MondoSonoro octubre 2016 by MONDO SONORO

Octubre 2016 Nº 243

KASE O

REPARTIENDO ARTE

TWO DOOR CINEMA CLUB

EL SHOW DEBE CONTINUAR

THE PARROTS

MIEDO Y ASCO EN MALASAÑA

PRESENTE LOS FABULOSOS CADILLACS

KING CREOSOTE l SIDONIE l THE CAT EMPIRE l TRENTEMØLLER l ALEX CAMERON l BASTILLE l FIERA l SHINOVA l iLe ENRIC MONTEFUSCO l NIÑO DE ELCHE l MARAH l PIXIES l PLACEBO l JAMES VINCENT MCMORROW l BON IVER l FESTIVALES

Selección Oficial 2016

FESTIVAL DE CINE AMERICANO

PENDIENTE DE CALIFICACIÓN POR EDADES

SECCIÓN OFICIAL | 2016

MERCED MEDIA y PALMSTAR MEDIA CAPITAL presentan en asociación con FILMNATION ENTERTAINMENT con la participación de BORD SCANNÁN NA HÉIREANN / IRISH FILM BOARD A LIKELY STORY/FILMWAVE/DISTRESSED FILMS/COSMO FILMS PRODUCTION una película de JOHN CARNEY LUCY BOYNTON MARIA DOYLE KENNEDY AIDAN GILLEN JACK REYNOR KELLY THORNTON FERDIA WALSH-PEELO “sinG street” castinG LOUISE KIELY dirección de producción JO HOMEWOOD música oriGinal GARY CLARK y JOHN CARNEY vestuario TIZIANA CORVISIERI supervisor musical BECKY BENTHAM productor musical KIERAN LYNCH montaje ANDREW MARCUS JULIAN ULRICHS diseño de producción ALAN MACDONALD director de fotoGrafía YARON ORBACH productores ejecutivos KEVIN FRAKES RAJ BRINDER SINGH BOB WEINSTEIN HARVEY WEINSTEIN co-productores PAUL TRIJBITS CHRISTIAN GRASS producido por ANTHONY BREGMAN MARTINA NILAND JOHN CARNEY idea oriGinal JOHN CARNEY y SIMON CARMODY escrita y diriGida por JOHN CARNEY www.sinGstreet.es

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30 DE SEPTIEMBRE EN CINES 9/9/16 13:23

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 mondo@mondosonoro.com

sumario

Coordinador General Sergi Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com)

Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Darío García Coto (dario@mondosonoro.com) Maquetación Xibecal Brothers Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com ◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Pablo Ferrer, Sergio Falces, David Chapín (publiaragon@mondosonoro.com)

18 The Parrots

mondofreako 7 Kase O, una nueva era del rap 8 James Vincent McMorrow, iluminado 9 Sidonie en estado puro 10 The Cat Empire, Los discos de mi vida 11 Pixies, el eterno reorno 12 Niño de Elche, No Confidencial 13 Enric Montefusco, cuestión de clase 15 King Creosote, contra la utopía digital 16 Bastille, pasando de números

◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción Asturias José Luis Quirós Tlf. 984 395 141 (asturias@mondosonoro.com) Publicidad Asturias Ramón Noguera (publiasturias@mondosonoro.com) 678 512 017 Redacción Cantabria Carlos CanedaTlf. 669 06 82 72 (cantabria@mondosonoro.com) Publicidad Cantabria Ernesto Castañeda 657 67 41 97 (publicantabria@mondosonoro.com)

Foto Gustaff Choos

Publicidad Director Comercial Dani López(dani@mondosonoro.com) T. 687 914 719 Coordinador Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) T. 607 366 693 Publicidad Madrid Víctor Valero (victor@mondosonoro.com) T. 671 084 191 Publicidad Catalunya Cristina Benito (cris@mondosonoro.com) T. 657 701 015 Administración y Contabilidad Vanessa Garza (vanessa@mondosonoro.com)

7 Kase O

◗ Ed. Comunidad Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción / Publicidad Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 ◗ Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja (zarata@mondosonoro.com) Redacción / Publicidad Iker Bárbara Tlf. 665 050 639

vinilos

portada

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33 Bon Iver

22 LFC

◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara González Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Virginia Arroyo, Yeray S. Iborra Fotografía Alfredo Arias, Edu Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Silvia R. May

f 150.477 seguidores k 88.700 seguidores g 234.843 seguidores 16.100 seguidores

21 Two Door Cinema Club

mondomedia conciertos 50 Paco Loco, “Sing Street”

25 Festivales

editorial

ay portadas que resultan tan obvias como obligadas. Cuando nos enteramos del regreso discográfico de los argentinos Los Fabulosos Cadillacs empezamos a valorarlo, pero cuando se confirmó su visita a nuestro país el año que viene, empezamos a mover hilos para lograr entrevistar a la banda en persona y a ser posible en su ciudad, Buenos Aires. No hace falta insistir sobre la importancia y el peso que han tenido los Cadillacs en el rock latino, un lugar de honor construido a base de combinar en su peculiar batidora sónica todas sus influencias en una especie de loco crossover. Porque si hay una banda que no ha escondido nunca sus mimbres son ellos. Y si por sus versiones les conoceréis, ellos no se han cortado nunca un pelo a la hora de descubrir sus cartas e incluir adaptaciones de pop (The Beatles), punk-rock (The Clash), funk (Curtis Mayfield), ska (The Specials) o salsa (Rubén Blades). Su capacidad para combinar todos esos estilos con su personal sello les ha valido el reconocimiento masivo, dignificando el discurso musical más popular y festivo. “Carnaval toda la noche”, “Vasos vacíos”, “Mal bicho” o “Matador” son parte ya del cancionero universal y ahora se plantea la oportunidad de disfrutarlas en directo. n

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y participa en el sorteo de 1 copia firmada de “Rising With the Sun” de The Cat Empire

Sumario l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l 5

Kase O Foto Gustaff Choos

mondo freako

Kase.O, la vida es rap No se componen todos los días discos catárticos, resultaría peligroso para la salud. Sería agotador marcar siempre un antes y un después. Es pronto para saber qué sucederá con el rap en castellano a partir de “El círculo” (RapSolo/ BOA, 16), pero todo apunta a que Kase.O la ha liado. Tras esta nueva referencia de RapSolo se sobrepasan unas expectativas ya de por sí muy altas.

ace un año se pudo degustar el maxi “Previo”. Aquel adelanto despejó dudas sobre qué podía esperarse de lo que ahora ha salido a la superficie. Una vez olfateados los diecisiete cortes de “El círculo”, parece claro que el trabajo de Kase.O va más allá. “No tengo perspectiva. Hace solo dos semanas que lo he terminado. Sé que es muy variado y sincero. He sacado las rimas de las entrañas, sin pensar si iba a gustar o no pero criticándome al máximo, con ganas de dejar un testigo a mis treinta y seis años. Es una pequeña muestra de lo que pienso, de lo que digo. No sé si abrirá una nueva etapa en el rap. Me mani-

fiesto a través del rap pero solo veo música, no veo rap”. No cabe duda de que es un trabajo muy esperado y en el que se han depositado grandes expectativas. No es fácil trabajar bajo tanta presión. “Lo más difícil del proceso, muy largo y muy duro, ha sido definirme musicalmente. Cada frase que escribía me parecía mal... y así durante meses, con la cabeza como una olla express, siempre a punto de explotar. Todo por la autocrítica y mis fantasmas. No sé cómo lo hice, pero me fui relajando. Me junté con Gonzalo (Lasheras, co-productor) para trabajar mi música y ahí empecé a disfrutar. Estaba creando, más allá de usar los samplers. Por fin me metí en el disco y ya no pensaba en otra cosa que en seguir adelante”. El sonido final es más orgánico que en una producción de rap al uso: en algunos pasajes, como sucede con “Mazas y catapultas”, ni siquiera parece un trabajo de rap. “Hay mucho instrumento real, mucha producción propia. No buscaba crear intencionadamente esa estética, pero la verdad es que no encontraba en las producciones que me mandaban el sonido que quería. Además, que haya hecho yo las instrumentales da personalidad al trabajo, lo hace especial. La música es lo que me inspira, no el puto folio en blanco. Si no hay un par de acordes buenos que me emocionen, no hay rap, así que los he tenido que tocar yo”.

“Me manifiesto a través del rap pero solo veo música, no veo rap”

l álbum es un amalgama de estilos, continuos giros rítmicos y cambios de registro; sin embargo, subyace una unidad clara que hace de esta colección de canciones una obra conceptual, con su introducción, nudo y desenlace. “Se nota que las letras son de la misma época. En algo se relacionan las canciones, a pesar de ser muy variadas. Pero eso lo hemos visto al final, al escuchar el resultado. Y sí, tiene una estética. Las producciones que hemos hecho Gonzalo y yo son las que consiguen unificarlo todo”. Los contrastes sobrepasan el ámbito meramente sonoro. Las letras, además de la reivindicación, cuentan con dos caras opuestas: una muy emotiva, como sucede con “Basureta”, una especie de rap llorado, y otra de chulería pura y dura, que se deja ver claramente en “Yemen” e “Interludio quieren copiar”. “A mí me gustan las dos vertientes. La del gacho con el corazón en la mano y la del cabrón. Tampoco quería

que fuera un disco solo de competición y de ‘yo soy el mejor’. La competición ni siquiera es relevante en el disco, pero tenía que haber vacile; el propio personaje de Kase.O me inspira. Yo lo manejo a mi antojo y le hago decir lo que quiero (risas). Pero en un disco de Kaso.O en solitario tenía que incluir este tipo de canciones. La gente tiene más o menos una idea de mí, de mis valores y de mis movidas, pero aquí me he explayado especialmente en según qué traumas y mierdas. Han salido a relucir, para hacer a Kase.O más humano. Ha sido también mi lucha. El humanizarlo, el ponerlo al nivel de la peor rata. Porque por mucho Kase.O que seas sigues siendo la peor rata”.

a gira de presentación de “El círculo”, a falta de nuevas fechas por confirmar, comienza el 5 de noviembre en Pamplona y va a recorrer buena parte de la geografía española con parada incluso en Londres: sala Scala, el 20 de mayo de 2017. “La idea es volver a la vieja usanza con un deejay, quizás dobles voces y algún instrumento más de percusión como refuerzo. Voy a ir a ver qué sentimientos tengo, porque tocar con banda ha sido muy agradable, muy positivo y muy loco. De momento quiero probar así. Igual el año que viene vuelva a girar con grupo”. n Sergio Falces

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MondoFreako l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l 7

❚ “Konnichiwa” (Boy Better Know/ Popstock!, 16) de Skepta es el mejor álbum británico del año para la crítica británica y culmina un año dorado para el grime. El género no llegaba a estas cotas de reconocimiento y

Cuenta atrás para el BIME Live

ganara este mismo premio hace trece años con su álbum de debut “Boy In Da Corner” (XL, 03). ❚ Conor Oberst publica el 14 de octubre su nuevo disco en solitario, “Ruminations”, de la mano de Nonesuch Records/Warner. Se presenta como un disco crudo y desnudo, grabado en cuarenta y ocho horas y compuesto en soledad en su Omaha natal tras una larga temporada en Nueva York: “Me refugié en mi casa con el piano y algún que otro instrumento. Para cuando me di cuenta, habían pasado semanas, ya no me quedaba leña y había compuesto este disco (…)”.

Billie Joe Armstrong Foto Archivo

James Vincent McMorrow, iluminado ❚ Billie Joe Armstrong, líder de Green Day, es el actor principal de “Ordinary World”, un largometraje dirigido por Lee Kirk que se estrena el 14 de octubre. No es la primera aparición de Billie Joe Armstrong en una película, pero sí la primera que va más allá de la mera anécdota. El argumento gira alrededor de la crisis de un ex-miembro de una banda de punk rock en la fiesta de su cuadragésimo cumpleaños, diez años después del parón indefinido de su banda, y toma su nombre de uno de los temas de “Revolution Radio”, el nuevo disco que publicarán Green Day el 7 de octubre. ❚ Kaytranada acaba de ganar el Polaris Prize, premio que, a imitación del Mercury Prize británico, condecora al mejor álbum canadiense del año. Ha sido con su primer álbum de estudio “99%” (XL Recordings, 16), un trabajo en el que demostraba su maestría como productor con colaboraciones de Anderson .Paak, Vic Mensa o BadBadNotGood. A propósito, la portada es del español Ricardo Cavolo. n

“We Move” ( 16), tercer esfuerzo de James Vincent McMorrow, es el resultado de avanzar por el más incierto de los caminos para asegurarte de que al final acabarás por conocerte mejor. Ahora faltará ver cómo lo defiende sobre un escenario.

“

Este es el disco que he querido hacer desde que tengo dieciséis años, en el que uno la faceta de cantautor con el hip hop”, asegura James al otro lado de la línea. No, aquí no hay camisas de cuadros ni cabañas en el bosque. Solo un giro en el sonido, pese a que temas como “Cavalier” ya advertían lo que latía bajo la piel del irlandés. “Ya no me escondo. Este es mi disco más sincero, el más valiente. Cuando estás componiendo por tu cuenta es complicado estar seguro de ti mismo. Te entran las dudas sobre si escribir en la misma línea que hasta el momento, repetir la fórmula que ha funcionado, o bien comprometerte con lo que tienes en la cabeza. Es un equilibrio complejo”. Si en “Post Tropical” (14) escondía su voz bajo capas y texturas a causa del miedo, en “We Move” posa desnudo sin complejos. “La simplicidad se asocia a menudo con

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un tío con una guitarra o con un piano, pero no creo que sea la única manera de expresar tu verdad. Quiero expresarme, pero también quiero oír sintetizadores, guitarras, percusión… ¿Por qué tiene que ser orgánico versus electrónico?”, se pregunta el irlandés, para responderse casi al instante. “Gracias a ‘Cavalier’ comprobé que la gente entiende esta dualidad y yo les entendí a ellos mejor. Nadie inventa la rueda hoy en día: se trata de hacer algo único, honesto y que para ti tiene sentido”. Canciones compuestas a camino entre Irlanda, Barcelona y finalmente, Canadá. James y el resto del equipo se conocieron en Los Angeles y enseguida conectaron, aunque “no pensé que iba a trabajar con ellos. Simplemente me gustaba pasar el tiempo con 85 y tener la oportunidad de estar cerca de alguien a quien admiras es genial”. James se confiesa admirador de la coherencia sónica y la manera de trabajar del equipo OVO. Por eso fue clave contar con los productores Nineteen85 (Drake), Two Inch Punch (Sam Smith) y Frank Dukes (Kanye West, Rihanna). La mezcla corrió a cargo del héroe Jimmy Douglass, quien ha trabajado con Timbaland y otros grandes nombres, aportando esa calidez vintage al disco. n Marta Terrasa James Vincent McMorrow actuará el 29 de octubre en el BIME (Bilbao), el 30 en Madrid y el 31 en Barcelona. Más en MondoSonoro.com

Desde que se anunciaron las fechas de esta edición del BIME, se han ido dando a conocer nombres nuevos a la lista. Los últimos han sido los grupos vascos Belako, Shinova, Perlak y Exnovios como buenos embajadores, aunque también se confirma la presencia de un nombre internacional a tener en cuenta. Se trata de Cat’s Eyes, dúo que forman Rachel Zeffira y el vocalista de The Horrors Faris Badwan y que publicaba este verano “Treasure House”. Te recordamos que también estarán presentes PJ Harvey, Suede, The Horrors, The Chemical Brothers, Moderat, The Divine Comedy, James Vincent McMorrow, Wild Beats, Toy o Lambchop, entre otros. Será los días 28 y 29 de octubre en Bilbao. www.bime.net n

Kraftwerk Foto Archivo

popularidad desde que Dizzee Rascal

PJ Harvey Foto Archivo

James Vincent McMorrow Foto Sarah Doyle

Kraftwerk repasan su historia en Bilbao Si su actuación en el barcelonés Liceo fue sorprendente, no cabe ninguna duda de que ver el espectáculo de los alemanes Kraftwerk en el museo Guggenheim de Bilbao será una experiencia casi religiosa. Los padres de la música electrónica repasarán los discos que forman parte de “The Catalogue -1 2 3 4 5 6 7 8” en ocho conciertos, cada uno de ellos dedicado a un trabajo en concreto y con sus proyecciones en 3D. “Autobahn” (1974) se interpretará el 7 de octubre; “Radio-Activity” (75) el día 8; “Trans Europe Express” (77) el 9; “The Man-Machine” (78) el 10; “Computer World” (81) el 11; “Techno Pop” (86) –también conocido como “Electric Cafe”- el 12; “The Mix” (91) el 13; y “Tour de France” (03) el 14. n

Sidonie Foto Marcel Juan

Sidonie, en estado puro Con siete discos a sus espaldas, infinitos kilómetros en carretera e incalculables recitales en directo, Sidonie deciden hacer de su octavo disco, “El peor grupo del mundo” (Columbia/ Sony, 16), una oda tanto a su larga trayectoria como a su gran pasión: el pop.

l trío formado por Marc Ros, Jesús Senra y Axel Pi lo ha vuelto hacer: diez canciones repletas de un pop melódico y luminoso que consiguen poner de buen humor a cualquiera. Pero, aunque

parezca la misma fórmula de siempre, “El peor grupo del mundo” parte de algo distinto. “Después de tantos discos hablando del amor a una persona o a una pareja, queríamos hablar de nosotros, hablarle al grupo y también al pop que hacemos y que nos apasiona”. Y es que este octavo disco se forja como un disco de pop que habla del pop, tanto del suyo como el de sus ídolos o referentes (como bien reflejan las numerosas alusiones a artistas como Jota de Los Planetas, Lori Meyers o Ricky Falkner de, entre otros, Egon Soda). “Nosotros no nos escondemos de nuestras influencias ni de lo que somos. Y esta vez nos apetecía, más allá de la metáfora, poner en nuestras cancio-

“Este disco es una biografía apócrifa de nosotros mismos” nes las conversaciones que tenemos en la furgoneta, a la gente que admiramos… todo eso”. Tras casi veinte frenéticos años en activo, los barceloneses echan la vista atrás y reflexionan sobre su carrera a lo largo de este disco, que ellos mismos equiparan a “una cena íntima de una pareja

que se quiere mucho, pero que nunca ha tenido la oportunidad de decírselo con tranquilidad”. Y para ello, qué mejor que hacerlo entre familia, contando en los mandos de la producción con Santos y Fluren y, también, con Ricky Falkner. ¿El resultado? “Una biografía apócrifa de nosotros mismos”, donde el brillante y dinámico pop del trío catalán se deja de maquillajes y se muestra “en estado puro, en equilibrio y melódicamente perfecto”. Diez canciones que “reflejan la esencia de Sidonie y que nos hacen pensar que todo lo que hemos hecho nos ha llevado a este disco y que, después de este, todo va a cambiar”. n Raquel Pagès Más en www.mondosonoro.com

Se cumplen dos décadas desde que viese la luz el debut homónimo de Placebo, allá por junio de 1996. Brian Molko y Stefan Olsdal celebran tan señalado aniversario publicando recopilatorio, nuevo EP, y anunciando una gira especial que no pasará por nuestro país.

l bajista Stefan Olsdal responde a nuestra llamada en un muy buen castellano desde Londres, donde se encuentra promocionando el recopilatorio “A Place For Us To Dream” (Universal, 16)

y el EP con temas inéditos “Life’s What You Make It” (Universal, 16). Son las consecuencias con las que el grupo británico celebra dos décadas de ininterrumpida trayectoria artística. “Muchas cosas parecen un sueño, porque hemos vivido tanto… y muchas situaciones son casi irreales. Pero creo que mantenemos esa actitud de que la música es lo más importante, y hemos sobrevivido a estilos de vida muy oscuros. Aún nos quedan muchos años más”. En todo este tiempo ha habido varios cambios de batería, pero junto al entrevistado siempre ha estado el carismático vocalista Brian Molko. “Es como una bola de fuego (risas). Y mi papel es un poco manejar esa bola de fuego: a veces quema mucho y a veces se

Placebo Foto Archivo

Placebo celebran sus veinte años

apaga, y yo estoy ahí para gestionar eso. También soy su complemento”. La banda ha anunciado además una gira (sin fechas en España) en la que volverán a acometer temas antiguos que hace tiempo que no suenan en sus conciertos. “Nuestra actitud en esta

gira es la de celebración, pero también será una sesión de terapia con nosotros mismos respecto al pasado: muchas canciones nos recuerdan cosas que no nos gustan”. n Raúl Julián Más en www.mondosonoro.com

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❚ Después de una larga gira internacional, incluyendo diversos festivales europeos y norteamericanos, Hinds anuncian una amplia gira española. Serán en total ocho conciertos en Barcelona (11 noviembre, Apolo), Granada (19 noviembre, Festival Gra-

Lee Fields Foto Archivo

mondo freako

El Monkey Week sevillano

napop), Murcia (9 diciembre, REM), Valencia (10 diciembre, La3), Málaga (15 diciembre, CC Ollerías), Algeciras (16 diciembre, Farándula), Sevilla (17 diciembre, Sala X) y Madrid (7 enero, La Riviera). ❚ “In Edit. Made In Barcelona” (Comanegra, 16) es un libro dedicado al documental musical y al festival Felix Riebl Foto Archivo

barcelonés In-Edit. Los textos están firmados por responsables del evento, periodistas y críticos, y ha coordinado nuestro colaborador Toni Castarnado. ❚ “Rocknrollers”, la película documental dirigida por el director Juanma Bajo Ulloa en 2012 sobre el Azkena

Felix Riebl (The Cat Empire)

Rock Festival se acaba de presentar al público en la 64º edición del Donostia Zinemaldia–Festival de San Sebastián. El décimo aniversario del Azkena Rock, sirve como base para adentrarse en la pasión que genera

Los australianos The Cat Empire vuelven a nuestro país para ofrecer una gira de cinco fechas. Aprovechando la ocasión, le preguntamos a su líder Felix Riebl por seis discos que le han marcado a lo largo de su vida. Actuarán en Madrid (15 noviembre), Valencia (16), Barcelona (Aniversario Razzmatazz, 17), Zaragoza (18) y Santander (19).

Ojo los despistados: el Monkey Week 2016 ya no se llevará a cabo en Cádiz, ya que cambió su locación a la Alameda de Hércules (Sevilla). El festival se celebrará del 13 al 15 de octubre y, a pesar del cambio de lugar, continuará con su habitual programación de conciertos en distintos lugares de la ciudad. Además de grupos anunciados inicialmente como Lee Fields, Michael Rother, Cápsula, I Am Dive o Melange el evento ha confirmado a más de treinta nuevas bandas para su cartel, que formarán parte del Circuito de Showcases Ron Contrabando. Entre ellas encontrarás a grupos como Cala Vento, Aries, Holögrama, Aloha Bennets, Los Wallas, Museles, M.O.R., Kurt Baker Combo, C.I.A.N.U.R.O., Pianet o Xebi SF. www. monkeyweek.org n

dicho género musical y la magia que

Paul Simon

Vitoria-Gasteiz. www.rocknrollers.es.

Yung Beef Foto Archivo

“Graceland” (1986) Una fantástica obra maestra de uno de mis compositores favoritos. Las letras son brillantes e inesperadas, pero al mismo tiempo profundas y tristes. Parece que hablen sobre un futuro curioso y optimista. Además las canciones están combinadas con melodías africanas existentes.

❚ La Mafia del Amor, AC3, Gypsy La

Manu Chao

Fe, El Asesino 187, El Mini, Fly Migo

“Clandestino” (1998)

Bankroll, Takers, Ms. Nina, La Zowie, Kaydy Cain, Los Sugus y por supuesto Yung Beef firman hoy las primeras doce referencias de La Vendición Records, disponibles en todas las plataformas habituales. En principio se esperaba solo el lanzamiento de la “Fashion Mixtape” que anda presentando en directo este mes

Este disco posiblemente sea una elección peligrosa frente a los lectores españoles porque sé que Manu Chao es muy conocido y quizás os parezca una elección muy obvia. Pero nadie en Australia conocía a Manu Chao cuando escuché este disco por primera vez en los noventa.

Roy Orbison

“Mystery Girl” (1989) Roy Orbison siempre fue un disidente. Nunca encajó en ninguna escena y siempre siguió su propio camino. Además influyó a muchos otros grandes compositores. Este disco tiene una calidad muy especial, al tiempo que sus canciones son simples, puras y preciosas.

Bob Dylan

“The Freewheelin’ Bob Dylan” (1963) Una canción tras otra, poemas y sueños y melodías cuyo eco tiene una significación personal especial para mí lo mismo que la tuvo política y socialmente para una generación que llegó antes que yo. Un genio de la música lleno de confidencias brillantes.

Yung Beef, pero acaban de demostrar una vez más que lo previsible no

Dr. John

va con ellos. ❚ Kidd Keo viene siendo el raro de la clase, porque está claro que hacer trap en inglés desde Alicante no es la manera más fácil de destacar. Pero ahí está poniendo en la calle una nueva mixtape de la mano de Dirty Business Trap, “Welcome To Gotham”. n

“Desitively Bonnaroo” (1974) El productor John Porter, que es un gran amigo mío, me introdujo en este disco. Es fácilmente uno de los mejores discos para freir comida y beber. Las letras son alocadas, directas y brillantes, mientras que los arreglos y los músicos suenan pantanosos.

10 l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l MondoFreako

Toumani Diabate

“Toumani & Sidiki” (2014)

Un álbum que reúne a dos maestros de la kora de Mali, que además son padre e hijo. La música es muy complicada e intrincada, pero cuando la escuchas sientes una simplicidad y una claridad extrañas. Me pongo este disco cuando quiero calmarme y vaciar mi cabeza durante las giras.

Paddy Steer Foto Archivo

se vive durante las dos jornadas en

Periferias bucea en los “estados alterados” El festival temático Periferias cumple diecisiete ediciones con una mirada a los estados alterados en la creación. La varita del zahorí Luis Lles, fundador y director del invento, se dirige esta vez a la raíz de la psicodelia, la etimología de las visiones o la contracultura beat. El calendario comprendido entre el 20 y el 30 de octubre será hermosamente rarito en Huesca, con doble parada musical: talento aragonés el día 28 (My Expansive Awareness, Lucca, Ra Malone, Bigott, Gabriel y Vencerás…) y chamanes como Suso Saiz, Kiko Veneno, Mike Cooper o Paddy Steer al día siguiente. Además habrá cine, moda, microteatro, performance y conferencias. Ojo a uno de los ponentes: Antonio Escohotado… www.periferias.org n

Pixies Foto Archivo

Pixies, el eterno retorno Pixies han vuelto con “Head Carrier” (Pixiesmusic/Pias), que verá la luz el 30 de septiembre. Charlamos con David Lovering (batería) y Joey Santiago (guitarra) en el BBK Live.

“

Head Carrier” llega veinticinco años después de “Trompe Le Monde”, el último grabado con Kim Deal y lo cierto es que la banda parece más entusiasmada con el equilibrio interno alcanzado tras la expulsión de Deal en 2013 que con los dos discos que han grabado sin ella. (Lovering) “Paz (Lenchantin, sustituta

de Deal) era fan de Pixies, lleva tres años tocando todo nuestro repertorio y ha completado el círculo hasta convertirse en un miembro de Pixies por derecho propio. Musicalmente y personalmente no podría estar más integrada”. (Santiago) “Las cosas son mucho más fáciles desde que está con nosotros. Mucho más ligeras. Cada uno de nosotros se ha quitado veinte kilos de peso de la espalda”. Desde 1989 el sonido en estudio era responsabilidad de Gil Norton, productor de todos sus álbumes excepto el primero, producido por Steve Albini. (Lovering) “Tenemos una muy buena relación con Gil, pero queríamos salir de nuestra zona

“Hay demasiada gente estúpida en el mundo” de confort, que otra persona dejara una nueva huella sónica y quién mejor que Tom Dalgety”. Responsable del éxito de Royal Blood, y mago del Pro-Tools en grabaciones de Therapy?, Opeth, Killing Joke, The Maccabees o Simple Minds, el británico no parece haber conseguido sacarles de esa zona de confort porque el disco suena a… un disco de Pixies. (Lovering) “Qué le

vamos a hacer, no podemos evitarlo. No es intencionado. Siempre vamos a sonar así”. Durante la grabación del disco en Londres estuvieron expuestos a la campaña del referéndum sobre la salida de Gran Bretaña de la Unión Europea. Teniendo en cuenta la estrecha relación que siempre ha tenido el grupo con los británicos su reacción ante el resultado de la consulta puede parecer tópica pero no menos franca. (Santiago) “Sinceramente, la han cagado. Hay demasiada gente estúpida en el mundo. Y en Estados Unidos el porcentaje de estúpidos es aún mayor, por lo que no te extrañes si gana Trump”. n Jon Romaña Pixies actuarán el 20 de noviembre en Barcelona.

Cuando ya nadie lo esperaba saltó la sorpresa. Marah iban a volver a gira por nuestro país, pero esta vez con los hermanos Bielanko, cabezas visibles del proyecto, reunidos de nuevo.

“

En 2015 decidimos que era el momento de publicar ‘Kids In Philly’ en nuestro propio sello, Valley Farm Songs. Para eso estuvimos hablando todos juntos y acabamos haciendo una actuación especial en Philadelphia. Una cosa llevó a otra rápidamente y al poco tiempo estábamos todos en contacto de nuevo. Estábamos emocionados por tocar rock and roll juntos

otra vez. Fue una gran sorpresa, pero también algo con sentido, teniendo en cuenta nuestra historia pasada como grupo. Así que nos pusimos a tocar en una vieja escuela abandonada, y nos dimos cuenta de que había algo mágico que se mantenía, a pesar de los malentendidos que había habido entre nosotros. Nuestra música era algo valioso y valía la pena salvarla”. Aunque tienen claro que algo han aprendido del tiempo separados. “Muchas cosas. Hay algo de esa sabiduría antigua. Las cosas que ganas de forma más dificultosa son las que acabas valorando más y no sabes lo que tienes hasta que lo pierdes. Ya sabes, ese tipo de reflexiones. Haber pasado por momentos oscuros te sirve para

Marah Foto Marko Korkeokoski

Marah, reunión inesperada

ver que hay luz al final del túnel. Cuando estás mucho tiempo en ese túnel y llegas a la luz vuelve la paz, la amistad y ves el camino que tienes delante de ti más claro que nunca. La música se vuelve mejor por el antiguo dolor, el pasado, la lucha…

Imagino que eso es lo que se llama alma: la felicidad, el propósito, la paz”. n Eduardo Izquierdo El tour pasará por Valencia (7 octubre), Barcelona (8), Zaragoza (9), Granada (11), San Sebastián (14) y Vitoria (15). Más en mondosonoro.com

MondoFreako l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l 11

Digitalism Foto Archivo

Llevan un par de años siendo uno de los nombres más populares del sonido EDM estadounidense. Ahora vuelven a nuestro país para presentar su material en Barcelona (11 octubre, Razzmatazz).

l Todo listo para el FIZ Niño de Elche Foto Celia Macías

“Closer” es vuestro último hit y “Don’t Let Me Down” ha sido uno de los temas del verano, ¿está siendo 2016 vuestro mejor año? Ummmm, sí. Creemos que es correcto decir que 2016 está siendo nuestro mejor año hasta ahora, pero ha sido un viaje haciendo progresos y autodescubriéndonos hasta este verano. Hemos trabajado mucho para llegar hasta aquí; tanto nosotros como nuestro equipo. ¿Hacia dónde se dirige la escena EDM? ¿Qué nombre creéis que son importantes ahora mismo en la escena? Mierda, no tenemos ni idea. ¡Pero no tenemos la sensación de que esté yendo hacia ninguna parte! Allá donde vamos vemos que la música dance tiene una dimensión gigantesca y muy saludable. Los sonidos y tendencias cambian, pero es lo mismo para

The Chainsmokers Foto Archivo

NIÑO DE ELCHE

cada género. Las cosas se mueven a través de periodos cíclicos. La música dance es un fenómeno masivo para mucha gente. Por nombres, quien sabe quiénes serán los próximos chicos como Marshmello, Zedd, Kygo, Skrillex, Diplo, Zomboy, Jauz, Louis The Child, Shaun Frank, ¡y muchos más! Hasta ahora habéis trabajado junto a importantes Dj’s y productores, ¿alguno que deseéis y con el que todavía no hayáis colaborado? Hmmm, con muchos compositores y productores. Bon Iver, Sigur Rós, Kanye West o Tyler Joseph (Twenty One Pilots). No nos importa si pudiéramos trabajar mucho con ellos, pero nos contentaríamos con pasar un rato juntos y aprender. n

Nadie duda que es uno de los artistas más inquietos de la actual escena musical española, además de una persona ácida y crítica con lo que nos rodea. Podrás verle en breve con el espectáculo “Raverdial”, dentro del ciclo Connexions (14 octubre, Barcelona), o en la gira de “Voces del extremo” en Madrid (10 noviembre). ¿Qué piensa tu familia de tu cante? El último comentario que sé que hizo mi padre sobre mi cante, como creyente en que todo tiempo pasado fue mejor, fue: “Paco, cantaba mejor antes”. ¿Puedes contarnos algo sobre Pony Bravo que no deberíamos saber? Yo que soy algo alemán para las horas de la comida llevo fatal que pueda ocurrir el fenómeno llamado “hacer un Pony Bravo” que es comer tarde y mal. Para participar en espectáculos experimentales, ¿qué hace más falta: talento o desparpajo? ploesunfajsfdufnsufnasfjaswopncascnas ¿Actress, Andy Stott o Matthew Herbert? ¿Por qué? Matthew Herbert, porque es una loca del coño que se la sudan las etiquetas. ¿Cuál es tu camiseta favorita de entre todas las que acostumbras a lucir en directo con frases contestatarias? Tengo dos. Una que dice “Loca del coño” de la artista Ana Belén Rivero y otra que

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dice “Odio a Antonio Burgos” del artista Ricardo Barquín. Elche, Sevilla, Madrid... ¿Dónde demonios vas a echar raíces? Echar raíces es una horterada. Eso solo lo hacen los cansautores.

Nueva edición del zaragozano FIZ o Festival de Música Independiente de Zaragoza, que se celebrará el sábado 1 de octubre en la Sala Multiusos de Zaragoza. La programación se distribuirá en dos escenarios. El Fiz Club contará con las sesiones de Sweet Drinkz B2B Ms Von Disko, The Cigarretes, Illogical Response y Fleki Flex. Por lo que respecta al escenario principal, el Ambar, los protagonistas serán Love Of Lesbian, Digitalism, The Strypes, Xoel López, Belako, Carlos Sadness, WAS, Calavera y los Ochoymedio Dj’s. La edición de este año es la número dieciséis. Más información sobre horarios y entradas en www.fizfestival.com n

¿Has pensado en ponerle una etiqueta a todo lo que haces? ¿Dónde crees que están tus límites? Me gusta la etiqueta EX. Yo hago EX. Yo soy EX. Algún día espero que se convierta en SEX. No creo en los límites aunque con esta entrevista puede que cambie de opinión. ¿Alguna vez has pisado alguna oficina de la SGAE? Una vez, pero en mi otra vida aunque ahora las volvería a pisar, en el sentido literal, con sus trabajadores y afiliados, como si de un barril lleno de uvas se tratase. Teniendo en cuenta que allí se te quiere, nos gustaría saber cómo pronuncian tu nombre los franceses. Me quieren sobre todo los del Frente Nacional y me encantan porque afrancesan mi nombre. Algo así como Pacó o Ninyo de Elshé. ¿Qué no harías jamás sobre un escenario y qué te queda todavía por hacer? ¿Qué no haría? Dedicar un tema en homenaje a Izal. ¿Qué me queda por hacer? Colaborar con Izal. ¿Qué canción de otro artista te hubiera gustado componer y cuál odiarías haber escrito? Es que eso de componer es odioso ya de por sí. n Más en MondoSonoro.com

Kakkmaddafakka Foto Archivo

The Chainsmokers, estrellas del EDM

Kakkmaddafakka en el Budweiser Live Circuit Kakkmaddafakka vuelven a España para presentar “KMF” (Menos Que Cero, 16) y lo hacen a lo grande, con once fechas enmarcadas en la celebración del quinto aniversario del Budweiser Live Circuit. El ciclo, que nacía en 2012 con el fin de revitalizar el circuito de salas estatales, deja tras de sí conciertos firmados por nombres internacionales de la altura de Tricky, Buzzcocks o Miles Kane; pero sobre todo giras de algunos de los grupos fundamentales para la escena pop y rock estatal de los últimos años, desde Siniestro Total a El Columpio Asesino, Duo Kie o La Pegatina. Los noruegos Kakkmaddafakka actuarán en Madrid (15 noviembre), Sevilla (16), Granada (17), Málaga (18), Almería (19), Murcia (20), Barcelona (22), Zaragoza (23), Valencia (24), Alicante (25) y Palma de Mallorca (26). n

Enric Montefusco Foto Archivo

Enric Montefusco, cuestión de clase “Meridiana” (Buena Suerte, 16) no es únicamente el retorno de las canciones de Enric Montefusco después de la disolución de Standstill. El nuevo disco es un viraje hacia su biografía, revisada con discurso de clase, con un compromiso político explícito e inédito hasta la fecha.

nric Montefusco tiene el tiempo justo. Ha anochecido en Barcelona, y debe volver al Empordà, su nueva residencia, después de un breve periplo en Gràcia. En un piso del barrio barcelonés,

entre el ajetreo y el ruido, se coció “Meridiana”. Después se marchó lejos; ya había vivido suficiente la ciudad. La misma que ha revisado con discurso de clase en sus nuevos once temas. “Nací en la Meridiana: simboliza lo que rechazo y lo que amo”. Así define rápidamente Montefusco, de conversación tranquila y prudente, el porqué del enfoque de su nuevo largo. “He intentado desarrollar una trayectoria personal y profesional comprometida, y la vida se acaba convirtiendo en continuos desengaños. Se nos educa en inputs totalmente falsos”. De esa tensión nace “Meridiana”, cuya portada acompaña la crudeza del mensaje: un hombre migrante en los cincuenta. Uno de tantos. Montefusco se refiere a sí mismo como parte del

“Me siento fuera de lugar en una militancia que no sea artística” precariado. Dice haber militado en asociaciones, mientras recuerda cómo dejó “una carrera en banca por el punk”. Aunque su lucha, sobre todo en los casi veinte años de carrera con Standstill, no se ha movido por corrientes activistas. “Me siento fuera de lugar en una militancia que no sea artística”, dice con pausa; un músico de calle le distrae. La suya es una lucha estética,

aunque con “Meridiana”, editado con su propio sello, la balanza se decanta hacia un compromiso político más explícito. Escritura automática o costumbrismo. “Meridiana” es un popurrí en lo lírico. Y una novedad –a medias– en lo musical. Se mantienen los recursos vocales de “Vivalaguerra” (06), pero cae la experimentación. La canción manda, incluso mandan los acordeones. “Ya no le veo el sentido a la estética rock o indie”. Ahora la clase, prima. “Me resulta inquietante Jacques Brel. Me gusta que no sea complaciente, su vocación de llegar a todo el mundo pero con la intención de cambiar las cosas. Ya no me siento de una escena, busco comunicarme con toda persona”. n Yeray S. Iborra Más en MondoSonoro.com

Atrás quedaron los años en los que parecía dispuesto a llevar la música electrónica a los circuitos indies con remezclas que encandilaban tanto al más clubber como al fan de The Soft Moon. Ahora, el productor danés dirige su mirada hacia un post-punk sombrío y taciturno en “Fixion” (In My Room, 16).

“

En los estudios modernos puedes hacer prácticamente lo que quieras. Las posibilidades de manipular un sonido son ahora infinitas. Es por eso

que esta vez he decidido tirar hacia un sonido más minimalista, cinemático y melódico, y centrarme en la tarea de composición y escritura”. ¿Referencias? “Cuando empecé a trabajar en este álbum intenté no escuchar ninguna otra música. No quería que nada pudiera influenciar mi decisión. Mi rutina consistía en ir del estudio a casa y no hacer otra cosa que focalizar en el tema que estaba escribiendo”. Aunque el sonido de este trabajo es claramente de banda, Anders se ha encargado de la mayor parte de su elaboración. “El noventa por ciento de lo que se oye lo grabé yo mismo con instrumentos. Primero lo compuse todo con mi piano y después le fui añadiendo

Trentemøller Foto Archivo

Trentemøller se pasa al lado oscuro los arreglos. Es el resultado de un proceso larguísimo”. También el número de colaboraciones vocales se ve reducido en “Fixion”, en el que de nuevo encontramos entre los créditos a su voz fetiche Marie Fisker, así como a Jehnny Beth, vocalista de Savages, quien interpreta la bailable “River In Me” y la joydivisioniana “Complicated”. “Jehnny y yo nos conocimos en París. Savages me pidieron que mezclara su disco ‘Adore Life’. Era lógico que terminásemos haciendo algo juntos, ya que tenemos muy buena conexión en el plano musical... Ahora me interesa más hacer discos que pueda tocar en directo con una banda”. n Daniel R. Mesa

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King Creosote Foto Calum Gordon

Heren Foto Archivo

mondo freako

Heren

Depende del set y del momento. Aunque es cierto que procuro poner algo de Daft Punk.

¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando? Ponerse a hablar por whatsapp. ¿Qué es lo que más te gusta y lo que más odias de otros Dj’s? Es muy relativo, todos tenemos cosas buenas y malas, así que suelo recordar las buenas mas que las malas, las malas se acaban olvidando. ¿Vinilo o CD o mp3? Mp3 por comodidad y vinilo por nostalgia (empecé pinchando con vinilos). ¿Qué es lo que más te ha costado aprender a la hora de pinchar? Darte cuenta de qué siente la gente en un set. La técnica de pinchar es fácil, requiere práctica, nada más. Lo difícil es la psicología de pista. Cómo leerla es todo un reto. ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s? Bueno, todo evoluciona. Hoy en día algunos Dj’s son mas famosos que muchos cantantes de pop, y con ser famosos me refiero a que venden más entradas en sus conciertos. Es la ley de la oferta y la demanda. ¿Cuáles son tus Dj’s actuales favoritos? Me gustan Audien, Deadmau5, Don Diablo tiene un set muy bueno, y muchos más. ¿Bebes o haces cosas malas mientras estás pinchando? Nunca. La gente se sorprende cuando me ven tan fresco y solo tomando agua (risas). Nunca me ha hecho falta otra cosa. n

King Creosote, contra la utopía digital El inquieto escocés vuelve con el majestuoso “Astronaut Meets Appleman” (Domino/ Music As Usual, 16), su disco más audaz dentro de una trayectoria hiperactiva en los dominios del folk pop de melancólicos aires célticos.

a celebrada colaboración con John Hopkins en 2011 (“Diamond Mine”) le colocó en el radar para un público más amplio. Y tras su carta de amor a Escocia “From Scotland With Love” (documental de la BBC), “Astronaut” destila las virtudes del heterodoxo cantautor: Gaitas “que suenan a Jimi Hendrix”, arpas, letras agridulces repletas de sarcasmos y dudas existenciales. La inspiración: Turbulencias emocionales y las contradicciones de un mundo deshumanizado por la tecnología. “Grabo mucho en casa, pero de vez en cuando merece la pena gastar el dinero en ir al estudio”, asegura en las oficinas del sello. Creosote, que acumula más de cuarenta referencias, llevó a su colaborador habitual Paul Savage del estudio Chem19, material grabado en Irlanda y la isla de Mull. “Esta vez tenía un pequeño plan: Quería reflejar el lado acústico de mi grupo en directo, y también la

experiencia con gran banda que me permitió “’From Scotland With Love’”. El resultado es un álbum que comienza con el imponente mantra céltico de “You Just Want”. “Cuando tengo nuevo disco, trato de bloquear cualquier música porque me empiezo a preocupar de si la mía no es suficientemente buena. Pero esta vez me vi a mí mismo en el coche escuchando música coral de iglesia. Y un día escuché esta pieza que era como un mantra del siglo XIV o XV. Me dejó alucinado. Pensé hacer una especie de himno, pero con una letra muy oscura”. Saco a colación el vídeo de la canción -un astronauta de animación flotando entre cacharros electrónicos- y el escocés menciona el concepto de “utopía digital”. ¿Inspiración distópica para el disco? “Lo digital ha sido una pesadilla para la música. Su propia devaluación, las ventas de discos cayendo, los sellos sin dinero para organizar giras, estudios sufriendo... La gente repite que escucha mi material en Spotify, pero no me llega un céntimo. Es el telón de fondo de mi vida de los últimos años”. Pese a todo, el escocés se muestra encantado por la acogida de su nuevo trabajo. “No es que pensara que se iba a rechazar, pero no tengo veinticinco años y no participo en el juego digital, así que estoy muy sorprendido”. n José Carlos Peña Más en www.mondosonoro.com

Don Broco Foto Archivo

Esta va a ser la segunda vez que visitéis España, la primera fue acompañando Bring Me The Horizon. ¿Cómo recordáis la experiencia? Sí, teloneamos a BMTH en Barcelona y Madrid a principios de verano y fue brutal. El público español estaba a tope y nosotros nos alimentamos de esa energía. También estábamos emocionados por ir a la playa

¿Qué disco nunca falla en una sesión tuya?

sorprendiendo a todos los niveles.

Don Broco nos visitaron hace unos pocos meses abriendo para Bring Me The Horizon. Ahora vuelve para presentar “Automatic” (Sony, 15) en Barcelona (7 octubre, Salamandra) y Madrid (8 octubre, Sala Cats), por lo que aprovechamos para entrevistar a Matt Donnelly, batería y segundas voces del grupo. ¿Qué hechos son los que han marcado un antes y un después en vuestra carrera. Creo que el momento que todos recordamos como punto de inflexión o, al menos, el que realmente sentimos que estábamos yendo a alguna parte fue tocar en el Reading Festival en agosto de 2011. Tocar en un festival tan masivo e icónico de repente, fue una locura.

Ex-miembro de Yall, Heren es uno de los Dj’s más efectivos de nuestro país y uno de los más veteranos de la nueva generación surgida en Barcelona. Sus lanzamientos más reciente son el single “Here & Now”, incluido en recopilatorios y que ronda el millón de reproducciones en Spotify.

Me han marcado mucho y a día de hoy siguen

Don Broco vuelve a España

de Barcelona y nos quemamos bastante antes del concierto. Típica jugada inglesa. ¿En qué otros países, en los que no habéis tocado aún, os gustaría tocar? Nunca hemos tocado en América, pero creemos que eso va a cambiar pronto cuando hayamos firmado con una nueva dicográfica americana. De hecho, “Automatic” va a salir allí en octubre. Nos encantaría visitar Japón, Australia y Sudamérica. Ahora volvéis a España como cabezas de cartel... La mayor diferencia es que el público en los conciertos estará más familiarizado con nuestro material, cosa que será buena porque tanto la banda como el público estaremos a tope. n Blanca Olivella Más en www.mondosonoro.com

MondoFreako l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l 15

Bastille Foto Archivo

Bastille, pasando de números El confuso estado del mundo que nos rodea ha inspirado el contenido de “Wild World” (Virgin/Emi, 16), segundo álbum con el que los británicos están decididos a tomarse las cosas con calma tras el revuelo causado por su debut.

“

Al haber crecido en Londres, iba mucho a Shepherds Bush Empire. Pensar en poder actuar ahí era lo máximo que me podía imaginar”, asegura Dan Smith, cantante, compositor y fundador

de Bastille. La cuestión es que unos meses después de publicar su primer largo, “Bad Blood” (13), llenaron el local dos noches seguidas, y a partir de ahí, la popularidad del cuarteto británico empezó a subir como la espuma, manejando cifras millonarias de ventas. “No son cifras tangibles. Lo que significan para nosotros es que podemos ir a tocar a muchos sitios para un montón de gente”, explica Smith. Tanta gente como la que los recibirá en el 02 Arena londinense (20.000 almas) en las dos fechas fijadas para noviembre. Allí (y en Estados Unidos, España, etcétera) presentarán “Wild World”, segunda entrega para la cual han ignorado números, presiones externas

“Cada viernes sale música nueva... y cuesta apreciarla” y el vértigo para así “hacer un disco del que estuviéramos orgullosos”, comenta el multiinstrumentista Kyle Simmons. Para ello, y después de una interminable gira, se tomaron su tiempo para echar un vistazo al cancionero acumulado y dar la bienvenida a nuevas composiciones, que en buena parte giran en torno al estado del mundo que nos rodea. “Hablan sobre lo que sientes cuan-

do ves las noticias. Cómo reaccionas, el hecho de que sientes compasión y quieres hacer algo, pero tienes que seguir con tu vida… No ofrecemos respuestas, sino que damos voz a ese sentimiento de confusión”. Confusión es una buena palabra para describir su estrategia de lanzamiento. A un misterioso tráiler acompañado de la emotiva “Two Evils” le siguieron la veraniega “Good Grief” y la agridulce “Fake It”. “El objetivo era mostrar la diversidad de sonidos. Cada viernes sale música nueva, y es genial, pero a veces cuesta apreciarla”. n Beatriz H. Viloria Bastille actuarán el 4 de febrero en Madrid y el 5 en Barcelona.

Alex Cameron, performer de raza

i el álbum en cuestión es propiamente una novedad -Cameron lo autoeditó en 2014 llegando a regalarlo en su página web durante un tiempo-, ni a pesar de su juventud el australiano es un recién llegado -lleva publicando discos de pop electrónico con cierto éxito desde 2008 junto a dos compañeros bajo el nombre de

Seekae-, ni el sarcasmo y el tono provocador que se aprecia en su web alexcamerononline.net.au tiene que ver con su cháchara entusiasta vía Skype. Es una de las muchas sorpresas que nos tiene reservadas este performer de raza que encaja su discurso entre ramalazos de art-pop electrónico “a la John Maus” y ecos springsteenianos. Delicioso. ¿Puedes explicarme la historia de “Jumping The Shark”? Fue un reto que duró mucho tiempo. En un principio lo publiqué gratuitamente en mi web en descarga gratuita. ¿Hubo también una edición física?

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Sí, una tirada pequeña de doscientas cincuenta copias en vinilo, que se agotó. Y mucha gente en Australia me decía que una vez que el disco ha sonado en la radio tienes que pasar página. Allí la vida de un disco es muy corta o al menos esa es la propaganda que nos sueltan a los músicos en Australia.

Alex Cameron Foto Archivo

Alex Cameron parece mucho más joven que el tipo arrugado que aparece en la portada de su disco. Poco o nada de lo relativo a “Jumping The Shark” (Secretly Canadian/Popstock!, 16) es lo que parece.

¿Entonces el nuevo disco ya está grabado? Quiero pensar que sí, pero hay cosas que voy a cambiar. Se desarrolló de manera orgánica, muy natural, como una continuación del proceso. La idea es girar durante los próximos seis meses y a partir de ese momento empezar a trabajar en un nuevo show. n Luis Menéndez Más en www.mondosonoro.com

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VIVIR PARA CONTARLO Hay algo de contradictorio en definirse como un grupo del aquí (Madrid) y el ahora (16) que en su primer largo “Los niños sin miedo” (Heavenly/ Pias, 16) podría pasar por una oscura banda texana rescatada en Pebbles. Es una de las paradojas que hacen de The Parrots lo que son: una de las propuestas más desenfadadas del momento y, junto a Hinds, orgullosos embajadores del sonido Malasaña en el mundo.

icen que la venganza es un plato que se sirve frío. Aunque sería exagerado calificar de revanchistas a The Parrots, este es su momento y también suyo es el derecho a reivindicarse por lo conseguido en el último año, pequeños hitos para una banda de tres chavales malasañeros que de la noche a la mañana han pasado de tocar para los colegas a abrir para King Gizzard & The Lizard Wizard delante de mil quinientas personas en Londres o publicar su primer largo en el sello en que también publica Mark Lanegan. “Estamos llegando a sitios donde había gente que nos decía que no íbamos

a llegar, nos decían que nuestra música era una puta mierda. Les mandamos a tomar por el culo y ahora estamos haciendo cosas que ni nosotros esperábamos que pudiéramos hacer. Y más que nos quedan”. Que no engañen las palabras gruesas: ni un gesto de rabia por parte de Diego, Álex y Dani a la hora de apuntarse el tanto. Sentados alrededor de una enorme mesa de reuniones en las oficinas de Pias (su distribuidora) en Madrid, parecen disfrutar del momento y también de la conversación. Es la penúltima de una mañana que sobrellevan levantándose cada diez minutos para abrir otra lata de cerveza. Si la idea es confirmar su fama de party-animals lo están consiguiendo... (Álex) “Más que fiesteros, somos una banda que nos movemos sin apenas presupuesto. Los conciertos por Europa han sido gracias a adelantos. Compramos los billetes y luego lo que toca es malvivir para poder dar los conciertos y que te paguen cien libras. Incluso aquí, en España, porque llega el momento en que te tienes que entregar a esto porque no puedes trabajar de otra cosa si quieres seguir con el grupo”. (Diego) “Por ahora todo lo que hemos hecho nos genera ilusión y ganas de seguir. Y creo que esa sensación se va a mantener. Nuestro planteamiento siempre ha sido hacer lo que nos da la gana”.

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“La escena son unos cuantos colegas que cuando nadie les ha querido montar un concierto se han ayudado haciendo de promotores”

in embargo “Los niños sin miedo” no sólo representa el momento más importante de una carrera que arrancó en 2013, entre las paredes de la Facultad de Audiovisuales, sino también un intento por desarrollar un discurso un poco más elaborado que el “¡Marihuana para los Parrots!” con el que titularon su EP previo. (Diego) “A ver, nos lo estamos pasando de puta madre, mejor que nadie... Pero cuando empezábamos éramos unos chavales y ahora... pues no tanto. Ahora nos pagamos nuestra comida y a nuestras novias las invitamos al cine. Antes eso no pasaba. Antes a mi novia realmente la invitaba mi madre. El caso es que llega un momento en que hay cambios, tienes miedo a perder cosas y ves que puedes

The Parrots Foto Archivo

THE PARROTS

ganar otras nuevas. Y de eso es de lo que habla el disco”. Siempre desde unas coordenadas sonoras muy específicas... (Álex) “El otro día había un comentario en Youtube que me hizo mucha gracia: ‘Mi grupo favorito de 1804’. También es que de cualquier cosa que hagamos nos van a sacar las referencias... Ya nos hemos acostumbrado un poco a eso”. (Diego) “A nosotros nos flipa la música de esa época y nos influye un montón, pero no queremos hacer canciones que se limiten a reproducir eso. Para bien y para mal estamos en Madrid en 2016 y creemos que lo que hacemos responde a ese momento. En cualquier caso el tema de cómo sonamos, lo tenemos muy asumido: nos gusta y punto. Es como si a ti te gustan las Nike o vestir todo de negro”. Unos códigos que comparten con grupos como Los Nastys, Los Wallas, Terrier o las hoy mundialmente conocidas Hinds. Además de compartir con ellas un split single el año pasado, Diego ha ejercido de productor tanto de sus primeras canciones como del exitoso primer largo “Leave Me Alone”. “La realidad es que Hinds es el grupo que está abriendo puertas fuera de España. Pero cuando nos preguntan por la ‘escena’... La escena son unos cuantos colegas que cuando nadie les ha querido montar un concierto se han ayudado haciendo de promotores”. n Luis J. Menéndez Más en mondosonoro.com

Entrevistas l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l 19

R A Z Z L I V E 16ANIVERSARIO

DEL 24 DE OCTUBRE AL 17 DE DICIEMBRE

BAAUER BIRDY DUSKY CARAVAN PALACE DIGITALISM KLANGKARUSSELL NADA SURF PASSENGER PEACHES PETITE MELLER THE CAT EMPIRE THE KILLS THE NEW RAEMON & MCENROE WHAT SO NOT WHITE LIES 65DAYSOFSTATIC ALGORA AVALON EMERSON BRODINSKI BOTTOMS CHLOÉ CLUB CHEVAL CLUB COURTESY D2 ELYELLA DJS ESCUELAS PÍAS ETON MESSY FUJIYA & MIYAGI HIEROGLYPHIC BEING live HUNEE JAX JONES KARIN PARK KASPER BJÖRKE KEN ISHII MALL GRAB METROPLANE PATRICE SCOTT PROSUMER REDSHAPE SATELLITE STORIES SEGO STEREO TOTAL TAHITI 80 presents PUZZLE TELEGRAM TWIN ATLANTIC WAZE & ODYSSEY ZEDS DEAD ALGAR & SOYUNAPRINGADA AMABLE CARLOS BAYONA DADAME DJ LUI DJOHNSTON DOWNITES ENPUNTO GATO LATZARO LEGOTEQUE PAU ROCA PEDRO VIAN SANATRUJA SAU POLER TONER TUTU UNDO WILL BLAKE TICKETS :

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Two Door Cinema Club Foto Archivo

TWO DOOR CINEMA CLUB

Paren el mundo, que me bajo Alguien empezó un rumor y de golpe todo parecía encajar con esos tres años de silencio. Muchos dieron por sentada la separación de Two Door Cinema Club debido a una supuesta enfermedad de Alex Trimble. Su historia sin embargo, es la del descenso a los infiernos que tantos otros grupos han sufrido. ¿La diferencia? Two Door Cinema Club resurgen de sus cenizas y “Gameshow” (Parlophone/ Warner, 16) es la prueba de que el juego continúa.

wo Door Cinema Club irrumpieron en 2010 con “Tourist History” y pronto se convirtieron en los biógrafos sonoros de todos nuestros veranos. Volvieron a repetir la hazaña con “Beacon” en 2012. El trío irlandés escalaba puestos en los carteles de grandes festivales, convirtiéndose en imprescindibles gracias a su incendiario directo y a sus bailables y cristalinas canciones. La colección de galardones y de giras se alargaban tanto como el peso de la fama, un estómago ulcerado y pastillas para dormir. Incapaces de comunicarse entre ellos y de decir “no” a nuevas fechas, la presión tenía que salir por algún lado. Drogas, alcohol, cansancio, ansiedad,

cancelaciones de último minuto… Un combo ganador. Alex Trimble volvió a Irlanda para que su madre cuidara de él, sumido en una terrible depresión. Pero -y este pero debería ir en mayúsculasvolvieron a reconstruir las piezas rotas de la banda en 2014. “Estuvimos como seis meses sin hablarnos, fue como una ruptura de pareja. Nos costó volver a estar juntos. Empezamos a vernos en Londres, a comentar libros… En algún momento hablamos de lo que había sucedido y nos dimos cuenta de que queríamos volver. Nos pusimos a trabajar; componíamos vía Skype y nos decíamos todo lo que opinábamos”. Un álbum distinto a sus predecesores, inspirado en los ochenta, de menor revolución, con falsetes a lo Scissor Sisters y robots daftpunkeros. “‘Tourist History’ y ‘Beacon’ suenan muy parecidos. Queríamos hacer algo diferente; es un disco muy orgánico. Nos hemos arriesgado mucho más”, asegura Alex, a lo que añade: “nos costó tiempo ver que otras bandas habían copiado parte de nuestro sonido, así que no podíamos seguir haciendo lo mismo, ¡ya hay demasiada gente haciéndolo!”, bromea al otro lado de la pantalla.

rabado en California y producido por Jacknife Lee (Biffy Clyro, Bloc Party) -al que consideran cuarto miembro del grupo-, “Gameshow” narra su particular descenso a los infiernos, lo que han aprendido en este viaje y cómo

“Nos costó tiempo ver que otras bandas habían copiado parte de nuestro sonido, así que no podíamos seguir haciendo lo mismo” afrontan la vida. “Éramos muy naïf y no supimos manejar la situación: vas enganchando giras, fiestas, te atrapas en el momentum. Tienes pánico a decir que no a algo por si supone el final (...) Lo importante es hacer buena música, que emocione, que sea interesante. Es con lo que me quedo después de todo lo vivido”, comenta Alex sin caer en la autocompasión.Con la lección aprendida, Two Door Cinema Club han optado por rebajar presión y hacerlo en sentido metafórico y literal. Quizá por ello “Gameshow” tiene un tempo más relajado. “El ritmo más pausado sirve como símbolo de la nueva vida que llevamos. Nuestra música siempre ha sido bailable, enérgica, así que ahora queríamos hacer bailar a la gente y capturar esa energía con otro tempo, añadiéndole más groove”, comenta el cantante.

se viaje al espacio interior ha dejado también nuevos conceptos que impregnan su tercer disco, como “Weltschmerz”, un término usado para expresar la sensación que uno experimenta de que el mundo real nunca se equiparará con el deseado. En este caso, Trimble lo interpreta con su desconexión del mundo cibernético. Un equilibrio complejo a la hora de publicar un disco en pleno siglo XXI. “Hay un montón de canciones en el álbum que tratan sobre eso, la dificultad de encajar en esta vida moderna, de cuestionarte la comercialización de todo. Pero a su vez, estás lanzando un disco y formas parte de ello… Sólo puedo dar un paso atrás y dejar que el resto del grupo se ocupe de ciertos aspectos”. ¿Cualquier tiempo pasado fue mejor? “No digo que Internet sea horrible. Sólo es que siento que mucha gente abusa del poder y del potencial de Internet, que tiene ese punto adictivo como las religiones o las drogas”, comenta preocupado.

ara muchos, “Gameshow” terminará por convertirse en la banda sonora de un nuevo otoño. Para el trío irlandés, supone arrancar de nuevo con la misma ilusión que lo hicieron con dieciséis años y bajo el nombre de Life Without Rory. Esta vez, no necesitarán de pseudónimos ni pastillas para volver a sentirse cómodos en la piel de Two Door Cinema Club. n Marta Terrasa

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Entrevistas l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l 21

LOS FABULOSOS CADILLACS

SI ME QUEDO O ME VOY Los Fabulosos Cadillacs prefieren pensar que nunca se fueron, que siempre estuvieron ahí, sobre nuestras consciencias. Ahora editan un disco conceptual titulado “La salvación de Solo y Juan” (Legacy/Sony, 16) que tiene más de personal que de banda. Para nosotros va a ser una excelente excusa para volverlos a disfrutar donde son difíciles de batir: sobre un escenario.

ace unos meses la noticia de la inminente salida de un nuevo trabajo de Los Fabulosos Cadillacs nos pillaba a todos un poco por sorpresa. Además, los rumores de una posible visita en verano de 2017 parecían confirmarse. Ambos eran motivos más que suficientes para ponernos manos a la obra y lograr que el afamado combo argentino nos recibiera en su Buenos Aires natal para explicar los motivos de su regreso; el sentido de su nuevo álbum y la importancia de su legado. Una historia, la suya, responsable de escribir con letras doradas uno de los capítulos más importantes del rock latino. Eso que en nuestro país ha acabado por etiquetarse como “mestizaje” al combinar un batiburrillo de ritmos caribeños con la actitud del punk-rock, pero también todo lo que entrañara ritmo y se pusiera a tiro. Esas fueron las señas de identidad sobre las que crecer hasta convertirte en un referente mundial. Sin embargo los Cadillacs siempre fueron difíciles de ver en Europa, sobre todo en la dulce época en la que editaron discos cruciales como “El león” (92), “Rey Azúcar” (95), “Fabulosos Calavera” (97) y, cómo no, “Vasos vacíos” (93) -un recopilatorio de sus primeros discos que les dio a conocer a escala sideral en buena parte por la inclusión de un tema inédito como “Matador”-. Pero dejemos que sea el propio Gabriel Julio Fernández Capello, más conocido por todos como Vicentico, quien nos aclare por qué en su día nos dejaron tan huérfanos. “No sé si

hay una respuesta demasiado clara en la que te podamos decir el porqué. Hubo un momento, debió de ser antes del 2000, que podríamos haberlo hecho más y de hecho lo hicimos un poco. Luego nos dio, como decimos aquí, fiaca”. ¿Cómo? “Pereza. Nos agarró en un momento en el que también girábamos mucho por Latinoamérica y la verdad es que nunca nos planteamos nuestro camino juntos en términos de vamos a conquistar tal lado o tal otro. Nunca lo planteamos de ese modo y tampoco lo hacemos ahora. Sí es verdad que, si te pones a pensar, claro que es lindo tocar por Europa”.

a conversación se realiza de forma distendida en el estudio de Pablo Franco, fotógrafo elegido personalmente por el grupo para ilustrar este artículo y nuestra portada. Al principio de la charla nos enzarzamos a hablar de la importancia del legado de la banda. Esa larga historia que igual resulta más desconocida para la generación de la edad de los hijos del propio Vicentico (cantante) y de Flavio Cianciarulo (bajista). Dos veinteañeros que, por cierto, son parte activa en los directos del grupo, encargándose Florian (hijo de Vicentico) de la guitarra solista y Astor (hijo de Flavio) de la percusión, savia fresca que revitaliza su discurso. Pero ¿cómo explicar a los jóvenes de este lado del charco lo que han supuesto y suponen Los Fabulosos Cadillacs? Una pregunta para la que no tienen respuesta. Para ellos lo más importante es el presente y hay cierta huída consciente de los adormecedores y complacientes encantos de la nostalgia. “Para nosotros, los músicos, el tiempo no es algo a tener en cuenta de forma tajante (...) Hay que aprovechar esa sensación de que la música no tiene tiempo, porque sino agarraríamos todos los éxitos de nuestra carrera y armaríamos los conciertos pensando en mantener un legado, y lo que hacemos en realidad es todo lo contrario. Por eso hemos hecho un disco que no tiene nada que ver con otra cosa que hayamos hecho antes y probablemente tampoco tenga nada que ver con el que hagamos después, si es que lo volvemos a hacer. No es solo que

22 l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l Entrevistas

“Cuando uno va cargando con una idea de lo que es y de lo que representa, acaba resultando un lastre” no nos importe el pasado, sino que es una forma de pensar la música y de pensar en nuestro propio trabajo que nos permite estar más sueltos. De lo contrario, cuando uno va cargando con una idea de lo que es y de lo que representa, esa idea resulta por momentos molesta, y acaba resultando un lastre”.

quí es donde llegamos a “La salvación de Solo y Juan”, su nuevo disco de estudio tras la friolera de

diecisiete años sin entregar uno compuesto al completo por temas inéditos. Sorprende, además, que se trata de una ópera rock en el sentido más clásico del término, que narra la historia de dos hermanos que crecen junto a un padre poco dado al cariño, y que arrastra una historia de culpa que acabará por condenarlos a todos. Una ópera rock en una época en la que ya casi nadie las realiza excepto Flavio, que hace tan solo un año editaba otro trabajo similar bajo el título de “Sardinista”. ¿Casualidad? (Flavio) “No, cero casualidad. En todo caso es causalidad. Nada es casual. Y sí, este disco tiene de hecho, en quién lo vea, secretitos y ciertos subterfugios, tiene links con ‘Sardinista’”. Unos puntos de anclaje que demuestran que estamos ante una obra personal, casi individual, que ha dejado al resto del colectivo el papel de colorear con sus instrumentos lo que ya estaba fuertemente trazado. (Flavio) “Para hacer esta obra debíamos ser como máximo dos. Es más, si pudiera la habría hecho solo”. La de Flavio es una decisión de autor con peso y mucha ascendencia en la banda, que ha tenido sus consecuencias. Sergio Rotman, carismático

Los Fabulosos Cadillacs Foto Archivo

trompeta de la banda, anunciaba a través de su cuenta de twitter que no participaría en la gira de presentación del disco, dejando entrever su disgusto ante la nueva deriva del grupo. (Flavio) “Bueno, probablemente él sea al que más le duela todo esto. Pero bueno, para mí este disco tenía que ser así. El próximo lo podemos hacer juntos o lo pueden hacer ellos solos”.

ue el proyecto es muy personal me lo deja muy claro la pasión y énfasis con la que Flavio lo defiende. Su discurso es largo y me detalla las múltiples posibilidades que una obra conceptual puede tener a la hora de llevarla a un escenario para finalizar con un determinante: “Si hacemos la mitad de lo que dije, ya va a ser mucho (risas). Ojalá un día me siente en un teatro con todos estos y veamos la obra de teatro basada en el disco o quizás estemos tocando nosotros en la fosa. O dirijamos una locura cinematográfica al mejor estilo Jodorowsky en plan ‘La montaña sagrada’, ya sabes, en plan delirio. Que la gente diga ‘¿qué es esto?. Están locos estos pibes’. Y no, los locos son ustedes que se creen cuerdos”.

“Tomar distancia de la banda fue algo muy sano y ver a la banda en perspectiva también”

ras una hora de charla era evidente que no podía desaprovechar la ocasión que se me brinda de preguntar el porqué de su largo receso, roto tan solo en los últimos quince años en ocasiones puntuales muy bien escogidas. Un adiós que Vicentico recuerda así: “En realidad lo que sucede es que hubo un día en 2001, cuando estábamos en una gira larga por México, en que nos empezamos a dar cuenta de que necesitábamos un descanso. Nos lo planteamos y decidimos parar durante un tiempo largo que no sabíamos cuanto iba a durar. Decidimos saltar todos al vacío sin saber lo que iba a pasar y paramos”. ¿Notabais que se estaba conta-

minando algo dentro de la banda? (Vicentico) “Sí, sí, claramente todos estábamos súper contaminados”. (Fernando Ricciardi, batería) “De esa manera nos sacamos muchos rollos de encima. Tomar distancia de la banda fue algo muy sano y ver a la banda en perspectiva también, porque cuando uno está adentro es muy difícil de ver”. Además, como suele suceder, el tiempo de barbecho ha jugado a su favor convirtiendo cada aparición pública en un acontecimiento. Y de todos los múltiples proyectos en solitario emprendidos, es la carrera de Vicentico la que mayores réditos en cuanto a popularidad ha tenido. Todo el mundo en Argentina conoce su peculiar timbre vocal a la hora de entonar en plan crooner latino un bolero o un tema pop más ligero cantándole principalmente al amor. (Vicentico) “Me arrepiento de las canciones que hemos hecho tratando de dar un mensaje, pero eso es algo más personal (...) En el fondo todas las canciones son de amor. Incluso las que tienen un mensaje lo son. El amor en un sentido inmenso de la palabra, de lo que sentimos los humanos. Camarón canta canciones de amor, Manu Chao, Negu Gorriak... incluso en el punk

rock más extremo hay un tipo cantándole al amor”. Hay un conmovedor tono confesional en estas palabras del cantante que incluso me admite que: “no puedo decirte que nos llevemos mejor ahora con las canciones de amor que con las que tienen un mensaje político. Con esas también nos llevamos bien, pero ahora son cantadas como habiendo descubierto que nada de esto importa en realidad. Que lo que importa es seguir buscando quienes somos realmente como músicos. Estamos en un proceso de involución. Queremos ir a buscar eso que decías antes de que cuando empezamos a tocar éramos una banda de pura actitud. Creo que es triste cuando uno pierde eso y nosotros no lo podemos perder. Me parecería triste que así fuera”. Para rematar afirma: “Para mí lo más importante es lo que sucede en el escenario en todo momento, la energía que se genera y esa comunión que hay con el público.”. En realidad lo más importante es que vamos a tener la oportunidad de verlos de nuevo desplegando una de esas tracas elevadas a nivel mascletá de las que pocos pueden presumir y muchos deben envidiar. n Don Disturbios

Entrevistas l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l 23

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Bunbury

Triángulo de Amor Bizarro

Eagles Of Death Metal Fotos Juan Pérez Fajardo

conciertos

DCODE Recinto: C.D. Cantarranas, Universidad Complutense (Madrid) Fecha: 10-09-16 Promotor: Live Nation España S.A.U. Este año el Dcode Festival partía de la premisa de la falta de grandes nombres que levantaran el festival con su presencia. Y como respuesta las 16.000 personas que se acercaron a la cita se convierten en una de las cifras más bajas de la historia del festival. Desde la apertura se encomendó a grupos ya consolidados en la escena independiente nacional la tarea de defender con su directo a un público que buscaba la sombra como si le fuera la vida en ello. Belako consiguieron una digna puesta en escena a pesar de algún altercado de luces que les llevó a bromear sobre la posibilidad de terminar el concierto cantando ‘a capella’. Tras ellos -y con los escenarios principales aún cerrados y convertidos en improvisados campos de futbol en los que, entre otros, se enfundaron la elástica los componentes de Eagles Of Death MetalLeón Benavente hicieron de las suyas con un repertorio centrado en su último disco, con un Abraham Boba que explotó al divo de la canción española que lleva dentro como nunca antes. La atractiva propuesta de M. Ward logró atrapar a un cúmulo de fans priorizando las guitarras y sacando su vena más rockera. Sin embargo, a continuación Jimmy Eat World nos mostraron que para hablar de intensidad estaban ellos. Temas que marcaron su carrera como “The Middle” o “Bleed American” consiguieron levantar al atrevido público que no quería perderse el bloque más cañero del Dcode. Unas horas en

las que con Oh Wonder nos llevamos una gran sorpresa. Parecía que entre tanto grupo histórico y guitarrero el dúo iba a pasar completamente desapercibido, pero no fue así. Suaves, poperos, dulzones y atractivos. Así estuvieron Josephine y Anthony West consiguiendo movilizar a otra gran parte de público. A media tarde era el turno de Eagles Of Death Metal, que lo tenían todo a su favor para ser una de las actuaciones más importantes del día. Con la conocida ausencia de Josh Homme -pocos shows pisa el músico fuera de las fronteras americanas-, la banda creó un show personal, divertido y potente. “Lo único que sé decir en español es ‘dame tu alma’”, gritaba un hiperactivo Jesse Hughes que a cambio nos daría rock and roll del bueno. Muy gorda tenía que ser la propuesta que compitiera con ellos para salir de la burbuja, del regusto que dejó la banda estadounidense. Sin embargo, no nos podíamos ir de este Dcode sin pasar a ver a la espectacular Carla Morrison en concierto. Tan frágil y fuerte como sus canciones, Carla se desplazaba por el escenario vestida completamente de negro y demostrando que a pesar de la reducida calidad sonora del mismo, ella estaba dispuesta a firmar una de las mejores actuaciones de esta edición. Zara Larsson tenía una franja horaria impecable para un espectáculo vacío y bastante decepcionante. Abría potente, con ese “Never Forget You” que popularizó junto a MNEK, pero, pronto, nos pudimos dar cuenta de las grandes limitaciones de la sueca y la falta de luz propia, tan necesaria para convertirse en una verdadera estrella. El resultado, un concierto monótono y aburrido que no supo levantar ni “Lush Life”. Nueve de la noche,

nombres internacionales fuera de juego y Love Of Lesbian sobre el escenario. No es la primera vez que la banda pisa el Dcode y este año lo tenían bastante fácil para destacar sobre el resto. Sin embargo no fue del todo así. Apostaron por soltar los singles de “El poeta Halley” al principio para después seducir al público entre hits coreables que no consiguieron lograr el efecto esperado. Tras unos Kodaline a los que se les quedaba un poco grande semejante franja horaria, apareció Bunbury para mostrarnos el primer concierto con mayusculas del festival. Un público entregado, un repertorio directo y seductor. Todo unido a una estrella cercana con sus fans que se bajó en numerosas ocasiones a saludar y entregarse por completo. “Puta desagradecida”, “Que tengas suertecita”, “Maldito duende”, “Mar adentro”… Joyas clásicas unidas a algunas rarezas que se corearon desde la primera a la última. Bunbury terminó certificando que su profesionalidad es intachable y que su show juega en la categoría de las bandas internacionales. El tiempo se agotaba y pocos nombres quedaban pendientes que pudieran levantar la cita y situarla al nivel de ediciones pasadas. Jungle, otros de los esperados, se presentaban con un espectáculo lineal, monótono y con poco margen de diferencia con respecto a la puesta en escena del grupo desde que lanzara su álbum debut, algo que benefició a Triángulo de Amor Bizarro. Aunque bien mirado los gallegos tampoco necesitan a estas alturas de ayudas extras: se encuentran en el punto más dulce de su carrera, convertidos en una locomotora a toda velocidad que conducen sin descarrilar. No es de extrañar el monumental pogo que

provocó un concierto centrado casi enteramente en “Salve discordia”, que cerró “De la monarquía a la criptocracia” a modo de hit. Llegados a este punto y con un bajón ya evidente de público, 2manydjs apostaban por el hit, en contraste con unos Delorean que en la carpa constataron su progresivo desapego a los sonidos bailables. Salvo en la recta final del concierto, cuando recurrieron a su pasado más o menos reciente, el grueso de su propuesta certificó en directo algo que ya se intuía en el recientísimo “Muzik”: el cuarteto se ha dejado llevar por una peligrosa senda de indefinición que les convierte en una banda tan incómoda para la primera como para la última hora de un festival. Porque a esas horas de la noche el público quería fiesta, y eso es lo que ofreció casi en el cierre Mark Ronson. Algunos aún tenían la esperanza de que el músico no apostara únicamente por una sesión DJ: una jugarreta por parte del festival anunciar su nombre en la parte noble del cartel sin especificar que su actuación era en realidad una pinchada. En cualquier caso su repertorio nos mostró desde sus referencias de r’n’b y funky más clásico a la presentación del “Perfect Illusion”, el nuevo single de Lady Gaga donde se encarga de la producción, un repaso a sus hits fundamentales como el mítico “Valerie” con Amy Winehouse o el esperado “Uptown Funk”. Entre el resto de su selección, nos encontramos con muchas figuras británicas, gran peso de Kanye West y un Ronson eufórico que estaba dispuesto a que la gente sudara todo el alcohol que a estas horas de la madrugada tenían en sus venas. n Álex Jerez & Ernesto Bruno Más en MondoSonoro.com

Conciertos l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l 25

Fuel Fandango

WAS Fotos MusicSnapper Izal

Ebrovisión Lugar: Miranda de Ebro Fecha: 1, 2 y 3 de septiembre Promotora: Asociación Amigos de Rafael Izquierdo Hace un par de semanas nos despertábamos con la triste noticia de que el festival Tribu de Burgos se tomaba un respiro o, más bien seamos juntos, se ahogaba por motivos económicos. Pero las malas referencias que llegan de la urbe parece que no logran oscurecer el paisaje luminoso que se dibuja en el resto de la provincia castellana. Si Aranda de Duero y su Sonorama se han asentado como referentes indiscutibles de la música y la fiesta nacional, el Ebrovisión sigue aprendiendo de su hermano mayor, erigiéndose como el mejor cierre del verano por medio de un cartel ecléctico y una sencillez organizativa –no confundir con simplicidad- de las que enamoran. ¿No era ese el claim del festival? Cierto es que basta con haber frecuentado en este 2016 dos o tres eventos musicales del país para haber podido disfrutar del noventa por ciento del cartel del Ebrovisión, pero es justamente ese diez por ciento lo que hace que hablemos de un festival diferente. Esa apuesta por los pioneros del pop francés, Tahiti 80, de gira con su nuevo disco. Esos Chk Chk Chk que no toleran a un público apático. Unos Juventud Juché y Novedades Carminha en la hora del vermú. Una carpa electrónica de sonidos populares que se extiende más allá del recinto hasta llegar a la Sala Orosco. Perlita, Maadraassooo... Y todo ello unido a la comodidad de un recinto sin grandes masificaciones, precios bastante asequibles y una activa sinergia villa-festival.

El jueves sirvió en parte de trampolín para muchos grupos que llevan tiempo dando que hablar. Rural Zombies, con su directo pop, rock y electrónico, que hace valer la apuesta de Warner por ellos con temas como “Golden” y “Stones”; y Shinova, que no tardarán en colarse en el circuito de los mejores ahora que sacan disco, fueron algunas de las sorpresas positivas de una jornada que cerraron Tachenko y los explosivos Perro. El segundo día de festival contó con bien de munición. A destacar la energía derrochante de unos Yellow Big Machine, muy reivindicados por Belako, que allanaron el camino de Las Ruinas, sinónimo de disfrute y saltos, con temas ya míticos como “Cerveza beer”, “Cubata de Fairy” o “Ramón y Cajal”. Ya en el Bayas, Fuel Fandango tenía preparada su emulsión de flamenco, rock y electrónica que muchos hubiéramos reivindicado a una hora más tardía, como en un principio habían sido programados. Pocas bandas hoy alcanzan un directo tan sobresaliente como ellos. Para entonces, el recinto había registrado una muy buena acogida cuando Quique González y sus detectives se dejaron caer en el escenario. Sorprende lo bien que, con el paso de los años, han encajado en el circuito independiente canciones ya populares como “Kamikazes enamorados”, “Vidas cruzadas” o “Charo”, que estuvo acompañada de la emotiva voz de Morgan. De cantautor pasamos al otro extremo con unos Belako que prácticamente jugaban en casa. Los de Mungia han hecho valer por todo el territorio nacional un “Hamen” que casa a la perfección con su debut con temas como “Sinnerman” o “Nomad”. Lo de los pogos ya es una nota habitual para “Sea

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Of Confusion” o “Haunted House”. Tienen muchísimo recorrido hecho, y lo que harán. A Chk Chk Chk (!!!) les costó la puesta a tono. La del público, porque ellos entraron como un huracán para hacer valer el reciente “As If”, que tan buenos temas bailables abarca. Un Nic Offer entregado elevó a los altares del Bayas temas como “Summer 15’”, “One Girl, One Boy” o “Must Be The Moon” que hicieron bailar a todos los escépticos. Seguirán girando mucho mientras sean sinónimo de sudor. Para cerrar, unos Grises entendiendo la grandísima oportunidad que suponía el haberles programado a esa hora despacharon todo su repertorio de hits bailables con acento en canciones como “Wendy” o “Avestruz”. Final en alto. Llegaba la última jornada pero todavía quedaba mucha tela que cortar. Servidor no pudo acudir a ver a los siempre infalibles Juventud Juché y Novedades Carminha, pero las redes dan buena cuenta de lo que aquello fue. Tras ellos, la nota hilarante y festiva la ponían Franco, L Kan y Hidrogenesse en el Casco Antiguo de Miranda de Ebro, que lograron que la comida se digiriera mejor por medios de buenos ritmos y grandes dosis de humor. El atardecer acogía en el Bayas a unos Perlita que animaron la entrada al recinto de los primeros asistentes y que precedieron a un Ángel Stanich, que fue de menos a más con temas como “Mezcalito”, “Carbura” y el final con “Metralleta Joe”. Un fenómeno cuanto menos curioso el de Stanich, cuyo directo gana enteros acompañado de un buen batallón de músicos. Asimismo, llegaba el momento de uno de los platos fuertes de la jornada y se notaba la cercanía geográfica a la explosión

de la formación. La Maravillosa Orquesta Del Alcohol acabó de abarrotar el recinto poblado por una legión de fans que entonaron cada una de las estrofas de la banda. Con un setlist ascendente, los burgaleses hicieron vibrar por medio de temas como “Los hijos de Johnny Cash”, “Catedrales”, “Amoxicilina” y un final rompedor con “Nómadas”, “Hay un fuego” y “Gasoline”. Tahiti 80 les tomó el relevo, dejando un paisaje algo desolador, en que el desconocimiento del público o la hora de la recena mataron a una apuesta arriesgada del Ebrovisión a la par que merecedora de aplauso. Eso sí, no faltaron a la cita éxitos como “Heartbeat” (de ese “Puzzle” que cumple quince años) o “1000 times”. De Izal ya no se puede decir mucho más. Su “Copacabana” no ha hecho más que aumentar la marabunta de fans que desde hace varios años está dispuesta a reventar todos sus conciertos y a ser el mejor coro para un Mikel Izal con todos los galones ya de frontman. ¿Lo demás? Ya se sabe, “La mujer de verde”, “Qué bien”, “Pánico práctico”, etcétera, que han sonado ya por todos los rincones del mapa nacional. Una apuesta asegurada para quien quiere llenar un festival. La veneración de la jornada se la llevan WAS, cuya progresión se ha encargado de apuntalar un “Gau Ama” con temas tan arrolladores como “Irrintzi”, “The Shine” o “I Like You As You Are”. Por su parte, “Bring Me Back Home” y el final con “Can I Count On You?” acabaron de matar un directo impecable y de lo más animado que existe hoy en nuestras tierras. El final del verano es sinónimo de Ebrovisión y termina en Miranda de Ebro. Alberto Bonilla Más en MondoSonoro.com

Cat Power Bloc Party

!!! (Chk, Chk, Chk) Fotos Juan G. Andrés

KUTXA KULTUR

Recinto: Parque de atracciones Igeldo Fecha: 2 y 3-09-16 Promotor: Ginmusica/ Last Tour Viernes 2 de septiembre Suena el pop agradable de Amor de Tokyo, que abrieron el festival, mientras subimos a la parte más alta a observar el panorama. Desde ese punto escuchamos un par de temas de Ane Leux que presentaba su segundo trabajo “Sense”. Volvemos a bajar para ver a los bilbaínos Señores y su indierock de aroma estatal. Tras ellos comienzan a sonar los mallorquines L.A. sobre el escenario principal, en un recital sólido pero que no captó la atención de un público que seguía subiendo escalonadamente al festival y se encontraba aún en fase de “adaptación al entorno”. Son tantas las bandas y escenarios que, sin acabar de escuchar a los baleares, corremos para llegar a tiempo al Teatro Abandonado, otro de los escenarios incorporados dentro del parque, para ver a Aries y su pop cósmico de fantasía Disney, con audiovisuales psicodélicos en tonos pastel. Fuimos pocos los que estuvimos en esa primera sesión pero salimos encandilados por el dulce y colorista ambiente electrónico que creó en ese oscuro teatro. A la salida nos encontramos el post-punk de Juventud Juché terminando su concierto mientras bajamos hacia el escenario principal para disfrutar de los americanos Local Natives, que hacía un tiempo que no se pasaban por Europa. Agradecidos, ofrecieron un gran concierto donde sonaron tanto sus temas más reconocidos como el último sencillo “Coins”. Gustaron a un público cada vez más animado y receptivo.

Con algo para cenar en las manos volvemos a subir hacia el Escenario Kutxa para relajarnos con el country-rock, por momentos intimista, de Dan Wilson. Acompañado por una banda sólida con banjo y chelo incluidos, su actuación supuso un contrapunto interesante para lo que nos esperaba. Berri Txarrak salieron al escenario principal a ofrecer uno de los mejores conciertos del festival. Gorka Urbizu sigue demostrando que la buena música es universal y no entiende de etiquetas. Es una de esas bandas que te puedes encontrar en todo tipo de festivales y que hace disfrutar a todo tipo de audiencias. A pesar de que, al principio, el público estuvo un poco frío, el riff de “Ikasten” despertó a los asistentes. Tocaron “Liluraren kontra” con Mikel Laboa en el recuerdo y cerraron con “Poligrafo bakarra”. Un bolazo en toda regla. De vuelta hacia arriba, cruzamos el tumulto que bailaba con Young Fathers para disfrutar del conciertazo que ofrecieron la banda formada por miembros de Coronas y Arizona Baby, rebautizados como Corizonas. Con homenaje a Pink Floyd incluido, hizo las delicias del público más maduro que se movía en esta zona del festival. Bajamos por última vez para escuchar a los cabezas de cartel del día. Bloc Party son, sin duda, uno de los principales referentes del indie-rock británico de los últimos años. El recibimiento a los temas nuevos fue un tanto tibio, pero en cuanto sacaron el arsenal de clásicos como “Helicopter” o “Banquet” la cosa cambió bastante. Sábado 3 de septiembre Llegamos a la segunda calurosa jornada a tiempo para escuchar a Perlak, quienes presentaban su reciente segundo trabajo

“Itzaletatik”. La presencia de Miren Narbaiza le ha dado solidez a la banda que sigue evolucionando, ganando confianza y público. Bajamos al escenario principal a escuchar a Neuman. El trío murciano liderado por Paco Román ofreció un buen concierto, aunque como ocurrió en la jornada previa la mayoría del público aún no había accedido al recinto. A pesar de la frialdad, lograron enganchar a los que estábamos atendiendo al concierto con sus atmósferas ascendentes con aromas post-rock. Sobre las ocho de la tarde, coincidían tres conciertos. Borrokan tocaban en un Teatro Abandonado abarrotado al que no pudimos acceder y, ante la dicotomía de ver a Izaro y Nuria Graham, optamos por dividir y vencer. Empezamos por la cantautora de Mallabia, quien nos enamoró con su dulzura, naturalidad y simpatía. Además de un buen puñado de canciones que pudimos escuchar solventemente interpretadas en formato de banda. Corrimos para escuchar los últimos temas de Graham, quien, a título personal, resultó una de las mayores sorpresas del festival. Su pop cautivador y evocador sonó muy bien y gustó a quienes lo presenciamos. La gran incógnita de la noche era Cat Power. Tras el necesario retiro por parte de Chan Marshall, no era fácil prever lo que nos encontraríamos. Desde su soledad en el escenario principal, debido a problemas con los visados por parte de la banda, ofreció un recital íntimo e intenso. Quizás hubiese sido más conveniente un cambio de última hora y ponerla en otro escenario y horario, pero ya sabemos que entran en juego ciertos elementos que uno no puede controlar. A pesar de los problemas, gustó y no defraudó a quienes disfrutan de su eclecticismo. Mientras volvemos para la zona

alta, nos paramos un momento para escuchar el rock alternativo de los bilbaínos Yellow Big Machine, con un explosivo final de actuación, antes de acercarnos al Escenario Kutxa para ver a unos de los más habituales en los festivales de este verano: Rural Zombies. El quinteto de Zestoa ofreció un buen concierto en el que repasaron su debut “Bat” y pudimos escuchar algún tema de su próximo trabajo. A esas horas el recinto estaba abarrotado. Lentamente, bajamos hacia el escenario principal para ver a Belako. Lejos están ya de ser una promesa pues es un proyecto consolidado y muy querido por el público. Se han ganado la confianza a base de desparpajo, actitud, un punto irreverente y sobre todo buenos temas y directos. Fue uno de los momentos álgidos del festival y llegaron a un público deseoso de pasárselo bien, cantar y bailar. Nos acercarnos a ver un nuevo regreso de la banda de Getxo: El inquilino Comunista. Su actuación supuso un genial paseo por la memoria de muchos de los asistentes, que recordaban que ellos ya eran indies antes de que la palabra existiera. Cerraban los conciertos del festival los californianos !!! (Chk Chk Chk). Con su propuesta dance-punk bailable y animada, realmente engancharon a un público deseoso, a esas horas, de tener una buena dosis de desinhibición y desenfado. Destacó la labor de la cantante que les acompaña en directo: Shannon Funchess. Espectacular tanto por su presencia sobre las tablas como por su voz, formando una dupla apasionante junto al cantante Nic Offer. Lo dan todo, animando y bailando sin tregua. Incluyendo un final apoteósico, con invasión de escenario incluida. Una auténtica fiesta. Hibai Etxebarria Más en MondoSonoro.com

Conciertos l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l 27

Dex Romweber Foto Stan Lewis

leana Cabra es todavía invisible para el gran público. Pero en su apellido encontramos pistas sobre su vinculación con la música: la puertorriqueña coreó en Calle 13 durante más de diez años.

Dex Romweber Viene de: Chapel Hill (North Carolina) Publica: “Carrboro” (Bloodshot/Bertus, 16) En la onda de: Hasil Adkins, The White Stripes, J.D.Wilkes La dificultad para entrevistar a Dexter Romweber es inversamente proporcional al interés que despierta su carrera. Su nuevo trabajo, “Carrboro”, está firmado simplemente con su nombre porque “hace tiempo que no toco con mi hermana por lo que el dúo ya no tenía sentido”. En el álbum combina temas propios con versiones sorprendentes de Jerry Lee Lewis, T. Bone Burnett, Charles Chaplin y hasta el “My Funny Valentine” que popularizara Frank Sinatra. “Me da igual el estilo de un tema, si es bueno y me gusta me atrevo a grabarla. Estudio continuamente la música americana y me gusta observar lo que pasa a mi alrededor. Aunque en el fondo solo se trata de las cosas con las que crecí, nada más. Es la música que oía en la radio y entonces me apetecía cantar. Afortunadamente puedo hacerlo ahora”. Eso construye un disco tan variado y disperso como el propio personaje, pero también igual de magnético e interesante que él. n Eduardo Izquierdo

28 l MondoSonoro.com l Octubre 2015 l Escaparate

que lo que sí”, dice Ileana. Aunque si algo sabía es que su material debía alejarse de Calle 13. Su compromiso no tendría aires políticos, su causa era su entorno cercano. “El disco habla continuamente de la empatía”. Un primer disco es sinónimo de “hacerlo todo a la vez”, dice Ileana. Será por eso que su debut se muestra incómodo en ciertas fases. La sensación es que el pez se ahogó en su propio mar de posibilidades. n Yeray S. Iborra iLe actuará en Madrid el 14 de octubre, en Barcelona el 15 octubre, y en Santiago de Compostela el 20 (Womex).

Sule B

KVINZ Foto Archivo

Viene de: Puerto Rico Publica: “iLevitable” (Sony, 16) En la onda de: Julieta Venegas, Zahara, Carla Morrison

Con sus hermanos: Residente y Visitante. Ahora debuta en solitario con “Ilevitable”, un popurrí de músicas populares latinas. Ella sólo tocaba el piano. “Cantar era algo que me gustaba hacer, pero obviamente fueron mis hermanos los que me hicieron darme cuenta de eso”, responde Ileana Cabra, Ile, arrastrando el final de las palabras como hace en sus canciones en algún punto de Puerto Rico. Desde los inicios de Calle 13 sus hermanos (René Pérez y Eduardo Cabra) le insistían que su debut era cuestión de tiempo. “Tenía más claro lo que no quería

Viene de: Madrid Publica: “Neo Noir” (Autoeditado, 16) En la onda de: Juancho Marqués, C. Tangana, Elhombreviento El vocalista de Suite Soprano nos presenta su primer disco editado en solitario, “Neo Noir”, un álbum muy elaborado y barroco. “Es el álbum más serio y en el que más me he involucrado hasta la fecha, es mi ‘cápsula del tiempo’. Un disco con letras con mucho contenido, canciones potentes, con gancho, que van del rap más clásico a sonidos más innovadores”. Nada mejor que las palabras del propio Sule B para presentarnos su última obra musical. Un trabajo variado rítmicamente, más incluso de lo que nos tiene acostumbrados con Suite Soprano (gracias a los beats de G.Fernández, Sceno, A. Rock y Elhombreviento), que supone un nuevo episodio en su trayectoria. “Este disco es una evolución, sí, pero jamás renegaría de todo lo anterior, ya que es pieza fundamental de lo que soy ahora”, n Alfonso Gil Royo

KVINZ Viene de: Mallorca Publica: “Una vez más” (Flyhi, 16) En la onda de: Major Lazer, Dellafuente, Justin Bieber

Sule B Foto Archivo

iLe

iLe Foto Archivo

escaparate

El paso del tiempo fue el encargado de enseñar a Kevin Roldán que el rock y el metal “conllevan más gasto que ganancia, y no podía seguir en esa línea si lo que quería era vivir de la música”. Primero fueron los dúos Wap y Kymaira (“Me fue bastante bien para empezar a darme a conocer como productor”, afirma) y, ahora, KVINZ, el alter ego con el que, desde la ciudad de Palma, ha moldeado su sonido a partir de diferentes influencias. “No voy a mentir: me encanta Justin Bieber, pero mi artista preferido es Skrillex. La mezcla entre estos dos artistas en el último álbum de Justin sería mi principal influencia”. Su nuevo EP, “Una vez más”, lo sitúa en una escena trap en plena ebullición, aunque sea marcando distancia respecto a sus compañeros al cultivar una imagen más calmada y cotidiana que combativa. n Tomeu Canyelles Más en MondoSonoro.com

Papa Topo Foto Toni Ponix

Papa Topo

Fiera Viene de: Sevilla Publican: “Aljarafe” (Discos Humeantes, 16) En la onda de: The Fall, Derribos Arias, Suicide

Syberia

Syberia Foto Archivo

Vienen de: Barcelona Publican: “Resiliency” (Debemur Morti, 16) En la onda de: Pelican, Red Sparrowes, Toundra Resiliencia es la capacidad de los seres humanos para sobreponerse a períodos de dolor emocional y situaciones adversas. El título no deja nada al azar: Syberia admiten que pasaron por una mala racha preparando su segundo trabajo. “En muchos momentos pensamos en tirar la toalla. El cambiar varias veces de guitarrista y tener que buscar a uno nuevo generó un estrés añadido que derivó en algunas tensiones internas”. El quinteto, con “Drawing A Future” (12) a sus espaldas, ha podido sobreponerse a la presión. “Lo bueno de preparar un segundo disco es que sabes qué cosas se pueden mejorar respecto al anterior y en qué errores no debes volver a caer. Esto hace que acabes disfrutando mucho más del proceso”. Sus nuevas canciones, definidas por la propia banda como más dinámicas, luminosas y optimistas, les sitúan en la vanguardia del post-rock estatal. n Tomeu Canyelles

ucho ha cambiado el aljarafe sevillano de la manera en que nos los presentaron Lole y Manuel en una preciosa bulería a como lo hacen Fiera en su nueva referencia discográfica. “Lo de Lole y Manuel es mucho más luminoso. Lo nuestro es una bajona. Una ciudad dormitorio como símbolo que propone el sistema en forma de adosados, rotondas y centros comerciales sin ningún tipo de personalidad”. Fiera han vuelto para eso, para que pensemos que bailamos

pero desde una permanente mensaje de bajona, no a modo de superioridad moral sino de la misma forma en que esos amigos inteligentes te dicen que estás haciendo algo mal. “No a modo de crítica vacía sino de reflexión global con toques sarcásticos. Nos metemos con una parte del ser humano, sobre todo lo que tiene que ver con la pérdida del instinto, la personalidad, la flojera y el miedo”. Parece que nada nuevo si hablamos de punk, pero la propuesta de Pablo Peña y Darío del Moral -50% de Pony Bravo– es inclasificable e indefinible a la par que altamente mutable en comparación con la experiencias anteriormente vividas con ellos. “Al incluir la arqueología electrónica en la ecuación, se abre un mundo de circuit bending y no solo tunear latas de aceite o chapas, sino cajas de ritmo y Casiotones”. n Rojas Arquelladas

Cálido Home

Cálido Home Foto Archivo

Se ha hecho esperar pero, tras una larga serie de epés, Papa Topo se han atrevido con en largo. (Adrià Arbona) “Al principio estaba muy bloqueado. Hacía tanto tiempo que teníamos esta asignatura pendiente que me daba miedo no estar a la altura, no ser capaz de escribir el disco ideal que tenía en la cabeza, decepcionar a nuestros seguidores… Durante el verano de 2013 escribí la parte musical de la canción ‘Ópalo negro’ y me emocioné tanto con el resultado que se me disiparon los miedos y me puse a escribir el resto de canciones”. “Ópalo negro” es un bodegón musical que toca diferentes estilos. Va del pop electrónico al punk pop, y también apuesta por guiños ochenteros y por el folk delicado. “En el disco hay influencias de géneros tan diferentes y maravillosos como el lied romántico, la nueva ola, la copla o la música disco”. n Xavi Sánchez Pons

Fiera Foto Archivo

Vienen de: Barcelona-Mallorca Publican: “Ópalo negro” (Elefant, 16) En la onda de: Los Fresones Rebeldes, Alaska y Dinarama, Los Zombies

Vienen de: Barcelona Publican; “Tones And Shapes” (B-Core, 16) En la onda de: Karen Dalton, Vashti Bunyan, El Petit de Cal Eril El dúo formado por Anna y Eduard, Cálido Home, se ganó el favor de crítica y público con un folk rock a dos guitarras muy suyo, preciosista pero intenso y energético. Puro motherfolk, decían. “Con este nuevo disco no podemos seguir hablando de motherfolk porque los temas respiran más. Hay temas que admiten más urgencia en directo, pero hay otros que si les das caña te los cargas”. “Tones And Shapes”, su tercer trabajo, es el primero íntegramente en inglés, grabado totalmente en directo y el primero para el sello decano Bcore. “De algún modo, hemos sentido presión preparándolo, pero presión de la buena”. Joan Pons, más conocido como El Petit de Cal Eril, sacó al dúo de su zona de confort para dar con la mejor versión de Cálido Home. “No conocíamos mucho su trabajo como productor y técnico, pero sí confiábamos mucho en él por su música”. n Luis Benavides Escaparate l MondoSonoro.com l Octubre 2015 l 29

Celica XX Foto Jose Carlos Nievas

Celica XX Vienen de: Madrid Publican: “Ultraviolencia” (Analog Love, 16) En la onda de: Triángulo de Amor Bizarro, A Place To Bury Strangers, Odio París (Jose) “Queriamos una mezcla perfecta entre Pereza y A Place to Bury Strangers, somos gente diversa”. Bromas aparte, en Celica XX la mezcla de influencias es amplia y converge en un punto común, el shoegaze. Un estilo que tiene acérrimos seguidores, pero que en general no se entiende. Llevado al límite, sólo es pop con las melodías cubiertas por toneladas de distorsión. Con su segundo trabajo, “Ultraviolencia”, los madrileños dejan pasar la luz y ponen más control (lo que se traduce en más fuerza), en sus pedales. (Miguel) “Siempre ha habido una vena pop en Celica XX, lo que pasa es que en el primer disco estaba escondida bajo capas de densidad. Tanto el ruido como la melodía han estado presentes desde el comienzo, pero esta vez las nubes se han despejado un poco y han llegado estructuras de canción más concretas”. Temas más cortos, más potentes y con letras más trabajadas, se traducen en un disco que pule los lógicos errores de su debut. n J. Batahola

30 l MondoSonoro.com l Octubre 2015 l Escaparate

The Crab Apples

Shinova Foto Archivo

espués de tres álbumes publicados desde la autoedición o la discreción de un sello estatal, los vizcaínos Shinova saltan ahora sin complejos a Warner para presentar “Volver”, su disco más

granjeado la actuación en festivales como Sonorama, en cuya última edición vivieron su momento “más mágico” hasta la fecha. “Seguimos conectados a ese espíritu del Trigo. Ese instante lo llevaremos con nosotros para siempre”. “Volver”, que cuenta con la colaboración de músicos como Nerea Aizpurua e Imanol Iribarren, atesora también “los estribillos más coreables que hayamos hecho nunca. Teníamos claro que debía predominar el mensaje sobre la estructura de la canción. Hemos querido dar mayor prioridad a las letras”. n Andrés García de la Riva

Arponera Foto Archivo

Vienen de: Vizcaya Publican: “Volver” (Warner Music, 16) En la onda de: Vetusta Morla, Izal, Elefantes

redondo, el mejor producido y con mayor pegada. Una decisión estratégica y motivada porque “comparten una filosofía y un modus operandi muy cercano al nuestro. El trato que estamos recibiendo es una maravilla, estamos muy agradecidos”. Y frente a lo que pueda evidenciar el título del disco, los músicos aseguran que “no volvemos de ningún sitio. Seguimos andando, paso a paso, con la intención de seguir aprendiendo mientras experimentamos con elementos y sensaciones nuevas para nosotros”. Una evolución tranquila, aunque sólida, que les ha

Vienen de: Barcelona Publican: “Hello Stranger” (Autoeditado, 16) En la onda de: Warpaint, Jeff Buckley, Mourn La banda de Santa Eulàlia ha dejado atrás el power pop más azucarado de su primer trabajo para adentrarse en terrenos más oscuros y próximos a los sonidos del rock alternativo de finales de los noventa. Una evolución que, según su guitarrista Laia Alsina, ha sido de forma natural. “Hemos crecido y madurado como personas y músicos. Lo que escribíamos a los quince años era más dulce y naif, lo que escribimos ahora con veinte años lo hacemos desde otra perspectiva más conscientes del mundo que nos rodea. Los dos epés representan dos momentos vitales distintos”. Se han sumergido en la discografía de clásicos de los noventa como Nirvana y Jeff Buckley, referentes del indie como Arctic Monkeys y Arcade Fire y más actuales como Bilderbuch y Balthazar, todos ellos artistas que “son una motivación más que un referente, son las ganas de probar y experimentar sin miedo”. n Montse Galeano

Arponera Vienen de: Barcelona Publican: “Als boscos” (Autoeditado, 15) En la onda de: ESG, Vainica Doble, The Raincoats

The Crab Apples Foto Archivo

Shinova

Arponera llevan en activo más de un lustro pero se prodigan poco. Hace unos meses editaban su notable segundo disco, “Als boscos”, un trabajo de textos y pasajes tenebrosos, declamados con las dulces voces de este trío femenino. Un contraste perfecto. “Las historias que cuentan nuestras canciones acostumbran a ser macabras, oscuras o inquietantes. La mayoría son populares o escritas hace siglos. Como ocurre con los cuentos, aunque el relato sea escalofriante, la voz del narrador acostumbra a ser neutral y cercana”. Otra característica que brilla con luz propia en el nuevo álbum son unas armonías vocales cuidadas con cierto aire a las de Stereolab. “Forma parte de nuestra forma de componer canciones. Hacemos la línea de bajo o de guitarra de la misma manera que una primera, segunda o tercera voz”. n Xavi Sánchez Pons

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vinilos

DEVENDRA BANHART “Ape In Pink Marble” Nonesuch/Warner FOLK

8❚

❚

AUTECHRE

“Elsep 1-5” Warp/Music As Usual ELECTRÓNICA

7❚

❚

Devendra siempre ha salido airoso de

Tratándose de ellos cabía esperar algo

cualquier jardín en el que se ha metido,

grande, aunque nadie se imaginaba

y su noveno álbum no es una excep-

que la nueva aventura sonora de los

ción. Pertrechado por sus fieles Noah

padres del IDM superase las cuatro

Georgeson y Josiah Steinbrick, destila

horas de duración. Si en “Exai” (Warp

aquí la factura más sintéticamente

Records, 13), su anterior trabajo, el

austera, sensual y nocturna de su pro-

dúo de Rochdale conseguía atrofiar

puesta, gracias a unos teclados eléc-

el cerebro al personal con imprevisi-

tricos que restan primacía a las guita-

bles golpes de bombo y ritmos que

rras, en otra colección de canciones

escapaban a toda lógica estructural,

primorosa. A su brillantez compositiva,

en los cuatro EP’s que componen

saldada con esa naturalidad de quien

esta banda sonora del abstracto se

solo respira, cabe añadir el vasto rango

disponen a aniquilar cualquier atisbo

de estados de ánimo que evoca, en sin-

de objetividad, consiguiendo con su

tonía con las grandes rúbricas: “Ape In

escucha un efecto lo más parecido al

Pink Marble” es un disco gozoso, que

de después de recibir una paliza. Un

celebra la vida en temas como “Fancy

profundísimo ejercicio de estilo en

Man” o “Lucky”, pero que también sabe

el que se intuye más que nunca su

hacer arte del duelo por los ausentes

influencia sobre artistas como Arca o

en “Mourner’s Dance”, un precioso

Ash Koosha, y que sin lugar a dudas

réquiem con melodía atribuible por

encajaría mejor junto al 4’33’’ de John

entero a Steinbrick, lugarteniente que

Cage en el museo de turno que sobre

cada vez exhibe más galones.

la estantería de techno de una tienda

Carlos Pérez de Ziriza

de discos. Daniel Mesa

BON IVER

“22, A Million”

Jagjaguwar/Popstock! ❚

8❚

OF MONTREAL

“Innocence Reaches” Polyvinyl POP

❚

6❚

Pocas “bandas” de trayectorias más intrincadas y desconcertantes que la de Kevin Barnes. Formada en 1996 en Athens, más de veinte músicos han prestado sus servicios en discos que han tocado casi todos los palos. Con la acidez psicodélica de fondo, pero con paradas en el indie canónico, el folk, los sonidos negros, el country alternativo, el punk, el glam setentero y la electrónica. Lo que se ha mantenido es el espíritu iconoclasta y fiestero. Su disco número catorce supone un regreso a la electrónica bailable y también a una mayor accesibilidad pop. “Let’s Relate” y el single “It’s Different For Girls”, con su letra sarcástica y vídeo hilarante pasado de rosca, son una buena muestra: electrónica freak, que remite a los Devo más funk. También volvemos a encontrar riffs de guitarra de inspiración glam. El problema es que resulta un disco demasiado disperso y con patinazos notables. José Carlos Peña

FOLK. Sería un necio si negase la influencia que tienen nuestro entorno y nuestras experiencias en la forma en la que nos acercamos a la música y, sobre todo, en la forma en la que algunos la crean. Cuando Justin Vernon dio forma a su primer álbum, “For Emma, Forever Ago” (07), una de esas obras maestras que crecía día tras día ante nuestros ojos, apostó por alejarse de un mundo que le había decepcionado emocionalmente y componer en la soledad de una cabaña entre el chisporreteo de una hoguera y los soplidos de un viento al que los humanos le traemos sin cuidado. No había espectadores, no había presión, no había necesidad de huir de ninguna etiqueta porque sencillamente Justin Vernon apenas era nadie antes de convertirse en Bon Iver. Han pasado los años y la popularidad del estadounidense es tal que “22, A Million” es uno de los álbumes más esperados de las últimas temporadas. Hay millones de espectadores, hay presión, hay necesidad de huir de etiquetas en este retorno tras cinco años alejado de su alias más conocido. Y aunque el acto de componer sea, en el fondo, algo muy íntimo,

Justin Vernon firma con “22, A Million” uno de esos discos que un artista crea cuando sabe que, ahí fuera, hay ojos añalizándole, corazones queriéndole y puñales esperándole. Quizás por ello refleja más que en su momento “Bon Iver, Bon Iver” (11) la necesidad de Vernon de alejarse de los tópicos creados a su alrededor y pasa por ser el disco que más le apetecía hacer aquí y ahora. Habrá quien considere que es un movimiento forzado, mientras que otros entendemos que Vernon ha usado la presión en beneficio propio y, junto a buena parte de sus músicos habituales e influido por amigos como James Blake o Kanye West, se ha dejado llevar hacia algún lugar alejado de lo que en su caso sería más evidente. Nunca antes había echado mano de tanta electrónica, nunca antes había exprimido tanto el Autotune en sus canciones, nunca antes había sonado tan experimental. Y lo bueno de la historia es que todo ello no impide que “22, A Million” continúe atesorando una parte de la melancolía y la emoción de sus antecesores. Lo que ocurre es que, cuando uno está a punto de soltar la lagrimilla en los momentos más intensos, va Vernon y nos planta unos glitches malintencionados, suelta unas fugaces percusiones noqueantes o desdibuja la melodía hasta que casi nos olvidamos de ella. Un disco exigente que requiere escuchas en buenas condiciones, pero que, al final, ofrece su recompensa. Joan S. Luna

SHOTTA

“Para mi gente” Boa RAP

❚

8❚

Quinto disco en solitario (algo muy meritorio en el rap español) del sevillano Shotta, quien cada vez va encontrando con más acierto su hueco en esta complicada escena. La edad juega a su favor y eso se ha hecho extensible a su música, habiendo logrado un estilo muy reconocible al que, además, es capaz de darle variables musicales. Porque aunque el disco comience con una canción que tiende al dubstep, es sólo un espejismo, ya que en “Para mi gente” vamos a encontrar tintes del rap más clásico, de reggae, de flamenco o incluso un conato de balada. Y en todas ellas el de Alcántara (junto a una larga lista de invitados) se mantiene firme y convincente, hay que reconocerlo. De igual manera que las letras (algunas de ellas muy nostálgicas) confirman la ya innegable madurez de un artista que no lo tuvo fácil en sus comienzos pero que hace tiempo que ha encontrado su camino. Alfonso Gil Royo

Vinilos l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l 33

THE AVALANCHES “Wildflower” Astralwerks/ Popstock! ❚

8❚

ELECTRÓNICA. Cuando tardas década y media en publicar tu segundo álbum, que no te extrañe que lo que hacías se haya reducido a un mito, y que te pidan que resucites un sentimiento que nadie, menos Kevin Shields, es capaz de resucitar por pura humanidad. Y pasa lo que pasa, que no convence igual. “Wildflower” no es un disco de baile como lo era “Since I Left You”; este es un viaje psicodélico, y por eso mismo puede resultar menos excitante. Pero con sus invitados de relumbrón consiguen calcar ese sentimiento de bienestar que hacía de su debut una medicina. Ahora, aunque esos quince años sean muchos, no son los suficientes como para que se eche de menos el sonido del “efecto 2000” con las ganas con las que la chavalada se está tomando ahora los noventa, por eso se hace aún más complicado digerir en 2016 un “Frontier Psychiatrist” en un tono menor. Pero si somos capaces de olvidar quién hace el disco, cómo se ha gestado, y con qué mala pata se están eligiendo los singles, tal vez podamos escuchar detrás de toda esta palabrería, uno de los grandes inventos psicodélicos del año. Complicado pero muy disfrutable. Jorge Obón

BAT FOR LASHES “The Bride” Parlophone/Warner POP

❚

7❚

Hay dos maneras -quizás más- de entender el nuevo disco de Natasha Khan, desde el punto de vista puramente musical, sobre el cual podríamos discutir su pausado ritmo y la bruma que tiñe las canciones. O bien hacerlo holísticamente, entendiendo la grandilocuencia del concepto: una novia abandonada en el altar porque su futuro marido muere de camino a la Iglesia. Nadie dijo que fuera fácil. El cuarto disco de Bat For Lashes se convierte en la banda sonora de este complicado descenso a los infiernos. Canciones exquisitamente tejidas que representan los estadios del duelo (“Honeymooning Alone”), la locura (“Sunday Love”) y el darse cuenta de que el verdadero amor perdura (“In Your Bed”), sin importar las barreras corpóreas. Trece cortes reacios a ser etiquetados, fantasmales, sublimes a momentos; espacios ocupados con la portentosa voz de Khan. Marta Terrasa

VINCE CLARKE & PAUL HARTNOLL

EDWARD SHARPE AND THE MAGNETIC ZEROS

“2Square” VeryRecords

ELECTRÓNICA

“Person A” Community Music ❚

7❚

POP

❚

7❚

GALLANT

THE RADIO DEPT.

“Ology” Civil Music/Warner POP

AGAINST ME!

“Running Out Of Love” Labrador/Popstock! ❚

7❚

POP

“Shape Shift With Me” Total Treble ❚

9❚

POP

❚

7❚

El álbum debut de Gallant es más un

Pocas bandas de mediados de los

Laura Jane Grace abre su corazón como

El británico Vince Clarke siempre ha

En “Big Easy Express”, el documen-

proceso de aprendizaje que un proyecto

noventa han llegado a 2016 con el

nunca antes en “Shape Shift With

sido un culo inquieto y lleva tiempo

tal en el que Mumford & Sons y Old

de consolidación. Con “Ology” da un

prestigio intacto. Ése es el caso de los

Me”, el séptimo trabajo de estudio de

internándose por terrenos más densos,

Crow Medicine Show se montaban en

paso más en el eterno camino de encon-

suecos, que se las han arreglado para

Against Me!. Su lucha interna, su fase de

un poco al estilo de Martin Gore (ahí

un tren junto a los protagonistas de

trarse a sí mismo. Prueba a jugar en un

mantener el misterio siendo exigentes

autonegación cargada de miedos e in-

queda su reencuentro en el reciente

esta crítica, haciendo parada en seis

terreno más seguro que el que siguió en

con su material. Su cuarto álbum llega

seguridades, nos brindó grandes discos,

“VCMG”). La colaboración que tenemos

ciudades del sur de Estados Unidos,

“Zebra”, su anterior Ep, y nos deja con

seis años después de “Clinging To A

enormes himnos rebeldes e incontables

entre manos se acerca mucho a lo que

a pesar de la dura competencia, Alex

la miel en los labios. Nos encontramos

Scheme” y cinco tras el recopilatorio

metáforas. Aquí Laura Jane Grace habla

uno podría pensar a priori de la combi-

Ebert era el más excéntrico del plantel,

con letras introspectivas (“Talking To

“Passive Agressive”. Y en su nuevo

sobre el amor, sin tapujos, de manera

nación del talento melódico de Clarke

un iluminado con ínfulas de Mesías –y

Myself”). Pero, incapaces de hacer que

disco, esa elegancia innata (dream

explícita e incluso tierna, como en “Boy-

y los planteamientos más cerebrales

con un gran talento, ganó un Globo

el público llegue a identificarse con las

pop lo llamaron en su momento) sigue

friend” y “All This (And More)”. También

de Hartnoll con los sonidos sintéticos.

de Oro por la banda sonora de “Cuan-

mismas. Está repleto de referencias al

incólume, aunque las texturas elec-

aborda el hedonismo (“Suicide Bomber”

Los dos se toman a cachondeo su edad,

do está todo perdido” de Robert

r&b de los noventa, con homenaje al

trónicas se acentúan y en las letras, su

es una bomba sexual) y la sumisión más

calificando el contenido de su artefacto

Redford-. Conscientes de que siendo

“Tell Me” de Groove Theory incluido. Y,

aguerrido posicionamiento político se

placentera (“Norse Truth”), como sugie-

como “Home House” o “House para que

diez miembros en el grupo, su ego era

sin duda, llega al momento culmen con

acentúa (ahí tenemos el rotundo single

re la colorista portada. Curiosamente

bailen padres”. Desde luego algo de eso

desmedido y eclipsaba al resto, deci-

“Skipping Stones”, junto a una Jhené

“Swedish Guns”). Concebido como

destapan el disco con un tema relacio-

hay, y se nota palmariamente que ante

dieron que para “Person A” el grupo

Aiko que nos trae la paz. Y es que, el

álbum distópico y serenamente deses-

nado de alguna manera con la seguridad

todo les mueve un sano espíritu lúdico

iba a coger un rumbo más democrático,

nuevo salto de Gallant en su carrera está

peranzado, predomina en “Running

nacional, “ProVision L-3”, cuyo nombre

con sus viejos y honorables sintetizado-

de ahí la línea en rojo que destaca al

repleto de sonidos familiares y buenas

Out Of Love” un tono de lánguida

hace referencia a un modelo de escáner

res analógicos, como se puede percibir

conjunto por encima del individuo. Y

intenciones. Pero, también de poca

melancolía, de tristeza, de bello fatalis-

de cuerpos muy común en los aero-

en “Better Have A Drink To Think”, “Un-

ciertamente, la mejoría se nota en su

definición y estilo propio. Con semejan-

mo. Desencanto político, desamor, nos

puertos. Un buen puñado de estribillos

derwater” (muy Orbital), “Du-A-Bong” o

tercer disco, más cohesionado y equi-

tes rivales en el mercado, más le vale

hacemos viejos, qué más da. Su colec-

eufóricos (“12:03” y “333”) y algo del folk

el rompepistas “Zombie Blip”, tópico, sí,

librado, sin lagunas y añadiendo más

ponerse las pilas si no quiere acabar en

ción de canciones más potente desde…

punk de sus inicios (“Haunting, Haunted,

pero irresistible. José Carlos Peña

matices. Toni Castarnado

la lista de los olvidados. Álex Jerez

¿siempre?. José Carlos Peña

Haunts”). Luis Benavides

34 l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l Vinilos

NICK CAVE & THE BAD SEEDS

“Skeleton Tree” Kobalt/Popstock! ❚

CASS MCCOMBS “Mangy Love” Anti/Pias FOLK

8❚

❚

Desde la sobria portada -el rostro adusto de nuestro hombre en austero blanco y negro- “Mangy Love”, apuesta por una colección de canciones sólida y atemporal. El californiano depura su estilo hasta convertirlo en una suerte de desnudo y suave pop folk (o folk pop) con elegantes toques souleros o incluso disco (“Cry”, “Switch”, “Opposite House”, con los coros angelicales de la revalorizada Angel Olsen). Rob Schnapf, habitual productor de Elliott Smith, propone un sonido sin aristas, con mucho espacio y aire. Las canciones se van con frecuencia por encima de los cinco minutos; son medios tiempos cocidos a fuego lento y con arreglos sutiles y preciosistas. Vehículos musicales a medida de la garganta sutil de McCombs, que no se arruga en usar un tierno falsete (“Medusa’s Outhouse”), destilando su personal visión sobre este mundo cruel, con elegancia y también toques de humor. Álbum de consagra-

10 ❚

CANCIÓN. A lo largo de sus cuarenta minutos no se pronuncia ni una sola vez el nombre de Arthur, pero la presencia de su ausencia sobrevuela un disco que corta la respiración cuando arranca (“Jesus Alone”): “Caíste desde el cielo / te estrellaste en un campo / Al lado del río Adur / [...] Con mi voz te estoy llamando”. La narrativa marca de la casa deja paso a una serie de poderosas imágenes en las que iconografía “caveiana” de lo bíblico y la América gótica adquiere una nueva y escalofriante reinterpretación. “Nada importa realmente cuando aquel que amas se va / Todavía estás dentro de mí, nena / Te necesito en mi corazón”. En otro contexto temas como “I Need You” no pasarían de estándares. Hoy, aunque Cave ha explicado que parte de las letras se escribieron antes de la muerte de su hijo, resulta imposible no ligar ambas. En el documental de Andrew Dominik se habla del carácter “profético” de algunos escritos del pasado. Si ese es el caso de los pasajes más pornográficos del disco, la decisión de mantenerlos dentro lo dice todo de la voluntad de Cave y de su relación con esta colección de canciones. Luis J. Menéndez

ción, claro. José Carlos Peña

Don Disturbios - Joan S. Luna Luis J. Menéndez - Darío Coto

D. D

BEAR’S DEAN

“Red Earth & Pouring Rain” Communion/MAU POP

ESPANTO

HANS LAGUNA

“Manual de Fotografía” El Genio Equivocado ❚

7❚

POP

“Fruta y verdura” Austrohúngaro

❚

8❚

POP

❚

8❚

El barbudo trío británico ha logrado dar

Austero pero frondoso. En primera

Suenan las primeras estrofas y notas

un paso adelante en lo que a sonido

persona, pero sin sermones. Intimista

de “Morirás”, y a uno le viene a la cabeza

se refiere con “Red Earth & Pouring

pero en absoluto pretencioso. Sencillo

un remedo absolutamente personal y

Rain”. Hablo concretamente de sonido

pero a la vez corpóreo. Luminoso, pero

en clave mórbida del “Do you realize??”

porque si uno recupera su anterior disco,

en modo alguno convencional ni presto

de The Flaming Lips. Vamos, la canción

“Islands” (2014), se da cuenta que los

a lecturas únicas. Se pueden trazar más

definitiva que debería sonar en el lecho

londinenses siguen sintiéndose cómo-

contraposiciones, pero ninguna le hace

de muerte de cualquiera de nosotros.

dos entre letras transparentes, directas

justicia del todo a este cancionero, que

Así de fuerte este “Fruta y verdura”,

y sumamente lacrimales, hecho total-

mira a ambos lados del charco, con cada

un disco que se adentra casi por com-

mente comprensible si estas encuen-

arreglo en su sitio exacto y un puñado

pleto en el mundo del synth pop, pero

tran su mejor versión navegando entre

de colaboraciones (Les Sueques, Julio

ojo, ajeno a modas, que aquí la cosa

el cálido y roto timbre de Andrew Davie.

Bustamante y Montse Azorín, Nacho

tiene personalidad propia. El género es

Con muchos seguidores ya acomodados

Vegas) que nunca restan protagonis-

un medio utilizado de forma impresio-

al folk puro de los primeros trabajos,

mo ni ejundia al trazo indeleble de su

nista por Luis y Teresa para dar forma

Bear’s Den decide tomar ciertos riesgos

creador. Podría ser perfectamente un

a su concepción de la música popular

con este segundo disco, donde amplían

delineado ejercicio de estilo, si no fuera

en canciones como “La selva”, “Un loco

y refuerzan su propuesta inicial deján-

porque hace bandera de la ausencia

en una isla” o “Ritual de iniciación”. Una

dose llevar por el estilo rock americano

total de estilo: ¿Psicodelia deshuesada?

concepción que mezcla lo costumbrista

de finales de los setenta y los ochenta.

¿Arrumacos de cumbia bastarda? ¿Folk

con lo intelectual, la chispa pop, los

Por los ritmos algo más acelerados, las

espectral? ¿Ecos de western fronterizo?

sonidos raros y la retranca en los textos

guitarras eléctricas y los sintetizadores.

Todas sus piezas encajan, impulsadas

(atención con “Mal salvaje), en un álbum

Por esa sensación de perderte condu-

por un ritmo arrastrado y una economía

que gira entorno a la idea de abandonar

ciendo de noche por la carretera entre

de medios que saca petróleo.

la rutina y escapar a territorios salvajes.

las canciones. Raquel Pagès

Carlos Pérez de Ziriza

Xavi Sánchez Pons

1 2

Nick Cave & The Bad Seeds “Skeleton Tree”

King Creososte

Bon Iver

Enric Montefusco

M.I.A.

Pixies

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“Astronaut Meets Appleman” ❚

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5❚

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6❚

❚

8❚

Viva Belgrado “Ulises”

“22, A Million”

“Meridiana”

“AIM”

“Head Carrier”

Glass Animals “How To

Be A Human Being”

“Gameshow””

L.J.M. J. S.L. D.C. MEDIA

Two Door Cinema Club Dellafuente “Ansia viva”

❚

7,75 ❚

❚

7,5 ❚

6,75 ❚

❚

9❚

6,5 ❚

6,25 ❚ ❚

6❚

Vinilos l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l 35

HAMILTON LEITHAUSER + ROSTAM “I Had A dream That You Were Mine” Glassnote/MAU ❚

8❚

POP. Se conocían desde adolescentes, y por fin han concretado una alianza que se eleva por encima de cualquiera de las últimas entregas de sus respectivas bandas (The Walkmen y Vampire Weekend). Si a Rostam Batmangij le apetece pincelar el final de un tema con un saxofón eloquecido que nunca hubiera tenido cabida en un disco de The Walkmen, ahí está “Rough Going (I Won’t Let Up)”. Si a Hamilton le apetecía un buen fingerpicking con guitarra de nylon, ahí está el folk crepuscular de “In A Black Out”. Si querían marcarse vodeviles bastardos, aderezados por percusiones desguazadas y pianos que, como los de Tom Waits, también han estado bebiendo, ahí está “Sick As Dog”. Tampoco falta en esta deliciosa maniobra vintage apelaciones bien filtradas al libro de estilo de Dylan (“You Ain’t That Young Kid”), ni travestismos como el primoroso dueto (“1959”) que Leithauser se marca con Angel Deradoorian, mutado prácticamente a soulman de nuevo cuño. Un álbum magistral, reflejo de dos años de trabajo concienzudo, pese a su apariencia fresca, espontánea y hasta algo desvencijada. Carlos Pérez de Ziriza

VINCE STAPLES “Prima Donna” Def Jam/Universal RAP

❚

8❚

El rapero de ventitrés años de Long Beach es el gran tapado de la escena hip hop americana actual. Sin los focos y el rupturismo de Kanye West, sin el toque free jazz y la consciencia social de Kendrick Lamar, sin la visión pop y comercial de Drake, Vince es el más melódico y original. En “Summertime ’06” ya dio muestras de su buen hacer, de su esplendoroso talento y de un gran futuro por delante. En un año con tantísimo material excelente en su terreno y en la black music en general, un Ep como “Prima Donna” podría pasarnos desapercibido, y sería un tremendo error. Seis cortes brillantes y una intro brutal te dejan con ganas de más. Al lado del inabarcable trabajo anterior, el minutaje de este se antoja insuficiente. “War Ready” tiene nervio y sangre borboteando, “Smile” es pura droga, “Big Time” te pone en órbita y un tema como “Pimp Hand”, en 2016, es tenerlos muy gordos, hardcore del bueno. Marcos Molinero

CHANCE THE RAPPER

ESCUELAS PÍAS

“Coloring Book” CTR RAP

MAKA

“Nuevas Degeneraciones” El Genio Equivocado ❚

8❚

POP

YOUNG THUG

“Raíces” Autoproducido ❚

6❚

FUSIÓN

AFFKT

“Jeffery” Atlantic Records ❚

6❚

TRAP

“Son Of A Thousand Sounds” Sincopat ❚

8❚

ELECTRÓNICA

❚

8❚

“Coloring Book” es la obra cumbre de

El dúo formado por David Rodríguez -aka

La música de fusión está en alza. Y en

Ya no se esconde, con este nuevo

“Son Of A Thousand Sounds” es un

Chance The Rapper. El rapero de Chi-

Davis- (ex Sundae) y Cristian Behórquez

ello hay que reconocer que Maka es un

trabajo el de Atlanta, deja las cosas

episodio más de un viaje sonoro y vital

cago, un verdadero artista indie, sigue

(miembro de Blacanova) bajo el nombre

alumno aventajado. Este granadino,

claras. Titulado finalmente “Jeffery”

que sigue su camino, tras diez años de

en sus trece de seguir sin corromper su

de Escuelas Pías, debuta con un disco

descendiente de familia de músicos

(originalmente se iba a llamar “No, My

andadura. En este nuevo álbum -que

música. Podría firmar por muchos sellos

cuidado en cada una de las formas que lo

flamencos, nos presenta su trabajo más

Name Is Jeffery”), estamos ante un

publica su sello Sincopat y ha sido creado

discográficos pero él prefiere seguir

componen. Un conjunto de once cancio-

ambicioso y cuidado hasta la fecha:

disco sincero, sin dobleces, ni verdades

y producido en su estudio Pobla- nos

siendo amo y señor de su arte, entre-

nes de synth-pop, con frecuencia levan-

“Raíces”, un álbum en el que el propio

a medias. Rap, trap, ragga... sin un

topamos con un productor en estado

gando mixtapes cuando le apetece. Si

tado sobre un fino telón de shoegaze

flamenco y el rap se entremezclan con

estilo imperante y no por ello disperso.

de madurez adelantada, con un artista

con “Acidrap” ya dio muestras de su

apuntalando la propia composición. Una

reggaeton, trap o música latina. Un

Con una portada incendiaria, que hará

que ama la música por encima de todas

talento, ahora con “Coloring Book” no

curiosa combinación de elementos que

diverso cóctel de estilos musicales que,

las delicias de Frank Ocean por cierto,

las cosas y que se muestra al mundo

sólo las reafirma sino que nos deja con

a la postre significa el principal atractivo

aunque no parezca a primera vista,

nuestro protagonista aparece lo más

tal y como es: sin ridículos postureos,

un palmo de narices. Temas como “No

de un álbum que, según el momento,

comparten una idea en común en este

andrógino posible enfundado en un

kilos de confetti o falsos aparatajes.

Problem” son hits indiscutibles. “Same

también destila un convincente roman-

cantante; el sentimiento que impone

vestido del diseñador italiano Alessan-

Estamos ante un magnífico y ecléctico

Drugs” o “Mixtape” logran lo que mu-

ticismo. “Nuevas Degeneraciones”

Maka al interpretarlos. Porque su músi-

dro Trincone. Salvo la magnifica “Pick

disco (house, techno, IDM y dowtempo)

chos otros intentan y no logran, llegar-

es un disco de maneras delicadas gracias

ca es pasión, son versos y quejíos con-

On The Phone” donde todo el universo

bailable cuando toca serlo; melódico,

te. Con unas bases muy minimalistas y

sobre todo a la interpretación del propio

viviendo y tratando de demostrar que

de Young sale a relucir, el resto de

pop, dinámico y emocionante, pero

con su fraseo entre vacilón y despreo-

Davis, pero al mismo tiempo presume de

estos géneros musicales son capaces

temas están dedicados a sus ídolos.

también introspectivo, taciturno y en-

cupado Chance te clava un triple sobre

la fuerza intrínseca de sus letras. Nada

de combinarse sin pisarse unos a otros.

“Floyd Mayweather” es lo más sucio

marañado cuando le da la gana. Es lo que

la bocina desde media cancha. Amigo y

nuevo bajo el sol, en realidad, pero cor-

Y aunque a los puristas de la música se

que he oído desde 2 Live Crew, “RiRi”

tiene dominar con maestría los palos,

gran colaborador de Kanye West, West

tes como “Maldad en la residencia”, Devil

nos pueda atragantar en ciertas fases

un homenaje a Rihanna, es puro fuego,

los ritmos y los tiempos. Sobresalientes

le devuelve el favor en la adictiva “All

D”, “Hikikomori”, “Otoño de revolución”

el álbum, “Raíces” es de esos discos

“Wyclef Jean” abre el disco para dejarte

temas (“Dreamback”, “Flashcrash” o “San

We Got”. Otro disco más que demuestra

o “Invencibles” conquistarán por igual a

que nos ayudan a ahuyentar prejuicios

claro que en cuestión de trap aún hay

Diego”) de la mejor electrónica parida,

que los discos top del año serán de black

seguidores de Dorian, Family o Astrud.

y estereotipos, a no poner límites a la

cuerda para rato. Un disco lleno de

por estos lares, en los últimos tiempos.

music sin dudarlo. Marcos Molinero

Raúl Julián

música. Alfonso Gil Royo

talento. Marcos Molinero

Fernando Fuentes

36 l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l Vinilos

DIE ANTWOORD

“Mount Ninji And Da Nice Time Kid” Zef Records/ Popstock! ❚

RAVE POP. Cuarto disco de estudio de

WOVENHAND

“Star Treatment” Sargent House/Glitterhouse ROCK

8❚

6❚

❚

David Eugene Edwards sigue robusteciendo sus tortuosas viñetas de rock gótico sureño -preñadas de turbia espiritualidad- en su noveno álbum, uno de los más enérgicos, eléctricos y punzantes de su carrera. Se nota de nuevo la mano de Sanford Parker, uno de los productores más activos de los sonidos duros norteamericanos (Voivod, Pelican, Rwake), en los Electrical Audio de Albini, así como los sintetizadores del recién incorporado Matthew Smith (Crime & The City Solution), dada su equidistancia actual entre el rock ominoso y opresivo y cualquier derivado metálico (sobre todo en su encaje en festivales de ambos palos). El álbum es granítico, satisfactorio para el fan de largo recorrido, pero también tan monolítico que explica por qué el proyecto principal del ex 16 Horsepower, pese a orbitar en la misma esfera que Nick Cave, Swans o Mark Lanegan, sigue orillado en el ámbito de las bandas de culto.

la formación terrorista pop sudafricana y volvemos al día de la marmota sobre eso de si molan o no y si lo suyo va en serio. A ver, ¿cómo no va a molar un grupo que hace cantar a un niño de siete años sobre penes con alas y tetas (Lil Tommy Terror en “Wings On My Penis” y “U Like Boobies?”? ¿O que consigue que Jack Black se marque un “Pesadilla antes de navidad” en “Rats Rule”? ¿O que se inspire en una estrofa del “Mickey” de Toni Basil para un rapeado de la explosiva “Banana Brain”? Y sobre el tema de que son un chiste, ¿cómo lo van a ser si cuidan hasta el último detalle su imagen y los referentes musicales y visuales qué manejan? Videos, fotos de promoción, y hasta películas que hacen suyas con una facilidad pasmosa. Y la definición perfecta de Die Antwoord; una mezcla de inocencia –corrompida-, elogio de la diferencia, perversión y sentido del espectáculo. “Mount Ninji And Da Nice Time Kid” es una nueva celebración de la cultura pop y el reciclaje según los gustos de Ninja, Yo-Landi y DJ Hi-Tek. Dos príncipes y una princesa del pueblo que han venido a este mundo a jugar. Xavi Sánchez Pons

Carlos Pérez de Ziriza

ALEXIS TAYLOR

GABRIEL Y VENCERÁS

“Piano” Moshi Moshi POP

CONNECTOME

“Juegos Mediterráneos” Hermanos Segundos ❚

8❚

POP

MACHINEDRUM

“Connectome” Chesapik ❚

7❚

ELECTRÓNICA

PREOCCUPATIONS

“Human Energy” Ninja Tune ❚

6❚

“Preoccupations” Jagjaguwar/Popstock!

ELECTRÓNICA

❚

5❚

ROCK

❚

6❚

Con “Piano”, Alex Taylor ha culminado

Gabriel y Vencerás se confirman como

El debut del dúo afincado en Barcelo-

Machinedrum ha vuelto con “Human

Viet Cong sorprendieron en 2015 con

lo que dejó a medias en “Await Barba-

principales sucesores de ese estilo ma-

na es una breve colección de cancio-

Energy”, una nueva muestra de que

un debut que escrutaba las concurrida-

rians” (14), y ha conseguido despegar-

nejado, allá por la década de los noventa,

nes que, basculando entre lo orgánico

el productor puede hacer lo que le dé la

des cavidades del post-punk e incidía

se de cualquier huella de Hot Chip para

por sus paisanos de El Niño Gusano. Los

y lo sintético, entre el clasicismo y la

gana con el bass y footwork. El estado-

en la veta más fibrosa del estilo, y ahora

adentrarse en un terreno más oscuro y

zaragozanos entregan un disco de pop

vanguardia, y haciendo bandera de

unidense dice que ha descubierto una

hacen tabla rasa con su pasado -con un

personal. Su tercer trabajo en solitario

con aspecto sencillo, fondo pluscuam-

una serena suntuosidad, buscan un

nueva belleza en la música y ha querido

nombre polémico y un periodo de rup-

es un disco que suena a desahogo, a

perfecto y alma irónica, en el que letras

camino propio, aunque participen aún

demostrarlo en el disco. “Human

turas sentimentales- rebautizándose

necesidad por expresar todo aquella

costumbristas se entremezclan con

de manierismos de dominio más que

Energy” son quince temas explosivos

como Preoccupations, descerrajando

vulnerabilidad y dudas que en el sonido

un delicioso surrealismo. Una mezcla

público y transiten -con acreditada

y llenos de color que, me temo, no todo

nueve canciones que destilan un plus

de Hot Chip no tiene hueco. Una herida

vistosa y a medio camino entre el viaje

solvencia, eso sí- por senderos más

el mundo entenderá. Y es que, si bien la

de rabia respecto a su debut. Sus

que no se cierra (“I Never Lock That

y el cuento, algo hortera y sin embargo

que concurridos. El minimalismo de

producción vuelve a ser sobresaliente,

títulos, concisos y amargos, no enga-

Door”), el angustioso paso del tiempo

dotada con un indudable encanto. El

Michael Nyman, la delicadeza de

quienes conozcan a Travis Stewart

ñan, pero cuando ganan filo pierden

(“Don’t Worry”) o la sensación abstracta

vocalista Jorge P. Zaerase ejerce dia-

Rufus Wainwright o Antony (ahora

desde hace años pueden preguntarse

también en singularidad, como en las

del amor (“In The Light Of The Room”);

metralmente alejado del virtuosismo,

Anhoni) o la grandilocuencia de Sigur

¿por qué tanto ruido? Es un álbum,

exhumaciones de Joy Division que

como en una sesión terapéutica, Taylor

y aprovecha la bofetada de realidad

Rós son paralelismos inevitables.

eso sí, cargado de optimismo y buenas

proponen “Stimulation” o “Degraded”,

se desnuda emocionalmente, tan solo

desprendida de su interpretación para

Aunque la linealidad que depara su

vibraciones que probablemente encan-

sin gran aportación propia a un canon

acompañado del piano y su voz. Todo

aportar credibilidad a once canciones

minutaje no juega precisamente a su

tará a las generaciones más jóvenes. No

tan expoliado. Lo mejor, los cambios de

ello queda plasmado en una sensación

que acumulan teclados, secuencias ana-

favor. Hay mimbres, claro, y las ideas

creo que pueda familiarizarme con este

ritmo y vaivenes de intensidad de “Me-

de fragilidad que está presente a lo

lógicas y un aroma tropical que recuerda

que plantea este “Connectome”

disco, soy de las que tienen “Vapor

mory”, los injertos proto-industriales de

largo de las doce canciones que com-

a Extraperlo. Aunque algo limitada entre

están bien perfiladas y exhiben im-

City” en la lista de mis tops. Pero, en

“Zodiac” o la atmósfera intrigante en los

ponen el largo, otorgándole un carácter

sus propios parámetros, la tercera entre-

pecable factura, pero se impone la

cualquier caso, welcome back Stewart,

teclados de “Fever”, puntos de fuga de

nocturno y autodestructivo que resulta

ga del grupo resulta a cambio sobrada-

sensación de que aún falta darles un

siempre tendrás mi respeto, aunque

una banda que parece debatirse entre

ser placentero.

mente entrañable y original dentro de la

enfoque más clarificador.

esta vez te hayas salido de mi campo

lo que fue y lo que quiere ser.

Guillermo Chaparro Terleira

actual escena. Raúl Julián

Carlos Pérez de Ziriza

sonoro. Marta Ruiz

Carlos Pérez de Ziriza

Vinilos l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l 37

GLASS ANIMALS

“How To Be a Human Beign” Caroline/Music As Usual ❚

8❚

POP. En tan solo dos álbumes, Glass Ani-

THE ALBUM LEAF

mals han conseguido decir mucho bueno sobre ellos, tanto como músicos como seres humanos. Han enfrentado su debut a un público con ganas de bailar, y vieron que era posible comunicarse de una manera más directa y radical, de manera que han hecho unas canciones que tratan de removerte por dentro y por fuera. “How To Be A Human Beign” es un ejercicio de adquisición de seguridad personal. El hecho de que se hayan entretenido en esconder decenas de referencias a clásicos de la cultura pop, da una pista de por dónde pueden ir los tiros. En la primeras escuchas destacan mucho las canciones más inmediatas y los ritmos más trotones o exóticos como el del primer single, “Life Itself”, pero cuando dejamos crecer el disco, terminan ganando las partes más oscuras y perversas, como ese extraño “Mama’s Gun”, que realmente no parece la obra de unos (casi) recién llegados. “How To Be A Human Beign” no nace con la intención de aportar nada nuevo, sino que ha venido para quedarse como fondo de armario para aquellas personas que prefieran un álbum compensado en el que es fácil encontrar historias que parece que están escritas para nosotros. Jorge Obón

“Between Waves” Relapse POST-ROCK

❚

7❚

Como es el caso de José González, Jimmy LaValle (The Album Leaf) empezó su carrera con proyectos muy ruidosos (The Locust y Swing Kids) y acabó en otros terrenos musicales opuestos. “Between Waves” es su sexto largo en el que reúne sus ingredientes estelares: dominio del espacio sonoro con los sintetizadores como protagonistas bien acompañados de baterías y cajas de ritmos. Formado por ocho temas, con atmósferas que no ofrecen demasiadas sorpresas, el disco tiene una segunda parte más interesante que el arranque. “Wandering Still”, empieza y termina con una sonoridad tenebrosa, pero con una parte intermedia luminosa que recuerda a la faceta más tranquila de This Will Destroy You. “Never Far” es casi un homenaje a “Lotus Flower” de Radiohead en el que LaValle se desnuda con cánticos nostálgicos. La última canción, que da nombre al disco, funciona perfectamente como epílogo. Clara Aguilar

JENNY HVAL

KATE TEMPEST

“Blood Bitch” Sacred Bones/Popstock! POP

DELLAFUENTE

“Let Them Eat Chaos” Fiction/Caroline ❚

8❚

RAP

ST. PAUL & THE BROKEN BONES

“Ansia Viva” Autoeditado ❚

8❚

RAP

“Sea Of Noise” LLC Records ❚

8❚

SOUL

❚

6❚

JAMBINAI

“A Hermitage” Bella Union POST-ROCK

❚

7❚

Jenny Hval dijo que iba a hacer un

En algún momento de su vida, Kate

Desde ahora es oficialmente impo-

No cabe duda de que parte de las fuer-

Corea del Sur es un país complicado.

álbum entero sobre la regla y lo ha

Tempest descubrió el poder de la

sible ignorar a Dellafuente. “Ansia

zas motoras de cualquier creador son

Aún así, Jambinai han conseguido un

hecho. El sarcasmo y la acidez propia

palabra y desde entonces decidió

Viva” hace que tanto los prejuicios

la inquietud y las ganas de innovar. Una

notable triunfo allí practicando un

de la noruega visten la regla de mil

que sería el cruce perfecto entre dos

de las facciones más reaccionarias

necesidad que en ocasiones hay que

post-rock con elementos del folklore

formas, con su habitual sonido colin-

hombres, John Cooper Clarke y Mike

de la escena como los tics anglófilos,

apartar de la ansiedad por alterar la for-

surcoreano y oriental. Los instrumen-

dante con el dream pop, la electrónica

Skinner, con las mismas pelotas que

megalómanos y pseudogangstas de la

ma constantemente. Algo de eso tiene

tos asiáticos (hu-ch’in, ti, p’ai-shiao)

minimalista y el spoken word; convier-

James Williamson, la misma mala

plana mayor de traperos suenen más

el nuevo disco de St. Paul & The Broken

y el spoken word en su lengua natal

ten a “Blood Bitch” en un manual de

leche, pero un vocabulario mucho más

ridículos que nunca. Pero esto va más

Bones, en el que el grupo norteame-

son los elementos principales que

liturgia menstrual. Las atmósferas de

amplio. Acumula libros publicados, fue

allá del género, porque lo que ha con-

ricano renuncia a seguir insistiendo

dan a “A Hermitage” el acento que

“Ritual Awakening”, “Female Vampi-

vocalista de Sound Of Rum -aunque

seguido Dellafuente es, básicamente,

en ese soul tradicional y desgarrado

lo distingue de cualquier otra banda.

re”, “Conceptual Romance” o “Lorna”

allí no rapeaba con tanto ímpetu como

hacer música experimental y popular

que encandiló a través de su debut

“Deus Benedicat Tibi” es uno de los

dan fe de ello. Temas más conceptua-

ahora- y lanzó hace un par de años

al mismo tiempo. Entendiendo y

para tomar el género desde una visión

puntos álgidos del disco, aunque “A

les como “In The Red”, se entremez-

“Everybody Down”, con el que “Let

abrazando su contexto, el barrio de

menos orgánica. La propia introducción

Hermitage” es un disco marcado por

clan con la electrónica de “Period Pie-

Them Eat Chaos” guarda muchísimos

clase obrera andaluz, y refinando su

con el gospel cósmico de “Crumbling

los cambios de intensidad, en los que

ce”, “The Plague” o “Secret Touch”. Si

puntos en común. Dicho de otro modo,

estilo para que “Ansia Viva” no sea

Light Posts, Pt.1” ejerce de anticipo a

se pasa de la furia a la calma de forma

bien es cierto que “Apocalypse Girl”

la Kate Tempest actual es la misma

un cajón de sastre como “Azulejos de

ese interés por la instrumentación, los

apenas perceptible. “The Mountain”

(15) es muy difícil de eclipsar, este

Kate Tempest de 2014 pero más

Corales” (Autoeditado, 15): esta vez

ambientes funk y el falsete (“Midnight

sirve como ejemplo: sonoridades

nuevo álbum remueve las entrañas

mayor, más sabia y más rebelde toda-

sacrifica el reggaetón en favor de la

On The Earth”) en detrimento de ese

melifluas que de repente se tornan

del tabú en torno a la menstruación y

vía. “Let Them Eat Chaos” es más

coherencia del conjunto, muestra a un

atronador nervio -representado en

un estruendo impredecible y vuelven

las saca a relucir como un bonito collar

desnudo y percutante: electrónica de

Maka mucho más contenido e integra

buena medida en la voz de su cantante-

a la calma. Muy lejos de la rítmica de

de rubíes. Que no falte el descaro, lo

líneas tensas pero constantes, desde

todas esas influencias -rap, trap,

que todavía deja retazos como “Burning

“Wardrobe”, tema que abre el disco

natural, el sentimiento a flor de piel y

el espíritu DFA de “Lionmouth Door

flamenco, bachata- en un sonido más

Rome”, evidenciando la oportunidad

con un frenetismo más cerca de la

la provocación.

Knocker” al bombear dub de “We Die”.

cohesionado.

perdida de incidir en su faceta más

electrónica o el industrial.

Daniel Treviño.

Joan S. Luna

Darío Coto

visceral y clásica. Kepa Arbizu

Daniel Treviño

38 l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l Vinilos

Vinilos l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l 39

CRYSTAL CASTLES

“Amnesty (I)” Fiction/Caroline ❚

7❚

ELECTRÓNICA. El regreso de Crystal

M.I.A.

Castles con “Amnesty (I)” supone un ejercicio de reafirmación en su sonido. Es curioso ver cómo la marcha de Alice Glass podía haber supuesto el fin de la banda, pero no ha sido así. Ethan Kath ha sabido continuar con su labor de creador y ha salido victorioso al aliarse con una solvente Edith Frances, que nos hace sentir culpables por no echar en falta a la icónica señorita Glass. Quizás sea por la despersonalización que las distorsiones aplicaban a su voz, quizás sea porque la voz de Edith, aunque sea más delicada que la de Alice, son muy similares, pero lo cierto es que tendremos que esperar a sus directos para ver si echamos de menos o no a la antigua formación. “Amnesty (I)” se mueve entre una dualidad de temas lentos y oscuros, para después revolverse y soltarte una bofetada en forma de trallazo al estilo de “Fleece” o “Enth”. Cabe destacar el majestuoso comienzo de “Femen”, la hipnótica de “Sadist”, o la atmósfera de “Chloroform” en las que parecen olvidar esas reminiscencias al mundo de los videojuegos, sin renunciar a sonidos marcianos y distorsionados hasta la médula. Esther Al-Athamna

“AIM” Interscope/Universal ELECTRÓNICA

❚

7❚

A estas alturas de su carrera, M.I.A. no va a descubrir otros caminos. Y es una lástima porque, durante años, pudimos considerarla una suerte de pionera. No se trata de que las cosas anden peor en “AIM” que años atrás, pero quizás las expectivas que ella mismo ha intentado crear a lo largo de los últimos meses hayan jugado en contra. “Borders” fue un avance que pegaba fuerte y que hacía presagiar algo más grande, aunque la rudeza de las bases “A.M.P.” o “Fly Pirate” todavía nos hagan confiar en ella. En cuanto al mensaje, se mantiene ahí, tan directo y contestatario, a base de actitud, pero ha perdido algo de fuelle en lo musical. Quizás porque M.I.A. intenta mantenerse arriba recuperando a Diplo, acudiendo a Skrillex (produce “Go Off”) o invitando a cantar a ZAYN (sí, un One Direction) en “Freedun”. Joan S. Luna

MINOR VICTORIES

ED HARCOURT

“Minor Victories” Pias POP

JAGWAR MA

“Furnaces” Polydor ❚

7❚

ROCK

DOUGLAS DARE

“Every Now & Then” Mom + Pop/Popstock! ❚

8❚

POP

JOSEPH

“Aforger” Erased Tapes/Gran Sol ❚

8❚

POP

“I’m Alone, No You’re Not” ATO/Pias ❚

7❚

FOLK

❚

7❚

El hecho de que Minor Victories escri-

Lejos de caer en el desánimo ante la es-

Lo que empieza con la psicodelia y el

De la granja familiar en Dorset en la

Las hermanas Closner se suman a la

bieran las canciones de su álbum de

casa repercusión de sus últimos pasos,

rollo experimental de “Loose Ends”

que creció, Dare pasó a vivir a Londres,

lista de bandas fraternales que nos

debut en la distancia, enviándose archi-

Ed Harcourt logró convencer a Flood

acaba en seco a pocos segundos de

donde la tecnología domina todo lo

entusiasman, como First Aid Kit o

vos de audio, es anecdótico, gracias a la

–afamado productor que ha lidiado con

haber empezado para dar paso a las

que hace sintiéndose continuamente

Haim, entre muchas más. Su segundo

experiencia acumulada en bandas como

artistas de la talla de New Order, U2 o

ocho canciones restantes que real-

conectado. Este impacto llevó al joven

álbum arranca con “Canyon”, que bien

Editors, Mogwai o Slowdive. “Minor

Depeche Mode- para que trabajase codo

mente definen el sonido del segundo

músico británico a cuestionarse ideas

podría haber sido escrita por unos

Victories” desprende energía y ele-

con codo con él con la intención de dotar

disco de Jagwar Ma. Un “Every Now

tales como el control de identidad y

Fleet Foxes pasados de esteroides.

gancia a través de ambientes congela-

de mayor profundidad a sus nuevas

& Then” que, a diferencia de su de-

realidad al más puro “1984” de Orwell,

Las pulsaciones tribales se transfor-

dos en los que la voz de Rachel Goswell

composiciones. Por lo que ha explicado

but “Howlin” (13), flirtea con ritmos

una de las inspiraciones de este nuevo

man a lo largo del disco, para recon-

nos remite a los pasajes más eléctricos

el propio artista, el productor le hizo tra-

más cercanos a la pista de baile, a

trabajo. Grabado en los estudios Abbey

vertirse en bases electrónicas sobre

de Slowdive, con fríos sintetizadores

bajar con empeño, rechazándole buena

caballo entre la electrónica o el dance,

Road y repitiendo en la producción con

las que tejer pop bailable y delicado

y letras oscuras que a veces quedan

parte del material hasta redondearlo.

inundando temas como “Give Me A

Fabian Prynn, “Aforger” es un álbum

( “SOS (Overboard)” o “Blood And

sepultados bajo atronadoras capas de

De la unión de ambos y con el apoyo de

Reason” o “Slipping” de dinámicos

donde el piano y la voz cautivadora de

Tears”). Sin llegar al dramatismo de di-

guitarras. La enigmática voz de Goswell

Polydor, que financió el proyecto dada

beats, harmónicos sintetizadores

Dare toman el protagonismo, como ya

vas como Florence Welch o a la delica-

es el dulce contrapunto a la distorsión

la imposibilidad de Harcourt para pagar

y estribillos pegadizos que animan

hiciera en su aclamado álbum debut

deza de Laura Marling, las tres herma-

y a un excelente trabajo en las baterías

las sesiones, nace su trabajo más homo-

a cualquiera a mover el esqueleto.

“Whelm” hace ya dos años. Durante

nas consiguen una combinación que

mezclando patrones sintéticos con

géneo, de una solidez aupada sobre la

Aunque la intensidad se mantiene

cuarenta y seis minutos, el composi-

suena creíble y ciertamente fresca.

percusiones reales. Las cuerdas y las

recreación de atmósferas mucho más

bien arriba durante todo el disco, el

tor no solo indaga en el mencionado

Mike Mogis (Bright Eyes, Monsters Of

baterías se unen en esa montaña rusa

opresivas y densas de las habituales en

trío australiano encuentra en “Don’t

conflicto de la realidad (“Doublethink”,

Folk) exprime las armonías vocales de

que es “Breaking My Light”, uno de los

el autor. Flood hace aflorar el lado más

Make It Right” un necesario y acertado

“Binary”), sino que también nos mues-

Joseph, culminando en crescendos y

mejores temas del disco junto a “Scat-

oscuro de Harcourt, el menos pastoral,

momento de introspección y calma. Y

tra unos oscuros fondos sonoros y

baladas ideales para mirar a los ojos

tered Ashes” y “Cogs”. Lo mejor de cada

acercándolo todavía más al trabajo de ar-

todo esto sin dejar de lado su estela

atisbos de electrónica que recuerdan

al final del verano (“Hundred Ways”, “I

casa con un resultado que se convierte

tistas como Nick Cave, PJ Harvey o Dave

brit rock.

de forma directa a Björk y Radiohead.

Don’t Mind”).

en algo distinto. Y mejor. J. Batahola

Gahan con Soulsavers. Don Disturbios

Raquel Pagès

Guillermo Chaparro Terleira

Marta Terrasa

40 l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l Vinilos

La selección SEÑORES

PENNY COCKS

“La Luz” Cuatro Barbas

“Fake Gold And Broken Teeth” B-Core

ROCK

❚

7❚

PUNK

❚

7❚

Tras “Curso práctico de autoestima”

Penny Cocks ya iban a la contra cuan-

(13), disco estimable por su contenido

do debutaron hace cuatro años y a

y su excelentemente irónico título, y de

día de hoy no se han movido de esa

su anterior single, quedaba ver cómo

posición. Cero concesiones. Lo que sí

encaraban Señores su nuevo trabajo,

han hecho es profundizar en el punto

una vez que sus apariciones en festiva-

negroide del punk rock, en el r&b de

les y conciertos varios les van asentado

los cincuenta y sesenta, sacándose

entre los adscritos al canon indie. Y

de la manga versiones como “Bottle

el caso es que lo hacen como deben,

Of Wine” y “Jibba Jab” que brillan tanto

olvidando en cierto modo los desa-

como las composiciones propias. Po-

rrollos para dar con canciones mucho

dría tirar de name dropping tema por

más redondas, concretas, formadas,

tema pero perdería espacio y tiempo:

canciones mucho más canciones, si

el caso es que han afinado la mira a la

así pudiéramos entendernos. Aun así,

hora de componer y a nivel melódico

mantienen sus guitarras y distorsiones,

están, probablemente por su per-

acrecientan sus dotes melódicas, no

meabilidad a todos los palos del punk

abandonan los guiños melancólicos que

rock y especialmente -en ese aspecto

embargan creaciones como “Margari-

al menos- al revival mod, por delante

tas” o “Cabezas sin peinar”, e inciden en

de la mayoría de grupos que cultivan

su hálito sobre la independencia de los

el género por estos lares. Mención

noventa que mejor supo conjugar sus

aparte para unas letras que suscribiría

fuentes de la década previa sin olvidar

cualquier chaval antiautoritario de

la armónica propia del power pop.

clase obrera.

Josetxo Río Rojo

Dario G. Coto

VIVA BELGRADO THE HANDSOME FAMILY

EMPIRE OF THE SUN

“Unseen” Loose Music

FOLK-ROCK

“Ulises”

Walking Is Still Honest/ Tokyo Jupiter/Aloud

“Two Vines” Emi ❚

7❚

POP

❚ ❚

8❚

Se hace raro pero hay que considerar

Cuando Luke Steele y Nick Littlemore

ya al matrimonio Sparks (Brett y Ren-

cruzaron sus caminos allá por 2008,

nie), integrantes de The Handsome

perdimos a Sleepy Jackson y a Pnau,

Family, como unos veteranos. Son casi

pero ganamos a uno de los grupos de

veinticinco años de una carrera, con el

pop electrónico más relevantes de la

repunte en cuanto a popularidad que

actualidad. Lo son por diversas razo-

ha supuesto su aparición en la banda

nes. Primero por recuperar y ofrecer

sonora de “True Detective”, que

su propia versión de aquella música

suma ya su décimo disco. Durante este

de calidad que se podía escuchar en la

recorrido les hemos visto construir su

radio en los años setenta y ochenta.

proyecto sobre un personal ambiente

Y segundo por esa facilidad que tie-

que ubica el sonido de raíces en un

nen para facturar rompepistas que le

estado de profundidad y oscuridad.

alegran a uno el día. Tan simple y difícil

Innegociable como resulta su aptitud

como eso. Empire Of The Sun son un

para incrustrar miradas sórdidas entre

par de neo-hippies enamorados de la

paisajes naturales, en esta ocasión

Madre Tierra que lo único que quieren

dejan pasar algo más los rayos de luz,

es que lo pasemos bien en esta vida.

llegando a sonar casi bucólicos en el

Siempre, eso sí, que lo hagamos en

folk “Tiny Tina”. Circunstancia que no

armonía con la naturaleza. Y a fe que lo

debilita su querencia por lo enigmático

consiguen en “Two Vines”, su álbum

(“Gentlemen”) ni el rock and roll épico

más ecológico y quizás el mejor disco

(“The Red Door”). Menos inmersos en

de su carrera. O al menos el mejor a la

el pantano de lo deseable pero como

hora de mostrar sus obsesiones recu-

siempre adictivos. Kepa Arbizu

rrentes. Xavi Sánchez Pons

8❚

POST-HARDCORE. Córdoba vuelve a estar de enhorabuena. Y es que el ascenso de Viva Belgrado ha sido imparable desde su debut “Flores, Carne” (14): a sus innumerables giras a lo largo y ancho de España se le suma su aparición en festivales. Su garra sobre el escenario –no exenta de cierta actitud shoegazer– y la desmedida agonía de sus letras, tan crudas como poéticas, les ha llevado a ser nada menos que el estandarte de todo un movimiento a nivel nacional. Dos años después, cabía preguntarse si su éxito era una mera coincidencia o el capricho de unas circunstancias favorables. Y ni una cosa ni la otra. “Ulises” es la constatación de una verdad a gritos: Viva Belgrado es una de las bandas más consistentes que el panorama nacional ha brindado en los últimos años. La caída en la autocomplacencia era fácil viendo la buena acogida que tuvo su álbum anterior. Y en un primer momento, una sospecha de tal cosa sería pertinente: el tema de apertura, “Calathea”, guarda un parecido más que razonable con la apertura de su antecesor, “Báltica”. Lo cierto es que el tono

no tarda en variar, y el armazón de post-rock con el que se presentó la banda cae prácticamente al instante. ¿Qué es, pues, lo que ofrece en esta ocasión Viva Belgrado? ¿Una vuelta al hardcore recrudecido de su epé “El Invierno” (2013) deudor de At The Drive-In? Nada de eso; el tono de “Ulises”, bajo la metáfora que ofrecía Joyce en su célebre novela del hombre moderno, sofistica su sonido y abriendo la puerta a posibilidades hasta ahora inexploradas por los conjuntos de screamo. “Por la mañana, temprano” o “Apaga la llum” son buenos ejemplos de la versatilidad de la banda andaluza. Por otro lado, tampoco es que la contundencia brille por su ausencia precisamente. La fina retórica de sus letras ha dado paso a un estilo más directo en el que no hay lugar para las lecturas ambiguas; el abanico cosmopolita de lentejuelas rojas con el que esta vez nos acompañan es un viaje por el dolor de las noches vacías y los ojos del hastío – para más señas, el tema “Erida”. Sin duda alguna, una joya que marca un punto de inflexión en su trayectoria y en la de toda la escena nacional hardcore. Fernando Acero

Vinilos l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l 41

Paco Loco Foto Jose Girl

mondo media Último sábado de soledad Jordan Crane La Cúpula ❚ 8 ❚

De manera muy hábil y sin palabras Jordan Crane nos relata el ocaso final de un hombre que recuerda toda su vida y a su amada. Bonita historia perfectamente ilustrada en un formato pequeño y precioso que gozarán los amantes de las buenas novelas gráficas. Un aperitivo perfecto en forma de cómic. Eduard Tuset

Cuentas pendientes Sergi Álvarez/Sagar Astiberri ❚ 8 ❚

Perfecta combinación de cine y novela negra, “Cuentas pendientes” nos relata la vida de Lefty Palmer, un pianista fracasado que vuelve a su ciudad natal para encontrar el buen camino y conseguir dinero para operarse las manos. Con un tratamiento gráfico agresivo en blanco y negro que reproduce la intensidad del movimiento de sus peculiares protagonistas. E.T.

Nuestro universo en expansión Alex Robinson Astiberri ❚ 8 ❚

No cabe duda de que Robinson es un verdadero maestro a la hora de sumergirnos en los distintos mundos de las relaciones. Sus personajes gozan siempre de una simpática complejidad que no es una excepción en esta divertida y al mismo tiempo emotiva obra. La relación con nuestros padres y parejas expresados con veracidad, tristeza y alegría. J.S.L.

Soñadores

Villani & Baudoin Astiberri ❚ 7 ❚ Autodefinida como una extraña mezcla de documental científico y comic poético, esta novela gráfica repasa las figuras de cuatro personajes, a veces no demasiado conocidos, pero esenciales para la historia de la humanidad. Algo caótica en estructura supone una manera más que curiosa de recibir una buena clase de historia. Que falta nos hace a veces. Eduardo Izquierdo

42 l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l Vinilos

PACO LOCO

Memorias de un productor El productor más representativo de la escena independiente de este país vuelca sus recuerdos y conocimientos en “Loco” (Hurtado & Ortega, 16), un libro divertido que la editorial le propuso después de leer los pensamientos en voz alta de su blog y que el asturiano subtitula irónicamente “Cómo no llevar un estudio de grabación”.

Paco Loco le da la risa cuando le presentan como el Phil Spector español, aunque por sus manos ha pasado una elevada cantidad de lo que se entiende por indie nacional. La lista de nombres sería interminable. “La principal forma de ahorrar dinero es conocer tu instrumento. Luego, en el estudio, hay que abrir la imaginación”, comenta en su laboratorio, en El Puerto de Santa María, durante un receso de la grabación con los mallorquines The Wheels. “Un grupo muy guay”, recomienda. A su mujer, Muni Camón, la conoció a mediados de los noventa, época en la que ella cantaba en Maddening Flames. Juntos gestionan una casa solicitadísima por figuras como The Posies, The Sadies, Nacho Vegas, Josh Rouse, Triángulo de Amor Bizarro, Delafé o Steve Wynn. “Muni es la persona que me mantiene centrado para poder hacer los discos. Si no fuera por ella, estaría perdido en otro sitio. Y no me refiero a un lugar físico, sino perdido en mi cabeza. Muni pone un poco de cordura a mi actividad cerebral”.

aco escribe como habla. Mucha sorna, sí, pero el lector encontrará aquí abundantes claves sobre el pequeño circo de la música alternativa desde los ochenta, la década en la que alcanzó

cierto éxito e influencia, antes del estallido del Xixón Sound, en bandas como Los Locos o Los Sangrientos. Steve Wynn le define en el volumen como un primo lejano de Syd Barrett. “Me hace mucha gracia porque yo considero que soy bastante normal. La gente me ve como una persona un poco rara. Nacho Vegas narra en el libro que lo que para cualquiera resulta normal, yo lo transformo en locura al hilvanar mis historias de tipos chiflados. Que el loco, en todo caso, soy yo. En realidad, pienso que soy muy normal. Y dentro de lo normal que soy, puede

“Me cansa utilizar siempre los mismos formatos. En general, grabar es aburrido” que sea extraña esa normalidad. No trasnocho, no fumo, no bebo, no tomo drogas y además madrugo. Lo que me gusta es trabajar. Y no hay nada más normal que trabajar”. Paco Loco se reconoce autodidacta. Reflexiona sobre micros, cables y comprensores. Sobre la panacea o el mito de las mezclas. Y sobre la conveniencia de volver al casete. “Me cansa utilizar siempre los mismos formatos. En general, grabar es aburrido. Y si lo haces todos los días, se convierte en una rutina. Me gusta aplicar recursos nuevos. Recursos nuevos que, en realidad, son antiguos. Así consigo divertirme un poco”, apunta. Y asegura que la crisis no ha mermado su carga laboral. “La diferencia es que antes grababa los discos en diez o quince días. Ahora, la media es de cinco a diez días”. n Eduardo Tébar Más en www.mondosonoro.com

VV. AA. Ondas del Espacio

❚

“Sing Street” Foto Archivo

Niños Mutantes: 20 años, 20 canciones

7❚

La verdad es que los andaluces deben estar orgullosos de ser protagonistas de este merecido homenaje en formato libro. Porque son muchos los grandes nombres del pop nacional (desde Julio de la Rosa a miembros de Mucho, Sidonie o Lori Meyers) que se descubren verdaderos fans de una de esas bandas que ha hecho siempre la guerra por su lado. Ah, y además el material gráfico también vale la pena. Ernesto Bruno

No tendréis mi odio Antoine Leiris Península ❚ 7 ❚

Alguna gente se preguntará qué relación tiene un libro tan dramático y al mismo tiempo sencillo con el mundo de la música que tratamos en nuestras páginas. Bien, pues es que el periodista francés Antoine Leiris lo escribió a partir del mensaje que colgó en redes sociales tras la muerte de su mujer en el atentado en la parisina sala Bataclán durante el concierto de Eagles Of Death Metal. E.B.

FERDIA WALSH-PEELO

Pet Shop Boys. Plural

La calle del ritmo

Si alguien busca la guía definitiva sobre Pet Shop Boys, este es su libro. Extremadamente exhaustivo, a la vez que dotado de un pulso narrativo sobrio pero perfectamente engrasado, el volumen de Barbero explica todo lo que hay que saber sobre el dúo que mejor ha sabido combinar trazo popular y pulso de trascendencia en la historia de la música pop. Carlos Pérez de Ziriza

John Carney, director de “Once” y “Begin Again” vuelve a la carga con “Sing Street”, una nueva feel-good movie. Y como no, la música tiene un papel importantísimo en ella. Hablamos con el actor protagonista de este relato sobre un adolescente en el Dublín de los años ochenta que lucha por encontrarse a sí mismo y por ser una estrella del pop.

F.J. Barbero Milenio ❚ 8 ❚

El tango. Cuatro conferencias Jorge Luis Borges Sudamericana ❚ 7 ❚

Más una oda a una Argentina ya extinta que un estudio como tal, pero suficiente para desmontar algunos mitos fundacionales como el propio origen popular del tango y la tristeza que tanto se le asocia y que encarnaría su máximo representante, Carlos Gardel. Aparte de eso, una maravilla para cualquiera que haya conocido o quiera conocer Buenos Aires. Dario García Coto

Mantente firme Kate Tempest La Bella Varsovia

❚

7❚

El poeta Alberto Acerete adapta por primera vez al castellano una obra de la también cantante Kate Tempest. En “Mantente firme” (“Hold Your Own”), la británica echa mano del mitológico mago ciego Tiresias para tejer unos poemas cargados de reflexiones cuya onda expansiva se extiende en el tiempo y en el espacio hasta llegarnos muy cerca. Enrique Gijón

“

La canción que toqué en la audición para conseguir el papel fue ‘Blackbird’ de The Beatles”, cuenta Ferdia Walsh-Peelo. Este joven actor irlandés que aún no ha cumplido la mayoría de edad, algo que, comenta, le impide acudir a algunos conciertos, es también un músico en ciernes que se declara fan de The Strypes y Villagers. Para su personaje en “Sing Street”, el de un chaval enamorado de una chica y del pop, se empapó de la música que sonaba en 1985; año en el que transcurre la historia. “Sabía algo del pop y de la contracultura de los ochenta. Vi muchos videos de la época, y ya me gustaban grupos como Hall & Oates, Duran Duran y otros que salen en el filme. Me metí en ese rollo y en esa época”. Walsh-Peelo no escribió las canciones originales que suenan en “Sing Street”, pero sí que las cantó. Así es como fue todo. “Los temas son de John Carney y Gary Clark. Gary perteneció a una banda de los ochenta que se llamaba Danny Wilson. Tuvieron un éxito muy grande con ‘Mary’s Prayer”. Era perfecto para el trabajo. Antes del rodaje, pasamos dos semanas en el estudio grabando las canciones. Fue alucinante”.

ablemos ahora de John Carney, director de la película y una especie de Cameron Crowe irlandés empeñado en mezclar la comedia romántica con el tono de los títulos señeros del cine adolescente americano de los ochenta. ¿Cómo fue trabajar con él? “Vengo de una familia de músicos y cada año por Navidad vemos todos

“Sabía algo del pop y de la contracultura de los ochenta. Vi muchos videos de la época, y ya me gustaban grupos como Duran Duran” juntos ‘Once’. Trabajar con John es genial. Hace que todo sea divertido, de hecho no parecía que estuviésemos trabajando”. Por cierto, el título de “Sing Street” hace alusión a una escuela real de Dublín. Nuestro entrevistado es dublinés. ¿Alguna referencia de ella? “Sí. Mi padre, tíos y abuelo fueron a la verdadera escuela cristiana de Synge Street en Dublín. Así que hablé con ellos para que me contaran como era estar ahí. Mis tíos en concreto estuvieron ahí en los ochenta y me explicaron como los curas pegaban a los alumnos. Esas historias me ayudaron a crear mi personaje”. n Xavi Sánchez Pons

MondoRecomienda l MondoSonoro.com l Octubre 2016 43

conexiones Festival De Música y Cultura del Vino <> Enofestival

Soleá Morente, Carmen Boza, Lorena Álvarez y su Banda Municipal, Joe Crepúsculo, Los Nastys, Trajano! y Luis Brea y El Miedo protagonizan el cartel de la quinta edición de uno de los festivales más especiales de la escena: el ENOFESTIVAL. El Festival de Música y Cultura del Vino, en el que no existen la cerveza ni las “copas” y los conciertos se intercalan con catas de vino dirigidas, charlas, mesas redondas y actividades vinícolas. EnoFestival tendrá lugar el día 1 de octubre en el Teatro Goya de Madrid.

Red Bull <> Weekender

RBMA Weekender es un festival comisariado por la Red Bull Music Academy que se celebra durante diferentes días, en varios espacios de una misma ciudad. Tras su primera edición en Madrid en 2013, este año llega el turno de Barcelona. Desde el 11 hasta el 16 de octubre, distintas localizaciones de la Ciudad Condal acogerán propuestas musicales que van del house a la ópera o del techno al rap menos convencional. Destacan en el cartel nombres como Diamanda Galás, Larry Heard, Floating Points, Jamie Lidell o Mykki Blanco. Información y venta de entradas en: www.redbull.com/weekender

Carrefour Property <> Fan

FAN, el mayor proyecto inmobiliario que el Grupo Carrefour desarrolla actualmente en Europa, revela a pocos días de su inauguración un ambicioso proyecto de audiobranding, desarrollado junto al conocido productor y DJ Carlos Jean y su productora MUWOM, en el que se demuestra cómo los estímulos musicales pueden modificar la intencionalidad de la compra.

Son Estrella Galicia <> España Abraza Brasil

SON Estrella Galicia cruza el Atlántico y pone en marcha un nuevo proyecto que aúna lo mejor de la música alternativa española y brasileña a través de una serie de conciertos y colaboraciones a ambos lados del charco. Un intercambio artístico que busca llevar las experiencias de este ciclo de conciertos más allá de nuestras fronteras. La puesta de largo fue el pasado mes de septiembre con dos fechas únicas en las que la banda española Morgan y la compositora y cantante brasileña Tulipa Ruiz compartieron escenario en Madrid y La Coruña. Ahora llegan las réplicas en São Paulo y, pronto, nuevas propuestas de intercambio.

Hard Rock Cafe <> Els Catarres

Els Catarres entregan la guitarra de “Jenifer” para entrar al gran museo de Hard Rock, con más de 70.000 piezas certificadas de grandes leyendas de la música. El instrumento estará expuesto de manera permanente en el Hard Rock Cafe Barcelona, en su apoyo a la música catalana.

44 l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l Conexiones

Solidarity App<> Ong’s Levi’s <> Levi’s Music Project

Levi’s® ha presentado su nuevo programa global Levi’s® Music Project, pensado para posibilitar el acceso a la educación musical a los jóvenes atendiendo a las necesidades de cada comunidad. Los dos primeros artistas implicados son Skepta y Alicia Keys.

Solidarity App hace una donación a la causa que tú elijas, cada vez que te descargas y pruebas un juego o una app gratuita. Se trata de una startup social y tecnológica, que ayuda a financiar causas con un impacto positivo en nuestra sociedad. www.SolidarityApp.com

mondo freako

The Associates “The Get Down” Foto Archivo

Origen: Dundee, Reino Unido. 1976-1997

The Get Down en diez canciones Hace solo un par de semanas que Netflix estrenó “The Get Down”, serie que repasa los años formativos de la cultura hip hop en clave crónica nostálgica del Nueva York de finales de los setenta. Y como no podía ser de otro modo, la música tiene un papel vital en el devenir de la historia. Para poner un poco de orden entre tanta canción, elegimos diez representativas que describen las constantes y el tono de la serie. Herizen Guardiola “Set Me Free (feat. Nile Rodgers)”

La protagonista femenina, Mylene Cruz, interpretada por Herizen Guardiola, sueña con ser una estrella de la música disco. Para ello graba una canción. “Set Me Free”, escrita originalmente para la serie con la colaboración de Nile Rodgers (Chic), es un buen pepinazo disco que cuenta con la voz de la propia actriz protagonista. ¿Una nueva estrella del pop en ciernes?

Incredible Bongo Band “Apache (Grandmaster Flash Mix)” La serie de Stephen Adly Guirgis y Baz Luhrmann tiene en Grandmaster Flash (interpretado aquí por el actor Mamoudou Athie) a uno de sus personajes secundarios más sonados. Para presentarlo, escogen su legendario remix del “Apache”, una versión del clásico de The Shadows a cargo de la Incredible Bongo Band.

Willie Colón & Héctor Lavoe “Que lío”

Varios de los protagonistas y secundarios de la serie son de origen latino, concretamente de Cuba y Puerto Rico. Por ejemplo Francisco “Papa Fuerte” Cruz, interpretado de forma magistral por Jimmy Smits. Para ilustrar sus apariciones se echa mano de los grandes nombres de la música latina como Willie Colón, José Feliciano y La Lupe, entre otros.

Michael Kiwanuka “Rule The World”

de Donna Summer, o la estupenda “Turn The Beat Around” de Vicki Sue Robinson.

Curtis Mayfield “Superfly”

Dentro de la mezcolanza loca de géneros que propone la serie, hay uno que tiene una importancia especial. Se trata de sus aires blaxploitation. Para hacer aún más patentes esos guiños, la banda sonora reserva un espacio para Curtis Mayfield y su “Superfly” (cinta de acción mítica del género, a la altura de “Shaft”).

“The Get Down” se toma algunas licencias artísticas en la banda sonora. La más destacada es la utilización de un par de canciones del cada vez más en alza Michael Kiwanuka para ilustrar el día día del protagonista masculino de la serie, Ezekiel “Zeke” Figuero (Justice Smith), un aspirante a MC que se debate entre la música o seguir sus estudios.

Garland Jeffreys “Wild In The Streets”

Star Wars “Main Theme”

CAN “Vitamin C”

“La guerra de las galaxias” se estrenó en los Estados Unidos 25 de mayo de 1977. Y no hace falta extenderse aquí sobre el fenómeno social que se produjo tras esa fecha. Por todo esto no es extraño que el DJ de ficción Shaolin Fantastic utilice el tema central de la película para iniciar una batalla de DJ’s.

Vicki Sue Robinson “Turn The Beat Around”

Parte del encanto de “The Get Down” recae en la descripción que realizan sus creadores de la rivalidad existente en la época entre la música disco y el hip hop que estaba por llegar. De ahí que la serie contenga un montón de hits disco: “Disco Inferno” de The Trammps, “Daddy Cool” de Boney M, “Bad Girls”

46 l MondoSonoro.com l Octubre 2016 l Contra

Aunque poco, el rock más clásico también está presente en la serie. Lo hace de la mano de otro neoyorquino ilustre, Garland Jeffreys y la casi glam “Wild In The Streets”. Una canción que habla, precisamente, de cómo era vivir en el barrio de Bronx en los años setenta.

La canción de Can, editada originalmente en 1972, se puede escuchar en un par de episodios y ayuda a dar un aire ensoñador y casi de irrealidad al skyline del sur del Bronx y a los grafitis que aparecen del metro de Nueva York.

Marie & Les Garcons “Rien A Dire”

“The Get Down” transcurre en 1977 y algo de punk tenía que sonar. Lo más curioso es que ese momento lo protagonice un grupo francés de culto, Marie & Les Garcons, que perteneció a la escudería de ZE Records. La muy Stooges “Rien A Dire” sirve para ilustrar el personaje de la hija adolescente de Mr. Gunns, el aliado político de Papa Fuerte. n Xavi Sánchez Pons

no de los aspectos más peculiares de la evolución de la música popular tiene que ver con el tiempo que un grupo tarda en quemar etapas y reinventarse a sí mismo. Curiosamente, aunque todo resulta infinitamente más inmediato hoy, ese proceso se ha ido alargando en las últimas décadas. Ejemplo paradigmático es el tiempo que va de “Rubber Soul” (65) a “Abbey Road” (69), cuatro años tan solo con radicales cambios de tercio estilísticos de por medio. Y algo parecido podría decirse de la primera etapa de The Associates, la que va de 1979 a 1982. Rankine y Billy Mackenzie se conocieron en Dundee en los años previos al punk y, como tantos grupos de la época, tenían claros sus referentes (Roxy Music, Bowie...). Frente a otros compañeros de generación la pareja mostraba una mayor apertura de miras, lo que a la postre se tradujo en un sonido a caballo de la experimentación post-punk y el ala arty del movimiento new romantic, escurridizo, difícilmente catalogable en realidad... Fiction Records firmó al dúo para convertir a The Associates en su principal baza comercial junto a The Cure. Además Michael Dempsey, bajista de The Associates y salvaguarda del legado sonoro de la banda, había formado parte de la primeriza formación de The Cure. El inconformismo llevó a Mackenzie & Rankine a grabar en los siguientes meses una serie de singles que su nuevo sello, Situation Two, acabaría reuniendo en una suerte de recopilatorio, “Fourth Drawer Down” (81). La popularidad del grupo iba en aumento, asomándose a las portadas de la prensa musical. En ese momento The Associates publican “Sulk” (82), el último disco en el que se presentan como dúo antes de que Rankine abandone el barco. Billy Mackenzie aún publicaría dos discos más como de The Associates antes de caer en una profunda depresión y suicidarse en 1997, a los treinta y nueve años de edad. Rankine trabajaría en los siguientes años vinculado a diferentes artistas del sello Les Disques De Crépuscule y hasta echaría una mano en la producción del debut discográfico de otros escoceses ilustres, Belle & Sebastian. Disco imprescindible “Sulk” (Beggars Banquet, 1982) “Sulk” es el disco en el que el dúo mejor plasmó su concepción musical, con una cuidadísima producción y algunos de sus temas más reconocibles (“Party Fears Two”, “Gloomy Sunday” o “Club Country”). Están de actualidad por: La reedición remasterizada por BNG/Pias de sus tres primeros discos “The Affectionate Punch”, “Fourth Drawer Down” y “Sulk”.ç n Luis J. Menéndez