MondoSonoro marzo 2017

Nº 248 Marzo 2017 www.mondosonoro.com

ROSALÍA, SLEAFORD MODS, POLOCK, RUFUS T. FIREFLY, NUDOZURDO, JOE CREPÚSCULO, CRYSTAL FAIRY NOVEDADES CARMINHA, SAMPHA, TRIVIUM, VIVA SUECIA, LA HABITACIÓN ROJA, MATEO KINGMAN, ELECTROCLASH

Los Punsetes Tu puto grupo favorito

FOTO: MARIANO REGIDOR

Exquirla Nueva canción protesta

Los Planetas Cante jondo Ryan Adams Corazón partío

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marzo 2017 #3

No te pierdas ningún concierto, compra tus entradas

SOUND ISIDRO MAYO 2017

MADRID

MISS CAFFEINA VALLADOLID

16 MAR

OLÉ OLÉ ESCENARIO ESLAVA

MOON DUO MADRID

GIRAS 2017

20 ABR 13 JUN

MYLES SANKO

21 ABR

MADRID

CELTAS CORTOS ESCENARIO ESLAVA

VARIAS FECHAS

22 MAR

LEIVA

CONCIERTOS MOBY DICK MADRID

CONCIERTOS OCHOYMEDIO CLUB MADRID

VARIAS FECHAS

VARIAS FECHAS

IVÁN FERREIRO - DINERO - RAPSUSKLEI - TRÈPAT - CAPITÁN COBARDE - CHELSEA BOOTS - RUFUS T. FIREFLY NUNATAK - MOLINA MOLINA - PEDRO PASTOR - BIZNAGA - SIBERIA - MAGA - MAFALDA - EL RINCÓN DE LOS SUEÑOS

FESTIVALES 2017

TOMAVISTAS 19-21 MAYO - MADRID - METRÓPOLI BY TESLA 30 JUNIO-9 JULIO - GIJÓN MUNDAKA 28-30 JULIO - MUNDAKA (BIZKAIA) - THE JUERGA’S ROCK 3-5 AGOSTO - ALMERÍA ISLAGO 28-29 JULIO - ISLA CRISTINA (HUELVA) - ELCHE LIVE MUSIC 8 ABRIL - ELCHE (ALICANTE) SUNSHINE SUANCES 30 JUNIO-2 JULIO - SUANCES (CANTABRIA) - CROMADAY 6 MAYO - ALBACETE VÉRTIGO ESTIVAL 4-6 AGOSTO - MARTOS (JAÉN) - ROCK ‘N’ BLUES 20 MAYO - DON BENITO (BADAJOZ)

Si eres promotor infórmate en soypromotor@wegow.com

#4 marzo 2017

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5/Mondo freako

Los Punsetes, puto grupo A

En ¡Viva! (Mushroom Pillow, 2017), el quinto disco del grupo madrileño hay una canción en la que aparece la palabra pornografía, en otra lanzan vivas al gobierno y una más en la que dicen que “hablan de cosas que parecen serias/pero en el fondo dan igual”. Puede que hablen de ellos mismos o igual es que lo hacen de un puto grupo cualquiera. Los Punsetes no han cambiado. Ni falta que hace.

FOTO: RICARDO RONCERO

ntes que nosotros, no existía nada aquí. Nadie. Estamos totalmente solos. Somos únicos, terriblemente únicos”. La frase pertenece a Alphaville (1965), la película de Jean-Luc Godard, pero un día de estos nos la encontraremos en una canción de Los Punsetes y nos la creeremos a pies juntillas, como casi pasa en este quinto álbum que precisamente en su segundo corte -con el mismo título que el futurista largometraje del director francés- recrea una sociedad distópica que viene de lanzar vivas a diestro y siniestro. Pero vayamos por partes: este es el quinto disco del grupo madrileño, primero con Mushroom Pillow tras un fugaz paso por Canadá, contando nuevamente con Pablo Díaz-Reixa (El Guincho) como productor. (Jorge, guitarra) “No lo teníamos tan claro, la verdad.

Igual que del tercero al cuarto no discutimos prácticamente nada, aquí sí hubo un poco más de debate”. El caso es que acabaron repitiendo, aunque buscando algo distinto dentro de una manera de hacer que ya está perfectamente definida. (Jorge) “Teníamos una idea muy concreta, que era hacer un disco con la base rítmica más presente, muy fresco y con menos post-producción. El álbum anterior estaba muy sobado, era muy de post-pop, con Pablo haciendo sus movidas, y en este queríamos que fuera más limpio, más parecido a cómo suena el grupo en directo”. En este sentido, ¡Viva! prolonga la idea de “sonar en tu cara” que marcaba LPIV (2014), aunque al final sea más bien una cuestión de mero pragmatismo. (Jorge) “De hecho, creo que es el disco en el que menos hemos hablado entre nosotros de cómo iba a ser”. (Chema) “Es que incluso nos pusimos una fecha para grabar y al final tuvimos que ir a toda pastilla porque no lo teníamos acabado. No podíamos dejar pasar más tiempo, porque ya habían transcurrido dos años, y luego

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marzo 2017 #5

CRÍTICANDO ¡Viva!

Mushroom Pillow Pop 8/10

El desencanto

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además no cuadraban las fechas de Pablo con las nuestras, así que tuvimos que cambiarlas e ir un poco a degüello”.

(Jorge) “Hay una cosa que me gusta, y es que al haber hecho las canciones en menos tiempo, todo concentrado en un año, creo que son más homogéneas. Es más disco, mientras que el anterior era más colección de canciones”.

Como de costumbre, no faltan los pildorazos marca de la casa, de manera que Mabuse o ¡Viva! vienen a sumarse a una lista que encabezan Opinión de mierda, Me gusta que me pegues o Tus amigos. Después de retratar al tertuliano que llevamos dentro, en esta ocasión toca enfrentar las palabras con los hechos, en una confrontación de la que no salimos demasiado bien parados. “Viva el presidente, viva el gobierno/gracias a vosotros van a ser eternos”. Y que cada palo aguante su vela, le ha faltado cantar a Ariadna. (Jorge) “Esa letra estaba un poco a la mitad y la fui rellenando a trozos, así que en un momento dado esa frase venía muy bien. Manu la quería cambiar, pero a mí me gustaba dejar lo de ‘gracias a vosotros’, porque así uno le puede echar la culpa al de enfrente.

Admite distintas interpretaciones sin que quede muy claro de qué lado estamos nosotros, en plan lo suelto pero no lo suelto, aunque a la vez me parece que no hay muchas dudas. Puedes echar la culpa a los votantes del PSOE, a los del PP o a los de Podemos, por no votar la investidura de Pedro Sánchez. Está bien, porque estás escuchando la canción #6 marzo 2017

“No sé si me puedo imaginar a quince mil personas en el Palacio de los Deportes viendo a Ariadna plantada como un palo” y si estás picado con tu novio porque ha votado a no sé quien, aquí le puedes decir que él tiene la culpa de todo esto”.

En ese grupo de canciones-bomba también encaja Puto grupo, que en realidad Manu se iba a llevar para Anntona hasta que Jorge le convenció de lo contrario. El riesgo, como hasta ahora, es que la onda expansiva acabe tapando al resto. (Jorge) “Pues es posible, quizá ha sido ‘Tus amigos’ con la que más ha pasado, es la más abrasadora, y eso también me ha fastidiado a veces, pero al final es mejor tenerlas que no tenerlas”. (Chema) “La has podido tocar miles de veces, e igual en un momento dado no te apetece mucho, pero ves que la gente se lo pasa bien y eso, quieras que no, da gustillo”.

Al margen del cambio de sello, la principal novedad de cara al exterior -que en realidad ya hace tiempo que dejó de serlo, puesto que se consumó justo tras la publicación de su cuarto trabajo- es la incorporación de Luis Fernández (también en Juventud Juché) para sustituir al bajo a Gonzalo.

Más allá de cuestiones estrictamente musicales (“le aporta otro tipo de base rítmica, más trotona”, comenta Jorge), lo cierto que Los Punsetes nació y creció como una prolongación de la amistad de cinco compañeros de universidad, un statu quo que se ha visto alterado por su propia evolución. (Jorge) “Está claro que cambia la perspectiva, pero no por el hecho de que se haya ido Gonzalo, sino que eso es una especie de manifestación. Con el tiempo el grupo crece y te crea otras

En una lectura literal, las exclamaciones en el título del quinto álbum de Los Punsetes nos podrían hacer pensar en una celebración, Pero va a ser que no. El grupo madrileño vuelve a situarse en ese punto en el que no se sabe si asistimos a la enésima broma de su colección o bien estamos ante la puesta en escena de una verdad incómoda; en realidad, lo sabemos de sobra, pero esa media sonrisa al escuchar algunas de sus letras nos viene de miedo para quitarnos un peso de encima. Su sonido está tan perfectamente delimitado que cuesta mucho imaginar una vuelta de tuerca. ¿Más de lo mismo? Uno lo piensa abiertamente cuando Presagios de partida nos devuelve a Los Planetas de los noventa o la estructura del álbum acaba calcando la del LPIV, pero es que entre tanto han pasado unas cuantas cosas que alejan el fantasma de la repetición.

Mabuse o El manual son dos de ellas, pero sobre todo Alphaville, que evoca con elegancia el pop de los ochenta, poniéndose en un plano abstracto que, sin renunciar a las canciones más directas, trasciende el sarcasmo para mostrarse con una cierta sensación de desencanto que hace de ¡Viva! su trabajo más equilibrado. —e. p.

obligaciones, que a la vez lo son y no lo son, pero sí empieza a ser una parte de tu vida que ya no es solo la diversión del principio, sino que va haciéndose más seria”. Síntoma de ese crecimiento, hasta situarse en un escalón intermedio (ese en el que puedes compartir playlist con nombres como Miss Caffeina, Supersubmarina o Izal, aunque todo parecido sea pura coincidencia), es que de cara a esta quinta entrega llegaron a recibir un par de ofertas de multinacionales. (Jorge) “Lo de las multis puede sonar muy bien a priori, pero también hay que mirarlo con cuidado. Es que igual tienen a un grupo determinado y en realidad la relación entre la inversión que realizan y el dinero que le sacan, probablemente les salga muy a cuenta”.

Abundando en el tema, Chema apela a la teoría de conjuntos para subrayar que la intersección entre su público y el de esa primerísima división de la escena nacional es mínima. Y remata Jorge: “Aparte de eso, sí veo también una diferencia importante, y es que nosotros, como Joe Crepúsculo, La Bien Querida o Triángulo de Amor Bizarro, somos infinitamente más raros. No sé si me puedo imaginar a quince mil personas en el Palacio de los Deportes viendo a Ariadna plantada como un palo. Me cuesta, aunque igual la gente se acostumbra a todo”. —enrique peñas

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FOTO: ALFREDO ARIAS

FOTO: RICARDO RONCERO

MONDO FREAKO

discografía

Los Punsetes

Gramaciones Grabofónicas, 2008 Pop 7/10

Una montaña es una montaña Everlasting, 2010 Pop 7/10

LP2

Everlasting, 2010 Pop 8/10

LP IV

Canada 2014 Pop 7/10

LA GIRA l L’Hospitalet: 08 de abril.

Let’s Festival, Salamandra. l Madrid: 20-21 de mayo.

Festival Tomavistas, Parque Enrique Tierno Galván. l Murcia: 26 de mayo. Sala Rem. l Alicante: 27 de mayo. Sala Stereo. l Cantabria: 1 de julio.

Sunshine Suances, Cantabria. l Benidorm: 28-30 de julio.

Low Festival.

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FOTO: FIRMA ARCHIVO

Rosalía, sin prisa

Rosalía Vila presenta un debut de género, Los Ángeles (Universal, 17), alejado de la música urbana que la encumbró el verano pasado junto a C. Tangana. Su carrera, además, se postula como el paradigma de una generación: la que disfruta de los ‘memes’ con la misma verdad que lo hace de un estudio profundo de la muerte en el flamenco.

“A mi generación, a veces, la castiga la prisa. Hay que ser paciente.”

A

principios de los años noventa, un Johnny Cash sexagenario se vio empujado a grabar una serie de álbumes de versiones mientras las melenas y camisas de cuadros del grunge lideraban las listas de medio mundo. En el tercero de estos discos, American III: Solitary Man (ya en el año 2000), Cash registró una versión de I See A Darkness –original de Will Oldham, Bonnie Prince Billy– en la que, literalmente, el cantante americano veía la oscuridad: su voz cavernosa, más desgarrada y maltrecha de lo habitual, no era impostura. Cash sufría en aquel momento una grave neumonía que le llevó a ser hospitalizado. Aquel susurro todavía hoy se escucha roto. Como un buen recuerdo, que con reposo gana en trascendencia, I See A Darkness ha traspasado con éxito la crueldad de la era click y ha llegado a nuestros días impertérrita. Tanto es así, que el tema fue el ancla para que Rosalía Vila y Raül Fernández Refree –fan confeso de Bonnie Prince Billy, en este caso, y acostumbrado a trabajar con grandes voces como Silvia Pérez Cruz o Rocío Márquez– se lanzaran a crear Los Ángeles. La canción de Oldham, después versionada por Cash, guarda un parentesco con el debut de la joven catalana: son obras, por sustanciales, condenadas a pasar con buena salud las embestidas del tiempo.

Pese a que hacía años que las discográficas tentaban a Rosalía –comenta– para “sacar un largo”, aquel instante (“Well, you’re my friend and can you see”) lo aceleró todo. “Me habían llegado ofertas, con dieciséis o diecisiete, pero no, yo quería hacer algo con peso. Y las sensaciones las encontré con Raül”, dice la cantaora de veintitrés años de edad, que no pierde los ojos del interlocutor en ningún momento. Se declara obsesa de los detalles.

Por lo que, otro de los objetivos innegociables para la catalana, era que el disco fuera de flamenco, su pasión desde que descubriera a los trece años “la fuerza de Camarón” en un parque de Sant Esteve Sesrovires (Baix Llobregat), junto a sus amigos. Ahora también es su formación académica: cursa Interpretación de Cante Flamenco en el ESMUC, a pocos

metros del hotel donde se tiene lugar el diálogo. Antes había trabajado con José Miguel Cerro, Chiqui de la Línea. Una formación ortodoxa para unos intereses de anchas miras. “No hay que tener prejuicios. Por suerte, gracias a Internet, hay muchos caminos”, dice Rosalía, que todavía hoy arquea las cejas –gesto de sorpresa– cuando se le recuerda que Antes de morirme va por los nueve millones de reproducciones en Youtube. Rosalía vive con naturalidad entre la chispa y el sosiego. Si bien con C. Tangana todo fue un “fogonazo”, el proceso creativo de Los Ángeles se pareció mucho más a un “trabajo de artesanía”: detrás de los oros, las sandalias con calcetines blancos Nike y la chaqueta de pelusa color crema que la emparienta con videoclips de Kanye West, hay una profunda obcecación por lo conceptual. Para Los Ángeles, un disco que hace una retrospectiva de la muerte a partir de la polifonía de autores, Rosalía hizo una búsqueda por todo tipo de bibliografía sobre flamenco. Meses entre libros y cassettes comprados en Wallapop. Manolo Caracol, Pepe Marchena o La Niña de los Peines. “A mi generación, a veces, la castiga la prisa. Hay que ser paciente. Pues estamos llamados a crear una industria real, para dar a conocer todo el talento del underground y mejorar las condiciones de los músicos”.

Rosalía es el perfil de cantaora contemporánea: capaz de disfrutar de las bases dancehall igual que de las producciones de género cristalinas. Aunque, de mo-

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mento, todo por separado. Quién sabe si algún día Los Ángeles será capaz de mezclarse con sus delirios urbanos. Habrá tiempo de comprobarlo: Rosalía sabe que la vida no se resume en un post. “¿Lo de millennial es sólo porque tengo Instagram? No tengo nada de frívola... Soy una artista, una cantaora”, azota. —yeray s.

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iborra

CRÍTICAndo Los Ángeles

Universal, 2017 Flamenco 9/10

Maravilla Con el mismo descaro con el que uno de esos nueves acaba una jugada en gol, a sabiendas que estaba un metro avanzado respecto al último rival, Rosalía ha lanzado su debut: Los Ángeles, un disco de flamenco decididamente trascendente para un mundo fugaz. Un baño placentero para una cantaora capaz de salir a flote ya sea cantando músicas urbanas o copla. El objetivo de Los Ángeles, según comenta la joven catalana

de veintitrés años, pasaba por rendir un homenaje al flamenco –la formación académica de Rosalía– y de paso al gusto de elaborar un disco sin prisas. Los encuentros con Raül Fernández, Refree, que la acompañó en el proceso creativo y en la producción, se dilataron más de lo que la industria querría. Pero a cambio no hubo un paso en falso. Tal vez por eso, Fernández acabó metiendo algo menos la patita que en otras producciones: las guitarras no distorsionan al nivel de Granada, el proyecto de cante corrosivo compartido con Silvia Pérez Cruz en 2014. La nitidez de Los Ángeles permite que seguidillas y coplas luzcan, sin que el resultado sea añejo; más bien un diálogo de nuestros días con protagonistas de antaño como el Niño Marchena o Enrique Morente.

—y.s.i.

marzo 2017 #7

El heavy no es violencia

Pau Roca, miembro de La Habitación Roja y de Lost Tapes, jamás ha escondido que el heavy metal es una de sus grandes pasiones. Por eso no hemos dejado pasar la oportunidad de que comparta con nosotros sus clásicos preferidos. Y aquí está el resultado.

1. Black Sabbath Sabbath Bloody Sabbath El principio. Podrían haber entrado muchas canciones en lugar de esta, alguna más famosa, pero esas ya las conocéis. Sabbath Bloody Sabbath me flipa por su variedad y cambios.

Incluso hay gente que la considera precursora de estilos más duros, especialmente por el riff que empieza en el minuto 3’20.

2. Judas Priest Turbo Lover El del disco más pop de los Judas.

Podrían ser (de hecho dentro del heavy lo son) igual de respetados que Black Sabbath, pero la gente cool no lo hace. Creo que el hecho de ser muy horteras no les ha ayudado en eso, aunque casi que mejor para ellos. Tienen una cantidad ingente de buenas canciones.

3. Iron Maiden 2 Minutes To Midnight ¿Qué puedo decir? Iron Maiden es uno de mis tres grupos favoritos de siempre. Sus siete primeros discos (quitando alguna canción de Somewhere In Time) son perfectos. Y en directo, más. Mi hermano y yo convencimos a mi padre (no hizo falta mucho) para que nos llevara a verlos a Barcelona en 1986. Teníamos diez y doce años respectivamente y W.A.S.P. eran los teloneros. Gallina de piel. #8 marzo 2017

4. Metallica For Whom The Bell Tolls Otro grupo con una tanda de primeros discos impecables y rompedores. La diferencia entre este tipo de grupos y otros más clásicos es que escuchaban punk y hardcore sin renunciar al heavy de siempre.

Acabaron influyendo en todos ellos. No podría elegir entre sus tres primeros discos. Qué buenos eran.

5. Accept Midnight Mover La voz de Udo no es apta para todos los públicos, pero tienen una época que me flipa. Desde Breaker hasta Russian Roulette todos los discos son la bomba. No aptos para profanos.

6. Kiss Hard Luck Woman Si no hubieran triunfado y se hubieran separado en el 82, sus primeros discos serían clásicos seminales del rock. Para mí lo son.

La época ochentera me encanta y no hay nadie en el mundo, tenga la edad que tenga, que no disfrute de ellos en directo. Su look, las declaraciones y el circo que les rodea siempre, impide a veces valorar lo bien que cantaban y la cantidad de canciones buenas que tienen.

FOTO: JORDI SANTOS

LA MÍA

7. Scorpions Bad Boys Running Wild Tenían que estar. Todo empezó con ellos. Me subí al coche de mi tía y mi primo Jordi estaba poniendo su World Wide Life y quedé fascinado por lo que sonaba. Mi otro primo, Fernando, me dijo que era heavy con cara de asco. Entendí “Heidi”. Mi recuerdo más vívido musical. Decidí que quería tocar la guitarra inmediatamente.

8. Dokken Breaking The Chains ¿El peor vídeo de la historia? El otro día vi uno de Cinderella que podría discutir esta afirmación. Incluso alguno nuestro... Genial temazo.

9. Slayer Angel Of Death ¿Por qué la gente ve todo tipo de cine y no escucha todo tipo de música?

No lo entiendo, igual que se puede disfrutar de una comedia, un dramón y una buena película de terror uno debería poder ponerse a Belle And Sebastian y luego Reign In Blood de Slayer. Ambos grupos cubren espectros distintos y hacen canciones cojonudas. ¿No? 10. Hanoi Rocks Cafe Avenue Uno de mis grupos favoritos sin discusión. Es curioso, en el heavy conviven (sobre todo en los ochenta) grupos de metal súper agresivo con tíos con el pelo cardado y maquillaje bestial en armonía. Hanoi Rocks son los New York Dolls finlandeses. Tienen decenas de temazos y no tuvieron muy buena suerte. Guns ‘N Roses les adoraban e imitaban. MS

Arcadia indie

H

ace unas semanas publicábamos en nuestra web una interesante entrevista en la que Luis Fernández y Albert Guàrdia, en su doble faceta de músicos y propietarios de sellos independientes, reflexionaban sobre distintos aspectos de la industria musical. Por ejemplo, el papel que jugamos los medios: “Hablamos de los problemas de las discográficas, pero ese mismo problema también lo tenéis MondoSonoro, Rockdelux o Radio 3, medios sin ningún tipo de influencia.

Quiero decir, que no tenéis un poder de influencia como pueda tenerlo Pitchfork, NME y todas esas revistas. Una portada de MondoSonoro no va a hacer que ese disco venda miles de copias”. Creo que es un error pensar en esos términos. Más allá de lo pernicioso que resultaría que

LUIS J. MENÉNDEZ: “hay cosas que no entiendo”

un medio por sí solo levante y destruya carreras caprichosamente, a día de hoy ni siquiera una cabecera como Pitchfork, que se lee en Estados Unidos, Reino Unido, Canadá y Australia e indirectamente en el resto del mundo, impone el gusto global. Lo demuestra su reciente giro en pos del r’n’b superventas y piscinazos constantes comprobables con solo darse un paseo por su sección Best New Music.

En cualquier caso comparto el fondo de las reivindicaciones que Luis y Albert expresan en esa entrevista, esa necesidad de repensar las cosas y seguir haciendo “tejido”, fortaleciendo esta pequeña pero importantísima parte de la industria que se maneja al margen de los grandes canales comerciales. Aunque, no nos engañemos, grupos con discursos transgresores, vocación supuestamente independiente y planteamientos radicales no dudan en entregar su alma al diablo para colarse en un medio generalista de esos que, en otro contexto, señalan como parte de un problema que va bastante más lejos de lo estrictamente musical. Un estreno en web, entrevistas express o hasta la oportunidad de convertirse en modelo por un día… Todo vale en esa desesperada y en ocasiones ridícula lucha por trascender.

Por el camino se van perdiendo cosas.

Empezando por esos “lugares comunes” de los que los responsables de Sonido Muchacho y La Castanya hablan en la entrevista. —luis j. menéndez

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“

Sleaford Mods

Lo nuestro siempre fue algo muy punkie”

Llevamos tiempo reivindicando a Sleaford Mods. Quizás sea porque echamos en falta a los auténticos punks, aquellos que no se contentaban con ser como los demás.

Y quede claro que, con English Tapas (Rough Trade/Popstock!, 17), no vamos a dejar de hacerlo.

Adelante Sleafords.

C

uando le comento a Jason que su nuevo disco es, en mi opinión, su mejor trabajo en sus diez años de carrera se viene arriba, “¡Si! Yo también lo creo.

Es uno de nuestro mejores álbumes. Es bastante bueno… Key Markets era bueno, Austerity Dogs también, pero este es el más complejo y el más maduro de todos. Acabamos de hacerlo y estoy muy orgulloso de él. Estoy orgulloso de no sonar a una fórmula ya determinada, es una apuesta importante. Hemos trabajado y madurado más las canciones, con lo que el resultado es el más complejo en todos los sentidos, ¿Sabes lo que quiero decir?”. Sí, así que lo resumo. English Tapas es su obra con más melodía, con Jason incluso cantando en un par de cortes. “ Hemos encontrado el equi-

librio entre el punk y la melodía. En esta ocasión el punk esta más concentrado, es salvaje. Siempre hemos intentado hacer punk, en definitiva lo nuestro siempre fue algo muy punkie”.

Su discurso radica en la fuerza de las letras, la música es mero acompañamiento. “La frustración nos lleva a la rabia y ahí nacen nuestros textos.

Los políticos, los individuos que nos han llevado fuera de Europa... El dinero frustra a la gente, es la rabia habitual de cada disco pero esta vez han cambiado más cosas, han sucedido más cosas que nos han enfadado”. En todos sitios estamos igual.

Mientras ellos siguen intentando asimilar el Brexit y los norteamericanos se sorprenden de que Trump ocupe la casa blanca, nosotros seguimos dejándonos robar por Rajoy. “¿Somos estúpidos?

No lo sé. Creo sinceramente que no sabemos hacerlo mejor y ya ni lo intentamos. A veces todo esto parece una jodida broma, pero no es así. La mayoría somos estúpidos. La gente es fácilmente manejable aquí”. Lejos quedan los días en que Jason se despertó una mañana y solo tenía a su alcance una barrita de Mars y una pinta. “El dinero puede ser un problema. Ya no estoy desempleado y mi familia no sufre por el dinero, incluso diría que tengo unas buenas condiciones para vivir sin preocupaciones tan agobiantes como antes. Tengo dinero ahorrado, algo que no era posible hace diez años. Podemos producirnos los discos, eso es así, con lo que las cosas han cambiado. Puedo centrarme en la música sin agobios. No creas que vivo con grandes gastos, o que nado en la abundancia”.

A propósito y para finalizar. ¿Qué mierda de tapas tenéis en Inglaterra? “No tenemos. Como todo en este país, lo que nos gusta lo robamos y lo vendemos como nuestro”. —marcos molinero

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marzo 2017 #9

FOTO: IRIS BANEGAS

MONDO FREAKO

Rufus T. Firefly psicodelia en flor Con Nueve (Lago Naranja, 2014) empezaron a recoger los frutos de muchos años de trabajo, pero su quinto largo, Magnolia (Lago Naranja, 2017) supone un paso más allá en su concepción del noble arte de la música. O, más bien, un viaje, para el que contamos con Víctor Cabezuelo como guía.

EN LA. MALETA.

Alex Font

Durante los últimos meses, el valenciano Alex Font ha ido lanzando nuevo material en el que combina house old school, latin-jazz y minimal. Un ejemplo son los epés Inspirations (16) y Sabor (16).

#10 marzo 2017

C

uando la realidad se tuerce, iniciar un viaje hacia dentro en búsqueda de recuerdos más amables se tercia como la mejor opción. En 2016, Rufus T. Firefly se tuvieron que enfrentar a la salida de dos pilares del grupo de amigos de Aranjuez que había decidido formar un quinteto musical diez años antes. Peligró su con-

Q

ué disco nunca falla en una sesión tuya?

Acmé 003. La buena onda. Este tema transmite algo diferente

al resto.

Por contra, ¿cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya? ¿Por qué?

Que recuerde ninguno, soy bastante atrevido y espontáneo en mis sesiones. Fluyo y si veo el momento, lo mezclo, sin más. ¿Qué es lo que más te gusta y lo que más odias de otros Dj’s?

Su música y su actitud, para mí es lo único que importa. ¿Hasta qué punto es importante que la gente baile más o menos para cambiar la línea de tu sesión?

El público es soberano y es lo más importante. Me gusta encontrar un punto medio donde hago bailar a la gente y también donde puedo satisfacerme a mí mismo musicalmente. ¿Vinilo, CD o mp3?

Desde mi humilde punto de vista, el vinilo significa el respeto a la música y a los artistas. También por su sonido, calidez y sin compresión. Por lo tanto: vinilo cien por cien. ¿No estás harto de trabajar siempre de noche?

Desde hace ya muchos años que mi trabajo se centra durante el día, tanto en mis estudios musicales como en la producción de nuevos temas. En

tinuidad, pero vieron que les quedaban cosas por decir. Víctor Cabezuelo (voz, guitarra y teclados), Julia Martín-Maestro (batería) y Carlos Campos (guitarra) optaron por recomponerse junto a Rodrigo Cominero de Sonograma (teclados) y Miguel de Lucas de Mucho (bajo) para continuar con Magnolia, el psicodélico resultado de su particular viaje interno.

absoluto veo la música como algo que pertenezca exclusivamente a “la noche”. Por lo menos en mi vida. ¿Alguna vez has perdido o te han robado los discos?

Sí, una vez, y fue una de las peores experiencias de mi vida. Me los robaron mientras subía a cobrar en una discoteca. Fue un descuido y muy mala suerte. ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s?

Creo que hoy en día tiene esa relevancia por la tecnología. Ha llegado un punto en el que todo el mundo con un poco de interés puede llegar a ofrecer una sesión de manera organizada y limpia. Quizá que entre más gente en el juego ha hecho muy popular mezclar música, sea cual sea el método. ¿Cuáles son tus Dj’s actuales favoritos?

Me gusta ver a los Dj’s en lugares pequeños, no más de cuatrocientas o quinientas personas. Ricardo Villalobos es uno de ellos, aunque no iría nunca a verlo a un festival o macrodiscoteca. ¿Bebes o haces cosas malas mientras estás pinchando?

Suelo beber alguna cerveza, no soy de trabajar bajo los efectos de nada. ¿Cuántos discos sueles comprar en un mes?

Entre cuarenta y sesenta discos, aproximadamente. MS

“Queríamos coger todas esas cosas bonitas que teníamos dentro y hacer un disco. A veces llegar dentro de uno mismo requiere cierta ayuda, y la psicodelia es una vía bastante guay para ello”.

El último y cósmico trabajo de Mucho -donde Víctor toca teclados- Pidiendo en las puertas del infierno (Marxophone, 16), ha tenido algo que ver en la elección de este camino. “Nos quitamos los prejuicios y decidimos hacer las cosas de otra manera, y todo eso ha afectado a nuestra forma de ver la música”, explica Víctor. “Teníamos muy claro que queríamos juntar una base setentera muy orgánica y muy clásica, rollo Pink Floyd o Led Zeppelin, con cosas más modernas como MGMT o Apparat”. Sobre ese lisérgico manto reposan las cosas bonitas: Jeff Buckley (inspiración del single, Río Wolf), Radiohead y películas como Mi vecino Totoro o Pulp Fiction, que encuentra aquí un pequeño homenaje en un tema homónimo donde Víctor por fin ha podido meter su frase favorita de la obra de Tarantino: “Estoy a mil jodidas millas de estar bien”. Y en un viaje abierto a tantas posibilidades, la producción de Manuel Cabezalí -un Rufus más que no sale en las fotos y trabaja con la banda desde siempre– ha jugado un papel fundamental. “Podríamos añadir a otro productor, pero Manu tiene que estar.

Es la pieza que nos ata a la realidad y la objetividad”, afirma Víctor. “Tenemos la confianza para decirnos la verdad, y es muy difícil que un compañero músico te diga ‘eso es una mierda, tío, cámbialo’.

Mola que él me lo pueda decir”.

Magnolia es un alegato en defensa del amor, el arte y la naturaleza, y en todos

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—beatriz h. viloria

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“Si el objetivo de tu vida, como músico es petarlo vete a tomar por culo, ” con todos mis respetos

LA GIRA l Murcia 3 de marzo 2017. Pub Musik. l Huesca 4 de marzo 2017. El Veintiuno. l Córdoba 24 de marzo 2017. Sala Hangar. l Toledo 25 de marzo 2017. Sala Pícaro. l Zaragoza 7 de abril 2017. Viva la Vida. l Segovia 8 de abril 2017. Beat Club. l Benicàssim 13-16 de abril 2017. SanSan Festival. l Madrid 22 de abril 2017. Ochoymedio. l Valencia 19 de mayo 2017. Sala Wah Wah.

TAN. CERCA.

Nudozurdo, Blanca Oscuridad FOTO: LUIS DÍAZ DÍAZ

los aspectos, pues trasciende el formato físico para convertirse en una experiencia. Seis láminas creadas por Julia, un diseño que hace que el álbum “florezca” y un tripi bañado en esencia de la flor protagonista. “No sé lo que pasa cuando lo chupas, pero habrá que probarlo”, apunta Víctor. Y le sigue la versión en vinilo, donde el cancionero se fusiona en dos temas de veinte minutos cada uno. “Creo sinceramente que la industria del disco está totalmente acabada y lo único que puede aportar algo es hacer obras diferentes. Es una apuesta para una minoría de freaks, pero esos freaks tienen derecho a disfrutar de algo así”.

Y esa ha sido la idea desde sus inicios, una década de carrera de fondo con la calidad y el arte por encima de cualquier éxito instantáneo. “No sé lo que es un hit, no he hecho uno en mi vida y tampoco me interesa”, comenta. “Si el objetivo de tu vida como músico es petarlo, vete a tomar por culo, con todos mis respetos”.

Y es que, a pesar de su consagración con Nueve y de su entrada en el circuito festivalero (que para Víctor, “no representa ni al 0,1% de la música de este país”), Rufus T. Firefly es un proyecto que sigue evitando a la industria y se debe a sus seguidores. “Quiero ser honesto en cada disco que hago, y a quien le llegue, me sentiré muy agradecido. No busco nada”.

RREl festival de música electrónica DGTL, que cuenta con satélites en otras ciudades del globo como Ámsterdam o proximamente São Paulo, acaba de anunciar las primeras confirmaciones de su tercera edición en Barcelona. Entre los artistas de esta primera tanda destacan nombres como Solomun o Jeff Mills. El cartel lo completan, de momento, el directo de Recondite y sus pasajes sonoros oscuros y melancólicos y el b2b de Steffi y Prosumer. En total participarán más de sesenta artistas. El DGTL se llevará a cabo en el Parc del Fòrum los días 11 y 12 de agosto.

RREl cuarteto californiano The Bellrays subirá la temperatura del festival riojano Ezcaray Fest, a celebrar los días 21 a 23 de julio.

Se trata de la última confirmación hasta el momento, que se suma a nombres anunciados previamente como Marky Ramone, Berri Txarrak, Belako y La Raíz.

RREl Mallorca Live Fest amplía el abanico de grupos para esta presente edición. Entre los nombres con más peso destacan especialmente los británicos Placebo, primer gran cabeza de cartel del festival insular y primera visita de la banda a la isla. Otros artistas que pasarán por Calvià durante los días 12 y 13 de mayo serán Chambao, Sexy Zebras, Club del Río, Lori Meyers, Mala Rodríguez, C. Tangana o los argentinos Onda Vaga.

RRLa cuarta edición del Huercasa Country Festival tendrá lugar los días 7 y 8 de julio en Riaza (Segovia), y ya empieza a completar su cartel. Después de anunciar a Shooter Jennings, se informa de la presencia de Will Hoge, uno de los cantautores más a tener en cuenta de Nashville y discípulo de Bob Seger o John Mellencamp. El abono está ya disponible por 50€ más gastos de distribución, un precio que se mantendrá hasta el 20 de marzo.

La entrada para menores de dieciséis años será gratuita.

RRVuelve el Brunch In The City con siete fechas, convirtiéndose en cita ineludible para amantes de la electrónica al aire libre.

Los próximos 12 y 26 de marzo, 9 y 23 de abril, 14 y 28 de mayo y 11 de junio el Poble Espanyol de Barcelona dará la bienvenida a artistas de la talla de Maceo Plex, Joy Orbison, Black Coffee, Jennifer Cardini b2b Roman Flügel, Motor City Drum Ensemble, Michael Mayer y Mind Against. MS

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Dos años después de Rojo es peligro, el trío redobla su apuesta con Voyeur Amateur (Mushroom Pillow, 17). Disco doble de sonido más expansivo en el que, mirando adelante, destilan sus esencias.

N

uevo sello, grabación en los estudios Blind Records de Barcelona con ayuda del productor Ricky Falkner (Love Of Lesbian, Sidonie) y master a cargo de Fred Kevorkian (The National). Las novedades se acumulan en el quinto álbum de la banda madrileña. Leo (voz y guitarra), el bajista Meta y el ya consolidado batería Ricky Lavado (ex Standstill) aprovechan la experiencia acumulada y buscan un mayor impacto, sin comprometer esa pulsión hacia la oscuridad emocional que les ha traído hasta aquí. ¿Borrón y cuenta nueva? “Ha sido más bien una progresión natural -nos explica Leo en una cafetería del centro de Madrid-. Terminábamos contrato con Everlasting, y Last Tour (promotora) nos quería llevar.

Tras su fusión con Mushroom Pillow, lo lógico era llegar al sello. Pero sí, necesitábamos dar un paso adelante”. Meta añade que “trabajar con un productor fue una decisión totalmente nuestra. Nos apetecía, y apareció la figura de Ricky Falkner, que además fue compañero de Ricky (Lavado) en Standstill y pasó la criba (risas). Trabaja mucho con Blind Records, así que ir a Barcelona fue natural”.

Los tres admiten que la experiencia ha sido altamente satisfactoria. “Sabíamos que Ricky (Falkner) iba a entender lo que hacemos -explica Leo-. Nunca habíamos tenido productor porque nos daba un poco de respeto ponernos a trabajar con alguien que a lo peor no nos entendía.

Intuíamos que con él podía funcionar.

Ha sido bastante respetuoso con lo que se ha encontrado. Entendió que lo que tenía que hacer era pulir y sugerir cosas”.

Voyeur Amateur es un disco de local. La banda llegó a Barcelona con maquetas muy trabajadas, en las que empezaron a trabajar cuando apenas había salido

Rojo es peligro. ¿Urgencia creativa? “Por un lado, queríamos avanzar con el sello y la nueva gente de management. Por otro, nada más terminar Rojo es peligro, que hice más yo en casa, empezaron a salir todas estas canciones en el local. Quizá ha sido una reacción. Trabajas mucho en unas texturas y una intensidad determinada, y de repente te aburres y necesitas llevarlo todo arriba otra vez”, dice Leo. Pero lo que iba a ser un álbum crudo y contundente, ha acabado equilibrándose con canciones más diversas. El bajista lo explica: “Ha sido algo en lo que ha ayudado mucho Ricky. Porque cuando lo ves desde dentro, pierdes la perspectiva de qué canciones funcionan y cuáles no.

Para ti todas las canciones tienen algo que mola y necesitas esa figura que te diga: ‘Ese tema está bien, pero quizá no encaja’”. Pese a sonar deliberadamente más grande y limpio, Voyeur Amateur mantiene la densidad oscura característica de la banda madrileña y lo visceral de su propuesta. No podía ser de otra manera. En opinión de Leo, “es un resumen compositivo y de sonido de todos nuestros discos. El blanco de la portada es como la suma de todos los colores.

Cada canción tiene su tono, y me da la impresión de que al final ha salido bastante variado. Pero no sé si es demasiado pronto para decirlo”. —josé carlos peña

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Voyeur Amateur

Mushroom Pillow, 2017 Rock

7 marzo 2017 #11

MARZO Y ABRIL 2017 ANDALUCÍA, CANARIAS Y MADRID ANDALUCÍA

PLANTA BAJA, GRANADA

24/03/2017

JUVENTUD JUCHÉ

CANARIAS

CAFÉ TEATRO RAYUELA, SANTA CRUZ (TENERIFE)

28/04/2017

IZARO

CAFÉ QUILOMBO, LA OROTAVA (TENERIFE)

29/04/2017

IZARO

23/03/2017 SIROCO

28/04/2017

GALICIA

GARUFA, A CORUÑA

16/03/2017

EVA FERNÁNDEZ

MARDI GRASS, A CORUÑA

11/03/2017

TREPÁT

CLAVICÉMBALO, LUGO

17/03/2017 30/04/2017

EVA FERNÁNDEZ IGELAREN BANDA

EUSKADI

DABADABA, SAN SEBASTIÁN

MADRID COSTELLO

GALICIA Y LA RIOJA

IZARO JOANA SERRAT & NURIA GRAHAM

03/03/2017 21/04/2017

JUVENTUD JUCHÉ TREPÁT

CASTILLA LEÓN Y ARAGÓN CASTILLA LEÓN AVALON GREEN CAFÉ, SORIA

10/03/2017

IZARO

MATADERO, HUESCA

10/03/2017 OGUN AFROBEAT

BRIGADA BRAVO & DÍAZ

ROCK&ROLL CIRCUS, LEÓN

CTO. CIVICO DELICIAS, ZARAGOZA

ARAGÓN

TEATRO DE LA ESTACIÓN, ZARAGOZA

07/04/2017

JUVENTUD 11/03/2017 JUCHÉ

LA LATA DE BOMBILLAS, ZARAGOZA

08/04/2017

PAJARO SUNRISE

LAS ARMAS, ZARAGOZA

DOKA KAFE, SAN SEBASTIÁN

07/04/2017

24/03/2017

27/04/2017

BRIGADA BRAVO & DÍAZ

JOANA SERRAT & NURIA GRAHAM

CATALUÑA Y COM. VALENCIANA CATALUÑA

CONTINENTAL BAR, BARCELONA

08/04/2017 29/04/2017

IZARO QUENTIN & LOS ZÍNGAROS

COM. VALENCIANA 16 TONELADAS, VALENCIA

30/04/2017

JUVENTUD JUCHÉ

WAH WAH, VALENCIA

28/04/2017 29/04/2017

QUENTIN GAS & LOS ZÍNGAROS JOANA SERRAT & NURIA GRAHAM

PAJARO SUNRISE

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

#12 marzo 2017

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MONDO FREAKO

THE HELLACOPTERS FOTO: ARCHIVO

Azkena Rock Festival completa su cartel

Segunda edición del BBK Music Legends

Casi coincidiendo con el anuncio de que la Delegación de Cultura de VitoriaGazteiz exigirá al festival mayor presencia femenina en próximas ediciones, el Azkena Rock Festival daba a conocer los últimos nombres que se suman a los conciertos que se celebrarán los días 23 y 24 de junio en el recinto Mendizabala de la ciudad. Los primeros son Graveyard, que vuelven a la actividad tras unos años separados. Por otro lado, participarán los estadounidenses King’s X, un referente del rock duro con esencia progresiva, y el televisivo Wyoming con su banda Los Insolventes.

Todos ellos se suman a un cartel que incluye a artistas como John Fogerty, Michael Kiwanuka, The Hellacopters, Cheap Trick, The Cult, Loquillo, Chris Isaak, Thunder, Hellsingland Underground, The Dead Daisies, Los Mambo Jambo, The Godfathers, etcétera. MS

Los días 2 y 3 de junio vuelve el BBK Music Legends Festival con su segunda edición en el Centro Ola BBK de Sondika. Tras la primera gran confirmación de Van Morrison como cabeza de cartel, la organización presenta cuatro nuevos nombres que le acompañarán en junio; el primero, un viejo conocido del irlandés, el músico británico Georgie Fame, director musical de su banda desde el año 1992 hasta el 2004 y con una larga y reputada trayectoria. En segundo lugar, aunque cambiando totalmente de estilo musical, nos encontramos con el legendario Alpha Blondy, uno de los más importantes artistas de la historia del reggae, a quien acompañará su banda The Solar System. Completando las novedades están la banda de southern rock estadounidense Gov’t Mule y el artista vasco Ruper Ordorika. MS

Carlos Pereiro ‘Carlangas’ Dentro del ciclo SON Estrella Galicia, son muchos los conciertos a los que podremos asistir durante los próximos meses. Uno de los que más nos encajan es el de Novedades Carminha en Playa Club de A Coruña. Será el 3 de marzo, con lo que aprovechamos para charlar con Carlos Pereiro, más conocido como Carlangas, sobre qué conciertos le han marcado para lo bueno y para lo malo.

THE HIVES FOTO: ARCHIVO

www.azkenarockfestival.com

DINOSAUR JR FOTO: ARCHIVO

www.musiclegendsfestival.com

Primeros nombres del Kutxa Kultur

El Mad Cool Festival ya está muy cerca de completar el cartel de esta segunda edición. Además de tener ya a los diez ganadores del concurso de bandas (Cannibals, Not My Circus, Ganges, Veintiuno, The Amsterdammers, Fizzy Soup, Dear Audrey, Paracusia, Chelsea Boots y Nora Norman), el festival madrileño –que se celebrará en Madrid desde el 6 hasta el 8 de julio- ha confirmado la presencia de la banda de referencia del dream pop Slowdive, a los canadienses Junior Boys, a UNKLE y los Dj sets de Floating Points y SBTRKT. Por otro lado, las últimas confirmaciones rock son las de los estadounidense Ryan Adams, Dinosaur Jr, Spoon y Deap Vally, los irlandeses Kodaline y los vascos Belako, entre otros. MS

The Jesus And Mary Chain, The Hives y Love Of Lesbian formarán parte de una sexta edición que pasa a celebrarse en el Hipódromo de la capital guipuzcoana los días 15 y 16 de septiembre.

La sexta edición del Donostia Kutxa Kultur Festibala llega con grandes novedades que incluyen desde el cambio de ubicación (se pasa del parque de atracciones de Igeldo al Hipódromo) hasta carreras de caballos y camping.

En el plano exclusivamente musical, los escoceses The Jesus & Mary Chain son los primeros cabezas de cartel de la nueva edición y presentarán en directo su nuevo álbum Damage And Joy que se publicará en abril de este año tras dieciocho años de silencio discográfico. Les acompañarán The Hives y su espectacular directo, lleno de himnos, y la banda festivalera estatal por antonomasia, Love Of Lesbian, que presentará por primera vez en Donostia su nuevo álbum El poeta Halley. MS

www.madcoolfestival.es

www.donostiakutxakulturfestibala.com

Mad Cool, más novedades

Los. CONCIERTOS. de mi Vida.

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El primer concierto al que asistí..

Fui a ver a Los Enemigos y Ska-P con nueve años de edad. Vi a un borracho mear en un vaso y tirarlo a las primeras filas y a un montón de gente calentándose las palmas de las manos con mecheros. Todo bien.

Debía hacer un frío de pelotas.

El peor concierto al que he asistido nunca…

Uno de la banda de gaitas de la Diputación de Ourense. Era Stravinsky, John Maus y Amancio Prada a la vez con sobredosis de vitaminas y cocido. ¡Me cago en Dios!, creo que todavía llevo el demonio dentro.

El último concierto al que he ido...

Fui a ver a Bejo en Madrid. Me encanta ese pavo.

El mejor concierto que he visto en mi vida…

Uno de trap, reguetón lento o como coño se llame, de unos pavos que me crucé en un festival este verano y no sé su nombre. Fardaban de carros guapos que no tenían, de follarse a las guapas, que no debían de ir a sus conciertos, y de contar billetes aunque su piñata parecía un barrio de chabolas. Daba todo el rato la impresión de que querían devolver con sus canciones las collejas que les habían caído en el instituto. Una maravilla.. MS

Los directos de SON Estrella Galicia Playa Club, A Coruña Novedades Carminha / 03 de marzo Joan As Police Woman + Luis Moro & Tribeca’s Band / 23 de marzo The Sadies / 31 de marzo

El Sol, Madrid Toy+Holögrama / 05 de marzo Mister Marshall / 10 de marzo 100% Psych (Guerrera + Mohama Saiz) / 17 de marzo Helena Goch / 18 de marzo The Sadies / 26 de marzo

Teatro del Arte, Madrid Lucía Scansetti / 04 de marzo Reserva Espiritual de Occidente / 11 de marzo ALA.NI / 16 de marzo Dan Owen / 23 de marzo

Lemon Rock, Granada Corcobado / 09 de marzo

Café Berlín, Madrid) 100% Psych (Nathan Fake) / 17 de marzo

Shoko, Madrid 100% Psych (Russian Circles+Cloakroom) / 09 de marzo Teatro Barceló, Madrid Austra / 6 de abril

Teatro Lara, Madrid Donovan / 09 de marzo Rosalía & Raúl Refree / 16 de marzo Corcobado / 23 de marzo Sarrià, Lugo Esmorga Fest / 11 de marzo Escenario Santaner The Sadies / 24 de marzo Café & Pop Torqal, Ourense The Paperhead / 6 de abril

marzo 2017 #13

MONDO FREAKO

O

pina Juan Rodríguez que Enrique Morente murió en el mejor momento de su carrera. En el ya lejano 2010, J preparaba una serie de experimentos con el cantaor y Juan Habichuela Nieto, incluida una versión de Un hombre solo, de Décima Víctima, que quedó a medio maquetar. Por entonces, el álbum Una ópera egipcia sugirió la culminación de la trayectoria de Los Planetas. La banda andaluza abrió el tarro de las esencias del flamenco antiguo en La leyenda del espacio, trabajo tildado de revolucionario, hace una década.

Una vuelta a las raíces en plena globalización. Pero la muerte de El Ronco provoca un volantazo; Los Planetas se ven aparcados –o transformados– para reivindicar la herencia morentina a través de Los Evangelistas, colectivo que delinea, con Antonio Arias, el nacimiento artístico de Soleá Morente.

J anda reformando una casa que se ha comprado en el Albaicín. Aunque ahora es padre, no pierde el hilo de los saraos. Llega satisfecho del doblete de Niño de Elche y Rosalía con Raül Refree en la capital nazarí.

Quedamos junto al bar del batería de Los Planetas.

Eric Jiménez, por cierto, ha protagonizado varios amagos de salida en los últimos tiempos. “Siempre está así.

Atiende muchos proyectos. A veces ensayamos con cajas de ritmos”, explica el califa indie, contento por el Nobel a Bob Dylan. “Implica reconocer que el rock es cultura, tío”, advierte. Zona temporalmente autónoma es el noveno disco de los granadinos. Supone, además, el regreso de la marca tras siete años, al margen del epé Dobles fatigas en 2015. El elepé doble, que se publicará el 24 de marzo vía El Ejército Rojo –el sello de J– y El Volcán –la oficina de su manager de toda la vida, Javier Liñán–, incide en una teoría palmaria a lo largo de sesenta y cinco minutos y catorce canciones: el pop deriva del flamenco. “La guitarra española se inventa en Andalucía. A partir de ahí, la música popular experimenta un cambio drástico”, reflexiona el líder de #14 marzo 2017

SATÉLITES

E

l largo lapso de silencio de Los Planetas ha servido para que los miembros del grupo desarrollen proyectos en paralelo.

El más sonado fue Los Evangelistas, banda centrada en reinterpretar la obra de Morente con Florent y Eric en la retaguardia. J la considera como unos Planetas, pero con Antonio Arias en sus filas. Tras el enjundioso y explícito Homenaje a Enrique Morente (2012), siguió el epé Encuentro (2013), ya con Soleá como voz principal, acompañada por su hermana Estrella, por vericuetos de dream-pop. Soleá Morente debutó en solitario en 2015 con Tendrá que haber un camino, con fuerte implicación de J y colaboración de Eric. El jefe de Los Planetas también sacó el álbum El eje de La Tierra (2012) con Grupo de Expertos Solynieve, su válvula de escape sureña con Manu Ferrón. Continuaron con los epés Colinas Bermejas (2014) y Lucro cesante (2015). A su vez, ambos viajaron a Milán en 2012 para trabajar con Franco Battiato en la traducción al castellano de Apriti Sesamo. Por su parte, además de tocar en la formación en solitario de Antonio Arias para Multiverso, Florent ha desarrollado su faceta electrónica con Banin en Los Pilotos, que lanzaron un disco homónimo en 2011 y una secuela más vertebrada, El regreso de Logan (2014), a lo que se unen alianzas The Suicide Of Western Culture, Fangoria y La Bien Querida. Banin, por su lado, ha producido a Aurora y a Éter, y participa en títulos de Reina Republicana, Royal Mail, León Benavente, Soleá Morente o Arista Fiera. En cuanto al bajista de Los Planetas, el ex Lori Meyers Julián Méndez, en 2014 vio la luz Clavulánico, en el pellejo de Checopolaco. —e.t.

“Con esto demostramos que el rock’n’roll es un palo flamenco. La diferencia entre el flamenco y las músicas populares europeas está en un acorde”

Los Planetas. “El músico ya puede acompañar sus canciones por sí solo. El rock’n’roll mantiene la afinación que se estableció aquí para el flamenco.

Andalucía resultó una importante influencia en el mundo tras el descubrimiento de América. La guitarra se expande por todos los territorios, viaja al norte de Europa. El folk irlandés influye luego en el folk americano. Y de ahí al rock’n’roll. Pero es siempre la misma guitarra, afinada de la misma forma”. El primer cantaor del que existen referencias documentales se apodaba ‘El Planeta’. En las ilustraciones figura de pie con la guitarra en la mano. Espíritu olímpico, el single anticipado, recobra el pellizco del pop planetero con esas guitarras jangle de Florent, en una onda muy Just Like Heaven de The Cure, y el rescate en la letra de unos tangos clásicos de Granada. “Con esto demostramos que el rock’n’roll es un palo flamenco.

Y lo hacemos sin que la gente lo note. El público cree que es pop normal, pero son canciones que están en la cultura andaluza desde siglos atrás. Lo único que variamos es la armonía. La diferencia entre el flamenco y las músicas populares europeas está en un acorde”. Según J, se digerirá mejor que La leyenda del espacio. “Aquel disco fue puro descubrimiento. Nos metimos en el sentimiento más jondo y oscuro. Aquellas emociones eran demasiado profundas.

Eso no es popular en este periodo. Y la gente no tiene tiempo para investigar. Este álbum es más asequible. Se entenderá mejor”.

El primer vinilo de Zona temporalmente autónoma habla de la dificultad del amor en el capitalismo. “La idea pomondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: ARCHIVO

LOS PLANETAS COMANDO INFILTRADO

—texto Eduardo Tébar

Han pasado siete años desde el anterior movimiento discográfico de Los Planetas, pero ahí siguen los andaluces.

Zona temporalmente autónoma (El Ejército Rojo/El Volcán, 17) nos devuelve a una de las grandes leyendas del pop de guitarras nacional.

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sesiva del amor es una imposición del sistema”, comenta. El segundo plantea alternativas afectivas en otra organización económica. En su apertura, Gitana, J –como les sucedió antes a The Beatles, David Bowie o Genesis P. Orridge– se inspira en el poema de Aleister Crowley, el alpinista y ocultista británico, amén de poeta decadente, pornógrafo y pionero en el consumo de drogas alteradoras de la conciencia. “Crowley es uno de los mayores poetas de la historia.

Escribe Gitana cuando viene a Granada a principios del siglo XX. Conoce a una chica y eso marca un punto de inflexión en su visión mística y esotérica.

De nuevo, lo de fuera conecta con nuestra cultura”, razona J. En el cierre, Guitarra roja –más cerca del cantor libertario argentino Martín Castro que de la máquina de matar fascistas de Woody Guthrie–, brota el anhelo anarquista. J piensa que Los Planetas son una suerte de comando anticapitalista infiltrado en el seno del mercado discográfico para subvertir sus reglas. “El capitalismo está acabado. Lo hemos hundido con los ocho discos anteriores de Los Planetas. El modelo capitalista está dando sus últimos coletazos con Trump, Le Pen y Mariano Rajoy, ejemplos de cómo el sistema intenta mantenerse a la desesperada. Es como la caída del Imperio Romano: Donald Trump es el Nerón de nuestro tiempo. Es el que va a incendiar Roma”.

Conviene aclarar lo del título, extraído del ensayo de Hakim Bey. “El indie fue la única cultura de resistencia en los noventa. Es un movimiento que se organiza fuera del circuito establecido por las multinacionales. Por supuesto, es como una ‘zona temporalmente autónoma’: en cuanto el poder detecta su existencia, la absorbe. Ocurrió en Inglaterra con los sellos Rough Trade, Factory o Creation. Lo curioso es que España haya sido el único país del mundo en el que el indie se ha consolidado. En el resto de los países la escena alternativa sigue siendo marginal, mientras que aquí ha ocupado el espacio del mainstream”. El gen anarquista de los gitanos que desafían la ley surge en Libertad para el solitario, otra pieza pop muy de Florent, donde J recupera un fandango habitual de Morente con guiño a Agujetas. “Esa zona temporalmente autónoma de la cerrada comunidad gitana es la que ha permitido la transmisión del flamenco, a pesar de la persecución del pueblo gitano”. ¿Y el trap? “Es contracultura y está vivo. El hip hop es rock’n’roll. Pero el rock tiene que evolucionar con el cambio tecnológico, que es como nació de la mano del vinilo, la guitarra eléctrica y el amplificador. De lo contrario, se convertirá en una música muerta, como el jazz”. —MS

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marzo 2017 #15

Astrogirls

Meteosat

Les Biscuits Salés

Alma X

Dirty Princess

Como un flan (1996)

Mundo de metal (1998)

Me parece muy bien (1999)

Twin Power (2003)

Jugar al revés (2004)

Pioneras del género aunque algo menos descocadas de la generación que vino después.

Como muchos de los grupos del sello Spicnic de la época, se desmarcaban del indie canónico de guitarras al usar sintetizadores, teclados y bases electrónicas.

Astrogirls estaban lideradas por Julie Lee, mítica integrante de Terry IV, y su debut, el fantástico Un hogar en las estrellas (Spicnic, 96), sigue siendo, no solo una rara avis, sino una piedra de toque del pop electrónico estatal.

El grupo que junto a Los Fresones Rebeldes devolvió la sonrisa al indie español de guitarras que se miraba los zapatos.

Grupo de punk en espíritu (algunos de sus miembros apenas sabían tocar) y agitadores de la escena (fueron una especie de Gauche Divine neo-pop madrileña), tuvieron uno de sus primeros hits en este Mundo de metal que muchos veinteañeros de la época bailábamos hasta romper suelas. Casi veinte años después aún aguanta el tipo. A propósito, uno de sus miembros fue Ignacio Escolar, actualmente director de eldiario.es

Referencia directa para Las Bistecs. Sin Les Biscuits Salés probablemente no hubiéramos escuchado canciones como “HDA (Historia de arte)” o “Señoras Bien”. Este cuarteto de Barcelona, protegidas de Astrud y el sello Austrohúngaro, publicaron solo un EP. Ni decir tiene que seminal. Y eran riot grrrls aplicadas al pop electrónico; puro empoderamiento femenino. “Me parece muy bien” es uno de sus hits más recordados junto a “Ese pedazo de onda”.

Una de las primeras referencias del sello Austrohúngaro, y pioneros en nuestro país del pop electrónico hedonista con pedigrí. Alma X eran un dúo formado por Pinkglove (en su momento toda una celebridad underground barcelonés) y Also Starring, y hacían de la provocación un arte. Esta canción y video dedicadas al 11-S son una obra maestra que juguetea con los límites del humor. Es más, sintetiza la quintaesencia del electropop petardo estatal que vino después.

De cuando lo erótico-festivo y el videoarte llegaron al electropop nacional. Dirty Princess estaban formadas por dos frontwoman entregadísimas a la causa, Yasmine y Nikki, y el legendario productor Big Toxic.

El resultado de la unión era una máquina bien engrasada de EBM acelerado y unos directos llenos de performances sexuales (solían aparecer desnudas sobre el escenario). Su estilo se llegó a conocer como electronic body trash, y les llevó a convertirse en una de las bandas de moda en el ahora lejano 2004.

Clásicos

del electroclash español El éxito del electro-disgusting de Las Bistecs, la reedición reciente del seminal primer y único disco de Blas y las Astrales, los hitazos dance de Los Ganglios, la nueva canción de Ojete Calor… El pop electrónico DIY nacional de alma festiva no solo sigue vivo, sino en plena forma.

En MondoSonoro hemos decidido celebrar la buena salud del género recuperando diez hits que ayudan a repasar su historia reciente. Un recorrido lleno de rompepistas deslenguados, hedonistas y provocativos que reivindica la música pop y electrónica en su faceta más calenturienta y menos racional. —xavi sánchez pons

Chico y Chica Lady Olé (2004)

L-Kan Aburrida de estar salida (2004)

Otra banda totémica del género, y uno de los dúos más longevos del pop electrónico español, tanto que han sido capaces de reinventarse a lo Madonna varias veces, jugando con el formato de sus discos y la estructura de sus canciones. Su segundo álbum, “Status” (04), fue su momento de más exposición mediática, gracias a hits como “Lady Olé”, una canción que no solo juega con el lenguaje, sino que también sirve para definir el libro de estilo del dúo bilbaíno: petardeo chic inteligente.

Dejen que les cuente en secreto.

“Aburrida de estar salida” de L-Kan dividía, allá por 2004, a la redacción de MondoSonoro.

Unos la amaban y otros no podían con ella. A mí me hacía gracia, para qué negarlo. Los que estábamos a favor no podíamos para de cantar eso de: estoy aburrida/de estar tan salida/impulso sexual/déjame ya en paz. Incluida en “Discazo” (Subterfuge, 04), el tercer álbum del grupo, se trata de unos de sus hits más bailables y contundentes.

#16 marzo 2017

The Raros Cuando haces tecnopop (ya no hay stop) (2004) Hit de culto de una banda barcelonesa que se dejaba ver poco en directo, cercana al entorno del antes mencionado FEA (Festival Electropop Alternativo). Llegaron a autoeditarse un disco que ahora es difícil de conseguir. “Cuando haces tecnopop (ya no hay stop)” es un rompepistas absoluto y un himno lleno de ironía sobre ese género musical entendido como una forma de vida. En la época definía a toda la escena patria underground que optaba por los sintes y las bases electrónicas.

Focomelos Mami me he tragado el disco de Depeche Mode (2004) Grupo surgido del entorno del fanzine Mondo Brutto que llegó a disfrutar de sus quince minutos de fama gracias a la maquinal y tronchante “Mami me he tragado el disco de Depeche Mode” y ese estribillo repetido hasta la saciedad que una vez escuchado no te abandona nunca –y no es broma-. La canción se puede encontrar en el recopilatorio “Electro Spain” (Subterfuge, 04), un compacto de veintiún temas que radiografiaba con acierto la escena electropop patria de la época.

Putilatex Mira una moderna (2008) Toda una institución del electropop ligero de cascos con base en Albacete y con varios discos a sus espaldas. “Mira una moderna” es, sin duda, su mejor canción; un tema en el que se ríen con sarna del moderneo en general (por ejemplo de los fans de Fischerpspooner, muy in en la época) y hasta de alguien en particular: Blas y las astrales, utilizando una estrofa de “Drogas Duras”. Lo suyo no era la sutileza, algo que también podemos aplicar a la mayoría de bandas de la lista.

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Desde la modestia, los valencianos Polock han ido subiendo posiciones entre los gustos de los aficionados al pop de nuestro país.

Ahora publican Magnetic Overload (Sony, 17), un disco con intenciones de llevarles todavía más allá.

“Queríamos riffs muchos más pegadizos. Mucha menos líneas, pero más s” directas, más incisiva

H

an pasado tres años desde la publicación de Rising Up (Mushroom Pillow, 14), el último trabajo de Polock y un disco que les permitió tomarse licencias como trabajar con cacharros analógicos, sacrificar alguna que otra guitarra para dejar paso a teclados y recorrer festivales y salas de fuera y dentro de nuestras fronteras. Tres años después, el sucesor es Magnetic Overload, que verá la luz a mediados de marzo y en el que el mundo analógico vuelve a cobrar más relevancia si cabe.

“Hemos usado un montón de cacharros de amigos que tienen mucho material analógico de los setenta. Hemos investigado con amplificadores y con pedales muy antiguos, sobre todo de fuzz, más distorsiones. Todo eso al final queda reflejado en el disco”, cuenta Papu Sebastián, vocalista y guitarrista del grupo.

Polock vuelve a repetir con Fernando Boix, que ya se encargó de la grabación de Rising Up, en una producción desarrollada por la propia banda y masterizada por Brian Lucey (Arctic Monkeys).

El resto de procesos que han girado en torno a este último disco han sido “completamente diferentes a Rising Up”, asegura Sebastián “Hemos cambiado la manera de componer, nos pusimos unas reglas. Fue completamente diferente al anterior trabajo, que fue muy laborioso, muy metódico. En este queríamos hacer algo muy diferente. De hecho, a la sesión donde trabajábamos la llamamos ‘Bambú’ porque las canciones surgieron como el bambú: muy fuerte, muy rápido, muy potentes.....”.

Las premisas utilizadas: “buscar riffs de guitarra mucho más pegadizos. Muchas menos líneas, pero más directas, más incisivas”. Y lo han conseguido.

Muestra de ello son temas como Roll The Dice, primera canción que surgió y curiosamente primer adelanto del trabajo (y la que abre el disco). Detrás de

eso hay muchas horas escuchando las guitarras de Black Sabbath, los discos instrumentales de Ennio Morricone (al que rinden homenaje con la canción Morricone), los sonidos de estudio de The Beatles, o incluso Yes. La casi obsesión por los sonidos de los setenta se refleja también en la portada y en el título del disco “nos pareció que ese nombre también tenía un toque setentero, de nombre de grupo de los setenta: sobrecarga magnética”, apunta Papu.

Magnetic Overload supone una nueva etapa llena de desafíos para la formación valenciana que tras más de una década siendo cinco reduce sus filas y se convierte en trío. “Empezamos a grabar este disco hace un año, justo cuando volvimos de girar por Nueva York. Pablo, Marc y yo estábamos muy involucrados y los caminos se han separado en Polock. No obstante, sigue la esencia y en directo seguiremos siendo una banda de cinco”.

Nueva etapa y nueva discográfica ya que Polock acaba de fichar por Sony Music algo que, asegura Papu, es: “una

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oportunidad increíble de poder trabajar durante mucho más tiempo en el estudio, de tener más medios económicos para trabajar videoclips, fotografías, imágenes...”. Lo que siguen intactas son las ganas de tocar, tocar y tocar. “Al estar tanto tiempo grabando en el estudio llegas a perder la noción del tiempo y también para quién estás haciendo las canciones, además de para ti. Tenemos muchas ganas de tocar en directo y estar girando continuamente”. Sus anteriores discos les han llevado a lugares como Estados Unidos, Canadá, Japón, Alemania o Austria. Eso sí, sin moverse de su ciudad natal, Valencia. No obstante,aseguran, no descartan nada “Hemos pensado varias veces mudarnos a Berlín, incluso a Francia, Nueva York... pero la tierra tira mucho siempre. Pero no me importaría cambiar de ciudad. De hecho, ahora mismo es algo que se está hablando en el grupo”.

—maría martín-consuegra

r

DISCOGRAFÍA

Getting Down From The Trees

Rising Up

Everlasting (The Remixes)

Magnetic Overload

Mushroom Pillow, Mushroom Pillow, 2010 2014 Pop 8/10 Pop 7/10

Mushroom Pillow, 2015 Sony Music, 2017 Pop 7/10 Pop 7/10

Más en www.mondosonoro.com

marzo 2017 #17

FOTO: ARCHIVO

Polock, el pop es así

Exquirla

EN PORTADA

#18 marzo 2017

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A

o

Abre los ojos

Si vas a abrir la boca, mejor que sea para decir algo que merezca la pena.

Esa es la premisa con la que los miembros de Toundra se han decidido a salir de su madriguera instrumental para abrazar el proyecto Exquirla junto a Niño de Elche. El resultado es Para quienes aún viven (Superball/ Century Media, 17).

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—texto Nacho Serrano —fotografía Mariano Regidor

LOS TEXTOS

Cuenta Niño de Elche que la elección del libro La marcha de 150.000.000 para las letras del disco se basó en “una intuición, la intuición de que el mundo que invocaba podía encajar con la actitud sonora del proyecto”. Escrito por el “poeta de la conciencia crítica”, Enrique Falcón, encierra un brutal alegato contra el capitalismo salvaje, dividido en cinco apartados y cincuenta y cinco cantos escritos en diferentes momentos a lo largo de varios años, de los cuales sólo fue elegida una pequeña parte para el álbum. “Él vino con mucho trabajo hecho al tener ya elegidos muchos de los fragmentos. Ha tenido que tirar mucho texto para dar con lo que encajaba bien”, explican sus compañeros de Toundra. “Sí –continúa Niño-, es un libro que hemos descuartizado, porque tiene una poética que no es nada convencional, con unas temáticas nada convencionales. No son textos fáciles. Pero por otro lado, se trata de un libro escrito hace veinte años pero que sigue siendo muy actual. Su mirada no es concreta, y eso le permite tener una mirada universal hacia determinadas cuestiones que se van repitiendo a lo largo de la Historia”. Ahí está, precisamente, el gran acierto de la elección: la atemporalidad de los textos. —n.s.

N

o se trata de vocalizar tu rock, sino de politizarlo. Para ello han contado con Paco Contreras, alias Niño de Elche, agitador del flamenco, renovador con raigambre, cantaor de discurso feroz. Mientras rubrican por segunda vez sus contratos con Century Media (“los que enviamos firmados se perdieron por el camino”, cuentan entre risas), comenzamos la disección de Para quienes aún viven, el primer fruto de una relación que no sabemos si será duradera o no, pero que ya ha dejado una profunda huella en la escena musical de nuestro país.

Lo primero que debe quedar claro a los que vayan a acercarse a esta obra es que no tiene absolutamente nada que ver con la idea de fusión que guió trabajos como Rock Encounter, La leyenda del tiempo u Omega. “Sería una pena que la gente viese conexiones con esos discos, porque ese es un análisis muy, muy, muy vago”, se lamenta Niño de Elche. “Desde la primera conversación que tuvimos con él”, continúa Esteban de Toundra, “la premisa fue que esto tenía que tener una entidad propia, que tenía que ser una creación con su propia historia, que no sería Toundra más Niño de Elche. No partiendo de cero, porque es imposible, pero no siendo algo como Camarón con banda, o Morente con banda”. El guitarrista defiende la posición con buen humor (“en realidad hemos sacado el disco ahora para aprovecharnos de la campaña de promoción de la reedición de Omega), pero al cantaor se le ve ya cansado de comparaciones y referencias. “No entiendo por qué un proyecto que tiene su propio título, con su nombre y su marca, sigue viéndose desde fuera como una suma. Es alucinante cómo la gente sigue teniendo la tendencia de colocar los nombres, en lugar del disco, que es lo interesante”.

El origen del disco está en una conversación en el festival Monkey Week, en la que Toundra explicaron a Niño que buscaban un cantante para un nuevo proyecto al que querían dotar de fuerte contenido político. “Queríamos que fuera con un mensaje que mucha gente llamaría radical, pero que para mí no lo es”, explica Esteban, despejando dudas acerca de cuánto influyeron las letras en la música. “El disco se basa en el libro de Falcón y para nosotros fue un punto de partida importante, pero no tanto como para que la música se base en él de forma explícita, salvando detalles como el bombo de el principio de Un hombre, que te puede recordar a los latidos del corazón”. El modus operandi, nos cuenta, fue de la siguiente manera: “Nosotros le mandábamos cosas a Paco, él se venía a Madrid y hacíamos tres o cuatro temas, los maquetábamos, algunos bajábamos a Sevilla… Luego él se vino casi todo el mes de agosto para terminar el disco, y durante todo el proceso él hacía mucho hincapié en que leyéramos los textos”.

“Para ellos los textos no eran prioridad, a la hora de crear -continúa Niño-, como para mí podía no serlo un bajo, por ejemplo. Por eso hice tanto hincapié”.

R

esulta curioso que, con lo aceptada y aplaudida que ha sido la propuesta de Toundra, David (guitarra) confiese que “todo el mundo nos decía que teníamos que meter una voz en nuestra música”. Así que decidieron probar, pero no con cualquiera obviamente. “No queríamos una voz rockera, era demasiado lógico. Cuando pensamos en Paco vimos que era la elección ideal”, asegura Esteban, que medio en broma medio en serio se declara como “una folclórica” que llevaba buscando una conexión flamenca desde hace tiempo. “Me acuerdo de una vez que Toundra estábamos de gira en San Petersburgo, y los miembros de una banda de allí nos preguntaron si nos gustaba el flamenco. Yo ya por entonces le decía a todo el mundo que sí, que me gustaba mucho, y aquel día les estuve hablando de este y aquel artista, sin ser un erudito ni mucho menos. Además, en el segundo y el tercer disco de Toundra ya hay cadencias flamencas”.

3

marzo 2017 #19

EN PORTADA

Toundra y Niño de Elche en el local de ensayo preparando los temas de Para quienes aún viven.

3L

legado el temido y odiado momento de las etiquetas, Paco se lanza a una cerrada defensa de lo genuino del proyecto. “Si de algo estamos contentos es de que Para quienes aún viven es un disco que está en un no-lugar. Nuestro prejuicio de todos esos proyectos supuestamente preferenciales para la gente que nos escuche, es que no somos seguidores de la world music ni de fórmulas por el estilo. Esto no es un encuentro de laboratorio, esto va mucho más allá. Hay un discurso, un concepto, unas conexiones, una necesidad. Las lecturas pueden ser variadas, pero nosotros no trabajamos con las estéticas, esto no es flamenco con rock. No hay ni compases flamencos ni compases rock, hay compases. Hay cosas rock, sí, psicodélicas, sí, quejíos flamencos, sí, pero no es flamenco-rock”.

El título del álbum, por el contrario, es algo mucho más abierto, con diferentes interpretaciones posibles. “Vivir es un concepto que te puede llevar a muchos territorios”, opina el cantaor. “Si yo pudiera tirar ahora de una cita filosófica… Hay un filósofo que me gusta mucho que dice que ‘una cosa es tener una vida, y otra vivir’. El libro de Falcón late mucho en ese sentido. Como habla mucho de las revoluciones africanas, suramericanas, el concepto europeísta, la relación con estos territorios…

Al final habla de quienes han sobrevivido, así que también puede ir por ahí. Pero también puede ir por los que tienen ganas de vivir”.

Sin embargo, la realidad es que cada día son más los que pierden las ganas de vivir ante tanta miseria moral, ante una aceleración de la injusticia que parece no tener freno. “Yo creo que ahora mismo es imposible por los mercados y la gente que sustenta los mercados, que es mucha”, reconoce Paco. “Sustentamos esto con nuestro día a día, en una suerte de fascismo sociológico. La putada de todo esto es que toda solución debe pasar por partidos políticos, y ahí es donde estamos jodidos. Y en España mucho más, porque es un Estado totalmente oligárquico, no hay una sola decisión que pueda encauzarse por otro lado. Al final, para mí la solución es amortiguar los golpes, y eso ya se hace complicado. Estamos inmersos en la guerra más desastrosa de la Historia, porque nadie la gana. Es un camino recto hacia la derrota”. —MS

APROXIMACIONES Aunque Exquirla no se sientan identificados con ningún antecedente, lo que es indiscutible es que Para quienes aún viven supone un hermanamiento de rock y flamenco en muchos sentidos, y es más que probable que lo veamos incluido en los futuros anales de la fusión.

Una saga de experimentos cuyos orígenes se remonta a más de medio siglo atrás. Según Ricardo Pachón, uno de los mayores expertos vivos en flamenco, el primer acercamiento del género hacia el rock se produjo en los años cincuenta: “en una grabación de mediados de la década con la que me topé por casualidad, y que contiene un boogie-boogie con toque flamenco. Desafortunadamente no tenía ni el título ni el autor”.

Unos diez años después, en 1966, unos estudios de grabación de Nueva York acogen la grabación de Rock Encounter, fruto de la colaboración entre Sabicas y Joe Beck. Aunque recoge momentos sensacionales, fue una producción algo forzada de la que ambos guitarristas renegaron y que no ofrece una fusión total del flamenco y el rock (cada cosa va por su lado, digamos). Pachón, que considera aquel álbum como el primer encuentro oficial entre ambas músicas (el Flamenco de Los Brincos, en 1964, no deja de ser una intro anecdótica), fue un personaje fundamental en la gestación de los cuatro siguientes. “El primero, el de Manuel Molina con Smash (El Garrotín / Tangos de Ketama Bocaccio, 1971), pudo hacerse gracias a Oriol Regàs, que nos cedió la discoteca Bocaccio para desarrollar el experimento, convirtiéndose en uno de los mecenas que apadrinó el flamenco fusión”. El segundo y el tercero serían los de Lole y Manuel (Nuevo Día Movieplay, 1975) y Veneno (Veneno CBS, 1977).

“Este último ya con mucho desmadre”, y el cuarto no es otro que La leyenda del tiempo (Polygram, 1979), el disco donde Camarón, el grupo Dolores (con Jorge Pardo, Rubem Dantas, etcétera…), Raimundo Amador, Tomatito, Kiko Veneno y demás compinches unieron fuerzas para alterar la Historia del género para siempre. —n.s. #20 marzo 2017

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marzo 2017 #21

Joe Crepúsculo, demonio con piel de cordero

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

“¿Realmente puede interesar a los jóvenes lo que yo hago?”

Luchando contra gigantes aspados, Joël Iriarte continúa adelante puntualmente. Siempre tiene canciones para que nos sumemos a su fiesta, y esta vez lo consigue con las de Disco Duro (El Volcán, 17).

RRCon apenas una semana de diferencia, el rapero de Atlanta Future ha lanzado dos discos, uno de ellos homónimo y el otro con algunos invitados.

Este último lanzamiento lleva por nombre HNDRXX.

TAN. LEJOS. Crystal Fairy, supergrupo espiritual

Crystal Fairy (Ipecac, 17) es el primer larga duración del supergrupo formado por Buzz Osborne y Dale Crover (Melvins), Teri Gender (Le Butcherettes) y Omar Rodríguez (At The Drive-In, The Mars Volta). #22 marzo 2017

RRRide, una de las bandas más representativas de la década de los noventa, está de vuelta con nuevo material. Seminales para el movimiento shoegaze con su disco debut, Nowhere (Creation Records, 90), y partícipes también del sonido britpop, la banda capitaneada por Andy Bell y

B

Mark Gardener estrenará su quinto disco de estudio el próximo verano. De momento han estrenado el tema Charm Assault, producido por Erol Alkan y que publica Wichita.

Alan Moulder se encarga de la mezcla.

RRMuchas novedades de Depeche Mode. Este mes de marzo, al margen del lanzamiento del nuevo álbum de los británicos, Spirit (día 17), se publicará un compacto de remezclas del single Where’s The Revolution, firmadas por Ewan Pearson, Algiers, Autolux y Terence Fixmer. Unas semanas más tarde se lanzará un doble vinilo que sumará otras remezclas firmadas, además de por Ewan Pearson o Autolux, por Pearson Sound, Simian Mobile Disco y Patrice Bäumel.

RRThe 1975 han lanzado una cover benéfica de Sade, concretamente del tema By Your Side. El objetivo es recaudar fondos para War Child, organización que ofrece ayuda psico-social, educación y protección a niños en áreas de conflicto.

uzz, cuando Mike Patton te llamó para ser parte de Fantomas, dijiste que “tuve una erección y me cagué encima al mismo tiempo”. ¿Qué sentiste en el momento de formar Crystal Fairy?

(Buzz) ¡Esa fue una buena respuesta! (risas). Me sentí igual. Muy bien. Sé que Teri es la misma fuerza de la naturaleza cuando hace música, es sencillamente fabulosa. Así que cuando acordamos hacer esto supe que sería grandioso.

Funcionó muy rápidamente, las canciones salieron muy pronto. Es genial, cero problemas. ¿Cómo es la vibra del disco desde tu perspectiva?

(Buzz) Es rock agresivo con voces femeninas, lo cual es extraño en cierto sentido. Creo que Teri tiene una voz clásica que puede volverse rara también según las circunstancias musicales que transitemos. Esa combinación funcionó a la perfección, hay en esta banda una sensibilidad importante a lo que consideramos buena música rock. Es asombroso.

Yo creo que el disco suena un poco a Melvins con Teri, pero me da la sensación de que Omar metió su mano en algunas melodías vocales ¿Cómo fue el proceso de escritura del disco?

(Buzz) Las melodías vocales fueron todas escritas por Teri, o sea que es imposible que escuches la influencia de Omar en las voces. Yo escribí algunas músicas por mi lado, lo mismo hizo Teri, y también escribimos algunas cosas los dos juntos.

También hubo sesiones donde los cuatro compusimos al mismo tiempo. Pero la mayoría de la música fue escrita por Teri y yo. Y es imposible que no suene un poco a Melvins. Todo lo que hago tiene mi sello. No sé, es como Bob Dylan, que escribe música a lo Bob Dylan. O Johnny Cash, o AC/DC, o The Birthday Party, Nick Cave... es imposible que se alejen de su sonido. Mi sonido estará siempre en lo que haga aunque escriba un disco de synth-pop, ¿sabes?

Estás acostumbrado a ser el frontman en Melvins, pero en tus proyectos paralelos te han acompañado otros can-

tantes prestigiosos como Mike Patton o Jello Biafra y ahora lo hará Teri. ¿Cuál es la mejor parte de no tener todos los ojos encima?

(Buzz) ¡Está muy bien! Aunque no sea algo que me preocupe demasiado. Me encanta trabajar con otra gente. Trabajé mucho por mi lado, escribí unas cuatrocientos canciones, entonces es muy agradable estar en proyectos que no dependan de mí al cien por cien. Es refrescante. De hecho con Melvins ahora mismo estamos grabando un disco doble y uno simple. ¡Tres al mismo tiempo!

Saldrán pronto por Ipecac. ¿Cuál es tu proyecto favorito de Omar Rodríguez-López?

Crystal Fairy Ipecac, 2017 Rock 7/10

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J

oël y yo habíamos quedado en el Apolo de Madrid sin saber que nos lo íbamos a encontrar cerrado. La solución —ir al bar de turistas de en frente— quizá no fuese la mejor, sin embargo, mis sospechas de que esa mañana sería la más acertada, se confirmaban mientras Joe Crepúsculo me decía: “No sé, creo que una característica de mi carrera sería el intentar desprenderme de lo indie de mi música.

Para empezar, se trata de una palabra equívoca porque da pie a diferentes interpretaciones que, además, son contradictorias”. Teniendo todos sus discos presentes, es inevitable pensar que lo que dice es cierto. Quizá no hasta el punto en el que desprenderse de lo indie sea lo que el barcelonés haga pero, al menos, sí respecto al intento de desprenderse de sí mismo motivado por ese miedo del que ya nos hablaba en Escuela de zebras. “Lo que me da más miedo es dejar de estar fresco, dejar de ser creativo en el sentido en el que lo podía ser antes. Eso me da más miedo que hacerme viejo. La cuestión de

hacerme viejo no creo que esté mal, la cuestión es el cómo hacerlo. Y para eso, creo que es súper importante no enfrascarse, no quedarse ahí como en una corriente cerrada, sino estar abierto a escuchar nueva música, leer, ver pelis…

En definitiva, salirte un poco de lo que tú harías siempre. Creo que eso es lo que mantiene el aire fresco, el punto de fuga”. Así, bajo esta perspectiva de actualizar constantemente el pasado en un presente en el “que parece que el concepto de disco que empezó en años setenta o así está más en decadencia que nunca, me molaría, pues eso… lograr una forma a través del disco y a propósito de él, que plantease la pregunta de si tiene sentido seguir sacando discos. ¿Qué representa la música? […]¿Realmente hay una barrera entre los jóvenes y los mayores? Eso es lo que me planteo. ¿Realmente puedo llegar a los jóvenes? ¿Realmente puede interesar a los jóvenes lo que yo hago? Igual no, igual sí”. La expresión de todo ello, la ha encontrado en un álbum que igual que sus preguntas, se articula sobre

Teri, compartiste escenario y gira con Melvins hace un par de años. ¿Cuánto tardaron en darse cuenta que debían formar un grupo juntos?

(Teri) La verdad es que no lo sé. Lo que sí sé es que Omar y yo hemos sido fans de Melvins por mucho tiempo incluso antes de tener nuestros propios proyectos.

Melvins es una de esas bandas que han cambiado y transformado el camino de la música. El hecho que nos invitaran a formar parte de un conjunto fue increíble. ¿Cómo surgió la idea de que Omar sea el bajista?

(Teri) Cuando Omar era un chamaquito empezó a tocar el bajo y luego tomó la guitarra como instrumento principal, pero en realidad Omar es un gran bajista. Fue el bajista de la banda de dubpunk legendaria DeFacto, hasta llegó a ser bajista mío en Le Butcherettes por

l Miranda de Ebro 25 de marzo. Fábrica de Tornillos. l Barcelona 20 de abril. Apolo. l Madrid 4 de mayo. Ochoymedio. l Suances 30 de junio-2 de julio.

Sunshine Suances Fest.

la dicotomía, sobre la contraposición.

Por un lado sonora. “Lo que quería era juntar cacharros analógicos y digitales hasta llevarlos a un punto en el que no se distinguieran mucho los unos de los otros”. Y por otro, de contenido y forma.

“Cada canción tiene su opuesta en el disco. Son contradicciones, pero musicales también. La cuestión es esa, no me voy a poner a rapear aquí porque no me atrevería, pero sí que estoy atento a todo lo que pasa”. Si no estuviésemos

En definitiva, escuchar Disco Duro se trata de sumergirse en una dinámica de cuestionamiento y contradicción.

En un espacio de reflexión tan amplio y desconcertante que, incluso en su parte central, alberga la figura de los animales para otra vez, jugando con las oposiciones, hacernos: “llegar a esa parte de replantearte las cosas.

En concreto, al momento en el que te replanteas lo que estás haciendo, y en si nuestras leyes nos merecen la pena realmente como especie. Por otro lado, con los animales surge la ley de lo salvaje, lo animal… No sé, se trataba de poner una pregunta y fijarnos cómo se mueven los anímales. Además, me he dado cuenta de que me paso el disco hablando de fieras”. —manuel jubera

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El Laboratorio Sonoro de La Pegatina

RRLa vuelta de Incubus es inminente y muestra de ello es su nuevo single, Nimble Bastard. Tras If Not Now, When? de 2011, último trabajo de estudio de los californianos, el nuevo material se acerca.

Será un álbum que llevará por título 8 , que saldrá a la luz el próximo 21 de abril y que contará con la colaboración de Skrillex.

(Buzz) Posiblemente The Mars Volta.

Pero no he escuchado todo lo que ha hecho. Es realmente imposible.

LA GIRA

atentos, no tendríamos opción de salirnos de lo que hacemos… estaríamos solo haciendo discos indies con sonido a local de ensayo.

“Revulsiu en el Laboratorio Sonoro” es el nuevo proyecto de La Pegatina en el que se potencia el poder de la letra de las canciónes quitándoles su envoltorio sonoro de carácter festivo.

E

unos años. Aparte ha tocado el bajo en la mayoría de sus discos solistas, así que fue natural que Omar se inclinara hacia ese instrumento para Crystal Fairy.

Según lo agresivo y sugestivo de su sonido, parece que Crystal Fairy intentan devolver cierta peligrosidad al rock. ¿Estás de acuerdo?

(Teri) Creo que sin duda este sonido es agresivo y claro, algo que hoy en día está disminuyendo en la música actual. En cualquier caso yo vivo en una cueva y no conozco todo lo que sucede en la música. Pero sé que todos los componentes de la banda tenemos una ira interior que sale a la luz en todo lo que hacemos, en el arte y en la música. —adriano mazzeo

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l hecho de que hagamos música de baile hace que el público esté mucho más atento en bailar que en el significado de las letras, y fue eso lo que nos motivó a buscar una manera para que la gente se fijara en ellas y las viera de otra forma.

Esperamos que una vez hecho este experimento nuestros seguidores mirarán las letras de otra forma, repararán más en ellas, porque pensamos que son muy potentes y estaban pasando un tanto desapercibidas”. Adrià Salas, cantante, letrista y compositor de la banda catalana, me explica los motivos que han llevado a él y a su grupo a someter seis canciones de su último álbum, Revulsiu (Warner/Dro, 15), a una especie de proceso de deconstrucción que combina diferentes disciplinas. Un experimento único encaminado a potenciar el poder de la letra de la canción, quitándole su envoltorio sonoro de carácter festivo para dotarla de una nueva banda sonora. Para realzar el mensaje, la narración corre a cargo de auténticos especialistas del mundo del doblaje y del periodismo radiofónico. Todo ello finalmente se combina con imágenes de vídeo de archivo para que puedan ser mostradas a través del canal de Youtube de la banda.

El experimento ha contado con un extenso equipo de locutores profesionales, músicos, periodistas y actores de doblaje, que han hecho posible este proyecto.

YOUTUBEANDO

Q La Pegatina – Una mirada (Revulsiu en el Laboratorio Sonoro) https://www.youtube.com/user/ lapegatinatv/videos

“Hay medios de comunicación que nos han colgado la etiqueta de perro-flautas y ya ni nos escuchan, ni nos dan una oportunidad. Son prejuicios que todo el mundo tiene”

Desde el Laboratorio Sonoro con África Egido, Txe Arana y Roberto Nistal, pasando por Alberto Romero ‘Capitán Cobarde’, el poeta y cantante David Martínez “Rayden” y Amparanoia. También se han volcado periodistas de la talla de Miguel Ángel Hoyos, Ángel Carmona, Víctor Amela y Víctor Fernández Clares.

—don disturbios marzo 2017 #23

#24 marzo 2017

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WALA. WALA.

“Gané el Premio a Mejor Presentador de Televisión del Año en 2006. Lo tiré en directo y dije que se metieran la televisión en el culo.

Obviamente, estaba bromeando, pero nunca he vuelto a tener un trabajo en televisión” Suggs, de Madness, en Mojo

Sampha “En el rap esa chulería tiene y ha tenido su lugar. En parte es necesario” Tras haber sido parte imprescindible de SBTRKT, publicado dos epés y colaborado con los adorados Kanye West, Solange y Drake, a Sampha le faltaba publicar un largo en el que se sintiera libre. Y eso es Process (Young Turks/Popstock!, 17)

M

e gustaría que me hablases de tu evolución como artista, de cómo y por qué empezaste con Aaron Jerome (SBTKRT) y cómo tu trabajo te llevó a trabajar con Kanye y Drake.

Definitivamente, Myspace fue un factor muy importante que logró que la gente me escuchase más. Todo lo demás fue viniendo y funcionando solo. En un momento me invitaron a Los Ángeles donde conocí a Kanye y me vi envuelto en la movida... He sido siempre un gran fan suyo, así que trabajando con él he podido disfrutar mucho de su forma de hacer las cosas.

Process es un trabajo muy personal. ¿Es por ello que lo hiciste prácticamente solo? Únicamente cuentas con la ayuda Rodaidh McDonald en la producción… ¿por qué él?

Sí, de hecho, diría que el ochenta y cinco por ciento del proyecto lo hice yo. Aunque conté con la gran ayuda de Rodaidh McDonald... Era lo que buscaba, un productor excelente al que conociese.

Además, más que un productor, ha sido alguien capaz de darme su opinión sin imponerla.

No creo que se trate de un disco que invite tanto al baile como a la reflexión. Viendo tu trayectoria, creo que con nada que hicieses estarías llenando pistas de baile, ¿por qué has apostado por un sonido así?

Bueno, no estoy seguro de haber sido capaz de eso tan fácilmente. Me encanta la música pop y quizá podría haberle dado más ritmo a alguna

grabación, pero la verdad es que esta es la forma natural en que fue saliendo el álbum. Por otra parte, no dejaba de sentir que no era un álbum sólo para mí, sino que iba dirigido al mundo… así que quería asegurarme de que el sonido se tradujese claramente, sin distorsiones de intención. En otras palabras, no estaba pensando en hacer números, sino en ser claro. La verdad es que no creo que por otro camino pudiese alcanzar la felicidad. ¿Sabes que te comparan con James Blake?

Sí, entiendo la comparación… Quizá los haya que vean mucha distancia entre nosotros, pero desde luego que hay similitudes. No dejamos de ser dos chicos de Londres metidos en la electrónica y cantando… Además, lo he escuchado bastante.

Al escucharte, inevitablemente pienso en personas como Kid Cudi, Chance The Rapper, el último Gambino… en definitiva, en personas que, como tú, parece que cada vez más, dejáis de lado el discurso de la chulería tan propio de “la estrella yanki de calle”…

Sí. Siempre he pensado que la gente cambia y luego vuelve atrás. Desde luego que en el rap esa chulería tiene y ha tenido su lugar. En parte es necesario. El rap tiene ese elemento reaccionario, ya sabes, como que el mundo no es siempre un lugar tan bonito (risas). Así que sí, considero importante que la gente exprese esas cosas, esa “masculinidad”. Lo que significa ser un hombre, ya sea blanco, negro… Todo esto entraña una complejidad en la que uno tiene la sensación de que tiene que mostrarse fuerte. Respecto al tema de expresar mis propios sentimientos… es algo que siempre me ha puesto muy nervioso. Fíjate, ese miedo se muestra claramente en Plastic 100oC. Sin embargo, con el tiempo me he ido sintiendo más cómodo compartiendo mis sentimientos, sin sentirme necesariamente débil por ello.

—manuel jubera

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“Soy el tipo de persona al que, si le gusta un tema de Staind, Creed o Korn, te lo reconocerá... Pero no voy a disculparme porque ‘Once Upon A Time’ de Simple Minds fuera uno de mis discos favoritos” Ryan Adams, en Uncut

“Aprendí mucho con Alicia Keys, pero lo que más aprendí es a darme cuenta de la suerte que tenía de poder irme a casa a hacer música con mis dos mejores amigos” + Jamie Smith, de The xx, en Q

“Robarle el equipo a una banda honrada, que se deja el alma en cada concierto por su gente, es lamentable. Si ya es duro estar lejos de casa, esforzándote día a día, llegar a la caravana y ver que te han robado tiene que ser horrible” Igor Fernández de Dawn Of The Maya, en Rockzone

“Hace diez o doce años me ganaba la vida cantando en bodas, cuando no podía vivir de la música.

Hacía unas diez al año y me sostenían financieramente” Jens Lekman en Jenesaispop.com

marzo 2017 #25

#26 marzo 2017

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DIE ANTWOORD FOTO: ARCHIVO

Mateo Kingman Fusión amazónica

Cruïlla, cartel de lujo El festival barcelonés Cruïlla (7 a 9 julio, Parc del Fòrum) ha optado este año por soltar la mayor parte de su cartel de golpe, anunciando más de treinta artistas que estarán presentes en esta edición. A la cabeza están dos de los grupos “revientafestivales” por excelencia, maestros y discípulos según algunos: The Prodigy y Die Antwoord. También podremos ver a Jamiroquai, con nuevo disco electrónico bajo el brazo y dará en el festival su primer concierto en España desde 2011; y Residente, con un proyecto en solitario para el que, visto lo visto, solo tenemos elogios. Y no nos olvidamos de Ryan Adams, que presenta Prisoner. Aunque hay mucho más: Pet Shop Boys, Parov Stelar, Nicola Cruz, Ani DiFranco, Exquirla, Little Steven, Los Fabulosos Cadillacs, The Lumineers, Kase.O, Youssou N’Dour, Patrice, Enric Montefusco, Dorian, Neuman, Txarango, La Raíz, Carlos Sadness, Pau Vallvé, Aspencat, Viva Suecia, etcétera. MS

KAISER CHIEFS FOTO: DANNY NORTH

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Leiva, Kaiser Chiefs y mucho más en SanSan Festival Ya hay plan para la próxima Semana Santa. El SanSan Festival se celebrará en Benicàssim a lo largo de los días 13 a 16 de abril y contará nuevamente con una larga lista de artistas nacionales en su cartel, además de haber confirmado la presencia de los británicos Kaiser Chiefs. En letras grandes está como cabeza de cartel Leiva, uno de los nombres más populares del panorama rock en español de los últimos años, que repasará tanto su carrera en solitario como sus años en Pereza. Y la sorpresa de Los Del Río, que se suman al cartel. Estos tres nombres se añaden a la lista que incluye también a gente como La Raíz, MClan, Manel, Niños Mutantes, Miss Caffeina, Second, Neuman, Fuel Fandango, Corizonas, Varry Brava, Delafé, Mucho, Dinero, Elefantes, Ángel Stanich, Polock y muchos más, además de Dj’s en el Espacio It. MS www.sansanfestival.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

¿Se puede enlatar el eco de un golpe furioso a unos árboles centenarios, el correr intempestuoso del agua de un río, el estallido de timbres de las aves al amanecer? ¿Se puede hacer y, además, mezclar la suma con electrónica, con deep house?

Respira (AYA Records/ZZK, 16), de Mateo Kingman, demuestra que lo orgánico casa con lo sintético.

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a humedad no es un problema cuando convives con ella a diario. Tampoco lo es la lluvia torrencial o el calor sofocante. Más bien pueden ser aliados. A mil metros de altura sobre el nivel del mar se encuentra Macas (Ecuador), una pequeña ciudad atravesada por el río Upano, en mitad del Amazonas. Todo el que vive allí está tocado, de un modo u otro, por la selva. Mateo Kingman no es una excepción.

Kingman creció rodeado de agua y vegetación. Todo ello se vislumbra en Respira. “El disco es la síntesis de experiencia de una vida sencilla en un entorno muy poderoso”, comenta el músico, de veintipocos, cuando se le pregunta por cómo es vivir en medio de la nada, aunque rodeado realmente de todo. Lo que para otros sería la perdición, la desesperación ante un entorno y un clima exagerados, para él ha sido su fuente de inspiración. “Me gusta grabar sonidos de ríos, árboles o aves”. Más allá de grabar, le gusta jugar con esos sonidos… ¿Por qué? “Son fácil de mezclar. La selva tiene sonidos cósmicos que te permiten entrar en un trance interminable”, matiza Kingman.

De este interés nace la fusión amazónica que

caracteriza a Respira, un disco ancho, donde cabe la enseñanza ancestral y la experimentación (deep house), y que, sin grandes alardes, logra lo que el uno-dos al boxeo: un golpe con amago pero definitivo. El largo, además, ha sido cultivado con esmero junto al productor Ivis Flies, en Quito, y ha contado con Guanaco o Toño Cepeda.

Mateo Kingman pertenece a la nueva cosecha andina, recogida en documentales como The Nu LatAm Sound; se suma a un movimiento todavía más grande de músicos en Sudamérica que han hecho, en los últimos años, de países como Chile, Colombia o Ecuador la vanguardia de la mezcla de músicas regionales con músicas modernas. Nicolas Jaar o Chancha Vía Circuito no estaban solos en esto de revisar el folklore y darle una nueva vida. “Algunos músicos hemos sentido que nuestros ancestros pueden tener una continuidad a través de la innovación”. —yeray s. iborra

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Respira

AYA Records/ZZK, 16 Electrónica

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marzo 2017 #27

Ryan Adam

MONDO FREAKO

Prisoner (Pax Am/Universal, 2017), el nuevo trabajo de Ryan Adams, es uno de esos discos de ruptura con sustancia con el que mucha gente puede identificarse. Y además, esta vez, podremos escuchar sus canciones en directo gracias a que Adams actuará en las próximas ediciones del festival barcelonés Cruïlla y del madrileño Mad Cool.

“No me importa tener , enemigos en la prensa no se qué hice para ganármelos ni tampoco sé, ni me importa, cómo hacer que desaparezcan”

—texto Marcos Molinero —fotografía Noah Abrams

E

l nuevo trabajo de Ryan Adams se centra exclusivamente en su divorcio de Mandy Moore, una colección de canciones tan honesta como dura de escuchar. “Tenía la necesidad de escribirlo, estaba pasando una época muy confusa. De alguna manera tenía presente todo lo que me estaba pasando y era o es parte del material. Era una manera de encontrar una salida, un camino hacia adelante. A través de la música, de mi música, intentaba llegar a un lugar, a mi sitio. Básicamente llegó un momento en el que no podía venirme abajo, seguí componiendo, grabando y una vez acabé el tour intenté captar todas esas emociones y esos sentimientos”. Este trabajo del de Carolina del Norte parece más una parte de su diario intimo que un disco de rock. “No sé si de alguna manera he buscado sentido a lo que sucedía. Es algo personal, pero creo que en el mundo del pop y del rock no se muestran cosas. Pensé que lo mejor que podía hacer era mostrarme yo mismo, expresarme yo mismo, algo no muy habitual, y hacerlo de la mejor manera posible. Para mí, coger una guitarra y tocar unas cuantas canciones dice mucho más de mí que cualquier otra cosa. Es lo que necesitaba expresar”. Tan odiado como amado Adams aparca la bilis y tiende la mano... “No me importa tener enemigos en la prensa, no se qué hice para ganármelos ni tampoco sé, ni me importa, cómo hacer que desaparezcan. Hubo un tiempo en que sí me preocupaban esas cosas. Realmente no dedico mucho tiempo en pensar qué opina la gente de mí. Mi música habla por mí. Algunas de esas personas se quedan en lo superficial, el resto sí rascan la superficie y se adentran en ella. Se crea un diálogo entre ellos y yo. Eso es lo que funciona y lo que hace que valga la pena”.

Como todo tiene un límite, Adams arremete contra el negocio de la música y habla de que cambiaría sus decisiones musicales si pudiera... “No hubiera trabajado nunca con cierto sello discográfico, #28 marzo 2017

no fue una buena idea. No fui entendido ni respetado, pero era joven e inexperto. Estaba aprendiendo y la gente debería entender eso. Estaba intentando ser yo mismo. Con el tiempo me he dado cuenta que ellos buscaban hits, un gran artista, etcétera… y yo no podía darles eso. Aprendí que, en este mundo, has de intentar ser siempre tú mismo. El verdadero proceso creativo es un camino muy largo y costoso. Expones algo a ciertas personas algo que va dirigido a otras personas, pero ellos solo quieren ver el producto acabado que es lo importante para el sello. Y esa persona a la que le enseñas tu trabajo solo piensa en cómo hacer dinero con ello. El sello cree que estoy cometiendo un suicidio comercial haciendo las cosas así, a mi manera. No me preocupa mi carrera. Soy un compositor y es inútil verme de otra manera. Toda mi carrera es suicida”. Quizás se refiera a los días de Love Is Hell, pero en mi opinión aquel disco es una absoluta maravilla...

“Es un disco muy extraño. En el universo del rock es underground, casi un secreto, sin promoción. A la vez estaba haciendo un gran disco de rock (ndr: se refiere a Rock And Roll). Mucha gente me comentaba que era muy largo y yo les decía que nada es muy largo, así que no iba a editarlo, ni a tocarlo. Es lo que es. Si lo escuchas con detenimiento entiendes lo que quiero decirte. No sé si es un disco doloroso, pero sí honesto”. Trifulcas con la discográfica aparte por el tono mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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Sin prisioneros

MONDO FREAKO

Las otras caras de Ryan Adams ATM Supergrupo fantasma

Dj Reggie.Alter ego rapero

sin nada publicado hasta el momento. Le acompañan Johnny T, batería de Adams y socio en algunos negocios de Jesse Malin.

de Ryan Adams utilizado exclusivamente para Youtube.

Blank Label Otro proyecto de punk hardcore en el que Adams estuvo como batería antes de Whiskeytown. Solamente editaron un epé.

The Finger Banda de hardcore junto a Jesse Malin con la que publicó dos epés en 2002, reunidos posteriormente en el álbum We Are Fuck You.

The Fucking Virgins Proyecto punk junto a James Iha, Melissa Auf Der Maur y Evan Dando.

Ghetto Birds Acústicas y pop con aires ochentas.

Kotten Coincidiendo en el tiempo con Blank Label, Kotten fue el embrión de su futuro en solitario.

The Lazy Stars y Sleazy Handshake Sus dos y por la longitud del disco Adams contesta: “Al verdadero aficionado a la música lo que le interesa no son esas cosas, solo lo honesto que seas. Por lo que no intento que la gente de las discográficas entienda esas cosas. Hay muchas posibilidades de hacer las cosas y esta es la mía. Soy afortunado porque pude sacar adelante Love Is Hell como yo quería, estoy muy orgulloso de ese material”.

Para terminar diré que Ryan Adams es, desde la infancia, admirador de Edgar Allan Poe y tiene publicados un par de libros de poesía bastante sombríos. El de Jacksonville defiende sus dos pasiones. “Creo que son dos partes diferentes de mi cosecha. Tienes que saber que son parte de mí mismo. Disfruto tanto escribiendo como componiendo cinco canciones. Aunque campos diferentes, el placer es parecido. Me gusta poder expresarme de distintas maneras. No me importa el proceso o la forma, solamente el resultado y lo que me aporta”. —m.m.

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bandas de versiones de hair metal de los ochenta.

Patty Duke Syndrome Su formación más estable y rockera hace años, que abandonó para formar Whiskeytown.

Pornography Grupo punk junto a Johnny T y Leah Hennessey (Make Out) con el single 7 Minutes In Heaven, publicado en 2013.

Rhoda Ro Un muñeco y un gato haciendo música, aunque Adams es quien anda detrás.

Sad Dracula Divertido proyecto que suena a The Replacements.

The Shit Más punk gamberro con un disco publicado en cassete. Surgió de aquella web de streaming que Adams puso en marcha en 2006.

Snow Kobra Formación con la que grabó las demos de Heartbreaker, conocidas como Pinkheart Sessions.

Space Madness Ryan Adams y sus amigos en 1994 grabando diez temas en horas muertas en estudio. El resultado puede encontrarse por la red.

The Squires Trío rock que comparte con Gillian Welch y David Rawlings, con los que ha dado un par de conciertos (disponibles en streaming).

Warren Peace Alias bajo el que grabó un doble disco que continúa inédito y del que solamente se lanzó un epé.

WereWolph Proyecto de metal satánico lleno de ironía.

—m. m.

febrero 2017 #29

MONDO FREAKO

KITE BASE

Dead Bronco

Barcelona (3 marzo, Sidecar) Zaragoza (4 marzo, Festival Las Armas) Madrid (5 marzo, Siroco; junto a Toy y Holögrama; ciclo SON Estrella Galicia)

Vitoria (Hell Dorado, 3 marzo), Lierganes (Los Picos, 10 marzo), San Sebastián (Bukowski, 11 marzo), Bilbao (Kafe Antzokia, 18 marzo), Orihuela (La Gramola, 24 marzo), Alicante (Stereo, 25 marzo), Barcelona (A Wamba-Bulula Club, 30 marzo), Castellón (Four Seasons, 31 marzo), Logroño (Biribay Club, 1 abril), Ponferrada (La Vaca, 28 abril), Gijón (Casino Acapulco, 29 abril), Madrid (Copernico, 19 mayo), Zamora (La Cueva del Jazz, 20 mayo)

AgeNda. Marzo.

RR Tras el nombre de Kite Base se esconden Ayse Hassan y Kendra Frost, bajistas de Savages y Blindness respectivamente, que se lanzan a una aventura que busca tomar caminos más experimentales que sus bandas habituales. Ahora, antes de que publiquen su primer larga duración (Latent Whispers, que verá la luz en mayo), se pasarán por España para presentar su propuesta en sociedad.

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#30 marzo 2017

¿Es muy difícil encontrar tiempo para Kite Base entre tantas obligaciones con vuestras bandas, giras, etcétera?

(Ayse) Puedes encontrar tiempo para todo si sientes el deseo de hacerlo. Para mí todo es intentar organizarme más y hacer planes con previsión de tiempo suficiente para poder concentrarme en todos los proyectos. Siempre he estado metida en múltiples proyectos, fuera escribiendo, haciendo música o trabajando.

Eso también significa que muchas veces estoy muy cansada, pero me encanta tocar en directo y salir por ahí a vivir aventuras, así que adoro cada momento que pierdo de sueño si es para algo así.

RR Partir del sonido tradicional de raíces norteamericanas y atraer a un número amplio -en cantidad y variedad- de seguidores, que llenan sistemáticamente tus conciertos, no es tarea nada fácil. Así que algo deben de tener Dead Bronco cuando en solo cuatro años de carrera lo han logrado. Y seguro que con su nuevo disco, Bedridden & Hellbound

(Autoeditado, 17), no dejarán de hacerlo.

Vuestro sonido nace de esa mezcla entre el country y un espíritu punk. ¿Alguno de esos dos elementos se ha impuesto?

Creo que este disco es bastante variado. Hay canciones en las que se nota claramente las influencias más cañeras, mientras que en otros temas son las influencias

más clásicas y tradicionales. ¿Y qué puntos crees que tienen en común ambos tipos de sonido?

Los dos estilos siempre han sido canciones para el currela y la vida en la carretera. Dices lo que quieres decir con tres acordes, por eso me gustan tanto. Creo que es la mejor manera de ser directo: menos es más. —kepa arbizu

KASE O Burgos (Hangar, 3 marzo), Santander (Escenario Santander, 4 marzo), Oviedo (Estilo, 17 marzo), Logroño (Las Gaunas, 18 marzo), Zaragoza (Principe Felipe, 25 marzo), Jerez de la Frontera (Primavera Trompetera, 31 marzo y 1 abril), Murcia (Murcia Parque, 21 abril), Villarrobledo (Viña Rock, 28 a 30 abril), Quintana de la Serena (Grani Rock, 31 junio y 1 julio), Torre del Mar (Weekend Beach 5 a 8 julio), Barbate (Cabo de Plata 6 a 8 julio) Barcelona (Cruïlla 7 y 8 julio), Candeleda (Shikillo, 3 a 5 agosto), Burriana (Arenal Sound, 3 a 6 agosto), Madrid (Wizink Center, 2 diciembre).

RR Después de agotar más de quince actuaciones hasta el momento, Kase.O continúa adelante con la gira El Círculo 2017. Se trata de un tour en el que no solamente repasa con generosidad su último y celebrado larga duración, sino que recupera varios clásicos de su carrera con Violadores del Verso o algunas piezas ajenas en las que ha colaborado.

Para redondear la jugada, cuenta con el apoyo del mismísimo R de Rumba a los platos o del joven aragonés El Momo como MC de soporte. Ah, y atentos porque sus antiguos compañeros suelen aparecer en las grandes citas.

TRIVIUM Barcelona (17 marzo, Apolo), Madrid (18 marzo, But) y Santiago de Compostela (19 marzo, Capitol).

RR Dos años después de editar Silence In The Snow (Roadrunner, 15), los estadounidenses Trivium lo despiden en Europa con una gira que volverá a traerles a España. Los cambios de formación y el nuevo sonido que aportó ese disco sientan las bases sobre las que continuar creciendo. Todo esto nos lo cuenta Paolo Gregoletto, bajista del grupo.

Ya estáis en la recta final de la gira de Silence In The Snow.

Sí, Estamos muy emocionados por acabar el tour y cerrar esta etapa en Europa, que tiene algunos de los mejores festivales del mundo. También tenemos muchas ganas de volver a España. Hace tiempo que no pasamos por ahí.

Volvéis un poco a las raíces.

Sí y no. En este tour no queríamos centrarnos demasiado en los temas de Silence Of The Snow. Tenemos dos o tres canciones en el set que representan muy bien el sonido del álbum, pero nos estamos dejando llevar y estamos recuperando muchos de los viejos temas, intentando mantener un buen equilibrio. Te-

nemos fans que han llegado a nosotros en diferentes épocas, fans desde el primer disco y gente que se fija más en lo nuevo. Tenemos tantos fans y tantos discos que queremos asegurarnos que todos están contentos con nosotros. ¿Estáis preparando nuevo álbum?

Ahora nos enfocamos en este tour y en dirigir toda la energía que recibamos del directo hacia lo que será nuestro siguiente paso. Cada cosa a su tiempo. Nunca sabes cuándo puede aparecer la inspiración y ahora es el momento en el que más receptivos estamos para recibir esas influencias, vengan del lugar que vengan. ¿Algún disco en particular que creas que puede estar influyendo en vuestro siguiente paso?

No solo discos, también pueden ser cosas que lees, un buen artículo, muchas cosas. Siempre escucho mucha música más allá del metal, aunque lo que siempre querré escuchar y tocar es metal, eso está claro. Obviamente, Metallica. Como fan suyo, ver que el nuevo disco es tan bueno cuando nadie lo esperaba, sinceramente... hay mucha gente haciendo cosas realmente buenas como Arch Enemy. Hay bandas realmente buenas que te inspiran. Es genial, además, poder tocar con ellas, porque supone una presión extra. —montse galeano

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Viva Suecia “Esta es la música que hacemos porque es la que única que sabemos hacer” Valencia (GPS, Wah Wah, 4 marzo), Ponferrada (GPS, La Vaca, 10 marzo), Oviedo (GPS, La Salvaje, 11 marzo), Alcalá de Henares (GPS, Ego Live, 24 marzo), Miranda de Ebro (GPS, Espacio Bocca, 25 marzo), San San Festival (Benicàssim, 13 a 16 abril), Murcia (Fiestas de la Primavera, Teatro Circo, 20 abril), Madrid (GPS, Ochoymedio, 28 abril), Granada (Festival En Orbita, 13 mayo), Sevilla (GPS, Interestelar, 19 mayo), Alicante (Alicante Spring Festival, 20 mayo)

Helen Love

Barcelona (MiniFestival, La Capsa del Prat, 25 marzo)

RR Abanderados del bubblegum pop más alternativo, sobre el escenario Helen Love es una banda rápida y adictiva que asegura la diversión. Ahora vuelven a España para actuar entre los cabezas de cartel del MiniFestival.

Todavía recuerdamos tu actuación en el Primavera Sound. Lo pasamos en grande. ¿Continúan siendo los shows de Helen Love algo tan adrenalínico?

Sigue siendo el mismo tipo de pop punk disco. Estamos encantados con volver a España. ¡Adoramos Barcelona!

Sabemos que eres gran fan de

ALA.NI

Los murcianos Viva Suecia publican nuevo disco Otros principios fundamentales (Subterfuge, 17) al tiempo que salen a la carretera para presentarlo a sus seguidores.

E

stáis orgullosos de lo conseguido hasta el momento? ¿Cuál creéis que es la mayor virtud de Otros principios fundamentales?

Más que orgullosos, lo que estamos es muy contentos. Orgullosos estamos de la gente con la que trabajamos y de todos aquellos que nos apoyan, los que vienen a los conciertos, los que nos siguen, los que escuchan nuestra música… Son ellos los culpables de todo. Joder, es que hemos tenido mucha suerte, nos hemos rodeado de muy buena gente que ama esto tanto como nosotros. Por otro lado, si algo tiene Otros principios fundamentales es capacidad para emocionar y hacer sentir.

Son canciones que han salido de dentro, se han alimentado de los buenos momentos y de las malas experiencias, del amor, o de estar en la mierda. Este disco está lleno de sinceridad, pasan cosas en él, recorre paisajes íntimos y sensibles que te pueden llevar desde la luz o la euforia hasta el extremo más oscuro. Así, como la vida cada día.

Desde fuera, da la impresión de que todo ha ido muy rápido con Viva Suecia. ¿Tenéis la misma impresión? ¿Cuál fue el concierto con el que os dísteis cuenta de que la cosa se ponía seria?

Bueno, no nos hemos parado a pensar en la velocidad a la que va esto, tampoco hemos tenido tiempo para ello. No sabríamos decir si va rápido o lento, solo hemos intentado hacerlo bien, paso a paso, y teniendo claro que para conseguir cualquier cosa teníamos que trabajar muchísimo. Hemos sentido que “la cosa se ponía seria” casi desde el principio, y lo seguimos sintiendo con cada concierto que damos. Cada uno nos aporta nuevas sensaciones y sentimos más el apoyo y el calor de la gente. Esto nos está dando muchísimas satisfacciones y está haciendo que se cumplan nuestros sueños, pero a su vez, cada avance suma responsabilidad. Eso nos mantiene con los pies en el suelo y nos facilita seguir trabajando y que no paremos de aprender. Ahora bien, si tuviésemos que hacer referencia a un concierto en el que notásemos algo distinto al ponernos delante del público, ese podría ser el de Sonorama del año pasado. Nunca hubiésemos imaginado que iba a venir tantísima gente a bailar y cantar desde la primera a la última canción. Desde el escenario no se veía el final de la gente, acojonante.

—enrique gijón

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Barcelona (Festival Mil·lenni, Esglesia Del Pi, 11 marzo) Girona (Black Music Festival, La Mercè, 12 marzo) Santander (El Almacén De Little Bobby, 13 marzo) Huesca (Centro Cultural Matadero, 14 marzo) Madrid (Son Estrella Galicia, Teatro Del Arte, 16 marzo)

RR ALA.NI hace música de otra época, aunque se mueve con naturalidad en tiempos modernos. Más allá de los estilos musicales con los que experimente, su extraordinaria voz es siempre la gran protagonista. Lo demuestra su increíble trabajo en “You & I”, un debut atemporal y con magia. “Para mí, lo más importante siempre es el respeto por la voz, aunque lógicamente me importa la instrumentación y jugar con el sonido para conseguir algo que suene cuánto más real mejor. Con la tecnología hay más posibilidades.

Alguien te puede mandar unas pistas de guitarra desde Sidney y puede funcionar,

Blondie y Ramones, ¿pero qué banda nueva te gusta ahora mismo?

Hay un dúo en el Reino Unido llamado The Lovely Eggs que es fantástico. También me encanta un grupo español que se llama Suzy y Los Quattro. Hacen un power pop brillante. ¿Cuántas canciones podéis tocar en un show de Helen Love?

Tocamos todas las canciones que le gustan a la gente y unas cuantas de nuestro nuevo disco, Smash Hits, que ha salido en Alcopop Records. ¿Qué vais a ofrecerle al público en vuestra visita?

Esperamos que la gente no deje de saltar y que traigan montones de purpurina y su mejor calzado para bailar. ¡No podemos esperar a tocar allí de nuevo! —joan s. luna pero trata de que lo que mande siempre sea mi voz y el contacto directo con los músicos”. Se le asocia al jazz, aunque los musicales de Broadway o el folk tengan aún más peso en su fórmula musical. “No me identifico con el prototipo de cantante de jazz, no me siento cómoda. Yo estudié actuación y mi referente principal es Julie Andrews. Del jazz me gusta la libertad que permite, pero no comulgo con los patrones más clásicos”. —toni castarnado

marzo 2017 #31

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15/02/2017

22:24

LDF/ LAS IDEAS DEL SIGLO C

EL NUEVO DISCO DE LA DOBLE FILA. ESTRENO EL 1 DE MARZO.

M

Y

CM

MY

CY

CMY

K

EN CONCIERTO —VIE 17 MARZO TERUEL, EL SÓTANO —SÁB 18 MARZO MADRID, FUN HOUSE —SÁB 25 MARZO BARCELONA, SALA FREEDONIA —DOM 2 ABRIL STA. COLOMA DE GRAMENET, EL CINC —VIER 21 ABRIL GANDIA (VALENCIA), PUB DUBLIN —SÁB 22 ABRIL PEDREGUER (ALICANTE), QUATRE ESTACIONS DISPONIBLE EN PLATAFORMAS DIGITALES Y VENTA FÍSICA EN —DISCOS REVOLVER, BARCELONA (C/ TALLERS 13) —BRISTOL BAR, A CORUÑA (C/ TORREIRO 11) —LADOBLEFILA.COM

#32 marzo 2017

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33/Mondo VINILOS Pissed Jeans

Mick Harvey

Why Love Now Sub Pop/ Popstock!

rock / Aquellos cuatro chavales que estudiaban en el Nazareth High School de Allentown, Pennsylvania son ya unos adultos, alienados y enfrentados al mundo. Con su quinto trabajo, los de Sub Pop nos retrotraen a aquellas añoradas bandas de hardcore punk de los ochenta, aquellas bandas que ralentizaron el hardcore y moldearon el ruido. Su música es un bloque de cemento armado, inquebrantable, sin fisuras y difícil de hincarle el diente. Mark Korvette gruñe, escupe y mastica unas letras cargadas de los problemas cotidianos de la vida moderna.

Brad Fry atormenta su guitarra.

Randy Huth con su bajo trotón logra que los baquetazos de Sean McGuinness se te incrusten en el esternón. Una orgia de barro, grasa, punk y ruido tan bella como nihilista poesía de la banalidad actual. —marcos molinero

FOTO: MARIANO REGIDOR

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Los Planetas de vuelta de todo Los Planetas

Zona temporalmente autónoma El Ejécito Rojo/El Volcán

7 POP / ¿Tradición?, ¿plagio?, ¿collage?, ¿reci-

claje? J, Florent, Banin, Eric y Julián Méndez lo han vuelto a hacer. Cuanto menos, el regreso de Los Planetas pone patas arriba el gallinero del pop estatal. La banda granadina llegó a un punto de no retorno desde que abrazó la marmita jonda a mediados de la década pasada. ¿El lastre? Su imponente colección de clásicos en el pop español. ¿El peligro? Convertirse en un género cerrado en sí mismo del que por momentos parecen resacosos prisioneros. Pero, cuidado, Zona temporalmente autónoma presenta novedades. Es un disco largo, irregular, preñado de referencias, con una vocación menos procelosa y más política que los dos títulos anteriores. Nunca antes la voz de J había sonado tan nítida en primer plano. En el arranque, con la tremenda Islamab, juega a cantar como Yung Beef en una mutación filosófica y provocadora del Ready pa morir compuesto por el ídolo del trap. Una cruz a cuestas, con Soleá Morente y la reformulación de versos de Manuel Vallejo, encaja en el mantra de Viernes de Dolores eléctrico o, como dirían The Byrds, Música Cósmica Española. Soleá y Seguiriya de los 107 faunos conservan la at-

mósfera pinkfloydiana de Los Evangelistas.

Florent contaba con abundante material guardado y se nota en las guitarras del álbum, que encara una fase más animosa a partir de Hierro y níquel: viejas soleares de Aurelio Sellés y Manolo Caracol con envoltorio indie. Igual que Libertad para el solitario o Espíritu olímpico –deliciosos coros finales de La Bien Querida–. Más allá de la remota filiación con el rock andaluz, Los Planetas incrustan en su discurso esencias atávicas sin resultar anacrónicos. Es su principal logro. Porque me lo digas tú pasaría por un brindis norteño con Pedro San Martín y Nacho Vegas –vuelven los arreglos de cuerda, maravillosamente ejecutados por las Cosmotrío–, cuando en realidad se trata de un compás de soleares disimulado con base electrónica sobre una melodía de Maritime. J defiende el tronco popular de la operación, aunque fueron las vanguardias de élite, desde dadaístas y surrealistas al Oulipo y el Grupo 63, quienes se colgaron los galones de la apropiación y la construcción recombinatoria del arte con fines críticos. Hay jugo psicodélico en La gitana, el poema de Aleister Crowley. Siguiendo con la lectura coránica, Itjihad emerge rocanrolera bajo el influjo de los Pixies de Surfer Rosa y unas alegrías ancestrales de El Mochuelo.

Y Hay una estrella es la pieza acústica más clara desde Canción para ligar. Son Los Planetas, esos que a veces te embotan la mente para luego despejarla en éxtasis sensorial.

—eduardo tébar

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Intoxicated Women [PIAS]

rock / Qué un (ex-) Bad Seed rinda pleitesía a Serge Gainsbourg es algo que entra dentro de lo lógico. Que lo haga dos veces es sorprendente. Tres ya es algo fuera de lo común. Pero que lo haga una cuarta empieza a tomar dimensiones de insana obsesión. Aquí Harvey da una vuelta de tuerca más a su obscuro objeto de deseo apropiándose de quince melodías que Gainsbourg escribió específicamente para voces femeninas. Abre con una re-lectura en alemán de Je T’aime...Moi Non Plus en la que se acompaña de Andrea Schroeder.

Jess Ribeiro y Xanthe Waite interpretan, respectivamente, The Drowned One (La Noyée) y Baby Teeth, Wolfy Teeth (Dents de Lait, Dents de Loup), quizás las versiones más impactantes del lote. Pero probablemente la más conseguida sea Cargo Cult (Cargo Culte). —tomás crespo

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Tennis

Zeal & Ardor

Yours Conditionally Mutually Detrimental/ Music As Usual

POP / Quizás sea hora de reconciliarse con Tennis.

La sombra de su debut publicado en 2011, el excelente Cape Dory, ha sido demasiado alargada.

De hecho, esa ha sido su mayor lacra. Y es que casi todos sus lanzamientos posteriores no han estado a la altura de su primer disco si exceptuamos aquel reivindicable epé de 2013 titulado Small Sound. ¿Cambia algo de eso este Yours Conditionally?

Pues la verdad es que algo sí, de ahí lo de la reconciliación. En su nuevo esfuerzo, han recuperado su mejor cara, esa en la que eran capaces de aportar frescura al indie pop sofisticado de manual.

Y para conseguirlo se basan en los aires soul de In The Morning I’ll Be Better, el pop neo-clásico de Fields Of Blue, en los teclados bailables de Matrimony, o en ese guiño a Roy Orbision que es Island Music. —xavi sánchez pons

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Devil Is Fine MVKA/Ada/ Warner

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METAL / Un viaje de más

de tres siglos de África a la Costa Este y de ahí a Escandinavia. Ese podría ser un nimio apunte sobre la evolución de las work songs al black metal; pero hoy no hemos venido a hablar de antropología, sino del vanguardismo que destila Devil Is Fine, debut del nuevo proyecto unipersonal del suizo Manuel Gagneux bajo el nombre de Zeal & Ardor.

Sus rompedoras composiciones, si bien algo heterogéneas entre sí, son un compendio de influencias que van de las grabaciones de campo de baja fidelidad al metal extremo más canónico, pasando por guiños explícitos a la electrónica ambiental y a un omnipresente góspel ligado a temáticas como la opresión, el dolor y –por supuesto– Satán, tópicos recurrentes en las dos principales fuentes de las que bebe su música. —fernando acero marzo 2017 #33

MONDOVINILOS

Els Amics De Les Arts

Future

FOTO: JAMIE WDZIEKONSKI

Future Epic/Sony

TRAP / Armas, mujeres, tráfico, dinero y robos campan a lo largo y ancho del nuevo trabajo de Future hasta el punto de ser protagonistas de los sketches que aparecen en canciones como Rent Money o Zoom. Así, temas como Scrabe nos invitan a pensar que estamos ante un disco de horizonte lírico bastante limitado en el que el recurso fácil será la herramienta de construcción. Sin embargo, no es así. Escuchar la inusual producción y dominio de las inflexiones morfológicas del slang en canciones como Mask Off es suficiente para ver que estamos equivocados. No estamos ante un álbum fácil, ni tampoco barroco. Prueba de ello es que solo en Might As Well, el juego de autotune se hace explícito. Por otro lado, llama la atención que entre el amplio abanico de productores con el que cuenta Future (Chef Tate, Dj Khaled, Zaytoven...) sea el más desconocido el que más brille: YK-808.

7

—manuel jubera

Un estrany poder Sony

POP / Normalmente, hacen falta varias escuchas de un disco para empezar a asimilarlo y poder juzgarlo. Sin embargo, Un estrany poder es uno de esos álbumes que, desde la primera vez que lo escuchas, te descubre todo lo bueno que esconde. Quienes les conozcan sabrán que sus composiciones son elaboradas y que no encajan en el modelo al que nos tienen acostumbrados el resto de grupos. Esta vez, además, hay un cambio radical en cuanto a sonido. Los textos siguen sus coordenadas habituales, sin embargo, el haber trabajado con el productor Tony Doogan (Mogwai, David Byrne o Snow Patrol) les ha llevado un paso más adelante. Se agradece que hayan apostado por un rollo más electrónico, dejando el pop al que nos tenían acostumbrados a un lado momentáneamente. Con ello se modernizan un poco, en su justa medida, sin abandonar los rasgos que les han caracterizado.

7

—ana lópez

Presumido

Los Ganglios

Vendetta Music Bus/ Altafonte

Segunda Escucha Autoeditado

El monstruo de siete cabezas King Gizzard & The Lizard Wizard Flying Microtonal Banana Heavenly/[PIAS]

8 ROCK / El monstruo de siete cabezas se acerca más sediento de sangre que nunca y puedes correr, pero no esconderte. Si con Nonagon Infinity (16) nos sumergieron en un éxtasis continuo que dejaba quemaduras a cada escucha, con Flying Microtonal Banana nos sacan del bucle para seguir experimentando sin bajar el pie del acelerador, y aunque esta vez el veneno no es instantáneo, sí es igual de adictivo y letal. Nueve canciones en las que dejan atrás la tonalidad occidental, viajando a Oriente y modificando sus instrumentos hasta convertirlos en microtonales, sumando al juego una zurna turca que engrandece el hechizo a lo largo de los surcos.

Nos adentramos en su universo freak de punkadelia garajera con Rattlesnake, una balacera de casi ocho minutos de la que es imposible escapar. Sonidos espaciales, grooves martilleantes de bajo y baterías, guitarras afiladas y una armónica de otro

#34 marzo 2017

planeta. La psicodelia alienígena (marca de la casa) sigue en Melting, con un sonido más novedoso, donde laten con más fuerza las reminiscencias orientales, acentuadas en los teclados y percusiones, mientras la voz lisérgica de Stu Mackenzie serpentea a tumba abierta. Open Water es otro zigzagueo continuo esquivando meteoritos a lomos de una serpiente alada. Sleep Drifter es el tema más melódico, con olor a especias indias y los latidos de una batería que, poco a poco, te revienta el pecho. En Billabong Valley, la zurna alcanza su máximo esplendor y la voz de Stu vuela bajo los efectos de una sobredosis de helio y algo más. Anoxia y Doom City son pistas más densas, y aunque suponen un pequeño bajón, guardan la esencia que unifica la obra.

Recuperamos las pulsaciones con Nuclear Fusion y despertamos sudorosos de esta nueva pesadilla tóxica tras la instrumental que da nombre al álbum. Flying Microtonal Banana es el primer volumen de cinco que verán la luz este mismo año, cantos al calentamiento global y la fusión nuclear bajo una lluvia ácida, mientras, a lo lejos, acecha una especie de Godzilla fluorescente que amenaza con destruirlo todo. —david pérez

PUNK / Sigue la fiesta en la dimensión divertida de Los Ganglios. Si Lubricante (2014) ya significó un paso adelante en su carrera, este Segunda Escucha no hace sino que confirmar la buena forma del trío, que ya sabe desenvolverse a la perfección dentro de un estudio de grabación. Los de Barcelona han conseguido sonar más musculosos y con las ideas más claras sin perder o pervertir la frescura de Cataclismo electoral (2011) y La guapa y los ninjas (2012) en el camino. Solo hay que escuchar algunos nuevos rompepistas electro-punk como S.A.N.Z., Los arquitectos (grandioso tributo, sea accidental o no, a The Flirts), Un poco de cero (hilarante relato sobre la pereza que da iniciar una nueva relación afectiva) y Galletas y cereales, para comprobarlo. Es más, hasta los mediotiempos suenan con enjundia: Fortunata y Jacinta (‘homenaje des-compost a Galdós’) o Subatómico (la canción mediterránea según Los Ganglios). —xavi sánchez pons

8

POP ELECTRÓNICO / Los gallegos Presumido han llegado a tu casa y a tu corazón, aunque sea para clavarte un tacón. Es probable (y normal) que Tarci Ávila y Nacho Dafonte se sientan más conectados con esas misas negras de cables que en los años ochenta y noventa impulsaron Gary Numan, Heaven 17, Depeche Mode, Yazoo, OMD o Nine Inch Nails, o herederos contemporáneos como SONOIO, John Maus, M83, Zoot Woman o Kavinsky. Pero si el grueso de estos nombres te suenan a chino, lo siento por el dúo gallego, pero en Vendetta, su debut, hay mucha conexión por proyectos que han marcado el devenir del synth pop más carbonizado y rociado de chapapote del circuito, de OBK a Esclarecidos, Azul y Negro, Dorian o el último Bravo Fisher! Y es que el combo de las Rías Baixas consigue articular un sonido que se mueve en círculos en una amplia órbita de sonidos sintéticos pérfidos, entre lo industrial y lo espectral: del synth pop melódico a la electrónica gótica. —alan queipo

7

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Chuck Prophet

Bobby Fuller Died For Your Sins Yep Roc

The Shins, James Mercer y la electrónica The Shins

Heartworms Columbia ROCK/ Dice el propio Chuck

8 poP / Si Port Of Morrow (2012) demostró que

James Mercer había vuelto con ganas bajo el nombre del grupo que le convirtió en el nuevo rey Midas del pop de guitarras del siglo veintiuno, la edición de Heartworms confirma que tendremos The Shins para rato. Algo que hace unos diez años parecía imposible después de los problemas que rodearon al notable y críptico Wincing The Night Away (2007) y que a punto estuvieron de causar la retirada de los ruedos de Mercer; crisis de ansiedad, pánico escénico, incapacidad para gestionar la popularidad (el boom que supuso aparecer en la banda sonora de la película Algo en común), e huida de sus compañeros de banda. Tras refugiarse en Broken Bells y recuperar la ilusión en esto del pop con el antes citado Port Of Morrow, Mercer se muestra casi sin dobleces en Heartworms, un disco plagado de referencias a la muerte pero más bien poco pesimista, en el que no hay lugar para el cripticismo ni para la ironía desatada.

Ahí está la fantástica -y muy XTC- Names For You, una canción protesta de marcado carác-

The Tossers

Greg Graffin

Smash The Windows Victory Records

CELTIC PUNK /The Tossers siguen siendo los hijos folkies predilectos de Chicago.

Smash The Windows es un claro homenaje a sus raíces. Un arranque ansioso de juerga con temas como Erin Go Bragh o el mismo Smash The Windows, que cuentan cómo los irlandeses llegaron a América, o Drinking All Day y –más alejado en el tracklist- Whiskey nos recuerdan de qué pasta están hechos los favoritos de Chicago. The Tossers crean un oasis de calma con 1969, Danny Boy o Resurrection Mary, con lo que un aire melancólico toma las riendas, dejando la esencia punk para un más tarde que nunca llega. Salvo Whiskey, lo que escuchamos entonces está empapado de un sonido tradicional en el que nadie tiene prisa.

El recuerdo en The Town Where I Was Born o My Love y la nostalgia pasa a través de los cristales de las ventanas rotas. La niebla invade la habitación y nos devuelve a la vieja Irlanda con una versión de la tradicional balada The Foggy Dew. —blanca olivella

7

COUNTRY/ Le ha costado

lo suyo al amigo Graffin entregar un disco competente alejado de los brazos de Bad Religion. Sus dos predecesores, American Lession (1997) y Cold As The Clay (2006) eran intentos fallidos de volar fuera de la protección de su banda madre pero, al menos, con este Millport soluciona, y de qué manera, el problema. Porque esta vez sí se ha sacado de la manga un espléndido trabajo de country rock para lo que ha tenido mucho que ver el haber contado con la base rítmica de Social Distortion como acompañantes. Gracias a ellos y a la ayuda de su compañero Brett Gurewitz, que además de tocar produce y ayuda en tareas de composición, se ha marcado diez canciones que harán las delicias de los seguidores de esos discos de artistas con pasado punk y espíritu country. Ideal para seguidores de Chuck Ragan, Mike Ness o Eddie Spaghetti. Qué narices, y para cualquier amante de la buena música. Simple y llanamente.

—eduardo izquierdo

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lado, Heartworms es el álbum de The Shins que más arreglos electrónicos presenta, y eso hace que a ratos suene algo denso y disperso (Painting A Hole, Cherry Hearts). Pero las melodías de siempre siguen estando ahí.

Así que todo bien. —xavi sánchez pons

Pedro Ladroga & $Kyhook

Millport Anti/[PIAS]

8

ter feminista que critica al sector de población rancio que aún hoy sigue negando el empoderamiento de la mujer. O Fantasy Island (la mejor del lote), que con sus guiños spectorianos ofrece una visión evocadora de la infancia del músico de Hawái. Por otro

ViA DIGITAL Autoeditado

8

RAP / ViA DIGITAL con-

firma a $kyhook como nombre imprescindible en un momento en que el nivel y sobre todo el reconocimiento de los productores patrios está en máximos históricos. Esta vez la estética vaporwave es menos marcada y aunque el discurso sonoro de SKYDRVG 1.0 (14) y Skydrvg Season (15) sigue siendo reconocible priman más los bajos gordos, menos los glitches, las capas están más definidas y en cierto modo todo esto hace posible que puedan jugar en ligas más grandes. Y eso no significa que hayan renunciado a lo experimental, ni uno ni otro: Pedrito sigue teniendo acento de robot y diccionario propio y en lo lírico hay, podríamos decir, un refinamiento. Va a la esencia y juega más con los elementos básicos, poniendo la musicalidad por encima de todo. Tan personal es el sevillano que los pocos cortes que no son susceptibles de estar entre lo mejor de su discografía son, precisamente, las colaboraciones. —dario garcía coto

DD LJM JSL DC Med

1 Rosalía Los Ángeles

8 9 8 8 8,25

2 Real Estate In Mind

8 8 7 7 7,5

3 King Gizzard & 7 8 8 7 7,5 The Lizard Wizard Flying Microtonal Banana 4 Ryan Adams Prisoner

8 6 7 8 7,25

5 Migos Culture

7 7 7 7 7

6 Shampa Process

7 7 7 7 7

7 Los Planetas Zona temporal mente autónoma

7 7 7 6 6,75

8 Dirty Projectors 6 6 8 6 6,5 Dirty Projectors 9 Ten Fé Hit The Light

6 6 7 7 6,5

10 Nudozurdo Voyeur Amateur

6 7 7 5 5,25

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

Prophet que su nuevo disco de título prácticamente insuperable deambula por el romance y la realidad que se esconde bajo la superficie de las películas y los libros considerados negros.

Una definición tan genial como las canciones que forman este trabajo y que mantienen al californiano en un nivel muy alto.

Desde el inicio se ve que se mantiene en los mismos parámetros que sus dos predecesores, ya sea por ese boogie a la americana que es el tema que le da título, o por ese Killing Machine influida por ¿The Doors? O por el pop-rock magistral de Jesus Was A Social Drinker, otro gran título. Se permite mencionar a Bowie y a Peter Sellers en Bad Year For Rock & Roll tras una melodía marca de la casa e incluso se marca una canción de protesta con Alex Nieto, joven latino asesinado a tiros.

Todo parece estar en su sitio en este disco . Solo queda aplaudir y pincharlo. —eduardo izquierdo

top 10.

8

marzo 2017 #35

#36 marzo 2017

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Migos

Tift Merritt

7

AMERICANA / El sexto

álbum de estudio de Tift Merritt, respira y se alimenta del sufrimiento y de los cambios que ha vivido la cantautora de Houston los últimos años: el divorcio con su anterior pareja, el tener un hijo y el hecho de volver a encontrarse a sí misma. Todo ello encuentra su sitio en este disco que, igual que el anterior Traveling Alone, juega libremente con el country, el folk, el rock y el blues. Ayudada por Marc Ribot a la guitarra, Eric Heywood a la pedal steel guitar y Jay Bellerose a la batería, Merritt aporta más capas de profundidad a sus temas, tanto a nivel instrumental como compositivo. Las canciones de ritmos más rápidos suenan más puntiagudas, como la trepidante Dusty Old Man, y aquellas más lentas contienen una mayor melancolía y un mayor matiz soul, como Icarus, llevando las cicatrices y las vivencias de Merritt a un terreno más maduro, extremo y, a la vez, cercano, logrando un contacto directo con el oyente. —raquel pagès Grandaddy Last Place Century Records

Rag ’N’bone Man

Culture Quality Control

Stitch Of The World Yep Roc Records

7

RAP / Dos años antes de Ver-

sace y el correspondiente remix de Drake, el trio de Georgia se descargaba el software gratuito de Yahoo para componer. Hoy, seis años después y acompañados desde entonces por Zaytoven, han abierto el 2017 con un despliegue de éxito con el que han escalado la cima del mainstream americano. El responsable: Culture, un álbum de nombre tan ambicioso como acertado, en el que se consolida su estilo apostando por la naturalidad, pero sin abandonar la condensación silábica entrecortada, la multiplicación del charles y el magnetismo de un bajo que te roba y devuelve la respiración a su paso. Las claves de ello se encuentran en una enérgica oscuridad que nos sumerge en micro-espacios de vacío sonoro como sucede en Slippery de la mano de Gucci Mane, y en una instrumentalización de la elocuencia que se configura como una constante catarata de pinceladas contrasincopadas tan fundamentales como características. —manuel jubera

Lupe Fiasco

POP / Hay artistas que partiendo de géneros ajenos al mainstream como el blues, el soul o el jazz vocal llegan a un público mayoritario sorprendiendo a propios y extraños.

Hozier, Adele, Norah Jones, Amy Winehouse o Sam Smith serían artistas de ese tipo. Rag N’Bone está en ese paso. Human es una de esas canciones que enganchan, aptas a todos los públicos.

La suerte del artista británico es que su disco se mueve con soltura entre el funk más áspero, el soul más desgarrador, el blues más tierno y el gospel más terrenal. Aunque hay cortes brillantísimos, como Bitter End, Skin o Be The Man, será difícil que la sombra de Human no lo marchite todo. La voz de Rory Graham es brutal, capaz de falsetes imposibles y gemidos estremecedores, un cantante de los de antes. Los doce cortes de la versión normal y los siete extras añadidos en la versión deluxe son un viaje preciosista, evocador pero algo agotador.

8

—marcos molinero

Bash & Pop

DROGAS Light Thirty Tigers/ Popstock!

Human Sony Music

5

RAP / Que Lupe Fiasco aban-

donase Atlantic Records motivado por la falta de libertad creativa, alimentaba las esperanzas de que encontrase un camino que le hiciese volver a los destacados orígenes marcados por Lupe Fiasco’s Food & Liquor. Sin embargo, al escuchar la primera parte de lo que se supone una trilogía, estas se desvanecen. El motivo fundamental es el dislate estilístico. Fiasco nos ofrece una primera mitad de álbum que se desarrolla dentro de las coordenadas del trap actual y que se hacen explícitas en Promise, para terminar desdibujándose entre los sonidos contagiados de funk, folk o pop desprendidos por canciones como It’s Not Design o Wild Child. La consecuencia de ello parece clara: DROGAS Light, en lugar de consolidarle en el espacio actual que ocupa el rap, se trata de un álbum que aun contando con una producción limpísima dirigida a todos los públicos, no se resiste a la mala pasada que le juega la falta de cohesión.

—manuel jubera

Anything Could Happen Fat Possum

7

ROCK / Puede que la quí-

mica que Tommy Stinson y Paul Westerberg rescataron para la vuelta escénica de The Replacements no diera para alentar una nueva entrega a nombre de su marca. Pero estas doce canciones, prolongación final de aquel pequeño gran clásico que fue Friday Night Is Killing Me (1993), el debut de Bash & Pop, sustancian una vigorosa prolongación de la más notable saga rock de Minneapolis (con permiso de Bob Mould y Grant Hart). El oficio de Stinson conjura otra vez el rock and roll pendenciero de los Stones, el descaro de los Faces y el fuelle casi power pop que avivaba las mejores entregas de los Mats. Cierto es que se echa en falta algún sarpullido eléctrico sin domesticar como aquel Fast & Hard, pero temas como On The Rocks, Can’t Be Bothered o el titular renuevan los votos en la valía de un músico cuyos discos en solitario ya merecían más visibilidad que su labor de gregario en Guns N’ Roses o Soul Asylum.

—carlos pérez de ziriza

John Talabot y Axel Boman unen fuerzas Talaboman

POP / El primer disco de

7 Grandaddy en casi diez años mantiene toda la magia y especificidades del grupo californiano. Y es que Last Place es un trabajo sellado con la inconfundible impronta de una de las formaciones más evocadoras surgidas en los noventa, que además incluye doce canciones especialmente inspiradas y arrebatadoras. La (re)unión del quinteto a su paso por el estudio se traduce en un álbum exquisito, donde los pasajes ensoñadores consiguen que el oyente flote a través de los trucos habituales. Un viaje de ligerísimas coordenadas psicodélicas y desarrollos imaginativos y jugosos, con generosa presencia de los teclados siempre al servicio de ese pop distinguido y orgánico amparado por sólidas estructuras. La banda entrega otra obra al margen de modas, consecuencia de una retahíla de temas intachable y coherente que atrapa en la inicial Way We Won’t y no cesa en su empeño hasta la definitiva (y semi-acústica) Songbird Son. —raúl julián

The Night Land R&S Records

8 ELECTRÓNICA / Más de nuestro John Talabot que del sueco Axel Boman tiene este The Night Land que firman conjuntamente -en su esperado debut en largo formato- como Talaboman, tras haber publicado aquel celebrado Sideral EP en el sello catalán Hivern, allá por el 2014, que les puso en el punto de mira de toda -y cuando digo toda es absolutamente toda- la escena electrónica underground que se pirra por el house en sus vertientes más deeperas, futuristas y mestizas. Y es que esta colección de ocho temas -que publica el prestigioso y exigente sello belga R&S- tiene dos caras -norte y surclaramente diferenciables pero relacionadas de una forma entrañable y a la vista. Una, la más agradecida y talabotiana -por movida, hipnótica, africana y clubby- que es la que sustancian temas como Samsa, Brutal ChuggaChugga, Loser Hymns o The Ghost Dod (excelente corte, quizá el mejor del álbum) frente a la introspección sensible, marciana y rarita de Midnattssol y Dins el llit, entre otras, en las que se aprecia más la mano -y máquinas- de este selecto productor de Estocolmo. Por eso, y

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cuando más se le nota que van a pachas -caso de la magistral, amable y crepuscular Safe Changes y en el krautrock ahouseado de Six Millions Ways- es cuando quizá Talaboman brilla más para placer propio y ajeno. En cualquier caso lo mejor de The Night Land es, además de la gran expectación levantada entre la parroquia electrónica oriunda y foránea, su frescor cósmico, lo libre de su alma, su preclara ausencia de ambición. No hay más, que nadie le busque concepto o trasfondo que no lo encontrará, ¿pero acaso es necesario? Y todo ello, gracias al talento

innegable de sus dos autores -ambos en gran estado de forma sonora- conforman un trabajo altamente orgánico y desprejuiciado en el que la improvisación -elemento clave en su concepción y desarrollo- eleva su capacidad de ensoñar, e incluso fascinar, hasta cotas siempre notables, rayano en lo sobresaliente. The Night Land encantará a los iniciados y rayará a los ajenos. Con todas las consecuencias. Esa es su gran virtud, así son Talaboman. Y ahora a buscarlos encima de un escenario, ahí será donde el repertorio del dúo tomará vida ante nuestros ojos. —fernando fuentes marzo 2017 #37

MONDOVINILOS

Lusine

Sensorimotor Ghostly International

Tinariwen, los bluesmen del desierto Tinariwen

8 BLUES / Séptimo álbum de estudio del grupo

emblemático del llamado blues del desierto.

Llevan más de tres décadas en activo y bandas como Terakaft, Toumast, Tamikrest, Bombino, o los más recientes Kel Tamasheq o Imarhan les reconocen como su mayor influencia.

Actualmente siguen exiliados de su patria, situada entre el noroeste de Malí y el sur de Argelia, inhabitable por las constantes luchas que allí se producen. Así que han vuelto a grabar su nuevo material en Joshua Tree en el desierto de California, y lo han completado en M’Hamid El Ghizlane, un oasis al sur de Marruecos. Elwan significa “los elefantes” y es una metáfora para describir a esas “bestias” que pisotean todo lo que les rodea. Se trata de un disco vital con canciones de lucha, cantos de esperanza y con ese sonido limpio y característico de la guitarra Stratocaster, además de las voces profundas de sus dos cantantes y compositores principales Ibrahim Ag Alhabib y Abdallah Ag Alhoussenyi. Se abre con Tiwàyyen, un blues arenoso y cabalgante que

Speaker Cabinets

ROCK / El álbum debut de

los barceloneses se mueve en unas coordenadas bastante definidas, con una base propia del indie rock, pero aportando sintetizadores, electrónica y psicodelia. Requiem For Atlas City se trata de un álbum conceptual que cuenta la historia de la ciudad antes de ser destruida. Y lo hace a partir de singles altamente bailables, con una producción compleja a base de capas (algo a lo que seguramente han ayudado Christian Rey de The Pinker Tones en el estudio, y Santos Berrocal en las mezclas. Entre el repertorio, destacan las piezas más dance rock -Mr. Marshall o Saturday’s Lone Girl-, en las que uno inevitablemente pensará en Klaxons o Mando Diao; dos temazos más tirando al rock frenético y sucio de los inicios de Foals o Arctic Monkeys; y Ladies, la preciosa balada que calma las revoluciones del disco, con una sensibilidad propia de John Grant y un final psicodélico que llenará de magia hasta el corazón más escéptico. —ferran cano #38 marzo 2017

acaba con esas aceleraciones típicas de los ritmos gnawa y en el que de nuevo se refuerzan con músicos influyentes norteamericanos como Kurt Vile y Matt Sweeney. También en el ensoñador Nànnuflày aparece la evocadora voz de Mark Lanegan, pero estas enriquecedoras colaboraciones no cambian su sonido, más bien son los músicos occidentales los que se sumergen en sus espaciosos ambientes. Aunque quizás los contrastes entre temas vigo-

Tim Darcy

7

ROCK / Tim Darcy da una

vuelta al art-punk que caracterizó la salida de Ought y presenta un debut en solitario ecléctico y poético. Con Saturday Night muestra al filósofo que lleva dentro a base de letras íntimas repletas de metáforas sobre la vida. Creado en un almacén del estudio de Toronto a la par que grababa Sun Coming Down (2015) con Ought. Al escuchar el disco descubres que el sonido protagonista procede, sin duda alguna, del proto-punk y la influencia de la escena neoyorquina de los sesenta. Pero que además hay un gran hueco para un Darcy mucho más country, melódico, americano y acústico al que estábamos acostumbrados (Found My Limit). Tensos riffs de guitarra, gritos a la juventud y cánticos a la libertad. La voz de Darcy destaca sobre la musicalidad del álbum y sirve de guía en este salto en su carrera. Aunque también hay hueco para ese gusto por la experimentación que el vocalista ha cultivado desde los inicios (Beyond Me). —álex jerez

rosos y relajantes sean su mayor virtud. Ahí están para subrayarlo la envolvente Assàwt, con guitarras acústicas y vibrantes percusiones, o la rítmica Sastanàqqàm, en la que las guitarras cíclicas e hipnóticas parecen cantar junto a los coros de la banda. Ambas establecen un equilibrio frente a la conmovedora Imidiwàn n-akàll-in, que te remite a la soledad del desierto o a la triste y espiritual Ténéré Tàqqàl. —miguel amorós

Duke Garwood

Saturday Night Jagjaguwar/ Popstock!

Requiem For Atlas City Autoeditado

7

ELECTRÓNICA / Sensorimotor es el cuarto álbum de Lusine para el prestigioso sello Ghostly International y en él prosigue con su encomiable y siempre agradecida labor de mostrarnos el lado más amable y cercano al pop de estilos como el techno o la IDM. Un disco que hace que nos vengan a nuestra mente nombres como los de Telefon Tel Aviv en temas como Ticking Hands, o a Moderat en The Level. A lo largo de once cortes también es capaz de sonar un poco a Prefuse 73 y al siguiente tema hacer que nos olvidemos de etiquetas y nos dediquemos a prestar atención a la forma en la que saca de la chistera esos temas que atrapan, como esas dos colaboraciones con la cantante Vilja Larjosto (Just A Cloud y Won’t Forget) y con el cantautor Benoît Pioulard, que lleva Witness a otro nivel. Y de postre, temazo, con un The Lift que es una especie de tributo sincero para todos sus héroes de la adolescencia (de Jeff Mills a The Black Dog). —raúl linares

7

Elwan Anti-/[PIAS]

ROCK / Este nuevo disco

del colaborador habitual de Mark Lanegan, Kurt Vile y Archie Bronson Outfit, que él mismo define como un apocalipsis de música de amor, reincide más si cabe en lo apuntado en su espléndido trabajo anterior, Heavy Love. Y es que si en aquel apostaba por melodías densas, ambientes atmosféricos, voces cavernosas y una narrativa cercana al blues más oscura, en este su ya sexto disco refuerza la apuesta. Las guitarras crujen, las baterías son capaces de pasar de la rotundidad a la más absoluta discreción con una facilidad sorprendente y Garwood demuestra ser un compositor más que solvente si no buscas en él nada alegre y jovial. Claustrofóbico, enérgico desde la vertiente más cruda de los sentimientos, el de Londres ha sabido definitivamente desmarcarse de sus capos y se percibe un camino propio tremendamente interesante. Huele a grande.

—eduardo izquierdo

Messes Urinal Cake

Otros principios fundamentales Subterfuge

Garden Of Ashes Heavenly

8

Stef Chura

Viva Suecia

POP / Las líneas maestras de Viva Suecia se trazaron hace un par de años con la publicación de La fuerza mayor, álbum que en realidad era la suma de dos epés, y la herencia Neuman aún en todo lo alto. En Otros principios fundamentales, los murcianos han dejado de ser pupilos aventajados y suben la apuesta con Carlos Hernández (Triángulo de Amor Bizarro, La Habitación Roja, Lori Meyers…) a los mandos. El resultado está claro: han conseguido un sonido propio, reconocible y característico. Todo esto, sin renunciar a sus referentes; el pop, el noise, el post-rock, las bandas escandinavas (desde The Soundtrack Of Our Lives a Sigur Rós) o la influencia de Los Planetas (escúchese La estrella de David) siguen estando presentes. Que esto funcione o A dónde ir, primer avance del disco, son más que resultonas pero El nudo y la esperanza está un escalón más alto que todas; el nuevo Bien por ti, más definido y macerado. Bien por ellos. —víctor martínez

7

7

ROCK / Pese a haber vivido

toda su vida en el Medio Oeste, Stef Chura es una de esas artistas que te recuerdan a una noche rara de tu adolescencia en la que una amiga tocaba en un bar universitario entonces desconocido. En la línea de otros nuevos jóvenes prodigio del indie rock, como Car Seat Headrest, Frankie Cosmos o Adult Mom, su música experimenta con ese sonido lo-fi que tan bien evoca la cercanía de un directo. Esta conexión íntima con el público que la cantautora de Detroit ha adquirido tras años girando por salas pequeñas se traduce en la fluidez instrumental y la honestidad lírica de este debut.

Con su voz nítida, Chura explora las diversas emociones del rock: desde la euforia infecciosa de una jam session en algún garaje a la sensación de desarraigo que lleva a tantos jóvenes a escribir canciones a los dieciséis. El resultado es un trabajo libre y orgánico, y una cohesión sorprendente entre forma y contenido. —isabel marqués

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FOTO: STEVE GULLICK

Dirty Projectors

Pupil·les

Les silenciades Autoeditado

Dirty Projectors Domino/Music As Usual

ELECTRÓNICA / Nunca sabemos por dónde nos puede salir el inquieto David Longstreth. Si hace cinco años se adelantaba con Swing Lo Magellan a la revolución de las texturas electrónicas en canciones propiamente folk, en este nuevo disco homónimo el carácter innovador vuelve a estar presente.

Adoptando en esta ocasión el R&B como fuente de inspiración, acercándose de este modo a figuras como James Blake o Nick Murphy, David dibuja unos caminos que de nuevo no vuelven a ser fáciles para el oyente. Su habilidad en el juego entre texturas orgánicas y el alto tratamiento sintético está en todo momento presente, elevando al máximo una complejidad que no opaca la expresión del mundo que lo rodea. Con una actitud a medio camino entre lo onírico y lo anhelante, temas como Little Bubble o Up In Hudson parecen flotar en la espiritualidad del soul, no solo a través del apartado vocal, sino gracias también a su cambiante ornamentación. —noé r. rivas

8

Damage & Joy ADA/Warner

6 pop ROCK / Romper casi veinte años de

silencio sin algo importante que decir, seguramente no valga la pena. Y los hermanos Reid, viejos tahúres que son, se encomendaron -advertidos, eso sí, por Alan McGee, algo más que su consejero áulico- a Youth (Killing Joke, U2, The Verve) para que se pusiera al frente de una faena de aliño no solo para evitar que Jim y William se despellejaran vivos en el estudio, sino también para dotar de un cierto carácter unitario a una colección de canciones que en modo alguno fueron concebidas como parte de un álbum, sino como piezas de un puzzle que solo cobró forma final por la insistencia de su entorno y los pelillos a la mar de tantos bolos recalentando su primer álbum. Casi un tercio de Damage & Joy (horrorosa portada, por cierto) lo componen piezas ya publicadas: inevitable acordarse de aquella Sometimes Always con Hope Sandoval (1994) en la bonita Song For A Secret, con voz de Isobel Campbell, que no es más que una versión con más cuerpo del que fue el primer single en solitario de Jim

Reid, en 2005 (entonces con Julie Barber), al igual que The Two Of Us es una relectura más robusta de un tema de Sister Vanilla de 2007, con Campbell haciendo las veces de Linda Reid, quien sí hace de sí misma en Can’t Stop The Rock (otro rescate de aquel álbum). También All Things Must Pass era conocida desde que fue incluida en la banda sonora de la serie televisiva Heroes en 2008. ¿Significa todo esto que estamos ante un Frankenstein sin pies ni cabeza? Tampoco es el caso. No es una vuelta por todo lo alto, pero sí una equilibrada síntesis entre su vis más herrumbrosa y agresiva (Get On Home, Facing Up To The Facts, Mood Rider) y la más dulcemente pop (aquella en la que el contrapunto femenino cobra relieve: Always Sad, con Bernadette Denning, o Black And Blues, con Sky Ferreira). Entre el daño y la alegría. Y en la que apenas se vislumbran tímidos puntos de fuga de su archiconocido libro de estilo cuando War On Peace se ve finalmente sacudida por un repunte motorik o cuando Simian Split incurre en ritmos fracturados que remiten a Honey’s Dead (1992). Por suerte no hay autocaricatura, tampoco deslices ni sorpresas, así que el grado de excitación ya dependerá de la altura de las expectativas previas, que no deberían -es un consejo- tener en cuenta los años de espera.

—carlos pérez de ziriza

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Dawes

We’re All Gonna Live HUB Records

The Order Of Time Condor/Music As Usual

FOLK / La sorpresa llegó ya antes con Pushing Against The Stone, y ahora estábamos prevenidos, Valerie June no nos iba a coger con la guardia baja. Y no sólo eso, había mucha expectación, confianza depositada en ella. Sin embargo, aunque este disco sea más rico en sonidos y la paleta de colores sea más amplia, prefiero los tonos más sepia de su predecesor. Incluso su voz no suena tan aguda ni tan particular, hay un punto de domesticación. Aunque el disco lo grabó libremente y rodeada de gente que la empujaba a crear, aquí está todo más medido. Pero a pesar de algún pequeño inconveniente, The Order Of Time es otra obra suculenta. En Long Lonely Road brotan los detalles de su infancia, Love You Once Made es vibrante, con un órgano que galopa, mientras en Made Done Wrong el banjo le da el mismo aire folk que tenían piezas pretéritas.

Para Just In Time se reserva unos bonitos arreglos, es elegante y pura. A ver qué pasa a la tercera intentona. —toni castarnado

7

MESTIZAJE / Un golpe so-

bre la mesa del patriarcado y sobre los escenarios sausage fest estatales con ritmos que van desde el hip-hop electrónico y el reggae hasta el reggaetón.

Aunque musicalmente en algunos momentos suenan las voces una pizca forzadas el mensaje es claro y necesario: dar voz a las silenciadas y fuerza para que sean ellas quienes griten, digan basta y, a partir de ahí, vivan.

Pupil·les le rapean a la vida y al negativo de esta; a la “gresca” y a las olvidadas. Critican sin tapujos la realidad de la mujer, cargan contra el machismo y el micromachismo cotidiano defendiendo con sus versos a las mujeres oprimidas y a las que están “hartas de ser el último escalón”.

Porque ya va siendo hora de ver más feminismo luchador, rebelde y festivo. Ellas y él se han atrevido y lo han hecho con un gran mix de estilos para que Les silenciades puedan levantarse, gritar, decir basta y bailar. Porque sí, ya va siendo hora de dejar las cosas claras. —andrea coll

Valerie June

The JAMC se quedan a medias The Jesus And Mary Chain

7

8

ROCK AMERICANO / Editar

un disco en directo en los tiempos que corren puede resultar absurdo, incluso anacrónico. Sin embargo, en el caso de un grupo como Dawes tiene sentido. Pocas bandas logran que sus canciones cobren una nueva dimensión más intensa, veraz y sólida sobre un escenario. Pocas bandas pueden reivindicarse como los más dignos sucesores del cetro de The Band en lo que a mantener viva la llama de la esencia del rock americano se refiere, pero sin sonar añejos o desfasados. Los de Taylor Goldsmith son grandes instrumentistas y se dejan llevar a la hora de alargar los temas dotándoles de hermosas armonías en las que las guitarras y el teclado juguetean a perseguirse. Un disco de una veracidad extraña en esta época repleta de una tecnología que permite el engaño y la simulación. Se han dejado un buen puñado de clásicos, pero el nivel que alcanzan provocará el éxtasis en cualquier seguidor de Tom Petty o Eagles. —don disturbios marzo 2017 #39

MONDOVINILOS

Joan Of Arc

He’s Got The Whole This Land Is Your Land In His Hands Joyful Noise Recordings

Rufus T Firefly, secreto ibérico

6

Rufus T. Firefly Magnolia Lago Naranja

8 POP-rOCK / Algo no encaja en todo lo que pasa alrededor de Rufus T Firefly. Las excelentes críticas cosechadas a partir de Ø, pero sobre todo a partir de Nueve, su anterior trabajo, no acaban de trasladarlos al estatus que sin duda merecen. Su nombre no es tan conocido ni suena tanto en los corrillos como debiera y es más que posible que este disco tampoco contribuya a ello (y no precisamente porque se trate de una mal álbum, más bien al contrario). Lo que pasa es que, pese a la mayor solidez instrumental de su propuesta, el álbum carece de un tema con una arrebatadora melodía de enganche como la que sí tenían El problemático Winston Smith o Nueve (el tema). Para mí la que más se aproxima a ese hit incontestable que popularice su música es Ültima noche en la tierra, aunque se quede un paso detrás de las nombradas con anterioridad. Pese a ello,

Rata Negra

Elbow

Oído absoluto La Vida Es Un Mus/Beat Generation

PUNK / Algo, cómo no, se sigue filtrando de Juanita y Los Feos en Oído absoluto. La cara más afterpunk, los giros vocales y las letras amargas de la última etapa del grupo siguen ahí, vivitas y coleando. Pero -y supongo que en eso influye la mano de Pablo, batería de La URSS y Nueva Autoridad Democráticala crudeza y velocidad que asoman son ya mérito de Rata Negra, que aquí dejan atrás el sonido un tanto chatarrero del epé anterior y los toques más nuevaoleros.

Las líneas de guitarra aportan personalidad y ayudan a dar una vuelta de tuerca al envoltorio que, sobre el papel, sugeriría el discurso oscuro y decadente de las letras, tan presente en el punk estatal de los últimos años.

Un discurso que también gana en contundencia sin pecar de presuntuosidad (no es tan fácil como parece, lo digo por experiencia). Y dejo para el final lo más importante: este es un disco de Canciones. Con mayúsculas.

Sin piloto automático. De los buenos. —darío garcía coto

8

#40 marzo 2017

la música de Rufus T. Firefly continúa siendo la que mejor representa en nuestro país ese eslabón perdido entre el matemático y sintético sonido de grupos como Alt-J, con el más orgánico y progresivo de bandas de la riqueza instrumental de los Porcupine Tree de Steven Wilson. Solo hay que escuchar el golpeteo abierto y con cuerpo de la batería en un tema tan potente y rockero como Río Wolf para darse cuenta de que su propuesta

POP / Las expectativas

ante la publicación de un nuevo disco de Elbow siempre lucen ilusionantes. No en vano el grupo británico ha cumplido en todas y cada una de sus entregas, firmando también alguna obra tan memorable como The Seldom Seen Kid (Polydor, 08).

Su séptimo álbum de estudio presenta escasas novedades verdaderamente representativas con respecto a su sonido habitual, y en efecto se revela como otro buen trabajo -cuidado, profundo y solvente- a pesar de que, en términos generales, no llegue a alcanzar el mejor nivel del grupo. Podría ser un conjunto de aspecto global sensiblemente más solemne que el de anteriores referencias, donde la habitual épica (elegante y emotiva) del grupo continúa presente pero de manera menos evidente. Así, la poderosa voz de Guy Garvey y su melancolía implícita toman clara ventaja sobre una instrumentación cuidada, pero de menor presencia y protagonismo. —raúl julián

ROCK/ Tras el éxito co-

sechado con su anterior álbum, HEAL (Dead Oceans, 14), el músico y productor Timothy Showalter regresa para probar que mantiene la capacidad de aunar en la misma marmita credibilidad, solidez y una serie de cualidades accesibles y aptas para allanar su camino hacia el gran público. El motivo surge de la necesidad personal de redención del propio autor, en una circunstancia que resulta determinante a la hora de definir el perfil sincero y empático de la entrega. Hard Love convence con una pegada fuera de toda duda, pero que al mismo tiempo destila una épica emocionante. Así el disco alterna piezas más ásperas con himnos en potencia, además de alguna delicadeza y pasajes explícitamente lisérgicos. Es precisamente en el acierto de todas las canciones donde radica el denominador común con el que dotar de sentido a un conjunto que se disfruta con tremenda facilidad. —raúl julián

—luis benavides

Blanck Mass

Not For Music Season Of Mist

Hard Love Dead Oceans/ Popstock!

6

de un largo homónimo vuelven los perros verdes del emo y de la música en general.

Me refiero a los escurridizos Joan Of Arc, la banda de Tim Kinsella, cofundador junto a su hermano Mike (American Football, Owen) de los seminales Cap’n Jazz. El álbum destaca por contener algunos de los títulos más absurdos de su dilatadísima trayectoria (This Must Be The Placenta, Cha Cha Cha Chakra, Two Toothed Troll…), por el regreso a la banda del también cofundador Jeremy Boyle a la guitarra y por la incorporación de Melina Ausikaitis, encargada de dar respuesta y respaldar las voces de Kinsella. Sobresalen del barullo experimental perpetrado por la banda la mecánica pero pegadiza Smooshed That Cocoon; el ritmo bailón de la ya citada This Must Be The Placenta, el minimalista electrónico de Never Wintersbone You y Ta Ta Terrordome, entre el noise y el spoken word.

Emptiness

Strand Of Oaks

Little Fictions Universal Music

7

es tan única como consistente, y que la fórmula que encontraron a la hora de tratar el sonido de Víctor Cabezuelo (guitarra y cantante) con el productor Manuel Cabezalí, es una de las asociaciones más ricas y prosperas en lo artístico que se ha producido en nuestra escena en la última década. Una unión que ha dado un salto cualitativo en este disco, el más consistente de los que han hecho hasta la fecha. —don disturbios

POP / Cinco años después

8

METAL VANGUARDISTA/

Emptiness disco tras disco han ido perfeccionando un sonido que nació siendo una extrema mezcla de black/death metal y que, con el paso de los años, fueron puliendo y definiendo en discos como Nothing But The Whole, alejándose de su lado más extremo para abrazar un sonido mucho más atmosférico. Ya desde su inquietante portada, influenciada por el genio de lo imposible M.C. Escher, Not For Music hipnotiza desde el primer momento.

Es fascinante la atmósfera que logran crear en cada una de las composiciones, y cómo con un sonido más minimalista, llegan a sonar más oscuros que nunca, ayudados por una magnífica y pulida producción a cargo de Jeordie White (Marilyn Manson).

Han conseguido desafiarse a sí mismos en esta abismal obra, navegando hacia terrenos inexplorados y bebiendo de estilos como el darkwave han creado un sonido único, extraño, sombrío e hipnótico. —gonzalo rodríguez

World Eater Sacred Bones/ Popstock!

ELECTRÓNICA / No contento con ser mitad del prestigioso dúo de electrónica Fuck Buttons, el británico Benjamin John Power ha lanzado ya varios discos bajo el apelativo Blanck Mass, con similares premisas estéticas de electrónica hípervitaminada y devaneos post-rockeros. World Eater es ya su séptima referencia. Planteado desde la expresionista portada como una reacción visceral a nuestros problemas para trascender la violencia animal primitiva que nos domina, ha sido concebido bajo la premisa de la limitación de las herramientas a disposición del artista, lo cual agudiza el ingenio. John Power trae entre manos siete cortes, seis de ellos por encima de los seis minutos, en los que pasamos del minimalismo de la introducción John Doe’s Carnival Error -casi un mal viaje de Disco Inferno- a la agresividad apocalíptico-industrial de ritmos primitivos y melodías vertiginosas de Rhesus Negative o la fascinante The Rat.

7

—josé carlos peña

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Toothless

Piek

The Pace Of The Passing Imports/ Music As Usual

POP/ Ed Nash, bajista de

Bombay Bicycle Club, debuta al margen de la banda londinense con un proyecto tan firme como resulta ser Toothless. El músico presenta un álbum concreto y bien aprovechado, con diez canciones redondas que resultan deliciosas.

La fórmula presenta una vistosa mezcla entre pop y electrónica, con frecuencia juguetona y siempre elegante, además de contar con colaboraciones plausibles tan interesantes como las de Tom Fleming (Wild Beasts), Marika Hackman y The Stave.

Definitivamente esto es mucho más que un entretenimiento del músico alejado de su exitosa formación original, y supone un producto adictivo que llama poderosamente la atención. Sobre todo con piezas tan deliciosas como Sisyphus, Palm’s Backside o el regusto psicodélico de You Thought I Was Your Friend (I Want To Hurt You). Un disco elaborado a conciencia con un inexcusable atractivo.

—raúl julián

ELECTRÓNICA / Desde Pamplona, a través del magnífico sello valenciano Sincopat, que comanda AFFKT desde su estudio, recibimos a Piek y a este Despertar que nos ha alegrado la existencia y convencido, aún más, del excelente estado de forma de la música electrónica oriunda. Y es que los diez temas que presenta este productor -que ha publicado en sellos como Fiakun de El_Txef_A o el alemán Diynamic- se debaten entre la suave y combativa emergencia urbana británica de The Son whit the Fathers Gun o el future-hip-hop de F.R.E.E., la sensibilidad cinemática de Breathe y el pop sintético de I Saw You y de That’s Me. No obstante, es con el corte que da nombre al álbum con el que nos deshacemos del gusto, su sofisticada épica-tech-clubby es capaz de llegarnos al mismo tuétano. También nos fascinamos con Avalanche o con Sous Les Etóiles. El mejor disco nacional electrónico de lo que va de este 2017. —fernando fuentes

La selección

8

FOTO: CAMILO CHRISTEN

7

Despertar Sincopat

Spoon

Half Japanese

Hot Thoughts Matador/ Popstock!

Hear The Lions Roar Fire

El indie-pop aún está vivo Real Estate

pop / Hay carreras que se explican por sí mismas, sin atender al contexto ni mostrar permeabilidad. La de Jad Fair y los suyos es una de ellas: ya pueden pasar cuatro décadas, que su desvencijado y oblicuo sentido del pop no pierde propiedades.

Con más de sesenta primaveras, sigue expidiendo efervescentes melodías de esquivo y desmañado poder de seducción, que enganchan cuando se despachan con chocante urgencia (Wherever We Are Led, Here We Are, On Top), pero también cuando relajan el metrónomo en historias de ciencia ficción que Fair relata con canónica dicción loureediana (The Preventers) o cuando rescatan esos juguetones teclados de baratillo que barnizan de casero magnetismo algunos temas (On The Right Track, tan Yo La Tengo) mientras en otros se marcan deliciosas divagaciones que atemperan tanta jovialidad (Super Power). Su escritura tiene la madera de los clásicos, aunque su sino sea quedar trazada desde los márgenes. —carlos pérez de ziriza

7

8

POP/ Pocas bandas saben

conjugar personalidad y accesibilidad como la de Austin.

Spoon no suenan a casi nada de lo que hay por ahí fuera, lo que no les impide ser extrañamente adictivos y familiares. Menos de tres años después del estupendo They Want My Soul, el grupo liderado por Britt Daniel vuelve a la palestra con diez cortes que engrosan su ya amplia colección de canciones literalmente hipnóticas, pero con una vocación abiertamente más rítmica y desinhibida. Es su disco de baile.

Admiten haber escuchado mucho a Talking Heads y el infravalorado Lodger de Bowie durante la grabación, y la producción, otra vez de Dave Fridmann, (The Flaming Lips, etcétera) es limpia y directa. Comienzan su nuevo asalto muy arriba, con el funkindie-pop rítmico de la canción que da nombre al disco. Y desde ahí, la cosa no decae. El bajo omnipresente hilvana la (aparente) dispersión de los texanos. En definitiva, otro disco espléndido.

In Mind Domino/Music As Usual

8 POP/ La marcha del guitarrista Matt Mon-

danile para centrarse en Ducktails abrió un periodo de incertidumbre para la banda de New Jersey. Se cerraron las heridas con el fichaje de otro viejo amigo de la Universidad, Julian Lynch. Pero, por si había alguna duda de quién maneja el timón en este barco, Martin Courtney se encargó de despejarlas cuando hace un par de años publicó Many Moons bajo su propio nombre. Incluso en un disco como aquel, que Courtney se tomó como unas vacaciones y la oportunidad para experimentar con nuevos sonidos, su sello como compositor era inconfundible. Un par de años después aquí está el cuarto disco de Real Estate, dueños ya de un estatus que sólo da el paso del tiempo y una trayectoria sin mácula. En un momento en que el indie-pop sufre por su falta de autoestima y la atención mediática se la llevan otros sonidos más (¡ejem!) modernos, ellos son uno de los pocos referentes del género en plenitud de facultades, algo muy similar a lo que

Teenage Fanclub significaron para la década de los noventa. La comparación no es casual: a Martin Courtney y Norman Blake les une una pasión confesa por The Beatles, cuya influencia está muy presente en la música de ambos. In Mind viene a ser el Grand Prix de los norteamericanos, el álbum en el que la distorsión deja paso a sus composiciones más luminosas, en las que las melodías vocales toman protagonismo y la inspiración de los grandes grupos pop de los sesenta está tamizada por una cristalina producción contemporánea. Todo esto es evidente en preciosidades como Two Arrows -siete minutos de reconocido homenaje a I Want You (She’s So Heavy)-, los juegos vocales de White Light o incluso la canción más contundente y juguetona del lote, Darling. Hagamos un ejercicio de justicia poética y no dejemos que sufran la indiferencia que soportaron Teenage Fanclub tras el impacto inicial de sus discos más ruidosos. Son una maravilla.

—luis j. menéndez

—josé carlos peña

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marzo 2017 #41

Santos y Francotiradores

CINE.

LIBROS.

FOTO: FIRMA FOTÓGRAFO

42/Mondo Media Luis Boullosa 66 RPM Edicions

7

Dos felices reflexiones sirven para resumir las intensas, sabrosas e interesantes cuatrocientas páginas que ocupa este excelente análisis -muy filosófico- de la relación entre la música -pop y rocky la literatura, a través de letras escritas por autores oriundos, entre los que destacan Fernando Alfaro, Niño de Elche o Josele Santiago, entre otros genios del asunto. Que “la canción pop es una de las ramas de la literatura” y que “es tecnología punta no superada” son dos verdades tan indiscutibles como de agradecer a su autor, el músico y periodista madrileño Luis Boullosa. Muy recomendable para entender que por estos lares también tenemos a nuestros Dylans, Cohens y Caves. —fernando fuentes Océano de sonido David Toop Caja Negra

7 El subtítulo de este mítico volumen lleva llamándonos a engaño desde su publicación, allá por 1996. Nos fijamos demasiado en su referencia al ambient y mucho menos esas “palabras en el éter” y “mundos imaginarios” que contenían la esencia de estas más de trescientas páginas, caprichoso devaneo del autor por fetiches musicales tan diversos como el jazz, la música de la India o la electrónica gafapasta de Scanner o Biosphere.

—luis menéndez #42 marzo 2017

Danny Boyle, la vida es sucia El precio del poder Sin duda, “Trainspotting”, de Danny Boyle, marcó a toda una generación de jóvenes en su nacimiento en 1996. Ahora conversamos con él en Madrid a propósito del estreno de “T2 Trainspotting”, una película inspirada nuevamente en la obra de Irvine Welsh y en personajes como Renton y el resto de su cuadrilla.

C

ualquiera que haya salido una noche y escuchado por casualidad Lust For Lif e de Iggy Pop habrá recordado aquello de “choose your future; choose life”. De repente un brote de adrenalina subiendo por las venas y los pies intentando moverse solos. Nos imaginamos corriendo por las calles de Edimburgo, entrando en los pubs más oscuros y visitando los baños más infectos de la ciudad.

En esta segunda entrega de la película, hay dos temas que vuelven a escucharse, aunque aparezcan cambiados. Se trata de Lust For Life de Iggy Pop en un remix de The Prodigy y Born Slippy de Underworld convertido en Slow Slippy. ¿Cuál es la razón por la que decides incluir estas remezclas en la película?

La sombra de la primera película es alargada. Tuvo mucho éxito. La gente tenía recuerdos muy cálidos y afectuosos de ella, así que decidimos aprovecharnos de eso y explotar la habilidad de las canciones para disparar recuerdos y amplificarlos. Es la forma más auténtica de hacernos recordar que existen y una de las herramientas de las que disponíamos.

Pero al mismo tiempo no queríamos repetir la música de la primera, porque entonces sería una réplica y estaríamos faltando a la naturaleza de la misma, que es que han pasado veinte años. Así que nos planteamos que solamente usaríamos la misma música si la remezclábamos, si la reimaginábamos.

Si bien estas canciones fueron escogidas para remover la memoria de los espectadores, ¿cuál fue el motivo para incluir a bandas jóvenes como Wolf Alice o Young Fathers? ¿Hay una intención de conectar con la juventud?

Supongo que puedes decir que es eso.

Siempre que hago una película siento algo que llamo un “latido”, que suele ser música normalmente. Una serie de canciones, una banda o algo que puede que nunca llegue a aparecer, pero que en mi mente marca el ritmo de lo que la película será. En la primera película fueron Underworld y su Born Slippy, que acabamos usando. En esta fueron varias cosas.

Estuve un tiempo viviendo en Edim-

“La sombra de la primera película es alargada. Tuvo mucho éxito” burgo y ahí escuché a Young Fathers, que resultaron ser una banda increíble y que llevaban unos pocos años tocando. Sentí que ese era el latido de la película. Usamos cuatro o cinco temas suyos y espero que esto sirva para conectar con la gente joven y dar a conocer su trabajo. Por otro lado están mis hijas. Mi relación con la música hoy en día es sobre todo a través suyo. Fueron ellas quienes me hablaron de Wolf Alice. Escuché sus discos y me topé con esta canción, Silk, que encajaba perfectamente con ese adorno musical que hay hacia el final de la película.

Pero la tendencia de los jóvenes ingleses, ¿no es, sobre todo, escuchar música electrónica y rap? ¿No temes en este sentido que la película no logre ser tan efectiva como la primera y no llegue a conectar con ese público?

No lo sé, cuando pienso en cómo puedo conectar con la gente joven de una manera tan específica, se convierte en algo táctico y nunca debería ser así. Tienes que hacer las cosas de corazón, aunque eso no quita, obviamente, que quiera que esta película guste a la mayor gente posible. Pero eso no es algo que pueda garantizarse, por eso haces las cosas basándote en motivos que son buenos para los personajes, para la historia y para ti, y esperas que de alguna manera sea lo suficientemente enriquecedor para llegarle a la gente. —elisa serrano

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Masahiko Matsumoto Gallo Nero

7

A la sombra de nombres fundamentales como Yoshihiro Tatsumi o Yoshiharu Tsuge, Masahiko Matsumoto –autor del más revelador Gekiga Fanatics- aportó un punto de vista personal a lo que fue el gekiga, visión adulta por excelencia del manga. Sus protagonistas, cien por cien japoneses (quizás demasiado para el público occidental), eran mujeres y hombres de vidas anodinas y esforzadas. —joan s. luna

P

Javier de Isusi Astiberri

Camille Jourdy La Cúpula

8 La autora de Rosalie Blum nos vuelve a sorprender con el retrato de una familia de hoy en día. Juliette vuelve a su pueblo después de vivir en París. Lo hace por descargar la angustia que la atenaza. Gracias a eso, Jourdy nos describe a la perfección a cada personaje de su entorno a través de una buena historia con moraleja: al final del día lo que importa es la familia y estar bien con uno mismo. —eduard tuset

LIBROS.

8

Juliette: Los fantasmas regresan en primavera

Si Metal extremo: 30 años de oscuridad (1981-2011) (Editorial Milenio, 2011) es, además de un éxito editorial, un libro de referencia, no nos cabe duda de que su continuación, Metal extremo 2: Crónica del abismo (2011-2016) (Editorial Milenio, 2016), merece la misma atención. or qué sonreír cuando hablamos de Salva Rubio? ¿Qué se le debe al tal Salva Rubio?”. Para los ajenos a su figura, cabe decir que encarna lo impensable: que alguien de estas tierras sea el responsable de la escritura del primer libro divulgativo de éxito mundial sobre metal extremo. Metal extremo: 30 años de oscuridad (1981-2011) supuso una auténtica revolución; nunca antes un monográfico sobre géneros extremos había tratado con semejante profundidad y rigor una historiografía sistemática basada en el formalismo del estilo, sin tomar partido ni emprender cruzadas fundamentalistas.

Su acercamiento en profundidad a esta corriente logró conectar con un público que cayó cautivado a las explicaciones del escritor madrileño.

Cinco ediciones después, regresa con Metal extremo 2: Crónica del abismo

Asylum

Aunque más breve que cualquier de los tomos de Los viajes de Juan Sin Tierra, la nueva obra de Javier de Isusi (publicada originalmente por CEAR Euskadi) alcanza una profundidad sorprendente contraponiendo las experiencias del exilio de españoles durante la Guerra Civil con historias internacionales relacionadas con feminicidios, homofobia y otros males hijos de la intolerancia.

—joan s. luna

Salva Rubio, El Guía Del Abismo

FOTO: DEMIAN ORTIZ

La chica de los cigarrillos

LIBROS.

COMICS.

(2011-2016), en el que repasa esta vez a modo de crónica la inmensa cantidad de corrientes surgidas en relación a las sonoridades extremas durante estos últimos años. Y estas son algunas de sus declaraciones al respecto: “Lo que yo entiendo por metal extremo es una definición sujeta a crítica, como cualquier teoría en la historia del arte, y lo deseable precisamente es que otras personas tengan la propia para contrastar ideas y opiniones”.

“El metal extremo es un movimiento musical y cultural vivo, que nuestra generación ha visto nacer y crecer de forma contemporánea, lo que supone una oportunidad única para su estudio”.

“Sitúo el nacimiento del metal extremo en 1981, con el lanzamiento de Welcome

To Hell de Venom, y el primer libro cubría hasta el trigésimo aniversario de ese hito”.

“El número de grupos contenidos en este segundo libro (1.728, la mayor parte de ellos nuevos) da fe de que el estilo está muy vivo y se hacen cosas interesantes”.

“El metal extremo absorbe lo gótico para el doom, lo celta para el folk metal, el garage rock para el death n’ roll, lo industrial, hasta ocasionalmente el jazz… y parte del shoegaze para el black metal” —fernando acero

Metal extremo 2: Crónica del abismo Salva Rubio Editorial Milenio

Metallica. Back To The Front Matt Taylor Metallica ha sido una banda cabal para muchos de los que amamos la música. En un momento u otro hemos pasado por su discografía y entre todos sus discos hay uno en particular que condensa todo su esplendor: Master Of Puppets.

A

menudo eclipsado por Reign In Blood de Slayer, aceptado como el mejor disco de la historia del thrash metal, el tercer álbum de Metallica trasciende esa etiqueta para encarnar la esencia del heavy metal, cautivar en las fronteras del hard rock y marcar el punto de inflexión en la influyente carrera de la banda. Retiene la frescura de sus dos primeras entregas desplegando una producción sólida, agresiva y majestuosa a cargo Flemming Rasmussen y ampliando los horizontes de ambición de los de San Francisco. Todo ello se comprende mejor

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tras repasar esta historia visual autorizada del álbum y su posterior gira, publicada en una edición de lujo con infinidad de fotos de archivo, muchas de ellas inéditas (de ensayos, gira, backstage, directo) y otros tantos testimonios de periodistas, roadies, productores, discográficas, fans, la propia banda o miembros de otros grupos. “Metallica van a ser los Led Zeppelin de los ochenta”, recuerda defender Mike Bordin de Faith No More. También encontramos en él un montón de anécdotas, como la estupefacción de Ozzy Osbourne cuando se los llevó de teloneros en 1986 y el público le gritaba Metallica a la cara.

Charlie Benante de Anthrax, cuya gira conjunta se repasa también con detalle, resume bien el impacto del disco: “Parecía adelantado para su época. Fue cuando Metallica se convirtió en Metallica”. Un cénit musical indisociable de la trágica muerte del bajista Cliff Burton, que el libro documenta en forma de homenaje, empezando por el arranque del prólogo de James Hetfield con un “¡Echo de menos a Cliff!” en mayúsculas.

—david sabaté marzo 2017 #43

44/Mondo Conexiones Primitive Apparel <> Notorious B.I.G. La marca de skate Primitive ha mostrado su pasión por la música rap y el hip hop en varias ocasiones. Ahora presenta su colaboración con la leyenda del hip hop The Notorious B.I.G., solo disponible y durante tiempo limitado en la tienda física de Barcelona. statebcn.com

Sonorama Ribera <> Gira 20 Aniversario Con motivo de la celebración del veinte Aniversario de Sonorama Ribera, habrá una pequeña gira de conciertos en varias ciudades españolas. Los artistas invitados son Second, Shinova y Luis Brea y El Miedo, grandes representantes del #EspírituRibera. Las fechas confirmadas son: 11 de marzo Bilbao, 25 de marzo Madrid, 31 de marzo Santander y 7 de abril Valencia. sonorama-aranda.com/es/

APM <> Anuario De La Música En Vivo 2017

REEBOK <> CLUB C “FIND YOUR COURT” A principios de año, Reebok Classic lanzó su campaña internacional “Hold Court” con Kendrick Lamar de embajador, en un homenaje a la Club C, una silueta nacida en 1985 para las pistas de tenis y convertida en un icono de las calles. En su adaptación a España, Reebok Classic ha colaborado con el rapero Dano.

Altafonte <> Premios Min Altafonte, la distribuidora y gestora de derechos de contenidos de música, audiovisual y cine, participa este año como patrocinador de los Premios MIN, que celebran su novena edición premiando el trabajo de las producciones independientes publicadas en España. La ceremonia de entrega tendrá lugar el 28 de marzo en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid. www.premiosmin.com

Estrella Damm <> Offside Fest

La Asociación de Promotores Musicales (APM) publica este mes el Anuario de la Música en Vivo 2017, en el que se hace un balance de la situación de la industria del directo y ofrece datos clave como la facturación acumulada y el ranking de giras nacionales e internaciones de 2016. La revista se distribuye gracias a la red de Mondosonoro y está disponible de manera gratuita en puntos vinculados al sector.

Del 16 al 26 de marzo se celebra en Cine Maldà de Barcelona la cuarta edición del Festival Internacional de Cine Documental de Fútbol.

Entre los 17 largometrajes figuran como protagonistas La Juventus, el fútbol islandés o la selección francesa.

El ciclo de conciertos más castizo se celebra en mayo en más de veinte salas de Madrid y con más de cincuenta grupos, de los cuales ya conocemos los nombres de: Nueva Vulcano, Pablo Und Destruktion, Nicola Cruz, Toundra, Melange y muchos más.

www.APMusicales.com

www.offsidefest.com

www.soundisidro.es

#44 marzo 2017

Mahou <> Sound Isidro

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䌀愀洀瀀愀愀猀 焀甀攀

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marzo 2017 #45

RETROVISOR.

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Publicidad Catalunya: Cristina Benito cris@mondosonoro.com, T. 657 701 015 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com

PINCELADAS Françoise Hardy Vogue, 1968

Françoise Hardy

Origen: París, Francia. Nacida en 1944

U

na radio o una guitarra. Incluso todavía hoy, Françoise Hardy no sabría decir por qué se decantó por el instrumento cuando sus padres le quisieron recompensar por aprobar el bachillerato. Su elección podía haber sido el inicio de otra vocación frustrada como la de ser trapecista, bailarina o actriz (algo que años más tarde probaría), pero la joven Françoise no tardó en encontrar en la música un lugar en el que encajar las añoranzas y penas que le acompañarían desde su infancia. Por un lado, su relación obsesiva con su madre y por otro la insistencia de su abuela en la idea de que terminaría sola por su físico, acabarían por gestar una personalidad introvertida y de baja autoestima que encontraba en la canción su medio de escape. Esta visión atormentada y sentimental de la vida se plasmó en su canción más icónica Tous Les Garçons Et Les Filles, lanzada en 1962 en un EP debut bajo el sello Vogue. Pese a las directrices de la casa de discos y las emisoras de radio, Françoise insistió en que tendría que ser este tema y no Je Suis D’accord el que debía ser promocionado. A día de hoy no hace falta decir que aquel acto de rebeldía e intuición por parte de la compositora fue la segunda mejor decisión de su vida.

No tardó en vender 2.000 copias a las pocos meses, pero no fue hasta octubre de 1962, en plena noche electoral, cuando se convertiría en el estandarte de la canción ye-yé francesa tras su actuación en televisión. Las puertas del mundo de la música se habían abierto ante ella para una vez dentro cerrarse y convertirse en una prisión dorada en la que pasaría el resto de sus días, tal y como confesaría.

Comenzó así una década, los sesenta, en la que encarriló los mayores éxitos de su carrera junto a su descubridor y editor Jaques Wolfsohn. Durante estos años

#46 marzo 2017

compartió listas con iconos de la chanson francesa, como Sylvie Vartan, France Gall o Jacques Dutronc, con quien se casaría después de una larga e inestable relación que dio fruto, en 1973, a su hijo Thomas. A su vez, no paraba de visitar países alrededor del mundo para interpretar sus temas, pero debido a su crónico miedo al escenario, cuando en 1968 con motivo de volver al estudio a grabar un nuevo álbum decidió poner fin a las interpretaciones en directo, sintió un gran alivio. El disco en cuestión fue Françoise Hardy, el único largo que recuerda con cariño de aquella década. El hermoso álbum contenía Comment Te Dire Adieu, compuesto por Serge Gainsbourg. A raíz de esta colaboración, el enfant terrible, así lo llamaba ella, se convirtió en uno de los grandes apoyos de su vida (y viceversa) hasta su muerte en 1991.

Con el sonido ye-yé agonizando a principios de los setenta, Hardy apostó por un salto creativo que llegó de la mano de la artista brasileña Tuca y con la que llevó a cabo La Question. Aún hoy, para muchos sigue siendo su disco más maduro e incomprendido. Su fracaso en ventas no desanimó a la parisina pues era consciente de su evolución en el aspecto artístico.

Con Star, álbum que graba junto Gabriel Yared en 1977, vuelve a recuperar, aunque de forma ocasional, la aclamación popular.

A partir de los ochenta, compagina las grabaciones y sus esporádicas funciones como productora, con su otra gran pasión la Astrología. Su colaboración en los años noventa con Blur e Iggy Pop volvió a poner a Françoise Hardy en primera plana de la prensa musical. Con motivo del lanzamiento de sus memorias en castellano, la Sala Siroco ofrecerá el día 11 de marzo una serie de actuaciones para rendir homenaje a este icono del pop.

—guillermo chaparro terleira

“Grabamos Comment Te Dire Adieu? en los estudios CBE, cuyo ingeniero de sonido era Bernard Estardy. Era el mejor ajustando los auriculares, por lo que el balance de la orquesta y el retorno se volvía algo mágico. Fue la primera vez que disfrutaba cantando”.

Une Balle Au Coeur (Jean-Daniel Pollet, 1966)

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“Pollet pertenecía a esa categoría típicamente francesa de directores intelectuales que manejan la palabra mejor que la cámara, lo que da lugar a un cine descarnado de una gran mediocridad visual”.

La desesperación de los simios… y otras bagatelas Françoise Hardy (Expediciones Polares)

“A través de este libro no trato de hacerme entender o apreciar, sólo trato de ser lo más verdadera, lo más auténtica posible”.

Como la propia Hardy afirma: “una historia conmociona más cuando, siendo universal, desarrolla una problemática personal”. MS

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