MondoSonoro marzo 2018

Belako

Nº 259 Marzo 2018 www.mondosonoro.com

MGMT, PERRO, TOTEKING, PORTUGAL THE MAN, DJANGO DJANGO, RURAL ZOMBIES, DEAD BRONCO NIÑO DE ELCHE, CUELLO, NILS FRAHM, JACK WHITE, DEMOSCÓPICAS, XOEL LÓPEZ, SLOWDIVE, B.R.M.C.

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MGMT Regreso a la escuelaN

FOTO: Brad Elterman

5/Mondo freako

Una década después de convertirse en una de las formaciones de pop y rock independiente más queridas del planeta y tras una temporada retirados, MGMT regresan a sus tiempos universitarios para recuperar la joie de vivre. Little Dark Age (Columbia, 18) es el mejor disco de pop raro que vas a escuchar este año, y también el trabajo más redondo de Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser. Podremos verles en el Mad Cool. unca perdí el amor por la música. Lo que he estado haciendo estos años, más que nunca, es coleccionar discos y luego escucharlos en casa. Y también aprender a quererme a mí mismo de nuevo. 2014 y 2015 fueron unos años muy oscuros, llenos de dudas sobre el futuro de la banda y con la confianza personal por los suelos. Con este nuevo álbum he recuperadao la ilusión de hacer música”, cuenta Andrew VanWyngarden al otro lado de la línea telefónica cuando le pregunto si ha tenido que volver a enamorarse de la música después de la tibia acogida de su disco homónimo de 2013 y un silencio de casi cinco años –el intervalo más grande entre disco y disco de su carrera-. VanWyngarden se muestra frágil y seguro al mismo tiempo durante la conversación, entre torturado y optimista. Esos adjetivos podrían servir también para describir como suenan los

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discos de MGMT. A ratos hasta parece un niño pequeño, uno de esos que sufrió una desilusión años ha pero que ya ha recuperado las ganas de jugar y pasarlo bien.

Hagamos un poco de historia rápida antes de volver a la conversación: en 2007 Oracular Spectacular convierte a MGMT en el grupo indie-mainstream de moda gracias a hits como Kids, Time To Pretend y Electric Feel (canciones que siguen sonando en la radio y en los afters privados que os montáis en casa); en 2010 aprovechan el cheque en blanco que supone el éxito de su debut y fichan a Sonic Boom para grabar Congratulations, nueva ración de pop alucinado y psicodélico muy cercano en espíritu a The Television Personalities; y en 2013 repiten con Dave Fridmann (The Flaming Lips, Mercury Rev, Spoon) para firmar un disco homónimo sin singles y negro como el azabache -más un

experimento interesante que una obra fallida- que ensanchaba los límites de su concepción de la psicodelia. Antes de contarme lo que supuso para el grupo el bajón anímico y mediático de MGMT, a VanWyngarden se le escapa una risa nerviosa. “No tengo una respuesta clara para eso”, explica. “Fue más un cúmulo de razones. No quedamos muy contentos con cómo se presentó al mundo nuestro tercer álbum por parte de nuestra discográfica. Sabíamos que no era un disco fácil, era denso y complicado, pero todo fue muy conflictivo. Se tendría que haber presentado mejor”. Y añade: “no nos arrepentimos de él. Ahora bien, al nuevo decidimos dedicarle mucho más tiempo para retarnos a nosotros mismos y demostrar que MGMT somos capaces de tocar diversos registros y estilos y hacer algo de calidad”.

Así es como nos plantamos en Little Dark Age, para este humilde plumilla,

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marzo 2018 #5

MONDO FREAKO FOTO: archivo

LA MÍA ¡Viva la libertad de expresión!

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el mejor disco de Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser: cuarenta y cuatro minutos de pop psicodélico y sintetizadores ochenteros a lo largo de los que convive lo raro (Days That Got Away, When You’re Small) y lo epidérmico (Me And Michael, James) con una naturalidad absoluta. El sueño de cualquier grupo de pop con ganas de transcender en el pop de masas y no morir en el intento. Aquí se dan la mano 10cc, Fleetwood Mac y el sunshine pop (ojo a Hand It Over), con Captain Beefheart, Roky Erickson y Wire. Esa doble naturaleza se refleja en la mayoría de temas: una colección de diez canciones para salir de la depresión. “Estoy de acuerdo”, dice VanWyngarden, “y además hay un elemento personal en ellas. La intención era coger momentos oscuros, depresivos o que vienen de la ansiedad, y contraponerlos con elementos y melodías alegres, consiguiendo así una sensación de positividad”. El músico de Misuri, cerebro de MGMT (firma todas las letras en solitario y compone la música a pachas con Goldwasser), se anima y resume en unas cuantas líneas como fue crear Little Dark Age. “Una de las claves de este disco es que Ben y yo hemos querido redescubrir la forma más divertida de trabajar y de crear música. Nos pasamos un año preparándolo, de 2016 a 2017. La meta aquí era hacer algo que fuera más inmediato y que conectara mejor y más rápido con la gente.

Todo salió de forma muy natural y del hecho de trabajar deprisa y colaborar con mucha gente; algo que puso en marcha un montón de canales creativos y que nos permitió quitar presión y seriedad al proceso de composición y grabación.

Hemos tratado de recuperar lo que hacíamos Ben y yo en la Universidad cuando empezamos: canciones juguetonas y ochenteras que podías tararear a la primera. Fue tan simple como eso y decir: ¿por qué no volvemos a hacerlo?”.

Little Dark Age, título que hace referencia al estado actual de las cosas pero que al mismo tiempo quita hierro al asunto (“es solamente #6 marzo 2018

una pequeña época oscura”), llega en uno de los momentos más tenebrosos para los Estados Unidos con la llegada de Donald Trump y sus políticas ultraconservadoras. Justo a la vez, MGMT sacan su disco más bailable y más positivo. ¿Es una forma de protesta? “Sí, de alguna manera lo es. No queremos vivir en esa mentalidad extraña e inhumana en la que, actualmente, parece que estamos obligados a adivinar cuál será la próxima cosa terrible que va a pasar, algo que a la vez crea más cosas malas. Nuestro tercer disco fue el más oscuro, estaba dominado por emociones como la paranoia y la desesperación; era un trabajo que no estaba hecho para llegar a la gente. Little Dark Age se fraguó durante el proceso de elección de Donald Trump, algo que vivimos como la mayoría de los estadounidenses. Sentimos que nos manipulaban, que jugaban con nuestras mentes y emociones. Una buena manera de romper ese control y ese círculo vicioso es reír, bailar y pasarlo bien. No te tienes que sentir mal por eso”, finaliza VanWyngarden esta vez con una sonrisa de niño travieso.

Y apostilla: “En este disco no hemos querido dar mensajes oscuros o cínicos. Solamente hacer canciones que unan a la gente”. En relación a esto último, uno de los leitmotivs de Little Dark Age es la ilusión de comunicación que generan las redes sociales y los avances tecnológicos.

“Una de las cosas que hemos aprendido con las últimas elecciones estadounidenses es que esa sensación que da Internet de que todos estamos conectados, de que eres parte algo, es en realidad una ilusión. Lo que hace es aislar aún más a las personas. Queremos animar a la gente a que se cuestione las cosas y a que se vean en persona, a que conecten en la vida real”. “Eso sí, que quede claro: no somos anti tecnología”, remata VanWyngarden riendo de nuevo al otro lado de la línea. —xavi sánchez pons

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omo periodista cultural especializado en música alternativa, veo con gran preocupación la deriva que está cogiendo este país en cuanto a coartar la libertad de expresión e incluso castigar los supuestos excesos con penas de prisión. Los recientes casos que han sacudido el mundo de la música como el del colectivo viguense La Insurgencia, el mallorquín Valtónyc y muy especialmente lo acontecido con el también rapero Pablo Hasél, son una buena muestra de lo que no debería pasar en una sociedad que tendría que afrontar estos sucesos con mayor madurez democrática.

No olvidemos que una de las finalidades de cualquier expresión artística es provocar, no dejar a nadie indiferente. Si esa provocación se lleva a un extremo, lejos de escandalizarnos, nos debería ayudar a reflexionar por qué sucede lo que sucede y corregirlo. El artista debería ser como el niño del cuento al que no le importa, en su inocencia, ir contra la opinión de todo el mundo y chillar que efectivamente el emperador va en pelota picada. Solamente de esa forma puede provocar que la máscara de la indulgencia y el borreguismo que planea, y siempre ha planeado en cualquier sociedad, se haga pedazos en un abrir y cerrar de ojos. Y sí para lograr que sucedan cosas, hay que estirar la cuerda irrompible del arte hasta alcanzar cierto radicalismo, no hay que temerlo y ajusticiarlo. Hay que encajar el golpe con elegancia y demostrar que no eres tú el que estás equivocado.

Las opiniones, incluso la que no gustan a la mayoría, no son malas en sí mismas mientras no se intenten imponer por la fuerza de la violencia o del proselitismo.

Por eso me gusta que, en estas páginas, siempre se dé cabida a todo tipo de opiniones. Una sociedad homogénea en la que no se respete la diversidad y al individuo es una sociedad alienada y enferma. Por eso soy enemigo del pensamiento único. Por eso soy muy poco amigo de dar lecciones a nadie. Me gusta que nos sacudan y reflexionar tras el estallido. Me gusta el arte que busca la belleza al igual que el arte que no tiene pelos en la lengua. Me gusta lo políticamente incorrecto si esa misma incorrección busca dejar en evidencia lo absurdo de intentar imponer unas ideas que no tienen por qué ser válidas para todo el mundo. Me gusta la diversidad y el respeto a esa misma diferencia. Me gusta la ironía, el humor y la sátira si deja en evidencia al poderoso. Pero, por encima de todo, no me gusta que nadie vaya a prisión por expresar con rimas lo que piensa. Así que todo mi apoyo y solidaridad para los músicos encausados aunque no tenga que compartir necesariamente lo que piensan.

—sergi marqués

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Toteking Honestidad brutal P MONDO FREAKO

Toteking denuncia, elogia y vacila con la misma facilidad y sinceridad. Lebron (Sony, 18), confirma su excepcional talento como letrista y demuestra que, lejos de conformarse, lo suyo es reinventarse y buscar nuevas fuentes para su inagotable inspiración.

Sin duda alguna la de Viaje Astral de Elphomega, tiene un contrabajo increíble que me encanta, obra de Narko (Doc Diamond, Hablando en Plata). Además siempre se lo digo envidioso a él cuando le veo (risas).

—En Gente tóxica aparece Rozalén.

Y nos surge la duda: ¿después de la experiencia de lo de Antonio Orozco, no te dio miedo hacer otra canción con un grupo de pop/rock?

No, ya no. Me la suda ya eso. Ya me comí la lluvia de hostias con lo de Antonio Orozco y encima después de eso ha habido muchos que se han tirado a la piscina y han hecho canciones con artistas de otros estilos. Además Rozalen hizo un estribillo guapísimo que me

Bejo. Todo lo que hace suena fresco y original.

—En tu nota de prensa se te describe como un cantante con tendencias políticas de izquierdas. ¿Te imaginas a un MC cantando proclamas políticas de derechas?

Cantando cosas así no, pero te sorprendería la cantidad de raperos de derechas que hay. Al fin y al cabo el motivo imperante de la derecha siempre ha sido el ganar dinero, y como en eso son listos, el rapero de derechas sabe lo que tiene que decir para ganar dinero, y una de esas cosas es no reconocer lo que es. Sí, hay raperos con algunos pensamientos que encajan mucho en la derecha.

—¿Sobre esta idea creaste la canción Nada es seguro?

No la pensé así exactamente, pero sí encaja. Esta canción habla de la obsesión con el dinero, que se ha convertido en algo exagerado. Es lo que hablábamos antes, en mi época no había deportistas diciendo en la tele “yo soy rico y me coméis los huevos”. No se le daba tanta importancia al dinero, antes la gente vivía para otras cosas también. Es triste esta obsesión. —alfonso gil royo

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en concierto l Murcia 09 de marzo. Mon Live l Jerez de la Frontera 16 y 17 de marzo.

Primavera Trompetera l Valencia 23 de marzo. Jerusalem Club l Villarobledo 28-30 de abril. Viña Rock l Vic 19 de mayo. La Cabra l Barcelona 30 de mayo. Apolo l Tarifa 05-07 de julio. Cabo de Plata

“Hay muchos raperos de derechas, pero no pueden reconocerlo”

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FOTO: YATAI

resentas el que ya es tu noveno disco. Cuéntanos cómo estás. ¿En qué momento de la vida llega este disco para Manuel González?

Pues la verdad es que he estado realmente mal estos últimos años, porque me han pasado cosas chungas, como que perdí a mi padre, que fue horrible porque era mi colega. Y eso afectó a mi música, me hizo escribir en otra dirección; tenía letras escritas antes de eso pero todo el proceso del final de mi padre se nota en el disco. Esto me ha dado un empujón para abrirme, para ser honesto y valiente. Creo que el disco es alegre pero también tiene momentos reflexivos, tal como ha sido mi vida estos últimos tres años. Pero por lo demás me encuentro en un buen momento, creo que he sido libre en este disco.

—¿Qué sensación se te quedó cuando terminaste de grabar Lebron?

Estoy muy orgulloso, porque como suele pasar tanto tiempo desde que se graba un disco hasta que sale siempre hay temas que me chirrían después porque me parece que se me caducan. Con este no he tenido esa sensación. Además en este me he implicado más en la grabación y las instrumentales, y eso me hace sentir que es un disco muy mío.

—En cuanto al sonido, tu anterior disco 78 rompió musicalmente con El lado oscuro de Gandhi, pero en este no se aprecia esa brecha respecto a su predecesor. ¿Lebron es un disco continuista?

No, no lo veo así. En primer lugar creo que es el disco que mejor suena de mi carrera, por fin hemos logrado el sonido que queríamos. Y para ello me he tenido que meter yo en la pelea de la mezcla y la producción para encontrar lo que buscaba. Además en 78 todo era muy barroco, con muchas instrumentales muy cargadas de arreglos, y en este he conseguido equilibrar eso. He conseguido corregir esas pequeñas cosas que no me convencían de 78.

—Hablando de instrumentales, hagamos un ejercicio de imaginación. ¿Qué base (de rap español) te hubiese gustado rapear, que fuese una canción tuya?

encanta cómo quedó, y a estas alturas ya no me preocupa lo que puedan pensar algunos.

—Poco después nos encontramos con Peligroso, canción donde escuchamos ritmos de afrotrap.

Sí, no lo iba buscando pero al final ha quedado muy parecido al afrotrap. Al principio me sonaba más como a Skepta de Londres o a grime, con un ritmo roto.

Por ahí lo enfoqué, pero me fue quedando más parecido a afrotrap y me gustó, es un estilo que está creciendo mucho y va a pegar, y le da color el disco.

—Has llamado al disco Lebron, tomándolo como ejemplo de un veterano que sigue dando guerra y no se rinde nunca. ¿No se te pasaron por la cabeza otros nombres como Federer, Rossi, Cristiano Ronaldo...?

(Risas) Pues la verdad, hubiese molado ponerle Federer, además me compré una camiseta de él hace poco (risas).

Pero CR7 no, no hubiese llamado jamás así al disco, ese es otro de los que no debería hablar nunca, de los que podría desarrollar su profesión sin hablar. No me cambiaría por él ni por todo el oro del mundo (risas). La idea era esa de la veteranía, de tener que currar cada vez más, porque yo supe que no nací con esto, que hay que trabajarlo y no quedarse estancado. Porque lo que no se puede hacer es que cuando vienen realidades nuevas en forma de músicas, es pensar “esto es una mierda, lo de antes molaba más…”, ponerte en plan cascarrabias pureta. A mí me gusta estudiar estos nuevos sonidos y músicas y coger cosas que me gusten, estén de moda o no, y ver si pueden aportar algo a mi rap.

—Si tú eres Lebron, ¿quién es el Curry del rap español?¿El heredero?

Uf, jodida pregunta… la verdad es que a mí el que me está gustando mucho es

marzo 2018 #7

Django Django recuperan el pulso

Han pasado exactamente seis años desde que Django Django reventaron los medidores del hype con un primer disco que surgió de la nada. La oportunidad de cambiar su primer y humilde estudio por uno con muchas más posibilidades para grabar su segunda entrega fue el lazo que coronaba la primera de las trampas que han tenido que sortear tras el éxito. Ahora parece que han aprendido la lección con Marble Skies (Music As Usual, 18).

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l segundo disco lo grabamos en un estudio tan grande que creo que llegamos a perdernos un poco”, reconoce Jimmy Dixon, el bajista del grupo, al otro lado de la línea. “Utilizamos un software con el que no estábamos familiarizados y tenemos la sensación de que perdimos un poco el control. Perdimos un poco el norte”. A Dixon no parece costarle demasiado esfuerzo reconocer lo que pasó con su segundo disco. “De repente nos encontramos en un estudio que te ofrecía todas las oportunidades, y eso nos sobrepasó un poco”, confiesa. Si de algo les sirvió el fallido Born Under Saturn fue para darse cuenta de que disponer de un abanico casi infinito de recursos no implica necesariamente tener que utilizarlos todos. De aquella época, hoy ya sólo quedan las lecciones.

Y las letras, como algunas de su tercer disco, Marble Skies: “Podríamos haber hecho más”, repite en forma de mantra Vincent Neff en Real Gone. “Esas frases no están unidas específicamente a ningún suceso de la realidad en particular, pero vienen de algún sitio, y creo que tiene sentido hacer esa conexión”.

Para su tercera entrega parecen haber encontrado “el término medio” entre el do it yourself arrebatador de su debut y el exceso de reflexión y la sobredimensión de su segundo disco. “En esta ocasión, además, sólo tuvimos que preocuparnos por el disco.

No teníamos que pensar en los plazos, el dinero y esas cosas”, explica Dixon, que vertebra todo su discurso a partir de una idea de lo más reveladora. “Lo único que teníamos todos en mente era que queríamos divertirnos mucho más con este álbum, sobre todo después de nuestro segundo disco”. El resultado se deja ver en Marble Skies, una colección que remite de forma inevitable a los comienzos de hace ahora seis años. “Tenemos la suerte de poder hacer discos sin tener que preocuparnos por recibir nominaciones o ganar premios, simplemente nos centramos en ponernos #8 marzo 2018

“Perdimos un poco el control con el anterior disco y queríamos divertirnos mucho más con este”

Lecciones de un disco fallido

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ara el primer disco sólo teníamos una batería, apenas había micros y parte del proceso era averiguar a qué sonaba cada instrumento”. Así se grabó el celebrado debut homónimo de Django Django en 2012. El éxito, como decíamos, les llevó a un estudio mucho más grande, con infinitas posibilidades. Una especie de evolución de pobre a rico en un abrir y cerrar de ojos. De cero a cien en tres segundos. “Echando la vista atrás tuvimos más presión a la hora de hacer el segundo disco”, reconoce Jimmy Dixon, lo que explica el salvavidas de los recursos y la lección que se deriva del irregular Born Under Saturn, continuación de su estreno en 2015.

Pasar de una “paleta reducida” a un “estudio enorme” en un chasquido de dedos no supone que un disco necesite contar con todos y cada uno de sus instrumentos. Por suerte para nosotros y para ellos, Marble Skies vuelve a acercárnoslos en la mejor de las condiciones posibles. —j.s.

retos”, reflexiona el británico. “La forma en la que encaramos el proceso de grabación de este disco nos ha permitido conseguir que las canciones fueran más positivas”. Más luminosas. “Pudimos invertir mucho tiempo en estar juntos en el estudio, escribiendo y tocando, conociendo bien las canciones, y creo que es algo que no pudimos hacer con el segundo disco”, concluye el bajista de Django Django desde el principio de la entrevista. Marble Skies comparte, efectivamente, esa raíz hedonista, ligera y luminosa de su primer disco, pero también se desliza por territorios más oscuros que, como en Beam Me Up, les emparienta directamente con los mejores Depeche Mode. “Es cierto que nunca nos sentamos para decidir qué dirección concreta va a tomar una canción, simplemente la seguimos”, cuenta Dixon, pero precisa: “sí, puedo ver perfectamente lo que compartimos con Depeche Mode en canciones como Beam Me Up”.

Las referencias en su tercer disco se hacen más evidentes, por momentos.

Kraftwerk, Pet Shop Boys… “Me gustó

mucho un documental que vi sobre Can”, añade el músico, “toda esa música experimental de Alemania en los sesenta y setenta es una influencia brutal para nosotros”. Lo que es evidente es que la huida de la comodidad es un hecho que se hace tangible en Marble Skies. “En el primer disco investigamos mucho, no sabíamos muy bien qué estábamos haciendo, y, en cierto modo, en este queríamos volver a esa sensación de descubrimiento”, concluye. Dixon, responsable de esas líneas de bajo que, en muchos momentos de su tercer disco, vuelven a recordar a los Django Django que en 2012 mezclaban géneros sin ruborizarse y consiguiendo evitar el pastiche, reconoce que la oportunidad que se les ha brindado con este tercer trabajo ha sido “un reto, una oportunidad para volver atrás e intentar hacer las cosas de forma diferente y crear algo de la nada. Siempre quieres retos, es el tipo de planteamiento que debes aceptar cuando trabajas con la creatividad”. —jorge salas

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FOTO: FIONA GARDEN

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FOTO: ARCHIVO

Portugal The Man Pasito a pasito “Hemos querido hacer una especie de mixtape uniendo géneros y e buscando que la gent se lo pase bien”

La carrera de Portugal.The Man ha dado un giro. Con su todavía reciente Woodstock (Atlantic/Warner, 17) han alcanzado listas de éxitos de todo el mundo. Ahora falta ver hasta dónde son capaces de llegar.

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ras siete discos de estudio, Portugal. The Man han llegado a lo más alto con Woodstock, su octavo lanzamiento. Entre duras críticas por la creación de un sonido más comercial han conquistado las listas de ventas de medio mundo con Feel It Still, segundo single de esta etapa. En su visita a España nos reunimos con Zach Carother (bajo) y Eric Howk (guitarra) para hablar, entre cervezas, de cómo un grupo que empezó su camino en una pequeña ciudad del sur de Alaska terminó saboreando semejante éxito. “Es una jodida locura, nosotros hacemos todo esto por diversión y nos encanta ver que aún así la gente apuesta por nuestra música y nos escucha. Para estar en lo más alto de las listas de éxitos no es necesario ser una estrella pop. No hace falta que seas Ariana Grande o Demi Lovato (risas)”.

Los medios han criticado el interés del grupo por llegar a un público mayor y perder la esencia de sus anteriores trabajos. Sin embargo, ellos tienen claro que van por el buen camino. “Les diría a todos ellos: ‘¡Cállate gilipollas!’ (risas). Honestamente no es que trabajemos para ser más comerciales, pero, tío, nos encanta el pop, amamos el jazz y lo que queremos es hacer la mejor canción posible. Y si haces siempre la misma canción una y otra vez nunca se generará el cambio. Si te estancas en el rock y no experimentas, ¿cómo evolucionas?”. Woodstock está inspirado en el mítico festival de música que buscaba ser la voz del pueblo en 1969.

Por esa razón, cuando se encontraban en plena grabación del que iba a ser su nuevo álbum bajo el título “Gloomin + Doomin” decidieron tirar todos los temas a la basura y empezar a crear de cero un disco que representara mejor

la situación americana actual. “Teníamos todo listo, canciones grabadas, instrumentales terminados, íbamos a sacar el disco y de repente nos dimos cuenta de que no funcionaba, de que no íbamos por el buen camino. Todo lo que habíamos escrito era muy malo

en concierto l Madrid 12-14 de julio. Mad Cool l Lisboa 12-14 de julio. Nos Alive l Barcelona 15 de julio. Sala Apolo

y se alejaba mucho del contexto actual de Estados Unidos”. De esta forma este nuevo álbum terminó reinventando el sonido de la banda y acercándoles un poco más a la electrónica. “Si ves los festivales de la actualidad te encuentras a estrellas como Major Lazer o Skrillex frente a unos Kings Of Leon.

Ahora hay mucha diversidad y nuestro disco es un poco de todo eso: Motown, hip-hop noventero, rock, electrónica…

Hemos querido hacer una especie de mixtape uniendo géneros y buscando que la gente se lo pase bien”. El peligro reside ahora en que cuanto más alta es la subida más fuerte puede llegar a ser la caída. Pero, ellos no tienen miedo alguno a ser olvidados. “Todo cambia en esta vida y está claro que no vamos a estar en lo más alto para siempre.

Nosotros no somos como esas estrellas jóvenes pop que se vuelven locas.

Llevamos tocando muchos años y pensamos hacerlo hasta el fin de nuestros días”. —álex jerez

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Los. CONCIERTOS. de mi Vida.

Niño de Elche

Niño de Elche acaba de publicar Antología del cante flamenco heterodoxo (Sony Music, 18), un doble álbum en el que experimenta y rinde homenaje al flamenco a partes iguales. Este mes actuará en Madrid (5 de marzo, Teatro Lope de Vega) de la mano de SON Estrella Galicia.

El primer concierto al que acudiste como público...

Fue una gala flamenca compuesta por Miguel Poveda, El Pele y Sara Baras dentro de la programación del Festival del Cante de las Minas de la Unión, en Murcia. Tenía catorce años y aún no entraba en mis planes expresarme mediante el cante, pero sí mediante la guitarra, por eso me fascinó poder escuchar a un guitarrista, Manuel Silveria. Me encanta su forma de acompañar el cante.

El mejor concierto que has visto en tu vida...

El de Diamanda Galas en el Teatre Nacional de Catalunya dentro de la programación de la Red Bull Music Academy Barcelona.

El peor concierto al que has asistido nunca...

La verdad es que no lo recuerdo, seguramente porque fue tan malo que mi mente lo borró rápidamente aunque si puedo asegurar que sería de flamenco o de jazz.

El último concierto al que has ido...

Fue el de Ben Frost programado por SON Estrella Galicia en La Riviera de Madrid. Fue una suerte poder ver a un referente de la electrónica actual en un espacio tan grande y con poca gente. Pocas veces se da tal situación y lo disfruté, a pesar de que no fue la mejor propuesta que le he escuchado al grande de Ben Frost.

Los directos de SON Estrella Galicia 3 marzo Freedonia Playa Club A Coruña 5 marzo Niño de Elche Teatro Lope de Vega, Madrid 7 marzo Susanne Sundfør Teatro Lara, Madrid 8 marzo Modelo de Respuesta Polar, Teatro Lara, Madrid 16 marzo Josele Santiago Sala Cantabria, Santander

8 marzo 100&Psych / Mdou Moctar, Sala 0 (Palacio de la Prensa), Madrid 15 Aniversario Café & Pop Torgal, Shannon Lay Bigott, Sala 0 (Palacio de la Prensa) Madrid Josele Santiago Garufa Club, A Coruña Mäbu, Mardi Gras, A Coruña Josele Santiago, La Iguana, Vigo 5 abril 15 aniversario Café & Pop Torgal, Nathy Peluso, Ourense

6 abril Belako + Izaro Sala Capitol, Santiago Nathy Peluso Radar Estudios, Vigo Christina Rosenvinge Le Club, A Coruña 7 abril Belako + Izaro Garufa Club, A Coruña Christina Rosenvinge Radar Estudios, Vigo

marzo 2018 #9

#10 marzo 2018

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Perro Fistros pecadores T

Han vuelto y con su retorno aportan algo de energía, locura y diversión a este mundo en el que vivimos y en el que nunca sobrarán bandas con el nervio de Perro. Ahora presentan nuevo trabajo, Trópico Lumpen (Miel de Moscas, 18), una prueba más de que no dan un paso en falso.

—texto Víctor Martínez

LA GIRA

l Murcia 27 de abril. Sala REM l Armilla 12 de mayo. En Órbita l Vilanova i la Geltrú 28 de junio-01 de julio. Vida Festival l Roquetas de Mar 06 de julio-07 de julio. Pulpop Festival l Benidorm 27 de julio-29 de julio. Low Festival l Martos 03 de agosto-05 de agosto.

Vértigo Estival

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anto tiempo sin ver a Perro sobre un escenario parecía extraño. Raro, para un grupo que siempre está con las maletas a medio hacer y que se han forjado su reputación, en gran parte, tocando en directo; lo que les ha valido para ser una de las bandas con más tirón en los festivales españoles. Pero el silencio estaba justificado. Andaban volcados en cuerpo y alma en Trópico lumpen, su tercer disco, un trabajo en el que suben la apuesta aún más. Hay punk, hay krautrock, hay tropicalismo, pero también experimentación, neopsicodelia o synth pop.

No busquen melodías ligeras ni estribillos facilones, esto es otra cosa. Se machacan los acordes, se estirán las progresiones… ¿Estamos hablando del disco adulto de un grupo cuyos miembros bordean la treintena? Eso no termina de sonar bien. Y más si se trata de Adrián, Guillermo, Fran y Aarón. ¿Qué les pasa entonces? Dejemos que lo expliquen (o no) ellos mismos. “Estamos contentos de no saber qué nos pasa, nos conformamos con mantener la premisa de que nuestra música se parezca lo menos posible a nada. Nosotros vemos este disco como una evolución natural. Eso nos ha llevado a hacer canciones más crudas y agresivas. Tal vez parte de nuestro público nos tenía metidos en otro saco. Hay gente que sigue esperando que toquemos Popera o alguna de nuestras primeras canciones. Pero parece que, de momento, no van por ahí los tiros”. Está claro que no. Se resisten a repetirse. Aunque haya ciertos patrones rítmicos o ciertas texturas sonoras que permanezcan inalterables, el salto de calidad es evidente. Volvieron a grabar con Hans Krüger en Montreal Studios, pero la novedad está en la mano mágica de Joe Carra (Crystal Studios, Australia), no solamente en la masterización, si no también en la mezcla. Se trata de la misma persona que ha producido a gente como King Gizzard & Lizard Wizard, Courtney Barnett o The Drones y que llegó a formar parte del combo Eddy Current Suppression Ring. Eso se tiene que notar por algún lado. “Nos gustan la mayoría de bandas que Sir Joe Carra ha masterizado y nos sentimos identificados con ese sonido. Salió la oportunidad de hacerlo con él y no dudamos”. Esto les sitúa en otra liga. Ya no son lumpen, por mucho que el título de este álbum diga lo contrario. Ni a nivel nacional ni, mucho menos, a nivel regional. Ahí, en concreto, la nave apunta a una sola dirección. Y a la velocidad de la luz. “Dentro de los diferentes estatus de la música en España, todo el mundo es mucho más moderno y guay que nosotros, aunque todos seamos los mejores. Y en la música murciana parece que siempre hay que buscar una tendencia. Si hablamos de bandas locales preferimos seguir la estela de Schwarz antes que la de Second, por ejemplo”.

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o se dan cuenta, pero está ocurriendo algo muy curioso: como quien no quiere la cosa, Perro se han convertido en la bandera de toda una generación de nuevos grupos (Cala Vento, La Plata, FAVX, Bala, Carolina Durante...) que cada vez están más presentes en salas, en medios de comunicación, etcétera.

No son necesariamente afines en cuanto estilo, cada uno es de su padre y de su madre, pero sí en cuanto a actitud. La espontaneidad, el atrevimiento, la falta de prejuicios o el descaro, actúan de nexo común. ¿Podría hablarse de es-

cena? Igual es demasiado. Pero algo parecido, sí, aunque se vea borroso aún. “No pretendemos pertenecer a ningún tipo de panorama o generación musical, aunque tenemos buenos amigos en los grupos citados”. Si ahondamos un poco en estas diez nuevas canciones, vemos también nuevas preocupaciones: recuerdos de adolescencia en Sin ser yo nada de eso, nuevas responsabilidades en Pickle Rick o la llegada de la madurez en Campamento Golifa y Cronobeicons (esta última con homenaje al gran Chiquito de la Calzada incluido, por cierto). En cambio, entre las más festivas se encuentran Supercampeones y la instrumental Disco Mascota (digievolución de Marlotina). Celebrado Primo apunta a single y la mayor sorpresa la hallamos en la excepcional Ese tu frescor; la primera canción “lenta” en la historia del cuarteto. “Durante el proceso de creación de las canciones, Larry (nuestro mesillas) nos dijo que nunca había escuchado una lenta de Perro. Ese tu frescor es el resultado de ese ‘¡no hay huevos!’. Nunca sabremos qué rumbo tomará el grupo en el futuro, pero sí es cierto que nos gusta probar cosas nuevas”. Este tema cierra el álbum, dejando una ventana abierta de par en par a nuevas sonoridades. No, no son Can o Faust. Ni siquiera Toy o Temples. De momento. No les gusta que se hagan quinielas sobre hacia dónde girará su música. Son Perro, aquí y ahora. Nada más. Tampoco les gusta ser clasificados, pero si no les queda otra opción prefieren poner ellos el nombre. “A nosotros nos flipa el norm core what else, el sierra core y esas cosas. No nos gustan las etiquetas. Hacemos las cosas de la forma más natural posible, utilizamos el ruido como medio e intentamos que no suene a mierda. Más allá... ¡a volar!”. —v.m.

CRiTICAndo Trópico Lumpen Miel de Moscas Rock

8

Urgencia punk y aire tropical Tras dos álbumes extremadamente melódicos, como fueron Tiene bacalao, tiene melodía (2013) y Estudias, navajas (2015), han llegado a la madurez creativa con estas diez canciones. Y lo mejor de todo es que lo han hecho sin tomar en ningún caso el camino fácil. La senda del krautrock nunca lo fue, de hecho, pero ofrece otras recompensas. Ellos lo ejecutan con urgencia punk (y post-punk) y aire tropical, cosa que ya sabíamos, pero ahora sintetizadores y ritmos motorik han ganado terreno. En definitiva, menos estribillos y más experimentación.

Algo natural en la evolución de un grupo inquieto como ellos, por otra parte. Da la impresión de que, por fin, ha llegado el momento de Perro, una banda a la que le sobra carisma e imaginación. Aquí no hay líderes, de hecho todos sus miembros lo son (algo, a decir verdad, muy kraut en esencia, ese sentido de la horizontalidad). —v.m.

marzo 2018 #11

Niño de Elche El anticristo del flamenco

Aquí está el reto más importante de la carrera de Niño de Elche hasta la fecha. Antología del cante flamenco heterodoxo (Sony, 18). Si hasta ahora, la ortodoxia del género ha considerado a Paco Contreras como un anatema, ahora junto a Pedro G. Romero y Raül Fernández ‘Refree’, reúne más de un siglo de grabaciones para tratar de demostrar a través de sus reinterpretaciones, que cuanto más atrás miras, más heterodoxo es el flamenco,.

A

ntología del cante flamenco heterodoxo es un proyecto colaborativo en el que se tocan decenas de palos y estilos ajenos al flamenco. Como siempre, Niño de Elche, además de traernos su música, redescubre a los artistas que reivindica y de paso nos ensancha un poco los horizontes, pero, viviendo en un mundo en plena contrarreforma, es fácil pensar que el miedo hará que desde el otro lado se luche por mantener las fronteras tal y como se estipularon en otro tiempo, para que nada cambie ni en el flamenco, ni en la península Ibérica, ni en la pornografía, en la que año tras año se entregan premios al mejor polvo, a la mejor mamada, etcétera, aunque sepamos que el sexo es otra cosa, como el flamenco. “Todo eso pertenece al desconocimiento y al miedo.

Decía el maestro Escohotado que cuando tengas un prejuicio, acércate a él y ya verás cómo lo superas”. Y si hasta ahora sus álbumes solamente representaban uno de los colores de la paleta del Niño de Elche, esta antología es lo contrario del daltonismo. “Este álbum es otro giro de volante porque trabajo sobre lo flamenco, y nunca lo había hecho. Eso, viniendo del anticristo del flamenco, es un cambio bastante grande. Además he trabajado muy ampliamente con la voz, ya no solamente uso la voz que se supone que es mi personalidad, sino que en los veintisiete temas he utilizado veintisiete formas diferentes, vocalmente hablando, en lo que respecta a actitudes y energías.

He cantado temas que cantan bajos o barítonos, o La bomba de Lola Flores con una voz cercana a lo trance, cantes con una actitud más ortodoxa, o una seguiriya con clavicordio”. Lo que ha hecho es emprender la construcción de un enorme edificio de música. “Tenía la idea de hacer

EN CONCIERTO l Madrid 05 de marzo. Teatro Lope de Vega l Barcelona 09 de marzo. BARTS. l Barcelona 14-16 de junio. SÓNAR

s “El flamenco está en lo mos, extremos, en los fascis en los anarquismos” un disco que fuera un repaso de todas las piezas experimentales que he hecho en espectáculos de danza u otras formas”.

Y ahí llega Pedro G. Romero. “Me dijo, vale, todo ese material está de puta madre pero podemos darle una estructura conceptual que lo sostenga. Él me soltó las palabras antología y heterodoxia y, claro, la heterodoxia va intrínsecamente ligada al flamenco. Ahí están las reivindicaciones que he hecho cuando me dicen si yo experimento, y experimento porque soy flamenco de verdad. Los flamencos ‘modernos’ de la perspectiva socialdemócrata y del discurso equilibrado son nada, son marca blanca. Por eso siempre digo que el flamenco está en los extremos, en los fascismos, en los anarquismos. Este disco es eso”.

Luego está el recorrido histórico.

“Mucho del repertorio lo propuso Pedro.

Nuestra intención era ordenarlo históricamente y llegar incluso hasta los años setenta u ochenta. La intención era hacer cuatro discos ordenados históricamente.

Se dice siempre que el flamenco empieza a abrirse en los años setenta con Lole y Manuel, Camarón, etcétera, pero este

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disco nos demuestra que no”. Se quedó en dos compactos y tres vinilos porque esa penúltima apertura terminó reproduciendo lo que ya se había hecho antes. A ello hay que añadir un sonido caliente por lo sucio que es. “Eso es un gran trabajo de Refree, o que nosotros somos fans totales de esos discos que suenan tan mal para la mayoría”. Y todo envuelto con un encarte en el que Paco se muestra como un cantaor de los de antes. “Es esa tensión, esquizofrenia y delirio donde convive lo flamenco. El traje es como esa cosa que tienen los flamencos de hacer las cosas a medida cuando el flamenco es todo lo contrario”. Se ve cómo le toman las medidas y se construye el cantaor. “Lo que es totalmente una falacia. Trabajamos con el fascismo de las antologías en el flamenco, que siempre las han hecho los cantaores consagradísimos como diciendo ‘mira, yo soy el único que tiene el conocimiento’”.

Vamos, que si fuera pop, sería un Grandes éxitos como el de los Pegamoides.

“Por eso salgo con esa actitud chulesca de mirar desde arriba siguiendo la línea del discurso del conservador. Hemos recogido los cantes más antiguos intentando

hacerlo con una actitud arqueológica.

Pero se da la paradoja de que cuanto más arqueológico te pones, más heterodoxo eres. El flamenco es un arte popular anarcofascista porque el fascismo y lo anarquista son populares. Nosotros transitamos ahí, con sus esquizofrenias, sus delirios y sus tensiones”.

En el álbum han dejado su sello el piano de Alejandro Rojas-Marcos, las guitarras de Andrés Herrera Pájaro y Diego de Morón, y el baile de Israel Galván. Se repasan los artes de Tim Buckley, Val del Omar, Eugenio Noel, Shostakóvich, George Crumb, Guy Debord y el últimamente ubicuo Mikel Laboa, pero también los de Manolo Caracol o Pepe Marchena. Esta labor hay que agradecerla a Contreras, porque con anteriores entregas como el álbum de Exquirla, volvió a poner en el mapa al poeta Enrique Falcón. Paco se emociona al oírlo, pero mientras que Para quienes aún viven fue un hito para muchos, fue una pequeña decepción para otros que esperaban un recambio de Omega de Morente y Lagartija Nick.

“Nuestra pretensión no era hacer una continuación de Omega, pero lo sacamos en el mes en el que el disco cumplía veinte años y salió el documental, y dijimos, hostia, vaya casualidad. Omega me enseñó muchas cosas pero es un disco de flamenco con rock, y nosotros no. Exquirla está más cerca de los discos de Isis o de Tool que de Omega”. Apenas se ha hablado directamente de política: sus nuevas canciones dejan clara su posición actual por lo que dicen y cómo lo dicen, y también por estar publicadas por Sony. “Residimos en la paradoja, y cuando uno es consciente de ello, se entiende que un disco así no podría salir si no es con un músculo como el de Sony... Pero este es uno de los desengaños que tiene uno, que el underground que no sabemos exactamente qué es, no está muchas veces tan a favor de según qué propuestas”. —jorge obón

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marzo 2018 #13

FOTO: JOSU TORREALDAY

MONDO FREAKO

Rural Zombies Revalidación

EN LA MALETA

From Home To Hospital St. (Mushroom Pillow, 18) es sobre todo un disco de confirmación.

La de uno de los grupos con más proyección de la actual escena vasca.

Steve Lean

Steve Lean es uno de los productores indispensables de la nueva generación del trap español sea trabajando con PXXR GVNG como con otros artistas. Además de publicar material constantemente, también ofrece sesiones en las que mezcla estilos muy diversos. Este mes contesta a nuestras preguntas. #14 marzo 2018

H

ablamos con Julia, voz de los zestoarras Rural Zombies, una de las bandas que más ha dado que hablar en los últimos tiempos en la zona norte. Su segundo disco From Home To Hospital St. (Mushroom Pillow, 18) supone la confirmación de una apuesta que “huye del reflejo de la bandas indies españolas” para seguir

Cuántas canciones de PXXR GVNG sueles pinchar en una sesión tuya? ¿Cuántos géneros combinas en una misma sesión?

Normalmente pincho las canciones míticas de PXXR GVNG, unas dos o tres.

Suelo pinchar de todos los estilos. Desde pop hasta bachata. La cuestión es saber combinarlos.

Por contra, ¿cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya? ¿Por qué?

Realmente yo soy fan de la música underground, de cosas que nadie escucha.

Creo que faltan un par de años para que pueda poner ese tipo de música en las discotecas (risas). ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

Ponerse muy borracho. Aprendí esa lección porque cuando empecé a pinchar me ponía muy borracho y no hacía bien mi trabajo. Ahora trabajo y cuando acabo el Dj set me pongo de fiesta. ¿Qué Dj’s y productores son un referente clarísimo para ti, si es que los tienes? ¿De quién has aprendido más?

No tengo un referente DJ. Mi inspiración es lo que yo escucho. Y de productores tengo una infinidad: Lex Luger, Southside, Metro Boomin, Sonny Digital, DJ Plugg, Zaytoven, D Rich, Drumma Boy… Entre mil más. ¿Qué te da más rabia de otros Dj’s? ¿Hay algo que no te guste que hayas visto en otra gente al pinchar?

“Nunca hemos tenido a a preocupación de si ib que gustar o no algo de lo hacíamos” explorando, sin vender su sonido, los universos de la soledad. “Siempre hemos creído que hay una barrera en el País Vasco que nos ha alejado a los grupos de aquí del resto del panorama nacional, ya que influye mucho la cultura musical, que es más rockera y oscura”. Esa transición de la luminosidad de antaño hacia un sonido más desgarrador y guitarrero

Esta pregunta es un poco rara, pero te la voy a contestar a mi manera. Hay gente que se hace llamar DJ y que no tiene ni idea de mezclar dos temas a la vez ni a la misma velocidad. Esa gente que cobra un dinero por hacer el trabajo que podría hacer un niño de nueve años en los platos son los que no merecen que les vayan a ver. ¿Qué es lo que más te ha costado aprender a la hora de pinchar?¿Y a la hora de producir?

Lo que más me costó a la hora de pinchar fue saber qué es lo que le gusta al publico en general, pero que a la vez tampoco sea tan mainstream. Y saber combinar todos los estilos sin que suene cutre.

A la hora de producir, que las melodías sean pegadizas y que las baterías suenen bien y claras. Pero ya soy un perro viejo de la producción. ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s y a los productores?

Es lo que la música necesitaba. Cuando estás en la discoteca es mejor tener a un buen DJ que Spotify sonando. ¿Te imaginas que no existieran los DJ’s? Te lo pasas mejor con la música que puede pinchar un DJ. Música que no suena en las plataformas. Y con los productores más de lo mismo. Todos tenemos bien claro que sin un productor no hay canción. Por eso ha de recibir la misma atención que puede recibir un artista.

Es mi humilde opinión. —MS

no ha supuesto excesivo trabajo para una banda que sentía la necesidad de evolucionar de forma natural. “Hemos apostado por darle más presencia a las guitarras. En el disco anterior contábamos con muchos colchones de sintetizadores y lo veíamos como demasiado repleto. Era un rellenar por rellenar porque teníamos miedo a que las canciones nos quedasen vacías. Al final creo que no es una cuestión de hacer bailar más o menos a la gente, sino de fuerza y contundencia”. Uno de los culpables de esta apuesta es Eñaut Gaztañaga (Grises), gran amigo de la banda. “Hay un gran trabajo de postproducción detrás de este álbum ya que cuando estás en el bar tomándote una caña con él ya hablas de cosas que se podrían hacer. Llegábamos al estudio y ya lo teníamos claro todo. Eñaut ha tenido con este disco la oportunidad de salirse un poco de Grises. Nos ha cogido a las dos partes, Rural Zombies y Grises, en la fase de querer cambiar un poco, con menos ganas de sintes y más de guitarras”. La propia banda reconoce que ese cambio de las cuerdas a las guitarras funciona, y ya siente la necesidad de trasladar este sonido al directo. “Tenemos muchas ganas de empezar a hacer descartes de otros temas. Hay una canción del disco anterior, que no voy a mencionar, a la que le tengo mucho asco y a la gente le flipa. El tema de renovar el repertorio mola a nivel personal, pero también a nivel de público. Nos ha venido genial en los conciertos de presentación porque te motivas más”. Unos directos en los que Julia, por ser mujer y joven, ha tenido que escuchar más de un comentario, digamos, desafortunado. “Parece que te miren

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Héctor Guerra Chamanismo FOTO: ARCHIVO

TAN. CERCA. RREl WAM Estrella Levante, que se celebrará en Murcia los días 4 y 5 de mayo, acaba de anunciar once novedades. Destacan Neuman y Carlos Sadness, seguidos por Elyella, Shinova, Ms Nina, Ed Is Dead, North State o PBSR. Todos ellos se suman a un cartel que ya contaba con gente como Kasabian, Alt-J, Vitalic, !!!, The Bloody Beetroots, Sidonie, Dorian, Biznaga, Joe Crepúsculo, Nunatak y muchos más.

con pena. Y luego también está el tema de cómo la mujer o las chicas tenemos que ir guapas. He tenido que oír algunos comentarios como ‘¿por qué no te has pintado los labios?’”. Y yo me pregunto por qué motivo a Manu, el guitarrista, no le preguntan ‘¿por qué no te has puesto gomina en el pelo?’. Un comentario de mierda como el descrito ya lo jode todo.

Se te va la fe en la humanidad”. En lo que no cabe duda que seguirán creyendo es en su música mientras ésta suponga una oportunidad de escape y entretenimiento. “Nunca hemos tenido preocupación de si iba a gustar o no algo de lo que hacíamos. El día que pensemos que nos vamos a ganar la vida con esto podría suponer un punto crítico para el grupo.

Por ahora no echo en falta el querer vivir de la música”. —alberto bonilla

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en concierto l Huesca 17 de marzo. El Veintiuno l L’Hospitalet de Llobregat 07 de abril. Let’s Festival l Madrid 05 de mayo. Moby Dick l Bilbao 11 de mayo. Stage Live l Donostia 19 de mayo. Doka l Palencia 07 de junio-10 de junio. Palencia Sonora l Barbastro 22-23 de junio. Polifonik Sound l Bilbao 12 de julio-14 de julio. Bilbao BBK Live

RREl Tribunal Supremo reafirmó el pasado 21 de febrero la sentencia de tres años y seis meses de cárcel impuesta por la Audiencia Nacional a Valtonyc. El rapero mallorquín deberá entrar en prisión definitivamente por los cargos de “enaltecimiento del terrorismo, humillación a las víctimas, calumnias e injurias graves a la Corona y amenazas” de los que se le ha hallado culpable a partir de varios versos de sus canciones. Según la Audiencia Nacional, estos incitan a la violencia, “exceden de la crítica política y se introducen en el campo del atentado contra la dignidad personal”. Valtonyc denuncia, por su parte, la persecución política y el olor a castigo ejemplarizante del caso.

RRTras las confirmaciones de El Mató A Un Policía Motorizado y Django Django, llegan tres nuevos nombres, en este caso, todos ellos nacionales. Los Planetas estarán en el Tomavistas (25 y 26 mayo) presentando su disco Zona temporalmente autónoma, además de hacer un repaso a sus himnos.

Pony Bravo, que habrán estrenado para entonces nuevo disco, también lo harán. Y por último, los marcianos Perro, que también están de estreno, Trópico Lumen.

Estas nuevas confirmaciones se unen a una larga lista de nombres, entre ellos: The Jesus And Mary Chain, Superchunk, La Casa Azul, El Columpio Asesino, Belako, Chad Vangaalen, Melange, Kokoshca, Princess Nokia, Javiera Mena, La Bien Querida, Tulsa, etcétera.

RREl Cruïlla ha dado a conocer el noventa por ciento aproximadamente del cartel de su edición de este año (12 a 14 de julio, Barcelona). Probablemente el mejor reclamo dentro de sus cabezas de cartel es que son casi una rareza en el mapa de festivales europeo, ya que tanto N.E.R.D. como The Roots y David Byrne son propuestas que cuesta mucho ver por estos lares.

Además de ellos estarán también Jack White, Prophets of Rage, Justice, Kygo, Orbital, Chase & Status, Bugzy Malone, Gilberto Gil & Amigos, Ben Howard, Soja, LP, La Pegatina, Els Catarres, Jessie Ware, La M.O.D.A., Camille o Fatoumata Diawara, entre muchos otros. —MS

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“Cada vez que alguien escucha esa canción sin darse cuenta está siendo sanada” Desde el infierno (Kasba, 18) es un disco de contrastes. Héctor Guerra nos incita al baile con sus canciones a base de rap, trap, reggaetón, cumbia, dancehall y bases electrónicas, pero a la vez intenta curarnos el espíritu con cantos ceremoniales chamánicos. Lo presentará el próximo 7 de marzo en la sala Apolo de Barcelona.

T

ras formar parte de Pachamama Crew, un colectivo musical compuesto por sudamericanos y españoles que editó un disco del que vendieron miles de copias, Guerra inició una aventura en solitario con Amor (2012), Gracias por existir (2015) y el disco que ahora presenta y que cierra la trilogía.

—Desde el infierno, a pesar de la variedad musical, tiene un aire conceptual con esa introducción tan espiritual de Todo está bien y viene mejor y esos Cantos de poder intercalados entre las canciones.

El disco fue escrito tras ceremonias y rituales con chamanes en el norte de México, usando medicinas ancestrales como el Sapo de Sonora, que produce DMT a través de su veneno. Después del ritual escribíamos las visiones y luego las transformaba en letras de canciones. En una de las ceremonias pusieron muchos mantras de la India y cantos de poder, pero estaban en idiomas que yo no entendía. El chamán me animó a hacer los míos, así que, la intro del disco, “Todo está bien y viene mejor”, es mi mantra en español, mi canto de poder. Para hacerlo utilicé varias herramientas. Las palabras del principio y del final, están expresadas tal y como llegaron de las visiones, por otro lado, todos los sonidos posteriores los hace un brujito que los utiliza para sanar a la gente a través de las frecuencias. Después hice un beat de trap. O sea que cada vez que alguien escucha esa canción, sin darse cuenta está siendo sanada, su frecuencia está siendo modificada de una manera positiva. Es música de sanación, pero en vez de ser música de yoga es un trap.

—¿Hasta que punto te han influido para este disco las vivencias que has tenido con cada una de

esas comunidades indígenas con las que has vivido: Purépechas de Cherán,Wirrarikas en el desierto de Wirikuta y Comcaac en el desierto de Sonora?

El disco está basado en todas estas vivencias. Los tres pueblos tienen cosas en común muy importantes. Ninguno se mezcló con los europeos y son guardianes del conocimiento, poseen secretos sobre el mundo que solamente ellos conocen. Nombrarte todo lo que

Desde el infierno Kasba, 18

aprendí sería un libro, pero puedo destacarte algunas cosas que me han marcado mucho. Los Purépechas de Cheran viven en bosques de pinos en altas montañas. Ellos me enseñaron que hoy en día absolutamente todo lo que nos venden en la farmacia lo podemos tener gratis y con mayor efectividad de la misma naturaleza. Los Wirrarikas en el desierto de Wirikuta me enseñaron a escuchar al fuego, el sol, el viento o el agua. Con ellos probé su medicina, el peyote. En el desierto de Sonora, con los Comcaac, aprendí que la muerte no existe, lo sagrado de la energía femenina, que hay diferentes dimensiones donde hay diferentes seres no humanos, vidas pasadas. Con ellos probé el OTAC o Sapo de Sonora, DMT... —miguel amorós

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marzo 2018 #15

MONDO FREAKO

FOTO: ARCHIVO

Nils Frahm La gran belleza

RR El próximo 16 de marzo se

publica There’s A Riot Going On, el nuevo disco de Yo La Tengo, que aparece de la mano de su sello habitual, Matador. Es su primer disco en cinco años y toma su nombre del clásico de Sly And The Family Stone, aunque dotándolo de un aire más positivo ante los tiempos que corren.

TAN. LEJOS. Superorganism Hostel pop Vienen de distintos lugares del mundo, son simpáticos y se dieron a conocer gracias al apoyo de Frank Ocean, pero ahora les toca jugar en serio. Si hace unos meses formaron parte del cartel del Primavera Club, en breve vuelven a España para actuar en su hermano mayor, el Primavera Sound, y presentar su debut en larga duración, Superorganism (Domino/ Music As Usual, 18).

#16 marzo 2018

RR Dua Lipa y Gorillaz se suman

al lineup como cabezas de cartel del Sziget Festival, donde ya figuraban Arctic Monkeys, Kendrick Lamar, Kygo, Mumford & Sons, Stormzy, JP Cooper, Shawn Mendes

S

uperorganism es una banda de ninguna parte o de todos lados, según se mire. Formada por ocho personas de distintos lugares del mundo, el octeto reside actualmente en Londres, donde la banda entera vive en comunidad en una misma casa, creando veinticuatro horas al día. “Nuestra casa es como un pequeño centro para turistas”, cuenta Harry, guitarrista y uno de los compositores/ productores de la banda. “Es gracioso, yo he estado trabajando en la música durante diez años o más, en diferentes ciudades con distintas personas y al final te acabas acostumbrando a vivir un poco así. Excepto que ahora se ha convertido en la rutina de mi día a día”.

Orono, la chica de diecisiete años que se ha convertido en el icono de la banda, añade: “Yo nunca habría vivido algo así, es mi primera vez en todo esto. Y es bastante raro, no sé qué pensar”.

El crecimiento de Superorganism ha superado lo exponencial y roza lo meteórico: su primer tema, Something

y muchos más. La edición número 26 del festival Sziget tendrá lugar entre los días 8 y 15 de agosto en Budapest y también podremos ver a bandas como The War On Drugs, King Gizzard & the Lizard Wizard y un larguísimo etcétera… Como siempre, un cartel gigantesco para un festival que cada año reúne a más de 450.000 personas.

esta mañana. Luchando hasta el final. La persona más fuerte que he conocido“, escribía Phantasy. Más tarde lo confirmaba el representante de Stormin. Skepta, Example, Frisco, Wiley y más artistas de la escena británica ya han rendido homenaje al pionero del grime en las redes.

RR Mientras el mundo de la literatura

RR El MC londinense Shaun Lewis, conoci-

do artísticamente como Stormin, ha muerto tras una dura batalla contra un cáncer de piel. Fue miembro original de N.A.S.T.Y Crew, junto a figuras como Kano, Jammer, Ghetts o D Double E. La noticia fue anunciada por el DJ Phantasy en Instagram.

“Mi hermano Stormin falleció tristemente

For Your M.I.N.D. lo pinchaba Frank Ocean en sus sesiones casi nada más salir y han llegado a ser calificados como “la banda más misteriosa y adictiva que ha dado el pop”. A ellos todo este huracán les cogió completamente desprevenidos. “A nosotros nos pilló completamente por sorpresa y cambió nuestras vidas de arriba abajo. Estábamos tranquilamente haciendo canciones y todo se precipitó.

Nosotros, personas que vivíamos

sigue de luto por la muerte de la escritora Ursula K. Le Guin, quien murió el pasado mes a los ochenta y ocho años, el sello RVNG Freedom To Spend edita por primera vez en vinilo el álbum colaborativo de la escritora con Todd Barton. Music And Poetry Of The Kesh salió por primera vez en 1985 y fue originalmente publicado en

en partes diferentes del mundo, ni siquiera esperábamos poder tocar juntas algún día”, comentan al respecto. En su momento y dado el misterio que rodeaba a la banda, incluso se llegó a especular que Something For Your M.I.N.D. podía pertenecer al nuevo proyecto de Damon Albarn o de Thom Yorke. De hecho, Superorganism han sido etiquetados como los “nuevos Gorillaz” y comparados con The Avalanches.

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La propuesta ambiental y vanguardista de Nils Frahm está llamando a las puertas de un público inusitadamente amplio con su nuevo álbum, All Melody (Erased Tapes/Gran Sol, 17).

Ha transformado una antigua emisora de radio berlinesa de la RDA en su estudio, en el que ha conseguido integrar la experiencia acústica y mecánica con efectos electrónicos como muy pocos maestros lo han hecho hasta ahora.

E

mpieza a cosechar comparaciones con los grandes del género ambiental como Brian Eno, pero aspira a conseguir crear un universo sonoro propio y reconocible, y para ello concibe sus álbumes con una

cualidad no conceptual pero sí sinfónica.

Para Frahm, conocido sobre todo por sus trabajos al piano, el instrumento, dice él: “es aburrido o está superado, hay maneras más interesantes de tratarlo”, como pueden hacer en lugares en los que se puede hacer música con lo que los occidentales consideramos basura. “Me declaro amigo de los desvalidos, tanto de los artistas como de los instrumentos.

Sería interesante presentarlos como un vehículo para expresar otras experiencias hermosas”.

Frahm se ha pasado los últimos dos años construyendo un estudio en Berlín, a orillas del Spree, imaginando y escribiendo All Melody, y finalmente produciéndolo con espíritu de relojero antiguo. “Mi triunfo personal es poder hacer una música que me defina porque solo existiré una vez en la música y tengo necesidad de hacer algo que a mí me parezca único y que no conozca de antes.

Es la persecución de algo que todavía sea familiar para el oyente mientras se abre una nueva sensibilidad hacia la composición musical, de sonidos o lo que sea”.

cassette como banda sonora de uno de los libros de la autora. La reedición del álbum saldrá el 23 de marzo a través de Freedom To Spend.

RR Del 28 de junio al 1 de julio la villa de Clermont- Ferrand acoge el Euro-

pavox Festival. El festival más europeísta, en el que únicamente artistas de este continente tienen cabida, ya tiene sus primeros nombres. Podremos ver al rapero Orelsan -todo un superventas en Francia-, Jain -que toca también en el Mad Cool-, Étienne Daho, Petit Biscuit, Ibeyi, Rilès y Brigitte.

Ahí están sus silencios sin silencio, la percusión de sus dedos sobre las teclas y sus ritmos que son melodía. “Recuerdo una experiencia que tuve cuando era niño con una profesora de música clásica en el colegio que nos explicaba los fundamentos de la música. Decía que la música consiste en tres cosas: melodía, armonía y ritmo. Estos elementos tienen que estar compensados a lo largo de la composición para que haya gran música.

Ya sabía que esta regla está mal. Por eso pensé, whoah, en este disco todo es melodía, pero no se puede encontrar una receta perfecta para la música: la melodía no es más importante que la armonía, y esta no es más importante que el ritmo.

En mis oídos y en mi cabeza, la pista de ritmo es una melodía y es armonía, y la armonía es ritmo. Por eso el título del álbum es confuso”. Dice Frahm que la música que oye dentro de su cabeza no podría traducirse nunca a un disco, por lo que se la reserva para él solo. “Para All Melody imaginé algo que he tratado de materializar, y en este proceso me he encontrado básicamente desviado de la

especial, ninguna ciudad o país, porque todos somos de un montón de sitios. Supongo que si tuviera que decir algún lugar al que me siento conectado espiritualmente diría Tokyo. Orono es de allí y es dónde la conocimos tanto a ella como a muchos de los demás”, dice Harry. “Yo ni siquiera tengo amigos en Londres, conozco a dos o tres personas.

Y tampoco creo que culturalmente se nos pueda relacionar con ningún sitio en particular”, matiza Orono.

De aquí o de allá, lo que está claro es que Superorganism han venido para quedarse. De momento, con presencia en muchos festivales clave del mundillo musical y con un primer disco que habrá que ver si es capaz de sostener el hype que pesa sobre ellos. —daniel treviño

—jorge obón

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KOP Resistir es vivir Vuelve la apisonadora catalana con el mini-álbum Revolta (Kasba, 18), aupado por seis canciones a toda pastilla y sin pelos en la lengua. La revolución no será televisada. La revolución se llama KOP.

M “¡Esas bandas me encantan, mola que la gente nos compare con ellas!”, dice Harry, aunque matiza: “Cada uno de nosotros ha crecido con una cosa diferente. Yo recuerdo ver el canal musical de Australia cuando era pequeño y allí te podías encontrar cualquier cosa: un vídeo de Britney Spears y de repente cambiaba a Oasis o Nirvana. Nosotros somos un poco así, creo”.

De la misma forma que no pudieron predecir lo que vino, tampoco saben lo que va a pasar tras la salida del disco. “Yo empecé teniendo cero expectativas y ahora mismo tampoco sé qué va a pasar”, dice Orono. El listón está muy alto tras todo el revuelo causado, que se materializó en un primer concierto como headliners con setecientos asistentes en Londres. “Fue muy loco… es muy guay poder llegarle a toda esa gente, tío”, dice Harry al respecto. A pesar de ello y de estar asentados allí, no consideran Londres como la ciudad de Superorganism. “No siento que conectemos con ningún lugar en

idea original y he acabado con un montón de cosas que no había imaginado, que no había soñado, que no estaban en mi visión. Hubo muchas cosas que no pude conseguir, pero que dieron lugar a otras muchas, y a darme cuenta de que hay otros campos para explorar, como por ejemplo el rango de la voz humana, pero vamos, tampoco creía que fuera a escuchar algo como la trompeta que hay en Human Range. Y mientras tanto me empezaba a imaginar cómo sonaría el siguiente disco, pero vamos, cuando me ponga a hacerlo seguro que habrá un proceso semejante y acabaré encontrando otra cosa que no es lo que buscaba.

Por eso no me gusta grabar lo que en principio me empuja a coger un instrumento u otro. Es muy importante la idea inicial pero es mucho más importante aceptar el resultado, aunque esté lejos de lo que haya imaginado cada día cuando voy a trabajar por la mañana”.

ás veloz, más hardcore y menos metálico que los dos trabajos anteriores (Acció Directa -2010y Radikal -2016-), Revolta es otra patada en el trasero del establishment, un grito de libertad y un halo de vida. (Juan Ra, cantante) “En este disco hay una mirada más cercana a grupos clásicos de la old school que han estado muy presentes en nuestro recorrido, desde Sick Of It All y Pennywise, pasando por los más actuales Comeback Kid o Deez Nuts”. El tema que abre y da título al disco es muy representativo: guitarras al trote, voz gutural rasposa y velocidad, aún cuando hay varias sorpresas, como las cinco voces femeninas en Tres voltes rebels. Las referencias literarias, poéticas y políticas continúan formando parte del ADN del grupo, como en Rosa de Foc. El mensaje es de Gil Scott Heron, “poeta, músico y revolucionario, activista de los Panteras Negras: The Revolution Will Not Be Televised... The Revolution will be live”.

La colaboración de Hodei, de Arkada Social, en Ingovernables es poco menos que apoteósica, una auténtica motosierra vocal. “Directo de la escuela street de Mondragón (Arrasate), se marca una colaboración grabada a fuego. Inolvidable”.

Las voces del propio Juan Ra tampoco se quedan atrás, como muestra Las cárceles en llamas, por parte de quien las ha vivido en primera persona: Juan Ra estuvo encerrado durante cinco años en prisiones de máxima seguridad. “Nuestras letras son políticas, pero muy vitales. Son tiempos de inmediatez. Salimos al ring a lo Tyson, no damos tiempo a respirar, no cogemos rehenes. También son tiempos de censura y de miedo, pero los nuevos censores están perdiendo la partida. La libertad de expresión no es un artículo de la constitución: es nuestro derecho. No escribimos ni componemos para poder hacer giras. Por eso somos tan peligrosos para ellos y nos quieren silenciar”. —urko ansa

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marzo 2018 #17

FOTO: LOLA GARCÍA GARRIDO

Con Sueños y pan (Esmerarte, 17) se cierra una –primera– trilogía dentro de la era Xoel López. Más de veinte años después de empezar a escribir canciones, el músico gallego sigue arreglándoselas para pagar las facturas sin sacrificar (o sacrificando lo justo) sus sueños.

Xoel López Un horno de sueños L

“He perdido a parte de mi público por el camino, pero creo que ha sido para que nos entendiésemos bien”

a libertad de una mente infantil respecto al arte es algo que, como artista, me interesa mucho conservar”, señala el coruñés para explicar que Jaguar, tema que abre su último trabajo, no trata únicamente sobre su hijo. Hace veinticinco años que empezó a componer y, además de no haber perdido las ganas de experimentar, Xoel López sigue escuchando con suma atención cada pregunta que le lanzan. Y con el mismo interés responde y se adelanta a los acontecimientos, como que Sueños y pan sea considerado su álbum de la paternidad. “Podría haber hecho un disco infantil, pero no es el caso. Sigue una trilogía que se cierra y que, en el fondo, es una búsqueda artística”. Sueños y pan es el tercer capítulo del relato discográfico –que sigue a Atlántico (12) y Paramales (15)– de una nueva fase en su carrera,

#18 marzo 2018

así como de su vuelta a España. Si bien nuestro encuentro sucede en una cafetería madrileña entre viajes a Bogotá y México, el disco rezuma más de un lustro de estabilidad geográfica en la que ya fue antaño su ciudad de residencia. Tanto que Madrid da título a una emotiva letra

LA GIRA l Madrid 01 de marzo. Room Festival, La Riviera l Barcelona 24 de marzo.

Room Festival, Razzmatazz l Granada 11 de abril. Experience l Pontevedra 19 de abril. Sala Karma l Lorca 21 de abril. Teatro Guerra l Vilalva 27-28 de abril. FIV l Palencia 07-10 de junio.

Palencia Sonora l Aranda de Duero 09-11 de agosto. Sonorama

donde la referencia al Puente de los Franceses (que conecta con la carretera de A Coruña) también evidencia que nunca le quita ojo a su tierra de origen.“Cuando estoy componiendo intento no ser muy intelectual, que sea algo visceral. Lo que me salga, luego ya descubriré por qué”.

Sus raíces gallegas se han ido integrando en esta nueva etapa estilística con la misma naturalidad, y esta vez se manifiestan en la nana Durme, el recuerdo de infancia Serpes (“En medio de la montaña lucense, cualquier recuerdo es en gallego”) y en el inesperado solo de gaita –a cargo de Xose Manuel Budiño, quien ya coloboró con Xoel en la era Deluxe– de Jaguar.

“Lo grabó con mucho estilo y desparpajo en un tema que, aparentemente, no pedía una gaita. Hay que luchar contra lo establecido, pues ahí lógicamente habría ido un solo de guitarra o piano. ¿Qué podíamos meter que no fuera lo obvio?”.

A su ya conocida afición por los ritmos afrolatinos se ha sumado el deseo de inclinarse por sonidos más actuales (“los de mi generación”), fijándose en los ochenta y noventa, con menciones a

Peter Gabriel o Beck. “No soy un chaval de dieciséis años, no voy a hacer trap de repente, no me toca”. Y todo confluye en un álbum más coral –con músicos como Charlie Bautista–, pero también de intenso trabajo desde el inicio con el productor Ángel Luján, que además incluye su primer dueto: Frutos, junto a Miren Iza (Tulsa). Músico y cantante versátil e inquieto, desde 2012 ha ido añadiendo ingredientes a una receta que no convenció a todos en su día, aunque cree que sus seguidores ya se han acostumbrado al sabor. “Me ha costado.

He perdido a parte de mi público por el camino, pero creo que ha sido para que nos entendiésemos bien”. Buscando el equilibrio entre llevar sus proyectos a buen puerto y pagar el alquiler desde que su pasión se convirtió en su profesión, a día de hoy, Xoel puede decir que se gana el pan a base de cumplir sueños. “Sí, es una buena definición, ahí sí que te digo que sí”. —beatriz h. viloria

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marzo 2018 #19

Cuello Energía existencial Regalo doble es el cuarto larga duración de los valencianos Cuello, un disco en el que mantienen una muy notable efervescencia vital a base de esas eficaces y directas melodías a las que nos tienen acostumbrados.

sica como una expresión de la vida, surgen temas como Juego dominante, el primer adelanto de Regalo doble –recibido con mucho entusiasmo por el público- que veía la luz en diciembre y en el que, entre otras cosas, se pone sobre la mesa la cuestión de vivir el día a día sin impedimentos. “Dejarse llevar es un asunto que ronda mucho en mi cabeza. Es muy típico decir que ‘vida solo hay una y hay que vivirla’, pero ese pensamiento deberíamos tenerlo muy presente […]. Las ganas de vivir, de querer vivir, es algo que está presente en la música de Cuello”. Y quizás por esa razón, José sigue optando por el optimismo como lenguaje general. “Si prestas demasiada atención a cosas externas, por supuesto que hay algunas que cambiarías o que te pueden

quitar las ganas de seguir. Hay cosas muy complicadas que no ayudan nada a los músicos y pueden quitar mucha energía. Pero no es buena idea estar pensando solamente en las barreras que tienes o lo desfavorable que es el entorno o la industria. En mi caso hago música porque me encanta, es una necesidad vital, y eso es lo que me importa, el poder seguir haciéndola”.

Eso es algo que se refleja también en la profunda portada de este nuevo álbum, diseñada por Nando Hervido. “Tiene cierto toque intenso y ‘a tope’, que es como suelen ser nuestros conciertos, algo caótico también, pero no oscuro”.

—anaïs lópez

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en concierto l León 14 de marzo. TBC l Ourense 15 de marzo. El Pueblo l Santiago de Compostela 16 de marzo. Bar Embora l Pontevedra 17 de marzo. Liceo Mutante l Oviedo 18 de marzo. La Lata de Zinc l Valencia 27 de abril. 16 Toneladas l Madrid 10 de mayo. Siroco l Santander 11 de mayo. The New l Bilbao 12 de mayo. TBC l Barcelona 26 de mayo. BeGood

#20 marzo 2018

FOTO: LIBERTO PEIRÓ

M

uchos eran los que se preguntaban qué ocurría con Cuello, esa formación que ya con su primer álbum en 2013 fue capaz de crear un gran número de adictos a base de buenas dosis de punk melódico con toques de pop, hardcore y rock alternativo en su sentido más primigenio. Acostumbrados a saborear nuevo disco por año, el grupo dejó a más de uno sin su regalo anual desde que publicaran Trae tu cara (15) por lo que no es de extrañar que, en 2018, regresen a toda máquina con un Regalo doble que supone, no de forma intencionada, una reafirmación mejorada en la naturaleza de la banda. (José Guerrero, voz) “El que los primeros discos salieran a disco por año fue pura casualidad, al igual que el cuarto haya roto esa ‘tradición’, aunque siempre es buena idea hacer las cosas con calma.

Con este disco grabamos una demo antes de grabarlo en el estudio, así pudimos ver posibles cosas que mejorar”.

En él, Cuello sigue manteniendo una esencia prácticamente innata en su composición y sonido. Prevalecen las melodías directas y repletas de energía tras la premisa de una sencilla eficacia.

“A veces lo sencillo si es bueno, dos veces bueno, pero también es cuestión de gustos. A nosotros en particular nos apetece que la música sea así”. Estas palabras adquieren un significado es-

“A veces lo sencillo, si es bueno, dos veces bueno” pecial cuando se unen a esas personales composiciones que, con un lenguaje muy propio, ahondan en territorios a veces optimistas, a veces introspectivos y siempre unidos a la condición humana bajo el prisma de la ambigüedad.

“Cuando se juega con la ambigüedad, con lo sugerente, se abren muchas posibilidades en una misma frase y en mi opinión hay un encanto intrínseco en eso. La vida en sí mismo es muy ambigua”. No sorprende por tanto que la música sea para Guerrero un reflejo más de las experiencias vitales. “Puedes encontrar muchos sentimientos diferentes en muchos tipos de música.

Y no hace falta que tenga una letra, las propias melodías o ritmos te hablan.

Tampoco hablo solamente de las cosas buenas, incluso existe el engaño y la falsedad en la música”. Precisamente de ahí, de esa forma de valorar la mú-

CRÍTICA Regalo doble

B-Core Disc Punk 8/10

Dame candela Al ritmo que llevaban, con disco por año, y atendiendo a su carácter punk efervescente tan dependiente de la frescura de ideas, bien podría pensarse que la trayectoria de Cuello terminaría como un estallido violento y fugaz. Por suerte, nada

más lejos. Esa mina de oro que es la mente de Jose Guerrero tenía ya definida otra tanda de canciones para la banda, y Regalo doble es el resultado. En esta ocasión además se ponen en manos de Paco Loco, ahondando así en su faceta más pop. Pero más que esperar algún cambio drástico en su sonido, pues no lo hay realmente, toca seguir celebrando su personalidad. Cuello consiguieron prácticamente desde el principio lo que muchos anhelan durante toda su carrera, ser plenamente identificables con solo un par de segundos de canción. Y antes siquiera de decidir lo que este nuevo disco aporta al mundo y a su trayectoria, cabe aplaudir la valentía de Jose Guerrero para no repetir fórmulas tantas veces transitadas.

—bruno corrales

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“

Lo peor ya pasó Black Rebel Motorcycle Club

El trío estadounidense, tras unos últimos años marcados por diversas tragedias, vuelve con las pilas recargadas en Wrong Creatures (Abstrac Dragon/[PIAS], 18), su octavo álbum de estudio. Podrás verles en directo en el Mad Cool Festival (1214 julio, Madrid) y en Barcelona (16 julio, La [2] de Apolo).

T

r

”

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FOTO: ARCHIVO

ras la tempestad ha llegado, al fin, la ansiada calma. Los californianos Black Rebel Motorcycle Club están de vuelta con su octavo álbum de estudio, Wrong Creatures. Pero por encima del lanzamiento del álbum en sí, lo cierto es que no ha sido hasta ahora que el trío ha hallado esa paz que desde hace años anhelaba. La muerte de Michael Levon, su técnico de sonido además del padre del bajista Robert Levon Been, fue un gran varapalo para ellos en 2010. Pero poco después, por si fuera poco, a su batería, Leah Shapiro, le detectaron unas malformaciones de Chiari en su cerebro que, como es lógico, detuvieron la productividad del grupo. Afortunadamente Shapiro ya se encuentra perfectamente, pero todas estas vicisitudes han provocado que, más que nunca, Peter Hayes haya ejercido de líder no sólo encima, sino también detrás de los escenarios. Tal como él nos cuenta “nos ha pasado de todo estos últimos años y nos hemos apoyado muchísimo los unos a los otros. La familia, porque eso es en realidad lo que es Black Rebel Motorcycle Club, se ha fortalecido. En estos momentos precisamente es cuando uno tiene que estar ahí tanto para los buenos como para los malos momentos”.

Cuando se le pregunta a Hayes acerca de qué espera de este Wrong Creatures él simplemente contesta “que guste, que guste mucho

a la gente”. Y todo apunta a que así será ya que los fans van a encontrarse con una versión mejorada del sonido que han estado explotando a lo largo de estas dos décadas. “A su manera es como un viaje ficticio por nuestra historia y la historia del rock. Hemos intentado ser lo más creativos posible y espero que eso se note cuando la gente tenga la oportunidad de escuchar nuestras últimas canciones”, dice al respecto. Desde medios tiempos como la preciosa Echo (“el tema que más nos ha costado de tirar adelante porque antes de dar con la toma definitiva probamos muchas otras versiones”) hasta piezas que se aproximan al terreno del noise rock como King Of Bones, aquí hay de todo para todos.

Pero cuando se le pregunta a Hayes qué prefiere, si la vertiente más reposada o aquella más musculosamente eléctrica, el vocalista no duda en afirmar que: “todo depende de cómo me levanto. Hay días en los que el cuerpo me pide hacer el mayor ruido posible con la guitarra y otros en los que prefiero tocar más reposadamente. Cuando la banda se creó hace veinte años sentíamos la necesidad de vivirlo todo al máximo, pero con el paso de los años hemos aprendido a relajarnos porque el rock’n’roll puede ser algo autodestructivo”. El productor Nick Launay (quien anteriormente ha trabajado para Arcade Fire o Yeah Yeah Yeahs, entre otros) ha sido crucial para que este nuevo álbum llegara a buen puerto. “Habitualmente no somos de los que dejamos a terceros interceder en nuestra visión creativa. Sin embargo, esta vez sentimos la necesidad de abrir las puertas de nuestro estudio a alguien como Launay porque nos dimos cuenta de que podría dar cohesión a las canciones. Fue muy fácil trabajar con él porque nos dio muchísimo espacio para hacer lo que nos apetecía. Más que un productor él ha sido un cuarto miembro del grupo”. —sergio del amo

“Hemos aprendido a relajarnos porque el rock’n’roll puede ser algo autodestructivo” mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

marzo 2018 #21

EN PORTADA

“ “Tenemos la responsabilidad de ser lo más coherentes que podemos con nuestra manera de pensar para poder aportar algo por humilde que sea”

LA GIRA l Murcia (8 marzo, REM) l Alicante 9 marzo, Stereo l Valencia 10 marzo, Wah Wah l Estados Unidos 13-16 marzo, SXWS l México 17-18 marzo, Vive Latino l Santiago 6 abril Capitol; SON Estrella Galicia l A Coruña 7 abril, Garufa; SON Estrella Galicia l Valladolid 12 abril, Porta Caeli; SON Estrella Galicia l Zamora 13 abril, La Cueva del Jazz l León 14 abril, Espacio Vias l Iruña 21 abril, Zentral l Granada 12 mayo, En Órbita l Lleida 17 mayo, Café del Teatre l Monzón 18 mayo, Escuela de Calor l Gasteiz 19 mayo, Jimmy Jazz l Madrid 25 mayo, Tomavistas Festival l Santander 26 mayo, Escenario Santander; SON Estrella Galicia l Oporto 7-8 junio, Primavera Sound l Donostia 16 junio, Polideportivo Anoeta l Londres 1 julio, Comunnity Festival, Finsbury Park l Barcelona 12-14 julio, Festival Cruïlla l Mundaka 27-28 julio, Mundaka Festival l Benidorm 27-28 julio, LOW Festival #22 marzo 2018

D

Asaltar Belako los cielos

os discos han sido suficientes para demostrar que este cuarteto de Mungia tiene las cosas claras y quiere hacernos llegar cada vez su mejor versión. La tercera entrega en formato larga duración (recordemos los notables EP’s Bele beltzak baino ez y AAAA!!!!, publicados en 2014) va un paso más allá y, sin dejar de lado a los Belako más salvajes, se dirige hacia nuevos caminos. “Queríamos grabar en cinta para darle una vuelta, que no sonase como lo que hemos hecho hasta ahora. Sin inventar nada, eso sí”, destaca Lander Zalakain, batería de la banda. Josu Billelabeitia, por su parte, destaca que: “hemos buscado la perfección en cuanto a representar el sonido de Belako. Hemos aprendido mogollón, con otra metodología de trabajo y sin dejar nada para el editaje. Es purista y, a la vez, arriesgado. Las limitaciones de la cinta te permiten experimentar más”.

De hecho, lo que más destaca es la constante huida hacia delante de la banda. Strangers In A Box es la canción que está más fuera del sonido Belako, con una base dub muy interesante y una voz muy, muy cercana.

“De hecho, Cris grabó la voz con el móvil, desde Madrid”, subraya Lore.

“Con un ordenador mierdosísimo y un móvil aún más mierdoso”, añade la propia Cris. “Además, el rollo que tiene Cris en este tema es brutal: está cantando bajito porque sus compañeros de piso están hasta las pelotas de ella. Es una interpretación perfecta, y eso nos ha llevado a experimentar con el móvil”. No solamente eso, sino que la primera parte de Stumble II ha pasado por el móvil para conseguir ese sonido tan característico. “Te saca todo lo que no se oye y satura. Nos gustaba esa idea y el sonido sucio del móvil pertenece de alguna manera a nuestra era”, subraya Josu. Todo ha sido grabado en el estudio de su técnico de directo, Iñigo Irazoki, en Bera (Navarra). “Ha sido un hogar para nosotros, porque nos hemos alojado allí, pero también por el hecho de que los músicos de los alrededores nos han dejado de todo: pedales, baterías, bombos, amplificadores… hemos disfrutado como críos”. Por otra parte, The Fiend Thinker y Nice Church están grabadas en casa de Lore y Josu en Mungia, sin las limitaciones que tienen las veinticuatro pistas de la cinta analógica. “Hemos visto que se puede grabar en casa.

No descartamos hacerlo así en un futuro”, avisa Lore. “Obviamente, no es tan profesional como en un estudio, pero a veces lo interesante es la frescura de la toma. A veces, el fallo es nuestro mejor amigo”, apunta Josu. Sobre el proceso de composición y grabación de Render Me Numb, Trivial Violence, destacan que: “hemos aprendido y desaprendido la hostia. Muchas cosas que pensabas que eran así y funcionaban así… pues no”, subraya Lander. “Nuestros planes nunca acaban como lo teníamos pensado, nos adaptamos a lo que consideramos que es mejor para el público y para nosotros. Mientras grabábamos, surgió una gira enorme (Cris se refiere a los treinta conciertos que han realizado a finales de 2017 por Rusia, Japón, Corea del Sur, México, Estados Unidos, Alemania, Inglaterra y Escocia) y tenía más sentido volver para presentar el disco en condiciones”.

B

elako se juegan mucho en cada paso y han decidido seguir con su aprendizaje a través de su propio sello, esta vez con la ayuda de El Segell del Primavera y [PIAS] que, además de distribuir el trabajo en España, lo harán también en Gran Bretaña, Holanda, México, Argentina, Chile, Ecuador y Colombia, entre otros. Por otra parte, adelantan que actuarán en el festival Vive Latino, el SXSW de Texas y en “grandes plazas de Inglaterra” (de momento han confirmado su presencia en el escenario principal de Finsbury Park, junto a Two Door Cinema Club y The Vaccines, entre otros).

En cuanto a la parte lírica de este nuevo trabajo, Cris (autora de las letras) destaca que se lo ha tomado “un poco más en serio. Ha llegado el momento de hacer algo, no solamente algo que suene bien, sino algo de lo que te sientas orgulloso cuando estés sobre un escenario y que te represente. Tenemos la responsabilidad de ser lo más coherentes que podamos con nuestra manera de pensar para poder aportar algo por humilde que sea. Por otra parte, nos hemos podido sentir manipulados y hemos sentido la impotencia de que los medios tergiversen tus palabras de una manera o de otra”. La bilbaína une esto con el título del disco: “Trivial Violence, TV, es una alegoría de la televisión, como la responsabilidad sumergida de los medios. Esa violencia implícita que para nosotros es palpable y real, y hace que cuestiones como el machismo, la homofobia o la xenofobia sigan funcionando con pequeñas aportaciones”. Además, subraya la responsabilidad de su generación, que: “identifica las injusticias, pero sigue quieta en su casa, inmune a todo eso”. —X.D.

Con el entusiasmo de unos adolescentes, Belako presentan su disco más maduro, Render Me Numb, Trivial Violence (El Segell, 18). Se trata del tercer largo en una discografía que comenzó hace seis años y que, desde entonces, no ha hecho más que crecer y ganarse el corazón de todos nosotros.

—texto Xabier Doncel

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FOTO: CRIS LIZARRAGA, LANDER ZALAKAIN, LORE Billelabeitia Y JOSU Billelabeitia

DISCOGRAFÍA

Eurie Gaua Records, 2013

Bele beltzak baino ez /AAAA!!!

Belako Records, 2014

Hamen Mushroom Pillow, 2016

Render Me Numb, Trivial Violence Belako Records /El Segell, 2018

Tras destacar en varios certámenes para bandas noveles, el cuarteto de Mungia publica su primer largo, Eurie, en el que muestran su querencia por la new wave, el punk y la electrónica. Todo ello, bajo el influjo de la intuición, que no dudan en usar como un instrumento que rema a su favor. Southern Sea (Beautiful World) y Sea Of Confusion se convierten en hits instantáneos y aúpan a la banda al torbellino en el que aún se encuentran. Por el camino se encuentran con Crystal Fighters, que no dudan en apadrinarlos, llevándoselos de gira.

La banda sigue construyendo su camino con dos EP’s que se publican a la vez y muestran sus dos caras: una más directa, distorsionada e intensa, y otra más lisérgica, conceptual y electrónica. Por separado, cada uno ofrece un salto enorme. El cuarteto muestra una madurez impropia de una banda tan joven, no obstante este material deja claro que van en serio y lo demuestran noche tras noche en la carretera. Empiezan a despuntar en grandes festivales (BBK Live, Sonorama, Dcode, Low, Primavera Sound...) y la gente se rinde a sus pies.

La velocidad del fenómeno Belako alcanza su máxima expresión. Las dos facetas del cuarteto se mezclan sin tapujos. El reconocimiento empieza a llamar a su puerta. En 2016 fueron elegidos banda con mejor directo de la península en los premios de la Música Independiente MIN y en los Iberian Music Awards. El estribillo ultracoreable de Track sei se encuentra sin problemas con Mum o Hegodun baleak, para terminar con dos de los temas más bailables de su discografía: Sinnerman y Monster. Ya no son un secreto y todo les lleva hacia arriba.

Su disco más directo, enriquecido, sin duda, por las experiencias que el cuarteto está viviendo (éxito entre nosotros, gira por Rusia, Japón, Corea del Sur, Estados Unidos, Alemania...). Además se permiten experimentar con otros ritmos, grabar temas con el móvil, añadir nuevas instrumentaciones a su música, revisitar canciones del disco anterior... y todo ello combinando la lisergia rock, el punk y la electrónica con la coherencia a la que nos tenían acostumbrados.

—x.d.

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marzo 2018 #23

3 Part EP series

CAR SEAT HEADREST Twin Fantasy

The New Album

LUCY DACUS Historian

OUT NOW

How to Solve Our Human Problems

OUT 2 MAR

MATADORRECORDS.COM

BELLE AND SEBASTIAN

The New Album

MARZO Y ABRIL 2018 CASTILLA LA MANCHA Y MADRID CASTILLA LA MANCHA CÍRCULO DE ARTE, TOLEDO 11/03/2018 PETIT POP

CASTILLA LEÓN

C.T. AVALON GREEN, SORIA 30/03/2018 FLAMINGO TOURS 06/04/2018 THE LIMBOOS

LA VACA, PONFERRADA (LEÓN) 29/03/2018 FLAMINGO TOURS 21/03/2018 PETIT POP UNIVERSONORO, PALENCIA 16/03/2018 GHOST NUMBERS & HTG EL HANGAR, BURGOS 18/03/2018 PETIT POP

ANDALUCÍA, CANARIAS Y EXTREMADURA ANDALUCÍA

CANARIAS

VELVET CLUB, MÁLAGA 23/03/2018 FUTURO TERROR

CAFÉ QUILOMBO, LA OROTAVA (TENERIFE) 07/04/2018 FUTURO TERROR

LA COCHERA CABARET, MÁLAGA 22/03/2018 FLAMINGO TOURS 27/04/2018 THE LIMBOOS

LA CALLE, SEVILLA 17/03/2018 GHOST NUMBERS & HTG PLANTA BAJA, GRANADA 13/04/2018 EL IMPERIO DEL PERRO

LONE STAR, STA. CRUZ DE TENERIFE 06/04/2018 FUTURO TERROR

EXTREMADURA

MERCANTIL, BADAJOZ 06/04/2018 EL IMPERIO DEL PERRO

FUN CLUB, SEVILLA 23/03/2018 TEXXCOCO 14/04/2018 RICARDO LEZÓN

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

GALICIA, EUSKADI, NAVARRA Y CANTABRIA GALICIA

CLAVICÉMBALO, LUGO 30/04/2018 TRIZAK

EUSKADI

DABA DABA, DONOSTI 07/03/2018 TEXXCOCO

EL CONTRABAJO, VIGO 29/04/2018 TRIZAK

NAVARRA

KAFE ZENTRAL, PAMPLONA 17/03/2018 PETIT POP

CANTABRIA

CAFÉ DE LAS ARTES, SANTANDER 20/04/2018 TRIZAK

ARAGÓN, CATALUÑA Y COMUNIDAD VALENCIANA ARAGÓN

LA BÓVEDA DEL ALBERGUE, ZARAGOZA 17/03/2018 TRIZAK EL 21, HUESCA 28/04/2018 RICARDO LEZÓN LAS ARMAS, ZARAGOZA 01/04/2018 GHOST NUMBERS & HTG C.C. DELICIAS (SALA ROTONDA), ZARAGOZA 10/03/2018 TALABARTE

CATALUÑA

CAFÉ DEL TEATRE, LLEIDA 20/04/2018 THE LIMBOOS SALA ZERO, TARRAGONA 02/03/2018 RICARDO LEZÓN C.A.T. TRADICIONARIUS, BARCELONA 16/03/2018 TALABARTE SIDECAR, BARCELONA 02/03/2018 TEXXCOCO

APOLO SALA 2, BARCELONA 19/04/2018 THE LIMBOOS CONTINENTAL, BARCELONA 21/04/2018 EL IMPERIO DEL PERRO

COMUNIDAD VALENCIANA

TEATRE DEL RAVAL, GANDÍA 10/03/2018 PETIT POP WAH WAH, VALENCIA 03/03/2018 TEXXCOCO

Tras reunirse en el Primavera Sound de 2014, el aclamado regreso de los pioneros del shoegaze culminó hace unos meses con la publicación de Slowdive, un álbum que devuelve a la banda a la actualidad y que les trae de nuevo a nuestro país.

C

l Barcelona 06 de marzo. Apolo l Madrid 07 de marzo. Joy Eslava l Vigo 10 de marzo. Super Bock Under Fest l Barcelona 30 de mayo-3 de junio. Primavera Sound

haber imaginado tocar ante una audiencia tan grande”, recuerda Simon Scott (batería), que atiende en solitario los compromisos promocionales en España después de que Neil Halstead no pudiera viajar por enfermedad.

El grupo volvió a situarse entonces en la casilla de salida, con la determinación de que su reaparición culminase, dos décadas después, en el cuarto álbum de su carrera. “Teníamos claro que no podía ser un ejercicio de nostalgia, sino que en el regreso debía haber un objetivo. Para nosotros era muy importante hacer un nuevo disco, que fuese algo creativo y no solo juntarnos para tocar las viejas canciones del grupo, pero no queríamos hacerlo de cualquier manera. El concierto del Primavera nos dio una energía increíble, igual que los que vendrían luego.

Nos permitió recuperar sensaciones y encontrar de nuevo la complicidad que es necesaria para tocar juntos, porque en estos veinte años no es que hubiésemos perdido el contacto, pero sí que nos habíamos visto de manera mucho más ocasional, así que también era necesario retomar todo aquello de una forma

natural. Hacer esta gira de reunión fue la mejor manera de conseguirlo, hasta que en un momento dado sentimos que ya estábamos preparados para hacer nuevas canciones. Primero fuimos al estudio un par de veces, trabajando en unas cuantas ideas en las que luego cada uno profundizó de forma individual, y ya fue en julio de 2016 cuando nos metimos a grabar en los mismos estudios [Courtyard, en Oxford] en los que habíamos hecho nuestros tres primeros discos”. De allí salió Slowdive que, más que continuación de la trascendental obra de la banda británica en los noventa, se reveló hace unos meses como un nuevo capítulo. “No pensábamos en que el disco tomase una dirección determinada; en ese sentido, y aunque entonces grabásemos en cinta y ahora todo sea digital, la forma de trabajo no ha cambiado mucho, porque siempre hemos sido una banda muy orgánica.

Entre las nuevas ideas, había unas que recordaban más a los noventa, mientras que otras tomaban otro camino. Puede que esté más cerca de Souvlaki (94) que de Pygmalion (95), pero tampoco hemos pensado demasiado en ello; el sonido de Slowdive es reconocible en estas canciones, aunque a la vez hay una evolución. En realidad, la diferencia está en que todos hemos crecido como músicos, hemos escuchado muchas cosas diferentes y tenemos un bagaje más amplio. Somos mejores de lo que éramos entonces”. —enrique peñas

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“La repercusión de Slowdive siempre fue limitada”

FOTO: ARCHIVO

uando Alan McGee, el capo del entonces todopoderoso sello Creation, pidió a Slowdive un álbum más asequible, que pudiera encajar en los estándares del brit-pop, los padres del shoegaze acabaron entregando el complicado Pygmalion (1995). A la semana estaban fuera y, casi de inmediato, pusieron fin a una andadura que se había prolongado durante seis años, con tres discos y la sensación de que, al menos en el Reino Unido, nadie les echaría demasiado de menos. Sin embargo, el paso del tiempo acabó convirtiéndoles en banda de culto y referencia indiscutible para una nueva generación de grupos, hasta el punto de que el anuncio de su regreso, con aquella histórica actuación en el Primavera Sound de 2014, se recibió como un auténtico acontecimiento. “Es curioso, porque en realidad la repercusión de Slowdive siempre fue bastante limitada, y de repente nos encontrábamos ante miles de personas. En uno de nuestros últimos conciertos antes de decir adiós, actuamos en Londres para un puñado de personas, e incluso podíamos ver cómo limpiaban el suelo mientras estábamos tocando. Nunca podríamos

Slowdive Veinte años no es nada

LA GIRA

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marzo 2018 #27

M

ismo sitio, distinto lugar. Ahí seguimos y seguiremos. Como cada año (y van diecinueve), era hora de juntar a la familia Mondo, compañeros de otros medios, lectores y público, para celebrar juntos nuestras Fiestas Demoscópicas. Una noche para sacar pecho por el número uno nacional en la revista de Maria Arnal i Marcel Bagés y disfrutarles en directo, compartiendo tablas con algunas de las bandas emergentes que más han brillado en 2017. Este año unificamos la fiesta (tras expandir las demoscópicas por más de diez ciudades de la geografía peninsular) en la Joy Eslava madrileña, y nos guardamos un as bajo la manga… Se apagan las luces, se ilumina el centro de la abarrotada pista y “Antes de hacerlo estallar, quiero que aguantes mi mano…”. No, no hay murmullo lejano, el pulso de la sala se acelera con Vetusta Morla, en formato trío y a corazón abierto, encendiendo la mecha con Consejo de sabios. La cola de espera que poco antes giraba en San Ginés, se antoja ya corta.

de lo North State

Cogemos aire y los hermanos Laia y Pau Vehí no tardan en ondear su bandera de North State, inaugurando el escenario con un fina lluvia de electrónica y palpitante R&B futurista. Los teclados y sintetizadores se funden en la creciente intensidad emocional de I Know You, con Laia contoneándose y agitando los brazos, despegándose del suelo por momentos. Sus voces se entrecruzan a la perfección durante todo el hipnótico set y su último single, Late Night Call, es la bomba definitiva que termina por quemar la bola de espejos que corona la Joy.

De arriba a abajo Vetusta Morla abriendo con un tema en acústico, La Plata. el backstage y Jump To The Moon.

Jump To The Moon

El relevo lo toma la insultantemente joven banda murciana Jump To The Moon, que rebosan energía a raudales en cada interpretación. Estribillos pegadizos y ese brillo en los ojos de saborear cada instante como si fuera la primera y última vez. Se les ve más cómodos sobre el escenario (no olvidemos que ya pasaron y dejaron su huella en festivales como WAM, Weekend Beach o Sonorama) y gran parte del público corea sus soleados temas, sobre todo esa 2 A. M. que le gustaría haber firmado a más de un grupo, o su flamante U Mad.

La Plata

RRNo podemos dejar pasar la oportunidad de dar las gracias a todas las bandas demoscópicas participantes (North State, Jump To The Moon y La Plata), a los autores del mejor disco del pasado año según nuestra publicación (Maria Arnal i Marcel Bagés) y a Vetusta Morla por sumarse a nuestra celebración, respaldar a las bandas jóvenes y ponernos las cosas tan fáciles. Gracias también a la sala Joy Eslava, a nuestro sponsor Lenovo, a todos los colaboradores (Spotify, JCDecaux, Wizink Center, 24/7, .Raw, Laprisamata, EO Música, La Mojigata Catering, Music Distribución, Ave Mono, Panorámica y Canela) y a todos los medios de comunicación que han ayudado a dar difusión a esta fiesta tan especial. MS

#28 marzo 2018

Tras la brisa veraniega millennial, toca una buena dosis de veneno resplandeciente con los valencianos La Plata, que salen a tumba abierta y no bajan el pie del acelerador hasta el final. Ya los disfrutamos en el pasado Monkey Week, donde dejaron más de una boca abierta y hoy hacen lo propio. Combustión instantánea a cada paso, se tambalea la Joy con Un atasco, La luz o Esta ciudad. Los nuevos temas que adelantan de su esperado primer largo, son navajazos que nos aciertan una y otra vez en la oscuridad. Actitud punk con una fina capa de tóxico y adictivo pop planetario, envuelto en un huracán de guitarras new wave con resaca, teclados atmosféricos y un bajo y una batería que no nos revientan la cabeza de milagro.

Maria Arnal i Marcel Bagés

Hace unos minutos, Diego Escriche cantaba: “Tu voz sólo será la luz del ayer…”. Y para que las voces y luces nunca se apaguen ni olviden, Maria Arnal i Marcel Bagés nos han regalado su imprescindible disco debut 45 cerebros y 1 corazón, considerado mejor disco del pasado año por esta publicación que tienes entre manos. Salen a escena y los cánticos espectrales de La gent comienzan a inundar cada rincón de la sala.

Versos de Joan Brossa que nos recuerdan la fuerza insuperable que sumamos si nos unimos ante tanta injusticia. Avivan el fuego con la desbordante tensión sexual de Mai he desitjat un cos com el teu, poema de Vicent Andrés Estellés que reconvierten, según Maria, en una especie de “reguetón catalán”, con una creciente intensidad que nos supera y deja sin aire en pocos segundos. La confesión que da título a la canción nos persigue hasta el liberador grito final “A mamar tots els versos!”.

La verbena intergaláctica sigue con “los sonidos del trueno y el rayo”, esos que “vaticinan seguro tormenta y lágrimas en los ojos…”. Pero no, hoy es todo alegría y esos tiempos borrascosos de la colosal Cançó del taxista, quedan despejados, y no tardamos en ver en el techo de la sala mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Lenovo Fiesta El festival Demoscópica os primeros

FOTO: FIRMA FOTÓGRAFO

—texto David Pérez —fotos Liberto Peiró

un cielo de estrellas, las que salen de la boca de María y las seis cuerdas de Marcel. La cumbre de la velada la alcanzamos con Canción total, dedicada irónicamente al capitalismo y al patriarcado, con coros del publico pactados incluidos, seguida del inolvidable final de esa galaxia mediana hecha canción, una Tú que vienes a rondarme en la que nos hubiéramos quedado a vivir hasta la próxima Demoscópica.

Vetusta Morla

Aún quedaba tiempo y magia. Tocaba despejar la incógnita del grupo sorpresa que anunciábamos en el cartel, aunque ya se intuía tras el comienzo sin micro ni cables entre el público… Vetusta Morla al completo toman el escenario y ponen a prueba las canciones de Mismo sitio, distinto lugar (17), antes de empezar la nueva gira por mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Sudamérica. Encienden el carrusel con Deséame suerte, despegamos con la rampa de lanzamiento de El discurso del Rey y hacen temblar los cimiento de la Joy Eslava con una atronadora Palmeras en La Mancha. Vuelven a demostrar por qué, disco a disco, son uno de los grupos a batir. La deriva, Golpe maestro, Te lo digo a ti y una Cuarteles de invierno que no para de crecer en directo.

Pucho nos recuerda que la noche es también especial para ellos porque en ese mismo escenario, hace una década, presentaron su primer disco Un día en el mundo (08): “10 años, mismo sitio, distinto lugar… Nuevos inicios, nuevas bandas… Y no es sólo cuestión de suerte, eh, hay que currárselo también”, y nos conectan como guinda final con un Valiente que levanta la sala un palmo del suelo. La Fiesta Demoscópica termina, pero volveremos a vernos muy pronto. Seguimos, vamos a por la veinte. —david pérez

Lenovo Fiesta Demoscópica Joy Eslava, Madrid, 15 febrero.

De izquierda a derecha y de arriba a abajo María Arnal y Marcel Bagés, Vetusta Morla, North State y La Plata.

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marzo 2018 #29

MONDO FREAKO

Eruca Sativa Madrid (13 marzo, El Sol) Barcelona (15 marzo, La Nau) Bilbao (17 marzo, Bilborock)

AgeNda. marzo.

Originales de la provincia argentina de Córdoba, es uno de los tríos con más proyección de Latinoamérica.

Multipremiados en su tierra y nominados a un Grammy Latino en 2013, pasarán por primera vez por España.

r Más en www.mondosonoro.com #mondosonoro/agenda

#30 marzo 2018

RR Hablamos con Lula Bertoldi (voz y guitarra). Lo primero que nos interesa saber es cómo encaran este primer tour español. “¡Con mucha expectativa de saber cuál será nuestro recibimiento!

Desde ya que estamos teniendo un montón de respuesta de parte de los fans que viven allá, muchos españoles y muchos argentinos también”. El sonido de la banda es fruto de una interesante mezcla de influencias sin prejuicios, muy al estilo de los noventa. Lo curioso es que no parece que les fuera complicado llegar a un sonido propio. “No lo fue, al contrario, fue bastante natural. En ese proceso de definir la personalidad de la banda, nos encontramos con gente que nos decía ‘acá no tienen la canción’, cuando en realidad la búsqueda sí era la canción, pero desde nuestro lenguaje, bien personal y definido. De todas

formas, obviamente, seguimos buscando porque aún falta un largo camino”. Escuchando sus palabras se entiende que sus influencias también vienen de fuera del rock. “Nos gusta mucho el folclore argentino, también nos sentimos muy representados por algunas voces femeninas de Latinoamérica (Natalia Lafourcade, Mon Laferte, Ximena Sariñana, Julieta Venegas). Muchas veces no tiene tanto que ver el estilo, sino mas bien la impronta y el mensaje lo que nos conmueve y nos flipa. Luego cada cual dice las cosas ‘a su manera’ musical pero en general hay un aire latino que nos atraviesa”. Eruca Sativa son de algún modo una de las más importantes bandas actuales de Argentina. “Creo que es un momento de juventud, revitalización y renovación”. —adriano mazzeo

La Raíz Castelló (9 marzo, Festes de la Magdalena), Salt (10 marzo, Black Music Festival), Jerez de la Frontera (17 marzo, Primavera Trompetera), Súria (4 abril, TBC), Cáceres (13 abril, Extremúsika), Sant Vicent del Raspeig (14 abril, MareaRock), Monzón (21 abril, TBC), Tudela (28 abril, TBC), Villarrobledo (30 abril, Viña Rock), Calvià (11 mayo, Mallorca Live Festival), Xàbia (12 mayo, Montgo Rock Festival), Rivas-Vaciamadrid (13 mayo, TBC), Iruña (26 mayo, Iruña Rock), Toledo (16 junio, TBC), El Bonillo (6 julio, Alterna) Canet de Mar (7 julio, Canet Rock)

Los valencianos estrenan su gira de despedida con la publicación de Nos volveremos a ver (Propaganda Pel Fet!, 18), un doble CD y DVD que repasa su histórico concierto en el Palacio Vistalegre de Madrid en octubre de 2017 RR2016 fue el año en el que la formación valenciana La Raíz estrenaba su último trabajo, Entre poetas y presos, un álbum en el que volvían a demostrar su fuerte consolidación dentro del rock mestizo en un camino que iniciaban hace más de una década. Una trayectoria en la que la reivindicación, el compromiso y la ilusión se convirtieron en grandes aliados, tres ingredientes que, en los dos últimos años, han saboreado en más de setenta conciertos nacionales y e internacionales en países como Chile, México, Italia, Polonia e incluso Nepal. Y eso es algo más que significativo en un grupo que nace en esa escena valenciana que no siempre sobrepasa incluso las espacios geográficos colindantes. (Pablo Sánchez, voz) “La escena de la música valenciana está fortísima. De hecho es una realidad ya en todo el panorama estatal independientemente de la lengua. Estamos contentísimos, aunque es cierto que llegar hasta aquí ha sido duro para muchas bandas y la del prejuicio lingüístico es una aduana muy difícil de esquivar”. Así es como llegan a 2018, un año en el que el numeroso grupo -no olvidemos que son once componentes- se enfrenta a una gira de despedida tras anunciar el que será un parón indefinido desde 2019. Se trata de una despedida que, sin duda, llega por todo lo alto y con una declaración de intenciones que se materializa en Nos volveremos a ver (Propaganda Pel Fet!), un doble CD y DVD en el que la formación deja sellado para el recuerdo su multitudinario concierto en el Palacio Vistalegre de Madrid ante 10.000 personas. Fue, qué duda cabe, un hecho simbólico para una banda que incluso ha apostado por la descarga gratuita de sus grabaciones. “Aunque lo veíamos como algo imposible porque teníamos un crecimiento lento, en los últimos años se convirtió en una opción seria viendo

el número de seguidores que estábamos congregando en directo. Tener un DVD en directo es un regalo a nuestra trayectoria y queríamos tenerlo en nuestras casas para toda la vida”. Precisamente, este crecimiento progresivo culmina en una etapa de dulzura y éxito para la banda, que en su nacimiento optó por la autogestión. “Es una retirada en un momento increíble de la banda. Para muchos es inexplicable, pero era algo necesario desde el punto de vista creativo.

Crear canciones para un grupo tan numeroso y con el nivel de exigencia laboral y artística que tenemos, no queremos hacerlo de cualquier manera”. Ahora, además, apela a la necesidad de cuidar otros aspectos. “Se deja de lado a la familia, a los amigos fuera de la banda e incluso algunos proyectos personales”.

De un modo u otro, la despedida no emborrona el que ha sido un viaje único. “Es inexplicable lo que ha supuesto para nosotros. Trabajar con tus amigos, ser jefe y trabajador, ser amigo y colega de escenario, hacer una familia fuera de casa... Lo mejor de nuestra vida”. Eso sí, también ha habido dificultades. “Es muy mágico sentirse fuera del circuito mediático, pero ha sido muy duro no tener apoyos. Hay muchas bandas que definitivamente nos sentimos parte de ese otro circuito. Es una pena que la sociedad impulse ciertos tipos de música que llevan implícitos unos valores nefastos para los jóvenes”. Obstáculos que además, se extrapolan a otras facetas. “Nos quedamos con que hemos llegado nosotros solos adónde hemos querido, aparte de todísima la gente que hemos conocido, pero cambiaríamos la precariedad laboral a la que se enfrenta el artista en este país […]. El camino para la profesionalización real del sector está aún por construir, a nosotros nos sigue costando”. La ilusión no cesa y por ello dejan al futuro que marque su camino. “De momento solamente hay ilusión, aún no hemos empezado la última gira, es larga y queremos sentirnos tranquilos […]. Después de un parón, si se volviera, seguro que será con muchísima fuerza”.

Energía que, pase lo que pase, siempre les llevará a ser recordados como ellos mismos querrían: “ese grupo de amigos que transmitía amistad, trabajo y humildad”. —anaïs lópez

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Dead Bronco “No me gusta estar en casa mucho tiempo, quiero estar por ahí reventando escenarios” Donostia (23 febrero, Dabadaba), Irún (3 marzo, Bask’n Brew), Monzón (9 marzo, TBC), Murcia (10 marzo, Rockin’ Time Fest), Barcelona (15 marzo, Rocksound), Zaragoza (16 marzo, Rock & Blues), Pamplona (17 marzo, Subsuelo), Avilés (7 abril, Factoría) y Vitoria-Gazteiz (13 abril, Helldorado)

The Baboon Show

Valencia (1 marzo, 16 Toneladas), Badalona (2 marzo, Estraperlo), Zaragoza (3 marzo, Zaragoza), Oviedo (4 marzo, Lata de Zinc), A Coruña (5 marzo, Mardi Gras), Valladolid (6 marzo, Porta Caeli), Madrid (7 y 8 marzo, Wurlitzer Ballroom), Zarautz (9 marzo, Putzuzulo Gaztetxea), Bilbo (10 marzo, Kafe Antzokia), Mallorca (11 marzo, sala por determinar)

The Baboon Show arrasaron en el pasado Gasteiz-Calling. Su directo dejó boquiabiertos a los que asistieron a su actuación. Y es que los suecos no son unos advenedizos. Radio Rebelde (Kidnap Music, 17) es su nuevo álbum y vienen a nuestro país una vez más para presentarlo.

C

Más duros, más rápidos y más bestiales, aunque siempre con la base establecida en la América tradicional, así es la revolucionaria apuesta que Dead Bronco, la banda de Matt Horan, ha adoptado pensando en su última grabación Driven by Frustration (DB Inc, 18).

S

i existe una situación concreta a la que aplicar la expresión “cambio de rumbo” sin duda es la emprendida por Dead Bronco de cara a su nuevo disco. El anuncio de una reestructuración total en la forma y en el fondo del proyecto, nos sitúa ya de inicio con una alineación totalmente inédita, solo con la permanencia de la figura de su imbatible frontman Matt Horan, a quien le toca explicar dicha determinación. “Me sentía limitado y estancado a la hora de componer.

Todo se me hacía muy rutinario y perdí la ilusión, y eso es algo imprescindible para sobrevivir en las giras. Estuve a punto de disolver el grupo, pero eso no podía pasar después de todo el esfuerzo y trabajo que hemos metido. Así que tomé la decisión de cambiar la formación entera y buscar esa frescura y motivación que tenia antes”. La búsqueda de esos nuevos acompañantes de correrías le ha llevado hasta los integrantes de bandas como La M.O.D.A., Mamagigi’s, Moonshine Wagon o Mud Candies, perfectos conocedores de esa actitud basada en tomar el sonido de raíces para hacer diabluras con él, enseñanza que parece esencial para esta ruta. “No quise tener limitaciones en este disco y eso es lo que les dejé bien claro a los chicos. Todos tuvimos la oportunidad de meter cosas que nadie había querido hacer antes. Eso es lo que más

me mola de estos tíos, son abiertos y sabios musicalmente”. Una explosiva y trepidante conjunción que si hasta este momento la habían calificado como “broncobilly”, ahora, y bajo la lógica que conlleva la persecución de nuevos horizontes, tocaba reformularla bajo un término que nos lleva hasta el no menos explícito apelativo de “americana sludge”.

“Las bases son una mezcla de punk, hardcore y doom, pero tocado con instrumentos tradicionales en la música americana”. Para tal cóctel demoníaco las influencias clásicas del country han dejado paso a otras, no menos originarias, pero más idóneas para el trote que acometen: “Hemos tirado hacia el hillbilly oscuro de Roscoe Holcomb y Dock Boggs.

Es un afinación muy oscura y nostálgica que me flipa y sus ritmos encajan bien con una batería más de estilo punk”. Como siempre, el ideario de la banda incluye largas temporadas en la carretera para presentar su trabajo, en este caso por medio de una gira que les llevará por, literalmente, medio mundo. Una “condena” tomada sin embargo con un inquebrantable espíritu bronco”. “No es nada fácil ni glamuroso, pero para mí es lo mejor de tener un grupo. No me gusta estar en casa mucho tiempo, quiero estar por ahí reventando escenarios”. Todavía en shock e impactados por todo lo que supone esta actual andadura, uno se pregunta cuánto tiene de explosión temporal y repentina o de consistente camino por el que continuarán. El tiempo lo dirá, pero por el momento no hay duda, palabra de Horan.

“He aprendido que hay que aprovechar el momento. Las cosas pasan y se vive mucho en poco tiempo. Por el momento yo estoy más que contento y apuesto por este proyecto y lo llevaremos lo más lejos posible”. —kepa arbizu

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ómo ves la evolución de tu carrera profesional desde el principio hasta ahora?

Tuvimos un plan desde el principio: tocar en vivo lo máximo posible y convertirnos en uno de los mejores grupos sobre la faz de la tierra. Hemos tenido un gran recorrido a través de los años, desde pequeñas salas y youth hostels, hasta grandes estadios, y aún estamos creciendo.

—¿Para ti lo más importante de ser músico es divertirte?

Todos necesitamos la parte de diversión, yo también. Tocar música frente a un público loco es lo mejor que sabemos hacer. Como artista también eres privilegiado por el poder de enviar un mensaje. Entonces es una situación de ganar y ganar.

—En unos meses nos vuelves a visitar, ¿qué podemos esperar de tus shows? Creo que en Gasteiz Calling quedó todo el mundo muy sorprendido al respecto.

Puedes esperar el mismo rendimiento de alta energía que en Gasteiz, pero con un espectáculo nuevo y diferente. Habrá nuevas canciones en el set y algunos efectos que también son nuevos para nosotros (risas). Por cierto, Gasteiz

Calling fue genial. ¡Me encantó!

—Algunos de vuestros álbumes han sido producidos por Pelle Gunnerfeldt, quien ha trabajado con grupos como The Hives o Last Days Of April. ¿Cómo fue la experiencia para ti?

Ha sido genial. Pelle tiene un gran gusto cuando se trata de diferentes sonidos y esas cosas, y se le ocurren grandes ideas sobre la estructura de las canciones. Además también es muy divertido —En Lost You In A Second aparece Björn Dixgard de Mando Diao. ¿Qué puedes explicarnos sobre esa colaboración?

Con los chicos de Mando Diao solíamos pasar mucho tiempo en nuestro estudio hace algunos años. Tomamos algunas cervezas, nos reímos y jugamos a videojuegos juntos. Hemos estado hablando durante años sobre grabar algo juntos y, finalmente sucedió.

Björn nos envió una canción cuando casi habíamos terminado The World Is Bigger Than You. Nos encantó, la grabamos y terminó en este álbum.

—Han pasado muchos años desde el auge del rock escandinavo con The Hellacopters, Gluecifer, Turbonegro o Backyard Babies. ¿Cómo recuerdas esos días? ¿Estuviste involucrado como fan en esa escena?

Especialmente The Hellacopters siempre han sido una banda importante para mí, desde el momento en que comenzaron.

Todavía amo todos los álbumes, son todos geniales. Cuando lanzaron su primer álbum comenzaron algo grandioso. También fue genial que atrajeran a fanáticos de diferentes escenas, tanto punks como fanáticos del death metal, por ejemplo. Eso no había sucedido en mucho tiempo.

También creo que Imperial State Electric están al nivel de The Hellacopters, y merecen la misma atención.

—toni

astarnado

marzo 2017 #31

¡Ya en la calle! ¡ ya en la calle!

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33/Mondo VINILOS

La Habitación Roja

Editors

Violence [PIAS]

Memoria Mushroom Pillow

POP / Memoria es ya el undécimo larga duración de La Habitación Roja, y aunque Sagrado corazón (2016) no colmó del todo las expectativas de los fans del grupo, aquí hay muchísimo que celebrar. El primer single, Nuevos románticos, condensa de alguna manera la filosofía vital del grupo. Sobre la canción planean dos ideas que parecen constantes a lo largo del disco: la exhortación a ser siempre nosotros mismos, sin importarnos lo que piensen los demás y cómo la tecnología ha reemplazado en cierto modo las verdaderas emociones y las cosas tangibles. Esta idea aparece, a golpe de sintetizador, en Algo de verdad. Por su parte, Madrid es una oda a la ciudad, a los amores perdidos en sus calles. Y Estrella herida de muerte, una de las canciones más bonitas del disco, nos recuerda lo insignificantes que somos. —miguel díaz herrero 8

POP / Desde el arrasador debut que supuso The Back Room (Kitchenware, 05), la banda liderada por Tom Smith ha seguido una trayectoria plagada de altibajos, haciendo gala de una irregularidad que incluye a la propia selección de temas incluidos en sus discos. La alargada sombra de Joy Division vuelve a servir como punto de partida en el sexto álbum de los británicos, que también presentan ecos de los Depeche Mode más industriales, New Order o incluso Nick Cave. Por el camino, quedan luces y sombras. Y no sólo porque esa oscuridad latente en las preferencias artísticas del grupo compita en protagonismo con la accesibilidad derivada de una épica entreverada y propicia para estadios. También porque la referencia alterna temas de lo más eficaz con otros bastante más anecdóticos. —raúl julián 7

Tracey Thorn

Record Caroline/ Music As Usual

Jack White, otra vuelta de tuerca Jack White

Boarding House Reach XL/Popstock!

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ROCK / Una de las peores cosas que le puede

suceder a un artista que ha logrado mucha relevancia es provocar indiferencia y otra caer en la autocomplacencia. Ninguna de estas dos premisas se puede aplicar al nuevo trabajo de Jack White. Habrá gente que lo escuche sin acabar de conectar con el lado más experimental -que lo tiene- del álbum y no acertará en el veredicto, pero lo que no podrán es acusarle de coger el camino fácil. No les gustará y punto. Por el contrario a mí se me antoja que el genio de Detroit se ha mirado en el reflejo de lo que Kendrick Lamar ha provocado en el mundo del rap y ha querido coger todo el legado del blues y el rock para darle la enésima vuelta al calcetín de la tradición y hacer algo que no suene añejo. Por el camino, la paleta de influencias se ha ampliado y uno acaba reme-

morando a otros autores que han intentado pervertir los tres acordes básicos para llevarlos a otra dimensión. Me refiero a gente que va de Captain Beefheart a Funkadelic, pasando por Spirit o el eterno Zappa, nombres que en su día desarrollaron obras capitales que no siempre fueron bien acogidas en el momento de su edición. Solamente hay que escuchar un tema como Corporation para darse cuenta de que únicamente un tipo como White podía salir tan airoso de mezclar el espíritu canalla del Nueva York de la Jon Spencer Blues Explosion con los bongos del latin-jazz de Tito Puente. Algo parecido sucede con el rock sideral para marcianos de Hypermisophoniac; el hard-rock de opereta a lo Meat Loaf de Over And Over o la locura sónica perfectamente engarzada de Respect Commander. Todo ello me lleva a pensar que estamos ante uno de esos discos que irá ganando en relevancia a medida que pase el tiempo, y que puede provocar que los directos de su autor se conviertan en una auténtica locura de la que sea muy difícil salir indemne. Y por cierto, que Dan Auerbach vaya tomando nota porque acaban de pintarle la cara ¡y de qué manera! —don disturbios

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

The Go! Team

POP / Dispersa últimamente entre bandas sonoras, álbumes de versiones, colaboraciones de postín y una incipiente faceta literaria, la actividad de la mitad femenina de Everything But The Girl se había vuelto tan intermitente que alimentaba el apetito de sus seguidores. Siete años después, su nuevo material expone argumentos con jovial desenfado en canciones de títulos sencillos y textos transparentes.

Ella lo define como un álbum de cierta liberación, fruto maduro que surge tras haber hecho las paces con su pasado y no tener que rendir cuentas a nadie. Y se resuelve entre distinguido pop electrónico (Queen, Dancefloor) y melancolía atenuada (Smoke, Face) con un largo interludio dub (Sister). Tan solo un par de apuntes algo obvios rebajan el listón de un ejercicio que no baja del notable.

7

—carlos pérez de ziriza

Semicircle Memphis Industries

POP / Semicircle es la quinta entrega en la peculiar trayectoria de Ian Parton al frente de The Go! Team, y una muestra evidente del estado de gracia en el que se encuentra. Les reto a que escuchen este disco sin sonreír. En esta ocasión el peso principal de las voces recae sobre un coro de estudiantes de instituto, el Detroit Youth Choir, y esa frescura juvenil dota al álbum de una explosividad irresistible que, sumada a la maestría de Parton con los samplers, nos ofrece auténticos cantos a la alegría de vivir como Semicircle Song o Getting Back Up. También encontramos pequeñas joyas Pop como The Answer’s No–Now What’s The Question?, pero los mayores aciertos del álbum llegan con las características explosiones de euforia a base de hip hop, sonido soul añejo y ritmos de baile. —ricky lavado 8

marzo 2018 #33

MONDOVINILOS

Bigott

Candy Valley Gnar Tapes/ Gran Sol

Toteking, el cronista

8

RAP / Tote es, seguramen-

te, el rapero español que mejor ha sabido envejecer. Lejos de anquilosarse en un sonido o estilo, el sevillano ha decidido divertirse con el rap. Juega, experimenta y disfruta con la música, y por eso en este disco se atreve con todo, incluyendo sonidos de rap clásico, electrónicos, guitarreos, reggae e incluso afrotrap. Eso sí, todo con la firma Tote. Esa firma que le ha llevado además a consagrase como el letrista más completo y creativo del rap español. Porque cuando Tote rapea merece la pena pararse a escucharle, y hay que entenderle como un cronista de la actualidad, preocupado por lo que ocurre día a día a

Chunga Fe

Kyle Craft Full Circle Nightmare

Chunga Fe Autoeditado

su alrededor. No hay versos de relleno ni vaciladas sin trasfondo en su rap, ya está mayor para eso. Y lo mismo castiga con mano dura como en Ellas y en Nada es seguro que se autoflagela como en Puzzle y Bartleby & Co. En su noveno disco, Lebron, se respiran los noventa y el 2018 al mismo tiempo, es clásico y vanguardista a la vez, y aunque no encontremos esos clasicazos de otros discos, en este álbum no hay una sola canción que no merezca la pena escuchar. Porque aún cuando parezca que no está diciendo nada, ten seguro que Tote está lanzando una piedra a algo que le parece injusto o inmoral. Y es que podrás estar más o menos de acuerdo con lo que dice, pero de lo que no puedes dudar es de que Tote King siempre va a respaldar su respuesta con argumentos.

Igual que hace con su música.

Hotel Books

Anna Burch

7

punk / Los que gozaron con

La Furia (disco con versiones castellanizadas de The Clash) allá por 1993 están de enhorabuena. Javi Chispes, perpetrador de aquel proyecto, lo ha vuelto a hacer, aunque esta vez ha fijado la vista en Bad Religion y le acompañan miembros de Maniática, Banda Jachís, Reincidentes, Boikot y El Toubab... El objetivo es claro: vencer la barrera idiomática para hacer llegar el mensaje de Bad Religion al público de habla hispana. Una selección de los temas insignia del grupo que inventó el punk rock californiano cantados en nuestro idioma y adaptados a nuestra situación. La receta se ha cocinado a fuego lento, y aunque hayan tardado más de cuatro años en materializarla el resultado ha valido la pena.

Veinticinco pistas (en descarga directa) que suenan como un tiro, frescas y contundentes, hechas con estilo y cariño. Chico digital del siglo XXI, Gloria en exceso, Quiero conquistar el mundo o Me voy a pasear son buena muestra de ello. —jesús casañas #34 marzo 2018

rock / La aparición en 2016 de Dolls Of Highland de Kyle Craft no solamente me pareció uno de los lanzamientos más interesantes de Sub Pop en la última década sino que, además, se me antojó como un verdadero soplo de aire fresco al rock que venía del otro lado del Atlántico.

Tocaba esperar para ver si en su segundo disco confirmaba todo lo apuntado en su debut y hemos tenido que esperar casi dos años para comprobarlo ¿El veredicto? Pues sin ser tan especial y explosivo como su debut, ha conseguido mantenerse en un gran nivel abandonando, eso sí, algunas de las cosas más interesantes que nos sorprendieron en aquel. Entre ellas, ese aire a cabaret que desprendían algunos temas y que aquí apenas se vislumbran. Siguen, eso sí, los ecos a Dylan, a Bowie y al glam, y una originalidad y libertad a la hora de afrontar cualquier canción que le acercan al espléndido Modern Pressure que el año pasado nos entregaba Daniel Romano. Palabras mayores. —eduardo izquierdo

8

—alfonso gil royo

Burrito Panza Un nuevo frente frío El Genio Equivocado

Sub Pop/ Popstock!

6

pop / En el que es su ter-

cer disco, Burrito Panza continúan desarrollando las principales cualidades de ese sonido surgido en Albacete con los seminales Surfin’ Bichos, en unas peculiaridades desdobladas posteriormente en Chucho y Mercromina. Una herencia indiscutible que comienza en la susurrada interpretación del vocalista Carlos Flan, y continúa con una instrumentación consistente y compuesta por numerosas capas pero que se cuida de no ahogar al oyente, logrando que las virtudes melódicas del pop compartan algo de protagonismo con la bruma. Un nuevo frente frío es un trabajo bien construido que evidencia la amplia experiencia previa de los miembros del grupo, pero que evita asumir excesivos riesgos adicionales con respecto a anteriores entregas de los manchegos. Es en ese acomodo estático donde se encuentra el principal escollo de un álbum que, en cualquier caso, resulta agradable y viene rematado con seguridad y buen gusto. —raúl julián

pop / Nueve canciones de

sonido lo-fi repartidas en diecinueve minutos repletos de paisajes de lo más diversos.

Candy Valley, nueva referencia de Bigott, es lo más corto de Borja Laudo y se acompaña de la que va a suponer su gira más larga. Las canciones, no obstante, lejos de no estar terminadas, hacen verdad aquello de “lo bueno, si breve...”.

Grabado en Los Ángeles, Candy Valley cuenta con David Loca (Part-Time) frente a la producción e Izak Arida (The Memories) como ingeniero de sonido. Nueve cortes de melodías exquisitas como hilo conductor, escuchamos lo-fi de alta fidelidad -muy paradójico, sí-, que viaja a través de atmósferas muy diferenciadas. De los ambientes íntimos de No Farelo, Moving On y Atmosphere al bailoteo de Don’t Know Why? o el ritmo funk de Don’t Stop The Dance. Visceralidad, inmediatez, sencillez, sinceridad; de eso sigue repartiendo en buenas cantidades. Las letras, de nuevo en inglés, otra vez muy trabajadas, siguen emocionando y divirtiendo. —sergio falces

Toteking

Lebron Sony Music

8

Quit The Curse Heavenly/ [PIAS]

Equivalency InVogue Records

7

pop / Equivalency es el

tercer largo del proyecto liderado por el sin par Cameron Smith con la colaboración de una banda en constante rotación. Los versos y la voz de Smith, devoto cristiano y poeta, tienen un papel predominante en este material. A diferencia de su anterior trabajo, el potente y por momentos rabioso Run Wild, Stay Alive, (2016) y afín a bandas como Senses Fails y Touché Amoré, aquí la instrumentación es eminentemente acústica y juega un papel casi secundario y efectista, sin grandes estridencias. En esta línea sobresalen cortes ligeros y casi ambientales como Van Nuys y mi favorita Violent Smile, precedido por una voz un tanto robótica con un texto sobre rupturas sentimentales y rematada con uno de los estribillos más pegadizos del disco.

Celebration destaca por su espíritu positivo y acerca a Hotel Books al emopop de Tiger Jaws, Joyce Manor y compañía. Una excepción, seguramente necesaria, en un disco teñido de existencialismo y dramas. —luis benavides

pop / La joven songwriter de Detroit Anna Burch deja atrás sus inicios folks (Frontier Ruckus) para darse un baño pop sesentero, aderezado con indie rock de los noventa, en su soleado debut en solitario Quit The Curse. Un viaje personal en nueve canciones que te atrapa en la primera escucha, obligándote automáticamente a volver a recorrer sus surcos cada vez que llega el indeseable silencio final. Una reconfortante brisa que abandona las maldiciones de relaciones fallidas, a base de riffs coloridos y una suave voz que te cala poco a poco sin que te des cuenta. La resplandeciente ligereza de su sonido es bálsamo y compañero perfecto de la carga emocional que transpiran sus letras. Luz a cada paso. De la vaporosa y onírica Yeah You Know, canto a las incertidumbres que aparecen en una relación a distancia, a la divertida y dolorosa Tea-Soaked Setter, hasta llegar a los fuegos artificiales tras el último suspiro de With You Every Day. —david pérez

8

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James Holden & The Animal Spirits

8

pop / Para evitar caer en

la monotonía álbum-giraálbum, Belle & Sebastian han afrontado su nuevo trabajo en tres partes sin agobios de fechas límites, y sin tediosas y largas horas en el estudio. Bajo el título de How To Solve Or Human Problems, estos tres EP’s suponen un ejercicio de pop en el que Murdoch y compañía dan rienda suelta a todo el sonido elaborado a lo largo de su carrera: desde nostálgicas y preciosas melodías marca de la casa (Fickle Season) hasta ese lado discotequero que mostraron en su último largo. Como artesanos del género que son, los escoceses no nos privan de inmediatos hits de exquisita producción, como We Were Beautiful o I’ll Be Your Pilot, cuya bonita letra evidencia la edad de sus integrantes: la paternidad y el inevitable paso del tiempo toman el protagonismo de la lírica. Pasan los años y Belle & Sebastian lejos de desgastarse, siguen regalándonos canciones para acompañar los distintos capítulos de nuestra vida.

—guillermo chaparro terleira

Drift Sacred Bones/ Popstock!

The Animal Spirits Border Community

7

electrónica / Si decimos

de un chamán que es aquel capaz de modificar la realidad o la percepción colectiva, James Holden, musicalmente hablando, lo es. Desde sus comienzos, una de las grandes bazas de este inglés ha sido su continua búsqueda de nuevos paisajes sonoros donde los géneros se entremezclan y disuelven. Una experimentación constante que ha ido in crescendo hasta llegar a este nuevo disco, el tercero en su carrera, en el que acompañado ahora de su banda, The Animal Spirits, actúa de maestro de ceremonias para guiarnos por parajes hipnóticos en los que vuelve a recuperar el gusto por el trance, pero transformándolo ahora en algo más salvaje, en lo que él mismo denomina “folk trance”. El fuego, la luna o la tierra están presentes en el título de las canciones de este disco, algunas tan perturbadoras como Pass Through The Fire o Thunder Moon Gathering. Todo un viaje psicodélico que es aconsejable consumir con los ojos cerrados y la mente abierta. —tere vaquerizo

7

rock / The Men tratan de

reinventarse en cada trabajo, manteniéndose fieles a una actitud punk y díscola que casi siempre aporta buenos resultados. En esta ocasión han apostado por rebajar las revoluciones de los temas y mostrar una faceta, que siendo igual de acechante que siempre, refleja una visión más sugerente y nocturna de sus composiciones. Así es como Drift se acerca por momentos a aquella parte de la discografía de Nick Cave que, reduciendo bastante los elementos de sus temas, consigue sonar de lo más sobrecogedor. El juego mostrado a través de medios tiempos en los que el desánimo parece teñirlo todo, se contrapone a momentos más clásicos en los que el rock setentero aprieta el turbo para mostrarnos a una banda altiva y sin miramientos. Y todavía queda espacio para tender puentes a temas más ambientales y de tensión fúnebre –Sleep-, dirigiendo su afán experimental hacia terrenos que tenían poco transitados.

DD LJM DC JSL Med

1 Jack White Boarding House Reach

9 7 8 8 8

2 Toteking Little Dark Age

8 8 8 8 8

3 The Go! Team Semicircle

8 8 7 8 7,75

4 La Plata Desorden

8 8 7 7 7,5

5 Yung Beef Adromicfms 4

7 6 9 8 7,5

6 Belako Render Me Numb, Trivial Violence

8 7 7 7 7,25

7 Niño de Elche 7 7 7 8 7,25 Antología Del Cante Flamenco Heterodoxo 8 Perro Trópico Lumpen

7 8 7 7 7,25

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

How To Solve Our Human Problems Matador/ Popstock!

The Men

top 10.

Belle And Sebastian

9 Disco Las Palmeras 7 7 6 7 6,75 Cálida 10 Superorganism Superorganism

6 7 6 7 6,5

—noé r. rivas

La carrera imparable de Natos y Waor

Nathy Peluso

La Sandunguera Everlasting

Natos y Waor Cicatrices Autoeditado

urban / A todos los que creían que Nathy Peluso era una artista de trap, de rap, de música urbana o lo que sea, la argentina les responde entre sollozos en la primera frase que pronuncia en La Sandunguera: “¡La concha de su madre!”. Y es que Peluso, tras un 2017 cargado de hits de corte urban, patea su propio tablero y pone a sus seguidores a descifrar un nuevo código, como sucede con sus letras (cantadas en una especie de argen-spanglish ítalo-cubano).

Y es que La Sandunguera se confunde entre la performance cantada, la jam session de música negra, la radionovela latina o un single (la de la canción que da título al disco) abrigado de una serie de estímulos en forma de canción en movimiento. Tanto cuando dedica una canción a la pizza con pepperoni, como cuando se acerca al sonido de Fania, el blues o Lauryn Hill, Nathy Peluso parece decirnos una cosa clara: “nadie me manda”. —alan queipo

7

RAP / Hoy por hoy, Natos y Waor son el ejemplo a seguir. Han conseguido gestionar de manera casi perfecta una carrera basada en el lema de Juan Palomo. Sin ayudas, sin trucos, sin parafernalia. Todo autogestionado. Pero, ¿y su música? Tras siete discos (sumando maquetas y material de Hijos de la Ruina) había que pedirles que le diesen una vuelta de tuerca a su rap y evitasen repetir la fórmula, y en Cicatrices lo han hecho. Han introducido variantes en los tonos y, sobre todo, en los estribillos, una de sus cuentas pendientes, y así han conseguido que les quede un disco casi perfecto para el que es su punto fuerte, los directos. Canciones como Piratas, Bicho raro, Underground Kings, Bestsellers o Niño de cristal (donde Natos se atreve con corte noventero imponente) se convertirán en auténticos himnos en sus conciertos. Añadiendo además colaboraciones destacadas de Charlie, Costa, Denom, Maka y Recycled J a un álbum grabado bajo la tutela de Pablo Gareta, haciendo un total de trece

FOTO: SERGIO ALBERT

9

(su número fetiche) canciones que sin duda configuran el mejor álbum y el más variado estilísticamente hablando de su carrera.

Mantienen además esas letras ásperas y descaradas que siempre han marcado el camino de estos Hijos de la Ruina desde los tiempos de las maquetas. Pocos defectos se le puede

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sacar a un álbum cuidado de principio a fin y leal a un sonido absolutamente personal e intransferible. Cicatrices es el último paso de una evolución equilibrada e imparable, que nos hace preguntarnos dónde está el tope de estos dos chavales que derrochan autenticidad. —alfonso gil royo

marzo 2018 #35

MONDOVINILOS

Pecker

El incendio perfecto Autoeditado

FOTO: LIBERTO PEIRÓ

7

El regalo doble de Cuello Cuello

Regalo doble B-Core

8

PUNK / Cuarto disco de estudio para una de las mayores alegrías procedentes de Valencia durante los últimos años, respuesta primaria y clásica respecto a la rareza -en el mejor de los sentidos- que es Betunizer.

En este nuevo disco encontramos otra buena colección de temas, muchos de ellos cercanos al himno e ideales para corear y disfrutar en directo. Valgan como ejemplos Juego dominante, con ese particular riff que se entrelaza con la voz y sus posteriores subidas y bajadas, o La psicopatía del pulmón, otra montaña rusa que parte de la sencillez para complicarse en diferentes

#36 marzo 2018

fases y, finalmente, desenredarse con impresionante claridad. No es fácil definir la música de Cuello pues aunque hablemos de punk realmente no tiene nada de básico, y pese a que todo gire alrededor de las letras estrambóticas y de la extraña manera de tocar la guitarra de Guerrero, generando un caos controlado al milimetro, el resultado final solo se entiende como una suma de las partes. Ahí tenemos por ejemplo a Óscar Mezquita, aportando fuerza bruta y precisión, a Nick Perry de nuevo al frente de un frenético bajo o a Ubaldo Fambuena aportando clase a la guitarra. Los textos, tal y como nos tienen acostumbrados, retratan sensaciones entre mundanas y desgarradas pero nunca necesariamente comprensibles.

Ingrediente perfecto para el cóctel que propone la banda. Ya en la cara B, se alternan canciones tan frescas y directas como Da igual si existe o La frase con la arrastrada Su calma sin sangre. —bruno corrales

POP/ La primera aventura

de Pecker fuera del cobijo de un gran sello le ha sentado bien. No es que en sus trabajos anteriores no hubiese podido desarrollar toda su personalidad, pero es con El incendio perfecto cuando el oscense ha publicado posiblemente su disco más redondo. Además, lo logra con una colección de canciones con las que vuelca toda su ecléctica pasión por la música. Ahí tenemos el pop electrónico con guitarras marca de la casa que no renuncia a sus hits más característicos (Seremos parte del huracán, Acapulco, Mis días), ni a inspirados medios tiempos (Nuestro gran incendio, Polar), pero tampoco a pequeños caprichos con los que saca la garra y la distorsión (Puñales). Es encomiable que con quince años de trayectoria continue expandiendo su propio estilo (con constantes referencias al hip hop y el funk) y se coloque como una de las figuras más destacables del indie. —jaime oriz Ron Gallo

Really Nice Guys New West Records

8

ROCK / Que Heavy Meta

fuera un disco que me encantara hace que, evidentemente, mi predisposición sea la adecuada para recibir de manera positiva este nuevo trabajo de Ron Gallo.

Pero es que, una vez escuchado, sigo pensando que este tío es muy bueno. Really Nice Guys incluye ocho temas que se acercan a los veinticinco minutos de duración y la cosa va de garage y rock

sixties adecuado a los nuevos tiempos, pero con una originalidad que lo convierte en un músico interesantísimo de seguir. Capaz de asegurar que tuvieron que regrabar Really Nice Guys porque su batería tocaba demasiado bien o de volarnos la cabeza con ese trallazo punk de menos de un minuto que es Related Artist, Gallo lo tiene todo para ser un gran referente del rock en los próximos años. Solamente le hace falta un poco de suerte a nivel mediático. Y eso, desgraciadamente, no depende de la calidad. De eso va sobrado.

—edu izquierdo

Rosario La Tremendita Delirium Tremens Universal

flamenco / Cada obra que ha parido Rosario La Tremendita es una verdadera declaración de intenciones, algo que no hace más que subrayarse en su cuarto disco, Delirium Tremens.

Su madurez es evidente y cautivadora. Todos ya sabíamos de la capacidad creativa, compositora y guitarrística de “La Tremen”, pero ahora sienta las bases de cara al futuro por si a alguno no le había quedado claro. Lo hace en un trabajo dividido en cuatro actos: Caótica, Fuga, Ahínco y Tedeum, y en el que mantiene la línea aperturista del flamenco contemporáneo: la copla, el folk andaluz o el jazz. Para ello la acompañan Pablo Martín Caminero, su productor musical, contrabajista y compañero de fatiga, el batería Borja Barrueta, el pianista Abe Rábade, la percusión de “Piraña” y la colaboración de Estrella Morente y Josemi Carmona. Con Delirium Tremens disfrutaremos de soleás de Triana, bulerías, tangos, marianas, romance, serrana, por Levante, abandolao y zambra.

8

—curro velázquez-gaztelu

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Foyone

Rico sin denuncia Autoeditado

RAP / Hace tiempo inclui-

mos a Foyone en nuestro reportaje sobre rap underground como una de las mayores promesas de rap nacional. Hoy podemos decir que ha dejado atrás esa etiqueta de joven prometedor. Y lo ha hecho dando un ejemplo de cómo debe forjarse un buen disco de rap. Desde la intro al último track pasando por los feats (de nombres ilustres Kase-O, Ayax, Prok, N-Wisse y Akapellah), pero sobre todo por la variedad de registros con los que juguetea en este disco.

El malagueño da una lección de elasticidad rapeando sobre todo tipo de instrumentales. Rico sin denuncia es un flashback del rap noventero con las virtudes de la libertad de la música del siglo XXI. Así, cortes como Aviso maternal o Atupetra son capaces de transportarnos unos años (o décadas) atrás gracias a unos bombos limpios y potentes. Y en eso debe dar las gracias a su productor Sceno, magnífico también en su labor de proporcionar a Foyone el vehículo perfecto para cada momento. —alfonso gil

El pop triste y acelerado de La Plata La Plata

Desorden Sonido Muchacho

8 POP / Pese a su juventud, uno tiene la sensa-

ción de que Desorden se ha hecho esperar.

El primer álbum de La Plata recoge en media hora un momento vital en el que hay desencanto, abandono y vacío, pero también la determinación -y a su vez la incertidumbrede quien lo tiene todo por hacer. El nervio de Un atasco, la primeriza canción que Diego Escriche colgó en Youtube cuando ni siquiera existía el grupo, se extendió luego al EP del mismo nombre, con tres canciones (además de la titular, La luz y Esta ciudad) que aparecen de nuevo en este trabajo de estribillos fulgurantes, fracasos y sombras en la noche. Ellos lo llaman pop triste acelerado, entre la new wave y una actitud punk que deja un reguero de frases cargadas de negación (“No hay futuro en esta emoción”, concluyen en Tu cama) y un sonido que tiende a la combustión inmediata (Incendio,

Field Music

Car Seat Headrest

7

POP/ Twin Fantasy (Face

To Face) es una regrabación completa de un álbum lanzado por Will Toledo a través de Bandcamp en 2011. Desde su acuerdo discográfico con Matador, el oriundo de Leesburg siempre supo que volvería a Twin Fantasy. El motivo eran las canciones, que ahora aportan momentos triunfales, construidos con recursos técnicos a los que Toledo no tenía acceso años atrás. Desde Teens Of Denial, el disco publicado en 2016, la agrupación de Will Toledo dio un gran salto desde su precursor Teens Of Style (2015).

Eso mismo pasa con Twin Fantasy, pues la progresión es igual de marcada. Toledo posee una gran habilidad vocal que le permite pasar sin esfuerzo entre la exploración emocional desesperadamente seria y el desconcierto cínico, una mezcla cenital en la experiencia del adolescente del siglo XXI. Cada canción se siente revitalizada, pero hay algo en el encanto lo-fi de la antigua versión que se perdió en esta nueva adaptación. —gustavo leyton

7

POP / Bajo la estela de

post-nuevos románticos como Wild Beasts, este dúo de hermanos sigue encauzando sus pálpitos hacia el gesto arty, que en este trabajo han potenciado a lomos de una mayor complejidad de lo habitual en su menú. De un menor peso acústico que en anteriores álbumes, cortes como Count It Up y Share A Pillow aportan argumentos sobre la dignificación del pop radiofórmula british perpetrado por grupos de la primera mitad de los ochenta como Simple Minds –antes de volverse una soporífera encarnación de stadium pop-, Heaven 17 o el David Bowie de Let’s Dance. A diferencia de aquellos discos, la producción sin matices ha sido reverdecida por un enhebrado de contrastes altamente candoroso.

Pop de espíritu vanguardista para las masas, lo cual suena tan inverosímil como intrigante.

Miel para los oídos. Por la parte lírica, los estragos emocionales del Brexit han hecho mella en cortes como Goodbye To The Country.

—marcos gendre

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Miedo), entre líneas sinuosas, estructuras quebradas y una urgencia que solamente se toma un respiro en Me voy, una suerte de medio tiempo en el que los teclados atmosféricos ganan protagonismo, rompiendo la dinámica general para acabar como uno

EXPERIMENTAL / Hay discos y discos, eso lo sabemos todos. Pues bien, al hablar de Menetekel, el nuevo trabajo de Hackedepicciotto, no puedo hacer otra cosa que hacer referencia a esa clase de trabajos que marcan un punto de inflexión indiscutible dentro de la música experimental de cariz sombrío. Esta formación es el fruto de la unión entre Alexander Hacke (Einstürzende Neubauten) y su esposa Danielle de Picciotto. Ambos han configurado un álbum absoluto, intimista, sombrío, potente, maldito y mágico.

Menetekel contiene ocho cortes en los que se combinan de forma muy equilibrada influencias provenientes del post-rock, industrial, cantos difónicos y una indefectible genética dark ambient. El resultado es algo único que consigue revivir algunos de los mejores momentos de Einstürzende, pero refrescando el talante hierático de esta mítica agrupación gracias al excelente trabajo vocal de Danielle de Picciotto. —fernando païno

—enrique peñas

U.S. Girls

In A Poem Unlimited 4AD/Popstock!

Cocoa Sugar Ninja Tune/ [PIAS]

Menetekel Potomak

9

de los aciertos más claros dentro de este estimulante disco que quizá hubiese demandado algún otro momento de pausa, aunque el aquí y ahora de la banda valenciana tenga en el vértigo su razón de ser.

Young Fathers

Hackedepicciotto

Open Here Memphis Industries

Twin Fantasy (Face To Face) Matador/ Popstock!

FOTO: MARIANO REGIDOR

8

7

POP / Antes de que Algiers

fueran engalanados con la vitola de ser la banda más comprometida dentro de los cotos neo post-punk, Young Fathers ya habían sedimentado la cosecha rock con calambrazos como Dead (14), galardonado con el Mercury Prize, y Are Black Man Too (15). La continuación de ambos trabajos se ha hecho aguardar más de lo esperado, pero ya está aquí, y no decepciona. Más confidentes de lo habitual, quizá el empedrado de proclamas no sea tan punzante como en anteriores esfuerzos, lo cual tampoco quiere decir que hayan reducido densidad temática. Para la ocasión, las preocupaciones han ido en una dirección más enfocada hacia el sonido, las texturas, los tonos, y sobre todo un brío infeccioso en el pulimentado de bajos. En el debe, cabe decir que los escoceses se han domesticado bastante más que en sus anteriores afrentas. Aunque esta deficiencia es la que han aprovechado para replantar su fórmula entre contornos melódicos pop antes imposibles. —marcos gendre

8

POP / Progresivamente Me-

gan Remy ha ido sacando la música de U.S. Girls del ensimismamiento de sus primeros discos.

El resultado de su movimiento en pos de un pop más o menos (¡ejem!) convencional ha sido uno de los discos favoritos en los últimos años para el que esto escribe, el fascinante Half Free (4AD, 2015).

Su continuación incide en ese proceso progresivo por el cual las canciones de Remy no sólo responden a estructuras convencionales sino que se hacen más orgánicas con el paso del tiempo. En In a Poem Unlimited por vez primera cuenta con una banda de apoyo, el colectivo The Cosmic Range (del que forma parte su porpio marido) y algo más de una decena de músicos invitados. Con ellos da forma a once piezas con ecos del funk y el soul setentero, filtrado por esa suerte bruma, entre la nostalgia y la desmemoria, que U.S. Girls ha imprimido siempre a sus producciones. Un álbum que enfrenta las tensiones entre sexos con el advenimiento de Donald Trump como telón de fondo. —luis j. menéndez marzo 2018 #37

VV. AA.

The Ex

Black Panther: The Album (Music From And Inspired By) Interscope/ Universal

9

RAP / Está el rey T’Challa

y está King Kendrick. Hay bandas sonoras y bandas sonoras monstruosas, entes musicales que eclipsan todo lo que habita a su alrededor. Ryan Coogler, como Tim Burton en su momento, dejaron que sus ídolos musicales tomaran los mandos de la música de sus películas. Este disco, en el que los tentáculos de Kendrick Lamar están en todos lados, es la cápsula del tiempo ideal para lanzar al espacio. Es pura droga, adictivo y fascinante, como si en 1996 se te ocurre decirle a Michael Jordan que forme un equipo de baloncesto con sus amigos. Magia. Si no es poco con los diamantes de Kendrick, el rey Midas actual se rodea de los mejores y juntos crean uno de los mejores discos de los últimos años. Sin etiquetas, música y arte resumidos en catorce temas sin desperdicio. Nada sobra, todo, hasta el silencio que hay entre canción y canción, vale su peso en oro. Todo músculo, todo fuego y tripas en una colección de canciones fantásticas se mire por dónde se mire. —marcos molinero

27 Passports Ex Records

8

ROCK / Resulta tremenda-

mente significativo que los grupos que más están aportando vías regeneracionistas a la materia rock en estos últimos años sean bandas sexagenarias como Swans o azotes del formato canción tan viscerales como Scott Walker. Así que la opción es seguir confiando en The Ex. 27 Passports, su primer álbum per se en ocho años, es un documento que explora las posibilidades eléctricas del catártico trío de guitarras, comandado por el insaciable Andy Moor. De sus continuos viajes y colaboraciones, han sabido reconducir lo aprehendido hacia el hueso de su sonido, oscilando entre el post-punk y el noise de derribo.

Con el ritmo como fuerza centrífuga, Katherina Bornefeld guía la tormenta de riffs propagada por sus compañeros. En cada uno de sus baquetazos aflora un latido tan físico como hipnótico que se extiende en un cancionero que rivaliza en bondades con Turn (2004), su obra capital.

—marcos gendre

Porches

Rural Zombies

Llega el Rock Sin Guitarras de

MERIDIAN

"MERIDIAN"

Es el debut homónimo del trío vizcaíno Próximas fechas en directo:

30 de marzo - Sansan Festival, Benicasim 5 de mayo - Al Tran Tran Festival, Castejón #38 marzo 2018

The House Domino/Music As Usual

From Home To Hospital St. Mushroom Pillow

7

pop / From Home To Hos-

pital St., segundo álbum de los de Zestoa, es un trabajo marcado por la distancia. Muchos vislumbrarán una madurez natural guiada por el paso de los años, porque Rural Zombies nos suministran dosis de paz y una sacudida presión para un disco que es un paso adelante claro en su carrera. Sí, encontramos a los músicos de antaño, pero esta vez con una intensidad mayor fruto de unas guitarras predominantes, las mismas que convierten en singles casi todos los temas de este álbum. Las comparaciones pueden llegar a ser odiosas con otros grupos de la escena (Belako) o con fantasmas del pasado (los primeros Dover) pero los guipuzcoanos muestran su seña de identidad escapando de la corriente dominante, como si estuvieran sujetados por sus propios instintos. Suenan más directos, con un sonido menos cargado y sobre todo más accesible para un público que puede tener a un nuevo grupo-que-seguir este año.

—alberto bonilla

6

pop / Lo malo de hacer un

buen disco es que todo lo que se haga después debe ser para superarlo, o al menos igualarlo. Y eso es lo que se esperaba de Aaron Maine, Porches, que con su nuevo trabajo ha puesto rápidamente en marcha las comparaciones con aquel Pool que publicó en 2016 y en el que abandonó las guitarras para pasarse a un pop electrónico, ensoñador y ochentero, que recibió el beneplácito de crítica y público. The House, su tercer disco, sigue por los mismos derroteros sónicos, mientras que la ruptura con su pareja Greta Klein (Frankie Cosmos) pone la nota melancólica (sí, más todavía) a muchas de estas nuevas canciones. Un disco que funciona como una montaña rusa musical: ahora arriba de subidón, con temas tan bailables como Find Me o Anymore, ahora abajo de bajón con otros tan intimistas como By My Side o Wobble. No supera a Pool, pero también tiene sus grandes momentos, y, además, las comparaciones son odiosas.

—tere vaquerizo

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MONDOVINILOS

Nunatak

Nunatak y el tiempo de los valientes Dro/Warner

7

POP / Si el anterior disco

ya supuso un punto de inflexión y una evolución con sonidos más eléctricos, el nuevo álbum de Nunatak abre una nueva etapa y nos sorprende con un estilo más arriesgado. En Nunatak y el tiempo de los valientes se mezcla percusión, estribillos potentes, coros y electrónica. La experimentación con diferentes sonidos y texturas dan lugar a un disco con un sonido muy propio y con temas muy diversos que van desde piezas más alegres y eléctricas hasta otras más tranquilas y reflexivas. Las letras tampoco se quedan atrás y en ellas los murcianos dejan entrever su dualidad entre la oscuridad y el positivismo y la esperanza. Una llamada a los valientes. Energía, ritmo eléctrico, garra y sonidos vibrantes en Bestias sedientas, Romper el cielo, A miles de kilómetros o Sigues en pie. Calma, frescura, dosis de realidad y mensajes esperanzadores en Nadie nos va a salvar, Disonancia perfecta o Susurro en el viento.

—judit hernández

Superorganism, Nueva Zelanda-Japón Superorganism

Superorganism Domino/Music As Usual

7

POP / No todo lo relacionado con la globaliza-

ción es malo. ¿Un ejemplo? La existencia de Superorganism. Todo empieza hace tres años en Japón con la visita de The Eversons, un combo de power pop más que reivindicable.

Ahí el grupo conoce a una fan adolescente, Orono Noguchi, que se acaba convirtiendo en una buena amiga a distancia gracias a las nuevas tecnologías. Un par de años después, la banda neozelandesa descubre que Noguchi canta y escribe canciones, le ofrecen la posibilidad de participar en Superorganism y juntos alumbran uno de los singles más sonados de 2017: Something For Your M.I.N.D.. Tras ese hit y un par más (It’s All Good y Nobody Cares), The Eversons, su amiga nipona y tres amigas cantantes kiwis, se plantan en Londres para crear más música e iniciar una carrera bajo el amparo de la todopoderosa Domino Records.

La receta de Superorganism, en esencia re-

Julien Elsie

The Breeders

Furry Home Autoeditado

7

ROCK / Su apuesta sería

un suicidio si tuviera un mercado musical en el que quitarse la vida. El quinto disco de Julien Elsie solamente se edita versión limitada en CD y una tupida mata de pelo cubre la portada. No se puede encontrar en ninguna plataforma digital.

El único vídeo, Home, es muy probable que acabe siendo censurado por los guardianes de la moral sexual. Por si esto fuera poco, cinco de las quince canciones son pasajes instrumentales, en su mayoría breves fogonazos de ruido inquietante.

Concesiones, las justas. Julien Elsie ha hecho lo que le ha dado la gana, de acuerdo, pero le ha vuelto a salir un buen disco, el quinto de su carrera. Canciones que remiten a clásicos noctámbulos del rock (Lou Reed, Nick Cave) y que, asimismo, conectan con la sensibilidad de bandas contemporáneas como The National o Bill Callahan. Un disco oscuro, poco accesible y, si te tomas tu tiempo, atractivo.

—jon pagola

ROCK / The Breeders fue la

salida que encontró Kim Deal ante el yugo ejercido por Black Francis durante sus años en Pixies. Tras una década de silencio, la banda regresa con un álbum en el que sus peculiaridades siguen latentes, pero convenientemente maduradas casi tres décadas después del surgimiento original. Así los instrumentos mantienen líneas gruesas de actuación, mientras que la voz de Deal suena a la vez afilada y misteriosamente embaucadora. Sin embargo, los medios tiempos triunfan en número sobre piezas de descaro evidente, y las propias canciones invitan a una degustación más reflexiva que explícitamente visceral. La rabia y el nervio van ahora por dentro y se presentan más como remate de las propias canciones que como argumento principal.

El tiempo ha pasado y el cuarteto ya no impacta tan frontalmente, pero a cambio controla muy bien la situación y su retorno resulta coherente y pleno gracias a once temas acertados. —raúl julián

Hallucinosis Discos Alehop!/ Discos Walden/ Afeite Al Perro

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7

folK /Si atendemos al

Bandcamp de Atomizador, Hallucinosis es la decimosexta entrega de una discografía repartida entre casetes, vinilos y cedés de distintos minutajes en los que el guitarrista de Madrid ha ido volcando toda su imaginación a las seis cuerdas. Grabado y masterizado por Juan Carlos Blancas en julio de 2017 en Arco del Valle e impreso en doscientas cincuenta copias de vinilo, Hallucinosis contiene dieciséis composiciones de José Atomizador (no sabemos su apellido real, pero sí que fue miembro de A Room With A View) más una versión de See Emily Play de Syd Barrett. Empleando la voz como instrumento y no como vehículo oral, Atomizador nos sumerge en la recreación de una atmósfera tribal, con cierta evocación ancestral que conecta con partes de nuestro cerebro normalmente inactivas al escuchar canciones sobreproducidas de estrofa, puente, estribillo y estrofa, transportándote a un lugar plácido y disfrutable sin moverte del sitio. —nacho serrano

nan como pequeñas explosiones rítmicas y sensoriales de colorines, llenas de detalles cuidados (un arreglo, un coro, o un sonido en concreto), que reivindican la música pop como algo colaborativo, divertido y vivo.

Superorganism, que detrás de su evidente optimismo oculta cierta retranca (ojo con la misantrópica letra de Nobody Cares), nos llega en invierno, pero su ADN es primaveral y veraniego. —xavi sánchez pons

Third Eye Foundation

Atomizador

All Nerve 4AD/Popstock!

6

crear el bubblegum californiano de los años sesenta con instrumentos y cacharrería electrónica modernas, y muy cercana a la fórmula del recorta y pega festivo de The Go! Team, no revoluciona nada (también se les suele comparar con la cara más pop de The Flaming Lips), pero brilla con fuerza y de qué manera en su debut homónimo. Canciones como Everybody Wants To Be Famous, Reflections On The Screen, The Prawn Song o Night Time, funcio-

Marmozets Knowing What You Know Now Roadrunner Records

Wake The Dead Ici D’Ailleurs

8

electrónica / Cuando

Matt Elliott comenzó su proyecto Third Eye Foundation allá por el 1996 la escena trip-hop de su Bristol natal comenzaba a despuntar, algo que le vino bien, ya que su música se podía ubicar dentro de este estilo por el uso de samples y una electrónica quizás más cercana al drum’n’bass.

Un par de años después era un sonido que copaba las listas de ventas y su carrera comenzó a despuntar, pero en el 2003 se hartó de samplear los sonidos y se decidió a crearlos por sí mismo, añadiendo ya de paso su voz. Los fans de su anterior proyecto pudieron dormir de nuevo tranquilos en 2008 con el lanzamiento de un notable The Dark y de nuevo este año con este Wake The Dead, en el que continúa un poco con todo lo que ya habíamos escuchado de él: baterías tocadas en tiempo real y luego loopeadas, cuerdas y coros de voces opresivos y detalles de electrónica esparcidos con sabiduría y mesura con ese toque único que sólo él sabe ofrecernos. —raúl linares

ROCK / La paciencia es una virtud. Pero si eres joven y de repente te ves en la cresta de la ola es difícil tener temple y capacidad para esperar un mejor momento para tomar decisiones.

El debut del quinteto inglés en 2014 no pasó precisamente desapercibido. Marmozets aparecían en escena como una alternativa a Paramore pero en clave metal, con cantante femenina representada en la figura de Becca Macintyre. Llegaron incluso a los oídos de Muse quienes se los llevaron de invitados para su gira. Con todo ese ruido a su alrededor y pese a las ansias por estrenar material, se quedaron bloqueados, así que optaron por esperar y tomarse las cosas con distancia antes de dar un paso equivocado.

De ese modo, vuelven con la seguridad de que han hecho el mejor trabajo posible. Knowing What You Know Now es refrescante, más variado (incluso hay algún guiño a Madness) y con mejores canciones que su antecesor. La espera ha valido la pena.

6

—toni castarnado

marzo 2018 #39

MONDOVINILOS

Suuns

Felt Secretly Canadian/ Popstock!

kraut pop / Curioso ejercicio de estilo el de los canadienses Suuns para este nuevo trabajo, el oscuro Felt: un disco tan brillante como difícil de digerir, cargado de canciones desestructuradas, electrónica troglodita, vocoders, ambientes distorsionados, herencia krautrock y puntuales arrebatos de poso post-punk. Todo en este disco suena analógico, pesado y repetitivo. Cajas de ritmo vintage creando bases monolíticas, atmósferas oscuras y atonales y melodías de voz circulares que terminan siendo adictivas. No es un disco fácil, requiere de unas cuantas escuchas para ser disfrutado, y es precisamente esa complejidad y esa densidad lo que dota al álbum de una personalidad tan marcada y por momentos ruda y hasta hostil. Escúchenlo sin prisas y con la mente y las orejas bien abiertas, créanme que vale la pena. —ricky lavado

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Jonathan Wilson, tercer asalto Jonathan Wilson Rare Birds Bella Union/[PIAS]

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POP ROCK / Cualquier aficionado que se precie debería conocer muy bien a Jonathan Wilson. Su nombre como productor o músico de acompañamiento ha ido asociado a artistas de primerísimo nivel como Roger Waters, Jackson Browne, Conor Oberst, Father John Misty o Bonnie ‘Prince’ Billy, y sus dos discos en solitario hasta la fecha han recibido magníficas críticas. Un hecho que va a repetirse de nuevo con este tercer trabajo, que presenta novedades. En primer lugar, ha aparcado su lado más folk, el mismo que lo asociaba con bandas como Dawes, para bucear en el aspecto más elegante de un pop-rock que no

#40 marzo 2018

abandona ese devaneo progresivo con el que se le ha asociado, no sin motivo, a los Pink Floyd de finales de los setenta (Trafalgar Square). Más curioso resulta que, en otros temas como Over The Midnight, se le pueda asociar al sonido más ochentero recuperado en la actual década por bandas como Future Islands, mientras que en otras piezas como la popera There’s A Light el espíritu ‘beatle’ se materializa vía Jeff Lynne de la E.L.O. Estamos, por tanto, ante un disco de tono confesional en el que el autor ha sofisticado todavía más su propuesta, adquiriendo un caríz más sobrio y magnificente que le sirve para encarar con autoridad cualquier registro que se le ponga a tiro. Sirvan de ejemplos la balada en la que colabora Josh Tillman (49 Hairflips) que podría haberse incluido sin problemas en su último disco como Father John Misty, o ese vaporoso medio tiempo en el que participa Lana del Rey titulado Living With Myself. —don disturbios

H.C. McEntire

Lionheart Merge Records/ Popstock!

americana / No es casualidad que muchos periodistas especializados anden locos con el primer disco en solitario de HC McEntire. La que fuera cantante de Mount Moriah se ha marcado un trabajo espléndido acompañada de buenos amigos como Kathleen Hanna, Angel Olsen, Amy Ray, Tift Merritt, William Tyler, Mary Lattimore y Phil Cook. Heather (nombre real de H.C.) no solamente canta de maravilla, sino que además endulza

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las melodías de forma hipnótica.

Lionheart muestra, además, todo lo que aprendió en su infancia en Carolina del Norte, escuchando bluegrass, country y, por supuesto, góspel. Después de pasar los primeros años de su carrera amparada en el post-punk, vuelve al redil y se muestra más inspirada que nunca. Por algo los nombres de Emmylou Harris, Linda Ronstadt o Tammy Wynette no tardan en aparecerse cuando uno deja fluir las canciones de un álbum magnífico. —eduardo izquierdo Reggie And The Full Effect 41 Pure Noise Records

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POP / Detrás de Reggie And

The Full Effect se esconde el proyecto en solitario de James Dewees (teclista de The Get Up Kids, batería de Coalesce y más recientemente teclista de My Chemical Romance). Dewees es un músico total, un multiinstrumentista versátil y escurridizo.

Así, 41 incluye piezas de punk pop melódico y extrañamente juveniles (Il Pesce Svedese), medios tiempos oscuritos con ecos a Alkaline Trio (Alone Again), piezas de pop con sintetizadores ochenteros (Heartbreak, New Years Day, The Horrible Year), algo de heavy pop (Karate School) e incluso una power-ballad con inicio acústico y un estribillo grandilocuente digno de los actuales Foo Fighters (Broke Down). Dewees empezó este proyecto como una broma en 1998, y veinte años después sigue sin tomárselo demasiado en serio.

Aunque eso no es necesariamente negativo, al contrario, sobran artistas y bandas aburridas y conservadoras, demasiado preocupadas por agradar al público.

Dewees solamente quiere jugar y dejarse llevar por su desbordante imaginación. —luis benavides

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Justin Timberlake

First Aid KiT

Man Of The Woods Sony Music

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POP / El chico del Disney

Club, el talentoso vocalista de ‘N Sync, el músico de Memphis que arriesgó y acertó en 20/20 Experience ha caído en desgracia. Al hombre de negocios que vende su marca de ropa William Rast y su propio modelo de Nike parece que le ha mirado un tuerto.

El actor que se colaba en grandes producciones y ha protagonizado Wonder Wheel de Woody Allen lo tiene difícil para levantar cabeza.

Ni siquiera ser partícipe del intermedio de la Super Bowl en un karaoke insufrible de diez canciones en trece minutos van a evitar el batacazo. La verdad es que se ha esforzado mucho en dar carnaza a sus detractores. El anuncio de un nuevo sonido, folk y R&B fusionado ya daba miedo... Timbaland y Pharrell hacen un trabajo titánico en la producción, pero eso no basta si no hay canciones detrás. Un sonido muy orgánico con muchos matices interesantes, Justin y su cálida voz aportando savoir faire a unas canciones en su gran mayoría sin alma.

—marcos molinero

Ruins Sony

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separan la tercera referencia de First Aid Kit de Ruins, refleja cierta convulsión en las biografías de las hermanas Söderberg que, inevitablemente, ha terminado por plasmarse en su nuevo disco. En ese tiempo, las suecas bifurcaron sus caminos y los volvieron a unir después de la ruptura sentimental de una de ellas. El resultado se atisba en su última entrega, un trabajo considerablemente más crudo -y también más humano- que los anteriores. El cambio de productor y la elección de Tucker Martine -productor de cabecera de Laura Veirs e involucrado en proyectos con My Morning Jacket o The Decemberists- ha sido fundamental.

Martine maneja a la perfección los registros modernos de la americana, lo que ha enriquecido el inofensivo folk-pop de las suecas.

Su puerta abierta al honky-tonk en Postcard o Distant Star es la mejor noticia de un disco que, tras un comienzo muy inspirado, termina por languidecer en su tramo final. —jorge salas

VV. AA.

Ryan O’Reilly

Blackcelona 4. The Sound Of The New Generation Blackcelona/ Discmedi

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black music / Si con el

tercer volumen de Blackcelona la apuesta fue reivindicar a las féminas y su papel cada vez más preponderante, ahora toca mirar a los músicos que nos tienen que hacer bailar en el futuro. Si cuando este colectivo nació hace cinco años les hubieran dicho que iban a generar cantera y con ello dar voz a jóvenes con ganas de armar el taco, seguramente no se lo hubieran creído. Este nuevo recopilatorio es la confirmación de que están haciendo bien las cosas, con el apoyo de sellos y asociaciones que no dudan en tirar el anzuelo, como por ejemplo Los Retrovisores y su espíritu yé-yé con base en B-Core o The Sick Boys desde la cuna de Taller de Músics. En Blackcelona 4 hay proyectos con distintas caras: Red Rombo con ese aire más cincuentas, Scarlets & The Femme Soul Band, o The Broken Coconuts, formación instrumental que bebe de las aguas de la música de Nueva Orleans, con producción de Mike Mariconda. —toni castarnado

POP / Los cuatro años que

I Can’t Stand The Sound DNA Records

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americana / Cuando ha-

blamos de cantautores, normalmente nos imaginamos a músicos que con su voz y su guitarra expresan experiencias personales muy íntimas y con un tono melancólico. En el caso de Ryan O’Reilly, casa en parte con esa definición. Sin embargo, como su tocayo Ryan Adams, no se dedica únicamente a esa parcela más introspectiva, él puede empezar como un tiro y con un optimismo inesperado con Don’t You Know That, y con el siguiente corte, como buen irlandés, agarra la espiritualidad de Make It Holy y la lleva a su terreno. Una pieza que, por los coros y por su emoción, le acerca al universo de Damien Rice, aunque esté más contenido que aquél. A su manera, O’Reilly también habla sobre nuestros miedos, fantasmas y deseos incumplidos, marcando la idea del cantautor como guía capaz de salvar nuestras vidas con canciones de la naturalidad de Never Be Afraid Of Ghosts o Conversation. —toni castarnado

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Un Yung Beef inspirado Yung Beef

ADROMICFMS 4 La Vendición Records

8 En las últimas horas nadie habla de otra cosa (no, no es OT): lo que hizo Yung Beef en la Sala Apolo. Más allá del buzz, para entender porqué El Seco se ha colado en tus conversaciones de Whatsapp, hay que remontarse a ADROMICFMS 4, la mixtape más inspirada del momento, publicada días antes del bolo en Barcelona. Pase por delante que ADROMICFMS 4 es larga e irregular, como la propia base del género: nadie le pide formas bonitas ni homogéneas a los gargajos. Tardamos en entenderlo con el punk, el acid o el hardcore, pero un esputo sirve para lo que sirve: para sacar demonios como el rayo. Y Fernando Gálvez es de los que mejor entiende su función. Le salen temas más poperos, Me perdí en Madrid. Otros latinos, Infierno. Y raros a secas, en forma de homenaje, como Rosalía (chiquita astracanada).

Sobre bases generalmente oscuras que zampan de aquí y de allá, desde teclados synth hasta R&B contemporáneo. Sonidos

recién horneados y del presente los que le proporcionan Steve Lean, Lowlight o –entre otros– Kiid Favelas. Si bien Yung Beef no ha incorporado perspectiva de género alguna en ADROMICFMS 4, sí ha profundizado en los lazos personales. Y lo ha sumado a temas como la caída individual, tópico que arrastra desde hace algo más. Rosas azules o EFFY ponen la guinda a una mixtape más arriesgada en los textos. Y donde Beef pega duro con su malditismo. No se queden en la anécdota: el tiempo pasa tan rápido hoy día que El Seco ya tiene la voz de Joaquín Sabina (Brazy). Al cantautor de Úbeda le hicieron falta al menos un millón de cigarros para que le reconocieran como poeta en los ochenta. Beef va por buen camino en la misma gesta (y no sólo por lo del tabaco).

En apenas cinco años, el granadino ha pasado de adalid de algo que él mismo ayudó a aupar con Pxxr Gvng (y con sus decenas de temas sueltos, entre ellos la colección que compite por genial con esta última, ADROMICFMS 4”), el trap, a rezagado del género (Pxxrificacion, ya con Los Santos). Ahora, de nuevo, ha escapado del pelotón. Beef decidió jugar con la música, las discográficas, las marcas… El camino recto es algo que le importa lo mismo que sus paletas dentales. —yeray s. iborra

marzo 2018 #41

42/Mondo Media

el “Echábamos de menos rk Yo espíritu de la Nueva a y de los setent los Strokes y el resto de bandas lo trajeron de vuelta”

cómics Jim Morrison & The Doors Eduardo Izquierdo Ma Non Troppo

Petty. La Biografía

Warren Zanes Neo-Person

9 Zanes escarba en la persona y utiliza la música como vehículo para llegar a conocerla mejor. Se concentra en sus relaciones con unos Heartbreakers que aquí se nos hacen todavía más grandes gracias a sus imperfecciones, con las mujeres de su vida, sus hijas, sus managers o con los capos de las discográficas. Y además no deja nada en el tintero. Huyendo del panegírico, Tom Petty es retratado como una persona normal, con sus evidentes contradicciones, aciertos y errores. —eduardo izquierdo #42 marzo 2018

Lizzy Goodman Un testigo de lujo Cuando todo el mundo empezaba a pensar que el rock era un anocronismo, desde las humeantes alcantarillas de la Gran Manzana aparecieron The Strokes, Yeah Yeah Yeahs, Interpol, LCD Soundsystem, Vampire Weekend o TV On The Radio. La periodista Lizzy Goodman ha revivido la irrupción de esta escena en la historia oral Nos vemos en el baño (Meet Me In The Bathroom; Neo-Person, 18).

C

uándo empezaste a plantearte la idea de escribir un libro sobre la escena de Nueva York de inicios de milenio?

Tuve la idea justo en el mismo mo-

FOTO: ARCHIVO

Si nos tuvieramos que ceñir únicamente a su aspecto biográfico, no estaríamos ante una obra de gran relevancia, pero no ha sido esa la intención de su autor. Eduardo Izquierdo acierta de lleno cuando se lanza a analizar la figura de Jim Morrison a partir de sus declaraciones, o al repasar discografía y versiones realizadas. Ahí es cuando el libro coge volada y se convierte en una herramienta últil para cualquier aficionado.

—don disturbios

LIBROS.

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mento en el que pongo el punto final al libro: los conciertos en el Madison Square Garden en 2011 de The Strokes (la primera vez que actuaban ahí) y de LCD Soundsystem (que supuestamente iba a ser su despedida para siempre). Fueron dos noches increíbles, vibrantes y muy intensas. Fue entonces cuando me invadió la sensación de que mi generación había encontrado a sus estrellas de rock en tipos como James Murphy y Julian Casablancas y por extensión Karen O y Paul Banks.

Durante aquellos días algo se acabó, pero también empezó algo nuevo. Se acababan definitivamente los años del subterráneo. Ahora ellos eran los que marcaban la pauta.

—Por el libro desfilan más de ciento cincuenta personas. Vaya, que no te ha quedado nadie de esta historia por entrevistar.

Ha sido la experiencia profesional más dura de mi vida. Han sido seis

años los que han pasado desde que tuve la idea hasta que se ha publicado el libro. Como era un proyecto muy personal, la parte más difícil fue la presión que me autoimpuse por hacerlo lo mejor posible. Esta fue mi era y, en algunos casos, los protagonistas de la historia eran mis amigos.

Sabía que habíamos vivido algo mágico y quería transportar a los lectores, tanto aquellos que estuvieron allí como los que no lo vivieron en primera persona, a aquella época.

—De algún modo, ¿podríamos decir que Meet Me In The Bathroom es el Please Kill Me del nuevo milenio? ¡Wow! Te quiero tío. Please Kill Me es la biblia de las historias orales del rock, y uno de los testimonios más importantes jamás compilados sobre la cultura de Nueva York. Ese libro cambió mi vida. Sería un sueño que Meet Me In The Bathroom tuviera un impacto similar.

—¿Por qué elegiste narrar todo esto en formato de historia oral?

Más que ser auténtico quería que el lector sintiera el libro como auténtico. La verdad es una ilusión. La vida es como la película Rashomon, todo el mundo tiene su perspectiva y todo el mundo está seguro de que es la correcta, la auténtica, y esto es algo que solo podía conseguir cediendo la palabra a todo aquel que, mucho o poco, hubiera participado en esta historia.

—¿Cuáles son los cinco discos imprescindibles de esta generación?

Sin que tenga que ser obligatoriamente en este orden, diría que son Fever To Tell (03) de Yeah Yeah Yeahs, Is This It (01) de The Strokes, Tremble Under Boom Lights (94) de Jonathan Fire* Eater, Sound Of Silver (07) de LCD Soundsystem y Turn On The Bright Lights (02) de Interpol. —oriol rodríguez

r Más en www.mondosonoro.com

Nos vemos en el baño Lizzy Goodman Neo-Person, 18

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FOTO: Archivo

CÓMICS Gabrielle Bell La Cúpula

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Lo teníamos ya claro, pero Gabrielle Bell es capaz de abrirse muchísimo en sus obras autobiográficas. En Voyeurs nos acercamos a su vida –y ella a la de terceras personas- durante unos cinco años, tiempo suficiente para que descubramos sus luces y sus sombras, el devenir de sus relaciones (una de ellas con el director Michel Gondry), cómo se comporta en sus viajes y su forma de entender la vida. —joan s. luna

LIBROS Y CÓMICS.

Voyeurs

El día que cambié a mi papá por dos peces de colores Neil Gaiman/ Dave McKean Astiberri

En 1997, McKean cambió de registro para firmar, junto al hiperactivo Neil Gaiman, un cuento infantil para adultos que revolucionaría la forma de contar historias. Gaiman y McKean tomaron riesgos y llegaron a buen puerto al dar forma a una obra referencial de personajes sólidos, definidos en breves trazos de guión y de dibujo, que releído veintiún años después parece gozar de una fuerza todavía mayor. —eduard tuset

Phonogram

Kieron Gillen y Jamie McKelvie Norma

7 Kieron Gillen y Jamie McKelvie (Young Avengers, The Wicked + The Divine) firmaron su primer acercamiento al imaginario melómano y mítico que ha marcado sus obras posteriores. Aquí nos contagian con la magia de escuchar ese tipo de discos favoritos que rara vez te abandonan y que, en este caso concreto, suponen un homenaje sin filtros al britpop y a la nostalgia que siempre acompaña a todo melómano. —montse galeano

LIBROS.

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Nick Cave Libro y cómic Como en un juego de espejos, el Cave creador y aquel que sirve de inspiración para otros artistas se encuentran este mes en las librerías. por partida doble.

P

or un lado Malpaso reedita la segunda novela firmada por el australiano, La muerte de Bunny Munro, publicada originalmente en 2009 y que se encontraba descatalogada en castellano desde hace un tiempo.

Como no podía ser de otra forma, en ella Cave sitúa a su protagonista un par de pasos más allá del malditismo. El Bunny Munro que da título al libro es un vendedor de perfumes a domicilio que acaba de enviudar tras el suicidio de su mujer, lanzándose a las calles de Brighton en compañía de su hijo de nueve años con la principal motivación de calmar sus implacables ansias de sexo.

En Nick Cave. Mercy On Me también encontramos alguna que otra imagen tórrida, aunque en su caso el patetismo de Bunny Munro da paso a una imagen idílica (tal vez hasta demasiado) del propio Cave. Reinhard Kleist -quien en el pasado ya había afrontado biografías

comiqueras de Elvis Presley o Johnny Cash, esta última publicada en España por Acuarela Libros- es el autor de esta novela gráfica destinada, obviamente, a los numerosos fans del polifacético artista australiano. Hay en su estilo una querencia por la escuela Vértigo Cómics. A partir de un blanco y negro de tintes expresionistas, se traza la trayectoria de Cave desde los lejanos años de Boys Next Door hasta su madurez, obviando los detalles de su vida personal reciente: la vida familiar junto a Susie Bick y la pérdida reciente de su hijo.

De hecho Nick Cave. Mercy On Me arranca como una biografía más o menos al uso para progresivamente tomarse más licencias artísticas e ir introduciéndose en el universo lírico del músico, imaginando y dibujando situaciones cercanas al surrealismo. Pero lo que se mantiene de principio a fin a lo largo de estas más de trescientas

Damon Krukowski Ex batería de Galaxie 500, cincuenta por ciento del dúo Damon & Naomi y profesor de la Universidad de Harvard, Damon Krukowski publica The New Analog.

Cómo escuchar y reconectarnos en el mundo digital (Alpha Decay, 17).

Q

ué te llevó a escribir The New Analog?

Tiempo atrás escribí un artículo para Pitchfork y eso fue, un poco, el inicio de todo.

El artículo trataba sobre los royalties que perciben los músicos a través de la reproducción de sus canciones en las plataformas de streaming. Aquel artículo tuvo bastante repercusión, tanto es así que se me acercaron diversas editoriales interesadas en que escribiera un libro sobre el tema. No me interesaba. Hubo una editorial que, sin embargo, me preguntó sobre qué me gustaría escribir. Lo cual era una buena pregunta porque nunca antes me había planteado sobre qué me gustaría escribir un ensayo. ¿Fue entonces cuando surgió el tema sobre el que gravita The

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páginas es la devoción que Kleist siente por la figura de Cave, lo que desemboca en un tratamiento épico, por momentos pomposo. —luis j. menéndez

La muerte de Bunny Munro Nick Cave Malpaso, 2018

Nick Cave.

Mercy On Me Reinhard Kleist ECC, 2018

New Analog: cómo nos ha afectado la irrupción de la era digital?

Lo explico en el libro. Un día vi como una mujer se caía de su bicicleta. Evidentemente, fui a ayudarla. Le pregunté qué le había pasado. Me miró, se quitó los auriculares y me explicó que se había quedado absorta con la música hasta que de repente se había dado cuenta de que venía un coche de cara. Reaccionó tarde y se cayó. La ayudé a levantarse. Me dijo que estaba bien, se volvió a poner los auriculares y se marchó. Fue entonces cuando me di cuenta de lo mucho que nos ha afectado en la relación con nuestro entorno el sonido y las tecnologías digitales. ¿Es The New Analog una guía para adaptarnos a esta nueva realidad?

Este era uno de los objetivos, aunque tampoco quería resultar pedante. Además, el del sonido es un campo extremadamente amplio, y yo, que además crecí y he desarrollado parte de mi carrera en un mundo analógico, todo lo que sé lo he aprendido a través de la música. Aun así, a través de mis experiencias, creía que podía aportar un testimonio por momentos valioso. —oriol rodríguez The New Analog. Cómo escuchar y reconectarnos en el mundo digital Damon Krukowski Alpha Decay, 17 marzo 2018 #43

44/Mondo Conexiones The Beatles <> Tinder

Está demostrado que conectar Spotify con Tinder aumenta de media un 84% más los matches dentro de la aplicación. Con esto, Tinder ha querido rendir homenaje a la banda de Liverpool publicando un ranking de sus canciones más populares, entre las que se coloca en primera posición “Here Comes The Sun”, seguida por “Let It Be” y “Strawberry Fields Forever”.

Levi’s® Music Project x Rosalía <> El Guincho El pasado mes de enero Rosalía impartió su primera masterclass dentro del proyecto Levi’s® Music Project, que durante el curso escolar formará a diez alumnos de la escuela superior Jam Session Music School de Barcelona, brindando así su apoyo a la comunidad local. Rosalía acudió acompañada por El Guincho y juntos dieron una clase sobre ritmo, acompañamiento de palmas y la estructura de las canciones de cara a preparar el concierto final de curso en la sala Apolo: “Es perfecto que los alumnos le conozcan, que conozcan su trayectoria y vean la forma en la que hace música”, dice Rosalía a propósito de su compañero. Puedes seguir y apoyar el proyecto con el hashtag #SupportMusic y también en la web. www.levi.com/ES/es_ES/features/liveinlevis-rosalia.

MELBOSS <> EL GANSO

Tidal <> Vodafone TIDAL, la plataforma de música y entretenimiento global, y Vodafone cierran un acuerdo mediante el cual ofrecen a los clientes de la operadora una oferta especial disponible desde ya. Incluido en su tarifa, los clientes de Vodafone podrán disfrutar de más de 52 millones de canciones disponibles en TIDAL, más de 207.000 vídeos, listas de reproducción y contenido exclusivo. www.vodafone.es - www.tidal.com

Melboss, el hub de música y marketplace que conecta a profesionales de la música, y la marca de moda El Ganso, colaboran juntos en un proyecto para dar visibilidad a los grupos emergentes. Durante tres semanas, y coincidiendo con la presentación de la nueva colección, en las tiendas de El Ganso tendrán lugar unos showcases en acústico. Entre todas las bandas se elegirá a una que podrá actuar en directo en la tienda El Ganso en Lisboa y grabar un tema con Manuel Colmenero en los estudios Sonobox en Madrid. elganso.melboss.com/

Seagram’s Gin <> El día del padre

APM <> SGAE La Audiencia Nacional da la razón a la Asociación de Promotores Musicales (APM) en un litigio que comenzó en 2005 contra la posición de monopolio de la SGAE. Se confirman así los abusos por los que la Comisión Nacional de los Mercados y la Competencia (CNMC) condenó a la entidad a pagar una multa de 3,1 millones de euros y a modificar sus acciones abusivas, entre las que estaba el cobro del 10% en cuotas de autor en los espectáculos de música en directo.

“Nosotros seguiremos en conversaciones para establecer una tarifa justa para todos”, declara Gabriel Rossy, abogado de APM. #44 marzo 2018

Seagram’s Gin propone el mejor regalo para el Día del Padre: una auténtica sesión de afeitado con el barbero de Adrien Brody o DiCaprio en el Seagram’s New York Hotel at NH Collection Suecia, mientras suena el legendario Jazz de Blue Note y disfrutando de un cóctel Seagram’s en la mano. Consulta de horarios, tarifas y gestión de reservas en www.seagramsgin.com

Metallica <> WiZink Center Metallica batió el record de asistencia a un concierto en el WiZink Center de Madrid, llegando a los 17.267 asistentes en su segunda cita en la capital. La configuración del escenario 360º en el centro de la pista permitió que un mayor grupo de personas pudieran asistir al directo, sumando un total con las dos fechas de 34.034 personas. El recinto cumple este récord después de la ampliación de su recinto en 2016 y con un total de 156 eventos realizados en 2017, colocánodse en el 10º recinto del mundo con mayor actividad y 5º de Europa, según el ránking Top 200 World Arenas de la revista Pollstar. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

mondo_marzo_v5.pdf

1

21/2/18

11:25

Where music goes live! ¡Ya no hay excusas para quedarse en casa!

C

M

EL KANKA

FESTIVAL GIGANTE

RIBERA DEL SEGURA FESTIVAL

CICLO ESCENARIO ESLAVA

Gira “El arte de saltar”

30-1.09 Guadalajara

30.06 Cieza (Murcia)

Varias fechas | Madrid

ED IS DEAD

THE JUERGA’S ROCK FESTIVAL

CONEXIÓN VALLADOLID FESTIVAL

SOUND ISIDRO

Gira “#YL48H”

1-4.08 Adra (Almería)

15-16.06 Valladolid

Varias fechas | Madrid

DINERO

COOLTURAL FEST

ELCHE LIVE MUSIC FESTIVAL

ALTERNA FESTIVAL

9.03 Elche (Valencia)

17-19.08 Almería

7.04 Elche (Valencia)

5-8.07 El Bonillo (Albacete)

JIMMY BARNATÁN & THE COCOONERS

WAS

FESTARDOR 2018

MELONA FEST

“El Jefe Tour 2018”

13.04 Madrid

11-14.10 Valencia

4-8.04 Santiago de Compostela

ELYELLA DJS

MOBY DICK 26º ANIVERSARIO

BABYLON FESTIVAL

RAYDEN

10.03 Madrid

Varias fechas | Madrid

16.06 Cuenca

10.03 Palma de Mallorca

Y

CM

MY

CY

CMY

K

CARVIN JONES

RIVAS ROCK - V EDICIÓN

SONORAMA RIBERA

SEVILLA URBANO FESTIVAL

Gira “The big time souvenir”

12.05 Madrid

8-12.08 Aranda de Duero (Burgos)

4-5.05 Sevilla

KONSUMO RESPETO

SUEÑOS DE LIBERTAD

GUADALUPE PLATA

ROCK SIN SUBTÍTULOS

Gira “Los primeros días de la ley seca”

17-19.05 Ibiza

3.03 Valencia

Varias fechas | Londres y Dublín

TULSA 9.03 Córdoba

¿Aún no te has descargado la app? ¡Ya disponible en 19 países!

FESTIVAL ROCK ANDALUZ 7.04 Granada

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com

RETROVISOR.

Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondo web www.mondosonoro.com

Squirrel Nut Zippers

Origen: Chapel Hill (Carolina del Norte). 1993

J

usto cuando se cumplen veinticinco años de su formación, Squirrel Nut Zippers están a punto de editar un nuevo disco, Beasts Of Burgundy, el primero tras la que parecía su separación definitiva en 2010. Liderados por la magnética presencia y el savoir faire de Jimbo Mathus, el grupo fue englobado en los noventa en aquel movimiento llamado neo swing, en el que un montón de bandas se miraban en el espejo de las orquestas y los grupos anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Aunque como el propio Mathus nos aseguraba hace unos años “no estaba convencido de encajar totalmente con el resto de bandas del neo swing.

Sentía que nosotros teníamos algo más cercano a la música de raíces. También nos influían las jug bands, el blues del Delta, el klezmer o hasta el country, algo aparentemente bastante alejado del swing”.

Squirrel Nut Zippers nacen como un proyecto entre Jimbo y su entonces esposa Katharine Whalen, al que se unen Chris Phillips, Don Raleigh y Ken Mosher, en un primer momento, y Stacy Guess y Tom Maxwell después. Tras dos años de su creación, en 1995, publican su primer disco, The Inevitable al que sucederá un año más tarde Hot, con el que llegarán a ser certificados como disco de platino. Rápidamente son considerados parte del neo swing que llevó a primera plana a bandas como Royal Crown Revue, Big Bad Voodoo Daddy o Cherry Poppin’ Daddies. Su repercusión mediática fue tal que llegaron a actuar en la Ceremonia Inaugural de los Juegos Olímpicos de Atlanta, en el verano de 1996. En 1998, ya con el neo swing en clara recesión, llega su tercer disco, Perennial Favorites, que aguanta con dificultades la disminución de ventas.

Algo que ya no harán Christmas Caravan

#46 marzo 2018

(1998) y Bedlam Ballroom (2000). Su momento parece haber pasado y el grupo parece condenado a la desaparición. Una situación que tomará forma cuando a principios de la nueva década Whalen y Mathus rompen su relación y se divorcian. En apenas unas semanas el grupo se desintegra, Kat lanza su primer disco en solitario, Katharine Whalen’s Jazz Squad, y Jimbo inicia una interesantísima carrera solista.

Cuando nadie lo esperaba, y gracias a la mejora de la relación entre sus dos miembros principales, Squirrel Nut Zippers anuncian su retorno en 2007. Chris Phillips, Je Widenhouse, Stuart Cole y Will Dawson completan una banda que en los dos años siguientes girará de manera habitual por Estados Unidos y Canadá. Los conciertos darán lugar a un disco en directo, grabado en diciembre de 2008 en Brooklyn, que acabará publicado como Lost At The Sea. La banda aprovecha el momento para anunciar la grabación de un disco en estudio que nunca llegará a realizarse porque en 2010 deciden, de nuevo, separar sus caminos. El motivo de su nueva, y hasta ahora última reunión, es la celebración del veinte aniversario de la publicación de Hot en 2016. A la evidente gira conmemorativa se une el baterista original Chris Phillips, pero causa baja uno de sus miembros básicos: Katharine Wallen.

Algo que se repetirá en Beasts Of Burgundy, donde Mathus y Phillips son acompañados por un elenco inacabable de músicos que incluyen, entre muchos otros, a Dr. Sick, Cella Blue, Vanessa Niemann, Tamar A. Korn, Dave Boswell o Neilson Bernard III ¿Volverán a vender tres millones de discos como a finales de los noventa? Probablemente no, pero a buen seguro nos lo harán pasar muy bien. —eduardo izquierdo

IMPRESCINDIBLE Hot Hollywood/ PolyGram (1996)

No es solo que las doce canciones que integran el segundo disco de Squirrel Nut Zippers tengan una calidad fuera de toda duda, sino que además, entre ellas, encontramos un single tan apabullante como Hell. Cargado de humor casi adolescente, el álbum es un dechado de temas bailables que giran su mirada hacia cualquier estilo imaginable, para acabar dotando al grupo de una personalidad aplastante. Con los temas lentos como Twilight, Meant To Be y Blue Angel perfectamente intercalados para dar un respiro al oyente entre tanta vorágine, todo parece pensado al milímetro, aunque eso no repercuta en la sensación de frescura y fugacidad que transmite. La voz, entonces nítida de Jimbo Mathus, se combina a la perfección con el timbre sensual de Katharine Wallen, y tanto los vientos como la sección rítmica brillan a un nivel estratosférico. Por algo se hincharon a vender copias. —e.i.

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Edición I

Música electrónica y otras artes Campus de la UCM - Madrid 8 y 9 de junio 2018

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