Mondo Sonoro octubre-2 2020 (288)

Nยบ 288/2 OCtubre/2 2020 www.mondosonoro.com

DEFTONES, YELLE, GINEBRAS, BRONQUIO, VERA FAUNA, SIDONIE, CHUCHO, WILL BUTLER FLAMING LIPS, REYKO, HARD GZ, JOHNNY B. ZERO, FLEET FOXES, SUFJAN STEVENS, WATCHMEN

La Pegatina Le da la vuelta

LET THE HEAR YOU

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EURWORLD MUSIC

RE INFO ON THE CERT WITH OUR FINALISTS AT S.ES

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5/Mondo freako

Deftones Furia controlada

so "El confinamiento supu para mí un periodo altamente productivo" Pasan los años y Deftones mantienen su espíritu al margen de las etiquetas con las que se les intentó encasillar. Ahora los californianos regresan tras cuatro años sin nuevo material con OHMS (Warner, 20), un disco que mantiene la genética del conjunto a la vez que aporta nuevas facetas a su sonido. Hablamos con Chino Moreno sobre su momento actual.

V

OLVÉIS A LA CARGA tras cuatro años de silencio. ¿Cómo definiríais la evolución en vuestro sonido desde la publicación de Gore, vuestro anterior álbum?

Creo que todos hemos mejorado desde entonces. Ha sido el resultado de largos meses de ensayos. Cada uno de nosotros ha practicado duro para perfeccionar su técnica, y creo que este disco refleja perfectamente la conclusión de todo esto.

—¿Cuál es el significado que esconde el título de vuestro último disco, OHMS? Está relacionado directamente con el término que usamos. Refleja la resistencia eléctrica que se mantiene entre dos puntos. Es un tema que, de una forma u otra, siempre está presente entre nosotros, y que relacionamos directamente con la música que creamos. Algo que resonaba y se dejaba sentir en situaciones pasadas.

—¿Ha sido un disco complicado de crear y de grabar?

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Pasamos mucho tiempo en Sacramento y Los Ángeles durante la etapa de ensayos y concepción del trabajo.

La matriz de las ideas que más tarde terminarían convirtiéndose en temas sólidos surgieron de demos caseras que se nos iban ocurriendo. Cada uno de nosotros iba aportando nuevas ideas, y finalmente ha sido algo que hemos ido construyendo juntos.

—Escuchando las letras, no queda claro si hay una temática predominante en todo el álbum.

No creo que haya una temática predominante. Son pequeñas ideas que iban surgiendo mientras dábamos forma al sonido global. No nos limitábamos entre nosotros, y todo iba surgiendo por sí mismo. Una vez creadas las melodías, pasábamos a encofrar la letra, dando a luz una estructura coherente.

En muchas ocasiones era como una visión impresionista; sin embargo, después todo iba cogiendo forma.

Ocasionalmente, cuando desarrollo las melodías vocales, estas se mezclan otros sonidos inesperados que musculan el resultado global. Es una expe-

3 octubre 2020 #5

MONDO FREAKO

LA MÍA Esclavos en la era digital

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cupante “Es una situación preo serio. Es que me tomo muy en tomar algo grave, y hay que ecto” precauciones al resp

riencia interesante y diría que sorprendente.

—Ha habido mucho secretismo en relación al lanzamiento de este nuevo disco. ¿Ha sido por algún motivo en particular?

En cierta forma tiene que ver con el mundo en el que vivimos. Actualmente no podemos girar el nuevo disco por todo el planeta, ni podemos estar juntos, y el verdadero desafío surge al preguntarte cómo poder afrontar esto e interactúas con tu propia creatividad en un estado tan particular como este. Algo circunstancial, pero que no resta nuestras ansias de desarrollar nuestra creatividad.

Tenemos que crear nuevos caminos para desenvolver nuestra creatividad.

—Para la creación de OHMS habéis contado con el mismo armazón de integrantes que han participado en la gran mayoría de vuestros discos. ¿Os sentís a gusto tocando juntos tras tantos años?

Por supuesto, nos sentimos muy a gusto tocando juntos. De hecho, no tenemos pensado engrosar las filas de la plantilla. Eventualmente, contamos con algún invitado, como hicimos en el álbum Gore con el tema “Phantom Bride”, en el que contamos con Jerry Cantrell.

—La portada de este nuevo álbum resulta muy minimalista y misteriosa, ¿creéis que refleja fielmente la idea encapsulada en la música?

Anteriormente ya contábamos con alguna portada abstracta que ha funcionado bien (risas). Creo que describe de manera muy acertada lo que luego vas a escuchar en el disco. El artwork del álbum es algo parecido a un grupo abstracto de imágenes. Creo que el diseñador ha hecho un gran trabajo que destaca entre el resto de las portadas

#6 octubre 2020

de nuestra discografía. White Pony también tenía un toque minimalista como la de éste, pero creo que OHMS presenta una estética más refinada. Me gusta.

—¿Cómo estáis viviendo la situación actual del planeta con la pandemia? ¿Crees que afectó de alguna forma a lo que podemos escuchar en el disco?

Bueno, en realidad no, ya que OHMS terminó de grabarse antes de la pandemia. Pero, definitivamente, nos ha impactado en muchos aspectos, sobre todo en la forma en la que ahora nos expresamos, y principalmente en la manera en la que expresamos nuestros sentimientos. Es una situación preocupante que me tomo muy en serio. Es algo grave, y hay que tomar precauciones al respecto. El confinamiento supuso para mí un periodo altamente productivo en términos creativos.

Me gusta escribir música en casa. Además de eso, aproveché el tiempo con clases de español. Mi español todavía necesita mejorar (risas). Además, mi esposa es mexicana.

—¿Tenéis pensado promocionar el álbum de alguna forma alternativa? Actualmente los tours y las actuaciones en festivales parecen un sueño lejano.

Bueno, teniendo en cuenta la imposibilidad de poder actuar, hay otras cosas en las que podemos ocupar el tiempo. Por ejemplo en ser creativos, utilizar otros canales alternativos de comunicación como Internet, retransmitir en diferentes plataformas… Algo que pueda servir de alternativa mientras no puedan realizarse espectáculos en vivo.

—FERNANDO O. PAÍNO

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FOTO: ARCHIVO

E

ste fin de semana me dio por escuchar a Lynyrd Skynyrd y al llegar a su Workin' For MCA me he acordado de que las biografías de grupos musicales tienen muchos patrones en común. Uno de ellos es el de la firma de un contrato leonino que condenaba al grupo a unas condiciones de semiesclavitud en las que prácticamente perdía el control de la propiedad de su obra y se veía ante el desolador panorama de tener que entregar una escalofriante suma de discos. A cambio iba recibiendo migajas en forma de royalties que no siempre sabían administrar. Pues bien, todo esto viene a cuento porque con la maldita pandemia somos muchos los medios de comunicación y blogs independientes que nos hemos encontrado de bruces con la dura realidad. Sin ir más lejos un medio como Mondo Sonoro, y ante la imposibilidad de poder sacar nuestra edición impresa, nos hemos visto obligados a tener que invertir todos nuestros esfuerzos en el entorno digital, dándose la paradoja de que los únicos beneficiados de estos mismos esfuerzos en forma de contenidos son las grandes plataformas publicitarias que se llevan todo el pastel ante nuestro atónitos ojos. Uno se pasa los días subiendo y subiendo contenido de calidad a la web para que sean Google, Facebook, Instagram, Twitter y demás los que de verdad se benefician de unas piezas elaboradas por la redacción de la revista o por unos colaboradores a los que no hemos dejado de pagar. Y lo cierto es que se te queda cara de tonto. Acaba uno por sentirse una especie de esclavo moderno al servicio de estas grandes corporaciones que, con su gestión de los datos y el monopolio publicitario que poco a poco van imponiendo, van creciendo cada día más y más hasta que muy pronto alcanzarán ese punto de no retorno en el que habrán arrasado con todo. No crecerá la hierba de la opinión especializada e independiente porque no habrá dinero para poderla pagar. Por eso uno recibe con cierta esperanza la ley que se está tramitando en Francia que obligará en cierta medida a Google a compensar la elaboración de contenidos por parte de las editoriales del país galo. No sabemos del todo si es esta la solución perfecta y deseada, pero sí sabemos que hay que buscar salidas a una situación de gran injusticia que está condenando a los medios a finiquitar el modelo basado en la publicidad y el ofrecimiento gratuito de los contenidos. Un cambio de paradigma en los que muchos usuarios de la red van a salir perdiendo, al acabarse la barra libre de un medio como Internet. Por nuestra parte seguiremos alimentando a estas mega plataformas aunque lo hagamos con el convencimiento de que nos están tomando el pelo. ¡Si al menos tributaran sus impuestos al mismo tipo que nosotros! En fin... Creo que voy a componer mi propio Workin’ For Google con la melodía de los Skynyrd. —DON DISTURBIOS

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“Nos hemos abierto a mostrar nuestro lado más íntimo y melancólico”

Yelle regresan tras años de ausencia con L’Ère du Verseau (Recreation Center, 20), un álbum que refleja la cara más madura, personal y oscura del grupo hasta la fecha. Hablamos con Julie Budet para que nos cuente qué ha significado este salto para ellos. Un giro hacia una faceta menos excéntrica y más melancólica del grupo.

C

INCO AÑOS sin lanzar un álbum. ¿Qué ha pasado todo este tiempo?

Bueno, vivimos momentos increíbles en la gira de Complètement fou. Queríamos reconectar con los fans así que le dedicamos mucho tiempo a la promoción. Lo que nos llevó a no poder invertir demasiado en componer nuevos temas. Somos un grupo que necesitamos que las canciones tengan una conexión especial entre ellas, que los vídeos representen de verdad cada tema.

Así que aprendimos que había que parar y cuando terminó la gira decidimos dedicarle el tiempo que hiciera falta a la creación del nuevo álbum. Queríamos experimentar y ver qué nuevas posibilidades teníamos. No marcarnos en tiempo, esperar a estar listos, a sentirnos preparados. Y ahora lo estamos.

—De hecho el vídeo de Je t’aime encore muestra una especie de ruptura con el pasado para dar la bienvenida a un nuevo presente. ¿Se podría decir que este disco ha sido como una especie de catarsis para vosotros?

Se podría decir que sí porque nos hemos abierto a mostrar nuestro lado más íntimo, a llenar nuestra música de melancolía. Es cierto que algunas de nuestras canciones previas ya tenían esa esencia.

Pero creo que esta vez estamos más preparados a la hora de aceptar esta faceta y expresarla con mayor naturalidad. A lo largo de la vida vas madurando como persona, comienzas

a tener otro tipo de responsabilidades, a tomar otras decisiones en la sociedad.

Somos diferentes de cuando éramos más jóvenes, tenemos otra visión artística. Y, por eso, creo que estamos listos para que el público conozca otra cara más de Yelle.

—Sí, es cierto que aunque el disco sigue siendo un álbum dance tiene un punto más sobrio y oscuro que vuestros anteriores lanzamientos.

Eso es, como dices es un álbum que sigue siendo muy bailable. Pero creo que en esta ocasión hemos puesto mucho más empeño en ser más minimalistas, cuidar los detalles y huir de añadir demasiados elementos que ensucien las canciones. Hemos intentado ser más precisos, enfocarnos únicamente en el sonido que queríamos conseguir.

Hemos cuidado mucho las armonías, el juego de voces… Ha sido un continuo intercambio entre todos y hemos sido muy directos a la hora de tomar decisiones en cada grabación.

—¿Y no os afectó la enorme acogida de Complètement fou por parte del público?

Sí, pero creo que de forma positiva.

Cuando sacamos Safari Disco Club no hicimos demasiados conciertos en Francia, aunque sí una gira mundial. Sin embargo, con Complètement fou

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pudimos volver a Francia y reconectamos como te dije con el público de aquí.

Así que ahora me siento mucho más cercana a ellos. Se generó una conexión mucho más fuerte con los fans y eso nos encanta. Cuando lanzamos Je t’aime encore, que es mucho más “chanson”, fue increíble ver la reacción positiva de la gente y comprobar que están listos para escuchar nuevas versiones de nosotros como grupo.

—¿Entonces tu relación ahora con Francia es buena?

Sí, yo creo que es buena y me gusta que hayamos conectado con el público más joven. Nos han como “redescubierto” y hasta escuchan nuestros discos antiguos. La verdad es que tenemos una estupenda relación con nuestro país.

Aunque bueno, ya sabes, a veces no entiendan lo que hacemos. Al fin y al cabo somos un grupo de electro-pop-francés al que no han puesto en las radios convencionales porque somos demasiado “raros”.

—Siempre habéis apostado más por la calidad artística, a expensas de arriesgaros a no conseguir enormes ventas, que por las tendencias de mercado y eso se nota. ¿Qué es para ti sinónimo de éxito?

Para mí él éxito es ser feliz con lo que estás haciendo. No es una cuestión de cantidad, para mí es más una cuestión de calidad. No tengo esa ambición de crear enormes shows, ni que mi carrera sea algo desmesurado. Yo prefiero tocar en sitios pequeños en los que la gente pueda verte, sentirte, tocarte. Sí, eso es el éxito para mí.

—Siempre se ha relacionado a Yelle con mensajes de lucha por la libertad de expresión, de apoyo al colectivo LGTBI… ¿Crees que el público volverá a encontrar este tipo de mensajes con los que sentir-

se identificados en el nuevo álbum?

Sí, claro que sí. Yo creo que hay que seguir luchando por ser libres. En la canción Emancipense hablamos de ello, de poder expresarte tal y como eres sin importar quien tengas delante. De ser completamente libre y no subestimarte a ti mismo. También en Un million explicamos la importancia de no juzgar a la gente, hay que luchar por amar a quien quieras, por ser quien realmente eres. No tener miedo a mostrar tu verdadera cara.

—La producción de L’Ère du Verseau está liderada por Jean, GrandMarnier. ¿Tenía claro qué quería conseguir con este álbum?

La verdad que no, es divertido porque no teníamos un plan sobre qué queríamos hacer. Ha sido más una labor de exploración. A veces les pasábamos a algunos amigos ciertas líneas que no nos terminaban de encajar y nos ayudaban con algunos detalles de la producción.

Pero, yo creo que no hay una receta concreta para crear la canción perfecta. Eso sí, en el caso de GrandMarnier yo diría que es muy preciso, muy minimalista en la producción. Busca encontrar siempre la mejor línea, la mejor nota, el efecto perfecto, no sobrecargar… Y creo que lo que hace funciona estupendamente.

—¿Y cuál ha sido la principal fuente de inspiración a la hora de crear las nuevas letras?

Pues creo que ha sido el querer exponer nuestro lado más oscuro. Nos encanta hacer canciones que hablen de la felicidad más absoluta, que sean alegres, luminosas… Pero, creo que es importante aceptar que no siempre estamos así, que hay etapas duras y difíciles. Es importante permitirnos mostrar nuestra cara más melancólica y triste. Quería expresar esa realidad, esa nueva personalidad. —ÁLEX JEREZ

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FOTO: FIONA GARDEN

Yelle Retorno sincero

MONDO FREAKO

octubre 2020 #9

Cuando haces pop T

Ginebras Ginebras han pasado de grabar maquetas en casa, y presentarse a concursos, a ser uno de los grupos revelación más prometedores a nivel nacional. Con Ya dormiré cuando me muera (Vanana, 20), su primer álbum, buscan consolidar su propuesta y tomar impulso hacia el futuro.

ODO EL MUNDO HABLA de estas cuatro amigas que no tienen pelos en la lengua, que saben construir temas llenos de referencias generacionales y, sobre todo, buscan pasárselo bien.

Ahora no solamente hablarán, sino que cantarán las canciones de su primer larga duración, Ya dormiré cuando me muera. Hablamos con las cuatro componentes del grupo por videollamada, tras su concierto en el madrileño Vanana Day, para que nos expliquen ese sabor agridulce que sienten al publicar su primer álbum en plena pandemia y no poder salir de gira en las condiciones de siempre para promocionarlo como se merece.

—¿Qué está siendo lo más duro de sacar Ya dormiré cuando me muera en la situación cultural que estamos atravesando?

(Raquel) No poder presentarlo a lo grande. Nosotras nos imaginábamos una presentación de disco en la que poder abrazar a nuestros amigos y celebrarlo. Pero bueno, es lo que hay así que se nos va a quedar muy cortito todo para una salida de un primer disco.

—Bueno, pero al final la acogida está siendo muy buena.

Cada single que habéis presentado ha tenido el apoyo del público.

(Sandra) Sí, si del público no tenemos ninguna queja. Lo que nos da rabia es que cuando estábamos grabando el disco había muchas partes que estábamos deseando tocar en directo.

Y, al final, todos en la silla.

—Sois animales de directo entonces.

(Magüi) Sí, pensamos en él todo el rato.

(Sandra) Sí, evidentemente tenemos que mejorarlo muchísimo pero poco a poco nos vemos más cómodas. Piensa que íbamos a rodar por un montón de sitios este verano y ha #10 octubre 2020

—TEXTO Álex Jerez

terminado siendo un entrenamiento en casa. Como la gente haciendo deporte, pues igual (risas).

—Más adelante ya llegará la experiencia. Habladme un poco del proceso de creación y grabación del disco.

(Magüi) Pues lo hemos grabado todo con Pau Paredes. Realmente eran canciones que ya las teníamos bastante trabajadas, pero claro juntarte con Pau es viajar por una galaxia nueva. Nos hace todo muy fácil.

(Raquel) Desde el minuto uno nos enamoramos de él y creo que él de nosotras un poquito. No, no me estoy tirando flores.

—Ahora lo de “enamorarse en el metro” de Madrid está bastante difícil porque entre la mascarilla y las tensiones.

(Raquel) Bueno yo creo que es hasta mejor porque te imaginas que la gente es guapa y a saber cómo es detrás de la mascarilla.

(Juls) Claro, ahora te enamoras y luego dices bueno en realidad no era para tanto (risas). Pero sí, hay un punto entre inseguridad, miedo y decepción.

—¿Hasta qué punto son completamente autobiográficas las letras y hasta qué punto habláis más bien de todo lo que os rodea a nivel generacional?

(Magüi) Pues yo creo que ambas cosas tienen muchísimo peso. Si no nos ha pasado a nosotras lo que contamos le ha pasado a una amiga. Cuando tú te ves una película “basada en hechos reales” al final tienes que ficcionar algo. Pues esto es igual.

(Sandra) Si es que esto es como hacer un documental.

Al final te basas en el mundo real aunque haya alguna canción que maquillemos. No en plan inventadísima de la muerte, si no como dice Magüi: basada en alguna amiga nuestra o inspirada en nuestra generación.

(Raquel) Bueno y también está Cosas moradas, que es mezclar cosas por mezclar (risas) mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ENTREVISTA

“

(Magüi) Sí, Cosas moradas es como un juego. Ponte a escuchar Cosas moradas e intenta pillar todo lo que se dice.

—Bueno es que al final el sonido del álbum es muy amplio y lo mismo saltáis del tonti-pop al ska que tiráis por el doo wop. Al final entiendo que dependiendo del tema tenéis más margen a la hora de contar determinadas cosas.

(Raquel) Sí, hay bastantes canciones del disco que venían además de serie con la idea de montar Ginebras. Canciones que habían compuesto Sandra y Magüi; que a nosotras también nos fliparon y decidimos sacarlas. A mí los dos primeros audios que me mandaron Sandra y Magüi cuando las conocí... Bueno, primero no me mandaron nada hasta que no les caí yo bien. Pero luego, una vez que pasé esa barrera, me mandaron 6AM y Cosas moradas con guitarrita acústica en su casa. Y cuando las escuché fue como que sentí algo especial. Yo no sé si esto os lo he dicho alguna vez. Me pongo ñoña (risas).

—¿Os veis un grupo reivindicativo?

(Magüi) Sí, pero sin buscarlo. A mí me gustaría ser un grupo reivindicativo pero sin forzar el ser únicamente eso.

(Sandra) No es nuestro objetivo hacer canciones para súper feministas por el poder de la mujer. Somos feministas, pero…

(Magüi) Exacto, somos feministas pero no lo utilizamos como baza para decir que somos súper revolucionarias y reivindicativas.

(Raquel) Además, yo creo que el hecho de que seamos cuatro mujeres tocando ya reivindica algo porque es, desgraciadamente, luchar un poco contra lo establecido.

—Al final habrá mucha gente que os siga porque se sienta identificada y sobre la que generaréis influencia.

(Magüi) Sí, es verdad que nos sigue mucha gente joven y al final tenemos una responsabilidad sobre ello. Pero bueno, nosotras somos lo que somos. Somos naturales y la cagaremos muchas veces.

(Juls) Al final nosotras componemos en base a nuestras experiencias y si la gente se ve reflejada en ello está muy guay. Te iba a decir una palabrota pero luego no sé como la vas a traducir.

(Raquel) De puta madre.

—¿Tenéis claro hacia dónde queréis evolucionar como grupo?

(Raquel) Pues nos vemos tocando con gente sin mascarilla (risas).

(Sandra) No sé tío. En este disco hemos intentado hacer canciones de diferentes estilos y temas. No nos queremos centrar en ser únicamente una banda que solo cante canciones de Madrid, una banda que solo hace rock'n'roll o una banda que solo hace tonti… Igual en el segundo disco hay un saxo, metemos unos sintetizadores y no hay ni batería ni bajo.

(Magüi) Nosotras lo que queremos es buen rollo, fiesta, y como dice Sandra igual el próximo disco es completamente distinto. Ni siquiera quiero seguir por hacer un segundo disco igual. A mí personalmente me gustaría probar otras cosas.

—¿Y si de repente alcanzarais un éxito enorme, pero dejarais de pasároslo bien como grupo?

(Raquel) Pues nos llamamos “Rones” o algo así y empezaríamos de cero (risas).

(Sandra) Bueno, existiría la posibilidad de descansar. De decir, vale se nos ha ido la flama. Hemos pegado el pelotazo, se nos ha subido el ego a todas y estamos agilipolladas perdidas. Esto como siga así va a ir mal. Así que…

(Magüi) Pararemos cuando yo tenga hijos.

(Raquel) ¡Oye! Dijiste que no íbamos a parar, que ibas a llevártelos a los festivales.

(Magüi) Bueno, pero no puedo tocar con el bombo. Luego le pongo en la trona ahí en mitad del escenario (risas).

—¿Y qué escuchan Ginebras ahora?

(Magüi) Últimamente estamos con Sidonie hasta la muerte. Hemos coincidido con ellos en un festival y estamos fascinadas, nunca mejor dicho, con ellos como seres humanos. Y luego hay muchos artistas como dani. No sé, coincidimos mucho en nacional.

(Raquel) Sí, luego ya cada una escucha mucho sus cosas. A Sandra le encantan los grupos de China, por ejemplo. Magüi escucha mucha música italiana y francesa.

—Y ahora que acabáis de meteros en el mercado nacional como quien dice. ¿Qué es lo que menos os gusta del modelo de industria en España?

(Magüi) ¿Qué es lo que no nos gusta de esto? Pues mira, cuando comenzamos y nos empezamos a dar cuenta de que esto no es todo diversión y que hay una parte de currar mucho, ensayar cuando no te apetece, tomar decisiones serias y espabilar muy rápido. —A.J.

“Somos feministas, pero no lo utilizamos para decir que somos súper revolucionarias”

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octubre 2020 #11

ROSTER

Bronquio-Vera Fauna

Como buenos compañeros de escena y generación, Santiago Gonzalo, más conocido artísticamente como Bronquio, y Vera Faura han compartido muchos momentos a lo largo de su carrera. Ahora trabajan juntos en Caleta, una de las canciones del disco colaborativo Home feat. Jägermusic. Aprovechamos la ocasión para hacerles una de nuestras entrevistas cruzadas.

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ENTREVISTA. CRUZADA. Bronquio 7 Vera Fauna

C

on quién os gustaría hacer un featuring en España?

Los cuatro compartimos mucha admiración por Núria Graham. Hemos tenido ocasión de verla en directo tres o cuatro veces ya, y la verdad es que cada vez que la vemos nos llevamos algo nuevo. Nos asombra que una artista joven como Núria sea capaz de crear un universo y un lenguaje tan maduro y reposado en sus canciones. ¡Parece que hubiese vivido ya dos o tres vidas musicales! Pensamos que los dos proyectos podrían congeniar muy bien, compartimos esa ‘’atmósfera intimista’’ en muchas de nuestras canciones. Sin duda sería un honor trabajar con una artista de la talla de Núria Graham.

—¿En un anuncio de qué producto os gustaría que sonara un tema vuestro?

En un anuncio de aceitunas si es en verano y de tortas de aceite si es en invierno.

—¿Cuál es la canción que más os gusta de vuestro último disco?

La canción a la que más cariñito le tenemos es “Candelaria”. Los cuatro pusimos mucho corazón y ternura en este tema, una canción que literalmente empieza invitando a quedarse a escuchar lo que queremos contar. Con “Candelaria” fuimos

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Vera Fauna 7 Bronquio también capaces de deshacernos de muchas ‘’manías’’ y corsés compositivos, y supuso la consolidación de ese lenguaje interno común a los cuatro. Pero pensamos que la mejor canción del disco es “Los Naranjos”, una canción que por cierto estuvo cerca de considerarse descarte y la cual apenas terminamos de componer semana semana antes de grabarla. Todos sabíamos en el estudio cuál era nuestra tarea a cumplir con nuestros respectivos instrumentos, pero realmente no habíamos asimilado la canción con tiempo suficiente para saber siquiera qué debíamos esperar de ella. Al escuchar la premezcla por primera vez en La Mina nos quedamos de piedra, pudimos escucharla en bucle fácilmente treinta veces. Nos costó asimilar que eramos nosotros los que sonábamos por los altavoces, nunca habíamos compuesto nada parecido en estilo, arreglos, armonías, letra...

“Los Naranjos” superó muchas de nuestras expectativas propias como músicos, lo cual nos armó de una confianza y motivación que fueron decisivas en nuestro rendimiento a la hora de terminar el disco.

E

chas de menos tocar en una banda? Y en caso afirmativo, de tocar de nuevo en grupo seguirías con los teclados o te gustaría probar con otros instrumentos?

No me importaría ser el teclista sustituto de un grupo. Sin preocuparme mucho por la logística, viajando de vez en cuando y tocando sentado en el escenario sin sudar. Con Los Zíngaros estaba perfecto.

—¿Qué dirías que es lo que más define tu estilo?

Que depende del día.

—Sabemos que eres aficionado al Carnaval de Cádiz. De elegir un autor de carnaval, ¿con quién te quedarías y por qué entre Martínez Ares y Juan Carlos Aragón?

Buena pregunta. Elijo a Juan Carlos Aragón porque pienso que trasciende al propio carnaval. Te lo dice alguien a quien le gusta el carnaval, pero que en el fondo no tiene ni puta idea. Me parece un autor universal y de las mejores cabezas de nuestro tiempo. Que en paz descanse. —MS Más en www.mondosonoro.com

octubre 2020 #13

El regreso de Abba (Sony, 20) es el disco más ambicioso de Sidonie, de eso no cabe duda.

También es el colofón final a la novela del mismo título que publicó hace unos meses su líder, el guitarrista, cantante y principal compositor de la banda, Marc Ros. Pero el disco, doble y conceptual, esconde muchas más claves, secretos y casualidades mágicas que desvelamos a lo largo de esta entrevista.

—TEXTO Don Disturbios

#14 octubre 2020

Sidonie dlel pe

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e El mejor disco “ eorMgrupo

ENTREVISTA

E GUSTARÍA EMPEZAR por la sensación que tuve la primera vez que escuché El regreso de Abba porque fue una sensación de: “¡Buff! ¡Me ha volado la cabeza! ¡Lo que han hecho!”. Y además, como me había leído el libro, vi que todas las piezas encajaban. Por eso la primera pregunta que me gustaría hacer es si este disco, al estar asociado a un libro que ha escrito Marc Ros, es el disco más de autor, más Marc Ros, de los que ha hecho Sidonie hasta la fecha.

(Marc) Yo no lo veo así. Creo que estamos en este proyecto que se llama Sidonie y hace más de veinte años que dura y este disco, en concreto, aún no ha finalizado, porque tiene una continuidad en una gira y en unas presentaciones que vamos a hacer como grupo. Y sí, es verdad, yo soy el autor de las canciones y del libro, pero luego quién hace el disco es el grupo y, quién me da la posibilidad sacar adelante este proyecto, son ellos dos porque de lo contrario no habría ni libro, ni disco, ni nada. Además, por ejemplo, El peor grupo del mundo también era un disco en el que todas las canciones eran mías, así que este no lo veo como un proyecto más personal.

(Axel) Es cierto. El peor grupo del mundo también es muy personal y respira Marc Ros de la misma forma, pero es que cuando estabais hablando me ha dado por mirar hacía atrás y creo que, por ejemplo, El incendio, que es un disco en el que no todos los temas son de Marc, a mí me resulta el más autobiográfico e, incluso, el más pornográfico en lo que a la historia de Marc Ros y su vida amorosa se refiere. Con todo esto quiero decir que ya hace tiempo que Marc es el autor principal de las canciones del grupo, y nosotros nos encargamos de ayudar a que estas canciones respiren. Y la suerte que tenemos es que, lleguen de quién lleguen las ideas, el resto las acogemos como si fuesen propias. Y esto, aunque puede parecer un tópico, es verdad. Es más, incluso la novela la hemos sentido muy nuestra. Desde el momento en que Marc nos dijo que iba a escribir una novela, ya pasó a ser también nuestra.

—Pero imaginad por un momento que a vosotros dos no os hubiera gustado la novela de Marc ¿Qué hubiera pasado?

(Jesús) Si hubiera llegado ese caso, aquí hay demasiado amor como para mentir a Marc y obviamente le hubiéramos dicho la verdad. E imagino que él nos hubiera escuchado a nosotros y habríamos intentado redirigirlo todo. Pero vaya, que no fue así. Además, en el momento

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en el que nos dice que va a escribir un libro, y después de veinte años que llevamos juntos y conociendo el nivel que tienen las letras de sus canciones, ya intuíamos que la historia que pudiese contar Marc, mala no iba a ser.

(Axel) De hecho, la certeza de que Marc podía ser un gran escritor yo ya la tenía de mucho antes de que se pusiera a escribir el libro. Lo único que le faltaba era la valentía y el tiempo para poder llevarlo a cabo.

—Seguro que Marc no tenía tanta fe ciega en sí mismo.

(Marc) Para nada (risas).

—Porque imagino que, cuando uno pasa a una disciplina que no es la suya, lo hace con mucho respeto y más cuando hablamos de literatura (Marc) Bueno, pero literatura también es el arte de escribir canciones ¡eh!

—Sí. Y ahí tenemos a Bob Dylan con su Nobel de Literatura... Pero tú ya me entiendes. Me refiero al hecho de que era salir totalmente de tu zona de confort y supongo que la responsabilidad y las dudas están ahí ¿no?

(Marc) Pero también hubo por mi parte “caradurismo” y mucha patilla de decir: “tengo cuarenta y seis años, lo quiero hacer mucho mucho mucho, y además lo voy a complicar más. Voy a hacer de esto también un disco”.

Entonces, pues eso, te lanzas por la edad, porque tienes más confianza y porque estás muy bien acompañado.

Porque sino se hace mucho más difícil.

—¿Recuerdas el momento exacto en el que tomaste la decisión de juntar ambas cosas? ¿De vincular el libro con el disco?

(Marc) Eso me vino un día porque yo me inventaba títulos de canciones que componían Abba y Hugo, que son dos de los protagonistas de la novela, y me dio por pensar cómo podrían sonar esas canciones que tan solo existían en la novela. Me dio por imaginar, por ejemplo, cómo podría sonar una canción que se llamará Portlligat y, como sin quererlo, te ves con la guitarra tonteando y escribiendo esas canciones. A partir de ahí, ya empezó la locura y el cague. Porque antes te he dicho patilla, pero también hubo cague de “a ver, a ver ¿dónde nos estamos metiendo?”. Porque la novela y el disco tenían que dialogar sí o sí o de lo contrario todo se iba a la mierda y no funcionaría nada. Pero, a la vez, fue bonito darse cuenta de que realmente las cosas estaban funcionando. Eso de hecho me pasó ya en Blind Records, en el estudio de grabación. Ahí ya vi que la línea argumental del libro se mantenía también en el disco, que había un discurso y un orden. Incluso me di cuenta de que parecía que era Domenech –tercer protagonista del libro (ndr)– el que

“Uno de los objetivos del disco era que funcionara al margen de la novela”

estaba cantando su tema en el disco.

(Axel) Yo recuerdo el agobio que llevaba en aquella época Marc porque la novela se le estaba retrasando, y a la vez no acababa de tener las canciones. Pero fue acabar la novela y que, de repente, las canciones empezaran a fluir por si solas.

—Sin embargo, siendo un disco conceptual, no acaba de ser del todo una ópera-rock. ¿Hubo tentación de hacer una ópera-rock?

(Marc) A ver... Para no caer en esa cosa tan pretenciosa, y en el fondo tan pesada de los discos estos largos de los sesenta y setenta, justamente quién me dio el mejor consejo, no directamente porque no tengo el placer, fue Pete Townshend, que precisamente es el inventor de las óperas rock con Tommy. Él fue quien dijo que, si vas a hacer un disco conceptual, incluye en el álbum varias canciones que no tengan nada que ver con la historia porque sino, va a ser una chapa para ti y para quién lo escuche. Así que ya me encargué de que hubieran canciones que no tuvieran nada que ver con la historia de la novela como por ejemplo Mi vida es la música, que es una canción que expresamente maniaté a Abba para que yo la pudiera cantar, y de esa forma poder explicar la historia de Sidonie. Creo que uno de los objetivos del disco era que funcionará al margen de la novela, y que hubiera canciones que tuvieran su propio vuelo, porque de lo contrario sería ya seguir un libreto...

—¿No te ha quedado la espinita clavada de hacer realmente una ópera-rock que se pudiera convertir en un musical?

(Marc) Es que las referencias han sido esas, West Side Story, Hair... pero llevarlo a un teatro no está a mi alcance. Si algún día alguien quiere llevar la novela al teatro, yo estaré encantado de verlo —Pues la verdad es que yo sí veo que El regreso de Abba se podría convertir perfectamente en un musical.

(Marc) Me lo han dicho y hay lectores que ven que la novela tienen imágenes con la suficiente fuerza como para ser llevada a otros terrenos y sí, la verdad es que a mí me encantaría.

—Has hablado de Mi vida es la música y yo al principio os preguntaba hasta qué punto el disco podía considerarse el más de autor, pero es que este tema a mí sí me parece el más explícito de vuestra historia, ¿no?

(Marc) Es el más brutal, sí.

—Es que cuando hablas del acoso escolar, bueno, tie-

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octubre 2020 #15

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ne que ser liberador y a la vez imagino que es resultado de que tienes que haber llegado a un momento en tu vida que no te da ningún tipo de pudor contar que pasaste por eso.

(Marc) La verdad es que si pienso en nosotros cuando teníamos veintisiete años, y éramos unos cafres y unos bandarras, nunca nos hubiésemos atrevido a contar una historia así. Creo que tienen que pasar los años, y tienes que cumplir los cuarenta y cinco, para poder contar esa historia y decir: “¡Mirad chicos! A mí me ha pasado esto y lo voy a cantar porque creo que es importante.

Y también me apetecía contar la historia del grupo porque no todo ha sido fácil.

(Jesús) Yo la verdad es que, cuando escuché la canción por primera vez, pensé que podía ayudar a mucha gente que haya pasado por una cosa así.

(Axel) Esta canción es el mayor homenaje que Marc le puede hacer a la música y a lo que significa para él y para nosotros. Además el mensaje está muy claro porque si a nosotros nos ha salvado la música, también te puede salvar a ti. Y, como no podíamos saber que iba a pasar lo que ha pasado, a día de hoy todavía nos gusta más saber que vamos a mostrar al mundo esta canción.

(Marc) Axel tuvo una muy buena idea en la producción de esta canción que fue invitar a Delaporte. Piensa que es una canción que podría haber sido demasiada autobiográfica y, si la compartimos con un grupo que son de otra generación y que además hacen electrónica cobraba una nueva dimensión. Fue muy guay poder compartirla y estoy muy contento de como ha quedado.

(Axel) Lo que está claro es que, desde ya, es una de las canciones más importantes de nuestra carrera.

—Es curioso porque pasamos de un tema tan personal como Mi vida es la música a temas que están directamente vinculados al libro y que tienen esa luz del mediterráneo, como por ejemplo Porlligat, que creo que es el primer tema en catalán que incluís en uno de vuestros discos. Pero al mismo tiempo también hay por primera vez la inclusión de ritmos latinos igual influidos por vuestro viaje a Colombia... La verdad es que hay un montón de cosas en este disco. ¿El incluir tantos registros fue algo premeditado o fue viniendo sobre la marcha?

(Marc) Pues mira, creo que es algo que tiene que ver con la ansiedad y el hecho de no estar muy bien. Si te fijas en el libro hay un protagonista, Hugo, que piensa que sin conflicto no hay arte, no hay creación. Pues yo tuve un montón de conflictos antes de escribir todas estas canciones. Y los tuve porque estaba escribiendo la novela y veía que no llegaba. También el disco tenía que estar para una fecha y no tenía ni una sola canción. Empecé a pensar en que compusieran ellos o incluso en llamar a otros compositores y ¡de repente! fueron tres meses de venir cada día al local y empezar a escribir canciones y canciones sin parar. Y además justo en ese momento estaba escuchando música de Perú, de cuando la cumbia se ve influenciada por la música de The Beatles en los años sesenta y nacen grupos como Los Destellos de Enrique Delgado, así que por eso puedes escuchar en el disco desde una cumbia a un boogaloo o un tema en catalán...

(Axel) Es verdad que ese viaje, en el que nos invitan a tocar en Colombia en noviembre, llega en el momento justo y acaba por impregnar ese puente que hay en el disco y que enlaza Barcelona, Cadaqués y Latinoamérica. Y fíjate que todo eso se rubrica a última hora con la canción Gracias a la vida, que es una versión de un clásico latinoamericano que surge de una historia muy especial. Y ves que, al finalizar el año, un amigo mío, Matías Krahn, que es un pintor chileno afincado en Barcelona, me felicita el año nuevo y me recuerda que tenemos que grabar Gracias a la vida de Violeta Parra. Resulta que hace tiempo, y durante un viaje de ayahuasca, le llegó un mensaje de mi padre, al cual no conocía porque había fallecido hace años, en el que le dice que tenemos que grabar un día Gracias a la vida.

Además esa llamada coincide con el momento en el que estábamos como locos buscando la portada que enlazara toda la historia de El regreso de Abba. Que enlazara la novela, el disco y también esa conexión que existe y hay con Latinoamérica. Es justo ahí cuando me llama Matías y me recuerda que tenemos que grabar el tema de Violeta Parra y que tiene que ser este año 2020 porque va a ser pura medicina para nosotros. Pero no solo eso, sino que, además, ya tiene la portada para nosotros y me envía la foto de su cuadro. Fue como que de repente todo encajaba y su obra, el árbol, él también lo titula Gracias a la vida.

—Por las características del álbum, ¿os habéis planteado en el futuro, cuando todo esto se normalice, hacer un directo en el que en una primera parte interpretéis todo el álbum entero de principio a fin y ya, en una segunda parte, se la dediquéis a los grandes éxitos de Sidonie?

(Marc) Uff, no sé. Deberíamos probarlo aquí en el local de ensayo a ver si funciona y sí, si funciona a mí me encantaría. Además debería ser de cabo a rabo porque, en nuestra infinita inocencia, nosotros somos los primeros que recomendamos la escucha ininterrumpida del disco.

Eso es algo que va a ser muy complicado en los tiempos que corren. Pero vaya, que sí, que nos encantaría. Ya que la gente no lo va a escuchar entero, pues les vamos a dar la turra en directo (risas). Sí, sí que nos encantaría. A ver ¡Ojalá!

“ “‘Mi vida es la música’ es una de las canciones más importantes de nuestra carrera”

#16 octubre 2020

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(Axel) De hecho ya nos pasó con El peor grupo del mundo, que la gira estaba muy copada por temas del nuevo disco y eso siempre es bueno para un grupo, ese no estar tirando siempre del repertorio antiguo.

—¿Qué 'feedback' estáis teniendo? ¿Cómo está acogiendo la gente en redes sociales vuestros nuevos temas?

(Marc) La acogida está siendo impresionante, pero la que más me ha sorprendido es la acogida de un tema como Portlligat, porque, al ser un tema cantado en catalán y tener esa electrónica con ese instrumento vietnamita, pues resulta que a la gente le ha encantado. Me ha hecho muy feliz.

—También hay un tema incluso contestatario como “Verano del amor”.

(Marc) Es un tema que hace referencia a todas estas revueltas que hemos visto en Hong-Kong, Chile, Estados Unidos...

(Axel) Pues mira, me gustaría poner en valor precisamente que Verano del amor, una canción de un grupo de Barcelona que canta en castellano, sea esta semana “cançó de la setmana” de ICat FM (emisora musical de la radio pública catalana, ndr) y que Portlligat, una canción cantada en catalán de un grupo de Barcelona que lleva veinte años trabajando en toda España, haya sido tan bien acogida por todo el mundo. Eso es para nosotros el mayor regalo que podemos tener. Porque si nos remontamos años atrás, creo que ninguno de nosotros se imaginaba que íbamos a vivir ninguna de estas sensaciones. Y esto ha pasado ahora y hay que valorarlo.

(Marc) Verano del amor es la típica canción engañosa de Sidonie. Es como Maravilloso, que te está hablando de un tema muy serio, pudiendo bailar y siendo frívolos como siempre ha sido Sidonie. Y Verano del amor igual. Es colarte una cosa muy seria que queremos decir, pero que puedas bailarlo . La duda que tiene Domenech (personaje de la novela, ndr) , que es quién canta esta canción, es la de si hay que protestar contra las injusticias del sistema con la violencia o con la no violencia.

Porque lo que está claro es que la no violencia no nos ha llevado de momento a nada. Eso es lo que piensa él, que es quién lo narra y quién lo canta, porque nosotros tres somos pacifistas a muerte. —D.D.

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Un gran álbum Sidonie

El regreso de Abba Sony Music

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YA LO TENEMOS AQUÍ. Tras publicar cuatro melocotonazos previos, que nos hacían presagiar un gran álbum, ya podemos disfrutar de los 23 cortes que forman este trabajo conceptual inspirado en la excelente novela de igual título, que hace unos meses publicó Marc Ros. Libro que en gran medida vertebra las canciones del disco, aunque ambas obras puedan disfrutarse de forma autónoma. Y sí, he soltado así, a bocajarro y en el primer párrafo, lo de los 23 cortes para dejar claro que estamos ante unos de esos discos (doble) que hace honor a una época que no existe y no sabemos si algún día, al igual que Abba, regresará. La era dorada del pop y el rock en el que se planteaban obras que debían escucharse de principio a fin para ser comprendidas y asimiladas.

Discos como “Tommy” de los Who (1969) o “The Lamb Lies Down On Broadway” (1974) de Genesis que, como el propio grupo ha confesado en alguna entrevista, han influido en la estructura del álbum. Estamos por tanto ante el disco más variado, completo y sobre todo ambicioso del trío catalán. También ante su mejor álbum.

El que ha recuperado la esencia psicodélica

de sus inicios, mezclada con la sabiduría pop de los grandes estribillos, la vocación expansiva de los arreglos y su habitual desparpajo que los hace únicos dentro del panorama pop, comparable tan solo al que despliegan a escala internacional bandas como The Flaming Lips o Primal Scream. Por todo lo escrito hasta ahora, me atrevo a decir que “El regreso de Abba” va a marcar un punto de inflexión en la carrera de Sidonie. Y lo va a hacer porque es una de esas obras en la que lo vuelcas todo, te dejan tan vacío como satisfecho. Una obra cumbre que obliga en el futuro a reinventarse de nuevo, sin perder la esencia. Una trabajo concienzudo que, al igual que el libro, es una celebración en toda regla, un canto contra la intolerancia y la vulgaridad y, sobre todo, una medicina de ‘Buenas Vibraciones’ en una época en la que andamos muy faltos a la par que necesitados.

Así que espero y deseo que me hagáis caso, a mi y a la propia banda, y os embarquéis en ese viaje sensorial a la par que astral que es la escucha ininterrumpida de los 23 cortes.

Os volará la cabeza. ¡Ah! y me reservo la bonita historia que hay tras la versión del “Gracias a la vida” de Violeta Parra, para la entrevista que en breve publicaremos. Ahí explicaremos el porqué de la elección de una obra pictórica del pintor Matías Krahn para ilustrar la portada tanto del disco como de la novela. Y es que no cabe duda de que la magia nos envuelve con su invisible manto. Solo hay que creer en ella para materializarla. —D.D. octubre 2020 #17

Cinematógrafos del pop Chucho

En ocasiones, las circunstancias más dolorosas de la vida generan trozos de vida incandescente, con sombras, pero definitivamente esperanzadores.

De esta intensidad micebrínica, se ha empapado Corazón roto y brillante (Intromúsica, 20), pop de aristas, en Cinemascope, para subrayar un hecho: estamos ante una de sus obras más personales e inspiradas. Poca broma. Sobre todo ello, y mucho más, nos habla el capitán de la nave, Fernando Alfaro, desde su refugio albaceteño.

—TEXTO Marcos Gendre —FOTOGRAFÍA Gustaff Choos #18 octubre 2020

Q

UÉ HA CAMBIADO de este último disco respecto a Los años luz?

Los años luz tiene sus virtudes medio ocultas, pero exige demasiado.

Para este disco pensamos volver a la formación original, nosotros tres, pero tuvimos que lidiar con la situación personal del movimiento geográfico. En 2016, Javi vivía en Guadalajara y yo en Barcelona. Utilizamos como base de operaciones el local que tenía yo en el Raval. Para este disco, muy pronto pensé en Sergio Pérez, porque es amigo mío y conoce mi trabajo. Tiene una reputación brutal, no sólo como productor sino como ingeniero de mezclas. En aquel momento, cuando estábamos planeando la grabación de este disco, es cuando hicimos el maxi que sacamos el año pasado del veinte aniversario de Magic. Entonces, ya pensamos que lo mezclara él, y nos pusimos a funcionar. Para ese disco, Javi y Juan Carlos grabaron todo desde sus respectivos estudios caseros. Y lo iban enviando. Y yo, desde el mío, en Barcelona. Este disco tenía que sonar potente y brillante. Muchas veces cuando haces un disco, es un poco una reacción contra el an-

terior. Y eso está bien; es una motivación y una especie de búsqueda. Yo, por mi parte, durante todo este proceso, cuando estaba haciendo las canciones, veía cómo era, qué temas estaba tratando. Sabía que tenía mucho sentido tener ese vehículo brillante para contar unas historias que eran algo jodidas, que hablan de una ruptura que me ha afectado muy profundamente.

Y que, a la vez, estábamos generando canciones que, sorpresivamente para mí, respiraban una especie de esperanza u optimismo. Una luminosidad que no era arisca. Tampoco eran canciones, valga la redundancia, con el ánimo de levantarme el ánimo.

—En principio, desde el mismo título del álbum, se alude a una ruptura sentimental y, al mismo tiempo, a un resurgir. ¿Esta confrontación de extremos es lo que hace que, por ejemplo, canciones como La carretera de la costa alcancen un mayor grado de luminosidad por hacerlo desde una mayor necesidad?

Para entenderlo yo también, la conclusión a la que he llegado es que, durante un tiempo, viví una especie de sensación premonitoria; sentía que algo estaba a punto de ocurrir. Y eso generó todas las canciones, que se debatían entre la esperanza y la desolación. A la vez,

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ENTREVISTA

“

gustaba de aquella era el punk, a saco. Pero también recuerdo aquellos discos de Genesis u óperasrock. Sentía una clase de atracción por este tipo de obras, donde contaban una historia completa. Pero sigo teniendo la querencia por los discos más pop. Anteriormente, los discos pop eran colecciones de singles que se editaban como tales.

Hay muchos discos que, como decía la palabra, era álbumes de fotos. En este caso, podría verse como algo así: singles previamente editados. Además, hemos comprobado que funcionan perfectamente por separado, fuera del contexto del álbum y del temático.

—Ya desde los tiempos de Surfin Bichos, siempre he notado un alto componente visual en tus canciones que, creo, también creció a nivel instrumental con Chucho. Lo veo como pop cinematográfico, que me viene a la mente escuchando canciones como Agente Sebso, igual que en los tonos tan de western que hay en el disco. Pero ¿qué referencias cinematográficas te han inspirado?

Desde que éramos muy pequeños, yo y todos nosotros fuimos hijos de la televisión y del cine. Es imposible que esa influencia no surja. No soy un experto pero sí soy muy aficionado hasta el punto, y creo que pasa en cierta medida con todos, que esas vivencias cinematográficas, esas experiencias, también terminan siendo personales. La propia técnica de la película, la emoción para la que esta destinada. Esas emociones que te provoca son reales.

—En cuanto a canciones como La feria animal, me remite a esos blues pantanosos que hacías en Surfin Bichos, pero todavía más a la brutalidad expuesta por entomólogos de la condición humana como Harry Crews o libros como El callejón de las almas perdidas, sobre un circo ambulante.

Obviamente, debe de tener influencia de todo lo que leo, ya sean libros, como también cómics, aunque tengo que reconocer, con derrota, que cada vez leo menos cómics. En este caso en concreto, en La feria animal, lo que yo quería era contar una historia. Le di la forma que, seguramente, las circunstancias y el tiempo me han ofrecido. Para este caso, se trata de la película La noche del cazador. Habla de una chica, de un monstruo encerrado, la rana en una orilla. Se trata de algo peligroso.

—En este último disco, trabajáis con muchos frentes estilísticos, muy alejados entre sí, incluso más de lo habitual: desde el vals a ese final caribeño de La carretera de la costa. Parece como si estuvierais jugando más que nunca con este tipo de reflejos estilísticos.

Esto lo llevo haciendo desde el principio de mi carrera. Sobre todo, en Hermanos carnales. En los anteriores, no había tanto.

Canciones como Un alud en septiembre tiene la base de un bolero, en realidad. En Hermanos carnales, ya entraba la bossanova, como en Abrazo en un terremoto, por ejemplo. En este disco, ya no se trata de orientar una canción entera sino de sacar cosas como el toque dub en La carretera de la costa. Son decisiones que tomamos entre los tres, a la hora de darle una vuelta de tuerca más y subrayar ciertas cosas que lo merecen. Ahí hablamos mucho y entran las referencias musicales de los tres. —M.G.

"Este disco tenía que sonar potente y brillante"

esa desolación generaba nuevas preguntas. Para que yo mismo pudiera entender la situación, creé personajes externos, en el campo de la creación literaria. Personajes interpuestos donde volcar las emociones y todas las historias que quería contar, para, en cierto modo, convertirlo todo en ficción Esos dos personajes que creé en mi mente fueron Pere y María, los que, de una forma u otra, comenzaron a ser protagonistas, incluso de forma tan explícita como en Hoamm, o de forma más indirecta, como el personaje en primera persona, que narra las imágenes de su vida en común, en las situaciones ambientadas desde el punto de vista de la parte masculina de esa pareja. Ya en aquel momento, dentro de esta decisión, de convertirlo en ficción y de utilizar una tercera persona, o unos personajes, fue cuando pensé en hacer el relato. Durante todo el tiempo en la composición de las canciones, los tenía en mi cabeza, y no le di forma hasta que el disco estaba terminado, con su setlist. Porque no sabía qué forma le iba a dar, si como un mini-relato que formara parte del disco, en la carpeta, o si iba a formar parte de un libro aparte, que es lo que finalmente ha sido.

—Resulta interesante que un libro tan apegado al disco cobrara forma de libro autónomo al final.

Las circunstancias y las casualidades son las que determinan cómo va a ser una obra en concreto.

Es así. O un encargo. Desde hace tiempo, me gusta recordar que las grandes obras de arte de la historia fueron hechas por encargo. En este caso, no es un encargo, es un tema personal mío. Pero sí la forma que tiene, en doce capítulos. Ahí ya, cuando estuvimos hablando sobre el lanzamiento del disco, dije que tenía una idea, que era escribir un relato y que si querían que lo hiciera a la vez que el disco.

—Ahora son épocas distintas en cuanto a enfoque pero con Los diarios de petróleo ya habíais utilizado EP's de adelanto, anunciados como capítulos inseparables del álbum central.

Aparte de esto, lo que sí veo muy claro es que éste quizá sea vuestro disco más conceptual desde aquel trabajo.

Sí, es quizás el otro disco que, junto a éste, se podría calificar de conceptual. Otro disco mío, como Hermanos carnales, también tiene un punto en ese sentido. Los diarios de petróleo es una especie de recapitulación vital que podría haber derivado en narrativa. Pero en el caso de este último disco era, incluso, una necesidad personal. Me acuerdo de aquellos discos conceptuales de los setenta, como The Wall, de Pink Floyd. A mí lo que me

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octubre 2020 #19

LA UTOPÍA DEL “ RAP E

“Se me hace raro ganar dinero con pensamientos y reflexiones personales”

#20 octubre 2020

L ÁLBUM VIO LA LUZ hace ya más de tres meses, en pleno confinamiento.

Pasado este tiempo, ¿Qué balance haces de su recepción por el público y de tu impresión propia?

Muy buena. Hay canciones que han funcionado realmente bien. Todavía estamos pendientes de poder hacer gira para confirmarlo, pero visto lo visto estará complicado este año.

—Siendo este tu sexto trabajo publicado, ¿qué diferencias (aparte de la clara evolución y más madurez) crees que hay entre Siempre y tus anteriores discos?

Es el primer álbum que hacemos en nuestro estudio y eso se nota. Las canciones están muy tratadas a nivel instrumental y suenan realmente bien.

—Musicalmente, ¿qué plan teníais en la cabeza Lupita y tú cuando os sentasteis por primera vez a darle forma a este disco?

Darle un toque clásico. Queríamos hacer un álbum al más puro estilo vieja escuela. Reconozco que al final ha salido bastante más experimental a nivel general, pero me alegro, sino hubiese quedado muy monótono.

—Dentro del disco, en la canción Pelapavas, dices “quiero el bolsillo lleno con el corazón limpio”. ¿Crees que es inevitable que, con la llegada del éxito, todos los músicos acaben inconscientemente comercializando su música? ¿Le está pasando a Hard GZ? Se me hace raro que literalmente gane dinero con pensamientos y reflexiones personales. Mi música se comercializa desde el día que empezó a tener éxito, sí... pero siempre he sido libre, es decir escribo sobre lo que quiero con los beats de mi gente en mi estudio. Vivo bien y me esfuerzo por llevar a cabo muchos proyectos. Si no se comercializara estaría puteao en un curro de mierda muchas horas al día.

—En esta misma canción dices: “Estoy viviendo de que escuchéis mis lamentos”. ¿Dónde pones el límite de la sinceridad en tus letras? ¿Te sientes más cómodo haciendo letras reflexivas o introspectivas?

Me siento cómodo haciéndolas, pero una vez que son públicas sí que me rayo. La interpretación de cada uno es libre y eso es molesto cuando son cosas tan personales. Es difícil encontrar el punto entre contar tu historia y remover la mierda.

—En la canción Cambios haces una reflexión sobre la sociedad española, acabando con un “en la sombra sigue gobernando un fallecido”. ¿Crees que existe una solución o ya está todo demasiado podrido para esta sociedad?

La gente debe tener pensamiento propio. Si nos dejamos llevar por los políticos o la prensa sensacionalista estamos jodidos.

Nadie tiene la verdad absoluta, hay que ser empáticos y esforzarse por entender al otro.

—Y, siguiendo tu postura crítica, también escuchamos: “Entre tanto movidón hay alguien cobrando pero la OMS no te lo está contando”. ¿Eres de los que piensa que la pandemia por el Covid-19 no ha sido un accidente?

Esa frase va sobre los nuevos ricos que han aparecido desde esta pandemia y sobre qué pasará con las vacunas. ¿Serán gratis para todos? ¿Se están gestando nuevos negocios para aprovecharse detrás de todo este caos? Sobre el covid veo lógico, como he leído por ahí, que si juntamos bichos de diferentes ecosistemas en un mismo sitio pueden generar virus que salten a los humanos, pero repito que ni idea, yo no soy científico... Aunque no hace falta serlo para saber que los que menos recursos tienen serán los más afectados.

Hard GZ

El gallego Hard GZ, una de las voces más importantes del panorama rap actual, presentó su nuevo disco Siempre (BMG, 20) durante la cuarentena. Un tiempo que no desperdició, ya que también dejó preparado un nuevo álbum de su alter ego Lil GZ. —TEXTO Alfonso Gil Royo

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ENTREVISTA

—Cambiando de tercio, el disco tiene colabora-

ciones de renombre como Delaossa, Anier, Anita Kuruba (Canteca de Macao) y Kyne. Pero nos ha llamado la atención la de Clementino. ¿Qué conoces de la escena rap italiana?¿Qué diferencias y semejanzas tiene con las española?

En Italia por lo que tengo entendido el género está mejor posicionado que aquí, la peña se ha colado en diferentes sectores y llevan el camino más masticado, colaborando así con gente de Francia o Estados Unidos y pudiendo salir de su país para funcionar fuerte en otros sitios. Lo de Clementino fue pura casualidad, vi que cantaban en la sala Apolo de Barcelona, escuché cosas de él, me gustaron, le escribí y se plantó en el estudio, así de directo y fácil. El tío es un fenómeno.

Estamos a la espera de viajar a Nápoles para rodar algo con él.

—Y llegado este punto, la pregunta obligatoria: ¿Cómo ves la escena rap española actual, qué te gusta y qué no de ella?

Veo que esto no para de crecer. Cada vez son más los chavales y chavalas que se van haciendo el hueco. Nos empiezan a tomar en serio las marcas, las multis… Es un momento muy especial para el movimiento, debemos saber jugar bien las cartas.

—Por otro lado, has cambiado tu Vigo natal por Barcelona. ¿Qué te está aportando Barcelona a nivel musical?

A Galicia no la puedo comparar con nada, siempre que vuelvo me cuesta mucho irme, pero Barcelona para la edad que tengo es ideal. Me gusta estar en contacto con todos los músicos que hay por aquí, he montado un estudio en la zona de Hospitalet y ahora mismo es un sitio que reúne al día a mucha gente interesante de la que aprender cosas y con la que trabajar.

—No podemos no preguntarte por Utopía del Norte, ya que esté disco sale a través de BMG. ¿En qué estado de salud se encuentra actualmente Utopía?

Hace aproximadamente un año tuve diferencias con mi antiguo manager, lo que propició que quisiera separarme del sello que habíamos creado entre todos. Hoy día está todo en paz y les deseo lo mejor de corazón.

Me consta que siguen trabajando con otros artistas.

—Querría cerrar la entrevista con Lil GZ, ya que has anunciado que pronto publicará su primer disco, Harakiri. El nombre, ¿es debido a crees que puede perjudicarte de cara a cierto público? ¿Temes la respuesta del público o es una ironía?

La mayoría del álbum ya ha salido y ha tenido una gran respuesta. La idea del título era una mezcla de todo. Era arriesgado pero me da igual, es un escape de lo que llevo haciendo toda mi vida. Me llena mucho poder experimentar. No descarto unificarlo todo otra vez en Hard GZ y a la mierda.

—¿Qué puedes adelantarnos? ¿Cómo sonará y cuándo se publicará?

Quedan dos o tres canciones por salir si no me equivoco. Todavía no puedo dar fecha de lanzamiento.

Estoy trabajando en las últimas mezclas.

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octubre 2020 #21

M

E PONGO AL HABLA CON SU LÍDER, Wayne Coyne, y lo primero que me viene a la cabeza es que es una de esas personas con las que debe ser bastante difícil mantener un silencio incómodo, primero porque es igual que su personaje, alguien optimista y encantador que siempre parece dispuesto a ayudar a alguien, y, segundo, porque parece no tener freno a la hora de hablar, preparado para conquistar a su interlocutor con un elaborado discurso desde el primer segundo. Antes de que fuera capaz de presentarme Coyne ya me estaba preguntando por cómo iban las cosas por España con el Coronavirus, si mi familia estaba bien, etcétera. Cuando le contesté que todo bien y le pregunté por la situación en Oklahoma, estuvo cinco minutos contándome con pelos y señales como está todo por allí, algo realmente interesante, pero bastante preocupante si tenemos en cuenta que me habían dado veinte minutos para hablar del último, y brillante, álbum de la banda que lidera, The Flaming Lips. Al final no pasó nada porque Coyne no debía tener más entrevistas después de la mía, o se le habían olvidado, y estuvimos una hora larga hablando de las bondades de American Head, un disco con el que los más fieles seguidores de la banda están de enhorabuena y que puede hacer vivir una segunda juventud a una banda con casi cuarenta años de carrera a sus espaldas. Pero mejor pasemos ya a la charla. #22 octubre 2020

“ “Hay que encontrar una nueva manera de volver a dar conciertos”

—Lo primero que me gustaría de-

cirte es que me ha encantado este último disco. Me parece el trabajo más bonito que habéis hecho.

Oh, muchas gracias por decir eso.

Creo que hacemos muchos discos y algunos de ellos son más raros que otros, pero estoy de acuerdo contigo en que este es uno de los buenos.

Tiene unas grandes historias y todos estamos muy contentos con él. Aunque a mí me gustan todos nuestros discos, poder hacer música es una cosa maravillosa, pero muchas gra-

cias, de verdad.

—Hicisteis algunas de las canciones de este álbum mientras

preparabais King's Mouth, y me recuerda a la época en que hacías Zaireeka al mismo tiempo que The Soft Bulletin. ¿Crees que hay similitudes entre las dos épocas? y ¿crees que esto es un nuevo pico para la banda?

Es difícil de decir, depende de lo que queramos pensar que significa "nuevo pico".

—Me refiero a que suena más a vuestro periodo clásico Se a lo que te refieres, pero no creo que Steven y yo quisiéramos hacer un disco como The Soft Bulletin. Pero sí, son discos más

The

a

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ENTREVISTA

The Flaming Lips están de vuelta con American Head (Bella Union/[PIAS], 20), un disco con el que recuperan las mejores esencias desde su etapa más destacada, la de The Soft Bulletin y Yoshimi Battles The Pink Robots, siendo su disco más accesible desde este último, en el lejano 2002. También es el disco más personal de la banda, hablando de sus años de adolescencia entre temas tan propios como flores de Neptuno 6, dinosaurios o LSD.

Una banda americana

e Flaming Lips

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—TEXTO Sergio Ariza

centrados en las canciones, tiendes a enfocarte en un área determinada. Pero ya sabes, nosotros somos unos frikis y a veces también nos gusta hacer cosas más experimentales, pero desde luego creo que sí que hay muchas similitudes con el periodo de Zaireeka y The Soft Bulletin. Ahora han sido Oczy Mlody, King's Mouth y este American Head. Al final gravitamos hacia este tipo de canciones sencillas, nos gusta eso, pero nos encantan todo tipo de sonidos y músicas, a veces nos vemos obligados a seguir nuestros impulsos e ir en una dirección más extraña.

—Aquí hay canciones sobre el deseo de que los dinosaurios sigan caminando por la Tierra, pero también hay una línea narrativa. Es como si canciones como At The Movies On Quaaludes estuviera conectada a You N Me Selling Weed, y esta a God And The Policemen. ¿Podríamos hablar de un disco conceptual?

En cierto sentido sí. Hay muchas similitudes entre las canciones y los personajes. Si lo escuchas una sola vez del tirón, puede que no te acuerdes de cuál es cada canción porque todas tienden a mezclarse sin descanso entre una y otra, y los temas son muy similares. Es algo que nos gusta mucho, nos gustan más esos clásicos discos largos, o esas canciones jazz en las que hay ligeras variaciones. Creo que funciona mucho mejor cuando todo el disco tiene un sentimiento similar. Y creo que las historias funcionan muy bien con eso, son cosas parecidas, es algo que hicimos a propósito. Nos gusta que haya esa familiaridad —Es un disco en el que puedo ver dos de los temas opuestos que siempre han aparecido en vuestra música: la tristeza de saber que todos vamos a morir, y el contrapeso que es saber que la belleza y el amor son la respuesta para no hundirse en ese pesimismo. La respuesta parece venir con el tema final en el que, un poco como Prince, vienes a decir que el Amor es Dios, o que no hay Dios, solo Amor.

Cada vez que cantas de Dios o de religión hay que dejar claro que no hablas en serio. Nunca me atrevería a decir en una canción que no creo en Dios o que sí lo hago. Es una cosa demasiado abstracta, nunca me ha pasado nada tan horrible en mi vida que haya necesitado una respues-

3

octubre 2020 #23

“ “Trump ha sido el último coletazo de la América paleta y 'redneck'”

#24 octubre 2020

ta de Dios o del Universo. Digamos que el Universo se ha portado muy bien conmigo. Todo lo que me ha pasado hasta ahora lo entiendo, no necesito una respuesta irracional para explicarlo. Pero entiendo que haya otras personas que sí lo necesiten, hay gente que ha pasado por cosas horribles. Creo que cuando hablo de Dios lo hago del misterioso universo que nos rodea. Hay muchas cosas que no entendemos, pero por lo menos quiero creer que el Universo se rige por el amor y no por la destrucción.

Hace seis años conocí a una familia cuya hija adolescente desapareció y nunca supieron que había pasado con ella, simplemente desapareció un día. Ahí sí que hay algo sobre lo que la ciencia o la racionalidad no te puede dar una respuesta. Así que cuando hablo de Dios, hablo de eso, de esa parte oscura de la que no podemos obtener respuestas. Y cuando hablo de que "mi religión eres tú", realmente estoy hablando de mi madre y de toda mi familia, y es que tuve la suerte de tener una familia maravillosa que me crió muy bien. Yo nunca formé The Flaming Lips para alejarme de mi familia. Nunca me rebelé contra ellos.

—Hablando de la importancia de la familia, hay canciones para la madre, para el hermano... ¿Cómo ha cambiado tu vida el ser padre?

Para mí ha cambiado de la mejor manera posible. Ser padre es maravilloso, puede que sea porque soy mayor, voy a cumplir sesenta años y este es mi primer hijo. Me ha dado una razón para hacer todas las cosas, para ser feliz, para trabajar más duro. No quieres perder el tiempo, ni la energía, ni quieres estar cerca de gente que es estúpida y narcisista (risas). De ese modo me ha ayudado mucho. Siempre ha habido una parte de mí protectora. Vengo de una familia muy grande, está en mi naturaleza ser paternal, fraternal.

Pero ahora que tengo de verdad un niño pequeño y una mujer a los que cuidar, creo que me ha ayudado a tratar con la gente adulta mucho mejor. Ahora veo cierto tipo de comportamientos y digo “se supone que eres mayorcito y ese comportamiento que tienes es de bebés”. En el último año y medio he descubierto que hay muchos adultos que se comportan como niños y no necesitan que se les proteja, necesitan madurar.

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—Volvéis a trabajar con Dave Friedman de nuevo. ¿Qué impor-

tancia tiene este productor en el sonido de la banda?

Le permitimos tener un pequeño porcentaje de decisión sobre cómo va a sonar, y a veces eso le gusta y a veces no. A veces nos dice os ayudaré pero no tengo nada que aportar, pero otras veces quiere hacer algo totalmente friki o extraño. Es una persona intensa e impredecible, pero consigue un sonido muy, muy bueno.

Mientras trabajamos a veces tendemos a hacer cosas muy frikis y puede ser un verdadero dolor de cabeza lograrlo. En este disco comenzamos a trabajar con él casi desde el principio, hicimos mucho trabajo en el estudio, pero nos dijo “tenemos que darle forma” y Friedman es un gran indicador de si las canciones están funcionando o no, no solo por las cosas que dice sino por cómo se comporta, por cómo es. Si le presentamos una canción que realmente le gusta se siente una paz alrededor suyo, se queda tranquilo. Y Steven es muy similar. Si trabajamos en una canción que no le gusta o que cree que no funciona, se pone de mal humor. Así son y me dejan ver cómo van las canciones, y con las canciones de American Head, esa mezcla de melancolía muy melódica, pude ver que estaban funcionando con estos dos, porque cuando no les gusta algo no pueden quedarse quietos, están agitados, no lo pueden ocultar, pero cuando funciona bien es una maravilla, cuando estábamos grabando Will You Return/When You Come Down pude ver como pasaba y fue una maravilla. A veces hay que tener esa suerte para que esa energía positiva para crear magia y no joderlo después, pensando creo que puedo mejorarlo o lo que sea. Y eso pasó cuatro o cinco veces mientras grabábamos este disco.

—Sé que es importante tener perspectiva, pero ¿crees que American Head puede alcanzar ese estatus clásico?

Sí, sí, por supuesto, y mucho tiene que ver con la accesibilidad. Incluso nosotros éramos conscientes de lo universal que era “Do You Realize??” en su momento. Sabemos que varias de estas canciones tienen ese mismo tipo de sentimiento. Pero siempre quieres que tu música le guste a la gente. Nos encanta hacer música como Zaireeka o, incluso, The Terror. Nos encanta hacer todo eso, pero sé que le llega a una parte más pequeña de nuestra audiencia, mientras mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

La Burbuja de The Flaming Lips

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ayne Coyne hace tiempo que utiliza una burbuja inflable gigante en los directos de Flaming Lips. El líder de la banda se introduce dentro de la esfera y "flota" sobre el público. Pero este verano utilizaron estos artefactos como solución para los conciertos en la época del Covid-19. La banda fue la invitada musical del último episodio de The Late Show With Stephen Colbert, un show de televisión de la cadena CBS, y sorprendieron a propios y extraños actuando metidos en las burbujas hinchables individuales, tanto ellos como el público. Desafiando la moda de las performances online que nos acompaña desde el confinamiento, todos los miembros de la banda se encontraban en la misma sala, junto al público.

Sin embargo, para asegurar la seguridad sanitaria, también todos los presentes se encontraban dentro de sus burbujas individuales. Un movimiento a la altura de la locura habitual en el mundo de The Flaming Lips. La banda ha puesto a la venta unas camisetas conmemorativas de la ocasión. —MS

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que uno como American Head es un disco que le llega a todo el mundo. Todo el mundo puede entenderlo y emocionarse con él.

—Siendo norteamericanos, es imposible no preguntarte sobre Trump y todos los disturbios que están ocurriendo en el país. ¿Sigues prefiriendo no mezclar la política y la música?

Hay tipos de música emocional y American Head es una de ellas, pero que no hablemos de política no significa que no despreciemos a Donald Trump, lo que pasa es que a mí, como músico, no me importa quién sea presidente, es decir, quiero que haya un presidente que se preocupe por las personas etcétera. Yo soy muy activo como persona individual en la política local, soy amigo del alcalde, me preocupo por mi pequeña parte del mundo. No necesito que ningún presidente me diga la forma en la que tengo que vivir. Nuestra música, como la de cualquiera, si te llega, vivirá contigo para siempre, hay música que se hizo hace cincuenta años que está tan viva como el primer día y vivirá para siempre, pero una situación como la de Trump es solo temporal, es política americana, ya pasará. Eso sí, espero que nos libremos de él y que lo que venga detrás sea mejor para el país. Creo que ha sido el último coletazo de la América paleta y 'redneck' —¿Cómo crees que la pandemia va a afectar a la música como negocio? ¿Hay muchos clubes, salas de música, etcétera, que están cerrando?

Depende de cómo te lo tomes. Hay mucha gente que se está aferrando a que las cosas vuelvan a ser como antes, porque funcionaba

y piensan que va a volver, pero una parte de mí no tiene muy claro que se pueda volver atrás y si te aferras a eso, al final morirá y tú morirás con ello. Pero siempre hay una nueva manera.

Eso sí, todo esto nos ha enseñado lo intrascendentes que son los conciertos. Llevamos seis meses sin conciertos y puede haber otro año sin ellos. Así que quiero encontrar una nueva manera de volver a dar conciertos de forma segura y que podamos volver a darlos, pero de una nueva manera.

—¿Y tienes alguna idea de cómo hacer eso?

Claro, he estado trabajando en esta idea de dar conciertos en los que todos, músicos y público, estemos protegidos en burbujas de plástico.

—Es verdad, lo he visto en televisión.

Y no lo hago porque piense que nos vamos a hacer famosos o vamos a ganar un montón de dinero con ello, sino porque cada banda, cada dueño de club está pensando en cómo hacerlo de otra manera y tiene que haber una nueva manera si queremos mantenerlo a flote.

Así que esta es mi manera y espero que otros encuentren la suya, pero la gente se sigue agarrando a lo que había antes.

—¿Y tienes ya alguna fecha para dar algún concierto con las burbujas?

Hay un gran local en el centro en Oklahoma y vamos a intentarlo, sí. Habrá que ver cómo funciona con el público, si lo pueden disfrutar.

Para adaptarse al futuro hay que pensar en cosas nuevas.

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octubre 2020 #25

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Jugando Reyko

El camino de Reyko hasta llegar a su debut largo no ha sido fácil. Es verdad que les fue muy bien con Spinning Over You, pero el reloj para no acabar siendo unos one-hit-wonder hacía “tic tac” mientras ellos, por problemas con su antigua discográfica, no podían sacar temas que le quitasen al público esa idea. Ya cómodos en la autoedición, Soleil e Igor, españoles residentes en Londres, están muy seguros con su álbum y con su nuevo material.

TAN.LEJOS TAN.CERCA

Will Butler Generaciones que dejan huella La carrera de Will Butler siempre estará asociada a la de Arcade Fire, uno de los grupos más importantes del siglo XXI, pero el pequeño de los Butler está logrando crearse una más que interesante carrera en solitario, de la que ahora anda presentando su segundo disco, Generations (Merge/ Popstock!, 20).

#26 octubre 2020

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“Nos gusta meter un ya buen estribillo y luegotrofas” tranquilidad en las es

RRNacho Vegas publicará el 23 de octubre Oro, salitre y carbón, doble álbum recopilatorio que recoge hasta veintiséis temas procedentes de EP’s, directos, temas inéditos y otras rarezas como Me lo dijo un ángel, Canción para la PAH, Lluz d’agostu en Xixón, Arriba quemando el sol, A les rexes de la cárcel o El Carmín de la Pola.

RRPearl Jam lanzaron no hace demasia-

RRReedición de lujo del primer disco de Linkin Park, Hybrid Theory, para celebrar los veinte años de su edición. Incluye rarezas, remixes, conciertos, etcétera. Se publica en cuatro ediciones diferentes, entre ellas una caja SuperDeluxe con cinco compactos, tres vinilos, dos DVD’s, un cassete y un libro de ochenta páginas.

RRGyoza publican un EP de versiones

ESDE LA PUBLICACIÓN de Policy, en 2015, Butler se ha sacado un título de Política en Harvard, algo que se nota en las letras del disco, en las que se pregunta por los problemáticos inicios de Estados Unidos, y todavía más, por su borroso presente. No puede dejar más claro lo que piensa sobre la huella de la familia y sus circunstancias en su vida.

“Mi vida está determinada por cosas que ocurrieron hace más de un siglo".

Y es que Butler viene de una familia totalmente musical, con miembros tan destacados como su abuelo materno, el fabuloso músico de swing, Alvino Rey, cuya muerte fue una de las catalizadoras de Funeral. La huella de las generaciones está muy presente en el disco, como en Fine en la que habla de los problemáticos inicios de Estados Unidos, aunque, como él mismo dice, casi todos los países tienen orígenes "basados en algo horrible, asesinatos, etcétera, a un nivel tanto mitológico como práctico y

do y durante un día su nueva canción Get It Back. Lo hicieron en exclusiva con Bandcamp, pero ahora está disponible en todas las plataformas de streaming. Se trata de su primera canción publicada tras Gigaton, el disco que publicaron este mismo año.

adaptadas a su estilo. La primera canción que ha podido escucharse es una adaptación del Ruptura de Triángulo de Amor Bizarro, a la que se sumarán relecturas de temas de bandas como Perfume Genius, Radiohead, Foals, Nine Inch Nails y The Strokes.

“Todos los discos son ngo como mis hijos y no te rarlos” perspectiva para valo

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Nosotros encantados, no nos hemos cansado de ella aunque estemos con cosas nuevas. De hecho, la tocamos en todos los conciertos.

—¿Qué me podéis contar del videoclip de Surrender? Especialmente de su rodaje... porque sé que fue a una sola toma en esas playas. Imagino que hubo que tirar varias hasta que salió una que os gustase, ¿no?

(Soleil) Sí, hicimos unas cuantas (ríe). Al final cuadró con una toma que hicimos a las tres de la tarde. Porque la grabamos en una playa de Inglaterra y allí anochece muy pronto. Queríamos hacerlo como si fuera “larger than life”, ¿sabes?, como muy honesto... Y en una sola toma tú no puedes esconder nada. Queríamos dejar espacio a la improvisación.

(Igor) Los chicos que grabaron el vídeo eran muy pros, ¿eh? Lo tenían todo controlado. Nosotros buscábamos unas luces concretas, azules, como de calma, y ellos sabían el momento exacto en que íbamos a tener eso. Así que teníamos solo cuarenta y cinco minutos para hacer las tomas. Hacíamos una, lo mirába-

mos durante un segundo, nos volvíamos corriendo, hacíamos otra... (ríe).

—Vuestro EP contenía una versión del Night Call de Kavinsky. ¿Fue mucha responsabilidad enfrentarse a eso?

(Igor) Fíjate que decidimos hacer esa versión en una toma, rollo que por la tarde ya estaba hecha. No fue muy premeditado. Ni siquiera muy ensayado. Y salió y se quedó ahí, no tocamos mucho más.

(Soleil) Es que es una canción muy guay.

—Los temas de vuestro álbum eran bastante distintos entre sí. Pero si tuvieseis que elegir un rasgo común para todos ellos, ¿cuál sería?

(Igor) Yo diría que la onda, la energía que hay en la voz de Soleil, es lo que los une. Sí que es verdad que intentamos variar un poco, pero eso lo tienen en común, y que todas se basan en el estribillo, todas son pop.

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RRLa edición número doce del Monkey Week SON Estrella Galicia ha lanzado ya la lista de los artistas que ofrecerán conciertos presenciales en el festival durante los días 17 a 22 de noviembre. Los protagonistas serán, entre otros Mourn, Maria Rodés, Lorena Álvarez, Zulu Zulu... Las actuaciones forman parte de la colaboración del festival con el ciclo AIEnRUTa-Artistas.

acabado dando la segunda posición a Brothers In Arms de Dire Straits; la tercera al primer álbum de The Stone Roses; la cuarta a Thriller de Michael Jackson y, cerrando los cinco primeros puestos, Appetite For Destruction de Guns N’ Roses.

RRBillie Joe Armstrong, líder de la banda de punk pop Green Day, publicará el 27 de noviembre su disco No Fun Mondays, que recogerá las versiones que ha ido lanzando durante la cuarentena. Incluirá sus covers de artistas como John Lennon, Billy Bragg o Fountains Of Wayne. —MS

RRLa BBC 2 ha vuelto a poner en marcha una votación entre sus oyentes para determinar cuál fue el mejor disco de los ochenta.

El motivo es el National Album Day. Y el primer puesto se lo ha llevado The Joshua Tree de U2. La lista ha sido confeccionada con las votaciones de los oyentes, quienes han

hay que lidiar con ello". Cuando le digo si se podría definir Generations como synth pop me dice que "desde luego es bastante acertado. Es bajo con sintetizador y batería en directo. Es un disco de rock & roll pero que también mira en otras direcciones, algunas son como Randy Newman y otras son como Depeche Mode, pero creo que el bajo sintetizado es como el río que atraviesa todo el disco, es como el trasfondo". Algo que se entiende escuchando alguna de las influencias directas de este disco, como Eurythmics.

SOBRE EL FUTURO se muestra esperanzado con un posible cambio en la Casa Blanca, aunque se muestra realista ante el futuro del negocio musical tras la crisis del Coronavirus. "No quiero ser pesimista pero van a ser seis meses de caos y destrucción, así que imagínate lo que va a pasar después de todo esto...".

Eso sí, mantiene las ganas de hacer cosas, ya sea a nivel local en su comunidad, como a nivel artístico. En breve mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

espera poder pasar a disco las canciones que ha preparado para la obra Stereophonic de David Adjmi en Broadway, que está previsto que se estrene a principios de 2021, "Adjmi es un genio, es un verdadero dramaturgo, fue una experiencia similar a escribir la banda sonora de Her para Spike Jonze". Le menciono el reciente décimo aniversario de The Suburbs y Butler me dice que cree que "ha envejecido muy bien" pero cuando le cuestionó por si cree que es el mejor de la banda me responde que "todos los discos son como mis hijos y no tengo perspectiva para valorarlos".

Por último le intento sonsacar por el próximo trabajo de Arcade Fire pero, como casi todo en 2020, no parece tener un futuro muy claro. "Viendo lo loco que está siendo todo este año es difícil saberlo". —SERGIO ARIZA

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Johnny B. Zero Metonimias FOTO: ARCHIVO

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E LEÍDO que os conocisteis en un pub londinense, hablando en inglés sin saber que erais españoles. Salió el tema de que Igor estaba buscando una vocalista “que no fuese muy gritona” y ya empezasteis a trabajar. Me llamó la atención eso, porque es verdad que muchas veces se entiende “una buena voz” solo como gritona, y lo sutil está más infravalorado.

(Soleil) Nosotros buscamos más la canción antes que una voz que te desoriente de la canción.

(Igor) Es justo eso. No buscamos la gran voz, sino lo que transmite. Intentamos que la voz parezca casi que te está hablando, creemos que eso transmite más, como si estuviese enfrente de ti diciéndote de algo. Si alguien está a un metro de ti no se va a poner a gritarte a la cara (ríe) —¿Cómo veis, ya con perspectiva, vuestro mayor éxito, Spinning Over You? (Soleil) Muy bien, con cariño. Nos ha traído muchas alegrías.

(Igor) Nos ha abierto muchas puertas.

El cuarteto valenciano Johnny B. Zero publica Metonymy Of Sound (Autoeditado, 20), un nuevo larga duración en el que la banda amplía sutilmente las fronteras de su música.

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ABÉIS IDO estrenando canciones desde hace meses. ¿Se os ha hecho muy largo el camino hasta ver publicado Metonymy Of Sound?

En cierta medida sí. Decidimos estrenar canciones del disco a lo largo del invierno pasado pensando en nuevas formas de convivir con la lógica actual donde los singles tienen mucho peso. Ha servido para mostrar que había un cimiento sólido sobre el cual se ha montado el disco. Además veníamos de hacer un par de conciertos a la semana, llevábamos un ritmo bastante serio girando por España, y todo se ha parado con el confinamiento.

Pasábamos muchas horas juntos y de pronto no podíamos ni vernos. Antes ensayábamos y viajábamos y de pronto sacábamos un tema para que la gente lo escuchara exclusivamente online. Quizá eso lo ha hecho más largo todavía.

—Cualquiera diría que Johnny B. Zero parecéis destinados a ser unos corredores de fondo, es decir una banda que, en lugar de estar bajo los focos, está desarrollando su carrera paso a paso.

Los atajos más efectivos que hemos visto estos años tienen mucho que ver con la persecución de las tendencias y la supresión del criterio y del talento propios, así que nuestra sensación siempre ha sido que no ir paso a paso ponía en peligro hacer música relevante y de calidad, música verdaderamente independiente y honesta con nuestras ideas artísticas y políticas. Afortunadamente los fans que se consiguen así son eternos y bastante hardcore.

—Da la impresión de que la música negra y el funk tiene cada vez mayor peso en vuestra música, aunque en realidad el sonido sea rock.

El funk, el soul o el blues siempre han estado de manera prominente en el ADN de nuestra música. Estamos bajo la influencia del groove incluso cuando hacemos pop. Una de las canciones más soul que tenemos es “Gold”, tema que cierra nuestro primer disco. —MARCOS ARENAS

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octubre 2020 #27

La Re al #28 octubre 2020

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a Pegatina etorno l principio

espués de un disco mucho más expansivo como fue el anterior Ahora o nunca, con este trabajo volvéis de nuevo a la esencia de La Pegatina, a vuestro sonido

En una época tan convulsa como esta, La Pegatina es un valor tan sólido como seguro. Y máxime cuando su séptimo trabajo, titulado Darle la vuelta (Warner, 20), es todo un regreso al redil de su sonido más clásico. Diez canciones directas y efectivas que buscan y encuentran la esencia de su sonido. Ese que nunca falla encima de un escenario.

—TEXTO Don Disturbios

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más clásico. ¿Por qué?

(Adrià) Creo que, en realidad, con el que nos fuimos fue con el disco anterior y de hecho ya lo explicábamos entonces. Después de dos discos producidos por Marc Parrot pensamos que era el momento de probar cosas nuevas.

Además, nos estaba empezando a ir muy bien en Latinoamérica y dijimos: “¡vamos a probar con un productor argentino que tiene además unos cuantos Grammys por su trabajo con Calle 13!”. Por eso fue un disco hecho de otra manera. Porque en lugar de tenerlo todo muy preparado e ir al estudio para plasmar lo que ya sabías que ibas a hacer, fue todo lo contrario. Fue más: “Traed los instrumentos y vamos a jugar aquí en el estudio a ver qué sale”. Por eso fue un disco en el que nosotros le llevamos al productor las canciones en clave de rumba y ska, que es lo que sabemos hacer, y luego resulta que no hay ninguna rumba ni ningún ska en ese disco porque, jugando, se fueron convirtiendo en otras cosas. En este no ha sido así. En este las canciones estaban muy ensayadas y ya se habían maquetado previamente todas dos o tres veces. Por eso este está mucho más pensado y hemos conservado la idea inicial. Así, si un tema era una rumba es porque tenía que ser rumba. Por eso eso volvemos a los orígenes, porque la forma de componer ha sido la de siempre.

—¿Eso significa que no estabais del todo satisfechos con lo que hizo Rafa Arcaute en la producción de vuestro disco anterior?

(Rubén) Yo creo que el objetivo es diferente porque, como te ha comentado Adríà, en aquel momento veníamos de un subidón latinoamericano muy grande, porque habíamos estado mucho tiempo ahí y queríamos plasmarlo.

Pero en este disco volvemos a los inicios también porque, aunque el disco no se haya compuesto en confinamiento, el confinamiento sí ha hecho que cada uno de nosotros haya tenido más tiempo para pensar sus partes.

Adri nos mandaba los temas con guitarra y voz y el resto íbamos enviando pistas a Tato (Latorre) (productor de este trabajo, ndr)y él lo iba construyendo. Ese punto de tener tiempo para ir haciendo cada uno sus partes, ha hecho que el disco tenga mucho de nosotros, pero a la vez Tato ha logrado que, con esas individualidades, se cree el sonido del grupo con el toque final de Tato Latorre.

(Adrià) Con Rafa Arcaute se cumplió el objetivo que nos fijamos entonces, pero de repente vuelves a querer hacerlo otra vez tuyo.

—¿De verdad se cumplió del todo el objetivo? ¿No era en cierta medida más ambicioso? Lo digo en parte por eso del Ahora o nunca.

(Adrià) A ver, uno siempre pone las expectativas muy arriba y... ¿Hubiéramos querido más? ¡Pues claro! ¡Pues como todo el mundo! (risas).

Pero bueno es lo que hay y muy contentos con eso. Sin embargo es verdad que ahora el referente es que nos volvemos a sentir de nuevo en casa. Nos tomamos este disco como un: “A ver, esto es lo que nos gusta, esto es lo que sabemos hacer y es lo que nos sale de forma más natural”.

—Es curioso porque las colaboraciones del

disco anterior también eran todas de relumbrón: Amaral, Rozalén, Macaco, Caligaris... Y en este, en cambio, os habéis ido al lado contrario. A hacerlas con artistas más emergentes o no tan conocidos.

(Rubén) Bueno, pero es que una de las cosas que tiene La Pegatina es que la gente que colabora con nosotros en el disco es porque en los dos años previos han pasado cosas con ellos de una manera u otra. En el anterior disco con Rozalén nos había quedado pendiente el haber colaborado en el anterior disco; con Macaco llevábamos tiempo haciendo cosas; a Eva Amaral la habíamos conocido el año anterior en Barcelona y luego coincidimos en varios conciertos y con Caligaris hemos hecho grandes giras por Latinoamérica con ellos y por eso fue algo muy natural, pero como dices tú, coincidió que eran todos artistas con mucho renombre.

(Adrià) Pero fíjate que algo que hemos hecho siempre en todos nuestros discos, es trabajar con artistas que a nosotros nos gustaban mucho y queríamos que la gente los conociera y ahora también hemos vuelto a eso con por ejemplo Travis Birds o Delaporte. Y, sobre todo, lo que nos parecía es que podían aportar cosas y por eso están ahí.

—¿Es necesario que siempre haya colaboraciones en un disco de La Pegatina? ¿No os imagináis un disco vuestro sin colaboraciones?

(Rubén) Yo creo que es necesario, pero porque plasma lo que somos en ruta. Porque no solo tocamos en conciertos nuestros.

Tocamos en festivales, fiestas mayores, todo tipo de eventos en los que puede aparecer gente con los que coincides en camerinos o los descubres tocando y la colaboración es una forma de plasmar esos encuentros.

Piensa que pasamos muchas horas fuera de nuestras casas y estamos escuchando continuamente mucha música que, muchas veces, te influencia y a la vez admiras. Yo que sé... A Travis Birds llevábamos años escuchándola y después en un concierto de Tu Otra Bonita la conocimos personalmente. Y al final, no sé, es un cúmulo de cosas, pero también nos mola hacer colaboraciones porque cuando después presentamos esos temas en directo, mola que de repente vengan colegas a pasárselo bien contigo sobre el escenario (Adrià) Bueno y hay un punto estilístico también. Es decir, igual eres un ilustrador que usas el amarillo, el rojo y el verde y siempre utilizas esos colores y mola un motón lo que haces, pero siempre haces tus dibujos con esos colores. Y alguien te dice “¿quieres probar con el morado?”. De repente te das cuenta que el morado le aporta algo nuevo a tus dibujos. Y, aunque es lo mismo, es tu esencia, son tus dibujos, hay algo nuevo ahí.

—Esto que comentas pasa sobre todo cuando se produce el contraste entre una voz masculina y una femenina ¿no?. Ese contraste hace que ganen bastante los temas.

(Adrià) Sí. Y luego también tiene que ver con que cada uno tiene su timbre, su forma de tocar y demás, y de repente la forma de interpretar cambia y es otra cosa. Se aportan nuevos colores. Además pasa que yo siento que, con mi timbre, hay cosas que se pierden por el camino, y si puede venir alguien de fuera capaz de hacerlo pues mucho mejor.

—Alcanza partes a las que tú no puedes llegar...

(Adrià) Hace más completa la canción y es otra cosa. octubre 2020 #29

“ “Ese tipo de reivindicación del puño en alto tan obvia... creo que ya no estamos en ese momento”

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—Hablabas de un disco más íntimo y me da la

sensación de que las letras tienen un punto más poético o incluso romántico.

(Adrià) En realidad estas letras son mas sencillas que las del disco anterior. Pero la verdad es que no sé si lo que dices es así en realidad porque como presenté cuarenta temas y se han elegido estos...

—¿Son más sencillas estas letras que las del disco anterior. ¿En qué sentido?

(Adrià) Porque, en cierta medida, son mucho más pop y eso hace que sean más sencillas. Pero sí que es verdad que notamos que cada vez hay más comentarios relativos a que nuestras letras están más curradas.

Pero es mi forma de escribir. No significa que ahora le ponga más esmero o menos, sino que me salen de forma natural. Salen así, no sé. Igual si que me he puesto más poético, pero es fruto de la edad (risas).

—Pues mira... Iba a decir que este es un disco más maduro, pero ese es un término que a los músicos no os suele gustar demasiado.

(Adrià) ¡Hombre! Pues hay gente a la que sí le debe gustar. Yo sí que siento que la mezcla de experiencia, frescura y una orientación comercial entre comillas está muy equilibrada en este disco. En cuanto a la letras, pues hay un poco de todo. Sí que es verdad que el tema que hemos hecho junto a El Kanka (Te veré cuando yo quiera, ndr) es una letra más poética, pero luego tienes un tema como Soltar a la fiera que es más como Lloverá y yo veré. Así que hay letras muy diferentes y no hay una temática común.

—De momento la acogida de los singles que han salido está siendo muy buena, ¿no?

(Adrià) Pues sí, estamos a dos semanas de que salga

#30 octubre 2020

el disco y ya hay dos temas que han llegado al millón de reproducciones, así que la sensación de que hemos hecho un trabajo “guay” está siendo correspondida y la verdad es que mola. Al menos sabemos que cuando volvamos a los escenarios habrá un montón de gente que estará esperando estas canciones.

—¿Y no pensáis que el hecho de que todas las bandas lancen tres o cuatro singles antes de que salga el disco está sobre saturando mucho la capacidad de acogida, no solo de la gente, sino también de los medios, porque todo el mundo está haciendo lo mismo?

(Rubén) Sí, pero es una cuestión de Spotify (Adrià) ¡Claro! Si quieres entrar en sus listas de novedades, cuantos más singles saques antes de editar el disco mejor.

—¿El que está marcando la pauta de los singles que hay que sacar previos a un disco es Spotify?

(Rubén) ¡Claro! Porque en el momento en el que sacas un disco este deja de ser novedad. Entonces, si no has sacado temas previos, no te habrán entrado en la lista de novedades —Entonces ¿Spotify está marcando más la pauta que los vídeos de YouTube?

(Rubén) Sí, a nosotros no está funcionando más de esta forma.

(Adrià) Imagino que también tiene que ver con el tipo de música. Por ejemplo ahí tienes a todos los reguetoneros que van de tema en tema y han visto que así les funcionaba. Y nosotros, por ejemplo, el que un disco ya no sea de quince canciones y que sea solo de diez es porque, si lo haces de más temas, habrá cinco o seis canciones que se van a perder por el camino. La

gente se queda con las cuatro o cinco que le molan y ya está. LUna canción que sale en un disco sin ser single, la discográfica la considera perdida. Ese es el tema.

—¡Hombre! A mí que los discos sean de diez o doce canciones ya me parece bien porque habíamos caído en el exceso de meter dieciséis o dieciocho canciones...

(Adrià) Es que la gente se aburre muy rápido y por eso también las canciones son de una duración de 2'40'' o 2'45''. Si te fijas todas la s canciones de reguetón no durán más que eso, aunque tampoco tienen mucho más que decir (risas). Y así, si son cortitas, también contará como que el tema lo has escuchado entero... Es como antes que la promoción de un disco duraba dos años y ahora dura una semana.

(Rubén) Estamos en la era de la inmediatez y es una putada porque si en los primeros cinco o diez segundos una canción no engancha la gente ya pasa.

(Adrià) ¡Justo! Es eso: Hay que hacerlo corto y efectivo.

—Y a la hora de componer ¿tiene en cuenta uno todas estas premisas?

(Adrià) Bueno, sabes que con dos estrofas ya lo tienes todo hecho ¿sabes?

(Rubén) A ver, creo que a la hora de componer no tanto, no tienes esa presión, pero a la hora de producir el tema sí.

(Adrià) En ese sentido el productor cada vez tiene más poder.

(Rubén) ¡Exacto! A la hora de componer tú haces el tema, pero luego a la hora de producirlo sí que la canción va a ir mucho más condicionada. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EN PORTADA

(Adrià) Lo importante ahora es el estribillo y es lo que más condiciona. Por eso ahora todo el mundo va a hacer primero el estribillo, que es lo que va a enganchar, y luego ya veremos. Eso se nota mucho en las canciones de estilo más urbanas.

—¿Vosotros también trabajáis así?

(Adrià) Sí. Es que puede ser que te salga una estrofa que esté “guay” y de repente te digas a ti mismo ¿y ahora qué hago? Pues la guardas y luego, si te sale un estribillo, miras a ver si te cuadra con la estrofa de antes. Por ejemplo, Dejarse la piel está hecha a partir de dos canciones distintas.

—¿Y si tuvieras que definir el disco por una temática en concreto?

(Adrià) No, no la hay.

—Pero en el pasado habéis tenido discos que sí podían definirse por una temática ¿no?

(Adria) Sí, ha habido discos más reivindicativos, pero en general se expresan muchas cosas.

—Pues mira, ese es otro tema por el que os quería preguntar y es que en este disco no aparece para nada esa faceta más reivindicativa.

(Adrià) Yo creo que eso ya se acabó. Que ese tipo de reivindicación del puño en alto tan obvia que es lo que hacen las bandas de punk o rock, y que nosotros también hemos hecho, pues creo que ya no estamos en ese momento. Además creo que es algo más indicado para la gente que empieza o para los que les mola mucho hacer eso. Pero es que ahora las reivindicaciones son otras.Son más del tipo “sé consciente, se inclusivo, trata a la gente bien, el feminismo y los géneros, volver a los orígenes de la alimentación, estar bien contigo mismo, la autoestima”. Esos son los mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

temas que reivindicar ahora.

—¿Creéis que hay un hartazgo de los temas más de

corte político?

(Adrià) Es que al final ¿qué vas a hacer?¿La misma letra una y otra vez para diferentes canciones? Es un poco lo que dijeron Oques Grasses con su anterior disco que dijeron algo así como que ya habían hecho la canción reivindicativa con la que se habían quedado a gusto y ya se habían cagado en todo y ahora ya tenían otras cosas de las que hablar.

—¿Vosotros ya habéis hecho esa canción en la que ya os habéis cagado en todo?

(Adrià) Hay bastantes, bastantes. Por ejemplo Una mirada, que hicimos con Ska-P ya se caga en todo. Y entonces es eso, no vamos a volver a hacer de nuevo la misma canción.

—Ya habéis cubierto el cupo (Adrià) Ya está. Eso ya está hecho y hasta que no vuelva a venir otro momento en el que diga: “¡Buah! Necesito decir esto”, pues entonces se dirá. Pero ahora hay otras cosas que decir que nos llaman más la atención de la época en la que estamos.

—Pues mira, os voy a pedir que elijáis vuestro tema preferido del disco a nivel personal y me digáis el porqué.

(Adrià) A mí me gusta mucho Siempre te pedí. Fue una de las últimas que entró en el disco, pero me gusta porque en realidad es muy actual. Es una ruptura, pero pensada de forma diferente. Pensada en la actualidad. Antes todas las rupturas eran súper dramáticas porque en el fondo nos gusta el dramatismo y esta en cambio es: “Bueno, hagamos las cosas bien y ya está?”. Que es un poco como piensan los jóvenes

ahora. En el fondo es un cambio de paradigma que estoy viendo en la sociedad. Además el tema es un poco country y me flipa y pienso que la va a petar y además es muy diferente al resto de temas porque no se ha creado en rumba.

(Rubén) Pues yo elegiría Te veré cuando yo quiera, pero sobre todo por el amor a primera vista de la maqueta. De todos los temas que presentó Adrià este fue el que más me enamoró y tuve ese flechazo como con Amantes de lo ajeno en el disco Eureka y encima está El Kanka, que me mola mucho lo que ha aportado.

—Para finalizar os voy a pedir que me digáis de qué os habéis nutrido en cuanto a influencias en estos últimos meses.

(Adrià) A mí la música que escucho ahora lo que más me ha afectado es a la forma de componer. Porque me he puesto a componer mucho y antes siempre componía con la guitarra y ahora en cambio siempre empiezo por la base. Y eso me ha cambiado la forma de componer. Y luego hay otra cosa, que hemos hecho mucho en este disco, y es que la estrofa uno y la estrofa dos no son iguales de métrica. Eso es algo que en el trap y en el reguetón se hace mucho porque así cada estrofa es diferente de la otra y eso crea un dinamismo distinto y la canción ya no te la esperas y así va cogiendo otra dinámica. Y eso, excepto en dos canciones del disco, también es así. La primera estrofa y la segunda tiene otra métrica. —D.D.

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octubre 2020 #31

CONOCE A

ROY BORLAND

ESCUCHA ESPESSO DISPONIBLE EN TODAS LAS PLATAFORMAS

33/Mondo VINILOS

Nueva Vulcano

BLACKPINK

The Album YG Entertainment/Interscope

Ensayo (B-Core/La Castanya

8

Fleet Foxes celebran la vida Fleet Foxes Shore ANTI/[PIAS]

9

FOLK / Robin Pecknold se dio cuenta, parafra-

seando a Bill Shankly, de que la música no es una cuestión de vida o muerte: es algo mucho más importante que eso. El mundo se detenía, las calles se vaciaban, la música callaba mientras las sirenas de las ambulancias bramaban y las UCIs se desbordaban, y el de Seattle pensó que quizá no era tan trágico que, llegado el mes de abril, tuviera ya completas quince canciones para las que no daba con una mísera letra. Entonces se cercioró de dos cosas: en primer lugar, de que su rol de músico célebre, eso de ganarse más que dignamente la vida con ello, no debía ser (en ningún momento) una fuente de ansiedad ni autoexamen permanente.

Era, más bien, una bendición. Y en segundo lugar, que la belleza podía perfectamente residir en las pequeñas cosas. Fue así como se olvidó, quizá también por el clásico efecto acción–reacción, de la complejidad de Crack-Up (17), y le dio por enhebrar una colección de canciones que, en sus propias palabras, “celebran la vida en la cara de la muerte, como un alivio, como tus pies tocando la arena de la playa tras el

descenso de la marea”. El equinoccio de otoño de tan nefasto 2020 hizo el resto, cerrando el círculo –el álbum se empezó a gestar justo un año antes– y completando el sortilegio: la vuelta de Fleet Foxes a su mejor estado de forma.

Lo más brillante que han hecho en muchísimo tiempo. Desde el “Summer all over” con el que anuncian la inaugural Wading In Waist–High Water, apuntalada por la preciosa voz de Uwade Akher, jovencísima estudiante de la Universidad de Oxford, hasta las notas de piano con las que la delicadísima Shore despide casi una hora que en ningún momento se hace larga.

Están aquí de nuevo todas las cualidades que hicieron de ellos una de las bandas de referencia del rock norteamericano durante la última década: las armonías vocales prístinas, de una pureza que no se adquiere en los mercadillos de tendencias, los coros delicados, la querencia por un folk rock pastoral que va diseminando regueros de una espiritualidad serena, difícilmente impostada. Y están todas mejor enfocadas de lo que nadie hubiera podido esperar: escuchen el fogonazo pop de Young Man’s Game, la forma en la que bordan filigranas como Featherweight, el cegador brillo áureo de Quiet Air/Gioa o el bálsamo puro que es Going-To-TheSun Road, o la forma en la que Cradling Mother, Cradling Woman progresa hasta convertirse en su particular minisinfonía adolescente para acabar emulando al mejor Sufjan Stevens.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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ROCK / Algo más clásico en

su acercamiento al rock de guitarras, con unas letras con un poso social más acentuado, Ensayo no deja de ser un disco de Nueva Vulcano, con todo lo bueno que ello conlleva. Son doce temas moldeados a partir de su fórmula de siempre: indie rock con reminiscencias posthardcore de riffs angulosos y un extraño sexto sentido para dar con melodías nada evidentes pero cautivadoras y memorables.

Algo así como una cruce entre Jawbox y Los Planetas. Y justamente eso es lo que es Ensayo, con la diferencia de que esta vez todo está mucho más elaborado.

Esto sumado al hecho que este es el disco en el que Marc Clos, teclista y cuarto miembro entre la oficialidad y la sombra, tiene una mayor protagonismo, se traduce en su obra más detallista y arreglada. —ORIOL RODRÍGUEZ

K-POP / El nuevo disco de BLACKPINK está diseñado para ser escuchado en directo dentro de un estadio gigante lleno de luces y con un sistema de sonido envolvente de tecnología punta. Y eso no sería un problema si no fuera porque ahora mismo más de la mitad del planeta no puede apenas salir de su barrio debido a una pandemia. Nos encontramos ante ocho canciones nuevas en las que el inglés se posiciona frente al coreano y donde vemos colaboraciones que pretenden situarlos dentro del pop (sin “K” delante), como las de Selena Gómez o Cardi B. The Album es un disco conciso que tiene varias misiones: romper con todos los récords de YouTube, petar TikTok con coreografías fáciles de aprender y llegar a lo más alto de las listas de éxitos con una producción adictiva que se pega como un chicle. —ÁLVARO TEJADA

7

Nathy Peluso

Coil

Calambre Sony Music

7

POP / O la amas o no la so-

portas. La culpa la tienen versos como “yo sé cómo hablarle a mi bitch, yo sé cómo cortar mi hachís, si te cuento, viene la police, si me agacho siente tú mi clítoris”. Con esta mala baba regresa Nathy Peluso, un paso por delante de Esmeralda (17) y La sandunguera (18), dispuesta a plantarle cara al Fondo Monetario Internacional con lenguaje de la calle. Calambre viene cargado de bases de hip hop de estilo noventero y de principios de siglo, un claro ejemplo puede ser Business Woman o también Delito, aunque con autotune. En él hay mucha variedad de géneros, desde el soul de Buenos Aires y Llámame, al trap salvaje de Sana sana o al más sosegado de la balada Trío, pasando por el R&B con sonoridades latinas de Sugga, o el salseo tradicional de Puro veneno. —JESÚS GARCÍA SERRANO

Musick To Play in The Dark. vol 1 Dais Records

9

ELECTRÓNICA / Musick

To Play In The Dark es uno de esos discos mágicos por derecho propio. Coil siempre se caracterizaron por su constante fluctuación de géneros dentro del campo de la experimentación musical, coqueteando intensamente en sus inicios con el post-industrial para pasar a desarrollar un estilo muy personal en el que se entremezclan de forma sorprendente el glitch, la abstracción musical y el minimalismo. Esta primera entrega de Musick To Play In The Dark es un perfecto ejemplo de ello. El cuarteto en aquel momento formado por Balance, Christopherson, Thigpaulsandra y Drew McDowall consiguió delinear un disco único e intimista que dejó y sigue dejando con la boca abierta a todos los entusiastas del género experimental.

—FERNANDO O. PAÍNO

octubre 2020 #33

MONDOVINILOS

Bob Mould Blue Hearts Merge/ Popstock!

Future Islands mantienen la llama 8

Future Islands As Long As You Are 4AD/Popstock!

8 POP / Algo tiene la ciudad de Baltimore (Ma-

ryland, Estados Unidos) que hace que los sintetizadores suenen mejor que en ningún otro sitio. De allí han salido Beach House y Future Islands, dos de los grupos más influyentes dentro del synth pop actual que se han conseguido desmarcar del resto gracias a una fórmula infalible: la de crear atmósferas a través del sonido. Pero si algo diferencia aún más a los segundos es la característica voz grave de Samuel T. Herring, que bien podría encajar en un grupo de rock alternativo como The National. Es precisamente esa mezcla entre una producción popera pero con alma de rockstar la que hace que As Long As You Are, el sexto álbum de Future Islands, llegue a nosotros con la misma ilusión con la que recibimos su debut, allá por 2008. Con Singles (2014), Future Islands saltaron a la fama más mediática; pero con As Long As You Are, el grupo se con-

solida y encuentra su madurez artística. No es fácil mantener la llama encendida durante doce años, y mucho menos teniendo en cuenta el punto en el que se encuentra la industria musical actual a nivel de géneros cambiantes y modas pasajeras. Glada abre este nuevo disco de la mejor manera posible, recordándonos esa vieja melancolía que siempre les ha caracterizado y que, de alguna manera, nos somete a un estado de trance, al igual que I Knew You. Más bailables y con un gran potencial

de ser coreadas son For Sure y Born In A War, cuyo bajo recuerda a Tame Impala. El álbum va atravesando diferentes bosques (la tranquila City’s Face, la enérgica Waking, la rockera Plastic Beach…) hasta llegar al tramo final, en mi opinión, sublime. Moonlight, Thrill y Hit The Cost ponen el lazo de un disco orgánico y trabajado a fuego lento que nos trae de vuelta a unos Future Islands que, a pesar de a veces pecar por no arriesgar, se niegan a poner el piloto automático. —ÁLVARO TEJADA

ROCK / A Mould se le ha pa-

sado la fase de calma. O eso es lo que parece tras comparar las canciones de este Blue Hearts con su anterior Sunshine Rock. Aquí recuperamos al artista combativo y agresivo. Ese que esconde su voz detrás de un muro de guitarras, cosa que hace que no sea fácil entender sus siempre interesantes letras, aunque eso es marca de fábrica. Unos textos que tiene evidentemente una diana evidente en Donald Trump y la Casa Blanca, pero que tampoco olvidan a homófobos, religiosos radicales y conservadores de cualquier calaña. Y es que, para asestar sopapos, el amigo Mould siempre ha sido de los mejores. Como también lo ha sido para combinar atronadoras guitarras eléctricas con melodías que funcionarían a la perfección en cualquier banda de power pop al uso o incluso con una guitarra acústica. De hecho, el álbum empieza en esos parámetros. Por ello, denle una oportunidad y van a encontrarse con un disco excelente y de rabiosa actualidad.

—EDUARDO IZQUIERDO Travis

Elizabeth Cook

10 Songs BMG

7

POP / Podría parecer que la

música sanadora de Travis siempre haya estado ahí, tras más de dos décadas sin cesar en su empeño. Una misión que tiene como indisimulado objetivo la generación de bellas canciones, que los escoceses concretan en instantes entrañables de cuatro minutos de duración. Toda una vida manteniendo ese nivel que en raras ocasiones ha puntuado por debajo del notable, y que ahora confirma la enésima muestra de sensibilidad y buen gusto de Fran Healy y compañía. El presente 10 Songs recupera la mejor versión del combo y, sin presentar novedades con respecto a su decálogo habitual, el cuarteto entrega otra bonita colección de temas. Éste es, sencillamente, otro álbum de Travis, sin sorpresas, dobleces ni probaturas arriesgadas, pero cargado de dianas y singles potenciales. En estos tiempos de incertidumbre y zozobra emocional, su obra resulta más necesaria que nunca gracias a esa cálida (y ya familiar) sensación que deja su obra. —RAÚL JULIÁN #34 octubre 2020

Aftermath Essential Music

ROCK AMERICANO / Digamos de entrada que, pese a llevar siete largos cobre sus espaldas y ser la artista country preferida de grandes damas del género como Tanya Tucker y Carlene Carter, Elizabeth Cook no es muy conocida en estos lares, más allá de los pocos aficionados al country de corte más tradicional, el mismo que surge del corazón de Nashville. Sin embargo, eso es algo que puede y debe cambiar con este excelente trabajo, titulado al igual que el disco de The Rolling Stones de 1966. Y afirmo que es casi una obligación conocerla, porque Elizabeth Cook se ha alejado del country dulzón, pizpireto y clásico de discos como Balls (07), para lanzarse de cabeza a realizar un esplendoroso disco de Rock Americano con los trabajos del Tom Petty más ochentero entre ceja y ceja. Para lograr su objetivo contactó con Butch Walker, conocido por su trabajo con Green Day y Fall Out Boy, y cabe afirmar que Aftermanth lo consigue gracias a las grandes canciones que atesora. —DON DISTURBIOS

8

EXPERIMENTAL / Vendido

como una especie de tributo a un bluesman imaginario de Louisiana conocido como Alvin “Dyin” Dog, The Residents vuelven a ser, al menos para mí, tan desconcertantes como siempre.

Nunca he acabado de entender a la banda, a pesar de siempre darle unas escuchas a sus trabajos, pero discos como este me lo ponen poco fácil, la verdad. Aunque es de valorar que ellos sigan su camino ajenos a todo lo que les rodea y, sobre todo, a modas pasajeras. Aquí se supone que reúnen piezas perdidas del citado bluesman –insisto, inventado– a las que dan su propia interpretación en un disco doble ciertamente innecesario. Ya saben: Este es uno de esos dobles que siendo sencillo hubiera quedado la mar de resultón. Suenan bien, a ratos, pero tanta distorsión y “chatarra” a lo Tom Waits acaba cansando. Que sí, que el disco es conceptual y todo ese rollo, pero de calado poco. Al menos para el que les escribe.

Seguiremos intentándolo.

—EDUARDO IZQUIERDO

Candid Secretly Canadian/ Popstock!

Atlas Vending Sub Pop/ Popstock!

Metal, Meat & Bone Cherry Red

5

Whitney

Metz

The Residents

PUNK / En su cuarto disco, por mucho que exploren temas como el de la paternidad o la mortalidad, los canadienses vuelven a echar mano de su patentado muro de sonido. Aunque se permitan darse ciertos respiros melódicos, Atlas Vending devuelve a los de Toronto a las obsesiones sonoras que exploran desde su irrupción. El bombo obsesivo de Pulse ejercen de introducción de un trabajo en el que volvemos a oír ecos de los Nirvana más asilvestrados, pero también de héroes del post-punk anguloso y experimental como This Heat y del brutalismo industrial: estribillos densos como la pez (Blind Youth Industrial Park), ritmos a degüello con guitarras desquiciadas (The Mirror, Sugar Pill, Parasite).

En semejante contexto asfixiante, destacan los remansos “pop” (No Ceiling, Draw Us In) entre los nubarrones eléctricos (Heil Taxi) y la oscuridad casi gótica de Framed By The Comet Tail. Todo, para culminar en los fascinantes minutos alucinados de A Boat To Drown In. —JC PEÑA

7

7

POP / Whitney lanzan un

bonito disco de versiones en el que pasan por su tamiz temas de diez artistas variopintos.

Precisamente lo reconocible de su sonido resulta determinante a la hora de agrupar y dar sentido conjunto a una serie de relecturas que, de este modo, terminan pareciendo adquiridas en propiedad por el grupo norteamericano. El combo asume las peculiaridades de las elegidas para tornarlas hacia terrenos oportunos, sin perderles el respeto pero sometiéndolas sincera y cariñosamente en base a preferencias personales.

Una selección de nombres y estilos sin prejuicios, colonizados todos ellos con calidez y buen gusto a lo largo de de media hora de misticismo elegante, buenas vibraciones y ese poso melancólico tan habitual en el combo.

Un argumento que otorga valor añadido al producto en cuestión y señala a Whitney como uno de esos grupos exquisitos en todas sus facetas, a las que ahora cabe añadir la apropiación de cancionero ajeno. —RAÚL JULIÁN

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The Land That Time Forgot Yep Roc/ Popstock!

Róisín Machine Loaded/BMG

8

DISCO / Explosivo y podero-

so es el regreso de Róisín Murphy con su quinto álbum de estudio. Una colección de diez temas destinados a la pista de baile que reivindican la figura de una mujer auténtica, independiente y segura. Un viaje sonoro por una lección de autoconocimiento por parte de la estrella irlandesa, sus fantasías y libertad como creadora. Con DJ Parrot en la producción, presenta un mundo de plástico, superficial (Narcissus) y cargado de brillo donde salir a bailar es casi tan importante como poder respirar (Selfish Mademoiselle). Temas ‘buenrollistas’ y a la vez reflexivos que convierten a Murphy en la diva absoluta de 2020. El momento más brillante llega con ese himno que es Incapable, un corte funky adictivo, hipnótico, que crece entre unos sintes indomables y una marcada percusión.

En resumen, una propuesta discohouse cuidada y de calidad que no recibirá el reconocimiento que se merece por no ser la más popular de la clase. —ÁLEX JEREZ

ROCK / No ha tirado Chuck Prophet por lo fácil en su nuevo disco, que bajo el título de The Land That Time Forgot, frase extraída del tema High As Johnny Thunders da un giro de tuerca más a la producción del californiano. Con la producción de Kenny Siegal (Langhorne Slim, The New Pornographers) se ha optado por lo orgánico, convirtiendo en la base de todo la clásica formación rock, es decir, dos guitarras, bajo y batería. Y no es solo que los temas elegidos se prestaran a ello como un guante a una mano, sino que Chuck ha querido conscientemente oscurecer su propuesta para adornar temas que hablan de mitos y leyendas de la América más mundana. Desde Johnny Thunders a Abraham Lincoln, Willie Wonka, Metallica, Richard Nixon o John The Baptist. Todo ello hace que el trabajo no sea de impacto inmediato, sino que requiera de cierto reposo para empezar a encontrarle el gustillo a la cosa, y acabar rendido ante una obra de largo recorrido. —EDUARDO IZQUIERDO

8

Israel Fernández & Diego del Morao

Grant Lee Phillips

Lightning, Show Us Your Stuff Yep Roc/ Popstock!

7

AMERICANA / En Lightning,

Show Us Your Stuff todo está tan perfectamente en su sitio que casi asusta, y quizá sea ese el gran pero que se le pueda poner a un disco con canciones tan buenas como Drawing The Head o Mourning Dove. El segundo, probablemente será la falta de ritmo. Pero es que a ver si nos enteramos con qué nos estamos enfrentando. Phillips nunca ha sido la alegría de la huerta, y el medio tiempo y la balada son los géneros que domina como nadie.

Así que sí, abusa de ellos, pero a uno ya le va bien que lo haga, porque lo borda. Y hasta ahí las críticas. El resto solo pueden ser alabanzas para uno de los mejores cantautores que quedan en Estados Unidos. Porque sus canciones más lentas tienen empaque, lustre y clase como pocas. Domina como nadie la balada americana, los tiempos y los ambientes, y es un narrador fino y certero ¿Qué más queremos? Llevar diez discos a cuestas debe haberle servido para saber de qué va esto ¿no? —EDUARDO IZQUIERDO

MONDOVINILOS

Chuck Prophet

Róisín Murphy

Amor Universal

FLAMENCO / En el vibrar de pasiones que no entienden de cadenas, nace (el) Amor y se funde el cante de Israel Fernández con el toque de Diego del Morao, dos jóvenes faros del género, rebosantes de jondura y respeto por la tradición y, a la vez, valientes creadores con sello propio a cada paso. Así, amanecemos en las luminosas Alegrías de Santa Ana, morimos en la soledad del castillo recordando La casa pequeña en la que fuimos felices, con una malagueña a fuego lento que rezuma verdad y llora sentimiento, para rematarnos por soleares y tientos, en los resplandores dolientes de Soleá del cariño y La amada, con la voz de Israel Fernández engañando al tiempo y crujiendo, entre jazmines, flores y desengaños, como la leña en la candela. Cuarto álbum y primero como letrista y compositor de once cantes que, como decía Tía Anica la Piriñaca, “saben a sangre” y palpitan verdadero Amor flamenco. Este joven príncipe gitano tiene mimbres de rey. Tiempo al tiempo. —DAVID PÉREZ

9

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Sufjan Stevens vuelve a la electrónica Sufjan Stevens The Ascension Asthmatic Kitty/ Popstock!

7 POP ELECTRÓNICO / Hace algún tiempo,

Sufjan Stevens decidió mudarse para vivir en el campo. Compró un tractor, se desconectó de Internet y guardó sus guitarras y banjos en un almacén. Para entretenerse, trasteaba con una caja de ritmos y diferentes sintetizadores analógicos de sonido vintage. En todo este tiempo entre un trabajo y otro no ha estado en absoluto parado, pero la sorpresa ha llegado en forma de álbum entregado a la electrónica como ya lo hiciera en The Age Of Adz (10), su primera incursión en los sonidos sintéticos. Ahora, tras una cima creativa eminentemente acústica e íntima como Carrie & Lowell, nos entrega otro disco enteramente dedicado a su zona personal más íntima, pero vestido con un traje muy distinto. Si en aquel indagaba en sus recuerdos de infancia y primera juventud con descarnada sinceridad, aquí

nos habla de su intimidad espiritual, de su visión del mundo y de los terrores que nos acechan desde una perspectiva marcada por una cristiandad acosada por las dudas y el dolor. Nos ofrece así un tapiz denso y poblado de ideas y confesiones. El recorrido por The Ascension está repleto de vericuetos y detalles que irán aflorando con las sucesivas escuchas, y no es un recorrido fácil. Sus ochenta minutos repartidos en un total de quince canciones lo convierten en una obra a la que resulta difícil enfrentarse de un tirón, y la densidad de varios de sus cortes lo hacen un disco que demanda de la entrega del oyente. Si en la primera parte encontramos motivos para no apartar nuestra atención (con la estupenda Video Game como mayor acierto), la parte central del álbum puede dejar exhaustos a aquellos que esperen un trabajo más accesible. Pero la paciencia da sus frutos, porque es al final cuando encontramos las mejores canciones: el trío compuesto por Sugar, The Ascension (la mejor de todo el repertorio y la que más se acerca al espíritu y la desnudez de Carrie & Lowell) y los más de doce minutos de la final America. —UAN P. HOLGUERA

octubre 2020 #35

Jónsi

POP / Es necesario haber seguido la trayectoria de Jónsi, Jón Þór Birgisson, líder también de Sigur Rós, para no sorprenderse en exceso con la escucha virgen del que es su segundo disco en solitario tras Go (10). Esencialmente porque “Shiver” recoge muchas de las filias actuales del islandés afincado en Los Ángeles. Es posible que ello acabe dando una sensación de dispersión al álbum ante los oídos menos entrenados, pero no me cabe la menor duda de que quienes le sigan entenderán porqué a los momentos más calmados del álbum le siguen unos beats que no hacen prisioneros, porque tan pronto echa mano de Elisabeth Frazer (Cocteau Twins) como la emprende con unos bombos y unos glitches asesinos que tienen tanto del productor AG Cook (PC Music) como de Arca en Wildeye.

Porque a unos minutos de ambient celestial le sigue una electrónica etérea y a esta una arrolladora colaboración con Robyn que convierte la pista de baile en una zona de combate. —JOAN S. LUNA

7

Under The Spell Of Joy Suicide Squeeze/ Popstock!

7

This is The Kit

Good Luck With Whatever Spinefarm

FOLK ROCK / Good Luck

With Whatever es un disco correcto muy bien bien trazado.

Un álbum con melodías que enganchan y recogido en su esencia, casi en directo, porque está grabado de forma muy rápida sin trucos ni añadidos, tal y como le gusta a Dave Cobb. Productor que, al haber trabajado con nombres como Chris Stapleton, Sturgill Simpson o Jason Isbell, no necesita presentación. Y todo esto que afirmo es un acierto y juega a favor de las canciones. La única (gran) pega es que el álbum supura Dawes por todos sus poros y te deja con una sensación de que aquí no ha pasado nada que no haya visto con anterioridad, que lo tira todo por tierra. Si a eso le sumamos cierta falta de mordiente, una excesiva dulcificación de las tonadas… pues ¡Qué demonios! Uno echa mucho de menos algo más jodidamente guitarrero, algo como el último trabajo de Will Hoge. Y es que si soy sincero más que de un álbum de folk-rock, estamos ante un disco de soft-rock que de tan soft hace ‘choof’. —DON DISTURBIOS

ROCK / Death Valley Girls

no parecen, a priori, poseedoras de ninguna cualidad especial con la que destacar sobre la competencia. Pero los discos del combo resultan impregnados con cierto magnetismo hipnótico y adictivo, en un mojo que se mantiene en la presente referencia. Under The Spell Of Joy es la obra más ambiciosa del cuarteto, que presenta un compendio de indie-rock con tintes garageros, sixites, industriales, lo-fi, punk, riot grrrl o incluso psicodélicos, despendiendo de lo que la pieza demande y sin renunciar a melodías más pop con las que concretar algunos temas ciertamente pegadizos. La nueva entrega de las californianas vuelve a funcionar de manera solvente, a lo largo de once piezas que incluso pueden llegar a dejar con ganas de más. Un disco con mucho fuzz, pero sobre todo amparado por un favorecedor y marcadísimo aspecto vintage que acoge bajo su manto todas las variaciones del sonido trabajado por el combo norteamericano. —RAÚL JULIÁN

Dawes

6

MONDOVINILOS

Death Valley Girls

Shiver Krunk

Off Off On Rough Trade/ Popstock!

FOLK / La británica Kate Stables fue una de las voces femeninas que sazonaban I Am Easy To Find (19), lo último de The National. El último disco de su proyecto This Is The Kit lo produjo John Parish; el anterior, Aaron Dessner, de The National, y su nombre ha sonado insistentemente en boca de Guy Garvey (Elbow) en las ondas de radio.

Pero toda esta ensalada de nombres de relumbrón apenas debería servir como introducción a una compositora que merece foco propio. En su quinto álbum demuestra que sabe moldear una arcilla repetidamente manoseada que, en sus manos, adquiere textura intransferible: las enseñanzas del folk británico de los sesenta llevadas al presente con arreglos de precisión quirúrgica, prevaleciendo siempre el aroma a destilado orgánico, fluido, rebosante de una extrema sensibilidad y el sabio aprovechamiento de recursos del último Jose González en sus aventuras recientes. A no perder de vista. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

8

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El monolito de Idles Idles

Ultra Mono Partisan/[PIAS]

7 POST-PUNK / En The Lover, décimo corte

de su tercer disco, el cantante Joe Talbot arremete contra aquellos que acusan a su grupo de ser una mera fábrica de eslóganes. Talbot afirma que su diatriba va dirigida también contra él mismo y sus dudas autodestructivas, pero parece que determinados comentarios hechos al albur de su éxito dieron en la diana. El caso es que, lejos de arredrarse ante las críticas, el quinteto de Bristol concentra su esencia en un muro de sonido a la yugular con influencias del hip-hop y el techno, añadiendo estribillos de inmediatez rockera, con letras transparentes en su beligerancia. Se trata del aquí y el ahora, de buscar autoafirmación y positividad bajo las piedras, en este confuso y polarizado mundo post-Brexit, lo que resulta en que algunas de sus composiciones más poderosas se codeen con momentos de indisimulado trazo grueso. El objetivo sonoro de la

banda, convertir su fórmula en un monolito de pegada inmediata, se cumple sobradamente desde la abrasión de War y el brutalismo rítmico de Grounds. Las letras de Talbot oscilan del divertido y peculiar manual de autoayuda de Mr. Motivator y su estribillo macarra, al sarcasmo airado ante la tradicionalista Inglaterra rural (la frenética Model Village), la denuncia del precariado (Carcinogenic) y la destrucción de la clase trabajadora en la cazurra Reigns. Su existencialismo brilla en la magnífica A Hymn, donde les sale bien una progresión épica casi post-rockera.

Jehnny Beth pone su voz en el estribillo de la divertida Ne touche pas moi (francés macarrónico cortesía de Talbot), con un riff a degüello que firmarían los mismísimos Hot Snakes, pero también un Consent que viene a dejar las cosas claras por si no habíamos pillado el mensaje. Idles son así: lo coges o lo dejas. Cortes musicalmente menos inspirados como Anxiety o la obsesiva Kill Them With Kindness, que se recrean en los lugares comunes del grupo, rebajan el nivel de un disco al final tan disfrutable como irregular, pero que acrecienta las ganas de verles otra vez en su hábitat natural: el directo. —JC PEÑA

octubre 2020 #37

38/Mondo Media

Diez motivos 1 para ver ‘Watchmen’ “Watchmen”, la serie de Damon Lindelof que actualiza el mítico cómic de Alan Moore y Dave Gibbons del mismo nombre, ha triunfado en los últimos premios Emmy, acumulando hasta once de los galardones, incluidos Mejor Miniserie, Mejor Actriz Principal (Regina King) y Mejor Actor Secundario (Yahya Abdul-Mateen II) y Mejor Guión para Lindelof y Cord Jefferson. Los once premios Emmy deberían ser suficiente para que aquellos que todavía no se hayan acercado a una de las mejores series del año se decidieran. Pero, como es habitual, quedarán algunos renegados. Para ellos, y para todos, seleccionamos diez motivos para ver “Watchmen”.

#38 octubre 2020

El declive de una manera de entender el mundo Y es que “Watchmen” nos muestra una manera de ver el mundo que ha suplantado a la anterior. El siglo XX será recordado como el canto del cisne del mundo del ayer, con sus defectos y virtudes, y la puerta que dio paso al posmoderno y surrealista mundo de hoy en día. Y lo hace con una carga política que engrandece la narración sin monopolizarla.

“Watchmen” es una mirada a uno de los posibles futuros que vendrán, también con sus luces y sus sombras. Un futuro que con sus claroscuros viene de un trauma tan brutal para la humanidad como el darse cuenta de que un Dios existe y que el miedo puede ser más doloroso que la indiferencia.

La serie “Watchmen” está libremente inspirada en el cómic de Alan Moore y Dave Gibbons para continuarla. El mundo hostil y oscuro, de carne y hueso, con su correspondiente podredumbre evoluciona a un mundo más limpio en apariencia pero dominado por el terror más frío y desolador. Un mundo en el que aquellos que llevaban máscara lo hacían por algún tipo de trauma.

2

Un nuevo modo de concebir a la policía Anticipándose meses a las protestas contra la policía en los Estados Unidos por el caso George Floyd que desataron manifestaciones en todo el país y supusieron la defenestración y el linchamiento público del agente de policía que acabó con la vida de Floyd; anticipándose meses a los controles po-

liciales que el Gobierno Español ha impuesto por todo el país con motivo del Covid-19, con videos de policías persiguiendo a ciudadanos para que cumplan con las medidas de restricción de las libertades y de confinamiento más duras del mundo impuestas durante el Estado de Alarma, “Watchmen” alumbra una sociedad en la que la policía ya no tiene un monopolio de la violencia sin control, tal y cómo sucede ahora en la mayoría de los países del mundo.

“Watchmen”, como todas las grandes ficciones, sabe adelantarse a las condiciones sociales y culturales de su tiempo y nos hace imaginar un mundo en el cual la policía tiene que preguntar y pedir permiso antes de intervenir. Unos Estados Unidos en los que los cuerpos de seguridad del Estado no pueden ejercer la violencia contra los ciudadanos de manera indiscriminada.

3

El conflicto racial en “Watchmen”

“Watchmen” también imagina un mundo donde el Séptimo de Kaballería, una organización asesina y ultrarracista heredera del Klu Klux Klan, ataca y atemoriza a la población de raza negra de Oklahoma. El conflicto racial que muestra “Watchmen” está lleno de grises. Ángela Abar, la protagonista, policía encubierta de noche y pastelera de día, no representa el típico perfil de policía varón WASP que habituamos a ver en las películas norteamericanas. La Kaballería es un grupo disidente apoyado por las altas esferas que está buscando restablecer el antiguo orden, uno en el que los afroamericanos estén tan sometidos como

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MONDO MEDIA

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La verdad de las mentiras En el famoso ensayo de Vargas Llosa que lleva el mismo nombre que este apartado, el Nobel peruano reflexionaba acerca de la ficción y cómo, en muchas ocasiones, ésta representaba de manera más exacta la realidad que la misma realidad. Con “Watchmen” pasa lo mismo que ha pasado con la ciencia ficción y las distopías tantas veces: ni el mejor y más certero documental consigue reflejar con la precisión de “Watchmen” el clima político que se vive en los Estados Unidos.

En esta mentira (¿son mentira las ficciones?) que son los Estados Unidos de “Watchmen” está, para quien lo quiera tomar, el reflejo de lo que vive latente en el pueblo norteamericano. Si los cómics originales ponían el foco en la sociedad del final de la Guerra Fría, la adaptación televisiva de Lindelof hace lo mismo con la del último cambio de década. Nombren una ficción de los últimos años que haya puesto a Norteamérica frente a su espejo con la misma intensidad que “Watchmen”. No la hay. Sin mencionar a Trump ni a Obama ni al BLM, sino con un presidente progresista ad eternum como es Robert Redford la serie es el revés del espejo. He aquí otra de las victorias de Lindelof.

en la matanza de Tulsa que sirve para comenzar la serie.

El proceso de extrañamiento que provoca el analizar el conflicto racista no de manera sistémica (los blancos tienen el poder y los negros viven marginados) sino de manera, valga la redundancia, racista, es revelador. El odio endémico de ciertos sectores por sus conciudadanos responde más a cuestiones raciales que de otro tipo. El apoyo del poder y la infiltración de miembros de la Kaballería en la sociedad nos sirve para darnos cuenta de que toda ficción se apoya en la realidad.

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Símbolos y estética “Watchmen” es una serie con una fuerte carga sociopolítica, sí. Sin embargo, seríamos muy obtusos si no supiéramos apreciar el excelente trabajo visual y simbólico que desarrolla. Empezando por el maletín que Laurie guarda y que desprende un intenso brillo azul; la cabina telefónica que Laurie visita antes de sacar el mentado maletín; los ya famosos calamares que caen del cielo; el Reloj del Milenio, diseñado por Lady Trieu, una máquina que denota el gusto de Lindelof por la ciencia ficción “de artefacto” y que será fundamental (también visualmente, sí) en el desarrollo de la serie o el espectacular mundo en el que vive Adrian Veidt y todo lo que sucede allí. Todo ello y más con una producción brutal a las espaldas. Y es que, a pesar de la fuerza del guión y de la brillantez de su precisión, “Watchmen” no pasaría de un intento digno de no ser por su poderío visual y simbólico.

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Dios, el determinismo y Jon Osterman

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Jeremy Irons Vale que el personaje de Veidt es icónico, uno de los más complejos de la ficción de finales de siglo XX, pero es que el papelón de Jeremy Irons en “Watchmen” junto con el trabajo que ha llevado a cabo con el equipo de guionistas y con Lindelof nos ha dejado algunas de las mejores escenas de la Mejor Miniserie del Año. La combinación entre asco, incomprensión, soberbia y hastío que transmite Irons en su interpretación en la luna Europa es uno de los main events de la serie. Las escenas junto a sus creaciones, que van desde el mismo momento de darles vida hasta el juicio al que se ve sometido, forman parte de los mejores momentums que pudieron verse a nivel estético y conceptual en el último año. Por eso “Watchmen” ha ganado once Emmys. Jeremy Irons se va con las manos vacías pero dejando tras de sí una interpretación memorable, no por conmovedora sino por real. Es habitual ver a intérpretes dar su mejor versión cuando conectan con un personaje que pasa por momentos duros a nivel personal.

Es más complicado ver a actores o actrices desarrollar con firmeza y convicción el papel de alguien soberbio y calculador, brillante sin llegar a la demencia y a la excentricidad. Jeremy Irons nos ofrece uno de sus mejores trabajos.

Otro motivo fuera de lo conceptual para que te vuelvas loco con “Watchmen”.

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Damon Lindelof (maestro del tiempo narrativo) es mucho más que “Lost” Si “Lost” ya fue la gran obra maestra de la década anterior en lo que a tiempo y narración (Hola, Ricoeur) se refiere, “Watchmen” no se queda demasiado atrás. Bien es verdad que el tiempo aparece de forma más tradicional y menos enrevesada a pesar de las diferentes líneas temporales imprescindibles para construir el puzzle que Lindelof ha desarrollado entre Vietnam, Oklahoma y el espacio exterior. Sin embargo, la aparición de Joe Osterman, Dr. Manhattan, lo trastoca todo. Como comentamos otra vez en este mismo articulo ¿qué pasa cuando, para un personaje, todos los tiempos son el mismo tiempo? La respuesta está en quien mueve el péndulo que marca el tic tac. En este caso Lindelof vuelve a fabricar la llave que encaja con la cerradura de la serie. “Watchmen”, así, no solo mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

crece ampliando el diámetro de la tarta, sino que lo hace sumándole pisos como si del pastel de boda de la hija de un mafioso se tratara. Agrandando el universo hasta hacerlo inconmensurable.

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¡Respeto para los (super)héroes!

Cuando el “Watchmen” original vio la luz, el mundo de los superhéroes estaba encadenado (y desencadenado a su vez) a las páginas de los cómics, con alguna excepción puntual como las películas clásicas de “Superman”. Cuando la serie de “Watchmen” ve la luz, los superhéroes son los protagonistas absolutos de los grandes éxitos de cine desde hace casi una década, un fenómeno que cada vez se traslada más a las series (aunque bien es verdad que las series intentan dar una vuelta de tuerca al fenómeno superheroico). Sin embargo ninguna como “Watchmen” para pedir respeto a las obras que vienen del cómic o la novela gráfica, normalmente vilipendiadas como producto de la cultura de masas de baja calidad, rendidas a las espectacularidad mal entendida como un fuego artificial tras otro. “Watchmen” es espectacular, en otro sentido. Hay más peso y narrativa en la única trama de Dr. Manhattan que en los tres (buenísimos) “Batman” de Nolan o en la revisión (no tan buena) de Zack Snyder del Universo DC. Al contrario de lo que podría parecer, “Watchmen” es mucho más respetuosa con los superhéroes como concepto y representación de lo que son algunas de las películas que hemos visto en los últimos años Disney mediante. Tomarse en serio el género (o la estética del género) es lo que ha hecho Lindelof en “Watchmen”: atraer a un público que puede decir “de entrada NO” a nada que tenga que ver con los vigilantes encapuchados, sean superhéroes o no.

Jon Osterman, también conocido como Dr. Manhattan, es una representación perfecta de la espiritualidad sobre la que Lindelof ha construido su carrera como guionista y showrunner de la misma manera que lo fueron Jacob y el Humo Negro en “Lost”. En este caso, somos testigos de cómo alguien omnipotente termina por volverse frío y insensible ante lo que le rodea. ¿Las cosas pasan como tienen que pasar y no de ninguna otra forma, tal y cómo decía Morfeo en “Matrix”? ¿Depende todo de los designios de un Dios para el que todos los tiempos son el mismo tiempo? Sí y no. En esa encrucijada se mueve la serie de “Watchmen”, y esa encrucijada es uno de los mayores aciertos de esta adaptación, ya que el original no llegaba a explorar a nivel emocional lo que ocurre cuando un dios lleva años creando mundos en planetas y satélites. Lo que pasa es que un Dios sin emociones es incapaz de crear un mundo completo. También vemos lo que pasa cuando un Dios hace rector de un mundo a un humano, por muy brillante que sea. Así que “Watchmen”, en este sentido, mata dos pájaros de un tiro: también dice mucho de lo que son los gobernantes: esclavos del poder.

Y es que “Watchmen” no puede entenderse si no es en clave sociopolítica y religioso-espiritual.

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Quis custodiet ipsos custodes?

Y es en este sentido en el que se estructura el mensaje más conocido de la serie más allá del smiley ensangrentado: ¿Quién vigila a los vigilantes?. Buena pregunta. En el universo ficcional de “Watchmen” (la creación de este universo es otra de las virtudes de la serie, ya que sus adaptaciones previas habían sido conservadoras con la obra original de Moore y no habían creado un universo en el que otras criaturas pudieran vivir) los vigilantes han sido prohibidos hace medio siglo pero los vigilantes (la versión humana de los superhéroes) están presentes en la sociedad, infiltrados mental y físicamente, tapándose con máscaras. ¿Quién les vigila ahora? La serie apunta una respuesta muy sutil y nada democrática: el pueblo no es suficiente, tienen que suceder grandes cosas (tienen que provocarlas grandes seres, vigilantes al final y al cabo) para que quienes nos vigilan no se corrompan, corrompiendo así a los vigilados. Un círculo vicioso que “Watchmen” es capaz de tratar con la calidad incuestionable con la que plantea todos y cada uno de sus motivos, y que le ha servido para hacerse con once Emmys. —LUIS M. MAÍNEZ octubre 2020 #39

CINE

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“Fui un fan total de The Cure, era obvio que ellos tenían que estar en la banda sonora”

François Ozon El otro verano del amor François Ozon estrena en cines Verano del 85, una historia de amor de verano entre dos chicos jóvenes que viven en un pueblo costero de la Alta Normandía, en la que también hay espacio para la pasión, la tensión, el drama e incluso la muerte. Con él charlamos sobre la película.

V

erano del 85 se inspira en la novela de Aidan Chambers, Dance On My Grave, pero Ozon la lleva a su terreno, incorporando nuevos matices propios. La banda sonora es uno de esos elementos que hacen de Verano del 85 una pieza personal, estimulante y profunda, depositando un peso en las canciones que suenan que es difícil de olvidar una vez terminada. Hablamos con el director francés sobre la banda sonora escogida y su relación con la música.

—No es muy habitual encontrar películas en el cine que apuesten por una banda sonora que no solo acompañe a las imágenes, sino que también aporte algo a la narrativa.

En Verano del 85 parece que la música juega un papel muy importante. ¿Por qué? ¿Hay algún motivo detrás?

La película transcurre en los años ochenta y en esa época yo personalmente estaba muy metido en la new wave. Pero también hay otro factor, y es que en el libro de Aidan Chambers, Dance On My Grave, la tienda en cuestión no vende barcos ni nada de pesca; #40 octubre 2020

es una tienda de discos. Por lo tanto, dentro de la propia novela se habla de música. La película, además, es una mezcla de lo que es la novela en sí y de lo que fue mi adolescencia propia. Y, de ahí, toda la banda sonora.

—Es importante que destaquemos que el propio Robert Smith, líder de The Cure, cedió la canción In Between Days al conocer la película, ¿no? ¿Qué significó para ti y para el equipo su decisión?

Para mí, que incluso formé parte de la corriente gothic dentro de la new wave de los años ochenta y, por lo tanto, fui un fan total de The Cure, era obvio que ellos tenían que estar en la banda sonora. No podía faltar un tema de The Cure en la película.

Me gusta mucho In Between Days porque es una canción que empieza con una parte instrumental y es muy melancólica también. Pero, claro, al principio la película se iba a llamar Verano del 84, y cuando le pedimos los derechos a Robert Smith, contestó muy amablemente que lo sentía muchísimo pero que no podía dar los derechos de la canción a la película dado que la había compuesto en el 85. Entonces escribí una larga carta, totalmente como fan, a Robert Smith diciéndole que estaba absolutamente dispuesto a cambiar el título de la película si me concedía los derechos. Él aceptó y, de paso, los productores se pusieron contentísimos porque pudieron renegociar el precio de los derechos a la baja.

—También tiene mucho peso y presencia la canción Sailing de Rod Stewart. No solo por los momentos

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clave en los que suena sino también por su significado en la letra. Parece como si la canción hablase de ese primer encuentro entre David y Alexis, ¿es así?

Es una canción que fue compuesta en los setenta, pero pensamos que igual podría ser algo que escuchase el padre difunto de David. Además, Sailing habla sobre el mar, navegar… Tiene mucho que ver con la tienda, con el barquito donde ellos se conocen…

Entonces pensamos que sí podría perfectamente encajar con la historia.

—En tu opinión como director, ahora que ya sabemos cómo son físicamente David y Alexis gracias a la película, cómo visten, cuál es su estilo… ¿Qué grupos crees que serían sus favoritos, si ellos fueran personas reales?

Yo creo que lo que escucharían es lo que se escucha en la película. Por ejemplo, la canción que se escucha en la escena de la discoteca, que fue número uno y muy popular en Francia, pero que nadie fuera de Francia conoce. Porque era una canción totalmente idiota, llamada Stars de la Pub, que duró un verano. Pero creo que la música era mucho más ecléctica en la época. Tú ibas a una discoteca y podías oír tanto a The Cure como la cosa más popular o la típica canción del verano. Todo se mezclaba mucho más que ahora. Pasabas de la música disco de la época, muy bailable, a grupos como The Cure o cosas así. —ÁLVARO TEJADA

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