Mondo Sonoro edición mayo 2020 by MONDO SONORO

Nº 283 Mayo 2020 www.mondosonoro.com

MUJERES, SOOLKING, SOCCER MOMMY, THE NEW RAEMON, PINPILINPUSSIES, NATHAN FAKE, PUTOCHINOMARICÓN, PEARL JAM HAYLEY WILLIAMS, THE MAGNETIC FIELDS, PABLO UND DESTRUKTION, BELUSHI, HUMAN IMPACT, JACK PEÑATE, FIONA APPLE

The Strokes La nueva anormalidad

NEREIDA FAU

NUEVO DISCO «A» ¡DISPONIBLE el 11 de mayo!

@nereidafau

L a m á s

m ú s i c a q u e c e r c a t i e n e s

E D I C I Ó N E S

L O C A L E S

5/Mondo freako “ Hemos desarrollado nuestras propias fórmulas y lenguaje”

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Mujeres Directo a tu corazón

Con Siento Muerte (Sonido Muchacho, 20) Mujeres han conseguido afianzar un lenguaje propio como banda. El quinto disco de los barceloneses consolida su salto al castellano –iniciado hace seis años con la enorme Aquellos ojos–, una imaginería lírica única y un sonido que cada vez se acerca más al power pop sin prejuicios.

L PRIMERO QUE CONFIRMA que la etiqueta garaje ya se queda corta con los Mujeres de 2020 es Pol Rodellar, bajista, coros y el John Belushi del power pop callejero de Barcelona. “Un detalle importante es que ya casi no escuchamos garaje, ya no intentamos emular el sonido Goner, In The Red o Douchemaster. Nos hemos desprendido de esa necesidad de sonar a una escena particular y hemos desarrollado nuestras propias fórmulas y lenguaje a la hora de escribir y componer. No tenemos un método pero sí que tenemos muy claro cuando algo NO suena a nosotros”. Sobre el lenguaje propio que ya manejan en el estupendo y febril Siento Muerte y el buen momento que están atravesando como banda, Yago Alcover, cantante y guitarrista, se muestra transparente. “Sobre cómo nos sentimos... Si te soy sincero, ver años después que el grupo cada vez funciona mejor, lo haces un poco mejor y siguen habiendo sorpresas, es una sensación verdaderamente bonita. Es una felicidad inmensa ver que una de las cosas que más disfrutas en el mundo te da tantas ilusiones. Somos unos privilegiados”. CADA DISCO DE MUJERES ha girado alrededor de una idea central que luego se transforma en un montón de canciones. Lo que parecen decir en Siento Muerte es que si la muerte les pilla de fiesta será un gran final. (Yago Alcover) “Sí, por lo general nos gusta fijar una idea central y a partir de ahí articular las ideas en distintas vías. En este caso, el centro era la idea de este mundo que parece que está a punto de estallar. Un mundo que termina, en descenso, en una aceleración permanente y en el que, sin embargo, encontramos pequeños momentos de felicidad. Claro, eso no puedes abordarlo desde un grupo como Mujeres como si fuese un ensayo de Lyotard, así que optamos por ciertos temas que

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mayo 2020 #5

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MONDO FREAKO

DISCOGRAFÍA

LA MÍA Morir de pie

Mujeres Sones, 09

La primera reyerta garagera de Mujeres, un disco que les convertía en el único grupo español de su quinta en abrazar la colisión entre el sixties punk y la ética y sonidos cercanos al underground USA de los grupos de In The Red Records.

Soft Gems Sones, 12

han ido apareciendo y que casan con un cierto estilo o tradición del grupo. Lo tragicómico, el arrepentimiento, el autosabotaje, la contradicción, la melancolía. Y eso desde las preocupaciones juveniles que son también –creo–, el espacio del rock and roll. Relaciones amorosas, amistades perdidas, noches sin sentido, excesos, arranques de violencia, una energía completamente desbordada. De ahí en mi opinión la conexión que se genera con ese sonido y el tempo eminentemente físico de nuestra música. Cada bolo debería ser como si nos abocásemos al final, un patetismo exacerbado. Creo que también hay mucho sentido del humor y despreocupación que ha venido generando mucha simpatía con el tiempo”. EL SÚPERPODER DE MUJERES en castellano son los conceptos, las frases y las imágenes tan potentes que pueblan sus canciones, algo que se inició con el hit que dio nombre a su anterior disco, Un sentimiento importante. ¿De dónde saca el grupo esas taglines emocionales definitivas? (Pol Rodellar) “Una de las cosas malas de llevar más de diez años en un grupo haciendo canciones es que sabemos cómo hacer canciones que funcionen, qué parte exaltar y en qué momento meter esa letras necesarias para levantar a la gente de la silla. Y todo esto se traslada en los directos, y de la misma forma que la gente lo vibra, nosotros lo vivimos encima del escenario, casi como una canción ajena. Aunque la ilusión de los conciertos creo que viene de otra parte, quizás de esa idea ya casi imposible en esta sociedad de que uno puede tomarse en serio esto de tocar música, es como un islote de lo imposible, la posibilidad de una isla en la que no existe esta idea capitalista de la vida privada y pública, en la que uno puede vivir y divertirse tocando un instrumento y haciendo canciones. Esos cuarenta y cinco minutos en el escenario son la posibilidad de lo imposible”.

—XAVI SÁNCHEZ PONS

Álbum en el que su paleta de sonidos se empieza abrir: los aires The Jesus And Mary Chain de Soft Gems Pt.2, el homenaje a Del Shannon en I’m Over With You, el pop chicletero y velvetiano de Here I Am! o Salvaje, su primer hit en castellano.

Aquellos Ojos EP Canada, 14

Es un EP, pero su importancia fue capital: nos presentó a los Mujeres que estaban por venir. El tema que le da título es el himno más querido por los fans y una de las mejores canciones del pop independiente en castellano de todos los tiempos.

Marathon

Canada/62 TV/Platinum, 15

El disco continuista y de transición de Mujeres. Aquí apostaron por un sonido más limpio. El racaraca de sus inicios sigue presente eso sí y aún domina el inglés. Ahora bien, el power pop en español ya asoma la cabeza (Vivir sin ti).

Un Sentimiento Importante

Sonido Muchacho, 17

El cambio de ciclo. El primer trabajo de Mujeres en formato trío y su primera colección de canciones en castellano. Temas como el que da nombre al disco y Ciudades y cicatrices ya tienen categoría de clásicos.

Siento Muerte

Sonido Muchacho, 20

La coronación definitiva de Mujeres y su mejor disco porque suena solamente a ellos. Siento Muerte abraza de forma definitiva el power pop febril, guiña el ojo a Ramones y a los girl groups de los sesenta y sabe crear una cosmogonía propia. —X.S.P.

a verdad es que, dadas las circunstancias, cuesta mucho dar una opinión sobre lo que está sucediendo que se salga de la apisonadora mediática en la que todos estamos inmersos. Además, el terrible hecho de que haya un buen número de fallecimientos hace que la sensibilidad esté a flor de piel y cualquier afirmación que se salga de la impuesta por la mayoría pueda ser malinterpretada. Pero eso no me va a impedir soltar en esta columna de opinión lo que pienso. Espero de todo corazón no ofender a nadie. Sin embargo, echo de menos más voces que ponderen en su justa medida lo que está sucediendo. Y digo esto porque, si analizamos las cifras con frialdad matemática, a uno le queda la sensación de que en la sociedad se está imponiendo el miedo a marchas forzadas. Es lógico pensar que el largo periodo de paz que estamos viviendo en el mundo desarrollado desde la segunda guerra mundial y, sobre todo, el aumento de la esperanza de vida, han provocado que la sociedad se enfrente a la muerte de forma muy diferente. Ahora una persona que se jubila a los sesenta y cinco años espera tener “toda una vida por delante” cuando décadas atrás estaba en el periodo final de su existencia. Y eso, sin duda, ha trastocado nuestra forma de ver el mundo y de encarar problemas como el del Coronavirus. Porque, si nos ponemos a pensar con frialdad estadística, las cifras que se barajan no justifican el cataclismo económico que estamos sufriendo. Solo lo podría justificar frente al colapso hospitalario y, lo que es más sangrante, a la propagación del virus entre el personal sanitario. Pero eso es algo a lo que se hubiera podido poner remedio com mayor facilidad y con muchos menos recursos que los empleados en este estrangulamiento forzado del proceso productivo. Una situación de la que van a salir muy mal parados los de siempre, es decir, todos esos contratados de forma precaria y estacional durante la temporada de primavera y verano. Los pobres y sus familias. Esos siempre pagan los platos rotos. Soy consciente de la fácil propagación del virus y de que se hubieran muerto e infectado mucho más personas y eso es duro de asimilar y defender. Pero es que, como sociedad, nos estamos aferrando a la vida de una forma que no nos importa perder derechos a marchas forzadas porque el argumento del miedo se impone al de la libertad. Y eso a mí me da mucho más miedo que cualquier contagio. O al menos que este contagio. Porque ¿qué pasará el día que llegue un virus que realmente ataque por igual a todas las franjas de edad y sus indices de mortalidad eleven la cifra a millones en un país como el nuestro en lugar de unos cuantos miles? Solo espero que nos apliquemos aquello de “mejor morir de pie que vivir arrodillado” por el miedo.

—DON DISTURBIOS

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#6 mayo 2020

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Soolking nació en Argelia en 1989 y, desde 2013, lleva desarrollando una carrera musical que le ha brindado el éxito internacional rondando la treintena. Su música, que bebe del rap francés, así como de las influencias norteamericanas y, sobre todo, de la música tradicional de su país, es un soplo de aire fresco en la recargada escena internacional. Lo demuestra en su reciente Vintage (Hyper Focal/Universal, 20)

BDERRAOUF DERRADJI, es decir Soolking, ha publicado recientemente un segundo álbum, Vintage, que además es doble. Veinte canciones entre las que se incluye media docena de singles de éxito que vieron la luz antes de su lanzamiento. Es un trabajo equilibrado y ambicioso, que destaca por la variedad y el manejo de los diferentes tempos emocionales “No sé por qué, pero siempre necesito sacar un lado más serio, un lado más introspectivo. Quizá sea porque vengo de un lado más old school que necesito sacar este lado serio. Siento que necesito incluirlo en mis discos y que sería incapaz de hacer un álbum que solo fuera para bailar o uno únicamente reflexivo”. VINTAGE ES UN TRABAJO que combina letras y ritmos para dejarse llevar en el club, cierto, pero le da sentido pleno con otras canciones unidas por un hilo conductor claro: la reivindicación de la libertad, un tema que expuso de manera explícita en su éxito Liberté, ya convertido en un himno en países de todo el mundo. “La libertad es un sentimiento universal. Por eso la canción ha conseguido repercusión internacional. En Líbano, Albania, Kosovo… En Europa, en Magreb… Eso es porque todos los días, en todas las partes del mundo, se está hablando de esa necesidad de libertad”. La libertad y su respeto por sus raíces componen una declaración de intenciones que sirven al rapero argelino para unir pasado y presente. “Lo que yo cuento en mi música, para mí, es una cuestión espiritual. No es gangsta rap. Yo hablo de las cosas del día a día. Todo lo que cuento es mi historia y mi vida, lo que aprendí en Argelia, con mi gente”. SOOLKING SE MUESTRA como un artista maduro en una conversación

Soolking Raíces fuertes para volar libre que viene marcada –como no podía ser de otro modo en estas complicadas fechas– por la irrupción del Coronavirus en todo el mundo, algo que ha afectado mucho a la industria musical y que ha frustrado sus planes de venir a nuestro país a presentar su nuevo álbum. Sin embargo no es la única referencia a España que surge. Durante la charla, me comenta que le gusta mucho C. Tangana y tiene una canción, Marbella, inspirada por los sentimientos que le genera la ciudad malagueña. EL ARGELINO SE HA CONVERTIDO en una de las grandes estrellas de la nueva generación de músicos france-

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ses, empeñada en trabajar conjuntamente “como en los Estados Unidos o en Latinoamérica. En todas las escenas estamos todos trabajando juntos”. El éxito que vive le hace ser agradecido y consciente de su posición privilegiada. “No podía esperar nada de todo este éxito. Por eso estoy muy contento con todo esto y me gustaría dar amor y felicidad a mis fans como ellos me los dan a mí. Por lo menos me gustaría intentarlo. Creo que es un deseo bonito”. —LUIS M. MAINEZ

CRITICANDO Soolking

Vintage Hyper Focal/ Univesal TRAP 8/10

Vintage es el segundo álbum de estudio de un Soolking que lleva años demostrando que el rap con influencias árabes es un estilo en auge dentro de la siempre interesante escena francesa y que él lo domina a la perfección. Después de más de media docena de adelantos, que bien podrían haber sido un EP de hits con colaboraciones de nivel como la de Dadju, Soolking ha lanzado un álbum de veintiún canciones en el que se confirma su gran momento creativo. La melancolía de Billie Holiday, la crudeza de Who’s Bad? o los ritmos afrobeat de Hayati son muestra de lo polivalente que es el argelino. Vintage llega en un momento en el que Soolking ya está reconocido como uno de los nombres a seguir en el país francés tras el bajón del boom de PNL. Es muy complicado mantener el nivel y la cohesión –en la lírica y en las producciones– en un álbum que cuenta con temas como Vintage, pero Soolking lo consigue con facilidad y frescura. Un logro más que meritorio.

—LUIS M. MAÍNEZ

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r un lado más “Siempre necesito sacaintrospectivo” serio, un lado más

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mayo 2020 #7

“

Pablo Und Destruktion La caída del Imperio

Pablo G. Díaz ha sufrido un proceso de transformación que ha estado a punto de llevarse por delante su apellido artístico en un proceso de destrucción necesaria. Sobre esa revolución nos habla en Futuros valores (Humo, 20).

Los malagueños Ballena vuelven a la carga con Odisea Ballena (Subterfuge, 20), un segundo round en el que se respira cierta rabia y desencanto, pero todo cargado de una creciente luminosidad y adictivas melodías pop.

ómo definiríais el sonido de Odisea Ballena y cuáles diríais que son las diferencias más marcadas con su predecesor, vuestro disco debut Navarone (17)? (Juande) Odisea es un disco de pop, donde las melodías llevan gran parte del peso de las canciones, igual que lo fue Navarone. Las guitarras son muy prominentes. No creo que haya habido un cambio estilístico como tal, aunque sí dimos un salto en la atención al detalle. Hemos sido muy escrupulosos en la producción y creemos que se nota. El segundo disco es muy importante para cualquier banda y estamos muy orgullosos de cómo nos ha quedado. —¿Qué discos teníais de cabecera durante la grabación del nuevo álbum? (Miguel) Muchísimos y muy diferentes... Yo personalmente estaba leyendo el libro de David Byrne Cómo funciona la música y me dio una etapa de redescubrir a Talking Heads y otros grupos de los ochenta como Prefab Sprout o Spandau Ballet, todo eso compaginado con The War On Drugs, Wilco, The Shins… En estos últimos y en nuestra pasión por Hendrix, coincidimos los tres. —Mi tema favorito es La fiesta de Iniesta. Musicalmente me parece un huracán y, entre otras referencias, encuentro cierto regusto a los The Cure más luminosos... ¡hasta en tú forma de cantar! (Miguel) ¡Me encanta! No lo había pensado nunca como referencia y menos para un tema como La fiesta de Iniesta, pero lo has dicho y tiene mucho sentido... Wish fue de lo que más escuché en esa época y me cuadra con la letra, que habla de un tipo tímido y apocado cuyas dotes para la seducción son nulas y, por mucho que lo planifica, al final es él el seducido por la chica, ya aburrida de esperar a que despliegue su rito de apareamiento. —DAVID PÉREZ

STABA HASTA LOS HUEVOS de Pablo Und Destruktion, de la industria musical, del mundo moderno, de lo que me ata de ese nombre al pasado… pero la destrucción es necesaria. Así que al final la he redirigido”. Por eso, en Futuros valores, el asturiano le canta a un mundo contemporáneo que se derrumba. “Estábamos siendo testigos de la caída de un modelo y, como todas las caídas de imperios, ha tenido una serie de consecuencias culturales. Las canciones me sirven para reflexionar y plantearme qué va a venir después. Yo creo que lo que viene tiene que ser mejor”. Una calma post-apocalíptica que refleja a lo largo de estas nueve canciones. “El Apocalipsis convierte lo que era verdad en mentira. Ahora no sabes a qué atenerte porque todo es un juego de ficciones. Se habla de relatos y no de realidades. Estábamos agotados de esperar el fin y ese fin ya llegó”. Pablo prescinde artificios y regresa a su faceta de humilde trovador. “Estaba en una escalada de violencia basada en mentiras y distorsiones, como los pedales de efectos. Una realidad que es el dominio de un instrumento es suplantada progresivamente por un efecto. Primero se ponen efectos a las guitarras y luego se quitan las guitarras y sólo quedan los efectos. Fuegos artificiales que no queman y que no provocan nada. Me planteé muchas cosas hasta que llegue a la conclusión de que si pudiera haber hecho el disco con una piedra y mi voz lo habría hecho. Pero no pude (risas)”. FUTUROS VALORES supone además la vuelta a sus orígenes discográficos (Discos Humeantes, ahora Humo). “Quería que fuera lo menos mercantil posi-

ble dentro de la realidad en la que opero. Que el éxito no forme parte de las coordenadas en las que me muevo. Es muy fácil malinterpretar el éxito. Y la riqueza. Uno de los fantasmas de nuestro mundo es asociar riqueza con dinero”. Por esto, entre otras cosas, se ha buscado un trabajo “convencional” para compaginar con su carrera. “Llevaba ocho años dedicándome en exclusiva a esto. Ahora en el curro vendo mi propia fuerza de trabajo, pero eso me permite una libertad creativa mayor. No quiero entrar en una lógica de ganar dinero. Porque en esa lógica siempre se pierde. Incluso los que ganan pierden en su discurso. Es muy difícil hacer la cuadratura del círculo. Y si alguien lo hace, olé por ellos. No tengo fobia al éxito en sí. Tengo fobia a los pequeños fracasos que indican la venta de todo. Cuando el trabajo que haces es más o menos espiritual, como es el trabajo musical, lo que vendes es tu alma”. Una idea en la que profundiza en canciones como Gracias (“Querido público me estás sorbiendo el alma”). “El público es como un depredador y tú eres el herbívoro que va a ser devorado… pero te revelas y consigues devorarlos. Te expones a ese ataque, pero lo luchas. Es una lucha legitima; la misma que tiene cualquier planteamiento filosófico o dialéctico. El público no es mi enemigo, pero es un adversario al que tengo que convencer con argumentos. Sino no los respetaría. Sería mis palmeros. Y yo no quiero palmeros. Quiero que haya música, que se muevan fuerzas”. Hablando de fuerzas, otra de las que operan en Futuros valores es sin duda el amor. “Es lo único que está fuera del mercado. Por eso se ataca permanentemente. El amor es lo único que no obedece a una lógica mercantil. Tu abuela te da un plato de faves porque es tu abuela y te quiere. Pero sino es tu abuela te lo cobra. Así de sencillo”. Un reencuentro con lo más sencillo –y lo más mágico– de la vida. “Ver un atardecer, estar con un paisano, querer a la gente… Vale más ‘sol, solito, caliéntame un poquito’ que el mayor de los discursos epatantes que dejan a la gente desarmada”. —TOMÁS CRESPO

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“Estaba hasta los huevos de Pablo Und Destruktion, de la industria musical, del mundo moderno”

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Ballena Luces y sombras

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#8 mayo 2020

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ROSTER

Putochinomaricón Reivindicando los dos mil El confinamiento ha trastocado su agenda, pero no sus nuevos planes musicales. Chenta Tsai, activista y alma mater de Putochinomaricón, prepara nuevo proyecto fuera del alias que le ha dado reconocimiento en el pop que conjura lucha social y baile. Ahora es Baobae. Puro años dos mil. Echamos la tarde con él (vía WhatsApp). Putochinomaricón es uno de los artistas del Roster Jägermusic.

que querías explorar algo del rollo Max Martin [Britney Spears o Katy Perry] y emular el pop de masas, la gente te miraba mal. —¿Sí? Sí, y creo que hay cierto humor en eso de trabajar de ma-

eivindicación social, memes y pop chicloso. Esas han sido las bazas de Chenta Tsai en su corta pero prolífica trayectoria. Bajo el alias Putochinomaricón ha publicado Corazón de cerdo con Ginseng al vapor (18) y Miseria humana (19), además del libro Arroz tres delicias: sexo, raza y género (19). Echamos una tarde con él, vía Whatsapp, para entender qué hay detrás de su nuevo proyecto, Baobae. —¿Te llamo hacia las cinco? ¡Genial! Pero me olvidé de decirte que te puedo mandar demos de lo que estoy trabajando para Baobae, mi nuevo proyecto. [Manda los archivos] —Estoy escuchando... Vale, ¡el teclado de “Masculinity” es un martillo! Son muy agresivas, creo que responde a mi yo actual. [Ríe] —Y “Webcam”, ¡muy eurobeat! Pero todo suena a los primeros dos mil. ¡Totalmente! Ahora se está experimentando más con esos sonidos sin miedo a que te juzguen. Antes cuando decías mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

nera casi artesanal, auto producida, un sonido que ha sido manufacturado para las masas. [Ríe] Tengo suerte de haber encontrado un equipo que entiende este universo. Aunque cuando le dije al coproductor que quería buscar un sonido como el de NSYNC, se pensaba que le estaba tomando el pelo. —¿A qué te refieres con lo de artesanal? Es mágico componer mientras friegas los platos. [Río] Fuera bromas, estas canciones las he escrito y coproducido en casa, frente al Ableton. —¿Los beats van todos a tu cargo? Estoy coproduciendo con Marco Henri. Algunas sí que son mías 100%. Pero realmente creo que Baobae es un esfuerzo colectivo. Estoy trabajando mucho también con Zazi White, Fab Skum o Ita Tsai para crear este imaginario nuevo. —¿Baobae se parece más a tu faceta DJ? ¡Sí! Creo que este nuevo EP es una especie de combinación de todos mis intereses e inquietudes musicales. Es muy gracioso porque en una entrevista que me hizo el periodista João França, hablaba de que entendía mi identidad de manera fraccionada hasta que empecé con el proyecto de Putochinomaricón, que para mí ante todo es un espacio donde todas mis identidades pueden coexistir. Creo que Baobae hace algo parecido, pero más a nivel musical. —¿Con Putochinomaricón te habías cortado musicalmente? Cuando escribía los temas para el primer EP no pensaba en el directo, por ejemplo, o en que las canciones las podría pinchar en fiestas y la gente las bailaría. —En tus directos hay muchísimo movimiento. Sí. Estoy aprendiendo mucho. Hace poco pinché en una ball en la que estaba Jay jay Revlón, que también es DJ y me enseñó que pinchar para una ball es completamente distinto que pinchar en una fiesta. También el cambio es resultado de haber estado produciendo a artistas como Samantha Hudson o Rakky Ripper. —¿Qué es una ball? Una ball es un espacio de resistencia y de cuidados donde la comunidad ballroom se junta y participa en diferentes categorías como el Vogue Femme, Runway, Old Way, New Way… De una forma u otra quería rendir

EL APUNTE

Boy band e industry plant

AOBAE HACKEA las boy band de los primeros dos mil, como queda claro en las primeras fotos promocionales colgadas en el Instagram de Chenta Tsai. Y también juega con otro término, el de industry plant. “Me hacía gracia que Baobae fuera una especie de parodia de los industry plant [inversiones de las discográficas en nuevas estrellas, consideradas “semillas”]. Una industry plant creada por una misma persona”, ríe. Aunque Baobae es un proyecto en proceso, de sus beats ya emanan nombres como Britney Spears o Timbaland. “Timbaland definió el sonido de los 2000. Me inspiré mucho en él”. Y t.A.T.u. “La diferencia con ellas es que soy gay de verdad. No shade”. [Ríe] Fuera bromas, me gusta que no tuviesen miedo a revelar su sentido del humor. Siento que para crear ayuda mucho tener sentido del humor”, apunta. “Estoy muy emocionado con Baobae. Al principio me daba cague, porque es un sonido bastante diferente. ¡Y las coreos que vendrán! Voy a morir. Me estoy intentando poner en forma corriendo en mi garaje, cual niño raro que soy”. —Y.S.I.

homenaje a todos estos lugares donde pongo/performo/toco música. Este espacio es muy importante para mí, más que nada porque fue creado por la comunidad racializada (sobre todo negra y latina) en respuesta al racismo/ homofobia/transfobia y otras discriminaciones que sufrían. —¿Baobae es una continuación o una evolución de Putochinomaricón? No sé si Baobae es la evolución de Putochinomaricón o son dos identidades que coexisten a la vez. Me gusta lo que planteaba Tommy Heavenly/February 6 con su proyecto; aunque me influyan los sonidos del 2000, no quiero hacer algo que recree una época, sino una adaptación costumizada. —Perdón por no enterarme de nada, pero Baobae, ¿es por baby? Me siento boomerísimo. ¡Sí! Para nada lo de boomer. [Ríe] Baobae es baobei (bebé en chino) + BAE.

—YERAY S. IBORRA

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mayo 2020 #9

EN LA MALETA

Ramón Rodríguez vuelve con su séptimo disco como The New Raemon. Coplas del andar torcido (BMG, 20) ahonda de forma sobresaliente en la senda emprendida con Una canción de cuna entre tempestades (18), llevando un paso más allá su apuesta por una expresividad cruda, descarnada y sincera, que le reafirma como una de las voces más libérrimas del panorama pop (o rock) estatal.

Two Ex

Adri y Rosa son Two Ex, dos j venes DJ’s que llevan poco tiempo en la escena pero ya han tenido la oportunidad de actuar en algunas de las mejores salas madrile as y varios festivales. Su dinamismo y clase a la hora de pinchar son algunos de los motivos que las han llevado a ser uno de los nombres comunes en la noche madrile a. #10 mayo 2020

The New Raemon Cantares de la singularidad iendo “Tienes que estar vend ente, tu historia constantemco y a mí eso me da un po de urticaria”

OPLAS DEL ANDAR TORCIDO es un trabajo grabado, nuevamente, en el estudio La Mina de Raúl Pérez, en Sevilla, con Javi Vega (Maga, Sr. Chinarro) al bajo, Ricky Lavado a la percusión, y coros a cargo de Anni B Sweet en tres

ay alguna canción en concreto que haya estado en todas vuestras sesiones? Al principio teníamos una canción fetiche que nos ha acompañado en muchos de nuestros bolos: el remix de Bicep de Dominika, Gotta Get You Go. Nos daba muy buen rollo, nos identificábamos con la letra y causaba siempre muy buen efecto. Era como nuestro Despacito. —¿Qué es lo que no deber a hacer nunca un DJ durante una sesión? Darle al sync (risas). La verdad es que sabemos que existe para permitir jugar de otra manera cuando se pincha, pero creemos que hace perder la magia y el morbo que tiene cuadrar. Le quita la chispa. —¿Vinilo, CD, archivos digitales…? Hasta ahora nuestro set up se basaba en lo digital, pero acabamos de aterrizar en el mundo del vinilo, así que iremos poco a poco incluyéndolo en nuestras sesiones. —¿Qué canciones de las que sois muy fans nunca os habéis atrevido a pinchar y por qué motivos? (Rosa) Me encantar a pinchar La rave de Dios de Pony Bravo, de mis grupos favoritos. Lo he intentado, pero de momento no me sale (risas). Se merece un remix techno… Podría quedar un tema bastante envolvente. (Adri) Siempre que he escuchado Idioteque de Radiohead he sentido que sería perfecta para adaptarla a alguna sesión.

de sus canciones. Podría considerarse una continuación de su anterior disco, o una forma de profundizar más en esa línea, aunque él se remonta más atrás en tiempo. “Estos dos últimos discos están muy emparentados con el Lluvia y truenos (16) que hice con

Sus hipnóticos toques ambient y ritmos rotos mezclados con un bombo más techno podría ser la receta para una próxima remezcla. —¿Qué opináis de la popularidad de los DJ s frente a los músicos? ¿Le dais más valor a los músicos de pop o de rock que a los DJ's? Creemos que son disciplinas diferentes. Sabemos que la electrónica es la música de nuestro siglo, pero para nada desmerece cualquier otro estilo. De hecho, lo que creemos es que el directo es la máxima expresión de esa conexión que se crea entre la cabina y la pista. —¿Podríais decirme cuáles son vuestros Dj's favoritos y por qué motivos? Es muy difícil decantarse por uno… Somos muy fans de muchos. Si hay que nombrar, por su forma de hacer tanto técnicamente en la cabina y como productora, Octo Octa sería un buen ejemplo. Tiene varios registros pero siempre sientes ese sello de identidad, algo que nos flipa porque no nos gusta encasillarnos en ningún estilo. —¿Cuál podría ser vuestra mejor sesión hasta la fecha? Siempre que pinchamos en Republik tenemos una experiencia casi religiosa (risas). La verdad es que nos sentimos súper arropadas y es donde más hemos disfrutado. Estamos más cerca de la pista, la cabina no es un escenario y sientes más cerca la vibra. —MS

Ricardo Lezón: todos grabados en La Mina, en Sevilla, junto a Raúl Pérez, forman parte de una nueva manera de escribir que ya empecé con Oh, Rompehielos (15), que ese fue un disco que tuve que hacer con muy poco dinero, una etapa en la que el hecho tener menos recursos lo transformas en una virtud”, abunda. “Todo es mucho más poético, no por hablar de historias de amor, sino de tu posición como ser humano en un entorno como el que tenemos, que no es natural ni salvaje”, matiza. EL DISCO TIENE la secuenciación propia de quien entiende los álbumes así, con su introducción, nudo y desenlace, a la usanza clásica, lo que hace que la conversación derive en la asunción de Ramón Rodríguez como artista definitivamente a contracorriente. “Se da por sentado que tienes que estar vendiendo tu historia constantemente, y a mí eso me da un poco de urticaria. Voy a la contra de todo eso”, comenta, porque se considera “un dinosaurio, que ya no tiene que demostrar nada”. El álbum, grabado en Sevilla con un Raúl Pérez que es “como Bob el Silencioso en las películas de Kevin Smith, que está siempre ahí, pendiente de todo, y cuando comenta alguna cosa es porque es realmente importante su análisis”, cuenta con canciones como Aunque maldigas entre dientes, inspirada en el patrón rítmico de The Hanging Garden, de unos The Cure “que siempre han estado ahí”, con una El árbol de la vida

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MONDO FREAKO

TAN. CERCA RRDespués de varios singles de adelanto y aplazamientos con respecto a la fecha de publicación del nuevo disco de Bunbury, ya hay comunicado oficial del artista. Posible (Warner, 20) verá la luz definitivamente el próximo viernes 29 de mayo. RRLas madrileñas Hinds han lanzado hasta cuatro avances del que será su tercer larga duración, el último de ellos fue Just Like Kids (Miau). En cuanto a la fecha de publicación de The Prettiest Curse, esta ha pasado del 3 de abril al 5 de junio, así que la espera no durará mucho.

influenciada por “una frase de Roser Bru, sobre la idea de que la muerte es un tabú que no sabemos entender como lo que es, un viaje”, o con una Días de rachas grises de clara influencia sureña, producto también del entorno en que fue grabada, para la que iba a contar con Rocío Márquez, pero finalmente abordó una Anni B Sweet que hizo un trabajo ímprobo, “enviando como tropecientas pistas por cada una de las tres canciones en las que canta, que son las que más le gustaban: Luna creciente, Aunque maldigas entre dientes y Días de rachas grises. NO ES DE EXTRAÑAR que esté más que contento con un álbum tan sensible, rotundamente honesto e inspirado como este, pero ya avisa de que sus próximos pasos seguramente irán por otros derroteros: “Ahora mismo tengo en la cabeza hacer otra cosa mucho más experimental”, advierte. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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Coplas del andar torcido BMG 2020

RRSon muchos los festivales importantes de nuestro país que se quejan de la falta de movimientos por parte del Ministerio de Cultura español. Pero muchos han decidido lanzar comunicados para informar a sus seguidores sobre la complicada situación por la que están pasando. El primero fue el Resurrection Fest gallego al que posteriormente se han ido sumando otros como Low Festival, Cruïlla o Tsunami Xixón. Visita nuestra web o las páginas oficiales de los eventos para tener más detalles. RREl pasado viernes 1 de mayo se estrenó en la plataforma Amazon Prime Una vuelta al sol, el documental que repasa los inicios de Amaia justo después de la conclusión del programa Operación Triunfo. En él la vemos enfrentarse a sus primeros conciertos, colaboraciones y grabaciones. RRInfinidad de artistas

nacionales lanzan canciones escritas, grabadas y producidas durante estas semanas de confinamiento. Entre las últimas que se han lanzado están Encerrados de Presumido, Los que marchan de Arco, Sanadoras voluntades de Macaco, o el EP completo 2020 que han hecho, bajo el nombre de nostalgia.en.los. autobuses, David Ruíz (La M.O.D.A.) y Raül Fernández Refree.

Pinpilinpussies Mariposas furiosas No han descubierto la cura para el maldito Covid-19, pero su debut nos ha alegrado un poquito el triste confinamiento. Estoy hablando de Fuerza 3 (Aloud Music, 20), un refrescante debut que oscila entre el indie folk y el punk lo-fi.

INPILINPUSSIES llevan meses haciendo ruido y actuando allí dónde se las llame, pero el dúo afincado en Barcelona se fue hasta Sevilla para grabar su disco en La Mina, los estudios de Raúl Pérez (Biznaga, Pony Bravo). “Fueron cuatro días increíbles. Conseguimos desconectar del mundo exterior por decirlo así y Raúl nos trató de maravilla. Fue nuestra casa durante esos días. Incluso grabamos en pijama, literal”. Grabaron en riguroso directo y a todo volumen, el hábitat natural de una banda que empezó sin pretensiones en el local, pero que no ha parado de tocar en todo tipo de escenarios, desde las Demoscópicas de esta publicación hasta programas de televisión, pasando por salas de distinto pelaje. “La gente que nos vio en los primeros bolos y nos ve ahora notará una gran diferencia, sobre todo en soltura, seguridad y puesta en escena. Musicalmente nos vamos arriesgando más, con estructuras más elaboradas, jugamos más con diferentes pedales y nos dejamos llevar más, difuminando poco a poco las barreras de diversos géneros”. Los títulos de sus dos discos hasta la fecha hacen referencia a las cosas que comparten: talla de sujetador (80/B) y ahora el tipo de gomina que gastan para los bolos (Fuerza 3). También son muy diferentes, tanto en personalidad como a la hora de atacar

los instrumentos. “Siempre decimos que Raquel es un perro y Ane un gato. Así es como nos describimos. El cóctel de influencias es muy palpable en nuestras canciones, en nuestras diferentes maneras de componer y de cantar. Al principio nos preguntamos si esto sería un impedimento, pero con el tiempo nos hemos dado cuenta de que toda esta mezcla de influencias hace que Pinpilinpussies sea lo que es”. ¡Ah! También comparten instrumentos, algo bastante menos común y menos en dúos. “Las dos teníamos temas escritos con guitarra y ambas podíamos tocar la batería, por lo que un día decidimos cambiar los roles”. LLEVAN POCO TIEMPO en esto de la música y ya han tenido que sufrir algunos episodios de machismo, que afortunadamente no son habituales. “Una vez nos enteramos de que el organizador de un concierto dijo: ‘porque sean chicas no tenemos por qué cogerlas’. Si te mola lo que oyes guay y si no, déjame en paz. Otras veces nos hemos encontrado técnicos que intentan ahorrarse trabajo porque nos ven ‘maleables’. Si preguntas diferencias entre dos amplificadores te dicen: 'pues este es un Twin-reverb y este un Marshall'. Gracias, ya aprendí a leer en preescolar”. —LUIS BENAVIDES

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as “ El cóctel de influenci es muy palpable en nuestras canciones”

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RRStay Homas, el proyecto de confinamiento de miembros de Buhos y Doctor Prats, sorprende a propios y extraños con la repercusión de su simpática propuesta. El tema Stay Homa les ha llevado a fichar con Sony. —MS

mayo 2020 #11

WALA. WALA.

“Nos esperan meses muy duros, no dejéis de escuchar música, no dejéis de consumir cultura, porque en estos tiempos es cuando más falta hace cuidar nuestras almas” Sergio Salvi de Delaporte, en Muzikalia.com

“Todo lo que me había hecho ser quien soy me fue robado por el accidente. Pero tuve esa actitud cabezona de curarme lo más rápidamente posible” Joe Seaward de Glass Animals, en NME

“Algunas personas tienen una forma característica de gritar, con su grito controlado. Como el cantante de AC/ DC. Cuando yo lo hago son solamente gritos” Stephen Malkmus, en Brooklyn Vegan

“Al Ministro de Cultura le diría que prestara más atención a la industria musical, que es un sector tremendamente precario y que vive en permanente indefensión” Jorge Navarro, de Biznaga, en Jenesaispop

“CUANDO ÍBAMOS AL INSTITUTO NOS JUNTÁBAMOS VARIOS AMIGOS EN LA SALA DE ESTUDIOS Y APRETÁBAMOS EL PLAY A LA VEZ CON IT HURTS DE ANGELS & AIRWAVES PARA RECREAR UN CONCIERTO”

Nathan Fake Vendaval electrónico Se hizo un hueco en la escena electrónica debutando con Drowning In A Sea Of Love (Border Community, 06), un disco que mezclaba la rocktrónica de la época con altas dosis de psicodelia y una personal elasticidad melódica. Tres discos después, oscilando entre la experimentación y la adhesión a cierta electrónica de club con ADN rave, Fake entrega Blizzards (Cambria Instruments, 20), un álbum pensado para el directo y registrado casi como si de una sesión se tratase.

LIZZARDS SURGE con la intención de conseguir atrapar esa sensación única de la sesión en tiempo real. “Hay ideas que pueden desarrollarse mucho y pueden hacerte llegar a sitios muy interesantes a base de trabajarlas y trabajarlas, pero también es cierto que hay ideas que surgen en el momento y tienen ese algo que es muy interesante intentar captar”, explica Fake. Quizá evitar la sobreproducción es un acierto en estos tiempos en los que las posibilidades técnicas son infinitas. “En gran medida lo he hecho así, trabajando con tomas únicas, porque también he pensado mucho en cómo llevarlo al directo. Cuando escucho sesiones mías me gusta la ejecución y la inmediatez que a veces se genera en la interpretación del mo-

mento. Me interesaba encontrar un equilibrio así”. Grabado con primeras tomas y con un set up reducido, sí (“Utilizo una caja de ritmos Akai, un par de sintetizadores Yamaha y varios instrumentos digitales. No me rompo la cabeza mucho con eso, lo importante es saber contar algo y aprovechar lo que tienes”), pero con un resultado en absoluto sencillo o limitado. Blizzards es polirrítmico, cromático, tan anguloso como fluido, un vendaval electrónico. “El título es una palabra que puede describir mi música. Por otra parte, sin ser una declaración, también refleja lo que está pasando socialmente en Reino Unido, algo que probablemente en diez años habremos olvidado o de lo que nos reiremos. Pero no me gusta ser muy obvio con nada. Mis títulos o el arte de mis discos no son muy explícitos. Me gusta no tener que darte todo hecho, dejar puertas abiertas”. La música asociada a conceptos, la aproximación creativa y la escucha e interpretación sinestésicas. “En la música electrónica la sugestión es muy poderosa y evoca algo diferente a cada persona. Al hacerla puedes pensar en todo tipo de conceptos no necesariamente musicales, pero esa sinestesia sobre todo se revela en la escucha. Es interesante que para cada persona suponga una experiencia diferente. Con una letra hay una historia, hay más consenso sobre cómo son las cosas, pero en la música instrumental todo está más abierto. No pensamos mucho en ello pero la música es algo muy abstracto”. —JORGE RAMOS

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ica “En la música electrón derosa la sugestión es muy poa cada y evoca algo diferente persona”

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Tyler Joseph, de Twenty One Pilots, en Alternative Press

#12 mayo 2020

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Soccer Mommy Cromatismo agridulce

MONDO FREAKO

OPHIE ALLISON NOS ATIENDE al teléfono desde su ciudad, Nashville (Estados Unidos), para contarnos, entre muchas otras cosas, que nuestra sensación de que estamos ante un trabajo más sólido que cualquiera de los anteriores se debe a la conjunción de tiempo y experiencia. “Tenía más claro lo que quería hacer, y también más tiempo de estudio y más experiencia para probar cosas, plasmar más ideas”, reconoce. EL ÁLBUM TIENE una singular estructura: una fase azul, dedicada a la depresión, una amarilla dedicada a una tristeza más física y una gris dedicada a la muerte. Vaya, que podría decirse que su música nunca ha sido la alegría de la huerta, y que ese tono tan sombrío, que parece ser ya algo común a una generación entera de nuevas estrellas (más o menos populares), puede llegar a impactar viniendo de alguien que tan solo cuenta veintidós años. Sophie Allison lleva, en cualquier caso, una década marcada por la larga lucha de su madre contra un cáncer terminal, y eso ayuda a entender muchas cosas. Niega, de todos modos, que ese sea el foco central de su nuevo trabajo: “Fue algo que trastocó mi vida por completo, y es normal que aparezca en el álbum, y que tener esa certeza sobre la muerte haga que algunos sentimientos que estaban reprimidos afloren en primer plano, pero no trata solo sobre eso”, remacha. DE HECHO, en canciones como Bloodstream, canta cosas como “la felicidad es como una libélula en una tarde de verano, la siento escurrirse entre mis dedos, pero no puedo tocarla con las manos”. Ella es de quienes cree que “la felicidad es más un sentimiento que un estado”, y al mismo tiempo considera que lidiar con asuntos de tanta gravedad desde a tan temprana edad es algo que no debería extrañar a nadie, porque “la gente joven se ve obligada ahora mismo a madurar antes, y a ser consciente del estado en el que está el mundo, ya no solo por la forma en que Norteamérica y el mundo entero se desmoronan, sino porque se ve forzada a lidiar antes con el temor a la muerte”. Pese a ello, no asume la música como una terapia, sino más bien como “una forma de mostrar y ordenar lo que

pienso, porque soy muy atolondrada, y como algo que me permite encontrar respuestas concretas”. HABITUALMENTE CALIFICADA como artista de influencia indie noventera, Sophie asume también que sus gustos basculan entre aquella década y la de los 2000. De hecho, cuando le comentamos que es lo más parecido a un cruce improbable entre Liz Phair y Avril Lavigne, dice entenderlo perfectamente, porque escuchó “mucho” a la segunda “cuando tenía cinco años”, pero también le inspiró siempre “el sonido más crudo y profundo” de la primera. Más reparos muestra a la hora de verse encajonada junto a compañeras generacionales como Snail Mail, Waxahatchee, Stella Donnelly, Caroline Rose o Jay Som. “Con Caroline Rose, cuya música me encanta, no creo que nos parezcamos demasiado, tampoco con Snail Mail, gran amiga mía y a la que admiro; con Jay Som sí veo mayor parecido”. AL DESPEDIRNOS, le preguntamos si su presencia aquí en el Primavera Sound 2019 se reeditará pronto, y no sorprende con un recuerdo, cómo no, ligeramente amargo: “¿Sabes lo que me ocurrió entonces? Al bajar del escenario pensé que lo había hecho fatal, pese a que toda la banda me decía que había estado increíblemente bien. Creo que me pasé de dramática”. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

CRITICANDO Soccer Mommy

Color Theory Carolina/ Music As Usual POP 8/10

SUBLIMANDO ESA SUERTE de cruce entre Avril Lavigne y Liz Phair que insinúan sus canciones, Sophie Allison se nos va haciendo mayor con un disco más maduro que su predecesor, de digestión algo más prolongada pero igual de gratificante. La confección de tapices instrumentales, muchas veces rozando lo evanescente –Up The Walls o Yellow Is

The Color Of Her Eyes–, impera por encima de los estribillos, que ya no buscan la combustión espontánea que lucían en Clean (2018), excepción hecha de esa Lucy con esos embravecidos cambios de ritmo y guitarras enmarañadas marca de la casa. En ese negociado es importante la labor de Gabe Wax (Beirut, The War On Drugs) a la producción y el hecho de haber grabado en su Nashville natal con la misma banda con la que lleva un par de años girando. Un producto notable y muy bien fraguado, que aguanta la mirada sin pestañear a asuntos tan jodidos como la muerte desde sus cándidos veintidós años. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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“La gente joven se ve o obligada ahora mism s” a madurar ante

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Sophie Allison, el nombre de quien se oculta tras Soccer Mommy, madura a pasos agigantados. Su rol como punta de lanza del mejor indie rock norteamericano va ganando cuerpo, disco a disco. Color Theory (Caroline/Music As Usual, 20) es la prueba.

mayo 2020 #13

Belushi Luces en la oscuridad

LOS DISCOS DE MI VIDA

Instrucciones y poemas (Carrot Music, 20) es el segundo álbum de Belushi. Un trabajo plagado de oscuridad, sintetizadores, guitarras oscuras y una nostalgia por los noventa que viene desde el propio nombre del grupo. En lugar de aplazarlo como han hecho tantos otros grupos, el cuarteto barcelonés se atreve a seguir adelante con su lanzamiento en mitad del confinamiento.

Michael Gira (Swans)

Michael Gira continúa en la carretera con nuevos compañeros. Sin ir más lejos en mayo nos visitará para contagiarnos de la intensidad de Leaving Meaning (Young God/Mute, 19). Podremos verle en Barcelona (8 mayo, Razzmatazz 2) y Madrid (9 mayo, Kristonfest).

VV.AA.

Nico

The Doors

Grabaciones de campo realizadas en 1961. La música y el sonido no fueron “interpretados”. Es parte integral de un camino ritual que conduce a una realidad pura y en desarrollo que está presente antes del pensamiento y la comprensión ordinaria.

Con una voz como el cuchillo pulido de venganza fría, las palabras perfeccionadas para repeler y atraer la interpretación, la orquestación estelar y la producción de John Cale, Nico triunfa sobre los cadáveres apilados y las ciudades en ruinas de los seres inferiores y grita su nombre a las estrellas.

Un país de las maravillas sensual. Hermoso, oscuro y muy, muy alto. When The Music’s Over es un pináculo de poesía sonora y vocal dinámica y expresiva de larga duración, y sigue siendo absolutamente emocionante escucharlo.

Alice Coltrane

Charlemagne Palestine

Popol Vuh

Esta música ceremonial, con aparentemente docenas de participantes rituales, se hizo en el momento y no estaba destinada a su lanzamiento comercial. Utiliza elementos de música oriental/ hindi, gospel y jazz y es un elevador hacia el cielo.

Un hombre con un piano de cola Bosendorfer, a través de figuras repetitivas de evolución lenta y cascadas de sonido, desata coros gloriosos de ángeles. Los ángeles se tragan las notas originales y exhalan nubes brillantes. Cierra la mente, toca esto alto en una habitación oscura y nada dentro de la voz de Dios.

Su banda sonora con el heroico director Werner Herzog fue estelar y es imposible imaginarse ver esta hermosa película, o Aguirre: The Wrath Of God, sin su música. Pero la música funciona maravillosamente por sí sola. —MS

World Spirituality Classics 1 (2017)

#14 mayo 2020

Marble Index (1968) Desertshore (1970)

Strumming Music (1974)

Strange Days (1967)

tenido un poco de complejo de Brandon Flowers... (risas). Es broma. Con The Killers igual se nos fue la mano, pero el disco sí tiene un homenaje particular a El Columpio, que es Extraña transformación, nuestro modesto Toro. Creo igualmente que es más un tema de energía que de progresiones. Aunque, ojo, últimamente escuchamos mucho a VVV o Antifan…”. SU NOMBRE SE DEBE a James Belushi y su generación: Brendan Fraser, Mickey Rourke, Ray Liotta… “Tenemos cierta obsesión por el carácter crepuscular de los ángeles caídos, de ahí nuestra lucha diaria entre la tradición y lo nuevo (algo que se hace patente en No me cuentes el final). En realidad siempre creímos que en el mejor de los casos nuestra trayectoria sería esa… En otras palabras: estaríamos dispuestos a caer en el olvido para ser redescubiertos en 2030 como viejas glorias”. Eso sí, el lanzamiento del disco les ha pillado en plena cuarentena. “A quien no le haya movido la agenda el COVID-19 que tire la primera piedra. Conciertos anulados, algunos pospuestos, pero nos resistimos a retrasar el lanzamiento del disco, perdiendo así el posible acuerdo con un sello. Con suerte, convertiremos este Apocalipsis en una nueva instrucción”. —JESÚS CASAÑAS

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Nosferatu Soundtrack (1979)

“ Tenemos cierta er obsesión por el caráct crepuscular de los ángeles caídos” mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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Tibetan Ritual Music (1967)

NSTRUCCIONES Y POEMAS tiene un poso oscuro y mucho más denso que Maniobras en la oscuridad (17). Belushi asegura que “los temas son comunes y las letras siguen hablando de lo mismo: amor y desamor, así que en el fondo debemos estar igual de bien o de mal que antes. Respetamos mucho la aportación de cada uno, de forma que si sumamos cuatro estados de ánimo, imposible adivinar”. Su objetivo a la hora de entrar a grabar era desmarcarse de ellos mismos, pero confiesan que es una prueba “que los inconformistas jamás superaremos. Que hay una evolución y el disco va en la línea de lo que nos imaginamos para dentro de dos, sí, sin duda. Todo nos lleva hacia un sonido She Wants Revenge o El Columpio Asesino (por dar una referencia nacional). En este nuevo trabajo se nota especialmente la influencia de Éric (guitarra), que es quien aporta ese tono más oscuro, aunque en el fondo hay un poco más de cada uno de nosotros”. HA PRODUCIDO Micka Luna, alguien que también es músico. “Le conocemos de cuando íbamos a fiestas en una Derbi Variant, en las que sonaban Suede, Pulp o The Smashing Pumpkins. Escuchó lo que queríamos, nos dejó hacer y como gran ingeniero que es fue clave en la construcción de este disco”. El grupo habla de influencias que van de The Killers a El Columpio Asesino. “Fer siempre ha

a "En este momento serílos estupendo que todos rtos y que políticos cayeran mue su lugar" los médicos ocuparan

Austero, coral, ácido y jibarizado en dosis más escuetas aún de lo habitual. Así es Quickies (Warner, 20), el nuevo álbum de Stephin Merritt y los suyos. Veintiocho canciones de pop artesanal y cáustico que no rozan siquiera los tres minutos y con títulos descacharrantes en contrapunto con el camino autobiográfico de su anterior entrega.

I EL PROPIO MERRITT RECONOCÍA en The Guardian que 69 Love Songs (Merge, 99) fue como su propio Tusk (en el caso de que The Magnetic Fields fueran como sus admirados Fleetwood Mac), y que el confesional 50 Song Memoir (Warner, 17) podía ser encajado como su Tango In The Night, ¿en qué estante colocamos este disco, inspirado por la lectura compulsiva de breves relatos, dentro del canon de la banda? Cuando apenas llevaba dos semanas de confinamiento, Merritt nos atiende al teléfono desde su casa en Nueva York. Y no contribuye demasiado a que las dudas se evaporen. Quizá ahí radique la gracia. ¿O no? Apunta el compositor norteamericano que Quickies es un disco inspirado en su afición por los relatos cortos. “Soy un gran fan de Lydia Davis, que escribe muchas de las historias que se conocen como quickies, también de las que escribía Richard Brautigan en los años cincuenta y sesenta, o de TV Smith, cuyos poemas cortos acabaron convertidos en canciones. O de Robert Burns, cuyos poemas parecían poemas y lo eran”, cuenta acerca de algo que es “toda una tradición, incluso en la música clásica, donde hay una tradición artística de composiciones de no más de dos minutos, como eran también las canciones de Charles Ives”. CURIOSAMENTE, LA ESCUCHA de música barroca francesa de clavicordio (nada menos) ha sido también determinante para un acercamiento al pentagrama que quería escapar ––confesamente– de la languidez. Pero cuando le decimos que eso también ha erradicado cualquier melancolía en aras de un sentido del humor más cáustico que nunca (lo que ya es decir), no está plenamente de acuerdo. “¿Crees que no hay melancolía en el disco? Igual tienes razón. La verdad es que no lo había pensado mucho. Normalmente en mis discos se combinan ambas cosas, lo melancólico y lo sardónico, en este caso tendría que mirarlo canción por canción, y no tengo el setlist a mano”, defiende. Lo que sí tiene claro es que no la ha costado distanciarse de la introspección confesional de 50 Song Memoir, porque concibe sus canciones –menos las de aquel disco– como descripciones de vivencias universales que nunca hay que tomar literalmente. “Si digo que quiero unirme a un club de moteros (I Want To Join a Biker Gang), expreso solo un deseo de ser libre y salvaje, porque si quisiera de verdad unirme a un club de moteros, entonces me apuntaría de verdad a un club de moteros, y no escribiría una canción sobre ello”, apunta con aplastante lógica. SORPRENDE LA FULMINANTE The Day The Politicians Die, cuya ausencia de misericordia no lamenta. “Algunos de los políticos pueden ser majos en algún momento, pero todo iría mucho mejor si nos librára-

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mos de ellos. En este momento sería estupendo que todos los políticos cayeran muertos y que los médicos ocuparan su lugar, porque los políticos están matando a la gente”. Y cuando le preguntamos por qué esta vez su voz se alterna más que nunca con las de Claudia Gonson y Shirley Simms, recurre de nuevo a la tradición. “Siempre me ha gustado mezclar géneros, arreglos y voces. Me gustan Bee Gees porque sus diferentes cantantes suenan distintos entre ellos. Me gustan ABBA por lo mismo, y Queen por lo mismo, y también The Raincoats, Fleetwood Mac o The Eagles por eso mismo”, sentencia. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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The Magnetic Fields A bote pronto

Javiera Mena El valor del pasado

La chilena Javiera Mena regresa a lo grande con Flashback (Primavera Labels, 20), canción que une pasado y futuro en un único concepto y que supone el primer adelanto de su nuevo disco, previsto para finales de año.

UIERO HACER UNA GRAN OBRA y estoy comprometida y focalizada en ello”. Así resume Javiera Mena sus últimos meses de trabajo. Antes de que el Covid-19 nos encerrase a todos en casa, la cantante chilena estuvo ofreciendo algunos conciertos en Latinoamérica y preparando su próximo disco del que, por fin, ya tenemos el primer adelanto, Flashback. Un videoclip “con un sonido moderno pero un espíritu retro, ochentero, que es lo que más me atrae. En el que además se transmiten cuatro estados de ánimos representados por cuatro colores. Y todo acompañado de una estética del cómic de Akira, que encaja perfectamente con la situación apocalíptica que estamos viviendo”. Nada queda al azar en la obra de Javiera, quien de nuevo recurre a la electrónica y el pop, sus dos influencias más habituales, para introducirnos en este viaje al pasado. “Para la música soy muy nostálgica, me gusta escuchar discos antiguos. En ese sentido soy muy vintage, en lo artístico y musical me encanta todo lo referente a lo de los ochenta y los noventa” reconoce la cantante chilena, actualmente afincada en Madrid. Y ESA DIRECCIÓN sonora será la que tome su próximo disco. “Este nuevo álbum continúa con la evolución que han tenido mis últimos trabajos. Cada vez estoy más casada con la electrónica pero trato de mantener la calidez que a veces se pierde con ella. Tiene unas líneas sensuales también, es nocturno. Vuelve a tocar temas como la pasión y el deseo que quizá en el anterior álbum Espejo traté menos. Vuelvo un poco a tocar la parte más mundana y terrenal de mi música”. Una mirada al pasado para no perder su esencia y que su música se mantenga en el camino correcto. —ALFONSO GIL ROYO

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mayo 2020 #15

Kenickie At The Club EMI, 1997 9

PUNK/ UN AÑO ANTES DE QUE PULP pusieran

fin al britpop con This Is Hardcore, el disco de resaca y de cierre de etapa más memorable de la historia del pop anglosajón, un cuarteto de Sunderland que acompañaba sus primeros e imprescindibles epés con fanzines en los que aparecían discos de Lung Leg, Bratmobile, Heavens To Betsy y Built To Spill intentó reinar e inyectar frescura en una escena dominada por hombres y de una grandilocuencia y soberbia que a veces daba risa. Kenickie, que tomaron su nombre de uno de los personajes más icónicos de Grease, estaban formados por Lauren Laverne, Marie du Santiago, Emmy-Kate Montrose y Johnny X (el hermano de Laverne) y su libro de estilo estaba cercana al movimiento riot grrrl, al primer punk inglés y a la nueva ola de The Go-Go's. At The Club fue su primer disco de estudio tras ser fichadas por Bob Stanley (además de músico, uno de los mejores críticos musicales del Reino Unido) y Pete Wiggs, la parte masculina del grupo Saint Etienne, para un subsello de EMI. En una época donde Oasis se perdían en canciones infladas de minutaje innecesario, donde Blur oscurecieron su sonido en un disco homónimo de bajona y donde Suede editaban un álbum doble de caras B para coger un poco de aire tras tres años de excesos de todo tipo, tres chicas y un chico de clase obrera apostaron por una ración de punk pop idealista y hedonista al mismo tiempo que iba dirigido a la juventud más inquieta y librepensadora de las islas británicas. KENICKIE, UNA BANDA que tenía más cosas en común con el underground de su país y de los Estados Unidos que con las bandas de pop británico mainstream con las que compartían protagonismo al estar en una major, intentaron cambiar el britpop con descaro y con un discurso honesto –y todavía no tan naíf en los noventa– basado en tres ejes: el hazlo tú mismo, el sé tú mismo y el pásalo bien mientras haces y eres. Las canciones que mejor ejemplifican esa ética fueron los dos hits del disco, Punka y Nightlife. La primera un himno que, con mucho sentido del humor, filosofa sobre lo que significaba ser punk en 1997 y la segunda una relectura en clave power pop del soul de la Motown que llenaba de pinta labios y de purpurina el rómpelo todo del 1976. También incluía odas a la ropa de vinilo (la muy grunge P.V.C.), canciones con arreglos de viento que se anticiparon al choque entre indie-pop y soul de The Go! Team o a los hits de The Libertines (In Your Car), pildorazos surferos con palmas (Come Out 2 Nite) y, como los grupos que de verdad importan, un homenaje al By My Baby de The Ronettes (Millionaire Sweeper). —XAVI SÁNCHEZ PONS #16 mayo 2020

“

Human Impact En guerra con el mundo

El decadente desarrollo de la raza humana y su reflejo en el Planeta Tierra tienen una banda de sonido perfecta en la música de Human Impact. Este cuarteto formado por Chris Spencer (Unsane), Jim Coleman (Cop Shoot Cop), Phil Puleo (Cop Shoot Cop, Swans) y Chris Pravdica (Swans) nos lo demuestra en Human Impact (Ipecac, 20), un disco sobrado en mala leche.

UMAN IMPACT YA HAN PUBLICADO su disco de debut vía Ipecac Recordings. Se trata de un portentoso monolito hecho a base de distorsión, mala hostia y fricción sonora, poseedor de un nivel de solvencia que muchos grupos debutantes podrían envidiar. El concepto del grupo en sí, basándose en el significado de su nombre, se acomoda en el podio de las ideas más relevantes de este 2020 marcado por el nuevo orden mundial establecido a partir de la situación pandémica actual. Respecto a la filosofía de la banda, un entusiasmado Chris Spencer resume: “En un momento estuvimos discutiendo esta idea y decíamos que este disco representa a la voz de la rebelión. Cuando comencé con las letras, intenté no hacerlo desde un punto de vista individual. No quería marcar las cosas del modo en que yo las veía o sentía, entonces creo que tienen una universalidad en la que mucha gente se puede sentir identificada”. Quizá gracias a la sólida experiencia de cada uno de

los integrantes de la banda, es que en este disco y en el recién editado single Contact, el grupo suena completamente afianzado, obviando la noción de estar escuchando a una banda debutante. “Nos sentimos realmente sólidos hasta el punto de que ahora mismo, mientras hablamos, estamos en el estudio terminando nuevas canciones. Así que estamos mejorando a cada momento en términos de sonido y de mensaje”, afirma Jim Coleman. Una parte de lo recaudado por las descargas del mencionado single Contact –cuyo dramático videoclip fue realizado en base a material enviado por los fans del grupo durante la actual cuarentena– irá a beneficio de la lucha contra el COVID-19 en Nueva York, ciudad original de Human Impact e influencia fundamental en la época en que se formaron como músicos. “En nuestra música aún hay algo de conexión con lo que Nueva York solía ser: decadente, desafiante y muy dramática. Esos elementos ahora están en todos lados, las cosas se pusieron muy disfuncionales. No importa donde vivamos, las temáticas están ahí. Jim y yo somos amigos desde antes de Unsane y Cop Shoot Cop, así que conocimos juntos aquel momento de la ciudad. Ahora creo que está muy esterilizada, manejada por las corporaciones, es inalcanzable económicamente para muchos artistas y pensadores creativos, al igual que la mayor parte de las ciudades en los Estados Unidos. Yo ahora vivo en el bosque, en el medio de la nada. Con lo cual puedo hacer música todo el día si quiero, aparte de salir de juerga con un grupo de patos”, concluye Spencer, riendo.

—ADRIANO MAZZEO

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“Este disco representa a la voz de la rebelión” FOTO: JAMMI YORK

EL DISCO. RECUPERADO.

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Hayley Williams Terapia

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MONDO FREAKO

Hayley Williams, cantante de Paramore, debuta en solitario con Petals For Armor (Atlantic/Warner, 20), un intenso relato musical sobre sus batallas contra la depresión. Y también la demostración de que Williams tiene mucho futuro por delante.

URANTE LA GIRA de After Laughter (17), el último disco de Paramore, Hayley Williams notó que el nudo que a veces sentía en el pecho empezaba a crecer descontrolado. Había pasado demasiado tiempo intentando ignorar ciertos traumas de la infancia, y de pronto la bola se le atragantó. Acabó la gira como pudo, y al año siguiente escribió un ensayo sobre la depresión y las tendencias suicidas, en el que plasmó sus pensamientos más íntimos. “Regresaba a casa y no sentía ninguna alegría. Eso era muy extraño, porque la música es mi pasión y Paramore es mi primer amor”, confesaba en una de sus líneas más descarnadas. De pronto el pulso creativo volvió a aparecer como forma de terapia, y así es como nació Petals For Armor, su primer disco en solitario, producido por Taylor York y que será publicado por Atlantic Records el próximo 8 de mayo. “EL TÍTULO SE ME OCURRIÓ estando en una sesión de terapia”, cuenta la vocalista al teléfono. “Tuve una especie de visión de mí misma, en la que me veía muy, muy sucia, como cubierta de mierda, y había flores que brotaban de mí. Fue una visión muy dolorosa, nada agradable. Muy grotesca. Me asusté, pensé que estaba teniendo una visión de mi propia muerte. Pero entonces me di cuenta de que no era mi muerte, sino el proceso por el que estaba pasando. Me dije: ‘tía, estás de mierda hasta el cuello, pero de algún modo saldrás de ahí. Te dolerá, te hará avergonzarte de ti misma, pero saldrá algo bonito de todo esto’. A partir de ahí me di cuenta de que había cosas de mi vida con las que tenía que hacer las paces. Tenía que convertir mis propios dolores, mis propias vulnerabilidades, en armas de cambio, en armas de conexión con otras personas. No para deshacerme de ese dolor transmitiéndoselo a otros, sino para usarlo como forma de conexión. Mi mensaje es que estando unidos para compartir el dolor, lo superamos todo mejor”. CUANDO WILLIAMS EMPEZÓ a plasmar todas estas reflexiones en canciones, se dio cuenta de que en caso de

“Estando unidos para compartir el dolor, lo ” superamos todo mejor

EL APUNTE

El origen de sus males

UANDO ERA PEQUEÑA, Hayley Williams fue una de esas niñas que sufrió un golpe emocional devastador cuando sus padres se divorciaron. “El dolor que me generó fue una de las cosas que negué durante mucho tiempo. Mucha gente tiene padres divorciados, así que pensaba que no tenía por qué sentir un dolor especial. Por eso sentirme mal por ese motivo era como decepcionarme a mí misma. Hasta hace poco, esa sensación seguía causándome dolor”, asegura. Ese sufrimiento silencioso hizo que la rabia creciera en su interior, sin

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darse cuenta. “En mi vida he perdido mucho tiempo gastando energía en la rabia. No sabía qué hacer con esa energía. Pero cuando pude tomarme el tiempo para analizar hacia dónde estaba yendo como persona, descubrí que la rabia sólo sirve si te encauza en el camino correcto. Es como los súper héroes que aún no saben controlar su superpoder recién adquirido. Lleva su tiempo. Primero te da miedo, y después empiezas a controlarlo. Y cuando eso pasa, ocurren cosas maravillosas”.

—N.R.

publicarlas, eran demasiado personales para hacerlo con Paramore. “Todo ocurre por una razón”, asiente. “Con los chicos acababa de grabar mi disco favorito de Paramore, After Laughter, y cuando fuimos de gira me sentí llena de vida. Al final de la gira los tres decidimos volver a casa, tener vida normal, no grabar otro disco ni dar conciertos, ni hacer entrevistas o sesiones de fotos. Sólo ser amigos. A mí, parar la máquina me afectó de forma diferente y entonces vi que tenía que lidiar con mis problemas, parar de negarlos. Mi terapeuta me dijo que empezara a escribir sobre mis sentimientos para no volverme loca, porque mi cabeza estaba empezando a dar vueltas como una lavadora. Y eso hice. En cuanto empecé a escribir, me di cuenta de que estaba yendo hacia atrás, y más hacia atrás, en mi vida. Y cuando termine, dije: “Esto no es un disco de Paramore”. Decidí que yo tenía que contar mi propia historia. Ha sido muy empoderante utilizar mis vulnerabilidades para hacer mi primer disco en solitario, y estoy emocionada por ver hacia dónde me puede llevar esta experiencia en el futuro. A mí, y a Paramore”. PERO NO LO HIZO TODO SOLA. En el proceso de composición de las letras contó con la colaboración de su productor y de Joey Howard, bajista en los conciertos de Paramore. “Es un compositor excelente, es mucho más que mero músico de gira”, asegura Williams, que a nivel musical ha mirado hacia uno de sus grandes referentes, Radiohead. “Oh Dios mío, ¿Estoy autorizada a estar de acuerdo en eso? (risas)”, dice cuando se le comenta la comparación. “Me siento halagadísima. No podría compararme con Radiohead en mi vida, ni con ningún disco de los que están haciendo sus miembros por separado, que son increíbles. Me inspiran mucho. King Of Limbs es un disco que me ayudó mucho en todo este proceso. Son una enorme influencia. Si alguien me dice que mi música le recuerda a alguno de los músicos a los que adoro, me siento muy honrada”. —NACHO RUIZ

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mayo 2020 #17

EN PORTADA

LOS REYES DE NUEVA YOR

UPONGO QUE ES INEVITABLE, ya casi un formalismo en tiempos del Coronavirus, pero tras saludarnos, el típico hola y cómo estás de compromiso con el que romper el hielo, dejamos ir un “¿Cómo lo llevas con lo del confinamiento?”. Le explico que por aquí ya llevamos un mes y parece que, como mínimo, lo vamos a estar un par de semanas más. Hasta mediados de mayo. Y le digo que, jóder, que The New Abnormal es un título perfecto para describir todo esto tan raro que estamos viviendo. Esta es la auténtica nueva anormalidad. "Sí tío es muy, muy raro todo", asiente Albert Hammond Jr, guitarrista de The Strokes, desde el enclaustramiento en su casa de Los Angeles. “Y sí, el título se ajusta extrañamente bien al momento actual”. Hammond, de los dos guitarristas de The Strokes, el del perenne pelo alborotado y cara de buen tipo, revela que no está aprovechando la situación de reclusión para componer nuevo material. “La verdad es que no. A ver, soy músico y siempre estoy haciendo música, pero durante estos días no me he sentado expresamente a escribir temas nuevos. No estoy suficientemente concentrado. Prefiero dedicar el tiempo a mis otras aficiones y a mantenerme activo y en forma. Tengo mis rituales: levantarme, tomar café, hacer mis cosas... Ahora mismo, mi estado mental está pasando por un momento muy curioso, muy relajado con algunas cosas, con otras algo más alterado”. Como en España, donde estos días todo el mundo se ha puesto a hacer pan, cocinar es una de esas aficiones que mantienen distraído a Albert Hammond Jr. También dice que le mola dedicar parte de este tiempo a pensar. A recordar todo lo que él y sus colegas han vivido y lo mucho que han crecido. Y ha estado haciendo ejercicio, aunque reconoce que no lo hace por afición sino para mantenerse en forma. “Últimamente he estado un poco más activo en este sentido. Me he metido bastante en la práctica de las técnicas de respiración Wim Hof y estos días un poco más. Recibí un mail proponiéndome hacer durante una semana un especie de reto relacionado con estas técnicas. Lo hicimos con mi chica. Ha sido divertido”.

The Strokes

Nacidos de una de esas calles de Nueva York, The Strokes irrumpieron en escena en 2001 con Is This It, referencia imprescindible en el catálogo de los mejores discos de debut en la historia del rock y un trabajo sublime con el que se les encargó ser los salvadores del rock. Con el tiempo, cada disco que Julian Casablancas (voz), Nick Valensi (guitarra), Albert Hammond Jr. (guitarra), Fabrizio Moretti (batería) y Nikolai Fraiture (bajo) iban facturando parecía un poco peor que el anterior. Siete años después de su última entrega y cuando ya no esperábamos nada de ellos, han retornado por todo lo grande con The New Abnormal (Sony, 20). —

TEXTO Orio Rodríguez

SIETE AÑOS DESPUÉS THE STROKES han vuelto. Y uno no puede dejar de preguntarse qué coño han hecho estos cinco tipos durante todo este tiempo. Hammond responde que parece una pregunta sencilla, que sabían que se la íbamos a hacer, pero a la que no es tan fácil dar contestación. De hecho, se sincera y me deja ir que no le gusta nada que le interroguen por ello. “Lo único que te puedo decir es que nunca nos pusimos una fecha límite. El tiempo ha pasado y las cosas han acabado saliendo como #18 mayo 2020

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mayo 2020 #19

EN PORTADA

“

“Durante estos años nunca hemos roto como banda, nunca hemos dejado de ser un grupo. Simplemente hemos pasado por las fases por las que pasan todas las relaciones humanas, ya sea con tu pareja, con tus amigos o con tus compañeros de grupo”

#20 mayo 2020

han salido. Ya está”. De acuerdo, pero sabiendo de tensiones y adicciones... ¿The Strokes existieron como banda durante estos siete años? ¿Hubo algún momento en el que se llegaron a separar? “Esa es otra de esas preguntas de blanco y negro cuando la vida tiene infinidad de colores y tonalidades. Responder izquierda o derecha me resulta imposible”, sostiene el guitarrista antes de acabar reiterando que “sí que puedo decir que durante estos años nunca hemos roto como banda”. Cuenta Hammond, quitando trascendencia al parón, que cada uno de ellos ha ido haciendo sus cosas pero “nunca hemos dejado de ser un grupo. Simplemente hemos pasado por las fases por las que pasan todas las relaciones humanas, ya sea con tu pareja, con tus amigos o con tus compañeros de grupo. Como personas, ni tú, ni yo, ni nadie tiene una bola de cristal que nos diga qué nos va a pasar y con quién vamos a estar mañana. Estoy casado con una mujer increíble, pero... ¿nuestro matrimonio va a durar para siempre? Me gustaría que así fuera, pero no puedo afirmarlo categóricamente. Cada uno de nosotros tiene su vida y es increíble que sea así. Y cuando nos reunimos los cinco, nos lo pasamos de

puta madre juntos, tal y como lo hacíamos antes de que nos conociera nadie. La nuestra, como todas, es una relación tan maravillosa como complicada en algunos momentos, pero justamente eso es lo que nos ayuda a ser creativos como grupo”. Cuanto menos, esas tensiones y distensiones les han servido para firmar su mejor disco en, como mínimo, diez años. “Sí, estoy de acuerdo. Aunque siendo parte implicada, mi opinión siempre tendrá otros matices y connotaciones. Es duro juzgar tu propio trabajo porque cada disco, mejor o peor, es una instantánea del momento en el que se hizo”. Albert Hammond describe The New Abnormal como un disco increíble, puede que su mejor álbum y un nuevo inicio para el grupo. “Cuando estás en un grupo de rock como el nuestro, siempre existe la preocupación de que tus discos se vuelvan más aburridos con el tiempo. Creo que, en sentido positivo, con este hemos conseguido justo lo contrario”. EL PROCESO DE CREACIÓN de The New Abnormal se inició en 2016. Albert Hammond cree recordar que fue poco después de la publicación mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EL APUNTE

Hace veinte años que esto es todo

del EP Future Present Past (16). The Strokes le enviaron a Rick Rubin varias maquetas de temas nuevos y banda y productor mantuvieron algunas charlas. “Pero aquello no cuajó. En aquellos días, Rick y nosotros no estábamos en la misma onda. No conectó con las canciones y no valía la pena forzar las cosas. Tiempo después volvimos a contactarle y, esta vez sí, conectamos a la primera”. Hammond describe como de genial la experiencia de haber trabajado con el barbudo productor estrella. “Creo que lo mejor de Rick Rubin, un tipo extremadamente inteligente, es que sabe crear el ambiente perfecto para obtener lo mejor de los artistas con los que trabaja. Pese a que la grabación de un disco es un cúmulo de emociones muchas veces contrapuestas, pasando muy fácilmente de la felicidad máxima a la tristeza más profunda, de la euforia a la furia, esta vez he disfrutado al máximo de la experiencia. No negaré que grabar el disco en Malibu también ha ayudado”. The Strokes tenían el estudio junto a la playa y podían salir a relajarse siempre que lo necesitaban. Además, esta vez también se lo han tomado con mucha más calma: empezaban a trabajar a primera hora de la mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

tarde y seguían hasta la noche, “pero nunca hasta demasiado tarde y nos tomábamos los fines de semana libres”. LA PORTADA DE THE NEW ABNORMAL es el cuadro Bird On Money de Jean-Michael Basquiat, una sugerencia que lanzó Julian Casablancas durante las grabaciones de las maquetas. “A todos nos encantó la idea de inmediato y tuvimos la suerte de que nos cedieran los derechos para poder usarlo como portada. Es una pieza de arte que encaja perfectamente con el espíritu del disco”. Totalmente, pues se trata de un cuadro que Basquiat, uno de los artistas que mejor representa el espíritu de Nueva York, pintó en 1981. Y en este disco hay mucho de Nueva York y de inicios de los ochenta: new wave, post-punk, disco rock.... “Yo qué sé tío. A estas alturas no voy a entrar a hablar sobre influencias y referentes, pero si para ti lo que dices tiene sentido y funciona, a mí ya me vale”. —O.R.

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L 30 DE JULIO DE 2001 aparecía Is This It, álbum de debut de The Strokes y uno de los últimos momentos de auténtica y genuina excitación que ha vivido la música de guitarras. Encomendándoles la tarea de tener que salvar el rock, lo que vino a continuación fue un periodo de auténtica locura bañado con todos los tópicos de excesos del rock. O eso creíamos. El guitarrista de Nueva York lo matiza. “Cuando la gente habla de aquellos días parece que están describiendo otras vidas. No recuerdo todo aquello de la misma manera que muchos lo explican”. Albert Hammond Jr. sí que reconoce que aquella es una época que recuerda bastante a menudo y con mucho cariño. “Nick es un gran aficionado a la fotografía y durante aquellos primeros tiempos tomó muchas fotos. Aún hoy sigue enviándome alguna que nunca antes había visto. No mola que el tiempo pase tan rápido pero de vez en cuando es bonito echar la vista atrás y recordar todo aquello”. PARA EL GUITARRISTA revivir los días inmediatamente posteriores a la publicación de su primer largo es como recuperar el anuario del colegio y acordarte de tus viejos compañeros de clase a los que hace una eternidad que no ves. “Es fácil dejarse llevar por la nostalgia y añorar nuestros inicios. Pero créeme, no aparecimos de la nada y nos convertimos en un gran grupo de estadios, todo fue mucho más gradual. Sí que hubo un momento en el que todo acabó por estallar, pero al principio costó que nos hicieran caso. De nuevo, cuando la gente habla de nuestros inicios, parece que estén hablando de la historia de otro grupo que no eran The Strokes”. —O.R. mayo 2020 #21

FOTO: DANIEL CASTRO

MONDO FREAKO

Jack Peñate Diez años después Jack Peñate era una de las grandes promesas de la música indie británica a finales de la década de los 2000, cuando el género vivía su mejor momento. Tras Everything Is New, de 2009, el de Londres no dio apenas señales de vida durante más de diez años. Hasta ahora. After You (XL Recordings/ Popstock!, 19) es su nuevo álbum, en el que ha conseguido sonar como nunca: atemporal.

mbién. “España es mi casa taCanaria” Mi familia es de Gran

RRLos franceses Daft Punk pondrán ban-

da sonora a Occhiali Neri, la nueva película de la leyenda del terror italiano Dario Argento. Una verdadera sorpresa tanto para los seguidores de unos como del otro. En una entrevista con la revista Reppublica, Argento ha dicho que Daft Punk se enteraron de que estaba preparando nuevo filme y que ellos mismos le escribieron para proponerle trabajar juntos.

TAN.LEJOS

Jonathan Wilson Vuelta a las raíces Jonathan Wilson se ha dejado de experimentos, de exploraciones sónicas abigarradas y de paseos por la psicodelia y el rock progresivo. Así lo demuestra Dixie Blur (Bella Union/[PIAS], 20), grabado en Nashville junto a músicos de la ciudad y coproducido con su amigo Pat Sansone de Wilco.

#22 mayo 2020

RRCualquier artista estaría contento con entrar en la lista de multimillonarios de Forbes, excepto Kanye West, claro está. Después de quejarse el año anterior por no aparecer en la prestigiosa lista, el rapero

se quejó y presentó documentación para respaldar su entrada. Ahora que lo ha hecho y se afirma que tiene una fortuna de 1.000 millones de dólares, West se queja diciendo que su fortuna es tres veces mayor. RREste mes falleció Bohannon, uno de los nombres imprescindibles de la disco music estadounidense. Aunque no fuese uno de los más conocidos, Hamilton Bohannon publicó casi una veintena de álbumes y tuvo hits como Disco Stomp, Let’s Start The Dance, Foot Stompin Music y South African Man. A eso hay que sumarle que trabajó junto a artistas como Marvin Gaye, Smokey Robinson, Diana Ross o The Temptations.

OMO SI HUBIERA QUERIDO irse al extremo opuesto por el que moraba Rare Birds (18), la nueva maniobra de Jonathan Wilson es un disco de canciones orgánicas, fuertemente enraizadas –no solo, aunque sí en su mayoría– en la tradición country rock. Se llama Dixie Blur y es la excusa perfecta para que nos atienda al teléfono desde su casa en California. Nos confiesa que la génesis de este álbum llegó de la mano de un consejo nada menos que de Steve Earle. “Coincidimos en un show en el que había un par de invitados hablando con él en el backstage, y le estuve comentando que no tenía muy claro qué hacer para mi siguiente disco. Fue él quien me recomendó ir a Nashville”, un consejo al que en principio no dio “mucha importancia en aquel momento”, pero de un modo u otro aquello se le quedó “en la cabeza”. Obviamente, el grabar

ja de ser "Hacer un álbum no deaje" como un desafío, un vi

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modos de la industria ni en Spotify. Estaba pensando en ser un mejor artista y un mejor músico y en trabajar bajo la estructura que me he construido en los últimos diez años. Contar una historia como en un mito antiguo, con un protagonista que piensa empezar su camino y que lo empieza tras haberlo perdido todo”. En nuestra conversación, el cantante que deslumbró con canciones como Torn On The Platform mira mucho a nuestro país. “España es mi casa también. Mi familia es de Gran Canaria. Mi abuelo nació allí, y tenía una granja de tomates. Mi idea es ir a Gran Canaria y trabajar en mi nuevo álbum”. DIEZ AÑOS ES MUCHO TIEMPO, pero para directores de cine o escritores es un tiempo relativamente normal entre proyectos. En un músico no es tan habitual. Jack Peñate reivindica en nuestra charla esta forma de entender el arte y la entronca con su tradición familiar. “Yo tenía este sentimiento. Mi abuelo era escritor y hay miembros de mi familia que son artistas y pasaban

RROtro referente que falleció este mes

RRSin hacer demasiado ruido y paso a

pasado fue el DJ, músico y productor Mike Huckaby, uno de los nombres necesarios para entender el deep house de Detroit de las últimas décadas.

paso, el escocés Gerry Cinnamon se ha convertido en uno de los nombres más populares del Reino Unido. Hace unos días alcanzó el número uno en las listas de álbumes oficiales de las Islas con su segundo álbum autoeditado, The Bonny. Los singles de adelanto llegaron a acumular más de 53 millones de reproducciones antes de la salida del álbum.

RRTaylor Swift ha vuelto a encararse con su antiguo sello discográfico, Big Machine Records, a causa del lanzamiento del directo Live From Clear Channel 2008, que ha visto la luz sin su permiso. Swift está en guerra con el sello desde que lo compró Scooter Braun, quien compró la empresa junto con los derechos de los seis primeros trabajos de la cantante.

en los estudios Cowboy Jack Clement’s Sound Emporium de Nashville, con músicos locales como Mark O’ Connor, Kenny Vaughan, Dennis Crouch, Russ Pahl, Jim Hoke, Jon Radford y Drew Erickson, fue esencial para un sonido fruto de “la combinación perfecta de talentos”, en la que además jugó un rol fundamental su colega Pat Sansone (Wilco), “una de las pocas personas” en las que Wilson confiaría “para un trabajo así (risas), junto a Jackson Browne”, reconoce. SABIENDO DE LO METICULOSO que es como productor, resulta inevitable preguntarle si el trabajo ha resultado todo lo fluido que esperaba y, sobre todo, en qué difieren sus trabajos como ingeniero de sonido a sueldo (Father John Misty, Roy Harper, Karen Elson), del que desempeña en sus propios trabajos, pero en esencia, no ve gran diferencia. “El objetivo final viene a ser el mismo, porque una vez

por este tipo de proceso temporal. Creo que he dejado mis experiencias cocer a fuego lento y que ahora, un tiempo después, puedo entenderlas. Y, ¿sabes? estoy muy orgulloso de este álbum. Es algo que nunca hubiera podido hacer escribiéndolas durante breves periodos de tiempo”. Pero el artista inglés parece haber vuelto con energías renovadas. Planea entrar en el estudio apenas tres meses después del lanzamiento para grabar el que será su siguiente proyecto, que verá la luz, si todo sale bien, en 2020. Para este álbum que se viene Jack Peñate plantea un proyecto diferente, grabado sin tanto tiempo para pensar y repensar, para labrarse una historia. “Cada vez me convence más la idea de componer un álbum sin pensar y quiero empezar a grabar y tenerlo terminado para verano y así poder sacarlo en este 2020, que estoy determinado a que sea un año prolífico”. —LUIS M. MAÍNEZ

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compuesto e interpretado nada menos que junto a uno de los nombres indispensables de la factoría PC Music: A.G. Cook. A eso hay que sumarle que el clip de la canción ha sido dirigido por el actor Giovanni Ribisi (Avatar, Salvar al soldado Ryan). —

RRJónsi, cantante y guitarra de Sigur Rós, acaba de presentar nuevo single, Exhale,

te plantas delante de un par de bafles, estás al cien por cien con ese objetivo en la mente, independientemente de si yo soy quien canta o es otra persona”, razona. Curiosamente, porque es algo que ya ocurría en Rare Birds, esta vuelta a las raíces remite a sonidos que Wilson escuchaba siendo un crío en su Carolina del Norte natal, pero en este caso no a través de la radio o la tele, sino a través de su propia familia y del ambiente de la zona. “Mis padres cantaban góspel o bluegrass, pero también escuchaban a The Beatles, ambas cosas estaban presentes”, recuerda. LO QUE NO HA CAMBIADO es su propensión a los minutajes amplios, en este caso llegando a los cincuenta y cinco minutos. Una osadía en los tiempos que corren que, en cualquier caso, alberga una razón de peso. “Sí, vivimos en la era del streaming, y además la capacidad de atención es más corta

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que una mosca, pero hacer un álbum no deja de ser como un desafío, un viaje, y creo que es la única forma de afrontarlo. Mis discos suelen albergar doce o trece canciones, pero creo que son las esenciales para hacerte una idea completa de lo que quiero transmitir”, argumenta. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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Dixie Blur Bella Union/[PIAS], 2020

Gyoza ¿Quién dijo miedo? FOTO: ARCHIVO

O QUE PASÓ con Jack Peñate en la década que ha pasado sin publicar música (además de una canción en 2012) es un misterio. El músico inglés ha vuelto con un álbum, After You, que no se parece a sus trabajos anteriores, dotados del sonido característico del indie británico del final de la década de los 2000. Ahora su propuesta llega con una aureola de atemporalidad que el artista identifica con el proceso creativo que ha vivido. “No he trabajado pensando en la funcionalidad del álbum o de cómo encajaban las canciones unas con otras, solo sentía si cada una de las canciones representaba lo que debía ser contado y, por eso, todo ha sido más una cuestión de música y de sentimientos”. A PESAR DE LOS CAMBIOS que ha vivido la industria musical en su ausencia, Jack Peñate no se ha dejado llevar a la hora de grabar y componer este trabajo: ha querido que el proceso refleje su cambio, no el de la sociedad. “No he estado pensando en los nuevos

Inseguridad, incertidumbre y miedo a lo desconocido son algunos de los temas abordados en Early Bird (Bandicoot, 20), el segundo largo de Gyoza, un disco de rock alternativo con temas marca de la casa pero también algo de experimentación.

SCUCHANDO EARLY BIRD, el segundo trabajo de esta banda catalana, es evidente que les apetecía evolucionar y arriesgar un poco. “En el primer disco grabamos temas que llevaban años compuestos, mucho antes de nacer Gyoza, y no quisimos cambiarlos mucho. Nos gustaban como estaban. Con este nuevo álbum hemos podido experimentar mucho más casi desde cero, por lo que había una necesidad de cambiar la fórmula y probar nuevos sonidos”. A eso hay que sumarle que esta vez han cambiado los estudios Nautilus, donde prácticamente nacieron, para grabar con Santi García, uno de los productores más solicitados y respetados de la escena alternativa estatal. De hecho, se declaran fans de algunas de sus producciones. Desde el homónimo de Standstill a los discos de Cala Vento y al OK Bear de Jeremy Enigk, enumeran. “Le pone mucha pasión a su oficio y por suerte hacía tiempo que quería grabar con nosotros. Otra razón por la que nos decantamos por él fue su propuesta de grabar en Cal Pau. Allí puedes conseguir unos sonidos espaciosos e increíbles. Todas las baterías del disco fueron grabadas allí”. El resultado final sigue el camino marcado por su debut, pero abren el abanico a otras texturas e incluso géneros. Aquí coquetean sin miedo con la electrónica y alguna guitarra marciana puede recordar incluso a St. Vincent. ¿Quién dijo que estos chicos hacían grunge y stoner? “Si en el anterior disco nos influenciaron grupos de los noventa como pueden ser Nirvana, en este la cosa ha sido viajar hasta llegar a los 2000: Radiohead, Muse, Gojira, Engine Down, Mac DeMarco o Havalina”.

—LUIS BENAVIDES

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mayo 2020 #23

Pearl Jam Dinosaurios (modernos) del rock Pearl Jam es la última gran banda de rock clásico. Dinosaurios modernos con una trayectoria (casi) impecable. Coincidiendo con la publicación de su nuevo largo Gigaton, repasamos, de mejor a no tan bueno, el legado discográfico de los de Seattle.

Ten

(1991)

EL ZEITGEIST DE UNA GENERACIÓN. El 19 de marzo de 1990 moría de sobredosis Andrew Wood, carismático cantante de Mother Love Bone, banda destinada a liderar la por entonces cada vez más excitante escena musical de Seattle. El guitarrista Stone Gossard y el bajista Jeff Ament –compañeros ya desde los tiempos de Green River, proyecto seminal del que también surgieron Mudhoney– decidieron mitigar la pena iniciando una nueva aventura. Se les unieron viejos amigos como el guitarrista Mike McCready y el batería Dave Krusen. Completó la formación un por aquel entonces desconocido cantante llegado de San Diego llamado de Eddie Vedder, amigo de Jack Irons, antiguo batería de Red Hot Chili Peppers y viejo colega de los de Seattle al que le habían ofrecido darle a los tambores en primer lugar. Fanáticos del baloncesto, llamaron al grupo Mookie Blaylock en honor al base hómonimo que jugó trece temporadas en la NBA militando en equipos como New Jersey Nets, Atlanta Hawks y los Golden State Warriors. Pese a que Blaylock se acabaría declarando fan del grupo, en aquellos días se vieron obligados a cambiar el nombre. El mundo les conocería como Pearl Jam, nombre sobre el que acabarían creando infinidad de leyendas. El quinteto se encerró en los London Bridge Studio de Rick Parashar el 27 de marzo de 1991. Salieron justo un mes después. Cuatro más tarde, el 27 de agosto de 1991, aparecía su álbum de debut, “Ten” (título que hacía referencia al número que usaba Mookie Blaylock). Piedra angular del grunge, a #24 mayo 2020

diferencia de los arrebatos punk de Nirvana, que pocas semanas más tarde editarían su segundo largo, el icónico “Nevermind”, o de los arrebatos metaleros a lo Black Sabbath de Soundgarden, Pearl Jam apostaban por un sonido próximo al rock clásico de los setenta heredero de Led Zeppelin, Jimi Hedrix, Neil Young, The Doors, Aerosmith, los últimos The Beatles... pasado por un filtro alternativo con reminiscencias a R.E.M. o Dinosaur Jr. Perfecto telón sonoro para las letras existencialistas de un Eddie Vedder que instantáneamente se convertiría en ídolo y héroe del grunge. “Once”, “Even Flow”, “Alive”, “Black”, “Jeremy”, “Oceans”... hacen de “Ten” un clásico absoluto.

Vitalogy (1994)

PEARL JAM LLEGARON A LA CREACIÓN de “Vitalogy” enfadados con el mundo (especialmente con Ticketmaster) y cabreados entre ellos: a mitad de la grabación del disco echaron al batería Dave Abruzzesse, a un Eddie Vedder sobreactuando en su papel de mártir del grunge no había quien le aguantara... (en realidad, lo único que tenían que reprocharse a sí mismos era haber sido la fuente de inspiración de bandas pseudo grunges con sobredosis de Prozac que, ya por aquel entonces, empezaban a irrumpir en escena). Tiempos convulsos que acabaron marcando el pulso del tercer disco de los de Seattle. Oscuro y, sí, en algún instante irregular, sus surcos amagan algo mágico que lo han acabado convirtiendo en el gran álbum de culto de los de Seattle. Una obra cuya excelencia se eleva al cuadrado gracias a un diseño genial inspirado, igual que el título, en un manual de medicina que Vedder encontró en un anticuario. Tal vez sean esas marcianadas propias de un Tom Waits con dolor de estómago que son cortes como “Aye Davanita”, “Hey Foxymophandlemama, That’s Me” o “Bugs”. El nervio rockístico de temas como “Last Exit”, “Not For You” o la acelerada oda al vinilo de “Spin the Black Circle”. O tal vez las pausadas “Corduroy” y “Better Man”, baladas intimistas con la rúbrica de Vedder que acabarían marcando gran parte de su sonido desde entonces, pero lo único cierto e incuestiuonable es que Pearl Jam lucharon contra el mundo y contra ellos mismos y ganaron.

No Code (1996)

CUANDO SE LE PREGUNTA por “No Code”, Brendan O’Brien, su productor, afirma que “fue un disco de transición, nos lo pasamos muy bien haciéndolo”. Sin quererle llevar la contraria, ojalá todos los discos de transición sonaran con la profundidad de “No Code”. Y no, no todo fueron risas en su confección. Pearl Jam se adentraron en el estudio arrastrando los malos rollos que enturbiaron la creación de su predecesor, “Vitalogy”. Peor aún, Jeff Ament no se enteró de que sus compañeros habían empezado a currar en temas nuevos hasta tres días después de que empezaran las sesiones de grabación. Especialmente quemado con el rol protagonista que había tomado Eddie Vedder, Ament estuvo muy cerca de dejar el grupo, si es que no lo llegó a dejar. Fue entonces cuando apareció Jack Irons haciendo de bombero. Antiguo miembro de Red Hot Chili Peppers y viejo conocido de Pearl Jam, Irons fue el primer batería al que los de Seattle llamaron a la puerta cuando montaron el grupo. Exiliado del mundo de la música desde la muerte por sobredosis de Hillel Slovak, guitarrista de los Peppers y amigo de infancia, la respuesta de Irons fue negativa. Cuando, tras el despido de Dave Abruzzesse le volvieron a llamar, esta vez no se pudo negar. “No Code” fue su primer disco con Pearl Jam y según Mike McCready fue la gran fuerza espiritual que propició que la banda se volviera a unir y el álbum se acabara de materializar. Pese a unas primeras jornadas de trabajo en estudios de Chicago y Nueva Orleans, “No Code” cobró vida casi íntegramente en el Studio Litho de Seattle propiedad de su guitarrista Stone Gossard donde los temas fueron saliendo a través de interminables jam sessions. Sin ser tan radical que “Vitalogy”, el disco mantiene ese mismo espíritu experimental, acercándose esta vez a sonidos próximos al rock de garaje de títulos como “Mankind” con Gossard como vocalista principal o la world music en temas como “Who You Are”. Destacar el diseño del álbum, espectacular en su formato vinilo, conformado a partir de ciento cincuenta y seis Polaroids tomadas por los propios miembros del grupo. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MONDO FREAKO

6 Vs

(1993)

EL GUITARRISTA MIKE MCCREADY definió a la perfección en una entrevista de 2002 el momento por el que pasaban Pearl Jam (y por extensión todas las bandas de Seattle) en 1993: “La banda creció mucho muy rápido y a nuestro alrededor todo era una locura”. Era la era de grunge, el mundo vestía camisas de leñador de franela y Pearl Jam era uno de sus modelos más exitosos. Dos años después de la aparición de su aclamado álbum de debut, Eddie Vedder y compañía lanzaban su nueva colección de canciones. En tan solo cinco días vendieron 950.378 copias de “Vs”. Una locura. Con Dave Abruzzese a la batería y colaborando por primera vez con Brendan O’Brien como productor, Gossard lo recuerda como el primer disco en el que trabajaron como banda. Más directo que “Ten”, temas como “Go”, “Daughter”, “Animal”, “Dissident” o “Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town” se convirtieron en clásicos instantáneos de su repertorio.

Yield (1998)

ESTE ES EL ÚLTIMO DISCO DE PEARL JAM publicado en formato casete en los Estados Unidos y el primero en el que dieron muestras de flaqueza. De algún modo, “Yield” es un retorno al sonido de sus primeros discos, especialmente al rock clásico de “Ten”. Temáticamente, los de Seattle encontraron la inspiración en las novelas “Ishmael” de Daniel Quinn y “El maestro y la margarita” de Mikhail Bulgakov. Pese al medio paso atrás que dieron con su quinto disco de estudio, Pearl Jam añadieron unos cuantos títulos a su lista de imprescindibles: “Given To Fly”, “Whislist” y ese trallazo que es “Do The Evolution”, el primer tema del que realizaban un videoclip desde que la versión original del vídeo de “Jeremy” del álbum “Ten” fuera censurada. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Gigaton

(2020)

TREINTA AÑOS DESPUÉS de darse a conocer, los de Seattle siguen poseyendo la virtud de excitarnos con una nueva entrega discográfica. Y es que a pesar de poder estar llevado por la euforia del momento y el delirio del confinamiento, “Gigaton” es lo mejor que los grandes supervivientes del grunge han publicado desde la aparición de “Yield”. Lo primero que escuchamos del undécimo largo de Pearl Jam fue “Dance Of The Clairvoyants”, tema que desconcertó por su aproximación a los sonidos sintetizados. Ya está bien que una banda de esta trayectoria hagan temblar sus propios cimientos. Luego vino “Superblood Wolfmoon” y todo volvió a su sitio. Pearl Jam han sabido moldear un disco maduro pero sin perder un ápice, todo lo contrario (recuperando terreno perdido), de su pulsión rockera. A lo largo de su minutaje lo vuelven a demostrar en temas como “Quick Escape” y “Retrograde”. Pearl Jam iniciaron las sesiones de grabación de “Gigaton” a principios de 2018. Un proceso que su guitarrista Mike McCready ha descrito como de largo viaje. “Era emocionalmente oscuro y confuso a veces, pero también un mapa de ruta emocionante y experimental para la redención musical. La colaboración con mis compañeros de banda en ‘Gigaton’ finalmente me dio un mayor amor, conciencia y conocimiento de la necesidad de una conexión humana en estos tiempos”.

Binaural (2000)

AL MISMO NIVEL CUALITATIVO de su predecesor, “Yield”, aunque algo más experimental y atmosférico, “Binaural” se publicó el 16 de mayo de 2000. Fue el primer disco de Pearl Jam con el ex-Soundgarden Matt Cameron a la batería en substitución de Jack Irons. Como ya hicieran con “Yield”, Pearl Jam se presentaron en el estudio con cada uno de los miembros del grupo habiendo trabajado anteriormente de forma individual con ideas de temas. De la puesta en común surgieron singles como “Light Years”, “Nothing as it Seems”, “Thin Air”, “Insignificance” o Grievance”. La curioso imagen de la portada es la nebulosa “reloj de arena” MyCn 18.

Backspacer (2009)

Y CUANDO YA NADIE se esperaba nada de ellos, Pearl Jam retornaron con un álbum tan remarcable como “Backspacer”. Temas como “Got Some”, “The Fixer”, “Just Breathe”, “Amongst The Waves”... Así lo avalan. Novena referencia en su casillero fonográfico, también es su disco más corto y directo, su colección de temas más decididamente new wave y pop. También su disco con las letras más optimistas, hecho que Eddie Vedder atañe a la elección de Barack Obama como presidente.

Pearl Jam (2006)

NO NOS ENGAÑEMOS, aunque fuera aclamado por muchos críticos como un retorno al sonido de “Ten”, este es un disco más conocido por su portada, la del aguacate, que por sus canciones. Aun así, en sus surcos amaga un par de singles tan potentes como “Life Wasted”, un tema que Vedder dedicó a Johnny Ramone, al que describió como “el mejor amigo que jamás he tenido en el mundo”, y “World Wide Suicide”.

Lightning Bolt (2013)

DÉCIMO LARGO en la trayectoria de Pearl Jam. En contraposición a su predecesor más inmediato, “Backspacer”, disco freso e inmediato, “Lightning Bolt” es una vuelta los desarrollos largos. Así lo admitía Mike McCready que poco después de su publicación reconocía que todo el disco esta impregnado de cierta onda a lo Pink Floyd. Pese a que carece de singles monumentales, sería injusto no destacar piezas como “Sirens” o “Mind Your Manners”.

Riot — Act (2002)

¿ALGUIEN RECUERDA algún tema de este disco mínimamente memorable? Yo tampoco. —ORIOL RODRÍGUEZ mayo 2020 #25

Los grandes del heavy metal español de los ochenta Imaginamos que la mayor parte de nuestros lectores estarán hasta la coronilla de escuchar Resistiré, el éxito de El Dúo Dinámico, o alguna de las versiones que han surgido por la península como setas en tierras húmedas. Bien, pues hoy tenemos a un invitado que viene a reivindicar la auténtica Resistiré para tiempos de cuarentena, y se trata de la canción que la banda de heavy metal Barón Rojó publicó en ese clásico del género que es Volumen brutal (82), una de las piedras angulares de las guitarras hard rock hispanas y uno de los grandes hitos internacionales de aquella generación. Eric Sueiro, voz, guitarra y teclados de Medalla, selecciona sus canciones favoritas del metal español de los ochenta, una era dorada para el género que nos ha dejado infinidad de hits. Vamos con ello.

Barón Rojo Resistiré

Muro Telón de acero

En tiempos de El Dúo Dinámico, el Barón Rojo siempre alza el vuelo. Esta canción forma parte de su increíble álbum Volumen brutal, un verdadero clásico. Fue la primera banda que tuve la oportunidad de ver en directo y literalmente cambiaron mi vida. Con sus letras sucede algo parecido a lo que mucha gente comenta que ocurre con las de Eskorbuto: han pasado cuarenta años y el mensaje continúa teniendo pleno sentido.

No aceptes imitaciones. Ni Accept, ni hostias. Muro llegaron con su camión de decibelios a reventarlo absolutamente todo. Son el estandarte del speed metal en la península ibérica, y vaya si lo son. Es su primer álbum en estudio ya que su debut fue grabado en directo y tiene todo lo necesario para unir a la hermandad del metal.

Obús Yo solo lo hago en mi moto

Medina Azahara Paseando por la mezquita

No es ni de lejos una de sus canciones más conocidas, pero tiene un punto muy curioso. Cierra su debut Prepárate (1981) y me gusta especialmente ese regustillo que tiene a rock’n’roll añejo, cuando aún no se había descubierto la ferocidad del metal. Algo así como el Rocka Rolla –cuando Judas Priest aún eran hippies– español. La voz de Fortu en falsete es realmente imperdible.

Ahora que todo el mundo está flipando con King Gizzard & The Lizard Wizard, es el momento de recordarle a la gente que, en 1979 y en España, apareció este grupazo. Una de las grandes bandas de rock españolas. Justo el otro día, a la hora de los aplausos, un vecino se puso a gritar a pleno pulmón Necesito respirar de estos cordobeses, y no pude reprimir la sonrisa.

#26 mayo 2020

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Banzai Duro y potente

Bella Bestia Rompecuerpos

Las portadas con bestias metálicas siempre han sido mi perdición. Aunque el primer disco de Banzai me pegó muy fuerte esta canción está en mi top del heavy metal español. Algo me ha flipado siempre del género es su capacidad de autoreferenciarse. El ejemplo más evidente sería Manowar y su diccionario de batallas, espadas, reyes y leyes del metal. Esta canción tiene también su perlita: “Duro y potente, como el metal no te van a romper”. Este segundo álbum de la banda madrileña fue el primero en contar con el cantante barcelonés José Antonio Manzano, fallecido hace apenas unos meses. Arriba esos cuernos.

Aparte de que el nombre de la banda es cojonudo, creo que no hay ningún grupo tan singular como ellos de la época. Bella Bestia son algo así como una mezcla entre The Sweet con Mötley Crüe. Los falsetes en esta canción, y en la mayoría de su discografía, son de alto calibre.

Sangre Azul Todo mi mundo eres tú

Sobredosis Dinero, mujeres y rock

Uno de los grupos de hard AOR más destacados de nuestro país. Es imposible no verles y no pensar en Van Halen. Si algo saben hacer los grupos de heavy metal es expresar las emociones sin ningún tipo de tapujo. ¿Para qué buscar metáforas? Si te quiero, te quiero. Y punto. En Sangre Azul militaba nada menos que Carlos Raya, posteriormente conocido en todo el país por trabajar con artistas como Quique González, M-Clan, Leiva, Calamaro, Fito y los Fitipaldis y un largo etcétera.

Cuando te encuentras con frases como estas te quedas con cara de WTF, aunque sepamos que, en realidad, no deja de ser un tópico del rock’n’roll desde sus inicios. En fin, ¿qué le vamos a hacer? Soy consciente de que en esta lista no hay ningún grupo de mujeres. Lo sé, es lamentable y también lo comparto, pero es que, efectivamente, el rock duro en los ochenta era una lucha al 99% de espadas masculinas. Menos mal que la cosa ha cambiado bastante.

Panzer Toca madera

Lujuria No hay manera

Recuerdo mi época adolescente que mi gran puerta de entrada al mundo del heavy metal nacional fue el foro online de la banda Lujuria. Una imagen que siempre circulaba por el foro creo recordar era la abuela rockera de Vallecas y este segundo disco de Panzer le rindió homenaje en su portada. El rock es inmortal, joder. Panzer era el proyecto musical de Carlos Pina, durante muchos años uno de los presentadores radiofónicos estrella del país gracias a su programa Rompehielos en Radio 3.

Bien, Lujuria es un grupo nacido en los noventa, pero quería incluirles en esta selección. Con quince años me cantaba cada uno de los versos de todas sus canciones. Imagino que era cuestión de hormonas y del hecho que prácticamente todas sus canciones fueran sobre temática sexual, algo que sin duda me resultaba estimulante. Conocí a su cantante, Óscar Sancho, y para mí aquel momento fue como conocer a Lemmy. Me alegra ver que siguen al pie del cañón y repartiendo cera. —ERIC SUEIRO

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mayo 2020 #27

33/Mondo VINILOS

Morrissey

Sufjan Stevens & Lowell Brams

I Am Not a Dog In Chains BMG

POP / Resulta paradójico que, justo cuando más reaccionario se nos ha vuelto Mozzer, se nos muestre menos conservador que nunca en lo musical. Este disco cosquillea la curiosidad. A ratos complace, a ratos desconcierta. Pero ofrece motivos para no dejar indiferente. Y hacía tiempo que esto no ocurría con él. El de Manchester ha hurgado mejor en su tintero, ha refinado su rúbrica (no era difícil) y ha conseguido ahormar esencias novedosas en su discurso con algunas de sus señas de identidad más reconocibles. Jim Jim Falls, con sus desacomplejados ritmos electrónicos, convence. El synth pop barroco de Love Is On Its Way Out también muestra a un artista sin miedo al patinazo. Y en su registro más tradicional también hay constantes vitales recuperadas. Solo el tramo final desluce el remonte. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Fiona Apple vuelve a lo grande Fiona Apple

Fetch The Bolt Cutters Epic/Sony Music

POP ROCK / Quizás el universo nos esté que-

riendo decir algo. Pero no parece casualidad que, justo en el momento en el que Fiona Apple decide lanzar su nuevo álbum en ocho años, todos estemos confinados en nuestras casas. Anoche, de madrugada escuchando a oscuras de principio a fin Fetch The Bolt Cutters, me daba la sensación de que estaba frente al disco que tenía que llegar en estos momentos para salvarnos a todos. Esta interrupción momentánea en nuestras rutinas está agudizando nuestros sentidos y haciendo que trabajemos el arte de la paciencia y la tranquilidad. Y ese es justo el escenario perfecto para poder saborear este nuevo trabajo de la neoyorquina como se merece. Parar tu carrera musical durante casi una década es peligroso y arriesgado, sobre todo cuando has dejado el listón alto y el público comienza a ser más exigente que nunca. Pero si algo ha caracterizado siempre a Fiona Apple es su templanza y su anclaje en sus principios. A juzgar por los requisitos que miden la supuesta calidad de la música actual, Fetch The Bolt Cutters estaría más que suspendido. No hay autotune, ni featurings, ni vocoder, ni ad-libs, ni hits de dos minutos de duración, ni videoclips imposibles. Por no haber, no ha habido ni

promoción por parte de Fiona, quien no tiene redes sociales. Pero es precisamente por ello (y por muchas cosas más) que el disco es un sobresaliente en toda regla. ¿Hacía cuánto que no te parabas a escuchar un larga duración de trece canciones atento a lo que un artista tenía que decir? Ocho años dan para mucho, y sabemos que Fiona Apple nunca ha tenido reparo en decir en público lo que opina. For Her, Heavy Balloon o Under The Table son temas en los que Apple prácticamente recita sus pensamientos más crudos, sarcásticos y oscuros. “Good Mornin’/You raped me in the same bed your daughter was born in”, canta de forma alegre en la primera de ellas. Un conjunto de canciones que, en general, están escritas desde un estado de ira envuelto en empoderamiento femenino. La manera de componer de Fiona es como un dardo que atraviesa sin miramientos la mente de aquel que decida escuchar su música. Un don que ha inspirado a una serie de compositoras que han llegado después, como Angel Olsen, Florence Welch, Weyes Blood, King Princess o Lily Allen. El poder de las letras frente a todas las florituras que adornan la producción de una canción es uno de los puntos fuertes de nuestra protagonista. Tanto, que incluso da la sensación de que el disco se ha cocinado a fuego lento desde casa, con perros husmeando y ladrando cerca del micrófono. El regreso a la música de Fiona Apple no es más que la prueba de que todo llega. Con calma y cuando tiene que ser. Y esa es precisamente la filosofía que ahora mismo necesitamos aplicarnos más de uno. —ÁLVARO TEJADA

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Aporia Asthmatic Kitty/ Popstock! POP / La colaboración definitiva entre Sufjan Stevens y su padrastro Lowel Brams se concreta en un total de veintiún cortes que no suelen alcanzar los tres minutos. Aporia es un disco instrumental, a medio camino entre lo ambiental y la new age, que encuentra en los sintetizadores y una meditada pero sólida capa de electrónica, sus aliados definitivos a la hora de cohesionar las piezas del puzzle. Y el resultado no sólo se antoja cumplidor, sino también ampliamente convincente. Un logro cementado sobre una serie de cortes idóneos para musicar una hipotética película de ciencia ficción, que remite con fuerza al nombre de John Carpenter. En principio cuesta asimilar el aspecto del lanzamiento debido a la resaca dejada previamente por Stevens, pero el dúo ha sabido cómo sacar adelante el asunto.

—RAÚL JULIÁN

Mystery Jets

Rambalaya

A Billion Heartbeats Caroline/ Music As Usual

POP / Tras un inicio esperanzador, a Mystery Jets les llegó un estancamiento creativo que parece continuar a día de hoy, empeñados como están en repetir coordenadas y aspecto a cada nuevo álbum que publican. Los británicos se mueven desde hace tiempo en torno a un indie-pop tan inofensivo como consecuentemente pulido y, en base a las moderadas virtudes mostradas en el presente trabajo, difícilmente saldrán del escollo por mucho que la situación política del Reino Unido aporte cierta madurez al mensaje intrínseco. El cuarteto parece un grupo definitivamente rendido ante la inercia compositiva y, aunque sigan apareciendo ciertos destellos de talento, el cómputo global se antoja demasiado escaso y ajustado como para seguir manteniendo una esperanza significativa en el combo. —RAÚL JULIÁN

Rambalaya Buenritmo

ROCK / Capitaneados por la

batería y las composiciones de Anton Jarl, al que algunos ya estarán asociando a nombres como Los Mambo Jambo o Koko Jean & The Tonics, nos encontramos con un auténtico compendio de estrellas de la escena nocturna barcelonesa, entre los que destacan dos de los elementos de A Contra Blues: la guitarra de un Héctor Martín siempre impecable y el habitual vozarrón de un Jonathan Herrero, claro candidato a mejor vocalista del reino. No son los únicos, aunque espacio manda y también debemos hablar de las canciones ¡Y qué canciones! Auténticos hits que deben y harán las delicias –me la juego– de todos aquellos que amen el rock and roll, el blues, el rhythm & blues, el soul, el jazz… Supongo que solo me falta decirles que la producción ha corrido a cargo de Dani Nel-lo. —ANTONIO AGUILAR mayo 2020 #29

MONDOVINILOS

Nightcrawler

Visionary Nightcrawler Music

Pearl Jam recuperan el pulso

ELECTRÓNICA / Tras ocho años de terror y de ciencia ficción sonora a ritmo de synth wave, el leridano abraza la electrónica más pura y visceral. Visionary es un salto natural a otros sonidos sin romper de forma violenta con el pasado, pero que sí nos lo presenta con un concepto emocional y sonoro renovado. Altamente influenciado por figuras de los noventa, los Faithless de Reverence, el Josh Wink de Higher State Of Consciousness o los dos primeros discos de The Prodigy, el último disco de Nightcrawler, a pesar de ser el más personal de su carrera, tiene la vista puesta en la electrónica de clubes. Pepinazos como Gain Therapy o Nemesis podrían haber sonado perfectamente en los after hours que los fines de semana abrían sus puertas en la Barcelona de 1997. Más allá de esa carta de amor a los noventa con cacharrería digital de ahora, Visionary se completa con fugas sólidas a Depeche Mode, al futurepop y recuerdos de su pasado reciente. —XAVI SÁNCHEZ PONS

Pearl Jam Gigaton Republic/ Universal

7 ROCK / Gigaton, el undécimo disco de Pearl Jam y el primero en siete años, no es ni la renovación total que nos prometía el primer adelanto, Dance Of The Clarvoyants, ni un disco totalmente continuista como podría parecer escuchando el segundo, Superblood Wolfmoon. La banda ha hecho una pequeña actualización de su sonido pero sigue teniendo su ADN por todas partes. Es decir, que nadie espere que Gigaton sea el Kid A de los de Eddie Vedder, sino un ligero paso adelante y una clara mejora tras el decepcionante Lightning Bolt (13). Evidentemente no está a la altura de la trilogía inicial pero puede mirar a los ojos a aquellos dos notables discos que le siguieron y con los que cerraron la década de los noventa, No Code (96) y Yield (98), siendo su disco más interesante desde este último. En tiempos en los que nos pudiésemos permitir ser

más cínicos se podría mirar a este disco con desdén, no es la gran reinvención que algunos esperaban, aquí sigue habiendo su mezcla de guitarrazos y baladas marca de la casa, y no se puede decir, ni mucho menos, que no sobre ni uno solo de sus cincuenta y siete minutos (es el disco más largo de su carrera), tampoco es un disco que le cambiará

Caroline Rose

Palmar de Troya

Superstar New West

POP / El sentido del humor,

la capacidad de reírse de sí misma, es una de las mejores armas de la neoyorquina, y en este cuarto álbum se entrega en cuerpo y alma al rol de anti heroína, sublimado desde su propio título, Superstar. Ha ganado en brillo sintético, elasticidad como intérprete y capacidad para proyectar sus efervescentes canciones a públicos más amplios, pero su empeño por retratar las contradicciones de la fama la ha hecho apostar a un solo caballo. Y con ello, perder algo de la espontaneidad que hicieron de Loner (2018) uno de los mejores artefactos pop del mundo mundial hace un par de años. ¿Significa eso que ha extraviado el mojo? Ni mucho menos. Caroline Rose sigue molando por derecho propio, aunque ahora su música evoque más paralelismos con otras mujeres de su generación. Pensar en cómo pueden ensamblar Nothing’s Impossible, Feel The Way I Want o Back At The Beginning en sus directos es como para frotarse las manos. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA #30 mayo 2020

El Búho

POST-HARDCORE / Más allá de cumplir a rajatabla con los cánones éticos y estéticos de una forma muy particular de entender el punk, deudora del universo entorno a sellos como Dischord o SST y de la vertiente más underground del post-hardcore de los dosmiles, capitaneada por bandas como Engine Down, Frodus o Four Hundred Years, el valor principal de este disco es contener canciones enormes que, al margen de etiquetas, distan mucho de lo que a priori se podría esperar de un debut. Nos encontramos con guitarrazos certeros y machacones que hacen pensar en Girls Vs Boys o Hot Snakes por momentos, gritos y melodías, coros infantiles, voces femeninas y masculinas, sintetizadores que nos llevan al post punk ecléctico y anfetamínico de Milemarker, el entusiasmo y la emoción de los mejores Fucked Up, y suficiente energía y mala leche a base de ritmos acelerados y actitud punk como para mantener la tensión en todo momento.

—RICKY LAVADO

ELECTRÓNICA / El debate sobre el apropiacionismo ha puesto el foco en la necesidad de escuchar las voces originales y de culturas minorizadas. Pero discos como Ramas hacen evidente que se puede respetar la tierra que otro pisa si se hace con mimo y trabajando directamente con fuentes protagonistas. Ramas es una demostración de cómo la colaboración hace avanzar las músicas. Robin Perkins, productor británico conocido como El Búho, ha hecho de su tercera entrega un homenaje vastísimo (hora y media) a músicas de medio planeta, perpetrado junto a diecinueve artistas de países como México o Taiwán. Electrónica orgánica, house tropical,latin beats o ambient acompañan a bases de cumbia psicodélica (Pez dorado, junto a Chancha Vía Circuito), remixes de música gallega como A Minha Fraga, una delicia con Baiuca, o future bass de categoría (Nevar, codo con codo con Didacte). Músicas –como pretende el productor– “para volar”. —YERAY S. IBORRA

Belushi

Nico Roig

Ramas Wonderwheel Recordings

Palmar de Troya Linier Discos

la vida a nadie, pero sí es un disco honesto, sentido y reconfortante que no suena a simple excusa para salir de gira. Es un buen disco de una gran banda, pero es que, además, en este contexto, cuando pintan bastos, es reconfortante escuchar a una voz familiar y amiga diciéndote que esto pasará, que hay una luz al final del túnel. —SERGIO ARIZA

Instrucciones y poemas Carrot Music

Yo siempre sueño que sí U98 Music

POP / Miembro de la cada

vez más remarcable escena generacional del pop metafísico en la que también encontramos a nombres como Ferran Palau, El Petit de Cal Eril, Germà Aire, Mau Boada o un Pau Vallvé del que es colaborador habitual; Nico Roig retorna con un trabajo conformado por nueve temas (canciones versadas en catalán y castellano) que se mueven por los parajes de la sónica etérea más conmovedora y emocionante. Las nuevas creaciones de este muy particular cantautor barcelonés –composiciones en las que ha contado con la colaboración de amigos como Tarta Relena, dueto de de voces que ha sacudido la música tradicional en Catalunya con su puesta de largo, Ora Pro Nobis (19)– parten del folk menos evidente para amplificar todo su poder de seducción con sugerentes coqueteos con la electrónica vaporosa y el pop amable de melodías radiantes. Obra de una belleza tan sencilla como extrema para amantes de propuestas como Bon Iver. —ORIOL RODRÍGUEZ

INDIE / Este cuarteto barcelonés le debe su nombre a James Belushi. Tras debutar en 2017 con Maniobras en la oscuridad, se toman la revancha con Instrucciones y poemas, que tal y como habían advertido está integrado por ocho pistas repartidas en dos caras en otro acto de pura nostalgia, esta vez por rememorar el formato analógico que traían vinilos y casetes antaño. Su objetivo ha sido romper con el sonido de su ópera prima, en un intento como advierte la propia banda de “desmarcarse de ellos mismos”. Para ello se pusieron en manos de Micka Luna, encargado de producir y mezclar las grabaciones perpetradas en los estudios Ultramarinos (Sant Feliu) y Articwave (Barcelona). El resultado es un post-wave experimental y oscuro de sonidos ambientales y regusto retro, donde la voz de Fernando Rascón ocupa casi un segundo plano en pro de sus sintetizadores, los guitarreos de Èric Palaudàries y las bases de los hermanos Pintó (Joaquim, bajo; Gerard, batería). —JESÚS CASAÑAS

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Testament

Bigott

POP / El undécimo álbum de

Bigott es la enésima confirmación acerca del criterio despreocupado de su autor y, aunque el aroma predominante apunte al indie-pop norteamericano de los ochenta (The Feelies, Violent Femmes o los primeros R.E.M.), también caben otras pinceladas que sirven para enriquecer el asunto. La referencia vuelve a incluir composiciones de alto nivel que, limitadas en sus dos minutos de duración, tienden a dejar con ganas de más y propician la sensación de que podrían haber sido desarrolladas hasta certificar un resultado de mayor firmeza. Borja Laudo y compañía se alejan definitivamente de ese tipo de folk presente en sus inicios para continuar por una senda pop que comenzó hace ya tiempo, y por la que se han ido decantando cada vez con más convicción. Puede que el factor sorpresa se haya evaporado, pero Bigott vuelve a probar su talento compositivo y ese olfato para compartir melodías que siempre resultan ser buena noticia. —RAÚL JULIÁN

Dani Llamas

Titans Of Creation Nuclear Blast

This Is All Wrong Dracula Records

METAL / Vuelve uno de

los grupos clásicos del thrash metal, Testament. Tras una pequeña prueba con los sonidos más suaves en la década de los noventa, para este nuevo siglo los californianos han apostado por la vuelta a su sonido más puro con grandes discos como Dark Roots Of Earth (12) o The Brotherhood Of The Snake (16), pero ninguno a la altura de este Titans Of Creation. Canciones como Children Of The Next Level o la destructora WWIII tienen todas las papeletas para convertirse en grandes hits dentro de la discográfica de la banda, otras como Curse Of Osiris nos dejan ver la cara más black metal de la banda y sus raíces más orientales y místicas con canciones como Code Of Hammurabi. Titans Of Creation es un álbum con todos las características y atmósfera necesaria para convertirse en uno de los grandes clásicos modernos del género, colocando de nuevo a Testament en la primera línea del metal mundial.

—ALEJANDRO TEIGA ROBLES

Nicolás Jaar

Grant Wild Punk

AMERICANA / El fundador

y batería de Hüsker Dü, Grant Hart, falleció a los cincuenta y seis años a consecuencia de un cáncer. La idea de rendirle homenaje rondaba la cabeza de Dani Llamas desde entonces. Admirador del genio de Minneapolis desde siempre y amigo desde el 2011, cuando compartieron gira, el líder de GAS Drummers ha materializado ese tributo ahora, tres años después, aprovechando el confinamiento. Grant recoge diez de las canciones favoritas de Llamas, una pequeñísima selección de la muchas composiciones del Paul McCartney de Hüsker Dü y alter ego de Nova Mob, su proyecto posterior. El disco en clave alt country y americana, grabado en apenas una semana con la ayuda de buenos amigos como Pakomoto al bajo y colaboradores de lujo como Ramón Rodríguez, rezuma respeto y admiración con una honestidad por momentos conmovedora. Sin duda, dibujaría una enorme sonrisa de agradecimiento en la cara del añorado Hart. —LUIS BENAVIDES

Mujeres

Siento Muerte Sonido Muchacho

Cenizas Other People

ELECTRÓNICA / La carrera del productor chileno Nicolás Jaar sigue en constante evolución, alejándose de sus inicios a una velocidad asombrosa. A lo largo de los años Jaar ha ido dejando de lado la pista de baile para su otro aka Against All Logic, con el que sacó hace poco un trabajo en el que aprovechó para soltarse el pelo; mientras que en este Cenizas sigue con esa experimentación que ha marcado su carrera durante los últimos años en los que se ha prodigado en diferentes eventos culturales de música improvisada. Durante esos encuentros conoció al que hoy es uno de sus compañeros de fatigas, el compositor neoyorquino avantgarde Patrick Higgins, quien le ha ayudado con la mezcla y cuya influencia se hace notar. Cenizas es el disco de un productor que mira cada vez más a su interior para evocar unos paisajes áridos a través de la música neoclásica, el misticismo de Arvo Pärt y la música de cámara con un leve componente electrónico. —RAÚL LINARES

POP / La angustia existen-

cial aplicada a la música pop no tiene por qué derivar siempre en canciones lánguidas, narcóticas y taciturnas. Al diablo también se le puede hacer frente bailando, gritando, rodeado de amigos y rompiendo suelas completamente intoxicado por alcohol y sustancias. Lo que propone Mujeres en su quinto disco es lo segundo, un trabajo que sublima su instinto suicida y un nihilismo digno de las mejores películas de Abel Ferrera a través de una colección de hits de –power– pop cardíaco que deberíamos bailar hasta morir y que deberían sonar en nuestros funerales futuros. Siento Muerte representa la madurez del trío de Barcelona, que ya plenamente asentado en el castellano y con una imaginería lírica propia se presenta como una suerte de Los Brincos pasados de speed y sin capas ni cascabeles, pero igual de buenos que los autores de Tú me dijiste adiós a la hora de componer temas pop perfectos.

—XAVI SÁNCHEZ PONS

Childish Gambino y el concepto álbum

Austra

HiRUDiN Domino/ Music As Usual

Childish Gambino 3.15.20 RCA

8 SOUL / Decía Prince cuando presentó el

Grammy al disco del año en 2015 que los discos, como los libros y las vidas negras, todavía importan, y parece que Donald Glover se ha tomado al pie de la letra el consejo, haciendo un disco para consumirse a la antigua usanza, de un tirón, sin interrupciones, ni saltos de canciones. Además se ha encontrado con una coyuntura ideal para ello, el mundo está en cuarentena. Por eso cuando el 15 de marzo apareció una página con el nombre de Donald Glover Presents en el que se reproducía en ‘loop’ el disco, una y otra vez, parecía un regalo perfecto para estos tiempos de encierro en casa. No había mucha más información pero no tardó en saberse el nombre de los colaboradores y en ponerse títulos a las canciones. Pero la página desapareció y nadie supo si había sido un original sistema de promoción o un ‘leak’ muy elaborado. Lo que estaba claro era la calidad de la música que allí se ofrecía, alejada de su canción más conocida, la espectacular This Is America, pero que sí con más en

común con ese ejercicio de actualización del P-Funk de George Clinton que fue Awaken My Love! (16), aunque ahora el foco se pone en Prince. El disco fluye como un continuo, las transiciones entre canciones son un mundo en sí, como esa percusión que da paso a la luminosa Time, la única canción del disco que podría parecer un single. Es el momento más pop del disco pero, aun así, funciona mejor dentro del engranaje del disco, con ese final góspel que da paso a otra transición muy bien trabajada, con un bonito piano que nos

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lleva hasta 12:38, la canción que mejor podría funcionar en un club, con esa mezcla de vibraciones soul de los setenta y un punto trap vacilón al que ayuda la presencia de 21 Savage, además de nuevas referencias a Prince. El resultado final le confirma como el mejor heredero posible de este. 3.15.20 es un nuevo recordatorio de que sigue habiendo belleza en el mundo, aunque este se vaya a pique, y de que los discos nos importan y mucho, para los buenos y los malos tiempos.

—SERGIO ARIZA

POP / Los inicios de Austra,

Feel It Break (11) y Olimpia (13), cayeron en el saco roto del revival darkwave, tan de moda en los primeros coletazos de la segunda década de los dos mil. Entonces su camino se fundió con el electropop y se distanció de lo lúgubre en Future Politics (17). Pero la revisión filosófica de Future Politics no siempre anduvo cómoda. Algo obvios. Tres años después, se embarcan en una tarea más universal y homologable estéticamente a sus primeros compases: las zonas oscuras del amor, lo tóxico de ellas. Allí es donde Austra ha encontrado un itinerario propio. HiRUDiN es menos pistero y sintético, más disperso (en el mejor sentido). Propone una placentera narrativa: Your Family y los dos interludios son descansos, hay algo menos de oscuridad en How Did You Know? y It’s Amazing lleva su sonido hacia el AOR. La apertura, Anywayz es una isla. Y el mejor tema de su discografía.—YERAY S. IBORRA mayo 2020 #31

MONDOVINILOS

James Righton

Cobra

Fyre Marion Cobretti Records

The Performer Deewee/[PIAS]

ROCK / Tras atreverse

con la banda sonora de Benjamin, película que dirigió su amigo Simon Amstell, el que fuese teclista y vocalista de los extintos Klaxons nos entrega un trabajo de fuerte inspiración setentera. Acercándose a la cara del rock más cuidado y cercano a la elegancia blues propia de esos garitos a los que todo el mundo acude con esmoquin blanco, a lo largo de este debut nos encontramos ante una línea sonora muy bien cohesionada sin grandes sobresaltos. Desmarcándose también de su proyecto Shock Machine, James Righton trata de ofrecer matices ligeramente diferentes. El afán por tratar de acercarlo todo hacia un formato muy cercano a la balada de instrumentación abundante y muy definida resulta bastante evidente, sin embargo las cuotas de cercanía que se presuponen a este tipo de composiciones resultan algo anecdóticas debido a cómo la línea melódica se dispersa por completo entre lo pomposo de la propuesta. —NOÉ R. RIVAS

trabajo más completo, elaborado y cuidado de Cobra, en el que la fuerza bruta no ha desaparecido sino que se ha transformado en un empuje más atractivo y por ello mucho más efectivo. El nivel de las composiciones ha subido enteros y las voces y las estructuras han sido mimadas a fuego lento con un resultado más que evidente. Y lo han hecho en casa, de la mano de su técnico de siempre, Xanpe (también en PI.L.T.). Parasites es quizá la joya de la corona junto a Let Down y We Are Next, con su alucinante sonido de guitarra y su adictivo riff. Hay por primera vez temas ultrarrápidos y brutales como Emerald City o New Old Days, con esos dibujos inconfundibles marca de la casa de David en el bajo. Es el tema de los coros un punto muy importante en este trabajo, donde se ha buscado visiblemente la calidad y un perfil más interesante y apetecible. Cobra han evolucionado, sí, pero sin abandonar sus señas de identidad. —URKO ANSA

Protomartyr

JazzWoman: Las bondades de Maléfiva JazzWoman

Maléfica Propaganda Pel Fet!

RAP / Fuerza y garra. Los diez cortes del

primer trabajo profesional de la MC valenciana JazzWoman pretenden acabar con los estereotipos, cambiar las reglas del juego e ir directos al epicentro de aquel cuento que siempre nos contaron mal. En este caso, con un buen puñado de temas que versan desde las influencias jazz, el afrotrap, el reggaeton y el reggae hasta la electrónica más cruda. Maléfica llega con la misma fiereza que escuchamos en su debut en solitario con la mixtape Bagheera (2018), pero con unos nuevos horizontes más claros y definidos. La valenciana ha empleado este tiempo para asentar sus bases y articular un discurso que se desliza entre géneros muy dispersos entre sí y es, precisamente, esta fluidez la que le da al álbum un sentido muy ágil

#32 mayo 2020

y dinámico. Desde Cortándome las alas, la artista juega con el doble sentido y las metáforas que están presentes a lo largo de todo el trabajo, justamente su tema más amargo junto con Xe quin fàstic!. Desde la traición pasando por el tono salvaje y bélico, su lírica visita diferentes tipos de amor: desde el amor propio Pa’ la discoteca hasta aquel que va dirigido hacia los suyos Amor i amistat. No en vano el disco viene cargado de potentes colaboraciones a cargo de artistas como Pupil•les, ZOO, Auxili, Santa Salut o Sara Hebe entre otros. Entre las más destacadas, el tema Tu i el teu melic con Esteve de Auxili encabeza uno de los compromisos fundamentales del álbum: combatir la opresión, la desigualdad y la injusticia a todos los niveles, en este tema en concreto desde el interior de las aulas. La traca final la trae la electrónica explosiva de Moriré de sed junto a Hien, AGS, Periferia Norte y Del Olmo. En Maléfica nos encontramos ante un trabajo ávido de muchas cosas pero, sobre todo, de feminismo, reivindicación y carácter festivo.

—ANDREA GIMÉNEZ

Everything Is Recorded

Ultimate Success Today Domino/ Music As Usual

POST-PUNK / No lo tenían

fácil los de Detroit: Relatives In Descent se aupó a los primeros puestos de las listas con una imbatible combinación de complejidad oscura, energía cruda e inteligencia iconoclasta. Puede que ésa sea la razón de que ni Consolation EP, su epílogo, o éste, su quinto álbum, noqueen de la misma manera. Sin embargo, escuchas más en profundidad revelan a un grupo que mantiene su estado de gracia. El vídeo de Processed By The Boys yuxtapone una serie de situaciones ridículas inspiradas en un episodio absurdo de una televisión brasileña con la densidad siniestra musical y la letra apocalíptica de Casey. Los resultados son demoledores. Desde la portada del álbum, una anónima mula y su título, un humor negrísimo parece ser el único filtro válido para interpretar nuestro desastre cotidiano. Así lo hacen ellos, combinando sus texturas abrasivas habituales con desquiciados fondos de free jazz para añadir nuevas gemas a su repertorio. —JC PEÑA

ROCK / Estamos ante el

Friday Forever XL/Popstock!

ELECTRÓNICA / El segundo trabajo de Richard Russell como Everything Is Recorded es una brillante exploración musical y emocional del mito occidental del viernes por la noche… Y de la melancolía del día después. Confiesa Russell que la experiencia hacía inviable limitarse sólo al momento juvenil del subidón. Así es la vida, una montaña rusa. El británico echa mano de su vasta cultura musical recurriendo a una colección de samples de artistas tan diversos como Smog, Teardrop Explodes o Mikey Dread, y da rienda suelta a una legión de colaboradores: del rapero de Manchester Aitch a la londinense FLOHIO, la irlandesa Maria Somerville, el músico de Trinidad Berwyn Dubois o su ya habitual cómplice Infinite Coles. Es un apasionado diálogo entre pasado y presente tamizado por la huella del hip-hop de los ochenta, que marca todo lo que hace Russell, como su pasión por la cultura house. Un trabajo que nos conforta en estos tiempos oscuros. —JC PEÑA

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MONDOVINILOS

Melenas

Días raros Elsa Records/ Snap! Clap! Club

POP/ Para Melenas nunca

fue una obsesión el virtuosismo y eso es algo que debería seguir sin preocuparles. Días raros es una selección de canciones con mensajes marca de la casa pero en las que se aprecia una notable ejecución y una clara evolución sonora. Esa progresión no es óbice para que singles como No puedo pensar o 3 segundos vuelvan a liberar ese toque melancólico que invita a bailar, con lo complicado que puede llegar a ser acertar en ese juego antagonista. Con un carácter cada vez más global (Trouble In Mind distribuirá el disco), el cuarteto continúa por esa senda local y costumbrista en canciones como Los alemanes de toque kraut y En Madrid. Al mismo tiempo afianzan una mayor amplitud estilística en melodías como la de Vals e incluso la apertura de Primer tiempo, donde los teclados ya anuncian un nuevo protagonismo. Un paso en firme en este viaje exprés que demuestra su habilidad para las buenas canciones.

El prometedor debut de Porridge Radio Porridge Radio

Every Bad Secretly Canadian/ Popstock!

9 ROCK / Parece claro que las mujeres son las

principales encargadas de mantener viva la llama del rock, con ejemplos como Courtney Barnett o Savages. Ahora llega el debut en un sello grande de Porridge Radio, la banda de Dana Margolin, una joven con muchas cosas que decir y canciones perfectas para expresarlo. Su método compositivo se basa en utilizar mantras repetidos hasta la catarsis, con momentos en los que una frase logra un efecto chamánico por medio de la repetición. Además, hay una polaridad entre lo que canta y cómo lo canta, porque este no es un disco para escuchar de fondo. Every Bad requiere tu atención total. Cada frase, aunque sea en bucle, resuena como una revelación en unas canciones que beben de casi todo el rock de guitarras de los últimos cuarenta años, del post-punk al britpop, del indie al revival rock de comienzos de siglo. Abren con Born Confused, Margolin no pierde ni un segundo

en demandar tu atención, antes de demostrar que Porridge Radio tienen melodías que Justine Frischmann firmaría orgullosa. Luego llega Sweet, en la que vuelven a sacar petróleo del viejo pozo del calmado/fuerte, logrando que suene fresco una vez más. Lilac es otro de los puntos álgidos. Se vuelve a jugar fuerte con la repetición con el refrán que mejor resume este disco: “I don’t want us to get bitter, I want us to get better / I want us to be kinder to ourselves and to each other”. Mangolin lo canta con una

ex pareja en mente, es algo muy personal, susurrado a la persona más cercana, pero, según va subiendo en intensidad, la fuerza de su banda lo convierte en un eslogan para gritar con miles de personas alrededor, lo individual convirtiéndose en colectivo gracias a la fuerza de la música. Al final del disco una frase marcada a fuego “There’s nothing inside”, Margolin se ha purgado y vaciado por completo, poniendo a su banda en la rampa de los “next big thing”.

—SERGIO ARIZA

—ALBERTO BONILLA Goa

Myrkur

FOLK / Una oscuridad dulcificadora. Unas melodías capaces de hacernos cabalgar entre las valquirias dirección Valhalla. Una melancolía intrínseca que transporta de inmediato a los más bellos parajes de las más altas montañas de Dinamarca. Myrkur es una hermosa criatura a la que ha dado vida la cantante y multiinstrumentista danesa Amalie Bruun. En este tercer disco abandona cualquier rasgo relacionado con el metal y el rock que habían empapado los dos primeros, M (15) y Mareridt (17). Desaparecen la distorsión, las guitarras eléctricas, los bajos y las baterías. En su lugar, instrumentos analógicos, donde además de piano escuchamos también instrumentos de cuerda tradicionales escandinavos como la nyckelharpa, la tagelharpa o la lira. Y, por supuesto, su hipnótica voz como principal protagonista. Folkesange (“Canciones populares”) supone un viaje por la tradición de los sonidos nórdicos. —JESÚS CASAÑAS

Hamilton Leithauser

Love Is Hell La Vendición

Folkesange Relapse Records

TRAP / Goa vuelve a encon-

trar el camino del éxito en este Love Is Hell, dotando a su sonido característico de matices más interesantes que los de su anterior trabajo, Inmortal. Teniendo lo mejor y más reconocible de Goa –letras tristes con referencias a drogas legales e ilegales, beats con guitarras y un delivery más que reconocible– consigue que todas las canciones tengan independencia una de otras, que suenen diferentes entre sí dentro del estilo propio del pionero del sad trap en España. Las colaboraciones de habituales como Pochi o LocoAlien ayudan a crear ese sonido tan reconocible de Goa que tanto gusta a sus seguidores. Así, El precio del poder o Ex crush se cuentan entre sus mejores canciones de siempre y Love Is Hell es un paso adelante en la carrera de un artista que, si continúa innovando (en este trabajo consigue un casi imposible, acercarse al heavy metal y alejarse a la vez), mantendrá su lugar de privilegio en la escena. —LUIS M. MAÍNEZ

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Hard GZ

POP / El segundo trabajo

en solitario del vocalista de The Walkmen no puede ser más de autor, porque Leithauser se ha encargado de grabarlo en su estudio de Nueva York, así como de tocar casi todos los instrumentos. En lo temático, habla de diversas y variopintas personas reales que han pasado por su vida: de un amigo malogrado aspirante a cantante de rock a una emigrante polaca maltratada por su marido. Y lo hace dando importancia predominante a una interpretación vocal naturalista tan deudora del crooner elegante y a corazón abierto como de las influyentes escuelas de Paul Simon y David Byrne. Instrumentalmente, arropa las canciones con gusto y amplitud de miras. Cierto que la sombra de Vampire Weekend resulta a veces palmaria (Don’t Check The Score, Cross-Sound Ferry), pero consigue despegarse del mimetismo con canciones redondas de indie cálido. Un disco bonito en el mejor sentido.

—JC PEÑA

Enter Shikari

Siempre BMG

The Loves Of Your Life Glassnote/ Popstock!

RAP / No descubrimos nada

nuevo si decimos que Hard GZ es uno de los raperos más versátiles de nuestra escena rap actual. El gallego (afincado en Barcelona) se siente cómodo sobre cualquier ritmo de rap, trap (bajo su alterego Lil GZ) o lo que le echen. Así lo deja claro en este disco donde Dualy y Lupita’s Friends (el dúo formado por Kidd Pasto y Marcelus Fela, autores de catorce de las producciones del disco) le ponen a prueba con todo tipo de ritmos y tempos. Un examen que el MC supera con nota, dando origen a un disco ágil, ameno, donde el único patrón que se repite es esa atmósfera oscura que tanto le atrae a Hard. Eso es innegociable. Igual que lo es ese amor por el hiphop clásico, puro, el de toda la vida, que transmite cuando se pone el traje de Hard GZ. Porque pronto se pondrá el de Lil GZ para publicar un nuevo álbum, Harakiri, donde el trap volverá a examinar su capacidad de mutar y adaptarse. Pero de momento, con el rap, GZ continúa subiendo el nivel. —ALFONSO GIL ROYO

Nothing Is True & Everything Is Possible SO Recordings

ROCK / Enter Shikari están

de vuelta, la locura está de vuelta. Nothing Is True & Everything Is Possible es aún más experimental que su predecesor, mostrándonos sonidos de música clásica, jazz y explotando aún más su mezcla de electrónica y punk. La crítica al capitalismo y a la forma en la que este sistema ha afectado a las relaciones entre las personas y con uno mismo suponen el núcleo central del álbum. En el sencillo The Dreamer’s Hotel, la banda critica las redes sociales y cómo la gente las utiliza para atacarse. Canciones como Apocaholics Anonymous, The King y Marionettes (I. The Discovery Of Strings) y Marionettes (II. The Ascent), sin alejarse de la crítica social, nos muestran el lado más bailable de la banda. Por otro lado, canciones The Great Unknown y Elegy For Extinction mezclan una vez más potentes sintetizadores con el rock y los arreglos orquestales, respectivamente. Un nuevo paso adelante de una banda con personalidad propia.

—ALEJANDRO TEIGA ROBLES mayo 2020 #33

MONDOVINILOS FOTO: ARCHIVO

The Mountain Goats

El festín de Thundercat Thundercat

It Is What It Is Ninja Tune/[PIAS]

9 JAZZ / Para alguien que es colaborador habitual de gente como Flying Lotus, Kendrick Lamar y Kamasi Washington, el espíritu de ambición que debe generarle estar al lado de semejantes gigantes de la cultura afroamericana de hoy en día debe ser una de las razones para haber cimentado clásicos contemporáneos como Drunk (17). Tras haberse acercado al máximo a los referentes citados con semejante banquete de funk y soul aliñado en todas sus formas digitales, el angelino ha tenido que agudizar al máximo el ingenio para ofrecer un trabajo que rehuya de la comparación instantánea con su monolito particular. Para empezar, ha decidido proseguir con su tendencia natural para ofrecer canciones depuradas al máximo en duración, aunque para esta ocasión ha decidido reducir al máximo el metraje

#34 mayo 2020

de su nueva criatura, como si de un tesoro retrofuturista perdido de los años sesenta se tratase. En esta metáfora, donde pasado y presente han sido absorbidos desde una dimensión no tan desconocida, Stephen Lee Burner, aka Thundercat, se marca un festín concentrado en una aventura cromática armada con rieles jazz, psicodelia soul, electrónica atmosférica y funk de purpurina. Como si se tratase del anverso setentero de Blood Orange, sus actos de prestidigitación han sido acompañados de figuras punteras como Ty Dolla Sign, Lil B, Kamasi Washington, Steve Arrington, Steve Lacy o Childish Gambino. Estos tres últimos son los protagonistas centrales de Black Qualls, funk sideral tan inspirado como el soul galáctico hilado en King Of The Hill. Estos no son más que dos ejemplos de la producción de alta costura confeccionada entre él y Flying Lotus. Un juguete que, por momentos, suena como el sueño húmedo de Quincy Jones o la versión clásica del propio Flying Lotus. De todas a todas, la confirmación de la genialidad de un Thundercat que, definitivamente, se ha ganado el cielo. —MARCOS GENDRE

Songs For Pierre Chuvin Merge/ Popstock!

FOLK / Songs For Pierre Chuvin es el décimo octavo disco de Mountain Goats, pero no es uno más, sino que supone el regreso de un viejo conocido, el Panasonic RX-FT500 con el que John Darnielle grabó sus primeros discos hasta 2002. Se trata de una vuelta al sonido lo fi de sus inicios, solo con su guitarra, su inconfundible voz y el sonido cascado del Panasonic. La valoración del disco dependerá mucho de que época prefieras, los inicios amateur o la banda completa que comenzó con Tallahassee y llegó a la cumbre con The Sunset Tree. Si estás entre los primeros, este disco te parecerá una maravilla. Si en cambio estás con los que, como el que esto escribe, preferimos a la banda al completo y arreglos algo menos espartanos, Songs For Pierre Chuvin te parecerá una bonita anécdota en tiempos de crisis. —SERGIO ARIZA

Morad

M.D.L.R 2.0 M.D.L.R.

TRAP /En este nuevo,

M.D.L.R. 2.0, Morad ha sabido mantener los aciertos de su música: la autenticidad, la frescura y el talento para transmitir unas letras muy personales que reflejan la vida en la calle, mientras mejoraba en aquellos aspectos menos sólidos que venía arrastrando desde sus primeros trabajos. A saber: la variedad en su flow (en ocasiones sus canciones sonaban repetitivas) y en los beats. En este trabajo Morad explora con éxito nuevos ritmos

cercanos al dancehall o con más influencias de guitarras y sonidos flamencos como en Lo malo o Pensamientos sin perder personalidad. M.D.L.R 2.0 es un epé de un artista en un momento dulce en el que los temas fluyen sin esfuerzo aparente y se nota la evolución y la mejora de forma natural, como si Morad recorriera un camino que se supiera de memoria hacia los lugares de privilegio de la escena española. Además, la presentación visual de este trabajo supone también una mejora respecto a sí mismo. Esta vez, todo aciertos. —LUIS M. MAÍNEZ EOB

Earth Capitol/ Universal

POP /Cualquier movimien-

to en torno a Radiohead genera agitación, y el debut en solitario de Ed O’Brien no ha sido una excepción. Lejos de ser el mero capricho de un músico al margen de su exitosa banda, Earth supone un trabajo muy medido, inspirado en su propuesta y sólido en consecuencias, con nueve piezas que pasan del pop a la electrónica sin renunciar a ramalazos folk. Una pequeña anarquía bien medida por el autor y homogeneizada en base a esa elegancia que protagoniza todo el álbum. Rodeado de un plantel de lujo –Adrian Utley de Portishead, Laura Marling o el productor Flood entre otros–, el principal referente externo recae sobre la figura de Beck, al referimos a una obra en donde las fronteras estilísticas desaparecen en beneficio de la riqueza del conjunto. El británico se ha tomado su tiempo para estrenarse bajo las siglas de EOB, alternando diferentes tonalidades de inquietud y belleza, así como arreglos que engalanan cada composición.

—RAÚL JULIÁN

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Adam Lambert

Heaven To A Tortured Mind WARP/Music As Usual

VELVET More Is More/ Empire

POP /Adam Lambert siempre ha sentido la necesidad de justificar su talento en cada proyecto que ha lanzado hasta la fecha. El público le respeta como artista, le admira, pero no logra conectar con una colección discográfica con enormes carencias. VELVET, su cuarto álbum, es un intento de solidificar un poco más sus bases como estrella de la música. Un conjunto de temas envueltos en esa aura de pomposidad y exageración que no le favorecen del todo. En los que vuelve a caer en todos los vicios vocales que le hicieron fallar en el pasado, recupera al bueno de Nile Rodgers para colocar el funk como pieza fundamental en el disco, introduce algo más de sintetizadores y saca a relucir sus atributos operísticos. VELVET es un disco cursi, que acude constantemente a la nostalgia y el funk rock de principios de los setenta como fuente de inspiración. Lo mejor, ese slow jam que es On The Moon, donde exprime lo mejor de él con Jorgen Odegard en la producción. —ÁLEX JEREZ

MONDOVINILOS

Yves Tumor

POP EXPERIMENTAL /La etiqueta de experimental ha acompañado a la música de Sean Bowie, alias Yves Tumor, desde que comenzó su carrera a mediados de la década que acaba de terminar. Luego, en septiembre de 2018, apareció Safe In The Hands Of Love y canciones como Licking An Orchid y, sobre todo, Noid, nos enseñaban a un artista con una vena pop mucho más accesible que lo que su faceta vanguardista nos dejaba ver. Ahora llega Heaven To A Tortured Mind, un disco menos diverso pero más cohesionado, una especie de actualización del art rock y el P-Funk setentero mezclado con toques post- industriales y de la escena indie rock de comienzos del siglo XXI. Con un bajo omnipresente, cuidadas melodías, armonías, solos de guitarra, falsetes soul y collages sonoros. Pero que sea menos experimental y más centrado en las canciones no quiere decir que sea menos original e innovador, este es el disco de un artista encontrándose a sí mismo en su momento de pleno apogeo. —SERGIO ARIZA

PARTYNEXTDOOR

The Warlocks The Chain Cleopatra

PARTYMOBILE OVO Sound/Warner Records

J. Balvin: colores para el encierro J. Balvin

Colores Universal Music

RAP /Justo cuando pensa-

mos que el concepto del álbum está caduco, va un rapero (y otro y otro más) y lanza de golpe un trabajo compuesto por varios temas. Esta vez ha sido PARTYNEXTDOOR y su nuevo disco, en el que se rodea de tres estrellas internacionales que le pueden asegurar el éxito: Rihanna, Drake y Bad Bunny. Pero no todo vale. Al terminar de escuchar PARTYMOBILE, da la sensación de que no estás ante nada nuevo o refrescante. Las quince canciones que lo conforman dejan claro que PARTYNEXTDOOR sabe cuáles son sus influencias y las utiliza sin reparo. Tanto, que quizá hagan que su propio material sea algo impersonal, valga la contradicción. Recuerda a The Weeknd y sus atmósferas sonoras, bebe mucho del “pop-tropical” de su paisano y colega Drake y, en general, deja poca huella. Inspirarse en los grandes y tener featurings de primer nivel está bien, pero no es suficiente en los tiempos que corren.—ÁLVARO TEJADA

PSICODELIA / The Warlocks

siempre han sido seguro de fiabilidad para los aficionados a sonidos psicodélicos y cercanos. El combo liderado por Bobby Hecksher presenta nuevo álbum de estudio, en lo que resulta ser un trabajo tremendamente sólido, quizás uno de los más redondos en toda su carrera tras incluir diez dianas incontestables dentro de los parámetros dominados por los californianos. La propia psicodelia, con su aureola embriagadora e hipnótica, resulta realzada como principal protagonista de la referencia, aunque también hay espacio para endurecer la propuesta y apostar por una densidad que tiene descaradamente hacia el shoegaze. The Chain convencerá por igual a seguidores de Brian Jonestown Massacre, B.R.M.C. o The Jesus & Mary Chain. Todas las mutaciones funcionan en el presente álbum, tanto asimilando sus partes por separado como disfrutando de un conjunto que fluye con solvencia y de manera ininterrumpida a modo de secuencia lógica. —RAÚL JULIÁN

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7 REGGAETON /Es fácil creer que uno conoce a

J. Balvin. Como es fácil creer que uno conoce a casi todo el mundo, stories mediante. Pero no, no, pasa más con el colombiano. Él es otro tipo de estrella del pop. Cercano, menudito, sólo excéntrico por su adicción a las zapas, mundano cuando explica sus sufrimientos con la ansiedad, y un devoto de la meditación, J. Balvin es todo menos un divo cretino. Por ello, decidió consultar en sus redes sociales el devenir de su nuevo y esperado disco, Colores. Con cara de preocupación, el colombiano lanzaba el pasado 13 de marzo una pregunta a sus seguidores: “¿Está la gente con vibra para escuchar Colores?”. Su compatriota Ronald El Killa, le respondía: “Hay que darle color a esto”. Ganó el sí, de calle, y el reggaetonero publicó su nuevo largo. Y los streams, de lo poco que en estos momentos sigue pujante, le dieron motivos para creer en su decisión. En horas, Amarillo sumaba millones de plays. No hacen falta muchas narices para oler el buen feeling de Colores. J. Balvin no ha perdido el flow; Blanco, como fanfarronea el mismo tema, camina sin beat. Azul es pegona sin caer en

lo facilón. Pero Vibras, lanzado en 2018, fue un antes y un después en el sonido Medellín y en el nuevo reggaeton global. Sus hondas raíces caribeñas, su ricura jamaicana, el dembow o moombahton coexistiendo, pero a la vez la mirada futurista en las bases tejidas por Sky y Tainy, así como unos interludios rarísimos en el género y el acierto en las colaboraciones (Rosalía antes de ser Rosalía), lo hicieron un álbum de época. Casi nada de lo vanguardista está en el último lanzamiento de J. Balvin. Siquiera las colaboraciones, como la del artista de afrobeat Mr. Eazy aportan muchos extremos (Arcoíris). En compensación, ha quedado un buen poso para el baile. Incluso en casa. El mismo J. Balvin explica en Bienvenidos a colores, un especial de Spotify, la idea tras el álbum. Lo del juego cromático, le llegó meditando. “Cuando cierras los ojos... A veces se sienten colores”, relata en el vídeo, sentado sobre un cilindro, en un espacio de tonos gélidos. Esos colores evocan, se supone, felicidad, mar, vida o amor en el álbum. Motivos profundos que se evaporan al transmutar en canción. Hasta el punto que sin ese recorrido guiado, es difícil interpretar al colombiano. Incluso la importancia del trabajo con Takashi Murakami, artista japonés creador del movimiento superflat, se difumina. Tal vez tenga un sentido: J. Balvin ha virado hacia un reggaeton de primera escucha. No está el mundo para muchas probaturas. —YERAY S. IBORRA

mayo 2020 #35

36/Mondo Media CÓMICS Javier Olivares /Santiago García Astiberri

7 Que el tándem Olivares-García funciona a la perfección ya lo demostró el exitoso y reverenciado Las meninas (15), pero no está nada mal recordarlo con una obra como La cólera. Casi doscientas cincuenta páginas en las que ambos se muestran totalmente libres de ataduras al experimentar con la historia de Aquiles tanto en lo visual como en lo narrativo. —JOAN S. LUNA

La esperanza pese a todo (II) Émile Bravo Dibbuks

8 Bendigamos el día en que los caminos de Spirou y Émile Bravo se unieron. Si con Diario de un ingenuo ya nos conquistó, con los dos primeros volúmenes de esta historia ambientada en la II Guerra Mundial lleva al personaje y a su universo hacia terrenos francamente estimulantes, en una pirueta de madurez que no admite ningún tipo de peros. Un verdadero acierto. —JOAN S. LUNA #36 mayo 2020

LIBROS

La cólera

FOTO: ARCHIVO

“No existen dos Adrià: el de La Pegatina y el poeta es el mismo”

Adrià Salas Cantante poeta Adrià Salas da un paso más allá de La Pegatina. A las letras de sus canciones se suman ahora los poemas de Salsa (Rosa Dels Vents, 20), un libro que viene a mostrarnos otras caras del catalán.

IECISIETE AÑOS sobre los escenarios. Más de mil cien conciertos de los que ya no recuerdan el número de ciudades a las que fueron. Ocho discos en las espaldas y la sensación de haber formado parte del imaginario musical estatal para más de una generación. Adrià Salas no habría podido imaginar una profesión más divertida y festiva que ser parte del engranaje de La Pegatina. Pero a veces hay que tomar distancia de lo que uno tanto quiere para verlo en perspectiva y valorarlo todavía más. Es uno de los ejercicios que hace en Salsa, un compendio de poemas en los que se mezclan reivindicaciones sociales, fotogramas de la sociedad actual, el interés por la astrología o temas más familiares. “En el momento en que empiezo a hacer canciones, toda mi creatividad se pasa a ellas. Sentía que me faltaba algo: las canciones duran poco, tienen una finalidad muy clara con su estribillo, que tiene que explotar y ser catchy, y no es lo mismo que tener la libertad de escribir lo que quieras porque

estoy representando al grupo. Hace cinco años, la chica con la que estaba hacía un curso y me dijo que si quería escribir algo para acompañarlo con sus ilustraciones. Después, cuando me contactó mi editora, Rosa Moya, le dije que quería aprovechar estos escritos. Está escrito un sesenta por ciento en catalán y un cuarenta en castellano, más o menos. Luego hay una gran cantidad que la hice justo antes de entregar el libro porque tuve un accidente en un concierto y estuve cuatro meses de baja”. No existen dos Adrià: el de La Pegatina y el poeta es el mismo. Es por ello que eligió escribir algunos poemas en catalán y otros en castellano, como hace con sus canciones, además de seguir luchando por derechos sociales, inspeccionar diferentes momentos vitales y valorar lo bello de la existencia. “No puedo decir lo mismo en catalán y en castellano. En mi cabeza, son universos diferentes. Cuando escogemos canciones, elegimos las mejores independientemente de que sea en un idioma o el otro. No es algo que nos miremos mucho, pero luego la gente sí que nos pregunta que por qué no hacemos más en catalán. Y uno de los motivos por los cuales escribo menos en catalán es porque las canciones son cosas menos internas. Es la lengua con la que hablo con mis padres y mi familia. En el colegio hablaba en castellano porque todo el mundo era castellano parlante, así que asocio el castellano para lo

social y lo divertido”. Todo esto, en versos llenos de aliteraciones que dan ganas de cantarlos de tantos juegos de palabras que incorpora. “Me gusta hacer muchos juegos de palabras, pero aquí me he pasado (risas). En el grupo intento minimizarlo y hacer los menos posibles para que se entienda más o menos todo. Para mí, son como pequeños tesoros y me gusta que la gente los interprete”. El primer libro del cantante de La Pegatina es una oda a la felicidad, pero también un recordatorio a luchar por aquello que debemos normalizar y cuidar. “Como mínimo, hago un cuestionamiento. Podría tener argumentos a favor y en contra de cualquier cosa; por eso, a veces no sé posicionarme en según qué temas. Pero me gusta darle vueltas a todo e ir hasta el fondo de la cuestión para entender todos los puntos. Quizás ves alguno súper reivindicativo, y alguien que piensa distinto, lo lee y también lo ve bien para su posición”. —KAREN MONTERO

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Salsa

Adrià Salas Rosa Dels Vents, 2020

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David J. Skal Es Pop Ediciones

9 Es Pop Ediciones sigue editando en castellano los ensayos imprescindibles de David J. Skal, el analista más brillante de la historia cultural del género de terror en todas sus MANIFESTACIONES. Halloween, la muerte sale de fiesta es uno de sus trabajos más celebrados, un repaso exhaustivo y adictivo por los orígenes y posterior explosión de la fiesta de Halloween con un trabajo de documentación y de divulgación soberbios. —XAVI SÁNCHEZ PONS Expediente Lindelof

Xavi Torrents Valdeiglesias Dilatando Mentes

9 Para todos los que aún nos tiemblan las piernas tras ver la adaptación de Watchmen y los que pensamos que The Leftovers es una de las series más injustamente infravaloradas de estos últimos años, el nacimiento de este libro es un bálsamo que da respuestas e, incluso, proyecta más preguntas sobre lo que nos ofrecieron tan vastos universos televisivos. Eso por no hablar de Lost. —MARCOS GENDRE El regreso de Abba Marc Ros Suma de Letras (castellano)/Rosa dels Vents (catalán) 7 Decía Josep Pla que Cadaqués es “el pueblo más bonito del mundo”. Entre playas y artistas, Marc Ros (Sidonie) construye un relato apasionante que subraya la importancia de la creación musical sin intermediarios y la dificultad de mantener una imagen esperada. Los protagonistas de su debut literario, descubrirán su cara B y las calas escondidas y la casa costera harán el conjuro para que ocurra lo que desean. —KAREN MONTERO

Vivien Goldman She-punk original

“El punk lo inventaron las mujeres y no Inglaterra”, podía leerse en una famosa camiseta de Kim Gordon. Una proclama que nos recuerdan en la solapa de La venganza de las punks (Contra, 20), un libro fundamental y totalmente necesario en el que Vivien Goldman realiza un recorrido en clave feminista por la historia del punk.

UANDO EL PUNK IRRUMPIÓ Vivien Goldman ya trabajaba como redactora en la revista Sounds (semanario musical que se publicó en el Reino Unido entre 1970 y 1991). Fue un momento de cambio muy distintivo y específico que todo el mundo reconoció en aquella redacción a la que, en el mundillo, se conocía como la facción de izquierdas. “Por aquel entonces había otra redactora en la revista”, recuerda Vivien Goldman, “pero no estaba muy interesada en aquella nueva explosión sino que estaba obsesionada con las superestrellas y los supergrupos de la década de los sesenta que el punk se propuso derrocar. Más allá de Caroline Coon, que fue como una mentora para mí (ahora es activista y una artista visual muy aclamada) yo fui la única periodista mujer en el punk. O en mi caso, en la escena punk y reggae”. VIVIEN GOLDMAN ya era una firma reconocida en el mundo de la prensa musical antes de antes de la explosión del punk, por lo que desde el primer momento fue plenamente consciente del efecto liberador que el movimiento tuvo en las mujeres, ya fuera como seguidoras o como artistas o cualquier otra cosa. “Más allá de notables machos como The Stranglers, en general los músicos del punk, gente como Ian Dury, The Clash o Pistols, eran amigables con las mujeres”, explica desde Jamaica, donde reside actualmente. “Tuve momentos bastante difíciles con muchos de mis compañeros hombres en la revista, que estaban decididos a mantener el rock and roll como un coto privado para machos. Ya siendo editora, recuerdo grandes peleas con ‘mis redactores’ porque seguían insistiendo que las mujeres no estaban interesadas en la música. Según ellos, las mujeres no comprábamos discos, y por esa misma regla de tres por qué motivo debíamos cubrir a grupos formados por mujeres”. Sus co-

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legas ignoraban algo tan evidente como ella era la prueba viviente de que lo que decían era una estupidez. Lo único realmente cierto era que por esa visión machirula, la revista estaba desperdiciando un mercado sin explotar de la mitad de la población. “Con la irrupción del punk, las mujeres (principalmente las mujeres blancas) encontraron un espacio para explorar unos impulsos que anteriormente tan solo había podido canalizar siendo groupies”. Fue así como, tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, aparecieron mujeres y grupos de mujeres como Poly Styrene de X-Ray Spex, The Slits, The Raincoats, The Mo-dettes, Vi Subversa... “A pesar de ser una subcultura subterránea, con los obstáculos sexistas habituales aún por combatir, nunca antes del punk las mujeres habían tenido un acceso tan directo a hacer música popular”. La “Catedrática del Punk”, que por diferentes motivos destaca a nombres como Billie Eilish, Pink, Lady Gaga, Be-

yonge, Solange, Mabel o Tanya Stephens como sus artistas femeninas favoritas del momento, sostiene que todavía hay un largo camino por recorrer para lograr la igualdad en la mayoría de las esferas y en términos de roles tradicionalmente asumidos por los hombres. El universo de la música no es una excepción. “Solo hay que mirar la brecha salarial que existe entre géneros. Obviamente, el movimiento #MeToo ha sido un punto de inflexión, pero esta pandemia del Coronavirus que estamos sufriendo, ha sumido a toda la sociedad en el caos y en este momento es difícil decir si los triunfos que se han logrado recientemente continuarán (creo que lo harán) y de qué forma”. Para Goldman, en el pasado ya hemos visto que los roles tradicionales de liderazgo patriarcal los han desempeñado brillantemente las mujeres. “Dicho esto, no hay garantía de que las mujeres sean menos narcisistas y no pierdan la cabeza cuando lleguen al poder como han hecho muchos (¿la mayoría?) de los líderes masculinos. Pero hay esperanza”. —ORIOL RODRÍGUEZ

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Búnker. Memorias de encierro, rimas y tiburones blancos Toteking Blackie Books

“Yo fui la única periodista mujer en el punk”

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Halloween, la muerte sale de fiesta

LIBROS

mayo 2020 #37

RETROVISOR.

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com PUBLICIDAD Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación

D.A.F.

Düsseldorf, Alemania. 1978-2020

día de hoy, constatar la influencia real de D.A.F. obligaría a tejer un vasto mapa de coordenadas de cuatro décadas repletas de ilustres como Nitzer Ebb, Cabaret Voltaire, The Fall, Front 242 o LCD Soundsystem. El impacto de su aleación techno punk conllevó un mensaje subyacente, paralelo al de Suicide en su día: dotar a la música electrónica de una agresividad alimentada del frío cortante sintetizador y de consciencia distópica. En pocas palabras: mutar el genoma heredado de Kraftwerk hacia una violencia superior a la de cualquier grupo rock. En el caso de D.A.F., la masculinidad tan típicamente rock fue evadida en pos de un homoerotismo de cuero negro, fabulosamente representado en sus performances en directo y a través de portadas como las de Gold Und Liebe (81), su cuarto álbum. Otro de sus pilares radicaba en la negación de la cultura norteamericana, mentalidad heredada por el Berlín kraut de finales de los años sesenta, donde Can plantó la semilla que inyectó idiosincrasia bávara a los grupos alemanes de aquel momento. Tal como lo expresaba Gabi Delgado, una de las dos partes de D.A.F. “Se trata de un asunto serio porque, desde el principio, D.A.F. no queríamos imitar a ningún grupo pop, rock o cualquier cosa que sea estadounidense. Tenemos nuestra propia identidad. Nuestra identidad no es la estadounidense”. Resulta curioso que esta idea la pudieran desplegar hasta el límite desde un lugar tan americanizado como Londres, donde la voz del grupo y Robert Görl, su gran aliado, residieron de 1980 a 1984, hasta que se separaron por primera vez. Antes de partir a la capital inglesa, Delgado y Görl habían sido parte del primer álbum del grupo, Ein Produkt

#38 mayo 2020

Depósito legal B. 11 809-2013

der Deutsch-Amerikanischen Freundschaft (79), un festín de exabruptos punk donde la agresión atonal y la no técnica abraza la metodología DIY con toda su fuerza. Delgado no formó parte de aquel primer largo, pero sí del siguiente: Die Kleinen Und Die Bösen (1980). Un trabajo cuyo dos hitos son contener cortes como Nacht Arbeit y Co Co Pino, y haber sido el primer álbum editado por Mute Records, casa de Depeche Mode. Los mismos que en cortes como Something To Do, Master And Servant y Question Of Time les deben unos cuantos tributos a los alemanes. Tras plantar la semilla de lo que se dio a conocer como electronic body music en su segundo álbum, ficharon por Virgin Records, donde forjaron la trilogía sagrada del género. Entre 1981 y 1982, grabaron Alles Ist Gut (1981), Gold Und Liebe (1981) y Für Immer (1982), en los que desarrollaron los manifiestos que ya auguraban en 1981 desde las páginas de Melody Maker. “¡En la mayoría de

bandas que obtienen un sintetizador, su primera idea es sintonizarlo! Quieren un sonido normal limpio”, comentaba Görl. “No funcionan con la potencia que obtienes de un sintetizador... Nosotros queremos unir la técnica con la potencia corporal, y así poder mezclar pasado con futuro”. Tras haber compuesto la piedra filosofal de todo un género musical, la trayectoria de D.A.F. comenzó a dar bandazos. El año 2000 marcó una nueva reaparición del dúo, certificada en Fünfzehn Neue D.A.F.-Lieder (03), retorno a su libro de bitácora punk. Este sería su último disco, aunque no dejaron de pisar los escenarios de medio mundo a lo largo de los siguientes años. Desgraciadamente, ya nunca más podremos sentir el trueno de sus electrocuciones punk ni alucinar con los bailes espasmódicos de un Gabi Delgado-López, de origen español, que fallecía el pasado 22 de marzo a la edad de sesenta y un años. —MARCOS GENDRE

IMPRESCINDIBLE

Alles Ist Gut (Virgin, 1981)

SU TERCER ÁLBUM es la sublimación de su trabajo junto a Conny Plank, mítico productor de la era krautrock. De su alianza con él surgieron más discos, pero es en este donde grabaron Der Mussolini, hito de su ADN antifascista y monolito de todo lo que lleve la etiqueta E.B.M. Tanto en este corte

como en el resto, queda patente el minimalismo de bajos industriales, tremendamente orgánicos, sobre los que cabalga la lírica intensa y robótica imprimida por Delgado. En temas como Mein Herz Macht Bum y Als Wär’s Das Letze Mal, la pista lustrosa de la era disco ha sido suplida por una fábrica de la deshumanización, armada en torno a la patente instrumental que definió todo su sonido: los secuenciadores Korg y Arp que se encontraron en el estudio de Plank, con los que insuflaron de ferocidad sexual a sus orwellianos telegramas binarios. —M.G.

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