MondoSonoro mayo 2018

Nยบ 261 Mayo 2018 www.mondosonoro.com

A PERFECT CIRCLE, TOUNDRA, JOSH T. PEARSON, JOHN MAUS, OSCAR MULERO, EELS, GRISES, MUERDO JON HOPKINS, METALLICA, la HABITACIร N ROJA, CHRISTINA ROSENVINGE, ANGELUS APATRIDA, SUPERCHUNK

Arctic Monkeys Todo al negro

19 · 20 · 21 · 22 JULIO

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A Perfect Circle despiertan A del letargo

FOTO: ARCHIVO

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Billy Howerdel es el ideólogo de A Perfect Circle, un tipo perfeccionista y obsesivo que ha tardado catorce años en dar cuerpo a las nuevas canciones que forman Eat The Elephant (Sony, 18). Con él charlamos sobre su aventura junto a Maynard James Keenan.

unque sea fácil asociar a A Perfect Circle con Tool por la presencia de Maynard James Keenan en sus filas, se trata de dos bandas con filosofías distintas, con un sonido que comparte algunos puntos en común, pero sobre todo de dos proyectos con una personalidad muy definida y estable. Billy Howerdel es el ingeniero y el ideólogo tras A Perfect Circle –y también, durante los últimos años, de Ashes Divide-, un músico particular, perfeccionista hasta el extremo de que hayan sido necesarios catorce años para dar forma a las canciones de Eat The Elephant, un disco que no se ha publicado hasta que Howerdel ha juzgado oportuno. Más vale tarde que nunca.

“Son catorce años y la verdad es que reconozco que es mucho tiempo. Pero estoy agradecido de poder volver a Europa, sobre todo porque en Estados Unidos sí hemos ido ofreciendo conciertos esporádicos, pero no en vuestro continente”.

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Hasta ahora, en los discos de A Perfect Circle primaba más el conjunto, la búsqueda de un concepto por encima de la individualidad de las canciones, pero las cosas han cambiado. Tiempos nuevos. “No había hecho aún esa lectura, quizás porque esta vez me he centrado más en las letras. Para ser honesto, creo que está muy bien que sea así”. Lo que parece que no ha variado es la metodología a la hora de componer. “Yo empiezo a escribir material solo, le dedico mucho tiempo, y cuando creo que tengo el material listo, se lo envío a Maynard, que añade sus ideas. Cuando nos encontramos todos en el estudio le acabamos de dar forma a las canciones. Es allí donde se desarrolla el resto”. También se mantiene uno de los aspectos más destacables del universo A Perfect Circle. Se trata de la facilidad con la que sus canciones permiten infinidad de interpretaciones.

En ese sentido hay vía libre. “Esa es nuestra marca registrada y, en parte, es lo

que Maynard personifica y proyecta. Es interesante esa dualidad, tener diferentes filtros e interpretaciones. Personalmente, necesito estar relacionado con las canciones desde distintos ángulos. Creo que es bueno, y hasta bonito, que eso sea así”.

A diferencia de Tool, más intensos y densos, el proyecto parido por Billly Howerdel tira más de la beta de la emoción. “La razón por la que hacemos esta música es la emoción, sí, esa es la cuestión principal. Por eso estamos aquí.

Para nosotros son viajes, al pasado, al futuro, pero siempre con la emoción como elemento, es lo que más valoro. No es algo matemático, no puedes hacer cálculos para conseguirlo. Hay gente que hace cosas muy rápidamente y que se convierten en populares, sin embargo, ese no es nuestro estilo. No quiero tener la sensación de estar perdiendo el tiempo. Necesito involucrarme, emocionarme” Dave Sardy ha co-producido y mezclado Eat The Elephant, una elección excelente

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MONDO FREAKO

LA MÍA Memorias

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consensuada por todos. “Teníamos varias opciones, estuve preguntando a gente distinta.

Cuando nos reunimos todos por primera vez evaluamos la situación y se sugirió esta posibilidad. No había primeras ni segundas opciones, la de Dave fue una más y creímos que era la óptima. Había mucho trabajo por delante y sabíamos que iba a ser duro, pero queríamos estar preparados, bien rodeados y asesorados por alguien con conciencia de lo que tenía entre manos. Al final, fue más fácil de lo previsto, quizás porque nosotros teníamos menos cosas de las que preocuparnos en comparación a otras veces”.

Aunque Howerdel sea el motor de A Perfect Circle, no cabe duda de que la presencia de Maynard James Keenan es un elemento fundamental. Y es que Keenan es uno de los representantes de una generación que brilló por la calidad de sus cantantes. Diría que, en la actualidad, cuesta encontrarnos de la misma talla.

“No sé exactamente por qué motivo pasa eso.

Yo también lo creo. La gran diferencia imagino que está en que, en los noventa, se trabajaba la parte vocal durante mucho más tiempo. Ahora una banda se monta en un mes y enseguida tiene grandes planes. Antes no. Antes necesitabas tener tiempo para conocerte bien con los demás miembros de tu grupo, crecer junto a ellos. Nosotros prestábamos más atención a esos detalles porque sabías que te enfrentabas a una audiencia muy exigente y, por tanto, tenías que estar preparado.

Los cantantes además competían entre ellos. Yo siempre digo que la comida sabe bien si tú verdaderamente sientes que has empleado el tiempo y el cariño necesario”. Hablando de vocalistas carismáticos, en el diso hay también un homenaje a Chester Bennington, el fallecido vocalista de Linkin Park, concretamente la canción que da título al álbum.

“Fue algo accidental. Chester me pidió co-escribir una can-

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ción para un disco de Linkin Park, a lo cual accedí. La teníamos preparada y, cuando nos dejó, sentí en mi corazón que tenía que hacer algo con ella. Y la mejor opción era publicarla”. Aunque Bennington no es el único amigo de Howerdel que nos ha dejado recientemente. El cerebro de A Perfect Circle fue técnico de guitarras de David Bowie, una experiencia que se llevará a la tumba. “Fue muy duro para mí. Como fan es la muerte más terrible que he vivido. Como músico, Bowie ha sido la influencia más importante y, por lo tanto, fue muy duro acceptar lo que le pasó. Nos conocimos personalmente y tuvimos contacto durante varias giras, lo cual era un privilegio para mí y para nuestro equipo. Era una persona muy inteligente, muy intuitiva y muy inspiradora. Siempre buscaba hacer algo más grande. Era el número uno”.

Para terminar, le pregunto por la banda sonora de D-Love, una película independiente dirigida por Elena Beluca y en la que él tiene un papel.

“Sí, fue estupendo. Y muy duro también... Conseguir distribución, que el proyecto fuera viable y todo eso. Fue una experiencia distinta para mí.

Trabajé mucho con teclados, con pianos, dediqué tiempo a escribir en función del desarrollo de la película. Fue emocionante encarar el gran reto de ponerle música para que el mensaje fuese más redondo, más perfecto”.

—toni castarnado

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la que a r o p n ic zó “La ra os esta mús hacemmoción” es la e

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a vida de los muertos perdura en la memoria de los vivos. La frase, que acuñó Cicerón hace casi dos mil años, retumba a lo largo del emocionante texto que Antonio Arias (Lagartija Nick, Los Evangelistas, 091) publicó el pasado 15 de abril en El País y en el que recuerda a su hermano Jesús. Músico, escritor, periodista,… Jesús Arias se lo puso fácil a quienes después de su partida aún buscan dialogar con él a través de sus escritos. “Tu mirada sabia y curiosa se despliega ahora en cartas, ensayos, poemas, escritos de todo tipo, objetos insospechados, recortes del pasado, semillas del porvenir, ideas, proyectos, tus exquisitos cuadernos, fotografías, música, muchísima música, sirenas, bombardeos, astronautas, gritos, libros y más música aún.

Un universo inconmensurable que te hace eterno”, escribe Antonio.

En realidad la muerte como casi todo lo fisiológico, como los grandes misterios de la existencia, el nacimiento o el acto sexual -que no la sexualidad- ha sido radicalmente borrada del espacio público. Cuanto menos en las sociedades urbanitas en las que la mayor parte de nosotros nos manejamos. Estamos acostumbrados a grandes despliegues informativos a propósito de la muerte-espectáculo, y desde los medios y las redes sociales se afianza la idea de que el tránsito desde este al otro barrio es sólo cosa de ilustres o de víctimas de horrendos crímenes o accidentes. El resto de ciudadanos no la diñamos, sencillamente desaparecemos como por arte de magia sin dejar rastro alguno.

Puede que el respeto reverencial por los músicos con los que crecimos -ya fueran superestrellas internacionales o héroes de carne y hueso que nos cruzábamos asiduamente por Malasaña- represente el verdadero salto intergeneracional entre quienes afrontamos nuestra madurez y los jóvenes que han crecido en la era post-Internet negando el pasado, ya sea vivido o no. No hay mejor metáfora de ello, de esa obsesiva y ridícula obsesión de la sociedad actual por abrazar la inmortalidad, que esos perfiles en RRSS que a la larga terminarán por sobrevivirnos a todos. Al hilo de todo esto, en más de una ocasión he discutido con algún colega la razón de ser de las necrológicas en un medio como MondoSonoro que se esfuerza por glosar la actualidad musical y rehúye entregarse a un flashback perpetuo, a la grandeza del rock’n’roll pretérito. Y en más de una ocasión también he tenido que escuchar que mi interlocutor nos acusase de encontrar en ese tipo de textos una oportunidad de generar visitas. Nada más lejos. En un momento en que se pone en entredicho la utilidad del periodismo musical, pocos servicios más nobles podemos prestar quienes nos dedicamos a esto que poner en valor una vida entregada a la música. Parece un intercambio justo: vampirizamos la creatividad del artista a lo largo de su vida para convertirnos en legatarios de su obra cuando se despide de este mundo. —luis j. menéndez

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o han continuado con el orden numérico (o sí, si nos fijamos en la “V” inicial), pero sí han seguido usando el latín para nombrar su nuevo disco, publicado el pasado 27 de abril. Para cuando leas esto ya lo habrán presentado ante el multitudinario público del Viña Rock y el 3 de mayo pasarán por Doka (San Sebastián) antes de embarcarse en una gira europea de más de veinte fechas que les llevará a lugares nunca antes visitados.

“Ahora nuestro pensamiento es intentar ir a por quinientas personas cuando antes íbamos a por doscientas. O ir a por doscientas cuando antes íbamos a por cero”, asegura Esteban Girón, guitarrista y portavoz forzoso. “La ilusión nos está quitando miedos. Por ejemplo, hace poco dijimos: ‘¿por qué no tocamos en Hungría, aunque no vaya a vernos ni Dios?

Nunca he estado en Budapest y me han dicho que está muy guapo’. Nos hemos arriesgado a organizarlo, y ya tenemos más de trescientas entradas vendidas”.

La expectación, admitámoslo, es alta.

Toundra son ya un referente de nuestro rock y uno de sus máximos embajadores en el extranjero. Más aún después de la experiencia Exquirla. “Nos ha dado otro tipo de cosas, como intercambiar los roles en el grupo, y nos ha liberado a la hora de componer y de jugar con otras armonías y tonalidades”, explica Esteban, que también admite que “nos ha ayudado a ver que hay realidades del negocio que no disfrutábamos o que no sufríamos hasta ese momento”. Lo que han ido viendo en su gira con Niño de Elche es que “había una parte del interés de la gente que venía de lo cool del proyecto. Muchos no se sumergieron en las profundidades del disco como a nosotros nos hubiera gustado, sino que le gustó eso, lo ‘cool’ del proyecto”. A pesar de todo, saben que no deben ponerse “esnobs con el tema” y han disfrutado la aventura al máximo. De hecho, Esteban está convencido de que si no hubieran grabado Para quienes aún viven, Toundra “se habría ido a la mierda”. En un ejercicio de total sinceridad, admite que estaban en un momento en el que “sacar otro disco nuestro nos hubiera costado”.

Por eso, una vez satisfecha la ansiada etapa de “oxigenación”, por fin les entraron las ganas de “volver a casa”.

Echando la vista atrás, Esteban se da cuenta de que la banda ha completado un ciclo. “II fue un disco de componer en casa, muy pausado y lento, con

EL APUNTE El título de Vortex El 21 de septiembre de 2012 Toundra llegaron a una sala llamada Vortex Surfer Musiklub en Siegen (Alemania), una pequeña ciudad que apenas sobrepasa los cien mil habitantes. Tocaron colándose en el cartel de un concierto cuyo set estaba ya cerrado, y cobrando cien míseros pavos. “Tuvimos que esperar a que terminaran los otros grupos para subir y empezar a tocar, sin prueba de sonido. La sala se llenó y el recibimiento del público y los trabajadores de la sala no pudo ser mejor. No pudimos vender más merchandising. Hubo gente que nos dio cincuenta euros por el vinilo. Nos enamoramos por completo de ese pequeño club y de la pequeña casa anexa en la que dormimos aquella noche”, recuerda Esteban. —n.s.

muchos matices, y en reacción salió III, que es un disco de local y de rock’n’roll, más de directo. La reacción fue volver a estar un año componiendo IV, otro disco de mucho matiz, conceptual como II. Ahora Vortex vuelve a ser una reacción a eso, aunque el setenta por ciento haya sido de componer en casa. Con Macón he compartido mucho trabajo de estudio casero, pero luego todo se ha definido en el local, como siempre, porque la música que hacemos Toundra hace que nunca sepas si una canción funciona o no hasta que la tocas con bajo y batería”. Eso a nivel artístico. Porque a nivel personal, la evolución de Toundra los ha llevado de

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Toundra Un, dos, tres, cuatro y…

Vortex

“la fotografía de un grupo recién nacido, muy inocente, que no sabía lo que estaba haciendo” cuando grabaron su disco de debut, a un escenario en el que “sin ir de flipados, somos una banda a la que sigue la peña, que tiene repercusión”, y que ahora tiene “la responsabilidad de hablar de ciertos temas” (ver el videoclip de Cobra, realizado en colaboración con el Pulitzer Manu Brabo y el periodista Gonzo). Toundra es ahora “algo más serio que nunca”, pero ni de coña van a perder el espíritu lúdico que prima en la banda. “Yo no paro de decirme: ‘chaval, valora lo afortunado que eres, porque la cantidad de músicos mejores que tú, que han trabajado más que tú, y que no han podido disfrutar de esto, es enorme.

Disfrútalo, porque no sabes si mañana esto se va a acabar’”, sentencia Esteban, un tipo que con sólo una charla te haría apostar a que es buen amigo de sus amigos. “Nosotros discutimos, nos matamos, pero somos una familia y si le pasa algo a uno de nosotros, los otros tres van a socorrerle y a levantarle. Yo tengo claro que me toca la parte más farandulera del grupo, pero ellos se preocupan por que no se me vaya la olla. Somos un grupo de amigos. Quiero dejar muy claro que nuestros triunfos pueden ser pequeños o humildes, pero son los nuestros”.

—nacho serrano

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“Si no hubiésemos grabado el disco de Exquirla, Toundra se habría ido a la mierda”

FOTO: ARCHIVO

Tras su celebrada travesía vocal junto a aquel que no comparte los postres (Niño de Elche), los instro-rockers más populares del circuito nacional vuelven por sus fueros en su quinto disco. Se trata de Vortex (InsideOut, 18), un disco que vuelve a subrayar su nombre como es debido.

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Quizás sea uno de los artistas más particulares de la escena musical actual. Al margen de las convenciones, Josh T. Pearson sabe que la música existe para hacernos pasar buenos ratos y está claro que esa es la mayor de las intenciones de su reciente Straight! The Hits (Mute/[PIAS], 18).

P

odríamos empezar diciendo que Josh T. Pearson ha grabado solamente tres discos y un puñado de singles en veinte años, lo cual sorprende. Es una producción escasa, muy escasa, para un músico con semejante talento. Pero Pearson, ajeno a la industria y a lo que dicta, prefiere vivir a su manera, con pocos compromisos. Durante los años anteriores a escribir las canciones que forman parte de este Straight! The Hits, Pearson luchó por sobrevivir y, en consecuencia, hizo arte, tomó muchas drogas, aprendió a bailar e hizo el amor. Una vida fuera de los focos.

Cuando hablo con él vía Skype, está en Austin, ciudad en la que reside actualmente y en la que hace muy poco se ha celebrado la edición anual del South By Southwest, una de las citas musicales más importantes del mundo. “Estuve por ahí, sí, estando tan cerca no tenía excusa para no ir. La verdad es que lo pasé bien y me encontré a mucha gente conocida”. Con sus amistades salió por ahí y tomó alguna copa, que es precisamente lo que hizo la noche antes a nuestra primera conversación. Pearson cumplía años y lo celebró a lo grande, de ahí que me pidiera si le podía volver a llamar al día siguiente. “Me he pasado con el tequila y tengo una de las peores resacas de mi vida. Gracias amigo, y te pido disculpas. Llámame otro día, cuando tú quieras”.

Ahora, hablemos del disco, el segundo en solitario tras Last Of The Country Gentleman (2011). Pearson estableció unas reglas de cara a darle forma. Las canciones debían tener una estrofa, un coro y un puente con un total de dieciséis líneas de texto o menos. El título de cada tema debía incluir obligatoriamente la palabra “straight” y no usar más de cuatro palabras. El resultado obtenido es Straight! The Hits, un álbum con dos caras, una más directa y festiva con canciones como Straight To The Top, que podría pasar por un himno deportivo, a Give It To Me Straight, que es toda una celebración de la vida con cierto regusto a taberna irlandesa. La otra, más calmada, la encarnan los temas finales más tranquilos y en teoría más serios. “La verdad es que, en cuanto al tono, no había #8 mayo 2018

Josh T. Pearson Perro (verde) del desierto ninguna intención antes de grabarlo.

Salió así y ya está. Los periodistas siempre queréis saber el porqué de cada cosa que los músicos hacemos, pero en ocasiones no hay una respuesta, no hay una lógica (risas). Lo único que sí tengo claro es que la única canción seria del disco es la última, Straight Down Again, quizás un aviso de cara al siguiente disco que haga en un tiempo”.

Otra cosa que sorprende es que, para este trabajo, Pearson se haya presentado más aseado, sin su característica barba y vestido en colores claros.

“Me quité la barba porque llevaba quince años con ella. Y si me tengo que presentar ante un juez prefiero tener esta imagen. Me favorecerá (risas)”. En ese momento aprovecha para llamar a su novia. Dice que quiere presentármela. Se llama Carolina, y habla castellano. Nació en Miami, pero es de madre asturiana. “No te tomes en serio todo lo que dice Josh. Le gusta hacer bromas. Eso sí, la culpa de que ayer no te atendiera la tuve yo, que le preparé una fiesta sorpresa. Ya está mayor para beber tanto. De las tres últimas horas no se acuerda de nada. Eh, ojalá nos

CRiTICAndo The Straight Hits!

Mute/[PIAS]

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Lo atípico AMERICANA / Un álbum que nace con la

vocación de entregar diez canciones que enganchen, diviertan o conmuevan, compuestas bajo cinco premisas autoimpuestas, alguna un poco chorra (Todos los temas deberán incluir la palabra “straight” en el título”). Así nos encontramos con un disco muy variado que se inicia con el espíritu juerguista y tabernero de bandas como Deer Tick, The Felice Brothers o los actuales Titus Andronicus, para finalizar con una segunda parte más delicada que igual puede rescatar el espíritu romántico de Elvis Presley (The Dire Straits Of Love), el de M. Ward (Whiskey Straight Love) o el de Father John Misty (A Love Song, Set Me Straight). Referencias todas ellas que te ayudarán a situar a un músico atípico que ha sido en muchas ocasiones su peor enemigo.

—don disturbios

conozcamos en el Primavera Sound.

Lo vamos a pasar en grande”. A poco que pueda haré por conocerles. Josh T. Pearson actuará en el festival con Lift To Experience, la banda con la que grabó un único disco, The TexasJerusalem Crossroads, reeditado hace relativamente poco y considerado con el tiempo una verdadera obra de culto.

“No tengo la intención de reactivar nada, pero me llamaron por si nos interesaba. Me hicieron una buena oferta y acepté. El año pasado ya tocamos en otro festival con unas condiciones parecidas. La verdad es que es un disco que gustó mucho y que tuvo repercusión. Todavía queda un público al que le apetece escuchar ese material y yo, por supuesto, lo agradezco. Y además, de esa manera, podré volver a Barcelona. ¡La última vez que fui me pasé tres horas tumbado en la playa sin moverme”. —toni castarnado

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es “Tengo una de las peor resacas de mi vida...

Te pido disculpas... do Llámame otro día, cuan tú quieras”

FOTO: ELIOT LEE HAZEL

MONDO FREAKO

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Últimas novedades del FIB

Este es el mes de Plaza Sonora

El festival WARM UP, que se celebrará en el Recinto La Fica Murcia a lo largo de los días , 4 y 5 de mayo (con nombres como los de Kasabian, Alt-J, The Bloody Beetroots, !!!, Izal o Sidonie) crece con conciertos y actividades que se extenderán por toda la comunidad murciana. Lo hace con las iniciativas WARM UP al Cole, que acercará directos a colegios de la región y con el ciclo Somos Murcia, que contará con conciertos gratuitos en ciudades como Cartagena o Moratalla. Desde el 30 de abril hasta el 6 de mayo, actuarán artistas como Varry Brava, The Parrots, Sierra, Disco Las Palmeras, Medusa Box, Maika Makovski, Rufus T. Firefly, Rural Zombies, El Último Vecino, Cala Vento y bandas como Trajano!, Glas, Los Jíbaros o Neon Lights pasarán por el Escenario MondoSonoro (Huerto Urbano de Santa Eulalia). —MS www.warmupfestival.es

Eli ‘Paperboy’ Reed

Eli ‘Paperboy’ Reed acaba de publicar en edición limitada Eli Paperboy Reed Meets High & Mighty Brass Band (Yep Roc, 18), pero lo más interesante es que vuelve a nuestro país para ofrecer nuevos shows dentro del ciclo SON Estrella Galicia.

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Mayo se abre con WARM UP Estrella Levante

Los. CONCIERTOS. de mi Vida.

El dúo británico Pet Shop Boys encabeza la última lista de confirmaciones del FIB hasta el momento. El festival, que se celebrará del 19 al 22 de julio, ya contaba con grandes nombres como The Killers, Liam Gallagher o Travis Scott, pero Pet Shop Boys no son la única novedad. Entre los nombres que se han ido sumando en las últimas semanas tenemos desde Justice, Izal o J Hus hasta Madness, Dorian, Belle And Sebastian, Sleaford Mods, Princess Nokia, Nathy Peluso, Parquet Courts, Howling Bells, Hudson taylor, Jessie Ware y The Kooks. La lista deja claro una vez más que el festival que se celebra en Benicàssim apuesta por el eclecticismo, combinando nombres clásicos con novedades de lo más actual, pop de melodías con electrónica para la pista de baile. —MS

Matadero Madrid y MondoSonoro, con el patrocinio de Mahou, se suman a las festividades de San Isidro con una jornada de más de doce horas de música en directo, talleres, documentales, mesas redondas y food trucks, con un único nexo en común: celebrar la música de la calle. El señor del arpa, el chico de los tubos, el grupo de jazz del Rastro… Madrid no se concibe sin los artistas que cada día llenan las calles de música. Por este motivo, MondoSonoro y Matadero Madrid quieren dedicar el día de San Isidro a rendir homenaje a todos esos artistas anónimos que, día tras día, ponen banda sonora a nuestras vidas en la ciudad.

La cita es el próximo 15 de mayo en Matadero, la entrada es gratuita y junto a los músicos callejeros, actuarán otros de renombre como Muchachito, Tulsa, Muerdo, Lichis o Fernando Alfaro. Guacamayo DJ’s serán los encargados de clausurar Plaza Sonora con su set de ritmos tropicales.—MS

Tomavistas, listo para el asalto Este mes de mayo llega la nueva edición del festival Tomavistas, que se celebrará los días 25 y 26 de mayo en el Parque Enrique Tierno Galván de Madrid. La selección de artistas participantes tiene como principales atractivos a Ride, Django Django, The Jesus And Mary Chain y Los Planetas, pero hay muchísimo más. Desde Superchunk a La Casa Azul, desde Princess Nokia a Pony Bravo, para continuar con Belako, Melange, Él Mató a un Policía Motorizado, Perro, Tulsa, The Zephyr Bones, La Planta y un largo etcétera. Es decir, que podemos ver desde formaciones míticas de los noventa hasta grupos del momento que aportarán sangre joven al evento madrileño. Por otro lado, y gracias a la colaboración con AIEnRUTA, completarán el cartel los navarros Iseo & Dodosound With The Mousehunters y los canarios Texxcoco. —MS www.tomavistasfestival.com

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El primer concierto al que fui como público...

La verdad es que fui a muchísimos conciertos con mis padres cuando era un chiquillo, pero el primero al que recuerdo haber ido por mi mismo fue uno de Pam Tillis. Ella era muy grande y me encantó.

El mejor concierto al que he asistido...

Es muy difícil elegirlo, pero creo que posiblemente mi favorito fue The Dixie Hummingbirds en una pequeña iglesia en Boston. Fue increíble e Ira Tucker sonó fantásticamente bien. Vi a Otis Rush cuando tenía dieciséis años y fue muy educativo.

El último concierto al que he ido ha sido...

Estuve la semana pasada en Memphis grabando mi nuevo disco y pude ver a uno de mis cantantes favoritos de siempre en concierto, Don Bryant. Canté con él el año pasado aquí en Nueva York y fue algo francamente increíble. Fue fantástico verle cantar en su ciudad natal.

El peor concierto al que he ido...

La verdad es que he ido a muchos conciertos malos (risas), por lo menos los suficientes para tener que pensar mucho para elegir el peor de todos ellos. ¡Y nunca te diría el nombre!

Granada (27 mayo, Manuel de Falla) Valladolid (31 mayo, Porta Caeli Global Music)

Los sonidos de mayo que no olvidarás: Agenda SON Estrella Galicia 4 mayo Los Punsetes- Radar Estudios, Vigo 5 mayo On The Radar, Bitichin Bajas Lagartija Nick –Hangar, Córdoba Los Punsetes, SUPER 8, Ferrol 10 mayo On The Radar, Cowtown 11 mayo Trinidad Road, Iguana, Vigo 12 mayo 15 Aniversario Torgal, Malandrómeda Torgal Set Trinidad Road, Playa Club, A Coruña 14 mayo On The Radar, Minami Deutsch 16 mayo Aurora & The Betrayers, Mardi Gras, Coruña M. Ward, Teatro Lara, Madrid

17 mayo On The Radar, Einar Stray M. Ward, Sanagustín, Azpeitia 18 mayo 15 Aniversario Torgal, Einar Stray Orchestra 19 mayo Aurora & The Betrayers, Iguana , Vigo 22 mayo Vieux Farka Touré, Lemon Rock, Granada 15 Aniversario Café&Pop Torgal, Peter Broderick, Liceo Recreativo Ourensano 23 mayo Vieux Farka Touré, Sala II Nuevo Alcalá Madrid RAMÍREZ EXPOSURE presents: Marc Jonson & Richard Lloyd, Loco Club Valencia

24 mayo RAMÍREZ EXPOSURE presents: Marc Jonson & Richard Lloyd, Sala Alevosía, Madrid Vieux Farka Touré, Garufa, Coruña 25 mayo 15 Aniversario Torgal, Joana Serrat 26 mayo 15 Aniversario Torgal, The New Raemon Belako + Nerabe, Escenario Santander 27 mayo Eli Paperboy Reed, Palacio de Congresos, Sala Falla Granada 30 mayo On The Radar, Os Mutantes 31 mayo Eli Paperboy Reed, Porta Caeli, Valladolid

mayo 2018 #9

FOTO: SHAWN BRACKBILL

MONDO FREAKO

John Maus Ecce homo

EN LA MALETA

En los últimos seis años John Maus se ha casado, terminado un doctorado y lanzado a la construcción de sintetizadores que, a la postre, le han servido para publicar dos nuevos discos: Screen Memories -vio la luz en octubre- y el recién estrenado Addendum. Con motivo de su fugaz paso por Madrid, tuvimos la oportunidad de charlar con él, uno de los artistas que definen el pop del siglo XXI.

El Búho

A Robin Perkins se le conoce popularmente como El Búho, y es uno de esos Dj’s que ha recuperado la música latinoamericana para llevarla a nuevos terrenos relacionados con la electrónica. Podrás verle en acción en el festival Paraiso (8 y 9 junio, Campus de la UCM, Madrid).

#10 mayo 2018

“Cuando yo canto misy canciones lo que esto de haciendo es un show rock’n’roll”

S

iendo británico, ¿cómo empezaste a pinchar latin beats?

Estoy obsesionado con la música: desde la música electrónica hasta el folklore, pero cuando empecé a descubrir la riqueza de la música de América Latina me explotó la cabeza. Los ritmos, la diversidad, la historia de este encuentro cultural… y hasta hoy nunca paré de descubrir.

A los dieciocho años había viajado a Cuba, Costa Rica y México, y después entré a estudiar Estudios Hispánicos y mi foco fue América del Sur. El estar estudiando, leyendo y aprendiendo el idioma me dio una entrada más amplia. ¿Que canción suena siempre en tus sesiones? Hace unos meses estrenamos tu remezcla para beGun, ¿sueles pincharla también?

En mis sesiones en vivo siempre toco un tema que se llama Pescado negro, es un tema viejo que apareció en un compilado de Frente Bolivarista y tiene algo que funciona cada vez. Y por supuesto pongo temas como Corazón de rubí o Mañana Tepotzlan. El remix de beGun recién lo he estado poniendo en mis sets y más en mis sets de dancefloor. ¿Cuál crees que es el peor error que puede cometer un Dj mientras pincha?¿Qué es lo que más odias de otros Dj’s?

Creo que es ignorar el público y el ambiente. Hay que, por supuesto, poner tu estilo y tu marca pero también hay que escuchar, ver, entender y ajustar según tu público. Lo que no me interesa mucho es un DJ que pone todo lo que ya conoces, dentro de una escena concreta por ejemplo, un DJ que no te sorprende y que esta muy dentro de su caja. ¿Digital, vinilo o CD? Digital. Soy de la escuela de que si suena bien y la gente baila, ¡no importa cómo se haga! ¿Podrías decirnos cuáles son tus DJ’s favoritos de ahora mismo?

Depende, pero a mí los DJ’s que más me han impresionado siempre han sido los que hacen una selección de música increíble que no conoces como Acid Pauli cuando le vi en el festival de Bahidora y fue un set en el que realmente me explotó la cabeza. Cada tema fue un temazo y sin saber qué fue. ¿Cuántos discos o temas compras en un mes?

Compro pocos vinilos, pero compro mucho en Bandcamp, en particular cuando estoy preparando una nuevo mixtape o un nuevo set y me gusta mucho apoyar a los artistas cuando pueda. ¡Porque sé lo que es ser artista!

Lo veo como un apoyo mútuo. Hay que apoyarnos entre nosotros.

E

l neurólogo Oliver Sacks, posiblemente el más grande escritor clínico de nuestro tiempo, publicó en 2007 Musicofilia: Relatos de la música y el cerebro. A partir de determinadas distorsiones y enfermedades relacionadas con la percepción musical, Sacks descubría los efectos curativos de la música y su potencial para construir la identidad de las personas. Y aunque el libro no pretendía dar respuesta al interrogante de por qué nos sentimos atraídos por determinadas canciones, su lectura nos invita igualmente a reflexionar sobre ello. Verbalizar las razones por las que las canciones de John Maus resultan arrebatadoras no es sencillo. La música del artista de Austin, su urgencia, transmite una pulsión primitiva y remite a lo más puro y esencial del ser humano. Cualidad que sobre el escenario se transforma en una explosión de energía fuera de control. Contrariamente a lo que se le achacó en aquel ya famoso concierto del Círculo de Bellas Artes de Madrid que acabó con parte del público lanzándole objetos, no hay una gota de afección o teatralidad en su acercamiento a la música. Al contrario, para Maus grabar sus canciones o la exposición en directo tiene un componente sacramental cercano al éxtasis, algo a lo que debería aspirar cualquier músico que se precie.

“La música en la Edad Media no se consideraba arte sino una ciencia como la aritmética, la astronomía, la geometría…, y tenía como finalidad prepararte para la reina de las ciencias, la teología. Pero de alguna manera la razón ha tomado las riendas sobre los aspectos menos matemáticos y empíricos. Los logotipos y nombres de las bandas aún hoy tienen su origen en este universo simbólico: que no se bauticen como tal, con sus antiguos nombres, no significa que no sigan manteniendo relación con lo divino.

Esto todavía lo puedes encontrar en la mejor música”. Hace un rato que Maus entró por la puerta del Café La Palma en Madrid donde, acompañado por tres músicos, va a interpretar las canciones de su recién estrenado álbum, Screen Memories. Llama poderosamente la atención su camisa hecha jirones a la altura del costado. ¿Un descuido, tal vez?

Poco después, cuando rompe a gritar y se convulsiona sobre el escenario, adivinamos que esa prenda desgarrada es en realidad la misma que vestía la noche anterior en Lisboa y, muy posiblemente, la siguiente en Barcelona.

Su ropa de trabajo. Su hábito. Y también la prueba palpable del compromiso de Maus, rayano en la autodestrucción.

Doctorado en filosofía, cada cuestión relacionada con su posicionamiento musical se convierte en esencial

—MS

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Desde que Screen Memories vio la luz sabíamos que pasados unos meses se publicaría otro disco gestado en paralelo. “En propiedad Addendum está formado por las canciones que no tenían cabida en el concepto más cerrado de Screen Memories. Se trata de un trabajo ligero, espontáneo, naif y alocado.

Por desgracia para mí creo que, una vez más, no voy a entrar en el Top 40 (risas). ¡Ojalá! Pero bueno, creo que Addendum gustará a los que gustó el recopilatorio de rarezas o incluso mi primer álbum, que puesto en perspectiva es un trabajo que siento muy lejano”. —l.j.m.

para Maus. Responde con un chorro de ideas y palabras que se agolpan en su boca al tiempo que cabecea con la mirada perdida en el suelo. “En la furgoneta venía rememorando aquel concierto de hace seis años en Madrid. En aquellas circunstancias algunos de mis músicos favoritos posiblemente habrían bebido un trago de cerveza y escupido en la cara de los que estaban lanzando cosas. Pero para mí… no, no. Para mí el directo es una cuestión de dar más de lo que recibes. Yo en verdad intento hacer sobre el escenario algo hermoso, magnífico, milagroso en cierto sentido, y por eso fallar me resulta durísimo.

Puedo intentar justificar intelectualmente lo que ocurrió, decir que estuvo bien provocar la pasión del público.

Pero, visto con perspectiva, aquello fue muy ridículo. Recuerdo aquella gran sala con gente que en el contexto de un festival, y a diferencia de lo que ocurre en mis conciertos, tal vez no venían a verme a mí y desconocían lo que iban a encontrar. Y es curioso, porque en ocasiones la hostilidad resulta confortable sobre el escenario; es algo que sé cómo sobrellevar y hasta me provoca cierto entusiasmo. Pero esa noche en particular… no, no… Su reacción me hizo sentir culpable por haber errado, y a partir de ahí reflexioné sobre lo que debe ser o no un concierto. ¿Puede ser un concierto una performance artística? No. Cuando yo canto mis canciones lo que estoy haciendo es un show de rock’n’roll. Y en realidad eso es lo que siempre he querido ser, un cantante de rock. La experiencia me llevó a pensar que debía plantear los directos de forma diferente”. —luis j. menéndez

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RRLos andaluces BSN Posse publican nuevo álbum el 6 de junio.

Llevará por título Take Me Back To The South y se suma a la larga lista de lanzamientos que el dúo ha ido ofreciendo desde su debut largo, Forever, de 2015. El álbum aparecerá en vinilo y en edición limitada.

RREl pasado 20 de abril se pu-

blicó Avida Dollars, la nueva mixtape de C. Tangana, que incluye diez nuevos temas del artista madrileño, algunos de ellos estrenados durante las últimas semanas. Incluye colaboraciones de artistas como Enry-K (en la rotunda Cuando me miras), Steve Lean, Alizzz, Lost Twin o los habituales Sticky M.A., Danni Ble y Royce Rolo.

RREnric Montefusco publica nuevo material por partida doble. Por un lado, el próximo 21 de mayo, verá la luz Carne de cañón, un ensayo autobiográfico sobre su vida y trayectoria musical. Lanzará la editorial andaluza Bandaàparte. Por otro lado, el ex Standstill ha anunciado también –aunque sin fecha- un Ep que llevará por título Coros de medianoche y en el que artistas como Niño de Elche pondrán voz a canciones compuestas e interpretadas por Montefusco.

RRRels B ha publicado nuevo material bajo el nombre de Flakk Daniel’s LP. Incluye diez temas y las colaboraciones especiales de Dellafuente (Buenos genes) y D.L. Blando (Dime que no).

RRLa banda de hardcore Crim publica nuevo Ep. Sense excuses incluye dos temas propios más dos versiones de Turbonegro (Prince Of The Rodeo) y Cock Sparrer (Watch Your Back). El disco lo ha autoproducido el propio grupo con la ayuda de HFMN y se publica también oficialmente en Europa y Estados Unidos.

RRNorth State han publicado finalmente su versión de FML, original de Kanye West y The Weeknd, que llevaban tiempo tocando en concierto. La canción se ha grabado en directo y sirve para anunciar las próximas fechas del dúo: 4 mayo (Warm Up, Murcia), 30 mayo (Primavera Pro, Barcelona), 16 y 17 junio (ZYZ Music Festival, Palermo), 7 y 8 julio (Palo Alto Market, Barcelona) y 20 julio (ARTeNOU, Cornellà). —MS

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Óscar Mulero Cerebro y músculo Óscar Mulero -DJ y productor conocido, admirado y respetado aquí y allende nuestras fronteras por su technazo vigoroso, maquinal y acerado, de pelo en pecho y pescuezo tatuado- en este disco vuelve a sumergirse en esas estancias experimentales, mentales e idemeras que tanto le ponen, motivan y cargan las pilas. Perfect Peace (Semantica, 18) es su nuevo álbum.

P

erfect Peace es tu nuevo álbum tras Muscle & Mind (15), pero quizá ahonda más en la línea general de aquel sorprendente Grey Fades To Green (11) o Biosfera (13). Álbumes como Perfect Peace, ¿qué te aportan a nivel profesional, además de reafirmarte como músico de electrónica y no solo de techno?

La verdad es que para mí es una necesidad, y una motivación, afrontar proyectos nuevos tras estar tantos años en el mundo del baile. Esto me aporta mucho, hacer cosas distintas para mí es importante. Me ayuda a cargar las pilas.

—Ir mucho más allá del ya legendario y fundamental Mulero -para muchos el mejor productor y DJ de techno de España y de lejos- es algo que siempre te ha estimulado y ocupado… ¿y obsesionado?

No me obsesiona, pero parte de esa misma necesidad de la que te hablaba antes. No seguir bajo ese estigma de “DJ de techno” y que me vean más como músico, es algo que me apetece mucho tras veinte largos años de carrera dedicados al baile.

—Lo que es evidente es que tu vertiente más IDM, sensitiva y ambiental parece acaparar cada vez más tu atención y horas de trabajo. ¿Es dónde te sientes más a gusto trabajando ahora o lo sigues compartiendo al cincuenta con el techno de alto octanaje?

Sí se comparte, totalmente. Quizá no sea un cincuenta por ciento, pero casi.

Cuando tengo la oportunidad de hacer trabajos largos, como en el caso de este álbum, puedo dedicarle algo más

de tiempo a la vertiente no tan techno.

No obstante, los maxis sí que siguen precisando buena parte de mi tiempo en estudio.

—Y si algún día tuvieras que elegir entre lo conceptual y lo físico…¿con qué te quedarías?

Buffff, esta es la pregunta del millón (risas). Quizá a la hora de presentarlo en directo y trasladarlo a actuaciones me gusta muchísimo el tema de pinchar. De toda la vida. Si tuviera que escoger solamente una de las dos, sin más remedio, me quedaría con las sesiones de techno.

—¿Este nuevo disco refleja, con honestidad total, lo que eres a día de hoy?

Sí, independientemente de su resultado en la calle estoy muy contento -desde lo técnico y el sonido- de cómo ha quedado; sobre todo teniendo en cuenta el punto de partida que me plantee para él. He conseguido hacer algo que no tuviera nada que ver con el baile y sé que eso planteará algunas reticencias entre el público que le gusta más mi lado más físico. También sé que habrá gente a la que esto le pueda interesar más que mis trabajos anteriores.

—¿Estamos ante el Mulero que mejor produce -léase, trabaja en estudio- de su propia historia?

Esta es una pregunta más para vosotros, para los periodistas y la gente que sigue desde hace años mi trabajo. Ahora me divierto mucho produciendo y estoy muy cómodo haciendo canciones sin presión, libremente.

—fernando fuentes

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“Que me vean más como músico, es algo que me apetece mucho tras veinte largos años dedicados al baile”

FOTO: JAVIER BEJARANO

Addendum

TAN. CERCA.

mayo 2018 #11

KISS FOTO: archivo

Superchunk, siempre inconformistas

los “Tratamos de vivir en e tiempos de locura en qu” vivimos sin enloquecer

Hemos intentado enviar un mensaje de optimismo a Mac McCaughan pero no ha funcionado. Sostiene que la democracia en Estados Unidos se está derrumbando y que esa emergencia marca el tercer disco de esta nueva ola en la vida de Superchunk.

Con la nueva gira que les traerá a España en marcha (Tomavistas en Madrid el 25/26 de mayo), McCaughan responde rápido a nuestras preguntas sobre What A Time To Be Alive (Merge/Popstock!, 18), Donald Trump o la salida a bolsa de Spotify.

Resurrection, a por el lleno total Va a alcanzar su objetivo: agotar todos los abonos para esta edición. La edición número trece del festival que mejor combina metal y hardcore en nuestro territorio anunció hace unas semanas que llevaba vendidos el ochenta por ciento de los abonos para los tres días de festival (del 11 al 14 julio, Viveiro, Galicia). Y es que hay ganas de ver al máximo posible de las cien bandas que participarán en el evento y que se repartirán en cuatro escenarios. Esta edición, los principales cabezas de cartel son bandas de heavy metal o hard rock como Kiss, Scorpions, Ghost o Megadeth, aunque también están arriba en el escalafón de nombres Stone Sour y Prophets Of Rage. Por lo demás, ya sabéis. Habrá desde NY hardcore con Sick Of It All hasta sludge con Eyehategod, pasando por todos los subgéneros que queráis imaginar. —MS

Q

PRODIGY FOTO: ARCHIVO

www.resurrectionfest.es

ué crees que hace este álbum distinto de los dos álbumes anteriores que marcan esta nueva etapa para Superchunk?

Creo que hemos tenido un buen ciclo desde que volvimos de un largo receso para hacer Majesty Shredding en 2010, pero de todos nuestros discos, incluidos los dos últimos este es probablemente el más directo y conciso desde No Pocky For Kitty. Hay menos “textura”. Por ejemplo, no hay teclados. Hay más guitarras y canciones cortas.

—¿Cómo enfocasteis las canciones? ¿Grabaste demos y las compartiste o fue cosa de ensayos?

Grabé demos en mi estudio casero y las compartí con la banda. Para proteger los oídos de Laura, ensayamos solamente con guitarras y bajo, y luego un ensayo separado con guitarras y batería. ¡Así que la primera vez que tocamos todas estas canciones juntos fue en el estudio, cuando estábamos grabando!

Fue bastante emocionante.

—Diría que no os resulta difícil mantener viva esa energía punk rock hoy en día. Admito que me sorprende un poco. No estoy hablando de envejecer, sino del ataque a las canciones y al espíritu de Superchunk. ¿Dirías que es la única forma de hacerlo: ser leal a ese espíritu?

Creo que el espíritu de tocar el tipo de música que hacemos es lo que nos hizo comenzar a tocar música en primer lugar, por lo que es bueno mantenerlo en nuestros discos incluso en esta etapa de nuestra carrera.

—La última canción es Black Thread. Uno tal vez podría esperar más de este tipo de canciones con un tempo más controlado, un punto más “adultas”. No sé si sabes a lo qué me refiero…

No estoy seguro de si sé lo que quieres decir, pero ¿te refieres a que esto es lo que pensaste que sería el disco?

—No exactamente. Break The Glass y Erasure son mis canciones favoritas. ¿Cómo vinieron?

Break The Glass de alguna manera resume lo que trata el disco, tratando de vivir en los tiempos de locura en que vivimos sin enloquecer, pero reconociendo que hay una emergencia. Musicalmente vino inspirada por la banda A Giant Dog (publican sus discos en Merge, el sello propiedad de Laura y Mac), así que le pedí a Sabrina Ellis que cantara y afortunadamente dijo que sí. Ella es alucinante. En cuanto a Erasure, tuve la idea de la letra antes de la música y luego quería escribir algo más a mitad de tempo que todas las canciones rápidas que había estado escribiendo. Me recuerda a los Pixies. Realmente quería una voz más abajo que la mía y una más que la mía en esta canción. Stephin Merritt era la elección perfecta para la voz grave y Katie Crutchfield, cuya voz está realmente en el mismo rango que la mía, puede cantar alto si quiere. Vino cuando estaba en la ciudad de gira y grabó su voz en media hora.

—¿Qué puedes decirnos de la nueva gira? ¿Qué se siente al hacerlo de nuevo?

Es divertido ir a todos estos lugares, la mayoría de los cuales hemos visitado anteriormente, porque no podemos hacerlo muy a menudo. Es verdad que no me gusta estar lejos de casa y lejos de mi familia, pero estoy deseando que llegue el espectáculo. —jero martín

r

”

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Diversidad en Mallorca Live Festival Os recordamos que el fin de semana del 11 y 12 de mayo se celebrará en el Antiguo Aquapark de Calvià (Mallorca) la nueva edición del Mallorca Live Festival. Y la variedad estilística vuelve a ser uno de los fuertes del evento. Si el año pasado se combinaron Placebo con Amaral, Nicola Cruz o C. Tangana, esta edición te llevará de The Prodigy a !!!, de Vitalic a Kase.O, de Solomun a Muchachito, de La Raíz a Oso Leone, de Bad Gyal a El Columpio Asesino y mucho más. Habrá también espacio para una larga lista de nombres de bandas jóvenes que intentarán contagiar al público con su excitación. Ahí están para demostrarlo The Wheels, Agoraphobia, Jump To The Moon o The Market Noise, entre otros. —MS www.mallorcalivefestival.com

#12 mayo 2018

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N

o soy mucho de planificar las cosas”, se confiesa Mark Oliver Everett. “Voy escribiendo temas hasta que siento que tengo que empezar a poner en orden todas las piezas que conforman el puzzle. Llegados a ese punto sé que es el momento de volver a publicar”. Este momento ha llegado ahora, cuando acaba de publicar The Deconstruction, el primer trabajo de estudio de Eels en cuatro años y título que, por el momento, desmiente los rumores que apuntaban a que estaba meditando su retirada del mundo de la música. “Para mí sigue resultando extremadamente excitante componer temas nuevos, dar forma a una progresión de acordes que ayer no existía”, asegura Mr. E, finiquitando todo chascarrillo con una declaración de amor por su oficio. “Uno de los mejores aspectos de ser músico es que eres muchas cosas a la vez. Hay etapas en las que te pasas el día componiendo. Otras en las que te encierras en un estudio de grabación. También tienes que salir de gira… No estar ligado a una rutina hace que todo sea mucho más divertido. No te aburres, porque cuando empiezas a aburrirte pasas a la siguiente fase. Soy un afortunado por poder dedicarme a esto desde hace tanto tiempo”.

“Cada canción es un mundo diferente”, sostiene el hombre que se dio a conocer con un single imbatible como Novocaine For The Soul. “No hay ningún secreto, ninguna ecuación matemática que haga aparecer la inspiración y te ayude a componer una buena canción”.

En este sentido, enfatiza Mr. E, en The Deconstruccion la diferencia ha sido incluso más acentuada que en sus discos previos. Si anteriormente partía de una idea global, en este álbum cada canción surge de un concepto diferente. “En esta ocasión, una vez acabé el disco empecé a darme cuenta de que, de alguna manera, tanto en el sonido como en la temática, había cierta cohesión”. Ese común denominador se encuentra en el intento de su autor por dar forma a algo bello en medio de la locura en la que dice que está sumida el mundo y, más concretamente,

rever “Strawberry Fields Fo es el pináculo de la s de grandeza pop. Despué ” este tema no hay nada

su país. Objetivo cumplido, The Deconstruction, incluso con compases impregnados de esa nostalgia tan propia de las composiciones de Mark Oliver Everett, es un trabajo que, de principio a fin, irradia belleza y, en temas como Today Is The Day, optimismo y vitalidad. “Sí, para mí ese es el significado de The Deconstruction. Nos pasamos la vida construyendo muros y trincheras, pero para protegernos de quién, para salvarnos de qué...

En un mundo condenado al colapso y el derrumbe, deberíamos iniciar su deconstrucción a partir de la belleza”. Al amo y señor, espíritu y motor de Eels le interesa la política, pero más que la política tal y como la entendemos, dice que le importa la política personal, es decir aquellas decisiones que tomamos como indivi-

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la icónica Butcher Cover, es su posesión más preciada. Más allá del culto melómano, The Beatles continúan siendo una de sus referencias e influencias más determinantes. Para Mr. E los cuatro fabulosos de Liverpool son el Shakespeare de la música pop: en ellos está todo.

“Strawberry Fields Forever es el pináculo de la grandeza pop. Después de este tema no hay nada. Hubo grandes artistas antes de The Beatles y ha habido grandes bandas después de The Beatles, pero ellos cambiaron las reglas del juego. Tras The Beatles únicamente el punk y el hip hop, y ya como fenómenos colectivos, han tenido un impacto similar. Aun así, todavía se pueden crear cosas nuevas, refrescantes y diferentes dentro del viejo idioma del pop”. —oriol rodríguez

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FOTO: GUS BLACK

Eels la gran belleza

Hacía cuatro años que no sabíamos nada de Mr. E, exilio creativo al que afortunadamente ha puesto fecha de caducidad con la publicación de The Deconstruction (E Works/ [PIAS], 18). Un álbum de pop sublime y belleza infinita que destaca como una de las mejores referencias en la siempre notable discografía de Eels. Presentará el disco en Barcelona (11 julio, Sala Barts).

duos pero que pueden tener un efecto colectivo. “¿Qué decisiones tomaría yo si fuera político? Por suerte soy músico de rock. La música es mi válvula de escape, tanto como creador como seguidor. La música me resulta terapéutica”, enfatiza.

“Escribir canciones me ha permitido conocerme mejor a mí mismo. Tengo más conciencia de quién soy gracias a mis canciones. Y también me libera escuchar música de otros grupos y artistas. Pero es que… ¡a quién no le gusta la música! Yo escucho música a todas horas”.

Si le preguntas a Mark Oliver Everett qué música escucha, suelta un muy poco concreto y algo decepcionante “de todo”. Insistiendo un poco añade que le gusta refugiarse en su vieja colección de vinilos. “No es que sea un freak del vinilo pero me encanta el formato. Mantengo todos los que he ido comprando desde que era un crío”. De entre todos, su copia del Yesterday And Today de The Beatles con la portada censurada,

Libros y series La carrera de Mark Oliver Everett, que es lo mismo que decir la carrera de Eels, inició un nuevo capítulo con la publicación en 2008 con Cosas que los nietos deberían saber, genial autobiografía publicada en nuestro país por Blackie Books (de hecho, esta fue la referencia que situó en el mapa a la editorial barcelonesa). “Fue un proceso que disfruté mucho en su momento pero pasé página. Lo mío es la música”, se sincera Everett. “No digo que no vuelva a escribir nada nunca

más. Quizás en el futuro vuelva a sentir la necesidad de publicar un libro, pero no es algo que contemple a corto plazo”. Más allá de la música, también hemos podido ver a Everett realizando diversas apareciones en Love, muy recomendable comedia producida por el rey del género, Judd Apatow, y que encontraréis en el catálogo de Netflix. “Me lo paso bien haciendo estos cameos, más en una serie tan buena como Love, pero, nuevamente, actuar no es lo mío. Me divierte pero, como debo hacerlo bien, a la vez me da un poco de miedo cagarla. Soy mucho mejor grabando discos”. —o.r.

mayo 2018 #15

WALA. WALA.

“Siempre he evitado hablar demasiado de política. Si fuera una entrevista con Green Day, Billie Joe hablaría durante tres párrafos sobre todo lo malo de Trump, y te aburrirías. Así que yo prefiero hablar más como una persona corriente sobre el capitalismo o la desesperación de estos tiempos” Stephen Malkmus en Pitchfork.com

“Nunca sabes cuándo se acabará esto. Puede durar para siempre o solo un año. Así que cuando tenemos ofertas de los festivales, pensamos: ‘bien, quizás sea la última vez que podamos hacerlo.

Quizás sea la última vez que podamos ir a Australia juntas” Carlotta Cosials, de Hinds en The Independent

Jack White en Q

Alex Kapranos de Franz Ferdinand, en Q

“A mí el revival de los ochenta me parece un coñazo.

Se está insistiendo en esa década de manera peñazo y aburrida. no fue la edad de oro de la música”

Cuando crees que Christina Rosenvinge no sorprenderá, va ella y nos desdice con argumentos de peso. Si con Lo nuestro viró hacía un sonido más eléctrico que pintaba a obra de transición, con Un hombre rubio (El Segell, 18) deja claro que tiene las ideas muy claras.

Rosenvinge puede presumir de estar viviendo un momento dulce.

P

“Una gran parte de mí querría vivir en un apartamento con nada más que una tetera. Y otra parte de mí querría rescatar a todos esos animales que alguien trató de forma cruel”

“Nunca hables sobre un single, porque eso hará que los demás temas se pongan celosos.

Aprendí eso de Philippe Zdar, nuestro productor, y es cierto. Cuando haces un disco, estás haciendo un cuerpo completo”

Christina Rosenvinge Una mujer rubia

ara empezar, quería felicitarte por el disco, me ha encantado. Y curiosamente, lo primero que me llamó la atención, es el tratamiento de tu voz, suena distinta. Más grave y más profunda. ¿Cómo es eso? ¿Eras consciente durante la grabación de ese cambio?

Sí, claro que soy consciente. Creo que hay varias razones. Una es que he estado de gira muchos meses con una banda bastante potente y he cambiado un poco la forma de componer pensando en que el directo sea efectivo y contundente en cualquier escenario. Básicamente, he escrito melodías pensadas para estar encima de una banda ruidosa, y además con menos letra para crear partes instrumentales más intensas. Por otro lado, creo que los años aportan cuerpo a la voz de todo el mundo. La voz se hace más profunda si no la fastidias antes. Curiosamente es más fácil cantar fuerte que suave en contra de la creencia popular. Todo ha subido de intensidad. Hacer ruido es muy liberador.

—Has escrito canciones muy importantes durante tu carrera, pero quizás Romance de la plata sea la que tiene un mayor simbolismo. ¿Es así?

Es ciertamente una canción importante. Cuando la escribí tuve muchas dudas sobre si quería exponer algo tan personal como la muerte de mi padre y además con tanta crudeza. Pero lo cierto es que el poder curativo del arte se basa en convertir en algo hermoso lo que nos duele. Es pura alquimia. De hecho la primera vez que hablé de esta canción fue en una ponencia sobre creatividad y trauma que di en unas jornadas de psiquiatría. Miren Iza me metió en ese berenjenal. Creo que compartir experiencias es fundamental para darles sentido. Por otro lado era de justicia que la vida de mi padre fuera narrada en forma de romance. Ahora le veo como uno de los últimos románticos del siglo veinte. Un hombre arrastrado al precipicio por sus ideales y su incapacidad de adaptarse al mundo.

—Y el contraste de Anna y los pájaros, que recuerda a la inocencia de tus primeros discos, con la electricidad de Niña animal. ¿Es este un disco de contrastes?

Me gusta mucho jugar a los contrastes. Es una forma de ponerse a prueba y de pillar al oyen-

“El poder curativo del arte se basa en convertir en algo hermoso lo que nos duele”

te por sorpresa. Después de escribir algunas canciones solemnes necesitaba algo más juguetón, más sexy. Así nació Anna y los pájaros. Además Anna, de El Segell, acababa de sufrir una operación de urgencia y estaba ingresada. Me pareció más bonito dedicarle una canción que mandarle flores. Se supone que es una oda al amor juvenil escrita desde una voz masculina, pero creo que ha salido más bien lesbiana. La piedra angular sí que está escrita desde la voz de un crooner maldito.

Tenía en la cabeza a Loquillo y a Bunbury al escribirla. Niña animal es otra cosa. Estaba buscando una canción rock, casi afterpunk, pero con melodía emo. Te voy a decir una cosa: uno no madura nunca. La adolescente que fui sigue mandando más que la mujer madura que soy ahora. Esto es estupendo en el aspecto musical y un verdadero desastre para la vida funcional.

—Alguien importante en este disco, ha sido Rocío Márquez. De hecho, todo comenzó cuando ella rescató textos tuyos para su disco Firmamento. A mí ese disco me parece revolucionario, un álbum flamenco sin guitarras ni palmas. ¿Cómo surgió todo esto?

Es una maravilla. Es un honor formar parte de él porque es mi disco favorito del año pasado. Fue un encargo, no un rescate. Rocío me llamó para encargarme un romance flamenco. Me pareció muy valiente por su parte hacer un disco con textos nuevos escritos por mujeres poetas y letristas que no pertenecíamos al flamenco. Es imposible vivir en España y no tener el flamenco dentro de alguna manera, ella lo sabía. Además lo grabó con una formación nada tradicional, con Proyecto Lorca. Estoy contigo, es un disco revolucionario. Escribí Almendrita de cero especialmente para ella después de dedicar unas semanas a estudiar todo lo que pude. Es un romance que toma como punto de partida un clásico conocidísimo, el Romance de Gerineldo. Cuando el rey deja su espada clavada entre la princesa y su amante la historia pega un salto de quinientos años y la princesa se despierta aquí y ahora. Es una adolescente embarazada que es obligada a dejar el colegio, casarse con un tipejo que la trata a patadas y encima el niño se le muere a los pocos meses. Suena a otra época pero es una historia absolutamente real que escuché por medio de su profesora.

—toni castarnado

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Coque Malla en Jot Down Smart

#16 mayo 2018

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mayo 2018 #17

Más de 22.000 bandas han pasado por el concurso pop-rock Villa de Bilbao, que este año celebra sus treinta años de vida, apostando por nuevos talentos y artistas jóvenes. A lo largo de todo este tiempo, han dado apoyo a bandas de referencia como Platero y Tú, La Buena Vida, El Inquilino Comunista, Australian Blonde, Manta Ray, Sidonie, Love Of Lesbian, Zea Mays, El Columpio Asesino, Delorean, Tierra Santa y un largo etcétera. Ahora se abre la nueva convocatoria a bandas de ámbito europeo para participar en su edición de este año.

Deberás formalizar tu solicitud del 2 al 31 de mayo en www.bilbao.eus/bilborock. Las categorías son Pop-Rock, Metal y Urban, que dará cabida a géneros como el rap, el trap, la electrónica, etcétera. Los premios y los requerimientos para participar están en la página oficial. En esta edición se apuesta por la promoción de bandas jóvenes (18-35 años), aumentar la presencia de mujeres e promover la asistencia de público joven a los conciertos. —MS

Los Discos de mi Vida Black Lips

Los estadounidenses vuelven a nuestro país. Y todos sabemos cómo se desenvuelven en sus enérgicos y vibrantes directos. Podrás verles en el Mallorca Live Festival (11 mayo) o en gira en Donosti (10 mayo, Dabadá), Madrid (12 mayo, Mon Live) y Barcelona (13 mayo, La [2] de Apolo).

Podríamos considerarlo un festival dentro de un festival, porque las posibilidades que brinda el Primavera Bits a los aficionados a la música electrónica son muchas.

Presentado conjuntamente con la radio online NTS, Primavera Bits incluye tres escenarios (Xiringuito Aperol -100 a 120 BPM’s-, Bacardí Live -120 a 135 BPM’s- y Desperados Club -135 a 150 BPM’s-) que estarán a pleno rendimiendo dieciocho horas al día del jueves 31 de mayo al sábado 2 de junio. Por allí pasarán grandes nombres como Four Tet, Daphni, Jon Hopkins, Floating Points, Palms Trax, John Talabot o Mano Le Tough.

A los DJ’s se sumarán también artistas y bandas que ayudarán a ampliar el abanico estilístico de Bits con nombres como Chromeo, Mount Kimbie, Panda Bear, Jorja Smith o Superorganism. —MS #18 mayo 2018

Después de llenar el Wizink Center en Madrid, Imagine Dragons vuelven a Madrid encabezando el cartel de la octava edición del festival Dcode, que tendrá lugar el 8 de septiembre en el Campus de la Universidad Complutense. El resto de grupos confirmados se enmarcan mayoritariamente en el indie, tanto estatal –Izal, Sidonie, Viva Suecia o Triángulo de Amor Bizarro– como internacional, caso de Bastille, The Vaccines, Kakkmaddafakka o Albert Hammond Jr. Probablemente la gran sorpresa sea Jorja Smith, que visitará Madrid por primera vez en este Dcode. Completan la lista Grises, Clairo, Sam Fender, Nat Simons, Shinova, Terry vs Tori y Ochoymedio Djs & Friends.

Las entradas ya está a la venta. —MS www.dcodefest.com

Link Wray And The Wraymen Mr. Guitar (1995)

The Cramps

Bo Diddley (1958)

También es una recopilación de singles, pero es que en los cincuenta todo se basaba en los singles y la gente todavía no pensaba en álbumes.

Bo Diggley creó su propio beat e influenció a la mayor parte de mis artistas favoritos. Es el rey.

En realidad no se trata de un álbum exactamente, sino de una colección de todas las grabaciones primerizas de Link Wray.

Estoy convencido de que Wray es uno de los artistas más importantes de la historia del rock’n’roll.

Aprendí cómo tocar la guitarra escuchando sus canciones.

The Cramps tenían el mejor mal gusto que jamás haya existido.

Reintrodujeron a los punks en las más perturbadoras y psicóticas obras maestras de los cincuenta y los sesenta. Lux e Ivy fueron el auténtico dúo del rock’n’roll.

Bo Diddley

Primavera Bits, más electrónica en Primavera Sound

Octava edición del Dcode

The Rolling Stones

England’s Newest Hit Makers (1964)

Es complicado elegir un disco de los Stones, pero creo que este es el trabajo que lo empezó todo. Es realmente cool y además fue el disco que me hizo querer estar en una banda cuando era un chiquillo. Incluye un montón de versiones.

Songs The Lord Taught Us (1980)

Germs

Ramones

Me hice a mí mismo un tatuaje de Germs en el tobillo cuando tenía catorce años. Eso te puede decir lo importante que es este disco para mí. Me cambió la vida. Para bien o para mal, dependiendo de a quién le preguntes. Cuando les descubrí decidí que no iba a ir a la universidad o a trabajar en una oficina.

Han sido siempre una de mis bandas favoritas desde que empecé a escuchar música.

Es pura diversión y, para mí, representan la quinta esencia de una banda americana. Creo que no podría ser amigo de nadie a quien no le gusten Ramones.

(GI) (1979)

RUBÉN BLADES FOTO: ARCHIVO

Treinta aniversario del Villa de Bilbao

IMAGINE DRAGONS FOTO: archivo

MONDO FREAKO

Ramones (1976)

Nueva edición del Terral de Málaga Nueva edición del festival Terral de Málaga o Festival de Verano del Teatro Cervantes, que se llevará a cabo desde el 22 de junio hasta el 7 de agosto. El cabeza de cartel de esta temporada es el músico panameño Rubén Blades (8 julio), aunque la programación está excelentemente surtida de nombres de indiscutible calidad. Podremos ver en concierto a una larga lista de artistas, entre ellos a Wim Mertens (22 junio), Teresa Salgueiro (Madredeus, 23 junio), Rocío Márquez (24 junio), Ala.Ni (25 junio), Jorge Drexler (28 junio), Soleá Morente acompañada por Napoleón Solo (5 julio), Rocío Molina & Sílvia Pérez Cruz (7 agosto) y un homenaje flamenco al mismísimo Leonard Cohen, impulsado por Alberto Manzano y conducido por la voz de Paula Domínguez (29 junio). —MS www.teatrocervantes.com

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“

Angelus Apatrida Pulso firme

Nuevo disco de Angelus Apatrida, y la constatación de que continúan luchando en el mundo del thrash y el metal con el pulso muy firme.

Cabaret de la guillotine (Century Media, 18) es su título y ya están en la carretera presentándolo.

A

la Guillotine nos dimos cuenta conforme estábamos haciendo las demos que iba a ser una grandísima obra que dejaría en ridículo, llamémoslo así y con la mejor intención, al resto de álbumes anteriores”, comentaba Guillermo. Y es que Cabaret de la Guillotine puede ser definido como un trabajo complejo, potente y equilibrado cargado de velocidad y precisión ejecutiva. La banda, además, celebra la continuidad dentro de la multinacional Century Media. “Nos tratan como nosotros creemos que un sello debe tratar a un artista: con respeto, amistad, camaradería y conocimiento de causa. En Century Media nos sentimos tan queridos como cualquiera de las bandas insignia del sello, pudiendo destacar a At The Gates, Arch Enemy o Lacuna Coil. Ahora mismo no concebimos trabajar con nadie más que con ellos, es nuestra casa y lo seguirá siendo esperamos que por muchísimo tiempo más”.

Dentro de poco su nuevo disco les hará recorrer multitud de destinos de la geografía tanto nacional como internacional. “Comenzaremos nuestra agenda de conciertos en Viña Rock, después desarrollaremos la primera gira como headliners por toda Europa junto a los californianos Skeletal Remains y los mallorquines Trallery. Pasaremos por Alemania, Bélgica, Holanda, República Checa, Polonia, Austria… Buffff, no sé, un huevo de sitios…

Más tarde volveremos a España y el resto de Europa para seguir presentándolo en festivales de verano, y finalmente Latinoamérica”. —fernando o. paino

ngelus Apatrida es una de esas bandas de thrash metal que saben dejar el listón bien alto a nivel internacional. En sus ya dieciocho años de vida este conjunto de Albacete ha conseguido entrar a formar parte de la plétora de agrupaciones que encabezan la escena metal de nuestros días.

En palabras de su líder, Guillermo Izquierdo: “empezamos siendo unos niños. Somos como ese matrimonio feliz que se conoce desde el colegio y lleva unido toda la vida. Sinceramente, no fue duro ni difícil resaltar en el panorama nacional cuando empezamos a tomarnos esto algo más en serio allá por el 2004. Sí que tuvimos bastantes problemas y trabas al principio, muchas bandas se quedan atrás con algunas de las contingencias que hemos sufrido, pero gracias a la perseverancia, ánimos y asesoramiento de mucha gente de la industria, sacamos fuerzas para seguir adelante” .

El cuarteto presenta su sexto trabajo, r Cabaret de la Guillotine, un disco que hereda rasgos sonoros de clásicos como Pantera, SepulMás en www.mondosonoro.com tura o Metallica, pero aportando un genuino espíritu en sus composiciones que les hace continuar siendo únicos. “La experiencia durante todos estos años l Barcelona 21 de mayo. Razzmatazz hace que cada vez hagal Valencia 22 de mayo. Rock City mos discos más complejos, l Donostia 2 de junio. Larratxo K.E. más elaborados y más l Viveiro 13 de julio. Resurrection maduros. En mi opinión, l Tarragona 20 de julio. A Cop de Rock siempre ha ocurrido con l Vizcaya 29 de septiembre. DiMetal cada disco. Con Cabaret de

”

s “En Century Media no os id sentimos tan quer s como cualquiera de la ia gn bandas insi del sello” mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: ARCHIVO

en concierto

mayo 2018 #19

Pegada de carteles

Reparto de flyers, cd’s...

Distribuciones

tengountrato Fabricamos y distribuimos en toda la penĂ­nsula Madrid 915 400 055 Barcelona 933 208 577 info@tengountrato.com www.tengountrato.com

Arctic Monkeys Alma de crooner Es uno de los grandes retornos, sino el más destacado, de la temporada.

Tras cinco años alejados del foco, Arctic Monkeys reaparecen con Tranquility Base Hotel & Casino (Domino/Music As Usual, 18). Doble salto mortal al vacío, la banda de Alex Turner se olvida del sonido de guitarras para, siguiendo con la evolución iniciada en su álbum anterior, AM (13), conviertirse en crooners modernos y explorar en las parajes del soul y el R&B. —texto Oriol Rodriguez —fotografía Zackery MIchael

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N

o hemos buscado generar expresamente expectativas jugando al secretismo con los detalles de nuestro nuevo disco”, asegura Alex Turner. “Vivimos en una sociedad en la que todo el mundo está conectado a todas horas a las redes sociales, explicando a cada momento qué hace y dónde está. Nosotros no. Lo curioso es que cuando decides no compartir abiertamente con el resto del mundo los detalles de tu día a día, parece que te has convertido en un radical. Pero no, no hemos mantenido nada en secreto, simplemente no estamos pendientes de los tuits. Todo lo contrario, durante todo este tiempo cuando se me ha acercado un seguidor, no he tenido ningún problema de hacerme una foto con él o ella y explicarle qué estábamos haciendo. Sí que he notado y no sé el porqué, que esta vez la expectación es más grande que en discos anteriores. Tal vez sea porque han pasado cinco años desde nuestro anterior disco”. La espera ha finalizado. Tras un lustro sin noticias de Arctic Monkeys, los ingleses están a punto de romper su silencio con la publicación de su nuevo disco, Tranquility Base Hotel & Casino. “La verdad es que tengo la sensación que no ha pasado tanto tiempo”, se sincera el líder de la banda de Sheffield. “Por lo menos, nosotros no hemos estado parados. Tras la pubicación de AM, estuve trabajando con mi amiga Alexandra Savior. Con ella grabé Risk, un tema que se incluyó en la banda sonora de la segunda temporada de la serie True Detective. Eso era el año 2015. Dos más tarde, le coproduje, toqué varios instrumentos y la ayudé en varias de las composiciones de su álbum de debut, Belladonna Of Sadness (2017). Entre medio, volví a reunirme con Miles Kane y grabamos el segundo disco de nuestro proyecto The Last Shadow Puppets, Everything You’ve Come to Expect (16), y luego salimos a presentarlo”. Fue entonces, cuando acabó la gira de los Puppets, cuando Alex Turner volvió a reunir a los Arctic Monkeys. “Desde fuera puede parecer que me he pasado cinco años tirado en al playa, pero la sensación que tengo yo es que no he parado ni un momento”.

3

mayo 2018 #21

EN PORTADA

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Encerrado en casa

Hoy es miércoles 7 de marzo. Vosotros no leeréis esta entrevista hasta dentro de dos meses, cuando se publique Tranquility Base Hotel & Casino. En un viaje exprés a Londres, Alex Turner me espera en el señorial Town Hall Hotel, en el barrio de Bethnal Green de la capital británcia, para charlar durante una hora (de la que, por contrato firmado por la revista con su discográfica, no podré desvelar ningún detalle hasta que aparezca esta entrevista) de su nueva obra. Lleva una imagen… curiosa, diferente: barba de cuatro días y pelo largo recogido en una coleta. Es como una versión cool de Pablo Iglesias. Habla muy a poco a poco, midiendo sus respuestas, pero sin rehuir ninguna pregunta. Es simpático y extremadamente amable. “Tan pronto acabé con The Last Shadow Puppets me metí de lleno en este nuevo disco. Me encerré en casa y me puse a componer y grabar las primeras maquetas. Sí que es cierto que esta vez los plazos se han alargado un poco más respecto a nuestros discos anteriores porque me he pasado más tiempo trabajando solo, con el piano y una grabadora”. Alex Turner recuerda que únicamente muy de vez en cuando el resto del grupo se pasaba por su casa para ver qué estaba haciendo. Y cuando creyeron que ya lo tenían todo, que ya estaban listos, se fueron a grabar a un estudio de Los Angeles. “Pero volvimos y me puse a escribir más temas. Y entonces nos fuimos a un estudio de París y ahí nos pasamos cinco semanas. Luego regresamos a Inglaterra y aún volvimos a grabar más cosas en un estudio de Londres. Podría haber seguido grabando y grabando, pero el momento ideal para dejar de trabajar en el disco fue justo cuando decidimos que habíamos acabado. Probablemente me he vuelto más perfeccionista con el tiempo. De hecho, este es el primer disco que he grabado superada la barrera de los treinta años”. Arctic Monkeys acabaron de mezclar Tranquility Base Hotel & Casino a finales del pasado mes de noviembre y desde entonces, ahora sí, Alex Turner ha hecho poca cosa o más bien nada. Ahora, dice, se encuentra en un punto de transición, pasando de haber estado meses encerrado componiendo y grabando a volver a estar en el foco de todas las miradas. “Pero no solamente estoy preparado para ello sino que me muero de ganas por volver a subir a un escenario con el resto de Arctic Monkeys y tocar los temas nuevos. Aunque, si soy completamente honesto, hay parte de mí que también desea que todo esto, la promo, las giras, etcétera, pase y pueda volver a sentarme frente al piano a escribir más canciones”.

#22 mayo 2018

“Me muero de ganas por volver a subir a un escenario y tocar los temas nuevos”

El silencio de este hombre

Para Alex Turner en la música pop ya hay muchas canciones sobre amor: “él te quiere y ella te quiere” y cosas por el estilo. Uno de sus retos como compositor es intentar ir un paso más allá o darle una vuelta más al tópico. “Es casi tan importante lo que dices que cómo lo dices. Intento buscar la inspiración en todo lo que me rodea, en el mundo, a través de las noticias… También me inspira mucho el cine y la literatura. Cuando salí de gira con los Puppets leí La broma infinita de David Foster Wallace. Ese libro me flipó y ha sido una gran influencia en este disco. El cine de Jean-Pierre Melville también me ha inspirado. Tiene una película, El silencio de un hombre, de 1967, cuya banda sonora ha sido clave en la creación de Tranquility Base Hotel & Casino”.

La primera canción que Alex Turner escribió para este nuevo disco fue Star Treatment, justo el tema que abre el álbum. “De alguna manera marcó el tono del resto de las canciones. Fue como una puerta abierta que nos permitió adentrarnos en este nuevo sonido”. Muy probablemente por la preponderancia del piano, Tranquility Base Hotel & Casino suena a soul y jazz. El líder de la manada de monos árticos está de acuerdo. “Hay momentos en el disco, sobre todo en temas como el segundo del álbum, One Point Perspective, que me recuerdan al tipo de canciones que mi padre podría tocar cuando se ponía frente al piano. Casan muy bien con el tipo de letras que estaba escribiendo, hay acordes de jazz, de soul y también diria que el disco desprende cierta esencia a ciencia ficción. Aunque en el fondo no deja de ser rock’n’roll”. La nueva referencia de los británicos es un trabajo de crooner moderno, algo así como una aproximación a los parajes sonoros de Nick Cave pero desde un filtro menos oscuro. “Nick Cave siempre es una inspiración. Soy un gran fan suyo desde siempre. Le admiro muchísimo”, revela Turner. “Otro nombre al que respeto y al que me gustaría parecerme es a Leonard Cohen. Sus últimos discos son brutales. Ojalá algún día llegue a escribir un tema como Almost Like The Blues. Joe Cocker, Leon Russell, Nina Simone, el disco Born To Be With You de Dion producido por Phil Spector son las influencias de las que ha salido Tranquility Base Hotel & Casino… Y esta vez, tal vez porque hemos grabado en París, también he escuchado a muchos cantautores franceses. Iconos de la chanson como Serge Gainsbourg o Nino Ferrer. Y cantantes italianos como Celentano o Mina. Y Moonlight Mile de The Rolling Stones. Durante la grabación del disco escuchamos compulsivamente esta canción”.

Aunque su nueva colección de temas os sorprenderá y no os dejará indiferente (a algunas os encantará, otros lo detestaréis), si se escucha la discografía completa de Arctic Monkeys, de Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006) a Tranquility Base mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

DISCOGRAFÍA r Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not

(2006)

Irrumpieron como un trueno ocupando el espacio que había entre The Libertines y Franz Ferdinand.

Lo tenían todo: temazos como Fake Tales Of San Francisco, When The Sun Goes Down o un I Bet You Look Good On The Dancefloor que aún hoy suena imbatible, más insolencia y desfachatez juvenil.

Favourite Worst Nightmare (2007)

Los hubo que pronosticaron que no iban a ser más que otro globo inflado por la prensa británica.

Ellos contestaron con un disco igual de bueno que su debut. Brianstorm o Fluorescent Adolescent se convirtieron en clásicos instantáneos.

Humbug (2009)

Hotel & Casino, de principio a fin, del tirón, toda seguida, se percibe la línea evolutiva y el salto no resulta tan exagerado. De hecho, ya se podían intuir detalles de lo que ha acabado siendo Tranquility Base Hotel & Casino en AM. “Es un gran salto, pero no me provoca vértigo. Sí que temía por la respuesta de nuestros seguidores de siempre con AM, porque consideraba que era una evolución muy bestia respecto a los discos anteriores. Pero esta vez no noto los nervios que sentía entonces. Siento que era el disco que quería hacer y que lo he dado todo. Aunque tengo que admitir que hubo algunos momentos, sobre todo durante las mezclas, que nos mirábamos con James Ford, nuestro productor, como diciéndonos que habíamos ido demasiado lejos. Un día su mujer, Celine, captó una de esas miradas y nos dijo que no teníamos por qué tener miedo, porque en el fondo sonábamos igual que siempre. La apariencia ha cambiado pero seguimos siendo Arctic Monkeys”.

Aunque solamente sea en aparencia, el cambio en Tranquility Base Hotel & Casino es significativo, pero es este avance y evolución lo que mantiene a Turner vivo creativamente. “Siempre he querido ir un paso más allá de lo que se espera de mí pero en este caso ha surgido de forma totalmente inconsciente o natural”. Defiende el cantante, guitarrista, alma y motor de Arctic Monkeys, que el plan nunca fue hacer premeditadamente un disco así, simplemente surgió.

“Sí que me he adentrado en el proceso creativo de una forma diferente respecto a otros discos, con un mayor protagonismo del piano y eso me ha llevado a parajes sonoros diferentes. También he trabajado mucho yo solo en el estudio con todos esos cacharros que me he ido comprando. Sí, el proceso ha sido muy diferente y eso me ha permitido alcanzar los lugares a los que quería llegar y en los que no había estado nunca antes”. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Algún día

Lo que no ha cambiado en Tranquility Base Hotel & Casino ha sido su productor, James Ford. Una vez más y ya van... Arctic Monkeys han confiado en el miembro de Simian Mobile Disco para trazar el plano sonoro de su nuevo trabajo. “Sí, de nuevo él. Pasamos por tres estudios, uno en Los Angeles, otro en París y finalmente en Londres, pero el productor es nuestro hombre de confianza de siempre. Es un miembro más del grupo.

Tengo una fe absoluta en todo lo que propone y hace.

Creo que nadie entiende mejor que él mis impulsos, las direcciones que quiero tomar creativamente. No únicamente eso sino que es un músico del copón, toca la batería de cojones”. Quien no ha participado esta vez ha sido Josh Homme, líder de Queens Of The Stone Age y uno de sus principales mentores y defensores en Estados Unidos. “Tal vez le volvamos a llamar en el próximo disco”. Tranquility Base Hotel & Casino sí que amaga, sin embargo, colaboraciones de músicos amigos, como los compañeros de Turner en The Last Shadow Puppets. “Y también han participado metiendo voces o detalles aquí y allá gente de Tame Impala, Mini Mansions y Klaxons”. Alex Turner apura el capuccino que se ha pedido antes de empezar la entrevista y que ahora ya debe estar congelado en el mismo momento en el que aparece la responsable de la discográfica para advertirme que me queda tiempo para hacer una única pregunta más. Y así, con las prisas, como ha sido él quien se ha encargado del diseño del disco, tan solo se me ocurre preguntarle si se ve algún día experimentando artísticamente fuera del mundo de la música. “Algun día me gustaría… escribir algo que no fuera destinado a una canción, pero por ahora no tengo la suficiente confianza. Mis letras estan protegidas por melodías, pero no sé si tengo calidad como escritor como para presentarlas desnudas. Me gustaría tener el valor para lanzarme a hacerlo. Algún día”. —o.r.

A más de uno les sorprendió que se asociaran con Josh Homme para dar forma a su tercer largo, cuando todo su repertorio estaba repleto de riffs que no distaban en exceso de la propuesta de QOTSA. No es su mejor disco, pero no bajan del notable.

Suck It And See

(2011)

Arctic Monkeys vuelven a trabajar con su productor de confianza, James Ford, pero no se olvidan de las lecciones aprendidas con Josh Homme. Un disco en el que empiezan a evidenciar ciertos sintomas de madurez.

AM

(2013)

El nuevo disco de Arctic Monkeys no podría entenderse si la publicación de AM. Siguen apostando por la guitarra como elemento preponderante pero en su sonido empiezan a filtrarse préstamos de otros géneros.

Tranquility Base Hotel & Casino

(2018)

Un disco que definitivamente les aleja de sus inicios. La evolución ha sido progresiva y nada forzada, pero poco tienen que ver con lo que eran.

Alex Turner se viste de crooner y entrega un trabajo sin singles rompepistas de texturas soul. mayo 2018 #23

Grises Por amor “Somos animales de scos a la músicaespaceranatoricao.rloCrs”eamos di Tras dejarse llevar por las mieles sintéticas del electro-pop tropicaloide, la banda vasca regresa con De peces y árboles (Hook, 18) a su esencia musical prescindiendo de bucles y samples, sustituyéndolos por destellantes sintetizadores analógicos y arreglos oscuros de guitarra rockera y, como siempre, dando rienda suelta a ese optimismo reflexivo y fulgurante que les caracteriza. Puro Grises, oiga.

RR Sabíamos que Father John Misty

estaba preparando su próximo lanzamiento. Ahora ya tenemos más detalles, entre ellos que verá la luz el 1 de junio vía Sub Pop y Bella Union. Vendrá bajo el nombre de God’s Favorite Customer. De momento ya se han dado a conocer tres temas a través de Youtube (Mr. Tillman, Just Dumb Enough To Try y Disappointing Diamonds Are The Rarest Of Them All). Según Tillman, este nuevo disco autoproducido es bastante menos “pretencioso” que sus predecesores.

TAN. LEJOS.

RR Los belgas Soulwax lanzarán un

álbum con nuevo material original bajo el nombre de Essential el 22 de junio. El

Muerdo Siempre adelante

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

disco esta compuesto por doce cortes que se titulan desde Essential One a Essential Twelve y cada una esta compuesta pensando en los significados de la palabra esencial. Essential Four es el primer corte que ve la luz y contiene la colaboración de la cantante belga Charlotte Adigéry. La grabación en el estudio DEEWEE duró apenas dos semanas.

con entidad y vida propia. Parece estar personificado, de hecho, en el muñeco que ocupa la portada, protagoniza el videoclip y hasta asoma en la foto promocional. En LUMP Marling se encarga de las voces y las letras mientras que Lindsay, conocido por su trabajo con la banda de folktrónica Tunng, firma el resto de la música.

RR El pasado mes se detuvo a un hombre

RR LUMP es el proyecto conjunto de Laura

Marling y Mike Lindsay y ha presentado ya su primer single y videoclip, la muy recomendable Curse Of The Contemporary.

El álbum verá la luz el 1 de junio con Dead Oceans. Ambos artistas han puesto cierto énfasis en definir LUMP como un proyecto

en el exterior de la casa de Taylor Swift en Beverly Hills. Según la policía, llevaba en su coche una máscara, guantes de goma, un cuchillo, munición y una soga. Por lo visto el hombre vive en Colorado y se encuentra en libertad condicional en dicho Estado por disparar un arma de fuego.

El cuarto trabajo de Muerdo, supone un gran paso para el cantautor, ya que con él entra a formar parte del catálogo de Warner. Ahora apuesta por aires más pop, pero sin olvidar su característica esencia mestiza en La mano del fuego (Warner, 18).

FOTO: juan pérez fajardo

E #26 mayo 2018

l disco mantiene esa naturaleza de cantautor mestizo que le ha caracterizado hasta la fecha. La mano del fuego es buena continuación de sus anteriores trabajos, eso sí, con novedades en el sonido. “La batería y los bajos tienen un sonido pop que nunca habíamos hecho, siempre mantuvimos un sonido bastante alternativo”. Tres años después del último lanzamiento, Muerdo nos asegura que está convencido de haber firmado el disco que quería hacer. “Ahora mismo hay más ganas que nervios. Ganas de

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

T

ras dejaros llevar por las mieles sintéticas del electropop tropicaloide en Erlo, volvéis a vuestros orígenes con De peces y árboles... ¿Por qué este cambio, si todo parecía ir bien?

Para nosotros ha sido una evolución natural. En Erlo nos permitimos experimentar sumergiéndonos en ese mundo electrónico, del cual aprendimos y disfrutamos mucho. Pero cuando estábamos de gira nos dimos cuenta de que echábamos de menos la presencia del grupo, las baterías reales, el bajo, las guitarras y ese sonido tan brutal que se encuentra presente en todos nuestros directos.

—¿Se acabaron para siempre las valientes inmersiones por el experimentalismo y esa electrónica híbrida que tan bien os sentó el año pasado?

No, nunca se sabe. No podemos decir que se haya acabado. Siempre nos sentimos muy libres a la hora de componer y nos encanta experimentar. La parte electrónica sigue muy presente en nuestro sonido y seguro que volverá de

en concierto l Huesca 11 de mayo. El Veintiuno l Zaragoza 12 de mayo. Sala López l Granada 18-19 de mayo. Bull Music l Bilbao 12-14 de julio. Bilbao BBK Live l Logroño 23-26 de agosto. MUWI l Madrid 8 de septiembre. Dcode

alguna forma a nuestra música.

—Lo que sí conserváis en este nuevo disco es ese optimismo reflexivo y fulgurante que os caracteriza en lo que respecta a letras y mensajes. Es uno de los discos más autobiográficos. No ha sido fácil llegar a este quinto disco y la lucha y la búsqueda a veces de la ilusión perdida, se ve reflejada en las letras.

Pero hemos tenido fuerza para seguir adelante, y es lo que queremos trasmitir: fuerza a toda esa gente que necesita un pequeño empujón para poder seguir adelante.

—Es evidente es que en este nuevo

RR Kendrick Lamar se ha convertido en el primer

músico fuera del ámbito de la música clásica y el jazz en ganar la categoría musical de los Pulitzer. Parece marcar, por tanto, un punto y aparte en un galardón que hasta ahora parecía exclusivamente dedicado a dos músicas de más prestigio social para el perfil -académico- del jurado de estos premios. De hecho, el Pulitzer musical lleva otorgándose desde 1943 y no ha habido ningún nominado fuera de la clásica o el jazz. Kendrick Lamar lo ha logrado con DAMN.. Desde los Pulitzer hablan de él como “una colección virtuosa de canciones unificada por su autenticidad vernacular y dinamismo rítmico, que ofrece conmovedoras viñetas en las que captura la complejidad de la vida afroamericana moderna”. —MS

descubrir el feedback después de tanto trabajo”. Ahora bien, el disco aparece al amparo de una gran multinacional, aunque Cantero tiene claro que la naturaleza del proyecto no cambia, sino que solamente se han mejorado las posibilidades de Muerdo. “Surgió la oportunidad y queríamos experimentarlo, además todo lo que sea ampliar el equipo de trabajo es interesante. Hay un estigma alrededor de esto, pero a nivel artístico seguimos manteniendo nuestra esencia”. Y esa esencia radica, en gran parte, en sus letras. “Todo forma parte de un proceso interno, de evolución y de aprendizaje personal. Yo primero hago las canciones para mí y luego ya son de la gente.

Esto es también el hilo conductor de la temática del disco, letras que deducen un poco la realidad y pasan por mi filtro como ser humano”. Muerdo es sinónimo de raíces, alegría y compromiso, pero el año pasado unas declaraciones le alejaron fugazmente de eso. En ellas hablaba de un supuesto colectivo “feminazi” y de lo molesto que le parecía el vocabulario

inclusivo. Tras disculparse asegura que “la esencia de las declaraciones era cuestionar la radicalización excesiva de ciertos movimientos. De todas formas, la experiencia que me llevo desde ese punto hasta ahora es mucho aprendizaje de una causa que desconocía”. En cuanto a la situación de la música y, a pesar de cantar desde una posición totalmente diferente, se solidariza con la causa. “Mis letras son una crítica desde otro lugar más constructivo, pero estos niveles de censura y represión en un país supuestamente tan democrático y avanzado me parecen indignantes”. Los próximos meses se centrarán en la gira. “Estamos preparando un espectáculo más festivo para incitar a la gente a que baile”. Y, por supuesto, también en proyectos en América Latina. “Tenemos muchas ganas de volver. Es una de nuestras prioridades”. —andrea coll pons

viaje os mostráis vigorosos, en muy buena forma, con ganas de montar un buen lío…

Siempre. Somos animales de escenario.

Creamos discos para tocarlos. Quien ha visto a Grises en directo sabe de lo que hablo, y es verdad que esta vez estamos con muchísimas ganas de no parar de hacer directos y de volver a la carretera y darlo todo como si fuera la primera o la última vez que lo hagamos.

—¿Por qué sería De peces y árboles el mejor disco de Grises hasta el momento?

Porque es el más maduro. Creo que hemos conseguido algo con este disco que nunca habíamos sentido tan fuertemente: la identificación con el público, que las canciones sean universales y hablen de problemas universales. También ayuda que no tengamos ninguna presión ni ninguna aspiración que nos nuble la mente. Somos muy realistas, conscientes y sinceros y esto lo hacemos por amor a la música.

—La única pega que se le puede poner al disco es que quizá, todo suene

-y se cuente- de forma demasiada parecida, cayendo a veces en una peligrosa monotonía rítmica y coral.

Yo creo que este disco es como una novela. O lo siento así. Tiene una coherencia narrativa que nunca he sentido con ninguno de nuestros otros discos. Quien escuche el álbum tendrá la misma sensación que cuando va a ver una película, una obra de teatro o una instalación de un artista plástico.

—Por cierto, se os compara, muy a menudo, con Dorian. ¿Os agrada o para nada?

Dorian nos parecen maravillosos y unos profesionales como la copa de un pino.

Pero en realidad, musicalmente, no han sido influencia para nosotros. Es curioso el oído del ser humano y cómo cada uno escucha las cosas de manera diferente, pero eso es bueno... que cada uno sienta las cosas como quiera.

—fernando fuentes

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Ebri Knight “El idioma no es una barrera” Con sonido folk-rock y espíritu punk, remueven conciencias a partir de mensajes combativos, difundiendo adaptaciones y firmando temas propios que se convierten en himnos de resistencia. Ahora vuelven con Guerrilla (Maldito, 18).

N

os cuenta Arnau Aymerich, vocalista, que el single que da nombre y concepto al disco fue de los últimos temas que montaron, y es que afirma que están delante del disco más destilado que han creado hasta ahora. “Después de Foc necesitábamos tomarnos una pausa creativa importante. Con Guerrilla hemos descartado material, ha sido un proceso de aprendizaje y todo está más seleccionado”. Además, han querido coger aire para hacer un cambio de etapa y de imagen. “La imagen forma parte de nuestro espectáculo y ahora preparamos el directo con una nueva trama, pero lo que buscamos sigue siendo un espectáculo para concienciar. Queremos que el espacio festivo sea la excusa para profundizar en nuestro contenido”. Nos preguntábamos si, vistos los problemas de la libertad de expresión con la justicia, habrían reescrito algunos versos antes de

publicar el disco, pero Arnau se muestra contundente. “Siempre hemos tenido un tono especialmente lírico y muchas veces jugamos con metáforas, pero nunca hemos borrado o nos hemos arrepentido ni de letras ni de comentarios. Alguna vez nos han pedido que no hablásemos de una cosa u otra, pero nunca hemos dejado de decir lo que pensamos”. Otro tema actual sobre el que cantan es la mujer, a pesar que todo su staff está formado por hombres. “Lo vivíamos con normalidad, pero hemos sido despertados por grupos y colectivos que nos han ayudado a entender que como hombres formamos parte del problema y tenemos que hacer frente a esas desigualdades diarias”.

—andrea coll pons

En gira: Sallent (5 mayo), Lleida (11 mayo), Baó (12 mayo), Valencia (19 mayo), Palma de Mallorca (26 mayo) y Cambrils (1 junio)

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mayo 2018 #27

Más de veinte años en la música han servido a La Habitación Roja para crear un montón de canciones que forman parte de la memoria sentimental de muchas personas. Memoria (Mushroom Pillow, 18) es ya su undécimo larga duración.

ese a que tanto Jorge Martí como quien firma tenían relativamente fácil eso de quedar para charlar en Valencia, la vorágine de compromisos promocionales en la que se han visto sumidos La Habitación Roja durante el mes de marzo hizo que esta entrevista tuviera que postergarse unos días. Así que al final transcurrió por Skype, a través de la pantalla del ordenador, en conexión entre Valencia y Trondheim (Noruega), ciudad en la que el vocalista, guitarrista y compositor de la banda valenciana reside desde hace años. El contraste climático no puede ser mayor: mientras a orillas de lo que queda del Turia estamos casi a treinta grados (en el primer día auténticamente primaveral que se tercia), Jorge nos muestra la vista desde la ventana de su casa, un paisaje soleado pero completamente nevado, a un grado bajo cero. Cualquier momento es bueno, en cualquier caso, para hablar largo y tendido sobre una carrera que sobrepasa las dos décadas, y que tiene en el reciente Memoria (Mushroom Pillow, 18), producido por Paco Loco en su estudio de Puerto de Santa María, su decimoprimer capítulo. Tan reconocible y solvente como cualquiera de los últimos.

—¿Pensabais siquiera remotamente en 1995 que en 2018 podríais seguir dando guerra, o es algo que entonces ni os planteabais?

La verdad es que cuando creamos el grupo éramos muy ambiciosos, pero creo que de una forma un poco naïf también. Uno cree en lo que hace, tiene un montón de ilusión... casi lo compararía con aquello de cuando eres niño y te preguntan qué quieres hacer de mayor y dices: “futbolista”. Estás convencido de que jugarás en el Valencia y luego serás internacional e irás al Mundial, ¿no? De alguna manera, piensas en eso pero de una forma un poco abstracta también.

Porque realmente no sabes lo que es ser músico profesional y todo lo que hace falta para llegar a tener una carrera consolidada. Sueñas con dedicarte a la música, pero cuando eres tan joven el futuro no existe. Uno es consciente del paso del tiempo a medida que se hace mayor. A esas edades uno piensa que va a ser siempre joven y que todo va a ser, no sé si como un juego, pero sí algo que no conlleve responsabilidad. No piensas más allá del día de mañana. #28 mayo 2018

—Reconoces que desde un principio

siempre fuisteis ambiciosos. Sé que solamente puedes hablar por vosotros, pero he de preguntarte si tienes la sensación de que muchas veces es precisamente la falta de ambición lo que ha hecho que muchos músicos valencianos –ya sean bandas o solistas– no hayan trascendido.

La verdad es que tampoco me voy a poner a juzgar al resto de grupos porque tampoco sé las particularidades de cada uno. Conozco algunos casos, pero tampoco creo que se pueda generalizar.

En nuestro caso, creo que somos un grupo de gente que tiene talento para la música, ante todo. Me hace gracia una frase que a veces dice Pau (Roca), cuando escuchamos algo que nos horroriza o que no nos gusta: “esto no lo levanta

estamos hechos de recuerdos, y que la memoria es una suerte de alma, y que sin ella somos poca cosa. Creo que en un mundo como en el que vivimos hoy en día, en el que solamente se resalta lo positivo y el selfie guay, se pierden los matices, y uno es lo que es y llega a donde llega porque pasa adversidades, momentos felices, pérdidas... y creo que todo eso te convierte en lo que eres. Me parece muy importante la memoria aplicada a la música. Por ejemplo, la forma en la que toda tu trayectoria te hace ser lo que eres a nivel musical o el legado de los clásicos, toda esa influencia que vas mamando desde bien pequeño, y que es importante que se manifieste a través de tus composiciones. Me parece muy importante la memoria histórica, el saber de dónde viene uno y por qué las cosas son como son. El aprender de los errores e intentar no volver a cometerlos... Y luego me parece que también es importante el ser agradecido y conservar la memoria de gracias a quiénes uno está en el sitio en el que está.

—carlos pérez de ziriza

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Última hora Jorge Martí de La Habitación Roja ha sido ingresado de urgencia en el hospital por un tromboembolismo pulmonar, por lo que los conciertos de presentación de su último disco Memoria que tenía el grupo en Valencia, Madrid y Barcelona quedan cancelados hasta su recuperación Desde MondoSonoro le deseamos una pronta recuperación y que se vuelva a incorporar a su vida normal.—MS

s vendido “Nunca hemo al diablo” nuestra alma

FOTO: ARCHIVO

La Habitación Roja P Memoria y coherencia

ni Brian Eno”. Creo que en la música lo más importante es tener buenas ideas, canciones y trabajo. Tengo que hacer un símil con el fútbol de nuevo: un jugador que tenga calidad, si se entrena bien va a tener más posibilidades de llegar lejos. Si no tienes calidad, ya te puedes entrenar, que no. A todos nos gustaría ser Messi, pero no es posible. En ese sentido, creo que hemos tenido las bases para desarrollar una carrera. Pero nuestra ambición no era mercantilista, era una ambición artística, de tener ganas de recorrer el mundo, salir de tu círculo. Salir de nuestro pueblo, de nuestra ciudad y de nuestro país, y eso sí que lo hemos tenido. Hemos sido gente muy obstinada y perseverante, y eso supongo que tiene que ver con mi forma de ser en la vida y también con la del grupo, porque siempre han estado ahí, subidos al barco y queriendo mejorar. Que otros grupos no lo hayan conseguido... pues no lo sé. Te puedo decir que nosotros nunca hemos vendido nuestra alma al diablo. Hay quien pueda pensar: pues mira estos, que han cogido a este manager o han fichado por este sello, han hecho esta canción o se han tirado al rollo... pero creo que La Habitación Roja hemos hecho una carrera muy coherente, sin tomar atajos.

Y cuando hemos tenido presupuesto y apoyo para grabar con el productor que te podía hacer sonar para meterte en Los 40 Principales, nos hemos ido a grabar con Steve Albini. Y luego con Santi García, que no creo que haya conseguido muchos números uno en ninguna radiofórmula. Y luego con Paco Loco, y con John Agnello a mezclar... creo que todas las decisiones han sido artísticas.

—Sobre Memoria, vuestro nuevo disco: ¿sois de quienes creéis que todo lo que hacemos en esta vida, para bien o para mal, nos conduce a ser quienes somos en la actualidad, y que vale la pena preservar ese recuerdo nítido de todo lo que hemos sido?

Sí, esa es una de las razones, creo que

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M AY O 2 0 1 8 CASTILLA LA MANCHA, CASTILLA LEÓN Y MADRID CASTILLA LA MANCHA SALA NICE, CIUDAD REAL 26/05/2018 NORA NORMAN

BAR SECRETOS, MAYORGA (VALLADOLID) 19/05/2018 NORA NORMAN

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ARAGÓN, CATALUÑA Y COMUNIDAD VALENCIANA

DAAHOUD SALIM

CAFÉ BERLÍN 09/06/2018 LEO MINAX

A’VENTANA, LAXE (A CORUÑA) 04/05/2018 CLARA PEYA CLAVICÉMBALO, LUGO 05/05/2018 CLARA PEYA

COMUNIDAD VALENCIANA

LA BÓVEDA DEL ALBERGUE, ZARAGOZA 12/05/2018 LEO MINAX 16/06/2018 DAAHOUD SALIM

TEATRE DEL RAVAL, GANDÍA 26/05/2018 LEO MINAX

CATALUÑA

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ARAGÓN

BIANCO, VILAGARCÍA DE AROUSA (PONTEVEDRA) 04/05/2018 EL IMPERIO DEL PERRO

ANDALUCÍA

LA FÁBRICA DE CHOCOLATE, VIGO 05/05/2018 EL IMPERIO DEL PERRO MARDIGRAS, A CORUÑA 03/05/2018 EL IMPERIO DEL PERRO

LA CALLE, SEVILLA 31/05/2018 NORA NORMAN

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

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22 junio 7 agosto 2018 Teatro Cervantes de Málaga

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Metallica Primeros tiempos

Nacer. Crecer.

Metallica. Morir.

Volumen I Paul Brannigan & Ian Winwood Malpaso Editorial

día de hoy. “Pienso en Cliff todo el tiempo –comenta Ulrich–. No puedo desprenderme de él y tampoco quiero que eso ocurra”.

Al margen de momentos tan duros como ese, la trayectoria de Metallica dibuja una ascensión emocionante y meteórica narrada aquí con tono confesional y rico en declaraciones de decenas de fuentes.

Los bregados periodistas musicales británicos Ian Winwood y Paul Brannigan (autor de This Is A Call: The Life And Times Of Dave Grohl), combinan con ritmo e interés infinidad de datos y anécdotas contadas por sus testigos. Desde las penosas primeras giras de la banda en furgoneta, en las que dormían en el suelo y tocaban en tugurios semivacíos, pasando por la salida del talentoso, pero conflictivo Dave Mustaine, futuro líder de Megadeth, abandonado en una estación de autobús mientras un adolescente Kirk Hammet usurpado de las filas de Exodus ocupaba inmediatamente la plaza vacante. “Un momento muy triste –

excesos propios de unas rock star. “Has de tener en cuenta que permanecimos en un estado de ebriedad constante de 1987 hasta el final de 1989. Era como parte del trato”, recuerda el bajista suplente Jason Newsted. Aunque, como afirma el tour manager de sus primeros años, Gem Howard, Metallica “mostraban un interés real por los pormenores del oficio. Podían irse de farra y desmadrar, pero mantenían sus prioridades en el aspecto musical del asunto”. El propio Howard se adentra en un aspecto crucial. “He salido de gira con montones de grupos y la gente que llega más lejos es la que escucha cosas que no esperarías. (Con ellos) pasabas de estar coreando a Misfits a casi echarte a llorar con Homeward Bound de Simon & Garfunkel o Ennio Morricone.

Iban pillando cosas de aquí y de allá, y así es como progresaron. Luego hallaban el modo de incorporar todo eso en su música.

Y así se distinguían de las otras bandas y les sacaban mucha ventaja.” Y es que, más

reflexiona Mustaine–. Recuerdo que James estaba llorando mientras conducía hasta la estación. Quería a Dave pero se pasaba de destructivo –recuerda Ulrich–. Y eso iba a ser un contratiempo para nosotros”.

El libro hace hincapié en aspectos coyunturales como la aversión de la banda por la escena angelina dominada por la laca, el rímel y las mallas de licra. Metallica se mudaran pronto a San Francisco, ciudad con una comunidad metalera, según ellos, más auténtica y abierta a los sonidos británicos de Motörhead, Saxon y Judas Priest. En unos años ya habían saboreado las mieles del éxito tras eclipsar al mismísimo Ozzy Osbourne en su gira conjunta de 1985. Corría 1987 y la banda alternaba la grabación del mastodóntico ... And Justice For All con la no menos gigantesca gira itinerante del Monsters Of Rock liderado por Van Halen. Por esa época llegaría también su primer jet privado, las entrevistas en medios generalistas como The New York Times, su primera nominación a los Grammy, el videoclip de One, y la implosión de las groupies, las drogas y los

allá del factor humano, rosa si quieren, vital para entender cómo afecta la fama a unos jóvenes en la veintena, el presente libro habla mucho acerca de lo más importante: la música.

A pesar del éxito cosechado por ... And Justice For All, Ulrich reconoce: “Es nuestro único disco con el que no me siento a gusto. Parecía una cuestión de pericia casi atlética más que de música”. Habían llevado “ese lado de Metallica hasta el límite”.

Quizás por ello, el riff central de Enter Sandman, escrito por Hammet poco tiempo después, nació de su deseo de “componer la cosa más heavy que pudiera imaginar”.

Heavy en el sentido de pesada, con groove.

El último capítulo del libro describe a la banda concentrada en dos características casi invisibles en su obra interior: simplicidad y ritmo. Para ello, Metallica tomaron el clásico Back In Black de AC/DC como modelo creativo y reclutaron al productor Bob Rock para dar forma a su popular y estratosférico Black Album, el disco que cambiaría para siempre el binomio metal y mainstream. —david sabaté

“Sin Metallica estaría muerto o en la cárcel. Ese chaval era de lo más desgraciado”, afirma el cantante James Hetfield observándose a sí mismo en una foto del grupo tomada en 1982 en los camerinos de uno de los clubes de San Francisco donde se curtieron. La música, añade, se convirtió en una “salida, una terapia y una salvación”.

L

a temprana biografía del frontman de Metallica protagoniza las primeras páginas de este repaso exhaustivo, detallado y adictivo a la primera etapa –hasta el célebre Black Album– de la trayectoria de la, a menudo, considerada banda de rock más importante desde Led Zeppelin. Siendo Hetfield uno de los mejores frontman que ha dado el género, choca descubrir el carácter tímido, casi autista, del cantante en su adolescencia, marcada por el acné y las fotos de sus idolatrados Aerosmith en su carpeta del instituto. Su dura realidad familiar –padre ausente, muerte de la madre– contrasta con la del futuro batería Lars Ulrich, nacido en el seno de una familia acomodada de Copenhague, un estudioso metalhead fascinado por la NWOBHM, extrovertido y entusiasta pero también encantado de haberse conocido. Ya en 1984 afirmaría: “Todo el rollo de Ratt y Quiet Riot está anticuado y no da más de sí. Metallica vamos a liderar la nueva corriente del metal”. Un bocazas con razón.

Lars y James componen un binomio de polos opuestos cuya combinación, como en el caso de otras bandas con más de un gran ego en sus filas, resulta superior a la suma de las partes. La visión y el don de gentes del primero; la presencia y el talento del segundo. “Se le notaba la pasión por la música –recuerda el danés– y eso me atraía, porque tenía talento, aunque fuera tan in-

trovertido. Me acuerdo de que parecíamos la conjunción perfecta, porque yo pensaba que podría ayudarle a sacarse esas cosas de dentro y él podría compensar algo de mi falta de talento. Como una especie de yin y yang. Eso lo pensé al instante. Desde el primer minuto.” Sin embargo, cuentan que en ese primer encuentro la química entre ambos brilló por su ausencia, incluso se cayeron mal, pero por suerte no se dejaron llevar por la primera impresión.

Su ambivalente relación es uno de los ejes de Nacer. Crecer. Metallica. Morir., una constante tensión creativa que ha pasado por muchas fases, desde las peleas de sus inicios –en 1980, Hetfield llegó a pegar un puñetazo a Ulrich porque el batería había empezado a tocar un bis distinto al acordado–, hasta los rumores de la expulsión de Lars que, supuestamente, habrían pactado Hetfield y Cliff Burton poco antes de la muerte del bajista. El tristemente famoso accidente de autobús durante la gira de Master Of Puppets sirvió para que cantante y batería se unieran más, pero dejó en el grupo una honda huella que aún resuena a

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mayo 2018 #31

MONDO FREAKO

MARUJA LIMÓN Madrid (18 mayo, El Perro Club) Barcelona (25 mayo, Almo2bar)

AgeNda. mayo.

RR Acabáis de publicar Más de

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#32 mayo 2018

ti (Kasba Music, 18), un disco que es pura alegría de vivir.

Ahora lo presentaréis en dos de las ciudades más importantes del territorio. ¿Sorprendidas por la atención que os están mostrando los medios?

La verdad es que sí. Estamos muy contentas con todo el apoyo, el cariño que estamos recibiendo y muy agradecidas por todas las puertas que se nos están abriendo.

—Cases de la Música, Sala Salamandra y Kaska Music. ¿En qué ha sido importante cada entidad para Maruja Limón?

Tuvimos la suerte de ganar la beca de Cases de la Música para grabar en el estudio de Sala Salamandra. A partir de aquí nos motivamos, decidimos ahorrar y apostar por trabajar en un disco propio. Gracias a ayudas como esta hay grupos musicales que pueden impulsar su carrera, porque como ya sabemos es difícil entrar en el circuito. La mezcla la hicimos en Medusa Estudio y fue en ese momento cuando nos encontramos con Kasba Music.

Joni creyó en nuestro proyecto y a nosotras nos hizo mucha

ilusión, ya que significaba formar parte de una discográfica con mucho recorrido en el sector.

Desde entonces el equipo de Kasba Music nos ha estado ayudando, acompañando y guiando en todo momento. Estamos muy contentas con ellos.

—Pregunta incomoda ¿Os importaría decirme qué os diferencia de grupos como Las Migas, D’Callaos, Marinah (Ojos de Brujo) o Calima?

Nos encanta que nos preguntes por ellos ya que son grupos que nos han marcado y que son referentes musicales para nosotras.

La diferencia más evidente es que nosotras acabamos de llegar y ellos tienen mucho recorrido.

A nivel sonoridad la diferencia viene marcada por la formación instrumental de cada grupo.

—¿Para cuándo una del clásico Maruja Limón?

Pues para ya, ¡porque ya la tenemos! Es la versión que utilizamos para la presentación de grupo y que estrenamos en Apolo el pasado marzo. —miguel amorós

Swan Fyahbwoy Barcelona (11 mayo, Razzmatazz), Granada (18 y 19 mayo, Bull Fest), Madrid (31 mayo, La Riviera), Bilbao (8 junio, Santana 27), Málaga (4 julio, Weekend Beach), Cádiz (5 julio, Cabo de Plata), Burriana (5 agosto, Arenal Sound).

Hoy por hoy, Swan Fyahbwoy es la voz del reggae en España. Su música se expande como el fuego, incendiando salas de baile también por todo Latinoamérica y, próximamente, Estados Unidos. El madrileño regresa con Fyah (Autoeditado, 18) y con ganas de batir registros en la música urbana.

S

iguiendo con tu costumbre, publicas un nuevo disco tres años después. ¿Cómo le ha ido la vida a Swan durante este trienio?

Gran parte del tiempo lo he pasado en Madrid, que es mi residencia habitual, aunque he estado viajando por las giras y haciendo escapadas personales, especialmente a Costa Rica, ya que tengo allí mi segunda base. Pero por primera vez he tenido un pequeño parón musical. Ha sido la primera vez en la que he estado un tiempo sin sacar canciones, de hecho el año pasado publiqué sólo un tema. Era algo que necesitaba para nutrirme un poco y volver con ganas.

—Regresas con Fyah, y llama la atención que no haya colaboraciones por primera vez en un disco tuyo. ¿Has querido embarcarte en un proyecto más personal o ha sido simple coincidencia?

Una mezcla de las dos cosas, porque tuve mucho tiempo para grabar este disco y en este tiempo decidí que prefería hacer un proyecto más personal, en el que además no necesitase tirar de ninguna cuerda en forma de colaboraciones para conseguir más notoriedad. Siempre he hecho muchas colaboraciones y en este me apetecía hacer lo contrario. Quería hacer algo que fuese más mío, sólo Fyahbwoy. Pero a partir de este año volveré a trabajar en singles y colaboraciones que tengo pendientes.

—De hecho muchas de estas letras hablan de amor y desamor. ¿Crees que este es tu disco más profundo e introspectivo?

Creo que sí. Aunque el disco es variado porque hay canciones de hace dos años y otras de hace poco meses, y estaba en distintas etapas. Por eso hay algunas de vacile, otras de baile, y en general hay muchas de amor, desamor, sí, porque ha sido lo que

he vivido los últimos tres años.

—Musicalmente, En este disco encontramos, casi a partes iguales, dancehall y newroots. ¿Esa era tu intención desde el principio o fue saliendo así sobre la marcha?

Fue saliendo sobre la marcha, pero sí que es verdad que quería hacer un álbum equilibrado con lo que siempre he hecho, que es el reggae y el dancehall.

Hay también un tercio del disco con otros estilos como afrobeat, rap, etcétera, pero en general es más reggae que discos anteriores.

—Hablábamos antes de dancehall, un género poco extendido aún en España, tanto que incluso hay gente que confunde con el reggaetón. ¿Cómo estás viendo la evolución de este género en España, va por buen camino?

Siempre ha ido con altibajos, pero además se mantiene con un perfil bajo. Hay gente que lo ha llevado al mainstream, como Sean Paul, pero en la mayoría de los casos se mantiene en una posición más underground. Ahora hay otros como Bad Gyal que está haciendo un dancehall más moderno y en femenino, hay otros más cercanos al reggae, pero nunca sabes a dónde va a llegar. No tiene una escena fija y sólida. El dancehall nunca muere pero tampoco explota, hay pocos artistas que se dediquen exclusivamente a él pero muchos que de vez en cuando sacan algún tema mezclándolo con otros estilos y se convierten en éxitos. También hay muchas escuelas de baile, y se escucha mucho en clubs y fiestas, pero como cultura no termina de asentarse.

—Vista la poca presencia de dancehall que hay aquí en España, ¿de dónde sacas tú la inspiración para componerlo?

Siempre ha sido de Jamaica. Es verdad que ahora Jamaica vive una etapa más floja porque los artistas nuevos no tienen tanto talento ni están sonando tanto como los antiguos. Hay una diferencia muy grande respecto a hace unos años. Lo que está saliendo ahora en Jamaica no me llena mucho y ahora me estoy fijando mucho en la cultura urbana en general, tanto de España como de Latinoamérica y Jamaica. Me gusta mucho lo que sale de Puerto Rico, de Panamá, de Colombia,… —alfonso gil royo

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Ezra Furman “Seguramente tuve un mal día, por lo tanto, fue un buen concierto”

Gus Dapperton

Barcelona (30 mayo, Sidecar), Madrid (31 mayo, Siroco),Valencia (1 junio, 16 Toneladas)

Resulta imposible no adorar a Gus Dapperton, ese tímido chico de pueblo con una imagen en transición de lo nerd a lo queer que llegó a Nueva York para comerse el mundo.

C

Ezra Furman es un artísta excéntrico, un músico sin guión que puede tomar en cada momento el camino que más le apetezca.

Lleva años demostrándolo y Transangelic Exodus (Bella Union/[PIAS], 18) no va a ser una excepción. Este mes podremos verle en el barcelonés Primavera Sound.

E

zra Furman es uno de esos creadores que ha creado su propio mundo, su propia disciplina, aunque en el fondo sea todo puro caos. Lo entiendes mejor cuando le ves sobre un escenario.

Allí se muestra como un alma libre que actúa según las circunstancias, aunque ello signifique contradecirse a si mismo. Para empezar hablamos sobre uno de sus conciertos en nuestro país, concretamente en la sala Sidecar de Barcelona, a mediados de 2015. “Recuerdo aquella actuación, seguramente tuve un mal día. Por lo tanto, fue un buen concierto”. El año siguiente, 2016, fue un año duro para Furman, momento que aprovechó para cambiar hábitos y algunas dinámicas. Abandonó Berkeley y se mudó a su Chicago natal para airearse y grabar, aunque no duró mucho allí y volvió de nuevo a California. “A Chicago ya sólo voy para grabar, lo hago sobre todo por los estudios y por quién los lleva, una especie de genio.

Cuando acabé volví a California, pero no a Los Angeles. Prefiero Berkeley, hay otro ambiente”. En sus discos anteriores, y concretamente en Perpetual Motion Picture (15), Ezra Furman nos descubría sus miedos y sus fobias. Escribía un diario personal arriesgado y lo mostraba a ojos del mundo.

Musicalmente se movía entre el glam, The Velvet Underground, un Jonathan Richman charlatán haciendo buenas migas con un Little Richard de sonrisa generosa y ese espíritu del rock’n’roll de los cincuenta que

siempre le ha apasionado. En Transangelic Exodus no encontraremos experiencias personales, simplemente ficción, un viaje musical paranoico y misterioso. “Es música del siglo XXI, además de una propuesta diferente, mucho más original. Ha llegado un punto en el que hay que arriesgar.

Hay demasiada gente haciendo lo mismo y quiero huir de los tópicos. Lo que hacía antes era más retro, pero ahora mi música suena más moderna”. Más moderna y menos confesional. “Antes me mostraba más al mundo, buscaba introducirme y cualquier fórmula era válida. Pero como en este disco no hablo mucho de mí, es diferente.

Diría que, en ese sentido, es una obra más ambigua e impersonal que ya no va sobre mi vida”. Aún así, en una de las piezas hay versos en hebreo, de lo que deduzco que quizás deje salir a la superficie su fe judía.

“Es importante para mí, pero no creo que tanto. No es más que un idioma, como para vosotros el castellano”.

Para darle forma a este nuevo material, Furman ha cambiado de banda. Si al principio fuero The Harpoons y luego The Boy-Friends, ahora le respaldan The Visions. “En realidad el personal es el mismo.

No hemos cambiado a ningún miembro, pero como el concepto actual es distinto lo de antes ya no nos sirve”. En 2016, Furman publicó un disco de versiones, Songs By Others, en el que cada canción pertenece a una década, desde los años cincuenta hasta ahora. De Little Richard a Melanie, pasando por The Replacements o Beck, hasta llegar incluso a LCD Soundsystem y Arcade Fire.

“Una buena canción es siempre una buena canción, da igual quien la haga, eso no importa. Además, me gusta hacer versiones y cualquier época me vale. En el momento en el que las hago me hacen feliz, aunque igual, al cabo de un rato, pienso que quizás no ha sido tan buena idea como yo pensaba”. —toni castarnado

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on veinte años ya se le incluye en el mismo área del mapa sonoro que Mac Demarco, Sean Nicholas Savage, Ariel Pink o King Krule. En agosto del año pasado publicó Yellow And Such, su primer EP, al que siguió el segundo You Think You’re A Comic!, que ahora presenta en gira por Europa, con paradas en nuestro país. Y eso sin contrar unos clips –dirigidos por Matthew Dillon Cohen- que superan ya el millón y medio de visionados.

Eres de Warwick, un pequeño pueblo de Orange County (New York). ¿Qué podrías contarle sobre Warwick a alguien que fuera a vivir allí?

Es muy difícil porque el pueblo gira entorno al instituto y el deporte en el que nadie es precisamente bueno. Todo el mundo allí tiene el ceño fruncido, supongo que por miedo al cambio en una sociedad estructuralmente funcional. En general, vivir allí atrofió mi crecimiento creativo, incluso era un inconveniente ser yo mismo. Aunque fuera duro, creo que es por ello que mi sonido y mi estilo suenan tan nostálgicos a mi infancia. De niño no conocía al diablo. Ahora sí.

—Como artista, ¿cómo de importante fue para ti irte a vivir a Nueva York? ¿Cuáles son para ti los lugares más inspi-

radores de la ciudad?

Fue muy importante. Para mis procesos creativos vivir allí siempre es productivo.

Me gusta salir a bailar con mis amigos a cualquier sala en la que pongan buena música.

—¿Cómo el proceso de creación de You Think You’re A Comic?

Lo grabé durante todo el otoño.

Pasé cada día haciéndolo y fue un período lleno de paz.

—¿Cuál es el momento más sorprendente que guardas del período de grabación?

Supongo que la progresión de mezclar y combinar capas de sonido. Aprendo de mis errores constantemente.

—¿Fue la guitarra el instrumento con el que comenzaste a escribir canciones? ¿Cómo desarollas una canción?

No. ¡Fue el ordenador! Normalmente escucho una melodía en mi cabeza y la ligo con una frase que pueda narrar aquel momento en ese mismo instante. Después vienen el resto de los arreglos.

—Cualquiera que vea tus directos o tus vídeos de Youtube puede notar que tu interés en diluir las líneas del género. ¿Cómo comenzaste a explorar nuevas masculinidades?

Empecé a pintarme las uñas cuando tenía diecisiete años porque me gusta que mis uñas estén coloridas y me gusta llevar maquillaje.

—¿Qué artistas contemporáneos sigues o te han impactado recientemente?

Sigo a todos mis amigos y familiares que están apasionados por algo.

—¿Qué planes tiene para el futuro Gus Dapperton?

No tengo nada planeado pero, como puedes imaginarte, se avecina un flujo constante de conciertos. —lucía morales

mayo 2017 #33

33/Mondo VINILOS

Albert Hammond Jr.

µ-Ziq

Challenge Me Foolish Planet Mu

Francis Trouble Red Bull Records

POP / A juzgar por el pulso en el que se encuentran sumidos Albert Hammond Jr. y Julian Casablancas, permitidme una sugerencia: quizá The Strokes están mejor muertos que vivos. Y es que, si bien las miradas las acapara el que será el próximo movimiento del mediático vocalista de la banda neoyorquina, el guitarrista e hijísimo del mítico cantante melódico ha conseguido articular en Francis Trouble el que posiblemente sea su mejor cancionero en solitario: no solamente perfila algunas de las mejores canciones de The Strokes-sin-los-Strokes (Far Away Truths, Muted Beatings, Set To Attack o Rocky’s Late Night), sino que se permite licencias neorockeras (ScreaMER y DvsL ya les gustaría componerlas a The Black Keys) y hasta de crooner atemporal (Stop And Go). Quizá Julian sea el Liam de The Strokes; y Albert el Noel. —alan queipo 8

Zeke

El oficio de Jon Hopkins Jon Hopkins

Singularity Domino/Music As Usual

8 ELECTRÓNICA / Lo ha vuelto a hacer, el señor Jonathan Julian ha regresado con un trabajo impecable, que une como nunca sus ambientes atmosféricos con la pista de baile. Jon Hopkins nos trae en Singularity una nueva criatura llena de armonías cristalinas, progresiones maravillosas y un extraño sabor a banda sonora (no sería la primera, recordemos The Lovely Bones o Monsters) y a épica espacial. En este trabajo no encontrarás sorpresas o reinvenciones artísticas, solamente Hopkins en estado puro, haciendo lo que mejor sabe hacer. Y además sin artificios, sin excesos, tamizado por los años de experiencia que se van acumulando paso a paso y sin olvidarse de esos solos de piano, testigos de sus colaboraciones con Brian Eno. El disco se abre con el dramatismo de Singularity, que sirve de obertura perfecta para que llegue, a continuación, Emerald Rush, presentada como primer single y acompañada por un magnífico videoclip animado, ambientado en una

cueva de luciérnagas. Es sin duda el tema más representativo o el más indicado para dar a conocer los secretos de Singularity, ya que combina a la perfección esa delicadeza con la que Hopkins guía a nuestros corazones y a nuestros oídos desde un estado de flotación siempre controlada hasta la explosión hacia el baile. Lo mismo ocurre con Neon Pattern Drum y Everything Connected, en las que el músico retoza elegantemente entre el IDM y la euforia trance de un sábado por la noche.

La calma llega con los coros angelicales y la belleza de Feel First Life, dignos de un buen síndrome de Stendhal. A partir de ese momento ya estamos listos para sumergirnos en la segunda parte del disco, más pausada y relajada, en la que Hopkins nos invita a flotar plácidamente y a dejarnos llevar por nuestros sentidos. Buena muestra de ello es COSM, que funciona como colchón de cara al primer solo de piano, Echo Dissolve, y a esa nana final llamada Recovery. Entre ambas piezas, Luminous Begins retoma el ritmo para recordarnos que el juego continúa, que el techno y las melodías clásicas pueden entrelazarse armoniosamente, como dos desconocidos que pasan una noche juntos y a la mañana siguiente pueden ser amigos. Jon Hopkins, nuevo disco y un nuevo acierto. —esther al-athamna

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IDM / Si tras escuchar el nuevo disco de µ-Ziq sientes que has vuelto unos cuantos años atrás en el tiempo, no te extrañes, dado que fue grabado durante las sesiones de Royal Astronomy (99). De ahí esa querencia de Paradinas por la melodía y esa sutilidad -cercana a la de Boards of Canada- en el single Inclement y seguida por un Undone en el que gira un poco el timón para mezclar esa IDM burbujeante con unas estructuras más cercanas al drum’n’bass elegante de gente como Photek.

La vocalista Kazumi aparece en cinco cortes, casi siempre con una querencia lánguida en la voz y rodeada de una psicodelia “moderna” que recuerda a la de los malogrados Broadcast. Una variedad de estilos que hace que uno llegue a los momentos finales del disco algo agotado y desorientado. —raúl linares 6

A Place To Bury Strangers

Hellbender Relapse

Pinned Dead Oceans/ Popstock!

PUNK / Tras una trilogía verdaderamente devastadora –la formada por Dirty Sanchez (2000), Death Alley (2001) y Til The Livin’ End (2004)– Zeke rompen un silencio de casi década y media con Hellbender, un álbum repleto de autoreferencias y que permite entender, primero, por qué fueron de las mejores bandas de hardcore-punk que dieran los primeros años del nuevo siglo; y, segundo, por qué les hemos echado tanto de menos. Pese al cambio de formación, Blind Marky Felchtone sigue siendo una auténtica fábrica de himnos hiperacelerados capaces de evocar en un minuto y medio a grupos tan dispares como Minor Threat, Slayer, Bathory, Venom, Motörhead o Dwarves. Two Lane Blacktop, Working Man, Burn, Cougar Rock, Redline... más que un gran regreso, un disco absolutamente necesario. —tomeu canyelles 8

ROCK / Después de más de diez años de carrera y cuatro discos previos, es justo considerar a A Place To Bury Strangers como una de las formaciones más fiables a la hora de facturar post-punk dentro de la escena actual. En el que es su quinto disco de estudio, los neoyorquinos defienden posición con una credibilidad y aspereza muy por encima de la media, y salen definitivamente refrendados. Pined es un disco asfixiante, con marcadísimas líneas de bajo, contundencia instrumental y una oscuridad ambiental que consume cualquier atisbo de oxígeno. El cuarteto sabe además cómo manejar e incorporar numerosos parámetros del noise y el shoegazer, sacando un excelente rendimiento de lo que es una apisonadora sonora de claro aspecto industrial.

7

—raúl julián

mayo 2018 #35

MONDOVINILOS

Ash

Islands Infectious/ [PIAS]

Dorian mueven ficha 6

Dorian

Justicia universal Intro Música Records

8 POP ELECTRÓNICO / En 2016, Dorian cerraban diez años cargados de éxitos con una grabación en directo, desde el Festival Arenal de Castellón, en la que demostraban tener un setlist repleto de temas coreables, capaces de hacer pasar un buen rato a la chavalería.

Tocaba mover ficha y encarar la segunda década de la banda con ánimos renovados y con nuevas canciones que estuvieran a la altura de su legado. Difícil tarea para la que se tomaban su tiempo –doce meses de intenso trabajo- y que ha dado como resultado un disco que demuestra la capacidad que tienen los catalanes para construir perlitas pop que lo son por sí mismas, más allá del evidente envoltorio electrónico, seña de identidad de la banda. Para ello han simplificado las estructuras, dejando a un lado pasajes instrumentales u otros ornamentos vacuos, incidiendo en una producción nítida, directa y clara. De esa manera Dorian han logrado

uno de sus discos más homogéneos, un trabajo que la banda reivindica como un todo y que, como tal, debe ser escuchado del tirón y en riguroso orden. Solo así hallarás regalos tremendos como el fantástico dueto con León Laregui de los mexicanos Zoé en la esplendorosa Duele hasta llegar a ese broche de oro delicado y puro que es Cometas. Un hito. Si a eso le sumas que, en canciones como Algunos amigos o Justicia universal, Marc se ha desnudado como nunca,

Rival Consoles

La URSS Nuevo Testamento

Persona Erased Tapes

ELECTRÓNICA / Las pesadillas del yo, a bombo y platillo. Persona, cuarto álbum de Ryan Lee West bajo el seudónimo Rival Consoles, explora uno de los indispensables de la condición humana, la frontera entre lo que somos y lo que proyectamos.

Hasta aquí, sin novedad, ¿no es la dualidad uno de los motivos más recurrentes en el arte después del amor? Pero para dar valor al largo de West hay que fijarse en la eficiencia del cómo: Persona construye extremos –del entusiasmo a la angustia– de forma magistral gracias a sintetizadores patentados, más variados para la ocasión, melodías rotas, percusión seca (con geniales excepciones como la tribal Dreamer’s Wake) y una forma bellísima de tratar el sonido (proceso analógico, palpable en la textura de Be Kind). El resultado: un techno mínimo que compunge. Según West, la inspiración le llega del mismo Ingmar Bergman y su Persona (1966). Al sueco le hubiese pirrado su abuso de inteligencia.

8

—yeray s. iborra

#36 mayo 2018

Wild Animals

PUNK / Tras más de una dé-

cada templando verborrea encorajinada entre los más virulentos exabruptos punk, y góticos, los andaluces han conseguido en Nuevo Testamento traspasar los límites de su libro de estilo mediante una intensidad más enfocada en los poderes del estribillo indeleble que al delete provocado por la actual saturación musical. Hits como Non plus ultra o Curvas de consumo ascendente amplifican el eco de sus disparos de francotirador contra la mística capitalista y sus ramas adyacentes. Muchos hablarán que se han remozado en nostalgia ochentera, aunque lo que, en realidad, han hecho es recordarnos que la singularidad es un bien demasiado preciado como para ser borrado de la metodología creativa. Ya sea en ecos a Parálisis Permanente (Ante el espejo) o en la electricidad arábiga que cruza Confianza racional en la acción dinámica, cada canción emerge como un ente de personalidad propia.

—marcos gendre

PUNK ROCK / Si durante los primeros segundos de escucha de The Hoax una nostalgia noventera no ha invadido tu cuerpo, háztelo mirar. En este segundo largo, el power trío vuelve a parir un disco prácticamente redondo para los amantes del punk rock y el hardcore melódico y muestran de nuevo su gran capacidad para firmar temas pegadizos y a la vez removedores de conciencias. Para ello, a veces levantan un poco el pie del acelerador entregándose de lleno a la melodía (Lost In Translation, Science Fiction), y otras lo pisan bien a fondo (Interrupted Girl). En los diez temas las vivencias personales y anécdotas de la carretera se mezclan con reflexiones sobre temas como el veganismo, la libertad sexual o el enganche a los smartphones y a las redes. Todo ello envuelto en un halo de autenticidad y sinceridad que, en un mundo en el que parece que lo que menos importa es ser y mantenerse real y fiel a uno mismo, se agradece. Y mucho.

7

—sofía cuevas

cumpliendo a la hora de facturar indie-pop de guitarras y claro regusto a power-pop, después de sobrevivir al apogeo del britpop. Y todo a pesar de que, con el paso de los años, los norirlandeses se ha ido desprendiendo de su faceta más punk (y por tanto, de parte de su agresividad), al tiempo de pulir un aspecto melódico que ya dominan con soltura desde hace tiempo. Islands incluye una docena de composiciones consistentes, pegadizas y cargadas de guitarrazos, que cuentan además con el mérito de seguir luciendo ampliamente vigentes.

Aquí predominan las composiciones vertiginosas y los singles en potencia, junto a algún medio tiempo bien trabajado por el trío.

Un disco accesible, bastante adornado y quizá algo inofensivo en el fondo, pero que genera ese tipo de agradable sensación derivada del reencuentro con una banda reconocible y de toda la vida, madurada en su justa medida y que evita caer en la auto-caricatura.

—raúl julián

13 Bats

The Voidz

The Hoax Varios sellos

Humo

8

sacando a pasear su pesimismo vital de forma explícita, nos encontramos que su quinto trabajo de estudio es su disco más serio, reflexivo e intenso. Un álbum construido de forma más poliédrica y en el que por primera vez el peso compositivo ha estado mucho más repartido y no ha recaído tanto sobre los hombros de Marc, dando la oportunidad a Belly (teclados) y Lisandro (guitarras) a aportar temas tan certeros como Señales o Duele. —don disturbios

Next Move Potencial Hardcore & Rara Avis

Virtue RCA/Sony

8

ROCK / Julian Casablancas

sigue mordisqueando la manzana a su antojo, huyendo a su manera del foco comercial y de la sombra de sus Strokes. Virtue es un segundo agujero de gusano al mando de The Voidz, donde la experimentación sigue en crescendo, pero el caos es menos áspero, más brillante y magnético. Si en Leave It In My Dreams las guitarras crujientes se entrecruzan y mezclan a la perfección con los teclados y sintetizadores, mientras la voz de Casablancas deja el rastro irresistible de esa desgana y melancolía fluorescente marca de la casa, pronto despertamos de la armonía envolvente inicial y caemos de lleno en la juguetona pesadilla que nos tienen preparada. De la futurista y oriental QYURRYUS, banda sonora de una Blade Runner turca, a la tormenta thrash metal de Pyramid Of Bones, el funk y R&B robótico de Pink Ocean o la psicodelia alienígena de My Friend The Walls. Todo bajo una crítica al imperialismo y la sociedad de consumo. —david pérez

POP / Ash llevan décadas

7

PSYCHOBILLY / Cinco años

han pasado desde su anterior La venganza del sol (2013), aunque obsequiasen a sus seguidores con un single en 2014 (el split lanzado en China junto a los pekineses Rowling Bowling) y un álbum en directo al año siguiente (13 Bats live! Out Of The Cave). Ahora, tras ponerse en las manos de JM Rosillo (Los Coronas, Arizona Baby, Josele Santiago…) para la producción, vuelven con catorce temas. En ellos, el power trio continúa defendiendo su mezcla genuina y madurada de psychobilly, punk y rock&roll, fruto de la interacción entre los madrileños Dani (voz y contrabajo) y Albert (guitarra) y el californiano Carter (batería). Canciones, frescas y directas, de apenas tres minutos (en algunos casos, dos), y cantadas en inglés –con algunas concesiones al castellano como Wo Hen Jingcha o el pequeño guiño a Kortatu de la despedida, Badest Band In The World). Como nota divertida, la versión llevada a su terreno del Run To The Hills de Iron Maiden. —jesús casañas

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Catharsis Nuclear Blast

POP / Ha pasado tanto tiempo desde que Ibon Errazkin publicara sus dos anteriores discos en solitario que este tercero podría parecer a priori un nuevo comienzo, aunque en realidad sea el álbum que, dos décadas después, más nos pueda acercar a las últimas canciones de Le Mans en Aquí vivía yo (1998). Tras su desaparición, lo que vino luego, especialmente en Escuela de arte (03), parecía planteado como una reacción, mientras que Foto aérea tiene algo de reencuentro con un sonido clásico, casi familiar, pero a la vez apoyándose en estructuras complejas en las que todo gira alrededor de unas melodías que el músico donostiarra adapta, esconde y vuelve a mostrar. Melodías que se mueven melancólicas, mediterráneas y libres, siempre con la guitarra como elemento central de esta poesía sin letra, que parte de la abstracción para ofrecer la imagen de un paisaje en sutil y permanente transformación.

—enrique peñas

METAL / Han pasado cuatro largos años desde Bloodstone & Diamonds (Nuclear Blast, 14), cuatro años que no parecen haber jugado a favor de la banda. De entrada, Volatile, composición con que abren este disco, deja muy frío. La voz de Flynn no está a la altura de esta composición, aunque el tema que da título al disco funciona mucho mejor.

Pero desgraciadamente casi es una excepción junto a Razorblade Smile, con un toque más thrash que el resto del disco.

Catharsis no es el disco que esperábamos. No hace falta más que escuchar Bastards, con un Robb Flynn sacando a relucir su voz más limpia, Behind A Mask, composición acústica y muy lenta, la típica balada que aquí sobra, los nueve minutos sin demasiada sustancia de Heavy Lies The Crown o la final Eulogy. ¿Qué les ha pasado a los californianos?¿Qué necesidad había de hacer un disco así? Su peor disco en muchos años.

4

—ana lópez

Durand Jones & The Indications Dead Oceans/ Popstock!

6

SOUL / A veces, no por te-

ner más medios, obtienes mejores resultados. No saca mejores notas el que más facultades tiene sino el que más se esfuerza.

Y en ese sentido, este quinteto de Indiana no tiene parangón.

Durand Jones empezó, como muchos otros, en el coro de la iglesia, después aprendió a tocar el saxo y finalmente encontró a los compañeros con los que ha llegado hasta aquí. Este debut tiene ya dos años de vida, pero fue con una tirada tan corta, y una distribución que no le hacía justicia, que ahora toca arreglar aquello con una edición como merece (con el añadido de algunas piezas grabadas en directo en Boston). Curiosamente, aunque suene crudo y sin una producción de cinco estrellas, el álbum es igualmente elegante, con sección de vientos y un Hammond que le da fuerza e identidad. Y Durand Jones destaca con su voz, pero con una condición: no quiere ser el protagonista único, lo demás también importa. Es lo que tiene la democracia y no ser egoísta.

top 10.

Foto aérea Elefant

8

Durand Jones & The Indications

DD LJM DC JSL Med

1 Jon Hopkins Singularity

8 8 9 8 8,25

2 Toundra Vortex

7 8 8 7 7,5

3 John Maus Addendum

7 7 7 7 7

4 The Voidz Virtue

6 8 6 7 6,75

5 Disco Las Palmeras Cálida

7 7 6 7 6,75

6 Wild Animals The Hoax

6 7 7 7 6,75

7 Rels B Flakk Daniel’s Lp

6 6 7 7 6,5

8 The Vaccines Combat Sports

7 6 6 7 6,5

9 Beach House 7

6 7 6 6 6,25

Don Disturbios (DD), Joan S. Luna (JSL), Luis J. Menéndez (LJM), Darío Coto (DC)

Machine Head

Ibon Errazkin

10 Manic Street Preachers 5 7 6 6 6 Resistance Is Futile

—toni castarnado

Manics: consistencia sin sorpresas

Remate

KITASATO Relámpago

Manic Street Preachers

Resistance Is Futile Columbia/Sony

folk / Cuando algunos artistas fueron, Remate fue y vino varias veces. Mientras hay proyectos que juegan con la idea de “componer la banda sonora de una película imaginaria”, Remate da un paso adelante en esa idea, reformulándola, resignificándola y exprimiendo los límites de la imaginación para poner banda sonora a personajes, intérpretes, escenas descartadas y otras que no tienen música de fondo en películas como Laurence Anyways, Io sono l’amore o Certain Women. Esa es la atmósfera que orbita en el experimental, instrumental y, de algún modo, ambiguo KITASATO: jugando con texturas propias del ambient, la indietrónica o la landscape music, crea una arquitectura efímera inspirada en el cine pero, sobre todo, en la obsesión por descubrir los espacios invisibles, como aquel bacteriólogo nipón (Kitasato Shibasaburō) que descubrió el agente infeccioso de la peste bubónica. —alan queipo

8

6 ROCK / Es difícil negar que cualquier entrega

de Manic Street Preachers tira a predecible desde hace ya tiempo, pero eso no exime a los galeses de continuar firmando buenos discos con regularidad, capaces de mantener el gancho para sus seguidores de toda la vida.

La banda dio un (forzoso) giro estilístico con la desaparición (aún no resuelta) del entonces guitarrista y letrista Richey Edwards.

Un suceso tras el cual la banda se rehízo a sí misma y, afrontando una vertiente sensiblemente más melódica y menos agresiva que la manejada hasta entonces, cosechó gran éxito con trabajos redondos como Everything Must Go (96) y This Is My Truth Tell Me Yours (98). Desde entonces el trío se ha mantenido en coordenadas similares, y el decimotercer álbum de estudio del grupo no supone una excepción, albergando nulas sorpresas. Resistance Is Futile mantiene el espíritu reivindicativo del combo y lo empaca en canciones de pop consistente y su habitual producción. La melodía resalta orgullosa sobre otros elementos, rememorando

los buenos tiempos de los noventa. La primera mitad del elepé fluye con solvencia, gracias a un conjunto de temas intachables: People Give In, el irresistible sencillo International Blue y el bonito medio tiempo Distant Colours.

El tramo también incluye el single Liverpool Revisited, la pegadiza Vivian o ese dueto con fémina que tanto le gusta grabar a James Dean Bradfield, en esta caso Dylan & Caitlin, junto a Catherine Anne Davies -The Anchoress-. A partir de ahí la obra se torna irregular, alternando

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canciones meramente cumplidoras (Sequels Of Forgotten Wars, Hold Me Like A Heaven o Broken Algorithms) con alguna destacada (In Eternity y, sobre todo, A Song For The Sadness). Resistance Is Futile es, en definitiva, otro buen disco del combo. No impresiona ni asombra pero mantiene nervio y personalidad durante sus casi cincuenta minutos. Una referencia fiel a ese camino alternativo que los autores se vieron obligados a encontrar hace ya más de dos décadas. —raúl julián

mayo 2018 #37

MONDOVINILOS

Creep Show

Kacey Musgraves

Mr. Dynamite Bella Union/ [PIAS]

POP ELECTRÓNICO / Creep Show surge de la unión entre John Grant y Wrangler, combo electrónico en el que milita el ex-Cabaret Voltaire Stephen Mallinder, y para su debut se han parapetado tras una montaña de sintetizadores analógicos y cajas de ritmo para dar forma a nueve composiciones de ambientación casi industrial con un espíritu de juego constante centrado en la manipulación del sonido. Del electro funk oscuro y bailable de Modern Painting o Pink Squirrel (dos de los momentos más acertados con reminiscencias a D’Angelo o incluso a LCD Soundsystem) al poso dark ochentero de Safe And Sound, de las sonoridades de sintonía de videojuego de Tokyo Metro a la electrónica asfixiante de K Mart Johnny o Fall, Mr. Dynamite supone un viaje extraño lleno de vocoders, beats repetitivos y sintetizadores vintage que bien podría haber resultado un simple ejercicio de experimentación, pero que acaba siendo un viaje sorprendentemente coherente y disfrutable. —ricky lavado

7

Golden Hour Universal

POP / En estos momentos en los que a artistas como Kylie Minogue, Lady Gaga o Miley Cyrus les ha dado por rendir pleitesía al country sin que nadie se lo pidiera, con Kacey Musgraves ha ocurrido diametralmente lo opuesto. La tejana en su tercer álbum ha aunado sus raíces musicales tradicionales con el pop sin fisuras, y el resultado no puede ser más sobresaliente. Los puristas del country siempre la han criticado por firmar letras progresistas, pero con Golden Hour Kacey se ha asegurado acrecentar como nunca su grueso de fans con un álbum que es una delicia para los oídos por su honestidad y por contar con una producción cristalina apta para todos los públicos.

Lovely Weekend bien podría haber venido firmada por Carly Ray Jepsen; en Oh, What A World se atreve a juguetear en su justa medida con el autotune y High Horse es un caramelo de influencias disco imposible al que resistirse.

La estrella debería ser ella y no Taylor Swift.

8

—sergio del amo

Daniel Van Lion

7 Bella Union/[PIAS]

8

POP / Escapar de la repetición de esquemas,

o directamente del autoplagio, debe ser uno de los grandes propósitos que han guiado al dúo de Baltimore a la hora de encarar un séptimo largo que, más por reforzar su idea de nuevo inicio (la similaridad del siete con el número uno desde una reformulación), o por resaltar su condición de sinónimo de espiritualidad en otras culturas, han decidido bautizar escuetamente como 7. También lo hacen por focalizar la atención del oyente en su pura esencia, esa cuyo estilo han decidido depurar ahora desde la atención al ritmo en detrimento de unas texturas no tan límpidas ni previsibles (por algo revelan el rol pivotal de su batería, James Barone, en su gestación), sin por ello perder ni un ápice de aquel magnetismo sensorial que sigue siendo su principal activo. El cómplice necesario para que sus composiciones exuden una corporeidad más rugosa, una

#38 mayo 2018

consistencia que en ocasiones se acerca a una suerte de plácido drone de duermevela, en cualquier caso más sedante que disruptivo (aunque con un tuétano más malévolo de lo que su untuosa apariencia sugiere) ha sido Peter Kember (Sonic Boom), quien ha tomado el relevo al habitual Chris Coady en la coproducción de estos once cortes. El objetivo era plasmar el hervor de cada canción en el momento en el que fueron concebidas, sin rebozarlas demasiado tras los controles –por eso todas pasaron rápido por su estudio casero de Baltimore– y sin pensar ni en su exposición en directo ni en que una se pueda sostener sobre una guitarra u otra sobre un teclado. Primar el instinto sobre el cálculo, en síntesis. La jugada se antoja inteligente y certeramente resuelta. Porque más allá de que Dark Spring pueda evocar las melodías ingrávidas de Broadcast, de que Pay No Mind destile el mismo veneno narcótico de Mazzy Star (o los JAMC menos fieros) o de que el emergente ritmo casi motorik de Dive resuma mejor que ninguna otra la naturaleza mutante de este disco, si algo consigue 7 es refrendar la vigencia de la marca Beach House sin tener que repetirse como el ajo.

—carlos pérez de ziriza

Solpor Raso

Tropismes Menta

La vigencia de la marca Beach House Beach House

Baiuca

8

ELECTRÓNICA / Las inves-

tigaciones de la canadiense Suzanne Simard sobre la existencia de una comunicación real entre los árboles se sitúan en el punto de partida del primer disco de Daniel Van Lion, manejando un lenguaje de techno clásico a la vez que inconformista, de manera que a lo largo de estos diez temas aparecen momentos de noise, trance, abstracción y paisajismo con tendencia a la oscuridad. Incluso un remoto ritmo breakbeat en el fondo de Ginkgo, un enorme tema de IDM que invita al baile de forma explícita, sin perder la frialdad que también se manifiesta en canciones como Orquesta de plantas o la angustiosa Plague, con la botánica como elemento vertebrador de un relato que resulta especialmente convincente cuanto más se adentra en terrenos incómodos, con la melancólica arritmia de Timid Peaks como mejor ejemplo en el desarrollo de esta compleja vida en comunidad.

—enrique peñas

ELECTRÓNICA folk / Cuenta el propio Alejandro Guillán que abandonar su Galicia natal y afincarse en Madrid despertó en él una sensación de morriña que de alguna manera necesitaba expresar. Este sentir provocó que su proyecto de techno indie bajo el nombre de Alex Casanova se viera aparcado en favor de Baiuca. De esta nueva empresa nace Solpor, nueve cortes en los que Guillán se atreve con esa aparente bizarrada que es juntar el folk gallego y la electrónica. Raíz y vanguardia.

Si bien es cierto que la mezcla en ocasiones no termina de cuajar debido a una fuerte presencia de los sampleados del sonido tradicional que reduce la parte electrónica a una función de actor secundario, no deja de ser interesante descubrir como en ciertos instantes esa mezcla de gaitas y flautas con sintetizadores y bases propias del house o el techno provoca cabeceos al ritmo de las canciones. Una redifinición de la música tradicional y el primer paso de un proyecto que promete.

7

—guillermo chaparro

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The Decemberists I’ll Be Your Girl Rough Trade/ Popstock!

7

POP / La vieja disyuntiva:

¿renovar fondo de armario o limitarse a seguir haciendo lo que uno mejor saber hacer, y así no alienar a la parroquia? The Decemberists han apostando por lo primero, seguramente porque Colin Meloy ya tiene bien cubierta su cuota folk con su proyecto paralelo Offa Rex. Aunque ojo, la conversión, de la mano de John Congleton, es relativa. Sorprende el synth pop de Severed o de We All Die Young, esta última con desparpajo glam. E incluso los mullidos sintetizadores de Cutting Stone y, sobre todo, de Once In My Life, prorrogados por unos coros que concretan su propio concepto de la big music. Nunca han sonado tan grandilocuentes.

Ni tan propensos a facturar himnos como Everything Is Awful.

Pero son desvíos del guión, y no una operación renove en toda regla. En canciones como Sucker’s Prayer o la magna Rusalka, Rusalka/The Wild Rushes, cualquier seguidor de largo recorrido hallará solaz para renovar sus votos.

—carlos pérez de ziriza

El giro punk-funk de Parquet Courts Parquet Courts

Wide AWake!

Rough Trade/Popstock!

7 ROCK / Los de Brooklyn vuelven a la palestra

apenas dos años después con un single (el que da título a su ya quinto disco) decididamente festivo con el que se aproximan, con acierto y respeto reverencial, al funk-punk (o viceversa) que tantos momentos de gloria ha dado en su ciudad. Y lo hacen sin pelos en la lengua, confrontando a pecho descubierto las lacras de su país, con letras tan curradas como inteligentes. Pero la incorporación de Danger Mouse en labores de producción no se traduce en una ruptura total. El ingeniero que ha revitalizado el sonido de bandas como U2 o Red Hot Chili Peppers, es uno de los últimos nombres que podríamos haber asociado al espíritu impetuoso y de punk DIY del grupo, pero para bien y para mal, muestra respeto exquisito con el material de la banda. Aunque el álbum se abre con el macarreo old school enfadado y moderadamente espídico de Total Football, como

Jaime L. Pantaleón

Judas Priest Firepower Sony Music Entertainment

7

METAL / Firepower es uno

de los discos recientes de los británicos Judas Priest más inspirados y, probablemente, el más rotundo desde Painkiller.

Con un sonido aplastante, con mucho más cuerpo y profundidad que el de su anterior Redeemer Of Souls (14). Firepower remite tanto a Defenders Of The Faith y a Turbo como, en especial, al mencionado Painkiller, sobre todo en su tramo inicial, con las arrolladoras Firepower y Lightning Strike, en la senda de Snow Patrol. Los riffs sacan aún más músculo en Evil Never Dies y el tempo se ralentiza en Never The Heroes, con un estribillo con sabor a himno. El disco decae ligeramente en el tramo central de sus excesivos catorce temas, aunque Rising From Ruins pida a gritos un lugar destacado en futuros Best of. La recta final remonta sin esfuerzos con Traitors Gate, No Surrender, Lone Wolf y la sentida balada clásica Sea Of Red. Un trabajo demasiado largo pero con un montón de riffs y estribillos perdurables. —david sabaté

Gaz Coombes

E.N.T.E. Long Live Records

ELECTRÓNICA / Jaime Luis Pantaleón lleva muchos años desplegando su sapiencia con la guitarra en proyectos como 12Twelve, Cuzo, Atleta, Lords Of Bukkake, Ruizpantaléon, Gambardella o Rebuig. Gran amante de la psicodelia y el rock más extremo y experimental, Pantaleón lleva años dedicándose a su otra gran pasión: la música electrónica modular, a los sintetizadores viejunos y a la electrónica más analógica y vintage. Como amante de la vanguardia electrónica de los sesenta y setenta y los scores electrónicos de películas de género esas épocas no puedo estar más encantado con este disco. E.N.T.E. es un trabajo fascinante, de apenas media hora de duración grabado en directo sin cortes ni overdubs. Un disco fascinante que recupera los experimentos de la BBC Radiophonic Workshop, de Suzanne Ciani o el krautrock. Aunque el disco está grabado en una sola toma, destacan temas tan interesantes como Paradoja o Control.

8

—manu gonzález

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si resucitaran a los primeros The Clash, en los trece cortes predomina la pulsión rítmica funk con temas como la excelente Violence -para echar menos en falta a los Beastie Boys- o el experimento de órgano y bajo de Before The Water Gets Too High. Pero tanto en esta como en Mardi Gras Beads, cuya intro es, lo siento, puro Pave-

Cardi B

POP / Tras la disolución de

Supergrass y después de un anecdótico primer disco en solitario, Gaz Coombes despegó definitivamente con un trabajo tan centrado como fue Matador (Hot Fruit, 15). Para afrontar su continuación, el músico apuesta por desarrollar aún más (y en diferentes direcciones) esa madurez, al tiempo de aumentar ambición y complicación compositiva. Así, el británico acumula y trabaja capas (y también géneros y elementos accesorios) en cada canción. La mayoría de las veces el resultado resulta majestuoso, brillante y embaucador, mientras que puntualmente deriva en un exceso de densidad algo forzada.

La propia convicción ha resultado determinante a la hora de consensuar el acerado talante imaginativo y vanguardista del disco, pero seguramente también a la hora de apuntillar algunos excesos no necesariamente favorecedores.

Convencido paso adelante, en cualquier caso, de un músico que persigue su propia (y creciente) inquietud. —raúl julián

Miracle

Invasion Of Privacy Atlantic/ Warner

World’s Strongest Man Caroline/ Music As Usual

7

ment (casualidad o no, han acabado hartos de la comparación), llega el primer altibajo.

Esta extraña arritmia define un trabajo que, al final, tampoco termina de ser un punto y aparte. De momento prefieren sacrificar la excelencia por su propia incontinencia creativa. —josé carlos peña

RAP / Cardi B es dura, agresiva, puro sexo. Puede que Invasion Of Privacy no sea el álbum debut perfecto para una figura de su tamaño. Pero a Belcalis Almanzar, nombre auténtico de la rapera que se crió en el Bronx, le gustan las imperfecciones y, gracias a ello, ha lanzado al mercado uno de los discos más pegajosos, divertidos y desenfadados de 2018. A lo largo del álbum nos cuenta la historia de cómo una stripper de barrio termina convirtiéndose en el ejemplo de rebeldía y modernidad de América. Cómo consiguió la corona del éxito y creó su revolución particular contra los estándares masculinos del hip-hop colocando la figura de la mujer donde se merece. Cierto es que a nivel musical en Invasion Of Privacy no hay nada nuevo y es más una especie de mixtape que un álbum. Pero no se corta a la hora de llenar barras con letras provocativas en las que su inconfundible acento termina metiendo en la cabeza de cualquiera todo lo que se propone. —álex jerez

8

The Strife Of Love In A Dream Relapse

EXPERIMENTAL / The Strife Of Love In A Dream es un disco fabuloso por muchas razones, y muchas de ellas radican en sus ritmos pegadizos, cercanos en ocasiones al industrial sinfónico, que saben adaptarse elegantemente a cajas de ritmos diseñadas para la pista de baile.

El resultado es algo muy variado, en constante mutación, cargado de manierismo y pura magia. Y no es de extrañar, ya que viniendo de las manos de alguien como Daniel O’Sullivan, que puede presumir de haber militado en bandas como Ulver, todo es posible. Podría entenderse como una perfecta continuación de su primer disco, Mercury, en el que ya desarrollaron esa personalidad electrónica de principios de los ochenta. Ahora Miracle decide realizar un verdadero mosaico de sensaciones encontradas, jugando con infinidad de paisajes sonoros guiados por la potencia de las máquinas, moldeando algo personal y único que les hace distinguirse del resto de las bandas del género. —fernando o. paino

9

mayo 2018 #39

MONDOVINILOS

Frankie Cosmos

Vessel Sub Pop/ Popstock!

La locura de Za! Za!

Pachinko Plex Gandula

EXPERIMENTAL / Armados con polirítmias, matemáticas y un auténtico caleidoscopio sonoro tan excitante como sorprendente, la hiperactiva unidad creativa conocida con el nombre de Za! regresa con Pachinko Plex, la enésima reencarnación en una carrera que ha llevado a los catalanes a situarse en un terreno inclasificable: una liga en la que solamente juegan ellos. Una vez más, el resultado es excelente.

Cada vez más alejados de los lenguajes musicales convencionales, a lo largo de su nuevo trabajo los catalanes transitan sin complejos por una multitud de sonoridades e influencias que dan como resultado un disco apasionante y desconcertante, en el que el diálogo

9

Puput

Christina Vantzou No. 4

Purga Hidden Track

8

POST ROCK / La obsesión

compulsiva de Puput por los sonidos ha fructificado en su último trabajo, empezando por La fabrique y sus guitarras cálidas con garra, teclados envolventes, baterías que respiran, y un bajo que cimienta las armonías de un riff que contrasta con la eteriedad de la voz, crucial para crear una tensión yin/yang adictiva.

Boreal nos catapulta fácilmente al espacio con sintetizadores y guitarras trenzado un torbellino a cámara lenta que se ve golpeado con suma delicadeza por unos goliats de eco eterno. Otra joya es el dream pop de Margerite, en la que todo cuadra sobre una línea de bajo exquisita. Los contrastes se vuelven fractales en el binomio que forman Vellut, cercana al shoegaze de My Bloody Valentine, y Satoranski, con una contención inicial que explota en un post-rock capitaneado por la caja y las guitarras distorsionadas en su justa medida. Una verdadera joya que invita a la catarsis. No espereis a que os lo cuenten.

—toni feliu

#40 mayo 2018

7

INSTRUMENTAL / La poli-

facética artista de origen griego Christina Vantzou continúa con su particular colección de trabajos instrumentales, experimentando con sonidos reducidos a la mínima expresión.

Repasando sus anteriores referencias, somos conscientes de cómo en el camino hacia este trabajo, poco a poco ha ido consiguiendo que los silencios jueguen un papel más destacado en sus composiciones, alternando las atmósferas de cuerdas junto a pequeños detalles sintetizados. Este cuarto trabajo supone la perfecta consecución de este juego. La gran capacidad para ofrecer diferentes intensidades, incluso en los momentos donde abundan las atmósferas más enfocadas hacia el ruido, es otro de los aspectos que no pasan por alto, estando ante una de esas obras que evidencia la forma conjunta de tratar todos los instrumentos que intervienen en ella a la búsqueda de un sonido homogéneo. Así es como todo lo exhibido contiene un lado de lo más sugestivo. —noé r. rivas

entre lo orgánico y lo sintético se concreta esta vez en una especie de duelo entre un apabullante trabajo rítmico a base de sincopas y ritmos imposibles y un despliegue de sintetizadores y secuenciadores que sumergen al oyente en un universo donde convergen el jazz, el breakbeat, las influencias hip hop y un poso de krautrock progresivo, todo presentado a modo de juerga sin descanso. La sensación de que las composiciones surgen fruto del azar o el simple instinto es engañosa: en Pachinko Plex hay un trabajo de composición espectacular y un mimo en la producción que dejan bien claro que Za! no es simplemente un vehículo de escapismo experimental. Poco de azar hay en un disco en el que todo está medido y pensado a la perfección, y que aún y así resulta fresco y sorprendente, sin un ápice de intelectualismo: Pachinko Plex es, ante todo, un disco divertido, fresco y luminoso. —ricky lavado

Reto Burrell

7

AMERICANA / Vengo alaban-

do la carrera de Reto Burrell desde hace años a todo aquel que me quiere escuchar. Eso sí, cuando me preguntan de dónde ha salido este tipo y les digo que viene de Suiza y que se dedica al rock americano de raíces suelo encontrarme con ceños fruncidos y caras de escepticismo. Pues ustedes se lo pierden, oigan. Porque Burrell lleva mucho tiempo haciendo grandísimos trabajos de eso que muchos llaman americana. Eso sí, es cierto que desde Roses Fade Blue (2004) no alcanzaba el nivel al que ha llegado con este nuevo trabajo y piezas del calado de Tell Me Why, Where Is Robin Hood? o Leaving Scar Behind. Parece que él mismo no había quedado muy contento de su disco anterior así que en apenas doce meses ha vuelto al estudio y se ha marcado una de las cumbres de su carrera.

Sin inventar nada, a partir de canciones sencillas que simplemente suenan muy bien y entran de maravilla. Y ojo que en mayo lo tendremos de gira por aquí.

—eduardo izquierdo

Paul Zinnard

Ondt Blod

Shampoo Or Gasoline Tourbo Music

Kranky/ Popstock!

INDIE POP / El gracejo indiepop se tiene o no se tiene.

O naces con él, o no vamos. Si no lo posees, serás un grupo más entre un millón haciendo música amateur y algo triste sin mucha gracia. Ahora bien, si lo tienes la cosa cambia. Lo sé, es algo casi intangible y difícil de explicar pero es así. Frankie Cosmos tienen esa gracia, ese no-sé-qué que les hace especiales. La razón principal es la inocencia y frescura que despiden las canciones escritas por Greta Kline, una especie de Ben Lee en clave femenina y heroína lo-fi millennial. En Vessel, Frankie Cosmos pulen un poco más su sonido sin olvidar su querencia por la baja fidelidad.

Su pop lo-fi se mira en el espejo de las primeras The Breeders, pero también en bandas de culto como The Softies y Go Sailor.

En su tercer disco de estudio oficial y primero para Sub Pop, Kline y Cía. hablan sobre bajones anímicos, rupturas amorosas o pequeños instantes de felicidad, y lo hacen con una cercanía que desarma. —xavi sánchez pons

7

Natur Fysisk Format

8

HARDCORE / El conjunto

noruego Ondt Blod regresa con el cargador repleto de munición tras dos años de silencio para sorprendernos con un disco que mantiene la esencia hardcore punk que les caracteriza, pero suavizando su estilo hacia derroteros más accesibles, cercanos al sonido pop, en comparación con su debut, el celebrado y devastador Finnmark.

En Natur podemos hallar desde guiños al grindcore más inflexible, pasando por el crust y el punk rock californiano. Todo ello genialmente equilibrado.

No hay más que coger ejemplos como Med Ulver, su quinta propuesta, para comprobar esa increíble versatilidad estilística con la que el proyecto noruego sabe vestir sus temas. Potencia, energía y furia ocasionalmente cercana al thrash, rescatada del ADN de bandas como Pantera.

Natur es capaz de sorprender a un amplio abanico de amantes del rock extremo, y eso es algo digno de elogio.

—fernando o. paino

Songs For A Better Past Autoeditado

POWER POP / Todo disco tiene su propia intrahistoria, pero la de algunos resulta más interesante además de contribuir a completar su concepto global. Eso sucede con el quinto trabajo de Paul Zinnard, aquí acompañado de la banda The Tropic, surgido como replanteamiento y renovación de aquel inédito Rewind y dos años después de Back Door Bullets (Two Mad Records, 16). Entre viejos bocetos, recuperaciones de temas y nuevas ideas, el álbum persigue reconfigurar ese pasado hasta convertirlo en presente a base de eléctrico rock clásico.

Un sonido, al que podría ejemplificarse con la triada formada por Lou Reed, Elvis Costello y Chuck Prophet, abierto a derivaciones que alcanzan desde el power pop melancólico (Over Again), insinuaciones funk (Can’t Shine Tonight) o vibrante rock’n’roll (Second Man On The Moon). Así se escribe la historia de este mallorquín, con pequeños pasos que cada vez más le convierten en gigante. —kepa arbizu

7

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Unknown Mortal Orchestra

Hollow Ground Jagjaguwar/ Popstock

Sex & Food Jagjaguwar/ Popstock!

POP / Ruban Nielson es un bicho raro: el neozelandés se siente como pez en el agua en ese terreno de nadie en el que todas las etiquetas acaban resbalando. Su híbrido sonoro de elementos antiguos y futuristas, de vanguardia cerebral y accesibilidad pop, una especie de marciano R’n’b psicodélico, resulta ideal para reflexionar sobre este mundo dislocado.

Nielson ha viajado por medio mundo en busca de inspiración.

Islandia, Corea, Vietnam, Ciudad de México y su casa, Portland.

He ahí el recorrido físico y emocional de un álbum político sin política, que susurra la distopía y busca sonar tan “fragmentado” como la realidad que vivimos.

Major League Chemicals suena vintage y moderna, compleja e inmediata, virtudes que Nielson cultiva con esmero, en un trabajo ambicioso en el que ocasionalmente juega a ser Hendrix y Josh Homme a la vez (American Guilt), pero en el que predominan los medios tiempos marcianos.

7

—josé carlos peña

POP / El joven norteamericano Max Clarke parece haber decidido definitivamente que lo suyo es la música. Tras estudiar diseño y probar ciertos trabajos mientras componía y grababa material en su casa, Hollow Ground le muestra como indudable valor a tener en cuenta en la vibrante escena de Brooklyn, donde reside.

Fan total de The Everly Brothers y Buddy Holly, en su primer largo tras el EP de 2017, Alien Sunset, grabado entre su ciudad y Los Angeles, pone negro sobre blanco sus virtudes desde las primeras frases de guitarra de How It Can Be. Su música puede parece inofensiva, una excusa para el juego de buscar influencias ilustres, del mencionado Buddy Holly a las armonías de The Byrds, pero canciones como Don’t Want To Say Goodbye, con su ritmo a lo Roy Orbison y su estribillo luminoso con un puntito melancólico te alegran el día. Las letras románticas de amores imposibles son ideales para un disco que tiende un puente entre los cincuenta y nuestros días. —josé carlos peña

7

Pánico Al Miedo

Marina Herlop

Formador Cimmerian Shade/Blood Fire Death

metal / Una de las apuestas más fuertes del 2018 por lo que respecta al metal extremo estatal. Producción y mezcla de Juan Urteaga (Testament, Machine Head), colaboraciones estelares de dos ex–guitarristas de Death (James Murphy, Bobby Koelble) y portada del legendario Ed Repka (Venom, Megadeth, Possessed): nada mal para el debut de estos catalanes. A medio camino del death metal clásico y el thrash metal más técnico, su uso del castellano en las letras –algo, cuanto menos, distintivo– y las continuas referencias a Atheist o los dejes compositivos del maestro Chuck Schuldiner les alejan de la manida nueva ola del thrash y, por méritos propios, les coloca en una posición aventajada. Canciones como Rompe el cepo, La fuente, Hermanos de sangre o Asfixiar con el verbo demuestran que, en estos momentos, pocos grupos peninsulares podrían haber dado forma a un debut tan ambicioso como consistente.

8

—tomeu canyelles

MONDOVINILOS

Cut Worms

Babasha Aloud Music

Toundra: abanderados del post-rock europeo Toundra Vortex Inside Out

8

pop-clásica / Marina Her-

lop afronta en su segundo disco una complejidad intrínseca que deriva en un tipo específico de minimalismo, plagado de aristas sonoras. La pianista cuenta con una voz de amplia capacidad evocadora, y presenta un conjunto de ocho canciones extensas, desarrolladas con necesaria calma y donde la premisa del “menos es más” es indispensable para alcanzar el objetivo. Babasha es un trabajo elegante y melancólico pero también inquietante y vibrante, en una conjunción turbadora. Un desborde de sensaciones y torrente emocional, disimulado bajo una falsa apariencia de fragilidad. Un álbum de música clásica contemporánea y vanguardista que se inspira en especímenes peculiares como Björk, Antony Hegarty o Joanna Newsom para definir su propia personalidad. La catalana parece destinada a liderar, con su mezcla de profundidad y sensibilidad, la corriente que aúne el clasicismo del piano con la vanguardia de la actualidad imperante. —raúl julián

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8 ROCK / Toundra, tras cuatros discos en los

que han ido perfeccionando su propuesta, coronada con IV (15) y reforzada a nivel creativo por Exquirla, la arriesgada y rompedora fusión junto al Niño de Elche en el imprescindible Para quienes aún viven (17), se han encumbrado por meritos propios como abanderados del post-rock instrumental, no sólo a nivel nacional, sino europeo.

Su nueva obra Vortex llega como celebración del trayecto recorrido y agradecimiento a todos los que les han acompañado, en algún momento, durante su particular travesía del desierto. Este camino de permanentes descubrimientos, se puede interpretar en la portada de aires zaratustrianos, como una nueva y repetida búsqueda del porvenir vital y creativo, sumergiéndonos en el eclipse de nuestro propio extravío.

Dejamos atrás el bosque y el zorro protector para comenzar el árido viaje con la épica obertura Intro Vortex y, antes de que nos dé tiempo a parpadear, nos corre el veneno por la venas tras conectarnos el primer mordisco con Cobra. Se apaga poco a poco y funde con los compases calmados de Tuareg, que no tarda en estallar y hacernos rodar como

nómadas por las dunas del Sahara, creando otro emocionante tornado sónico que frena para volver a acelerar en una bocanada post-metal con aromas bereberes, desembocando en una armoniosa brisa final que se retroalimenta y extiende en un atardecer que nos transporta de Argelia a Libia, pasando por Níger, Malí y Burkina Faso. Cogemos aire en la semi acústica y ensoñadora atmósfera de Cartavio, nos dejamos caer sobre las nubes resplandecientes que dibuja la cadencia del primer minuto y medio de Kingston Falls, para ir sumando a continuación capas que tejen una espiral de armonía, tensión y fuerza. Sobre los misteriosos ritmos electrónicos de los siguientes once minutos, los cuatro jinetes del post-rock madrileño montan las vías de una montaña rusa apocalíptica, a base de guitarras afiladas y latidos de batería y bajo, que nos llevan a adentrarnos en las arenas californianas de Mojave. Seguimos en Norteamérica y los sintetizadores palpitan, las guitarras serpentean y una luz cae del cielo para iluminarnos y romper las cadenas de nuestras circunstancias vitales… En los escasos dos minutos de Roy Neary, vemos y escuchamos junto a Roy, los ovnis que divisó cerca de su casa de Indiana (Encuentros en la tercera fase). La aventura termina (por ahora) con la esperanzadora energía que desatan en el vibrante Cruce Oeste, tema que se antoja como una auténtica bomba en directo capaz de abrir el mar en dos. —david pérez

mayo 2018 #41

EDI CLAVO, FERNI Y JAIME URRUTIA FOTO: alberto garcía alix

42/Mondo Media LIBROS Endora

8 Sabíamos que Ricky Lavado es excelente batería (échenle un repaso a su currículum) y que se desenvuelve muy bien en nuestras páginas como crítico, pero ahora, además, nos descubre que tiene madera de escritor. Y lo hace con estos veinte relatos, plagados de secretos desvelados, de historias confesadas en voz alta, de anécdotas, de golpes y de alegrías. Y de música, claro está. Sin ella, ni él ni nosotros seríamos los mismos.

—joan s. luna

Eroguro Jesús Palacios (editor) Satori

7 El periodista Jesús Palacios –siempre interesado en la cara oculta de la cultura- ejerce de editor de este completísimo libro sobre el eroguro (ya saben, la combinación japonesa de sexo, sangre y grotesque) y su relación con el cine, el arte, la literatura, el anime y el manga.

Se incluyen además tres relatos originales de Tanizaki, Rampo y Juzo. Recomendado para sumergirse en la depravación con argumentos.

—ernesto bruno #42 mayo 2018

LIBROS

Ricky Lavado Banda Àparte

n ió c a e r c a L o v la C Edi de Camino Soria

“Camino Soria fue nuestra cima creativa. ndo” No hubo otro tan redo

Tras Electricidad revisada (Milenio, 15), Edi Clavo retorna a las librerías con Camino Soria (Contra, 18). El que fuera batería de Gabinete Caligari relata el proceso de creación y gestación de una referencia imprescindible en la crónica del pop rock español.

M

ás allá de ser un libro sobre la creación y gestación de Camino Soria, es una radiografía de un tiempo y un lugar muy concreto: España en el año 1987.

Cierto. Lo que se llamó la Movida Madrileña ya no existía como tal pero los grupos que surgimos durante aquella época estábamos compitiendo en el mainstream puro y duro. Ya no había lugar para las experimentaciones y ocurrencias, peleábamos de tú a tú con los grandes del hit parade.

—Es una época que se reivindica poco pero el final de los ochenta es una de las etapas de mayor plenitud del pop rock facturado en España.

Totalmente. Surgimos del underground y grabamos nuestros primeros discos en compañías independientes, en nuestro caso en particular, Tres Cipreses y DRO. La diferencia con el indie que llegó después es que nosotros,

desde el inicio, hicimos canciones en castellano, conectando inmediatamente con el gran público. Para mi generación también fue muy importante la aparición de Radio 3, llegando a toda España con programas como los de Jesús Ordovás, que nos pinchaban con mucha regularidad dándonos mucha difusión. Una vez tienes difusión y público las majors inevitablemente se fijan en ti. Eso fue lo que nos pasó en 1987, que fichamos por EMI, una multinacional que nos dio el empujón definitivo. Y eso mismo que nos pasó a nosotros también les pasó a otros grupos como Loquillo y Los Trogloditas, Radio Futura o Alaska y Dinarama.

Llegamos al mainstream pero conservando nuestra impronta underground: nadie nunca nos dijo qué teníamos que grabar, ni cuándo ni cómo. Tampoco lo hubiéramos aceptado.

—¿Añoras esos años?

No. Fueron años divertidos: éxito, dinero, juventud… Pero no los añoro porque debes vivir cada momento. No se puede estar perennemente mirando al pasado. Del pasado no se vive. Aunque yo, en este caso, sí que he recurrido a él (ríe), pero ha sido, principalmente, como un ejercicio de recuperación histórica.

—Explicas que cantar en castellano fue clave para llegar al gran público.

Pero es que en Gabinete hicisteis un uso muy personal y particular del idioma. Una dicción muy castiza,

estilo que has utilizado para redactar el libro.

Nosotros lo que intentamos fue traducir el idioma del rock, que era el inglés, y dotarlo de un costumbrismo castizo.

Ese fue un gran logro de Gabinete Caligari: utilizar las bases del rock anglosajón pero con un lenguaje muy castizo. Esa mezcla nos dio una personalidad muy acusada y nos diferenció del resto. En mi caso, como parte integrante del grupo, ese uso del idioma se deja traslucir en mis textos.

—Cuando ahora se habla de Gabinete Caligari se suele reivindicar Cuatro Rosas o Al calor de un amor en un bar, pero raramente se reivindica Camino Soria.

Todos los grupos con una carrera más o menos larga tienen un disco que resume o sintetiza todo su estilo.

En nuestro caso creo que indudablemente esa obra es Camino Soria.No hubo otro tan redondo. Como entidad musical, como concepto, desde las canciones al diseño, fue nuestra cima creativa. —oriol rodríguez

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Camino Soria Edi Clavo Contra, 18

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La tierra de los hijos Gipi Salamandra

8

El italiano Gipi vuelve a conquistarnos –y van...- con una obra sobre los lazos familiares cuando ya no nos queda otra cosa en el mundo. Un cómic postapocalíptico cuyo mensaje bien puede aplicarse perfectamente a la sociedad actual. Evitar la inmundicia de lo que nos rodea e intentar aferrarnos a los sueños, crecer curtidos para que no puedan con nosotros. Triste, pero rotundo. —martí viladot Lo que más me gusta son los monstruos

Emil Ferris Reservoir Books

9

Uno de los cómics más reverenciados de los últimos años llega por fin a nuestro país. Ferris firma una historia compleja y que toma caminos diversos a través del diario de Karen Reyes, una niña-lobo de diez años extraña, inteligente y que se ve sumergida en una historia detectivesca salpicada por sus pasiones y aficiones. Personajes muy bien definidos y unas páginas siempre libres y francamente imaginativas. —joan s. luna

¡Universo!

Albert Monteys Astiberri

8

Repite Monteys un mes más en nuestras páginas, pero es que no podía ser de otra manera. Tras sorprendernos en su edición digital vía Panel Syndicate y estar nominado a los Eisner del año pasado, ¡Universo! merecía ya su traslado al papel. Ciencia ficción y humor se entremezclan, sumándose además como virtud el mejor dibujo que haya creado Monteys hasta la fecha. Diversión asegurada. —joan s. luna

Andrew O’Neill Máster en metalurgia

LIBROS

CÓMICS

El monologuista británico Andrew O’Neill acaba de publicar en nuestro país La historia del heavy metal (Blackie Books, 18).

Riéndose de los tópicos, leyendas y anécdotas que pesan sobre el género a la vez que mostrándose como un verdadero erudito y analista certero, O’Neill ha firmado una de las mejores tesis editadas sobre la materia.

Q

uería escribir un libro que gustara tanto a los más auténticos y entregados devotos metalheads, como a aquellos que no han escuchado nunca un disco de un grupo heavy, como mi madre.

Creo que ese es lo que diferencia mi libro de los muchos otros libros que se han escrito sobre heavy metal.

El problema es que todos los metalheads que conozco ya se han leído mi libro y mi madre aún no”. Andrew O’Neill es el cantante y guitarrista del grupo de steampunk The Men That Will Not Be Blamed For Nothing, curioso nombre que tiene su origen en una pintada aparecida en el lugar en el que Jack el Destripador cometió uno de sus crímenes. También es humorista, autor de un espectáculo (en el que el heavy y su infinito anecdotario son los principales protagonistas) que ya ha pasado por algunas de las salas más reputadas del circuito de stand up comedy de Inglaterra, y también algunos de los festivales más relevantes en cuanto a sonidos abrasivos se refiere, como el Download y el Sonisphere. De la unión de sus dos pasiones surgió La historia del heavy metal, libro, editado recientemente en nuestro país por Blackie Books, que recorre, con una prosa extremadamente ingeniosa y divertida a la vez que mostrando un conocimiento enciclopédico sobre la materia, el devenir del género de las guitarras lacerantes.

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ro de “El disco neg ió mi mb Metallica ca mpleto” vida por co

Andrew O’Neill, al margen de ser un tipo extremadamente simpático y encantador, es un heavy prototípico. Aunque también hay heavies bajitos y de mediana altura, él mide casi dos metros y peina una larguísima y lacia melena morena. Viste de negro integral y en su camiseta luce el nombre de una banda, pero no acabo acertar de cúal por lo ilegible de la tipografía. Nos encontramos en el Satan’s Coffee Corner del Hotel Casa Bonany. ¿Hay lugar mejor para charlar de un libro de metal?

“Descubrí el heavy

metal el año 1993”, explica. “Era la época de Nirvana y demás bandas de grunge pero por influencia de mi hermano mayor yo escuchaba a Jimi Hendrix y Queen. Un amigo del instituto me grabó el disco negro de Metallica y mi vida cambió por completo”. Confiesa que al principio solamente le gustaron Nothing Else Matters, The Unforgiven y Enter Sandman. Sad But True le pareció demasiado... ¡heavy! “Pero pocas semanas después ya me gustaba todo el disco. Al cabo de dos o tres meses ya tenía todos los discos de Metallica y en menos de un año ya buscaba cosas más fuertes como Slayer o Carcass.

Aunque mantengo una relación de amor odio con ellos, Metallica sigue siendo la banda más

importante de mi vida junto con Jimi Hendrix y Converge”.

Andrew todavía iba al instituto cuando montó su primera banda con uno de sus mejores amigos, Frank Turner. “Él acabaría formando un grupo de hardcore de referencia como Million Dead y, posteriormente, teniendo bastante éxito en solitario. Y yo estoy aquí”, deja ir entre risas. “Pero seguimos siendo muy buenos amigos. De hecho Frank es el responsable involuntario de La historia del heavy metal”. O’Neill explica que el ahora cantautor escribió un diario de gira cuya lectura le animó a ponerse a escribir él mismo uno sobre el ciclo de actuaciones que estaba realizando con su espectáculo de comedia. “Y aquella idea acabó evolucionando hasta La historia del heavy metal”, ¡un libro de lectura obligatoria si no queréis arder en el infierno! —oriol rodríguez

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La historia del heavy metal Andrew O’Neill Blackie Books, 18 mayo 2018 #43

44/Mondo Conexiones UNIQLO <> MACBA

La marca japonesa UNIQLO y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona firman un acuerdo que permitirá al museo abrir sus puertas de manera gratuita cada sábado de 16h a 20h, dando acceso libre tanto a las exposiciones temporales como a todas las actividades que se lleven a cabo dentro de ese horario.

Además, MACBA y UNIQLO programarán propuestas artísticas innovadoras el último sábado de cada mes.

El 26 de mayo, por ejemplo, el museo acogerá el concierto de Papa Topo.

Paraíso <> Absolut Manifesto Absolut Manifesto ha demostrado cómo la creatividad puede ser el motor del cambio y el mejor modo de expresar las convicciones más libres que deben mover el mundo. Ahora, sabemos que el nuevo festival de música electrónica y otras artes Paraíso, se contagiará con Absolut de este espíritu libre que apuesta por todas esas creencias que todos deberíamos defender hoy en día. Este nuevo festival, que supone una apuesta inédita en la capital por la electrónica, respira además sostenibilidad y expresiones artísticas varias que confluirán con la propia declaración de intenciones de Absolut los próximos días 8 y 9 de junio.

VANS <> METALLICA

Mallorca Live Festival <> Sol House by Meliá Sol House, perteneciente a la compañía hotelera Meliá Hotels International, repite este año como principal colaborador del mayor evento musical de la temporada en las Islas Baleares. Mallorca Live Festival tendrá lugar en Calviá los días 11 y 12 de mayo, con un cartel que se supera en su tercera edición, destacando como cabezas de cartel: Primal Scream, The Prodigy, Solomun, La Casa Azul, Izal, !!! (Chk Chk Chk), Nina Kraviz, Kase.O o Vitalic. Los últimos 1000 abonos están a la venta en la web del festival.

Vans, la marca líder de la cultura juvenil e icono de expresión creativa, lanza una colección exclusiva de calzado, ropa y accesorios en colaboración con Metallica. El nuevo diseño se centra en el logo de la banda, rindiendo homenaje al heavy metal con las siluetas clásicas de Vans.

La colección Vans x Metallica está disponible en las tiendas Vans y online. #VansxMetallica

UFI <> Spotify

SoL Madrid <> LATAM SoL MADRID es un encuentro exclusivo entre 15 programadores de los festivales más importantes de Latinoamérica y del resto del mundo y una selección de 50 profesionales de agencias de management y booking, sellos discográficos y editoriales, con reuniones de negocios (networking) y conciertos promocionales (showcases).

Impact Hub Madrid acogerá su primera edición del 24 al 26 de mayo, con showcases en Costello Club.

Puedes inscribirte en www.sol.network #44 mayo 2018

Coincidiendo con la salida a bolsa de Spotify, las discográficas independientes, a través de la red mundial WIN, han anunciado la renovación de la Declaración de Acuerdos Digitales Justos lanzada en 2014 para repartir de forma equitativa con los artistas los ingresos de la explotación digital de su música. La campaña se puede seguir con el hashtag #FairDigitalDeals

New Blood<> Mercury Wheels +Live Nation Barcelona El pasado mes de abril arrancó en Madrid un nuevo ciclo de conciertos ideado para descubrir nuevos artistas: New Blood. La promotora de conciertos Mercury Wheels, que trabaja con artistas como M.I.A., The National, Fleet Foxes o Franz Ferdinand, ha confeccionado un cartel con seis músicos de diferentes partes del mundo que deberías conocer: Chelou, Freya Ridings, Odina, Tender, Island y Bryde, con conciertos en salas de Madrid y Barcelona entre abril y mayo. En la era digital, New Blood te anima a descubrir nueva música en directo. Las entradas están disponibles en Ticketmaster. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

RETROVISOR.

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013

The Damned

Origen: Londres (Reino Unido) Actividad: 1976-2018

L

legar el primero no siempre es garantía de subirse a lo alto del podio. En el currículo de The Damned destaca un doble motivo de orgullo: haber publicado el primer single (New Rose, 22 de octubre de 1976) y también el primer largo (Damned Damned Damned, 18 de febrero de 1977) del punk británico. “El punk fue una definición que nos vino dada, no algo que elegimos los grupos de mi generación. La primera entrevista que hice en mi vida fue en 1976 para el fanzine Sniffin’ Glue, y ellos me preguntaron qué tipo de banda creíamos que éramos. Le respondí que no lo teníamos del todo claro, que lo más cercano a lo que hacíamos eran las bandas garage de los sesenta, así que suponía que éramos una banda de garage. Cuatro semanas después la prensa nos describió como punk rockers.

Al principio nos parecía una buena forma de definirnos y lo adoptamos como nuestro: cuando el término surgió en New York hacía referencia a pandilleros y delincuentes juveniles”, explica un Dave Vanian de visita promocional en Madrid con motivo de la publicación del nuevo álbum de la banda, Evil Spirits.

En cualquier caso la evolución de The Damned como banda resulta singular comparada con la de sus compañeros de generación tanto por la longevidad del proyecto -The Damned se han mantenido prácticamente en activo desde su nacimiento en 1976, con Vanian y Captain Sensible como supervivientes de la formación original- como por su sonido mutante, que va del estricto punk rock de los comienzos a los tintes góticos de Phantasmagoria (1985) o el cada vez más indisimulado homenaje actual a sus ídolos de los sesenta. “Brian (James) fundó The Damned. Él firmaba las canciones de Damned Damned Damned, canciones

#46 mayo 2018

fabulosas; y lo mismo con el segundo, Music For Pleasure (1977). Y cuando nos dijo que quería disolver el grupo el resto nos quedamos en shock y pensamos qué es lo que íbamos a hacer. Decidimos seguir adelante y poco a poco empezamos a hacer canciones. Lo que ha hecho funcionar a The Damned a lo largo de los años es que todos los que han pasado por el grupo han aportado sus influencias al mismo y eso se ha traducido en discos”.

The Damned alcanzaron su momento de mayor éxito interpretando una versión de Eloise, oscuro tema de pop orquestal sesentero original de Paul y Barry Ryan. Vio la luz como single en plena transformación de la banda, entregados a una estilizada estética a caballo del goth-rock y el glam.

“No creo que yo tomara el control en aquel momento. En realidad me parece más bien que el resto del grupo empezó por su cuenta y riesgo a adoptar mi look. Y a mí me encantaba que así fuera, claro.

Con el tiempo los chicos comenzaron a hacerse coquetos: recuerdo una foto en la que aparecían Bryn (Merrick), Roman (Jugg) y Rat (Scabies) mirándose al espejo y haciéndose el pelo. Y a mí me hacía reír, porque ellos nunca habían sido así, eran el prototipo de chicos punk. Era divertido.

Creo que Rat fue el primero que decidió adoptar esa estética porque decía que las chicas querían irse conmigo por mis pintas.

Lo cierto es que la cosa funcionó, y creo que lo hizo porque la gente percibía que a ellos les encantó dar ese cambio. Paralelamente la música también cambió porque yo escribía casi todo el material junto a Roman. Cuando Captain Sensible volvió al grupo unos años más tarde el equilibrio volvió a cambiar, pero es cierto que desde entonces he tenido mucho que ver con la dirección que iba tomando The Damned”.

—luis j. menéndez

Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondo web www.mondosonoro.com

PISTAS El clásico:

Machine Gun Etiquette Chiswick, 1979

La marcha del fundador y compositor de las canciones, Brian James, abre la puerta a las aportaciones de los que hasta entonces habían sido sus compañeros. Con Captain Sensible a la guitarra y Vanian adoptando un liderazgo cada vez mayor, el disco se mueve entre el exabrupto punk original y un sonido cada vez más nuevaolero. Love Song, Melody Lee, Smash It Up, Noise Noise Noise o I Just Can’t Be Happy lo convierten en el verdadero clásico de la banda.

De actualidad: Evil Spirits

Spinefarm/Music As Usual, 2018

The Damned regresan después de afrontar una gira conmemorativa de los cuarenta años de actividad del grupo y tras un silencio discográfico de diez años. Involucran en el proyecto a uno de los más influyentes productores de la historia, Tony Visconti (David Bowie, Marc Bolan, Iggy Pop, Thin Lizzy…) para firmar el disco en el que se hacen más palpables sus deudas con el sonido mod y el rock de los sesenta. —l.j.m.

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