Mondo Sonoro octubre 2019 by MONDO SONORO

Nº 276 Octubre 2019 www.mondosonoro.com

MANEL, FUERZA NUEVA, METRONOMY, DAUGHTERS, LA BIEN QUERIDA, LA POLLA RECORDS, BEAR’S DEN, AMAIA PIXIES, FERRAN PALAU, LOS PUNSETES, MOURN, VIVA SUECIA, CRUDO PIMENTO, THE TWILIGHT SAD, DAVID J, SEBADOH

Aliento de dragón

FOTO: NOEMÍ ELÍAS

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba

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CMY

24/9/19

13:51

5/Mondo freako Si algo le sobra al cuarteto catalán es oficio. Per la bona gent (Ceràmiques Guzmán, 19) sigue, a tramos, la propuesta de su anterior álbum y hace homenaje al hecho de escribir canciones. Pop redondo, más o menos electrónico, con un notable uso del sampleo. Un puente entre las músicas en catalán de todas las épocas.

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Manel Cosiendo épocas FOTO: MIREIA GRAU

a boca duele de tararearlas. Per la bona gent es un goteo de magníficas melodías. Historias anárquicas, buenas narraciones, y arreglos que beben de lo último de la música independiente. Y con una gran novedad para su pop: un uso brillante del sampler, como se puede escuchar en el adelanto homónimo del álbum, en ese trocito de Alenar (77) de Maria del Mar Bonet. Una cirugía precisa junto a Jake Aron, productor que ya trabajó en Jo competeixo (16). Solo el homenaje al oficio, que se intuye en el inicio (Canvi de paradigma; quién sabe cuánto estaremos en la picota), y sobre todo hacia el final del álbum, con una entusiasta Boy Band, pervive en el imaginario de la banda, que renueva disco tras disco sus inspiraciones artísticas. Y, por el momento, las ideas brotan. Cómplices, Guillem Gisbert, Martí Maymó, Roger Padilla y Arnau Vallvé, despachan sobre cualquier tema, con la tranquilidad del trabajo bien hecho. —Os habéis cansado de oír que erais herederos del rock en català pero por los samples del disco, ¿al final sois el auténtico puente con la Nova Cançó? (Guillem) No lo sé. Más que una reivindicación, queríamos evidenciar los hilos invisibles que unen las generaciones, que muchas veces parece que hagan la guerra solas. Los últimos cincuenta años de música en catalán es un tiempo minúsculo pero parece que las épocas vivan separadas. —Visto el resultado, ¿cómo es que no ha pasado más esto de los samplers? (Arnau) No estoy seguro de que no haya pasado. Seguramente, en el mundo del hip hop de aquí, sí ha pasado. (Guillem) Mezclar dos cortes melódicos es difícil… Necesitas dos melodías muy casables. Hay una dificultad en el sample si vienes desde el pop. —Más allá de las melodías, Per la bona gent es tremendamente variado. Eso puede dar un disco muy bueno o... (Martí) Lo sufrimos, claro. (Roger) Es una forma de trabajar las canciones. Independientemente del global, trabajamos en canciones. Todo toma coherencia porque están hechas en un periodo concreto de tiempo. (Arnau) Al final nos intentamos acercar de forma

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MONDO FREAKO

LA MÍA En el punto de mira

prudente a lo que nos gusta. Pero cogemos ingredientes de aquí y de allí, sin aburrirnos a nosotros mismos. (Guillem) A medio camino siempre viene el vértigo de pastiche. De ‘¿qué coño es esto que estamos haciendo?’. —¿Aquí entra el trabajo de producción? (Roger) No, cada canción nos tiene que mover y tenemos que llevarla al máximo con letra, melodía y arreglo. No hay nunca un ejercicio final de coherencia. (Guillem) Nunca hemos cambiado el arreglo de una canción para que funcione en el disco. Ni siguiera Jake, el productor, lo busca. No entiende ni las letras… [ríen] —Jake Aron es un monstruo (productor o ingeniero de artistas como Snail Mail, Solange, Grizzly Bear o Empress Of), ¿no? (Guillem) Le mandamos un mail para grabar juntos igual en septiembre. Hace un año. Tiene la agenda… (Roger) Primero nos dijo que no Pep Sala [ríe]. (Guillem) ¿No dejarás de hacer bromas sobre Pep Sala? Jake nos ayuda a interpretar bien nuestros instrumentos, pero nunca nos saca guitarras y mete sintetizadores. (Arnau) Él vacía, básicamente. Mezcla mucho. (Guillem) A veces nos dice que los temas no pueden ser muy largos, pero no le hacemos ni puto caso. Es muy de su industria eso de entender la música como algo distraído donde siempre pasan cosas. Pero nosotros ya lo hacemos así de normal. —Vuestras historias siempre son muy abiertas. (Guillem) Hay un concepto de montaje en el cine, el de cortar el plano cuando toca, que nos mola. Hay que ser misteriosos, es nuestra forma de entender el arte. En nuestra música y en una serie de Netflix. No hay que ser crípticos y decir cosas por decir. Pero queremos ser sugerentes. —Lo único que se mantiene es esa autorefe-

en concierto l Valencia 09 noviembre. Jardins del Palau (Deleste Festival) l Barcelona 16 noviembre. Poble Espanyol (Cruïlla de Tardor) l Tarragona 23 noviembre. Tarraco Plaça Arena l Girona 29 noviembre. Temporada Alta – La Mirona l Palma de Mallorca 13 diciembre. Teatre Principal l Lleida 28 diciembre. Teatre de la Llotja l Madrid 09 enero. La Riviera (Inverfest)

EL APUNTE

La influencia de... Kanye West “¿Los samplers? Se nos ocurrió de improviso, en un bolo de Jo competeixo”, dicen. “En el mundo del hip hop es normalísimo; hay un sampler de Ray Charles, otro de Nina Simone…”, acompaña Martí. El sampler de Nina Simone al que hace referencia es Do What You Gotta Do y está incluído en Famous, del álbum de The Life Of Pablo (16) de Kanye West. “¿Quién sería nuestra Nina Simone?”, se preguntó la banda. La casualidad, el tema sonó en la radio mientras Guillem Gisbert fregaba los platos, quiso que Alenar de Maria del Mar Bonet se mezclara con una neonata Per la bona gent, con resultado pluscuamperfecto. Eso abrió un motor creativo: el quinto disco de Manel es el de los samplers, un puente con músicas en catalán de todas las épocas. Desde la Nova Cançó (Maria Cinta) hasta el Rock en català (Els Pets). ¿Habrán abierto la veda con el largo? Dicen que a la cantante catalana, a la que contactaron vía carta, le ha gustado el experimento. Para no. —y.s.i.

rencia sobre el oficio. (Guillem) Sí. Está en diferentes partes del disco. Sin que fuese buscado. Nunca hemos intentado hacer discos conceptuales, pero nos da la sensación que de forma azarosa, ha pasado. Las últimas tres hablan de oficio. Y si sumas lo de los samples, que también habla de oficio... Incluso Canvi de paradigma lo hace: todos estamos abocados a ese cambio de paradigma que nos arrincone. —¿Por qué os habéis autoproducido? (Roger) Nos fueron caducando los contratos y ya probamos con la reedición en vinilo de Els millors professors europeus. Es más trabajo, pero puede que compense. (Guillem) Para mí, como lo hace Martí, no ha cambiado nada... [ríen] —¿Sabréis traducir todo este álbum al directo? (Guillem) Espero. [Ríen] (Martí) Jake nos dijo en broma que pillaría un avión para ver cómo nos lo montábamos para tocar el disco en directo. Seremos, como siempre los cuatro. (Guillem) Siempre pensamos que cambiaremos los arreglos y luego bastante tenemos con aprendernos las del último disco. —yeray s. iborra

ecía Sinatra que no hay mejor venganza que tener éxito. Lo que nos retrotrae a una viejísima disputa entre los que crean e interpretan música y quienes nos dedicamos a escribir sobre ella. Hace unos años se publicó en España todo un libro (lamentablemente limitado al terreno de la clásica) dedicado a recoger con la perspectiva que da el paso del tiempo grandes cagadas de la crítica. Se titula Repertorio de vituperios musicales, y puede leerse como un ejercicio de ajuste de cuentas por parte del gremio de los compositores para con la prensa, pero también como divertida recopilación de imaginativos ejercicios de carnicería periodística. Eran otros tiempos, claro. Lejanos, y en los que los medios disfrutábamos de un poder que se ha ido diluyendo desde que hará cosa de veinte años se produjo la revolución más importante en el campo de la información desde la imprenta de Gutenberg. Que a día de hoy, con el acceso libre a la gran fonoteca universal, la importancia de la crítica se ha relativizado parece evidente. Además determinados hábitos por parte de la prensa musical tampoco han ayudado a cambiar esa dinámica. A Mondo Sonoro a menudo se nos ha achacado, no sin parte de razón, un buenismo a la hora de valorar las novedades de cada mes. Los motivos bien poco tienen que ver con la supuesta “venta” de contenidos, que resulta ridícula de imaginar para todo el que conozca la situación de la industria discográfica, en cuasibancarrota desde la irrupción de Internet. En verdad esa tendencia se debe por un lado a la buena voluntad que nos lleva a hablar de aquellos discos que consideramos más interesantes, y también a que los textos los suelen firmar quienes han seguido al artista a lo largo de su trayectoria, habitualmente admiradores de su trabajo. En cualquier caso hemos creado una dinámica peligrosa que hoy se traduce en una consecuencia: tan mal hemos acostumbrado a artistas, managers y demás agentes de la industria, que hoy las escasas malas críticas que ven la luz en los medios tienen un encaje fatal por parte del criticado. Lo viví en mis propias carnes recientemente en un par de ocasiones, petición incluida de mi cabeza a la Dirección del medio. Resulta llamativo que esto ocurra en un momento en que lectores y actores del negocio musical se empeñan en señalar la influencia nula que tiene la prensa musical. Más de uno lo afirma convencido al tiempo que utiliza todos los medios a su alcance para conseguir una crítica mansa y unidireccional. Por eso tampoco es de extrañar que algunos artistas de primera línea renuncien a concedernos entrevistas y sin embargo pongan todos sus esfuerzos en ejercer de figurines en la portada de revistas de moda y tendencias. Un reportaje de moda no les fiscaliza ni dice aquello que no quieren escuchar. Lo que en el fondo reafirma la razón de ser y hasta la importancia de nuestro trabajo. —luis j. menéndez

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#6 octubre 2019

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Fuerza nueva La hispanidad era esto

l relato, ese intangible que en los últimos años se ha apoderado del discurso político, está también en el núcleo mismo de este iconoclasta encuentro entre Los Planetas y Niño de Elche, retorciendo y redescubriendo contextos para hacer frente al relato hegemónico de hitos tan dispares como el Himno de Andalucía (reconvertido en Santo Dios), El novio de la muerte, La saeta de Antonio Machado (que da lugar a La cruz), La canción de los gitanos o Els Segadors (Canción para los obreros de Seat, a partir de un anónimo anticatalanista recogido por el filósofo y cineasta francés Guy Debord), seguramente la revisión que más ha escocido entre las presentadas por Fuerza nueva –con “n” minúscula, dicen, por aquello de diferenciarse del extinguido partido de ultraderecha–. (Jota) “Hay fachas en todos los lados. Esto de Fuerza nueva al final está siendo una máquina de desenmascarar fascistas; gente que opina sin escuchar ni entenderlo, cuando una de las ideas del disco es sacar las cosas de contexto y ver cómo cambia el sentido de las palabras”. “... Que al fin y al cabo es lo que suelen hacer las naciones para crear sus himnos. El problema es que está todo el mundo muy nervioso y a nada que metes el dedito, la gente salta”, apunta Pedro G. Romero, colaborador habitual del Niño de Elche y responsable del armazón ideológico del proyecto, con unos detallados textos que amplifican el alcance de cada uno de los temas. (Jota) “Luego están los que decían que con el himno de España no nos atrevíamos”. (Florent) “Pero ya tenemos grabada una versión, porque según Pedro una parte proviene de una canción mozárabe, así que rescatamos esa melodía y lo enlazamos con una ‘sura’ del Corán. Saldrá en un single especial, igual para el 20-N o algo así”. Todo esto lo van contando Jota, Florent, Paco Contreras (Niño de Elche) y el polifacético Pedro G. Romero en una atropellada conversación en Casa Manolo, histórica taberna madrileña situada a espaldas del Congreso

de los Diputados. La política se cuela en este trabajo anunciado para el 12 de octubre, Día de la Hispanidad, aunque no sea exactamente un disco político. (Jota) “Fíjate que yo antes era anarquista, pero desde que conozco a Paco soy socialdemócrata”. Es, eso sí, un álbum sobre una cierta idea de España. (Jota) “Habla sobre el nacionalismo español, porque el nacionalismo tiene algo de religioso; es una creencia, también con algo de mística, un rito”. (Paco) “Yo que venía de ser antirreligioso, y también antimilitarista y antiflamenco, pues al final todo sale. Igual que con el movimiento antinacionalista español; está ahí, pero resulta que buena parte de lo que he hecho a nivel artístico tiene que ver con España: el disco sobre Miguel Hernández, Voces del extremo, Exquirla, ahora esto…”. (Jota) “Es que al final el flamenco es la música más potente que hay en España”. La afirmación, convertida en mandamiento desde La leyenda del espacio (07), sustenta la colisión entre los mundos de Los Planetas y Niño de Elche, recorriendo

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un camino jalonado por tradiciones y plegarias. (Florent) “Ha habido una conexión de principio a fin; Paco nos proponía ideas, lo probábamos y en dos o tres tomas ya teníamos el tema. No ha habido ningún momento de parón, de no saber adónde íbamos”. (Pedro G. Romero) “Volviendo a la himnología, todo esto enganchaba con esos temas de Los Planetas que tienen algo de himno generacional, así que no era un mal punto de partida”. (Paco) “Es curioso que una de las críticas que leí de su último disco decía, de forma despectiva, que las canciones parecían pasos de Semana Santa. Joder, si precisamente lo que me gusta a mí de ellos es ese ambiente, esa solemnidad. Había algo que se entrecruzaba, y a partir de ahí hemos ido buscando referencias que nos pudieran unir musical y conceptualmente”. (Jota) “Pero vamos, que la cosa no era provocar, más bien dar una vueltecita”. —enrique peñas

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EL APUNTE

El rayo que no cesa El advenimiento de Fuerza nueva ha contado también con las ilustraciones de Javier Aramburu, que en la portada del álbum ha situado un mapa de España atravesado por un rayo que descubre las conocidas ondas con las que el diseñador Peter Saville inmortalizó el Unknown Pleasures de Joy Division. (Jota) “Casi todos los grupos de Factory Records tenían también una connotación situacionista, jugando con el sentido de las palabras: Joy Division, New Order, The Durutti Column, A Certain Ratio…”. Pedro G. Romero tira del hilo y lo devuelve a Guy Debord y su predilección por las canciones de soldados. “Es música con una épica de la derrota. Una de las cosas que más me gusta del disco es la construcción de atmósferas sonoras con una idea de himno, pero el clima es de tormenta”. —e.p.

octubre 2019 #7

FOTO: DAVIT RUIZ

Una búsqueda en Google resulta reveladora: Fuerza nueva ya no es sólo un desaparecido partido de extrema derecha, sino la confluencia con la que Niño de Elche y Los Planetas han venido a reescribir desde el flamenco-rock, unos cuantos himnos de esta España viva, esta España muerta. Escúchalos en Fuerza nueva (El Ejército Rojo, 19).

“Esto de Fuerza nueva al final está siendo una máquina de tas” desenmascarar fascis

Metronomy Nada es para siempre "Crecí escuchando música grunge, que con el revival de los ochenta mucha gente despreció"

Ha cambiado el agitado día a día de la ciudad por una apacible vida en el campo, pero Joseph Mount, el hombre detrás de Metronomy, se resiste a perder de vista la diversión como ‘leit motiv’ de su trabajo, convertido aquí en un ‘collage’ de estilos en el que la eternidad acaba siendo pasajera. Su título Metronomy Forever (Because/Music As Usual, 19).

A sus treinta y seis años, Mount ha hecho un disco marcado por la idea (la certeza) de haber dejado atrás el desenfreno, aunque sin renunciar del todo a un espíritu desenfadado que sigue salpicando buena parte de sus temas. “Es extraño, porque está claro que el tiempo ha pasado y que la gente que escucha la música de Metronomy desde hace años también lo ha hecho, pero cuando estoy en un

concierto y veo a un puñado de jóvenes en las primeras filas, eso es algo con lo que no puedo dejar de disfrutar; en el fondo, todos deseamos que eso ocurra”. Metronomy Forever juguetea con la idea de eternidad, no tanto en su concepción más trascendente como en la capacidad de mirar hacia detrás lo mismo que hacia delante, algo que el británico siempre ha hecho, pero que en esta entrega se acentúa, replicando la sensación de escuchar la radio para saltar de género en género. “Hay algo también de esa época en la que grababa mixtapes en las que, de alguna forma, ponías algo de ti, aunque seguramente la otra persona no reparara en ello, sino que simplemente escuchaba la música. Eran unos años en los que, cuando te gustaba una banda, te decías que sería para siempre; no sólo eran sus canciones, sino lo que decían en las entrevistas, cómo vestían… todo”. Una suerte de amor platónico en versión pop que tiene su apogeo en la adolescencia, para más tarde cambiar la perspectiva. “No importa que tu éxito haya podido ser más o menos importante, el caso es que hay un punto en el que empiezas a pensar en términos de legado, como si tus discos fueran obras de Van Gogh. Cada vez es más difícil que yo pueda seguir siendo relevante para ese fan adolescente del que hablaba antes, pero no

me preocupa. Al final creo que eso hace que la música sea mejor; cuanto menos importancia le das, más interesante puede ser”. A lo largo de estas diecisiete canciones (“la idea con la que empecé es que fuese más corto, un disco de diez canciones, pero necesitaba contar más cosas y que dijese algo más de mí”), Joseph Mount despliega un variado catálogo de registros: electrónica, funk, indie-pop y hasta grunge a modo de canción de campamento (Upset My Girlfriend), en la que, de paso, recuerda que empezó siendo el batería de un grupo de rock. “Crecí escuchando música grunge, que luego con el revival de los ochenta fue un estilo que mucha gente despreció, quizá de manera un tanto injusta. La idea que tenía con este disco era pasarlo bien, y también que de alguna forma contuviera todas las versiones posibles de Metronomy”. —enrique peñas

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en concierto l Madrid 19 marzo. La Riviera l Barcelona 20 marzo. Razzmatazz

oseph Mount ha andado bastante más ocupado de lo que cabría pensar los últimos años. Primero, ejerciendo como productor para Robyn en Honey (18), uno de los grandes acontecimientos del pop reciente (“trabajar en un disco que no es el tuyo te ayuda a ver las cosas desde otra perspectiva, y en este caso además fue algo muy intenso, porque era un álbum basado en una experiencia traumática para ella; al principio pensé que podría ir dedicando tiempo a mis canciones, pero resultó misión imposible”); después, cambiando París por una casa en el campo en el condado británico de Kent, donde creó su propio estudio, en el que finalmente remató este sexto álbum como Metronomy, justo ahora que se cumplen veinte años desde que pusiera en marcha este proyecto, aunque su debut en largo –Pip Payne (06)–, se hizo esperar y el primer coqueteo con el éxito internacional no llegó hasta Nights Out (08). “Han cambiado muchas cosas, pero la más importante es que ahora tengo dos niños; eso es definitivo para aceptar que no vas a ser joven nunca más. París es una ciudad fabulosa, llena de restaurantes, clubes y una enorme actividad, pero tener dos pequeños corriendo de un lado para otro en un apartamento de dos habitaciones hace que te replantees las cosas, así que lo primero que les dije cuando nos mudamos es que corrieran lo que quisieran”. #8 octubre 2019

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Suena a otra historia

A qué suena tu cerveza?

Lemon Rock, Granada Vancouvers · 03 de octubre Los Vinagres · 17 de octubre

Palacio de la Prensa. Sala 0, Madrid Charlie Cunningham + Hamish Hawk 05 de octubre

Loco Club, Valencia

Rocío Márquez, Niño de Elche, Oddisee...

Los Vinagres · 05 de octubre

Teatro Lara, Madrid Lorena Álvarez · 08 de octubre ALA.NI · 23 de octubre

Gira 10º Aniversario SON Estrella Galicia

Sala Hangar, Córdoba

Rocío Márquez Teatro Lara, Madrid · 10 de octubre Niño de Elche “Un show íntimo y exclusivo para el Torgal” Café & Pop Torgal, Ourense · 10 de octubre Oddisee Radar Estudios, Vigo · 11 de octubre

La Calle, Sevilla

981Heritage SON Estrella Galicia

Playa Club, A Coruña Diamond Dogs · 09 de octubre

Los Vinagres · 18 de octubre Crudo Pimento · 24 de octubre

Los Vinagres · 19 de octubre

Independance Live, Madrid

Karol Conká · 24 de octubre Dengue Dengue Dengue · 26 de octubre

Living Room with Oddisee Secret Show | Secret Venue, Madrid 10 de octubre Daughters + Jeromes Dream Sala Cool, Madrid · 13 de octubre Efterklang Teatro Lara, Madrid · 22 de octubre

SON Estrella Galicia Posidonia

11, 12 y 13 de octubre · Isla de Formentera

American Autumn SON Estrella Galicia

Early Day Miners + Julie Doiron Fun House, Madrid · 18 de octubre Mark Lanegan Band Sala Capitol, Santiago · 24 de octubre

DEAFHEAVEN FOTO: archivo

KRAFTWERK FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Los Discos de mi Vida Greg Barnett (The Menzingers)

La nueva edición del BIME está ya a la vuelta de la esquina. Al margen de la parte profesional previa, el BIME incluye cada año una larga lista de conciertos. Este año se llevarán a cabo los días 1 y 2 de noviembre en las instalaciones de BEC! Bilbao. Los principales cabezas de cartel son Kraftwerk (con su espectáculo en 3D) y Jamiroquai, aunque el resto de programación vale mucho la pena: Amaia, Daphni, Morgan, Brittany Howard (Alabama Shakes), Michael Kiwanuka, Róisín Murphy, Mark Lanegan, Glen Hansard, Carolina Durante, Helena Hauff y muchos otros. Por otro lado, el 30 y 31 de octubre once salas de la ciudad acogerán a cuarenta artistas (entre ellos El Columpio Asesino, Yawners, Hickeys o La Habitación Roja) procedentes de doce países. —MS www.bime.net.

Greg Barnett (voz y guitarra) de la banda de punk rock The Menzingers nos descubre algunos discos que le han marcado por motivos distintos.

Un disco que descubrí por mis padres... R.E.M.

El primer disco con el que lloré... The Mountain Goats

El disco que más veces he escuchado... Bruce Springsteen

Mi madre tenía un Toyota Corolla muy reventado y algunas de mis primeras memorias musicales son de ir viajando y escuchando cintas en ese coche. Escuchamos esta cinta de R.E.M. religiosamente durante años.

En realidad no es el primero con el que lloré, pero sí el disco con el que más he llorado. Cuando éramos teenagers, mi hermano Bob y yo enloquecimos con Going To Georgia y a continuación compramos el disco. Eran las canciones que nos hubiera gustado escribir a nosotros.

Crecí con este disco sonando constantemente en casa cuando era niño, y muchas veces más lo puse en el primer apartamento en el que viví. Para mí, Born To Run, la canción, es la magna carta de la composición rock’n’roll.

YUGEN BLAKROK FOTO: ARCHIVO

Out Of Time (1991)

The Sunset Tree (2005)

La edición de este año del festival barcelonés AMFest, que se celebrará en la Fabra i Coats desde el 10 al 13 de octubre, ha superado todas las expectativas con un cartel de verdadero lujo, sin duda el más ambicioso de su trayectoria. De este modo, podremos ver a bandas de géneros diversos asociados a las guitarras inquietas, desde metal vanguardista de Deafheaven al hardcore emocional de Touché Amoré, pasando por Zeal & Ardor, Alcest, Daughters o Pelican. Y no nos olvidemos de la participación de bandas imprescindibles de la escena nacional como Lisabö o los reunidos para la ocasión 12twelve. También habrá otros participantes como Cocaine Piss, Tides From Nebula o Tides Of Man. —MS www.amfest.es

Born To Run (1975)

KORN FOTO: ARCHIVO

BIME

AMFest

Resurrection Fest Estrella Galicia

Periferias Este mes de octubre, Huesca volverá a ser el centro neurálgico culturalmente hablando de Aragón. El motivo es la nueva edición del festival Periferias, que se celebrará a lo largo de once días (del 17 al 27 de octubre) con música, artes plásticas, literatura, cine, teatro, danza, etcétera. En cuanto a la programación musical, este año podremos ver a Niño de Elche, Baiuca, Nu Tempo, Afrosideral, Kiev Cuando Nieva o Sandra Lanuza, y nombres internacionales como Forkn Bois, Nadah El Shazly, Idris Ackamoor & The Pyramids o Yugen Blakrok. —MS www.periferias.org. #10 octubre 2019

El disco del que más he robado... The Clash

Un disco que odié y que ahora me encanta... Saves The Day

El último disco que me ha atrapado.. Big Nothing

Cada uno de los álbumes que hemos escrito se han nutrido de algo de este disco. Nos ha inspirado muchísimo el que cada canción suene diferente y como, al mismo tiempo, el álbum tenga una cohesión perfecta.

La primera vez que escuché este disco lo odié. En aquel momento había una línea divisoria entre punks y emo kids. Yo me decantaba con firmeza en el lado punk. En todo caso, Stay What You Are es un disco que rechacé por pura arrogancia, y ahora me parece un disco atemporal y perfecto.

Hay una nueva banda de Philadelphia llamada Big Nothing que acaba de publicar un nuevo álbum llamado Chris. Es fantástico. Ahora mismo ensayamos en el mismo edificio. Altamente recomendable. —MS

London Calling (1979)

Stay What You Are (2001)

Chris (2019)

El Resurrection Fest celebrará este año (del 1 al 4 de julio) su quince aniversario y ha puesto toda la carne en el asador con sus primeras confirmaciones. Así, los primeros cabezas de cartel nos han cortado la respiración. System Of A Down y Korn –ambos en su único show español en todo el año– y Judas Priest, dentro de su gira de cincuenta años en el metal. Pero la cosa no acaba ahí, porque también se suman otros dos artistas que únicamente podrás ver en el Resu, Meshuggah y Heaven Shall Burn, y otros como Sepultura, Madball, Amenra, Dark Funeral, Hamlet, Vita Imana, Blowfuse y una larga lista que se irá ampliando en breve. —MS www.resurrectionfest.es

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Fiesta 25 Aniversario de Mondo Sonoro Cartel de lujo Hace ya meses iniciamos las actividades con las que celebramos los veinticinco años de Mondo Sonoro. Ahora llegamos a la cúspide con un concierto muy especial en La Riviera de Madrid (jueves 7 noviembre) con cuatro grandes nombres de la escena independiente de nuestro país: Viva Suecia, El Columpio Asesino, Hinds y Bejo.

Milagro (19)... No podemos pedir más”. (Bejo) “Me alegro de formar parte de un festival de estas características y que está vinculado a un medio que siempre está al día de las tendencias musicales de la actualidad y con el que he tenido bastante relación durante mi carrera. Que cuenten conmigo es para mí una satisfacción”. Y no podíamos dejar pasar la oportunidad de preguntarles por sus recuerdos relacionados con nuestra revista. (Hinds) “¡Fuimos portada con el segundo álbum! Siempre que la veíamos en el local de ensayo nos preguntábamos si lo seríamos alguna vez, así que fue una gran ilusión. Gracias a esa portada recuperé el contacto con un par de amigos del colegio y todo”. (Viva Suecia) “Cómo olvidar aquella primera vez que salimos. Fue en la Edición Sur, en diciembre de 2014, creo... Estábamos ahí, entre las mejores demos del año junto a un montón de amigos y artistas que admirábamos. No nos lo creíamos. Todavía anda el recorte de esa página por el local de ensayo”. (El Columpio Asesino). “Son unos cuantos, pero es imposible no recordar a nuestro amigo desaparecido, Rafa Angulo (responsable de la edición aragonesa de la revista). La gira por China y Filipinas con él, nuestros viajes a México… le echamos de menos. También recordamos con mucha ilusión las dos portadas obtenidas, una por La Gallina (08) y la otra por disco del año con Diamantes (11). Estamos muy agradecidos al Mondo, la verdad…”. Por si no hubiera suficiente, contamos con la colaboración de 20 Minutos y Radio 3. Recuerda que ya puedes comprar las entradas (20 euros anticipada; con gastos de gestión incluidos) en: www.mondosonoro.com y www.ticketmaster.es. Vente, tráete a tus amistades, acércate con muchas ganas de pasarlo bien, pero sobre todo hazte con tu entrada antes de que se agoten. —MS

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HINDS FOTO: ARCHIVO

VIVA SUECIA FOTO: ARCHIVO

BEJO FOTO: SERGIO ALBERT

EL COLUMPIO ASESINO FOTO: MIKEL MURUZABAL

enimos de dos suculentas celebraciones de este aniversario tan especial –¡veinticinco años!-. En marzo, celebramos nuestra Demoscópica en Madrid (Cariño, María José Llergo, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba y Novedades Carminha). En mayo, en L’Hospitalet con Pinpilinpussies, Conttra y La Pegatina, y, hace apenas unas semanas, en el festival barcelonés BAM con María José Llergo y Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, junto a la estadounidense Mattiel. Pero todo esto han sido aperitivos de lo que está por llegar. Si nuestra fiesta de veinte aniversario (Barcelona, 10 de octubre de 2014) tuvo como protagonistas a cuatro bandas que habían crecido prácticamente en paralelo a nuestra trayectoria (Dorian, Love Of Lesbian, Sidonie y Standstill), esta vez queremos reflejar parte de la actualidad musical estatal. Para ello, nada mejor que combinar generaciones, estilos y procedencias diversas. Los protagonistas serán Hinds, Bejo, Viva Suecia y El Columpio Asesino. Aunque lo mejor de todo es que están encantados de formar parte de nuestro cartel. (Viva Suecia) “Es un honor para nosotros. Mondo Sonoro ha formado parte de nuestra vida desde que éramos unos críos y estar en esta fiesta también tiene una parte de nostalgia y de orgullo. Si se suma a que vamos a poder desgranar algunas canciones de El

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octubre 2019 #11

FOTO: reid haithcock

MONDO FREAKO

Daughters Más rápido, más oscuro

EN LA MALETA

No les quede la más mínima duda de que You Won’t Get What You Want (Ipecac, 18) fue uno de los discos más arrolladores del pasado ejercicio. Por eso era una obligación que Daughters nos visitasen de nuevo. Lo harán en el barcelonés AMFest, en San Sebastián y en Madrid.

Troya Modet

Del 5 al 9 de noviembre se celebrará en Barcelona el MIRA SON Estrella Galicia o Digital Arts Festival. Entre la larga lista de artistas nos encontramos con la española Troya Modet, que ofrecerá un set especial para la ocasión.

#12 octubre 2019

"Cada vez que tenemos a la oportunidad de salir como tocar nos lo tomamos " ia una pequeña victor

on el lanzamiento del sólido You Won’t Get What You Want (18), un disco de una oscuridad latente y denso como laguna de mercurio, Daughters se convirtió en una de las vueltas más aclamadas de 2018. Años después de

ué puedes adelantar de lo que será tu sesión en el MIRA? Ahora mismo estoy en California, conociendo a la familia Dublab y en un retiro de dos meses para inspirarme. Lo que se me ocurre es crear una jungla dentro de una nave industrial, para invadirla. Metales, animales, espíritus, ecos, agua, viento, lluvia, fuego, tierra, bases rotas… Un interludio infinito y ascendente para mentes abiertas y cuerpos libres. —¿Eres una persona que le da muchas vueltas previas a lo que será cada una de sus sesiones o te encaja mejor la espontaneidad y el ir moldeando la sesión dependiendo del feeling que sientas en la sala? Soy muy nerviosa y antes de cada set me siento como un flan. Lo mejor para mí es intentar preparar algo conociendo la filosofía del lugar, evento o club e intuir qué podría gustar a los asistentes/ oyentes. Esto hace mas fácil poder improvisar sobre lo que has preparado. —Viajaste mucho de pequeña y eso te ha permitido ser una Dj muy abierta de miras, pero ¿cuál es el momento definitivo o definitorio de lo que ha acabado siendo a día de hoy Troya Modet como Dj? Siento que fue aquella primera vez que mezclé en ese chiringuito de Ibiza a mis dieciocho años para la puesta de sol. Cambiar mi residencia a Barcelona también fue un movimiento clave para desarrollar mejor muchas ideas compartiéndolas con más

sus memorables conciertos de 2004, volverán a España para tocar en Barcelona, San Sebastián y Madrid. El batería Jon Syverson aún se sorprende por las reacciones positivas que generó el regreso del grupo después de siete años de separación. “Primero quisimos demos-

artistas como Ylia o Virginie. Con Ylia mantengo un club de escucha activa en lugares clandestinos de Barcelona. Se llama Peneda Gerês. Pronto estará establecido de un modo más público para el disfrute de todo aquel que le guste oír ambient, sonidos cósmicos, tribales... Con Virginie tenemos un proyecto conjunto llamado Shakti Alliance, donde disfrutamos haciendo bailar a ritmos de house, acid, Detroit, arábico… Disfrutamos mucho de las sesiones que presentamos, no paramos de bailar y nos sorprendemos mucho con la selección que lleva cada una, pues encaja perfectamente. Cuando pincho en solitario, me defino con una música a tempo bajo y con influencias más oscuras, experimentales y electrónicas. —¿Por qué motivos empezaste a pinchar?¿Y cuándo empezaste a tomártelo realmente en serio? Porque, sin que nadie me enseñase a mezclar música usando mesa de mezclas y reproductores, pude ver que tenía una habilidad para cuadrar temas y mezclarlos con sentido y tacto. Ser Dj es algo que llevo dentro. De niña no veía películas, o mejor dicho, solo veía con los oídos. Nunca imaginé que podría tener una carrera como tal y un nombre de artista. —¿Cuáles dirías que son tus Dj’s favoritos a día de hoy,? Michael Ozone, Hero Vibes, Tamas Jones, Lexx, Mafalda… No pararía de decir nombres. —MS

trarnos que éramos capaces de escribir un disco. No había más que eso. Cuando comenzamos no sabíamos quién lo iba a editar o si iba a generar algún interés siquiera”, comenta. Alguien en el sello Ipecac (propiedad de Mike Patton y el ex manager de Dead Kennedys, Greg Werckman) les contactó tan pronto como se enteraron de que la banda se traía algo nuevo entre manos. “Nos sentíamos incómodos en esto de acercarnos a algún sello porque lo habíamos hecho y sentíamos que teníamos que acomodarnos a ellos para seguir adelante, lo cual nunca fue parte de nuestras ideas u objetivos. Así que surgió lo de Ipecac y fue una combinación increíble. A ellos les encantó el disco, cosa que apreciamos mucho”. Mas allá de mostrar una madurez evidente en la simple forma de tocar –mas bien minimalista y con un manejo magistral de climas amenazantes– You Won’t Get What You Want es el doble de largo que los dos discos anteriores Hell Songs y S/T. Syverson explica al respecto que “puede que sea porque al hacernos viejos, nos ralentizamos. Sí, hay cierta madurez en el enfoque musical, pero hacer las cosas más largas no fue una decisión consciente. Con Daughters siempre partimos del sonido del disco anterior. Si hubiéramos pensado antes en hacer un disco así de largo nos hubiese explotado la cabeza, ten en cuenta que nuestro primer álbum recogía diez canciones en once minutos. Definitivamente nos lo tomamos más en serio ahora, no todo es una broma hasta cierto punto, pero al mismo tiempo no

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TAN. CERCA RREl período de inscripción de

la sexta edición de los Premios Fest se acacba de cerrar. En breve se darán a conocer los candidatos. Recuerda que el año pasado compitieron más de ciento setenta aspirantes y se registraron más de cincuenta mil votos. RRPrimera edición de las jor-

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en concierto l Barcelona 10 octubre. Fabra i Coats (Fiesta presentación AMFest) l San Sebastián 11 octubre. Dabadaba l Madrid 13 octubre. Sala Cool (981Heritage SON Estrella Galicia)

RRPondría considerarse un

record en nuestro país. Rosalía ha agotado nada menos que dos Palau Sant Jordi barceloneses en apenas unos minutos. Así, no quedan entradas para los conciertos que se celebrarán el 7 y 8 de diciembre en la capital catalana. El concierto de Madrid, que será el 10 de diciembre en WiZink Center, también agotó entradas a toda velocidad, aunque de momento no hay segunda fecha en la capital. RRNovedades Carminha han

El cuarteto de indie rock Mourn debutan con Mixtape en el sello madrileño Subterfuge rindiendo homenaje a bandas de la talla de The Cure, The Smiths y The Replacements. Esta nueva referencia de la banda de Cabrils (Barcelona) recopila ocho versiones y dos temas propios, grabados en diferentes tandas en los tres últimos años.

n 2017 grabamos unas versiones que sacó Captured Tracks en cassette, el EP Over The Wall, con cuatro temas. Nos pareció muy guay eso de grabar versiones entre discos. Te ayuda mucho aprender a tocar otras canciones, de otros artistas, con otros puntos de vista”, recuerda su guitarrista y cantante Carla Pérez Vas desde el otro lado del teléfono. En ese mini-álbum auspiciado por el sello de Brooklyn, el germen de este curioso y entretenido recopilatorio, Mourn atacaban y adaptaban a su estilo afilado e intenso Color Me Impressed de The Replacements, The Fire de The Sound, Whatever de Hüsker Dü y Over The Wall de Echo And The Bunnymen. El plástico actual recupera estas versiones y añade otras tan fascinantes como las deWilliam de Come y Jumping Someone Else’s Train de The Cure. “Me costó mucho grabar alguna como William, pero ahora me encanta, y creo que la de Hüsker Dü quedó genial aunque nos tuvimos que inventar un poco los acordes (risas)”. Salir de la zona de confort y aprender. Carla y compañía encaran así las versiones. “Siempre hemos hecho ‘covers’. En nuestros comienzos hacíamos una del Career Opportunities de The Clash y no solo por tener más repertorio sino porque nos apetecía. También intentamos

una versión de Sunny Day Real Estate que tocamos una vez y ya está (risas)”. Con Mixtape entran en el catálogo de Subterfuge, un sello decano que conocen por bandas y artistas que siguen de cerca como Texxcoco y Anni B Sweet. Carla también sabe que Subterfuge es la discográfica “con la que Dover lo petaron” en 1997. Entonces ella solo tenía un año y mucho han cambiado las cosas desde entonces, sobre todo en la industria musical. Quizá por eso los miembros de Mourn siguen con un ojo puesto al otro lado del charco, donde ya han comprobado, tras varias giras, que hay muchas más oportunidades cuando haces rock alternativo. Pero no tiran la toalla en su país y por eso puntualizan: “Capture Tracks sigue siendo nuestra discográfica madre, pero hemos decidido fichar por Subterfuge para que nos ayuden a mover el disco en España y tocar más por aquí”. Mientras promocionan este recopilatorio con ecos a los ochenta, la banda que completan Jazz y Leia Rodríguez ya trabaja en su cuarto álbum. “Tenemos unas cuantas ideas y las vamos trabajando cada semana, pero no queremos ponernos una fecha límite”. —luis benavides

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estrenado Que mal vai ter?, una canción que los compostelanos han compuesto para la adaptación teatral de la serie Fariña, inspirada en el libro homónimo escrito por Nacho Carretero, que hace un recorrido por el mundo del narcotráfico en la Galicia de los años ochenta y noventa. La obra se estrenará el próximo 25 de octubre en el Teatro Colón de A Coruña. RRLas raperas barcelonesas

Tribade han sido nominadas a los premios Music Moves Europe Talent Awards 2020 gracias a su álbum de debut Las desheredadas (Propaganda Pel Fet!, 19). Es un galardón de la Unión Europea creado con la “intención de fomentar y favorecer la música europea”. Otros nominados son Flohio (Inglaterra) o Meduza (Italia).—MS

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r “Te ayuda mucho toca canciones de otros os artistas con otros punt de vista”

FOTO: ARCHIVO

nos estructuramos tanto”. No sólo el disco obtuvo críticas excelentes, sino que se habla de que sus conciertos actuales son verdaderas celebraciones de una intensidad inusitada, sobre todo desde que la banda ha empezado a girar con mayor frecuencia. Afortunadamente, en el caso de Daughters eso no supone que ir de escenario en escenario se convierta en una rutina que pueda afectar la relación y el feeling entre banda y público. “Creo que aún estamos en la cresta de la ola en el sentido de que hasta hace relativamente poco creíamos que nunca volveríamos a tocar juntos. Por el momento, cada vez que tenemos la oportunidad de salir a tocar nos lo tomamos como una pequeña victoria, como un regalo, abrazando la idea de que estamos aquí de nuevo, y que no pensamos separarnos por ahora. No sentimos que girar con Daughters sea un trabajo, para nada, y el hecho de que la gente sea parte de los conciertos hace que todo sea brutalmente fresco y revitalizante para cada uno de nosotros”. —adriano mazzeo

nadas Tiim, que analizarán las “capacidades de la música en la dinamización turística de la Comunitat Valenciana”. A lo largo de los días 15 y 16 de octubre (Valencia, Centre de Cultura Contemporània) y el 8 de noviembre (Fira Musical Trovam-Pro Weekend, Castelló de la Plana) habrá charlas, debates, etcétera, con agentes del ámbito turístico y de la industria musical. Las jornadas son fruto de la colaboración de la Associació de Promotors Musicals de la Comunitat Valenciana y Turisme de la Comunitat Valenciana.

Mourn Canciones de la vida

octubre 2019 #13

La Bien Querida siempre ha tenido dotes de hechicera. Lleva ya diez años cautivándonos con sus poderes extraños, así que no es de extrañar que su nuevo trabajo lleve por título Brujería (Elefant, 19).

na Fernández Villaverde le ha dedicado su nuevo disco a una ”disciplina” con la que ha estado en contacto desde que era una niña. “A mi padre le encantaba el esoterismo. Tuvo una temporada en la que él mismo se creía mago. Venían a casa a hacer telequinesis, imposición de manos… También tenía una amiga médium y hacían espiritismo. supongo que por ahí me viene ese gusto por lo esotérico”. El disco está influido por el libro Ángeles fósiles de Alan Moore y el concepto de la creación como acto de magia. “De alguna forma, escribir es como un acto de invocación, de transformación, de alquimia…. las manifestaciones artísticas son como hechizos que vas lanzando”. Un aura “mágica” que también está muy presente en el propio sonido del disco en el que habla, quizás de forma más abierta que nunca, sobre el mayor de los hechizos: el amor. “Sí, probablemente es mi disco más romántico. Me estaban saliendo muchas baladas, así que decidí dejarme llevar… ¡si no me salen hits pues no me salen! Bueno, al menos no los he ido buscando. Intento que mis canciones no sean ni demasiado alegres ni demasiado tristes. En la melancolía es donde yo nado más cómoda”. Eso sí, todas las canciones son tremendamente conmovedoras, desgarradoras incluso… ¿estamos acaso ante el trabajo más honesto de La Bien Querida? “Bueno, yo las pongo ahí y la gente no sabe lo que es verdad y lo que es mentira. Cuánto hay de realidad y cuánto de ficción prefiero quedármelo para mí”. Canciones como Te quiero, dejan poco margen a la interpretación. Dos palabras tan sencillas que, repetidas hasta la extenuación, suponen un impacto emocional tremendo. Son canciones sin trampa ni cartón, directas al corazón. “Un poco como las rancheras, como la música popular en general. No es necesario recurrir a metáforas complejas para expresar sentimientos concretos”. En el disco resuenan ecos de New Order, The Cure, Lana Del Rey o Beach House (“¡A uno le gustan unas cosas y no puede evitarlo!”) y ha sido producido por Carlos René (Axolotes Mexicanos). “Ya el hecho de que haya otra persona involucrada lo hace distinto. Es una persona más joven, de otra #14 octubre 2019

La Bien Querida Magia Blanca

“las manifestaciones artísticas son como hechizos que vas lanzando”

generación, con otros gustos… se ha adaptado mucho a mí, aunque hemos trabajado mano a mano. Me he involucrado muchísimo más en la producción que en mis trabajos previos”. También participan en el disco otros músicos como Juan Pedrayes y Mario del Valle (ambos miembros tanto de Axolotes como de Carolina Durante) y el primer single (¿Qué?) cuenta con la voz de Diego Ibáñez. “No está metido con calzador. Lo tuve claro porque la canción le queda guay. Además le da un puntito punky con esa voz tan fuerte (risas)”. No obstante también participan en el disco colaboradores habituales como David Rodríguez de La Estrella de David (en Déjame entrar) y J de Los Planetas (en Domingo escarlata y La fuerza). “J es intimo amigo mío, le conozco desde hace mil años, me gusta colaborar con él… y creo que nuestras voces funcionan muy bien juntas. Además es que me gusta colaborar con gente que quiero de verdad y que conozco”. Por cierto que, en este 2019, se cumplen diez años de Romancero (Elefant, 09) debut discográfico de La Bien Querida. “Tengo una visión comercial pésima, porque lo suyo sería

EL APUNTE

Manuel Alejandro MAnuel Alejandro es un compositor, arreglista, productor musical y cantante español que ha compuesto grandes éxitos para Julio Iglesias (Lo mejor de tu vida, Que no se rompa la noche ), Raphael (Yo soy aquel, Qué sabe nadie ) o Rocío Jurado (Como yo te amo, Si amanece) "Siempre escucho a Manuel Alejandro cuando estoy componiendo. Leo sus letras. Me parece increíble cómo dice las cosas tal cual. Dificilísimo. Es un poco como las rancheras, como la música popular en general. No es necesario recurrir a metáforas complejas para expresar sentimientos concretos. Cuando estoy componiendo me gusta mucho escuchar canciones directas". —t.c.

haber hecho una gira o algo… pero también tengo nuevo disco, así que prefiero centrarme en el presente. Tampoco soy muy nostálgica. A veces flipo porque parece que todo fue ayer… y no, soy una veterana en la música. Hay gente que dice que siente que ha nacido para cantar… o que se han estado preparando durante toda su adolescencia. Yo no.. Yo saqué mi primer disco sin ninguna ambición. No me esperaba nada de esto. Cualquier persona que se dedique a esto sabe lo difícil que es mantenerse porque siempre prima la novedad. Y yo, poco a poco, ya tengo seis discos”.

—tomás crespo

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en concierto l Madrid 16 noviembre. Joy Eslava l Barcelona 12 diciembre. Apolo 2 l Benicàssim 9-11 abril. SAN SAN Festival

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FOTO: ALFREDO ARIAS

MONDO FREAKO

l exitazo de taquilla y de ventas (¡número 1 en España!) hace justicia de una vez por todas con este grupo. Tras ofrecer dos conciertos en Valencia, ahora encaran seis conciertos masivos en recintos enormes. Charlamos durante hora y media con Evaristo, quien, sin renunciar nunca al humor, sabe muy bien adónde apunta. Un incendiario cantante, quizás el más incisivo a la hora de denunciar las injusticias del sistema capitalista, con el que es un placer conversar. —¿Cómo te sientes en toda esta vorágine de platós de televisión y entrevistas? Bueno, es un poco la mierdica que me esperaba, pero bien, entretenido también por otro lado. Pablo Iglesias (quien le entrevistó en Otra vuelta de tuerca) me dijo que yo era un tío difícil de entrevistar, y mira que estaba relajado, eh. Igual es que soy mucho de no dejar hablar, como te estás dando cuenta (carcajadas). —Háblanos un poco de la reunión... Nos teníamos que juntar para ir viendo cómo iba eso de los derechos y claro, juntándote, juntándote, salió la idea: ‘¿y qué pasaría sí...?’. Vimos que todo por lo que nos separamos había sido una bobada. Nos planteamos hacer esto puntual, no como una vuelta de La Polla hasta el fin de los tiempos y todo el rollo. —Decenas de miles de entradas vendidas en Valencia, Madrid, Bilbao y Barcelona.... Es algo increíble. En toda la historia, La Polla Records jamás llenamos un garito con 15.000 o 17.000 personas. Ni de coña. Hemos estado en pabellones de 5.000 o así pero con tres grupos más, que no eran tampoco cualquiera. (...) Al hacer las canciones fuimos un grupo de evolución lenta, porque no éramos buenos músicos. Eso nos hizo vivir muchos años. —Los seguidores aprendieron bastante sobre política con tus textos. Por otra parte, existe hoy en día una cierta tendencia bastante exagerada de catalogar al Evas como visionario. Todo lo que haya en cualquier letra en la que yo esté metido, no hay un puto invento mío. Lo llevo diciendo miles de veces pero te lo repito: no hay una cosa que digas “joder qué listo” o “se le ha ocurrido o lo ha visto venir”. No es así, yo no soy un visionario, tío. —Pero haces un diagnóstico certero.

La Polla Records Ni descanso ni paz

EL APUNTE

Cuestionario La anécdota Una monja le dijo a mi padre: “Oye, que tu hijo anda quemando cruces”. Él contestó: “yo, a buenos colegios le he mandao”. La televisión Voy a estar en TV3, la televisión golpista, tío. Preguntaré por los tanques, ¡a ver si me dejan conducir uno! ¡Si son golpistas tendrían que tener ahí tanques y cañones! La tortura Todavía no se ha acabado. Mientras haya donde meter a la gente y que nadie vea lo que pasa ahí, se torturará. El sistema Uno de los goles que el sistema nos mete es hacernos creer que es imposible darle la vuelta a esto. Las huelgas son lo mejor que hay: mira los chalecos amarillos. La droga Entramos al capote como toros nobles y muy buenos. Es un negocio. Un negocio con humanos. Aunque hacíamos cosas, y hacemos cosas drogaos también. Tienes un problema añadido que te has buscado tú mismo. La policía Claro que se mete droga. Hay cosas que hace la policía hoy todavía que sin drogas uno no se las explica. El repertorio De doscientas doce canciones, menos cuarenta y cuatro todas las demás se van a quedar fuera. —u.a.

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Eres un gran observador. ¡Mira, me ha 'gustao' esa tío! A veces me despisto, pero observo también. También hay que tener los cojones para decirlo, y saber cómo hacerlo. Hay que buscárselo para no ir al talego y estas cosas que le pasan a la gente con la libertad de expresión. —¿Te llevas a la familia de gira? A la gira de La Polla sí, voy a llevar si puedo hasta a mi madre joder, que vea al hijo ahí con mucha gente y así. Tiene setenta y ocho tacos, veinte más que yo. Está ilusionada con la vuelta de La Polla. Bueno, es un poco de las pocas veces que me estoy poniendo nervioso, pero ya tranquiliza un poco más el saber que vas a tocar como hacía La Polla antiguamente, íbamos súper entrenados. No hacíamos otra puta cosa más que ensayar. Parecíamos un grupo heavy. —Por fin se ha hecho justicia con La Polla. Por un lado puede acabar como que “al final se vendieron, ya sabía yo”, por eso suelo decir de coña que esto lo planeamos hace dieciséis años y vamos, nos ha salido de puta madre, ¿eh?. —El tema nuevo suena bastante a Gatillazo. Sí, es fácil que suene más a Gatillazo, ya que lo hicimos Txiki y yo. Respecto al resto de temas, por mí hubiera regrabado todos los discos enteros uno por uno pa' dejarlos guapos, pero no nos ha dado tiempo. —urko ansa

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“Todo por lo que nos separamos fue una bobada”

en concierto l Madrid 11 y 12 octubre. WiZink Center l Bilbao 18 y 19 octubre. BEC! Bizkaia Arena l Barcelona 25 y 26 octubre. Palau Sant Jordi

FOTO: ARCHIVO

Parece increíble, pero la cadena de acontecimientos que siguió al hecho de consultar los derechos digitales del grupo desembocó en una regrabación de algunos clásicos y finalmente en la vuelta en toda regla –aunque puntual– de La Polla Records dieciséis años después de su disolución.

octubre 2019 #17

Amaia Operación pausa s “Se pueden cambiar la ás cosas haciendo algo m que canciones”

No ha sido el más rápido, ni el que más pelotazos contiene. Pero sí es el más unitario y con rasgo. Amaia no compite en casi nada con sus antiguos compañeros de OT. Pero no pasa nada (Universal, 19) es un alegato pop cargado de nostalgia. Una forma de encontrar espacio a codazos.

N l Pamplona 5 y 6 octubre. Baluarte l Gijón 18 octubre. La Laboral l A Coruña 19 octubre. Palacio de la Ópera l Girona 31 octubre. Auditori l Bilbao 1 noviembre. BIME l Granada 8 noviembre. Auditorio García Lorca l Valencia 23 noviembre. Palau de les Arts l Barcelona 20 diciembre. Festival Mil·leni l Madrid 16 y 17 enero. Tetro Circo Price l Valladolid 1 febrero. CC Miguel Delibes l Palma de Mallorca 21 febrero. Auditórium l Zaragoza 14 marzo. Auditorio l Murcia 21 marzo. Auditorio Víctor Villegas l Sevilla 18 abril. Cartuja Center

#18 octubre 2019

FOTO: ARCHIVO

en concierto

i las mejorEs canciones, ni los mejores productores, ni los mejores músicos. Lo primero por lo que tuvo que batallar Amaia Romero tras su paso por Operación Triunfo 2017, concurso del que resultó ganadora y con el que fue incluso a Eurovisión, fue por un respiro. Necesitaba un poco de tiempo. La maquinaria estaba en marcha y amenazaba con devorarla. “Me acuerdo, cuando salimos, que hubo un montón de días de hacer infinidad de cosas. Cuando tuve tres días de descanso en Pamplona, no paré de llorar”, dice Amaia, mientras zarandea con nervio la cucharilla de un café que antes estaba en taza. La pamplonica ha encontrado ahora, dos años después, su ritmo, aunque siguen sobreviviendo las sorpresas de agenda: en veinte minutos la engullirá una firma de discos. Aún así, Amaia ha conseguido posponer la salida de su primer disco. “La compañía me ha ido conociendo y me ha dejado libertad en todo, sobre todo a nivel artístico, lo que más me importaba. Si sacaba algo impuesto, yo no iba a estar bien y eso se iba a notar. No puedo sacar nada impuesto. Era lo mejor para ellos también”. "Al principio, al venir del mismo programa, era inevitable la comparación. Inconscientemente, me decía: ‘Este ya ha sacado canción y yo no’. Te agobias un poco. Pero luego lo piensas mejor y somos personas distintas, con estilos

distintos”. Pese a las expectativas, Amaia ha conseguido retrasar su lanzamiento mucho más que el resto de sus antiguos compañeros de la factoría OT. Mientras la mayoría ha apostado por seguir la línea de lo urbano y los ritmos caribeños, ella se ha decantado por un alegato pop. Con una pizquita de Donosti Sound. La Bien Querida, La Buena Vida o La Oreja de Van Gogh. ¿Será ella el pegamento de dos mundos? Capaz de aunar hasta quinientas personas en una firma de discos, con mayoría de muy muy jóvenes, y a la vez tocar en Primavera Sound. “Yo tampoco he planeado nada. Ha surgido así. El disco ha cogido muchas formas y caminos. Pero podría haber salido algo muy electrónico también”, destaca. Dentro de su operación pausa, Amaia consiguió su objetivo: conocer a los compañeros idóneos de viaje. Raül Fernández Refree, Santiago Barrionuevo de Él Mató a un Policía Motorizado, quién produjo el disco, pero también The Free Fall Band, con quienes giró, o Núria Graham, con la que ha hecho buenas migas. Precisamente Graham tocó con ella en el televisivo Late Motiv, donde Amaia hizo una defensa de vivir los sueños sin presión. Naturalidad y objetivos mundanos. Otro tipo de ídolo, que no defienda con dogma el triunfo vital. No entró mucho de eso en Pero no pasa nada, que se mueve por aguas nostálgicas, pero Amaia es trescientos sesenta grados y, grabadora mediante, no tiene problema en despachar sobre lo que sea. “El disco es un cúmulo de emociones de toda mi vida. Veré qué pasa con un segundo. Si es que hay un segundo. [ríe] ¿Escribir sobre temas sociales o feminismo? Yo soy feminista, pero no me mueve por dentro, no me emociona para hacer una canción. Y no lo veo necesario: se pueden cambiar las cosas haciendo algo más que canciones”. —yeray s. iborra

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+ GABRIEL BLACK

CMY

WALA. WALA.

“Mentiría si dijera que Patti Smith o Chrissie Hynde me han influido. En cambio, sí te puedo hablar de Wendy O’Williams. Era absolutamente salvaje y sin ningún tipo de pose” Amy Taylor, de Amyl And The Sniffers en Ruta 66

“Es difícil medir el éxito. Si todos los que estamos en la banda nos lo pasamos bien y creemos en lo que hacemos, entonces eso es tener éxito para mí” Mez, de Life en Soundsphere

Después de pasar por el madrileño Mad Cool, los londinenses Bear’s Den vuelven a España con So That You Might Hear Me (Communion/ Music As Usual, 19) todavía fresco en nuestros oídos. Ahora vuelven a nuestro país. Buena excusa para charlar con el guitarrista y cantante Andrew Davie, mitad del tándem que forma junto a Kevin Jones (batería y también vocalista).

“Al principio tocamos en un sitio en Nebraska con el escenario más pequeño que puedas imaginar. ¡Parecía un chiste! Solo había tres personas y recuerdo decirle a Clown: ‘¿algún día vendrá alguien a vernos?’” Corey Taylor, de Slipknot en Rockzone

“Que se me haya etiquetado como ‘un icono LGBTIQ’ ha sido una de las realidades más difíciles de mi vida. Con ello llegan muchas responsabilidades para con mi comunidad, mi cultura y sobre todo conmigo”

Bear’s Den En busca del equilibrio

n su tercer álbum, So That You Might Hear Me, Bear’s Den parecen buscar el equilibrio entre el folk rock expansivo de sus inicios –el mismo que alentó a sus paisanos Mumford & Sons o Noah & The Whale– y las seductoras letanías sintéticas de su continuación. Un disco que les costó mucho más tiempo de grabar, gracias a un mayor presupuesto. “Nos vimos forzados financieramente a hacer dos álbumes previos extremadamente rápidos, y esta es la primera vez en que sentimos que podíamos explorar material, teniendo nuestro propio estudio”, comenta. Otra novedad importante es que por primera vez han prescindido de Ian Grimble (The 1975, Simone Felice, Saint Etienne) para contar con Phil Ek a la producción, porque se definen como “fans absolutos de sus trabajos para The Shins, Fleet Foxes, Built To Spill o Modest Mouse”. En cierto modo, da la sensación de que esta vez han querido alejarse de la inspiración nocturna que marcó Red Earth & Pouring Rain (16), influido por los relatos de Raymond Carver y su adaptación al cine en Vidas cruzadas (94), de Robert Altman, para alejarse de la observación de vidas ajenas y

centrarse en la propia, una apreciación con la que Davie más o menos coincide. “Hemos sido un poco menos descriptivos. Creo que delegar en nuestra propia experiencia antes que en la ajena podría ser una descripción acertada, aunque creo también que ninguno de nuestros discos deja de ser personal”, matiza. En cualquier caso, asumen con naturalidad la presión del tópico difícil tercer álbum, que para ellos ha existido siempre. “¡Por supuesto! Creo que nos ponemos mucha presión sobre nosotros mismos para asegurarnos de que podemos hacer la mejor música de la que somos capaces”, reconoce, al tiempo que asume que esa presión no les condiciona en absoluto. “Estaríamos perdidos si lo primero que tuviéramos en mente fuera incrementar nuestra base de fans a toda costa, no puedes pensar en eso cuando compones, tienes que hacer aquello en lo que crees, sin hacerte responsable de lo que la gente espere de tí”, remata. Y entre la música reciente que les ha resultado inspiradora, cita el nuevo de The National, del que dice que “es increíble. Me llevó un par de escuchas cogerle el punto, pero ahora estoy obsesionado con él”, el nuevo de Big Thief, que juzga como “asombroso” y el nuevo de Wovoka Gentle, que le resulta “muy loco e interesante”, al igual que “los de Vera Sola y Wilderado”. Pues queda dicho. —carlos pérez de ziriza

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en concierto l Madrid 14 noviembre. Teatro Barceló l Barcelona 15 noviembre. La [2] Apolo

“Hice cien casetes con las primeras canciones y se las dí en mano a los amigos. Lo llamé Foo Fighters porque no quería que la gente pensase que estaba intentando ser Tom Petty”

presión "Nos ponemos mucha que para asegurarnos de música or podemos hacer la mej ces" de la que somos capa

Dave Grohl, de Foo Fighters en The Guardian

#20 octubre 2019

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JD Samson, de MEN en Crickets

orprende que el nuevo disco de Los Punsetes tome su nombre de un concepto filosófico de Miguel de Molinos, místico y pensador del siglo XVII…. ¿Estamos ante el trabajo más metafísico de la banda? “Puede ser… también es el momento en el que estamos. En este grupo normalmente nada es deliberado. Es más bien algo espontáneo, de cómo estamos, de lo que nos interesa… La ‘aniquilación’ en este caso es un concepto de este místico. Aniquilarte a ti mismo para ser uno con Dios... o con lo que sea. Anular el yo para formar parte del cosmos”. Por si fuera poco, en otro tema (La gran bestia) hay referencias directas al gran ocultista británico Aleister Crowley. “En realidad es contracultura a lo bestia. A primera vista puedes decir: ‘éste es un satanista’, pero el concepto que él tenía de Satán es muy gracioso. Una cosa un poco folclórica, como para epatar. Muy punk. Para nosotros es un referente de la cultura pop”. También a nivel musical hay bastantes novedades. Desde el uso preponderante de sintetizadores y distorsiones de guitarra hasta desarrollos más extensos. “Hemos intentado no cortarnos un pelo; ser muy radicales en las cosas que nos apetecía hacer. Desde las referencias que teníamos a la hora de trabajar el disco, hasta el resultado o el orden de las canciones… Hemos apostado a muerte por cosas que ya estaban en el grupo, pero que no habíamos plasmado tan a piñón hasta ahora. Hemos intentado estirar y que todo lo que forma parte del grupo esté representado de una forma generosa. Es un disco que ofrece una referencia muy completa de lo que nos gusta, de lo que somos capaces de hacer”. Aunque han grabado en el estudio de Paco Loco en el Puerto de Santa María y las mezclas han corrido a cargo de Sergio Pérez (Svper), Aniquilación es su primer disco totalmente auto-producido. “Nos apetecía tomar los mandos. No le tenemos que pedir permiso a nadie. Vamos a hacer lo que queramos y a demostrar que tenemos un bagaje, un conocimiento y que sabemos lo que es el grupo, lo que podemos

conseguir”. No en vano cumplen ya diez intensos años en esto, con todo lo que eso significa. “Estamos disfrutando de un cambio de estatus. Hemos pasado por muchas etapas; sacamos un disco que financiamos nosotros, fuimos un grupo promesa, nos hicimos bastante populares, en un momento dado hubo muchas expectativas abiertas… y ahora se puede decir que somos un grupo respetado. La gente nos conoce, sabe lo que somos, tenemos una propuesta bastante clara… y estamos súper tranquilos. No tenemos inquietudes. Hemos vuelto a una calma creativa”. Pero tranquilos, Los Punsetes siguen siendo Los Punsetes y su capacidad para convertir lo amargo en jocoso sigue siendo su santo y seña. “Para nosotros es fundamental. El humor como tabla de salvación a la que agarrarte ante una visión muy pesimista de la vida. Hay una cosa que es la letra confrontacional, el decir todo lo que no te atreves en la vida real. Eso funciona muy bien como una vía de escape. Decir

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tres verdades claras y que te folle un pez. Yo creo que a la gente le gustan Los Punsetes por eso, porque muestran todo eso que no nos atrevemos a decir”. Si hay un elemento que diferencia a esta banda de cualquier otra son precisamente sus letras, tan punzantes como directas: “Si tienes algo que decir lo mejor es que lo digas del modo más sencillo. Si tienes que buscar una forma muy rocambolesca de decir las cosas es que igual lo que tienes que decir no es tan interesante”. En canciones como Vas hablando mal de mí, Idiota o Una persona sospechosa vuelven a hacer gala de ese particularísimo ingenio lírico. En palabras de Ariadna (cantante): “Yo puedo decir que las letras de Los Punsetes son buenísimas, porque no las escribo yo. Si las escribiera yo igual estaría un poco mal que lo dijera (risas). Pero es que me parecen tan buenas, tan brillantes… Estoy pensando lo que estoy cantando y me descojono”. —tomás crespo

en concierto l Zaragoza 18 octubre. Las Armas l Barcelona 19 octubre. Apolo 2 l Valencia 26 octubre. Wah Wah l Alicante 27 octubre. Stereo (Low Fest Vibra Mahou) l Murcia 02 noviembre. REM (Warm Up Estrella Levante) l Palma de Mallorca 10 noviembre. Es Gremi l Bilbao 15 noviembre. Antzokia l Donostia 16 noviembre. Dabadaba l Sevilla 20-23 noviembre. Monkey Week l León 13 diciembre. Gran Café l Valladolid 14 diciembre. Black Pearl (Valladolindie) l Madrid 10 enero. La Riviera (Inverfest) l Córdoba 31 enero. Ambigú Axerquia l Granada 01 febrero. Planta Baja l A Coruña 14 febrero. Garufa (Son Estrella Galicia) l Vigo 16 febrero. La Iguana (Son Estrella Galicia)

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Después de diez años en activo Los Punsetes no necesitan demostrarle nada a nadie. En su nuevo trabajo, Aniquilación (Mushroom Pillow, 19), expanden los límites sonoros de la banda y se muestran más reflexivos y auto-críticos que nunca.

Los Punsetes Liberación total

“A la gente le gustan Los Punsetes porque muestran todo eso que no nos atrevemos a decir” FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

octubre 2019 #21

EN PORTADA

M L

os sevillanos Derby Motoreta’s Burrito Kachimba han pasado, en apenas unos meses, de ser prácticamente unos desconocidos en su propia ciudad a movilizar a miles de personas en festivales pese a estar todavía programados en horarios modestos. Pero, entre tantos cambios, ellos se han mantenido firmes y constantes en su devoción por lo que hacen y, sobre todo, en su espíritu de trabajo y lucha por conseguir lo que quieren. Porque si algo tienen claro DMBK es precisamente lo que quieren. Me siento con Miguel ‘Dandy Piranha’ García (vocalista) y Scott Gringo en un bar cercano a la Alameda de Sevilla, y lo primero que les pregunto es cómo han vivido el giro brutal que han dado sus vidas este año. “Es un sueño.”, me cuenta Scott. “Hemos entregado el cartel de la gira de otoño hoy. Y cuando lo he visto me he acordado de cuando veía carteles así de grupos grandes, y pensaba siempre ‘hostia, y esto son solo los conciertos de otoño... mira los cabrones’. Y ahora los cabrones somos nosotros”. “A mí esto me pasa con veinte años y se me hubiera ido la flapa”, asegura Scott. “Pero son determinantes las horas de vuelo y de carretera que tenemos ya en el cuerpo”. “La clave es no pensar que eres mejor que nadie porque te esté yendo bien”, explica Miguel. “Hay proyectos que son la hostia y que no están funcionando”. Les pregunto entonces qué tienen DMBK para funcionar a toda velocidad, pegando el pelotazo que no consiguieron con sus anteriores bandas y ambos coinciden en un factor: actualizar la oreja. “Hace unos años era impensable que escuchásemos algo más allá de Led Zeppelin que no fueran The Black Keys”. “Mira, a mí me flipan The Beatles, pero #22 octubre 2019

“Ahora los cabrones somos nosotros”

The Beatles tocaban la música de su momento, Zeppelin también, y nosotros decidimos que no íbamos a tocar la música de aquel momento, sino la del nuestro”, argumenta Scott. Recuerdo que, cuando les entrevisté hace menos de un año, Scott destacaba la importancia de la imagen en su propuesta. Y ahora lo tiene más claro que nunca. “En la historia de la música ha habido gente que se ha dado cuenta de eso, que ha sido consciente de lo importante que era ese aspecto en una banda, y gente que no. Pero quien no sea consciente debe trabajar en eso si quiere tocar”. Ahora bien, para ellos la importancia de la imagen no tiene que significar nunca una impostura. De hecho, su público les ve cercanos, como a unos colegas más. “Quizás porque no jugamos al cliché de rock’n’roll de ‘somos unos borrachos sexys’... Porque te diré que en los festivales siempre flipan con nuestra puntualidad”, bromean juntos. Lo que es evidente para cualquiera que les haya visto sobre un escenario es que su actitud es cien por cien rock y que su entrega es total en cada uno de sus conciertos. Y esa es una gran baza que hasta quienes no conectan con su propuesta se ven obligados a admitir. Y es que DMBK tienen una concepción muy peculiar de lo que debe ser un directo. “Es el final de un ritual. Es ese momento en el que tú ya estás encima de la pirámide, le cortas el cuello a la cabra, le sacas el corazón y la sangre lo salpica todo. Todo el mundo chilla y se abre el cielo. El disco, los ensayos, la creación, la imagen... todo eso son los escalones que te llevan a lo algo de la mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba

En menos de un año y medio, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba han vivido un abrumador giro en sus vidas. Por el camino han sido Demoscópicos de esta revista, actuado –entre muchos otros– en el Monkey Week, el Primavera Sound o el Bilbao BBK gracias a su disco de debut DMBK (Primavera Labels/Universal, 19). —texto Pablo Tocino —fotografía Noemí Elías

Aliento de dragón, corazón de Montesa

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pirámide. Por eso la peña termina conectando, porque lo que está viendo no son seis tíos tocando, sino que ves a seis chamanes encima de esa pirámide haciendo rituales”. Los asistentes a esos “rituales” son, además, de una heterogeneidad francamente llamativa. Su público incluye desde al chaval de dieciocho años que ve en ellos algo de máxima actualidad, como a su padre e incluso a su abuelo, que ve reflejados los tiempos del rock andaluz de los setenta en lo que hacen (de ahí aquello que se dice de que combinan a Triana y King Gizzard & The Lizard Wizard). “En Santander nos vino un señor mayor con lagrimones en los ojos diciendo: “Tíos, hacía años que no sentía una cosa así en un concierto”. Y eso es precioso”. ¿Pero realmente el rock andaluz había “desaparecido” o más bien se le dejó de prestar atención/ no supimos explotarlo? “Influye que el andaluz peca mucho de no valorar lo que es ni lo que tiene, sí. Pero mira, aunque Triana se acabó porque murió Jesús, luego llegó la Movida y lo que nació en el centro de Madrid eliminó un montón de música que se hacía en el resto del país, no solo en Andalucía, sino también en otros muchos lugares...”. ¿El rock radical vasco? “Exactamente, eso está silenciado”. Su próximo proyecto, al margen del segundo disco –que quieren publicar en 2020–, supone toda una declaración de intenciones en ese sentido. Yendo todavía más allá y en sus propias palabras, es “la odisea más grande a la que la banda se ha enfrentado hasta el momento”. Se trata de versionar al mismísimo Camarón. “Y encima La leyenda del tiempo (79). Es una cosa mastodóntica, que igual si eres guiri lo haces y ¡al carajo! Pero nosotros siento de aquí... uf”. El resultado se escuchará en un single en el que el sexteto sevillano rendirá homenaje al genio isleño interpretando Nana del caballo grande y Viejo mundo, esta última con la colaboración de Rocío Márquez, cuya profesionalidad elogian en nuestra conversación. ¿Y cómo es la mezcla de Camarón, Derby Motoreta y una de las grandes artistas del flamenco actual? “Pues funciona muy bien, sin suprimir nuestra identidad, ni convertirnos solamente en un canal, aunque queremos ser un canal, sí, pero un canal con filtro”. —p.t.

el apunte

Andaluces levantaos De maneras tan diversas como diversa y rica es la herencia cultural del sur de la península, muchos artistas han reivindicado y celebrado sus raíces andaluzas en la música. Y no hablamos solo de los clásicos: muchos lo están haciendo en la actualidad. Como ya conocemos sobradamente el recorrido de grupos y solistas actuales pero sobradamente consolidados como Los Planetas, Lagartija Nick o Mala Rodríguez, hemos hablado con algunos artistas más o menos emergentes. ¿De qué forma reivindican sus raíces y su cultura en estilos tan distintos? “No es lo que yo hago con mi cultura, sino lo que ella hace conmigo”, nos dice María José Llergo, para a continuación dejarnos sin palabras: “se impone y se sirve de mí para revelarse, como el cristal y la luz. Está plasmada en todo lo que hago, en cómo canto, cómo escribo, cómo hablo, cómo río y cómo lloro”. Sus canciones, donde el flamenco se funde con otros sonidos y sentimientos, son prueba de ello. Por su parte, Le Parody, cuyo último disco es una joya electrónica en la que el folclore está muy presente, coincide en que no es algo premeditado. “Más que una reivindicación de mis raíces lo que hay es una celebración: tomar consciencia de dónde vengo y cómo soy y mostrarlo sin complejos, con alegría. Pero cuando publiqué el primer disco me sorprendía que la gente se fijara en mi acento... Para mí era natural cantar igual que hablaba”. A Warmi, cuyo urban con toque queer mejora con cada single, le encanta usar palabras malagueñas y piensa que ese uso enriquece el contenido. “Además me divierte que quien no las conozca se plantee qué pueden significar”. “Reivindicamos nuestras raíces andaluzas comportándonos como andaluces” concluyen Vera Fauna, “eso tiene que ver con anteponer el respeto por las personas con las que compartes espacio por encima del objetivo que supuestamente os une”. —p.t.

octubre 2019 #23

OCTUBRE 2019

CASTILLA LEÓN Y MADRID CASTILLA LEÓN

POTEMKIN, SALAMANCA 10/10/2019 TREMENDA JAURÍA

C.T. AVALON GREEN, SORIA 24/10/2019 PERE NAVARRO

MADRID

AVALON CAFÉ, ZAMORA 17/10/2019 PIPO ROMERO

LA CASA DE LAS MUSAS, BURGOS 18/10/2019 MARÍA GUADAÑA

CLAMORES 22/10/2019 PERE NAVARRO TEMPO CLUB 19/10/2019 NØGEN

EUSKADI Y LA RIOJA EUSKADI

MUELLE, BILBAO 11/10/2019 MOW

BALEARES

ES CLAUSTRE, MENORCA 05/09/2019 LOS AURORA

CATALUÑA

ALMO2BAR, BARCELONA 26/10/2019 MOW logo_nuevo_trazado.pdf

CMY

22/2/16

14:48:12

CAFÉ DEL TEATRE, LÉRIDA 29/09/2019 MARISA VALLE ROSO

AUDIT. CONSERVATORIO, LOGROÑO 11/10/2019 ENRIKE SOLINIS

ANDALUCÍA, COMUNIDAD VALENCIANA Y MURCIA ANDALUCÍA

BALEARES Y CATALUÑA

LA RIOJA

AMBIGÚ AXERQUIA, CÓRDOBA 04/10/2019 MARÍA GUADAÑA HÖLLANDER, SEVILLA 05/10/2019 MOW LA CALLE, SEVILLA 17/10/2019 TREMENDA JAURÍA

PLANTA BAJA, GRANADA 03/10/2019 MARÍA GUADAÑA 17/10/2019 THE ZEPHYR BONES

COMUNIDAD VALENCIANA

LOCO CLUB, VALENCIA 12/10/2019 PAVVLA

MURCIA

LA YESERÍA, MURCIA 11/10/2019 PAVVLA GARAJE BEAT, MURCIA 11/10/2019 TREMENDA JAURÍA MUSIK, MURCIA 10/10/2019 UNCLOSE

Esta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.

HUESCA 17–27 OCT 2019 w w w.periferias.org

AFROSIDERAL · BAIUCA · FOKN BOIS · IDRIS ACKAMOOR & THE PYRAMIDS · KIEV CUANDO NIEVA · NADAH EL SHAZLY · NIÑO DE ELCHE · NU TEMPO · SANDRA LANUZA · SÒNIA GÓMEZ & ASTRIO · YUGEN BLAKROK Y OTROS + TEATRO, DANZA, CINE, CONFERENCIAS, MODA, PERFORMANCES, EXPOSICIONES... ORGANIZA:

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Mientras giraba con The Mani-las, Maika Makovski andaba también enfrascada en nuevo material. Parte de sus composiciones forman parte de la banda sonora de Quien a hierro mata, la recién estrenada nueva película de Paco Plaza, protagonizada por Luis Tosar y Xan Cejudo.

uando un proyecto la atrae, Maika Makovski no tarda en dar el sí. No importa que se aparte un poco del terreno en el que suele moverse. Para ella, cualquier nuevo estímulo es bienvenido. Si en su día ya tuvo el acierto de involucrarse en la obra teatral Desaparecer, ahora el encargo era componer la banda sonora de Quien a hierro mata, la última película de Paco Plaza (Verónica, [REC], El segundo nombre). Como toda buena historia, esta también tiene un principio. “Quedé con Peinga Rayo y coincidió que en la cena estaba Paco Plaza. No hablamos de música ni le conté quién era, nada de nada. Pero, bueno, luego nos agregamos en el Instagram y yo colgué un video mío tocando el piano en un concierto bastante bruto y creo que eso le generó curiosidad. Entonces se puso a escuchar Desaparecer en el coche mientras buscaba localizaciones para la película. De repente tuvo una iluminación, ese piano obsesivo le iba a ayudar a crear la atmósfera que quería”. Paco Plaza encontró en la figura de Maika Makovski el ideal para conformar la música del filme. Un thriller crudo e intenso con Luís Tosar como protagonista. “Cuando me lo propuso no tuve ni la más mínima duda. Le dije que sí con total seguridad. Fui muy valiente. Acepté porque me pareció un reto estupendo. Además, cuando leí el guión, me atrapó”. Aunque Maika está acostumbrada a hacer música para sus discos, a este proyecto le tenía que dar un enfoque totalmente distinto. “Fue súper difícil. No me esperaba que fuera lo que fue. He pedido ayuda de todo tipo, incluso a nivel técnico. Estuve haciendo muchas maquetas y eso lo coordinaba con los personajes, con la acción, que era algo que no esperaba hacer. En parte esa era la trampa de Paco, que me hizo pensar que yo solamente tenía que hacer la música y ya está”. —toni castarnado

“

Ferran Palau Cuestión de confianza

Adorar a Ferran Palau resulta más sencillo de lo que uno cree. Además de lo mucho que consigue emocionarnos con sus canciones, tenerle delante charlando sobre su nuevo disco, Kevin (Hidden Track, 19), no hace sino que confiemos todavía más en sus canciones.

uy poco después de Blanc y al amparo de una musa que permanece al ralentí, Ferran Palau vuelve a la actualidad con Kevin (Hidden Track, 19), su nuevo disco. Una obra que mantiene la simpleza de sus estructuras compositivas, pero evoluciona en cuanto a la manera de tratar las texturas sónicas. “Hemos perseguido el menos es más y nos hemos preocupado de manera obsesiva por el sonido de cada pista. Podríamos decir que es un disco mucho más consciente en cuanto a estética de sonido. He llegado aquí analizando al detalle las canciones más mainstream. ¿Por qué peta así de increíble Rihanna? ¿Por qué cuando la escucho y aprieto el volumen al máximo suena así de brutal? He cogido mucha inspiración de géneros musicales que no son los míos. Al hacerlo me he dado cuenta que lo que está pegando fuerte, es muy minimalista en cuanto a componentes sónicos. Lo que he hecho yo por supuesto que no tiene nada de original. Lo puedes rastrear fácilmente en la radio fórmula actual. La única diferencia es que yo lo he llevado a un lenguaje que no es de radio fórmula”. Parece como si el artista y su productor y primo Jordi Matas hubieran analizado la música más caliente y sabrosa a un nivel molecular, con microscopio. Centrados en seleccionar aquellos beats que importan, aquellos latidos que siembran vida. Solo así ha sido posible que los riffs de sotavento que sur-

gen de la mente creativa de Ferran, ganen cada vez más en sensualidad. Una clase de sensualidad perezosa, amorosa, algo así como si un caribeño intentara hacer música romántica en la planicie de la Antártida. “Siempre he tenido algo de canción ligera, de canción romántica y a veces pienso que estoy más cerca de eso que bajo la etiqueta de cantante folk o cantautor. Yo me siento más cercano a cantantes como Miguel Bosé o Julio Iglesias. Como dice mi amigo Zuma: Nos faltan nuevos seductores como tú, Ferran”. En Kevin las músicas divagan por anatomías tubulares y transportan al oyente a arrabales de paz y tranquilidad. Son urdidas desde una consciencia minimalista. Más valle que cima, más camino que meta y con clara vocación pineal, Kevin puede pasar de resbaladizo a adiposo en pocas escuchas. Pero necesita que le den esta oportunidad. “Trato de no repetir esquemas ni buscar estribillos ganadores porque sí. Mi música no tiene golpes de efecto, porque no me interesan. Yo persigo otra cosa diferente. En realidad mi intención cuando hago música, es hacerla cada vez más fácil y accesible. Pero también es cierto que tengo un filtro que busca un equilibrio entre esta voluntad y la necesidad de sentirme cómodo con lo que hago. Necesito ser fiel a mí mismo y a mi ritmo vital que es lento y arrastrado. Intentar cambiar esto sería demasiado impostado, imposible de acometer para mí”. A medida que va avanzando su carrera, el también miembro de Anímic abarca un poco más la complejidad de su persona, destensando la cuerda del control y aflojando la manivela del libre albedrío. Solo así llega a nuevos estadios que trasciende e integra. Un camino que, como todos sabemos, no alberga ningún final. No sé por qué leyes me rijo para poner una palabra detrás de otra. El día que lo sepa puede que ya nunca más me salga lo que hago. Cuando menos controlo lo que hago más me gusta”. —andreu cunill clares

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“¿Por qué peta así de or increíble Rihanna? ¿P o qué cuando la escuch y aprieto el volumen al máximo suena así de brutal?”

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Maika Makovski Proyectos

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#26 octubre 2019

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Pixies El nido del águila S

Beneath The Eyrie (Infectious/BMG, 19) es el tercer disco de la mítica banda estadounidense tras su resurrección de 2004. Un trabajo crepuscular y con argumentos, pero inevitablemente a la sombra de su insuperable legado.

iempre es un placer conversar con el batería Dave Lovering, tipo relajado y amabilísimo de un grupo a punto de embarcarse en una nueva gira mundial: no pocas fechas ya cuelgan el cartel de “todo vendido”. Dave subraya la integración de la bajista y cantante Paz Lenchantin y que la viabilidad como grupo les ha traído hasta aquí. En su opinión, poco ha cambiado desde su regreso discográfico con Indie Cindy (13). “Más allá del cambio de formación con la entrada de Paz. Sabíamos que, por encima de todo, teníamos que ser una banda viable para grabar nuevo material. Es la ética de trabajo con la que acometimos Indie Cindy (14), luego Head Carrier (16) y ahora Beneath The Eyrie: esto es lo que hacemos. Somos viables, grabamos discos y tocamos. Es una progresión”. El tono crepuscular de su nuevo trabajo (“gótico” lo han llegado a definir) le parece una realidad. “No creo que fuera una fórmula o algo que planeáramos. No puedo hablar por Charles (Black Francis), pero creo recordar que hubo una conversación con Tom Dalgety, el productor, en la que hablamos de que quizá sería bueno tener un filo más oscuro. No sé si eso influyó en la composición de algunas de las canciones (hici-

mos cuatro o cinco en el estudio), pero de lo que estoy seguro es de que grabarlo en un lugar remoto en invierno y en una vieja iglesia, nos influyó”. La historia del título (“debajo del nido del águila”) también está directamente relacionada con la agreste zona donde se recluyeron. “No estaba lejos de donde se hizo Woodstock. Si salías de la iglesia y te metías por detrás, en dirección al bosque, en lo alto de un árbol altísimo había un nido de águilas. Era una pasada, el primer nido de águilas que había visto en mi vida, y a mí me encantan las aves de presa (risas). Adoro a los búhos, halcones y todo eso. Y nos llevó a titular el disco así, porque ‘Eyrie’ es otra palabra para definir un ‘nido de águilas’. Debajo del nido estaba la iglesia”. Según confiesa, el pesado lastre de su glorioso pasado lo dejaron atrás hace unos años. “Indie Cindy fue duro, porque era el primer disco tras nuestro regreso. Llevábamos siete años tocando sólo los clásicos. Pero una vez lo acabamos, nos resultó muy fácil hacer Head Carrier y Beneath The Eyrie. E insisto: no tratamos de aferrarnos a una fórmula o a cosas del pasado, lo que hace-

CRITICAndo

Beneath The Eyrie

Infectious Music/ BMG Pop 6/10

Muchos asumimos que era físicamente imposible que las nuevas composiciones del cuarteto de Boston le hicieran cosquillas a sus fabulosos trabajos originales. Como era de esperar, los dos precedentes de este tercer álbum de Pixies tras su regreso de las catacumbas, no entusiasmaron. Había, cómo no, destellos de la gloria pasada. Admitiendo esto, la impresión que siempre me han dado las canciones de esta segunda era de Pixies es que estoy escuchando a Frank Black (o Black Francis) en solitario con las estupendas guitarras de Joey Santiago y los ritmos precisos de David Lovering, más guiños estratégicos a su gloriosa juventud. Es decir, aquella asombrosa química grupal espontánea se ha desvanecido en beneficio del cálculo terrenal más o menos inspirado. Esa sensación se mantiene con este voluntarioso Beneath The Eyrie. —jc peña

"No tratamos de ula aferrarnos a una fórm o a cosas del pasado"

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EN CONCIERTO l Barcelona 23 octubre. Sant Jordi Club l Madrid 24 octubre. La Riviera l A Coruña 26 octubre. A Coruña Coliseum

mos es donde estamos ahora mismo. No estamos intentando sonar como antes. Es decir, sonamos como antes, pero no tratamos de revivir el pasado o hacer algo para copiarlo. Sé que la gente también va a comparar Head Carrier y este nuevo con los primeros –admite–, pero ya no nos importa. La única presión que nos ponemos es asegurarnos de que me aprendo las canciones y las toco como es debido en el estudio (risas)”. Asegura el jovial batería (¡y mago!) que apenas ha cambiado el modo de trabajar del grupo desde los viejos tiempos, con Black Francis llevando el peso compositivo. Con una importante salvedad. “Paz Lenchantin, que es una bajista maravillosa, ha aportado mucho más en este disco. Llevamos con ella seis años y está a tope, sabe lo que es el mundo de Pixies, nos quiere, la queremos, y es parte de todo esto. Como bajista es tan competente que me obliga a tocar mejor. Sus habilidades han contribuido mucho al grupo. Y además, es la única surfer del grupo, así que el rollo surfero asoma en algunas canciones como Los Surfers Muertos”. No es de extrañar que Lovering despache a su excompañera Kim Deal con apenas una frase y escaso entusiasmo. “Perdimos el contacto y no he escuchado su disco”. Quien se mantiene fiel a la causa es el artista británico Vaughan Oliver, que firma otra portada única y alucinante. “Tenemos una relación muy especial. Ha hecho el arte de todos nuestros álbumes. ¿Representa su trabajo lo que somos Pixies? No lo sé, pero es lo que sale de su cabeza cuando escucha las canciones”. —jc peña

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octubre 2019 #27

MONDO FREAKO

Angel Olsen La renacida Una de las voces femeninas al alza en el panorama alternativo norteamericano entrega su trabajo más introspectivo, melodramático y maduro, All Mirrors (Jagjaguwar/ PopStock!, 19).

razón y “Está bien tener un co na vez saber cómo es. Que algu erda” te lo rompan, te lo recu

RRDos mitos de la cultura pop de los ochenta frente a frente. El mismísimo David Hasselhoff (Vigilantes de la playa, El coche fantástico) interpretando Head On, un clásico de The Jesus & Mary Chain. La canción forma parte del nuevo álbum del actor, titulado Open Your Eyes (por la versión que incluye de Lords Of The New Church), en el que aparecen invitados como Elliot Easton (The Cars) o James Williamson (The Stooges).

TAN.LEJOS

RRNick Cave ha sorprendido a propios y a extraños anunciando por sorpresa la publicación de un álbum doble que verá la luz la próxima semana, una vez más

con The Bad Seeds como banda de apoyo. Llevará por nombre Ghosteen y el propio Cave lo describe como “un trabajo en el que las canciones del primer disco (ocho en total) son los hijos y las del segundo (tres) representan a sus padres”. RRThe White Stripes lanzan como álbum en vivo su último concierto ocho años después de su ruptura, con lo que celebran los veinte años del nacimiento de la banda. Se trata de The White Stripes. Live In Mississippi e incluye veinte canciones (más cuatro en el bis). Está disponible online en Nugs.net, donde se puede tanto escuchar como comprar y descargar.

NICK CAVE FOTO: ARCHIVO

091 hacen canciones nuevas después de veinticinco años. Una noticia feliz con cláusulas elevadas en el contrato no escrito que la banda granadina custodia con su fiel parroquia. Formarán parte de La otra vida (Warner, 19), el nuevo disco de la banda, que verá la luz el 18 de octubre.

#28 octubre 2019

“Volvemos con más experiencia y la misma rabia” mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: CARLOS BULLEJOS

091 Más sabe el diablo...

a resurrección de los Cero sirvió para constatar que su sombra se había alargado sobre una o dos generaciones que no pudieron verlos en directo. Muchos de ellos, hijos de quienes pedían con insistencia su retorno. Aquel grupo que parecía enjalbegar en fase difunta, con la discografía perdida en el fárrago de las cajas de segunda mano, puso en orden su legado y llenó dos noches seguidas la Plaza de Toros de Granada en 2016. Justicia poética: la música de 091 está viva. Este mes se publica La otra vida, el decálogo rock de José Ignacio Lapido, José Antonio García, Tacho González, Víctor Lapido y Jacinto Ríos en este siglo. El avance, Vengo a terminar lo que empecé, jugó al despiste en septiembre. De inmediato, el single fue escrutado desde todos los ángulos. Las lecturas se encaminan hacia una declaración de principios con reminiscencias sonoras de The

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Es algo tan sencillo como difícil”. En lo musical, una sofisticación elegante arropa la prodigiosa voz de la compositora. Su amigo Ben Babbitt y el arreglista Jherek Bischoff contribuyeron decisivamente con arreglos de cuerda, bajo la mirada del productor (y también amigo) John Congleton, con quien Olsen repetía tras un tiempo. “No quería ser sofisticada sólo por serlo. Quería que las cuerdas y los sintetizadores fueran reactivos a lo que yo estaba diciendo, así que tenía que conectar con las personalidades adecuadas. Es indescriptible cómo te sientes cuando compones algo y luego alguien lo toca de esa manera”. Con su ayuda, Olsen se aleja conscientemente de territorios al uso. “No tenía ni idea de lo que iba a salir. Sabía que iba a haber cuerdas, y me habían inspirado artistas como The Beatles, Brian Eno, Kate Bush, Sinead O’Connor, Robert Fripp, Scott Walker o muchos músicos de jazz de Chicago. Pero nunca busco algo concreto”. Lo cierto es que en canciones como Endgame Olsen hace

un ejercicio máximo de exposición, al estilo de las grandes cantantes de jazz. “Es una catarsis, pero también comparto algo con lo que alguien se puede identificar. No lo veo tanto como algo estrictamente personal, porque dejo suficientes preguntas abiertas que la gente puede aplicar a sus propias vidas. Y tampoco tengo problema alguno en exponerme. La gente asume que lo sabe todo de ti, pero en realidad sólo conoce una pequeña fracción”. Olsen termina reflexionando sobre lo que implica este disco en su ascendente carrera. “Jamás habría pensado estar en esta posición y creo que no hay nada malo en disfrutar de ella. Ha sido suerte y trabajo duro. Pero estoy en un punto en el que no tengo por qué decir sí a todo. Estoy segura de que mi sello y mi manager querrían que me hiciera más grande, pero espero que eso se haga realidad de forma natural. He llegado a un punto en el que si esto es todo, me parecerá bien”. —jc peña

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RRPsychodrama, el álbum debut del rapero Dave, el rapero de Streatham, es el mejor disco británico del año, según el jurado del Mercury Prize. Y eso que competía contra Nothing Great About Britain de slowthai, Grey Area de Little Simz, Joy As An Act Of Resistance de Idles, A Brief Inquiry Into Online Relationships de The 1975 o Schlagenheim de black midi, así como los últimos discos de Anna Calvi, Foals, Cate Le Bon y Nao y los debuts de Fontaines D.C. y Seed Ensemble. —MS

RREl 14 de noviembre se entregarán en Las Vegas los Latin Grammy, aunque la noticia de este año es que no solo nos encontramos con un artista como Alejandro Sanz, habitual en este tipo de citas internacionales, sino que también tenemos ahí al tándem formado por Rosalía y El Guincho. Porque el tándem creativo está nominado a Canción del Año, Disco del Año, Mejor Álbum Vocal, Mejor Canción Pop, Mejor Canción Urban y Mejor Ingeniero. Crucemos los dedos a la espera de los resultados.

DAVE FOTO: ARCHIVO

Black Keys o Gary Glitter. ¿Era esto lo que se esperaba de 091 al cabo de dos décadas y media? “Es una buena carta de presentación. Una canción que recoge nuestras esencias del pasado y las transporta al presente. La canción no habla de nuestra situación profesional, sino del resultado de meter en una batidora impulsos eléctricos, surrealismo, alienación y angustia vital. Lo habitual en una canción de rock and roll”, zanja José Ignacio Lapido, guitarrista y compositor del material. Eso: rock and roll. En el fondo, el disco es un canto de amor a la música cómplice de la centuria pasada, hoy casi una gesta embalsamada. El reto: registrar en el estudio la fuerza que indudablemente mantienen 091 sobre el escenario. “Sí, François (Frandol) lo decía en el estudio: esto es un acto de fe. Un acto de fe en una determinada forma de entender y de interpretar rock que se está perdiendo. Había que

conseguir poner ese sentimiento al día, huir de embalsamamientos y ser capaces de hacer evidente en el disco nuestra personalidad de 2019, con más experiencia pero con la misma rabia”, explica Lapido. El autor reconoce que encontró su personalidad como escritor en 1989, con Doce canciones sin piedad. “Lo de antes se puede decir que eran errores de juventud con algún que otro acierto”, apunta. Producido junto a Frandol, viejo amigo de las giras por Francia en los ochenta con los Roadrunners, La otra vida incorpora como teclista a Raúl Bernal, hombre de confianza de Lapido desde 2005. ¿Y el álbum? Pues dispensa lo que todo seguidor de 091 anhela escuchar: rock literario y melódico en diferentes graduaciones, y en no más de tres minutos de media. “¿Inspiración u oficio? No creo en la inspiración. Creo más en el talento, en el trabajo y la autocrítica. Escribir

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canciones es el oficio al que me dedico desde hace más de treinta y cinco años. Con la navaja en el cuello se escribe mejor. En este caso la navaja era de las grandes y afiliadas”. El muerto vivo. —eduardo tébar

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La otra vida Warner, 19 Pop

Lorena Álvarez Autosuficiencia FOTO: ARCHIVO

omo en sus canciones, cuando responde al teléfono desde Londres, Olsen no se deja nada. La de St. Louis tiene un punto torrencial y auténtico que su popularidad creciente no ha domesticado. “Hubo varios cambios muy grandes en mi vida. Pasé momentos difíciles con varias personas, y fue muy humillante. Supongo que salí por el otro lado. Evalué ciertas cosas hasta que me sentí mejor. En el proceso, estuve componiendo y reflexionando. Una parte de ello, obviamente, ya me había sucedido: crees que alguien te apoya, y luego no te entiende, porque estás siempre fuera. Es una lucha constante para cualquier artista”. Así, All Mirrors es un disco para curarse de todo lo malo, incluyendo el ambiente político en su país, aunque “es más personal. No me avergüenza decirlo. No voy a decir el nombre de una persona específica, pero me rompieron el corazón unas cuantas veces. Lo más importante que aprendí al respecto es que está bien tener un corazón y saber cómo es. Que alguna vez te lo rompan, te lo recuerda.

Lorena Álvarez vuelve con un estupendo nuevo álbum: Colección de canciones sencillas (El Segell, 19).

i no contamos tu primera cinta con Sones, este es el primer disco que firmas en solitario como Lorena Álvarez a secas. ¿Es una declaración de principios? Bueno, es que es un disco que he hecho en total soledad, encerrada en mi casa y componiéndolo, interpretándolo y grabándolo yo misma con un equipo bastante precario. Los trabajos anteriores estaban grabados en un estudio y en compañía, y aunque las canciones estaban también compuestas y producidas por mi, conté un poco más con mi gente cercana a la hora de ponerlos en marcha. —La primera sensación que tuve al escuchar Colección de canciones sencillas es que, a pesar de tener muy presente el folk y los sonidos tradicionales, se trata de tu disco más pop en espíritu. ¿Estás de acuerdo? Cuando estoy componiendo y produciendo música, nunca estoy pensando en un estilo concreto, ni intento agrupar las canciones bajo un nombre, un estilo o una etiqueta. Tampoco me planteo que las canciones suenen a algo que ya conozco, aunque claro, tengo mis influencias pero mi manera de trabajar se basa mucho en la intuición y en intentar tirar de los hilos que me llegan en forma de impulsos, escuchar lo que siento que me van pidiendo las canciones, intentar darle valor a esos impulsos y plasmarlos. —En Envidia, una de las mejores canciones del disco y una de las más pop, hay un momento que dices: ‘usar con más decisión mi intuición’… Si, ese es siempre mi punto de partida, tanto a la hora de hacer música, como a la hora de vivir la vida. Seguir el camino de la intuición significa librar una lucha diaria porque estamos tan atrofiados en cuanto a su uso, que por muchos esfuerzos que se hagan, no suelen ser suficientes. —xavi sánchez pons

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octubre 2019 #29

MONDO FREAKO

David J FOTO: ARCHIVO

“El post-punk fue un reflejo del clima cultural y político de la época” L’Hospitalet (Salamandra, 19 octubre) Madrid (Teatro Kapital, 20 octubre)

AgeNda. octubre.

Bilbao (3 octubre, Barruan 2019) Madrid (17 octubre, Palacio de la Prensa. Sala 0) Córdoba (24 octubre, Sala Hangar; SON Estrella Galicia)

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#30 octubre 2019

Inma Gómez y Raúl Fruto, Crudo Pimento, publicaron hace unos meses Pantame (Everlasting Records, 19), su cuarto disco oficial y el más amable hasta la fecha. Pero no nos confiemos, estamos hablando de Crudo Pimento. Este mes siguen presentándolo en concierto por el país.

antame es al mismo tiempo un personaje de los cuadros que pinta Raúl, el título de este disco y una especie de homenaje conjunto, a modo de canción, a la leyenda del mento Albert Minott (The Jolly Boys) y al Casa Babylon de Mano Negra. Con toques jazzeros, dub tradicional, R&B… Pero la sorpresa viene con D.E.L.A.S., que sobresale enormemente sobre todas las demás y es lo más parecido a un hit que han tenido en su carrera. Aún así, los dos primeros singles que han visto la luz son Hollow Body (con claros guiños a Suicide y Sigue Sigue Sputnik!) y ese martinete flamenco llamado Casa y carbón. Lo que no hemos contado es que también se han acordado aquí de De La Soul. D.E.L.A.S. sigue esperando su momento, que inevitablemente llegará. “Este tema era un homenaje a De La Soul y J Dilla. Por la forma que hemos tenido de samplear. Piensas que son bases disparadas pero son todos nuestros instrumentos procesados, pasados por un MPC, sampleados, tocados en directo… Llevó un proceso largo, un trabajo de orfebrería. Es una mezcla de diddley bow con bases de inspiración afroamericana. De La Soul ha hecho muchas cosas del estilo. No me atrevo a rapear, pero empecé a soltar frases en la grabación y quedó así”. Crudo Pimento se pasaron una semana en Brooklyn (Nueva York) para darle forma a este cuarto disco. Era la primera vez que salían fuera a grabar. ¿Cómo surgió la posibilidad? “No fue nada buscado, sino fruto del azar”, cuenta Inma Gómez, la otra mitad de esta criatura. “Fue a raíz de la gira que hicimos en 2016 como teloneros de Xenia Rubinos por España. Ella canta y su pareja, Marco Buccelli, es batería, productor y compositor. Todo surgió porque Marco se quedó flipado con nuestro proyecto y dijo que nos quería grabar un disco”. Así fue como se pusieron por primera vez a las ordenes de un productor. Con Marco Buccelli desaparecieron los temores de otros tiempos y todo encajó. “Mola delegar, pero tenía que ser él. No nos interesa la figura del productor como alguien que tiene muy claro el producto. Fue al revés. Quizá de otra forma no hubiéramos aceptado”.

David J es uno de los músicos más carismáticos de la década de los ochenta. Integrante y miembro fundador de Bauhaus, ha dado forma a bandas tan relevantes como Love And Rockets, además de su carrera en solitario. En breve le tendremos por aquí presentando su último disco Missive To An Angel From The Halls Of Infamy And Allure (Glass Modern, 19).

uando se formó Bauhaus, en 1978, el punk estaba muriendo de indigestión, y bandas como Joy Division, Siouxsie & The Banshees, Section 25 o The Dance Society comenzaron a darle un estilo oscuro y siniestro al punk. David nos comenta: “El surgimiento del post-punk fue un reflejo del clima cultural y político de la época. El elemento glam se adhirió a nosotros y lo empleamos como un lastre escapista para el paisaje sombrío que habitábamos. Sobre todo sentíamos un anhelo de trascender”. Cierto es que el influjo de David Bowie ha sido algo nodal en la música de David J (con Bauhaus ya firmaron un exitoso cover de Ziggy Stardust). Hay homenajes a él hasta en el título de su sencillo The Day That David Bowie Died (16). “La primera vez que vi a Bowie fue en Top Of The Pops cuando interpretó Starman. ¡En ese momento el mundo cambió de blanco y negro a color y nada volvió a ser igual! Siguió siendo una inspiración vital durante los años setenta”.

Además de Bauhaus, otro de los grandes iconos de la música de los ochenta fueron Love And Rockets, banda en la que David militó junto a su hermano Kevin y a Daniel Ash. “Daniel y yo compartimos algunas influencias que a Peter realmente no le gustaban, como la psicodelia. Cuando Daniel me pidió que me uniera a él y a Kevin en una nueva banda, aproveché la oportunidad, ya que era una perspectiva emocionante tomar un poco de aceite de esos elementos musicales que habían sido reprimidos en Bauhaus”. David J es un artista que siempre se ha mantenido firme a sus tendencias estéticas, dirigidas directamente hacia el movimiento mod. “Siempre me he inclinado naturalmente hacia esa tendencia. Los trajes afilados y el pelo corto, etcétera. Creo que la estética de contraste funcionó bien e hizo que todo fuera más intrigante”. Missive To An Angel From The Halls Of Infamy And Allure, el nuevo trabajo de David J en solitario, estará en la calle desde el 18 de octubre, de ahí que nos visite en compañía de The Psychedelic Furs. “El nuevo álbum es extremadamente personal. Describe un período de gran transición romántica. Es honesto y modesto. Por otra parte, me ha hecho mucha ilusión que The Psychedelic Furs me invitasen a girar con ellos, ya que siempre me han encantado. Y también me encanta España. Especialmente Barcelona, que es una de mis ciudades favoritas, así que estoy ansioso por realizar estos conciertos”.

—fernando o. paíno

FOTO: ARCHIVO

CRUDO PIMENTO

—víctor martínez

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“Es como si mi única forma de seguir adelante fuera a través de la música” San Sebastián (La Cripta, 29 octubre) Madrid (Cool, 30 octubre) Barcelona (La Nau, 31 octubre)

Bilbao (Kafe Antzokia, 9 octubre) Barcelona (Razzmatazz 2, 10 octubre) Madrid (BUT, ciclo Tomavistas Ciudad, 11 octubre) Valencia (16 Toneladas, 12 octubre) Mallorca (Es Gremi, 13 octubre) Cádiz (Edificio Constitución 1812, 14 octubre) Vigo (La Iguana, ciclo Galicia Importa, 16 octubre)

Act Surprised (Fire, 19), la vuelta del trío que forman Lou Barlow, Jason Lowenstein y Bob D’Amico, ratifica todo lo bueno que ya apuntaban con su disco de regreso hace seis años. Hablamos con Barlow por teléfono, antes de que su visita.

FOTO: ARCHIVO

Meses después de publicar su quinto álbum, It Won’t Be Like This All The Time (Rock Action/[PIAS], 19), el más intenso y urgente que han despachado hasta la fecha, y presentarlo en la pasada edición del Mad Cool, The Twilight Sad vuelven a España para actuar en tres ciudades.

ocos días después de su actuación frente a más de 35.000 personas en un parque de su Glasgow natal junto con Mogwai y The Cure (“el mejor momento de mi vida”), el cantante James Graham nos atiende en su bar local. En It Won’t Be Like This All The Time, se nota que hay mucha más texturas post-punk. Es fácil decir que es un disco muy influido por ser teloneros para The Cure por un año entero. “Le fuimos enviando demos a Robert y él nos decía... ‘probad esto, probad esto otro’. Y fuimos y probamos casi todo lo que nos dijo. Si tienes a uno de los mejores compositores de todos los tiempos al otro lado para darte algunos consejos, ¿no vas a aprovecharlo?”. —En cuanto a las letras, has dicho alguna vez que compones canciones como terapia y que tus canciones pueden ser un poco aterradoras para la gente que te conoce... Bueno, quiero poder mirar hacia atrás en algún momento y, aunque sea difícil verlo a través de todas las cosas tristes de la vida, quiero seguir reconociendo a la persona que era en ese momento y entender la forma en la que me sentía. Hay algunas cosas que son realmente jodidas en mi vida en este momento, y es como si mi úni-

ca forma de seguir adelante fuera a través de la música. Realmente no sé qué haría sin ella. Me he dado cuenta de que lo necesito, pero también al mismo tiempo, me resulta muy difícil estar en la banda. Por lo que estamos hablando, porque tengo que pasar por todo esto en público. Es mi decisión, pero al mismo tiempo no es cómodo salir de gira dos meses y cantar lo que canto cada noche. Y eso te empieza a pasar factura. Me refiero a las cosas que me pasaban cuando era más joven y sobre las que todavía canto. Cuando era más joven salía y me emborrachaba después de los conciertos y decía que todo estaba bien, mientras que ahora pienso que, joder, esto me está pasando realmente factura. —De todos los conciertos que habéis dado a lo largo de los últimos quince años, hay uno acústico en el Parc de la Ciutadella de Barcelona, dentro del Primavera Sound en 2014, que fue muy especial para vosotros. ¿Por qué motivo? Creo que fue entre nuestro tercer y cuarto álbum cuando fuimos a tocar al festival por primera vez. Siempre supimos que las bandas escocesas funcionaban allí, como Teenage Fanclub o Mogwai. Recuerdo que estaba lloviendo y una gran nube oscura lo cubría todo. Se hizo el silencio cuando empezamos, y había tanta gente... Y salió el sol. Recuerdo que, al acabar, mucha gente se me acercó diciendo que había sido algo realmente especial. Incluso hubo quien decía que había sido uno de sus momentos favoritos de todo el festival. Fue uno de esos momentos que te estimula y que recuerdas cuando tienes malos días o cuando piensas que tu grupo no le importa una mierda a nadie. —craig williams

an pasado seis años, sí, pero la espera tiene un motivo: la actividad de Barlow con J. Mascis. “Estar de gira con Dinosaur Jr se lleva la mayor parte de mi tiempo en los últimos años”, confiesa. Lo que no cambia es la democracia compositiva en Sebadoh, algo que siempre ha conducido sus discos a balances desiguales. “Siempre hemos tenido claro que Sebadoh íbamos a funcionar así, por eso nunca nos hemos replanteado si alguno de nosotros debería tener más protagonismo que el otro. De hecho, ya ves que siempre hemos dejado incluso que el batería de turno aportase también su cuota de canciones”, comenta en alusión (ahora) a Bob D’Amico. En lo que sí han madurado es en la criba, en la selección de canciones, un control cuali-

tativo que en otras épocas (y no hablamos, claro, de discos tan ejemplares como Bakesale –94– o Harmacy –96– ) no ha funcionado igual de bien. “Esta vez nos dimos un tiempo para repensar todo el trabajo previo antes de editarlo, que es algo que no hacíamos, porque antes editábamos todo lo que teníamos, sin pasarlo por muchos filtros”, asume. Más de tres décadas de carrera dan para mucho, incluso para perder la ilusión por el camino. Pero eso no es algo que le ocurra a Lou Barlow. “Las cosas van saliendo con la misma fluidez que hace más de veinte años, ha habido momentos más duros que este. Igual dentro de diez es distinto, pero ahora siento que el momento es bueno”, comenta acerca del estado actual del proyecto. Sigue inalterable, eso sí, esa receta de melodías intimistas en lo fi que no se contagia de nuevos descubrmientos, ni siquiera de los que le aportan los gustos de su hijo de nueve años (en la familia es su hija quien se inclina algo más por el hip hop o la electrónica). “Redescubro cosas viejas gracias a mi hijo, que tiene nueve años, como es el caso de los Ramones: eso me hace acordarme de por qué a mí me parecían tan geniales cuando les descubrí siendo un crío”. Lo de Sebadoh, a estas alturas, está claro que no es tanto una reformulación como una reconexión con lo que siempre fueron. Ni más ni menos. No es poco. —carlos pérez de ziriza

FOTO: JUSTIN PIZZOFERRATO

The Twilight Sad

Sebadoh

octubre 2019 #31

33/Mondo VINILOS

Korn

Amaral

The Nothing Roadrunner

Desde Murcia con amor Viva Suecia El Milagro Subterfuge

POP / Esta claro que los murcianos Viva Suecia están en estado de gracia. Ese que a una banda la coloca en el tiempo y el espacio precisos, consiguiendo que todo fluya de forma que parece milagrosa. En este disco ellos mismos intentan buscar respuesta a todo lo que les ha sucedido, que tiene más que ver con la forma oracional de sus canciones que con instancias divinas. Porque es evidente que El Milagro no sería tal sin canciones como Lo que te mereces. Viva Suecia abren este tercer disco en el lugar en el que dejaron el anterior, y con una especie de agradecimiento a esas canciones, a esos principios fundamentales que les han colocado en una situación tan franca. Toda una demostración de solvencia en ese arte de enlazar fraseos elípticos y envolventes, y que ya es marca de esta santa casa, como lo fue de otras que también andan más allá de los cielos. Una vez bendecida la mesa, seguimos ávidos de glutamato y nos devoramos rápido Qué querías ser de mayor, con un estribillo de esos por el que hasta doblan las campanas –imagino a Carlos Hernández equilibrando las piezas de metal–. Dos de once y un devoto de Viva Suecia ya estaría

saciado, aunque la gula es un pecado capital también en esto del pop. Y aquí llega el momento de rendir cuentas, y se presentan los Viva Suecia más terrenales. Esos que se han planteado en este año sus nuevas vidas y que han decidido saltar (Necesitarnos tantos) o simplemente detenerse y escuchar como la orquesta les sonríe en estos Días amables. Cerraría esta primera cara del vinilo el single Algunos tenemos fe y ese bailable groove de bajo que ya irremediablemente abre el recurrente debate estéril sobre elementos nuevos, electrónica y demás herejías. Bien está si bien se quiere contesta Rafa en La fuerza mayor. Si hubiera que elegir el instante preciso donde se produce el milagro, yo me quedaría con este en el que fabrican luz entre cadenas. Colosal. Con ese comienzo a lo The Flaming Lips de Te prometo arranca una parte del disco en la que los murcianos han conseguido sino el milagro, sí el objetivo, la dinámica. Cargar con la cruz de un sonido hermético, por mucha empatía que despierte, puede derivar en una losa. Será habla de poner flores en los anzuelos, de no estar nunca conforme, de que entre las buenas opciones elijas las peores, en resumen la canción más libre de Viva Suecia. Y es que si este disco es el mejor que han firmado, el que se conjuraron hacer con Carlos Hernández, es porque Rafa, Jess, Alberto y Fernando no confían ya su obra a la mera providencia divina. Otra cosa es que luego suceda el milagro.

—arturo garcía

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METAL / Hace veinticinco

años, pocos expertos en rock hubieran vaticinado con confianza que la banda estuviera destinada a una larga trayectoria. Pero ahora, con The Nothing, nos confirman su perdurabilidad. En él nos encontramos a Jonathan Davis luchando con dolor por la pérdida de su mujer, Deven, debido a una sobredosis de drogas. Este hecho traumático ha llevado al vocalista a replantear la dirección y el concepto de la banda hacia un nuevo territorio, cuyo título representa muy bien el estado actual en el que se encuentran. Esa NADA, en el sentido más ‘sartreano’ del término, les ha llevado a un plano mucho más consciente de sí mismos, de sus flaquezas, pero también, de sus virtudes. Que sigan sonando tan poderosos y descomunales como el infierno.

—alejandro serrano

Salto al color Gatorama Music/Sony

POP / Amaral dejan atrás su lado más crítico y profundizan en nuevos sonidos. Su octavo álbum es un disco heterogéneo cuya máxima es aportar color al mundo en blanco y negro en el que vivimos. A grandes rasgos el álbum está dominado por una sólida apuesta por el synthpop con temas como Señales o Entre la multitud. Sin embargo, algunos de los momentos más brillantes llegan con los espectaculares arreglos de cuerda de Steve Sidwell (Peces de colores, Nuestro tiempo) que traen de vuelta a esos Amaral orquestales que tan felices nos hicieron en Pájaros en la cabeza. Sacan su lado flamenco en Soledad y hasta convierten la flauta de Carlos Nuñez en ave rapaz en Halconera. Es curioso ver cómo tanta diversidad sonora se covierte en el principal pilar que unifica el álbum.

—álex jerez

Taylor Swift

Mando Diao

Lover Republic Records/ Universal

POP / Taylor Swift vuelve a abrir las alas en Lover. Ha decidido centrarse en sí misma, recuperar su identidad y preocuparse únicamente de todo aquello que le hace feliz. Su nuevo álbum es un conjunto de canciones íntimas y sinceras que muestran a una Taylor con más luz y las ideas más claras. Se atreve a criticar la situación política de América, defender los derechos del colectivo LGTBI o hablar de las desigualdades de la mujer. Vuelve a colgarse la guitarra para presentar un repertorio que no necesita artificios para lucirse. De ahí que los puntos débiles del disco se encuentren en ciertos intentos por recuperar ese lado más infantil que perdió en su anterior etapa. La mejor Taylor surge en esas canciones que te transportan de nuevo a sus raíces como Lover o la fantástica Soon You’ll Get Better. —álex jerez

Bang Playground

SOUL ROCK / Mando Diao superaron el descalabro que supuso Ælita (14) con un disco como Good Times (17), protagonizado en exclusiva por soul de guitarras y que albergaba una mayoría de canciones directas a la yugular. Dos años y medio después, los suecos vuelven a la carga con un álbum que pretende ser una continuación lógica de aquél. El resultado final convence aunque alejado de la euforia, gracias a un repertorio solvente que incide, sin tapujos y a través de diez nuevas composiciones, en esas evidentes preferencias negroides. En términos de efectividad, Bang se sitúa un par de peldaños por debajo de su predecesor. La buena noticia es que Björn Dixgård y compañía parecen definitivamente centrados en una faceta que controlan para seguir paseando su directo por festivales de todo el mundo. —raúl julián

octubre 2019 #33

MONDOVINILOS

Kindness

Something Like A War Female Energy/ Popstock!

Lana Del Rey toca tierra Lana Del Rey

Norman Fucking Rockwell Interscope/Polydor

8 POP / En Norman Fucking Rockwell, Del

Rey une fuerzas con Jack Antonoff como productor de las nada menos que catorce canciones que lo componen. Alejándose, más si cabe, de la radiofórmula y acentuando su marca y sonido más personales, Lana demuestra que tiene los pies en la tierra en el disco probablemente más cohesionado de su carrera. Dando mucha importancia a las melodías y a la instrumentación (Cinnamon Girl, Venice Bitch, The Greatest), pero a la vez ofreciendo una manera de componer muy madura y poética que recuerda incuso a Leonard Cohen (Hope Is A Dangerous Thing). A pesar de que ya se conocía la mitad del disco, canciones como California, Love Song o la que da título al disco sorprenden para bien. Otras como Bartender o Next American Record, en cambio, quedan algo descafeinadas y bien podrían haber sido descartadas. Pero si algo

Bat For Lashes

The Rubinoos

Lost Girls AWAL/ Popstock!

Poderosa, inspiradora, libre. El nuevo álbum de Bat For Lashes te invita a escapar de la realidad para vivir en un mundo de película tan irreal, seductor y nostálgico que no querrás regresar. Lost Girls es una apuesta por traer el pop de los ochenta al presente y construirle una nueva personalidad. Inspirada en la ciudad de Los Ángeles, Natasha Khan crea su propia versión del mítico largometraje de 1987 The Lost Boys y lo convierte en un compilado de temas de marcado carácter femenino lleno de luces de neón, romances, vampiros, carreteras infinitas y puestas de sol de color naranja intenso. Entre los puntos a destacar encontramos una sexual Jasmine que saca la Bat For Lashes más pop hasta la fecha. Y es que aunque el espíritu gótico del álbum es el gran protagonista, sería injusto pasar por alto las ganas de bailar que tiene Khan. Solo hace falta escuchar esa Feel For You que nos transporta a los primeros discos de Pet Shop Boys. 8

—álex jerez

#34 octubre 2019

From Home Yep Roc Records

POWER POP / A muchos sor-

prendió el hecho de que Chuck Prophet fuera escogido como productor del nuevo disco de The Rubinoos, una de las bandas más divertidas de la historia del rock. Pero el ex Green on Red ha sido fan declarado de toda la vida de los de San Francisco y su power pop. De hecho, fue uno de los muchos seguidores del grupo que ayudó a que pusieran en circulación su primer single, editado gracias a esa legión incipiente de fans que atesoraban mediados los setenta. Prophet, por supuesto, ha dotado de más carácter guitarrero al sonido de estos cuatro tipos, maestros de la gestión de melodías. Además, consigue hacerlos evolucionar sin quitarles ni una pizca de magia y, sobre todo, manteniendo sus señas de identidad. Eso es lo que pasa en canciones como Honey From The Honeycombs, Phaedra o Rocking In Spain, evidentemente dedicada a su paso por nuestros escenarios. Y es que aquí se les quiere. Y con discos como este, les seguiremos queriendo. —eduardo izquierdo

hay que destacar de este álbum es que las cosas que se hacen despacio y con mimo, funcionan. Y no hablamos de perfección, sino precisamente de lo contrario. De esos “fallos” aparentemente nóveles que aparecen de vez en cuando durante el transcurrir del disco pero que aportan frescura y autenticidad. Como, por ejemplo, el crujido de una silla que se cuela en mitad de la grabación, un susurro esporádico mal cortado... Todos estos matices hacen que el público se aleje cada vez más de la imagen desvirtuada de diva perfecta que ella misma solía proyectar, para acercarse poco a poco a la de una artista sabia que no tiene miedo a mostrar sus imperfecciones. Ya no queda prácticamente nada de esa insegura cantante de los tiempos de Born To Die, sino que Lana ha conseguido desnudarse y encontrar la mejor versión de sí misma en el mundo de la música. En tiempos en los que la superficialidad y las modas pasajeras son tendencia, encontrar a un artista que se mantiene fiel a sus principios es una tarea complicada y decepcionante. Sin embargo, con obras como Norman Fucking Rockwell, se consigue recuperar algo la esperanza. —álvaro tejada

Frankie Cosmos

POP / Frankie Cosmos regresa con el que es su cuarto disco en cinco años, en un proyecto que Greta Kline parece liderar con descontrolada creatividad y cierta despreocupación. Una entrega que se concreta en veintiuna nuevas canciones agrupadas en cuarenta minutos de duración. Una pista definitiva acerca de las peculiaridades de la referencia, protagonizada ésta por canciones cortitas y al pie, de fácil asimilación y en las que un pop suave, sencillo y con querencia folk resulta artífice principal. El habitual regusto por la baja fidelidad (bien medida de antemano, eso sí) del combo preside todo el producto, mientras que a lo largo de un recorrido tan agradable como en realidad poco trascendente asoman algunas joyitas de dos minutos. La dulzura interpretativa de Kline resulta principalmente agradable, apuntalada por esa instrumentación algo básica pero apropiada, aunque las coordenadas terminen por resultar inevitablemente repetitivas. —raúl julián

The S.L.P.

Chastity Belt

Close It Quietly Sub Pop/ Popstock!

POP / Adam Bainbridge afronta su tercer disco con ambición. Ha producido para Solange, Kelela, Dev Hynes/Blood Orange o Robyn y encandiló a la crítica con su debut World, You Need A Change Of Mind y –algo menos– con Otherness, pero es en este tercer álbum cuando va a por todas. Mantiene su sonido marca de la casa, esa mezcla de pop y house que ya nos llamó la atención en las anteriores entregas, pero ahora añade un toque dancehall por aquí y unos punteos todavía más funk por allá. Además, y aunque la producción recaiga enteramente en los hombros de Bainbridge, lo que no faltan en este tercer trabajo son colaboraciones. Aparte de Robyn, Seynabo Sey y Jazmine Sullivan, Adam ha querido contar con Todd Rundgren, Samthing Soweto, Sampha, Nadia Nair, Cosima o Bahamadia. Todos ellos aportan en un disco que peca en ocasiones de monotonía, pero en el que no faltan buenos temas como Who You Give Your Heart To, Raise Up o The Warning. —pablo tocino

The S.L.P. Columbia

Chastity Belt Hardly Art/ Popstock!

POP / Con su cuarto disco,

Chastity Belt se alejan de la urgencia juvenil de poso punk y el sentido del humor gamberro de sus primeros trabajos para situarse en un terreno mucho más comedido en lo musical e introspectivo en lo lírico, y uno no puede evitar pensar que algo se ha perdido en ese camino, dando como resultado un disco bastante flojo en el que la producción austera, de carácter lo-fi, juega a la contra de unas composiciones que, simplemente, no tienen demasiada gracia ni chispa. La energía que antaño emparentaba al cuarteto de Washington con la generación riot grrrl se convierte en este cuarto trabajo en un ejercicio reposado y contemplativo de indie rock de manual, con atmósferas dream pop que resultan monótonas y empalagosas a lo largo de diez canciones en las que lo evocador y melancólico se convierte rápidamente en cansino, como unas Slant 6 sin frescura o unos Beach House sin gracia. No es un disco horrible, ni mucho menos, pero está lejos de resultar interesante. —ricky lavado

POP ROCK / Con Kasabian

ostentando en propiedad el estatus de ‘banda de estadio’ (al menos en su país), uno de sus artífices se da el gustazo de publicar su primer trabajo al margen del grupo. Sergio Lorenzo Pizzorno –guitarrista y compositor principal del combo– presenta proyecto en solitario, en lo que viene siendo el capricho de una figura poderosa dentro de la industria musical británica. Once piezas que lucen algo independientes entre sí, con las que Pizzorno picotea despreocupado entre variaciones de indie-rock sacrificando en buena medida el sentido conjunto de la obra. De este modo, The S.L.P. deja varios aciertos que, a pesar de un trazado algo irregular, convencerán a seguidores de Ian Brown, Miles Kane, Richard Ashcroft, Noel Gallagher o los mismos Kasabian. Un disco decente y con buenos momentos, aunque seguramente sin el peso propio suficiente como para que no reciba más atención por el currículo previo del autor que por su contenido. —raúl julián

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Gruff Rhys

POP / En los últimos años

los de Manchester se han recreado en su glorioso pasado y digno presente con varios directos que no destacaban especialmente. Este nuevo álbum, empaquetado con el buen gusto habitual de una banda que durante bastante tiempo estuvo en la vanguardia del pop más perfecto, trasciende el vivo convencional y condensa la música de los tres shows que la banda ofreció hace un par de años en los viejos estudios Granada (donde debutaron Joy Division). Gracias a la selección de canciones, es el directo más estimulante y especial que han publicado tras su resurrección sin Peter Hook. Bajo el título de una abstrusa fórmula matemática, recuperan algunas de las gemas más fulgurantes de su repertorio (Vanishing Point, Dream Attack, Your Silent Face, Sub-Culture, Ultraviolence), intercalando algún hit (Bizarre Love Triangle) y recientes cortes decentes (Who’s Joe, Plastic). Como plato fuerte, se atreven con Disorder de Joy Division. —jc peña

POP / Gruff Rhys ha sabido

mantener activo ese toque mágico con el que viene impregnando todo lo que toca desde que se inventó a Super Furry Animals en los noventa. Solo un año después de su anterior entrega, el británico encuentra nueva excusa para hacer diana con una referencia que motiva las habituales (e inconfundibles) vibraciones positivas. Un álbum interpretado en galés, logrando así una peculiar sonoridad que realza aún más el perfil exótico del conjunto. Nueve nuevas canciones producidas por el sudafricano Muza, en lo que es una colaboración en firme protagonizada por ese pop cuidado y carente de prejuicio que aquí se nutre generosamente de bases africanas. Melodías exquisitas se alían de forma natural con esa experimentación y curiosidad surgida de la propia inquietud del creador, en una mixtura encantadora. Pang! es un meritorio elepé de (relativa) fusión, corto en duración y preciso en su conquista del oyente.

—raúl julián

A Picture Of Good Health Afghan Moon/ [PIAS]

POST-PUNK / Life irrumpie-

ron hace un par de años con un álbum que despertó el interés de Steve Lamacq y de colegas como Idles. Abiertamente políticos en su debut, en su segunda e inspirada entrega mantienen el sarcasmo mirando más hacia dentro, con asuntos tan espinosos como la salud mental. Musicalmente, los de Hull amplían las miras con la incorporación de nueva bajista. El single Moral Fibre sienta las bases: breve y al grano, las referencias cultas de 1977 (Wire, The Fall, los primeros The Damned, Gang Of Four…) están perfectamente digeridas, como en su arranque Good Health. Si Idles apuestan por la tensión y una oscuridad viciada, una ligereza melódica casi pop, una simplicidad destilada a lo esencial, eleva las canciones del ahora cuarteto, que tiene estribillos para repartir (Hollow Thing, Excites Me, Niceties). El nivel no decae: ahí están Never Love Again, Grown Up o Half Pint Fatherhood. ¿Se habrán dejado algo para el tercero? —jc peña

DD LJM

1 Lana Del Rey Norman Fucking Rockwell

8 9 7 8 8

2 Manel Per la bona gent

8 8 8 8 8

3 Charli XCX Charli

6 8 8 9 7,75

4 Jenny Hval The Practice of Love

8 8 7 8 7,75

5 Los Punsetes Aniquilación

7 8 7 7 7,25

5 Tool Fear Inoculum

7 8 7 6 7

6 Fuerza Nueva Fuerza nueva

8 7 7 6 7

7 M83 Ds Vii

5 7 6 6 6

9 Pixies Beneath the Eyrie

6 6 6 5 5,75

Bleached

Don’t You Think You’ve Had Enough? Dead Oceans/ Popstock!

Charli XCX

Charli Asylum/Atlantic

9 POP /Pese al singular de su título, Charli es

de entenderse como un Pop 2 despojado de su capa más experimental, ampliado en registros y adaptado en su mayor parte a estructuras de canción más convencionales, algo que muestra de manera transparente en el paso de Track 10 (de Pop 2) a Blame It On Your Love, evoluciones completamente distintas y brillantes del mismo embrión. Pero Charli aporta algo más: en él deja ver, por fin, más allá de la coraza hedonista que ha envuelto buena parte de su discografía

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Med

10 Amaia 6 5 6 6 5,75 Pero no pasa nada

Las mil caras de Charli XCX

un álbum que contiene multitud (de Charlis) y en el que, por primera vez, se reconcilian todas ellas: la Charli mainstream y la Charli underground, la Charli fábrica de hits y la Charli futurista y experimental, la Charli eufórica y la Charli con inseguridades y crisis de ansiedad, la Charli que gira con Taylor Swift y la Charli que sigue reivindicando voces disidentes como las de CupcakKe o Pablo Vittar en el que probablemente sea su mayor y mejor colección de razones para auparse al estrellato pop hasta la fecha. Estrellato que, por otra parte, casi se antoja innecesario en la etapa post-Pop 2 (17), marcada tanto por el respeto de la crítica como por la fidelidad de la comunidad que se ha ido formando a su alrededor. El sello estético y sonoro de Charli no deja de ser una evolución lógica de sus dos anteriores mixtapes, verdaderos laboratorios de pruebas –y perfeccionamiento de su acople con el sonido PC Music– tras un par de discos en los que parecía bascular temerosa entre formas muy distintas de entender el pop. Concretamente, Charli pue-

JSL DC

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

∑(No, 12k, Lg, 17Mif) So It Goes... Mute/[PIAS]

Life

Pang! Rough Trade/ Popstock!

top 10.

New Order + Liam Gillick

anterior, abrazando una vulnerabilidad prácticamente inédita en una cantante que ha escrito más sobre fiestas, afters y afters después del after que sobre cualquier otra cosa. Si Pop 2 era el primer álbum redondo de Charli XCX y la culminación de su evolución sonora y compositiva, Charli es la consolidación de una artista decidida a construir un puente entre el pop del presente y el pop del futuro.

—darío garcía coto

POP ROCK / No resulta para

nada trivial que Bleached canten versos como “Deja al océano luchar por las olas / es mantenerse con vida o el suicidio” en temas como Heartbeat Away. Tras sufrir cierto “vía crucis” personal, las hermanas Clavin decidieron hacer tabula rasa abandonando definitivamente las drogas tras la concepción de Welcome To The Worms (16). Ya acomodadas en un nuevo estado de lucidez personal, Jennifer y Jessica han firmado con este trabajo un tercer álbum jovial, refrescante y de fina pátina pop con el que se han atrevido a ampliar sus miras estilísticas. Una renovada y vigorizante producción “matchea” a placer con guitarras jangle (Hard To Kill), farisaicas figuras post punkeras (Somebody Dial 911) e, incluso, sujetos con anteojos similares a los de Rivers Cuomo (la citada Heartbeat Away). Pese a lo poco cohesivo de la propuesta, es una obra digna para ser degustada en estas fechas. —pablo porcar octubre 2019 #35

MONDOVINILOS

MC Buzzz

Baile de Rua Mixpak Records

El encantamiento de La Bien Querida 7

La Bien Querida

Brujería Elefant Records

8 POP / Superar un trabajo tan completo como fue Premeditación, Nocturnidad y Alevosía (15) no es tarea sencilla. Aún así, La Bien Querida consiguió mantener el listón con Fuego (17) y vuelve a redondear la jugada con su nuevo álbum Brujería (19), un disco casi conceptual en el que cada canción está relacionada con un encantamiento. Desde el susurrante Hechizo protector hasta la épica La fuerza, La Bien Querida nos plantea un viaje a través de 11 temas en los que la magia y los sentimientos se entrelazan para construir un relato tan emocionante como inspirador. Si bien siempre ha existido un elemento profundamente romántico en su música, puede que este sea el trabajo en el que habla con más precisión sobre el amor y sus vicisitudes. Ahí están títulos como La verdad o Te quiero, poco susceptibles a interpretaciones. Es un disco repleto de medios tiempos y fraseos lentos (Miedo,

Nubes negras) en el que no faltan hits de pop electrónico marca de la casa como la inmensa Me envenenas o el primer single Qué, donde se acompaña de Diego Ibáñez de Carolina Durante. También hay duetos con J de Los Planetas (Domingo Escarlata, La fuerza) y David Rodríguez de La Estrella de David (Déjame entrar), quien por primera vez no figura como productor. En esta ocasión ese papel ha recaído en Carlos René (Axolotes Mexica-

All La Glory

Burna Boy

Disco Fantasma Happy Place Records

POP ROCK / Tras el sobresa-

liente Everybody’s Breaking Everybody’s Heart (16), con el que abrazaron el power-pop y la new wave con sello propio, los sevillanos contratacan con Disco Fantasma, siguiendo la estela de los sonidos ochenteros de su antecesor y subiendo la apuesta. Se pasan al castellano y cuelgan en la negrura de la noche una gran bola de espejos, que gira multicolor al son atmosférico que marcan los sintetizadores, con The Cure y The Smiths en el centro de la pista. Nueve temas que se te quedan pegados a la piel como salitre reflectante, en el que la luz de la luna te encuentra desde que los surcos comienzan a girar con La noche silenciosa, hit automático que te morderá el cuello una y otra vez, como los vampiros enamorados que la habitan de la mano. Los sintetizadores se extienden por cada pista, mientras las guitarras resisten la tempestad y relampaguean por momentos, fundiéndose con cada nueva ola, la voz de Azagra y los cantos de sirena de Pilar. —david pérez #36 octubre 2019

Monodrama

African Giant Atlantic/ Warner

AFRO POP / Burna Boy se ads-

cribe a una postura de crítica hacia la percepción de la raza africana y su significado a través de los estudios que la analizan. En este sentido, no hay ejemplo más representativo que la fabulosa Different, en la que Burna Boy se deja acompañar por Damian Marley y Angelique Kidjo. Bajo esta premisa conceptual, asistimos a un tour de force elemental, en el que nuestro protagonista se sirve de la cadencia sincopada en slowmotion del OVO Sound para que sus críticas fluyan con espíritu R&B. El resultado emocional suma un plus de intensidad interiorizada a su repertorio: un arco iris sónico, donde también cabe la voluptuosidad caribeña del dancehall y, por supuesto, las vertebraciones rítmicas del afrobeat. Diecinueve eslabones soldados en esta cadena lanzada al cuello de la perspectiva occidental de un continente llamado África. Una integración ideal entre lírica de barricada y sonoridades cuajadas con saudade afro.

—marcos gendre

nos), aunque la implicación de la propia Ana es más pronunciada que nunca. Juntos han construido un “muro de sonido”con ecos a New Order y The Cure, pero también a Lana Del Rey, Cigarrettes After Sex o incluso My Bloody Valentine (Morderte). En definitiva un álbum complejo pero accesible que nos confirma, una vez más, que La Bien Querida es una de las mejores escritoras de canciones de nuestro país. —tomás crespo

JAZZ / Todo en Anathema suena natural y orgánico: cada pieza es un universo en sí mismo, y a pesar de ello la suma ofrece una sensación de extraña cohesión. La enigmática formación instrumental madrileña suena en estas cinco composiciones a tres tipos dialogando entre si en un idioma inventado y fascinante. Por momentos, el dialogo toma el camino de la tensión y se cierra sobre sí mismo aproximándose a sonoridades free jazz, recordando de igual forma a los Tortoise de TNT que al John Zorn de Electric Masada. En otros momentos, ese dialogo se instala en la calma y la elegancia, en forma de desarrollos de carácter cinemático y ánimo contemplativo, de atmósferas misteriosas en un despliegue de belleza y sencillez emparentado de forma improbable con gente tan dispar como The Comet Is Coming o incluso Boards Of Canada. Háganse un favor y déjense atravesar por este disco, es un viaje que vale la pena. —ricky lavado

Buzzz confirma su importancia en la escena nacional con Baile de Rua, un álbum debut en el que termina de entrar de lleno, y con éxito, en el mundo del funk carioca. Acompañado de algunos de los mejores productores del panorama como King Doudou o Fakeguido (que han sabido hacerse con los códigos del género), el brasileño ha conseguido elaborar un trabajo consistente que poco tiene que envidiar a algunos referentes de la música de baile carioca. Tudo se pasa o Kodak Black, dos de los cortes de más nivel, son canciones perfectas para escuchar en cualquier situación pero que lucen más en la pista de baile. El antiguo componente de Los Sugus ha firmado para este trabajo con Mixpak Records, una discográfica independiente de Brooklyn con un interesante historial de lanzamientos en su haber (Popcaan, Dj Florentino), lo que probablemente sea una maniobra para proyectarse a nivel internacional sin salir de la escena underground. —luis m. mainez Minuit Machine

Kazu

Anathema Everlasting

Adult Baby AB Records/ Popstock!

POP / Kazu Makino, cantan-

te y compositora principal de Blonde Redhead, además de multiinstrumentista, se ha rodeado de Greg Saunier y Ryuichi Sakamoto como escuderos principales en este Adult Baby, su debut en solitario. Nueve canciones parpadeantes que conforman una nebulosa electrónica en la noche más oscura. Una extraña y atrayente espiral de ensoñaciones, a medio camino del Vespertine de Björk, el Dummy de Portishead y una fragmentada pesadilla lynchiana. Solo son necesarios unos segundos de la muy ganadora y enigmática Come Behind Me, So Good!, para que nos despeguemos de toda realidad y terminemos contoneándonos hacia atrás en una habitación roja, mientras un enano baila al decirnos “there’s always music in the air” y Laura Palmer nos susurra al oído un secreto que no recordaremos al abrir los ojos. Despierta… O sigue soñando. Kazu ha logrado esa milagrosa imperfección de tejer los deseos del inconsciente.

—david pérez

URBAN-FAVELA FUNK / MC

Infrarouge Synth Religion

DARK WAVE / Después de un breve impás de dos años, las productoras francesas Minuit Machine vuelven con un tercer largo, Infrarouge, y lo hacen recuperando sus raíces cold wave. Hélène De Thoury y Amandine Stioui saben cómo fundirse en una unidad a la hora de componer potentes composiciones electrónicas con oscuras reminiscencias góticas, y esta vez lo hacen potenciando, con elegancia y maestría, lo mejor de su sonido. El disco describe la ambivalencia de nuestra generación, que lucha en un mundo tan frágil como complejo. Esta idea de la vida como algo efímero y delicado frente a un mundo devastador e imponente, atraviesa todo el disco. ¿Cómo seguir viviendo cuando sabemos que nuestro futuro no está en nuestras manos? Parece que nos pregunten ambas productoras en cada tema, mientras consiguen hacer del synth wave una narrativa tan poética, evocadora y melodramática como reflexiva. —alejandro serrano

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!!!

ELECTRÓNICA / Desde hace

tiempo tenía la impresión de que los de Sacramento/NYC habían perdido el filo con el que conquistaron a público y crítica en los primeros dos mil. Su alma disco más accesible (y demasiado acomodada, para mi gusto) parecía imponerse de forma definitiva en Shake The Shudder (17), pero este jugoso Wallop, su trabajo más inspirado en un tiempo, me lleva la contraria. Aquí la vocación melódica se equilibra con mejores (y breves) canciones, riqueza instrumental y una deslumbrante variedad de registros. No sólo recuperan de forma imaginativa sonidos de la pista de baile de los noventa, sino que amplían su paleta y basculan de la electrónica densa al pop desinhibido. Las fatídicas elecciones del 16 han tenido la culpa, aunque !!! no cayeron en la trampa de lo obvio. Frustrados ante un enfoque deliberadamente político que no acababa de funcionar, decidieron dar rienda suelta al inconsciente para completar una fiesta completa con algunos sobresaltos. —jc peña

We Are Not Your Kind Roadrunner

Lightning Bolt

Patio de luces Mama Vynila Records

Black Islands son la productividad hecha banda. El año después de su segundo trabajo, Disco Nuevo, que marca un antes y un después en su relativamente corta pero intensa carrera, el cuarteto publica Patio de luces, un disco que hace honor a su título con unas letras personales y por momentos costumbrista. Si en la anterior entrega escupían proclamas antitaurinas y a favor del movimiento LGTBI, en esta nueva entrega mantienen el pulso punk –en un equidistante entre la energía de Sex Pistols y la fiesta subversiva de la Movida Madrileña– para dibujar nueve viñetas que se antojan muy vividas. Pienso en esa relación en horas bajas de la inicial Matrimonio asfixiado y en la despechada Houdini, también en los recuerdos de infancia en clave fantasmagórica que inspiran la pegadiza Casa encantada, escogida primer adelanto de un disco grabado en El Puerto de Santa María con el maestro Paco Loco, el gurú del pop independiente español. —luis benavides

METAL / Si con su anterior

.5:The Gray Chapter (14) tenías una sensación de déjà vu constante, We Are Not Your Kind es lo bastante singular como para mantener tu atención después seis discos de estudio. Cierta experimentación y mezcla de estilos e influencias, pero dentro de un perímetro delimitado. We Are Not Your Kind cuenta con sorpresas agradables, algunos detalles raros de ver en otros trabajos Slipknot. Es el caso de Birth Of The Cruel, en la que su lado más industrial toma protagonismo y además el registro melódico de Corey Taylor funciona especialmente bien. La vena más grandilocuente se pasea en Unsainted, coros incluidos. Estos pequeños tanteos hacia distintos derroteros no restan a la épica habitual de la banda, ofreciendo en conjunto una buena tanda de canciones aplastantes con su sello inconfundible: guitarras demoledoras (Solway Firth) y la voz corrosiva de Corey Taylor. O les amas o les odias, pero siguen convenciendo. —montse galeano

Black Islands

ROCK / Los barceloneses

MONDOVINILOS

Slipknot

Wallop Warp/Music As Usual

Sonic Citadel Thrill Jockey

PUNK / A veinte años de

su debut discográfico, y a un cuarto de siglo desde su formación en las catacumbas del underground universitario, el anárquico dúo norteamericano no da señales de flojear. Cuatro años después del estupendo Fantasy Empire, con el que por primera vez apostaban por un sonido menos lo-fi, tenemos de vuelta a los dos Brian (Gibson y Chippendale) haciendo lo que mejor saben hacer: liándola parda con una nueva dosis de riffs primarios, frenesí inventivo, caos vitalista y hasta algún hallazgo melódico. Los títulos de las canciones rivalizan con los de Mogwai en términos de cachondeo absurdo (USA Is A Psycho, Air Conditioning, Hüsker Dön’t, Halloween 3, Van Halen 2049), pero es su inagotable energía asilvestrada y sus frenéticas e intrincadas peripecias instrumentales, inspiradas por los géneros más dispares las que vuelven a convencer. Puede que alguna canción se alargue un poco más de lo ideal, pero están en un gozoso estado de forma. —jc peña

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El retorno de Tool con su disco más esperado Tool

Fear Inoculum Sony Music

8 ROCK / Estamos ante el mayor hype vivido

en esta época con respecto a un álbum de una banda de rock, fraguada, para colmo, bajo lo que denominamos escena underground. El metal progresivo nunca habían disfrutado cotas tan altas de expectación. Quizá estos trece años sin un disco, desde aquél lejano 10.000 Days, han servido para inflar la burbuja especulativa, como de ningún otro modo hubiera podido ocurrir. En fin, estos siete nuevos cortes con el número siete, precisamente, como epicentro mágico, darán mucho que hablar. Del single homónimo corrieron mares de reseñas en pocas horas, siendo además la bandera con la que han accedido por fin a entrar en catálogos de plataformas digitales. No todo el mundo está preparado para el ritmo lento que predomina el álbum, au-

mentado con sus tres cortes extras, pero, bien entendido, escuchando con atención, es magistral en el dominio de los tempos, un auténtico ejercicio de respiración musical, casi como una guía anti-ansiedad. Numerosos easter eggs (como esa mención a Ponce de León), delicias rítmicas (Danny Carey se luce en todo momento, especialmente en Chocolate Chip Trip) y explosiones que se hacen rogar, como la que posiciona 7empest la pieza maestra del álbum, sin desmerecer Invencible, que incorpora el minutaje más interesante del álbum. Maynard está magistral en arreglos vocales de gran sutilidad, como esos coros que se desvanecen instantáneamente en Pneuma. El disco acaba, y no sabes qué pensar. Confuso, vuelves a esa espiral tripofóbica de ojos que es la portada. El disco te devuelve la mirada y parece saber más de ti que tú de él. Pura alquimia sonora. Tool sigue evidenciando su relevancia silenciosa con el paso de los años. Y lo único por lo que se les puede levantar el dedo es para decirles: “no volváis a ausentaros tanto tiempo”. —rubén g. herrera

octubre 2019 #37

19ANIVERSARIO

Del 10 de octubre al 14 de diciembre

808 STATE BAD GYAL BEN KLOCK BERRI TXARRAK BLAC YOUNGSTA BLACKBEAR BOYS NOIZE CARAVAN PALACE CARIÑO CHARLI XCX D.A.F. DAX J DJ TENNIS ELYELLA GERD JANSON HERCULES & LOVE AFFAIR ISEO & DODOSOUND JEREMY UNDERGROUND KIASMOS DJ SET KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD LA CASA AZUL OF MONSTERS AND MEN OJETE CALOR PRIMAL SCREAM ROMAN FLÜGEL SEBADOH THE WATERBOYS VAMPIRE WEEKEND ALICE PHOEBE LOU ANGEL MOLINA BEA PELEA BENJAMIN DAMAGE CHASE ATLANTIC DAWES DEKMANTEL SOUNDSYSTEM DIRTY DOZEN BRASS BAND GANGSTA BOO GIRL ULTRA HELADO NEGRO JOSEY REBELLE KAYDY CAIN LADILLA RUSA + MONTERROSA LEE GAMBLE + NKISI + ZULI LENA WILLIKENS B2B ALICIA CARRERA LUCKY CHOPS MALABBABBA MAX COOPER MC JOÃO MELLA DEE NEON CHAMBERS NICK HOOK NIMMO (LIVE) NINA LAS VEGAS OR:LA PAULA TEMPLE PIP BLOM RON MORELLI ROSA PISTOLA + FLACA SPECIAL REQUEST TIGER & WOODS TREVOR JACKSON BEN BUITENDIJK BRRRRRAP BRUCE DJ GLUE FANTASTIC TWINS FOREST DRIVE WEST JK FLESH KUF & DOLD LAKUTI MC BUZZZ + LIMABEATZ MERCA BAE MOZHGAN NAZAR NOSEDRIP NOVA MATERIA OBER DADA OBJECT BLUE OCEANIC PAL JOEY PHILIPP STROBEL PRATEEK KUHAB SOLAR SOLID BLAKE THE REGRETTES THNTS TIJANA T WE ARE NOT BROTHERS ABU SOU ALBERT CODE ALGAR & SOY UNA PRINGADA ALVVA AMABLE BALDO BUENAVISTA CANELA EN SURCO DJS CARLOS BAYONA DJ CASCALES CHICLETOL DANI PATCH DAVID LOST DJ LUI DJ2D2 DJOHNSTON DOWNITES GUIM LEBOWSKI INDIESPOT JON & MONIQUE LA BRITNEY CALVA DJS LA DIABLA LATZARO LEGOTEQUE LKGT MAADRAASSOO MR GEORGE COSTANZA PARALLAX PAU ROCA PEROTUTEHASVISTO PLUMIERE RENDER ROBERT MARTEX RUBBIO SANATRUJA SHELLY SIRIA DJ STEIN TITI CALOR UNDO VEISKI WILL BLAKE YIBRIL RUE

Tickets:

salarazzmatazz.com

Estrella Damm recomienda el consumo responsable. 5,4º

Liam Gallagher

Why Me? Why Not. Warner

ROCK / Liam Gallagher sabe

que sus posibilidades pasan por incidir en el pop-rock británico más clásico, el mismo que en su momento encumbró a Oasis. Es el acierto base del vocalista que, conociendo sus limitaciones como compositor, no duda en unir fuerzas con otros autores para completar el segundo disco firmado bajo su propio nombre. Aunque situado un par de peldaños por debajo del más que notable As You Were (17), el resultado es una continuación lógica que vuelve a nutrirse del legado mítico de grupos como The Kinks, The Who, The Rolling Stones o The Beatles. El inicio resulta de lo más convincente con la inclusión consecutiva de tres singles impecables, aunque después asoma un componente algo repetitivo que mitiga la euforia, en parte debido a una producción extremadamente pulcra. En cualquier caso, este es otro paso en firme del mancuniano, que apunta directamente a su público y da justo lo que se espera de él. Ni más, ni menos. —raúl julián

King Gizzard: ahora thrash metal King Gizzard And The Lizard Wizard Infest the Rats’ Nest Flightless/[PIAS]

8 THRASH METAL / Que son una de las bandas más locas del rock de este siglo, es una certeza. Que han conseguido ser una de esas formaciones en marcar el punto de pivotaje del rock mundial sea Australia, es algo que el tiempo dirá. Pero los reptilianos son originales, polimórficos e hiperactivos como ellos solos. Tras lanzar cinco discos durante el año 2017, KG&TLW vuelven a la carga para lanzar dos trabajos en este 2019. Una fórmula mucho más coherente, menos exigente para el oyente, y hasta original, en el sentido de que el hermano de este disco, Fishing For Fishies (19), es un álbum de dulces melodías, en formato mayormente acústico e inspiración beateliana, mientras este es el disco más heavy hasta la fecha. Una dualidad muy bien traída, aunque sin demasiados puntos de conexión evidentes, pues eso que llaman “Gizzverso” no es más

Adrift

Kokoko!

Pure Temple Of Torturous

METAL / El lentísimo ritmo de composición/edición de Adrift podría explicar la fortísima expectación que el cuarteto madrileño es capaz de generar con la llegada de su nuevo material. Después de siete años de espera, regresan con un disco que cumple a todos los niveles y que consigue algo que, más allá del talento, conlleva la experiencia: el uso estudiado de las dinámicas y la alta capacidad para ligar densidad con atmósfera. Álbum sin altibajos o puntos débiles, Pure convence al escéptico desde la primera escucha por sus inteligentes progresiones instrumentales, sus estructuras enrevesadas y una voz –la de Jorge– que alcanza aquí algunos de los mejores registros de la discografía. Temas concretos como Embers o The Call reflejan en sí mismos su nivel de maestría. Tras la estela de un celebrado Black Hearts Bleed Black (12), Adrift han vuelto a recordar porque son una de las mejores bandas extremas de la escena española. —tomeu canyelles

Fongola Transgressive/[PIAS]

ELECTRÓNICA / Hasta la

República Democrática del Congo tenemos que viajar para disfrutar de una de las más refrescantes y revolucionarias sorpresas del año: el colectivo Kokoko!. Desde las profundidades de un suburbio de Kinsasa llega hasta nosotros Fongola, un artefacto explosivo que está llamado a ser uno de los discos más confrontacionales, atrevidos e interesantes de 2019, en el que las tradiciones musicales congoleñas, de energía febril y celebración catártica, se ven filtradas por el espíritu adrenalínico de las raves y la música de club. Cada canción de Fongola supone una sorpresa de sonoridades tribales, cánticos guturales alucinados y percusiones infecciosas sobre bases electrónicas. Arreglos de sintetizadores que dotan al conjunto de un juego de contrastes entre el peligro de una realidad tan marcada por la violencia y la desigualdad y un desenfreno de colorido y exaltación de la vida al que es muy difícil resistirse.

—ricky lavado

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

que pura especulación, y el único elemento cohesión es la estética visual y gráfica que les aportan artistas como el ilustrador Jason Galea. En cuanto al sonido, se acercan más al thrash metal de los ochenta. Si el género se hubiera inventado a finales de los años sesenta, probablemente sonaría como este disco, de temática distópica sobre el colapso del mundo y

JPEGMAFIA

Post Malone

RAP / Con este nuevo traba-

POP / Su ascensión hacia lo más alto del mundo de la fama, el dinero, sus problemas emocionales o esas relaciones sentimentales que le dividen entre ser un auténtico sensiblón y un kinki de cuidado. Todo ello está presente en un disco en el que Malone saca a relucir su lado más introspectivo y en el que sobrevive a base de dosis extremas de melancolía, una gran capacidad para crear enormes melodías frente a letras mediocres y esa clara sentencia de que, a estas alturas, su máxima ambición es generar hits que retumben en las listas de éxitos. Es un disco de transición, el trap ya no es su mundo aunque aún se respire en alguna de sus bases. Ahora lo que busca es convertirse en una estrella pop y lograr así mantener al gran público que consiguió captar con rockstar. Se alía de nuevo con Louis Bell y entre lo mejor del álbum nos encontramos una larga lista de colaboraciones de lujo (entre las que destaca Ozzy Osbourne) que hacen los temas más grandes. —álex jerez

All My Heroes Are Cornballs EQT Recordings

cierto humor negro y excéntrico que la banda tiene, quizá como la más marcada seña de identidad. Planet B, Self-Immolate, Organ Farmer son la tríada de esta nueva etapa, donde suben los BPM y hay menos música vanguardista, pero sí otro aluvión de grandes ideas. En octubre visitarán Madrid y Barcelona, cuyas entradas volaron en apenas unos días. —rubén g. herrera

jo descubrimos a un Peggy mucho más poderoso, en paz, libre, pero que conserva el mismo espíritu punk de protesta de sus discos anteriores. Nos regala una obra de una riqueza instrumental excepcional que unifica mucho más el universo de JPEGMAFIA y a la vez lo hace mucho más grande. Vuelve a enfrentar la melodía al ritmo, a generar cierta incomodidad en el oyente, y como novedad se transforma en un artista más seductor apostando por bases cercanas al r’n’b a las que no nos tiene acostumbrados. Lo mismo te abraza entre unos sintetizadores que sacan a relucir su lado más ambient, como te revienta los sesos con una guitarra que explota su cara más punk (Kenan Vs. Kel). Una dualidad que ocurre también con el trabajo vocal en el que pasa de unos gritos que llaman a la rebelión a unos falsetes infinitos. Entre los temas a tratar habla sin miedo de la tóxica América actual o los trolls que viven en las redes sociales. —álex jerez

Aiala

Hollywood’s Bleeding Republic/ Universal

Nothing Less Than Art Kasba Music

VARIOS / El debut de Aiala

es un tributo a la música negra que crea una fórmula excelente a partir de mezclar reggae, soul, rock y briznas de trap. Se acabó lo de quedarse en un solo género: la mezcla de diferentes influencias de Jara Aiala e Isaïes Albert les llevó a querer crear un proyecto de temas propios, con lugar para alguna versión como Quiero sentirme iluminada de La Kinky Beat. Feminismo y sentimientos son las temáticas centrales de este debut que busca profundizar en el protagonismo de la mujer y, por otra parte, en la incapacidad cada vez más generalizada de no saber expresar las propias emociones. Aunque también hay colaboraciones que aportan más frescura al disco como Claya Peya en All In, Celia del Barco en la potente My Essence, Sister Castro en Only One o el guitarrista Fernando Guisado ‘Rubio’ en These Games, una pieza que recuerda al rock de los ochenta. Uno de los nombres revelación de la música negra de la temporada. —karen montero octubre 2019 #39

MONDOVINILOS

Caravan Palace

Chronologic Lone Diggers

La pasión de Delafé 7

Delafé

Hay un lugar Autoeditado

8 POP / Las carreras en el pop son demoníacas.

De un día para otro, los focos apuntan hacia otro lado y ¡ale!. Chao. Son tantos los factores que provocan ese giro que, como dice el ciberactivista y pensador 2.0 Cory Doctorow, casi es mejor creer que todo ha sido una cuestión de suerte –o de mala suerte–. No controlamos del todo las velas, eso es así. Y es mucho más sano –y menos capitalista, sea dicho– liberarse de la presión de que todo está siempre en manos de uno. Facto Delafé y Las Flores Azules –después Delafé y Las Flores Azules y, desde el disco anterior, Delafé– alcanzó su cénit de hinchada y reconocimiento hace cerca de diez años. Había confeti. Música en campañas. Voces a pulmón en cada uno de los bolos. Desde entonces, Óscar D’Aniello, nombre y apellido que se ha mantenido en el proyecto como ideólogo principal, no ha parado de publicar. Ciclista amateur, de los de apretar los dientes en los puertos jodi-

Jenny Hval

Alex Cameron

The Practice Of Love Sacred Bones/ Popstock!

ELECTRÓNICA / Las temáti-

cas que han guiado hasta el momento la carrera de la noruega siempre han tenido un componente de lo más transgresor, tratando de remover conciencias y suscitar fuertes imágenes en el oyente. Todo esto ha sido posible gracias a adentrarse en una visión musical de lo más brumosa, donde atmósferas amenazantes sirven para dar entrada a historias de vampiros, sangre menstrual, género fluido o renacimientos espirituales. En este nuevo trabajo se adentra de lleno en algo que a priori resulta de lo más manido como es el amor, ofreciéndonos por supuesto una visión deconstructiva de todos sus significados clásicos que se extiende hasta incluso la maternidad. Acompañando a estos relatos nos encontramos ante unas canciones más dinámicas y menos sumidas en el carácter místico habitual de sus trabajos, prendiendo de este modo la mecha hacia una concepción electrónica más vertiginosa y apegada a lo desinhibido.

—noé r. riva

#40 octubre 2019

dos, no siempre su autoexploración artística ha ido de la mano de la aceptación de crítica y público. Melómano empedernido, D’Aniello ha transitado funk, electrónica o hip hop. Con suerte dispar. Y ha sido en el pop a secas, sin más pretensión que el de crear verdad en tres minutos, donde el catalán ha vuelto a destacar: Hay un lugar es redondo y accesible. Y poca más alabanza puede darse a un disco de música popular. Sin excentricismo, ni triples saltos

POP / El músico australiano

junto con su inseparable compañero y saxofonista Roy Molloy siguen perfeccionando su fórmula apegada a la figura crooner más resplandeciente. En esta nueva entrega apuestan por continuar con el legado de melodías vivaces y cierto punto de glam rock ochentero iniciado en su anterior Forced Witness (17), reflejando una mayor madurez y estabilidad en su vida personal. Es por ello por lo que el factor sorpresa de los recursos empleados en forma de arreglos de viento queda relegado a un segundo plano y así facilitar un mayor peso de la carga melódica. A todo esto tenemos que unirle la buena combinación de honestidad brutal en los relatos y un cierto toque de humor que logra que canciones como PC With Me puedan transitar desde emociones desbordantes hasta provocar una sonrisa. En la recta final del disco, el formato de canción se acerca a la expresividad góspel. Agradables novedades con las que dar el salto a otra liga. —noé r. riva

—yeray s. iborra

Hijos del Trueno

Miami Memory Secretly Canadian/Popstock!

mortales: bases electrónicas o synth, de las que evocan y caminan; colaboraciones de las que suman, todas ellas de ese ecosistema de canción bastarda, como el de La Bien Querida o el de Soleá Morente (magníficas Mixtape o Patria mía); y con mensajes, más profundos o más blancos, que miran hacia adelante. Si D’Aniello conectará con nuevos públicos, o reconectará con antiguos, sólo el santo azar lo sabe.

FOLK / Hijos del Trueno

sustentan una más de las caras de esa Barcelona mestiza (no la que surgió a finales de los noventa y que acabó bordeando el cliché) que últimamente emana del underground, en sintonía con otras travesías alérgicas a los grandes radares, como puedan ser Flamaradas. Vicente Leone y Daniel Granados, ambos en Tarántula, encabezan este proyecto en el que la rumba es el principio del camino y rara vez el final, fundiéndose con ribetes fronterizos, aderezos surf, desvíos al pop y textos que merodean un surrealismo que tiene mucho de malrrollera distopía urbana. En Derrumbao del faraón deviene jota; el acento caribeño y el humor del absurdo jalonan El viento de Detroit; la cumbia bandea Volver del futuro y Ahí viene el colapso combina rock fronterizo y bolero. Habanera sin rayos, por su parte (con Maria Arnal), adereza su título con guitarras twang a lo Ry Cooder. Es lo que ocurre cuando la ausencia de prejuicios y el talento se citan.

—carlos pérez de ziriza

en casa para Caravan Palace: la banda publica su cuarto trabajo con su propio sello, Lone Diggers. Además con cambios en su sonido, aunque fieles a la esencia que nos hizo fijarnos en ellos. Estos cambios nos permiten ver a los franceses en nuevas tesituras, de las que salen airosos, como acercarse a sonidos más comerciales (como nos contó Zoe al entrevistarla, querían acercarse a “la canción del verano” y explorar nuevos territorios) como Melancolia y Plume, el toque dubstep de Leena o el deje funk de Supersonics. También resultan muy inspiradas Miracle –muy cercana a los últimos Two Door Cinema Club–, o la colaboración con Tom Bailey de Thompson Twins, Waterguns, un cruce entre Phoenix y los mejores Maroon 5... que a la vez es un tema cien por cien Caravan Palace. Y esa capacidad para expandir su camino sin dejar de ser ellos mismos, que es una constante a lo largo de la secuencia, es la gran baza del álbum. —pablo tocino Tinariwen

Clairo

Amadjar Wedge/[PIAS]

Immunity Fader Label

Sorprendentes adelantos El Volcán

POP / Co-producido con

Rostam, mezclado por Dave Fridmann y asistido a la batería por Danielle Haim, Immunity es una obra que se distancia de sobremanera de la tez urban de Diary 001 (18) para apostar, con un “all in”, por un pop de bajos vuelos y estética casi cannabica. Tomando como punto de partida la esencia de sus demos más primitivas, la joven compositora californiana sale airosa del experimento forjando un largo en el que el feeling monocromático desprendido acaba postulándose como una de sus mejores bazas (solo el lánguido trío de temas de su cierre distan a Immunity de comerse un sobresaliente). Todo suena engrasado a más no poder: robustas y alicaídas piezas con latente vocación de single (Closer To You, North) se aglutinan en su arranque, para posteriormente preparar al terreno de cara a la izada de vela creativa de Rostam (Softly, Sofia). Palpable y evidente: escasas veces al pop comercial le ha sentado mejor una buena dosis de Diazepam. —pablo porcar

POP / Esta vez todo queda

BLUES / Acercarse a Tina-

riwen siempre resulta un tránsito espiritual. En una actualidad dominada por el individualismo y el ilusionismo virtual, escuchar esta orquestra árida y nómada, enraizada en la tierra y enlazada con los sombríos cielos llenos de estrellas, es casi una necesidad. Guitarras armadas con esos riffs que parecen mantras del reino animal, sentir el murmullo de la percusión en plena vibración y dejarse llevar por ese call and response tan telúrico y base de casi toda la música moderna occidental, hace que uno conecte con una especie de demiurgo musical: esperanto sonoro, almas que abarcan un cosmos eufónico que brilla en espiral. Es una música evocadora que susurra en áurea serpenteante los enigmas de la creación y la tradición musical africana. Esta vez participan algunos occidentales como Warren Ellis o Micah Nelson, que sorben el néctar de esa música tan especial que nos enseña que la pureza no esta reñida con la vanguardia.

—andreu cunill clares

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LIBROS

ente me “ Ahora mucha g música pide que grabe sobre s para sus películasas así” asesinatos y co

El otro

10 Los horrores situados en la América Profunda han marcado la literatura estadounidense de género. El otro fue una obra capital del american gothic, una pieza maestra de terror psicológico y telúrico en cuyas páginas se puede entrever la impronta de la Shirley Jackson de Siempre hemos vivido en el castillo y que prefigura al Stephen King de El resplandor y Cujo. Tryon trata de forma magistral el tema del doble siniestro y de los claroscuros de la niñez. —xavi sánchez pons Yo soy Brian Wilson y tú no

Brian Wilson Malpaso

8 Se han publicado muchos libros sobre la figura de Brian Wilson, pero hasta ahora no habíamos escuchado la historia con sus propias palabras. Una autobiografía atípica –es más un relato psicológico que un repaso ordenado temporalmente– en la que el músico californiano repasa su lucha por mantener la cordura, sus inseguridades como músico o el amor. —xavi sánchez pons #42 octubre 2019

SERIES

Thomas Tryon Impedimenta

Jason Hill Mindhunter Jason Hill fue miembro de los relativamente efímeros Louis XIV, ahora volvemos a tenerle por aquí en una faceta bien distinta. Suya es la banda sonora original de Mindhunter, la exitosa e inquietante serie televisiva de Netflix. Aprovechamos el estreno de su segunda temporada para charlar con él.

a década de 1970 tiene los mismos tonos que una fotografía instantánea, siempre ligeramente desvaídos. La vida norteamericana ya no es tan sencilla como parecía serlo veinte años antes. ¿Será ese padre de familia el hombre modelo que dice ser? El FBI, huérfano tras la muerte de J. Edgar Hoover, pretende renovarse. Casi desde una perspectiva freudiana, como psicólogos-detectives, dos criminólogos comienzan a colocar los cimientos de la Unidad de Ciencias del Comportamiento. Es aquí donde surge Mindhunter, la serie estrella de Netflix dirigida por David Fincher. La enigmática banda sonora original corre a cargo de Jason Hill (antiguo frontman de Louis XIV), con quien hablamos a través de estas líneas. “Desde el principio comencé a sentir la música como

una bruma, una especie de niebla… si bien también era como esa característica ilusoria de los pensamientos, que es algo que se trata por completo en la serie: las cosas que tienen lugar en las mentes de las personas y luego el camino que toman. Con Mindhunter empecé a trabajar incluso ocho meses antes de ver siquiera una sola imagen. Me mandó el guión y lo leí… pero gran parte de este proceso fue tan solo para encontrar algo que yo sintiese que era correcto”. En poco se parece esta composición a otras del género; sí se asemeja, sin embargo, a la nebulosa música de Perdida (14) firmada por Trent Reznor y Atticus Ross. El pasado de Fincher como director de videoclips es, probablemente, una de las causas de la importancia de la música. “The Crime Of The Century fue la primera canción que compuse a partir de una imagen. Fue entonces cuando sentí que había encontrado lo que buscaba, algo de un aspecto y movimiento acuoso, espeso. Para mí, en relación con la música que estaba por venir, fue como cuando lanzas una piedra en un lago y ésta va formando pequeños anillos. […] Normalmente siempre trato de encontrar no solo sonidos, sino la maleabilidad de los mismos. Por ejemplo, hay un tema principal para los asesinatos de Atlanta, Witness. Suena casi como unas cadenas

haciendo el pulso... ¡pero son pianos realmente agudos! Mientras la temporada avanza también he ido reemplazando instrumentos de este tema con un coro de niños, a modo de homenaje”. La música, como la serie, nunca es explícita, sino sutil: no hay ninguna escena morbosa. Ambos, Fincher y Hill, ya habían colaborado, con este mismo estilo dreamy y sombrío, en una atrevida versión de She de Charles Azanavour. “La música debía tener en cuenta siempre la carga psicológica de la serie. Fincher, ya al principio, me habló sobre Bernard Herrmann y su música para Psicosis (60), dejando de lado la escena de la ducha. […] Fincher es alguien que te deja libertad y que, al mismo tiempo, está obligado a comportarse como un coronel. Pero básicamente es un escultor, lo esculpe todo poco a poco hasta conseguir que cada aspecto quede perfecto. Ahora mucha gente me pide que grabe música para sus películas sobre asesinatos y cosas así. Pero si Fincher me pidiera que hiciera una película sobre... no sé, ballet, sería el chico del ballet desde entonces, ¿sabes?”. —pelayo de las heras

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Mindhunter (A Netflix Original Series Soundtrack) Jason Hill

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FOTO: ARCHIVO

42/Mondo Media

Nina Bunjevac Reservoir Books

7 Bunjevac, conocida por Patria (Turner, 15), nos presenta esta incursión en senderos pantanosos que no siempre son gratos transitar pero que conviene recorrer, reflexionar y enfrentar. Es preferible no desvelar demasiado del argumento de una novela gráfica parca en palabras y exuberante en imágenes. Bastará censar que se habla del deseo y la maldad, la enajenación y la oscuridad de impulsos indecentes. Un cuento para adultos. —octavio beares Dentro de los yokais Shigeru Mizuki Astiberri

9 Si alguien trabajó por censar y describir a los monstruos del folclore japonés, presentes en la mayor parte de su obra o en su completísima enciclopedia, ese fue Mizuki. En esta obra de los sesenta diseccionó a cada uno de ellos, descubriéndonos sus secretos, sus formas de alimentarse o de pensar. Una divertidísima guía de referencia de los seres mágicos y fantasmales del Japón que más nos gusta. —joan s. luna

Nuevas Hazañas Bélicas Hernán Migoya y varios dibujantes 9 Norma Editorial Menuda barbaridad la que ha pergeñado Hernán Migoya junto a un plantel de ¡veintitrés! dibujantes para recomponer un hito de la historieta patria: los cómics de Hazañas Bélicas, dando como resultado un buen puñado de historias en las que nos enfrentamos a la Guerra Civil Española como nunca antes se había atrevido nadie a explicar. Asombroso y titánico, pero sobre todo muy necesario. —octavio botana

Javier Calvo Morir en junio

Piel de plata (Seix Barral, 19), la nueva novela del barcelonés Javier Calvo, es una historia de aprendizaje como ninguna otra que hayamos leído antes, protagonizada por un adolescente, Pol, con la Barcelona actual como escenario.

e fui a a Estados Unidos, donde viví unos años muy aislado de la vida cultural y del mundo social. Eso, combinado con el hecho de que me dediqué otra vez a leer y releer referentes literarios más personales, culminó en el hecho de abordar una novela que ya no trataba del espacio público sino del espacio interior. Eso también me llevó a usar la primera persona narrativa, que quizás sea la revolución más grande que supone este libro dentro de mi obra y el posible comienzo de un nuevo ciclo. La verdad es que vino todo de golpe. En dos o tres días lo tenía todo en la cabeza. He usado la adolescencia como un espacio de pureza mental donde el individuo todavía no está corrompido por la cultura y la sociedad. Es una visión muy romántica de la adolescencia, y no creo que se corresponda realmente con la realidad, sobre todo con la realidad de los adolescentes de hoy en día. Digamos que es más bien un uso metafórico de la adolescencia. No creo que la vida se termine a los catorce años, aunque sí creo que una parte importante de la vida mental se muere cuando renuncias a esa pureza o a esa libertad respecto a las convenciones”. Además de un coming-of-age y un relato de chico-conoce-chica, también hallamos una narración plagada de elementos esotéricos y homenajes a autores de culto, como Michael Moorcock, el poeta Juan Eduardo Cirlot o el grupo británico Death In June. “Quería que el itinerario del protagonista tuviera una serie de estaciones, donde las piezas se fueran poniendo en su sitio, por así decirlo. La primera etapa es la obsesión por Cooper Crowe (que es Michael Moorcock), que dentro del libro representa algo así como el aislamiento del artista, la creación independiente de las modas y de los criterios de los tiempos que corren. Pol aprende esto a muy temprana edad. La siguiente etapa es Cirlot, que le enseña la lección del hermetismo: las cosas significan algo oculto, y para aprender qué significan hay que viajar a tu interior. Y la tercera es Death In June, que representa algo así como el

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enfrentamiento con tu época, la idea de que toda creación relevante está en guerra con su época. Antes sólo había usado referentes de masas como Stephen King. Pero llegado este punto ya me da un poco igual todo, en términos de que prefiero contar la historia que quiero contar y no preocuparme de quién la va a aceptar y quién no. Soy un escritor muy minoritario y no veo por qué no aprovecharme de ello para conectar con el pequeño público con el quiero conectar”. Piel de plata es, igualmente, una apuesta por el fantasía y la imaginación. “Creo que la aceptación de los géneros fantásticos en la corriente central de la narrativa puede ser tremendamente positiva en la literatura. En este tema soy muy militante. Estoy convencido de que la novela está siendo asediada por la no-ficción, por el culto a la supuesta ‘realidad’ y por lo autobiográfico. La novela necesita protegerse de estos venenos si quiere sobrevivir en una época en que Internet ha destruído la concentración

del lector y en que la televisión actúa como foco del ansia de ficción y de imaginación del público”. Sobre sus hábitos de trabajo nos comenta: “No sé escribir ni traducir sin música, lo cual significa que oigo de seis a ocho horas de música al día. Las suelo repartir entre metal extremo, música industrial, rock gótico de los ochenta, post-punk y en general cualquier cosa de esas que escucha la gente que viste de negro y no va nunca a la playa”. —josé martínez ros

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Piel de plata Javier Calvo Seix Barral, 19

FOTO: MARA FAYE LETHEM

Bezimena

LIBROS

CÓMICS

i “ No sé escribir n” ca traducir sin músi octubre 2019 #43

44/Mondo Conexiones Post Malone <> Arnette

TERCER SOL FOTOS: LIBERTO PEIRÓ

Skullcandy <> Crusher® ANC

Movistar <> Roster Movistar El pasado 20 de septiembre Tercer Sol fueron los encargados de inaugurar los conciertos de Roster Movistar en Movistar Store Valencia. A las 20.00h la tienda era un hervidero de almas jóvenes en pleno centro de la ciudad. Fue un set breve y profundo, en un ambiente relajado y jovial, donde sonaron algunas canciones de su LP Lejos (2019), que terminó con una adaptación del intenso tema Nuevo amanecer incluido en su Ep del 2014 que no tocaban en directo desde hacía 5 años. Todos los asistentes recibieron una tote bag del grupo en una edición limitada. Si tú también quieres disfrutar de estos conciertos, apúntate en roster.movistar.es y descarga tu invitación gratuita. Este mes podrás ver a Soledad Vélez en Valencia (3/10) o a los jovencísimos Poolshake en Alicante (17/10). Roster Movistar es un proyecto de mecenazgo cultural ideado para apoyar la carrera musical de bandas emergentes y consolidadas. En su plantel se cuentan artistas con estilos tan heterogéneos como Doble Pletina, Poolshake , Urfabrique, Soledad Vélez, Yana Zafiro, Le Nais, Tercer Sol, Cor Blanc y Belushi. La primera semana de octubre, con la fecha de las inscripciones vencida, se anunciarán las dos últimas bandas en incorporarse al roster. Y por si esto fuera poco, el 26 de octubre se celebrará en Abaixadors 10 (Barcelona) el Roster Day, una jornada con diversas actividades y conciertos de bandas del roster, del que dentro de poco podremos contarte más cosas en la web y redes de Mondo Sonoro y Roster Movistar. #44 octubre 2019

Skullcandy Inc, la marca de audio inspirada en un estilo de vida original, ha anunciado la ampliación de su gama con la incorporación de los cascos Crusher ANC. Estos cuentan con un gran número de funciones que garantizan una experiencia de sonido multidimensional y único gracias a la incorporación de tres tecnologías innovadoras: bajos sensoriales, cancelación activa del ruido y sonido personalizado. Están disponibles en Skullcandy.eu en color Deep Red, Fearlesss Black y Black/ Tan y tienen un coste de 299,99€.

TIDAL <> Bershka Tidal, plataforma global de música y entretenimiento, ha abierto su primer corner en una tienda de Bershka en España, concretamente en Portal de l’Àngel en Barcelona. Este espacio está pensada como una zona de relax equipada con varios iPads y auriculares donde los clientes pueden escuchar las playlists creadas para Bershka y el resto de contenidos que Tidal ofrece en su app.

Jägermeister <> Jägermusic Tour El pasado mes de septiembre arrancó la cuarta edición del #JägermusicTour, el programa musical de Jägermeister, cuyo objetivo es dar a conocer y apoyar el talento emergente nacional y las propuestas underground, así como reivindicar el circuito de salas como hábitat natural de la música en directo. Este año, las bandas seleccionadas son: Quentin Gas & Los Zíngaros, Playback Maracas, Deva o Hickeys. Precisamente fueron estas dos últimas quienes se pasaron a hacernos una visita por nuestra oficina para contarnos de primer mano qué supone para ellas girar dentro de este programa: “Jägermeister nos ha dado la oportunidad de compartir cartel con músicos como Deva, de un estilo más urban, que de otra manera sería más complicado en nuestro caso, que hacemos post-punk”, dicen las Hickeys, que además destacan como punto a favor el carácter heterogéneo del cartel, que te permite abrirte a un nuevo publico. Las próximas fechas del #JägermusicTour son el 4 de octubre en Valencia y el 5 en Barcelona. Las entradas están a la venta en Cooncert.com.

EL COLUMPIO ASESINO FOTO: ARCHIVO

Arnette acaba de presentar junto a Post Malone una nueva colección de gafas de sol inspiradas en la personalidad rompedora del cantante: el Estilo Exclusivo Post Malone. Esta edición presenta aros negros con tonalidades girasol y modelos transparentes de última generación, para lograr un estilo de leyenda. Estas gafas no se presentan solas, y es que van acompañadas de las Arnette Street Style, que completan esta pandilla.

BIME City<> Mondo Sonoro Durante el 30 y 31 de octubre, víspera de la nueva edición del BIME Live, el centro de Bilbao volverá a acoger la quinta edición del BIME City con una amplia programación que supera los 40 artistas procedentes de 12 países. Aprovechando la feria internacional del sector musical y digital que se celebra dichos días, profesionales y público en general podrán disfrutar gratuitamente en 11 salas del nuevo talento emergente que espera copar los grandes escenarios en el futuro. Desde el concierto especial de El Columpio Asesino o la mítica banda venezolana de Ska Desorden Público, hasta promesas como Cave Story, Beverly Kills, Someone, Primas Hermanas, Edsun, Otha, Yawners, Hickeys o exquisiteces locales como Hakima Flissi, Nøgen o Joseba Irazoki eta Lagunak, llenarán de música el centro de la capital vizcaína. Además, durante las jornadas de BIME Pro, Mondo Sonoro estará presente en una charla en la que repasará algunos de los aspectos más destacados de sus veinticinco años de historia. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Un equipo global que te ayuda a empujar tu proyecto. 20 NOMINACIONES A LOS LATIN GRAMMY 2019

¿Cuál es tu límite? Entra en www.onerpm.com

Hablan los artistas Octubre ha sido históricamente un gran mes en lo que a lanzamientos de discos se refiere, tal y como demuestra este repaso. También es el momento en el que han coincidido diferentes efemérides que marcan la Historia de Mondo Sonoro, como es el número 100 o la portada que celebraba los veinte años de la publicación.

RREn octubre de 2003 celebrábamos nuestro número 100, obviamente uno de los que guardamos mejor recuerdo de cuantos hemos publicado a lo largo de estos veinticinco años. Regalamos una chapa conmemorativa de la revista y no pudimos evitar hacer el chistecito de marras desde la portada. En el interior hicimos un amplio repaso de la Historia de la revista hasta ese momento.

RRFranz Ferdinand son el grupo internacional que en más ocasiones han aparecido en la portada de Mondo Sonoro. En octubre de 2005, número 122, lo hacían por segunda vez, con motivo de la publicación de You Could Have It So Much Better.

RRLorde ocupaba la portada del número 254 en octubre de 2017. Un signo de los tiempos: las fronteras cada vez están más diluidas y los compartimentos estancos entre lo independiente y el mainstream definitivamente saltan por los aires. Al tour de force que era el segundo disco de Lorde le acompañaban entrevistas a Foo Fighters, The National, La M.O.D.A....

“Ser americano es algo triste, frustrante y agobiante” (Peter Buck de R.E.M., octubre 2004)

C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com

“Estamos ahora mismo en el punto más alto al que podríamos llegar, y cualquier cosa que hiciéramos después no sería más que un lento descenso” (Michael Gira de Swans, octubre 2017)

Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com Edición Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com

RROtro número de octubre muy especial fue el 221, que celebraba los veinte años de existencia de la publicación. Para ello juntamos en la portada a todos los componentes de Love Of Lesbian, Sidonie, Dorian y Standstill, cuatro bandas que además de formar parte del concierto conmemorativo que tuvo lugar en Barcelona eran historia pura de la revista

“Desde el momento en que me enteré que estaba embarazada aprendí que no hay que aguantar a idiotas ni narcisistas. No hay que malgastar la energía” (Chan Marshall de Cat Power octubre 2018)

Edición Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com) Edición Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Edición Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Edición Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Edición Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245

Hablan los críticos

Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra

“Tras una espera casi eterna Portishead vuelven con una grabación sin titular. Once canciones oscuras, reptantes como nunca y sobradas en ese preciosismo minimalista que les hizo célebres”

“Interpol debutan en larga duración con una obra homogénea a partir de conjugar las estructuras rítmicas y líneas de bajo de Joy Division y The Chameleons con las guitarras del rock experimental de la no-wave”

“Death Cab For Cutie son un todo, incluso diría que un concepto, un concepto de banda rock que tiende al pop, una formación que navega en el emo sin que la podamos etiquetar así”

“Parece imposible que un grupo que versiona a Aaliyah se acerque a Cocteau Twins, que una gente que reverencia a Chromatics o Glass Candy utilice guitarras dignas de los oscuros Interpol”

(Joan S. Luna, a propósito de Portishead de Portishead, 1997)

(Jordi Jover, a propósito de Turn On The Bright Lights de Interpol, 2002)

(Joan S. Luna, a propósito de Transatlanticism de DCFC, 2003)

(Joan S. Luna, a propósito de xx de The XX, 2009)

#46 octubre 2019

Edita Sister Sonic, S.L.

Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

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Los Estanques

Gira - 2019 19 sep – Sala El Sol

29 nov – La Rua

18 oct – Rock Sound

6 dic – Zero

8 nov – Universonoro

7 dic – Matisse

9 nov – Gran Café

12 dic – Cochera Cabaret

15 nov – Pantalán

28 dic – Sümmum

Madrid

Barcelona Palencia León

A Coruña

16 nov – Sinatra

Vigo

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