entiende de una manera, pero alguien que no ha visto nada dice: “Este tío es gilipollas” cosa que pone de manifiesto que lo que tú hagas puede ser una puta mierda o la puta bomba a ojos de cada cual, porque cada uno tiene en su cabeza unos esquemas y una forma de consumir. Y sí, mi abuela y mis padres flipan. Cuando a lo mejor voy a verles, vamos por la calle y alguien les pide que nos hagan una foto. Lo más jarto que me ha pasado es que fuimos a carnavales a Canarias –hacia tiempo que no iba– y había gente disfrazada de Locoplaya... ¡Y yo iba disfrazado de Papá Noel encontrándome Bejos por ahí! —m.j.

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junio 2017 #23

#24 junio 2017

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Nick Cave en movimiento

La publicación casi simultánea de One More Time With Feeling (Bad Seed/Popstock!, 17) en vídeo y del recopilatorio Lovely Creatures (Mute-BMG/Music As Usual, 17) -con un DVD que incluye dos horas de actuaciones inéditas- nos anima a repasar el legado Nick Cave y sus Bad Seeds en la pequeña pantalla. Como se dice en estos casos “toda una vida en imágenes”.

2007

The Abattoir Blues Tour David Barnard/Mark Rainsforth DVD Más directos, en este caso doble dvd para registrar dos conciertos, ambos en Londres, de la gira del también doble álbum Abattoir Blues/The Lyre Of Orpheus: 11 de noviembre de 2014 en el Brixton Academy y 7 de junio de 2013 en el Hammersmith Apollo. El segundo disco se utiliza también para ponernos al día con los videoclips e incluir dos making of de quince minutos cada uno.

2001 1983

1998

Pleasure Heads Must Burn Varios VHS/DVD La mejor y casi única forma de sumergirse en la primera etapa de Cave, como líder de The Birthday Party. Incluye dos clips, apariciones televisivas y trece temas en directo extraídos del paso del grupo por el escenario de The Hacienda en 1982 y 1983.

The Videos Varios VHS/DVD Selección de los veinte videoclips de Cave y sus Bad Seeds hasta The Boatman’s Call. Aunque lo mejor son las presentaciones de cada vídeo a cargo de la propia banda, con su desgana característica y despotricando de casi todos los clips y directores con los que habían trabajado.

1988

Ghosts… Of The Civil Dead John Hillcoat VHS/DVD No es el único largo en el que Cave se asoma a la pantalla: en Cielo sobre Berlín, Johnny Suede, El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford o Los hermosos días de Aranjuez el australiano hace breves cameos. Pero sí aquel en el que más se ha implicado, firmando guión y banda sonora. Es también el principio de una fructífera relación artística con John Hillcoat.

1990

The Road To God Knows Where / Live At The Paradiso Uli M. Schueppel/ John Hillcoat VHS/DVD Son dos películas diferentes que en 2005 Mute reeditó en un pack de dos discos en DVD. La primera es un diario de la gira por Estados Unidos en 1989, filmado en un blanco y negro de estética “corbijniana”, muy del gusto de la época. Live At The Paradiso recoge una actuación de 1992. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

2014

God Is In The House Fabien Raymond DVD Show en directo de la gira de No More Shall We Part que tuvo lugar en la sala Le Transbordeur (Lyon) el 8 de junio del 2001. Como extras incluye el documental No More Shall We Part: The Recording Sessions sobre la grabación del disco en Abbey Road y tres clips de la época.

20.000 días en la tierra Iain Forsyth & Jane Pollard DVD/BD Cada vez más cómodo en su faceta de “artista total” venerado por crítica y público, al tiempo que publica sus discos más prescindibles Cave se saca de la manga este estúpido documental en el que juega a psicoanalizarse en público. Farsa.

2017

One More Time With Feeling Andrew Dominik DVD/BD El reverso oscuro del anterior: la trágica muerte de su hijo da en un disco tenebroso, Skeleton Tree, y en este documental rodado durante el proceso de creación y grabación del mismo, con escenas que son pura pornografía emocional. El segundo DVD tan solo incluye tres escenas ampliadas (diez minutos en total).

2017

Lovely Creatures Varios CD/DVD Si eres un verdadero fan de Cave probablemente el triple recopilatorio en cd no te aporte demasiado más allá del bonito formato libro y las fotos interiores. Sin embargo el verdadero interés de este lanzamiento está en la edición deluxe con un cuarto disco, un DVD con dos horas de vídeo y actuaciones inéditas desde 1984 a 2013. junio 2017 #25

mondo freako

CRITICANDO

How Did We Get So Dark? Warner, 2017 ROCK 7/10

Los discos de debut con éxito descomunal siempre han sido un arma de doble filo, especialmente en el mundo del rock. Ese primer disco pone un listón que quizá ya no puedas superar jamás, e incluso puede que marque tu destino sonoro de por vida si no decides arriesgar pase lo que pase… Si es que te gusta arriesgar. Virtud que, por ahora, sólo empieza a asomar en lo nuevo del dúo formado por Mike Kerr y Ben Thatcher, dos músicos aferrados a una fórmula muy concreta de pegada + melodía aprehendida en sus días de fan adolescente. Las trazas de The White Stripes y Queens Of The Stone Age en su primer disco se podían identificar tan fácilmente que resultaban verosímiles y honestas. Además, estaban regurgitadas con una contundencia tremenda y un formato rompedor (¡¿bajo y batería?!), así que muchos se apresuraron a elevarlos al altar de nuevos salvadores del rock (pena lo de Wolfmother, ¿eh?). Superado ese hype inicial, los de Brighton parecen haberse mirado al espejo para reafirmarse y decirse a sí mismos que van a seguir a lo suyo, haciendo gala de un continuismo visceral más que cerebral. When Did We Get So Dark? es simplemente menos Jack White y más Josh Homme. Menos seco y más jugoso, menos directo y más sinuoso. Se han enriquecido los coros (apuntando claramente a QOTSA) y las atmósferas, y aunque hit-singles como Lights Out y I Only Lie When I Love You son algo simplones, poco originales e incluso algo radioformuleros, el resultado global se queda a muy pocos milímetros del listón del primer disco.

—n.s.

#26 junio 2017

remendo fue el pelotazo del debut epónimo de Royal Blood, y tremenda ha sido la expectación que ha desatado su sucesor. Ya desde el lanzamiento de los adelantos Lights Out (que acumuló 2 millones y medio de reproducciones en YouTube en un mes) y Hook, Line & Sinker (medio millón en una semana), el segundo disco del dúo de Brighton ha dado señales de éxito que permiten colocarlo como “uno de los álbumes más esperados del año” en la escena internacional de rock. En How Did We Get So Dark hay pocos cambios, más en contenido que en forma, porque Ben Thatcher (batería) y Mike Kerr (bajo y voz) permanecen fieles a la dupla bajo-batería y es en el sonido donde se adivinan nuevas intenciones. “Sí, es definitivamente más sexy”, dice el baterista. “Y creo que tiene que ver con la falta de presión, el relax que hemos sentido en el estudio. Puede parecer que me estoy tirando el rollo, pero es verdad. Hemos estado más relajados ahora que con el primer disco, también a la hora de participar en el proceso de producción, y hemos querido darle un toque algo glam a las canciones, y no que sólo fueran puros headbangers, ya sabes”. Con estos pequeños aderezos, Ben cree que su música habrá cambiado “lo suficiente como para atraer a nuevos tipos de público. Veremos qué pasa”. Grabado el pasado noviembre entre Bruselas y Londres con los productores Joylon Thomas y Tom Dalgety respectivamente, este disco ha sido para ambos la prueba de que van por el camino correcto. “En el estudio sentimos que teníamos mucha experiencia acumulada, muchas ideas nuevas, más apertura mental. La creatividad fluía muy rápido a nivel musical, la verdad. En cuanto a las letras, Mike ha estado escribiéndolas durante los últimos tres años más o menos, y los temas centrales han sido las relaciones de pareja, las rupturas sentimentales, los regresos… Ocurren muchos cosas a nivel lírico en el disco, y creo que Mike ha estado especialmente inspirado”, asegura Thatcher, que no ve elementos autobiográficos en las letras. “Creo que Mike estaba escribiendo sobre situaciones que se dan entre las parejas, a nivel general. No son cosas que le hayan pasado a él en particular”. La portada del disco muestra dos figuras femeninas contrapuestas, sin mostrar la cara, en sobrio un blanco y negro que encaja a la perfección con el título del disco, sacado de un tema, el primero del tracklist, en el que Mike habla de corazones rotos y depresiones post-ruptura. Pero, ¿es esa elección de título una ligera pista de cómo se han sentido estos dos chavales últimamente? “Pues si te digo la verdad, es una pregunta que todavía nos estamos haciendo a nosotros mismos”, responde Thatcher. “El título viene a ser algo así como la respuesta a la pregunta que nos hicimos al repasar las letras del disco, y ver la temática más bien oscura que recorre casi todos los temas. Aún no sabemos si es el mundo el que se ha puesto más oscuro, o somos nosotros los que por algún motivo lo percibimos más a nuestro alrededor”. La duda acerca de su estado anímico reciente nos surgió al leer esta declaración de su socio: “Quizá sí deberíamos habernos tomado más descansos en nuestra primera gira”. Ben reconoce que “esos meses fueron una puta locura, y si no hubiéramos tenido tan claro que íbamos a esforzarnos por aprovechar el momento, podría haber acabado con nuestra salud”. También cree que sería razonable bajar el ritmo un poco en esta nueva gira, “o al menos intentarlo, porque a veces no es posible si quieres llegar a todas partes con tu música”. Pero también sabe mantener el espíritu entusiasta del músico que encuentra la senda del éxito, sin importar la cantidad de piedra que haya que picar: “Hay trabajos muchísimo más duros y no veo a la gente quejarse por eso. Ojalá este sea nuestro oficio para siempre”. Al baterista de Royal Blood le conocimos en el festival DCODE de 2014, donde estuvo de lo más afable con la prensa. “Ya me acuerdo, estuvimos jugando un partido de fútbol con los periodistas y todo”, exclama. “Te agradezco mucho el comentario. Me gusta que se notara que no íbamos de divas ni

ROYA BLOO No me hables de guitarras

En How Did We Get So Dark (Warner, 17), el dúo británico se enfrenta el temido segundo disco con un sonido más sexy y melódico. Hablamos con uno de los grupos que mantiene la llama del rock británico en plena efervescencia. —texto Nacho Serrano —fotografía Perou

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AL OD nada de eso”. Ben es, en efecto, un tipo simpático. Pero la cosa se tuerce un poquito al lanzar dos preguntas que le tocan un poco la moral. La primera es: “¿Dirías que Mike ha avanzado mucho en su forma de hacer sonar el bajo como si fuera una guitarra?”. Al principio le coge desprevenido y contesta que “totalmente”, pero súbitamente recapacita, cambia el tono y asegura que “en realidad nunca hemos intentado que el bajo sonara como una guitarra. Queremos que suene como un bajo frío y penetrante, guerrero, ¿sabes? Sabemos que hay partes que suenan muy a guitarra, por supuesto, pero la intención es que todo el mundo sepa que es un bajo”. La segunda, a cuento de la posibilidad de integrar a un tercer miembro algún día, le resulta casi absurda. “No se nos ha pasado por la cabeza ni un momento. La gracia de Royal Blood está en que seamos dos, Mike y yo, y en la química que fluye entre nosotros. Eso es lo que lo hace excitante y diferente”. La cosa se reconduce charlando sobre la efectividad de sus nuevos hits sobre el escenario. Ya han ido adelantado seis temas en diferenmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

tes ciudades, y al parecer todo ha ido según lo esperado “aunque a veces sea complicado tocar temas que no han sido publicados”, reconoce Ben. “La gente se queda un poco expectante (risas), pero por ejemplo Lights Out y Hook, Line & Sinker, que ya se pueden escuchar, ya provocan buenos pogos (risas). Concretamente, las reacciones a Lights Out han sido las que mejores señales nos han dado de que hemos elegido un buen camino en este disco”. Hablando sobre sus experiencias en directo, Ben recuerda una muy especial, “el festival Splendour In The Grass de Australia. Se hace al lado de unas playas increíbles en la zona de la Costa Dorada. Es el sitio más exótico en el que hayamos tocado jamás”. Y es que estos dos muchachos han recorrido ya medio planeta con sólo un disco publicado. Pero viajar no parece resultarles demasiado inspirador para crear música. “En cuanto a letras, las giras influyen poco porque al estar tan ocupados, en realidad no tenemos tantas cosas que contar que intere-

sen a la audiencia. No vamos a hablar de taxis, aviones y hoteles, ¿verdad? (risas). No me malinterpretes, nos encanta estar de gira y dar conciertos por todo el mundo es algo fantástico, pero no nos inspira demasiado para escribir porque aunque nos pasen cosas muy chulas, no creemos que sean interesantes para los demás”. Los chicos de Royal Blood, que confiesan estar deseando colaborar con los franceses Justice (¡suena potente!), han irrumpido a lo bestia en una industria en la que “lo que hoy funciona, puede no funcionar mañana”, dice Ben con sabiduría. “Es la conclusión que sacamos a lo que hemos visto en la industria musical. Todo cambia muy rápido, y hay muchas cosas a las que todo el mundo tiene que adaptarse, los fans, los músicos y los empresarios. Hay que estar muy al día y eso lo hace excitante. Es difícil aburrirse currando en esto”. —n.s.

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junio 2017 #27

#28 junio 2017

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Itaca Band una gran familia

MONDO FREAKO

uál es el sentido que le dais al título del álbum? (Mercader) Explosiva quiere representar las ganas de cambio, de transformar las cosas malas del pasado en cosas positivas. También refleja un poco la energía que le transmitimos a la gente en directo. (Sangüesa) Para mí Explosiva también son ganas de explotarlo todo para construirlo de nuevo. Hemos jugado y experimentado con la electrónica e incluido nuevos ritmos con los que nunca nos habíamos atrevido, como por ejemplo el reggaetón. (Mercader) Hemos dejado un poco a parte lo latino/rumbero y hemos buscado que los reggaes fueran más reggaes y que las canciones nos emocionasen hasta el máximo sin tener miedo a llevar al extremo la emoción. ¿Hubo algún momento clave o inicial de cara a este disco después del éxito de vuestro anterior Temerario? (Sangüesa) No ha habido un momento clave, todo fue fluyendo, estábamos obligados a seguir creando y eso es lo que queríamos hacer. (Mercader) Hace ya un año que empezamos a escribir las canciones. Ha sido un trabajo muy prolongado en el tiempo, hemos ido creando y produciendo durante seis o siete meses. Podríamos decir que ha sido un proceso lento que se ha retroalimentado solo. Las canciones se han ido contagiando entre ellas y obviamente a raíz de las primeras, el resultado de las últimas es este. (Sangüesa) Para mí, es un disco en el que no hay ni una canción de la que no esté convencido de cómo tenía que ser, y eso es brutal. Hemos hecho doce canciones de las que estoy y estamos muy orgullosos Ahora mismo sois siete componentes en el grupo. ¿Habéis tenido problemas a la hora de cuadrar las ideas de siete personas? (García) Estamos en un momento en

LA GIRA l L’Estartit 23 de junio. Festival Ítaca l Canet de Mar 1 de julio. Canetrock l Teruel 7 de julio. Sala por confirmar l Katmandú 21 y 22 de julio. Nepal Tour l Arenys de Mar 28 de julio. Gratuito l Lakuntza 30 de julio. Hatortxu Rock l Valls 12 de agosto. Festiuet

el que priorizamos el grupo como proyecto principal de nuestras vidas. Tus amigos son ahora tus compañeros de curro y tu hobby se ha transformado en tu trabajo, así que estamos contínuamente buscando el camino para estar mejor. (Sangüesa) Lo más difícil de la música son las relaciones humanas, y aguantar un proyecto de diez años con tus amigos es muy difícil. Nos tenemos que apoyar mucho unos en otros. ¡Nos vemos más que con nuestras familias o nuestras parejas! (Mercader) En un concierto nos ves hora y media o dos horas, pero en realidad estamos un mínimo de doce horas

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juntos y convivimos un montón. Obviamente algún problemilla sale, pero si no fuera así ¡mala señal! Teneis canciones de amor, de reivindicación, de futuro, de vida, etcétera. pero ¿qué temática es la que mejor define la música de Itaca Band a día de hoy? (Mercader) La mayoría de nuestras canciones son nostálgicas y tienen una vertiente triste y otra alegre. Nos gusta hablar del camino personal, de cómo pasar del pozo a un estado alegre. (García) Sin darnos cuenta las canciones se han convertido en una especie de terapia para nosotros mismos y eso es lo que en parte queremos transmitir. Que algo que te gusta y te ayuda también ayude a otras personas siempre es positivo. Os fuisteis hasta de tour por Japón con la anterior gira. ¿El resultado de este nuevo álbum sería el mismo si no hubierais cruzado medio mundo? (Sangüesa) Los universos paralelos nunca se pueden comprender, son infinitos. Pero directamente el single salió ahí y el videoclip también. El cambio empezó en Japón. (Mercader) La manera que tenemos ahora de pensar es diferente a la de hace dos años. Tener problemas, solucionarlos, vivir situaciones nuevas, todo influye. —andrea coll pons

“Es lo que queríamos hacer y es lo que hemos hecho”

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FOTO: HARA AMORÓS

Itaca Band se consolidan con su cuarto trabajo de estudio Explosiva (Halley Records, 17), aunque no dando un paso adelante en su camino habitual, sino explorando otros senderos. Esta vez apuestan por experimentar con diversos estilos, del ska al reggaetón, pasando por el pop o la electrónica. Charlamos con Albert García (voz), Pere Mercader (compositor y teclados) y Kel Sangüesa (bajo) sobre su momento actual y otras cuestiones.

junio 2017 #29

AgeNda. juniO.

MONDO FREAKO

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#30 junio 2017

Little Dragon La banda sueca vuelve al Sónar (15 de junio) para presentar su nuevo trabajo, Season High (Warner, 17), un trabajo en el que explotan nuevamente su faceta más uptempo. RR Parece que fue ayer, pero en realidad hace diez años desde que los suecos Little Dragon saltaran a la palestra reivindicando el pop, el r&b y el soul de texturas electrónicas. Por el camino quedan varios discos y las colaboraciones de su vocalista, Yukimi Nagano, con artistas como Gorillaz o De La Soul. “No te voy a mentir, siempre habíamos deseado ser una banda con una larga trayectoria porque tanto en el estudio como sobre el escenario es cuando estamos más felices. Admiramos a bandas como The Rolling Stones que, pese a la edad, ahí siguen en activo. Ojalá con setenta años tengamos su misma fuerza”, comenta desde el otro lado del teléfono su batería, Erik Bodin. Lejos de conmemorar la efeméride echando la vista atrás, la banda liderada por la carismática Yukimi Nagano trae un nuevo álbum bajo el brazo, Season High, co-producido por el Simian Mobile Disco James Ford. “Jamás habíamos trabajado con un productor externo para un disco entero, pero con James hemos acertado, sin duda”, contesta. “Cuando estás en el estudio

con alguien que no conoces siempre cabe la posibilidad de que algo salga mal, básicamente porque puedes no tener ningún tipo de conexión con esa persona. Pero hemos sido suertudos. Si escucharas las demos comprobarías que no han variado en exceso del resultado final. James desde un principio nos dejó hacer libremente y se limitó a poner su granito de arena a la hora de reforzar el empaque sonoro de las canciones”. A diferencia de su previo Nabuma Rubberband, en el que explotaron su faceta más ambiental y sosegada, Season High reivindica su cara más uptempo “teníamos muchas ganas de volver a hacer bailar a nuestros seguidores”. —sergio del amo

Jardín De La Croix Madrid (Download, 22 de junio) Barcelona (Primavera Sound, del 31 de mayo al 4 de junio) (BeProg! My Friend, 30 de junio y 1 de julio) Gijón (Tsunami Xixón, 28 y 29 de julio)

Hace unos meses, Jardín De La Croix publicaron Circadia, uno de los mejores de post-rock y el metal progresivo nacional del pasado año. Ahora están en la carretera para presentarlo. RR “La recepción de Circadia ha sido cojonuda sí, y no te terminas de acostumbrar a eso… Y nos hace constatar que hay también un público más allá del underground”, nos comentan los miembros del grupo. Aunque esa repercusión y aceptación deben entenderse como algo normal, dado el salto cualitativo en las estructuras y en las texturas, pero también por el salto cuantitativo en la variedad que se ofrece a lo largo del minutaje del disco. “Nuestras influencias siguen siendo las mismas, quienes hemos cambiado somos nosotros. Celebramos diez años y la evolución es evidente, sobre todo, nuestra visión en conjunto de lo que queremos hacer”. Circadia posee un núcleo temático que habla de

Suicidal Tendencies + Ratos de Porão Vitoria-Gasteiz (27 junio, Jimmy Jazz) Barcelona (28 junio, Razzmatazz 2) SUICIDAL TENDENCIES Lugo (5 julio, Resurrection Fest) RATOS DE PORAO Madrid (25 junio, Wurlitzer) Valencia (26 junio, 16 Toneladas)

la evolución y la simetría en la naturaleza y el arte. “Efectivamente, se unifican los ritmos circadianos con los ciclos de la naturaleza. Ese es el concepto de la obra que nos ha inspirado. Nuestra música tiene una esencia que es la del ritmo. Luego el arte gráfico unifica esa línea. Es decir, que el concepto estaba definido desde el principio y ese fue el punto de inflexión para las temáticas del disco. Al final, cuando haces un trabajo discográfico, el arte gráfico y conceptual es un nexo vital para la música”. A estas alturas, Jardín De La Croix encarnan el crecimiento de un género, el rock instrumental, que hasta hace cinco años era minoritario. “Se ha abierto la veda y estamos en un panorama completamente nuevo. En ese sentido, ha habido pedagogía en el directo: antes la gente se sorprendía por la ausencia de cantante. Si en 2009 era posible llenar una sala pequeña como Siroco, ahora es posible llenar una Caracol”. Les molestan las apreciaciones del rock instrumental como “música de fondo”. “Tiene sentido, y puede tener esa parte negativa pero, muy al contrario, esta música requiere una mayor atención, no es complaciente con la primera escucha. Apreciar esta música es una búsqueda a través de la escucha, que luego genera mayores recompensas”. —rubén g. herrera

Bloodlights

Vintage Trouble

Barcelona (21 junio, Sidecar) Madrid (22 junio, Wurlitzer Ballroom) Mallorca (23 junio, Indico Rock Hotel) Vitoria-Gasteiz (24 junio, Azkena Rock Festival) Gijón (25 junio, Metropoli Festival)

Zaragoza (16 junio, Slap! Festival) Madrid (17 junio, Black Is Back Festival) Valencia (19 junio, Sala Moon) Barcelona (20 junio, Sala Apolo)

RR Tras la disolución de GlueciRR Da la impresión de que vuel-

ve el crossover de los noventa. Al proyecto Prophets Of Rage o al retorno de Body Count se le suma la gira conjunta de la banda de hardcore estadounidense Suicidal Tendencies y los referenciales Ratos de Porão. Suicidal Tendencies presentarán World Gone Mad (16).

fer, Captain Poon puso en marcha una nueva formación, Bloodlights, con quienes acaba de publicar Pulling No Punches, cuya producción ha corrido a cargo de Nicke Royale de The Hellacopters. La gira de presentación de este cuarto trabajo les llevará a tres salas españolas y a dos festivales.

RR Vintage Trouble, la banda de soul con actitud rock, pasará por la península este mes de junio. El cuarteto californiano, que lleva publicados tres discos, es bien conocido por tener uno de los vocalistas de soul más enérgicos que se han visto en años. Desde que se dieran a conocer en el Late Night de David Letterman no han dejado de girar abriendo para The Rolling Stones o AC/DC, y visitándonos en diversas ocasiones.

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The Faming Lips “La gente dice: ‘¿Pero qué es esta mierda de Miley Cyrus con The Flaming Lips?’”

The Flaming Lips se acercan nuevamente a España para presentar el enigmático y agridulce Oczy Mlody (Bella Union/Pias, 17) en el Vida Festival. La banda de Oklahoma nos llevará a un universo psicodélico futurístico en el que imponen sus siempre imprevisibles reglas.

e ha parecido muy interesante la explicación que das en vuestra web sobre cómo llegasteis al título del disco. Me pregunto si cuando vais a empezar con un álbum nuevo partís de una idea determinada, o bien el tema se va revelando. (Wayne Coyne) Bueno, para mí la idea es el vehículo a través del cual empiezas a pensar en hacer algo. Te hace levantarte para ir hacia un sitio. Decir: “Quiero hacer esto”. Pero una vez te pones a ello, esa idea inicial va cambiando hasta no parecerse en gran cosa a lo que empezó siendo. Si sigues trabajando en ella, va creciendo y creciendo hasta hacerse irreconocible. Muchas veces los artistas cometen el error de pegarse demasiado a una idea, de no dejar fluir el proceso creativo. A veces esa idea puede ser importante, pero al final no importa tanto tu planteamiento inicial como el camino posterior. En los créditos del disco dice que lo grabasteis durante cuatro años, del verano de 2012 al de 2016, lo cual parece mucho tiempo. ¿Fue especialmente difícil acabarlo?

En realidad, sólo algunos cortes se remontan a 2012. Otros muchos se grabaron hace un año o así. En algunos casos eran fragmentos e ideas con los que dimos mientras trabajábamos en el disco que hicimos con Miley Cyrus (Miley Cyrus And Her Dead Petz). Teníamos un montón de material con el que trabajar. Y algunas canciones…We A Family iba a ser una canción para el disco de Miley, pero al final seguimos trabajando en ella y acabó entrando en el nuestro. Todo esto puede llevar bastante tiempo, porque tienes que valorar qué funciona y qué no. La mayoría eran cosillas que habíamos creado en el pasado, en los últimos años. Se trataba de conectar material más viejo con cosas nuevas. Creo que eso es lo que funciona en los mejores discos, que estás usando tu vida musical entera. Hablando de Miley Cyrus y su colaboración. Me vas a perdonar, pero me sigue pareciendo muy marciano que trabajéis juntos. Admito que puede ser una cuestión de prejuicios desde la óptica de lo alternativo. Yo creo que sucede porque a Miley, que es muy popular en Estados Unidos, más que en Europa incluso, se la sigue asociando a su etapa Disney, y entonces la gente se polariza y dice: “¿Pero qué es esta mierda de Miley Cyrus con The Flaming Lips?” (risas). Bueno, hasta cierto punto es comprensible. Pero mi novia y ella son amigas del alma, así que estoy siempre rondando por ahí, haciendo música, y las cosas surgen. Somos amigos. Creo que según se aleje de su pasado Disney, esto irá cambiando y nuestras colaboraciones no se considerarán tan marcianas (risas). —josé carlos peña

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CHANCHA VIA CIRCUITO Chancha Vía Circuito es el proyecto del músico y productor argentino Pedro Canale. Este mes podremos verles como trío en directo dentro del club Less The D11SCO de la sala Razzmatazz (24 junio, Barcelona), por lo que aprovechamos para entrevistar a su cerebro. RR Es sorprendente la forma en la que, desde Latinoamerica, se está reformulando la música de raíces. Gente como vosotros, Frikstailers, Nicola Cruz... Veo que es un buen momento para toda la música latinoamericana en general. Primero porque gracias a las nuevas tecnologías hoy muchos jóvenes se animan a producir música con la computadora, jugando a mezclar todo tipo de géneros sin prejuicios, y segundo porque pareciera que hay más demanda global de este tipo de sonido tan característico que tiene la música del continente. Gracias a las remezclas que os han hecho he descubierto a artistas como Thornato, King Coya o Reptilian Commander. Da la impresión de que la escena de electrónica tropical está dando mucho juego y evolucionando a toda veloci-

dad. ¿Dónde creéis que está el motor del movimiento? Creo que el motor está en cada uno de nosotros, porque el amor y la dedicación que le ponemos a nuestra música es de tiempo completo. ¿De qué otros artistas habéis aprendido o a quiénes habéis tomado como ejemplo a la hora de combinar música casi tribal con electrónica? Bueno, justamente Gaby Kerpel (King Coya) es uno de los precursores aquí en hacer este tipo de fusiones, de él he aprendido mucho, también de Leonardo Martinelli (Tremor) o de Dead Can Dance. ¿En qué nuevo material estás trabajando ahora mismo? ¿Se acerca a lo presentado hasta ahora o aportáis novedades destacables a vuestro sonido? Estoy trabajando en un nuevo álbum, que justamente tiene bastante aporte de estos dos músicos que me acompañan en vivo (Kaleema y Federico Estévez). Este nuevo material guarda relación con el sonido de antes, y hay bastantes novedades también. Me guardaré de contar más cosas, así es más sorpresa. ¿En qué músicas o sonidos concretos te estás fijando para trabajar en el nuevo material de Chancha? Sigue estando muy presente el folklore andino. Es la influencia más fuerte en este nuevo álbum, también en el hip hop. —joan s. luna

junio 2017 #31

ORDE LORDE LORDE LORDE LORD

LORDE.CO.NZ

MELODRAMA

#32 junio 2017

ÁLBUM 16 JUNIO A LA VENTA

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33/Mondo VINILOS

Carl Craig

Bala

Versus Infiné

Gorillaz: dibujitos concienciados Gorillaz

Humanz Parlophone/Warner

POP / Tras meses de ebullición en redes so-

ciales, publicación de playlists, historias animadas de sus protagonistas, fiestas de presentación y cacareadas entrevistas con fans cibernautas, llega este quinto largo, grabado en Londres, París, Nueva York, Chicago y Jamaica Siete años han pasado ya desde el lanzamiento, casi simultáneo, de aquellos Plastic Beach y The Fall de 2010, pero uno de los activos mejor planteados del combo de dibujos animados ha sido siempre moverse al ritmo dictado por un contexto sociopolítico que, en los últimos tres lustros, ha ido apuntando caída libre, desde aquellas masivas movilizaciones contra la invasión de Irak en 2003 -en las que Albarn participó activamente- y que de tan poco sirvieron. Y estaba cantado que sobre estas veinte canciones sobrevolaría la sombra de la victoria -profecía cumplida- de Trump y el abismo del Brexit. La ley de Murphy hecha carne. Entrando en materia por la parte menos noble, decepciona la aportación de De La Soul en la cargante Momentz, de la misma manera

en que desconcierta un tanto la recuperación de Grace Jones en la inocua Charger, injerto rockista de perfil basto. Nada que no puedan arreglar un estelar Peven Everett, caminando con acierto entre el funk satinado y el house de diseño en Strobelite, un centelleante Vince Staples en Ascension, un Popcaan que ribetea el dub bastardo, humeante y pesado (o cómo debería ser el trip hop del presente) en Saturnz Barnz, un Jamie Principle que se exhibe en el r’n’b de Sex Murder o la fascinante intervención de Kelela y Danny Brown en la subyugante Submission. Incluso esa Andromeda que funciona a las mil maravillas como fastuosa ambrosía funk, con ayuda de D.R.A.M. La recta final, lejos de laxar el control de calidad, depara algunos de los mejores momentos. El imponente Benjamine Clementine elevando a las alturas una Halellujah Money ya de por sí imbuida de cierta espiritualidad (inevitable preguntarse cómo sonaría Scott Walker, el inveterado señor de las tinieblas, en medio de este all star) y Jenny Beth (Savages) transmutada en una Siouxsie de efecto euforizante (si es que eso es posible) en la contagiosa We Got The Power, con la voz de Noel Gallagher escenificando el remache del último clavo en el ataúd de aquella artificiosa rivalidad Blur-Oasis, que solo el lechuguino de su hermano Liam parece querer resucitar. —carlos pérez de ziriza

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ELECTRÓNICA / Las sinergias

y mixturas, siempre poco naturales aunque se empeñen algunos, entre música clásica y electrónica es una obsesión que muchos no acabamos de entender. No obstante, hay cosas como las que propone este notable Versus, que viene a dibujar una sonrisa en la cara de los descreídos (yo entre ellos) respecto a la necesidad que tiene realmente el techno de ser llevado a palacio, adaptando sus tiempos maquinales a lo orquestal, para intentar así dotarlo de mayor seriedad, enjundia o hasta conseguir que se le respete más fuera de su hábitat urbano y clubber. No hay más que escuchar las versiones sinfónicas de obras maestras detroitnianas (Sandstorms, Desire o At Les) a manos de un grupo de excelentes músicos clásicos para entender que el experimento aquí sí que ha merecido la pena. —fernando fuentes

Lume Matapadre

tran Violeta Mosquera y Anxela Baltar, autoras y ejecutantes de nueve nuevas canciones de Lume (palabra gallega que significa “fuego”) en las que sólo precisan de batería, guitarra y voz para generar una enfurecida tormenta de punk, metal y noise rock en los poco más de veinte minutos que dura este disco. La publicación dos años atrás de sus primeras canciones bajo el título de Human Flesh fue el anticipo de lo que estaba por llegar; una arrolladora vorágine de ambientes sonoros claustrofóbicos de calibre similar a los provocados por Butthole Surfers y Melvins en la era del pre-grunge, tomando ejemplo en la actitud de Bikini Kill, Team Dresch y otras bandas anglosajonas de riot grrrls. Una lucha todavía vigente a la que ellas vienen a sumarse desde tierras gallegas. —nonito pereira rey

Ride

Actress

Weather Diaries Wichita/[PIAS]

SHOEGAZE / Eclipsados en su día por el tsunami del britpop, al igual que los otros tótems del shoegaze My Bloody Valentine o Slowdive, la gira de reunión de 2014 hizo rebrotar en Bell, Gardener y compañía las ganas de volver a escribir canciones juntos. Para Weather Diaries, primer disco del grupo en veintiún años, han contado con la producción del eminente productor y DJ Erol Alkan, lo que quizá ha influido en la abundancia de sintetizadores e incluso vocoder (All I Want). Así, el álbum se mueve más en las coordenadas del rock contemporáneo que en la ortodoxia shoegaze, como la inicial (y poderosa) Lannoy Point o Charm Assault, escrita como respuesta al Brexit. Lateral Alice y Cali son las dos mejores canciones del lote. Sin embargo, la vacuidad también aparece.

—miguel díaz herrero

ROCK/ Tras Bala se encuen-

AZD Ninja Tune/ [PIAS]

ELECTRÓNICA / El sexto

trabajo de Darren Cunningham es uno de esos discos capaces de sumir al oyente en un estado casi hipnótico durante el tiempo de su escucha. AZD huye del presente aquí-ahora para adentrarnos en nuevas dimensiones espaciotemporales que el londinense construye a base de artillería pesada. Si bien, siguen aquí presentes aquellas dinámicas de su anterior Guettoville (14), que recordaban en gran parte al sonido de Chicago y Detroit, el artista añade esta vez a su techno-dubstep una buena dosis de experimentación y sonidos afrofuturistas, con gruesos subgraves y capas de sintetizadores que planean hacia otros terrenos menos conocidos dentro de su retorcido universo sonoro. El resultado sorprende, cautiva y acojona. —marc oliveras junio 2017 #33

MONDOVINILOS

Feist

Pleasure Interscope

Pornografía emocional Mount Eerie

A Crow Looked At Me Elverum & Sun

8 FOLK / Cuando Phil Elverum conoció a

principios de los dosmil a la artista canadiense Geneviève Gosselin su vida dio un verdadero vuelco. En apenas unos meses se olvidaba de The Microphones, se casaba con ella e iniciaba una nueva y ajetreada parte de su carrera bajo el nombre de Mount Eerie. Desde entonces, Elverum nos había ido mostrando sus canciones íntimas y sencillas contínuamente, desde la modestia que siempre le ha caracterizado, pero la cara oscura de la vida siempre acaba por sorprendernos. Poco después del nacimiento de la hija de Phil y Geneviève, a esta última se le diagnosticó un cáncer de páncreas que la llevaría a la recta final de su vida con apenas treinta y cinco años de edad. No había vuelta atrás. Todos sabemos que resulta

Paul Weller

Moon Duo

Jawbone Parlophone/ Universal

banda sonora / La primera incursión en el mundo de las bandas sonoras del cada vez más polifacético Paul Weller se salda con una obra menor que no suma relevancia a su extensa discografía, pero que tampoco supone ningún patinazo. Se inicia con un tema instrumental de más de veinte minutos, al que da continuación una segunda parte compuesta por cinco temas que se alejan de la zona segura de Weller. Destaca The Ballad Of Jimmy McCabe, una balada acústica que trata sobre el protagonista del filme. Tras una nueva instrumental con elementos de funk y psicodelia, Jawbone, otra fina composición acústica, Bottle da paso a una parte final de tres nuevos temas más cinemáticos que musicales. La sensación final es que Weller aprovecha el nuevo espacio que se le ofrece para experimentar dentro de un nuevo rol en el que todavía no se había estrenado. Como compositor excelente que es, se sumerge en el terreno de lo etéreo y sale airoso.

—robert aniento

#34 junio 2017

Smile

Occult Architecture Vol. 2 Sacred Bones/ Popstock!

ROCK / El veterano duo de

rock psicodélico vuelve a la carga con un álbum entregado en dos partes, nacido del concepto del Yin y el Yan. Mientras que el primer volumen nos mostraba el lado sombrío de la colina, este nuevo lanzamiento nos ofrece el lado más brillante de la misma, o lo que es lo mismo, el lado más fulgurante de las composiciones de Sanae Yamada y Ripley Johnson, cuerpo y mente de la banda. En esta ocasión dejan más de lado la fiereza de las guitarras más kraut y utilizan su distorsión habitual para crear escenarios que van llenándose con diferentes lineas instrumentales. Líneas que se complementan sin que ninguna pase a un segundo plano, uno de los mayores y más habituales riesgos de las piezas psicodélicas. Lo hacen a través de cinco cortes que no bajan de los seis minutos. Un disco notable que deja con ganas de más, sí, pero también con la urgente necesidad de ver cómo suena en directo. —ane barcena

imposible saber con exactitud cómo es el sufrimiento que le deja a cada uno la pérdida de sus seres queridos, pero Elverum casi ha hecho posible que sintamos lo que él sintió y siente a cada minuto desde entonces. Porque A Crow Looked At Me es uno de esos discos honestos y confesionales, pero también sanadores, sobre los que escribo de vez en cuando y sobre los que espero dejar de hacerlo alguna vez. Un puñado de canciones que versan sobre la vida a partir del día después (en Toothbrush/Trash , Elverum habla de “tres meses y un día después de que murieras”). Mount Eerie empieza el disco casi disculpándose por lo que va a hacernos pasar (y es que hay momento realmente emotivos como Swims o When I Take Out The Garbage At Night), pero la necesidad de sacar el sufrimiento fuera ha tenido más peso que cualquier otra cosa. Quizás tenga la impresión de estar haciendo pornografía emocional, pero se equivoca. Y es que no sabe que algunos le agradecemos mucho el esfuerzo. —joan s. luna

FOLK / Los getxotarras Smile editan su cuarto trabajo que supone un cambio de rumbo musical en su trayectoria. Sonidos más frescos y veraniegos pueblan un disco que surge de la necesidad de escuchar a su alrededor, pero sin caer en lo superficial. El punto de partida es una City Girl que entró por los pelos en su anterior álbum y que ha dado lugar a canciones tan luminosas como Such A Long Time, Light You Up o el alegre single When The Lights Change. Temas que no tienen otro propósito que ser una exaltación del optimismo y la vida cotidiana. A mitad de disco, Adela, Nothing Exciting o Road Of Ruin recuperan el lado más folkie de la banda, siendo Keep On una de las piezas más intimistas, en la que se recuerda uno de sus momentos más duros como banda. La esencia Smile se nota en este trabajo pero seguro que se convertirá en el disco accesible que les abra al gran público, cosa que no pretenden negar en ningún momento.

—alberto bonilla

POP / A medida que los

artistas que mantuvieron el indie como algo corpóreo hace una década, empiezan a rondar o incluso sobrepasar los cuarenta, se vuelven más introspectivos, menos dados a regalar al oyente una melodía contagiosa y resultona a la que agarrarse. Estar a estas alturas comparando el trabajo de artistas como Feist con la obra PJ Harvey denota lo enorme que es la huella que ha dejado la artista inglesa y lo obvio que resulta utilizar siempre los mismos referentes. Pero es que no se me ocurre otro mejor para aclarar las cosas si nos referimos a canciones como Century, que es de los mejores momentos del disco junto a la maravillosa A Man Is Not His Song. El resto acaba atragantando bastante por culpa de una tonalidad tristona que agota. Y es que ya sabemos que la que está cayendo es de aupa, pero toca empezar a divertirse y sacudirse el factor madurez de encima. Que a este paso vamos a forjar la sociedad de viejos más deprimidos de la historia. —don disturbios VV. AA.

Imelda May

Happy Accidents Warner

Inercia, el párpado del puercoespín Lunar Discos

Life, Love, Flesh, Blood Decca/ Universal

ROCK / No seré yo quien

diga que no está bien que los músicos evolucionen, faltaría más. Un artista debe decidir qué pasos dar en su carrera, pero creo que, en esta ocasión, Imelda May se ha equivocado. Ha sido valiente, y eso hay que reconocérselo. Ha roto con todo lo que había hecho en el pasado pero el paso ha sido demasiado irregular para saber las consecuencias de ese cambio. La bellísima Imelda, con cambio de look incluido desde hace meses, ha optado por un trabajo delicado, de medios tiempos y baladas de corte jazzy que, a pesar de estar muy bien interpretadas, le dejan a uno la sensación de frialdad absoluta. Ni la producción del siempre infalible T Bone Burnett salva el álbum del descalabro. No estoy pidiendo que la irlandesa se quede para siempre anclada en ese rockabilly que, por otro lado, le sentaba tan bien. Pero un cambio de este estilo requiere mayor reflexión. El riesgo, en dosis más pequeñas, le hubiera sentado mejor. Aprobado raspado. —eduardo izquierdo

ROCK / Los homenajes sólo

tienen sentido cuando el tributado en cuestión rompe moldes o porque ha hecho algo que antes nadie se había atrevido a llevar a cabo, con mejores o peores resultados, pero dejando una impronta. Los andaluces Lagartija Nick quizás no inventaron la sopa de ajo, pero sí fueron capaces de crear una propuesta demoledora, valiente y con la personalidad suficiente para cambiar el panorama español de su momento. Corría el año 1992, año convulso, de cambios. En Inercia, el párpado del puercoespín, escuchamos a muchos artistas españoles de renombre reinterpretar su repertorio. Triángulo de Amor Bizarro, León Benavente o Perro, nombres que mantienen de actualidad el testigo de la banda de Antonio Arias, por su electricidad, por su actitud y por su necesidad de explorar terrenos propios. Hay mucho más, todos ellos aportando su espíritu y mostrando su respeto a un grupo necesario e inclasificable.

—toni castarnado

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Tinie Tempah

ROCK / La carrera de los

californianos aún no se ha recuperado del hiato creativo que se tomaron en 2008. Su último largo data de 2011 -aquel irregular If Not Now, When? -, así que este disco, es aunque no lo quieran su ultimo cartucho. Mientras Korn parecen recuperar algo el pulso y Deftones están girando con éxito presentando uno de sus mejores trabajos, Incubus lo apuestan todo al ocho negro. La rabia punk inicial de No Fun y la fuerza de Nimble Bastard (New Mix) se va diluyendo poco a poco en cortes donde las melodías son las claras protagonistas. Canciones con mil texturas musicales donde la voz de Brandon brilla en su hábitat más natural, los medios tiempos llenos de épica. Cortes como Glitterbomb o Familiar Faces son cortes notables, pero inofensivos. Este es un disco poco arriesgado creativamente. Los días de Morning View quedan lejos y aunque lo intentan se quedan a medio camino. Y ese es el gran pero de todo en esta vida.

—marcos molinero

Will Johnson Hatterass Night, A Good Luck Charm Undertow Music Collective

Youth Parlophone

POP / El tercer disco de

Tinie Tempah es un claro acercamiento al pop. Ya lo deja claro el propio Tinie en la segunda canción cuando afirma: “so I did rap, had two, two jobs. Hiphop, grime and then I went pop”. Diecisiete canciones, catorce de ellas cuenta con artistas invitados la mayoría muy alejados del grime. Youth es como un episodio de First Dates, donde buscan juntar a dos personas, dos historias y dos mundos en una cena. Mr. Tempah pretende lo mismo y como le pasa a Carlos Sobera a veces funciona, Not For The Radio con MNEK o en la ultracomercial Mamacita con Wizkid. Dos cortes en los que surge el amor, pero también hay desastres, citas o canciones, en los que no funciona nada absolutamente, es el caso de Girls Like con Zara Larsson. Y luego esas citas en las que los dos se lo pasan genial pero no surge el amor, y prometen quedar como amigos, ese ejemplo es claramente Find Me con Jake Bugg. De los momentos de vergüenza ajena mejor ni hablar. —marcos molinero

FOLK / Rastrear los diferentes proyectos en los que ha estado involucrado Will Johnson (South San Gabriel o Centro-matic como más representativos), además de una tarea casi imposible de abarcar, supone toparse con algunos de los más destacados ejercicios de adaptación del sonido tradicional americano a un contexto actual pop-rock. En esta vertiente en solitario tiende a expresarse de forma más íntima, siempre teniendo en cuenta que su manera de manejar el género en general es propensa a lo profundo y melancólico. A lo largo de este conciso y certero álbum se impondrá precisamente ese folk emotivo y delicado, enunciado desde la confesionalidad de Childress (To Ogden) o el empeño melódico vocal de Hey-O, Hi-O. A pesar de dicha predominancia tonal no puede evitar su querencia por los garbeos eléctricos, a lo Neil Young en Heresy And Snakes, que sirven no obstante para asentar y confirmar su, de nuevo, atinada y emocionante capacidad compositiva. —kepa arbizu

DD LJM DC JSL Med

1 Alt-J Relaxer

9 7 8 8 8

2 Mac De Marco This Old Dog

8 8 7 7 7,5

3 Cigarettes 7 8 7 8 7,5 After Sex Cigarettes After Sex 4 We Ride Empowering Life

7 7 8 7 7,25

5 The New Raemon 7 7 7 7 7 Quema la memoria 6 The Drums 6 7 7 7 6,75 Abysmal Thoughts 7 Royal Blood How Did We Get So Dark?

7 5 7 7 6,5

8 BNQT Volume 1

8 5 6 6 6,25

9 Little Cub Still Life

5 7 6 7 6,25

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

8 Island/ Universal

top 10.

Incubus

10 Kasabian 6 4 5 7 5,5 For Crying Out Loud

Llorando a gritos

Paramore

After Laughter Fueled By Ramen/Warner

Kasabian

For Crying Out Loud Sony

POP ROCK / David Lee Roth dijo una vez que:

“a los periodistas musicales les gusta Elvis Costello porque los periodistas musicales se parecen a Elvis Costello”. Y quizás el problema de Kasabian sea ese... NO se parecen al jodido Elvis Costello. Nunca serán respetados por la prensa aunque editen un debut espectacular repleto de hit singles. Jamás les regalaran los oídos como lo hacen con Radiohead, aunque Velociraptor sea una obra maestra incontestable de cabo a rabo. También he de reconocer que tienen discos irregulares pero ¿quién no? Una banda con la ambición justa, su líder prefiere quedarse en casa jugando en el jardín de casa con sus dos chiquillos que ir a girar a Estados unidos, common people de verdad. El sexto disco de Kasabian compuesto en una semana son doce cortes que deambulan entre la inmediatez y frescura de su debut (III Ray (The King) o Comeback Kid) y la psicodelia pop de Velociraptor en cortes como Wasted, la comatosa The Party Never Ends o la pegadiza You’re In Love With A Psycho. Pero también juguetean con los momentos más

Primal Scream de su incomprendido 48:13 y es que canciones como Are You Looking For Some Action? o Bless This Acid House, dos piezas inmensas, supuran espíritu Gillespie al cien por cien. Mientras otros tapan, niegan o simplemente roban a artistas pretéritos e intentan llevarse el mérito a la innovación musical, Kasabian reconocen su deuda con los escoceses, con Oasis o con quien haga falta. Porque son gente como nosotros, con gustos sencillos y que son felices si su equipo de

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futbol gana, si pueden tomarse unas cervezas en el pub o si pueden desbarrar en un festival. Con este disco calmarán a sus seguidores, crisparán a la prensa y reventarán estadios. Añaden cinco temazos a un setlist cada vez más lustroso y efectivo para su imbatible directo. No cambiará el curso de la humanidad, ni aparecerán miles de bandas copiando a Pizzorno y Meighan, pero cuando suena no puedes evitar el sentirte vivo y eso es algo que pocos logran. —marcos molinero

POP / Paramore han vuelto

coloridos, aunque sobre ellos planea una sombra: nadie dijo que crecer fuera fácil. Envueltos de nostalgia ochentera y en tonos pastel, los que fueran uno de los referentes del pop punk de finales de los dosmil abrazan su lado más agridulce. After Laughter se pierde entre ritmos que evocan a un verano eterno sin miedo a explorar su faceta más pop, dejando atrás el rock y dando paso a los sintetizadores. Eso sí, si escarbamos más allá del envoltorio azucarado, nos encontramos con algunas de las letras más oscuras de Paramore, en la felicidad fingida de Fake Happy y los momentos oscuros de Hard Times, que nos hacen perder la sonrisa. Crecer no es fácil para una banda de pop punk, pero parece que Paramore han encontrado por fin una dirección clara en este imaginario de sombras iluminado por luces de neón.

—montse galeano

junio 2017 #35

MONDOVINILOS

Charli XCX Number 1 Angel Atlantic

Apuntando a la cumbre

POP/ Charli XCX vive en una especie de limbo musical que se está volviendo eterno y podría perjudicar seriamente el impulso comercial que sufrió en 2014 con Sucker. La cuestión reside en si verdaderamente a ella le importa todo ese discurso sobre convertirse en una estrella que lleva recibiendo desde hace años desde su sello. Ahora, regresa con Number 1 Angel una especie de mixtape de pago, para poder colocarlo en todas las plataformas de streaming, que cuenta por un lado con el apoyo de su sello para venderlo y por el otro con el equipo artístico de PC Music para conseguir acercarse lo máximo posible a lo que Charli XCX quiere ser como artista en el futuro. La pena es que todas esas texturas, mezclas caóticas y elementos que encontramos en las bases de los temas de SOPHIE, A. G. Cook o Hannah Diamond son bastante leves en Number 1 Angel, poco agresivas, (a excepción de Lipgloss) y termina bajo la sombra de sus colaboradores.

Kevin Morby

City Music Dead Oceans/Popstock!

8 ROCK/ Cuando aún estamos degustando el

genial Singing Saw (16), coronación total como songwriter de primera línea de Kevin Morby, esa estela de autenticidad, magia y magnetismo que recordaba a los más grandes, desemboca en una nueva dosis de eléctrica melancolía con City Music, clásico instantáneo. Doce nuevas canciones en las que sigue pululando a sus anchas el omnipresente espíritu del mejor Dylan, caminando esta vez también de la mano de Patti y Lou por el lado salvaje, arañándonos suavemente con la aspereza ensoñadora de Come To Me Now, el fraseo y creciente distorsión de Crybaby, Tin Can o la pista que da nombre al álbum, con Morby trepando por una enredadera metálica (con esencia de jam de mil colores) y lanzando versos al viento. La brisa que desata el rasgueo inicial de la épica Pearly Gates, con Morby flotando sobre teclados y coros celestiales, o la explosión

The Mountain Goats

Saint Etienne

ROCK/ En una carrera tan

dilatada y siempre certera como es la de la banda de John Darnielle, nos podemos encontrar con trabajos que toquen la mayoría de facetas mostradas a lo largo de estos años. Esta es la impresión que nos causó su anterior Beat The Champ, volviéndose a repetir de lleno en este Goths. La influyente banda norteamericana es consciente de que no tiene que demostrar a estas alturas, más allá de dar rienda suelta a su introspectivo rock suavizado con elementos más acústicos propiamente heredados de la tradición folk norteamericana. Por todo ello, este nuevo trabajo reúnen sus caras más reconocibles como son el tono desafiante de Shelved, el deambular entre ambientes que tienden hacia el soul de Wear Black o la inquebrantable solemnidad presente en la inicial Rain In Soho. Todo parece desarrollarse sin presión, recurriendo como es habitual en ellos a la ironía y surrealismo que encierran en Unicorn Tolerance o Abandoned Flesh. —noé r. rivas #36 junio 2017

POP/ El noveno disco del trío británico despliega nuevos encantos en su eterna búsqueda de la perfección pop. Inspirados por su juventud en la periferia suburbial de Londres, aquí hay joyas melódicas del calibre de Something New, la eufórica Dive y su bajo irresistible, o la exquisita Underneath The Apple Tree. La exhuberancia de arreglos nunca se les indigesta. No se me ocurren muchas bandas que empiecen con un clavecín y deriven en el estribillo a lo The Human League (Whyteleafe) con tanta elegancia. Hay algún paso en falso, como el techno-pop demasiado obvio de Out Of My Mind o el extraño arreglo de teclado de la, por otro lado, estupenda After Hebden. Pero el conjunto no se resiente. La enciclopédica cultura pop del trío, tamizada por la fascinación hacia la canción y la estética de los sesenta, cohesiona un álbum que se abre con la luz de la adolescencia hambrienta de experiencias y desemboca en la suave melancolía de Sweet Arcadia. —josé carlos peña

antigua banda), con este cuarto largo parece erigirse definitivamente como ese nuevo y siempre añorado Mesías del género. Se maneja con la misma maestría en disparos a quemarropa como 1234 (pieza de menos de dos minutos con regusto a The Velvet Underground) o cálidos medios tiempos como la exquisita Night Time o Dry Your Eyes, con otro coro que eriza la piel. —david pérez

Ásgeir

POP/ Una de cada diez personas en Islandia compraron el debut de Ásgeir, In The Silence; el álbum más vendido de la historia del país. Dos años después, decidió regrabar su disco en inglés con la ayuda de John Grant y el mundo entero arqueó una ceja mostrando interés. En Afterglow, el islandés sigue el mismo camino que artistas como Bon Iver, James Blake o James Vincent McMorrow -muestra de ello es la exquisita Unbound. Las guitarras dan lugar a bases electrónicas en su mayoría, aunque hay excepciones como la marea instrumental de Here Comes The Wave In o New Day. Underneath It, en la mitad del disco, resume la dualidad del mismo: máquina contra delicadas melodías casi a capella. I Know You Know recupera el ritmo, con un aire menos contenido y más descarado. Dos mitades muy diferenciadas, tanto por su distribución como por la estructura y forma de las canciones. Ásgeir demuestra con Afterglow que no quería ser otro cantautor más. —marta terrasa

—álex jerez

Rrucculla

Afterglow One Little Indian/ Popstock!

Home Counties Heavenly/ [PIAS]

Goths Merge/ Popstock!

escalonada de luz de Aboard My Train (por si sola ya valdría la pena el disco), disuelven cualquier nube y empujan a recorrer las calles del pasado en busca de cada rostro perdido en el tiempo. Kevin Morby tiene la sartén por el mango y lo sabe, tras adelantar por izquierda y derecha con su anterior trabajo a capos hermanos como Conor Oberts o Kurt Vile y divisar por el retrovisor a Woods (su

Cody Chesnutt

Early Sound Sketches Autoeditado

ELECTRÓNICA/ Izaskun aka

Rrucculla apenas actúa en directo y sabemos muy poco de ella. Tiene veintidós años y nació en Barakaldo, eso es todo. Desde allí produce piezas de artesanía sonora de corta y pega que perfectamente podrían venir de Nueva York, Calculta o Marte y estar compuestas ayer o en 1995. Y cito esta década porque en muchos momentos la música de Rrucculla parece rescatada de algún ignoto y polvoriento archivo de un DJ Shadow, unos Coldcut o Madlib. Pero ojo, no hablo de imitación o de simple y descarada copia. Entre otras cosas porque sus fuentes sonoras son amplísimas y no siempre fácilmente trazables. Su calidad y personalidad son muy considerables, pero sobre todo su actitud y su esencia impactan. Porque su música produce la misma sensación de extrañeza y desubicación, de abigarrada y desconcertante variedad cuya coherencia se desvela y fascina un poco más con cada escucha. Excelente trabajo, por lo que es y por lo mucho que promete. —antton iturbe

My Love Divine Degree One Little Indian/Popstock!

POP/ Cody Chesnutt tiene la habilidad de aparecer y desaparecer, sin mucho ruido, sin hacer aspavientos. Si entre su debut y su continuación hay diez años de diferencia, para grabar y publicar el tercero ha pasado un lustro. A su favor hay que decir que en su caso la espera vale la pena, pues siempre hay sorpresas y novedades. Cody Chesnutt se ha quitado el casco, ahora lleva sombrero y camisa tejana, se inspira en libros religiosos para escribir sus canciones, y en parte, ha dejado atrás ese halo de soul clásico sesentero heredero de la Stax, en My Love Divine Degree apuesta más por el baile, el ritmo, sonidos electrónicos. No es un cambio radical, su voz suena como siempre, su espíritu -libre y camaleónico- está ahí, y a pesar de las ausencias, no cabe duda que es mejor estar presente que quemarse a fuego lento. No tiene el impacto de Landing On A Hundred, aunque seguro que crece con el paso del tiempo, todavía hay detalles por descubrir.

—toni castarnado

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junio 2017 #37

Juana Molina

Conor Oberst

Halo Crammed/ Karonte

Salutations Nonesuch/ Warner

FOLK-ROCK / Reconozcámos-

lo. Nos encantan las leyendas y la mitología rock está repleta de ellas. Una de ellas tiene que ver con esa especie de Santo Grial del folk-rock que un día grabaron Bob Dylan y The Band en un sótano de una casa pintada de rosa. Una especie de quimera musical que recoge la esencia de lo auténtico y que muchos han intentado repetir sin éxito. Y ha sido Oberst quien más se ha acercado. Si un accidente de motocicleta motivó el exilio campestre de Dylan, una falsa acusación de violación por parte de una fan de Oberts le llevó a recluirse para perpetrar Ruminations, el imediato predecesor a este trabajo del que recupera todas las canciones incorporándole siete composiciones inéditas. La diferencia es que aquí cuenta con un perro viejo como el batería Jim Keltner y con Felice Brothers como banda de acompañamiento que dotan a las composiciones de Oberts de la sabiduria folk que muchos han estado buscando en vano.

—don disturbios

Beach Fossils

Somersault Bayonet/ Popstock!

The Black Angels

POP / La argentina Juana

Molina es una celebridad absoluta dentro del underground de su país, gran parte del Cono Sur y hasta Radiohead se declaran seguidores suyos. Y se lo tiene bien ganado, sin duda. Este Halo que ahora presenta fue grabado en Texas junto a sus buenos músicos habituales y con la presencia de John Dietrich de Deerhoof como invitado. Como en anteriores entregas, su sonido se debate entre ese humanismo naturalista y folkie y la valiente experimentación electrónica sin complejos. No hay apenas baile, es un regreso parcial a lo acústico e intimista de la Juana Molina de antaño. Y aquí, sin duda, suena la mejor versión de su voz. Seguramente Paraguaya es el mejor de los temas de este notable álbum, pero también destacan la crepuscular y mística Lentísimo Halo y la indietrónica y suave Cara de espejo. Un trabajo estupendo de una artista que España debe de acoger ya mismo desde el respeto y la sorpresa. Ah, y la envidia.

—fernando fuentes

Pallbearer

ROCK PSICODÉLICO / Tras

cuatro años de parón The Black Angels están de vuelta. Más psicodélicos, sesenteros y sobre todo más necesarios que nunca. Gestado en plena ebullición electoral estadounidense, Death Song se convierte en una oda musical a la incertidumbre y al desdichado porvenir de una sociedad condenada a la decadencia de valores. Abre el disco Currency, que salta a la yugular del sistema capitalista y la religión. La agresividad se mantiene en piezas como Comanche Moon, Estimate o I Dream, mientras hay momentos relajados como Half Believing. Con Hunt Me Down y Grab As Much (As You Can) llega el momento de caer hipnotizados ante las voces con tintes lisérgicos que nos remiten incluso a The Velvet Underground. En un 2017 en el que la sociedad tiende a la autodestrucción, Alex Maas y los suyos resurgen con este Death Song, de escucha obligatoria para los amantes no solo de la banda, si no del género. —ane barcena

Ha Ha Tonka

Heartless Profound Lore Records

Death Song Partisan

DOOM / Al igual que bandas

como Mastodon o Baroness antes, Pallbearer han ido ampliando poco a poco el espectro estilístico y de público hasta llegar a gente lejana a ese doom austero que practicaban en sus inicios. El toque prog que siempre han tenido y esa querencia por la melodía les ha llevado al estatus que tienen ahora, aunque les ha pasado un poco lo que a Baroness en su último disco, que se les va la mano por momentos con el azúcar y el resultado peca de irregular. Algo que no se nota al comenzar con un I Saw The End -que te coge del pescuezo y se agarra a tu corazón- o con ese gran Thorn que recuerda a los malogrados Type O Negative. El bajón llega hacia la mitad del disco, con un par de temas algo flojos y dispersos que no enganchan, pero recuperan el tono en seguida y nos muestran de lo que son capaces, sobre todo con ese épico e intenso A Plea For Understanding que evita que nos olvidemos (de momento) de ellos y que les demos otra oportunidad en el futuro. —raúl linares

HeartShaped Mountain Bloodshot

ROCK / El quinto disco de

la banda de Missouri está pensado para gustar. Solo hay que ver el inicio del mismo para darse cuenta de que Ha Ha Tonka pasan de sonar con el músculo de Kings Of Leon en Race To The Bottom, para recordar a Tom Petty en Everything y abrazar el crescendo épico del folk-pop de Mumford & Sons en All With You. Referentes de éxito que hacen intuir que no se andan con tonterías a estas alturas de la jugada. Quieren triunfar y quieren hacerlo bien. Y si para ello tienen que sacarse de la chistera una de las melodías más pegadizas de los últimos meses en The Party, nadie ni nada va a impedírselo. Está claro que esa deriva digamos comercial, ha acabado con el lado más experimental de la banda, y está claro también que debe haber un sentimiento general en el grupo de ahora o nunca. Si nos tiene que pasar tarde como a Spoon, mejor que nos pase ahora, porque con el maravilloso prestigio de Okkervil River, no se pagan las facturas. —don disturbios

Buscando audiencias Pablo Und Destruktion

Predación Sonido Muchacho

pop / Han pasado cuatro

años desde que la banda neoyorquina publicase Class The Truth, un trabajo más que relevante dentro del panorama de grupos de dream pop de guitarras surferas de aquel momento. Si en aquel disco nos encontrábamos de lleno con su habilidad para filtrar los estados de aislamiento y cierto poso sombrío, en este nuevo elepé parecen emerger a la superficie, encontrando la luminosidad en su sonido. Somersault resulta una obra muy cuidada y medida con gran precisión en los arreglos, con un uso frecuente de los violines para apuntar a las atmósferas más evasivas. Una forma de despuntar más cercana que nunca a grupos como Real Estate. Buena muestra nos la encontramos en temas como Saint Ivy, para avanzar de forma plácida entre arreglos orquestales, sin olvidarse del núcleo guitarrero final. En definitiva, un afán evolutivo por registrar capas más perfeccionadas que nunca. —noé r. rivas #38 junio 2017

9 ROCK /El Preludio Corintio que abre lo nuevo de

Pablo Und Destruktion cumple su cometido, tirando del conocido pasaje bíblico de la Carta de San Pablo para situarnos ante el eje central de su relato en Predación: el amor. En otro momento, en este caso dirigiéndose a los Colosenses, el apóstol de Tarso les exhortaba a “vestirse de amor”, subrayando que es el “vinculo perfecto”. Ese traje es el que se pone el músico asturiano en su particular camino de perfección, en donde confluyen lo sagrado y lo pagano, encontrando belleza incluso en los momentos dolorosos. El trueno y el ardor están aquí, igual que el fuego, excavando hasta el centro de la tierra (Salario social) y cortando de raíz cualquier posibilidad de aguardar en la superficie para ver cómo se desarrollan los acontecimientos. Predación es amor, pero no entendido como afecto pasivo, sino como actividad, a través de unas canciones de barroca exuberancia, tanto en la pasión como en la angustia, lanzando incómodas proclamas y dejando que la tormenta se anuncie hasta en los momentos de aparente calma (A la mar fui por naranjas, recuperando el gusto por el cancionero popular).

—enrique peñas

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Different Days BMG/[PIAS]

POP/ Auténticos supervivientes de la escena británica de los noventa –primero enmarcados en el sonido Madchester y luego auto-reciclados hacia el britpop–, The Charlatans pueden presumir de una carrera ininterrumpida y, en realidad, al margen de modas esclavizantes. Además, desde hace años, el grupo liderado por Tim Burgess lanza un nuevo álbum con adecuada periodicidad, ésa que es apta para contentar a sus seguidores tradicionales pero sin llegar a quemar la fórmula. Suelen ser discos que rozan el notable y atractivos para el fan, algo irregulares en conjunto pero con varias piezas inspiradas. Eso mismo ocurre con Different Days, en el que los mancunianos logran sonar vigentes y actualizados pero sin traicionar su sonido más reconocible y por tanto la esencia del combo. Un elepé de aspecto optimista e incluso juvenil con el que el cuarteto mantiene una digna presencia, logro nada desdeñable a estas alturas. —raúl julián

VV. AA.

Bipolar Sessions #4 Arnette/Rockzone

ROCK/ En la línea de las

míticas compilaciones de la revista británica Kerrang, la serie Bipolar Sessions, auspiciada por la revista RockZone, reúne versiones de formaciones de la escena estatal. La particularidad de este recopilatorio es que los participantes deben escoger entre bandas que hayan ocupado

alguna vez la portada de esta revista, ahora cien por cien digital, fundada en 2005. El presente Bipolar Sessions #4 depara muchas sorpresas. A saber: los aires rockeros del Winter Bane de Abbath a cargo de Captains Of Sea And War, la actualización metalcore del Summer Romance de Incubus perpetrada por los madrileños Against The Waves y el atrevimiento de Virgen llevándose a su terreno el tema Los Lobos de La M.O.D.A., por citar las más llamativas. Pero hay más a cargo de bandas como de Owl Captain, Los Vinagres o The Wax.

FOTO: ARCHIVO

The Charlatans

—luis benavides

Blondie

Pollinator BMG

POP/ Cuando un grupo como Blondie, con cuarenta años de carrera a sus espaldas, lanza un nuevo trabajo la sensación de miedo por lo que nos podamos encontrar es inevitable, y más si atendemos a sus últimos discos. En esta ocasión podemos respirar aliviados porque estamos ante un álbum muy digno. En su undécimo trabajo, Blondie logran recopilar un buen cancionero mezcla de new wave y sonido dreampop reciente. Probablemente tenga que ver con las numerosas ayudas externas: Sia, Dave Sitek, Charli XCX o John Congleton en la producción, entre otros. Sólo dos de los once temas del disco han sido escritos por Debbie Harry (cuya inconfundible voz mantiene la versatilidad de siempre) y Stein. Aunque en su defensa, una de sus dos composiciones es Long Time, el hit del álbum. Con Pollinator, Blondie invocan al espíritu de los buenos tiempos de la banda para darnos su mejor trabajo desde su regreso en 1999.

—guillermo chaparro terleira

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Tiempo de cambios Mando Diao Good Times BMG

7 POP ROCK/ Puedes llamarlo etapa de tran-

sición o de ida de olla total, pero lo que es innegable es que Mando Diao han pasado los últimos años despistando al personal. Quizá ellos también lo estaban, y por eso se haya marchado el que hasta ahora era su líder y principal compositor, Gustaf Norén. En cualquier caso, su deriva synth-pop ha acabado pasando ya no inadvertida, sino incomprendida e incluso detestada por algunos fans. Afortunadamente, de los tiempos de Ælita sólo queda la costumbre de las portadas feas. Porque la de Good Times lo es. Vendido como un disco de vuelta a

las raíces, este nuevo trabajo de los suecos tiene una primera pista sorprendente, tres minutos de pura épica a voz y piano en los que Björn Dixgård se gana los galones de primer vocalista. Y tras comprobar con el sonido de All The Things que la cosa sí tiene algo de “back to the roots”, el estribillo ya hace intuir que han estado bastante inspirados componiendo el que quizá sea su disco más trascendental, el que dirá si pueden o no seguir sin su antiguo frontman. Good Times sube la apuesta a nivel creativo con una negritud pasmosa que en Shake adopta la forma de disco-gospel y en Money de un “soft-funk” razonablemente creíble. La cosa pierde fuelle en una inofensiva y obvia Watch Me Now algo impropia de ellos seguida de un acústico que jamás debiera haber rozado los cuatro minutos, y lamentablemente, desde ahí ya no remonta.

—nacho serrano

junio 2017 #39

MONDOVINILOS

Bonnie ‘Prince’ Billy

FOTO: ARCHIVO

Best Troubador Drag City/ Popstock!

Desde las antípodas Aldous Harding Party 4AD/Popstock!

FOLK/ El segundo disco de la neozelan-

desa confirma a una mujer comprometida al límite con sus canciones. Curtida en actuaciones de intensidad a flor de piel y una teatralidad no impostada, la compositora ha elegido al infalible John Parish (habitual productor y colaborador de PJ Harvey) para vestir sus obsesiones con velos de un clasicismo que evoca la obra de artistas de una liga de máxima (auto) exigencia: De Kate Bush a Scott Walker, John Cale o incluso Deerhunter, con los

#40 junio 2017

que además de haber compartido escenario, tiene en común, salvando las distancias, cierto goticismo inquietante y atemporal. Tras un primer álbum ceñido al folk desnudo de arpegios de guitarra, Hannah (su nombre real) viste sus canciones con arreglos más ricos pero siempre muy sutiles, coros de Mike Hadreas (Perfume Genius) incluidos. Con su estilo personal e intenso sigue conjurando emociones de una crudeza primaria. Es un disco sobre las promesas tras el calvario, confesiones que se benefician del espacio entre instrumentos, siempre al servicio de la voz de Harding, de gran expresividad. Quedan al final canciones de verdades engañosamente simples, que destilan una rara mezcla de fragilidad y fortaleza. Reales como la vida misma pero también de otro siglo. O de otro mundo. —josé carlos peña

COUNTRY/ No cabe duda

de que Will Oldham es un espíritu ancestral del folk. Su comportamiento responde al del songwriter de mediados de siglo XX. Ya no basta con que sus discos del siglo XXI estén atrapados en el sonido folk de los años cincuenta, sino que también reproduce costumbres como los discos en directo y la inmersión repetida dentro del gran cancionero popular de la canción americana; en este caso, de Merle Haggard. Eso sí, escuchando versiones de acabado lo-fi como If I Could Only Fly queda claro que, en el caso de Oldham, el homenaje siempre deviene en acto vampírico. Así, entre las canciones escogidas, no hay rastro de la vertiente honky tonk. Pero, sobre todo, el tono festivo de Haggard es apaciguado entre dulces gestos de folk tenue, tal como en la terna de cortes conformada por My Old Pal, Roses In The Winter y Some Of Us Fly. Para acabar de certificar el saqueo, la voz de Oldham sobrevuela más contemplativa que nunca.

—marcos gendre

Flora Cash

Nothing’s Last Forever (And It’s Fine) Icons Creating Evil Art

POP/ Hemos oído miles de

historias acerca de cómo han conectado algunos músicos, pero nunca antes, quizás por novedoso, habíamos conocido algo así: crear y establecer una relación a través del soundcloud, y enamorarse a través del Skype. El resultado es que Flora Cash es un grupo y una pareja, o al menos

así nos lo venden. Son suecos y su música se mueve en aguas del folk moderno y atmosférico (con guiños puntuales al triphop). Sus canciones son bastante amables, de ahí que el pop cargue también con buena parte del protagonismo. Sus canciones juegan delicadamente con elementos electrónicos, sin dejar de sonar orgánicos, transparentes y creativos, trazando puentes entre las acústicas y los loops o los pianos. Quizás por ello destaquen la optimista California , You’re Somebody Else, y Sadness Is Taking Over, quizás su mejor pieza.

—toni castarnado

Adult

Detroit House Guests Mute

ELECTRÓNICA/ Había ga-

nas de Adult, cuatro años hemos tenido que esperar para que el matrimonio más molón de Detroit engendrara otro de sus atípicos vástagos. Y la criatura viene cargada de novedades, como el cambio de sello y las colaboraciones estelares, un par por cada invitado. El resultado es un trabajo oscuro y complejo en el que Nicola Kuperus y Adam Lee Miller exploran los universos sonoros de cada colaboración pero sin renunciar a su propia identidad, postpunk electrónico a base de sintetizadores y voces de ultratumba en el que los estribillos se rinden a favor de atmósferas aplastantes y claustrofóbicas. La lista de nombres ilustres es maravillosa: Robert Aiki & Aubrey Lowe, Michael Gira, Dorit Chrysler, Lun*na Menoh, y hasta el mismísimo Douglas J. McCarthy de Nitzer Ebb. Especialmente reseñable es su furibundo y poderoso We Chase The Sound con Shannon Funchess, la inconfundible voz de Light Asylum. —esther al-athamna

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Body Count

Cox

Bloodlust Century Media

CROSSOVER/ Que, a punto de cumplir sesenta años, Ice T sea capaz de transmitir la dosis de mala leche que emana de las once canciones de este disco es algo más que destacable. Ya nos puso en sobre aviso con ese trallazo anti racista que era el adelanto No Lives Matter pero incluso las expectativas se han visto desbordadas por el resultado final. Paladines del rap metal, Body Count han vuelto con más rotundidad que nunca en su sexto disco. Esa mezcla imposible entre Slayer (de quienes versionan Raining In Blood/Postmortem), Suicidal Tendencies, Biohazard y Black Sabbath que son Ice T y sus compinches no se conforman con aportar contundencia en sus letras, sino que también lo hacen en un sonido crudo, rugoso, pero más rico que nunca. Con el hardcore, el punk o el hip-hop apareciendo y desapareciendo en los momentos adecuados. Y es que esos textos sobre desigualdad social, brutalidad policial, racismo e injusticia merecen esa base rabiosa. Excelente. —eduardo izquierdo

Más brillante que el mismo sol Kasba Music

La selección

ROCK/ Empezar un disco con un tema musicalmente espléndido, brillante y pegadizo, pero que en su letra te repite con insistencia “me hundo, me hundo, me hundo”, resulta una dicotomía perversa. Y no es para menos. Estar en una situación limite y que la música te ayude a salir de ella es una reconfortante realidad. Algo de salida del infierno tiene este disco y apuntan hacia ahí especialmente temas como la deliciosa Carretera, la vigorosa Soñé o la esperanzadora Vuelo. Canciones provocativamente melódicas, pero en las que suenan guitarras de lo más rockeras, y conociendo la carrera de Cox (Escaramush, Martingala, Samsara, Atenta Fluído) esto sí es novedoso. A ello contribuye la determinante banda que le acompaña, la perfecta grabación de Cesar J. De Cisneros y la meticulosa producción de Christian Rey (The Pinker Tones). Juntos dan lustre a esas diez canciones que han ayudado a ese “principio de catarsis” que Cox necesitaba. —miguel amorós

Pharmakon

Oceanica

Contact Sacred Bones/ Popstock!

Immersion Autoeditado

Un universo propio Mac DeMarco

ROCK/ El debut de los barceloneses Oceanica es una invitación a dejarse llevar por la melancolía de días lluviosos y los recuerdos de días pasados. Immersion, como las capas del océano, nos sumerge en esa nostalgia y la abraza con electrónica, creando atmósferas oscuras pero con una brizna de luz synthpop. La marea de oceanica arrastra a un mundo onírico de texturas oscuras y elegantes. La afligida Days of Rain se desenvuelve en un tono épico hasta alcanzar esos ecos románticos idealizados de los ochenta. El juego de contrastes está muy presente a lo largo de los seis cortes de su debut, en el que no dudan de tornarse más alegres si lo requiere con un pop electrónico más directo en la pegadiza Under My Skin o volverse más ambientales y descriptivos con Outsider. Es fácil perderse en las profundidades del océano, pero Oceanica consiguen que entre toda esa oscuridad brille la esperanza de sus melodías más pegadizas y bailables. —montse galeano

EXPERIMENTAL/ Definitivamente, es un auténtico reto intentar establecer líneas continuistas en un género tan heterogéneo como el harsh noise en el que se dan apuestas tan vanguardistas como rompedoras; pero si tuviésemos que señalar un caso paradigmático en el panorama actual sería el de la neoyorquina Margaret Chardier, más conocida como Pharmakon. Si en trabajos como Bestial Burden (14) apostó por una línea más atmosférica aunque de un bestialismo sin parangón, en Contact ataca con una sonoridad incluso más recrudecida y extrema en la que apuesta por ambientes industriales que remarcan los elementos más estridentes de su desgañitada interpretación vocal – y para más señas, la introducción al álbum: Nakedness Of Need. La sensación de opresión y agonía toca su punto álgido en la clausura No Natural Order, en la que se reafirma su discursiva nihilista enfatizada por su interpretación poderosa y tiránica, al más puro estilo Diamanda Galás.

This Old Dog Captured Tracks/ Popstock!

8 POP/ Desde que Tame Impala epataran a lo bestia con Innerspeaker en 2010, en la variada y nutrida escena de pop mareado ha habido pocos creadores de tendencias sonoras tan claros como Mac Demarco, nombre ya asentado no sólo como nuevo referente indie internacional, sino también como madre nodriza de algunos de los proyectos paralelos más interesantes de Canadá (Homeshake, Walter TV). Su líder, el propio Mac DeMarco, cuyo nombre real jamás seremos capaces de aprender (Vernor Winfield McBriare Smith IV), ha sido capaz de crear una marca de la casa que no sólo es reconocible al instante, sino que permite moverse con muchísima libertad en un amplísimo universo propio e intransferible. Con este tercer elepé, Demarco confirma una vez más que es un compositor más que aventajado. Casi dan ganas de emplear la palabra genio ante la sorprendente efectividad de canciones abrumadoramente sencillas (y fundamentalmente acústicas) como My Old Man, The Old Dog o Baby You’re Out, tres cortes iniciales

que te dejan absolutamente enganchado y ansioso por continuar con el viaje. El fino romanticismo costumbrista de nuestro inefable protagonista parece cada vez más afilado y certero y hace brillar aún más joyas como For The First Time, One Another o Still Beatin’ (quizá el corte que enlaza más directamente con Salad Days, de 2014). No esperen altas revoluciones en este disco, ni siquiera un ligero amago de buenrollismo playero, sí una pequeña juerga campestre alrededor de una hoguera en A Wolf Who Wears Sheeps Clothes, donde la armónica juega un papel espléndido. Y es que This Old Dog es en esencia un álbum nocturno de cadencias que respiran humo de chusta y saborean el culito de ron barato que dejó el último en irse de la fiesta. Una esencia que termina de tomar forma con la irresistible seducción de los tres últimos temas, One More Love Song, On The Level y Moonlight On The River, y de la suerte de bonustrack que es la minimalista Watching Him Fade Away.

—nacho serrano

—fernando acero

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junio 2017 #41

LIBROS. Zebulon

Rudy Wurlitzer Tropo Editores

Concebida inicialmente como un guion cinematográfico (las malas lenguas aseguran que Jim Jarmusch se inspiró demasiado en ella para su Dead Man) y definida como un western psicodélico, Zebulon es la quinta novela de Rudy Wurlitzer. A todas luces una obra maestra de la literatura del viejo oeste, con un nivel de crudeza que pocas veces alcanza el género y unos protagonistas definitivamente adictivos. Obra hipnótica, poética y mística que decía Patti Smith. Buena y rotunda definición. —eduardo izquierdo England’s Dreaming Jon Savage Reservoir Books

9 Entiendo que enfrentarse a las casi setencientos páginas de este volumen quizás solamente sea apto para quienes busquen el documento definitivo de lo que aconteció en los años en los que el punk inglés lo sacudió todo. Máxime cuando estamos ante un alud de datos y de protagonistas que lastra la fluidez de la lectura. Eso sí, sin duda es esa obra definitiva sobre un estilo, un tiempo y la gente que lo hizo posible. —don disturbios #42 junio 2017

LIBROS.

Eric Spitznagel Los discos perdidos

En busca de los discos perdidos (Contra, 2017) es un libro para aficionados a la música, es evidente, pero sobre todo para aquellos que han hecho de los discos en formato físico una parte importante de su vida. El propio autor, el estadounidense Eric Spitznagel, nos cuenta más al respecto.

ucedió durante una entrevista con Questlove. Por aquella época Eric Spitznagel trabajaba, entre muchos otros medios, para el portal de la MTV Hive. El batería de The Roots acababa de publicar un libro tintes autobiográficos y el editor de la página web del canal musical encargó a Spitznagel que le entrevistara. En un momento de la charla, salió a relucir la mastodóntica colección de vinilos (más de 70.000 discos) que Questlove guarda con cuidado y cariño en su casa, especialmente la joya de la corona: el single Rapper’s Delight de The Sugarhill Gang. “Le mostré mi asombro por el hecho de que alguien guardara un disco que había comprado cuarenta años atrás”, recuerda el periodista de Chicago. “Y cuando le dije que yo había vendido todos mis vinilos, Questlove me miró como si hubiera asesinado a mi padre asfixiándolo con una almohada”. Fue tras esa expresión de incredulidad, casi de desprecio, de Questlove, que Eric Spitznagel se propuso recuperar sus viejos vinilos. Pero no se trataba simplemente de comprar nuevas reediciones de sus antiguos discos, sino

que tenía que encontrar exactamente aquellos de los que se había desprendido años atrás. Cuando empezaste con la odisea que narras en En busca de los discos perdidos, no solo te propusiste recuperar tus viejos discos que habías vendido, sino que tenían que ser exactamente ¡los discos que habías vendido! Tío, eso es imposible. Tienes toda la razón. Es como tratar de recuperar la ortodoncia que perdiste cuando eras un crío. No solo es imposible sino que es una puta locura. Cuando empecé a buscar mis viejos discos y a escribir el libro, todo el mundo me decía que se me estaba yendo la olla. Nadie, pero absolutamente nadie, me deseó que los encontrara. Los comentarios de la gente cuando les explicaba en lo que andaba liado eran del tipo: “¿Me estás tomando el pelo? ¿Es una broma? Sabes que no los vas a encontrar jamás, ¿verdad?”. Los hubo que incluso fueron un poco hostiles, curiosamente, y muy especialmente, aquellos que podrían haberme ayudado. El hermano de un tipo que tenia una tienda de discos en Chicago al que le había vendido la mayoría de mis discos en los noventa, fue especialmente cruel a la hora de decirme que era un idiota. Curiosamente, todo cambió hacia el final del libro. Él también tenía una tienda de discos a la que fueron a parar la mayoría de vinilos, incluidos los de segunda mano, de la tienda de su hermano cuando cerró, y acabó obsesionándose más que yo con encontrar mis viejos vinilos. El capítulo que dedicas a explicar la tarde que pasas en el sótano de casa de este tipo rebuscando entre los miles de discos que tenía

FOTO: ARCHIVO

42/Mondo Media

“Cuando le dije que yomis había vendido todos miró vinilos, Questlove me ado como si hubiera asesino a mi padre asfixiándol con una almohada” acumulados ahí, es especialmente demencial. Totalmente. Pasamos horas y horas entre cajas polvorientas de vinilos. Cada vez que me detenía en un vinilo para ver si podía ser uno de los míos, me insistía enfermizamente para que me lo llevara a casa. No sé qué ocurrió para que pasara de creer que era una idiota a querer ayudarme. Creo que todo se reduce a la batalla entre corazón y mente. La mente te dice: “estás perdiendo el tiempo”. Pero el corazón te entiende. El corazón es el que quiere que encuentres tus viejos vinilos. ¿Cúantos de tus viejos vinilos encontraste? Bueno, es una cuestión abierta a la especulación. Seguro sé que he encontrado uno. Lo cual, no está mal, porque lo más lógico sería que no hubiera encontrado ninguno. ¿El Slippery When Wet (Mercury Records, 1986) de Bon Jovi? No revelaré de qué disco se trata ni cómo lo encontré. Mejor que la gente lea el libro. Sí que os recomendaré que, si os gusta la música, seguid en contacto con vuestras ex novias. Creedme, nunca sabes cuándo pueden echarte un cable. —oriol rodríguez

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En busca de los discos perdidos

Eric Spitznagel Contra, 2017

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Los cuadernos de Esther Riad Sattouf Sapristi

El cantautor asturiano formará parte del cartel del festival Insomni Girona, aunque esta vez su nuevo material es un libro, Reanudación de las hostilidades (Espasa, 17), una compilación de poesía y relatos. Lo presentará el 7 de junio.

Podrían no ser más que la adaptación en viñetas de las historias simpáticas y cotidianas que Esther, la protagonista de este cómic e hija de unos amigos del autor, le contó al propio Sattouf, pero Los cuadernos de Esther es más. Porque cada uno de los momentos narrados nos descubre delicadamente -o en ocasiones, no tanto- infinidad de aspectos sobre la sociedad francesa actual. —martí viladot

resentarás en el Festival Insomni Reanudación de las hostilidades, tu nuevo libro de relatos, monólogos y poemas. ¿Cuánta verdad autobiográfica esconden las páginas? Lo importante es llegar a revelar algún tipo de verdad, a la que se puede llegar a través de diferentes caminos. Aunque el punto de partida es siempre en mi caso mi vida y el mundo en el que vivo, que es lo que conozco de primera mano, a veces necesitas transmutarlo en ficción para conserguir trascender el mero hecho autobiográfico, que per se no tiene ningún interés. ¿Qué ofrece este libro a los que siguen tus trabajos desde hace muchos años? Los temas que trato son recurrentes también en mis canciones. Cada lenguaje posee sus propias posibilidades y limitaciones, y eso hace que no se lleguen a confundir. Lo que ofrezco en este libro es una visión cruda, sin esteticismos, de las

La mujer de al lado Yoshiharu Tsuge Gallo Nero

El cumpleaños de Kim Jong-Il Aurélien Ducoudray & Mélanie Allag Astiberri

7 Publicado en nuestro país en un momento en el que la República Popular Democrática de Corea del Norte está en pleno ojo del huracán, en el centro del conflicto internacional, El cumpleaños de Kim Jong-Il nos descubre -eso sí, a modo de ficción documental- algo que en realidad todos sabemos. Que la Corea liberada es un complejo sistema en el que no hay voz ni para la más leve crítica. —joan s. luna

LIBROS.

Si uno tuviera que echar mano de documentación para describir los tristes años que vivió Japón antes de su explosión económica y años después de perder la Segunda Guerra Mundial, no cabe duda de que los trabajos del Yoshiharu Tsuge más crepuscular (indispensable su El hombre sin talento) servirían para que entendiésemos un poco mejor la decadencia económica, social e incluso moral por la que pasó toda una generación. —joan s. luna

Nacho Vegas, poesía y relatos

FOTO: Archivo

LIBROS.

CÓMICS

hostilidades a las que nos enfrentamos de manera cotidiana en nuestra vida. Amor (desamor), desprecio, drogas, soledad…. ¿Te funciona como terapia escribir sobre ellos, o hace que tus monstruos se engrandezcan? No, ¿quién querría engrandecer sus monstruos? Tampoco es exactamente una terapia, no creo que la escritura tenga poderes curativos. En realidad hablo de sensaciones que todos hemos vivido, en mayor o menor medida, no se trata de patologías sino de la vida misma, en ocasiones de su lado menos amable. Escribir de aquello que nos resulta incómodo, que hasta nos avergüenza, es una manera de enfrentarse a ello, de combatirlo. Escribo sobre la soledad porque reclamo nuestro derecho a vivir en común, por paradójico que parezca. El autodesprecio es algo que me llama especialmente la atención de tus palabras. ¿Es esta la línea de partida?

Mi punto de partida es más bien la vulnerabilidad. Somos seres muy frágiles y eso nos lleva a veces a despreciarnos en lugar de reconocer que nos necesitamos mutuamente. Nos despreciamos en soledad, pero nos empoderamos en el reconocimiento. Necesitamos buscar individualidades más sanas, por eso hablo con dureza del extremo opuesto. —ane garcía bereciartu

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Reanudación de las hostilidades Nacho Vegas Espasa, 2017

El poeta Santi Santi Balmes sigue dándolo todo. Además de mantenerse a plena actividad al frente de Love Of Lesbian, publica un nuevo libro. En esta ocasión se trata de Canción de Bruma, una obra de prosa poética que cautivará a sus seguidores y que podría sorprender a quienes no le siguen.

s innegable que los vasos comunicantes entre letras de canciones y poesía están muy activos en mis últimos años. De todas maneras creo que Canción de Bruma ha sido uno de los pasos más lógicos que he hecho jamás. La consecuencia de escribir muchas horas, sobre todo tras El poeta Halley que ejerció como disparador de un mundo interno el cual muchas veces he intentado eludir. “Debe ser que considero el lenguaje como algo maleable, susceptible de ser variado. De repente cambias una sílaba y se crea un mundo de posibilidades. Entronca con ese sentido lúdico que tengo a la hora de enfrentarme a un proceso creativo”. “Muchos grandes poetas de hoy en día, sobre todo a partir de la década de los sesenta, decidieron volcar su

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poemario en formato canción. Jim Morrison, por ponerte un ejemplo, hubiera sido escritor en el siglo XIX, pero la revolución habida en los sesenta lo llevó irremisiblemente a la vorágine del rock. David Lynch hubiera sido pintor, probablemente, en otro siglo. Y así podríamos enumerar muchos ejemplos de resituación. Hay poesía en Sorrentino, y no escribe libros de poemas, por ejemplo”. “No existen las fronteras entre ser músico, escritor, poeta... porque, al menos para mí, bastardear con esas herramientas me permite ser más original que un intelectual al uso”. “Lo que escribo obedece al instinto. A tomarte la temperatura cada día y dejarte llevar por lo que se ha colocado en el centro de tu diana emotiva a cada momento. Y disparar”. —enrique gijón Canción de Bruma

Santi Balmes Principal de los Libros, 2017

junio 2017 #43

44/Mondo Conexiones MAD COOL FESTIVAL <> MAHOU Mad Cool y Mahou presentan Cómplices Mahou en Mad Cool, tres conciertos acústicos que tendrán lugar previos a la apertura del festival y en los que los artistas invitados son Neuman, Viva Suecia y DePedro. El acceso a estos conciertos será posible a través de los sorteos en las redes de Mahou y Mad Cool, para todos aquellos que ya tengan su abono del festival #MahouMadCool

Festivales De Verano <> Heineken®

Récord Guinness Mundial <> JBL

Arranca la temporada de festivales de verano, un fenómeno de dimensión creciente en la cultura y sociedad españolas, que en 2016 reunió a más de tres millones de personas en toda España. Heineken® ha estado ligado a este movimiento desde hace veinte años, trayendo una amplia oferta musical y generando escenarios. En 2017 Heineken® seguirá siendo socio clave en Primavera Sound, Bilbao BBK Live, Heineken® Jazzaldia y en BIME.

La marca de audio JBL® ha conseguido batir el Récord Guinness después de lograr que 1.000 altavoces Bluetooth Flip 4 sonaran simultáneamente desde una misma fuente. De esta forma, JBL supera el anterior récord de 208 altavoces sonando simultáneamente, obtenido por Ultimate Ears en 2016. El altavoz Flip 4, con tecnología CONNECT+ integrada, es el último producto en incorporarse a la popular gama Flip de JBL.

Dj Academy by Ces <> Máxima FM Máxima FM y la Escuela Superior de Imagen y Sonido (CES) se alían con el objetivo de crear la primera escuela oficial dentro del sector de la música electrónica: Máxima DJ Academy by CES. Esta escuela ofrece un plan de estudios dirigido a alumnos mayores de dieciséis años, para su formación como DJ’s en un entorno profesional, reglado y con la última tecnología. www.maxima.fm

Tribes

Carrefest Music Talent <> Carrefour Carrefest Music Talent, el concurso que busca jóvenes talentos, celebra este año su segunda edición. Los participantes pueden ganar hasta 3.500€ y dar sus primeros pasos en el mundo de la música. Todos los interesados pueden inscribirse y subir sus temas a itsfridaycarrefour.com hasta el 11 de junio. La gran final del concurso se celebrará el próximo 24 de junio en el Carrefour de Móstoles, en la que los dos ganadores y los finalistas se subirán al escenario de Carrefest. #44 junio 2017

Tribes, una startup de origen español, acaba de lanzar una nueva aplicación gratuita que une mensajería instantánea, música en streaming y la capacidad de conectar a músicos y fans de todo el mundo. Tribes ofrece más de cincuenta millones de canciones para compartir y la posibilidad de crear playlist colaborativas. www.tribesmusic.com

Tailor Shop On Tour <> Levi’s® Este verano, Levi’s® lleva a los mejores festivales de música el Tailor Truck, una caravana con forma de taller en el que podrás customizar tus prendas. Levi’s® Tailor Shop on Tour comenzó su andadura el pasado mes de abril en el Palo Market Fest de Barcelona, continuó en mayo en Palo Market Fest de Valencia y continúa en NOS Primavera Sound, VIDA y Bilbao BBK Live. www.levi.com/ES/es_ES/tailorshop mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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mayo 2017 #45

RETROVISOR.

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: Cristina Benito cris@mondosonoro.com, T. 657 701 015 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondo web www.mondosonoro.com

Ultravox

Origen: Londres, Inglaterra. Surgidos en 1976

os comienzos del grupo no fueron fáciles. Se vieron incapaces de definir un estilo propio y sólido, basculando entre el influjo del glam y el punk, lo cual les condujo a descalabros en las listas de éxitos del momento a pesar de haber sido fichados por sellos tan potentes como Island Records. Intentaban encajar dentro de un molde para el que no habían sido diseñados, y las disensiones internas entre los miembros de la banda no tardaron en aparecer. Todo parecía perdido durante 1979. Ultravox, que por aquel entonces se escribía con signo de admiración, sonaban ya a eco del pasado. Fue en ese momento cuando uno de sus componentes, Billy Currie, conocería a Midge Ure en un proyecto que daría mucho que hablar dentro del mundillo tecno pop, Visage. Gracias a este encuentro y a la salida de John Foxx de la banda, Ure pasó a ocuparse de la voz y la guitarra dentro de una banda famélica por la que nadie quería apostar. “Rusty Egan, batería de The Rich Kids y también en Visage, estábamos escuchando mucha música electrónica y krautrock, cosas como Can, La Düsseldorf y Kraftwerk, entre otros. Decidimos crear una banda de estudio formada por nuestros músicos favoritos y Billy era uno de ellos. Trabajamos en Visage durante un año. En aquel momento, Ultravox se estaban desmoronando y Rusty le sugirió a Billy que yo debía ser la persona que reemplazase a Robin Simon y a John Foxx. Me apasionó la idea de unirme a ellos y explorar otras áreas interesantes de la música”, comenta Midge Ure. La inclusión de Ure dentro de las filas de Ultravox marcó un punto de inflexión en la historia del conjunto. Este carismático artista supo impregnar en las nuevas composiciones un sonido innovador marcado directamente por el influjo de sintetizador que heredó en cierta forma de su paso por Visage. La materializa-

#46 junio 2017

IMPRESCINDIBLE Rage in Eden

ción de sus pretensiones tomó forma en el laureado Vienna, que en 1980 arrasó dentro de un contexto en el que el punk había muerto por atragantamiento y la música de baile estaba empezando a cobrar fuerza. Ultravox pasaron a ser así una de las bandas claves dentro de lo que todos conocemos como techno pop de los ochenta. su influjo a otras agrupaciones de la época es inexcusable. Temas como Dancing With Tears In My Eyes nos han hecho bailar a todos, ya fuera con lágrimas o sin ellas. La gracia compositiva de Ure empezó a flaquear en 1986 con el lanzamiento de U-Vox, un disco que no supo cumplir las expectativas marcadas por los fans y la discográfica. Cuando las cosas van mal se tiende a buscar culpables, y la confrontación entre los miembros de la banda se consumó como algo completamente inevitable. Fue por ello que en 1987, año en el que bandas como The Cure o Depeche Mode pontificaban su carrera a escala mundial, Ultravox se dirigían irremediablemente hacia la desaparición definitiva debido a los malentendidos y el desmoronamiento en las listas de éxitos. “No me cabe duda de que podríamos haber seguido, pero realmente no sentía ningún hálito de vida que me llevase a crear algo nuevo, así que la idea de trabajar en otras áreas y con otros músicos me pareció mucho más atractiva que continuar con Ultravox”. A pesar de que la banda intentó reestructurarse en 1992 ya sin la presencia de Ure, su nueva propuesta, Ingenuity, no consiguió calar en los corazones de los fans. Ahora, coincidiendo con el efecto revival, Ure vuelve de nuevo a los escenarios para revivir aquellos temas que han encandilado a multitud de generaciones. —fernando o. paino Podremos ver a Midge Ure recuperando material de Ultravox en Barcelona (14 julio, Razzmatazz 2) y Madrid (15 julio, Sala Arena).

Chrysalis, 1981

Un disco que comienza con un corte como The Voice, no puede ser malo. Rage In Eden fue el segundo larga duración de Ultravox con Ure dentro de la banda, precedido por el apolíneo Vienna, y sin lugar a dudas se encarga de consolidar un estilo propio y personal que describe el nuevo sonido de Ultravox a la perfección. Logra combinar de forma ejemplar la experimentación con el ritmo, el romanticismo con la vehemencia. 1981 no fue un año en el que proliferasen los grupos complacientes. Todavía quedaba cerca el suicido de Ian Curtis, líder de Joy Division, y gran parte de las formaciones del momento se escoraban hacia la música fría y opaca cercana al after-punk. “Estoy convencido de que Rage In Eden nos llevó a zonas interesantes de la creación, aunque un tanto oscuras”, apunta Ure al respecto. Ultravox supo romper esos diques generando un disco equilibrado y rebosante de éxitos. We Stand Alone, The Thin Wall o el propio Rage In Eden, encargado de dar nombre al álbum, son emblemas insuperables que con el paso del tiempo, se han convertido en diamantes. —f.o.p.

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