MondoSonoro Septiembre 2012

Septiembre de 2012 nº 198

t

MUSICAL, GRATUITA E INDEPENDIENTE

THE XX

SUBE EL IVA, VUELVE EL NEGRO TWO DOOR CINEMA CLUB

EL FIN DEL VERANO

MENEO • SOULSAVERS • DEAD CAN DANCE • BLOC PARTY • ALT-J • JAPANDROIDS • THE SHOES • YEASAYER • BAND OF HORSES • PARTIDO ANIMAL COLLECTIVE • CUCHILLO • MONTEVIDEO • AUSTIN TV • ELVIRA • KILL THE HIPSTERS • THE WHIP • TUYA • JONSTON • FESTIVALES www.mondosonoro.com

staff

Redacción Redactor Jefe Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Madrid Luis J. Menéndez (ljmenendez@mondosonoro.com) Catalunya Joan S. Luna (luna@mondosonoro.com) Diseño gráfico y maquetación Manuel Fijo (maquetacion@mondosonoro.com) Depósito legal DL-L-174/95 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www.tengountrato.com Mondoweb www.mondosonoro.com ◗ Ed. Aragón (aragon@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Pablo Ferrer, Sergio Falces, David Chapín (publiaragon@mondosonoro.com) ◗ Ed. Asturias-Cantabria Redacción/publicidad Asturias José Luis Quirós Tlf./Fax 985 17 22 86 (asturias@mondosonoro.com) Redacción/publicidad Cantabria Ernesto Castañeda (cantabria@mondosonoro.com) Tlf./Fax 657 674 197 ◗ Ed. Canarias (canarias@mondosonoro.com) Redacción Job Ledesma Tel 615 125 126 Publicidad Enrique Santana Tel 689 53 39 53 Jacob Cabrera Tel 609 55 12 00 ◗ Ed. Com. Valenciana (valencia@mondosonoro.com) Redacción Raúl Serrador Tlf./Fax 963 220 026 ◗ Ed. Galicia-Castilla y León (galicia@ mondosonoro.com, castillayleon@mondosonoro. com) Redacción/publicidad Carlos D. Landeira Tlf. 615 914 379 ◗ Ed. Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) (andalucia@mondosonoro.com) Redacción Arturo García Publicidad Azahara Gozález Tlf./Fax 958 075 177 Colaboradores: Textos Álvaro Fierro, Arnau Sabaté, Carlos Pérez de Ziriza, Celestí Oliver, Cristina V. Miranda, Cristina Pancorbo, Dani Arnal, David Sabaté, Don Disturbios, Fernando Fuentes, Edu Tuset, Enrique Peñas, Fernando Navarro, Ignacio Pato, Iván Ferrer, J. Batahola, Jaime Valero, Javi López, Joan Cabot, Jorge Ramos, José Manuel Cisneros, Joseba Vegas, Jose Fajardo, Laura Fernández, Luis Argeo, Marcos Arenas, Marcos Martín Lora, Miguel Ángel Sánchez Gárate, Miguel Amorós, Raül Julián, Robert Aniento, Sergio Del Amo, Toni Castarnado, Xavi Llop, Virginia Arroyo Fotografía Alfredo Arias, Gustaff Choos, Hara Amorós, Dani Cantó, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros

“no solo comparte la opinión de sus colaboradores sino que se acuesta con ellos, excepto con Carlos Pérez de Ziriza porque no entendemos la mitad de sus textos”

Tras el anuncio de las últimas medidas tomadas por el Gobierno de España relacionadas directamente con materias culturales, un considerable grupo de medios musicales del país hemos decidido unirnos para manifestar una común disconformidad.

Esperamos que lo expuesto a continuación sea compartido anímicamente y respaldado dentro de lo posible por nuestros lectores, tan afectados como nosotros mismos.

T

odas las cabeceras que firmamos este manifiesto tenemos en común la pasión por la música, que cada cual refleja a su manera, de forma peculiar e independiente.

Más allá de eso otra característica nos define prácticamente a todas: salvo algunas excepciones, en nuestras páginas el comentario político había sido hasta hoy, cuando algunas ya están cerca de los treinta años de existencia, tangencial o incluso inexistente.

Sin embargo, vivimos un momento histórico extraordinario que requiere de respuestas no menos extraordinarias por parte de todos. No se nos escapa que España pasa por momentos muy complicados. Tampoco que en esta situación se demanda del ciudadano de renta media-baja un esfuerzo enorme que se traduce cada día en cientos y miles de nuevos dramas humanos. A la vez, asistimos atónitos a los beneficios millonarios de los directivos de esas cajas que han quebrado el país, a las suculentas indemnizaciones de altos cargos que abandonan sus puestos de responsabilidad en medio del escándalo, a la indecencia de buena parte de nuestros políticos. En medio de este paisaje el Gobierno ha decidido dar una nueva vuelta de tuerca a una situación ya insostenible tomando una serie de medidas que condenan a la ciudadanía en general a poco menos que la indigencia y a un sector determinado, el de la música y la cultura popular, a la desaparición.

Entre las medidas adoptadas el pasado viernes 13 de julio se encuentra el incremento del 8% al 21% del impuesto del valor añadido (IVA) sobre el precio de las entradas a salas de cine, teatros, festivales musicales y conciertos. Es el definitivo golpe de gracia para un sector que depende del gasto en ocio para su supervivencia y que ha ido viéndose acorralado progresivamente por las decisiones de nuestros gobernantes. Porque en el mundo de la música popular, a diferencia de otros sectores industriales e incluso culturales, la subvención siempre ha sido escasa cuando no directamente nula y, sin embargo, la lista de zancadillas a la iniciativa privada por parte de las Administraciones es interminable: desde la promesa incumplida por parte del anterior Gobierno de considerar los discos y directos como producto cultural y rebajar su IVA al 4%, hasta la prohibición a acceder a una sala de conciertos a los menores de edad, pasando por las periódicas trabas a promotores y hosteleros para impedir que programen música en directo. Especial hincapié merece la nula respuesta que han dado nuestros gobernantes durante la última década al problema de las descargas ilegales, que se ha llevado por delante infinidad de puestos de trabajo en discográficas y distribuidoras.

Discográficas, distribuidoras, promotores, salas, empresas de promoción y comunicación, técnicos y por encima de todo músicos son los damnificados del desprecio y hasta rencor que muestran nuestros gobernantes para con un sector que supone

Por supuesto entre los damnificados también nos encontramos nosotros, la prensa especializada, que vemos cómo la publicidad (una importante fuente de ingresos. Y otra vez insistimos: que no el dinero público) se bate en retirada. Primero se fueron las discográficas como consecuencia de las nulas ventas, luego las grandes marcas a causa de la caída en el consumo y ahora lo harán los promotores, salas y festivales, condenados por la subida del IVA del ministro de Hacienda, el señor Montoro. Esto, unido a la inevitable caída de las ventas de quiosco, definitivamente nos deja en una situación difícil de sortear.

Por un lado, mostrar nuestra absoluta solidaridad con el resto de compañeros del mundo de la música, brindar nuestro apoyo y demandar el suyo a la vez: si de todo esto algo se salva será únicamente por la fuerza que mostremos unidos.

Y por otro, dirigirnos a todos los que nos leéis, que nos consta que sois muchos y fieles. Lo cierto es que el tiempo se ha acabado y nos encontramos ante un ahora o nunca: o reclamamos aquello que consideramos justo o nos veremos privados de ello para siempre. Y esta advertencia se refiere tanto a la posibilidad de ver a tu grupo favorito tocando en tu ciudad como al acceso a la educación y la sanidad. No nos corresponde a nosotros señalar a unas siglas concretas, pero sí pedirte con todas nuestras fuerzas coherencia y que actúes conforme a tu conciencia desde hoy mismo respecto a todo lo que está ocurriendo a tu alrededor, vivas en Barcelona, Madrid, Burgos o un pueblecito de Galicia. No te calles. No te acomodes y reclama lo que consideras que es justo. Y si a pesar de nuestro esfuerzo nos lo siguen negando, no te olvides de cuanto ha ocurrido estos últimos años cuando llegue la hora de votar. ■

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mondofreako 11. ALT-J 12. Bloc Party 13. Japandroids 14. Band Of Horses 15. The Shoes 16. Napoleón Solo 18. The Whip

entrevistas 21. The XX Nunca me abandones 22. Two Door Cinema Club Ante todo mucha calma

Conciertos 25-31. FIB 2012, Cruïlla BCN, Bilbao BBK Live, Santander Music 2012, Creamfields Andalucía, Costa de Fuego, Low Cost, Arenal Sound, Contemporánea, Sonorama, Festival Pririneos Sur.

escaparate 41-43. Cuchillo, Montevideo, Fernando Lagreca...

vinilos 35. Animal Collective Disco del mes

mondomedia Firmado: A Viva Veu, ARDEmag, bi fm, Binaural, Blogin’ In The Wind, Clone, Club De Música, DJ Mag, El Enano Rabioso, Efe Eme, Enlace Funk, Fantastic Plastic Magazine, FREEk!, Funkmamma, Gent Normal, Go Mag, Guía del Ocio BCN, H Magazine, HH Directo, Hip Hop Life, Indienauta, Indiespot, Jenesaispop, Klubbers, La Heavy De Mariskalrock.com, La Ventana Pop, Lados Magazine, MondoSonoro, Muzikalia, Numerocero, Orbita, PlayGround, Revolver, Rock Estatal, Rockdelux, Rockviu, Rockzone, Ruta 66, The Metal Circus, This is Rock, Versos Perfectos, Vicious, We Go, Zona De Obras y 59 blogs y medios digitales más.

C.P.

Provincia

6. Soulsavers y su amigo Dave Gahan 7. Meneo, nuevo material y el mismo desmadre 8. Dead Can Dance, el retorno de una leyenda

Por eso, la razón de ser de este manifiesto es doble.

Tel:

Población

Galicia/Castilla Leon

buena parte de ese 3% del PIB generado por la cultura y que se encuentra en proceso de descomposición. También uno de los mejores escaparates posibles para esa marca “España” que a nuestros políticos tanto les gusta pasear: ¿alguien duda lo mucho que hacen por la imagen y la economía de este país nuestros músicos o festivales?

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Andalucía/Murcia

NOTICIAS

LA CULTURA NO ES UN LUJO

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(1 año, 11 números)

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Edita Sister Sonic, S.L. C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona Tlf./Fax 933 011 200 E-mail mondo@mondosonoro.com

sumario

The XX Foto Archivo

Publicidad Director Comercial Dani López (dani@mondosonoro.com) T. 687 914 719 Coordinador Publicidad David Morell (david@mondosonoro.com) T. 607 366 693 Publicidad Estatal Luis Fernández M. (luis@mondosonoro.com) T. 672 072 263 Publicidad Madrid María Llorente (maria@mondosonoro.com) T. 676 881 519 Publicidad Catalunya Itzbi Solís (itzbi@mondosonoro.com) T. 629 705 103 Administración y Contabilidad Vanessa Garza (vanessa@mondosonoro.com)

MondoSonoro · Septiembre 2012 /5/

Ilustración Pepo Pérez

Coordinador General Sergio Marqués (sergio@mondosonoro.com) Coordinador Editorial Jose Macarro (jose@mondosonoro.com)

Zarata (Euskadi)

36 € (Tarifa correo ordinario**)

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42-43. Mondo Recomienda 44. Conexiones

mondoweb 46. La entrevista Fan: Fanfarlo

5

camisetas

de

best coast

TAN LEJOS... ❚ DAVID TATTERSALL vuelve a publicar canciones al margen de The Wave Pictures, trío del que es guitarrista y cantante. Esta vez se trata de un disco de temas instrumentales, “Little Martha”, en homenaje a la canción de Duane Allman del mismo título y que verá la luz el día del aniversario de su muerte, el 29 de octubre, de la mano del sello británico Where It’s At Where You Are Records.

/6/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

Soulsavers Foto Steve Gullick

NOTICIAS

❚ “The 2nd Law”, el nuevo disco de MUSE, verá definitivamente la luz en todo el mundo el próximo 2 de octubre, con Warner. Por otro lado, os recordamos que Muse tienen confirmada una única fecha de presentación en España. Será el 20 de octubre en el Palacio de Deportes de Madrid. ❚ SWANS, la banda de Michael Gira que se reunió en 2010 para entregar el lírico a la vez que intenso “My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky” y dar un inolvidable concierto en el Primavera Sound 2011, vuelve a la carga con su duodécimo disco, el segundo tras esa reunificación. “The Seer” se publicó el pasado 27 de agosto en Young God, el sello propiedad de Gira.

Underworld Foto Archivo

Youfest, el festival de la generación YouTube

TAN cerca...

Soulsavers y su amigo Dave Gahan Buffet Libre Foto Archivo

❚ BUFFET LIBRE han publicado este verano su primer EP digital, “The Sun In The Shade”, de la mano de la discográfica madrileña Subterfuge. El disco incluye la canción que le da título y que cuenta con Nick Krill (vocalista de The Spinto Band) como cantante invitado.

Para completar el Ep, se incluyen remezclas de Bonde Do Role, Chinese Christmas Cards o Rusty Warriors. ❚ HOLA A TODO EL MUNDO vuelve a la actualidad con varios cambios: de formación y de género. Convertidos ahora en cuarteto y volviendo al inglés, han añadido muchos elementos electrónicos, shoegazer y una instrumentación más ensoñadora a su música. El próximo 17 de septiembre publican el single “They Won’t Let Me Grown”, como adelanto al álbum, “Ultraviolet Catastrophe”, que se editará el 9 de octubre vía Mushroom Pillow. ❚ JELLO BIAFRA, otrora vocalista de Dead Kennedys, volverá a España para actuar en una larga gira junto a su banda The Guantanamo School Of Medicine. El motivo es la inminente salida de su nuevo disco, “White People And The Damage Done” (Alternative Tentacles).

Actuará en Zaragoza (5 octubre, Sala López), Badalona (6, Estraperlo Club) Valencia (8, Loco Club), Madrid (10, Sala Live), Vitoria (11, Jimmy Jazz) y Vigo (12, El Infierno). Escucha su nuevo material en: www.jellobiafra.bandcamp.com ❚ Después de ofrecer un sorprendente concierto de reunión en la pasada edición del Primavera Sound, la mítica banda de hardcore sueco REFUSED volverá a España para protagonizar dos conciertos en Barcelona (4 octubre, Razzmatazz) y Madrid (5 octubre, La Riviera). n

Dave Gahan da lustre a “The Light The Dead See” (Coop/ Music As Usual, 12), nuevo disco del dúo británico Soulsavers, que el año que viene planea celebrar su décimo aniversario con un concierto que reúna a todos los cantantes que han pasado por la banda.

E

n cierta manera, “The Light The Dead See” significa un regreso a los orígenes del proyecto capitaneado por Rich Machin e Ian Glover. En su primer disco Josh Haden dio voz a sus composiciones. En el segundo reclutaron a Mark Lanegan e incluyeron a otros tres colaboradores (entre ellos Bonnie ‘Prince’ Billy), mientras que, en el tercero, se liaron la manta a la cabeza y sumaron a Lanegan una larga lista de cantantes. Ahora, con este cuarto trabajo de siniestro título, han vuelto a optar por contar con sólo uno.

Pero vaya uno: Dave Gahan, frontman de Depeche Mode. “Ha sido un disco muy fácil de hacer, más que los anteriores”, nos cuenta Machin. “El entendimiento fue tan bueno que no tuvimos que hablar demasiado. Le enviamos unas demos con algunas anotaciones, pero no queríamos empujarle en ninguna dirección, preferíamos ver qué intuía él, porque como todos sabemos, es un tipo muy listo. A partir de ahí las cosas no se hablaron, se hicieron”. Con el halo de épica que desprende el disco no es difícil averiguar por qué tenían tanta confianza en Gahan, pero ¿estaban seguros de que todo, absolutamente todo, iría bien con él? “No, porque en el pasado he conocido a músicos a los que admiraba, y cuando hemos entrado a grabar no ha ido tan bien como esperaba. Dave Gahan es

muy diferente a Mark Lanegan, y en ese sentido tuvimos ciertas dudas porque hemos hecho dos discos con Mark que nos han encantado, y un proceso de cambio crea cierta incertidumbre.

Pero mi corazón me decía que no me equivocaba con Dave, y por eso estoy tan contento de que el resultado sea tan fantástico”. Pocos estarán en desacuerdo: esas lánguidas atmósferas en las que encajaba tan bien la profundidad de Lanegan, también son aptas para la garganta de Gahan, que aporta además una aún más vívida interpretación. El brillante historial de colaboradores en la carrera de Soulsavers sin duda le animó a participar, pero ¿cómo consigue uno que la megaestrella te ceda su voz? Una gira conjunta en 2009 lo explica todo. “Se comportaba de una manera tan agradable... nada de mito viviente. Dave es un tío con el que puedes tomarte una cerveza con total normalidad, de forma que a los cinco minutos es imposible seguir pensando ‘oh, es un gigantesco icono del pop, y estoy aquí con él’. Cuando terminó la gira nos dijimos que debíamos hacer algo más juntos. Después, cuando le sugerimos participar en este disco, me hizo muy feliz ver que no habló por compromiso”. ■ Nacho Serrano

+en

Llega a Madrid uno de los festivales más particulares que recordemos.

Se trata del Youfest, anunciado como “el festival de la generación YouTube”, que recalará en la ciudad durante los días 28 y 29 de septiembre, ofreciendo conciertos en diversos escenarios (Matadero, La Riviera, etcétera). En un mismo evento podremos encontrarnos a bandas conocidas internacionalmente y de indudable peso como Primal Scream, Underworld, Buraka Som Sistema, Diplo o nuestro El Guincho, compartiendo espacio con artistas respaldado por millones de visitas o visionados en YouTube como Playing For Change, Paul Potts, Shakiro, Daler Mehndi, etcétera, e incluso nombres que triunfaron en el pasado como Rick Astley o Locomía. Por otro lado, también se contará con la presencia de personalidades del mundo digital, deportistas, artistas, etcétera. Las entradas por día y los abonos están ya disponibles. Más información en www.you-fest.com ■

Maxïmo Park Foto Archivo

El FIZ llega a la docena de ediciones Son ya doce ediciones del Festival de Música Independiente de Zaragoza, más conocido como FIZ. Este año, la cita aragonesa vuelve a contar con nombres diversos que garantizan la diversión desde el minuto uno. El próximo sábado 29 de septiembre podrás ver en directo a los británicos Maxïmo Park como cabezas de cartel, que estarán respaldados por artistas españoles tan conocidos como Love Of Lesbian, Lori Meyers y La Casa Azul, además de los aragoneses El Brindador. Para redondear la jugada, el FIZ propone sesiones de Dj’s como Amable, Chelis, Dj Der o la que ofrecerán los miembros del grupo Tachenko tras los platos. A todo ello se suma también el FIZ Films, ciclo en el que podrán verse diversos documentales musicales internacionales.

Resuelve cualquier duda sobre las entradas, el cartel o las películas que se proyectarán en www.fizfestival.com ■

Meneo Foto Archivo

MondoSonoro · Septiembre 2012 /7/

NOTICIAS

FESTIVALES ❚ El SANTA TERESA SOUTH POP ISLA CRISTINA se llevará a cabo durante el fin de semana del 7 y 8 de septiembre en esta localidad onubense. Entre los nombres confirmados de esta edición están WhoMadeWho, Friska Viljor, Delorentos, Michael Cloup, Herman Dune, Nosoträsh, The Sound Of Arrows o El Columpio Asesino. A la cita acudirán un total de diez grupos, además de diversas sesiones de Dj’s en colaboración con el Club Obbio de Sevilla. Más información en www.southpopfestival.com ❚ El valenciano BLACK LOTUS FESTIVAL acaba de comunicar su cambio de fecha. Inicialmente anunciado para octubre, el evento se llevará a cabo el próximo sábado 10 de noviembre en la Feria de Muestras de Valencia. De momento están confirmados Pendulum & Verse (DJ set), Cyberpunkers, Rocky Rock de Black Eyed Peas (Dj set), Dr. Lektroluv, The Zombie Kids, Rusty Warriors y muchos otros. Más confirmaciones en breve en: http://blacklotusfestival.com

Meneo, nuevo material y el mismo desmadre Rigo Pex, más conocido como Meneo, ha vuelto y sigue tan bombástico y carnavalero como siempre. El papi del sonido 8bit en España se deja llevar cada vez más hacia los tropicalismos y ensamblajes imposibles empaquetados en pequeño formato. Lo último: un EP que lleva por título “Larele” (Subterfuge, 12) y que despacha en tan solo cuatro temas el variopinto cerebro musical de este santo varón.

E

n cuatro años de silencio desde que se publicara su primer álbum, “Santa Nalga” (Dress For Excess, 08), Rigo afirma haber producido toneladas de temas, de ahí que sorprenda, a priori, su apuesta por un EP en vez de un larga duración, máxime cuando la fama y el público le acompañan. Pero Rigo maneja argumentos. El primero, esa cosa llamada “tiempo” y esa otra llamada “atención”.

“Cuando saqué ‘Santa Nalga’ hace cuatro años me di cuenta de que era demasiado información para la peña. Ahora cuando

escuchas música estás leyendo otra cosa, chateando con otra persona, haciendo tres cosas a la vez. Me parece mucho más honesto sacar cuatro cosas locas: la gente ya no tiene tanto tiempo”. El segundo, la huida de la linealidad que suele caracterizar a los larga duración. “Casi todo el mundo que hace un álbum usa los mismos sintetizadores, instrumentos, bases… a mí es algo que personalmente me aburre, teniendo tanta paleta. Para mí es más natural ser ecléctico y dejar de defender un estilo”. Más bien,

Meneo es representante del anti-género: en los quince minutos de “Larele” Rigo combina géneros de elaboración propia tan dispares como la shoegaze-cumbia, los electropicalismos o el “merenstep” (merengue con dubstep: como suena). El resultado es una amalgama sonora tirando a anárquica y punk defendida por su nuevo sello, Subterfuge, al que llegó de la mano de The Zombie Kids. “En Subterfuge me apoyan un montón, aunque yo tengo miedo del público español porque nunca se tira por sonidos que no sean legitimizados por otros previamente”. Aunque eso es algo que ha ocurrido, puesto que tanto Diplo como su sello Mad Decent le han dado también su apoyo, que se dice rápido. Rigo, auténtico showman de las tablas, sacará su EP de paseo en una gira que promete “muy performática”. Saquen cera a sus traseros antes de que comience el baile.

■ Esmeralda Martín

The Horrors en el Kutxa Kultur Festibala

Kimbra Foto Archivo

Kimbra, último fichaje del Dcode Fest Kimbra Johnson, artista conocida artísticamente como Kimbra, es el último fichaje presentado por el festival madrileño Dcode Fest. Después de sorprender con su colaboración en el éxito de Gotye “Somebody That I Used To Know”, la joven neozelandesa acaba de publicar en nuestro país su primer larga duración, “Vows” (Warner, 12), que presentará el día 14 de septiembre en el Dcode. El festival cierra así un cartel del que forman parte artistas internacionales del calibre de Sigur Rós, Justice, The Killers, The Kooks, Kings Of Convenience, Django Django o The Shoes, nombres nacionales como Dorian, Supersubmarina, Napoleón Solo, Fira Fem o Triángulo de Amor Bizarro y Dj’s como Eme o Kill The Hipsters. Todas esas actuaciones se desarrollarán en dos escenarios situados en el Campus de la Universidad Complutense de Madrid, durante los días 14 y 15 de septiembre. Las entradas y abonos para el Dcode están a la venta.

Manténte informado de cualquier cambio en: www.dcodefest.com ■

El fin de semana del 7 y 8 de septiembre San Sebastián acogerá –concretamente en el Parque de Atracciones Igeldo- un festival de dos escenarios que lleva por nombre Kutxa Kultur Festibala. La parrilla combina nombres internacionales y españoles, redondeando una programación de lo más actual. Así, estarán presentes Maxïmo Park, The Raveonettes, The Whip, Los Campesinos! o Delorentos, junto a artistas de nuestro territorio como Russian Red (con una banda de respaldo con miembros de Belle & Sebastian), Love Of Lesbian, Anari, Wilhelm And The Dancing Animals o Peachy Joke.

Pero uno de los atractivos principales será descubrir si los británicos The Horrors –cabezas de cartel del sábado- presentarán ya ese nuevo material a incluir en su cuarto larga duración que, como han declarado recientemente, está influido por los discos de Hawkwind. Habrá que esperar al concierto para ver si es así o se ciñen a su material de estudio hasta la fecha. Más información en: www.kutxakulturfestibala.com ■

The Horrors Foto Archivo

❚ Vuelve el MERCAT DE MÚSICA VIVA DE VIC, y lo hace en sus fechas habituales, es decir, durante los días 13 a 16 de septiembre.

La selección del cartel vuelve a ser lo de más diversa. Así encontraremos nombres tan variados como los de Antònia Font, Lenacay, Za!, Maïa Vidal, Jonston, Gaf y La Estrella de la Muerte, Dorian, Adictive TV, Guillamino, La Pegatina, Raydibaum, Mates Mates, Maria Rodés, Rebecca Gates (ex The Spinanes) o Ted Leo. Amplía toda la info en: www.mmvv.net/es/

Soledad Vélez Foto Archivo

❚ Se han dado a conocer los primeros nombres del Circuito de Showcases del MONKEY WEEK 2012, que se celebrará nuevamente durante los días 11, 12 y 13 de octubre en El Puerto de Santa María (Cádiz), en su cuarta edición. Entre los grupos confirmados están los de Caustic Roll Dave, Pablo Und Destruktion, Hans Laguna, La Iaia, Lorena Álvarez, Soledad Vélez, The Patinettes, The Last 3 Lines, Toundra, Elle Belga, Al Berkowitz, Fon Román, Modulok, Prin La Lá y un largo etcétera. Más info en: http:// monkeyweek.org ❚ Barcelona acoge de nuevo la larga lista de conciertos que forman parte del BAM FESTIVAL que se desenvuelve por diversos escenarios de la ciudad (Plaça Reial, Parc del Fòrum, Plaça Joan Coromines, etcétera). Durante los días 21, 22 y 23 de septiembre, pasarán por la ciudad nombres internacionales como los de Black Dice, Woodkid, The Toxic Avenger, Howlin Rain, TheeSatisfaction o españoles como Vetusta Morla, Love Of Lesbian, Txarango, Los Punsetes, Lidia Damunt, L’Hereu Escampa, Mates Mates, Mishima o Meneo, entre otros. Más detalles en: www.bcn.cat/bam ❚ La localidad barcelonesa de Sant Boi del Llobregat volverá a animarse durante los días 6, 7 y 8 de septiembre gracias al ALTAVEU, que este año celebra su edición número veinticuatro. El cartel incluye a artistas internacionales como Darren Hayman o The Whip, junto a otros españoles como Txarango, Els Amics de les Arts, La Casa Azul, Mendetz, Manos de Topo, Las Migas o Los Mambo Jambo. Toda la información y los detalles están disponibles en: www.festivalaltaveu.cat n

Dead Can Dance Foto Archivo

NOTICIAS /8/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

Nach Foto Archivo

En Vivo, música en castellano Durante los días 27, 28 y 28 de septiembre, el Recinto Miguel Ríos de Rivas Vaciamadrid se sumergirá en los sonidos más duros del rock en castellano y del rap más importante de nuestro país gracias al festival En Vivo. Los conciertos se sucederán en dos escenarios diferenciados, el principal (por el que pasarán desde Extremoduro hasta Sôber, Rosendo, Kiko Veneno, Canteca de Macao o Berri Txarrak) y el Espacio Hip Hop (en el que se han confirmado Violadores del Verso, Nach, Morodo, SFDK o La Excepción, entre otros muchos). Las entradas y los bonos están aún a la venta, tanto para el festival en conjunto como para el Espacio Hip Hop si eres de los que solamente apuestan por el mundo del rap y los ritmos jamaicanos del reggae. Por otro lado, el festival te ofrece la oportunidad de conseguir –por un euro más en el precio de la entrada- el nuevo Ep de El Drogas, que precisamente es uno de los cabezas de cartel del evento. Amplía detalles en www.envivofestival.com ■

Dead Can Dance, el retorno de una leyenda Vuelve el único grupo que fue capaz de poner de acuerdo a Autechre y a Ramon Trecet, o lo que es lo mismo, vanguardia vs tribu new age. El muerto vuelve a bailar con ““Anastasis” (Pias, 12) y lo comprobaremos el 22 de octubre en L’Auditori de Barcelona.

L

isa Gerrard se hace entender mediante parábolas con las que sobrevuela las preguntas incómodas.

“Anastasis” (el título hace referencia al descenso de Cristo a los infiernos y el disco, en palabras de Lisa, al ciclo de la vida) supone el regreso discográfico de Dead Can Dance dieciséis años después de “Spiritchaser”. Enfrentándose en solitario a la tarea promocional, la entrevista se convierte en un constante panegírico sobre la pareja artística que una vez fue sentimental: el huraño, misántropo y genial Brendan Perry. “Me envió unas demos desde su casa en Irlanda a la mía en

Australia, y para mí fue como si tras superar una cura de alcoholismo volviera a tomar un vaso de vino. Las rodillas me temblaron y pensé que había estado soñando con ese momento los últimos quince años, así que debía tener todo el cuidado del mundo para no estropear algo sagrado”. Los motivos de la separación en 1998 sólo se intuyen cuando afirma que “en el momento en que Brendan sospecha que lo que está haciendo no es suficientemente puro se ve obligado a abandonarlo e incluso puede caer en una profunda depresión”, lo que en cierto modo ex-

plicaría que en todo este tiempo y frente a la abundante producción de ella -cinco discos, colaboraciones con Klaus Schulze e infinidad de bandas sonoras- Perry tan sólo haya sido capaz de completar dos discos: “Eye Of The Hunter” (99) y el reciente “Ark” (2010). Tras la fugaz gira de 2005, esta nueva reunión desemboca en otra gira mundial para presentar un álbum que nos retrotrae a los tiempos de “The Serpent’s Egg” y que, sorprendentemente, no llega de la mano de 4AD. “Cuando invitas a alguien a casa te gustaría tenerlo todo limpio, pero hay ocasiones en que apenas dispones de diez minutos para fregar el suelo.

Con calma tal vez las cosas se habrían hecho de otra manera, pero esta vez no queríamos o podíamos disponer de más tiempo para sentarnos a leer y analizar las cláusulas de un contrato. Diez minutos nunca vuelven”.

■ Luis J. Menéndez

Escucha el single de Strand grabado en el Red Bull Studio

Los Toki Phantoms Foto Archivo

Los Enemigos Foto Alfredo Arias

Cuarta edición del GPS El ciclo GPS (Girando Por Salas) convoca su cuarta edición en la que pondrá a tocar a buena parte de las jóvenes bandas de pop y rock de nuestro país en salas de toda la geografía española. Los grupos y artistas que quieran participar en esta iniciativa -que incluye todas las facilidades de producción y un importante apoyo económico-, deben presentar una solicitud entre el 10 y el 28 de septiembre.

Ya puedes consultar en la web de GPS (www.girandoporsalas.com) qué conciertos se llevaron a cabo en la pasada edición, protagonizados por nombres del calibre de Los Chikos del Maíz, Los Tiki Phantoms, Alamedadosoulna, The Right Ons, Swan Fyahbwoy, Varry Brava, Hola A Todo El Mundo, The Bright, Havalina, The Sweet Vandals, Catpeople, Polock o Disco Las Palmeras!, entre otros muchos. Además, MondoSonoro colaborará con GPS con motivo de la celebración del número 200 de la revista en una serie de conciertos por todo el país que te anunciaremos próximamente. ■

Walk On Project, festival benéfico y musical Si te gusta la música y además consideras que las causas justas deben tenerse en cuenta, no deberías dejar pasar la oportunidad de apoyar una iniciativa tan interesante como la que presentan los responsables del WOP Festival, es decir, del Walk On Project. El evento ocupará durante dos días (el viernes 28 y el sábado 29 de septiembre) el Pabellón de La Casilla (Bilbao), en el que podrás ver en directo a grupos como Los Enemigos, El Inquilino Comunista, The Dream Syndicate, The Jayhawks, Doctor Deseo o la WOP Band. Por otro lado, la organización informa de que habrá otros artistas sorpresa aún sin desvelar. La razón de ser del WOP Festival es recaudar beneficios que se destinarán a la investigación de las conocidas como “enfermedades poco comunes”. El precio de las entradas es de 25 y 35 euros por día o 45 por el abono para ambas jornadas. www.walkonproject.org ■

El pasado fin de semana del 14 y 15 de julio, nuestra web ofreció las imágenes en directo de la colaboración entre Miguel Gil Tertre (Strand), Javier Díez-Ena (Dead Capo y Ginferno) y Mario Zamora (Lüger y Valis) que los tres músicos llevaron a cabo en el Red Bull Studio, emplazado en la Nave de la Música, en el Matadero de Madrid. Durante dos largas jornadas, Strand y sus amigos dieron forma a un par de canciones a partir de la improvisación y el trabajo conjunto. La primera de esas dos canciones puede escucharse en nuestra web (www.mondosonoro.com).

Se trata de “Cajas sin ahorros”, que el trío firma como Strand And The Banksters y cuya grabación pudimos ver en riguroso directo vía streaming, en colaboración con Red Bull. De hecho, esas imágenes servirán para dar forma a un video especial que podrás ver en Mondo TV. ■

Strand Foto Gautier Houba

mondofreako

/11 / Septiembre 2012 · MondoSonoro

ENTREVISTAS ★ WALA WALA ★ NO CONFIDENCIAL ★ LOS DISCOS DE MI VIDA ★ SUBEN/BAJAN ★ EN LA MALETA

ALT-J

Podremos llamarlo trip-folk, folk-step o como nos venga en gana, pero la única realidad es que “An Awesome Wave”, el debut de Alt-J es arriesgado y conmovedor, sexual y tierno, en un inesperado collage que admite armonías a capella, melodías de piano, ritmos hip hop, épica y sofisticación. Una puesta de largo para celebrar el valor de lo diferente.

P

odríamos hablar de hipotenusas, bisectrices, mediatrices, catetos y demás.

Equiláteros, isósceles o escalenos, pero dejémoslo en un triángulo a secas: una figura geométrica formada por tres rectas que se cortan mutuamente, formando tres ángulos. Hasta aquí, perfecto. Aunque cabe añadir una nueva acepción en lo musical: grupo británico formado en Cambridge por Joe Newman (voz y guitarra), Gwil Sainsbury (bajo y guitarra), Gus UngerHamilton (teclados) y Thom Green (batería), con quien hablamos de “An Awesome Wave”, uno de los estrenos más sorprendentes en este 2012.

Toman su nombre de la cuarta letra del alfabeto griego, Delta, representada gráficamente por un triángulo (∆), al que se llega (al menos para usuarios de Mac; en PC también es posible, aunque más complicado) a través del atajo Alt-J. ¿Obsesión triangular?¿Una deidad oculta?¿Ganas de llamar la atención? “En realidad no es un triángulo, sino el símbolo Delta. La prensa parece haberse fijado mucho en eso, pero para nosotros no es más que una anéc-

dota. Simplemente tuvimos que cambiar de nombre del grupo porque el anterior, Films, coincidía con el de otra banda. Pensamos en algo distinto y salió así. No es para nada una obsesión, y de hecho en el disco sólo aparecen triángulos en ‘Tessellate’, pero más bien como una referencia al sexo. De todas formas, supongo que cuando ya no seamos unos recién llegados, nadie nos preguntará por esto”.

Antes de cerrar este capítulo sí convendría hacer un apunte: en matemáticas, y en general en ciencias aplicadas, el símbolo Delta se utiliza para indicar cambios en el valor de una variable.

Y es en este punto donde la analogía con Alt-J se hace más visible, todo ello gracias a un álbum de etiquetado esquivo que podríamos situar en el nu-folk, pero en el que también hay dub-pop, riffs de filiación rockera, electrónica, armonías vocales o hip hop heterodoxo a la Anticon, en un personalísimo muestrario de canciones que confunde tanto como engancha. “No pretendemos crear un nuevo género, sería bastante estúpido y pretencioso por nuestra parte.

Simplemente es la música que nos gusta, porque además estoy convencido de que la mejor manera de hacer las cosas es ser honesto con uno mismo. Si luego además hay gente que se siente identificada con ello, mucho mejor, pero eso ya no depende de nosotros. Nuestro trabajo acaba cuando terminamos un tema”. En “An Awesome Wave” son catorce, incluidos tres interludios, con “Breezeblocks”, “Matilda”, “Something Good” o “Fitzpleasure” dando la medida de un álbum que, según indica el propio batería de la

Alt-J Foto Plank

El valor de la variable da para Brooklyn” de Hubert Selby Jr., o a los fotógrafos Robert Capa y Gerda Taro. “No creo que se pueda separar una cosa de otra: el cine, la literatura, la pintura, la música…

Son diferentes formas de crear, pero no tienen por qué ir en direcciones opuestas, sino que muchas veces comparten el mismo camino. El relato de Sendak, por ejemplo, es universal, y eso es lo que nos interesa: que a partir de de un personaje, un episodio en la vida de alguien o una escena de una película podamos hablar de algo

"'Nuestro trabajo acaba cuando terminamos un tema" banda (por cierto, seguidor de bandas metaleras como Lamb Of God), conviene contemplar desde una óptica de conjunto. “No diría que es un disco conceptual, pero sí que hemos intentado que tenga sentido más allá de una canción determinada”.

Remontándonos años atrás, la historia del grupo comienza en la Universidad de Leeds, donde Newman, Green y Sainsbury estudiaron Bellas Artes, mientras que Gus Unger-Hamilton se licenció en Literatura Inglesa. Con este bagaje, no es extraño encontrar a lo largo del disco referencias a la película “León” de Luc Besson; el conocido cuento de Maurice Sendak “Donde viven los monstruos”; la novela “Última sali-

No lo dejes escapar

que sea interesante para nosotros, pero también a nivel general, sin establecer una barrera. Y es verdad que en todo ese proceso la universidad, de alguna forma, ha tenido un papel importante. No desde el punto de vista de la institución o exclusivamente por la formación, sino porque estando allí es más fácil encontrar a gente con inquietudes similares a las tuyas. Así es como nos conocimos nosotros y como se creó el grupo; y de momento parece que funciona”. ■ Enrique Peñas “An Awesome Wave” está publicado por Infectious/Pias.

mondoFREAKO /12/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

Los discos

de mi vida

PITI ELVIRA (STANDSTILL, ELVIRA, IT’S NOT NOT) Elegir cinco discos para una persona como yo, para la cual la música lo es todo, ¡es una putada! Así de claro. Y más teniendo en cuenta el eclecticismo de mi gusto musical. Faltarán muchos...

Mi primer recuerdo musical...

“Mediterráneo” (1971) Mis primeros recuerdos musicales van ligados a discos como este, viajes en coche, domingos por la mañana sonando clásicos del soul de una colección de vinilos de Atlantic, Pink Floyd, algo de flamenco entre muchas más cosas...

El disco que me descubrió el rap...

PUBLIC ENEMY

“It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back” (1988) Este disco significó para mí un mundo nuevo. ¡Cambió nuestras vidas! El logo de Public Enemy no faltaba en ninguna de nuestras tablas de skate. Este fue el primer vinilo que compré. “Don’t Believe The Hype” nos hacía vibrar, su actitud y su imagen nos cautivó a todos, y descubrí una cultura que sigue conmigo.

Los discos de mi despertar...

MINOR THREAT

“Minor Threat” (1984)

GORILLA BISCUITS

“Start Today” (1989) Estos discos representan un despertar músical, ideológico y mucho más: formar un grupo, cartearte con gente, fanzines, conciertos, maquetas, el D.I.Y en estado puro. Hacer las cosas a tu manera. Temas como “Filler” o “New Direction” siguen en mi iPod. LOS DISCOS QUE CAMBIARON EL HARDCORE...

REFUSED

“The Shape Of Punk To Come” (1998)

AT THE DRIVE-IN

“In/ Casino/Out”(1998) La evolución musical del hardcore/punk con un poco de jazz, electrónica, rock and roll... ¡libertad! Mejorar como músicos, girar con tu banda por todos lados y crear auténticos himnos como “New Noise” o “Napoleon Solo”. Inspiración y empatía total.

Un disco que me emociona...

BON IVER

“Bon Iver” (2011) Descubrir a Justin Vernon con su primer disco es de lo mejor que me ha pasado en los últimos años a nivel musical.

Me emociona como pocos. Esperaba este disco con ansias y no me defraudó. Temas como “Perth” o “Calgary” me parecen obras maestras. ¡El vinilo hace meses que no sale de mi plato!... Encaja a la perfección en mi universo musical. ■

BLOC PARTY

Amigos para siempre Cuatro años después de su anterior trabajo, vuelven Bloc Party con “Four”, un disco que se aleja del sonido electrónico de sus últimas entregas y que confirma a Kele Okereke al frente de la banda, a pesar de las informaciones que indicaban lo contrario

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ace exactamente un año, en septiembre de 2011, Kele Okereke realizaba unas sorprendentes (y un tanto rocambolescas) declaraciones en las que aseguraba que había visto a sus compañeros de banda, Bloc Party, en las inmediaciones de unos estudios de grabación de Nueva York, pero que él no había sido invitado. A raíz de aquello, el frontman aseguró no tener claro su futuro en el grupo, al considerar que el hecho dejaba patente que sus colegas ya no contaban con él. Pues bien, tras ese bombazo, el NME difundió que el resto del combo (el guitarrista Russell Lissack, el bajista Gordon Moakes y el batería Matt Tong) buscaban nuevo cantante, confirmándose así, en teoría, que el cuarteto seguiría adelante, pero con nuevo vocalista. Nada más lejos de la realidad. Finalmente, la formación londinense, punta de lanza del revival post-punk británico de mediados de la década pasada (con permiso de Franz Ferdinand), anunciaba en marzo su fichaje por el sello neoyorquino Frenchkiss Records y el futuro lanzamiento de “Four”, su cuarto disco de estudio. Y sí, con Kele como cantante. Con el reafirmado miembro del grupo y con el guitarrista intentamos atar cabos y conocer más detalles del nuevo álbum, aprovechando el paso de Bloc Party por el Bilbao BBK Live 2012. Al entrar en el camerino, Kele en una silla afinando su guitarra, Russell repanchingado en el sofá, queda claro que les da un poco de pereza ponerse a hablar de los asuntos (¿quizá escabrosos?) de la banda, pero qué diantres, están a punto de publicar un nuevo trabajo, así que saben que tienen que promocionarlo.

Lissack es el primero en pronunciarse al respecto. “Estamos muy orgullosos de nuestro nuevo disco, realmente emocionados. Es lo primero que hacemos juntos después de mucho tiempo y cuenta con nuevos elementos en nuestra música, ha sido

bastante renovador”, asegura. Okereke, por su parte, niega que “Octopus”, primer single de la grabación, sea resumen de lo contenido en la misma, sino un simple “puente entre el pasado y donde estamos ahora”. Un punto, el presente, diferente al inmediatamente anterior y ¿a toda su carrera? “Pues sí, el álbum no suena como nada que hayamos hecho antes”. Con todo, nosotros, que pudimos escuchar “Four” antes de la charla que aquí transcribimos, pensamos que los seguidores iniciales del grupo van a quedar mucho más satisfechos que los de la última época, pues apenas hay electrónica y sí abundantes guitarrazos.

“Sí, las guitarras predominan en este trabajo, pero no diría que suena como el primero, este lo veo más lo-fi, más punk por momentos, y no tiene la textura de aquel. Lo más importante es que hemos

posterior. No hablemos ya de las colaboraciones del cantante con Martin Solveig o Tiësto. O sí… “No pasa nada, yo escuchaba a Tiësto cuando era más joven, me parece bien que Kele se codee con esa gente”, asegura su enjuto compañero entre risas. Vamos, que no fueron supuestas amistades peligrosas las causantes del distanciamiento entre cantante y grupo. ¿Querrán hablar de ello? Sí, quieren (aunque, tratándose de ingleses, a uno nunca le quede claro del todo donde acaba la realidad y empieza la ironía británica). “Ahora estamos bien, no hay que olvidar que somos amigos, pero fue una etapa oscura. Fue bastante duro que mis compañeros dieran muestras de que yo ya no era necesario.

Por suerte, los medios se hicieron eco y muchos fans de países distintos mostraron su tristeza y se pronunciaron en contra. El miembro más importante de su grupo favorito estaba siendo expulsado, no podía ser. Ellos hicieron que la banda cambiara de opinión y que yo hoy esté aquí”, dando continuidad al proyecto e, ¿iniciando una nueva etapa? “No lo considero un nuevo comienzo, lo veo más como algo

"Escuchaba a Tiësto cuando era más joven, me parece bien que Kele se codee con él" cambiado nuestra manera de tocar, eso es lo que marca la diferencia. La gente va a tener que escuchar el disco entero para apreciarlo, más allá del primer single”.

Con respecto a la escasa presencia de sonidos sintéticos, Russell asegura que siempre han intentado hacer “cosas diferentes”, por lo que “después de un descanso y de volver a reunirnos con nuestros instrumentos en una habitación, dimos con cómo sonaría ‘Four’. Tan simple como estar de nuevo tocando juntos” y casi nada que ver con “Intimacy” (Wichita, 08), el anterior álbum, ni con “One More Chance” (Wichita, 09), el sencillo previo al parón. Tampoco guarda relación directa con “The Boxer” (Wichita, 10), el debut en solitario de Kele, ni con “The Hunter”, el EP

circular. En mi cabeza, todos los discos están conectados, las diferencias son fruto lógico del paso del tiempo”. El guitarrista, por su parte, está de acuerdo. “No, no lo veo como una nueva etapa. Musicalmente es, simplemente, el siguiente paso que teníamos que dar, un nuevo capítulo en nuestra historia”, para el cual han contado con Alex Newport como productor (At The Drive-In, Melvins, The Mars Volta, Young Legionnaire...).

“Queríamos grabar música de una manera diferente, sin tantos aparatos, Pro Tools ni ordenadores de por medio”.

■ Joseba Vegas “Four” está publicado por Frenchkiss/Music As Usual.

Bloc Party Foto Archivo

JOAN MANUEL SERRAT

mondoFREAKO

Japandroids Foto Maoia Bassaouini

MondoSonoro · Septiembre 2012 /13/

JAPANDROIDS

A bocajarro No son tan populares como The Black Keys, ni lo pretenden, pero a cambio se lo pasan en grande girando por el mundo. Después de pasarse por el Primavera Sound en dos ocasiones, los canadienses vuelven a nuestro país para presentar las canciones de “Celebration Rock”, disco del mes de esta publicación el pasado mes de junio.

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os dúos deben estar muy compenetrados.

El menor error repercute en el ritmo de un directo, las limitaciones de uno influyen mucho más en el resultado que cuando hablamos de formaciones más amplias. Pero Brian King (guitarra y voz) y David Prowse (batería) se conocen como si se hubiesen parido el uno al otro.

Gracias a ello sus directos son pura adrenalina, actuaciones de una hora en la que no hay planes más allá de repasar el repertorio de sus dos álbumes (“Post-Nothing” y “Celebration Rock”) y sus múltiples singles (recogidos en la compilación “No Singles”). “Así debe ser, porque no hay opción cuando tocas en una banda de dos miembros y uno comete un error. Todo el mundo se da cuenta. Algunas bandas trabajan mejor con un bajista, un teclista o un segundo guitarrista, pero ese no es nuestro caso. Si fuésemos más músicos sobre el escenario la gente no me prestaría a mí tanta atención. ¡Y odiaría eso! (risas). Nosotros somos una mezcla entre tipos furiosos

y nerds, con rasgos de todo lo que existe entre esas ideas. Lo que intentamos es hacer música que refleje la parte más positiva de nosotros mismos. Para mí, hacer rock and roll es algo muy excitante y, por tanto, nuestra música debe reflejarlo”. Tan excitante como pueden serlo los treinta y pocos minutos de “Celebration Rock”, un trabajo tan visceral y apasionado como su predecesor, pero bastante más concreto y, desde mi punto de vista, bastante más americano que “Post-Nothing”. “Cuando grabamos el disco anterior, me sentía inseguro con mi propia voz así que mezclamos la guitarra mucho más fuerte que en este nuevo disco. Así que no hay duda de que sonaba más duro en ese sentido. Ahora confío más en mis letras y en mi forma de cantar, con lo que no tengo tanta necesidad de sepultar las voces en el sonido final. Por eso la mezcla de ‘Celebration Rock’ se acerca más a la forma en la que suenan los clásicos del indie rock americano”. Americanos en el

sentido en que influencias como Superchunk o The Gun Club (a quienes versionan) pueden serlo.

Les sugiero si son influencia básica para su carrera, inocente de mí, sin esperar la inabarcable lista de nombres (más de setenta grupos, desde The Dream Syndicate hasta Fugazi, pasando por artistas británicos como Wire o Crass y clásicos como AC/DC, Prince, ZZ Top, Springsteen, The Cure, etcétera) con la que me abruman, para luego añadir: “Todos estos grupos nos llevaron a hacer nuestra propia música y puedes encontrar cosas suyas en nuestras canciones, pero

minutaje, los tendrá; si una canción requiere de mayor velocidad y rabia, las tendrá. “¡Esto no es una pregunta, es un cumplido! Muchas gracias porque para nosotros la energía y la autenticidad son partes fundamentales de nuestro sonido”. Sin miramientos y sin complicaciones. Eso y que han sabido redondear discos concisos que dejen con ganas de más, como debe ser. “Nos hemos inspirado en discos clásicos del pasado en los que la duración y la secuencia del álbum estaban directamente relacionadas con la limitación de tener

"'Para mí, hacer rock and roll es algo muy excitante y nuestra música debe reflejarlo" si te refieres a un artista con una carrera como la que a nosotros nos gustaría tener, entonces te citaré a Nick Cave, sobre todo porque lleva cuarenta años haciendo música y sus discos me parecen cada vez mejores.

Supongo que esa debe ser su definición de tener éxito, intentar superarse artísticamente. Nunca vas a encontrar ese tipo de ambición en alguien que está satisfecho consigo mismo o con su éxito, como por ejemplo en Weezer”. Cambiando de tercio, insisto en que una de las virtudes de Japandroids es su capacidad por sonar directos, reales, sin complejos.

Si un tema requiere coros durante la mitad del

que prensarlo en un vinilo. Como en ‘PostNothing”, queríamos hacer un disco de ocho temas porque muchos de mis discos favoritos de siempre tienen ocho canciones (‘Raw Power’ de The Stooges, ‘Born To Run’ de Bruce Springsteen, ‘IV’ de Led Zeppelin) o duran treinta y cinco minutos (‘Let It Be’ de The Replacements, ‘Revolver’ de The Beatles o ‘Pet Sounds’ de The Beach Boys)”.

■ Joan S. Luna

Animal Collective “Centipede Hz”

“Celebration Rock” está publicado por Polyvinyl.

Japandroids actuarán en Madrid (12 octubre, El Sol) y Barcelona (13 octubre, Apolo).

Two Door Cinema Club “Beacon”

mondoFREAKO /14/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

Band Of Horses Foto Archivo

BAND OF HORSES

Carrera de fondo

Mientras algunos les descubrieron con “Infinite Arms”, otros consideraron que habían dado forma a su peor disco. De todos modos, tanto unos como otros están esperando expectantes la publicación del cuarto disco de la banda. “Mirage Rock” no sorprende en exceso, pero tampoco defrauda. Y eso ya es.

P

ara los amantes del rock de raíces americanas, el de Band Of Horses debería ser uno de los lanzamientos más esperados del otoño. Desde sus inicios con “Everything All The Time”, los de Seattle han ido construyendo una carrera sólida y cada vez más popular gracias a involuntarios pero inevitables hits como “Laredo”, de su último trabajo “Infinite Arms”. Tras dos años de pausa, “Mirage Rock” debe ser recibido como lo que es, una continuación lógica a una carrera en auge. El título elegido para su último disco suena casi a nuevo género musical, pero para ellos no es más que una forma “graciosa” de restar importancia a lo intensa que pueda resultar su música. “Me pareció divertido partir del término ‘garage rock’, ya que la mayor parte de mis canciones las compongo en un garaje bastante apestoso, cambiándolo y añadiéndole el punto de vista del espejismo.

Es decir, en la distancia, nuestras canciones pueden dejarte intrigado y hacerte suponer que a medida que te acerques vas a encontrar mucho más, pero si llegas lo suficien-

temente cerca te das cuenta de que no era para tanto. Así que el título es solamente una manera sensiblera de decir que no hay tanta sustancia en mis canciones… resulta gracioso, ¿no?”. Ben Bridwell (guitarra y voz) se contesta a sí mismo con unas risas ahogadas al otro lado del teléfono, contagiado de un frenesí que no sabemos si es habitual en él o provocado por todo esto de la promoción. Durante los quince minutos de conversación parece casi obsesionado en restar dramatismo e intensidad a su música, logrando un discurso alternativo a la misma bastante curioso, porque, sintiéndolo mucho Ben, no hay nada gracioso en “Mirage Rock”, aunque sí alguna sorpresa. Quien hasta ahora sólo haya escuchado el single de presentación del álbum, un trallazo de tintes épicos bautizado como “Knock Knock”, sin duda habrá apostado por un cambio de rumbo hacia sonidos más enérgicos y eléctricos en detrimento de su habitual filosofía melancólica y acústica, pero la sorpresa no es tanta. Escuchado en su totalidad, “Mirage Rock” expande sus sonidos, pero permanece fiel a la

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senda trazada hasta ahora. Son buenas noticias, el de Band Of Horses supone, desde su inicio, un personalísimo estudio de la tradición sonora americana, reinterpretada sin estridencias pero con convicción, lo cual no les convierte en los más originales de su promoción, pero les aleja de odiosas comparaciones con bandas como Wilco o My Morning Jacket. “Creo sinceramente que hemos logrado un sonido más crudo que no teníamos en ‘Infinite Arms’, aunque quizás no hasta el punto que el single puede hacer sospechar. ‘Knock Knock’ es la canción más

de la banda, no lleva el nombre de Phil Ek. En esta ocasión, le han sustituido por Glyn Johns, célebre por haber trabajado con gente como The Beatles, The Clash o Led Zeppelin, entre muchos otros, y al que ya se ha achacado gran parte del mérito de la energía que desprende “Mirage Rock”. “Necesitábamos un nuevo enfoque para mantener nuestro sonido fresco y desafiarnos a nosotros mismos. Después de lo tediosa que resultó la grabación de ‘Infinite Arms’, era fundamental para nosotros encontrar la manera de simplificar el proceso. Conocíamos

"Necesitábamos un nuevo enfoque para mantener nuestro sonido fresco" radiable de todo el álbum y es lo que tanto nosotros como nuestro sello queríamos lanzar al mundo como primer impacto. La radio sigue siendo un medio muy importante para llegar a la gente, sobre todo a aquellos que aún no están familiarizados con la banda”. Tanto para los nuevos como para los viejos fans, el mensaje del grupo parece claro. “Si hay alguna idea en este disco es la de volver a una forma directa y sencilla de hacer las cosas, grabando en una habitación, en directo y sobre una cinta y dejándonos la piel por una producción absolutamente genial”.

Genialidad que, por primera vez en la discografía

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la forma de trabajar de Glyn, en analógico y con la banda en directo, y era exactamente la dirección que nos apetecía tomar en este momento. Por supuesto, el hecho de que él también quisiese trabajar con nosotros no dejaba lugar a dudas. Glyn fue decisivo en todo, desde ayudarnos a elegir las canciones a guiarnos con cada arreglo, cada botón a apretar o cada micrófono a colocar. Su papel es fundamental en el resultado final del disco”. ■ Cristina V. Miranda “Mirage Rock” se publica el próximo 17 de septiembre de la mano de Columbia/Sony BMG.

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MondoSonoro · Septiembre 2012 /15/

mondoFREAKO

Austin TV Foto Archivo

no confidencial

RATA (AUSTIN TV)

◗ En la biografía de vuestra web puede leerse que sois una banda de art rock instrumental. ¿Lo de “art” es para disimular vuestro lado más cafre y salvaje?

(Risas) La parte de art tiene más que ver, creo, con que intentamos no ser sólo una banda de música, sino que intentamos llevar lo que pensamos también hacia un lado visual, un poco más artesanal, como lo es el arte de nuestros discos o nuestros conciertos. ◗ The Residents, Slipknot, Man Or AstroMan?, Los Straitjackets, The Tiki Phantoms, Austin TV... ¿Por qué hay tantos grupos que usan máscaras? ¿Por qué no? (risas) La vida es corta, así que hay que divertirse. ◗ ¿A cuántos tequilas habéis tenido que invitar para lograr el premio de la Música Independiente al Mejor Artista Mexicano? ¡Afortunadamente a ninguno! Pero con gusto nos echamos unos tequilas con ustedes para festejarlo. ¿Se apuntan? ◗ ¿Habías conocido antes a algún músico tan serio como Enric Montefusco de Standstill, al que acompañasteis en varios conciertos en vuestro país?

(Risas) De entrada parecía muy serio, pero después de unos tequilas nadie continúa siendo serio (más risas). ◗ Por cierto, ¿ya os habéis aprendido las líneas de bajo de “Adelante Bonaparte”?

Ricky escribe unas líneas de bajo espectaculares, pero me aprendí “Adelante Bonaparte”… aunque hay otras que jamás podría tocar igual a como están grabadas. Supongo que soy un bajista medio malo (risas). ◗ ¿A cuántos periodistas españoles habéis obligado a comer “chapulines” (grillos tostados) usando esa vieja táctica basada en el “¿A que no tienes huevos?”?

Solamente a Don Disturbios, a quien también le hicimos comer gusanos de Maguey, al final de la botella de mescal. ◗ ¿Os planteáis el salto a España porque en vuestro país ya no os soporta ni Dios? ¿Dios existe? ◗ Mogwai, Turing Machine, Tristeza, Dianogah... ¿Se nos va la olla a los periodistas o, de vez en cuando, acertamos en las comparaciones?

(Risas) ¡Es normal! Supongo que al ser todos grupos instrumentales, pues se suele comparar. No nos lo tomamos como algo personal, además de esas bandas que mencionas, hay muchas que admiramos su música, pero también su calidad humana. ◗ ¿Le romperíais las piernas a algún crítico musical?

No le rompería las piernas a nadie, pero –repitodespués de unos mezcales, uno ya no sabe lo que puede pasar (risas). ■

THE SHOES

GANAS DE SORPRENDER Tras editar su debut “Crack My Bones” hace un año y medio en su Francia natal, el dúo ha exportado recientemente sus canciones hasta el resto de Europa aprovechándose del impacto internauta del vídeo de “Time To Dance”. En España podrás verles de cerca en el DCode Fest.

A

sí, de primeras, puede que no te suenen a no ser que hayas pasado recientemente una temporada más allá de los Pirineos o estés al tanto de todo lo que se cuece en la escena gala. Pero si te decimos que este dúo de Reims es el culpable de uno de los videoclips más salvajes de la temporada, “Time To Dance”, probablemente recuerdes aquel instante en el que viste a Jake Gyllenhaal reencarnando el espíritu ultraviolento que Anthony Burguess plasmó en su celebradísima “La naranja mecánica”. La popularidad de Guillaume Brière y Benjamin Lebeau, los dos hombres detrás de The Shoes, está creciendo como la espuma día a día. Su frenético debut, “Crack My Bones”, ya hace más de un año y medio que emergió en las tiendas de discos francesas, pero no ha sido hasta este 2012 que se ha exportado como es debido al resto de Europa para deleite de los sumisos al pop electrónico de alma humana. “En su momento fue un lanzamiento a pequeña escala en nuestro país, así que ya puedes imaginarte lo contentos que estamos de que haya traspasado las fronteras meses después. Al principio de todo, cuando los temas se estaban gestando, sonábamos muy diferente. Teníamos un punto más french touch a imagen y semejanza de lo que hacen nuestros amigos Justice o SebastiAn. Sin embargo, nos dimos cuenta de que lo nuestro son las estructuras más pop y decidimos regrabar todo el disco entero en Londres para darle otro enfoque más fiel a lo que verdaderamente somos”, comenta nuestro

interlocutor Guillaume Brière, quitando hierro a los motivos que llevaron a la disolución de The Film, su anterior proyecto junto a Lebeau.

“Tuvimos un montón de problemas con nuestro ex-manager, con el sello que nos llevaba, con alguna que otra droga…

En definitiva, nos convertimos en un cliché de lo que se espera de cualquier rock star. Ese el motivo por el que decidimos pasar página y crear algo nuevo

escoger aquellas que de verdad destacaban. El objetivo era ofrecer un disco consistente en el que hubiera tanto canciones rápidas como otras más pausadas, que hicieran de él una especie de compilación de singles”. Con el vídeo de “Time To Dance” dirigido por Daniel Wolfe aumentando visionados semana tras semana, no hay que ser un lumbreras para pronosticar su éxito en muchos otros territorios. A ellos les va de perlas la polémica. “Gracias a él mucha gente nos ha conocido y ha indagado en todo lo que hemos hecho con anterioridad. Para nosotros la parte visual tiene la misma importancia que la estrictamente musical. La gente ha cambiado sus hábitos y escucha música a través de Youtube, así que seríamos muy estúpidos si no nos aprovechára-

"Antes teníamos un punto más french touch, así que decidimos regrabar todo el disco" desde cero. Así nació The Shoes”. Tras haber remezclado, producido y compuesto temas a Shakira, Lana del Rey o su vecino Yuksek, el dúo ha querido finalmente dejarse acompañar por amigos como Wave Machines, Esser, Cocknbullkid o Anthonin Ternant de The Bewitched Hands en su puesta de largo. Pudiéndose aprovechar de nombres de relumbrón, ¿por qué han sido ellos los elegidos? “Siéndote sincero, no escogemos a nuestros invitados especiales. Siempre nos decantamos por amigos en común sobrados de talento que tenemos a mano. Cuando tenemos una letra lista pensamos en quién de ellos podría hacerlo mejor. El proceso es muy natural, ni mucho menos perseguimos a nadie para que acepte. Lo complicado de verdad fue dar forma al tracklist del álbum.

Teníamos unas veinticinco canciones en total y nos vimos en la obligación de

mos de una plataforma como esta”. Aun así, Guillaume invita a todo aquel que quiera conocerles de verdad a que se acerquen a uno de sus directos. Ahí es donde salta la sorpresa. “Nunca hemos tenido la pretensión de sonar pregrabados en nuestros conciertos. Nos aburre ver a un músico electrónico detrás de un ordenador.

Por ello hemos huído de esto y vamos con cinco percusionistas en directo...

Se crea algo muy ruidoso y visualmente bonito. Una vez acabemos la gira nos adentraremos de lleno en lo más difícil: empezar a trabajar en un segundo largo.

Aún es pronto para avanzar nada, pero queremos hallar un nuevo concepto para la ocasión que os sorprenda”.

■ Sergio del Amo “Crack My Bones” está publicado por Southern Fried.

The Shoes actuarán en el DCode Fest.

The Shoes Foto Diane Sagnier

Conocidos ya por parte del público de nuestro país, Austin TV vuelven a España para protagonizar, este mes de septiembre, una gira de nueve fechas que les llevará a ciudades como A Coruña, Vigo, Madrid, Barcelona, Zaragoza o Cartagena. Oportunidad ideal para entrevistar con descaro a uno de sus miembros.

Napoleón Solo Foto Filippini y García

mondoFREAKO /16/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

NAPOLEÓN SOLO

Bendita locura La banda granadina, liderada por el taciturno Alonso Díaz, publica su segundo trabajo. “Chica disco” (El Volcán Música) es uno de los lanzamientos fuertes del pop nacional en 2012. Se cumplen las expectativas: canciones emocionantes, una formación cada vez más sólida y un sonido poderoso cincelado por uno de los cerebros de Café Tacvba.

“

Siempre estoy pensando en las canciones, tratando de conectar alguna idea. Cuanto más pienso, más ideas me vienen. Es una búsqueda larga, de horas y trabajo, para encontrar algo”. A pesar de su juventud –veintiséis años– Alonso Díaz aplica métodos de maestro. El cabecilla de Napoleón Solo ejerce como docente en un conservatorio privado. ¿Las antípodas para su caleidoscópica música de guitarras? Las apariencias engañan. “En nuestro primer disco cuidamos más la relación con la música clásica. Aquí la hemos separado un poco, excepto en la parte final. Algunos integrantes del grupo tenemos formación clásica y eso influye”, explica. “A mí me ha costado un tiempo olvidarme de las partituras casi por completo”, añade el bajista, José Ubago.

En su debut, “Napoleón Solo en la ópera” (2010), ya se apuntaban ambiciones. El barroquismo de Queen, melodías adhesivas y arquitectura pop con capas de ornamento. “Mi

intención era que este disco sonara más a superproducción: baterías más pesadas, arreglos más gordos. Habíamos escuchado las producciones de Emmanuel del Real, Meme, de Café Tacvba y pensamos que si lográbamos acercarnos a eso, molaría un montón. Sin embargo, al oírnos, Meme quería otra cosa: un tratamiento natural, con todos los miembros tocando en directo y sin editar mucho lo grabado.

Yo seguía encandilado con sus grandes producciones. Con auriculares se oyen guitarras calentando, suciedad… Meme no ha limpiado nada. Al final, lo que suena es real, una banda en vivo. Nos chupamos esa porque Meme tenía razón”, aclara Alonso.

“Nos interesaba una visión externa. Meme hizo las canciones más sencillas y digeribles. Se nota que es músico por encima de todo. Vino a España una semana antes de meternos en el estudio y entendió todo lo que estábamos haciendo. Aprendimos

mucho de él”, subraya Ubago. En efecto, hubo un tiempo en el que Café Tacvba se homologaron como los Radiohead latinos. Napoleón Solo, por su parte, se impregnaron en sus conciertos en México de la ingente ola de rock azteca.

Nuevos aires que respiran en “Chica Disco”.

“Conocimos a muchas bandas mexicanas.

Cuando volvimos a España, solamente escuchábamos a grupos de allí. Si te gusta la música cantada en castellano, hay un continente entero con una barbaridad de artistas que tocan estilos que aquí no se trabajan. Grupos que nada más oírlos, sa-

un pueblo de Jaén. La grabación transcurrió con fluidez y buenos alimentos durante seis días en La Alpujarra granadina. Canciones registradas en no más de tres tomas. Según Alonso, “es un sistema mucho más rápido que grabar por pistas”. Aburrido en su casa de Arjonilla, con un ordenador y un micrófono, así surgen composiciones sobre un tema tan universal como la ruptura de una relación. “Los discos de desamor son los clásicos de toda la vida. La mayoría hablan de eso. Está muy trillado”.

El líder de Napoleón confiesa que el hit “Antes de que ocurriera” nació de manera surrealista.

"Los discos de desamor son los clásicos de toda la vida. Está muy trillado" bes que no podrían ser españoles. El rock latino se mezcla mucho con lo autóctono”.

Reflexiones de un Alonso que llega embelesado con el fascinante álbum de Instituto Mexicano del Sonido, compañeros de sello en España.

“Camilo Lara nos invitó a un ensayo y lo pasamos genial”. Ahora tratan de cerrar el regreso de Napoleón Solo al D.F. en 2013. ¿En el mejor momento de forma? “Todos tocamos mejor ahora. Nos complementamos mejor, sonamos mejor. Hemos crecido con esto”, sentencia el bajista. Atrás queda la época en la que Eric Jiménez apadrinaba el proyecto de aquel jovencito de rizos bufados que venía de

“La melodía se me ocurrió en los servicios de Cinearte, cuando estábamos grabando ‘Napoleón Solo en la ópera’. Al llegar al hotel se la canté a José en un árabe inventado”. Más excentricidades: abrir el disco con un “Adiós”. “Parece una obertura. Empieza poco a poco y deja una incógnita. Después de un adiós así, ¿qué puede venir en el resto del álbum? Buscamos ese factor sorpresa”. Bendita caja de pandora.

■ Eduardo Tébar “Chica disco” está publicado por El Volcán Música.

NAPOLEÓN SOLO ESTARÁN EN EL DCODE FEST.

mondoBEATS /18/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

EN LA

Kill The Hipsters Foto Archivo

MALETA

KILL THE HIPSTERS Además de residentes del club Zoológico, el dúo Kill The Hipsters está confirmado entre los artistas del Dcode Festival, que se celebra en Madrid los días 14 y 15 de septiembre. En sus sesiones no hay quien se quede quieto.

Si alguien lo duda, que se pase a verles y no le faltarán pruebas. ◗ ¿Por qué motivos empezasteis a pinchar? ¿Para ligar, para ser estrellas?

En el colegio nos pegaban y nos quitaban la merienda, así que pensamos que si empezábamos a pinchar seríamos guays y molaríamos. No ha funcionado y seguimos sin tener amigos y sin molar nada, pero al final le hemos cogido el punto y nos está empezando a gustar la música y todo. ◗ ¿Qué disco nunca falla en una sesión vuestra?

“Drop The Pressure” de Mylo es un clásico básico que siempre funciona.

◗ ¿Qué es lo peor que puede hacer un Dj mientras está pinchando?

No mirar a la pista y ser indiferente a las reacciones del público. Mención especial para los que sólo miran fijamente la pantalla del Mac y parece que están hurgando en Twitter en vez de pinchando. ◗ ¿Qué es lo que más os gusta y lo que más odiáis de otros Dj’s?

Lo que más nos gusta es que nos inviten a cañas y las Dj’s rusas que pinchan en topless. Lo que menos: los que se creen Mozart y se les sube a la cabeza el poner discos, los malos compañeros que lo único que hacen son críticas gratuitas, los que se creen poseedores de la verdad absoluta y sólo su concepto de sesión es válido y por último los que no nos invitan a cañas. Tampoco nos gustan las Dj’s rusas que no pinchan en topless. ◗ ¿Qué opinión tienes de la relevancia que se le da en la actualidad a los Dj’s?

Nos parece estupendo ya que así gente “especial” como Kiko Rivera y Paris Hilton se está ganando la vida. Apoyamos al cien por cien la integración de todo el mundo en el mercado laboral. ◗ ¿Qué opináis de los músicos que pinchan?

Es cierto que hay grupos que hacen dj-sets lamentables, pero hemos visto sets muy buenos de músicos que nos han sorprendido, así que no se puede generalizar. Lo que sí tenemos claro es que nos parece muy bien que los músicos se pinchen ya que algunos de los más grandes como Hendrix, Janis Joplin o Ray Charles han dado lo mejor de sí mismo bajo los efectos devastadores de la droga. ◗ ¿Cuáles son vuestros Dj’s actuales favoritos?

A nivel nacional nos gustan mucho Radiocontrol, el colectivo Plastidécor, RadioKerman, Hal 9000 y Kiko Rivera. De fuera, nos encantan MSTRKRFT, A- Trak, Laidback Luke y Paris Hilton. Luego, como productores podríamos citar a Mylo, Breakbot, Aeroplane, Sidechains, Russ Chimes, Anthony Atcherley, Alex Metric, Fred Falke, Paloma San Basilio…n

Mitad humanos, mitad máquinas ¿Cuántas veces habrán saltado como locos a la pista con aquel bombo inicial y berreado aquello de “I wanna be trash!”? Pues estamos de enhorabuena porque los artífices de aquel temazo de 2006 vuelven con disco nuevo bajo el brazo y quieren hacernos bailar más todavía. Su segundo trabajo, “Wired Together”, lanza hits como puños desde la pista de baile. Tú decides si esquivarlos o salir a defenderte.

S

eis años, que se dice pronto. Seis años hace que asaltaron todas las pistas de baile y emisoras de radio con su gran hit “Trash” y cuatro desde que lo incluyeron en el que fue su álbum debut “X marks destination” en 2008, junto a otros temas que funcionan en cualquier pista de baile.

Tanto tiempo ha pasado que lo que empezó siendo un cuarteto ha acabado siendo un trío, ya que el teclista Danny Saville abandonó la banda poco antes de este segundo álbum para trabajar de director de cuentas en una importante empresa. Un adiós triste, como todos los adioses, pero inevitable y natural en la evolución de la banda. “Nos parece bien ser tres, era lo más natural para todos y nos ha ido bien desde entonces”. Una evolución que se ha basado siempre en la misma premisa: la de mezclar electrónica y guitarras. “Con los primeros temas estábamos aprendiendo cuál era la fórmula que nos podía funcionar e intentando juntar todas las ideas y sonidos que se nos ocurrían. En este segundo disco se trata más de poner atención en los detalles, de esculpir los temas para que suenen igual de bien en los auriculares del iPod que en los bafles de un macrofestival”. Y, aunque suena bien en ambos,

las vibraciones y los bpm’s de este disco claramente te transportan antes a la pista de baile que al sofá. “La gira de nuestro primer disco fue muy larga y tocamos en centenares de sitios diferentes, a veces bares, a veces encima de una montaña o

The Whip Foto New Press Shot

◗ Por contra, ¿cuál de vuestros discos favoritos nunca ha sonado en una sesión vuestra? ¿Por qué?

Escuchamos bastantes frikadas que vaciarían la pista si las pusiésemos. Desde clásica a deep-house pasando por chanson francesa. Por poner un ejemplo concreto “Walls” de Apparat nos encanta pero no lo hemos puesto nunca ya que no queremos que nos linchen los gorrillas que vienen a nuestras sesiones buscando electro-house del duro, tropical y demás.

THE WHIP

cierta esa breve descripción que aparece en su página de Facebook: “Mitad hombre, mitad máquina”. “Eso de ‘parte hombre, parte máquina’ es de ‘Robocop’, que me encanta (risas). Uso esa frase porque me parece que resume bastante bien lo que hacemos. Nos gusta coger emociones humanas y añadirles las máquinas”. Máquinas como por ejemplo ese Roland 303 que lleva el peso de “Riot”, que bien podría ser su nuevo “Trash”. “En el estudio estábamos rodeados de montones y montones de equipamiento impresionante. Entre ellos había sintetizadores antiguos muy chulos, uno de los cuales era el Roland 303.

Reté a Jagz a usarlo en alguna canción y finalmente lo metimos en ‘Riot’: es esa

"Nos gusta coger emociones humanas y añadirles las máquinas" en la Muralla China, pero sobre todo tocamos en muchos clubes de madrugada, así que supongo que, sin ser plenamente conscientes de ello, eso influyó en la música que haríamos luego”. También influyó en ese sonido el haber grabado en el estudio de Mark Ralph con una mesa de mezclas de Kraftwerk (la misma que ha usado Hot Chip para su “In Our Heads”) y, sobre todo, la producción de Jagz Kooner que “metía en el ordenador las grabaciones de los instrumentos en directo y las trabajaba y mezclaba como si de un remix se tratara. Así que supongo que este segundo disco es en cierta medida casi como un álbum de remezclas”. Nunca ha sido tan

línea de bajo tan sucia que se oye durante toda la canción”. Otro de los hits de “Wired Together” (aparte de “Movement”, la favorita de Fee) es “Secret Weapon”, algo más facilona, pero igualmente resultona, sobre todo en el remix que le ha hecho Alex Metric.

“Le encantó la canción y la verdad es que hizo un buen trabajo con ella. Estamos muy contentos con la remezcla que nos ha hecho, tanto que es la versión que tocamos en nuestros directos y a la gente le encanta”. ■ Virginia Arroyo “Wired Together” está publicado por Southern Fried/Tsunami. THE WHIP ESTARÁN EN EL KUTXA KULTUR FESTIBALA.

------------------------------------Agenda SON Estrella Galicia

Anni B Sweet

7 de septiembre / Sala Capitol, Santiago de Compostela

Ted Leo + Rebecca Gates 13 de septiembre / Café Berlín, Madrid

Christina Rosenvinge 19 de septiembre / Teatro Lara, Madrid 20 de septiembre / Porta Caeli, Valladolid 21 de septiembre / El Ensanche, Vigo

Sonny & the Sunsets 22 de septiembre / Café Berlín, Madrid

Sharon Van Etten

27 de septiembre / Teatro Lara, Madrid

Veronica Falls

03 de octubre / Teatro Lara, Madrid

El Hijo

11 de octubre/ Teatro Lara, Madrid

Fanfarlo

17 de octubre / Teatro Lara, Madrid

Tindersticks

20 de octubre / Centro Cultural Ágora, A Coruña

Jane Joyd

24 de octubre / Café Berlín, Madrid 26 de octubre / Porta Caeli, Valladolid

Saint Etienne

15 de noviembre / Teatro Lara, Madrid

------------------------------------Festivales, Ciclos y Giras SON Estrella Galicia

Basia Bulat

(Presentación Voces Femeninas 2012 ) 26 de septiembre / Teatro Lara, Madrid 28 de septiembre / Café & Pop Torgal, Ourense 29 de septiembre / Auditorio del Ayuntamiento, Vigo

Vega 29 de septiembre / Planta Baja, Granada 05 de octubre / Sala Musik, Murcia 19 de octubre / Azkena, Bilbao 20 de octubre / Apolo2, Barcelona

www.estrellagalicia.es Outono Capitol Rock Festival 2012

Ray Collin´S Hot + Jeff Hershey And The Heartbeats + Los Eternos

29 de septiembre / Sala Capitol, Santiago de Compostela

American Autumn 2012 Howe Gelb, Daniel Martin Moore + Joan Shelley, Will Johnson + Patterson Hood + Craig Finn…

Otoño 2012 / Café & Pop Torgal, Ourense

981HERITAGE Actress , Dean Blunt & Inga Copeland (Hype Willians), Kode9, oOoOO-Live, Erika Spring (Au Revoir Simone), Solar Bears, Noaipre, Judah… y más artistas por confirmar 06 de Octubre / Nave de Música Matadero, Madrid

www.estrellagalicia.es

entrevistaS

/21/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

Nunca me abandones No cabe duda de que “Coexist” de The XX sí es uno de los discos más esperados de la temporada. Con él, estos tres londinenses intentarán provocar las mismas sensaciones y emociones con las que nos conquistaron hace casi cuatro años.

R

ecuerdo la primera vez que escuché a The XX. No es que a nadie vaya a importarle demasiado, pero hubo algo especial.

Diría que fue la sensación de estar escuchando algo en el momento adecuado, y no me refiero a presuntuosidades del tipo “antes de que el mundo les descubriese” (en Inglaterra siempre nos van a dar sopas con honda en ese terreno, así que para qué pavonearse). Me refiero más a la situación, una noche en casa, cansado, tranquilo e inconsciente de la magia que cuatro jovencitos británicos podían crear con un tema que ni siquiera les pertenecía. “Teardrops”, su fantástica relectura de Womack & Womack, me abrió los ojos a todo lo que llegaría más tarde: “Crystalised”, “Island” y el éxito internacional. Era el momento, decía, por las condiciones en las que les escuché y por poder hacerlo sin más expectativas que algunos -infinitos ya entonces, eso sí- comentarios británicos. Muchas otras personas, desde distintos lugares del universo, estaban viviendo lo mismo. The XX eran mágicos y el mundo debía descubrirles. Cuando lo hizo, nada fue igual. Nada excepto lo enigmático de unas canciones creadas por unos tímidos británicos que, con su sonido oscuro y su velocidad casi terminal, parecían ir contracorriente. Podría describirles las claves de su sonido, pero para qué.

Pocos de ustedes no les habrán escuchado. No sé si con la atención suficiente o sin ella, pero esa no es mi guerra. Pero vayamos a por nuestra conversación. Aquí estoy, frente a ellos, casi cuatro años más tarde, consciente de que “XX” (Young Turks, 09) es uno de los discos británicos relativamente recientes que mejor mantiene sus cualidades, su misterio y su capacidad de emocionar. Es lo primero que les digo cuando les tengo sentados frente a mí en la terraza de un hotel barcelonés.

Romy Madley Croft (guitarra y voz) y Oliver Sim (bajo y voz) sonríen agradecidos. Jamie XX (Smith; programaciones) me mira con una extraña expresión que no logro identificar del todo. “Suelo llevar una revista conmigo para que los grupos la recuerden o por si alguno de los miembros no está muy interesado en contestar preguntas”. Me toma la palabra. No abre la boca (no lo hará durante

los veinte minutos de entrevista) y se concentra en analizar la imagen de Hot Chip en la portada del ejemplar que ha hecho suyo. Oliver me pregunta con una tímida risa si opino lo mismo de “Coexist”, el disco que publicarán cuatro meses después de nuestra charla. “Eso espero”, le digo, “aunque solamente lo he podido escuchar dos veces antes de entrevistaros”.

A

hora, justo cuando escribo este texto, tengo las cosas bastante más claras. The XX han dado forma a un disco continuista –demasiado, para mi gusto-, tan minimalista como su predecesor, mágico, sensible y de una languidez casi mística en el que el negro es un color fantástico –contra las leyes de la física- de preciosas posibilidades cromáticas. Su negro no le da la espalda a la vida, la saluda y la respeta, aunque esconda desamor y tristeza, quizás por cosas de la edad. Por eso, y aunque sigan vistiendo de ese color, la portada de “Coexist” es blanca y su título suena tan esperanzador. “Oh, sí, seguimos vistiendo de negro, pero no somos gente triste (risas). De hecho ahora mismo estamos muy contentos. Hemos vivido una temporada muy ajetreada, con muchos nervios, pero escuchar el master definitivo fue increíble. Lo que ocurra con el disco desde este momento ya no está en nuestras manos”, contesta Oliver. Romy asiente con la cabeza, consciente de que me estoy fijando en la reacción a las palabras de su compañero. Su respuesta demuestra que le estaba dando vueltas a lo que antes les decía sobre la vida. “De alguna forma, siempre hemos tenido un espíritu positivo.

No somos unas personas extrañas y oscuras que pretendan dar miedo a los demás.

Quizás nos lo tomamos así cuando éramos unos teenagers, pero ya nunca más vamor a serlo (risas). Lo que ocurre es que el ambiente que creamos no siempre tiene que coincidir con la letra de la canción, pero esa contradicción me gusta. Algo de esperanza en la oscuridad. No sé, parece que la gente está más acostubrada a escuchar canciones

pop alegres que en realidad tienen letras muy tristes, y que lo contrario aún puede sorprender”. Casi me había olvidado, pero Jamie sigue ahí, entre ambos. Oliver le suelta un par de tímidos codazos en broma, a lo que su compañero responde mirándole a los ojos con una expresión que revela sorpresa, no enfado. El bajista resopla, ríe y pone su mano bajo la barbilla a la espera de mi siguiente pregunta. Me sorprende verles tan cercanos y amables, sinceramente tímidos y sobre todo abiertos a hablar de lo que se nos antoje. Y se me antoja hacerlo sobre el aire espiritual, casi místico, que siempre ha sobrevolado su música y su estética, su puesta en escena e incluso la idea que equivocadamente atribuyo al título de su segundo disco. Romy vuelve a tomar la palabra.

“Oh, no, no, ‘Coexist’ no tiene que ver con la religión. Habla sobre la conexión entre indi-

Jamie, y hace diez años que nos conocemos, así que no se me ocurre ninguna situación mejor”, concluye Oliver, quien ha sacado el tema de la confianza. Confiar en uno mismo es casi una obligación; en los demás, una muestra de amistad, pero ¿y en la propia música? Ahora, vista la repercusión de sus canciones, resultará más sencillo, aunque ¿fue siempre así? (Oliver) “No teníamos muchas expectativas cuando hicimos nuestras primeras canciones, por eso todo lo que vivimos con el primer disco nos pareció irreal. Ocurrió tan rápido que nunca nos lo acabábamos de creer... Ya sabes, toda esa gente en los conciertos y en los festivales disfrutando...”. La música de The XX será muchas cosas, pero inmediata lo que se dime inmediata no es. Así que para disfrutar de canciones como “Chained” o “Unfold” en sus con-

“Seguimos vistiendo de negro, pero no somos gente triste (risas)” vidualidades. Nosotros tres estamos compartiendo nuestras vidas, durante muchas horas, y no solamente hemos aprendido a entendernos y a respetarnos, sino a disfrutar de todo lo que nos une como personas y como músicos. Por eso ‘Coexist’, porque tenemos que aprender a compartir, a comprometernos con los demás”.

E

n ese momento, suelto un monólogo sobre lo contentos que pueden estar de haber conseguido que la música que sale de su cabeza, su corazón y sus manos haya llegado tan lejos y que todo haya sido gracias a eso, a comunicarse entre ellos. “Nos une la música y la amistad. Es una gran coincidencia en nuestras vidas. Para nosotros hacer música juntos es algo muy natural y bonito”, interrumpe Romy. “¿Sabes qué es lo más importante para mí? La honestidad y lo magnífico que es confiar en estas personas. Tenemos mucha suerte de que nuestra amistad nos haya ayudado tanto como grupo. No somos de ese tipo de bandas que fichan al mejor batería de la ciudad y no tienen más remedio que hacerse amigos porque de eso depende su música. Me gusta lo que hace

ciertos se requiere de dilatadas escuchas previas en la soledad de nuestra habitación, a poder ser bajo una luz ténue y sin montones de ropa interior sucia que resten magia al momento. (Oliver) “La simple idea de que a la gente le guste lo que hacemos ya me parece maravillosa. Es algo de lo estoy muy agradecido”. (Romy) “A mí también me gusta que la gente no nos vea como algo de usar y tirar. Me parece fantástico que alguien se tome el tiempo necesario para meterse en nuestras canciones cuando ahora todo va tan rápido”. (Romy) “¡Pero no somos gente pretenciosa que crea que hace música especialmente profunda!

Somos un grupo de pop, eso es todo”. En ese momento, un par de turistas se tiran en bomba a la piscina que tenemos a nuestras espaldas. Las chicas que les acompañan empiezan a reir a carcajadas. Las miro en bañador, con toda su tontería de guiris en país extraño, miro a Romy, Oliver y Jaime pálidos y tímidos. Y por única vez en mi vida elijo el negro como color favorito para el verano.

■ Joan S. Luna “Coexist” se publica el próximo 10 de septiembre vía XL/Popstock!

The XX Foto Archivo

THE XX

Two Door Cinema Club Foto Jamie William

entrevista /22/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

TWO DOOR CINEMA CLUB

Ante todo mucha ¿Cuántas bandas saborean el hype en el panorama indie internacional? Muchas, pero apenas unas pocas saben crecerse con ello, hacerse fuertes y salir reforzadas. Sí es el caso de Two Door Cinema Club que mantienen sobradamente el tipo con “Beacon”, su segundo larga duración y uno de los discos más esperados de esta vuelta de vacaciones.

Q

ue tu propia banda saboree el hype y que encima sea con su primer disco tiene que ser algo fuerte, muy fuerte. Seguro que da que pensar: ¿lo estamos disfrutando o va a deglutirnos? Sin duda es algo que habrá pasado por la cabeza de estos jovencitos irlandeses, autores de un disco de debut que captó la atención de cientos de miles de seguidores de todo el mundo. A estos tres chavales se les ve todavía aturdidos cuando, sentados en un hotel de Madrid a unas horas de su actuación en el Día de la Música, se les pregunta directamente por esta cuestión. Literalmente, asienten uno detrás de otro con la mirada hacia el suelo, diciendo: “Sí, nos hemos sentido muy abrumados, muchas veces”. Kevin Baird (bajo) es el primero en explicarse. “Es realmente extraño esto de

la fama. Créeme, puedes ver que las ventas van bien, que la gente va a verte a los conciertos, pero enseguida se te olvida lo de la fama. La idea de la gran cantidad de gente a la que le gusta tu música es muy fugaz, si tu preocupación real es hacer canciones.

Entonces, cuando vuelves a encontrarte con un follón de cientos de fans esperando en la puerta de una sala para verte, o para que le firmes su disco, te vuelves a sentir abrumado. ¿Esto lo provoco yo? No puede ser… Recuerdo una vez en San Diego en que salí de la sala por accidente, y me encontré frente a frente con quinientos fans que llevaban todo el día esperando a que llegara la hora de nuestro show. Fue terrorífico, tuve que salir corriendo por la

timidez”. Mal asunto eso de la timidez, pues con el lanzamiento de “Beacon” lo de girar va a llevarles por todo el planeta, y seguramente con más experiencias “fenómeno fan” que antes.

“En Belfast, por ejemplo, todavía seguimos viendo las mismas caras de nuestros amigos y nuestros primeros seguidores, y dices ‘ok, todo va bien, esto va a ser divertido’. Pero ir a México o Brasil impone mucho. Allí la gente es tan entusiasta que puede tornarse impredecible”, dice Sam

mucha pasta que nos ofrecieran”, señala Trimble. “La lealtad lo es todo para nosotros”, coinciden.

L

a apuesta de su debut “Tourist History” (10) funcionó con los ingredientes adecuados del momento: guitarras neo post-punk con ritmos discotequeros. Pura energía y épica juvenil del siglo XXI, vaya. Pero cuidado con el sucesor “Beacon”, que viene rebelde. “Nos han salido más canciones lentas que en el

“Nos han salido más canciones lentas que en el primer disco” Halliway (guitarra). Sin embargo, ni el éxito ni el jet-lag, han podido romper el buen rollo alrededor del que la banda nació. “Seguimos siendo buenos amigos, gente que ha crecido junta, y puede que de una manera más rápida que otros. Y sobre todo, no nos hemos vuelto unos derrochadores, ahora no nos gastamos una pasta en instrumentos increíbles, como hacen otros”, bromea Baird.

“Ni nos hemos ido a una multinacional por

primer disco”, responde rápidamente Trimble, dejando entrever que le mosquean ciertas acusaciones de ser adictos al upbeat. “Espero que este disco cambie la imagen que la gente tiene de nosotros. No somos un ‘one trick pony’ (mago de un solo truco, o algo así), que es como algunos nos ven porque, en esencia, los temas de nuestro debut son muy parecidos, todos rápidos, energéticos y bailables. En nuestro nuevo trabajo hay

MondoSonoro · Septiembre 2012 /23/

entrevista

calma temas como ‘Wake Up’ o ‘Next Year’ que son muy urgentes, pero ha sido un placer componer piezas lentas, porque el primer disco era todo el rato igual, siempre con mucha velocidad, y uno necesita probar cosas diferentes”. Su compañero Baird es más directo, asegurando que “en el proceso creativo, antes pensábamos constantemente en cómo levantar al público en los conciertos, pero ahora nos importan otras cosas”. Halliday se explica aún mejor. “El debut salió así porque éramos adolescentes, y en ese momento de tu vida tiendes a expresarte así, de una forma muy inmediata.

Por eso creo que ‘Beacon’ es más que un álbum para nosotros. Significa un cambio estilístico y vital”. “Cierto, hay menos ansiedad, menos nerviosismo”, desarrolla Trimble. “Por eso el nuevo disco suena más relajado, más elegante, más cohesionado y más vivo, a mi parecer”, contesta Halliday.

“En definitiva”, explica Trimble, “ha sido un disco con un proceso creativo muy catártico. Hemos estado dos años ocupadísimos, casi volviéndonos locos, en los que hemos contemplado muchas cosas sobre las que necesitábamos escribir. La reflexión ha

hecho que el proceso haya sido completamente diferente al del primer disco”. “Por eso y por otras cosas”, dice Baird mirando a sus socios. “Acordaros de lo estresantes que eran los límites de tiempo que tuvimos para el primero”.

necesitaban Two Door Cinema Club: “que se dejara respirar nuestro ideal, nuestro sueño de cómo debía ser el disco”, dice Trimble.

“No se inmiscuyó en nuestra técnica instrumental, sólo hablo de atmósferas siguiendo nuestra visión de las cosas, y adivinó qué le

“En México o Brasil la gente es tan entusiasta que puede tornarse impredecible”

U

n lugar para grabar apartado de los garitos irlandeses se antojaba un elemento fundamental para sublimar esta madurez, así que se fueron a Los Angeles, al “relajado y despreocupado” ambiente del estudio casero de su compatriota Jacknife Lee. “Está en medio de la nada, cerca de un bonito cañón… es plácido y sereno. Y podías escuchar a su familia haciéndose la cena en la habitación de al lado, todo muy natural y relajado, y eso se nota en las canciones”, dice Halliday.

Jacknife Lee, que se ha curtido trabajando durante más de una década con bandas como U2, Snow Patrol, The Cars, The Drums, R.E.M., Bloc Party o The Wombats, intuyó con claridad lo que

faltaba a cada una de nuestras canciones.

Las texturas que ha sacado a los instrumentos son pura vida, y eso es estupendo para el directo, que es lo importante”. El descubrimiento de este productor (“queremos repetir con él, sin duda alguna”, coinciden) y las nuevas aspiraciones creativas hacen sacar conclusiones acerca del nombre del disco, “Beacon” (“faro”). “Puede significar muchas cosas, pero efectivamente, hay mucho de eso en la elección del título”, confiesa Trimble.

“Habla sobre encontrar el camino a seguir a partir de ahora. Sobre sentir la llamada de algo”. Y no es cosa sólo de Trimble, autor de las letras y del tema homónimo. “El título es un

concepto que ha partido de Alex, pero los tres nos sentimos muy identificados con la idea de seguir una senda juntos, hacia un lugar que no sabemos exactamente cuál es, pero cuyo camino estamos disfrutando a tope. No podemos parar de hacer canciones, no podemos dejar de girar, es algo que necesitamos hacer, y juntos”, argumenta Baird.

Cuando les preguntamos si los tres sentían que estaban en la misma página cuando se decidió huir de la urgencia, Halliday insiste en su defensa de la espontaneidad. “Yo creo que ninguno de nosotros esperaba que el disco se desarrollase de una u otra manera. No hubo planteamientos previos en plan ‘chicos, vamos a bajar las revoluciones’. Todo fue creciendo de esta manera ante nuestros ojos. Nunca pensamos en hacer un disco, simplemente nos ponemos a componer canciones, preocupándonos por cada una de ellas de forma individual. Por eso la idea de los discos conceptuales nos resulta completamente ajena”. ■ Nacho Serrano “Beacon” está publicado por Kitsuné/Music As Usual.

/25/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

FIB 2012

graves hacían crepitar los altavoces del escenario Trident al son de “Motor” y “Chill The Fuck Out”.

Carlos Ciurana

Lugar Benicàssim Fecha del 12 al 15 de julio Estilos diversos Promotor Maraworld/FIB 1111 ›› Jueves 12 Comenzaba la jornada del jueves con desánimo generalizado por la cancelación de Florence + The Machine a la que se sumaría la de Bat For Lashes por una avería de transporte que fue anunciada vía Facebook. Tras las noticias y a plena luz del día, inaugurando el recinto del FIB, salía en el escenario Trident Senses Tuya, proyecto de David T. Guinzo que mostraba la buena forma del pop español con tintes británicos, acordes con el festival. Tras los últimos acordes de “Hooray For Liras”, aparecían en el escenario Maravillas Los Tiki Phantoms, el cuarteto de surf-garaje enmascarado que, a su vez, repartió caretas de calavera para invitar al público a su fiesta particular. Les siguieron en el mismo escenario Pony Bravo, ya todo un referente en la escena nacional que no defraudó y que tuvo uno de las mejores ecualizaciones de todo el festival. Bajo contundente guiando al resto del grupo que empezó con “La voz del hacha”. Y así, entre los dejes psicodélicos y las influencias andaluzas, hipnotizaron al público llegando al punto álgido en una reformada “Noche de setas”. En el escenario Trident Senses, una de las propuestas más interesantes, Zola Jesus, sonidos de atmósferas etéreas y bases contundentes guiadas por la potente voz de su vocalista que recordaba en ocasiones a la de Siouxsie Sioux. A continuación llegó un momento muy esperado para el público británico y es que The Horrors hacían acto de presencia. Combinaron momentos de lucidez y energía a rebosar en canciones que recordaban a verdaderos himnos británicos entre los que no se dejaron “Endless Blue” o “Scarlet Fields”. Y tras The Horrors llegaba uno de los momentos más esperados del festival. La reunión de At The Drive-In se materializaba en el escenario Maravillas. Energía y muchas ganas en unos temas que dieron aires nuevos al post-hardcore y que se dejaron escuchar entre fans y curiosos reunidos para la ocasión. Ya desde el principio del concierto, Cedric Bixler regaló espectáculo bajándose al foso y dirigiéndose directamente al público, dejando claro que no han pasado los años. En el lugar de Florence + The Machine se recolocó en el cartel a De La Soul, que tuvieron un contacto

At The Drive -in

The Vaccines

Noel Gallagher

David Guetta

Bob Dylan Fotos Kaiko

CONCIERTOS

directo con el público acostumbrado o no al género. La noche la cerró Yuksek con una electrónica simpática y bailable. Nerea Serrano ›› Viernes 13 Klaus And Kinski ofrecían en plena tarde un set adaptado perfectamente al festival mezclando sonidos de antaño con teclados y sintetizadores modernos acompañados de la dulce voz femenina de Marina y el violín. Seguidamente, La Habitación Roja pisaban de nuevo Benicàssim en el escenario Trident para presentar nuevo disco, pero sin olvidar el resto de su amplia discografía con momentos especiales como “La edad de oro” ante un público mayormente nacional que disfrutó con la banda valenciana. Una de las grandes actuaciones que pasó por el escenario Maravillas fue la de Miles Kane, todo un derroche de actitud y energía la de este joven discípulo de Paul Weller.

Con su primer trabajo en solitario tras The Rascals y The Last Shadow Puppets, ha conseguido el favor de crítica y público, y no es para menos con piezas de la talla de “Inhaler” o la vibrante “Come Closer”. La esperada visita de Bob Dylan, ante una impresionante marea humana, fue uno de los momentos del festival, aunque se empeñe en interpretar versiones irreconocibles de sus propios temas en clave de blues como viene haciendo en los últimos años. Con una banda competente, Dylan desplegó su repertorio durante noventa minutos con temas como “Highway 61 Revisited”, quedando algo deslucido en el tramo intermedio, llegando la apoteosis final con “Like A Rolling Stone”. A continuación, The Maccabees tomaron el escenario principal con su pop de guitarras épicas y estribillos coreables, orientados al rock de estadios a lo que ayuda el perfecto ensamblaje de la sección rítmica. Con Bombay Bicycle Club sucede algo parecido, grupos con el favor de la prensa británica pero en este caso destacando las gemas pop de sus canciones. Llegó la hora de ascender al escenario grande tras su paso por la carpa en 2011, y es que con temas de la talla de “Shuffle” o “What If” lo tienen más que merecido.

Uno de los representantes del sello Ed Banger, el francés SebastiAn ofreció un set en el que los

›› Sábado 14 La jornada del sábado tenía más (si cabe) presencia del Reino Unido. Inauguraba el escenario Maravillas Delorentos, grupo irlandés que está adquiriendo cierto nombre por Europa y que hizo bailar y disfrutar en la que sería la jornada más multitudinaria del FIB. También irlandeses, Ham Sandwich desprendían simpatía con su folk acompañándose de violín con canciones como “Ants” o “The Naturist”. Ya sabemos que Department S son un grupo de culto que en los ochenta publicó su primer single y el que les dio popularidad, “Is Vic There?”. Lo que no esperaba la banda es que en un festival como el FIB siguieran su directo un centenar de personas.

Suponemos fue lo que hizo que su vocalista desapareciera en el último tema, “I Want”, dejando al grupo improvisando el final. Con también poca gente pero sin defraudar, continuaba la jornada británica con Robyn Hitchcock acompañado de The Venus 3 que ofrecía en el escenario Trident Senses una verdadera lección de grandes canciones que congeniaron con un público veterano también presente por la mítica reunión de The Stone Roses. Les seguían otros veteranos. De los grupos de su generación, quizá sean Buzzcocks los que en mejor estado de forma están, con canciones que suenan actuales sin perder un ápice de fuerza, comprobando que “What Do I Get” y “Orgasm Addict” son dos trallazos indiscutibles.

Anteriormente en el Maravillas la hora escogida de la tarde no parecía ser la mejor para el directo de los neoyorquinos School Of Seven Bells, quienes ofrecieron su sonido bailable y elegante interpretando bellas melodías como “Half Asleep”.

Ya de noche, era el turno de Noel Gallagher que junto a su reciente banda de acompañamiento, The High Flying Birds, seguía predicando el brit pop coreado por el público inglés. Mezcla de canciones de su nuevo disco con antiguos temas de Oasis que hacían estallar la emoción y que cerraron un concierto marcado por el single “Whatever” y un apoteósico “Don’t Look Back in Anger”. Y si Noel Gallagher conseguía emocionar y congregar a miles de personas en el Maravillas, el momento de The Stone Roses fue absolutamente mágico. Se escuchaban los inicios de “I Wanna Be Adored” y mareas de personas volaban hacia

el Maravillas para ver algo irrepetible. Canción tras canción, el cuarteto iba desplegando sus dos discos con solidez. Optaron por alargar las canciones con momentos instrumentales sublimes, y es que, a decir verdad, la voz de Ian Brown no fue lo más destacable del concierto. Así, cerraban el momento mágico y con más audiencia del FIB con “I Am The Resurrection”. La guinda de la jornada del sábado la pusieron Crystal Castles con una reducción importante del público. Arrancaron con “Baptism”, y continuaron con una mezcla de sonidos electrónicos y caos que cerraron con “I’m Not in Love” en la jornada más potente y emocionante del festival. Nerea Serrano ›› Domingo 15 Comenzamos la tarde al son de las canciones de Cooper. Clásicos como “Cerca del sol” combinándolos con los temas de su nuevo trabajo “Mi universo” que continúan en la línea del músico leonés. En el escenario Trident, unos correctos y trajeados Spector interpretaban los temas de su disco debut como la enérgica “Chevy Thunder”, lástima que su vocalista se extendiera demasiado con sus monólogos entre canción y canción. En el Maravillas la actuación de The Vaccines reunió a numeroso público que coreó los himnos de su primer álbum, todo un tratado de pop enérgico como “Wreckin´ Bar”, y los temas del nuevo disco, menos directos pero con suficiente gancho para mantenerse a la altura. Reservaron para despedirse a lo grande “If You Wanna” en lo que fue una actuación francamente divertida. Confiamos en Totally Enormous Extinct Dinosaurs y no defraudó. Desde el primer tema, “Trouble”, fue desgranando las perlas que componen el disco, enlazando canción tras canción, alternando la sensibilidad con el baile hasta finalizar con una emotiva “Household Goods”. De lo mejor que ha pasado por Benicássim. Los veteranos New Order tienen en sus canciones la baza principal y la saben jugar ya que todos esperamos escuchar “Blue Monday” o “True Faith”, otra cosa es que la edad no perdone y Bernard Sumner parezca cansado. Para cerrar la noche, David Guetta empleó la fórmula que causa furor entre el público masivo y consumidor de radiofórmulas: voces femeninas mezcladas con bases electrónicas y unos cuantos guiños a The Chemical Brothers y Daft Punk, dan como resultado que el francés sea un personaje tan popular. Esto sí que es música para las masas.

Carlos Ciurana

MIA

Corizonas

Cypress Hill Fotos Fernando Ramírez

CONCIERTOS /26/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

Cruïlla BCN Lugar Parc del Fòrum de Barcelona Fecha 6 y 7 de julio Estilo diversos Promotor Barcelona Events Musicals

El Cruïlla BCN ha conseguido dar con una mezcla heterogénea de públicos y edades en consonancia con la variedad de registros y artistas que le dan forma. De todo lo que vimos nos apetece destacar varias propuestas. Para empezar, el proyecto transcontinental de los brasileños Arnaldo Antunes & Edgard Escandurra junto al malí Toumani Diabaté, que crearon pura magia la tarde del sábado en un escenario con vistas al mar. También Las Migas, que abrieron el sábado, demostraron ser ya un grupo en el que todo suma. Su particular y sugerente visión del flamenco tuvo muy buena respuesta pese al calor. Amadou & Marian y su afro-blues también sorprendieron por la variedad y magia de su oferta. Secundados por una amplia banda, presentaron “Folila”, su nuevo disco (en el que colabora gente como Santigold o TV On The Radio). Depedro también volvió a certificar su personalísima propuesta y demostró que sabe cómo hacerse con el favor del público a base de cercanía. Del mismo modo, Bigott dio otra clase de originalidad y dejó claro que lo suyo no sabe de etiquetas. Etiquetas que sí se le pueden poner a Guadalupe Plata, pero que dan igual. El blues pantanoso que nace en sus instrumentos acaba en lo más profundo de los espectadores, sacudiéndoles sin compasión. Más nombres, Transadélica con Amparo Sánchez y Yacine (Nour), que rescatan clásicos cubanos y argelinos junto a repertorio propio, pero con su sello personal. Y Lenacay, el nuevo viaje a través de la investigación y experimentación con el flamenco de Ramón y Panko (Ojos de Brujo). A Gustavo Cordera (ex Bersuit) le tocó la apertura del festival el viernes con muy poco público, pero que respondió bien a su mezcla de rock y folk cumbiero.

Poco después, Julieta Venegas y su numerosa banda prosiguió la onda latina, algo más escorada hacia el pop. Otra certeza del festival fue La Pegatina. Los catalanes hicieron temblar los cimientos del recinto con una buena cantidad de gente joven bailando y saltando.

Ambas noches se cerraron con propuestas dirigidas a la pista de baile. La del viernes fue con los portentosos Birdy Nam Nam, que les sacan el máximo rendimiento a los reproductores de compactos y a la mesa de mezclas. El sábado, el protagonismo del cierre fue para los belgas 2 Many Dj’s y su sesión de clásicos, quienes cada día suenan más duros y menos divertidos, con demasiadas subidas y bajadas de ritmo. Miguel Amorós Aunque apenas sea una anécdota, muchos recordarán la nueva actuación de Iggy Pop & The Stooges en nuestro país como la noche en la que hubo sangre de nuevo. Y es que eso fue lo que diferenció esta actuación de otras anteriores suyas que habíamos presenciado.

Lo que no tiene nada de anecdótico es que Iggy Pop continúe dejándose la piel minuto tras minuto, eclipsando a sus compañeros, eclip-

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sando incluso el repertorio que suena. De no ser por él, Eugene Hütz, vocalista, guitarra y líder de Gogol Bordello, se hubiese convertido en la gran estrella de la noche, gracias a su entrega total desde el minuto cero. De todos modos, tampoco estaría mal que los reyes estadounidenses del gypsy punk pisasen el freno en algún momento de su show, porque tanta energía puede aturdir. Ofrecen diversión, como los catalanes Los Tiki Phantoms, que no suenan tan compactos ni tan feroces, pero sí con la suficiente entereza para que la gente disfrute con ellos y acabe sus conciertos con la sensación de que ha pasado un buen rato. The Pepper Pots Suenan milimetrados –y eso tiene mucho mérito-, pero hasta ellos mismos saben lo que ocurrirá en cada segundo de su concierto, antes siquiera de subirse al escenario, o esa es la sensación que dejó su actuación. En el polo opuesto estuvieron Za! al día siguiente. Un chasquido de dedos sería suficiente para hacer prender la chispa que nos sumerja en una hora de caos siempre controlado, de experimentación meditada, sudorosa. El dúo barcelonés no hace prisioneros, pero sí adeptos a su causa. Desgraciadamente, la coincidencia de su show con el de Linton Kwesi Johnson me hizo salir pitando. Y sin arrepentirme, porque Johnson, autor de los emblemáticos “Forces Of Victory” (1979) y “Bass Culture” (1980), es otra leyenda viva, uno de los artistas más rebeldes de finales de los setenta en el Reino Unido (nació en Jamaica, pero creció en Inglaterra). Las décadas pasan, los problemas continúan. Otro de los grandes retornos a presenciar era el de The Specials, leyendas del ska británico de la factoría 2 Tone. Terry Hall y los suyos mostraron más clase que sus compañeros de generación Madness, pero también algo menos de sangre. Sin tener tal arsenal de hits, Sharon Jones & The Dap Kings sí tienen mucha garra. Jones es pura energía, un torbellino a lo Tina Turner que baila y se desgañita como si eso fuese lo más normal del mundo, pero no la acompaña un set list que dio señales de agotamiento al cabo de unos cuarenta minutos. En todo caso, en su actuación hubo todo lo que le faltó a la de M.I.A., protagonista del peor de los conciertos que le recordemos en Barcelona. Era el último concierto de su gira europea y prometió ofrecer una noche para el recuerdo. Obviamente, no lo consiguió. Su actuación duró poco, su corista no dio una y el irregular sonido se cargó algunos temas. Eso sí, sirvió para recordarnos todo lo que le ha fusilado Madonna visualmente para su última gira. De ahí, que Cypress Hill se erigiesen en los auténticos triunfadores del Cruïlla con un concierto totalmente festivalero y uno de los más espontáneos de toda la cita barcelonesa. B-Real y Sen Dog son dos bestias pardas de registros muy distintos y capaces de meterse al público en el bolsillo sin esfuerzo. Joan S. Luna

›› Jueves 12 El jueves empezaba temprano con la coincidencia nacional de Lori Meyers y McEnroe. La oferta de sobra conocida pero efectiva de los de Granada congregó a muchos que se entregaron al coro en un set a golpe de himno de cincuenta minutos. Salieron perdiendo los getxotarras que se rodearon de sus más fieles en la carpa Vodafone para presentar su último disco “Las orillas”, que habría brillado más en la intimidad de una sala.

Los terceros en discordia fueron La Habitación Roja, que llenaron y ofrecieron uno de sus mejores directos, apostando por adaptar sus temas antiguos al sonido más contundente y eléctrico de su último trabajo. El trío de canciones de cierre con “El Eje del Mal”, “Voy a hacerte recordar” y “Ayer” fue recibido con botes y bailes. En la emoción, Jorge Martí casi se lanza con una versión del “Boys Don’t Cry” que se quedó en unos primeros acordes y una declaración de amor: “Robert we love you”. La jornada empezó a desperezarse con The Maccabees que, en su segunda visita al BBK Live, ahondaron en el sonido épico concentrado en su último trabajo del que fueron muy celebradas “Child”, y el single homónimo “Pelican”. La sensación de teloneros constantes se hizo patente con el pop facilón de Snow Patrol, que consiguió un lleno evidente, aunque muchos buscaban ya su sitio para The Cure. Los problemas con los teclados que retrasaron la actuación de The Cure hicieron especial la fecha de Bilbao gracias a las tablas de Robert Smith, que salió a pedir paciencia en persona, y cuando el retraso se acercaba a los tres cuartos de hora volvió al escenario con su acústica para interpretar solo frente a 36.000 personas “Three Imaginary Boys”, “Fire In Cairo” y “Boys Don’t Cry”. Pronto se le acabaron las ganas de telonearse: “Habéis venido a ver a The Cure y no a Robert Smith, para eso necesito a mi banda”.

Y casi con una hora de retraso sonó con todos los miembros “Open” y sin descanso treinta y cuatro temas más. Tocaron éxitos ineludibles como “Lovesong”, “In Between Days”, “Just Like Heaven”, “Pictures Of You”, “Lullaby”, “A Forest”, “Friday I’m In Love”, “Why Can’t I Be You” o “Close To Me”, y destacaron otras grandes composiciones menos evidentes como “The Caterpillar” o “The Love-

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cats”. Pasadas las tres horas acordadas volvió a sonar en Kobetamendi “Boys Don’t Cry”, cerrando una actuación sobresaliente. Para entonces Bloc Party y James Murphy ya habían comenzado sus sets, que sufrieron la atracción de la mayor parte del público por The Cure. La banda de Kele Okereke repartió su habitual tralla recibiendo a quienes llegaron únicamente al final con la mezcla de “Flux” con “We Found Love” de Rihanna. ›› Viernes 13 Por días la cifra más alta de asistencia (39.476 personas) pertenece a la jornada de Radiohead.

Apenas 264 personas le faltaron a la noche del viernes para emular la gigantesca cita de Metallica en el BBK Live de 2007. El concierto de Bilbao era la segunda cita de la banda de Thom Yorke tras el derrumbe de su escenario en Toronto que acabó con la vida de uno de sus técnicos, además de destrozar el montaje visual previsto para esta gira. La ausencia de estos elementos no llamó la atención en un show en el que la banda de Oxford se presentó con una pared compuesta por doce pantallas cuadradas que captaron todos los detalles del show. Hicieron un concierto perfecto en el que no respondieron a las expectativas de grandes éxitos, si no que defendieron sus dos últimos y discutidos trabajos: “In Rainbows” y “King Of Limbs”. Ello no evitó que sonaran “Idioteque”, “Everything In Its Right Place”, “Kid A” y “Paranoia Android”, estas últimas en los bises.

La lluvia que amenazaba el recinto desde mediodía hizo su aparición tímida cuando sonaban los primeros acordes de “Karma Police”. El vocalista solo salió de su ensimismamiento y sus bailes de trance para abrir la veda de los comentarios políticos que tanto se han estilado en esta edición del BBK Live, aludiendo a los recortes y los bancos, e invitando al público a tomar la calle y reclamar sus derechos. Kieran Hebden, Four Tet, repitió la experiencia de 2003 de aliarse como telonero de Radiohead y darle la vuelta a la lógica festivalera que relega sus ritmos electrónicos a la madrugada. Las primeras horas empezaron a despertar durante la actuación de Noah & The Whale, primer nombre de una jornada con clara tríada folk junto a Mumford & Sons y Bigott. Saltaron al

escenario perfectamente trajeados con la canción “Life Is Life”, y para el final del tema el viento se había llevado por delante las pantallas laterales, dejándonos el comentario más destacable de una actuación que no recordaremos el mes que viene.

En su lugar cabe destacar el directo de Warpaint que en cuarenta minutos escasos presentaron los temas de su disco “The Fool”, con un marcado ritmo a golpe de bajo que es protagonista principal sobre el escenario. Por su parte, Mumford & Sons desplegaron el country optimista que encierra “Sight No More”, y adelantaron algunos temas de su nuevo álbum que se publicará en septiembre. El pop folk nacional estuvo representado en la carpa Vodafone por Bigott, que llenó, bailó y organizó la fiesta a la que nos tiene acostumbrados. The Kooks merecieron una escucha a su directo de temas de dos minutos, letras fáciles y melodías pegadizas. Sin descanso y de manera monótona sonaron una detrás de otra todas esas canciones que ya dejamos atrás: “Naïve”, “Ohh La”, “She Moves Her Own Way”, “Shine On” o “Sofa Song”. La propuesta de ruido de Triángulo de Amor Bizarro no era la más aconsejable para la acústica de la carpa. Además de los muy coreados “De la monarquía a la criptocracia”, “Isa vs. El partido humanista” y “El fantasma de la transición”, presentaron un tema nuevo con un título tan delicado como ellos, “Follar”. Su breve setlist permitió aun presenciar el final de Vetusta Morla, que ya no sorprenden, pero que mantienen intacta su tirada. Pucho, quien también tuvo palabras para “quienes luchan en la calle” supo llevar a un público enorme a través de los temas de “Mapas” y de sus canciones más míticas hechas himno como “Valiente”, “Sálvese quién pueda” o “Saharabbey Road”, con la escenografía y los coros más que aprendidos. ›› Sábado 14 La jornada del sábado era de esos días en los que intuyes que las sorpresas te las van a dar para bien los grupos menores, sobre todo si encabezan el cartel unos soporíferos Keane, aunque fuera de forma compartida. Llevaron hasta el escenario principal los temas de pop preciosista de su último trabajo “Strangeland”, y tal y como se hicieron famosos, se presentaron con piano, batería y bajo.

La otra parte de esa cabeza de sábado compartida fueron Garbage, un resurgir de los noventa en una buena forma sorprendente del cuarteto y muy especialmente de Shirley Manson y el gigante Butch Vig a la batería. Una espectacular Manson

Keane

Glasvegas

Bilbao BBK Live Sala Kobetamendi (Bilbao) Fecha 12-14 julio 2012 Estilos diversos Promotor Last Tour International

CONCIERTOS

Garbage

Kooks

Radiohead

Warpaint Fotos Ionpositivo

MondoSonoro · Septiembre 2012 /27/

inició el viaje en el tiempo ataviada con camiseta de Patti Smith y entonando “Automatic Systematic Habit” y “I Think I’m Paranoid” seguidas. El hoy y el ayer. Y en ese ir y venir sonaron entre otras “Blood For Poppies”, “Stupid Girl”, “Cherry Lips” o “Big Bright World”, con un nuevo alegato reivindicativo. Cerraron con “I’m Only Happy When It Rains”, dejando en evidencia que ellos solos se bastaban para encabezar la jornada. Abrían el día Corizonas que animaron al público y metieron en una fiesta de cantina a base de contrabajos, trompetas y guitarras. Por esa patina sureña se atrevieron a pasar grandes clásicos del pop anglosajón de los salieron airosos. Casi simultáneamente PS I Love You presentaban los temas de su último trabajo “Death Dreams” en el escenario 3, que hace las veces de hall del recinto. Además de la potencia y calidad conseguida por el dúo con solo guitarra y batería, destacó su vibrante cantante Paul Saulnier. Una de las actuaciones más esperadas, la de Eli “Paperboy” Reed, fue un tanto agridulce. El soulman saltó al escenario con la elegancia de los cantantes de un Las Vegas de los cincuenta, y ofreció un sonido regular culpa de sus excesos vocales, las carencias de una banda ajena al show en la que faltaba una sección de viento, y una corista sin presencia visual ni sonora. Mientras The View se presentaban como el enésimo grupo pop-folk británico del festival a los que el escenario principal les quedaba enorme, Pure Love firmaban el directo más salvaje de lo visto hasta el momento. Su vocalista comenzó cantando en medio del público entre saltos y manos levantadas, y organizó un pogo de vuelta al escenario en el que participaron los más fieles y que quedó registrado en los móviles de quienes estuvieron cerca. Otro caso en el que el escenario pequeño ganó al grande fue el de Glasvegas que se presentaron con una actitud demasiado rockera, para un sonido más bien de pop oscuro, los escoceses que centraron la atención en la peculiar voz de James Allan y en Jonna Löfgren, quien permaneció de pie todo el show maltratando la batería. Quizás no en cantidad de público, pero sí en calidad se vio sobrepasado por la apuesta de The Big Pink, con un set de doble Dj, guitarra y batería. Dedicaron gran parte del setlist a su último disco, “Future This”, en el que sobresalió la interpretación de “Hit The Ground (Superman)”, dedicada a un amigo de la banda recientemente fallecido, aunque cerraron con su principal éxito, “Dominos”, coreado y bailado con brazos en alto.

Leyre Guerrero

CONCIERTOS /28/ Septiembre 2012 · MondoSonoro Love Of Lesbian Fotos Dani Vidala

SANTANDER MUSIC 2012 Lugar: Campa de La Magdalena (Santander) Fecha: 2, 3 y 4 agosto Estilo: pop rock Público: 13.600 personas aprox. Promotor: Mouro Producciones

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Vetusta Morla

Nueva edición del Santander Music, una cita que ya parece fija en los calendarios festivaleros estivales y que este año parece haber dado el estirón definitivo para no ser puesto en duda dentro de las fiestas de la capital cántabra. Pesos pesados de la escena nacional y como complemento algunas pinceladas internacionales para concitar al mayor público posible en la campa de La Magdalena. Visto lo visto, el producto nacional tiene buena demanda y hubo respuesta de público. El jueves se planteó como una jornada con peso específico, nada de fiesta de presentación. Abrieron fuego los locales Somepeople, única banda de la tierruca y lo cierto es que no desentonaron. En ningún momento dio la sensación de sobrarles escenario pese a que eran nuevos en estas lídes. A continuación La Bien Querida se empeñó en constatar cómo se pueden estropear unas maravillosas canciones con nula presencia en el escenario y poca voz. Mira que los discos tienen detalles, pero esa noche en directo todo se vino abajo. Le iría mejor la distancia corta. Anni B Sweet fue otra cosa muy distinta. Arropada por una gran banda demostró que tiene mucho bacalao que cortar y que a nada que se suelte el pelo y se despoje de mimetismos aprendidos, tenemos una estrella. If The Kids repetían la formula ya probada otros años de grupo francés con pátina electrónica. Como no hay dos sin tres, volvió a salir rana. Muy justitos y con muy poca clase. Eran más de las tres de la mañana y salieron al escenario Fuel Fandango. A pesar de la hora y de las bajas entre el público montaron una buena fiesta a base de electrónica y ritmos del sur. Curiosa mezcla. Debieron ir un poco antes para poder disfrutarlos más y no estar pensado en el fatídico sonido del despertador al día siguiente.

Fanfarlo abrieron la jornada del viernes con muy poco público –muy curiosa la parrilla de horarios- y los más remolones se perdieron un fantástico concierto preciosista, lleno de detalles y de grandes canciones.

Delorentos son más pop-rock de garrafón, de lugares

comunes y épica. Más sosos que un pan sin sal aunque mostrasen entrega sobre el escenario. Lori Meyers repetían en el festival para constatar la estandarización de su sonido. Noni acabó sin camiseta y cualquier día hasta hará cabriolas. Pese a que !!! (Chk Chk Chk) han perdido fuelle y se dejaron varios hits en el tintero, dieron uno de los conciertos del festival, sobre todo gracias a Nick Offer, un frontman digno de un estudio paranormal. Cierre robótico de La Casa Azul a base de pop y sonido Filadelfia. Tremendo espectáculo milimetrado, una mentira maravillosa que nos hizo bailar hasta el cierre de puertas.

El sábado se presentaba como la jornada más masiva gracias al trío de ases de la escena indie nacional.

Colas a primera hora para entrar a ver a unos Love Of Lesbian en estado de gracia y con un universo propio que no para de crecer. Cuesta hacerse a la idea de los límites de los catalanes Fue una pena no poder disfrutar de ellos un poco más de tiempo, ni mendigando un bis merecido y aclamado. Después vino la lluvia torrencial y tuvimos que ver a Clap Your Hands Say Yeah en unas condiciones muy poco favorables. Pese a todo, buen concierto. Alfombras rojas para Vetusta Morla.

Hoy por hoy, los de Tres Cantos tienen al público en el bolsillo gracias a un trabajo honesto de años. No cabe duda que están en el lugar que merecen aunque esto no quita que se les vea el plumero demasiado. Gran concierto, aunque previsible. Otros que repetían eran Sidonie, quienes volvieron mucho más serios que en ocasiones anteriores aunque igual de bienquedas. Mal sonido, como siempre, pero con ese repertorio es muy difícil no triunfar. Por su parte, The Zombie Kids lograron arrastrar a una gran cantidad de público que no paró, en un fin de fiesta de manos arriba, hasta que se echó la persiana abajo. Buenos mimbres para continuar otro año. Si acaso, algunos pedimos tan sólo un poco más de riesgo para rematar.

Roberto Palacios

Lugar Circuito de Velocidad (Jerez de la Frontera) Fecha 10-08-12 Estilo electrónica Promotor Creamfields

T

ras dos ediciones en el trazado jerezano, es concluyente que Creamfields Andalucía ha ganado en logística, pero el recinto no termina de cumplir las expectativas del que es uno de los festivales más importantes del sur de Europa. En la primera jornada del festival, las actuaciones comenzaban temprano ante un público poco numeroso que iba llegando a cuentagotas al recinto. El live electrónico con tintes poperos del francés Yuksek inauguró el escenario principal Barceló. Su televisivo sencillo “Tonight” espabiló a un centenar de personas. Mientras Aldo Ferrari con sus habituales largas mezclas de sonidos funky-breaks y el trío británico Foreign Beggars mezclando el hip hop con elementos sonoros que pasan por los géneros de dubstep, el drum’n’bass o el grime abrieron boca en el Sherry Stage. En este mismo escenario destacó la banda de rock electrónico, Modestep, y Aeroplane mantuvo las ganas de fiesta con su electrónica de baile. La actuación de Orbital era una de las más esperadas esa noche junto con el dj set de The Chemical Brothers. Los hermanos Hartnoll aparecieron con un conjunto de proyecciones visuales geométricas, efectos láser y sus gafas lumínicas como seña de identidad, para presentar su último disco de estudio en ocho años. Un espectáculo audiovisual que hizo las delicias de una audiencia que ya se contaba por miles. The Chemical Brothers fueron de menos a más durante casi tres horas. Siendo el reclamo del cartel para esa noche, muchos de los asistentes se preguntaban si estaban ante uno de los grupos fetiches del panorama electrónico mundial, al intentar reconocer sus rostros entre tanto humo y el bombardeo constante de luces estroboscópicas. Dejaron un regusto decepcionante, no tanto por la indiscutible calidad de sus cortes, sino por su pobre puesta en escena y apatía sobre un desnudo Alhambra Open Air. Carl Craig presentó su espectáculo 69 LIVE que conmemora los veinte años de existencia de Planet E, su sello discográfico.

Trasladó la mejor música techno de Detroit, con claras influencias de jazz y soul, al circuito jerezano. Para cerrar el escenario

Orbital Foto Dani Vidala

CREAMFIELDS ANDALUCÍA 1114

Barceló, regreso triunfal de Feed Me un año después al Creamfields. Spor apostó en esta ocasión por sacar a relucir su faceta más electro y sus visuales hicieron el resto. The Zombie Kids hicieron sudar durante dos horas a su legión de seguidores, que vibraron con sus habituales mezclas de electro con house, indie y hip hop. Finalizaron con “Is This Love” de Bob Marley viendo amanecer.

Pocas horas después arrancaba de forma accidentada la segunda jornada. Una fuerte ventisca arrancaba una de las pantallas del majestuoso escenario Barceló y el retraso dio al traste con la actuación de Dorian La tarde noche precisaba algo “fresquito” y qué mejor que Nancys Rubias, que teloneaban a sus “madrinos”, Fangoria. El espectáculo de revista que ofrecieron Alaska y Nacho Canut, con un cuerpo de baile y casi todo enlatado, hizo cantar al unísono al respetable temas que marcaron una generación en nuestro país. Tras este aperitivo el sábado se metía en harina con dos de los Dj’s más internacionales de la escena patria, Juanjo Martín y Wally López precedieron a los alemanes Modeselektor, que hicieron subir aún más la temperatura, dejando al público preparado para recibir a la descarga adrenalítica de Knife Party, uno de los momentos más explosivos de esta edición. Previamente, en el Sherry Stage, tras el exhuberante directo de Africa HiTech, llegó una de las sesiones más pintorescas de ese escenario: los sonidos de ritmos étnicos africanos, flamenco y el house se combinaron en las mezclas del artista barcelonés John Talabot, que se ha convertido en una de las revelaciones de la electrónica en los últimos tres años.

El back to back DJ set de Four Tet y Caribou duró tres horas.

Estos dos exploradores de la electrónica, forman un tándem perfecto para envolver a los asistentes con sonidos conceptuales y atmosféricos, pasando por el jazz, soul music, downtempo, tech, house, etcétera. La contundencia de Dirtyphonics se plasmó en el escenario Alhambra Open Air, ofreciendo un espec-

táculo original a base de los sonidos más enérgicos, caldeando el ambiente hasta lo indecible. Para no bajar de revoluciones, el dúo de macarras italianos Crookers mantuvo el pulso con su electro house gamberro. Miss Kittin se ha convertido en un nombre imprescindible a la hora de mezclar electropop y techno, dotando a sus sesiones de una identidad sonora propia, aunque en esta ocasión se mostró muy comedida. Volviendo al escenario principal, los diecisiete mil asistentes se agolpaban para escuchar la sesión de Steve Aoki. Como cualquier vencedor del trazado jerezano, se subió al podio de su mesa de trabajo y bañó con cava a sus fans. Su espectáculo supera el concepto de sesión y lo transforma en una fiesta de dance pop y disco rock. El encargado del ‘closing sunrise set’ del Creamfields 2012 fue el afamado dj holandés Tiësto, que alargó la despedida hasta las 9:30 de la mañana del domingo. Aliado con un sonido brillante ofreció una sesión redundante en hits de efecto inmediato. Las claras del día dejaron ver un publico divertido, trufado de originales disfraces y de caras sospechosamente sonrientes que obligó al tulipán negro de la electrónica mainstream a hacer incluso un bis antes de marchar en su lujoso Mercedes. El ejercito de infieles abandonó pacíficamente la fortaleza. Eso sí, todos a su paso por el reverberante túnel que daba con sus huesos en la cruda realidad del descampado, tarareaban felices el “Seven Nation Army” de The White Stripes. María Vieiro Martínez

MondoSonoro · Septiembre 2012 /29/

CONCIERTOS

Guns and Roses Fotos Edu Tuset

COSTA DE FUEGO Lugar: Benicàssim Fecha: 20-21 de julio Estilo: rock/metal Promotor: MaraWorld

A

Marilyn Manson

provechando las infraestructuras del FIB, este año se ha llevado a cabo la primera edición del Costa de Fuego, un festival de dos días orientado al público metalero y rockero con Guns N’ Roses y Marilyn Manson como principales cabezas de cartel. Unas 10.000 personas pasaron cada día por los tres escenarios del evento, que se nos descubrió como una buena plataforma para las bandas estatales y como un futuro referente en sus aseguradas próximas ediciones.

El viernes empezamos los conciertos con los finlandeses Amorphis, una banda que no resulta fácil ver en nuestro país. Repasaron desde su último disco con temas como “Mermaid” hasta sus inicios, con la brutal versión de “Vulgar Necrolatry” que nos recordó a sus inicios de puro death metal sin aditivos folk. Seguimos en el escenario grande para ver a Satyricon.

Satyr y Frost salieron a por todas a plena luz de día con su tema “Now, Diabolical”, ofreciendo la mejor dosis de black metal posible y protagonizando uno de los mejores conciertos de todo el festival. En el segundo escenario, Angelus Apatrida demostraron los motivos por los que son una de las mejores bandas de thrash metal hoy en día, incluso en el ámbito internacional. La sorpresa para algunos poco acostumbrados a bandas como Warcry fue ver la solvencia y el enorme éxito que tienen sus temas entre el público más joven y clásico. Los pesos pesados del heavy metal patrio Obús y Barón Rojo destacaron como primeras bandas de la noche, aunque Fortu y compañía ofrecieron un show mucho mejor que el de los hermanos Castro. Paradise Lost nos lo hicieron pasar bien, sobre todo gracias a que, esta vez sí, la voz de Nick Holmes dio la talla. Su nuevo disco “Tragic idol” fue la pieza más importante de su corto concierto, en el que no sonaron –no sabemos el motivo- “Hallowed Land”, “As I Die” o “Embers Fire”, tal y como tenían programado. Una verdadera lástima.

A los pocos segundos de acabar su concierto Guns N’ Roses aparecieron en el escenario principal. Con Axl Rose parapetado tras unas gafas oscuras y un sombrero, interpretaron sus himnos “Welcome To The Jungle”, “It’s So Easy” o “Mr. Brownstone” para acabar dando forma a un set de casi tres horas con muchos altibajos que provocaron que la gente fuese y viniese, con pocos seguidores que lo viesen íntegro.

Por suerte, tras la interminable “Madagascar”, supieron despedirse con un “Paradise City” que dejó buen sabor de boca entre los asistentes.

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El sábado fue un día algo más tranquilo, con nuestros Noctem practicando su black metal y sonando mejor que muchas otras bandas con todo el sol en contra. Después del sorprendente show de Feed The Rhino, que acabó con su cantante Lee Tobin pogueando y cantando en medio del público, le tocó el turno a los madrileños Adrift que empezaron con una atronadora “Wolves Searching Dams” de su nuevo disco “Black Heart Bleeds Black”. Solamente cuatro temas y poco más de media hora de espectacular concierto fueron suficientes para que dejasen claro que son una de las mejores bandas extremas de la penísula. Berri Txarrak demostraron también lo bien que se desenvuelven en directo y lo duros que pueden a llegar a sonar sus temas, además de contar con la ayuda de Liam de Cancer Bats para acabar el concierto. En el escenario más lejano, con la carpa a tope cabe mencionar dos conciertos ese día: los de Toundra y Clockwork, ambos de indudable efectividad y energía. En cambio, en el escenario grande, In Flames protagonizaron un concierto que descartó todo el material anterior a su disco “Clayman”, del que sonó solamente “Only For The Weak”. Pese a ello, su actuación fue tan efectiva como la de Nightwish, la grata sorpresa de la noche con una Anette Olzon esplendida, con un escenario y piroctenia espectaculares y seguramente el mejor sonido de la noche. Antes de Marilyn Manson debemos mencionar a Opeth y Katatonia. Los primeros realizaron un concierto musicalmente más duro que en su última gira, eso sí, con tres temas de su disco “Heritage”. Los melancólicos Katatonia no tuvieron su día. Los problemas de sonido y la escasa duración de su concierto les impidió recordarle a la audiencia la gran banda que son. Para acabar la noche después de ver un rato a Hamlet y ver casi el mismo directo que su última gira, el reverendo Manson nos estaba esperando. Sinceramente, esperaba un completo fiasco, tal y como fueron sus dos últimas giras por España, pero –por suerte- estaba totalmente equivocado. De hecho, los estadounidenses ofrecieron uno de los mejores conciertos que les recordamos en estos últimos años. Repasaron su repertorio, sus versiones de rigor (“Personal Jesus” y “Sweet Dreams”) y despidieron su actuación y el festival de manera espectacular con la vibrante “Antichrist Superstar” y un poderoso “Beautiful People” que todo el mundo coreó hasta dejarse la garganta.

Eduard Tuset

Lugar: Ciudad Deportiva Guillermo Amor (Benidorm) Fecha: 27 julio Estilo: pop Promotor: Low Cost

Tercera edición del festival de Benidorm con gran éxito de público.

Casi 60.000 personas (frente a las 40.000 de 2011) pasaron por las dos carpas principales del festival, desde el viernes 27 hasta el domingo 29. Una tercera carpa, Sol Música, sirvió para que la mayoría de grupos españoles del festival intimasen más con su público mediante breves conciertos acústicos (unos cuatro temas) en un espacio considerablemente reducido. El viernes, una larguísima cola en la entrada exasperaba a más de un lower. Para entonces, The Right Ons ya habían concluido su espectáculo (una lástima que uno de los grupos de casa de tan notable alcance internacional tocase tan temprano), e Iván Ferreiro calentaba la garganta del público más previsor (o con mejor suerte). Llegando a la medianoche, los londinenses Suede rememoraban su característico sonido noventero. We Are Standard volvían a complacer con su concepto de concierto-fiesta, calentando al público para el que quizá fue el grupo más efectivo de la noche, The Whip. Atractiva y movida propuesta la de estos ingleses autodenominados “banda de dancefloor con gancho pop”. La nota negativa de la noche la pusieron 2Many Dj’s.

Su sesión fue impartida sólo por uno de los hermanos no terminó de convencer a un público cargado de expectativas.

El sábado, los emergentes Fuel Fandango hicieron gala de gran porte y mucha marcha, con una delicada puesta en escena y su original eclecticismo (funk, rock, electrónica y flamenco). Parte del público se trasladó al escenario Budweiser para presenciar la actuación de Placebo, uno de los grandes reclamos del cartel. Un con-

Placebo Foto Carmen Monteagudo

LOW COST 1111

cierto rotundo y compacto en el que presentaron, en primicia mundial, su nuevo tema “B3”. Su líder, Brian Molko, se mostró simpático hablando nuestro idioma. El Columpio Asesino correspondieron a la asistencia masiva en el escenario Lower con un concierto duro, crudo y contundente. Se confirmaba así que es una de las bandas más firmes y maduras en el panorama español. Citizens! presentaron su primer álbum con ritmo elegante y sirvieron de nexo entre los grandes de la noche y el electrónico tramo final.

Ettiene de Crécy sorprendió con la puesta en escena; el Dj francés apareció en el centro de un gigantesco cubo tridimensional que abarcaba todo el escenario. Desde esa posición elevada ofreció una sesión que terminó por resultar un tanto monótona. El fin de fiesta corrió a cargo de The Zombie Kids. A golpe de hits mantuvieron a los más resistentes moviéndose hasta el amanecer.

La última jornada del festival estuvo coronada por Kasabian. Alternando temas de su último disco, “Velociraptor!”, con las canciones más conocidas por nuestro público, la banda inglesa logró sumir al estadio en una atmósfera atemporal y de dimensiones difusas.

Sergio Pizzorno se ganó a los más distraídos con “Everybody’s Got To Learn Sometimes” de The Korgis; y, ya con el resto del grupo de camino a los camerinos, el líder y vocalista Tom Meighan cantó a ca-

pela el estribillo de “She Loves You” de The Beatles. A Jero Romero y su banda les tocó lidiar con la competencia de Kasabian al solaparse en los dos escenarios principales ambos conciertos. Aunque lógicamente eso influyó en la afluencia de público, a Jero y los suyos no pareció afectarles: la suya fue una puesta en escena tan efectiva como nos tiene acostumbrados. Los madrileños Vetusta Morla propusieron un concierto emotivo (Pucho lo dedicó “a los afectados por crisis del corazón”) y, no obstante, nada falto de energía. Volvió a cumplir con creces esta consolidada formación que ha crecido a la par que el propio festival, y a la que el público respaldó en todo momento coreando sus temas. El broche final lo puso Kakkmaddafakka, una banda de divertidísimos noruegos que, con su enérgica puesta en escena (siete miembros esta vez) y mezcla de géneros (rock, reggae, surf, R&B), provocaron sonrisas y terminaron con los últimos restos de energía de los lowers. Diego Plá

CONCIERTOS /30/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

Lugar: Playa El Arenal (Burriana) Fecha: 2-08-12 Estilo: pop Promotor: Arenal

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ras las promesas de la organización del Arenal Sound en las que declaraban su firme intención de mejorar para consolidarse entre los mejores festivales nacionales no quedaba más que dar una oportunidad a un festival al que no se le puede negar empeño. Tras las fiestas de bienvenida de martes y miércoles en las que Dorian y Varry Brava acapararon la atención y ovaciones del numerosísimo público ya asistente, el jueves empezaba el festival propiamente dicho. Con los murcianos Second se produjo la primera comunión entre banda y público, y es que con un directo arrollador y temas como “Rincón exquisito” o “Psicopático”, su fórmula magistral encaja perfectamente en este tipo de festivales. Pero el primer día pertenecía a Love Of Lesbian, que la volvieron a liar, como ya ocurriera el año pasado en el escenario Desperados con su directo efectivo y más que rodado, protagonizando algunos de los himnos más coreados en el festival. Repasaron sus hits más famosos, tocaron algunos nuevos como “Wio” y acabaron con “Algunas plantas”, al tiempo que se consagraban como una de las bandas que más festivales se está pateando a lo largo y ancho del país. Se echó de menos una colaboración con Zahara (que abrió a primera hora en el escenario Legendario esa misma tarde) interpretando “Domingo Astromántico”. No pudo ser. Mendetz ofrecieron su tralla habitual, con colaboración de Najwa Nimri y remake del “Freed From Desire” de Gala incluídas, aunque tuvieron que cortar su actuación para que empezasen Metronomy, otra de las perlas del festival. Sonaron sobrios y efectivos. “The Look” o “ We Broke Free” dejaron muy buen sabor de boca. Crystal Fighters era el otro plato fuerte del día y respondieron a las expectativas haciendo vibrar a las 40.000 personas que abarrotaban el recinto. El viernes otro puñado de bandas nacionales salvaron los muebles, Maga que cada vez suenan mejor en directo, Anni B Sweet, que presentaba su “Oh, Monsters”, alternándolo con su repertorio antiguo con muy buen criterio y luciendo voz, sin duda una de las más bellas del pop patrio.

Supersubmarina consiguieron algo parecido a lo que habían logrado LOL el jueves, una catarsis total con la joven audiencia que conocía todos sus temas, coreados hasta la extenuación, repitiendo el éxito del pasado año. Sidonie, por su parte rayaron a gran altura. A pesar de optar por un set list de lo más “festivalero” y predecible, buscando a veces en exceso el estribillo fácil, se saben desenvolver en estos ambientes como pocos. Reconozco que la versión que se marcaron del “Subterranean Homesick Blues” de Dylan consiguió ponerme el vello de punta. Pero dos bandas internacionales pusieron el contrapunto al rock patrio, los diver-

Fotos Lumifystudio

ARENAL SOUND 1111

tidísimos The Sounds con su descarada cantante al frente hicieron bailar a todo el mundo con “Something To Die For” y “Yeah Yeah Yeah”. Pura energía sueca que dejó el terreno abonado para otro de los platos fuertes del festival. Cuando aparecieron Kaiser Chiefs, el recinto registraba ya un lleno absoluto, rozando lo agobiante. No decepcionaron en absoluto, con un Ricky Wilson enchufadísimo en todo momento y con momentos de delirio colectivo con “Ruby”, “I Predict A Riot” o “Everyday I Love You Less And Less”. Granada fue el sábado protagonista por partida triple. Mientras la inagotable cantera granadina continúe dando bandas como Napoleón Solo el pop español puede estar tranquilo, y es que con dos discazos a cada cual mejor, la joven banda se está pateando los festivales de media España cosechando éxito tras éxito, sin embargo, la hora a la que les tocó actuar lastró su actuación, brillante por otra parte. Pocas horas después, Lori Meyers dieron un concierto redondo, sin fisuras. Sin abusar de los temas de “Cuando el destino nos alcance” (su disco más flojo) y con un Noni soberbio durante toda la actuación acabaron ovacionados; y Niños Mutantes, los tapados del día, demostraron por qué llevan tantos años dando guerra. Otra de las sorpresas del día la dieron los noruegos Kakkmaddafakka que, con su estilo ecléctico y desenfadado, pusieron algo más que su granito de arena con temas como “Restless”. Los Campesinos! han perdido cierto gancho con el paso del tiempo, lo que ocasionó que su show pasase con más pena que gloria, mientras que la esperada actuación de Two Door Cinema Club –para muchos una de las bandas del momento- no evitó la sensación de que clonan una y otra vez el mismo esquema de canción. Sin embargo, como en los festivales lo que prima es la diversión, su fórmula funciona. Y muy bien, por cierto.

El domingo, con un bajón considerable de público, se repitió la situación, con unas cuantas bandas nacionales abriendo el día poniendo el listón muy alto, especialmente Corizonas. Algo que empezó como un experimento casi accidental entre dos bandas y que se ha convertido ya en un supergrupo con mayúsculas.

Esa versión que se marcan del “I’m Alive” de Don Fardon pasada por su batidora western no tiene precio.

Instantes después de finalizar su show, en el escenario Legendario, exhibían su directo los bilbaínos Smile.

Con un John Franks inspiradísimo, demostraron que su trabajo en estudio no hace justicia a su brillante directo. Para mí uno de los conciertos del festival. Por su parte, Clap Your Hands Say Yeah, otro de los grandes atractivos del cartel, no llegaron a sonar finos en ningún momento, y su fría actitud no colaboró a que conectaran con el escaso público. Alberto Lapaz

Sidonie Foto Beatriz Rodríguez Ruiz

CONTEMPOPRÁNEA Sala: Paseo de las Laderas (Alburquerque, Badajoz) Fecha 19, 20 y 21-07-12 Estilo pop Promotor Contempopránea

La calurosa decimoséptima edición del Contempopránea acogió en Alburquerque a más de tres mil personas y arrancó con una parrillada pop y una jornada de puertas abiertas en la plaza del pueblo, en la que se sucedieron los conciertos de La Cena, Cosmen Adelaida, Rusos Blancos, Cooper y Ellos, como plato fuerte. Los más tempraneros se dejaron caer para ver a la primera banda del viernes, Asustadizo, que abrieron la segunda jornada coreados por acólitos que bailaban en primera fila. Según las propias palabras de Marina, de Klaus & Kinski, tenía uno de esos días en los que no sabía qué decir, así que hizo uso de su micro de luces de neón y obtuvo un cálido recibimiento con “La duda ofende”, “Nunca estás a la altura” y el resto de sus poderosas estrofas. El siguiente grupo en

subir al escenario fue Maga, y nadie se resistió a los sevillanos, que desataron la locura con “Agosto esquimal”, dejando tal buen sabor de boca que para muchos se erigieron como el mejor concierto de la noche. Llegado el turno a Niños Mutantes. Los granaínos tomaron partido de una marcada edición reivindicativa, en la que la mayoría de los artistas hicieron un alegato en contra de la que está cayendo. La selección de Chicos Malos Dj’s sirvió de aperitivo para La Casa Azul. Guille Milkyway, a causa de algunos problemas con las pantallas y el micro, no estuvo tan impecable como de costumbre, aunque no defraudó con hitazos como “La revolución sexual” o “Los chicos hoy saltarán a la pista”. Los siguientes en subirse a la palestra eran We Are Standard, que se ganaron al público derrochando atmósfera y energía con mayor destreza que en su último paso por el festival. Las canciones de Reina Republicana penetraron con su amalgama de guitarras y violines, y la dulce voz de Maite incorporó una de las mejores versiones de La Buena Vida, grupo homenajeado en esta edición, marcándose una potente cover de “Qué nos va a pasar” en una noche que remataron Chinese Christmas Cards.

Al atardecer del sábado, Ruidoblanco brindaron grandes canciones. Se notaba que disfrutaban, y quizás por ello lograron tal feedback con el público. Odio París convencieron con canciones tan adictivas como “Cuando nadie pone un disco”. Antonio Luque, inmejorablemente rodeado de Javi Vega, Pablo Cabra y Jordi Gil, re-

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validó la buena sintonía de Sr. Chinarro con el público de Contempopránea. La Habitación Roja abrió sus puertas a uno de los mejores momentos de la noche con potentes temas y tablas sobre un escenario bajo el que fueron aplaudidos “Voy a hacerte recordar”, “La segunda oportunidad” y su recuerdo a Pedro San Martín con una más que satisfactoria versión de “Desde hoy en adelante”. Amaral, que comenzaron con una intro acústica de Eva y Juan versionando “SOS” de LBV, llenó el recinto, despejando prejuicios y callando bocas firmando un soberbio concierto (relectura en castellano del “Heroes” de Bowie mediante). Su fuerza escénica, que siempre deja con ganas de más, se enriquece con la presencia de los ex-Sexy Sadies Toni Toledo y Jaime García-Soriano. Se metieron a más de un escéptico en el bolsillo de la forma más honesta: transmitiendo su pasión por lo que hacen. Dorian fueron efectivos despachando de una forma consistente “A cualquier otra parte” (la más coreada con diferencia), “Verte amanecer”, y demás hits electro-pop, superando las expectativas con creces. Colección de himnos pop con regusto a psicodelia los que desnudaron (y no sólo en sentido figurado) Sidonie, que se desmelenaron instrumentalmente y abrieron la veda al exprimir incendiarios temas que brillaron con luz propia. The Wish demostraron por qué son una de las bandas más solidas de la escena extremaña y junto a Retrovisor Dj pusieron el punto y final al Contempopránea 2012. Beatriz Rodríguez Ruiz

MondoSonoro · Septiembre 2012 /31/

CONCIERTOS

Lugar Recinto Ferial de Aranda de Duero (Burgos) Fecha 9-08-12 Estilo pop Promotor Asociación Cultural Art de Troya

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We Are Standard

Eme DJ y Meneo. Fue la segunda cancelación del día después de la de Maga a primera hora.

La tercera ronda de conciertos la abrieron, entre otros, el colorista soul de The Pepper Pots y los ritmos de electrónicos del Instituto Mexicano del Sonido. Los estadounidenses de The Dandy Warhols, uno de los pocos nombres internacionales de este año, ofrecieron un recital de atmósferas densas, oscuridad y guitarras distorsionadas, ambiente que marcó sus dos temas más celebrados: “We Used To Be Friends” y “Bohemian Like You”. Consagrada como uno de las bandas del Sonorama, los integrantes de Vetusta Morla presentaron las canciones de “Mapas” en un directo tan sobrio como efectivo. Más rompedora fue la puesta en escena de El Columpio Asesino, cuyas afiladas guitarras cortaron la noche arandina, que ya empezaba a refrescar, con temas como “Toro” y “Dime que nunca lo has pensado”. Sidonie, que hacía doblete tras enloquecer a la Plaza del Trigo, recurrieron a los temas de sus dos últimos discos para despedir la jornada.

Napoleón Solo inauguraron la tarde del domingo cuando muchos festivaleros ponían rumbo a sus ciudades de origen. Bastante más público recibió a The Primitives, quienes, encabezados por Tracy Tracy, apelaron a la nostalgia de los espectadores más veteranos.

La acaramelada voz de la inglesa dio paso a una hiperactiva Maika Makovski, que, rodeada de excelentes músicos, cuajó una de las mejores actuaciones del festival. Más contenido fue el directo de Russian Red, al que siguió la explosión de guitarras de Lüger. Los puertorriqueños Calle 13, cuya inclusión en el cartel fue muy criticada, pusieron punto y final a cuatro intensos días en los que el indie patrio tomó las calles de Aranda de Duero.

Alberto Peñalba

Maika Makovski

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oincidiendo con su décimo quinto aniversario, el festival Sonorama volvió a congregar en Aranda de Duero (Burgos) a algunos de los popes del indie patrio. Fiel a su idea de potenciar las bandas nacionales y premiar a los triunfadores en años anteriores, la organización contó con formaciones de sobra conocidas por las casi 40.000 personas que pasaron por el recinto, como Love Of Lesbian, Sidonie, Vetusta Morla o Los Enemigos, que regresaron al escenario arandino más de una década después de su última actuación.

Precisamente estos últimos fueron el principal atractivo de la noche del jueves, y toda una advertencia para los grupos más jóvenes. “¡No soy un viejo!”, rugió un pletórico Josele Santiago en “Esta mañana he vuelto al barrio”, presente en un repertorio que arrancó con la contundente “John Wayne” y siguió con una retahíla de grandes éxitos de la banda. “Septiembre” o “Me sobra carnaval”, dedicada a Sancho Gracia, volvieron a brillar en esta parada de la gira “La Revuelta Enemiga”. Antes que ellos, Anni B Sweet se armó de guitarras para defender los cortes de “Oh, Monsters!”, su último trabajo, ante un público poco receptivo al que la malagueña llegó a preguntar, quién sabe si en broma o como reproche, si seguía despierto.

A la mañana siguiente la música se trasladó al centro histórico de la ciudad. Miles de festivaleros acudieron al escenario de la Plaza del Trigo, que cada año gana más adeptos, para disfrutar de los conciertos de La M.O.D.A., Eladio y Los Seres Queridos y sobre todo, Sidonie, quienes revolucionaron a los presentes al ritmo de versiones de clásicos: desde Syd Barrett hasta T. Rex pasando por The Rolling Stones. La euforia colectiva se desató de la mano de “Kids”, de MGMT. El pop preciosista del ex The Sunday Drivers Jero Romero, las melodías con regusto surfero de Smile y las canciones transoceánicas de Xoel López, que actuó el domingo por sorpresa, también fueron muy bien recibidas en este céntrico espacio.

Volviendo al recinto propiamente dicho, la jornada del viernes arrancó con Dinero, quienes aportaron una generosa ración de rock guitarrero y sudoroso. Tras ellos, unos Corizonas con menos pegada que en ocasiones anteriores se metieron al público en el bolsillo con sus acertadas y habituales revisiones de “Wish You Were Here”, de Pink Floyd, y “Supernaut” de Black Sabbath. A continuación, los catalanes Love Of Lesbian emocionaron con un pausado “Allí donde solíamos gritar”. Ataviado con una camisa hawaiana que, según él, le quita todos los complejos, Santi Balmes prosiguió con “Me amo” y “Si tú me dices Ben, yo digo Affleck”, coreado por miles de gargantas. Bien entrada la noche, los noruegos Kakkmaddafakka convirtieron el recinto en una pista de baile gracias a sus himnos desprejuiciados y hedonistas. Dueño y señor de La casa azul, Guille Milkyway puso la guinda a la velada con su potente espectáculo audiovisual. The Zombie Kids, encargados en un principio del fin de fiesta, fueron sustituidos a causa de “problemas de logística” por

El Columpio Asesino Fotos Jacobo R

Sonorama

Lugar: Auditorio de Lanuza (Huesca) Fecha: 13 al 28 de julio Estilo: diversos Promotor: Diputación de Huesca

Buenas cifras en el cierre del Festival Pirineos Sur. Según la organización han pasado más de 53.000 personas por las distintas actividades del festival, un dato muy relevante en estos tiempos que corren. Parece mentira que, ahora y tras veintiún años de trayectoria, el festival aún tenga que justificar su existencia. Este año ha habido veinticuatro artistas e infinidad de actividades paralelas, pero centrémonos en las actuaciones más acordes con nuestra línea. Como pocas veces ha ocurrido, se colgó el cartel de “no hay entradas” e incluso el día anterior se vio gente durmiendo en las taquillas para conseguir alguna de las pocas entradas que quedaban para ver la actuación de Manu Chao. Al final fueron unas seis mil personas las que abarrotaron ese precioso auditorio natural, que ese día registraba una temperatura más que agradable. Abrieron los luso-angoleños Batida, que lograron que el público se olvidase de todo. Dj Mpula dirigía las programaciones, tocaba percusiones, acompañado por una formación en la que se mezclaban bailarines, MC’s y percusionistas. Nos hicieron bailar kuduro, ensimismándonos con sus bailes y proyecciones en un espectáculo eminentemente rítmico. Y llegó la hora del viajero incansable. Poco antes, unas telas taparon las marcas de publicidad del cartel que presidía el escenario porque Manu Chao no quiere que se asocie su nombre con nada comercial. Gambeat y los suyos salieron al escenario antes, hasta que la aparición de Chao provocó un griterío que debió escucharse hasta en Sallent.

Muchachito Bombo Inferno Foto Jacques Valat

FESTIVAL PIRINEOS SUR 1114

Durante la primera parte del concierto sonaron entre muchas otras “Mr. Bobby”, “Día luna día pena”, el homenaje a Gato Pérez, con su “Se fuerza la maquina”. Después “Por el suelo”, “Clandestino”, “La vida tómbola” y “Bongo Bong”, pero todo perfectamente estructurado y combinado en un sorprendente corta-pega de canciones y géneros musicales. En la recta final llegó mucho más. “Rainin In Paradize”, “Politik Kills”, “L’hiver est lá”, “Welcome To Tijuana”, “El viento”, “Minha galera”, “Desaparecido”, “Rumba de Barcelona”, “Mala vida”, “La Vacaloca” y el tremendo “Hamburger Fields”. Más de dos horas con el escenario y el auditorio echando humo. Como debe ser. Por otro lado, Julieta Venegas supo aguantar el tipo en el segundo día en Pirineos Sur junto a los colombianos Bomba Estéreo. La de Tijuana acostumbrada en su país a temperaturas que pueden alcanzar los cincuenta grados, cantó y supo abrir la noche con apenas un par de grados sobre cero. Una muy fría noche en el hermoso anfiteatro de Lanuza, que Julieta rápidamente llenó de una voz dulce y canciones tan conocidas como “Limón y sal”, “Eres para mí” o “Me voy”. Alternando piano, guitarra y acordeón superó la situación a pesar de un olvido fugaz en una de sus letras. Otras actuaciones destacables fueron los que protagonizaron el poeta-

cantante gaditano Javier Rubial, los malienses Amadou & Mariam y su banda (tremendos en directo), JuJu, Astillero (con su viejo-nuevo tango) o la argelina Souad Massi (una voz privilegiada, bella y sensible que a veces canta letras desgarradoras pero que ha conectado directamente con las nuevas generaciones de su país y también de Francia). Por su parte, la controvertida Bebe respondió al apoyo de su fiel público cantando apasionadamente sus canciones, aunque quizás le faltó algo de alma a su banda.

Para acabar su concierto contó con un invitado sorpresa, Jairo Muchachito, que revolucionó los minutos finales de la actuación de la extremeña. Lo que la gente no sabe es que el torbellino de Santa Coloma continuó tocando durante horas detrás del escenario, ofreciendo un magistral taller para niños que puso a todos a bailar. Ya por la noche, con toda su banda al completo, puso patas arriba el auditorio de Lanuza durante más de dos horas de actuación. Lo dicho un torbellino. Miguel Amorós

/32/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

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Partido Foto Archivo

uchillo siempre han tenido mano para hacernos viajar con su música, creando parajes y sensaciones únicas.

Con su nuevo y segundo álbum, “Encanto”, consiguen llevarnos a un atardecer a orillas del mar, con sabor a mar, a Mediterráneo y a muchísima libertad. “Creo que es un disco que tiene un aire primaveral y veraniego que con las dos versiones del tema ‘Sant Pol De Mar’ y el hecho de que haya salido en primavera ayuda a que, quizás, sepa más a mar”, comenta Israel Marco. Cuatro años han pasado ya desde su debut homónimo, aunque pueda

Partido Vienen de: Barcelona Publican: “Leaving All Behind” (Warner, 12) En la onda de: Damien Jurado, Devendra Banhart, Pedro The Lion La banda barcelonesa Partido puede ser una de las sensaciones de la temporada. Algo que no deja de ser curioso para una propuesta con el punto de mira situado en el folk y el pop. “Creo que por fin los hipsters han encontrado que tanto en música, moda y actitud, el folk ahora es molón. Le ponen a todo una fuerte base setentera, barbas de pro y un toque ochentas para no perder comba. El folk mola y ya no es hortera como lo podía ser en los noventa”. Eso sí, lo suyo es un folk en el sentido más amplio del concepto, con influencias de diferentes niveles. “Si lo miramos desde un punto de vista más alejado de las modas, el folk ofrece muchas posibilidades a la hora de adaptarlo o mezclarlo y casi nunca resulta fuera de lugar. Cada década ha tenido a sus ‘folk heroes’ y sus canciones han aguantado bien el paso de tiempo. Mis discos favoritos de folk datan de principios de los setenta y principios de 2000”. Sonidos que confluyen en pequeñas obras de arte con forma de canción. “Cada una puede tener en su origen compositivo un concepto folk, pero en cuanto pasa a tocarlo toda la banda al completo entonces se convierte en pop vigoroso, rock, americana, o como cada uno quiere etiquetarlo”. Es esa variedad, ese choque sónico y hasta temporal lo que les lleva a un sonido particular, propio, junto al hecho de que “en esta banda cada uno de sus miembros acumula un camino artístico dilatado y lleno de sabiduría”. ■ Eduardo Izquierdo

pejismos que tiene Cuchillo. Ya desprendía pasajes llenos de hechizo, encantamiento o embrujo. Sin embargo, “Encanto”, con unas estructuras de canción mucho más cerradas, siguen desprendiendo -y en ocasiones diría que aun más- una fuerza salvaje y de absoluta libertad. “Todos los temas de ‘Encanto’ han sido escritos bajo ese estado de abandono y pérdida de la razón. Dejarse llevar por las emociones, de una forma irracional, pura, salvaje, guiada simplemente por el impulso de los sentimientos, las emociones, las sensaciones y el deseo que uno tiene cuando está bajo esos efectos. Es un canto a nuestro lado más irracional, el que realmente es puro y nos puede dar los momentos mas intensos”. ■ Celestí Oliver

+en

Han pasado cuatro años desde que se anunciaba el regreso de esta veterana formación de brutal death. Una segunda etapa en la que han trabajado duro para recuperar su merecido reconocimiento en la escena y en el que la banda no ha cesado en la búsqueda del perfecto equilibrio entre técnica y brutalidad. Hecatombe Records edita ahora su segundo álbum completo “Inexorably Doomed To Cataclysm”, en el que encontramos un maduro e interesante sonido compuesto por estructuras no convencionales, blast beats y elementos groovy. Un disco que contiene la misma fórmula que su predecesor y con el que vuelven a “repetir con Javier S. Sañudo (Frodo 47), el fotógrafo mexicano que ya nos hizo la anterior portada. Queríamos darle una continuidad en el estilo, e incluso en el aspecto teórico de la denominación del disco. En el primero renacíamos para la exterminación, y en el segundo la exterminación y el cataclismo ha llegado”. El nuevo ingrediente que encontramos es el cambio de formación que incorpora a Jorge Himura en sus filas con lo que Velocidad Absurda gana: “más solidez. Volvemos a ser un cuarteto, probablemente sea el número perfecto de integrantes para nosotros y en cierto modo se abre una tercera etapa en la historia de la banda. Además al liberar del bajo a nuestro vocalista hemos ganado matices en las voces guturales y el bajo se ha enriquecido con otro tipo de líneas musicales”. ■ Jaume Esteve

Velocidad Absurda Vienen de: Zaragoza Publican: “Inexorably Doomed To Cataclysm” (Hecatombe, 12) En la onda de: Devourment, Suffocation, Deeds Of Flesh

Cuchillo Foto Archivo

Viene de: Barcelona Publica: “Encanto” (Limbo Starr, 12) En la onda de: The Books, Dotore

no parecerlo. Cuchillo se han ido curtiendo abismalmente, paso a paso, demostrándolo en tablas de medio mundo y en pequeños pasos discográficos, de gigante, como el EP “Duat” (10), en el que intensificaban y ampliaban su paleta de luces y sombras. Ahora, vuelven a la luz que ya tenía su debut, pero el rayo es distinto, más lugareño, más propio.

Nada nórdico ni artificial. Es una luz mediterránea. “Cuando haces música experimental es más fácil hacer temas ya que no hay reglas, todo es más abierto y más o menos las marcas tú. En cambio si haces pop, las reglas están más claras y eso es lo que lo hace difícil e interesante. Aunque no es un álbum de pop al uso, sí que podríamos decir que desde nuestro ángulo hemos flirteado algo más con la canción de lo que acostumbramos a hacer”. “Duat”, siendo más experimental, fue ya un paso firme hacia el poder hipnotizador y de es-

Tuya Foto Nerea López

Cuchillo

Tuya Viene de: Madrid Publica: “Waterspot” (Subterfuge, 12) En la onda de: Radiohead, Grizzly Bear, Gravenhurst

Velocidad Absurda Foto Jesús Martínez

escaparate

A David T. Ginzo, uno de los jóvenes músicos más solicitados en nuestro país de un tiempo a esta parte, posiblemente lo hayas visto sobre el escenario junto a Sidonie, Lüger, Catpeople o Anni B Sweet. Era cuestión de tiempo que se lanzara con su propio proyecto. “Tuya es algo más, como tener un hijo que ahora tiene un par de años y ha pasado por alguna gripe. Ahora mismo está aprendiendo a hablar. El tiempo dirá”. Con el apoyo de tres músicos de confianza que son también sus amigos (Héctor Ngomo, Juan Diego Gosálvez y Brian Hunt) ha completado un primer disco largo, “Waterspot”, después de haberse estrenado el pasado año con el mini “Own”. “Cada grabación es una aventura, porque por muy claro que tengas algo en la cabeza nunca va a acabar así, siempre se va a querer cambiar más tarde. Creo que ahora puedo hablar claramente sobre ‘Own’ mientras que no podré hablar claramente de ‘Waterspot’ hasta dentro de un año... Cada disco es una fotografía del momento de un grupo”. En la fotografía aparece un grupo muy de su tiempo, postmoderno, en el que los estilos esenciales que han configurado la música contemporánea occidental –pop, folk, electrónica- hibridan de forma natural, casi sin proponérselo. Y con la mirada puesta en el futuro… “Tenemos toda una gira por delante. Si nos queda tiempo, seguir haciendo más música. Pero lo que más me apetece ahora mismo es sacar una canción que grabé con Fernando Alfaro en el Día de la Música...”. ■ Jose Argüelles

Jonston Foto Archivo

MondoSonoro · Septiembre 2012 /33/

Montevideo Vienen de: Sevilla Publican: “El año del dragón” (El Genio Equivocado, 12) En la onda de: La Habitación Roja, Apenino, Niños Mutantes

Jonston Vienen de: Madrid Publican: “Veo visones” (Primeros Pasitos, 12) En la onda de: Robyn Hitchcock, Os Mutantes, Cohete

De hecho, la ilustración de portada muestra una ingente cantidad de personas manifestándose en las calles, “ya que no hay otro medio para hacerse escuchar”. El resultado, a nivel lírico, podría definirse como agridulce, pero no de carácter político, a pesar del coyuntural punto de partida. “Somos seres políticos, sí, pero nos basamos en la forma en la que vivimos, no en el politiqueo como tal. En las letras ahora hay más mala leche, pero aplicada a las relaciones humanas”.

De hecho, la reciente paternidad del músico también ha marcado la obra. Y es que “la vida se abre camino”, a pesar de los pesares. En cuanto a producción, han repetido con Raúl Pérez en los estudios La Mina, consiguiendo “una coherencia total, al unificar las aristas de las canciones, dando con la idea global. Partíamos de un disco de singles, pero él ha conseguido redondear el sonido”. ■ Joseba Vegas

Miniatura Foto Archivo

José Ignacio Martorell, presente. Tras el soberbio “Taller de memoria” (Pez Plátano, 10), uno de esos discos que esperan su momento para ser reivindicados como un nuevo clásico, Jonston tenía difícil volver a pillarnos con la guardia baja. “Me había vaciado y no tenía mucho sentido seguir en la misma línea”, comenta él sobre “Veo visones”, su nuevo trabajo, en el que abandona las letras sobre su infancia y juventud para retornar a las viñetas y personajes casi de cómic que poblaban su homónimo debut publicado en 2007 en Limbo Starr. En esta ocasión decidió además componer los temas poco antes de entrar en el estudio con Paco Loco, no hacer los deberes y buscar la frescura. “Fue algo consciente. Con los anteriores discos me pasó que, aunque ya tenía preparada una tanda de canciones, al final las que me gustaban más eran las que salían a última hora. Me apetecía probar a ver qué pasaba si todas las componía muy pegadas a la fecha de grabación. Y estoy bastante contento, ha quedado muy fresco y ninguna canción ha perdido el rollo que tenía al principio, que suele ser lo que sucede cuando le das demasiadas vueltas... Todo lo contrario que con ‘Taller…'. Si salía algo raro, ahí se quedaba”. Por raro quiere decir exótico: algunos de los arreglos del nuevo álbum muestran una clara actitud abierta al juego, a dejarse llevar por el instinto o, simplemente, divertirse un poco más. ■ Joan Cabot

M

ontevideo cumplen diez años y lo celebran con la publicación de “El año del dragón”, cuarto disco del grupo sevillano y primero desde el reverenciado “Vértigo y euforia” (2010). El álbum sigue por la senda de la anterior entrega, donde las guitarras adquirieron mayor peso, sin dejar de lado las logradas melodías pop marca de la casa. Manu Villalba, cantante y encargado de los sintetizadores en el cuarteto, asegura que el trabajo, ya desde el título, parte de “las ganas tremendas de cambiarlo todo, en estos tiempos difíciles que los chinos llaman el Año del Dragón”.

escaparate

Miniatura Con esas cosas del localismo y la endogamia tan habitual en la alejada escena canaria, resulta que Miniatura acaba de agotar los ejemplares de la primera edición de su segundo disco, “La huida concéntrica”, solo con las ventas isleñas y con la singular aportación de los pedidos desde México. Es tiempo entonces de apostar por la venta nacional. El disco ya está disponible en diferentes plazas peninsulares. Una segunda andanada de lo que no deja de ser el proyecto personal de Eduardo Briganty, músico grancanario que gusta de esas cosas de escapar de etiquetas y lanzarse por la senda personal. Precisamente esa búsqueda retrasó la edición de su segundo disco tras su estreno con “Music Box” en 2007. “El disco se retrasó en parte por la búsqueda de un sonido personal, que me hizo rehacer muchas de las ideas-maquetas que ya tenía, el decidirme a escribir en castellano y porque le doy muchas vueltas a los arreglos y estructuras de las canciones”. Para cerrar dudas, Briganty aclara a los neófitos el sonido de Miniatura: “Pop emocional y evocador con un armazón a veces más acústico y frágil, y otras canciones con una onda más ruidista y oscura, con letras que van de lo onírico-surrealista a otras con cierto aire doméstico-espiritual”. El disco además coge impulso con Jaír Ramírez, líder de Pumuky y el ex Manta Ray Frank Rudow “En principio solo iba a encargarse de masterización, después de escuchar el disco decidió involucrarse en algunas de las canciones”. ■ Job Ledesma

“Childhood Is All We Have” es el nuevo álbum del “uruguayo abarcelonado” Fernando LaGreca. Su música es como él: natural, sincera, abierta y sin adulterar. Una suerte de suave y ensoñadora indietrónica en la que el slo-mo-house, la IDM y la chill-wave se disfrazan de pop contemporáneo para hacernos la jodida vida un poco más feliz. Un caramelo sonoro en tiempos de cólera, vaya. Al efecto Lagreca confiesa que el pop es realmente lo suyo por: “lo fácil, por lo fresco, por lo de que haces una canción sólo con la guitarra y luego la construyes, por lo de que le puedes meter una melodía pensando en que ojalá alguien la silbe o la cante en algún momento... y claro, contemporáneo total, con mucha maquinita, ¡sí señor!”. Respecto a que le comparen con M83, él lo tiene claro: “No me molesta para nada.

Si Anthony me quiere llevar de telonero a su gira, ¡pues tampoco me molestaría! Que le vayan avisando…”. En temas como “Swimm Love Paradise”, “Stood By The Gate At The Foot Of A Garden” o “Dream And Go” campa un espacio onírico, feliz, pleno de sensaciones siempre agradables… parece que la chill-wave-pop es la mejor escapatoria para momentos de oscuridad permanente como los que nos agobian. “Es verdad que los tracks tienen ese mood de ambiente soleado y alegre, se respira un poco de felicidad. Efectivamente esos ambientes, que me recuerdan a la infancia, pueden ser vistos de alguna manera como un escondite para la que está cayendo”. “Wonkyvideo” o “Introspective Space” encierran y atesoran en sus beats y arpegios todo el concepto de este bello trabajo que ubica, a este uruguayo, en el top del mejor “pop para soñar” facturado en la doliente España. ■ Fernando Fuentes

Fernando Lagreca Vienen de: Uruguay/Barcelona Publican: “Childhood Is All We Have” (Irregular, 12) En la onda de: M83, Giorgio Moroder, The Human League

Fernando Lagreca Foto Tommy Lanc

Viene de: Gran Canaria Publica: “La huida concéntrica” (El Hombre Bala Records, 2012) En la onda de: Sr. Chinarro, Mercromina, Joaquín Pascual

Montevideo Foto Rosa Ponce

VINILOS BARRICADA

“Flechas cardinales” Warner

ROCK

111

Pocos grupos con una carrera tan coherente como la de Barricada se habrán enfrentado, después de treinta años en la brecha, a tantas dudas por parte de sus fans. ¿Cómo encajarán los navarros un golpe tan duro como el abandono del Drogas?, se preguntaba hasta el más pintado. Pues bien, sin restar méritos al papel de Enrique Villareal en el pasado, Barricada nunca fueron grupo de un solo hombre y este “Flechas cardinales” es la mejor prueba de ello. Boni y Alf han sabido llevar al estudio un puñado de composiciones a la altura del historial de la banda y el productor Iker Piedrafita –hijo de Alf y líder de Dikers- les ha dado un toque de solidez, digamos que alejada de sus ramalazos más punk en favor de un sonido duro pero refinado y nítido a la vez. Por lo demás, algún poderoso estribillo se ve reforzado por interesantes coros, mientras Kutxi Romero de Marea y el citado Iker Piedrafita protagonizan las colaboraciones especiales, llegando a co-firmar un tema cada uno. Así pues, parece que la deserción del Drogas no ha resultado tan traumática como algunos auguraban. Esperemos que en directo resuelvan la papeleta con la misma solvencia. Xavier Llop

THE BRÖNTES

“Vender la sombra” Hang The Dj

POP

1114

Sí, son ellos. La misma banda que iniciaba su andadura en 1995 y que en 1999 publicaba su aclamado debut “Moontime” . De Vitoria, ya sabes. Power pop cantado en inglés. Por lo menos hasta ahora. Cinco años llevaban sin pasar por el estudio a causa de un accidente, cosa que sin embargo no ha provocado, como suele ser habitual en estos casos, la desintegración del grupo. Vuelven y lo hacen con más energías, y con la apuesta por el castellano como nuevo leitmotiv. De momento la cosa va bien. Las canciones fluyen y el asentamiento de la banda no se ha resentido del cambio de lengua. Las letras de Raúl Rama siguen funcionando igual de bien y la producción de Karlos Osinaga (Lisabö) acierta con lo que el grupo necesita en este momento. Y eso no es otra cosa que guitarras pasadas de volumen directas a los cimientos de, por ejemplo, unos Dinosaur Jr. Canciones como “Cenizas” o “Todo es un disfraz” deben ayudarles a crecer. Y más si, como parece, han tomado el camino adecuado. Eduardo Izquierdo

FELA KUTI

“Live in Detroit 1986” Knitting Factory

AFROBEAT

1114

Aquí tenemos la primera grabación inédita de Fela Kuti, creador del rítmico y revolucionario afrobeat, veinte años después de su último disco editado, “Underground System”, y quince de su muerte. Fela en estado puro junto a su mítica banda Egypt ’80. Se trata de la grabación del concierto que dio en

/35/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

Detroit en su gira norteamericana del año 86, tan solo dos meses después de haber sido liberado, gracias a Amnistiá Internacional, de una condena dudosa del gobierno de Nigeria. “Live in Detroit” contiene más de dos horas de música en tan solo cuatro temas.

Largas intros de esa mezcla de jazz, funk y highlife que se desarrollan y crecen con un groove repetitivo. Encima de todo ello, Fela y su característico flow cantando sus rotundos textos de denuncia social y política con las clásicas llamadas-respuestas de su coro femenino. No son los temas más conocidos del líder panafricanista y quizá tampoco los más apropiados para el neófito que quiera acercarse a su universo musical, pero revelan cómo eran sus extensos conciertos y la fuente de la que beben sus hijos Femi y Seun, y también muchos otros que siguen manteniendo viva la llama de este musculoso género. Miguel Amorós

animal collective miran a su propio pasado

THE GASLIGHT ANTHEM ”Handwritten”

Mercury/Universal

ROCK

1112

Si hay un momento en el que The Gaslight Anthem deban dar un paso adelante, es sin duda este, con “Handwritten” de por medio. Con un robustísimo sonido conseguido entre la mano de Brendan O’Brien y el firme esqueleto de sus nuevas composiciones, los de New Jersey ponen sobre la mesa el órdago: convertirse en un fenómeno de grandes plazas sin abandonar la tradición más clásica del rock en un momento en el que el premio parece vivir en otro lugar. Un sonido mucho más cercano a “The ’59 Sound” que a “American Slang” (una vena eléctrica neilyoungista en sus propias palabras), canciones con evidente pegada como “Here Comes My Man”, la robusta “Too Much Blood”, el en cierto modo continuista single “45” y una autoconfianza sin fisuras parecen converger al mencionado paso adelante. Ellos dicen que han retomado las eléctricas, y aunque pensamos que nunca las abandonaron del todo, es el momento para nosotros de alabar esta, como poco, muestra de resistencia a la rutina y a una palabra madurez que muchas veces esconde un verdadero estancamiento compositivo. Ignacio Pato L.

ROOT DIAMOONS

“Tot al seu temps”

Animal Collective Foto Archivo

ANIMAL COLLECTIVE “Centipede HZ” Domino/PIAS

POP

1114

Cuando Animal Collective andaban presentando el aclamado “Merriweather Post Pavillion” sobre los escenarios, parecía que su work in progress se inclinaba por un sesgo rítmicamente tribal cuya génesis habría que buscar en la música africana, de un modo menos epidérmico que el de toda su pléyade contemporánea de oportunistas cultivadores. Cuatro años más tarde, con la vuelta al redil de Josh “Diekin” Dibb y un par de singles previos (que no adelantos: “Honeycomb” y “Gotham”), el controvertido cuarteto de Baltimore desmiente aquella inclinación y vuelve sobre sus propios pasos, con una novena entrega que gana en cohesión y acce-

sibilidad todo lo que pierde en el que era su principal activo: una heterodoxia que dificultaba el rastreo de su árbol genealógico (si bien la reevaluación de los primeros discos de Mercury Rev o The Flaming Lips siempre ha podido abrir grietas en el incólume consenso acerca de su singularidad). Porque las melodías alucinadas de abigarrada raigambre sixties pasadas por tamiz ácido, el sentido la de repetición y el aprecio por exprimir la artillería sónica que apuntala sus composiciones (algo más atenuado aquí, en un trabajo más orgánico de lo que acostumbran) siguen siendo sus principales señas de identidad. Las de una banda que amplía ligeramente la recepción potencial de su propuesta (las estupendas “Father Time” o “Monkey Riches” no engañan sobre sus intenciones). Y quizá, también con ello, muestren que son más terrenales de lo que muchos están dispuestos a creer. Carlos Pérez de Ziriza

Brixton Records

SKA JAZZ

1111

Tras algo más de diez años como banda, Roots Diamoons vuelven –tras “With Other Eyes”- con su segundo trabajo “Tot al seu temps”, un disco lleno de excelentes canciones de ska-jazz donde le han pedido colaboración nada más y nada menos que a Mr. T-Bone, Greg Lee (Hepcat), David Hillyard (Slackers) y a Paul Carter (Intensified). Escuchándolos uno llega a la conclusión de que realmente a la banda no le hace falta mucha ayuda para salirse con un buen resultado. Es un disco de jazz, con base skatalitico-jamaicana, cálido, sutil, elegante, que descubre a una banda francamente impresionante.

Conforme se suceden las escuchas, uno va sumergiéndose más y más en un club a altas horas de la madrugada a base de canciones que son puro jazz y que están producidas con mano maestra. El perfecto cierre a la propuesta es la voz de su cantante, Berta Gratacós, que parece haber nacido para el jazz. Y para redondear, nos roban el corazón con su versión del “Let Me Hold You Tight” de Marcia Griffiths. Ivan Ferrer

en la onda

THE BEACH BOYS “Smile” (1967)

11114

Aunque no se haya publicado nunca oficialmente, la que tenía que ser la continuación del venerado “Pet Sounds” ha sido objeto de suficientes revisiones y bootlegs como para considerarlo una referencia con entidad propia y una influencia, por lo profuso y barroco de las melodías. Brian Wilson y Van Dyke Parks puestos hasta las cejas.

THE RED KRAYOLA

“The Parable Of Arable Land” (1967)

1111

Percusión, ruido, psicodelia en su forma menos amable y por momentos puro histrionismo, escuela The Red Krayola.

Animal Collective siempre han tenido algo de los de Houston, pero puede que sea en “Centipede Hz” donde esta conexión sea más evidente y palpable, hasta que te zumbe la cabeza.

THE FLAMING LIPS

“At War With The Mystics” (2006) 1111

Y a pesar de todo, detrás de tanta polirrítmica, complejidad melódica y psicodelia, hay cierta pulcritud, un acercamiento orgánico. Si se podía intuir cierta cercanía ideológica entre los de Baltimore y Wayne Coyne, puede que nunca dos de las bandas americanas más influyentes de las últimas décadas hayan estado tan cerca de tocarse. Joan Cabot

vinilos /36/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

dinero, power trio a la española GUIDED BY VOICES

“Class Clown Spots A UFO” Fire/Popstock!

ROCK

Dinero Foto Archivo

DINERO

”Año Perro” Dinero Music/Tricornio Producciones

ROCK

1114

Casi tres años después de su debut homónimo, el trío Dinero vuelve a poner en circulación nuevas canciones. Al tradicional tópico del segundo disco se le une una cierta ¿curiosidad?, ¿presión? heredada de lo que no ha dejado de ser una trayectoria ascendente desde su irrupción en el panorama hace unos cuatro veranos.

Lo cierto es que si la melodía seguía en su sitio, el ritmo haciendo gala de unas subidas y bajadas de manual

y las letras incidiendo en esa tendencia particularista y nocturna que tan bien conecta con ciertas cohortes generacionales, la reproducción del éxito parecía asegurada. Y eso es lo que sucede en “Año Perro” (título que da fe del año entero de trabajo que se esconde tras el álbum), un disco en el que los once cortes, muy bien repartidos y ordenados, y su cristalina producción siguen teniendo la marca de la casa de un trío convencido del poder de seducción y gancho comercial de canciones como “Lo mismo”, “Difícil”, “16 horas de nieve” (un posible apunte para nuevas direcciones, especialmente referenciales), “Mi generación” o “Mágico, enérgico, eléctrico”. Ignacio Pato L.

KILLING JOKE

ADRIFT

POOR MOON

Spinefarm

Alone Records/Kromatik Musik

Bella Union/Music As Usual

“Black Heart Bleeds Black”

“MMXII” ROCK

1114

Pasan los años, pero Killing Joke siguen ahí.

En este caso con su recuperada formación original desde el 2008, editando discos lo más fieles posible a su férreo libro de estilo y dándolo todo en sus ruidosos e intensos conciertos. Y en eso es donde no acostumbran a fallar. Porque su catorceavo álbum, “MMXII”, más allá de la actualización que pueda suponer esa temática apocalíptica inspirada en el mundo actual y los futuros cataclismos que se dice han de venir, sigue acotado en las atmósferas densas y los ambientes épicos que generan sus guitarras afiladas, complementadas como siempre por la enrarecida y particular voz de Jaz Coleman.

Si bien en esta ocasión, encontramos alguna concesión más a la melodía que en otras veces, con esos resultones guiños al post-punk con que a veces se arrancan -un particular contrapunto a las partes más salvajes y industriales de mayor peso específico-, su esencia sigue intacta, con toda la ampulosidad e intensidad que concentran sus grabaciones. Quizá no como para hablar de uno de sus álbumes más destacables, pero, en todo caso, para nada un disco desdeñable.

Francesc Feliu

METAL

1111

Era muy difícil que Adrift fueran más allá tras su anterior disco “Monolito”, pero también sabemos de su ambición musical. Composiciones arriesgadas que arrancan con la poliédrica “The Soldier Of My Words” y encuentran continuación en “Black Heart Bleeds Black”, de duración cercana a los diez minutos y tremendos riffs ambas, dan idea pero no muestran todo lo que esconde la nueva entrega.

Con “Wolves Searching Dams” la oscuridad se apodera de todo de manera aterradora y con “Mallet Man” la brutalidad se manifiesta virtuosa, pero es en “Fury Roof” donde la tendencia progresiva de los madrileños ofrece algunos de sus mejores momentos, para desembocar en la apoteosis contenida de “Long Nails”. La profundidad de “Black Heart Bleeds Black” coloca a Adrift en otra dimensión. Siempre densos y trabajadores, hablamos del culmen de una banda que nunca fue de usar y tirar, más al contrario, el cuarteto nos obliga a dudar de una palabra si decimos que han llegado a ser “prácticamente” la mejor banda de metal de nuestro país. Ignacio Pato L.

“Poor Moon” FOLK

111

Iniciado como proyecto a distancia entre los norteños Christian Wargo y Casey Wescott, miembros de Crystal Skulls y adláteres de Fleet Foxes, y los hermanos Peter y Ian Murray de Christmas Cards, afincados en San Francisco, Poor Moon tendrán difícil esquivar las comparaciones con los de Robin Pecknold, especialmente con canciones como “Phantom Light” y “Same Way”, que habrían podido formar parte perfectamente de “Helplessness Blues”. Aunque, canción a canción, un punto de candidez se abre paso entre las evidencias pastorales.

De hecho, los mejores momentos llegan cuanto más se alejan de Seattle y más se acercan al sunshine pop de Chad & Jeremy (“Holiday”) o al folk pop de la Costa Oeste (“Waiting For”, “Heaven’s Door”, la final “Birds”). El debut en largo de Poor Moon no deja de ser un trabajo residual eclipsado por la larga sombra de Fleet Foxes, pero para un proyecto paralelo sin excesivas ambiciones Wargo, Wescott y los Murray han dado con unas cuantas canciones lo suficientemente afortunadas como para que valga la pena perder el tiempo en su escucha. Joan Cabot

1111

Incontinente e incontenible, Robert Pollard había prometido para 2012 tres nuevos álbumes con la renacida formación clásica de Guided By Voices (con Tobin Sprout, Mitch Mitchell, Greg Demos y Kevin Fennell, hay que recitarlo de memoria) y otro en solitario, “Mouseman Cloud” (Fire, 2012), que sigue la línea habitual de contentar a fans irredentos y aumentar el desconcierto de los no creyentes. Pero si “Let’s Go Eat The Factory” no dejaba de ser un razonable premio de consolación para los que nos quedamos con las ganas de verlos en el pasado Primavera Sound, “Class Clown Spots A UFO” es otra cosa, porque nadie se esperaba que GBV fueran capaces de emular sus mejores años con un disco lleno de pequeños himnos defectuosos, inexacta grandeza y ruidosos salmos a medio hacer. Quizás sea por la mayor contribución de Sprout, que firma hasta seis de estas veintiuna nuevas composicones, entre ellas las preciosas “All Of This Will Go” y “Forever Until It Breaks”, aunque es más probable que la explicación sea menos lógica y mundana, así son las cosas en el mundo de Guided By Voices: pura chiripa, suerte, potra. A Pollard la inspiración lo pilla siempre metido en pomada: todo entra, hasta lo bueno. Joan Cabot

PEAKING LIGHTS “Lucifer”

Domino/Pias

POST-ROCK

1111

En “Wimbledon Green” el historietista canadiense Seth desarrolla con su habitual magisterio toda una trama de misterio alrededor de la figura de un coleccionista de cómics, los hábitos, luces y sombras que lo convierten en una figura mítica. Va camino de algo similar el matrimonio que forman Indra Dunis y Aaron Coyes, pareja artística como Peaking Lights, que ya han derribado unas cuantas barreras a priori infranqueables para una propuesta que nació doméstica y sin grandes expectativas. A saber: su segundo disco fue elevado a los altares por la prestigiosa revista británica Wire y hoy les da cobijo el poderoso sello Domino -sí, el de Franz Ferdinand, Animal Collective y Hot Chip-. No ha afectado gran cosa el cambio a estos dos connaisseurs de la música -tanto en su faceta de coleccionistas como cuando diseñan y modifican los sintetizadores que utilizan-, si acaso para despejar un poco más un sonido que aún se rige por la máxima del todo vale… si bien no todo en la misma medida. Forjado a partir de una estructura dub, el kraut como metodología de trabajo y unas voces y un acabado que los identifica con la primera hornada del post-rock británico, Laika, Pram y compañía. Luis J. Menéndez

LOS CARNICEROS DEL NORTE ”Sick Forever” Gor Discos

PSYCHOBILLY

1114

Un nuevo EP en la heterodoxa discografía de un grupo no menos merecedor de ese adjetivo, eso es “Sick Forever”, colección de seis temas que sirven para

rendir tributo a sendos clásicos del terror de serie B. Homenajeando asimismo a Lux Interior tanto verbal como musicalmente, Los Carniceros del Norte se muestran en esta entrega quizá algo más profundos que rápidos, más “horror” que punk, comenzando con “Invasores invisibles” y la continuista “Sardu en el teatro de lo macabro” para dejar paso a “La criatura”, en la que el pistón sube por momentos y el meneo enloquecido es inevitable, más o menos como en “Gilman” (“las cosas más horribles por ser un anfibio sentimental”, aúllan en este tema inspirado en la mítica “La mujer y el monstruo”). Algo más previsible y forzada es “Zombies paletos” para rematar con un repunte de velocidad en “Nekromántikos”, dejando ganas de más y la sensación, en definitiva, de estar ante la referencia más oscura y psychobilly de una banda a ser tomada en cuenta en estos terrenos tan pantanosos como excitantes si se ejecutan con tal pasión.

Ignacio Pato

POP ETC

“Pop Etc”

Rough Trade/Popstock!

POP

114

Quizás sea la única persona en el mundo que se alegre de que The Morning Benders hayan acabado siendo Pop Etc, aunque me da que es muy posible que eso sea así. Y es que es curioso enfrentarse a su cambio de orientación, sobre todo después de la excelente respuesta que obtuvo el alabado “Big Echo”, para el que contaron con la producción de Chris Taylor de Grizzly Bear.

De algún modo, resulta extraño entender los motivos, pero quizás los cambios de formación también tengan mucho que ver. Diría que mucho más que tener esta vez a los mandos a Danger Mouse. Puede que hayan tenido celos de James Mercer y hayan intentando acercarse a lo que él hizo con Burton en Broken Bells, o sencillamente se trate de una banda inquieta que busca caminos distintos en cada trabajo. El caso es que con “Pop Etc” a uno le resulta más fácil verles como teloneros de un posible retorno de The Postal Service o de los conciertos más modestos de Owl City que buscando hacerle sombra a The Shins.

Joan S. Luna

MUY FELLINI VS BRIAN HUNT “Starrs On 45 Vol.1” Limbo Starr

ROCK

1114

Hay que tener mucho amor por la música para lanzar una nueva serie de siete pulgadas split en estos tiempos. Limbo Starr se tira a la piscina con Starrs on 45, cuyo primer lanzamiento tenemos entre manos. El concepto está claro: se trata de aupar a valores emergentes de la escena nacional, bajo exquisita presentación -vinilo de color naranja-.

Edu Ugarte y Brian Hunt compartieron banda en Half Foot Outside, y ahora vuelven a reunirse, aunque lo hagan por diferentes caminos: el batería, con Juan Maraví, en el dúo de power pop Muy Fellini, y el guitarrista, en solitario. Hunt abre y cierra el Ep con dos temas evocadores y atemporales, en la senda de compositores del calado de Micah P. Hinson: “Corner Flag” y “I’m Trying To Find How to Fix Your Heart”, cantada a dúo con Esther Margarit (Me And The Bees). Los de Pamplona apuestan por el pop de guitarras bien hecho, con la vibrante “Nunca te llamo” (ecos de Los Planetas pasados por el tamiz de Teenage Fanclub), y cierta ironía juvenil en “Chico popular”. Canciones que conviven mejor que bien. José Carlos Peña

MondoSonoro · Septiembre 2012 /37/

top10

vinilos

PASSION PIT, secundarios de lujo

internacional

REDD KROSS

“Researching The Blues” Merge records

ROCK

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

TWO DOOR CINEMA CLUB “Beacon” Kitsuné/Music As Usual

THE XX “Coexist”

Xl/Popstock!

PASSION PIT “Gossamer”

Frenchkiss/Sony BMG

ANIMAL COLLECTIVE “Centipede HZ” Domino/PIAS

CAT POWER “Sun”

Matador/Popstock!

TOY

“Toy”

Coop/Music As Usual

JIMMY CLIFF “Rebirth” Universal

THE GASLIGHT ANTHEM ”Handwritten” Mercury/Universal

BEACHWOOD SPARKS “The Tarnished Gold” Sup Pop/Popstock!

YEASAYER

“Fragant World” Mute/Pias

top10

111

En una entrevista concedida a esta misma revista cuando visitaron nuestro país hace la friolera de cinco años, los hermanos McDonald ya nos prometían disco, y no solamente eso, también interpretaron algún tema nuevo como ese power-pop de estribillo chicletero llamado “Stay Away From Downtown” que al final ha acabado incluido en este álbum de regreso tras diecisiete años de silencio discográfico. Vaya, que nadie puede negar que se lo han tomado con mucha calma a la hora de entregarnos estas diez canciones que, si bien son fieles al espíritu de la banda y mantienen muy bien el tipo, resultan insuficientes para insuflar nuevas energías a su cancionero. Y eso que el disco empieza con la esperanzadora canción que le da título, que está entre lo mejorcito del álbum. Un riff cortante, vacilón y duro en la línea de por ejemplo unos RFTC que desemboca en un estribillo machacón que promete muchos quilates, los mismos que “Uglier”, en la que el batería Roy McDonald da rienda suelta a sus baquetas. Para mí, estas dos canciones, junto a ese clásico power pop con el inconfundible sello de la banda que es “Choose To Play”, suponen los mejores momentos de un disco al que personalmente le hubiera ahorrado alguna de las canciones pop más dulzonas (“Dracula’s Daughter”, “Winter Blues” o incluso la más zigzagueante “One Of The Good Ones”). En la faceta más dura del disco le pegan un buen repaso a, por ejemplo, el fallido retorno de Urge Overkill.

Sin embargo en el aspecto más chicletero no pueden competir con el acierto melódico de unos Fountains Of Wayne. Si no tardan tantos años en publicar nuevo material y optan del todo por el sendero más duro, lo clavan. Don Disturbios

nacional

Passion Pit Foto Archivo

PASSION PIT “Gossamer”

Frenchkiss/Columbia

POP

11114

Michael Angelakos debutó discográficamente casi por accidente, al ver publicado un disco que inicialmente no buscaba más que ser un regalo para su chica. Quizás por ello, sin pretensión alguna, el estadounidense dio forma a un trabajo alejado de otros referentes inmediatos, personal en su fondo y en su forma, influido por grupos a los que ningún otro prestaba demasiada atención en aquel momento (¿les suena el A.O.R.?). Todo llevaba a pensar que, posiblemente, todo había sido un precioso accidente y que las cosas cambiarían en un segundo larga duración.

Bien, pues para nada. “Gossamer” es un disco de pop fantástico y precioso, sincero y personal, endiabladamente puro, en el que su autor mantiene las coordenadas estilísticas de sus referencias anteriores (rebajando, eso sí, el histrionismo de sus partes vocales) y sorprende con unos textos narrativos en los que hay mucho que rascar, mucho en lo que reflejarse y mucho sobre lo que aprender (¿ejemplos? “Take A Walk”, “Cry Like A Ghost” o “Love Is Greed”).

Angelakos sitúa su pop electrónico en una dimensión muy particular sin apartarse de su capacidad por crear hits instantáneos (el ya citado single “Take A Walk” o “Carried Away” lo son desde la primera escucha), dotando a “Gossamer” de una entidad más sólida de lo que su sonido podría hacernos intuir, convirtiendo a Passion Pit en bastante más que unos secundarios de lujo. Joan S. Luna

BEACHWOOD SPARKS “The Tarnished Gold” Sup Pop/Popstock!

AMERICANA

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

HOLA A TODO EL MUNDO

“Ultraviolet Catastrophe” Mushroom Pillow

THE NEW RAEMON “Tinieblas, por fín” Marxophone

NAPOLEÓN SOLO “Chica disco”

El Volcán Música

BUFFET LIBRE

“The Sun In The Shade Ep” Subterfuge

CUCHILLO “Encanto” Limbo Starr

DINERO

”Año Perro” Dinero Music/ Tricornio Producciones

ADRIFT

“Black Heart Bleeds Black” Alone Records/Kromatik Musik

VV. AA.

“Madrid está helado” La Fonoteca

FERNANDO LAGRECA “Childhood Is All We Have” Irregular

MONTEVIDEO

“El año del dragón” El Genio Equivocado

1111

Lo primero que me dejó patidifuso cuando recibí el disco de Beachwood Sparks fue comprobar que había pasado toda una década desde la edición del anterior disco de la banda californiana, No tenía consciencia de que hubiera pasado tanto tiempo desde la desbandada que supuso que los miembros del grupo recalaran en proyectos como Vetiver o la banda de Ariel Pink para sobrevivir en esto de la música. Lo segundo que me dejó pasmado fue comprobar que este álbum, forjado a raíz de una reunión en 2008 para celebrar el veinte aniversario de SubPop, fuera de una clarividencia melódica tan epatante. Obviamente aquí no se engaña a nadie y ya puedes imaginarte que las trece canciones que lo conforman son un paseo a lo largo y ancho de la mejor música que se forjó en California durante los años más hippies. Así pues a nadie le extrañará que haya ecos a Love en “Mollusk”, a CS&N en “Tarnished Gold, a The Byrds en “Sparks Fly Again” e incluso a Los Lobos en “No queremos oro”, una curiosidad cantada en castellano que desentona un poco en el álbum, pero que a base de escuchas acaba resultando bastante simpática (además de toda una declaración de intenciones de la banda).

Pero, al margen de las comparaciones con los grandes iconos de siempre, la noticia reside en que el disco, pese a todas las deudas contraídas, que son muchas, entra con una facilidad pasmosa y funciona a la hora de hacerte cautivo de un estilo y un sonido que es tan anacrónico como cualquier otro. Ni más ni menos. Don Disturbios

NICK WATERHOUSE

CANCER BATS

PENNYCOCKS

Innovative Leisure

Hassle Records/Divucsa

B-Core

“Time’s All Gone” R&B

“Do It Cock”

“Dead Set On Living” 1114

Persiguiendo la exitosa estela dejada por la desaparición de Amy Winehouse, la industria continúa a la busca y captura de nuevos talentos capaces de reflotar la vigencia del rhythm & blues a partir de evidentes y reconocibles parámetros del género, hasta acercarlo con éxito a un público más o menos masivo. Con sólo veinticinco años y un EP previo en su haber, el californiano Nick Waterhouse se apunta a la partida demostrando la posesión de cualidades indispensables para optar con posibilidades reales a la jugosa vacante dejada por la británica.

Altas dosis de descaro, carisma potencial, convincente capacidad vocal de aspecto negroide y un logradísimo aroma retro destilado a lo largo de la media hora de música incluida en “Time’s All Gone” postulan al candidato. Un producto altamente recomendable para el seguidor de Motown o Atlantic Records, válido también para cualquier aficionado a aquellos sonidos estancados en las décadas de los cincuenta y sesenta que sin duda disfrutarán de cortes como “(If) You Want Trouble”, “Say I Wanna Know”, “Some Place” o “Time’s All Gone”. Raúl Julián

HARDCORE

111

Después del arrollador “Bears, Mayors, Scraps & Bones” de hace un par de años, los canadienses Cancer Bats siguen su particular trayectoria hardcore aunque ahora con una mayor dosis de metal y pesadez. A los arrebatos punk de antes parecen sucederles en el corpus de la nueva entrega “Bricks And Mortar”, “Breathe Armageddon”, “Dead Set On Living”, “The Void” o “New World Alliance”, canciones todas que tienen un notable deje arrastrado y más reposado que en el pasado. Pueden quizá sus fans sentirse un poco vacíos si lo que buscan es la mencionada garra que parecía caracterizar a la banda de Liam Cormier desde su debut “Birthing The Giant”, pero también es cierto que, desde otra óptica, pudiera ser este un disco de transición entre su predecesor y el futuro de unos Cancer Bats que, no obstante, siguen demostrando en “Road Sick”, “Old Blood”, “Bastards” o “Rally The Wicked” que saben compensar esta, por ahora, algo fría incursión en la aridez del llamado southern metal. De momento, es pronto para hablar de un paso atrás.

Ignacio Pato L.

PUNK

1111

El primer largo de Pennycocks tiene algo de viaje en el tiempo. Su aspecto, su sonido, incluso su edad nos transportan directamente a finales de los setenta, cuando un puñado de chavales a quienes señalaban como punks se cagaban en Dios por las calles de Londres.

Y es que hay ciertas ráfagas, ciertos estados de ánimo o movimientos (llámenlo como prefieran), que siempre estarán ahí, esperando que nuevas generaciones de jóvenes se identifiquen con ello para cagarse en todo a su turno. Pennycocks viven la música que hacen, la sienten, y eso se refleja en la intensidad de sus canciones, y en una inmediatez asombrosa que convierte un sonido clásico y tremendamente explotado en algo nuevo y fresco. “Do It Cock” es un disco de punk rock genuino, sin tópicos pero con todas las lecciones del 77 aprendidas, un disco capaz de transmitir agresividad y euforia a la vez, de empujaros al mosh pit con una sonrisa en los labios y muchas ganas de desparramar.

Temazos como “Burning Down My Youth”, “Riding The City”, “Obsesion Girl” o el single “Down The Underground” merecen ser himnos de su propia generación. Ramón Mas

vinilos /38/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

the new raemon, la oscuridad se mantiene SUÎTE MOMO

“Decálogo de poemas desesperados y una canción de amor” Autoeditado

ROCK

The New Raemon Foto Noemí Elias

THE NEW RAEMON “Tinieblas, por fin” Marxophone

ROCK

1111

Ganas. De tinieblas y de un Ramón Rodríguez que avisaba de más tiempos oscuros, más realidad incómoda y más venas al aire. Ganas de “Risas enlatadas”, canción que abre el disco y que centra de nuevo la atención del oyente en la tensión de una historia que crece a golpe de caja.

Ahí está, explota. Suenan metales. Benditos acordes menores. Bendita tristeza. Bendita rabia contenida. Hay más. “Tinieblas, por fin” destroza cualquier posible espera de un Rodríguez dulcificado a base de guitarras al más puro estilo The Clash y otra historia para no dormir.

La belleza de una oscuridad anímica latente se celebra en forma de canciones como “Marathon Man”, mi favorita

hoy por la mañana. Electricidad pop humedecida con las lágrimas de esa rabia que te hace dar el golpe necesario sobre la mesa en la que se apoya tu vida. Una vez más, y aunque me diga Joan S. Luna que no me centre sólo en las letras, las historias de Rodríguez vuelven a adoptarme convirtiéndose así en familia tenebrosa del que firma.

“Casa abandonada” suena a Madee, a The Cure, a exorcismo. Violines noventeros pasean sin vergüenza alguna por otra de las canciones que, sin hacer a este disco un campeón, lo hacen un ganador. Me gusta que Rodríguez no se acomode en ningún sitio, que tenga amigos con los que escribir, dibujar, hacer música, y que nos lo restriegue de tantas y tan acertadas maneras.

Me encanta que Rodríguez, además, convierta el hecho de ser su peor enemigo en canciones que una vez más hacen que nos estremezcamos.

Rafa Angulo

ABSYNTHE MINDED

THE STRANGLERS

THE VERY BEST

Universal

Coursegood/Edel

Moshi Moshi/Music As Usual

“As It Ever Was” POP

“Giants” 1114

Existen posibilidades reales de que el quinto disco en la carrera de Absynthe Minded precipite definitivamente la popularidad de la banda belga dentro de la escena internacional. “As It Ever Was” es un álbum compuesto por doce canciones vistosas e inmediatamente reconocibles que desprenden elegancia, melancolía o épica en el marco de una pluralidad convenientemente uniformada a través de una mal entendida producción melódica (a cargo de Adam Samuels), con frecuencia innecesaria atendiendo a la calidad innata de las canciones.

La ambición y sólida apuesta del quinteto por desbordar la popularidad ya cosechada en su país es una operación orquestada y ambiciosa que marca las medidas, mermando en ocasiones la credibilidad de composiciones ciertamente inspiradas. En cualquier caso, el indie-pop atemporal y los intuitivos cambios de ritmo que tintan los diferentes colores presentes en el álbum superan lo artificioso de las mezclas, dejando a la postre un trabajo recomendable para unos y otros. Misión cumplida para el vocalista y compositor Bert Ostyn y sus muchachos. Raúl Julián

POP

“MTMTMK” 111

Treinta y cinco años después de su debut, el aficionado medio debería tener claro qué esperar en la actualidad de cada nuevo álbum de los legendarios The Stranglers. Para salir ileso del evento resulta imprescindible sortear con más o menos agilidad los tópicos del viejo rockero, junto a la consecución de un trabajo digno y coherente que, sin destacadas cotas compositivas, mantenga a cambio buena parte de la enérgica personalidad del combo. Los británicos se muestran valientes y decididos en la empresa, inaugurando el álbum con una (intrascendente) pieza instrumental seguida de un contúndete tema de más de seis minutos, y lo cierto es que salvan la papeleta con solvencia durante parte del presente álbum cayendo puntualmente en la propia caricatura. Referencias a otros artistas veteranos y dignamente envejecidos como Echo & The Bunnymen, Iggy Pop, The Wedding Present o Edwyn Collins, a lo largo de un disco necesitado en cualquier caso de mayor coherencia y homogeneidad para presumir de ser algo más que una aceptable colección de canciones sueltas. Raúl Julián

1114

Todo es cuestión de prioridades. Si en su aclamado debut, “Warm Heart Of America” (2009), los integrantes de The Very Best optaron por mantener un sobrio equilibrio entre los ritmos de África y la electrónica occidental; en “MTMTMK” la balanza se inclina hacia esta última referencia en su expresión más festiva, desprejuiciada y hedonista. Reconvertidos en dúo tras el abandono del francés Etienne Tron, el productor Johan Hugo (Radioclit junto a Tron) y el cantante malauí Esau Mwamwaya abrazan esta nueva identidad con temas como “Kondaine”, un auténtico rompepistas; “We Ok”, compuesto junto a Bruno Mars y el rapero K’naan, quien también pone su voz; y “Adani”, con reminiscencias a Animal Collective. Vampire Weekend, M.I.A. o El Guincho son otros de los nombres que vienen a la mente cuando se escuchan los trece temas que componen un álbum que nos devuelve al continente negro con la misteriosa “Bantu”, donde se atenúan los sintetizadores y las voces distorsionadas con auto-tune que protagonizan la nueva y excitante aventura de The Very Best.

Alberto Peñalba

111

Cuando se te encumbra como uno de los grupos nacionales revelación tienes dos opciones: aprovechar el tirón y abalanzarte sobre las yugulares de crítica y público con más temas o dejar que pase la marea y hacer los temas que te da la gana para lanzarlos cuando te dé la gana. Suîte Momo optaron por lo segundo tras un debut que se tildó de “sonido Seattle catalán” por la revisión del grunge que los de Vilanova hacían. Pues bien, cuatro años más tarde, la banda sigue fiel a los mismos principios, combinando el espíritu grunge con los postulados rock más clásicos, además de un enfoque pop más o menos evidente pop según la canción. Y ahí es precisamente donde pincha el disco, en sus momentos más inocentes: “Guantánamo”, “Libélulas” o “Caperucita a ciegas” podrían ser buenos temas en otras discografías, pero en la de Suîte Momo lo que destaca es la garra, la fiereza, la mala leche, a fin de cuentas. Que ganen la mala hostia, que venza la oscuridad, que reinen “Dîonisos”, “2 peces”, “Punto y final” y “Momo”. Virginia Arroyo

TY SEGALL & WHITE FENCE “Hair”

Drag City/Popstock!

ROCK

1111

Vuelve a la carga nuestro punk-rocker psicodélico favorito. El californiano Ty Segall, empeñado en demostrar algo que ya sabemos, que es uno de los grandes actuales de esto del garage-rock, ha anunciado que este año tiene tres discos listos. El primero de ellos es este “Hair” en el que se hace acompañar de White Fence. El disco apesta a añejo desde cada uno de sus surcos y, como dirían los Stones, nos gusta. La cosa va a toda leche, excepto destacables excepciones como la deliciosamente fifties “Easy Rider”, pero los efluvios ramonianos de los inicios de su carrera van dejando paso a un músico más completo, más maduro, en el mejor sentido de la expresión. Segall es un compositor dinámico, y eso no hay quien se lo quite. Ni ganas. Pero ahora, cual hipnotizador, se deja llevar por leves retazos psicodélicos que le sientan fantásticamente bien a su música.

Entiéndanme. No estoy hablando de una revolución respecto a sus anteriores trabajos, pero sí de pequeños pasos adelante que, al fin y al cabo, es lo que siempre acabamos pidiendo los críticos a todos los músicos. Si te sorprendes pinchando este disco una y otra vez, no es problema tuyo. A mí también me pasa. Eduardo Izquierdo

TILDE

“La compra del mes” Siete Señoritas Gritando

POP

111

Escuchando el debut en largo de Tilde, “La compra del mes”, cuesta creer que la banda afincada en Barcelona empezara a hacer sus pinitos ahora hace tres años rindiendo pleitesía a las sonoridades más acústicas.

Por aquel entonces, a modo de apunte, se hacían llamar Planeta Tilde. No obstante,

una vez el pasado año se desligaron del tono cósmico de su nombre artístico, el grupo se ha crecido y ha ganado en seguridad con unos temas que resultan mucho más complejos de lo que a la primera escucha puede parecer. En su verdadera puesta de largo, tras el EP “Poleas”, hay guiños a Maga (no debería sorprendernos si Miguel Rivera algún día se animara a versionar “Apostar”), a las exquisitas progresiones melódicas de sus admirados Standstill (me encanta cómo se desarrolla “Bienvenida”) y hasta espacio para incorporar pequeños trazos psicodélicos a lo Triana (como ocurre en la apertura “La navaja del barbero”). Puestos a querer calar lo más hondo posible entre el respetable, en próximas entregas, sin duda, deberían repetir el patrón de esa “Otra verdad” que sobresale por encima del resto. Sergio del Amo

THE CRANBERRIES “Roses”

Cooking Vinyl/PIAS

POP

1114

La banda irlandesa comandada por Dolores O’Riordan es uno de esos habituales ejemplos de desencuentro entre crítica y público.

Autores de una de las mejores colecciones de singles pop de nuestra historia reciente, su particular mezcolanza de melodías pegadizas y ritmos contagiosos nunca encontraron aprobación entre los medios especializados, que siempre vieron en ellos una insustancial banda de pop comercial. Triunfaron en los noventa con temas que ya han quedado para el recuerdo como “Linger”, “Zombie”, “Animal Instinct” o “Dreams”. Tras el apagón de ideas y las inevitables rencillas internas, una separación que duró siete años, una triunfal gira de regreso y la sopesada vuelta al ruedo discográfico con esta sexta entrega.

Los irlandeses siempre han sido esclavos de sus singles, que han destacado con holgura de entre otras composiciones menos afortunadas. Pero como sucede en cada uno de sus trabajos anteriores, O’Riordan, los Hogan y Lawler vuelven a ofrecernos unos cuantos momentos para conservar. “Tomorrow” no merece entrar en un Top 5 de mejores singles de la banda junto a los antes apuntados, pero sí entra en un segundo bloque de aciertos históricos junto a temas como “Salvation”, “Ode To My Family” o “Promises”. Una digna continuación al agregado discográfico del cuarteto. Robert Aniento

HOWLIN RAIN

“The Russian Wilds” Agitated records

HARD ROCK

1114

Difícil escribir la crítica del tercer trabajo de la banda de Ethan Miller (Comets On Fire) sin caer en los tópicos. El rock más clasicote es lo que tiene, que precisa de una serie de ingredientes que se han mantenido inamovibles a lo largo de las décadas para sonar auténtico. Un riff pesado; un cantante poderoso algo chillón y capaz de múltiples registros; una compenetrada base rítmica que haga trotar los temas y muchos litros de actitud.

Todo eso y más es lo que puedes encontrar en un disco que pasa por momentos de lo más diverso convirtiendo su escucha en una montaña rusa de acordes y ritmos. Del blues elegante a lo Hot Tuna, pasando por los toques latinos de Santana, el sabor sureño de los Allman Brothers y la contundencia de los Grand Funk Raildroad sin olvidarse tampoco de la consiguiente balada de tintes épicos o incluso del folk-rock pastoral de voces empastadas a lo CSN&Y. De todo y muy bien ejecutado tiene este disco que funciona a las maravillas como si de una especie de recopilatorio de la década de los setenta se tratara.

Don Disturbios

MondoSonoro · Septiembre 2012 /39/

BOBBY WOMACK

“The Bravest Man In The Universe” XL Recordings/Popstock!

R’N’B

11114

Demasiados astros en el lugar propicio para que no surgiera de ello algo especial, aunque nunca se sabe. Como ya hiciera con el soberbio “I’m New Here” de Gil Scott-Heron, el CEO de XL Recordings, Richard Russell, produce a una de las mayores figuras de la música negra, Bobby Womack. En esta ocasión, cuenta con el ubicuo Damon Albarn a su lado, quien ya había contado anteriormente con la colaboración de Womack en Gorillaz, componiendo la mayoría de canciones del álbum, y la aparición de Lana Del Rey, para quien el aire clásico y decadente de “Gayglo Reflection” es como un segundo hogar. Pero a pesar del concurso de tantas manos externas, “The Bravest Man In The Universe” muestra las esencias de Womack de forma fiel, modificando levemente el continente para respetar el contenido, con un sonido claramente contemporáneo pero sostenido sobre unos planos que el de Cleveland contribuyó a trazar, algo que queda claro con la etérea “Whatever Happened To The Times”.

Un álbum brillante, lujoso, profundamente humano. Joan Cabot

LOS BRIOLES

“Down, Down, Down” El Toro Records

ROCK

1114

Cada nuevo trabajo de Los Brioles debería ser necesariamente recibido por todos como un gran acontecimiento. Y es que pocas bandas quedan en el país con el buen hacer, la autenticidad y el empaque de los barceloneses.

Más pródigos en la publicación de siete pulgadas que de álbumes, este “Down, Down, Down” suma su larga duración a las buenas noticias. Los Brioles saben lo que hay. Saben que no es momento de ganar nuevos adeptos, pero no por ello piensan que todo lo que tenían por hacer ya lo han hecho. Lejos de caer en el desánimo, la banda sigue adelante ofreciendo canciones como “Don’t Make Me Wait”, “Mambo Maligno” o «La Calle del Crimen», marca de la casa y con arrestos de convertirse, especialmente esta última, en una auténtica piedra filosofal de sus conciertos ¿Y qué decir de “(I Was A) Teenage Braineater”? ¿No es realmente maravillosa con ese coro pregunta-respuesta femenino? No, no han evolucionado. No han hecho nada nuevo. Siguen sonando como hace diez años. O mejor, como hace sesenta. ¿Pero no es esa su grandeza? Eduardo Izquierdo

TREMENDA TREMENTINA “Tremenda Trementina” Everlasting Records

POP

111

Desde Pamplona y de la mano de Everlasting llega la primera referencia de Tremenda Trementina. Siete cortes en los que se atreven a versionar a grupos de culto, cantar en francés, acercarse a la balada punk-pop y recordarnos sin remedio a Nosoträsh, uno de los tótems del indie patrio de los noventa.

Un disco homogéneo y coherente en el que la suave y atercipelada voz de Adriana se alza como la mayor seña de reconocimiento del sonido del grupo. En el otro lado, la

musicalidad ochentera cercana en algunos momentos a los Pegamoides y otros grupos de la Movida, las guitarras distorsionadas deudoras del shoegaze de principios de los noventa, tan de moda últimamente, y una literatura que mezcla lo näif con lo trascendental. El hit del disco es, sin lugar a dudas, “Mi novio es un raro”, interpretación libre de “My Boyfriend Is An Outlaw”, de los australianos Interstellar Villains, en el que recuperan toda la fuerza pop del tema y consiguen un desarrollo instrumental trabajado y oscuro que parece quedarse a medio camino en otras piezas del disco. Destacables también la preciosa “La Danse”, y “Hospital”, con ese estribillo infantiloide y encantador: “...nunca puedes esperar que salga el sol si no miras más allá”. Daniel Arnal

vinilos

La selección Jäger:

PSICODELIA PARA TODOS

JIMMY CLIFF “Rebirth” Universal

REGGAE

11114

Tras el lanzamiento del EP “Sacred Fire”, muchos intuíamos que esta vez el nuevo disco de Jimmy Cliff no iba a ser uno más en su carrera. De hecho, el mejor Cliff ha renacido –como el título del disco insinúa- gracias a Tim Armstrong, guitarra y voz de la banda punk Rancid. Nada tenía que demostrar quien ha sido uno de los padres del reggae y una de las mejores y más inconfundibles voces del género, pero lo cierto es que, en las últimas décadas, sus discos –que no sus canciones- se habían alejado mucho del sonido que le convirtió en uno de los grandes.

Esta vez es absolutamente distinto. Suena a cómo sonaría la Jamaica de los setenta con los actuales medios. La fuerza de su música y de sus letras. El Jimmy Cliff de “The Harder They Come” con el sonido actual. Con independencia de la mística publicitaria, lo cierto es que la combinación Armstrong/Cliff (que incluso componen juntos en algunos casos) se nos descubre inmejorable en la relectura de temas antiguos (“World Upside Down”), en versiones (inmejorables “Guns Of Brixton” y “Ruby Soho”) e incluso en temas nuevos del calibre del himno “Reggae Music”, “One More” o del soul potente de “Outsider”. Un disco absolutamente imprescindible.

Ivan Ferrer

KEANE

“Strangeland” Island/Universal

POP

11

A Tom Chaplin los centros de desintoxicación le han quitado la poca chispa que le quedaba. Sí, ahora puede presumir de haberse quitado unos cuantos de los kilos localizados en su cara, pero si tiene que volver a abusar de las barras libres para firmar temas que no sean un seguido de bostezos previsibles, le animo fervorosamente a que vuelva a hacerse íntimo de las destilerías. Retomando desesperadamente aquellos tiempos con los que en “Hope And Fears” se erigieron como la competencia directa de Coldplay, los británicos han vuelto a valerse del piano y las melodías inofensivas. A priori esto es lo que todos pedíamos a gritos después de que jugaran con la new wave en “Perfect Symmetry” y el posterior EP “Night Train”.

Pero el principal problema de este “Strangeland” que nos ocupa es que puede interpretarse como una versión falta de ideas, sumamente aburrida y escandalosamente fallida de su debut. No hay canciones memorables y, encima, la gran mayoría parten de un mismo patrón que ellos mismos parecen considerar caduco. “Sovereign Light Café” o “The Starting Line” no la hubiera querido ni Brandon Flowers para aquel coñazo de disco en solitario. Sergio del Amo

Toy Foto Matt Saunders

TOY

“Toy” Coop/Music As Usual

ROCK

1111

Joe Lean & The Jing Jang Jong fue una banda llamada a convertirse en sensación de temporada en el Reino Unido que ni tan siquiera superó la reválida del primer disco (lo grabaron, pero nunca llegaron a publicarlo). Otra más. Cuando tres de sus componentes ficharon a un batería y a la española Alejandra Díez para tocar los teclados surgió Toy. Apadrinados por The Horrors -una referencia que amenaza con convertirse en su sombra- el quinteto londinense ha caído en gracia desde el primer momento a costa de pulsar las teclas correctas: el siempre efectivo ritmo monocorde del kraut-rock

y apuntes de la psicodelia pesada británica de Hawkwind, precisamente cuando The Horrors les citan como principal influencia cara a su próximo disco. Todo ello matizadísimo por una producción muy amable que lejos de espantar viejas acercará al grupo al sector juvenil y menos educado en los rigores del avant-rock. A mí la jugada me convence y, tras un Ep previo que ni chicha ni “limoná”, a los sesenta minutos de este debut que se mueve a caballo de lo aguerrido y lo romántico -cómo se les nota el que hayan crecido escuchando a John Barry a los británicos…- no les encuentro fisuras por mucho que las busque. Al contrario.

Thumbs up, pues.

Luis. J. Menéndez

vinilos /40/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

la imperfección hecha arte de cat power WILLIS EARL BEAL

“Acousmatic Sorcery” XL Recordings/Popstock!

BLUES

Cat Power Foto Janni Li

CAT POWER “Sun”

Matador/Popstock!

POP

1111

Tengo una teoría sobre el origen del éxito de Cat Power que curiosamente (o no) la coloca en las antípodas de la mayor parte de superventas y que concretaré en una sola palabra: credibilidad. Mientras que el pop es las más de las veces un vehículo para la fantasía y el culto a personajes que rayan en la divinidad, seguimos poniendo la mano en el fuego por Chan por muchos devaneos cinematográficos y coqueteos con el prêt-à-porter que se haya permitido. Consecuencia de ello es que en casi veinte años de carrera no hemos necesitado que nos entregara una sola obra maestra, porque en la imperfección radica buena parte de su encanto.

Es más, sus incursiones en el soul, los precedentes “The Greatest” y “Jukebox”, siendo cancioneros de factura

impecable resultaban también los menos emocionantes de toda su carrera. ¿Irónico, verdad? Posiblemente sepas ya que un hombre ha vuelto a romperle el corazón a nuestra Chan y que, habiendo superado su alcoholismo, la borrasca emocional amenaza seriamente esa estabilidad que le alejó de la música en el último lustro. Algo de eso habrá en “Sun”, sin duda, aunque el principal valor del disco apunta en otra dirección: la reafirmación, la necesidad de demostrarse a sí misma que no es necesaria la participación de un Steve Shelley, un Mick Turner o algunos de los mejores músicos de Memphis para completar su nueva colección de canciones. En consecuencia “Sun” es un trabajo contenido, doméstico, en el que destaca el uso de cajas de ritmos y algunos sintetizadores -algo habrá tenido que ver el repaso final de Philippe Zdar (Cassius)-. Un regreso a los orígenes profundamente humano y otra vez imperfecto, que sin embargo no se mira en el espejo de ninguna de sus anteriores referencias. Luis J. Menéndez

YEASAYER

CALEXICO

Mute/Pias

”Algiers”

“Tapes”

City Slang

¡K7

“Fragant World” POP

111

Hasta la fecha los de Brooklyn siempre habían logrado atraparme con alguna de sus canciones hasta el punto de convertirse en una de esas piezas que seleccionas para ilustrar lo mejor de una temporada. Si “2080” era la gema del primer disco y “Madder Red” la del segundo, sigo preguntándome cuál es la que incluye este tercer trabajo de los estadounidenses. A riesgo de que la nominación quede desierta, uno se da cuenta desde las primeras escuchas que a “Fragant World” le faltan grandes canciones y le sobran capas de sintetizadores y bastante auto-tune, del que abusan hasta dejarte inconsciente, convirtiéndose en un empacho vaporoso que va del r’n’b discotequero menos ortodoxo al funk ochentas de una forma mucho más previsible que antaño. “Fingers Never Bleed” recuerda al “Into The Black” de Neil Young vía Chromatics, se embarran en “Longevity”, con una estructura soul demasiado clásica para un grupo al que se le presupone asumir riesgos. Tampoco levantan el vuelo en “No Bones” –Prince en horas bajas-, “Reagan’s Skeleton –Jamiroquai de ácido hasta las cejas- o “Demon Road”, que navega a la deriva.

A enmendarse toca. Don Disturbios

POP

FOALS

1111

Desde que publicaron “Feast Of Wire” hace casi una década, el que es todavía su álbum más completo hasta la fecha, el grupo comandado por Joey Burns y John Convertino ha estado igualmente activo, pero no tan inspirado. Ni “Gardens Ruin”, ni “Carried To Dust” tenían esa magia. Por suerte ahora la recuperan tras una etapa algo inestable. Mientras ese ambicioso proyecto llamado “Road To Atlas” cogía forma reivindicando de esa manera su fama de gran banda en directo, además de componer y arreglar bandas sonoras, el grupo decidió que iban a ir a grabar a Nueva Orleans. ¿La razón? Pues muy sencillo, porque es la ciudad norteamericana con más influencia de la cultura europea, y ese era su deseo. El resultado es el disco más accesible de su carrera, lo cual no significa que sea el más flojo. Más bien al contrario.

La pócima sigue siendo la misma, rock, country, sonidos latinos, el ambiente fronterizo (sublimes en “Sinner In The Sea” y “Better And Better”), el gran cuidado y el mimo que emplean cuando graban, más esos arreglos tan preciosistas y dinámicos.

Toni Castarnado

MIX

1111

Tras dos bandones modernitos como The Big Pink y The Rapture son ahora los ingleses Foals -no menos atractivos que los anteriores- quienes rubrican la última entrega de la serie “Tapes” de la discográfica ¡K7. Desde su apuesta indie-rockista los de Oxford –personalizados aquí por su teclista Edwin Congreave- nos presentan una selección de temas que tiene como objetivo reflejar el gusto de la banda al completo. Por eso en el tracklist nos encontramos desde disparates deep-disko como es el “Way Savvy (Gatto Fritto Remix)” de JR Seaton; el sofisticado y noventerísimo “Tropical Hans” de Dorian Concept; a Tony Allen con su fantástico “Kilode” remixeado por Carl Craig o al mismísimo Cerrone que prestó al gran Frankie Knuckles su “Give Me Love” para que le diera una buena mano de chapa y pintura houssie... casi nada. Quizá destacar la aportación que hace a este fascinante piscolabis el productor barcelonés John Talabot – remix del “Cheaters” de Teengirl Fantasy-, uno de los mejores pasajes de este disparate de mix que nos hace olvidar que generalmente estas listas enlatadas son un tormento mandarín. Bravo Foals, os lo compramos todo. Fernando Fuentes

1111

Willis Earl Beal tiene madera para convertirse en mito sino cae dentro de su propio torbellino. Con veintiocho años, ha pasado la vida vagando por las calles sin trabajo fijo, se presentó al cásting de “The X Factor”, repartía flyers invitando a la gente a que le llamase por teléfono para cantarles una canción, dibujaba retratos a cambio de calderilla y hacía música, sobre todo hacía música.

“Acousmatic Sorcery” es una obra compleja y densa, profunda y maravillosa, en la que Beal recuerda sin remedio a Tom Waits (“Take Me Away”), Gill Scott Heron (“Cosmic Queeries”), al fraseo sempiterno e hipnótico de Skip James y Son House (“Sambo Joe From The Rainbow”), al pop narcótico y trastabillado de Daniel Johnston o el primer Bonnie ‘Prince’ Billy (“Swing On Low”, “Monotony”), a la narrativa y fuerza poética de Dylan, a quien menciona en “Ghost Robot”... un aura de delicado amateurismo hace que desprenda autenticidad. Daniel Arnal

THE ZOMBIE KIDS “The Zombie Kids” Universal

ELECTRÓNICA

1114

Resulta casi imposible hablar de The Zombie Kids y no empezar por el éxito que tienen sus sesiones madrileñas o sus descaradas e irregulares actuaciones en festivales, pero no estamos aquí para tratar la coyuntura que rodea al debut en larga duración del barcelonés Edgar Candel (ex-Shorebreak) y del turco Cumbur Jay, sino para hablar de lo que podemos encontrar en su música. Su caso es complicado, mucho más de lo que se imaginan. ¿Por qué motivo, se preguntarán? Bien, porque quizás “The Zombie Kids” sea el primer disco de un determinado tipo de electrónica que se publica en nuestro país, por lo menos el primero que lo busca intencionadamente. Ese tipo de electrónica que no consigue el respeto crítico de periodistas y cierto público, pero que tiene potencial suficiente para captar a audiencias mucho más numerosas. Y lo hace con su excelente producción, con su filosofía, con sus featurings (desde el habitual Aqeel hasta Foreign Beggars, quienes no en vano han colaborado con Flux Pavillion, Skrillex o Noisia), con su actitud, con infinidad de detalles que dejan claro que juegan en otra liga, en la de la electrónica para masas ajenas a lo indie, entre lo comercial y lo bruto, en el terreno en el que se mueven Aoki, Afrojack, Calfan, Swedish House Mafia y muchos otros. Joan S. Luna

VV. AA.

“Madrid está helado” La Fonoteca

POP

111

El colectivo La Fonoteca dedica su segundo recopilatorio al underground madrileño, bandas habituales de la sección demoscópica de esta misma revista. Pero, a diferencia de “No te apures mamá, sólo es música pop”, aquí la selección se arrima a los soni-

dos más oscuros tal y como se intuye desde el título, homenaje a una de las bandas más míticas que ha dado esta ciudad, Esplendor Geométrico. Canciones crispadas en el caso de Gatopersa, Trajano!, Esquimales o, sobre todo, Hielo En Varsovia, y totalmente confiadas al gancho melódico de un buen estribillo Walden Dos o Computadora. Coraje! y Sector De Agitadas por su parte rescatan el espíritu de la movida desde dos presupuestos diferentes: el casticismo de los primeros frente a la sofisticación de los otros, una rareza como en su día lo fueran Ciudad Jardín. Espíritusanto y los ya extintos Ingenieros Alemanes, los menos ochentas del lote, practican un notable ejercicio de shoegaze. El sonido no puede ser otra cosa que amateur, los resultados a menudo también, pero el vinilo (transparente) cumple su función como documento de este lugar y este momento determinado.

Luis J. Menéndez

THE TEMPER TRAP “The Temper Trap” Infectious/PIAS

POP

1114

No ha despertado el segundo larga duración de los australianos la misma unanimidad entre la crítica que su estreno de hace tres años. En realidad, algunos de los medios que más saliva gastaron encumbrando la relevancia artística del quinteto no han tardado mucho en darles ahora la espalda. Y, tras unas cuantas escuchas, ese desplante se antoja como precipitado. En este nuevo disco pierden la inmediatez que demostraron en “Conditions”, cierto. Tampoco hay ningún tema que resalte con el mismo fulgor que el citado, al menos a primera vista. Pero como conjunto no tiene nada que envidiar al estreno, e incluso lo supera en solidez y consistencia. Presentado con los avances de la hipnótica “Rabbit Hole” y el tronchante video de “Need Your Love”, dentro del disco se esconden otras pequeñas joyas.

“Trembling Hands” y “The Sea Is Calling” son nuevos ejemplos de esa particular habilidad por encontrar laberínticas melodías que los diferencia del pelotón de grupos de indie pop contemporáneo; el falsete de Dougy Mandagi alcanza nuevas cotas de brillantez en “Miracle” y lo expansivo y elaborado de “This Isn’t Happiness” o “We Do We Go from Here” demuestran que los australianos siempre estuvieron más cerca del mejor synth pop de los ochenta que de U2. Robert Aniento

BILL FAY

“Life Is People” Dead Oceans/Popstock!

FOLK-ROCK

11114

La dylaniana “There Is A Valley” con la que arranca el disco nos sorprende con la guardia baja y situándonos inmediatamente en otro tiempo ¿Qué parte de culpa tiene la nostalgia del pasado de que las canciones de “Life Is People” suenen así de majestuosas? Ya tenemos comeback del año para este 2012 y curiosamente lo es a costa de situarnos en un pasado que muchos ni siquiera llegamos a conocer y sin embargo añoramos. La historia de Bill Fay no es demasiado distinta a la de su compatriota Nick Drake: ignorado por sus contemporáneos, ocupando un espacio híbrido poco habitado en un tiempo en que lo que partía la pana era el folk-pop y la canción protesta made in USA, a Fay lo redescubrió la generación del CD en buena parte gracias al empeño de David Tibet (Current 93) y por la reivindicación constante de Wilco. Con la emoción contenida, siempre a punto de desbordarse por una voz temblorosa y arropada por los músicos con los que registró “Time Of The Last Persecution” en 1971.

Luis J. Menéndez

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mondorecomienda

/42/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELÍCULAS ★ CLIPS ★ documentales

comics

COMICS Ilustración Lars Martinson

Pentagonía

Jack Mircala Sins Entido (111) Un libro tremendamente intenso y descarnado formado por cinco relatos protagonizados por mujeres. Con el tenebrismo gótico, las bajas pasiones como hilo argumental y una estética llena de poesía. Mircala recuerda a Tim Burton y habla del amor, la muerte, el sufrimiento y el deseo con una oscura sensibilidad que atrapa y asusta. Daniel Arnal

Ojalá que te vaya bonito Bendik Kaltenborn Fulgencio Pimentel (1111)

Bendik Kaltenborn es un joven talento de las artes gráficas nacido en Noruega que lo mismo publica un cómic que diseña un cartel o una portada para The New York Times. Su fuerte es un expresionismo chillón que te coge de la pechera para reclamar tu atención y que contagia a lo que se cuenta y cómo se cuenta: muchas cosas, aunque no sabemos exactamente el qué. L. J. M.

El siglo de las luces Joann Sfar Astiberri (111)

Con el paso de los años Joann Sfar se ha convertido en todo un género en sí mismo que además trasciende el cómic para abarcar otras artes: de hecho, llevará este título al cine. Cada vez más delirante en fondo y formas, su inmersión en un tema como es la esclavitud (con coartada erótica) durante el siglo XVIII, que él mismo reconoce desconocer, le sirve para desatarse aun más de lo habitual. Ernesto Bruno

La historia de Jaka Dave Sim/Gerhard

Ponent Mon (1111) Cuarto volumen de la saga, en el que Cerebus cede el protagonismo a la espectacular Jaka, a su manera una superheroína construida a partir del ideal femenino de Sim, con secundarios memorables como Oscar Wilde y un villano con un sospechoso parecido a Margaret Thatcher. Aunque encajada dentro de la monumental serie, el volumen puede ser leído y disfrutado individualmente. L. J. M.

Ciudad de barro Milan Hulsing Sinsentido (1114)

El holandés Milan Hulsing hace gala en esta obra de un instinto visionario fuera de lo normal: Salem, un funcionario egipcio corrupto, construye en su apartamento una ciudad de barro ficticia con dinero público. Megalomanía, burocracia, trata de mujeres, violencia...

Una fascinante novela gráfica que funciona además como brillante premonición de las revoluciones acaecidas en Egipto en el pasado año. Daniel Arnal

Caído del cielo Berberian/Gaultier La Cúpula (114)

Casi trescientas páginas necesitan la dupla formada por Charles Berberian (guión) y Christopher Gaultier (dibujo) para cerrar este surrealista melodrama en el que un extraterrestre se cruza en la vida de un ex-rockero fracasado para complicársela un poquito más. Al final queda la sensación de que para tan corto viaje no hacían falta tantas alforjas. L. J. M.

Dora

Ignacio Minaverry Sins Entido (11) El bonaerense Ignacio Minaverry se estrena en nuestro país con una historia de espías que transcurre entre Alemania, Francia y Argentina, una cacería de nazis que transcurre entre los años inmediatamente posteriores al conflicto armado y la Guerra Fría. Interesante a priori aunque lastrado por una narrativa farragosa, que abusa del tan sobado recurso de la voz en off. L. J. M.

La hermandad de la Biblia Perry Nicholas Gurewitch

Astiberri (1112) Con el respaldo de su publicación en diversos periódicos, llega a nuestro país una selección de las tiras humorísticas de Nicholas Gurewitch, quien nos sorprende con un tono de ironía sangrante y capaz de tratar con mucha gracia temas realmente complicados.

Un lobo con piel de cordero. Joan S. Luna

LARS MARTINSON

Japón es otra cultura Siempre he pensado que los protagonistas de Soffia Coppola necesitan más un cachete que comprensión, porque algunos tenemos más de Lars Martinson que de chica rica.

“Tonoharu” (Sins Entido, 12) es nuestro “Lost In Translation”, el de los tipos corrientes.

E

n “Tonoharu”, la primera obra de Lars Martinson que llega a nuestro país, Dan –el protagonista- intenta encajar en su nuevo trabajo y en la cultura japonesa, pero las cosas no son sencillas cuando uno se ve incapaz de superar la propia timidez. “Dan es una persona extremadamente introvertida y, como él, yo tengo problemas para conectar con la gente.

Una de las cosas que quería exponer en ‘Tonoharu’ es lo que ocurre cuando eres profundamente tímido. Situando la historia en un país extranjero conseguía ilustrar mejor la experiencia, porque existe esa dificultad para comunicarse o para conectar con quienes tienes a tu alrededor, hasta el punto que se convierte en algo intrínseco a tu experiencia”. Una experiencia que, como apunta el propio Martinson, guarda muchos puntos en común con la suya propia. “Robé algunos aspectos de mi propia personalidad para crear a Dan, pero también me veo reflejado en todos los personajes del libro. Dan tiene mucho en común conmigo, pero no debe

ser visto como mi único reflejo”. Aunque no seamos tan pesimistas. Vivir una experiencia como la de Dan, sentirse fuera de lugar durante un tiempo es algo que también enriquece el carácter de cualquiera. “Vivir en Japón me ha dado la oportunidad de ver mi propia cultura desde una perspectiva distinta. Me ayudó a entender lo arbitrario de las reglas de la etiqueta o lo relativo que es, en el fondo, lo que entendemos como ‘sentido común’. Me gusta pensar que eso me ha convertido en una persona más fácil de tratar y más abierta de miras”. Ahora bien, hablemos también de cómic, porque eso es “Tonoharu”, un cómic de estética nada espectacular, pero narrado con frescura y agilidad. ”Llevo un par de décadas dibujando cómics, y una de las lecciones más importantes que he aprendido es que es mejor que se ‘lean’ bien a que ‘luzcan’ bien”. Ah, y no esperen ninguna influencia del manga. ”Es cierto que los cómics alternativos estadounidenses han sido una influencia mayor para mí que los manga”. ■ Joan S. Luna

Cómic El negocio de los negocios, un cómic necesario Cuatro volúmenes (subtitulados “El dinero invisible”, “La investigación”, “Manipulación” y “Justicia”) y casi mil páginas han sido necesarios para que el periodista y guionista Denis Robert y el dibujante Laurent Astier hayan completado una obra tan necesaria y reveladora como “El negocio de los negocios” (Astiberri, 12), que refleja más de diez años de trabajo, enfrentamientos con el poder y sobre todo una tarea titánica por dar a conocer qué se esconde realmente tras las siempre oscuras operaciones financieras que, día tras día, mueven cantidades indecentes de dinero de un lado a otro hasta que desaparecen ante nuestros propios ojos. Una vez concluida la edición de la obra completa en nuestro país, resulta de lectura casi obligada

para cualquiera interesado tanto por el mundo del cómic como para quienes sigan las maniobras políticas y económicas que dirigen Europa en estos momentos. La serie, planteada como un thriller político y narrada con sorprendente agilidad, se inicia con la denuncia de las operaciones para el blanqueo de dinero materializadas por la empresa luxemburguesa Clearstream y reflejadas en el primer libro y documental de Robert hasta llegar a las piruetas y zancadillas del poder político en Francia, el resultado de las más de treinta causas judiciales contra el periodista y las pistas sobre un paraíso de ilegalidad en el que las multinacionales, las grandes corporaciones y hasta el crimen organizado campan a sus anchas. ■ Joan S. Luna

MondoSonoro · Septiembre 2012 /43/

mondoRECOMIENDA

DVD ★ CINE ★ LIBROS ★ CÓMICS ★ ARTE ★ PELíCULAS ★ CLIPS ★ documentales

LIBROS

Javier Sagarna Foto Archivo

LIBROS

Burning. Madrid Alfred Crespo Edicions 66 (1111)

Llegando hasta las entrañas de los míticos y siempre reivindicables Burning, esta historia oral desarrollada por Alfred Crespo cumple sobradamente con las expectativas. Hablan los supervivientes y todo aquel del entorno de la banda madrileña que tiene algo que decir. Mediante sus crudos relatos, el autor teje una trama tan apasionante como dura y auténtica. Imprescindible. Xavier Llop

Canned Heat. Living The Blues Fito de la Parra Quarentena Ediciones (111)

No es casualidad que la puesta al día de los recuerdos del batería mexicano de Canned Heat, Fito de la Parra, empiecen en la actuación de la banda en Woodstock, punto de inflexión de la desquiciada carrera de un grupo que revitalizó el blues negro con grandes dosis de boggie y psicodelia. Reivindica su legado y nos recuerda que reinaron a la altura de los grandes. Don Disturbios

El lagarto astronauta Kenneth Cook Sajalín (1111)

Ligeramente inferior a la anterior compilación de relatos publicada por la misma editorial (“El koala asesino”), este nuevo libro del malogrado Kenneth Cook vuelve a provocar infinidad de sonrisas y alguna carcajada con sus humorísticas historias protagonizadas por el propio autor en su enfrentamiento a lugareños australianos, cocodrilos, canguros y zoólogos incapaces de reconocer el peligro.

Joan S. Luna

Zíngara: Buscando a Jim Morrison Salvador Rubio Gómez Suma de Letras (1114)

Entretenido y sencillo volumen en el que a través de una hipotética búsqueda de la figura de Jim Morrison se articula la realidad de un joven inválido destinado a superar sus propios límites. Escrito de forma amena y distendida, la novela transcurre de manera fluida demostrando que no todo en la literatura ha de ser un complejo tratado incomprensible. Eduardo Izquierdo

El crack-up

Francis Scott Fitzgerald Capitán Swing (11114) Publicado originalmente en 1945, “El crack-up” es un compendio de ensayos, cartas, apuntes y demás escritos “menores” del autor.

Magnífica muestra de la caída en desgracia del sueño americano, escenificada en el ocaso artístico y personal de uno de sus mayores exponentes: el escritor de la era del jazz y rostro amable de la Generación Perdida. Daniel Arnal

Noche de los enamorados Félix Romeo Mondadori (1114)

Félix Romeo, novelista y periodista televisivo (“La Mandrágora”), nos dejó el pasado octubre. Ahora se publica de manera póstuma su última novela, relato entre lo periodístico y el género negro que profundiza en la historia de un hombre que asesinó a su mujer, a quien el propio Romeo conoció durante su estancia en la cárcel por un delito de insumisión. L.J.M.

JAVIER SAGARNA

La vida en breve Javier Sagarna no es un escritor mediático, pero tiene buenas historias que contar, y eso es lo importante. Tras la novela “Mudanzas” (06), nos llega el libro de relatos “Ahora tan lejos” (Menoscuarto, 12).

L

icenciado en Farmacia, profesor de escritura creativa, guionista radiofónico y autor de una novela publicada hace seis años (“Mudanzas”), Javier Sagarna ha publicado recientemente “Ahora tan lejos”, un libro de cuentos en los que encontraremos desde dramas familiares a aventuras polares, y todo relatado con la misma prosa, sin florituras, pero con sus buenos momentos de profundidad. “Como casi todo el mundo me hice escritor escribiendo relatos breves, años y años de relatos que, en su mayoría, hoy puedo contemplar con ternura y poco más, mientras, también como casi todo el mundo, soñaba con escribir una novela y también me estrellaba contra el muro que supusieron mis dos primeros intentos. Luego, poco a poco, empezaron a llegar los textos que ya iban valiendo la pena, primero algunos cuentos y, un buen día, de golpe, ‘Mudanzas’”. Y luego, vuelta al relato breve. “Ahora tan lejos” es el resumen de diez años de escribir relatos, un libro en el que hay situaciones tristes, algunas oscuras, pero también hay humor y algo de optimismo que se “cuela por las rendijas” de la experiencia vital de sus protagonistas. “Soy un optimista, creo, pero que no tiene demasiadas esperanzas puestas en el futuro, ni en la humanidad. Creo en la posibilidad de ser feliz, a ratos, en los rayos de luz que se cuelan por las rendijas. Sin embargo, los seres humanos somos frágiles, nos rompemos con facilidad y, por lo general, tenemos muy poco

control sobre las emociones que de verdad nos mueven. Y eso nos proporciona pequeños infiernos privados, algunos de los cuales he procurado retratar en los relatos de ‘Ahora tan lejos’. Sin embargo, el valor nos ofrece siempre una posibilidad, una esperanza, eso también está en el libro”.

Cada uno encontrará un relato que le emocione más que el resto, sobre todo porque cada historia toma un camino distinto a la que la precede. Un servidor recomienda “El vampiro en la baldosa”, “Bichos” y “Colada”, posiblemente tres de los textos más duros de “Ahora tan lejos”. “’El vampiro en la baldosa’ es un relato más duro de lo que parece, pues en su capa más profunda habla de los estragos que la enfermedad causa en las personas cercanas y de la nada que queda tras la muerte, pero sí que su narradora lo convierte en un relato amable, por su punto de vista, pero sobre todo, creo, por su valor. Ella se enfrenta al problema, que es lo que no son capaces de hacer el protagonista de ‘Bichos’, que proyecta su rabia sobre otros, ni de ‘Colada’, que simplemente está paralizado. Eso es, pienso, lo que hace que estos relatos nos dejen un sabor de boca tan distinto”.

A Javier Sagarna podemos compararle, por poner dos ejemplos, con Gonzalo Calcedo o Juan Bonilla. Con ellos comparte cierta perspectiva del relato breve, existiendo en un mundo paralelo al más cacareado en los medios.

■ Joan S. Luna

El club del amanecer

Don Winslow Ediciones Martínez Roca (1114) Recuperación de una novela de 2008 de Winslow en la que, pese a tocar temas espinosos, se muestra más comedido y sujeto a las convenciones de lo que haría después en la brutal “Salvajes”. Aquí, con el surf californiano de fondo -materia de la que el libro podría considerarse un manual enciclopédico-, la acción gira en torno a un detective traumatizado en busca de una testigo en peligro. J. Picatoste

VIDEOJUEGOS Fifa 2013

PS3, X360, PC, WII, 3DS, PSVITA, IPHONE y PSP Electronic Arts

Port Royale 3: Pirates & Merchants Ps3, X360 y PC Kalypso Media

11114

No saldré vivo de este mundo Steve Earle El Aleph (1111)

El músico estadounidense sorprende con una novela que escarba en los bajos fondos a lo Chester Himes para redimirlos con un toque de realismo mágico de tradición iberoamericana. Heroína, prácticas abortistas, Jackie Kennedy y el omnipresente fantasma de Hank Williams tejen un universo en el que casi todo es posible excepto salir vivo de este mundo. Don Disturbios

Vuelve el simulador de juegos que lleva años arrasando con cosas nuevas como el empujón o estirón, un motor gráfico que ya se usó en “Fifa Street” con el que los regates son más realistas y ágiles, una banda sonora excelente con temas de gente como Matisyahu, Young Empires o Santigold entre muchos otros.

Además usa inteligencia artificial para el resto de los jugadores así que ya no atacaremos prácticamente solos. Muy recomendable. ■ Albert Miró

1111 Un juego gráficamente excelente basado en el comercio marino del siglo XVII localizado en el Caribe. Podremos ser mercaderes y ganarnos la vida honestamente (comprando y vendiendo más caro), navegando y defendiéndonos de los piratas. Por el contrario, podemos ser piratas y navegar en busca de mercaderes a los que asaltar y saquear. Un género que resulta novedoso para los sistemas PS3 y X360. ■ A.M.

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/45/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

Marc Jacobs <> Pixie Geldof y Bimba Bosé La colección eyewear I Love Stripes Marc by Marc Jacobs fue hace unas semanas el centro de atención en la Sala Apolo de Barcelona, junto con la exclusiva actuación de Pixie Geldof. La cantante y modelo británica es hija del cantante Bod Geldof y actuó en el escenario con las nuevas gafas I Love Stripes. El evento continuó con Bimba Bosé, cantante de The Cabriolets, que en esta ocasión ejerció de DJ. Durante el evento, tanto las artistas como los invitados llevaron las icónicas gafas de sol Marc by Marc Jacobs inspiradas en la música del Nueva York de los años ochenta. ■

Levis <> Concurso Con motivo del lanzamiento de la nueva colección Otoño-Invierno 2012, Levi’s organiza el concurso online We Ride con el que podrás ganar una bicicleta Charge. Para participar solo tienes que hacerte una foto que describa tu pasión por la bici.

Compártela en Twitter utilizando la siguiente etiqueta y mención: #weride #(nombre de tu ciudad). A continuación, visita www.levi.com/commuter para consultar los Términos y Condiciones, encuentra tu foto y compártela con quien quieras.

Las imágenes más creativas ganarán una de las bicicletas Charge que están expuestas en los Levi’s Stores. ■

Adidas <> The Primavera Sound Sessions

Budweiser <> Dry The River Los Campesinos!

Adidas Originals sigue vinculándose a la música y, además de estar presente como patrocinador oficial en varios festivales, sorprende una vez más con un nuevo proyecto: “The Primavera Sound Sessions”. Durante la pasada edición del San Miguel Primavera Sound, diez de las bandas participantes, grupos como Yann Tiersen, Other Lives, Beach Beach o Josh T. Pearson grabaron en acústico en diferentes localizaciones de la Ciudad Condal. Ahora tienes la oportunidad de disfrutar de esas actuaciones que estarán disponibles semanalmente en www.facebook.com/adidasoriginals y www.vice.com. ■

Budweiser Live Circuit nos acerca una gira con dos nombres internaciones de indudable atractivo: los galeses Los Campesinos! y los londinenses Dry The River actuarán en Barcelona y Madrid, dentro del ciclo, a principios de septiembre.

Dry The River han publicado su disco de debut “Shallow Bed” en la primera mitad de este 2012. En una onda similar a Mumford & Sons o Fleet Foxes el sexteto se ha convertido en uno de los grandes nombres de la música británica en lo que llevamos de año. Por su parte, Los Campesinos! vienen a presentar su último disco “Hello Sadness”. ■

Dry The River Foto Archivo

Braun Cruzer y Myspace han puesto en marcha “Braun Cruzer Macaco”, un concurso para elegir a los tres grupos que harán de teloneros de Macaco en su próximo concierto en Madrid, el martes 18 de septiembre, en el Círculo de Bellas Artes. Los grupos interesados en participar en la selección han tenido tiempo de inscribirse desde el pasado 9 de julio hasta el 6 de agosto. Al cierre del plazo de inscripción se habían presentado más de mil bandas. Un jurado profesional elegirá a tres de ellas, que serán las que acompañen a Macaco en el Círculo de Bellas Artes. ■

Josh T. Pearson Foto Archivo

Braun Cruzer <> Macaco

Ikea <> Maplewood

Hugo Boss <> Human Woman

Cash Converters <> Emi Music

Las campañas de Ikea suelen dar que hablar, no en vano cuentan con uno de los equipos de creativos más potente en todo el mundo, la agencia neoyorkina McCann. Para su último anuncio han recurrido a “Everything I Own” de Maplewood.

Hugo Boss también se acerca a la música ofreciendo en su web una sección de descargas legales gratuitas. La última hasta el momento es el remix que el artista islandés Captain Fufanu realiza de sus compatriotas Human Womans, para el tema “Love Games”.

Cash Converters lanza de la mano de EMI Music Spain, la campaña Bands Converters, un concurso con el que quiere descubrir nuevos talentos en el terreno del pop y el rock en España. Los interesados deben dirigirse a www.bandsconverters.com.

Spotify <> Dinero & The Rebels Las bandas The Rebels y Dinero fueron a visitar de la mano de Spotify las agencias Group M y Vivaki. Ambos grupos actuaron dentro de las oficinas mientras que Spotify regaló cuentas premium para los asistentes. Un concierto peculiar que afianza la línea de trabajo entre los dos mundos.

Google <> Anni B Sweet La gran plataforma de Internet ha comenzado en España una novedosa propuesta mediante la que el pasado mes de agosto conectó en directo a Anni B Sweet con sus fans de todo el mundo mediante Google+ y Subterfuge TV.

UNICEF <> Calle 13 El dúo puertorriqueño participó el pasado mes de julio en un encuentro con adolescentes organizado por UNICEF España, con los que conversaron sobre la explotación y la trata de personas.

La iniciativa se enmarca en una campaña que se lleva a cabo en toda América Latina para concienciar a los jóvenes. ■

mondoweb

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/46/ Septiembre 2012 · MondoSonoro

ENTREVISTA FAN

LOS BLOGS Héroes por un día

Magical Musical Tour

Suede Foto Alex Lake

Luis J. Menéndez

FANFARLO Aprovechando su paso por el Día de la Música, entrevistamos a Fanfarlo, quienes contestaron encantados a la lista de preguntas que les plantearon nuestros lectores. Puedes ver la entrevista completa en Mondo TV. Vuestro nombre está extraído de una obra de Baudelaire que siempre ha sido interpretada como un autorretrato irónico de un autor romántico. Por otro lado, David Bowie se ha referido a vosotros como melancólicos deliciosos. ¿Con cuál de estas dos descripciones os quedáis?

Creo que nos quedamos con deliciosos e irónicos. No estamos en contra de “melancólicos” pero es algo que no nos representa o por lo menos que no forzamos. “Melancólico” muchas veces es sinónimo de “sentimental”. Supongo que no podemos evitar serlo...

CONCURSOS

WEB

¿Cómo ves la evolución del indie en este siglo?

Entendemos indie como música autoproducida de forma independiente. Hay más música independiente hoy que nunca, pero los sellos están desapareciendo y empiezan a ser absorbidos por grandes multinacionales. Los grandes están actuando como los pequeños y viceversa.

Además la barrera entre el sonido indie y el pop en general está desapareciendo. Hay algunas

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cosas, las más elementales, que siguen existiendo. En la música electrónica por ejemplo hay una red de personas, una comunidad que se pasa música y la distribuye gratuitamente a través de los netlabels y eso sí que es realmente independiente. ¿Creéis que todavía es posible provocar emociones en la música pop?

Sí, creo de hecho que lo hacemos y otros grupos también. No toda la música pop es intrascendente, por ejemplo no creo que Kylie Minogue sea muy emocional, más bien es bastante vacía, pero es que el pop es una cosa muy abierta. Pero nosotros seguimos creyendo en David Bowie. ¿Tenéis un camino marcado en vuestra carrera?

Lo importante en la música es dejarse llevar por el instinto y los sentimientos, así que intentamos hacer sólo aquello que nos haga sentir cómodos. No hay plan a largo plazo, hay un punto en el que todos los que estamos en el grupo estamos de acuerdo. Pero en ocasiones chocamos porque somos muy diferentes, aunque en líneas generales juntos funcionamos bien.

¿Creéis que el momento dulce que vive el indie tiene que ver con una moda pasajera?

Bueno, no creo que sea un momento dulce, es

un momento bastante difícil en que nadie compra discos. Lo que sobrevivirá es el amateurismo, gente haciendo música en casa e intentando comercializarla. ¿Conocéis algún grupo español que os guste?

Está el tío este que hace música tropical, como se llama… ¡El Guincho! Coincidimos en varios conciertos con él y es muy majo. Quiero ver a Love Of Lesbian. Nunca he escuchado su música, pero los he visto en el cartel y ¡el nombre es muy ridículo!

Os han comparado mucho con Arcade Fire. ¿Hay otro grupo con el que os sintáis más identificados?

Para ser sinceros a nadie que haga música le gusta ser comparado con otro grupo. Cuando nos hacen este tipo de preguntas solemos recurrir a clásicos como Talking Heads o China Crisis. Nunca jamás pensaríamos en Arcade Fire como una referencia válida para nosotros, pero hay que entender que son el grupo más importante de los últimos diez años y es normal que la gente les compare con cualquier grupo de guitarras con arreglos de cuerda o de viento. Nos gustó mucho el primer disco en su momento, pero seríamos felices si nadie volviera a compararnos con ellos nunca más. ■

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Los veteranos (no se me ocurre otra forma mejor de referirme a los que se acercan peligrosamente o incluso los superan los cuarenta) probablemente se acuerden de Inspiral Carpets. Con Madchester en llamas, su primer disco “Life” (1990) supuso un saltarín soplo de aire fresco cocinado en los mismos fogones que el homónimo primer álbum de The Stone Roses. Las coincidencias no acaban ahí: en realidad las dos bandas tuvieron un largo recorrido previo a su estreno discográfico y sus componentes coincidieron en diversos grupos. Luego, en 1989, Ian Brown, Mani y compañía publicaron su disco de debut así que, cuando “Life” llegó a las tiendas un año más tarde, fue inevitable colgarles el sambenito del grupo que se subía al carro de la neo-psicodelia. La suerte y la historia es cruel.

Pero, como digo, todo eso no lo supimos hasta unos años más tarde y por un momento servidor llegó a situar a los Carpets por encima incluso de los Roses. En esta impresión pesa un dato decisivo: mi primera parca la compré conmocionado por el efecto que tuvo el videoclip de “This Is How It Feels”, un clip y una canción que siguen pareciéndome preciosos. Aunque sólo sea por ello le guardo al grupo un enorme cariño, a pesar de la deriva que fueron tomando los tres discos posteriores.

Seamos claros: en 1990 Inspiral Carpets eran Cool As F**k. ¿A qué viene este repentino recuerdo? Al margen que hace unos meses el NME daba la noticia de su innecesario retorno a los escenarios, resulta que parte de mis vacaciones las empleé en huir a Manchester para perseguir sus fantasmas por las calles.

Porque en realidad y sorprendentemente la mayor parte de edificios históricos de los años dorados de la Factory han desaparecido (The Hacienda, mismamente) o reconvertido en hoteles (el Free Trade Hall donde Sex Pistols dieron el mítico concierto que sirvió de acta fundacional de bandas como Joy Division, The Smiths o The Fall). Y este es el punto en el que vuelvo a cruzarme con los Carpets: resulta que Craig Gill, batería de la banda sobrevive hoy dirigiendo un negocio de tours por la ciudad con contenido musical: las cinco modalidades posibles serían The Stone Roses, The Smiths, Oasis, Joy Division y The Manchester Music Tour. ■

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