MondoSonoro septiembre 2018 nº264 by MONDO SONORO

Nº 264 Septiembre 2018 www.mondosonoro.com

THE BLAZE, RUFUS T. FIREFLY, IDLES, MAKA, GRUFF RHYS, JAVIERA MENA, THE LEMON TWIGS, THE BLACK ANGELS JUANCHO MARQUÉS, INTERPOL, JUSTICE, ONDA VAGA, GOAT GIRL, MALA RODRÍGUEZ, EL CANIJO DE JEREZ, DIRTY PROJECTORS

Amigos para siempre Big Red Machine

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5/Mondo freako El cantante, uno de los letristas mejor valorados dentro del rap español, culmina una importante etapa con Cierre (Autoeditado, 18), un trabajo en el que amplia todavía un poco más su paleta estilística, y nos cuenta cómo será el disco que presentará el próximo año.

Juancho Marqués Buenos C tiempos para la lírica

FOTO: ARCHIVO

orren nuevos (y buenos) tiempos para la lírica de Juancho Marqués. Tras una exitosa carrera con Suite Soprano y tres discos en solitario (The Blues, Blue Sundays y Cierre), el cantante comenzará en 2019 una nueva etapa. Cerrará una puerta, un capítulo, que el madrileño reconoce ha sido muy importante en su evolución musical. “Estos tres últimos años han sido una época muy positiva, un tiempo de búsqueda y de conocerme en nuevos espacios, de salir de mi zona de confort y buscar mi propio sonido». Y el resultado de este trienio ha sido realmente provechoso para él, con un gran éxito en cuanto a repercusión musical y conciertos se refiere. Pero todo tiene un principio y un final, y Juancho abrirá pronto otra puerta, otro capítulo, con el que pretende dar un paso más en crecimiento. “Durante estos años, en vez de gastarme el dinero que he ganado con la música, que tampoco es que haya sido demasiado, lo he guardado para invertirlo en este nuevo disco. Pero gracias a ello voy a poder crear un álbum bajo unas condiciones que nunca hubiese imaginado, grabándolo en el conocido Estudio Uno y colaborando con músicos importantes como Adrián Saavedra, el saxofonista Vic Mirallas, Ángel Paz, Miguel Lamas (batería) o Carlos Sosa (batería de Fuel Fandango), músicos que le van a dar mi música un toque diferente a lo que hemos hecho hasta ahora”, desvela Juancho. Y es que su intención es crear un disco que rompa con lo anterior, alejado de los estatutos propios del rap y que abra nuevas vías a su creatividad e imaginación. “Va a ser diferente en muchos aspectos. Ya con la canción Nos vamos a comer el mundo, que grabamos junto a La M.O.D.A., empezamos a dar pistas: queremos hacer un disco más analógico. Ya llevamos una buena parte grabado gracias a mi productor habitual Gabriel Fernández, y estamos creando un disco que se desmarca un poco del rap clásico que siempre he hecho para meterme en nuevos terrenos, porque necesito buscar nuevas fórmulas, estímulos, para no estancarme. Necesito recuperar la esencia del porqué de la música que hago, el saber expresarme sobre distintos campos y no hacer siempre lo mismo”. Para ello, el cantante presentará un nuevo trabajo “en el primer trimestre de 2019, aunque antes pretendemos

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septiembre 2018 #5

MONDO FREAKO

LA MÍA Sign O’ The Times

FOTO: archivo

“Una de las claves de la música es tratar de lograr empatía con el público, ser capaz de transmitir y emocionar”

persona bastante tímida y la música me da una publicar un adelanto en diciembre de este año” vía perfecta para expresarme y desahogarme, y seguirá con la misma fórmula de autogestión aunque sea en forma de metáforas. Pero, como y humildad que le ha llevado hasta el lugar en todo, ha llevado una evolución: he escrito cosas el que está. “Los sellos no nos ofrecen nada con las que ya no coincido, vaciles de niñato con que nos interese, pero tampoco es algo que nos los ya no me siento identificado, cosas que ya no preocupe. Nuestro principal objetivo es que el comparto, aunque supongo que será algo que disco tenga la mayor calidad posible. Mi idea en le ocurra a muchos cantantes. Pero esas cosas la música no es ser el más mainstream ni el más también te hacen aprender, evolucionar y saber famoso, no aspiro a ser el que más vende, sino cuáles son los caminos que no quieres tomar”. que la gente disfrute de verdad de nuestra múUno de los caminos que eligió correctamente sica. Evidentemente, como todo músico, quiero vivir de esto. No soy un hipócrita, pero no quiero fue el que le llevó a presentar hace un año Espacios (Editorial Arscesis, 17), un poemario que que el dinero se convierta en el objetivo y no obtuvo un gran éxito de ventas pero que “surgió voy a cambiar mi música para conseguirlo. No por casualidad, no tenía intención de publicarlo quiero convertirme en un artista al que sólo le importen los números, no me interesa la música pero la editorial me lo propuso y me pareció buena idea ya que siempre había querido publial estilo McDonald’s que te gusta al principio car un libro. En mi casa nunca hubo videoconpero que si la consumes demasiado acabas ensola, así que soy un gran aficionado a los libros fermando, sino que me gustaría que mi música desde pequeño. Y en este reúno algunos poemas transcienda y llegue de verdad a la gente, aunque he ido escribiendo, ilustrados con fotoque sea a poca”. grafías de mi amigo Fernando Taranco”. Otro Como despedida de esta importante capíéxito. Porque la suerte parece sonreír a Juancho tulo de su carrera, Marqués publicó este verano Marqués, con ilusionantes proyectos como un Cierre, un recopilatorio en el que reúne algunos nuevo disco y ¿el regreso de Suite Soprano? “Sí de los singles que ha ido publicando durante que tenemos en la cabeza retomarlo en algún este año. Una serie de canciones que llevan el momento. Además ahora va a hacer diez años sello que diferencia la música de Juancho Mardesde que nació Suite Soprano y nos gustaría qués. “Para mí la lírica es muy importante. Creo montar algún tipo de homenaje. Hace un año que una de las claves de la música es tratar de o dos estuvimos a punto de lograr empatía con el públivolver a trabajar juntos pero co, ser capaz de transmitir y finalmente no pudimos por emocionar, aunque hay varios nuestros proyector personacaminos para ello. Nunca sales. Y ahora mismo mi idea es bes cómo va a interpretar cada seguir con mi propio proyecto, persona una canción, pero l Madrid pero creo que en un futuro sí cuando alguien me dice que 29 de septiembre. La Riviera que lo recuperaremos”. se ha emocionado o ha lloral Barcelona do con una canción mía, mi —alfonso gil royo 06 de octubre. Apolo trabajo cobra sentido. Por eso l Valencia r intento no ponerme límites 11-13 de octubre. Festardor a la hora de escribir. Soy una Más en www.mondosonoro.com

en concierto

#6 septiembre 2018

i no te has enterado es que durante las vacaciones has aprovechado para desconectar más de lo que imaginas. El pasado 16 de agosto Madonna cumplía sesenta años y el mundo de la música se lanzó a celebrarlo con infinidad de textos laudatorios que repasaban su carrera. Más allá de la unanimidad de los medios de comunicación a la hora de valorar el aniversario como una efeméride de relevancia planetaria -también es cierto que agosto es un mes complicado en una redacción- no deja de sorprender el respeto reverencial por la italoamericana y su discografía en músicos y periodistas. Que sí, conocemos sus conexiones con la intelligentsia neoyorquina en los ochenta, pero llama la atención que casi cuarenta años después exista tal consenso a la hora de valorar el legado de la autora de canciones como Material Girl o La isla bonita. Los grandes del pop y el rock de los sesenta y setenta ya gozaron de esa misma ausencia de voces críticas o discordantes: más que músicos el tiempo les ha dotado de una infalibilidad que raya lo religioso e imposibilita poner en cuestión prácticamente cualquiera de sus pasos. Ahora ese estatus les ha llegado a las superestrellas del pop mainstream que explotó durante los ochenta y que, con mayor o menor fortuna, ha terminado por convertirse en una fórmula que llega hasta hoy. Con la distancia que da el tiempo las figuras -y, lo que es más llamativo aún, los discos- de los Madonna, Michael Jackson, Prince, etcétera. se sitúan en un púlpito más allá del bien y del mal. Y eso a pesar de lo discutible de muchos de sus movimientos y hasta de la supuesta genialidad de canciones que les dieron fama mundial. En realidad se trata de un fenómeno en sintonía con la tendencia mayoritaria en la música actual, condicionada por las nuevas formas de consumo de las canciones y, en menor medida, de los álbumes. El modelo dominado por las plataformas de streaming premia a los artistas globales potenciándolos por la vía de la (falsa) prescripción y las playlists. Corremos en dirección contraria de aquella promesa, cada vez más lejana, que prometía una arcadia musical feliz y plural, producto de esa discoteca global a disposición de todo el mundo vía world wide web. La conversión de la histórica NME en una suerte de web de tendencias o la compra de Pitchfork por una multinacional editorial y su drástico giro en pos del r’n’b mainstream son síntomas de la generalización del pensamiento único en un tiempo que, equivocadamente, dice caracterizarse por la “transparencia” y el sentido crítico. Así las cosas el periodismo musical se encuentra en una encrucijada: más necesario que nunca para poner el foco en propuestas ajenas a la dictadura del mercado y al mismo tiempo acogotado por el peso de los números, puro liberalismo. Es tiempo de valientes. —luis j. menéndez

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Justice Toma segunda

En la línea de lanzamientos previos como A Cross The Universe y Access All Arenas, el dúo parisino edita ahora Woman Worldwide (Banger Records/Music As Usual, 18), una recopilación de versiones de algunas de sus canciones más célebres y de las composiciones de Woman, su anterior álbum. Echando mano exclusivamente de tomas de directos, Justice se aproximan al tratamiento y la producción de disco de estudio.

Justice es un grupo con singles potentísimos, algunos de ellos casi generacionales, y es un referente en la música de baile del cambio de milenio, pero en esencia sigue funcionando como un grupo de rock, entre otras cosas por su decisión de seguir editando principalmente en formato álbum. “Seguiremos haciéndolo. Hacer que todo funcione de manera unitaria es algo especial. Sabemos que cuando le des al play todo va a estar bien”, apunta Xavier. Con un pie en el mundo analógico, Justice también han sido siempre defensores a ultranza de lo digital. “Casi siempre que algo nos

impresiona se trata de una herramienta digital. Usamos sintetizadores y equipos analógicos, molan, y te gustan porque los has oído antes, te recuerdan a algo que está bien, que has escuchado en otros discos... Pero lo digital es nuevo, es original. No nos gustan los plug-ins que imitan el analógico. Cada semana hay cosas nuevas, y no usarlas por intentar pasar por ser más auténtico es una tontería”, comenta Xavier. La mezcla de música bailable, electrónica, y una estética y hasta esencia rock hace que siempre haya sido complicado poner etiquetas a Justice. “Nos gusta más el rock, antiguo o actual. De lo actual te dirá que nos gustan Ty Segall, King Gizzard & The Lizard Wizard, MGMT... Escuchamos otras cosas por curiosidad, cosas de R&B, por ejemplo, para estar al día”, explica Gaspard. ¿Escucháis a Kanye West? Poca gente recuerda que en unos MTV Awards os hizo un Taylor Swift años antes de hacérselo a la propia Taylor Swift. “No tenemos nada en su contra [risas]. Lo que nos gusta de su música, aun no gustándonos su música, es la manera de estructurar. Se las apaña para mezclar muchas cosas que no tienen sentido en términos de estructuras convencionales. Coges canciones como Ultralight Beam o Fade y te parecen increíbles. Es música muy impresionista”. —jorge ramos

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Woman Worldwide

Ed Banger/ Music As Usual Electrónica 7/10

Revisitando Los franceses Justice continúan en Woman Worldwide la ya tradicional revisión periódica de su obra vía edición de interpretaciones en directo. En esta ocasión, el dúo rescata algunos de sus principales hits (D.A.N.C.E., We Are Your Friends...) al tiempo que reinterpreta Woman, su anterior álbum de estudio. Por su espacioso tratamiento del sonido, y gracias a la presentación de las canciones sin solución de continuidad, en ocasiones incluyendo varios títulos en un mismo track (Pleasure x Newjack x Civilization), el disco funciona como una sola sesión y casi como un disco de estudio. Suprimiendo todo elemento ambiental, Xavier y Gaspard aciertan al no haber querido montar un lío de fiesta y yuxtaposición de estímulos. Se echa de menos material nuevo, eso sí, o darle una vuelta nueva a una fórmula que ya ha funcionado durante más de una década y que sin duda sigue haciéndolo. O quizá no. Quizá porque funciona está bien como está. —j.r.

“Nos gusta más el rock, antiguo o actual. De lo actual te dirá que nos gustan Ty Segall, King Gizzard & The Lizard Wizard, MGMT...”

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FOTO: ARCHIVO

uando hicimos aquellos dos álbumes en vivo queríamos que sonaran como un bootleg, con la atmósfera del directo, la gente..., pero entonces vimos que quizá esa propuesta exigía demasiado al oyente. Todo en tu cara no es muy agradable para escuchar en casa. Así que esta vez decidimos sacar las mejores versiones grabadas en la gira y eliminar todos los ruidos del directo, llevarlo al estudio y hacerlo sonar lo mejor posible”, explica Gaspard Augé. Eso es algo que muchos creadores sueñan con hacer, dar esa segunda oportunidad a sus composiciones, poder revisitar, redescubrir y encontrar nuevos ángulos en su trabajo. “Las redescubrimos porque únicamente somos dos en el escenario y es imposible reproducirlas según están en el disco. La distancia que tomas con las canciones después de haberlas hecho también importa a la hora de volver a tratarlas”, comenta Xavier de Rosnay. Si todo son tomas sacadas de los directos, ¿en qué habéis basado el trabajo de producción en el estudio? “Queríamos dar más profundidad y más espacio a las canciones. En esta ocasión el tratamiento es totalmente diferente. Es una hora y media, así que vamos a darle al oyente algo que sea un gustazo. Sobre todo ahora que con los nuevos hábitos de escucha pierdes a alguien de un segundo a otro. Muchos graves, mucho espacio, sin demasiado limitador ni compresión...”, explica Xavier. El disco suena gordo, muy potente, y en ocasiones deja hasta un poco empequeñecidas a las versiones originales, pero también es cierto que tiene esa atmósfera muy espaciosa y respirable en la línea de cierta tendencia actual a producir y masterizar lejos de los preceptos de la llamada “guerra del volumen”. “Nuestro primer disco se hizo así. En 2007 todo el mundo estaba metido de lleno en eso. Cuando lo escuchas ahora piensas: joder, está muy alto. De todas maneras es bueno también que cada disco represente el momento en el que está hecho”.

CRiTICANDO

septiembre 2018 #7

Javiera Mena La mujer y el monstruo Tras llenarse de aplausos con Otra Era (Meni, 2014), Javiera Mena se escapa un poco de la pista de baile y vuelve a un terreno más introspectivo con su cuarto larga duración Espejo (Sony, 18).

spejo es un cuarto álbum, fruto de la madurez y la estabilidad vital de la artista, que además lanza por primera vez de la mano de un sello multinacional y con el apoyo en la producción de numerosos artistas españoles. “He hecho lo que he querido. Yo no llegué a Sony para convertirme en una súper estrella que va a vender muchos discos”. Lo que si busca Mena es conectar con la melancolía que desprendían sus primeras etapas, indagar en la tristeza, seguir creciendo como artista haciendo lo que realmente cree que debe hacer, sin barreras de por medio, disfrutar. “Hoy en día vivimos en una cultura en la que valoramos mucho el éxtasis continuo, como esa cosa de estar todo el día drogado. Me interesaba tocar otros temas y la tristeza me parece potente”. La trayectoria de Javiera siempre ha estado ligada a un espíritu revolucionario dispuesto a romper esquemas, a la defensa de los derechos LGTBI o a la lucha por la libertad de la mujer. “En la industria la mujer se ve más como una figura soñadora que está mirando la luna. Obviamente una mujer como ser que genera algo más matemático todavía la prensa no la valora. Siempre sueltan lo de a ver quién es el hombre que trabaja contigo, que está detrás, dímelo, dímelo. Siento que todo lo técnico es para ellos, siendo el trabajo de la mujer igual”. Dice haber conseguido alcanzar por fin esa capacidad de abstraerse de sus propias historias, de poder hablar de determinados temas sin necesariamente caer en la autobiografía. “David Lynch dice que no hay que tener una mente súper perturbada para hacer películas de gente súper perturbada. No hace falta ser un monstruo para crear un monstruo. Siempre admiré a escritores como Emily Brontë que no llegó nunca a enamorarse y pudo escribir sobre el amor”. Por otro lado, Javiera Mena se niega a admitir la velocidad a la que está creciendo dentro del mercado actual y se justi-

fica con los largos periodos de tiempo que invierte en la creación de cada disco. Eso sí, lo que tiene muy claro es que piensa mantener su estilo y crear siempre en base a conseguir canciones que emocionen a todos los que las escuchan. “Yo nunca voy a ser una artista urbana y es por cuestión de estética, está híper sexualizada. Lo mío va más por un lado muy metafórico frente a la moda de hoy de soltar directamente lo que piensas”. —álex jerez

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Los. CONCIERTOS. de mi Vida. Ken Stringfellow (The Posies)

The Posies vuelven a España para ofrecer una amplia gira con la que celebran sus treinta años de carrera.. Tres de las fechas están dentro del ciclo SON Estrella Galicia: Barcelona (29 septiembre), Córdoba (1 octubre) y Azpeitia (7 octubre). El primer concierto al que fui... El primer concierto al que yo elegí personalmente ir fue The Who con The Clash y T-Bone Burnett como teloneros. Yo tenía trece años y fue una experiencia mística. En aquellos días vivíamos en una ciudad muy pequeña y la idea de pagar para estar en el mismo recinto que tus héroes era algo increíble e inimaginable para mí.

“No hace falta ser un monstruo para crear un monstruo”

en concierto l Madrid 19 de octubre. Ochoymedio l Barcelona 25 de octubre. La (2)

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El peor concierto al que he asistido... Bueno, para ser justos, yo he tocado en alguno de los peores a los que he asistido. Pero uno que recuerdo es uno de Echo & The Bunnymen cuando nos mudamos a Seattle en 1986. Tenía unos diecisiete años, y vi claramente que Ian McCulloch estaba más interesado en... bueno, en cualquier cosa antes que en la audiencia. Su pose era totalmente ausente y eso me reafirma en la necesidad de crear algo realmente puro y que conecte con la audiencia cuando estoy sobre el escenario.

El mejor concierto al que he ido en mi vida... Pues sería fácilmente el que vi de Neil Young & Crazy Horse en Buenos Aires, en 2001. Lo que hayas podido escuchar de que Crazy Horse eran una banda poco profesional o poco seria no tiene nada que ver con lo que yo ví en directo. Fueron poderosos y demoledores. Además, el setlist fue perfecto. La noche anterior yo había estado actuando como cabeza de cartel con REM, así que pude ver todo desde el escenario, abrazándonos con los hermanos Gallagher... fue épico. El último concierto al que he asistido... La verdad es que he estado girando durante estos últimos meses, así que no he podido ir a shows. Ahora bien, voy al festival Rock En Seine, cerca de París, y allí quiero ver a gente como Dirty Projectors, First Aid Kit, etcétera. —MS

Los sonidos de septiembre que no olvidarás: Agenda SON Estrella Galicia 12-16 septiembre -WOS Festival x SON Estrella Galicia, Santiago de Compostela 18 septiembre -981 Heritage, Les Filles de Illighadad en Sala 0, Madrid 19 septiembre -Mercury Rev, Teatro Lara Madrid 20 septiembre -981 Heritage, Oddisse, Shoko Madrid

-The Monochrome Set, Sala 0, Madrid 28 septiembre -The Handsome Family en Ourense (American Autumn) -Shout Out Louds, Cool Stage, Madrid 29 septiembre -The Handsome Family en Madrid (American Autumn) -The Posies, Upload, Barcelona

1 octubre -José González, Teatro Lope de Vega, Madrid -Low, Capitol, Santiago (American Autumn) -The Posies, Hangar, Córdoba 2 octubre -Low, Sala But, Madrid (American Autumn) 3 octubre The Posies, Lemon Rock, Granada

septiembre 2018 #9

FOTO: OLIVIA BEE

MONDO FREAKO

The Lemon Twigs La vuelta al cole

EN LA MALETA

Tras sorprender con su pop brillante, los jovencísimos hermanos Michael y Brian D’Addario regresan a la palestra con Go To School (4AD/Popstock/18), con el que dan rienda suelta a su precoz talento barroco.

Alan Braxe

Es uno de los Dj’s franceses más reconocidos de los noventa, pero ahí sigue avanzando musicalmente, formando parte de distintos proyectos, firmando remixes de hits del momento y girando por el mundo. Aprovechando su paso por el Low Festival charlamos un rato con él.

#10 septiembre 2018

un “Es un disco que tiene toma punto ridículo y no se o” a sí mismo muy en seri

o conozco a muchos postadolescentes que citen como héroes a Rodgers & Hammerstein (los compositores de Oklahoma o Sonrisas y lágrimas) o el mítico Cole Porter. No hay postureo en Michael D’Addario, que se sienta de

espués de todos estos años, ¿qué canciones te sigue gustando pinchar? Mis sesiones son muy eclécticas. Pincho house, techno, deep house, disco... no me gusta ser demasiado lineal y, obviamente, pincho temas nuevos y temas viejos. The Preacher Man de Green Velvet, Alive de Daft Punk, Pleasure From The Bass de Tiga y muchas otras de aquellos momentos. Pero también pincho canciones muy diferentes como I Feel For You de Chaka Khan, o acabé mi última sesión mezclando Keep Me Hanging On de The Supremes con Rock’n’Roll de Daft Punk. De todos modos, la mayor parte de mi set está compuesto por canciones de club muy actuales. —¿Qué canciones de las que eres muy fan nunca te has atrevido a pinchar? Hay infinidad de canciones que me gustaría pinchar, pero que es imposible porque tienen un tempo muy calmado. Una de ellas sería Praying For Time de George Michael, que me parece encantadora. She’s Lost Control es otra de esas canciones, y si no la pongo es por el mismo motivo. De todas formas, creo que por lo general en los clubes puedes poner todo tipo de música. A veces me gustaría tener la destreza de los Dj’s de hip hop para poner pasar de un tema a otro. —¿Cuál dirías que es el mejor Dj que surgió del french touch? En mi opinión, Laurent Garnier está en lo

cuclillas en un sofá de las oficinas de la discográfica que les publica en España para hablarme apasionadamente sobre su segundo trabajo. Puedo imaginar a los hijos del músico y productor Ronnie D’Addario y la cantante Susan Hall como niños prodigio, creciendo entre

más alto. Empezó bastante tiempo antes que lo que fue el movimiento french touch y aquí sigue en forma. Sigue pinchando techno fiel a su mensaje original, lo cual me parece muy respetable. —¿Wav, vinilos o CD’s? CD, a una canción por CD. Primero edito todos los temas que voy a pinchar, los edito todos a tres minutos, como si fuesen radio edits. No tengo CD-J›s en casa, así que no voy probando los in y outs de las canciones, sino que lo que hago es usar el pitch para hacerlas encajar como si fueran doce pulgadas. Tampoco uso el sync, porque me gusta tener siempre presente que puedo equivocarme en la mezcla en cualquier momento, lo cual me añade una presión muy positiva. —¿Cuántos discos nuevos compras en un mes? Quizás entre diez o quince, generalmente viejo material de los sesenta a los ochenta, todo tipo de música, pop, rock, r&b, etcétera... Ah, y bastantes bandas sonoras. Mi última compra fue la banda sonora de Sicario y de Gravity. Y por encima de todo eso, suelo ir a Traxsource para comprar temas de club. —¿Sigues interesado en publicar material con Vulture Music? Bueno, Vulture está en stand by por ahora, más que nada porque llevo bastante tiempo muy centrado en mi propia música y espero publicar material en breve pronto. —MS

montañas de vinilos, pero en ningún caso hay que restarles méritos. Michael define su nuevo disco como “un musical que no se toma demasiado en serio pero no es una parodia”. El protagonista es un chimpancé con problemas de adaptación e ínfulas de estrella del rock (!) que sufre los traumas del ambiente enrarecido escolar y de su familia. Lo cierto es que cualquiera de sus canciones tiene más arreglos y musicalidad que discos enteros de gente de la edad de sus padres. Go To School desconcierta por el despliegue de arreglos y lo intrincado y exuberante de sus estructuras y melodías. Es un disco de otra era. ¿Buscaron la inspiración en esos discos conceptuales que ya nadie hace? “Queríamos hacer algo grande, expansivo y que no pudieras ignorar, desde luego. Pero nos inspiramos más en los musicales que en ciertos discos conceptuales. En realidad, solamente hay un puñado de discos conceptuales que me gusten (larga pausa). No sé, este es un disco que tiene un punto ridículo y no se toma a sí mismo muy en serio como muchos de aquellos álbumes. Los discos no deberían tratar sobre los músicos, no sé si me entiendes”. Michael insiste en que va más allá de la broma conceptual. “Con suerte, no se verá como una parodia. Queríamos contar una historia, no hacer una parodia”. En este punto, le preguntamos sobre esas colaboraciones, familiares o no. “Mi madre, Susan Hall, interpreta

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TAN. CERCA. RRNiño de Elche, Marco Serrato

(Orthodox, Sputnik Trio) y Ernesto Ojeda (Improvisarios, Miraflores) firman Karate Press II, un disco que recoge las sesiones de improvisación libre que los tres artistas hicieron con motivo de la salida del segundo número del fanzine que da nombre a la grabación. Ahora lo publica Sentencia Records en formato digital y en cassette en edición limitada. RREl 5 de octubre se estrenará en

cines españoles Black Is Beltza, la película de animación dirigida por Fermin Muguruza. De momento, la cinta está paseándose por algunos de los grandes festivales del mundo como el Toronto International Film Festival o la Berlinale.

—josé carlos peña

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RRKidd Keo y Kaydy Cain no

actuarán en el Urbana Wall Festival de Alcalá de Henares (22 septiembre) debido a que María Aranguren, Concejala de Cultura del municipio, tomó la decisión de que no formarían parte del cartel debido al “contenido machista y misógino de sus canciones”. Kidd Keo tampoco actuará en el Amanecer Bailando, que se celebra en Móstoles el 8 de septiembre. RRPaco Martín Peñas, responsa-

ble del festival La Mar de Músicas, falleció el pasado agosto a causa de un cáncer de pulmón que le había sido detectado hace semanas. Tenía sesenta y un años de edad y también había formado parte de proyectos como el Cartagena Jazz Festival, el Festival de Teatro de San Javier o el MuDanzas. RRThe New Raemon ha presen-

tado ya tres temas (Una belleza propia, En el centro del baile y Charleston (Flores y Dolores)) de su próximo disco, Una canción de cuna entre tempestades. Se trata de su primer disco para la multinacional BMG y verá la luz este mes de septiembre.

La agrupación de folk argentina presenta Nuestras canciones (Autoeditado, 18), un álbum de versiones con el que venían fantaseando desde sus inicios y en el que reflejan la dispar curiosidad musical de sus integrantes: de Devendra Banhart a Os Mutantes, pasando por The Kinks, Tanguito, Mano Negra, Babasónicos o Xuxa.

nda Vaga tienen nuevo disco, en el que vuelven a acercarse al folclore para hacer música pop. Se trata de una de sus principales cualidades por las que esta agrupación logró resaltar y abrirse un camino en el espectro del alternativo en Argentina. Usando instrumentos como el cajón peruano o el cuatro venezolano resultaron innovadores, y más aún al presentarse con un formato acústico, con el que solían improvisar conciertos en cuestión de minutos, en escenarios no tradicionales como galerías de arte, muestras de fotografía o cumpleaños de amigos. “Hay un montón de música acústica en Buenos Aires, y nosotros estuvimos en el nacimiento de eso”, rememora Marcos Orellana, uno de sus componentes. Al describir el proceso de selección de esta colección de canciones, Marcelo Blanco, miembro de la agrupación explica: “Algo que pasa en la riqueza de Onda Vaga es que todos aportamos nuestro propio mundo musical y eso nos da una identidad que es muy difícil de definir. Tenemos muchas voces o una voz colectiva, y es eso lo que hemos tratado de mostrar en este disco”. Algunos de los temas ya los venían interpretando en sus presentaciones como es el caso de Quédate luna, original de Devendra Barnhart y que usan habitualmente para cerrar sus shows. También es el caso de Los hijos de la noche de Eduardo Serrano, un compositor de música popular venezolana, o Desfachatados, un clásico imprescindible de Babasónicos. Otras piezas que llaman la atención dentro de este repertorio de adaptaciones son Mambo, un corte del

aclamado álbum El salmón de Andrés Calamaro, Noche de acción, un clásico de Mano Negra perteneciente a Patchanka, o Mariposita del amor, una canción que abría el programa de televisión en Perú Aprendiendo a leer y a escribir. De igual manera, Onda Vaga realiza una aproximación al tropicalismo y a la psicodelia de Brasil con la inclusión de Minha Menina de Os Mutantes, y Augusta Angelica Consolaçao, original de Tom Zé. El lanzamiento de Nuestras canciones ha coincidido con el inicio de la octava gira europea de Onda Vaga, en la que visitarán ocho ciudades españolas. —liliana ramírez

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en concierto l Barcelona 12 de septiembre. Apolo r

l Vic 14 de septiembre. M.M.V.V. l Valencia 15 de septiembre. Peter Rock l Murcia 16 de septiembre. R.E.M. l Granada 19 de septiembre. Planta Baja l Sevilla 20 de septiembre. Malandar l Tenerife 22 de septiembre. Festival Boreal l Madrid 06 de octubre. Copérnico

RREl Festival de Cine de Albacete

apuesta un año más por la fusión de la música y la gran pantalla. Este año es el turno de Raül Refree quien, junto con Ylia, pondrá música al universo visual de Wes Anderson (Fantástico Sr. Fox, Moonrise Kingdom, El Gran Hotel Budapest). Con este proyecto multidisciplinar arranca el XX aniversario del festival, que se celebrará del 18 al 28 de octubre.

—MS

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sica “Hay un montón de múres, acústica en Buenos Ai y nosotros estuvimos o” en el nacimiento de es

FOTO: ARCHIVO

a una actriz que se ha hecho psicóloga. Tiene una voz alucinante y sesenta y cuatro años, es así de mayor, y quería tener esa voz en el disco. ¿Quién mejor iba a interpretar a la madre que mi madre? Y luego tenemos a Todd Rundgren haciendo de padre porque en un bolo se subió al escenario y le gustó mucho la banda. Mi padre (el también niño prodigio Ronnie D’Addario) canta en el corte oculto I Wanna Go To School… (canturrea)”. Cuando habla de sus expectativas, en relación, por ejemplo, con la próxima gira con Arctic Monkeys Michael suena igualmente sincero. “¿Expectativas? No tengo ni idea, porque creo que no hay un solo hit en este disco. Vamos a tocar con Arctic Monkeys en grandes estadios y, con suerte, eso nos hará ganar algunos nuevos fans. Alguna radio indie podría convertir alguna de nuestras canciones en un hit, pero no creo que ocurra con este disco. Así que… no tenemos expectativa alguna. No queríamos girar demasiado, pero lo tenemos que hacer: queremos sacar más discos. Yo quiero producir a artistas. Brian quiere producir también y componer arreglos para otros. Quizá podamos ganar dinero de esta manera para hacer más discos”.

Onda Vaga Un universo particular

septiembre 2018 #11

DORIAN FOTO: MAITE NIETO

MONDO FREAKO

Los Discos de mi Vida

Soundie Llega la nueva edición, la tercera, del Festival Internacional de Videoclips Soundie, que se celebra en Barcelona el 10 de noviembre. Pero ahora lo importante es que ya se ha abierto la convocatoria para participar y se extenderá hasta el día 8 de octubre. Hasta el momento hay alrededor de mil películas inscritas. Los ganadores de cada una de las categorías serán elegidos por un jurado profesional que incluye a realizadores, productores y periodistas. El Soundie no solamente incluye la entrega de premios y la muestra de clips, también hay talleres, mesas redondas, speed meetings, ponencias y zona de restauración. Ahora bien, siempre destacan los showcases, que este año mantendrán la línea estilística de artistas que ya han formado parte del evento en ediciones anteriores (Amparanoia, Enric Montefusco, Xarim Aresté, Delafé, etcétera). El programa completo se dará a conocer en breve. —MS www.soundie.es

FIZ

DELUXE FOTO: ARCHIVO

Álvaro Ortiz es uno de los dibujantes de cómics más activos de nuestro territorio (Cenizas, Rituales...), pero además es un gran aficionado a la música pop. Obviamente, no podíamos dejar pasar la oportunidad de preguntarle por algunos de los discos de su vida.

Un disco que descubrí por mis padres...

El primer disco con el que lloraste en tu vida

Un disco con el que te sientas cómodo dibujando:

Mis padres casi que sólo escuchan música clásica y yo, la verdad, de eso poco. En mi casa la música venía más por parte de mis hermanos (muy mayores) y el primer disco que me flipó y que a día de hoy sigo escuchando es Live Through This de Hole.

Sólo lloro con las películas, pero una vez estuve muy a punto de llorar en un concierto de Beach House cuando tocaron Wishes de su álbum Bloom, que es esa que tiene un vídeo muy loco en el que sale el padre de Laura Palmer haciendo cosas raras. Ah, y otra vez casi lloro también viendo a Daniel Johnston.

Uno de mis discos favoritos para dibujar cuando tengo mucho curro y que me mola ponerme por las mañanas para ir a buen ritmo es Tarot Sport de Fuck Buttons. Es que es un disco muy de ir a tope. Si saliese a correr (que no), me lo ponía fijo.

Expogrow Se ha dado a conocer ya el cartel de actuaciones que formarán parte del festival musical del evento dedicádo a la cultura del cannabis Exprogrow, que se celebra los días 14, 15 y 16 de septiembre en el recinto ferial de Ficoba, en Irún. Los protagonistas serán el grupo de francés electro-groove Deluxe y su compatriota, el rapero Demi Portion, el guitarrista tuareg Bombino y el andaluz El Canijo de Jerez. El Expogrow, Feria Internacional del Cannabis, despliega todas sus actividades y expositores en los cuatro pabellones de Ficoba, funcionando como punto de reunión de los profesionales nacionales e internacionales del sector y de todos aquellos que estén interesados en sumergirse en la cultura cannábica. Además de actuaciones musicales, recuerda que hay charlas con expertos en el Cannabis Box Forum.—MS www.expogrow.net #12 septiembre 2018

LEÓN BENAVENTE FOTO: JUAN PÉREZ FAJARDO

Álvaro Ortiz

El próximo 29 de septiembre se llevará a cabo la edición número dieciocho del FIZ o Festival de Música Independiente de Zaragoza, que vuelve a apostar por los mejores grupos de la actualidad indie y pop. El escenario principal –Ambar Stage- acogerá las actuaciones de Los Planetas, Dorian, Viva Suecia, Los Punsetes, los aragoneses Los Crâpulas y los británicos Django Django. Redondeando la jornada –apertura de puertas a las 19 horas- estará Guille Milkyway (La Casa Azul), que hará bailar a todos los asistentes. Como ya ocurrió en ediciones anteriores, también habrá escenario FIZ Club, en el que pincharán Eddy Charlez y Edgar 3scolan. Recuerda que el FIZ se celebra en la Sala Multiusos de la capital aragonesa. —MS www.fizfestival.com

Girando Por Salas

El disco que más veces hayas escuchado en tu vida:

El último disco que te ha gustado de un grupo que antes no conocías:

Un disco de un grupo que odiabas y que ahora te encanta:

Me imagino que Surfer Rosa de Pixies. Llevo veinte años poniéndolo sin aburrirme, sobre todo cuando llega la primavera y empieza el buen tiempo y así. Una maravilla.

Pues descubrí a finales del año pasado a Aldous Harding con su segundo disco y después de casi quemarlo descubrí que el primero que sacó en 2015, me gusta aún más porque tiene canciones como Hunter o No Peace At All que igual he escuchado dos millones de veces.

Aunque no los odié, la primera vez que me pasaron discos de Sunn O))) me parecieron una broma y hasta los borré, pero años después me enamoré de Monoliths And Dimensions. —MS

Se abre la fase de inscripción para la novena edición de la iniciativa Girando Por Salas. Si tienes un grupo con, al menos, un EP editado y un máximo de tres álbumes, puedes participar en este circuito patrocinado por el INAEM que incentiva la profesionalización de bandas emergentes. Los veintiséis grupos o artistas seleccionados disfrutarán de una ayuda para la realización de una gira de, al menos, seis conciertos, junto a otra ayuda para la producción y la promoción discográfica. Por Girando Por Salas, iniciativa abierta a distintos estilos musicales, han pasado en anteriores ediciones grupos como Izal, Viva Suecia, Morgan, Bala, Cala Vento, Siloé, Biznaga, Nunatak, Antonio Arias, Antonio Liana, León Benavente o Miss Caffeina, entre otros. —MS www.girandoporsalas.com

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Gruff Rhys Pop glorioso

Cada vez que un artista tan inquieto y tremendamente imaginativo como Gruff Rhys publica nuevo disco, el resultado suele ser fascinante. Con Super Furry Animals en barbecho, el vocalista presenta diez piezas de pop glorioso y rico en elaboración, concretadas en Babelsberg (Rough Trade/Popstock!, 18). de su delicioso debut Fuzzy Logic (Creation, 96). “¡Fue una experiencia fantástica para verificar que el pasado realmente había sucedido! Lo de los noventa fue increíble ¡Soy tan feliz de haber podido hacer todos esos discos!”. Una época en la que casi todo lo que viniese del Reino Unido tenía cabida bajo la etiqueta del britpop. “En términos de identidad política, éramos justo lo opuesto al britpop. Musicalmente nos compraron para la etiqueta, expuestos como estábamos al hacer música similar a todas esas bandas de britpop. Y además estábamos escribiendo canciones de manera bastante tradicional, así Babelsberg

Rough Trade, 18 Pop 8/10

que no fue descabellado que, de algún modo, estuviéramos conectados con ellos en los medios. Pero era un movimiento de nostalgia, conservador y nacionalista, que, por ejemplo, ignoraba la escena electrónica multicultural contemporánea que entonces también existía”. La industria musical ha cambiado mucho desde entonces, aunque al entrevistado no parece importarle demasiado. “La música siempre será música, y mayoritariamente yo sigo viviendo del presente”.—raúl julián

“

a sensación global que deja Babelsberg es la de un disco sólido, que funciona globalmente después de contar con un motivador más o menos común a todos los cortes. “Tenía un lote de diez canciones melódicas muy sencillas, que pensé que funcionarían como álbum. La primera canción fue Negative Vibes, así que ese fue el comienzo de la búsqueda de esperanza en una época oscura”. Precisamente y atendiendo a la acidez de sus textos, el disco parece una respuesta a la realidad (política, social y tecnológica) en la que vivimos. “En su mayor parte son canciones personales que podrían llegar a ser canciones universales. Pero a veces están directamente influenciadas por la crisis política en la que estamos”. Un claro contraste con la luminosidad esplendorosa que desprende la instrumentación (arreglos orquestales incluidos) elegida para la ocasión. “Tengo la habilidad de subvertir canciones hermosas con letras oscuras y viceversa. Quería experimentar con el pop orquestal lúdico, pero sin que sonara demasiado grandilocuente. No quería hacer un álbum de rock sinfónico, y ese fue el mayor desafío del disco”. El resultado es una obra de pop mayúsculo, que podría ser el mejor trabajo en solitario del galés hasta la fecha, además del más ambicioso. “No puedo ser objetivo, pero creo que quizás es el álbum más coherente que he grabado si entendemos el hecho de que cada canción ha sido creada con la misma paleta sonora”. Hablamos de un autor imaginativo y siempre inmerso en varios proyectos, aunque hayan pasado nueve años desde la última entrega de los añorados Super Furry Animals. “¡Estamos descansando! Somos animales… ¡Estamos en hibernación!”. Sin embargo, hace año y medio el grupo giró para celebrar el veinte aniversario

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FOTO: ARCHIVO

“¿Super Furry Animals? Somos animales… n!” ¡Estamos en hibernació

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septiembre 2018 #13

The

Mirando

he Blaze son uno de los mejores dúos electrónicos de la actualidad. Sus canciones son fantásticas y supuran clase en cada movimiento. Sus componentes son los parisinos Guillaume y Jonathan Alric. Guillaume es el más experimentado musicalmente hablando de los dos, con una larga trayectoria como productor y Dj de dub bajo el nombre de Mayd Hubb. Jonathan aporta una parte musical, pero sobre todo la visual. Nacido en Costa de Marfil, Jonathan estudió cine en Bruselas, algo que ha cimentado sus capacidades para dotar a The Blaze de un imaginario visual muy potente y que se aleja de los estereotipos habituales en la música electrónica. Desde que, hace un par de años, publicaran el clip y la canción Virile todo ha ido hacia adelante con seguridad y manteniendo todo aquello que nos atrapó de su house melódico desde el primer momento. Por el camino han remezclado a gente como M83 o, sobre todo, lanzado las piezas que acabaron dando forma al epé Territory, una excelente carta de presentación. Ahora publicarán finalmente su primer larga duración, Dancehall, de la mano de Because, uno de los sellos más potentes de Francia y el que más capacidades tiene para exportar a sus artistas. Dancehall mantiene una línea parecida al material que Guillaume y Jonathan han publicado hasta ahora (ambos tocan, ambos cantan), aunque la evolución es evidente conforme se suceden las canciones. El espíritu de los The Blaze que nos conquistaron sigue ahí, y eso cuando una banda empieza es fundamental. “Estamos encantados con el disco. Empieza con el The Blaze de antes hasta llegar al The Blaze actual. Este álbum nos ha forjado un poco más, pero todavía nos queda mucho por hacer, aunque por dentro seguimos siendo los mismos”. Los mismos, pero ya con un larga duración en la calle. Un paso indispensable en la carrera de cualquier artista y, en ocasiones, un quiebro para plantearse el futuro de un modo distinto. “A partir de ahora no va a cambiar nada. Vamos a seguir ofreciendo el máximo de emociones posibles. Sin embargo, musicalmente hablando, no nos encerraremos nunca en un estilo concreto, por mucho que nuestra principal inspiración sea la música electro”.

#14 septiembre 2018

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Blaze

a las estrellas, mirando al sol Iba siendo hora de que los franceses Guillaume Alric y Jonathan Alric, primos y partes complementarias que encajan a la perfección en The Blaze publicasen su primer larga duración tras contagiarnos de la magia de sus singles/clips y de Territory, su epé de 2017. Ahora publican Dancehall (Because, 18), sin duda uno de los grandes discos de electrónica de la temporada y una obra que crece y crece con las escuchas. —texto Joan S. Luna —foto Paul Rousteau

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“No nos encerraremos nunca en un estilo concreto, por mucho que nuestra principal inspiración sea la música electro”

Por tanto, la primera gran meta del camino que algún día emprendieron The Blaze era dar forma a un álbum. Quizás el público haya cambiado y los singles sean los que realmente regulen y muevan el mercado, pero los álbumes continúan siendo a día de hoy una suerte de cima creativa periódica con la que los artistas consiguen un plus de respeto frente a crítica, público, promotores e incluso competidores. Dancehall es una versión más grande y más amplia de lo que conocíamos hasta ahora de The Blaze. Dancehall suena tan melódico y emocional como imaginábamos en nuestros mejores sueños. Desde que Opening arranca con piano y percusiones hasta la última nota de piano al aire con la que se cierran Mount y el disco respectivamente, todo guarda una mágica coherencia que nos mantiene a medio camino entre la pista de baile y un estado de duermevela constante que sienta de maravilla. Dancehall relaja y apasiona a partes iguales. Es un disco de amaneceres y de anocheceres, un disco capaz de evocar mil sensaciones y paz, mucha paz. The Blaze serían algo así como la cara poética de la electrónica actual, tanto por sus clips como –sobre todo- por sus fabulosas composiciones. Nos lo dejaron claro ya canciones como Virile, Juvenile o Territory, pero ahora sabemos que nada de aquello fue una casualidad y que Guillaume Alric y su primo Jonathan Alric tienen talento, un talento que fluye lentamente, esparciéndose segundo a segundo por el ambiente hasta crear atmósferas capaces de hacernos soñar con los ojos y el corazón bien abiertos. Las canciones (y los vídeos, no nos olvidemos, con millones de visionados) de The Blaze transmiten estados de ánimo (nostalgia, calidez, tristeza, bondad, consuelo, empatía, esperanza...) con una precisión arrolladora. “Has dado en el clavo. Generalmente empezamos a crear musicalmente un estado anímico. Solemos buscar ese sentimiento que cuesta definir, pero que se parece a una dulce nostalgia que te transporta. A menudo tratamos de meternos en situaciones que favorecen la inspiración, como aislarnos en el campo, irnos a casa del abuelo a componer y cosas así”. Ahora bien, todo ello lo consiguen con unas letras que sugieren ideas más que historias concretas. “Exacto. Has vuelto a dar en el clavo. Y eso ocurre porque preferimos darle a la gente los ingredientes necesarios para que ellos puedan contarse sus propias historias. A menudo decir demasiado es encerrar las emociones. La libre interpretación es más fuerte”. Y como decía eso es algo que se entrelaza el valor de sus clips, mucho más que simples herramientas para dar a conocer sus canciones. De hecho, el trabajo de Jonathan resulta fundamental para entender las intenciones y el universo de The Blaze en toda su extensión. La música suele crear imágenes en nuestro cerebro, y uno diría que las

que estos dos franceses usan para acompañar a su música encajan perfectamente en lo que podamos llegar a imaginar por nosotros mismos. “Esa es la intención. Cuando creamos música, tenemos a menudo el reflejo de pensar en imágenes y viceversa”. Ahora bien, ellos saben huir de los tópicos. De hecho, en cierto sentido se mueven contracorriente. En estos tiempos revueltos describen en sus canciones y en sus clips elementos como la amistad, el amor, el preocuparse por los demás, pequeños detalles que cada día parecen tener menos valor en un mundo de bandos, enfrentamientos y desprecio. “Puede ser que sea así, pero esa no es nuestra primera intención. Solamente puedo decirte que nosotros tenemos mucho amor que dar [...] Para nosotros, en nuestro arte, la poesía puede ser tanto oscura como luminosa. A pesar de todo, como seres humanos que somos, tenemos fe en la humanidad, es decir, pensamos que hay una parte buena en cada uno de nosotros. Como te decíamos antes, lo más importante es despertar una emoción”. Otro aspecto que destaca –y mucho- en sus clips, son los protagonistas elegidos. Sus personajes son árabes o africanos, algunos con estética de banlieue, otros gente que vuelve a su tierra natal, etcétera. Chicos corrientes y algo rudos para transmitir sentimientos puros. “Ese tipo de personas no suele aparecer demasiado en los vídeos. Nuestra voluntad es rodar con ellos para hacerlos resaltar y para crear cierta poesía”. No es de extrañar que sus clips hayan sido reverenciados por profesionales del universo cinematográfico como Barry Jenkins (director de la oscarizada Moonlight) o Romain Gavras (responsable de clips para M.I.A., Justice o Jamie XX, además de director de Notre jour viendra). De ahí que hablemos puntualmente de influencias cinematográficas. Jonathan evita el tema de su posible salto al mundo de los largometrajes tras trabajar como asistente de director en un par de películas, pero sí me descubre qué directores han sido una influencia para su trabajo. “Dentro del cine, todos los directores que me hayan influido son aquellos que se interesan por los temas sociales, por el ser humano y por retratar a hombres y mujeres. Te podría decir desde Abdellatif Kechiche (La vida de Adèle) a Terrence Malick (Malas tierras, El árbol de la vida), pasando por Andrea Arnold (Red Road, American Honey) o Alejandro G. Iñárritu (Amores perros, 21 gramos)”. Hace tres meses pudimos verles en concierto formando parte del cartel del barcelonés Primavera Sound, en el que desplegaron su potencial melódico y visual. “Para los conciertos en directo hemos dejado que otros artistas nos organizaran los visuales para poder concentrarnos exclusivamente en la parte musical. Nuestro reto era transcribir las emociones de nuestros temas, reinterpretándolos en directo y a través de los visuales que los acompañan”. Ahora únicamente cabe esperar que vuelvan a nuestro territorio para presentar en las mejores condiciones las canciones de Dancehall, sin duda uno de los mejores discos de electrónica de la temporada. —j.s.l.

septiembre 2018 #15

WALA. WALA.

“Mi hija tiene casi dieciocho años ahora y no pudo votar en el referendum del Brexit. Está muy frustrada y creo que ella representa a un montón de jóvenes que se sienten como que no pueden cambiar nada. Y necesitamos cambiar eso. Necesitamos seguir hablando de las cosas” Damon Albarn, Gorillaz, en Channel 4

“A Niño de Elche lo trajeron para un festival de cine, y creo que lo escuché. Es una cosa como de circo, ¿no? Pero el tío tiene que tener arte, porque a todos los modernos les ha dado por él.... No creo que le vaya a aportar nada al flamenco”

Dicen que el tercer disco de un artista es el de la madurez. Es posible que ese adjetivo se pueda aplicar a este Manual de jaleo (El Volcán, 18) de El Canijo de Jerez, pero hay que añadir también que es el disco que mejor refleja la filosofía “garrapatera”, o sea la de celebrar sobre todo la vida.

Ricardo Pachón, productor de Camarón, Veneno, Lole y Manuel... en Jotdown

“Cuando estoy sudado en el escenario es cuando se ve mi calvicie. Los fotógrafos siempre se esperan a que esté sudado y roto, entonces disparan sus cámaras” Lee Kiernan, Idles en The Guardian

“Me divorcié hace unos años y no quería hablar sobre ello. No quería que pareciera que me importaba. No quería darle a esa persona la ‘gloria’ de escribir sobre ello y mierdas por el estilo”

El Canijo de Jerez Contra la adversidad

ibera la fiera, Escupe la flama, En el lomo del trueno, La nube que más alto vuela y, cómo no, ese magistral Volar sin alas son algunas de las canciones más frescas, festivas, callejeras, positivas y redondas que haya compuesto nunca nuestro protagonista. Y eso que, según contaban desde su discográfica, El Canijo se fue de viaje a India porque entró en bloqueo. Le llamamos para preguntárselo y le pillamos en Chiclana, de vuelta de un concierto en Almería y preparando la maleta para actuar en un festival. “Sí, es verdad. Me entró un poco de bloqueo creativo. Estuve más de un año de gira con Juanito Makandé, con Estricnina, el grupo que montamos, ¡vaya peligro de gira! Lo pasamos de miedo, pero acabé agotado. Fue una gira muy de rock & roll que me absorbió tanto que no me dio tiempo a plantearme lo que iba a hacer en el próximo disco. Lo tenía en stand-by y cuando me puse a componer, solamente me salían cosas sin sentido. Me faltaba un hilo conductor. Como decía Morente, necesitaba ‘un clavito donde colgar la ropa’. Para mí, el clavito ha sido el viaje a la India”. Siendo gran fan de The Beatles y sobre todo de George Harrison ir a la India era casi obligatorio. “Si a él le influyó tanto, que hasta volvió con otro espíritu, yo quería probarlo también. Me fui con la mochila y la guitarra, sin móvil ni redes sociales. Fue una liberación. Al final este ha sido el disco que más rápido he escrito y compuesto”. Con ese disco grabado ya está metido en una gira interminable que, por primera vez, empezó antes de que saliera el nuevo material a la venta. “Eso no lo hicimos ni con Los Delinqüentes, pero me ha gustado porque

la gente no conoce los temas y así ves su reacción. Además los graba con el móvil y los sube a las redes y eso genera movimiento”. Casualmente o no, justo ahora se edita un recopilatorio de los veinte años de Los Delinqüentes. “Warner nos propuso sacarlo ¡el mismo día que mi disco! Tuvimos que negociar para que lo retrasaran. Nos presentaron unas canciones, pero al final entre Diego, el hermano de Migué y yo elegimos las que pensamos que eran las mejores. Tiene treinta y cuatro canciones y alguna inédita”. Llegados a este punto, me veo obligado a preguntarlo: ¿vuelven Los Delinqüentes? “A mí me gustaría porque es parte de mi vida y seguro que lo pasaríamos genial. Quizás lo podríamos retomar para hacer un disco o un concierto de reencuentro o de despedida, Pero ahora cada uno está con sus movidas y habría que juntarse para hablar con la banda. Está más cerca de lo que creemos. Tenemos muy buena amistad, nos llamamos, hablamos y eso es importante”. —miguel amorós

r Más en www.mondosonoro.com

en concierto

l Irún 14 de septiembre. Expogrow l Nerja 15 de septiembre. Chanquete Festival l Toledo 19 de octubre. Cículo del Arte l Murcia 21 de septiembre. Santomera l Córdoba 18 de octubre. Góngora Gran Café l Valladolid 20 de octubre. Porta Caeli l Albacete 26 de octubre. Anfiteatro Municipal l Valencia 27 de octubre. Sala Moon l Granada 09 de noviembre. Sala El Tren l Murcia 16 de noviembre. Sala REM l Alicante 17 de noviembre. Sala One l Murcia 16 de noviembre. Sala REM l Bilbao 23 de noviembre. Stage Live l Donostia 24 de noviembre. Doka Antzokia l Barcelona 29 de noviembre. Sala Apolo l Zaragoza 30 de noviembre. La Casa del Loco

Oli Sykes, Bring Me The Horizon en NME

“Fue Janet Jackson la que me aconsejó que no tirásemos ninguna de las composiciones que hiciéramos porque algún día podían adquirir un valor que cuando se escribieron no tenían”

rock “Fue una gira muy de a & roll y cuando me puse me componer, solamente o” salían cosas sin sentid

Gary Louris, The Jayhawks en Ruta66

#16 septiembre 2018

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CMY

Mala Rodríguez Marea M Rodríguez

La Mala ha hecho del ‘a mi aire’ un estilo de vida. Y se ha servido de ello para surfear varias generaciones musicales con papel destacado en cada una de ellas. Ahora vuelve al trono con un canto a la sororidad: Gitanas. Hip hop bastardo que encontrará reválida en nuevos temas que saldrán en otoño. Que pase ya el verano.

FOTO: ALBERTO VON STOKKUM

“Todo cambió cuando dejamos de preocuparnos por lo que otros pensaran sobre nosotros”

aría Rodríguez Garrido (Jerez, 1979), para medio mundo Mala Rodríguez, lleva toda una vida haciendo lo que le da la real gana. Desde su debut, Lujo Ibérico (00), se ha reivindicado como mujer, como gitana, como andaluza y como artista (en un momento en que los raperos eran poco más que meros rimadores y casi todos hombres). Lo ha hecho pasito a pasito pero con sonoros golpetazos sobre la mesa: no es ella de embustes. Pero la jerezana clama ahora con mucha más fuerza y en colectivo. Con Gitanas, un tema interseccional que reivincia género y cultura gitana, vuelve al trono. Las mareas feministas tienen nuevo himno. “Feminismo solo hay uno, nada más”. La lucha es la misma para gitanas, payas y racializadas. Así lo argumenta al otro lado del teléfono Mala Rodríguez, acabada de aterrizar en Santiago de Compostela, donde esa misma

en concierto l Madrid 14 de septiembre. Fiestas Fuenlabrada l Lugo 22 de septiembre. Caudal Fest

noche tiene concierto. La rapera rehúye etiquetas y encasillamientos políticos. Si llega a Gitanas lo hace rebuscando en lo que es, mirándose hacia adentro. Y así cree que deberían hacerlo todas las mujeres. “Es cierto que, de algún modo, el feminismo se ha hecho popular, comercial, guay, pero eso no es malo. Cualquier persona que entiende qué significa esa palabra puede interesarse e ir un poco más allá, ver las diferentes batallas que esconde”, matiza. Durante la conversación, sólo queda clara una cosa: nada de caretas. Se ilusiona cuando habla de su nuevo largo y se enoja cuando se le recuerda el supuesto collejazo a Rosalía por el apropiacionismo cultural. “¿Sabes que pasa? No quiero decir nada más. Que cada uno haga lo que le dé la gana. Y si haces algo que está molestando a un sector, pues que éste te dé cuenta. Yo tengo una idea de lo que considero una falta de respeto... Imagínate que yo me pongo a hablar como uno del Bronx cuando rapeo [lo imita]. De aquella entrevista lo único que han plasmado es un titular jugoso para

enfrentarme con otro artista. Cuando este es un debate de un fondo riquísimo”. Por malos ratos que le cueste, La Mala siempre va al meollo del asunto. Lo hace en el mensaje y también en el envoltorio. Gitanas suena a torbellino. Una hostia –como ella dice– “bastarda”: guitarras flamencas combinadas con R&B oscuro. Voz en primer plano y una base que tintinea, hipnótica, y grita: ¡Me protejo solita! No me toques lo que no me suena. Un tema moderno que escupe vísceras y para el que probó varias bases, incluso una de Alizzz. Al final se quedó con la de unos desconocidos por estas costas, Franklin Rodríguez y José Aníbal Vásquez. “El single está de romper las paredes. Probé con varias músicas y de repente escuché esta base y me puso como las cabras. Me colocó. Para mí, todo empieza con las palabras, me pongo a escribir y luego busco los sonidos de las canciones. Ha sido muy bonito esta vez. Se lo debo todo a Frank, El Médico, que me ha ayudado haciendo un research gordo”. La Mala explica que el álbum lo ha grabado a rachas, en periodos de tres semanas en diversos espacios: nada de estudios. “Cuando compongo no tengo horarios, se me olvida hasta el comer. No me gustan los estudios”. Ante la gran pregunta, ¿seguirá el disco los mismos derroteros que el single? Mutis. “El disco… Tendrá que ver con las canciones que he hecho siempre. Yo siempre busco lo que me emociona, lo que me interesa, lo que me importa. Y todas esas emociones conviven con unos sonidos”. Lo único claro es que, para poder pasearse casi veinte años por el panorama nacional e internacional, Mala Rodríguez se ha sabido adaptar. Ahora sacará los temas de uno en uno. Y una cosa está clara: no habrá disco conceptual. Se espera todo variadito, actual. Dice no escuchar mucha música. Pero, tal y como ha declarado en otras ocasiones, le gustan La Zowi y Tomasa del Real. A las últimas generaciones les agradece tener que dar cada vez menos explicaciones... ¿Eres rapera? ¿Eres flamenca? Esas barreras, contra las que ella luchó, se han difuminado. Aún así, tiene un mensaje para los nuevos (que se lo aplique quien quiera). “Hoy va todo muy rápido. Y nunca se sabe. Mola cuando eres una persona que sabe callarse. ¿Sabes una cosa que es muy buena? Comerse el orgullo, comerse un poco los cojones. Eso juega también a tu favor. Al final lo único que importa es si tu eres feliz, pero, claro, eso cuesta entenderlo. Siempre habrá verdaderos artistas que no querrán dinero. Artistas libres”. Ella hace tiempo que no se calla. Va en cascada, de aguas lilas. Y no está sola. —yeray s. iborra

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#18 septiembre 2018

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Dirty Projectors

A qué suena tu cerveza?

Curiosidad e imaginación

A día de hoy, Dirty Projectors es más que la aventura en solitario de Dave Longstreth. Superados algunos baches, le tenemos aquí de nuevo con Lamp Lit Prose (Domino/Music As Usual, 18), en el que le acompaña una larga lista de amistades.

uando su socia Amber Coffman abandonó el barco unos meses después de la publicación de Swing Lo Magellan, Dave Longstreth reaccionó con un trabajo oscuro, una suerte de “disco de divorcio” al que decidió llamar como el propio grupo en una clara señal de resurgimiento y reafirmación. El álbum tuvo muy buenas críticas, un reconocimiento que le animó a recuperar su viejo ritmo de grabación de disco por año. Y así es como quince meses después vuelve con Lamp Lit Prose, un álbum sorprendente y lleno de imaginación producido por él mismo en los estudios Ivo Shandor de Los Angeles. “Eso es lo que busco cuando hago un disco, que esté lleno de imaginación”, nos cuenta vía telefónica. “Es la cualidad que quiero mostrar como compositor, y la que quiero que posean mis álbumes, imaginación y curiosidad”. Caracterizado por intrincados juegos de arreglos, el cancionero de Longstreth engorda ahora con un nuevo repertorio en el que “el esqueleto de las canciones es igual de importante que las vestimentas que le voy poniendo”, asegura. Buscando un sentido más pop a su música, ha intentado que “el ritmo y la melodía sean tan importantes como la progresión de arreglos, superposiciones de capas y demás”, aunque, eso sí, con un tratamiento de

Suena al tiempo que se detiene

estudio marca de la casa. “Sí, es un estilo de producción que quizá me caracteriza. El tratamiento de las guitarras, de las armonías, sí que puede que tenga que ver con lo que he venido haciendo”. Con estos elementos, Longstreth ha elaborado un fantástico “juego de contradicciones, de opuestos que se equilibran a nivel musical, y también a nivel de contenido, en cuanto al espectro de sentimientos que se interconectan en las letras”. Unos textos en los que, curiosamente, menciona a Julian Casablancas. “Que Arctic Monkeys hayan mencionado a The Strokes en su nuevo álbum es una coincidencia divertida”, señala. “A veces, esas cosas se cuelan sin darte cuenta en las letras, intentando buscar alguna sensación con la que mucha gente pueda identificarse. The Strokes han sido importantes para una generación entera, y para serte sincero, admiro mucho a Julian Casablancas. Es un tío súper cool. He salido con él por ahí un par de veces y es un gran cliente para los bares (risas)”. Aunque el también líder de The Voidz no aparece en Lamp Lit Prose, el disco cuenta con numerosas colaboraciones de lujo. Syd, Empress Of, Amber Mark, Haim, Rostam Batmanglij, Robin Pecknold y Dear Nora han participado en la gestación de un álbum que también tiene algo de vuelta a los orígenes, con la reincorporación de la antigua sección rítmica de la banda, Nat Baldwin y Mike Johnson. “Es una mezcla de artistas que me han llamado la atención y a los que he escuchado mucho durante el último año, y de otros artistas que son buenos amigos desde hace tiempo. Me he sentido muy afortunado por tener músicos de tanta calidad artística y humana”.—nacho serrano

José González, Mercury Rev, Oddisee... Teatro Lope de Vega, Madrid José González · 02 de octubre

Teatro Lara, Madrid Mercury Rev · 19 de septiembre

Sala 0, Madrid The Monochrome Set 20 de septiembre

Sala Cool Stage, Madrid Shout Out Louds 28 de septiembre

WOS Festival x SON Estrella Galicia

”

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Del 12 al 16 de septiembre Santiago de Compostela

981heritage SON Estrella Galicia Les Filles de Illighadad Sala 0, Madrid 18 de septiembre Oddisee Shoko, Madrid 20 de septiembre

The Posies 30th Anniversary Tour The Posies + Ramirez Exposure Upload, Barcelona 29 de septiembre

yan “Que Arctic Monkeys hakes mencionado a The Strouna en su nuevo álbum es a” coincidencia divertid mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: FRANK ROTHENBERG

American Autumn SON Estrella Galicia The Handsome Family Café & Pop Torgal, Ourense 28 de septiembre Sala 0, Madrid 29 de septiembre

septiembre 2018 #19

FOTO: ARCHIVO

Con su sexto disco, el trío de Nueva York vuelve a las fuentes para mirar adelante. Marauder (Matador/Popstock!, 18) es una inspirada colección de canciones que, sin inventar nada nuevo, concentra las virtudes de la banda a partir de lo esencial: su vigorosa interacción en el local de ensayo.

Interpol Química orgánica S

am Fogarino, perfeccionista batería de estilo impecable, nos espera al otro lado de la línea telefónica. Podemos adivinar su sonrisa, algo que puede sorprender en quien forma parte de una banda que se ha recreado desde el primer segundo en turbulencias eléctricas y emocionales. Pero todo parece irle de cara a un grupo revitalizado tras la reciente gira que celebró los quince años de su debut. Se han tomado con calma (cuatro años) la publicación de nuevo material. El resultado es un trabajo grabado por el ubicuo Dave Fridmann, que apuesta por la garra del directo, y con un Paul Banks atreviéndose con letras más personales. “Las historias típicas de gente sombría de Paul, ya sabes”, deja caer con cierta sorna el batería. Los vínculos de Marauder con el debut de Interpol, Turn On The Bright Lights (02), se me hacen evidentes -la estética de la portada, las propias canciones-, pero Fogarino matiza: “No creo que quisiéramos tanto ir hacia atrás, sino que hubo un cierto deseo de franqueza, algo que tuvimos en los viejos tiempos. Y fue interesante volver a un proceso similar. Es algo que venía ya dictado cuando empezamos a hacer las canciones”. El batería relativiza igualmente la influencia de la gira. “Estamos orgullosos de aquel disco y era un buen

“Nunca hemos sido políticos, pero la portada era perfecta para estos momento para hacerla. No fue una inspiración musical, pero sí que nos llevamos tiempos” “También se dijo en los setenta que el rock iba a desaparecer”

EL APUNTE

Dave Fridmann Dave Fridmann es un hombre solicitado. Su sonido ha convencido a gente tan diversa como Mogwai, The Flaming Lips, Sleater Kinney, Beth Orton, Vetusta Morla o MGMT. El sonido aguerrido y directo de Marauder sorprende en un productor dado a lo expansivo y las capas de instrumentos, que ha sido calificado como una especie de Phil Spector del rock alternativo. ¿Cuál es su secreto? (Fogarino) “Es como un profesor. De hecho, enseña ingeniería de sonido en una universidad. Y fue facilísimo trabajar con él. Te motiva de manera muy sutil. Cuando quería cambiar algo, te ponía en tu sitio: simplemente, no querías decepcionar al profesor”. Curtido como bajista y fundador de Mercury Rev, banda de culto de los noventa, Fridmann regenta su estudio residencial Tarbox Road en un paraje boscoso de las afueras de Nueva York, donde ha grabado decenas de discos de referencia. —j.c.p.

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de vuelta ciertas vibraciones al estudio. Al final, sentimos que estábamos yendo mucho más allá de Bright Lights”. Esas vibraciones fueron las que, paradójicamente, se empeñó en recoger el productor Dave Fridmann. Digo “paradójicamente” porque, aunque ha grabado de todo, se le asocia más a discos muy elaborados. El batería insiste en que “gran parte del resultado final tiene que ver con lo que él oyó y cómo pensó que deberíamos mirar adelante. Hubo mucha química cuando nos juntamos a componer esta vez, mucha vitalidad, y la mantuvimos en la grabación. Así que este disco se refleja en los primeros en cuanto al enfoque: grabamos directamente a cinta e hicimos cuantas tomas en directo pudiéramos, en lugar de meter recordings”. Fogarino admite que el estudio puede convertirse “en una gran trampa. La esencia de una banda de rock es una guitarra, una voz y un bajo. En mi caso, algo hizo click, y creo que esto nos ha pasado a los tres. Nos hemos dado cuenta de que nos encanta hacer lo que hacemos. La llama sigue prendida y, al final, es esa química la que te hace seguir adelante”. De modo que su especialidad, esa rara combinación de intensidad, melodías y atmósferas tenebrosas, vuelve a brillar. “En lo musical -admite el batería-, creo que siempre hemos tenido algo de eso en nuestro ADN. Podemos pasar de partes muy animadas a cosas más sombrías y oscuras. Puede suceder en un mismo tema, porque las canciones, en cierto modo, se dictan a sí mismas, te dicen a dónde quieren ir”. Fogarino no tiene tan claro de dónde, más allá de la química del trío en el local, vino la inspiración para su nuevo

trabajo. “Es algo muy difuso. Muchas veces son cosas sutiles. En los últimos dos años he oído mucho r’n’b y música que no tiene nada que ver con Interpol. Había muchos baterías afroamericanos (como Al Jackson Jr., batería de Otis Redding) que tenían un groove muy pesado, y me preguntaba si podría aplicar eso al grupo. ¿Sonaría ridículo o funcionaría? Party’s Over es mi versión del batería de Can haciendo r’n’b. Con tonterías como esa, tratas de hacer algo nuevo y fresco”. Además, el papel de Paul Banks con el bajo se ha consolidado en el estudio. “Ya hizo un trabajo estupendo con El Pintor, pero ha ido mucho más lejos. Vio que aquel experimento funcionó y ahora es mucho mejor. No quería ni acomodarse ni hacer cosas abiertamente complejas, ha trabajado de la hostia y ahora es muy divertido tocar con él. Tiene muy buen sentido del ritmo, y a estas alturas sería ridículo meter alguien a tocar el bajo. Además, discutimos demasiado entre los tres. Meter una cuarta voz sería demasiado”. Pudiéndose interpretar también Marauder como enésima reivindicación del rock, le planteamos si el género está en crisis entre la gente más joven, pero nada puede derribar su optimismo. “Es una cosa que ha pasado desde el principio. Hay momentos en los que deja de estar de moda. Pero siempre va a haber alguien que descubra algo del pasado y lo renueve. Recuerdo que en los setenta, cuando la música disco estaba a tope, se decía también que el rock había muerto, que no volvería a levantar cabeza, y aquí estamos, hablando de ello, así que me imagino que algo sigue importando”.

—josé carlos peña

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septiembre 2018 #21

EN PORTADA

CRiTICANDO Big Red Machine Jagjaguwar/ Popstock!

Corazón FOLK / Vernon y Dessner quieren abrir caminos nuevos, también extraindustriales: corazón (esa ‘gran máquina roja’), amor, amistad y energía. Cuatro palabras que se pueden leer en el manuscrito que Big Red Machine elaboraron para confeccionar el artwork del disco. Una lluvia de ideas, cuatro simples conceptos que hablan, en esencia, de la nueva estabilidad de Justin Vernon, que salió del dolor de una ruptura con el ya mítico For Emma, Forever Ago (2008) y que más tarde superó miedo y ansiedad con 22, A Million (2016). Dicho de otro modo: cuando uno deja de mirarse con angustia hacia dentro, puede empezar a mirar hacia fuera. Qué mejor que con amigos como Aaron Dessner. Diez canciones que boicotean el folk y el indie rock y que tienen, se mire por donde se mire, un ojo puesto en la experimentación. Las guitarras retienen algo de Sleep Well Beast, pero el patrón del rock se rompe con percusiones troceadas y arreglos electrónicos glitch. El empaque definitivo lo da la voz en primer plano, tratada lo justo, de Vernon, que canta como si lo hiciera en el salón de casa (Forest Green). Parte de la candidez de la cabaña en la que se acabaron de gestar las canciones quedó impregnada en el álbum. Big Red Machine no es redondo, pero huele a leña, a familia. A un buen recuerdo con un amigo; mucho mejor, más idílico a veces, que el pasado en sí. Que nadie espere encontrar en Big Red Machine un álbum de Bon Iver, ni de The National. Lo es de ambos, pero también de Richard Reed Parry (Arcade Fire) y de tantos otros que han colaborado en él. Todos somos la gente con la que nos encontramos, y las músicas que compartimos con ellos. Justin Vernon y Aaron Dressner han querido, simplemente, convertir esa idea en un disco bello y bastardo. —y.s.i.

#22 septiembre 2018

BIG RED MACHINE

a ciudad estadounidense de Cincinnati fue fundada en 1788. Pero la mayoría de americanos no supieron ubicarla en el mapa hasta los años setenta del siglo pasado. Todo cambió cuando su equipo de béisbol, los Cincinnati Reds, empezaron a hacer historia. A los ocho magníficos que dominaron la liga durante más de una década se les apodó Big Red Machine. El término, acuñado en 1969 por un periodista del Cincinnati Enquirer, el tabloide local con más tirón, enseguida hizo fortuna y todavía hoy los aficionados de Ohio sacan pecho recordando al mítico combinado, a la gran máquina roja de los home runs. Tanto es así que, para Aaron Dessner (Cincinnati, 1976), citar a los Reds son palabras mayores. Subir a una especie de desván a desempolvar recuerdos de crío: el multiinstrumentista de The National es de los que podría nombrar uno por uno aquel equipo irrepetible. Parco en palabras, y diplomático como si en lugar de haber nacido bañado por las aguas del Misisipi lo hubiese hecho por las del Támesis, Dessner sólo pierde la compostura al recordar, cuando todavía era un renacuajo, a los Red Machine. “¡En 1976 los Reds se comieron a los Yankees! ¡Siempre me lo contaban! Es parte de mi historia”, rememora. Esa poderosa ancla a la infancia ilustra ahora un nuevo proyecto, compartido con Justin Vernon (Bon Iver), Big Red Machine, que también tiene mucho que ver con volver a aquellos primeros años de inocencia. Al descubrir más primario y lúdico. Pero, ¿por qué carajo aceptó Justin Vernon, siendo él de Wisconsin, llamar a la banda como un equipo de béisbol de un estado a kilómetros del suyo? Era 2008 cuando Dessner y Vernon se conocieron vía MySpace, para colaborar en un tema para un álbum benéfico, Dark Was The Night. “Le iba a pasar unas bases a Justin y quise nombrarlas Big Red Machine. Era solo una prueba, una tontería. Pero cuando convertí la pista, el Pro Tools [software de audio] interpretó el título que le había puesto como ‘heart’ [corazón]. Me gustó que entendiera eso. ¡Ahora hay un corazón en la portada de nuestro disco! Así que al final, Big Red Machine significa amistad, la que me une con Justin, e infancia”, justifica telefónicamente Dessner desde algún lugar de Dinamarca (su mujer es danesa). Aquella primera toma de contacto, aquella casualidad, dio paso a nuevos encuentros entre los dos músicos americanos. Fue en un momento en que Dessner empezó a barruntar la idea de cambiar de rutinas, después de más de veinte años girando con The National. En 2015, durante la celebración del festival Eaux Claires, creado por Dessner y Vernon, ambos lo vieron claro: debían montar una plataforma cooperativa donde lo que primara fuera la creación. Un año después, en Berlín, conocieron la experiencia de las residencias artísticas. La mecha había prendido. “Fue algo muy trascendente para nosotros. Llevábamos años sintiendo la necesidad de crear un lugar en el que las ideas crecieran sin presión comercial. Hacer una comunidad que con el tiempo fuera más allá de nosotros: dar voz a más personas. Conectar a la gente”, añade. “Con PEOPLE queremos crear música, visuales, de todo... Y que sea sostenible, pero independiente de las grandes corporaciones”, dice Dessner. Al directorio de PEOPLE, consultable en una web bajo el mismo nombre (separadas las letras con guiones), ya se han unido artistas de la talla de Sharon Van Etten, Sufjans Stevens o Ryuichi Sakamoto. Hace pocos días, la iniciativa de Vernon y Dessner también quedó plasmada en un evento de showcases, el PEOPLE Festival. Allí tocaron Feist, Francis And The Lights o Parcels.

Juego de niños

Justin Vernon (Bon Iver) y Aaron Dessner (The National) tardaron casi diez años en cuadrar agendas para trabajar juntos. Pero lo lograron. Y desde entonces ha sido un no parar. Ahora, bautizados como Big Red Machine lanzan Big Red Machine (Jagjaguwar/ Popstock!, 18) bajo su propia plataforma cooperativa, PEOPLE. Las personas en el centro. —texto Yeray S. Iborra

n paralelo al impulso de la nueva plataforma de cooperación entre artistas, Vernon y Dessner siguieron intercambiando mails con más músicas, con más ideas. Una vez terminados los compromisos con sus proyectos propios, a mediados de 2017, se encerraron a sumar temas para su debut homónimo, Big Red Machine”, que aparece

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G D E

en formato físico en asociación con el sello Jagjaguwar. Long Pond, una cabaña que Aaron Dessner había comprado años atrás, el esqueleto de una granja del siglo XVIII en Hudson Valley (Nueva York) donde el músico creó un estudio que también vió nacer Sleep Well Beast, el disco de The National del año pasado, fue el cobijo ideal. Por allí pasaron amigos y conocidos y hasta los propios hijos de los músicos. El resultado son diez temas de folk cálido pero descamisado. De vanguardia. Canciones comidas de ruidos orgánicos. Loops y loops junto a melodías vocales de la factoría Bon Iver. Un cajón de sastre exquisito. Un patio de recreo con dos genios al timón. “La idea era estar sentados alrededor del fuego haciendo canciones. Y ya. Big Red Machine ha sido solo experimentación; algo no acabado, salvaje. Con amigos. Por eso en el libreto hay tantas referencias al amor, a la amistad. Porque hemos hablado mucho de ello. Al final hemos descubierto que la creatividad se da mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

gracias a la amistad. Trabajando juntos, intentándolo. Abriéndose. Big Red Machine es el porqué de la música, volver a la sensación de cuando empecé a tocar cuando era pequeño”, acompaña Dessner, con voz entrecortada. “Con los años te alejas de eso. Y lo más importante es mantenerte pegado a esa parte de tu yo niño”. Esa misma filosofía, la de Big Red Machine, la de PEOPLE, también ha permeado los directos que han hecho con Vernon. “Antes de entrar a Long Pond a grabar ya probamos todo esto en directo, en Wisconsin y Copenhagen: improvisamos delante de la gente todo el rato. Las canciones no tenían ni principio ni final. Eso me recordó a bandas como Grateful Dead, que en los sesenta no hacían nunca los temas igual”, razona, cuando la conversación toca a su fin. Antes de colgar, Dessner se despide con un deseo: seguir jugando. “Es muy divertido lo de las actuaciones normales, ante grandes audiencias. Pero con Justin, con Big Red Machine, queremos hacer cosas especiales. Pocos conciertos, alguno en Nueva York, alguno en Europa. Pero no hay nada cerrado. Ya nos pondremos”. —y.s.i.

Imágenes de la grabacióon del disco en Long Pond, Hudson Valley, NY y April Base

septiembre 2018 #23

MONDO FREAKO

Algo se mueve en Londres. Como muestra, Goat Girl (Rough Trade/Popstock!, 18), el debut del jovencísimo cuarteto femenino el mismo nombre que renueva el espíritu iconoclasta, abrasivo y abierto de miras del post-punk.

FOTO: CHARLOTTE PARTMORE

Goat Girl London Calling

RRSony ha llegado a un acuerdo con

los dueños de la herencia de Prince, liberando casi trescientas canciones pertencientes a la etapa que va de 1995 a 2010. Eso significa que ya puedes escuchar en plataformas de streaming un total de veintitrés discos de estudio del artista y una antología de treinta y siete canciones de ese período.

TAN. LEJOS.

RRTras lanzar hace un par de meses

Ultimatum, una colaboración con Fatoumata Diawara, Disclosure presentan dos nuevos temas construidos alrededor de melodías de aires jazz procedentes de canciones

Maka Suma y sigue

de los cuarenta y cincuenta. Se trata de Moonlight y Where Angels Fear To Tread. RRFour Tet ha lanzado vía Ban-

dcamp el álbum el álbum Live At Funkhaus Berlin, 10th May 2018, un título que necesita poca explicación. La sesión incluye temas recientes, antiguos, temas a los que le da la vuelta por completo, pero todo sin romper la coherencia del mix. El álbum consta de diecisiete cortes y se puede comprar en Bandcamp, en formato digital únicamente, por aproximadamente siete euros.

RREl 19 de octubre se estrena Halloween, una nueva película que funciona como secuela de la original de 1978, y aunque John Carpenter no está a cargo de la dirección sí se ha encargado de su banda sonora, que será publicada por Sacred Bones ese mismo día. Pero la gran noticia es que Carpenter actuará el 13 de octubre en el Auditori Meliá de Sitges, dentro del Festival de Cinema Fantàstic de Catalunya de la localidad catalana. Las entradas –desgraciadamente- se agotaron volando. RRY ya que estamos con cine,

el 12 de octubre se publicará A

Maka sigue desvelando nuevos singles de su nuevo largo, Dvende, a medida que cierra fechas de shows en vivo y suma sold outs. Con su mestizaje de flamenco y rumba con ritmos de 808, reggaetón y bachata, el compadre de Dellafuente no deja de ampliar horizontes y cada vez suma más y más seguidores.

FOTO: ARCHIVO

P #26 septiembre 2018

ara comprender la magnitud de la propuesta solamente hace falta ver un concierto suyo, como uno de los dos que dio en Barcelona: niños llorando de emoción, madres coreando las canciones, adolescentes bailando. ¿Qué tiene de especial un show de Maka? Un show mío es como un gazpacho, tiene muchas cosas. Tiene temas sentíos, de mucha emoción y luego pasas a bailar con otros... Tiene mucho mestizaje,

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Rough Trade/ Popstock!, Post-punk 8/10

ma “La gente le da muchísi importancia a cosas s irrelevantes. Las rede sociales y la realidad una virtual no tienen ning importancia” modo que no te sientes apremiada para grabar, sino que todo es muy relajado. Es un tío humilde, servicial. Una de las personas más majas que he conocido nunca”. Ambas se sienten igualmente cómodas con la etiqueta “post-punk” (asociada a nombres míticos como The Slits o The Raincoats), porque, como apunta Lottie, la palabra “no se refiere

da, que colgó recientemente cuatro nuevas piezas. Además de dos canciones propias, ha dado a conocer dos edits de A Tribe Called Quest y Sade. Estos se suman a otros que ya hizo anteriormente de clásicos del r&b y el rap como TLC, Mary J. Blige o Jill Scott.

—MS

RROtro artista que

lanza también nuevo material es el canadiense Kaytrana-

como el mismo duende, una energía que te transporta. Te puedes emocionar porque estoy hablando del sufrimiento de una madre, o podemos estar de bailoteo... Hablo de la vida, de las drogas, del sufrimiento de la familia que está metida en eso... Es como una montaña rusa. —¿Cómo has conseguido condensar a gente tan distinta? Yo creo que es por el tipo de música. He mezclado una cosa muy de toda la vida, como la rumba, el flamenco, con la música actual. Le he dado un lavado de cara a la fusión flamenca y lo he llevado a estos ritmos de ahora, como el reggaetón, el trap, la salsa o la bachata incluso... Al llevarlo a estos sonidos, lo escucha tanto gente joven como las personas de antes, porque le doy un contenido, no hablo de tonterías. Toco temas serios y los canto como son, con crudeza... No le hecho azúcar para que te siente mejor. Si mis canciones son amargas, son amargas, pa’ que llores. —¿Has contado con colaboraciones? Muchas. Rels B, Dellafuente, Daviles de

Novelda, un chaval de Alicante que está haciendo fusión flamenca muy buena... Químico Ultramega, de República Dominicana y que está trabajando con Arcangel, Bad Bunny y esa gente... Y alguna sorpresa más bomba que no te puedo revelar. —Nunca has tenido miedo a mostrarte vulnerable en tus canciones. ¿Crees que en la música de calle es algo que no se suele mostrar? En este mundo de la música urbana, en el rap, siempre se quieren hacer los más chulos, el que más tiene, el más follao... Mi particularidad es que me muestro tal como soy, es parte de mi pureza. Muchos temas me juegan malas pasadas en los directos porque son muy cercanos a lo que he vivido, y al cantar lo paso mal. Pero eso también se transmite al público, se crea buen ambiente y es como debería ser la música para mí.—aleix mateu

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“me gusta usar la música para abrir una conversación o un debate”. Ambas hablan maravillas del Windmill Brixton, espacio de resistencia artística en una ciudad fatalmente homogeneizada. Y siguen considerando su salto al sello de The Smiths “una locura. Todavía no nos lo creemos, porque empezamos como una banda de dormitorio, sin ninguna pretensión. Era inconcebible. Fichar por ellos y compartir catálogo con gente que nos ha inspirado tanto ha sido grandioso”. Todo lo contrario que el Brexit, que Rosie considera “ridículo; ya ni me molesto en leer sobre el tema, porque es estúpido”.

tanto a un género sino a un movimiento que englobó muchas cosas”. Pero no reniegan de influencias más terrenales, como el pop comercial de los primeros dos mil. Para sus letras, Lottie encuentra inspiración en “cosas muy diversas. Las experiencias negativas me llevan a vengarme o contraatacar escribiendo. Pero hay veces que estoy jugando con acordes y de repente me viene una melodía para la que encuentro letra y tiene un sentido rítmico”. Eso sí, siempre con la ironía o el sarcasmo por delante, por la influencia de cómicos como Bill Hicks o Chris Morris. “El humor es muy importante. No tomarte todo en serio es algo muy británico. Incluso nuestras melodías son un poco traviesas”, asegura. Sin ir más lejos, en I Don’t Care Pt. 1 se despachan contra el hipsterismo. “La gente le da muchísima importancia a cosas irrelevantes. Las redes sociales y la realidad virtual no tienen ninguna importancia. Da igual qué peinado lleves o cómo te juzgue la gente”, sostiene Lottie. En un plano más serio,

—josé carlos peña

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BIME Los días 26 y 27 de octubre llega una nueva edición de BIME Live, festival musical de referencia en otoño que se celebra junto a la feria europea dirigida a la industria musical y digital (BIME Pro). La sexta edición contará con las actuaciones de artistas como Fever Ray, Slowdive, Jose Gonzalez, John Maus, Sun Kil Moon, Aphex Twin, MGMT, Editors, Jon Hopkins, Stephen Malkmus & The Jicks, Kurt Vile & The Violators, Unknown Mortal Orchestra, Damien Jurado, Rolling Blackouts Coastal Fever, The Magic Gang, Vulk, Belako, Nina Kraviz, Daniel Avery, Mumdance, Marc Piñol y Hugo Capablanca C.P.I., y el DJ guipuzcoano Alain Elektronische. Es decir, un cartel variadísimo que incluye desde shoegaze hasta electrónica con personalidad propia. Recuerda, si eres profesional del sector, que BimePro se celebra los días 24 a 26. —MS www.bime.net

ALBERT HAMMOND JR.

Soundtrack For A Film, el doble CD y cuadruple vinilo que recoge la banda sonora que Factory Floor han creado para el clásico Metropolis de Fritz Lang. En total son diecisiete piezas que mantienen el espíritu del dúo al tiempo que encajan perfectamente con las imágenes.

Goat Girl

Dcode

FEVER RAY FOTO: ARCHIVO

o es casual que el mítico sello Rough Trade esté detrás de estas diecinueve viñetas concebidas como sarcástica reacción al estado de las cosas en Londres y, por extensión, en el Reino Unido. Goat Girl es un disco fresco, aguerrido y divertido, que se beneficia de la sapiencia del productor Dan Carey (Kate Tempest, Franz Ferdinand). Hablamos con Lottie (voz y guitarra) y Rosie Bones (batería) en las oficinas de su distribuidora española. Se las ve entusiasmadas con el momento que están viviendo. “Hay un subtexto común entre todos los cortes del disco –unidos mediante interludios-. Escribes sobre lo que pasa a tu alrededor, sobre los cambios sociales o la manera en que la gente se relaciona. Las canciones se acaban fundiendo como personajes, y queríamos conseguir esto musicalmente. Además, a mí me gusta escuchar álbumes enteros”. Rosie se deshace en elogios hacia el productor, Dan Carey, que ha tenido un peso importante en el sonido. “Su estudio está en su casa, de

Meses después de agotar las entradas en el WiZink Center, Imagine Dragons encabezan el cartel de la octava edición del festival Dcode, que tendrá lugar el 8 de septiembre en el Campus de la Universidad Complutense de Madrid. El resto de grupos confirmados se enmarcan mayoritariamente en el indie, tanto estatal –Izal, Sidonie, Viva Suecia, Grises o Triángulo de Amor Bizarro– como internacional, caso de Bastille, The Vaccines, Kakkmaddafakka o Albert Hammond Jr. Otros participantes serán la cantante soul Jorja Smith, Clairo, Sam Fender o Nat Simons. En el momento de cerrar este número todavía no se había elegido el artista ganador del concurso Bdcoder, que también actuará en el festival. En años anteriores los ganadores fueron Zeno & The Stoics (2012), Fuckaine (2013), Kitai (2014), Fizzy Soup (2015), Cintia Lund (2016) y Marem Ladson (2017). —MS www.dcodefest.com septiembre 2018 #27

MONDO FREAKO

e acabó lo que se daba. Llegó septiembre y toca encarar una nueva temporada de asueto tras el necesario y saludable desenfreno del verano. Como si de fin de año se tratara, la gente se carga de buenos propósitos al tiempo que hace balance y se plantea una vez más el futuro. Forma parte de un proceso digamos natural en el que la esperanza que proyectamos es mayor en función de las expectativas que hayamos logrado generar. En esa dinámica es en la que se encuentran inmersos Rufus T. Firefly tras un último año que solo cabría calificar de fantástico para su carrera. Han sido uno de los principales atractivos de los carteles festivaleros de nuestro país. Y lo han sido gracias a la eclosión de Magnolia, su disco del año pasado (número nueve en las listas de Mondo Sonoro), pero también por la solidez de un directo en el que sus canciones crecen, ganan en pegada y forman ese todo psicodélico que la banda no cesa de perseguir. Fruto de esa constante búsqueda nos encontramos ante la primera de las paradojas de Rufus T Firefly. Cuando lo que dicta la lógica sería continuar por la senda de lo trazado, ellos ya están pensando en mutar, en hacer algo distinto. Pero antes han tenido que pasar por el proceso de elaboración de Loto. Se trata de un último trabajo que se editaba el pasado mes de junio y que,

“Si no hubiéramos tenido esa voluntad de cambio no estaríamos aquí. Seguiríamos haciendo canciones muy noventas y seguiríamos intentando ser Smashing Pumpkins” en cierta medida, suena a apéndice del anterior. Algo así como su reflejo más psicodélico. (Víctor) “Es cierto que se quedaron unas ideas ahí pendientes cuando grabamos Magnolia. A esas ideas se les han unido otras que por ejemplo han surgido durante las pruebas de sonido. Momentos en los que se ponían Julia (batería) y Miguel (bajo) a improvisar mientras yo les grababa a escondidas con el móvil para luego trabajar sobre eso. Pues de esa serie de cosas ha salido este disco. Y yo no lo veo como un disco de descartes de Magnolia. Lo veo como un disco de continuación o si me apuras de finalización de una etapa. Es como que con Magnolia abrimos una vía de sonido en nuestro estilo y con Loto la hemos querido completar. En Magnolia había cosas en cuanto al sonido en las que nos habíamos quedado un poco como a medias y, con la experiencia que nos ha dado tocar estas canciones en directo, es como hemos podido llegar a hacer Loto. Ahora lo que queremos es tocar durante los próximos meses estos dos discos juntos, para luego tomarnos

un descanso y hacer otra cosa totalmente distinta”. Borrón y cuenta nueva que, si nos paramos a pensar, forma parte de ADN de cualquier grupo que se considere a sí mismo psicodélico, entendida la psicodelia como... “A mí no me parece un estilo. Me parece una forma de enfrentar las canciones. Hay temas de grupos que a priori no son psicodélicos como Radiohead que tienen mucho de psicodelia. Porque para mí se basa en una manera más intimista de componer, como si la música surgiera más hacia dentro que hacia afuera. Sin embargo, ese hacer interior no ha impedido que surjan en el cancionero de Rufus T. Firefly temas con el suficiente poder melódico para enganchar a un público que a menudo tildamos de festivalero. Ahí llegamos a la segunda de nuestras paradojas. “Sin duda el tener esas canciones ha sido clave para que podamos crecer. Eso está clarísimo. Lo que pasa es que ha sido sin querer. Tú dices que esos temas son hits y yo te digo ¡joder tío! no lo hemos hecho aposta (risas). Digamos que nuestra intención a la hora de hacer Última noche en la tierra o por ejemplo Pompeya o cualquier otra canción, era la misma. Nosotros hacemos canciones según nos van viniendo las ideas y en ningún momento hemos pensado: ‘esta va a ser la canción con la que conecte le gente’. Si supiéramos hacer eso, igual lo hubiéramos hecho antes. Pero no, no sabemos. Y si en Loto no ha sucedido, tampoco pasa nada. No es lo que pretendemos. Agradecemos mucho conectar con la gente, pero no sabemos por qué motivo ha pasado. De hecho hay mucha gente que me pregunta: ‘¿cuál ha sido la clave de que Rufus haya pegado de repente ese subidón con Magnolia?’. Y la verdad es que no tengo ni idea”. Da la impresión de que todo lo que orbita alrededor de Rufus T. Firefly tiene que ver con la incertidumbre. Solo hay que fijarse en la forma en la que me anuncian que van a cambiar, pero no tienen ni idea de precisar hacia dónde encaminarán sus próximos pasos. Mientras con Víctor comento sobre la posibilidad de tirar hacia esa electrónica orgánica (¿paradoja?) “tan tocada, pero electrónica al fin y al cabo” que practican Four Tet o Apparat, Julia me habla de la libertad de grupos como King Gizzard que “han editado cuatro discos en un año y hacen lo que quieren de verdad y lo transmiten... Además me gustan mucho el rollo que tiene la batería. Esa forma de mezclar el jazz de una manera que antes no había visto”. Múltiples

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#28 septiembre 2018

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CRiTICANDO

Rufus T. Firefly La eterna paradoja Tras más de una década de carrera, todo parece haberse precipitado alrededor de Rufus T. Firefly con motivo de la publicación el año pasado de Magnolia. Con Loto (Lago Naranja, 18) han querido profundizar en su vertiente más psicodélica, fruto de los numerosos conciertos en los que han participado. Sin embargo, Víctor Cabezuelo y Julia MartínMaestro ya están pensando en cambiarlo todo de nuevo. Veamos el porqué. —texto Don Disturbios —foto Iris Banegas

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expectativas a las que llegan porque lo suyo se basa en el continuo cambio. De lo contrario... “Si no hubiéramos tenido esa voluntad de cambio no estaríamos aquí. Seguiríamos haciendo canciones muy noventas y seguiríamos intentando ser Smashing Pumpkins, que está guay, no lo critico, pero nosotros tenemos la necesidad de no repetirnos. Y no nos gusta que la gente sepa lo que le vamos a dar. No nos gusta ser muy complacientes con el público. Creemos que es importante que, de alguna manera, las bandas moldeen el gusto del público y no al revés. Y además me parece importante para la música que esté en poder de los músicos, aunque el factor publico sea muy importante, pero hacer un tipo de música porque es lo que está de moda, o porque es lo que más se demanda... no sé, lo veo un poco frustrante”. De lo que no cabe duda es de que, vayan hacia dónde vayan, se han ganado por derecho propio el que nos mantengamos muy atentos a sus próximos pasos. Sean los que sean, seguro que estarán hechos desde profundo amor por el oficio de hacer canciones. El mismo que te lleva hacia adentro, para que se proyecte con fuerza hacia afuera. ¿Acaso no hablábamos de paradojas?

—d.d.

Loto

Lago Naranja, 2018 Pop-Rock 8/10

La llegada al nirvana La flor de loto es un símbolo de pureza, y se puede decir con orgullo que Rufus T. Firefly son de lo más puro que puebla nuestra música independiente. Con el aroma de Magnolia (17) –merecido reconocimiento y pasaporte a nuevos públicos y escenarios– se inició un viaje psicodélico que parece alcanzar su Nirvana particular en estas ocho canciones, pues no son descartes, sino temas con entidad propia que completan un álbum en dos partes año y medio después. La teoría se plantea desde las primeras estrofas (Druyan & Sagan) y la práctica es el hilo conductor, porque para dar con el lago en el que florece el loto, hay que dejar el sendero y abrirse paso por el bosque. Así han hecho los de Aranjuez, que en la aventura personal que supuso renacer con una nueva alineación han dado con un sonido consistente ya propio de estos Rufus, tan compenetrados y liberados que la experimentación fluye y funciona a todos los niveles. Valgan ejemplos como esa jam entre batería, bajo, sintetizadores y teclados tan de The Stone Roses de San Junipero o Final Fantasy, pieza en la que una banda amante de un buen riff deja las cuerdas de lado. A todo esto podemos sumarle el homenaje a The Beatles con un Lucy In The Sky With Diamonds que han llevado a su terreno y la liberación compositiva que implica la ausencia de metáforas de Un insignificante momento, etcétera… Para su autor, Víctor Cabezuelo, Loto da cuenta de la efervescencia creativa de una banda que, estando de gira, dio de forma natural con una segunda parte al trabajo iniciado un año atrás, la mitad luminosa del jardín que marca el fin del viaje y el cierre de una etapa.

—beatriz h. viloria

septiembre 2018 #29

AgeNda. septiembre.

MONDO FREAKO

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#30 septiembre 2018

Perotá Chingó Barcelona (9 septiembre, Casino l’Aliança del Poblenou, 10 septiembre, Sala Apolo) Granada (14 septiembre, Teatro Municipal José Tamayo) Málaga (15 septiembre, La Cochera Cabaret) Sevilla (16 septiembre, El Teatro de Triana) Bilbao (18 septiembre, Teatro Campos Elíseos) Zaragoza (19 septiembre, Teatro de las Esquinas) Valencia (20 septiembre, La Rambleta) Madrid (22 y 23 septiembre, Círculo de Bellas Artes)

Aunque al dúo que forman Júlia Ortiz y Dolores Aguirrelas las hizo famosas un vídeo viral, Perotá Chingó nunca perdió la conexión con la tierra. El folklore argentino sigue vivo en su segundo disco, Aguas (TAI Records, 2017), que presentarán este mes en otra de sus giras autogestionadas.

orría el verano de 2011 cuando un vídeo vuestro interpretando la canción Ríe chinito sumó un millón de visitas en muy poco tiempo. ¿Cómo fue aquella historia? Estábamos recorriendo toda la costa uruguaya de mochileras cuando llegamos a Cabo Polonio, una reserva ecológica en la que no tienen luz ni llegan los coches, por lo que se crea un ambiente muy especial. Pocho

Álvarez nos había visto tocar la noche antes en un pequeño bar iluminado con velas, por lo que tenía en mente una imagen muy linda. Nos dijo que le encantaría hacernos un vídeo y grabarlo porque le gustaba mucho lo que hacíamos. Así que nos encontramos al día siguiente en la playa y nos filmó el vídeo de Ríe chinito. Pasado el verano, alguien lo subió a Vimeo y ahí empezó todo. —Sois de Buenos Aires y os habéis identificado con una cierta escena urbana, pero vuestra música a menudo bebe de la Argentina profunda, del folklore... Nosotras nos movemos en una mixtura bastante grande entre el folklore argentino y el folklore latinoamericano. Hemos viajado y hemos traído música de otros lados. Entre nosotras, Lola quizá hace una búsqueda más hacia la raíz, lo folklórico, y yo me centro en algo más urbano y electrónico.

Las Pastillas del Abuelo Barcelona (26 septiembre, La Nau) Valencia (27 septiembre, Peter Rock) Alicante (28 septiembre, Marea Rock) Granada (29 septiembre, Booga Club) Málaga (30 septiembre, La Cochera Cabaret) Vigo (2 octubre, La Fábrica de Chocolate) Bilbao (3 octubre, Azkena) Madrid (4 0ctubre, Caracol)

Podríamos afirmar con seguridad que es uno de los grupos más importantes de la actual escena argentina. Sus canciones son himnos para una generación que les arropa. Ahora se acercarán hasta España con una extensa gira de presentación de su rotundo directo Vivo de Las Pastillas. Locura y realidad (Crack Discos, 17)

ivo de Las Pastillas. Locura y realidad es la mejor carta de presentación posible para el público que no os conoce. Por un lado por el repertorio, por el otro porque deja muy claro lo que sois en directo. ¿Hay algún disco que os parezca mejor introducción a lo que sois como grupo? Es algo muy complicado teniendo en cuenta que cada disco tiene su propia identidad. El disco Crisis (Crack Discos, 08) tiene algo muy particular ya que es el primer disco conceptual. El arte tiene a los opuestos complementarios como diseño y las canciones son todas preguntas. Un disco introspectivo y una buena introducción a lo que somos. —La canción El sensei fue el primer paso importante para el grupo, pero me gustaría saber cuál es el momento clave de vuestra carrera. ¿Podría ser Oportunistas? El Sensei fue un tema que nunca se ha grabado, pero la versión acústica se volvió un exito. Cuando crecimos en exposición nos dimos cuenta que, como comunicadores, teníamos otras cosas que decir y se dejó de tocar. Oportunistas fue nuestro primer corte y nuestro primer video grabado con amigos y con más amor que producción. El fuerte de las canciones está en la lírica y nos damos el gusto de poder jugar con todos los estilos musicales teniendo como eje al rock. —Resulta complicado explicarle a la gente de aquí que no os conoce a qué sonáis exactamente, supongo que eso significa que tenéis vuestra propia personalidad... ¿Qué bandas os han servido de referencia?

A lo largo de los años pasamos por varias influencias. En las primeras canciones se contaban historias y Joaquin Sabina era una influencia muy marcada. Nosotros somos muy diferentes musicalmente y esa variedad nos nutre como artistas. Escuchamos a Charly García, Fito Páez, Calamaro, Héroes del Silencio, la lista es interminable —Al mismo tiempo y aunque suele ser tarea de los críticos, ¿qué consideráis que os define más como grupo? Diría que los textos de las canciones, incluso más que la música... Sí, las letras lo son todo y la música también tiene que trasmitir. Es muy fácil sentirse identificado con las canciones y tenemos una conexión con el público muy intensa. Siempre que salimos a tocar decimos que es ¡Fiesta! —Otro concepto que resulta complicado de definir en España es lo de “rock barrial”. ¿Qué supuso y en qué medida os ha ayudado a crecer como grupo formar parte de ese movimiento o en qué medida os ha limitado a la hora de dar a conocer vuestra propia personalidad? Sí, cuando aparece este nuevo movimiento, “rock barrial”, quedamos catalogados de esa manera. Es un concepto muy amplio. Yo lo veo como un rock de los 2000 que es renombrado. En los ochenta existia el jazz rock y en los noventa se le llamó fusión. Para saber bien cómo suena una banda solamente hay que escucharla. —En España se suele comentar que los grupos argentinos que nos visitan suelen tocar sobre todo para público argentino residente aquí. ¿Qué crees que podéis ofrecerle al público español? Somos una banda con quince años de carrera que quiere dar su primer paso en España. Está bueno que los argentinos que viven allá tengan la posibilidad de vernos ya sea por gusto o nostalgia. Lo importante es que nuestro sueño se vuelve realidad y ahí estaremos para llevar nuestra música a todos los que quieran escucharnos. Que sea ¡Fiesta! —ernesto bruno

—andrea romanos

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The Black Angels “El verdadero significado de la psicodelia es romper las reglas, ser libre...” Barcelona (1 septiembre, Apolo) Madrid (2 septiembre, Joy Eslava )

IMOGEN HEAP

Barcelona (15 de septiembre. Apolo 2)

Es una de las artistas más inquietas de la actualidad. Su forma de aplicar la tecnología al directo es sorprendente y pocos ofrecen algo parecido. La entrevistamos antes de su visita a nuestro país, dentro de su Mycelia World Tour junto a Guy Sigsworth, y su conferencia en el Future Music Forum de la Ciudad Condal.

El pasado año, The Black Angels volvieron a subrayar su potencial insobornable con Death Song (Partisan/[PIAS], 17), un disco que ahora defenderán en concierto en nuestro país. Hablamos con Christian Bland sobre el momento actual del colectivo alucinado más famoso de Austin.

ué recuerdas de vuestra última visita a España? Estuvimos allí el año pasado, en el Primavera Sound, que fue increíble. Estamos muy emocionados por volver a vuestro país, pero esta vez para actuar en salas. Cuando salimos de Estados Unidos normalmente tocamos en festivales, así que es muy excitante poder dar un concierto en un entorno más controlable. Podéis esperar un repertorio que recorrerá toda la carrera de una banda de rock psicodélico, combinado con un espectáculo audiovisual impresionante. —Conocéis algún grupo de nuestra escena psicodélica? ¿O de cualquier escena española? Los grupos españoles que me son más familiares son Los Brincos y Los Bravos. No conocemos ninguna banda de la escena de psicodelia actual, la verdad. —Vuestros conciertos tienen un punto de ritual. ¿Es fácil para vosotros recrear este tipo de atmósfera cada noche? ¿Necesitáis un feedback concreto del público para conseguirlo? Cuando tenemos el The Mustachio Light Show con nosotros, sentimos que tenemos el control de la situación. Y cuando el público demuestra que está sintiendo la música y que conecta con el grupo, nosotros lo senti-

mos y se crea una atmósfera que, a su vez, genera mejores conciertos. —Habéis grabado con el productor Phil Ek (Fleet Foxes, Band Of Horses, Father John Misty). ¿Qué ha aportado a vuestro proceso creativo? Phil ha sido como un sexto miembro del grupo. Experimentó con todo tipo de sonidos diferentes, haciendo pruebas y pruebas hasta dar con los que teníamos en mente para el disco. —Muchas bandas que suenan claramente psicodélicas rehuyen del término, “psicodélico” como si temieran ser vistos como revivalistas, ¿no crees? No creo que nos hagan falta nuevos términos. Mi objetivo siempre ha sido traer el rock psicodélico al presente e impulsarlo hacia el futuro. Algunas bandas se quedan estancadas en el típico sonido psicodélico sesentero, pero el verdadero significado de la psicodelia es romper las reglas, ser libre y ampliar las fronteras. Para mí significa reconocer que vivimos en un sistema estructurado que en realidad, no existe. Romper las reglas de ese sistema y hacer tu propio camino es la única forma de ser libre. —Cuando piensas en los sesenta, en la explosión musical, las revueltas sociales, las drogas, las comunas… ¿tiendes a idealizarlos? ¿conoces bien su lado oscuro? Cuando era más joven solía idealizar todo eso, pero a medida que he ido creciendo he empezado a entender que aquellos tiempos son muy similares a los que vivimos ahora mismo. En aquel momento The Velvet Underground eran el sucio bajo vientre de la explosión psicodélica de California, y ahora nosotros tratamos de gravitar hacia ese territorio sombrío. —nacho serrano

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an pasado ocho años desde tu última gira mundial y por qué solo cuarenta ciudades en la nueva gira? Durante los últimos ocho años he estado muy ocupada desarrollando un sistema de música basado en gestos que llamamos MI.MU, grabando el álbum Sparks (14) y varias colaboraciones, teniendo un hijo, haciendo la banda sonora de la obra Harry Potter y el legado maldito (16) y trabajando en un proyecto que llamo Mycelia y el pasaporte creativo. Esta gira es una gira de música y tecnología en la que compartiremos muchas cosas emocionantes y también traeré a mi familia. No estoy interesada en hacer doscientos espectáculos al año y no tener tiempo para conectar con las ciudades y las personas que conozco durante la gira. Así es como hacemos que funcione, una semana de conciertos, charlas, paneles, una exhibición y talleres para niños en salas de conciertos, salas de estar y espacios para conferencias. Esperamos que nuestros fans vengan y pasen la semana en una de las increí-

bles ciudades que visitaremos alrededor del mundo. —El proyecto del pasaporte creativo Mycelia parece un proyecto muy importante, pero me perdí un poco viendo el Sweetbridge SweetTalk #5, en el que explicas todo el proyecto. Es un proyecto colaborativo, pero me gustaría que me lo resumieses de forma sencilla. Mycelia es un centro de investigación y desarrollo para músicos, impulsado por una creciente comunidad de creativos, tecnólogos y campeones de la industria por su amor a la música, fundado por mí. El pasaporte creativo es un espacio de identidad digital para creadores musicales y para sus trabajos, un faro para sus habilidades e ideas, con perfiles con información verificada, agradecimientos, socios comerciales y mecanismos de pago verificados. Es un punto para que máquinas y seres humanos encuentren lo que necesiten cuando lo necesiten. Cada pasaporte creativo es un oráculo actualizado por cada creador en tiempo real y, en conjunto, un foco descentralizado de creatividad, indispensable para el ecosistema de la música en general. Con cada creador está abierto a nuevas oportunidades comerciales, con capacidad para incrementar el número de colaboraciones inspirando una nueva forma de innovación entre la música y los creadores con vistas a compartir conocimiento y proporcionar apoyo mútuo en la comunidad. —joan s. luna

septiembre 2018 #31

33/Mondo VINILOS

Ty Segall & White Fence

Underworld & Iggy Pop

Teatime Dub Encounters Caroline/ Music As Usual

Joy Drag City/ Popstock!

Idles siguen picando piedra Idles

Joy As An Act Of Resistance Partisan/[PIAS]

8 ROCK / En cierta manera, Idles no son aquello que parecen ser. Un vistazo perezoso podría tomarles por el nuevo hype británico de la temporada, mientras que en realidad son unos currantes a quién nadie les ha regalado nada. Fogueados desde 2012 a base de epés hasta llegar a Brutalism, un primer disco autoeditado en 2017 y posteriormente reeditado por Partisan, lo que sí es cierto es que Idles han empezado a salir a la luz internacionalmente en el momento justo. Cuando muchos gritan aquello de que el rock ya no le interesa a nadie, de que el punk no tiene apenas sentido a día de hoy, van el vocalista Joe Talbot y sus compadres y se marcan un segundo disco que es pura energía, desmadre y mensaje. Un tremendo “iros todos a tomar por el culo” nada gratuito, sino con una amplia lista de motivos para ello. Tampoco son los brutos borrachos por los que podrían pasar si no les prestamos demasiada atención. Cuando uno les ve sobre un escenario, con su estética, su crudeza y su espíritu arisco, se los imagina del revés partiendo mandíbulas al salir de un pub en Bristol, meándose justo bajo un grafiti de Banksy y echando la pota unos metros antes de entrar en casa. Y mira por dónde, resul-

ta que en sus canciones hablan –de un modo bastante particular, dicho sea de paso- sobre los abusos de poder, la relación con nuestros padres, el machismo cerril, la masculinidad, la xenofobia, la religión, etcétera. Son corderos con piel de lobo. Pero, eso sí, corderos que están muy cabreados con la mierda de mundo en el que nos ha tocado vivir. Tanto es así, que en sus manos hasta el Cry To Me de Solomon Burke toma un sentido distinto al original. Pero vayamos a la música. Su cemento armado es fruto de pasar por la hormigonera las discografías de –por poner algunos ejemplos válidos que tengan el gancho suficiente para captar su atención, amigos lectores- The Jesus Lizard, Swans, Black Lips, Les Savy Fav, Sleaford Mods, Metz, Protymartyr o los primeros discos de Iceage y Titus Andronicus, y quedarse con los grumos más gordos de la mezcla. Porque algo de cada uno de ellos vamos a encontrar en la fórmula desbocada de Idles. En Colossus, en Never Fight A Man With A Perm, en I’m Scum, en Danny Nedelko y en cada una de las doce canciones de este rotundo segundo largo. Y así va desarrollándose Joy As An Act Of Resistance, a través de la voz curtida de Talbot, de unos ritmos más bien primitivos y de unas guitarras que le rasgan a uno la piel a raspazos. ¿Qué las guitarras han muerto y ya no le interesan a las nuevas generaciones? Pues muy bien, que les vaya bonito. Yo me voy a pasar una buena temporada metido en Joy... como acto de resistencia. —joan s. luna

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ROCK / El segundo fruto de

la asociación entre Ty Segall y Tim Presley de White Fence no está a la altura del primero, pero la comparación no resulta pertinente porque Joy no está gestado como un hermano de Hair. Es más como un primo (aún más) chiflado. Cuando Ty Segall propuso esta alianza a Tim Presley allá por 2011, lo que tenía en mente no era una colaboración al uso, sino dejarse llevar por el puro divertimento. Hair, sin embargo, aun siendo uno de esos discos rarunos y de digestión lenta, les quedó tan bonito y tan pop que debió sorprenderles a ellos mismos, y ahora parecen haber querido parir de forma prematura una criatura que está sin terminar de hacer, deforme, cacofónica, arrítmica y disonante. Quizá no sea tan mona, pero si le das tiempo a crecer en tu regazo empezarás a verla de otra manera. —nacho serrano

de la mítica película Trainspotting no recibió buenas críticas y fue acompañada de una banda sonora del mismo nivel (regular), algo que podría haber cambiado de haberse incluido el tema que dio pie a este proyecto entre Iggy Pop y Underworld, artistas también presentes en la banda sonora de la primera película. Bells & Circles es la primera colaboración que hicieron, en la que Iggy suelta una parrafada alucinada que es acompañada por una base que va subiendo de intensidad poco a poco. Entra mejor Trapped, en el que miran con descaro a LCD Soundsystem y Suicide. I’ll See You Big muestra a unos Underworld más relajados y pastorales, mientras que Get Your Shirt es el bombazo del EP, un tema pegadizo y potente que vuelve a esa senda LCD Soundsystem. —raúl linares

Maria Rodés

Death Cab For Cutie

Eclíptica Satélite K

pop / La barcelonesa dedica

este cuarto trabajo a a su tío bisabuelo, Lluís Rodés, astrónomo que dirigió el Observatorio del Ebro durante la Guerra Civil, después de encontrar un diario de guerra que el científico escribió entre 1920 y 1939. Una excusa singular para firmar un álbum delicado, lleno de matices sonoros y cierta experimentación pero que deja sitio a su parte de cantautora folk. Canciones luminosas, que se abren en busca del sol, o más íntimas y pequeñas para noches de eclipse lunar. Todas ellas con una cadencia rítmica que invita a avanzar sin prisa pero sin pausa a la merced de su voz, capaz de acurrucar o despejar según se le antoja. Para acabar de hacerlo redondo, otros artistas como Ximena Sariñana,The New Reamon y Nico Roig ponen su talento al servicio del álbum más conceptual y personal de la catalana. —maria fuster

ELECTRÓNICA /La secuela

Thank You For Today Atlantic/ Warner

pop / El noveno álbum de

DCFC es el primero sin la participación de Chris Walla y supone el mayor cambio de tercio en su madurado trayecto. Apenas depara algún momento memorable. El adelanto Gold Rush, con su recauchutada coraza, su sample del Mind Train de Yoko Ono y su estribillo densangelado, es el single más anodino que se les recuerda. La crisis de la mediana edad y la resaca sentimental tras su doble ruptura hace unos años (con su pareja Zooey Deschanel y con Walla) se tradujo entonces en un disco de transición cuyas dudas ahora trata Ben Gibbard de resolver con mayor presencia de los sintetizadores, atmósferas más otoñales y una corporeidad que rara vez redunda en gravedad emocional: casi todo deviene en aseado envoltorio recubriendo un contenido más bien pobre.

—carlos pérez de ziriza

septiembre 2018 #33

MONDOVINILOS

Soulwax

Essential Deewee/[PIAS]

El viaje a la experimentación de Villagers

ROCK ELECTRÓNICO / Este nuevo disco del dúo belga Soulwax surge de una feliz anomalía, y es que desde la BBC Radio 1 les llamaron para marcarse un Essential Mix que, al final, ha derivado en este nuevo álbum de estudio que contiene más de una hora de material inédito -grabado en apenas dos semanas en sus estudios Deewee- y ha visto la luz una vez que la famosa emisora lo emitiera, en directo, hace ya unos meses. El caso es que los doce cortes esenciales que contiene -nombrados desde el One hasta el Twelve- tiene mucho en común; son pasajes hermanados en los que el bajo, los sintetizadores, lo percusivo, las voces y otros sonidos electrónicos tienen todo el protagonismo, casi de forma obligatoria. Quizá lo más atractivo e interesante de este elenco de temas, más allá de lo meramente técnico, es lo que exhalan, desde su propia audacia y groove raro, un marcianismo escapista y exacerbado, puro Soulwax. Notable todo, de principio a fin.

Villagers

The Art Of Pretending To Swim Domino/ Music As Usual

8 poP / Tras varios años coqueteando con dife-

rentes registros, en 2015 parecía que Conor O’Brien (alma máter de Villagers) había encontrado en el folk onírico la zona de confort de la banda con la publicación de su tercer trabajo, Darling Arithmetic. Tal es así, que al año siguiente veía la luz un recopilatorio en el que volvían a regrabar en formato folk temas de sus primeros discos. Ahora, dos años después, los dublineses sorprenden con The Art Of Pretending To Swim, un álbum en el que se alejan del sonido intimista en favor de la variedad de texturas y la experimentación, faceta que les reconcilia con el sonido de los primeros trabajos de la banda. Como en las anteriores entregas, es el propio O’Brien quien se pone a los mandos de la producción, aunque en esta ocasión el resultado roza el sobresaliente. Tal y como confiesa el propio artista, después de tres discos “quise ponerme en serio y aprender de verdad”. Tras

Future

Mitski

Beast Mode 2 Epic

TRAP / Los nueve temas que

dan forma a la continuación del laureado Beast Mode (15) nos muestran a Future y al productor Zaytoven en plena forma e inspirados como nunca, entregando una mixtape que suena y huele al dirty south más profundo y, valga la redundancia, sucio. Todos los clichés están presentes aquí, en una especie de guía acerca de qué es y de dónde viene eso del trap. En Beast Mode 2 encontramos el característico flow arrastrado y agónico de Future arropado a la perfección por un colchón de arreglos casi minimalistas por parte de Zaytoven, capaz de crear unas atmósferas extrañamente emocionales. Desde las sutiles flautas de la inicial Wifi Lit hasta los pianos de Racks Blue y Red Light (dos de los mejores temas del disco), pasando por el R&B de When I Think About It, Future se encuentra cómodo para desarrollar todo su imaginario de infancias rotas, excesos varios, lujo desmedido y la constante sombra de la locura asociada a la fama. —ricky lavado #34 septiembre 2018

trasladar su estudio a Dublín y rodearse por primera vez “de un equipo en condiciones”, pasó una temporada estudiando manuales y haciendo remixes para mejorar sus cualidades a los mandos del estudio. El resultado es un disco que alcanza unos niveles de exquisitez melódica, principal virtud del álbum y clave para la conjunción de los diferentes géneros entre los que se mueven los temas (pop, soul, folk e incluso un acercamiento a la pista de bai-

Deafheaven

Be The Cowboy Dead Oceans/ Popstock!

poP / Hay un cierto anhelo

de trascendencia –que en ocasiones raya en lo grandilocuente: escuchen Geyser, su adelanto– que hace del quinto álbum de Mitski Miyawaki un artefacto menos certero que su precedente, el brillante Puberty 2 (16). Serán los estragos de crecer bajo el escrutinio de los focos, la dificultad para tomarse un respiro que comporta la vida en la carretera o simplemente esa anestesia sentimental que a sus veintisiete años le lleva a sentir la misma nostalgia por el amor que por el desamor. La necesidad de pincharse con una aguja y sangrar para probar que aún puede sentir con la misma intensidad que antes. El caso es que sus melodías lucen enrevesadas y no fluyen con la misma naturalidad. Parecen tratar de competir en la liga de Anna Calvi o Goldfrapp, pero acaban nadando a la deriva. Tan solo la contagiosa vitalidad de ese single de libro que es Nobody y el precioso cierre que es Two Slow Dancers descollan entre un argumentario que huele a paso en falso. —carlos pérez de ziriza

le). Si atendemos a las letras, nos encontramos con un O’Brien que deja a un lado la desnudez sentimental para adentrarse en temas como la fe, el inevitable y terrorífico dominio de la tecnología o el feminismo, llegando incluso a homenajear a la matemática Ada Lovelace en una de las canciones. Cuando parecía que tenían una ruta establecida, Villagers pegan un volantazo para traernos su mejor trabajo hasta la fecha. —guillermo chaparro terleira

METAL / Algo debe haberse

perdido tras el sobresaliente New Bermuda (2015), álbum que les confirmó como una de las bandas más populares dentro de la escena blackgaze. Su nuevo trabajo, en el que debuta el bajista Chris Johnson, hace acopio de lo mejor –y lo peor– de Deafheaven. Por una parte, siguen capaces de firmar piezas verdaderamente emocionantes como Honeycomb, avance del disco y, quizás, una de las canciones más completas que hayan grabado nunca. Aún incluyendo momentos de gran interés como Glint o Canary Yellow, Ordinary Corrupt Human Love termina por resultar desconcertante. El arranque preciosista de You Without End traza un sendero en el que abundan los paisajes luminosos, llegando a acercarse más que nunca a Explosions In The Sky o Mono. De hecho, funciona en algunos tramos concretos, pero no impide que Night People con Chelsea Wolfe como segunda voz o la errática Near terminen por resultar indiferentes, incluso anodinas. —tomeu canyelles

Travis Scott

The Interrupters

Ordinary Corrupt Human Love Anti/[PIAS]

—fernando fuentes

Astroworld Sony Music

Fight The Good Fight Epitaph/ [PIAS]

SKA-PUNK / En ocasiones, lo saben ustedes y lo sabemos nosotros los críticos, bastarían dos líneas para resumir lo que se esconde en el nuevo disco de nuestros artistas favoritos. Le he dado vueltas y este sería uno de esos casos. No le demos más rodeos. Con decirles que el nuevo trabajo de The Interrupters no decepciona, quienes les siguen desde The Interrupters (12) y quienes vibraron con Say It Out Loud (16) tendrán suficiente para sumergirse en este tercer álbum. A los hermanos Bivona y a Aimee Interrupter les hacen falta exactamente doce segundos para engrescarnos, los que tardan en arrancanse en Title Holder, el tema que abre el disco. Y si quieren algunos detalles, les comentaré que colaboran con Billie Joe Armstrong en Broken World, que tienen a todos los Rancid aportando voces a Got Each Other (y, de nuevo, a Tim Armstrong produciendo y co-escribiendo), que exploran caminos más oscuros en Leap Of Faith y más ramonianos en Gave You Everything. —joan s. luna

TRAP / Travis Scott está

opositando para entrar en el grupo de los grandes del género. Un grupo que se podría dividir a la vez en dos subgrupos, los aclamados por la crítica y los superventas. Hay quienes comparten ambos casos, pero son los menos. Travis vio cómo su aportación al nacimiento codo con codo junto a Kanye West de Yeezus le puso en una situación de privilegio. Años más tarde, Travis asalta al fin a la élite. Su música es robusta dentro de las coordenadas del trap/rap más actual, sus textos son inteligentes y sus clips son un cebo más para público y crítica. Su vida privada y ser el nuevo “cuñado” de Mr. West le colocan en el foco. Sabedor de que es ahora o quizás nunca, pone toda la carne en el asador y nos sorprende con un trabajo redondo, un trap tan minimalista como psicodélico y aunque parezcan términos antagónicos, Travis juega a eso. Si sigue publicando discos como éste Travis está llamado a ser un líder en un futuro cercano. —marcos molinero

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Juancho Marqués

ROCK / Sería una lástima

que los cinco años que se ha tomado la británica en sacar su tercer disco hubieran diluido el interés, porque Hunter es uno de esos raros discos de una sofisticación cada vez más infrecuente. Calvi dignifica el concepto de producción con Nick Launay (Nick Cave) acompañada por musicazos como Adrian Utley (Portishead) y Martyn Casey (The Bad Seeds). Utopía musicada en la que Calvi clama apasionadamente por un mundo de sexualidad sin barreras de género. Arranca con la enérgica As A Man, en la que explota hallazgos de los ochenta como esas baterías tribales tan energéticas y efectivas. La cantante y guitarrista hace lo que quiere con su voz de prodigiosa expresividad: Delicada, poderosa, excesiva, teatral, lasciva, explosiva, susurrante y sin trucos baratos de posproducción. También se desata con su instrumento, poderosamente original y expresionista en cortes como Alpha o el funk marciano de Wish.

—jc peña

Cullen Omori The Diet Sub Pop/ Everlasting

Cierre Autoeditado

RAP / Cuando Juancho Marqués comenzó con la grabación del nuevo proyecto que verá la luz en 2019, se vio en la necesidad de publicar un trabajo que avisase a sus seguidores del cambio que se avecina. Por ello, el madrileño reunió sus últimos singles publicados y los recopiló en este Cierre, un disco que representa la consumación del ciclo más exitoso de su carrera. En él encontramos algunas de sus canciones más representativas del último año (Química, Mira pa otro lado y El nexo entre tú y yo). Todas estas grabaciones evidencian el tipo de MC que es Marqués: un cantante rebosante de sinceridad, sin miedo a mostrarnos sus sentimientos más profundos y capaz de lograr que cualquiera pueda sentirse identificado. Su música es lo más cercano que tenemos a la poesía hoy en día en el rap español. Siempre obtiene el tono correcto para que su mensaje cale hondo, pese a que su voz no sea una de las más prodigiosas de la escena.

—alfonso gil

POP / Si el estupendo pri-

mer disco de Cullen Omori funcionaba como puente entre su época en Smith Westerns y su recién iniciada carrera en solitario, el segundo lo presenta ya como un artista independiente y libre de la herencia del grupo que le hizo crecer. The Diet, un álbum creado durante un periodo de bajón emocional, sigue inscrito en el pop de guitarras de ascendencia clásica. Ahora bien, de rancio no tiene nada. La frescura de su sonido, esos arpegios impresionistas y unos arreglos nada pomposos (un cambio respecto a su producción anterior), dejan claro que sigue habiendo vida inteligente en el género. El de Chicago se propone aquí como una versión millennial y posible de ese combo ganador que Alex Chilton y Chris Bell formaron en Big Star, y de lo que hicieron después en solitario. Como Chilton en Third/Sister Lovers y Bell en I Am the Cosmos, The Diet extrae belleza de la melancolía, de la tristeza, de la angustia existencial y del mal de amores.

—xavi sánchez pons

LJM

1 The Blaze Dancehall

JSL DC

CPZ

Med

7 8 8 8 7,75

2 Villagers 8 7 7 9 7,75 The Art Of PretendingTo Swim 3 Spiritualized 7 7 7 9 7,5 And Nothing Hurt 4 Leon Vynehall Nothing Is Still

8 7 8 7 7,5

5 Deafheaven 8 7 6 7 7 Ordinary Corrupt Human Love 6 Big Red Machine 7 7 6 7 6,75 Big Red Machine 7 Interpol Merauder

6 7 7 7 6,75

8 Juancho Marques 8 7 6 6 6,75 Cierre 9 Low Double Negative

7 7 6 7 6,75

Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC), Carlos Pérez de Ziriza (CPZ)

Hunter Domino/[PIAS]

top 10.

Anna Calvi

10 Death Cab For Cutie 6 6 6 6 6 Thank You For Today

La vuelta a las esencias de Interpol

Israel Nash

Lifted Desert Folklore Music

Interpol

Marauder Matador/Popstock

8 ROCK / Independientemente de si su anacró-

nico estilo intenso y oscuro era sospechosamente mimético al de bandas de culto -lo de The Chameleons a algunos nos cantaba demasiado-, Paul Banks y compañía irrumpieron con dos discos repletos de canciones excelentes. Llegó a continuación el inevitable reflujo de la inspiración, y una marcada sensación de déjà vu. El Pintor (14) tenía sus virtudes, pero quedaba lejos del impacto (seguramente irrepetible) de Turn On The Bright Lights (02) y Antics (04). Tras la gira de conmemoración de su debut el grupo se ha fogueado, y Marauder, su sexto LP, se presenta como vuelta a las esencias en toda regla. Una jugada inteligente de la que el trío sale airoso. Es curioso que haya sido Dave Fridmann, experto en sonidos muy cocinados con gente como Mogwai, The Flaming Lips (o nuestros Vetusta Morla) quien decidiera, junto al grupo, darle el enfoque más directo posible: banda tocando en vivo para plasmar su recuperado músculo en directo y grabación a cinta. Todo para insuflar vida a un repertorio dinámico en el que coexisten

los destellos melódicos pop con ambientes viciados y lúgubres como dos caras de la misma moneda. La esencia de la banda. Con Paul Panks, Daniel Kessler y Sam Fogarino protagonizan un disco recio, misterioso, plagado de aristas y presencias espectrales, que se escucha de un tirón, sin que apenas desfallezca. Si Interpol es de esos grupos en los que el todo supera de largo a las partes, Marauder crece como secuencia de canciones. Lo cual no quiere decir

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que no se puedan aislar momentos brillantes, a la altura de su mejor producción: If You Really Love Nothing -una especie de intro en la que el discreto falsete de Banks no desentona-; el single The Rover, con su riff minimalista y ritmo arrollador; el tremendo final de Flight Of Fancy; la simplicidad pop de Mountain Child; la intensidad de Party’s Over; la cadencia de Surveillance o los hallazgos de la majestuosa It Probably Matters. —jc peña

FOLK-ROCK / Si no conoces

la carrera de Israel Nash, éste es un excelente eslabón de enganche para apreciar su música. Y lo es porque el cantautor de Missouri sigue manteniendo un nivel elevado a la hora de trazar melodías envolventes de vocación pop y alma folk que, en este trabajo, ha agrandado como nunca, dejando que cierta psicodelia se haga dueña de muchas de las piezas. Solo hay que escuchar la excelente Rolling On inicial para darse cuenta de ello. Incluso se puede afirmar que la sombra de Neil Young, con el que tantas veces se le ha comparado, aparece mucho menos (Sweet Springs, Strong Was The Night). Estamos ante un trabajo que mantendrá a Israel en el mismo plano de siempre, ese en el que el prestigio es inversamente proporcional a la fama. Pero sabemos que a él eso le importa un rábano. Lo mismo que a nosotros mientras podamos disfrutar de canciones como Lucky Ones o Spiritfalls. —don disturbios septiembre 2018 #35

MONDOVINILOS

Death Grips

RAP-ROCK / A MC Ride y compañía les encantan las contradicciones, y Year Of The Snitch es en buena parte una prueba de ello. El nuevo disco suena disperso e irregular en la primera escucha, pero a pesar de lo heterogéneo de sus temas acaba resultando, contra todo pronóstico, una obra más o menos sólida donde los temas se suceden prácticamente sin pausa. Su producción es más sucia y lo-fi de lo esperado, más cercana a los primeros discos que a los últimos, pero va genial para cortes guerrilleros como Black Paint o Shitshow. Year Of The Snitch es tan impredecible como cabría esperar de alguien como Death Grips. No es un clásico instantáneo, pero sí probablemente su disco más liberado, más orgánico y más urgente. Son treinta y siete minutos sin restricciones en los que la banda hace lo que quiere, abriendo fuego en todas direcciones pero siempre con puntería. Uno de los esfuerzos más arriesgados de la banda.—martí juan batet

And Nothing Hurt Bella Union/[PIAS]

9 POP / Si Jason Pierce finalmente decide apuntillar la carrera de Spiritualized con este disco, serán legiones quienes le echarán de menos. Nunca se había demorado tanto –seis años– en prolongar su saga discográfica, consecuencia de un tortuoso proceso de creación que le ha tenido más de dos años enfrascado en estas nueve canciones. Pero el de Rugby por fin desvela una obra que compite con lo mejor de un argumentario formidable. La espera ha merecido la pena. Vaya que sí. And Nothing Hurt es un trabajo acorde con la coyuntura de un músico que, rebasando la barrera de los cincuenta años y habiendo estado más de una vez a las puertas del otro barrio, levanta acta notarial –sin amargura– de la progresiva desaparición de un universo de referentes que se desvanecen: algo de ese hundimiento se refleja en el código Morse que orla su portada (de nuevo con el diseño maestro de Mark Farrow), y en su forma tan orgullosa de blandir esos

#36 septiembre 2018

códigos de la música popular del siglo XXI (letanías gospel, hechuras soul, algún traqueteo motorik por aquí, otro sarpullido free jazz por allá) que más de una vez ha corrido el riesgo en sus manos de caer en el cliché, pero que en este álbum resuelve con una naturalidad pasmosa, ante la que no queda más remedio que rendirse sin condiciones. Haciendo de la necesidad virtud, el octavo álbum de Spiritualized se abre con la nana lisérgica A Perfect Miracle y echa el telón con la oceánica Sail On Through. Entre medias, I’m Your Man -lo más parecido a un incunable soul que nunca haya grabado-, emocionantes letanías de intensidad creciente como The Prize o la enorme Damaged, serenas evocaciones del inclemente paso del tiempo como Let’s Dance o Here It Comes (The Road) Let’s Go y un par de momentos que son los únicos que inciden en el horror vacui en el que tantas veces se ha zambullido a conciencia: el cruce entre Neu! y Ornette Coleman que es The Morning After y los chispazos de electricidad desbocada de On The Sunshine. Más sereno que contenido, más sabio que escéptico, Jason Pierce se ha esmerado en despachar otra (¿su última?) obra magna. Y lo ha logrado.

—carlos pérez de ziriza

Tangerine Reef Domino/ Music As Usual

BANDA SONORA /Con Tan-

gerine Reef, un proyecto audiovisual creado para acompañar las imágenes de arrecifes de coral del dúo Coral Morphologic, la música de Animal Collective va a la deriva no sólo en el sentido artístico, sino que también flota literalmente en aguas oceánicas. Un álbum conceptual construido a partir de paisajes abstractos, melodías que se entremezclan como si de la marea se tratara y proclamas alarmantes sobre el calentamiento global. Lejos quedan las travesuras semi-cacofónicas pero entretenidas de discos anteriores; aquí Animal Collective han dejado el pop colorido a un lado para afrontar el asunto con seriedad. El resultado es un disco un poco insustancial, que tiene más sentido como un acto del grupo para tomar cartas en el asunto del cambio climático que como una aportación relevante a su discografía. Tangerine Reef parece una jam session tocada a medio gas, que sabe a poco sin las imágenes de Coral Morphologic.

—martí juan batet

Kamasi Washington

Spiritualized: La espera ha merecido la pena Spiritualized

Animal Collective

Year Of The Snitch Third Worlds Records

The Lemon Twigs

Heaven And Earth Young Turks/ Popstock!

JAZZ / Kamasi Washington, uno de los principales responsables de la renovación del jazz contemporáneo, vuelve con Heaven And Earth. Es el disco más ambicioso de Washington hasta la fecha y también el más vital, uniendo la vertiente más accesible del jazz a toda clase de influencias, como las bandas sonoras (sin ir más lejos, Fists Of Fury es una versión del tema de la película de Bruce Lee), los ritmos afro latinos, el talkbox del G Funk o la psicodelia. Del vivo Earth al espiritual Heaven, que abre con la ensoñadora The Space Travellers Lullaby, un homenaje a todos aquellos que sueñan despiertos, como explicaba en su reciente concierto en la sala Razzmatazz de Barcelona, Kamasi consigue sintetizar todos esos registros musicales que le identifican para ofrecernos su mejor retrato envuelto en un imaginario cien por cien popular. Solamente hace falta ver las imágenes con las que ha ilustrado canciones como Street Fighter Mas.

—aleix mateu

Go To School 4AD/Popstock!

POP / El segundo larga

duración de los jovencísimos hermanos D’Addario se presenta como una ópera rock sobre un chimpancé con problemas de integración. ¿Cachondeo posmoderno o genuina obra de arte de pop excesivo? ¿Las dos cosas? Sus autores, aplicados y superdotados hijos de los músicos Ronnie D’Addario y Susan Hall (enrolados como colaboradores), aseguran que no querían hacer ninguna parodia bastarda de los musicales de Broadway o Hollywood. Habrá que concluir que son dos chavales de un talento raro, sin miedo alguno de exhibir, hasta el exceso, su don para la melodía. Así es como, imagino, hay que acercarse a este deslumbrante, desconcertante, y por momentos, también irritante, Go To School. Las ilustres colaboraciones de Todd Rundgren y Jody Stephens (batería de Big Star) dejan clara la conexión setentera de un disco único: aunque sobran las melodías y hay trazas de Sparks, The Strokes o The Who, entre muchos otros, no hay singles claros.

—jc peña

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The Coral Move Through The Dawn Ignition/ [PIAS]

POP / The Coral llevan desde comienzos de siglo facturando canciones con encantador y nostálgico aroma retro. El logro también alcanza a su noveno disco de estudio, que vuelve a ser un reencuentro con las peculiaridades de los británicos: sonido a medio camino entre el pop y el folk, de querencia sixtie y ligeramente psicodélico, que tiene como referentes a bandas como Love, The Merseybeats o George Harrison. Move Through The Dawn incluye una primera mitad destacada gracias a Eyes Like Pearls, el animoso single Sweet Release o composiciones marca de la casa del tipo de She’s A Runaway y Strangers In The Hollow. Aunque algo más irregular, la segunda parte del elepé también alberga algunos cortes destacados con los que terminar de convencerse. —raúl julián

Boytoy

Nightleaf Papercup/ Burguer

POP / Aunque Brooklyn no

es conocido precisamente por sus playas, la música de las neoyorquinas Boytoy parece instalada debajo de una sombrilla de la Brighton Beach. Su segundo largo recupera las buenas vibraciones de la música surf de los sesenta (It’s Alright, Mary Anne, Juarez) y añade algo de rock psicodélico de los setenta (Pretty One) y una pizca de indie rock noventas (Static Age, Cold Love). A diferencia de otras bandas actuales que anteponen la frescura por encima de la ejecución, este disco sorprenderá

MONDOVINILOS

a más de uno por el buen hacer de Boytoy, tanto vocal como instrumental. A ratos pueden sonar como la versión playera de The Runnaways y en otros, a las cañeras Deap Vally. Su primer largo, Grackle, sonaba mucho más salvaje, incluso punk, pero esta vez han apostado por la luminosidad y por la pulcritud. Mención especial merece el nombre de la banda, una manera informal de referirse a los chavales jóvenes y atractivos que mantienen una relación con una mujer madura que solo busca diversión. —luis benavides Ben Caplan

Old Stock Under Control

VARIOS / Ben Caplan es un

excelente compositor, un músico inquieto y un artista multidisciplinar pero, ante todo, es un cantante espléndido. Su voz es portentosa, rotunda, heredera del blues de Howlin’ Wolf y hermana de la garganta de Shawn James. En este álbum vuelve a brillar con su poder habitual. Un trabajo conceptual, que gira alrededor de la historia real de dos refugiados judíos rumanos que llegaron a Canadá en 1908, algo que no es una novedad, ya que está basado en una obra de teatro firmada por Caplan junto a Hanna Moscovitch y Christian Barry. Trece canciones -con un par de interludios- trabajadas sin límites estilísticos, haciendo de la imaginación su punto de partida. Con clarinetes, acordeones, violines y cualquier instrumento que sea necesario para dotar de sentido y alma a las novelísticas letras de un Caplan tan inspirado como siempre. Atreviéndose incluso a enamorarnos con una canción de boda judía que quizá sea el mejor ejemplo de lo que significa la libertad creativa. Único. —eduardo izquierdo

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Helena Hauff: una de las nuestras Helena Hauff

Qualm Ninja Tune/[PIAS]

ELECTRÓNICA / A través de este Qualm, -su segundo álbum tras Discreet Desires de 2015- la DJ y productora alemana se desmarca completamente de la hipsteriana vertiente technoide –cuya máxima parece ser que suene perfecto por encima de que sea bueno- que asola el clubbing desde hace ya demasiado tiempo. Huyendo de cualquier contaminación estilística y tendenciosa, esta joven artista de Hamburgo se perfila como una rara avis dentro de este mundillo de la electrónica en el que lo femenino sigue siendo algo residual y hasta desgraciadamente marginado. El caso es que la

teutona apuesta valiente por una colección de temas -techno y electro, con chutes de acid y pellizcos de ambient- en la que todo suena de verdad, sin trampa, ni cartón. El sonido le sale así desde las tripas y desde su intrínseca crudeza, aridez y un libérrimo sentido de lo que es y debe ser nos hace sentir y bailar. El techno de Hauff gruñe, mancha y encanta, esa es su máxima e imposible virtud. Hauff ha hecho el disco que le ha salido de la mismísima entrepierna y a los capos del mítico sellote Ninja Tune les ha parecido estupendo (¡como debe de ser!). Seguramente, de este notable elenco de temas atemporales, marcianos y distorsionados, sea obligatorio destacar la acidez tóxica de Lifestyle Guru, el disloque fanfárrico y retorcido de Barrow Boot Boys y la bronca ravera, pastillera y sintética de Hyper-Intelligent Genetically Enriched Cyborg. Bien Helena; ahora, lo quieras o no, ya eres una de las nuestras. —fernando fuentes

septiembre 2018 #37

MONDOVINILOS

Drake

Slaves

Scorpion Cash Money/ Universal

RAP / Aquello de que “lo bueno si breve, dos veces bueno” no va con Drake. El canadiense se descuelga esta vez con un doble disco de veinticinco canciones. Y como suele pasar en estos casos, no todo el minutaje está al nivel. El típico comentario de dejarlo en uno simple para tener un buen disco encaja a la perfección en este caso. Drake no tiene ni la versatilidad de Kendrick Lamar, ni la genialidad de Kanye West y por no tener, no tiene ni la visión pop de Jay Z. Drake tiene muchas virtudes, es cierto, pero su música es la más minimalista y lineal de todos los grandes nombres del rap actual. Scorpion incluye temas muy buenos, algunos buenos y, por desgracia, también un puñado de ideas fallidas. Lo mejor está en el primer CD, mucho más rap que el segundo, más centrado en el r&b inofensivo. Primero pensé que quizás tenía que ver con llegar cansado a la segunda tanda de canciones, pero no, se trata de otra cosa. —marcos molinero

Acts Of Fear And Love Virgin

co formado por Isaac Holman y Laurie Vincent representa la penúltima reencarnación de ese garrulismo inglés que tantas tardes de gloria ha dado al rock en cualquiera de sus reencarnaciones. En su tercer disco, grabado en Bruselas, han buscado darle un filo más sofisticado a su estilo elemental: el estupendo single Cut And Run tiene un aire a lo Beastie Boys, y Acts Of Fear And Love combina momentos de calma con estribillos tormentosos y un final casi progresivo. Y eso que el primer corte, The Lifes They Wish They Had, enlaza con el sonido primario de sus discos anteriores, con ese estribillo que parece hecho a medida de hooligans, una estrofa que enlaza directamente con Sleaford Mods -quienes hace un par de años les acusaron de copiarles-, y un frenético final de punk asilvestrado. Luego introducen algunos matices, pero sin desnaturalizar su propuesta. Saquean de aquí y de allá y la originalidad no es lo suyo, pero lo hacen con gracia. —jc peña

Bodega

Dame Area

Endless Scroll What’s Your Rupture?

La pequeña gran revolución de Sophie Sophie

Oil Of Every Pearl’s UnInsides Transgressive/[PIAS]

9 ELECTRÓNICA / La pequeña gran revolución

de Sophie llega con un largo cargado de honestidad creativa y unas inmensas ganas de reivindicar el pop. Su debut nos descubre la verdadera cara de una estrella oculta entre la producción de grandes figuras de la música (Madonna, Vince Staples). Un rostro dispuesto a construir su propia atmósfera en la que crecer en total libertad y acoger a los que lo necesiten. Un viaje en el que predomina crear música que provoque una respuesta emocional. De ahí que Faceshopping se haya convertido en el himno perfecto para desnudarse frente a una sociedad de filtros y perfiles falsos. Para hacernos pensar en si verdaderamente somos libres o nos ocultamos constantemente entre máscaras. Techno, disco, ambient (Pretending). Todo es válido

#38 septiembre 2018

en su misión de conseguir refrescar la monopolizada industria actual. Oil Of Every Pearl’s Un-Insides comienza mostrándonos el lado más frágil y vulnerable de la artista con It’s Okay To Cry, tema en el que deja por primera vez de lado a Cecile Believe (Mozart’s Sister), la voz de sus temas, para cantar y relatar ella misma su propio mensaje (“Just know you’ve got nothing to hide. It’s okay to cry”). Pero, poco dura esta imagen tan débil cuando con Ponyboy saca su lado más sexual y fetichista. No solo por la letra, también por esos graves que construyen la base y esa distorsión que abraza una voz casi pornográfica. Y no reniega del mainstream, lo que quiere es enriquecerlo. Es ahí donde entra Immaterial, tema estrella que respira el mismo aire de todas las colaboraciones que ha realizado anteriormente con Charli XCX. La misión de Sophie es demostrar que el pop puede ser la voz que represente a una nueva generación. Que este género puede cargar con el peso de mensajes sociales y no solo vivir de melodías y letras huecas.

—álex jerez

POST-PUNK / Resulta de lo más interesante observar cómo en los últimos años las bandas que se mueven en torno al punk han sabido cómo generar unas letras de contenido político y social bien adaptadas a los constantes cambios de los tiempos. Bodega ilustran fielmente una forma de hacer las cosas relacionada con reflejar compromiso con su contenido lírico sin caer en tópicos manidos. Debido a ello, en su elepé debut logran sacar a relucir la raíz post-punk más práctica, aquella donde no se busca la intensidad desbordante pero sí las ideas claras al más puro estilo de Parquet Courts. Así es como en sus composiciones tratan de la adición a las nuevas tecnologías, la esclavitud de formar parte de las tendencias o incluso extremos políticos y personales más peliagudos. Al mismo tiempo saben muy bien exhibir un lado más altivo, donde aparece ese juego de voces chillonas al más puro estilo de Chicks On Speed. —noé r. rivas

PUNK-ROCK / El dúo británi-

Centro di Gravitá Màgia Roja

EXPERIMENTAL / De la unión de Silvia Konstance y Viktor L. Crux (ex-Qa’a, ex-Ordre Etern, colaborador entre otros de Nurse With Wound y Jochen Arbeit) surge un proyecto que, sin apenas promoción, ha conseguido abrirse un hueco tanto en los sets de Vladimir Ivkovic (Dj residente del Salon des Amateurs) como en emisoras de países como Reino Unido, Canadá, Rusia o Italia. Dame Area debutan con un disco que, con su título, homenajea a Franco Battiato y en cuyos surcos se detecta una amalgama de influencias de gran interés: desde clásicos de los sonidos industriales como Einstürzende Neubauten o Throbbing Gristle hasta la electrónica añeja de un Gary Numan o Suicide, pasando por otros nombres como Coil o Damo Suzuki. Después de un gran arranque con la canción que da título al disco, encontramos piezas venenosamente adictivas (Luce, Il ciclo ritorna), pero también momentos desaprovechados (Sfingi) o, incluso, prescindibles (Gioco dell’oca). —tomeu canyelles

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Miles Kane

Coup De Grace Virgin/Emi

POP / Con sus dos prime-

ros discos, Miles Kane ya había evidenciado su capacidad para firmar un indie-pop de guitarras que bebe de la mejor tradición británica. Temas directos y protagonizados por un abanico de influencias que incluyen a The Jam, Oasis, The Libertines o The Kinks, y que ahora se mantienen vigentes junto a nuevas figuras que incorporar al listado: Marc Bolan y sus T. Rex, Richard Ashcroft, Supergrass, su amigo Alex Turner, Kasabian o Richard Hawley. Tal y como hiciese Noel Gallagher en su momento, Kane no disimula una fórmula casi idéntica: asimilar influencias reconocibles para usarlas en beneficio propio, renunciando a la innovación para realzar a cambio ese concepto de álbum en el que cada tema puntúa. El ex The Rascals tiene cogida la medida a la hora de recrear canciones de tres minutos y claro perfil inglés, capaces de instalarse en la cabeza del oyente desde la primerísima escucha. Y desde ahí, el vocalista nunca falla el tiro. —raúl julián

El paso definitivo de Blood Orange Blood Orange

Negro Swan Domino/Music As Usual

Warmduscher

Odetta Hartman

INDIE FOLK / ¿Se pueden usar instrumentos tradicionales como el banjo o el violín y acercarse al folk con una visión post-moderna y no morir en el intento? Se puede y Odetta Hartman lo demuestra con creces en este segundo largo que me ha dejado francamente sorprendido. Tan pleno de felicidad como en su día me dejaron otras voces femeninas tan rotundas como las de Marissa Nadler o Alela Diane, con las que podríamos tejer puentes. Pero no voy a entrar en el juego de las comparaciones, ya que si hay algo que rezuma este Old Rockhounds Never Die es personalidad. Tanta que es difícil destacar una canción por encima de otras ya que, en el fondo, es una de esas obras indivisibles que debe ser escuchada por riguroso orden y de principio a fin. Además tiene la cualidad de no agotar al oyente ya que la mayoría de las canciones son cortas, concisas, rotundas y muy variadas. Odetta Hartman va al grano con la habilidad que te da el saber muy bien hacia dónde quieres dirigirte. —don disturbios

The Innocence Mission

Whale City Leaf Label

Old Rockhounds Never Die Memphis Industries

gro Swan sin embargo nos encontramos con canciones y sonidos más cercanos, como guitarras fuera de tono y canciones que suenan a habitación. En este álbum, Dev Hynes nos habla sobre su propia experiencia de forma honesta, cercana y compleja. Como él mismo explica, es: “una exploración de mi propia depresión y de los muchos tipos de depresión de la gente negra, una mirada honesta en las esquinas de la existencia y las ansiedades latentes de la gente queer y negra”. Negro Swan ha sido grabado en muchos sitios distintos, como Nueva York, Florencia, Osaka o Copenhague, ciudades en las que el artista alquilaba estudios y grababa con el único material que hubiera. Quizá el paso definitivo que le aparte de producir a grandes estrellas para centrarse en su nombre propio. —aleix mateu

POP / Un cuaderno negro lleno de esbozos, ideas, fotos y anotaciones con un título en la cubierta, Negro Swan. Esta libreta que ha acompañado a Devonté Hynes durante dos años es la génesis y el mapa del nuevo disco de Blood Orange, titulado igual. Un álbum de dieciséis canciones en las que Hynes sigue explorando su sonido personal moviéndose, como siempre, hacia adelante. Blood Orange reorganiza el sonido de los ochenta y los noventa para crear un pop y un R&B actuales, emotivos, sedosos y cálidos. Cuando suenan sus pianos, cajas de ritmos y bajos, parece que nos cubra un velo compartido que nos haga ver y sentir lo mismo que esa voz suave canta. Freetown Sound, su excelente anterior álbum basado en el collage de sonidos, funcionaba como una narración en red donde confluían todo tipo de historias, como en Manhattan. En Ne-

ROCK / Warmduscher es

una banda relativamente joven, formada en 2014, pero con una experiencia contrastada. En las filas de esta numerosa formación encontramos miembros de Fat White family, Insecure Men, Paranoid London y Childhood, entre otras. Juntos practican, desde su primer trabajo, Khaki Tears, lanzado en 2015, una suerte de rock’n’roll canalla que admite sin problemas otros elementos propios del funk, soul y kraut. En su segundo trabajo, Whale City, encuentran al fin su espacio, un discurso mucho más personal, sin renunciar a sus múltiples influencias. Su música rezuma mugre y transmite ganas de cachondeo (imposible no bailar con el ritmo funk de Standing On The Corner y I Got Friends), pero también infunde la sensación de peligro (el interludio No Way Out y Whale City). Para entendernos, están en un punto equidistantes entre el post-punk de The Fall, el garaje psicodélico de Thee Oh Sees y la verborrea de Sleaford Mods. —luis benavides

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Lithics

Sun On The Square Badman Recordings

POP / Que la virtud de este trío proviene de la voz aerostática de Karen Peris, no admite la menor duda. Eso mismo deben reconocer ellos, o eso es lo que, como mínimo, se deduce de su décimo álbum en estudio, un colchón de melodías mecidas entre la desnudez total de la guitarra acústica, pero también bajo una juguetería de instrumentación clásica absolutamente onírica. Esta segunda opción contiene la estremecedora Shadow Of The Pines; seguramente, el puntal de estas diez postales escritas a la vera de una fogata, y donde la viola ejecutada por Anna Peris planea como una caricia en el alma. Más que nunca, The Innocence Mission se mueven entre la huella de The Velvet Underground de Nico, la Linda Perhacs menos compleja y los infravalorados 10.000 Maniacs. Un trabajo que debería empezar a poner remedio a cierto vacío por parte de la prensa desde su fundación como grupo, en 1985. A la altura de soplos en el corazón como Glow (1995) y We Walked Song (2007). —marcos gendre

Papa M

Mating Surfaces Kill Rock StarsPopstock!

ROCK / Es punk y expe-

rimentación a partes iguales; una mesa redonda entre Kleenex, The Slits y Captain Beefheart. La voz penetrante de Aubrey Hornor, similar a la de Ari Up y que cabalga sobre contratiempos de batería y punteos circenses (Excuse Generator, Specs, Glass Of Water), y las percusiones primitivas que marcan el ritmo de la guitarra son la fórmula que se repite a lo largo del disco, apuntalada por riffs extremadamente agudos, seña de identidad de Lithics (Still Forms, Cheryl, Be Nice Alone). Al recurrir con tanta reiteración al mismo patrón compositivo, todas canciones se parecen demasiado entre sí hasta el punto de que, en ocasiones, da la sensación de estar escuchando cortes de un mismo tema. Queda en oídos del oyente averiguar si esta vocación de collage es intencionada. Una atenta segunda escucha le llevará a comprender los misterios de la oscura experimentación post-punk (o a perderse en ellos). —ángela álvarez marcos

A Broke Moon Rises Drag City/ Popstock!

FOLK / David Pajo, quien

estuvo bien cerca del otro barrio –recordemos: su frustrado intento de suicidio en 2015– , sabe cómo seguir destilando emotividad en dosis tan medidas como ajenas a cualquier imperativo de mercado. No busquen aquí ni rastro de la electricidad ni de la electrónica desvencijada de Highway Songs (16), porque lo que se impone en A Broke Moon Rises son las letanías acústicas de tacto artesanal y poso macilento, marcando el tono de un álbum que igual puede recordar a Arvo Pärt o a los últimos discos de Fernando Junquera al frente de Negro. Sus canciones pueden mostrarse conmovedoras (Walt’s o Spiegel Im Spiegel), contemplativas (Shimmer o The Upright Path) o fibrosas (A Lighthouse Reverie), pero siempre resuenan profundamente frágiles y humanas, pese a la ausencia de un hilo textual. El fundador de Slint –y miembro en algún momento de Tortoise, Stereolab o The For Carnation– prolonga así una saga que solo obedece a sus propias reglas. —carlos pérez de ziriza septiembre 2018 #39

MONDOVINILOS

Ray Davies

Our Country: Americana Act II Sony

Leon Vynehall: de cine Leon Vynehall

Nothing Is Still Ninja Tune/ [PIAS]

ELECTRÓNICA / En su ambi-

ciosa puesta de largo para Ninja Tune, Leon Vynehall se ha sumergido en la historia de su familia para articular un precioso collage sonoro acompañado de una novela coescrita por él mismo que narra una historia de descubrimiento y nostalgia. Esta recreación del pasado familiar como fuente de inspiración fue también el hilo conductor de su anterior trabajo, Music For The Uninvited (14), en un viaje a la infancia rememorando las canciones que sonaban en el coche de camino al colegio en compañía de su madre. En esta ocasión, la narrativa gira en torno al viaje de los abuelos de Vynehall en los años sesenta para emigrar a Estados Unidos

The Yellow Melodies

The Kooks

POP / Los viejos indiepoperos nunca mueren. Ese sería un buen slogan para el último disco de The Yellow Melodies, banda de Murcia enamorada de Sarah Records, el shoegazing de los ochenta, The Smiths y bandas actuales como The Pains Of Being Pure At Heart. Capitaneados por el incombustible Rafa Skam, el Duglas T Stewart murciano y otrora líder de Vacaciones (leyendas del twee pop patrio con el aquel inolvidable himno Poppy Girl), el nuevo disco del cuarteto es una buena ración de pop de guitarras clásico lleno de manifiestos vitales. Ahí está la canción que da nombre al álbum para dejarlo claro: Life es un tema de indie pop soleado sobre el poder curativo de la música y el carpe diem que se atreve a citar el There Is A Light That Never Goes Out de Morrissey y Johnny Marr. Life tiene mucho de cápsula del tiempo, llevándonos a cuando reinaban las guitarras de Adorable y Ride, las melodías dulces de Heavenly y los flequillos de The Pastels.

—xavi sánchez pons

#40 septiembre 2018

Clint

Let’s Go Sunshine Lonely Cat/ Popstock!

Life Autoeditado

POP / The Kooks siempre han sido buenos en su campo, y parecen asumir con gusto la ausencia de trascendencia real de su música. Así dan rienda suelta a ese pop despreocupado (y accesible para público generalista) que llevan tiempo facturando. En su quinto disco, los británicos siguen apostando por temas inofensivos pero agradables y de fácil digestión, además de dejar alguna gema que añadir al catálogo. Las destacadas se localizan mayoritariamente en la primera mitad de la obra, con cortes como All The Time, Kids, Four Leaf Clover y sobre todo la deliciosa Fractured And Dazed. La entrega cuenta sin embargo con evidentes limitaciones, y las costuras comienzan a asomar durante la segunda mitad. El álbum prueba la ocasional capacidad del cuarteto para tratar las melodías, pero éste desdibuja los aciertos más poderosos del lote con exceso de relleno, en lo que supone la confirmación de una teoría aplicable con frecuencia a su trayectoria. —raúl julián

desde Southampton, Inglaterra. En Nothing Is Still nos encontramos con un Leon Vynehall interesado en explorar y desarrollar la vertiente más cinemática y ambiental de su música, con la vista puesta en las bandas sonoras más que en la pista de baile. La electrónica minimalista y las grabaciones de campo se fusionan esta vez con arreglos de cuerdas, vientos y piano en un elegante juego de contrastes que Vynehall maneja con gusto exquisito. En From The Sea/It Looms, los graznidos de gaviotas sobre un barco que zarpa de Inglaterra nos sitúan en el inicio de un relato donde el sonido radiofónico de conversaciones en Julia y las bases downtempo y el crescendo de cuerdas de Envelopes combinan perfectamente con la densidad electrónica de English Oak. Una historia condensada en unos escasos treinta y ocho minutos de música emocional y ensoñadora de una extraordinaria belleza. —ricky lavado

POP / Aunque el título de su cuarto trabajo podría dar lugar a diversas interpretaciones, el cuarteto madrileño lo ha dejado claro: es la mano izquierda la que se ocupa de pulsar las notas en la guitarra, es decir, de las melodías. Heterodoxos de la música instrumental en tiempos de ampulosidades post-rockeras y desvaríos progresivos interminables, Clint se reivindican como banda de pop todoterreno en treinta y cuatro minutitos en los que vuelven a plantear unas virtudes que les sitúan en un espacio propio más allá de modas, corrientes y filias con fecha de caducidad. Mirando deliberadamente hacia el espíritu popero y directo de su debut Alégrame el día (Siesta, 05), con cortes en general breves o muy breves, en El camino se recrean en esa versatilidad melómana que les caracteriza, con un punto más contundente o rockero. Es un disco repleto de una riqueza (y pericia) instrumental rara estos días en el mundo del pop.

—jc peña

AMERICANA / Empeñado en

seguir transitando entre historias de la Norteamérica mítica, el tótem del pop británico de los sesenta prefiere seguir anestesiando la espera de una posible vuelta de The Kinks con nuevas incursiones en la tradición folk y la americana. En la mayoría de los casos, viajes con más de medio siglo de vida que nuestro hombre resuelve en jugadas maestras como el emotivo trote cuentacuentos de The Invaders o en el magnetismo crepuscular de Oklahoma USA. El problema aparece cuando cortes de tales capacidades epidérmicas son emparedados entre ejercicios de estilo que no superan el aprobado justo. Tal es el caso de Back In The Day, A Street Called Hope o la insípida The Getaway. Porque, vamos a ver, al señor Davies no le sienta tan bien la mutación en bardo del oeste como a Nick Lowe, su segunda piel. Aun así, sería de necios negar la profundidad de joyas como Our Country, que colaría como un momentazo de los Fleetwood Mac de finales de los setenta. —marcos gendre The Wild Feathers

Lil Baby

El camino de la mano izquierda Discos malos/ Popstock!

Harder Than Ever Motown/ Capitol

RAP / El disco debut del

artista y el punto y final a la serie de mixtapes Harder que había publicado hasta ahora (Too Hard, 2 The Hard Way junto a Marlo y Harder Than Hard). Lil Baby entra en el mundo editorial con su mejor versión, Harder Than Ever. El álbum, a nivel creativo, no propone mucho más allá que en sus anteriores referencias, pero depura todos sus registros sobre unos beats más duros, señal de una evolución exponencial, contínua y algo más que prometedora. A pesar de mantenerse fuera del mainstream y del pop, y de evitar posturas que le relacionen con ello, el rapper de Atlanta está vocalmente a medio camino entre sus notorios vecinos Young Thug y Migos, a medio camino entre las entonaciones emocionales y los fraseos duros, calibrando en todo momento sus registros vocales, conteniéndolos. Lil Baby es uno de esos raperos contemporáneos que dan street credit, y artistas como Drake lo saben. Así vemos aparecer al artista de Toronto en Yes Indeed. —aleix mateu

Greetings From The Neon Frontier Reprise

AMERICANA / Si como se sue-

le decir errar es humano y rectificar de sabios, los chicos de The Wild Feathers han demostrado con la publicación de su nuevo álbum que son individuos inteligentes. Seducidos hace un par de años -para la elaboración de su anterior trabajo- por las ambientaciones artificiosas y las instrumentaciones saturadas, ahora han (re)direccionado su brújula hacia la senda clásica que caracterizó sus inicios. Bajo una notable serenidad, consecuencia directa de un periodo de reflexión, las actuales composiciones aparecen marcadas por el signo de la elegancia y la autoridad del rock campestre. Retomadas las enseñanzas de los riffs de Tom Petty (Stand By You), el melódico bucolismo representativo de The Jayhawks (Wildfire), o el herido sentimiento emanado del country (Two Broken Hearts), la banda de Nashville ratifica que muchas veces más importante que la evolución resulta conocer la propia personalidad y saber expresarse en torno a ella.

—kepa arbizu

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Suede

POP / The Blue Hour cierra la trilogía del retorno triunfal de Suede, certificando el de los londinenses como uno de los regresos más necesarios de entre los renacidos grupos de los noventa. Una referencia que funciona como un todo firme y convincente, siguiendo una línea global que transita desde el principio al final y con significativas paradas en el desarrollo: catorce capítulos reveladores de una única obra que en su transcurrir dan lugar a lo que podría calificarse como ópera pop. El universo del quinteto siempre ha sido dramático y oscuro, pero ambas peculiaridades alcanzan dimensiones inéditas en una entrega que apenas alberga singles claros. A cambio presenta una sucesión de canciones bellísimas y cargadas de sentido y sentimiento, con distinguidos arreglos orquestales y la alargada influencia de David Bowie bien marcada. Un paso valiente para una banda inmersa en intachable madurez creativa y que, sin embargo, continúa evolucionando. —raúl julián

Ex El Ritmo de los Acontecimientos

ROCK / Desde el final de

Mercromina, una de las bandas más creativas y personales que ha dado este país, Joaquín Pascual ha sostenido una carrera depurada y alejada de estridencias. Manteniendo el listón compositivo de sus aventuras precedentes, pero desde una delicadeza minimalista y madura cada vez más a contracorriente. Su quinto disco en solitario sale haciendo honor a su estilo, casi a hurtadillas. Siete piezas largas y exquisitas y un precioso tema instrumental, todas con el piano como base, que Pascual lleva a un terreno de ensoñación radical. El ruido fantasmal de fondo y el piano de otro mundo de Espacio imaginario resaltan el tono elegíaco de un álbum que destila la personalidad única del artista, en un momento en que demasiados grupos y artistas parecen clonados. Letras reflexivas y viñetas que reviven momentos cotidianos con un poso existencial sanador.

—jc peña

The Internet

Let’s Eat Grandma

Hive Mind Columbia/Sony

FUNK-R&B /No es fácil con-

tentar a los fans y seguir al mismo nivel tras tres años de parón musical y con un antecedente, Ego Death, nominado en los Grammy. Sin duda, la banda californiana dejó su propio listón bien alto, pero lo han vuelto a conseguir con un álbum de R&B que se ha ido cociendo a fuego lento cerca de las playas de Malibú. Este tiempo ha servido para que cada uno de los integrantes se embarcara en nuevos proyectos individuales (destacando la producción de Steve Lacey para el álbum DAMN de Kendrick Lamar) para volver con un trabajo grupal con visiones más heterogéneas que nunca. Hive Mind es la suma de varios talentos individuales a los que The Internet otorga el protagonismo que merecen. En Come Over luce especialmente la guitarra de Steve Lacey entrelazada con la voz de Syd –en su día miembro de Odd Future-. Entre el R&B de Hive Mind se cuelan temas como Roll o Li Di Da que aportan el toque funk.

—marina badenes

MONDOVINILOS

Joaquín Pascual

The Blue Hour Warner

I’m All Ears Transgressive/[PIAS]

POP / Su debut, I, Gemi-

ni, no fue un capricho adolescente: su pop etéreo, de ensueño y con bases electrónicas ponía la piel de gallina. El dúo británico formado por Jenny Hollingworth y Rosa Walton da un paso de gigante dos años después de su primer trabajo con I’m All Ears. Como recién bajadas de una nave espacial, Whitewater abre las puertas del nuevo mundo de Let’s Eat Grandma. Una intro con base techno que continúa con Hot Pink, un canto a la adolescencia en la que las chicas de Norwich todavía presumen de vivir, con diecinueve años. Un viaje supersónico en el que no han conducido solas: Sophie es quien produce esta canción, en la que también colabora Faris Badwan de The Horrors. Quizás la condensación de la música trabajada y con fundamento puede chocar con la letra sobre ponys y mundo rosa, pero juntas se convierten en algo adictivo, ecléctico y vibrante a la vez.

—karen montero

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Los fantasmas de Florence And The Machine Florence And The Machine High As Hope Universal

7 POP / Florence aparca un poco el eterno trance de misticismo que le ayudaba a escapar de los problemas a través de su música y hace frente a nuevos fantasmas de la vida real en su cuarto álbum. High As Hope representa la libertad para Welch, el lograr profundizar en conflictos pasados, asumir ciertas adicciones que le llevaban a la destrucción y conseguir sacar la valentía necesaria para poder disfrutar de la artista que es ahora sin miedo a que las musas desaparezcan. Habla de estabilidad, madurez, traumas de la infancia (Hunger), referentes femeninos (dedica un tema a su hermana y otro a Patti Smith). A nivel musical no hay grandes cambios en esta nueva entrega. De hecho, puede llegar a hacerse algo monótono y es bastante fácil relacionar muchos de los

temas, o recursos utilizados, en este disco con canciones de largos anteriores. Pero, lo mejor de este regreso es el precioso trabajo vocal que ha conseguido plasmar. Por fin vemos a una Florence mucho más tranquila, se acabaron las batallas épicas y ese intento de llegar cada vez a más. Y la culpa de este interesante salto la tiene en parte la nueva dirección de producción a cargo de Emile Haynie (Lana Del Rey) quien apuesta por hacer brillar los detalles y sacar un sonido mucho más elegante. Todo bajo la supervisión de la propia Florence, que firma como coproductora. Entre las grandes colaboraciones están Kamasi Washington (arreglos y saxo), Tobias Jesso Jr. (teclados), Sampha (piano en Grace) o Andrew Wyatt (Miike Snow) en la conmovedora No Choir. Y es que pese a la falta de innovación, con High As Hope Florence logra que veamos a una artista más terrenal y humana. Una figura que en la cumbre de su carrera apuesta por un disco fiel a sí misma en el que sus valores y pasión están por encima de cualquier otra cosa. —álex jerez

septiembre 2018 #41

42/Mondo Media

que “Esto es ciencia-ficción ocurre en la orilla de un no lago una noche de vera ía nt en la que alguien se sempe” mal, y el tiempo se ro

LIBROS Joy Division: Placeres y desórdenes VV.AA. Errata Naturae

Carne de cañón

Enric Montefusco Bandaàparte

7 Carne de cañón es mucho más que una recopilación de letras de canciones como 1, 2, 3 sol o Todo para todos, y lo es gracias a los textos con los que el barcelonés introduce los distintos bloques ¿temáticos? de su trayectoria. En ellos nos descubre las claves de su forma de entender el oficio este de componer canciones, de su pasado y sobre todo de su presente. —joan s. luna #42 septiembre 2018

Borja González

CÓMICS

Como una continuación natural del volumen que Errata Naturae publicó hace un tiempo sobre los también mancunianos The Smiths, este libro recoge once ensayos firmados por músicos, periodistas y pensadores de dentro y fuera de nuestro país: Jon Savage, Mark Fisher, Antonio Arias, Servando Rocha, Eloy Fernández Porta… El resultado es un análisis desde diferentes puntos de vista, desde el biográfico, pasando por lo puramente personal y con diversas reflexiones a propósito de la comercialización de lo mortuorio en el terreno del pop. —luis j. menéndez

Emociones

Si con La reina orquídea (El Verano del Cohete, 16) se asentaban los cimientos de lo que intentaba construir Borja González, en The Black Holes (Reservoir, 18), el autor abraza abiertamente las formas y esencias de un proyecto creativo que tiene tanto de exploración de nuevos territorios como de autodescubrimiento.

ómo surge la oportunidad de hacer The Black Holaes? Llevo desde la adolescencia grapando cosas. Hay un proceso de intentar profesionalizar el fanzine, si es que eso tiene algún sentido. Mayte Alvarado y yo empezamos a intentar cuidar el formato, a hacer obra única, pequeños cuentos. Es ahí donde empieza la editorial El Verano del Cohete y es ahí donde, casi en para-

lelo, hay una evolución por mi parte en el aspecto narrativo y visual, hay una síntesis visual y todo termina confluyendo en La reina orquídea. De alguna forma es ahí donde encuentro el contenido y el continente que llevaba buscando desde hacía diez años. Para mí fue un subidón porque se me abría un camino que llevaba buscando todo ese tiempo sin darme cuenta. Dentro de las posibilidades de El Verano del Cohete, La reina orquídea funcionó muy bien. La repercusión que nos sorprendió porque Mayte y yo vivimos en Badajoz, salimos poco de casa... Luego surgió la oportunidad de publicar con Reservoir Books porque se pusieron en contacto conmigo. Les había gustado La reina orquídea y me abrieron la puerta. Yo había comenzado a trabajar en algo nuevo, porque había descubierto un juguete y era mío... —¿Cómo ha sido pasar de autoeditarte a trabajar para una de las mayores editoriales del mundo? Te acojonas, porque antes tienes cierta excusa de que es algo que has

hecho en tu casa. Tienes que hacerlo bien. Y me equivoqué, malinterpreté lo que era “hacerlo bien”, por eso tardé más en arrancar y en sentirme a gusto. Hubo un momento en el que yo tenía problemas con el libro, porque intenté construir una historia y cosas así y, ellos no me habían llamado para eso. No me habían llamado para hacer algo distinto, sino por lo que ya sabía hacer. Así que tiré todo a la basura, volví a comenzar, y empecé a pasármelo bien. La única diferencia es que cuando tenía que solucionar un problema, llamaba y me lo solucionaba otra persona. Han sido todo facilidades. Pensé que iba a ser un cambio más brusco, pero no. La editorial es muy grande, pero el mercado no, e igual ha tenido que ver. —Una de las principales impresiones que deja la lectura de The Black Holes es que hay por tu parte más interés como escenarista y creador de ambientes que en contar con una linealidad en las tramas; esos paseos en el bosque, esa capacidad de transmitir sensaciones... ¿es algo que buscas o te interesa? No me interesan demasiado las tramas ni el desarrollo de personajes. Me preocupo, incluso, de eliminar cualquier dato de los personajes anterior o posterior al cómic, solo viven en ese momento. Me interesa crear una sensación, una emoción, transmitir un sentimiento de angustia, melancolía... creo que eso perdura mucho más en el lector. Y a mí me interesa porque es de eso de lo que estoy hablando. Guardo un borrador de The Black Holes en el que me metía en el jaleo de viajes en el tiempo, pero vi que no era por ahí por donde quería ir. Esto es ciencia-ficción que ocurre en la orilla de un lago, en un bosque, una noche de verano en la que alguien se sentía mal, y el tiempo se rompe. Ese es el viaje en el tiempo que hay en el libro. —alex serrano

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The Black Holes Borja González Reservoir, 18

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Descender 5. La rebelión de los robots

CÓMIC

CÓMICS Jeff Lemire y Dustin Nguyen Astiberri

Charles Forsman

Un delicioso fin del mundo The End Of The Fucking World ha sido una de las más gratificantes sorpresas de Netflix esta temporada. Huida hacia ninguna parte protagonizada por una pareja de adolescentes con tendencias psicópatas, la serie se basa en el delicioso cómic homónimo publicado recientemente por Sapristi en nuestro país.

Este nuevo capítulo plantea el cantado enfrentamiento entre humanos y robots. El guión de Jeff Lemire es tan adictivo como lo ha sido durante toda la serie, pero, sin duda, el gran protagonista es el arte de un Dustin Nguyen, simplemente insuperable en su forma sensible de plasmar algo tan poco sentimental como un mundo dominado por trastos mecánicos pensantes. Descender se ha ganado un lugar en la historia de la novela gráfica. —eduardo izquierdo

ealmente, las cosas no han cambiado demasiado con el éxito de la serie”, explica a través del correo electrónico el dibujante del cómics norteamericano Charles Forsman. “Sí que tengo un poco más de seguridad financiera, seguramente la mayor preocupación de un dibujante de cómics. Pero aparte de eso, sigo viviendo con mi pareja, Melissa, y nuestros dos gatos, en la misma casa pequeña de la misma ciudad pequeña en la que vivía antes del estreno de The End Of The Fucking World”. Ya desde muy crío Charles Forsman tuvo claro que quería dedicarse a dibujar. Quería ser el nuevo Charles Schulz o Chester Brown. Quería seguir los pasos de E.C. Segar, Frank Miller, Klaus Janson o José Muñoz. Tras una adolescencia un tanto complicada en la que acabó abandonando el instituto, encontró su tabla de salvación en la prestigiosa escuela de dibujo The

Pescadores de medianoche Yoshihiro Tatsumi Gallo Nero

En esta nuevo compilación de historias inéditas en castellano del malogrado Yoshihiro Tatsumi (falleció en 2015), uno de los padres del manga gekiga, volvemos a encontrarnos con esos gatos callejeros humanos cuyas vidas siguen rumbos en los que la ilusión parece haber desaparecido para siempre. No es su mejor título, pero vale la pena. Como siempre. Y sorpresa, esta vez hay una de robots. —joan s. luna Balas perdidas: Hazañas y travesuras

Center For Cartoon Studies de Vermont. De eso hace diez años, década en la que ha dado vida a títulos tan recomendables como Revenger, Celebrated Summer, Slasher, I Am Not Okay With This y, evidentemente, The End Of The Fucking World, cómic del que la plataforma Netflix ha producido una deliciosa adaptación para la pequeña pantalla. “Me encanta la serie”, confiesa Forsman. “De hecho, estuve un poco involucrado en la adaptación. El creador de la serie, Jonathan Entwistle, me mantuvo al tanto de todo. No solamente eso, sino que pude vivir en primera persona el rodaje durante una semana. Sabía que Jonathan haría un buen trabajo, pero no pensaba que el resultado iba a ser tan bueno. Es un poco diferente a mi libro, pero me gusta que sea así. Les dije desde el principio que no quería que estuvieran atados a mi cómic. Por norma general, las adaptaciones no funcionan cuando la máxima preocupación es ser totalmente fiel al material original”. James es un adorable sociopata y Alyssa la adolescente de humor cáustico que se enamora de él. Juntos emprenden una huida hacia ninguna parte. Cómic publicado en nuestro país por Sapristi, The End Of The Fucking World es una reformulación en clave weird adolescente del mito de Bonnie y Clyde, y una relectura de clásicos cinematográficos modernos como Asesinos natos o Amor a quemarropa. “Todos esos referentes son válidos, pero mi mayor influencia fue Badlands, por esa manera tan poética

en la que está rodada y, sobre todo, por la historia que nos explica”. El imprescindible debut de Terrence Malick está inspirado en la orgía de asesinatos que entre diciembre de 1957 y enero de 1958 protagonizaron en el medio oeste estadounidense la pareja de adolescentes Charles Starkweather y Caril Ann Fugate. “Otra influencia importante fue la de Dexter”, reconoce Forsman que actualmente se encuentra trabajando en un cómic de ciencia ficción llamado Automa que él describe como su particular versión de Terminator 2. “Cuando empecé con The End Of The Fucking World estaba enganchado a esta serie. Me fascinó la idea de un personaje que podía asesinar pero con el que también podías empatizar y sentirte identificado”. —oriol rodríguez

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The End Of The Fucking World

Charles Forsman Sapristi 2018

la idea “Me fascinó aje que de un person ar pero podía asesintambién con el que tizar” a podías emp

9 Se ha hecho de esperar, pero cualquier espera es poca si supone la creación de una historia como la que David Lapham nos cuenta en la quinta entrega de su clásico. Un neo-noir crudo y descarnado, violento física y sobre todo emocionalmente, que teje su tela de araña a partir de los encuentros y desencuentros entre un grupo de personajes sólidos, cada uno de ellos con sus luces, sus sombras y sus secretos. —joan s. luna

IMAGEN DE LA SERIE DE NETFLIX BASADA EN EL CÓMIC FOTO: ARCHIVO

David Lapham La Cúpula

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septiembre 2018 #43

44/Mondo Conexiones Bershka <> 80’s and 90’s icons!

Bershka lanza una colección de camisetas y sudaderas con los grandes iconos de los ochenta y los noventa, como bien marcan las nuevas tendencias de la temporada. Las camisetas con estampados fotográficos de series icónicas, actores y actrices o incluso marcas forman parte de los looks del invierno.

Festivaleando con Brugal <> Mad Cool Festivaleando con Brugal ha hecho posible que 60 Fest Masters de Brugal, especialistas en tendencias, vivan este verano el trabajo de sus vidas. Seleccionados entre más de 15.000 aspirantes, estos expertos en pasárselo bien han recibido un sueldo de 1.500€ por pasarse el verano de festival, además de tener cubiertos todos los gastos de transporte, alojamiento, dietas y la entrada, con la misión de encontrar lo mejor de cada uno de ellos y compartirlo en sus redes. Algunos de estos festivales han sido Weekend Beach de Málaga, Dreambeach, No Sin Música y Mad Cool, del que una de las Fest Masters apunta: “Es la primera vez que vengo a Mad Cool y la experiencia ha sido insuperable. El haber disfrutado de un cartelazo y tan de cerca junto a mis compañeros con todos los gastos pagados es algo que pasa una vez en la vida”. Únete a la comunidad con #FestivaleandoConBrugal. www.festivaleandoconbrugal.com

Paulaner <> Paulaner Biergarten Madrid Tracer <> LCD Soundsystem Tracer es la start-up española que ha lanzado el Smart Ticket, un tipo de entrada que, gracias a la tecnología blockchain, es capaz de acabar con al reventa de entradas. La empresa cuenta con el apoyo de James Murphy, el cantante de LCD Soundsystem, que ha invertido personalmente en Tracer porque cree en la solución definitiva anti-reventa.

La conocida cerveza alemana, en su apuesta por acercar la cultura bávara a España, abre en Madrid su primer Biergarten, un espacio pop-up en Madrid Río. Los Biergarten son considerados popularmente como “jardines de la cerveza”, espacios al aire libre donde disfrutar de planes de ocio. Ubicado en el Café Bonaparte, Paulaner Biergarten estará abierto también en septiembre desde las 11hs hasta medianoche con una oferta gastronómica exclusiva, cata de cerveza Paulaner y sesiones de tardeo con DJ’s.

Proyecto Hombre <> Mejor pronto que tarde

Unplugged Sessions SAE <> MondoSonoro Los Moros son el segundo grupo que participa en Unplugged Sessions, fruto de la colaboración entre SAE Institute Madrid y MondoSonoro. Hace un año lo audiovisual y la música se juntaron para crear esta serie de piezas sonorizadas, elaboradas íntegramente por los alumnos de la escuela SAE Institute Madrid para poner en práctica los conocimientos adquiridos en los cursos de sonido que imparte el centro. En cuanto a lo musical, los protagonistas son las bandas emergentes que han aparecido en los últimos meses en la sección autoeditados de MondoSonoro Madrid. Puedes ver el vídeo en el canal de YouTube de MondoSonoro (Mondo TV). #44 septiembre 2018

La ONG Proyecto Hombre lanza una nueva campaña de prevención sobre el consumo de alcohol y otras drogas dirigida a los jóvenes en forma de rap con el mensaje Mejor pronto que tarde. El spot ha sido dirigido por Marta Puig, Lyona, y ha contado con la colaboración de la actriz Paula Gallego y la Escuela de Música Creativa. www. mejorprontoquetarde.org #MejorProntoQueTarde

Carrefest Music Talent <> Carrefour Carrefest Music Talent 2018 llega a su fin, pero antes tiene una fecha final de su gira el 6 de octubre en Carrefour Málaga, concierto en el que actuarán los ganadores del concurso: Naranja (ganadores del jurado) y Atrezo (ganadores del público). Lo harán compartiendo escenario con Marlon y algunos de los concursantes de OT como parte del premio de esta edición, junto a un premio en metálico de 7.000€, la edición y promoción de su single con Universal Music y un Spotify For Artist. Carrefest Music Talent concluye así su tercera edición dando la oportunidad a bandas emergentes de iniciar su carrera musical. www.carrefest.com / www.ticketmaster.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

LOS PLANETAS DORIAN

DJANGO DJANGO LOS PUNSETES VIVA SUECIA GUILLE MILKYWAY DJ LOS CRร PULAS

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Apertura de puertas: 19:00h 19/6/18 17:34

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Maquetación : Errea Comunicación

RETROVISOR.

Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com Mondo web www.mondosonoro.com

Pram

Origen: Birmingham, (Reino Unido). 1988

ace ya un cuarto de siglo que Pram debutaron con The Stars Are So Big, The Earth Is So Small... Stay As You Are (1993). Dicho disco ha ejercido de eje conceptual hasta su reciente Across The Meridian (Domino/Music As Usual, 18). Un exótico mural cosido fuera de los límites consensuados del canon pop, donde no es difícil reconocer paralelismos con la escucha inmersiva propuesta por afrofuturistas del jazz de los sesenta y setenta como George Russell o Miles Davis. Su obsesión por el timbre, el eco y todas las posibilidades de enredar instrumentos acústicos como glockenspiels y xilófonos con sintetizadores analógicos ha marcado los frutos de un método en las antípodas del post-rock, anclado en el concepto de “no hacer música rock con instrumentos rock”. Tanto en artilugios tan fuera de onda como Helium (1994) y Sargasso Sea (1995), su enfoque responde a un proceso equitativo para inducir a sonidos de todos los rangos posibles. “En realidad, no somos una banda de punk rock, nos interesa grabar sonidos y texturas, y encontrar sonidos de nuestras grabaciones de campo”, me comenta Sam Owen, timonel de tan desbocado brainstorming de ideas, donde “nunca pensamos en probar algo para escribir con un estilo determinado. Si fuera así, jamás lo lograríamos. Todos avanzamos sobre nuestro amor por músicas diferentes. Jazz, bandas sonoras, library music, hip hop... Todo se debe a diferentes influencias, completamente perdidas, que surgen en algo completamente en algo nuevo. Siempre tomamos cosas de algo que hemos escuchado antes. Creo que el oyente sí puede reconocer alguna pieza de jazz, library music. Pero, de todos modos, odio eso. Matthew, el guitarrista, está muy inmerso en el hip hop y el grime, Max está muy influido por la exó-

#46 septiembre 2018

tica. Es muy difícil definir un estilo. Estamos inmersos en la música de diferentes maneras, diferentes formas de crear atmósferas. Realmente no podemos expresarnos en un único tipo de música”. Así ha sido a lo largo de un recorrido siempre definido por la intención de encontrarse siempre en tierra de nadie. “En verdad, nunca nos preocupamos por lo que sucede a nuestro alrededor. Miramos al pasado buscando el futuro, supongo. Siempre estamos buscando nuevos sonidos, creo que necesitamos crear música y aún sigue siendo así”. Como en su brillante nuevo disco, una especie de opus donde poder palpar cada una de las aristas encaminadas a una metodología que, a lo largo de estas tres últimas décadas, lleva desafiando las reglas de la canción al uso. Dicho objetivo siempre lo han ejecutado desde un profundo sentimiento anti-rock, no muy lejano a la forma de proceder en estudio de pioneros post-punk como The Raincoats y This Heat, aunque sobre todo bajo la mezcla de investigación y consciencia onírica propuesta por hitos del krautrock tipo Can y Faust. Para ellos el estudio es un laboratorio de sonidos que, aunque pueda dar esa impresión, jamás son improvisados como tal. “A veces te sorprendes en el proceso, las cosas no son deliberadas, solo la interacción de las personas trae algo sorprendente e inesperado. Y creemos en lo que sentimos... Así que tratamos de captar las primeras ideas, donde los tiempos de visión tienen un sentido. Pero no creo que se trate de improvisación”. Un grupo que sigue extrayendo ideas de un código sonoro forjado dentro de la “generación perdida” de los noventa, la constituida a la sombra del britpop por grupos como Bark Psychosis, Disco Inferno, Laika, Main, Scorn, Moonshake o Stereolab. —marcos gendre

IMPRESCINDIBLE The Stars Are So Big, The Earth Is So Small... Stay As You Are Too Pure (1993)

Hace siete años, Neil Kulkarni escribió un artículo para The Quietus en el que exponía las razones por las que el debut en largo de Pram es el disco más importante de los noventa. Quizá pueda sonar exagerada dicha afirmación, pero leyéndolo surge un innegable halo de verdad absoluta: no hay disco de estas tres últimas décadas que ataque con tal virulencia el subconsciente del oyente. No en vano, su escucha responde a una pregunta mágica: ¿cómo sería el dream pop si hubiera nacido del sueño de un afrofuturista germano de los setenta? Jazz, avant-garde, polirrítmia, bossa nova, Talk Talk... Cada uno de los siete movimientos aquí recogidos surcan los límites de la abstracción hasta el punto de hacernos creer que cada escucha no tiene nada que ver con la anterior. ¿Truco o magia? ¿De verdad, te lo estás preguntando? —m.g.

Ed. Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Pablo Ferrer, Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com Ed. Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Ernesto Castañeda 657 67 41 97 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com) Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Ed. Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Silvia R. May

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