MondoSonoro mayo 2017

Pablo Und Destruktion Pablo Und Destruktion Jugando con fuego Jugando con fuego

FOTO: ALFREDO ARIAS

Nº 250 Mayo 2017 www.mondosonoro.com

REAL ESTATE, KAIXO, TEN FÉ, JOE GODDARD, WE RIDE, GUADALUPE PLATA, LOS SANTOS AUSTRA, INCUBUS, MARIA ARNAL I MARCEL BAGÉS, MISHIMA, TEMPLES, AFGHAN WHIGS

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mayo 2017 #3

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5/Mondo freako “Sentía mi concepción del trap como una parte del punk resurgiendo su fórmula, su forma de desarrollarse y su magia”

Algo está sucediendo en Vigo que hace que la electrónica, el trap y estilos colindantes brillen por si solos. Líneas más abajo, Kaixo —perteneciente al colectivo Banana Bahía Music y con la mixtape Mallory todavía reciente— nos ofrece algunas claves interpretativas desde las que observar la cartografía norteña, la reformulación del punk y la industria.

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scribir un artículo de trap y conjurar sin quererlo la Internacional Situacionista es lo que ha ocurrido líneas abajo.

La cosa va en serio, tanto como cuando Kaixo afirma que “el arte es el hilo conductor de la vida”. Semejante frase podría firmarla un vanguardista de finales de los sesenta, sino fuera porque en el horizonte conceptual del gallego se presenta una noción de manera constante: “newpunk”, o esa “actitud autodestructiva y a la vez reivindicativa que tenemos como generación en un mundo que nos quiere quitar la capacidad de sentir. Nos estamos con-

virtiendo en el laboratorio social de las élites políticas y empresariales para un cambio político y social que tiene como bandera la creación de mano de obra barata y deshacer la clase media como hoy está entendida, porque molesta. Ya pasó en los setenta con Ronald Reagan y Margaret Thatcher. De ahí que sintiera mi concepción del trap —cuando empezó a pegar de nuevo— como una parte del punk resurgiendo su fórmula, su forma de desarrollarse y su magia. Ahora mismo creo que lo que se entiende por trap mainstream o las tendencias de la nueva música urbana, tienen más que ver con el newpop o el

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Kaixo punk del siglo XXI

nuevo rock que con el punk”. Y lo cierto es que el casamiento de inocencia y la violencia autoinflingida de su música no deja lugar a dudas. “Hay un germen de autodestrucción en todo lo que digo quizás porque forma parte también de la generación a la que pertenezco, y aunque intentes saltarte todas las fórmulas de ‘personalidad de generación’, al menos en dos o tres vas a caer; yo caí en eso…”.

Y si bien las caídas son involuntarias, no sabemos hasta qué punto lo son las elecciones. No por capricho dijo que a nuestra generación le quedaban las drogas o un fusil y que de hecho, “una cosa llevará a la otra. Tiempo al tiempo”. De momento, la munición está clara: la autodestrucción, y “el arma es la rabia, la desorientación existencial o las imposiciones sistemáticas. No creo que exista una clave de cómo utilizar lo que a uno se le impone como circunstancia vital, simplemente utilizas lo que tienes alrededor para sobrevivir, de

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FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

LA MÍA 250 velas

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forma física o emocional. Yo creo que estamos en un momento de autodestrucción general y personal, es como que puedo oler o sentir el derrumbe de todo lo que nos hicieron creer como dogmas sociales en la educación que hemos tenido. Todo apoyado en mentiras y post- verdades”. Desde esa óptica en la que la “destrucción emocional viene dada por la capacidad que tiene la música para emocionar y empatizar”, establecer las coordenadas de lo que es el trap y la industria musical, se pone interesante.

Lejos de asociaciones tópicas, el trap de Kaixo no admite el machismo.

“Es algo que no cabe en mi forma de crear. He sido educado por mujeres y a mí me han enseñado que no existe una diferencia de géneros igual que no la hay de razas. Nos distinguen los límites que cada uno se autoimpone, hasta donde quiere abrir la mente o cerrarla y mirar el resto de su vida las sombras de la cueva, nada más”. Una vez abiertas las puertas al nihilismo, el trap no se iba a quedar sin teñir, “es una forma ‘cool’ de ser nihilista y que no te lo llamen por ello. De todos modos, no creo que el trap sea solamente nihilismo, hay mucho de supervivencia en las letras, y de eso poco se habla”.

Es más, las heridas de la supervivencia no las padecen solo los artistas.

“Youtube es una mentira muy bien montada que en parte se ha comido la capacidad de los medios para ser el vehículo de las tendencias que llegan.

Está en vuestras manos que eso vuelva a cambiar, que la gente se fije más en lo que los medios dicen, que en lo que Youtube te recomienda escuchar por su viralidad. Reformular la industria musical actual parece el gesto clave, por el simple hecho de que esto no se convierta en una anécdota histórica.

Es necesario hacer una industria real de las nuevas tendencias de la música urbana, y conseguirlo a medio-corto plazo para poder estar a un nivel cercano al que ofrece Francia. Hacer que veinte o treinta temas de Los 40 Principales pertenezcan a lo que realmente se escucha con perspectiva en España, y que la ‘pachangada’ se quede en eso, en ‘pachangada’, y no en un reflejo de nuestra sociedad”. —manuel jubera

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#6 mayo 2017

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i tienes la revista entre las manos y andas un poco despistado, deberías saber que te encuentras ante nuestro número 250. Por ese mismo motivo vas a encontrar una doble página central conmemorativa en la que hemos compilado todas las portadas de estos más de veintidós años editando la revista, siempre de forma gratuita y siempre dedicados a hacernos eco y difundir lo que se cocía en la actualidad del mundo de la música. Si lo hemos conseguido o no, quedará siempre a veredicto de nuestros lectores, pero un buen termómetro para ello es hacer un repaso a esas mismas portadas. Es entonces cuando uno se da cuenta en toda su amplitud de que la evolución que ha experiementado nuestra publicación ha ido muy de la mano de los cambios que han caracterizado a la música popular durante estas últimas dos décadas. Solo hay que ojear nuestros primeros ejempla-

Primer número de MondoSonoro publicado en octubre de 1994 res dedicados a grupos ya desaparecidos como R.E.M., Sonic Youth, Oasis, Mano Negra o The Black Crowes para darse cuenta que ha llovido mucho desde la década de los noventa y que, por ejemplo, queda poco de la eclosión del rock alternativo que encumbró a bandas ya desaparecidas o a otras que aún mantienen el tipo como Red Hot Chili Peppers, aunque se hayan convertido en dinosaurios.

Pero en MondoSonoro nunca hemos sido dados a la nostalgia. Y aunque es evidente que los más viejos del proyecto ya no contamos con los veintipocos años con los que empezamos a soñar esta revista, no es menos cierto que aún mantenemos el espíritu, y las ganas de descubrir nuevas bandas o solistas que nos sorprendan, conmuevan y emocionen siguen intactas.

Es verdad que ya no tenemos la capacidad de aguante de nuestros años de juventud e incluso que muchas veces nos sorprendemos a nosotros mismos añorando la época en el que las giras de los grupos eran más importantes que los festivales actuales que nos dan la oportunidad única de descubrir nuevas propuestas.

En cualquier caso quiero haceros llegar que, pese a lo mucho que ha cambiado todo el negocio que inevitablemente rodea a la música, nosotros seguimos y seguiremos al pie del cañón persiguiendo el hilo de la actualidad de las diferentes escenas que componen el enorme universo de la música popular. —don disturbios

La singularidad del error Pedro Vian

Su reciente Beautiful Things You Left Us for Memories (Modern Obscure Music, 16) lo situó, por méritos propios, entre los productores mejor considerados de la electrónica nacional del momento. Ahora ve la luz BTYLUFM Remixes (Modern Obscure Music, 17), trabajo en el que participan artistas como Peder Mannerfelt, Eric Copeland, Escapismo o Tevo Howard.

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eautiful Things You Left Us for Memories, su trabajo más accesible hasta el momento, reunía temas de house, ambient, techno y pop, pero todos disfrutan de la misma sonoridad en un ejercicio de coherencia y homogeneidad estilística a festejar. Ahora, además, se enfrenta a la visión de diversos remezcladores, así que aprovechamos para charlar con Pedro Vian, un artista analítico, conceptual e intuitivo.

“Sin duda mi gran recompensa es que la gente pueda disfrutar del disco tanto como yo lo he hecho componiéndolo”. En el disco hay temas de house, ambient, techno y pop y lo que más llama la atención es la apertura en su sonido. “No es que lo haya querido así, surgió así”. También es alucinante cómo suena emocionante, sin caer en la épica facilona, y la potente carga cinematográfica y pictórica que destilan sus temas. “Soy un gran amante de la pintura, he estudiado diseño audiovisual, además me encantan los documentales de Werner Herzog”. Para componer los cortes de Beautiful Things You

Left Us for Memories ha echado mano, tanto de lo analógico como de lo digital y, por supuesto, sin complejos. “No soy un purista de lo analógico, me gusta combinar y sacar lo mejor de cada instrumento”.

Cuando hablamos de su proceso compositivo, Pedro lo tiene claro.

“La mayoría de veces encuentro la singularidad en el error”. También, al no saber solfeo, la intuición tiene mucha importancia en su manera de entender, componer e interpretar la música. “Siempre pienso en la forma en que componen y viven la música en otras culturas en las que simplemente siguen el ritmo del latido del propio corazón, de la naturaleza, sin pensar en nada más”. De todos los cortes Invisible Objects es el que más nos retrotrae al Pedro Vian del club, como una forma de recordarnos que sigue con un pie siempre puesto en el dancefloor. “También se refleja en Le Fou e Indian Strings. Disfruto mucho haciendo sesiones enfocadas cien por cien al baile”. Otros de los temas que se nos antojan imprescindibles son 801 Nite feat.

Carla Pérez Vas y Nine Is Nine.

“Cada persona que escucha el disco me habla de uno diferente, pero personalmente no tengo uno favorito”. —fernando fuentes

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BTYLUFM Remixes

Modern Obscure Music, 2017 Electrónica 7/10

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Modern Obscure Music, 2017

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El manifiesto de Austra O

lvídense del electropop maricafestivo –en el mejor sentido de la palabra, ojo– y de letras inofensivas sobre amor y desamor que Katie Stelmanis, mejor conocida por su alterego Austra, nos brindaba a lo largo de su anterior trabajo Olympia (Domino, 13), un disco con el que la canadiense regresaba en formato de banda y en el que su figura de autora se veía a veces difuminada entre tanta celebración pop y colorinchis. Y es que en momentos en los que hablar de la situación política mundial no solo se antoja necesario sino recurrente en la música de un puñado de formaciones que militan en el pop independiente (con ejemplos por estos lares tenemos formaciones como Los Ganglios, Le Parody o incluso, a su manera, a Los Punsetes), Stelmanis ha decidido subirse al carro de una generación de artistas inconformistas con un discurso que versa sobre el monstruo del capitalismo y su vínculo con las nuevas tecnologías, fruto de un año empapándose de ensayos y libros especializados. “Cuando empecé a escribir este disco venía agotada una gira de tres años. Coincidió con que en ese momento empecé a leer ensayos y a informarme más sobre política mundial”. ¿Es Future Politics un disco político? Sí y no. “Podríamos definirlo así, sin embargo en ningún momento es mi intención dar lecciones con mi música. Es cierto que mi generación está cada vez más interesada en lo que pasa a su alrededor. Aunque yo me dedico a escribir canciones y en este caso no dejan de ser el resultado de una serie de respuestas emocionales. Al fin y al cabo, el proceso de creación no es tan diferente de cuando escribes sobre un tío que te ha dejado y de la tristeza que esto te provoca, solo que en este caso el motor de estas reflexiones vienen dadas por la situación política”.

La bailonga y tajante Future Politics, single que da nombre al álbum, es sin duda la canción que aborda este tema desde una óptica más directa.

“Estoy convencida de que la política está cambiando la mentalidad de las gentes.

Cuando escribí esa canción acababa de leer el manifiesto Inventar el futuro. Poscapitalismo y un mundo sin trabajo –un interesante ensayo sobre el desarrollo de

FOTO: RENATA RAKSHA

Future Politics (Domino/Music As Usual, 17) vio la luz el mismo día que Trump se hacía con el poder. Un accidente fortuito que no puede entonar mejor con el trabajo más político de Austra, una radiografía sonora sobre poscapitalismo y tecnología del futuro que aterriza en tiempos convulsos.

EL APUNTE Inventar el futuro: Poscapitalismo y un mundo sin trabajo

Nick Srnicek y Alex Williams Malpaso

Política futura

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esde que Inventing The Future: Postcapitalism And A World Without Work se publicó digitalmente en 2015 y al año siguiente en formato libro, la onda expansiva de este ensayo politico-social se ha ido incrementando paso a paso. Tanto es así que modernos ideólogos como Owen Jones o artistas como Katie Stelmanis (Austra) o Holly Herndon no dejan de citarlo en entrevistas o incluso en sus directos. Ahora, meses después de su publicación en inglés, ha llegado a España de la mano de la editorial Malpaso. Inventar el futuro: Poscapitalismo y un mundo sin trabajo es un obra que plantea nuevas vías para que el mundo se enfrente al futuro tras el auge caníbal de un neoliberalismo que parece haber llegado a un punto de no retorno. Sus autores, Nick Srnicek y Alex Williams, visualizan una forma distinta de entender la política de izquierdas, de enfrentarse a un mundo en el que la tecnología prima por encima de cualquier otra cosa y sobre todo de buscar una alternativa real a un concepto de trabajo que parece estar llegando a su fin para buena parte de la sociedad. Srnicek y Williams son también autores del referencial Manifiesto aceleracionista, también disponible en castellano en diversas webs. —joan s. luna

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la economía y la sociedad actual no exento de utopía escrito por Nick Srnicek y Alex Williams–. Me inspiró muchísimo la idea central del libro, que asegura que la tecnología podría en un futuro suplantar al sistema capitalista, llegando a suprimir el trabajo como lo conocemos hoy. Estoy convencida de que la tecnología es maravillosa, aunque no siempre la usemos en la buena dirección”.

No es casualidad que tratándose de un álbum conceptual hasta la médula, los ritmos y las melodías se hayan vuelto esta vez más sombríos y menos previsibles, más cercanos a la línea de sus primeros trabajos, como el notable y lúgubre Feel It Break (Domino, 2013), que de su antecesor. “Mi segundo disco fue un trabajo más colaborativo, hubo mucha gente involucrada en todas las fases del proyecto. Esta vez lo he hecho todo yo desde el principio hasta el final. Supongo que eso hace que este sea un álbum más personal”. El sonido es también aquí más áspero y crudo que en el pasado, dotado de una sólida producción plagada de

síncopas y juegos de compases (especialmente en los cortes I’m A Monster o I Love You More Than You Love Yourself, una canción “que escribí a un amigo que pasaba en esos momentos por una fuerte depresión”). “Siempre he oído mucho house old school, pero últimamente estoy muy interesada en lo que se está haciendo en materia de techno y aunque por el momento siempre uso la voz porque no deja de ser algo que va unido al proyecto, no descarto hacer un disco instrumental en el futuro”. Recordemos que en 2014 ya tanteó el terreno de la electrónica de corte experimental en su poco celebrado aunque no por ello menos interesante epé titulado Habitat. “No me veo haciendo música para poperos toda mi vida”. —daniel r. mesa

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LOS PLANETAS FOTO: ARCHIVO

Os hemos contado ya que esta edición del Dreambeach Villaricos será la de su quinto aniversario, de ahí que no dejen de anunciarse novedades interesantes. De hecho, han sido más de quince los nombres más recientes en sumarse, desde 12th Planet a Adam Beyer, pasando por Luciano, Vini Vici, Beauty Brain, Brian Cross, Dosem, Dub Elements, etcétera. Todos ellos se suman a un cartel que ya había anunciado a Pendulum (actuación exclusiva), David Guetta, Don Diablo, Loco Dice, Joris Voorn, Carl Cox, Nicky Romero, Oliver Heldens o Dillon Francis.

Es decir, que habrá una vez más dubstep, trance, techno, drum’n’bass, future house, edm y muchos estilos más. Recordad que se llevará a cabo los días 10 a 15 de agosto. MS www.dreambeach.es

GOLDFRAPP FOTO: ARCHIVO

Larga lista de novedades para el Dreambeach

Mayo, mes de Tomavistas El pasado jueves 23 de marzo el festival Tomavistas anunció los últimos nombres de su segunda edición, que se celebra los días 19, 20 y 21 de mayo en el parque Enrique Tierno Galván de Madrid. Actuarán entre muchos otros Goldfrapp, Lori Meyers, C. Tangana, Temples, The Horrors, León Benavente, L.A., Enric Montefusco o The New Raemon & McEnroe. Entre el resto de grupos participantes están Hercules & Love Affair, Los Bengala, Los Punsetes, Delorean, Kokoshca, Mourn, Aries, Baywaves, Las Odio, Cala Vento, Rural Zombies, Polock, Egon Soda y Cómo vivir en el campo. MS www.tomavistasfestival.com

Future, exclusiva del Super Bock Super Rock Los Planetas se suman al Santander Music El grupo granadino continúa anunciando conciertos y eventos para los próximos meses en los que presentará Zona temporalmente autónoma. Uno de ellos será el Santander Music, que se celebra en agosto en Santander, concretamente los días 3, 4 y 5 de agosto. Aunque también se suman Triángulo de Amor Bizarro, Pianet, Nothing But Thieves y Elyella Dj’s. Estas confirmaciones se suman a las que ya conocíamos de The Vaccines, Lori Meyers, Sidonie, Delorean, Anni B. Sweet, Belako y Bigott. MS www.santandermusic.es

El festival portugués Super Bock Super Rock confirma al que es uno de los raperos/traperos más importantes de Estados Unidos, Future. Se trata de la única fecha confirmada en Europa por el artista hasta el momento. El americano, que acaba de publicar dos álbumes recientemente (HNDRXX y Future) se suma así a la lista de los confirmados hace tiempo con Red Hot Chili Peppers a la cabeza. Entre el resto, James Vincent McMorrow, Foster the People, Kevin Morby, London Grammar, Deftones, The Orwells, Tyler, The Creator, Seu Jorge o Tuxedo. El festival se celebrará los días 13, 14 y 15 de julio en el Parque Das Naçôes de Lisboa. MS www.superbocksuperrock.pt

Abierta la inscripción del Villa de Bilbao

Río Babel, apuesta latina

La fase de inscripciones de la vigésimo novena edición del reputado certamen permanecerá abierta del 3 de abril al 15 de mayo, así que tendréis que daros prisa. El concurso de bandas bilbaíno de ámbito europeo para la promoción de grupos musicales emergentes vuelve un año más en sus tres categorías. Como es habitual, el Jurado seleccionará un total de veinticuatro bandas en la categoría de Pop-Rock y otras diez en la de Metal, que actuarán en directo en la sala Bilborock durante los meses de septiembre y octubre. MS bilbaogazte.bilbao.eus/es/bilborock/ concurso-pop-rock-villa-de-bilbao/

El Río Babel nace convertido en, probablemente, el festival iberoamericano más ambicioso de los últimos años. Un evento que pocos pensaban de tal dimensión cuando se anunció hace unas semanas el concierto conjunto de Residente y Goran Bregovic.

Ahora se suman desde grandes nombres del circuito estatal como Estopa, La Pegatina, Amparaonia y Niño de Elche hasta míticos del otro lado del charco como Los Fabulosos Cadillacs, Aterciopelados, Zuco 103 e Illya Kuryaki & The Valderramas; sin olvidar gente que ha empezado a romper hace poco como Kumbia Queers o Kanaku y el Tigre.

Del 13 al 15 de julio en IFEMA (Madrid). MS www.festivalriobabel.com

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Los. CONCIERTOS. de mi Vida.

Ken Stringfellow (The Posies) The Posies vuelven a nuestro país, uno de sus lugares favoritos para tocar, como bien nos comenta Ken Stringfellow, líder del grupo junto a Jon Auer. La gira de los estadounidenses dentro del ciclo SON EG les acercará a Valladolid, Vigo, A Coruña, Ferrol y Santander.

El primer concierto al que asististe como público Mi primer concierto fue Don McLean (como en American Pie, la canción) con Juice Newton como artista invitada. Fue un evento al aire libre en un anfiteatro del extrarradio de Illinois. Yo tenía diez años y la verdad es que no tengo ni idea de por qué motivo mi padre, que solía escuchar casi exclusivament a Frank Sinatra, decidió que fuésemos a ese concierto.

El peor concierto al que has asistido nunca Vi a Echo & The Bunnymen en Seattle cuando me mudé allí por primera vez para ir a la universidad en 1986 y fue un concierto terrible.

Ian McCulloch estaba obsesionado con parecer un tío cool y se preocupaba por tener a su roadie a mano para que le encendiese los cigarrillos, pero no cantó nada bien.

La banda no estuvo nada inspirada.

Me encantaban en disco, pero el directo cojeó mucho.

El mejor concierto que he visto He escrito sobre esto antes, pero debo decirte que ver a Neil Young & Crazy Horse en el lateral del escenario en Buenos Aires en 2001 fue una locura. Estaba a cinco metros de Neil, viéndolo junto a los hermanos Gallagher. Sí, tengo una vida encantadora.

El último concierto al que he ido Fue uno de Carga Cerrada, la última banda de metal capitaneada por la leyenda nicaragüense Alejandro Mejía. Fue la semana pasada en Managua y estuvieron geniales. MS

Los directos de SON Estrella Galicia Loco Club, Valencia The Handsome Family / 2 mayo

Deltonos / 12 mayo Posies + Calavera / 27 mayo

Sala El Sol, Madrid The Limboos / 18 mayo

Teatro Lara, Madrid The Handsome Family / 3 mayo Tachenko / 11 mayo Mäbu / 18 mayo Fernando Vacas / 25 mayo

La Iguana, Vigo The Limboos / 6 mayo Posies + Calavera / 25 mayo

Le Club, Coruña Oso Leone / 19 mayo

Riquela, Santiago de Compostela The Soul Jacket / 5 mayo Havalina / 13 mayo SUPER 8, Ferrol The Soul Jacket / 6 mayo

Capitol, Santiago 2MANYDJS / 12 mayo Mardi Gras, A Coruña Deltonos / 13 mayo Posies+Calavera / 26 mayo Playa Club, Coruña Micah P. Hinson / 13 mayo

Porta Coeli Valladolid Deltonos / 20 mayo Posies+Calavera / 24 mayo Radar Estudios Vigo Oso Leone / 20 mayo Escenario Santander Posies + Calavera / 28 mayo

mayo 2017 #9

FOTO: SERGIO ALBERT

Joe Goddard El señor de los sintetizadores

El cofundador de Hot Chip vuelve a firmar disco ocho años después de su debut en solitario, Harvest Festival (Greco-Roman, 09). Con Electric Lines (Domino/ [PIAS], 17) rinde homenaje a los distintos cables de la música electrónica que han conectado con su corazón, un afecto que impregna cada uno de sus diferentes proyectos.

“Cuando estás de gira con un grupo durante un año, tienes ganas de hacer algo diferente”

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uando no se está repartiendo las tareas vocales con Alexis Taylor en Hot Chip, trabajando mano a mano con Raf Rundell en The 2 Bears, editando discos con su sello Greco-Roman (en el que ha publicado a gente como Totally Enormous Extinct Dinosaurs, Disclosure o Baio) o haciendo remezclas de Goldfrapp o The Chemicals Brothers (que le valió una nominación a los Grammy), Joe Goddard aún saca tiempo para venir a pinchar al Café Berlín de Madrid y promocionar su nuevo trabajo a la mañana siguiente. El británico no ha dormido mucho pero superará heroico la jornada de promoción de Electric Lines, ambicioso segundo álbum con el cual el inquieto Goddard sigue afianzándose dentro de la electrónica. “Resulta esencial mantenerse creativamente satisfecho. Si tienes el deseo de hacer algo, tienes que hacerlo y así no se convierte en un problema dentro de Hot Chip. Cuando estás de gira con un grupo durante un año o año y medio y tocas la misma música cada noche, tienes ganas de hacer algo diferente”.

Su primera aventura fuera de Hot Chip fue Harvest Festival, una macedonia de ritmos para quemar zapatilla que se ha visto sucedido por un viaje por los distintos estilos que han dejado huella en su corazón electrónico. “A veces está bien ser el que toma las decisiones creativas, es lo más satisfactorio”. Una #10 mayo 2017

de las más evidentes en Electric Lines ha sido la introducción de textos (“En el proceso, algunas canciones piden ser instrumentales y otras no. Depende de si las letras se insinúan a medida que la canción va cobrando vida”) cantados por él mismo y por voces invitadas. Jess Mills, también conocida como SLO, resultó ser la candidata perfecta para Ordinary Madness y Music Is The Answer, segundo sencillo cuyo contenido lírico -que toma su estribillo del éxito dance noventero del mismo título de Celeda– ha querido presentar como un mensaje de unidad en un momento de división en su país natal (la entrevista tuvo lugar el mismo día en el que se activó el proceso del Brexit). “Creo que la gente votó a favor porque sentía que mejoraría la situación económica, y no creo que eso vaya a ocurrir. El problema es el capitalismo salvaje bajo el cual vivimos en muchos países de Europa y en América, ese es el verdadero enemigo, más que los inmigrantes. Fue una mala idea y la gente se dará cuenta de ello porque los problemas no se van a solucionar con el Brexit”.

Su compañero, Alexis Taylor, aparece para cantar el tema titular, que rezuma cierta nostalgia por el pasado e incertidumbre sobre el futuro. “No lo elegí como título por la letra, sino porque me sonaba bien, pero luego fue adquiriendo sentido porque el disco empezó a sonar a una conexión de diferentes sonidos”. UK

garage, techno psicodélico, house, synthpop, disco... todo encuentran su hueco en este amante de los ritmos que cita al desaparecido productor J Dilla como una de sus mayores influencias. “No hizo house o dance, pero era un visionario y su estilo al hacer R&B y hip hop se puede ver en todas partes dentro de la electrónica”.

Menos en todo aquello que engloba la contaminada etiqueta “EDM”. “Es música muy diferente, de festival, suena a Coldplay. EDM es un campo con setenta mil personas, cañones de purpurina, luces, etcétera. No tengo ningún problema con la gente que hace o escucha esa música, pero no es algo a lo que aspire”.

Desde luego que no. Goddard se dedica a muchas cosas, pero, principalmente, a experimentar con sus quince sintetizadores (Electric Lines también hace referencia a los coloridos cables de su Eurorack modular). Una afición que comparte con nombres como Floating Points o Caribou en un hilo de correos del que salió la idea de grabar una revisión de Tactus Tempus, pieza experimental de 1973 compuesta por Frank McCarty. “Me siento muy cómodo con estos equipos y disfruto explorando”. Tanto como sus dos hijos, cuyo excesivo interés le ha hecho vivir situaciones parecidas a la del ahora famoso colaborador de la BBC. “Cuando estaba trabajando, entraban y se ponían a dar vueltas en la silla y a tocar botones”.

Por este motivo, se ha trasladado a un estudio fuera de casa, una fábrica de la que no va a dejar de salir material: nuevas remezclas en camino y ya hay un par de temas acabados de The 2 Bears. “Nunca paro de trabajar porque es algo que me divierte”. —beatriz h viloria

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EL APUNTE

Aventuras de otros Hot Chip Alexis Taylor El también hiperactivo Alexis Taylor, por su parte, es a la vez teclista del proyecto About Group (junto a músicos como Charles Hayward de This Heat, John Coxon de Spiritualized y Spring Heel Jack y el jazzman Pat Thomas), y al margen de eso ha publicado cuatro álbumes exclusivamente a su nombre, Rubbed Out (08), Await Barbarians (14), Piano (16) y Listen With(out) Piano (17).

Al Doyle y Felix Martin Por su parte, Al Doyle y Felix Martin formaron, junto a Pat Mahoney (LCD Soundystem), Janine Rostron (Planningtorock) y Tom Hopkins, el proyecto New Build, con Yesterday Was Lived And Lost (2012) como único álbum.

Además de ser miembro habitual de LCD Soundsystem, Doyle también apareció recientemente como colaborador en el disco del dúo psicodélico Seahawks, acompañado por Rob Smoughton, quien formó parte de Hot Chip hasta 2003 y que todavía suele echarles una mano de vez en cuando.

Booji Boy High Por si todo esto no fuera suficiente, Hot Chip se transformaron en Booji Boy High (el nombre iba en honor de un personaje creado por Devo) para editar en DFA el single Doubleshaw (12), bajo los seudónimos de Georgios Panayiotou (sí, el nombre real de George Michael) y Mother Markzbow.

—carlos pérez de ziriza

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We Ride “No somos ‘la esperanza del hardcore estatal’” No ha sido un camino precisamente fácil. Después de que Directions (10) y On The Edge (12) les convirtieran en una promesa emergente, el tercer trabajo de los gallegos We Ride, Empowering Life (Victory Records, 17) les consolida, definitivamente, como una de nuestras bandas de hardcore con mayor proyección internacional.

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Empowering Life

Victory Records, 2017 Hardcore 7/10

FOTO: ARCHIVO

mpowering Life rompe un silencio discográfico de cinco años, pero las maquinaria se ha puesto en marcha y hablamos con la banda, poco antes de que las canciones de su nuevo trabajo comience a atronar por los escenarios de medio planeta. “Como vivimos en tres ciudades distintas (Vigo, Sanxenxo y Oporto) había meses donde no cuadrábamos ni un día, así que nos llevó todo 2015 componer el nuevo disco. En febrero de 2016 grabamos Empowering Life y estuvimos unos seis meses hablando con varias discográficas. En septiembre firmamos con Victory Records y la fecha elegida para sacarlo fue abril de 2017. No es fácil esperar catorce meses con el disco en casa, pero sin duda ha merecido la pena”. We Ride entraron en contacto con Victory Records gracias a que Andrew Neufeld, cantante de Comeback Kid, les habló de ellos. “Victory Records es una de las mayores discográficas de hardcore y punkrock del mundo. Crecímos escuchando a sus grupos, así que estamos muy felices de formar

parte de su catálogo. Esperamos que esto pueda servir de ayuda para que gente de otros países se interese por la escena española y descubran la cantidad de bandas que tenemos por aquí”.

El sello y los medios ya les consideran una de las mayores esperanzas del hardcore estatal, algo que quizás añada algo de presión al grupo de cara a sus próximos pasos. “Nos sentimos muy alagados, pero no nos crea ningún tipo de presión. Esto lo hacemos sobre todo por y para nosotros, es lo que nos hace felices. En ningún momento pensamos en lo que dirá la gente y mucho menos en ser ‘la esperanza del hardcore estatal’. Dos semanas después de salir el disco tenemos la primera gira de presentación que nos llevará por Europa (Francia, Alemania, Polonia, República Checa, Suiza…). En verano estaremos en varios festivales nacionales e internacionales; en otoño volveremos a América y una de las cosas que queremos hacer antes de acabar el año es una gira completa por la Península, ya que desde 2012 sólo hemos actuado en festivales”. —tomeu canyelles

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mayo 2017 #11

FOTO: CARLOS JIMENA

WALA. WALA.

“Sí, es una vida glamurosa, pero trabajo muy duro. Cada vez que me ves en una fotografía, estoy trabajando. Cuando estoy en Milán, en un avión, en Las Vegas o en Nueva York, estoy trabajando... soy un tipo muy trabajador que trabaja duro para ganarse todo lo que tiene” Tinie Tempah en NME

“En el buzón del estudio pusé ‘Sr. Oliver’. Tengo un nombre muy poco habitual. Hay muy pocos. En todas las Islas Baleares solamente somos tres.

Tengo una amiga doctora que me lo comprobó a través de la tarjeta sanitaria” Joan Miquel Oliver en Enderrock

“En 50 Song Memoir tengo una canción que habla sobre querer ser John Foxx. Todavía quiero serlo. Es un tío elegante, sofisticado y nada molesto” Stephin Merritt en Mojo

“Desde que era un crío la gente me ha dicho cosas como ‘no puedo decir si lo estás diciendo en serio o no’. Creo que lo mismo que los esquimales tienen doce palabras para ‘nieve’, yo siento que tengo doce palabras para ‘divertido’ en mi cabeza” Father John Misty en Pitchfork

“Nunca me he sacado la polla en el escenario.

Vale, es verdad que me he quedado en calzoncillos y que he enseñado el culo, pero nunca mi pene” Mac DeMarco en Uncut

#12 mayo 2017

“Si nos piden hacer un remix… pues por encima de nuestro cadáver”

Guadalupe Plata, fieles a sus raíces El nuevo disco del trío de Úbeda no esconde nada. Guadalupe Plata (Everlasting, 17) se mantiene fiel a las raíces del grupo y a su forma de entender la música. Como debe ser.

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on Guadalupe Plata no hay vuelta atrás. O mejor dicho, es lo único que hay. Porque Pedro de Dios, Carlos Jimena y Paco Martos permanecen fieles a su empeño involucionista, ofreciendo una nueva mezcla de ingredientes que abre otro sendero hacia el mismo destino, el primitivismo, la crudeza, la inocencia. Esta vez lo han hecho cerca de casa, en el estudio sevillano de La Mina, famoso por sus equipos de sonido y sus barbacoas. “Era lo que queríamos, un poco de comodidad”, se arranca Pedro de Dios (guitarra y voz). “Hasta ahora siempre hemos grabado en dos días, haciendo todo muy rápido, buscando ese espíritu de la primera toma que había en los viejos discos de blues.

Pero claro, después de cuatro discos así, apetecía cambiar el sistema, no porque no nos guste, sino por hacer algo diferente. En La Mina hemos estado dos semanas, para poder tocar, ver los temas con algo de distancia, retocar, etcétera… hasta dar con lo que buscas con más calma y perspectiva”. Una de los elementos más refrescantes que los fans de largo recorrido encontrarán en esta nueva entrega es la apertura de miras en el ámbito vocal, de la que Pedro ya dio buenas muestras en su disco anterior. “Desde que llevo tocando con él, siempre ha tenido cierto reparo con su voz, y en ese aspecto estaba equivocado, porque la cosa está funcionando muy bien”, dice Jimena.

“Sí –contesta Pedro-, lo hago un poco en pos de la canción. Si noto que la sintonía de la guitarra va un poco más hacia abajo, el cuerpo no me pide una estridencia o un griterío, sino algo más John Lee Hooker, de media voz susurrante,

sin perder veneno, intensidad o mala hostia.

A veces se confunde entre intensidad y fuerza.

La intensidad puede venir de matices fuertes y suaves”. Esto queda muy bien reflejado en el primer single del álbum, la versión del Qué he sacado con quererte de Violeta Parra. “Conocí la canción en un viaje a Chile”, cuenta Pedro.

“La propia artista me pareció la hostia, porque era como juntar a Alan Lomax con Leadbelly, pero en otro registro… que no deja de ser blues pero con otro nombre. A la hora de abordar el tema yo tenía claro que me sonaba a country, a western. Intenté explicarle a estos que la guitarra iría más por un Johnny Cash que por un folclore latinoamericano”. Charlando largo y tendido sobre la clarísima conexión que hay entre músicas de partes del mundo tan alejadas, como el blues y el flamenco, Jimena concluye que “con el tema del folclore, hay etiquetas en cada país, pero al final todo es como un lamento general”. “Sí –añade Pedro-, es un lamento universal transformado en música, que ha existido siempre, pero que se ha etiquetado de diferente forma según el contexto cultural, histórico, etcétera. Esa forma de hacer música está metida en el ser humano desde siempre”.

Para este primer single han realizado un radio-edit, algo que no cuadra nada con la personalidad del grupo. “Pero el caso es que después de escucharla… vimos que no se rompía el espíritu. Además también hay que decir que mi versión tiene una estrofa más”, dice Pedro, al que se le nota que no tiene ganas de repetir esta jugada en el futuro. “Sólo damos nuestro brazo a torcer siempre y cuando notemos que la cosa sigue siendo la misma, que no se altera.

Eso sí, si me piden meter una base electrónica o hacer un remix, o cosas raras de esas, pues por encima de mi cadáver”. —nacho serrano

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mayo 2017 #13

MONDO FREAKO

Incubus vuelta al ruedo Iba siendo necesario que los estadounidenses Incubus dieran un golpe de timón a su trayectoria.

Y lo han hecho. 8 (Universal, 17) es su primer disco en seis años y busca abrir una nueva etapa en la trayectoria del grupo.

TAN. LEJOS. Los Santos Abuelos cebolleta Ya sea como Pxxr Gvng o como Los Santos, su nuevo nombre, los ‘esmayaícos’ son los ‘esmayaícos’: trap clásico y altas dosis de vacile. Así es Pxxrificación, el nuevo largo de Khaled, Yung Beef y Kaidy Cain (Steve Lean ha salido de la formación), una bravucona respuesta a las nuevas hordas de traperos –según ellos– ‘trendy’. #14 mayo 2017

RR Ha muerto uno de los nombres básicos de la electrónica europea, Mika Vainio, miembro de Pan Sonic junto a Ilpo Väisänen hasta hace unos pocos años, así como artista en solitario bajo diversos alias. El artista finlandés murió a los cincuenta y tres años de edad. Pan Sonic fueron uno de los grupos más visionarios de la electrónica experimental y ruidista europea, protagonistas de discos de la importancia de Vakio (1995), Kulma (1997) o el boxset Kesto (234.48.4) (2004).

Vainio también había trabaja-

T

ras unos tiempos en los que no alcanzaban la brillantez de sus inicios, Incubus necesitaban darle un giro a su carrera. Y eso es precisamente lo que consiguen con 8, su primer disco en seis años. Los californianos han tenido tiempo para tomar decisiones, algunas valientes, sin apresurarse, y afrontar esta nueva etapa con otro brío y con intenciones de revalorizarse de nuevo. Nos lo comenta vía telefónica su guitarrista y fundador Mike Einziger. “Nos hemos tomado el tiempo necesario. Teníamos algunas canciones que nos encantaban, pero necesitábamos más. Entre medias hicimos la gira con Deftones y publicamos un epé, gracias a lo cual tomamos el nuevo material con otro pulso y el proceso fue mucho más rápido”. Aunque el productor habitual de Incubus era Brendan O’Brien, esta vez toma las riendas Dave Sardy, aunque llama mucho más la atención la sorprendente presencia de Skrillex como co-productor y mezclador.

“Hemos estado en contacto con Dave durante años, y en el grupo todo el

do con Pan Sonic con artistas como Alan Vega (Suicide) o Merzbow, además de ser el fundador junto a Tommi Grönlund del sello Sähkö Recordings, en el que publicaba su material bajo el nombre de Ø.

mundo estaba de acuerdo en que era la persona correcta. En cuanto a Skrillex, hemos colaborado durante los dos últimos años y lo pasamos en grande trabajando juntos. Su aportación nos da frescura y un plus de energía”.

Energía es lo que les hacía falta después de que, en 2008 y tras años en los que no dejaron de crear estando en la cresta de la ola, decidieron coger distancia con la industria. “Fue necesario tomarnos un descanso, oxigenarnos. Habíamos tenido mucho éxito, habíamos alcanzado nuestros sueños, mucha gente estaba atenta a lo que hacíamos, así que quizás era el momento de hacer otras cosas. Al final, esto no era más que un negocio y había dejado de ser nuestro trabajo.

Teníamos que cambiar nuestras vidas, ver nuestra carrera con perspectiva, encontrar el camino correcto y aprender a apreciar todo esto de nuevo”. Quizás necesitaban continuar a la suya y huir de las etiquetas. Se les metió en el saco del nu-metal y también en la escena alternativa, aunque Incubus se permitían tomar distintos

RR Las míticas TLC han estrenado un adelanto del que será su nuevo disco en quince años. El tema se titula Way Back y en él colabora el rapero Snoop Dogg. TLC decidieron dejar los escenarios tras la muerte de Lisa ‘Left Eye’ Lo-

pes, pero aquí las tenemos de nuevo como dúo. Para la grabación del nuevo álbum, que se espera que salga el 30 de junio, se inició una campaña de Kickstarter que se convirtió en la más financiada de la historia.

RR El próximo 9 de junio verá la luz el tercer larga duración de los británicos Alt-J, uno de los discos más esperados de los próximos meses después de ser número uno con su anterior trabajo This Is All Yours. Relaxer ve la luz a través de Infectious/ [PIAS].

C

on Pxxr Gvng pasa como con los abuelos: poco importa si las historias que cuentan pasaron tal cual, ni cuánta chicha le han sumado. Nos gusta escucharlas, sin más.

Tal vez por eso los barceloneses han resultado la banda más asediada por los medios del trap nacional. Sin ser los pioneros ni los más diestros. El “50% calle y 50% música” –como define Khaled el auténtico trap para él, el de Atlanta– ha hecho de los esmayaícos un festín publicitario del que ellos mismos han sacado tajada. Ahora vuelven a darle un vuelco a su relato. “Para nosotros esta es otra etapa, ya no sentimos ese nombre”, dice Khaled, en referencia a Pxxr Gvng.

Khaled, que atiende desde la misma plaza del MACBA de Barcelona de la que son decorado desde hace un lustro, alterna la reivindicación del trío como ”punki” y “anti-marketing” con las explicaciones pormenorizadas –muestra de una autoconsciencia muy por encima de la que la prensa vende sobre ellos– de su nuevo paso en la industria tras la espantada en

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FOTO: NIMBLE BA

caminos, trabajar con Dj’s (sin ir más lejos, la guitarra de Einziger aparece en el hit Wake Me Up de Avicii) o lo que les apeteciera. Ahora recuperan la esencia de sus discos clásicos, los que les dieron mayor notoriedad y un éxito descomunal, títulos como Make Yourself (99) o Morning View (01). “Para mí no son importantes las etiquetas. Si de alguna manera somos más complejos, más agresivos o lo que sea, la clave está en lo emocional, en si la música que haces es interesante y eres capaz de conectar de algún modo con la gente. La música está para conectar y para evadirse. Escribes una bonita canción que te permita escapar si estás pasando un mal momento.

No hacemos música para representar a nadie, así que da igual si sonamos más duros o más modernos, porque lo importante es que solamente queremos expresarnos y ser nosotros mismos”. En parte, la personalidad de Incubus recae en la voz y las melodías de Brandon Boyd, una de las señas de identidad del grupo en una época en que no es tan importante el papel de los vocalistas

RR The Drums, la banda formada por Jonny Pierce y Jacob Graham, está de vuelta con uno nuevo disco titulado Abysmal Thoughts que verá la luz el 16 de junio a través del sello Anti. Este trabajo supone la continuación de Encyclopedia, publicado en 2014, el primero como dúo y el cuarto álbum de su trayectoria.

RR Los ex-miembros de la banda de rock alternativo británica Spacemen 3 piden que no se compren sus trabajos editados por Space Age Records.

Peter Kember, ahora Sonic Boom y Jason Pierce, miembro de Spiritualized, se encuentran en una disputa legal con la discográfica. MS

Sony, con la que publicaron Los pobres en 2015: La Vendición Records, su propio sello, ha editado Pxxrificación, y también servirá como plataforma para el resto de jóvenes que los rodean. “Ahora podemos llevar mejor el business de la música”.

“Somos Los Santos, y todo el mundo nos está rezando”, vacila Khaled, que cada tres palabras tiene alguna bala para sus coetáneos (a los que denominan “Youtubers”, por su falta de calle, e incluso les dedican un tema en el disco). “Somos los papasitos. Y todos estos no saben lo que es el trap: ellos se lo tienen que estudiar. El trap es estar en la plaza, con la gente. Ellos sólo son algo trendy”. Los ex Pxxr Gvng no parecen preocupados por las críticas o por las cifras: la realidad, aquellos a los que ellos tildan de “embusteros” acumulan más escuchas y arrastran a más público a las salas que ellos.

Poco le importa a Khaled quedarse atrás, aunque en esto del trap –como en la vida de un perro– un año equivalga a siete.

Mientras el resto de la escena coquetea desde hace tiempo con otros géneros, la

crew barcelonesa sigue con sus vacas sagradas. Pxxrificación abraza de nuevo a Lil Wayne o Gucci Maine y pasa el corte gracias a las bases de calidad de Lex Luger o Gezin, substitutos de altura de Steve Lean; Khaled sólo tiene buenas palabras para su colega y productor, ahora fuera de la formación, y al que dedica a media entrevista un “free Steve”. Cuando mantenemos esta conversación Leen todavía no había concluido su breve etapa de encarcelamiento. Hay otros aspectos en los que Los Santos parecen más un septuagenario que alguien en la treintena. Pese a los advertimientos de colectivos feministas, Pxxrificación sigue siendo un tumulto de cosificación. “Criticar eso es muy cateto, nuestros conciertos son libertad: hay tías, niños… Todos familia”. —yeray s. iborra

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como lo era en los noventa. “Ahora la tecnología se impone mucho más que antes. Quizás influye de un modo distinto al que lo hacía antes, pero afecta a todo el mundo sin excepción, aunque más a los cantantes. La escena musical ha cambiado y hay mucha más oferta, con lo que es más difícil encontrar lo que buscas. Por suerte sigue habiendo muy buenos cantantes.

La diferencia está en que antes estaban más localizados”.

Cambiando de tema, Incubus dirigen su propia fundación, la Make Yourself Foundation. “La idea es que la gente discuta sobre política, que nos comuniquemos entre nosotros.

Ahora mismo hay mucha tensión, especialmente entre la gente joven; ellos son los que tienen que decidir nuestro futuro. Así que es importante que participemos en este tipo de eventos, más todavía siendo de Los Angeles, una ciudad en la que siempre hay problemas raciales”. —toni castarnado

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Entre payasos y ratas Repasando en la red los mejores clips de estas últimas semanas, no podíamos pasar por alto el que ha firmado Luis Cerveró para el tema Viva de Los Punsetes. Una violenta bacanal de tiros entre payasos y ratas con el peculiar sello de uno de nuestros realizadores más importantes e internacionales.

R

epasar el curriculum del realizador Luis Cerveró le quita el hipo a cualquiera. Sus trabajos para artistas tan importantes como Los Planetas, Triángulo de Amor Bizarro, Justice, Javiera Mena o Pharrell Williams le han puesto en el punto de mira de muchos grupos que desean su peculiar enfoque a la hora de encarar cualquier proyecto. Los últimos en dejarse llevar por las ideas de este artisa valenciano han sido Los Punsetes y el resultado nos ha parecido espectacular. (Luis) “Llegamos a la idea de las ratas después de hablar de política y de la situación de la izquierda una noche cenando en Madrid, Jorge, guitarra de la banda, David Rodríguez (Beef) y yo.

Así en dos trazos el vídeo va de eso, de la situación sin salida en la que está la política actual ante la historia, la tentación del mal intrínseca al poder y la estupidez general de la especie humana”. Porque para Luis resulta muy importante que exista afinidad con el músico o la banda a la que va a prestar su talento y por encima de todo opina que: “Un videoclip debería estar al servicio de la canción y el grupo, no por servilismo, sino porque es lo que define el formato. Si no te gusta el grupo o no los respetas, es mejor no hacerlo. No me gustan los directores que hacen un video de espaldas a la canción, y que lo que quieren es contar sus movidas”. Permaneceremos atentos a sus próximos pasos porque prometen nuevas alegrías. “Llevo

YOUTUBEANDO

Q Los Punsetes Viva “La idea costó bastante. No sé, a veces pasa. Primero surgió la idea de que fueran payasos, como representación simbólica de la canción en sí: algo que parece festivo y alegre pero en el fondo no tiene ni puta gracia”.

un par de semanas trabajando en Islamabad de Los Planetas. Llegamos tardísimo y se está complicando un poco porque la idea está en los límites de lo realizable, por tiempo y por pasta, así que no sé que puede acabar pasando. Pero la canción me flipa”. Y a nosotros. —don disturbios

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mayo 2017 #15

FOTO: MARC SEMPERE

MONDO FREAKO

Maria Arnal & Marcel Bagés El fin de las canciones Tras dos EP’s, debut de largo de María Arnal y Marcel Bagés. Más producción, más concepto y fondo impertérrito: temas machacados en directo, ejercicios cercanos a la experimentación y nuevas canciones propias rotundas.

45 cerebros y 1 corazón (Fina Estampa, 17) tiene ingredientes para alojarse en el cajón de la memoria colectiva.

EN LA. MALETA.

Kim Ann Foxman Parte integrante de Hercules And Love Affair, ha colaborado con infinidad de artistas.

Sin embargo, basta con escuchar su último epé Energy para caer en la cuenta de que es una productora más que autosuficiente.

#16 mayo 2017

L

as canciones nunca morirán. Ni siquiera en un mundo devastado, imaginado en el recoveco más turbio del cerebro de Manuel de Pedrolo o Aldous Huxley.

Siempre habrá temas que se quedarán clavados en las seseras de los supervivientes, y cantarlos será su pasatiempo hasta nuevos cuños. Colocar una de

Q

ué recuerdas de tu primera sesión?

Cuando empecé siempre estaba muy nerviosa, aunque fuese a pinchar a una pequeña fiesta en Brooklyn. Sin embargo, también recuerdo que cuando acababa, estaba absolutamente relajada y, a la vez, enganchada a este trabajo. ¿Hay algún tema que pinches en todas tus sesiones?

No, pero el Feel It de Coco Steel And Lovebomb lo he llevado en mi maleta durante muchísimo tiempo. Es uno de mis básicos personales. ¿Y alguno de esos básicos que nunca pinches?

No tengo oportunidad de pinchar algunos de mis favoritos porque no encajan con lo que estoy haciendo en ese momento. Sin embargo… son mis favoritos, así que no los olvido y los tengo en cuenta para otras sesiones o podcast. ¿Cuál es tu opinión acerca de la etiqueta electrónica-indie?

La verdad es que no tengo demasiada opinión acerca de esto, pero para mí está bien.

Qué importancia le das a que la gente baile más o menos para cambiar la línea de tu set?

Personalmente, me divierto más cuando obtengo un buen feedback del público.

Las fiestas siempre son mejores cuando el público siente el sonido, ese es el mayor motivo por el que cambiar el setlist.

“Es maravilloso pensaría que una canción podr tener más entidad que nosotros” esas canciones en las distracciones del otro, debe ser lo más parecido a la trascendencia; sólo por eso, cualquier proyecto embarcado, habrá merecido la pena. Por eso, y por muchas más cosas, cunde 45 cerebros y 1 corazón.

“Yo ya no me podía escuchar los epés”, dice risueña María. “Habían cumplido con su función”, añade Marcel. Verbe-

¿Tienes alguna opinión sobre la popularidad actual de los Dj’s?¿Juegan un papel esencial o crees que no son tan importantes como los músicos de rock o pop?

Creo que somos igual de importantes. La verdad es que los Dj’s le damos a la gente la oportunidad de bailar y sentirse libres. Por otra parte, una sesión nuestra puede tener muchas más duración que la media de un concierto de pop o de rock. ¿Vinilo o compact disc o USB? Se puede decir que me salté la era del CD por completo, me negaba a saltar del vinilo al CD… después llegó el USB y lo hizo todo más fácil. ¿Estás harta de trabajar por la noche?

Estoy acostumbrada. He de admitir que también es muy renovador pinchar en lugares como Panorama Bar un domingo por la tarde, porque la fiesta es algo absolutamente loco. Sin embargo, pinchar por la noche es parte del trabajo, así que también soy feliz al hacerlo. Además, es cuando la gente más se desmelena. ¿Podrías citarnos a tus Dj’s favoritos?

Solar, Bicep, Harvey, Jennifer Cardini, Gerd, Janson… ¿Recuerdas tu mejor sesión hasta la fecha?, y ¿la peor?

Creo que la mejor ha sido en Panorama Bar, y también otra vez que pinché un fin de semana en Finlandia. La peor… cuando empecé y no venía nadie. Supongo que en esos momentos te sientes un poco inútil. MS

na (16), segundo EP de los catalanes, hizo que visitaran todas las estaciones de cercanías; dicho corto y su predecesor habían funcionado a la perfección como llaves maestras. Eso sí, el sonido, urgente e improvisado, la “fotografía de cada momento”, ya no representaba al dúo y a sus más de cincuenta conciertos a las espaldas; el bagaje en directo hizo que renunciaran a la idea de hacer un trío de EP’s para embarcarse en todo un disco. “En los EP’s nos vemos muy adolescentes y monos, pero ahora ya sabemos peinarnos mejor...”, ríe María. “Era una cuestión de justicia con las canciones”, dicen al unísono. El gran reto de 45 cerebros y 1 corazón era hacer casar todo el material rodado durante meses con los nuevos temas escritos por María. Hacerlo implicaba una pátina de producción desconocida hasta la fecha. Fueron David Soler y Ángel Medina quienes les acompañaron durante los días de grabación. “Estuvieron a los controles… y al amor”, dice Marcel, que recuerda la semana de frenesí como un motel: abierto veinticuatro horas al día, siete días a la semana.

El disco, de fondo impertérrito –la canción que le da título habla sobre las fosas comunes y, claro, sobre la memoria– e innegociable, tuvo en el pop su pegamento. “Menos divagar y todo más empaquetado”, recuerda Marcel como consigna. Aunque son sus temas herejes (Desmemoria, un ejemplo) los que lo hacen de amplias miras, su querido Niño de Elche o Arca se funden ahora con canciones rotundas, inspiradas por FKA Twigs, Juego de Tronos o… Stromae. “¡El riff... el riff es el de Papaoutai de Stromae!”. María reproduce el grito con el que dio por bueno uno de los pasajes de guitarra que impregnó la canción más extraordinaria del disco: Tú que vienes a rondarme, un tema alucinado con bases de Grey Filastine y que recorre el universo del cómic Pro-

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methea de Alan Moore. “Me habéis engañado… ¡No sabía que tendríamos un hit también!”. Las palabras las mastica Marcel con la risa de fondo de María, pero realmente las pronunció Gerardo Sanz, su mánager, tras la primera escucha de “Tú que vienes a rondarme”.

Una canción, Tú que vienes a rondarme, por la que valía la pena un disco. Un texto denso (“¡debía tener incluso dos estrofas más!”, añaden) pero amasado, escrito en una sola noche: el tipo de tema que revolotearía por la sesera de un cualquiera cuando se produjera el cataclismo. Ése es precisamente el fin de las canciones, transmitir mensajes usando los cuerpos como canal. “Es maravilloso pensar que una canción podría tener más entidad que nosotros”, dice María, que valora la oportunidad de haber expandido su mensaje por todo tipo de plazas. Pero, ¿permitirá la profesionalización que sigan combinando escenarios populares con otros más sofisticados? “Nuestras comunidades entienden y apoyan nuestras decisiones… No tocaremos donde no nos sintamos bien. Podemos asumir nuestras contradicciones”, zanja. Lo han vendido todo en sus conciertos de Barcelona y Madrid. El huracán tiene síntomas de cronificarse.

La nueva aventura de Marinah se llama Afrolailo Parecía que el nombre de Marinah nunca iba a distanciarse de su grupo anterior, Ojos de Brujo, pero su obra en solitario y bien acompañada ya ha tomado peso y altura. Ese despegue será todavía mayor con su nuevo y atractivo Afrolailo (Kasba, 17).

—yeray s. iborra

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CRÍTICAndo

r

45 cerebros y 1 corazón

Fina Estampa, 2017 Pop 9/10

El cohete en el que montaron Maria Arnal y Marcel Bagés hace unos meses con la publicación de Verbena (16) se aceleró por encima de sus expectativas mecánicas. Ante tal milagro de la ingeniería, lo más probable era que el bólido perdiera el control, hiciera pum y cayera en zona desconocida. No ha sido el caso. Tras dos epés, el debut de largo de los catalanes pilota el frenesí: más producción, más concepto, y el fondo impertérrito. Los temas entrenados en directo los dos últimos años conviven con naturalidad con ejercicios cercanos a Niño de Elche o Arca, y se mezclan además con canciones propias rotundas. En 45 cerebros y 1 corazón encontramos los temas con más ingredientes para alojarse en el cajón de la memoria colectiva escritos en los últimos meses; hasta ahora ellos habían hecho uso de la herencia oral para compartir, emocionar y expandir mensajes… Ahora serán sus propias canciones los que les sobrevivirán: “Tú que vienes a rondarme”. —y.s.i.

A

frolailo aparece después de El baile de las horas, un disco en el que las canciones tuvieron una base instrumental más pop, aunque con presencia de guitarra flamenca y cajón. Era un nuevo viaje que rompía con su pasado. Lo mismo que Sintonías, un disco junto al destacado guitarrista flamenco Juan Gómez Chicuelo que nació de una propuesta de encuentro del Taller de Músics de Barcelona y que, dada su gran “sintonía”, se transformó en un disco especialmente fresco, sensible y de gran calidad musical. Ahora Afrolailo nos presenta a una Marinah con muchas ganas tanto de pasarlo bien como de denunciar todo aquello que nos hace sentir mal. “Este disco está muy vinculado al momento social e histórico que estamos viviendo. Por eso los temas invitan a bailar y a sacudirte el gris con letras que te dan fuerza y empuje, que denuncian el secuestro de la realidad, que te sacan una carcajada o que te recuerdan que no estás sola, que somos ‘manada’. Es decir, es música caliente que prende candela”.

En esta nueva aventura Marinah se acompaña de grandes músicos que ya estuvieron con ella en Ojos de Brujo, como Maxwell (beatbox), Javi Martín (bajo), Carlos Sarduy (trompeta, piano, producción) y Susana Medina (coros y baile flamenco).

“Para mí, un disco es un encuentro, una celebración. Y sin invitados no hay fiesta. En Afrolailo quería estar con mujeres de mi generación, que siento como hermanas y que siguen estando en tarima. Por esto están la Mari de Chambao y Arianna Puello.

Amparo Sánchez es otra de las mujeres con las que sintonizo, pero acababa de hacer una colaboración con ella para su disco de tributo a Amparanoia y no ha podido ser por cuestión de tiempos”. Pero hay muchos más invitados. “Sí, también está la guitarra flamenca de Chicuelo, que siempre da gloria; Lágrimas de Sangre, porque me gusta su propuesta de rap musical y con melodía, además es maravilloso que vengan nuevas generaciones de hombres con mensaje feminista y cercano. Y, cómo no, está mi hermano Kumar Sublevao-Beat, ¡puro espíritu afrolailo!”.—miguel amorós

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mayo 2017 #17

Nace el Ballantine’s True Music Festival

Placebo en el Mallorca Live Festival

Toothless

Tras el nombre de Toothless se esconde Ed Nash, bajista de Bombay Bicycle Club, en solitario. Ahora publica The Pace Of The Passing (Imports/Music As Usual, 17), con lo que aprovechamos para descubrir en qué discos se ha inspirado para darle forma.

ANTHONY B FOTO: ARCHIVO

www.musica.ballantines.es/true-musicfestival

Tras la confirmación de artistas como The Prodigy, Sepultura, Los Fabulosos Cadillacs, Nada Surf, Estopa, Lori Meyers, Dub Inc o Rosendo faltaba la cuota de techno alemán habitual en el Weekend Beach de Málaga.

En esto Chris Liebing es un valor seguro desde hace dos décadas y estará en julio en Torre del Mar. Pero ahí no acaba todo, sino que a principios del pasado mes se anunció por sorpresa la presencia de uno de los más importantes artistas de reggae jamaicano del momento, Anthony B, con más de veinte álbumes y centenares de singles en el mercado. Otro de los artistas que se ha sumado al cartel recientemente ha sido Residente, líder de Calle 13 que ocupó nuestra portada del pasado mes. Os recordamos que el festival se llevará a cabo en Torre del Mar (Málaga) durante los días 6, 7 y 8 de julio, aunque hay una fiesta de bienvenida la noche del miércoles 5 con la participación de Kase.O y Mago de Oz. MS www.weekendbeach.es

#18 mayo 2017

La localidad mallorquina de Calvià acogerá los conciertos del Mallorca Live Festival. Será en el Antiguo Aquapark, a lo largo de los días 12 y 13 de mayo. El nombre de mayor peso lo representan los británicos Placebo, que actúan por primera vez en la isla, con lo cual el motivo de celebración es doble. En cuanto al resto de nombres, podremos ver en directo a artistas y grupos internacionales como The Charlatans, Ben Klock, The Martinez Brothers, Nicola Cruz u Onda Vaga, compartiendo cartel con españoles como Lori Meyers, Amaral, Chambao, Mala Rodríguez, Maga, Eskorzo, C.Tangana o Sexy Zebras. A todos ellos se unirán mallorquines como The Pussians, Zulu Zulu, Salvatge Cor o Yoyo Banana. Por otro lado, habrá una fiesta de inauguración el día 11 de mayo con actuaciones y sesiones de gente como Bilo o Belle & Sebastian Dj’s. MS www.mallorcalivefestival.com

Ozzy Osbourne

Kurt Vile

Natasha Bedingfield

Este disco es la razón por la que empecé a tocar la guitarra.

Cuando tenía unos trece años me obsesioné totalmente con las guitarras de este disco y me pase todo el tiempo libre que tenía intentando aprenderlas nota por nota.

Este es el último disco con el que me obsesioné.

Un amigo me lo puso una vez durante una gira que teníamos por Australia y me llenó con una sensación de calma total. Es la mezcla perfecta entre las guitarras lo-fi y la electrónica sutíl. Ha sido una gran influencia en la música que hago con Toothless.

Cada mañana durante aproximadamente un año, mi hermana pequeña ponía este disco mientras nos preparábamos para ir a la escuela. Me recuerda a cuando éramos niños. Y también porque incluye un puñado de canciones pop fantásticas.

Blizzard Of Ozz, 1980

Smoke Ring For My Halo, 2011

Unwritten, 2004

Nick Cave

Joanna Newsom

The New Year

Nick Cave es uno de mis artistas favoritos de todos los tiempos y, en mi opinión, este es su mejor disco. También creo que es el mejor disco de ruptura de la historia. No hay ni un solo tema flojo.

Este disco me encanta.

Es la obra más impresionante y detallista que he escuchado jamás. Desde las letras a la interpretación o la producción, todo es perfecto. En su momento no pude creerme que un ser humano fuera capaz de hacer algo así.

Hay una canción en este disco llamada 18 que es la base de todo lo que he querido hacer con mis letras.

Habla sobre el miedo a hacerse mayor y es una de las cosas más emocionantes que nunca haya escuchado. MS

The Boatman’s Call, 1997

Ys, 2006

The End Is Near, 2004

BRUJERÍA FOTO: ARCHIVO

Ha nacido un nuevo festival en Madrid: Ballantine’s True Music Festival, que reunirá las actuaciones de más de ciento cuarenta artistas con conciertos simultáneos en diecisiete salas de los barrios céntricos de Madrid, los días 9 y 10 de junio. Entre los artistas confirmados grandes bandas y DJ’s internacionales como: The Vaccines, We Are Scientists, Kakkmaddafakka, Todd Terje o Hot Chip Dj set; mientras que el panorama nacional se refleja en grupos como La Habitación Roja, Belako, Carlos Sadness o WAS. Además, el festival ha apostado por bandas emergentes con nombres como Anteros, Sam Fender, Honne, Dan Croll o Youngr. MS

Weekend Beach continúa sumando nombres

BRIAN MOLKO FOTO: ARCHIVO

Los Discos de mi Vida

MONDO FREAKO

Download Festival completa cartel El madrileño Download Festival completa definitivamente su parrilla. Se acaban de sumar Gojira, Dark Tranquility, Kvelertak, Iced Earth, Zebrahead, Brujería y Skindred.

Todos estos grupos se suman a las últimas incorporaciones que incluyeron a Mastodon, A Day To Remember, Monster Magnet, Bat Sabbath (la banda de versiones de Black Sabbath de Cancer Bats) y Triggerfinger, entre otros. Y obviamente a System Of A Down, Linkin Park y Prophets Of Rage.

La lista de nombres españoles incluye a gente como Hamlet, Jardín De La Croix, Wormed, We Ride, Blaze Out, Trono de Sangre, Against The Waves, Dawn Of The Maya, etcétera. La primera edición española del festival se celebra los días 22, 23 y 24 de junio en la Caja Mágica de Madrid. MS www.downloadfestival.es

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Do To The Beast (Sub Pop, 14) era un buen retorno dentro de la incesante sucesión de regresos de los últimos años, pero el nivel de In Spades (Sub Pop/Popstock!, 17) se codea con la mejor producción del grupo de Greg Dulli. El compositor y cantante que obró el milagro de unir el indie y el soul más descarnado está de acuerdo y lo subrayará en directo dentro del Primavera Sound (1 de junio, Barcelona).

In Spades

Sub Pop/Popstock!, 2017 Rock 8/10

a vida ofrece insospechados placeres, como conversar con uno de mis héroes musicales desde Hamburgo, a pocas manzanas del barrio en que se curtieron The Beatles (historia y leyenda registrada en Backbeat, aquella película de 1994 en cuya banda sonora participó el de Ohio).

Hombre apasionado y trabajador incansable, Dulli me atiende desde su casa de Nueva Orleans. La sombra del paso del tiempo y los héroes caídos en el infausto 2016 se cierne, como el ominoso personaje de su enigmática portada, sobre un álbum crepuscular, pletórico y sereno, en el que Dulli, el bajista John Curley y compañía, ajustan cuentas con el paso del tiempo y lo inevitable.

Como seguidor de todo lo que haces desde los primeros noventa, In Spades me ha parecido uno de los mejores discos que has hecho nunca. ¿Sabes qué? Pienso lo mismo (risas).

Creo que todo ha encajado en este álbum. Todas las piezas que trataba de ensamblar hicieron clic en su sitio. Es curioso, porque hablaba con un amigo antes y le comentaba que originalmente tenía once canciones. Yo seguía escuchando el disco y me parecía que una de ellas simplemente no cabía, así que la acabé dejando fuera, pero la secuencia no terminaba de convencerme. Me gustaban todas las canciones, pero algo fallaba. Acorté dos y entonces quedó perfecto. Es el disco más corto que he hecho nunca. Me gusta mucho eso, que

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FOTO: Chris Cuffaro

The Afghan Whigs Los noventas sobreviven L

de “No tengo ningún plan toy morirme pronto, pero esce convencido de que Prin tampoco lo tenía” va directamente al grano. No se anda con tonterías, siempre va directamente al asunto.

Tu interpretación vocal en canciones como The Spell impresiona. ¿Crees que este álbum es uno de los mejores trabajos que has hecho también en este sentido?

Te voy a decir cuándo pienso que me convertí en un buen cantante. Fue cuando empecé a cantar con Mark Lanegan (sobre todo en The Gutter Twins). Mark tiene una voz perfecta, así que cuando me puse a cantar con él tenía que sacar lo mejor de mí para no desentonar a su lado (risas). Desde que canto con él, pongo mucho esfuerzo en la voz, y ahora es algo que me sale muy natural. Así que en este asunto le debo un montón a Mark Lanegan. ¿Cuál fue la inspiración, el combustible para esta nueva colección de canciones? Parece que la “memoria” está muy presente.

Las canciones salieron en un período de tiempo de un año y medio en el que pasaban muchas cosas a mi alrededor.

No sólo en mi propia vida. El año pasado en particular murieron muchas personas que habían sido mis héroes.

Eso cambió los sentimientos con los que tengo que estar permanentemente en contacto para escribir. De repente fui muy consciente del paso del tiempo.

También sufrí pérdidas cercanas. Una chica con la que había salido durante

bastante tiempo murió hace dos años, aunque no la había visto en cinco. Fui a su funeral y aquello me pesó mucho.

Luego, hacia el final de la grabación, a Dave Rosser, nuestro guitarrista, le diagnosticaron cáncer de colon en fase cuatro. Eso fue… ya sabes, me encontré con mucha enfermedad y muerte alrededor, y no sé, para no hundirme en la tristeza, empecé a trabajar en nueva música sin parar. Como si me quedara muy poco tiempo en el mundo y tuviera que hacer lo máximo posible.

De alguna manera, ¿componer canciones (como practicar cualquier forma de arte) es una especie de rebelión contra lo inevitable de la muerte?

Desde luego. Es lo único seguro que nos espera a todos. Siempre lo he sabido, pero ahora que tengo casi cincuenta y dos años, su sombra ha empezado a mostrarse en el horizonte. No tengo ningún plan de morirme pronto, pero estoy convencido de que Prince tampoco lo tenía. Esa muerte en particular… la de David Bowie me afectó mucho, pero cuando Prince murió fue como si hubiera perdido a un familiar. Era tan joven…y fue una inspiración gigantesca en mi decisión de ganarme la vida como músico. Todas estas cosas y el hecho de que tenga esta banda magnífica han sido decisivas. —josé carlos peña

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mayo 2017 #19

M AY O Y J U N I O 2 0 1 7 ANDALUCÍA, CANARIASY MADRID ANDALUCÍA

HOLLANDER, SEVILLA 27/05/2017 NOISEED SALA X, SEVILLA 26/05/2017 IZARO BOOGACLUB, GRANADA 27/05/2017 IZARO PLANTA BAJA, GRANADA 24/03/2017 JUVENTUD JUCHÉ 20/05/2017 ZOO

CAFÉ QUILOMBO, LA OROTAVA (TENERIFE) 13/05/2017 NURIA GRAHAM 27/05/2017 TREPÁT

MADRID

COSTELLO 18/05/2017 NICOLÁS PASTORIZA WURLITZER BALLROOM 13/05/2017 VIRENQUE

CANARIAS

CANTABRIA

CAFÉ DE LAS ARTES, SANTANDER 05/05/2017 PAJARO SUNRISE

#20 mayo 2017

CATALUÑA, COM. VALENCIANA Y CASTILLA LA MANCHA

BEAT CLUB, SEGOVIA 26/05/2017 NOISEED

GRAN CAFÉ LEÓN, LEÓN 06/05/2017 PAJARO SUNRISE

CATALUÑA

POTENKIM, SALAMANCA 01/06/2017 ZOO

CONTINENTAL BAR, BARCELONA 19/05/2017 NICOLÁS PASTORIZA 27/05/2017 VIRENQUE

ARAGÓN

CAFÉ DEL TEATRE, LLEIDA 19/05/2017 OGUN AFROBEAT

LÓPEZ, ZARAGOZA 12/05/2017 ZOO

GALICIA Y LA RIOJA LATA DE ZINC, OVIEDO 04/05/2017 NICOLÁS PASTORIZA

CASTILLA LEÓN

ZARAGOZA 26/05/2017 VIRENQUE

LONE STAR, SANTA CRUZ (TENERIFE) 12/05/2017 NURIA GRAHAM 26/05/2017 TREPÁT

ASTURIAS

CASTILLA LEÓN Y ARAGÓN

GALICIA

ATURUXO, BUEU (PONTEVEDRA) 01/05/2017 IGELAREN BANDA

LA RIOJA

COM. VALENCIANA SALA ONE, ALICANTE 19/05/2017 ZOO

MATADERO, HUESCA 18/05/2017 ALBA MOLINA

CTO. CÍVICO DELICIAS, ZARAGOZA 19/05/2017 ALBA MOLINA Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

CASTILLA LA MANCHA LOS CLÁSICOS, TOLEDO 20/05/2017 VIRENQUE PÍCARO, TOLEDO 25/05/2017 NOISEED

CLUB BIRIBAY, LOGROÑO 13/05/2017 OGUN AFROBEAT

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“Es realmente jodido hacer canciones sobre Dios y el amor”, explica un Pablo Und Destruktion de discurso más desbordante que nunca. En su cuarto disco, Predación (Sonido Muchacho, 17), el asturiano pone punto y final a una etapa vistiendo de rock turbulento su particular epifanía místico-sentimental.

Porque el amor todo lo puede...

Pablo Und Destruktion Teología rock —texto Luis J. Menéndez —fotografía Alfredo Arias

T

Examen de conciencia ras diferentes experiencias musicales previas, Pablo García renace como Pablo Und Destruktion hace un lustro. “Empecé el proyecto con veintisiete años, ahora soy un paisano con todas las de la ley y he pensado seriamente en acabar con él. No sé lo que va a ocurrir en el futuro, pero en caso de seguir llamándome Pablo Und Destruktion quiero introducir cambios importantes en mi forma de escribir y cantar. Me interesa mucho aprender a hacerlo de otra forma, aprender a producir, reforzar la faceta de intérprete, hacer oficio. Ahora por ejemplo vivo obsesionado con Jacques Brel, con su interpretación, su gestualidad...”. En ese contexto surge Predación, cuarto álbum de Pablo Und Destruktion que viene a poner punto y final a una etapa. “Creo que Animal con parachoques (Pauken, 12), Sangrín (Humeantes, 14), Vigorexia emocional (Marxophone, 15) y Predación forman parte de un ‘pack’. Me puse el nombre de Pablo Und Destruktion cuando fui a vivir a Alemania y conocí a Fee Reega (su ex esposa). No pasa nada por decir que estuve muy influido por la mera existencia en el planeta de Fee y por todo lo que provocó mi relación con ella. Con este disco, casi como si de una tesis doctoral se tratara, finalizan mis estudios sobre el amor (carcajada).

El amor me ha llevado del superindividualismo a una etapa más política que con el tiempo alcanza una dimensión espiritual”.

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mayo 2017 #21

EN PORTADA

3

“ “He mandado todo a tomar por el culo, no lo he hecho con el disco de milagro”

#22 mayo 2017

Confesión

P

aralelamente a la publicación del disco estaba prevista la edición de un libro que por el momento no va a ver la luz y que, a su vez, está relacionado con dos experiencias previas: la composición de la mano de Agustín Castilla-Ávila de la ópera microtonal Por todo el fuego y su papel protagonista en la obra Cine de la compañía teatral La Tristura. “Hice la ópera y después de dos representaciones, una en Madrid que para mí fue una especie de conjuro de apertura y otra privada en Llanera, la mandé a tomar por el culo. En realidad he mandado todo a tomar por el culo, no lo he hecho con el disco de milagro. El libro es un texto adaptado de la ópera. Empecé a escribirlo el año pasado en un estado de delirio total, después de irme un par de veces a un retiro espiritual. Me interesé por el trabajo de Angélica Liddell, que tiene que ver con la confesión, traer estructuras del pensamiento del pasado y actualizarlas o reinventarlas. Pero comprendí que estaba reproduciendo una liturgia que ha sido sagrada durante siglos, y no iba a representarlo a quince pavos la entrada porque implicaba un sacrilegio”. Es el caldo de cultivo a partir del que empieza a gestarse Predación. “Ese proceso ha tenido una importancia brutal para mí, lo que no quiere decir que deba tener importancia literaria para terceros. Así que quiero dejar tiempo para que repose y en caso de publicarlo ver de qué forma, tal vez con seudónimo. Con el tiempo he aprendido que las canciones modifican mi realidad de forma aplastante. Es algo que les ha pasado a muchos rockeros, a escritores y artistas, que acaban emputecidos, politoxicómanos, deprimidos y locos. Hay una mala gestión del hecho artístico por un lado y, desde el punto de vista esotérico, una suerte de castigo divino. A mí me va la vida en ello, y me niego a que mis discos me hagan peor persona”.

Acto de contrición

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ablo califica Predación como un disco de antirock. Aunque en lo formal la grabación, registrada prácticamente en directo y sin apenas producción en los estudios de Paco Loco, se ajusta a las formas de un rock psicodélico y aguerrido, conceptualmente le da la vuelta a los valores asociados al rock. “El rock cambió los valores de la sociedad cuando surgió. Los cambió tanto que su propio discurso dejó de tener validez. En eso se parece a una tradición esotérica milenaria, el Camino de la Mano Izquierda (el satanismo), que consideraba que no existían una leyes objetivas del universo.

Por la creencia en las leyes subjetivas aparecen la ley de la gravedad, el darwinismo, etcétera. Ese desarrollo de la Mano Izquierda tenía que ver con la antinomia: para conseguir que tu voluntad se ejerza tienes que situarte en el polo opuesto del discurso hegemónico y caer de pie.

Y que entre medias no te fulminen, no te eliminen cultural o físicamente quemándote en la hoguera. El rock tenía eso, el sexo, drogas y rock’n’roll era antinómico a la sociedad dominante. Hoy, en un mundo en que todo el mundo folla y se mete, para seguir siendo rockero hay que ponerse en contra de ese discurso hegemónico”. ¿Es la explicación a ese curioso fenómeno por el cual cada vez hay más “rockeros” de derechas? “Y del Frente Nacional y del Estado Islámico. De hecho lo más antirock es hacer una canción que trate del arrepentimiento. Desde el My Way de Sinatra todo ha sido un no arrepentirse de nada. Y eso ya no vale”. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

“El rock cambió tanto los valores de la sociedad, que su propio discurso dejó de tener validez”

Manual de escucha Predación Sonido Muchacho 2017 Rock 8/10

1

Preludio corintio “Además de la referencia a lo bíblico, como es el típico texto de bodas simboliza también el amor como creador de significado”

2

Puro y ligero “La confesión como purificación. Tiene también una referencia a un texto sufí . Y estoy muy contento por haber conseguido meterle bongos”.

3

Un salario social “La baja por depresión y el esfuerzo. Es una canción yihadista: sólo por medio del esfuerzo introspectivo alcanzas la superación (‘cavando mi propia tumba encontré oro’)”.

4

El enemigo está dentro “’Cuanto más miedo más te quiero’. Estoy seguro que en las guerras es cuando la gente más se quiere porque es también el momento en que más se odia. Son fuerzas que siempre están en equilibrio. Y es también la celebración del fin de Occidente”.

5

Amor “’El amor es el premio de los temerarios’ es otra referencia a un texto sagrado y simplemente me parece brutal. También habla de un preso con el que me encontré: se había fugado de la cárcel de Villabona y después supe que lo detuvieron cuando huía con su novia.

Ese hombre va al cielo seguro. La compuse cuando sentí que podía volver a estar enamorado, ya no de alguien sino de cosas. Porque si no estás enamorado de abstracciones no puedes estarlo de personas”.

6

A la mar fui por naranjas “Es una canción de origen popular, la primera que escuché en toda mi vida, porque es la canción que me cantaba mi madre en la cuna. Mi madre que ya no está... Y fue la canción con la que a mí se me enseñó lo que era el amor. Le puse esta musicalidad oscura porque ella ya no está y porque es una canción que siempre me ha perturbado”.

7

El mejor traje de seda “Las personas no venimos de la nada, venimos de un hilo eterno.

Estamos aquí porque nuestros antepasados lo han peleado a sangre y fuego. Yo sólo soy el testigo de la eternidad, de los amores de mis abuelos y de las noches sin sueño”.

8

Conquistarías Europa “Dice Al-Qaeda que ‘Conquistaremos Europa sin pegar un tiro, sólo con los vientres de nuestras mujeres’.

Todas las religiones y las ideologías se materializan en valor para pelear y valor para hacerte cargo de tu prole. Si nosotros no tenemos ninguna de esas dos cosas, adiós...”.

9

Herejes “La solución a este periplo de ideas y símbolos que es el disco. El universo subjetivo que alcanzo es una herejía. Y creo que la herejía actual más evidente, en un momento en que los códigos simbólicos no sirven, es la de la hermandad”. —l.j.m.

Penitencia

E

n un momento dado y con el disco ya fabricado Pablo asumió que había determinadas cosas en él con las que no se sentía bien. “Había pasado medio año prácticamente solo. Necesitaba acabarlo y verlo en su conjunto para comprender que había cometido algún sacrilegio personal en las letras, cosas que debía pulir”. ¿Un exceso de exposición personal tal vez? “En Un salario social, por ejemplo, hacía referencia a una baja por depresión, algo que mi madre sufrió en su momento. Simbólicamente para mí, ¿para qué voy a recordar cada vez que canto que mi madre pasó por eso y que fue una putada?”. Sin embargo sí que hay una escalofriante referencia explícita al cáncer, la enfermedad de la que ella murió. “Es una referencia dura, pero no quería suprimirla porque el cáncer simboliza el demonio de nuestro tiempo. No quiero vivir entre algodones, es todo cuestión de dosis. Si a lo largo del disco hago varias referencias y puedo solventarlas con una, mucho mejor. Haciendo un disco como este hay que mear mucho, y cuando meas mucho es inevitable mear algo fuera de tiesto. Lo asumo, pero no quiero salpicar a flores bonitas... Llamé a Luis (Sonido Muchacho) y le dije que íbamos a cambiarlo porque si no me planteaba dejarlo”. La tirada al completo se destruyó en una hoguera, en una suerte de acto de purificación del que forman parte las fotos que ilustran la entrevista.

Absolución

P

ablo ha vuelto a la Asturias rural junto a uno de sus músicos y un par de amigos artistas. Aprovechan un caserón con una renta bajísima en la zona de Nava para poco a poco levantar su propio estudio de grabación y autoabastecerse trabajando el huerto.

“Intento crear mi mundo subjetivo al margen de ese otro mundo objetivo que es infinito. En esencia de eso trata el satanismo. Un mundo subjetivo con mis propias leyes, tratar de vivir con la mayor dignidad el tiempo que se pueda”. La idea que rige Predación, la transición íntima desde el amor romántico hasta un concepto espiritual del mismo, le ha llevado también a tomar la decisión de dar un paso atrás para convertirse en observador de un mundo que se desmorona tal y como lo conocemos. “Celebremos el fin de nuestra cultura, yo tengo curiosidad por ver qué es lo que viene. Puede parecer fundamentalismo islámico, pero la forma de perpetuar las ideas es perpetuar las personas, porque aunque se rebelen contra ellas aprenderán tu lenguaje, adquirirán tus gestos y establecerán vínculos emocionales. Por eso en el disco están tan presentes las ideas de los ancestros, de la continuación y de un amor cómplice y comprometido. Si defender la familia es conservador, que lo sea. No tengo miedo a que la nueva izquierda neoliberal pueda definirlo como tal”. —l.j.m.

r

Pablo vs Goliat

P

robablemente recuerdes el caso, el conflicto entre Pablo Und Destruktion, SGAE y Atresmedia por el uso sin autorización ni retribución del tema A veces la vida es hermosa en la autopromo de una serie de La Sexta. La cadena se escudaba en la autorización de SGAE, mientras que Pablo reivindicaba su derecho a exigir un permiso explícito del artista y la remuneración correspondiente. Todo terminó en una demanda del músico frente a ambas (el 16 de abril de 2016 publicamos en nuestra web una larga entrevista sobre el caso que aún puedes consultar). Un caso que finalmente parece en vías de solución: “Se puso la demanda con el apoyo de la CNT y hubo una vista de medidas cautelares que salió regular. Ahí se vio que tanto SGAE como Atresmedia son fuertes, más aún unidos como era el caso, aunque Atresmedia se ha desentendido y SGAE ha terminado asumiendo toda la responsabilidad. Después de esto acudí a la Asamblea de SGAE Asturias a explicar el caso y salí nombrado Delegado de SGAE en Asturias, en parte gracias al apoyo que me dio Jorge Ilegal. Así que poco después marché a la Asamblea General de SGAE en Madrid. Allí conseguí leer un comunicado, monté la de Dios, y cuando acabó me dijo el Presidente Sastrón que teníamos que reunirnos. Y lo hicimos. Esto fue en junio y llevamos desde entonces intentado llegar a un acuerdo extrajudicial, que finalmente se ha concretado pero que todavía es confidencial. Salvo una parte, y es que SGAE se compromete a negociar eliminar el concepto de las autopromociones y de momento a mí me ha permitido suprimir la autopromoción de mi contrato con ellos. Al eliminarlo yo, de hecho, puede hacerlo cualquiera. Habrá gente a quien le interese hacerlo así y otros a los que no, depende de las circunstancias de cada músico, pero lo que no puede ser es que te incluyan en promos de las cadenas de TV, en artefactos audiovisuales cargados de ideología, sin remuneración ni consentimiento”. —l.j.m.

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mayo 2017 #23

#24 mayo 2017

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Gorillaz Diez colaboraciones de carne y hueso

A pocos días de que Damon Albarn vuelva con Humanz (Parlophone, 2017), el primer disco de Gorillaz en siete años, no está de más recordar una decena de colaboraciones que evidencian que esta banda virtual es la definición más coherente de lo que significa ser un súper grupo en el siglo XXI.

1

Clint Eastwood (Gorillaz, 2001) Invitado: Del The Funky Homosapien

La puesta en escena de 2-D, Murdoc Niccals, Russel Hobbs y Noodle aún sigue siendo a día de hoy su gancho más célebre. Imbuidos en una atmósfera con parentesco directo de King Tubby, el fraseo ondulante de Damon Albarn gira y gira como una invocación a la que Del The Funky Homosapien se contrapone con una suerte de rapeo old school que quedará como lo más recordado de toda su trayectoria.

2

4

Feel Good Inc. (Demon Days, 2005) Invitados: De La Soul

De La Soul son unos de los fijos en el roster ideado por Albarn. De entre todas sus colaboraciones, ninguna tan jugosa como la que aportan en este single. En unos tiempos en los que los de Native Tongues ya estaban lejos de su época dorada, datada entre 3 Feet High And Rising (Tommy Boy, 89) y Buhloone Mindstate (Tommy Boy, 93), la exuberancia melódica de sus rapeos nutren de panorámica callejera a esta gragea de efecto rápido.

Rock The House (Gorillaz, 2001) Invitado: Del The Funky Homosapien

El tercer single extraído de Gorillaz vuelve a contar con la aparición de Del The Funky Homosapien. En esta ocasión es Albarn quien se amolda al estilo del invitado. Sin dejar de aportar esa concepción tan típica de su ensalada sonora en 3D, repleta de efectos sonoros, detalles latinos y caribeños, el flow de este corte bien podría haber sido inspirado por los primeros discos del rapero californiano, como I Wish My Brother George Was Here (Elektra, 91), su fabuloso debut.

3

Dirty Harry (Demon Days, 2005) Invitados: Bootie Brown y The Children’s Youth Choir Of San Fernandez Los guiños a Clint Eastwood siguen presentes en Dirty Harry, uno de los puntales de Demon Days. Albarn se adelanta a la tan habitual integración de góspel y hip hop que se estila hoy en día (sirva como ejemplo el pasado disco de Chance The Rapper). Eso sí, ninguna tan sabrosa como esta delicia techno- funk a mayor gloria del coro de The Children’s Youth Choir Of San Fernandez, para el que también hay un espacio en el que Bootie Brown hace honor a su flow sepenteante.. Monumental. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

5

Dare (Demon Days, 2005) Invitados: Shaun Ryder y Rosie Wilson Entre el libro de invitados a la bacanal de Gorillaz no podía faltar el díscolo Shaun Ryder, para el que montan una party cyberfunk. No olvidemos que los orígenes de Albarn al frente de Blur partían de la simbiosis entre la reinante escena de Manchester y la del shoegaze, los dos grandes polos británicos con los que se hizo el trasvase de los ochenta a los noventa.

6

White Flag (Plastic Beach, 2010) Invitados: Bashy, Kano y The National Orchestra For Arabic Music No hay duda de que uno de los grandes valores de Gorillaz es fundir géneros a primera vista antitéticos. Así sucede en White Flag, una bomba de ritmo grime conducida por Kano, junto a Wiley, el padrino de este género. Su palpitante dueto con Bashy fluye como un velociraptor entre una selva de politonos y pulsiones sintetizadas de exuberancia tan colorista como es habitual en Gorillaz.

7

Stylo (Plastic Beach, 2010) Invitados: Mos Def y Bobby Womack

8

Empire Ants (Plastic Beach, 2010) Invitada: Yukimi Nagano

9

To Binge (Plastic Beach, 2010) Invitada: Yukimi Nagano

Otra de las características inherentes en el cuaderno de bitácora de Albarn es la comunión intergeneracional, plenamente ratificada en este corte. Por un lado, el tótem del soul Bobby Womack prende de fuego negro esta celebración post-disco, para la que el propio Albarn busca su tono afro y Mos Def se dedica a hacer lo que mejor sabe: dotar de magnetismo a cada inflexión vocal impulsada por su flow meridional, siempre entre la tradición y el modo post-roots.

Uno de las aportaciones más brillantes de Plastic Beach es la de la sueca de origen japonés Yukimi Nagano, quien también comparte autoría en sus dos brillantes apariciones en este álbum. En este caso, mediante una cascada synth-pop concebida como un what if? de cómo sonaría Phil Spector de haber comenzado su carrera en plena era digital.

Dentro de un disco como Plastic Beach, repleto de colaboraciones tan estelares como las de Lou Reed o Mark E. Smith, la presencia de Nagano se vuelve a imponer. ¿La canción que le hubiera gustado interpretar a Lana Del Rey? Seguro. En este dueto entre Albarn y la propia Nagano, la cadencia trota con andares de trufado exotismo oriental.

10

Hallelujah Money (Humanz, 2017) Invitado: Benjamin Clementine

El esperado retorno de Gorillaz contiene un monumental plantel de invitados de lujo. Cómo no, la intención vuelve a ser la de condensar diferentes épocas musicales: de la reina disco Grace Jones a valores como el gran crooner afro Benjamin Clementine. Con este último, emerge este duro canto airado de (sempiterna) actualidad.

Para no faltar a sus intenciones, el colaborador en cuestión es empujado dentro de un hábitat musical irreconocible para él: en este caso, una contrastada riada de dubstep barroco, también de tacto industrial y coros góspel. —marcos gendre mayo 2017 #25

Real Estate Sin hacer excesivo ruido, pero cuidando su repertorio al detalle, Real Estate se plantan en la actualidad con el precioso In Mind (Domino/Music As Usual, 17), un disco que vive más allá del tiempo y el espacio.

E

—texto Nacho Serrano

foto Shawn Brackbill

l noventa y nueve por ciento de las bandas nunca llegará a ser tan grande como aquellas que inspiraron su formación. Dentro de ese porcentaje hay algunas que son buenas, exageradamente buenas como dice el anuncio, pero el reconocimiento más o menos masivo se les escapa entre los dedos cuando sólo empiezan a atisbarlo. Puede que simplemente no estén viviendo en la época adecuada para que su propuesta rompa tanto como la de sus ídolos, y por eso su nombre termina inexorablemente relegado de los puestos más flamantes de las listas de éxitos. Si además el tuyo es tan confuso y, digámoslo claro, feo como el de Real Estate, no hacen falta demasiados golpes de mala suerte para que el proyecto se tope con barreras naturales insalvables. Quizá por eso su líder Martin Courtney suela preocuparse cada vez que desaparecen del mapa demasiado tiempo. “Cuando pasaron tres años entre Days (11) y Atlas (14) me preocupé un poco, y ahora ha vuelto a pasar con In Mind (17). Sí, la verdad es que me preocupa si a la gente le va a importar o no que volvamos a la acción”. Lo cierto es que tres años dan para muchos cambios, especialmente en el panorama musical de una década de los ’10 en la que abundan los cenizos que insisten en augurar la muerte de la guitarra. “Cuando estaba grabando me decía: ‘¿a la gente le molará esto?’”, confiesa Courtney, un songwriter a la vieja escuela que a veces se siente “como un rarito que no usa samplers”. La ansiedad que le generó esa incertidumbre creció aún más durante los meses que transcurrieron entre el fin de la grabación y la fecha de publicación, que en su opinión fueron “demasiados”. “Es de las cosas que peor llevo del proceso de creación de un disco… Es una sensación muy rara tener un disco terminado y que pase tanto tiempo sin que nadie lo escuche. Le acabas dando más y más vueltas escuchándolo en casa, te entran dudas… Sólo quieres verlo en la calle de una vez”.

no salen de gira como yo. Y a veces me daba por pensar que todo sería más fácil si fuera como ellos, si tuviera un trabajo normal. Pero me gusta demasiado lo que hago, escribir e interpretar música”.

I

n Mind llega tras dos importantes cambios en la formación de Real Estate. El primero tiene que ver con Matt Kallman, que ha pasado de ser teclista de gira a miembro de pleno derecho. “De hecho ya se me hace muy raro escuchar lo de ‘teclista de gira’, porque hace tiempo que lo consideramos uno más en el grupo, si te das cuenta lleva ya casi cuatro años con nosotros. Ha hecho grandes contribuciones al nuevo disco, con la construcción de melodías, etcétera… y ya en el anterior participó con algunas cosillas, aunque llegó cuando estaba casi todo terminado”. El segundo cambio de alineación se ha producido al marcharse el guitarrista Matt Mondanile después de una temporada en la que no se le notaba tan comprometido

como antes. “Sí, tuvimos una conversación con él porque empezamos a sentir que juntos ya no trabajábamos tan bien como antes”, cuenta Courtney algo apesadumbrado. “Por una serie de razones, la conexión ya no era la misma. Está lo de Ducktails, sí, pero creo que él ya sabía que no iba a participar en este disco desde hace mucho. Creo que cuando lanzamos un comunicado explicando su marcha no fuimos del todo claros con eso”. Su lugar fue ocupado por Julian Lynch, cuyo encaje ha sido “muy fluido porque le conocemos desde hace mucho tiempo”, dice Courtney. “Somos amigos de la infancia, y los demás en el grupo también han tenido relación con él durante bastantes años. Ha ayudado a generar unas armonías increíbles”. Entre ellas, las de Darling, uno de esos singles a los que sólo se puede puntuar con matrícula de honor. “A mí también me gusta mucho esa canción, sobre todo porque cuando la estábamos grabando, teníamos la sensación de estar haciendo algo diferente a lo que habíamos hecho en el pasado. Eso siempre resulta muy excitante en una banda que ya tiene cierto

A

pesar de estas pequeñas diatribas artísticas, Courtney no es un tipo torturado en absoluto.

De hecho, ha sabido traducir otras preocupaciones (las importantes) en canciones luminosísimas, alentadoras y entrañables a la vez. “Hay al menos un par de temas en el disco que reflejan mis pensamientos acerca de lo raro que es mi trabajo, lo raro que es estar en una banda siendo un adulto padre de dos hijos. No es una situación normal, y en el fondo eso siempre te preocupa un poco. Cuando escribí las canciones de este disco me acababa de mudar, mi mujer estaba embarazada de mi segundo hijo, estaba viviendo esa época familiar maravillosa, y a la vez manteniendo una carrera profesional que tiene mucho de inusual. Ya sabes, los otros padres

#26 mayo 2017

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Clasicismo

“

recorrido. Estamos muy orgullosos de ella, porque fue realmente un esfuerzo colectivo”. Darling es probablemente la más reluciente, pero no la única joya que se encuentra entre los surcos de In Mind. Serve The Song, Stained Glass, White Light, Holding Pattern… es difícil dejar fuera de los halagos casi cualquier tema del disco. ¿Significa eso que componer es pan comido para Courtney? “En absoluto, es un trabajo”, contesta. “Pero es un trabajo que me gusta, que disfruto mucho. Para mí, componer nunca llega a ser una lucha, pero sí puede ser duro por momentos. Me suele resultar mucho más fácil componer la música que las letras, desde luego. Como en todo, lo más difícil es empezar, pero cuando el proceso ya está en marcha, si me pongo las pilas puedo llegar a avanzar bastante en un día. Y creo que es porque me lo estoy pasando bien sacando acordes, ritmos de batería, etcétera… Cuanto

mejor me lo pase más avanzo”.

Con las letras ya es otra historia, eso sí, porque el proceso “es más introspectivo y sí, puede que menos divertido, porque no quiero parecer un estúpido y termino exigiéndome mucho a mí mismo”. Y es que el líder de Real Estate quiere que sus letras “sean inteligentes, que tengan sentido para quien las escuche.

Valoro mucho las buenas letras, cuando son estimulantes intelectualmente hacen que un disco sea mucho mejor. Si un disco te hace pensar, adquiere mucha más relevancia en tu vida. Por eso a veces requiere mucho esfuerzo escribirlas, a veces me quedo atascado y necesito pasar unas cuantas horas mirando a las musarañas en una cafetería o paseando por ahí para que las musas vuelvan a su sitio”.

“A veces nos sentimos como los raritos que no tienen samplers”

L

os de Nueva Jersey vendrán a España para presentar In Mind en el Vida Festival (viernes 30 de junio), pero a Courtney le encantaría tener más fechas (“habla con algún promotor, tío, ¡consíguenos pasta!”, bromea), especialmente en Madrid, ciudad con la que tiene una conexión especial. “Mi mujer y yo íbamos al mismo instituto, y la primera vez que nos liamos, es decir, cuando empezó nuestra historia de amor, fue durante un viaje de fin de curso que hicimos a Madrid. Después, ella hizo un semestre en Barcelona y yo pasé un tiempo en la ciudad cuando fui a visitarla.

Los dos éramos muy jóvenes y lo pasamos en grande, así que España en general es muy importante para mí”. —n.s.

el apunte

Busque, compare

A

Real Estate se les ha comparado recurrentemente con bandas como Teenage Fanclub o The Byrds, pero más que ofensivas, a Martin Courtney este tipo de comparaciones le resultan curiosas.

“Mucha gente habla del parecido con Teenage Fanclub, pero lo divertido es que no los habíamos escuchado nunca, aparte de los dos o tres temas clásicos que conoce todo el mundo. Para mucha gente es una banda muy importante, pero no para mí. Personalmente nunca me he sentido demasiado atraído por ellos, no por nada en particular, es algo que no ha sucedido. Quizá ahora un poco más, porque tanta comparación terminó picándome la curiosidad y los he escuchado más, así que puede que en In Mind sí haya algo de influencia de su música. Es distinto lo de The Byrds, también sale a relucir su nombre cuando se habla de nosotros, y ahí sí vemos más conexión porque sin ser uno de nuestros grupos favoritos, sí somos fans”. En cualquier caso, Real Estate nunca fallan a la hora de entregar discos que sirven tan bien para escucharlos atentamente como para dejarlos de fondo para que iluminen un poco tus tareas diarias. “El concepto de música de fondo no me acaba de gustar, pero tampoco me ofende, al revés, me parece genial que lo digas porque creo que los buenos discos deben ser así. Si un disco funciona de las dos formas, tanto prestándole toda tu atención como dejándolo de banda sonora de tu vida diaria, es que es de los buenos”.

—n.s.

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mayo 2017 #27

Mishima Sin filtros

ores, “Si fuéramos triunfad nda ni yo ni el resto de la baotros estaríamos metidos en der mil proyectos para po llegar a fin de mes”

La banda edita su octavo largo, Ara i res (Warner, 17), para el que han vuelto a trabajar con el productor Peter Deimel.

El objetivo está claro: capturar la mejor versión posible de su sonido actual.

M

ishima quedaron tan satisfechos hace tres años de las labores de producción de Peter Deimel en L’ànsia que cura que no dudaron en llamarle nuevamente para que les echara un cable en su octavo álbum, Ara i res.

Grabado en el estudio Black Box de la ciudad francesa de Angers, estas nuevas once canciones le sirven a la banda para alcanzar un sonido mucho más preciso.

Tal como nos explica su líder David Carabén, la sonoridad “es mucho más austera en lo que a producción se refiere porque hemos depurado la forma, en el sentido de que el estudio de Deimel se caracteriza por conseguir un sonido muy poco filtrado. Lo tiene todo preparado para que la captura del sonido sea lo más pura posible. Lo que escuchas, sin duda, es lo que hay”, destaca. “Nos fijamos en ese estudio de grabación en particular por todo lo que podíamos conseguir.

Somos una banda que, quieras o no, lleva diecisiete años en esto y lo que buscamos es capturar de la mejor manera posible lo que hacemos sin enmascararlo con elementos innecesarios. Por ello en buena parte del disco nos desnudamos muchísimo”, añade antes de abordar un tema esencial para él: el equilibrio entre las letras y la rugosidad instrumental.

“Hay bandas y artistas como Pulp, Nick Cave o Tindersticks que cuidan mucho las letras pero, del mismo modo, no quieren sacrificar la potencia del sonido. Esa es una dialéctica que debe solucionarse en la producción y tratando las canciones de una forma muy peculiar. Desde nuestro primer largo esa ha sido la lucha continua de Mishima. El estudio Black Box nos ha permitido todo eso, y la verdad es que jamás había escuchado tan bien mi voz y las guitarras tan abrasivas como ahora”.

Ara i res vuelve a hablar de historias de (des)amor, una constante de toda su discografía “y prácticamente de todas las bandas de rock”. Aunque eso sí, de una forma más reposada o descreída según Carabén. “Cuando se atribuye a una banda un sonido catártico nos referimos más a un sentimiento, a una especie de fe que está por encima de todo. No obstante, cuando ya has pasado todos esos arrebatos catárticos todo se contiene más y las cosas buenas que te pasan las sigues celebrando, pero sin pasarte. Para mí estas letras son más descreídas porque puedes seguir siendo romántico, aunque también aportar un punto de cinismo al asunto. Menteix la primavera, por ejemplo, habla de la decadencia física y trata la primavera no como algo luminoso y

bonito, sino como una amenaza porque con el buen tiempo volvemos a desear como animales. De algún modo es como salirse de esa visión clásica del amor”.

El paso del tiempo tampoco perdona y se postula como otro de los puntales del disco, tal como demuestra un tema como Posa’m més gin, David! que le ha hecho echar la vista atrás a su niñez. “Esa can-

ción no deja de ser una coña porque tras Set tota la vida, que era una celebración de las cosas buenas a través de la bebida, y L’última ressaca, que era totalmente lo apuesto, ahora he hecho un flashback total al primer momento en el que el alcohol se presentó en mi vida como algo mágico que sirve para que la gente se relacione entre sí. Cuando era pequeño

Marc Lloret (Teclista) Marc Lloret formó parte de bandas de guitarras como Aperio Crus y Orange, con quienes publicó el mini-álbum I’m Singing Too Much (B-Core, 95), además de publicar en solitario bajo el nombre de Felicidad Blanch. Al margen de sus grupos, ha formado parte de los equipos directivos de festivales como el PopArb y el Mercat de Música Viva de Vic.

Dani Vega (Guitarra) Su historia oficial ancla sus inicios en la banda de trip hop Ego:Trip y su único álbum Secretly Red (Satélite K, 02), aunque posteriormente se le ha visto acompañando a infinidad de artistas, formando parte del trío Vyvian (con los que publicó Life In Hysteria en 2007) y desde hace unos meses dirigiendo su proyecto Sr. Canario.

Xavier Caparrós (Bajista) Bajista multidisciplinar, Xavier Caparrós fue miembro de The Linn Youki Project, con los que llegó a publicar cinco álbums, además de músico en proyectos como Färo-Dokument o Casadelava. Su carrera al margen del grupo le sitúa en WaaauTV primero y como uno de los responsables del programa musical Menú Stereo en la actualidad.

miembro a miembro David Carabén (Voz y guitarra) Lidera Mishima desde sus inicios, además de ser su cara más mediática.

Escribe una columna de opinión en La Vanguardia, ha participado en diversos programas de radio y televisión, e incluso ha presentado Nit a la terra en BTV. Además es uno de los responsables de la coctelería La Javanesa en Barcelona.

#28 mayo 2017

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FOTO: LEILA MÉNDEZ

MONDO FREAKO

Rels B Cajas y trueno

TAN. CERCA.

—cristina ortiz

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LA GIRA l Madrid.

3 de mayo. Teatro Barceló. l Barcelona.

1 de junio. Primavera Sound. l Vilanova i la Geltrú 1 de julio. Vida Festival. l Calella de Palafrugell 2 de julio. Platja Port-Bo.

Alfons Serra (Batería) De background posthardcore, Alfons Serra se dio a conocer inicialmente como batería de Nisei, con quienes publicó dos álbumes en B-Core (More Light en 2004 y Continents en 2007), además de un split junto a Za! También ha acompañado en directo a Ainara LeGardon durante años y dirige el sello discográfico Gandula. —c.o.

RR Después de publicar homenajes a grupos como Echo & The Bunnymen o The Church, los responsables de Lunar Discos lanzan uno de los que más cariño nos provocan: Inercia, el párpado del puercoespín.

Se trata de un tributo al referencial Inercia de Lagartiva Nick, sin duda uno de los discos nacionales básicos de los noventa. Esta vez los participantes son grupos como Triángulo de Amor Bizarro, León Benavente, Trèpat, El Imperio del Perro, Amaral, Niños Mutantes o Perro.

RR El festival Primera Persona, dirigido por los escritores Kiko Amat y Miqui Otero, ha presentado el cartel completo para su sexta edición, que este año vuelve a celebrarse tanto en Barcelona como en Madrid. El CCCB y La Casa Encendida acogen los días 12 y 13 de mayo todas las charlas y actuaciones. Las últimas incorporaciones incluyen a Colin Barrett, Ana Curra y una mesa dedicada al bacalao con Nando Dixkontrol, Chimo Bayo, Carlos Simó y Jorge Albi moderada por Luis Costa, una conversación entre Isa Calderón y Lucía Lijtmaer, otra entre Miguel Gallardo y Juan Mediavilla a propósito de Makoki y al grupo barcelonés Las Ruinas.

RR El festival Ebrovisión, que se celebrará del 31 de agosto al 2 de septiembre en Miranda de Ebro, va sumando atractivos a su propuesta para este año. Tras las confirmaciones de Ty Segall, Nada Surf o León Benavente, se anunciaron Joe Crepúsculo, Havoc y los mexicanos División Minúscula, que van ampliando un cartel en el que ya estaban Love Of Lesbian y Sidonie.

RR El festival cántabro Sunshine Suances ha anunciado la presencia de los chilenos Dënver, los pamploneses Kokoshca, la artista de reggaetón Ms. Nina o el grupo de pop barcelonés Tailor For Penguins entre otros nombres. Junto a ellos también se ha incorporado al cartel una batería de artistas, como El Artista Oportunista & Piloshka (o el formato reducido de la banda Esterotypo), o Dj’s como Patrullero, Cradock, Blue Monday B2B Electric Soulmate, Yahaira, Brummel, Nacho Sánchez, Jotapop, Psychicboyz o la televisiva Natalia Fergiú.

RR Continúa en marcha el concurso Interferencias, que está abierto a artistas “locales, regionales e internacionales”, aunque su centro de operaciones está en La Siberia Extremeña. Puedes enviar tu material a: Interferencias, Democoncurso Internacional de Música, Calle Reyes Católicos 3, 06690 Garbayuela (BA), Extremadura. También puedes enviar a: escavador@yahoo. es. Habrá cinco fases de selección, y los finalistas se darán a conocer en medios como MondoSonoro o el programa radiofónico Capitán Demo de Radio 3. MS

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La diferencia de las previsiones de Rels B de las de otros raperos está en que las suyas se están cumpliendo. Vacila como el resto, pero no todos suben el pan como el mallorquín. La esencia de su EP Nueva generación, con Índigo Jams, no es una declaración de intenciones: es la manifestación de una realidad FOTO: ARCHIVO

veía lo bien que se lo pasaban mis padres cuando venían amigos a casa, y ahora me doy cuenta de que tengo la misma edad de esas personas que pasaban por ahí”, confiesa.

Consolidados como una de las mejores bandas catalanas de los últimos años, ¿realmente está satisfecho de todo lo que han conseguido a lo largo de su carrera? “Por supuesto, aunque nosotros nos tomamos esto como un aprendizaje continuo. Yo aún considero que no sé lo suficiente, y todos los Mishima tenemos esa misma sensación”, contesta Carabén. “Primero tuve que aceptar que era músico, después soñar hasta dónde podíamos llegar y, una vez ves lo que hay, te reconcilias de algún modo con ese sueño. Ahora lo importante no es qué puedo hacer, sino lo que estoy haciendo. La música sólo me ha traído cosas buenas, pero no me gusta nada cuando nos dicen que somos unos grandes triunfadores. Si realmente lo fuéramos ni yo ni el resto de la banda estaríamos metidos en otros mil proyectos para poder llegar a fin de mes. Tengo la suerte de que puedo expresarme como quiero en mis canciones y que tenemos unos fans muy fieles, aunque lo chulo de esto es seguir aprendiendo a hacer discos, detectar cosas que fallan y tratar de mejorar siempre”.

Y

a lo dijo Jay Z que de esto sabe un poco: “el hombre miente, la mujer miente, los números no”. Y con Skinny Flakk sucede que sus cifras dan, como mínimo, para pensar. No sabemos si la reunión de algunos de sus mejores de temas de este año y el pasado en Inéditas 2016/2017 busca subir un listón ya de por sí alto, pero no quiere dejar ningún cabo suelto. “Yo creo que aún queda mucho camino y que hay muchísima gente que no sabe quién es Rels B”, afirma un artista con temas que se acercan a los diez millones de reproducciones o que se sacude sold outs como quien se sacude la caspa del hombro. “Quizás sea que yo no voy de nada y eso da más credibilidad al asunto, porque hay un par por ahí que huelen de lejos y no les cree ni el vecino”, dice para explicar por qué lo suyo deja superávit y lo de los otros es deficitario. Pone el acento en la credibilidad, pero no le hace ascos al márketing. “Yo creo que cincuenta/cincuenta. Al haber tantísimos músicos y grupos tienes que buscar tu propia manera de destacar”.

Si por algo está en el radar, además de por las expectativas de su propuesta, es por su particular aversión a los artistas de generaciones previas. Por pasar, pasa de recordar sus orígenes.

“Hace tanto tiempo que no escucho rap rollo noventas que ni lo cuento como influencia, así que de ahora te diría The Weeknd, Partynextdoor, Post Malone, 11:11, Anderson.Paak…”. Y la idea de compartir espacio con los más veteranos ya le resulta aberrante. “No es compatible porque las generaciones cambian. Es como cuando tu padre

aparece mientras estás con tus amigos y empieza a hablar como cuando tenía veinte años. Esa mierda es horrible, ¿no?”.

Poniendo sensaciones y estilos de por medio, en estos meses Flakko Daniel pone a rodar, a pachas con el productor Indigo Jams Nueva Generación, un EP de cuatro temas de original factura, ya que cada tema se acompaña de un clip que a su vez hilvanan una historia como si de un corto se tratase.

“Es cortito, con cuatro canciones y cuatro audiovisuales que forman una historia entre ellos. No puedo contar más porque me cargo el final”, deja entrever entre risas. A pesar de lo intrincado de la propuesta todo surgió de la manera más sencilla. “Me puse en contacto con Indigo cuando vi cómo trabajaba. Íbamos a hacer una canción y al final ha acabado en película”. Nueva Generación ha salido en Youtube, como todo lo que ha estado haciendo Rels B desde el día cero. Como vino a decir un día ‘Youtube es su sello’ “Es increíble recibir un correo de una multinacional, pero cuando lees el contrato, da risa”.

—dobleache

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mayo 2017 #29

MONDO FREAKO

Orbital Murcia (6 de mayo, WAM Estrella de Levante)

Aprovechando que Orbital actuarán este mes en el festival WAM, le preguntamos a Paul Hartnoll por cinco discos que le cambiaron la vida.

Y este es el resultado:

AgeNda. MAYO.

The Beat I Just Can’t Stop It (1980) Escuché Tears Of A Clown en el baño un domingo por la mañana cuando tenía doce años y desde entonces nada ha vuelto a ser lo mismo. Sentí una especie de llamada para crecer. Fue la transición entre tener juguetes y querer impresionar a las chicas.

Sigue sin gustarme la original de Smokey Robinson, para mí solamente existe esta versión.

Kraftwerk Computer World (1981) Es el primer tema que escuché de Kraftwerk. Primero me impactó y luego me conquistó. También debo decir que fue el primer disco que escuché fumando hachís. ¡Oh, Dios mío, Kraftwerk se convirtieron en mis dioses durante aquellos momentos! Te lo puedo asegurar... Y más tarde Autobahn fue el primer disco de electrónica conceptual que escuché.

Severed Heads Since The Accident (1983) Me enseñó lo que la electrónica podía llegar a ser: sucia, aterradora y sublimente preciosa al mismo tiempo. Esta banda australiana infravalorada es una de mis mayores influencias. Espero que lo escuchéis.

David Bowie Heroes (1977) Una gran influencia en cuanto a ideas.

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#30 mayo 2017

Adrian Sherwood As The Veneer Of Democracy Starts To Fade (1985) Ver a Adrian usando una mesa de mezclas como si fuera un instrumento me voló la cabeza. MS

The Radio Dept, Los suecos forman parte del cartel del Sound Isidro 2017. Actuarán en Madrid (Joy Eslava, 31 mayo) junto a El Perro del Mar. Allí presentarán su cuarto disco, Running Out Of Love (Labrador/ Popstock, 16), el más electrónico y político.

RR Johan Duncanson, pieza angular del elegante pop

entre el indie shoegaze y la electrónica que practica su grupo desde mediados de los noventa (publicando discos desde 2003), responde a nuestras preguntas por correo electrónico. “En cuanto a las letras, reaccioné a mi entorno y al clima político en Suecia, donde el Partido Demócrata Sueco, racista y fascista, gana más y más apoyos. En un momento dado me di cuenta de que iba a ser nuestro disco más oscuro, de lejos. Pero no en plan gótico. Es pop oscuro y político en consonancia con estos tiempos”. Duncanson no cree que sea imperativo para los grupos mojarse en política en estos tiempos convulsos, pero “es igualmente aburrido que a tantos les dé tanto miedo decir algo serio. Creo que consigues las mejores letras

pop cuando escribes y cantas sobre cosas que te importan”. Y a ellos, la política les preocupa “más que nunca”.

En lo estrictamente musical, se trata de un disco de texturas sintéticas. “En un principio, las guitarras estaban prohibidas. Sólo íbamos a permitir entrar influencias house y tecno/tecnopop, viejas y nuevas.

Luego, nuestras ideas empezaron a variar y tuvimos en cuenta el dub de los setenta, el dancehall de los ochenta, baladas de los setenta y los ochenta, pop de Ghana y Somalia, pero con un enfoque minimalista.

Funcionaba mejor con las letras y encajaba con el lugar donde ahora nos encontramos musicalmente”.

A punto de poner en marcha su propio sello Just So! -“supongo que los discos me gustan demasiado”-, Duncanson sigue sin superar su respeto al escenario, una de las razones de que hagan pocas giras. “Por alguna razón, me sigo poniendo extremadamente nervioso antes de actuar. Es muy raro, porque lo llevamos haciendo más de quince años, pero me metí en esto porque quería hacer discos, no para estar sobre un escenario. Sin embargo, si grabas discos la gente espera que los interpretes en directo, así que lo hago. Con reticencia. Pero una vez que llevamos unas pocas canciones, me puedo relajar y lo disfruto”.

—josé carlos peña

El Imperio del Perro

Onda Vaga

Zaragoza (Robby Robot, 5 mayo) Aranda del Duero (Café Central, 6 mayo) Málaga (Velvet Club, 12 mayo) Murcia (Ciclo Microsonidos, sala Musik, 13 mayo) Valencia (Wah Wah, 25 mayo) Alburquerque (Contempopránea, 21 y 22 julio)

Barcelona (Señor Lobo, 9 mayo) Mallorca (Mallorca Live, 12 y 13 mayo) Valencia (Peter Rock Club, 17 mayo)

RR El grupo sevillano El Impe-

rio del Perro, autor del mejor disco del pasado año para MondoSonoro Edición Sur, continúa adelante en una gira que les está llevando por todo el territorio nacional para presentar el Ep Músculo, piel y huesos.

Ahora solamente queda disfrutar en directo de canciones como Cierra la boca, Buitres o Lo he dejado fuera, todas ellas motor de la ascensión de esta formación del sur.

RR El grupo Onda Vaga será el primero en actuar en la nueva temporada del ciclo Budweiser Live. Los argentinos presentarán su último disco hasta la fecha OV IV, publicado hace apenas unos meses. En este nuevo trabajo aportan novedades estilísticas, llevando un paso más allá su sonido acústico, combinando rumba-cumbia-reggae-folk-rock, etcétera, con guitarras eléctricas y percusiones tribales de inspiración africana

Quentin Gas & Los Zíngaros Barcelona (Sala Continental, 29 abril) Madrid (Tomavistas, 19 mayo) Sevilla (Interestelar, 20 mayo) Las Cabezas de San Juan (Cosmos Factory, 3 junio) El Puerto de Santa María (Monkey Week, 16 y 17 junio)

RR Poco después de pasar por ciudades como Málaga, Valencia o Barcelona, Quentin Gas & Los Zíngaros continúan presentando su segundo larga duración Caravana a lo largo y ancho de España. De ellos hemos escrito que “suenan como si Camarón hubiese grabado un disco con Tame Impala entre Sevilla y Londres”, así que pocos motivos se nos ocurren para no pasar a verles en directo.

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Tachenko

Temples

Zaragoza (Teatro Principal, 4 mayo) Barcelona (Almo2bar, 6 mayo) Madrid (Teatro Lara, 11 mayo) Valencia (Espai rambleta, 13 mayo)

“Componer, grabar y producir son casi sinónimos para nosotros”

Acaban de publicar Volcano (Heavenly/[PIAS], 17), un nuevo disco que mantiene el nivel de su predecesor, y anuncian su paso por España. El próximo 20 de mayo se les podrá ver en el madrileño Tomavistas en su única fecha en nuestro país.

E

n 2014 se convirtieron en una de las bandas vuela-cabezas de la temporada gracias a un brillante álbum de debut que sedujo a diestro y siniestro, tanto apasionados de los sesenta como a seguidores del rock modernista. Los recibimos como a los recién nacidos que eran, sin expectativas, pero unos días antes de la publicación de su segundo trabajo la cosa es muy distinta. Esta vez sí las hay, de hecho están desatadas y su teclista Adam Smith lo sabe. “No estamos preocupados”, asegura, “pero sí un poco nerviosos, o mejor dicho ansiosos por conocer la opinión de los fans. Digamos que nosotros también estamos expectantes”. A día de hoy unos y otros ya conocen los resultados: su hinchada ha comprobado que Volcano está a la altura de su predecesor Sun Structures, y la banda puede respirar tranquila tras ver las primeras críticas del disco. No lo tenían nada fácil, pero lo han conseguido.

Vuestro nuevo disco no suena igual que el anterior, pero tampoco tan distinto como esperaba, ¿el proceso de grabación cambió mucho?

Pues no, para ser honestos. No ha cambiado mucho, grabamos en el mismo estudio casero de James (Bagshaw, voz y guitarra) y con el mismo equipo. Puede parecer que añadimos una lista larguísima de sintetizadores

pero en realidad no fue así. Fueron unos pocos, y de hecho creo que nos hemos basado menos en el sonido y más en las canciones.

De nuevo habéis producido el disco vosotros mismos, ¿en ningún momento se planteó contar con un productor?

Sí, al principio lo consideramos. Cuando terminamos la gira, reunimos todo el material que teníamos escrito y estuvimos una semana debatiendo sobre la idea. Pero llegamos a la conclusión de que lo mejor era hacerlo por nosotros mismos otra vez. Componer, grabar y producir son casi sinónimos dentro de nuestros hábitos creativos. A veces hacemos las tres cosas a la vez... ¿El buen recibimiento de Sun Structures os sobrepasó de alguna forma?

No nos lo esperábamos, pero creo que al estar en el centro del huracán, estando tan ocupado dando entrevistas, subiendo a aviones, dando conciertos y vuelta a empezar... no te das cuenta de lo que pasa realmente a tu alrededor. Era difícil percibirlo, nosotros sólo estábamos muy contentos de ver que había gente en cada concierto. Fue al terminar la gira cuando pudimos flipar un poco con todo lo que había pasado (risas), con la perspectiva que da el tiempo. ¿Creéis que la prensa os etiquetó demasiado pronto?

Sí, en el rock psicodélico, pero nunca nos molestó realmente. Entre otras cosas porque no es un mal género en el que estar etiquetado (risas). Las etiquetas siempre son restrictivas, pero la de rock psicodélico lo es bastante menos. Puede abarcar muchísimas sonoridades y da más libertad que otras. En realidad puede incluir a todos los demás géneros. —nacho serrano

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Dos temas nuevos, diez remozados en acústico por Sebas Puente y Sergio Vinadé. Misterios de la canción ligera (Limbo Starr, 17) mantiene la llama hasta que llegue San Juan. Los zaragozanos continúan esparciendo caviar.

RR “Seguimos siendo cinco.

Lo que pasa es que este disco entre discos lo hemos trabajado Sebas y yo. Nos gusta sacar epés o inventos como el de ahora. A veces nos contratan a los dos solos y eso nos permite abordar algunas canciones que no suelen entrar en los repertorios del grupo”. Sergio Vinadé habla de Misterios de la canción ligera, que acaba de editar Limbo Starr.

Música nueva en dos tazas, Armagedón y Nuestra especialidad, más diez revisiones de temas pretéritos. El grupo completo está preparando nuevo disco, pero esto tendrá que esperar al año próximo. Ahora era turno de rescates, de modelado con arcilla. “Aquí, por ejemplo, hay dos canciones a las que les tenemos muchísimo cariño: No hay nieve en Saint Moritz y Nuestro gana-

dor. Creo que nunca las hemos tocado en directo, quizá alguna vez suelta, con lo que queríamos retomarlas. Y lo mismo pasa con otras que en los discos han pasado más bien desapercibidas”.

En Tachenko se mosquean con pocas cosas, o al menos eso parece, pero sí hay un cliché recalcitrante del que les gustaría librarse. “No nos gusta la imagen que tenemos de grupo fácil y simpático. Cuando nos salen con eso, pienso que quizá no se han parado a escuchar las letras: da la sensación de que podríamos decir las mayores barbaridades y no se meterían con nosotros.

Quizá seamos majos en la vida cotidiana, pero creo que nuestras letras tienen un poso, un trasfondo. Normalmente no son simpáticas, si te fijas. Y Sebas escribe cada vez mejor”.

En febrero, Vinadé trajo a Zaragoza como promotor al que considera mejor grupo del mundo: sus adorados Teenage Fanclub. Disfrutó como un enano, aunque el bolo tuvo problemas de sonido al principio. “Lo comentaba al acabar: yo es que soy muy fan, los vi acercarse y ya tenía suficiente. Trabajar con ellos fue una gozada, buenas personas, artistas inmensos y que han dejado un poso genial. El sonido de Tachenko le debe mucho a ellos, claro, como al pop español de los sesenta, a The Beatles, a The Who… lo que nos gusta. Y no disimulamos nada”.

—pablo ferrer

mayo 2017 #31

#32 mayo 2017

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33/Mondo VINILOS

Jarvis Cocker & Chilly Gonzales

Mastodon Emperor Of Sand Warner

Room 29 Deutsche Grammophon/ Universal

7

mítico Chateau Marmont de Los Ángeles durante la última gira de Pulp, Jarvis Cocker pensó que si acercaba el oído al gran piano de cola que guardaba la habitación 29, podría escuchar las historias que contemplaron aquellas cuatro paredes y hacerlas canción. Para mirar por la cerradura de esta Room 29 y airear las miserias que se esconden bajo el glamour de la época dorada de Hollywood, se ha aliado a las elegantes teclas de Chilly Gonzales, un contrapeso clásico perfecto para la melancolía corrosiva pop que destilan sus letras.

Un fantasmagórico teatro musicado en el que Cocker, analiza y desenmascara las mentiras en las que se sustentan las relaciones personales dentro de un hotel. “¿Hay algo más triste que una habitación de hotel donde no se ha follado?”. —david pérez

Kendrick Lamar: inabarcable Kendrick Lamar

DAMN. Interscope/Universal

9

RAP / El quinto disco de Kendrick Lamar ya está

entre nosotros, mientras se iban filtrando noticias y datos sobre él, los nervios iban en aumento, sobre todo cuando se anunció la presencia de Rihanna y de U2. Con el anticipo de Humble nos relajamos, y eso que el tema en cuestión está alejado de sus dos predecesores. Ahora bien, un primer aviso a navegantes, aquí no hay ni rastro del jazz de To Pimp A Butterfly, como dice el gran filósofo catódico Juanma Rodriguez, “cuando parecía que iba a ir por aquí... va por allí”. Desde el inicio con Blood, Kendrick pone sobre la mesa sus miedos y sus tripas para que diseccionemos cada palabra. Ninguna es en vano, todo está perfectamente estudiado.

En esta intro nos plantea la dicotomía entre la maldad y la debilidad. A partir de ese momento, Lamar nos plantea un retablo que hay que mirar con calma, primero desde la distancia y luego con detalle, una especie del jardín de las delicias del rap. Su sonido ha mutado, electro, trap, old school rap, GFunk... también su voz

POP / Tras alojarse en el

METAL/ “Podrían haber sido los mejores Metallica”. “Se han vendido”. “Son muy progresivos”. “Son muy bestias”. “Son muy pop”. La cantidad de comentarios que uno llega a oír sobre Mastodon son tan numerosos como dispares y, a menudo, simplistas. Con los autores de ...And Justice For All tienen en común las estructuras prog, largas e intrincadas, de ese disco, algo que se mantiene en este Emperor Of Sand que conjuga en futuro la libertad psicodélica de Crack The Skye y la contención y el foco mostrados con acierto en The Hunter. Los de Atlanta sacan pecho y se mueven más confiados de lo habitual entre ambas esferas, no tanto ya alternando registros, sino integrándolos con naturalidad en una misma canción. Otro álbum mayúsculo de un grupo cuya máxima “losa” ha sido trascender la etiqueta metal. —david sabaté

8

Stormzy

se ha transformado. El falsete de Pride te deja anonadado, la fuerza y fiereza de DNA está en el hemisferio opuesto de Love. Por otro lado, Dios y la religión revolotean a lo largo y ancho del álbum, y no solamente en la comatosa Yah.Y continuemos con los restantes temas. Element vale su peso en oro. Old school rap con Kendrick atacando a rivales sin piedad. No le hace falta correr y ser veloz para dejar en ridículo al noventa por ciento de raperos. No sé quién recibe más palos si Big Sean o la Fox. Y es que los ataques al canal norteamericano son recurrentes y contundentes. El dueto con Rihanna en Loyalty funciona y es un sopapo a Jay Z, con las dos voces haciendo el amor, con respeto, fusionándose y cantando ambos a la vez como en los cincuenta. Lust es pura viagra, con unos bajos que te ponen en órbita mientras Lamar flota alrededor como una mariposa para golpearnos como un escorpión cuando decide dejarnos KO. En cuanto a la otra colaboración estelar, escuchamos a Bono en XXX, un corte marciano y político, como no podía ser de otra forma, que cuestiona la América actual y que suena como los U2 de Achtung Baby junto al Lamar más enfadado. Y podríamos continuar con una intensa Fear y con una Duckworth que rememora la historia de Top Dawg Entertainment y del propio Kendrick Lamar de manera brillante y fascinante. —marcos molinero

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Tuya

Gang Signs & Prayer #Merky Records

7

GRIME / Gang Signs & Pra-

yer inicia su recorrido con una fuerte patada en la boca a todas esas voces que cuestionaban la capacidad creativa de Stormzy.

First Things First mantiene la tensión acumulada de los comienzos del rapero. Eso sí, ni de lejos alcanza el nivel del single de presentación del disco, Big For Your Boots, donde el grime de la vieja escuela se luce a lo grande. En Cold ofrece nuevas sensaciones y lleva al género a otro nivel con una pieza adictiva y divertida. Y claro, hasta ahora todo bien. Entendemos el concepto en el que sus raíces se unan a la inquietud de un joven de veintitrés años que busca destacar. Sin embargo, al otro lado, está un Michael Oman que no funciona como cantante. Marcado por baladas, con una producción más pop, y una apuesta por el r’n’b noventero que representa lo peor del largo. —álex jerez

A War Is Coming El Rayo Verde

7

POP / David T. Ginzo vuelve

a demostrar al frente de Tuya su capacidad de reinvención sin olvidarse de las señas de identidad que han dado forma al proyecto desde su inicio. Si en su anterior epé Mountains Moving ya anticipaba una mayor presencia electrónica, en este A War Is Coming el giro mostrado hacia ella resulta mucho más pronunciado. El resultado es un disco que adopta enrevesadas estructuras pop, abriéndose camino en recursos de lo más interesantes como bases programadas, voces distantes unas de las otras o una incisiva percusión que adopta diferentes formatos. A través de estos elementos, Tuya logran transmitir un sentimiento de urgencia y constante tensión, algo que se pone aún más de manifiesto en cortes de carácter amenazador como pueden ser Winds o Pollution. —noé r. rivas mayo 2017 #33

MONDOVINILOS

Julia Holter In The Same Room Domino/Music As Usual

Russian Red de rosa Russian Red Karaoke Autoeditado

6 poP / Revistas de moda, ajetreadas

cuentas de Instagram y el oropel chic de una nueva vida en Los Angeles: seguramente ni cruzando el charco haya podido Lourdes Hernández escapar de los dimes y diretes que cualquiera de sus movimientos suscita. Puede que este disco también sea consecuencia directa del cansancio que tan celoso escrutinio público hace recaer en cada una de sus maniobras creativas. ¿Qué mejor forma de transmutarse, de transformarse en lo que una no es, jugar al despiste y escapar -a la vezde los estereotipos, que meterse en la piel de otros músicos a través de ocho temas ajenos? Seis temas de los ochenta y un par de los noventa, favoritos populares en sus karaokes angelinos a lo largo de los últimos

Hola Chica

Drake

7

RAP/ Tras un pequeño

traspiés –Views supuso eso para muchos de nosotros-, Drake debía enmendar el rumbo y más en un género tan boyante, excitante y prolífico como el rap.

El canadiense sorprende a todos con un disco a contrapelo, casi a traición. More Life es extenso, variado y funciona como sugiere su creador a modo de playlist. Un trabajo ambicioso, un esforzado intento de aglutinar todos los estilos posibles del pop y la música negra actual. La verdad es que va creciendo con las escuchas pero es muy difícil mantener la tensión y la atención del oyente a través de los veintidós cortes, canciones que deambulan por diversos estilos e influencias.

Rap crudo, aires africanos, elegancia soul... Lo admirable de Drake es que sea capaz de apartarse de sí mismo y dar lo que las canciones necesitan en cada momento: downtempo, R&B aterciopelado, house barnizado de black music, aires trap. Drake juega a ser una versión para todos los públicos de Kanye West. —marcos molinero #34 mayo 2017

POP/ Cuatro años han tardado estos barceloneses en sacar su opera prima. Una cocción lenta que puede haber sido la clave para conseguir una sonoridad tan compacta, segura y sólida que no parece para nada un debut. Y lo realmente destacable es que, además, consiguen sonar frescos y directos, sin rodeos. Lo logran con un electro-pop altamente bailable que grita de frente a los ochentas de sintetizadores adictivos, pero también al britpop glamouroso de Pulp o a las melodías sencillas pero pegadizas de los grupos del primer pop electrónico, con aroma a The Human League o Alphaville.

Lo que es evidente es que Hola Chica son grandes generadores de estribillos resultones que quedan enganchados al cerebro por puro magnetismo y que nos hablan, en inglés, de aquello que nos hace más humanos: las relaciones entre nosotros y, como no, el amor y el desamor como centro de estas.

6

—maria fuster

tiempos, dan pie a un puñado de verisones, entre las que I Want To Break Free (Queen), I’ll Stand By You (The Pretenders) o Take My Breath Away (Berlin) cobran esa vaporosa atemporalidad de corte vintage que la acercan más que nunca a Lana Del Rey. Por algo su marido Zack Leigh y su hermano Aaron (ambos al frente de su proyecto Babes, con el que comparten sonoridad) forman parte de la nómina, junto a Brian Hunt y David Greenbaum (ingeniero de sonido del último Beck). Las tomas no suponen gran ruptura respecto a lo ofertado en aquel Agent Cooper (2013), su última entrega hasta ahora, pero las guitarras twang de It’s A Heartache (Bonnie Tyler), la revisión acústica de Do You Really Want To Hurt Me? (Culture Club) y el piano casi espectral de Don’t You Want Me (The Human League), por su parte, deparan nuevas perspectivas a un manojo de temas de los que, de tan manoseados como han estado hasta ahora, no era fácil esperar enfoques novedosos.

—carlos pérez de ziriza

New Lore Anti/[PIAS]

7

FOLK/ La magia se tiene o

no. No se puede entrenar.

No se puede aprender. Y Sean Rowe la tiene. Más en su voz y en su manera de interpretar, me atrevería a decir, que en sus composiciones, sin que esto signifique que lo que escriba no tenga un buen nivel. El de Troy (Nueva York) es tan bueno, que al lado de este New Lore, discos como Madman (2014) o Magic (2009) quedan empequeñecidos. Y es que esta especie de híbrido imposible entre Barry White y Johnny Cash ha facturado, otra vez, un disco espléndido. Un trabajo donde los silencios aportan casi tanto como la propia música. A través de una producción exquisita, estas canciones grabadas en los míticos estudios de Sam Phillips en Memphis, consiguen atrapar al oyente con la premisa clara: menos es más. Canciones sugerentes sobre la soledad y la necesidad de todo ser humano de sentir que pertenece a algo. Buscando que nada se entrometa en ese arma brutal que es la excelsa voz de Rowe. Y lo consiguen. —eduardo izquierdo

—sergio del amo

The Blue Aeroplanes

Sean Rowe

Magnetism Blind Records

More Life Cash Money/ Universal

POP / In The Same Room es el nuevo álbum de Julia Holter, un disco en directo grabado junto a su habitual banda en los estudios RAK de Londres. Teniendo en cuenta que el álbum recupera tres temas de su Loud City Song (13), siete de su más reciente Have You In My Wilderness (15) y sólo un tema de su más antiguo y celebrado Ekstasis (12), la pregunta es si realmente este nuevo lanzamiento aporta algo a su intachable currículum. Holter se ha decantado por volver a regrabar parte de su repertorio más reciente sin aportar grandes cambios a lo que podemos encontrarnos en sus trabajos de estudios. Hablando en plata: si ya tienes aquellos discos, la compra de éste se hace cuanto menos innecesaria. Aunque bien es cierto que en estas doce canciones su voz acapara un mayor protagonismo al posicionarla en un primer plano, la falta de sorpresas es la mayor tara de In The Same Roome.

6

British Sea Power

Welcome, Stranger!

ArtStar

7

POP/ Gerard Langley hace

valer los rasgos distintivos de su marca durante los últimos cuarenta años: ese arrebato jangle pop entre mundano y poético, sostenido por un tupido engranaje de guitarras eléctricas y su reconocible dicción, entre el recitado inflamable y el spoken word, que traza una hilo invisible entre Lou Reed y Kate Tempest, con Mark E. Smith, Stephen Malkmus, Art Brut o Parquet Courts como balizas en el camino. Y aunque este decimotercer álbum no sea un nuevo Beatsongs (1991), ni siquiera un Swagger (1990), sí se las apaña para explicar con argumentos actuales por qué una vez fueron una de las bandas favoritas de R.E.M. o Radiohead.

Y no tanto por sacarle lustre a la clásica estructura estrofa-estribillo-estrofa como por fortalecer los principales arbotantes de su sonido. Siguen siendo una institución y trabajos como este lo refrendan, aunque su resonancia mediática haya languidecido en los últimos años hasta hacerse casi imperceptible. —carlos pérez de ziriza

Let The Dancers Inherit The Party Caroline/ M.A.U.

ROCK/ British Sea Power pertenecen a esa tipo de grupo situado por defecto (e inercia) en algún espacio del subconsciente. Pero resulta que, al mismo tiempo, la formación mantiene intacto aquel poder persuasorio que se activa en el preciso momento en que se degusta nuevo material con su firma. Es entonces cuando se recuerda con alegría e indiscriminada satisfacción lo mucho que convencen sus canciones, y también el tino con el que los autores manejan personalidad creativa. Solvencia y fiabilidad vuelven a ser cualidades inherentes al presente álbum, con el quinteto completando una obra variada en formas y equilibrada en el nivel de sus contenidos. Un abanico que abarca diferentes facturas de indie pop-rock de ribetes épicos y alma post-punk, dando como resultado un disco notable. Otro más de un grupo que, desde la segunda línea, sigue lanzando pequeñas joyas para recordarnos que siguen ahí, tan íntegros e inspirados como de costumbre. —raúl julián

7

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BNQT

POP/ La banda británica

nos entrega un nuevo trabajo, el octavo de su carrera, tras siete años en barbecho discográfico. Su vuelta en 2010 con Rock Dust Light Star, no les sirvió para recuperar el tiempo perdido pero sí para volver a activar a la legión de seguidores, en cambio ahora llega un nuevo disco para saber si Jamiroquai son o no un muerto en vida. Automaton es un disco valiente, elegante y arriesgado, con una banda más viva que nunca. Quienes les acusan de que actualmente suenan a los Daft Punk de Random Access Memories no saben que ellos ya jugaban a eso cuando los franceses desconocían quién era Chic.

Vitamin es un pildorazo brutal de jazz pop, Shake It On y Automaton son prueba de ello con dos sencillos arrebatadores, brillantes y soberbios. Todo el disco es una combinación fluida y natural del espíritu funk y disco de los setenta con la electrónica actual, sazonado todo con toques de soul, jazz y pop burbujeante.

—marcos molinero

8

POP/ La hoja de prensa ya

advierte que el nombre de este supergrupo -este sí lo es en ambientes indies- debe pronunciarse “Banquet”, lo cual me resulta todo un acierto si pensamos en términos gastronómicos. Un auténtico festín pantagruélico en el que todos los platos, de los entrantes al postre, son una explosión en los paladares más exquisitos. Un disco mayúsculo tejido alrededor de las composiciones de Eric Pulido, líder de los tejanos Midlake que lo acompañan en esta aventura, y que ha contado con la colaboración de hasta cinco vocalistas de los que quitan el hipo: Ben Bridwell (Band Of Horses), Alex Kapranos (Franz Ferdinand), Fran Healey (Travis) y Jason Lytle (Grandaddy). Casi nada. Pero claro, ya sabemos por experiencias pasadas que este tipo de uniones no siempre garantizan un resultado a la altura. No es el caso.

Volume 1 se pasea por las diferentes texturas del pop más clásico, evocando a druidas del pop como Todd Rundgren, Arthur Lee o Brian Wilson. —don disturbios

Gargoyle [PIAS]

ROCK/ Treinta años de lleno en el negocio y Mark Lanegan continúa consolidado poderosamente esa posición de artista de culto, solvente y de férrea personalidad. El norteamericano mantiene (y realza) su capacidad para inquietar y remover entrañas, al tiempo de sonar tan arrasadoramente contemporáneo como fiel a su propio estilo, ese que ha tejido y retocado con inteligencia al paso del tiempo.

Gargoyle se mueve en torno a una ejecución vocal tan reconocible como ardorosa, a la solidez y riqueza (bien medida) de la instrumentación, y a una acertadísima producción homogenizando el sonido global. El autor aúna instinto y tormento con elegancia y sensibilidad, y es en ese extraño choque de sentimientos, visceral y a la vez emocionante, donde concentra su campo de trabajo.

Una parcela que unida al brillante momento creativo del músico deriva en la que es una de las entregas más coherentes, jugosas y, en definitiva, mejores de toda su discografía. —raúl julián

8

DD LJM DC JSL Med

1 Kendrick Lamar 9 9 9 9 9 DAMN. 2 Arca Arca

9 9 8 9 8,75

3 Pablo Und Destruktion Predación

8 8 8 8 8

4 Maria Arnal 8 7 8 7 7,5 y Marcel Bagés 45 cerebros y 1 corazón 5 Fleet Foxes Crack-Up

6 7 7 7 6,75

6 Perfume Genius 7 6 7 7 6,75 No Shape 7 Karen Koltrane Album

6 7 6 6 6,25

8 Goldfrapp Silver Eye

5 6 7 6 6

9 Soulwax From Deewee

5 6 6 6 5,75

10 Russian Red Karaoke

5 5 6 6 5,5

Arca publica una exigente obra maestra

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

7

Mark Lanegan Band

Volume 1 Bella Union/ [PIAS]

Automaton Universal

top 10.

Jamiroquai

Elhombreviento

12 canciones casi alegres Autoeditado

Arca

Arca XL/Popstock!

7

9

ELECTRÓNICA/ Arca es una emocionante obra maestra no apta para todos los públicos. No es un disco que el mundo necesitase (aunque ahora algunos no podremos pasar sin él durante una buena temporada), sino que el venezolano Alejandro Ghersi estaba obligado a grabar. Un equilibrio entre oscuridad y luz, entre tristeza y melancolía.

En un ejercicio de seppuku emocional ultramodernista, Ghersi nos habla sobre la fuerza del deseo, de cuando el amor y el sexo nos arden en las entrañas y resulta imposible huir de él. Nos habla de otros sexos y de otros amores mientras mantiene la capacidad de experimentación musical (escúchese Castration si lo dudan, o Whip, con sus latigazos sampleados) que siempre ha caracterizado al venezolano. Solo que con una grandiosa novedad que ha dotado a su universo de aromas, intenciones e intensidades distintas: su delicada y melodramática voz en castellano. Arca susurra y canta como un contratenor operístico al que el corazón se le estuviera empequeñeciendo a cada segundo que pasa, tendiendo

un puente invisible pero solidísimo, entre la Björk más libre y la Anohni más lírica. Arca no plantea una escucha sencilla –ninguno de sus discos lo ha hecho-, más bien al contrario, pero la recompensa es amplia si nos permitimos lanzarnos de cabeza a su piscina y no nos preocupa perder el mundo exterior de vista durante tres cuartos de hora. Sus trece canciones dibujan un universo asfixiante y melancólicamente precioso en el que se esconde un

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lirismo intangible levantado sobre capas de la emotividad más visceral y valiente que uno pueda encontrarse fuera de los tópicos en un disco moderno. Arca suena como Vanity (Mutant, 2015) o Sad Bitch (Xen, 2014), aunque los lamentos y los susurros de Ghersi convierten cada pieza en un bolero triste, con unas letras que crecen en expresividad cuando el venezolano las rodea con su habitual manto de electrónica experimental. —joan s. luna

POP/ Quien quiera enca-

sillar a Elhombreviento en un estilo, un sonido o una disciplina, se va a chocar de bruces contra un muro. El muro de la imaginación de EHV. El valenciano rompe con sus anteriores trabajos (junto a Suite Soprano y Control Remoto, ambos de rap) para meterse de lleno en un álbum tan novedoso para nosotros como estimulante para él. Rock, pop, folk e incluso algo de reggae protagonizan este 12 canciones casi alegres, donde lo instrumental tiene casi tanta importancia como la propia voz del cantante y donde EHV ha dejado el peso de la producción a terceros, algo inusual en él. Pero su esencia y su personalidad queda patente en las doce canciones, especialmente gracias a unos textos profundos e íntimos, cargados de crítica y cavilaciones, marca de la casa. Una muestra más de la versatilidad de este genial y todoterreno artista, capaz de emocionarnos. —alfonso gil royo abril 2017 #35

#36 mayo 2017

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Helena Miquel

!!!

Shake The Shudder Warp/Music As Usual

6

POP / Dos añitos después

del juguetón As If, los reyes del dance-punk vuelven a la palestra con doce cortes que mantienen su apuesta, es decir, hedonismo con clase. Y producción clara y accesible, alejada de la hipnótica y compleja acidez de su primera etapa. El problema es que la fórmula que los estadounidenses destilaron hace ya unos cuantos discos se agota. Grabado en su estudio, con más peso de los sintetizadores y samplers y el apoyo de hasta cinco cantantes femeninas, los de Nic Offer siguen a lo suyo: bajos jugosos, bombos rotundos, guitarrillas rasgadas a lo funk, carrerillas melódicas de hip-hop old school, percusiones marcianas, vientos ocasionales, aires house a lo Daft Punk. Todo está en su sitio, pero me da la impresión de que la chispa se prende en contadas ocasiones. Con la excepción de alguna sorpresilla como la popera Throw Yourself In The River, la banda se reserva lo mejor para el final con la ácida Things Get Hard y el medio tiempo R Rated Pictures. —josé carlos peña Wild Honey Torres Blancas Lovemonk

diola

El sol en la sombra La Cúpula Music

POP / Quien conozca a Helena Miquel más por su paso por Delafé y Las Flores Azules que por sus años al frente del grupo Élena se sorprenderá al escuchar este debut en solitario que responde al nombre de El sol en la sombra. Y sobre todo si uno se fija en el tono que marca el disco. Las canciones continúan capitaneadas por su carismático y angelical timbre de voz y por esa dulce aura, pero la catalana ha querido alejarse de la luminosa tónica de su proyecto más conocido.

Para ello, con la ayuda de Marc Marés y Lluís Cots, construye un disco de pop tan delicado como sombrío, de tiempos relajados y letras transparentes en las que explora a fondo todos sus vértices y sus experiencias más intensas. Su lado menos visible, más personal y más melancólico expuesto al completo en un disco que abre las puertas tanto a sus rincones menos conocidos como a una nueva etapa musical para la cantautora.

7

—raquel pagès

Big OK

diola BCORE

ROCK / Tres cuartas partes de los desaparecidos Unicornibot se reparten guitarra, bajo, batería, cajas de ritmos y sintetizadores en diola, una bandalaboratorio entregada a la investigación contra el aburrimiento propio y ajeno. Su debut homónimo aparece dos años después de su primera referencia, Eh!, cuatro temas algo irregulares. Tras esos primeros experimentos como trío, Diola presenta un homónimo con diez comprimidos de efecto inmediato con un alto porcentaje de math rock de la escuela Faraquet. Su fórmula también incluye guitarras estrujadas en la onda de Hot Snakes (No lo sé, Fuera de mi vista), guiños y ritmos latinos (Lambada, La Gozadera) y estribillos de pop en mayúsculas con vocación de himno (Charo, Sábado). Lo más llamativo de la nueva aventura de los exUnicornibot, abonados durante un lustro a la música instrumental, son las letras. Y es que el trío sorprende en diola con unas historias ingeniosas y traviesas, sin pelos en la lengua. —luis benavides

7

Maxïmo Park

Big OK Gandula/ Chesapik/A Tant Rêver du Roi)

7

ROCK / Big OK es el insospe-

chado punto de confluencia entre el cantautor Paul Fuster, la violinista Sara Fontán (Manos de Topo, La Orquesta del Caballo Ganador) y el percusionista Edi Pou (la mitad de Za!), quienes se pasaron tres días improvisando y compenetrándose musicalmente en la casa del primero. El resultado es una hirviente marmita posthardcore cuya ebullición depara saldos imprevisibles. No extraña que los nombres de Shellac, Swans o Black Sabbath asomen a la hora de calibrar su ideario, o que desvelen la ingeniosa etiqueta de free grunge para crooners, porque este debut homónimo, que parece nacido para el directo, depara un ilimitado rango de sonoridades: arrebatos free rock, ritmos fracturados que cortan como dentelladas aunque un violín atenúe la herida, recesos de engañosa placidez e incluso patrones melódicos más adherentes, para que nadie pueda acusarles de excesivamente abstractos o arties. Un disco fabuloso, adictivo e importante.

—carlos pérez de ziriza

Risk To Exist Cooking Vinyl/ Popstock!

5

ROCK / Maxïmo Park

debutaron con un disco esplendoroso como fue A Certain Trigger, arrasador compendio de indie con clara querencia new wave y post-punk que sitúo el listón demasiado alto para (casi) todo lo que vendría después.

De hecho, Risk To Exist es en su mayor parte otro disco inofensivo y anecdótico, con la banda acercándose a ese pop disfrazado de agresividad y carente de auténtico interés que tienden a facturan bandas como Kaiser Chiefs o The Pigeon Detectives.

Sólo alguna pincelada concreta como Get High (No, I Don’t) o la propia Risk To Exist recuerdan en la lejanía a los comienzos de la banda, mientras que hay mayoría de canciones cobardes que confían toda su pegada a melodías evidentes. Demasiados cortes grises e incluso aburridos que señalan que el esfuerzo puede haber sido mínimo, dando paso a un acomodo de lo más peligroso y sobre todo atendiendo al perfil que se le presume a la formación.

—raúl julián

Buscando audiencias Nudozurdo

POP / Guillermo Farré sigue

8 embelleciendo aún más sus composiciones al frente de Wild Honey, reflejando nuevas inquietudes orientadas hacia el pop orquestal. En su segunda referencia en castellano nos encontramos un trabajo con una capacidad sugestiva visual muy destacada. El influjo tropicalista iniciado en su anterior Big Flash, continúa presente sin manifestarse como uno de los recursos más poderosos del músico, ya que en todo momento atiende a estructuras de enorme calidez. A través de los arreglos de cuerdas y vientos logrado por Sean O’Hagan (The High Llamas), temas como Leopardo fluctúan entre un carácter sinestésico y onírico, poniendo de manifiesto la búsqueda incansable por lograr un imaginario de lo más abierto. Una perfecta integración entre los sonidos más orgánicos y eléctricos, consigue crear unas composiciones en las que los teclados aportan leves pinceladas de psicodelia sesentera que redondean aún más la propuesta.

—noé r. rivas

Voyeur Amateur Mushroom Pillow

7 ROCK / El quinto álbum de la banda de Madrid, producido en Barcelona por el hiperactivo Ricky Falkner (Love Of Lesbian, Standstill) en estrecha colaboración con el grupo, tiene algo de reinicio, incluso con esa sorprendente portada inmaculada. El sonido deliberadamente más abierto y robusto culmina con el máster de Fred Kevorkian (The National) y aunque Voyeur Amateur suena sin duda más grande y lustroso (buscando acertadamente o no a ese público exigente, pero familiarizado con ese tipo de producciones limpias y con volumen), Nudozurdo no abandonan un segundo su fuerte identidad. La que les ha traído hasta aquí. “Enciendo la radio y todo lo que puedo escuchar son grupos que huelen a dinero y poco más…”, empieza cantando Leo Mateos en la canción que da título al disco, propulsada por un riff oscuro e irresistible. Una rabia contenida ante el mundo alienante que nos rodea, y la recuperación de la química del local con el batería ex Standstill Ricky Lavado, son los detonantes de un disco largo y denso pese a la producción abierta, que alterna picos y valles, y que acaba siendo un compendio de las armas del grupo. Es su disco más ambicioso, auto-consciente (que no calculado) y heterogéneo. El tiempo dirá si llegan a ese oyente escurridizo y caprichoso al que se han propuesto cautivar. —josé carlos peña

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mayo 2017 #37

#38 mayo 2017

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Black Anvil As Was Relapse

Fleet Foxes, superando el hype Fleet Foxes

METAL / Si bien lo de Black Anvil siempre ha sido un blackened thrash metal crudo con reminiscencias hardcore, esta vez añaden elementos modernizadores que convierten As Was en su disco más interesante, aunque no por ello innovador. De esta manera, podemos encontrar en temas como On Forgotten Ways o Nothing un conglomerado de estilos muy bien mezclados, teniendo siempre como base un black metal domesticado impregnado de punteos típicos del heavy metal y pasajes melódicos que recogen el legado de bandas como Type O Negative, Katatonia o los Anathema del Judgement. Estos son los terrenos por los cuales transitará la banda a lo largo de todo el disco.

Es quizás en las secciones más atmosféricas donde la banda no acaba de estar a la altura, introduciendo pasajes que otras bandas conseguirían estructurar con más talento. En definitiva, As Was supone un pequeño paso adelante para Black Anvil en su intento de querer convertirse en una banda de referencia. —víctor gonzález

Crack-Up Nonesuch/Warner

6

7 FOLK / En 2008 fueron el mayor fenómeno del año, sin que todavía a día de hoy muchos hayamos acabado de entender el porqué de tanto revuelo. El éxito fue tan descomunal que la grabación de su continuación, Hopeless Blues, se convirtió en una tortura para ellos. Pisaron estudios diferentes, reescribieron las canciones buscando una perfección que no existe e incluso algunos de sus miembros cayeron rendidos y enfermos ante los acontecimientos. La responsabilidad mutó en una presión (excesiva) que dio como resultado un disco más complejo y más íntimo en el que Fleet Foxes tocaron más teclas que en su debut. Desde su publicación en 2011 y, tras la gira posterior, se sumergieron en un hiato para calmar la tormenta que se había levantado a su alrededor. Justo cuando su antiguo compañero Josh Tillman (Father John Misty) les empieza a adelantar por la izquierda, editan un nuevo disco que quizás nadie esperaba del todo, pero que ayudará a que todo el mundo recuerde que siguen aquí.

Acentuando la vertiente más lírica del grupo, Crack-Up recuerda a los incomprendi-

Pond

Code Orange

The Weather Marathon Artists/ Popstock!

6

POP / The Weather nace

con la relativa ventaja de que no se espera nada en concreto de él, y Pond también lo han visto como una oportunidad para el borrón y cuenta nueva.

No dejan entrever del todo sus intenciones en 30.000 Megatons, pero Sweep Off My Feet ya huele a Prince por los cuatro costados, siguiendo la estela de su productor, Kevin Parker. Y bueno, los resultados son sónicamente espectaculares, pero perdónenme si digo que por aquí tenemos a unos tales Alien Tango muy capaces de igualar o incluso superar canciones como Paint Me Silver. Lo cierto es que Colder Than Ice es uno de esos hits de nocturnidad embriagadora e irresistible (¡esos saxos!), que A/B enlaza la energía de sus compatriotas King Gizzard con la balada crooner de piano bar de un modo sorprendente, y que Zen Automaton supone un interesante ejercicio de querencia hip-hopera, pero al final se muestran insuficiente sustancia para encumbrar el cuarto disco de los de Perth. —nacho serrano

dos My Morning Jacket de Waterfall cuando su música no desata en tormenta, prefiriendo una versión más ambiental y naturista de si mismos, explorando sonidos folk y modernos como lo hacen Woods y Villagers, bandas que han crecido en la retaguardia mientras ellos respiraban aire puro. La inicial I Am All That I Need/Arroyo seco/Thumbprint Scar encajaría a la perfección en una nueva banda sonora de Boyhood, ideal para acompañar

METAL / A la escena metalcore le hacía mucha falta un grupo como Code Orange, un combo que huye de las mecánicas más artificiales que practican otros compañeros de generación. En Code Orange todo suena tal y como tiene que sonar, aquí no hay trampa ni cartón. Además, aparte de metal y harcore, para salirse por la tangente y diferenciarse, también mezclan con música industrial. Eso se nota sobre todo en este segundo disco, en el que han dado un volantazo hacia la tendencia predominante en los noventas, con un enrejado más real si cabe, con temas muy crudos y violentos. La muestra más clara es Kill The Creator, una canción en la que cabe todo lo que tienen en sus cabezas, un puzle completo. El fichaje por Roadrunner Records es otro estímulo, se han quitado el miedo (si es que alguna vez lo han tenido), y lo mismo, te recuerdan a Pantera que a The Dillinger Escape Plan, y en el horizonte están Converge y NAILS. Plantando cara, y de qué manera. —toni castarnado

7

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ROCK / En abril se cum-

plen cuarenta años del primer concierto de la banda de Colin Newman y compañía en el Roxy Club de Londres. Wire celebran la ocasión, sin caer en la trampa de la nostalgia, con un nuevo álbum. El decimoquinto, nada menos. Newman, Lewis, Grey y el último en llegar, el guitarrista Matthew Simms, amplían las virtudes del sobrio y conciso Nocturnal Koreans y por extensión, de todo su catálogo reciente, donde apenas han resbalado. Pocas bandas de su generación han llegado a nuestros días con la dignidad de Wire. Quizá, en Silver/Lead los riffs pesados (Diamond In Cups, la enorme This Time) y los tiempos moderados (como el del sereno cierre que da título al disco), dibujan más contrastes, pero los territorios visitados por Wire nos resultan familiares desde los primeros acoples eléctricos de Playing Harp For The Fishes y la velocidad frenética de Short Elevated Period.

—josé carlos peña

Diamanda Galás

From Deewee [PIAS]

Silver/Lead Pinkflag

7

—toni castarnado

Soulwax

Wire

Forever Roadrunner

las excursiones entre padre e hijo; algo más luminosa aunque en esa línea está Third Of May/Odalgahara (a Neil Young le encantaría firmarla para aportar algo de inspiración a su momento actual) y no podemos dejar de hablar de If You Need To, Keep Time On Me, una pieza melancólica que parece concebida para interpretarse en la calidez de la iglesia del pueblo de Pecknold.

6

ROCK ELECTRÓNICO / Unos

doce años después de ese notable Any Minute Now y apenas unos meses después de la banda sonora de Belgica, los hermanos Dewaele vuelven con un From Deewee que mantiene el nivel y varía un poco el estilo. Mientras tanto no han parado demasiado, girando como 2manydjs, descubriendo gemas con Radio Soulwax y ampliando su arsenal de sintes y su lista de amigos (entre ellos Igor Cavalera, quien, tras coincidir mucho con ellos con su proyecto Mixhell, se ha sumado al grupo para tocar la batería tanto en su reciente directo como en este disco). From Deewee se deja escuchar bien de principio a fin, gracias a su buena dinámica, con sus picos y sus bajadas. Arranca con fuerza con temas como Masterplanned y Missing Wires, que nos hacen volver a disfrutar con esas baterías tejiendo unos ritmos entre electrónicos y rockeros, que tan pronto recuerdan a LCD Soundsystem como a Can.

—raúl linares

All The Way Intravenal Sound Opetations

7

POP / Adiestrada en el

bel canto, curtida hace décadas en los tentaderos de la vanguardia y propensa a enfatizar el rango de emociones de su versátil e inquietante timbre vocal, por encima de las reglas elementales de la armonía pop, la californiana malea unos cuantos clásicos jazz, folk y country, hasta dejarlos -como era de esperarprácticamente irreconocibles.

Desde el tradicional folk de O Death, escalofriante tour de force en el que hay jazz, bebop, blues, y sonido Nueva Orleans (casi todas sus influencias en diez minutos) hasta una Pardon I’ve Got Something To Kill que muta el country outlaw de Johnny Paycheck en gospel heterodoxo, pasando, entre cierto amago de normatividad y la más pura disidencia sonora, por una All The Way (Sinatra) que troca dulzura por amargo jazz gótico, una The Thrill Is Gone (Chet Baker) morigerada en ritmo pero intensificada en morbidez o una Round Midnight que adapta al piano el clásico de Thelonious Monk. —carlos pérez de ziriza mayo 2017 #39

MONDOVINILOS

Txarango

El cor de la terra Discmedi Blau

Clark: visceralidad electrónica

MESTIZAJE/ El tercer disco de los catalanes es Txarango en estado puro. Combina lo mejor de su propuesta, pero mejorando aspectos que son básicos para el desmelene más frenético. Sin ir más lejos el sonido de los vientos ha mejorado ostensiblemente, amplificando, hasta el infinito y más allá, su sonido. Pero el disco también recoge novedades: como el acertado ritmo ska-pop de Som foc junto a The Cat Empire, una de esas perlas que les hace tan especiales.

Al igual que la delicada Mil ocells que logra conmover al combinar en precioso contraste las portentosa voz de Alguer Miquel -nunca ha cantado mejor- con la de un Pau Donés (Jarabe de Palo) que logra dar ese contrapunto perfecto a los bellos versos de un tema en clave reggae. También sorprende la aportación de Manu Chao con su fraseo cavernoso en la trepidante Terra Endins y conmueve también la bella T’espero que una vez más en clave reggae define y condensa muy bien la filosofía vital de una banda imprescindible.

8

Clark

Death Peak Warp Records/Music As Usual

8 ELECTRÓNICA/ Son contadas las veces en las

que uno se tropieza con un disco tan visceral en su esencia sin que esto nos conduzca a pensar que se trata del resultado de un cúmulo de aciertos azarosos. En lo nuevo de Chris Clark, de un tiempo a esta parte conocido únicamente como Clark, no caben improvisaciones ni caprichosas demostraciones de ego.

Todo aquí está hilvanado con la virtuosidad que el productor ya nos hacía partícipes en su anterior álbum homónimo, editado también bajo el manto de Warp. Death Peak es un disco que no puede ser entendido en toda su naturaleza si no es a través de una escucha activa y libre de prejuicios para dejarse después llevar por sus diferentes regueros sin otra finalidad que la de saberse vivo a golpe de bombos y subgraves. La ambient Spring But Dark es la encargada de abrir a modo de prolegómeno un disco en el que prevalece un sonido áspero y crudo a la vez que altamente

contagioso, con melodías que caminan por senderos rocosos y angulares para aterrizar en sinuosos paisajes boscosos y taciturnos.

Pero hay más: lejos de ser un disco de techno convencional, el productor de Bristol vuelve una vez más aquí a apostar por la introspección como fuente creadora, con canciones que escapan de toda lógica estructural, algunas de ellas con voces corales, y que demandan de

Aimee Mann

Perfume Genius

Mental Illness SuperEgo Records

7

FOLK / Hay que reconocer

que el nombre de Aimee Mann no es tan popular en nuestro país como los de otras veteranas como Neko Case o Gillian Welch. Si a eso le añadimos que la cantautora estadounidense ha tardado la friolera de cinco años en editar este trabajo, pocos van a ser los que le peguen una escucha.

Y lo cierto es que es una auténtica lástima porque este disco merece mucho la pena, al regalarnos su autora una delicada colección de canciones que hablan sobre todo de la soledad y de perdedores en una sociedad que solo valora el triunfo. Y lo hace con una delicadeza muy pura acompañada, la mayoría de las veces, tan solo de su acústica con algún ocasional y sutil arreglo de piano y cuerdas pensado para embellecer una propuesta que avanza lenta y sinuosa, pero con la fuerza y seguridad de haber reunido un buen puñado de temas que dejan huella. Una auténtica delicatessen para los oídos más selectos, que no siempre tienen porqué ser los más adultos.

—don disturbios #40 mayo 2017

Goldfrapp

POP/ Algo impide a Mike

Hadreas relajarse y acomodarse. Ya no son los demonios del pasado que combatió en sus dos primeros discos ni la rabia que vomitó en el tercero, Too Bright (14), en el que además marcó unas nuevas fronteras artísticas que ahora ha decidido cruzar sin miedo. Es la vida adulta y un período continuado de estabilidad personal lo que inquieta al hombre que está detrás de Perfume Genius, que se ha tirado a la piscina para tratar con una mayor sofisticación instrumental sus tribulaciones actuales. La espiritualidad, el amor, su propio cuerpo o la búsqueda de la felicidad se visten de glam rock, art pop, soul o música de iglesia sin renunciar a sus orígenes con el piano como única compañía, configurando un torbellino de emociones que no quiere responder a una forma concreta. Sin límites creativos, se ha esforzado por encontrar la belleza en la complicada tarea de hacerse adulto.

—beatriz h. viloria

6

POP / Debo de reconocer

que este nuevo Silver Eye -de los casi míticos Goldfrapp- ha requerido algunas escuchas más de lo habitual para intentar concluir en una sola idea coherente, una clasificación certera. Y es que a pesar de ser Goldfrapp en estado puro -Alison y Will están muy en forma, no hay duda- la primera cata de los diez temas del disco puede dejar algo frío, y hasta distante, al oyente. Lo que no cabe duda es que vuelve a ser un buen álbum, pero a este tipo de artistas hay que exigirles siempre la excelencia. En este caso se trataba de renovarse o morir, pero ni una cosa ni la otra.

Al final la cosa se queda un poco corta Silver Eye supone una acertada sinergia entre Black Cherry y Supernature. En él campa un electro dark y tranquilote, poco amigo de tonterías y ajeno a modas, siempre sofisticado y a medio tiempo, nada invasivo y altamente sintético, que mantiene ese bello magnetismo de la voz -¿única en su estilazo?- de Alison.

—fernando fuentes

—don disturbios

Pulled Apart By Horses

Silver Eye Mute Records

No Shape Matador/ Popstock!

7

una comunión casi extrasensorial y mística con el oyente, todo ello sin dejar de lado al Clark más machacón y clubber de temas como Banjo o Sodium Trimmers. De ahí, que a lo largo del álbum nos topemos con elementos rave y sintetizadores arpegiados que recuerdan al trance noventero de discoteca de periferia, que Clark lleva a su terreno para convertirlos en oro puro. —daniel mesa

Arthur Russell

Instrumentals Audika

The Haze Caroline/ Music As Usual

ROCK/ Los británicos Pulled Apart By Horses hace tiempo que se han relajado musicalmente hablando. Su primer trabajo, un homónimo genial publicado por Trangressive Records en 2010, era una muy meritoria locura de difícil digestión, una colección de quiebros imposibles, partes intrincadas y momentos rompedores. Eso cambión con su tercer trabajo Blood, publicado por ellos mismos. Se desmarcaron de la corriente más post y enrevesada del rock, con temas alternativos y despreocupados, mucho más primitivos e inmediatos, puro grunge pop. En esa misma línea se encuentra el presente The Haze, un trabajo compensado y bastante heterogéneo con muchos momentos memorables. Pienso en el ritmo entrecortado de Hotel Motivation con Queens Of The Stone Age merodeando, los aullidos alargados de Prince Of Meats, el deletreo adictivo de Flash Lads y el estribillo pesado de My Evil Twin. Sin duda, un disco altamente recomendable.

6

—luis benavides

VANGUARDIA/ Cada año que pasa nos trae un nuevo botín de tesoros ocultos de entre las músicas perdidas de Arthur Russell. En este caso, la obra rescatada y amplificada es nada menos que Instrumentals, a la que se le ha sumado un considerable ración de movimientos.

Registrado en diferentes sesiones de 1975 a 1978, el neoyorquino se deja acompañar por una banda en la que no faltan trombones, clarinetes, teclados, percusiones, saxos, guitarra eléctrica y, cómo no, su cello como timón de las operaciones. La naturalidad con la que fluye el magma sonoro es directamente proporcional a la ambición de la empresa atisbada.

Así, ya en el pasaje inicial, Russell funde regiones geográficas como la hindú y la africana en un mismo pulso pre-disco. La brillantez de su solución transciende como un lenguaje todas las lenguas. Una gran torre de Babel a la que proporciona semántica unitaria entre latido rítmico y abstracción melódica que se funden en una misma sensación. —marcos gendre

8

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Alexandra Savior

Los Santos

Pxxrificación La Vendición Records

Belladonna Of Sadness Columbia

POP/ Confeccionar un debut de la mano de James Ford y Alex Turner es casi sinónimo de éxito y de un trabajo pulcro y redondo. Y eso es lo que respira el primer disco de Alexandra Savior: perfección y madurez. Una selección de once temas pop-rock de tiros finos y magnéticos. Pero, a pesar del buen encaje de todas las piezas – la voz humeante de Savior, la nostálgica atmósfera de las canciones, los trabajados arreglos-, el álbum peca de artificial. Las melodías y las construcciones recuerdan inevitablemente a Turner, algo que no debería sorprender sabiendo que es uno de los productores, Pero en el momento en el que uno identifica más al líder de Arctic Monkeys que a Savior en las canciones algo no encaja. El rol de la cantante parece limitarse a algo estético: vestir con su elegante y atractiva voz el universo del prestigioso cantautor. Una decisión que, a pesar de dar buenos resultados, hace dudar sobre dónde queda la esencia de Savior en este disco. —raquel pagès

6

6

La selección

TRAP/ Si alguna vez hubo

una ‘casa del trap’ en España, Pxxr Gvng no fueron los únicos en poner la primera piedra. Nunca fueron realmente –y como dicen– “los papás”, pero sí los más llamativos: el “50% música y 50% calle”, como definen el estilo de Atlanta, les hizo acaparar la atención de la prensa. Y los que vinieron detrás, mediáticamente al menos, los que ellos denominan “Youtubers” por ser “sólo pose”, les han adelantado por la izquierda. Mientras Rels B o C. Tangana revientan salas, Pxxr Gvng viste portadas. Mientras otros hacen por estirar el chicle del trap, con más o menos genio, los ‘esmayaícos’ siguen anclados a ratchets y bases de Lil Wayne.

Sin Steve Lean, el viaje como Los Santos supone más un avance industrial –se lo gestionan todo– que musical; pese a mantener el nivel con Lex Luger o Gezin, Pxxrificación no pega como antaño (a excepción de la sucia Kes ke se). Veremos si como La Mafia del Amor –preparan material– pueden hablar de tú a tú a ‘sus hijos’.

—yeray s. iborra

Quentin Gas y Los Zíngaros

Kelly Lee Owens

Kelly Lee Owens Smalltown Supersound

Caravana Autoeditado

Unión de extremos Ho99o9

7

ELECTRÓNICA/ La cosa va

como de mosqueo: una artista que parece venir desde el folk norteamericano -por nombre y hasta pinta- y que ha tocado el bajo en una banda como The History Of Apple Pie, de sopetón se convierte en una de las niñas bonitas de la electrónica molona e indie (por pop) del momento, que tira hacia el techno. Vale que Daniel Avery la llamara para colaborar con él -y ahora le ha devuelto el favor prestándole un tema para el disco- y que es posible que hasta Ellen Allien o Maya Jane Coles la miren de reojo, pero de ahí a auparla ya a los máximos altares del asunto tech va un largo trecho.

Los temas que sustancian este debut de título homónimo son una suerte de tech-pop anoréxico, frío y nebuloso, sofisticado y espiritual, onírico y, por todo ello, ciertamente interesante. Sí, CBM y Keep Walking son un notable alto y la sobresaliente Anxi es posiblemente uno de los temas más alucinantes de lo que va de 2017, en este estilo. Más que bien, promete mucho. —fernando fuentes

7

ROCK/ Tras su carta de

presentación Big Sur (16), es hora de tirar de raíces y que el olor a tierra mojada marque el rumbo. Caravana cuenta el trayecto que hicieron los gitanos de Oriente a Occidente hasta llegar a Andalucía. De ahí que este álbum tenga mil colores y huela a cardamomo, jazmín o romero con la misma intensidad. Rock flamenco empapado por la psicodelia que une a Triana con Tame Impala, catorce temas que absorben los instrumentos autóctonos encontrados en el camino para tejer, bajo una tormenta eléctrica de riff, quejios y teclado omnipresente, un universo propio en el que la voz de Quentin serpentea a sus anchas. Caravana o Luna de oriente, con su atrayente textura pop son hits instantáneos. La magia de las seis cuerdas de Andrés Herrera (Pájaro) en Caravana II y la aparición explosiva de Niño de Elche en la descomunal Deserto rosso, rematan una obra que se antoja ya como uno de los grandes lanzamientos del año.

United States Of Horror Toys Have Powers/ Caroline

8 HARDCORE RAP/ Los extremos se tocan. Cuan-

do uno busca ser radical en sus postulados aparecen los nexos de unión entre mundos.

Y la música no es una excepción. Por eso, theOGM y Yeti Bones, es decir Ho99o9, combinan sin que nada chirrie hardcore, industrial y horrorcore (ya saben, rap sangriento y violento). O todo lo contrario. United States Of Horror, como los movimientos anteriores del dúo, chirría cosa fina. Hiere a los oídos en el buen sentido, como si alguien intentase hurgarnos en el cerebro metiéndonos clavos oxidados por las orejas. Sí, un dolor tremendo, pero un dolor que acaba convirtiéndose en un placer en tiempos en los que buena parte de los discos más exitosos suenan almibarados y amables. Cuarenta y seis minutos a lo largo de los que uno puede tan pronto pensar en Bad Brains o Black Flag como en Ministry, Death Grips, Dälek y un largo etcétera, pero que se resumen mucho mejor usando el nombre de Ho99o9. Así pasan de la velocidad hardcore de Street Power al punk rock de City Rejects, del arrebato a la

Jourgensen de Bleed War al rock monolítico de New Jersey Devil, el rap digitalhardcorero de War Is Hell o el puro horrorcore oscuro de Splash y de la implacable Moneymachine.

Para ayudarles a dar forma a esta arrolladora amalgama de rap de actitud totalmente punk aparecen y desaparecen en la producción David Sitek (TV On The Radio), Ian Longwell (Santigold), Paul Giese (Hundred Waters) o la Dj, productora y artista Soraya La Pread (cuyo padre, a modo de curiosidad, militó en The Commodores). Por suerte, antes de despedirse nos permiten tomar aire con el tema que da titulo al disco, United States Of Horror, posiblemente su pieza más accesible, y con Blaqq Hole, suerte de epílogo ambiental que funciona como momento de recapacitación con respecto a lo que hemos escuchado minutos antes. Vamos, como si después de vapulearte a puñetazos el agresor se te acercase y te pusiera un vaso de agua fresca en los labios: ya sería demasiado tarde para convencerte de su bondad, pero el gesto se agradece.

—joan s. luna

—david pérez

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mayo 2017 #41

LIBROS. Histopía

David Means Sexto Piso

8

Una historia paralela en la que el presidente Kennedy sigue vivo, a pesar de seis intentos de asesinato, y el gobierno norteamericano ha creado una agencia para controlar la salud mental de los veteranos de guerra gracias a borrarles los recuerdos traumáticos. Más allá de un argumento interesante, Means consigue con esta novela hacernos pensar. Eso sí, más allá de angustias existenciales, se disfruta enormemente.

—eduardo izquierdo

Padre & hijo Larry Brown Dirty Works

9 Son solo cuarenta y ocho horas. Cuarenta y ocho horas de violencia cruda e irrefrenable, igual de asfixiante que el calor que abraza ese pueblo perdido de Mississippi al que vuelve Glen Davis arrastrándolo todo a su paso. Y no cabe la posibilidad de quedarse mirando.

Padre & hijo late, está llena de humanidad, atrapa desde el primer momento. Y pega fuerte.

Otra obra imprescindible en el catálogo de Dirty Works. Y van…

—darío g. coto #42 mayo 2017

Jonas Åkerlund El director es la estrella

Hombre orquesta del audiovisual contemporáneo, Jonas Åkerlund es el director de videoclips más cotizado de los últimos veinte años.

Roxette, Madonna, Lady Gaga, Beyoncé, Coldplay o Robbie Williams son algunos de los artistas que han requerido sus servicios. Con Rammstein mantiene una relación especial. Así lo demuestra la salida de Rammstein: París (Universal, 2017).

E

n marzo de 2012, Rammstein tocaron dos días seguidos en el Palais Omnisports Arena en París. El director sueco supervisó la filmación de esos dos shows. Y ahora, cinco años después, se puede ver el resultado. Un espectacular documento del musculoso y poderoso directo de la banda berlinesa. “La decisión fue no tener un deadline claro para que la calidad del filme no se resintiera” comenta Åkerlund, “así que nos tomamos un tiempo largo para acabarlo y para trabajar con detalle. Además, apareció otro DVD del grupo y eso aplazó la salida. Lo bueno de Rammstein es que son una banda atemporal y única, algo que hace que sus conciertos no queden desfasados con el paso de los años. ¡Ah! La parte artística de este DVD es el trabajo de edición, conseguir algo especial que los fans no hayan observado en el concierto, ya que es difícil competir con la experiencia alucinante de ver a Rammstein en vivo. Y creo que hemos conseguido ese algo más”. Åkerlund se deshace en elogios cuando se le menciona el nombre del grupo alemán. “Son muy diferentes a la mayoría de artistas con

“Hacer un vídeo pornográfico sería impensable para un grupo americano...

Solo es posible con Rammstein”. los que he trabajado. Y para mí son una fuente de inspiración continua en mi otra vida artística. Trabajo casi siempre en Estados Unidos, y allí es difícil encontrar un grupo con tanta creatividad e integridad como Rammstein. Es algo muy refrescante y rejuvenecedor. He trabajado mucho con ellos y son una parte muy importante de mi vida. Es un grupo que no sigue las corrientes del mundo del entretenimiento actual.

Van por libre”. Y añade: “Rammstein son una banda verdaderamente local que ha llegado a todo el mundo. Cantan en alemán, conocen y protegen su historia. Esa forma que tienen de no olvidar sus orígenes me conecta con ellos de forma especial porque trato de hacer lo mismo con mi carrera”.

Una de las colaboraciones más sonadas de los alemanes con el realizador escandinavo fue el controvertido video porno que ilustraba la canción Pussy.

“Con Pussy el proceso fue el siguiente: Escuché la canción varias veces para extraerle su significado, y de forma espontánea les propuse lo del video pornográfico. Dijeron que sí enseguida. En ningún momento les pareció una idea

FOTO: ARCHIVO

CINE.

42/Mondo Media

loca o rara, sino la más adecuada. Lógicamente, esa propuesta sería impensable para un grupo americano. Si la sugiriera me despedirían de inmediato (risas). Solo es posible con Rammstein”.

Ahora que prepara su nueva película como director, titulada Lord Of Chaos, una adaptación del libro homónimo sobre los primeros años del death metal en Noruega, vale la pena recordar que Åkerlund fue el batería de Bathory, grupo sueco que también fue pionero del género. ¿Qué recuerda de esa época? “Solo tengo buenos recuerdos. No éramos como el black metal noruego, nosotros nos lo pasábamos bien. Creamos un género musical que no existía y había un montón de talento, sin ir más lejos Quorthon (Tomas Forsberg), líder de Bathory. De hecho, aún hoy lo considero uno de los talentos musicales más brillantes que he conocido a lo largo de mi carrera. Me siento bendecido por haberlo conocido, y por lo que hicimos juntos. Ojalá estuviera vivo para poder ver cómo ha crecido su legado y también porque hubiera podido tener una carrera mucho más larga”.

—xavi sánchez pons

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Lucas Varela La Cúpula

Ben Brooks lleva sorprendiendo al mundo desde que publicó la atrevida Crezco, publicado en España por Blackie Books. Pese a haber escrito tres libros previos, con él revolucionó el panorama literario y se ganó más de un hueco en nuestras estanterías.

8

Este autor argentino es conocido sobre todo por la publicación La herencia del coronel (Dibbuks, 10) y Diagnósticos (La Cúpula, 16), pero en El día más largo del futuro lo borda. Relato sin palabras en un mundo futurista donde en el desarrollo de la tecnología ha llegado a un nivel casi supremo, Varela te atrapa con una narrativa de ritmo continuo que consigue que te metas de lleno en su universo. —eduard tuset

S

incero y sin pelos en la lengua, Ben Brooks respondió a nuestras preguntas entre cervezas en una terraza de un barrio barcelonés.

Escribiste parte de Lolito estando aquí. ¿Qué te hizo escoger esta ciudad?

Creo que es la única ciudad de todas en las que he vivido en la que he podido vagar por sus calles a las cuatro de la mañana. Puedes ir borracho tranquilamente caminando y sentirte a gusto, algo que no puedes hacer en Londres.

Aunque no llegué a avanzar mucho en mi libro, ya que la ciudad te invita constantemente a salir y a explorar.

A la hora de encontrar la inspiración, ¿dónde la buscas? Personas en concreto, experiencias, lugares...

En mí, simplemente y absolutamente en mí. Suena muy fácil y egoísta, ¿verdad? Todo lo que me pasa lo proyecto en papel, no me intereso por nada más.

Ether. La muerte de la última llama dorada

Matt Kind/ David Rubín Astiberri

Manhole

Tetsuya Tsutsui Planeta Cómic

7 Tras Prophecy, llega a España un nuevo thriller en dos volúmenes de Tetsuya Tsutsui, autor de dibujo detallista y tramas muy bien diseñadas. En esta ocasión, la historia protagonizada por un veterano investigador y su joven ayudante mantiene la tensión en todo momento y se mueve en el filo entre caer en algunos tópicos o evitarlos con oficio y buena mano.

—joan s. luna

CINE.

8

De nuevo los fans de David Rubín con la ayuda del guionista Matt Kind vuelven a gozar de un gran cómic. Ether combina la ciencia ficción más clásica con el género negro, equilibrando el talento de Kind y Rubín, quienes forman un dúo perfecto a la hora de dar forma a una historia inteligible con pequeños toques metafísicos. Un cómic fascinante que nos recuerda una vez más que la ciencia ficción está completamente en auge en Estados Unidos. —eduard tuset

Ben Brooks, la literatura como medicina

FOTO: ALBERT RUSO

El día más largo del futuro

LIBROS.

CÓMICS

A la hora de escribir, quiero decir. ¿Te funciona como terapia escribir sobre Adam, Dan y el resto de protagonistas?

Sin duda alguna. Es como que toda la mierda que te va pasando cobra un sentido, mientras buscas una solución a través de las palabras. Además, cuando los lectores acaban los libros y se acercan diciéndote que les ha gustado es muy agradecido, ya que en cierta manera dejas de sentirte solo.

Básicamente el escribir sobre malas experiencias es como una aspirina con efecto a largo plazo. ¿En qué punto escribir pasó de ser un hobby a un trabajo?

Cuando tenía dieciocho años. Todo el mundo, absolutamente todas las personas de mi instituto iban a ir a la universidad y yo no. Entonces un día el director me llamó y me pregunto que qué me pasaba y por qué no iba a ir a la

universidad, le dije que no me apetecía.

Tampoco quería un trabajo, así que digamos que el escribir me empezó a salvar el culo.

Pero sigues en activo, ¿verdad?

Sí, pero estoy harto de las novelas, no quiero seguir escribiendo este tipo de textos. Ahora mismo tengo escritas un par de obras de teatro y una película para la que aún estamos buscando director.

Ah, y también una serie de televisión que ya está comprada y tiene un guión.

—ane barcena

Crezco

Ben Brooks Blackie Books

El inicio de la violencia coreana: Old Boy Hace mas de diez años del estreno de Old Boy, la película que consagró al coreano Park Chan-Wook al mundo. Y parece que fue ayer, más que nada porque la cinta mantiene toda su fuerza y su atractivo pese al tiempo transcurrido.

C

on ella (y con Memories Of Murder de Bong Joon-ho, de 2003) empezó el aluvión internacional de thrillers violentos coreanos o, por lo menos, dio rienda suelta a nuestra necesidad de nutrirnos continuamente de cintas de calibre y de espíritu incendiario.

Parte central de la trilogía de la venganza que el coreano inició con la también muy recomendable Sympathy For Mr. Vengeance (02) y que completaría con Sympathy For Lady Vengeance (05), fue toda una sorpresa verle recibir el Gran Premio del Jurado del Festival de Cannes de manos del propio Quentin Tarantino, que así reivindicaba a un director que en Corea del Sur ya era una gran estrella gracias sobre todo a la atractiva y original Joint Se-

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curity Area un par de años antes. También se llevó el Premio a Mejor Película del Festival de Sitges, lo que no hizo sino aumentar la repercusión de un clásico moderno en su género. Excesiva en algunos momentos (la lucha de Oh Dae-Su en el pasillo es, sin lugar a dudas, una de las escenas más históricas que haya filmado Chan-Wook), en constante pulsión en otros, Old Boy marcó un antes y un después en la popularización de un género que ha salpicado la cartelera de películas infaltables desde entonces. Y lo hizo con una mirada violenta y dramática, pero no exenta de humor cuando el momento lo requería.

La película se inspiraba en el manga de Nobuaki Minegishi, manteniendo buena parte de su trama, aunque tomándose algunas licencias que sin duda favorecieron a la obra de Park Chan-Wook. La edición especial que ahora se publica es un lanzamiento impresionante para aficionados y para oldboyheads. Al margen de la película en calidad HD, el pack incluye un segundo Blu-Ray con casi siete horas de extras: making of, diario de rodaje, escenas eliminadas, entrevistas, clips... Una obra maestra que revive en la mejor de las condiciones posibles.

—joan s. luna mayo 2017 #43

44/Mondo Conexiones LIVE NATION <> DCODE LAB

El 10 de mayo tendrá lugar en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid la segunda edición de DCODE LAB, una jornada de sesiones y encuentros profesionales de la industria musical y de la comunicación con estudiantes. www.dcodefest.com

WAM <> Estrella De Levante Este mes aterriza en Murcia la primera edición de WAM Estrella de Levante, los días 2 al 7 de mayo en distintos espacios de la ciudad, así como en el Recinto de La Fica, donde tendrá lugar el grueso de la programación musical. Por el festival pasarán artistas internacionales como Trentemøller, Future Islands, Orbital o White Lies; y nacionales como Lori Meyers, Fangoria, Belako o Niños Mutantes. www.wammurcia.es

VICTORIA <> VICTORIA MUSIC MEMORIES El pasado 25 de abril la sala El Sol de Madrid acogió la fiesta #VictoriaMusicMemories, para conmemorar las míticas inglesas de Victoria, esas zapatillas referentes de los años 80.

En esta vuelta al pasado se subieron al escenario Papaya, El Último Vecino y Say Yes DJ, mientras en la sala las máquinas Arcade y los fotomatones recordaban aquellos maravillosos años.

Festival Tomavistas <> Corona Corona y su nueva filosofía “This Is Living” buscan que la gente salga fuera, desconecte de la rutina y disfrute de los momentos que realmente importan. Por eso este año estará presente en el Festival Tomavistas, con quien comparte valores similares, como son: el compromiso por el medio ambiente, el cuidado de los pequeños detalles y la calidad. El festival se celebrará los días 19, 20 y 21 de mayo en el parque Enrique Tierno Galván de Madrid y entre los confirmados: Suuns, Hercules & Love Affair, Goldfrapp o Temples. www.tomavistasfestival.com

MEO <> MEO SUDOESTE FESTIVAL

Movistar artsy, la plataforma de mecenazgo cultural de Movistar en Cataluña, y Cruïlla, el festival que se celebra los días 7 a 9 de julio en el Parc del Fòrum de Barcelona, abren por segunda año una convocatoria para que los grupos y solistas emergentes puedan participar y optar a la grabación de un disco y a compartir cartel en el festival con grupos como Jamiroquai, Pet Shop Boys o Ryan Adams. La convocatoria estará abierta hasta el 1 de junio.

Los días 1 al 5 de agosto tendrá lugar en Zambujeira do Mar (Portugal) el festival MEO Sudoeste, que este año celebra su veinte aniversario.

El festival se caracteriza por una potente programación de hip-hop internacional, entre ellos Lil Wayne o Mac Miller. Además, entre los confirmados: Jamiroquai, Dua Lipa, Martin Garrix, The Chainsmokers, DJ Snake, Marshmello, Two Door Cinema Club o Crystal Fighters.

Con la llegada de la primavera, Costello Club presenta Costello PM

by Fred Perry. El plan nocturno de conciertos y dj’s se adelantará para convertirse en un plan de tarde, ofreciendo una propuesta alternativa en la escena madrileña. Artistas internacionales y Dj’s llenarán la programación de este nuevo evento que, depende del día, transcurrirá de 15:30 a 19:00, a las 20:00 o a las 22:00. Los primeros artistas en actuar han sido Lewis & Leigh y Charlie Cunningham.

artsy.movistar.es

www.meosudoeste.pt

www.costelloclub.com

Festival Cruïlla <> Movistar Artsy

#44 mayo 2017

Costello Pm <> Fred Perry

#CostelloPMFredPerry

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C

M

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CM

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CY

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NUEVO DISCO A la venta el 5 de mayo

Producido por Brian Eno y mezclado por Flood Showcase

13/5

19h

Fnac Callao

“Fronted by super energetic disco diva type, Sónia Tavares, the band is spectacular live and her voice is killer”. Gigwise “An inspired collection of sonically inventive, discreetly theatrical pop”. Uncut

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mayo 2017 #45

RETROVISOR.

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Publicidad Catalunya: Cristina Benito cris@mondosonoro.com, T. 657 701 015 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación

“Queríamos hacer algo que sonase a una mezcla entre My Bloody Valentine y Jimi Hendrix”

Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondo web www.mondosonoro.com

Lift To Experience

Origen: Denton, Texas. Surgidos en 1996

E

n la historia de Lift To Experience casi nada es normal. ¿Tres tipos del Texas profundo componiendo y grabando una ópera-rock? ¿Una mezcla de psicodelia, post-rock y cristianismo? ¿Y con esa portada? Normal que quedase en el olvido, se podría pensar. Pero The Texas-Jerusalem Crossroads (Bella Union, 01) no se quedó a mitad de camino hacia la gloria por ser un mal trabajo ni mucho menos, sino por un cúmulo de infortunios. Para empezar el grupo no consiguió distribución en Estados Unidos, y en Europa, donde sí se generó un fuerte interés por el disco, se quedaron a las puertas de la consagración. Tras una primera gira en la que pudo verse a miembros de Portishead, Radiohead y otros gurús noventeros entre el público, volvieron en 2002 dispuestos a ir a por todas. Pero al aterrizar en Irlanda recibieron una terrible noticia: la mujer del bajista Josh Browning acababa de morir víctima de una sobredosis. Él se sintió terriblemente culpable por haberla dejado sola y cancelaron inmediatamente la gira.

Los intentos por recomponer el grupo tras semejante mazazo fueron también boicoteados por los excesos con las drogas (el alcohol, en el caso de Josh T. Pearson), y al final cada uno rehizo su vida por separado.

El baterista Andy Young montó una empresa vinícola, Browning abrió una tienda de sandwiches, y Pearson fue el único que siguió intentándolo en el mundo de la música… y consiguiéndolo, pues en 2011 por fin logró pegar fuerte (al menos entre la crítica especializada) con el sobrecogedor The Last Of The Country Gentlemen. Siempre le quedó la espinita de que su particular cruzada quedó sin culminación, pero ahora los planetas se han alineado y The Texas-

#46 mayo 2017

Jerusalem Crossroads ha pasado por un laborioso proceso de remezcla y remasterización que quizá les ponga de nuevo en la carretera. Josh T. Pearson nos lo cuenta al teléfono desde su refugio en mitad del desierto tejano, donde lleva más de una semana sin hablar con un ser humano. “El origen de esta reedición está en el primer disco, cuya mezcla no me gustó nada de nada”, dice carraspeando. “La hicieron los tipos de nuestra compañía Bella Union y no acertaron. Publicamos el disco porque no teníamos otra opción. Desde entonces hemos estado deseando remezclarlo, y en cuanto la oportunidad surgió hace un par de años, la tomamos. El sello había perdido los masters, pero de pronto apareció una de las cintas y se pudo hacer”. El milagro se obró gracias a “un amigo de un amigo”, que conservaba una copia, y el resto vino de parte de Mute Records, que se ofreció a publicar la nueva mezcla.

“Ahora se puede percibir todo lo que pasa en las canciones”, exclama Pearson, satisfecho y feliz “por poder escuchar las canciones como debían haber sonado desde el principio. Trabajamos durísimo en aquel disco, ¿sabes? Yo casi perdí la cabeza haciéndolo...

En aquella época sólo Explosions In The Sky hacían algo parecido en Texas”. Razón no le falta, pues su apuesta de post-rock psicodélico conceptual se pasó tres pueblos de los cánones de la escena local. “Sólo queríamos hacer algo que sonase a una mezcla entre My Bloody Valentine y Jimi Hendrix, algo artístico”, sintetiza Pearson, un tipo realmente sensible, que reconoce que el proceso de reedición no ha estado exento de dolor. “La grabación del disco estuvo rodeada de dolor y drama, y volver a recordar que a nadie le importó una mierda en su momento, no ha sido fácil”. —nacho serrano

IMPRESCINDIBLE The TexasJerusalem Crossroads Mute/[PIAS], 2001/2017

La versión deluxe de la reedición de Mute Records incluye una de las sesiones en directo que el grupo grabó con John Peel. En total fueron tres, una cifra que ningún otro grupo alcanzó en la historia de su programa. “Los ingleses amaron nuestro disco, y John Peel vio algo especial en nosotros”, cuenta Pearson. “Era un tío muy cool, te lo puedo asegurar.

Una personalidad inmensa, llena de vida, siempre contaba historias increíbles… Fue un verdadero honor ser una de sus bandas favoritas”. El célebre locutor y DJ británico sin duda quedó prendado del lado psicodélico de Lift To Experience, una faceta innata en todo rockero tejano que se precie. “Nuestros cielos estrellados influyen mucho en eso. Pasar una noche en el desierto puede ser un viaje en toda regla, sin tomar ni un sólo ácido. Antes de la llegada de las nuevas tecnologías, Texas era un espacio salvaje y desconocido. Texas no es Austin. Texas es seco y duro, caliente, muerto. De ahí vienen muchas influencias que moldearon el rock psicodélico, la temperatura, el calor, las cosas derritiéndose, el aspecto religioso…”. —n.s.

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