MondoSonoro octubre 2018

Nยบ 265 Octubre 2018 www.mondosonoro.com

VILLAGERS, SUEDE, SPIRITUALIZED, THE NEW RAEMON, TACHENKO, ODETTA HARTMAN, KODALINE, ROOSEVELT, ANNA CALVI CAT POWER, JUNGLE, WATAIN, LA ESTRELLA DE DAVID, SATELLITE STORIES, ATERCIOPELADOS, THE BLAZE, ATARI TEENAGE RIOT

Christine and the Queens

Identidad

18 ANIVERSARIO RAZZMATAZZ Del 12 de octubre al 22 de diciembre

ACID ARAB Dj Set CAROLINA DURANTE CAT POWER CLAP YOUR HANDS SAY YEAH DORIAN FICKLE FRIENDS GERD JANSON HINDS HUNEE KERO KERO BONITO KODALINE LONDON ON DA TRACK MALL GRAB MORCHEEBA OBJEKT OCTAVE ONE PACHANGA BOYS PETER MURPHY (BAUHAUS CELEBRATION) RELS B ROMAN FLÜGEL ROOSEVELT SATELLITE STORIES TELEMAN THE CAT EMPIRE THE VACCINES WHOMADEWHO XAVIER RUDD

ANA CURRA ANNA CALVI ANTHONY PARASOLE BATU BEAUTIFUL SWIMMERS BENJAMIN DAMAGE CLIP & CORA NOVOA COLD CAVE DONAVON FRANKENREITER EFDEMIN EQUIKNOXX FEAT. SHANIQUE MARIE FJAAK GUSGUS DJ SOTOFETT JENNIFER CARDINI KAYDY CAIN KHIDJA LARKIN POE LCMDF MAKA MALIIBU MIITCH MOSCOMAN MR TC PLAYBACK MARACAS & THE ELECTRONIC MOON ORCHESTRA PLOY POLO & PAN ROSS FROM FRIENDS SKEE MASK THE ACES THE MAGPIE SALUTE TORNADO WALLACE UMFANG VILLAGERS VOISKI VOLVOX VOX LOW VRIL WE ARE SCIENTISTS ADRIANA LOPEZ AN-I APPLESCAL BARIS K BÉZIER BLACK PEAKS + TUSKY + THE PRESTIGE CABARET NOCTURNE DAMON JEE DANIELE BALDELLI DE DUPE ELVIS PERKINS HER’S HERE LIES MAN JOB SIFRE MACHINE WOMAN MAFALDA MAMA SNAKE MASSIMILIANO PAGLIARA NEELO FLAME NITE FLEIT PIN UP CLUB PIONAL PLESTED POWDER RAMON ARAGALL SCHWEFELGELB SOFT KILL STALISNAV TOLKACHEV STILL CORNERS ALICIA CARRERA AMABLE BALDO CANELA EN SURCO CARDOPUSHER CRUMP DISCOS PARADISO CREW DJ BRUCE LEE DJOHNSTON FERNANDO LAGRECA GUIM LEBOWSKI INNER AXES KINETIC SYSTEM LASERS LATZARO LEGOTEQUE LKGT MARIO PICOSSO NEHUEN NEILAND NICO OLDE GODS OMEGA III PALM GREASE PHONICA DJ PHRAN RNXRX SAU POLER SQUARIC TUTU UNDO UNJIN YLIA T I C K E TS :

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Estrella Damm recomienda el consumo responsable. 5,4º

A qué suena tu cerveza?

José González, The Mani-las, Low...

Teatro Lope de Vega, Madrid José González · 01 de octubre

Teatro Lara, Madrid Bombino + Desert Mountain Tribe 04 de octubre

Sala 0, Madrid The Mani-las · 05 de octubre

Sala Upload, Barcelona The Wave Pictures · 10 de octubre

La Iguana, Vigo Cycle · 04 de octubre

Le Club, A Coruña Cycle · 05 de octubre Desert Mountain Tribe + Holy Mushroom 06 de octubre

Porta Caeli, Valladolid Cycle · 06 de octubre

Garufa Club, A Coruña The Bellrays · 12 de octubre

Loco Club, Valencia

Lemon Rock, Granada

Alejandro Escovedo · 14 de octubre

The Wave Pictures · 15 de octubre

Sala Changó, Madrid Anna Calvi · 16 de octubre

981heritage SON Estrella Galicia

The Posies 30th Anniversary Tour

Kamaal Williams Cool Stage, Madrid · 04 de octubre Noah Slee Café Berlín, Madrid · 11 de octubre

The Posies + Maryland Hangar, Córdoba · 01 de octubre Lemon Rock, Granada · 03 de octubre Sanagustín, Azpeitia · 07 de Octubre

American Autumn SON Estrella Galicia

15 Aniversario Café & Pop Torgal

Low Sala Capitol, Santiago · 01 de Octubre Sala But, Madrid · 02 de octubre Rayland Baxter Sala 0, Madrid · 06 de octubre

Bombino + artista invitado Auditorio Municipal de Ourense 07 de octubre

Posidonia Del 12 al 14 de octubre Isla de Formentera

Suede Fin de laE segunda parte

FOTO: DEAN CHALKLEY

5/Mondo freako

Con The Blue Hour (Warner, 18), Suede cierran de forma majestuosa la trilogía de su retorno.

Un regreso rotundo que Brett Anderson y compañía completan ahora con el octavo disco de su carrera, en el que asumen riesgos adicionales al completar una obra que debe entenderse como un todo. El lanzamiento coincide con la publicación del libro Mañanas negras como el carbón (Contra, 18), autobiografía de Anderson. n una época en la que el concepto de álbum parece en desuso y con el público optando por el consumo de canciones sueltas, Suede publican una obra mayúscula, grandilocuente y extensa, que apela al valor del conjunto.

Al otro lado del teléfono, el propio Brett Anderson confirma esas intenciones.

“Ya el anterior lo hicimos así deliberadamente. Sabíamos que iba en contra de la tendencia actual, pero el disco causó gran impresión en prensa y fans. Creo que hay muchísima gente que quiere un disco en el que poder perderse, y no sólo algo para poner en el coche mientras conduces. Buscan algo que albergue un mundo en sí mismo”. Con frecuencia, ese mundo de Suede ha tendido al dramatismo albergando algo de oscuridad

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manifiesta, pero el grupo puede haber firmado ahora la referencia más oscura de toda su carrera. “Este disco y Dog Man Star (94) tienen el mismo sentido de la paranoia. Era el momento de llevar las cosas tan lejos como pudiéramos, y quería que fuera muy crudo. Empecé a escribir este disco desde el punto de vista de un niño, a partir de ese sentimiento de ser diminuto en un mundo enorme.

Puede ser el disco más extraño que hemos publicado”. Es el octavo álbum de los londinenses, y los impresionantes arreglos orquestales vuelven a encajar casi milagrosamente con las peculiaridades de su música. “Es algo inherente a nosotros. Estuve muy tentado de utilizar una orquesta que estuviera en esa línea tan rimbombante… ya sabes… ese tipo de orquesta que las bandas de rock suelen utilizar. Pero estuvimos escuchando

mucho a Scott Walker y Frank Sinatra, y en su música había muchos arreglos intimistas y muy elegantes, de esos que no son especialmente impresionantes”.

La influencia de David Bowie siempre ha sido evidente y confesa en la música de Suede, pero en esta ocasión aparece más marcada que en entregas previas.

Aunque, en realidad, el vocalista apunta en otra dirección a la hora de señalar las influencias del elepé. “Hay discos que cuando eres joven casi consumes, pero que yo no he vuelto a escuchar desde entonces porque están en mi cabeza y nunca siento la necesidad de ponerlos.

Estuvimos escuchando mucho pop orquestal de los cincuenta y de los sesenta, y también mucho post-punk de Public Image Ltd., Siouxsie & The Banshees y Magazine”. El caso es que, dadas las peculiaridades de este disco, se antoja

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octubre 2018 #5

FOTO: archivo

MONDO FREAKO

LA MÍA Resumiendo el mainstream

A “Cuando tienes veinte años sientes que todo lo que escribes es genial”

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como tremendamente valiente y ambicioso, pero también supone un paso al frente muy arriesgado. “Haciéndolo éramos conscientes de que no todo el mundo iba a estar con nosotros.

Es un disco difícil, pero sentía que en el anterior no habíamos llegado tan lejos como podríamos haberlo hecho. No creo que hagamos otro disco como éste. Me encanta ese aspecto del disco, y que requiera de un montón de escuchas para descubrir todo lo que hay en él. Pero al mismo tiempo siento que ya no podemos llegar más allá. Me gustaría hacer un disco mucho más simple la próxima vez”.

Lo cierto es que el retorno de Suede es uno de los más consistentes de entre todos los de esos grupos de los noventa que han vuelto en los últimos años. El grupo se ha mostrado en plena forma a lo largo de los tres discos, manteniendo intacta su esencia pero al mismo tiempo evolucionando y entrando con elegancia en lo que se suele denominar madurez creativa. “Lo dejamos en un nivel realmente bajo. Creo que la jodimos, y fue como ‘vamos a intentar arreglar todo aquello’. Ahora tienes que trabajar muchísimo para escribir canciones que realmente quieras incluir, y es mucho más trabajoso que cuando tenía veinte años. A esa edad sientes que todo lo que escribes es genial”.

Por otro lado, acaba de publicarse en nuestro país la autobiografía del cantante, Mañanas negras como el carbón (Contra, 18). Se trata de un volumen extremadamente sincero y profundo, en el que el autor recuerda su infancia y adolescencia además de los primeros pasos de Suede (justo hasta el momento de la firma de primer contrato discográfico).

“Empezarlo fue muy difícil, pero una vez que conseguí estar dentro de ello realmente lo disfruté. Recordar muchas de las cosas sobre los comienzos fue muy agradable. Tuvimos que luchar un montón, pero hay cierta belleza en esos inicios de la banda, como cuando empezamos a tener conciertos y vimos que la gente estaba interesada en el grupo”. El libro también incluye la (compleja) relación del autor con Bernard Butler, guitarrista y co-compositor de los dos primeros discos de la formación, así que #6 octubre 2018

aprovechamos para preguntar si cabría la posibilidad de que volviesen a trabajar juntos en el futuro. “Nos llevamos bien, pero no nos vemos mucho porque él está muy ocupado, así que no sé. En este momento encuentro muy inspirador estar como estoy en Suede. Así que no creo que suceda próximamente”.

—raúl julián

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CRiTICAndo Mañanas negras como el carbón Brett Anderson Contra

Al igual que ya hiciera Moby en su momento, el líder de Suede esquiva los lugares comunes de la fama y el éxito afrontando su autobiografía como un relato que comienza en su infancia y termina justo en la firma de su primer contrato discográfico, en los umbrales de la popularidad. Nos deja así con la miel en los labios, salvo que se anime –y sería deseable– a entregar una segunda parte. Porque su forma de contarnos su adolescencia y juventud en la anodina Haywards Heath (a medio camino de Londres y Brighton) es literariamente casi tan brillante como las memorias de Morrissey, una de las sombras creativas –la de The Smiths, vaya– que se extiende a lo largo de ciento ochenta y nueve páginas apasionantes, que se leen en un suspiro y destilan la cara más evocadora y reflexiva de uno de los mejores frontmen de una de las mejores bandas que ha dado el pop británico en las últimas tres décadas. —carlos pérez de ziriza

veces da la impresión de que para analizar la actualidad musical más vendedora sea necesario dedicar muchas horas a repasar listas de éxitos, a analizar los clips más populares del momento o a tragarse un montón de listas de Spotify y demás plataformas de streaming. Esa sería la opción verdaderamente profesional, aunque luego seamos conscientes de que lo que argumentemos se va a utilizar hasta el infinito en un puñado de artículos holgazanes de gente que replica lo que va leyendo por ahí. Pero existe otra vía, mucho más sencilla y abrumadoramente más divertida si tenemos la moral suficiente para enfrentarnos a ella. No se me asusten antes de tiempo, que tampoco es tan complicado.

Esa segunda vía sería escuchar el disco que publique durante la temporada David Guetta. Podría acudir a algunos otros grandes artistas mainstream (piensen en los años EDM de Rihanna por ejemplo, en el trapeo que se están marcando muchos de los big names estadounidenses ahora mismo, y podría seguir). Pongamos que admitimos que Guetta nos puede servir, así no perdemos más tiempo en dar rodeos.

Abramos un navegador y empecemos.

Vayan a cualquier plataforma de las que utilizan para escuchar su música favorita y empiecen a repasar lo que el francés lleva publicando desde su Pop Life de 2007. No se despisten con los anteriores.

Utilicen ese año como punto de partida.

A partir de los sonidos que manden y los colaboradores con los que se encuentren podrán ustedes delimitar las coordenadas fundamentales de lo que está partiendo la pana en el mundo del mainstream.

Cuando las voces cálidas derretían corazones, ahí estaban Chris Brown, NeYo, Usher y toda la tropa campando a sus anchas sobre ritmillos de french touch adaptados a banda sonora para cadenas de ropa a precio de derribo y tallas excesivamente ajustadas. Cuando el EDM se debatía entre la furia del big room y las canciones de pop acelerado ahí estaba Guetta moviéndose entre dos tierras. Que si Showtek por aquí, que si Afrojack por ahí... Y así llegamos hasta 2018, con Guetta echando mano de su nómina de amistades millonarias –en escuchas y ya también en dinero- provenientes del reggaetón (J. Balvin), el trap (Lil Uzi Vert) y el urban (Stefflon Don) para darle nuevos toques a sus canciones y adaptarlas a los tiempos que corren. Ya ven, el mainstream adaptando estilos que algún día fueron underground al tiempo que el underground se llena a rebosar de artistas underground que suenan francamente mainstream... Pero esa quizás sea otra historia muy diferente y no estamos para irnos por las ramas.

—joan s. luna

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18/9/18

17:29

Con una determinación tan obsesiva que raya en la locura –no es de extrañar que el nombre de Brian Wilson brote de sus labios– Jason Pierce ha dedicado gran parte del lustro transcurrido desde el que fuera su último álbum a dar forma a And Nothing Hurt (Bella Union/[PIAS], 18), un trabajo de grabación tortuosa y algo solipsista, que se perfila como el último que despachará como Spiritualized.

L

Spiritualized Viaje al espacio interior

a sombra del irrepetible Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space (97), que recuperó en directo mientras trabajaba en sus últimas canciones, planea sobre And Nothing Hurt, el nuevo trabajo de Jason Pierce. Aunque no sea este un disco anclado en el pasado, ni mucho menos: si por algo destaca es por la forma en que asume el paso del tiempo y refleja el estado de ánimo de un músico que ha sobrepasado los cincuenta años como superviviente de un lenguaje, el rock, que parece abocado a la extinción. O como mínimo, al culto atávico. Mr. Spaceman nos lo explica al teléfono. Y si algo nos queda claro tras nuestros veinte minutos de charla es que si el noventa por ciento de los músicos de este planeta fueran igual de exigentes con su propia obra, viviríamos casi sepultados bajo un aluvión de obras maestras.

—Dejando de lado los problemas de salud por los que has pasado, el tiempo transcurrido entre cada uno de tus discos es cada vez mayor.

Seis años han mediado hasta Sweet Heart, Sweet Light (2012), y cuatro pasaron entre este último y Songs In A&E (2008). ¿Te resulta cada vez más difícil entregar un nuevo álbum?

Me resulta durísimo. Es una locura.

Me vuelvo completamente loco. Es como que pierdo toda la confianza en mi mismo y una parte de mí tiene la sensación de que el jugar al estereotipo del rock and roll es lo más fácil hoy en día, con toda esa arrogancia y esa superioridad de la que se apropia la juventud, y no quiero caer en ello. Ahora que soy mayor, miro a mi alrededor y ya no me sirve todo eso, siento que si voy a poner un disco en circulación necesito que esté a tono con mi edad. Ese proceso me vuelve loco, porque no paro de decirme a mí mismo que no voy a volverlo a hacer, que no voy a editar un nuevo disco.

—¿Significa eso que de alguna manera sientes más responsabilidad con #8 octubre 2018

o “Si voy a poner un disc en circulación necesito que esté a tono con mi edad. Ese proceso me vuelve loco”

la edad, en lugar de estar un poco de vuelta de todo?

En cierta manera sí. No quiero caer en esto del rock patrimonial o hereditario (ndr: lo califica como heritage rock), esa clase de músicos que acumulan una carrera ya en el tiempo que no les conmina a tratar de hacer algo más con ella. Esa cosa tan británica de hacer un gran álbum y durante años no verte obligado a hacer un trabajo que esté a la altura o que lo supere porque gracias a él aún mantienes tu cuota de presencia en la prensa y en los medios. No les estoy acusando, pero no es lo que yo quiero hacer. Tampoco puedo hablar por el resto de la gente, ni quiero juzgarles, pero la verdad es que no me puedo

en concierto l Barcelona 2 de noviembre. Razzmatazz l Madrid 3 de noviembre. La Riviera

poner en ese lugar. Si voy a hacer un disco, tengo que sentir que no es peor que lo que he hecho antes. La idea es sentirme completamente realizado.

—Da la sensación de que el álbum sintetiza prácticamente todas las señas de identidad en la carrera de Spiritualized: las lánguidas letanías, los brotes de electricidad, la espiritualidad que sintoniza con el góspel... todos conviviendo en armonía. ¿Era algo intencionado porque lo enfocabas como si fuera a ser tu último álbum?

Un poco. Pero al principio la intención era que tuviera un feeling parecido al de Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space. Cuando empecé a trabajar en él era también más expansivo, con toques de free jazz, más extraño en cuando a su sonido. Pero cuando traté de mezclarlo me di cuenta de que no cobraba demasiado sentido. Quedaba como un compendio de ideas un poco antiguas que trataban de sonar frescas. Llegué también a esa fase extraña que me recordaba lo que le pasó a Brian Wilson: ¿Recuerdas los

descartes de las sesiones de Smile? Yo las encuentro más conmovedoras y más convincentes que las que aparecieron finalmente en el álbum. Incluso aunque luego consiguiera formar una banda para darles forma y plasmar los arreglos y todo lo que tenía en mente para aquella obra maestra. Pues yo me siento un poco frustrado de que haya partes de mi disco que no puedan ser escuchadas de esa manera, tal y como fueron concebidas en un principio. He intentado que todo eso se preserve en el disco, que la gente pudiera captar la forma en la que el bajo, la batería o los timbales mezclan, por ejemplo. Pero acabó sonando demasiado conceptual, y no en el buen sentido de la palabra...

Es extraño, porque en los últimos tiempos he estado produciendo a otras bandas y encuentro mucho más fácil satisfacer a otros músicos que a mi mismo. No tengo problemas con ellos, todo marcha fluido.

—carlos pérez de ziriza

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Primavera Club

BIME

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La última semana de octubre llega a Bilbao la sexta edición de BIME, el primer encuentro europeo dirigido a la industria musical y digital. Mientras que en BIME Live, su apartado musical para todos los públicos, reunirá en el BEC! bandas de la talla de Aphex Twin, Editors y Slowdive, MGMT, Jon Hopkins y Nina Kraviz, entre otras, en la feria presenta un gran programa de actividades para los profesionales del sector, además de showcases en el mismo recinto del BEC! y en el centro de Bilbao. En su sección BIME Pro, los días 24, 25 y 26 de octubre volverá BIME Pro Campus, el programa de formación avanzada para estudiantes que combinará sesiones teóricas con sesiones prácticas en las que los asistentes aprenderán todo sobre la producción de eventos musicales, entre otras materias. www.bime.net

Ya tenemos aquí la nueva edición del Primavera Club, que tendrá lugar del 26 al 28 de octubre y, al igual que las últimas dos ediciones, tanto en Barcelona como en Madrid. El cartel de este año promete ser uno de los mejores en lo que llevamos de década. Sin grandes nombres, pero con propuestas emergentes que miran al futuro más que nunca. Destaca el pop de gente como Jimothy Lacoste y Tirzah, el rap de Flohio, Octavian y JPEGMAFIA, el r&b de Ama Lou o la electrónica de Head Technician y Volruptus. Pero hay mucho más, desde mambo y chachachá (Orquestra Akokán) a funk árabe (Habibi Funk), pasando por la dosis de guitarras necesaria o por el inclasificable (e imprescindible) serpentwithfeet. En lo que a nombres estatales se refiere están Conttra, Esteban & Manuel, MC Buseta, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba o Goa. En Barcelona se concentra en las dos salas principales de Apolo y en el Centre Cultural Albareda, mientras que las dos salas del Teatró Barceló serán los recintos en Madrid. www.primaveraclub.com

Los. CONCIERTOS. de mi Vida.

Franic (The Wave Pictures)

Viejos conocidos de nuestros escenarios, The Wave Pictures vuelven a España para presentar las canciones de su reciente Brushes With Happiness. Dentro del ciclo SON EG actuarán en Madrid, Granada, A Coruña y Ferrol.

La primera vez que fuiste a un concierto como público…

Mis padres me llevaron a ver a Michel Petrucciani cuando era muy joven a algún pub de Glasgow. El lugar era una cueva underground, pero no recuerdo el nombre. Tampoco recuerdo mi edad, solamente que no sabía nada de nada y que ver a un pianista de jazz no era precisamente mi idea de diversión.

El último concierto al que has ido…

Ha sido uno de Bill Botting & The Two Drink Minimums en el The Betsey Trotwood de Londres. Los preciosos sonidos de la voz de Bill cantando junto a su hermana Hannah, como si se tratase de unos modernos The Everly Brothers en versión hermanohermana, combinados con los emotivos solos de guitarra cortesía de Paul ‘Thunder’ Raines.

El mejor concierto al que has asistido…

Difícil de decir, sin duda, pero Yo La Tengo o Dirty Three en el festival All Tomorrow’s Parties de Camber Sands podrían serlo. Tuvimos que enfrentarnos a un montón de terribles bandas de post-rock. Por suerte, ahí llegaron Yo La Tengo para salvar el día con un show muy divertido en el que tocaron canciones (algo que los postrockeros parecen combatir a muerte).

Luego, The Dirty Three también ofrecieron un concierto muy bonito .

Y ahora al contrario, el peor concierto que recuerdas haber visto…

Pues alguna de las bandas de postrock que vimos en el All Tomorrow’s Parties. Posiblemente Mogwai o Tortoise. —MS

Periferias 19.0 Del 18 al 28 de octubre se celebrará en Huesca la edición número diecinueve del festival oscense Periferias. Como cada año, este festival multidisciplinar gira alrededor de un eje temático a partir del que se despliega su programación. Este año el hilo conductor desde el que se extenderán las actuaciones, charlas, performances, exposiciones y espectáculos, será el concepto género entendido en toda su amplitud: las mujeres y el feminismo, el entorno LGTBQI y la cultura queer, la diversidad sexual, las nuevas masculinidades o el gender fluid. Aunque, centrándonos en las actuaciones musicales, pasarán por el festival artistas como Los Voluble, Hickeys, Black Flower, Cris Buenacrema, SLene, Noe & The Bobifaces, Sofía Viola, Eme Alfonso, Irene Aranda Trío, Cocanha, Ela Orleans, Rodrigo Cuevas, Ana Curra, Black Cracker, Putochinomaricón o Brenda B, entre otros. www.periferias.org

Premios Fest El próximo 24 de octubre se celebrará la ceremonia de entrega de las estatuillas de la quinta edición de los Premios Fest. Será en el marco del BIME, en Bilbao. El plazo de inscripción se cerró el pasado 26 de septiembre para una edición que cuenta con diversas novedades, pasando por cuatro nuevas categorías a tener en cuenta (Mejor Promotor en Portugal; Mejor Programa, Sección o Espacio Sobre Festivales en Medios Impresos, Radio, Televisión y Online). Se han introducido cambios en otras (Activación de Marca en Festival y Mejor Campaña de Comunicación). Son en total veintitrés categorías que premiará un jurado especializado de cada una de las materias del sector musical. www.premiosfest.com

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Los sonidos de octubre que no olvidarás: Agenda SON Estrella Galicia 1 octubre José González, Teatro Lope de Vega, Madrid American Autumn, Low, Capitol, Santiago The Posies, Hangar, Córdoba 2 octubre American Autumn, Low, Sala But, Madrid 3 octubre The Posies, Lemon Rock, Granada 4 octubre 981 Heritage, Kamaal Williams, Cool Stage, Madrid Cycle, Iguana, Vigo Bombino, Teatro Lara, Madrid 5 octubre The Mani-las, Sala 0, Madrid Cycle, Le Club, Coruña 6 octubre American Autumn/ Rayland Baxter, Sala 0, Madrid Cycle, Pota Caeli, Valladolid Desert Mountain Tribe, Le Club, A Coruña

7 octubre Bombino, Auditorio Municipal, Ourense The Posies, Sanagustin, Azpeitia 10 octubre The Waves Pictures, Upload, Barcelona 11 octubre 981 Heritage/ Noah Slee, Café Berlín, Madrid 12 octubre The Bellrays, Garufa, A Coruña 14 octubre Alejandro Escovedo, Loco Club, Valencia 15 octubre The Wave Pictures, Lemon Rock, Granada 16 octubre Anna Calvi, Sala Changó, Madrid 17 octubre The Wave Pictures, Sala 0, Madrid

18 octubre The Wave Pictures, Mardi Gras, A Coruña 19 octubre Carmen Boza, Radar Estudios, Vigo The Wave Pictures, Super 8, Ferrol 20 octubre 981 Heritage Baiuca + Dreyma, Alevosía, Madrid Carmen Boza, Super 8, Ferrol 21 octubre Will Johnson, Café & Pop Torgal, Ourense 26 octubre Cosmen Adelaida y amigos, Sala 0, Madrid Los Coronas, Garufa, A Coruña 27 octubre Los Coronas, Master Club, Vigo 28 octubre American Autumn/ Olden Yolk, Torgal, Ourense

octubre 2018 #9

Jungle Hogar dulce hogar

La banda británica vuelve cuatro años después de su exitoso debut con un For Ever (XL/Popstock!, 18) en el que exploran nuevas sonoridades para evitar caer en la reiteración y para asegurarse un lugar en la competitiva actualidad musical.

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os británicos Jungle no pueden quejarse en absoluto de cómo les ha ido en los últimos cuatro años desde que editaran su debut homónimo, una obra con la que obtuvieron una veloz repercusión nada despreciable. Los vocalistas y productores Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland, los auténticos cerebros detrás del proyecto, propulsaron un sonido propio igual de funk que soulero que les ha llevado a convertirse en una de las bandas más solicitadas en los festivales de medio mundo. En su segundo largo que ahora estrenan, For Ever, ciertamente hay alguna que otra canción que se podría haber colado en su puesta de largo como Smile o Happy Man, pero para esta ocasión han querido además ampliar su paleta sonora hacia terrenos más reflexivos y pop. “Para nosotros lo más difícil esta vez era escapar del sonido con el que se nos ha asociado desde el principio”, nos confiesa Josh en la terraza de un hotel barcelonés.

“Admiramos a bandas como Radiohead porque en cada disco intentan explorar otros terrenos y siempre, de algún u otro modo, te acaban sorprendiendo.

Podríamos habernos repetido, por supuesto, pero no queremos ser ese tipo de banda. Por muchas etiquetas que ahora quieran poner a estas nuevas canciones lo que importa al final del día es la buena música. Da igual cómo suenes o el camino que hayas tomado, lo que importa realmente son las sensaciones que un tema en particular te transmiten”, contesta a su vez su compañero.

For Ever

XL/Popstock!, 18 Funk 7/10

Por primera vez se atreven a emplear cuerdas en piezas como Give Over o Pray porque según Josh “nos encanta el dramatismo cinético a lo Hans Zimmer”.

Y, en el caso particular de Casio, incluso se han animado a cantar cada uno por su lado demostrando que, aunque sus voces pastan a la perfección, también se pueden desenvolver la mar de bien como solistas. “Fue una decisión complicada, sí. Para los dos cantar unidos era un #10 octubre 2018

“Lo más difícil era escapar del sonido con el que se nos ha asociado desde el principio” os “Queremos que nuestr n seguidores entienda lo que queremos transmitirles” recurso inamovible en el primer álbum, algo así como una responsabilidad que teníamos el uno con el otro y una decisión sonoramente estética. No obstante, de cara a este segundo partimos de la base de que los cambios siempre son positivos. El ego no es algo que vaya para nada con nosotros, así que este era un momento perfecto para ponernos a prueba como cantantes”, dice al respecto Tom. A diferencia de su debut, esta vez las letras son menos abstractas y están dotadas de una mayor carga emocional “porque queremos que nuestros seguidores entiendan lo que queremos transmitirles”. Podría decirse que For Ever es un álbum que gira alrededor de las rupturas amorosas y la sensación de pérdida, sobre todo en su segunda parte más contemplativa y reposada. El

disco lo empezaron y lo terminaron en su Londres natal, pero para impregnarse de nuevas sensaciones y vivencias no dudaron en pasar una temporada en Los Ángeles embriagándose de ese mitificado sueño americano que no siempre es lo que parece. “Una cosa es viajar por California como un turista y otra muy diferente vivir ahí. No todo es tan bonito como parece en las películas. El primer disco lo hicimos en un pequeño dormitorio porque apenas contábamos con presupuesto y por ello, ahora que podíamos permitírnoslo, hicimos las maletas y salimos una temporada del Reino Unido.

Todo lo que nos ha pasado y las personas que hemos conocido se reflejan en el disco”, afirma Josh. “Ir a California era un sueño para nosotros, pero una vez estás ahí te das cuenta de que no hay ningún lugar como tu casa. Un hogar siempre es un hogar. A pesar de no haber parado de viajar durante los últimos años no hemos encontrado un lugar como Londres en el que nos sintamos tan bien. En Los Ángeles esperábamos encontrar el amor.

No puedo decirte si lo encontramos o no, pero tras la aventura no dudamos en volver a nuestra ciudad natal y procesar todo lo que vivimos”, contesta a su vez Tom. “Podríamos haber lanzado el disco hace un par de años, sí, pero no nos parecía lo correcto porque siempre se nota mucho cuando alguien canta algo que realmente no siente. Las canciones deben tener alma, para nosotros es esencial. Y llegados a este punto lo que pretendemos es mejorar aún más nuestro directo. Muchos dicen que nuestros conciertos son como una fiesta, pero de cara a la próxima gira queremos apostar por algo más visual para que el público no tenga dudas acerca de lo que queremos explicarles. Nunca hay que cruzarse de brazos porque siempre hay cosas que se pueden pulir”, concluye.

—sergio del amo

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Satellite Stories Despedida

EN LA MALETA

Como un grupo de irreductibles galos rodeados por una legión de bandas británicas, Satellite Stories han conseguido hacerse un nombre en el panorama después de diez años en activo. Y sin embargo, el grupo indie con más éxito de Finlandia ha decidido colgar las guitarras y hacerlo con fuegos artificiales sonoros, o lo que es lo mismo, su quinto disco Cut Out The Lights (Playground Music, 18).

Jackwasfaster

Tras el nombre de Jackwasfaster se esconde el ecléctico músico madrileño Manu Cachero, uno de esos artistas que, sin aspavientos, ha ido creciendo hasta dotar a su discurso de un cuerpo sólido que le ha llevado a sonar en las sesiones de algunos importantes Dj’s internacionales.

#12 octubre 2018

P

ara encontrar la ciudad en la que residen Satellite Stories, Oulu, debes hacer zoom en Google Maps y entrecerrar un ojo. Y pese a ser un grupo independiente surgido de una ciudad remota al norte de Finlandia que fichó por

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ómo definirías tus características como DJ? Empecé relativamente tarde a pinchar, vengo del mundo más de banda.

Sí, soy un claro caso de intrusismo. No tengo el mismo bagaje que la gente que lleva toda la vida pinchando. Intento suplir esa falta de tablas aportando quizás algo de la “musicalidad” adquirida en mi etapa anterior. Me esfuerzo en que la música sea especial, las mezclas sean coherentes y haya una continuidad en el discurso. Ah, y poner temas raros, como todo el mundo. De todas formas, creo que soy mejor produciendo y haciendo directo que pinchando.

—¿Cuándo empezaste a pinchar y cuáles eran tus objetivos cuando empezaste?

Comencé a darle al tema de forma más continuada a partir de 2013. Formaba parte del colectivo The Bourbaki, montábamos fiestas en varios clubes de la capital. El objetivo en ese momento era principalmente el despiporre.

—¿Recuerdas cómo funcionó la primera sesión que hiciste?

Si no recuerdo mal, fue con la persona que me enseño “el oficio”: mi mejor amigo, Pedro -Finders Keepers, de Peche Peche-. El lugar, un antro ilegal cerca de la mítica Overdrive. Tengo un vago pero grato recuerdo. No se me ocurre un estreno mejor.

"Cuando empezamos, a la industria musical er mucho más relajada" un pequeño sello, han conseguido aglutinar a un público fiel a sus temas bailables y convertirse en una apuesta segura en los festivales, siguiendo la estela de bandas como Two Door Cinema Club y Bombay Bicycle Club.

Ahora presentan su último disco,

—¿Qué discos no han faltado absolutamente nunca en tu maleta?

He cambiado mucho desde las primeras sesiones, pero creo que Trauermusik de Partial Arts encaja tan bien a día de hoy como hace cinco años.

—¿De qué manera afecta la respuesta del público a la línea de tu sesión?

La respuesta del público condiciona totalmente la sesión. No conectar es algo bastante frustrante. Prefiero hacer live aunque tengo menos margen de maniobra: si consigo meterme a la gente en el bolsillo, la sensación es muy gratificante.

—¿Crees que, en la actualidad, la figura del Dj está sobrevalorada o realmente su importancia te parece fundamental?

Sí, creo que en el entorno del mainstream es una locura. Pero nuestro camino va por otro lado. En el underground (si es que podemos hablar de algo así), se produce el fenómeno contrario: hay gente increíble que no recibe la difusión que merece.

—¿Cítanos a los que consideras que son los mejores Dj’s nacionales?

En España hay nivelazo y tengo la suerte de contar con amigos entre algunos de los nombres que voy a citar. Me vienen a la cabeza Álvaro Cabana, Javi Redondo, Undo, F-On, Dj F, Damián Schwartz, Javi Der, Dos Attack, Fabio Vinuesa... —MS

decididos a dejarlo bajo sus propios términos. “Cuando empezamos, la industria musical era mucho más relajada” recuerda Marko Heikkinen, guitarrista de Satellite Stories. “Ahora hay esa presión por publicar algo cada año o la gente te olvida. Tienes que estar disponible para hacer canciones todo el tiempo, aunque acabes de regresar de una gira enorme, solo para mantenerte con vida en la escena”, asegura el guitarrista. Cut Out The Lights es precisamente eso, una declaración de intenciones en la que el grupo quiere reivindicar la esencia de su música y celebrarlo una última vez. “Una de las mejores cosas de estar en nuestro grupo es pasárselo bien. Es un trabajo tan bueno porque teníamos claro que sería el último, nada de hacer otro disco más. Hay tanta energía concentrada”, explica Heikkinen. Cut Out Of The Lights, grabado entre Oulu, Brooklyn y la frontera con Rusia, bebe más del indie norteamericano que sus precedesores. “El disco no tiene ningún mensaje en particular, es más una emoción, como saber que la vida tiene momentos oscuros y aunque las luces se apaguen, no es el final”, comparte el músico.

Haciendo balance de esta década, Marko Heikkinen confiesa que su actuación en el Arenal Sound de 2013 es uno de los momentos más especiales de su carrera. “Justo antes de tocar en festivales actuábamos en pueble-

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TAN. CERCA. RRLa cuarta edición del festival bermeotarra Mareak Jaialdia vuelve a agitar Bermeo por cuarto año entre el viernes 5 y el jueves 11 de octubre con el objetivo de que la tradición y la vanguardia confluyan en distintas disciplinas artísticas. Participarán los japoneses Acid Mothers Temple, Emma Ruth Rundle, Nickel & Rose, Petti e Inorem Ero Ni. RREl MIRA Digital Arts Festival (del 8 al 10 de noviembre, Barcelona) ya ha completado su cartel y la afterparty oficial. Algunos de los nombres destacados son Tangerine Dream, Venetian Snares & Daniel Lanois, Yves Tumor, Seefeel, Objekt, Atom TM, Rival Consoles o Coucou Chloe, entre otros. Más detalles y entradas en www.mirafestival.com

citos y no teníamos ni idea de lo que nos esperaba. Hasta ese momento sólo habíamos tocado en un festival y nos robaron los móviles y las mochilas en el backstage, ¡imagina! Y de golpe, vamos al Arenal Sound y era una noche cálida, había miles de personas frente a nosotros cantando nuestras canciones. ¡Incluso ahora no entendemos cómo pasó!”, recuerda Heikkinen.

Satellite Stories dejan atrás diez años de música, hits y noches en blanco para afrontar un futuro más o menos incierto. “Creo que terminaremos la universidad, porque todo esto nos pilló estudiando la carrera. Quién sabe, igual haremos música como hobby, pero ya se verá”. En todo caso, este mes de octubre visitan de nuevo nuestro país para ofrecer dos conciertos de despedida. Será dentro de la gira The Final Story: Farewell Tour.

—marta terrasa

r

RRLa tienda de discos Bora Bora

de Granada se ha convertido en agitadora de la escena nacional con su programa de showcases y actividades de alta fidelidad.

Ahora dan un paso más y lanzan una colección de singles en siete pulgadas que bajo el título Controversiones enfrentan en la cara A y cara B a dos bandas afines que se versionan a pachas. Los primeros en aceptar el reto de Don Gonzalo han sido Perro y Cala Vento que se han intercambiado Jordi Huertano e Isla Desierta respectivamente.

Le Temps Du Loup Introspección e intensidad El trío madrileño Le Temps Du Loup publican Cardinal (The Braves/ Dunk!/Aloud/Pundonor, 18), un trabajo en el que la intensidad y la experimentación van de la mano.

T

ras cuatro años de jauría y centrados en algunos proyectos paralelos (Jardín de La Croix o los extintos Sonnov) el trío madrileño que rememora con su nombre el filme de Michael Haneke y su aire apocalíptico vuelve con esta distopía muda de rock instrumental en forma de vinilo llamado Cardinal.

“Ha sido un camino de encuentros y de búsqueda. De sintonizarnos entre nosotros; de transformación…”. La metáfora de los puntos cardinales es solo el primero de los interesantes conceptos que manejan en seis cortes: como Eulerian, en honor al matemático alemán Euler; Zilch: concepto anglosajón para expresar el cero; Agartha: que nos sugiere ese legendario reino ubicado bajo el desierto del Gobi, el viejo mito de la célebre teósofa y ocultista rusa, Helena Blavatsky….

“Muchos aspectos del proceso creativo que hemos vivido estos tres años están representados aquí. El comienzo: que es un vacío. El contacto con lo nuevo y lo misterioso…”. Si bien, a veces simplemente se juega con el aspecto evocador que pueda dar un simple título: “Mira Raining Blood de Slayer... Basta con eso. Da igual de qué vaya el tema; ya el título lo peta”.

Quizá la mayor sorpresa de este trabajo es su sonido tan “engordado”.

con mastering por parte de Brad Boatright de Audiosiege en Portland (Nails, Iron Reagan, Baptists, High On Fire, Oathbreaker…), “Ha supuesto un gran esfuerzo, pero satisfactorio, y no solo para nosotros sino también para Carlos Santos e Irene Génova de Sadman Estudios… Y luego hemos ido al estudio de mastering que también eligieron los barceloneses Böira”.

Preparan gira, ya con tres festivales nacionales para este otoño y lo hacen con gran motivación. “Un reflejo es la buena aceptación que está teniendo el disco en Francia, Holanda, Austria, Bélgica y otros sitios a los que están llegando copias de Cardinal. Nos parece una muestra de esa idea del lenguaje universal de la música, aunque parezca un poco manido…”.

—rubén g. herrera

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en concierto r

l Bilbao 5 de octubre. Satélite T l Alicante 23-24 de noviembre. Pure Rock Fest

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l Madrid 19 de octubre. Moby Dick l Barcelona 20 de octubre. Razzmatazz

RRLa quinta edición del festival Tomavistas 2019 ya tiene fechas, 24 y 25 de mayo. Para que la espera no se haga tan larga, vuelven los ciclos de Tomavistas Ciudad.

Los protagonistas serán Baywaves y Tigres Leones (Sala Changó, 18 octubre); María Arnal i Marcel Bagés (Teatro Nuevo Apolo, 12 noviembre) y Toundra e It It Anita (La Riviera, 15 noviembre). —MS

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Slayer...

“Mira Raining Blood del de qué Basta con eso. Da igua o lo peta” vaya el tema; ya el títul

FOTO: ARCHIVO

en concierto

RRSe separan Nudozurdo. La banda liderada por Leo Mateos (compositor principal y el único miembro que ha permanecido desde el nacimiento del grupo en 2001 hasta hoy) deja cinco álbumes, algunos tan destacados como Sintética (08) o Tara Motor Hembra (11).

octubre 2018 #13

“

ck ese "Yo no tengo el feedba cluso del público de Izal o in de La Bien Querida"

La Estrella de David El clavo ardiendo David Rodríguez remata su particular y no intencionada trilogía del costumbrismo romántico bajo su nombre de La Estrella de David. Consagración (Sonido Muchacho/ Terranova/Hi Jauh USB?, 18) sigue a vueltas con ese tierno y desaliñado sarcasmo de andar por casa que dice tanto con tan poco.

G

rabado por él mismo y mezclado por Sergio Pérez (La Bien Querida, Svper), Consagración suena más pulido, aunque la corrosiva visión tragicómica de la vida y el amor del exBeef sigue intacta. En lo musical, David continúa “tocando todos los palos, malamente”. Siete años han pasado desde Maracaibo, y dos desde la reedición de su casi legendario primer disco a cargo de Sonido Costa Verde (originalmente publicado por El Ejército Rojo en 2007). “Como no estoy metido en la ‘rueda industrial’, saco nuevos discos cuando me lo pide el cuerpo.

Sí que es verdad que cuando te pones, te das cuenta de lo guay que es, aunque luego sea una mierda. Pero si no estás en esa rueda, tienen que darse una serie de circunstancias: Que te apetezca y que tengas cosas que contar. Mis cositas, vamos”. Asegura también haberse “encontrado” con su nuevo sonido. “Los otros dos eran más cutres porque eran más deslavazados. En este, hemos grabado la batería en un estudio, y todo suena mucho más pro. Pero no buscaba nada concreto”.

Como acostumbra, él mismo ha grabado casi todo, aunque ha dejado la puerta abierta a diversas colaboraciones -Ana Fernández, Muchachito, Luis Troquel…-. De todo el proceso, disfruta sobre todo “cuando termino una canción y digo: “Coño, no está mal”. Siempre temes no ser capaz, y de repente compones una con cara y ojos, con una letra que no te da rabia. Disfrutas el momento de delirio y te fumas un porro para fliparte”. Otra historia es el directo y la exposición. “Es lo que me da más cosita. Por el paripé, en general. Verme ahí dando el ‘espectáculo’ para cuatro chalados como yo, me hace preguntarme quién

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soy, de dónde vengo y a dónde voy. Además, no tengo el feedback ese del público de Izal o incluso de La Bien Querida. A mí no me valida nadie, me valido yo, como todos los grupos, en realidad, pero yo me hago muchas preguntas: ¿Para qué estoy haciendo esto con los noventa años que tengo? Esta pregunta se contrarresta con la satisfacción que da hacer un disco. Así que está uno ahí luchando entre estas dos tensiones, y llevándolo como puede”.

Abundando en su visión tragicómica de las cosas, David admite que “son un poco lágrimas de cocodrilo. Yo, la verdad es que veo el mundo así. Siempre estoy hablando en serio, lo cual es un problema.

A veces meto alguna chanza, es evidente, pero la peña piensa que estoy siempre de cachondeo. Es verdad que el humor puede ser el clavo ardiendo al que te tienes que agarrar. No soy capaz de pontificar ni hacia un lado ni hacia el otro, estoy lleno de dudas. Cuando hago canciones con otra gente sí que me proyecto, pero con lo mío me cuesta no hablar de mis chorradas”. ¿Y qué espera de La Estrella a estas alturas David Rodríguez? “Me gustaría ser capaz de hacer otro disco dentro de unos años. Malvivir de esto estaría bien. Y luego, que me tomen un poco en serio. Me tienen más visto que el tebeo, pero esto es lo que más me entretiene: delirar un poco. Que te masajeen el ego y te hagan “casito” también mola. Si esto me lleva a poder hacer otro disco dentro de dos años, querrá decir que estoy mejor de lo mío”. —jc peña

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octubre 2018 #15

WALA. WALA.

“Mi familia me odiaba porque decidí ser alguien. No había hecho nada malo. Cuando empecé a escribir canciones, cantar se convirtió en mi forma de comunicarme” Fatoumata Diawara en Mojo

“Esto no es tan bonito como parece visto desde fuera. Me gusta viajar pero ya no hay alicientes.

Te encierras en un hotel y a esperar el concierto. Una vida absurda” Rosendo en El País

“Tengo un hijo de cuatro años y me moriría de amor si él quisiera tocar un instrumento. Lo intenté y me ha tirado el violín a la cabeza, así que… no sé cómo hacerlo”

La banda irlandesa Kodaline ha ido sumando seguidores para su propuesta gira tras gira y disco tras disco. Acaban de publicar Politics Of Living (B-Unique/Sony, 18), su tercer larga duración, que presentarán en nuestro país este mes de octubre.

D

“Cuando escuchas a un compositor ganador del Oscar como Trent Reznor citándonos como una influencia fundamental en su vida, es cuando descubres que hay gente que se ha tomado nuestra música en serio” Dave Ball, Soft Cell en Uncut

Kodaline Suma y sigue

espués de cancelar la última parte de su gira europea –que pasaba por Barcelona en noviembre- para poder acabar de escribir su nuevo álbum, Kodaline quisieron recompensar a sus fans barceloneses con un ‘secret show’ que tuvo lugar en la sala Rocksound.

Visitaban la ciudad para grabar el clip de Follow Your Fire, momento que aprovechamos también para charlar con Steve Garrigan (cantante, guitarra, teclados) y Vinny May (batería).

—Habladme un poco sobre Politics Of Living.

Lleváis mucho tiempo preparándolo, han pasado casi tres años desde el último (Coming Up For Air, de 2015). ¿Cómo suena?

(Steve Garrigan) La razón por la cual hemos tardado tanto en sacar un nuevo trabajo es que necesitábamos un parón. Después de nuestro primer álbum y en medio de una gran gira, escribimos y grabamos el segundo. En este tercer largo decidimos pasar mucho más tiempo escribiendo las canciones, acabándolo para retocarlo más tarde, volverlo a acabar, volverlo a retocar… Tomamos la decisión de hacer algo muy a conciencia y que fuera novedoso.

—Para saciar a los fans también habéis publicado un Ep de cuatro temas, I Wouldn’t Be....

(Steve Garrigan) En realidad, esas cuatro canciones estaban destinadas a ir dentro del álbum. Pese a no tener todo el trabajo cuando teníamos previsto, queríamos publicar algo. De todas formas, creo que el Ep y el álbum son trabajos diferentes en los que exploramos sonidos que no habíamos tocado antes. Diría que Brother es la canción que más se parece a lo que luego es Politics Of Living.

Es diferente, más experimental.

—Otro de los nuevos temas, Follow The Fire,

sorprende porque es bastante más electrónico a todo lo que habéis hecho hasta ahora. ¿Es la dirección que más os interesa ahora mismo?

(Steve Garrigan) Sí, definitivamente hemos tomado la decisión de ir en esa dirección. Hemos apostado por un sonido más electrónico, por una mejor y más grande producción de las canciones.

Pese a eso, aún hay un par de canciones que sonarán como los primeros discos de Kodaline.

(Vinny May) La naturaleza de nuestras canciones aún sigue allí. El sentimiento es el mismo. Solamente ha cambiado la manera en la que envolvemos todo eso. Todo sigue saliendo del corazón. Lo que ocurre es que ahora estamos experimentando, creciendo como banda, innovando.

(Steve Garrigan) Tratamos de evolucionar. Si hacemos siempre lo mismo, la gente se va aburrir de nosotros. Además, ¡intentar superarte a ti mismo es divertidísimo y muy estimulante!

—Cambiando de tema, no deja de sorprender que un país tan pequeño como Irlanda haya dado tantas bandas emblemáticas, desde U2 o The Cranberries hasta Two Door Cinema Club ¿A qué creéis que se debe eso?

(Steve Garrigan) Es difícil de explicar. Creo que la creatividad y la creación de artes como la poesía o la música tradicional están muy presentes en nuestro país. No sé exactamente de dónde viene, pero está claro que si te paseas por Temple Bar ves a un músico callejero en todas las esquinas, oyes música en cada bar y te topas con una biblioteca cada dos pasos. Ser creativo y capaz de expresarte a ti mismo es parte de la cultura irlandesa.

(Vinny May) Está en nuestra sangre irlandesa (risas). —àlex espuña

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en concierto l Madrid 23 de octubre. La Riviera l Barcelona 26 de octubre. Razzmatazz

Ari Malikian en Jotdown

“La idea de masculinidad está cambiando. Ahora podemos compartir nuestras emociones con mayor libertad" Jonathan Higgs, de Everything Everything en NME #16 octubre 2018

un “Hemos apostado por o, sonido más electrónic por una mejor y más las grande producción de canciones.”

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MONDO FREAKO

El vuelo sin aterrizaje de Tachenko

FOTO: GUSTAFF CHOOS

La banda aragonesa Tachenko publica El don del vuelo sin el arte hermano del aterrizaje (Limbo Starr, 18), un disco del que empezaron avanzando La pena capital y Domingo de resurrección.

TAN.LEJOS.

RRGodfather III, el nuevo álbum

de nominados de los Grammys Latinos, este año con bastante presencia española. Como era de esperar, J Balvin lidera la lista de nominaciones -ocho- gracias a Vibras. Inmediatamente después está Rosalía, con cinco nominaciones, todas ellas por Malamente.

Otros nominados son Jorge Drexler, Natalia Lafourcade, los productores Mauricio Rengifo y Andrés Torres, Pablo Alborán, Vetusta Morla, con tres nominaciones, Leiva, Bunbury, Rozalén, Pablo López, ToteKing, Manolo García, José Menor, Carlos Sadness o Beatriz Luengo.

de estudio de Wiley, verá la luz el 2 de noviembre. Wiley ha pasado de anunciar Godfather (17) como el último álbum de su carrera a imitar a Coppola y montarse una trilogía.

RREl próximo mes de mayo los es-

tadounidenses Metallica vuelven a la carretera con Worldwired Tour 2019. Se trata de una gira mundial del 1 de mayo al 25 de agosto que recalará en estadios y contará con Ghost y Bokassa como artistas invitados. Dos fechas de esa gira ya han sido confirmadas en nuestro país: será el viernes 3 de mayo en

el recinto de Ifema en Valdebebas (Madrid) y dos días más tarde, el domingo 5 de mayo, en el Estadi Olímpic de Barcelona.

RRLa estrella nórdica del pop elec-

trónico Robyn ha anunciado algunos detalles de Honey, su primer disco en ocho años. Se publicará el 26 de octubre y contará con colaboraciones especiales de Joe Mount (Metronomy), Mr. Tophat y Adam Bainbridge (Kidness).

RRDFA, el sello propiedad de Ja-

mes Murphy (LCD Soundsystem), continúa publicando novedades.

Con su segundo largo Old Rockhounds Never Die (Memphis Industries, 18) la neoyorquina ha despertado el interés de la crítica al hacer una arriesgada, a la par que acertada, fusión entre folk y electrónica. Pero el disco no se sustentaría si careciera de buenas canciones. Las tiene.

Odetta Hartman Música sanadora

D FOTO: ARCHIVO

#18 octubre 2018

RRYa se ha hecho pública la lista

e las mejores cosas que se pueden afirmar de un disco hoy en día es que haya permanecido durante semanas en tu reproductor o que no ha sido descuartizado en ninguna playlist. Que se ha mantenido de forma insistente y unitaria en tu canal de escucha. Pues bien, Old Rockhounds Never Die lleva acompañándome desde que regresé de vacaciones y posee la virtud de mostrarme detalles que en anteriores escuchas se me habían pasado por alto. Si tuviera que explicar el porqué del poder

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El don del vuelo sin el arte hermano del aterrizaje Limbo Starr Pop 7/10

Ahora la banda parece conocedora y en paz con su lugar en el mundo y presenta su definitiva madurez artística. Diez temas impregnados con la particular estampa de la marca Tachenko, donde destaca una tonalidad de nostalgia. Los aragoneses apuntan definitivamente hacia las guitarras reflexivas y el detalle enriquecedor, medido y en ocasiones incluso clásico, obviando en mayor medida aquel regusto a power-pop de otras épocas. Los medios tiempos son clara mayoría, amparados por esas letras costumbristas tan maravillosa y levemente veladas marca de la casa.—raúl julián

En los próximos meses verán la luz Crooked House de Crooked Man (26 octubre) y Powerhouse, el esperado retorno de Jam Rostron, es decir Planningtorock (9 noviembre).

RREl dúo de rock oscuro The

KVB vuelve a la actividad. El 12 de octubre se lanza su nuevo disco, Only Now Forever, al tiempo que se anuncian dos nuevas fechas en nuestro país.

El 30 de noviembre podrás verles en Barcelona (Sidecar) y el 1 de diciembre en Madrid (Moby Dick). —MS

magnético de sus canciones, primero haría referencia a la afilada voz de nuestra protagonista, pero también a la extraña combinación de instrumentos tradicionales como el banjo y el violín con multitud de efectos de sonido, beats y percusiones que corren por cuenta de Jack Inslee, pareja sentimental de la cantante que se ha encargado de la producción del disco.

De hecho todo se ha realizado a pachas en el estudio doméstico que comparten en Nueva York, y en el que han jugado con el sonido del folk tradicional hasta retorcerlo y darle una patina de modernidad que hipnotiza. “Nuestra idea fue siempre crear un sonido que mantuviera un buen equilibrio entre la tradición y la electrónica experimental y esa ha sido la clave para lograr una tonalidad en las canciones que sea al mismo tiempo familiar pero arriesgada”. Sin embargo, más allá de la búsqueda de un sonido peculiar que se inició en 222, su primer disco, lo que destaca de Old Rockhounds Never Die es la calidad compositiva de una Odetta Hartman que lleva estudiando música desde los cinco

años de edad. Canciones de gran poso melódico y ambientación trágica como Widow’s Peak o la tremenda Misery.

“Como el banjo ha sido mi instrumento principal a la hora de componer y es un instrumento que, por momentos, se puede aproximar al sonido de un sitar, creo que eso le ha dado al álbum un tono más meditativo y cíclico”. Tono al que se ajusta como un guante su apasionada forma de encarar las canciones con su voz. “Mis más profundas influencias vocales incluyen a Karen Dalton, Billie Holiday, Bessie Smith, Joanna Newsom y Amy Winehouse.

Ya que tengo una voz bastante atípica, siempre me han atraído modelos con estilos vocales únicos. Me encanta esa tonalidad rasposa del blues capaz hasta de transportarte, y lograr que una canción se convierta en algo extraño repleto de fantasía, algo incluso esotérico”. —don disturbios

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de "Es evidente la calidadno los grupos actuales, y te a nos referimos solamen los grupos de pop" nos a Sergio y a mí”– y de El comportamiento privado en 2015 –para algunos el mejor álbum de su carrera o el que más les acercó a los públicos masivos–, Tachenko al completo han dado forma a este nuevo álbum que se publicó el pasado 14 de septiembre. “Ahora nos apetecía volver a juntarnos todos otra vez: hay canciones para las que necesitamos a Libi y Alfonso, y además se les echa de menos en muchos viajes”. Los dos temas que adelantaron, La pena capital y Domingo de resurrección, parecen hablar de despedidas si bien Sebas apunta que “nosotros nunca nos despedimos para siempre. Nunca sabemos qué trayectoria va a tener cada disco.

Nosotros lo haremos lo mejor que podamos. Lo que venga, bienvenido será”.

Testigos de lujo de la evolución de la escena local desde que en 2004 firmaran Nieves y rescates –y desde el 93 con El Niño Gusano en el caso de Sergio Vinadé–, afirman que “el circuito de salas ha mejorado infinitamente” desde entonces. De hecho, también tienen buenas palabras para el panorama actual. “Es evidente la calidad de los grupos actuales, y no nos referimos solamente a los grupos de pop. Estamos en contacto con casi todo el mundo. Nos preguntan por todos ellos cuando estamos de gira, lo que demuestra que el panorama está muy vivo”. Para despedirnos, solamente le pregunto si hay nervios frente a la acogida de El don del vuelo sin el arte hermano del aterrizaje, a lo que responde: “Eso del vértigo es para los segundos discos, ¿no? Como que este ya es el octavo, vamos relajadísimos”.

—ana muñoz padrós

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18 aniversario del Razzmatazz La barcelonesa sala Razzmatazz, uno de los principales escenarios por los que pasan las bandas nacionales e internacionales a la hora de presentar sus directos, celebra este otoño sus dieciocho años de trayectoria y lo hace nuevamente con una programación que quita el hipo y que combina géneros y nacionalidades de lo más diverso. Así, desde el 12 de octubre hasta el 22 de diciembre, pasarán por las cinco salas de Razzmatazz artistas tan diversos como Cat Power, Kodaline, Peter Murphy (Bauhaus Celebration), Roosevelt, The Cat Empire, Villagers, Dorian, Carolina Durante, Anna Calvi, Belako, Morcheeba, Objekt, Xavier Rudd y un larguísimo etcétera. Te recomendamos que repases los fechas y los horarios, puesto que algunos shows también pertenecen a Razz Clubs. www.salarazzmatazz.com

M.I.A. FOTO: ARCHIVO

CRÍTICA

Vuelve el In-Edit

dorian FOTO: maite nieto

L

os discos y los libros comparten la misma maldición: nada tan fácil como prestar un libro, nada más difícil como que te lo devuelvan. Alguien debería hacer las cuentas del número de amistades que se han roto por un disco que vuelve rayado, y si son más o menos que las que terminaron por un libro que regresó con las esquinas dobladas. El título del próximo disco de Tachenko, El don del vuelo sin el arte hermano del aterrizaje pertenece a las páginas de En nadar-dos-pájaros del irlandés Flann O’Brien –una de las mejores novelas del siglo XX según Borges-, un libro que les prestó un amigo, el escritor Ángel Gracia y que jamás volvió a la estantería de su dueño.

“Nunca se lo devolvimos, ni pensamos hacerlo”, me cuenta en un correo Sebas Puente, “así que le enviamos nuestro agradecimiento desde aquí”. Después de la revisión en acústico de diez de sus composiciones, más dos inéditas, en Misterios de la canción ligera en 2017, –“un homenaje que nos apetecía dar-

Ya conocemos casi toda la programación del festival de documentales musicales In-Edit, que celebra una nueva edición en Barcelona del 25 de octubre al 4 de noviembre y en Madrid del 1 al 4 de noviembre. Casi veinte títulos nuevos se han añadido a la programación (con protagonistas como The Rolling Stones, George Michael, Radio Birdman…), algunos muy destacados. Es el caso de The King y Matangi / Maya / M.I.A., que por fin verá la luz después de más de un lustro cocinándose. Tampoco podemos dejar pasar I Used To Be Normal: A Boyband Fangirl Story, sobre el fenómeno de las boybands y sus fans; The Strange Sound Of Happiness, o Where Are You, João Gilberto. En el plano nacional hay trabajos sobre Peret (Yo soy la rumba, que servirá de clausura), Burning, Cancer Moon o Miquel Serra. A todo eso hay que sumarle diversas actividades y la plataforma www.in-edit.tv. www.in-edit.org octubre 2018 #19

FOTO: ARCHIVO

La artista de Atlanta publica su décimo disco, Wanderer (Domino/Music As Usual, 18).

Producido íntegramente por ella, es el primer disco que graba después de haber sido madre y el primero para su nueva discográfica. Este otoño nos visita:

L

a primera vez que escuché a Aretha Franklin yo debía tener, no sé, once o doce años. Estaba en casa y puse la televisión.

Apareció ella cantando Amazing Grace de una manera muy sentida. Y lloré al verla”. Lo cuenta Cat Power, quien asegura que gracias a Franklin –fallecida el pasado 16 de agosto– entendió “por primera vez en su vida” todo lo que la gente le había tratado de explicar “sobre Dios, Jesucristo y todas esas historias místicas y descabelladas”. Y prosigue: “Ella me reveló que las historias se cuentan para sobrevivir y para comunicarse con las personas. Gracias a Aretha entendí lo poderosos que podemos ser”.

El poder al que hace referencia la compositora no solo va implícito en su nombre (cuya traducción al castellano es “poder gatuno”) sino en la manera en la que ha salido a flote después de seis años de silencio. Hasta llegar hasta aquí, hasta la publicación de su nuevo trabajo Wanderer (nómada), Chan Marshall –su nombre de civil– las ha pasado canutas.

Dejó Matador, su discográfica de los últimos doce años. Ellos le pedían que fuese capaz de facturar canciones para un nuevo disco a imagen y semejanza de sus hits del pasado y ella, que al mismo tiempo se enteró de que estaba embarazada, decidió ser madre. Dos meses después de tener a su hijo, se lo llevó de gira por medio mundo y grabó el disco que le debía a la compañía. A ellos no les gustó y ella se quedó sin sello durante un año. “Empecé a pensar que quizá no era una buena artista pero luché por mí, por mi hijo. Luché, no podía estar triste. Por esa época Lana [del Rey] había dicho públicamente que me admiraba”, cuenta la cantante desde su casa en Miami. Las palabras de Lana del Rey y la “camaradería” que le mostró a Marshall terminaron en amistad. Casi se diría que del Rey ejerció de talismán. “Lana me mostró que sí existía una amistad entre ella y yo. Domino escuchó el disco y le encantó. Para ser mi discográfica, ellos me ofrecieron un buen trato, lo pusieron fácil y fueron muy cálidos. Cuando acepté, fue cuando Lana me propuso irme de gira con ella”.

De aquella gira, surgió la colaboración para el tema Woman. Este tema ha sido el primer single del presentación de un álbum que ya hace el número diez en la carrera de Cat Power. Es toda una declaración de intenciones, la escenificación de su indiscutible nuevo papel como madre y de su militancia en el

Cat Power El poder del amor

#20 octubre 2018

"Siempre he sido una persona espiritual”

CRÍTICA Wanderer

Domino/Music As Usual Pop 8/10

Tras seis años de silencio, Cat Power –alias bajo el que desarrolla su carrera musical la tremenda Chan Marshall– ha regresado con Wanderer [nómada]: un larga duración en el que conecta con las raíces del blues y del folk tal y como hizo en The Greatest o en You Are Free. Lo hace otorgándole protagonismo a su voz y a las historias que cuenta con el piano y la guitarra como

aliados indiscutibles. Este es, además, el primer disco que edita bajo el sello Domino después de abandonar Matador tras doce años allí. La única colaboración del disco corre a cargo de Lana del Rey –quien se ha convertido en íntima de Marshall– a propósito de los coros en el single, Woman. La voz de Cat Power, con un punto más de madurez y de profundidad que en Sun (12), envuelve al oyente y le conecta con ese estado de gracia en el que la reflexión y la melancolía consiguen dibujar algo de felicidad durante un viaje emocional, y vital, con destino incierto.

—maría ballesteros

feminismo. “Hemos aprendido a luchar para incluirnos en la sociedad, también a empoderarnos a nosotras mismas, a apoyarnos las unas a las otras cada vez más y más. El feminismo nos ha traído una conciencia para con la sociedad y lo público. Estamos en la punta del iceberg de nuestro poder”, asegura la cantante.

A propósito del título del álbum, surge la pregunta sobre cuál es su hogar ahora, donde se siente como en casa.

“Esa es exactamente la cuestión. La relación entre el ser humano y las preguntas que se hace. Vivo en Miami pero mi mente está en otros lugares. No importa donde vivamos sino el lugar en el que estemos. Todos estamos conectados alrededor del mundo”. Esa conexión de la que habla no solo la procura con los demás, sino también para consigo misma. “Siempre he sido una persona espiritual. Siempre me he sentado a pensar en el bosque, por ejemplo. A escuchar el crujir de los árboles, el sonido del agua, a mirar al cielo, a respirar con toda mi conciencia, a sentir como la tierra va girando mientras veo las nubes pasar”.

Además del misticismo, hay otra conexión que Cat Power ha experimentado: la maternidad. Algo que está presente, durante toda la entrevista, en cada una de sus respuestas y que ha cambiado su punto de vista sobre la vida.

“Desde el momento en que me enteré que estaba embarazada, aprendí que no hay que estar aguantando ni a idiotas ni a narcisistas. No hay que malgastar la energía” Tras años de cultivar un look cercano al estilo tomboy, es la primera vez que Cat Power luce un vestido en la portada de uno de sus discos. “Un amigo mío falleció a causa de un cáncer y su familia me invitó a que cantara en su funeral.

Tengo una amiga que hace vestidos. Ella y su marido sufrieron una pérdida devastadora y tuvieron la valentía de mirar hacia adelante. Le pregunté a ella por uno de sus vestidos para llevarlo al funeral. Cuando lo tuve, decidí probármelo y de repente, mi hijo apareció porque quería jugar con su mami delante del espejo. Cambió aquel momento triste para convertirlo en un momento feliz. La foto representa el encuentro conmigo misma después de haber estado perdida".

—maría ballesteros

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EN CONCIERTO l Barcelona 1 de noviembre. Razzmatazz l Madrid 2 de noviembre. Teatro Circo Price l Benidorm 3 de noviembre. Visor Fest

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CHRISTINE “ AND THE QUEENS EN PORTADA

"Los artistas que más admiro son aquellos que jamás han tenido problemas en transformarse físicamente, en jugar con la androginia y abrazar la sexualidad fluida"

#22 octubre 2018

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esde que Chaleur Humaine vio la luz en Francia en el verano de 2014, la vida de Héloïse Letissier no volvió a ser la misma. Aunque su historia empezó a trazarse realmente en 2010 cuando, en un momento anímico más que bajo tras ser expulsada de su escuela de interpretación, la francesa decidió abandonar una temporada su residencia parisina para encontrarse a sí misma en una ciudad como Londres que le acogió con los brazos abiertos y, además, le hizo replantearse sus primeros pasos en el mundo de la música. En la capital británica nació su primer alter ego, Christine, que en un principio estuvo protegida por esas The Queens que en realidad eran un grupo de drag queens que temporalmente fueron su familia y el mejor hombro sobre el que derramar sus lágrimas. “Hace mucho tiempo que no veo ni tengo apenas contacto con The Queens, aunque no me he olvidado de ellas porque me fueron de grandísima ayuda y estuvieron a mi lado en un momento en el que me sentía completamente perdida y sin saber qué hacer. A lo largo de la vida te topas con personas que crees que van a estar ahí para siempre, pero ante todo una debe ser consciente de que eso es algo temporal. Son etapas que siempre persistirán en la memoria”, contesta desde el otro lado del teléfono la de Nantes justo el mismo día que su segundo largo, Chris, llega a las tiendas. ¿Cómo quieres que te llame: Héloise, Christine o simplemente Chris?, le pregunto nada más arrancar la entrevista. “Héloise es como me llaman mis padres, así que prefiero que me llames Chris porque es más corto que Christine”.

En It, uno de los temas que conformaban su debut, nuestra protagonista contaba la historia de una mujer que, aunque sólo fuera por unas horas, soñaba con tener un pene. Y, ciertamente, ese sueño tan freudiano podría ser uno de los puntos de partida de este Chris que ahora nos ocupa y para el que la artista ha decidido construir un personaje orgulloso de su género fluido y su pansexualidad, tal como ella misma se define. “Sé que habrá muchos que malinterpretarán mi nuevo aspecto físico y que querrán etiquetarme en una u otra cosa, pero para mí Chris es ante todo un personaje teatral que quiere llevarlo todo al límite”, dice al respecto.

“Hay quienes siguen viendo mal que una mujer, por ejemplo, lleve el pelo corto. Que alguien pueda cuestionar a otra persona por su apariencia demuestra que socialmente aún hay muchos prejuicios que derribar. Y en el caso de las mujeres aún más todavía, ya que cuando una mujer alcanza el éxito tiene que hacer frente a comentarios como que es demasiado ambiciosa, que se comporta como una zorra o que tiene las ideas muy claras como si eso fuera algo negativo. ¿No se me decía nada cuando cantaba It hace unos años porque llevaba una larga melena y ahora sí? Siempre me he preguntado a mí misma qué es realmente la feminidad y por ello he pasado de Christine a Chris. Chris vive honestamente sus sentimientos y no tiene miedo en hablar de ello por mucho que en ocasiones se contradiga, lo cual es algo muy humano. Es teatro, es pop y, en definitiva, un juego. Los artistas que más admiro son aquellos que jamás han tenido problemas en transformarse físicamente, en jugar con la androginia y abrazar la sexualidad fluida. Todo eso es Chris”, detalla sobre este cinético nuevo personaje que, según sus palabras, mama del pop más fantasioso y escénico de finales de los ochenta y los noventa, con David Bowie, Madonna y los hermanos Jackson (Michael y Janet) al frente.

Precisamente, en lo que a sonido se refiere, menciona las producciones de Jimmy Jam y Terry Lewis para la pequeña de los Jacksons como una gran influencia para estas nuevas canciones.

“Mi primer álbum era algo así como una carta de presentación marcada por la melancolía, mientras que Chris suena más agresivo y fuerte. En estos últimos años no solamente he experimentado una transformación física más atlética después de haber pasado tantas horas bailando sobre el escenario, sino que también ha habido grandes variaciones en mi voz. Todo lo que me ha ocurrido ha sido un viaje que me he llevado a un punto en el que estoy más segura que nunca de mi misma”, afirma.

A pesar de que Chris habla sin medias tintas sobre el empoderamiento de la mujer, la necesidad de ser quien quieras ser y vivir plenamente tu sexualidad, el personaje también da muestras de su vulnerabilidad en momentos tan catárticos como Doesn’t Matter (donde rememora una etapa depresiva que sufrió en 2007) y, sobre todo, What's-Her-Face. “Por muy fuerte que seas siempre tendrás que convivir con muchas cicatrices dolorosas del pasado.

Queramos o no le pasa a todo el mundo. Por ello diría que el tema

Pop fluido

Tras el éxito internacional de un debut que pilló a muchos por sorpresa, la francesa Héloïse Letissier vuelve con su proyecto musical para dar a luz en Chris (Because/Music As Usual, 18) a un alter ego que le sirve para cuestionar los cánones de la feminidad.

—texto Sergio del Amo —foto Jamie Morgan

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que más quebraderos de cabeza me ha dado ha sido What's-Her-Face porque en él rememoro aquel momento en el que sufrí bullying en el instituto simplemente por ser diferente al resto de mis compañeros y compañeras. Sé que no me va a ser fácil de interpretar en vivo.

Es una canción muy triste y emocional porque la adolescencia puede llegar a ser muy cruel”, confiesa sobre esos años en los que se abrazó al baile y la interpretación como válvula de escape.

Editado tanto en inglés como en francés (en una edición doble), uno de los mayores retos a los que se ha enfrentado en Chris ha sido adaptar las letras en sendos idiomas sin que se pierdan por el camino matices ni expresiones. “No ha sido una cosa forzada”, explica.

“El inglés es un idioma más directo y con menos musicalidad que el francés, pero eso no me supone ningún problema porque cantando en ambos me siento igual de cómoda. No sé si en el futuro voy a repetir esta misma fórmula, pero sentía que en esta ocasión era necesario este doble esfuerzo por mi parte”, añade. ¿Y ahora qué? ¿Tras la excelente recepción de Chaleur Humaine tiene algún plan de dominación mundial en mente? Ella lo tiene claro. “Ante todo esta es una grandísima oportunidad para mí, pero la verdad es que mientras componía este disco no pensaba en repetir el éxito del primero ni me dejé llevar por ningún tipo de presión acerca del qué dirán. Lo más importante para mí cuando compongo es ser honesta conmigo misma, escribir exactamente aquello que siento y que quiero transmitir. Mentiría si dijera que tengo un plan porque para nada es así. En esta ocasión quería hablar sobre el deseo y el caos. La fama es algo que agradezco, pero lo único positivo que me ha aportado es poder disponer del dinero que necesito para poder trabajar libremente y sin ataduras en aquello que más creo”. —s.d.a.

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Teatralidad escénica

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a gira mundial que acompañó a Chaleur Humaine estuvo marcada por coreografiados números de baile porque “para mí la danza es una de las mejores formas que tengo para expresar mis emociones”. Sin que sepamos muy bien por qué ninguna fecha recaló en su momento en nuestro país, y lo mismo ocurre con este nuevo tour que arranca este octubre en Luxemburgo y terminará a mediados de diciembre con dos noches en el parisino AccorHotels Arena. O, al menos, eso es lo que está planificado a medio plazo sobre el papel porque la artista afirma que “muy probablemente el año que viene al fin actúe en España. Es un país que siempre me ha inspirado mucho por su moda y su arte (sin ir más lejos, Chris cuenta con un tema titulado Goya Soda en el que se menciona al maestro aragonés de la pintura). Tengo ganas de sentir la energía del público español”, afirma. ¿Qué se puede esperar de este inminente show? “No será un concierto al uso porque esta vez el espectáculo será muy teatral y me permitirá más que nunca poder demostrar mis dotes interpretativas. Al tratarse de un disco tan cinético que habla sobre la singularidad de las personas me acompañarán todo tipo de personajes sobre el escenario. Sé que puede sonar algo ambicioso a primeras, pero me apetece mucho hacer algo tan diferente que, asimismo, abarque todo tipo de disciplinas artísticas”, avanza. Ojalá en unos meses podamos verlo con nuestros propios ojos. —s.d.a.

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octubre 2018 #23

OCTUBRE 2018

ARAGÓN ARAGÓN

LA BÓVEDA, ZARAGOZA 04/10/2018 THE BLACK BARBIES

GALICIA Y NAVARRA LA FÁBRICA DE CHOCOLATE, VIGO 13/10/2018 ANITA PARKER

NAVARRA

ZENTRAL KAFE, PAMPLONA 11/10/2018 RODRIGO CUEVAS Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

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CASTILLA LEÓN

LA CUEVA DEL JAZZ, ZAMORA 18/10/2018 VAARWELL

GALICIA

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CASTILLA LEÓN Y MADRID

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MADRID SIROCO 24/10/2018

JORRA I GOMORRA

CAFÉ ALQUITARA, BÉJAR (SALAMANCA) 20/10/2018 VAARWELL

CANARIAS Y EXTREMADURA CANARIAS

LONE STAR, STA. CRUZ (TENERIFE) 05/10/2018 JORRA I GOMORRA CAFÉ QUILOMBO, OROTOVA (TENERIFE) 06/10/2018 JORRA I GOMORRA

EXTREMADURA

IMPACTO, PLASENCIA (BADAJOZ) 19/10/2018 VAARWELL

ENTREVISTA

“ “Realmente creo que la tecnología es peligrosa para el desarrollo de laspersonas”

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LA GIRA l Bilbao 18 noviembre, Kafe Antzokia l Madrid 19 noviembre, Sala Changó l Barcelona 20 noviembre, Razzmatazz

#26 octubre 2018

espués de tres discos, Conor O’Brien, el alma máter de Villagers, tenía claro que era el momento de hacer algo distinto. Lejos de acomodarse en ese folk onírico que protagonizó sus trabajos más recientes y que tan buen recibimiento tuvo por parte de público y crítica, el artista irlandés se dejó llevar por sus necesidades artísticas. “Cada álbum es una oportunidad para aprender algo nuevo y en esta ocasión me he querido centrar mucho en la experimentación: jugar con las texturas y las frecuencias, crear capas, buscar vías de escape para el silencio…”, afirma O’Brien. Si bien es cierto que esta faceta experimental ya había estado presente en sus primeras entregas, en The Art Of Pretending To Swim se convierte en la base fundamental del álbum gracias a la presencia del que ha sido uno de los protagonistas de este trabajo: la tecnología. “Durante todo el proceso de grabación y composición he estado muy en contacto con la tecnología, técnicas de secuenciación… es más, el álbum está hecho a través de un proceso muy digital, he usado el ordenador más de lo que pudiera parecer”.

Pese a que en todos los trabajos anteriores de Villagers había sido el propio O’Brien quien se había puesto a los mandos del estudio y la producción, enfrentarse a un proceso digital aún le quedaba algo grande. “A mí siempre me había interesado todo lo relacionado con la producción y la mezcla, y ya lo había hecho antes pero no muy bien y sin disponer de un buen equipo, utilizaba lo primero que pillaba”, confiesa. Por ello y con esa premisa de hacer algo diferente en mente, el artista irlandés decidió cambiar su método de trabajo, empezando por abandonar la localidad costera de Malahide, lugar donde se habían grabado hasta ahora todos los trabajos de Villagers, e instalarse en pleno corazón de Dublín. “Llevaba doce años en Malahide y eso es mucho tiempo para vivir en un solo lugar. Por fin tuve la oportunidad

de encontrar un buen apartamento en Dublín y en el ático me monté un pequeño estudio de grabación donde grabé gran parte del disco”, cuenta. Ya instalado en ese claustrofóbico ático de la capital irlandesa, O’Brien comenzó a gestar esa relación con la tecnología y lo digital que tanto han marcado este trabajo. “Esta vez quise ponerme en serio y aprender de verdad. Estudié un montón, leí muchos manuales y conseguí un mejor equipo. Empecé en serio con el tema de la mezcla y me puse a practicar haciendo remixes para amigos… Todo ello lo he podido trasladar al sonido del disco”. Al meterse de lleno en el mundo digital del estudio, O’Brien sintió como si se le abriera todo un mundo de posibilidades que en un principio hizo que le fuera difícil encontrar una dirección concreta para el álbum. “Pero una vez descubrí lo que quería sacar del estudio, la grabación se convirtió en un proceso muy emocionante porque tenía los medios para jugar con el sonido y sacar significados especiales a las letras, algo que no había podido hacer nunca”.

Durante todo el “emocionante proceso” en el que se convirtió The Art Of Pretending To Swim, el compositor irlandés también vivió una experiencia liberadora gracias a la influencia que tuvo en él la música soul y góspel durante toda la composición. Además de encontrar en ellos una nueva voz en la cual poder expresarse, “el góspel y el soul me permiten sentirme libre. Aunque venga del dolor y la opresión, es música liberadora. Es música extremadamente alegre que te hace querer bailar, te desinhibe y me ayuda a escapar de mi obsesión por el trabajo”. Tanto marcó este tipo de música a O’Brien que en un principio uno de los objetivos del álbum era hacer su propio música soul, pero “la he cagado”, confiesa entre risas. No obstante, pese a su intento frustrado, no quiso dejar la oportunidad de homenajear a ambos géneros incluyendo sampleos de artistas como The Dixie Hummingbirds o Donnie Hathaway. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Cuestión de fe Villagers

The Art Of Pretending To Swim (Domino/Music As Usual, 18) es el nuevo trabajo de Villagers. Si en sus trabajos más recientes el folk sentimental y nocturno se convirtió en su marca de identidad, en este nuevo álbum los dublineses apuestan por la experimentación con la ayuda de la tecnología.

—texto Guillermo Chaparro Terleira —fotografía Rich Gilligan

EL APUNTE

Ada Lovelace Pero no solamente en las melodías y en los arreglos han querido Villagers marcar un cambio con este nuevo trabajo. Si atendemos a la lírica de The Art Of Pretending To Swim, llama la atención que esa desnudez emocional empujada por el amor o, más bien, por el desamor que de alguna manera protagonizaba las letras de los anteriores trabajos pierde presencia en favor de unas confesiones que tienen en la fe su principal inspiración.

El propio O’Brien, quien ha definido este trabajo como un “ciclo de fe”, relaciona este cambio en las letras con la edad. “Creo que, a medida que vas cumpliendo años, empiezas a sentir la necesidad de creer en algo en términos de espiritualidad. Y si eso sirve para unirte a ti mismo como persona con el mundo real puede ser una cosa positiva”.

El propio artista tiene claro que “todo se basa en tener fe”, una idea que ha querido transmitir a través de su música: “’Dios’ es solo una palabra y me gusta usarla en canciones, me gusta tomar prestado de las religiones organizadas su concepto de fe y de algo divino ya que es algo que todo el mundo puede expresar y usar. ¿Qué vas a hacer si no es tener fe en ti, en el amor, en los amigos, en la familia…?”.

No obstante si hay algo que en los últimos años ha marcado el día a día las personas tanto o más como una religión eso ha sido las redes sociales.

Hace tiempo que la tecnología se ha apoderado de nuestras vidas y O’Brien no ha sido una excepmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Dos años tardó Conor O’Brien en ser consciente de su adicción al móvil. Tal y como comentaba en la entrevista, durante ese periodo todo el tiempo libre “lo dedicaba al móvil y apenas cogió un libro”. Por ello, cuando el pasado verano comenzó con la grabación del nuevo disco, decidió tomarse unas vacaciones tecnológicas. Este paréntesis digital le sirvió para reflexionar sobre el uso y dominio de las tecnologías en nuestras vidas, algo que está muy presente en el álbum. “En ocasiones su uso puede ser algo hermoso pero otras veces da miedo”, reflexiona. Durante ese proceso descubrió la figura de la científica Ada Lovelace a quien rinde homenaje en la última canción. “En todo este contexto del que hablo en el disco sobre la tecnología, la figura de Ada es vital. Ella fue la impulsora de todo este pensamiento: los algoritmos, el desarrollo de los ordenadores…”. Pero de entre todos los científicos, ¿por qué ella? Si por algo ha ganado relevancia la científica británica en los últimos años ha sido por la reivindicación que el creciente Movimiento Feminista ha hecho de su figura, y esto es algo que el artista irlandés ha querido imitar en forma de canción como muestra de su compromiso con el movimiento. Y es que lejos de mantenerse al margen, Conor O’Brien siempre ha querido manifestarse en favor de la igualdad, como ya hiciera cuando recibió el Premio Choice Music en 2013 y aprovechó para dar un discurso en favor del matrimonio homosexual a dos años para su legalización en Irlanda. —g.c.t.

ción, por ello esta dictadura digital también está presente en las canciones. “Realmente creo que la tecnología es peligrosa para el desarrollo de las personas”, afirma un O’Brien que tiene claro que ya vivimos en esos futuros distópicos gobernados por máquinas que el cine de ciencia ficción ya auguró hace tiempo. Precisamente, una de las responsables del rápido avance de la tecnología es la matemática Ada Lovelace, quien también tiene presencia en el disco por medio de Ada, el tema homenaje que cierra el disco. “En la canción ella representa la esencia y el inicio de las cosas, es hermoso pero a la vez terrorífico porque la tecnología controla tu vida”.

De cara a la gira que pasará por nuestro país el próximo mes de noviembre, O’Brien nos cuenta que su idea es llevar la banda al completo, rodearse de todos los instrumentos que sean posibles en el escenario y crear un show muy dinámico. Él lo tiene claro: “Va a ser una pasada”. —g.c.t.

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octubre 2018 #27

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO A principios de año vio la luz Trident Wolf Eclipse (Century Media, 18), el último disco de Watain y, de momento, una de las cumbres del metal extremo de 2018. Tras presentarlo en el Primavera Sound y el Leyendas del Rock, los suecos regresan a nuestros escenarios.

Watain A las armas

black “Hay que mantener el brujería metal lleno de armas, nca y hombres lobo... que nua de la se rinda a la influenci cifista” cultura mainstream pa

H

ablamos con su líder Erik Danielsson sobre violencia, brujería y misticismo, y sobre mantener viva la tradición y la dignidad del black metal.

—La publicación de Trident Wolf Eclipse coincide con vuestro veinte aniversario como banda. ¿Cómo te sientes y qué balance haces de esta aventura?

Veinte años ponen las cosas en perspectiva, obviamente. Seis álbumes, más de quinientos conciertos, muchas experiencias que han cambiado nuestras vidas a lo largo del camino... Formamos Watain cuando tenía dieciséis años, y hacer algo con tanta determinación y sin interrupción durante toda tu vida adulta deja una huella profunda en el alma. Me siento muy agradecido por haber sido bendecido con la resistencia y la fuerza para hacerlo, y por tener gente a mi lado que considero no solo compañeros de banda sino también

hermanos. Watain es nuestro legado y nuestro proyecto de vida, nuestro sendero de guerra y nuestro templo.

—Vuestro nuevo disco parece querer romper con la experimentación de The Wild Hunt, que alguna gente no entendió. Es mucho más violento y brutal. ¿Nació como una reacción a vuestro anterior álbum y a algunas de las opiniones que generó?

No puedo decir que haya sido una reacción a lo que dijo la gente sobre The Wild Hunt. Simplemente tuvimos ganas de hacer algo un poco más directo y al

EN CONCIERTO l Madrid 14 de noviembre. Razzmatazz 2 l Barcelona 15 de noviembre. Sala Changó

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grano. Algo crudo y poderoso, como un ataque depredador. Sencillamente, era el momento adecuado para algo así.

Cada proceso creativo es diferente y nunca sabes a dónde te llevará.

—Para algunos, el black metal vendría a representar la faceta intelectual del metal extremo, más allá del componente evasivo del death metal o la vertiente política del grindcore. Watain, por ejemplo, maneja una simbología compleja llena de referencias, pero al mismo tiempo parece algo natural. ¿Cómo lográis encajarlo todo?

No, no diría que el black metal deba ser intelectual en ese sentido. Watain es, en cierta medida, una banda que emplea una paleta bastante elaborada de simbología, filosofía y pensamiento religioso.

Esa es solo la vía para expresarnos. Pero creo que la fuerza salvaje y predadora, la chispa diabólica, es más fundamental a la hora de definir el black metal, el fuego incontrolable que nos anima. Sin eso, no somos nada. Puedes leer mil libros sobre el diablo, pero si no has contem-

plado su reino o no has saltado al fuego, no puedes hablar de esas cosas con la honestidad y la pasión que el black metal requiere.

—Hay algunas voces que consideran el black metal algo limitado a los primeros noventa, relacionado con el “Inner Circle”. Dicen que todo lo que vino después no es black metal, sino imagen y marketing. ¿Qué le dirías a esta gente?

Puedo entenderlo completamente. La pregunta es ¿qué puedes hacer al respecto? Porque admitir la derrota no es algo muy noble. Con Watain hacemos todo lo que podemos para preservar la dignidad de la tradición del black metal y evitar que sea tomada por charlatanes e hipócritas. Mantener el black metal lleno de armas, brujería y hombres lobo... que nunca se rinda a la influencia de la cultura mainstream pacifista.

—david sabaté

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octubre 2018 #29

AgeNda. octubre.

MONDO FREAKO

THE SOFT MOON Barcelona (10 octubre, La [2]) Madrid (11 octubre, Copérnico)

El pasado febrero, Luis Vasquez publicó Criminal (Sacred Bones/ Popstock!, 18) el cuarto álbum de The Soft Moon, que ahora viene a presentar a nuestro país.

—Criminal es una genuina declaración de principios de la música actual que rescata la esencia del primer post-punk y el minimalismo cercano al industrial. ¿Qué te llevó a eso?

Tengo una conexión con esos sonidos en particular. Crecí escuchando punk rock y, al hacerme mayor, sentí que las fórmulas del post-punk y el industrial eran el equilibrio perfecto entre todo lo que me gustaba de la música conforme iba creciendo, pero desde una perspectiva más artística e inteligente. Creo que eso es lo que me llevó a crear música pensando en el arte.

—¿Cómo definirías tu música?

Autobiográfica, filtrada a través de un sonido de estética apocalíptica retro-futurista.

—Tus canciones destilan melancolía, inyectada por una generosa dosis de vehemencia. ¿Es algo que surge naturalmente o lo buscas deliberadamente?

Todo lo que hago surge de forma natural. Es la única forma

ATARI TEENAGE RIOT Barcelona (5 octubre, Razzmatazz 2) Madrid (6 octubre, Cool Stage)

Pioneros de los ritmos más enérgicos e incendiarios de la electrónica, Atari Teenage Riot han creado escuela. No se trata solo de música, sino que su incendiaria carga política y filosófica ha marcado a muchos. Entrevistamos a su cabeza visible, Alec Empire.

—Atari Teenage Riot es un dechado de principios ideológicos dentro de la música. ¿Cómo surge la idea de formar la banda a comienzos de los noventa? Creéis que la música es un buen conductor de los ideales políticos?

Cuando deseas escribir música con un mensaje político se necesita comprender todo el trasfondo de la idea que se está tratando de transmitir. Igualmente se debería ser capaz de responder a la pregunta “por qué”. Un buen ejemplo de un mensaje político deficitario en una canción sería Fuck Trump cuando dejas fuera la razón de por qué estás diciendo esto. Atari Teenage Riot se formó a principios de 1992 porque queríamos crear música antifascista en una Atari.

Nos creamos dentro de la escena hacker y techno anarquista. Queríamos crear la banda sonora para

esas ideas. Os invitamos a leer el manifiesto original de hackers y así podréis entender más o menos nuestra forma de pensar.

—Vuestro sonido es adrenalina encapsulada. ¿De dónde surge esa fuerza que transmite Atari Teenage Riot?

Esa, llamémosle “fuerza”, vino de nuestras mentes.

Nuestra música está programada, por lo que cada paso debe planearse antes. Si golpeas el teclado con el puño, no pasa nada.

—Dime un grupo con el que te ha encantado tocar y otro con el que no tocarías nunca.

Me han encantado todos los conciertos que hemos hecho con otras bandas. La gira con Rage Against The Machine y Wu-Tang Clan fue genial, pero también los shows con Jon Spencer Blues Explosion, Beck y Skrillex. Siempre es un desafío diferente. Hay muchos factores que no se pueden controlar y que pueden condicionar que un espectáculo sea bueno o malo. Personalmente, no me gusta cuando las bandas o los DJ tienen un sonido plano y sin rango dinámico y la audiencia se vuelve indiferente.

—Si tuvieses que resumir tus ideales en una sola frase, ¿Cuál sería?

No dejes que nadie te controle. Tú eres el único guía de tu vida. Nunca vivas por el bien de los demás.

—fernando o. paino

Chelsea Boots

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#30 octubre 2018

posible. Si hago algo deliberadamente, tiene que ser para expresarme a mí mismo de un modo totalmente honesto. La razón de existir de The Soft Moon es compartirme a mi mismo con el mundo.

—The Soft Moon es un proyecto que exhala oscuridad. ¿Qué te influencia en ese sentido?

Me influyen mis pensamientos, sentimientos, experiencias e infancia.

—Cada uno de tus cuatro discos es un mundo por conocer. Si tuvieras que quedarte con uno, ¿cuál sería?

Esta es una pregunta imposible de contestar para mí. Es como preguntarme a qué hijo prefieres.

—fernando o. paino

Toledo (6 octubre, Sala Los Clásicos) Madrid (17 octubre, Fantastic Autumn Night Festival, Galileo Galilei)

El pasado 21 de septiembre se publicó Guilty Pleasure (Universal, 18), un disco de pop radiante repleto de estribillos refrescantes y que ahora podremos escuchar en concierto.

RR“Hay muchas bandas que solo

se dedican a la parte musical.

Puedes ser el puto amo tocando la guitarra en el sofá de tu casa pero si de verdad quieres estar llenando, no vale únicamente con tocar bien. También hay que tener imagen, saber venderse”.

Lo dice Martín Mosquera, batería de Chelsea Boots. Santi Isla, cantante, lo explica: “Para nuestra generación es fundamental.

Somos millennials. Tiene que ir de la mano con la música porque es un pack”. El álbum, producido bajo la batuta de Martí Perarnau y Ramiro Nieto, ha sido editado por Universal. “En la multi somos cola de león. Si estuviéramos en una más pequeña y nosotros fuéramos artistas más relevantes dentro de la compañía pues a lo mejor nos darían otro tipo de impulso. Nosotros de momento estamos contentos”.

Sobre todo lo aprendido en la grabación del disco, en el que también se han rodeado de gente como Ángel Luján ( Vetusta Morla, Xoel López) y Santos Berrocal (Sidonie, Love Of Lesbian) no titubean: “Nos gusta decir que, aunque seamos muy jóvenes, esta es nuestra primera obra adulta. Es la primera vez que nos enfrentamos a un disco con una intención”.

—maría ballesteros del prado

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Anna Calvi

Más allá del género Valencia (La Rambleta, 13 octubre), Barcelona (18 Aniversari Razzmatazz 2, Cruïlla de Tardor, 14 octubre), Madrid (Changó, 16 octubre), Santiago de Compostela (Sala Capitol, 17 octubre)

Aterciopelados

Barcelona (3 octubre, Apolo 2), Madrid (4 octubre, La Riviera), Granada (5 octubre, Sala Aliatar), Sevilla (6 octubre, Caravan Sur Festival)

La banda colombiana vuelve a nuestro país, cita habitual en sus giras europeas, para presentar Claroscura (Sony, 18), su octavo disco de estudio y en el que combinan nuevamente su rock alternativo latino con sus comprometidas letras.

E

Hunter (Domino/[PIAS], 18) es el regreso de la británica a primera línea tras casi cinco años, colaboraciones aparte. Un tercer trabajo de una crudeza sofisticada, que se cuestiona las barreras de género desde el humanismo.

N

os encontramos con Anna en un hotel de Madrid. Menuda y cercana, la cantante y guitarrista disecciona un disco grabado en los estudios Konk de Londres por Nick Launay (Nick Cave, Yeah Yeah Yeahs), y en el que se han involucrado a fondo Adrian Utley (Portishead) y el sobrio bajista de los Bad Seeds, Martyn Casey. Calvi se ha tomado su tiempo para conseguir un sonido rompedor. “Quería hacer un disco que fuera visceral y emocional. Primario con mis voces y también con la guitarra.

Conecté con Nick Launay desde el primer momento. Creo que fue capaz de adivinar y entender mis ideas, lo cual nos llevó a una colaboración fantástica. Somos muy apasionados, no hacemos esto por ambición, sino por amor al arte, y encontrar a gente así es genial. Nos llevamos al límite para hacer el disco más especial que pudiéramos”. Calvi cita Flowers Of Romance, el disco de P.I.L. de 1981, como inspiración (especialmente, en los sonidos de batería que consiguió el propio Launay) y califica de “una pasada” trabajar con gente “con tanto bagaje musical” como el productor o los músicos mencionados. Su interpretación vocal destaca también por un naturalismo crudo: “No sé cuál es la tendencia en España, pero en Inglaterra, ahora mismo, cuanto menos emoción tenga la voz, mejor. No lo puedo entender. Los cantantes

que me gustan tratan de expresar todo el sentimiento de lo que quieren expresar con su voz”.

La idea central del álbum es audaz.

“Se cuestiona la idea de género. Quería ver cómo de lejos podía llevar ese cuestionamiento. Porque es algo que nos limita a todos, a hombres y mujeres. Creo que es un disco feminista, en el sentido de que estamos constreñidos por esta especie de presencia patriarcal que obliga a que los hombres sean hombres y las mujeres, mujeres. Quería que todo el mundo se sintiera libre, que estas categorías no fueran tan rígidas. En cierto modo, planteo una idea utópica en la que se prescinden de estas etiquetas. De ahí que recorra todo el disco el tema y el sentimiento del Edén, de algo precioso”. Calvi confiesa que tiene los mismos problemas para etiquetar en un género determinado sus canciones. Y se ha decantado por un título rotundo y ambiguo porque “me gustaba la idea de aplicar esta palabra (cazador o cazadora) a una mujer. Supuestamente son las mujeres las que son “cazadas”. Se trataba de darle la vuelta. Además, da la impresión de que si te sientes segura no puedes ser a la vez vulnerable o débil, cuando está claro que en nuestra vida todos nos sentimos ambas cosas a la vez, cazadores y cazados”.

La británica considera muy positivos los recientes movimientos feministas que han sacudido el mundo, pero “necesitamos que más hombres se den cuenta de que el feminismo les libera a ellos también. Más que hacer grandes manifiestos, hay que llevar el tema a un terreno apasionado e íntimo. Es lo que trato de hacer con mis canciones”. —jc peña

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l título de su nuevo y esplendido disco, Claroscura, hace referencia a ese dueto de personalidades distintas que forman Andrea Echeverri y Héctor Buitrago, también conocidos como Ruiseñora y Conector en sus proyectos en solitario. (Andrea) “Teníamos en mente la imagen de tipo cómic, de dos personajes casi antagónicos, con humor y exageración. Héctor es ‘Claro’, no bebe, no fuma, es vegetariano y por otro lado yo soy ‘Oscura’”. Eso es algo que ha ido cambiando con el tiempo y que se comprueba en un reciente documental de título Símbolo Marciano (una de las primeras canciones que compusieron), que celebra sus treinta años de trayectoria, desde que empezaron juntos en Delia y Los Aminoácidos hasta nuestros días. De hecho estas nuevas composiciones surgen tras la larga gira de celebración de Reluciente, Rechinante y Aterciopelado, un recopilatorio en directo con sus mayores éxitos, y demuestran por qué son una institución del rock en español. Su material más reciente

mantiene sus mensajes rebeldes, su respeto con el medio ambiente y ahonda más que nunca en el empoderamiento feminista. “Puede ser que sea nuestro disco más feminista.

Por un lado canta y compone una mujer con un lado masculino fuerte. Por otro, compone y produce un hombre con un lado femenino sensibilizado.

Andrea canta al cuerpo, a los estereotipos, a la defensa de lo imperfecto y personal, y Héctor canta contra el maltrato intrafamiliar, al despertar de la mujer y a la naturaleza”.

En este sentido un tema sobresale en el disco: Ay ombe, vamo’ a relajar el pony. “Es una canción que mezcla los beats con el ritmo de son vallenato y que habla del maltrato de un hombre a una mujer. Colabora Jorge Celedón, un cantante de vallenato muy reconocido en Colombia, porque este género musical se asocia con actitudes machistas y nos pareció un interesante ejercicio de sanación colectiva que Jorge, en el desenlace de la canción, pidiera perdón a la mujer simbolizando al hombre machista”.

Destacan también temas como Play –con la colaboración de Ana Tijoux-, un canto al poder sanador de la música, o Tu amor es, que en directo seguro incita al baile. “Así es.

Es un momento muy especial en los conciertos por los diferentes clímax que tiene.

Surgió del recuerdo de unas láminas setenteras y derivó en una canción de amor descrita desde el lado de la química y la espiritualidad”.

—miguel amorós

octubre 2018 #31

33/Mondo VINILOS

Paul McCartney

Bullet For My Valentine

Egypt Station Capitol Records

5

La elegancia de The Blaze The Blaze

Dancehall Animal 63/Believe

8 ELECTRÓNICA / Todavía recuerdo la primera vez que escuché Virile. De hecho, fue viendo su magnífico clip, una pequeña pieza maestra que describe con suma precisión los pequeños momentos que nos brinda la amistad, y lo consigue en lo que dura una de las mejores canciones de house pop surgidas de Francia en los últimos años. No es sencillo alcanzar la carga emocional que los franceses conseguían combinando música e imágenes. Lo sorprendente es que eso se repitiera casi con mayor intensidad en Territory, el single.

Hay quien dice que los temas de The Blaze se quedan en poco una vez se les despoja de los clips que los suelen acompañar, y quizás haya algo de razón si tenemos en cuenta que cada uno de los videos del dúo francés contiene un mensaje que no siempre se mantiene en las canciones. Incluso así, diría que ese tipo de comentarios reflejan más una escucha perezosa que argumentos sólidos. En general, The Blaze es una aventura que prefiere hacer hincapié en las pequeñas cosas, en las melodías sutiles, sin fuegos artificiales. Los franceses Guillaume Alric y su primo Jonathan Alric parecen componer mirando hacia dentro, creando preciosas joyas de electrónica con espíritu de pop minimalista. A estas alturas

todos ustedes ya sabrán que si algo les caracteriza es la elegancia con la que desarrollan sus piezas y la exquisitez con la que van sumando elementos para sus pequeñas catedrales. En Dancehall no hay excesos, no hay maximalismo, sino una suerte de pop trancero de voces suaves (las suyas), relajadamente bailable, al que podríamos llamar emo dance.

Una vez te han atrapado, sus canciones provocan un efecto parecido a lanzarse de cabeza desde un acantilado en el que las nubes no dejan ver el fondo, y en lugar de estamparte te descubres flotando y flotando con los ojos cerrados hasta que, minutos más tarde, pisas el suelo suavemente. No sé si me explico.

Lo suyo va de buenas intenciones y buenos sentimientos, de canciones bonitas que parecen evocar una suerte de midfulness en clave house, de ver el vaso medio lleno en estos tiempos tan crispados. Por otro lado, hay que reconocer que en Dancehall tampoco hay demasiadas novedades con respecto a lo que nos habían presentado hasta el momento, pero diría que todavía es pronto para pedirles que exploren otros caminos cuando apenas han empezado a subrayar las claves de su personalidad. Habrá que darles tiempo, pero de momento Dancehall cumple las expectativas de quienes esperábamos que publicasen más material tras el precioso Territory (17).

Y si lo consigue es gracias a canciones como She, Places, Heaven o dos de mis favoritas, Queens, con sus magnéticas percusiones, y Faces, una de las composiciones con más luz de todo el disco. —joan s. luna

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POP / Me sorprende que los

críticos, en general, hayan acogido tan bien este disco. Y no soy sospechoso de querer nadar siempre a contracorriente. Lo mejor es que todas las reseñas de este trabajo empiezan con frases del tipo “ya no ha de demostrar nada”, “nos ha dado tanto”, “es un mito al que hay que respetar”…

Es decir, nos ponen en situación para evitar calificar este álbum de flojo. Cargado de clichés pop, de esos que McCartney domina a la perfección, es una muestra perfecta de cómo cubrir el expediente. Melodías que siempre suenan a algo, con poco empaque, y letras simplonas que se alejan de la profundidad que otros músicos de su edad están dando a sus obras de vejez. No aguanta ante los discos de Dylan, Richard Thompson, John Hiatt y un largo etcétera. Simplemente no está al nivel. —eduardo izquierdo

Gravity Spinefarm

6

METALCORE / Las bandas

de metalcore siguen en busca de su camino en 2018.

Mientras algunos optan por acercarse al metal más clásico como Avenged Sevenfold, otros se aventuran en los sonidos electrónicos siguiendo la senda del That’s The Spirit de Bring Me The Horizon. En el caso de Bullet For My Valentine y su Gravity, estos optan por la segunda vía, aunque los resultados no sean del todo los esperados. Se acabaron los solos imposibles y se acabó -por suerte- la etapa de su anterior disco Venom.

Superan el estancamiento innovando, aunque eso no quita que sigamos empatizando con sus letras coreables (Over It, Letting You Go). Aun así, el exceso de sintentizadores satura por momentos, y las novedades acaban por difuminar la identidad de la banda. —montse galeano

Alice In Chains

Gabe Gurnsey

Rainier Fog BMG

ROCK / Cuando era una niña descubrí a Alice In Chains.

Todavía no sabía que estaba descubriendo el rock, el grunge y el metal, pero me quedé con aquellas canciones. Los diez temas de Rainier Fog me han transportado de nuevo a esos días en los que toda música era nueva para mí.

Y es que parece que el grupo ha decidido retomar el pulso de sus orígenes, cuando eran la parte más dura del grunge. Por eso no faltan los riffs potentes, acompañados en todo momento por la desgañitada y penetrante voz de William DuVall. Ahora bien, pese a mantener sus señas de identidad, también se atisba un tono más moderno en todo el conjunto.

Drone se alza como uno de los mejores temas del disco gracias a sus tintes doom, junto a Never Fade, con DuVall arrastrando la voz y consiguiendo unos cambios de tono admirables. —ana lópez

8

Physical Phantasy

7

ELECTRÓNICA / El que

fuera fundador de los postindustriales Factory Floor ha sido llamado a filas por el celebérrimo DJ y productor Erol Alkan para este debut en solitario. Un debut que suena irremediablemente a su banda anterior, aunque Gurnsey se muestra incluso más electrónico, rítmico y noctívago, próximo a un escapismo sintético minimalista. Desde lo sofisticado se adentra hasta las mismísimas ingles brasileñas, en espacios clubbing en los que campa el house, el pop y el electro, pero también el funk y hasta el balearic. Destacan cortes como la electrosa Ultra Clear Sound, la festiva Sweet Heat, las noventeras Heavy Rubber o Eyes Over y ese New Kind -con un más que evidente rollazo a lo LCD Soundsystem- que es electro-pop de alta cuna y baja cama, de ese que enloquece a Tiga o a Dj Hell.

—fernando fuentes

octubre 2018 #33

MONDOVINILOS

Nothing

Dance On The Blacktop Relapse

Aphex Twin sigue estando a la altura 6

Aphex Twin

Collapse Warp/Music As Usual

8 ELECTRÓNICA /Aphex Twin es uno de los músicos más influyentes de nuestra era.

Con veintisiete años de carrera a sus espaldas, Richard D. James tiene licencia para hacer lo que le de la gana. Estas cinco nuevas pistas conforman otra excelente pieza deconstruccionista de un canon musical como ningún otro. Collapse es al mismo tiempo un trabajo complejo e inmediato. No es accesible per se (sus intensas estimulaciones auditivas podrían llegar a provocar rechazo en la mayoría de oyentes no familiarizados con su particular universo), pero si que refleja a la perfección los mejores elementos de sus obras más inspiradas. James crea sonidos y ritmos por el mero placer de hacerlo, sin tener en cuenta elementos estructurales de armonía o ritmo. T69 Collapse es una pieza de techno estridente que en su sección central se rompe hasta convertirse en una ca-

Aleman

Le Temps Du Loup

Eclipse Homegrown Mafia

7

RAP / El disco se compone

de tres partes que bien podríamos partir en dos bloques conceptuales y sonoros. El primero, El Día, en el que la West Coast y el G-funk actualizado se dan cita en un vacileo vertebrado a base de menudeo, culos y homies, y donde destaca Tantas veces -con Yung Sarria-, canción que les hace herederos del trono de Canserbero. El segundo bloque, La Noche, da el pistoletazo de salida a la catarata de drogas, sexo, violencia y ambición que cristalizan en el machismo y materialismo propios del trap o de los sueños del soldado de un cártel. No hay más que escuchar Kilo Kulo –con Akapellah & Dezzy Hollow- para pensar que quizá el trap terminará siendo el nuevo narcocorrido. Con todo, se trata de un disco que, a pesar de su larga duración y de sus estilos encontrados, se presenta coherente y seguramente haga historia en Latinoamérica. Si tradujéramos al castellano la suma de Nas Album Done de DJ Khaled y IV de Cypress Hill el resultado sería Eclipse.

—manuel jubera

#34 octubre 2018

cofonía de tambores delirantes. 1st 44 parece una suerte de footwork fantasmal. MT1 t29r2 fusiona cantos gregorianos con una melodía ácida. En abundance10edit [2 R8’s, FZ20m & a909] intercala percusión con una línea de sintetizadores y una escalofriante voz infantil. Pero probablemente sea phtex, el tema de cierre, el más apasionante de todos. Una magnífica pieza ambiental en los que los diferentes recursos sonoros se ralentizan y estiran hasta el infinito. Pese a toda esa constante

Pig Destroyer

ROCK / Vuelve el trío madri-

leño con su propuesta de rock instrumental tan personal; de sonido orgánico y naturaleza simbólica. A través de su artwork, de corte surrealista (a lo Renè Magritte) y a lo largo de sus seis cortes, encontramos pasajes introspectivos que ansían su conclusión en forma explosiva o de breakdown. Emociones intensas que se suman a una experimentación conceptual atrevida. Si la imaginación del oyente no está demasiado despierta, la banda ofrece pistas con los títulos que rematan estas piezas: como Zilch, concepto anglosajón para expresar el cero; Agartha, que nos lleva a ese legendario reino imaginario bajo el desierto Gobi; un mito iniciado por la célebre teósofa y ocultista rusa, Helena Blavatsky.

O ‘Karellen’, una referencia al personaje de El fin de la infancia de Arthur C. Clarke. Esa línea conceptual es un viaje por el proceso creativo de la banda: la faceta viva del descubrimiento a través de la experimentación musical. —rubén herrera

6

GRINDCORE / Tras Phantom

Limb (07), nada volvería a ser lo mismo: llegaron dos singles, dos EP’s y un último álbum –Book Burner, del 2012que nunca llegaron a colmar del todo las expectativas de sus seguidores. Con su nuevo álbum, Pig Destroyer abren todavía más la brecha que los separa de dos clásicos recientes del grindcore – Prowler In The Yard (01) y Terrifyer (04)- al apostar por nuevos sonidos. La pérdida de fuelle, patente en canciones cargadas de groove metálico como Army Of Cops, House Of Snakes, Concrete Beast o Circle River contrasta con la solvencia que demuestran en su hábitat natural: canciones cortas y despiadadas como Dark Train, Terminal Itch o Mt. Skull. La producción –especialmente por lo que respecta a baterías- merma el potencial altamente incisivo de su nuevo repertorio. Es difícil prever si se trata de un álbum de transición o, sencillamente, un claro intento por desmarcarse de los cánones del género.

—tomeu canyelles

les convertirían en uno de los nombres destacados de la nueva ola shoegazer Nothing regresan con un nuevo álbum que, lejos de marcar una evolución en su propuesta, adolece de un profundo inmovilismo.

El mismo esquema de Guilty Of Everything (14) o Tired Of Tomorrow (16), repetido a la fuerza, es capaz de conmover y convencer en canciones como Plastic Migraine o The Carpenter’s Son que, de lejos, concentran lo mejor de un trabajo en el que también deben destacarse las notables como Zero Day o Hail On Palace Pier. El potencial de Dance On The Blacktop, en su conjunto, se ve mermado por canciones más irregulares y, a momentos, prescindibles: la luminosa You Wind Me Up, la desconcertante Us/We/ Are, capaz de recordar a los primeros Radiohead o (HOPE) Is Just Another Word With A Hole In It, cortada casi por el mismo patrón que Blue Line Baby. Un retorno al que le falta riesgo y le sobra autocomplacencia. —tomeu canyelles Fernando Costa

This Wild Life

Head Cage Relapse

Cardinal The Braves/ Dunk!/Aloud/ Pundonor

8

impredecibilidad, en ocasiones da la sensación de que James se acerca a algo parecido a su zona de confort. Ninguna de las piezas sorprende realmente al oyente acostumbrado a su música. Collapse es nada más y nada menos que otra notable trabajo de Aphex Twin.

Como en cualquier obra de arte auténtica, la firma del autor es totalmente reconocible. Un artista tan único tan sólo necesita estar a la altura de sus propios estándares. Y una vez más lo ha clavado. —tomás crespo

ROCK / Tras dos discos que

Yipiyou Autoeditado

Petaluma Epitaph/ [PIAS]

6

POP / Kevin Jordan y

Anthony Del Grosso aparcaron la parte más cañera de su banda hartos de ser del montón e iniciaron una nueva aventura en clave acústica. Llamaron la atención del sello Epitaph y publicaron Clouded y Low Tides, en el 2014 y 2016 respectivamente. Dos años después This Wild Life regresan con Petaluma, un ‘back to basics’ en toda regla.

Producido por Ryan Hadlock (The Lumineers, Vance Joy), Petaluma hace honor a la soleada población californiana que da nombre al disco. Sus nuevos temas tienen en común unas guitarras cálidas, cristalinas y luminosas acompañadas por las dulzonas voces de Jordan y Del Grosso. Eso no quita que sublimen sus composiciones con otros instrumentos como el ukelele de la canción de amor que es Catie Rae, uno de los mejores cortes del disco, o las mandolinas de Headfirst, un tema que funcionará de maravilla en directo con esos pegadizos ‘oh oh ohs’ del estribillo. Menos es más, casi siempre. —luis benavides

7

RAP / Fernando Costa es

un valor al alza en el rap nacional. En apenas tres años ha pasado del anonimato a publicar canciones que ya alcanzan los seis millones de visitas en la red ¿Y qué mejor manera de celebrarlo que publicando su primer largo? El ibicenco ha juntado algunos de sus éxitos más destacados (Danger o Dynamo) con otros temas nuevos que confirman el notable estado de forma que atraviesa. Canciones como Por la calle abajo o Pa que lo gocen (spin-off del popular Chacho junto a Dollar) confirman el genuino estilo de Fernandito Costa, quien no tiene reparos en incluir elementos del flamenco o rumba en su rap.

Un rap, además, marcado por los sonidos clásicos, alejado de la saturación de bajos y la reverberación electrónica tan presente en el hip hop actual. Fernando prefiere el rap de bombo y caja, y sobre él nos deja algunos momentos brillantes como Narcoplepsia y Cowboys.

—alfonso gil royo

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Voivod

PUNK POP / Panellet dan la

impresión de ser una banda de broma. En cierta manera lo son, aunque una banda de broma que va muy en serio. Lo dejan más que claro ya desde el arrebatador inicio del álbum, con Escape Room y Denver. Punk pop melódico, fresco, descarado y con un arsenal de estribillos (cantados en catalán, eso sí) que quita el hipo en la línea de las mejores bandas de Lookout! Records o Fat Wreck Chords, incluso de nuestros Airbag. Como imaginarán, Panellet no descubren demasiado, pero utilizan sabiamente las herramientas a su alcance para crear uno disco francamente redondo.

Quizás su universo resulte difícil de entender fuera de Catalunya (sus temas están plagados de referencias a la cultura televisiva local), pero son las canciones, las melodías y los estribillos los que pueden llevar a Panellet hacia arriba. Y lo merecerán. Ramones, NoFx, Blink 182, Chixdiggit!, Weezer, Green Day o el pop más saltarín de los sesenta. Un, dos, tres... —joan s. luna

8

METAL / Vuelven los metale-

ros cósmicos canadienses, nuevamente entre el thrash metal y el rock progresivo, con ocho cortes poseedores de su habitual esencia única y personal. La arquitectura de este nuevo disco mantiene una línea comparable a la de su anterior Target Earth (13). Y es que después de nada menos que diecisiete álbumes en estudio, Voivod saben perfectamente lo que quiere hacer y cómo llevarlo a cabo. En esta ocasión la banda ha decidido complementar su frenético discurso metalero con otros elementos sonoros extraídos de la música clásica, lo que aporta un especial colorido al sonido, además de una plasticidad refrescante dentro del ecléctico estilo de estos pioneros de los ochenta.

Temas como Spherical Perspective o Obsolete Beings certifican la inconmensurable calidad de un conjunto que, con el paso de los años, ha ido modificando su plantilla de músicos, consiguiendo de esta manera ofrecernos un sonido particular en cada uno de sus trabajos. —fernando o. paino

Parcels Kitsuné/ Music As Usual

8

ELECTROPOP / El fenómeno

Parcels se consolida de forma definitiva en su álbum de debut, tirando de su característica propuesta de electropop donde los ritmos funk no escasean para confirmar cómo el último gran hype europeo era correcto. Tras todo el revuelo y ascenso meteórico obtenido a raíz de su colaboración con Daft Punk en su single Overnight, la banda australiana afincada en Berlín ha demostrado cómo son capaces de lograr un trabajo coherente de principio a fin, tomando géneros bailables de revoluciones moderadas. De este modo el carácter ochentero que rodea el trabajo en temas como Tape resulta contextualizado, intentando que el influjo de la música disco se disuelva de una forma risueña entre unas guitarras que miran a las canciones pop más pegadizas propias de artistas como Neon Indian o Toro i Moi. A esto tenemos que añadirle el encanto por disfrutar de la pausa, intentando que los desarrollos instrumentales tomen casi un carácter hipnótico. —noé r. rivas

DD LJM

1 Erik Urano Balaclava

8 8 9 9 8,5

2 Julia Holter Aviary

9 8 8 7 8

3 Thou Magus

8 8 8 8 8

4 Christine And The Queens Chris 5 Tirzah Devotion

dc JSL

7 8 8 8 7,75 8 8 8 7 7,75

6 Quentin Gas & Los Zingaros 7 8 7 8 7,5 Sinfoniauniversal 2 7 Molly Burch First Flower

7 8 7 8 7,5

8 Cat Power Wanderer

7 7 7 7 7

9 Hazte Lapón 6 8 7 7 7 Tú Siempre Ganas 6 6 8 7 6,75

10 Mhd 19

La ronca y delicada voz de Tirzah

Quentin Gas & los Zíngaros

Sinfoníauniversal Cap. 02 Everlasting

Tirzah

Devotion Domino/[PIAS]

8

8 POP / Tras dos EP’s publicados en 2013 y 2014 en el sello Greco-Roman y un split junto a Nozinja, Mumdance y Micachu en 2015, el debut de Tirzah Mastin ha sido una agradable sorpresa de verano que apunta muy alto para las listas de lo mejor de 2018. Aunque firme con su nombre, la cantante Tirzah ha defendido en varias entrevistas que, en realidad, se trata de un proyecto a medias con su amiga Mica Levi, productora y medio compositora de todos los temas desde los dos primeros EP’s. Saber que Micachu vuelve a estar en primera línea del pop más experimental de este siglo me ha dado tanta alegría como sus excelentes bandas sonoras Under The Skin (14) y Jackie (16). Con The Shapes solo ha publicado tres discos pero su Jewellery brilla como una rara avis del pop-rock británico de principios del siglo XXI. Devotion es un trabajo de popsoul electrónico repleto de imperfecciones, de sonidos minimalistas, de canciones que se asemejan una endeble cabaña en ruinas a punto de fundirse en medio de

Med

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

8

Parcels

The Wake Century Media

Sputnik HFMN Records

top 10.

Panellet

una ventisca. Pero el acierto de Levi y Mastin es que la ronca y delicada voz de Tirzah se escuche con toda claridad, sin caer en los errores del lo-fi. Muchos temas siguen explotando el minimalismo de Micachu And The Shapes con resultados sorprendentes: esa caja-loop-melodía-sintetizador de Holding On en conjunción con la poderosa voz de Tirzah se convierte en uno de los temas de lo-fi pop más poderosos desde los primeros

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discos de The Magnetic Fields. En ocasiones, el fraseo cansado de Tirzah recuerda a FKA Twigs (Affection, Fine Again), pero sus paseos entre el soul más futurista y minimalista (Reach o la alucinante Do You Know) convierten a Devotion en un disco extraño y cercano a la vez, como la versión lo-fi y más mainstream (sin pretenderlo) de Julia Holter o Jenny Hval, dos artistas que publican disco este año, por cierto. —manu gonzález

ROCK / Quintín Vargas

parece vivir en un eterno viaje en sus tres primeros discos. Arrancaba buscando una identidad propia en Big Sur para pasar a reafirmarla en el camino que el pueblo gitano, su pueblo, recorrió hasta llegar a Andalucía en el rotundo Caravana, el disco que empezó a abrirle camino en toda la península desde principios de 2017 (y que derivó incluso en remezclas de artistas como Future Ark o Bronquio). Pues bien, ahora el destino del músico sevillano parece ser las estrellas en una sinfonía hacia la búsqueda de supervivencia. Un camino arduo y en el que los sintetizadores junto a la electrónica alternan con raíces tan puras como el flamenco o una psicodelia tan inclasificable como ya reconocible y personal. De ahí que, en sus redes, defina su música como “si Camarón hubiese grabado un disco con Tame Impala”.

—rojas arquelladas

octubre 2018 #35

MONDOVINILOS

Ninho

M.I.L.S 2.0 Mal Luné/ Warner

Jungle cumplen con las espectativas

RAP / Ninho, de origen congoleño y residente en los suburbios de París, ha logrado llegar a ser número uno en ventas generales en su país.

El año pasado publicó su debut largo (Comme prévu) Su rap es rudo, violento y muy alejado de la sofisticación de Orelsan. Su música es la banda sonora de todos aquellos que se empeñan en no ser devorados por los poderosos. Ninho esta más cerca del gangsta norteamericano pero es imposible que no dispare ciertas críticas a la sociedad francesa. Lo hace echando mano de bases robustas, simples y contundentes, que toman distintos caminos. Lo suyo vendría a ser una mezcla entre Xzibit y Mc Solaar. La vida es dura y cada billete en tu bolsillo tiene una historia detrás y este disco destinado al éxito esconde gemas valiosísimas como la muy accesible Un poco y sobre todo Coffrer. Los trabajos en formato videoclip de ambos temas son también de una gran calidad como todos los anteriores en su corta carrera. —marcos molinero

7

Jungle

For Ever XL/Popstock!

7 poP / Había muchas expectativas ante el retorno de Jungle, después de la agitación conseguida por el grupo con su debut homónimo de 2014 y el éxito inapelable de canciones que sonaron tanto como Busy Earnin’, Time o The Heat. El retorno del colectivo liderado por Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland se ha hecho esperar, y llega más de cuatro años después de su estreno discográfico. Vuelven con una obra destinada a convencer sobradamente y, aunque quizá no alcancen con ella ese deslumbramiento con el que arrasar a nivel global, sin duda les reafirma a nivel creativo.

For Ever es un gran disco, con momentos realmente deliciosos y que luce bien en conjunto a pesar de su generosa extensión.

Los británicos se expanden a gusto con esa vacilona mezcla de funk, pop y soul convenientemente actualizada con electrónica, hasta sonar vigentes y vanguardistas. Es

así como consiguen arrastrar tras de sí a un oyente que, por otro lado, lo tiene fácil para dejarse hipnotizar por esos cantos de sirena susurrados, sensuales y rítmicos que llegan desde las diferentes pistas del elepé. El segundo largo de la formación resulta ampliamente adictivo con sus loops y adornos tecnológicos, colonizando canciones convertidas en dianas y que son, en su esencia inexcusable, composiciones de géneros clásicos

Hazte Lapón

Years And Years

Dean Wareham vs Cheval Sombre

Tú siempre ganas. Parte 2. Tú y yo (y to-

Palo Santo Polydor

El Genio Equivocado

POP / Years And Years cum-

plen con todos los requisitos para consolidarse como una de las propuestas de pop británico más potentes de los últimos años. Palo Santo es un disco de liberación que se aleja de los orígenes más electros de la banda y apuesta por las referencias de pop y r’n’b noventeras con las que los miembros crecieron. No es un álbum arriesgado a nivel sonoro, más bien es un movimiento hacia la búsqueda de una estabilidad que reafirme la identidad del producto. Sin filtro alguno, Olly ha colocado sus experiencias sexuales, y amorosas, como pieza central del disco. Acompañado de metáforas y referencias religiosas; habla de su homosexualidad, ideales y fantasías. Entre los puntos a destacar se podría realzar la búsqueda de crear un pop comercial de calidad que nos recuerda a las producciones de The Neptunes en los dos mil (Sanctify) o esa inmersión en Karma al r’n’b que firma como una de las joyas del álbum junto a Up In Flames. —álex jerez #36 octubre 2018

POP / Presentado en una deslumbrante edición de juego de mesa, Hazte Lapón ponen punto y final a su trayectoria con esta segunda parte de Tú siempre ganas en la que el subtítulo Tú y yo y todos los demás viene a remarcar las intenciones narrativas de canciones como Todas las fiestas, uno de los puntales más sembrados de este segundo acto, donde esas guitarras acuosas en clave The Cure subrayan una sana necesidad por retornar al pop de juguetería de su trayectoria anterior a No son tu marido (2015). Como paralelismo más evidente a esta artesanía de lo mínimo, la suma de estos dos últimos discos ejemplifica la devoción del grupo por The Magnetic Fields. No hay más que dejarse llevar por filigranas de poso artesanal como Maravillas de la autosuficiencia. Como resultado, un acabado final donde emerge un obstinado esfuerzo: picar de todos los palos posibles que han ido sumando a su teatrillo pop de textos bipolares y retranca de psiquiátrico. —marcos gendre

8

7

POP / La última ocurrencia

de ese genio del indie-pop de guitarras y el dream-pop que es Dean Wareham (Luna/Galaxie 500) consiste en publicar un disco junto a Chris Porpora –aka Cheval Sombre–, en el que utilizar los mencionados estilos para meterle mano a ambientes clásicos del western y similares. De la ocurrencia surge un disco dotado con la inconfundible impronta del primero, en donde su misteriosa y seductora voz tiende a llevar el peso de las canciones, rematando la jugada con punteos de guitarra marca de la casa.

Canciones tradicionales comparten espacio con composiciones a medio camino entre el folk y el country firmadas por Bob Dylan, Townes Van Zandt o The Magnetic Fields. La invención bien podría ser una de esas curiosidades o caprichos del autor de turno, pero lo cierto es que las originales son desarmadas y guiadas hacia un aspecto inédito, tras pasar por un impecable tamiz de pop elegante, sugestivo y pleno en cuidados arreglos. —raúl julián

Constant Mongrel

Suicidal Tendencies

Living In Excellence La vida es un mus

Still Cyco Punk After All These Years Suicidal

Dean Wareham vs Cheval Sombre Double Feature/ Popstock!

dos los demás)

7

y negroides. La mixtura de pasado y presente (o incluso futuro) resulta funcional e irresistible, tal y como sucede en Smile -pieza directa con la que se abre el fuego-, Happy Man, la popera Casio, ese clásico instantáneo que es Beat 54 (All Good Now) o la pegadiza House In LA. También puntúan alto los singles Heavy, California y Cherry, además de Give Over -que podría haber sido firmada por Metronomy-, Cosurmyne o Pray. —raúl julián

CROSSOVER / Los seguidores de la banda de Venice, California, no habrán tardado en percibir algo curioso en el título de este disco. Sí, en 1993 se habló de un disco con material inédito y un título muy parecido a este, que nunca fue publicado. Curiosamente, igual que aquel, este es un trabajo de temas recuperados.

Para su décimo tercer disco, los reyes del crossover thrash han optado por regrabar el debut en solitario de Mike Muir, Lost My Brain! (Once Again), publicado en 1996, prescindiendo de un par de canciones, y añadiendo a cambio Sippin’ From The Insanitea.

Con Dave Lombardo (Slayer) a la batería, el grupo suena noventero, pero no por ello fuera de tiempo. No han perdido contundencia y, además, su propuesta, en pleno siglo XXI ,está perfectamente de actualidad. Referencias a Anthrax o Black Sabbath, algún estribillo pegadizo y canciones destinadas al moshpit forman los ingredientes de una receta que sigue sabiendo bien rica.

7

—eduardo izquierdo

POST-PUNK / En un mundo cada vez más dominado por la mediatización social y los estereotipos surgió Constant Mongrel. Su estilo es sucio, duro y directo. No deja lugar a la esperanza ni a las ideas complacientes. Lo suyo es el punk más desbocado y el post-punk raspante y ácido, cercano a los primeros The Psychedelic Furs, The Germs, Crisis, Crass y sonidos más actuales como Total Control. Su cuarto trabajo, Living In Excellence, se caracteriza por saber fusionar la melodía y el ruido con la intención de hacer convulsionar al que lo escucha. El disco supura astucia compositiva y rabia adolescente, canciones que harían enloquecer a tu abuela hasta el punto de retirarte de una vez por todas esa paga semanal que no te mereces, y que además te proporciona a hurtadillas, como si te estuviese pasando algún tipo de sustancia psicotrópica. Un decálogo de cortes imprescindible para todo amante del primer punk y de su inmediata consecución oscura. —fernando o. paino

8

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PERIFERIAS 19.0 GÉNERO HUESCA, DEL 18 AL 28 DE OCTUBRE DE 2018

www.periferias.org

ANA CURRA * BLACK CRACKER * BLACK FLOWER * COCANHA * DEENA ABDELWAHED * ELA ORLEANS * HICKEYS * IRENE ARANDA, JOHANNES NÄSTESJÖ & NÚRIA ANDORRÀ * PUTOCHINOMARICÓN * RODRIGO CUEVAS * SELENE * SOFÍA VIOLA * EME ALFONSO y otros + TEATRO, DANZA, CINE, CONFERENCIAS, MODA, PERFORMANCES, EXPOSICIONES...

ORGANIZA:

MEDIO COLABORADOR:

PATROCINA:

Wooden Shjps

V. Thrill Jockey

7

ROCK PSICODÉLICO / Desde la

estética retro de sus portadas, los californianos siempre han puesto las cartas encima de la mesa. Lo suyo es una celebración de las esencias psicodélicas del verano del 67 con un punto obsesivo y minimalista que remite también a las cadencias espartanas de The Velvet Underground.

Concebido como bálsamo contra la negatividad, disco de espíritu “veraniego”, su quinto trabajo se ha tenido que sobreponer al ambiente fatalista de su país y a los incendios que asolaron la Costa Oeste durante el verano pasado. El cuarteto, sin embargo, no se dejó vencer por el pesimismo y el espíritu hippie de la colorista portada lo atestigua. De la hipnótica Eclipse al emocionante solo de Ride On, la banda apenas se mueve de sus postulados estéticos minimalistas, su sonido añejo y los solos espaciales, aunque hay alguna sorpresa como los vientos engarzados con guitarras de esta misma canción, la percusión de Golden Flower o el teclado alienígena de Already Gone. —josé carlos peña

Thou presentan una obra colosal Thou

Magus Sacred Bones/Popstock!

9 METAL / 2018 es el año de Thou. A principios de mayo, Thou anunciaban la publicación de varios EP’s que anticiparían la salida de su nuevo y quinto larga duración; unos EP’s que debemos analizar a grandes rasgos para poder llegar a Magus y entender su magnificencia.

Cada uno de ellos en un sello distinto, y con una entidad sonora propia. El primero, The House Primordial, nos acerca a su parte más experimental, jugando con el noise y el drone; en el segundo, Inconsolable, se desnudan musicalmente hablando para ofrecernos su cara más amable y acústica; y en el tercero, Rhea/ Sylvia, nos enseñan su particular manera de entender un género tan importante para ellos como es el grunge. Y llegamos a Magus. Partimos de la base que es un disco complejo y en cierta manera desafiante. Sus setenta y cinco minutos de duración necesitan predisposición y paciencia por parte del oyente, algo que se

Nick Oliveri

The Chills

Snow Bound Fire Records

POP / Martin Phillips se pasó casi veinte años sin dar señales de vida hasta que Silver Bullets (2015) reclamó de nuevo atención para una de las marcas más fiables de la tradición indie neozelandesa. Aquel agrio lapso contrasta con estos tres años en los que The Chills han logrado sonar más fiables, más enérgicos y más conscientes de su contrastada destreza para despachar canciones como soles. Todo en Snow Bound suena a renovado chute de vitalidad, aunque ninguna de sus canciones roce la gloria de Pink Frost, I Love My Leather Jacket, Heavenly Pop Hit o cualquiera de aquellas cumbres que marcaron su ilustre pasado: la crema del sonido Dunedin y del sello Flying Nun. Las guitarras tintinean, los teclados refulgen y los estribillos se pavonean en cada una de estas canciones, tan necesarias todas en la trama de un álbum sin fisuras. Quizá un día más en la oficina para ellos. Pero una nueva rodaja de pop pluscuamperfecto para el resto del mundo. —carlos pérez de ziriza

8

St. Paul & The Broken Bones

N.O. Hits At All Vol. 5 Heavy Psych Sounds

7

ROCK /Lo que comenzó

como un juego divertido, en el que el bajista de Kyuss recopilaba todas aquellas colaboraciones vocales que había realizado con otras bandas y compañeros de negocio, llega ya a su quinto volumen. Y lo cierto es que la fórmula no cansa. Interpretado por algunos como la muestra de la falta de talento del músico para componer material propio en la actualidad, servidor se lo toma como una buena manera de tener todos esos temas juntos. Canciones extraídas de discos de The Dwarves, Mondo Generator, Death Acoustic o Svetlanas que, sorprendentemente, funcionan a la perfección juntas, quizá debido a la forma de interpretarlas del propio Oliveri, dando cohesión al conjunto. Errático en general, por lo que respecta a su carrera en solitario, esta serie de discos están salvándolo de una buena cantidad de sopapos de crítica y público. No es mal camino.

—eduardo izquierdo

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verá recompensado con una obra extrema en toda su concepción, y cada nueva escucha nos aportará algo diferente, descubriendo un mundo nuevo lleno de matices. Los sonidos explorados por Thou en los tres epés anteriores van apareciendo en pequeñas pinceladas que sumadas a su característico y potente doom/sludge consiguen llevar su sonido a un nuevo nivel, creando las mejores composiciones de su carrera. La influencia grunge la vemos en la parte final de Inward, en los riffs de Greater Invocation Of Disgust o en el lento y pesado inicio de Trascending

Oh Sees

SOUL ROCK /El perfil musical que la banda de Alabama nos mostró en su disco debut dista bastante del que exhiben en este tercer largo. Pese a mantener en su sustrato referencias clásicas del sonido negro, esas que aplicaron con reverencial vigor hace cuatro años, ahora se han transformado bajo ropajes más contemporáneos (camino que ya tomaron en Sea Of Noise, su disco de 2016). No es casualidad, de hecho, que para este trabajo la producción recaiga en Jack Splash, nombre ligado a Kendrick Lamar o Alicia Keys. Esa confrontación que el grupo manifiesta entre pasado y presente quizás también alimente el atractivo conflicto identitario, individual y colectivo, que trasladan sus nuevas composiciones. Una reflexiva aportación que no elude el funk ochentero bailable (Apollo, GotItBad) pero que se expresa con mayor profundidad y plenitud a través de sensaciones como la tensión que respira Convex, la épica de Hurricanes o la emotividad de Bruised Fruit. —kepa arbizu

Wild Nothing

Smote Reverser Castle Face

Young Sick Camellia LLC Records

7

Dualities; en los interludios abrazan su parte más experimental: el drone de The Law Which Compels, el black soterrado que se oye de fondo en My Brother Caliban o el hipnótico y tribal corte Divine Will; la sensibilidad acústica de Inconsolable aflora en partes de In The Kingdom Of Meaning y The Changeling Prince o en el bonito inicio de Sovereign Self, con la voz de Emily McWilliams. Con Magus, Thou han creado una obra colosal, una obra que trasciende los límites del doom y el sludge, una exquisita pieza de arte sonoro extremo. —gonzalo rodríguez

8

ROCK /Solamente en una

dinámica como la que se imponen Oh Sees, de frenético ritmo productivo e inquieto mensaje musical, tienen explicación los recurrentes cambios de formación y nomenclatura a los que está sujeta la banda. La auténtica huida hacia adelante en la que se ha convertido su carrera hace que estemos frente a su disco número veintiuno, todavía plagado de ese ánimo por seguir moldeando y ensanchando las ya de por sí muy amplias coordenadas que les definen. Siempre pertrechados bajo un crudo espíritu hipnótico y psicódelico, la predominancia aquí de los teclados inclina la balanza hacia un hard-rock lisérgico (Enrique El Cobrador) que sin embargo irá mutando en enloquecidos desarrollos progresivos (Last Peace), explosiones de eléctrico metal (Overthrown) e incluso sensuales ritmos funk (Nail House Needle Boys). Un álbum de apocalíptico simbolismo en el que vuelven a encontrar el mejor camino para retar y atrapar al oyente. —kepa arbizu

Indigo Captured Tracks/ Popstock!

8

POP /Ahora que Jack Tatum

publica su cuarto disco y que se acerca ya a la década en activo, podemos decir que Wild Nothing son una pequeña institución del pop independiente del nuevo milenio. Tatum lo ha conseguido despacio y con buena letra. Un imaginario sonoro que casi siempre ha vivido en un mundo paralelo ajeno a las modas (solo estuvo en la cresta de la ola trendy con su excelente debut, Gemini). Después de eso, fue por libre, acercando y enriqueciendo su cancionero con citas a Todd Rundgren, Talking Heads, The Alan Parsons Project o la ELO. En Indigo, título que hace referencia a uno de los colores del arco iris y a una tonalidad que está entre dos aguas, afianza la otredad de Tatum en el indie pop actual. El músico norteamericano explica que su intención era la de hacer un disco que sonase atemporal o, mejor dicho, fuera del tiempo, en el que se entremezclara lo analógico y lo digital (de ahí lo del título). Y la verdad es que está cerca de conseguirlo. —xavi sánchez pons octubre 2018 #39

MONDOVINILOS

Maceo Plex Fabric 98 Fabric Records/ [PIAS]

Low, fidelidad a su instinto creativo

ELECTRÓNICA / El tejano Eric Estornel, afincado en Barcelona desde hace unos años, mantiene el listón de la serie Fabric con una sesión de veintidós temas (desde los noventa hasta la actualidad) que basculan entre el techno, el electro y el house, trece de los cuales son propios. Lo raro hubiera sido lo contrario, puesto que estos prestigiosos mixes suelen incluir mucho material de sus autores por razones obvias. Al menos en este caso, Plex aporta algunos temas nuevos, inéditos y eso siempre se agradece cuando se tira de cosecha propia sin demasiado pudor. De lo suyo nos quedamos con Xten y Mutant Magic.

Del resto de los cortes escogidos son, sobre todo, destacables los aportados por Perestroika, Architectural y Vinyl Countdown.

Especial mención, si cabe la oportunidad, para ese gran edit que el protagonista se marca del Condos de Iron Curtain. El resultado, altamente notable, aunque algunos echamos en falta algo de Maetrik. —fernando fuentes

7

Low

Double Negative Sub Pop/Popstock!

8 ROCK / Profundizando en la senda empren-

dida con Ones And Sixes (15), los de Duluth han despachado el trabajo más osado e impenetrable de sus veinticinco años de carrera. Es obvio que lo de servirse de la efeméride para regodearse en un complaciente reciclaje de enseñanzas del pasado no va con ellos. Ni siquiera el remezclado electrónico que varios músicos del ramo le dieron a su temario primerizo en oWL (Remix), aquel álbum de 1998, puede ser visto como un precedente. Así que se han puesto de nuevo en manos de BJ Burton –el cerebro en la sombra del último Bon Iver– para dar forma a once canciones que abren nuevos horizontes y desafían al oyente, tanto al recién llegado como al fan de largo recorrido. Puede parecer una idiotez, pero el hecho de que la palabra “always” se repita hasta en tres de sus títulos es interpretable como reflejo de

una fidelidad a su propio instinto creativo que raya en lo maximalista, modulando esta vez su proverbial ascetismo en direcciones inéditas. Su inmunidad ante las expectativas que les rodean sigue alimentando ese aura de banda única, dueña de su propio lenguaje. Es este un disco repleto de cavidades rocosas, a través de las que la claridad del día apenas consigue abrirse paso. Tanto Mimi Parker como Alan Sparhawk dejan que sus voces se sometan a un arsenal de efec-

Luluc

The Sidekicks

Sculptor Sub Pop/ Popstock!

FOLK / En su segundo disco como Luluc, Steve Hassett y Zoë Randell parten de la alargada e interminable sombra de Nick Drake hasta alcanzar la figura de la Cat Power más desnuda, alternando con otros referentes como Leonard Cohen o Hope Sandoval. El dúo australiano trabaja melancolía folk con la fórmula del menos es más, atendiendo al extremo cuidado de las formas para cubrir el núcleo acústico de sus creaciones. Una base que funciona sólo cuando las canciones albergan dosis necesarias de belleza, delicadeza y elegancia con las que sostener el asunto. Sculptor es sin duda uno de esos casos, y contiene una decena de temas preciosos, delicados y emocionantes, construidos con merecida calma y capaz de contagiar sensaciones a través de una serenidad loable. Es además el triunfo del conjunto por encima del de sus piezas por separado, además de una obra coherente y exquisita.

7

—raúl julián

#40 octubre 2018

Clutch

ROCK / Llevan el punk rock

en los genes, pero disco a disco han ido introduciendo pequeñas dosis de rock clásico en sus composiciones. ¿Cosas de la edad? Sea como sea, les sienta fenomenal pues el resultado son unos trabajos deliciosos y atemporales. Tres años después de su cuarto y último trabajo, vuelve la banda liderada por el menudo Steve Ciolek con el presente Happiness Hours, otro paso adelante en su carrera hacia la perfección pop. Con guitarras, claro. Aquí hay materia prima de primer nivel como las irresistibles Other People’s Pets, Mix For Rainy Day, Win Affection -¡esos vientos!- y Don’t Feel Like Dancing, pero supongo también ayuda tener a los mandos al ya mítico John Agnello (Dinosaur Jr., The Hold Steady, Nada Surf). El título del disco no engaña. Si te pirran las buenas melodías, vibrarás horas y horas con Happiness Hours. No se me ocurre un mejor remedio contra el desánimo. El efecto es inmediato y no tiene efectos secundarios.

—luis benavides

ROCK / Es un buen disco.

Incluso notable, pero no excelente. Una serie de detalles hacen que no sea así. Por un lado está la comparación con sus dos trabajos previos, en la que claramente este nuevo álbum sale perdiendo. Y por otro está su duración. Y no me refiero tanto al minutaje, porque ni siquiera llega a la hora, sino al número de canciones, quince. Excesivo en mi opinión ¿El problema? Que a la hora de descartar alguna la cosa se te hace difícil. Ni todas son obras maestras, ni ninguna desentona especialmente. Con lo que llegamos a la conclusión de que hay demasiado parecido entre muchas de ellas, al menos en cuanto a parámetros básicos.

Nada sorprende. Y no es que lo busquemos especialmente, pero necesitamos algo más de una de las bandas más grandes de la última década. Bien tocado, espectacularmente cantado y con aceptables canciones, no saben hacer disco malo, aunque ellos mismos se han ganado que les pidamos mucho más. —eduardo izquierdo

6

Ross From Friends

The Aces

Book Of Bad Decisions Weathermaker Music

Happiness Hours Epitaph/ [PIAS]

7

tos digitales, diluyéndose entre un amasijo de interferencias de tacto rugoso y vocación abrasiva. Paradójicamente, esta suerte de desconstrucción anda más cerca de una redoblada apuesta por el ruidismo con alma de Fennesz o de Fuck Buttons que del onirismo fragmentado de las últimas maniobras de Bon Iver o Lambchop, dando lugar a un disco exigente que no se agota en sí mismo ni a base de prestarle una decena de escuchas en bucle. —carlos pérez de ziriza

When My Heart Felt Volcanic Red Bull Records

POP / El indie-mainstream es una etiqueta denostada, pero cuando se hace bien es un género que mola. Es el caso de The Aces, un cuarteto americano con base en Utah que se anima a prestigiar la controvertida etiqueta en su debut. Y es que When My Heart Felt Volcanic es uno de esos discos que guiñan el ojo derecho al pop de radiofórmula con arreglos en el límite del bien y del mal que podríamos encontrar en los Maroon Five más inspirados y en los Fleetwood Mac de finales de los ochenta, y el izquierdo a la frescura y a las melodías de los Phoenix más indies. El primer álbum de las norteamericanas tiene mucho también del bubblegum clásico; ese Stay que podrían haber interpretado a principios de la década de los setenta Josie y las Melódicas, pide a gritos ser el tema central de una comedia juvenil actual que recupere a los jóvenes sensibles que aparecían en las películas de John Hughes.

7

—xavi sánchez pons

Family Portrait Brainfeeder/ [PIAS]

7

ELECTRÓNICA / Por suerte,

queda muy atrás prejuzgar una propuesta artística por su nombre. Y la broma de “Ross From Friends” detrás de la que se esconde el joven productor británico Felix Weatherall es algo muy serio. No falta el lo-fi house ya en el primer corte Happy Birthday Nick, crudo, crepitante, como en blanco y negro. Hay mid tempos oscuros, ritmos sincopados y ganas de expandirse como en The Knife, e incluso pasos hacia la sombra del post-dusbtep como en la acelerada Pale Dot Blue. El contexto del sello que publica este debut –Brainfeeder, dirigido por Flying Lotus– ayuda a entender la dispersión de esta foto de familia, que va de la experimentación de Parallel Sequence o Back Into Space más experimentales a piezas más de club. La coherencia del disco termina siendo, precisamente, esta variedad, esta paleta de personajes antes repartida en EP’s, ahora aglutinados en un Family Portrait que más que un disco parece un portafolio de un actor con muchos registros. —jordi isern

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Bitchin Bajas

Kamikaze Interscope/ Universal

Rebajas Drag City/ Popstock!

8

ELECTRÓNICA / Camino de

los diez años de carrera, el trío norteamericano ha decidido recopilar su ya extensa obra en una colección de siete CD’s con los que poner de manifiesto su buen hacer a la hora de desarrollar los ambientes más retorcidos que en todo momento coquetean con el drone. Sacando a relucir siempre su vena futurista, esta recopilación recoge toda su productiva carrera, incluyendo temas que formaron parte de splits con artistas como FacePlant, tratando de capturar todo tipo de etapas y curiosidades en una cuidada edición. Curiosamente esta será la primera vez que sus temas vean la luz en formato CD, ya que una de sus obsesiones había sido publicarlo todo o en vinilo o en cassette. A lo largo de este viaje nos encontraremos sus múltiples y cambiantes facetas, pasando desde su concepción reposada de la música espacial a la experimentación totalmente anárquica.

Atemporalidad, experimentación y sensación de sorpresa constante en casi siete horas.—noé r. rivas

5

Body/Head

The Switch Matador/ Popstock!

Chains Are Broken New West

7

lleva más de dieciséis años en esto de hacer canciones, a menudo se obliga a hacer cambios que alteran en cierta medida el espíritu primigenio de la banda. En el caso de este eterno trío que se caracterizaba por la ausencia de batería en sus discos de estudio, la mutación ha surgido tras la incorporación de su hasta ahora batería de gira, Stefan Amidon, a sus composiciones. No parece gran cosa, pero en su peculiar sonido es toda una revolución. Digamos que ha provocado una pérdida de su vocación más descacharrada, añadiéndole una profundidad que los hace incluso más accesibles.

No quiero decir que hayan domesticado su sonido, más bien que lo han sofisticado. Pero todo esto no pasaría de la simple anécdota si las canciones no tuvieran sustancia. Y aquí la muestran a base de buenas armonías vocales, punteos de guitarra precisos y unas letras sobre la condición humana que agrandan el imaginario de perdedores, alcohólicos o atormentados.

—don disturbios

RAP / Utilizar la mayor par-

te del minutaje para vengarse de los que pensábamos que Revival era un ladrillo infumable es mal punto de partida. Si a eso le sumamos que lance dardos contra los jóvenes valores del rap (con o sin razón), tenemos un disco de la parte más oscura de Eminem.

Acertado en el título, el de Detroit se lanza a la yugular y abre una guerra que no le va a hacer ningún bien. Vuelve a sus inicios con una producción menos recargada y artificiosa y también opta por cambiar el esquema compositivo que tanto éxito le dio el siglo pasado. Tampoco hay colaboraciones mainstream que más que lustro daban grima (esta vez son pocas, pero acertadas) y tampoco están mal los skits con su manager (una autocrítica sincera, pero estéril). Pero, al otro lado de la balanza, el disco va perdiendo fuelle poco a poco y lo que parecía aire fresco, acaba volviéndose espeso mostrando que su peso en la escena rap actual es la de un artista dolido por el paso del tiempo. —marcos molinero

The Devil Makes Three

AMERICANA/ Cuando uno

MONDOVINILOS

Eminem

6

ROCK / El carácter áspero y

experimental que Kim Gordon (ex Sonic Youth) y Bill Nace han impregnado desde el principio a su proyecto como Body/Head sigue manifestándose activo, e incluso se recrudece (y oscurece) en el que ya es tercer disco del dúo. Los autores tensan la cuerda y presentan una obra de compleja asimilación que parece carecer de límites convencionales, tomada por amplias dosis de noise-rock, distorsiones y una aparente improvisación. Cinco temas de ambientes explícitamente densos, con preferencias industriales y empíricas manifestadas a través de temas extensos y casi siempre instrumentales. Satisface comprobar que Gordon –paradigma de la modernidad más vanguardista y la propia experimentación sonora a lo largo de varias décadas– continúa inquieta y a la búsqueda de nuevas formas con las que convertir y enriquecer su música.

Aunque, a estas alturas del partido, el resultado de la exploración diste bastante de ser de obligado consumo. —raúl julián

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Roosevelt presenta una buena colección de singles Roosevelt

Young Romance City Slang/Music As Usual

8 POP / Los parámetros con los que medir la

calidad de un disco pop son variados pero hay uno de ellos infalible: preguntarse cuántas canciones de las que lo integran podrían ser single. En el caso de Young Romance, segundo disco de Roosevelt, diría que prácticamente diez de las doce que lo completan podrían servir para tal función.

Un promedio que denota la buena arquitectura de los temas y la maestría con la que el músico alemán ha sabido combinar melodía y mensaje. Todo funciona, nada molesta.

La presencia y la contundencia de la base rítmica no machaca. Algo que se agradece porque, en los tiempos que corren, con eso de despertar emociones a veces se dispara la presencia de algunos elementos, sea la voz, la batería o el bajo. Que todo ocupe su lugar y se distribuya en su justa medida es

lo que diferencia a quienes buscar epatar en sesiones mainstream o ejercer de banda sonora para comprar moda low cost y quienes prefieren crear buenas canciones. Como el título ya anuncia, el amor es la temática protagonista de Young Romance: una eterna arma de doble filo para los compositores. En el caso de Marius Lauber (el ser humano que opera bajo el alias de Roosevelt), este concepto comenzó como una simple guía para construir canciones y terminó convirtiéndose en un sentimiento absolutamente real.

Y lo cierto es que se nota que el alemán se ha dejado llevar. Quizás por ello la jugada le haya salido tan bien. Hay quienes pretender sonar sensibles y terminan siendo cursis; hay quienes se abren en canal frente a nuestros oídos para mostrar su profundidad y resultan deprimentes; incluso hay quienes pasando por ser reflexivos, solo consiguen ser un auténtico peñazo. Por suerte, Roosevelt ha respetado todas las líneas rojas en las que podamos pensar y su principal preocupación ha sido crear canciones con indiscutible voluntad de convertirse en hits. —maría ballesteros

octubre 2018 #41

42/Mondo Media LIBROS Bruce Dickinson Cúpula Libros

7 Puede que no exista otro personaje tan polifacético en el mundo del rock. Mediante un texto cargado de humor británico, el vocalista repasa su vida, profundizando en sus principales pasiones –como la aviación o la esgrima– en detrimento a las inevitables anécdotas como miembro de Iron Maiden. Pese contener pasajes irregulares, se sostiene por desmitificador y divertido. —tomeu canyelles

¿Cuándo es ahora?

Johnny Marr Malpaso

7 A diferencia de las vivencias de Morrissey, cosidas bajo dotes de gran narrador, contextualizador (y sí, también ególatra), Johhny Marr rememora su trayectoria y prolegómenos como un eco de su propia personalidad: a través una prosa clara, no tan brillante, aunque sí más buenista que la de Mozzer en su exposición y despojada de cualquier atisbo de retranca. Tan positiva que se hace difícil creer que no haya quedado enterrada gran parte de verdad… —marcos gendre #42 octubre 2018

“Mi primera referencia a la hora de crear a Manex era la de un Corto Maltés vasco”

cine

¿Para qué sirve este botón?

Una autobiografía

Fermin Muguruza

Black Is Beltza Black Is Beltza es un “proyecto narrativo global” dirigido por Fermín Muguruza que se expande en un documental, una exposición, un disco y ahora una película animada que es la culminación de una aventura iniciada años atrás.

L

a invitación que recibió en 1965 la Comparsa de Gigantes de Pamplona, imagen típica de las fiestas de San Fermín, por parte de la ciudad de Nueva York para desfilar por la Quinta Avenida, fue la mecha que encendió la llama del proyecto más ambicioso y transversal que Fermín Muguruza ha capitaneado. La historia tenía su aquel: aquella comparsa desfiló, pero hubo dos gigantes que no; los “gigantes negros”. El personaje que debía portar uno de esos gigantes, Manex Unanue, tomó una decisión tan radical como comprometida: quedarse allí para combatir esas injusticias; y acabaría por vivir una historia de persecución, amor y revolución que lo convertiría en una suerte de termómetro de lo que se vivió en los años sesenta: rock and roll, experimentación con drogas, libertad sexual y, sí, también activismo político, revolución

y lucha por liberar a los oprimidos. No es de extrañar que haya sido uno de los músicos más comprometidos social y políticamente el que articuló esta película que, con el cómic como punto de partida, acabaría mutando en un “artefacto transmedia” que se convertiría en documental, exposición, disco y, ahora, película animada, “el Ítaca del proyecto”, asegura. “Construyo el personaje a base de historias mías u oídas por mí o de gente cercana a mi universo. Mi primera referencia a la hora de crear a Manex era la de un ‘Corto Maltés vasco’: alguien que es testigo de una época, pero que, a la vez, interviene en esa historia de forma activa. A partir de ese episodio que vive, el personaje sentía que los vascos ya no nos sentíamos solo víctimas del franquismo, sino también de esa discriminación racial que se estaba viviendo en Estados Unidos”, sentencia el que fuera líder de Kortatu y Negu Gorriak.

Muguruza asegura que esta, su primera incursión en el cine de animación, que no ha contado con ayudas “ni del ICAA ni de TVE, por mucho que haya habido un cambio de gobierno”, guarda muchos puntos comunes con el cine de Quentin Tarantino o de la saga Bourne. Aunque no solamente hay acción en Black Is Beltza, sino que también tira de un recurso habitual en su obra musical: la de mezclar amor

y revolución. “Es algo intrínseco en mí. Toda mi carrera he cantado a eso; desde que en La línea del frente dijese eso de: ‘te quiero, y quedamos en la barricada a las tres’”.

Ahora bien, Muguruza no ha estado solo en esta barricada cinematográfica. En terreno musical (con canciones de Manu Chao, Ana Tijoux, Iseo, Ceci Bastida…) consigue trazar líneas argumentales que podemos cantar; y la nómina de actores y actrices que ponen voz a sus personajes es especialmente reconocible: Unax Ugalde, Óscar Jaenada, Willy Toledo, Rossy de Palma, Emma Suárez y otros. “Más que por lo grandes intérpretes que son, me apetecía que estuviesen porque son cómplices míos: me han apoyado en momentos en los que yo era muy perseguido. Ahora querían estar ahí diciendo que ellos también eran Black Is Beltza”, asegura.

La película llega a los cines el 5 de octubre, a partir de ahí, Fermín solamente pide un último deseo. “Me gustaría mucho que la película consiga aguantar en cines durante octubre, un ‘octubre rojo’ que ahora me gustaría que fuese ‘rojinegro’”. —alan queipo

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Black Is Beltza Fermin Muguruza

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Vista final Reservoir Books

9

Un peldaño más en la excelente trayectoria de Charles Burns, marcada por una combinación única de atmósferas sobrenaturales como vehículo subversivo de una realidad cargada de referencias a la cultura popular. Punk, atormentados romances, viajes lisérgicos y secretos familiares se entremezclan en esta trilogía cohesionada con una argamasa de terror cósmico y transformaciones a lo David Cronenberg. Magistral.

—alex serrano Ángulo Muerto VV. AA. ECC

7

Las antologías –y más si son de terror japonés- nunca están de más. Ángulo muerto refleja parte de la amplia producción mangaka, y su principal función es descubrirnos algunos nombres desconocidos por aquí que se acomodan en estas páginas entre clásicos como Junji Ito o Hideshi Hino. Aunque en esta ocasión sirva más para subrayar los fuertes lazos que existen entre el horror extremo y el humor negro. —aenrique gijón Obscenidad

Rokudenashiko Astiberri

7 Si ustedes pensaban que solamente aquí tenemos problemas con la libertad de expresión y el machismo, deberían leer Obscenidad, un divertido manga documental en el que la artista japonesa conocida como Rokudenashiko –quien además es mujer de Mike Scott de The Waterboys-, nos narra sus problemas con la ley por sus obras de arte con forma de vagina. Divertido, alocado y sorprendente, pero cierto. —joan s. luna

Inmortalizando la muerte

La barcelonesa Ester Segarra es una institución de la fotografía vinculada al metal extremo. Tras mudarse a Londres, ha dedicado los últimos quince años a retratar a bandas como Mayhem, Ghost, Electric Wizard, Venom o Darkthrone para sellos y revistas como Terrorizer. Ahora publica el libro Ars Umbra. The Art Of Ester Segarra (Season Of Mist, 18), un contundente repaso a su obra.

F

otografía. Música. Muerte.

Ars Umbra existe por y para esos tres conceptos, que se retroalimentan y crecen en cada una de sus páginas. “El símbolo del libro es un Ouroboros, la serpiente que muerde su propia cola y que simboliza el ciclo continuado de la vida y la muerte”, explica Segarra. “El concepto de ‘Ars Umbra’ gira alrededor de la idea de que no hay principio ni final. Muerte y vida se entremezclan, siendo la muerte el amanecer de la vida.” En ese sentido, el libro arranca con una serie de fotos en directo de músicos que ya no están entre nosotros, de Lemmy y Dio a Jeff Hanneman de Slayer. Sin embargo, la mayor parte del volumen se centra en fotos de sesión. “Las disfruto más que las fotos de conciertos, me dan más libertad artística. En ellas, intento encontrar en el músico, en la persona, los atributos de su música”. Muchas de las imágenes se acompañan de textos de los músicos, y en casos como los de Mayhem, Ghost, Cathedral o Watain podemos observar su evolución estética y la de géneros musicales como el doom, el death o el black metal. Un campo fértil para personajes controvertidos o con fama de complicados como Varg Vikernes (Burzum), Tom G. Warrior (Triptykon, Celtic Frost) o Gaahl (Gorgoroth). “No esperaba que Varg me lo pusiera nada fácil, pero no estaba allí para juzgarlo sino con curiosidad fotográfica. Rompimos el hielo rápidamente y fue una sesión estupenda. A Gaahl ya lo había conocido socialmente en Noruega. Con él no hay pequeña charla acorde con las normas sociales de conversación, y eso me encanta. En cualquier situación puedes hablar con él de la vida y la muerte con toda naturalidad”.

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La fotógrafa afirma que le gustaría trabajar con artistas como “Nick Cave, Dead Can Dance, Diamanda Galas o Pink Floyd”, pero asegura que el metal es su casa: “He trabajado con otros estilos más lucrativos, pero no siento la misma pasión. Para mí, la música es demasiado personal para entregarme a ello puramente por trabajo o dinero”. Su legado hasta la fecha luce ahora orgulloso en Ars Umbra, del tamaño de un vinilo y con cuidado diseño a cargo de los estudios Branca y Munster. Un libro que impone, aún más si uno se sumerge en él escuchando su banda sonora, una larga pieza instrumental firmada por Uno Bruniusson (In Solitude, Beastmilk). “Representa la música en su forma más primitiva: la percusión. Es el proceso invertido de un disco. El final es el principio”. Y volvemos a empezar. El ciclo se repite: Ars Umbra se cierra con algunas de las primeras

fotos de Segarra y una imagen suya de niña. También con un texto en el que explica cómo un día encontró la música que expresaba la muerte. “La muerte y la oscuridad están siempre presentes y, sin embargo, nos enseñan a huir y a no pensar en ellas. Para mí, son la fuente de todo. En ellas reside el sentido de la vida”. —david sabaté

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Ars Umbra.

The Art Of Ester Segarra

Ester Segarra Season Of Mist, 18

FOTO: ESTER & DANIEL

Charles Burns

LIBROS

Ester Segarra

CÓMICS

la “La muerte y n stá oscuridad e ntes e siempre preso, nos y, sin embarghuir y enseñan a llas” e no pensar en

octubre 2018 #43

44/Mondo Conexiones Sensation España <> IFEMA de Madrid

Sensation España anuncia al DJ Fedde Le Grand como primera confirmación. El festival de música electrónica se celebrará el próximo 3 de noviembre en IFEMA de Madrid, transformando el recinto en el club nocturno más grande del mundo.

CO_LAB Café by IQOS <> IQOS Un sabor muy grande <> Mahou El pasado mes de septiembre Mahou Cinco Estrellas presentó su nueva campaña, “Un sabor muy grande”, con un evento en la Sala Equis de Madrid, en el que estuvieron presentes unas de las protagonistas del spot, Hinds. El anuncio es un homenaje a los consumidores y a todo lo que se vive en las calles, que hacen que Mahou Cinco Estrellas obtenga nuevos y ricos matices, pero siendo fiel a su sabor único. De hecho, es esta cualidad la que destacan Hinds, que dicen que lo que más echan de menos cuando se van de gira fuera de España es una Mahou Cinco Estrellas porque les recuerda a su casa, Madrid. El spot está disponible en YouTube #UnSaborMuyGrande

Vodafone yu Music Talent <> Vodafone yu La quinta edición del certamen Vodafone yu llega a su fin el 2 de noviembre en la sala Bilbo Rock de Bilbao. Los finalistas deben superar tres fases diferentes hasta llegar a esta gran final que será retransmitida en directo en el programa “Los 40 yu, No te pierdas nada” y estará apadrinada por un grupo de renombre.

El ganador será elegido por el jurado profesional, del que MondoSonoro forma parte. Sin embargo, la decisión no dependerá solo de este jurado y es que el público puede votar a su banda favorita vía Twitter y Facebook. El premio para el ganador será la oportunidad de grabar un álbum de estudio, ser teloneros en cuatro fechas del padrino de la edición, tocar en tres festivales de España y participar en los Vodafone yu Music Shows. Además de los 3.000€ en instrumentos que recibirán los tres finalistas. www.vodafoneyumusicshows.es/talent #44 octubre 2018

Ray-Ban: Feel Your Beat con Nina Kraviz <> Ray-Ban

El pasado septiembre estuvimos en el nuevo hub CO_LAB CAFÉ de IQOS, nuevo producto del catálogo de Philip Morris, en el Palacio de Santa Bárbara. Lo que pretende la iniciativa es crear un espacio en el que conectar ideas y reunir personalidades diversas, todo ello en un espacio sin humo gracias a IQOS. Cuenta con diferentes salas como un Coffee Room en el que disfrutar de un café de Hola Café, IQOS Shop donde podrás resolver tus dudas o incidencias sobre el dispositivo, diferentes Labs centrados en el coworking, una Multi Room y la Main Room dirigida a charlas y conciertos en acústico. Fue en esta última sala donde Carolina Durante actuaron en acústico durante la inauguración del espacio en junio y tienen más conciertos en acústico programados para los próximos meses.

La nueva campaña de Ray-Ban Studios, Feel Your Beat, trata de acercar y relacionar la marca de una manera personal con los músicos mostrando su vida, su sonido y su estilo. La DJ Nina Kraviz es la segunda artista que participa en Ray-Ban Studios, introduciendo un modelo icónico de la marca creando dos modelos con forma de ojo de gato que contarán con 300 ejemplares.

ROOtas de tu Música <> El Corte Inglés El Corte Inglés crea un ciclo para desvelar el origen del pop, rock, jazz, blues, soul o reggae.

“ROOtas de tu Música” pretende dar a conocer los orígenes culturales y musicales de cada género para establecer las conexiones que la propia música tiene entre sí.

Observatorio de Música en Vivo <> Ticketmaster El 6 de septiembre acudimos al evento organizado por Ticketmaster en el que presentaron los resultados de su “Observatorio de Música en Vivo”. Su objetivo es analizar el comportamiento de compra de entradas para conciertos y festivales en nuestro país.

Concluyeron que el consumidor de música en directo tiene entre 24 y 44 años, reside en grandes ciudades como Madrid y Barcelona y gasta de media 52 euros por entada. También destacaron que el 85% de los usuarios registrados en Ticketmaster se decantan por los conciertos y el 11% por los festivales. Se ve un claro incremento en el interés del público por acudir a conciertos y festivales de música ya que desde 2013 Ticketmaster ha aumentado un 25% el número de entradas vendidas para música en vivo. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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19 DE OCTUBRE LANZAMIENTO

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OSO POLITA PRESENTA EN DIRECTO: GARBAYO, GIMNÁSTICA, UNIFORMS Y VENTURI 18 DE OCTUBRE SALA EL SOL (MADRID) | 25 DE OCTUBRE LA RIBERA - BIME PRO (BILBAO)

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Eddie & The Hot Rods Origen: Essex (UK). 1975-Actualidad

E

mpezaremos rompiendo un mito.

En Eddie & The Hot Rods nadie se llama Eddie, y curiosamente nunca lo ha hecho ninguno de sus numerosos miembros. De hecho, ese era el nombre de un maniquí que el grupo acababa golpeando en la mayoría de sus conciertos iniciales como performance. Unas actuaciones que tenían como protagonista a su formación inicial, integrada por Barrie Masters (voz), Dave Higgs (guitarra), Steve ‘Nicol’ Nichols (batería), Pete Wall (guitarra) y Rob Steel (bajo). Estos últimos no durarán mucho y serán sustituidos por Paul Gray, un chaval de quince años, al bajo, y Lew Lewis a la armónica. Un Lewis que, aunque apenas estuvo en la banda unos meses, fue esencial para la definición de un sonido que partiendo del pub rock se acercaba peligrosamente al punk por su manera acelerada de afrontar cualquier canción. Tomando como referencia el blues, igual que hicieran los primeros The Rolling Stones, y mirándose en el espejo de sus admirados y coetáneos Dr. Feelgood, el grupo llevaba al límite sus canciones, convirtiéndose muy pronto en la versión más cruda del pub rock. Por algo acabarán compartiendo cartel con, por ejemplo, The Damned o Sex Pistols, con los que por cierto no acabarán nada bien cuando estos destrozan el equipo de nuestros chicos durante su actuación.

En 1976, apenas un año después de su nacimiento, Eddie & The Hot Rods ya son considerados el mejor grupo emergente del pub rock gracias a singles como Teenage Depression, que les alzará hasta el puesto treinta y cinco de las listas de éxitos, lugar más que destacable teniendo en cuenta las escasas audiencias que caben en los loca-

#46 octubre 2018

les en los que tocan las bandas del género.

Buena parte de ese éxito se debe a su papel como banda residente de The Kensington, en Londres, lugar en el que se forjarán definitivamente como grupo de directo.

Publican su primer disco, también titulado Teenage Depression el mismo 1976, y tras este introducirán un nuevo miembro en la banda, Graeme Douglas, guitarrista de Kursaal Flyers, que los decantará más hacia el pop alejándolos levemente del punk, y haciendo su sonido más accesible para aquellas emisoras de radio que se interesan por ellos. Fruto de esa colaboración llega el que podemos considerar su momento de éxito más álgido, la publicación del single Do Anything You Wanna Do, con el que rompen la barrera del Top Ten para llegar a un sorprendente número nueve de las listas. Eso sí, la canción, una auténtica gema powerpop se incluye en un disco, Life On The Line, demasiado blando para un momento en el que se va a producir la ya conocida explosión punk. Por eso el grupo entra en barrena y aunque publica Thriller en 1979 y Fish’n’Chips en 1981, acaba disolviéndose. Vuelven para una reunión, con Masters y Nicol a la cabeza en 1984, aunque apenas están quince meses juntos. En 1996 sí que el reencuentro de la formación clásica (los dos citados, más Higgs y Gray) tiene más éxito y se consolida, aunque con un número verdaderamente incontable de entradas y salidas de músicos. Publican un disco notable como Gasoline Days, ese mismo año, y giran sin parar, algo que harán hasta este 2018, momento en que la banda ha anunciado su disolución definitiva con una gira de despedida.

—eduardo izquierdo

IMPRESCINDIBLE Teenage Depression (Island, 1976) 8/10

SU disco de debut es, prácticamente por unanimidad si se consulta con expertos en pub rock, el mejor de su carrera. Grabado ya sin la presencia de Lew Lewis, de sus canciones da buena cuenta la llamada formación clásica. Los ocho temas propios que aparecen están firmados por Dave Highs, y a estos se suman las versiones de Show Me de Joe Tex, Shake de Sam Cooke y The Kids Are Alright.

De hecho, tanto esta última como Been So Long son grabaciones en directo extraídas de un concierto en el célebre Marquee de Londres en julio de 1976, del que saldrá buena parte del material que incluirán como extras en su posterior reedición en CD. Producido por Ed Hollis y Vic Maile, el disco capta al grupo en su momento de máxima efervescencia, cuando todavía no eran conscientes de que la urgencia del punk iba a pasar como una apisonadora sobre sus carreras. Aunque en ese momento ellos son las apisonadoras, facturando una tras otra canciones cargadas de energía donde la palabra rock and roll toma conciencia de su verdadero significado. —e.i.

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