Mondo Sonoro marzo 2020 by MONDO SONORO

Erik Urano Fallo en el sistema

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Nยบ 281 Marzo 2020 www.mondosonoro.com

triรกngulo de amor bizarro, caribou, biznaga, georgia, REAL ESTATE, KING KRULE, DESTROYER, TAME IMPALA LA ZOWI, REAL EL CANARIO, LOLA MARSH, MANOLO KABEZABOLO, CIUDAD JARA, THE MISSION, NEW MODEL ARMY

CMY

Triángulo De Amor Bizarro ASMR E bizarro

Han aparcado lo explícito, también lo cínico. Y la versión de frente pura de los gallegos, gusta el doble. Cortes como Fukushima o Cura mi corazón justifican su enésima reinvención pop. Triángulo de Amor Bizarro (Mushroom Pillow, 20) muestra a una banda inagotable. Ahora, además, con más trazas de corazoncito.

l pasado no fue mejor, pero el presente, a veces, asusta: ¿De verdad los hay que se duermen escuchando ruiditos de cepillos frotándose contra micrófonos? Triángulo de Amor Bizarro son una banda puente. No se han soterrado en referencias de su juventud, pero tampoco han sucumbido a las últimas tendencias de Youtube; ASMR (Respuesta sensorial meridiana autónoma), sí, pero a su manera. Los gallegos han cocinado un disco para el hormi-

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5/Mondo freako

a en que “Estamos en una époc son dos el peso de las bandas sotros o tres canciones y no sco” somos un grupo de di gueo en el cuero cabelludo. Fuzz, noise y despiste. Su quinta entrega larga es la más descaradamente abierta, la más pop en su recepción. Empiece como empiece (Ruptura, el primer adelanto, tira hacia lo Big Black). “Es lo que hacemos con todos los discos. Así la gente conoce más canciones que el single. Estamos en una época en que el peso de las bandas son dos o tres canciones y nosotros somos un grupo de disco. Queríamos que la gente escuchase lo más experimental al principio”, dicta Rodrigo Caamaño. De fondo, Rafael Mallo y Zippo secundan las palabras del guitarrista. El audio del móvil cruje más que el sonido de su primera demo. Pero, amabilísimos, se hacen entender. “El rollo industrial siempre estuvo en nuestro ADN. Lo que pasa es que ahora afinamos más”, apuntan al unísono. Y ríen. “Las referencias son las de siempre, Neubauten o Big Black están en la historia del grupo, desde las maquetas. ¿Y no se filtran cosas de ahora? “Puede ser que bandas actuales nos lleven a lugares que pasaron por nuestras cabezas. Pero no nos vemos haciendo reggaeton o trap, no”. Triángulo de Amor Bizarro se mantienen en sus coordena-

das ruidistas. Aunque los tiros en el pie –en cada álbum prueban nuevas formas de componer y tocar– surten efecto. Los sintetizadores y platillos trabajan para la emoción. Las baterías se escuchan amplias. Pese a haber grabado en Galicia y con Carlos Hernández (con ellos de forma intermitente desde su debut), suman nuevas calidades. Parte de culpa de ese cambio la tiene la producción. Han confeccionado el álbum a pedazos. Nada de levantar las canciones desde melodía/base. “El proceso normal sería llegar al local y construir el tema, y en cambio aquí incluso hemos partido solo de ritmos. Lo hemos hecho más por bloques”, dice Mallo. Y Zippo, el más callado de los tres (sólo falta a la charla Isabel Cea, pese a que su voz se escucha vital en el largo), añade: “Hemos usado más sintetizadores de lo habitual. Y samplers. Hoy día, programas como el Protools te permiten darle la vuelta a la composición. No empezar por una rueda, por una voz, sino ir con una caja de ritmos y venga. Pero lo difícil es no abusar de esas posibilidades digitales”. “Salve discordia (16) es nuestro disco de rock and roll clásico. Este, en cambio, es un disco de pop. Pero cuan-

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LA MÍA En un suspiro

do estaban marcadas las dos o tres canciones pop, con el resto nos fuimos por los cerros de Úbeda. Teníamos un disco escrito, paralelo, una especie de hard rock futurista, llevado al extremo, y quedó en el aire. Y eso de repente lo pudimos llevar a otro lado; había ciertas melodías y material vario que aprovechamos para tener puntos de partida diferentes en este”, comentan. Los temas pop a los que hacen referencia son los centrales del disco: Fukushima o ASMR para ti, dos de los más inspirados de su carrera. Y de los más accesibles. Si el EP Gatopardo (18) supuso un momento de transición, después de probarse en vías más directas y explícitas, muy políticas, ahora se han entregado a su propia concepción de la melancolía. Los Triángulo con más corazoncito. “Diría que este disco es algo más emocional-optimista, aunque son palabras que odio... Nunca antes hicimos cosas así. Nos abandonamos a la melancolía otoñal. Nos planteamos hacer cosas sin tanto cinismo, que es un motor maravilloso para componer, pero esta vez queríamos algo a corazón abierto. Después del EP, tocaba algo con la frente limpia, de sensaciones más puras”, destaca Caamaño. Dicha melancolía en los textos y la instrumentación, muros de guitarras en convivencia con espaciosos teclados, llevan a una sensación de distopía, de sentimientos liofilizados. “Somos capaces de amar debajo de la armadura”, ríen. El disco también afianza los mensajes tema a tema, en vez de un popurrí de frases crípticas en un mismo corte. “Antes había elementos que se contraponían en cada tema e igual en este disco sí que van más canción a canción”, secundan. Hacer el disco a pedazos les supondrá también nuevos retos en directo. “De todo tipo además”, asalta Mallo. “Cuando grabas

en concierto l Santigo de Compostela 1 abril , Melona Fest. l Córdoba 17 abril , Sala Hangar l Murcia 1-3 mayo , WARM Up Estrella Levante l Alicante 29-30 mayo , Spring Festival l Bilbao 9-11 julio, BBK Live l Benicàssim 16-19 julio, FIB #6 marzo 2020

CRiTICANDO Triángulo de Amor Bizarro

Mushroom Pillow Pop 8/10

Triángulo de Amor Bizarro han jugado, una vez más, al despiste. Ruptura, la canción de ecos Big Black que abre el disco, primer adelanto del mismo, no tiene continuidad en el largo. Su quinta referencia es tal vez la más pop: abierta de miras, pero con pinceladas de lo de siempre, inclusive esa –definen– “turra” tan suya. Hay todo lo que se podía esperar: distorsión y muchísima reverb, pero se explora una corriente semi-nueva, la melancolía sin máscaras. Los Triángulo de corazón blandito, blandito. La vía más ruidosa, herencia de sus primeros años, pero todavía presente en Salve Discordia (16), pierde vigor a medida que avanza el álbum. De hecho, las canciones más poperas –y las más inspiradas– están en el alma de Triángulo de Amor Bizarro: Fukushima o ASMR para ti. Pero, ¿cómo han pasado del explícito y crudo Gatopardo (18) a esta banda sonora futurista? Los gallegos son de pinchar el balón después de cada partido. Aunque todo se haga sin salir de Galicia, con su archiconocido Carlos Hernández, nada suena a lo mismo. Triángulo llevan practicando la ruptura desde que el mundo es mundo.—y.s.i.

no te preocupas por eso, pero ya estamos con la organización de toda la parte técnica. Y...”, ríe. Triángulo de Amor Bizarro siguen viviendo del desafío. En una década, han pasado de la media hora de trituradora a los matices. Ahora prometen más bloques y texturas. Ruido y mimos en el mismo espectáculo. Lo que sería un masaje auditivo para los gallegos. —yeray s. iborra

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e escuchan ya las primeras voces que apuntan que la música urbana está agotándose, o mejor dicho su creatividad. Algunos son aficionados, otros periodistas, otros incluso músicos como Dellafuente. En el documental Dellafuente. Mil futuros, el andaluz comenta cosas como “Ahora hay 200.000 artistas haciendo lo mismo, que han cogido el mismo camino. No lo critico, me parece de puta madre, pero al final somos uno más dentro de este sonido, que creo que está sobreexplotado [...] ¿Qué hago: darle a la gente lo que quiere o tirar para otro lado?”. Dellafuente parece tenerlo claro y ya ha dado pistas de que su camino de aquí en adelante será otro. Da lo mismo que todavía haya gente subiéndose al tren, lo importante es que quienes fueron realmente pioneros en estas tierras llevan tiempo apeándose en una estación distinta. Quienes no estuvieron ahí al principio pensarán que todo ha ocurrido en un par de años, a la velocidad de la luz. Y en realidad han sido, permítanme que lo subraye, unos cinco años entre la efervescencia inicial y el momento actual en el que las cosas ya no son lo que fueron. En un suspiro se ha pasado de la espontaneidad a la mediocridad, ambas indiscriminadas. Quienes le tenían ganas al asunto dirán que ha sido una moda efímera y sin poso. Se equivocarán relativamente. En primer lugar porque, en esto de la música, las modas y los revulsivos en ocasiones vienen a ser lo mismo. En segundo, porque ahí quedarán algunos nombres para quien quiera disfrutarlos. Pero en lo que más se equivocarán será en atribuirle esa fugacidad a un movimiento por el simple hecho de que no conectasen con él. Y créanme, esta columna no habla de defender el trap o el rollo urbano nacional, sino que trata sobre la fugacidad de los movimientos que consiguen excitarnos durante una temporada. Para tomar conciencia de ello, es tan sencillo como echarle un repaso a todas las revueltas musicales que se nos ocurran –más allá de genéricos como “rock”, “pop”, “soul”, “heavy metal” y demás etiquetas de influencia mucho más general– y redondear de forma aproximada su duración en el tiempo. Vamos con algunos ejemplos de lo más variopinto. Nirvana se mantuvieron en la cima del grunge entre 1991 y 1994, con la muerte de Kurt Cobain, mientras que Jimi Hendrix ardió fugaz entre 1966 y 1970. Algo más se extendió el momento de gloria de Amy Winehouse, que tomó desde la aparición de Back To Black en 2006 hasta su fallecimiento en 2011. O podríamos hablar del boom de algunos géneros. El big beat copó los charts entre 1997 y 2001, con The Prodigy, Fatboy Slim o The Chemical Brothers siendo el centro del universo. El eurodance se extendió por el mundo entre 1992 y 1996 aproximadamente, dejándonos por el camino hits como Saturday Night o The Rhythm Of The Night. Los new romantics estuvieron arriba entre 1979 y 1984. Y podríamos seguir añadiendo géneros fugaces hasta la extenuación. Visto y no visto, oigan. —joan s. luna

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Dan Snaith es un tipo tranquilo, amable, atento y educado. Resulta imposible sentarse a charlar con él y no sentir automáticamente una cercanía y una simpatía enormes al escucharle hablar de forma apasionada, siempre con una sonrisa gigante en el rostro, acerca de su nuevo trabajo Suddenly (City Slang/Music As Usual, 20).

sale de forma natural intentar ser feliz y hacer felices a los demás, y ese es un elemento que no puedo desligar de mi música. Es lo que me gustaría transmitir, esa sensación de sentirte abrazado, lograr que la música sea un espacio de consuelo y apoyo, en lo personal y como respuesta a estos tiempos de desorientación política que estamos viviendo. El Brexit, Trump, el movimiento Metoo, la crisis climática... Lo personal se convierte en lo político, y una posible respuesta sería hacer un disco enfadado y lleno de furia, pero siempre llego a la conclusión de que la música puede servir de diferente forma a un montón de propósitos y a lo mejor no es necesario que cada voz diga lo mismo y de la

misma manera, hay muchas formas de apoyar una causa”. Pasa el tiempo y Caribou no sólo no defrauda, sino que va creciendo de forma exponencial con cada nuevo paso en una carrera impecable que lo ha ido convirtiendo poco a poco en un compositor enorme, dotado de una sensibilidad y un manejo del sonido totalmente únicos. Celebremos una madurez tan bien llevada, y aplaudamos la valía de un artista que ha sabido construir una carrera impecable llevando la normalidad, la humildad y las buenas intenciones por bandera. —ricky lavado

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Caribou Buenas Intenciones

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“Siempre hay una intención positiva detrás de todo lo que hago”

s un placer enfrentarse a un disco como Suddenly, una obra en la que una de las mentes más brillantes e interesantes del terreno del pop electrónico y la música de club de los últimos veinte años baja revoluciones para ofrecernos una colección redonda de canciones en la que la calma y la profundidad emocional se sitúan en primer plano. “Han pasado un montón de cosas en mi vida personal en estos últimos años, y muchas de esas cosas están reflejadas en las letras del disco. Por un lado, nació nuestra segunda hija. Por otro lado han ocurrido cosas relativas a sobrellevar la pérdida de seres queridos, las pérdidas dentro de la familia. Mi vida se ha equilibrado entre la música y el resto de cosas que ocurren a mi alrededor, y eso es parte del motivo por el que he tardado tanto en hacer un disco nuevo. También me pasa que cuando me siento a componer hoy en día, miro atrás y no quiero repetir nada de lo que ya he hecho. Si no publicara discos, seguiría haciendo música todo el tiempo, es algo que no puedo desconectar y me encanta que así sea, pero a la hora de publicar un disco, necesito sentir que vale la pena y necesito saber que aporta algo nuevo a la conversación entre mi música y el mundo. Ahí puedo llegar a ser muy duro conmigo mismo”. Da la sensación de que, con Suddenly, esa exigencia ha llevado al canadiense a alejarse un poco de la parte más electrónica de Caribou o de sus trabajos como Daphni. “La música

#8 marzo 2020

de club tiene mucho potencial; toda esa parte hipnótica, las repeticiones y los loops, las posibilidades infinitas de manipulación del sonido... pero hay un montón de lugares a los que no puedes acceder desde ese género, y cuando empecé a preparar este disco lo único que tenía claro era que quería llegar a esos lugares, y me dí cuenta de lo mucho que añoraba y necesitaba volver a componer y escribir canciones”. Esa necesidad expresiva da como resultado un trabajo atravesado por reflexiones profundas y hasta dolorosas acerca de la muerte, la madurez, el paso del tiempo y la familia... y a la vez todo suena cálido, orgánico y luminoso. “Supongo que la música que haces es un reflejo de lo que eres como persona, y creo que en mi música siempre está presente de alguna manera la alegría, o como mínimo siempre hay una intención positiva detrás de todo lo que hago. Soy una persona positiva, me

EL APUNTE

Antes de Suddenly: en el estudio Tras inaugurar los dosmiles con una serie de trabajos con el alias de Manitoba, en 2005 Dan Snaith lanza The Milk Of Human Kindness, el primer disco de Caribou propiamente dicho, una colección de composiciones a medio camino entre la folktrónica y una suerte de psicodelia luminosa que, con resultados irregulares pero plagado de pequeñas joyas, sentó las bases para el aclamado Andorra, publicado en 2007 y ganador del Polaris Music Prize en 2008. Andorra muestra el potencial de Slaigh como compositor de canciones redondas de pop pasadas por el filtro de la indietrónica, aparte de su ya sobradamente demostrado talento como pro-

ductor y manipulador del sonido. Con la llegada del laureado Swim en 2010, el canadiense da un giro de tuerca a su sonido y se aleja del pop orgánico para centrarse en la vertiente más sintética y bailable de su música, regalando un disco enorme en el que manda la música de club y la electrónica. La querencia de Slaigh por la pista de baile, reflejada en su alter ego Daphni, culminará en 2014 con la publicación de Our Love, continuación natural del camino iniciado con Swim y auténtico caleidoscopio sonoro en el que el abanico de influencias de la música de Caribou se abre para ofrecer el disco más bailable de su trayectoria. R.L.—r.l.

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Biznaga Rabia contra la máquina

EN LA MALETA

Biznaga vuelven a la palestra con Gran Pantalla (Slovenly Recordings, 20), un tercer álbum que nace con la intención de retratar la dictadura tecnológica en la que vivimos. Para hacerlo no solo gritan más fuerte, sino también mejor.

Martin Solveig

Es uno de los adalides de la electrónica festiva, amable y bailable, que, además, ha sabido felizmente sobrevivir a la EDM. Y es también un tipo con un olfato especial para encontrar sinergias que lo aupen en lo más alto del escalafón de la electrónica mainstream. Como con este nuevo Juliet & Romeo (Positiva/EMI, 19). #10 marzo 2020

erador, “Ha sido como algo lib para sacar mierda”

ese a que Biznaga hace tiempo que superaron lo de grupo emergente, sus canciones siguen sonando frescas, enervadas y frenéticas. Así lo demuestra su tercer trabajo, Gran Pantalla, un disco en el que también encontramos

ara empezar me gustaría saber cómo surge esta colaboración con el rapero canadiense Roy Woods. Te cuento la historia: tuve esa canción “Juliet & Romeo” en mi ordenador durante casi un año, y no sabía qué hacer con ella. Faltaba un elemento y yo no podía averiguar cuál era, aunque me gustó la canción, pensé que estaba incompleta y no quise lanzarla. El azar me llevó a Roy Woods e inmediatamente hizo que cobrase sentido. Pensé que su voz encajaría perfectamente con la canción. No tuvimos oportunidad de encontrarnos en el estudio mientras grabó la canción en Canadá. Pero todo salió genial y sin problemas. La actuación vocal de Roy en el tema está más allá de lo que yo podría haber imaginado. Justo después, Roy y su equipo viajaron hasta París para rodar el videoclip. Es un tipo tan relajado y sencillo que hizo del trabajar con él algo muy agradable y, a decir verdad, no podría ni soñar con una mejor colaboración. —¿Con qué otros artistas –del perfil de Roy Woods y similares– te gustaría trabajar? Hay toneladas de artistas que escucho o con los que me gustaría colaborar, tengo que decirlo siempre depende de la canción, luego decides quién tiene más probabilidades de encajar. Por el momento realmente tengo mucha admiración por Dua Lipa o Raye, son increíbles.

una intención de evolución por parte de la banda. “Entramos al estudio con ganas de retorcer el planteamiento que habíamos hecho previamente a la hora de hacer canciones. No hay nada más aburrido que repetir siempre lo mismo”, comenta Jorge, letrista del grupo.

—¿Qué tal te ha ido este verano pasado

en tu residencia mensual en Pacha Ibiza? Como DJ, Ibiza es una especie de pasaje obligatorio, pero cuando descubrí la isla realmente me enamoré de ella. Ibiza es tan pequeña y, sin embargo, tiene una diversidad tan amplia: sus paisajes, naturaleza, ambiente, gente, energía ... y no se trata solo de verano, fiestas y locura. Realmente hay algo mágico en Ibiza, incluso cuando no es temporada alta, estar allí es un momento único e intemporal. —¿Es tu lugar favorito de nuestro país? Sabemos que también viajas a menudo a Barcelona… Aunque Ibiza es definitivamente mi lugar favorito para alojarse, debo decir que España en general es tan hermosa y especial para mí que no sabría elegir. Siempre me ha encantado la cultura, la comida, el estilo de vida, la gente, etcétera. No voy tanto como quisiera, pero he pasado hace poco un fin de semana en Barcelona con mis seres queridos. —Para terminar Martin, ¿qué tal ves la escena francesa electrónica? ¿Quién te parece fundamental? Es una pregunta difícil... Pero si tengo que elegir uno te diré Laurent Garnier. Siempre he admirado mucho su carrera, música, su pasión y comprensión de toda la escena electrónica y siempre se las arregla para mantenerse en la cima del juego. —fernando fuentes

El principal resultado de esa intención de cambio lo encontramos en las letras. Por primera vez, las canciones tienen en común un tema central, en este caso la tecnología y cómo está condicionando nuestro día a día. “La obsesión que tenía por este tema no me bastaba con solo una o dos canciones como había hecho en los anteriores discos. Hoy en día, la experiencia vital de cada uno la percibimos a través de una pantalla, desgraciadamente”. Milky, batería del grupo, va incluso un paso más allá. “Todo esto derivará en un problema de salud pública”. No obstante, más que pretender hacer un retrato pesimista de la realidad, “para nosotros ha sido más como algo liberador, para sacar mierda”, confiesa Pablo (guitarra). Y es que pese a su visión hastía hacía la tecnología, tienen claro que como banda “si no estás en redes, no existes. Y nosotros tenemos que tragar con este asunto”. Parte de culpa de esta obligada presencia digital la tienen los algoritmos, elementos que han cambiado totalmente la forma de consumir cultura. “Los descubrimientos semanales, los vídeos sugeridos, las listas… Todo ello condiciona tus futuros gustos. Parece que estamos perdiendo nuestra capacidad de búsqueda, de discriminar y de tener sentido crítico”, apuntan. “De hecho, uno de los temas fuertes del disco es cómo consumimos sentido, lo que tomamos por sentido común o realidad, todo viene a través de lo que proyecta la pantalla”. Por su parte, el sonido del álbum también ha estado marcado por la

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TAN. CERCA intención de cambio y evolución. “Ha sido un año largo de debates. Antes de comenzar a grabar, a Raúl Pérez de La Mina le pasamos dos referencias: Los demenciales chicos acelerados (87) de Eskorbuto, y Chairs Missing (78), el segundo álbum de Wire. Pero luego a lo largo del año fueron saliendo más”, cuenta Jorge. Una vez en el estudio, la libertad creativa se apoderó del grupo. “A diferencia de los otros trabajos, en este proceso de grabación hemos estado probando juguetitos, aparatos,… Estuvimos más abiertos a lo que pudiera pasar y se han metido nuevas movidas”, afirma Pablo. Todo ello con el fin de encontrar una sonoridad que transmitiera un “ambiente desolado, frío e impersonal”, que va acorde con la temática de Gran Pantalla. Lo que no ha sufrido cambio alguno en este trabajo es su colaboración con Slovenly Records. Su fichaje por el sello americano a raíz de su anterior disco les ha dado la oportunidad de cruzar el charco, una experiencia que definen como “brutal. Al final somos cuatro colegas y tocar era casi lo de menos”. Aquellos viajes no solo les han marcado como grupo, sino que también les han dado la oportunidad de conocer lugares como Austin o México, país que recuerdan especialmente “porque allí, si hay algo que le gusta a la gente, van a muerte con ello. Viven la música apasionadamente. Aquí en cambio quizás seamos más fríos. Estamos más pendientes del postureo”.

—guillermo chaparro terleira

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en concierto l Oviedo 3 abril, La Salvaje l Logroño 4 abril, Biribay l Vilanova i La Geltrú 18 abril, Medusa Fest l Sevilla 24 abril, La Calle SON Estrella Galicia l Málaga 25 abril, Al-Andalus Festival l Mallorca 14 mayo, Mallorca Live l Barcelona 15 mayo, Sala Upload l Madrid 21-23 mayo Tomavistas l A Coruña 5 junio, Sala Playa Club l Vigo 6 junio, Radar Estudios l Vilanova i La Geltrú 2 julio, Vida Festival l Mucientes 4 julio, Astromona Fest

RREl Warm Up Festival, que se celebrará en la ciudad de Murcia durante los días 1 y 2 de mayo, completa su cartel con dos nuevos fichajes británicos de popularidad. Se trata de Django Django y de Miles Kane, artista en solitario y compañero de Alex Turner en The Last Shadow Puppets. Con ellos se completa una parrilla en la que podrás encontrar a artistas como Kraftwerk (con su espectáculo 3D), Hot Chip, Modeselektor, Digitalism, Mando Diao, Triángulo de Amor Bizarro, Cala Vento, Georgia, Johnny Marr, Leon Benavente, Dorian, Viva Suecia y un largo etcétera. RROtro evento que completa cartel es el Vida Festival, que se celebra en julio –del 2 al 4 en Vilanova i la Geltrú- y que para esta edición contará con nombres como los de Nils Frahm, Manel, Maria José Llergo, Belle & Sebastian, Devendra Banhart, Destroyer, Manel, Tversky, Angel Olsen, !!!, Black Pumas, Parcels, Soccer Mommy, Núria Graham, Chaqueta de Chándal, Meritxell Neddermann y muchos más. RREl Low Festival continúa sumando novedades para su edición de este verano (recuerda, entre el 31 de julio y el 2 de agosto en Benidorm). Si hace unas semanas confirmaba la presencia de Amaia, Viva Suecia y Sidonie, en su última tanda de confirmaciones se han dado a conocer hasta diez nombres. Estos son Metronomy, King Gizzard And The Lizard Wizard, !!!, El Columpio Asesino, Ojete Calor, Belako, Las Chillers, Biffanah, Marcelo Criminal y Ugatz. Así, los principales cabezas de cartel serán Metronomy, Two Door Cinema Club y Primal Scream. RREl festival de música electrónica Paraíso anuncia nuevos artistas para su cartel. Estos ya suman un total de treinta y tres nombres a la programación de su tercera edición, a celebrar los días 12 y 13 de junio en Madrid, concretamente en la Universidad Complutense de Madrid. Las nuevas confirmaciones las encabezan Kaytranada, Kruder & Dorfmeister, Låpsley, Apparat, 070 Shake, Dj Koze, Akkan, Baiuca, Denis Sulta, Chico Blanco y Princess Nokia, entre otros. Todos ellos se suman a artistas ya confirmados previamente del calibre de FKA Twigs, Jon Hopkins, Mura Masa o Roman Flügel. —MS

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marzo 2020 #11

Georgia Quiero que bailes

Seeking Thrills (Domino/ Music As Usual, 20) es el segundo trabajo completo de Georgia. Quien fuera ex batería de Kate Tempest, se saca de la manga un puñado de canciones capaces tanto de sonar en la radiofórmula durante la próxima década como en el cuarto oscuro de tu antro favorito.

er hija de uno de los Leftfield, Neil Barnes, uno de los nombres clave asociados a la escena electrónica londinense de los noventa, y crecer rodeada de techno, fiestas underground y despiporre, seguro, pasa factura. En el caso de Georgia Barnes, curiosamente, descubrir desde muy temprano la experiencia catártica de la pista de baile, para bien. Seeking Thrills es de hecho toda celebración del clubbing y el desfogo músical. “¡Puedo decir que me he criado en raves! He crecido entre cajas de ritmos y sintetizadores en el estudio de mi padre. Cuando antes de componer este disco me puse a indagar en el house de Chicago o en el sonido de Detroit todo me resultaba muy familiar. Bajos gordos, bombos punzantes… ¡Era el sonido de mi infancia!”, explica entre risas en un hotel del centro de Madrid, ciudad en la que la noche de esta entrevista tiene previsto marcarse un featuring con los mismísimos Hot Chip. El segundo trabajo de la londinense es, además, uno de esos álbumes que va liberándose de todo prejuicio a medida que avanzan los tracks, en el que no cuesta hallar los ecos a proyectos como los de Robyn, Fever Ray o M.I.A. pero donde los géneros se diluyen dando paso a un cajón de sastre donde todo, o casi todo, vale. “Billie Eilish es probablemente la voz que mejor representa hacia adónde se dirige la música hoy en día. Las etiquetas ya no son como antes, es lo mismo que ocurre en la moda. ¿Es Billie una rockstar, una rapera, una popstar? Yo diría que todo a la vez”. #12 marzo 2020

ckstar, “¿Es Billie Eilish una rotar? una rapera, una pops vez” Yo diría que todo a la

EL APUNTE

La thermomix de Georgia Para comprender la amalgama de estilos que atraviesa su álbum Seeking Thrills (ha llegado a definir su música –algo exageradamente– como “soul hip hop punk”), basta con hacer un repaso al universo sonoro al que ha estado vinculada en los últimos años esta ex jugadora de fútbol y fan acérrima del post-punk y Missy Elliott. Más allá de que le cambiara los pañales uno de los componentes de Leftfield, padres de estilos como el house progresivo o incluso el breakbeat, Barnes fue también baterista en la gira del productor de soul y post-dubstep Kwes, y de la reina

del nuevo spoken word Kate Tempest, a quien la artista describe como una hermana. Pero por si esto sonara a poco para alguien que ha nacido en los años noventa, cabe añadir un puñado de featurings en estos años con nombres como el dúo de electro soul Honne y Mura Masa (en la funkera Live like We’re Dancing), o la nueva diva del glitch hop Shygirl. Un bagaje marcado por el baile de géneros que ha dado lugar a dos álbumes en los que la artista deja entrever, en plena era del post-mainstream, su personal batalla contra las etiquetas. —d.m.

Coproducido junto a Mark Ralph –“lo propuse a mi sello porque yo era muy fan de sus trabajos para Years & Years, AlunaGeorge y Daniel Avery”–, este eclecticismo es también fruto de un interés en la historia de la música más reciente que ha llevado a su artífice en los últimos años a sumergirse en lecturas y otras indagaciones. “He estado leyendo mucho sobre cómo la música ha ido viajando de un continente a otro recuperando diferentes culturas. Me interesa, sobre todo, momentos en la historia como cuando, por ejemplo, Kraftwerk viajaron a Chicago a finales de los años setenta y como consecuencia, Jeff Mills o Juan Atkins, que por entonces eran solo unos chavales, inventaron el techno. O como más tarde, el techno viajó a Alemania, y surgió allí la cultura rave. O cuando el pop inglés aterrizó en Chicago, donde se mezcló con el disco y derivó en la música house. Me di cuenta de que todas estas músicas desembocaron en lo que hoy conocemos como pop mainstream. ¿Qué hace Dua Lipa si no disco house? Entender los orígenes del pop hace que me sienta aún más cerca de otros estilos como el techno”. Es en esa confluencia de estilos –del “house de Chicago al synth pop de los ochenta o el industrial europeo”–, pero sobre todo en la pista de baile donde Georgia siente que más tiene que decir. Sin ir más lejos, su single About Work The Dancefloor lo escribió después de pasarse un fin de semana en Berlín yendo de un club a otro. “Para mí bailar significa todo. En la pista puedes ser quien quieras, hacer lo que te dé la gana, ser libre y expresarte como te apetezca. Además, hay una especie de complicidad colectiva que te permite fluir de otra manera y escapar de los pensamientos tediosos. Si has tenido una semana de mierda, es el sitio perfecto para olvidarte de todo y liberarte por unas horas”. Mellow, corte que firma junto a Shygirl y uno de los más experimentales del álbum surgió, sin embargo, en un contexto muy distinto, marcado por un periodo autoimpuesto de absoluta sobriedad. “Acababa de dejar de beber hacía poco y me estaba subiendo por las paredes. Creo que el tema refleja esa desesperación que sentía por salir de casa, por beber, por pasármelo bien… Tiene algo de ese lado oscuro”. Pero ojo, no significa con esto que Georgia reniegue hoy de esos templos que la han visto crecer. “Nos pasamos la vida corriendo, trabajando… Creo que es sumamente importante conservar estos espacios para el baile”. Ante esas palabras solamente podemos decir: Amén. —daniel mesa

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Vera Fauna FOTO: ARCHIVO

FOTO: JAKE MICHAELS

ROSTER

A pesar de su creciente éxito, Vera Fauna lo tienen claro: “somos cuatro notas que nos juntamos para echar unas risas y de repente nos hemos visto con un proyecto muy serio...”. Lo dejan claro en su reciente debut largo, De dudas y flores (Purple Moon Records, 20).

Real Estate Pop art El esplendoroso The Main Thing (Domino/ Music As Usual, 20) consolida al quinteto de Nueva Jersey en la liga de las bandas más elegantes del panorama norteamericano.

n su visita promocional al sello en Madrid, el compositor y vocalista Martin Courtney y el bajista Alex Bleeker (bajo) se muestran encantadores, pese a la apretadísima agenda a la que deben hacer frente. Su quinto álbum les entusiasma tanto como si fuera el primero. Martin explica que “hay una canción titulada así que, de alguna forma, concentra todo el enfoque del disco. El grupo llevaba activo mucho tiempo, diez años, nuestras vidas han cambiado muchísimo, y queríamos asegurarnos de que hacíamos este disco por las razones adecuadas: empujándonos a hacer algo que mereciera la pena”. Alex complementa sus argumentos: “Lo que descubrimos mientras lo hacíamos, “lo principal” para nosotros es, esencialmente, no ser autocomplacientes. No hacer las cosas simplemente porque estás metido en un patrón, lo cual le puede suceder a un grupo que lleva tanto tiempo como el nuestro. ¿Qué sentido tiene hacer un quinto disco si no va a poner encima de la mesa algo nuevo, interesante o especial?”. Este enfoque ha ralentizado su salida. “La idea era sacar otro disco muy seguido al anterior, pero nos hemos tomado mucho más tiempo que con los anteriores, fue parte del proceso. Queríamos continuar trabajando, pero al querer hacer algo bueno, exigente y diferente, incluso aunque no fuera tan distinto a lo que habíamos hecho hasta ahora, estuvimos muy encima de ello. Es un disco más reflexivo”, explica el bajista. El responsable, en gran medida, de esa sana introspección, ha sido el ingeniero y productor Kevin McMahon (Titus Andronicus, Pile, Fat White Family), con el que volvían a colaborar. “Ahora, haciendo las entrevistas y pensando sobre el disco, soy consciente de la importancia que tiene que se involucrara, al mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

cer “¿Qué sentido tiene ha ae un quinto disco si no tr ?” algo nuevo o especial

recordar cómo nos preguntó a cada uno por qué hacíamos lo que hacíamos con nuestro instrumento. Al final, su discurso era: ‘Mira, realmente no me importa la respuesta, mientras la tengas. Si la tienes, sé que has pensado en ello. Y si no lo has pensado, quiero que lo hagas’”, añade. Lo cierto es que Real Estate son de esos grupos raros que combinan luminosidad melódica con audacias experimentales. Un equilibrio que, según dicen, es “inconsciente”, aunque referentes exquisitos como Stereolab o Yo La Tengo pueden acotar sus intenciones. Para Martin, “compongo lo que me suena bien, y a menudo eso es algo intangible. Quizá me limito a procesar influencias y regurgitarlas, pero estilísticamente disfruto mucho escribiendo canciones pop. Obviamente, no somos un grupo pop al uso, pero no nos da vergüenza admitir que hacemos canciones pop y singles a menudo. Somos un grupo melódico: me gustan las melodías y las cosas bonitas, pero también esperamos que cierta profundidad y elementos experimentales emerjan de todo el proceso de trabajar las canciones como grupo”. Siempre, con la nitidez cristalina como seña de identidad. “Nos hemos ido metiendo más y más en un sonido más limpio que creo que es el que mejor le va a lo que hacemos. Y queremos ver lo lejos que podemos ir con él”, afirma. “Hay algo en los discos muy bien producidos que te hace sentir bien físicamente. Tiene un valor que va más allá de lo que te guste la melodía”, sentencia Alex, valorando en este sentido el auge del vinilo. —jc peña

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l cuarteto sevillano formado por Kike Suárez, Javi Blanco, Jaime Sobrino y Juanlu Romero está encantado con el programa Jägermusic. “Nos empezaron a seguir la pista en el Monkey Week del año pasado. Nosotros también habíamos hablado con Lolo alguna vez, y por fin contactaron con nosotros”, dicen. “Y cuando nos dijeron el nombre de las demás bandas que estaban en el roster, se nos iluminaron los ojos”. Pero Vera Fauna pronto será –si no lo es ya– una banda para que se le iluminen los ojos a otros. Han publicado hace poco su debut largo, De dudas y flores (20). “Es lo que une el disco, nuestra propia biografía: vivimos muchos momentos bonitos, pero también, por nuestra edad y nuestra época, tenemos mucha precariedad y muchas dudas internas”. Cobre, por ejemplo, trata de la explotación laboral y de “cómo al volverte adulto hay un contrato que tú no has firmado nunca, que es que tienes que incorporarte al sistema productivo. Y sin incorporarte no puedes... no puedes vivir, básicamente”. Entre esas dudas internas está también la inquietud por sus raíces, por cómo se ven afectadas en el sistema actual y por cómo se ven desde fuera. Así, Candelaria parece seguir un hilo clásico con una historia de amor que se ve torcida, pero con un matiz... no cantan a una persona, sino a Sevilla. “Es una relación que ha sido muy bonita y que se está terminando”, me explica Kike acerca de este tema sobre la gentrificación. Tampoco se olvidan de la consideración de “hortera” y “cateto” que se tiene del folclore andaluz, y de la que su versión de Colorada ha sido un ejemplo involuntario: es común ver a fans que desprecian la original de Papa Levante fliparlo con esta cover, dándole cierto sentido paródico. —pablo tocino

EN CONCIERTO Barcelona (6 marzo, Punto G Festival), Vic (7 marzo, Jazz Cava; Aniversario FET), Sevilla (13 marzo, Sala X), Cádiz (14 marzo, Sala Soho), Madrid (20 marzo, La Boite), Granada (24 marzo, Boogaclub), Valencia (5 mayo, La 3)

marzo 2020 #15

King Krule Pánico a una vida estable Con una hija a punto de cumplir un año, King Krule estrena Man Alive! (XL/ Popstock!, 20), su nuevo disco y un retrato del interludio y del cambio, del enfrentarse a la paternidad y a una nueva forma de ver las cosas. Nos sentamos con Archy Marshall para charlar sobre su propia transición.

ué pasa cuando todo cambia? ¿Cuando las prioridades se dan la vuelta y nos enfrentamos a cosas con las que no contábamos? Hay que preguntárselo a Archy Marshall, que regresa a su alter ego King Krule, confiesa desde lo alto de la colina. Contemplando el aire fresco que da un buen viraje de coordenadas, de contexto. Saliendo a grabar por primera vez fuera de Londres, lejos de su zona de confort. Enfrentándose a la paternidad y a la amenaza de una vida estable. Él y Charlotte Patmore están a punto de celebrar el primer año de Marina, la hija que tienen juntos y que llegó en plena finalización de Man Alive!, y obviamente es una circunstancia ineludible a la hora de entender esta nueva #16 marzo 2020

etapa para Marshall. “La mayoría de lo que hay escrito en él es un discurso conmigo mismo sobre ese momento, justo antes de que ella naciera, y cómo iba a enfrentarlo yo. Posiblemente sea de eso de lo que va este disco para mí”. Obligado por la vida a pasar más tiempo en Stockport junto a Charlotte, encontró un universo nuevo de posibilidades abierto ante sus ojos. “Alejarme de mis lugares habituales ha sido fundamental –reconoce–. Hay mucho suicidio en Nunhead… Mucha gente joven que ha muerto durante estos años por culpa de los medicamentos, de la exclusión… Te hace ver la vida de una manera muy cruda”. Ya fuera de allí, consiguió reducir el consumo de alcohol y marihuana y aprender a verlo todo con un renovado optimismo. “Recuerdo pasar un día entero paseando por los acueductos de Stockport, recorriendo los canales… Y creo, no sé, que desde que estuve allí algo ha cambiado en mi forma de interpretar el mundo que veo. Desde joven, incluso habiendo estado de gira por todo el mundo, siempre he tratado de evitar obtener inspiración del paisaje”. Pero ahora King Krule está abierto a la esperanza que da el plain-air y se embelesa ante los colosos industriales de las highlands del Gran Mánchester. “Siento que ahora, con los años, con las experiencias, he aprendido a apreciar otras cosas y a ponerlas en la balanza: la desesperación, la tristeza, los momentos difíciles, etcétera, pero también la belleza, el amor, los finales felices. Veo belleza en cualquier cosa, he aprendido a valorar el día a día… He encontrado muchísimo amor en el mundo últimamente”.

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

"Veo belleza en cualquier cosa, r he aprendido a valora el día a día" “Tuve mucho tiempo para estar dentro de mi propia cabeza, aprendí a ver las cosas con mayor claridad. The OOZ (17) fue fruto de un proceso mucho más subconsciente y este ha venido de un momento de mayor consciencia”, confiesa, mostrando cómo de aquellos pozos enfangados emerge un artista en calma con su monólogo interior, con una visión renovada y cada vez más seguro de la música que quiere y necesita hacer y de por qué

motivos quiere y necesita hacerla. Seguro de la belleza que esconde un mundo hostil y de que merece la pena no perder la esperanza. Seguro de que “veinticuatro horas pueden cambiarlo todo”. —diego rubio

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CRITICANDO Man Alive! XL/Popstock! POP 9/10

Esquivo y escurridizo, Archy Marshall se ha ido formando entre raperos y dealers, poetas malditos y personajes derrotados en los suburbios londinenses de Peckham, al sur de la metrópolis. Respirando el hedor de una sociedad estancada y una juventud sin horizontes y tratando de narrarlo de forma naturalista, sin miedo a los detalles crudos, mientras iba configurando un sonido que cristalizó en The OOZ: una pantanosa mezcla de las bases hip-hop y el indierock que puso banda sonora a su adolescencia con la electrónica que inundaba la escena underground, el post-punk que resucitaba en Peckham y el jazz.

Atrapado en la ciudad, como le reconocemos en el primer tramo de Man Alive!: iracundo en Supermarché, terrorífico en Comet Face o en Stoned Again, perdido entre soledad y otros vicios. Pero todo cambia cuando se entera de que va a ser padre, empieza a pasar más tiempo con su mujer en el Gran Manchester y se abre a la tranquilidad, al plain-air, a los monolitos industriales. Si antes podríamos identificar su música y su lírica con un Francis Bacon, de espacios angustiosos y cerrados, psicopatías urbanas y bruma de suburbio, ahora deja entrar a William Turner, el paisaje desdibujado por la niebla. Empieza a reparar en detalles, en el lado bueno de las cosas, e incinera al viejo Archy como en el vídeo de (Don’t Let The Dragon) Draag On. Hay que quemar para volver a construir, y por eso Man Alive! suena como un ritual de preparación para el cambio, testigo y testimonio de él, como exponen bien Energy Fleets o Theme For The Cross. —d.r.

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FOTO: TED BOIS

“ "Ahora todo está relacionado con la música más popular y comercial””

Destroyer Más íntimo y personal Dan Bejar está presentando su disco número trece bajo el nombre de Destroyer, Have We Met (Dead Oceans/Popstock!, 20), un disco que comenzó intentando sonar a la primera década del siglo XXI y que ha acabado siendo el más parecido, en sonido, a su obra más aclamada, Kaputt (11).

ave We Met es un disco que vuelve a mirar a la nueva ola y el synth pop como referentes, algo totalmente natural para Bejar, como bien explica. “Cuando comenzamos a hacer este disco nos dimos cuenta de que no iba a ser un disco minimalista de trip hop. Y es que en nuestro ADN, y también por la edad que tenemos, siempre acabamos volviendo a ese sonido de los ochenta de una manera muy natural”. Aunque posiblemente nos encontremos con el disco más íntimo y personal de su carrera, con su característica voz nasal en primer plano, una voz que Bejar grabó “a altas horas de la madrugada en mi salón o en mi cocina. Son primeras tomas con muy poca calidad, pero le dan un aura personal”. Pero, a pesar de todo, el disco tiene un segundo protagonista en el guitarrista Nic Bragg, un hombre que ha tocado en siete discos de Destroyer y que aquí coge el papel solista que tenía el saxofón en Kaputt. Bejar le reconoce el papel en el disco. “Comenzó a generar ideas melódicas con rapidez, así que le pasé las demos y comenzó a añadir cosas por todos los sitios”. Una de las canciones en las que brilla Bragg es la titular, una extraña mezcla instrumental de una pieza ambient y una canción de Ry Cooder para banda sonora. Bejar dice que la incluyó porque “estaba un poco nervioso sobre la calidad

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digital del mismo, que me estuviera quedando un disco claustrofóbico y opresivo, así que me parecía bonito que hacia el final del disco hubiera este pequeño espacio en el que se pudiera respirar”. Le pregunto por si su cese de implicación en The New Pornographers es definitivo o temporal y, aunque no cierra definitivamente la puerta, su respuesta no da muchas esperanzas a los que le quieran escuchar de nuevo con los de Carl Newman. “Puede que algún día escriba una canción y piense que tiene que ser una canción rock y que necesita tres armonías vocales, pero (…) dudo que me salgan canciones apropiadas para ellos”. Y es que Bejar es plenamente consciente de su edad y de que las canciones ya no surgen con la misma facilidad, pero eso no quita para que no deje de arriesgarse. “Según me voy haciendo viejo y me acerco a los cincuenta, creo que puedo empezar a tomar malas decisiones, de la misma manera que un cincuentón”. Esa misma sensación de hacerse mayor le llega cuando ve como el canon crítico ha cambiado y “ahora todo está relacionado con la música más popular y comercial”. Algo que, en su opinión, hace que sea “más fácil que nunca hacer y escuchar música, pero, a la vez, haya perdido mucho valor”. Una época en la que duda que una propuesta como la suya hubiera podido sobrevivir tantos años estando tan alejada del gusto popular. —sergio ariza

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marzo 2020 #19

CAROLINA DURANTE FOTO: SERGIO ALBERT

EGOSEX FOTO: ISAAC VASQUEZ

Demoscópica Mondo Sonoro

emotividad. Todo lo contrario que los barceloneses Egosex, la formación que componen Wekaforé Jibril, Hugo Bonet y Lluís Campos y que practica una suerte de disco-house-soul expansivo que ellos han bautizado como trance jungle blues. Lisasinson por otra parte, con un par de singles publicados ya en Elefant Records, recogen el testigo de Cariño, que actuaron el pasado año, como representantes del mejor pop de guitarras.

LAURA LAMONTAGNE FOTO: A. PALLON

siderarse como un espacio “íntimo” para una banda de la magnitud de Carolina. Pero tan importante como la presencia de Carolina es la de los otros cuatro artistas invitados: Laura Lamontagne (Lugo), Mori (Ceuta/Madrid), Egosex (Barcelona) y Lisasinson (Valencia). En poco tiempo Laura Lamontagne se ha hecho un hueco entre la nueva ola de artistas gallegos que fusionan la música tradicional de su región con los ritmos y sonidos electrónicos más contemporáneos. La colaboración en el último disco de El Hijo (Abel Hernández) también ha servido para que su nombre se haga cada vez más popular entre los buscadores de joven talento. Con muy pocos conciertos a sus espaldas y sólo tres temas publicados hasta la fecha, Mori se ha convertido en un fenómeno en el mundillo alternativo madrileño. Define su música como bedroom pop, o lo que es lo mismo, un pop fabricado con las herramientas que le ofrece su ordenador y altas dosis de

MORI FOTO: ARCHIVO

como también viene siendo tradición ya, la banda que ha firmado el mejor disco del pasado año estará tocando en la Fiesta, haciendo un simbólico relevo entre un grupo ya consagrado a pesar de su juventud, como es el caso de Carolina Durante, y los cuatro artistas noveles que se subirán en esta ocasión al escenario de la Joy Eslava. El disco homónimo con el que Carolina Durante debutaron el pasado 2019 fue señalado por Mondo Sonoro como el mejor de la temporada por su valor generacional, una colección de canciones con maneras de himnos y revoltoso espíritu punk-pop. En el año en el que los madrileños se preparan para dar el salto al WiZink Center que les confirmará como una de las bandas de más éxito en nuestro país, Diego, Martín, Juan y Mario harán una excepción a su retiro en directo en Madrid para ofrecer un concierto vibrante en Joy Eslava, una sala con capacidad para 900 personas, lo que a estas alturas casi podría con-

LISASINSON FOTO: VICTORIA HERRANZ

Fiel a su cita desde 1999, el año en el que se celebró su primera edición, la Fiesta Demoscópica tendrá lugar el jueves 26 de este mes de marzo en la sala Joy Eslava a partir de las 19:00 horas. En esta ocasión la Fiesta Demoscópica llega de la mano de ONErpm, en una alianza que resulta natural y hasta lógica: si las Demoscópicas llevan años rastreando el talento entre los grupos emergentes, ONErpm hace otro tanto ofreciéndoles soluciones para el desarrollo de su carrera en la música alrededor del mundo. Además, la cadena gastronómica Domino’s Pizza también se une a la fiesta en calidad de patrocinadores del evento para saciar el hambre de concierto de los asistentes.

La entrada es libre descargando la invitación en DICE, la app de eventos de música, aunque te recomendamos llegar pronto porque el acceso será libre hasta que se complete el aforo (algo que ha sucedido en todas las Fiestas Demoscópicas pasadas). ¡Os esperamos allí! —MS

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marzo 2020 #21

El gran h Erik Urano Erik Urano/Flat Erik es, sin lugar a dudas, uno de los raperos más particulares y avanzados de nuestro país. Lleva años demostrándolo, pero sus dos últimos movimientos –el epé Balaclava (18) y Neovalladolor (Sonido Muchacho, 20)– suponen un paso adelante abrumador para el rap facturado aquí. Con la vista puesta en el Reino Unido, la electrónica, la ciencia ficción y, al mismo tiempo, en la realidad social que le envuelve, el vallisoletano charla con nosotros para descubrirnos las claves de su universo distópico y sci-fi.

"Cualquier distopía de ciencia ficción, pese a que no tenga implícita un panfleto ideológico reivindicativo, hace una crítica de las cosas que están mal en el presente"

#22 marzo 2020

lamo a Erik sobre las seis de la tarde. Ha salido del trabajo y espera mi llamada en un bar del centro de Valladolid. El murmullo de las charlas que le rodean no impide que su voz suena calmada y que converse con suma educación. Suena extraño tratándose de un rapero, pero es que Erik Urano, o Flat Erik si lo preferimos, no es un músico corriente que encaje en los tópicos. No lo ha hecho desde que formase parte años atrás del colectivo Urano Players junto a luminarias como Zar1, Miguel Grimaldo, Edu Omega, akaQvmore y Dj Porre. Pero escuchando las canciones de discos posteriores como Energía libre (11), Cosmonáutica (14) o el que publica ya mismo, Neovalladolor, uno se lo imagina sumergido en una burbuja fuera del espacio y del tiempo, en un universo de ciencia ficción apocalíptica y distópica que quizás tenga más que ver con su ciudad natal de lo que imaginamos. Una ciudad en la que los hombres luchan por su dignidad. Un presente asfixiante, un futuro extenuante. La de, cuentan, uno de los focos principales de la España más conservadora y la de un escenario distópico que haría las delicias de Philip K. Dick, Katsuhiro Otomo o Andrei Tarkovski vía Stanislaw Lem o los hermanos Strugatski. “Creo que tiene ya más de cliché que se ha perpetuado que otra cosa, de algo que se va arrastrando. No creo que tampoco tenga una base más sólida que otras ciudades en cuanto a derechas”. Y prosigue. “Lo que pueda tener de asfixiante Valladolid no es tanto por lo ideológico, sino en otros planos. Aquí el trabajo suele orientarse hacia grandes fábricas como Michelin, Fasa Renault y cosas así. Y a día de hoy, pues no deja de ser hostil en distintos aspectos, desde el clima a que la gente es un poco más fría o distante que en otros lugares”. De esa frialdad, de esa hostilidad, es de las que Urano extrae la materia prima para estructurar el discurso lírico de su propuesta. Una propuesta de transfondo distópico en el que su amor por el grime, el rap avanzado, la electrónica, la ciencia-ficción crean un entramado com-

—fotografía

—texto Joan S. Luna Juan Carlos Quindos

plejo y abstracto que ha acabado caracterizando los movimientos de Urano durante los últimos cinco años. Un pulso entre el hoy y el mañana. “Cualquier distopía de ciencia ficción, pese a que no tenga implícita un panfleto ideológico reivindicativo, por el mero hecho de plasmar el futuro de esa manera, hace una crítica de las cosas que están mal en el presente. Hablas de un futuro en el que se lleva al extremo lo que está mal de lo que estás viviendo. Te sitúas en un futuro cercano que te sirve para proyectar tu contexto y ahí es cuando surge un sentido reivindicativo. Al final muestras toda esa movida no amable u hostil de Valladolid”. El fondo, en este caso, importa, pero sobre todo es la forma lo que ha caracterizado el devenir artístico de Urano hasta convertirlo en un artista incomparable. Un rapero de mensaje críptico y complejo que requiere escuchas –eso ténganlo claro–, pero cuyo disfrute crece conforme desciframos claves y nos empapamos de referencias. “Tiene que ver con mi propia inquietud creativa. Incluso a la hora de escuchar, leer o disfrutar de cosas, me gusta que haya cosas que desencriptar. Al final no dejamos de hacer lo que nos gusta escuchar o ver. A mí siempre me ha gustado ese concepto de que las cosas no se destapen a la primera escucha. Al final lo que quiero decir es que no me gusta la policía y lo digo de forma enrevesada porque es como me expreso creativamente. Yo lo veo así, aunque algunas veces me paso (risas). Pero esa es la gracia. A la gente a la que le gusta lo que hago es porque en el fondo es lo que busca, que no sea directo y evidente”. Esa forma de escribir permite a Urano imaginarse un Valladolid –en este caso Neovalladolor– inspirado directamente en el NeoTokio del referencial manga y anime Akira, de Katsuhiro Otomo. “‘Valladolor’ es un concepto que hace mucho tiempo que uso, y este disco además de ser una especie de oda a mi ciudad, lo veo como un desbloqueo en el género, como un pasito más allá en lo que es mi carrera. Y además es una referencia directa a otra de mis influencias, que es Akira y la idea de Neo-Tokio. Desde que vi la película de pequeño, siempre me llamó la atención. Una explosión, la tercera guerra mundial y un agujero que queda, sobre esas cenizas, y que es sobre el que se levanta Neo-Tokio de nuevo. Yo he querido metaforizar con eso usando el concepto que ya usaba, pero meter ahí esa explosión y esa destrucción que me ayuda a regenerar todo de nuevo y crear Neovalladolor”. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

hermano Con tanto hablar del universo especulativo de Urano, se me está pasando hablar de la parte musical de un disco, Neovalladolor, que explora selvas de lo más distinto. Si ahora, quienes le hemos seguido, ya teníamos claro que Urano era el hombre del grime en España, ahora desarrolla todavía más su personaje de Flat Erik y se saca de la manga un álbum en el que no solamente hay grime y rap británico, sino también drum’n’bass, footwork o incluso reggaeton. “Al final lo que estoy es tocando la polla siempre (risas). Para mí es la inquietud. El disco tiene una base de grime sólida, o mejor dicho del sonido británico, pero lo que me ha pasado es lo mismo que cuando empecé a meter grime porque me había cansado un poco de los ritmos más estándar del rap. Ahora he sentido la necesidad de meterme en otras cosas. Neovalladolor me lo imaginaba como la banda sonora de mi ciudad del futuro, que suena así. Lo veo como un compendio de las corrientes electrónicas que más me molan en el momento actual, pero que conectan con el universo rap”. Pues confirmo que esa es la sensación que el disco provoca. Sirvan como ejemplos para marcar ciertos puntos de anclaje Neo Vdo (con Lost Twin y $kyhook), Penfield (con Lost Twin y sampleado de D Double E), Molecular (con Merca Bae), Drones (con Zar1 y Niño de Elche), 2984 (con BSN Posse) y Logout (con Jayeem y sampleado de Faithless). Vamos, que a Erik Urano le encaja más el Sónar que compartir cartel con según qué artistas de rap. “Totalmente. A mí me costó tiempo darme cuenta, pero es así (risas). Yo arrastraba a cierto público muy rap, pero luego me dí cuenta de que mucha gente que venía a verme buscaba a Erik Urano. Daba igual que hiciera un tema a noventa bpm’s o usase una base de drum’n’bass, porque los que me seguían buscaban esa identidad concreta”. —j.s.l.

EL APUNTE

Matar al padre

rik Urano nunca ha sido de esos raperos españoles obsesionados por matar al padre. Si uno rebusca en su discografía encontrará sampleados de 7N7C o colaboraciones de gente como Juan Solo. “Hay gente que más que sentir la necesidad de matar al padre, siente la necesidad de reforzar su discurso transgresor matando al padre. Cuando en realidad es algo de lo que no hay necesidad, sobre todo cuando ha habido gente como Sólo Los Solo. Esa gente ya estaba en el 2020. Lo único que puedo hacer yo es estarles agradecido por haberme metido una hostia en la cabeza en la que me llevaban al 2030. Tú te escuchas el Quimera (01) hoy en día y suena actual y vanguardista. Si tú te alimentas de eso, está claro que también vas a salir avanzado (risas)”. ¿Solamente ellos? “Influencias muy fuertes, junto a Juan Solo, te diría a Chinatown, con su rollo más de rap al uso, de decir las cosas de forma más tosca y muy del norte. Y otra muy fuerte es Tone. Sobre todo el Algunos cortes (92). Ese disco me voló la cabeza muchísimo. Esa forma de descomponer la realidad en movidas así científicas conceptuales. Y claro, internacional yo estaba con El-P o movidas raras de Def Jux, de rap americano, cuando escuché el primer disco de Dizzee Rascal. El tema I Love You me descubrió otra movida”. —j.s.l.

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marzo 2020 #23

“He subido en la clase social, aunque me de asco hablar de clases sociales”

La Zowi Sobran las explicaciones

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Tenemos memoria de pescado. De pescado enganchado a Instagram. Por ello, La Zowi ha hecho de su segunda mixtape, Élite (La Vendición, 20) un dietario de su ascenso en el ‘trap game’. Un camino lleno de reggaeton de bajos gordos, electrónica oscura y asfixiante que puede virar hacia otras latitudes en breve.

en concierto l Granada 6 marzo, El Tren l Barcelona 27 marzo, Apolo l Valencia 3 abril, La 3 l Bilbao 24 abril, Fever

RRAndrew Weatherall, una de las figuras clave para entender la música británica de las últimas cuatro décadas, nos dejó el 17 de febrero a causa de una embolia pulmonar a la edad de cincuenta y seis años. Weatherall militó en The Sabres Of Paradise y Two Lone Swordsmen, además de ser el responsable del influyente Screamadelica (91) de Primal Scream y productor o remezclador de artistas como One Dove, Happy Mondays, Saint Etienne, The Orb, My Bloody Valentine y muchos más.

TAN.LEJOS

RRLa verdad es que este mes de febrero ha sido fatal para quienes adoramos la música alternativa. Y es que, a principios de

Real El Canario ¡Viva la vida! ¡Viva la música! Real El Canario es conocido por unas divertidas sesiones en las que el funk, la salsa y la electrónica ponen a miles de personas a bailar. Y ahora regresa discográficamente con La magia del Mencey (Beat Dis, 20), un álbum donde plasma todo su amor por la música

#26 marzo 2020

mes, también nos dejó Andy Gill, guitarrista y fundador de Gang Of Four, uno de los nombres imprescindibles del post-punk y un músico que ha influido a prácticamente todas las generaciones posteriores. Gill murió de neumonía a la edad de sesenta y cuatro años. También produjo a grupos como Killing Joke, Therapy?, Red Hot Chili Peppers, The Jesus Lizard o Polysics. RRY en tercer lugar tenemos que lamentar la muerte, con cuarenta años, de Jacob Thiele, quien fuera teclista de The Faint y de Depressed Buttons. Thiele fue parte indispensable del sonido de The Faint desde que entró a formar parte con el disco

n el estado actual de la industria musical, yo no entiendo nada. Creo que la música de momento no tiene un gran futuro, dado que el marketing le ha comido totalmente el terreno al arte. Para que el futuro de la música sea próspero esa situación tendría que volcarse. Tiene que haber un balance sano entre estas dos cosas. Ahora mismo es marketing noventa y cinco por ciento y música cinco por ciento. Eso no está bien”. Y desde luego no es producente para Real El Canario, uno de esos músicos que disfrutan creando y escuchando música, huyendo de tendencias, modas y números. Una posición ante el arte que vemos reflejada en su nuevo disco La magia de Mencey. “Debo confesar que soy un ermitaño, no escucho nunca música actual y eso me permite crear desde un punto de partida diferente. Tengo mi cueva con más de treinta mil vi-

a “Este álbum no suena o” nada que se haya hech mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

raras sean las cosas…. Alguien de barrio, sino ni te entiende. Esa madre de barrio igual tiene alma de ratchet y le gusta ir con escote. Si el modelo feminista no la representa no le van a entrar ganas de cambiar su vida”, comenta sosegada Zoe Jeanneau al otro lado del teléfono. Élite vuelve a tener ecos de empoderamiento femenino poco teórico pero valioso (bien, depende a quién se le pregunte). Textos en cascada, speed word de altísima verosimilitud. La Zowi es ágil con la pluma, de cuna. Ella sigue destacando que los versos salen sin mucho miramiento. Más tiempo le cuesta todo lo que se mueve alrededor de la música. La artista afincada en Madrid está full time –al fin– en esto del trap. Ama de casa (18) fue un bombazo que le permitió girar. Su mundo ha cambiado en poco tiempo, pero dice tener un seguro ante las idas de olla: seguir trabajando con los suyos. “He notado que hace cuatro años sacaba un tema y me tiraba seis meses con él. La escena no estaba tan creada. Me he caracterizado por hacer poco material, pero contundente. Sacaba un

Blank-Wave Arcade (1999), además de ser uno de los músicos que más show ofrecía sobre el escenario en los directos del grupo. Su trabajo puede encontrarse también en los álbumes Dance Macabre (01), Wet From Birth (04), Fascination (08) y Doom Abuse (14). RRAporia es el título del nuevo disco que publicará Sufjan Stevens junto a su padrastro, Lowell Brams. Verá la luz el 27 de marzo de la mano de Asthmatic Kitty y Popstock! En este trabajo colaboran también músicos como Thomas Bartlett (Doveman), D.M. Stith, Nick Berry (Dots Will Echo), John Ringhofer (Half-

nilos y mis arreglos en el disco están influenciados por las grandes épocas de la música, desde Rubén Blades o Ismael Rivera hasta Ray Charles, Prince, o Muddy Waters”, reconoce el tinerfeño, un productor que mantiene unas pautas muy marcadas a la hora de crear música. “Mi forma de producir viene de esa mentalidad de DJ de hip hop, de buscar las partes de las canciones que te hacen sentir de una manera especial, de sacarle el jugo a todos los estilos musicales. Mi forma de producir es hacer un collage musical”. Pero para quien no conozca a Real El Canario, estamos ante uno de los Dj’s más respetados no sólo de la escena canaria y la española, sino a nivel europeo. Tras haberse curtido durante quince años en Ámsterdam, pinchar en festivales como Paradiso o Tomorrowland y haber compartido cartel con Jay-Z, Busta Rhymes, Dj

Premier o Jazzy Jeff, regresa con el trabajo más ambicioso de su carrera. “Yo soy productor musical, he hecho desde electrónica para escenarios de diez mil personas hasta un álbum de disco-funk en diferentes momentos de mi vida. En este disco he encontrado mi madurez musical, no hago música por hacer música, sino para expresar fielmente quien soy. La diferencia es que este álbum no suena a nada que se haya hecho, tiene una identidad sonora, y eso es algo de lo que me siento especialmente orgulloso”. Una identidad que se sustenta sobre ritmos de funky y rap acompañados de pinceladas de salsa y percusión, todo ello aderezado por su carácter canario. “Al ser de allí todo tiene un swing africano con toques latinos”. Sin olvidar un mensaje dotado de una intensa crítica con un guión autobiográfico, en el que trata de “reflejar los tiempos que corren. Creo que eso es importante, ser honesto con

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tema y hacía ruido porque sí, pero ahora tengo que currar más. Un día te das cuenta de que no sirve sólo hacer lo que a una le apetezca cuando le apetezca”. Reconoce que hay algo de esa paradoja del hip hop, hablar de calle y precariedad cuando la cotidianeidad ya no es tan cruda, que sí le chirría. Pese a que el disco sigue bebiendo de sus habituales, en los colaboradores (Zora Jones o Mark Luva) y en los beats (trap crudo y percutido, reggaeton desdibujado), puede que su mensaje y sonido se abran para reflejar mejor su nueva realidad. “Estoy cada vez menos en el trap. Voy ganando dinero, me he hecho mi familia, mi vida. Y cada vez tengo más medios; he subido en la clase social, aunque me de asco hablar de clases sociales, pero lamentablemente las hay. Hay una parte de mí que tiene ganas de hacer cosas diferentes, abrirme a cosas que no sean el trap, el vacileo, porque me voy a quedar sin recursos”. —yeray s. iborra

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handed Cloud), James McAlister, Steve Moore (Sunn O)))), Yuuki Matthews (The Shins) o Cat Martino. RRPearl Jam han estrenado ya dos temas (Dance Of The Clairvoyants y Superblood Wolfmoon) del que será su próximo álbum. Gigaton verá la luz el día 27 de marzo y es muy posible que, antes de que llegue ese día, el grupo de Seattle haya presentado más canciones (o fragmentos de ellas) que también aparecerán en el disco. —MS

el bolígrafo. A veces es para levantarte el espíritu, otras para estar contigo en la tristeza. Y también intento escribir siendo atemporal. Escribo siempre pensando en si cuando tenga sesenta tacos me sentiré cómodo cantando lo que estoy escribiendo ahora”. Eso sí, transmitiéndonos siempre su alegría por vivir y por bailar. —alfonso gil royo

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La magia del Mencey Beat Dis, 20

Colectivo Da Silva Cruce de Caminos FOTO: ARCHIVO

a Wikipedia trap todavía va en pijama. Es fácil olvidar de dónde vienen algunos de los artistas más radiados en los últimos años en la escena. Tanto es así que La Zowi ha hecho de su segunda mixtape medicina contra la amnesia. Élite reivindica su camino en el mundo de la música, pasado a lenguaje trap (de fulana a boss), pero reflejo al fin y al cabo de un ascenso meteórico en el trap game. Una carrera de poco menos de un lustro llena de reggaeton de bajos gordos, electrónica oscura y asfixiante y postulados feministas muy propios. La Zowi ha tenido que dar explicaciones de más a lo largo de su fulgurante trayectoria. Tal vez por ello ha hecho de su nueva referencia un compendio de todo lo que es. Pese a quien le pese. De algo habrá servido: mucho más suave fue su último paso por La resistencia de David Broncano. “Muchas veces me siento un icono del feminismo en España, muy sinceramente. El concepto de feminismo impuesto… Queremos realidad. Que entren ganas de cambiar las vidas. Y cuantas más

Producido por Banin, Vacaciones (Subterfuge, 19), el esperado primer álbum de los granadinos, es un compendio de viñetas chispeantes e inteligentes.

e presentan como colectivo en tiempos de influencers. Pero las fotos de estos siete veinteañeros de Granada son las más molonas. Sus vídeos, los más currados. Sus lanzamientos en formato físico, los más originales. Y su puesta de largo –hipnótica, efervescente– bien vale pagar por verlos. Todo lo que hacen, todo lo que tocan, se convierte en una pequeña genialidad, en la viñeta perfecta. Lo demostraron a lo largo de 2019 con los singles de Marisol, Marina d’Or y su reinvención del Baby Come ‘n’ Get It (Nena, ven a por eso) de La Zowi, todos incluidos en Vacaciones, el primer álbum de Colectivo Da Silva. El nocturno vaho psicodélico de sus inicios ha ido derivando en un pop de colorines y canícula, con discurso y punch estético. Los Colectivo tiran de ironía e imagen para sacudir la caspa de la superficie y dejar que el sol ilumine a la generación millennial. Además, son la punta de lanza de una nueva corriente indie granadina, reconocible por sus guitarras acuosas, tan deudoras de Mac DeMarco como hermanadas con Puma Blue, en la que se dan la mano con proyectos como Papaya Club, Agáchate Maldito o Radio Palmer. “La manera de gestionar nuestra relación ha consistido en buscar la utilidad de cada uno. Cada cual ha ido encontrando su función durante estos dos años. Hemos llegado a un punto en el que todos somos superútiles, como un animal de siete patas que cogearía si le quitas alguna”, explica el cantante Carlos Caraballo. “El cambio que ha sufrido Colectivo Da Silva se debe a la necesidad de darle un sentido más conceptual, para acercarlo más al pop cantado en castellano, sin irnos tanto por las ramas de la psicodelia, que nos sigue gustando”. —eduardo tébar

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marzo 2020 #27

MONDO FREAKO

Lola Marsh FOTO: ARCHIVO

“Es un disco ideal para tumbarte en la cama, cerrar los ojos e imaginarte cosas” Madrid (25 marzo, Café Berlín; Ciclo Voces Femeninas SON Estrella Galicia) Barcelona (26 marzo, Razzmatazz 3)

AgeNda. marzo

Logroño (15 febrero, Concept) L’Hospitalet (21 febrero, Espai Zowie) Donosti (6 marzo, Doka) Madrid (13 marzo, Independance) Bilbo (28 marzo, Mythos) Tàrrega (4 abril, Adictes Fest) Murcia (10 abril, GarajeBeatClub) Córdoba (11 abril, Ambigú Axerquía)

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#28 marzo 2020

Hace ya mucho tiempo que Manolo Kabezabolo abandonó su faceta de cantautor punk para dejarse arropar por una banda. Con Los Ke No Dan Pie Kon Bolo publica Tanto tonto monta tanto (Rock de Kasba, 20), séptimo álbum oficial del carismático zaragozano.

anto tonto monta tanto incluye diez temas en los que vuelve a arremeter contra los políticos sin dejar de lado sus rocambolescas historias ni las reflexiones sobre toda una vida al pie del cañón. Se atreve hasta con el rap y con su primer videoclip. Tanto tonto monta tanto, un título muy directo, pero ¿contra quién arremete? (Manolo) “Contra todo el que está en el poder y contra todo el que lo busca”. ¿Podemos entender entonces que Es el sistema, el primer single, es el que mejor definiría el disco? (Manolo) “Es un tema muy directo, breve y conciso, además de un guitarreo muy punk rock, quizá el más pegadizo musicalmente”. (Jaume Esteve, batería) “Al ser el único tema del disco en el que empieza Manolo solo con su voz y su guitarra, también era una buena opción presentarlo como single, ya que este iba a ser al mismo tiempo su primer videoclip en toda su carrera. Y es un tema muy Manolo tanto en el inicio como cuando entra toda la banda”. Son ya diez años respaldado por los zaragozanos Los Ke No Dan Pie Kon Bolo, algo que, se intuye, debe influir a la hora de grabar y tocar. (Manolo) “La verdad es que con Los Ke No Dan Pie Kon Bolo es una relación que va más allá de la música. Nos conocemos hace ya decenas de años y hay un vínculo muy entrañable”. El pasado 20 de diciembre se cumplieron treinta años del primer concierto de Manolo Kabezabolo con entrada. Fue en el Bar Pyramis de Zaragoza. ¿Qué es lo que su protagonista recuerda a estas alturas de carrera? (Manolo) “Me acuerdo bastante bien. Fue muy importante reunir a tantos amigos que pagaran algo por verme. Sonó de puta pena, pusimos una pastilla de guitarra eléctrica para guitarra española y el ampli llevó un ajetreo en el traslado que distorsionaba demasiado y mal. A 100 pesetas la entrada, salieron 15.000 pesetas. No llegó nada a casa a la mañana siguiente”. Según su ficha de la Wikipedia, Manolo Kabezabolo abrazó la fe budista en 2010 y se fue a vivir a Japón en 2017. ¿Qué hay de cierto en todo esto?(Manolo) “Pues me temo que nada. No sé quién lo escribió, pero imaginación no le falta… Solo falta que lo escribiera yo y no lo recuerde, que no lo descarto con seguridad (risas)”. —jesús casañas

El dúo israelí Lola Marsh acaba de publicar su segundo larga duración Someday Tomorrow Maybe (Anova Music, 20), un paso más en su ascendente carrera.

a prueba es sencilla: dices el nombre de la banda y casi nadie reacciona. En cambio, pinchas Wishing Girl y la reacción es inmediata. La música en publicidad mueve montañas. La canción en cuestión acumula diecinueve millones de escuchas en Spotify, si bien el objetivo del dúo Lola Marsh no es ese. Ante todo, buscan una identidad, un sonido. “Si con el primer disco íbamos a la búsqueda del color adecuado, en este sabíamos desde el principio lo que queríamos hacer. Estábamos preparados para el reto. Creo que es un disco ideal para tumbarte en la cama, cerrar los ojos e imaginarte cosas”. En Somebody Tomorrow Maybe, Lola Marsh buscan los espacios y el ambiente adecuado, con lo que las canciones tienen una estrecha relación entre sí. “Nuestra suerte es que nos tenemos el uno al otro para consultar cosas, para resolver dudas. Teníamos muchas preguntas, infinidad de voces y sonidos en nuestras cabezas. Lógicamente teníamos presión, pero no más que con nuestro primer disco. No somos una maquinaria como la de The Rolling Stones, no estamos en esa disyuntiva ni bajo esa presión. Queríamos jugar con los ecos, con tempos tranquilos, que la gente baile, pero que lo haga a nuestra manera. Una de las decisiones más importantes fue dejar a un lado a otra gente externa a Lola Marsh. Teníamos demasiadas y no nos gustaba que alguien decidiera por

nosotros, que hubiera muchos ingenieros a nuestro lado tomando decisiones. El objetivo era sonar lo más naturales posible y mantener la seriedad de este proyecto desde el primer momento”. El éxito de su primer disco les cogió de improvisto, tanto que a día de hoy siguen sin ser demasiado conscientes del revuelo que han armado. “Todavía estamos sorprendidos, cuando visitamos Grecia o Irlanda, que ha sido lo más reciente, ya sean sitios grandes o pequeños, nos cuesta creer que somos nosotros los que estamos ahí. En 2011 no nos lo hubiésemos imaginado”. De hecho, han recuperado What I Am, una canción de sus inicios, un homenaje a sí mismos, algo que se puede observar en su video-clip. “Tiene arreglos nuevos. Con este tema también hemos abierto nuestra mente. Es una celebración de la vida, un regalo que nos hicimos a nosotros mismos para que lo vean nuestros nietos cuando ya no estemos. Lo hicimos a través de nuestros teléfonos y captamos cada momento”. El título del disco esconde algún secreto y una clave; si lo persigues puede llegar tu oportunidad. “Es una combinación de palabras, tiene un mensaje muy Lola Marsh: no desesperes, espera a que pase algo grande. Es muy romántico y tiene cierta épica”. En su memoria guardan un momento mágico, el concierto de 2014 en Primavera Sound. “Ese fue nuestro primer concierto fuera de Israel. De hecho, fue el primer día de nuestra nueva vida. No nos lo podíamos creer, no teníamos editada ni una sola canción y la gente reaccionó de manera entusiasta, conectamos enseguida. Tenemos videos de ese día y son increíbles”. —toni castarnado

FOTO: ARCHIVO

Manolo Kabezabolo

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“La Raíz en lo artístico se convirtió en algo esclavo”

Después de que Wayne Hussey nos visitase el año pasado en solitario, llegan nuevas fechas esta vez con The Mission, dentro de su The United European Party Tour, que incluye conciertos en varias ciudades españolas.

FOTO: BIKUS

Madrid (19 y 20 marzo, Joy Eslava) Iruña (21 marzo, IruñaRock) Murcia (27 marzo, Auditorio Murcia Parque) Barcelona (28 marzo, Telecogresca) L’Escala (11 abril, Ítaca) Rivas (14 mayo, Revolution Rivas Fest) Valencia (6 junio, Festival de les Arts) Toro (19 junio, Festival VinToro) Madrid (2 julio, Río Babel) Canet de Mar (4 julio, Canet Rock) El Bonillo (10 julio, Alterna Festival) Coma-ruga (11 julio, Festiuet) Gandia (18 julio, Pirata Rock) Aranda de Duero (13 agosto, Sonorama Ribera) Villena (13-15 agosto, Rabolagartija Festival) Almería (20 agosto, Cooltural Fest) Tavernes de la Valldigna (21 agosto, Mediterránea Festival) Alcalá de Henares (27 agosto, Gigante Festival) Vilanova de Sau (27-30 agosto, Festival Bioritme) San Mateo (26 septiembre, Rebujas Rock) Port de Sagunt (9 diciembre, Festardor)

Pablo Sánchez, compositor y voz principal de La Raíz, aprovecha el parón indefinido de su banda matriz para debutar con Ciudad Jara. Una propuesta más íntima y personal. Donde nace el infarto (Propaganda Pel Fet!, 20) es su primer disco.

mpecemos por el nombre de tu nuevo proyecto, Ciudad Jara. ¿A qué hace referencia? Jara es el nombre de mi hija. Cuando ella nació también nació este concepto de mundo o lugar nuevo en el que me encantaría quedarme a vivir. Es un lugar en el que está mi familia y los amigos de toda la vida, por eso busqué un nombre que conjugara las dos ideas, la del lugar como un colectivo (la ciudad) y la idea de mi hija como eje central y originario de mi cambio o mi deriva artística. —Doce nuevos temas que has estado preparando desde hace más de un año. ¿Cuánto llevaba la idea de esta aventura en tu cabeza? Llevaba muchísimo tiempo, pues soy artista compositor y, como tal, me sentía lleno de mundos internos que mostrar, lleno de emociones y de ideas musicales que sabía que necesitaría plasmar alguna vez. Tenía que ser de un modo más libre y fue cuando paró La Raíz cuando me tomé todas estas licencias para crear de una manera propia. —¿Resulta liberador poder componer y publicar este disco sin que sea bajo el nombre de La Raíz?

Mucho. La Raíz era un grupazo, aunque era un concepto muy concreto y al que se debía respetar compositivamente para que tuviera un sentido. Como compositor yo siempre he sentido la necesidad de respetar el estilo del grupo, el mensaje y a un gigantesco número de gente que, como público, se sentía identificado con esa música de La Raíz. Lo hice durante mucho tiempo desde el placer, pero en lo artístico se convirtió en algo esclavo y esto derivó en una pérdida de ilusión por mi parte y un desgaste muy fuerte a nivel emocional. —El primer single es La canción del pensador, inspirada en la estatua El Pensador del escultor francés Auguste Rodin… Sí, está inspirada en esa figura y habla de mis angustias personales. El silencio y la soledad son dos palabros que viven en las estatuas, sin embargo nadie sabe lo que pueden albergar dentro esas “personas”. Creo que la vida del artista también es eso, mantenerse firme frente a la tormenta. —Siglos de golpes se la dedicas a maestros, cantantes, mujeres, ausentes… ¿Están las letras inspiradas en la actualidad social? No están las letras de todo el disco inspiradas en la actualidad social. Si fuera así no tendría sentido el parón de La Raíz. Hay muchísimo más en Donde nace el infarto, pero sí que se deja ver en algunas canciones esta realidad social. Siglos de golpes está inspirada en los trabajadores y trabajadoras de posguerra. Algunos que se quedaron y otros que partieron forzadamente. —jesús casañas

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Valencia (9 y 10 marzo, Sala Moon) Madrid (16 y 17 marzo, Sala Mon) Barcelona (18 y 19 marzo, Razzmatazz 2)

na carrera tan apasionante y longeva como la de Wayne Hussey es difícil de encontrar. Este británico comenzó militando en Dead Or Alive, participó en el mejor disco de The Sisters Of Mercy y, finalmente, creó su propia banda, The Mission. “Supongo que cuando eres joven tienes la fuerza necesaria para meterte en constantes cambios. Aunque siempre me ha gustado hacer cosas nuevas. De hecho, a día de hoy continúo haciéndolas. La diferencia entre el pasado y ahora es que, actualmente, cada miembro de la banda tiene más tiempo para si mismo. Cuando éramos jóvenes las relaciones entre nosotros eran más intensas, y eso puede generar fricciones y conflictos, ya que no te permite plantear un cambio sopesado. A Dead Or Alive dediqué dos años de mi vida. Fue entonces cuando sentí que era el momento de pasar página. En The Sisters invertí los siguientes dos años hasta que pensé ‘vamos a hacer algo diferente’. Tras ello, Craig y yo abandonamos la banda de Andrew Eldrich prácticamente a la par con la intención de crear nuestro propio grupo. Craig quería tocar las canciones que yo había compuesto, cosas que no habían llegado a ver la luz con Sisters. Nos pusimos a la

busca de un cantante, ya que la intención original no era que yo me ocupase de las voces. Probamos con un par de ellos, pero no nos convenció ninguno. Total, que fuimos al estudio sin vocalista, y tanto Craig como yo probamos nuestras voces. Llegamos a la conclusión de que la mía podía encajar mejor dentro del concepto que andábamos buscando, por lo que decidí intentarlo. Escribí un par de letras que podían adaptarse a los temas. Comencé a cantarlas, y de repente todo funcionaba”. The Mission ha sido considerado uno de los referentes de la llamada cultura goth de los años ochenta y noventa. Mucho se ha dicho y desdicho acerca de esta categorización, y multitud de formaciones que, pese a ser consideradas pilares de esta subcultura, han querido desvincularse de la etiqueta por un motivo u otro. “Aunque nuestra música tienda directamente y de forma natural hacia la oscuridad, a mis letras no les pasa lo mismo. Las canciones de cada álbum son un testimonio de la banda como tal, y un poco también de cómo soy por dentro. En The Mission hay muchas canciones oscuras, pero también las hay que ensalzan la vida y la celebran, tratando el amor y otras cosas positivas. No todo es un lienzo oscuro”. Y es que para artistas como Wayne Hussey, no existe otra manera de imaginar el mundo que no sea en directa vinculación con la música. Al preguntarle cómo imagina una vida exenta de música, contesta: “Creo plenamente que no merecería la pena vivirla. La música forma parte indisoluble de la vida. Todas las culturas de este planeta cultivan su propia música”. —fernando o. paíno

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Ciudad Jara

THE MISSION

marzo 2020 #29

“El Brexit es un pequeño sinsentido provinciano” Madrid (6 marzo, Shôko) Barcelona (7 marzo, Salamandra)

Barcelona (Razzmatazz, 27 de marzo) Madrid (La Riviera, 28 de marzo)

Fat Freddy’s Drop, los gurúes del dub electrónico tropical, jazzero e irreverente Made In New Zealand, vuelven a España en el marco de su extensa gira europea para presentar Special Edition Part 1 (The Drop, 19).

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New Model Army es mucho más que una insignia del after punk y del rock oscuro de los ochenta. Hablamos de un grupo con principios muy definidos que no ha cesado de hacer música desde hace cuarenta años. La banda liderada por Justin Sullivan visitará en marzo nuestro país presentando su último trabajo, From Here (earMusic 19).

ew Model Army sois un inexcusable ejemplo de integridad y originalidad dentro del postpunk británico. Tras más de una veintena de discos publicados y cuatro décadas de trayectoria musical, ¿en qué lugar se encuentra el grupo? La verdad es que dar una visión personal sobre nuestra propia imagen es algo que no nos corresponde hacer a nosotros. Es un trabajo de los críticos musicales como tú (risas). Simplemente hacemos lo que hacemos. —From Here, vuestro último trabajo, es una nueva declaración de ideales vestidos con un sonido potente y directo. ¿Hasta qué punto NMA sigue pivotando sobre una perspectiva política? Es un error ver a New Model Army como un referente de tendencias políticas. Existimos por razones musicales. La música posee una magia especial porque tiene la capacidad de abstraer muchos y diferentes niveles y aspectos de la vida. La política es solo uno de ellos. —¿Qué aporta From Here a vuestra extensa discografía? De alguna manera es la culminación de todo lo que ha acontecido hasta 2019:

#30 marzo 2020

el énfasis en las secciones de ritmos, el amor por los paisajes sonoros sombríos y a la vez abiertos, las notas menores y a la vez su interesante energía de conducción. Fue escrito y grabado muy rápido, y ese aspecto le añade un cariz de inmediatez. Al mismo tiempo, queríamos alejarnos de la actual y cada vez más propagada “cultura de la polarización”, con todos gritándose unos a otros, e idear una imagen más grande. No hay “nosotros y ellos” en este disco, solo “nosotros”. —He querido descubrir en gran parte de las letras de vuestros últimos temas una gran preocupación sobre el panorama británico actual y su relación con el resto de Europa. ¿Esto es así? ¿Podrías darnos vuestra opinión al respecto? Nuestro anterior disco, Winter (16), fue escrito justo antes de que tuviera lugar el referéndum de 2016. Como ya sabíamos lo que iba a pasar, la temática de ese álbum estaba más involucrada en esos asuntos. From Here está más alejado de ello y es más amplio en lo que respecta a su planteamiento. El Brexit es un pequeño sinsentido provinciano que ha nacido de muchas cosas, no solo de cuarenta años de gobiernos conservadores (el gobierno de Blair desafortunadamente siguió la misma tendencia). Con el paso del tiempo, los ricos y poderosos se han hecho aún más ricos y poderosos, y han logrado culpar a los inmigrantes y a los pobres de todos los problemas que han creado. Finalmente, terminaron acusando a la Unión Europea, que es un objetivo fácil y abstracto al mismo tiempo. El Brexit no es más que un truco, y lo descubriremos en algún momento. —fernando o. paíno

os consideramos muy afortunados de tener a Europa como nuestra segunda casa. Volver es algo que siempre esperamos; la gente, la comida, la historia, la música y lo más importante, nuestros fanáticos”, cuenta Chopper Reedz, saxofonista del septeto. Presentarán Special Edition Part 1, su primer disco en cuatro años y, mientras su segunda parte se encuentra en ebullición ahora mismo, Chopper explica el porqué de los largos períodos que separan a sus discos. “Estas brechas están dictadas porque somos músicos de gira. Nos encanta tocar en vivo y necesitamos hacerlo para pagar las cuentas, así que las grabaciones a menudo quedan en segundo plano. Dicho esto, es genial poder dedicarnos al estudio; requiere un conjunto diferente de habilidades y una disciplina distinta que tocar en vivo”. Los shows del grupo son memorables; FFD basan su riqueza en la habilidad de siempre sonar sofisticados y

bailables al mismo tiempo, cualidad derivada del origen del grupo que no fue un trío de guitarra, bajo y batería, sino un DJ. Puede sonar extraño, pero no en la Wellington de los noventa, en la que la escena musical era heterogénea, con clubbers y músicos de jazz codeándose sin complejos. “Creo que en aquel entonces los fanáticos de la música eran diversos por defecto: Nueva Zelanda parece estar sintonizada de esa manera. Tener una sección de ritmo orientada al DJ nos ayudó a ofrecer bajos y ritmos adecuados sin importar dónde estuviéramos o cuáles fueran las circunstancias. Si tienes esa base sólida, la gente bailará, y nuestra música está cien por cien hecha para eso”. Por aquel entonces su disco debut, Based On A True Story (05) –un viaje sonoro en el que flotan armoniosamente en una nube electrónica, el jazz, el dub y el reggae– de 2005, fue revolucionario a nivel nacional, siendo el más vendido en la historia de su país. ¿Serán celebridades allí? “¡Ja! ¡¿Celebridades?! ¡No! El éxito de ese disco tomó a todos por sorpresa, incluidos nosotros. ¡Pero fuimos muy felices con eso! Nos dio un empujón en la dirección correcta para poder reinvertir en nuestra producción y actuaciones y adoptar un enfoque profesional para hacer música; antes de eso estábamos todos haciendo malabares para llegar a fin de mes”. —adriano dante mazzeo

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New Model Army

Fat Freddy’s Drop

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MARZO - JUNIO 2020 ASTURIAS, EUSKADI, GALICIA, LA RIOJA Y NAVARRA ASTURIAS

ACAPULCO, GIJÓN 17/04/2020 LORENA ÁLVAREZ LA LATA DE ZINC, OVIEDO 02/04/2020 HAKIMA FLISSI LA SALVAJE, OVIEDO 08/03/2020 MARIA RODÉS 25/04/2020 MOURN

GALICIA

EL NAÚTICO, SAN VICENTE DO MAR (O Grove) 01/05/2020 LOS SAXOS DEL AVERNO ATURUXO, BUEU (PONTEVEDRA) 05/04/2020 RUBIO SALAS CORPORATION KARMA, PONTEVEDRA 28/03/2020 BRONQUIO CLAVICÉMBALO, LUGO 23/05/2020 JAVIER ALCÁNTARA CAFÉ AURIENSE, OURENSE 20/03/2020 MISSISSIPPI QUEEN & THE WET DOGS 05/04/2020 HAKIMA FLISSI

SINATRA CÓCTEL BAR, VIGO 04/04/2020 RUBIO SALAS CORPORATION CONTRABAJO, VIGO 22/05/2020 JAVIER ALCÁNTARA MARDI GRAS, A CORUÑA 24/04/2020 MOURN

CASTILLA LEÓN, CASTILLA LA MANCHA Y MADRID CASTILLA LA MANCHA CLANDESTINO, ALBACETE 02/05/2020 FRASKITO PÍCARO, TOLEDO 15/05/2020 HAKIMA FLISSI 22/05/2020 ZULU ZULU

LA CUEVA DEL JAZZ, ZAMORA 03/04/2020 LOS SAXOS DEL AVERNO

MADRID

GAF Y LA ESTRELLA DE LA MUERTE SIROCO, MADRID 21/05/2020 ZULU ZULU WURLITZER BALLROOM, MADRID 09/04/2020 RUBIO SALAS CORPORATION 25/06/2020

MAGOKORO, EL ESCORIAL 01/03/2020 JAVIER ALCÁNTARA CASTILLA LEÓN CADILLAC SOLITARIO BAR SECRETOS, LA RIOJA EUSKADI MAYORGA (VALLADOLID) 01/05/2020 RUBIO SALAS STERO ROCK&ROLL BAR, SALA CÚPULA CORPORATION 02/05/2020 RUBIO SALAS LOGROÑO TEATRO CAMPOS, BILBAO CORPORATION CAFÉ BERLÍN 10/04/2020 RUBIO SALAS 13/03/2020 MARIA RODÉS CORPORATION C.T AVALON GREEN, SORIA 22/04/2020 NANJAZZ 20/03/2020 LORENA 01/05/2020 FINO OYONARTE 12/03/2020 LOS SAXOS ÁLVAREZ EL SOL ANDALUCÍA DEL AVERNO BIRIBAY, LOGROÑO 05/03/2020 JOSÉ DABA DABA, SAN SEBASTIÁN 30/04/2020 FRASKITO DOMINGO 13/03/2020 MARIA RODÉS 14/03/2020 MARIA RODÉS ANDALUCÍA 08/05/2020 NANJAZZ 23/05/2020 BRONQUIO MOBY DICK SALA X, SEVILLA NAVARRA 07/03/2020 MACHETE 06/03/2020 JOSÉ DOMINGO KUTXA KULTUR KLUBA, KAFÉ ZENTRAL, PAMPLONA EN BOCA SAN SEBASTIÁN LA CALLE, SEVILLA 28/03/2020 HAKIMA FLISSI 16/05/2020 LOS SAXOS 21/03/2020 MARUJA LIMÓN DEL AVERNO CATALUÑA, ARAGÓN Y COMUNIDAD VALENCIANA EL PELÍCANO, CÁDIZ 28/03/2020 FÔNAL 26/06/2020 GAF Y LA ESTRELLA CAFÉ DEL TEATRE, LLEIDA CATALUÑA COMUNIDAD VALENCIANA BOOGACLUB, GRANADA DE LA MUERTE 08/03/2020 NANJAZZ FABRA I COATS, BARCELONA TEATRE DEL RAVAL, GANDÍA 28/05/2020 GAF Y LA ESTRELLA DE LA MUERTE ZETA, ZARAGOZA 27/03/2020 NANJAZZ 26/06/2020 LORENA ÁLVAREZ ARAGÓN 01/05/2020 FRASKITO VELVET CLUB, MÁLAGA CONTINENTAL BAR, BARCELONA WAH WAH, VALENCIA LA BÓVEDA DEL ALBERGUE, 29/05/2020 GAF Y LA ESTRELLA CTO. CULT. LAS ARMAS, 16/05/2020 RUBIO SALAS 06/03/2020 MARUJA LIMÓN ZARAGOZA DE LA MUERTE ZARAGOZA CORPORATION 24/04/2020 JAVIER EL LOCO CLUB, VALENCIA 17/04/2020 MOURN MURCIA ALCÁNTARA ALMO2BAR, BARCELONA 07/03/2020 MISSISSIPPI QUEEN LA YESERÍA, MURCIA 02/05/2020 FINO OYONARTE 27/06/2020 GAF Y LA ESTRELLA & THE WET DOGS Esta información puede sufrir alguna alteración DE LA MUERTE 26/04/2020 FRASKITO 15/05/2020 RUBIO SALAS 28/05/2020 ZULU ZULU debido a la antelación con que es elaborada. CORPORATION

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19/2/20 14:14

02.07 04.07 PARCELS·CUT COPY·DESTROYER·MANEL SOCCER MOMMY·CUPIDO·JUNGLE DJ SET ·THE NEW RAEMON & PAULA BONET LADILLA RUSA·MOURN·MAZONI·BIZNAGA·EGYPTIAN BLUE·FLAMINGODS BAYWAVES·SINEAD O’BRIEN·SÚPER GEGANT·VERA FAUNA

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#PEØPLEVSUN1TS

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PRÓXIMAS GIRAS 2020 ABRIL

ABRIL / MAYO

JULIO

ZONA GANJAH

ERUCA SATIVA

SKAY

VIE 17 DOM 19 JUE 23 VIE 24 SAB 25 DOM 26

MIE 29 Casa Planas, PALMA DE MALLORCA JUE 30 a DOM 3 Varios lugares, IBIZA MIE 06 La Nau, BARCELONA JUE 07 Peter Rock, VALENCIA VIE 08 Sala Stereo, ALICANTE SAB 09 Cochera Cabaret, MALAGA MAR 12 Caracol, MADRID

SAB 25 Sala Apolo, BARCELONA MAR 28 Sala But, MADRID JUE 30 COSQUÍN ROCK ESPAÑA

#zglabusquedatour

Bikini, BARCELONA Casa Planas, PALMA DE MALLORCA Las Dalias, IBIZA Sala 0, MADRID Sala X, SEVILLA Booga Club, GRANADA

#seremosprimavera

#enelcorazondellaberinto

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@tribalproducciones

33/Mondo VINILOS

Sunday Service Choir/ Kanye West

Polock

Romance Faster Love

Jesus Is Born INC

Parker y la música de baile Tame Impala

The Slow Rush Caroline /Music As Usual

POP / Cinco años han pasado ya desde que Kevin Parker sorprendiera al mundo con su predecesor Currents (15), un disco que, si bien nos dejó un tanto aturdidos a los que esperábamos encontrar el vellocino de oro del rock psicodélico, ha terminado por situarse como uno de los trabajos más importantes de la década que acabamos de dejar atrás. Visto en retrospectiva, parece mentira que en algún momento llegásemos a considerar a Parker como la gran esperanza de la música de guitarras. Claramente sus planes iban en otra dirección. Adorado por gigantes como Kanye West, Lady Gaga, Rihanna, Travis Scott o Kali Uchis, se ha convertido en algo parecido al “productor de moda”; el hombre con el que todo el mundo quiere colaborar, llámese Alex Turner o Dua Lipa. Las expectativas estaban pues muy altas y la primera pregunta que surge tras escuchar este The Slow Rush es clara: “¿ha merecido la pena la espera?”. La respuesta es rotundamente afirmativa. En estos cincuenta y siete nuevos minutos los horizontes se expanden en todas las direcciones posibles. El disco se abre con un golpe electrónico magistral: One More Year, una cacofonía de baterías sincopadas con un tono confesional de incitación al viaje, físico

y mental. Continua con Instant Destiny, una densa espiral de sintetizadores que funciona como un bucle en el que sumergirnos antes del primer gran single del disco: Borderline, temazo que llevamos escuchando desde el pasado verano (aquí acortado) y que muestra claramente la intencionalidad última de Parker: acercarse a la música de baile en todas sus acepciones. Así, nos ofrece cortes como Posthumous Forgiveness, que transita por si sola todo el camino que recorrieron Yes entre 1968 y 1981; Breather Deeper, con su beat discotequero; Tomorrow’s Dust, el tema en que más se acerca a las cadencias de sus primeros trabajos; On Track, la más sosegada del lote; Lost In Yesterday, otro de los momentos álgidos; It’s True, que se adentra en el terreno del boogie espacial; It Might Be Time parece una mutación carnosa del soft-rock setentero con un teclado que bebe directamente de Supertramp. Por su parte, la brevísima “Glimmer” es prácticamente house de Chicago en la senda de Larry Heard o Frankie Knuckles mientras One More Hour cierra el disco como un auténtico baladón; rock clásico entendido de la forma más épica y progresiva posible, violines incluidos. Con estas doce nuevas canciones Parker vuelve a redefinir los márgenes del sonido psicodélico, explotando aún más su gusto por las melodías pop. A lo largo de todo el disco resuenan ecos familiares de artistas realmente masivos (Pink Floyd, Fleetwood Mac), pero lo hacen ocultos bajo una serie de texturas y ritmos profundamente contemporáneos que escapan a la lógica del revivalismo inocuo. —tomás crespo

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GÓSPEL / El Sunday Ser-

vice Choir, el coro que acompaña a Kanye West en sus revolucionarios Sunday Service, ha completado el trabajo que empezó con Jesus Is King en este Jesus Is Born (19). Esta segunda muestra de actualización de la tradición musical gospel, se centra en la parte vocal y deja a un lado el hip-hop. Count Your Blessings o Sweet Grace son muestras del repertorio tradicional gospel, mientras que las versiones de Ultralight Beam o Father Stretch (My Hands), evidencian la influencia de Kanye West en el proyecto y la del gospel en los últimos trabajos de West. No sabemos cuánto durará su giro cristiano –el de Bob Dylan duró tres álbumes–, pero, de momento, ha conseguido dos larga duración de una gran factura, que suenan maravillosamente bien.

—luis m. maínez

del cuarto álbum de los valencianos invitan a romper una buena lanza en su favor: han crecido hasta rebasar la siempre peliaguda barrera de los treinta, se han pasado al castellano, se han autoeditado y cada vez se parecen menos a nadie más que a ellos mismos. Lejos quedan ya los tiempos en que parecían una franquicia hispana de The Strokes –primero– o de Phoenix –un poco después–, lejos queda también su paso por Mushroom Pillow o por Sony. Aquí ya no hay coartadas, solo ellos mismos en un puñado de composiciones que desvelan textos desenfadados y sin pretensiones, y melodías de pop sintético estupendamente producidas (de nuevo con Fernando Boix a los controles), sostenidas sobre sintetizadores livianos, que se adhieren a la sesera.

—carlos pérez de ziriza

Wire

Dan Deacon

Mind Hive Pinkflag Records

ROCK / A la hora de eva-

luar el nuevo álbum de iconos post-punk como Wire, lo primero que me viene a la mente es el razonamiento empleado por Alexis Petridis, periodista de The Guardian, en su crítica de Mind Hive: si en vez de Wire, este fuera el primer disco de una nueva formación neo postpunk, estaríamos hablando de hype incontestable. Pero claro, tras más de cuatro décadas de trayectoria, la banda liderada por Colin Newman no deja de ser contemplada como la típica que tira de fondo de armario para recuperar la llama de antaño. Dichas palabras se derrumban por sí solas cuando la savia nueva es mucho más que un espejismo. Hitos como Oklahoma u Off The Beach demuestran que son un grupo que ha sabido reciclar su pasado en refrescante presente.

—marcos gendre

POP / Las diez canciones

Mystic Familiar Domino/ Music As Usual

ELECTRÓNICA / El sexto trabajo del geniecillo del pop electrónico con sede en Baltimore despliega todas las armas sonoras que le han puesto en primera fila: un caleidoscópico viaje de alucinaciones psicodélicas. Compuesto en los huecos que le han dejado los constantes encargos de bandas sonoras y con un ojo puesto en el libro de estilo de Brian Eno y otro en el de Animal Collective, la música de Deacon no puede ni quiere liberarse de su habitual cualidad cinemática, muy presente a lo largo de todo el viaje, pero se hace deliberadamente más emocional. Sat By A Tree suena como si The Flaming Lips se hubieran hecho un lifting para rejuvenecer veinticinco años. Las cuatro partes de Arp funcionan de principio a fin, mientras que Fell Into The Ocean y My Friend recuperan al Deacon más juguetón y pop. —jc peña

marzo 2020 #33

MONDOVINILOS

Drive-By Truckers

The Unraveling ATO

Más Pablo que Und Destruktion Pablo Und Destruktion

Futuros Valores Humo, 2020

8 POP ROCK / Pablo García Díaz es un artista

de voluntad inquebrantable. La honestidad está soldada a su piel. Desde su debut como Pablo Und Destruktion con Animal con parachoques (12) el asturiano ha ido entregando una serie de episodios discográficos a cual más catártico que, al tiempo que agrandaban su reputación de trovador ingobernable, constituían una antología del constreñimiento que se acercaba inevitablemente hacia el abismo. Hasta ahora. Tras el Apocalipsis que supuso su anterior trabajo, Predación (17), Pablo ha decidido tomar distancia y ponerle freno a su particular escalada de violencia. Futuros valores supone una purificación, artística y espiritual, de toda esa furia de la que hacía gala. Estamos ante un álbum minimalista que prescinde de cualquier artificio o efecto

Lee Ranaldo & Raül Refree

Mura Masa

POP EXPERIMENTAL / Con nombre tan misterioso como su portada llega el primer álbum conjunto entre el reputado músico neoyorquino y el músico y productor barcelonés. La grabación de Acoustic Dust (15) y después el notable Electric Trim (17), coproducido con Refree, cimentaron una amistad que se plasma ahora en un trabajo colaborativo en el que ambos se alejan del formato del grupo de rock. De hecho, Ranaldo ha cometido la herejía de prescindir en gran parte de la guitarra que viene caracterizando su sonido desde los tiempos gloriosos de Sonic Youth. En Alice, Etc. se plantan las semillas de un disco de texturas acústicas y reflexivas, entre la luminosidad melódica y los ambientes fantasmales: marimbas, electrónica minimalista, samplers, violines, patrones hipnóticos (la huella de Steve Reich es alargada), y la voz de Ranaldo, más protagonista que nunca, con generosos pasajes de spoken word. —jc peña

#34 marzo 2020

Gyoza

R.Y.C Polydor/ Universal

Names Of North End Women Mute/PIAS

POP / El joven y talentoso Mura Masa vuelve a ofrecer un trabajo que sorprende por su originalidad respecto a su premiado primer álbum. En R.Y.C encontramos dos mitades: la primera, inspirada, obviamente, por el punk rock de los primerísimos años del presente siglo y filtrada hasta hacerla autentica y divertida en vez de prescindible; en la segunda (desde In My Mind) volvemos a encontrar un Mura Masa que esta vez mira a la electrónica lofi como quien mira una fiesta en la que ya ha estado. R.Y.C parece un disco homenaje a la música de moda hace quince años que suena tan bien como podías esperar. Las colaboraciones están escogidas –en su línea– a la perfección: Clairo, Georgia, slowthai,… complementos que se unen con éxito a la línea que marca Mura Masa. Deal Wiv It, In My Mind o Raw Youth College serán sus mayores éxitos, pero –aunque está lejos de ser perfecto– todo el álbum es interesantísimo. —luis m. maínez

de sonido para centrarse en lo sustancial: las letras y los acordes que constituyen las canciones. Pablo vuelve, por así decirlo, a su faceta más cantautoril. El disco se abre con El cortejo, una sencilla canción de amor que es como una invocación para el ser querido. Gijón, el primer adelanto, es quizás la más discursiva del lote, con sus referencias explícitas al puerto y a un personaje tan fascinante como fue Rambal, cupletista asesinado en 1976 (“mucho más que un marica, un héroe nacional”). En Credo paisano deja algunas píldoras que son claves para entender el nuevo rumbo que Pablo ha decidido emprender. Una vuelta a las esencias en la que profundiza en Problemas. Gracias es una reflexión sobre la compleja relación público-artista, que Pablo identifica como algo vampírico, mientras que en Viva la gente rompe una lanza a favor de la colectividad. En definitiva, un trabajo más “Pablo” que “Und Destruktion” en el que el asturiano se reencuentra consigo mismo y reivindica una serie valores que parecen encaminar su propuesta hacia un nuevo lugar, quizás más apacible, pero no por ello menos belicoso. —tomás crespo

ROCK / Gyoza son unos

músicos inquietos como pocos y en su segundo largo le dan una vuelta de tuerca y media a su rock alternativo. La etiqueta experimental seguramente le viene algo grande a Early Bird, pero aquí encontramos un total de nueve cortes valientes, aventureros, con incontables influencias, novedosos tintes electrónicos y un buen puñado de giros sorprendentes. Guitarras estratosféricas sobre una base instrumental digna de los mejores Helmet (In My Room), unos patrones jazz (Requiem For A Lie), aires a western crepuscular(Roy Goode), sintetizadores marcianos (Glitch), una progresión de acordes muy emotiva (Burden)… Escuchas el disco y te los puedes imaginar gozando en el estudio, probando todos los cacharros posibles, todo aquello que se les pasaba por la cabeza. Sin duda, un disco sin límites, abismal por momentos, quizá menos directo y más sinuoso, pero que supera sus propias ambiciones.

—luis benavides

Shopping

Bombay Bicycle Club

Early Bird Bandicoot/ Navalla Discos

AMERICANA / No existe banda alguna que posea una trayectoria inmune a turbulencias. Las sufridas por esta formación de Athens –especialmente tras la marcha de uno de sus pilares, Jason Isbell– son de sobra conocidas, igual que sus repercusiones en una hasta entonces impoluta obra. Fue con American Band (16), trabajo predecesor al actual, cuando recuperaron unos galones que estas nuevas composiciones no solo conservan, sino que lo hacen arriesgando, dando una vuelta de tuerca a su característico sonido sureño. Un ejercicio cargado de rabia e indignación contra la actual situación política que fluye incorporando heterodoxa instrumentación (Rosemary With A Bible And A Gun), deconstruyendo la tradición “bluesera” (Babies In Cages) o emergiendo entre majestuoso rock (Grievance Merchants). Drive-By Truckers consolidan así un reinado cimentado por un talento musical lanzado a desenmascarar las pesadillas ocultas entre las barras y estrellas. —kepa arbizu

All Or Nothing Fat Cat

Everything Else Has Gone Wrong Caroline/ Island/M.A.U. POP / Tras un parón de más de un lustro, el cuarteto británico ha recuperado fuerzas para reaparecer con el que parece, a todas luces, su disco más sólido, ambicioso y adulto. La producción de John Congleton le viene como anillo al dedo a una formación que recupera y potencia los ingredientes básicos de una banda de rock (o pop). Apostando algo menos por la electrónica y la world music (aunque sigue presente en cortes como I Worry Bout You, Do You Feel Loved) y más por un desprejuiciado abanico de influencias acertadas que van del kraut a la psicodelia o el pop en estado puro, Jack Steadman y compañía se hacen fuertes en una sobresaliente primera mitad del disco, con canciones estupendas como Is It Real, Everything Else Has Gone Wrong, I Can Hardly Speak o la emocionante Eat, Sleep, Wake (Nothing But You), de lo mejor que han hecho. La segunda mitad se me hace algo menos inspirada, pero sin que desaparezca la sensación de gran paso adelante. —jc peña

POST PUNK / Emparentados

con formaciones clásicas como Wire y contemporáneas como Bodega, pero más pulidos que sus colegas de Brooklyn, en su tercer álbum el trío radicado entre Glasgow y Los Angeles también tiene ahora el dance punk neoyorquino entre ceja y ceja. Esto tiene sus peligros: aunque About You se queda por momentos melódicamente cerca de propuestas demasiado exprimidas y comerciales al albur de Gossip, acaba convenciendo con su acertado desarrollo instrumental y vocal. En Lies se visten con ropajes electrónicos sin problema, y en Body Clock se meten de lleno en la pista de baile. Al final, el hándicap de grupos como Shopping, capaces de crear hits de andar por casa como Follow Me, No Apologies, Expert Advice, Trust In Us o For Your Pleasure, que completan discos tan entretenidos como éste, es el creciente overbooking de bandas que apuestan por una propuesta de reciclaje digno similar. —jc peña

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Algora

INDIE ROCK / Nada Surf

nunca han sido el grupo que iba a salvar el rock. Pero el mundo sería un lugar bastante más inhóspito sin ellos. Los que busquen experimentos con gaseosa se han equivocado de banda: Matthew Caws, Daniel Lorca e Ira Elliot –con la participación ocasional del brillante guitarrista de Guided By Voices Doug Gillard y el teclista Louie Lima, que tiene más presencia en las texturas– han ido destilando desde hace años un sonido elegante y atemporal que sacrifica aristas y estridencias en pos de la calidez melódica. Y ahí siguen, con la vocación de hacer del mundo un lugar más habitable. Poco queda de los críos indies que estaban detrás de Popular, aunque el grupo se permite aquí el guiño de recuperar el spoken word haciendo referencia al ruido de las redes sociales, con la energética y estupenda Something I Should Do. Aunque a nivel melódico estamos en terreno de sobra conocido, la inspiración compositiva no les ha abandonado. —jc peña

POP ELECTRÓNICO / A dife-

rencia de la soledad desde el punto de vista amoroso tratada en Folclore del rascacielos (17), aquí Algora quiere centrarse en la soledad de la gran ciudad actual, la soledad del sistema consumista. El tono político es palpable en temas como la preciosa Elaid y Tiberiu, la generacional Reflexiones de una vieja lavadora o, especialmente, El último hombre en Europa. Como cualquier soledad y cualquier vacío, intentamos llenarlo con drogas de todos los tipos, y con patrones de consumo en general, ya sea consumo de objetos, de cuerpos o de validación, como podemos ver en las estupendas Fotos en los gimnasios y Dondiego. Todo este concepto está además revestido de un cambio en su sonido: Algora confiesa haberse quitado cualquier complejo musical al respecto, y se abre aquí por completo a la electrónica con ecos a New Order o Pet Shop Boys. En definitiva, Víctor Algora nos entrega el que probablemente sea su mejor trabajo. —pablo tocino

Fuerza 3 Aloud

ROCK / Un año después de la publicación de su presentación con 80/B, Pinpilinpussies lanzan su estupenda puesta de largo. Perder el tiempo no entra en el vocabulario de este dúo afincado en Barcelona. No han parado de tocar en todo tipo de escenarios y su propuesta entre el indie rock y punk garajero ha cogido peso. Grabado en el estudio sevillano La Mina con Raúl Pérez (Biznaga, Pony Bravo), el presente Fuerza 3 es menos lo-fi y más variado que el EP. Sacan partido del constante intercambio de roles e instrumentos de Ane y Raquel. Comparten referentes e inquietudes (también gomina, como indica el título del disco) pero su manera de cantar y atacar los instrumentos es diferente. Ellas encarnan las dos caras de la misma moneda. Gregory Peck, Noventas y Balada #2 representarían su vertiente más melódica; mientras A.M.O. y Fiera sacan su lado más punk y salvaje. ¿Lo mejor? Fuerza 3 no culmina nada. Este disco es solo una etapa más en una carrera que promete mucho. —luis benavides

DD LJM

1 Flat Erik (Erik Urano) Neovallado

8 9 9 9 8,75

DC JSL

Med

2 Caribou Suddenly

8 8 9 8 8,25

3 Tame Impala The Slow Rush

7 8 8 7 7,5

Triangulo De Amor Bizarro Triángulo De Amor Bizarro

7 8 7 8 7,5

5 Cruz Cafuné Moonlight922

7 7 8 7 7,25

5 King Krule Man Alive!

6 7 7 8 7

6 US Girls Heavy Light

6 7 6 6 6,25

7 Mura Masa R.Y.C

6 7 6 6 6,25

9 Green Day Father Of All Motherfuckers

7 6 4 6 5,75

10 La Roux Supervision

5 5 5 4 4,75

Caribou: apuesta segura

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

Pinpilinpussies

Un extraño entre las rosas El Genio Equivocado

Never Not Together City Slang/ Ernie Records

top 10.

Nada Surf

Holy Fuck

Deleter Holy Ef Music

Caribou

Suddenly City Slang/ Music As Usual

8 ELECTRÓNICA / Pasa el tiempo y Caribou no defrauda. Seis años después del enorme Our Love (15), Dan Snaith regresa en 2020 con Suddenly, un trabajo lleno de calidez y luz que nos muestra a una de las figuras fundamentales en el terreno del pop electrónico y la música de club de los últimos veinte años en un estado de forma envidiable. Suddenly muestra la cara más sensible e intimista de Caribou; todo el disco está atravesado por una sensación de emotividad crepuscular, de calma casera, de alejamiento de la parte más nocturna y bailable del universo de Dan Snaith (la que explora y firma como Daphni) y el resultado seguramente sea el trabajo más accesible, completo y bonito que nos ha regalado hasta la fecha el canadiense. Paternidad, muerte, familia, amor: Suddenly habla de la vida en movimiento, básicamente, y la sensación que provoca su escucha es la de cercanía con un buen tipo que quiere compartir esas experiencias universales relacionadas con la madurez y el obligado paso del tiempo hablándote de tú a tú, desde la sencillez y con la intención de que, al

terminar el disco, tengas una sonrisa en la cara y te sientas un poquito mejor persona. Para ello, Caribou amplia la paleta de sonidos y estilos a los que nos tiene acostumbrados, se aleja un poco de los loops y transita del soul luminoso y elegante de Home al minimalismo más sensible y orgánico de la preciosa Sister. Por el camino, hay acercamientos al hip hop y al R&B de regusto comercial en New Jade, preciosismo directamente pop en You And I, y las obligadas visitas a la pista de baile de Lime, Never Come Back o Ravi: que no teman los fans,

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Caribou sigue disfrutando de la música de club, y sigue haciendo magia cuando se sumerge en ella, si bien es cierto que el baile no es el elemento central de este disco. Suddenly supone un viaje calmado, reflexivo incluso, en el que la inmediatez y nocturnidad de anteriores trabajos queda un poco de lado para mostrar a un compositor en estado de gracia, capaz de mantener el equilibrio entre mil estilos diferentes de forma magistral, reinventándose en cada canción y sonando siempre a Caribou.

—ricky lavado

ELECTRÓNICA / La banda

de Toronto nos vuelve a demostrar su gran capacidad para facturar canciones de lo más arrojadizas, dejándonos ante otro trabajo donde la catarata de texturas sintéticas apunta en múltiples direcciones de una forma muy acertada. Con las dosis de agresividad precisas que marcan la pauta a la hora de otorgar un carácter díscolo al trabajo, esta nueva entrega de Holy Fuck combina de buena forma momentos crispados con otros que sirven como perfecta transición hasta alcanzar un clímax ruidoso que bien podría ser el hilo conductor de toda su carrera. La sensación de que en esta ocasión han apostado de lleno por la música de club en detrimento de explorar su cara más relacionada con el math rock es algo que perdura a lo largo de la referencia, encontrándonos con un nuevo uso de sus guitarras como algo mucho más complementario y puntual que en anteriores ocasiones. —noé r. rivas marzo 2020 #35

MONDOVINILOS

A Girl Called Eddy

POP / Erin Moran vuelve dieciséis años después de su álbum de debut con una continuación que es otra absoluta delicia, como si el tiempo no hubiera pasado desde aquellas canciones que le produjo Richard Hawley. Empezar a sonar el tema titular y apreciar su habilidad para exhalar canciones elegantes, medios tiempos de soft rock que transpiran templanza y savoir faire, es todo uno: aquí lo hace con espléndidos arreglos de viento que le imprimen un toque muy soulful, al igual que en esa Come To The Palisades! que es soul pop de cinco estrellas. Pero igual da que empiece un tema como si fuera Josh Rouse para desembocar en un estribillo que es puro Steely Dan (Jody), que rinda un homenaje confeso a Chrissie Hynde y sus Pretenders en Someone’s Gonna Break Your Heart, que incorpore unas cuerdas imponentes en ese precioso recuerdo a su padre que es Lucky Jack (20-1). Es como si nos enfrentáramos a la Carole King o la Karen Carpenter del siglo XXI.

—carlos pérez de ziriza

8 ROCK/ Seis años después, la idea del fin de algo que recorría Ballenas Muertas en San Sebastián (14) permanece en Ataque Celeste, aunque ahora el tono sea otro, con una perspectiva más personal que social. Tanto que, incluso teniendo entre manos este sexto disco de la banda navarra, por momentos uno llega a pensar si lo de desaparecer, como cantaba Cristina Martínez con Nacho Vegas en La última atrocidad, es siempre una opción. “Ya no queda oro en toda la montaña, no encuentras las palabras, empieza a amanecer…”, cantan en Tu último relato, acercándose al precipicio en una historia de agotamiento que musicalmente quizá sea lo más pop que han firmado en sus veinte años de trayectoria. Esa línea, perturbadora y accesible a la vez, se mantiene a lo largo de un álbum más breve aún que los anteriores, confirmando lo que apuntaba su primer adelanto, Huir, con un infeccioso toque funk. En conjunto, Ataque Celeste no tiene la cuchilla afilada, ni

#36 marzo 2020

tampoco el peligro de los temas más hirientes del Columpio, pero la amenaza continúa latente. Baste como ejemplo el estribillo de la muy bailable Preparada, corte con más matices de los que un apresurado contacto pueda revelar, ganando a cada escucha y subrayando el protagonismo vocal de Cristina Martínez, en tanto que Albaro Arizaleta únicamente asume el mando en un par de canciones. Una de ellas es Lechuzas, cuters y somníferos, la más cortante del disco, recuperando ese ambiente insano tan propio de los autores de Diamantes (11). Atrás quedan también las imágenes crípticas de antaño, sustituidas ahora por textos como los de Sirenas de mediodía, que abundan no tanto en el nihilismo como en una sensación de vacío. La imagen es igualmente desoladora en Mi general, mientras que Siempre estás tú devuelve el álbum a esa idea primera de ruptura y huida, y una frialdad electrónica que crece de forma constante (un poco a la manera de La Bien Querida más oscura de temas como Crepúsculo), antes de desembocar en la instrumental Ataque celeste, epílogo de un regreso que despacha la celebración más rápido de la cuenta, a juego con un tiempo en el que odios y pasiones se queman a diario con acelerante. —enrique peñas

—xavi sánchez pons

Cruz Cafuné

And It’s Still Alright Stax/ Music As Usual

FOLK / Nathaniel Rateliff

decide adentrarse en su bosque interior y se separa momentáneamente de The Night Sweats, de su sangre bluesera y de su alma negra. Vuelve a aquella encrucijada donde mudó la piel de serpiente, se calzó las botas tejanas y se fundió con las noches sudorosas y, echando la vista atrás, se desnuda y reemprende la vereda folk de sus inicios en busca de redención y retales de fe perdida. Las diez baladas de And It’s Still Alright (tercer largo en solitario) están empapadas por el dolor y el inabarcable vacío de la perdida: el desmoronamiento de su matrimonio y divorcio, y la muerte de su amigo y colaborador Richard Swift. Pero, aunque cada uno de los surcos del álbum son irremediables heridas abiertas, la emocionante voz de Nathaniel, desde la inicial calma de What A Drag” que desemboca en la titular y joya de la corona And It’s Still Alright, filtra un hilo de luz y esperanza que, poco a poco, deshiela la pena y nos da cobijo tras la tormenta. —david pérez

POP / De la explosión del

nuevo pop de guitarras que vivimos a finales de la primera década del 2000, quedan algunos supervivientes con carreras interesantes. Ahora bien, ninguno se acerca a la excelencia de Real Estate. La banda de Nueva Jersey, que debutó en 2009, fue la que menos ruido mediático generó en su momento. Es más, su popularidad y prestigio se han consolidado gracias a la revolución tranquila que proponen y que ha ido creciendo a lo largo de los últimos diez años. The Main Thing, quinto disco de estudio de Real Estate, es un paso más hacia la pureza cristalina del sonido que parece buscar el grupo liderado por Martin Courtney. Un camino a la depuración que se inició en su anterior y fantástica obra, In Mind, y que ahora brilla más que nunca en temas bellísimos e hipnóticos como You, Silent World o Shallow Sun. También presenta nuevas derivas sonoras, como ese guiño al pop etéreo de Air que es Friday o la elegancia casi white soul de Paper Cup.

Nathaniel Rateliff

El retorno de El Columpio Asesino Ataque Celeste Oso Polita

The Main Thing Domino

Been Around Elefant

El Columpio Asesino

Real Estate

Moonlight922 MÉCÈN Entertainment

RAP / “La gente mira a la luna, de normal, desde que el mundo es mundo”. Cruz Cafuné volvió a hacerlo de nuevo cuando regresó a su isla, Tenerife, y algo en aquella luna hizo efecto en él. Año y medio después entrega Moonlight922, una mixtape cuyo título da la clave para descifrarla: la luna es importante, pero lo es aún más lo que ilumina. La isla es aquí protagonista antes que marco, y los prefijos de Tenerife y Las Palmas aparecen de tanto en tanto marcando a fuego el pasado, el presente y el futuro. La ambición y el peso del carácter narrativo de su primer disco, Maracucho bueno muere chiquito (18), se aligeran en Moonlight922, y es lo mejor que le podría haber pasado: las producciones de la mixtape (hermanas de las del Bruno (19) de Choclock) respiran y dejan el espacio necesario para que el canario desborde y se confirme, a nivel de fraseo, manejo de códigos, lírica, versatilidad y storytelling, como uno de los mejores de su generación. —darío g. coto

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PABLO LESUIT

NUEVO DISCO BELORIZONTE YA EN PLATAFORMAS DIGITALES

CONCIERTO PRESENTACIÃ&#x201C;N

6 DE MARZO SALA EL SOL MADRID

MONDOVINILOS

Isobel Campbell

There Is No Other… Cooking Vinyl/ Popstock!

POP / Tras catorce años sin

recibir un disco firmado en exclusiva por Isobel Campbell, se impone tirar de tópico para afirmar que la espera ha merecido la pena. El regreso de la escocesa se concreta en un álbum sedoso, elegante y acogedor que alumbra no pocas gemas. La ex Belle & Sebastian completa un elepé de gran coherencia donde no caben estridencias ni otros componentes que desentonen. Un álbum ambicioso en la estructura de las canciones, que evita quedarse en la superficie para añadir detalles enriquecedores y siempre colocados con buen gusto tras respetar la humanidad de las propias composiciones. Isobel Campbell protagoniza un retorno tremendamente firme, y se muestra decidida en su intención de volar de nuevo en solitario. Y la decisión trae consigo una de esas obras cuya aparente delicadeza contrasta con la solidez de la selección, poseedora además de esa calidez tan propicia para superar los últimos ramalazos del invierno. —raúl julián

Green Day cambian de registro Green Day

Father Of All Motherfuckers Warner Music

7 ROCK / Si nos acercamos al decimotercer

álbum de Green Day con prejuicios y, sobre todo, con cierta nostalgia de las dos épocas doradas de los de Oakland –Dookie (94) y American Idiot (04), por marcar sus momentos cumbre– nos estaremos perdiendo un buen álbum, en el que el trío ha pasado completamente de entrar en terminología política para despachar un disco, el más corto de su carrera, lleno de canciones frescas y disfrutables. Haciendo un repaso en sus apenas veintiséis minutos de duración por los diferentes corrientes musicales (en el disco hay ecos Motown, sixties, rock’n’roll, glam, garage o indie rock) y producido por Butch Walker (Taylor Swift, Weezer), el comienzo del álbum con Billie Joe Armstrong cantando en falsete en Father Of All Motherfuckers no es más que una declaración de intenciones sobre lo que viene después: una banda que, tras

Los Valientes

Nicolas Godin

POP ELECTRÓNICO / Con Air

en barbecho desde hace ocho años, el anuncio de la publicación de nuevo disco firmado por el cincuenta por ciento del grupo generaba ilusión entre los seguidores de la formación. El segundo álbum en solitario de Nicolas Godin lleva la indudable impronta del grupo francés, y viene protagonizado por pop electrónico y ligero, pero en la práctica también escasamente trascendental. Pasajes ambientales convenientemente completados con sintetizadores, vocoder y otros adornos que dejan un compendio de agradable música de fondo, pero que en realidad tampoco cuenta con mucho más donde rascar. Música de ascensor, podría decirse, sofisticada y de lujo, pero para ascensor al fin y al cabo, a pesar de colaboraciones variopintas como las de Kadhja Bonet, Alexis Taylor (Hot Chip) o Cola Boyy. Una secuencia que acompaña al oyente sin incomodarle, pero que tampoco muestra cualidades capaces de generar emociones de intensidad. —raúl julián

Ciudad Jara

De aquí al cielo Long Live Records

Concrete And Glass Because Music/Music As Usual

ROCK / Una banda que se llame Los Valientes debe tener un motivo para tal autoproclamación. Estamos hablando de un cuarteto manresano de garaje que presenta su debut en largo después de un EP sacado en 2017. El nombre es importante porque describe a unas personas que deciden optar por el rock sucio y rápido en pleno 2020. Cuatro amigos de adolescencia en los pogos, enamorados de bandas cercanas como Mujeres, Aliment o Univers. Es lógico, pues, que su debut sea tan acelerado y urgente como el trote enfermizo de un caballo cafetero. La intensidad de las once pistas cede en pocos momentos. La primera mitad, hasta Frizzante, es un chorro de adrenalina garajera con pocos matices y donde las tres influencias comentadas resuenan por todo. La segunda es más abierta y estimulante, con ecos al surf, al post-punk crudo y con teclados flotantes y mágicos. Lo de Los Valientes es una experiencia estética por el rock juvenil angustioso y despreocupado.

—marcel pujols

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más de dos décadas largas de carrera, disfruta componiendo canciones sin pretensiones y como ellos mismos dicen “not giving a fuck”. Como nota negativa, esta apertura a diferentes registros y sonidos ha disipado parte de su característico sello como banda, siendo en no pocas ocasiones difícil reconocer que se trata de un tema de los californianos, al escucharles sonar como lo harían The Black Keys, The Hives, Queens Of The Stone Age o Jack White, en detrimento de su estilo

Ballena

Donde nace el infarto Propaganda Pel Fet!

MESTIZAJE / Aprovechando

el parón indefinido de La Raíz, Pablo Sánchez ha dado rienda suelta a una idea que llevaba tiempo rondando su cabeza: su primer disco en solitario. Bajo el nombre de Ciudad Jara (dedicado a su hija, el cantante y compositor publica una ópera prima en la que explora su universo personal, en el que resuenan ecos de rock, funk, pop o hip hop. Una propuesta íntima y melódica, plagada de poesía y folclore, hilada de la mano de su amigo de la infancia, Tato James, junto a Santos & Fluren y con un buen número de colaboradores (La Vela Puerca, Rozalén, Facu Díaz). Tras la apertura con la breve y ancestral Donde nace el infarto, el ritmo se acelera en los estribillos pegadizos y distorsionados de El último pasillo. Bailé da protagonismo a las personas invisibilizadas, La canción del pensador muestra una faceta acústica y hogareña... Y así hasta una docena de temas plagados de un lirismo cuidado, que va de la crítica social a sus reflexiones más íntimas. —jesús casañas

personal. Llegados a este punto, para los nostálgicos solo existe una solución: aceptar esta nueva etapa de la banda y disfrutar de sus nuevas facetas o, por el contrario, perderse unas canciones en las que el trío ha demostrado que conserva su inquietud creativa. Y si este argumento sigue sin resultar convincente, tampoco se va a acabar el mundo… Nimrod (97)o Insomniac (95) estarán esperando en la estantería deseosos de recuperar su protagonismo. —sofía cuevas gonzález

La Roux

Odisea Ballena Subterfuge

POP / Tras debutar con

Navarone (17), los malagueños Ballena contratacan con Odisea Ballena, once canciones crujientes y eléctricas con vida propia, de texturas elegantes y afiladas que esquivan la senda del indie más trillado. Ecos de pop pretérito, rebosante de armonías y raíces sureñas, con cierto punch de power pop en vena y rabia contenida, cargada de una energía positiva creciente que termina por ganar siempre la partida. De la contagiosa luminosidad que crece en Veritá, a la brisa redentora de coros sesenteros en El conjunto, pasando por la cadencia adictiva y melancólica de Niágara o la tormenta rítmica en Torre de control. Sin olvidar esa montaña rusa de la que no querrás bajarte, La fiesta de Iniesta, donde, entre latidos de bajo, remolinos de riffs y explosiones sónicas, rezuma el aroma de los The Cure más resplandecientes, con Miguel Rueda al frente como una suerte de Robert Smith andaluz, dejándose las cuerdas vocales bajo una lluvia de confeti.

—david pérez

Supervision Supercolour/ Believe

POP / Tras un notable Trou-

ble In Paradise (14), el tercer álbum de la estrella se reduce a reflejar el estancamiento de la artista en un electro-pop monótono y poco innovador. Una nueva era con un cero en creatividad y energía; que se queda muy lejos de la gran evolución del género en los últimos años. Un paso atrás para Elly Jackson en muchos sentidos que, apoyada en la filosofía del DIY, ha tomado las riendas de su carrera encargándose por sí sola de la composición y grabación del disco desde su casa en Brixton. Y es que únicamente recurre al apoyo externo de Dan Carey (Kate Tempest, Sophie Hunger) para compartir junto a él una producción pobre cargada de ritmos tropicales cutres (Everything I Live For), teclados que suenan a clases de iniciación y el abuso de sintetizadores ochenteros. Un proyecto muerto, aburrido, que no termina de arrancar y que genera de forma constante en el oyente la sensación de querer algo más que nunca llega.

—álex jerez

marzo 2020 #39

MONDOVINILOS

Squarepusher

Be Up A Hello Warp/Music As Usual

Fuel Fandango: deriva hacia la percusión

ELECTRÓNICA / Veintiséis años se cumplen de la irrupción de Tom Jenkinson en la escena electrónica exigente. Como si quisiera celebrarlo, el británico reaparece tras cinco años de silencio con un álbum que retoma los ingredientes más extremos de la escena rave de Essex. Jenkinson nos propone un viaje de contrastes en el que melodías luminosas se codean con momentos de turbia ansiedad futurista. Lo hace recurriendo a la combinación de equipo analógico y digital, con esos ritmos poliédricos aparentemente cáoticos y los bajos mutantes marca de la casa. La apuesta experimental se redobla en cortes como Speedcrank y la irresistible pero inquietante Vortrack. Detroit People Mover lleva a terrenos atmosféricos, mientras que en Terminal Slam y Mekrev Bass se interna en intrincados páramos industriales de house dislocado. Es esa acusada tensión entre luz y densidad el mayor valor de un álbum con el que Jenkinson se vacía. —jc peña

Fuel Fandango Origen Warner Music Spain

8 FUSIÓN / Aurora fue un punto de inflexión

para Fuel Fandango. En ese tercer disco la electrónica tenía un peso mucho mayor dentro de un sonido de fusión que, como decía hace poco al presentar su entrevista, cada vez se ha ido ampliando más hasta el punto de que resulta imposible describir el cóctel sin dejarte algo. El año pasado cumplían una década agitando este mismo cóctel, y nada más comenzar 2020 tenemos material nuevo: este Origen cuyo título podría ser un guiño a una nueva etapa tras esos diez años pero que, según me contaron, es más una referencia directa al origen de la propia humanidad en África, algo que han querido que se note tanto en letras como en el propio sonido. Y la verdad es que tiene todo el sentido del mundo, puesto que en Origen tenemos un protagonismo de los ritmos percutivos, como pudimos ver en los primeros avances que

The Big Moon

Mac Miller

POP / The Big Moon levanta-

ron un considerable revuelo hace algo menos de tres años con su debut, cosechando entonces multitud de críticas positivas. Lo cierto es que aquel estreno no carecía de atractivos, al venir marcado por un indie-pop que entraba muy bien. Pero también puede que las alabanzas fueran algo excesivas, imponiéndose la presente referencia como paso clave a la hora de concretar estatus. Finalmente el resultado no es concluyente después de que el grupo británico entregue una continuación lógica aunque algo más sofisticada y con mayor presencia de sintetizadores. Once temas que, por lo demás, hacen hincapié en coordenadas similares a las ya conocidas, dejando algunas gemas y acercamientos al synth-pop. Todas ellas se presentan con un sonido logrado y derivan en canciones bonitas (algunas poderosas) y de agradable degustación, pero que no despejan todas las posibles dudas acerca de su relevancia real más allá del aquí y ahora.

—raúl julián

#40 marzo 2020

RAP / El fallecimiento del

joven rapero cortó la clara línea ascendente en la que se encontraba, como ha demostrado esta obra póstuma. Circles es el disco destinado a acompañar a Swimming (18), su quinto y probablemente mejor álbum. El denominador común de ambos está en el gran esfuerzo de aceptación de si mismo y como habla sin tapujos de sus adicciones, la ruptura con Ariana Grande o su ansiedad y salud mental, siempre respirando optimismo en toda esta tristeza. En el anterior álbum Miller rapeaba desenfadado y seguro sobre melodías de jazz o funk, con temas más sensuales compaginados con otros más groovy y pegadizos, y es que Miller todavía tenía dudas y paranoias por resolver. Circles mantiene esa línea, pero es mucho más íntimo y cercano, con un sonido lo-fi más presente y que le da más homogeneidad. Mac ha aclarado más sus pensamientos, y nos transmite mucha paz y calma en doce canciones producidas desde el mismísimo cielo. —ignasi estivill

discografía se encuentran en este trabajo: la tan sensual como inspiradora Por la vereda, la ácida La grieta y, por supuesto, esa joya que es Silencio, con un final casi trance que alterna con una grabación antigua de flamenco. Origen es a la vez continuista y rompedor con respecto a la carrera de Nita y Ale, y un regalo para todos los que les han seguido a lo largo de estos años. El “que empiece la parranda” de su primer tema no podría ser más acertado. —pablo tocino

b1n0

Circles Warner

Walking Like We Do Fiction/ Music As Usual

conocimos del disco (Despertaré, Huracán de flores, Mi danza), y en más temas como El bosque, que por momentos podría ser funk carioca del mejor Pabllo Vittar. Por supuesto, el flamenco no pierde peso, con colaboraciones que son buen ejemplo de ello –Dani de Morón, Rycardo Moreno y, ojo, ¡Vicente Amigo!–, como tampoco lo pierde su talento para crear belleza en sus letras con imágenes de la naturaleza y estribillos enérgicos (Contra la pared). Algunas de las mejores canciones de toda su

POP ELECTRÓNICO / Aunque el primer tema del disco de debut del dúo residente en Barcelona formado por Emili Bosch y Malcus Codolà nos recuerde a los patrones musicales de James Blake, el debut de b1n0 es un paseo iluminado por un camino que recorre la senda del soul electrónico, sintetizadores vetustos, R&B de vanguardia y mutaciones varias de la música urbana. No hablamos de sonidos importados de Estados Unidos reubicados en el imaginario musical desde hace apenas un lustro, sino de una obra que busca y rebusca en sonidos nuevos y antiguos, sobre todo en los dos temas en los que colabora Adriano Galante de Seward, que parecen inspirados por Jamie Lidell y Cristian Vogel. En realidad, b1n0 es un disco mucho más pop que vanguardista donde destacan las dos piezas en las que participa Núria Graham, pero en el que el verdadero descubrimiento son los tres temas más oscuros en los que participa Phoac (Pau Vehí, hasta ahora cincuenta por ciento de North State). —manu gonzález

Cerrone

Dub FX

b1n0 Foehn Records

DNA Malligator/ Music As Usual

Roots Convoy Music Group

ELECTRÓNICA / El sexto disco de la figura mundial del “busking” (arte musical callejero), el australiano DUB FX, llega en compañía de un cómic digital que acompaña a cada una de las canciones. Una buena idea tratándose de una música que necesita del soporte visual para terminar de ser efectiva. Esto no significa que las nueve canciones que componen Roots queden en deuda: aquí aparece en varias ocasiones el clásico sabor a reggae de (nueva) raíz al que Benjamin Stanford nos tiene acostumbrados, pero complementado con algunos aires que oxigenan con precisión. Tal es el caso de Spark, una electro-salsa en la que se debate entre un crooner de acento exótico y un “toaster” en toda regla jugando al latin jazz. Hay espacio para las melodías con gancho pop en Pull Up. Rising Up es otro punto alto de Roots: con sus contorneos de percusiones tropicales. El dúo de dubs nocturnos Shotgun y Blessings que cierran el disco deja a uno con ganas de más.

—adriano mazzeo

ELECTRÓNICA / Marc Ce-

rrone, uno de los nombres claves de la edad dorada de la disco music europea, lanza un trabajo plenamente instrumental, algo que nunca antes había hecho. Cerrone ha engendrado este nuevo elepé encerrado en las pistas de baile, ejerciendo de DJ, mientras revisaba en directo sus grandes clásicos de siempre para un público más que agradecido. Este ejercicio le ha llevado a crear un álbum único que actúa de forma prontuaria a la vez que innovadora. DNA se muestra fresco y rejuvenecido, heredando la genética de discos que le encumbraron a la fama, como Supernature (77), pero aportando matices muy pulidos emparentados con el house discotequero en los que las conocidas percusiones de este maestro se muestran más vivas que nunca. Y es que Cerrone no piensa cejar en el empeño de crear obras sofisticadas en las que lo retro y lo futurista se dan la mano.

—fernando o. paíno

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P.A.W.N. Gang

Manic Capitol Records

Oli d’uliba Picap

TRAP / La P.A.W.N. Gang ha vuelto exigiendo respeto, sacando seguramente el mejor disco de trap en catalán hasta el momento. Han combinado canciones con su esencia más agresiva y contundente con otras más poperas y agradables, y lo más importante: no supone un batiburrillo de canciones, mantiene una coherencia y una atmósfera común. A la excelente producción del gran Marvin Cruz se les suman los divertidos y adictivos versos del colectivo, sin hacerse repetitivos y dejando también lugar a la nostalgia e incluso a la religión. Escapan de su lenguaje habitual cuando lo consideran necesario, pero sueltan perlitas que te hacer volver a años atrás. Resumiendo, Oli d’uliba es una buena obra a añadir a la escena urbana catalana y que confirma que P.A.W.N. Gang no son un grupo circunstancial. Al margen de haber sido pioneros del trap a nivel nacional, son también una mancha de aceite que los haters no van a poder diluir.

—ignasi estivill

Ala.Ni

Storm Damage Caroline/ Music As Usual

POP / Ben Watt remonta

ligeramente el vuelo tras un trabajo tan continuista y algo amodorrante como fue Fever Dream (16), y lo hace cambiando de modus operandi: las canciones nacen del piano tras unas cuantas tentativas frustradas a la guitarra, lo que explica que esta vez no figure Bernard Butler como lugarteniente de peso y los temas se sostengan sobre formato de trío casi jazz, con sintetizadores, samplers y ritmos que combinan lo orgánico con lo electrónico esponjando el sonido, haciéndolo más fresco. Prevalece, en todo caso, la visión –de inspiración variable– de un músico que proyecta una obra acorde con su edad y con su propia posición en la industria, tomando cierta distancia con la nostalgia en la preciosa Irene y relativizando la festivalocracia imperante en una Festival Song que retoma la temática que apuntó Edwyn Collins hace más de veinte años en The Campaign For Real Rock, pero con un enfoque mucho menos agrio.

—carlos pérez de ziriza

POP / Hablar sobre ansie-

dad, depresión u otras enfermedades mentales es una práctica común dentro del pop. Sin embargo, que la bipolaridad sea el late motiv de un álbum entero es algo que hasta ahora no se había visto del todo. Y ahí es cuando Halsey entra en escena como responsable, con Manic bajo el brazo. Según ha declarado, el disco fue escrito en una etapa de manía. No obstante, lo que pretendía ser “un disco escrito por alguien que está enfadado”, terminó siendo un libro abierto plagado de sentimiento con el que la cantante ha conseguido aceptar esa parte de sí misma. Con él, parece que Halsey ha conseguido dar un paso más en madurez e identidad. Es un disco confesional, pero a la vez conceptual, que ha sido grabado en su propia casa y que, a pesar de ser irregular, nos deja con la tranquilidad de saber que detrás del personaje, hay una persona que se acepta y que no deja que una enfermedad mental sea lo único que la defina. —álvaro tejada

Ben Watt

MONDOVINILOS

Halsey

Acca Oceanic Global

POP / No hay muchos ejemplos como el suyo. Que partiendo de unas reglas con corte clásico; el universo de Broadway, el jazz, la música clásica, se adapte tan bien a lo nuevo, a lo que suena en 2020. Desde luego, no lo hace sólo como vía de escape, cansada de que la pongan en el saco roto de las torturadas cantantes de jazz de los años cincuenta. A Ala.ni lo que le importa es sentirse libre e improvisar, en tonos claros y oscuros, con más ritmo y con menos, utilizando sistemas novedosos de grabación o bien componiendo a capela como punto de partida para cada canción. Tras su debut en largo con You & I (No Format/Naïve, 2016), en Acca hay reggae, el sonido de las brass bands, canción francesa y, hasta invita a Iggy Pop y a Lakeith Stanfield a cantar con ella. De momento, viste otro traje (el blanco con fondo amarillo es ideal) para este Acca con el objetivo cumplido: a partir de ahora la miraremos con otros ojos. —toni castarnado

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El loco mundo de Grimes Grimes

Miss Anthropocene 4AD

8 POP / Se ha criticado a Grimes por su postura excesivamente cínica en entrevistas recientes, apuntando también a su situación personal con Elon Musk y a una posible deriva anarco-capitalista de la autora de REALiTi. Ella es consciente de esta repercusión, pero defiende que está todo dentro de una performance; una que, admite, se planteó si sería conveniente hacer. Pero, una vez decidido que sí, Grimes tiró de perdidos al río sacando la peor parte de sí misma la excusa de un personaje, como hiciera Reznor en The Downward Spiral (94), unade sus mayores inspiraciones para este disco, según comentó. Incluso nombrando una canción (Darkseid) con el alias que usa en los videojuegos online, “donde me escapo para matar gente”. Lo primero que uno concluye tras escuchar Miss Anthropocene es que se

nota que cierra una etapa –es su último álbum en 4AD– porque es lo opuesto a un disco continuista (lo segundo es que Grimes está como una cabra y nos encanta, pero eso no es ninguna novedad). Sí, es cierto que se acerca más a la Grimes de Visions (12) que a la de Art Angels (15): la única que encajaría ahí es You’ll Miss Me... y, si me apuráis, la magnética Darkseid (donde por momentos Claire parece una Sevdaliza puesta de eme), por colaborar de nuevo con Aristophanes. Pero tampoco es un Visions 2.0, porque Grimes se abre a territorios nuevos: abraza los sonidos metal (no tanto como el single-ahorabonus-track We Appreciate Power, pero se nota), combina la oscuridad con el pop más limpio (Violence), mezcla el extrañísimo concepto del álbum con una –estupenda– canción cursi en IDORU, llega a hacer “una versión cyberpunk de una película de Bollywood” (4 AM) y hasta se marca dos baladas en las que no la hubiésemos imaginado (New Gods y, especialmente, Delete Forever). Que su comportamiento errático no os ciegue: Miss Anthropocene es otro discazo de Grimes. —pablo tocino

marzo 2020 #41

CMY

43/Mondo Media CÓMICS

Éric Toledano

Credo

CINE

Peter Bagge La Cúpula

7 Esta vez y en la onda de sus trabajos más recientes, Peter Bagge nos describe la vida de una mujer cuya obra influyó en la corriente más libertaria del feminismo, Rose Wilder Lane. Y como ocurría en sus biografías de Margaret Sanger (La mujer rebelde) y Zora Neale Hurston (Fire!!), el sentido del humor y lo alocado de la narración resta algo de poso al contenido ideológico del cómic. —ernesto bruno La saga de Grimr Jérémie Moreau Norma Cómics

9 Premio a la Mejor Obra de Angoulême en 2018, La saga de Grimr son doscientas emocionantes páginas planificadas con total libertad, protagonizadas por un huérfano que debe enfrentarse a un mundo hostil en la Islandia del siglo XVIII. El francés Jérémie Moreau firma un cómic capaz de provocarnos rabia, desencanto y llanto al ser espectadores de la accidentada vida del incomprendido Grimr. —joan s. luna

Más allá del autismo Éric Toledano forma junto a Olivier Nakache una de las parejas más exitosas del cine francés con cintas como Intocable (11) o C’est la vie! Especiales (17), protagonizada por Vincent Cassel y Reda Kateb, toma como referencia la experiencia de dos ONG que se ocupan de casos extremos de autismo y de jóvenes marginales.

speciales es una cinta distinta en la carrera de los directores. A los temas habituales –la amistad y la relación con personas de distinta condición– se añade un compromiso social que lo acerca al cine de denuncia, pero sin abandonar el humor. “Hay una herencia del cine social en Francia y lo que nosotros hemos hecho es añadirle humor, siempre. Es una manera propia de traducir las cosas”, afirma Toledano. Las dos asociaciones del filme, inspiradas en las reales Le Silence Des Justes y Le Relais Île-de-France, trabajan y cooperan al margen de la oficialidad, una dedicada a casos extremos de autismo y la otra, a la reinserción de jóvenes marginales. La cinta evidencia la incapacidad del Estado para dar soluciones que se tienen que acabar encontrando por cauces heterodoxos. La inmersión de los directores recuerda al cine de

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a del “Hay una herencincia” cine social en Fra

denuncia de Bertrand Tavernier, aunque Toledano cita como referencias “Claude Sautet para el realismo, Yves Robert para las películas grupales y Claude Lelouch”. Aquello que hace de Especiales la más personal de la filmografía de los directores es la experiencia familiar de Toledano, que tiene un primo autista. “He crecido conociendo esta diferencia que tiene un gran impacto en una familia; es como un seísmo. Es una enfermedad que no tiene cura. Esto ha tenido gran influencia sobre mí”, confiesa. En realidad el autismo es el punto de partida que les sirve a los cineastas para hablar de más cosas. “He tenido ganas de hablar de este tema ahora que nos comunicamos exageradamente con los teléfonos, con el email y las redes sociales. En este momento de hipertrofia de la comunicación es interesante fijarse otras formas de comunicarse que no son tan verbales pero que existen y que provocan otras sensaciones en los seres humanos”. Así, la película habla también de la comunicación entre distintas religiones, especialmente judíos y musulmanes -cada una de las asociaciones está dirigida por miembros de estas comunidadeshabitualmente enfrentados. Es por esta diversidad de temas que el título español del filme, traducción del internacional en inglés The Specials alejada del original francés Hors normes (fuera de las normas), no le satisface. “A veces estar fuera de la norma es más normal. Para mí

los personajes que se ocupan de estos chicos autistas son más normales que los que no se ocupan de ellos. Y en cambio están fuera de la norma, fuera de la legalidad. El título Especiales no dice todo esto, simplemente otras cosas”, argumenta. Especiales es la séptima película del binomio Toledano-Nakache, iniciado en 2003 y parece trabajar en perfecta armonía. “Hay como una mano invisible que se ocupa de todo. A veces pasa él en primer lugar, a veces yo. Los actores ni notan la diferencia. Es un proceso en el que trabajamos juntos y decidimos juntos. Luego no importa realmente quien hable”, cuenta. ¿Se podría pensar en un futuro con carreras separadas? “Espero que no. Yo lo compararía con una banda de música. Uno toca un instrumento, el otro canta. El grupo se podría separar pero no sé si seríamos tan interesantes. A veces los músicos quieren hacer carrera en solitario y no va tan bien y la gente quiere que la banda se vuelva a reunir”, zanja. —j. picatoste verdejo

r Más en www.mondosonoro.comx

Especiales

Éric Toledano, Olivier Nakache 2019

marzo 2020 #43

44/Mondo Conexiones Motorola Razr<> Motorola

Ruta Firestone <> Firestone La marca de neumáticos Firestone apuesta un año más por la música. Este marzo vuelve la Ruta Firestone, una iniciativa para apoyar la música de carretera. La cuarta edición de esta ruta arranca el 19 de marzo en Murcia con Sinsinati y terminará el 3 de diciembre en Madrid con Hombres G en mítica sala La Riviera. Los cinco artistas que conforman el cartel de esta edición son Hombres G, Zahara, Sinsinati, Fredi Leis y You Can’t Win, Carlie Brown. La Ruta Firestone contará este año con un concierto en Portugal y cuatro en España con paradas en Murcia, Sevilla, Burgos y Madrid. Las entradas para todos los conciertos de esta gira están ya disponibles en la web: www.rutafirestone.es

El pasado mes de febrero Motorola celebró la llegada del Razr a España. Este móvil, que forma parte de la cultura pop, es el primer smartphone en formato concha que incorpora una pantalla flexible e interactiva. Este lanzamiento histórico para la marca contó con una fiesta a la altura en la que la música corrió a cargo de la artista Bad Gyal. El nuevo Razr está disponible en tiendas Orange, Movistar y El Corte Inglés.

Gures Is On Tour <> Gures Gures, el aguardiente de uva y café, vuelve a la carga con una programación musical que representa el espíritu underground de la marca. Gures Is On Tour es la apuesta por la música y la cultura que lleva a los escenarios de las salas más emblemáticas de la capital la música y la cultura alternativa. Después de su edición de 2019 en la que contaron con conciertos de Camellos, Holy Bouncer o Mejillones Tigre entre muchos otros, esta nueva edición vuelve con artistas como Algiers, Biznaga, Apartamentos Acapulco o Lime Cordile. Además, en cada concierto podrás disfrutar de una consumición de Gures. Podrás encontrar más información sobre el ciclo y las entradas para los primeros conciertos confirmados en su web: www.gures.gal/tours

Wegow México <> Wegow

Spannabis Barcelona <> Spannabis Como en las dieciséis ediciones anteriores de Spannabis, la música tendrá un papel protagonista en la feria del cáñamo, que tendrá lugar el 13, 14 y 15 de marzo en la Fira de Cornellà. Además de reunir a más de 300 empresas y marcas del sector, tanto nacionales como extranjeras, también contará con actuaciones de artistas en su mayoría de la cultura sound system catalana y estatal. En el cartel encontramos nombres como Barbass Sound, Hidro, Sharin Shank o Purple Rockets. Spannabis Barcelona 2020 también acogerá la VII edición de las World Cannabis Conferences, un espacio para reflexionar sobre la actualidad internacional del cáñamo, y la Spannabis Champios Cup. Las entradas de día y los abonos tres días están ya disponibles en su web: spannabis.com/barcelona #44 marzo 2020

Wegow es la plataforma española para descubrir conciertos y comprar entradas ha publicado sus datos más representativos de 2019. El pasado año tuvo más de 28,3 millones de usuarios únicos, 38 millones de visitas y más de dos millones de usuarios registrados. Además, a finales de año la empresa abrió oficinas en Ciudad de México para expandir su influencia a países latinoamericanos.

We Are Roster <> Roster Movistar Roster Movistar nació como el proyecto cultural de Movistar con el objetivo de elevar el talento musical y potenciar el desarrollo de bandas y artistas del panorama nacional. Cumpliendo con este objetivo el proyecto ha presentado We Are Roster, un nuevo evento con vocación académica que contará con las ponencias de bandas y artistas como Mavica, Doble Pletina, Cor Blanc o Soledad Velez entre otros. El evento cuenta con dos ediciones, una se celebrará el 28 de febrero en Abaixadors10 en Barcelona y otra el 25 de abril en La Fábrica de Hielo de Valencia. Las invitaciones para estos eventos se pueden conseguir online de manera gratuita en la web de Roster Movistar: roster.movistar.es/agenda mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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RETROVISOR. Stereolab

IMPRESCINDIBLE

Londres, Reino Unido. 1990-2009 A la hora de echar la vista atrás hacia los noventa, una de las formaciones que nunca se pierde en el olvido es Stereolab.

ueños de un estilo único y heterodoxo, que va del krautrock al pop marxista, a lo largo de su década prodigiosa, sembraron la cosecha british de suficientes razones para coronarlos como los reyes de una camada de grupos que vinieron a ser el segundo advenimiento post-punk del siglo XX. Ya fueran Bark Psychosis, Disco Inferno, Laika o Pram, cualquiera de estas formaciones fortificó un código experimental de músicas que parecían haber nacido como la némesis de las corrientes revivalistas del britpop en aquellos años. Si Blur o Oasis tenían a The Kinks y grupos como Madness como máxima inspiración, Stereolab y el resto de artificieros de la nostalgia contaban con un rango de acción que condensaba del Miles Davis ex-

perimental a Can. No es ninguna casualidad que un grupo indie pop fuera la semilla de lo que luego sería Moonshake, de nombre inspirado en la mítica canción de los bávaros. Lo mismo sucedió con Stereolab, cuyos orígenes enraízan en McCarthy, formación indie pop en la que Tim Gane y Laetitia Sadier se conocieron. Del espíritu crítico y anti-thatcherista de su discurso musical, se apropiaron en himnos de subsuelo como Ping Pong, una de sus invenciones más reveladoras. Stereolab enfocaron el distopismo ballardiano del post-punk desde el optimismo sci-fi de serie B. No hay más que recordar sus indumentarias trekkies en el vídeo de la citada Ping Pong, pero también el tono neutro y acaramelado de Sadier a la hora de cantar sobre momentos oscuros de la historia. Todo su sonido e imagen se fraguaba desde la colisión de conceptos antitéticos. El resultado fue algo tan original como ajeno a lo que se estilaba en aquellos años de resaca post-Stone Roses. —marcos gendre

La trilogía imaginaria

ars Audiac Quintet (94), Emperor Tomato Ketchup (96) y Dots And Loops (97) revelan la ansiedad de un grupo por abducir rincones perdidos de la memorabilia pop, donde el espíritu de Klaus Schulze puede convivir con las chansonnières francesas de los años sesenta y el drone espacial se enreda con ritmos africanos. Los vasos comunicantes entre dimensiones desconectadas son el motor de las obsesiones musicales de un grupo que, más allá de sus álbumes, funcionaba bajo mentalidad de publicación dance. No en vano, a lo largo de su edad dorada editaron un sinfín de singles, splits con otros grupos y epés repartidos entre toda

#46 febrero 2020

clase de sellos discográficos. Por supuesto, uno de estos fue Too Pure, la casa por antonomasia del lado oscuro del pop británico. A través de esta u otra barricada discográfica, Stereolab fueron abriendo agujeros temporales hacia los años cincuenta y sesenta. Su idea del futuro desde la búsqueda de los pasados perdidos no difería de los cómics de Bryan Talbot sobre Lukas Arkwright o Wendy Carlos y sus reinterpretaciones con sintetizadores de música clásica. No es ninguna casualidad que la obra más conocida de esta última sirviera de título para los tres volúmenes de Switched On: la serie de recopilatorios compuestos de rarezas, singles y epés. —m.g.

Emperor Tomato Ketchup (Duophonic, 1996)

Detonar la bomba de la creatividad, nada más empezar, con un artilugio como Metronomic Underground ya hace que una obra traspase los límites temporales de golpe y porrazo. Del funk cubista al pop achampañado, pasando por la pulsión motorik, en este trabajo conviven muchas de las cabezas estilísticas de esta Hidra sónica, para la cual Tim Gane se inspiró en el concepto big band. “Yo estaba con la idea del swing, en el sentido de una big band. La primera pista, Metronomic Underground, originalmente constaba de alrededor de siete riffs que quería cerrar como una big band. También estaba obsesionado con los riffs y los ritmos de Sun Ra, Don Cherry y la Plastic Ono Band de Fly”, llegó a comentar Gane. Desde esta base, Emperor Tomato Ketchup es contextualizado dentro de un Frankenstein musical inoculado de sobredosis retrofuturista y algunas de las canciones más subyugantes de todo su repertorio, como esa despampanante explosión pop titulada como Cybele’s Reverie. Sin duda, una trabajo que, al igual que los de Björk o Aphex Twin, corroboran la existencia de (muy) vida inteligente en el planeta pop de los noventa. —m.g.

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