MondoSonoro septiembre 2019

Leรณn Benavente Cuatro monos

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Nยบ 275 Septiembre 2019 www.mondosonoro.com

ALIZZZ, BLACK MIDI, BARONESS, RICHARD HAWLEY, PEDRO LADROGA, THE DRUMS, FAT WHITE FAMILY, PORTISHEAD AMARAL, !!! (CHK CHK CHK), PERRY FARRELL, DEVENDRA BANHART, KEVIN MORBY, BILL CALLAHAN, HOLLY HERNDON

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Days of the Bagnold Summer

Belle and Sebastian Nueva Banda Sonora A la venta 13 de Septiembre

5/Mondo freako Hablamos con Alizzz –productor de algunos de los mayores éxitos de C. Tangana– sobre su visión del pop y sobre Whoa!, su nueva aventura: un sello amparado bajo el paraguas de Warner con el que el músico catalán tiende puentes entre el mainstream, el underground y la vanguardia y con el que está armando una escudería de promesas del nuevo pop como Paula Cendejas, Robie o Coral Casino.

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Alizzz Liquidez sólida mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

lizzz siempre ha parecido moverse en estado líquido. Ya fuera a través del pop pegadizo y futurista de sus trabajos en solitario o entre las simbiosis con distintos artistas que ha experimentado en los últimos años, incluida, cómo no, su fructífera relación con C. Tangana. Pero entre todo ese magma pop flota algo sólido: la ambición de un productor que quiere cambiar la manera en que se entiende el pop en España. Las cartas sobre la mesa. “A corto plazo quiero que Whoa! sea una plataforma que abra nuevas vías dentro del pop, a medio plazo que sea uno de los actores principales dentro del mainstream de este país y a largo plazo un referente en cómo se hace pop de calidad”, afirma Cristian Quirante en un momento en el que el sello apenas está despegando. Y es que aunque los lanzamientos de Woah! se pueden contar con los dedos de la mano, el sello cuenta ya con un abanico sonoro bien definido y un puñado de referentes claros. “Los australianos Future Classic por la manera de llevar las tendencias de vanguardia a un público masivo. Arkestra de Mwëslee y BFlecha por la manera de cuidar todos los detalles de cada release y su visión futurista. Agorazein por no conformarse con ser un sello independiente y tener ambiciones de multi”.

A medida que habla hay una fórmula que parece revelarse entre la nube de ideas que maneja, la identidad como algo fundamental para escapar de la fugacidad. “La credibilidad es una batalla que hay que librar. No solo hay que hacer temas que funcionen, hay que mantenerse y aguantar el paso del tiempo, las modas... Yo solo conozco una manera de hacerlo y es teniendo esa credibilidad artística con uno mismo y frente al público. Los proyectos que funcionan son aquellos capaces de sorprender constantemente, ya sea por tener un sonido muy particular, una imagen que rompe, un storytelling o un marketing muy creativo. Se tiende a pensar que replicar fórmulas es la manera de triunfar. Puede funcionar por un periodo corto de tiempo, pero lo complicado en esto es mantenerse y la única manera que conozco para eso es aportar algo único y tener

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MONDO FREAKO

LA MÍA Músicos en Estados Unidos

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un criterio propio”. Esa lucha por la credibilidad y la estabilidad parece recrudecerse cuando hablamos de pop, un género que Alizzz entiende como “una manera de afrontar la composición, seguir unas estructuras, unas armonías, una manera de expresarte que tenga la capacidad de conectar con todo el mundo” y cuya percepción por parte del público y los medios ha cambiado en los últimos años. “Creo que todo el mundo ha visto que proyectos con visión masiva pueden además tener una identidad muy marcada y una entidad artística muy fuerte. Yo por mi parte he trabajado mucho para cambiar ese marco mental”. Alizzz se postula como uno de los culpables de ese cambio, y lo hace consciente de que sus raíces en el underground son algo más que un embellecedor de curriculum.

Hubo quien afiló cuchillos al ver que lanzaba un single con Lola Indigo después de haber criticado su “Yo ya no quiero ná”, pero lejos de recoger cable no dudó en defender su postura afirmando que “no es común que desde dentro se critique al mainstream” y que viene de una escena “donde la crítica es un motor importante de cambio. Yo estoy del lado de la cultura popular siempre, y quiero que cada vez tenga más calidad. Hay muy poco espíritu crítico dentro del pop y creo que eso no nos hace avanzar. A mí me gusta señalar aquellas cosas que nos bloquean y nos hacen pequeños para cambiarlas. Creo que lo que más aporta la gente que viene del underground/ vanguardia es la búsqueda de lo nuevo de manera constante, el no quedarse quieto”. Estas intenciones, tanto la de ampliar la paleta de colores del pop estatal como la de nutrirlo de nuevas caras, aguardan dentro del caballo de troya de Alizzz y Whoa!, que ya ha cruzando las puertas del mainstream. Gana él, ganamos todos. —darío garcía coto

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“Hay muy poco espíritu crítico dentro del pop”

EL APUNTE

Cinco colaboraciones C. Tangana y Rosalía Antes de morirme (2016) Fue, para muchos, la carta de presentación de Rosalía y el primer hit bailable de C. Tangana.

Alizzz produjo este tema en el que se podían vislumbrar ya las posibilidades de que ambos llegaran a un público masivo.

C. Tangana Mala mujer (2017) Aunque sobran temas con C. Tangana para elegir, es inevitable detenerse en Mala mujer. Un punto de inflexión enorme en la carrera del madrileño y probablemente la canción que marcó el camino que ha seguido hasta el día de hoy.

Javiera Mena Espejo (2018) La chilena es también una experta a la hora de moverse en la frontera entre el underground y el mainstream. Alizzz colabora en tres de los temas de su último disco, Espejo, incluido éste, que se cuenta entre los más pegadizos.

Ana Torroja Llama (2019) Probablemente el mayor WTF que haya firmado Alizzz hasta la fecha. Junto a Rosalía y El Guincho dio forma al single de regreso de la exvocalista de Mecano, todo un golpe encima de la mesa con el que comenzaba una nueva etapa.

Jesse Baez y Paula Cendejas Tu cama (2019) Alizzz inauguró Woah! con Tu cama, una muestra brillante de ese nuevo pop del que hablamos en esta entrevista. Fue, también, el primer adelanto de Paula Cendejas, la gran apuesta del sello a día de hoy.—d.g.c.

ue el sistema sanitario estadounidense es una auténtica locura es algo que ya sabemos desde hace mucho tiempo. Es cierto que la cosa está peor en muchísimos otros países, pero siendo como somos admiradores de infinidad de artistas y grupos estadounidenses no deja de sorprender que las cosas sean como son en una de nuestras mecas musicales. Recuerdo todavía la primera vez que escuché algo así relacionado con un músico me quedé noqueado. El guitarra y productor J. Robbins (Jawbox, Burning Airlines) pedía ayuda para pagar los elevadísimos gastos médicos ocasionados por la enfermedad de su hija, a lo que colaboraron incluso bandas españolas en un concierto benéfico. Luego vinieron muchos otros casos que, pase lo que pase, no dejan de sorprender. Una enfermedad grave, un accidente inesperado y un tratamiento imprescindible pueden destrozar económicamente a cualquier ciudadano americano, algo que se agrava todavía más si hablamos de los músicos y de sus vaporosas condiciones de vida por lo que respecta a ingresos.

Lo más triste es cuando, a toro pasado, nos enteramos de situaciones como la de Chuck Schuldiner de la banda de metal Death, a quien cientos de seguidores ayudaron a sufragar los gastos de un cáncer que acabaría con su vida, o la todavía reciente del productor y músico Richard Swift (The Shins, The Arcs), cuya familia no podía encarar la cifra derivada de los diversos tratamientos que tuvo que seguir por depresión, alcoholismo y finalmente de una hepatitis que provocaría su muerte en 2018. Pero no todo son noticias tan negativas. Pocas semanas después de abandonar Sleater-Kinney, Janet Weiss sufrió un grave accidente de tráfico a unos minutos de su casa en Portland.

Para encarar los gastos clínicos y un postoperatorio de tres meses aproximadamente quien también fuera batería de Quasi pidió ayuda en GoFundMe. En poco más de un día, consiguió duplicar el objetivo inicial, la nada desdeñable cifra de 25.000 dólares.

Ojalá siempre resultase tan sencillo y ojalá en España continuemos teniendo, pese a sus defectos, un sistema sanitario como el que tenemos.

Aunque los músicos estadounidenses no buscan solamente ayuda para financiar gastos hospitalarios. Una búsqueda en GoFundMe de la palabra genérica musician nos lleva a una lista de 18.150 resultados y casi unos 2.000 si afinamos como rock musician. Hay quien pide dinero para financiar discos, para hacer un museo y mil cosas más, pero entre las peticiones más tristes nos encontramos desde campañas para sepelios hasta una financiación para reabrir el caso del apuñalamiento de Fred ‘Freak’ Smith, quien fuera guitarrista de Beefeater, banda de hardcore de la escena de Washington DC. —joan s. luna

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#6 septiembre 2019

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black midi Niñatos y malcarados Hartos estamos ya de tanto mimetismo generacional.

Por eso es un placer poder disfrutar de un disco tan afilado como Schlagenheim (Rough Trade/Popstock!, 19) facturado por unos veinteañeros con ganas de comerse el mundo. Este mes de septiembre presentarán su disco en nuestro país tras actuar en la pasada edición del Mad Cool.

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eguramente hayas visto el vídeo de KEXP que sirvió a black midi para romper el cascarón, si es que no estás completamente enamorado de él, si no te apasiona cómo el caos encuentra en él de repente el equilibrio como en una obra de Kandinsky. El caos no es tal, sino más bien una tormenta de estímulos irrefrenables provocada por cuatro chavales del sur de Londres que se niegan a dar las guitarras por perdidas y que hacen de la experimentación su único libro de estilo. “Lo del iPhone fue una idea de Geordie… Él solía improvisar emitiendo señales a las pastillas para después modular el sonido con pedales o cosas así, creando sonidos nuevos. Al final son pastillas, tú puedes amplificar a través de ellas cualquier sonido, simplemente les acercas el teléfono y ya está.

Yo me puse a dar paseos y grabar cosas con el móvil: el ruido de los pájaros, a mi familia, mi madre y mi hermana en la cocina, ruidos random de la calle, cosas así… luego lo llevaba al estudio, lo probábamos, veíamos si quedaba bien y si encajaba con el ritmo en general de la improvisación y ya está. La verdad es que era muy divertido”, dice Matt Kelvin, guitarra, revelándome de golpe varias de las claves del grupo. Él y Geordie Greed (voz y guitarra) se conocieron con unos quince años en la BRIT School, de la que han salido

“No seguimos ninguna norma concreta”

EL APUNTE

La revancha de las guitarras británicas

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ondres son muchas escenas.

Por ello es una de las ciudades más efervescentes culturalmente del globo. Mientras el grime reclama nuevamente su trono y el UK garage ha terminado de asentarse y mutar, el indie pugna por retomar la relevancia en brazos de sonoridades menos evidentes, el punk y el post-punk recrean desde Brixton un eterno retorno. Tim Curry, desde el Windmill, está siendo una persona fundamental para entenderlo hoy, además del primero en darles una oportunidad a black midi. “Aparte de nosotros han salido de allí Fat White

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Family, Goat Girl, Shame… tiene mucho que ver con parte de lo que está pasando en Londres, pero solo es una pequeña parte”. Para ellos detrás de todo no hay que ver una escena fijada en el jazz, sino más bien una “gran efervescencia creativa”. “No es que Rex Orange County, Nilüfer Yanya, King Krule estén influenciados por el jazz, es que comparten músicos que lo tienen más integrado en su forma de tocar y hacer música… cada uno construye su carrera en torno a su personalidad artística”.

Y, desde luego, todas ellas están bien diferenciadas. —d.r.

otros artistas británicos como Adele, Amy Winehouse o King Krule, y desde el principio jugaron juntos a improvisar, a experimentar las posibilidades de la música con la total libertad creativa que ofrece un entorno como la celebérrima escuela de artes londinense. “En ese tiempo Geordie y Morgan Simpson (batería) también tocaban juntos por su cuenta, pero igual, simplemente improvisaban. Geordie pensó que podíamos unirnos los tres, dimos un par de bolos ya como trío, llegamos a meter a otro chaval al sintetizador llamado Jim Reeds, que ahora está tocando la batería con Rex Orange County, mandamos mil emails para tratar de sacar más el proyecto a la calle y al final terminó saliendo el bolo del Windmill de Brixton.

Fue literalmente la única sala que nos respondió, de verdad que contactamos con prácticamente todas las salas de Londres”. El mismo día del concierto ensayaron por primera vez con el bajista Cameron Picton, buen amigo de Matt, dieron el bolo y, al terminar, el productor Dan Carey (Franz Ferdinand, Kate Tempest, Bat For Lashes) les pidió producir el que terminaría siendo su primer single, bmbmbm. Después llegó KEXP, Rough Trade, el aplauso de la prensa especializada… “Ha sido una locura. No nos lo esperábamos y ha ido muy rápido, cuesta asumirlo del todo”.

Aunque ellos mismos reconocen no hacer nada excesivamente arty a propósito, está claro que es su extraña amalgama de sonidos (lo que puede surgir de una combinación en la que encajan gustos como Perfume Genius, el noise y Godspeed You! Black Emperor), junto con su pasión por la improvisación, lo que les hace tan llamativos. “Era algo que trabajábamos ya en la BRIT, pero el momento clave para enamorarnos de esa aleatoriedad fue cuando tocamos con Damo Suzuki (Can). Hizo que nos atreviéramos a improvisar, que perdiéramos el miedo… Muchas de las canciones que al final hemos acabado grabando para Schlagenheim han salido de cosas que se nos ocurrieron aquella noche con Suzuki”. Graban todas sus jams, algunas de más de dos horas, y las convierten en un material que luego siguen perfeccionando obsesivamente concierto a concierto, me reconoce Cameron. “Van saliendo nuevas ideas y las vamos desarrollando sobre el escenario, les vamos dando nuevas formas… Seguimos aprendiendo y mejorando”. —diego rubio

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en concierto l Barcelona 23 septiembre. BAM l Madrid 24 septiembre. El Sol l Donostia 27 septiembre. Dabadaba septiembre 2019 #7

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Baroness Colores

MONDO FREAKO

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ace tres años que empezamos a trabajar en Gold & Grey y la verdad es que nos ha llevado más tiempo publicarlo de lo que hubiéramos deseado” explica Baizley desde el otro lado del teléfono, contagiando su entusiasmo por una obra compuesta durante diferentes los tramos de su anterior tour. “Creo que hemos afrontado el nuevo disco con una mente muy abierta: no teníamos ninguna meta en particular, pero no queríamos escribir una segunda parte de Purple (15). Buscábamos algo mucho más abierto de miras así que, en cierta manera, hemos cambiado la forma de escribir, pero también nuestra actitud ante el proceso compositivo”.

Formados en el 2003, Baroness han sabido conseguir el favor de crítica y público gracias a una efectiva mezcla de sludge y metal progresivo que tan buenos resultados ha dado en álbumes tan destacados como Red (07), Blue (2009) o su última entrega, Purple (15), obra que pondría a sus pies a medios mainstream como L.A. Week o Rolling Stone. ¿Hasta qué punto esa sobreexposición mediática ha podido afectar al cuarteto estadounidense? “Es genial recibir una nominación al Grammy o que Rolling Stone hable bien de tu disco, pero al final del día te das cuenta que ni Rolling Stone ni los Grammys han hecho a tu banda. Y hacer la banda implica dar la cara, estar ante al público, sobre el escenario, defendiendo esas mismas canciones. Al final eso, y sólo eso, es lo que nos importa”. Baizley se muestra rotundo sobre las críticas o las influencias externas: “Nunca jamás hemos compuesto un disco para satisfacer a la prensa o al público: escribimos esas canciones simplemente para satisfacernos a nosotros mismos”.

Ahora, con su quinto trabajo, Baroness han conseguido dar forma a un álbum más complejo que Purple y, sobre todo, más impredecible. “Detestaríamos hacer de nuestra música algo predecible. Al contrario, creo que estamos tratando de inventar algo, de descubrir algo con nuestra música y eso nos empuja hacia el factor sorpresa, aún cuando pueda resultar algo arries-

gado. Para mí no deja de ser mucho mejor que hacer lo mismo una y otra vez. Mi principal reto como músico es no repetirme. Por eso, este disco ha sido fantástico para mí. Me ha permitido expresarme tal y como lo he sentido.

La música debería ser una extensión de nuestras propias experiencias, que suelen ser caóticas, intensas, emocionantes, pasionales o impredecibles, como decías. Creo que Gold & Grey refleja muy bien dónde nos encontramos como músicos, más allá de nuestras habilidades técnicas”. Habilidades que se ven reforzadas con la incorporación de la guitarrista Gina Gleason, para la que Baizley sólo tiene halagos. “Su contribución a Gold & Grey ha podido ser tan grande como la que yo he podido hacer, o la que ha hecho Sebastian o Nick…

Gina se ha entregado totalmente a la música que estamos creando porque comprendió la naturaleza de Baroness desde el primer momento. El hecho de haber escuchado diferentes estilos de música ha hecho que su llegada haya traído algo muy fresco a nuestro sonido”. Por delante les espera una larga

gira a la que se enfrentan “extremadamente entusiasmados” y que les traerá a nuestro país. “Toquemos donde toquemos en España el público responde a nuestras canciones con tanta pasión y energía que hace que incluso toquemos mejor. Siempre he dicho que el show no es bueno porque la banda toque bien: el show es bueno porque el público es bueno”. —tomeu canyelles

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en concierto

“Hacer la banda implica dar la cara, estar ante al público, sobre el escenario, defendiendo esas mismas canciones”

l Madrid 09 octubre. La Riviera l Barcelona 12 octubre. Razzmatazz

EL APUNTE

El 'artwork' de Baroness

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ohn Dyer Baizley no es solamente vocalista y guitarra en Baroness, sino que es un elemento imprescindible por lo que respecta a la imagen de la banda. Tanto es así que todas las portadas del grupo son obra suya, cada una de ellas manteniendo una línea muy personal y utilizando una gama cromática distinta que sirve para dar título a sus álbumes (Red Album, Blue Record, Yellow & Green, Purple, Gold & Grey). “Sí, ya forma parte de la historia de la banda. Para mí, el principal reto empieza a la hora de elegir la paleta cromática con la que definir la obra. En un principio habíamos pensado en bautizar este nuevo disco como Orange, pero el caso es que no decidimos el título definitivo hasta que lo enviamos a masterizar”. Aunque Baizley no solamente trabaja para Baroness, sino que su arte ha sido utilizado por bandas como Kvelertak, Daughters, Torche, Kylesa, Metallica e incluso la cantautora Gillian Welch. Puedes descubrir todo su trabajo e incluso comprarlo en: www. aperfectmonster.com. —joan s. luna

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FOTO: ROSS HALFIN

Afianzados como uno de los grupos más reconocidos de su generación, Baroness alcanzan un nuevo registro con la edición de Gold & Grey (Abraxan Hymns, 19), posiblemente la obra más ambiciosa de cuantas haya publicado el cuarteto liderado por John Baizley.

septiembre 2019 #9

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MONDO FREAKO

Richard Hawley Sin perder la identidad

EN LA MALETA

Richard Hawley lo tiene claro. Esta vez apuesta por canciones más breves y concisas. Gracias a ello redondea un noveno disco, Further (BMG, 19), que puede ser visto como un nuevo punto de partida o como el resultado de dos décadas de carrera.

Carnage

Carnage es un productor de EDM y trap de origen guatemalteco que se mantiene de máxima actualidad gracias a su pegadiza mezcla de hiphop y dance, lo que le está llevando a actuar en los mejores festivales y salas de todo el planeta. Sus shows son explosivos y sus reproducciones se cuentan por millones. #10 septiembre 2019

E

l de Sheffield ha optado por la concisión en un puñado de canciones que rara vez alcanzan los cuatro minutos.

Y por el ensamblaje de algunas de las diferentes claves que han marcado una carrera que roza ya los veinte años. Fur-

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uáles fueron los principales motivos que te lanzaron a ser un DJ y productor?

Hace años, cuando era adolescente en Maryland, tenía un amigo que pinchaba trance y hardstyle, como el viejo Showtek o Headhunterz, incluso tipo Above And Beyond... Me sentí muy feliz cuando escuché a mi amigo porque la música era eufórica y estimulante, pero más que nada me intrigó la vibra que él estaba creando. Realmente me gustó y quería experimentar más de eso para mí, como artista y productor.

—¿Recuerdas la primera canción que produjiste?

La primera canción que produje definitivamente nunca vio la luz... no fue muy buena, pero recuerdo cuando publiqué el remix que hice para el éxito de Hardwell, Spaceman. Esa canción fue un banger y una de las primeras piezas de música por las que fui conocido.

Cuando llegó a 100.000 reproducciones, era como “¡whoah!» y luego, cuando creció a un millón, cinco millones, diez millones, fue una confirmación de que esto era a lo que me dedicaría el resto de mi vida.

—A lo largo de todos estos años como productor, ¿qué has aprendido que se pueda adaptar a tu estilo como DJ? He aprendido a producir lo que quiero producir y a pinchar lo que quiero. Desde dance a hip-hop, pop y todo lo que hay entre medias, mi trabajo es saber leer al público. Pienso que es algo sobre la energía que transmito en el estudio y

“Sólo sé hablar sobre cosas que ocurren en mi vida” ther es su noveno álbum, y puede ser visto como un nuevo punto de partida o como una síntesis de todo lo que hasta ahora nos ha ido ofreciendo. O como ambas cosas a la vez. A él le gusta argumentar que “no puedes inventar el mecanismo de la rueda cada día”. Y no le

sobre el escenario, algo que irradio.

—¿Podrías decirme cuáles son tus Dj’s

o artistas favoritos y por qué motivos?

Gravedgr, Sludge y Gommi son artistas nuevos que acabo de firmar con mi sello Heavyweights. Esos tipos son el futuro.

He estado escuchando a Valentino Khan y 4B últimamente, y siempre tengo un amor loco por mi chico Borgore. En el lado de la hip-hop haz caso de mis palabras: Shordie Shordie está a punto de estallar...

—Sueles realizar colaboraciones con todo tipo de artistas, de estilos diferentes como house, trap o EDM. ¿Qué es lo que te motiva a llamar a uno u otro artista?

Cuando no puedo quitarme el ritmo o el verso de la cabeza, me suelo volver loco rastreando a los artistas que me gustaría tener para colaborar con ellos. He trabajado con tantos nombres increíbles como Steve Aoki, Timmy Trumpet, Migos, Mac Miller, etcétera, pero para mí colaborar se trata de encontrarme con otro artista para forzar nuestra creatividad juntos.

—¿Alguna actuación/lanzamiento especial que tengas en vista y quieras compartir con nuestros lectores?

Acabo de publicar mi canción favorita hasta la fecha, Letting People Go con Prinze George. La canción está dedicada a mi abuela y su viaje a los Estados Unidos como inmigrante. Es muy real y significa mucho para mí. Hay un video musical suuuuper emotivo que llegará pronto también. ¡Papi está de vuelta!—MS

falta razón. El caso es que el disco discurre con frescura sin agotar una fórmula que, pese a su exquisitez, podría caer en un soberano déjà vu. Y que su gestación ha supuesto para el músico un chute de energía renovada, tras unos tiempos dedicados a trabajar en la composición de bandas sonoras. Nos lo cuenta por teléfono, en una charla en la que asume que su ciudad, pese a no haberle servido –por vez primera– para titular el álbum, sigue siendo un pozo inagotable de inspiración. “Todavía hay lugares e ideas en la Sheffield que podrían haber servido, lo que ocurre es que esta vez no me parecía lo correcto, porque las canciones son muy cortas, y sentí que el disco necesitaba un título también muy corto”, nos dice acerca de un trabajo que ha sido como un nuevo comienzo: “La palabra ‘further’ sí que lo resumía muy bien, así que no quise pensarlo demasiado y se lo puse”, confiesa.

Richard Hawley sigue haciendo gala de una humildad y una clarividencia que desarman. Tanto cuando se le consulta si no está ya un poco cansado de que le cuelguen el eterno sambenito de crooner del siglo XXI como cuando se le pregunta si no se siente en cierto modo una rara avis por su forma de romper tópicos masculinos asociados al rock tradicional en sus canciones. Sobre lo primero, esgrime que “nunca” se ha sentido “en absoluto una estrella del rock”, que lleva desde los catorce años metido en furgonetas recorriendo el mundo y nunca le agobian las expectativas externas, al contrario, son una ben-

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TAN. CERCA RRLos Ganglios han anunciado

dición. “Es un honor todo lo que se diga de mí, nunca me canso de todo lo que me ocurre; de hecho, me siento ahora con más energía que en muchos años”.

Sobre lo segundo, admite que sus letras nunca podrían abrevar en el postureo rockista. “Sólo sé hablar sobre cosas que ocurren en mi vida, porque –te guste o no– no estarás toda tu vida viviendo en una fantasía, van a ocurrirte muchas cosas que no tienen nada que ver con esa dejadez o ese desprecio por las cosas, o cualquier otra idea que asocies al rock and roll”.

Hay una segunda lectura en algunas de las canciones de este álbum, al menos en cosas como la preciosa Doors: una invitación soterrada, más allá de la referencia que cada cual pueda detectar a las drogas psicodélicas, a abrir la mente y dejar de lado las ideas simplistas y reduccionistas de la realidad que tanto han primado en la Inglaterra del Brexit. “Odio el Brexit, porque he estado viajando por el mundo desde que era un crío, tocando música, que es como mi pasaporte. Y no soy un turista.

Me considero europeo. Así que es muy difícil para alguien como yo el entender por qué están haciendo algo tan odioso: es xenofobia, directamente”, contesta sin tapujos. Partidario de aportar belleza a tiempos sombríos, en Hawley se dan cita un carácter marcadamente británico en lo sonoro y conceptual y una manera muy cosmopolita de ver las cosas. “A mí me encanta visitar España, Alemania, Italia, Francia o Bélgica, y poder hacerlo con libertad de movimientos, pero va a ser muy difícil hacerlo como antes. Todo esto va a hacer que cualquier cosa sea absurdamente complicada, sin razón alguna. Y Gran Bretaña va a acabar mucho más sola”, dice con pena sobre una situación que se está viviendo no solo en su país, sino que sería extensible a otros enclaves europeos. —carlos pérez de ziriza

r Más en www.mondosonoro.com

su disolución de la forma más atípica y ligera posible, con un escueto mensaje que reza: “Por asuntos personales hemos decidido acabar con Los Ganglios.

Quedan cancelados todos los conciertos. Perdón por las molestias y gracias por todo!!!”. Con ellos se va uno de los grupos más personales, extravagantes, surrealistas y queridos del pop independiente estatal.

RREl Jägermusic Tour vuelve

a la carretera este año y pasará por Sevilla (27 de septiembre), Madrid (28 de septiembre), Valencia (4 de octubre) y Barcelona (5 de octubre). Los protagonistas de esta edición serán Playback Maracas, Deva, Quentin Gas & Los Zíngaros y, solo en Sevilla, Hickeys.

RRLa Zowi y Yung Beef han

firmado su primera colaboración con Empezar de 0. Forma parte de Perreo de la muerte 2, la nueva mixtape del granadino, que presentará este mes en Barcelona (7 septiembre), Madrid (12 septiembre) y Granada (28 septiembre).

RRHouse Of Vans desembarcará

en Barcelona los días 25, 26, 27 y 28 de septiembre. El espacio Utopia 126 del Poblenou será una de sus sedes itinerantes de este año y albergará talleres, instalaciones artísticas, un mercado, todo tipo de actividades relaciones con el skate y, cómo no, conciertos. Y ojo, porque entre estos últimos suele haber sorpresas de altura.

RREste año no habrá Gasteiz Ca-

lling como tal, pero sí algo muy parecido: un Calling Weekender que se celebrará tanto en Vitoria-Gasteiz como en Badalona durante los mismos días, 8 y 9 de noviembre, y compartiendo buena parte del cartel. Shelter, The Exploited y Cockney Rejects serán algunos de los protagonistas.

The Drums Abrirse en canal Jonny Pierce mantiene vivo su proyecto The Drums, con el que llega a su quinto larga duración. Brutalism (ANTI/[PIAS, 19) sirve para que el cantante se abra de nuevo en canal frente a nuestros oídos.

H

ello darling!” Jonny Pierce descuelga el teléfono con energía y muchas ganas de hablar de Brutalism. Con este nuevo álbum, el segundo que lanza en solitario manteniendo el nombre de The Drums, Pierce ha vuelto a abrir su corazón en canal para los fans y hablar sin tapujos de su compleja situación emocional. “Lo que yo busco con cada disco es simplemente trabajar con la música que amo y mostrarme completamente tal y como soy”. Tras una terrible ruptura amorosa, el artista ha tenido que cambiar su estilo de vida, recurrir a la rehabilitación para volver a quererse y limpiar así toda la oscuridad que le estaba consumiendo.

“He atravesado una etapa muy oscura de mi vida llena de dolor, tristeza y desamor. En ella no pensaba en mí, en mi cuerpo y lo único que hacía era beber todo el tiempo. La terapia me ayuda a salir de ahí, a escapar de esa tristeza que me consumía. Body Chemistry habla un poco sobre eso. He aprendido a querer a mi cuerpo, trabajar sobre ello, rodearme de gente fantástica y ver las cosas de otra forma”. Ahora, con el álbum en la calle, busca ser también un ejemplo para todos esos jóvenes que estén atravesando momentos tan duros como los que tuvo que vivir él y no cuenten con el apoyo necesario para superarlos. “Yo pienso en esos jóvenes LGTBI, cuyos padres sean conservadores y creyentes; que no tengan el apoyo de su entorno y se encuentren solos e incomprendidos. Es normal que escuchando a The Drums se sientan representados y queridos. Ellos agrade-

cen que, a través de la música, se hable de estas cosas. Yo hago música para eso, para conseguir que se establezcan este tipo de conexiones”. Con Brutalism, Jonny perfecciona el sonido que lleva construyendo desde que inició su camino en solitario y firma su álbum más pop hasta la fecha. Además, decidió contar con músicos externos y dejarles entrar en el proyecto de lleno para convertirlo así en un proceso de elaboración mucho más colectivo. “Tomar esa decisión ha sido muy positivo para mí, ya que cuando lo hacía todo yo era una experiencia muy dura. Era bonito, pero a la vez una entrega muy intensa”. Nunca ha tenido miedo de expresarse tal y como es, defender al colectivo queer o hablar de sexo de una forma totalmente liberal. Hace más de diez años que salió del armario para ser totalmente libre y aún siente que hay mucho por hacer. Reconoce que artistas como SOPHIE, David Bowie o Bjork le inspiran para seguir creciendo artísticamente y que aún tendremos The Drums para rato ya que, a pesar de la buena acogida de este último álbum, él siempre quiere más. “Cuando creo un álbum atravieso siempre la misma experiencia.

Me abro tanto en el proceso de creación que me entrego por completo en cuerpo y mente; y, además, cuento todos mis secretos. Así que cuando lo termino siempre paso por una especie de depresión de la que me tengo que recuperar poco a poco”. —álex jerez

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apa "He atravesado una et llena muy oscura de mi vida samor" de dolor, tristeza y de

RRHace unos días nos enterá-

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FOTO: ARCHIVO

bamos del fallecimiento de Inés Bayo, vocalista de la primera formación de Los Fresones Rebeldes. Suya era la voz de esa joya del pop en español que es Al amanecer, así como del mítico álbum Es que no hay manera (Subterfuge, 97). —MS

septiembre 2019 #11

Portishead: ‘Dummy’, la caja de Pandora trip hop Hace veinticinco años que el mundo de la electrónica vivió un accidente fundamental en la verbalización de un lenguaje melancólico, de bailes recogidos en soledad. Beats de latido azul, sobre los que Portishead debutaron con la obra que define lo que pudo ser todo un género como el triphop, y no fue. Estamos hablando del referencial e inabarcable Dummy de Portishead.

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a alternativa a Blue Lines 1991 fue el año en que Massive Attack rompieron la baraja con Blue Lines. De repente, el mundo giró la mirada de Madchester a Bristol, que pasó a ser el nuevo foco de atención para los buscadores de caligrafías vírgenes. Así fue mientras los Robert Del Naja ‘3D’ y compañía desperezaban la nueva década. Al mismo tiempo, tres desconocidos de Bristol se encontraban desde latitudes musicales diferentes. Adrian Utley, un tipo de treinta y siete años que venía del mundo del jazz, un amante del hip-hop de veintidós años como Geoff Barrow y una cantante, Beth Gibbons, de veintinueve años, devota de Janis Joplin y Nina Simone, se cruzaron como en un sortilegio, a día de hoy, aún inexplicable.

Durante tres años Bristol se convirtió en el hervidero desde donde fueron armando las canciones que iban a sosegar a la comunidad trip hop, deprimida ante la decepción que supuso la tan esperada continuación de Blue Lines.

El sueño de Geoff Barrow En efecto, Protection (94), el segundo álbum de Massive Attack, fue un jarro de agua fría para todos los que se esperaban un nuevo punto de inflexión en la progresión de ese estilo que ellos mismos habían inaugurado: el trip hop.

Sin embargo, quienes verdaderamente iban a hacer que progresara esta nueva ramificación entre downtempo, hip hop y atmósferas noir eran figuras como Tricky, Wagon Christ y Portishead. Estos últimos eran la consumación del sueño de Geoff Barrow, un cerebro que llevaba desde su infancia soñando con ritmos y toda clase de variables de los sampleados hip hop: de Afrika Bambaataa al primer álbum de Public Enemy, que le causó una profunda impresión. “Comencé a tocar la batería cuando tenía nueve años”, recordaba hace unos años Barrow. “Los tambores pueden ser muy poco musicales. Si estás tocando solo, realmente no estás haciendo música, estás haciendo ruido. Me gus-

#12 septiembre 2019

taba tocar acompasando la colección de discos de mi padre...”. Descubrimientos de infancia de tal calibre son los que abrieron la flor de la curiosidad de un culo inquieto que, para el momento de la verdad, contaba con años de aprendizaje y la claridad de saber que tenía algo especial entre manos.

Un mundo onírico Fue el 6 de junio cuando Portishead se presentaron ante todo el mundo con el doce pulgadas Numb (94). En no más de cuatro minutos, Portishead abrieron una brecha en el mundo de la electrónica. Lo que se escondía tras este navajazo buñueliano era un mundo de duermevela, en el que los sampleados inducen a una fantasmagoría de recuerdos perdidos, que la voz trémula de Gibbons intenta recuperar en todo momento. La melancolía desde la que se mezclan ráfagas de jazz y

hip hop taciturno se pierden en una agujero negro sin tiempo ni medida exacta.

Como si Zafiro y Acero fueron apresados entre los surcos de un disco arañado con delicadeza desde la superficie. Es precisamente este crepitar de blanco satén el que sienta las bases de la crackología: emborronados que diluyen la fecha de origen de la música armada. De esta técnica, de la que Dummy se convirtió en punto cardinal, fueron Pole y Tricky quienes más hicieron por ofrecer una mayor pátina de variables atmosféricas. Años más tarde, fue Burial quien se convirtió en amo y señor de una tendencia de la que Portishead sacaron más provecho dentro de las fronteras más limítrofes al pop.

La perfección es posible Nada más hacerse realidad Dummy, se pudo constatar que Numb no había sido fruto de un chispazo esporádico, sino la cerilla que prendió un caldo de cultivo a mayor gloria de once canciones perfectas, tanto de forma como de latido. Entre pálpito y pálpito del selecto encadenado de sampleados, arrastran al oyente a una desesperación vital, marcada por un despliegue subyugante de ritmos en slowmotion. Tonos y efectos hipnagógicos rescatados de grabaciones originales de Lalo Schifrin, Weather Report y, cómo no, Isaac Hayes. De este último, se sirven de su inolvidable Ike’s Rap II, sobre la que arman Glory Box: cierre de alfombra roja a un viaje polar por diferentes escenas de

la música afroamericana de los setenta y del rock progresivo. Así, mientras el sueño toma forma a través de los filtrados digitales, los instrumentos clásicos, verbalizados en los punteos lánguidos de Utley y la voz afligida de Gibbons, son la cuerda que arrastran al incauto a un punto intermedio entre limbo y sentimientos terrenales. Dummy es un mundo propio, deformado por la vampirización de muchos otros. Una burbuja que definió que Barrow dejara de escuchar música cuando empezó a hacer cosas para Portishead, tal como él mismo reconocía hace años. “Puse toda la energía musical que tenía en mis propias cosas. Pero este disco ha estado allí desde el principio y continúa inspirándome ahora”.

Menos es más Tal como reconoce Barrow, el minimalismo es parte integral a la hora de poder saborear tal buqué de gusto refinado con el que nos deleita en Dummy. La propensión en el pop actual a enmarañar pistas centrales con toda clase de clics mentales hacia la dispersión reafirman la vigencia de la intuición con la que se armaron los raíles del primer álbum de Portishead. De la trompeta lejana de Pedestal al ritmo de emergencia constante de Wandering Star, el mural de soluciones engloban tanto a Morricone como al concepto funk minimal ideado por ESG a principios de los ochenta; y más en concreto, UFO: la canción más sampleada de la historia (sobre todo en el hip hop), que resuena como una exhumación del ritmo a través de una banda sonora blackxplotation de Isaac Hayes.

Electrónica azul Resulta harto difícil testar la verdadera influencia de un monolito como Dummy.

La fórmula es tan personal que cualquier reflejo siempre tiende a la comparación instantánea. En este sentido, más que la huella, lo que no ha dejado de crecer es la presencia de un sonido que refrenda la sensación de tratarse de un trabajo incomparable. Únicamente, de aquella generación de Bristol, Tricky fue capaz de plantar cara al recuerdo de Dummy.

Sin embargo, la mutabilidad de su hechizo no tenía nada que ver con la homogeneidad a prueba de bombas que define cada movimiento del disco de debut de Portishead. La misma que ha servido para crear un planeta propio alrededor del que orbita lo que se acabó definiendo como electrónica azul. Y que Darkstar y James Blake refrendaron en los momentos más inspiradores de su carrera: satélites que enfatizan el triunfo de lo que, en su momento, supuso un trabajo como Dummy: recuerdo insalvable para todo el que quiera traducir pulso electrónico en tristeza reparadora. —marcos gendre

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A qué suena tu cerveza?

Suena a un plan perfecto Palacio de la Prensa.

Sala 0, Madrid Steve Gunn + Valley Maker · 03 de septiembre Charlie Cunningham· 05 de octubre

Independance Live, Madrid Los Mambo Jambo Arkestra · 12 de septiembre The Wedding Present – 30th Anniversary of Bizarro Tour · 22 de septiembre

Porta Caeli, Valladolid Nada Surf · 19 de septiembre

Lemon Rock, Granada

The Wedding Present – 30th Anniversary of Bizarro Tour · 26 de septiembre Vancouvers · 03 de Octubre

Sanagustin Kulturgunea, Azpeitia Cápsula + Los Vinagres · 28 de septiembre

Sala Upload, Barcelona Crocodiles · 30 de septiembre

Loco Club, Valencia Los Vinagres · 05 de Octubre

Teatro Lara, Madrid Lorena Álvarez · 08 de octubre

Nada Surf, Niño de Elche, Oddisee Gira 10º Aniversario SON Estrella Galicia

Nada Surf Sala Upload, Barcelona · 12 de septiembre Rocío Márquez Teatro Lara, Madrid · 10 de octubre Niño de Elche “Un show íntimo y exclusivo para el Torgal” Café & Pop Torgal, Ourense · 10 de octubre Oddisee · Radar Estudios, Vigo · 11 de octubre

981Heritage SON Estrella Galicia

Oddisee · Palacio de la Prensa, Sala 0, Madrid · 10 de octubre

SON Estrella Galicia Posidonia 11, 12 y 13 de octubre · Isla de Formentera

WALA. WALA.

“Cualquier disco que vayamos a hacer va a ser un disco contra Trump.

Todo por lo que nos posicionamos es anti-Trump; a favor de la igualdad, contra el sexismo, contra la homofobia…”

Carrie Brownstein, Sleater-Kinney en jenesaispop.com

“Solo busco ser el referente que me hubiera gustado tener a los diez u once años. Recuerdo que a mí me ayudó muchísimo ver cómo Ellen DeGeneres salía del armario en su serie Ellen” Putochinomaricón en Rockdelux

“Me llevé al concierto una botella de whiskey porque Dave (Grohl) no paraba de intentar darme Jager. ¡Dave, la próxima vez deja el Jager en casa!”

Los británicos Fat White Family sobrevivieron a su infierno particular de heroína y giras inhumanas y vuelven con Serfs Up! (Domino/Music As Usual, 19), un tercer disco de altos vuelos y sonido limpio con el que esperan pasar a otro nivel.

L

“A mí lo que me da rabia es que a veces soy un puto vago y que, en vez de estar en el sofá tirado, no esté componiendo una canción. Joder, si me dedico a esto por qué no hago más cosas o me disciplino” Diego Ibáñez , Carolina Durante en Rockzone

Fat White Family El arte de provocar

ias Kaci Saoudi, compositor y cantante con sangre argelina, es un torbellino de lucidez contra la corrección política que nos asfixia. Su banda, Fat White Family, estaba confirmada para el pasado Vida Festival, donde prometían un directo “más refinado”, en sintonía con su evolución.

Mudarse de Londres a Sheffield fue “una operación de salvamento. Nos destruimos completamente en la carretera durante cinco años de giras. Cuando el grupo se hizo adicto a la heroína, nadie podía comunicarse con nadie.

Yo estaba convencido de que aquello se había acabado y que tendría que volver a las ayudas sociales. Y ahí entró Laurence Bell (fundador) de Domino. Sheffield se convirtió en una especie de fortaleza alejada de los camellos y las tentaciones”. El plan les funcionó. “Antes, había una competición furiosa, mientras que ahora nos convertimos en un gran equipo.

Sabíamos lo que estábamos haciendo”.

El cantante encontró, además, una inspiración insospechada, Yeezus de Kanye West. “Solía decir que no quería nada de esa mierda, pero leí un artículo de Lou Reed y de repente vi que era justo lo que le falta a los grupos blancos de guitarras: era oscuro, violentamente narcisista, complaciente, esquizofrénico, muy sexy y gracioso. Era alguien que decía: ‘Soy un Dios’. Un puto provocador”.

Al estilo, salvando las distancias, del icónico

Mark E. Smith, su gran referencia. “Si te metes en The Fall, ya no puedes escuchar a The Clash. Te liberan de esa basura moralista. No me importa lo que pienses de lo que está bien y lo que está mal, eso no tiene nada que ver con tu expresión personal”, dice. Y dispara contra la corrección política que ha asimilado buena parte de la izquierda. “Es una especie de cruzada ideológica para reconstruir el mundo a imagen y semejanza de cierto perfil urbano universitario. El mundo es brutal y violento, a mí me ha tocado lidiar con ello. Llevar esa cruzada al arte es cortar la única vía de escape que nos queda. Sólo hay un buen lugar donde colocar el odio y el maltrato: en el arte”. En este contexto coloca su reciente polémica contra Idles. “Es muy sintomático que unos tontos se alineen con todo lo que está mal en nuestra cultura. ¿Dónde está el peligro?¿Dónde está el riesgo? ¿Y la revelación? Que te den, lo que quiero saber es qué pasa en tu alma. De eso va el blues, por eso Mark E. Smith es un puto icono, porque no lo puedes embridar. Nuestra cultura se ha convertido en una orgía de victimismo que está destruyendo la música, la literatura, el cine. Nos está impidiendo expresarnos. En Inglaterra ha llegado a unos extremos insoportables. Si algo me molesta del Brexit es que no podré largarme a vagabundear a Madrid o París”. Respecto a su fichaje por Domino, no espera milagros. “La única manera de que alcancemos una estabilidad financiera es que, por un milagro, nuestra música aparezca en un anuncio de la petrolera Shell. La parte buena es que la única gente que va a quedar haciendo esto es la que lo quiere hacer de veras. Te libras de los posturitas”. —jc peña

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Frank Carter en NME

Charli XCX en www.pitchfork.com

#14 septiembre 2019

“Cuando el grupo se hizo adicto a la heroína, nadie podía e” comunicarse con nadi

FOTO: ARCHIVO

“Quizás me equivoque, pero creo que soy una de las pocas artistas que tiene respaldo tanto en el mainstream del Top 40 como en el underground”

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MONDO FREAKO

Amaral Cosa E de dos

EL APUNTE

L

o dicho, Amaral son historia del pop español. A lo largo de ocho discos de estudio les hemos visto transformarse y, al mismo tiempo, mantener su identidad musical, la misma que les hace únicos. Y es que por encima de cualquier género, letra o categorización posible, siempre prevalece el “sonido Amaral”. Este mes de septiembre lanzan Salto al color y en esta nueva etapa han decidido ir más hacia la luz y dejar un poco apartado ese espíritu de protesta que ha protagonizado sus últimos discos. “Son un compendio de temas que se han ido uniendo y que muestran el momento en el que estábamos. Un momento que era más luminoso, con más ganas de ver la parte positiva de las cosas y que se refleje en las canciones. No solo en las letras, sino también en las sonoridades que hemos utilizado”. Indagan en nuevos estilos, se llenan de electrónica, de buen rollo y se inspiran en todas esas canciones que les han hecho felices en los últimos años. “Este disco es como una especie de intento de aportar diversidad y color en un mundo que a veces es un poco desconcertante. La realidad es la que vivimos todos pero vamos a intentar que la gente cuando escuche esto sienta algo o que cuando salgan del concierto sean más felices”.

Entre las colaboraciones del álbum se encuentran Carlos Núñez, al que Eva define como “el ave rapaz que le faltaba a sus canciones”; Miguel Campello y Victor Iniesta de elbicho; recuperan a Steve Sidwell (Amy Winehouse, Paul McCartney), encargado de los arreglos de cuerda de Pájaros en la cabeza; e incorporan la participación especial del Diversity Youth Choir en Juguetes rotos, el tema más crítico del proyecto. “Muestra muy bien ese sentido de que a veces somos frágiles y estamos en manos de auténticos seres delirantes a nivel global. Es como si todos estuviéramos en manos de una especie de Godzilla ‘pirao’ que en un momento dado mueve la cola y se carga a diez mil personas sin pestañear”. Para poder llegar hasta la posición al que han llegado ha sido fundamental saltarse todas esas barreras y miedos que provoca el convertirse en

Trabajar con Diversity Youth Choir

un grupo de masas. El dúo afirma que Amaral siempre fue un proyecto con un espíritu libre, en el que todo es posible, que ambos son completamente intercambiables a la hora de crear, no creen en los estereotipos y nunca se sintieron identificados con el concepto clásico de grupo. “La prensa tiene una labor muy importante para que se rompan todas las fronteras. Muchas veces se rompen muchos estereotipos a través de los análisis que se hacen de los conciertos, de los artistas o de los propios discos. Evitar hablar solo de la ropa que lleva la tía sobre el escenario y cosas que recientemente he visto como el tópico que decía Juan de ‘la cantante’ y ‘el compositor’.

Cuando, en realidad, los dos han creado todo en conjunto”. —álex jerez

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va y Juan han contado con unos invitados de lujo para que aportasen voces a Juguetes rotos, un tema con mensaje. Se trata del Diversity Youth Choir, un coro juvenil formado por más de una veintena de chicas y chicos de doce a dieciocho años de edad procedentes de diferentes centros educativos del Distrito Centro de Madrid. Su intención –la de su director, José María Álvarez– es integrar en un mismo grupo a jóvenes de diversos países (desde Ecuador o Vietnam a España o Colombia) para establecer lazos culturales y solidarios entre todos ellos.

Por el coro han pasado desde su fundación cinco años atrás unas doscientas voces, que han actuado en hospitales infantiles, iglesias o en las calles de Madrid. Ahora, además, pueden sumar a su currículum haber formado parte de un disco tan esperado como Salto al color. (Eva) “Cuando contactamos con el coro, me preocupó un poco que menores se encontraran cantando esta letra.

No sé, hay que ser un poco cuidadosos.

Entonces le preguntamos a los directores del coro si había algún problema con eso y nos dijeron que todo lo contrario,

que se sentían cómodos cantando esa letra y que les había encantado. Así que fue maravilloso, genial”. (Juan) “La primera vez que tocamos esta canción fue en un garito de Barcelona en el que presentamos las canciones de Hacia lo salvaje. Fue un concierto muy guay en una sala pequeña llamada Heliogàbal que llevaba la gente de Nueva Vulcano.

Era una canción que nos gustaba mucho, pero que no llegábamos a grabar nunca porque le faltaba algo. De hecho, luego tuvimos que mirar por Youtube lo que habíamos hecho esa noche en la sala porque no nos acordábamos. Y bueno, para este disco todo cuadró. Cuando teníamos todo montado, Pablo, uno de los programadores, nos dijo ‘yo metería un coro de voces infantiles porque tendría más ironía y acentuaría el sentido de la letra’. Y nos propuso un coro que había visto una vez en la calle. Contactamos con ellos y les pareció buena idea. La verdad es que quedó muy guay porque muestra muy bien ese sentido de que, a veces, somos frágiles y estamos en manos de auténticos seres delirantes a nivel global”.

—a.j.

FOTO: JAVIER SOTO AZPITARTE

No existen dudas al respecto.

Amaral son parte ineludible de la historia del pop español.

A lo largo de sus ocho discos de estudio hemos visto al dúo evolucionar. Y Salto al color (Gatorama Music, 19) no iba a ser una excepción. Lo presentarán en el madrileño Dcode (7 septiembre, Campus de la UCM).

“Estamos en manos de auténticos seres delirantes a nivel global” septiembre 2019 #15

FOTO: ARCHIVO

Perry Farrell Genio y figura

“

!!! (Chk Chk Chk) Baile sorpresa

Cita con un radiante Nic Offer en un hotel madrileño por su flamante Wallop (Warp/ Music As Usual, 19), con el que la banda de disco punk recupera el filo.

El tiempo pasa y los artistas deben luchar contra ello. Perry Farrell lo hace con todas sus fuerzas.

Gracias a ello ha publicado un disco capaz de captar nuestro interés, Kind Heaven (BMG, 19).

Aprovechamos su paso por el Mad Cool para entrevistarle.

A

artistas como Perry Farrell el paso del tiempo les hace mella. Indudablemente, los años en que fue foco principal de una escena tan estimulante ya pasaron. Ahora quien fuera mente pensante de Jane’s Addiction y Porno For Pyros se tiene que adaptar a un nuevo rol, a otras circunstancias. Y parece que no le cuesta tanto como podríamos imaginar. Para empezar se ha sacado de la manga un disco notable plagado de invitados, Kind Heaven. “He trabajado acerca de una idea maravillosa: pensar cómo será el futuro más cercano, cómo podremos distinguir entre gente buena y mala.

Debemos encontrar esa escalera hacia el cielo. Tenemos que incentivar a la gente a que tenga sus propias experiencias.

Venimos de sitios distintos del planeta y, en realidad, estamos aquí para jugar. Da igual si como especie somos un cocodrilo, un hombre o una mujer... Tenemos un problema y es que no nos comunicamos.

Es algo que tiene una dificil solución, por eso me interesa la gente que se comporta de forma parecida a la mía, hablándole a la mente y al universo, estando cerca de la familia. Es algo que todos deberíamos hacer, prestarle más atención a quienes somos y a la forma en la que nos relacionamos”. Kind Heaven ha sido producido por el mismísimo Tony Visconti (quien ha estado tras los controles en grandes obras de T-Rex, David Bowie o incluso de los españoles Capsula), lo que ha supuesto una alianza de lo más productiva. “Nunca antes habíamos hablado, pero siempre tuve el deseo de trabajar con él y pensé que le podría interesar. Le vimos como director musical de una obra y la verdad es que intimida. Tiene un rictus serio, aunque es un hombre divertido. Trabajamos muy duro durante tres semanas, pero lo que hace es muy puro, disfruta el proceso. Éramos como dos pintores trabajando juntos”.

nos decantamos por el método de Lynch: cantar cualquier cosa y luego encontrar su significado. Así lo hacíamos político sin forzarlo”. Offer explica que Wallop se refiere a un golpe (hit) rotundo que llega inesperadamente. “Me gustaba esa idea de que estés distraído y de repente te golpee algo así, como el gato de la portada. Estaba en línea de cómo nos sentimos también en lo político, porque hemos sufrido un baño de realidad. Teníamos la impresión casi veinte años de su debut, los de de que el mundo se estaba haciendo mejor y entonces, de Sacramento/Nueva York conservan esa vitarepente, nos dimos cuenta de que no”. lidad cruda que ha conquistado a numerosos Grabado en el apartamento de Offer (donde fans españoles. Una de las claves está en un ensayan) por un triunvirato de productores (Patrick Ford, frontman singular, que no se quita los shorts ni para Cole M.G.M. y Graham Walsh), la banda buscó esta vez atender a la prensa. Las canas ya salpican el pelo rizainspiración en los noventa. “Un territorio desconocido do de Offer, pero nadie le tose encima de un escenario. que nos parecía más interesante. Es divertido hacer algo “Todavía tratamos de mejorar. Nos da la impresión ochentero, y sé que lo podemos hacer bien, pero veo esas de que si nos lo curramos en todo momento, eso se eras como el patio de recreo en el que juegas, y esta vez traducirá en los discos”, dice. En Wallop momentos hemos usado los noventa como nuestro patio”. El vocalista de luminosidad pop conviven con otros “jodidamente tiene una teoría sobre la longevidad del grupo. “He visto oscuros”. ¿Un enfoque más experimental que el de sus a muchos grupos volverse cínicos, tener celos de otras últimas entregas? “Lo curioso es que siempre tienes la bandas, que no les importe la música nueva… Se trata de sensación de estar experimentando. Rafael (Cohen) y mantener el entusiasmo. Si estás enfadado con los otros yo improvisamos con un montón de teclados. Cuando músicos, eso lo mata todo. Tenemos una relación muy tocas un poco a ciegas, no lo haces de forma típica, y abierta, y eso nos ha permitido ser relevantes. Espero que ahí es cuando salen cosas interesantes”. Viendo la que siga funcionando. Me da miedo pensar cuándo haremos estaba cayendo, Offer y compañía se propusieron haun disco de mierda: no quiero que pase”. Similar entusiascer un disco contestatario. Pero no funcionó. “Nunca mo muestra sobre lo accesible que es hemos sido de esos grupos que la música en la era del streaming. El se sientan y dicen: ‘Vale, esto es lado oscuro es que “los artistas tienen lo que vamos a hacer’. Tenemos que ser su propia máquina publicimás el enfoque de David Lynch: ni taria. Y yo no quiero ser eso: quiero él sabe lo que significan las cosas l Vigo 10 diciembre, Master hacer música”. —jc peña hasta que va avanzando. Nos hal Madrid 11 diciembre, Shoko bíamos propuesto hacer un disco l Barcelona 12 diciembre, Apolo r político, pero nos dimos cuenta de l Valencia 13 diciembre, La Rambleta que, por más presión que nos puMás en www.mondosonoro.com l Murcia 14 diciembre, REM siéramos, no funcionaba. Así que

A

en concierto

“Se trata de mantener el entusiasmo”

FOTO: ARCHIVO

—toni castarnado

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#16 septiembre 2019

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M A D T O W N D A Y S BY

#madtowndaysbyjimbeam

PRESENTA EN CONCIERTO

2019 29 SEP

VICENTE GARCÍA TEATRO BARCELÓ

05 OCT

MI HERMANO Y YO COPÉRNICO

17 OCT

DELAFÉ

M A D R I D

TEATRO BARCELÓ

07 NOV

COLECTIVO PANAMERA

GALILEO GALILEI

15 NOV

THE SWEET VANDALS JOY SLAVA

22 NOV

TAIACORE

C

CAFÉ BERLÍN

M

23 NOV

Y

GANGES

CM

CAFÉ BERLÍN

MY

06 DIC

CY

MAVERICK SABRE

CMY

COPÉRNICO

B A R C E L O N A

K

25 SEP

VICENTE GARCÍA RAZZMATAZZ 2

03 OCT

FLORIDABLANCA + VOLVER SIDECAR

14 OCT

DELAFÉ APOLO 2

23 NOV

DELAPORTE APOLO 2

PRESENTA

ORGANIZA

PATROCINA

MEDIOS COLABORADORES

ENTRADAS

Y

WWW.DOCTORMUSIC.COM

tflyp

MALA RODRÍGUEZ FOTO: archivo

LAS ODIO FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Los Discos de mi Vida Liam Cormier (Cancer Bats)

Vetusta Morla, Monarchy, que celebran su décimo aniversario como dúo, Nunatak, Las Odio y los zaragozanos In Materia forman un cartel de directos que completan, desde los platos, los aragoneses Sweet Drinkz (respaldado por el espectáculo audiovisual de Yaguar Visual), Ms Von Disko y los finalistas del pasado Ambar Z Music: DJ Beat Killa y Álex MD. Será el 28 de septiembre, sábado, en la sala Multiusos del Auditorio de Zaragoza cuando las personas amantes del panorama musical independiente reciban su gran dosis de energía desde las 19h. —MS www.fizfestival.com

BAD GYAL FOTO: ARCHIVO

Los canadienses Cancer Bats suelen visitarnos en todas sus giras. De ahí que aprovechásemos su última visita para que su vocalista, Liam Cormier, nos descubriera seis discos que le han inspirado a lo largo de su vida.

Un disco que descubrí por mis padres...

The Alman Brothers Band At Fillmore East (1971)

Tenían un montón de discos de The Alman Brothers, pero este era mi favorito. Era jovencito y todos esos solos me volaron la cabeza. Nunca he vuelto a escuchar nada igual.

El primer disco con el que lloré...

Sigur Rós

El disco que más veces he escuchado...

Hot Snakes

Hay un montón de increíbles emociones y tensiones que se van creando en sus canciones y, en el momento en el que llegan más arriba, aparece la voz de Jónsi por encima suyo y todo es todavía más heavy. Cuando les escucho siempre me generan muchísimas emociones.

He estado escuchando Automatic Midnight y disfrutándolo durante casi veinte años. Algunas bandas vienen y van en mis gustos, pero creo que escucharé siempre a Hot Snakes.

Takk (2005)

El Weekend City Madrid, que se celebrará los días 20 y 21 de septiembre en Ifema, dio a conocer recientemente su cuarta tanda de confirmaciones. Rozalén y Juanito Makandé van a la cabeza de la lista y se suman a la vertiente más mestiza del cartel, donde ya figuraban artistas como El Canijo de Jerez o Miguel Campello. El resto de nombres encaja en otro de los géneros fuertes del festival, el rap: ShoHai, Juancho Marqués, Rels B y Tribade acompañarán así a propuestas como las de Ayax y Prok, Mala Rodríguez o Dellafuente. Todos estos conciertos tendrán lugar dentro del llamado Área Música Urbana, que encabezan New Order y que se diferencia así del área de electrónica en el que estarán Jamie Jones, Pan-Pot, Âme, Eats Everything o Henry Saiz. —MS www.weekendcitymadrid.com

CALA VENTO FOTO: DAVID MAROTO

FIZ

Weekend City

Automatic Midnight (2000)

Ebrovisión Donostia Festibala Los días 13 y 14 de septiembre el Donostia Festibala volverá a llenar de música el Hipódromo guipuzcoano con más de una treintena de actuaciones. Esta vez el festival es todavía más ecléctico, combinando desde rock y pop hasta rap, trap, reggae o r’n’b. Eso permite que en el cartel podamos encontrar desde a Joseba Irazoki o Carolina Durante hasta Mala Rodríguez, Natos y Waor, Bad Gyal o Iseo & Dodosound. Pero la lista de artistas se extiende mucho más con propuestas protagonizadas por Carlos Sadness, Toteking, La Pegatina, Melenas, La Plata, Antifan y muchos más. Las jornadas se completarán con las sesiones de diversos Dj’s. —MS www.donostiafestibala.com #18 septiembre 2019

El disco del que he robado ideas...

Ghostface Killah

Un disco que odiaba hace años y que ahora me encanta...

El de un grupo que acabo de descubrir...

Dboy Prove Your Love.

Es un álbum que me inspiró muchísimo cuando se publicó porque Killah llevaba rapeando muchos años, pero sus ideas todavía se mantienen frescas y siempre aporta una nueva perspectiva.

No puedo decirte ninguno, porque no me muevo por el odio, sino que soy siempre amor. No odio a ningún grupo. Hay cosas que me encantan y otras a las que no presto atención porque no tienen que ver con lo que me gusta, pero sé que siempre habrá otra gente que lo aprecie...

Son mi nueva banda absolutamente favorita. Son canadienses y hacen un punk rock garage sucio y áspero. Su último disco se llama Live From Belém y es punk rock perfecto y divertidísimo. —MS

Fishscale (2006)

Live From Belém (2018)

La 19ª edición de Ebrovisión, a celebrar en Miranda de Ebro del 5 al 7 de septiembre, presenta el reparto de bandas. El jueves 5 algunos de los protagonistas serán Novedades Carminha, Cala Vento o Novio Caballo. El viernes 6 tendrá como principales protagonistas a Temples y Fuel Fandango, aunque también podrás ver a gente como Arizona Baby, Capsula, Airbag o Amatria.

Por lo que respecta al sábado 7, Dorian, Zahara y Morgan encabezan una jornada en la que también estarán Jacuzzi Boys, Cooper, Mucho, Los Estanques o Uniforms, entre otros. Recuerda que el festival también tiene muestra gastronómica, acampada gratuita, Ebropeque, exposiciones, mercadillo, conciertos gratuitos en la ciudad y sesiones de Dj’s. —MS www.ebrovision.com

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“

Devendra Banhart Amor de madre

El músico norteamericano de origen venezolano nos atiende en castellano desde París para hablar de Ma (Warner, 19), un nuevo álbum que es como el reverso orgánico del anterior Ape In Pink Marble (Warner, 16), y para el que ha vuelto a contar con la coproducción de Noah Georgeson. También luce colaboraciones de Cate Le Bon o Vashti Bunyan. Un nuevo disco de Devendra Banhart sigue siendo un acontecimiento, por mucho que los tiempos del llamado freak folk sean historia ya lejana.

L

a palabra Ma es la que tiene el significado de madre en el mayor número de idiomas en el mundo, y es un tributo a la madre, sí, pero también, en el contexto budista, particularmente en el japonés, significa espacio”, nos dice acerca de un disco en el que ha tratado de “darle sentido al espacio en un contexto repleto de música, jugar con el baile entre el sonido y el silencio porque este es otro elemento muy importante, que en verdad no es una materia oscura aunque sea invisible”. ¿Y cómo se sustancia todo eso, que parece tan abstracto? “En el anterior disco hay una canción, que se llama Linda, en la que hay minutos de espacio sin tocar nada, literal. Aquí tratamos de dar el sentido, la fragancia del espacio, pero sin hacerlo explícitamente”. Esa es solo una de las principales diferencias respecto a su predecesor. La otra, y principal, es “estética”, ya que esta vez “en lugar de traducir todos los instrumentos orgánicos al sonido del sintetizador” lo que hizo fue “utilizar violines, flautas, vientos y pianos; y muy pocos sintetizadores”.

La huella de la muerte también está cada vez más presente en su obra. Si en su anterior disco asomó en Mourner’s Dance, en esta ocasión lo hace en Memorial. “Perdí a mi padre, a mi maestro y a un gran amigo en muy poco tiempo, justo cuando estaba terminando el anterior álbum, por eso he volcado esa experiencia en este disco”, dice. De hecho, “Memorial tiene que ver con esas tres personas, es como un collage en torno a la pérdida de ellos tres, y por otro lado October 12 tiene que ver con la experiencia de ver morir a un amigo muy joven, de cáncer, así que en este álbum se refleja más la experiencia de la muerte que en el anterior”. Parte del carácter del disco proviene también de dos colaboraciones de peso: las de Cate Le Bon y Vashti Bunyan. Sobre la primondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

mera, se justifica recomendando enfervorecidamente que escuchemos su nuevo álbum, Reward (19), ya que “es una obra maestra, un álbum tan excelente, tan bueno y tan bien producido, que debería tener todos los Grammy, todos los Oscar y todos los Tony”. Sobre la segunda, prácticamente sobran las explicaciones, ya que fue su gran mentora. “Era un estímulo para mí para continuar cuando al principio de mi carrera solo encontraba rechazo o indiferencia: ella me llenaba de consuelo, de amor y de paz cuando me sentía solo, cuando tenía hambre espiritual, física o emocional, y fue como una madre para mí”, recuerda.

Muy lejos ya del rol de emblema del freak folk, Banhart confiesa seguir teniendo en su pedestal particular a los mismos músicos de siempre como “los más influyentes”, pero elige a otros más actuales como “los más inspiradores”. Una interesante distinción que discrimina entre “Vashti Bunyan, Laurie Anderson, Alice Coltrane o Caetano Veloso”, por un lado, y “Aldous Harding, White Fence, Ty Segall, Lower Dens o Helado Negro” por el otro. En cualquier caso, y pese a que en los últimos años ha repartido su tiempo por igual entre la música, la pintura y la poesía, él se considera, por encima de todo, “un amateur” porque “la etimología de la propia palabra es amante”, y para él “la mejor forma de ser profesional es ser un amante de las cosas que hacemos”. Estupenda forma de no perder la motivación en un arte que sigue deparando motivos para la indagación sin prejuicios. Y del que dice “nuestra canción favorita puede estar escribiéndose ahora mismo”.

—carlos pérez de ziriza

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“Perdí a mi padre, a mi maestro y a un gran amigo en muy poco tiempo”

septiembre 2019 #19

MONDO FREAKO

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BAM

MICHAEL KIWANUKA FOTO: ARCHIVO

Vuelve el BAM a Barcelona, el gran festival popular en las calles de la ciudad dentro de sus fiestas patronales. Será del 20 al 24 de septiembre y podremos ver, en once escenarios, a bandas y artistas de dieciséis países. Actuarán desde Black Midi a Nadia Rose, pasando por The Wedding Present, Iceage, Playback Maracas, Sandré, Tania Saleh o Jay-Jay Johanson. Aunque lo mejor es que, dentro de su programación, te encontrarás con la fiesta de celebración de los veinticinco años de MondoSonoro.

Será el domingo 22 de septiembre en el escenario de Plaça dels Àngels y podrás ver ni más ni menos que a María José Llergo, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba y la artista estadounidense Mattiel. —MS www.bam.cat

BIME LIVE Nueva edición del BIME LIVE, que se llevará a cabo los días 1 y 2 de noviembre en el BEC! de Bilbao, y una nueva oportunidad de ver en concierto a una larga lista de artistas de géneros diversos. El viernes 1 de noviembre los cabezas de cartel serán los referenciales Kraftwerk 3D, mientras que, el sábado 2, esa posición está reservada para Jamiroquai, quienes garantizan el baile a todos los presentes. Pero hay mucho más. El resto del line up incluye propuestas internacionales tan atractivas como las de Michael Kiwanuka, Mark Lanegan Band, Daphni, Brittany Howard (Alabama Shakes) o The Divine Comedy y nacionales como las de Carolina Durante, Amaia, Pional o Morgan. —MS www.bime.net/live/es #20 septiembre 2019

El talento natural del norteamericano brilla una vez más en Oh My God (Dead Oceans/Popstock!, 19), su quinto y excelso trabajo, donde se desnuda desde la misma portada. Charlamos con él para descubrir cuál es su momento actual. o es novedad ver a un artista joven buscar inspiración en gigantes clásicos como Dylan, Lou Reed o Leonard Cohen. Bastante más raro es que se postule con naturalidad como digno sucesor de esas figuras icónicas. Un relajado Morby nos atiende en las oficinas del sello para charlar sobre diversos puntos relacionados con su nuevo trabajo, empezando por el propio título. “Me di cuenta de que estaba usando mucho la frase Oh, my god y empecé a pensar en cuál era su significado real. Una vez tuve claro que el disco se iba a llamar así, me limité a seguir con el tema y divertirme. La había usado en una canción titulada Beautiful Strangers, y vi que la gente respondía. En aquel momento, cada vez que veía las noticias, me veía a mí mismo diciéndolo, por lo sorprendente, divertidas, chocantes o trágicas que eran. No es diferente de lo que pasa hoy. Decidí profundizar, usando esta plataforma de espiritualidad para contar una historia”. El artista se tiene, efectivamente, por una persona más “espiritual” que religiosa, lo cual ha dado material suficiente para dar cuerpo a su disco más ambicioso y maduro.

“Cuando lo estaba haciendo me parecía especial. Quizá era un poco más arriesgado, pero también sabía que estaba metido en algo único. Me gustaría pensar que estas canciones son capaces de llevarme a otro nivel. Ya veremos.

Yo, como artista, tengo la impresión de que he hecho algo que no había hecho antes”. En cuanto a la forma, la desnudez de las composiciones, viene dada por el propio tema alrededor del que estamos hablando. “Hay algo que relaciona la espiritualidad con estar desnudo. Por lo tanto, quería que las canciones no estuvieran tan decoradas como en el pasado. Las quería más expuestas. Que todo girara más alrededor de la voz y la historia que estoy contando que de lo que sucede con los instrumentos alrededor”.

Morby no tiene ningún reparo en admitir que “los contemporáneos que me gustan son un poco viejos, como sería el caso de Nick Cave, del que soy fan, o de Patti Smith, cosas así... Hay colegas de mi generación que hacen música que me encanta, pero no son una influencia directa en lo que yo hago”. Ese clasicismo deliberado le lleva también a evitar proclamas políticas obvias. “Tenía versos que eran políticamente muy explícitos y los acabé quitando. Creo que está bien que haya gente que haga ese tipo de canciones y discos.

Beautiful Strangers, que es la canción con la que empezó la idea de este álbum, es muy política, pero llega un punto en que si estás constantemente hablando de alguien como Donald Trump, le acabas dando más poder del que tiene.

Es como una palabra sucia que ensucia las cosas bonitas.

Así que me niego a usarla”. El de Texas también despliega sentido común respecto al déficit de atención generalizado que parece ir contra el disfrute de un disco tan lleno de sutilezas como el suyo. “Trato de no pelearme con la tecnología demasiado, porque creo que es una batalla perdida. Las cosas van a ir como van a ir y no te queda más remedio que aceptarlo. Quedarán algunas personas que valoren la idea de un álbum completo y, ¿quién sabe?

Quizá más gente lo aprecie porque haya oído una canción en Spotify o en alguna playlist. No tengo ni idea. Me deprime que la atención se haya acortado tanto, pero al mismo tiempo intento no ser demasiado gruñón al respecto, porque la guerra está perdida de todos modos”. —jc peña

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te “Si estás constantemenump, Tr ld hablando de Dona e tiene” le das más poder del qu mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: BARRETT EMKE

MATTIEL FOTO: ARCHIVO

Kevin Morby En las nubes

L

a perspectiva de entrevistar al de Maryland intimida: he ahí su imponente producción como Smog o bajo su nombre. Pero desde su casa en Texas el norteamericano se muestra tan afable como humilde y generoso. Su doble álbum mantiene el habitual nivel de excelencia, pero con un tono más “amable”. Lo admite intercalando risas cortantes y un seco sentido del humor. “Sin duda es el disco más difícil al que me he enfrentado, pero es exactamente lo que me propuse hacer.

Creo que es especial: es más amable, tiene más sentimiento. Puede que tenga que ver con ser padre. Buscaba ser más femenino o relajado”. Es cierto que Callahan se encargó de cultivar su fama de hosco durante años. “Cuando empiezas, aceptas cualquier cosa, aunque sea tocar con un grupo de death metal, y sabes que al público le puedes importar una mierda. Me llevó años preguntarme por qué estaba enfadado. Ahora es bastante más fácil, porque la mayor parte de la gente que va a un concierto quiere disfrutar de mí”. Aún así, el consumado artista no las tenía todas consigo en su regreso. “Con el parón me dio tiempo a pensar que igual esto ya no le importaba a nadie (risas). Me siento honrado de que la gente todavía me dé una oportunidad, así que no lo doy por sentado.

Llevaba cinco años en silencio y quería darle a la gente que me esperaba algo más que nueve canciones”. Grabar a lo largo de un periodo de seis meses fue toda una novedad. “Normalmente, hago un disco en una semana o diez días del tirón. Pero me planteé Shepherd In A Sheepskin Vest como un regalo. Aunque a veces fue un poco insoportable, casi como tener un trabajo normal, porque tenía que ir al estudio todos los días (ríe). Me alegré cuando lo terminé: me llevó mucho trabajo. La mayor parte de las veces me hago una foto mental de cómo quiero sonar, y me resulta bastante fácil encontrarla. Pero esta vez no lo tenía tan claro, más allá de que quería que fuera acústico. Luego, por alguna razón, empecé a probar algunos sintetizadores para tener una especie de sonido abstracto”. “Creo –añade sobre su manera artesanal de entender el misterioso proceso compositivo– que lo más importante para la creatividad es la paciencia. Si no eres paciente y te frustras, no te va a salir nada. Se trata de mantener la calma y ponerte a ello: al final tendrás algo. La ventaja que yo

Bill Callahan El buen pastor

CRiTICAndo Shepherd in a Sheepskin Vest

Drag City / Popstock!

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Paternidad AMERICANA / Desde su pasado en las

catacumbas del country alternativo más arisco, el norteamericano ha construido un mundo paralelo de una sobriedad, elegancia y rigor sólo al alcance de los elegidos. La escala de su disco más generoso y abierto abruma: veinte canciones de base acústica –muchas de ellas, muy breves– en las que el de Maryland no afloja, confirmándose como el gran escritor que es, lanzando aquí y allá pensamientos agudos, divertidos y poéticos, como quien no quiere la cosa. Arropado por arreglos sutiles y a veces sorprendentes con los sintetizadores analógicos.

—jc peña

tengo es que llevo haciendo esto desde hace treinta años. No tendría sentido que de repente no fuera capaz”.

El norteamericano es un maestro en un sentido del humor muy suyo.

El ingenioso título del álbum –Shepherd In A Sheepskin Vest (Pastor con un chaleco de piel de oveja)– es el ejemplo perfecto. “Los nombres de los discos deben ser muy abiertos. Tienen que crecer y

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tener significados distintos para cada oyente. Un buen título es muy flexible.

Para mí, éste significa varias cosas en conflicto, y por eso me gustaba. En cierta manera, es muy apacible: un pastor que quiere ser, en cierta medida, como su rebaño. Pero si lo piensas, para conseguir el chaleco ha tenido que matar a alguna de las ovejas”. Esa buscada ambigüedad le lleva a sospechar de la fijación por la política tan en boga. “En Estados Unidos se ha convertido en una especie de extraña monomanía. Creo en la libertad de expresión, pero eso no significa que me resulte interesante oír a un cómico o a un actor hablando sólo de política. Hay demasiada gente diciendo lo mismo. Y siempre hay otras maneras de hacer obras de arte que reflejen los tiempos en que vivimos. Si no, es simplemente lloriquear”. Para despedirnos, le pregunto lo que siente cuando escucha sus canciones antiguas, a lo que responde: “Es como si fueran de otra persona. No puedo oírlas. No saco nada. Es como citarte con una novia de hace veinte años (risas). Fue divertido mientras duró, pero no puedo volver atrás. En directo es diferente, alguna vez toco alguna, porque las puedes cambiar un poco y mi voz se ha hecho más profunda con la edad. Pero sobre todo pienso en el presente y el futuro”. —jc peña

“En estos cinco años me dio tiempo a pensar que ya no le interesaba a nadie”

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FOTO: ARCHIVO

Matrimonio y paternidad le han sentado de maravilla al lacónico maestro del folk alternativo, que ha vuelto con un doble deslumbrante: Shepherd In A Sheepskin Vest (Drag City/PopStock!, 19) donde condensa sus virtudes añadiendo luz y recovecos.

septiembre 2019 #21

León Benav Hé román ado “Siempre me han gust n las canciones que te va llevando por el aire suelo” y te acaban bajando al

#22 septiembre 2019

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vente éroes nticos

No cabe ninguna duda de que el tercer disco de León Benavente es uno de los trabajos más esperados de la escena independiente española.

Y lo mejor es que ya lo tenemos aquí. Vamos a volvernos locos (Warner, 19) es un nuevo motivo por el que continuar creyendo en ellos.

—texto Alan Queipo —fotografía Gustaff Choos

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U

n día más buscando emociones fuertes. Una vez más el deseo de estar aquí. Un puñado de héroes temerarios: es romántico verles bailar a su ritmo”, es lo primero que suelta Abraham Boba por la boca, nada más apoyéis la huella del dedo índice sobre el triángulo horizontal que reproduce Vamos a volvernos locos, el tercer disco de unos León Benavente que, tras un año distanciados de los escenarios, regresan ‘bailando a su ritmo’ con uno de los álbumes más esperados del circuito alternativo estatal, y también en el que mayor intimidad compartida y mirada interior se percibe. “Saben que todo es frágil y van a romperlo: suelen reunirse para trazar una estrategia que llegue a emocionarnos”, completan la frase anterior en Cuatro monos, desde un cinismo empoderado, reflexivo y autoconsciente, en la canción que abre su tercer álbum y, de algún modo, una suerte de nuevo himno autorreferencial para el cuarteto, recogiendo el guante de aquella Habitación 615 con la que se cerraban su disco anterior: haciendo las veces de epílogo de su segundo disco, pero también como prólogo de Vamos a volvernos locos. “Hablar desde una perspectiva personal siendo un grupo hace que se quede información fuera”, arranca Boba. “Una manera de enlazar el cómo acababa el disco anterior con el inicio de este era a través de una canción donde sí está esa reflexión colectiva y toda la banda está representada explícitamente”, completa el vocalista. Una mirada colectiva no solo del momento que atraviesan como uno de los grupos más convocantes del rock alternativo de nuestro país, sino también todo lo que hay alrededor de eso. “Intentamos plasmar cómo vemos las cosas a través de nuestras canciones. Y, muchas veces, partir de la propia experiencia como grupo te permite explicar otras cosas que están pasando. Y ahí ya no estás solo hablando de nuestro día a día, sino que hay una reflexión más colectiva, y todo lo que hay alrededor que no es exclusivamente el grupo”, asegura.

Esa mirada no sÓlo se percibe en las letras de las canciones más autorreferenciales, sino también en el sonido de este tercer álbum. “En este último disco ha entrado a jugar un papel muy importante la experiencia como grupo”, asegura Luis Rodríguez. “Que llevemos dos discos y dos giras detrás y más de seis años funcionando como banda, hace que te plantees todo esto no sé si como ‘más libres’, pero sí con más posibilidades. Lo que ocurrió con el segundo disco con respecto al primero es que encontramos formas nuevas de expresarnos. No creo que aquello haya asentado una marca de agua, pero sí que nos ha ayudado a confiar en que, cuando buscas nuevas maneras de expresarte, las encuentras. Y como somos gente bastante ambiciosa, nos gusta probar diferentes registros. Y creo que aquí se nota quizá más que antes”, completa el guitarrista.

“Hay mayor consciencia de banda”, define el cantante.

Esa ‘consciencia de banda’ se nota no solo en su apertura hacia colaboraciones como las de Eva Amaral, Maria Arnal o Miren Iza; sino también en una paleta de referencias que va desde Beastie Boys a Peret, pasando por lo último de Bowie o Gil Scott-Heron; o incluso en canciones como Volando alto, una suerte de rock mecanizado con ecos a Beastie Boys, pero en la que han dado un paso adelante en la construcción de las canciones: utilizan un sampler de la banda sonora que Alain Goraguer, antiguo colaborador de Serge Gainsbourg o Boris Vian, compuso para la película de animación El planeta salvaje, cuyo álbum escuchaban León Benavente mientras recogían y cerraban el chiringuito tras cada jornada de grabación. “Anteriormente habíamos usado referencias de melodías o líneas de bajo que empezaron saliendo de otra canción que estábamos escuchando, pero no era un sampler como tal: las estábamos tocando. En este caso fue una de las últimas canciones que grabamos: después de una jornada bastante agotadora, volviendo a escuchar este disco de Goraguer, que

escuchamos prácticamente a diario cuando acabábamos con los oídos y cerebros rotos después de grabar y vimos que había un frenazo entre la última estrofa y antes del último estribillo. Había sido un disco que nos había marcado emocionalmente esos días y acabó formando parte de manera formal”, cuenta Boba.

Lo que sí mantienen es la narrativa generacional que tienen sus canciones: cada uno de sus discos, sacados con tres años de distancia, sirven casi como fotografías de esos períodos, como de Boyhood musical, como de documental cantado, como queda plasmado en canciones como Ayer salí o Tu vida en directo. ¿Existe un relato costumbrista, que busca militar lo cotidiano?

“A mí a la hora de escribir siempre me han gustado las canciones que te van llevando por el aire y te acaban bajando al suelo, con referencias muy concretas y tangibles, costumbristas”, dice Abraham Boba. “Es ese concepto de que cada disco sea una fotografía de cómo te encuentras en ese momento. Quizás esa fotografía la ves dentro de unos años y no te reconoces, o te ves mejor que en ese momento. Pero siempre nos ha gustado ese carácter imperecedero que tienen las canciones, que sigan teniendo sentido con los años”, completa.

En ese camino de lo costumbrista y lo imperecedero también se cuela una de las marcas más reconocibles de León Benavente: conseguir cantar contando (y viceversa), y que lo íntimo pueda ser expansivo. Algo que bascula en una dirección similar a lo que Nacho Vegas definía como una búsqueda “de lo concreto a lo general”, pero llevado al territorio de la intimidad. “Me hace mucha gracia lo que me dice nuestro road mánager: ‘Tío, tú cantas en mayúsculas’”, cuenta el cantante gallego entre risas. “Y es que, aunque estés en un terreno bastante íntimo, y creo que en este disco es donde más se transita ese terreno, la manera que tenemos de comunicar las cosas no es hacia adentro, sino hacia afuera”. —a.q.

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el apunte

Lo personal ya no es tan político

C

ada uno de tus actos define tu manera de afrontar tus decisiones políticas. Y en este disco también sucede”, dice Abraham Boba sobre Vamos a volvernos locos. Pero hay algo claro, y que la banda no niega ni oculta: los León Benavente de 2019 no son tan explícitamente políticos como lo fueron en su debut, hace ya seis años, en un contexto sociopolítico especialmente encendido. “Nunca nos imaginé como un grupo reivindicativo: no somos de esos grupos que siguen con un discurso continuo, tratando los mismos temas y pensando lo mismo a lo largo de los años”, dispara el vocalista. “Desde el principio no fue así. De hecho, el primer disco acaba con Ser brigada, que trata todo de la intimidad como seres políticos. En el segundo disco ya nos abrimos a otros temas, y ahora todavía más. Y lo mismo que no nos interesa transitar los mismos caminos musicales, si estás escribiendo siempre sobre lo mismo, me parece poco interesante. Uno va evolucionando y queriendo explicar el mundo de otras maneras”. Es más, en este disco, en Volando alto, cantan: “Hay armas más útiles que una pistola: son las palabras las que se juzgan”. ¿Se habrán sentido juzgados, acaso? “No te sientes juzgado, pero sí que en el primer disco se generalizó la idea de que éramos un grupo político o de canción protesta; y a nosotros, que nos encasillen en un terreno es algo que nunca nos va a gustar”. —a.q.

septiembre 2019 #23

Pedro LaDroga Buena mierda “He visto la cabeza del mainstream ida” asomando por mi mov

Muchas veces se ha dicho que Pedro LaDroga juega en su propia liga, y E U R O C O C A (LaDroga Lab, 19) no es otra cosa que un paseo triunfal con la copa en alto.

El mundo vaporoso y sureño de Pedro se muestra en todo su esplendor en un disco que, probablemente, sea el más redondo que haya firmado hasta la fecha.

FOTO: ARCHIVO

E

#26 septiembre 2019

l cyberpunk y la ciencia ficción nos han dejado tirados. El 2019 que imaginaron Akira y Blade Runner parece tan lejano como entonces, y los presagios de las viejas distopías se han hecho realidad perdiendo por el camino todo lo futurista que las rodeaba. Necesitamos nuevas utopías y distopías, nuevos futuros. Y si alguien sabe de futuro por aquí es Pedro LaDroga. Hace ocho años ya se decía que el sevillano estaba en otro plano temporal, y por aquel entonces adelantó muchas de las herramientas que, más tarde, se generalizarían con el boom de la escena urbana estatal.

El reconocimiento de su papel de pionero, eso sí, no es tan evidente como parece. “Muchísima peña me conoce y sabe quien soy y lo que he hecho/hice, pero por otra parte hay muchísima peña que ni se imagina que existo. Se está haciendo de rogar pero bueno, cada cosa a su tiempo”. Al fin y al cabo todos ubicamos a Pedrito en el underground, aunque cuando le pregunto si se ve asomando la cabeza por el mainstream, después de cosas como que María de OT (aka María Escarmiento) recomiende su música, tiene una visión diferente del asunto.

“Lo de María me parece una... ¡¡¡FAN TA SÍA!!! Por otra parte siempre he visto la cabeza del mainstream asomando por

mi movida, y yo viendo mi movida bastante mainstream, a pesar de que lo lleve por terrenos mas deeps y futuristas.

Hice una movida que llegaba a todo el mundo y todo el mundo podía sentirse representado, eso ya es mainstream.

Ke kiere ase o No recuerdo na, aparte de influir muchísimo en todas las generaciones, son tracks totalmente pop, las incluiría directamente en el mainstream.

Total que sí, además siempre”.

Las dos vertientes de Pedro, la más experimental y la más pop, se dan la mano en E U R O C O C A, un disco en el que reúne tanto temas de hace años como freestyles grabados para la ocasión, algo que domina bien. “Desde hace mucho tiempo no recuerdo dejar una nota a medias e ir rellenándola o acabándola con los días, eso si es que me escribo algo, si no lo improviso del tirón. Me gusta mucho más sentir el momento que perfeccionar y forzar la preciosidad”. Aún así, y a pesar de la redondez del conjunto, no lo considera el escaparate definitivo del sonido LaDroga. “No diría que es mi disco definitivo (más bien diría que es uno más), pero está lleno de hits, canciones que me representan un montón, incluso hay un skit superloco en plan culmen de la experimentación (1 Segundo 1 Medio) y define y cierra muy bien esta última temporada”. Y si E U R O C O C A es un espejo de lo anterior, ¿hacia dónde se dirige la música de Pedro LaDroga? Fácil. “Solo a mejor, de momento tengo un montón de temas fresquísimos recién sacados de la nevera (otros en el congelador congelándose) y sigue en un túnel de gusano avanzando por los años. Por lo general más futurista, más potente, más fantasia y más bailable ^!_^ [sic]. ”.

—darío garcía coto

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FOTO: ARCHIVO

Holly Herndon La voz de las máquinas Holly Herndon publica Proto (4AD/Popstock!, 19), un ejercicio soberbio en el que convergen tecnología y humanidad con el que la productora vuelve una vez más a situarse a la cabeza en la experimentación sonora.

"Algo de fealdad tampoco está mal de vez en cuando"

Proto

4AD/Popstock!, 19 Electrónica 8/10

EN CONCIERTO l Santiago de Compostela 13 septiembre. WOX Festival x SON Estrella Galicia

N

o es casualidad que desde que debutara siete años atrás con Mouvement (12) Holly Herndon haya sido señalada por muchos como uno de los nombres impepinables de la electrónica de vanguardia. No obstante, Proto, el nuevo trabajo de la productora oriunda de Tennessee, dista harto de tratarse de un álbum de música electrónica al uso, donde ritmos quebrados, sonidos provenientes de síntesis granulares y un extraordinario manejo del diseño sonoro comparten protagonismo con líneas corales invitando al oyente a tomar asiento en una suerte de rito ancestral futurista, valga la paradoja.

“Proto es el álbum en el que más se intuyen los estilos que me han influenciado desde muy joven, desde el dance hasta el pop, pero siempre desde la intención de crear algo único”, dice desde su actual residencia en Berlín.

“Una de las cosas que más ganas tenía en este disco era aprovechar al máximo el recurso de la voz. Trabajar con un conjunto de voces humanas ha sido el mayor reto de esta grabación. Cuando trabajas con personas, el resultado siempre es diferente de lo que esperas.

Nacen nuevas texturas, nuevos matices… lo que hace que el resultado sea aún más bello”, agrega. “Para las partes vocales investigué sobre temas como el rol de la voz en la historia de la inteligencia humana o los diferentes usos que les han dado distintas culturas”.

Pero más allá de la teoría, en Proto se palpa también cierto estado místico y el mismo halo contemplativo que asoma en las piezas corales de maestros como Arvo Pärt, David Lang o Kenji Kawai. “Hay algo de sagrado en este disco, en la manera en que procuramos crear entre todas nuestras voces una especie de éxtasis grupal. Mis primeras actuaciones en público fueron cantando en un coro en la iglesia. Recuerdo la emoción que sentía cada vez que cantaba. La iglesia siempre ha sido para

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mí ese lugar en el que la gente puede expresarse libremente en público, sin el escepticismo que se respira en otros lugares”.

Sin embargo, es en el empleo de la inteligencia artificial en los diferentes cortes lo que pone de manifiesto la condición científica, a la vez que conceptual, del tercer álbum de Herndon.

Para ello, la artista llegó a crear junto a su cómplice Mat Dryhurst un software de inteligencia artificial (al que llama “su bebé”) al que “enseñaron” a cantar mediante largas sesiones de estudio junto al conjunto de voces. “Durante la grabación, Spawn ha sido una más de nosotros. Tenía inteligencia y respondía a nuestras demandas de diferentes formas. La entrenamos para que fuera capaz de producir sonidos desde cero y aportar ideas como hacíamos el resto.

Ha sido una colaboradora más”. En Goodmother, corte en el que colabora JLin, cuenta que dejaron que Spawn “se expresara libremente. Puede que el resultado suene terrorífico, pero algo de fealdad tampoco está mal de vez en cuando”, añade entre risas.

Al fin y al cabo, humanizar la tecnología ha sido uno de sus objetivos (recordemos que es Doctora en Computer Music por la Universidad de Stanford). “Cuando estoy en el estudio me suelo preguntar de qué manera puedo incoporar mi cuerpo en el proceso de la creación de música electrónica, logrando así un punto de conexión entre el mundo digital y el ser humano”. En sus últimos conciertos, sin ir más lejos, Herndon se hace acompañar de cinco vocalistas. “Hoy en día hay demasiada parafernalia alrededor de la música electrónica –AV shows, luces reactivas a la música…–, tanto que parece que ya no es necesario tener a una persona en el escenario.

Y, aunque me parece estupendo, creo que es interesante que también los humanos nos divirtamos. Así que este disco es, de algún modo, una celebración de ese punto de unión entre nosotros y las máquinas”, zanja. —daniel mesa

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septiembre 2019 #27

MONDO FREAKO

Caravan Palace Del jazz al house No cabe ninguna duda de que Caravan Palace son el grupo más sólido de lo que nació conociéndose como electroswing., pero la formación quiere superar las etiquetas con su nuevo álbum, Chronologic (Lone Diggers, 19)

EN CONCIERTO l Madrid 7 septiembre. Dcode l Barcelona 22 noviembre. Cruïlla Tardor

ROSALÍA FOTO: ARCHIVO

TAN.LEJOS Las Pastillas del Abuelo Los argentinos Las Pastillas del Abuelo vuelven a nuestro país tras el sorprendente éxito de su anterior gira. Charlamos con el guitarrista Fernando Vecchio sobre ello y sobre su momento actual.

#28 septiembre 2019

“Mucha gente nos ve como un grupo de electroswing” RRLa última edición de los MTV Video Music Awards ha estado dominada, más que nunca, por mujeres y por el pop con mayúsculas. Los principales premios se los han repartido Taylor Swift, Ariana Grande y Billie Eilish, mientras que Rosalía se ha llevado su primer VMA gracias a Con altura.

RRThe Prodigy han publicado su primer mensaje tras la muerte de Keith Flint a principios de marzo, y es esperanzador: ya están en el estudio trabajando en nueva música.

RRJanet Weiss se ha sumado a la larga lista de víctimas del sistema sanitario estadounidense y ha necesitado poner en marcha un GoFundMe para pagar los gastos médicos derivados del grave accidente de coche que sufrió a mediados de agosto. En un solo día consiguió duplicar el objetivo inicial (25.000

RRDos músicos muy diferentes –y de primer nivel en sus respectivos ámbitos– estrenarán documental en los próximos meses. Bruce Springsteen publicará en octubre un filme que bascula entre la grabación de un concierto centrado en su último disco, Western Stars (19), y una narración

dólares) y es positiva respecto al proceso de recuperación.

E

sta será vuestra segunda gira española. ¿Qué tal funcionó la anterior y qué os ha sorprendido más de la recepción que habéis tenido en el país?

Nuestra primera gira por España fue muy emocionante para nosotros, hicimos ocho conciertos en ocho ciudades con entradas agotadas en la mayoría.

—¿Os sorprendió que se agotasen las entradas? ¿Cuánto público pensáis que era argentino y cuánto español?

Sí, la verdad que fue una linda sorpresa que se agotaran las salas. Sin duda, la mayoría de la audiencia era argentina, no sé bien en qué porcentaje...

—Habéis tenido que publicar casi una decena de discos para girar por Europa. ¿Por qué ha sido ahora?

Siempre hemos tenido inquietud por salir hacia el exterior de Argentina. Al principio pudimos tocar en los países vecinos, Uruguay, Chile, Paraguay, Perú, Brasil hasta llegar a México, país en el cual giramos mucho durante más de ocho años. Al fin en 2018, ya con dieciséis

r “Ser pez reconocido po el océano no es tarea fácil para nadie”

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FOTO: FLORENT DRILLON

con gente del exterior nadie te da una deadline. Pero, claro, también por eso tenemos muchos problemas, te ves corto en fechas de ensayos, etc. Pero de momento está saliendo bien. Cruzamos los dedos para que siga así (ríe).

—He leído que la banda se formó cuando se buscaba hacer la banda sonora de una película porno. ¿Qué hay de cierto en eso?

Es cierto (ríe). Pero no era una película porno cualquiera. Era para un programa de Canal + que quería tomar películas porno mudas de los años veinte y treinta y “modernizarlas” cambiando el tipo de montaje, porque ellos grababan todo seguido y esas cosas. Se iba a hacer como un reportaje sobre ellas.

El hermano de Charles trabajaba en montaje por esa época, y le preguntó si podía hacer algo de música con estilo antiguo, pero también moderno y dinámico. Por esa época, Charles tocaba con Arnold y Hughes en una banda de jazz manouche para bodas, bares y tal, pero ellos aparte producían música elec-

trónica, cada uno a su manera; Arnold hacía cosas tipo Portishead con su hermana, Charles hacía remixes, etcétera, pero intentaron juntar el punto jazz con el punto electrónico, y de ahí surgieron las primeras composiciones al estilo Caravan Palace, con beats house y guitarra manouche. Al final el programa no salió adelante, pero la gente que había escuchado la banda sonora había quedado muy contenta, y les pidieron hacer algo más con eso. Empezaron a hacer más canciones, y entonces el productor Loïc Barrouk se interesó por ellos. Empezaron a hacer el disco y a buscar una cantante. Nos encontramos en Myspace, porque yo hacía también mi propia música, y tenía una canción que era un poco del estilo que ellos buscaban. Fui a París a cantar con ellos en una jam y nos lo pasamos muy bien, así que me dijeron que nos viésemos en el estudio. —pablo tocino

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Con The Unseen In Between (Matador/Popstock!, 19), el compositor y guitarrista norteamericano se consagra en la liga de los talentos de su país que destilan las esencias del folk, el rock elegante y el jazz.

E

más reflexiva e introspectiva. Travis Scott, por su parte, habrá lanzado cuando salga este número un documental que repasa su ascenso a la fama y momentos clave de su carrera, incluida su reciente paternidad y todo lo que rodeó el lanzamiento de Astroworld (18) y su posterior gira.

OV I H CRA : O TOF LASA C LAE N

RREn las últimas semanas hemos tenido que lamentar la muerte de Neal Casal, músico clave dentro de la americana de este siglo y guitarrista de The Cardinals y Chris Robinson Brotherhood. También la de David Berman, líder de Silver Jews y Purple Mountains, que había vuelto con nuevo disco este verano tras diez años prácticamente retirado de la música. —MS

Steve Gunn Introspección FOTO: ARCHIVO

C

ómo afrontáis la publicación de Chronologic?

Por un lado contentos de que el trabajo haya terminado, pero por otro lado no sabemos cómo va a reaccionar la gente. Intentamos evolucionar en nuestro estilo; mucha gente nos ve como un grupo de electroswing, y la verdad es que esa fue una parte importante de nuestra inspiración, pero no somos un grupo típico de electroswing. También hay nuevas personas que no conocían el grupo y a quienes les está gustando el estilo más electrónico, jazz y pop. O sea que ya veremos cómo va.

—Lo publicáis en vuestro propio sello, Lone Diggers, de menos de un año de vida. ¿Qué tal ha sido la experiencia de hacerlo de esta forma?

Sí, eso también explica por qué hemos tardado más en sacarlo de lo que habríamos querido: queríamos hacerlo en mayo, pero ahora estamos más contentos con el resultado final, y en mayo todavía no. Cuando no trabajas

años de trayectoria sobre nuestra espaldas, se dieron las condiciones para poder aventurarnos a España.

—Sois siete en el grupo. ¿Es complicado viajar tanta gente en gira?

Cuando giramos por Argentina tenemos un staff de veintidós personas que se reduce a la mitad cuando venimos a España, justamente por las complicaciones que conlleva ser tantos.

—Sois un grupo de rock y pop rock, pero nunca le habéis cerrado la puerta a otros géneros con los que habéis experimentado un poco...

Somos músicos engrasados de academias o conservatorios de Argentina lo que nos dio lenguaje para poder experimentar y el rock es un género en el que todos coincidimos.

—¿Es fácil para los nuevos nombres argentinos afianzar sus carreras?

No te lo sabría decir. Hay más facilidades pero también demasiada información y ser pez reconocido por el océano no es tarea fácil para nadie. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

—¿Qué artistas españoles os interesan y cuál es el último grupo español que habéis escuchado y os ha parecido interesante?

Aquí en Argentina está muy fuerte Leiva, artista al que respeto profundamente, las casualidades de la música me permitieron compartir una relación amistosa con Guille Galván de Vetusta Morla, banda a la cual admiro mucho. Cada día tienen más fans en Argentina.

—ernesto bruno

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de GIRA l Madrid 15 octubre. Copérnico l Barcelona 16 octubre. Apolo l Valencia 17 octubre. Peter Rock r l Palma de Mallorca 18 octubre. Es Gremi

n persona, Steve Gunn es un tipo tan cálido, empático y encantador como sus composiciones.

“Creo que es un disco muy especial porque tuve tiempo para prepararlo y bastante perspectiva. Fue un proceso más pegado a la tierra. Además, era la primera vez que cuestionaba mi modo de componer. Me di cuenta de que muchas de mis canciones preferidas son realmente simples. Era algo que nunca había sido capaz de lograr. Había pasado más de tres años de gira y tocando. Mi padre había muerto, Trump fue elegido Presidente… Tenía la necesidad de reflexionar sobre todo en un disco más introspectivo. Este disco es casi para mí”.

Para darle forma, Gunn se metió en el estudio neoyorquino Strange Weather junto a musicazos como el bajista de Bob Dylan, Tony Garnier, y bajo la producción de su amigo y colaborador James Elkington. Gunn se siente parte de una cierta generación de músicos anglosajones que reinventan las esencias clásicas –caso de su amigo y admirado Kurt Vile– y entiende la música como algo más trascendente que el sonido de moda.

“Hay demasiado postureo y ego en esta industria. Está bien si hay un gran público para aquellos que se preocupan por ponerse un modelito y cantar sobre sí mismos, pero me parece que yo debo dar algo más”. —jc peña

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de GIRA l Barcelona 1 septiembre. Sidecar / VIDA On The Road) l Bilbao 2 septiembre. Kafe Antzokia (Kutxa Beltza) l Madrid 3 septiembre. Sala 0 (SON Estrella Galicia)

septiembre 2019 #29

MONDO FREAKO

Gluecifer FOTO: ARCHIVO

“Yo estoy en esto porque me gusta el rock’n’roll, no hay más secreto” Barcelona (24 octubre, Apolo) Madrid (25 octubre, Sala But)

AgeNda. septiembre.

Ourense (19 septiembre, Café & Pop Torgal; ciclo American Autumn) Madrid (20 septiembre, Libertad 8; ciclo Momentos Alhambra Música)

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#30 septiembre 2019

Courtney Marie Andrews es una artista imprevisible. Lo mismo trabaja con Jimmy Eat World o Damien Jurado que coincide en una entrega de premios con Robert Plant, versiona a Deer Tick o viaja a Portugal para encontrar inspiración. Ahora nos visita para presentar May Your Kindness Remain (Loose, 18).

C

ourtney, ¿cómo presentarías May Your Kindness Remain al público español?

Intento no hacer nunca el mismo disco dos veces. En muchos sentidos este es un disco más extrovertido. Guitarras distorsionadas combinadas con mis reflexiones tranquilas sobre la vida, la depresión y el amor. Quería crear una tensión entre ambos. Lo grabamos en unas montañas en Los Ángeles. Los medios tiempos los grabamos durante el día, las baladas por la noche cuando el sol ya se estaba escondiendo.

—En una revista inglesa dijeron que tu música se situaba entre Dolly Parton y Whitney Houston. Una comparación curiosa, ¿no crees? ¡Soy fan de las dos! ¡Las amo!

—Desde la primera canción del disco, tu voz es poderosa. ¿Cómo ha ido evolucionando?

He crecido mucho como cantante tras haber pasado casi una década en la carretera. Mi instrumento suena cada vez mejor. Tengo más control y estoy preparada para contener mis emociones de un modo más natural y más real.

—Este disco es una suerte de combinación de gospel muy íntimo y música country. Un ejemplo es Long Road Back To You, el corte final. ¿Tuviste esa clase de educación religiosa?

Solo fui una o dos veces a la iglesia con mi padre, con lo que no me siento una persona religiosa, en cambio sí soy muy espiritual. Me gusta el gospel porque te hace sentir una serie de cosas muy especiales cuando cantas.

—¿Qué te inspira a escribir? ¿Compones solo en base a tus propias experiencias?

Mis experiencias, las relaciones amorosas, la política… aunque intento no acudir siempre a los tópicos. Mi proceso de creación está inspirado en largas conversaciones. La mayoría de mis canciones nacen a partir de ahí.

—La portada es fantástica, muy misteriosa. ¿Qué me puedes contar de esa fotografía?

Mi amiga Laura Partain tomó esa imagen. Es una de las mejores fotógrafas del mundo. Quería estar recostada dentro de una casa desordenada y que hubiera un conjuro de soledad, tristeza y nostalgia. Hizo un trabajo increíble.

Gluecifer están de vuelta. No sabemos durante cuánto tiempo, así que, por si deciden volver a desaparecer, disfrutémosles a tiempo real. Los noruegos, nombre imprescindible del rock escandinavo surgido durante la segunda mitad de los noventa, nos visitarán de nuevo en octubre. Por ello charlamos telefónicamente con Biff Malibu, su vocalista.

P

or qué decidís volver ahora?

La causa principal fue la oferta del Azkena Rock Festival del año pasado. Nos gusta la ciudad y la idea al principio era la de tocar ahí. Fue un primer paso. Después se despertó el interés de otros promotores y eso nos animó a reunirnos. O al menos a pensarlo.

—Tras catorce años sin banda, ¿cómo fue la experiencia?

A ver, las rupturas siempre son dolorosas y dejan heridas. Mentiría si dijera que aquí no pasó nada, porque no sería cierto. A lo largo de los años yo solamente mantuve contacto con uno de ellos, mientras que del resto no supe nada durante todo este tiempo. Por tanto, un día nos sentamos en una mesa, hablamos de todo lo necesario para convivir de nuevo y, como personas adultas que somos, arreglamos los asuntos que había pendientes.

—A la hora de tocar, ¿fue fácil encontrar de nuevo esa química tan necesaria?

Había nervios. Había pasado mucho

tiempo desde entonces, con lo que tenía cierto pánico. Aparece la inseguridad, te da miedo no estar a la altura, poder hacer el ridículo o ser una mala copia de la banda que fuimos en el pasado...

Curiosamente, otros miembros de la banda, como por ejemplo Captain Poon, seguían tocando en directo. Y eso se notó. Son mucho mejores ahora de lo que eran en aquel momento. Tocan mejor, cantan mejor. Eso lo hizo todo mucho más fácil. A mí me tocó refrescar ese material. No me acordaba de todas las canciones.

—¿Imaginaste alguna vez que volveríais a estar juntos?

Al final todos volvemos (risas). No íbamos a ser la excepción. Fíjate en The Hellacopters, prometieron que nunca lo harían, y ahí están.

—Es curioso que, en vuestro caso y en el de The Hellacopters, vais a tocar en salas más grandes de las que tocásteis mientras estábais en activo. Ha habido un culto a esa escena y se os estaba esperando. Dejásteis un gran legado a vuestras espaldas.

No sé qué explicación puede tener, pero, si hacemos caso a los datos, parece que sí. Está claro que aparecimos en un momento en que la gente quería escuchar a bandas como nosotros que combinaban a AC/DC o Motörhead con The Stooges y el punk americano. Dejamos huella y el resultado es este. A ver lo que dura.

Nadie puede asegurar que estemos aquí durante mucho tiempo... Yo estoy en esto porque me gusta el rock’n’roll, no hay más secreto. —toni castarnado

FOTO: ARCHIVO

COURTNEY MARIE ANDREWS

—toni castarnado

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James

Barcelona (6 septiembre, La [2] de Apolo) Madrid (7 septiembre, Dcode Festival)

“Todavía estamos hambrientos, todavía somos ambiciosos” Madrid (12 septiembre, La Riviera) Benidorm (14 septiembre, Visor Fest)

Almost Free (Mom-Pop/ California Partnership, 19) es el disco que necesitaban los californianos para romper barreras. Y parece ser que la cosa está funcionando. Ahora podremos verles en nuestro país.

FOTO: ARCHIVO

T

Los británicos James visitan nuevamente nuestro país para presentar su último trabajo, Living In Extraordinary Times (Infectious, 18).

Motivo suficiente para contactar con el miembro más veterano de la banda, el bajista Jim Glennie, que responde a nuestras preguntas.

L

os últimos tres discos de los mancunianos, La Petite Mort (14), Girl At The End Of The World (16) y Living In Extraordinary Time, presentan mayor presencia de teclados, sintetizadores y electrónica que anteriores entregas. “Nuestro teclista Mark (Hunter) tiene un talento increíble, pero siempre resta importancia a su papel, así que decidimos cambiar eso y ahora las canciones tienen una base más groove.

Es esencial evolucionar musicalmente”.

La formación acumula treinta y cinco años de carrera profesional y, después de tanto tiempo, continúan juntos y activos.

“Seguimos queriendo más de nuestros conciertos y de nuestros discos. Todavía estamos hambrientos, todavía somos ambiciosos. Pensamos que deberíamos ser la banda más grande del planeta y que todavía no lo hemos conseguido”.

Lógicamente, este periplo también ha dejado épocas bastante más complicadas. “Sucedió sobre todo a finales de los noventa, con un abuso de drogas y alcohol que fue más una consecuencia de la desintegración que su propia causa.

Hubo mucha ira y frustración. De alguna manera y aun así nos las arreglamos para grabar grandes discos y dar grandes conciertos… pero no sé cómo”. Precisa-

mente en los noventa, James brillaron con más fuerza que nunca, aprovechando también la ola de un movimiento al que, en el presente, nadie parece haber pertenecido. “James nunca fuimos parte del britpop. Para entonces nosotros ya estábamos asentados”. El músico ha visto cambiar radicalmente la escena con el paso del tiempo. “El formato digital ha tomado el relevo, lo que ha provocado el colapso de las ventas y derivado en nuevos desafíos. No me gustaría ser una nueva banda tratando de ganarme la vida. Pero antes también tenías que convencer a tíos trajeados de que podían ganar dinero con tu música o ni siquiera te echaban un vistazo. No era el ambiente más alentador para fomentar la originalidad”. Quince discos de estudio dan para mucho, pero el entrevistado destaca un punto de inflexión a la hora de entrar al estudio. “En las primeras sesiones estábamos tan preocupados de que nuestras preciosas canciones no fuesen destrozadas que era muy difícil trabajar con ellas.

Pero luego Brian Eno cambió todo eso en la grabación de los discos Laid (93) y Wah Wah (94). Aprendimos a dejar fluir las canciones y también a permitir que alguien más tuviese opinión al respecto, para destruirlas y luego reconstruirlas de maneras impredecibles. Nunca más volvimos a ser los mismos en el estudio”.

En cualquier caso, James siempre han sido animales escénicos y el directo su principal activo. “Las reglas siguen siendo las mismas: no ensayes demasiado; si una canción te cansa, deja de tocarla; arriesga; cambia el set todas las noches; busca la espontaneidad; exígete pero acepta los errores”. —raúl julián

ras diez años, dos discos, tres EP’s, varias decenas de conciertos incendiarios y un sambenito, el del ‘grupo llamado a salvar el punk’, Fidlar decidieron que la mejor manera de hacer punk era empezar a dejar de hacerlo. Si es que lo han hecho alguna vez. “Nunca pensé en nosotros como una banda de punk o garage, en realidad; siempre pensé que éramos un grupo de músicos que aman hacer música y probar cosas nuevas”, nos dice del otro lado del océano Zac Carper, todopoderoso líder de la banda. “No estoy realmente seguro de cómo ha recibido nuestra audiencia el cambio en este disco”, confiesa. “Sé que a muchos les gusta el disco y a muchos no. Hagamos lo que hagamos nos van a criticar. Es la cultura en la que vivimos ahora. No escribimos música para nuestros fans, escribimos música para nosotros mismos”.

Revolucionándose a sí mismos para revolucionar a los demás, cuatro años después del impactante Too, el cuarteto californiano regresa con Almost Free, su álbum más –mira por dónde– libre, desprejuiciado, oscuro y polifónico hasta la fecha, en el que coquetean con el blues, el pop o el hip-hop y marcan una vara de medir que les acerca tanto a Beastie Boys y The Clash

como a The Black Keys, Happy Mondays o Mark Ronson. “Estoy cansado de que el rock sea un género. Estoy cansado de que los rockeroshablen mierda sobre géneros como el pop, el hip-hop o cualquier otro género que no sea el rock. En Fidlar, todos hemos crecido escuchando diferentes tipos de música. De hecho, cuando nos conocimos los cuatro, todos estábamos militando en diferentes grupos de hip-hop”, recuerda. Y, de regalo, sentencia: “El punk trata sobre la libertad, sobre hacer lo que quieras. Es un estilo de vida, no un género”. Para trasladar ese espíritu han contado con Ricky Reed como productor: el hombre detrás de canciones y producciones para artistas tan variopintos como Pitbull, Meghan Trainor, Jason Derulo, Bomba Estéreo o Leon Bridges, entre muchos otros. “Ricky es el tío más punk y talentoso que he conocido en mi vida. Que haya trabajado con artistas y proyectos tan aparentemente diferentes demuestra su mentalidad abierta y libre de prejuicios”. A pesar de la contundencia y visceralidad con la que arremeten en estas trece nuevas canciones, también estamos ante su disco más político, sobre todo en canciones como Good Times Are Over, Too Real o la que da título al disco. ¿Habrá tenido algo que el proceso creativo se haya iniciado bajo la administración Trump? “Que Trump sea presidente es solo una prueba de lo jodido que están los Estados Unidos. Pero las canciones más políticas no van sobre él en concreto, hay una mirada más bien global: apunta más a que el mundo está jodido. Cada vez que recorríamos Europa, había ataques terroristas. Escribimos música sobre lo que está pasando a nuestro alrededor.

Era imposible no escribir sobre ello”. —alan queipo

FOTO: DAVID BLACK

FIDLAR

septiembre 2019 #31

33/Mondo VINILOS

Frank Turner

Eagles Of Death Metal

No Man’s Land Xtra Mile Recordings

FOLK / Para su octavo disco, Frank Turner ha optado por un trabajo conceptual que ha decidido llevar al extremo. Porque no solo se trata de una tierra sin hombres, como indica su título, la que le ha permitido narrar las peripecias de algunas mujeres injustamente olvidadas por la historia a pesar de sus vitales contribuciones, sino que además ha optado por hacerlo sin contar con presencia masculina. De los instrumentos se encargan insignes féminas como la bajista Andrea Goldsworthy o la baterista Holly Madge. La producción corre a cargo de Catherine Marks (Foals, The Killers, Wolf Alice). Eso sí, aunque el objetivo es magnífico, Turner ha olvidado un poco lo esencial, las canciones. Su habitual folk-punk adopta a veces tintes solemnes y grandilocuentes a lo The National que no acaban de sentarle bien.

6

Bon Iver adelanta el otoño Bon Iver

I, I Jagjaguwar/Popstock!

8

POP / Reafirmando su obsesión por la numerología, Justin Vernon cierra un supuesto ciclo de cuatro álbumes conjugando algunas de las claves que hicieron de él uno de los nombres inevitables para entender la reformulación del indie folk de la última década.

De hecho, este álbum parece una síntesis de los dos anteriores, con alguna pizquita aún del primero. Todo muy bien combinado. Es su disco de otoño, ya que los tres anteriores también se correspondían con tres estaciones del año (invierno, primavera y verano, respectivamente), y en él vuelve a quedar claro que no importa tanto el fin como el placer del trayecto, el desterramiento de la canción como un fin en sí mismo, haciendo de su argumentario un fértil campo de pruebas, logrando que el ensayo se convierta en método. Una metodología muchas veces fascinante que retiene gran parte de esa magia, esa combinación entre ensoñación y melancolía que se convirtió en marca de la casa y sedujo a miles de oyentes en todo el mundo. Aunque en esta ocasión, hay que decirlo, todo parezca un poco más previsible. Da la sensación de que el de Wisconsin se está empezando a cansar de ponérselo tan difícil al fan, como si

hubiera acabado por redondear su particular círculo –quién sabe lo que nos espera a partir de aquí– estandarizando en parte su sonido, sobre todo en el segundo tramo del disco, casi hasta acercándose un poco a algunos de sus discípulos más aventajados (Novo Amor, Matt Kivel). En su derecho está, desde luego.

Pocas veces ha sonado más comercial que en Naeem, por ejemplo. Sigue muy presente el lirismo de amplia frecuencia, la sensibilidad para el quiebro melódico que desarma, los bleeps, los clicks y los cuts y cierta disonancia electrónica que emborrona a conciencia su propia escritura, y hasta la recuperación de una desnudez que parecía absolutamente extraviada (muy presente en el cierre, RABi), incluso el rescate las sombras del soft rock radioformulable de los ochenta –Bruce Hornsby de nuevo en U (Man Like), el saxo prominente de Sh’Diah– de una forma aún más desenvuelta. En cualquier caso, el promedio de composiciones más que seductoras, de las que aún cosquillean la curiosidad e invitan a darle repetidamente al play, es notable: We, Hey Ma, Salem o Marion siguen invitando a pensar que cuando dentro de muchos años alguien quiera recordar a qué sonaban los dos mil diez, haya que rescatar a Bon Iver junto a Anhoni, Kanye West, Frank Ocean, Kate Tempest, James Blake, Beyoncé, FKA Twigs, Kendrick Lamar y unos cuantos más talentos elegidos para reflejar un tiempo fragmentado, híbrido e imperfecto, en el que casi nada es lo que parece a simple vista.

—carlos pérez de ziriza

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—eduardo izquierdo

Boots Electric Performing The Best Songs We Never Wrote Universal

7

mo e ironía presente en el mismo título y en la portada (obra de Josh Homme), Jesse Hughes y su banda han cogido canciones que les representan y las llevan a su parcela. Lejos de calcarlas, el grupo californiano les pone sal y pimienta, amplias dosis de humor y las reconstruye acercándolas a su estilo. En la selección no podía faltar la provocación a costa de Guns N’Roses y su It’s So Easy, ni mucho menos un respetuoso homenaje a AC/DC (con un medley de High Voltage y It’s A Long Way To The Top). Hughes hace un doble guiño a sus amigos Josh Homme y Brody Dalle –esposa de Homme– con Long Slow Goodbye (Queens Of The Stone Age) y The Hunger (The Distillers). A partir de ahí relecturas más previsibles (Ramones o David Bowie) frente a momentos algo absurdos (Mary J. Blige o Kenny Rogers). —toni castarnado

Beyoncé

Mark Ronson

The Lion King: The Gift Parkwood/ Columbia

6

POP / Arrastrada por sus

vicios a la hora de crear, Beyoncé nos habla, sin aportar nada nuevo, de las relaciones familiares, matrimoniales, la herencia o la auto ayuda. Sin embargo, a nivel musical, sí coloca parte de la industria musical africana en el centro del mercado mundial. El proyecto es una especie de hermanamiento entre la cumbre del r’n’b americano, el afropop y el hip-hop; en el que da protagonismo a figuras africanas que necesitaban un empujón de visibilidad. Entre los puntos álgidos del álbum, nos encontramos una apuesta por el dancehall (Already) o una hip hopera My Power con la producción de Moses Boyd.

La cara más débil del disco surge cuando la estrella recurre a su entorno americano para intentar crear hits de forma artificial (Mood 4 Eva junto a Jay-Z y Childish Gambino). —álex jerez

ROCK / Con todo el sarcas-

Late Night Feelings Sony Music

7

POP / Late Night Feelings

es una reunión de canciones tristes, como cura emocional a una ruptura, que te invitan a resucitar a través de la pista de baile. Para darle voz a todo, Ronson se ha rodeado de figuras femeninas como una maravillosa Lykke Li, quien lidera el álbum con dos de los temas más importantes del proyecto. El primero de ellos da nombre al disco y te lleva a sacar a través de la música todo eso que no te deja respirar. Al otro lado, 2 AM es una balada que se aleja de su línea sonora habitual. Junto a Angel Olsen, en True Blue, une el folk de la artista a una pista fouron-the-floor que genera un corte de pop setentero fantástico. Y YEBBA se presenta como la gran apuesta innovadora con los tres temas centrales, frente a una Camila Cabello desapercibida y una poderosa Miley Cyrus en Nothing Breaks Like A Heart. —álex jerez septiembre 2019 #33

MONDOVINILOS

Redd Kross Beyond The Door Merge/ Popstock!

DeMarco cambia de rumbo Mac DeMarco

Here Comes The Cowboy Caroline/Music As Usual

7 FOLK / Mac DeMarco ha cambiado. El joven alocado y excéntrico que nos enamoró con su indie rock con aquellos destellazos de blue wave que tanto nos gustaban, ha dejado paso (nunca mejor dicho) a su Old Man. La verdad es que DeMarco ha cambiado, su música ha trascendido hacia un folk calmado, de guitarra acústica, percusión suave con su sintetizador retro y el predominio de una voz narrativa omnisciente. En realidad, en su This Old Dog ya podíamos vislumbrar esa progresión hacia el folk vintage. Pero aun así, en su penúltimo disco aún había un poco de movimiento y restos de aquel flow tan suyo. Ahora Here Comes The Cowboy no hace sino confirmarnos esa transformación. Al margen de echar de menos aquellas canciones del pasado y mirando al Mac del presente, debemos decir que continúa

Mad Squad

El Petit de Cal Eril

Mad Squad Hang The Dj! Records

7

ROCK / Después de haber

grabado su segunda maqueta, ha tenido que pasar un cuarto de siglo para que Mad Squad hayan grabado su primer álbum. En este caso, diferentes proyectos entre medias, como los brillantes The Unfinished Sympathy, menguaron la pena por saber hasta dónde podrían haber llegado Akira Taniguchi, Pau Ortigues y el incombustible Eric Fuentes. Es ahora, tantos años después, cuando se hace evidente que el trío contaba con fuel suficiente para surtir un álbum de intensidad cromática. En su caso, revitalización de unas pautas de comportamiento en las que se entrecruzan thrash metal clásico, emocore e incluso posthardcore. No hay más que adentrarse en Unexpected, primer puerto de atraque, en la que se dan todas estas características.

Qué mejor que dejarse arrastrar por la tensión crispada de The Magic Box y los arreones a degüello de Misery Accomplished, verdaderos sopapos de energía virulenta. —marcos gendre #34 septiembre 2019

POP / Joan Pons canta ata-

viado con esa frecuencia baja que se funde en todos los oídos atentos: “Lo que canto no tiene ningún sentido si tú no me escuchas, si tú no estás conmigo”.

Es ahí cuando traza una perfecta alianza de intimidad con su oyente. Versos que ayudan a la banda a extraer todo el amor atrapado en las frecuencias sonoras. Un caldo que encuentra la plenitud de su sabor con el bajo de Dani Comas que conduce las canciones con juguetona y plástica gravedad. La primera cara rebusca en las sombras de Triangle, y sigue dotando de protagonismo a los teclados de Artur Tort que se responsabilizan de gran parte de los arreglos.

En la cara B se abren disonantes hitos sonoros, se templan las melodías y se exageran las texturas musicales que enhebran etéreas luminiscencias sónicas.

Composiciones sin estribillo que seducen. Un disco corto, sintético y lunar en el que cada vez más la errática materia pop se atreve a conquistar el enigma de lo inmaterial. —andreu cunill clares

—toni jaume martorell

Pixx

ELECTRÓNICA / El segundo largo de Hannah Rodgers es una perfecta continuación de lo que construyó con su predecesor. Un conjunto de canciones que aumentan la riqueza sonora que hasta ahora hemos relacionado con Pixx y un arsenal de letras antisistema que ponen en tela de juicio temas tan complejos como la religión o la lucha por la igualdad. Small Mercies está cubierto de un velo de desconfianza que te obliga a juzgar la naturaleza humana. Entre los temas más complejos que aborda está la relación que atraviesa con la religión y la figura de Dios en concreto (Mary Magdalene). Y, por supuesto, la crítica de la opresión a la mujer (Hysterical). En lo musical no hay grandes novedades con respecto a lo que ya conocíamos. Es un disco sin cohesión que pasa por el pop en Andean Condor, indaga en el grunge o se tiñe de una oscura electrónica emo en el tema que da nombre al proyecto. Lo mejor, esas guitarras de las que presume en temas como Bitch.

6

—álex jerez

9

ROCK / El séptimo disco de

Redd Kross deja varias buenas noticias, comenzando por la constatación de que aún existen grupos que, al margen de modas infumables, siguen haciendo rock clásico del que siempre está vigente. La banda confirma, además, su regreso definitivo tras aquel Researching The Blues (12) que rompía un silencio de quince años, manteniendo un nivel más que notable. El resultado muestra a un cuarteto que sigue disfrutando a la hora de hacer canciones a medio camino entre power-pop, new wave e indie-rock, en un efecto que se contagia directamente al receptor a través de las propias canciones. Con la presencia de guitarras como atemporal denominador común, Beyond The Door consigue sonar fresco, enérgico y vigente apuntalando influencias de Elvis Costello, Cheap Trick, Green On Red o Nick Lowe. Un álbum que agiganta la leyenda de la banda, acercando en el tiempo ese momento en el que los californianos serán aceptados como un grupo mítico. —raúl julián Tort

Lloyd Cole

Small Mercies 4AD/Popstock!

Energia Fosca Bankrobber

8

ofreciéndonos buen material y muy bien producido. No faltan los temas exquisitos como K, una canción preciosa que probablemente vaya dedicada a su novia (Kiki), o la lograda Nobody, aunque esta vez estén acompañados por otras piezas que saltan a la vista como Choo Choo o la pieza que da título y abre el disco por ser composiciones de transición, algo planas y repetitivas. La verdadera joya de la corona es Preoccupied, una canción preciosa que te transporta a la calma de una mañana de vacaciones de verano en la que el sol te acaricia la piel y que nos sumerge en una sensación casi onírica.

Here Comes The Cowboy es, sin duda, un buen disco, pero diferente a lo que su autor nos tenía acostumbrados. DeMarco ha virado hacia otros terrenos. Habrá a quien le gustara y a quien no, pero en todo caso debemos entender que Mac DeMarco ya no es el mismo, pero no por eso peor. Tal vez sus fans no lo entenderán así, pero no me cabe ninguna duda de que, con el tiempo, Here Comes The Cowboy se catalogará en la discografía del canadiense como merece.

8

Guesswork Ear

Void Addiction Varios sellos

POP ELECTRÓNICO / Lloyd

METAL / Pocas veces una portada puede reflejar de una forma tan fidedigna el contenido de un disco: en este caso, un amasijo informe de sludge y doom metal que aglutina a lo largo de sus cinco canciones –más de cincuenta minutos, en total– lo mejor que han hecho hasta la fecha los barceloneses Tort. El quinteto, integrado por antiguos componentes de bandas tan reivindicables como Warchetype, Lords Of Bukkake, La Matanza o Cuerno, ya había realizado dos importantes avisos con Tort (12) y II (15), pero es en Void Addiction donde han conseguido explotar del todo su gran punto fuerte: una densidad viscosa, oscura y altamente corrosiva, directamente influida por Grief, Coffins o incluso Winter. Un sonido cavernario y colérico que, ya sea mediante la aterradora voz de Xavier o el muro de guitarras creado por Jordi y Sergio, les consolida, ahora sí, como uno de los mayores referentes del sludge en el Estado. —tomeu canyelles

Cole no es un advenedizo de la eléctronica. En sus trabajos junto a Hans-Joachim Roedelius (Cluster) ya había pistas como para pensar que algún día ensamblaría beats, clicks y cuts en sus propias canciones. Lo que nadie podría esperar es que fuera con tal naturalidad, reformulando su propio lenguaje hasta darle un impulso tan rejuvenecedor que parece que los seis años transcurridos desde el estimable Standards (13) sean lustros. Por comparación, deja en paños menores otras tímidas incursiones en la electrónica por parte de músicos de su quinta, como Stephen Malkmus. Es este un extraordinario álbum de pop acolchado sobre ritmos y líneas electrónicas. Claras y diáfanas, casi geométricas, engañosamente frías, revelando su filia por las filigranas de Kraftwerk, Iggy, Bowie y Eno a finales de los setenta, también por las guitarras de Robert Fripp, llevándolas a su propio terreno. A una lectura contemporánea, magistral. —carlos pérez de ziriza

8

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The Hold Steady

FOLK / Nunca he sido de esos críticos que van en contra del mundo, siempre a contra corriente. Ese juego no me va. Pero últimamente tengo la sensación de jugar a eso. Y este disco es otro caso. Mientras buena parte de la crítica se empeña en cargárselo, a mí me gusta. Me parece un buen trabajo. También es verdad que no acababa de conectar con los últimos discos de Joey Burns y John Convertino. Calexico, banda que adoré en el pasado, se me hacían anodinos, faltos de ideas. Y eso es lo que creo que les aporta Sam Bean, especialmente en cuanto a concepción y coherencia de álbum. Porque aquí todo gira alrededor del tiempo, reflexionando sobre nuestra forma de medirlo y, especialmente, sobre nuestros propios recuerdos y lo que significan. Un trabajo casi conceptual en el que las sonoridades –no tan alejadas– de ambos proyectos sirven como otro mecanismo más de transmisión del mensaje. Buen encuentro.

—eduardo izquierdo

7

ROCK / Me había pro-

puesto reseñar el último disco de The Hold Steady sin citar a Bruce Springsteen, pero es que con cada nueva entrega Craig Finn y compañía le pasan el guante por la cara al Boss, jugando en su propio terreno. Y eso que en este nuevo trabajo se detectan cierta falta de ideas y una atmósfera monótona que deben arreglar en el futuro, pero están a tan buen nivel que hasta eso se les puede perdonar, siempre que la cosa no se enquiste. La banda parece haber levantado ligeramente el pie del acelerador y eso ha dotado de algunas texturas a sus canciones que hasta ahora les desconocíamos. Quizá por eso se antoja más cercano a los discos en solitario de su líder que a su discografía grupal, aunque la marca de la casa es omnipresente. Porque solo ellos son capaces de construir frases como “el piloto se parecía un poco a Kirk Hammett” y no morir en el intento.

—eduardo izquierdo

From Here EarMUSIC

7

POST-PUNK / New Model

Army tuvieron peso específico en los ochenta, al formar parte de ese compendio de bandas arremolinado en torno a la etiqueta del post-punk. Desde entonces el grupo no ha dejado de publicar nuevo material, y el presente conjunto de canciones termina por resultar creíble y efectivo, el menos en su mayor parte. Justin Sullivan y compañía exponen sin tapujos y con ambición sus texturas de rock grueso y post-punk oscuro, con protagonismo destacado en la voz áspera del propio Sullivan, esas guitarras pesadas pero descriptivas y las gruesas líneas de bajo. Una fórmula de sobra conocida, pero funcional en temas tan aprovechables como Hard Way, Maps, Setting Sun, End Of Days, Never Arriving o los ocho minutos de la final From Here. Aunque de manera intermitente, el quinteto demuestra que todavía es capaz de situar la distopía en el horizonte, con intensos pasajes desesperanzados capaces de implicar al oyente. —raúl julián

DD LJM

1 Bon Iver I,I

8 7 8 8 7,75

2 La Bien Querida Brujería

7 8 8 8 7,75

3 Denzel Curry Zuu

7 8 8 8 7,75

4 Black Midi Schlagenheim

7 8 8 8 7,75

5 Pedro Ladroga Eurococa

6 8 8 8 7,5

5 Black Pumas Black Pumas

8 6 7 7 7

6 Mourn Mixtape

7 6 7 7 6,75

7 King Gizzard Infest The Rat’s Nest

6 7 7 6 6,5

dc JSL

Med

6 7 6 7 6,5 9 Tropical Fuck Storm Braindrops

Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)

Thrashing Thru The Passion Frenchkiss Records

Years To Burn Sub Pop

7

New Model Army

top 10.

Calexico & Iron & Wine

4 7 7 6 6 10 J Balvin & Bad Bunny Oasis

León Benavente bailan a su ritmo

YBN Cordae The Lost Boy Atlantic

León Benavente Vamos a volvernos locos Warner Music

7

8 POP ROCK / Ya está, ya pasó: León Benaven-

te superaron con solvencia el duro reto del segundo álbum, tras un debut que les situó de forma inmediata en la primera línea del rock alternativo estatal y que, como se cantan a sí mismos en la canción de apertura, entre el cinismo pasivoagresivo y el documental cantado, ha hecho que estuviesen “en boca de todos”.

El reto de la “presión del segundo disco” nos presentó a un combo que se había aprehendido a sí mismo, que conocía sus virtudes y las cosas que quería pulir (y las que quería evitar), y que comenzaba a pujar por tres máximas que desarrollan aún más en Vamos a volvernos locos: 1) quitarse el sambenito de ‘grupo de rock protesta’; 2) acercarse cada vez más a una coalición de gobierno entre las máquinas y el rock; y 3) conseguir ser el grupo insignia del circuito que, sonando en mayúsculas y fundiendo y confundiendo spoken word y fake rap, apele a la intimidad desde el costumbrismo catódico. En este tercer disco demuestran cintura y

FOTO: GUSTAFF CHOOS

transversalidad sonora, con una base sólida que nos lleva a pensar en referentes como Nine Inch Nails, Einstürzende Neubauten, The Birthday Party o Suicide, pero también en otros menos imaginables como David Bowie, Erasure, Beastie Boys, Gil Scott-Heron.

Aunque haya algunas que bajen algo el nivel y puedan hasta sonar a relleno (Tu vida en directo y Mano de santo); basculan el hit con matices orientales (en Amo) y hasta de

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mecanización espiritual (en Como la piedra que flota), se animan a componer un autorreferencial y siamés prólogo (Cuatro monos) del epílogo del disco anterior (Habitación 615), a samplear a Alain Goraguer (Volando alto) o firmar un medio tiempo costumbrista con aroma a Pixies (La canción del daño).

Como ellos mismos cantan: “Es romántico verlos bailar a su ritmo”. Pues sí.

—alan queipo

RAP / YBN: The Mixtape

está a punto de cumplir un año, y echando la vista atrás puede decirse que ha servido principalmente para una cosa: preparar el camino para que YBN Cordae, el miembro más destacado del colectivo virtual YBN, se haya convertido en el rookie del 2019.

Su álbum debut, The Lost Boy, confirma el potencial que algunos advirtieron entonces y resalta sus principales atributos: la mezcla de storytelling fluido y ganchos brillantes, una habilidad técnica deslumbrante y cierta capacidad innata para reconciliar lenguajes de distintas generaciones. El problema de The Lost Boy es su excesivo apego a las influencias: que el primer verso sea una referencia directa a Eminem es sintomático, la sombra de J. Cole está presente a lo largo de buena parte del minutaje y en varios temas resuenan con (demasiada) fuerza ecos de Anderson .Paak y Chance The Rapper, ambos presentes en el álbum. —darío garcía coto septiembre 2019 #35

MONDOVINILOS

Mike Patton & JeanClaude Vannier Corpse Flower Ipecac Recordings

Lingua Ignota: dark wave neoclásica

CANCIÓN / Desde que se supo de este proyecto, la palabra “pop” sonó en su órbita, aunque en el resultado final su presencia es volátil. Aquí Mike Patton (Faith No More, Mr. Bungle, Dead Cross y un largo etcétera) se contornea en el terreno de lo escuchable, sí, pero atento al retorcido manual al que atiende desde el día cero y ofrece una afortunada serie de arreglos, melodías y armonías malditas. Al ser una colaboración, la riqueza se reparte con el legendario JeanClaude Vannier. El disco desnuda el espíritu arriesgado de ambos, a quienes una generación les separa pero una evidente química les une. Los esfuerzos y talentos del dúo logran ponerte la piel de gallina en Cold Sun, Warm Beer, te dejan con el corazón a 220 bpm’s en A Schoolgirl’s Day y para el final te ponen un smoking blanco sobre el cual derraman toscamente una copa de cava en Pink & Bleue. Corpse Flower es un viaje intenso controlado con precisión quirúrgica y sentimiento desenfrenado. —adriano mazzeo

8

Lingua Ignota Caligula Profound Lore Records

9 EXPERIMENTAL / De una vehemencia sobrecogedora y de una sofisticada genialidad.

Kristin Hayter es una artista conceptual e interdisciplinaria; genio académico, profunda reivindicadora de causas de género como la violencia doméstica y los abusos de poder, este segundo trabajo sigue teniendo un poco de todo eso como resultado de su marcado personalismo biográfico.

Hay mucho de contenido litúrgico, de mística, y algo menos del primitivismo de All Bitches Die (17). Pero la misma cantidad de trauma, purga y catarsis sónica, algo canonizado aquí bajo la etiqueta neoclassical dark wave, sobre la que la californiana explora con esta suite de once nuevas murder ballads explosivas, largas, dolientes y siempre experimentales. Si bien, parece una auténtica lucha frontal contra las preconcepciones judeocristianas sobre la mujer, antes que emplear el prisma so-

Friendly Fires

Shura

POP / Seguro que eres capaz

de recordar aquel estupendo homónimo debut, Friendly Fires (08), que contaba con una mezcla perfecta de dance, rock y sonidos tropicales. Pues bien, cuando pensábamos que el fin del grupo era definitivo, vuelven con un tercer álbum de estudio que sirve para reafirmar ese sonido electrónico que comenzaron a desarrollar en el pasado con su segundo largo, Pala (11). Inflorescent es un amasijo de house y música disco de corte ochentero que pretende colar a la banda en todos los festivales europeos.

Canciones amigables que cortan en seco cualquier hilo rockero que hubiera quedado suelto de la esencia del grupo. Y que están marcadas por la producción de Mark Ralph, culpable también del Communion de Years & Years.

Se trata del álbum más pop de la banda, con el que Ed Macfarlane pretende enseñarnos todas las camisas de raso que tenga en su armario y hacernos alguna que otra coreografía hortera en los directos. —álex jerez #36 septiembre 2019

6

POP / La cantante Alexandra

Lilah Denton, Shura, bien podría convertirse en la próxima fémina que da el salto y acaba llegando a un público mucho más amplio. La británica reaparece con un segundo disco en el que todo luce perfecto, pulcro e impecable. Demasiado, de hecho, en una maniobra que sugiere que el producto ciertamente puede haber sido preconcebido con la idea de conquistar dicha parcela del mercado. La vocalista firma piezas melódicas en extremo y (sobre) producidas en base a la necesaria, por eso de estar de moda, capa de synth-pop. Todo bien meditado para que la escucha resulte sencilla y asimilable sin esfuerzo, en lo que a la postre se traduce en falta de ritmo y un considerable empalago. Si bien el álbum incluye alguna pieza convincente como la final Skyline, Be Mine, también alberga ñoñerías carentes de riesgo y que, tras sonar a refrito de algo ya de por sí tirando a inofensivo, con frecuencia llevan la escucha al coma. —raúl julián

I won’t? Who will love you if I don’t?” grita en May Failure Be Your Noose, poseída por alguna forma de mesianismo freudiano. El que la haya acogido el sello canadiense de metal extremo, Profound Lore Records, dice mucho de hacia dónde desemboca su música en última instancia pues se intuye la influencia del death y el post-metal. Disco sobrecogedor y candidato a listas.

—rubén g. herrera

YG

Forevher Secretly Canadian/ Popstock!

Inflorescent Polydor/Universal

6

ciopolítico del feminismo, Kristin centra su interés en la búsqueda del arte mediante sonoridades sobrecogedoras, implicándose en cuerpo y alma en el proceso histórico y hasta mitómano de la misoginia y este Calígula es en realidad una forma de autorreflexión sobre el deseo de venganza, al tiempo que una exposición de la megalomanía demente que impera en el epicentro del eros. El deseo como forma de control. “Who will fuck you if

RAP / La muerte de Nipsey Hussle marcó a YG y alteró la carrera del rapero. Su “hermano de otro color” había sido abatido a tiros y con él se iba un gran activista que luchó por colocar a su comunidad en el lugar que se merecía. 4Real 4Real es un intento de homenaje a Los Ángeles y a todo lo que esta ciudad le ha dado al mundo del hip-hop. Predominan las bases minimalistas, con letras protesta sobre la falta de conciencia ante el maltrato de la comunidad negra y cómo el gobierno blanco americano les retira la cara.

A destacar ese Heart 2 Heart (junto a Meek Mill, Arin Ray y Rose Gold) o ese Stop Snitchin en el que escupe versos con una ansiedad que nos coloca en esos tiroteos a los que se enfrenta su comunidad de forma recurrente.

Pero, no todo son buenas decisiones, YG se equivoca llenando el disco de letras y referencias que dañan la imagen de la mujer. Y además, no se atreve a abrirse y evita mostrar su lado más personal e íntimo. —álex jerez

6

Fews

Estrella Fugaz

4Real 4Real Def Jam

Into Red [PIAS]

Un sendero fluorescente Caballito Records

8

POP / Lucas Bolaño decidió

poner fin a Experimental Little Monkey para adentrarse en un nuevo proyecto en el que la paleta de elementos exhibida sigue resultando sorpresiva, imaginativa y repleta de entresijos que hay que digerir de forma reflexiva. El primer elepé de Estrella Fugaz se mece al calor de las canciones caseras que van tomando cuerpo a base de pinceladas sintéticas de matices lo-fi, escapando siempre hacia los territorios donde lo vanguardista se acaba imponiendo. A partir de esta línea es capaz de desarrollar unas letras donde siempre lanza el dardo al centro de la diana, recorriendo desde un espectro costumbrista de trasfondo social hasta alcanzar retratos certeros de la España más negra y mística, como bien ocurre en El verano español. Todas estas viñetas conforman un universo apegado a un plano de realismo sin límites, surcado a través de episodios intimistas, pero también dejando margen a un fascinante lado de intrigas como en La parte oscura de la crianza. —noé r. rivas

7

POST-PUNK / Sin descubrir

nada nuevo, todo funciona en el segundo disco del cuarteto radicado en Malmö, Suecia, con americano y británico en sus filas. En Into Red se meten hasta el cuello en los parajes densos, obsesivos y tenebrosos que ya exploraban en su debut.

Hay referencias a clásicos de la oscuridad como Sisters Of Mercy, pero también al sonido motorik y el pop psicodélico.

Las guitarras obsesivas de Anything Else les ponen en algún lugar indeterminado entre Echo & The Bunnymen y los enérgicos Cloud Nothings. En Paradiso se meten con éxito en terrenos más contundentes, en Limits hasta se atreven con algún sintetizador mínimo y en Suppose abren las ventanas para que entre un poco de aire y luz pop. Con canciones adictivas como More Than Ever y sus guitarras vertiginosas y tensión entre noise y gótica o la desolada Fiction o Business Man, en la que patentan una especie de kraut-rock industrial. —jc peña

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Diesel Park West

ROCK / Aparecidos justo a finales de los ochenta con Shakespeare Alabama (89), Diesel Park West suelen sin embargo incluirse como banda de pleno derecho de los noventa. Fue entonces cuando los británicos cosecharon cierta popularidad, para continuar después con una carrera intermitente de la que nada se sabía desde hace doce años. Los de Leicester regresan ahora con un álbum sin trampa ni cartón, protagonizado por influencias clásicas que apunta en diferentes direcciones. Es la principal cualidad de un trabajo que, manteniendo intacta su premisa básica, abarca géneros diferenciados que van del rock y el blues tan propio de The Rolling Stones o The Who al ramalazo americano propiedad de Tom Petty. Una obra algo carente de coherencia como tal que, sin embargo, incluye un considerable número de canciones acertadas y certeras. Son esas dianas las que terminan por justificar el presente retorno, en realidad tan alejado de la euforia como de la decepción. —raúl julián

7

—carlos pérez de ziriza

Iggy Pop

Ways Of Seeing Planet Mu

DOWNTEMPO / Hace unos

tres años, el escocés Tom Scholefield aka Konx-om-Pax se mudó a Berlín desde su Glasgow natal, pero el cambio de residencia no ha afectado demasiado a su manera de entender la música; toda esa melancolía y ganas de innovar permanecen intactas. El tercer álbum que entrega al prestigioso sello Planet Mu arranca con un LA Melody que juega entre el downtempo y el trap, con esos hi-hats tan característicos, pero dejando espacio para que los arpegios y las melodías floten, recordando al mejor Hudson Mohawke. A partir de aquí varía un poco su discurso, con un sonido más cercano al techno; Saüle Acid cuenta con la colaboración de la productora Silvia Kastel; Paris 5AM tiene una melodía que remite un poco al mejor dub-tech, y en I’m For Real vuelve a echar mano de colaborador, en este caso la de su paisana Nightwave, poniendo toda la carne en el asador con un tema de bajo pulsante que roba toda la atención.

—raúl linares

INDIE POP/ Lástima que el

segundo álbum de Ride en este siglo se desinfle un poco según avanza su minutaje. Maravilla cómo explotan aún el libro de estilo de My Bloody Valentine en R.I.D.E., o cómo afilan todavía su delicada escritura pop en Future Love, indie pata negra de pura ascendencia C-86. Incluso los sintetizadores lustrosos y las andanadas guitarreras de Repetition suenan a discurso remozado, a banda que ha cobrado un nuevo dinamismo. Pero no todo el disco exhibe la misma brillantez, lo que les sitúa aún unos palmos por detrás de Slowdive o Swervedriver, coetáneos (y correligionarios) extrañamente tocados por la varita de la infalibilidad en sus resurrecciones. Preciosidades como Clouds Of Saint Marie, Jump Jet Clouds o Eternal Recurrence certifican la vigencia de su marca, pero las rutinarias 15 Minutes, Dial Up o Shadows Behind The Sun destensan su balance y hacen de este sexto largo un artefacto apetecible pero desigual.

Konx-om-Pax

8

FOTO: ARCHIVO

This Is Not a Safe Place Wichita/[PIAS]

Let It Melt Palo Santo Records

6

MONDOVINILOS

Ride

Free Caroline/Music As Usual

7

JAZZ ROCK / Con los Ashton

ya descansando en paz, y James Williamson entretenido grabando con David Hasselhoff, James Osterberg se sumerge en un viaje jazzístico empapado de nocturnidad milesdavisiana, una suerte de banda sonora de sus pensamientos. O quizá sea más adecuado llamarlo “diario musical”: muchas de las canciones están diseñadas en formato spokenword, con la abisal voz de Iggy sumergiéndonos en una serie de relatos confesionales. Afortunadamente, Free también incluye canciones “al uso” que evitan el exceso de experimentalismo que parecía verse venir con el single que da título a la obra. Y ojo, que ahí hay hallazgos considerables.

Musicalmente muy atractivo, y con ingeniosa letras nacidas de esa introspección resacosa que da haberlo visto todo en este negocio, el disco es otra imponente muestra de cómo envejecer en el rock con elegancia. Una pena: con un par de buenos temas cantados más, quizás estaríamos hablando de obra maestra. —nacho serrano

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J. Balvin y Bad Bunny unen fuerzas J. Balvin & Bad Bunny

Oasis UMG/Universal

6 REGGAETON / Las sorpresas, como las malas

noticias, nunca vienen solas. En fin, que J. Balvin y Bad Bunny se han aventurado de nuevo tras su archiconocido I Like It, firmado con Cardi B. Y aquí viene la otra sorpresa: Oasis decepciona. “Es un álbum trascendental y refrescante. Es un rescate, un alivio. Un oasis ayuda a abastecerse de lo que se está perdiendo y a encontrar lo que le falta espiritualmente”, cita el conejito malo en la nota de prensa. Oasis no es tan oasis. Pero sí cumple exactamente con el propósito del reggaeton de siempre: espacio bailongo y todo amor romántico (te odio, te perdono, te amo). Pero treinta años tarde. Cuando hoy día el reggaeton mainstream ya no es casi nada de lo que era en la época de El General, cuando no va dirigido al mismo público, sobre todo si los emisores son estos dos bicharracos de la industria, con el ojo más puesto en Estados Unidos y el mercado que en

la pista del barrio (de eso se encargan otros como Ozuna). La creatividad palma en este disco: mucho ritmo sincopado y fraseos trap tirando a sosos. A excepción del medio tiempo de vientos suaves La canción; de los fresquitos ukeleles de Un peso, junto a Marciano Cantero; y de la también pujante Como un bebé, compartida con Mr Eazy y de bajo casi funky. Pero en general el álbum, por no responder, no responde siquiera a lo que ambos habían propuesto por separado hasta ahora: el colombiano mucho más fino, contemporáneo, en Vibras (18) y el puertorriqueño osado y culo inquieto en X100PRE (18). Que pretendes, primer adelanto, tiene pocos atributos para ser un meneazo. Los días dirán si termina en chorro de escuchas.

Oasis es el primer tropiezo del dúo, juntos y por separado, desde que ambos fueran elevados a octava maravilla meses atrás (live histórico en Coachella inclusive).

José y Benito –así se llaman entre ellos– no forman parte de la enésima comedia de Antena3, es una asociación que promete días de gloria en la nueva música urbana.

Pero no todo vale. Demasiado grumo en este gotelé veraniego.

—yeray s. iborra

septiembre 2019 #37

MONDOVINILOS

Bad Breeding

Drake

Exiled One Little Indian/Popstock!

8

HARDCORE / En su tercera

referencia, el quinteto de Stevenage (Inglaterra) se estrena con One Little Indian y vuelve a vaciar todo su odio contra el establishment a través de su anarcopunk político con reminiscencias de las bandas surgidas en la década de los ochenta en su país natal (Crass, Amebix…). Exiled se torna por momentos más hardcore, más noise, más crust, en una fusión neurótica y furiosa. Provenientes de una pequeña ciudad al norte de Londres de esas en las que nunca sucede nada reseñable, el grupo siempre ha tenido una forma especial de plasmar la injusticia social fruto de su propia desesperación y urgencia. Esta ocasión no iba a ser una excepción y no dejan títere con cabeza: C.S.A.M destila anti imperialismo en cada uno de sus acordes; Whose Cause? arremete contra la manipulación en los medios de comunicación y Brave New Church es un alegato total contra el resurgimiento del fascismo. ¿Acaso el punk no iba de reivindicarse?.

—sofía cuevas gonzález

Care Package Ovo Sound/ Universal

8

RAP / A falta de toparse con

una obra pivotal dentro de la irregular y, por momentos monótona, obra de Drake, que simbolice su influencia en la imposición del OVO Sound como pop del siglo XXI, la búsqueda de su esencia se define por pescar diferentes piezas de entre sus discos; sobre todo los correspondidos en la primera mitad de la década: cuando el tótem canadiense se dedicó a radiografiar su trayectoria vital por medio de un crisol de canciones tan relevantes como Dreams Money Can Buy y Draft Day. Este par de cortes son dos de los momentos más apetitosos de entre los diecisiete temas aquí rescatados de su etapa comprendida entre 2010 y 2016. Aunque cualquiera de las piezas que componen Care Package han estado circulando por las redes durante estos últimos años, su puesta a punto, bajo una concepción de diario formativo de la época más autobiográfica de Drake, deriva en un trabajo que, más que un recopilatorio, suena a obra homogénea, con plena autonomía. —marcos gendre

Mannequin Pussy

Kaiser Chiefs

Patience Epitaph/[PIAS]

Mattiel: nueva diva del indie Mattiel

Satis Factory Heavenly

8 ROCK / Lo siguen cantando sus majestades satánicas: “I can’t get no satisfaction / ‘Cause I try, and I try, and I try, and I try / I can’t get no…”. Sobre el ojo de ese huracán gira Satis Factory. Doce pistas en las que palpita la felicidad de buscar continuamente la satisfacción, esa que nunca encontramos del todo. Si con Mattiel (17), su rocoso debut homónimo, ya nos dejó marcas, no pasando desapercibido para el Rey Midas Jack White e invitándola a abrir los conciertos de su gira, ahora la estadounidense sube la apuesta en esta segunda entrega, ofreciéndonos un cóctel más ecléctico y afilado, sin perder un ápice de crudeza y personalidad.

La voz de Mattiel, que se mueve con la misma facilidad entre la seducción de Nico, el fraseo de Lou Reed y la garra incontrolable de Patti Smith o la PJ Harvey más rockera, desprende esa mezcla de frescura y auten-

ticidad que sólo poseen los más grandes.

Caemos en sus redes desde el inicio envolvente con sabor a western tarantiniano de Til The Moment Of Death, con una guitarra serpenteante y corrosiva, para pasar luego a rematarnos con una Rescue You a tumba abierta, desplegando todo su poderío vocal, pavoneándose y noqueándonos a ritmo de rockabilly en pocos segundos. Del garage al R&B, del punk al country o al pop más narcótico, hits empapados en gasolina que piden fuego a gritos, como la pegadiza Je ne me connais pas, el desenfreno cegador de Berlin Weekend o la luminosa y adictiva Keep The Change, con Mattiel cabalgando sobre un teclado relampagueante. Y si en Millionaire nos chuta las claves de este nuevo trabajo bajo los ecos de Femme Fatale y The Velvet Underground en vena, también puede sacar de su chistera Food For Thought y acercarse al spoken word, retomar el vuelo con el honky tonk de Blisters o terminar por quemar las naves a ritmo de funk-rock en Heck Fire, antes de nadar mar adentro con una Long Division final en la que Andy Warhol estaría orgulloso de esta nueva diva del indie rock americano. —david pérez

#38 septiembre 2019

SHOEGAZE-PUNK / Si hasta la fecha grabar había sido para el cuarteto de Philadelphia un “proceso caótico”, en su tercer disco pone orden y criterio el productor e ingeniero Will Yip (Quicksand, Keane). Eso no quiere decir que hayan desaparecido los contrastes de un estilo en el que confluyen géneros dispares, casi siempre atinadamente: punk, shoegaze, indie, pop… La urgencia de Patience sienta las bases de un disco de duración exigua (¡veinticinco minutos!) que se pasa como un suspiro. Las estupendas guitarras de Drunk II nos devuelven a los noventa sin que se note el truco, y pasan con total fluidez de la tormenta eléctrica a la calma. En Cream apuestan por la intensidad grunge, y en Drunk I y Clams concentran su energía visceral en menos de un minuto. Pero nunca pierden la brújula melódica, como en las guitarras acústicas de Fear/+/ Desire, los estribillos con arpegios de Who You Are o la sutileza ambiental de High Horse, de lo mejor. —jc peña

7

Duck Polydor/ Universal

POP / Con este séptimo disco, Kaiser Chiefs vuelven a la casilla de salida, intentan recuperar el pulso de su debut y olvidar sus coqueteos con el dance de su anterior disco. Duck nos devuelve a los Kaiser de 2005, pero más maduros, con composiciones tan veraniegas como redondas.

Once postales musicales que, desde el pop más vitaminado al rock menos afilado, nos transportan a lugares conocidos por todos. La clase obrera somos así, trabajamos once meses y en vacaciones no queremos complicarnos la cabeza, solo darnos algún capricho y soñar con que algún día nuestra suerte cambiará. Y Kaiser Chiefs son así, capaces de poner música a una tarde en el Trastevere barrio romano pero también a una noche de farra desenfrenada en Mallorca. Por mucho que les duela a muchos, cortes como su primer y anti Brexit single, People Know How To Love One Another, Wait o Golden Oldies son canciones pop casi perfectas y quien no lo entienda es su problema.

7

—marcos molinero

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Violent Femmes

Hotel Last Resort [PIAS]

7

ROCK / Cuando Violent

Femmes aparecieron, lo original de su propuesta se convirtió en uno de sus grandes polos de atracción. Enclavados en el movimiento del nuevo rock americano (NRA) su manera de entender la música los hacía especiales y diferentes. Treinta y nueve años después, con separación incluida en medio, el que se empeñe en buscar esa sorpresa no disfrutará en absoluto de su nueva entrega. En cambio, si optamos por enfrentarnos a sus canciones sin expectativas previas, y obviando el pasado de sus firmantes, disfrutaremos notablemente de sus canciones. Porque este Hotel Last Resort incluye un buen número de temas destacables que, además, no traicionan al sonido clásico que desarrollaron Gordon Gano y compañía, inimitable a todas luces. Siguen siendo experimentales y siguen siendo osados, dentro de unos parámetros clásicos. Por eso, que su momento probablemente ya pasara, no les resta ni un ápice de mérito. —eduardo izquierdo

La locura de Tropical Fuck Storm Tropical Fuck Storm Braindrops Joyful Noise/PopStock!

8 POST-PUNK / Me decía Gareth Liddiard en una entrevista que, a diferencia de casi todo el mundo, su objetivo artístico es hacerse más raro con la edad. Dicho y hecho, él y la bajista y cantante Fiona Kitschin dejaron en barbecho su asilvestrado grupo de rock The Drones, cuyo sonido ya había mutado, para hacer “mierda rara” junto a Lauren Hammel (batería) y Erica Dunn (guitarra y teclados). Y no conozco nada que se asemeje a la marciana, árida y anárquica centrifugadora musical de Tropical Fuck Storm, banda sonora de una era de desquiciamiento general. Deconstruyen sus influencias (rock, post-punk, psicodelia, funk, hip-hop) y las regurgitan en un ácido destilado tan expresionista como la enloquecida ilustración de la portada. El segundo álbum del cuarteto australiano llega apenas a un año y medio de su debut y después de unos cuantos conciertos devastadores, signo claro de que van con

Small Crush

Freddie Gibbs & Madlib

Small Crush Asian Man Records

POP / Juventud, frescura y calidad se unen en el disco de debut de una banda de la que dos de sus miembros todavía estudian en el instituto y en la que dos guitarras ultra limpias e incansablemente juguetonas acompañan a una delicada voz femenina que progresivamente se transforma en adictiva. Destaca Mailtruck, un tema redondo en la que se puede apreciar el bonito contraste entre una base rítmica efectiva y unas armonías y melodías con rienda suelta hacia el arco iris. Ese corte, al igual que el cachondo Chicken Noodle, procede de su anterior EP, Blush (18). Afortunadamente, las diferencias sonoras entre los temas viejos y nuevos resultan inapreciables, consiguiendo un sonido coherente a lo largo de un viaje que tiene a B Song como parada obligatoria, con un cambio de tono que resulta sutil y a la vez magistral, muestra de la solidez que se esconde detrás del pop alegre y desenfadado de este nuevo cuarteto californiano.

7

—toni feliu

Plague Vendor

RAP / Química. Esta palabra

explica buena parte de la vida pasada de Freddie Gibbs, buena parte de lo que hizo de Piñata (14) uno de los mejores discos de rap de esta década y buena parte de lo que hace de Bandana un sucesor a la altura.

Son, esencialmente, dos caras de la misma moneda: en el primero Madlib sobresalía y brillaba con una intensidad que no veíamos desde sus tiempos con MF DOOM, y ahora es Gibbs quien inclina levemente la balanza hacia su lado y saca su mejor versión tras cinco años de crecimiento artístico. Lo que antes era una demostración de versatilidad sobre las cascadas de samples de Madlib es ahora una confirmación de la maestría lírica y rítmica del rapero de Indiana. Sigue dibujando escenas de hustling con una expresividad que convierte a este Bandana en un disco casi cinematográfico, pero son los momentos introspectivos los que enhebran el conjunto y elevan a Gibbs más allá de su figura de experto en el cocaine rap. —darío garcía coto

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ROCK / El experimentado y sobrio ingeniero John Congleton (Sharon Van Etten, Spoon) captura la turbia tensión del grupo en su segundo álbum.

Aseguran que les animó a probar cosas que jamás se habrían atrevido a hacer. De ello se beneficia un álbum que combina la suciedad rockera de finales de los sesenta y la limpieza quirúrgica de las producciones actuales. Si “de día no pasa nada que mole”, como afirman, By Night es, por supuesto, un disco nocturno. De tibias noches con palmeras, escalinatas que llevan a mansiones misteriosas, encuentros imprevisibles entre olores densos de vegetaciones frondosas. Lo consiguen en la sudorosa tensión sexual garage del single Prism, que evoca a la inagotable escuela de MC5 (y también al Jack White más rockero). El arranque no puede ser mejor, con New Comedown, en la que actualizan el rock motorik de estribillo asalvajado, o con el turbio riff de Nothing’s Wrong. El nivel no decae con poderosos ejercicios como White Wall. —jc peña

8

Maria 62 muestra a Liddiard y su guitarra licuada en terrenos casi tiernos. Braindrops es como si el Tom Waits de Swordfishtrombones hiciera una especie de hip-hop... Con Tropical Fuck Storm uno tiene la impresión de que puede pasar cualquier cosa. El humor negro es parte sustancial del show, como queda patente en sus vídeos impagables, pero más allá del estéril cinismo de estar de vuelta de todo, también hay una humanidad descarnada de fondo amargo. —jc peña

Glitterer

Of Monsters And Men

Looking Through The Shades ANTI/[PIAS]

By Night Epitaph

Bandana Keep Cool/ RCA

8

todo. La crudeza insólita del proyecto nos asalta desde los primeros compases de las guitarras desaliñadas y la letanía vocal de Paradise: tensión y amenaza que desemboca en tormenta eléctrica. Muy The Drones, en realidad. The Planet Of Straw Men, andanada contra la vacuidad global, se recrea en su gélido pulso post-punk. Luego llega el funk mutante de Who’s My Eugene?. El jugueteo rítmico, combinado con electrónica freak, es primordial en The Happiest Guy Around.

POP / No sé qué pensarán los seguidores de la banda de hardcore punk melódico Title Fight de un proyecto como Glitterer, bastante más ligero y definitivamente orientado al indie pop. La banda de Pennsylvania está en punto muerto, no así la creatividad de su inquieto cantante y bajista, Ned Russin, quien ya ha publicado tres referencias en los tres años que la banda madre ha estado parada. Looking Through The Shades, su debut para Anti, incluye catorce canciones de instrumentación más bien sencilla, sin estridencias, sin florituras, amén de unas letras personales en las que el músico deja entrever los sinsabores de la fama (evidente en The News).

Todas las composiciones son propulsadas por las líneas de bajo de Russin (Anxious Eyes o Digging In The Trash), arropadas por unas funcionales baterías electrónicas y unos sintetizadores al servicio de la canción. Su emotiva voz pone el contrapunto perfecto entre tanto elemento digital. —luis benavides

6

Fever Dream Republic/ Universal

6

POP / Después de dar el pis-

toletazo de salida con ese megahit que fue Little Talks, el single principal de su debut My Head Is An Animal, su continuación Beneath The Skin fue también un éxito comercial, así que ahora el grupo formada por Nanna, Raggi, Brynjar, Arnar y Kristján viene con cierta seguridad bajo el brazo de cara a este tercer trabajo, y de cara a asumir riesgos. Según los islandeses, el álbum trata “sobre anhelar algo mejor”, pero también sobre “estar conforme con tu soledad” y un ejemplo de esto son las letras de Ahay, la estupenda Wars o en Under A Dome, que se beneficia de sus toques ambient. No han querido grandes cambios en la producción, donde vuelven a contar con Rich Costey (Muse, Imagine Dragons, Foster The People o Franz Ferdinand).

Sin momentos brillantes, Fever Dream supone un aporte de novedades y a su vez una continuidad en su carácter y en sus habilidades para crear temas inmediatos, como Alligator o la mencionada Wars. —pablo tocino septiembre 2019 #39

MONDOVINILOS

Whitney

Forever Turned Around Secretly Canadian/ Popstock!

Sticky M.A. y Steve Lean huyen de lo obvio

POP FOLK / El hermoso poder de la música de Whitney ha vuelto para atravesarnos como si de los rayos de sol de un cálido atardecer de verano se tratase. Se materializa en los diez temas de Forever Turned Around, uno de esos discos para perderte en su firme ternura melódica y sus mil y un secretos.

Un trabajo que, aunque conserva la esencia que tanto nos prendó de la banda estadounidense, presenta nuevos matices, aunque también alguna carencia. Los vientos tan característicos de Whitney siguen siendo una de las bases de la banda, pero al mismo tiempo las guitarras acústicas han cogido protagonismo. Pero les ha quedado más tupido, un poco más denso, lo que no impide disfrutar de caramelos como Used To Be Lonely, Valleys (My Love) o la homónima Forever Turned Around, piezas verdaderamente preciosas. Ahora bien, para ser sinceros, este nuevo trabajo no cuenta con el punto de frescura de Lights Upon The Lake.

7

Sticky M.A. & Steve Lean

La 5ta Dimensión Agorazein

8 TRAP / Más allá de la discusión de si el discurso trap es una simple oda al egocentrismo, figuras como la de Sticky M.A. están ampliando la perspectiva hacia, al menos, una necesaria discusión acerca de la verdadera esencia narrativa de un género que, por momentos, da la sensación de agotarse antes de tiempo. Esto no ocurre con el madrileño, que, además de sus logros en los siempre reivindicables Agorazein, está plasmando su rúbrica a través de un trabajo en solitario donde transciende una interesante veta existencial y de concepto. Tal como queda recogido en Marcas, por medio de mensajes como “todos me miran mal”, su obsesiva fijación en la distorsión vocal en autotune es la manera que tiene para encarar la realidad: a través de la evasión metafórica de esa quinta dimensión armada por Steve Lean. En el contraste entre la sensación de

aislamiento, nacida del ego, y la evacuación emocional de las bases armadas por Lean en este álbum, se abre una dimensión de mayor calado que el resto de discos de trap españoles, casi siempre alambicados desde una horizontalidad melódica y de pensamiento que hace complicado que las canciones cobren autonomía propia. No es el caso de esta atalaya de hallazgos, donde Steve Lean juega ser un Metro Boomin nebuloso, dando

Russian Circles

Marasme

POST-METAL / El séptimo álbum del trío de Chigago llega, de nuevo, en sincronía con lanzamientos de bandas hermanas como Pelican o Cult Of Luna, que en conjunto suponen un excelente año para estos géneros (post-rock, math-rock…), como también lo fue 2016 cuando Russian Circles editó una de sus obras maestras, Guidante. Vuelven a deleitar a su séquito de fans con un sonido que solo podemos poner en contexto en la mente del lector con una ingente cantidad de adjetivos calificativos sugerentes pero nada descriptivos.

Mike Sullivan, Dave Turncrantz y Brian Cook son los mejores en lo suyo. Si ya nos aplastaban en directo, esta vez la cosa pretende seguir en esa línea de creciente intensidad, hasta incluso tocar techo, con hitos como Arluck o Kohokia. Cierra el álbum, con toda la crudeza que lo envuelve, Quartered, dejándonos con innumerables paisajes sonoros que deslumbran a la vez que juegan con la indeterminación.

8

—rubén g. herrera

#40 septiembre 2019

METAL / Los mallorquines Marasme han pintado de negros, rojos y pocos blancos la escena musical isleña con su segundo larga duración, Malsons, cinco años después de su debut autoeditado De llums i ombres. Lo han hecho de manera lenta y contundente, como si los acordes fueran inyecciones de crudeza que se administran en dosis dolorosas y reincidentes. Cada uno de los temas está pulido excelentemente sin renunciar a la fidelidad de los tonos y matices de su directo.

Canciones como Malbocí dibujan un escenario triste, de vacío existencial que contrasta con las guitarras graves y los bajos distorsionados. Totalitarismo, miedo, represión y la claustrofobia de una sociedad sometida al control, consciente e inconsciente, son las premisas que forman una sentida recopilación lírica en un disco corrosivo y robusto con el que la banda se internacionaliza más que nunca hasta la fecha.

7

—victor forés

—marcos gendre

—toni jaume martorell

Chastity

Malsons Varios sellos

Blood Year Sargent House

pie a joyas del trap cósmico como Shooter, Voices y Atrás. Pura abstracción, ideal para escapar de los lugares comunes. Y que certifican la comunión entre Sticky M.A. y Steve Lean como una de las más provechosas y esperanzadoras que nos puede dar la escena trap en los próximos años, claves a la hora de comprobar sus posibles vías de evolución y metamorfosis.

POP / Aunque su segundo disco sale sólo un año después de su debut, Brandon Williams ya ha compartido escenario con nombres tan consagrados de la escena canadiense como Fucked Up y Metz. Chastity, su proyecto, combina melodía con energía guitarrera, conciliando con gusto grunge y shoegaze.

Aunque sigue explorando un tema inagotable, la alienación y la soledad en los suburbios, sin ahorrarse comentarios políticos, son las guitarras cristalinas de la era Smiths las que empiezan mandando en Flames y Dead Relatives. El volumen sube significativamente en Spirit Meet Up, donde se hace patente la huella de los primeros The Smashing Pumpkins o incluso de Red House Painters, en las sofisticadas melodías de voz. Aunque Sun Poisoning y Anxiety se quedan cerca del emo intrascendente, la bonita Last Year’s Lust recupera el nivel vía pop C-86. Con The Girls I Know Don’t Think So y I Steel Feel The Same muestran su notable pericia melódica. —jc peña

7

Raphael Saadiq

Dylan Leblanc

Home Made Satan Captured Tracks/ Popstock!

Jimmy Lee Columbia

Renegade ATO records

8

COUNTRY-ROCK / ¿Qué sería

del sur de los Estados Unidos sin esos estereotipos que se repiten una y otra vez? ¿Qué sería del sur sin esa mística y ese misterio que lo envuelve todo hasta reducirlo al más puro cliché? El sur y las soflamas de sus predicadores; el sur y sus pendencieros de fin de semana con sus bacanales alcohólicas que acaban en el inevitable encontronazo con la justicia; el sur cargado de remordimiento y de culpa… Todo ese universo, tantas veces captado en los surcos de las canciones de Lucinda Williams, John Mellencamp o Tom Petty, se da cita de nuevo en los treinta y siete divinos minutos que dura este cuarto trabajo de uno de los mejores cantautores que ha dado el sur en la última década. Y lo hace de la mano de uno de los mejores productores que también ha dado el sur en la última década: Dave Cobb ha vuelto a unir esfuerzos con Dylan Leblanc para perpetrar el álbum más rockero y directo del músico de Louisiana.

—don disturbios

POP / Enfrentarse a la escucha del nuevo trabajo del afamado productor Raphael Saadiq (acude a Wikipedia y te encontrarás con un curriculum de los que quita el hipo) es lo más parecido a consultar un catálogo de Ikea. Todo te agrada y estás convencido de que puede encajar como un guante en el comedor de tu casa, pero el riesgo de verlo repetido en las casas de tus amigos es tan grande que te sobreviene la duda. Pues bien, Jimmy Lee es un enorme catálogo nada disimulado de lo mejor que ha parido la música negra en el nuevo milenio. Y lo cierto es que Raphael Saadiq lo borda en todos los sentidos: sonido, producción, colaboraciones, ritmo... De lujo. Pero no deja de ser un lujo de Ikea. Por eso, si eres tan insensato que deseas meterte a esto de hacer música, y encima tienes que aprobar con nota la asignatura de “black music”, hazte de forma imperiosa con este disco y empieza a ensamblar las piezas.

8

—don disturbios

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Trentemøller

8

ELECTRÓNICA / Obverse es

el quinto disco del danés Anders Trentemøller y en él ha dado otra vuelta a su sonido, algo que se nota nada más arrancar con un Cold Comfort que sorprende por ese arranque misterioso, esas guitarras más shoegaze de lo habitual y el perfecto encaje de la voz de Rachel Goswell de Slowdive. La cantante Lina Tullgren le da un toque delicado a un In The Garden que mezcla post-punk con ambientes etéreos; Foggy Figures es otro tema instrumental en el que se dedica a evocar paisajes y termina por cerrar con un ritmo cercano al drum’n’bass. Lisbet Fritze repite colaboración tras aparecer en Fixion (16) en un Blue September que mezcla trip-hop y shoegaze, y también en One Last Kiss To Remember, que evoca a unos Ladytron hasta arriba de opiáceos. Sleeper es otro tema instrumental que tiene un leve toque kosmische de sintetizadores arpegiados, mientras que Try A Little es el típico tema que todo el mundo pedirá y coreará en los conciertos. —raúl linares

Run Fast Sleep Naked Opulent/[PIAS]

POP / Hay veces en las que es casi mejor no escapar a la retranca postmoderna ni a la ironía, porque si nos ponemos serios y trascendentes la cosa puede ponerse mucho más fea.

Nick Murphy ya no quiere ser Chet Faker, tan solo Nick Murphy.

Y el primer álbum a su nombre supone una considerable bajona respecta a todo lo que había despachado hasta ahora. Más orgánico que electrónico, más tradicional que digital, y mucho más cerca de un soul de baja intensidad que del jazz, discurre relativamente bien en su primera mitad, con el grandilocuente final de Hear It Now, el r’n’b desenvuelto de Sanity, el tajo electrónico que cercena Some People o la efervescencia de Harry Takes Drugs On The Weekend, lo mejor del disco. A partir de ahí, se pone intensito y se despeña por la pendiente de lo irrelevante, para acabar mucho más cerca de Shawn Mendes que de James Blake, perdiendo el excitante cosquilleo de sus precedentes.

6

—carlos pérez de ziriza

Paulo Londra

Banks

Homerun Warner Music Latina

7

TRAP / El debut del argenti-

no llega dos años y medio después del lanzamiento de su primer single y de muchísimos millones de escuchas. Trap sin drogas, insultos ni violencia: casi un milagro del que Londra se enorgullece. En vez de eso, mucha más historia de amor postadolescente e inocencia con trazas de malote. Dieciocho temas en el que el cantante también abraza la balada y el reggaetón en su ya más que masticado trap. Incluye los hits previos al disco, Tal vez y Adán y Eva, así como Solo pienso en ti, en colaboración con De La Ghetto y Justin Quiles. Lo que empezó en su ciudad natal en batallas de gallos siguió de la mano del productor Ovy On The Drums, que Londra menciona al final de cada canción del disco, junto a su propio nombre, colaborador habitual de Bad Bunny. En todo caso, Homerun es un disco sin sorpresas. Quizás no hay más misterio en Londra que el de hacer absolutamente lo que le apetece, aunque siempre con los pies con la tierra.

—karen montero

MONDOVINILOS

Nick Murphy

Obverse In My Room

III Harvest/ Universal

POP / “Disco de madurez” es una etiqueta que a algunos inspira confianza y a otros da pereza. A mí un poco de ambas, para qué mentir. Pero parece ser la que más se está usando para hablar del tercer disco de Jillian Rose Banks, que ella misma considera “el paso de una mujer romántica a una mujer sabia”. No hay mucho cambio en el sonido, aunque la atmósfera está mejor conseguida en este tercer trabajo, en el que colaboran en la producción BJ Burton (Low, Bon Iver), Buddy Ross (Frank Ocean), Hudson Mohawke o A.CHAL. III llega además en un momento bastante favorecedor para este tipo de sonido, en el que temas como Contaminated, Godless, Alaska y The Fall podrían funcionarle bastante bien comercialmente, lo que no ha terminado de ocurrir con Look What You’re Doing To Me o Gimme, probablemente en el top de lo mejor que ha sacado la californiana. Con encanto, aún cuando resulta más monótono.

7

—pablo tocino

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El salto a la primera línea de Blood Orange Blood Orange

Angel’s Pulse Domino/Music As Usual

8 SOUL / Dentro del panorama pop actual, si

hay un feligrés inspirado en las matemáticas Prince, ese es Dev Hynes, más conocido artísticamente como Blood Orange. No solo eso, sino que estamos ante el alumno más aventajado de su clase; no hay más que adentrarse en la magnética Tuesday Feeling (Choose To Stay) para corroborar tamaña afirmación. Nada más arrancar su nueva mixtape, así la ha publicitado él mismo, nos topamos con una delicia pop como I Wanna C U. Poco más de un minuto que define la puntería con la que está hilado todo el trayecto: algo más de media hora para catorce canciones, de las cuales únicamente Take It Back supera los cuatro minutos. El resto responden a la intención de concentrar un crisol de influencias, que van del afrofuturismo hendrixiano

en Something To Do al góspel cósmico de Birminghan. Al final Angel’s Pulse se erige como una gran Torre de Babel afroamericana, donde milagros como Baby Florence son capaces de invocar a pioneros de la liturgia house como Mr. Fingers. En todo momento, la escalera que sube y baja entre épocas ha encontrado un meridiano en una mente en constante estado de ebullición, capaz de desempolvar pianos de club con efecto hipnagógico, como en Good For You, pero también encontrar el eje rítmico de sus creaciones en una atinada proclamación del minimalismo. Goce concentrado en un universo de puertas abiertas, donde caben colaboraciones de Porches, Arca y Toro y Moi. Todo un carrusel de invitados que vienen a ahondar en la idea global de un trabajo que debería aupar de una vez a Hynes a la misma franja de influencia que Kendrick Lamar y Frank Ocean. Y es que esta maravilla no solo cuenta con el concepto, sino con un ramillete de canciones fogueadas desde las mismas tripas de la inspiración. Caviar sin fecha de caducidad. —marcos gendre

septiembre 2019 #41

LIBROS

“ La vida urbana moderna es la muerte”

8 Imagino que buena parte de los lectores habrá oído, leído o visto los documentales sobre el caso de los West Memphis Three, así que obviaré más detalles. Lo que no obviaré es que Vida después de la muerte es un libro que merece la pena leer. Echols nos cuenta desde su infancia en la pobreza hasta las vicisitudes que pasó entre rejas, todo ello sin evitar las cicatrices emocionales que su desgraciado periplo por la vida le ha provocado.—joan s. luna

Todo un año para cambiar de vida

Jess Fabric Bandaàparte & Subterfuge

7 El que un músico español deje su trabajo “normal” para dedicarse a la música bien merece un libro, sobre todo si uno pasa tan buen rato como con el debut en papel de Jesús Aguayo, más conocido como Jess Fabric (bajista de Viva Suecia). Ciento veinte y pico páginas en las que recopila textos que colgó en sus redes y en los que habla desde anécdotas del grupo hasta política. —ernesto bruno #42 septiembre 2019

CÓMICS

Vida después de la muerte Damien Echols Orciny Press

FOTO: ARCHIVO

42/Mondo Media

Simon Hanselmann Por (buen) mal camino Desde que la editorial Fulgencio Pimentel se lanzara a apostar por él sin reservas, Simon Hanselmann ha consolidado su estatus como uno de los autores indies más refrescantes del panorama del cómic. Acaba de publicar El mal camino.

D

esde que, unos años atrás, la editorial Fulgencio Pimentel se lanzara a apostar por él sin reservas, Simon Hanselmann ha consolidado su estatus como uno de los autores indies más interesantes y refrescantes del cómic actual. El padre de Megg Mogg y Búho dejó huella en más de un sentido en su primera visita a España y, ahora, respaldado por la publicación de su obra en todo el mundo, ha repetido gira en varias ciudades españolas para presentar una nueva entrega de la saga de sus antihéroes slacker, El mal camino. Un oportuno descanso entre sesiones de firmas, eventos varios y apariciones televisivas nos ha permitido lanzar un puñado de preguntas al autor.

—Hablemos de El mal camino.

¿Cuánto tiempo te ha llevado acabarlo, qué pasaba en tu vida mientras lo hacías?

Todo el proceso duró poco más de un año. Dos meses para planear y escribir el guión, maquetar las páginas. Luego, alrededor de tres meses para dibujar a lápiz todo. El entintado y la rotulación es lo siguiente, lo hice en cuarenta días, fue muy rápido. Por último, tardé alrededor de siete meses en colorearlo. El color es el proceso más largo, trabajaba prácticamente dieciseis horas diarias, fue agotador.

Es la primera vez que he sido capaz de hacer esto, de centrarme en un único proyecto sin distracciones. Apenas salí de casa en todo el año.

—¿Crees que podrás hacer cómics sin Megg, Mogg y Búho en un futuro, que acabarás por prescindir de ellos?

Llevo haciendo cómics desde 1989 y he pasado por muchos personajes e historias diferentes. Siento mucho apego por Megg y Mogg, y planeo seguir con ellos durante muchos años. Hay otras cosas que quiero hacer, pero no tengo prisa. Mis lectores parecen disfrutar de Megg y Mogg, y a mí me gusta mucho escribir y dibujar sus historias.

—En tus historias siempre hay una

gran cantidad de autodestrucción, un constante “por eso no podemos tener cosas bonitas”. ¿Es una forma de dejar ir frustraciones, de gestionar temas personales, o simplemente algo que te interesa como artista?

Sólo escribo sobre la vida, mis filosofías, la realidad y su aterradora naturaleza. Es muy difícil estar vivo, muy confuso y fascinante. Nos estamos destruyendo como individuos y como especie, destruyendo el planeta.

Los humanos, definitivamente, no podemos tener cosas bonitas. La vida urbana moderna es la muerte, deberíamos volver a vivir en el bosque, dedicarnos a la agricultura, tirar los teléfonos móviles al mar.

—¿Cómo es un día de trabajo normal para ti?

Trabajo, trabajo, trabajo, trabajo.

Todo lo que hago es trabajar, es todo en lo que pienso. Trabajo en casa, así que me despierto, reviso mi correo electrónico, paso de responder correos electrónicos y luego me pongo a trabajar. Tengo siete conejos, así que cuando me tomo un descanso me quedo con los conejos, les doy de comer y les canto canciones.

—alex serrano

r Más en www.mondosonoro.com

El mal camino

Simon Hanselmann Fulgencio Pimentel, 19

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Yaro Abe Astiberri

7 Superventas en Japón, con dos adaptaciones en largometraje y una en serie televisiva, la obra de Yaro Abe es cien por cien japonesa y, por ello es ideal para descubrir el país nipón de la mano de un puñado de particulares personajes, desde prostitutas y yakuza a policías, que coinciden en un restaurante nocturno alrededor de platos de comida y vasos de alcohol.

—martí viladot

Blue Note.

Los últimos días de la ley seca Mathieu Mariolle y Mikaël Bourgouin Norma

9 Preciosa y elegante factura gráfica para narrar la historia de un boxeador irlandés venido a menos y un joven guitarrista con más sueños que posibilidades treinta días antes de entrar en vigor el final de la prohibición de las bebidas alcohólicas en Estados Unidos, y todo lo que ello significó. Abrumadoramente bueno.

—eduardo izquierdo

Esta mierda me supera Charles Forsman Sapristi

8 No contento con hundirnos la vida con The End Of The Fucking World, Charles Forsman va un paso largo más allá en su exploración de la frustración adolescente. El contraste entre su simpático dibujo y la desesperada crudeza de lo narrado le hacen explotar a uno la cabeza (¿o es Sidney quien lo provoca?).

Un excelente cómic negro que también será serie televisiva en unos meses. —joan s. luna

Guillem López Lovecraft en Valencia

Guillem López se confirma como una de las realidades más sólidas de la literatura de ciencia ficción y de terror en castellano con Lago negro de tus ojos (Alianza Editorial, 19), una estupenda novela corta que lleva el imaginario de H.P. Lovecraft a un pequeño pueblo de Valencia y que también reflexiona sobre el arte de contar historias de miedo.

E

l mejor piropo, que no es moco de pavo, que se le puede hacer a Lago negro de tus ojos es que podría pertenecer al Círculo de Lovecraft, ese grupo de escritores que se cartearon con el escritor de Providence y que luego supieron continuar su imaginario ampliando los mitos creados por el autor de La Llamada de Cthulhu. “Era algo que me rondaba desde hace mucho tiempo. Casi una deuda creo porque Lovecraft apareció en mi vida y se hizo protagonista muy pronto”, explica López. “De adolescente llegué a sus relatos y al juego de rol de Chaosium de forma paralela. A partir de ahí, comencé a descubrir referencias por todas partes. No solo en el cine de John Carpenter, Sam Raimi o las novelas de Stephen King, también en la música. Metalllica le dedicaron un par de canciones a su obra. Resulta que Cliff Burton era un gran lector y fan del de Providence. Iron Maiden también lo citaban en la portada del Live After Death y de repente, Lovecraft estaba en un montón de bandas de metal que escuchábamos por aquella época. Escribir algo que, de alguna forma, se sostuviese sobre sus mismos mimbres era una obligación con todo lo que me llevó a convertirme en lo que soy”. Guillermo del Toro afirma, con conocimiento de causa, que las historias de terror y de fantasía se enriquecen si parten de elementos autóctonos para hablar luego de cosas universales. Eso es un poco lo que hace López en Lago negro de tus ojos: llevar el horror cósmico de Lovecraft a un pequeño pueblo de Valencia donde aparece una misteriosa laguna que funciona como un portal espacio-temporal a otras dimensiones y galaxias. “Yo a Guillermo del Toro no le voy a llevar la contraria, pero es que además tiene razón”, comenta el escritor castellonense. “No hace falta irse a

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“ Las cosas más uy horribles viven mos, cerca de nosotr al otro lado de la” puerta

Transilvania para encontrar el horror.

El monstruo actual ya no vive en un ataúd y sale por las noches. Las cosas más horribles viven muy cerca de nosotros, al otro lado de la puerta, quizá incluso en nuestra familia, en nosotros mismos. Es la evolución del monstruo posmoderno. La cercanía es lo más terrorífico de todo. Además, dirigir el foco de las historias de terror al escenario propio, en mi caso Valencia, es un tropo de la literatura de Lovecraft. Él escribía sobre Providence; Stephen King sobre Maine. Yo pensé que Valencia es famosa por su luz, pero que al otro lado siempre hay una sombra, una muy oscura”. La nueva novela de López también reflexiona sobre el hecho de como las ficciones pueden hacer más llevadera la realidad. “Consumimos ficción porque la realidad es inasumi-

ble. Y, en ese proceso, convertimos en ficción la realidad y viceversa. Sin embargo, el verdadero terror reside en ser consciente de la fragilidad y lo azaroso de nuestra existencia. Por eso vivimos una ficción, somos espectadores de la vida, propia y ajena”. —xavi sánchez pons

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Lago negro de tus ojos

Guillem López Alianza Editorial, 19

FOTO: ARCHIVO

La cantina de medianoche. Tokyo Stories

LIBROS

CÓMICS

septiembre 2019 #43

MIRA NOV 5-9

NOV 5-9

-SON ESTRELLA GALICIA-

DIGITAL ARTS FESTIVAL

7 BLISS LIVE A/V, ALESSANDRO CORTINI PRESENTS VOLUME MASSIMO LIVE A/V, AUDINT PRESENTS 7OO OBSIDISORIUM INSTALLATION, B12 LIVE, BATU DJ SET, BEATRICE DILLON LIVE, BIOSPHERE LIVE A/V, BLANCK MASS FEAT. DAN TOMBS LIVE A/V, CARLOS SAEZ PRESENTS DUALMISMO INSTALLATION, CLARK FEAT. EVELYN BENCICOVA LIVE A/V, CLON & NWRMNTC PRESENT META A/V PERFORMANCE, SET, COLIN SELF PRESENTS SIBLINGS LIVE A/V, CURL LIVE, DJ HARAM DJ SET, DJ MARCELLE/ANOTHER NICE MESS S DJ SET ELISAVA PRESENTSALICE INSTALLATION, FLOATING POINTS FEAT. HAMILL INDUSTRIES LIVE A/V, GIANT SWAN LIVE, HUMALIVE A/V, INSANLAR LIVE, JUDE MARCELLA VISUAL SET, KALI MALONE FEAT. RAINER KOHLBERGER LIVE A/V, LEEZA PRITYCHENKO VISUAL SET, LENA WILLIKENS B2B ALICIA CARRERA DJ SET, MARINA HERLOP FEAT. ITUNES1O.2 LIVE A/V, NIHILOXICA LIVE, OSSIA FEAT. MAX KELAN LIVE A/V, PARALLAX DJ SET, PEOPLE YOU MAY KNOW LIVE, RICK FARIN PRESENTS BREACH ACT I INSTALLATION, ROLY PORTER + MFO PRESENT KISTVAEN LIVE A/V, SCHWEFELGELB LIVE, SKEE MASK DJ SET, SMERZ FEAT. WEIRDCORE LIVE A/V, SOTE PRESENTS SACRED HORROR IN DESIGN FEAT TARIK BARRI LIVE A/V, TROYA MODET DJ SET, VESSEL FEAT. PEDRO MAIA LIVE A/V

DESTRUCTION¤GENESIS MEDIA PARTNERS:

WITH THE SUPPORT OF:

5-9 NOVEMBER 2019, BARCELONA WWW.MIRAFESTIVAL.COM

TECHNOLOGICAL PARTNERS:

ARTISTIC COLLABOTATORS:

Hablan los artistas “Cuanto tenía once años hice un disco que consiguió mucha atención, pero yo sabía que era una mierda” (Björk, en 2001)

Por si todavía queda quien no se ha dado cuenta, se han acabado las vacaciones y en breve el verano, así que volvamos a la actividad. Y continuemos disfrutando de la música, que eso es algo que no cambia con las temperaturas y las estaciones. Hoy repasamos diversos meses de septiembre.

RRQué grande fue el número 77, publicado en septiembre de 2001. Lo fue porque coincidieron en un mismo número entrevistas con Björk (portada), Neurosis, Isis, Henry Rollins, Guru, Mercury Rev, Jarmiroquai, Sparklehorse y Weezer. De todo y para todos los gustos.

RRFranz Ferdinand repetían en nuestra portada en septiembre de 2013, número 209, aunque andaban bien acompañados por bandas nacionales del lustre de Triángulo de Amor Bizarro y Delorean, quienes también han sido en algún momento portada de nuestra publicación.

“Nunca hemos sido una banda gigantesca como Radiohead, y luego incluso hemos dado un paso atrás” (Sam Fogarino, Interpol, en 2010)

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com Edición Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com

“Para mí el indie rock es como una broma. Es un montón de bandas y sonidos diferentes, y a mí no me gusta etiquetar la música” (Lou Barlow,

de Dinosaur Jr, en 2016)

RRMucho antes de que los caminos de Rosalía y El Guincho se cruzasen, el artista canario ya nos maravillaba con un material muy personal que le llevó a aparecer en nuestra portada en septiembre de 2010, concretamente en el número 176.

(Psychogothic, a propósito de I Should Coco de Supergrass, 1995)

#46 septiembre 2019

Edición Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Edición Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639

RRLa portada que dedicamos a Die Antwoord en nuestro número 242, en septiembre de 2016, posiblemente sea una de las más impactantes que hayamos publicado en los últimos años. Una fotografía que definía al cien por cien su propuesta.

Edición Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Edición Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245

Hablan los críticos

“Supergrass son una suerte de talentosos revisionistas capaces no sólo de crear grandes canciones, sino de contagiarnos de puro entusiasmo”

Edición Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com)

Colaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra

“Canciones que nos dejan un excelente sabor de boca que aumenta con cada nueva escucha que le dispensamos a un disco al que no le falta fuelle y que se devora de principio a fin”

“Kanye se reivindica como un gigante con un olfato especial para fagocitar cualquiera de los sonidos más excitantes del momento y crear a partir de ahí algo a su medida”

“Un álbum ambicioso, con una riqueza sonora envidiable que consigue unir la evolución del mejor r’n’b americano con la elegante electrónica británica”

(Don Disturbios, a propósito de Is This It de The Strokes, 2001)

(Joan Cabot, a propósito de Yeezus de Kanye West, 2013)

(Álex Jerez, a propósito de Blonde de Frank Ocean, 2016)

Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

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