MondoSonoro junio 2018

Dorian Justicia para todos

FOTO: MAITE NIETO

Nยบ 262 Junio 2018 www.mondosonoro.com

NACHO VEGAS, MOURN, DISCO LAS PALMERAS!, LOS NASTYS, VULK, JOSH ROUSE, FOREIGN BEGGARS, BAYWAVES JON HOPKINS, BJร RK, ARCTIC MONKEYS, THE OFFSPRING, MODELO DE RESPUESTA POLAR, RHYE, BETH DITTO, HOT SNAKES

19 · 20 · 21 · 22 JULIO

JUE 19

TWO DOOR CINEMA CLUB · IZAL · J HUS

JESSIE WARE · EVERYTHING EVERYTHING · CASHMERE CAT TUNE-YARDS · NOTHING BUT THIEVES · PRINCESS NOKIA

SOFI TUKKER · THE MAGIC GANG · PALE WAVES · FRIEND WITHIN · MERIDIAN BROTHERS CAROLINE ROSE · CAROLINA DURANTE · TERRY VS TORI · ZULU ZULU · NADIA SHEIKH

VIE 20

ERIC PRYDZ · THE VACCINES RAG‘N’BONE MAN CATFISH AND THE BOTTLEMEN

THE CHARLATANS · SLEAFORD MODS · TOMMY CASH ANNA CALVI · PERRO · LA PLATA · JUANITA STEIN · DESERT · THE SNUTS JOANA SERRAT & THE GREAT CANYONERS · CUCHILLO DE FUEGO

SÁB 21

CHASE AND STATUS LIVE · THE KOOKS BELLE & SEBASTIAN · GIGGS

METRONOMY · THE HORRORS · ODDISEE & GOOD COMPNY TOUNDRA · RUSOS BLANCOS · MONARCHY OSCAR & THE WOLF · HAYDEN JAMES · MYD · BODEGA · MELENAS LEYYA · HOLY BOUNCER · ZAZO & GXURMET

DOM 22

JUSTICE · BASTILLE · MADNESS

DORIAN · WOLF ALICE · PARQUET COURTS · SHAME KING KHAN & THE SHRINES · THE PARROTS HUDSON TAYLOR · CEDRIC GERVAIS · DETROIT SWINDLE · LOS NASTYS NATHY PELUSO · ZOE · FAVX · ALMA · MAREM LADSON + MUCHOS MÁS

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A qué suena tu cerveza?

Suena a verano infinito Monkey Weekend

Soleá Morente & Napoleón solo, Guadalupe Plata, Esteban & Manuel, Pájaro, La Plata, Fee Reega, Mohama Saz...

15 y 16 de junio · Puerto de Santa María, Cádiz

Atlantic Fest

Kaiser Chiefs, Iván Ferreiro, The Vaccines, La Casa Azul...

Del 20 al 22 de julio · Illa de Arousa

Festival Sinsal SON Estrella Galicia Un cartel secreto. Tres días. Una isla.

Del 26 al 29 de julio Illa de San Simón, Redondela

Sinsal, Delorean, Boss Hog...

Playa Club, A Coruña

Sala Alevosía, Madrid

Sala II Nuevo Alcalá, Madrid

Sala Hangar, Córdoba

Shellac + Decibelles · 06 de Junio

Diego Vasallo · 09 de junio

Teatro Lara, Madrid Delorean · 13 de Junio

Sala 0, Madrid

Los Hermanos Cubero · 09 de junio

The Limboos · 09 de junio

Lemon Rock, Granada Disco Las Palmeras! · 21 de junio

Sala Master, Vigo Freedonia · 15 de junio

Boss Hog · 14 de junio Laurel Halo + Eli Keszler · 16 de junio

y además...

Sala Upload, Barcelona

Voces Femeninas

Pablo Und Destruktion · 22 de junio

Marem Ladson Sala Alevosía, Madrid · 08 de junio

27·28·29 JULIO Benidorm Abonos desde

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FOTO: STEVE GULLICK

5/Mondo freako

Jon Hopkins Viaje interior

Cinco largos años ha tardado Jon Hopkins en dar continuación a Immunity (13). Aquel disco le aupó a la primera división mundial de la electrónica tras producir a Coldplay, por lo que Singularity (Domino/Music As Usual, 18) no podía ser un paso en falso. Y, obviamente, no lo es.

E

n Singularity, Jon Hopkins reúne todos sus mundos en un compendio en el que propone el viaje psicodélico más cuidado de lo que va de año entre la urgencia urbana nocturna y la sutileza emanada de su viaje interior. Para conseguir proyectar el viaje definitivo entre la extroversión rítmica y la introspección ambiental, Hopkins ha terminado aceptado las reglas del juego de la industria musical.

Así puede seguir defendiendo un estilo de vida en el que contrasta su asunción como DJ con su búsqueda de inspiración en la meditación y, con una paciencia propia de un relojero, ha aguantado la presión que se cernió sobre él tras la publicación de Immunity para crear tranquilamente ‘singularidad’, que según la RAE es la ‘cualidad de singular’, lo que se separa de lo común, pero que también reúne en un elemento a todos los demás.

“Immunity fue el primer álbum que me permitió llegar a un público mayor, por

lo que mi objetivo a partir de ese momento no fue hacer dinero, sino trabajar con el mayor cuidado para hacer la continuación porque: ¿Cómo te enfrentas a hacer la continuación del disco por el que se ha interesado la gente en ti? El disco que publico ahora es el primero que la gente espera de verdad desde que empecé, y no quiero hacer lo mismo otra vez, por eso, si lo quiero hacer diferente, tengo que esperar a que mi gusto cambie también. Es un proceso que no se puede forzar. Hay que esperar. En la práctica, he estado viendo cómo se desarrollaba mi música, y he hecho una gira larguísima con Immunity. Por otra parte, el hecho de escribir música para mí es un proceso muy profundo y agotador”. Y más si a la vez le pone música a la última adaptación de Hamlet en el teatro Barbican de Londres. “Tenía la necesidad de un tiempo sin interrupciones”. Immunity lleva años refrendándose en directo, lo que lleva a plantear que, en sus últimas

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sesiones, Hopkins habrá experimentado con sus nuevos sonidos para comprobar su solvencia frente al público. “Se supone que no lo iba a hacer durante el último año, porque el sello no quería que lo hiciera, y lo respeto, pero en secreto probaba algunas piezas cuando tocaba y cuando pinchaba”. Honra mucho a un artista que lleva tanto tiempo ejerciendo que haya tardado tanto en considerarse DJ. “(Me considero DJ) desde hace dos años. Antes no lo era, pero ahora lo soy y lo seré. Ahora me he metido mucho con ello, pero porque ahora me veo capaz, y antes no. No sé es DJ solo por poner música”.

Y es que Hopkins prefiere ir poco a poco; primero grabando álbumes cercanos a aquel post-rock de hace veinte años, como Opalescent (99) -que ahora se reedita por primera vez en vinilo-, dejándose querer por el sector del público capaz de investirlo como artista de culto, y acudiendo a la llamada de Brian

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junio 2018 #5

MONDO FREAKO

LA MÍA La misma canción de siempre

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Eno para tocar el piano en alguna de sus grabaciones más interesantes del siglo XXI como Small Craft On A Milk Sea; y finalmente aprovechando el trampolín que significa ser el capitán de los mandos técnicos de la nave que es Coldplay.

“Además de todo eso, necesitaba conseguir que mi música en solitario funcionara, y que transmitiera la alegría con la que he hecho estos álbumes”. Ahí está esa “singularidad”. “Me gustaría pensar que cada cual le puede dar su propia interpretación. Sé lo que significa para mí, pero no es lo que debería ser para los demás, porque para mí la singularidad es lo opuesto a la separación, y me gusta el ángulo científico que tiene. El Big Bang fue una singularidad que se expande, así que…”.

Así es Singularity: “Comienza con una sola nota que culmina con una melancolía que la destruye, pero después de eso el sonido es muy pacífico, va poco a poco a unos arpegios que terminan en Emerald Rush, y sí, hay un ritmo muy fuerte ahí, pero es la continuación de la destrucción de esa primera nota, que es un comienzo muy positivo del álbum. Y en la segunda parte, desde Feel First Life hasta el final, realmente es una meditación o una experiencia psicodélica, una experiencia sanadora, así que tienes que hacer un balance con la primera parte”.

Y aunque el disco pueda parecer al principio una excursión física de la ciudad al campo, lo que propone Hokpins es hacer kilómetros con la mente. “Uno de los puntos centrales de este disco es que es música que he hecho después de estar interesado por la meditación, interesándome en cómo influye a la música y a la creatividad. Es muy difícil acallar la mente y aprender a hacerlo, pero lo hice para afrontar la música”. Una vez que este andamiaje sonoro está montado, solamente falta poner títulos para que la experiencia vital del oyente haga el resto y que el disco “se pueda leer como un poema” con ayuda del poeta Rick Holland. “Me gustaría que se pudieran conciliar esas capas de sonido y de experiencia, aunque también puede ser que escuches el disco de aquí a unos años y descubras detalles que no conocías. Me gusta esa idea. Puede ser que tenga que ver con el individualismo y con cómo elijas escucharlo pero cuando lo publique daré unas pistas generales sobre cómo es mejor escucharlo, pero no puedo hacer nada más que eso”. —jorge obón

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EL APUNTE Singularity Domino/ Music As Usual, 18 Electrónica 8/10

Jon Hopkins nos cuenta cómo escuchar Singularity

E

sta singularidad significa que en esta hora de música hay techno y ritmos enérgicos, pero también ambient y piano. Es una lección de esquizofrenia sonora que puede parecer difícil de encajar en la vida cotidiana, por eso le pedimos al propio Jon Hopkins que imaginara una rutina semanal con un trabajo, visitas de amigos, etcétera, y que nos dijera cuál es el mejor momento para integrar Singularity en nuestra vida.

“Te puedo decir cómo disfruto yo de la música normalmente, y el momento que elijo para escuchar algo con tranquilidad es cuando voy en un tren solo, con resaca, y unos cascos que me aíslen del exterior. La mejor música que he oído en mi vida ha sido en momentos así en los que puedo estar emocionalmente un poco más sensible, porque la música que me gusta es la que puede funcionar de un modo más o menos psicodélico o como ayuda para la meditación.

Me gustaría también pensar que se pueden sacar algunos temas de su contexto, por si te apetece algo con un poco más de ritmo, o también puedes tumbarte en el suelo para escuchar, con la cabeza justo en el medio de dos estupendos altavoces”.

Es curioso que alguien que pincha delante de miles de personas y que pone tanto esmero en sus grabaciones sienta que el mejor momento para escuchar sea en soledad. La música se encuadra en un “viaje bastante solitario”, dado que el hecho de que haya una reunión de gente implicará que se termine hablando encima, aunque el ambient sí que acepta que se preste atención o se hable encima. Pero un álbum como Singularity no debe calificarse únicamente como ambient. “Podría estar de acuerdo porque así acompañaría a la gente en sus actividades, pero sobre todo quiero pensar en el disco como en un viaje. Durante la hora que dura, vivirás este proceso por el que yo ya viajé, y que va desde la agitación a la paz. Es la intención última que tengo”. —j.o.

magino que después de leer estas líneas algunos –posiblemente muchos- pensarán que soy una de esas personas que se toman a si mismas muy en serio, que consideran sus opiniones más acertadas y agudas que las del resto de los mortales. Nada más lejos de la realidad.

Es bien cierto que dedico mi vida profesional a opinar por escrito en aquellos lugares en los que se me requiere aquí y allí, y también a abrir mi bocaza de alumno de todo y maestro de nada siempre que me dan un altavoz con el que amplificar mis ombligistas puntos de vista, pero eso no quita que tenga claro que la mía es únicamente una opinión más. Es posible que sobre algunos temas tenga más background que otros, eso tampoco voy a negarlo, lo que ocurre es que siempre he pensado que es fácil dar con personas que sabrán todavía más que tú de cualquier cosa sobre la que tú sepas. Mi intención, en realidad, es hablar en general sobre el hecho de que, este país, siempre tendrá mayor validez la opinión de un don nadie –pongamos que- estadounidense o británico que la de cinco críticos u opinadores locales. Un tipo del que no sabemos nada y al que posiblemente no hayamos leído jamás parece tener mayor fiabilidad que cualquier persona de apellido peninsular. No tienen más que mirarse en las notas promocionales de los lanzamientos discográficos, de buena parte de los stickers habituales en portadas de discos y, sobre todo, en los carteles promocionales de las películas de temporada. ¿Cuántas veces otorgamos valor a vagos comentarios del tipo “magistral”, “increíble”, “una demostración indudable de talento” y mil exaltaciones más, firmadas por periodistas que ninguno conocemos o por medios que, casi con total seguridad, no solemos seguir? Es lo que hay. Por suerte en el mundo de la literatura y del cómic las cosas están bastante más equilibradas.

En cierta manera continuamos siendo unos catetos cuya vista se nubla cuando las grandes frases promocionales nos llegan del más allá. Continuamos siendo como los lugareños aquellos de Villar del Río, el pueblecito al que se le hacía la boca agua ante la llegada de un grupo de diplomáticos estadounidenses en Bienvenido Mister Marshall, la obra maestra de Luis García Berlanga (y que, para más recochineo, era en realidad Guadalix de la Sierra, emplazamiento de la casa del Gran Hermano español).

No nos gusta que nadie cercano opine por nosotros. Los críticos y los periodistas no tienen ni pajolera. Los de aquí, claro. Los de allí gozan de una sabiduría sublime asociada sobre todo al lugar de expedición de su pasaporte. Hasta podríamos aplicar la misma fórmula a lo que ocurre con muchas bandas, pero ese tema lo dejamos para otro día. —joan s. luna

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#6 junio 2018

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FOTO: ARCHIVO

Activismo, historias íntimas y un prolongado viaje por la música popular entendida como elemento cultural para tender puentes y establecer vínculos de solidaridad confluyen en Violética (Marxophone, 18), el álbum más coral de Nacho Vegas y el primero doble desde Cajas de música difíciles de parar (2003).

P

uede que el mejor acercamiento al nuevo álbum de Nacho Vegas lo haya hecho Abraham Boba -líder de León Benavente, además de integrante de la banda que acompaña al asturiano desde hace años- al señalar que funciona como una suerte de recopilatorio actualizado de su cancionero, con partes más intimistas, otras que hunden sus raíces en la tradición y aquellas que muestran una actitud abiertamente política, enfocada a la lucha. “Una amiga me decía algo parecido hace unos días. Lo que ocurre es que en realidad siempre quise sacar un disco conceptual, como los que hacían The Kinks en los setenta, aunque no sé si es un buen referente, o también gente como Fabricio de André. Al final no lo conseguí, porque las canciones surgen de forma muy desordenada, de manera que la unidad es algo que te va dando el hecho de que pertenecen a un mismo tiempo. En este caso, como hacía mucho que no grababa, creo que el álbum para existir necesitaba ser heterogéneo, y por eso también ha acabado siendo doble”. El formato remite directamente a Cajas de música difíciles de parar (03), aunque la distancia con Violética no se mida únicamente en los quince años que separan ambos trabajos. “Las circunstancias eran muy diferentes y por suerte ahora hacemos las cosas con un poco más de cabeza, aquello fue muy caótico, en un estado digamos de inconsciencia. Con Jota (Los Planetas), que colaboraba en el álbum, vinieron veinte personas más y aquello se convirtió durante unos días en una especie de bacanal, no sé cómo acabé cantando... Me fijé porque era doble, pero siempre lo vi como un disco al que le sobran muchas cosas. Ha sido un referente en cuanto a estructura, pero también para no repetir errores”.

Desde entonces, hemos pasado de hablar casi en exclusiva de nombres como Bob Dylan o Nick Drake, a hacerlo de José Alfredo Jiménez, Violeta Parra (de la que aquí reinterpreta su Maldigo del alto cielo) y música popular en el sentido más amplio. “La vida es muy corta, así que siempre habrá cosas por escuchar. Esa influencia más anglosajona sigue estando presente, todos esos grupos que escuchaba cuando era más guaje, como Spacemen 3 o los primeros The Jesus & Mary Chain. Para mí el rock es una parte de música popular, del

“El activismo es importante, mucho más que la política institucional”

Nacho Vegas Desbordándonos Feminismo y racismo institucional “El título, el hecho de que el coro tenga una presencia importante, las colaboraciones, las voces e incluso algunos puntos de vista en las canciones hacen que, aun siendo el disco de un hombre, sí quería que tuviese una parte femenina”, explica Nacho Vegas acerca de Violética, con la marea del reciente 8M -aunque entonces el álbum ya estaba en la fase de mezclasen la retina. “Hacía bastante tiempo que nos preguntábamos por qué habíamos abandonado la calle y nos dimos cuenta, sobre todo los hombres, de que si hay un eje movilizador hoy en día es el feminismo, además con conciencia de clase”. Convertido en cronista, se acerca en Crímenes cantados a las muertes de Samba Martine y

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mismo modo que el folk, y confluyen de una manera bastante natural”. También así aparece el compromiso, situándose junto a la ternura y el amparo como los ejes sobre los que se articulan estas canciones, abriéndose paso con la música que Nacho Vegas pone a unos versos de Aurelio y Manuel Caxigal, dos líderes de la resistencia asturiana tras la Guerra Civil. “Al principio podría ser un poema de Walden sobre la vida en el monte, pero luego acaba con una mención a la lucha antifranquista. También tengo que confesar que antes, en el BIME del año pasado, fui específicamente a ver a Einstürzende Neubauten y recuerdo que empezaron con The Garden, que ya en el disco donde aparece es un tema que introducen con un bajo brutal, pero en directo es aún más impresionante, muy distorsionado, y cogí esa idea para abrir el álbum en la parte formal”. Ya casi al final aparece la figura de Aída de la Fuente, icono de la revolución de 1934, en este caso a partir de la versión de Xana. “Es una historia muy cantada en Asturias, como la versión de Nuberu y Víctor Manuel; yo le añadí la parte de su muerte, gritando ‘comunista y libertaria’, que enlaza tanto con el principio del disco como con la mezcla de lo tradicional con su actualización”. Entre uno y otro extremo, con A ver la ballena como epílogo, aparece el trabajo más coral del asturiano, no solamente por las colaboraciones de María Rodés, Christina Rosenvinge, Cristina Martínez (El Columpio Asesino) o el Coru Antifascista Al Altu La Lleva, sino por el tono general, con Desborde como una de las paradas más significativas, en la que aparece de nuevo la frase “nos quieren en soledad, nos tendrán en común”, que ya jugaba un papel determinante en Runrun. “Con todo lo ocurrido últimamente en los movimientos sociales y esta montaña rusa de ilusión y desencanto, me apetecía ver qué sentido tenía ahora. Sigo creyendo que el activismo es importante, mucho más que la política institucional, igual que es necesario también un activismo cultural, de forma que la cultura no sea solo algo estático, sino que se mueva y acompañe los procesos sociales. Hay algo que persiste y en lo que tenemos que insistir”.

—enrique peñas

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Mohamed Bouderbala en los Centros de Internamiento de Extranjeros (CIE) de Aluche y Archidona. “Da mucha rabia, porque el relato oficial es que son necesarios, cuando son una especie de agujero negro dentro del Estado.

Es una de las perversiones del sistema, tratando de normalizar algo tan terrible como es un racismo institucional de libro”. —e.p.

EN CONCIERTO l Murcia 15 de junio. Auditorio Victor Villegas l Barcelona 20 de junio. Razzmatazz l Valencia 21 de junio. Palau de la Música l Madrid 22 de junio. La Riviera

junio 2018 #7

ARCH ENEMY FOTO: ARCHIVO

Otro festival que celebra aniversario este verano es el Gigante, que llega a su quinto aniversario en un excelente estado de forma. Los primeros anuncios para esta edición incluyeron a gente como Bunbury, Dorian, Ángel Stanich, La M.O.D.A., Viva Suecia, Novedades Carminha, Lagartija Nick, Kitai, Agoraphobia o Pasajero, pero habrá más.

Para empezar, una de las últimas confirmaciones fue la de los catalanes Elefantes, de amplia trayectoria en la escena nacional, quienes, tras un paréntesis de varios años, volvieron a la actividad en 2013. Hace unos pocos meses publicaron su octavo disco, La primera luz del día, que presentarán en el Gigante. Recuerda que se celebra desde el 30 de agosto al 1 de septiembre en el Estadio Fuente de la Niña (Guadalajara). www.festivalgigante.com.

APPARAT FOTO: ARCHIVO

Gigante Festival

Paraíso Festival Se acerca ya la primera edición del Paraíso Festival, dedicado en cuerpo y alma a la música electrónica desde una perspectiva variada y multicultural. Durante los días 8 y 9 de junio, el Campus de la UCM de Madrid acogerá una larga lista de actuaciones y sesiones de artistas nacionales e internacionales. Después del golpe con confirmaciones como Róisín Murphy, Kelly Lee Owens, Apparat, Guy Gerber, Ibeyi o Kiasmos, el festival sumó posteriormente nombres tan interesantes como los de Floating Points, Danny L. Harle del colectivo PC Music, Damian Lazarus & The Ancient Moons o el mítico Larry Heard, que vuelve ahora recuperando su alias Mr. Fingers. www.paraisofestival.com.

Sónar

Hace un par de meses se anunció que la mítica banda sueca de metal Arch Enemy se sumaba al festival para presentar su último disco hasta la fecha, Will To Power.

La cita es los días 28, 29 y 30 de junio en La Caja Mágica de Madrid. La primera jornada contará con Avenged Sevenfold, Marilyn Manson, Pennywise, A Perfect Circle o Rise Against. Durante la segunda podrás ver a Guns N’ Roses –sin ninguna otra actuación que coincida con la suya-, Bullet For My Valentine o Parkway Drive.

En cuanto al tercer día, destacan Ozzy Osbourne, Judas Priest, The Hellacopters, Angelus Apatrida o Volbeat. www.downloadfestival.es

Hemos publicado ya diversas noticias sobre la programación del barcelonés Sónar, subtitulado Music, Creativity & Technology, que se llevará a cabo durante los días 14, 15 y 16 de junio, pero todavía hay más. A estas alturas no se trata de que vayan a sumarse artistas al evento ni nada por el estilo, aunque hay una novedad muy destacable para celebrar estas dos décadas y media de trayectoria. Se trata de la exposición Ni flyers ni pósters. 25 años de imagen Sónar, un recorrido “experiencial en formato multi-instalación” de lo que ha sido hasta la fecha el tratamiento visual y gráfico del Sónar, sin duda uno de los puntos destacables y una clara demostración de las inquietudes de sus responsables a todos los niveles. La exposición podrá visitarse hasta el 23 de junio en el Centre d’Art Tecla Sala de L’Hospitalet de Llobregat. www.sonar.es

Noches del Botánico

BBK Music Legends

El cartel del ciclo Noches del Botánico (del 21 de junio al 29 de julio en el Jardín Botánico de la Universidad Complutense de Madrid) no tiene desperdicio. Y es que, en el marco del festival, podremos ver desde a Kraftwerk con su espectáculo 3-D (23 junio) hasta a Phoenix (26 julio), pasando por David Byrne (10 julio) o Elvis Costello & The Imposters y Seu Jorge (21 junio). Ahora además se suman algunas nuevas confirmaciones como las del colombiano Carlos Vives (24 julio), Angus & Julia Stone (4 julio), Trombone Shorty & Orleans Avenue y Cory Henry & The Funk Apostles (18 julio). Hay mucho más, desde Miguel Poveda a Bomba Estéreo, Zoé, Calexico o Gary Clark Jr. www.nochesdelbotanico.com

Los días 29 y 30 de junio se llevará a cabo en los jardines del Centro Ola BBK de Sondika (Bizkaia) la tercera edición del festival BBK Music Legends, un evento dedicado en cuerto y alma a los grandes artistas del rock y del pop. Así, este año podremos ver a gente como Jeff Beck, Steve Winwood, Wilko Johnson, Glenn Hughes y Mavis Staples, a los que se acaban de sumar John Cale, Siniestro Total y Dead Bronco. Completando el cartel te encontrarás con Gari & Maldanbera, Ana Popovic, Motxila 21 y MoonShakers. Al margen de las actuaciones, también habrá diversos espacios creativos y gastronómicos destinados a todos los públicos. www.musiclegendsfestival.com

Download Festival

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Los. CONCIERTOS. de mi Vida.

Igor Escudero (Delorean)

Batería de Delorean y aficionado a combinar infinidad de estilos a la hora de disfrutar de la música, Igor Escudero nos descubre cuatro conciertos que han marcado su vida.

Delorean actuarán el próximo 13 de junio en el Teatro Lara (Madrid) dentro del ciclo SON Estrella Galicia.

El primer concierto al que acudiste como público...

Pues fue con once años, en el frontón de Aizarnazabal, un pueblecito muy cercano a Zarautz. Mis primos me llevaron a ver a Su Ta Gar, Lin Ton Taun y Urtz. Un cartelazo de lujo para la época (risas).

El peor concierto al que he asistido nunca...

Pues posiblemente sea un concierto nuestro en el Sonorama en el que la peña nos tiró piedras (risas). Se rompió la mesa de sonido dos veces durante nuestra actuación y la gente la tomó con nosotros.

El mejor concierto que he visto en mi vida...

Siempre le digo a la gente que fue At The Drive-In en la pizzería Xurrut de Górliz. Era domingo y solamente había unas cuarenta personas en el bolo. Pasé miedo en el concierto y estuve hablando semanas sobre el concierto con mis amigos.

El último concierto al que he ido...

Ha sido C. Tangana en La Riviera, en Madrid. Tiene un show espectacular que recomiendo a todo el mundo.

—MS

Los sonidos de junio que no olvidarás: Agenda SON Estrella Galicia 6 junio Shellac + DecibellesPlaya Club, Coruña 8 junio SON Records, Diego Vasallo, El Observatorio, Madrid Voces Femeninas, Marem Ladson, Sala Alevosia, Madrid 9 junio Hermanos Cubero, Sala Alevosía, Madrid The Limboos, Hangar, Córdoba

Diego Vasallo, Sala II Nuevo Alcalá, Madrid 13 junio Atlantic Days presenta Delorean, teatro Lara, Madrid 14 junio Boss Hog, Sala 0 Madrid 15 junio Freedonia, Sala Master, Vigo

16 junio Laurel Halo y Eli Keszler, Sala 0 Madrid 17 junio On The Radar, Moon King 21 junio Discos Las Palmeras!Lemon Rock, Granada 22 junio Pablo Und Destruktion, Sala Upload, Barcelona

junio 2018 #9

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Disco Las Palmeras!

Hacia la luz

EN LA MALETA

Viraje hacia sonidos más melódicos, grabación en Austin bajo la mirada de Erik Wofford (Explosions In The Sky, My Morning Jacket) y letras con esperanza: las novedades se acumulan en el cuarto disco del trío gallego, Cálida (Sonido Muchacho, 18).

Un encantador Diego Castro (guitarra y voz) nos lo explica en Malasaña.

Acid Pauli

Martin Gretschmann siempre ha sido mucho más que un Dj. Su rastro pasa por The Notwist y sobre todo Console. Hoy le entrevistamos como Acid Pauli a propósito de su participación en el festival electrónico Paraíso (9 junio, Campus Universidad Complutense, Madrid).

#10 junio 2018

E

s verdad que en los anteriores hubo cambios, pero, por un lado, quizá la gente no los percibió.

Por otro, nosotros estábamos con ganas de cambiar de tercio”. La necesidad de darle una vuelta a su enfoque está, pues, en el centro de la conversación. “Todos queríamos cambiar, pero

R

ecuerdas algo de tu primera sesión?

Mi primera sesión fue cuando apenas era un teenager, pero mi memoria está un poco borrosa.

—¿Hay alguna canción en concreto que haya estado en todas tus sesiones como Acid Pauli? ¿Quizás The End? No, esa no. De hecho no hay una canción en particular que haya sonado siempre en mis sesiones, pero al empezar como Acid Pauli solía pinchar mucho mi edit de I See A Dark(er)ness.

—A lo largo de todos estos años como música, ¿qué has aprendido que se pueda adaptar a tu estilo como DJ? Mucha gente me ha dicho que mis sets son muy musicales, así que quizás eso sea lo que he aprendido. A hacer sesiones de forma que sean muy musicales.

—¿Hay algo que odies de otros DJ’s?

Intento no odiar.

—¿Hay alguna situación particular que recuerdes de tu carrera hasta ahora?

Para mí siempre es muy especial cuando empiezo a pinchar música que no es música para bailar, pero la gente continúa bailando.

—¿Vinilo, CD, archivos digitales...?

Música.

—Si tuvieras que elegir, de ahora en adelante, hacer sesiones o live, ¿con qué te quedarías?

“Todos queríamos cambiar, pero no sabíamos muy bien hacia dónde” no sabíamos muy bien hacia dónde. Nos hizo falta tiempo para ver qué camino podíamos tomar. En las discusiones previas, había una cierta desidia hacia la idea de hacer un siguiente disco. Pero un día de borrachera nos pusimos a hablar y estábamos de acuerdo en que había que romper. Sobre todo, no dar un pe-

Me gustaría continuar haciendo ambas cosas.

—¿Alguna vez te han robado la caja de los discos, los pendrives o el material?

Hace muy poco nos robaron el equipaje del coche. Perdí todo, incluido el backup, pero afortunadamente llevaba mi ordenador portátil en una pequeña bolsa en mi mano. Así que me quedé sin cepillo de dientes, sin ropa, pero todavía pude actuar.

—¿Qué opinas de la popularidad de los DJ’s frente a los músicos? ¿Le das más valor a los músicos de pop o de rock que a los DJ’s?

La música es importante, no el estilo o la forma en la que la ejecutas.

—¿Podrías decirme cuáles son tus Dj’s favoritos y por qué motivo?

Baris K, porque es muy diverso y siempre que le ves pinchar descubres canciones increíbles. Sven Dohse, por el mismo motivo. Y Ricardo Villalobos, porque me gusta su actitud y su perspectiva punk.

—¿Recuerdas cuál podría ser tu mejor sesión hasta la fecha?

Pues desgraciadamente no, pero recientemente me fue muy bien en Santiago de Chile. Voy a colgar el set en las próximas semanas.

—¿Sabes cuántos discos sueles comprar aproximadamente en un mes?

Entre ninguno y veinte.

queño paso más, sino hacer un cambio radical. Si antes buscábamos la contundencia -sentencia-, en Cálida buscamos sobre todo la belleza. Queríamos que fuera un disco bonito”. También en las letras. “La misma música que componía no me llevaba a hablar de cosas de bajón, sino a ver cierta luz al final del túnel”.

Incluso pasaron de montar las canciones en el local a partir de las maquetas de Diego.

La aventura de grabar en Austin (Texas) fue la guinda que necesitaba esta reinvención en toda regla. “Todo fue muy casual. En 2017 nos llamaron para tocar en un festival de Chicago (Ruido Fest) y surgió la posibilidad de grabar en Estados Unidos. Empezamos a hablar con productores, y el que más se adaptó fue Erik (Wofford). Los discos anteriores le gustaron mucho, pero le explicamos que buscábamos un cambio de tercio total y él estuvo muy por la labor”. La banda se recluyó nueve días en Cacophony Recorders, su estudio, único por no tener un control aislado, lo que redunda en una comunicación más fluida con el técnico. “Él es muy abierto. Primero, grabábamos nuestras ideas, y luego él proponía las suyas, para que escogiéramos”.

Diego confiesa que desde la misma fase de maquetas pensaron en ampliar su paleta más allá de las etiquetas shoegaze o indie-noise que les han colgado siempre. “El ser humano funciona: idea más idea, idea nueva. Es algo muchas veces inconsciente, pero te das cuenta de que algo está cambiando cuando en las conversaciones te ves hablando de grupos de los que no habías hablado nunca. Por ejemplo, surgían mucho los

—MS

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nombres de The Flaming Lips, Stereolab -aunque ya era una influencia, ahora se nota mucho más-, incluso The Go! Team.

Infinidad de grupos. Erik nos pidió que le enviáramos una playlist para que viera por dónde queríamos que fueran los tiros. Hablamos mucho también de grupos de funk y de rap, aunque luego quizá no buscábamos lo más característico de estos géneros, pero sí arreglos concretos. La introducción de metales y cuerdas nos viene mucho por el soul, Curtis Mayfield y cosas por el estilo”. En definitiva, se trataba de “adaptar todo esto a nuestras canciones para darles ese nuevo aire. No tanto huir de etiquetas, como de oxigenarlo todo. De hecho, la idea inicial era no meter guitarras distorsionadas, aunque acabaron entrando un par de ellas”. ¿Y qué expectativas tienen ahora con su disco más especial? ¿Diferentes también? Diego se muestra humilde y cauto, pero confía en sus virtudes. “Al principio, piensas que estás haciendo algo que va a ser gigante, y después la realidad te pone en tu sitio. Un poco por la trayectoria del grupo, sí podemos pensar en crecer un peldañito, pero luego no sabes muy bien a dónde va a llegar.

Lo que sí estamos notando es muchísima más atención, no ya de los medios, que siempre nos han tratado bien, sino de la gente o de otros músicos, que nos dicen que les está gustando mucho”.

—jc peña

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en concierto l Granada 7 de junio. Lemon Rock Bar & Hostel l Ciutadella, Menorca 30 de junio. Cranc Festival, Jazzbah l Aranda de Duero 8-12 de agosto. Sonorama Ribera

RRLos días 27 a 29 de julio se celebrará la nueva edición del Mundaka Festival, que tendrá como principales cabezas de cartel a los estadounidenses !!!, al español Bunbury y a los escoceses Biffy Clyro, quienes acaban de publicar su directo acústico MTV Unplugged. Por lo que respecta al resto del cartel, nos encontraremos nombres como los de Vintage Trouble, Fink, Depedro, Rayden, Belako, Atom Rhumba o Santero y los Muchachos. Más en: www. mundakafestival.eus.

RRTras una última Route Resurrection protagonizada por Heaven Shall Burn y August Burn Red entre otros, el Resurrection encara ya la recta final de esta temporada. Se celebrará los días 11 a 14 de julio en la localidad gallega de Viveiro con Kiss, Scorpions y Stone Sour como cabezas de cartel, pero con un nutridísimo grupo de segunda línea de gran atractivo para los aficionados al metal, al hard rock, al punk y al hardcore.

RREl Arenal Sound, que se celebrará entre el 31 de julio y el 5 de agosto en Burriana, anunció recientemente un total de veintiséis nuevos artistas para su parrilla.

Entre los nombres que se suman están The Vamps, Azealia Banks, Rels B, James Blunt, Zoé, Vendetta, Zazo & Gxurmet, Gomad! & Monster o Subshock & Evangelos.

RRO Son Do Camiño, festival que

se celebrará en el Monte do Gozo (Santiago de Compostela) los días 28 a 30 de junio, tiene su cartel completo con nombres como The Killers, Franz Ferdinand, Jamiroquai, Two Door Cinema Club, Lenny Kravitz o Martin Garrix entre sus principales cabezas de cartel.

RRParov Stelar, uno de los nombres imprescindibles del electro-swing internacional, vuelve a Barcelona para ofrecer un concierto especial en el Poble Espanyol. Será el próximo 4 de julio dentro de su gira The Burning Spider Tour.

RRLa banda de tex-mex Piñata Protest está ahora mismo girando por nuestro país presentando su disco Necio-Nights (Kasba, 18).

Tras pasar por Bilbao y Madrid, podrás verles en Zaragoza (1 junio, Sala López) y Barcelona (8 junio, Rocksound). —MS

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Los Nastys no miran atrás Dejarse morir o morir matando, en esas se veían Los Nastys tras su agridulce experiencia en una multinacional. Ahora publican Música para el amor y la guerra (El Volcán, 18), un disco con el que ajustan cuentas con quien haga falta.

A

provechando el lanzamiento de su nuevo disco, le robamos un rato a Luis Basilio, que responde sin tapujos mientras comparte lo aprendido en cuanto a cervezas imposibles en un famoso local de Chueca. Hablamos sobre el volantazo que, junto a su hermano Fran, Luli AQ y Omar Montalvo, está llevando a la banda hacia un lugar mucho más honesto y desprejuiciado. Música para el amor y la guerra es un puñetazo a tiempo en la mesa. “Estábamos viviendo un año muy caótico, pero en lugar de que ese caos se convirtiese en algo negativo que destrozase al grupo lo pudimos transformar en inspiración para la música que hacíamos”.

Conceptos como el del amor y la guerra que atacan convertidos en guerrilla, en referencia a las panteras negras o a Le chinoise de Godard. “Siempre queremos revestir nuestra música. Se trata de darle un significado, no simplemente hacer canciones por hacer canciones”.

La actitud, muchas veces polémica, va en el pack y la corrección sigue sin entrar en sus planes. “Somos gente muy visceral, y me parece bonito. Me da la sensación de que actualmente en la comunicación con las personas todo el mundo está muy comedido, todo es muy políticamente correcto. Nadie se atreve a mojarse y a decir lo que piensa”. Quizás hablamos de madurez, pero madurez no entendida como acomodamiento sino todo lo contrario. Los Nastys entregan un disco en el que se expresan sin pelos en la lengua con argumentos de valor. “A la hora de escribir las letras me he quitado ese filtro. Antes me daba vergüenza o miedo decir algunas cosas, pero sentía que era la última oportunidad que tenemos para dejar algo hecho que esté guay. Me lo tomé como el último disco que iba a hacer en mi vida”.

La banda vivía también un proceso de renovación respecto al sonido, buscando cómo mejorar sin traicionarse. “Ese rollo ya lo hemos dejado atrás, sonar medio mal por cojones. Veíamos que las canciones que fuimos haciendo en la gira más valía que sonasen bien a que intentásemos sonar maqueteros.

Además, en muchos de los conciertos que hemos dado, a la gente le gustaba pero siempre se quejaban de que no se entendía la voz”. Con su nuevo disco, Los Nastys exploran esa dualidad, jugando con el garage que les ha caracterizado hasta el momento y abriéndose al pop hasta lograr desdibujar cualquier etiqueta a cambio de sonar a ellos mismos. “Es música. Una vez un chaval me dijo que si tienes veinte años y no haces punk es que no tienes corazón, y que si tienes treinta años y haces punk es que no tienes cabeza. Eso lo sumé a que no quería hacer siempre lo mismo. Nos queremos desmarcar, simplemente somos músicos. Y debido a eso cada una de las canciones del disco no tiene nada que ver con la anterior musicalmente. Es de lo que más orgullosos podemos estar”. —bruno corrales

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en concierto l El Puerto de Santa María 15-16 de junio. Monkey Week l Benicàssim 19-22 de julio. FIB l Illa de Arousa 20-22 de julio. Atlantic Fest l Aranda de Duero 8-12 de agosto. Sonorama Ribera

“Estábamos viviendo lo un año muy caótico y en pudimos transformar inspiración” FOTO: ARCHIVO

TAN. CERCA.

junio 2018 #11

THE CHEMICAL BROTHERS FOTO: archivo

Low Festival El Low Festival anunció sus primeros nombres hace meses, pero todavía le quedaban algunas balas en la recámara para completar el atractivo de su cartel. Eso significa que, durante los días 27 a 29 de julio, la lista de artistas sumará un total de nueve más con propuestas muy diversas que van del folk al house, pasando por el rock alternativo y hasta la cumbia. Porque en esos terrenos se mueve gente como Woods, Moullinex, Niños Mutantes, Carlos Sadness y las cinco apuestas de Jägermusic: Aloha Bennets, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Esteban & Manuel, Melenas y Runa. Estos nombres se suman a los ya anunciados como The Chemical Brothers, Phoenix, Biffy Clyro, Vitalic, Los Planetas, La Habitación Roja, Izal, La Plata, Fogbound o Bala, entre otros. www.lowfestival.es

Vulk Va de perros Vulk es uno de los grupos más fascinantes que ha dado últimamente el rock vasco.

Verlos en directo es como asistir a un épico combate de boxeo en el que se lanzan ganchos en el aire todo el rato. Partiendo de postulados afilados y parámetros post-punk, llevan dos discos en dos años. Ground For Dogs (Elsa Records/ Meyo Records, 18) es, seguramente, la confirmación del fenómeno.

FRANZ FERDINAND FOTO: ARCHIVO

W

es Anderson hace una película sobre perros, Black Mirror le dedica un capítulo a unos perros apocalípticos y ahora vosotros, que hasta incluís unos ladridos. ¿Qué tienen los perros que dan tanto juego?

Los perros siempre son divertidos. Se dejan guiar mucho por el instinto, aunque luego tengan que recular; y a la vez son muy expresivos, con poco dicen mucho.

—Es un álbum inesperado: sale apenas un año después del anterior. ¿Era el momento de decir “somos Vulk, esto es lo que hacemos y os lo queremos enseñar cuanto antes”?

Desde luego queríamos enseñarlo cuanto antes. El disco anterior, Beat Kamerlanden, tenía temas muy antiguos y queríamos lanzar algo fresco rápido. También nos gustaba el reto de componer a toda velocidad, sin saber a veces muy bien a dónde íbamos.

—Me llaman la atención los cambios de ritmo que hacéis, los subes y bajas de las guitarras. ¿Es premeditado o es algo que sale sobre la marcha?

Supongo que una mezcla de las dos. Algunos temas llevaron muchos más quebraderos de cabeza, desmontarlos, volverlos a montar… Sin embargo, otros son bastante más fruto de la improvisación y de dejarnos llevar por lo que sientes al tocarlos en el momento.

—¿Cómo lográis sonar tan fuertes y contundentes?

Es un disco de estudio, pero tiene la garra y la chispa del directo.

Supongo que es porque en contraposición con el disco anterior -que fue bastante más Frankenstein- este ha sido tocado casi todo en directo, lo cual nos ha molado

“La falta de prejuicios es clave para tener estilo propio”

bastante más.

—No sé si es por la duración o qué, pero os ha salido un disco muy compacto. Se escucha del tirón, como un todo.

Creo que esa prisa que nos hemos dado a la hora de componer el disco ha servido para crear esa uniformidad. Para bien o para mal esas eran nuestras ideas.

Quizá a otros les suene monótono el hecho de usar recursos similares a lo largo del disco, pero a nosotros nos ha gustado el resultado.

—¿Habéis descartado temas para quedaros con las ocho canciones del disco?

En el proceso de creación sí que ha habido descartes, un tema en concreto lo dinamitamos para luego crear Neu Vision. Pero en general eso es todo lo que teníamos, aunque pocos días después ya teníamos material nuevo.

Creemos que ocho es un número muy bueno para un largo. Beat Kamerlanden tenía ocho canciones más un interludio.

—Reivindicáis a King Crimson, Bowie y a la escena local vizcaína, pero tenéis una personalidad fuerte, inviolable. ¿Cuál es la clave para tener estilo propio en el rock? ¿La falta de prejuicios?

Desde luego. Aunque tampoco creemos que tengamos un estilo único, sí que procuramos no tener prejuicios ni a la hora de crear ni de escuchar música nueva y que eso influya en nuestras composiciones.—jon pagola r Más en www.mondosonoro.com

en concierto l Eibar 1 de junio. Ezdock Festival l Barcelona 2 de junio. Primavera Sound l Toledo 14 de junio. Matadero Lab l Almería 15 de junio. Madchester Club l Granada 16 de junio. Boogaclub l Vilanova i la Geltrú 28 de junio. VIDA l Berriz 29 de junio. Txosnagunean l Bilbao 30 de junio. Kafe Antzokia l Málaga 2 de agosto.

Canela Party l Bilbao 22 de agosto. Algara Aste Nagusia l Miranda de Ebro 31 de agosto-1 de septiembre.

Ebrovisión l Isla Cristina 14-15 de septiembre. Anfi Rock l Zaragoza 20-21 de septiembre. Psych Fest

Vida Festival Hace semanas que el festival Vida desveló su cartel completo para esta edición de quinto aniversario, que se celebrará del 28 de junio al 1 de julio en Vilanova i la Geltrú. Lo hizo con un puñado de novedades que se incorporaban a la parrilla, un total de once. Se trata de They Might Be Giants, Tensnake, Albert Pla, The New Raemon & McEnroe, J. Bernardt, Est Oest, Vetviolet, Desert, Jordi Lanuza, Xavi Alias y Da Souza. Estos artistas se incorporan a los ya confirmados como Los Planetas, Calexico, Franz Ferdinand, St. Vincent, Oso Leone, Iron & Wine, Perro, El Petit de Cal Eril o Mourn, entre otros. El festival también ha presentado la programación completa del Vida Club, con un total de dieciocho DJ’s. www.es.vidafestival.com #12 junio 2018

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PUBLIRREPORTAJE

Levi’s® Music Project

Así ha ido su primera edición junto a Rosalía El pasado 5 de mayo la sala Apolo acogió el concierto benéfico que culminaba la primera edición española de Levi’s® Music Project. Una iniciativa que, durante nueves meses, ha dado formación musical gratuita a diez jóvenes con base en el barrio del Raval de Barcelona. Ese año lectivo contó con una madrina de lujo, Rosalía; una de las artistas estatales con más proyección de la actualidad.

E

l proyecto ha tenido la supervisión de la Asociación Xamfrà-Centre de Música i Escena del Raval y de la escuela superior de música Jam Session Music. Ester Bonal, directora de Xamfrà, hace balance de la experiencia: “el proyecto permite que jóvenes con inquietudes musicales y ganas de mejorar sus habilidades como músicos puedan tener la oportunidad de formarse en una escuela de música que les puede ofrecer clases de instrumento, de cultura musical y de combo. La beca de Levi’s contemplaba, no sólo la formación, si no también ayudas para transporte y un programa de acompañamiento para velar sobre el aprovechamiento de la oportunidad por parte de los chicos y chicas”. Luis Blanco, director escuela Jam Music, también se muestra satisfecho: “los chicos y chicas han sido excelentes, han estado viniendo cada semana a las clases y han aprendido un montón de cosas relacionadas con la música. Ha sido una experiencia muy favorable para ellos. La verdad es que ha sido un proyecto interesantísimo, una gran responsabilidad que ha acabado saliendo muy bien”.

Sobre la coordinación entre los diversos actores del Levi’s® Music Project, Bonal explica lo siguiente: “Rosalía aportó su frescura, juventud y extraordinaria musicalidad, convirtiéndose en un referente indiscutible por los jóvenes. Y Levi›s ha desplegado los recursos para que el proyecto tuviera

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contenido de fondo. Es el que aportaba Jam Session desde el punto de vista formativo-musical y Come’on y Xamfrà desde el punto de vista tutorial y de acompañamiento”. La valoración de Blanco es parecida: “la coordinación fue fácil, cada uno tenía su grado de responsabilidad y su trabajo: los papeles estaban bien divididos. Rosalía amadrinaba y a través de sus master classes explicaba cómo se había introducido en el mundo profesional de la música; una información que los alumnos tuvieron de primera mano. La fundación Xamfrà hizo también un trabajo estupendo al seleccionar chicos y chicas que de otra manera no hubieran podido acceder a la formación. Y Levi’s ha puesto la idea, el proyecto y el dinero”.

El concierto que puso el broche de oro al Levi’s® Music Project estuvo divido en tres segmentos. En el primero, los diez jóvenes seleccionados para el proyecto compartieron escenario con la Big Band de la escuela Jam Session y su generosa sección de vientos (formada por siete músicos).

Juntos se atrevieron con varias versiones festivas de clásicos del pop y del rock: el “Stayin’ Alive” de Bee Gees, el “Uptown Funk” de Bruno Mars y Mark Ronson, o una celebrada “Come Together” de los Beatles. Tras ese tramo, los estudiantes se quedaron solos en el escenario protagonizando un par de momentos realmente emocionantes: el cumplea-

ños feliz que dedicaron a uno de los miembros de Come’on y la versión libre que realizaron de “Problema”, una de las canciones más queridas de Ketama. El último bloque de la noche fue para Rosalía. La cantaora catalana salió acompañada de dos palmeros y un guitarrista para realizar un show breve pero muy intenso ante una sala Apolo abarrotada (se vendieron todas las entradas). Repasó algunas de las canciones incluidas en Los Ángeles, el disco que la ha convertido en una de las promesas del nuevo flamenco. Y también tuvo tiempo para una emocionante relectura de “La estrella” de Enrique Morente, donde estuvo acompañada de los diez jóvenes del Levi’s® Music Project. Rosalía confesó encima del escenario que esa canción de Morente “le abrió las puertas del flamenco”.

La música y la formación han sido los dos pilares de la primera edición española del Levi’s® Music Project. Pero, ¿hasta qué punto es importante para los jóvenes la experiencia de tener una formación musical? Luis Blanco de Jam Session lo tiene claro: “la formación musical hace que te apasiones de tal manera con algo, que te entregues a ello y te apartes de otras cosas. Para mí es fundamental: la música libera a las personas de otras esclavitudes”. Ester Bonal de Xamfrà lanza otra reflexión: “la música y también las otras artes escénicas son lenguajes en el tiempo que propician la participación y se caracterizan por facilitar que personas diferentes, con habilidades diferentes, se expresen a la vez con un resultado armónico y bello, y que sean necesarios todos los participantes para que sea posible. Las artes son caminos de renovación de la mirada sobre el mundo que nos rodea y las artes vividas de manera compartida ayudan a los niños y jóvenes a crecer en actitudes de cooperación y de responsabilidad social”. n

junio 2018 #13

MONDO FREAKO

Mourn Por libre

J

azz, Carla, Leia y Antonio ya pueden beber cerveza en salas de conciertos, conducir una furgoneta durante horas o firmar contratos sin la autorización parental. Algo bastante común en las bandas de rock, pero no si tus inicios se establecen entre los quince y los diecisiete años de edad. Si echamos la vista atrás, no más de cinco años, cuando Jazz iba a casa de Carla después de clase a comer las buenísimas croquetas de su madre, aun podemos visualizar a Mourn trastear con covers y canciones improvisadas. “Nunca antes habíamos hecho el ejercicio de pensar que podíamos crear nuestras propias canciones.

En un mes hicimos tantas como para llenar un álbum”. Comentan que notaron una necesidad al empezar con esos primeros temas. “Muchas eran canciones chorras, así que nos quedamos con las mejores. Con el dinero de los cumpleaños, navidades y cinco euros de un colega financiamos el primer disco”.

Así se gestó Mourn (2014).

Durante su madurez (personal y como banda), el conjunto se desmarcó del circuito local, argumentando que “hay un circuito muy reducido y selecto en el que la gente no arriesga más allá del colegueo de siempre”. Lamentan que “con toda la movida que tuvimos con la discográfica, la gente se queda con eso, y es una pena, porque nosotras estamos encantadas de tocar con gente nueva y aportar nuestro granito de arena a la movida local”. Sin embargo y por suerte (más bien buscada, que quien siembra recoge sus frutos), han tenido la madurez y empeño suficientes como para tocar en infinidad de sitios y nutrirse de toda experiencia posible. “En Bratislava se creó el primer pogo en un concierto nuestro, fue alucinante. En Bruselas tocamos en una especie de casa okupa, tocar en Londres fue maravilloso…”.

Al ser preguntadas por las costumbres del consumidor medio local, apuntan que “en Estados Unidos conducen cuatro horas solamente para verte tocar. Aquí es imposible, si tocas a media hora de Barcelona la gente dice: ‘bueno pues ya vendrán’”. Nos lo cuentan ensalzando la necesidad de dejar los prejuicios a un lado y empapar-

#14 junio 2018

cosas más interesantes” nos explican Jazz y Carla. “Al principio era todo más de golpe y ahora sabemos lo que queremos hacer y sabemos también como traducir nuestros pensamientos en ciertos sonidos, melodías, arreglos…

Las canciones tienen historias, y las estructuras las mantienen”. La espontaneidad que les caracteriza se fusiona,

en concierto l Vilanova i la Geltrú 30 de junio. VIDA festival l Mengibar 15 de septiembre. Festival Planeta Demos l Málaga 25 de octubre. Wau Festival FOTO: ARCHIVO

Después de superar una nueva etapa en su carrera, el grupo de Cabrils vuelve a la actividad con Sorpresa familia (Captured Tracks, 18), tercer largo de su carrera. Jazz y Carla nos explican sus inicios, su rumbo y su visión de la escena musical de este momento.

se de directos. Como dato, enaltecen al público de Madrid, en contraste al de Barcelona. “No hay que irse hasta Londres para notar diferencias de público”, explican, “el público de Madrid te hace saber que les ha molado el bolo porque lo dan todo. En Barna, el público es mucho más frío”.

A día de hoy, las de Cabrils están de vuelta, listas para hacer temblar cualquier amplificador, en Madrid, Barcelona, Washington o dónde sea.

Tras una interesante pausa en cuanto al directo, el cuarteto está a punto de estrenar su tercer largo sobre las tablas, con más ganas de incendiar los escenarios que nunca. Sorpresa familia se postula como un álbum con intenciones. “Vamos creciendo y a medida que vamos tocando nos salen

te “La escena es excluyen y nosotras vamos por libre”

En imágenes Como pequeño adelanto ya está disponible el fresco videoclip que ello mismos han grabado para Barcelona City Tour. A la pregunta referente al título sobre si se trata de un homenaje o sátira, lo dejan abierto a nuestra imaginación. El caso es que, entre autobuses de turistas, helados y gafas de sol, Mourn nos muestran una especie de oda a la amistad adolescente, llena de colores y noches largas. “Eso sí, fue un estrés de rodaje porque Capture Tracks nos dio dine-

Q ro para grabarlo, pero solamente nos dio el cincuenta por ciento del total por adelantado”, cuentan entre risas explicando el behind de scenes de la pieza. Dejando las peripecias y malos tragos de lado, concluyen diciendo que “nos ha gustado mucho cómo ha quedado, lo miramos cada tres días con mucha ilusión”. —a.b.

esta vez, con todo lo aprendido durante el camino reflejado en un trabajo que “por un lado (sorpresa), celebra nuestra vuelta a los escenarios y, por el otro, celebra la amistad que nos une a los cuatro, en los buenos y malos momentos (familia)”. Mientras hacemos tiempo para que Sorpresa Familia vea la luz, revisando el videoclip o escuchando sus numerosos hits de Ha, Ha, He (2016) o Mourn (2014), el grupo no tiene intención alguna de parar la máquina. “El plan es tocar hasta no poder más. Tocar y tocar. Después, más. Así hasta el final”. —ane barcena

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Rototom Sunsplash A estas alturas todo el mundo tiene claro que, año tras año, el levantino Rototom Sunsplash es la más importante cita del reggae en Europa y va a seguir siéndolo. No en vano esta edición le sirve a la organización para celebrar sus veinticinco años de trayectoria. A lo largo de una semana completa –del 16 al 22 de agosto-, la localidad de Benicàssim acogerá una larguísima lista de artistas relacionados con los diversos géneros que brotaron y evolucionaron en Jamaica (reggae, dub, rocksteady, dancehall, etcétera). Y una vez más tampoco faltarán los clásicos del movimiento, ni mucho menos los nuevos talentos. Eso significa que podremos ver en concierto tanto a clásicos como The Skatalites (que actuarán con Derrick Morgan y Doreen Shaffer), Mighty Diamonds, Jimmy Cliff o Sly & Robbie como a artistas más jóvenes como Alborosie, Protoje, Tarrus Riley o Mo’ Kalamity, entre otros. www.rototomsunsplash.com

Los Discos de mi Vida Noodles (The Offspring)

Los estadounidenses The Offspring son el principal cabeza de cartel del Weekend Beach Festival, que se llevará a cabo los días 4 a 7 de julio en Torre del Mar (Málaga). Aprovechando la ocasión, charlamos con su guitarrista, Noodles, sobre los discos que le han marcado.

Un disco que descubrí por mis padres...

El disco que me hizo soñar con ser una rockstar...

Una referencia para la banda...

Ramones

T.S.O.L.

Simon And Garfunkel

Ramones (1976)

Dance With Me (1972)

Hay muchos discos que me hicieron soñar con ser músico, pero si hay uno que tenga en un lugar especial es éste. Tiene mucha energía y grandes canciones, y al mismo tiempo es preciosamente simple. Además es divertidísimo para cantar todas las canciones.

Es nuestra mayor influencia compartida de aquellos días.

Grandes canciones, gran sonido y mucha clase. Dexter y yo volamos fuera para poder verles tocar este disco completo.

Y fue increíble.

CRYSTAL FIGHTERS FOTO: ARCHIVO

Bridge Over Troubled Water (1970)

Mi padre tenía el vinilo y ya de adulto empecé a coleccionar todo su material y me he convertido en un verdadero adorador de sus armonías.

Río Babel Los días 6 y 7 de julio Ifema (Feria de Madrid) albergará dos jornadas de conciertos con una selección de artistas de lo más destacado de la escena iberoamericana actual, el Festival Río Babel. El viernes 6 de julio se contará con la actuación de Bunbury, Molotov, Los Auténticos Decadentes –que celebrarán sus treinta años de carrera musical-, Alamedadosoulna, We The Lion, Juanito Makandé, Jenny And The Mexicats y King Coya. El sábado 7 de julio los cabezas de cartel serán Crystal Fighters y los australianos The Cat Empire, estos últimos presentando su nuevo álbum. La compositora y actriz Bebe también participará, además de Miranda, Dengue Dengue Dengue, Los Caligaris, Arco y Quantic. www.festivalriobabel.com #16 junio 2018

Weekend Beach

Un disco inconfesable...

Steam Powered Giraffe Album One (2011)

No me siento culpable por el hecho de que me guste, pero me gusta este grupo de músicos callejeros tan teatral que han llegado a tocar en salas. Su música es muy divertida.

RRHace muchos años, después de una entrevista con nosotros, empezásteis a bromear con aquella frase de “you suck in Spain” La verdad es que tuvimos bastantes malas críticas a finales de los noventa, lo cual posiblemente merecíamos en aquel momento, pero desde entonces hemos girado mucho y te diría que algunos de nuestros mejores conciertos europeos han sido en España.

Nuestros fans de allí son fantásticos y tienen mucha energía. Muchas gracias y mucho amor para todos.

Torre del Mar, en Málaga, volverá a acoger al casi centenar de artistas que conforman el cartel de la nueva edición del Weekend Beach. A lo largo de los días 4 a 7 de julio, pasarán por los diversos escenarios del recinto artistas internacionales, nacionales y los ganadores del concurso de bandas y Dj’s (La Tourné y Fabio Laza).

El día 4 destacan Fatima Hajji, Fyahbwoy, La Pegatina o Green Valley. El principal cabeza de cartel del día 5 es la banda de punk melódico The Offspring, a quien acompañarán Inner Circle, The Toy Dolls, Boikot, Juanito Makandé, Loco Dice o Paco Osuna. El viernes 5 podremos pasar de David Guetta a Izal, pasando por Macaco, Alborosie, Mala Rodriguez, Desakato, Natos y Waor y Adam Beyer. Y la última jornada, la del sábado 7, estará presidida por Bunbury, Jimmy Cliff, Wyclef Jean, Ben Klock, SFDK, Dorian, Hot Since 82 o Eskorzo. www.weekendbeach.es.

THE XX FOTO: FRANCESCA ALLEN

THE SKATALITIES FOTO: ARCHIVO

FATIMA HAJJI FOTO: archivo

MONDO FREAKO

Bilbao BBK Live

El último disco que me ha encantado...

The Bronx V (2017)

Sin duda alguna, el último disco de The Bronx. Es una de mis bandas favoritas de ahora mismo, y este disco es todo lo que esperaba que fuera.

—MS

Semanas después de anunciar que su cartel estaba completo, el festival Bilbao BBK Live –que se celebrará durante los días 12 a 14 de julio en la montaña de Kobetamendi, Bilbao- sorprendió con la adición por sorpresa de cuatro nombres más que se suman a los que ya estaban anunciados (desde Gorillaz a The xx, pasando por Alt-J, Florence & The Machine o Childish Gambino, entre otros). Se trata de My Bloody Valentine, King Gizzard & The Lizard Wizard, Bad Sounds y el trío vasco de pop electrónico eMe. Por otro lado, el festival anuncia también Night + Day, un festival itinerante comisariado por The xx y el sello Young Turks y que se alargará durante toda la semana previa (del 6 al 11 de julio). www.bilbaobbklive.com.

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Rhye Sensualidad orgánica

Sensibilidad y seducción envuelven todo lo que rodea a Blood (Loma Vista/Caroline, 18), el segundo largo de Mike Milosh, el artista canadiense con voz de ángel y uno de esos discos que muchos esperaban sin hacer demasiados aspavientos.

Y

ou Make Me Feel, el primer disco firmado por Milosh en 2004 surgió de la nada anunciando al mundo un nuevo género, el post-soul. “Me comparan mucho con James Blake, lo que es curioso, ya que él vino casi diez años después de mí. De hecho, fui yo junto a otros artistas quienes abrimos la puerta a gente como él, aunque muchos jóvenes ni siquiera lo saben”. Quince años después, Milosh, publica el segundo álbum con su otro alter ego, Rhye (antes un dúo junto a Robin Hannibal), un disco de banda con el que da por zanjada su etapa marcada por el uso de software y programaciones, en la búsqueda de un sonido más orgánico e instrumental. “Esta una grabación de estudio cien por cien. Hemos registrado muchas pistas en directo: baterías, pianos… Quisimos llevar a cabo una producción lo más parecida posible a la forma tradicional, exceptuando algunos arreglos muy sutiles que he hecho con ordenador, todo lo demás ha sido un trabajo de horas en el estudio. Apenas hay software aquí, es lo más orgánico posible”, asegura. “Nunca quise convertirme en un ‘ordenador’. Soy un ser humano con sentimientos y la música es el vehículo que he encontrado para canalizarlos.

Soy muy sincero con mis emociones y suelo hablar mucho de mi vida en mis canciones [este disco lo escribió justo después de divorciarse], por lo que sería incapaz de hacer una música demasiado mecánica”, prosigue.

Blood no solamente traza una nueva vía en cuanto a orquestación se refiere. También

la voz de este canadiense afincado en Los Ángeles adopta en este trabajo matices hasta ahora relegados a un plano secundario. “Me siento más conectado a mi voz. En las primeras grabaciones de Milosh la utilizaba como si fuera un instrumento más. Ahora me apetece sacar más partido a la parte vocal y situarla en un primer plano. Supongo que en este aspecto he ganado confianza”, explica el contralto fan acérrimo de vocalistas como Björk o Robert Plant. Es esta toma de conciencia la que, en parte, hace que el disco cabalgue en direcciones más afines al jazz o a Sade, de acabados limpios y despojado de toda artimaña. “Mucha gente tiende a encasillarte. Me gusta mezclar muchos géneros; desde soul a música clásica, folk… Supongo que porque tampoco escucho únicamente uno en concreto. Puedo pasar de oír música clásica a artistas como Neil Young o Led Zeppelin, o de repente disfrutar con un disco de hip hop”. Aunque en Blood conviven dos facetas, es también esta vez la más sosegada e introspectiva –temas como Please o Softly – la que nos acerca al Rhye más personal y reconocible. “Nunca quise hacer un disco de baile ni uno de ambient. Me encantan los álbumes en los que conviven ambos universos.

Es como condensar todos los colores del arco iris en un mismo sitio”, sentencia. —dani mesa

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Loma Vista, 2018 Soul 6/10

” FOTO: ARCHIVO

“Nunca quise convertirme en un ‘ordenador’”

Rhye Blood

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junio 2018 #19

Plaza Sonora

El sonido de la ciudad Rotundo éxito de la primera edición de Plaza Sonora, una suerte de festival gratuito de un día organizado por MondoSonoro, junto a Matadero Madrid y Mahou, y con la colaboración de Lenovo.

A

De arriba a abajo Fernando Alfaro, Tulsa, Lichis y Muchachito junto a El Canijo de Jerez.

Fotos de Alfredo Arias.

#20 junio 2018

llí se reunió medio Madrid para celebrar su fiesta de San Isidro, adentrándose en un espacio enorme con múltiples posibilidades y un objetivo claro, identificar y celebrar los sonidos de la ciudad y mezclarlos en igualdad de condiciones con grandes artistas. Así, y moviéndonos desde el escenario principal en Plaza Matadero a uno a pie de calle en la entrada, disfrutamos de experiencias tan dispares como los conciertos de Muerdo o Sandra Bernardo a combos como Ataca Paca, artistas callejeros de energía desbordante, que en dos pases conquistaron al público con actuaciones a pelo, sin sonorizar. Y como ellos Batata Galiza & Marcos Vianna, Dúo Amati, Jingle Django, La Rueda, St. Woods, Víctor Santal o Young Forest, nombres todos ellos curtidos en las calles de nuestra ciudad y que tal vez no resulten familiares al melómano acostumbrado a acudir a salas de conciertos, pero que demostraron que la profesionalidad y también la maestría en la música tiene poco que ver con el espacio en el que se desarrolla un directo. “Me he emocionado de verdad”, confesaba Miren Iza, de Tulsa, protagonista de uno de los momentos del día. Pasaban las dos de la tarde y la plaza alcanzaba uno de los picos de mayor afluencia y expectación. La música guipuzcoana acudía en solitario a la llamada del festival, demostrando de nuevo su gran habilidad para defender unas canciones cada vez más complejas y arriesgadas.

Entre tanto, algo se cocía al otro lado de Matadero con los imparables Muchachito y El Canijo de Jerez, que liaban una buena fiesta improvisada en las calles para más tarde continuar en el escenario a pie de calle, dejando al público con ganas de más y despidiéndose con ese Volando voy del maestro Kiko Veneno. Poco antes había sido el turno de Club del Río, uno de los grupos sorpresa del día, que la noche siguiente presentaban su nuevo disco en La Riviera. Admirable su polivalencia a los instrumentos y compenetración, muy apropiados en una cita en la que la conexión entre artista y público era la clave. Otro que sorprendía era sin duda Moe el Tubero, que como su propio nombre indica se servía únicamente de tubos de plástico reconvertidos en instrumento musical, que golpeaba con chanclas de playa.

Una excentricidad solo a priori, pues unos minutos más tarde nos dejaba boquiabiertos. Y con la duda de si acabábamos de asistir o no a un concierto de electrónica nos movíamos de nuevo a la plaza, pues allí estaba bajo el sol uno de los responsables de la buena salud de la música independiente en nuestro país, Fernando Alfaro. También a solas, como Miren Iza, y también logrando sostener todos sus grandes éxitos con el único apoyo de su guitarra. Ocasión perfecta para disfrutarle de este modo pues se encuentra presentando Sangre en los surcos, una vuelta de tuerca a su repertorio en solitario y con Surfin’ Bichos en el que se reinterpreta en un formato más austero. Así, sonarían temas como Dominó, Fuerte! y, pensando en escapar al norte lejos de ese molesto sol, Saariselkä Stroll.

La tarde ofrecería mucho más en el escenario principal, con actuaciones como las de Travis Birds, rebosando personalidad, o la de las fabulosas The Dawlins. También pudimos escuchar a Lichis en su reencarnación como cantautor de corte anglosajón, acompañado a la guitarra por Joe Eceiza. Con una pequeña concesión al pasado en forma de Felicidad. Buena manera de definir un día repleto de música y actividades, con buena parte del público aguantando hasta la madrugada como si el miércoles no fuese laborable de la mano de los Guacamayo Tropical Dj’s. En realidad las actuaciones en directo fueron sólo una de las muchas actividades (talleres, proyección de documentales, mesas redondas,…) de una jornada perfecta, que se saldó con una afluencia masiva de público desde mediodía hasta el cierre a las dos de la noche y que sirvió para homenajear a la música (el escenario en el que ésta se desarrolle es lo de menos) y, sobre todo, para disfrutarla: en familia, con los amigos, en comunión con las 50.000 personas que pasaron por Matadero Madrid. Fue una jornada memorable. Pero, calma, que ya solamente quedan unos días menos para el próximo San Isidro.

—bruno corrales mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

IZAL · KASE.O LA M.O.D.A. · GRISES VIVA SUECIA · SOLEÁ MORENTE LUIS BREA Y EL MIEDO MODELO DE RESPUESTA POLAR TEXXCOCO · JOE CREPÚSCULO INSTITUTO MEXICANO DEL SONIDO MÁS ARTISTAS POR CONFIRMAR

2·3·4 AGOSTO

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Justicia universal (Intromúsica, 18) es mucho más que el quinto álbum de estudio de Dorian. Pensamos que marcará una nueva etapa que se inicia con el trabajo más reflexivo e intenso de su carrera. Un toque de atención por parte de unos inadaptados con ganas de trascender y dejar huella.

—texto Don Disturbios —fotografía Maite Nieto

Dorian La tierra se abrirá #22 junio 2018

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D

espués de lograr mantenerse en el candelero y la carretera durante toda una década, tocaba alzar el vuelo y mirar con ambicioso descaro hacia el futuro. Para ello Dorian han hecho lo que mejor saben hacer: componer una sólida colección de canciones, agrupándolas bajo el título de Justicia universal, su nuevo álbum. Y lo han hecho con la calma, laboriosidad y fe del artesano. El mismo que sabe juntar los mimbres como nadie porque ha atesorado la experiencia suficiente para hacerlo cada día mejor. Esa entrega y ese trabajo se notan en un disco que realza de nuevo el componente electrónico de la banda, pero con mucha más mordiente melódica y, sobre todo, una disposición de elementos mucho más directa, sin tanta orfebrería o aspavientos. Directo a la yugular. Logrando que sean varias las canciones con un enorme potencial de enganche con esa parroquia de fieles que les sigue en los dos hemisferios. (Marc) “Ha habido una voluntad evidente de refrescar nuestro sonido, de llevarlo mucho más lejos en la producción. Y por otro lado, a nivel puramente compositivo, hemos hecho un trabajo de reflexión profundo para darle a cada canción lo que necesitaba, ni más ni menos, y eso no se consigue en cuatro días. Estuvimos doce meses largos trabajando casi a diario en este álbum y creo que eso se nota”. (Belly) “La prisa para la música es muy mala consejera, y está bien eso de tener una idea, dejarla en barbecho, volverla a retomar, porque muchas veces te estancas o no te gusta y necesitas verla con cierta distancia o pasársela al compañero. Ese proceso de trabajar con bastante calma, pero también con mucha disciplina, ha sido tan importante que creo que ya no podré hacer un disco de otra manera”. Un proceso en el que, por primera vez, el peso de la responsabilidad a la hora de componer ha estado mucho más repartido. Marc llega incluso a calificarlo de poliédrico mientras me explica que: “Hay tres tipos de canciones en el álbum. Temas que yo más o menos tenía maquetados y compuestos desde hacía un tiempo, dos o tres años, como por ejemplo es el caso de Noches blancas, Algunos amigos o Llévame. Sin embargo, otras canciones como por ejemplo Justicia universal o Señales, han surgido de ideas de Belly, pero no de una simple línea de sintetizador, como había pasado en anteriores discos con canciones como Los amigos qué perdí, sino que esta vez Belly ya las tenía prácticamente armadas y luego hemos incorporado solamente las armonías vocales y la letra. Luego está el caso de por ejemplo Duele, que es una de las canciones más importantes del álbum y ha surgido de una idea de Lisandro. O Cometas, que la hemos trabajado casi a medias entre los tres desde el principio, y es una canción que además de cerrar el álbum es para nosotros una de las más interesantes”.

Justicia universal es un álbum muy importante para sus autores, casi me atrevería a decir que vital. Y no únicamente porque sea el inicio de una nueva etapa para la banda. También porque ha provocado que la forma de escribir de Marc, sus letras, sean mucho más explicitas que nunca. El cantante ha sacado a relucir como nunca ese desencanto que siempre ha planeado sobre sus canciones. Una especie de pesimismo vital que ha buscado válvulas de escape para huir de un mundo que no gusta. (Marc) “Creo que hay una auténtica galería de inadaptados que atraviesan las letras de este álbum, y lo cierto es que pensamos que la vida no siempre es amable con todo el mundo, por eso en ocasiones hay que buscar el punto de luz que no encuentras en tu vida. Me interesaba mucho como letrista tocar el asunto de la soledad urbana y la forma en la que cosas como la tecnología, las redes sociales, las drogas o el hedonismo nos están aislando más los unos de los otros. Pienso que estamos en un estadio avanzado del capitalismo en que, si perdemos el contacto entre nosotros y nos pasamos de rosca con cosas como las redes sociales, acabaremos aislándonos tanto que esto tendrá consecuencias muy graves en la comunicación”. Lo que cabe preguntarse entonces es si hay soluciones para este desaguisado. (Marc) “Soy bastante pesimista con respecto a lo que va a ocurrir en la humanidad y creo que vamos a tener sorpresas muy negativas en las próximas décadas que ya podemos atisbar, pero que no queremos ver, En definitiva hay pocos motivos para la alegría y es verdad que el disco está trazado por cierto pesimismo y desasosiego, pero no podemos seguir mirando hacia otro lado y hay que hacer algo para evitar el desastre que se aproxima porque, tal y como dice la canción Justicia universal, estamos muy cerca de arrepentirnos de muchas cosas que estamos haciendo”.

Para finalizar Marc me lanza toda una declaración de principios. “Dorian es un grupo formado por cinco inadaptados. Sinceramente, no sé que hubiera sido de nuestras vidas si un buen día no hubiéramos decidido montar una banda. Lo cierto es que no acabamos de encajar en el molde de lo que sería una vida digamos estándar, así que nuestras canciones van dedicadas a toda esa gente que no acaba de encajar o de encontrar su sitio en la sociedad actual. Y, como creo que hay mucha gente así, es por lo que nuestras canciones funcionan”. —d.d.

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“ “Nuestras canciones van dedicadas a toda esa gente que no acaba de encajar o de encontrar su sitio en la sociedad actual”

DISCOGRAFÍA r

ilustraciones: edu CHIRINOS

10.000 Metrópolis (2004)

Carta de presentación de unos jóvenes nostálgicos, con un gusto por la composición de inspiración existencialista y por sonidos que iban a contracorriente dentro de la escena independiente nacional del nuevo siglo. Aquí ya destacaban Solar o Te echamos de menos, temas que junto al resto del disco se reeditaron un año más tarde enfrentados a sus remezclas.

Dorian se postulaban para la pista de baile.

El futuro no es de nadie (2006)

Con Cualquier otra parte se adueñaron de esa pista de baile de la que hablábamos. Marc escribió y puso su melancólica voz al himno de una generación que quizás no sabía que lo necesitaba. Las cajas de ritmos se imponen y los catalanes dan cuenta de su capacidad para fabricar melodías con letras que hablan de desarraigo y deseos de evasión.

La ciudad subterránea (2009)

EN CONCIERTO

Con un tercer largo cargado de canciones redondas como La tormenta de arena o Paraísos artificiales, probaron que no eran un one hit wonder.

Una colorida programación gana protagonismo, emociona y hace bailar a partes iguales. El despegue definitivo de la que se confirmaba como singular formación de pop electrónico con guitarras y en castellano.

La velocidad del vacío l Valencia 8 de junio. Festival de les arts l Palencia 9 de junio. Palencia Sonora l Málaga 6 de julio. Weekend beach l Alcudia 14 de julio.

Plaza de toros l Cádiz 19 de julio. No sin música festival l Alburquerque 20 de julio.

Contempopranea l Benicàssim 21 de julio. FIB l Burriana 4 de agosto. Arenal Sound l Aranda de Duero 11 de agosto.

Sonorama l Guadalajara 1 de septiembre. Gigante l Madrid 9 de noviembre. La Riviera l Bilbao 15 de noviembre. Kafe Antzokia l Pamplona 16 de noviembre. Zentral l Vitoria 17 de noviembre. Jimmy Jazz l Barcelona 23 de noviembre.

Razzmatazz l Santiago de Compostela 30 de noviembre.

Capitol l A Coruña 1 de diciembre. Inn Club l Valencia 15 de diciembre. Sala Moon l Santander 21 de diciembre.

Escenario Santander

(2013)

Conscientes de su capacidad, viajan y se empapan de sonidos y de ciudades como México. Allí se encerraron con Phil Vinall (Placebo, Pulp), que guió al grupo hacia inexplorados derroteros sonoros.

Nuevas texturas que se encuentran en la distorsión de Tristeza o el sabor casi sureño de El temblor, y textos como Los amigos que perdí, donde los sentimientos abandonan el subsuelo.

Justicia universal (2018)

Noches blancas abría una nueva década en su carrera. Era la primera muestra de un álbum homogéneo de electrónica pulida y composiciones de corte pesimista como Justicia universal y el primero que cuenta con invitados de lujo como León Larregui (Zoé), Javiera Mena y Nita (Fuel Fandango).

Dorian mantienen sus señas de identidad sin dejar de evolucionar. —beatriz h. viloria

junio 2018 #23

MONDO FREAKO

Hot Snakes Tra un largo descanso

FOTO: ARCHIVO

Hot Snakes acaban de lanzar su cuarto álbum de estudio, Jericho Sirens (Sub Pop/Popstock!, 18), después de catorce años de silencio discográfico. Charlamos con Rick Froberg (voz/guitarra) acerca de la trayectoria de la banda, la actual escena musical y la pasión que siente por nuestro país.

TAN. LEJOS.

RR Trent Reznor y sus Nine Inch Nails completa la trilogía de EP’s que empezó en 2016 con Not The Actual Events y continuó en 2017 con ADD VIOLENCE. El tercer lanzamiento se titulará Bad Witch e incluirá las canciones Shit Mirror, Ahead Of Ourselves, Play The Goddamned Part, God Break Down The Door, I’m Not From This World y Over And Out. NIN actuarán el 12 de julio en el festival portugués NOS Alive y el 14 de julio en el madrileño Mad Cool.

RR Adam Smith, director de cine y clips colaborador de artistas como The Chemical Brothers o The Streets, será el encargado de dirigir el biopic sobre uno de los

Baywaves Hipnopop 2.0

músicos más influyentes de la Inglaterra actual, Wiley. La película, que se titulará sencillamente Wiley, abarcará desde sus primeros días en radios piratas y fiestas alternativas hasta su reconocimiento internacional y el auge del grime.

RR El pasado Día de la Madre, André 3000

(Outkast) reapareció tras unos años de silencio creativo en su proyecto en solitario. La canción Look Ma, No Hands es puramente instrumental y cuenta con la colaboración de James Blake. La segunda, Me & My (To Bury Your Parents), se mueve en terrenos más jazz con una letra que gira alrededor de la infancia en familia del estadounidense.

Una de las esperanzas de la escena del pop independiente nacional más alternativo, Baywaves reciben alabanzas tanto dentro como fuera de nuestras fronteras. Ahora publican It’s Been Like (Art Is Hard Records, 18), su primer larga duración.

FOTO: ARCHIVO

E

#26 junio 2018

stán llamados a ser el próximo grupo que lo pete antes fuera que dentro de nuestro país.

Quizá por eso Baywaves han decidido revolucionarse a sí mismos para revolucionar a los demás a la hora de afrontar It’s Been Like, su primer álbum publicado en un sello británico y un ejercicio en el que han decidido primar las atmósferas y los experimentos rítmicos y menos a la melodía, explorando sonoridades que van del funk al pop baleárico o el hipnopop. “Este EP nació haciendo una jam de varios días mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Sub Pop, 2018 Rock 8/10

“El grupo siempre ha o estado vivo y en el fond siempre supimos que ar” íbamos a volver a grab problema, pese a que yo vivo en Nueva York desde hace casi veinte años.

—Visto desde fuera me dio la impresión que la gira reunión de Drive Like Jehu había tenido bastante que ver con la vuelta al estudio de Hot Snakes. ¿Cómo fue aquel retorno y en qué medida ha contribuido?

Son casos totalmente opuestos. En el caso de Drive Like Jehu simplemente queríamos hacer unos conciertos, fue algo más cercano a la nostalgia. La

RR LSD es el proyecto conjunto entre Sia,

Diplo y Labrinth y se mueve en el terreno del pop contemporáneo más accesible.

De momento ya han dado a conocer dos singles que llevan por título Genius y Audio. Falta ver hasta dónde va a llegar la aventura, así que nos mantendremos a la expectativa.

RR Young Thug, que actuará en Barcelona

y Madrid este mes de junio (28 junio, Razzmatazz, y 29 en La Riviera), se confirma entre los colaboradores del próximo disco de Childish Gambino –quien forma parte del cartel del Bilbao BBK-, uno de los trabajos más esperados de la temporada después del abrumador éxito de This Is America.

seguidos. Puede que tenga una sensibilidad menos pop porque nace de otra manera. En el proceso de búsqueda nos dimos cuenta que hacíamos buenas melodías, pero al tocar en directo nos pedía algo más: queríamos explorar más las bases rítmicas”, confiesan. Una doble huida hacia adelante. Por un lado, hacia el asentamiento internacional. “Para vivir de esto, es necesario que la carrera del grupo sea internacional y no nacional. Hay muy pocos grupos nacionales (o ninguno) que canten en inglés y vivan de ello en España tocando solamente aquí. En España estás obligado a demostrar cosas, si quieres dar el salto: no basta con tener buenas canciones que le gusten a la gente”. Por otro, soltando lastre de etiquetas herméticas, sobre todo la de la psicodelia.

“Adscribirse como lo que sea es acotarse el terreno de juego. Para el gran público hay una cierta sonoridad cuyo referente más cercano es Tame Impala.

Pero si los medios tienen la poca sofisticación de sólo oír a Tame Impala será

porque son público generalista y no expertos”. Ellos conectan más con el discurso y las maneras de compañeras generacionales como Hinds que con la banda de Kevin Parker.

“Hinds no solamente abrieron un camino para andar a nivel mercantil, sino en la manera de entender lo que es un proyecto vital-musical. Ellas son la cabeza de punta de una cosa que no es únicamente ‘triunfar en Inglaterra’, sino de sentirse parte a nivel generacional de algo en lo que no había ningún referente: son un referente político, son como las Errejón de nuestra generación musical”.

—alan queipo

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involucrados en la música y tocamos y giramos constantemente. Nunca hemos dejado de tocar música. Siempre hemos estado ahí, es parte de nuestra vida, somos como una gran familia y seguiremos juntos siempre. Bueno, mientras podamos, ya nos vamos haciendo viejos (risas).

—Me parece que habéis sacado un gran álbum y sorprende que quizás sea el más agresivo y directo de todos.

En este disco creo que hemos traído algunas influencias y bagaje de las bandas en las hemos estado tocando estos años. Siempre queremos mejorar, ese es el objetivo. Esto no lo hacemos por los “chavales”, es por nosotros. Claro que queremos que la gente compre los discos y tal, pero al final esto lo hacemos por nosotros, es la única manera.

banda no está activa en el sentido de crear canciones. De hecho, tanto el batería (Mark Trombino) como el bajista (Mike Kennedy) no habían tocado nada desde hace veinte años (¡!). Es increíble que alguien pueda estar sin tocar tantos años y luego hacerlo como si nada.

—Curioso para una banda que en ocasiones estaba cerca de ser “math rock”… ¡Justo! Y yo ahora no aguanto eso (risas). Nunca fue una banda espontánea como lo es Hot Snakes, en la que todo pasa muy rápido y es más natural.

—El nuevo álbum de Hot Snakes no suena nostálgico en absoluto. Todo lo contrario, se escucha a una banda en plena forma e incluso con más habilidades que nunca.

Me alegra que me digas eso porque de verdad es lo que intentamos. No quiero decir que no haya algo de “muscle memory” también (risas), pero esta banda es algo que de verdad funciona de forma fácil y natural. Probablemente se deba a que somos todo lo contrario a Drive Like Jehu, todos estamos

—manel m. hontoria

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Mad Cool

PET SHOP BOYS FOTO: ARCHIVO

Hot Snakes Jericho Sirens

A estas alturas todo el mundo conoce sobradamente el cartel de uno de los eventos más importantes de todo el territorio, el Mad Cool, que se celebrará durante los días 12 a 14 de julio en Madrid. Participarán grandes nombres como Arctic Monkeys, Jack White, Pearl Jam, Queens Of The Stone Age, Nine Inch Nails, Depeche Mode, Massive Attack y un largo etcétera tanto nacional como internacional, pero eso ya lo sabes. Lo que quizás no sepas es que ya se han elegido las nueve bandas del concurso Mad Cool Talent. Por lo que respecta a los grupos son Alberto & García (Uviéu), Badlands (Valencia), Frank’s White Canvas (Chile), Los Ramblings (Madrid), Mavica (Cartagena), MokuMoku (Georgia), Repion (Cantabria/Madrid), Tourjets (Madrid) y WhyWhyka (Madrid). www.madcoolfestival.es

depeche mode FOTO: ARCHIVO

H

ot Snakes y más concretamente el dúo Rick Froberg/ John Reis son una de las figuras indispensables para entender la escena underground americana de los últimos veinticinco años. Su carrera musical conjunta empieza en San Diego en el año 1986 donde ambos forman Pitchfork, una joven banda de post-hardcore que daría paso en 1990 a Drive Like Jehu y más tarde, en 1999, a los actuales Hot Snakes. Transversalmente ambos músicos han tenido otros proyectos de bastante relevancia como Obits en el caso de Froberg o Rocket From The Crypt y Night Marchers en el caso de Reis.

—Nuevo disco de Hot Snakes después de catorce años sin grabar.¿Por qué habéis decidido reactivar la banda después de tanto tiempo?

El grupo siempre ha estado vivo y en el fondo siempre supimos que íbamos a volver a grabar. Tenemos mucha música dentro y nos apetecía volver a grabar. La distancia nunca ha sido un

FIB El Festival Internacional de Benicàssim se celebrará durante los días 19 a 22 de julio en la localidad de la costa levantina. Eso lo sabemos desde hace meses, pero lo que quizás no sepas es que hace unas semanas se anunciaron un total de veintisiete nuevos nombres que se han sumado a su cartel.

Las novedades las encabezan The Horrors y Chase & Status, aunque otros nombres destacables son los de King Khan & The Shrines, Toundra, Giggs, Monarchy, Oddisee & Good Compny, La Plata, Holy Bouncer, Perro, Carolina Durante, Cuchillo de Fuego o FAVX. Por lo que respecta al resto del cartel, recuerda que actuarán artistas como The Killers, Two Door Cinema Club, Liam Gallagher, Bastille, Dorian, Madness, Everything Everything, Travis Scott, Jessie Ware, Cashmere Cat, The Vaccines, Catfish And The Bottlemen, Rag’n’Bone Man, Sleaford Mods, Pet Shop Boys, Belle & Sebastian, The Kooks, Metronomy, entre otros. www.fiberfib.com junio 2018 #27

Elastic Band, trileros de la historia del pop Hace ya diez años, los granadinos Elastic Band protagonizaron una revolución tímbrica con su burbujeante debut.

Ahora vuelven tras un largo parón para sorprender de nuevo con Fun Fun Fun (Everlasting, 2018), otro collage sonoro.

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n tiempos de bandas clónicas y músicas repetitivas, se echaba de menos a Elastic Band. El proyecto de Pablo Román y María Sánchez deslumbró hace una década con un debut, Boogie Beach Days, que insufló aire a la escena española mediante un hallazgo pintoresco: el sonido de una mandolina eléctrica conectada a un viejo sintetizador analógico, el Arp Avatar. Una revolución tímbrica que, además, daba juego en directo. La pareja dio un giro en 2011 con el segundo trabajo, MooD, donde el italodisco, el synth pop o la champagne music conducían su tránsito de la playa al neón. El esperado tercer disco de los granadinos, Fun Fun Fun, ofrece una sabia depuración de estilo mirando a los inicios, con la novedad de incluir calientes rodajas de northern-soul a su miscelánea pop. “Estos seis años de parón me han servido para aprender mucho sobre producción y composición. En contra de lo que parece, las críticas del segundo álbum fueron mejores que las del primero. Y ni el primero estaba tan bien ni el segundo estaba tan mal”, confiesa Román, que aún conserva ese aspecto de Ray Davies mudado a la nueva era. Alérgicos al recurso fácil, apuestan por la orfebrería, la arquitectura de postal. Sus canciones hay que verlas como collages sonoros.

Trucos audaces para entrelazar décadas, tendencias, estilos y frecuencias.

Lo sorprendente es que la dupla compite de manera deliberada con las producciones de Danger Mouse –atención– grabando en casa con recursos de baratija. ¿El truco?

Artesanía, tiempo y talento. “Es cuestión de saber aplicar los recursos. Busco que la interpretación sea lo más creíble. No quiero cosas perfectas, sino cosas con rollo. Me influyen las producciones que respetan el pasado desde una perspectiva actual y que consiguen sonidos grandes”, dice Pablo. “Tengo fases en las que me rallo un montón”, añade este veterano de la Granada alternativa, que empezó como rockabilly y pasó por bandas finiseculares como Cecilia Ann o Sugarfish. “Me alegro porque es el abecé. Necesito detectar esa raíz en los grupos: el lenguaje del rock’n’roll. La historia del rock está muy bien hecha. Me seduce la idea de jugar con música que ya existe para crear algo propio. Me gusta observar cómo suenan las guitarras de Neil Young, la batería de tal disco de The Band, las voces de The Beatles o los sintetizadores de los setenta. Soy muy maniático”. —eduardo tébar

Foreign Beggars Ni fronteras ni barreras Pocos grupos de rap británico (por no decir ninguno) han tenido la repercusión de Foreign Beggars en España. Los londinenses presentan su séptimo disco, 22 Karma (Par Excellence, 18), manteniendo ese estilo basado en la fusión y la experimentación, y con ganas de volver a liarla

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FOTO: ALFREDO ARIAS

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#28 junio 2018

FOTO: ARCHIVO

s “Somos los únicos sere en en el universo que pued a transformar la energí negativa en positiva y viceversa”

iríamos que nuestra música suena a Londres… Allí hay muchas subculturas musicales interesantes y sonidos que emergen de este crisol loco de gente, cultura y música, y nos sirve de inspiración.

Desde los días del jungle, hasta llegar al drum and bass, UK garage, dubstep y también grime, todo el reggae dancehall y el bashment, y todos los otros tipos de rap que hay aquí también”.

Todo bien mezcladito forma el sonido de Foreign Beggars. Y todo ello lo podemos encontrar en 22 Karma, el último disco la formación británica. Orifice Vulgatron, Metropolis, Dag Nabbit y DJ NoNames vuelven a la carga con una obra en la que el bombo-caja y la electrónica se reparten el protagonismo. Y para el que se impusieron una condición: “Con este álbum queríamos hacer algo más profundo y volver a conectar con el lado hip hop de nuestra música… aún trabajamos con un sonido electrónico pero devolviéndolo a la música rap y haciéndolo mucho más lírico de nuevo”. Como nombre han elegido 22 Karma, porque “sin duda creemos en él, somos los únicos seres en

el universo que pueden transformar la energía negativa en positiva y viceversa, y amplificarla exponencialmente. Se nos ha dado ese don y ser conscientes de ello y usarlo para el progreso es un parte enorme de lo que significa crecer como personas”, y en el apartado de feats destacan un nombre por encima de los demás: “un artista increíble de Dubai llamado Bangzy. Los ritmos de Bangzy fueron una gran revelación para nosotros y abrieron una vena más apenada y profunda en el álbum, que nos permitió expresar una gran parte del dolor por cosas que hemos pasado últimamente”. Una mezcla explosiva que crea un nuevo capítulo en la historia de Foreign Beggars, un grupo reconocido por sus rapeos rápidos y vertiginosos y sus beats llenos de potencia y, sobre todo, diversidad. Un nuevo paso en su trayectoria que pronto compartirán con España, país con el que guardan una relación especial. “Llevamos yendo a España desde el año 95, cuando íbamos a pintar graffiti con nuestros chicos de Sevilla. Conocimos a la gente del hip hop y el graff de allí, y luego pudimos tocar en festivales como Cultura Urbana, Monegros, Viñarock,… Desde los primeros días estábamos conectados a la escena del hip hop en España”.

Por lo pronto, podemos verles en el Carpe Diem Festival de Getafe el 29 de junio y “estamos planeando hacer una fiesta de lanzamiento en Sevilla y después continuar por todo el país durante los meses siguientes”. Prepárense para saltar.

—alfonso gil royo

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Björk Debut tierra y cosmos

te, en los que Björk integra su voz entre una jungla psicodélica de beats venusianos. Su contacto con el comandante del grupo, Graham Massey, en aquel mismo 1991, llegó al punto de forjar demos como Army Of Me y The Modern Things, las cuales fueron recuperadas en 1995 para Post.

Like Someone In Love

Hace un cuarto de siglo que Björk rompió la gran baraja del pop. Tras el cierre a The Sugarcubes, sus dotes como solista y productora necesitaban arribar a tierras desconocidas. Y ahí llegó Debut (One Little Indian, 93), un disco que cumple veinticinco años y un eslabón ensamblado para siempre en la gran cadena evolutiva del pop. Cada una de sus once canciones es un hallazgo, así que vamos a analizarlas una por una.

Human Behaviour

El arranque del álbum es toda una declaración de intenciones. Un crepitar ceremonioso pero de ritmo magnético, marca las coordenadas de un baile de estilos que fluctúa de la música disco al dance. Del sonido tribal de la naturaleza a un groove conectado al pálpito humano. Desde una guitarra funk a lo Carlos Alomar a una sucesión de calambres techno, Björk desliza palabras con un fin: observar el comportamiento terrestre desde su posición alienígena. Todo cobra mayor sentido a través del vídeo realizado por Michel Gondry para la ocasión.

Crying

La siguiente parada no fue single únicamente porque los cinco ya escogidos -incluyendo Play Dead, que no forma parte del álbum original- son, literalmente, insustituibles. Con Crying proseguimos la gincana de géneros maleados por Björk y su mano derecha para la ocasión, Nellee Hooper. De hecho, este es uno de los cinco cortes en los que el cerebro en la sombra de Soul II Soul ayuda en tareas compositivas, lo cual queda refrendado en esa entrada de jazz ciberdélico marca de la casa. La materia house y el tacto pop se hermanan. Llorar de amor en la pista baile.

diana. Porque Venus As A Boy no hace prisioneros; te arresta bajo su burbujeante encanto exótico. No es casualidad la presencia de Talvin Singh a la tabla, ni el eco a las películas de Bollywood. Desde la otra punta, vuelve a florecer una cosecha de ritmos naturalistas que dotan de ingravidez a una Björk que bordea los límites del sexo bajo los ojos de una niña traviesa.

There’s More To Life Than This

Como despertar de un sueño de golpe, esta pieza nos recuerda la reconversión dance que vivió Björk a comienzos de los noventa cuando descubrió a 808 State.

“Comencé a ir a clubes cuando estaba en el Reino Unido, porque los conciertos de rock eran una porquería”, recuerda Björk. “Muy rápidamente, me enamoré de 808 State porque eran rítmicamente muy complejos”.

La influencia de la banda house por antonomasia de Manchester fue crucial para Björk, que plantó la semilla de su estilo en Ooops y Qmart, dos cortes pertenecientes a Ex:el, el tercer álbum de 808 Sta-

Venus As A Boy

Tras haber dado un golpe de estado en plena era britpop con Human Behaviour, la expansión contra las huestes del revival prosiguen su curso con una nueva mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

El juego de contrastes prosigue con brío inalterable. Partiendo de la compañía de un harpa, Björk versiona este clásico de Jimmy Van Hausen datado en 1944.

La delicadeza cobra tintes de austeridad majestuosa, anticipando la sensibilidad que una década después comenzará a hacer suya una tal Joanna Newsom. Ni que decir tiene que incluir una pieza tan divergente es la mejor forma de entender la vasta visión de una artista sin medidas temporales en su perspectiva. Haciendo del pop un juego, sólo ella puede salir indemne de una apuesta así.

Big Time Sensuality

Un nuevo hit para la colección. House juguetón a la par que fantasioso. Los sonidos parecen haberse escapado de un caleidoscopio de músicas libérrimas.

De nuevo, las apariencias engañan. Bajo un título con tantas luces, se esconde su versión más confesional. “No es erótico o sensual, incluso si puede sonar así. [A lo largo de la vida] creas relaciones de amor muy profundas y completas con tus amigos. Mucho de lo que hablo [en este corte] también trata de mí”.

One Day

Jazz y espíritu raver. Cosmos y sudor bajo las luces de neón.

La bruma ambient que inunda cada poro de esta nueva mutación refleja el carácter místi-

co de una música que bebe de herederos del Miles Davis oceánico como Weather Report, sin dejar de apuntar hacia las formas más esotéricas de LFO. Como un tercer vértice imaginario, ella no sólo condensa sino que vampiriza ambas fórmulas en un mejunje de altos vuelos.

Así como en Crying se palpaba la mano de Hooper en tareas compositivas, aquí ocurre en términos de producción.

Aeroplane

Después del aterrizaje al término de One Day, volvemos a pisar una nueva isla musical. Como si se tratara de una versión pop del Tom Waits de Bone Machine, este nuevo avistamiento en tierra enfatiza lo imposible de clasificar el sentimiento final reproducido en esta monumental matrioska. Una cosa reluce por sí sola: la islandesa ha perfilado una excursión hacia parajes que ni ella misma podría haberse imaginado antes de emprender su vuelo en solitario. Se afianza la sensación de estar ante un renacimiento total de la ortodoxia pop. Mentalidad postpunk, lo solían llamar.

Come To Me

Vuelta otra vez al espacio. El balance continuo entre raíces y evasión marciana marca una senda en la que apego humano y escapatoria extraterrestre conviven en una arcadia sin conflicto posible. La pirueta es doble y mortal, pero siempre es reconducida gracias a la misma excelencia de tan generoso buffet libre de sabores extraños. Al igual que en One Day, la disposición instrumental va más allá de su gusto por Cocteau Twins, desafiando la misma esencia del dream-pop bajo una dimensión cósmica.

Violently Happy

De house selvático y cadencia matemática, Björk introduce el concepto del sonido piramidal en ambas direcciones.

Arriba y abajo. Los beats se superponen para luego desaparecer. Y vuelta otra vez.

El cromatismo reinante preconiza los juegos de texturas aplicados por Isolee en su vibrante receta microhouse. La euforia y el éxtasis se apoderan de cada molécula con la que está forjada esta oda al ritmo imparable. Björk funde “violencia” y “felicidad” en un trip peligroso a través del que suena de forma atrevidamente literal. De hecho, nunca más lo volverá a hacer con tal rotundidad en posteriores esfuerzos.

The Anchor Song

Para cerrar el trayecto, la dualidad entre futurismo y ornamentación clásica tan presente en su obra esta vez cae hacia la segunda vía. Como en Like Someone In Love, se impone el minimalismo instrumental. Así, Gary Barnacle se encarga de cimentar vientos con sabor al sello ECM. La sencillez planeadora de su soplido resuena como la respiración de Björk entre verso y verso. Un sonido solitario perdido entre vastas extensiones, como ése océano citado en este canto de hermosura subyugante.

—marcos gendre junio 2018 #31

MONDO FREAKO

Roísín Murphy Paraíso Festival (9 junio, Madrid)

Publicó hace un par de años Take Her Up To Monto ([Pias], 16), un disco personal que sonaba a ella misma. Ahora lanza el single All My Dreams/ Innocence y nos visita.

AgeNda. junio.

C

r Más en www.mondosonoro.com #mondosonoro/agenda

#32 junio 2018

on Hairless Toys (15) la irlandesa Roísín Murphy firmó un disco prolegómeno de una nueva dialéctica en su discografía. Quien fuera líder de Moloko presentó más tarde Take Her Up To Monto (16), continuación lógica de aquella joya de pop abstracto. Era el disco que los seguidores más fieles de Roísín estaban esperando, a años luz del sonido complaciente de aquel Overpowered (07). “SientoTake Her Up To Monto como totalmente mío. En su momento, mi amigo Eddie Stevens, al que conozco desde hace veinte años, y yo grabamos un puñado de canciones y fragmentos, y los que no seleccionamos para Hairless Toys están en Take Her Up To Monto, sobre todo aquellos más complicados y menos obvios”.

Pero que nadie se llame a engaño. No se trataba de un mero disco de caras B, sino que todo parecía calculado al milímetro.

“El proceso de grabación se hizo de una manera muy orgánica y tradicional. En ningún momento iba a la búsqueda de un sonido en concreto, sino llegar y dejarme llevar. Es un disco guiado exclusivamente por las emociones y extremadamente personal, ya que en el estudio todas las decisiones las tomo yo”. Plagado de luces y sombras y detalles que van desde elementos jazzy a destellos postdisco o a la experimentación sonora, Take Her Up To Monto se antoja como todo un ejercicio de estilo, raro en el panorama, y al que calificar de pop sería estar omitiendo el ochenta por ciento de su identidad. “Supongo que es más expresivo y visual que mis anteriores obras. Lo imagino algo así como salir de las sombras, del pasado, para venir al presente.

Pero es solo una idea sobre cómo lo visualizo yo misma”. Ahora acaba de publicar el single All My Dreams/Innocence, un single igualmente inquieto que presentará en Madrid este mes.

Modelo de Respuesta Polar Vida Festival (Vilanova i la Geltrú, 28 junio) Mad Cool Festival (Madrid, 12 julio) Low Festival (Benidorm, 27-29 julio) Santander Music (Santander, 2-4 agosto) Sonorama Ribera (8-12 agosto, Aranda de Duero)

Han pasado ya seis años desde que publicasen su primer disco. Por el camino han perdido oscuridad, pero ganado en potencia, seguridad y experiencia a la hora de definir su fórmula y el personal estilo de su vocalista Borja Mompó. Más movimientos (Hook, 18) es su nuevo álbum.

M

ás movientos. ¿De qué movimientos estamos hablando?

Estamos hablando de movimientos y muchos de ellos son dentro del grupo. El disco se hizo en un período muy corto de tiempo en el que apenas tuvimos tiempo para grabar porque paramos la gira a conciencia para entrar en el estudio y seguir con los conciertos. Además, hemos cambiado a un miembro de la banda. Incluso he querido llevar ese concepto al arte del disco. La portada es una fotografía en la que estamos nosotros medio borrosos, pasando uno y entrando otro, y creo que también el álbum respira ese espíritu fresco, de canciones más directas.

—Al haber grabado tan rápido y en mitad de una gira. ¿Eran canciones que ya habíais probado en directo?

No pudimos hacerlo porque justo acabábamos de cambiar al batería. Hizo la gira hasta el final, porque es amigo, pero no estaba participando en las canciones nuevas, con lo que no podíamos presentarlas en los conciertos. Hacerlo siempre te es útil para ver qué funciona y que no, por eso leo con mucho interés los primeros feedbacks de redes y periodistas porque necesito saber exactamente qué hemos hecho.

—Más movimientos es un disco más eléctrico y en el que las canciones respiran más alto que en trabajos anteriores. ¿Tal vez es un trabajo que tiene algo más de rabia?

Creo que la tiene, y que Siempre, la canción que abre el disco, lo demuestra muy bien. Cuando dijimos de sacar un adelanto, yo, que no soy nada experto en elegir los “hits”, pensaba que esta canción demostraba la rabia contenida que tiene el disco.

—Después de un 2017 agitado, con cambios dentro de la banda, habiendo vivido la experiencia junto a Izal y este nuevo álbum presen-

tado en una nueva gira ¿Cómo está el grupo ahora?

Muy motivado. El hecho de tener que buscarte un hueco a la fuerza para grabar un disco es algo que aporta una actitud al grupo muy positiva. Si tenemos que hacer esto a la fuerza es porque en realidad no estamos tan mal. Se nos han agolpado los compromisos prácticamente hasta el siguiente disco, lo que demuestra que hay una salud muy buena en la banda. Hace muy poco que sacamos el anterior disco, hemos hecho una gira increíble, fuimos a Brasil después de grabar y empalmamos con una buena promo… Estamos muy motivados y muy contentos.

—¿Cómo os ha afectado como grupo girar junto a Izal, con un público que en principio no os conocía?

Ha sido una cosa muy curiosa. Iba a significar aparecer en la vida de mucha gente nueva y también teníamos claro sería una experiencia bestial en la que ver qué es lo que pasa en una gira así. A nivel de repercusión se ha notado mucho, pero ha sido más importante a nivel personal. Estamos acostumbrados a girar a nuestro nivel, que en el mejor de los casos es tocar en un escenario chulo en un festival, pero nunca habíamos estado en una producción propia en un Palacio de Deportes.

Es muy guay porque en la gira éramos en torno a cincuenta personas, las mismas en todas las ciudades cada semana. No tiene nada que ver con una gira por salas o festivales. Hay trailers, tienes todo el backline montado, y no te lo ha montado un backliner cualquiera, sino el mejor que hay ahora mismo, y aunque sea un tópico, la gente se lleva muy bien.

—¿Qué habéis aprendido como grupo?

A quitarnos de encima todo tipo de prejuicios, a trabajar con mayor ahinco y con la máxima franqueza, a ser agradecido con todo el mundo que colabora contigo y a ser gente normal y corriente.

Si hay alguien normal, son Izal. Verles currar a ellos como grupo es impresionante. Son gente que mueve muchísimas personas. Nunca había estado en un directo suyo entero, pero bajarte a Granada y ver un pabellón lleno en el que está cantando hasta el de la última fila que le han llevado por compromiso es espectacular. —j. batahola

—daniel mesa

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Beth Ditto “A mi madre le gustaba un montón el rock and roll” Madrid (6 junio, Joy Eslava) Barcelona (8 junio, El Festival, Poble Espanyol)

Josh Rouse

Vida Festival 30 junio (Vilanova i la Geltrú)

El nuevo disco de Josh Rouse, Love Is The Modern Age (Yep Roc/ Popstock!, 18) no va a dejar a nadie indiferente.

Para empezar, él mismo confiesa que ha pretendido recuperar el sonido de los años ochenta, dando mucho protagonismo, por ejemplo, a los teclados y los arreglos electrónicos.

N

Beth Ditto visita Madrid y Barcelona este mes de junio para presentar las canciones de Fake Sugar (Virgin, 207), su primer disco en solitario, y algunos cortes nuevos que irá publicando. Hablamos con ella sobre su infancia y adolescencia, su proceso creativo y su debut a solas.

A

mi madre le gustaba un montón el rock and roll”, explica Beth Ditto animadamente al otro lado de la línea telefónica”. “Escuchábamos mucho a Black Sabbath, Pink Floyd, que era el grupo favorito de mi madre, y más grupos de los setenta. Mi madre era fan del rock psicodélico, le gustaba mucho la concepción de Pink Floyd y estaba muy interesada en la música y en los sonidos. Además ella tenía una voz preciosa y le gustaba conectar con las canciones. También era seguidora de Led Zeppelin, sobre todo de Robert Plant. A mí me pasa al revés, soy más de Led Zeppelin a secas; me gusta más su música que la forma de cantar de Plant. Mi padre estaba muy metido en la música country”. Ese amor por el rock clásico que acompañó a Ditto en su infancia y adolescencia se nota y mucho en Fake Sugar, su primer disco en solitario tras la disolución de Gossip. “Empecé mi nuevo proyecto porque quería hacer algo diferente a Gossip, si no hubiera continuado con el grupo. Decidí hacer un disco que estuviera influido por la música que escuchaba en el pasado, cuando crecía. Amo a Paul Simon, las armonías vocales y esas cosas. Es gracioso porque mucha gente

dice que mi disco en solitario suena muy a Gossip y otros dicen que no”. Y añade: “quería hacer un álbum a la vieja usanza que pudieras escuchar entero del tirón.

Ahora todo se basa en el single, es lo que vende, dicen las compañías, los álbumes no. En los setenta y los ochenta ponías la radio y sonaba The Jam por ejemplo. Te pillabas el disco por esa canción pero lo escuchabas entero”.

La manera en la que Ditto se aproxima a la composición y escritura de las canciones es casi esotérica. “Trato que mi subconsciente me muestre el camino”, comenta. “Soy algo supersticiosa con ello, no me gusta forzar la máquina y que la canción suene artificial o forzada. Lo que quiero es sonar realmente sincera. Mi miedo más grande es no parecer sincera, o que el sonido no sea auténtico. Dejo que las canciones, el álbum y el artwork se creen solos”. ¿Y si la inspiración no llega? “Pues espero”, dice Ditto. “¿Conoces la canción de David Bowie Sound And Vision? Pues es así como me siento ante el proceso creativo. (Me tararea la canción de Bowie por teléfono: ‘I will sit right down / Waiting for the gift of sound and vision’). Hay que esperar para que te llegue la inspiración. Y eso es un problema en la industria musical actual, ya que quieren que hagas un producto y que seas capaz de hacer un disco cada dos años o cada año. Si no eres capaz de hacerlo, te obligan a sacar algo que no te gusta, algo forzado, algo no genuino. Eso es lo peor que puedes hacer. Por eso me siento y espero el regalo del Sound And Vision”.

o está nada mal tu discografía, ¿no? Doce discos en veinte años es una buena cifra.

Pues no trabajo tanto. Antes hacía un disco cada dieciocho meses ahora cada tres años.

Tengo un método de componer durante un tiempo y luego decidir qué temas encajan bien juntos, como si fuera una especie de DJ. —Eres un tipo muy evolutivo. Te imagino constantemente probando cosas nuevas.

De vez en cuando tengo ideas para un disco en mente, da igual si es una bossa nova o algo más folk. A partir de eso simplemente intento llegar a la melodía de una canción, sea el estilo que sea.

—Al principio se te asociaba al sonido americana ¿y ahora dónde crees que encajas mejor?

Mi agente dice que soy como una isla en medio de la nada (risas).

—¿Has buscado la inspira-

ción para este disco en algo en concreto?

He querido volver a mi colección de discos del instituto, que era muy británica. The Cure, Prefab Sprout, Roxy Music… Como los últimos discos han sido muy acústicos he querido hacer algo más trabajado en el estudio.

—Me da que en este disco también hay mucha influencia de gente como Leonard Cohen o Howe Gelb...

Sí. De hecho, estuve hablando con Howe sobre el disco I’m Your Man hace un año en Valencia. Soy fan de los dos y de su poesía.

—Cada vez más artistas de rock se acercan a la electrónica. ¿Hay explicación para eso?

No fue algo premeditado. Mi amigo Daniel Tashian me envió unas pistas como idea y el disco empezó así por su culpa. Supongo que nos cansa estar todo el tiempo rasgando la guitarra. Soy fan de las buenas canciones y me da igual la instrumentación.

—¿Podemos llamarlo eclecticismo?

Me gusta probar cosas distintas musicalmente. A veces funciona y a veces no. Ecléctico no sé, pero pop sí.

—¿Y cómo llevarás estas canciones al directo?

La verdad es que no me preocupa mucho si una canción funciona o no sólo con guitarra o no, porque en caso de que vea que no funciona, no la toco en directo. Lo que me importa es cómo suena en la grabación.

—eduardo izquierdo

—xavi sánchez pons

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junio 2017 #33

B U R R I A N A . 3 1 J U L - 5 AG O

BAD BUNNY DIMITRI VEGAS & LIKE MIKE CRYSTAL FIGHTERS STEVE AOKI JAMES BLUNT AZEALIA BANKS THE VAMPS JESS GLYNNE LOST FREQUENCIES MARTIN JENSEN ¡Y MUCHOS MÁS! ENTRADAS DE DíA A LA VENTA EN arenalsound.com

T o d a

t u

m ú s i c a

35/Mondo VINILOS

Simian Mobile Disco

The Vaccines Combat Sports Columbia

Murmurations Wichita/[PIAS]

ELECTRÓNICA / Tras publicar su celebrado recopilatorio Anthology: 10 Years Of SMD, James Ford y Jas Shaw nos hacen llegar Murmurations, su quinto álbum de estudio. En esta nueva entrega colaboran las voces del colectivo Deep Thoat Choir, que aportan la feminidad cruda de sus gargantas y timbres a la electrónica de Simian Mobile Disco que, en este caso, se muestra aterciopelada, escapista y sensitiva. Un disco en el que se entrecruzan sensibilidades de diferente naturaleza, pero idéntico fin: acariciar nuestros oídos desde una propuesta híbrida, tan amable como experimental y, a veces, bailable. Nos quedamos con la belleza de alta cuna clubby de los singles Hey Sister y Caught In A Wave, el house tecnificado brumoso y celestial de V Formation y la complejidad de Boids.

7

—fernando fuentes

Tranquility Base Hotel & Casino Domino/Music As Usual

7 POP / En un mundo que gira a una velocidad de vértigo, tardar cinco años en publicar un disco se antoja una pequeña eternidad. Más cuando la banda en cuestión es uno de los nombres que ha marcado el devenir del pop y el rock del nuevo milenio. Ya sabéis más o menos la historia hasta ahora: los chavales se dedicaron a regalar en sus primeros conciertos CD’s con sus canciones y crearon una cuenta en MySpace (sí, en el pleistoceno de las redes sociales la que lo petaba era MySpace). Entre esas canciones ya estaba un single imbatible como I Bet You Look Good On The Dancefloor, con lo que se convirtieron en lo más de lo más y, lo mejor, desde entonces no han dejado de publicar discos siempre por encima del notable: Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (06), Favourite Worst Nightmare (07), Humbug (09), Suck It And See (11) y AM (13). En la entrevista de portada de nuestro anterior número, Alex Turner declaraba algó así como que su nuevo disco, Tranquility Base Hotel

& Casino, era un gran salto pero que ese paso adelante hacia el vacío no le provocaba vértigo. Definitivamente, poco o nada tienen ya que ver los críos que descubrimos en 2005 con los tipos que son en 2018. Tranquility Base Hotel & Casino es muchas cosas. Es el disco en el que Arctic Monkeys se alejan definitivamente del rock de guitarras para cederle todo el protagonismo al piano Steinway Vertegrand que su manager le regaló a Alex Turner cuando cumplió los treinta. Es el disco de Arctic Monkeys que más se parece a un disco de The Last Shadow Puppets, pero sobre todo es el disco de Arctic Monkeys menos Arctic Monkeys: un disco en solitario de Alex Turner (por primera vez todos los temas son exclusivamente suyos) firmado de forma colectiva.

Algo así como un Nick Cave en tonalidades blancas, luciendo ahora un look entre Prefab Sprout y Corrupción en Miami, Alex Turner se ha enfundado el traje de crooner moderno y perfila once cortes de texturas lounge y space pop, soul, jazz y canción de autor. Sin singles claros pero momentos de alta tensión emotiva como Four Out Of Five, One Point Perspective o la propia Tranquility Base Hotel+Casino, es un disco tan desconcertante como interesante.

Admirable en su riesgo estético, una obra notable pero no sobresaliente. —oriol rodríguez

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—carlos pérez de ziriza

Cooper

La madurez de Arctic Monkeys Arctic Monkeys

POP / Rara vez nos darán gato por liebre. Su transparente ausencia de pretensiones y su capacidad para reírse de sí mismos es notoria. Si en su debut ya dejaban claro que no había porqué esperar la octava maravilla de su propio hype, ahora sintetizan algunas de sus mejores virtudes en un disco bautizado gracias a las tensiones entre un Justin Young y un Freddie Cowan que casi acaban partiéndose la cara. Con la entrada del nuevo batería Yoann Intonti y del teclista Tim Lanham, han despachado una sucesión de pelotazos que romperán caderas en festivales, aunando ecos spectorianos (Put It On A T-Shirt), crudeza casi tabernaria (Surfing In The Sky o Take It Easy) o acercamientos al universo de Phoenix o Two Door Cinema Club (Your Love Is My Favourite Band o Maybe (Luck Of The Draw)).

8

Okkervil River

Tiempo, temperatura, agitación Elefant Records

POP / Álex Díez concreta el nuevo disco de Cooper en un decálogo a la vieja usanza y con un contenido también clásico: pop algo nostálgico pero siempre luminoso y colorido, además de detallado y sólido. Un sonido retro que no pasa de moda, aunque en esta ocasión las guitarras sean un elemento menos marcado, oxigenando así (aún más) las melodías. Una preferencia que podría entenderse como ramalazo de madurez creativa, si no fuese por la desbordada ilusión juvenil que coloniza todo el elepé. El optimismo se desprende en los habituales motivos que inspiran a Díez. Viajar, la urbe, bailar, el sol y el verano, o sencillamente la evasión. Una obra que incluye varios cortes que, por verticalidad y empatía inmediata, bien podrían pasar a formar parte del repertorio destacado del grupo.

7

—raúl julián

In The Rainbow Rain ATO/[PIAS]

POP / Hay resurrecciones gloriosas que procuran gozosas reinvenciones, y la última encarnación de Okkervil River es una de ellas. Si Will Sheff ya firmó con el sobresaliente Away (16) un disco inesperadamente sublime –justo cuando su banda estaba en coma casi irreversible–, con momentos de una serena y doliente emotividad que le acercaban a las mejores cotas de American Music Club, ahora firma su reverso luminoso en diez canciones que se dotan de sintetizadores, saxos, alguna guitarra eléctrica y coros de aliento místico para dar con su versión más jubilosa y directa, todas aupadas en el subidón que la ha procurado contar con la misma banda -totalmente nueva para él– que le acompañó en la gira de presentación de su anterior trabajo.

8

—carlos pérez de ziriza

junio 2018 #35

MONDOVINILOS

Belly

Dove Belly Touring

Father John Misty ilumina el abismo

POP / A pesar de proceder de Boston, el sonido de Belly en los noventa se acercaba al facturado por algunas bandas británicas, situándose en algún punto intermedio entre Echobelly, Cocteau Twins y Sleeper. La banda de Tanya Donelly regresa con nuevo disco veintitrés años después de su anterior entrega, y tras una feliz gira de reunión. El álbum contiene alguna canción acertada y capaz de reverdecer laureles (Mine, Faceless, Army Of Clay y sobre todo Shiny One), junto a mayoría de piezas tirando a inocuas. El estilo del cuarteto ha cambiado poco, y si acaso presenta mayor presencia de pop melódico y unas guitarras menos marcadas. La interpretación vocal de Donelly funciona como nexo de unión entre pasado y presente, mientras el resto del equipo se muestra bastante manso. Un álbum desprendido de la euforia juvenil presente en su época gloriosa, y desde luego alejado de la trascendencia, pegada y convicción de los dos discos previos del grupo. —raúl julián

6

Father John Misty

God’s Favourite Customer Bella Union/[PIAS]

9 ROCK / Tras el ambicioso e indigesto Pure

Comedy (17), Father John Misty se encierra durante dos meses en un hotel de Nueva York, se mira al espejo y hurga en sus entrañas, en busca de un antídoto para la angustia y el vértigo de vivir. El resultado tras mirar por la cerradura de su propio corazón se materializa en diez deliciosos chutes en vena que relampaguean e iluminan el abismo interno como fuegos artificiales.

Treinta y ocho minutos directos al centro de la diana que, sin renunciar a la ironía, se liberan del cinismo y todo orden conceptual, suavizando el dolor y la soledad. En God’s Favourite Customer, se filtra vulnerabilidad y verdad por cada surco, del anhelo y arrepentimiento de Just Dumb Enough To Try, con un piano omnipresente, un doliente slide y Tillman siguiendo la estela vocal del mejor Elton John, a la inicial y evocadora Hangout At The Gallows, con unos precio-

sistas arreglos de cuerda y Father John Misty arañándonos en cada fraseo. Rayos de Sol que nacen de la depresión, el miedo a la pérdida y los delirios de aislamiento lejos de su mujer, como en el primer adelanto Mr. Tillman, en la que deja sonar la caja de música de su cabeza y nos cuenta, entre ironías, las desventuras de su estado de ánimo, o en la desbordante belleza de Please Don’t Die, en la que se raja

José Domínguez ‘El Cabrero’

Caroline Rose Loner

Ni rienda ni jierro encima Atípicos Utópicos

FLAMENCO / A sus setenta y tres años, José Domínguez, “El Cabrero” es, sin duda, el cantaor más indomable de la escena flamenca. Con su veteranía anárquica, nos ofrece un disco con los cantes a los que nos tiene acostumbrados: fandangos, soleás, seguiriyas... Pero saliéndose de la órbita flamenca, como hizo en el pasado con sus incursiones en el tango argentino, esta vez se arriesga con un vals criollo por bulerías. Por otro lado, José Domínguez sigue gritándole a la libertad (“escupirles a los opresores, a los explotadores y al miedo, que es el mayor enemigo”).

En esta producción, le acompañan Kutxi Romero a la percusión y Manuel Herrera, con su toque magistral, a la guitarra (una sonanta que le viene como anillo al dedo a la voz de El Cabrero, siendo uno de las mejores guitarristas para el acompañamiento de la actualidad). Ojalá tengamos Cabrero para mucho tiempo con su voz sin concesiones, fiel a su propio estilo por encima de modas y corrientes. —curro velázquez

7

#36 junio 2018

King Tuff

POP / Caroline Rose cuen-

ta que Loner es el diario sonoro de sus últimos y accidentados dos años de vida. Una temporada a lo largo de la que, entre otras cosas, se apuntó a Tinder, se echó una novia, pintó su piso con cola, se separó y aprendió que el mundo moderno era y es un lugar terrible.

Con esa descripción uno podría esperar un disco cortavenas, pero no, es justo lo contrario.

Rose contrarresta y trasforma la ansiedad, la frustración y los sueños truncados en una colección de canciones que se canturrea desde la primera escucha y que te anima a dar saltos y a hacer el tonto. Rose nos dice los siguiente: para superar algo malo, lo mejor es enfrentarse a ello con humor negro y con ganas de patear culos. En Loner, la neoyorquina reivindica el pop de Blondie y The B-52’s pero sin caer en lo rancio. Si esos grupos surgieran ahora, sonarían un poco como lo hace Rose aquí.

—xavi sánchez pons

POP / King Tuff suaviza el aspecto general de sus canciones, inyectándoles más colorido, apostando por tonalidades adicionales y, en definitiva, generando mayor luminosidad global que en anteriores ocasiones. The Other es un disco de glam-rock y space-pop, con influencias de la Costa Oeste y generosas pinceladas de psicodelia, power-pop o incluso funk. Un conjunto en el que los falsetes, cierta épica y el gusto por el adorno algo excesivo resultan evidentes, tanto que terminan convertidos en principales protagonistas del asunto.

El norteamericano firma un disco ambicioso, que incluye una decena de composiciones valiosas e inspiradas, aunque por momentos resulte algo recargado en pretensiones. Un problema menor, en cualquier caso, si atendemos a lo imaginativo de lo que nos propone y las buenas vibraciones generadas por las propias composiciones. En resumen, un álbum de singles evidentes que resulta bastante irresistible.

7

—raúl julián

Anne Marie

Leon Bridges

The Other Sub Pop/ Popstock!

New West/ [PIAS]

7

el pecho de arriba abajo. Mr. Tillman está de vuelta, cicatriza y abre heridas con la misma facilidad, recuperando la frescura de sus primeros pasos. De la posibilidad de amor eterno en Disappointing Diamonds Are The Rarest Of Them All, con un falsete que serpentea y nos ciega, a la desnudez descarnada de The Songwriter, en el que “el final de todo puede parecerse mucho al principio”. —david pérez

Speak Your Mind Asylum/ Warner

Good Thing Sony Music

6

SOUL / Es fácil empatizar

con la decisión adoptada por Leon Bridges. Catalogado por su debut como aventajado alumno de la sensible ortodoxia soul, su espíritu joven le ha llevado a buscar un acomodamiento estilístico más acorde con esa contemporaneidad. A pesar de que en aquel Coming Home (15) ya se atisbaba cierta amplitud de miras más allá de la mera adaptación clásica, Good Thing no puede ser visto como una continuación sino un claro intento por redireccionar su perfil. Para tal envite ha priorizado un ambiente musical, sin sepultar los ecos de Curtis Mayfield o Stevie Wonder, más “actualizado” y artificioso que por momentos naufraga en anodino minimalismo (Lions) o insípidos ritmos (Forgive You) y que, por el contrario, encuentra buen término en la funk-jazzística Bad Bad News. Poco botín para un loable pero fallido intento de personarse como regenerador de los sonidos negros, a pesar de cerrar el álbum con una emocionante Georgia To Texas. —kepa arbizu

POP /Oportunista y sin alma. El disco debut de Anne Marie es una cadena de temas pop olvidables que la artista británica busca colocar en las listas de éxitos a toda costa. Sin ningún tipo de interés creativo, Speak Your Mind se reduce al intento constante de encontrar la fórmula que convierta a la protagonista en estrella. Además, se obsesiona en consolidar su sonido a base de ritmos tropicales y baladas pop vacías que hacen imposible terminar el álbum en una sola escucha. En la producción y composición del proyecto nos encontramos con figuras como Jennifer Decilveo (Beth Ditto, Andra Day) y Steve Mac que, además de estar tras el Rockbye de Clean Bandit que colocó a Anne Marie en el mercado, ha colaborado con estrellas británicas como One Direction. Aún así, lo mejor de este disco es la unión de Ed Sheeran con Julia Michaels para generar ese himno r’n’b que es 2002 o el corte urbano y pegadizo que protagoniza junto a Marshmello en Friends. —álex jerez

4

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Hawk

—tomeu canyelles

7

POP / No hay como tener

buenos amigos que estén dispuestos a ayudarte. Y eso es lo que le ha pasado al multidisciplinar David Hawkins con el nuevo disco de su proyecto personal, Hawk. Cuando nadie lo esperaba se saca de la manga para este Bomb Pop una banda formada por Pete Thomas, batería entre otros de los Attractions de Elvis Costello, Ken Stingfellow de The Posies al bajo y Gary Louris de The Jayhawks a la guitarra y los coros ¿Inmejorable? Probablemente.

Lo mejor de todo, además, es que Hawk vira su sonido del americana, en el término amplio de la palabra, de sus anteriores discos para centrarse ahora en un power pop que le va como anillo al dedo a sus compañeros de aventuras.

Brilla la sección rítmica con esos ritmos acelerados y, claro, luce un Louris espléndido a los coros y certero en los arreglos melódicos de los temas de su compinche. “El disco proviene de mi amor por Big Star, The Beatles y The Band” dice Hawkins. Se nota, amigo, se nota.

—eduardo izquierdo

Trident Wolf Eclipse Century Media

METAL / 2018 puede ser el año de Watain. Al menos el del resurgimiento de sus propias cenizas. En Nuclear Alchemy, corte que abre el disco a mil revoluciones, parecen bestias recién liberadas de las cadenas del anterior The Wild Hunt, un disco más progresivo, melódico y abierto de miras que supuso un revulsivo entre el núcleo más aguerrido de sus seguidores. Una propuesta totalitaria plagada de blastbeats, explosiones, guitarras corrosivas. El disco prosigue sin tregua, intercalando algunos medios tiempos que aportan un poco de oxígeno, como Ultra (Pandemoniac), de sonido más death, o The Fire Of Power, más épica y armónica. Retoman el cetro con treinta y cinco minutos de brutalidad sin compasión, de fuerza depredadora y amoral, de catarsis y oscuridad sin fin. Una buena manera de celebrar el veinte aniversario de la única banda que, a día de hoy, puede mirar de tú a tú a las formaciones clásicas del primigenio black metal noruego.

8

—david sabaté

DD LJM DC JSL Med

1 Janelle Monáe Dirty Computer

9 8 7 7 7,75

2 Kamasi Washington 7 8 8 8 7,75 Heaven And Earth 3 Mourn 7 7 8 8 7,5 Sorpresa familia 4 Father John Misty 7 8 7 7 7,25 God’s Favorite Customer 5 Courtney Barnett 8 7 7 7 7,25 Tell Me How You Really Feel 6 Chancha Via Circuito 7 7 7 8 7,25 Bienaventuranza 7 Dorian 8 6 6 7 6,75 Justicia universal 8 Arctic Monkeys Tranquility Base Hotel & Casino

7 7 6 7 6,75

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

METAL EXTREMO / No podría haber mejor declaración de intenciones que convertir a Manuel Delgado Villegas “El Arropiero” –el mayor asesino en serie que haya dado España en toda su historia– en el gran protagonista de la portada del primer álbum de Cabestro, banda barcelonesa en cuya formación hallamos a músicos que han pasado por Foscor, Greus, Moksha o Vortice, entre otras. Inspirados en esa España, cañí y sórdida a su vez, recrean un denso collage de sonidos extremos que se sustentan sobre el grindcore, el crust-punk y el death metal y, en tramos concretos, el sludge.

Tamaña salvajada se traduce en diez primeras canciones que, pese haber sido grabadas, mezcladas y masterizadas entre el 2011 y el 2016, constituyen un debut sólido. Las letras, tremendamente elaboradas, dan un valor añadido a un trabajo tan condenadamente feroz como este.

7

Watain

Bomb Pop Autoeditado

¿Crónica de sucesos?

Discos Macarras

top 10.

Cabestro

9 Axolotes Mexicanos 5 7 6 7 6,25 Salu2 10 Post-Malone 6 5 5 6 5,5 Beerbongs & Bentleys

Artificial Pleasure: revival con sustancia

Darlyn Vlys Prince In The Rain Sincopat

Artificial Pleasure

The Bitter End East City Rockers ELECTRÓNICA /Sylvain Soullier, Darlyn Vlys, le ha dedicado nueve años a este disco de presentación, un proyecto que nació en Montpellier, donde estudiaba cine. De ahí que su música tenga momentos tan cinemáticos, con la sombra de Vangelis planeando sobre cada nota. Un disco detallista, sintéticamente bello y repleto de melodías adictivas.

Superficialmente parece frío, pero en realidad alberga fuego en su interior. Once cortes que pasan en un suspiro y que combina los cálidos sonidos analógicos con los juguetitos digitales más actuales. Un compendio de historias musicales que mezclan dramatismo y romanticismo a partes iguales, sobrados en matices y con voces invitadas que son una maravilla, como Haptic en el excelente corte final, Surface, o Andreas Kubat, que pone voz a dos de los mejores cortes del disco, Learned To Hide y Sun In Hell, o el viaje fascinanate de Rari en Paradoxal. —marcos molinero

7

8 POP /Hace unos pocos años, el revival punk

funk se lo tomó muy en serio. Las bandas creaban hits sin necesidad de que nos ruborizasen de pura obviedad, pero los tiempos continúan cambiando y, a veces, da la impresión de que la necesidad de sonar bailables se ha ido alejando poco a poco de las bandas interesantes y con sustancia. Por suerte, todavía quedan tipos con ganas de recuperar un período en el que menear las caderas y hacer canciones atractivas no estaba reñido, ni era exclusivo del mainstream.

Unos de ellos son los cuatro miembros del cuarteto londinense Artificial Pleasure.

Nacidos como trío y ahora consolidados como cuarteto, Artificial Pleasure vendrían a ser algo así como la materialización del sueño de que ciertos ochenta vuelvan a dignificarse como merecen. Phil McDonnell (vocalista, guitarra y fundador del grupo junto a su amigo de infancia Dom Brennan) lleva tiempo listando entre sus preferencias a David Bowie, a Talking Heads, LCD Soundsystem y –más curioso- a D.A.F., lo cual

ya nos deja claro hacia dónde se dirigen sus canciones. Escuchándoles es sencillo dibujar una línea recta entre algunos de esos nombres y ellos. Porque The Bitter End vendría a ser la pócima resultante de combinar canciones como The Space Between y The Main Thing del Avalon de Roxy Music, Making Flippy Floppy del Speaking In Tongues de Talking Heads y algunas del David Bowie de distintas etapas.

Ahí están para confirmarlo I’ll Make It Worth Your While, I Need Something More o Wound

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Up Tight, todas ellas pegadizas, bailables y con una pizca de oscuridad que les sienta muy bien. Como James Murphy, McDonnell y los suyos son de esa gente que, a la hora de inspirarse en terceros, sabe dónde poner el ojo para luego acertar ellos con su bala. The Bitter End no es un álbum tremebundo, lo sería si todos los cortes mantuvieran el mismo nivel, pero por lo menos es una sorpresa con fundamento y un disco con buenas canciones bailables.

—joan s. luna

junio 2018 #37

MONDOVINILOS

Ry Cooder

8

ESPIRITUAL / El nuevo tra-

bajo de Ry Cooder tras seis años de silencio es, en su mayoría, un disco de versiones, pero solo de la forma en la que Ry Cooder sabe acercarse a la música tradicional afroamericana. La misma que desarrollaron hace más de ocho décadas intérpretes primigenios como Blind Willie Johnson, Carter Stanley o William Dawson que ahora recupera, desempolvándolos, y añadiéndole esa sabiduría melódica marca de la casa y una voz cuyo registro ha ido mejorando con los años. El resultado es un disco plácido, elegante y bello que actúa como un bálsamo en el oyente. Un álbum que podríamos colocar en la misma liga que aquel delicioso There Will Be A Light de Ben Harper & The Blind Boys Of Alabama, aunque la espiritualidad en el caso de Ry Cooder esté algo más diluida. Everybody Ought To Treat A Stranger Right, The Prodigal Son o You Must Unload sacan el máximo rendimiento a las voces de Terry Evans, Bobby King y Arnold McCuller.

—don disturbios

Courtney Barnett, luz al final del túnel Courtney Barnett

Tell Me How You Really Feel Rough Trade/Popstock!

8 ROCK / No ha sido un camino de rosas para

la australiana completar su segundo largo.

El rotundo éxito de Sometimes I Sit and Think, And Sometimes I Just Sit (15) tuvo un efecto casi paralizante para una compositora que de repente levantó las mayores expectativas. Sobre todo, en sus propias palabras, se trataba de no “añadir una canción más al montón que ya hay en el mundo.

Quería componer cosas que me importaran y tuvieran un sentido”. Noble propósito que refleja la presión que se puso a ella misma para elevar el listón. Afortunadamente, su colaboración con Kurt Vile y la meditación oriental tuvieron un efecto terapéutico en la recuperación de confianza, llevándola a escribir letras más personales. Porque en lo musical, su propuesta agreste, juguetona y espontánea, con referencias clásicas y del mejor indie, sigue ahí, aunque con un toque añadido de sofisticación. No es una sorpresa, teniendo en cuenta que repite exactamente la misma banda (y productores, ella misma incluida) que su debut. Es en lo lírico donde Barnett tiene la valentía de ser

#38 junio 2018

Pennywise

The Prodigal Son Caroline/Music As Usual

más confesional, introspectiva y directa.

Madurez lo llaman. Las brumas de ultratumba del inicio de la densa Hopefulness, que funciona casi como intro, engañan. ¿Oscuridad sin concesiones? Muy pronto, el riff de guitarra nos devuelve a su territorio, donde manda esa voz encantadora y las melodías informales. You Know Its OK To Have A Bad Day, canta, según la canción va creciendo.

Las cosas se aclaran aún más en City Looks Pretty, con su estrofa de bajo obsesivo, su estribillo irresistible y su cambio de ritmo; y en Charity, que en un mundo paralelo, sería incontestable hit. Una melancolía suave se adueña de la parte central del disco, con Need A Little Time y Nameless, Faceless, inspirada por una cita atribuida a Margaret Atwood. Courtney se pone aguerrida contra el machismo rampante también con I’m Not Mother, I’m Not Your Bitch, que por momentos parece un homenaje al tristemente fallecido Mark E Smith. En Crippling Self Doubt And A General Lack Of Self Confidence (gran título, muy suyo) invita a cantar a las hermanas Deal de The Breeders en un juego intergeneracional que funciona y tiene todo el sentido. La espléndida Sunday Roast culmina un disco breve y cuya maduración parece haber salido sin esfuerzo, que Barnett ha utilizado como terapia: siempre hay luz al final del túnel. Sobre todo con discos así. —josé carlos peña

Never Gonna Die Epitaph/[PIAS]

7

HARDCORE / Poca presen-

tación necesita el nuevo álbum de Pennywise, sobre todo cuando Never Gonna Die se erige como uno de los mejores trabajos que hayan publicado los californianos. Llevaban una década sin sacar material completamente nuevo -dejando de lado Yesterdays (14)- y lo hacen de nuevo con Jim Lindberg al timón.

Constantes y punzantes, los trece cortes del álbum se convierten en un chute de adrenalina que hará las delicias de cualquier simpatizante de la banda. No hace falta más que escuchar el tema que da título al disco para darse cuenta de lo que uno tiene delante. Y es que, más allá de Can’t Be Ignored, en la que bajan el ritmo con algún doblaje de tempo o Goodbye Bad Times, poco margen dejan para respirar. Siguen sonando con la misma intensidad y con el mismo sonido que hizo que cayéramos rendidos a sus pies. Diría que son los reyes del punk rock melódico, aunque la verdad, eso es algo que ya todos sabíamos.

—blanca olivella

Auxili

San Jerónimo

Tresors Propaganda Pel Fet!

7

MESTIZAJE / Como un sur-

fista, Auxili se subieron a la gran ola de música valenciana con su segundo álbum Instants cremant (16). Una vez rota la ola y con los surfistas más veteranos inactivos, a Auxili no les ha temblado el pulso para coger la tabla de nuevo y situarse como claros aspirantes al trono con Tresors.

El nuevo disco de los valencianos pierde parte de su carga reggae pero cabalga decentemente sobre ritmos de ska y rock entre letras de alta crítica social, lo cual suma a su favor. Excelentes vientos y sintetizadores cogen un papel crucial para regalarnos perlas como Pàgines negres o Si tu vols. Buena producción sumada a colaboraciones de ZOO en la arrolladora Com Camot, de Oques Grasses en esa bomba de positivismo que lleva por nombre Converses de balcons y de Green Valley en el dancehall T’escric, que completan un álbum para petar salas de Valencia y Cataluña. Y así lo están haciendo. Auxili, al rescate.

—alex espuña

El Sur WeAreWolves Records

7

POP / San Jerónimo decían,

días antes de la salida del disco, que siempre se han sentido cómodos en terrenos melancólicos. Un comentario que, a colación del estreno de este El Sur, se ha vuelto afirmación rotunda, sin impedir por ello que su visión del pop se expanda hacia nuevos horizontes, confluyendo con el neo-soul y el downtempo.

Esta nueva colección de canciones se aleja del folk reposado de su debut, Salinas 20:15, para abrazar, con aire ensoñador y etéreo, paisajes cercanos al ambient. Esos nuevos horizontes irradian una mayor luminosidad.

Temas como El verano era ella o Cuentos de invierno lo demuestran a la perfección y suponen un día soleado que contrasta con la introspección que proponen Cabañaquinta o El parque aquel, con arpegios que evocan el espíritu de su anterior trabajo. El Sur supone una amplitud en la paleta sonora de San Jerónimo, capaces de explorar nuevos terrenos electrónicos.

—manuel novo

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Pol Fuentes

Embranzida Picap

7

POP / Cuando alguien tie-

ne tantas cosas dentro, y todas buenas, tiene que sacarlas de alguna manera. Es el caso de Pol Fuentes, artista inquieto, músico, director de clips y muchas cosas mas, con una vida interior tan heavy que le caen los proyectos de los bolsillos. Ha pasado poco más de un año desde Una nova guerra (16) y ya nos regala Embranzida, en el que sigue apostando por la canción de autor. Da un paso adelante, con canciones más compactas y orgánicas que brillan al combinarse con su profunda voz al más puro estilo Ovidi Montllor. Fuentes es además un excelente narrador que nos cuenta historias como las últimas horas de Xosé Humbero Baena o su particular visión del cuento de los tres cerditos.

Recoge la tradición de canción de autor europea, con guiños a la chanson française clásica de Moustaki o a la solemnidad de Leonard Cohen, y todo ello con un gusto por patrones poco obvios que hacen de su propuesta algo único y singular. —maría fuster

John Maus, atrapado por el pasado John Maus

Addendum Ribbon Music/ Music As Usual

9 POP / Si hay algo que hace que John Maus no

entre dentro del perfil básico de revivalista crónico, es su intención de sumergirse en los ochenta bajo la idea de abrir la puerta a pasados perdidos y para nada recrearse en los ya conocidos. Solamente así es posible entender que su nuevo trabajo, compuesto de temas cocinados en las mismas sesiones del fabuloso Screen Memories, emerja como una abstracción psicofónica de la versión antártica del synth-pop de aura sci-fi tan en boga a comienzos de los ochenta. Desde el primer peldaño, Outer Space, queda definida esta vía, a la que da plena continuación en el resto de cortes que conforman este nuevo corte de mangas contra la ultra normalidad del actual escenario pop.

Al igual que Ariel Pink -compositor de la fabulosa Privacy, octava pieza de este Addendum-, el profesor de filosofía ha forjado un personaje de sí mismo para armar canciones que invocan

Cancer Bats

Rels B

Flakk Daniel’s IloveRlbs!

7

RAP / No se trata de un

disco brillante que haga volar las cabezas de la erudición especializada por su complejidad y matices. Tampoco una disrupción en la escena, más bien una adaptación de la música del mallorquín a la demanda de público sediento de mainstream sin olvidar “de dónde viene y a dónde va”. Esta conjugación de ambos mundos parece que guarda el intento de Rels por satisfacer a todos incluido él y, quizá, ese haya sido el fallo, jugar a lo seguro y no ofrecer un universo más particular. Esto no quiere decir que el disco no funcione, lo hace perfectamente según sus planes: Instrumentales como patenas, letras fáciles y románticas, un trato digno de la mujer como ocurre en Love It, entonaciones, estribillos y colaboraciones tan queridas como acertadas. En definitiva: una formula pop aplicada al rap y a una personalidad concreta que como se esperaba ha funcionado.

Quería dirigirse a la masa y lo ha conseguido, se la ha metido en el bolsillo. —manuel jubera

Natalie Prass

The Spark That Moves Bat Skull/New Damage

9

HARDCORE / Trece años

después, es algo inusual que una banda te sorprenda con un nuevo disco. Pero Cancer Bats nunca han sido un grupo al uso.

Publicado por sorpresa (¿cuándo compone esta gente si están siempre de gira?), supone una vuelta a los inicios más crudos y hardcore punk de su Hail Destroyer sin renunciar al rollo southern y metal (con un Scott Middleton sembradísimo que pare riffazos más precisos y apisonadores que nunca) por el que se decantaron en Searching For Zero (15). Los once temas del álbum compilan absolutamente todo lo mejor de los Bats, su marca personal en su versión definitiva (mención especial también al trabajo de Liam Cornell que se desenvuelve de lujo en su registro gritado pero también en otros más pausados). Y por si aún no estábamos contentos, la guinda a este increíble pastel la ponen los guest vocals de Chris Hannah de Propagandhi en el último tema.

—sofía cuevas gonzález

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

el carácter políticamente incorrecto de los hijos del post-punk original. ¿Qué más da que este nuevo disco suene como si Ian Curtis tuviera a John Foxx de paladín sinte? ¿Acaso no es una opción atractiva para todos nosotros? Bajo tan sugerente what if… llevado a la realidad, Maus se ciñe a una verdad universal: todos los profesores de filosofía están tocados del ala. Y algo así es lo que necesitamos para

Marem Ladson

The Future And The Past ATO/[PIAS]

6

POP / Considerable cambio

de tercio (de nuevo en el estudio de Matthew E. White) hacia una producción más contemporánea y menos vintage que en su predecesor, que enmascara como música urban algunos brotes de nostalgia por esos ochenta cuya onda expansiva no cesa. Un álbum con no pocos momentos de excitación pero algo irregular, cuyos picos más altos llegan cuando parece soltarse el pelo y entonar con dicción entre casual y adormilada sobre ritmos entrecortados –como si quisiera invocar a la mejor Solange, e incluso confluir con Janelle Monáe o Erykah Badu– en emulsiones de sinuoso R’N’B que dejan de una pieza al más pintado. Sin embargo, tres o cuatro cortes de aséptico material radioformulable terminan por situarlo entre la cal y la arena, como si a base de apelar a diversas capas de público se hubiera quedado varada en la indefinición. No es un paso en falso, pero sí un álbum que abona el terreno a dudas razonables.

—carlos pérez de ziriza

barrenarnos la quijotera. Ya sea desde la imaginería apocalíptica, como en la ballardiana Dumpster Baby, o el mismo vacío existencial invocado desde los gélidos contornos industriales del background sintetizado.

Dicha simbiosis verbaliza un pulso interior distópico tremendamente revelador de la era Trump que, directamente, o por efecto mariposa, nos ha tocado vivir. —marcos gendre

Nøm

Alqvimia Autoeditado

Marem Ladson Mont Ventoux

7

POP / En su debut, Marem

Ladson busca afianzar un sonido clásico (Woods) y cargarse de frescura al mismo tiempo entre guitarras o apuestas poperas.

Del proyecto destacamos por un lado ese All My Storms que compuso la artista a los quince años en Estados Unidos y, que junto a Carasueño, ha conseguido sacarle todo el potencial que se merece.

Por otro, un Coming Home en el que muestra su lado más dreamy, se rodea de sintetizadores y nos regala un tema ambicioso que no para de crecer. Y, por supuesto, ese Shades Of Blue agresivo, guitarrero, pegadizo, que se ha convertido en el himno de su carrera. Gracias al estupendo trabajo de Juan Diego Gosálvez y esa mano de Brian Hunt a la hora de producir y trabajar el género. Este homónimo resume bastante bien todo su pasado y presente musical. Y, además, nos pone los dientes largos, pensando en un futuro más maduro, rodeada de una gran riqueza instrumental y dejando de lado ese exceso de fragilidad que no le deja despegar. —álex jerez

7

ROCK / Hay grupos que

nacen con la grandeza en su interior. Un ejemplo claro lo tenemos en Nøm, cuarteto procedente de Zaragoza que con su larga duración de debut consigue un grado de perfeccionismo notable. Lo suyo es un rock alternativo que se mueve por derroteros progresivos y por unas aspiraciones ambientales intachables. Lo que les hace sobresalir es su capacidad para mimar los detalles compositivos y que cada elemento encaje con precisión en la maquinaria.

Alqvimia aúna fragmentos melódicos y sinuosos con otros en que los instrumentos juegan a buscarse. Asimismo incluye dosis de experimentación y autodescubrimiento a partes iguales, y nos hace partícipes de su viaje. Con la guinda que supone la labor al micrófono de su cantante, llena de personalidad y estilo propio, Alqvimia y las ocho canciones que contiene sitúan a Nøm como una promesa firme del rock independiente aragonés. —francisco reina junio 2018 #39

MONDOVINILOS

Stephen Malkmus & The Jicks

Sparkle Hard Domino/[PIAS]

Post millennial Post Malone

Beerbongs & Bentleys Universal

5

RAP / Que cada cual es hijo

de su tiempo, es un hecho.

En el caso de Austin Richard , Post Malone, una manifestación.

Cualquier momento de su historia está compuesto de instantes de virtualidad y los hechos lo respaldan. Se trata de un adolescente que hizo su primer acercamiento a la música de la mano del Guitar Hero. El mismo chaval que, como Bob Dylan, abandonó su ciudad para probar suerte con la música -con la diferencia de que Dylan se dirigía a rendir pleitesía a Woodie Guthrie y Austin iba a dormir a la residencia del reconocido gamer Jason Stokes-. Y por si cupiera alguna duda del pedigrí posmilenial del neoyorquino, bastará con recordar que su bautismo en el

Balago

Negro

El demà Foehn

mundo del hip hop no vino de la mano de otro rapero ni tampoco de su inventiva, sino de un generador de nombres de rap online. Si a esto le sumamos que es más blanco que el nácar, que se apunta a cualquier tendencia, que reniega del rap mientras lo hace y que las críticas le resbalan, ya tenemos los ingredientes necesarios para que esa “historia virtual” pierda cierta fugacidad congénita y se vuelva más duradera. Beerbongs & Bentleys ha sido justo eso, un gesto que intenta hacer historia pero no alcanza la gloria. Una larga colección de canciones apiladas una tras otra, acompañadas de colaboraciones estrella —Ty Dolla Sign o Nicki Minaj– y un mensaje que quiere exponer una depresión cáustica pero se queda en la llantina caprichosa. Un artefacto diseñado para plagar playlists y colonizar en tiempo record el Top1 de streaming pero que como obra resulta plana, sin empaque.

—manuel jubera

GAF y La Estrella de la Muerte

Clase media La Castanya

ELECTRÓNICA / El nuevo

disco de los catalanes podría comenzar justo donde acababa Darder (13), pero con una producción mucho más sofocante y aplastante. Esa sinfonía de drones en Àvol, muy similar a la música extraterrestre que el fallecido Jóhann Jóhannsson hiciera para la banda sonora de Arrival (16), ya avisa sobre lo que vamos a encontrarnos en El demà, un excelente trabajo de neoclásica hypnagógica cercano al ambient más oscuro.

Pero no crean que la cosa se puede simplificar con simples etiquetas estilísticas. Sus temas funcionan con micropiezas que acaban y renacen varias veces en las canciones, como los tres movimientos de Fins a l’últim moment, que comienza con un darkdubstep opresivo sin bombo y acaba con un canto de esperanza.

Es muy difícil parar El demà en un punto, pues estamos ante una experiencia sensorial que tiene que escucharse entera. Pero si tenemos que destacar un corte, ese sería El buit. —manu gonzález #40 junio 2018

8

INSTRUMENTAL / Fernando

Junquera nos entrega otro disco de su proyecto más personal, tomándose de nuevo total libertad a la hora de explorar los límites marcados por su guitarra.

En este nuevo Clase Media nos encontramos ante un músico que se encuentra muy cómodo divagando entre armonías propias de las canciones mediterráneas tradicionales, sabiendo en todo momento cómo entrelazar los acordes de una forma sutil para prolongar la sensación de continuidad. Seguramente estas nuevas composiciones encierran más contrastes que nunca, alternándose entre el manto más reposado y por momentos sombrío propio de Buen Orden al mismo tiempo de refugiarse en la solemnidad propia de temas como el inicial Piquitos. Tampoco ha querido dejar pasar de largo las características propias del folk progresivo en temas como Balada del niño muerto, reflejando cómo con tan solo un instrumento es capaz de construir paisajes de lo más evocadores. —noé r. rivas

7

PSICODELIA / Ay, la psicode-

lia. Estamos tan habituados últimamente a que se la invoque al hilo de músicas que podrían enmarcar campañas de ropa o anuncios de coches, que cuando nos topamos con algo tan deliciosamente insano como lo que llevan haciendo GAF desde hace casi una década, parece que nos enfrentemos a una bendita anomalía. Los canarios siguen erre que erre, mezclando con Raúl Pérez en su estudio sevillano y sosteniendo sus abrasivas letanías en la voz ingrávida de Carol Machado: equilibrada conjunción de miel y hiel que en temas como Andromeda o Millions Of Stars (esta última con la sombra, casi deconstruida, de My Bloody Valentine) sigue mostrándose deslumbrante. Ocupando su propio espacio en nuestra escena independiente, alimentando también sus propiedades mántricas de perversas travesuras (ese último corte, Watchers, en las antípodas de la placidez), GAF siguen siendo –por suerte– todo un punto y aparte.

—carlos pérez de ziriza

WarmGun

Underoath

Inside Kasba

Erase Me Fearless Records

Gamma Bay Foehn

9

POP / El californiano ya no es ningún crío, pero mantiene intactas las constantes que hicieron esenciales a Pavement.

Su séptimo trabajo con The Jicks le muestra en plenitud. Combinando las marcianadas marca de la casa con algunas sorpresas: auto-tunes (!), cuerdas (Solid Silk) y la aparición estelar de Kim Gordon en el delicioso divertimento pseudo-country de Refute. Desde la introducción de piano de Cast Off, con sus perezosas inflexiones vocales, hasta los siete minutos de épica beatleiana y kraut casual de Difficulties/Let Them Eat Vowels, Stephen y sus compinches retuercen las esencias de ese pop con inclinaciones lúdicoprogresivas en el que están tan cómodos. Sin perder los papeles, como en la fabulosa Kite. Con elegancia total. Vale, seguramente ya hemos oído algunos trucos, pero resulta imposible resistirse a la vitalidad contagiosa de unos tipos con toneladas de química que dan la impresión siempre de hacer música para divertirse. ¿Su mejor disco? —josé carlos peña

8

6

METALCORE / El nuevo

álbum del quinteto (que rechaza ya ser encasillado como metal cristiano) supone un giro bastante radical e incluso decepcionante tras ocho años desde su entonces aparente definitiva disolución en 2010.

Si bien los de Florida siempre se caracterizaron por modificar su sonido en cada uno de sus lanzamientos, el nuevo material queda muy lejos de aquellos temas que sentaron las bases de un género durante los 2000 y carece totalmente de la creatividad y el estilo único que eran cualidad inherente del grupo. Con una producción a cargo de Matt Squite (Panic! At The Disco, All Time Low, etcétera) el giro hacia un sonido mucho más genérico es evidente. Si bien en algunos cortes como el single On My Teeth o la intro It Has To Start Somewhere aún se reconoce parte de su visceralidad característica, a ciegas y en conjunto cualquiera diría que se trata de lo nuevo de Bring Me The Horizon. —sofia cuevas

ROCK / Lo primero que uno descubre del trío barcelonés es que su frontman es nada menos que Angel F. López, más conocido como Professor Angel Dust y por su carrera de electrónica caliente. Lo que mucha gente no sabe es que, hace ya muchos años, también formó parte de On, un grupo bailable de sonido totalmente británico.

Ahora le acompañan otros dos músicos de talento (Cesc Pascual y Marc Thió), combinando fuerzas y dando forma a una banda que tiene mucho más de los ochenta de lo que podíamos imaginar. De los ochenta oscuros a los que se suman los postreros setenta más afilados. Cuando leáis, aquí o en cualquier otro lugar, que tienen algo de Iggy Pop y al mismo tiempo de post-punk, sabed que es así suenan canciones como Black Butterfly o Wild Flower. Esta es su carta de presentación en largo y quedaría algo por pulir, pero de momento parece que tienen las ideas bastante claras en cuanto a los objetivos musicales que buscan. —ernesto bruno

7

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Dr. Dog

POP-ROCK / En este nuevo trabajo, Dr. Dog han dado un paso en falso persiguiendo la estela de la senda marcada por artistas como Jonathan Wilson, en la búsqueda de un sonido más adulto, con unas atmósferas repletas de elegante psicodelia que busca ser moderna sin serlo para nada.

El resultado se les ha quedado, como casi siempre, a medias y ese es un problema para una banda de tan largo recorrido. Empiezan dando esperanzas de que, pese al envoltorio, esas melodías marca de la casa aguantarán el tipo, pero pronto les engullen las ganas de sonar más trascendentes que estridentes y eso acaba por almibarar en exceso el disco. Si pasas por alto muermos melódicos como Critical Equation o comatosos como Night, verás que el ábum debería haber destacado por temas como un Go Out Fighting, que los pondría en la misma liga que My Morning Jacket, o un Under The Wheels más cercano a los Wilco de Nels Cline. No ha sido así y los volverá a engullir el olvido.

6

—don disturbios

Caer Reprise

POP / Encontramos en este nuevo disco las directrices características de Twin Shadow desde aquel destacable debut con Forget en 2010, esto es; pop mainstream edulcorado, sintetizadores y un eterno homenaje a los sonidos más ochenteros, esta vez con un mayor número de medios tiempos en forma de baladones, y todo pasado por el filtro constante del R&B. Siendo este un trabajo bastante más inspirado que su predecesor, da la impresión de que Twin Shadow sigue adoleciendo de una excesiva tendencia a las composiciones insustanciales, que en este caso funcionan como simple relleno, lo cual es una lástima porque también encontramos momentos que son auténticos golazos, como el dance de Too Many Colors, la resultona Saturdays (con la colaboración de Haim), o el R&B bailable de Obvious People. A pesar de ser un disco irregular en su conjunto, Caer da suficientes motivos para esperar una recuperación de la frescura e inspiración que mostró con su debut.

6

—ricky lavado

Pájaro

Surgeon

Gran Poder Happy Place Records

ROCK / Ese escudero de lujo que montó en una encrucijada su propia banda, allí donde Jimi Hendrix hizo un pacto con Manolo Caracol y el olor a incienso cofrade se mezcla, a golpe de corneta y cerveza fría, con sudor obrero e inagotable ilusión bética, vuelve a cabalgar con más fuerza que nunca en Gran Poder.

Brillantes nueve balas que miran de cara a la realidad y cierran la magnífica trilogía que comenzó con Santa Leone (12) y prosiguió con He matado al ángel (16).

Andrés Herrera firma sus mejores letras y comparte protagonismo a las seis cuerdas con Raúl Fernández. La aventura comienza con aires sureños y fronterizos en Corre, chacal, corre, instrumental que abre el telón de este spaghetti western con sello propio.

Nos atrapa en pocos segundos con Los callados, Rayo mortal, la afilada y necesaria revisión de A galopar o Lágrimas de plata. A este Pájaro libertario con espíritu de Llanero Solitario, ya no hay jaula que lo detenga.

8

—david pérez

MONDOVINILOS

Twin Shadow

Critical Equation We Buy Gold Records

Luminosity Device Dynamic Tension

7

ELECTRÓNICA / El británico

Anthony Child fue el mejor representante de ese techno británico oscuro, denso y duro que aunaba en una misma corriente el techno rebelde de Underground Resistance, el duro techno holandés y la oscuridad de los clubes berlineses de los primeros noventas. En esta segunda década del siglo XXI se ha prodigado poco con el seudónimo de Surgeon y lo hemos visto grabar discos con el colectivo sicodélico de Manchester Gnod. Con Luminosity Device, Surgeon vuelve al techno violento y oscuro, sin compasión para el oyente, con una colección de ocho temas para que tu esófago sea golpeado por los graves como un saco de boxeo. Child se puede permitir ponerse más funk y melódico en cortes como The Primary Clear Light o The Source, pero cuando coge la batuta industrial en temas como Courage To Face Up To o el mejor del disco, la intensa y anfetamínica Eight Wrathful Deities no deja hombre vivo en la pista de baile.

—manu gonzález

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Janelle Monáe: la alargada sombra de Prince Janelle Monáe

Dirty Computer Bad Boy Records/Atlantic

9 POP / Dirty Computer habla de la libertad de poder elegir a quien amar, de poder crecer en tu país sin que te ahogue la política, de alzar la voz y gritar sin miedo todo lo que se te pase por la cabeza. Se acabaron las metáforas y los escudos a la hora de contar historias. Janelle Monáe ya tiene treinta y un años y una situación social privilegiada que piensa utilizar para ayudar a todos esos colectivos que fueron maltratados, continúan sufriendo en el presente y sueñan con un futuro mejor. Con la ya habitual ayuda en la producción de Deep Cotton, el tercer largo de la estrella está cargado de un arsenal de temas pop adictivos, redondos, unidos entre sí, pero a su vez repletos de matices que los hacen únicos. Janelle ha dejado de lado el sonido Motown que protagonizaba The Electic Lady (13) para alcanzar un sonido que represente mucho mejor la actualidad. Y

no sólo la suya propia, la de todos esos jóvenes que están cansados de sucumbir a reglas prehistóricas y listos para la revolución. Es su álbum más personal –con las ayudas puntuales de Grimes, Pharrell Williams, Zoë Kravitz o Jon Brion, entre otros- hasta la fecha, sincero y cuidado. Por otro lado, Janelle Monáe ha conseguido lo que es como artista a Prince. No sólo porque es evidente la enorme influencia que este tiene sobre la estrella a nivel musical (Make Me Feel) sino por haber confiado en ella desde el principio, esas largas charlas de cinco horas y las jam sessions compartidas. Aunque también cita como otra de las grandes referencias musicales de su vida a Stevie Wonder, al que le dedica el tema Stevie’s Dream basado en conversaciones en el backstage con la estrella. Superadas ciertas batallas personales, Janelle ha conseguido mostrarse al mundo tal y como es sin importarle las consecuencias. Algunos de los pilares literarios que sustentan el disco son la defensa de los derechos de la mujer, el sexo o la crítica al presente y futuro de América. Hasta siempre Cindy Mayweather, bienvenida Jane 57821.

—álex jerez

junio 2018 #41

Javier Blánquez Cuando las letras bailan

CÓMICS El caso Alain Lluch

Mr. Kern y Antoine Pinson Autsaider

Hay algo inexplicablemente atrayente en las macarradas que despliega Mr Kern en este alucinante relato de caída-auge-caídaauge del ejecutivo de marketing de una turbia y salvajísima empresa de productos cárnicos. Su apabullante exhibición gráfica, que tritura el hiperrealismo a lo Corben con la libertad del graffiti y una puesta en escena propia de un viaje de LSD, logra sobradamente su objetivo de descolocar página a página hasta al lector más avezado. —alex serrano

Quiéreme bien Rosalind B. Penfold Astiberri

7 Dibujado y escrito por una mujer anónima que se camufla tras un seudónimo, Quiéreme bien es, como bien se subtitula Una historia de maltrato. Quizás el dibujo sea algo torpe, pero lo que la autora nos cuenta y la sinceridad con la que lo hace merecen toda nuestra atención.

Hacen falta obras así para que, una vez más, entendamos lo que ocurre ahí al lado, en casa de nuestros vecinos o a la vuelta de la esquina.

—joan s. luna #42 junio 2018

LIBROS

7

Javier Blánquez es uno de los periodistas del mundo que más pilotan de “lo electrónico”. Ahora, quince años después de su aparición en el mercado, la editorial Reservoir Books reedita su libro Loops -que coordinó junto a Omar León- y publica Loops 2, una extensa segunda parte de esta “biblia de la música electrónica” que abarca, a lo largo de casi setecientas páginas, lo sucedido en las lides de la música hecha con máquinas y aledaños, desde los albores del siglo XXI y hasta la actualidad.

S

i quieres saber desde cuándo la electrónica se fue distanciando del futuro y empezó a mirar demasiado al pasado, infringiendo una de sus principales razones de ser, por qué a pesar de que en los últimos años han surgido muchos nuevos estilos electrónicos -como por ejemplo el trap o la EDM- sigue siendo los de siempre -techno, house, ambient, dub, etcétera- los que siguen mandando o cuál es la verdadera identidad de la música electrónica en pleno siglo XXI, no debes de dejarte engullir por estos dos nuevos “tochos” -cerca de mil cuatrocientas páginas entre ambos- en los que Javier Blánquez (Barcelona, 1975) -desde un futuro que para nada

FOTO: aRCHIVO

42/Mondo Media

os “En España no inventam la música, pero sí el clubbing moderno” es lo que se esperaba- nos ofrece, en negro sobre blanco, su autorizadísima opinión, escrita con adictiva maestría sobre esto y mucho más.

Cuando le preguntamos por qué precisamente publicar ahora esta reedición y Loops 2 nos cuenta que “la idea partió de la editorial que ha empezado a reeditar algunos libros ya desaparecidos en las tiendas.

Ante la idea inicial de la actualización de Loops, desde el 2000 hasta ahora, con la inclusión de un par de capítulos nuevos, yo les propuse que lo mejor era escribir un segundo volumen para de verdad completar la primera parte”. Sobre si hay ya en el horizonte editorial un Loops 3, Blánquez dice no habérselo planteado.

“Es muy pronto para eso. Tendrían que pasar años. Lo que sí se podría plantear es completar este Loops 2 con un apéndice que recoja lo que suceda en los próximos años”. Sobre la no participación de Omar León en esta reedición, nos explica que no ha estado de forma física “pero sí en espíritu”.

Llama la atención que lo acontecido en la electrónica mundial en estos últimos quince años merezca setecientas páginas mientras que lo anterior -que abarcaba casi un sigloocupa prácticamente lo mismo. El autor lo aclara: “El primer volumen tenían que haber sido dos en realidad, pero no se pudo hacer así por razonables cuestiones editoriales”. Sobre el equilibrio entre crónica y opinión dice haber intentado “ser objetivo -en cuanto a la selección de los acontecimientos, aunque no fueran de mi

gusto personal- y subjetivo, desde mi propia interpretación personal de los mismos”. Afirma sentirse muy satisfecho de los nuevos apéndices y del epílogo de Ewan Pearson -que califica de “carta de amor al clubbing”, pero reconoce que el capítulo dedicado a la música electrónica en España, “por cuestiones de espacio”, ha quedado corta, sin demasiada profundidad.

“Este apéndice daría para otras quinientas páginas más, perfectamente.

En España no inventamos la música, pero sí el clubbing moderno”. A modo de conclusión, al preguntarle por el valor cultural actual de la música electrónica, Blánquez lo tiene claro: “La música electrónica ya forma parte de nuestro mundo, quizá no es el discurso hegemónico -como lo fue el rock en los setenta-, pero la tecnología aplicada el entretenimiento sí lo es, y ahí radica la importancia de la música de club, rave y el uso cosmético de la electrónica para el mercado del pop.

En este aspecto la música electrónica es dominante y forma parte central del discurso cultural actual. Está ahí y para quedarse durante mucho tiempo”.

—fernando fuentes

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Loops 2 Javier Blánquez Reservoir Books, 18

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El deseo de repetir

Yahvé M. De La Cavada Aloha Editorial

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Yahvé M. De la Cavada lleva desde 1994 dedicando su vida a la música y la escritura. Ahora nos propone un viaje interior en torno a los pensamientos de los tres protagonistas, donde la acción reside en la gestión de todas y cada una de sus preocupaciones, contradicciones y, finalmente, decisiones.

La obra saquea las herramientas de las que dispone la lengua para agitar primero y moldear después su propio discurso. —unai alonso Bowie

María Hesse y Fran Ruiz Lumen Gráfica

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Directa cuando es necesario y geométrica cuando lo requiere la propia complejidad del personaje, es el relato de la vida de Bowie que firma Fran Ruiz. De ahí que no se haya tardado en definirla como una biografía emocional. Buscan sus autores ir un poco más allá de la simple descripción para entrar en el espíritu de Bowie. El formato, además, lo facilita, ya que los excelentes dibujos de María Hesse ponen su granazo (que no granito) de arena. —eduardo izquierdo Los fantasmas de mi vida: Escritos sobre depresión, hauntología y futuros perdidos

Mark Fisher Caja Negra 8

Haz una lista de tus grupos favoritos. ¿Cuál ha sido su papel en la historia? Y no solamente en la historia de la música, sino en la sociedad de su momento. Para el desaparecido Mark Fisher no hay una distinción real y en su libro deja constancia de ello: una radiografía de los puntos de contacto entre los grupos de su vida y la sociedad capitalista postfordista que ya analizó en Realismo capitalista. —aleix mateu

Sandra Uve Supermujeres

LIBROS

LIBROS

Ilustradora, historietista y escritora, Sandra Uve acaba de incorporar a su catálogo Supermujeres, superinventoras (Lundwerg, 18). La autora del emotivo Los juncos nos descubre en su nuevo libro figuras como Hedy Lamarr (creadora del primer sistema de comunicaciones inalámbricas), Angela Ruíz Robles (patentó el primer e-book de la historia) o Gertrude Elion (desarrolló el primer tratamiento contra la leucemia)... Mujeres fascinantes no únicamente por sus creaciones sino por su incansable lucha por la igualdad.

T

odo empezó cuando Sandra Uve lanzó su Instagram. Su idea era crear posts divulgativos, reivindicativos y educativos, poniendo en contexto a todas estas inventoras que con sus ideas cambiaron su futuro y nuestro presente. “A medida que iba publicando a las inventoras, me di cuenta de que necesitaban algo más grande”. Fue así como empezó a catalogar a decenas, cientos... “Y entonces vislumbré el concepto de forma más general y con un objetivo principal: quería crear un proyecto diseñado enteramente, con un mensaje educativo, que llegue a las escuelas (como lectura recomendada y proyecto educativo) para que haya una educación equitativa y libre de estereotipos”.

Con todas esas miles de inventoras, Sandra Uve empezó a diseñar la estratégica creativa. Escogió las primeras veinticinco para una exposición que presentó en la Biblioteca Bonnemaison y que después ha adquirido y está producida por la Gerència de Serveis de Biblioteques de la Diputació de Barcelona.

“Es una exposición itinerante con dos copias que ya ha viajado por decenas de bibliotecas. La están visitando muchas escuelas, así que esa parte es un objetivo conseguido”. Después vino el libro. De las miles de cientificas e inventoras que había catalogado escogió doscientas para desarrollarlas más ampliamente.

“Para evitar que el libro tuviera mil páginas acabé seleccionando noventa y seis”. Supermujeres, superinventoras ha tenido una magnífica acogida (ya va por su segunda edición) y la autora ha recibido las felicitaciones de muchos miembros de la comunidad docente.

“Una de las mejores recompensas personales”, confiesa la ilustradora, “ha sido

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ron a “Nos enseña unca n Einstein perouién fue q supimos e Elion” Gertrude Bell

poder conocer a algunas de las protagonistas, como Celia Sánchez-Ramos o Pilar Mateo, grandísimas investigadoras y superinventoras. Mujeres generosas hasta puntos insospechados.

En el colegio nos enseñaron a Tesla, Flemming, Graham Bell, Einstein pero nunca nunca supimos quiénes fueron Franklin, Lovelace, Lamarr o Gertrude Belle Elion. Desafortunadamente aún ahora vivimos un mundo lleno de desigualdades cuantitativas, históricas, sociales… por lo que a Sandra Uve no le sorprendió que estas mujeres carecieran de derechos civiles (no podían heredar, ni comprar, ni vender, ni registrar patentes), políticos (no tenían voz pública, ni derecho al voto) y sociales. “Eso ya lo sabíamos, pero en muchos casos, la denostación fue tan flagrante que me quedé impactada. Al mismo tiempo, te das cuenta de que ellas, con todo en contra, consiguieron lo que querían. Y te dan un ejemplo supremo de cómo luchar por tus ideas. De que la formación es esencial para sobrevivir. Ellas consiguieron derechos con sus inventos, ya que al luchar por patentar a su nombre, obtenían un derecho civil (una propiedad) uno político y otro social”. Y es que aun siendo un proyecto de mujeres inventoras todas las incluídas en el libro representan una lucha relevante. “Incluí a niñas, para demostrar que sus ideas

son puras y muy valiosas. Hay científicas: físicas, químicas, biólogas, geólogas, ingenieras de comunicación y mecánicas, y también educadoras, diseñadoras de producto…”.

Cuando se la pregunta por su preferida entre las noventa y seis, Uve responde que la historia de Hedy Lamarr le parece de película (más cuando además de inventora, fue actriz). Hedy Lamarr se educó en un entorno muy culto, tocaba el piano, estudió ingeniería de telecomunicaciones y finalmente se hizo actriz. Pero cometió un error: se casó con un misógino traficante de armas (para Hitler y Mussolini), que capó su libertad en el sentido más amplio: no la dejaba actuar ni casi salir de casa. Un día cenando con él en un restaurante se fugó por la ventana, cogió un coche, después un barco y cruzó el Atlántico. Lo dicho, una historia de película. “Había hecho de espía tantas veces en su casa, escudriñando las conversaciones armamentísticas de su marido, que sabía dónde podía ser útil como ingeniera. Así que diseñó el primer sistema inalámbrico de telecomunicaciones, lo que ahora conocemos como wi fi”. —oriol rodríguez

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Supermujeres, superinventoras Sandra Uve Lundwerg, 18

junio 2018 #43

44/Mondo Conexiones “En Granada es posible” <> Ya en DVD

LG V30 <> B&O PLAY LG Electronics ha sacado al mercado un nuevo Smartphone que ha sido catalogado como “el mejor televisor de 6” del mundo” por sus funcionalidades avanzadas de cámara y la grabación y edición de contenidos. Además, ahora también, gracias a su colaboración con la firma de audio danesa B&O PLAY, se ha convertido en el móvil favorito de los melómanos por su sonido de alta fidelidad. LG V30 posee filtros digitales, ajustes de ecualización predefinidos y la posibilidad de escuchar audio de alta resolución en streaming.

“Con el LG V30 hemos roto, junto a nuestros colaboradores, los límites del audio en smartphones, ofreciendo una auténtica experiencia de sonido totalmente a medida”, señala Liliana Bolós, Directora de Marketing de la división Mobile Communications de LG. “La combinación de su avanzada tecnología de audio Hi-Fi y las espectaculares imágenes generadas por su pantalla OLED FullVision convierten al LG V30 en una auténtica potencia multimedia”.

Ron Brugal <> Festivaleando con Brugal Consigue el mejor trabajo del verano con Festivaleando con Brugal, la oportunidad de pasarte la temporada estival en los mejores festivales del país con el objetivo de captar las tendencias que allí se mueven y compartirlas en tus redes con el resto del mundo.

Ron Brugal está buscando sesenta Fest Masters, ese amigo que siempre está puesto a la última en lo más cool, entre las más de 10.000 personas que se han apuntado a través de su web www. festivaleandoconbrugal.com. Los primeros elegidos salieron del primer casting celebrado el 31 de mayo en Madrid, en un evento muy especial que además contó con las actuaciones de: Monarchy, Dorian, Ed is Dead, Gonçalo y Ochoymedio DJs. El segundo casting será el 14 de junio en Málaga y será la última oportunidad para conseguir participar. No dejes pasar el trabajo de tu vida porque Festivaleando con Brugal no es normal, es Brugal. #44 junio 2018

El documental musical “En Granada es posible”, estrenado en cines en 2015, llega por fin en DVD y está disponible en el videoclub online Filmin. La película ha sido dirigida por las hermanas Mª José y Cristina Martín, Las del Cine, y en ella se recogen imágenes de la historia del rock y el pop granadino desde hace 50 años, con protagonistas como Miguel Ríos, 091 o Lagartija Nick.

Resurrection Fest <> Estrella Galicia

Jägermeister <> Gana un viaje a Berlín

Un año más el festival gallego y la marca de cerveza se alían para ofrecer un cartel a la altura de las circunstancias. Los días 12, 13 y 14 de julio Viveiro acogerá las actuaciones de Kiss, Scorpions, Ghost, Prophets Of Rage y Angelus Apatrida, entre muchos otros. Además de la conexión en sus orígenes, Resurrection Fest y Estrella Galicia comparten su apuesta por la música y sus esfuerzos por exportarla más allá de nuestras fronteras. Si tienes pensado ir al festival, podrás fotografiarte junto a la botella de Estrella Galicia más grande del mundo.

La marca ha lanzado una colección limitada de botellas con la que podrás ganar un viaje de fin de semana para dos personas (vuelo y alojamiento) a la capital alemana. Para saber si eres uno de los afortunados fíjate en si la etiqueta trasera, que rinde homenaje a Berlín, cambia de color tras unos minutos en el congelador.

Ramón Bilbao <> Ara Malikian

Live The Roof <> Coca-Cola Mix

La bodega riojana, en colaboración con el violinista Ara Malikian, ha creado las becas “Jóvenes Músicos Ramón Bilbao” y “Amigos Ramón Bilbao” para promocionar a jóvenes talentos.

Toda la información para poder aplicar a las becas está en https://www.bodegasramonbilbao.es/es/ becasapoyoalamusica/

Vuelve la música a los tejados con la octava edición del ciclo de conciertos Live The Roof, con sede en trece ciudades por toda la geografía española. Una oportunidad para el artista de volver a sus inicios en un concierto íntimo. Este año, Coca-Cola Mix se suma a la iniciativa: “Desde Coca-Cola queremos seguir apostando para que la experiencia con la música en directo sea memorable y qué mejor manera que en un formato exclusivo, con el atardecer, una ocasión perfecta para disfrutar de tu artista de una forma íntima y con una copa de Ron Rouge”, señala César Ruiz, Brand Manager de Coca-Cola.

Ron Rogue es una nueva forma de tomar Coca-Cola con la misma cantidad de alcohol que un combinado tradicional de Ron CocaCola, pero con un sabor superior y muy fácil de preparar. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013

The Psychedelic Furs

Origen: Londres. Actividad: 1977-2018 Vuelven a estar de moda cuatro décadas después de su formación. ¿La razón? Una de sus canciones más celebradas, Love My Way, suena en Call Me By Your Name, película ambientada en los ochenta que estuvo nominada a los Oscars.

Al habla Tim Butler, bajista y único miembro original en activo de la banda junto a su hermano mayor Richard Butler (cantante y compositor). Podrás verles en directo en Barcelona (Razz 2, 8 junio) y Madrid (Sala But, 9 junio).

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mpezamos hablando de Call Me By Your Name. “Me pareció maravilloso.

Suena un par de veces en la película y uno de los personajes llega a decir que nos vio en directo. Me alucinó. Una canción que tiene ya treinta años revive en un filme cool”. Pero volvamos al pasado. Butler recuerda cómo empezó todo a finales de los setenta. “En esa época escuchábamos a The Velvet Underground, los primeros dos discos de Roxy Music y también los dos primeros de The Stooges. Además, fuimos a ver a los Sex Pistols al 100 Club de Londres y esa experiencia nos voló la cabeza. Ahí nos dimos cuenta de que no hacía falta ser un virtuoso para tocar un instrumento y en ese instante decidimos formar una banda”. The Psychedelic Furs hicieron de puente entre el punk y la nueva ola. El bajista inglés lo tiene claro: “lo que hacíamos en esa época era hacer jams de diez y quince minutos alrededor de una idea para una canción. Se podría decir que éramos una jam band que tenía la agresividad del punk. Creo que ayudamos a que el punk evolucionará hacia la nueva ola y hacia el

#46 junio 2018

rock alternativo. Nos sentíamos cercanos a Echo And The Bunnymen y The Teardrop Explodes”. Un buen ejemplo de eso es su debut homónimo, publicado en 1980. Una ración de pop oscuro y encabronado con una vena arty muy elegante. “Lo grabamos muy rápido, en dos semanas”, explica Butler. “Llevábamos años dando forma a las canciones así que todo fue fácil. La idea era mantener el sonido crudo y rugoso de nuestros directos. Tuvo muy buenas críticas”. Un año después llegaba Talk Talk Talk, un salto de calidad que asentaba a Richard Butler como uno de los cantantes y compositores pioneros en eso de las canciones de amor oscuras en tiempos de la nueva ola. Talk Talk Talk contenía uno de sus mejores temas, Pretty In Pink, que en 1986 dio origen a La chica de rosa de John Hughes y que llevó al grupo a regrabar la canción. “Molly Ringwald era fan de la versión original”, recuerda Butler, “y le pidió a John Hughes que le escribiera una película basándose en ella. La película se acabó titulando Pretty In Pink pero no tenía nada que ver con la letra de nuestra canción. A los productores del filme les parecía que las guitarras de la primera Pretty In Pink estaban fuera de tono, y su intención era que otro grupo hiciera una versión. Y es ahí cuando les dijimos que lo podíamos hacer nosotros. La regrabamos más limpia, perdiendo el aliento y la energía de la original”. La madurez creativa de The Psychedelic Furs se encuentra en Forever Now (1982), producido por Todd Rundgren y en el que se incluye Love My Way. Los discos que vinieron después, aguantaron el tipo frente a la estupenda trilogía que abrió su carrera.

Mirror Moves (1984) es uno de los mejores.

Su obra más pop y de sonido norteamericano, tiene la particularidad de estar grabado con baterías electrónicas. —xavi sánchez pons

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EL CLÁSICO

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Talk Talk Talk CBS, 1981

Si bien el álbum favorito de la banda es Forever Now, el que ha envejecido mejor y ha acabado siendo más influyente es Talk Talk Talk, una clase maestra de new wave que mezcla las melodías pop con el rock contundente y oscuro. The Psychedelic Furs ordenaban las ideas presentes en su debut sin adulterar un ápice su ADN original. Butler lo recuerda de esta manera: “Fue un disco más trabajado. Estuvimos unos dos meses con la composición y la grabación. Seis días a la semana yendo al estudio en jornadas de ocho horas. Talk Talk Talk fue una experiencia refrescante. Y también fue donde aprendimos el oficio de escribir canciones”.

El segundo trabajo de los londinenses está plagado de anti-hits memorables: la antes nombrada Pretty In Pink, la dulzura destartalada de No Tears o las flamígeras Mr. Jones y Into You Like A Train.

Aquí están presentes el Richard Butler más felino, las guitarras de demolición de John Ashton y Roger Morris, el bajo punk de Tim Butler y el saxo industrial de Duncan Kilburn. —x.s.p.

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