MondoSonoro marzo 2019

e t n a r u D a n i l o Car z a r o v e Hambr

FOTO: SERGIO ALBERT

Nº 270 Marzo 2019 www.mondosonoro.com

FOALS, THE INTERRUPTERS, LADYTRON, SIDONIE, TREMENDA JAURÍA, OQUES GRASSES, DEMOSCÓPICAS BOB MOULD, BILLIE EILISH, GREEN DAY, LE BUTCHERETTES, THE JAPANESE HOUSE, DOWNTOWN BOYS

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Karl Blossfeldt ‘Wundergarten der Natur’, 1932

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a adicción "Me cabrea esta absurdas que tenemos a las nuevmanera tecnologías. En cierta n el mundo estoy decepcionado cocargando" porque nos lo estamos

Foals F A pares, mejor

Hay ganas de Foals, así que las expectativas se verán colmadas. Los de Oxford este año vuelven no con un disco, sino con dos. Everything Not Saved Will Be Lost (Warner, 19) le sirve a la banda para escupir toda su bilis contra estos oscuros tiempos que corren.

oals serán actualidad por partida doble este año. Los de Oxford vuelven tres años y medio después de What Went Down con un álbum dividido en dos partes que comparte título y temática. Tal como Yannis Philippakis, el líder de la banda, cuenta por teléfono, ambas entregas de Everything Not Saved Will Be Lost tienen “un color diferente, aunque son compatibles entre sí y también se pueden disfrutar individualmente”. ¿Qué les ha llevado a derrochar tal productividad? “Te mentiría si te dijese que era algo que tuviésemos claro desde el principio. Estuvimos trabajando en muchísima música pero en realidad, hasta que no nos dimos cuenta de que teníamos veinte temas acabados lo su-

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ficientemente buenos como para compartirlos con el mundo, no empezamos el debate acerca de si lanzar uno o dos álbumes. Secuenciar los temas, decidir qué canciones debían aparecer en la primera o en la segunda parte, fue uno de los mayores quebraderos de cabeza a los que nos enfrentamos.

En cuanto a las letras los dos tienen muchas similitudes. Sin embargo, las guitarras tendrán un mayor peso en la parte dos que podréis escuchar en otoño”, cuenta sobre sendos trabajos en los que, por primera vez, él mismo se ha encargado de la producción. “Edwin Congreave (el teclista del ahora cuarteto) me persuadió para que lo hiciera yo esta vez. Suena a tópico, pero la verdad es que ha sido un reto. Para nada me arrepiento de haberlo hecho”.

En esta ocasión han prescindi-

do del fervor por la primera toma con el que alimentaron su disco anterior para dejarse querer por una producción mucho más compleja. “Nos apetecía jugar con todos los sonidos posibles y presentar algo más rico, algo que, al escucharlo con unos buenos auriculares, te permitiese descubrir todo tipo de detalles que a lo mejor al principio te podrían haber pasado desapercibidos”. La marcha amistosa el pasado año de su bajista, Walter Gervers, no les ha supuesto ningún drama. En vez de sustituirlo por otro miembro, Philippakis y Congreave se han ocupado de llenar su vacío en el estudio. “En ningún momento nos planteamos fichar a otro músico para la grabación del disco porque somos como una familia y nos hubiese parecido algo muy raro. Hemos estado juntos

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MONDO FREAKO

LA MÍA Retorno a las cavernas

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durante muchos años. Tanto Edwin como yo sabemos tocar el bajo, por lo que decidimos encargarnos de ello. En la gira tendremos a un bajista que nos acompañará, pero no se le podrá considerar un Foals más”, contesta al respecto.

La primera parte de Everything Not Saved Will Be Lost cuenta con momentos como el infalible single de adelanto Exits, otros más experimentales como Café D’Athens que puede recordar vagamente a los Radiohead de Kid A (00) o un cierre al piano como I’m Done With The World (& It’s Done With Me) que deja con ganas de más. Le comento a Yannis que mi favorita es White Onions por su bravura y porque es algo así como un híbrido entre el math rock de sus inicios aderezado con guirnaldas psicodélicas. ¿Por cuál se decanta él? “Siempre es complicado escoger porque le tengo mucho cariño a todas las canciones. Coincido contigo en White Onions, porque en directo va a sonar brutal. Aunque si tengo que decirte una te diría Syrups porque es una de las más raras que jamás hemos grabado”, afirma.

Medio mundo está patas arriba y Foals no han querido obviarlo en su vuelta.

“El cambio climático, el maltrato a nuestros océanos o el consumo salvaje de plástico que no nos lleva a ningún lado son algunos de los temas que tratamos en estas nuevas canciones.

Es difícil quedarse sólo con una cosa porque la situación política deja muchísimo que desear.

También me cabrea esta absurda adicción que tenemos a las nuevas tecnologías. En cierta manera estoy decepcionado con el mundo porque nos lo estamos cargando y en cincuenta años, casi seguro, nuestros hijos vivirán en un planeta que no tendrá nada que ver con el de ahora. Como artistas tenemos que poner sobre la mesa estas cuestiones, crear un debate, porque si ponemos de nuestra parte, aunque sea en algo tan sencillo como renunciar al plástico, podemos cambiar las cosas. Sé que en el Reino Unido no es algo molón hablar de esto, pero debo ser honesto conmigo mismo en la música que hago”, confiesa. Y del Brexit, ¿tiene algo que objetar? “Tengo miedo a ser optimista por#6 marzo 2019

Foals en el Barclaycard Center de Madrid que seguro que me en enero de 2016. Foto llevaría otro chasco. de Alfredo Arias Si se planteara una nueva votación estoy seguro de que el resultado sería muy diferente. Muchísima gente se ha dado cuenta, aunque ya sea tarde, de las consecuencias de lo que votaron. Habrá que ver qué pasa”, apostilla. Por lo pronto, y de cara a la gira en la que se van a embarcar en los próximos meses, “Ahora mismo estoy cuidando mi voz lo máximo posible sin fumar ni beber porque sé que lo haré en exceso durante este año”. —sergio del amo

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EL APUNTE

La electrónica se abre paso La primera vez que tuve la oportunidad en 2014 de charlar con Philippakis, horas antes de su debut en el Primavera Sound, le pregunté por un remix que había firmado del Everything We Touch de Say Lou Lou. La remezcla era puramente electrónica y me comentó que por entonces escuchaba mucho a Underworld, Leftfield y Primal Scream. Pero no ha sido hasta ahora, años después, que Foals se han atrevido a firmar algo así. In Degrees va a ser la canción que más va a sorprender, para bien o para mal, a sus seguidores. O, al menos, así se lo transmito. “¿Tú crees? Pienso que tampoco va a ser para tanto. Aunque no lo parezca siempre he estado influenciado por la música de baile. Hacía tiempo que queríamos hacer algo así y este era el momento”. El veredicto de los fans no tardará en llegar. —s.d.a.

n un evidente avance del amarillismo en casi todos los aspectos de la esfera pública y, por supuesto, también en el terreno de la música, las noticias en las últimas semanas no se refieren, por ejemplo, al magnífico disco de James Blake (cuatro de cuatro), al regreso de Beth Gibbons para enfrentarse a la Tercera Sinfonía (76) de Górecki, al inminente primer álbum de ese fenómeno juvenil llamado Carolina Durante o al peligrosísimo salto mortal acometido por Juancho Marqués con su nuevo disco. Por supuesto que no. Las noticias que marcan la actualidad musical en estos días son dos. Por un lado, la oleada de denuncias que ha sufrido Ryan Adams a través de las redes sociales por parte de su ex esposa Mandy Moore, su ex prometida Megan Butterworth y artistas como Phoebe Bridgers y Courtney Jaye. Mientras las dos primeras han calificado a Adams de “controlador”, tanto en el aspecto profesional como desde un punto de vista sexual, las otras dos directamente le han señalado como acosador.

No consta que ninguna de ellas haya interpuesto una demanda por el comportamiento de Adams, con lo que una vez más nos encontramos ante un caso de juicio popular que muy probablemente supondrá su muerte pública antes de que un tribunal decrete o no su culpabilidad. Es cierto que la aparición de pruebas en el móvil de una adolescente de catorce años (aunque exclusivamente se trate de conversaciones y contactos a través de sus teléfonos celulares) no resulta precisamente halagüeña para el futuro del ex Whiskeytown. Pero, aun así, aun cuando esos indicios apuntan a la culpabilidad de Adams, en algún momento se debería poner coto a los juicios paralelos que a menudo confunden moralidad con verdaderas responsabilidades penales.

Obviamente sin repercusiones tan graves para su protagonista, el otro tema que ha ocupado espacio en casi todos los medios musicales en las últimas semanas ha sido el supuesto antigitanismo de Rosalía. Su crimen, salir en la gala de los Premios Goya interpretando un tema original de Los Chunguitos, Me quedo contigo, y hacerlo llevándoselo a su terreno, apoyándose musicalmente en el Cor Jove de l’Orfeó Catalá y su colaborador habitual, El Guincho. De poco ha servido que los autores del tema se hayan mostrado encantados no ya de que la estrella internacional se haya decidido a interpretarlo, sino también por la forma en que Rosalía ha dado nueva vida a la canción. La artista, cuyo principal pecado consiste en gozar de una popularidad desmedida que, a diferencia de tantos otros, se ha ganado exclusivamente por su trabajo y exposición artística, ya ha sido juzgada y condenada por la asociación Gitanas Feministas que ha encontrado su momento de gloria al hilo de la polémica. Llueve sobre mojado. Lo reaccionario cotiza alto a estas alturas del siglo XXI. —luis j. menéndez

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Bob Mould Sol brillando al final del túnel U

Emblema del mejor rock (alternativo o no) norteamericano, Bob Mould es leyenda por lo que hizo con Hüsker Dü en los ochenta y con Sugar en los noventa. Pero su carrera en solitario, que alcanza ya trece referencias de estudio, es sumamente consistente, con discos tan revitalizantes como Sunshine Rock (Merge/ Popstock!, 19), fruto de un periodo de renovado optimismo que el de Mineápolis ha afrontado desde su nueva residencia en Berlín.

n trabajo de melodías vibrantes y estribillos radiantes, aderezado con arreglos de cuerda, a la altura de los mejores de su trayecto en solitario.

Consecuencia, nos dice, de una estancia en la capital alemana que le ha hecho “emprender una nueva vida, tener nuevas experiencias y gozar de nuevas influencias”. De hecho, fue el tema titular el que marcó la pauta. “Cuando empecé a escribir tenía una visión más optimista

de mi vida, que se empezó a notar con Sunshine Rock, la primera canción que hice, con la que me dije: ‘¡Ah, esta es una buena dirección!’. Ese fue el inicio de todo”.

Los arreglos de cuerda que embellecen algunas canciones son la principal novedad en un argumentario tan sólido como poco dado a los cambios. “No lo escribí con las cuerdas en mente, pero luego pensé que sería buena idea porque realzan las melodías y

EL APUNTE le dan un empaque emocional distinto, que enlaza con ese optimismo”, afirma de un disco que supone una muy ligera vuelta de tuerca, “como si haces crecer una flor bonita, extraes algunas semillas y haces crecer otras que no van a ser exactamente iguales, pero sí se van a parecer bastante”. Al fin y al cabo, no le molesta que ya lo comparen con Copper Blue (92) de Sugar porque “fue un gran disco”, ni le inquieta que le tilden de inmovilista porque lleva una década grabando y girando con Jason Narducy y Jon Wurster, “quienes entienden mi lenguaje y la música que empleo”, y cree que “en pleno 2019, todo lo que podamos hacer para pasarlo bien es todo a lo que deberíamos aspirar”.

Más popular que nunca en aquellos alternativos noventa en los que Sugar eran omnipresentes, Bob Mould se rebeló años después con una canción, I Hate Alternative Rock, con la que quería mostrar que “el rock alternativo se había convertido en una pálida imitación de lo que en su momento fue una forma de arte”. Muestra de integridad que se suma a su condición de figura influyente sobre cientos de músicos posteriores, desde Nirvana a Cloud Nothings, pasando por Foo Fighters. A dos de ellos, Pixies y My Bloody Valentine, propinó sendos guiños en A Good Idea (92) y Gift (94): “Somos amigos, pero Surfer Rosa (88) sonaba a Hüsker Dü por los cuatro costados, e hice Gift específica y absolutamente emulando a My Bloody Valentine, más que ninguna otra cosa que haya hecho”. Diálogos de ida y vuelta, en definitiva, del rock independiente yanqui de más solera. —carlos pérez de ziriza

Seis discos esenciales para Bob Mould The Beatles Revolver (1966)

"Lo compré con seis o siete años y me fascinó. Luego, como ocurre con todas las bandas de éxito, su modelo fue copiado sin fin".

The Beatles Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band

(1967)

"Igual es un poco excesivo seleccionar dos álbumes de The Beatles de golpe, pero es lo que me sale ahora mismo.

Estaban en absoluto estado de gracia".

The Who The Who Sell Out (1967)

"Uno de los mejores álbumes conceptuales. Me gustan esa clase de discos.

Tiene inspiración mod, pero acercándose a la psicodelia".

Ramones Ramones (1976)

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"El disco que me enseñó que que no tenías que ir en aviones privados, ni meterte cocaína ni tener groupies para tener una banda. Cualquiera podía hacerlo".

Joy Division Unknown Pleasures (1979)

"Joy Division están entre mis diez bandas favoritas. Supongo que les pasaría lo mismo que a mí, que hacían canciones tristes sin plantearse si lo eran o no. Como algo natural, no intencionado".

My Bloody Valentine Loveless (1991)

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"Efectivamente, mi canción Gift fue un guiño absoluto al sonido de este álbum. Tengo incluso los pedales que Kevin Shields utilizó. Me los dió él mismo".

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marzo 2019 #7

MONDO FREAKO

Ladytron Quitando telarañas Sin hacer ruido, Ladytron han estado desarrollando su creatividad durante siete años de silencio. En realidad estaban preparando Ladytron (Ladytron Music/Popstock!, 19), su sexto larga duración.

“Oh sí, ahora todo es electroclash (risas). úsica Así es como suena la m pop en estos días”

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ras siete años de silencio, Ladytron regresan con un sexto disco homónimo, y resulta que la propia amplitud del periodo de inactividad ha influido en el resultado. “Los anteriores álbumes

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Bob Moses

Jimmy Vallance y Tom Howie son Bob Moses, un dúo de electronica con clase, que lleva más de un lustro girando por el mundo y publicando álbumes como Battle Lines (Domino/Music As Usual, 18). Aprovechamos su paso por nuestro país para entrevistar a Vallance sobre su carrera como Dj. #8 marzo 2019

uál es la relación entre vuestros Dj Sets y vuestros directos a día de hoy?

Hacemos un Club Set en el que pinchamos partes de nuestra propia música usando Ableton Live y con Tom cantando y tocando la guitarra encima. Solemos usar un noventa por ciento de canciones y remixes nuestros, así que es una forma divertida de enfrentarnos a nuestro material. En cuanto al directo, somos cuatro personas tocando las canciones como si fuésemos una banda de rock. De hecho hemos escrito transiciones para que funcione casi como una sesión, añadiendo también algo de improvisación para darle más energía al show. Nos encanta poder hacer ambas cosas y que todo se mantenga fresco cuando hemos hecho ya tantos conciertos.

—¿Hay muchas canciones entre vuestras favoritas que no podáis pinchar en una sesión o siempre acabáis encontrándoles un lugar?

Siempre encontramos un momento para nuestras cancione favoritas. A mí personalmente me encantan Prince y INXS, pero no puedes pincharles en un club lleno a las tres de la mañana. Bueno, puedes, aunque luego no sé si podrías ir mucho más allá. En todo caso, nos gusta también pinchar en fiestas en las que no hay ninguna presión y en las que puedes poner todo lo que te apetezca sabiendo que la gente se lo pasará bien

se escribieron en ciclos de dos o tres años y con mucha actividad en torno a giras. Este nuevo es la culminación de un tiempo mucho mayor. Necesitábamos la distancia que da el paso del tiempo para crear un álbum como

igualmente. Es muy agradable pinchar para cincuenta personas en la casa de alguien.

—¿Qué Dj os influyó más de cara a querer convertiros en artistas?

Lee Burridge ha sido una gran influencia para mí a la hora de pinchar. Él definió muchas cosas. He cambiado muchas cosas de las que hacía al pinchar con él y es muy bueno en lo que hace. Me siento muy afortunado por conocerle desde cumplí los diecinueve años de edad. Me invitaba a los clubs y aprendí mucho mirándole. Algunas personas tienen una suerte de toque mágico, y Lee es una de ellas. Por otro lado, siempre me ha gustado Ricardo Villalobos. Protagonizó la mejor y la peor sesión que he visto en mi vida. Es impredecible y eso es algo que me gusta mucho de él. Ojalá hubiera más gente que tomase los mismos riesgos que toma Villalobos.

—Tu padre, Jim Vallance, hizo un montón de clásicos del pop rock con artistas como Bryan Adams, Aerosmith o Tina Turner. ¿Qué opina de vuestra música? ¡Es fan nuestro! Recuerdo la primera vez que le pusimos Tearing Me Up y nos dijo: “¡Es un hit!”. Y creo que no se equivocaba (risas). Hace años, cuando yo hacía techno y trance, él no conectaba mucho, pero tan pronto como empezamos a hacer canciones, se apasionó con lo que hacíamos.—MS

éste. Nos dimos cuenta de que era necesario romper con la banda para explorar nuestros propios caminos individuales, y era el momento de lanzar un nuevo trabajo, inspirado y fortalecido por nuestro crecimiento como individuos”. Reuben Wu –teclista y miembro fundador de la banda– es el encargado de aclarar detalles acerca del lanzamiento, como por ejemplo los motivos de ese sonido más accesible y luminoso. “No diría que ha habido una decisión manifiesta de inclinarse hacia eso, pero tal vez a lo largo de los años haya habido un cambio natural en la dinámica y en este disco se vea más claramente”. Precisamente, en esencia el sonido de los actuales Ladytron no difiere demasiado del ofrecido a lo largo de toda su carrera, por lo que interesa conocer qué premisas debe cumplir obligatoriamente el repertorio de los británicos. “Siempre he equiparado la composición de un álbum con esa secuencia escena por escena de una película. Las canciones deben fluir juntas para lograr una historia significativa”.

La referencia cuenta con el generoso número de trece canciones, algo cada vez menos habitual en un consumidor que parece apostar por canciones sueltas en prejuicio de discos completos. “Así ha sido desde hace unos diez años, pero nosotros siempre hemos visto nuestra música en el marco de un álbum en lugar de una colección de éxitos. Y seguiremos haciéndo-

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TAN. cerca RREl próximo 30 de marzo se llevará a cabo en Ochoymedio (Sala But, Madrid) el WegowDay. A lo largo de la noche actuarán Los Punsetes, Soledad Vélez, Brigitte Laverne y Hickeys Dj Set. Los gastos de gestión se donarán a la asociación de Mujeres de la Industria de la Música (MIM).

RREl festival madrileño Tomavistas (24 y 25 mayo, Parque Enrique Tierno Galván), ha confirmado seis nuevos nombres para su quinto aniversario. Se trata de Toro y Moi, Morgan, Joe Crepúsculo, Cala Vento, Stonefield y Frankie And The Witch Fingers.

lo”. En cualquier caso, el seguidor del cuarteto encontrará este reencuentro plenamente satisfactorio, pero evaluemos con qué expectativas afronta el grupo la presente vuelta. “¡Sienta muy bien estar haciendo esto otra vez!

No hay ninguna expectativa más allá de poder crear otro álbum que nos encanta. Y si podemos hacer algunos grandes conciertos en todo el mundo, será otro añadido”. Otra ventaja que puede encontrar el combo, es el actual apogeo de cualquier tipo de pop electrónico, algo que el entrevistado admite con cierta sorna. “Oh sí, ahora todo es electroclash (risas). Así es como suena la música pop en estos días.

Pero simplemente seguimos haciendo la única música que sabemos”. Para la historia queda Witching Hour (05), el disco más celebrado de Ladytron.

“Estábamos más compenetrados que nunca. Fue un momento definitorio en el que nos convertimos en la banda que siempre quisimos ser. Aunque la mayor parte del tiempo me lo pasaba muy bien y los recuerdos puntuales se difuminan en una fiesta loca que duró diez años”. —raúl julián

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RRTras las confirmaciones de Noel Gallagher’s High Flying Birds, Two Door Cinema Club, Vetusta Morla, Amaia, Teenage Fanclub o Roosevelt, el festival Warm Up (3 y 4 mayo, La Fica, Murcia) suma 2manydjs, Novedades Carminha, A Giant Dog, David Van Bylen, Increíbles Ful, Tin Robots y Los Invaders.

RRGood Charlotte es el último gran nombre que se añade al cartel del Tsunami Xixón, del que también formarán parte The Offspring, NOFX, Danko Jones, Carolina Durante, Kaiser Chiefs o Berri Txarrak, entre muchos otros. Será el 2 y 3 de agosto.

RRSe han agotado ya todos los abonos de fin de semana para la próxima edición del Resurrection Fest, que se llevará a cabo en Viveiro del 3 al 6 de julio. Entre sus cabezas de cartel están Slipknot, Slayer, Gojira, o Parkway Drive o Within Temptation.

El turismo de festivales MondoSonoro en FITUR 2019 Del 23 al 27 de enero, MondoSonoro estuvo presente en FITUR Festivales con motivo del veinticinco aniversario, generando contenidos en directo en nuestro estand. Durante estas jornadas se realizaron entrevistas a diferentes personalidades de instituciones públicas y privadas de turismo que trabajan mano a mano con los festivales, motor principal de la experiencia turística y la proyección de la marca local.

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ada vez detectamos más gente que viene al destino Catalunya y en concreto a Barcelona, motivados por los festivales. Los festivales de música tienen algo que no ofrecen otras propuestas de viaje, hay mucho turista que gracias al festival conoce la ciudad”, remarca Damià Serrano de la Agencia Catalana de Turismo, para luego añadir: “Hay estudios relacionados con el impacto de un festival que el propio organizador encarga. Nosotros sabemos que el turista que viene por un festival tiene un gasto por encima de la media, una estancia más larga y una sensibilidad por la temática que promueve que otro tipo de industrias creativas vinculadas a los festivales intervengan en la experiencia turística”. En este aspecto coincide con Javier Cantos, Regidor de Turismo de Cullera, cuando afirma que “el impacto en la ciudad es del cien por cien de ocupación, creando más de 1.500 empleos directos e indirectos. Por eso el apoyo por parte del Ayuntamiento a festivales como el Medusa SunBeach Festival es total”.

Los festivales ayudan también al turismo de una ciudad a llegar a nuevos nichos de mercado, a acercarse a un público desconocedor del producto.

“Marcas tan potentes como Sónar y Doctor Music han conseguido penetrar en un mercado muy específico y en el que podemos estar detrás ofreciendo otras propuestas complementarias al festival para generar destino, que es lo que estamos buscando”, aporta Damià Serrano.

Las instituciones son muy conscientes

de ello y es por ello que están abiertas a colaborar con proyectos musicales que consideran beneficiosos para el territorio, siempre que coincidan con su actividad principal. Tal es el caso de la Ruta del Vino Ribera del Duero con el festival Sonorama Ribera: “Teniendo en cuenta que Sonorama Ribera en el origen se empieza a hacer en Aranda de Duero, no podía ser de otra manera que estuviese vinculado a la Ruta del Vino Ribera del Duero, ya que somos los encargados de promocionar ese territorio. Llevamos un par de años trabajando con ellos. En 2018 lo que hemos hecho es tematizar toda la zona del Sonorama Baby, que no es solo una zona de guardería, sino un festival para niños. De cara a este año estamos trabajando en hacer nuevas colaboraciones”, explica Virginia Villanueva, Gerente-Técnico de Turismo de Ruta del Vino Ribera del Duero.

A nivel internacional, también existe una fuerte conciencia del beneficio que reporta la industria musical a una ciudad. En la última jornada visitó el estand de MondoSonoro Ágata Witoslawska, Directora de la Oficina Nacional de Turismo de Polonia en España, para exponer la gran oferta de festivales y conciertos que se organizan durante todo el año en el país nórdico, desde plazas que se convierten en grandes escenarios durante las fechas de Navidad, a festivales de Jazz y de folclore en los Montes Tatra. —MS

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RREl Cooltural Fest –que se

celebra en Almería del 15 al 18 de agosto– desvela más novedades más que se suman a su cartel. Por un lado, a grupos como Vetusta Morla, Mis Caffeina o Viva Suecia se les agregan Los Manises, Siberia o los mexicanos Kill Aniston en la Ruta Gastromusical diurna, al tiempo que se anuncia una carpa de Dj’s con la participación de Ochoymedio y MondoSonoro Dj’s.

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RRLa Asociación de Promotores Musicales, APM, resume los últimos pasos y cifras sobre la música en directo en nuestro país en un anuario. Este año se publica el décimo y volverá a distribuirse entre asociados y centros de interés para profesionales. —MS

marzo 2019 #9

FOTO: LISA JOHNSON

The Interrupters Guerreros del skaT punk

"Tim Armstrong y Rancid son nuestras " principales influencias

Respaldados una vez más por Tim Armstrong, The Interrupters publicaban meses atrás Fight The Good Fight (Hellcat/[PIAS], 18), una de las mejores referencias recientes de la mezcla entre ska y punk. La cantante Aimme Interrupter y los hermanos Binova ponían por tercera vez en marcha la máquina de facturar hits.

Este verano podremos verles de nuevo en directo formando parte del cartel del Download madrileño.

Fight The Good Fight

Hellcat/[PIAS], 18 Ska punk 8/9

ocamos en España en 2016.

Recuerdo el concierto en Barcelona. Fue en una sala pequeña. Hacia mucho calor”. Fue concretamente en la sala Rocksound, le comento a Kevin Binova, guitarrista y principal impulso creativo de la banda californiana. Allí tocaban después de haberlo hecho la noche anterior en el festival Gasteiz Calling. “¡Sudamos la gota gorda! Nos encantaría volver. Vamos a estar en el Download de Madrid, a finales de junio (28, 29 y 30), pero no hay nada más programado. Pero la idea es volver a girar por salas pasado el verano”.

Sentencia antes de pedirme perdón por estar haciendo esta entrevista casi a media noche por culpa de la diferencia horaria entre Barcelona y la costa oeste norteamericana. “Eso sí, creo que ahí cenáis mucho más tarde que nosotros».

Le confirmo que sí, pero que no tanto.

Pero vaya, que no se preocupe, que estoy viviendo una experiencia nueva al estar haciendo mi primera entrevista en pijama. El tipo, que es extra majo, se parte.

Aimee Interrupter y los hermanos Binova: Kevin (guitarra), Justin (bajo) y Jesse (batería) formaron The Interrupters en 2011. Tres años más tarde editaron su primer disco, el homónimo y altamente vigorizante The Interrupters (14). Repetirían la jugada dos años después con Say It Loud (16). El pasado 2018 publicaron Fight The Good Fight, su tercer largo e, indudablemente, el mejor de la tríada (además de una de las mejores referencias punk de la anterior temporada). Compositores incontinentes, revela Kevin Binova que para este Fight The Good Fight escribieron más de cuarenta canciones. Obviamente se quedaron con las que más les gustaron.

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“Al final siempre te acabas guiando por las sensaciones. Hay algo, una especie de vibración que te dice que esa canción es mejor que esa otra. Luego hay una prueba infalible: si Aimee, Justin, Jesse, Tim y yo coincidimos en que una canción es buena, no hay duda alguna, es buena”.

Tim es Tim Armstrong, líder de Rancid que aquí, y como en sus dos discos anteriores, se ha encargado de la producción. “Para nosotros es un hermano. Es el quinto miembro del grupo. La relación con él es estupenda.

En el estudio puede ser muy objetivo pero al mismo tiempo es un hombre de banda. Con nosotros, más que como un productor, que también, se comporta como uno más del grupo”. Y

como ya sucediera también en sus dos anteriores discos, Tim Armstrong (en esta ocasión con el resto de miembros de Rancid) colabora en uno de los temas, esa ráfaga de street punk que es Got Each Other. “Fue genial tenerlos a todos. Como fan, un sueño hecho realidad”, admite entusiasmado. “Tim y Rancid son nuestras principales influencias. Crecimos devorando sus recopilatorios Give ‘Em The Boot y los discos de todas las bandas de Hellcat: Hepcat, The Aggrolites, The Slackers, Transplants, Lars Frederiksen & The Bastards...”. —oriol rodríguez

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el apunte

¡Qué vuelva el ska punk!

Sorprende la velocidad a la que algunos géneros han desaparecido de los focos de la atención mediática. Uno de ellas podría ser el ska punk, que supuso una bocanada de aire fresco durante los noventa y principios de los dos mil. La fusión entre los elementos más característicos del ska y la velocidad del punk rock se combinaban con todo tipo de intenciones, desde la fiereza a la accesibilidad pop. El caso es que los tiempos cambiaron y, al margen de las bandas más alternativas que ahí siguen dando guerra, pocos artistas consiguieron mantener la atención de los medios y de buena parte del

público. Pero, de un tiempo a esta parte, algunos nombres del ska punk anglosajón parecen tener claro que suya es la misión de reclamar su lugar en la actualidad nuevamente. Algunos se han reunido de nuevo, otros siguen batallando, desde Mad Caddies a Less Than Jake, Reel Big Fish y un largo etcétera (del que podrían formar parte también NoFx o Rancid, claro está). Lo veo complicado, más que nada porque aquí solo lo relacionamos con sonidos kalimotxeros, pero quién sabe: si el reggae y el dub han contagiado a las nuevas generaciones, ¿por qué no podría hacerlo el ska? —joan s. luna

marzo 2019 #11

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WALA. WALA.

“Al final se ha visto que Idles no pertenecen a la clase trabajadora. Eso me ofende, porque entonces eso me lleva a pensar que se están apropiando, hasta cierto nivel, de la voz de la clase obrera” Jason Williamson, de Sleaford Mods, en The Guardian

“La industria está más o menos fijada de un modo concreto y la gente empieza a estar aburrida de eso. Y creo que nosotros somos parte del cambio, así que la gente está excitada viéndonos como una especie de mensaje contra el aburrimiento” Joe Talbot de Idles, en NME.com

“¿Hasta cuándo van a seguir Sleaford Mods dándole vueltas a los sueldos de mierda y a los kebabs?

Solamente son dos y no tienen ni ¡backline!”

Fat White Family en NME.com

“Tim Armstrong no es odiado, Billie Joe no es odiado, Greg Graffin no es odiado, Al Barr no es odiado, pero yo sí. Es porque soy punk rock y digo lo que me sale de los cojones” (Fat Mike, de NOFX, en Rockzone.com)

“Sería imposible que fuera de derechas. No he votado a la derecha nunca, porque la derecha en España no es un partido liberal, laico. Sigue ligado a determinadas ideas religiosas...”

(Alaska en Chester, en Cuatro Televisión)

#12 marzo 2019

Tremenda Jauría Autogestión

“El mainstream ha generado cosas nuevasido” vaciándolas de conten

El colectivo de kumbiatón combativo y feminista Tremenda Jauría lanza su nuevo EP, IV (Mauka/Gran Sol, 19), después de más de cuatro años sobre los escenarios. Y no podemos perder la oportunidad de charlar de nuevo sobre su momento actual.

H

a sido la evolución desde el primer impulso vital de sacar algo, de dar un salto al vacío sin imaginar en qué iba a desembocar todo esto, y el resultado de estar de gira sumando experiencias y peña, mejorando en las grabaciones y afinando y afilando un poco más el discurso”. Como banda autogestionada, no obedecen a unos procesos de “producción”, lo que les ha dado libertad a la hora de sacar nuevo material. “Es una idea que nos mola para trabajar, el ir sacando trabajos más cortos, pero con más frecuencia, y que tiene más que ver con lo que nos va surgiendo”. En este sentido, con el movimiento Do It Yourself por bandera, reivindican la necesidad de renovación de la etiqueta “punk” con la que se identifican.

“A nivel de concepto, lo que hacemos es bastante punk. Parece que el punk se ha estancado mucho con el punk-rock, pero el punk no tiene por qué ser eso. Esa esencia, ese mensaje que trajo el punk, tiene que evolucionar. Y nosotras entendemos que, a día de hoy, no hay nada más punk que decir: Yo en mi casa cojo, me pongo auto-tune y puedo grabar y cantar las letras que me dé la gana diciendo lo que me dé la gana”.

Más allá de las letras, el sonido de Tremenda Jauría comparte aspectos con los de otras músicas urbanas en auge y que cuentan tanto con seguidores como con detractores. “El trap es de lo poco novedoso que ha dado la música últimamente, por eso ha irrumpido con tanta

fuerza. También es un discurso de peña bastante joven que cala en otra bastante joven. Otras músicas vienen de gente más mayor haciendo rock.

Por eso también hay ese rechazo, porque es algo que la gente viejuna ya no controla”. Aunque el adelanto del EP, Akelarre, insta al empoderamiento femenino, la banda condena la falsa ilusión de progreso que se da en el mundo de la música.

“Los feminismos lo están petando, están funcionando. Pero lo que se muestra tiene que ver poco con las dinámicas internas que sigue habiendo gracias a las tías que nos lo peleamos porque, si no, nadie movería nada. Ahora hay puntos violetas en casi todos los festis. Hay un esfuerzo como ‘obligado’ de programar a bandas de mujeres o con mujeres, pero creo que es obligado, como una pistola en la sien”. Se muestran, además, contrarias a la difusión del reguetón con discurso feminista a través de los medios masivos y escépticas ante el potencial acceso del underground al mainstream sin que pueda ser absorbido por este.

“Hace cinco años, cuando empezamos con Tremenda Jauría, no había mucho de todo esto. Pero la realidad es que ahora, en vez de haberle dado voz a las cosas que ya había, el mainstream ha generado cosas nuevas vaciándolas un poco de contenido. Con todos mis respetos, pero cuando sacan lo de Lo Malo, hay quienes ‘se suben’ a ese carro. En vez de haber escuchado qué era lo que había y darle voz a lo que ya existía en el underground, lo hacen al revés, lo sacan desde arriba, controlándolo. Quieren un mensaje concreto”.

—ángela álvarez marcos

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Love Of Lesbian. IZAL. La Pegatina.

Miss Caffeina. Rozalén. Xoel López.

C. Tangana. La Casa Azul. Fuel Fandango.

Second. Carolina Durante. Artista Sorpresa.

Triángulo de Amor Bizarro. Varry Brava. Morgan.

Shinova. Los Punsetes. Jacobo Serra.

Auténticos Decadentes. The Parrots. EUT. Cala Vento. La Plata. La Sonrisa de Julia.

Tu Otra Bonita. Ramon Mirabet. Los Vinagres.

Las Chillers. The Crab Apples. Bazzookas.

Zea Mays. Badlands. Monterrosa. Nerabe. Bocho.

Ochoymedio DJs. Ville Rowland. Señoras Que. DJ Plan B. Rocío Saiz DJ. DJ Monka. Ninhodelosrecaos DJ. Rocket DJ. Hal 9000. Soak DJ.

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Demoscópica Un año más, un año especial

Estamos orgullosos de presentar una vez más nuestra gran Fiesta Demoscópica MondoSonoro , que se celebrará en Madrid (Teatro Barceló, 14 marzo) con el respaldo de Lenovo.

Cariño

El amor no les funcionó cuando dos de ellas se conocieron por Tinder, pero sí el Cariño. El trío con base en Madrid se ha convertido en una de las revelaciones del curso musical gracias a Movidas (Elefant, 18), reivindicando el tontipop por la vía de la sororidad.

A

(#LenovoDemoscópica)

#14 marzo 2019

FOTO: SHARON LÓPEZ

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erá una ocasión excelente para invitar de nuevo a nuestros lectoras y lectores a disfrutar con nosotros de algunos de los grupos jóvenes que mejor nos lo están haciendo pasar durante estos últimos meses.

Será una noche muy especial por coincidir además con las celebraciones de nuestros veinticinco años como publicación, con lo que sobran los motivos para que la diversión esté garantizada. Si el año pasado pudimos ver en concierto a North State, Jump To The Moon, La Plata, Maria Arnal i Marcel Bagés y, como invitados especiales, Vetusta Morla, este mes tendremos como protagonistas absolutos a María José Llergo, Cariño, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba y, obviamente, un grupo sorpresa del que no desvelaremos nada hasta pocas horas antes de la fiesta.

En todo caso, os recordamos que el aforo está limitado a la capacidad de la sala y que puedes descargarte tu entrada en nuestra web.

menos de tres meses de que viera la luz su primer mini, Movidas, hablamos con Cariño antes de que se echasen a la carretera y que las viésemos formar parte de los carteles de algunos de los festivales más importantes del país, como el FIB, el Primavera Sound o el Low Festival, entre otros. Y en la fiesta Demoscópica de MondoSonoro, claro.

—Hay dos conceptos que, da igual la crítica o reseña que lea, siempre aparecen: amor y cinismo. ¿Diríais que estáis más cerca de uno que de otro? ¿De ninguno? ¿Es un equilibrio entre ambos?

Estamos a medias, depende de la canción. Hay canciones más cínicas o irónicas como Mierda seca y hay canciones bastante más serias, que rodean el desamor abordado desde un punto más profundo del que de primeras pudiera parecer, como La bajona, que, aunque no esté en el disco muy pronto saldrá en todas las plataformas digitales.

—Al hablar de referentes, se recurre a artistas y proyectos que van desde Vainica Doble a Le Mans, Juniper Moon, Nancy Sinatra o La Bien Querida, entre otros. ¿Existe eso que algunos/as denominan “sororidad pop”?

Sí, sobre todo entre los nuevos grupos que van saliendo, porque entendemos que pasarán por una situación semejante a la nuestra, aunque cada vez haya más iniciativas para evitar esto. Existe un vínculo especial con grupos de chicas, en nuestro caso pasa con Melenas, Hickeys, Las Ligas Menores, etcétera, porque sabes que están sometidas a críticas semejantes; parece que tenemos que demostrar un valor añadido por ser tías. Muchas personas nos ponen en duda constante, sobre todo cuando nació el grupo, como si una chica no fuera capaz por sí misma de hacer algo. —alan queipo

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as

María José Llergo Nadie había conseguido tanto con tan poco. Pero tampoco antes se había despachado tal arrojo con un par de temas publicados; la exquisita colaboración con Juancho Marqués, Quema, y la muy celebrada –propia– Niña de las dunas. María José Llergo y su flamenco independiente están en boca de todos. Con motivo.

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba Viajes y saltos de tapias. Carruseles emocionales con efluvios oníricos y ensayos a cuarenta y cinco grados de temperatura en el agradable verano hispalense. Todo ello se respira en Derby Motoreta’s Burrito Kachimba (El Segell/Universal, 19), un debut que ya están presentando por el país.

A

golpe de navaja, con esta contundencia han aparecido Derby Motoreta’s Burrito Kachimba en el panorama musical nacional. Una formación digna de asomar en bandas sonoras de películas como Navajeros (80) o The Warriors (79). Pensando en ellos como si Triana se diesen un paseo por el Bronx o Stu Mackenzie (King Gizzard) fuese a comerse un serranito a Pino Montano para darle una vuelta al rock andaluz. “Cuando nos comparan con Triana o Smash se nos cae la baba porque están dentro de nuestro Olimpo personal de Dioses de la Música. Igualmente, cuando nos enmarcan en una renovación del género se nos hincha un poquito el pecho, la verdad, pero no es un camino trazado con intencionalidad. Nosotros nos hemos limitado a llenar una olla y hacer un buen potaje”. Un potaje en el que la tradición andaluza junto a la psicodelia rockera atemporal sazona una receta propia, la “kinkidelia”, un concepto que va desde lo estético hasta lo musical, y que baña por completo un homónimo debut discográfico, breve pero intenso, que acaban

de publicar de la mano de El Segell. “Para nosotros lo ‘kinki’ es una metáfora de la existencia, es sacarle la navajilla a la vida y quitarle los oros antes de que ella te los quite a ti”. Quizás esa cercanía y autenticidad, además de los valores musicales, sea parte de un éxito que aumenta –convenciendo a medios y público para convertirlos en una de las revelaciones del 2018– y ha hecho, por ejemplo, que el sold out deje a mucha gente fuera de su presentación en casa. “Nos sentimos muy privilegiados por el apoyo, la verdad. Es un placer trabajar con gente que le pone tanto cariño a las cosas. En cuanto a lo de grupo revelación es cierto que el feedback con la gente cada vez está siendo mayor y esperamos que en la gira presentación de nuestro primer álbum se llenen las salas, como ha pasado en Sevilla, porque traemos zurrapa de la güena y las navajillas recién afilás”. Así, desde el sur vuelven a poner las cartas sobre la mesa, con la creatividad omnipresente, pero en base a nuevas propuestas que solamente necesitan visibilidad. “Lo interesante no es que se hable de rock andaluz, lo interesante es que la gente mire para el sur y vea que aquí están pasando cosas. Sevilla, por hablar de una escena que conocemos, ahora mismo es un hervidero de propuestas interesantísimas y de altísima calidad. La ciudad vive un momento de explosión artística, eso es lo verdaderamente interesante”.

—rojas arquelladas

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FOTO: ARCHIVO

FOTO: MANEL GARCÍA

N

o se le pueden poner puertas al mar, dicen. Ni cepos a una voz, y menos si es un torrente del calado de María José Llergo, que con apenas un par de temas publicados ha embelesado hasta al más despistado. Ya se sabe que para entender cualquier trayectoria, por corta que sea, hay que mirar su estela. Y en el caso de la cordobesa, esta es humilde. La cantante sobrepasa por los pelos la veintena pero tiene claros dos pilares en su vida: independencia y compromiso.

La cantante de Pozoblanco no tiene multi detrás, ni management, ni grandes medios económicos. Dejó su pueblo para estudiar flamenco en la ESMUC (Barcelona) con una beca.

Lo que ha conseguido hasta ahora ha sido en base al esfuerzo y si no ha salido más material es porque no ha habido más recursos. Niña de las dunas, su carta de presentación, se grabó en su pueblo con ayuda de muchos de sus vecinos. Y sobresalió. “No contaba con nada de esto. Se suponía que no me iban a pasar estas cosas, asumiendo mi precariedad. Estoy muy sorprendida”, confiesa. “Espero poder sacar un disco, pero me gustaría hacerlo de una forma concreta: con un proyecto sostenible, para poder pagarle bien a los músicos. Sin tantas incertidumbres. Yo ya tengo material para un EP, pero pienso a lo grande. Prefiero ir despacio”. De momento, hacia la primavera habrá nuevo single, Me miras pero no me ves, donde –asegura– explora otras sonoridades junto a Carlos Rivera Pinto. “Lo veo como una catarsis. La atmósfera de las texturas electrónicas no las encuentro en los instrumentos acústicos. Es como cuando canto en el portal de mi casa y se mezclan todas las voces y al final parecen un solo sonido”, explica, ilusionada.

Los medios económicos no han sido el único motivo por el que no hemos escuchado mucho más de Llergo. Pasar unos minutos con ella es entender algo: nada tiene de posmoderna ni de pose. El respeto al flamenco, al cante, bebe de las enseñanzas de su abuelo, a quien escuchaba entonar mientras labraba la tierra. “Es más importante tener algo que decir que decir algo constantemente. Si pierdes la esencia de lo que eres te atas a algo más mercantil que artístico”. —yeray s. iborra

marzo 2019 #15

Los porqués del éxito de Billie Eilish

(con diecisiete años y sin álbum) Agotó en un día las entradas para su primer concierto en España y ya ha anunciado que repetirá en nuestro país el 2 y 3 de septiembre. Está confirmada en Coachella y sus temas cuentan con millones de reproducciones.

Sin sobrepasar la mayoría de edad y sin disco. ¿Qué ha hecho de Billie Eilish el nuevo fenómeno del pop lúgubre?

E

n las carreras artísticas, como en el amor, al parecer la edad no importa. Y en 2019 –en plena era del streaming– mucho menos cuenta eso de tener o no un disco publicado.

Pero los hay que se pasan de la raya, que estiran al extremo estas normas de la contemporaneidad. Con sólo diecisiete años y sin disco en el mercado, Billie Eilish (Los Ángeles, 2001) es la nueva reina del pop lúgubre, oscurísimo.

El 29 de marzo se publica su esperado largo de debut (When We All Fall Asleep, Where Do We Go?) pero las reproducciones de sus temas hace mucho que superaron el billón en Spotify y la publicación británica NME la ha citado como su next big thing. Para muestra, es una de las voces pujantes del cartel de Coachella y, por poner un ejemplo más cercano que confirma su postulado al reinado del pop global, en Barcelona ya ha tenido que mudar su cita –prevista para marzo– a un escenario mayor.

La [2] de Apolo se quedó corta a la velocidad del rayo. También para el Sant Jordi Club se agotaron los tickets en un solo día. #16 marzo 2019

La californiana además ofrecerá dos fechas más –acabadas de anunciar– en nuestro país: el lunes 2 de septiembre repetirá en la capital catalana (Poble Espanyol) y el martes 3 de septiembre debutará en Madrid, en el WiZink Center.

Pero, ¿qué hace que esta jovencísima estadounidense tenga encandilada a la audiencia de medio mundo? Enumeramos unas cuantas canciones de su corta carrera para acercarnos a este fenómeno viral; el equilibrio perfecto entre temas emo y fantásticos, variados en lo estilístico y pasos industriales firmes. Toda una diva pop adolescente del siglo XXI.

1

Ocean Eyes

Saltándose todos los récords de precocidad, allá por 2015, cuando Billie Eilish sólo contaba con trece primaveras, cantó a medio mundo Ocean Eyes, compuesta por su hermano (Finneas O’Connell, FINNEAS, en principio para su banda The Slightlys). La soltó en Soundcloud y el tema voló. Piel de melocotón, suave y delicada, y voz de vidrio. Al poco tiempo, la acabaría fichando la multi Darkroom/Interscope, con la que reeditó la canción: más corpulenta, cercana al pop de Lorde.

2

Bellyache

Eilish ha calado en la generación postmillennial. Lo ha hecho en base a un imaginario que se aleja de lo esperable por una joven que todavía no ha llegado a la edad legal de beber pero que viene de un entorno cultural privilegiado (sus padres se dedican al cine y la música).

Tiene canciones de rebeldía contra los adultos, de amoríos. Claro. Pero también muchas otras que la emparentan más con el mundo de la fantasía que con una teen de pataleta (ella cita a Avril Lavigne como una de sus referentes). Para muestra, el ejercicio de estilo Bellyache, donde se introduce en la mente de un psicópata. Electropop de altos vuelos, la canción acabaría siendo el primer adelanto de su EP, Don’t Smile At Me (17), hasta ahora lo más largo que hemos conocido de la cantante.

3

Copycat

Aunque corto, el EP ya mostraba la versatilidad de Eilish. Y su voluntad de revuelta creativa en el pop masivo. Los tracks no son todo lo accesibles que se pueden esperar de alguien que debe arrastrar millones de fans. Tal vez la respuesta está en la forma como se elaboran los temas: ella y su hermano, un PC y una habitación. El movimiento bedroom aplicado a las masas.

El disco, que transita de nuevo espacios poco frecuentes para alguien tan joven (al menos en las formas), cuenta además con la colaboración de Vince Staples en la conclusiva &burn. Las colaboraciones han sido punto de inflexión en la carrera de Eilish. Y de quién no, hoy día.

4

Lovely

La californiana sumó fuerzas en Lovely junto a otro cantante pujante, Khalid. La canción, per se un himno, desconcertante y emocionante a partes iguales, supuso el impulso definitivo

para que su nombre acabara de encajar en todas las quinielas. Mucha culpa de ello lo tuvo su inclusión en la banda sonora de Por trece razones (13 Reasons Why, 17), en su segunda temporada. La serie de Netflix fue una de las sensaciones de la parrilla de la plataforma de streaming aquel año y parte de la culpa la tenía su banda sonora. Antes, Eilish ya había colado Bored en la famosa serie.

5

You Should See Me In A Crown

Para que sus adeptos no se despistaran, después de la sutil balada para la banda sonora de 13 Reasons Why vendría el abrasivo You Should See Me In A Crown. Espadas y cuchillos, como los que rechinan en la apertura del hit, de una electrónica de nuevo agresiva, esta vez más cercana al espíritu de Yung Lean que a la elegancia vocal de Lana del Rey, con la que también se la ha comparado.

6

Come Out And Play

Antes de su último tema, Bury A Friend, antesala ya de lo que será When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, la joven destapó en 2018 dos de los temas más brillantes de su cortísima carrera. Por un lado, When The Party’s Over, base desnudísima y voz en primer plano, para el lucimiento y la conmoción. Por el otro, Come Out And Play, también tranquilo, en acústico, y que recorrió –de nuevo– todo Internet.

Era otra jugada maestra: la canción formó parte de una campaña navideña de promoción de Apple.

7

When I Was Older

“Conmovedora”. Esa fue la descripción que el director Alfonso Cuarón utilizó en un tuit para describir “When I Was Older”, tema de la californiana de este mismo año. Eilish afirmó que se inspiró la película Roma (18) para crearla. Una muestra más que la cantante se mueve bien en terrenos que no tienen porqué ser el suyo: el visto bueno de Cuarón da buena cuenta de las muchas pieles que la joven puede vestir sin desentonar. When I Was Older, electrónica downtempo escurridiza.

8

Bury A Friend

Producción también de FINNEAS, su hermanísimo de veintiún años, pero esta vez de pop fantasmagórico, base musculosa y una imagen, una vez más, de película de terror, un género que la cantante adora (incómodo es hasta su Instagram).

Bury A Friend es lo último que conocemos de Eilish hasta la fecha. Una muestra de por dónde pueden ir los tiros en su nuevo When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, que verá la luz el próximo 29 de marzo de este año. Aunque –como ya ha avanzado– serán catorce temas, y con la californiana nunca se sabe.—yeray s. iborra

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KOSMOPOLIS

Los relatos que mueven el mundo

CCCB 20–24 marzo 2019

La fiesta de la literatura amplificada

Yo

literatura Performances / Conciertos / Recitales / Poetry slam / Lecturas dramatizadas / Estrenos cinematográficos/ Jocelyn Pook Ensemble / Blixa Bargeld / Josep Pedrals / Taller Estampa / Adriana Bertrán / Rakaya Fetuga / Margalida Followthelida / Comikk MG / Lisette Ma Neza…

CCCB / Montalegre 5 - 08001 Barcelona / kosmopolis.cccb.org / @kosmopolisCCCB #kosmopolis #k19

FOTO: ARCHIVO

El conjuro de las tres P's

“

FOTO: ARCHIVO

Los Estanques

No son un grupo como los demás y su sonido vuela libremente por el universo para materializarse en canciones como las de Los Estanques (The John Colby Sect/ Inbophonic Records, 19), su tercer larga duración.

L

a marca de la casa de Los Estanques sigue funcionando a pleno rendimiento en el tercer largo de la banda liderada por Iñigo Bregel, una suerte de Zappa millenial a la española que dirige su grupo con mano dura, pero también con cariño y sobre todo mucho talento y creatividad.

“La grabación ha sido bastante parecida a la de los discos anteriores, pero en este disco han participado más todos”, explica con satisfacción. “Aunque la mayoría lo sigo haciendo yo por cuestiones de trabajo, el guitarrista sobre todo ha currado mucho esta vez. Hay un tema grabado por todos los miembros del grupo, y en esta ocasión, uno no lo canto yo sino Conti, el batería. Hemos seguido la misma línea de grabación, pero con más participación. La idea es que algún día grabemos todo un disco entero juntos”.

Pop, progresivo y psicodélico es el mantra que han venido repitiendo desde que dejaron atrás su anterior proyecto, Crayolaser, y el que parece estar consolidando su nombre dentro no sólo de la escena retro, sino de la independiente en general, gracias a una flexibilidad estilística cada vez mayor dentro de los límites de esas tres P's. “Queremos jugar a la sorpresa, por eso el disco da unos bandazos de energía muy grandes, empezando como unos chavales a los que se les ha ido la olla con el progresivo, para después meter el rock farlopero y calimochero, luego un poco de pop, psicodelia, algo más jazzy... sorprendiendo al oyente siempre”, explica Iñigo, que no puede evitar descojonarse de risa cuando ve que uno de los temas (Desde ahora hasta el final) recibe comparaciones con La Casa Azul.

“Yo les conocía por el bombazo aquel de La revolución sexual, pero no acababa de ponerles cara. Al escucharlo dije: ‘Manda huevos’ (risas). Ellos son más noventeros, más dosmileros, y lo nuestro es más sesentero”. —nacho serrano

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#18 marzo 2019

“No nos importa demasiado lo que diga la prensa”

White Lies Estribillos Algunos discos nos marcan por una serie de razones sonoras, pero también por el momento en el que resuenan en nuestras vidas. El debut de White Lies es en cierta medida uno de ellos, pues recogió los frutos comerciales sembrados por Glasvegas, Editors o Interpol para una nueva generación. Ahora regresan con Five (LLP/ [PIAS], 19), un quinto disco que apuesta por estribillos pegadizos y la fe reinstaurada en sí mismos.

A

noche estuve hablando con mi novia sobre el balance que hacía del 2018 y si te soy sincero, odio todo eso: las Navidades, el frío que hace…”, quien responde al otro lado del teléfono es Charles Cave, bajista y letrista de White Lies. “Estuve lleno de dudas, pensaba: ‘¿Tengo algo que aportar? ¿Qué podría hacer si se acaba el grupo?'”, añade el músico. Pero lejos de separarse, White Lies acaban de publicar su quinto disco, titulado Five, en el que esas dudas quedan reflejadas en forma de nostalgia melodramática auspiciada por la voz de Harry McVeigh, así como una apuesta por esos estribillos que tanto fueron coreados durante su debut. “Quizá es porque cumpliré treinta años y es como si tuviera algo que demostrar, seguramente parte de eso habrá impregnado el disco”, confiesa Cave. Lo de ser intensitos no es algo nuevo; la primera vez que nos sentamos con ellos nos hablaron de la muerte, de sentir cierto hastío por la vida y eso que no habían ni cumplido los veintidós años.

Tras autoproducirse su anterior trabajo Friends (16), vuelven a apostar por el trío formado por el ingeniero James Brown (Arctic Monkeys, Foo Fighters), el productor Ed Buller y Alan Moulder en la mezcla (Nine Inch Nails, The Killers) para las nueve canciones que componen Five. “Si dijera que este es el mejor disco que hemos hecho me entraría el pánico -asegura el bajista-, aunque sí que es mi favorito. Y contiene la canción más ambiciosa que hemos escrito,

Time To Give, que está sonando en la radio, a pesar de sus siete minutos”, explica Cave.

Empoderados por la reacción de los fans en las redes sociales tras el goteo de singles, White Lies parecen haber recobrado la fe en si mismos. “Todo lo que tenemos que hacer es escribir buenos temas, no importa si tardamos en hacerlo. Tenemos que escribir canciones de White Lies”. Aunque ciertos sectores de la crítica y del público no opinen lo mismo. “No quiero ser maleducado, pero no nos importa demasiado lo que diga la prensa. Hace unos años un joven periodista, que ahora es un pez gordo en la industria, escribió sobre los mejores discos de la historia y puso cuatro discos de The National entre los diez primeros. ¡Menudo idiota! Estás hablando de toda la historia de la música y pones cuatro discos de una misma banda. ¿Qué integridad tienes? Cuando ves cosas así, piensas ‘bien, me da lo mismo’. La industria musical en el Reino Unido está atravesando un momento raro. Puedes juzgar un país por su relación con la música y aquí es jodidamente mala. Hay mucha paranoia, no se apoya la creación, las salas se caen a trozos y dan asco… necesitamos un gobierno que se tome en serio la cultura”, sentencia el músico.

Pese a no gustarle eso de hacer balance, tras una década como White Lies (previamente conocidos como Fear Of Flying) Charles Cave atribuye su rápido éxito a una base de fans leales. “Alcanzamos el éxito de golpe, pero nunca colamos un single en las listas de éxito. Aunque el futuro es positivo porque tenemos tiempo de hacer lo que bandas como R.E.M, The National o Elbow han hecho, esperar a alcanzar el éxito mainstream con el quinto o sexto disco”.

—marta terrasa

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“ FOTO: XEVI ABRIL

“Nos gusta el cambio igual que en la vida”

Oques Grasses Un Buen Día Fans del sol (Halley, 19) es pura energía y optimismo. A lo largo de su minutaje, los catalanes Oques Grasses experimentan con su sonido y vuelven a redondear un disco que se disfruta de principio a final.

sensación de que más. Nos gusta el cambio igual que en la vida: estar en el mismo sitio haciendo la misma cosa no acaba de tener sentido tampoco”.

No tienen restricciones en el aspecto creativo, y eso también les permite evolucionar, crecer y madurar. El público también ha recibido muy bien los videoclips de In The Night y Torno a ser jo. Josep Montero se fue con David Victori y un equipo de profesionales a Los Angeles a rodar los dos cortomeesde que Oques Grasses acabaron la gira trajes al más puro estilo Hollywood. “Fue una de las anterior en noviembre de 2017 se hizo el siapuestas más grandes que se ha hecho en el grupo lencio en sus redes sociales. “Teníamos ganas hasta ahora y estamos contentísimos con el resultade poder de alguna manera aislarnos un poco do”. El nuevo directo de los osonenses también será de todo esto, de lo que fue el sidral que se montó en una apuesta fuerte, porque “tocar con bases, con los primeros cinco años, de toda esta presión de las claqueta… Nunca lo habíamos hecho. Es un reto”. redes”. Gracias a esta tranquilidad han dedicado todo Por lo tanto han tenido que dedicar mucho tiempo 2018 a grabar el disco en Beverly, Muntanyola, donde a diseñar la nueva dinámica de los conciertos. “Creo han convivido los siete como si fuese un campamento que este será un directo bastante potente”. Antes de de verano. El proceso de edición del disco ha sido poder disfrutar de ellos en nuestro país, donde de como en los anteriores. “Nos lo hemos grabado, nos momento tienen unas cuantas fechas anunciadas lo hemos producido, nos lo hemos mezclado y lo (Telecogresca, Curtcircuït, Canet Rock), llevarán el llevamos a masterizar a Sterling Sound, que es un directo de Fans del sol a Francia, Reino Unido, Bélgisitio de Estados Unidos que mola mucho y nos lo han ca e Italia, donde ya han actuado en otras ocasiones hecho muy bien”, asegura Guillem Realp. Lo que ha y han establecido contactos. “Está bien investigar cambiado en Fans del sol es la sonoridad del disco, y descubrir, de hecho ya hemos ido producto de “las influencias de cada muchos años fuera y la acogida ha uno, lo que ha ido escuchando últimasido muy buena, pero este año nos lo mente, que ha resultado en esto”. De planteamos diferente: para aprender ahí que encontremos un par de cancioy rodar el directo, para cuando llenes más latinas, otras más electrónicas guemos aquí estar ya rodadísimos a y pop, y otras que suenan más como l Pamplona tope”. las anteriores, más cercanas al reggae 29 de marzo. Sala Totem y el ska, además de la colaboración de —laura cánovas l Barcelona Lildami y Zoo en Més Likes.

6 de abril. La Telecogresca r Están muy contentos con la l Mataró acogida del público, que les ha comenMás en www.mondosonoro.com 17 de mayo. Sala Clap tado que notan un sonido diferente l Manresa pero que la esencia sigue siendo la 25 de mayo. Sala Stroika misma. “De alguna manera me ha gusl Vic tado que haya habido esta percepción.

8 de junio. Sala La Cabra Hemos ido modernizando el estilo de l Canet de Mar cada disco y hemos ido probando cosas 6 de julio. Canet Rock nuevas siempre, pero con este daba la

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en concierto

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marzo 2019 #19

MARZO Y ABRIL 2019 CASTILLA LA MANCHA Y MADRID CASTILLA LA MANCHA PÍCARO, TOLEDO 29/03/2019 EVA RYJLEN

THE ROSE YUNCLER, YUNCLER (TOLEDO) 9/03/2019 GATOPERRO

MADRID

GALICIA, ASTURIAS, EUSKADI, CASTILLA LEÓN Y LA RIOJA

FENDER CLUB 22/03/2019 ELKANO BROWNING CREAM CLAMORES 29/03/2019 SARA PI 28/04/2019 GERMÁN LÓPEZ

GALICIA

EL NÁUTICO, PONTEVEDRA 23/03/2019 THE CRAB APPLES

ANDALUCÍA, CANARIAS, EXTREMADURA Y MURCIA ANDALUCÍA

PLANTA BAJA, GRANADA 19/04/2019 DA SOUZA

PELÍCANO, CÁDIZ 13/04/2019 HERMANOS CUBERO FUN CLUB, SEVILLA 02/03/2019 JUANITA BANANA 20/04/2019 DA SOUZA

PALO PALO, MARINALEDA (SEVILLA) 13/04/2019 LA FURIA EL TREN, GRANADA 12/04/2019 LA FURIA

BOOGACLUB, GRANADA 26/04/2019 THE CRAB APPLES

ASTURIAS

LA SALVAJE, OVIEDO 22/03/2019 EVA RYJLEN

CANARIAS

LONE STAR, TENERIFE 29/03/2019 LA FURIA

EUSKADI

STAGE LIVE, BILBAO 21/03/2019 LA FURIA

EXTREMADURA

IMPACTO, PLASENCIA (CÁCERES) 14/03/2019 JOAQUÍN PARDINILLA

DOKA, SAN SEBASTIÁN 15/03/2019 THE CRAB APPLES COTTON CLUB, BILBAO 22/03/2019 THE CRAB APPLES

CASTILLA LEÓN

CAFÉ T. AVALON GREEN, SORIA 21/03/2019 ELKANO BROWNING CREAM 25/04/2019 GERMÁN LÓPEZ

ARAGÓN

LA BÓVEDA DEL ALBERGUE, ZARAGOZA 16/03/2019 EKIZA 23/03/2019 ELKANO BROWNING CREAM 30/03/2019 SARA PI 06/04/2019 GATOPERRO

MURCIA

LA YESERÍA, MURCIA 29/03/2019 EKIZA

LA CALLE, SEVILLA 25/04/2019 THE CRAB APPLES

LÓPEZ, ZARAGOZA 22/03/2019 LA FURIA

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

CAFÉ AVALON, ZAMORA 14/03/2019 MAUI

LA LATA DE BOMBILLAS, ZARAGOZA 27/04/2019 ESTROGENUINAS

STROIKA, MANRESA (BARCELONA) 23/03/2019 LA FURIA

CATALUÑA

CAFÉ DEL TEATRE, LLEIDA 24/03/2019 ELKANO BROWING CREAM

JAZZ CAVA, VIC (BARCELONA) 30/03/2019 THE CRAB APPLES 31/03/2019 EKIZA 05/04/2019 DA SOUZA SIDECAR, BARCELONA 26/04/2019 ESTROGENUINAS CONTINENTAL, BARCELONA 16/03/2019 JUMP TO THE MOON

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MONDOSONORO_Mar-abr2019_234x144,5.indd 1

COMUNIDAD VALENCIANA OCTUBRE, VALENCIA 01/03/2019 EVA RYJLEN 30/03/2019 EKIZA

16 TONELADAS, VALENCIA 13/03/2019 LA FURIA

19/2/19 11:21

VILLA EDIZIOA / EDICIÓN

DE

CAFÉ ALQUITARA, BÉJAR (SALAMANCA) 15/03/2019 JOAQUÍN PARDINILLA

ARAGÓN, CATALUÑA Y COMUNIDAD VALENCIANA

ESPACIO BELLEARTES, CÁCERES 13/04/2019 MAUI

BILBAO CONCURSO POP-ROCK LEHIAKETA

EL GRAN CAFÉ, LEÓN 14/03/2019 THE CRAB APPLES

INSCRIPCIONES DEL 1 DE ABRIL AL 5 DE MAYO

POP ROCK

METAL

URBAN

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Siete70 Omnipresentes

Siete70 es la suma de diversas personalidades con sobradas referencias. La estupidez (Subterfuge, 19) reúne once canciones en las que desarrollan las que son y serán sus principales señas de identidad.

E

stamos a las puertas del concierto de Pussy Riot en Madrid. Es aquí donde hemos quedado con tres de los miembros de Siete70 para hablar sobre La estupidez, su primer álbum, y lo que se siente al empezar de cero una nueva etapa tras tantos años de carrera a sus espaldas. Pero todo tiene un sentido. Joanra Planell (ex bajista de Love Of Lesbian) y Jordi Montero (La Bien Querida, Maga) forman parte del equipo encargado de la gira del colectivo ruso en España. Entre un cierto caos de llamadas telefónicas y a media hora de que empiece el concierto nos citan para hablar de este nuevo proyecto, el que es sin duda una apuesta en firme para el futuro.

“Si finalmente tenemos que volcarnos al cien por cien con Siete70 no hará falta que le dediquemos tiempo a otras giras, o artistas, como ahora. Y lo digo desde el cariño”, comenta Jordi sobre la agenda laboral que arrastran. “La omnipresencia va a ser una definición perfecta para nuestro modo de vida”. Junto a ellos, está Javier Castellano (Layabouts) que incorpora sus guitarras a la conversación y entra en el debate de la búsqueda de un nuevo sonido (el cuarto miembro de la banda lo firma Juanma Padilla, que no se puede acercar a hablar con nosotros). “Buscaban un vena más cañera y recurrieron a mí. El álbum refleja una especie de hastío que destila mala baba aunque no estemos haciendo punk”.

Según la propia banda, La estupidez encajaría dentro de un “rock comedido” o un “pop enfadado”. Como si fuera una especie de “mantequilla llena de cuchillas de afeitar”. Para volcarse en este proyecto dejan atrás grupos ya consolidados, pero son conscientes de que pueden llegar a compartir el mismo tipo de público. “Desde el punto de vista comercial mola que les gustemos a los adolescentes.

Las letras son perfectamente asequibles, ellos tienen mucha vida por delante todavía. Porque si todo nuestro público es de nuestra edad… ”. —álex jerez

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Le Butcherettes Asaltar el mundo

ópez "Con Omar Rodríguez-L. todo era más visceral todo Intentábamos grabar en una o dos tomas"

Le Butcherettes vuelven a lo grande con bi/MENTAL (Rise Records, 19), un disco producido nada menos que por Jerry Harrison (Talking Heads) y con invitados como Jello Biafra o Mon Laferte. Debían dar un paso adelante, y lo han dado. Para redondear podrás verles en concierto el 13 de julio en el festival madrileño Mad Cool.

E

s un buen momento para Teri Gender Bender (cuyo nombre real es Teresa Suárez Cosío) y sus compañeros de banda. Me sugiere encontrarnos en un restaurante de Echo Park.

A lo largo de una comida bastante frugal, hablamos sobre el nuevo disco, sobre la tumultuosa relación con su madre y sobre la forma en la que su pasado ha influido en lo que son ahora mismo Le Butcherettes.

Conversar con ella es una experiencia maravillosa. Es una persona humilde, artística y encantadoramente humana que destila energía durante toda la charla.

Ella y sus compañeros están listos para tomar el mundo por asalto.

—Tenéis una carrera impecable hasta ahora y esta vez, además, os produce Jerry Harrison (Talking Heads) en lugar de Omar (Rodriguez-Lopez, The Mars Volta), que se encargó de los discos anteriores. ¿Qué ha supuesto ese cambio?

Había llegado el momento de explorar otros caminos.

Al mismo tiempo, Omar se estaba metiendo en el mundo del cine y estaba experimentando con otro tipo de sonoridades, así que pensé en Jerry. Desde que he sido una chiquilla he amado los grupos de los que ha formado parte, su trabajo en solitario y las producciones que ha hecho para grupos muy diversos. Cuando empecé a enviar señales al universo y decidí mover demos de las canciones, pensé rápidamente en Jerry.

Un amigo de un amigo de otro amigo que le conocía le preguntó si nos conocía. Le dijo que a la cantante del

grupo le encantaría que nos produjera y contestó “Sí, por supuesto”.

—¿Trabaja muy distinto de Omar?

Con Omar todo era más visceral. Intentábamos grabar todo en una o dos tomas, mientras que Jerry viene de un punto de partida más intelectual. Prefiere hacer tantas como sea posible y después construir la canción desde los cimientos […]. Creo tiene mucho de cultural. Con Omar la pregunta era “¿Cómo te hace sentir esto?”. Mientras que Jerry era capaz de pasarse dos días trabajando en el puente de una canción.

—Me gustaría hablarte sobre una de las nuevas canciones. Strong/ENOUGH suena como un himno para las mujeres duras. ¿En qué pensabas cuando la escribiste?

Cuando la escribí tenía en la cabeza el conflicto entre mi madre y yo. Tenemos una relación realmente enfermiza, piensa que somos dos latinas picantes.

Siempre se dedica a tirarme en cara las cosas que hago en la vida. Y esta fue una de las primeras veces en las que me planté frente a ella y dije “Este abuso se acaba ahora mismo”.

—Usáis mucha imaginería que invoca sentimientos concretos, así que quiero preguntarte por la portada del disco. ¿Se supone que eres algo así como una mujer azteca del año 3000?

Básicamente se inspira en mis raíces y en las de la banda. Tiene que ver con que mi madre sea chichimeca, así que realmente quería transmitir algo así. Había visto una foto suya de cuando era una niña, vestida con su ropa tribal, y se la veía muy dura. Fue algo muy inspirador para mí. Siempre ha sido como una vergüenza familiar, al menos por la parte de mi padre, así que nunca tuve la oportunidad de conectar con ella mientras estaba creciendo. De ahí el maquillaje.

—rogelio orozco

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marzo 2019 #21

EN PORTADA

Carolin Pasémoslo de puta madre Durant Algunas veces un grupo consigue ser tendencia, acaparar miradas durante un tiempo, colar algún hit que trascienda el circuito… pero luego se diluye. Lo que pasa menos, o casi nunca, es lo de Carolina Durante, un grupo que ha superado ya la categoría de banda revelación y lo hará todavía más gracias a su primer álbum, Carolina Durante (Sonido Muchacho/Universal, 19).

"Seguro que hay mogollón de peña rajando de nosotros y pensando cosas la mar de terribles"

#22 marzo 2019

L

a irrupción de los madrileños Carolina Durante en el circuito hace algo más de un año fue un verdadero revulsivo.

Pero han superado el concepto de “banda revelación” o aquello del “grupo que está en boca de todos”: no inventan la receta de la Coca-Cola, pero ni falta que les hace. Con tan solo ocho canciones repartidas en dos epés y dos singles, la banda ha conseguido colarse en prácticamente todos los festivales; aniquilar a golpe de sold out algunas de las salas más importantes de todo el país; recibir el elogio de los reyes del indie, pero también de las nuevas figuras mainstream; convertirse en un paradigma de la trascendencia del rock de guitarras en la era del karaoke urbano; y que su eco resuene como un escapulario, un catalizador, una banda llamada a liderar una nueva generación de grupos de rock. “Esto pasa una vez cada cien años”, me dice Juan sentado con su vaper en una mesa del bar Los Claveles, entre Malasaña y Conde Duque, exagerando el fenómeno, entre las carcajadas de sus compañeros, en una de las pocas frases que el batería de Carolina Durante dirá durante la entrevista. Luego rectifica: “Bueno, quizás cada tres o cinco”. Ni tanto ni tan calvo, pero el inminente debut en largo de la banda confirma el estatus de grupo grande en tiempo récord. “No me voy a quejar, porque va bien la cosa, y todo lo que ha venido, bienvenido sea. Pero sí que es cierto que si las cosas hubieran ido más despacio podríamos haber disfrutado más del proceso. A veces abruma todo un poco”, confiesa Mario del Valle, guitarrista de la banda, al que se suma Diego Ibáñez, el carismático vocalista del grupo. “Si antes de tener el grupo, alguien me dijese lo que iba a ocurrir, lo hubiera visto como algo alucinante. Y ahora, desde dentro, no lo vivo del todo así: no ha sido progresivo”, asegura, reflexionando sobre la letra de Joder, no sé, una de

—texto Alan Queipo —foto Sergio Albert las mejores canciones del disco, en la que escribe: “No tengo treinta años /Y ya estoy casi roto/Apenas siento algo/Tal vez me sienta solo”.

Como sea, el largo homónimo Carolina Durante mantiene a la banda subiendo a la azotea de un rascacielos del que ni ellos saben cuál será su último piso, y que no tiene pinta que vaya a descender en los próximos meses. “Seguramente otro grupo se hubiese puesto a intentar componer durante dos o tres meses, encerrarse en un sitio, tener las cosas más controladas. A nosotros se nos vino el tiempo encima y lo hemos hecho en dos semanas”, comenta Diego. “El crecimiento del grupo ha hecho que aumente la responsabilidad, tiempo y ganas.

Pero el funcionamiento interno sigue siendo un poco anárquico y primitivo, muy impulsivo todo”, asegura el bajista, Martín Vallhonrat.

“No hemos trabajado en ningún momento de una manera muy intensa, pero hemos sido súper constantes siempre: nunca hemos dejado de lado el grupo”, completa Diego. Eso les ha valido que, más allá de que el disco sea un repertorio de hits inapelables, desde fuera se tiene la impresión de que se les exige más bien que sea un álbum-bandera.

“Si tuviésemos expectativas de que el disco sea una ‘bandera generacional’ la hostia sería segura. Las letras hablan de cosas que vivimos en el día a día. Que luego eso tenga la universalidad como para que la gente lo escuche y se sienta reflejada en ello a nivel generacional puede pasar o no, pero no es nuestro objetivo”, dicen.

En las diez canciones que forman parte del disco, Carolina Durante mantienen sus marcas de agua más reconocibles y cierta mecánica de producción (lo han grabado nuevamente con Bernardo Calvo y producido entre la banda y él), pero han delegado las mezclas a Martin Glover ‘Youth’, icónico fundador de Killing Joke, ex compañero de Paul McCartney en The Fireman y productor de algunos de los discs más icónicos de The Cult, The Verve, Marilyn Manson o The Futureheads, entre otros. “Al final, seguimos manejando las mismas referencias de siempre, pero creo que hay una manera más abierta de afrontar el sonido, influencias de bandas como New Order, por ejemplo”, asegura Martín. ¿Y las críticas que dicen que la banda replica demasiado un modelo de canción? “Si en algo me mojo a la hora de decir algo guay del grupo, es en decir que tenemos canciones muy diferentes; y creo que eso es una de las grandes fortalezas de Carolina Durante. Seguro que quien escuche este disco no escuchará la misma mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

na te

canción todo el rato. Y es algo que sí me pasa cuando escucho otros grupos, que son un puto coñazo y son presos de sí mismos, y encima, con suerte, tienen una canción buena, si la tienen. A nosotros no nos pasa eso”, dispara Diego. Solo se ponen una pega, que están puliendo: “Hay alguna canción que se parece más a los Hombres G de lo que nos gustaría. Pero sonamos más oscuretes. Intentamos ser macarras sin serlo”, confiesan. Macarras o no, del mismo modo que le lanzaban beefs a Taburete o Morat en Cayetano a la hora de retratar al pijo del siglo XXI, en Nuevas formas de hacer el ridículo hacen un nuevo retrato sociológico: el del ligón por Instagram, con una evidente pulla que dirigen en la canción a Mikel Izal, a quien hace unos meses se acusó de abusar de las redes sociales para ligar. Entre risas y jugando al despiste, también se mojan. “Seguro que Taburete encajan mejor la crítica que Izal”. Sea cierto o no, está claro que les pone agitar un poco del avispero del circuito. “Seguro que hay mogollón de peña rajando de nosotros y pensando cosas la mar de terribles”, dice Diego, a lo que contesta Juan: “Sí, pero luego bien que vienen a darte el abracito”. Sin embargo, aunque confiesan que es evidente que pueden llegar a generar envidias, sí sienten el respeto del circuito. “Las Hinds nos decían que a nosotros se nos respeta más: ellas muchas veces han llegado a sitios y notaban cómo se hacían comentarios por lo bajo y bromas sobre su banda. Nosotros no hemos sentido nunca ningún mal gesto hacia nosotros: más bien al contrario”.

Lo que sí han sentido es la chapa de artistas y personalidades de la industria que les ha intentado dar lecciones, algo que vuelcan en Buenos consejos, peores personas, una de sus nuevas canciones. “Nos han dado chapas sobre la pureza del underground, y dónde no tienes que llegar para que cierta parte del circuito te siga teniendo respeto. Te ponen la vara y te dicen: ‘Hasta aquí molas, pero si la superas te voy a dejar de escuchar’. Y eso no mola nada”, comenta Martín. Sobre todo, sabiendo que la expansión que está teniendo el proyecto quizás Lo que no acaban de encajar del todo bien de sus coqueteos con el los lleva a espacios cada vez mainstream es su paseíllo por la prensa rosa de hace unos meses a mayores, e incluso a sonar en cuenta de una supuesta relación de Diego Ibáñez con Amaia Romero. radios comerciales, algo que “Me jode que posiblemente haya habido mucha gente a la que lo primeno les molestaría en absoluto. ro que le llegó de Carolina Durante haya sido por la prensa rosa. Y lo que “Aunque no creo que pase”, me jode es que éramos un grupo que no necesitábamos de eso, porque dice Diego. Y completa: “Si en ya íbamos para arriba”, confiesa Diego, que juega al despiste cuando le algún momento llegamos a preguntamos por la letra de Un año. “Yo soy un romántico”, dice entre alcanzar una masividad marisas. “Me jode escribir tanto sobre amor y desamor porque es un tema yor, nos gustaría hacer crecer muy manido en el pop y a veces me esfuerzo en hacer algo que se salga cosas que nos gustan mucho un poco de esa temática; pero, a veces, la estoy haciendo, como en Nuey que nos gustaría que tuvievas formas de hacer el ridículo y, de repente, sale la figura de la chica”. sen mayor reconocimiento: Románticos o no, lo que está claro es que Carolina Durante han sido uno sea con Marcelo Criminal o de los nombres propios del 2018 y 2019 pinta aún mejor para una banda con mil casos más”. —a.q. destinada a seguir creciendo. “Nos conformamos con que todo siga yen-

Mainstream: ser o no ser

do igual de bien que hasta ahora. Y si no, nos lo hemos pasado de puta madre: el segundo disco será mejor”. Y chimpún.—a.q.

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marzo 2019 #23

04.07

HOT CHIP · JOSÉ GONZÁLEZ SLEAFORD MODS·FAT WHITE FAMILY EL MATO A UN POLICÍA MOTORIZADO· JULIA JACKLIN EL PETIT DE CAL ERIL·CALA VENTO·PAU VALLVÉ·ALONDRA BENTLEY DERBY MOTORETA’S BURRITO KACHIMBA·INVISIBLE HARVEY·ARIES KIDS FROM MARS·ESPALDAMACETA

05.07

BEIRUT· SHARON VAN ETTEN KEVIN MORBY

SOLO SHOW

·TEMPLES·SUPERCHUNK

MARLON WILLIAMS· DIDIRRI· WESTERMAN HIDROGENESSE· FONTAINES D.C.· JOAN COLOMO· MAVICA· YAWNERS EGOSEX· CARLA· HONOLULU

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MONDO FREAKO

Los Discos de mi Vida

Noches del Botánico

El nuevo SanSan. Así consideran desde el festival su próxima edición, en la que buscan dar un salto de calidad manteniendo las fechas -del 18 al 20 de abril, abriendo la temporada de festivales- y la ubicación en Benicàssim. En el cartel de este año hay varios grandes nombres del indie estatal como Love of Lesbian o Izal, pero también nuevos valores como Carolina Durante y La Plata, mestizaje y música festiva, como la de La Pegatina y Los Auténticos Decadentes, o un C. Tangana que abre la puerta al rap y la música urbana. Recientemente han anunciado tres nuevos nombres para la carpa de DJ’s, Ochoymedio Djs, Señoras Qué y Ville Rowland, así como un artista sorpresa para uno de los escenarios principales. —MS www.sansanfestival.com

Tim Kingsbury (Arcade Fire)

HOT CHIP FOTO: ARCHIVO

Bajista, guitarra y teclista de Arcade Fire, segón convenga, Tim Kingsbury es uno de esos músicos que siente muy dentro la música, por eso nuestro redactor Xavi Sánchez Pons se citó con él para charlar sobre sus discos favoritos.

Michael Jackson Thriller (1982)

Neil Young Live Rust (1979)

Pavement Slanted And Enchanted (1992)

Mi primera elección estaría entre Super Trouper (80) de ABBA y Thriller de Michael Jackson. Venga, elegiré el segundo. Mi hermano lo compró en 1982, cuando yo tenía cinco años. Su producción es alucinante y es un álbum al que siempre vuelvo.

Lo compré cuando tenía catorce años. Era en cassette, y me lo pillé justo cuando empezaba a tocar la guitarra. Escuchar la guitarra rugosa de Hey Hey, My My (Into The Black) fue como descubrir un mundo nuevo para mí. Creo que consiguió ese sonido al tocar con distorsión en un circuito de corriente corto.

Lo descubrí gracias a mis amigos del instituto. La primera vez que lo escuché pensé: “¿Quién diablos son esta gente y qué hacen?”. Eran muy de la broma y a la vez muy cool. Es uno de los discos que me cambió la vida de adolescente.

El Jardín Botánico de la Universidad Complutense de Madrid acogerá por cuarto año consecutivo el ciclo Noches del Botánico, que esta vez se desarrollará del 20 de junio al 31 de julio . El primer avance de la programación sigue la misma línea de años anteriores, con variedad estilística y muchos grandes nombres del circuito internacional. Del jazz de George Benson, Chick Corea o Snarky Puppy -con Masego como telonero- a la música celta de The Chieftains, Carlos Nuñez o Loreena Mckennitt, pasando por The Roots, Milton Nascimento, Madness, Roger Hodgson, Ben Harper, Orishas, Keane, el proyecto sinfónico de Jane Birkin o la Supersonic Blues Band con Billy Gibbons y Joe Louis Walker. También habrá hueco para el indie y el pop estatal de la mano de Los Planetas, Russian Red, Iván Ferreiro o Zahara. —MS www.nochesdelbotanico.com

TOTE KING FOTO: archivo

SanSan Festival

Donostia Festibala VIDA Festival El VIDA Festival ha presentado el cartel completo de su sexta edición, que tendrá lugar del 4 al 6 de julio en Vilanova i la Geltrú. Y como siempre, es un cartel que solo podría firmar el VIDA. Hot Chip, Beirut, José González, Sharon Van Etten, Madness y The Charlatans son los principales reclamos, pero cabe destacar también la apuesta por promesas como Stella Donnely o Didirri, en el plano internacional, y Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Kids From Mars, Carolina Durante o Cariño en el estatal. Y ojo a la zona media, que va de la marching band de electrónica Meute a Sleaford Mods pasando por Nacho Vegas, Fat White Family, Cala Vento, Temples o Superchunk. —MS www.vidafestival.com #26 marzo 2019

Wu-Tang Clan Enter The Wu-Tang (1993) Lo escuché hace pocas semanas y lo suelo hacer al menos una vez cada seis meses.

Cuando salió yo tenía unos diecisiete años y aluciné. La producción, el sonido… Es un disco violento y perturbador, pero creativamente muy interesante.

Gillian Welch Time (The Revelator) (2001)

Kendrick Lamar To Pimp A Butterfly (2015)

Me encanta. Ella es increíble. Hace unos cinco años fui con mi mujer a uno de sus conciertos y los dos acabamos llorando. Las canciones de este disco son agradables y preciosas.

Suenan simples pero están orquestadas de manera bellísima. El guitarrista que la acompaña, David Rawlings, es un genio.

Me gusta muchísimo.

Es un disco que me recordó lo que me pasaba en el instituto con la música; me refiero a no poder parar de escucharlo, a obsesionarme con él.

La banda que le acompaña, la producción…

Un disco creado de forma hermosa. —MS

El Donostia Festibala ha completado su cartel con casi una veintena de incorporaciones. Continuando con la estela marcada en la anterior edición, el rap y la música urbana vuelve a liderar un cartel ecléctico donde también hay espacio para otros sonidos más clásicos y/o minoritarios. La última tanda la encabezan dos sevillanos, Beret y ToteKing, junto al tinerfeño Maikel Delacalle –que no para de encadenar hits– y el barcelonés Carlos Sadness. Ms Nina, IRA, Joseba Irazoki eta Lagunak, La Plata, Melenas, El Negro, Nerabe, Rukula, Antifaz, Kaskezur y los sets de Budin DJ, Makala DJ, P3Z DJ, Dabadaba DJs b2b Atraco Negrata, Brava y Atodamadre completan la lista. El festival tendrá lugar los días 13 y 14 de septiembre en el Hipódromo donostiarra. —MS www.donostiafestibala.com

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MONDO FREAKO

The Japanese House La tristeza es bella The Japanese House enarbola su coralizado bedroom pop en Good At Falling (Dirty Hit/Music As Usual, 19), estilizado álbum debut con el que Amber Bain promete situarse en el albor de un nuevo estatus como artista de culto internacional.

RYAN ADAMS FOTO: NOAH ABRAMS

RRVarias mujeres, entre ellas artistas

como Phoebe Bridgers, Mandy Moore o Courtney Jaye, han acusado a Ryan Adams de acoso sexual y de abuso psicológico, mientras que una fan ha declarado también que mantuvo conversaciones y videollamadas de carácter sexual cuando ella tenía 15 años. A raíz de ello ha sido vetado de la radio y se ha cancelado el lanzamiento de su próximo álbum, Big Colors, previsto para abril. Él ha negado las acusaciones.

RRJoe Lally y Brendan Canty no han

necesitado más que una sola frase para provocar un huracán mediático:

Miss Caffeina Menos es más

RRPete Doherty ha anunciado por

fin nuevo disco, el primero que graba con su actual banda: Pete Doherty & The Puta Madres. Llevan año y medio rodando las nuevas canciones por Europa, pero no será hasta el 26 de abril cuando publiquen el álbum homónimo.

El próximo 28 de marzo, Miss Caffeina presentarán por primera vez en directo las canciones de su nuevo largo Oh Long Johnson (Hook, 19), un trabajo en el que Alberto, Sergio y Alfonso dan lo mejor de si mismos.

M

FOTO: archivo

#28 marzo 2019

“Nunca puedes decir nunca a nada”.

Así respondían cuando se les preguntaba por una posible reunión de Fugazi, grupo del que formaron parte como bajista y batería respectivamente. En 2003 el proyecto entró en un parón indefinido -no una disolución, ojo- que se mantiene hasta el día de hoy.

iss Caffeina presentarán Oh Long Johnson en una gira que se inicia el 28 de marzo en Bilbao, algo que ven menos arriesgado que empezar a lo grande en Madrid (“Zahara sí lo ha hecho, pero porque está como una cabra”, me dicen). Durante la entrevista hay tiempo para otra música, pero sobre todo para la suya.

Porque estamos ante el que quizás su mejor disco, y tiene mucha tela que cortar. En una entrevista televisada a finales de lo noventa, el propio Bowie comentaba que aún no habíamos visto

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er, “Soy muy fan de Bon Ivndo sobre todo de su segu disco. Lo he reventado a escuchas. Así que la al” experiencia fue especi

ambos el rústico e icónico paraje en el que colaboraban. “Soy muy fan de Bon Iver, sobre todo de su segundo disco.

Lo he reventado a escuchas. Así que la experiencia fue especial. Fue algo curioso eso de bañarse en la bañera de Justin Vernon”. Aunque no se concibiese esencialmente allí, parte de esa esencia tan presurizadamente “boniveriana” ha quedado impresa de una u otra manera en alguno de los temas de su debut. Concreta y especialmente en uno de los pilares del compacto: somethingfartoogoodtofeel. Un corte de sentida doble lectura surgida a partir de un inesperado azote del destino.

“Compuse esa canción y solo una hora después de grabarla descubrí que un amigo acababa de fallecer. I Saw You In A Dream va también sobre esa persona. No puedo evitar relacionarlas con esa figura pese a no haberse inspirado en ella”.

Pese a grabarse una parte en Bruselas, Good At Falling fue finiquitado en el Reino Unido junto a

Letras lánguidas arropadas por una jovial instrumentalización de color azul turquesa. Esto es lo representado de nuevo en un álbum que, a diferencia de los cuatro primeros EP’s de The Japanese House, se produjo codo con codo con una figura que no era George Daniel, batería de The 1975 e íntimo amigo de Bain. “En la primera fase de la grabación de Good At Falling trabajé con BJ Burton en un estudio de Bon Iver en Wisconsin”, nos desvela la artista. “Inicialmente una parte de mí no quería ir. No lo conocía y sabía que tenía que pasar dos largos meses con él. Pero al final todo fue bien”. Obviamente también ayudó a generar un buen feeling entre

RR21 Savage ha conseguido salir

la punta del iceberg de lo que Internet iba a hacerle a la sociedad, ante un atónito presentador (“una vez más fue un visionario”, dice Alberto) y precisamente esos cambios vertebran gran parte de un disco que debe su nombre a uno de los primeros vídeos virales de Internet. “No es conceptual, en plan el último de The 1975”, aclara Sergio, “pero sí tratamos la cantidad de atención que nos están robando las pantallas y su impacto en todos los ámbitos de la vida”. En cuanto al estilo, es probablemente su disco más electrónico hasta el momento, sin miedo a citar influencias pop actuales (desde Lorde a Dua Lipa) y queriendo apostar por el “menos es más”. “Aquí hemos querido poner la voz de Alberto donde tiene que estar, que parece que si la pones bajita eres indie y si la pones alta eres Amaia Montero”. De nuevo, han contado con Max Dingel, del que les ha flipado “su gran capacidad para plantear una estética sonora para el álbum”, quien se trajo a su colega Larion Stolk

libre bajo fianza una semana y media después de su atención por el ICE (US Immigration & Customs Enforcement), que le acusa de estar ilegalmente en el país y podría llegar a deportarle al Reino Unido.

La noticia ha sido una sorpresa mayúscula para toda la industria, básicamente, porque nadie tenía constancia -ni remotamente- de que fuera ciudadano británico, ya que toda su carrera artística y su imagen pública han estado siempre asociadas estrechamente a Atlanta.

Curiosamente la detención llegaba poco después de que 21 Savage

de “Tratamos la cantidadn atención que nos estás y robando las pantalla s su impacto en todos lo ámbitos de la vida” para la producción de voces, lo que resulta en un protagonismo de los coros mayor que en trabajos anteriores.

Ya en las primeras escuchas, llaman la atención canciones como Prende, que surge de una mezcla entre sueños de Sergio, colores y un (sexual) film de Wong kar-Wai, dando uno de los temas más inmediatos del álbum. “Sergio ha escrito la letra más pop que tenemos en nuestra discografía... ¡y recuerdo que al principio era yo era el culpable de traer canciones pop!”, comenta Alberto. También destacan Calambre y su oscuro instrumental (“nunca habíamos jugado con la oscuridad de la electrónica”) o la preciosa balada Ausentes presentes, que les recuerda “a pop de José Luis

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criticara la separación de familias en la frontera entre México y Estados Unidos que lleva a cabo el ICE en a lot, uno de los temas de su último trabajo.

unos The 1975 que se han convertido en parte inalienable de The Japanese House. “George es muy bueno a la hora de sacar mi mejor cara a la hora de cantar. Con él rediseñamos buena parte de las vocales del trabajo. También aportó cierto sonido de sintetizadores en dos temas (Worms, Wild).

Matthew canta en F a r a w a y. Él es la voz masculina en la canción”. Porque al final, por mucho que uno cruce charcos, todo acaba quedando en casa en el mundo de The Japanese House.

Refugiándote con los tuyos, compartiendo víveres y sintiendo en el pecho la opresión de un sentimentalismo que jamás dejará de ser caduco. Pura vida bedroompopera. Como marcaban los cánones. —pablo porcar

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RREl MC británico Cadet, una promesa muy a tener en cuenta dentro del grime y el UK rap, fallecía el 9 de febrero tras sufrir un accidente de tráfico de camino a un concierto. —MS

21 SAVAGE FOTO: archivo

PETE DOHERTY FOTO: archivo

FOTO: DANNY NORTH

E

n el ámbito del bedroom pop, como en todos los de esta vida, hay dones y dones. Mientras unos demuestran tener mano al tratar de sacar el máximo jugo melódico de sus endiosados MacBook Pro, otros exhiben talento removiendo entrañas de formas extremadamente inusuales. Ese es el caso de Amber Bain, quién en su álbum debut ha agarrado por la solapa algunos de sus mayores conflictos personales, y los ha zamaqueado hasta dejarlos esbozando una amplia sonrisa con las mejillas bien enrojecidas. Algo así como lo vehiculado en términos cinematográficos en el cierre de uno de los mejores dramas italianos: La vida es bella (97).

“El final de ese filme está encauzado de una forma muy feliz pese a que la historia de la película está plagada de elementos tristes. Eso para mí es mucho más emocionante que el final clásico de una cinta dramática. Trazando paralelismos: un poco eso es lo que sucede con mi música”.

Perales” y que cierra el disco sin dejar claro cuál es el siguiente paso: “pero cuál es el siguiente paso es lo último en que quiero pensar ahora mismo”, dice Sergio entre risas. Y, por supuesto, Reina, quizás uno de los mejores temas de su carrera. Alberto la escribió en veinte minutos y no quiso revisitarla, debido a su carácter tan personal.

En la versión web de la entrevista podéis leer más sobre la canción, pero lo resume en el valor que canciones así puedan tener en niños LGTBI o que estén sufriendo acoso escolar. “Sonará heavy, pero la música de Madonna me ha salvado la vida. Y si hay un chico de catorce años al que esta canción le ayuda a ver que todo mejora... sería lo más increíble de hacer música”.

—pablo tocino

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de GIRA l Bilbao 28 marzo, Sonora l Santiago de Compostela 4 abril, Malatesta l Oviedo 5 abril, Espacio Estilo l Vitoria 6 abril, Kubik l Sevilla 13 abril, Custom l León 25 abril, Espacio Vías l Santander 27 abril, Sümmum l Madrid 9 mayo, La Riviera l Barcelona 16 mayo, Razzmatazz; Room Festival l Ciudad Real 23 mayo, Sala Magestic l Vigo 7 junio, Rouge l Pontevedra 8 junio, Karma marzo 2019 #29

Green Day Dookie, un caso perdido

trabajaba la madre de Billie Joe. Pocos meses después, en otro de sus primeros conciertos, entre el público se encontraba Larry Livermore, fundador de Lookout Records!, por aquel entonces uno de los catálogos más atractivos del punk rock, discográfica de los ya citados Operation Ivy e Isocracy. Livermore se quedó pillado de la energía de esos críos y no dudó ofrecerles grabar con su sello. Su primera referencia fue 1,000 Hours (89), para entonces ya se llamaban Green Day, por su afición por el cannabis y para que no les confundieran con los Sweet Baby, otra banda de Berkeley de la que nadie se acuerda ahora. Un año más tarde publicaron su primer largo, 39/Smooth.

El 1 de febrero de 1994 se publicaba Dookie. Desde el primer rasgueo de guitarra de Burnout, el tercer disco de Green Day se rebelaba como un disco icónico. En su veinticinco aniversario recordamos cómo se confeccionó este imprescindible del punk pop e incunable de la década de los noventa.

E

l año 1986 Billie Joe Armstrong y Mike Drint formaron su primer grupo: Sweet Children.

Apenas tenían catorce años y no eran más que eso, dos adolescentes con acné que a duras penas sabían sacar algo parecido a un ruido medio decente de su guitarra y su bajo. A esta pareja de amiguísimos inseparables poco después se les uniría John Kiffmeyer (batería al que todo el mundo conocía como Al Sobrante) que hasta entonces aporreaba los parches en Isocracy. Con Operation Ivy, la banda de los futuros Rancid, Tim Armstrong y Matt Freeman, como principal referente e influencia, Sweet Children no tardaron en hacerse un hueco en la entonces muy prolífica escena punk de la Bay Area; movida que tenía su indiscutible epicentro en el 924 de Gilman Street, icónica sala autogestionada de Berkeley por la que han pasado los nombres más destacados del underground norteamericano e internacional.

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Drive Sweet Children debutaron en directo en el 17 de noviembre de 1987 en el Rod’s Hickory Pit, una de esas típicas hamburgueserías americanas en la que

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A 2000 años luz de distancia Poco después de la aparición de 39/Smooth Al Sobrante dejó Green Day para retomar sus estudios universitarios. Su plaza la ocupó Tré Cool, batería de The Lookouts, la banda de Larry Livermore (Lookout Records! nació de la necesidad de publicarse sus propios discos). Desde entonces la formación de Green Day ha permanecido intacta. El primer día que salió a la venta Kerplunk (91) se despacharon más de 10.000 copias. Todo un hito. Parte del éxito seguramente se deba al cambio de paradigma que se estaba viviendo en el mundo de la música con la eclosión pocos meses antes de Nirvana con Nevermind. Tampoco podemos obviar que se trata de un disco en el que Green Day ya incluyeron clásicos instantáneos de su repertorio como 2000 Light Years Away, Christie Road o, y muy especialmente, Welcome To Paradise. Pronto empezaron a lloverles ofertas de las principales multinacionales que movían el cotarro fonográfico.

Joe seguía utilizando la imitación barata de Fender Stratocaster que le habían regalado por su 11 cumpleaños), un buen amplificador y el mejor sonido posible para el bajo de Mike. Tan solo necesitábamos esto. Y así es como acabamos grabando Dookie”.

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Niños en una tienda de golosinas Green Day iniciaron las sesiones de grabación de su tercer disco en septiembre de 1993. Esta vez iban a poder trabajar en los legendarios Fantasy Studios que habían acogido desde Creedence Clearwater Revival a Aerosmith, David Bowie, Neil Young o Grateful Dead.

“Definitivamente tenía esa vibración de los años setenta. Si bajabas al sótano, podías encontrar los másters de las grabaciones de Creedence. Increíble. Veníamos de algo muy diferente pero en los Fantasy no me sentí como un pez fuera del agua. Sí, veníamos de grabar muy rápido y con muy poco dinero y esta vez fue muy diferente. Aprendí a dar con el sonido que buscaba, a sacarle el mejor rendimiento posible a la guitarra, pude tomarme mi tiempo para grabar las voces... Fue una gran experiencia”.

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Bomba nuclear Producido por Rob Cavallo y mezclado por Jerry Finn (quien se acabaría convirtiendo en uno de los productores más importantes del género gracias su trabajo con, entre muchos otros, Blink 182, Rancid, AFI o Sum 41) dookie, palabra que en argot significa bomba nuclear pero que Green Day hacían servir para referirse a la diarrea (algo que sufrían a menudo en sus giras en las que comían de lo peor en la pirámide alimentaria), se publicó el 1 de febrero de 1994. Y entonces, a gol-

pe de melodía pop ultravitaminada e inyectada del nervio y velocidad punk herencia de Buzzcocks, The Undertones, Hüsker Dü, Cheap Trick, Ramones, The Clash... todo explotó. Longview, pieza que va surfeando sobre el bajo de Mike Dirnt hasta eclosionar en el estribillo, fue el primer single del disco. El segundo, Basket Case, expresión que podría traducirse como “caso perdido”, tema en el que Billie Joe Armstrong habla de sus ataques de pánico y miedos a perder la cabeza y volverse majara. Es la esencia del single definitivo y total (con claras referencias a películas como Alguien voló sobre el nido del cuco o Brazil).

Luego vendrían Welcome To Paradise, When I Come Around, She... y el resto de pildorazos de punk pop altamente adictivo. Sobresaliente de principio a fin, referencial y totalmente influyente, Green Day vendieron más de veinte millores de ejemplares de Dookie, uno de los mejores álbumes en la historia del punk, disco imprescindible para decodificar la década de los noventa.

—oriol rodríguez

Diez discos que no hubieran existido sin Dookie 1. Ash 1977 Kung Fu, 97 2. Blink 182 Enema of the State

All the Small Things, 99 3. Sum 41 All Killer, No Filler Fal Lip, 01 4. Good Charlotte The Young and the Hopeless The Anthem, 02 5. Fall Out Boy From Under the Cork Tree Suger We’re Going Down, 03 6. Simple Plan Still Not Getting Any...

Shut Up!, 04 7. My Chemical Romance The Black Parade Welcome to the Black Parade, 06 8. NoWayOut Bipolar No voy a salir, 05 9. Without Whitout El peor de mis yo’s, 05 10. Bullit Love or Die Love or Die, 11

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Mi guitarra azul Rob Cavallo trabajaba en Warner Records, donde, ejerciendo de A&R, fue el responsable del fichaje de bandas como Goo Goo Dolls o The Muffs, una de las bandas favoritas de Billie Joe Armstrong. Por eso, cuando el propio Cavallo se presentó en su casa y le propuso firmar por Reprise no se lo pensó dos veces y estampó su rúbrica de inmediato. “Seguramente estábamos fumados... Por aquella época siempre íbamos ciegos.

De todos modos, teníamos muy claro qué queríamos: tocar mi guitarra azul (Billie

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marzo 2019 #31

Kacy & Clayton

Nikki Hill

El pasado marzo, Kacy & Clayton publicaban The Siren’s Song, (New West, 18) su tercer disco. Un álbum que les hizo ser reconocidos en Europa, probablemente gracias a la producción de Jeff Tweedy y a que Daniel Romano se encarga del artwork.

“No me gusta que hayan cuotas femeninas en la música”

Bilbao (6 marzo, Kafe Antzokia; Kutxa Beltza) Zaragoza (7 marzo, Rock & Blues Café) Madrid (9 marzo, Café Berlín) Valencia (10 marzo, Loco Club)

r Más en www.mondosonoro.com #mondosonoro/agenda

#32 marzo 2019

FOTO: ARCHIVO

AgeNda. marzo.

K

acy Anderson y Clayton Linthicum son dos primos canadienses que empezaron su aventura como dúo, aunque ahora su proyecto se haya convertido en un cuarteto, que girarán en marzo por primera vez por nuestro país. En esas fechas podremos comprobar el buen estado actual de la música canadiense.

“Tenemos detrás una larga historia de influyentes músicos de country y folk en Canadá.

Hank Snow, Joni Mitchell, Buffy Sainte-Marie, Leonard Cohen, Gordon Lightfoot y The Band tienen aquí sus raíces”.

Algo que no evita que el grupo mire más allá, cuando se trata de explicarnos esos nombres

Madrid (10 marzo, Cool Stage) Barcelona (12 marzo, Apolo 2) Pamplona (13 marzo, Kafe Zentral) Valencia (14 marzo, 16 Toneladas) Zaragoza (15 marzo, La Casa del Loco) Vitoria (16 marzo, Helldorado) Albacete (17 marzo, Clandestino) Alicante (19 marzo, Stereo) Granada (20 marzo, El Tren) Sevilla (21 marzo, Custom) Aranda de Duero (22 marzo, La Colmena) Avilés (23 marzo, Festival Rock In Town) A Coruña (24 marzo, Garufa Son EG)

Nikki Hill vuelve a girar por España para presentar su disco Feline Roots (Deep Fryed Records, 18) y ofrecernos una nueva descarga de soul rock atronador.

H

asta doce conciertos se va a marcar Nikki Hill, de la que no cabe presentación, por nuestra geografía durante el mes de marzo. Madrid, Barcelona, Valencia, Zaragoza, Vitoria – Gasteiz, Albacete, Alicante, Granada, Sevilla, Aranda de Duero, Avilés y A Coruña serán las ciudades por las que pase la gira de presentación de Feline Roots, un álbum “catártico para mí. Algo que necesitaba hacer. Es un gran disco cargado de feeling, con swing, con actitud, con variedad y con grandes riffs de guitarra. Algo para todos los fanáticos del rock and roll. Es diferente a Heavy Hearts, Hard Fists (15). Para mí no tienen sentido esos artistas que intentan repetir sus discos una y otra vez”.

En todo caso, Feline Roots es un trabajo que, desde su título, muestra una de las señas de identidad de la música de este auténtico torbellino escénico, su carácter felino. “Ya sabes, en los gatos hay altos y bajos, amor, pérdida, rabia, pasión, ansiedad, agotamiento, alegría, hambre…”. Nikki Hill definida en unas

cuantas palabras. Una mujer, con todas las de la ley, que tiene muy claro que “la igualdad aún no existe en la música. Las mujeres están muy poco representadas en la prensa, en la radio o en los puestos de cabeza de cartel de los festivales. A eso añade ser una mujer negra. Estamos lejos de la igualdad. Eso no hace imposible dedicarse al mundo de la música, pero lo dificulta mucho. No pierdo la esperanza de ver un verdadero cambio en cuestiones de igualdad”.

A pesar de esas palabras, tiene claro donde no está la solución. “Una de las cosas peores que me he encontrado en el mundo de la música es el hecho de que haya cuotas de conciertos femeninos. Me parece inadecuado y erróneo.

Lo que hay que hacer es no ignorar el talento femenino y valorarlo”. Y ya que Nikki nos ha hablado de cosas que no le gustan ¿por qué no acabar preguntándole lo mejor de se ser una mujer en la música del siglo XXI? “Pues es una pregunta más difícil de lo que parece. No sé muy bien cómo responder a ella. No pretendo ser la mejor mujer artista de la historia. Solo intento ser la mejor en lo que hago y en lo que me siento inspirada a hacer. Si solamente pensara en las cosas mejores y peores de ser hombre o mujer, no podría avanzar en mi carrera”.

—eduardo izquierdo

que sirven de referencia a su música. “Somos grandes admiradores de Richard y Linda Thompson, por lo que es halagador ser comparado con ellos. Normalmente miramos un poco más al pasado que a los grupos actuales. Siempre hemos amado la música country primitiva y la música folk de Gran Bretaña e Irlanda. Últimamente, hemos estado escuchando principalmente a Hoyt Axton, The Watersons, Sister Rosetta Tharpe y la McPeake Family, de Irlanda del Norte”. Eso sí, el dúo tiene claro que, por encima de todo, hay alguien a quien deben un alto porcentaje de la recepción mediática que ha recibido su último disco. Y ese no es otro que Jeff Tweedy. “Jeff nos ha ayudado muchísimo debido a su gran experiencia en el estudio. Además, nos ha llevado de gira para abrir sus conciertos, tanto en solitario como con Wilco. Imagínate”.

FOTO: ALEXANDER THOMPSON

MONDO FREAKO

—eduardo izquierdo

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“Fue genial estar en Sub Pop” Barcelona (5 de marzo, Almo2bar)Alicante (6 de marzo, Stereo) Madrid (7 de marzo, Wurlitzer Ballroom) Oviedo (9 de marzo, gratis)Donostia (10 de marzo, Dabadaba)

Granada (30 marzo, Plantabaja) Madrid (31 marzo, Sala Mon) Barcelona (2 abril, Apolo) Donostia (3 abril, Dabadaba) Bilbao (4 abril, Stage Live) Vitoria-Gasteiz (5 abril, Sala Kubik)

Soltar lastre del pasado para refrescarse, pero sin hacerle trampas a la memoria (a uno mismo). Esa es la difícil fórmula que La Yegros propone en Suelta (Canta la Selva, 19), su última referencia. El paseo por sus inquietudes se vive a todo ritmo, pese a que cae la electrónica y suben los sonidos de raíz. Chamamé por los poros.

FOTO: ARCHIVO

L

La escena hardcore punk de Providence puede presumir de tener unos embajadores de lujo. Downtown Boys encaran su primera gira estatal con Cost Of Living (Sub Pop/Popstock!, 17), un disco menos afilado que los anteriores pero igual de potente.

E

s inusual encontrar una banda con las cosas tan claras como Downtown Boys. Mucho más teniendo en cuenta que los últimos dos años han sido tan brillantes y emocionantes como turbulentos a nivel mediático para el grupo. Entre otras cosas por su cambio de sello, como cuenta Victoria Ruiz. “Estar en Sub Pop hizo que algunos críticos sintieran que tenían que ser mucho más duros con nosotros, perdiendo de vista quizás lo que realmente estábamos diciendo o tocando en el disco. Pero está bien. Fue genial estar en Sub Pop porque sabíamos que más gente iba a encontrar y escuchar nuestra música, incluso si eso significaba que estábamos en un océano más grande y éramos un pez pequeño intentando tener una acogida positiva en los medios”. Su paso por Coachella también trajo cola, aunque DeFrancesco no duda cuando le pregunto si ha sido difícil tomar decisiones y saber dónde marcar la línea. “Creo, al igual que para los trabajadores de muchas otras industrias, que esas ‘decisiones’ de las que hablas son falsas elecciones.

Todo el mundo en este grupo tiene otros trabajos, otras formas de hacer dinero, vivimos en un país con un sistema sanitario y una educación extremadamente caros, por lo que no existe realmente la

opción de ser músico y poder vivir de ello de forma mínimamente sostenible.

Si realmente queremos cambiar cosas de la industria musical tenemos que organizarnos juntos como trabajadores culturales y no solo plantear esta cuestión de que todo es una ‘decisión’ individual.

Necesitamos organizarnos para poder actuar en solidaridad con, por ejemplo, los trabajadores de los festivales. Plantear la cuestión de ‘tocar o no tocar’ entra dentro de la lógica del capitalismo y limita nuestras posibilidades políticas”.

Es triste, pero es algo que no he dejado de pensar haciendo esta entrevista: es también inusual encontrar una banda políticamente comprometida que hable de sindicalismo y ponga la mira en la propia industria musical. Y honestamente, dan ganas de celebrar -de nuevo, por inusual- que una banda así trascienda la burbuja punk y lleve la guerra a casa del enemigo. En el plano musical Cost Of Living, producido por un Guy Picciotto “increíble como productor tanto a nivel técnico como emocional”, refleja también una evolución fruto del paso del tiempo y de la dinámica de la banda.

“Tras sumarse Joe DeGeorge, nuestro teclista y saxofonista, empecé a escribir armonías más interesantes que pudieran ser tocadas en el sintetizador. Adoramos tocar canciones de todos nuestros discos, pero cuando escribes música puede ser muy agotador repetirse, por lo que empiezas a buscar nuevas texturas y emociones”, cuenta DeFrancesco. Una evolución que, por si alguien lo duda, no ha rebajado lo enérgico e incendiario de un directo que promete sacudir algo más que conciencias. —darío garcía coto

ejos quedan los tiempos en los que Mariana Yegros –La Yegros para el gran público– pensó en abandonar la música para dedicarse al diseño de moda. “Sentía que nunca me daría de comer”. Era 2006 y el boom de los sonidos latinos estaba por llegar. Por suerte, la argentina, afincada ahora en Montpellier, no tiró la toalla y unos años más tarde haría saltar todo por los aires con Viene de mí. Su carrera despegó en un Transmusicales de Rennes –edición 2013-– en la que presentaba disco de electrocumbia, de título homónimo a su single, y en la que todo fue color en su actuación; destacó su puesta en escena, de algún modo no había abandonado la idea del diseño de moda y lo había adaptado a su show. La Yegros abanderó en el festival decano de Europa de showcases el nuevo estallido de las músicas de raíz venidas de todo el Caribe y el continente lati-

noamericano. “La gente ahora lo empieza a sentir como algo familiar pero en 2013 éramos rarísimos, como algo exótico”, atiende la cantante, de tono pausado, al otro lado del hilo.

A partir de ahí, La Yegros ha estado por todos lados. Siempre girando. No se entiende su último disco, Suelta, si se aísla esa circunstancia.

“A medida que pasa el tiempo, que una vive fuera de su país, se crece mucho. Eso artísticamente modifica. Este disco tiene mucho que ver con mi presente: soltar estructuras mentales para poder adaptarse a otro lugar o circunstancia”.

“Para este largo necesitaba estar sola y me alquilé un lugar en la montaña. Me iba con la compu y vía Internet lo hacíamos todo”. ¿Hacíamos?

El paseo por las inquietudes de La Yegros se vive a todo ritmo –pese a que cae la electrónica y suben los sonidos de raíz– pero no se entendería sin sus escuderos a la producción. A su habitual King Coya, suma nuevos y reconocidos talentos: Eduardo Cabra (Calle 13) o Jori Collignon (Skip&Die). “Eduardo le dio una garra total. Es una persona muy humilde y me mostró que podíamos ir por un lado o por otro sin miedo. Lo mismo con Jori.

Siempre me gustó su banda Skip&Die, ahora algo inactiva, pero sigue produciendo y me gusta cómo genera los sonidos y cómo trabaja la electrónica; cuando se lo propuse le encantó y estamos armando con él el vivo, haciendo versiones de los temas para darles, claro, un refresh”, explica.

—yeray s. iborra

FOTO: GUILHEM

Downtown Boys

LA YEGROS

marzo 2019 #33

35/Mondo VINILOS

Bigott

Yak

Friendly Monsters Dracula Records

pop / La última etapa del periplo artístico de Borja Laudo podría concretarse en canciones despreocupadas que, sin embargo, atienden al cuidado de la melodía y llegan cargadas de sensaciones positivas. En el que ya es su décimo disco de estudio, la troupe inicide en esa senda, apuntalando una referencia que se debate entre el capricho y lo que sería una obra en firme que incluye varias gemas que añadir al cancionero del zaragozano, con referencias a The Lemonheads, The Feelies, Yo La Tengo, Cass McCombs o Jeremy Jay. No es el mejor conjunto de canciones de Bigott, y sin embargo sigue probando su capacidad para generar sensaciones en el oyente tras beber sin disimulo de sus propios referentes. Es la virtud de un músico diferente que es capaz de conquistar haciendo lo que le da la gana. —raúl julián

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Cala Vento lo vuelven a hacer Cala Vento Balanceo Montgrí

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pop ROCK / Hay quien opina que, a la hora de

escribir sobre grupos que te encantan, uno pierde la objetividad. Será así en algunos casos, no voy a negarlo, pero prefiero pensar que lo que supone realmente es que le exigimos más a las bandas que nos gustan. Por tanto, en este tercer movimiento en larga duración, tenía mucho que exigirles al dúo que conforman Aleix Turon Vilagran y Joan Delgado Massot.

La razón principal es que Cala Vento (16) y Fruto Panorama (17) están entre mis discos nacionales favoritos recientes. Por muchos motivos, similares en ambos casos, pero sobre todo resumibles en un concepto tan etéreo y al mismo tiempo universal como es el de “sus buenas canciones”. Cada uno de sus pasos nos ha descubierto unas cuantas para el recuerdo, sin distanciarse demasiado de su propio canon aunque evitando sonar, pese a ello, reiterativos. En Balanceo hay, una vez más, muchas. Decir que son más maduras podría sonar tópico, pero lo son; decir que suenan más duras, también, pero es una realidad indiscutible. Cala Vento vuelven a ser Cala Vento solo que los referentes van difuminándose poco a poco (el espíritu de Artur Estrada todavía se nos aparece en Bienvenidos a la tierra) dejan-

do lugar cada vez más a un sonido y a unas voces muy identificables. Desconozco qué metas se había planteado el dúo catalán, pero las han alcanzado seguro. No le demos más vueltas. Porque Balanceo es un disco mejor arreglado y cantado que nunca. Empieza muy modesto e íntimo, con una Un buen año de inicio acústico y que explota poco después en guitarras distorsionadas, coros y unos vientos que todavía la hacen crecer más. A partir de ahí, no hay apenas un segundo de bajón, y ese es un gran logro. A lo largo de doce canciones y entre esos textos entre costumbristas y emo que les caracterizan desde sus inicios, Aleix y Joan –que se autoeditan creando su propio sello, Montgrí– nos obligan a montarnos a su furgoneta gritando con ellos el estribillo de La comunidad y no nos dejan bajarnos hasta que nos abrazamos unos a otros cantando el del weezeresco tema extra Liquidación total, en el que combinan sus voces con la de Lluís Gavaldà (Els Pets), que forja unas backing vocals de lujo en catalán. Para el viaje nos tienen guardadas algunas sorpresas, como la sinuosa Remedio contra la soledad, en la que Aleix cambia la guitarra por el bajo; la vibrante, rockera y contundente Todo –un highlight garantizado para sus directos– para la que cuentan con los voces susurrantes/desgañitadas de Cándido Gálvez (Viva Belgrado) o esa Fin de ciclo en la que bajan las revoluciones poco antes de llegar a la estación de destino.

Un tercer disco –a publicar el 5 de abril– para quitarse el sombrero.

—joan s. luna

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Pursuit Of Momentary Happiness Virgin/EMI

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asilvestrado pase de un sello minúsculo a una multinacional puede chirriar. Pero Bellyache, robusto arranque del segundo trabajo del trío londinense, despeja cualquier duda. Uno se espera una afortunada repetición de la jugada. Pero, sorpresa, en la canción que da título al disco llegan los aires cincuenteros gospel que evocan a unos Spiritualized vitaminados. No es una impronta casual, porque en Words Fail Me inciden en un desconcertante ejercicio de soul vintage y cierran con la exquisita This House Has No Living Room, junto al mismísimo J. Spaceman. En el lado más furioso de la balanza, imposible resistirse al bajo distorsionado de Blinded By The Lies o a la pulsión kraut de White Male Carnivore, donde miran de frente al macarreo turbio de unos Idles.

—jc peña

Mercury Rev

Yann Tiersen

Bobbie Gentry’s The Delta Sweete Revisited Bella Union/ PIAS

pop / Bobbie Gentry nunca estuvo en el grupo de selectas del country, aunque se la atribuían dos méritos; se atrevió a componer cuando nadie lo hacía y mezcló country y pop con la misma maestría que Patsy Cline.

Que ahora Mercury Rev rescaten un disco suyo de 1968 no es tan extraño. Su instrumentación se oye como si viniera del espacio exterior, tejiendo sonidos que acompañan las voces de sus doce invitadas, para un disco que es un monumento a la belleza.

Juntan en un mismo trabajo a Norah Jones, en un inicio de disco inmejorable, a la fantasiosa Hope Sandoval, quien extrae lo mejor de sí misma en Big Boss Man, por no hablar de variopintas elecciones como las de Vashti Bunyan o la gélida Susanne Sundfor. Para redondear, Lucinda Williams canta Ode To Billie Joe.

8

—toni castarnado

ROCK / Que un grupo tan

All Mute/[PIAS]

pop / Yann Tiersen lleva una década viviendo en la isla de Ushant, en el extremo izquierdo del hexágono, y aunque no es la primera vez que dedica un disco a la tierra que le acoge (Eusa, su nombre en bretón, daba título a su álbum de 2016), sí es la primera que graba directamente en su nuevo estudio, un lugar de ensueño en la misma orilla del mar. El resultado es un disco aún más exuberante y torrencial que su predecesor, más coral y de una belleza mucho más apabullante, en el que el piano también parece hilo conductor pero no es más que punto de partida para once composiciones que podrían haber caído por el despeñadero de una insufrible trascendencia de ínfulas new age, y sin embargo triunfan sin reservas como un impresionante opus de hermosura telúrica.

8

—carlos pérez de ziriza

marzo 2019 #35

MONDOVINILOS

Barbott

Projections La Cúpula Music

Bring Me The Horizon en constante evolución 8

Bring Me The Horizon Amo Sony Music

8 ROCK / Llegados a este punto, a nadie debe-

ría sorprenderle que los británicos Bring Me The Horizon no suenen como hace diez años. A lo largo de su discografía no han hecho un disco igual que el anterior, en una evolución constante que iniciaban desde el deathcore hasta llegar a los sonidos más pop y electrónicos con That’s The Spirit (15). En su nuevo trabajo, Amo, suben la apuesta y se atreven a ir más allá, encajando todas sus influencias sin complejos. Los sintetizadores de los pasajes más ambientales conviven con estribillos pop infecciosos. La mezcla funciona de forma orgánica, sin sonar artificial, en un recorrido por el amor en sus diferentes facetas. Así nos encontramos con interludios electrónicos como Fresh Bruises donde la evolución es más impactante, hasta temas más acaramelados como Medicine. La constante del viaje, como lo ha sido todos estos años, es la fuer-

Blood Red Shoes

Stats

pop / La formación com-

puesta por Laura-Mary Carter y Steven Ansell lleva repitiendo el mismo disco desde que debutasen hace ya más de diez años. Con su quinto disco se repite la historia, al incluir un par de temas salvables y tal multitud de relleno que resulta crispante. Los británicos vuelven a incidir en ese indie-pop/rock preconcebido y que, pretendiendo ser desafiante, termina por resultar poco menos que irrisorio. A la agresividad impostada de las interpretaciones de los dos protagonistas hay que sumar el posicionamiento de unas guitarras de lo más manidas, además de la inclusión de unos teclados obligatorios para lograr cierto efecto de modernidad artificial. Un disco aburridísimo y sin finalidad clara, que aparenta mucho y en realidad alberga muy poco, firmado por un combo que (sencillamente) encuentra su principal escollo en la falta de talento real con el que concretar buenas canciones que alcancen más allá de la pose y la anécdota.

—raúl julián

#36 marzo 2019

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pop / Ed Seed formó parte

de la banda de La Roux y Dua Lipa hasta que la paternidad le alejó de la carretera y retomó Stats, proyecto cuya presentación fue el EP Where Is The Money (14). En su primer álbum, el combo londinense asume deudas razonables con la infección disco funk neoyorquina que nadie ha contraído mejor que LCD Soundsystem: escuchen There Is A Story I Tell You About My Life, Rhythm Of The Heart, Lose It o ese tema titular que es pura melancolía para bailar con lágrimas en los ojos. Su principal baza es su balance entre hedonismo y morriña de mediana edad, el que justifica la palabra art rock.

Lo resuelven de forma desigual, entre la robusta nostalgia space disco de Never Loved Anyone y sus guitarras a lo Scary Monsters (David Bowie, 80), una A Change Of Scenery que suena a unos Talking Heads de buen rollito y esa Family Business que es el canon de hit ochentero que cualquiera que rebase los treinta y cinco habrá escuchado decenas de veces.

—carlos pérez de ziriza

en Wonderful Life con Dani Filth de Cradle Of Filth. Un eclecticismo que es toda una declaración de intenciones. Bring Me The Horizon son muy conscientes de lo que hacen y así lo dejan caer en Heavy Metal: “All I wanna know is do you love me any more? ‘Cause some kid on the ‘gram said he used to be a fan, but this shit ain’t heavy metal”. Pues eso: un guiño a la base de fans y la horda de haters y una prueba de que Bring Me The Horizon, al dejarse de etiquetas, brillan más. —montse galeano

Dawn Richard

Other People’s Lives Memphis Industries/ Music As Usual

Get Tragic Jazz Life

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za de sus riffs de guitarra más contundentes, que aparecen como destellos. Prueba de ello es Mantra, la transición ideal entre That’s The Spirit y Amo, un tema llamado a convertirse en un himno de estadio. El mejor ejemplo de esta nueva metamorfosis de la banda es la variedad de sus colaboraciones. Un mismo disco en el que conviven el dance-pop de la apocalíptica Nihilist Blues, tema escrito mano a mano con Grimes, el rap en Heavy Metal a cargo de Rahzel de The Roots o la vena más rock

pop / El último disco de

Dawn Richard es un baúl con todo lo que representa a la artista en la actualidad y, a su vez, un viaje por sus raíces. Abandona la pista de baile que definió su pasada trilogía, apuesta menos por lo estético, y construye un disco más emocional. Defiende su feminidad, su independencia y cultura. Y, para ello, viaja a su Nueva Orleans natal en busca de historias en las que inspirarse y huyendo de una industria elitista que ahogaba su creatividad. Una pena que en muchas ocasiones este mensaje se desvirtúe, quede menos explícito y falto de referentes en los que apoyarse. “I’m a lion, I’m a woman” canta en el poderoso tema que da nombre al álbum y en el que añade parte de una entrevista a Grace Jones hablando de su sexualidad. A nivel musical no es un álbum demasiado sorprendente. Pero sí existen momentos de lucidez que levantan el proyecto como su apuesta por el funk en Dreams And Converse o el maravilloso piano de We, Diamonds. —álex jerez

durado durante tres años su nuevo trabajo, y es que alejarse de los referentes y encontrar el sonido propio es un cometido laborioso. En este caso han quitado protagonismo a los guitarrazos y punteos que podíamos escuchar en sus trabajos anteriores y han aumentado la presencia y peso de los sintetizadores. El viraje del indie rock al pop/rock alternativo con toques electrónicos es evidente desde la primera nota de la primera canción, y es una constante que se mantiene en todo el álbum. La transición, conseguida con éxito gracias al capitaneo del productor, Víctor Cabezuelo (Rufus T. Firefly o Mucho), nos lleva a un nuevo universo algo onírico, lleno de melodías envolventes, la mayoría de ellas bailables, a excepción de un par de medios tiempos. Otra novedad es la inclusión de temas en castellano, cosa que no habían hecho hasta ahora y que es otra prueba de la nueva etapa que los barceloneses inician con Projections.

—laura cánovas

Tano!

Massy Ferguson

New Breed Local Action/ Our Dawn Entertainment

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pop ROCK / Barbott han ma-

Cants als malsons Error!/ La Agonia/ Saltamarges

Great Divides At The Helm Records

AMERICANA / Leo los nombres de Bruce Springsteen y John Mellencamp asociados a Massy Ferguson y no acabo de verlo claro. Algún aroma a su música puede haber (cómo no, si hablamos de rock norteamericano cercano a las raíces), pero más allá de eso no entiendo mucho la comparación. Se me antoja demasiado reduccionista. Massy Ferguson se me hacen más cercanos a Whiskeytown, Son Volt, The Jayhawks o uno de los primerizos Wilco que a los citados tótems de la música yanqui. Lo suyo es americana, sí, pero dotada de cientos de detalles que los hacen más interesantes que la mayoría de bandas que surgen con la etiqueta. Sus letras son maduras, profundas, y sus melodías no van a lo fácil, intentando encontrar el resquicio en lo convencional para así hacerse un hueco en un estilo tan poblado. Con calma, lo van consiguiendo, y además se vienen de gira a nuestro país para demostrárnoslo. Será cuestión de comprobarlo en directo.

7

—eduardo izquierdo

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HARDCORE / El segundo

disco de Tano! se ubica en el terreno de las causalidades donde nada sobra ni nada falta en veinte minutos de infarto que saltan a la yugular desde el principio. Al furioso screamo de Estels oposats le siguen los característicos efectos de pedales de Stanoley Kubrick, tema lleno además de detalles tribales. Perfectamente ubicada a mitad del camino, la diabólica canción L’ampolla del vi blau apunta a himno atemporal y proporciona al oyente un oasis energético-místico. En John Travoltano los contrastes se agudizan en una sucesión de thrash metal, vals apunkarrado y pajareo tan frenético como el inicio de El pou de les rates, que a su vez ofrece una emblemática segunda parte de cortante punk vibrante.

Les ruïnes del demà cierra un disco que supone un verdadero desafío al espacio-tiempo, y que requiere la máxima atención para no perder detalle de una obra destinada a redefinir eso que a veces se conoce por underground.

—toni feliu

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Howe Gelb

—esther at-athamna

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FOLK / Howe Gelb aparca a

Giant Sand para retomar la senda de la serie Further Standards (17), evidenciando su vertiente más evocadora y clásica a través de diferentes velocidades y con la limpieza de formas como base común. Gathered es un (meditado) cajón de sastre que cuenta con el excesivo número de quince cortes, y en el que, como viene siendo habitual, tiene cabida cualquier apetencia del músico.

Desde cortes instrumentales a una amplia selección de temas jazzísticos al piano, sin descuidar la presencia de la guitarra española (su alma gitana parece ya incorruptible), la desnudez acústica o esa conocida afición del vocalista a la hora de versionar a otros artistas. Otra muesca en el revolver del vaquero –una no una especialmente destacada, en realidad–, que a pesar de las interesantes colaboraciones de M. Ward, Anna Karina o Fernando Vacas, supone un trabajo algo irregular en el que se pueden localizar momentos valiosos junto a caprichos del autor. —raúl julián

Ripples Universal

pop / Ian Brown regresa a escena con su séptimo disco de estudio, tras diez años de silencio y con The Stone Roses de nuevo en barbecho indefinido.

Una publicación ansiada, pero que a las primeras de cambio se manifiesta como catastrófica decepción. Ripples es, con diferencia, el conjunto de canciones más inofensivo y aburrido que ha firmado Brown en toda su carrera.

Una referencia de diez piezas en la que, por momentos, el mancuniano logra parecer una caricatura o burda imitación de sí mismo.

Sólo Black Roses remite a la época dorada del músico gracias a su osadía intrínseca, mientras que el resto se torna tedioso e irritante, cuando no huele directamente a refrito menor. Una referencia inconexa entre sus propios eslabones, vacua, carente de nervio y (lo que es peor) de auténtico talento. Un bagaje paupérrimo debido a la irritante escasez de ideas y nula profundidad, más doloroso si cabe atendiendo al otrora glorioso curriculum de su autor. —raúl julián

4

DD LJM

dc JSL

Med

1 Carolina Durante 8 9 8 8 8,25 Carolina Durante 2 Cala Vento Balanceo

8 8 8 9 8,25

3 Derby Motoreta’s Burrito Kachimba DMBK

8 7 7 7 7,25

4 The Chemical Brothers No Geography

8 7 7 7 7,25

5 Ariana Grande Thank You, Next

7 7 8 7 7,25

6 Airbag Cementerio indie

7 7 7 7 7

7 Oso Leone Gallery Love

6 8 6 7 6,75

8 Fat White Family 6 7 6 7 6,5 Serfs Up! 9 Fidlar Almost Free

6 6 7 7 6,5

10 Bring Me The Horizon Amo

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

NOISE ROCK / La banda de Los Ángeles regresa con un cuarto disco que coquetea lujuriosamente con el metal. Sin embargo, también está cargado de medios tiempos que acaban dando una sensación de deshinche.

La locura que supone el trayazo inicial de Psychonaut contrasta con la delicada voz de Jake Duzsik en Feel Nothing que recupera la fuerza solo en algunos fragmentos. God Botherer, pesada y plomiza, revienta al más puro estilo Ministry para sorpresa de los tímpanos más acomodados. La soledad, la muerte y el miedo se entrelazan entre sintetizadores industriales generando un resultado irregular e incómodo. El comienzo de Loss DeluxYe recuerda irremediablemente al Machine Gun de Portishead, brillante, pero once años después. NC-17 funciona más como un interludio descafeinado hacia The Message, uno de los cortes más melódicos y enfocados a la pista de baile para retomar el ritmo con una gloriosa Slaves Of Fear.

6

Ian Brown

Gathered Fire/ Popstock!,

VOL.4: Slaves Of Fear Loma Vista

top 10.

Health

7 6 5 7 6,25

Fidlar: la fiera y la fiesta

Rival Sons

Feral Roots Atlantic

Fidlar

Almost Free Mom+Pop/California Partnership

7

7 ROCK / Aunque empezaron antes y compar-

tieron garitos, birras, baños y empujones en el foso con aquella generación, Fidlar llegaron demasiado tarde (2013) para colgarse del tren del garage californiano. Ni falta les hizo: su sonido es por momentos demasiado extremo para los amantes del garage-rock melódico de guitarras destartaladas; y por momentos son demasiado dulces, urgentes y accesibles para el hermetismo del punk embrutecido. Tras dos álbumes en los que el fuzz, la velocidad, las melodías circulares, los gritos más melódicos del hipsterismo punk y los directos incendiarios, colocaron al combo angelino como una de esas bandas (junto con Shame, Idles, Fat White Family, Preoccupations o Tropical Fuck Storm, entre otras) dispuestas a retirar a los niños y niñas bonitas del indie agarajado, del surf punkarrón y del pop acelerado de la última década larga. Y aunque la intensidad y virulencia de sus canciones y sus directos hablaba por sí misma, a Fidlar les faltaba un álbum como Almost Free: un repertorio que mantiene no solo esa actitud

inclaudicable y hasta nihilista de afrontar las canciones, sino también las marcas más reconocibles de su sonido. Esa “casi libertad” a la que aluden en el título se cristaliza a la hora de incorporar un ramillete mucho más amplio de ritmos, texturas y tics, convirtiendo al cuarteto liderado por Zac Carper en una banda mucho más impredecible y trasladando su furia a diferentes entornos sonoros. De ahí que, por momentos, suenen a una suerte de cruce millennial entre Molotov, Cypress Hill y Beas-

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tie Boys, se erijan tanto como unos neo Black Sabbath como unos Happy Mondays del siglo XXI, adelanten por debajo de las piernas tanto a The Black Keys como a Pete Doherty, inventen una suerte de new-new-rave más histérica que la de Klaxons, no se corten un pelo cuando le roban estructura, melodía y sonido a The Clash y hasta consigan sonar tan cerca del Ty Segall más cariñoso como de los Wavves más fanáticos de la MTV de los noventa.

—alan queipo

AMERICANA / Los de Long

Beach siempre me han parecido una banda con más potencial, tanto en directo como en estudio, del que al final acababan demostrando. Y, quizá por eso, he seguido dándoles oportunidades.

Curiosamente, este Feral Roots que ahora editan está siendo recibido por la crítica de manera regular, tibia, mientras a mí me parece su mejor disco hasta la fecha. Será la producción del siempre infalible Dave Cobb. Será el sonido que le ha dado el ser grabado en los míticos estudios Muscle Shoals. O será que el grupo ha conseguido con estas once la mejor colección de canciones de su carrera. Pero, para mí, por fin, han dado en el clavo. Han abierto sus horizontes. Cuando suenan blues, suenan más blues. Cuando suenan góspel, suenan más góspel. Y cuando suenan rock, suenan más rock. Quizá ese es el secreto, haber puesto su indiscutible calidad al servicio de las canciones. —eduardo izquierdo marzo 2019 #37

MONDOVINILOS

Niña Coyote eta Chico Tornado

Sean McConnell

Secondhand Smoke Big Picnic

AitzStar Pozoi Records

8

rock / AitzStar posee la

solidez de una roca y la volatilidad de esas tormentas eléctricas que desata el dúo donostiarra. Su tercer largo ahonda en la aridez stoner, y aporta giros macabros y más psicodélicos respecto a sus trabajos anteriores.

Grabado en los estudios Casamurada de Tarragona, junto a Ricky Falkner (Egon Soda) y Jordi Mora, AitzStar combina canciones de luminosidad garajera como el single de lanzamiento Azeri eta Herio –con letras de Harkaitz Cano–, y territorios oscuros y escabrosos como Geroa o Sinestesia. Cabe destacar el “¡Goooong!” final (Koldo Soret dixit) de este último tema, cortesía del pozo que alberga Casamurada. La reverb natural se palpa de forma sutil en determinados momentos del disco, sea en la guitarra de Soret, sea en la batería de Ursula Strong. De la cadencia sensual de Errautsak a la poderosa y ecléctica Jungle Tornado, apuestan por un sonido orgánico de intensidad demoledora. Y sí, te arrollan. —amaia santan

americana / Tengo claro que si Secondhand Smoke viniera firmado por Ryan Adams, ya estaría en boca de todo el mundo. No en vano se trata de un trabajo de asimilación fácil gracias a una melodías bonitas, sustentadas en lo más alto por una interpretación vocal impecable, y por un sonido simple, elegante y desnudo.

Sean McConnel ha querido realzar la belleza de las historias que cuenta. Lo consigue con la ternura de la conmovedora balada The Devil’s Ball, con una Shaky Bridges que recuerda a Bruce Springsteen con su armónica y con coros gospel a cargo de The McCrary Sisters o con piezas más vaqueras como Rest My Head, que podría firmar sin problemas Jason Isbell. Estamos, por tanto, ante un álbum de tono confesional y existencialista que describe a la perfección como un individuo se enfrenta a las vicisitudes que marca ese azar que dota de sinsentido nuestras vidas.

8

—don disturbios

The Specials

Ariana Grande

Encore Universal

Airbag: relato intergeneracional Airbag

Cementerio Indie Sonido Muchacho

8 power pop / El nuevo disco de Airbag baila sobre la tumba de ese indie indolente que últimamente adolece de un relato emocionante. También de ese centro del mundo con cara de libro en el que divertirse es políticamente incorrecto. Los malagueños y sus fantasmas de juventud echan una cana al aire y se instalan incluso en los medios tiempos para construir ese relato intergeneracional que ahora suena más a Teenage Fanclub –una espinita clavada– que a Weezer. Con veinte años de carrera recién cumplidos hacen un ejercicio insuperable para conectar Los Goonies (85) con Stranger Things (16), Eleven y Mike son los Adolfo y Pepillo de este milenio además del corte que abre este séptimo álbum. Y ahí viene la pregunta: ¿Qué tienen estos tíos para que su vida pueda inspirar tantas buenas canciones? Pues seguramente lo que dice Joaquín de Los Nikis en su hoja

#38 marzo 2019

de promo: que no son ni feos ni guapos, son asquerosamente normales. Normales como aquel que se quedó esperando en Estepona a la chica de El puente de los Alemanes, uno de los singles del álbum y desde ya, otra canción que se incorpora los puestos honor en la memoria selectiva de Airbag.

En la producción vuelven a contar con Carlos Hernández, otro que con barba y canas se encuentra en el momento dulce de su carrera y que ha conseguido, a espera de lo que digan los haters –también enterrados en este cementerio–, mantener el pellizco punk y a la vez abrir guitarras y armonías vocales a un espectro sonoro que llega hasta Honolulu. Seguramente, en 1997, no esperaban ninguno de los tres tener que vivir para contar las tribulaciones de una juventud con presente incierto, y es que en La fuga de Logan quizá han tenido que cruzar las líneas rojas que un día se marcaron y hacer de tripas corazón. Ahora, siendo compañeros en el sello Sonido Muchacho de bandas como Carolina Durante, han sabido leer como pocos el signo de los tiempos y firmar once bocados de realidad. Pues eso, tres tipos normales, lo que no hay.

—arturo garcía

7

ska / Tras más de tres déca-

das sin poder disfrutar de una verdadera alianza entre Terry Hall, Lynval Golding y Horace Panter, los timones originales de The Specials han decidido aparcar rencillas y diferencias pasadas para gestar uno de los retornos más sorprendentes de estos últimos años. La razón, Encore, un trabajo donde el núcleo fuerte de The Specials se muestra especialmente inspirado. De hecho, Vote For Me, prima lejana de la imprescindible Ghost Town, es desde ya la pieza maestra que justifica por sí sola la vuelta del combo de Coventry. Pero hay más, mucho más.

La máquina original de 2 Tone no ha olvidado cómo ralentizar ska, dub y reggae bajo ambientes de inconfundible tono urbano y gusto por panorámicas que son puro blackxplotation british. A su sello inconfundible, mil veces imitado pero jamás igualado, los cortes vienen remozados por una capa de descontento altamente vitamínico en estos tiempos de confusión política y azotes reaccionarios. —marcos gendre

Thank U, Next Republic/ UMG Recordings

7

pop / Su quinto álbum es un

gran diario que refleja lo que es, lo que no está dispuesta a consentir y lo que quiere ser en el futuro. Es su pieza más oscura, menos prefabricada, un disco que respira hip-hop y está lleno de bases de trap. Cuenta de nuevo con Max Martin y Ilya Salmanzadeh en la producción, y entre los temas que mejor funcionan destacamos ese Bad Idea con esencia reggae que entra desde la primera escucha o el apoyo orquestal al que recurre de forma constante que se ve a la perfección en Imagine. En los últimos años Ari se ha convertido en una especie de novia de la tragedia a la que cada suceso le sirve para consolidar aún más su estrellato: el atentado en el Manchester Arena, la muerte de Mac Miller, la separación de Pete Davison. Ariana inicia este disco mostrando una estrella indefensa cargada de problemas y con una continua necesidad de atención (Needy). Pero, lo cierra reflejándonos a una artista independiente y madura.

—álex jerez

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Ex Hex

It’s Real Merge/ Popstock!

8

Power pop / Cuatro años

después de Rips, una de las piedras de toque del power pop actual, Ex Hex regresan para confirmar que son las mejores. La cuadratura del círculo que consigue la banda liderada por Mary Timony (Helium, Wild Flag) y Betsy Wright (Bat Fangs) es alucinante, y en este It’s Real luce aún mejor que en su debut. Y es que el simple hecho de escuchar las diez canciones que lo componen adelgaza más que una sesión de body combat. Ex Hex son unas alquimistas superdotadas en el arte de convertir lo viejo en algo nuevo y excitante al insuflar frescura a todas las bandas del pasado que citan y homenajean. Por ejemplo, Tough Enough relee la herencia de las Go-Go’s añadiendo intensidad y electricidad; los riffs de guitarra de Timony en Good Times homenajean con exuberancia a The Cars; Diamond Drive se atreve a birlar la melodía inicial de Living After Midnight de Judas Priest y el punk-pop de Cosmic Cave reescribe a Buzzcocks.

—xavi sánchez pons

Superbanda post-trap Cupido

Préstame un sentimiento Hermanx/Universal

7 pop / Nadie les puede negar un mérito. Ser los primeros en hacer un cruce estable entre un trapero (Pimp Flaco) y una banda de pop (Solo Astra). O ser, al menos, los que mejor han vendido la idea ante los medios. Cupido es la –autodenominada– primera superbanda post trap nacional. Hay algo de cierto en ello: traperos y bandas no le daban juntos en el local. Por poner un ejemplo reciente, Novedades Carminha y Dellafuente han soltado un bombazo (Ya no te veo) y no sabemos cuántas horas han compartido ensayando. Ni falta que hace. Conclusión: sumar horas practicando no es sinónimo de vanguardia, aunque acerque a Cupido a algo inédito, como mínimo, en el cómo. Préstame un sentimiento en sí no es más que pop ochentero con autotune.

Sin desmerecer. Pero tampoco se puede elevar a novedad como tal; Cher también utilizaba esta técnica para la música popular

Leyla McCalla

Catorce

Arcadia The Braves/ Spinda/Odio Sonoro & Monasterio de Cultura

8

rock / Ya lo advierte des-

de la portada: Arcadia es todo un viaje sonoro. Como el que se han pegado sus perpetradores, Catorce, para materializarlo. Sus nuevas canciones han pasado por Madrid, Carabanchel y Portland hasta completarse.

Pero es sobre todo al escuchar la docena de trallazos que integran el álbum cuando viaja nuestra cabeza. Y lo hace gracias a su alternancia de ritmos e intensidades, con sonidos que van de la contundencia del metal a las melodías más pop pasando por el post-hardcore o el space rock. Guitarra, bajo y batería (parece mentira que solo sean tres) aderezados con las teclas y programaciones de Luis López Pinto (Dopplermedia). Y gracias a unas letras inspiradas en las grandes distopías de la ciencia-ficción: Blade Runner (82), 1984 (49), Un mundo feliz (32)…, cantadas con tanta intensidad como desesperación. Esta vez, Catorce han puesto toda la carne en el asador.

—jesús casañas

folk / Aunque a Carolina Chocolate Drops no se les conoce demasiado en España, si bien los discos en solitario de Rhiannon Giddnes han gozado de buena prensa, en América son una institución. Por eso, cada uno de los movimientos de sus miembros causa revuelo. Don Flemons se erige en verdadero líder de la congregación, pero cada integrante goza de libertad y su dosis de protagonismo, tantos los que llevan tiempo como los recién llegados. La cellista Leyla McCalla fue una de las últimas en llegar, pero no por ello la más rezagada. De hecho, aparte de su trabajo con Carolina Chocolate Drops, también empezó a labrarse su futuro fuera de ese enclave por si se daba el caso de abandonar. Y así pasó. Este es ya su tercer disco, y como hizo anteriormente, los sonidos de Nueva Orleans son parte indispensable de su catálogo. En esta ocasión añade novedades, aires haitianos, calypso y un mayor número de arreglos.

Un disco rico en matices y muy bailable. —toni castarnado

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si el ritmo se mantendría. El segundo adelanto, U know, más parco y paradete, hacía dudar. Pero, ciertamente, este corto alegato al amor romántico camina: Telepatía es dreampop dorado. En el mensaje... Poca variedad. Sólo la que cierra, Autoestima (¿paralelismo canalla de Els guapos són els raros de Manel?), abre otros frentes. Pero tranquilos: Pimp Flaco salió de la bedroom y no tiene por objetivo volver en un tiempo. Eso asegura buenas nuevas.

—yeray s. iborra

Toy

Swindle

Happy In The Hollow Tough Love/ [Pias]

Capitalist Blues Jazz Village/ [PIAS]

8

hace lustros. Dicho de otro modo, la esencia urbana de Pimp Flaco queda difuminada: los versos no rompen con contraverso u otro sampler, como acostumbra el trap. Si bien él nunca había sido el más purista (Me da igual o Laberinto de amor). Sea como sea, el disco, como álbum de pop, aguanta el tirón. La banda partía de un hit inapelable, que la factoría PS había auspiciado (les sirvieron una actuación en el Primavera Club sin tener más que No sabes mentir en la calle), pero existía la duda de

rock / En su cuarto disco, los de Brighton vuelven a exprimir las virtudes del revival cósmico que encabezaron en 2012 con tan buen gusto. Su gran baza es que vuelven inspirados y, como sucede en el hipnótico single Sequence One, combinan complejidad con inmediatez y trascienden esa frialdad que a veces les atenaza. Se dejan ir en desarrollos instrumentales, componiendo pasajes fascinantes, lo cual tiene su mérito a estas alturas. Y apuestan por los contrastes: ahí quedan la primitiva pulsión kraut de Energy, con ese inquietante spoken word. El minimalismo de Jolt Awake, perfecto maridaje de bajo y sintetizadores frente la placidez campestre de Mistake A Stranger. O The Willo, irresistible desarrollo progresivo y guitarra de spaguetti western. El álbum desemboca con suavidad en Move Through The Dark, en la que fusionan sus dos almas:pop y progresiva. Puede que no haya nada rompedor, pero todo funciona con majestuosa fluidez. —jc peña

8

No More Normal Brownswood/ Music As Usual

electrónica / Una década después del estallido del synthwave, solo quedan los mejores exponentes del género. El leridano Jordi Oró, más conocido como Nightcrawler, es uno de los pocos que ha conseguido superar el corte, y encima lo ha hecho y sigue haciendo con buena nota.

Su último disco conceptual es Invasion, una banda sonora para una película de ciencia ficción imaginaria que se sitúa cerca del Umberto de Confrontations y de ciertos pasajes de la banda sonora cósmica que Sinoia Caves creó para Beyond The Black Rainbow, la extraordinaria y lisérgica primera película de Panos “Mandy” Cosmatos. Cuenta Oró que para captar la verdadera esencia de este Invasion hay que escuchar el disco del tirón.

Una apuesta arriesgada en los tiempos del modo aleatorio. Ahora bien, el Giorgio Moroder de Lleida consigue captar el interés del oyente y hacer que los minutos que dura el viaje espacial sean excitantes y evocadores.

8

—xavi sánchez pons

8

jazz funk rap / Swindle ha

conseguido, por fin, acabar de construir el puente entre géneros y escenas en el que lleva trabajando toda su carrera. Una década buscando la proporción exacta. Ya venía afinando la mira con sus anteriores largos, un tanto inconsistentes y demasiado anclados aún en estructuras propias del grime y el dubstep, y con epés como Funk & Grime (16) y Purple Walls (17), a la postre bocetos y ensayos de lo expuesto en No More Normal. Swindle une aquí la vieja escuela del grime, representada por Ghetts y D Double E, con nuevos valores del UK rap como Kojey Radical –brillante en todas sus apariciones– y con esa nueva ola de jazz que tiene Londres como epicentro, y lo envuelve todo con cuerdas, sintetizadores, soul, r&b, P-Funk y una sonoridad orgánica que le distingue de sus compañeros de escena. La música de Swindle siempre ha sido una declaración de intenciones, pero en No More Normal, por primera vez, el continente está a la altura del contenido. —darío garcía coto marzo 2019 #39

MONDOVINILOS

Atthis

Una botánica propia El Muelle

7

Oso Leone se acercan al pop Oso Leone

Gallery Love Apollo Records/Foehn Records

7

pop / Más de cinco años han pasado desde

la última entrega de los mallorquines (aquel sorpresivo Mokragora, al que precedió Oso Leone, en 2011), y lo cierto es que el largo tiempo de espera se justifica con el giro operado. Oso Leone nunca han sido amantes de la foto fija, de retomar las cosas en el mismo punto en el que las dejaron. Su evolución también bebe del signo de los tiempos. Así que ahora se presentan inequívocamente lejos del folk espectral con el que emergieron, pero también distanciados de aquel rock después del rock con el que ratificaron la singularidad de su fórmula. Texturas seductoras, deceleraciones que rayan lo

hipnagógico, tonalidades acuosas, sintetizadores acolchados y una sempiterna voz en falsete marcan este nuevo trabajo, a medio camino entre soul digital, el r’n’b evasnescente y el funk licuado hasta su mínima expresión. Inevitable acordarse de Rhye, incluso de James Blake. La mudanza de piel se resuelve con oficio, pero en su cruzada por sumergir al oyente en un estado de ánimo muy particular, el minutaje de este seductor Gallery Love se resiente –especialmente en su segundo tramo– de cierta linealidad hipotensa, un poco en la onda de lo que le ocurría al Connan Mockasin de Caramel (13). Temas como Virtual U –uno de los dos avances del álbum, junto al corte que le da título al disco–, Best In You, Vernal Pools o Blue Come In cuajan a las primeras de cambio, pero se intuye que, aunque sus formas hayan cambiado sin alterar el fondo, son aquellas las que a veces siguen pesando más que este, en un discurso que prima el factor estético. —carlos pérez de ziriza

experimental / Atthis

es un dúo madrileño conformado por David Coello García y Raquel Martínez Muñoz, y desde sus orígenes la banda ha enfocado su estilo hacia la experimentación consensuada y mesmerizante, haciendo de sus lanzamientos verdaderas perlas, poseedoras de un espíritu propio en el que el devenir conceptual y el gusto por lo onírico son la tónica preponderante. Una botánica propia, su segundo trabajo tras Sentimiento oceánico (14), es un disco que bebe de la influencia de conjuntos como Nurse With Wound, Machinefabriek o Michael Cashmore. Eso viene más o menos a significar que Atthis no dudan en combinar el ruido y los paisajes brumosos con la quietud y la calma, fusionar elegantes notas de piano con asfixiantes líneas de drone, o emparejar la parsimonia con la incertidumbre.

—fernando o. paíno

Better Oblivion Community Center

Better Oblivion Community Center Dead Oceans

indie folk / Phoebe Bridgers y Conor Oberst ya habían colaborado juntos en un tema del álbum de debut de la joven cantante estadounidense.

Parece que la experiencia fue tan positiva que han decidido unir fuerzas de nuevo para regalarnos este maravilloso disco de indie-folk íntimo y delicado que transcurre de forma relajada y en el que el crepitar de las voces de ambos se empasta desde polos opuestos: el habitual

8

grajeo áspero de Conor se funde en el suave susurro femenino de Phoebe y la cosa funciona de maravilla. Al igual que encajan las historias desesperadas que cuentan sobre un excelente colchón de notas que tiene su máximo apogeo en temas como Sleepwalkin’ y esas guitarras dignas de Pavement; el single arrollador que es la epatante Dylan Thomas o el folk comatoso de la frágil Chesapeake. Canciones que una vez más nos recuerdan lo injusto que hemos sido con un autor como Conor Oberst.

—don disturbios

Don Patricio

La dura vida del joven rapero Autoproducido

rap / Don Patricio, o lo que viene siendo una tercera parte del sonido del Locoplaya, debuta en solitario tras varias mixtapes y trabajos con su grupo.

Lo hace con álbum diferente a lo publicado con anterioridad, donde el reggaetón, el autotune y la influencia de la música latina son los sonidos dominantes. Es el camino que ha elegido Patricio, quizá la facción más romántica de Locoplaya, para sacar a la luz esas inquietudes que no tienen cabida en su grupo, tanto en la música como en las líricas, publicando así una serie de canciones que nos sirven tanto para el baile como para conocer más profundamente lo que preocupa a este cantante canario. Un giro en la trayectoria de Don Patricio, quien, sin renegar de su pasado como podemos ver en Contando lunares, quizá la mejor canción del disco, ha demostrado no tener miedo a convertir su rap clásico de toda la vida en canciones adaptadas a las nuevas tendencias. Con todo lo que ello conlleva. —alfonso gil

6

Músicas Actuales (EMA) Jueves, 21 de marzo - 20.00 h fátima miranda Viernes, 22 de marzo - 20.00 h Lluisa Espigolé Sábado, 23 de marzo - 20.00 h Nou Ensemble #40 marzo 2019

Domingo, 24 de marzo - 12.00 h Concierto pedagógico y visuales para público infantil a partir de 3 años. Ciclo "b minúscula"

Sala Berlanga Andrés Mellado, 53. Madrid Venta en taquilla y en ticketea.com

www.fundacionsgae.org mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

The Cat Empire

American Football (LP3) Polyvinyl Records/ Popstock!

Stolen Diamonds Two Shoes

mestizaje / Los fans de la banda australiana, que en nuestro país son legión, ya habían podido escuchar buena parte del disco más ambicioso del grupo gracias a los ocho temas de adelanto que nos habían ofrecido de los trece que lo componen. Y se confirma lo que ya se intuía de antemano: su coctelera sónica ha estado más abierta de miras que nunca, y que su capacidad para combinar ritmos no tiene límites.

No se imponen ninguna regla y todo puede mezclarse, aunque sea precisamente esa ausencia de patrón la que puede acabar por saturar al oyente. Escuchar Stolen Diamonds del tirón agota, y lo hace por culpa de ese afán desmesurado por meter todo lo que han ido aprendiendo a lo largo de su carrera. Pese a ello, no cabe duda que el disco cuenta con aciertos que van a pasar a engrosar el setlist de sus sudorosos conciertos. Kila, la contenida Ready Now o la afrancesada La Sirène con ese ineludible toque Manu Chao.

7

—don disturbios

emo / Capitaneados por Mike Kinsella, a quien ya venerábamos por su paso por Cap’N Jazz, American Football eran unos tipos modestos cuyas canciones se movían con sinuosidad y tranquilidad, erigiéndose con calma en catedrales del emo más melancólico. Ahora, cinco años después de su retorno, publican su tercer álbum. Y buena parte de la magia todavía se mantiene. No es su mejor disco, pero LP3 contiene un puñado de canciones preciosas que continúan justificando el respeto que les profesamos. Es posible que no lo parezcan ni a la primera escucha, ni a la tercera, pero a partir de ahí resulta imposible vivir sin los casi ocho minutos de Silhouettes o las fantásticas Every Wave To Ever Rise –con Elizabeth Powell de Land Of Talk– o la delicadísima Uncomfortable Numb –con una acertada Hayley Williams de Paramore compartiendo protagonismo–. No todo el álbum mantiene el mismo nivel, pero incluso así el grupo sale victorioso. —joan s. luna

8

You Tell Me

Capsula

You Tell Me Memphis Industries/ Music As Usual

Pop / You Tell Me es el proyecto que nace de juntar, al amparo del mismo estudio, los talentos de Peter Brewis (de los siempre reivindicables Field Music) y Sarah Hayes (de Admiral Fallow). Los británicos completan un disco homónimo protagonizado por pop con cierta querencia por el folk pastoral, que tampoco descarta las distorsiones, difuminar formas, o aumentar la contundencia. Un disco bien construido a nivel técnico, con estructuras atractivas, sólidas y elaboradas, que tienen como consecuencia una instrumentación bien matizada sobre la que colocar las voces. Pero también es un álbum algo reiterativo que incluye numerosas piezas menores, con escasa capacidad de sorpresa y que en algún momento incluso pierde el pulso hasta autoinducirse a un peligroso coma. El resultado no es determinante en uno u otro sentido, y será el tiempo quien sentencie si el asunto fructifica o, por el contrario, queda en aventura aislada y mero capricho de sus artífices. —raúl julián

6

MONDOVINILOS

American Football

Bestiarium Gaztelupeko Hotsak, Dynamo Tapes

8

rock / Coni y Martín, los

cerebros que dirigen esta banda vasco-argentina, representan el mejor ejemplo de que se puede alcanzar una propuesta musical arrolladora y fascinante partiendo de preceptos regidos por la humildad. Un resultado sonoro de inquietante cariz que no resulta extraño que busque estímulos para su nuevo álbum, tal y como desprende el título, en el catálogo de bestias mitológicas. Ambiente fantasmagórico, pero de carácter incisivo, que arrecia por medio de un enérgico post-punk de caparazón psicodélico (Biform), sumergido en rock and roll sombrío (Red Moon Falls), a trallazo limpio (Sphinx) o marcando con arabescos riffs desasosegantes caminos (Dry Your Mind). Emergiendo de esa agresividad formal asoma un sugerente Cry With You o la penetrante majestuosidad de la adaptación del tema de The Lords Of The New Church, Russian Roulette, uno de los destacados momentos de este artefacto diabólico y excitante.

—kepa arbizu

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White Lies exploran sin perder la esencia White Lies Five [Pias]

6 POP / Hay una parte del nuevo trabajo de White Lies que te devolverá a 2009, al momento en el que temas como To Lose My Life o Farewell To The Fairground -extraídos del debut del trío británico- te hacían corear aquellos estribillos melodramáticos, entregado al placer; culpable o no, eso ya lo decidirá cada lector. Y eso encarnan canciones como Tokyo o Believe It. Temas abrazados a un sonido más pop, de sintetizadores retro y repeticiones. Como apuntaba el filósofo Theodor W. Adorno, es en dicha repeticiones donde se genera el placer del oyente.

Time To Give es la canción que abre este quinto trabajo y sin duda es uno de los temas más ambiciosos del trío; sino el que más. Siete minutos en el que la épica a la que nos tenían acostumbrados se rebaja

hasta niveles más íntimos, introduciendo coros y armonías y reduciendo los elementos para que el foco de atención recaiga sobre distintos puntos, como puede ser la voz de Harry McVeigh o el halo barroco de la melodía. El contraste llega con el siguiente corte, Never Alone, más en la línea de lo que nos tienen acostumbrados: una sección rítmica galopante que espolonea la voz de barítono de McVeigh, caminando hacia un final luminoso. Con un constante zig-zag musical, Finish Line o el final de Kick Me muestran una faceta poco vista de White Lies, esa que invita a sentarte en su local de ensayo mientras improvisan con guitarras acústicas y despojados del dramatismo -a menudo criticado como superficial- que tanto les caracterizada. Un álbum en el que hay más variedad de sonidos gracias a un mayor control en el estudio de grabación y la posibilidad de asumir más riesgos, junto a una actitud por ofrecer algo distinto sin comprometer la esencia White Lies, liberados de conceptos más restringentes como en sus primeros discos. —marta terrasa

marzo 2019 #41

43/Mondo Media LIBROS Cómics de los 80

8 Que los ochenta fueron una excelente década para el mundo del cómic es algo que podíamos tener claro, pero que Manu González subraya con rotundidad. Y lo hace con un montón de ejemplos –todos argumentados– que lo confirman más allá de cualquier duda.

Lo mejor es que lo hace sin prejuicios, combinando manga con cómic de superhéroes, obras patrias con superventas internacionales.

Un eficaz y muy disfrutable libro de referencia. —joan s. luna

Techno Rebels

Dan Sicko Alpha Decay

8 En 1999 el periodista Dan Sicko publicaba Techno Rebels, relato esencial de la creación del techno en Detroit, ampliado en una nueva edición de 2010, un año antes de su muerte. Descubrir los primeros pasos de los pioneros Juan Atkins, Derrick May y Kevin Saunderson –la ‘Santísima Trinidad del techno’– y de las siguientes generaciones (UR, Jeff Mills, Carl Craig, Robert Hood, Kenny Larkin, Stacey Pullen…) por primera vez en castellano, es canela en rama para technoheads. —luís costa

CÓMICS

Manu González Redbook Ediciones

Jim Woodring

n “Las alucinaciones ha ” da formado parte de mi vi

Las aventuras de Frank Jim Woodring consigue en cada nueva entrega de Frank, su antropomórfica y alucinante creación, poner una loseta más en el camino de baldosas amarillas de LSD que es su carrera artística. En España, además, el autor es la debilidad no disimulada de su editorial, Fulgencio Pimentel, que se esfuerza, aún más, en que cada nueva entrega de su obra sea un objeto-tesoro en el que se cuida hasta el mínimo detalle.

Q

ué parada es Poochytown en el viaje de Frank?

No puedo decir dónde está Poochytown en el viaje de Frank porque ese viaje sigue en curso y sólo Dios sabe cómo terminará.

Pero te puedo decir dónde se encuentra en mi viaje como dibujante de cómics: como un acto de redención, humildad y corrección. Ha sido un aprendizaje.

—¿Que diferencias hay a la hora de afrontar un cómic sin palabras a uno con diálogo?

Para mí un cómic sin palabras requiere mucho más trabajo porque

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muchos atajos no están disponibles.

Por ejemplo, si quiero demostrar que ha pasado un día, no puedo poner una pequeña leyenda que diga: “A la mañana siguiente...”. Tengo que dibujar un panel que muestre la noche cayendo y otro panel que muestra la salida del sol el día siguiente. Pero eso está bien, porque hace que las cosas fluyan más suavemente.

—¿Cómo arranca el proceso creativo de Poochytown?

Oh, tío, empecé la historia en 2014.

La tenía toda trabajada y dibujé las primeras seis páginas; pero luego tuve una idea, que consistía en cambiar la historia para que Frank dejara el Unifactor y traer de vuelta a un compañero. Así que me dispuse a escribir esa historia y fue una tortura. Me llevó un año. Finalmente la escribí y la dibujé. Hasta que el libro fue publicado no me di cuenta de que había hecho una cosa terrible y estúpida. Porque en todas las historias anteriores de Frank, siempre se había levantado al amanecer y salía corriendo para abrazar y explorar las belleza del mundo y ese amor por la vida era el motor de todas sus aventuras. Cuando se echó novia se quedaba durmiendo y haraganeaba.

Así que escribí y dibujé Frank para deshacerme de ella, cosa que hice con gran dignidad y dinamismo.

—¿Dónde encuentras tu inspira-

ción para el “universo” de Frank?

Las ideas me vienen solas. No sé de qué otra forma explicarlo. Me sitúo en una postura mental receptiva y vienen a mí.

—Las historias de Frank tienden a tener una cualidad alucinatoria en sí mismas. ¿Es algo que forma parte de ti? ¿Has experimentado alucinaciones?

Sí, las alucinaciones han formado parte de mi vida. Solía tenerlas de manera semirregular... mi mente hacía que alguna loca idea pareciese como una sólida realidad por unos momentos. La última que tuve fue hace unos siete años.

—¿Cuánto te cuesta de media planificar y terminar un tomo de Frank? ¿En tiempo y esfuerzo? Oh, digamos que ocho meses de trabajo diario, de principio a fin.

—Has desarrollado una larga carrera como dibujante de cómics. ¿Consideras que has cumplido todos tus objetivos? ¿Qué te falta?

Tengo algunos proyectos en preparación, pero, principalmente, hay todo un campo abierto de posibilidades, que es algo de lo que estoy agradecido. Mi objetivo es seguir adelante hasta que me digan que pare.

—alex serrano

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Poochytown

Jim Woodring Fulgencio Pimentel

marzo 2019 #43

44/Mondo Conexiones Spannabis <> XVI Feria del Cáñamo

Los próximos días 15 al 17 de marzo, Spannabis, la exposición de cannabis más grande de Europa, regresa a la Fira de Cornellà en su décimo sexta edición. Esta edición promete una formación de casi trescientos exhibidores y la presencia de las marcas más importantes de la industria del cannabis a nivel internacional y nacional. Durante el Spannabis Barcelona 2019 se celebrará la séptima edición del World Cannabis Conferences, para expandir el conocimiento sobre el cáñamo. www.spannabis.com

Huawei <> Sinfonía inacabada de Schubert La famosa Sinfonía No. 8 de Schubert, comúnmente conocida como la Sinfonía inacabada, ha dejado de ser un misterio. El pasado mes de febrero asistimos a la interpretación en vivo, y por primera vez completa, de esta obra en el emblemático Cadogan Hall de Londres ante quinientas personas. Esto ha sido posible gracias a la combinación de la inteligencia artificial y la fuerza humana: “Enseñamos a nuestro teléfono inteligente Mate 20 Pro a analizar una pieza musical inacabada, de casi 200 años de antigüedad, y a terminarla al estilo del compositor original”, afirma Walter Ji, Presidente de CBG, Huawei Western Europe.

Nuevo Toyota RAV4 hybrid <> Toyota

T

oyota España lanza la gama completa del nuevo Toyota RAV4 hybrid, la quinta generación del creador del segmento SUV con un sistema de propulsión híbrido eléctrico renovado, más potente y eficiente, un diseño vanguardista y los últimos sistemas de seguridad y ayuda a la conducción, además de un equipamiento sobresaliente. Utiliza la pantalla táctil multifunción 7” del RAV4 para poner tu música favorita y acorta las distancias para llegar a los conciertos y festivales programados por toda la geografía española.

Los que sí van a tener muchos kilómetros que recorrer son Crystal Fighters, con paradas el 7 de marzo en A Coruña, el 12 en Zaragoza, el 13 en Barcelona, el 15 en Madrid y el 16 en Murcia. La rave sigue con Novedades Carminha, que presentan su nuevo disco Ultraligero (Ernie, 19) el 8 de marzo en Bilbao, el 9 en Santiago y el 5 de abril en Madrid. Por su parte, Delorean se despiden de los escenarios con un emotivo concierto final en el Kafe Antzokia de Bilbao el 15 de marzo. En el plano internacional, Florence and The Machine vuelven a nuestro país para presentar High As Hope el 20 de marzo en Barcelona y el 21 en Madrid. Por último, que no sea verano no significa que no sea temporada de festivales. El Esmorga Fest en Sarria (Lugo) el 15 y 16 de marzo y el Fuzzville en Benidorm del 22 al 24 de marzo, son dos eventos que no puedes perderte a bordo del nuevo Toyota RAV4 hybrid.

#44 marzo 2019

Grmy <> Natos & Waor De la colaboración entre Grimey y Natos y Waor nace una nueva colección para el inicio de temporada. La cápsula ha tomado su inspiración de la simbología pirata, con la que tanto se identifica el dúo de rap, y para ello se ha creado un logo exclusivo que se repite a lo largo de un conjunto de prendas: un hoodie, un pantalón largo y un batín, todo fabricado en velour negro con animal print, y acompañado por una gorra negra. Esta colección ya está disponible en Grimey España. #grmyxnatos&waor

EDP <> EDP Live Bands La compañía energética EDP lanza por segundo año consecutivo en España el concurso para bandas emergentes EDP Live Bands.

Este está destinado a grupos de todos los géneros musicales, siempre que no mantengan vínculos comerciales con sellos discográficos. La fase de inscripciones está ya abierta hasta el 20 de marzo en la web edplivebands.edp.com/espana. Todas las bandas que quieran inscribirse tienen que presentar un tema inédito para participar. Uno de los mayores reclamos de EDP Live Bands es poder tocar en esta edición del NOS Alive de Lisboa y grabar su primer álbum con Sony Music. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Hablan los artistas “Imagínate que yo soy una patata, que otro de nosotros es verdura, y así con todo el grupo (risas). Pues cuando nos juntamos conseguimos hacer un caldo perfecto”

Mes tras mes repasamos algunas de las perlas con las que, para lo bueno y para lo malo, hemos ido salpicando nuestros veinticinco años de trayectoria. Este mes toca recordar lo que nos dieron algunos meses de marzo.

(Brian Johnson de AC/DC, 2000)

RRAprovechando que se cumplen veinticinco años de la publicación de ese clásico del punk rock que es Dookie de Green Day, empezamos la sección de nuestro retrovisor de este mes recordando que en marzo de 1996 (número 17 de MondoSonoro) les tuvimos en la portada de la revista. Aunque había mucho más: Sepultura, Superchunk, Lush y hasta una entrevista con Peter Bagge.

RRNuestro número 50 se publicó en marzo de 1999, y aunque entrevistamos a grandes artistas del momento como Blur y Orbital, la portada se la dedicamos a una gira muy especial para nosotros en la que compartieron cartel Sargento García, Sunflowers y Fromheadtotoe, que por aquellos días daban mucho que hablar.

RRÉramos gente dura en marzo de 2000.

En nuestro número 61 decidimos darle la portada nada menos que a Snapcase, uno de nuestros grupos favoritos de hardcore. Charlamos con ellos, pero también con el mismísimo Brian Johnson de AC/DC, en una charla para el recuerdo.

“El mundo ya está lleno de gente que hace música terrible, terrible, terrible” (James Murphy de LCD Soundsystem, 2007)

C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondo web www.mondosonoro.com Ed. Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com

RREl 138, correspondiente al mes de marzo de 2007, fue un gran número de MondoSonoro. Lo fue porque coincidieron en un mismo mes entrevistas con artistas del calibre de Arcade Fire (en portada), !!!, LCD Soundsystem, The Good The Bad And The Queen o nuestros Triángulo de Amor Bizarro, que se dice pronto.

“Empecé a escuchar de forma obsesiva OMD, The Human League, Pet Shop Boys o Depeche Mode. Me iba bien para mi estado de ánimo” (Marc Ros de Sidonie, 2014)

Ed. Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com) Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Ed. Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra

Hablan los críticos

“No encontraremos estribillos pegadizos, ni afán de accesibilidad, pero nos enfrentamos a una loable sinceridad, a la sensación de haber dado con otro de los grandes discos que se han creado en nuestro país”

“No importa que se muevan en el hardcore, el reggae o el metal, todas son canciones llenas de una fuerza que solo puede darle quien, como Muguruza, ha roto reglas y ampliado horizontes”

“Valiente apuesta de Lourdes por darle una indiscutible dimensión anglosajona a su disco.

Si a eso le sumas una colección de canciones con un evidente poder melódico, la apuesta es ganadora”

“Hay enormes hits en este disco, sin ser canciones comerciales. Es, en definitiva, el disco que menos esperaban sus seguidores recientes y sus detractores de siempre. Grandioso de verdad”

(Joan S. Luna, a propósito de Manta Ray de Manta Ray, 1996)

(David Oancia, a propósito de Amodio... de Fermin Muguruza, 1999)

(Don Disturbios, a propósito de Agente Cooper de Russian Red, 2014)

(David Broc, a propósito de Vol. 3… Life And Times Of S. Carter de Jay-Z, 1999)

#46 marzo 2019

Edita Sister Sonic, S.L.

Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

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Presenta:

Fiesta Demoscópica MondoSonoro

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba Cariño - María José Llergo + Grupo sorpresa 14 de marzo Teatro Barceló Madrid

Entrada gratuita hasta completar aforo. Descarga tu invitación en Mondosonoro.com #LenovoDemoscópica