MondoSonoro noviembre 2016

Noviembre 2016 Nº 244

AGORAZEIN

PA’ los haters Foto Alfredo Arias

JUSTICE l CRYSTAL FIGHTERS l KATE TEMPEST l RYLEY WALKER l BRAVO FISHER! l NOTHING l THE NEW RAEMON & MCENROE KASE.O l DEVENDRA BANHART l VIVA BELGRADO l TULSA l SEÑORES l DEPEDRO l MARK RONSON l PIONAL l FESTIVALES

R A Z Z L I V E 16ANIVERSARIO

DEL 24 DE OCTUBRE AL 17 DE DICIEMBRE

BAAUER BIRDY CARAVAN PALACE COYU DIGITALISM DUSKY KLANGKARUSSELL NADA SURF PASSENGER PEACHES PETITE MELLER POST MALONE THE CAT EMPIRE THE KILLS THE NEW RAEMON & MCENROE WHAT SO NOT WHITE LIES 65DAYSOFSTATIC ALGORA AVALON EMERSON BRODINSKI BOTTOMS CHLOÉ CLUB CHEVAL CLUB COURTESY DEETRON ELYELLA DJS ESCUELAS PÍAS ETON MESSY FELIX DICKINSON FUJIYA & MIYAGI HIEROGLYPHIC BEING live HUNEE JACOB KORN JAMES ZABIELA JAX JONES KARIN PARK KASPER BJØRKE KEN ISHII KEVIN SAUNDERSON MALL GRAB MEHMET ASLAN METROPLANE MUÑECO PATRICE SCOTT PROSUMER REDSHAPE RESET ROBOT SATELLITE STORIES SEGO STEREO TOTAL TAHITI 80 presents PUZZLE TELEGRAM TWIN ATLANTIC WALLY LOPEZ WAZE & ODYSSEY ZEDS DEAD ZIMMER ALGAR & SOYUNAPRINGADA AMABLE ARNAU OBIOLS BALDO CARLOS BAYONA D2 DADAME DANI PATCH DJ LUI DJOHNSTON DOWNITES ENPUNTO GATO INDIESPOT DJ JON & MONIQUE JORDI GELPI LATZARO LEGOTEQUE MAADRAASSOO NIÑO FIXO PAU ROCA PEDRO VIAN PEROTUTEHASVISTO PINYPON DJS SANATRUJA SAU POLER TONER TUTU UNDO WILL BLAKE YYMHDJS TICKETS :

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22 NOV 2016 PALAU SANT JORDI D ·OBARCELONA

TA AG23O NOV 2016

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Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 mondo@mondosonoro.com

sumario

Coordinador General Sergi Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com) Publicidad Director Comercial Dani López(dani@mondosonoro.com) T. 687 914 719 Coordinador Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) T. 607 366 693 Publicidad Madrid Víctor Valero (victor@mondosonoro.com) T. 671 084 191 Publicidad Catalunya Cristina Benito (cris@mondosonoro.com) T. 657 701 015 Administración y Contabilidad Vanessa Garza (vanessa@mondosonoro.com) Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Darío García Coto (dario@mondosonoro.com) Maquetación Xibecal Brothers Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com ◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Pablo Ferrer, Sergio Falces, David Chapín (publiaragon@mondosonoro.com)

19 Crystal Fighters

mondofreako 7 Justice, dos en la carretera 8 Bravo Fisher!, con amigos sí puedes 9 Ryley Walker, realidad imperfecta 10 Nothing, Los discos de mi vida 11 The New Raemon & Mcenroe, a medias 12 Devendra Banhart, el juego eterno 14 Tulsa, No Confidencial 15 Viva Belgrado, odisea post-hardcore 16 Señores, iluminando la distorsión 17 Depedro, la vida es un viaje

◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias Iván MarcosTlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción Cantabria Carlos CanedaTlf. 669 06 82 72 (cantabria@mondosonoro.com) Publicidad Cantabria Ernesto Castañeda 657 67 41 97 (publicantabria@mondosonoro.com)

7 Justice

◗ Ed. Comunidad Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción / Publicidad Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 ◗ Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja (zarata@mondosonoro.com) Redacción / Publicidad Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 ◗ Ed. Galicia-Castilla y León (galicia@ mondosonoro.com, castillayleon@ mondosonoro.com) Redacción/publicidad Nonito Pereira Tlf. 981 160 102 ◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara González Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Virginia Arroyo, Yeray S. Iborra Fotografía Alfredo Arias, Edu Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Silvia R. May

f 153.057 seguidores k 88.900 seguidores g 234.704 seguidores 17.200 seguidores

21 Kate Tempest

vinilos

portada

33 Kase O

22 Agorazein

mondomedia conciertos 50 Chimo Bayo, Oasis

25 Festivales

editorial

N

o cabe duda de que los tiempos están cambiando. Y no interpreten la frase como un guiño al Nobel que se acaba de llevar Bob Dylan.

Los tiempos están cambiando porque la forma de llegar a la música, de disfrutarla y de hacerla es muy distinta de lo que era unos años atrás. Pero no es algo que nos pille por sorpresa. El motivo es que, en MondoSonoro, siempre hemos intentado dar una visión plural de la actualidad y reflejar las cosas interesantes que estaban ocurriendo y desarrollándose frente a nuestros ojos al margen de etiquetas y prejuicios. Y eso es algo que demostramos día a día en nuestra web y mes a mes en nuestra edición en papel. Así que no podemos dejar de prestarle atención a uno de los colectivos más reveladores del momento en nuestro país. Se trata de los madrileños Agorazein, que además son un reflejo de lo que está ocurriendo a nivel global en el rap, el trap y otras música eminentemente urbanas, desde el estadounidense Drake a los franceses PNL, desde el británico Novelist a cualquiera de los nombres españoles que asociamos con este universo. “Siempre” de Agorazein merece una portada por su contenido, pero la merece también por ser un claro reflejo del mundo aquí y ahora. n

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Sumario l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l 5

Justice Foto Archivo

mondo freako

Justice: Dos en la carretera Cinco años después de la oda a la electrónica rockera que fue “Audio, Video, Disco”, el dúo formado por Xavier de Rosnay y Gaspard Augé cambian de tercio. Sí, “Woman” (Because/Warner, 16) presenta el lado más pop del grupo. Un álbum con más partes vocales y menos rock, que abre un nuevo camino para Justice.

“

Es un viaje en coche por un día soleado. Como ir de vacaciones con los amigos al sol. Es un disco hecho para escuchar de día, con emociones positivas”. Así describe Xavier de Rosnay este “Woman”, el disco más accesible de Justice. Un trabajo con muchas partes vocales que gira en torno al carpe diem, a la idea de seguir luchando por tus sueños y en lo que crees (el segundo sencillo del álbum, “Randy”, es una declaración de intenciones en ese sentido), que está más cercano al espíritu de “D.A.N.C.E.”, que al de “Waters Of Nazareth”. Vamos, el funk, el soul y la música disco clásica están por encima de su vena salvaje y sucia. Quizás por eso este “Woman” también presenta su sonido más depurado, libre de elementos accesorios. Todo suena más limpio.

(Rosnay) “La verdad es que es curioso

que digas eso ya que nuestro nuevo disco es como el segundo, las canciones tienen veinticuatro o veinticinco pistas, que son pocas comparadas con lo que se puede hacer hoy en día en el estudio. Nuestro primer disco sí que era una locura con un montón de pistas. Volviendo a ‘Woman’, no creo que este sea nuestro álbum más limpio. Lo que sí te puedo decir es que el hecho de llevar casi diez años componiendo y grabando nos hace ser mejores músicos y tener la mente más clara en el estudio”. Siguiendo con el hilo del sonido pulido de este “Woman”, me tiro a la piscina y me atrevo a preguntarles (hay que recordar que son los adalides de la electrónica rockera actual) si estamos delante de su disco más pop. Al habla la otra mitad de Justice, Gaspard Augé. “Es un halago que pienses que ‘Woman’ es nuestro disco más pop y accesible. De hecho, Xavier y yo no sabemos exactamente cuál es la fórmula de la música pop actual y nos costaría hacer una canción de las que suenan en la radio. Si te fijas, los temas de nuestro nuevo disco superan casi siempre los cinco, seis o siete minutos, algo que no encaja en el pop convencional. Si tu impresión es que ‘Woman’ es un disco pop estamos contentos porque era un poco lo que queríamos conseguir.

Llegar a nuestra idea del pop”.

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legados a este punto, que no se me asusten los fans de los Justice de cuero negro y las tachuelas, que

“Nos costaría hacer una canción de las que suenan en la radio” aquí siguen habiendo fugas puntuales a esa faceta. Ahí está uno de los mejores cortes del disco, “Heavy Metal”, muy en la línea de las bandas sonoras de Goblin. ¿Estamos en lo cierto? (Rosnay) “Nos encanta Goblin y forma parte de nuestra educación musical. Supongo que a veces esas influencias se filtran sin querer en nuestras canciones. Lo curioso es que ‘Heavy Metal’ no iba por ahí.

Queríamos juntar la música clásica del barroco con un punto de soul a la Motown. Se trata de una versión futurista de la música de la Motown con elementos del barroco italiano. Y creo que eso es lo que te recuerda a Goblin, que también recuperaban a esos compositores clásicos y los reinterpretaban a su manera con la tecnología de la época”.

Touché, Justice partiendo de los referentes originales de Claudio Simonetti y cía. ¿Más canciones a marcar en rojo en este “Woman”? Pues sí. Mucho ojo con “Chorus”, una de las composiciones más ambiciosas de la carrera de Justice y una de las pocas que han sido compuestas

solo con medios digitales. Siete minutos de pajareo electrónico con toques mesiánicos y guiño incluido a su ya clásica “Stress”. (Augé) “Fue la última canción que hicimos y le quisimos diferenciar del resto. Cuando nos pusimos con ella llevábamos casi diez meses con la grabación. Va casi en la mitad del disco y tenía que ser diferente. ‘Chorus’ nació directamente de la experimentación con medios digitales, no la compusimos previamente con instrumentos tradicionales. Tiene una estructura libre y está pensada para sacudir al oyente”.

¡

Ah!, esta entrevista no puede acabar sin referirnos al trampantojo electrónico de Justice. Sí, son unos maestros a la hora de manipular instrumentos y sonidos para conseguir ilusiones sonoras. Teclados que suenan como guitarras, y a la inversa. El tema que cierra su nuevo disco es un buen ejemplo. Donde yo creo oír una guitarra acústica hay… (Augé) ”Lo que se escucha en ‘Close Call’ es un clavicordio que suena como una guitarra acústica gracias a los efectos que usamos. Hay partes del disco en el que parece que suenen guitarras, pero en realidad no lo son. Y pasa lo mismo al revés, sonidos de sintetizador que parecen claros, pero que son obtenidos de una guitarra.

Nunca podrías distinguirlos. Nos gusta jugar con los efectos y la manipulación del sonido”. n Xavi Sánchez Pons

MondoFreako l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l 7

❚ El cantautor estadounidense Bob Dylan ha sido galardonado con el Premio Nobel de Literatura 2016 por su trayectoria profesional y “por haber creado una nueva expresión poética dentro de la gran tradición

Girando Por Salas en noviembre

americana de la canción”. Bob Dylan será premiado con la medalla de oro, el diploma y la suma de 8 millones de coronas suecas (832.000 euros).

Los Nastys Foto Archivo

Bravo Fisher! Foto José Señorán

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La nueva temporada del ciclo Girando Por Salas continúa moviendo a bandas diversas por todo el territorio nacional.

Este mes hay conciertos en ciudades como Avilés, Palma de Mallorca, Santander, Albacete, Toledo, Barcelona, Cerdanyola del Vallés, Reus, Castellón de la Plana, A Coruña, Santiago, Bilbao, Bermeo y muchas más. Los artistas que girarán durante este mes de noviembre son Eva Fernández, Siloé, Lucía Scansetti, Berta Bittersweet, Sonido Vegetal, Biznaga, Los Nastys, Enric Verdaguer y Juan Zelada. Para confirmar fechas y salas, visita la web oficial del ciclo: www.girandoporsalas.com. n

De todos modos, la Academia Sueca desistió de informar directamente al artista tras cuatro días sin recibir respuesta por su parte. ❚ Franz Ferdinand publicaron recientemente el tema “Demagogue” con motivo del proyecto “30 Days, 30 Songs”. Esta iniciativa fue motivada por el escritor Dave Eggers y con ella muchos artistas se posicionan en contra de la candidatura de Donald Trump, haciendo que cada día un artista diferente publique una canción nueva con esta temática hasta el día de las elecciones. Otro grupo que también ha participado, y que de hecho ha inaugurado el proyecto, ha sido Death Cab For Cutie con el tema

Enrique Morente y Lagartija Nick Foto Archivo

“Million Dollar Loan”.

Bon Iver Foto Archivo

Bravo Fisher!, con amigos sí puedes

❚ Bon Iver ha anunciado que colaborará con una asociación sin ánimo de lucro en cada ciudad por la que pase la gira de presentación de “22, A Million” (Jagjaguwar/Popstock!, 16). Se trata de “poner fin a la desigualdad de género, la violencia doméstica y el abuso sexual” a través de donaciones en cada concierto que la banda llevará a cabo durante los próximos meses. ❚ The Last Shadow Puppets, el dúo formado por Alex Turner (Arctic Monkeys) y Miles Kane, ha anunciado la publicación de un nuevo EP titulado “The Dream Synopsis” que estará disponible a partir del 2 de diciembre de este año. El lanzamiento contiene seis temas de los cuales cuatro son versiones de The Fall, Glaxo Babies, Jacques Dutronc y Leonard Cohen y dos revisiones de “Aviator” y “The Dream Synopsis”, dos temas de su segundo larga duración. n

Guillermo Galguera, más conocido como Bravo Fisher!, ha buscado nuevos caminos para su proyecto. Para darle forma a “Solos” (Subterfuge, 16), se ha asociado a uno de los grandes productores de nuestro país, Ed Is Dead.

“

No había otra opción, era lo que salía. Yo lo estaba pasándolo realmente mal y era eso o seguir mal”.

Hay acontecimientos que marcan sin remedio el transcurso de nuestra vida, y por consiguiente empapan la música que un artista pueda crear en ciertos momentos de su trayectoria. La última ruptura experimentada por Guillermo Galguera le dio el último empujón para el ya necesario cambio de agujas en el recorrido de su proyecto, Bravo Fisher! “Siempre he estado un poco incómodo en el sitio en el que se me encajonaba”, asegura Guille, quien ha hecho una apuesta por alejarse de las convenciones con “Solos”, un disco conceptual, transparente y minimalista en todas sus facetas y que apunta caminos

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mucho más amplios de lo que esperábamos en la paleta musical de Galguera. El colorido electro-pop de “El valle invisible” (13) ha dado paso a una electrónica fina y elegante, en la que el Dj, productor y músico Edu Ostos, es decir Ed Is Dead, ha tenido mucho que ver. “La verdad es que Edu es de los productores que más controlan estas historias en España, y con Subterfuge lo vimos claro. Cuida el sonido hasta el último detalle y esa producción limpia y clara que a veces se rompe y se distorsiona está muy presente”. Para completar la evolución de Bravo Fisher!, apuntaremos que las historias ficticias le han cedido el puesto a las vivencias personales del vallisoletano, bajo títulos cortos pero contundentes (“Frío”, “Fuego”, “Luto”) y relatadas con frases cortas que mezclan castellano e inglés y que se repiten, eliminando las “barreras” del pop. “Soy muy crítico conmigo mismo, y no me salía nada como lo anterior, nada bueno. Una vez que decidí que iba a hacer lo que me diera la gana, lo vi claro.

A partir de ahora va a ser así, lo que me salga en cada momento. Si no tiene estribillo, pues no hay estribillo”. n Beatriz H. Viloria

“Omega” llega a las pantallas Tras un estreno exclusivo en el barcelonés Beefeater In-Edit el 27 de octubre, llegará a las pantallas de cine el documental “Omega”, que gira alrededor de la gestación del disco del mismo nombre que grabaron en los noventa el cantaor Enrique Morente y la banda de rock Lagartija Nick, incluyendo filmaciones y temas inéditos nunca antes difundidos. Podrá verse en diversos cines españoles desde el 4 de noviembre y durante una semana completa.

Tras su estreno se lanzarán a través de Universal varias ediciones especiales del disco, incluyendo el documental, rarezas, etcétera. Además será la primera vez que se publique en vinilo. Por otro lado, habrá conciertos especiales de veinte aniversario del disco, protagonizados por Lagartija Nick junto a las Morente, en Barcelona (26 noviembre, Up&Down), Valencia (1 diciembre, La Rambleta) y Madrid (2 diciembre, La Riviera). n

Ryley Walker Foto Ivan Jenkins

Ryley Walker, realidad imperfecta Ryley Walker es un personaje singular. Pese a su corta trayectoria, habla y actúa como una autentica leyenda. Apenas un año después de “Pimrose Green” nos entrega “Golden Signs That Have Been Sung” (Dead Oceans /Popstock, 16).

“

Comenzaron a salir nuevos temas, así que le dije a la discográfica que quería sacar un nuevo disco este mismo año. Ellos no lo veían claro, pero yo me planté. Fue una decisión unilateral”, explica en el reservado de un restau-

rante de Madrid. Su incontinencia creativa es tal que suele componer hasta cuando se encuentra sobre el escenario. “Mi banda y yo solemos improvisar continuamente.

A veces sale bien, a veces sale mal. De alguna manera el público que nos ha visto en el último año ha visto cómo se ha compuesto el disco”. Walker parece quemar etapas con una extraordinaria rapidez. “No soy la clase de músico que se limita a tocar el disco en directo para que suene igual que en el estudio. Si hiciera eso me sentiría como si estuviera estafando a la gente. Quiero que la gente que venga a mis conciertos nunca sepa lo que va a pasar”. Comparado con grandes del folk de los sesenta y los setenta (John

“Mi banda y yo solemos improvisar continuamente” Martyn, Tim Buckley), “Golden Signs That Have Been Sung” amplia sus horizontes más allá del revivalismo. “No quiero ser un fetichista de discos antiguos, también quiero hacer cosas novedosas. Creo que he reflejado de una forma más concisa mi propia realidad. Este disco resume en cuarenta minutos mi último año de vida”.

Ocho canciones en las que ha contado con la producción de LeRoy Bach (Wilco,

Jim O’Rourke). “Él es un veterano de la escena de la ciudad. Yo soy de Chicago y necesitaba hacer algo que se pareciese más a mi ciudad”. Walker se posiciona así, junto a contemporáneos como Steve Gunn, Jessica Pratt o Kevin Morby, como una de las voces más relevantes del nuevo folk norteamericano. “Todos ellos son muy buenos amigos y hemos estado de gira juntos. América está en descomposición ahora mismo. Es todo muy confuso. Así que lo único que tenemos son nuestras guitarras… y la verdad”. n Tomás Crespo Ryley Walker actuará el 19 de noviembre en Vic, el 20 en Barcelona, el 21 en Valencia, el 22 en Cádiz, el 23 en Madrid, el 24 en Vigo y el 25 en San Sebastián. Más en mondosonoro.com

Mark Ronson, mago del estudio

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rocedente del mundo del rap, Mark Ronson es mucho más que el productor de las canciones más icónicas del “Back To Black” de Amy Winehouse, aunque fuera uno de los culpables de que la estrella acabara siendo un icono de la música. Con “Uptown Funk” ha alcanzado la espectacular cifra de quince millones

de ventas globales. Ahora, se encuentra metido de lleno en el nuevo álbum de Lady Gaga y, por suerte, hemos podido hablar con él sobre el presente y el futuro de la industria. ¿Qué tal la colaboración con Lady Gaga?

Sí, estuvimos trabajando los últimos seis meses en su nuevo disco. Y ya sabes, acaba de lanzar su primer single “Perfect Illusion” donde me uní a Kevin de Tame Impala y BloodPop. Ya se han anunciado muchas cosas sobre el disco, como las colaboraciones de Florence And The Machine, Josh Homme de Queen Of The Stone Age o Father John Misty. Va a ser increíble.

Mark Ronson Foto Archivo

Mark Ronson nos visitó hace unas semanas para formar parte del cartel del Dcode, momento que aprovechamos para entrevistarle sobre su carrera, sus colaboraciones y sobre “Uptown Special” (Warner, 15).

La industria musical ha cambiado mucho en los últimos años. ¿Qué es lo mejor que le ha pasado al mercado británico en todo este tiempo?

Si hablamos de los grandes sellos comerciales, hemos conocido a figuras como Sam

Smith o Florence And The Machine, o a estrellas como Jamie XX. Creo que vivimos un momento muy rico para la música británica. Todo esto me recuerda mucho a los ochenta. n Álex Jerez Más en mondosonoro.com

MondoFreako l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l 9

nuevo material en el Bilbao BBK Live 2017. Ya pasaron por el festival dos veces, en 2009 y en 2013. De momento es la única fecha en España dentro de la gira de presentación de “Spirit”, el nuevo disco, que sucederá

Vuelven The xx

a “Delta Machine” (Sony, 13). La nueva edición del festival bilbaíno tendrá lugar del 6 al 8 de julio en Kobetamendi y ya están disponibles los abonos por 80€ más gastos de distribución. ❚ Finalmente se publica el disco conjunto de Fermin Muguruza y Nothing Foto Jimmy Hubbard

Gerard Casajús de Chalart58 con diversos invitados (Joan Garriga, Green Valley, Madjid Fahem, etcétera), fruto de su colaboración con motivo de la exposición en Barcelona que da nombre al disco. El disco verá la luz el 25 de noviembre con el título de “Black is Beltza ASM Sessions” y co-producido por Talka Records

Domenic ‘Nicky’ Palermo (Nothing)

(discográfica de Muguruza) y Kasba

Mucho Mu Foto Archivo

Music.

❚ 7 Notas 7 Colores se convirtieron a finales de los noventa en uno de los grupos más importantes del rap facturado en España gracias a su arrollador debut “Hecho, es simple” (97). Ahora, celebrando su vigésimo aniversario, se reedita el disco con nueva portada y remasterización por parte de El Segell del Primavera, pero si algo nos ilusiona de verdad es anunciar la vuelta a los escenarios del grupo. Aún faltan detalles, pero la gira arranca el día 15 de diciembre en Madrid (Penélope) y el 17 en Barcelona (Apolo) y continuará a lo largo del año que viene por toda la península. ❚ El SXSW (South By Southwest) Music Festival de Austin, Texas, ha hecho pública una lista con más de ciento cincuenta artistas que actuarán en el festival en marzo de 2017.

Entre ellos se encuentran cuatro representantes españoles: Biznaga desde Madrid, My Expansive Awareness desde Zaragoza, Ramirez Exposure desde Valencia y Joana Serrat desde Vic. El festival se celebrará desde el 13 hasta el 19 de marzo de 2017). n

Nothing se han convertido en uno de los nombres de referencia del sello extremo Relapse gracias a sus dos discos, “Guilty Of Everything” (14) y “Tired Of Tomorrow” (16), aunque lo suyo sea una suerte de shoegaze rockero dificil de encajonar.

Domenic Palermo es su líder y guitarra, así que le preguntamos a él por sus discos favoritos.

Si solamente pudieras quedarte con uno de los discos shoegaze de tu colección de discos, ¿cuál sería y por qué motivos?

Uhm, esta es complicada. Hay muchos clásicos, obras maestras de principio a fin, pero honestamente te diré que estoy cansado de algunos de esos discos de tanto escucharlos a lo largo de los años. “Loveless” o “Souvlaki” me influyeron muchísimo, pero ahora no pienso en escucharlos de nuevo. Quizás me quedaré con el Ep de The Nightblooms para torturarme a mi mismo o puede que me meta un disco de Flying Saucer Attack en los pantalones cuando nadie esté mirando. ¿Recuerdas un disco que le gustaba a tu familia y que todavía está en tu lista de favoritos?

Sin ninguna duda te diré que “Disintegration” de The Cure o “Heaven Or Las Vegas” de Cocteau Twins. Mi madre me los ponía cuando yo era un chiquillo. Pasó malos momentos para sobrevivir sin la ayuda de mi padre. Siempre estuvo a mi lado en esos momento y estos discos siempre me recuerdan a ella y el cariño que me daba incluso cuando tenía que enfrentarse a grandes problemas.

Ahora quiero saber cuál es tu disco favorito de metal. Dime uno y, nuevamente, los motivos por el que lo eliges. “...And Justice For All” de Metallica. Imagino que es una elección muy poco cool, pero no me importa. Fue mi primera introducción al género y es el mejor disco de metal. Lo escucho al me-

10 l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l MondoFreako

El trío londinense The xx rompe la pausa de tres años sin actuar en directo y mostrará nuevo material de su próximo álbum.

The xx confirmaron recientemente su asistencia a los festivales Lollapalooza de Chile, Argentina y Brasil de la primavera de 2017. Antes de actuar en dichos festivales también llevarán a cabo una pequeña gira europea que les llevará a Croacia, Polonia, República Checa y Lituania, además de una actuación en Japón. El comunicado de The xx anuncia que en el tour empezarán a probar las canciones de su próximo tercer álbum. Se publicará cuatro años después de “Coexist“ (XL Recordings / Popstock!, 12), y la banda lleva trabajando en él casi un año. También han compartido una nota manuscrita y una playlist con los temas que han sonado en el estudio.

Puedes escucharla en sus redes o en la web de MondoSonoro. n

nos un par de veces cada año y lo tengo desde que le robé la cinta a mi hermana mayor.

Ahora vamos con una complicada. ¿Cuál es el disco más indignante que tienes entre tus discos?

Pues tengo unos cuandos discos raros de NSBM (national socialist black metal) que son realmente enfermos. No soy fan de ese material, lo tengo por la parte musical. Un amigo me los dio, pero sempre son lo primero en lo que la gente se fija cuando mira entre mis discos.

Si pudieras saltar hacia atrás en el tiempo, ¿en qué disco te hubiera gustado participar?

Posiblemente en “Life’s Too Good” de The Sugarcubes. Es una preciosa introducción a la que sería al cabo de poco tiempo una de las más talentosas y creativas mujeres de la tierra.

Me hubiera gustado que nos hiciéramos amigos y quizás convencerla de que eliminase las partes rapeadas.

Ahora centrándonos en lo que sois Nothing. Me gustaría saber si existe un disco que sea una influencia directa para vosotros.

“Songs Of Love And Hate” de Leonard Cohen siempre ha sido una gran influencia para mí. Siempre confío en Leonard cuando estoy en un dilema. Tiene una forma muy bella de contar una historia y de componer. Sueño con llegar a ser solamente la mitad de bueno que él. n Joan S. Luna

System Of A Down Foto Archivo

❚ Depeche Mode presentarán su

The xx Foto Archivo

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mondo freako

System Of A Down, llegan con el Download Dos grandes sorpresas unidas de la mano. El conocido festival metal británico Download desembarcará en Madrid el próximo verano y los cabezas de cartel serán ni más ni menos System Of A Down, que no nos visitan desde 2005 (cuando actuaron e n un accidentado Festimad). Ahora ya está todo confirmado por los organizadores del evento, pero lo cierto es que se dio a conocer la noticia debido a que el perfil de Bandsintown del grupo compartió que iban a tocar el 23 de junio en el festival, cuando todavía no se había anunciado que habría un Download madrileño. A lo largo de los días 23 y 24 de junio de 2017 podremos ver a diversas bandas metal todavía por anunciar. www. downloadfestival.es n

El talento de Ramón Rodríguez y Ricardo Lezón converge en su disco conjunto “Lluvia y truenos” (Subterfuge, 16). El cantautor catalán y el líder de McEnroe entrelazan sus personalidades creativas para firmar este pequeño (gran) deleite de pop emotivo.

E

xplica Ramón Rodríguez, vaya, The New Raemon, que recuerda perfectamente el día que la madre de sus dos hijas se presentó en casa con un CD-R

de “Mundo marino” (Subterfuge, 08). Le dijo que aunque nunca le grababa discos, estaba convencida que el segundo largo de McEnroe le iba a gustar. Así fue. “Un año y medio más tarde coincidimos en un concierto y me gustaron mucho en directo. Es muy complicado tocar tan suave, por decirlo de alguna forma, y sonar tan grande”. A raíz de ese encuentro a Ramón le empezó a obsesionar la aventura de grabar un disco conjunto con Ricardo Lezón, empuje creativo de la banda de slowcore de Getxo. Sin poder olvidarse de esa idea, Ramón le pidió el teléfono de Ricardo a su amigo común David Pedrouzo, del Café Pop Torgal en Ourense. “Ramón,

“‘Lluvia y truenos’ es un disco de pop para no bailar” efectivamente, me llamó un día y me lo comentó”, rememora Lezón. “Me hizo mucha ilusión porque me gusta mucho lo que hace. No había muchas vueltas que darle al asunto, la idea era muy apetecible y el momento era el adecuado”.

Su disco conjunto empezó a tomar forma a través de los esbozos de canciones que Ricardo fue enviando vía iPhone a Ramón

The New Raemon & Mcenroe Foto Noemí Elías

The New Raemon & Mcenroe, a medias

y que este, aprovechando sus conocimientos y el pequeño estudio que tiene montado en casa, le devolvía después de haber añadido sus ideas. Con la ayuda de amigos como David Cordero, Javi Vegas o Marc Clos y producido por Raúl Pérez (Niño de Elche, Pony Bravo, Maika Makovski, Orthodox, I Am Dive, McEnroe), “Lluvia y truenos” presenta doce canciones (seis de Ramón y seis de Ricardo) en untrabajo estructural y formalmente más diáfano y sencillo que sus discos con sus proyectos principales. (Lezón) “Diría que ‘Lluvia y truenos’ es un disco de pop para no bailar”. n Oriol Rodríguez Más en mondosonoro.com

Si “Casa” (Warner, 16), el último disco de Iván Ferreiro, se pudiese describir en una sola palabra, probablemente sería “viaje”.

Puede parecer paradójico, pero tiene todo el sentido del mundo.

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l último trabajo del de Nigrán ataja el concepto de casa como el hogar donde se está a salvo, donde el sufrimiento se lleva mejor. “Creo que lo ideal es que las cosas chungas te pasen cuando estás fuera de casa para volver a casa y tener un refugio”, explica. Pero, sin salir de “Casa” también podemos viajar por diferentes estados mentales y personales que, en ocasiones, nos

transportan al pasado, como hace“Laniakea”, canción que además sirve para ilustrar la portada del álbum. “Esa canción habla de cómo miramos el mundo y las estrellas.

Cuando miras una estrella nunca ves el momento actual de esa estrella, ves cómo estaba hace cinco mil o doscientos mil años. A veces el peso del pasado nos hace creer que estamos en un lugar pero no, no somos el pasado, no tenemos por qué serlo”. Esos viajes sin salir de casa también nos transportan hacia estados como el enfado o la ira. “Dies Irae” es ejemplo de ello. “En el disco hacía falta un día de ira. El enfado es necesario. A veces está bien dejarnos llevar por la injusticia, no grandes injusticias sociales, claro, pero si un día tengo un día de mierda

Iván Ferreiro Foto Archivo

Iván Ferreiro, viajes sin salir de casa y estoy hecho un gilipollas pues también me gusta que me dejen estar hecho un gilipollas”. No obstante, no nos equivoquemos.

Estos viajes son mucho más impersonales de lo que pensamos. “Yo no tengo muchas ganas de existir en la canción, estoy deseando que el disco salga para que sea de los demás. Si el oyente piensa en mí o en mi vida, está cometiendo un error”, sentencia Ferreiro sobre un disco que se ha grabado en su propia casa con la producción de Ricky Falkner y “la banda de siempre”. “Nunca le digo a ningún músico lo que tiene que tocar. Hace muchos años que no hago eso. La verdad es que hablo bastante poco en las grabaciones de mis discos. Opino bastante poco”. n María Martín-Consuegra

MondoFreako l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l 11

Devendra Banhart Foto Archivo

Devendra Banhart, el juego eterno Devendra Banhart ha cambiado de imagen, pero en el fondo continúa siendo ese hippy de corazón que nos conquistó hace unos años. Ahora publica “Ape In Pink Marble” (Warner, 16), un disco que va creciendo de principio a fin.

P

or mucho que en el los últimos años su imagen se haya “normalizado”, Devendra Banhart continua siendo un artista místico y salvaje de los pies a la cabeza. Nos encontramos con él en una

azotea de Madrid para hablar de su nuevo trabajo “Ape In Pink Marble”. “El título es ante todo poesía, pero también me parecía un poquito cómico. A veces el contexto nos hace ciegos al contenido”.

De alguna forma, en todos sus discos encontramos cierto sentido del humor. “Tenemos dos cosas que podemos utilizar para navegar en este mar de existencia en el que hay tanto sufrimiento: la gratitud y el humor. Imagínate poder perdonar a alguien que te haya hecho algo terrible y poder reírse de todo lo que hemos sufrido. Hay que tratar de encontrar la comedia negra del universo”. “Ape In Pink Marble” comienza con canciones

“Somos dinosaurios, pero existimos” de folk muy intimas pero termina de forma apoteósica. “Es como entrar en una casa e ir pasando por todos los cuartos.

El disco se va expandiendo”. También, como en ocasiones anteriores, incluye elementos de diferentes tradiciones y géneros musicales. “Cuando escribo las palabras utilizo el género o el estilo que las va a soportar mejor. El género es el motor de la historia narrativa”. En estas horas bajas de la industria discográfica,

Devendra se declara defensor de los discos físicos. “Todavía hay gente que cree en el álbum como objeto de arte. Yo lo sé porque soy uno de ellos. Somos dinosaurios, pero existimos”. Precisamente el arte es la otra disciplina que viene realizando desde el principio de su carrera.

“Son diferentes compartimentos de mi persona. Especialmente hoy en día que divido el año en dos etapas diferenciadas. Paso la mitad del año componiendo y grabando música y la otra mitad pintando”. En ambos casos, más que el resultado, lo que realmente le interesa es la práctica en sí. n Tomás Crespo Más en mondosonoro.com

Las cosas han cambiado para White Lies. “Friends” (Infectious/ Pias, 16), el cuarto esfuerzo de los londinenses es una nueva vuelta de tuerca al synth rock melodramático marca de la casa, abriendo espacios para dejar entrar la luz.

“

Este nuevo disco es la combinación de todo lo que hemos aprendido en estos nueve años”, comenta al otro lado del teléfono Charles Cave, letrista y bajista del grupo. Grabado en los exclusivos estudios de Brian Ferry, este cuarto disco ha sido producido por ellos mismos. “Hemos querido

centrarnos en las melodías, que al final es lo que hace que conectes con el público y sea memorable. Antes, las canciones requerían de complejos arreglos para que sonaran grandilocuentes”. La última vez que hablamos con White Lies, eran tres veinteañeros con aire oscuro cuyas preocupaciones sentimentales se proyectaban como sombras alargadas sobre sus canciones. “Este no es un disco optimista o pesimista como el anterior, sino más bien curioso. Mi vida cambia; la gente a mi alrededor se muda a otro país y tienen hijos, dejas de ver a tus amigos [de eso trata “Morning In LA”]...

Todo se ha vuelto muy adulto y como las bodas y bebés no entran en mis planes, estoy en modo espectador”, asegura entre

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White Lies Foto Steve Gullick

White Lies, adiós a la penumbra

risas. Diez temas que empiezan con la fuerza de los singalongs a los que White Lies nos tenían acostumbrados, para tomar sendas más discotequeras como “Hold Back Your Love” o “Come On”. “Nuestra canción más popular sigue siendo ‘Death’, cuya letra es

muy triste pero tiene una melodía enérgica y es curioso ver a miles de personas regocijándose sobre el miedo que tienen a morir”. n Marta Terrasa White Lies estarán en Barcelona el 16 de noviembre y en Madrid el 17. Más en mondosonoro.com

SECCIÓN PATROCINADA

Olvídate de la cartera cuando vayas de festival

L

a quinta edición del Granada Sound se celebró con un éxito rotundo, congregando a más de 50.000 entusiastas fans de la música indie. Los asistentes pudieron disfrutar de lo mejor del panorama nacional, con bandas consagradas como Amaral, Love of Lesbian, Manel, León Benavente y Miss Caffeina, así como destacados nombres internacionales del calibre de The Ting Tings.

Correos estuvo de nuevo con el público joven que asistió a este evento que inauguraba el otoño, patrocinando el festival: Durante dos días, los miles de asistentes pudieron utilizar la nueva Tarjeta Correos Prepago Mastercard®.

Con ella, se olvidaron de las complicaciones del dinero en efectivo en eventos multitudinarios de este tipo, para hacer las compras on y offline de forma rápida, eficiente y segura, y de este modo limitarse a disfrutar de las más de 40 bandas que actuaron en el festival. Sin más preocupaciones.

Entre concierto y concierto, miles de festivaleros se pasaron por el stand de la Tarjeta Correos Prepago Mastercard® para presumir de que la última ronda iba por ellos. Se trataba de compartir con amigos el hashtag #YaPrepagoYoGranada después de hacerse una foto en su photocall como el que comparte una foto en Whatsapp o Snapchat: cargada de emojis o dibujos, que en este caso

eran físicos, con más de cien diseños gigantes para hacer fotos solos o en grupo. La promoción fue un éxito: Más de mil fotos quedaron registradas en el photobooth de Correos y cientos de participantes participaron con el grito de guerra “Ya Prepago Yo”.

Y es que el mejor kit de un buen festivalero es el más liviano. Son muchas horas bailando, corriendo de un escenario a otro, buscando el foodtruck de comida favorita para cenar algo y coger fuerzas, volver a sentarse, ponerse de pie otra vez...Por eso, es fundamental ir ligero para vivir a tope el festival. Porque: ¿Quién quiere transportar carteras, billetes y monedas que, además, se pueden perder en la emoción del momento, y con tanta gente alrededor?

Mejor tener a mano la Tarjeta Correos Prepago Mastercard®. El complemento perfecto para los jóvenes, porque te permite dejar el efectivo en casa para hacer las compras on y offline de forma segura, controlando lo que gastas sin necesidad de abrir una cuenta bancaria y olvidando para siempre esas penosas discusiones de quién ha pagado qué cuando termina el festival. Ideal también para comprar en tus tiendas favoritas, en internet, y para todo lo que esté por venir. Además, si la pierdes, se puede anular fácilmente desde el móvil. Todo son ventajas con una tarjeta que ha llegado para quedarse. Solicítala y ¡empieza a prepagar!

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“He aprendido que tengo que juzgar un poco menos a las estrellas del pop. Nunca sabes por lo que están pasando, ¿me explico? Todos somos humanos, y las estrellas del pop también lo son”

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Hans Laguna, fotógrafo del cielo Músico inquieto por naturaleza, el barcelonés Hans Laguna acaba de despachar con “Manual de fotografía” (El Genio Equivocado, 16), un disco en el que amplia su paleta estilística como nunca antes.

(Angel Olsen, en Mojo)

(Neil Young, en Q)

TULSA No sabemos si es la entrevista más extraña que le han hecho a Miren a lo largo de su carrera, pero nos apetecía someter a la artista a este arsenal de preguntas locas que consiguen sacar lo mejor y lo peor de ti.

“También leo mucho en parques.

Suelo estar leyendo unos seis libros a la vez, saltando entre ellos continuamente. No me sentiría vivo sin libros” (Blood Orange, en Pitchfork)

Con tanto dolor, amor y desamor en tus letras. Venga sé sincera, ¿cuál ha sido la separación que más ha marcado tu vida?

El acontecimiento más determinante de mi vida fue cuando me sacaran de Hondarribia a los ocho años para llevarme a Bilbao.

Todo cambió. ¿Cómo llevas el que te pida una fotografía un desconocido o fan?

Es de las cosas que más odio en el mundo, pero parece un acto de terrorismo decirle a alguien que no te apetece sacarte una foto.

“Hay muchos narcisistas por ahí fuera. Yo fui uno de los peores y me di cuenta. ¿Cuándo? No hace demasiado. Escuché mis viejos discos y me dije: ‘Oh, Dios mío, odio a este tipo” (Cass McCombs, en Uncut)

¿Le pondrías a un grupo de la actualidad el nombre de Electrobikinis o reconoces que suena algo hortera?

No sería capaz de reconocer que es hortera, le tengo demasiado cariño. ¿Con la madurez te fías más o menos de los hombres?

Me fío menos de todo, es lo peor de envejecer y chochear. ¿Cuántas veces te han preguntado si algún día vas a hacer canciones alegres?

Aunque las canciones no traten sobre la alegría, la contienen, porque el proceso de escribirlas, grabarlas y tocarlas con gente que me gusta es alegre, así que no me lo preguntan porque no hay necesidad.

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¿Has mentido alguna vez a un amigo músico sobre lo que te parecen sus canciones para no decirle que son bastante malas?

No he tenido que hacerlo, todos mis amigos hacen canciones buenas.

Con tantas canciones juntos, ¿qué es lo más íntimo que has compartido con Ricardo Lezón?

Unas lentejas a dos grados bajo cero. ¿Por qué no formaste parte del concierto de McEnroe y amigos del Teatro Nuevo Apolo de Madrid del pasado mes de mayo en el que se celebraba el éxito de su trayectoria?

Porque tenía un concierto en Valencia, y me pagaban.

Hans Laguna Foto Archivo

“Los discos de Adele son fantásticos. Es real. No puedes encajarla en ningún sitio. Es un poco como aquella chica que ganó un concurso... ¿Susan Boyle?”

Tulsa Foto Archivo

“

Manual de fotografía” es un cuarto álbum exento de corsés, mediante una depuración de estilo en la que su pop de vuelo libre se empapa ocasionalmente de ritmos latinoamericanos, textos que combinan la indagación introspectiva con la necesidad de abrirse al influjo de buenas compañías y una política de austeridad con la que menos mimbres dan lugar a un discurso más proteico. Posiblemente su mejor trabajo. Repiten Cristian Pallejà y Ferran Resines a la producción. “Al haber grabado casi todo por mi cuenta, incluso ritmos con un móvil Samsung, corría el riesgo de irme de madre, así que me siento muy seguro llevando luego todo el material a Cristian y a Ferran, y que ellos también desde fuera aportaran su visión. Si rompemos todas las fórmulas, al final ya me siento desorientado, así que necesitaba una visión externa”, comenta acerca de un trabajo en el que colaboran Blanca y Tuixén de Les Sueques, Julio Bustamante y Montse Azorín o Nacho Vegas.

El paralelismo con la fotografía, desde

Confiesa un disco que te encanta pero no dirías jamás que lo tienes entre tu colección Un disco que grabó Franco cantando nanas. ¿Tu lado de psiquiatra te ha afectado alguna vez a la hora de componer?

Supongo que sí. Forma parte de mí, igual que ser la tercera de cuatro hermanos o ser borde. ¿Y hasta qué punto es cierto eso de que todos los genios están locos?

Esa es una idea romántica de la genialidad.

El genio de nuestra era será Steve Jobs.

Dime tú si le faltaba cordura.

Te fuiste a Estados Unidos a trabajar hace unos años. ¿Alguna vez te has arrepentido de volver a España y más viendo la situación actual del país?

No me arrepentí de irme de allí, y menos ahora con flequillito albino subiendo el listón de la humanidad. Tampoco he vuelto del todo, nunca se vuelve del todo. Conviene saber esto antes de irse. n Álex Jerez

el propio título se explica porque “me hacía gracia jugar con el concepto de imágenes sonoras de una etapa de mi vida, y me pareció una metáfora muy buena de lo que intento hacer yo, que es ser un poco más luminoso en mi vida y en mis canciones, porque ‘Deletrea’ era un disco más depresivo”. Esa luz impregna también unos ritmos que orientan a veces el radar a Latinoamérica, donde estuvo recientemente de gira con Nacho Vegas. “He estado oyendo mucha música africana y latinoamericana. Chicha peruana, música de Etiopía y de Mali, cosas asiáticas... así que es normal que el disco tenga un punto bastante étnico”. n Carlos Pérez de Ziriza Más en www.mondosonoro.com

Viva Belgrado Foto Rachel Demetz

Viva Belgrado, odisea post-hardcore Con el paso del tiempo, Viva Belgrado se han convertido en uno de los nombres indispensables del posthardcore facturado en nuestro país. Ahora los cordobeses vuelven con un segundo largo, “Ulises” (Aloud, 16), a la altura de las expectativas.

Y

a tenemos aquí uno de los discos nacionales más esperados del año, “Ulises”, el segundo largo de los cordobeses Viva Belgrado, una banda de carretera y manta, una banda en tránsito constante, como el héroe que da nombre al

nuevo álbum. “Escogimos ‘Ulises’ como título por dos referencias claras: el protagonista de ‘La Odisea’ de Homero y el título de la novela homónima de James Joyce”, comenta Cándido Gálvez, guitarra y cantante. “Nos parecía idóneo hacer un paralelismo para expresar la situación que vivimos con la banda, como si tratáramos de escribir desde la perspectiva de una suerte de Ulises. Pero no un Ulises heroico, sino un Ulises moderno en base a nosotros: vulnerable, cargado de dudas”, continúa el también letrista de la banda. En realidad, buena parte de las dudas se disiparon dos años después de su aclamado “Flores, carne”. “Ha mejorado nuestra autoestima en el sentido de que no creíamos que lo que hacemos fuera

“No puedo escribir sobre lo que no conozco” realmente apreciado. Ten en cuenta que venimos de una ciudad pequeña donde apenas hay escena y fuera de nuestro circuito siempre hemos sentido que se nos mira raro”. Los dos últimos años han sido “muy intensos y frenéticos” para el cuarteto de post-hardcore y post-rock gritón, con más de cien conciertos en trece países diferentes. Y claro, pasaportes, ciudades y aeropuertos acaban conformando el imaginario de un disco muy pensado,

menos improvisado que el anterior. “Los viajes nos dan experiencias que contar y durante los últimos años hemos vivido muchos. No puedo escribir sobre lo que no conozco así que mis experiencias personales marcan completamente el disco a nivel lírico”. Grabado, mezclado y coproducido por Santi García en sus Ultramarinos Costa Brava, “Ulises” es un disco continuista en el mejor de los sentidos, pero presenta agradables sorpresas.

“Hay nuevos registros, tanto líricos como instrumentales, y creo que hemos arriesgado. La variedad de este disco más que buscada es asimilada o aceptada. Como público disfrutamos de muchos estilos”. n Luis Benavides Más en www.mondosonoro.com

El productor y DJ madrileño Pional progresa más que adecuadamente. No en vano este nuevo “When Love Hurts EP” (Counter/Pias, 16) se lo publica el mítico sello londinense Ninja Tune.

L

a gente de Counter Records, subsello de Ninja Tune, fueron los primeros en contestar, cuando el manager de Pional, les hizo llegar “When Love Hurts EP”.

Para el madrileño es como un sueño que una discográfica de este calibre publique su música, compartiendo elenco con artista de la enjundia electrónica de Howling, Maribou State o David August. “Mucha ilusión sí. Son muy

‘pros’, es un gusto trabajar con ellos. Ya había sacado cosas con sellos ingleses -como Young Turks o Domino- así que poder formar parte también de la familia Ninja Tune es bastante top”. En este trabajo se muestra más emotivo, profundo, melódico y pop, suena “más Pional” que nunca. “Tengo un estudio grande, con muchos intrumentos y quería probar a hacer algo más acústico”.

No obstante que nadie sufra, no deja el club de lado. “Tengo bastantes EP’s solo de baile que verán la luz en los próximos meses. Si vas a un Dj set mío, o de Talabot, podrás escucharlos (risas)”. Dos de las principales cuestiones que han inspirado estos nuevos temas han sido el amor y la pérdida. “Siempre trabajaba con palabras aquí y allá pero

Pional Foto Archivo

Pional, je suis Ninja Tune sin crear una coherencia lírica”. Esa es su gran diferencia a nivel musical. “When Love Hurts” contiene cuatro temas que cuenta con la neoyorquina Empress Of que, entre otros, ha aportado su voz a los lanzamientos de Darkstar y Blood Orange. “Lorely es amiga de hace unos años, tenemos varios amigos en común como la gente de Terrible Records y el equipo de Young Turks. Fuimos a mi estudio, le enseñé el tema y al final me quedé con su voz”. Se nos despide con un breve alegato sobre su propia modestia y libertad creativa. “Trato de hacer lo que me sale, sin más pretensiones y sin pensar si es un sonido internacional, nacional...”. n Fernando Fuentes Más en www.mondosonoro.com

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Señores Foto Archivo

Señores, iluminando la distorsión La distorsión tiene un valor propio, pero en su nuevo trabajo, “La luz” (Cuatro Barbas, 16), Señores la arropan con melodías acercándose al pop poderoso de urgencia punk.

N

o es el cuarteto vasco gente que se mantenga ociosa, como bien apuntan ellos mismos. “Guille y Julen llevan la agencia Cuatro Barbas, un contenedor en el que reunir el trabajo de oficina que hacemos con Señores. Claudio y Goiko siguen con Larry Bird, su proyecto

paralelo. Goiko también tiene un proyecto de electrónica-pop junto al productor Ibon Aguirre, Minúsculo. Pero seguimos siendo los mismos cuatro personajes barbudos y pasionales y Señores es lo principal y lo que nos ocupa más tiempo”. No cabe duda que la propia evolución del grupo les ha llevado hasta este espléndido y, ya desde el título, esplendoroso “La luz”. “Por primera vez mira más hacia nosotros mismos y lo que hemos recorrido en estos cuatro años”. Que no es otra cosa que el paso por salas y escenarios que les han ido haciendo un hueco en el panorama estatal, por un lado. “Hemos tenido la suerte de participar en varios festivales bien chulos, pero

“Seguimos siendo de sudar la camiseta” seguimos siendo esencialmente un grupo de sala y de rock, de sudar la camiseta en cada concierto. Los festivales te dan mayor visibilidad de cara al público más general, pero el enfermo musical sigue yendo a conciertos de salas como hacemos los que somos más pasionales con esto”. Y por el otro lado, todo lo vivido les ha llevado hasta un grupo de canciones más redondas, más resueltas, más concretas, mucho más, digamos, canciones. “Sin duda sí ha

habido alguna evolución que viene de todos los directos que hemos dado. Hemos perdido la vergüenza a hacer un estribillo si una canción lo necesita. A veces, parece que se tiene miedo al estribillo o la melodía redonda, cuando es en lo que se sustenta toda la música popular de los siglos XX y XXI. Nos gustan los desarrollos y el ruido tanto como una melodía que te llegue”. Y líricamente vuelven a demostrar su gusto por la ironía sin olvidar el punto de compromiso. “La ironía y el sarcasmo son una forma de humor necesaria. Se ven cosas tan feas por ahí que dan ganas de echarse a llorar”. n Josetxo Río Rojo Más en www.mondosonoro.com

La banda granadina culmina un año de gira triunfal con “Maniobra de resurrección en directo” (Warner, 16), disco doble y DVD que recoge el baño de masas después de llenar dos noches la Plaza de Toros de su ciudad.

E

l encuentro tiene lugar en un céntrico hotel de Granada. Los hermanos José Ignacio y Víctor Lapido vienen de días complicados. Les acompaña el bajista, Jacinto Ríos. Ninguno de ellos han podido sentarse aún para analizar la espectacular impronta de “Maniobra de resurrección en directo”, doble álbum y deuvedé registrado en la Plaza

de Toros de la capital nazarí el 14 de mayo. Es el testimonio audiovisual del retorno de 091, dos décadas después de aquel mitificado “Último concierto” de 1996 en Maracena.

“No es frecuente que un grupo local llene dos veces una plaza para once mil personas”, reflexiona José Ignacio, compositor de un repertorio que ha envejecido con audacia profética. Desde 2005, sólo Depeche Mode y Bruce Springsteen habían petado el recinto taurino. “Lo que más impresión me dio fue ver a toda la gente cantando. Que se supieran tan bien todas las letras”, añade Jacinto.

Cerca de treinta canciones con siete títulos que no se recogieron en la gira de despedida del 96. “Hacemos nuevos arreglos, como en ‘Sigue estando Dios de nuestro lado’,

16 l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l MondoFreako

091 Foto Archivo

091, rock en el ruedo

con la visión que tenemos en la actualidad.

Quizá hemos madurado como músicos”, señala Víctor, miembro de Grupo de Expertos Solynieve y bregado entre 2004 y 2011 en Lagartija Nick. “El reto de resucitar el grupo ha implicado asumir que fuimos una banda

que no paró de tocar y de grabar discos durante catorce años. Ahora teníamos que ser capaces de retomar aquella forma musical después de dos décadas fuera del circuito”, comenta José Ignacio. n Eduardo Tébar Más en www.mondosonoro.com

Depedro Foto Archivo

l

mondo freako

Quique González revisa a Bruce Springsteen

Pablo Bolívar Foto Lester Freamon

Aprovechando que Bruce Springsteen publica su autobiografía, “Born To Run” (Malpaso 16), recuperamos los diez temas favoritos del Boss para Quique González.

“Thunder Road” de “Born To Run” (1975)

Pablo Bolivar

Una de esas canciones en las que te quedarías a vivir. Un prodigio.

Acaba de publicar su álbum “The Obscure Figure” (Seven Villas, 16), en el que colaboran Upercent o Dosem, demostrando además que no baja la guardia en ningún momento.

“Cadillac Ranch” de “The River” (1980) Rock and roll de una banda de club, una juerga que te pone de muy buen humor.

“Atlantic City” de “Nebraska” (1982) La letra comienza con el asesinato de un jefe de

¿Qué disco nunca falla en una sesión

la mafia de Philadelphia. Cuando entra la parte

tuya?

“C” es increíblemente emocionante.

Últimamente “Evanescent (Pablo Bolivar “Bobby Jean” de “Born In The U.S.A.” (1984)

Remix)” de John Vermont.

“Nos gustaba la misma música, nos gustaba la Por contra, ¿cuál de tus discos favoritos nunca ha sonado en una sesión tuya?

Tengo el álbum de Vakula en vinilo, pero aun no se ha dado el momento de incluirlo en un mix. ¿Techno, electro, house, trance…?

Todo tiene su momento.

misma ropa”. A mí me encanta el “Born In The

Depedro, la vida es un viaje

U.S.A.” al completo.

“Born To Run” de “Born To Run” (1975) Una de las canciones más heroicas de la historia del rock and roll.

“Girls In Their Summer Clothes” de “Magic”

mientras está pinchando?

Que se le acabe un track por estar distraído. ¿Qué es lo que más te gusta y lo que más odias de otros Dj’s?

Me gustan los gestos/movimientos al pinchar. Odio la prepotencia de algunos. ¿Qué es lo que más te ha costado aprender a la hora de pinchar?

Con los años aprendes a leer la pista de baile. ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s?

La música electrónica se ha convertido en un negocio de multimillonarios, muy triste, pero aún quedan muchos auténticos. ¿Qué opinas de los músicos que pinchan?

Me imagino que es divertido para muchos, pero los hay muy malos. ¿Cuáles son tus Dj’s actuales favoritos?

El número uno siempre será Laurent Garnier, pero también me gusta mucho Bonobo. ¿Bebes o haces cosas malas mientras estás pinchando?

Ya no. ¿Cuántos discos sueles comprar en un mes?

Más de diez. n

Jairo Zavala echa la vista más allá de los mares para aprender y enriquecer su música. “El pasajero” (Warner, 16) es la demostración de que, por el momento, va por muy buen camino.

A

l margen de eslóganes cerveceros paridos de un brainstorming en una agencia de publicidad, existen los “ciudadanos de un lugar llamado mundo”. Jairo Zavala demuestra ser uno de ellos cada día, pateándose el globo terráqueo tanto como Depedro como músico de Calexico. Con “El pasajero” lo vuelve a hacer: se convierte en un cantor costumbrista que abre más que nunca su paleta sonora. La principal, su acercamiento a África en pleno rodaje del documental “Casamance: la banda sonora de un viaje”, que sirvió como catalizador y primer motor creativo. “Me costó mucho terminar un bloque de canciones como para hacer un disco. Y gracias a ese viaje a Senegal me reencontré con música que escuchaba en mi niñez: mi madre vivió en África y la música de allí siempre ha estado presente en mi casa; y este viaje hizo que se desbloqueen algunas puertas que me estaba costando abrir”. Un viaje literal que lo llevó a incursionar más que nunca no sólo con ritmos africanos

y latinoamericanos (“viajo mucho por el Primer Mundo, pero no es el más interesante”), sino también con sonoridades sinfónicas (a cargo de Tom Hagerman, de Devotchka), en contar con colaboradores mestizos (Enrique Bunbury, el francés Naim Amor y la guatemalteca Gaby Moreno) y en perfilar ese discurso apátrida y fronterizo que es una de las marcas de agua del proyecto. “Me he puesto menos límites estéticos y he sido más extremista a la hora de buscar otros colores musicales. No está intencionado: siempre me intento dejar llevar por la canción”. Un viaje que lo ha encontrado cediendo el testigo de la producción a Craig Schumacher.

“Siempre había producido mis discos, y en este caso quería quedarme al otro lado del telón para centrarme más en la interpretación y que otro decida hasta dónde podíamos llegar”. Un viaje circular, mestizo y polirrítmico que nos invita a reflexionar y profundizar, pero también a no dejar que la vida nos pase por delante.

“El más placentero y el que más te hace reflexionar es el viaje de vuelta a casa, cuando te das cuenta de lo que traes de vuelta en la maleta y el que te permite compartir eso con la gente que quieres.

En ‘El pasajero’ es importante no quedarte en la superficie, y ser un pasajero en tu propia vida, pero no un espectador”. n Alan Queipo

(2007)

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los mejores discos dobles de la historia. n

Ligera, veraniega, fuera del tono habitual de Bruce, de mis favoritas dentro de los últimos discos.

Quique González Foto Archivo

¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj

“Light Of Day” de “In Concert. MTV Plugged” (1987) Mucha grasa y mucha urgencia en una canciónapisonadora.

“Jungleland” de “Born To Run” (1975) No se puede terminar mejor un discazo como “Born To Run”.

“My Best Was Never Good Enough” de “The Ghost Of Tom Joad” (1995) La he escogido porque me gusta lo Dylan que suena Springsteen aquí, el fraseo es muy distinto al habitual en Bruce.

“The River” de “The River” (1980) He intentado no elegirla, pero me resulta imposible dejarla fuera. La estrella dentro de uno de

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CHAMANES y adolescentes Los cuentos y fábulas de tribus y pueblos indígenas nos hablan sobre respetar los ciclos de la vida/muerte/vida para poder vivir realmente. Así sucede con el nostálgico pero vigorizado debut ,“Star Of Love”, seguido por el dance-folk de “Cave Rave” y finalmente, su luminoso nuevo álbum, “Everything Is My Family” (Pias, 16).

Q

uizás todo eso de los ciclos de la vida y la muerte no tenga demasiado peso aquí y simplemente se trata de que “Everything Is My Family” es su disco más bailable y comercial hasta el momento y no hace falta buscarle ningún rollo trascendental.

“Me sorprende que lo veas así. Algunos temas puede que sean más comerciales, pero también los hay más raveros.

Hemos intentado escribir canciones que nos gustaran, en la línea del primer disco, con una producción similar y recuperando ese espíritu bailable.

Hacia el final del disco, las canciones se expanden y tienen un rollo más psicodélico”, contesta al otro lado del teléfono Sebastian Pringle, líder del grupo. “Te-

mas como ‘In Your Arms’ o ‘Yellow Sun’ sí que tiene un rollo más indie-dance, canciones felices con las que la gente puede conectar”.

“

Everything Is My Family” fue escrito en parte durante los viajes que los miembros del trío emprendieron por separado en Perú, Costa Rica, Canarias, Maine… y la otra mitad escrita en el mundo occidental. Un binomio que cuenta con instrumentos y ritmos de Brasil o Nigeria combinados con bases electrónicas incansables (“Good Girls”), coros gospelianos vitalistas (“Moondog”), aderezos psicodélicos (“Fly East”) y un tímido punto ravero que recuerda a “Star Of Love”. “Ha sido una experiencia totalmente transformadora. No sé si la música lo refleja totalmente, pero sin duda ha quedado parte de esa huella.

Conectar de nuevo con la naturaleza, con el fuego, la tierra, el agua y los sentimientos. Hey, todo es mi familia, por eso hemos puesto este título al disco, porque todo está conectado”, asegura Bast. Si “Cave Rave” se centraba en precisamente recuperar esa intimidad con la naturaleza, su tercer disco parece abocado a un romance constante en su temática. “Las letras tienen distintas capas de significado; no versan todas sobre el amor en un sentido romántico. Hay otro sentido bajo todo eso. No queremos

18 l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l Entrevistas

“Conectar de nuevo con la naturaleza, con el fuego, la tierra, el agua y los sentimientos... Hey, todo es mi familia” decirle a la gente necesariamente cómo debería entenderlas. ‘In Your Arms’ por ejemplo, habla del amor en un sentido espiritual, divino, como hacia una fuerza mística. ‘Good Girls’ o ‘Yellow Sun’ sí que son más obvias y tratan sobre un romance. ‘Living The Dream’ tiene doble significado, como todas las canciones que hacemos”, asegura el cantante. ¿Hay lugar también para el amor fraternal? “Ways I Can’t Tell” podría parecer dedicada a Andrea Marongiu, batería del grupo que falleció repentinamente en 2014. “Esa habla de amor, pero de otra manera y sí, está dedicada a él. Aunque hay más. ‘Lay Low’ también la compusimos con Andrea en la cabeza. Uno puede seguir adelante o hundirse en un pasado que no puedes cambiar”.

C

on todo, han conseguido hacer un disco que enloquecerá a las generaciones que descubrieron “Love Natural” y con el que terminarás bailando en algún festival, ¡aunque reniegues de ello! Bastian sonríe ante esa idea. “Lo hemos pasado muy bien con este disco.

Seguimos siendo muy buenos amigos y se nota y los directos son mejores que nunca”. Quizá sea su fuerza en vivo lo que hace que cada vez lleguen a un público insultantemente joven. “De veras, no hay ninguna intención de llegar a esa audiencia. De hecho, las últimas canciones al ser más rock psicodélico y experimental pensamos que no les gustarían, porque son más cercanas a la música rock setentera. ¡Yo no sé qué pasa en España! ¡Es un fenómeno paranormal!”. Con “Star Of Love” descubrieron el mundo y nosotros a ellos; “Cave Rave” dibujó una visión y, finalmente, “Everything Is My Family” parece ser la culminación de esa historia. “Es un disco mucho más positivo que nuestro debut, que tiene un rollo muy melancólico e incluso un punto de rabia y tristeza. No era nuestra intención en su momento, pero si lo escuchas te das cuenta de que es así. En cambio, “Everything Is My Family” es mucho más alegre y vitalista, pese a todo lo que nos ha pasado. Ya sabes, como dicen en Costa Rica, ¡pura vida!”. n Marta Terrasa

Crystal Fighters Foto Jackson Grant

Crystal Fighters

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POESÍA EN EL CAOS Vivimos para esto. No por Kate Tempest, faltaría más, pero sí para poder encontrar oro de vez en cuando, para poder revivir ese momento en el que, de pronto, y sin saber muy bien por qué, unos cuantos pajilleros de la música estamos de acuerdo en que hemos dado con algo que sabe distinto y que parece que alimenta más que todo lo demás. Y eso es “Let Them Eat Chaos” (Caroline/Music As Usual, 16).

S

í, conocemos ya los ingredientes, pero Tempest los mezcla como nadie antes. Puede que sea porque a nuestra protagonista no se la puede llamar cantante ni rapera, sino poeta o escritora. Y aquí viene la dificultad: la versión original sin subtítulos. Está en la célula durmiente de Sound Of Rum, acaba de publicar su segundo álbum en solitario, “Let Them Eat Chaos” y nos ha dejado destrozados y felices. Pero Tempest también escribe poesía, narrativa y teatro. Ha sido traducida al castellano en “Mantente firme” (La Bella Varsovia) y la compañía catalana de teatro Íntims Produccions ha estrenado “Wasted”, llevando este animalario anglosajón a las calles de Lleida con éxito. Aun así la verás etiquetada como artista de pop-rock o de hip-hop, se-

gún la fuente. Pero ella no es Jenny Hval, la experimentación dura le importa un pito, de momento. No es Sleaford Mods, hace bandera de una nueva generación que ya tiene suficiente con la inmigración y la paranoia del siglo XXI como para ocuparse de lo que es o no punk. Tempest no es más que una chavala de la calle que se asoma a la ventana de tu casa cuando no miras, y le cuenta al mundo lo que ve desde fuera con fidelidad y fiereza. Su lenguaje es directo y preciso, quiere hacerse entender. No te amilanes al escuchar ese acento con el que parece que mastica algunas palabras. Es británica pero no se siente especialmente orgullosa de ello como les pasaba a los protagonistas de aquel clavo ardiendo que fue el britpop.

La vida no sabe mejor por vivirla en el Reino Unido, es simplemente lo que le ha tocado. Es aquí y ahora.

Y

claro, escuchar y entender “Let Them Eat Chaos” se puede calificar como un placer artístico.

De hecho, a Kate se la oye nombrar en mentideros gentrificados y hipster, pero esta es otra cosa de las cosas con la que nuestra amiga estará moviendo los hombros y cerrando los ojos. ¿Qué iba a hacer alguien que ahora comparte escenario con el gran John Cooper Clarke? Pues mirar hacia otro lado y seguir observando la idiotez y la desesperación que la rodean.

Porque ella lo vale, porque si Cooper Clarke fue el poeta del punk, y con un verso hace rock mayúsculo, Tempest parece

“Yo hago hip-hop de un modo natural porque es el tipo de música que escucho, pero también probablemente por la época en la que vivo” que hace un nuevo hip-hop, aunque puede que sea, ni más ni menos, que la poeta de su generación, que además graba unos discos que nos traen como locos. (Kate Tempest) “Bueno, solo he estado haciendo de telonera para él en unos cuantos conciertos, y tuve la suerte de poder compartir con él un par de cigarrillos, pero no es que hayamos escrito juntos ni nada de eso, sino que hemos actuado en el mismo escenario. Y estoy de acuerdo con lo que dices de su ritmo. Hay gente que no necesita un apoyo musical para hacer música con lo que lee, y con muy pocos elementos puedes estar viendo la actuación de tu vida. Y lo que yo hago es hip-hop de un modo natural porque es el tipo de música que escucho, pero también probablemente por la época en la que vivo en la que se han hecho algunos de los álbumes más grandes de hip-hop.

No sé si es mi género, pero la cuestión es que yo escucho siempre primero las letras, por eso me imagino que mis referencias han terminado viniendo por ahí desde que era pequeña”.

N

ecesitaría que me contaras por qué has elegido una hora en concreto para vertebrar el disco, y por qué son las cuatro y pico de la mañana; que me aclares finalmente si sientes que te estás abriendo a más estilos que el hip-hop; y por qué vuelves, como en “Wasted” a hacer un retrato detenido de la gente ordinaria, con perdón. “La razón por la que he elegido una hora concreta de la madrugada es porque deja libres un montón de posibilidades narrativas para construir cada uno de los personajes. Si te preguntas quién está despierto y por qué a las cuatro y dieciocho de la mañana, te vas a encontrar a personas en un momento y un lugar muy vulnerable de sus vidas. Es interesante para mí pensar en ese momento y en esa hora porque si me encuentro despierta antes del amanecer, es que algo no va demasiado bien, y puede que esté bloqueada en unos pensamientos que pueden ser, sin embargo, muy reveladores. Sobre si el disco es de hip-hop o es más abierto, la verdad es que es cuestión de cada cual, pero he trabajado mucho para mejorar mi flow, y hacer algo mucho más ambicioso. n Jorge Obón Kate Tempest actuará el 8 de noviembre en Barcelona. Más en www.mondosonoro.com

Entrevistas l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l 21

22 l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l Entrevistas

Agorazein Foto Alfredo Arias Asistente iluminaciรณn Sergio Albert

AGORAZEIN

ROCK & ROLL Es, si la memoria no falla, la primera vez en veintidós años de MondoSonoro que nuestra portada la ocupa un disco que no cuenta, a priori, con edición física. C. Tangana, Fabianni, I-Ace, Jerv.agz y Sticky M.A. (esto es, Agorazein) y esa esperada inmersión en el terreno del Autotune, el reguetón y la bass music que es “Siempre” son emblema de un cambio de paradigma.

E

n una red social encuentro la siguiente declaración de principios a propósito de “Supersonic”, el documental sobre Oasis: “El rock & roll es victoria, ganar y quedarse con todo.

Es arrogancia, chulería y desproporción.

Es boxear”. “El rock & roll es follarse a vuestras hermanas”, añadiría. Y todo eso es Agorazein. A estas alturas conocerás la historia… AGZ todavía eran unos enanos cuando, a caballo de Madrid y Colmenar Viejo, comenzaron a ganarse el respeto en las plazas con Crema al frente. El niño prodigio que aprendió el juego con los temas del Charlie, el chulito que escribía del barrio dejando entrever su lado sensible, se interesó tanto por las palabras que acabó rellenando el formulario para entrar en las aulas de Filosofía.

A su lado Manto, Jerv.agz y Blanco -desaparecido de un tiempo a esta parte-, con Fabianni siempre guardándoles las espaldas. Y un reguero de lanzamientos directos al streaming y la descarga, gratuitos porque there’s-no-money-honey, cada uno de su padre y de su madre, evidenciando una evolución que dejaba a algunos fans tirados en la cuneta mientras multiplicaba otros nuevos por tres.

Crema pasó a llamarse C. Tangana, Manto se rebautizó como Sticky M.A. y con el cambio de alias llegó una nueva revolución, más ruidosa si cabe, que provocó lágrimas de cocodrilo (¡y aún no habían llegado los patrocinios!) y adhesiones que crecieron de forma exponencial.

Más o menos por aquella época hicieron su primera aparición en las páginas de MondoSonoro con una entrevista en la edición local de Madrid, poca cosa para los (palabras de Los Chikos Del Maíz) “A Tribe Called Quest españoles”. El estreno en nuestra web un par de años

después de “LOVE’S” de C. Tangana nos hizo trending topic; al final de año el disco se aupó al Top 10 de la revista.

“Carlotta Cosials quiero casarme contigo”, el beef, las fiestas de San Isidro y La Mercè, Rosalía y los cinco millones de visionados de “Antes de morirme”...

Así hasta este noviembre de 2016 en que el contador se pone a cero de nuevo. (C. Tangana) “Vamos a hacer lo que nos salga de la polla. Yo ahora vivo de la música. Y además que sé currar, tengo dos manos y no tengo ninguna lesión.

Así que le dan por culo, haremos lo que nos dé la gana y si a la gente no le gusta el Autotune que no nos escuche.

Si damos conciertos de cien personas pues cien personas”. (Fabianni) “Como si debiéramos algo a alguien. Sinceramente, no les debo nada. Y lo que dice Pucho, todos sabemos ganarnos la vida y no necesitamos vivir de esto. Que si lo podemos hacer perfecto, pero me hace mucha gracia la gente que escribe en plan ‘¡Nos habéis defraudado!’”. (C. Tangana) “¡Tú sí que me has defrau-

“Lo que nosotros hacemos es parecido al sonido tendencia en todo el mundo pero con un rollo más frío, más europeo” dado, cabrón! Qué haces en tu casa hablando mierda de unas personas a las que respetabas. El público de AGZ es el que a mí me ha defraudado”. (Sticky M.A.) “Con cada trabajo que hemos sacado ha pasado eso. Cada disco era diferente para su época y siempre hemos tenido haters”.

P

ucho (C. Tangana), Fabi (Fabianni), Manu (Sticky M.A.) y Jerva (Jerv. agz) acuden a la cita a la que solo falta el otro productor, Isidro aka I-Ace. Es la primera para promocionar un disco que, en el momento de la entrevista, todavía está en la cocina de Banana Bahía Music, poco menos que coautores de una pirueta marcada por el Autotune, los

subgraves y la 808. (C. Tangana) “Producen casi todo el disco, lo mezclan y lo masterizan. Es un crédito importante, porque en realidad somos nosotros más Kongo (Kongo Lacosta), Rolo (Royce Rolo), Kopy (Pablo Martín) y César (Elecesar). Y hay un par de ritmos también de horror.vacui, uno de White Noise, uno de Judah y uno de Alizzz. Nosotros seleccionamos los ritmos, los arreglos, metemos ritmos de otra peña que luego ellos pueden arreglar. Si ahora mismo Banana son de los mejores para qué vamos a intentar imitarles”.

A

la hora que buscar un referente dentro de casa ¿qué tal el “Chill Trill EP” (2014) de Sticky M.A.? ¿Ha terminado por llevarse Sticky a Agorazein a su terreno? (C. Tangana) “Cierto. Y el protagonismo del último vídeo también se va hacia él. Incluso el peso de los temas. No sé al final cuantos temas tenemos cada uno pero…”.

(Fabianni) “Y cuántos empezó él…”. (C. Tangana) “Eso está bien. Yo tengo una carrera en solitario que puede ser lo que sea, pero cuando somos un grupo es lo que manda en cada momento”.

P

ese a no ser precisamente unos recién llegados, “Siempre” es el primer trabajo de AGZ desde que el colectivo figura en la agenda de los medios, de revistas de tendencias a diarios generalistas. Lo dicen en “Panini”: “Sonar por toda la ciudad / Mi nombre en prensa nacional / Aforo lleno no cabe más / Raperos que me quieren matar”.

También una apuesta abierta por un sonido con vocación internacional. (C. Tangana) “Movida europea, tío, lo que nosotros hacemos es parecido al sonido tendencia en todo el mundo, pero con un rollo más frío, más europeo. En Francia por ejemplo PNL han reventado, son uno de los grupos más importantes del país a todos los niveles y lo han cambiado todo”. Pesa el Autotune y se adelantan a las críticas de quienes les señalan como cipayos de la causa hip hop. “Tenemos mucha carretera pa rodar / saludo a los haters que se quedan por detrás” (“Carretera”). Pioneros en la búsqueda nuevos espacios para su música y también para la de otros iconoclastas del rap ibérico (esos que en el decisivo concierto de San Isidro 2016 delante de cuatro mil personas se pusieron bajo el paraguas de AGZ Familia) se lanzan a las trinche-

“Que le den por culo, haremos lo que nos dé la gana y si a la gente no le gusta el Autotune que no nos escuche” ras del conflicto intergeneracional para justificar la más que probable incomprensión que va a generar su apuesta en determinadas plazas. (C. Tangana) “Lo que ocurre es que han variado todas las referencias. Los que están por encima de los cuarenta no escuchaban reguetón ni música electrónica cuanto eran jóvenes. En nuestro caso hay músicas y estilos que escuchamos de forma natural aunque no queramos. Ese es el cambio”. (Fabianni) “Que estemos en el BBK es un poco anecdótico y hay que seguir trabajando en ello porque además esto no iba de que sólo nosotros pudiésemos estar allí. Nuestra idea es que se echen a un lado los prejuicios, que se levanten las barreras y se trate a la música como lo que es: música. Igual que en Estados Unidos o en muchas otras partes del mundo tocan Drake o Kendrick y a continuación Tame Impala”. (C. Tangana) “Para el público joven, que está atento a las tendencias, este debate no existe.

Pero quien toma las decisiones en los festivales, en los medios, suele ser varón blanco de más de cuarenta”. (Jerv. agz) “Raza blanca tirador…”. Error. No es aquí donde se discute el valor de un disco como “Siempre” o la valentía a la hora de plantear un discurso que mira de frente a reguetoneros superventas como J. Balvin o Fuego desde un planteamiento autóctono y rabiosamente independiente, en lo artístico y también en lo puramente industrial. (Fabianni) “De hecho MondoSonoro sois un buen ejemplo de la actitud correcta: sacáis a todo dios, de todos los palos, y no se os caen los anillos por ello. Por desgracia no en todos los sitios es así”. “El rock & roll es victoria, ganar y quedarse con todo. Es arrogancia, chulería y desproporción. Es boxear”. Siempre. n Luis J. Menéndez

Entrevistas l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l 23

“ E S CO M O L A M Ú S I C A D E IGGY PO P : SA LVAJ E , D I V E RT I DA Y CO N T U ND E NT E .”

LA VA N GUA R DI A

UNA PE L Í CUL A DE

J I M JA RM U S C H

NEW ELEMENT PRESENTA UNA PRODUCCIÓN DE LOW MIND FILMS UNA PELÍCULA DE JIM JARMUSCH “GIMME DANGER”JIM OSTERBERG COMO IGGY POP RON ASHETON SCOTT ASHETON JAMES WILLIAMSON STEVE MACKAY MIKE WATT KATHY ASHETON DANNY FIELDS DISEÑO DE SONIDO ROBERT HEIN ANIMACIÓN JAMES KERR EDICIÓN AFFONSO GONÇALVES ADAM KURNITZ DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA TOM KRUEGER PRODUCTORES EJECUTIVOS SERGE LOBO JOSÉ IBÁÑEZ JON KILIK PRODUCIDA POR CARTER LOGAN FERNANDO SULICHIN ROB WILSON ESCRITA Y DIRIGIDA POR JIM JARMUSCH

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Lee Fields

Niño de Elche

Soleá Morente Fotos David Pérz Marín

conciertos

Monkey Week Recinto: Alameda de Hércules de Sevilla (diversos escenarios) Fecha: 13-16 de octubre Por mucho que haya quien añore el pescaíto frito y la familiaridad de las tabernas del Puerto de Santa María (Cádiz), el traslado del Monkey Week a Sevilla se ha saldado con éxito. De hecho, el festival ha doblado el número de asistentes a sus jornadas profesionales y estima un aumento de público de los 5.000 del año pasado a los 8.000 de este año. Es obvio que nunca llueve a gusto de todos, y la prueba es que desde algunos sectores de la sociedad sevillana ya se han criticado el ruido y las molestias que acarrea la cita a quienes residen en las inmediaciones de la Alameda de Hércules, que es su nuevo entorno urbano. Doctores tiene la iglesia entre la prensa local que ya se han pronunciado al respecto, aunque desde un punto de vista externo, quienes venimos de fuera -y soportamos con estoicismo la insufrible jarana de festividades como las Fallas de Valencia, durante más de una semana del mes de marzo- no podemos menos que relativizar y poner en cuarentena cualquier mohín de esa índole. Más aún cuando el entorno de la Alameda sevillana se nos antoja como uno de los mejores circuitos urbanos de música en directo de los que nunca hemos podido disfrutar, imbricando la música pop en enclaves de la ciudad de indudable belleza, al estilo de lo que hacía -y aún en parte mantiene- el BAM de Barcelona en sus mejores tiempos. Sevilla no solo ofrece infraestructuras consolidadas (un gran espacio abierto para acoger dos escenarios, una

red de pequeñas salas cercanas, un amplio centro cultural como base de operaciones, un teatro y la cercanía al Teatro Central, con tan solo cruzar el río), sino que también acercaba el festival a una capital mejor conectada con el resto del estado, que es de donde al fin y al cabo procede la mayoría de participantes en sus jornadas profesionales y gran parte del público. El Monkey Week consolida, con este traslado, su carácter de cita híbrida, mitad feria musical, mitad festival de pequeño formato, funcionando como punto de encuentro de diferentes agentes de la industria musical y expositor de una larga retahíla de conciertos y showcases, configurados a modo de menús de degustación.

En el apartado estrictamente musical, el Monkey se saldó como un variado muestrario de algunas de las tendencias más efervescentes del underground estatal, con especial protagonismo -como es en cierto modo lógico- de bandas de la zona. Los principales titulares, no obstante, se los llevaron los tres músicos que coparon cada una de las noches del Teatro Central: Michael Rother (Neu!, Harmonia), Lee Fields & The Expressions y Niño de Elche con Los Voluble. Al primero de ellos no pudimos verle, pero sí a los otros dos: el veteranísimo Lee Fields (sesenta y cinco años), acompañado de sus Expressions, ofició de inconmensurable soulman de la vieja escuela. Su relectura de las enseñanzas clásicas no aporta un plus de imaginación (ni falta que le hace, él mismo prácticamente pertenece a esa misma generación), ni tritura ortodoxia alguna, pero derrocha oficio, sudor y veracidad. Lo que al fin y al cabo puede esperarse de esta clase de veteranos de guerra, resca-

tados para la causa del soul clásico. Por lo que resspecta a Niño de Elche con Los Voluble, su espectáculo fue igual al del Sónar hace unos meses: siviéndose de jadeos y onomatopeyas, pasándose la tradición del flamenco por el forro y valiéndose de proyecciones de una crudeza reveladora, que mostraban el sangrante drama de la inmigración, ese quiste que amenaza con conducir Europa a la necrosis, mostrando imágenes de pateras que vuelcan, turistas tomando el sol junto a cuerpos que llegan inertes a la playa o la alambrada fronteriza que separa Marruecos de España.

De nuevo, en un punto equidistante entre los arrebatos ruidistas, el ambient, la música electroacústica, la electrónica de desguace e incluso la incitación al trance en su recta final.

Y de nuevo tremendo, hay que decir.

El resto de la programación del Monkey Week fue una interminable sucesión de actuaciones breves que encapsulan el potencial de sus artífices en conciertos de algo más de media hora, dando forma a una programación inabarcable de más de doscientas actuaciones, así que no nos tengan en cuenta la ausencia de nombres, porque al final no queda más remedio que diseñarse una ruta a la medida de cada cual. En la franja alta, como actuaciones destacadas, mencionar a los sevillanos All La Glory, dando buena cuenta de por qué su “Everybody’s Breaking Everybody’s Heart” es uno de los grandes discos estatales del año, balanceando entre las guitarras heredadas del Nuevo Rock Americano y las legadas de la tradición power pop. También sobresalieron el rock recio de hechuras norteamericanas de los vitorianos Izaki Gardenak, la forma de regurgitar el

legado indie rock de los noventa y el hervor post-hardcore de los ampurdaneses Cala Vento, cuyo directo crece exponencialmente, los gaditanos Holögrama demostrando que el magnetismo de su cruce entre el trote motorik del kraut, vapores psicodélicos y electrónica de desguace no mengua, o la rocosa e intensa puesta en escena de los sevillanos Miraflores y su rock cavernoso de estirpe australiana y ascendiente detroitiano, así como el solvente concierto de Chencho Fernández en el escenario grande de la Alameda o el músculo shoegaze de los murcianos Noisebox.

En la zona más templada, sin generarnos tanto entusiasmo pero deparando momentos de indudable interés, el granadino Enrique del Castillo haciendo gala de su electrónica intrigante al frente de su proyecto Las Barbas Indómitas; los daneses The Magnolia Shoals coqueteando con la serena y elegante gravedad de bandas como The National o Tindersticks; Solo Astra con su pop a ratos atmosférico y otras veces acuoso, de corte hipnagógico y levemente psicodélico; el aún indefinido y algo convencional discurso de Soleá Morente, que carece del pellizco de las relecturas más eléctricas del legado que digiere, pero también del de las más aflamencadas; la buena factura -pero también la linealidad- de las canciones de Nothing Places; el oscurantismo rock de Trepàt -que se antoja demasiado deudor de El Columpio Asesino- o el atronador pase del one man band madrileño King Cayman, despachando actitud punk y furibundos perdigones de factura lo fi. El año que viene, más. Y seguramente, mejor. n Carlos Pérez de Ziriza

Conciertos l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l 25

Xoel López

Love Of Lesbian Fotos Jaime Oriz

FIZ

Sala: Multiusos (Zaragoza) Fecha: 1-1016 Promotor: Producciones Animadas/ MPH/Ayuntamiento de Zaragoza Existen dos FIZ (Festival Independiente de Zaragoza): el que duró hasta 2011 y que apostaba por bandas emergentes españolas y artistas extranjeros que bien contaban con reconocimiento mundial o significaban propuestas arriesgadas y diferentes, muy difíciles de poder ver en Zaragoza; luego está el posterior, el que está contratando a los máximos exponentes del (mal llamado) indie español y figuras internacionales no tan relevantes como las de antaño, pero que dan cierto pedigrí por eso de ser de fuera. Por supuesto, el público ya no es el mismo tampoco, ni sus motivaciones, por lo que seguir echando de menos los viejos carteles ya se antoja vacío e inútil. El festival funciona mejor que nunca y las entradas vuelan. Sin embargo, existe una banda que ha triunfado en ambas

facetas del FIZ. Hablamos, por supuesto, de Love Of Lesbian. Imbatibles e infalibles, son un valor seguro y han sabido ganarse el corazón de dos generaciones. Santi Balmes y los suyos eran la gran baza del evento y las miles de personas que abarrotaron la Sala Multiusos lo atestiguan. Love Of Lesbian se propusieron hace años crear su propio universo musical, con cuentos tan tiernos como crueles y melodías pop que evitan el conformismo.

Lo consiguieron, y allí que se han quedado a vivir, tan a gusto. “El poeta Halley” es su última obra pero sus temas son ya recibidos con entusiasmo. Igual da que empiecen con “Cuando no me ves” y “Bajo el volcán”, son tan bien recibidas como “Los seres únicos” o “Allí dónde salíamos gritar”. Tan aprendida tienen la lección que saben ofrecer conciertos casi sin altibajos, a pesar de sacrificar las exquisiteces de sus primeros tiempos. Pero es que a ver quién es capaz de resistirse a las pletóricas “Club de fans de John Boy” e “Incendios de nieve”. Pero como manda una inexplicable ley del FIZ, tenía que abrir la noche una banda

de la ciudad (nunca se arriesga a dar mayor protagonismo…) y en esta edición Calavera fueron los escogidos. Ya acostumbrados a actuar tanto en pequeños recintos como en grandes arenas (ya telonearon el año pasado a Vetusta Morla), no tienen miedo a apostar cada vez más a la recreación de atmósferas y a escapar de los planteamientos del rock indie más trillados. Ya son tan certeros tanto en temas que ya son clásicos en su repertorio (“Escalador”) como en las nuevas composiciones. La oportunidad de contar con un público atento y no masivo les ayudó a desplegar el mejor sonido de la noche, sin estridencias.

Porque por si algo también destacó esta edición fue por el atronador volumen que tuvimos que resistir en algunas de las actuaciones. A Belako no les sentó tan mal en el fondo. El cuarteto es mucho más agresivo, sucio e interesante en directo, y esa fue su apuesta desde el principio. Mucho mas punk que pop. Sin dar respiro dispararon lo mejor de sus dos discos, logrando grandes momentos como los vividos con “Sea Of Confusion” y

“Track Sei”. Carlos Sadness también recurrió a un volumen atronador, pero es inevitable pensar que en muchas ocasiones lo hizo para ocultar sus carencias en la voz y en composiciones menos inspiradas (su colaboración con Santi Balmes en “No vuelvas a Japón” fue el mejor ejemplo: sonido plano y machacón).

Salvó el concierto porque es un experto en melodías juguetonas y pegadizas que sus fans reciben con los brazos abiertos (“Bikini”, Qué electricidad”). Mejor manejó su actuación Xoel López, con una carrera que vive una segunda juventud tras su reinvención en casi un cantautor. Supo aprovechar la belleza y delicadeza de “Tierra”, “Todo lo que merezcas” y “Hombre de ninguna parte” pero no dudó en sacar garra y músculo (y recuperar a Deluxe) con “Que no”. En constante crecimiento, aún le quedan muchas alegrías que dar. Para los más trasnochadores aún les quedaba el rock vigoroso de The Strypes, la infalible fiesta de We Are Standard y la electrónica bailable de Digitalism; otros nos despedimos hasta el año que viene. n Jaime Oriz

Conciertos l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l 27

Bo Ningen

Mar Otra Vez Fotos Alfredo Arias

Villamanuela Recinto: varios escenarios (Madrid) Fecha: 07-10-16 Promotor: Giradiscos

La cuarta edición del Villamanuela vuelve a llenar el centro de Madrid de riesgo musical y propuestas únicas con un combo imposible que oscila cada vez más hacia la electrónica y no solo en horarios nocturnos. Villamanuela lo ha vuelto a hacer, sigue teniendo por bandera el mayor de sus logros y es el de crear un festival para descubrir o redescubrir figuras destacadas y de culto fuera de los circuitos comerciales. Este año los dominios del festival han seguido expandiéndose más allá de su centro neurálgico situado en Malasaña y Conde Duque, lo que ha hecho casi una aventura frenética el moverse de un escenario a otro o intentar surfear los constantes solapamientos horarios. El viernes comenzó fuerte con uno de los directos más salvajes del festival, a cargo de los japoneses Bo Ningen, una absoluta locura de psicodelia noise completada por una puesta en escena impagable, llena de melenas al viento, moli-

nillos guitarreros, escorzos imposibles, muecas terroríficas y todas las formas posibles que se puedan imaginar a la hora de tocar un bajo y una guitarra. Cambio de tercio radical con la actuación del británico Andy Stott y su maravillosa forma de entender el techno.

Sus pads eternos, su sonido potente y limpio, sus bases rotundas, llenaron el teatro Joy Eslava de una atmósfera oscura y completamente impecable. Le tocaba el turno a Lena Platonos, compositora griega clave dentro de la experimentación electrónica europea.

Sentada al teclado y acompañada por dos voces, no conectó con un público incapaz de entender una propuesta que ya se antojaba difícil contando solo las barreras idiomáticas.

Turno ahora para R&B y el rock buen rollero de King Khan & The Shrines, que maravillaron al personal con su derroche de actitud y sus estilismos locos. Por su parte, Mar Otra Vez volvieron a dejar claro por qué fueron una de las bandas de culto de los ochenta.

Javier Corcobado y los suyos dieron una lección post punk y de ruido bien entendido.

La jornada la cerramos con el directo del finlandés Jaako Eino Kalevi, que presentó

28 l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l Conciertos

su nuevo trabajo de nombre homónimo, apoyándose en su repertorio más bailable de funk y pop de corte retro, lástima que el sonido fuera lamentable en una abarrotada sala Clamores.

La jornada del sábado arrancó a las seis de la tarde con la primera actuación en treinta años de Mecánica Popular, el dúo madrileño que nació en 1979 con vocación industrial y toques del futurismo ruso, casi nada. Theremines y sabor a electrónica añeja en una de las actuaciones más especiales y únicas del festival. A la espera de desarrollar el don de la ubicuidad, los que prefirieron ver a Damian Schwartz tuvieron que renunciar a ver el balazo krautrock de los alemanes Faust y su performance de corte dadá, por describirlo de alguna forma.

Schwartz revistió del teatro Barceló con un sonido impoluto, un live impecable que le sitúa justamente a la cabeza de la creación de techno y house patrio. Quizás faltó que la actuación del madrileño hubiera estado programada más hacia la noche y no tanto a las ocho de la tarde para contar con un pú-

blico más entregado y menos frío. Death In Vegas aprovecharon su visita para presentar su nuevo trabajo “Transmission”, un disco lleno de medios tiempos y progresiones maravillosas como la de “Consequences Of Love”. Sin embargo no cayó ninguno de sus hits de siempre, ni “Hands Around My Throat”, ni “Dirge” ni nada de nada, pese a los tarareos insistentes de un público que no consiguió arrancar frente a un Richard Fearless desganado y cansado. El final de la jornada antes de que que la programación nocturna comenzase, corrió a cargo de Kaydy Cain. El MC madrileño, conocido por formar parte de PXXR GVNG, aprovechó para presentar su material en solitario y repasar sus temas más conocidos sin sus compañeros. Ración de trap, reggaetón, perreo, groupies, bases pre-grabadas y toda la vaina que conlleva ver un concierto de estas características. Con los oídos juguetones y chorreantes y un buen puñado de agujetas, solo cabe despedirse de Villamanuela con un hasta pronto y un gracias por el esfuerzo de complacer a los inadaptados. n Esther Al-Athamna

NOVIEMBRE Y DICIEMBRE 2016 EUSKADI Y GALICIA EUSKADI

LA RIBERA, BILBAO SOLEDAD 12/11/2016 VÉLEZ DABADABA, SAN SEBASTIÁN BOREALS 05/11/2016 URKI KAFEA, GALDAKAO (BIZKAIA) 18/11/2016 MANUEL MALOU

GALICIA

ATURUXO, BUEU (PONTEVEDRA) 11/12/2016 KIKE PERDOMO KARMA, PONTEVEDRA LOS VINAGRES 26/11/2016 BARANDA, O BARCO (OURENSE) 02/12/2016 NUNATAK CLAVICÉMBALO, LUGO JUAN MARI 04/11/2016 BELTRÁN 10/12/2016 KIKE PERDOMO

LE CLUB, A CORUÑA NUNATAK 03/12/2016 MARDI GRAS, A CORUÑA RURAL 25/11/2016 ZOMBIES LA FÁBRICA DE CHOCOLATE, VIGO 26/11/2016 RURAL ZOMBIES

CASTILLA LA MANCHA, CASTILLA LEÓN Y MADRID CASTILLA LA MANCHA

CLANDESTINO, ALBACETE 19/11/2016 SOLEDAD VÉLEZ 26/11/2016 NUNATAK

CASTILLA LEÓN

BEAT CLUB, SEGOVIA 02/12/2016 AGORAPHOBIA CAFÉ TEATRO AVALON, SORIA 19/11/2016 MANUEL MALOU

A CASA DAS CRECHAS, SANTIAGO COMPOSTELA 03/11/2016 JUAN MARI BELTRÁN

ARAGÓN, CATALUÑA Y COM. VALENCIANA ARAGÓN

EDÉN, HUESCA YELLOW 04/11/2016 BIG MACHINE EL 21, HUESCA NUNATAK 05/11/2016 11/11/2016 SOLEDAD VÉLEZ LA CAMPANA UNDERGROUND, ZARAGOZA 19/11/2016 FABIÁN

LA LATA DE BOMBILLAS, ZARAGOZA 04/11/2016 NUNATAK LA LEY SECA, ZARAGOZA YELLOW 05/11/2016 BIG MACHINE

CATALUÑA

C.A.T., BARCELONA JUAN MARI 24/11/2016 BELTRÁN 26/11/2016 ANTHONY OCAÑA

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

CONTINENTAL BAR MUSICAL, BARCELONA 11/11/2016 NUNATAK 19/11/2016 AGORAPHOBIA SIDECAR, BARCELONA LOS VINAGRES 19/11/2016

COMUNIDAD VALENCIANA

16 TONELADA, VALENCIA MAZONI 24/11/2016 BLACK NOTE, VALENCIA AGORAPHOBIA 20/11/2016

GRAN CAFÉ LEÓN, LEÓN 01/12/2016 NUNATAK

COSTELLO 23/11/2016

MAZONI

LA CUEVA JAZZ, ZAMORA 18/11/2016 AGORAPHOBIA

MOBY DICK 25/11/2016

NUNATAK

LA RÚA, BURGOS 26/11/2016 MANUEL MALOU

RINCÓN ARTE NUEVO 10/11/2016 JUAN MARI BELTRÁN

BAR SECRETOS, MAYORGA (VALLADOLID) 12/11/2016 AGORAPHOBIA

WURLITZER BALLROOM 03/12/2016 AGORAPHOBIA

MADRID

CLAMORES 23/11/2016 30/11/2016

MANUEL MALOU ANTHONY OCAÑA

ANDALUCÍA, CANARIAS Y EXTREMADURA ANDALUCÍA

AMBIGÚ AXERQUIA, CÓRDOBA AGORAPHOBIA 10/12/2016 HOLLÄNDER, SEVILLA AGORAPHOBIA 09/12/2016

LA COCHERA CABARET, MÁLAGA 10/11/2016 ANTHONY OCAÑA

CANARIAS

AGUERE CTO. CULT, LA LAGUNA (TENERIFE) 04/11/2016 LOS VINAGRES

EXTREMADURA

C.O.C., BADAJOZ ANTHONY 02/12/2016 OCAÑA

E

Neleonard Foto Blanca Viñas

l tercer trabajo del quinteto madrileño es el más desprejuiciado. Grabado de nuevo con Raúl Pérez en La Mina, en él sobresalen las constantes vitales de una banda que cuida con mimo tex-

Neleonard Vienen de: Barcelona Publican: “Las causas perdidas” (Elefant Records, 16) En la onda de: Doble Pletina, Jack, Belle & Sebastian Tras foguearse en el terreno de los singles y epes con muy buenos resultados, Neleonard se lanzan al fin con un disco largo. Un álbum de pop bien arreglado que mezcla con tino el twee pop estatal con la herencia de grupos anglosajones como Jack o Belle & Sebastian. Nele, líder de la banda, sobre el hecho de enfrentarse a su primer largo. “En lo musical ha sido muy natural, ir dando pasitos y aprendiendo en cada uno que das. Las canciones ya estaban maduras y faltaban pocas cosas por definir. Grabarlas y comprobar hacia dónde nos llevarían”. Hay una canción en “Las causas perdidas” que brilla con especial fuerza, “Menos de mí”. “Fue el tema con el que iniciamos la grabación en el estudio porque tenía muy clara la estructura y los arreglos, pero se nos acabó atravesando. Al final fue la última que grabamos y mezclamos. Con el banjo juguetón por fin vimos la luz. Y los violines de Judit le dieron el empaque que necesitaba”. n Xavi Sánchez Pons

30 l MondoSonoro.com l Noviembre 2015 l Escaparate

trol, va muy en esta línea. Pero los textos también se han enriquecido. “Las letras han ido ganando espacio en el discurso a medida que ganaban en personalidad y capacidad narrativa. Pero hay continuidad; al fin y al cabo, ‘Silencio en la retaguardia’ es sólo otra manera de decir: ‘Que me corten la cabeza’”. Todo tiene que ver con una palabra a veces malinterpretada: Madurez. “Por los años que llevamos debería ser algo así, pero no sé si tiene mucha pinta. Las ganas y la ilusión siguen intactas, lo cual a lo mejor es síntoma de lo contrario (risas)”. n José Carlos Peña

Lawer y Are

Izaro Foto Archivo

Vienen de: Madrid Publican “Silencio en la retaguardia” (Récords del Mundo, 16) En la onda de: Nueva Vulcano, Explosions In The Sky, !!!

turas y estructuras musicales y letras, pero que ahora combina una mayor pulsión rítmica con sus habituales inquietudes instrumentales. “En comparación con los anteriores, lo hemos compuesto y grabado a toda pastilla. El proceso completo apenas llevó tres meses y todo ha sido sorprendentemente fluido. Después de tener a Álvaro exiliado dos años y pico en Nueva York, había unas ganas gigantes de arrancar de nuevo juntos, y se ha notado”, señalan. El espíritu bailable de canciones como “El algoritmo de la noche”, que remite a su pasado en su banda pretérita Healthcon-

Vienen de: Madrid Publican: “Zen” (Boa Música, 16) En la Onda de: Pxxr Gvng, Dellafuente, Kaixo Chacal Clik era uno de los grupos referencia del rap underground madrileño y estatal. Sin embargo dos de sus miembros, Lawer y Are, reaparecen tres años después con un disco que rompe con todo lo creado anteriormente.

“Nos cansamos de estar encasillados en algo y queríamos ofrecer algo novedoso”. Así nace “Zen”, un disco en el que cambian el rap por el trap, un estilo musical en pleno auge y que ellos piensan que “se va a afincar. Los chavales en los barrios ya viven trap desde bien pequeños. No es moda, es una forma de vida”. Para ello tiran de un sonido electrónico y oscuro, sobrecargado de graves y sintetizadores y en el que, cómo no, no falta el polémico autotune. “Es una herramienta más. No hace milagros, es más, no es cosa fácil al principio, pero sí es cierto que es una gran ayuda para llegar a tonos a los que normalmente no llegas” n Alfonso Gil Royo

Izaro Viene de: Mallabia (Bizkaia) Publica: “Om” (Autoeditado, 16) En la onda de: Norah Jones, Adele, Maika Makovski

Lawer y Are Foto Archivo

Atención Tsunami

Atención Tsunami Foto Archivo

escaparate

Esta joven cantautora no es solo una muestra más de la nouvelle vague de autoras que están apareciendo en los escenarios del País Vasco. Con una delicada y personal voz que acaricia a quien busca refugio, es una artista que invita a compartir su intimidad a través de una poesía personal que canta al desasosiego. Un lamento al desamor que le ha servido como terapia. “Las canciones han sido mi psicólogo personal y me ha funcionado. Siento que a la gente también le funciona de esa manera”. Su disco combina canciones en tres idiomas. “Soy trilingüe. Pienso y sueño en tres idiomas y escribo en todos ellos”. Actualmente se encuentra presentando su álbum debut en directo con banda. “Hay una gran parte de mí en este disco y ha sido un proceso largo, hermoso y doloroso por momentos, pero del que me siento muy orgullosa. Ha sido una búsqueda de mi misma”. n Hibai Etxebarria

Last Fair Deal Foto Archivo

Last Fair Deal

Bejo

Viene de: Barcelona Publica: “Alegancia” (Mutabor, 16) En la onda de: Animal Collective, Sigur Rós, Broadcast El alegre y elegante nombre de su nuevo álbum se le ocurrió a este músico murciano, felizmente abarcelonado, cuando improvisaba la canción de título homónimo. “Me imaginé una historia de alguien que titulaba sus memorias así, alguien que está en otro sitio, como dice la letra de la canción, con su propio lenguaje”. Ha tardado cinco años en publicarlo pero ha merecido la pena. “Es cierto que he querido hacer las cosas con calma y que las canciones respiraran, pero al final ya me ardía por dentro”. Y lo primero que llama la atención es que, ahora, canta en castellano. “Me encuentro a gusto buscándole la musicalidad a nuestra lengua, que es tan rica”. Muchas son las etiquetas que podrían servir para calificar los contenidos -tan electrónicos como manufacturados- de este “Alegancia”, pero pop contemporáneo -con altas dosis de experimentalismo- es la más acertada. n Fernando Fuentes

“

Mis temas no tienen tema, son más bien un popurrí de frases, de tonterías no tan tontas”.

La sentencia podría ser de cualquier devoto de la escritura automática, aunque no se atrevería a pronunciarla. Bejo en cambio explica sin problema esa sensación de falsa ligereza que ha hecho que sus rimas acumulen millones de visitas en Youtube.

Aquí no hay bitches. Pero sí mangos y michubichis.

Bejo escribe por la noche, y al día siguiente abre la libreta y encuentra “la pedrada”. Quizá eso explica por qué va y viene de la solemnidad a la ironía en un abrir y cerrar de ojos. Este medio herreño ha construido un universo estético específico que afecta a lo lírico, a lo audiovisual (con Cachi Richi) y a lo musical. “Me gusta la bossa, la salsa y el reggaetón. La música latina me recuerda a las verbenas de mi pueblo. Aunque, más allá de lo estético, las bases para mi son cuestión de serventesios”.

Bejo empezó a rapear con los Locoplaya –vecinos del pueblo donde veraneaba con sus abuelos– de adolescente. Hoy sigue con ellos, pero “por pantallas”. Hace cuatro años que vive en Madrid, donde siempre fue el muyayo; ahora se ha hecho fuerte en esa diferencia. “Un pingüino entre gallinas destaca más que entre pingüinos. Aquí doy clases de habladuría canaria para que también puedan vacilar”, reconoce Borja, digo Bejo. “Borja está en el baño, ahora vuelve”. n Yeray S. Iborra

BejoFoto Archivo

Fur Voice

Fur Voice Foto Pablo Maestres

“El viaje guapo de este disco fue una odisea, y esta suena en clave de tres”. No hay mejor manera de reafirmar la esencia y la fuerza de un power-trio, seguramente uno de los mejores del Estado, que como lo hacen los bilbaínos tras compartir numerosos escenarios locales y foráneos con artistas extranjeros. “En este mundo global el talento está disperso y a veces lo tenemos delante pero no lo queremos ver”. Esto es, demostrándolo con un tercer disco en el que continúan los sonidos clásicos, con alma y pie en los setenta, pero ahora con riffs más potentes, graníticos, más hard, menos blues, con un sonido más crudo, más sucio, con la voz más quebrada. “Era lo que estábamos buscando, componer temas que fueran un reto y un disfrute en directo, abrazando sin miramientos toda esa suciedad”. La magia del directo transmitida a un gran disco. Otra vez. n Josetxo Río Rojo

Viene de: Tenerife/Madrid Publica: “Mango”/”Sílaba tónica R.I.P.” (Autoeditado, 16) En la onda Locoplaya, Agorazein, Dellafuente

Halley Viene de: El Algar Publica: “Outer Space” (Autoeditado, 16) En la onda de: The Weeknd, How To Dress Well, Drake “Mi nombre es Miguel Peña, tengo veintitrés años y soy de El Algar. Empecé en la música a los trece años con el rap”. Así se presenta el talentoso artista que este año autoeditó su segundo EP, “Outer Space”. “Una única persona puede trabajar desde un portátil.

Internet es la plataforma de muchos artistas. En un sistema en el que los métodos de venta clásicos ya no sirven, las discográficas no apoyan a los artistas fuera del mainstream”. Aunque se podría definir su estilo de músico como el R&B melancólico, su riqueza bebe de muchos referentes. “Mi madre escuchaba Barry White y mi padre Supertramp o Bee Gees. Mi abuela me decía que fuese como Luis Miguel y mi abuelo cantaba rancheras. Pero ante todo, mi hermano mayor siempre me dio pistas… En estos momentos estamos aprendiendo y asentando las bases de un género que va a tener su hueco en este país en menos de cinco años”. n Ferran Cano Escaparate l MondoSonoro.com l Noviembre 2015 l 31

Halley Foto Pablo D. Pastors

Vienen de: Bilbao Publican: “Odyssey In The Key Of Three” (North Side River, 16) En la onda de: Rory Gallagher, Led Zeppelin, Grand Funk Railroad

vinilos

JACK WHITE

“Acoustic Recordings 1998-2016” Third Man Records AMERICANA

❚

8❚

M-CLAN “Delta” Warner ROCK

❚

6❚

Jack White es uno de los músicos más

M-Clan cuentan con dos cualidades

productivos e influyentes de las dos

esenciales para cualquier banda:

últimas décadas, creador de grupos

poseer un sello representativo y la

referentes y de una firme carrera en

capacidad para, sin desfigurar esa

solitario, fundador de su propio sello

identidad, desarrollarse por diferen-

Third Man Records, productor y colabo-

tes caminos. El último de ellos les ha

rador insaciable. Innovador (dos pasos

puesto rumbo al corazón del sonido

por delante del resto) y al mismo tiem-

americano, tanto en intenciones como

po, máximo defensor de las raíces y la

geográficamente. No obstante el disco

tradición. En “Acoustic Recordings

ha sido grabado en suelo estadouni-

1998-2016” deja atrás tormentas

dense y contando con prestigiosos

eléctricas y se desnuda para mostrar-

músicos foráneos, entre ellos Brad

nos la esencia, siempre latente, de su

Jones como director de operaciones.

música. Veintiséis temas acústicos

Por medio de esa forma acústica,

de su etapa solista, The Raconteurs y

instrumentada y melódica con la que

White Stripes (quedan fuera The Dead

afrontan la causa, logran un conjunto

Weather), que huelen a tierra mojada

agradable, ya sea desde la melancolía

después de esa primera lluvia tan es-

(“California”) o la placidez (“Viaje hacia

perada. Americana, country y blues en

el sur”). Ejemplos como “Todo lo joven

estado puro. Versiones alternativas,

muere hoy” o “Concierto salvaje” nos

mezclas y un par de grabaciones inédi-

hace anhelar un trayecto más árido

tas que nos enseñan el río que sigue

que habría multiplicado el valor de esta

fluyendo con fuerza bajo el asfalto.

soleada postal de Nashville vista desde

David Pérez

Murcia. Kepa Arbizu

MOBY & THE VOID PACIFIC CHOIR

091

“These Systems Are Failing” Mute/Pias POP

❚

7❚

“Cambia o muere” sentenciaba el

KASE.O

“El círculo”

Rap Solo/Boa Música ❚

8❚

manifiesto con el que Moby daba a conocer este nuevo trabajo junto a The Void Pacific Choir. Una frase perfecta para definir a un tipo cuya única constante en su trayectoria ha sido su cabeza pelada y sus gafas. Conocido por hacer lo que le ha dado la gana en cada uno de sus trabajos (este mismo año sacó un nuevo álbum de ambient), en “These Systems Are Failing” convierte esa omnipresente preferencia por el cambio en fuente de inspiración para el mensaje reivindicativo contra el sistema y la sociedad que guía las letras de los nueve temas que componen el álbum abanderados por el single “Are You Lost In The World Like Me?”. Todo ello acompañado de una arrolladora base electrónica que dota de fuerza al álbum desde el “Hey! Hey!” de apertura hasta alcanzar paisajes sonoros épicos. El Moby más potente desde “Animal Rights” (1996).

Guillermo Chaparro Terleira

RAP. Hacer un disco diferente, original, especial, fue la meta que se propuso KaseO cuando decidió volver a publicar un disco de rap. Aunque ello haya supuesto desmarcarse del sonido de Violadores del Verso para arrimarse a la sonoridad de su Jazz Magnetism. Y es que “El círculo”, quizá el disco más esperado de la historia del rap español, se aleja del funk y el hardcore (exceptuando en “No sé que voy a hacer” y en las colaboraciones) para adentrarse en una música mucho más orgánica e instrumental, donde reinan los tempos lentos y los estribillos melódicos. El sonido de Kase.O, su rap, ya no es el de antes y al principio puede costar digerirlo, pero estas instrumentales tan experimentales e inusuales han servido para comprobar que sigue manteniendo su inigualable dominio

del micro. Canciones como “Mazas y catapultas”, un auténtico experimento musical con el que pone a prueba su versatilidad y su voz , demuestran que su dinamismo, su estilo, sus excelentes letras y su flow se mantienen intactos e incluso suben un escalón, devolviendo a Javier Ibarra el trono que nadie ha conseguido arrebatarle aún en el hip hop. Prueba de este cambio es que en el disco apenas hay tres producciones del R de Rumba, arquitecto del sonido de Violadores, y muchas de las instrumentales están producidas por el propio Kase.O, quien ha guardado en el baúl de los recuerdos los bombos y cajas, su clásico bombo clap, para crear su nueva música a base de pianos, violines e instrumentos reales. Con ello pierde algo de energía y de fuerza, pero a cambio consigue dar paso a un rap que es capaz de transmitirnos muchas más emociones (escúchese si no “Basureta”). Y es que no podemos olvidar que el bueno de Kase anda ya cerca de los cuarenta, ¿tendría sentido que siguiese haciendo canciones al estilo de “Ballantines” o “Mierda”? Alfonso Gil Royo

“Maniobras de resurrección” Warner Music ROCK

❚

8❚

¿Alguien que haya visto alguno de los conciertos actuales de 091 puede negar que el grupo está en una forma que probablemente nunca había alcanzado?

Lo dudo, y eso es lo que ha hecho que todos aquellos que también dudaban del éxito de su reunión tuvieran que pasar página y caer rendidos a la evidencia. Además tenemos la suerte de contar con este fantástico directo grabado el pasado 14 de mayo en su casa, en la plaza de toros de Granada para comprobar lo bien que suenan en el nuevo siglo canciones tan fantásticas como “Zapatos de piel de caimán”, “Esta noche” o “Qué fue del siglo XX”, por citar solo algunas de las veintisiete que incluye este doble lanzamiento que se completa además, con un espectacular DVD que no hace sino confirmar lo que apuntaba al principio: que los actuales 091 son los mejores de su hasta hace poco ingrata historia.

Eduardo Izquierdo

Vinilos l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l 33

KINGS OF LEON “Walls” Sony Music ❚

6❚

ROCK. Kings Of Leon se habían vuelto previsibles, llevaban una temporada funcionando con el piloto automático. Y si en “Mechanical Bull” se comportaron como un grupo sobrio sin ánimo de tomar un solo riesgo y, con una ligera tendencia a rescatar el flujo compositivo de sus dos primeros discos de sonido más rock, en “Walls” encuentran el equilibrio entre ese deseo y su realidad.

Han construido a su alrededor su propia tela de araña. A estas alturas de la película no pretenden dar volantazos y a tenor de lo que oímos en su séptimo disco, los hermanos Followill están en zona de confort y no la piensan abandonar, pase lo que pase. En el soberbio y cambiante “Because Of The Times” y en “Only By Night” con su cosecha de hits, ya dieron el giro que necesitaban, ahora el plan es no estropear con experimentos su condición de banda más o menos fiable. En los primeros temas de “Walls” está la salsa de este nuevo álbum (“Waste A Moment”, “Around The World”, “Over” o “Muchacho”). La parte aburrida del asunto es la que certifica que Kings Of Leon nunca van a volver a sorprendernos. Quizás no quieran, pero algo nos dice que seguramente tampoco puedan. Toni Castarnado

BASTILLE

“Wild World” Universal POP

❚

7❚

Las expectativas creadas por un debut con millones de copias vendidas pueden ser una pesada losa para la creatividad. No ha sido el caso de Bastille, que ha vuelto con su cinematográfica maquinaria pop mejorada y otro generoso álbum compuesto por catorce temas pensados para tener al oyente alerta.

Y no solo a nivel sonoro; las letras no se reducen a estribillos coreables como el del single “Good Grief”. Dan Smith ha plasmado en ellas sentimientos muy comunes: a veces nos gustaría poder permanecer impasibles ante lo que ocurre en el mundo (“Lethargy”), pero la asfixiante locura imperante (“The Currents”) no nos permite parar de pensar en ello (“Warmth”) y buscamos cobijo en las relaciones humanas. No faltan los ya tradicionales samples de películas y las referencias literarias, todo envuelto en la ahora más variada gran instrumentación que tan bien manejan.

Beatriz H. Viloria

GOAT

MUÑECO

“Requiem” Sub Pop/Popstock!

FOLK

NIÑA COYOTE eta CHICO TORNADO

“Teoría del cielo” El Genio Equivocado ❚

7❚

ROCK

❚

7❚

CÁLIDO HOME

LYDIA LOVELESS

“Tones And Shapes” B-Core

“Eate” Pozoia Records

FOLK

“Real” Bloodshoot Records ❚

7❚

AMERICANA

❚

7❚

Goat dicen ser una comuna de Kor-

Para referirse a un disco prácticamente

ROCK

7❚

El country-folk hecho en Catalunya

Cada día que pasa, más a menudo

pilombolo, una pequeña comunidad

instrumental como el que nos ocupa,

El formato dúo en las bandas de rock ha

tiene otro nombre más a añadir a la

pienso que la carrera de Lydia Love-

de Suecia. Más allá de eso no se

lo más socorrido suele ser mencionar

pasado en un corto espacio de tiempo

reciente remesa de buenos discos fac-

less parece seguir los pasos de Ryan

conoce quiénes son los músicos tras

géneros como post-rock, krautrock o

de ser un elemento llamativo a uno

turados por nombres femeninos como

Adams. Al menos en los primeros

las máscaras y las túnicas de raíces

shoegazer. Y es cierto que en el segun-

simplemente trivial. No es este último

los de Joana Serrat o Marta Delmont.

gateos dados por la chica de Ohio.

africanas que llenan de misticismo el

do álbum de los barceloneses Muñeco

el caso de los guipuzcoanos Niña Coyo-

En este caso se trata del segundo disco

Viniendo del rock de raíces, Loveless

escenario. Con ese halo de misterio

hay mucho de eso, pero la entrega

te eta Chico Tornado. Una conjunción

de Cálido Home que le debe mucho de

ha mamado mucho punk y eso es evi-

y espiritualidad que les envuelve, la

también incluye generosas dosis de

entre Koldo Soret (Surfin Kaos, Chico

su sonido a la filosofía de Joan Pons, El

dente, no tanto en sus trabajos como

comuna sueca sigue cultivando su

electrónica, música de baile, ambientes

Boom...) y Ursula Strong (Zuloak o Las

Petit de Cal Eril, co-productor y mente

en sus directos. En el escenario se deja

imaginario de ritos paganos, magia

cinematográficos o incluso pinceladas

Culebras) capaz de confeccionar un

pensante de la grabación. Canciones

poseer por una vena salvaje que im-

negra y voodoo en su tercer álbum.

exóticas. La variedad de estilos es por

tratado de rock desértico tan abrasivo

grabadas en muy pocas tomas (nunca

pregna su show de principio a fin. Neo

Esta vez Goat amplían sus tonalidades

tanto una de las cualidades del presen-

como potente. Menos estridente, pero

más de cinco) y en riguroso directo que

Country, americana, folk o como quie-

sonoras, pasando de la psicodelia al

te disco, sucediéndose a través de can-

igual de virulento, se manifiesta en un

tiran del intimismo y la sedosidad de

ras llamarlo, “Real” es un buen trabajo

fuzz rock, la world music o unas mayo-

ciones extensas y bien desarrolladas. El

tercer disco (segundo larga duración)

los instrumentos acústicos para mon-

al que solamente le falta el punch y la

res dosis de folk que en sus anteriores

quinteto destaca precisamente cuando

en el que sigue asimilando y persona-

tar un universo que emparenta a los de

locura de su directo. Los temas (entre

obras. Sin perder de vista la marcada

acomete los sonidos más consistentes,

lizando riffs y ritmos provenientes de

Barcelona tanto con los trovadores del

ellos uno dedicado a Bilbao) son nota-

psicodelia de su anterior “Commu-

dejando piezas tan impactantes como

bandas como Kyuss, Black Sabbath o

siglo XIV como a las huestes del neo-

bles, trabajados y honestos, algunos

ne”, Goat se atreven a experimentar

“Santos”, “Gracia”, o la estupenda “Caba-

Dut. “Diana & Sebastian”, “Ariñau”, con

folk. Canciones que dan el mismo valor

incluso memorables en su estilo, todos

con nuevas paletas que nos traspor-

llo de Troya”. “Teoría del cielo” es un

voz de Lore ‘Belako’, o “Asteroide”, son

al sonido que al silencio y la pausa,

merecedores de mayor atención por

tan alrededor del globo y del tiempo.

paso al frente del grupo con respecto al

fiel representación de un sonido que

forma de apoyar la magnífica capaci-

nuestra parte, pero el conjunto tiene

Aunque “Requiem” suene a final, se

debut “Ocurre” (14), al asumir nuevos

logra abarcar desde lo pegadizo a lo psi-

dad vocal, muy mejorada respecto a

un punto lineal que no debería repe-

siente como un renacimiento y una

riesgos y aumentar ambición, confir-

codélico. Serán dos, pero se sobran para

su anterior trabajo, de Anna Andreu.

tirse. Porque ya se sabe que la vida

verdadera explosión de color.

mado así que caminan en la dirección

elaborar un ejercicio de tierra quemada

Altamente recomendable.

sin sorpresas es demasiado aburrida.

Montse Galeano

correcta. Raúl Julián

musical. Kepa Arbizu

Eduardo Izquierdo

Marcos Molinero

34 l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l Vinilos

❚

GREEN DAY “Revolution Radio” Reprise/Warner ❚

MICHAEL MAYER “&” !K7 Records

ELECTRÓNICA

❚

6❚

Michael Mayer es uno de los productores más potentes dentro del techno con toque house, algo de pop y ambientes etéreos. Un tipo que tiene una carrera envidiable como DJ y productor, pero que últimamente anda más alejado del estudio y se dedica más a gestionar su sello y pinchar por medio mundo. Cuatro años después de su notable “Mantasy”, regresa por todo lo alto con un “&” en el que se ha rodeado de una selección de artistas de lujo. Al final el resultado tampoco es para tanto, aunque tampoco sea un pastiche. Hay algunos temas notables como el cruce entre techno, disco y house que se marca con Roman Flügel; la colaboración con Burger y Voigt & Voigt, que comienza casi nu-disco y termina como le da la gana. Y podríamos continuar hablando de las piezas junto a Barnt, Gui Boratto, Agoria o las de Joe Goddard de Hot Chip y de Miss Kittin, que sin ser una maravilla al menos suenan

7❚

PUNK. El presente “Revolution Radio” es el primer disco convencional de Green Day en mucho tiempo. Habían publicado dos óperas rock como “American Idiot” y “21st Century Breakdown”, en 2004 y en 2008 respectivamente, y lo último fue una excesiva trilogía –“¡Uno!”, “¡Dos!” y “¡Tré!”– publicada hace cuatro años. ¿Qué más les quedaba por hacer? La respuesta es muy sencilla: otro buen disco de punk pop, con el gancho de antaño. Con “Revolution Radio” casi lo consiguen. Y es que Billie Joe Armstrong y compañía ya no son precisamente unos niños, pero recuperan la pegada y la frescura de antaño en algunas piezas de este nuevo trabajo. Sin ir más lejos, el primer adelanto “Bang Bang” suena a los Green Day de la vieja escuela, con la garra y el sonidazo de “Insomniac” y “Nimrod”, publicados ambos a finales de los noventa. El resto del disco es bastante menos abrasivo, pero el trío de cuarentones marca músculo. Después de la introducción acústica de “Somewhere Now”, el disco se dispara y no frena hasta el último momento, cuando la balada “Ordinary World” pone el broche. Cien por cien Green Day. Luis Benavides

bastante decentes. Raúl Linares

Don Disturbios - Joan S. Luna Luis J. Menéndez - Darío Coto

D. D

THE POP GROUP

“Honeymoon On Mars” Freaks R Us/Popstock!

POP

OPETH

TOUCHÉ AMORÉ “Stage Four” Epitaph/Pias ❚

7❚

HARDCORE

“Sorceress” Nuclear Blast

❚

8❚

PROG METAL

❚

7❚

Resucitada de entre los muertos del

Los discos de Touché Amoré son foto-

Opeth dieron un giro de trescientos

post-punk hace seis años vía ATP, la

grafías de la vida de su frontman Jeremy

setenta grados a su música con “He-

banda de Mark Stewart publicó un

Bolm. “Stage Four” es la más estreme-

ritage” (2011) abandonando el lado

nuevo disco sorprendentemente

cedora. Durante la noche de Halloween

más death y pesado, y bajo el liderazgo

interesante hace menos de dos años,

de 2014, aún de gira, Bolm recibió la

de Mikael Akerfeldt afianzaron dicho

y continúa con ganas de marcha. Si

noticia de la muerte de su madre por

cambio con “Pale Communion” (14)

el funk glacial marciano y disonante

cáncer. El duelo se convirtió en doce

dejando claro su evolución y su predilec-

era el leitmotiv del anterior “Citizen

canciones que recogen destellos de su

ción por un rock progresivo más clásico

Zombie”, su nuevo trabajo profundiza

infancia, retales de la vida de su madre

que al mismo tiempo aprovechaban para

en esos hallazgos (“City Of Eyes”, el

y de los duros momentos de su batalla

reinventarse. “Sorceress”, que según

single “Zipperface”), pero se interna

contra el cáncer, dando como resultado

Akerfeldt ha sido inspirado por el amor,

por terrenos más áridos. “Instant Halo”

su disco más completo y emocionante.

la mala experiencia con las mujeres y los

o “Pure Ones” suenan por momentos

La rabia habitual del post-hardcore

pensamientos oscuros, es un disco que

a unos PIL plomizos, espesos, pero en

de los californianos más propia de su

continúa la estela de sus predecesores

“Michael 13” y la abrasiva “War Inc.” de-

anterior “Is Survived By” se deja ver

pero en esta ocasión los suecos reincor-

muestran pegada y ambición. Stewart

en temas como “Posing Holy”, pero esta

poran la distorsión en algunos temas

despotrica con histrionismo deliberado

nueva entrega es mucho más compleja.

como “Sorceress” o “Chrysalis”. También

sobre las alienaciones y miserias del

Partes más cantadas, tanteos a otros

encontramos instrumentales como las

mundo mercantilizado en que vivimos.

géneros como el post-punk y el shoega-

dos partes de “Persephone” o la notable

Aunque “Honeymoon On Mars” se

ze en “Benediction” y “Skyscraper” (esta

“The Seventh Sojourn” mientras que

ve lastrado por inevitables tics en el

última con colaboración de la cantautora

“The Wilde Flowers” o “Era” son segura-

ropaje de las canciones, el balance

folk Julien Baker). Un caleidoscopio tan

mente de los temas más representativos

vuelve a ser difícilmente mejorable.

personal como identificable por su cru-

de este buen pero no excelente trabajo.

José Carlos Peña

deza y sinceridad. Montse Galeano

Marc Oliveras

1 2

Kate Tempest

L.J.M. J. S.L. D.C. MEDIA

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9❚

❚

9❚

❚

9❚

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8❚

“Siempre”

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7❚

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9❚

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8❚

❚

8❚

3

The Dillinger Escape Plan “Dissociation”

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7❚

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8❚

❚

8❚

❚

8❚

4

Conor Oberst ❚

8❚

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8❚

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7❚

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7❚

5

Kase O “El Círculo”

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7❚

❚

7❚

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8❚

❚

7❚

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7,25 ❚

6

The New Raemon/ Mcenroe “Lluvia y truenos”

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7❚

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7❚

❚

7❚

❚

6❚

❚

6,75 ❚

7

Green Day ❚

6❚

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5❚

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7❚

❚

7❚

❚

6,25 ❚

8

Crystal Fighters ❚

6❚

❚

5❚

❚

7❚

❚

6❚

9

Kings Of Leon ❚

6❚

❚

6❚

❚

6❚

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5❚

❚

5❚

❚

7❚

❚

5❚

❚

5❚

10

“Let Them Eat Chaos”

AGZ

“Ruminations”

“Revolution Radio”

“Everything Is My Family”

“Walls”

The Lemon Twigs “Do Hollywood”

❚

8,75 ❚ ❚

❚

7,75 ❚

❚

7,5 ❚

❚

❚

8❚

6❚

5,75 ❚

❚

5,5 ❚

Vinilos l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l 35

NOFX

“First Ditch Effort” Fat Wreck Chords ❚

8❚

PUNK. Pasan los años y los estadouni-

NICOLAS JAAR

denses NOFX continúan siendo la banda de hardcore melódico más divertida, más honesta, más política, correcta e incorrecta, y sobre todo más despreocupada por el éxito comercial de la escena. Hay gente graciosa y gente que te divierte, la diferencia es que los primeros te hacen reír sin aportarte nada y los otros te arrancan la carcajada y te dejan pensando, reflexionando, NOFX pertenecen al segundo grupo. Sus letras pueden parecer vacías, pero no lo son para nada. Mientras sus compañeros han vivido sus carreras a su manera, ellos han seguido fieles a su manera de ver el mundo, íntegros como pocos. Muchos les criticaban por sus directos, mientras ellos se lo tomaban a risa y así están las cosas tras treinta y tres años de carrera y quince discos: siguen en sus trece de no venderse y seguir fieles a un sonido, su sonido. Cada disco añade un buen puñado de clásicos para sus directos, varían matices pero las coordenadas siguen siendo las mismas, velocidad, guitarrazos, melodía y mucho cinismo. Y este disco es su mejor colección de canciones desde “Heavy Petting Zoo”. Marcos Molinero

“Sirens” Other People

ELECTRÓNICA

❚

8❚

Lo nuevo de Nicolas Jaar, artista chileno afincado en Nueva York, te abre las entrañas y domina tu ser más interno.

Menos de una hora le basta al chileno para, como hacen las sirenas, seducirte con sus melodías y atraparte. En cuanto “Killing Time” empieza a sonar, Jaar está haciéndose nuevamente un hueco en tu interior y antes del décimo minuto ya le llevas muy dentro.

“Sirens” incluye seis piezas, cargadas de poderosas emociones, con las que descubrimos a un creador mucho más serio y completo del que habíamos conocido hasta hoy día. Sumemos a eso que introduce tintes políticos, que él mismo justifica explicando que cada vez siente más necesidad de darle un contexto social a su obra. El resultado es una obra que consagra a Jaar como uno de los mejores productores de la actualidad, colocando “Sirens” entre los mejores trabajos de lo que llevamos de año. Marta Ruiz

EL LADO OSCURO DE LA BROCA “Poderosa” El Genio Equivocado ROCK

❚

8❚

SCOTT & CHARLENE’S WEDDING “Mid Thirties Single Scene” Fire Records POP

❚

7❚

EL PERRO DEL MAR

POWELL

“Kokoro” Gin Gin/Music As Usual POP

FUR VOICE

“Sport” XL/Popstock! ❚

7❚

ELECTRÓNICA

“Alegancia” Mutabor ❚

6❚

ELECTRÓNICA

❚

7❚

El Lado Oscuro de la Broca apuestan sin

¿Otra banda saqueando el traque-

El quinto álbum de la artista sueca Sa-

Tras enfrentarse al talibán indie Steve

Romántico, surrealista, intenso y eléctri-

disimulo por un disco continuista, en re-

teo desvencijado de The Velvet

rah Assbring (El Perro del Mar) tiene

Albini en defensa de la música elec-

co son algunas palabras que definen el

ferencia a aquel debut titulado “Beta”

Underground y la despreocupación

un título japonés que abraza diferen-

trónica y la cultura de club, el joven

imaginario sonoro de este “Alegancia”,

(15) que tan buen resultado les dio el

slacker de Pavement? ¿Son necesarias

tes conceptos como alma, emociones,

productor inglés Powell presenta, en XL

el primero del productor murciano-

año pasado. Los zamoranos mantienen

más visitas al revuelto arcón de The

espíritu, mente y corazón. De ahí que

Recordings, este álbum de debut en el

barcelonés Fur Voice. Cinco años de

así su principal argumento en la solidez

Fall? Hay motivos para pensar que

el disco hable de temas como la iden-

que derrama toda su atractiva mixtura

lenta cocción han merecido la pena, vaya

apabullante del sonido, argumentado

nada de eso es preciso, pero bastan

tidad, la vulnerabilidad y la fuerza del

electroide, post-punk y jodidamente lo-

que sí. Y es que aunque la cosa anda

a través de temas expeditivos y oscu-

un par de escuchas al tercer álbum

corazón, que no puede protegerse ni

fi de estilos como el electro, el techno

inspirada claramente por propuestas en-

ros. Una persistencia en las formas no

de este quinteto de Melbourne para

del dolor ni de la felicidad (en “Ging

abstracto, los breaks, el 8-bit y demás

soñadoras, lisérgicas, caleidoscópicas y

exenta, sin embargo, de novedades

cerciorarse de que no hay truco viejo

Ging” se cuestiona: “Happiness, wha-

batiburrillo urbano y presumiblemente

modernísimas (Animal Collective, Panda

apreciables. Y es que “Poderosa” es

si las manos del ilusionista son dies-

tever it means is not enough. Seems

avant. Se trata de un trabajo guerrillero

Bear, etcétera) este tipo sabe aportarle

un disco asfixiante que no ofrece atisbo

tras. Y las de Craig Dermody lo son: un

to me living like this is not enough”).

y experimental hasta las últimas y más

sus propios elementos diferenciadores,

de respiro al oyente, pero en el que las

tipo que, atravesando el umbral de la

En cuanto a sonoridades, “Kokoro”

lamentables consecuencias. Aquí todo

que van desde el regusto por la polirrit-

incontables capas y múltiples detalles

treintena, supura veracidad escribien-

–producido por Assbring junto a Jacob

es loco y complicado, “Sport” alterna

mia, el loopeismo ilustrado, el motorik

que arman cada una de las nueve

do sobre enlazar trabajos de mierda,

Haage- fluye influido por la música

pasajes puramente sintéticos -con

fanfárrico y dislocado, a flirteos con el

nuevas canciones tienen mayor sentido

sentirse abandonado por mujeres que

china, japonesa y camboyana, algo

ineludible influjo aphextwiniano- como

tropicalismo y el flamenco, pasando

que nunca. El quinteto se confirma

no le corresponden y ciscarse en un

que se hace evidente en piezas como

“Beat 20-194r”- con otros en los que

por esa voz tan particular, que, además,

como una de las bandas que mejor

mundo que no le comprende. Cuitas

el primer single “Breadandbutter”. Y

suena -mal- una batería y loopea un riff

ahora se entiende en castellano. Nos

asimilan el shoegaze y el post-punk

eternas, destiladas en un puñado

ahí reside uno de los mayores valores

de guitarra post-punk –“Jonny”- que

dejamos llevar por la química sintética de

dentro de la actual escena patria, con

de canciones carnosas y palpitantes

de “Kokoro”, que es interesante

firmaría el mismo mago Albini, !curiosa

temas como “Fantasía”, “Deseos desde

composiciones apocalípticas cargadas

(notable “Hardest Years”; descomunal

tanto conceptualmente como por esa

paradoja! El resultado final es disoluto y

Plutón” y “Paisajes tus palabras”. Uno

de matices y gran riqueza. Más minucio-

“Bush”), que prueban que el mejor

búsqueda de un sonido particular,

demencial y, solo, en algunos momen-

de los discos nacionales más peculiares,

sos, más agresivos, más sueltos, más

indie rock ni se crea ni se destruye.

combinando influencias, y a la vez

tos es soportable y, hasta, apasionante.

celebrables y “alegantes” de lo que lleva-

creíbles. Mejores. Raúl Julián

Carlos Pérez de Ziriza

universal. Clara Aguilar

Fernando Fuentes

mos de 2016. Fernando Fuentes

36 l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l Vinilos

ENRIC MONTEFUSCO “Meridiana” Buena Suerte/Sony ❚

ROCK. Cuando se concibe el arte como

SIDONIE

“El peor grupo del mundo” Sony POP

7❚

❚

7❚

Sidonie dan un enorme paso atrás con “El peor grupo del mundo”. Pero, lo hacen para recuperar la identidad que les unió a las masas en “El incendio” y agradecer a la música todo lo que le deben. Vuelve la naturalidad, el pop transparente y sin artificios de sus primeros discos en castellano. Y cortan con la oscuridad, el guiño psicodélico de “El fluido García”, o la electrónica que llegó con “Sierra y Canadá”. En esta nueva etapa desplazan al presente a los iconos del pop en español de los ochenta y noventa para convertirlos de nuevo en noticia (“Siglo XX”). Y reafirman, sin pudor alguno, que son una banda de pop en español y van a luchar por ello. Se acabaron las máscaras innecesarias, esta vez son libres y piensan disfrutar de la experiencia tanto como la primera vez que Lori Maddox descubrió que Jimmy Page estaba locamente enamorado

inquietud constante y catarsis, el miedo a pasarse de frenada no existe, y si encima se emprende un nuevo camino, la honestidad de ese volantazo exige pisar el acelerador a fondo para volar por los aires. Un año después del adiós definitivo de su grupo, cuando aún corre por nuestras venas parte de aquel dulce y amargo veneno de la despedida, Enric Montefusco, fundador, compositor y vocalista de Standstill, inicia su andadura en solitario con el esperado “Meridiana”, cóctel emocionante de recuerdos biográficos y latido social en los que palpita más que nunca esa esencia multidisciplinar que ya se respiraba en sus últimos discos, un cruce de caminos donde la música busca la complicidad de otras artes para saciar su necesidad interna y enriquecer más aún la experiencia y el mensaje. La intensidad, la voz desgarradora de Montefusco, los coros y arreglos orquestales de “Obra maestra”, “Meridiana” o “Todo para todos”, justifican ya este nuevo giro marcadamente de autor, que entiende el arte como inquietud constante, riesgo y catarsis, expresión comprometida ética y estéticamente consigo misma y su tiempo. David Pérez

de ella. Álex Jerez

THIS WILD LIFE

FRITZ KALKBRENNER

“Low Tides” Epitaph/Pias POP

MYRKUR

“Gran Départ” Suol ❚

7❚

ELECTRÓNICA

MAC MILLER

“Mausoleum” Relapse Records ❚

7❚

METAL

WARHAUS

“The Divine Femenine” Warner Bros ❚

5❚

RAP

“We Fucked A Flame Into Being” Pias ❚

7❚

POP

❚

7❚

La pareja formada por el cantante y gui-

El menor de la afamada saga electró-

No hay ecuación ni fórmula genial

Siendo claro y algo bruto, rapear es

Warhaus es el nuevo proyecto de

tarra Kevin Jordan y Anthony Del Grosso,

nica Kalkbrenner presenta este “Gran

–que diría Pucho– que logre dar un

como follar, todo esta en el groove. Y

Maarten Devoldere -artífice de los

encargado de los punteos y otras filigra-

Départ” que supone su cuarto disco de

mínimo de legitimidad a las interpre-

ese groove del que hablo o lo tienes o

siempre recomendables Balthazar-,

nas con la guitarra, se bastan y se sobran

estudio y lo publica a través de su propio

taciones de Myrkur, por mucho marke-

no, Mac sabedor de que carece de él

en el que el belga hace equilibrios

para ofrecer buenas canciones bajo el

sello, Suol. Los trece temas que sustan-

ting y ocultismo que haya detrás. Si su

intenta ponerse romántico. Huye del

entre la profundidad lírica de Leonard

nombre de This Wild Life. Si acaso, en la

cian este nuevo trabajo (adscrito, natu-

larga duración “M” (Relapse Records,

polvo salvaje y ocasional, ese que te deja

Cohen, la insinuación de Serge Gains-

adictiva “Let It Go” se dejan acompañar

ralmente, en el deep-house-tech-soul)

15) dio lugar a un insulso compendio

peor sabor de boca que beber arena y se

bourg y la inquietante solidez de sus

por una voz femenina, la de Maya Tuttle.

suponen un agradable salto cualitativo,

de black metal sin pena ni gloria, el

la juega con hacer el amor. Otro térmi-

compatriotas dEUS. Una apuesta de

“Low Tides” supera su largo debut,

compositivo y lírico en la interesante ca-

fiasco se repite con este breve disco

no diferente, otro mundo, y para ello

evidente perfil triunfador, sobre todo

“Clouded”, también publicado por

rrera del hermanísimo de Paul. En temas

en directo. La hermosa interpretación

hacen falta otras virtudes. Dedicación,

teniendo en cuenta que el músico

Epitaph. Los nuevos temas van más

como “Don’t You Say”, “In This Game”,

de Amalie Bruun se presenta en esta

ternura, temple, cabeza fría y sobre todo

remata la jugada (y la enriquece) con

allá del punk pop acústico, de los cuatro

“Inside” o “Hearts & Hands” muestra

ocasión en un minimalista formato

elegancia hasta en los momentos más

pinceladas de jazz contemporáneo a lo

acordes y las tonadillas resultonas. Aquí

una preclara madurez -analógica vs.

unplugged en el que el excesivo eco

cerdos. “Dang!” (con Anderson .Paak) es

St. Germain y, puntualmente, de otro

hay muchos arreglos, más capas, mayor

sintética- que viene dada por una mayor

de su voz inunda injustificadamente

claro ejemplo de ello, la cita ideal, cena,

incontestable como Nick Cave. “We

profundidad, tanto instrumental como

complejidad y profundidad a la hora de

sus nueve cortes. Ni los discretos co-

copas, buena charla y… Miller descubre

Fucked A Flame Into Being” es, por

vocal. “Fade” y “Just Yesterday” son dos

idear, cantar y sustanciar sus temas -que

ros femeninos ni los siniestros pianos

en este disco que susurrando puedes

tanto, un álbum cargado de influencias

buenos ejemplos. En general, los diez

aquí, en muchos casos, merecen cate-

logran generar algo de interés en

estremecer más que gritando, que atrae

elegantes, que presenta fondo clásico

temas incluidos en “Low Tides” desta-

goría de canciones- y que, solo, cuando

una compilación de temas cuyo único

más una sonrisa que mil palabras y en

aprovechando elementos actuales. Un

can por la calidez y la proximidad de las

se acerca en demasía al sonido -más

continuum es el tedio. Nuevamente,

ello anda. Sabe que acabarás en su cama

estreno accesible para casi todos los

voces y de las guitarras, muy en la onda

techy-club- del más famoso de su familia

asistimos a otra venta de humo por

si te seduce con CeeLo Green, que te

públicos a pesar de venir cubierto por

de Dashboard Confessional y Copeland,

deja de interesarnos. Superado el rubi-

parte de la danesa, que ofrece poco

retorcerás de placer si Kendrick Lamar

cierto halo de oscuridad, y que mantie-

pero al mismo tiempo se presentan con

cón, solo de él dependerá su ilusionante

más que un bonito timbre vocal y unos

cierra el álbum. Sabe dónde duele y te

ne activo el interés aunque la euforia

un envoltorio sofisticado, por momentos

futuro, ya lejos de los pechos de nadie.

arreglos manidos.

ablanda con “Cinderella” o “Soulmate”.

inicial se diluya a medida que avanzan

grandilocuente. Luis Benavides

Fernando Fuentes

Fernando Acero

Marcos Molinero

las diez piezas del álbum. Raúl Julián

Vinilos l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l 37

DANNY BROWN

“Atrocity Exhibition” Warp/Music As Usual ❚

9❚

RAP. Muchos se preguntarán qué pinta

GRUMBLING FUR

Danny Brown el rapero de Detroit editando su nuevo disco bajo el amparo del sello Warp Records, pues tiene su parte de lógica.

Su padre era Dj de música house, y preguntado sobre la mayor influencia para parir este disco no titubeó y declaró que la novela de J.G. Ballard que da nombre al disco y la música de Joy Division (que grabaron un tema del mismo título, inspirado en parte en la novela de Ballard). ¿Rap inspirado en Ian Curtis? Pues sí, el disco le ha quedado dramático, opresivo, de ambientes góticos y obsesivos. Ritmos orgánicos, musicalmente ricos basándose en la teoría del menos es más. Cuando tenemos miles de discos del género casi cada mes, sobresalir es muy difícil, pero Danny lo consigue de sobra con sus canciones. Solo por “Really Doe” con Kendrick Lamar, AB-Soul y Earl Sweatshirt ya vale la pena, pero es que ese tema es solamente la punta del iceberg. Si fuera una película seria un híbrido entre Fellini, Spike Lee y Lynch, si fuera un libro seria Edgar Allan Poe vs William Faulkner y si fuera un cuadro sería un Grant Wood perdido. Por suerte es un disco, uno de los más excitantes del año. Marcos Molinero

“Furfour” Thrill Jockey/Pias ELECTRÓNICA

8❚

❚

Firme declaración de intenciones: “La banda es una expresión de nuestra amistad y amor compartido por la música, el arte, la literatura, dioses y diosas.

El gozo, la alegría de vivir, la amistad y la expresión son las piedras angulares del universo Fur”. Dicho y hecho. No se trata de palabrería. Alexander Tucker y Daniel O’Sullivan llevan subidos desde 2011 al carro de la psicodelia, en los terrenos limítrofes entre la electrónica y el pop con influencias de mucho gusto. Los alicientes que encontramos en su cuarto trabajo son abundantes y jugosos: Desde las bases hipnóticas de “Strange Friends” al ritmo sintético de Acid Ali Khan, el piano de “Heavy Days” con sus impecables melodías de voz, los evocadores pasajes instrumentales de “Molten Familiar” y “Pyewacket’s Palace”, el pop perfecto de “Perfect Reader”, los majestuosos sintetizadores de “Silent Plans/Black Egg” o las flautas del final de “Golden Simon”. José Carlos Peña

THE HEAD AND THE HEART “Signs Of Light” Warner POP

❚

7❚

ELPHOMEGA

EWÏG FROST

“Nebuloso” NavajaSuiza RAP

THE DILLINGER ESCAPE PLAN

“No Dice” Discos Macarras ❚

7❚

METAL

“Dissociation” Party Smasher/Popstock! ❚

7❚

HARDCORE

❚

7❚

THE LEMON TWIGS “Do Hollywood” 4AD/Popstock!

POP

❚

6❚

El tercer disco de la banda de Seattle

Elphomega es de esos artistas que

Si “Dirty Tales” (14) fue un aviso, “No

La traca final. Coincidiendo con el

Sin duda, los hermanos D’Addario han

supone un cambio en muchos sentidos,

acostumbra a sorprender, y esta vez no

Dice” no hace más que confirmar que

vigésimo aniversario de su nacimiento,

generado una expectación sustanciosa

no sólo es el primer disco en una multi-

iba a ser diferente. Cinco años después

Ewïg Frost son una de las bandas más

The Dillinger Escape Plan dicen adiós

respecto a “Do Hollywood”. Con “As

nacional, sino que también es su disco

del fenomenal “Phanton Pop” regresa

completas que se pueden hallar en esa

con un trabajo que supera los notables

Long As We Together” ya tenían a me-

más soleado. Los días de folk oscuro

con un disco en el que hace borrón y

franja, devota del old-school, que se

“Option Paralysis” (2010) y “One Of

dios europeos y americanos comiendo

quedan atrás, y desde el primer mo-

cuenta nueva, prescindiendo del folk y el

encuentra a medio camino del speed

Us Is The Killer” (2013), sus dos últi-

de sus manos. Siempre avalados por su

mento con ese potente single que es

pop de aquel álbum para adentrarse en

metal, el punk y el black metal. En el

mas entregas. Como si de un réquiem

productor Jonathan Rado (Foxygen),

“All We Ever Knew” la luz, el sol y un so-

el terreno de la electrónica y los am-

nuevo álbum de este trío austriaco se

se tratase, la atmósfera oscura que

demostraban haber revisitado con una

nido más rockero lo envuelve todo. Con

bientes oscuros. Atmósferas cargadas,

percibe, más que nunca, su filiación por

planea durante toda la grabación –más

madurez sorprendente las sonoridades

una producción falsamente ochentera

lentas y densas, que fluyen sobre un rap

otros subgéneros, como la NWOBHM o

que palpable en cortes como la pausada

setenteras de bandas como The Beatles,

y unos temas redondos se miren como

experimental y ecléctico, idóneo para

el d-beat. Lejos de caer en la parodia, la

“Symptom Of Terminal Illness”– sirve de

Beach Boys, Elvis y compañía. A pesar de

se miren, The Head And The Heart

el mensaje existencial y reflexivo que

auténtica virtud de Ewïg Frost es sonar

perfecto hilo conductor para salvajadas

poner la miel en los labios a media indus-

dan con su colección de canciones más

siempre nos ofrece el ex-Nazion Sur. Y

homogéneos y creíbles sin disimular

impecablemente construidas como

tria, “Do Hollywood” no ha estado a

redonda. Melodías contagiosas, estribi-

es que Elpho nunca ha sido un rapero al

referentes tan obvios como Venom, He-

“Manufacturing Discontent”, “Honey-

la altura de las circunstancias. Si bien es

llos infecciosos y una música elaborada

uso, pero esta vez ha querido llevar su

llhammer y, sobre todo, Celtic Frost en

suckle” o la inicial “Limerenth Death”.

cierto que el tema de arranque, “I Wanna

pero transpirable. Menos épicos que

creatividad un paso más lejos con este

canciones como “High Octane Anarchy”

Pero es en piezas como “Low Feels Blv.”,

Prove To You”, parece anticipar un disco

Fleet Foxes, ellos lo ceden todo a una

experimento en el que Doc Diamond

o “Twister”. En “No Dice” pueden recor-

influenciada por el free jazz, o el tema

prometedor. Pero la verdad es que es

efectiva lista de canciones cien por cien

(aquel Sr. Narko de Hablando en Plata)

dar a Motörhead, al tiempo que “13A”

homónimo que da título al disco en

un álbum que podía perfectamente

radiables pero totalmente inofensivas.

se hace cargo del peso de la producción.

remite a los Zeke de “Death Alley”: sin

donde llegan a poner a prueba, una vez

haberse quedado en epé con unos

Canciones como “Dreamer”, “Turn It

Ni es el primero ni será el último que fu-

embargo, puede que su mejor corte sea

más, su capacidad de reinventarse. Qui-

pocos temas escogidos. La mayoría de

Around” o “Take A Walk” son temas

siona rap y electrónica, pero todo lo que

“Through Desert And Dust”, en el que

zás sea esa la gran baza de un trabajo

los temas o dejan entrever demasiado

para contemplar amaneceres. La banda

crea Elphomega tiene ese toque intimo,

alcanzan sus registros más extremos.

que, además de redondo, hace lo impre-

la mano de Rado, o se quedan en caras

sonora ideal para sentirte feliz contigo

personal, que convierte a su música en

Sólido e inspirado, es su mejor trabajo

visible algo verdaderamente excitante

B de las caras B de un Paul McCartney

mismo. Marcos Molinero

única. Alfonso Gil Royo

hasta la fecha. Tomeu Canyelles

y necesario. Tomeu Canyelles

aburrido en casa. Daniel Treviño

38 l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l Vinilos

PIXIES

“Head Carrier” Pixies Music/Pias ❚

ROCK. Tras seis semanas en un estudio,

THE WEDDING PRESENT “Going, Going...”

Scopitones ROCK

6❚

❚

7❚

David Gedge se ha mostrado inmune ante cualquier moda, a lo largo de treinta años de carrera y en una tendencia que continúa en el noveno disco de The Wedding Present. “Going, Going...” es una extensa entrega que recoge un total de veinte canciones, incluyendo cuatro cortes instrumentales a modo de introducción. Tras ellos, la banda continúa con su habitual descarga de indie-rock eléctrico y tendencia al trazo grueso, protagonizado por la reconocible aspereza interpretativa de Gedge y una sólida instrumentación que no descuida las líneas melódicas del pop. Un estilo entreverado que se ha convertido en inequívoca firma de los británicos, tras lucir con igual vigencia a lo largo de las diferentes etapas de la formación. El presente álbum destaca por cantidad, pero también por respetar la esencia del grupo a través de unos temas que mantienen el interés a lo largo de casi

con formación estable (Paz Lenchantin asentada al bajo), nuevo productor (Tom Dalgety) y el propósito de enhebrar un álbum, y no una simple agregación de epés, Pixies entregan doce canciones concisas, que emiten signos de recuperación que se desvanecen en el desfondado último tramo del álbum. Lo más proteico está en su primera mitad: la fiera corporeidad de “Head Carrier”; la diana pop de “Classic Masher” o esa “Baal’s Back” que remite a “Rock Music”. Paz Lenchantin depara cuota extra de dulzura en la veta más pop de la banda, tanto en “Might As Well Be Gone” como en la alternancia vocal con Black Francis en “Bel Esprit”. O en esa “All I Think About Now”, en cuya letra Francis trata de congraciarse con Kim Deal. Hasta ahí las buenas noticias, porque las medianías de “Tenement Song” o “Um Chagga Lagga” tienen continuidad con la anodina “Plaster Of Paris” y la insulsa “All The Saints”. “Head Carrier” aporta poco a su facturación del lustro 1987-1991, pero no suena a pálida versión filoalternativa de lo que una vez fueron, ni a un disco de descartes de Frank Black. Y eso ya es algo. Carlos Pérez de Ziriza

ochenta minutos. Raúl Julián

MESHUGGAH

“The Violent Sleep Of Reason” Nuclear Blast Records METAL

❚

7❚

ESMERINE

PORTABLE

“Lost Voices” Constellation POST-ROCK

BARBARIAN SWORDS

“Alan Abrahams” !K7 ❚

8❚

POP

MR. OIZO

“Worms” Blood Fire Death ❚

7❚

METAL

“All Wet” Ed Banger/Warner ❚

7❚

ELECTRÓNICA

❚

6❚

Puede que un nuevo álbum de Meshug-

Ya son cinco los discos grabados por

El batiburrillo de influencias y géneros

Con este segundo larga duración, los

Treinta minutejos dura este sexto

gah no despierte una gran excitación si

Bruce Cawdron y Rebecca Foon bajo la

que puebla lo nuevo del artista sura-

barceloneses Barbarian Swords dejan

álbum de estudio de Quentin Dupieux,

se piensa en lo monótono de sus compo-

denominación de Esmerine. Un pro-

fricano no resta un ápice de unidad y

claro que han llegado para quedarse.

Mr. Oizo. El afamado productor galo

siciones a base de complejas polirritmias

yecto desarrollado bajo el manto de lo

coherencia sonora al conjunto. Re-

A su sonido black metal al más puro

regresa, al parisino sello cool Ed

de origen math. No se me ocurre quitarle

que podríamos denominar “post-rock

pleto de pasajes tribales y salpicado

estilo clásico que ya marcó su anterior

Banger para, rodeado de buenos y

la razón a los que pertenecen a esa

de cámara”, pues su propuesta se ciñe

de sonidos y beats clubbing por aquí,

“Hunting Rats” (14), le suman en

peligrosas stars del asunto electroide,

corriente de pensamiento en la que me

a tres instrumentos acústicos como

allá y acullá, el sexto largo del que

esta ocasión una mayor carga de doom

pergeñar un disco en el que indudable-

puedo incluir sin muchos remordimien-

chelo, violín y marimba, conjugando

hasta ahora fuera más conocido por

que convierte estos nueve cortes en

mente destacan, por encima del resto

tos. Está claro que a estas alturas que los

minimalismo y música de cámara con

su faceta de Dj y su implicación en la

una mezcla más explosiva de lo habi-

“No Tony” con el rapeo disco-funky

chicos de Umeå no van a protagonizar

esa pátina tan característica del sonido

escena tecno-house berlinesa, sirve

tual y, al mismo tiempo, no apta para

del italiano Phra (Crookers); “End Of

una reinvención radical del estilo djent.

Constellation. Una definición que si bien

como una ágil cóctelera en la que

todos los públicos. Como puede imagi-

The World” con Skrillex; “Ruhe”, que

Lo cierto es que “The Violent Sleep

en sus inicios podía emparentarlos con

lo mismo encontramos elementos

narse, el quinteto capitaneado por Von

lo vuelve a reunir felizmente con su

Of Reason”, cuyo título se inspira en el

propuestas más austeras y cercanas a

de música africana (“Séraphin”), y

Päx vuelve a apostar por los medios

colega Boys Noize, ¿alguien recuerda

célebre grabado de Goya, muestra claros

lo contemporáneo como Hangeup, en

repuntes de new jazz (‘The Year My

tiempos y por los temas pesados y

a Handbraekes? y ese muy french-

síntomas de aperturismo a través de la

“Lost Voices” se advierte un avance

Dream Came True”) que atisbos de

asfixiantes. Si tuviéramos que desta-

touchista “All Wet” que rubrica junto a

brillante explotación del bloque solista,

hacia terrenos más eléctricos, cercanos

experimentación (“The Loneliness…”)

car una de las nueve composiciones

Siriusmo. El problema es que, pese a la

repleto de disonancias escalofriantes y

a GSY!BE o A Silver Mt. Zion, con nue-

y letras cantadas. Un cóctel final que

de “Worms” quizás sería “Christian

calidad y variedad, nada parece tener

secuencias tensas en las que abundan

vas y refrescantes cuotas de guitarra

aleja a Alan Abrahams del house de

Worms”, casi ocho minutos a lo largo de

sentido del todo. Temas cortísimos que

sus letras típicamente inspiradas en la

que aportan algo más de intensidad y

corte purista que caracterizaron sus

los cuales Barbarian Swords cambian

terminan de sopetón y que suenan

complejidad de la filosofía social. Por lo

grandilocuencia a su típica retahíla de

trabajos anteriores y que lo adentran

de ritmo en varias ocasiones: lentos al

como si el disco no estuviera lo perfec-

demás, estamos ante los Meshuggah de

composiciones, siempre esbozadas

en una vía más personal y ecléctica.

principio, mucho más rápidos a la mitad

tamente alicatado que se espera del

siempre: guitarras híper graves adere-

alrededor de múltiples motivos y sensa-

¿Un punto y aparte en la carrera del

del tema y un final de ritmo mucho

producto de un artista que levanta ex-

zadas con baterías esquizofrénicas que

ciones. Su disco menos personal pero el

productor? Tiempo al tiempo. Si es así,

más pausado. Un segundo paso de lo

pectación dentro y fuera de su Francia

destruyen tímpanos. Fernando Acero

más disfrutable. Francesc Feliu

bienvenido sea. Daniel Mesa

más sólido. Ana López

natal. Fernando Fuentes

Vinilos l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l 39

TWO DOOR CINEMA CLUB “Gameshow” Parlophone/Warner ❚

8❚

POP. Si pudieras despojarte de todo lo que

LAMBCHOP

conoces y escuchaste de Two Door Cinema Club, si pudieras obviar los rompepistas de su debut y el pop cristalino al que nos acostumbraron, entonces podrías escuchar su tercer disco sin pensar en que hay algo que falta. Aunque no será necesario que lo hagas para disfrutar de “Gameshow”, un trabajo en el que el trío explora otras sonoridades, más cercanas al disco -querrás tatuarte “Fever”-, al synth-pop histriónico (“Je viens de la”) y se completa con medios tiempos con un punto nostálgico (“Invincible”). Y es que a primera vista parece que dicen adiós a los hits de consumo inmediato, pero como ya pasó con “Beacon”, este es un disco que crece con cada escucha. Y si bien sus primeros temas -entre ellos “Are We Ready?” y “Bad Decisions”- incendiarán las pistas de baile, el resto aguardan pacientes su turno para seducirte, como los falsetes de “Surgery”. Porque “Gameshow” es un disco que arranca y finaliza con fuerza, pero una fuerza distinta a la de sus predecesores; más madura, reposada y alejada de su falso reflejo. Quizá no han querido sonar como otro de esos grupos que ya suenan demasiado a Two Door Cinema Club. Marta Terrasa

“Flotus” City Slang/Music As Usual ALT-COUNTRY

❚

8❚

“Flotus” es el álbum número doce de Lambchop y Kurt Wagner su alquimista.

Inspirado en las nuevas tendencias del hip-hop que abanderan músicos como Kendrick Lamar o Frank Ocean, mezclado con krautrock y electrónica, pero manteniendo intacta su pulsión dramática. Once canciones cocinadas a fuego lento con un procesador de voz y una caja de ritmos como condimentos destacados. Un pie en la raíz y otro en la vanguardia. Significativas son la genial “In Care of 8675309”, donde palpita con fuerza la esencia de la banda y “The Hustle”, ensoñación que cierra el viaje, single hipnótico de más de dieciocho minutos empapados de electrónica minimalista. Kurt Wagner ha encontrado en “Flotus” un nuevo camino para contar las eternas batallas cotidianas de la vida. Un disco que suena diferente a todo lo anterior, pero que no esconde el fuerte palpitar de su inconfundible e indeleble sonido. David Pérez

A DAY TO REMEMBER

THOM SONNY GREEN

“Bad Vibrations” Epitaph/Pias HARDCORE

ELYSIA CRAMPTON

“High Anxiety” Sudden Records ❚

8❚

ELECTRÓNICA

❚

7❚

LISA HANNIGAN

“Elysia Crampton presents: Demon City” Break World Records

El sexto trabajo de A Day To Remember

Thom Sonny Green, es el batería de uno

EXPERIMENTAL

nos devuelve a los reyes del easycore

de esos grupos que crean tanto filias

en su versión más dura y, sobre todo,

como fobias, los ingleses Alt-J, cuyo

inspirada. Los de Florida se encontra-

GONJASUFI

“At Swim” Pias

8❚

FOLK

“Callus” Warp/Music As Usual ❚

8❚

ROCK

❚

6❚

“At Swim” comienza a girar y desata

Seis años después de un debut magis-

El universo sonoro de Elysia Crampton es

una lluvia de hojas secas que te cubre

tral, “A Sufi And A Killer” (10) Sumach

un ejemplo que ilustra la conversión del

y atrapa sin que apenas te des cuenta,

Ecks, Gonjasufi, presenta su tercer largo,

sonido a veces peca de ser demasiado

folclore tradicional latino en vanguar-

llega como el otoño pero esconde y pal-

en el que se vuelve a desnudar emocio-

ban en una línea autocomplaciente,

hipster, con ese rollo electrónico/

dia. Su nuevo trabajo tras el aclamado

pita el más puro invierno. Once temas

nalmente, ahora con mayor vehemencia

con un par de discos irregulares, y para

indie tan calculado que da un poco de

“American Drift” es un viaje alucinante

que conforman un todo sin fisuras que

y rabia. En esta ocasión le acompaña el

salir de su zona de confort decidieron

resquemor. En el tiempo muerto entre

entre sintetizadores, samplers, collages

fluye alrededor de la voz aterciopelada

mítico Paul Thompson, ex–guitarrista de

encerrarse durante semanas en una

concierto y concierto de la banda, Green

sonoros, bases imposibles, percusiones

y celestial de Hannigan, filtrando la

The Cure, que se dedica a tejer ambien-

cabaña perdida en las montañas del

aprovechó para ir creando poco a poco

étnicas y contratiempos encajados

tristeza de un estado de ánimo que

tes que van de lo malsano a lo disonante

Colorado. La ubicación de esa cabaña

composiciones cortas de electrónica

con maestría. Es capaz de conferir a su

camina lejos de casa, entre el aisla-

pasando por lo celestial, dejando a Ecks

tiene una explicación, con nombres y

ensoñadora y ambiental, bien cargadi-

música una capacidad narrativa increí-

miento y la soledad. Su rasgueo y canto

pelearse con sus demonios a lo largo de

apellidos: Bill Stevenson (All, Descen-

tas de buenas melodías, preciosismo

blemente asombrosa, no es de extrañar

en “Fall” nos cala hasta los huesos, y sin

diecinueve temas en los que predomina

dents, Black Flag) y Jason Livermore

y melancolía. Nada que objetarle y sí

que se hable de “Demon City” como un

apenas tiempo para levantarnos, nos

el post-punk, hip-hop, la electrónica

(Rise Against, NOFX, Berri Txarrak). En

mucho que alabar, ya que sorprende

poema épico, con el que Elysia cuenta la

vuelve a tirar y sumergir la siguiente

oscura como el betún y ramalazos

este trabajo, el primero para Epitaph,

tanto por su cantidad como por la

historia de la heroína indígena Bartolina

ola, “Prayer For The Dying”, con su

experimentales que a veces se quedan

exhiben músculo como hacía años, con

calidad, que no decae demasiado a lo

Sisa, que por oponerse a la opresión

atmósfera sanadora de mil capas de

en meros esbozos, un disco que tiene

un arranque apabullante, el formado

largo del disco, pese a tener sus buenos

de los conquistadores españoles, fue

voces y cuerdas que se hunden en he-

sus momentos álgidos (“Ole Man Suffe-

por las potentes “Bad Vibrations” y “Pa-

veintiún temas, gracias al cambio de

asesinada, convirtiéndose en un refe-

ridas de latidos cansados. Con la ayuda

rah”, “Vinaigrette “,“When I Die”) y otros

ranoia”. Y todo esto con un cantante en

sonoridades y texturas (desde la IDM

rente y en un símbolo para las mujeres

de Aaron Dessner (The National), Lisa

en los que te quedas con cara un poco

estado de gracia y un buen surtido de

angelical de Boards Of Canada hasta el

indígenas. Resulta lógico que Elysia,

Hannigan ha creado una obra misterio-

de no saber si podrían habérselo currado

breakdowns marca de la casa, especial-

witch-house con toques orquestales

como transexual y luchadora contra las

sa y cumbre, oscura y resplandeciente,

un poco más (“Poltergeist”, “Devils”).

mente sorprendentes en “Reassemble”

y puntuales sampleos vocales) hacen

barreras machistas, haya inspirado su

a corazón abierto, que por momentos

Aun así acaba por ser un disco con muy

y “Justified”, dos piezas con arreglos de

que no se haga largo y apetezca unas

nuevo trabajo en un icono del poderío

nos recuerda al Bon Iver más intimista y

buenas ideas y un sonido amenazante y

cuerda. Luis Benavides

cuantas lecturas más. Raúl Linares

femenino. Esther Al-Athamna

envolvente. David Pérez

misterioso. Raúl Linares

40 l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l Vinilos

❚

La selección PHANTOGRAM

INOREN ERO NI

“Three” Republic Records

“Iennei” Bidehuts

POP

❚

5❚

POST-HARDCORE

❚

7❚

El peligroso camino hacia la cima del

Fue el reencuentro de varios inte-

mainstream ha generado que los neo-

grantes de la inclasificable banda vas-

yorquinos parezcan más una banda

ca BAP! lo que puso en marcha este

tributo de ellos mismos que las jóve-

proyecto denominado Inoren Ero Ni.

nes promesas que captaron nuestra

Tras los variados cambios de forma-

atención. Solo la elegante y adictiva

ción sufridos a lo largo de su historia,

“You Don’t Get Me High Anymore” nos

dejando solo al vocalista Okene como

salva de un brevísimo y tedioso disco.

representante de aquella formación,

Un proyecto en el que, por más que

publican un nuevo disco en el que la

pretendas sacar el oro que nos prome-

nomenclatura elegida entre el acróni-

tían, siempre terminas con las manos

mo y el palíndromo rebela su voluntad

llenas de una tierra que se desvanece

de dar forma a través del post-rock/

y olvida desde la primera escucha.

hardcore estructuras esquivas con lo

Rick Reed (Twenty One Pilots, Fifth

convencionalmente lineal y melódico.

Harmony) ha sido el encargado de la

La siempre visible relevancia de las

producción del disco y de arrastrar al

bases rítmicas, con mayor peso aún

grupo a este limbo sonoro. Se acabó el

si se acompañan de recitados airados

frescor de sus creaciones, parece ser

como los de “Karramarro”, conviven

que no tienen muy claro cómo desa-

con arrebatos a lo Fugazi de “1000

rrollar su trayectoria. Eso sí, desean

y 984” e incluso con pasajes instru-

con toda su alma ampliar su masa de

mentales donde acentúan el aspecto

público la máximo posible. Cuidado

misterioso y árido. Renglones sonoros

chicos, la ambición puede convertirse

torcidos para un certero y sugestivo

en vuestra enemiga. Álex Jerez

discurso musical. Kepa Arbizu

NEUROSIS

“Fires Within Fires” Neurot Recordings

NxWORRIES “Yes Lawd!”

Stones Throw

RAP

❚

HOLY BOUNCER

“Hippie Girl Lover” Gran Sol

❚

8❚

ROCK

❚

7❚

Aquel slogan popularizado hace unos

El productor Knxwledge y el voca-

años de “jóvenes aunque sobradamen-

lista Anderson .Paak presentan su

te preparados” perfectamente nos

primer largo juntos tras lanzar un EP

podría servir, obviando su contexto

en 2015, en el que ya dejaron unas

esnob, para definir a Holy Bouncer.

buenas sensaciones que se confirman

Los barceloneses presentan un disco

con este disco. Haciendo gala de una

debut en el que las pistas que nos

gran química NxWorries nos deleitan

habían mostrado ya en su EP pretérito

con un trabajo de sabor vintage y una

aparecen de una forma mucho más

notable producción repleta de buenos

elaborada, repleta de matices y en

instrumentales como a los que nos

definitiva expandiendo referencias y

tiene acostumbrados Knxwledge,

ambientes. El ingrediente secreto para

con un Anderson apasionado en los

esa efervescencia, al margen de una

vocales y con ese estilo propio que le

instrumentación más rica, es la apari-

ha caracterizado sobre todo desde su

ción de la psicodelia, que igual mantie-

segundo largo, “Malibu”. Por lo de-

ne ese genio rockandrollero con ADN

más Yes Lawd! podría definirse como

clásico (“Wrong Raw Tongue, Rocks

la versión R&B de “Madvillainy”

Wrong”) como se posa en el western

(2004), con un buen uso de samples,

(“Madeland”) o desata el espíritu soul

incluyendo uno de Rick & Morty al

(“Get Higher”). Así hasta completar un

final de “Can’t Stop”, y con grandes

trabajo que ruge, emociona, incita a

temas como “Livvin”, “Best One” o

bailar… Si todo esto es el principio, fro-

“Another Time”.

témonos las manos con lo que puede

Marc Oliveras Deu

estar por venir. Kepa Arbizu

8❚

POST-METAL. Tampoco es que fuera un mal disco, pero sí que es cierto que su “Honor Found In Decay” (12) dejó más interrogantes que otra cosa. Los californianos, que habían despachado una serie de obras mayúsculas –una tras otra, sin parar– desde principios de los años noventa, vieron como parte de su público empezó a cuestionar la dirección que la banda estaba tomando.

Cuatro años después, regresan con un conjunto de nuevas canciones con las que pretenden enmendar las flaquezas que empobrecieron el efecto de su disco anterior. Lo han conseguido, y sobradamente, con un “Fires Within Fires” que, en comparación, se muestra mucho mejor construido. Neurosis firman el disco más breve que hayan hecho desde la época de “Pain Of Mind” (88) y “The World As Law” (90): cinco canciones que, juntas, suman cuarenta gloriosos minutos.

Cien por cien coherente con lo que son y han sido, el nuevo trabajo de la banda capitaneada por Scott Kelly y Steve Von Till irrumpe en buena parte la evolución que comenzó veinte años atrás, con “Through Silver And Blood” (96), para ofrecer guiños a los auténticos pilares maestros

del post-metal: “Souls At Zero” (92) y “Enemy Of The Sun” (93). El golpe de efecto ha sido inmediato y la inicial “Bending Light” sumerge al oyente, desde el primer segundo, en la épica triunfal, tensa y abrasiva de su sonido. Continúan haciendo de la contención un auténtico arte, tal y como demuestra “Shadow Memory”, cuyo hipnótico in crescendo representa uno de los mejores pasajes del álbum. Sin sorprender demasiado, “Fire Is The End Lesson” evidencia que Neurosis pueden seguir dando vueltas de tuerca a su propio pasado sin que, por ello, pierdan frescura, aunque es a partir de “Broken Ground” cuando la tensión aumenta, paradójicamente, con los momentos más luminosos y accesibles del disco. Una atmósfera que remite a los discos de Steve Von Till en solitario y que se oscurecen con “Reach”, otro corte pausado y contenido que desemboca en un final abrasivo, tan esperado como necesario. “Fires Within Fires” no sólo rezuma todo aquello que ha convertido a Neurosis en un referente básico del metal experimental, sino que demuestra, con más énfasis que nunca, que su discurso y su sonido continúan plenamente vigentes.

Tomeu Canyelles

Vinilos l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l 41

Chimo Bayo Foto Tham Casany

mondo media Bruce Springsteen

“Born To Run. Memorias” Random House/Malpaso ❚ 9 ❚ Destinada a convertirse en un clásico del género, junto a las de Keith Richards, Bob Dylan o Neil Young. “Born To Run” nace de la intensidad de la experiencia vivida en su show de intermedio de la Super Bowl en el 2009 (a sus sesenta años), que le empujó a expresarla por escrito. Y desde ahí, el resto, incluido el vaciado emocional de sus crisis depresivas. Robert Aniento

In-Edit. Made In Barcelona VV. AA. Comanegra Editorial

❚

8❚

El crítico Toni Castarnado ejerce de editor y maestro de ceremonias de este completo compendio que, además de homenajear los trece primeros años del popular festival de cine documental musical, recoge articulos sobre los más destacados documentales escritos por una larga lista de críticos nacionales. Una recapitulación exhaustiva y muy cuidada. Lluis S. Ceprián

Canciones que nunca escribí Eduardo Izquierdo Lupercalia ❚ 7 ❚

El periodista y músico Eduardo Izquierdo completa su segundo libro de ficción a partir de canciones que forman parte de la tradición musical estadounidense y británica. Así, da forma a dieciocho disfrutables relatos a partir de otros tantos temas de artistas como Bob Dylan, The Beatles, REM, Johnny Cash, Jim Lauderdale o Tom Waits. Adrián Santos

Oh So Pretty: Punk In Print 1976-80 Rick Poynor/Toby Mott Phaidon ❚ 7 ❚

Quinientas páginas que recogen parte de la herencia visual de los años dorados del punk (1976-1980), de la colección del diseñador y coleccionista británico Toby Mott. Carteles, flyers, portadas, chapas, etcétera, recogidos durante casi cinco décadas de vida. El libro se completa con un ensayo del crítico y comisario Rick Poynor. Adrián Santos

42 l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l Vinilos

CHIMO BAYO & EMMA ZAFÓN

Ni techno, ni drogas: el ‘bacalao’ fue empatía La Ruta Destroy generó en los noventa un circuito masivo de creyentes en Valencia. Las salas, sus templos; los DJ’s, sus dioses.

Si la ‘religión techno’ hubiese sido monoteísta, Chimo Bayo hubiese sido su altísimo: un dios hu-há, dicharachero... Y, ahora, escritor.

Bayo presenta junto a Emma Zafón “No iba a salir y me lié” (Roca Editorial, 16).

“

Señoras y señores, bienvenidos al espacio exterior”, abre juego Chimo Bayo (Valencia, 1961), mientras los hielos de un vaquerito de whisky campanean en un vasito de cortado. Mantener una conversación hilada con el dios del Bacalao es complicado: las anécdotas le brotan. Emma Zafón (Llucena, 1987), periodista, lo sabe bien: ha tenido que reconducir su memoria y desparpajo “desde una perspectiva periodística, aunque mano a mano” durante año y medio para llegar a “No iba a salir y me lié”. Meses de batalla con el recuerdo; un recuerdo salpimentado por toda la química del mundo. “No es una novela histórica, pero sí una ficción que no quiere pasar por alto nada: Valencia, drogas y música”, comenta la extraña pareja sobre el neonato, que explica la historia de dos cuarentones que quieren revivir la Ruta Destroy.

Algo que ellos ven imposible. “No se podrá repetir.

Pero sí se puede revertir la campaña mediática negativa del momento”. Chimo y Emma atribuyen

dicha campaña al miedo del poder al hedonismo colectivo –así lo definieron los ruteros en su día– que fomentaban aquellos fines de semana eternos.

“En aquel momento había empatía. ¿Por qué estábamos tan estigmatizados? ¿Daba miedo el buen rollo?”, reflexiona Bayo. El peso específico de su obra o su desfachatez –quién sabe– han hecho

“Yo es que no veo nada.

No veo el momento de marcharme a casa cuando estoy de fiesta. ¡Hu-há!” que el legado de Bayo llegue hasta nuestro días. Él cree que hay algo más. “Confío mucho en la gente joven”. Por ello se ha acercado a Emma o ha trabajado con el dúo Beauty Brain; con los traperos ha grabado un tema que saldrá en unas semanas, aunque antes verá la luz su nuevo single, “Diablo”.

Bayo responde esperanzado desde La Plata, barrio en tierra de nadie de Valencia. Tanto él como Emma confían en la novela; funcione o no, siempre habrá algo que celebrar. “Antes de iros, ¿os quedáis a tomar una, no? ¡Va…! Por cierto, ¿tienes gafas?”, suelta Bayo, ya de noche, antes de terminar con la conversación. “Yo es que no veo nada. No veo el momento de marcharme a casa cuando estoy de fiesta. ¡Hu-há!”. n Yeray S. Iborra

“Oasis: Supersonic” Foto Archivo

Frecuencia global Warren Ellis ECC ❚ 8 ❚

Esta reedición nos recuerda la maestría de Warren Ellis para revivir la ciencia ficción en el cómic americano. En “Frecuencia global” Ellis nos muestra una agencia de inteligencia que engloba a las personas más peculiares posibles que, mediante la interconexión, consiguen convertirse en agentes capaces de resolver todos los casos que se les presentan. Ciencia ficción y serie negra en perfecta sintonía. Eduard Tuset

Lamia

Rayco Pulido Astiberri ❚ 8 ❚ Desde ya mismo el personaje de Laia pasa a ser uno de mis favoritos del cómic patrio. El canario Rayco Pulido va a dejar huella con esta historia situada en la Barcelona de los primeros años cuarenta. Posguerra, radionovela y pobreza económica y moral. Lean esta maravilla, regálenla, reléanla y adviertan todos los detalles, los guiños, las maravillosa líneas rectas, el riguroso blanco y negro... Octavio Botana

MAT WHITECROSS

Picnic Saturnal

“Oasis: Supersonic”

Las editoriales pequeñas se arriesgan. En este caso el albacetense Pedro J. Gil nos muestra los desvaríos de la supervivencia de los humanos reflejado en una pequeña historia de no más de veinte páginas en las que un grupo de boy scouts se pierden por el monte. Se lee rápido, desconcierta por momentos y no se olvida en unos buenos días. Un perfecto aperitivo. Eduard Tuset

En agosto de 1996 Oasis dieron dos conciertos para 250.000 personas.

Habían pasado apenas dos años y medio desde que Alan McGee les fichara tras un bolo en Glasgow.

Hablamos con el realizador de “Oasis: Supersonic”, el documental alrededor del grupo de los hermanos Gallagher, que se proyecta en salas y que pasó por el festival In-Edit.

Peter Jojaio Apa-Apa ❚ 7 ❚

Removidos

Ego&Alter La Cúpula ❚ 7 ❚ Menudo cuadro costumbrista vitriólico se han sacado de la manga Ego& Alter. No se salva ni el apuntador: desgranar al hombre contemporáneo con sus vicios, manías, placeres y chorradas. Desde Freud a Elvis, Julio Iglesias, Marx o Jesucristo, la Jihad y Nick Cave, la soledad, Frankenstein y los críticos de cómic. Muy divertido y muy cabrón. Octavio Botana

Stuck Rubber Baby Howard Cruse Astiberri ❚ 9 ❚

Reedición de este clásico moderno ganador de premios Eisner, Harvey, etcétera. Una novela gráfica en la que dibujo y contenido conforman una obra de gran calado, parcialmente autobiográfica, en la que se describen los complejos años en los que Estados Unidos vivió con máxima intensidad la lucha por los derechos civiles, raciales y de la comunidad gay. Joan S. Luna

“

Simon Halfon, que diseñó las portadas de los álbumes de Oasis, es ahora productor ejecutivo, y me contactó hace tres años para hacer una película sobre The Clash, pero no pudo ser. Un día me propuso hacer un documental sobre Oasis. Estaba aterrorizado, porque de adolescente fui muy fan”. La idea de empezar y acabar en los mastodónticos conciertos de Knebworth, salió del director en la primera reunión. Fueron los años salvajes de la banda y los más fructíferos. Noel y Liam, que siguen sin verse ni hablarse, ejercieron también de productores. “Jamás nos dieron instrucción alguna en términos de lo que podíamos hablar y de lo que no. Estuvieron increíbles. Fueron muy valientes, al punto de quedar con ellos varias veces para hablar de los temas más delicados”. Sobre la búsqueda de metraje de la época comenta: “Fue difícil. Era el momento histórico previo a que todo el mundo tuviera un móvil o una cámara digital. Además, ellos eran chicos de clase obrera, sin dinero para comprar cámaras. Pero tuvimos varios golpes de suerte. En casi todos los conciertos importantes hubo alguien grabando”.

Con un primer montaje de siete horas y media, pasó un calvario para seleccionar qué se quedaba y qué no. “Me rompía el corazón dejar fuera imágenes y música tan buenas”.

“El deseo de volver a verles sobre un escenario es increíblemente fuerte”

L

a calurosa acogida de la película en Reino Unido demuestra que la huella que dejó la banda es profunda. “El deseo de volver a verles sobre un escenario es increíblemente fuerte. Creo que la caricatura que se hizo de ellos en los tabloides fue la imagen que pervivió. Sí, solían meterse en follones, pero también son gente muy lista, divertida y apasionada. No quería que esa parte de la ecuación se perdiera”. Whitecross trata en su documental desde el triste papel del padre de los Gallagher, hasta la cada vez más enconada rivalidad entre hermanos y el corrosivo acoso de la prensa sensacionalista. El realizador no cree que vuelva a repetirse un fenómeno parecido con una banda de rock. “No es que no pueda salir otra gran banda que una a la gente de la misma manera, pero para mí hay algo en Internet y en la manera en que se escucha música ahora, que hace que la escena esté mucho más fragmentada. De alguna manera, ellos representaron las esperanzas de la gente en un momento único”. n José Carlos Peña

MondoRecomienda l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 43

conexiones

Alter Nation <>Live Nation

La promotora líder mundial del directo ha lanzado Alter Nation, un espacio dedicado a sus conciertos más alternativos. Una opción diferente a grandes salas, grandes aforos y grandes estrellas donde podrás ver en directo las mejores propuestas musicales del rock, indie, garage… ¡Únete al “Otro Lado De La Música” y accede a noticias y concursos para ganar entradas! Sígueles en Facebook/alternationesp y Twitter/alternationesp

Ciclo Alhambra Reserva 1925 <> Omega

Cervezas Alhambra ha presentado la cuarta edición del ciclo Club Alhambra Reserva 1925, que tendrá como principal propuesta la celebración del 20 aniversario de “Omega”, el mítico disco grabado por Enrique Morente y Lagartija Nick. El resto de artistas que completan el cartel de esta nueva edición son: El Guincho, Aries, Jeremy Enigk, The New Raemon, Xenia Rubinos, Crudo Pimento, La Habitación Roja, Hola A Todo El Mundo, Mucho, Neuman, McEnroe, Melange, Ramirez Exposure, Niño de Elche y Rosalía & Raül Refree. El ciclo recorrerá las ciudades de Bilbao, Barcelona, Granada, Córdoba, Madrid, Vigo, Valencia y Murcia.

Movistar <> Xtra “Menú Stereo” “Menú Stereo”, el programa de Movistar+ que apuesta por la mejor música y se acerca de forma única a grupos y músicos del indie nacional, sale a la carretera a finales de octubre para realizar su propia gira de actuaciones en directo en salas de conciertos de Cataluña. Los grupos de la gira Menú Stereo son: Joe Crepúsculo, Ferran Palau, Cálido Home, Nueva Vulcano y Belushi. www.movistarplus.es/menustereo

Youtube <> Suena En Youtube Ray-Ban <> Boiler Room 021

El pasado mes tuvo lugar en el Palacio de la Prensa de Madrid la fiesta Ray-Ban x Boiler Room 021, una sesión unplugged en la que cuatro DJs pincharon únicamente con vinilos, reconectando con la historia y la emoción de pinchar. Los encargados de poner música a la noche fueron: Detroit Swindle, Gerd Janson, Deetron y Honey Dijon. El concepto “Unplugged” se engloba dentro de la última campaña de la marca de gafas, en la que se recalca que hace falta coraje para “desconectar”.

Heineken <> Cultura Viva

La Fundación Cruzcampo, entidad que canaliza el compromiso social de Heineken España, estrena una nueva convocatoria dirigida a la promoción de la cultura como palanca de cambio social, integración y desarrollo. El plazo de candidaturas finaliza el 14 de noviembre. http://fundacioncruzcampo.com/culturaviva

44 l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l Conexiones

Suena en Youtube es un programa destinado a dar visibilidad a la diversidad musical en YouTube. La plataforma se ha convertido en una ventana para cientos de géneros y artistas, que autogestionan su carrera y sus múltiples fuentes de monetización. Son los llamados musicpreneurs. Los abanderados de Suena en YouTube son: Agorazein, Las Bistecs, Bely Basarte, Leroy Sánchez, Xandra Garsem, Sofar Sounds y artistas del novedoso rap play como Cyclo, Key Blade y Zarcort.

Sígueles la pista en #SuenaenYouTube.

Element <> Soundsystem

La marca de ropa Element presenta la colección Soundsystem para este otoño. Una colección inspirada en la música underground de Londres, cargada de tipografías, efectos e impresiones en las mangas que reivindican la escena rock londinense.

Shure Emea <> Call For Legends-Live

Shure EMEA organiza un concurso para bandas jóvenes capaces de demostrar todo su talento en directo. Esta competición llamada “Call for Legends-Live” estará abierta hasta el 22 de diciembre a través de la web www.call-forlegends.eu. Todas las bandas de la región EMEA (Europa, Oriente Medio y África), independientemente del género musical, pueden participar.

l Lol Tolhurst y Robert Smith en 1993 Foto Archivo

l

El imaginario de un chico imaginario Junto a Robert Smith y Michael Dempsey, Lawrence ‘Lol’ Tolhurst fue uno de los fundadores de The Cure, la mítica banda que ostenta una longevidad reservada a pocos.

A

ún más longeva es la amistad de estos chicos imaginarios. Lol y Robert se conocieron cuando tenían cinco años, aunque tardarían unos años más en gestar los orígenes de The Cure, primero con The Obelisk y Malice y luego con Easy Cure. En palabras de Lol: “Robert me cogió de la mano y me llevó al autobús.

Fue el primero de muchos viajes juntos”. Ahora nos cuenta cómo fue todo en sus memorias, “Cured: The Tale Of Two Imaginary Boys”. ¿Por qué decidiste escribir un libro y por qué ahora?

Porque ahora que tengo cincuenta y tantos años es buen momento para analizar mi vida. No podría haberlo hecho a los treinta y pico; habría sido demasiado pronto y no habría sido la misma historia. Además, en 2013, hablando con Robert, tuve una especie de epifanía. Me di cuenta de que tenía que escribir el libro. Siempre quise ser escritor.

Siempre. Así que es el momento ideal. Y ¿por qué no?

¿El título, “Cured” (‘curado’), se refiere a la influencia positiva que tuvo The Cure en ti o, por el contrario, a las secuelas que te dejó el haber formado parte de la banda?

Puede que se refiera a ambas cosas pero, en realidad, se trata de llegar a ese momento de tu vida en el que sientes que las cosas se resuelven.

El libro trata de redención. De ahí lo de “curado”. Además del juego de palabras con el nombre del grupo, es como me siento.

Hablando de los años de The Cure, el comienzo de los ochenta fue caótico: Simon dejó el grupo, Robert se repartía entre The Cure, Siouxsie And The Banshees y otros proyectos, mientras que tú pasaste de batería a teclista, según dicen, porque no podías tocar “Let’s Go To Bed”. ¿Qué estaba pasando tras bastidores?

Pues muchas cosas. Supongo que la respuesta sencilla es que, cuando empezamos con The Cure, no teníamos un rol asignado de batería, guitarrista, bajista… Dijimos que tocaríamos lo que hiciera falta porque nos daba una mayor sensación de lo que podíamos hacer.

Yo, en particular, había empezado a tocar la batería para estar en un grupo y no al revés. Cuando sólo quedábamos dos, dije: “Bueno, voy a cambiar. Haré algo diferente”. Y me pareció lo más natural pasar a teclista porque es un instrumento rítmico también así que es muy similar a la batería. Además, estaban surgiendo muchas cosas nuevas con la música electrónica en aquel momento y yo quería ser parte de

46 l MondoSonoro.com l Noviembre 2016 l Contra

eso y quería que el grupo fuera parte de eso. Fue una época caótica, pero no se me ocurre ninguna época en la carrera de The Cure que no haya sido caótica.

Por último, a finales de los años ochenta, te “echaron” del grupo y te reemplazaron por Roger O’Donnell por supuestos problemas con la bebida. Robert Smith llegó a decir (aunque en broma) que gastabas en alcohol la mitad de las ganancias del grupo y que sería mejor tanto para el grupo como para ti que te fueras. A menudo, decían que el grupo estaba dividido en dos: tú por un lado y el resto por el otro. ¿Realmente fue así? ¿En aquel momento, sentías que estaban todos contra ti?

No, jamás sentí que estuvieran todos contra mí. Yo tenía un problema, del que hablo extensamente en “Cured”, así que, aunque éramos amigos al principio, luego mi enfermedad comenzó a interponerse. Y se interpuso en todo lo relacionado con The Cure, con lo que no culpo a nadie por pensar lo que pensaron en su momento. Cuando estás en un grupo, nunca sabes cómo serán las cosas ni cómo cambiarán. Y las cosas cambian. Así que nosotros tuvimos que cambiar. Y eso significaba que yo también tenía que cambiar. Para mí, la vida normal incluía el alcoholismo, y formar parte de una banda lo aceleró. En aquel momento, no me daba cuenta de que tenía un problema. Creía que me estaba volviendo loco. No estaba preparado para el diagnóstico. n Laura Layoun Filippa Más en mondosonoro.com

mondo freako

Temple Of The Dog Origen: Seattle (Washington), 1990. Reunión en 2016

T

ras la muerte por sobredosis el 19 de marzo de 1990 de Andrew Wood, amigo y compañero de piso de Chris Cornell, líder de Soundgarden, este empieza a componer canciones en honor a su amigo desaparecido. Esos temas (“Reach Down” y “Say Hello 2 Heaven”), iban a ser la semilla de la súper banda por excelencia de la música grunge. Y es que Cornell no dudó en reclutar a lo mejor y más granado de la escena.

Stone Gossard y Jeff Ament, ex compañeros de Wood en Mother Love Bone y futuros miembros de Pearl Jam se unieron a Matt Cameron, batería de Soundgarden y Mike McCready, también futuro guitarrista de Pearl Jam. Encontrar un nombre no fue difícil y extrajeron Temple Of The Dog de un fragmento de la canción “Man Of Golden Words”, como no, de Mother Love Bone. En contra de lo que suele suceder en estas ocasiones, la química funcionó y el grupo acabó grabando uno de los discos definitivos de los noventa, con la participación incluso en los coros de Eddie Vedder, todavía en pruebas como cantante de unos Mookie Balylock que acabarían convertidos en Pearl Jam. Publicaron su primer y único disco en la primavera de 1991 pero este no recibió la atención suficiente hasta que Soundgarden y Pearl Jam, bases inequívocas del proyecto, se convirtieron en grandes estrellas mediáticas.

Disco Imprescindible. Esta es fácil.

Dado que Temple Of The Dog solo publicaron un álbum homónimo, ese es evidentemente el elegido. Aunque el disco no se metió en las listas hasta dos años después llegando eso sí al puesto número 5 de las listas de Billboard, los miembros del grupo se mostraron muy contentos del resultado, asegurando que Andrew Wood hubiera estado muy satisfecho de un disco como este. Los dos sencillos que se extrajeron del trabajo, “Hunger Strike” y “Say Hello 2 Heaven” también se metieron entre los diez primeros puestos de las listas de sencillos rock, aunque la influencia y el valor del disco van más allá de puestos numéricos.

Están de actualidad por: Antes del verano saltaba la gran sorpresa. Como celebración (tardía) de los veinticinco años de publicación del disco, la formación original de Temple Of The Dog anunciaba la primera gira de su historia. Aunque en su momento solo dieron un par de conciertos, ya se ha confirmado que el grupo actuará en Philadelphia, New York, San Francisco Los Ángeles y Seattle, sin que se haya descartado incluso una visita europea. Además, el pasado 30 de septiembre veía la luz una reedición de lujo del disco con hasta cuarenta y ocho demos inéditas. Casi nada.n Eduardo Izquierdo

Novedades Carminha, Dorian, Niño de Elche... son.estrellagalicia.com La agenda musical SON Estrella Galicia. También disponible en Apple Store y Google Play.

Agenda Salas SON Estrella Galicia

Loco Club, Valencia The Wedding Present / 01 de noviembre

Sala El Sol, Madrid The Pretty Things / 08 de noviembre

Sala Karma, Pontevedra Delorean / 11 de noviembre

Mardi Gras, A Coruña Disco Las Palmeras! / 12 de noviembre

Playa Club, A Coruña Carlos Sadness / 19 de noviembre

Escenario Santander

Sala Capitol, Santiago de Compostela Novedades Carminha / 04 de noviembre Dorian / 25 de noviembre

Le Club, A Coruña Delorean / 10 de noviembre

Porta Caeli, Valladolid Delorean / 12 de noviembre

Teatro del Arte, Madrid Doble Pletina / 18 de noviembre

La Iguana, Vigo Ryley Walker / 24 de noviembre

Dorian / 26 de noviembre

Giras y festivales SON Estrella Galicia

981heritage

Peter Broderick (presenta “Partners” Erased Tapes) 01 de noviembre / Café Berlín, Madrid Wooden Shjips / 06 de noviembre / Sala Bikini, Barcelona Niño de Elche / 10 de noviembre / Joy Eslava, Madrid Maïa Vidal / 24 de noviembre / Teatro del Arte, Madrid

MIRA Digital Arts Festival

Alessandro Cortini, Begun, /Beyond/, Boldtron, Chronophage, Death in Vegas…

10, 11 y 12 de noviembre / Fabra i Coats Fábrica de Creació, Barcelona

American Autumn

Wooden Shjips / 05 de noviembre / Teatro Barceló Madrid Tom Brosseau 16 de noviembre / Café & Pop Torgal, Ourense Heather Woods Broderick 18 de noviembre / Coimbra 23 de noviembre / Café & Pop Torgal, Ourense Kevin Morby / 24 de noviembre / Café Berlín, Madrid