Mondo Sonoro septiembre 2020

Nยบ 287 Septiembre 2020 www.mondosonoro.com

DISCLOSURE, CECILIO G, MAN ON MAN, GHETTO KUMBร , FUGAZI, DELAOSSA, THE BREEDERS, WALLOWS, CARLOS SADNESS GLASS ANIMALS, MOSES SUMNEY, CAR SEAT HEADREST, AKKAN, DANI, BRIGHT EYES, JUNO, KHRUANGIN

Fontaines D.C. Clรกsicos

5/Mondo freako “Trabajar con Common fue algo surrealista, siempre canta sus ele propias letras y las sutá es s componer mientra s conduciendo o mientra está en la ducha”

Los hermanos Lawrence han vuelto y lo hacen con un disco, este Energy (Island/ Universal, 20), en el que se respira positividad y frescura, además de una evidente libertad por trabajar en lo que les ha apetecido en cada momento.

E

FOTO: ARCHIVO

Disclosure Positividad en tiempos difíciles

NERGY ES EL NUEVO disco de los hermanos Lawrence, un trabajo que transmite positividad y mucho ánimo para intentar sobrellevar el día a día. Aunque fue compuesto mucho antes de toda la crisis del Covid, su mensaje cala hondo y se hace más necesario que nunca. A Energy le han dedicado dos años, descartando muchos temas para hacer de él un disco certero, que apunta a la pista de baile pero que servirá también para animar cualquier momento aciago. “Hemos tenido que recorrer un largo y duro camino para llegar a terminarlo. Durante todo ese tiempo compusimos unas doscientas canciones. Es el disco del que estamos más contentos del resultado de lejos, aunque es también el disco al que más esfuerzo le hemos dedicado. ¿Pero sabes? Esto es algo que queríamos hacer desde el principio. Nos apetecía encerrarnos una buena temporada en el estudio para sacar música, para llegar a tener doce canciones que nos hagan ¡bang! y nos obliguen a meterlas en el disco”.

GUY Y HOWARD SE DEDICAn a hacer música electrónica a la que le añaden un componente pop que es capaz de enganchar a todo tipo de públicos, pero su forma de componer se asemeja más a la de los músicos de toda la vida que se encierran en el estudio para dejar que surja la magia. “Siempre hacemos el tema con el colaborador, y siempre intentamos que se realice en la misma habitación con nosotros, porque solemos empezar las canciones siempre desde cero. Puede que tengamos una pequeña idea para la línea de bajo, o para un loop o un beat, pero la mayoría de los temas salen así porque las letras suelen salir también de esas sesiones en la sala. La única de esas personas que no pudo colaborar con nosotros fue Kehlani”. Los doce temas que componen este nuevo disco toman un rumbo distinto al que Disclosure nos

3 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

septiembre 2020 #3

MONDO FREAKO

LA MÍA La burbuja más imprevisible

3

“Siempre hacemos el r tema con el colaborado en la misma habitación con nosotros, porque nes empezamos las cancio ro” desde ce

tenían acostumbrados y que ya se empezó a vislumbrar en su anterior EP Ecstasy, donde se aventuraban con nuevos ritmos y sonoridades africanas y orientales que sirvieron de zona de pruebas para este nuevo trabajo. En él han profundizado aún más en esta nueva vertiente para crear algo diferente y descubrir nuevas técnicas y sonidos. “Siempre intentamos no repetir las mismas cosas dos veces. Gracias a esto podemos hacer cosas con artistas tan interesantes como Blik Bassy; él es de Camerún y habla como unos cuatro idiomas, entre ellos el francés. Y nos comentaba que puede hablar solo un idioma al mismo tiempo, pero cuando canta junta todas esas pronunciaciones de esos idiomas diferentes para crear algo único. De hecho, muchos de esos sonidos son algo único.

Es scatting, sonidos que hace con su boca pero que en realidad no significan nada, pero son sonidos muy chulos y que abrieron un nuevo mundo para nosotros”.

DE ENTRE TODAS LAS COLABORACIONES destacan dos nombres por encima del resto: Kelis y Common. En esta casa somos muy fans de uno de los raperos con más clase dentro y fuera del escenario, por eso indagamos un poco más en como fue esa colaboración, en cómo es trabajar por un día o dos con un tío con tanto carisma. “Howard y yo somos super fans de Common desde que éramos chavales.

Escuchamos Like Water For Chocolate muchísimo. Trabajar con Common fue algo surrealista, es decir, él nos contaba que nunca canta las letras de otros, siempre canta sus propios temas y que los suele componer bien mientras está conduciendo o mientras está en la ducha (risas) y nosotros le solíamos preguntar si las podía recordar, y el nos decía: 'Claro que las puedo recordar, no las tengo que grabar ni en mi teléfono'…Le dijimos que si no le importaría que, en esta ocasión, nosotros contribuyésemos un poco a la letra y nos dijo que OK. Por lo que sé somos las primeras personas que hemos hecho que Common cantase algo que no fuese escrito por él (risas)”. Hablando de carisma y presencia tenemos que hablar del predicador Eric Thomas, quien ya prestó unas líneas de voz #4 septiembre 2020

para un tema de su primer disco y es una de las primeras personas que repite colaboración con Disclosure, aunque con matices. “Sí, sacamos las vocales de When A Fire Starts To Burn en el primer disco y también las hemos vuelto a utilizar en este Energy. No es exactamente un predicador, es más como un divulgador motivacional. No habla tanto de religión –aunque me parece que es religioso–, sino más bien sobre motivación y sobre animar a la gente. De nuevo ocurre un poco como con Common, nosotros somos muy fans de él desde que cogimos esas frases para When A Fire Starts… En la primera colaboración metimos su discurso dentro de un tema nuestro y esta vez lo que hicimos fue pedirle un speech y coger una parte para crear la canción a partir de eso, intentar transmitir a través del tema lo que él quiere decir en el discurso”.

EN ESTE DISCO SE ESCUCHAN ECOS de productores míticos de house, UK garage e incluso de algunos proyectos de electrónica más comercial como los míticos Basement Jaxx, que en las islas británicas llegaron a adquirir un estatus al nivel de The Prodigy o Fatboy Slim, derrochando siempre una energía positiva y desenfrenada que marcó la infancia y juventud de mucha gente, entre ellos también la de los hermanos Lawrence. “Soy un gran fan de Basement Jaxx, aunque durante el proceso de grabación no se llegó a mencionar el nombre nunca, pero es algo que siempre ha estado en el subconsciente, aunque no lo hayamos mencionado. Todas sus canciones me encantan, In My Head es increíble…Y encima está el hecho de que sean también hermanos, y toda esa energía masiva que son capaces de crear. Es algo increíble. Son unos artistas increíbles y tienen todo ese catálogo de música tan diferente entre sí y tan bueno que se pega a ti. Y es un poco por lo que nos metimos en el rollo africano, por darle un toque loco y diferente a nuestra música que nos haga evitar repetirnos todo el rato”.

—RAÚL LINARES

R

FOTO: ARCHIVO

C

OMO ESTOY HARTO del temita de marras, me niego a escribir un línea que tenga que ver con el Coronavirus. Como estoy harto de estar instalado en el cabreo permanente y nunca me ha gustado formar parte de de la cultura de la queja, no voy a volver a pronunciarme sobre la nula sensibilidad que hay en este país sobre algo que no sea el fútbol y los toros. Pero entonces... ¿sobre qué demonios escribo? El agujero negro de la COVID-19 tiene tanta fuerza que lo ha absorbido todo y otras noticias pasan de puntillas, como pidiendo permiso para colarse en nuestro día a día y más cuando las vacaciones estivales llegan a su fin. Todo esto me lleva a reflexionar sobre que, en condiciones normales, ahora mismo ya llevaría unos cuantos festivales sobre mis cansados hombros y agotados oídos. Citas a las que uno acudía motivado por la responsabilidad de dirigir una revista especializada, pero que no son el lugar donde mejor y más se disfruta la música. Ese es un hecho que los aficionados de verdad tenemos más o menos claro. Los festivales tienen un mucho de cita hedonista en la que compartir una experiencia intensa con los amigos, y esa fue la clave de su expansión estival por un país turístico y festivo como el nuestro.

EL CRECIMIENTO en las últimas dos décadas fue tal que, desde hace años, el debate sobre la posible burbuja festivalera era recurrente en los múltiples foros y encuentros profesionales del sector, que también experimentaron el mismo crecimiento exponencial, aunque curiosamente aquí nadie hablara de burbuja.

Igual tiene algo que ver con el hecho de asistir invitado con los gastos pagados y a tutiplén a las infinitas mesas redondas del territorio (pecado que yo mismo he cometido y seguiré cometiendo a la que me inviten de nuevo, que a nadie la amarga el dulce de sentirse importante y escuchado). Pero a lo que voy. La burbuja de los festivales ha reventado este año, pero no por crecimiento, sino por lo que todos sabemos. Y ese estallido ha puesto de manifiesto que igual el debate estaba equivocado. Igual la burbuja no estaba en los festivales. Igual estaba en los cachés de unos grupos que se beneficiaban de la enorme oferta festivalera y que podían pedir precios que no se ajustaban –en buena parte de los casos– a su capacidad de convocatoria. Ahora el Emperador luce desnudo, y muchos tienen que ver cómo no son capaces de llenar recintos acotados con unos precios al alcance de bolsillos privilegiados. Pero es lo que tienen las burbujas que, cuando estallan, las consecuencias no son tan previsibles como las mentes preclaras de todas esas mesas redondas habían pronosticado.

—DON DISTURBIOS

Más en www.mondosonoro.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Cecilio G El Evangelio según C San Juan

MONDO FREAKO

“Estoy empezando a cogerle un poco de asco a esto, a lo de ser Cecilio”

ECILIO G ES UN PERSONAJE con un magnetismo especial que ha trascendido más allá de lo musical debido a las polémicas que han rodeado su vida desde que empezó a hacer públicas sus canciones.

Formó parte de la creación de PXXR GVNG, colaboró con Pimp Flaco o Kinder Malo en sus inicios, impulsó a productores como Enry-K que ayudaron a renovar el sonido trap mucho antes que cualquiera en la escena y ha firmado algunos de los mejores trabajos de los últimos años. Cecilio G es, por encima de cualquier otro detalle, una persona que entiende la música de una manera vibrante y única, que conoce y controla todas las referencias musicales que la generación que fue joven en los ochenta y noventa le echa en cara a la nuestra y que, a pesar de y, por ello, ha hecho una cosa totalmente diferente. “A mi padre, que en paz descanse, le gustaba mucho la música, y yo desde chiquitito me he fijado en lo que escuchaba él. Tengo más recuerdos de portadas de álbumes que de videojuegos. Me acuerdo que tenía un disco de Manolo García… Me acordaré toda la vida. Y tengo muchos discos suyos de herencia, de The Beatles… Y luego me tiré a mi rollo. Yo cuando era más chaval y no la liaba tanto sí que me compraba discos y de los primeros que me compré fue el Sabotage de Black Sabbath porque me moló la portada.

Pero ya, mira, crecí, me fui pal after y ya no compré”. Le escucho y pienso en Hey, Jude y su “Don’t make it bad, take a sad song and make it better”. En ese camino parece que se encuentra Cecilio G mientras paga el precio y cobra peaje por todas las vivencias del mientras tanto. Su determinación de encontrar un hueco como músico y escapar de lo que esto supone al mismo tiempo es

complicado de llevar a cabo. Sobre todo amando la música como lo hace él. “La música devuelve por dos. Tú pides un café normal y te traen un café pero lo pides cantando y te traen un café y una sonrisa. Pero es duro también darle ese miedo a la peña. 'Yo soy loquísimo, soy un saltimbanqui', pero no. Eso me pesa a mí. Me pesa”.

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

de la calle que yo sé que son tiguerasos.

Que nos vamos a ver un día y vamos a ir a comer”. Cecilio confiesa también que está contento con el sonido, que cree que empieza a ganar madurez en su música. “Lo que busco es decir un día “mira, qué puto amo soy”. Y yo estoy super orgulloso y he conseguido cosas que flipas. Mi logro es tener setenta años si llego y decir “esto es un disco bueno”, con mi gorro tejano como la nutria ahí en el río”. Pero al mismo tiempo me descubre que tiene temas preparados para un año, y que, mientras, piensa desaparecer. “Quiero irme fuera de España. No aguanto esta hipocresía de esta picaresca que está ahí. La de la palmadita en la espalda, los abrazos falsos y saludos cordiales. En otros países hay otros códigos y si has viajado lo sabes.

Soy un tío que está muy instalado en la sociedad de a pie y hago barrio, y estoy un poco harto de la peña de España.

Estoy empezando a cogerle un poco de asco a esto, a lo de ser Cecilio, porque yo soy Juan, ¿sabes?”.—LUIS M. MAÍNEZ

R Más en www.mondosonoro.com

FOTO: ARCHIVO

Cecilio G es un artista imprescindible para entender la música española en el último lustro y a la juventud española que salió de la crisis de 2008. Ha pasado por baches y experiencias que marcarían a cualquiera. Hablamos con él –en exclusiva para un medio nacional– tras el lanzamiento de TDPS 2, su última mixtape.

LA INFELICIDAD PARECE una marca de agua que es imposible de borrar de una foto feliz. Cecilio G canta sobre la nada, dice, pero en esa nada se cuela imparable el amor, entre otros temas recurrentes como los que surgen de la calle; lo hace porque: “nos hacemos viejos, tío. Lo único que importa al final, realmente, es eso. Puedes mirar a artistas del género urbano ya sea punk o rap antiguos, no la escena urbana que hay ahora que va todo a los antojos del productor. Esto que llaman género urbano yo no lo entiendo mucho. Pasan los años nos quedamos calvos y gordos, lo único que nos quedará es el consuelo.

A unos, pero a otros, amor”. Y es que a pesar de una cierta oscuridad intrínseca, se esconde un vitalismo optimista en Cecilio G; uno salvaje y natural, sin máscara, sin los delirios de ambición fruto del ego desmesurado de otros artistas.

A RAÍZ DEL LANZAMIENTO de TDPS 2, su cuarto trabajo en 2020, y con el que pule y mejora el espíritu de sus inicios –tras acercarse por el camino a géneros como el mambo– sin perder su esencia, comenta: “He decidido colaborar con gente underground o con gente

septiembre 2020 #5

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Man On Man De hombre a hombre

EN LA MALETA

La tendencia a la hiperactividad que Roddy Bottum ha mostrado en los últimos meses no es permeable a los efectos de la cuarentena. Ahora mismo puedes encontrarle en Faith No More, Nastie Band, Crickets, Imperial Teen, Hifiklub y, por si no hubiera suficiente, publica Daddy, su primer single junto a su pareja, Joey Holman, como Man On Man.

Paul Unkel

Nacido en Manchester, aunque de ascendencia española, Paul Unkel inició su aventura en España para trasladarse posteriormente a Londres.

Allí está protagonizando una carrera en el mundo del techno en la que no deja de dar pasos adelante con singles como I Remember –junto a Allaby–, Go Ahead o Silently. #6 septiembre 2020

ys, "Somos dos hombres ga keting y no entramos en el mar te eso es tradicional. Seguramencensura" parte de la razón de la

M

AN ON MAN, el proyecto del histórico teclista de Faith No More, nació en pleno aislamiento social.

La idea nació cuando su novio, Joey Holman, se trasladaba junto a Bottum desde su residencia de Brooklyn a una

R

ecuerdas quién te dio la oportunidad de pinchar por primera vez de forma seria?¿Te costó mucho dominar los platos?

Sí, claro. No lo olvyidaré nunca. Mi primera vez como Dj profesional y cobrando el gig, fue en el Club EGG de Londres, para unas fiestas que organizaba un amigo, también Dj y productor.

Llevaba mucho tiempo sin tocar un plato, muchísimo diría yo, pero una semana antes del gig, estuve practicando y todo salió bastante bien.

Disfrute mucho y estuve en esa misma fiesta durante ocho meses, pinchando en la sala principal con muchos Dj de primera fila.

—¿Cuál fue el paso definitivo que te llevó a producir más que nunca?¿La madurez en tu profesión o la vida en Londres?

Veía que pinchar, lo podía hacer cualquier Dj y en ese momento supe que debía ofrecer algo más y decidí empezar a producir para atraer a mis fans ofreciendo mi música y mi estilo.

Aprender a producir me tomó varios años y hasta la fecha sigo expandiendo mi conocimiento. Creo que es como un instrumento. Nunca debes dejar de practicar y seguir educándote. Llegué a Londres hace ya diez años para hacer mi sueño realidad, que era consagrar-

casa de playa propiedad de la familia de Roddy, una hora al norte de Los Angeles. Al cabo de poco tiempo lanzaban Daddy, su primer y muy efectivo single, acompañado por un vídeo de excelente factura y saludable provocación, aunque YouTube piense lo contrario. Falta

me como productor musical y DJ. Y siento que voy en el camino correcto.

—¿Qué aprendiste pinchando en los clubes de Madrid y Valencia que te sirviera para empezar a despuntar en el Reino Unido?

Aprendí mucho, sobre todo cuando iba de fiesta a los clubes, hablando con los DJ, promotores y los asistentes en general. También en las fiestas de Ibiza, allí fue increíble. Conocí a muchos Djs, pues era fiesta tras fiesta sin parar.

Los noventa fueron increíbles, nada comparable con los días actuales. La gente, los clubes, todo era muy fuerte, había una conexión increíble.

—¿Te sientes siempre cómodo haciendo canciones con energía o también te gustaría crear algo más calmado?

No lo sé. Por el momento me encanta la pura energía del techno. Creo que por mis venas corre el techno, aunque quizás algún día, por qué no, me calme un poco y dirija mis producciones por otro estilo, por el momento ¡Techno forever!

—¿Sin qué DJ's tu forma de componer y de pinchar no hubieran sido jamás lo mismo?

Richie Hawtin sin duda influyó mucho en mis tiempos de clubbing y como productor. Es uno de los mejores.

saber si, cuando decidieron partir hacia California, ya tenían en mente hacer música juntos. “Mientras conducíamos nos fuimos enterando de que íbamos a estar en cuarentena al menos por dos semanas. Así que allí mismo comenzamos a hablar del proyecto. Lo primero que pensamos fue en cómo hacernos de cierto equipamiento, al menos un micrófono y un sintetizador porque en principio sólo pensábamos en unas pocas canciones, no en un disco”. De ahí que no extrañe que hayan sido estas extrañas semanas las que hayan inspirado el proyecto. “La idea completa de aislamiento y cuarentena. La gente separada entre sí, y las personas que necesitan ser protegidas. Creo que eso fue buena parte de la inspiración. También la idea de estar Joey y yo escribiendo como pareja, cosa que no había sucedido antes; nuestra relación y la manera en que lidiamos con la cuarentena juntos”.

LO QUE ES EVIDENTE es que Daddy es una potente y pegadiza canción pop.

Tendremos que esperar un poco para escuchar si el resto de material sigue una línea similar. “Sí, parece que Daddy tiene su gancho. El resto de las canciones son como un mix. Comenzaron todas a ser escritas en piano y guitarra acústica, así que nacieron, de algún modo, desde un lugar 'suave'. Hasta ahora tenemos siete canciones, yo creo que haremos alguna más para el disco.

—MS

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

TAN. CERCA RREl ciclo cultural El Bosque Sonoro, que se celebrará en el meandro del río Huerva, en Mozota, Zaragoza, está jugando fuerte con sus primeras confirmaciones.

De momento sabemos que actuarán León Benavente (12 septiembre), Stay Homas (18 septiembre) y Coque Malla (25 septiembre).

Y además serán actuaciones en un entorno realmente fantástico.

Puedes comprar las entradas en www.elbosquesonoro.com.

R Más en www.mondosonoro.com

RRManuel Alférez, quien fuera bajista de la banda de street punk, oi! y ska Decibelios, falleció este pasado agosto. Además de músico, Alférez se había ganado un lugar de honor entre los fotógrafos rock de directo durante los últimos años.

RRCarolina Durante recuperan los tres temas que han ido lanzando estos últimos meses en el EP de siete pulgadas Del horno a la boca. Las canciones son El parque de las balas, Lo segundo, ya no tanto y La canción que creo que no te mereces, en la que colaboran con J de Los Planetas. Producen Duncan Mills y Paco Loco.

Cuando los tambores son los protagonistas del mensaje y la melodía en una producción que combina música africana, afrodescendiente y caribeña, además de clubbing, sabes que estás ante algo diferente. Eso son los colombianos Ghetto Kumbé, que estrenan el imperdible Ghetto Kumbé (ZZK Records, 20).

E

N JUNIO DE 1808 tuvo lugar la segunda batalla del Bruc en la Guerra de Independencia Española. Los franceses habían sumido en una fuerte crisis a Catalunya por la paralización del comercio con América y hubo conflicto, cruento.

Dicen los textos, había muchísimos más soldados napoleónicos. Pero los franceses perdieron. Y todo gracias, o eso cuenta la leyenda, a un tambor. El de Isidro Llusá y Casanovas, el Timbaler del Bruc. La reverberación del instrumento en Montserrat hizo creer que el número de soldados españoles era muy superior al real. Dos siglos después, el tambor sigue siendo arma de alto calibre. En lo musical, al menos. Gracias a la tarea de recuperación del folclor de bandas como los colombianos Ghetto Kumbé, que se estrenan con disco homónimo publicado por ZZK Records, donde la percusión es la gran protagonista.

No sólo por sus dotes mántricas y de inducción al baile, sino también como transmisora de ideas y experimentación –incluso– melódica.

“SOMOS MUY CUIDADOSOS al grabar las percusiones, queremos que sean un tejido. No un cortar y pegar”, adelanta, con detalle, Dr. Keita (Andrés Guajiro), miembro de Ghetto Kumbé junto a Chongo (Juan Carlos Puello) y El Guajiro (Edgardo Garcés). “Siempre hemos tenido muy presente mezclar lo acústico con lo sintético. Y hay que estar pendiente de la afinación: ¡El tambor es melódico! Por eso hay técnica de mezcla contemporánea en el disco”, matiza.

Ahí destaca el trabajo del productor Oliver Williams. “Oli tiene un gusto

enorme por la cultura afrobeat, pero también por lo británico. Es formidable en la mezcla de tambores con lo contemporáneo”.

ANDRÉS GUAJIRO, que pese el confinamiento anda bien liado con la promoción de Ghetto Kumbé, es especialista en músicas africanas y afrodescendientes. Un punto clave para entender la riqueza del disco debut de los percusionistas. “He escuchado música de todo tipo: jazz del Caribe colombiano, cumbia, música afrocaribeña, salsa, guaguancó. Luego en la juventud pop y rock. Y algo de rock latinoamericano y en español. Yo también fui víctima del MTV Latino. [Ríe] Colombia es un país de fusiones, de combinar todo en uno”, dicta. El primer EP de la formación era puro ritual del tambor, el segundo ya introdujo más mezcla con la canción.

Después de andar de gira, pasaron por el trampolín musical del Rencontres Transmusicales de Rennes –entre vítores– en 2017, en este larga duración dan un paso adelante para que el fuego también emane de la voz. Algo que les ha permitido expresar lo político no sólo con la música. “El afrofuturismo es mucho más que un contexto musical, es un movimiento de reivindicación cultural. Un mensaje claro de presencia. Las canciones de Ghetto están ligadas a ese sentir político: reflejamos la realidad que vivimos. Aunque no queremos ser un mero referente político, sino también introspectivo. Llevar a la gente a otros estados”. —YERAY S. IBORRA

R Más en www.mondosonoro.com

RRJaime Triay fue vocalista de la referencial banda mallorquina de hardcore punk Cerebros Exprimidos, auténticos referentes del hardcore punk facturado en nuestro territorio. Triay falleció este mes pasado a la edad de cincuenta y seis años, víctima de una esclerosis lateral amiotrófica –ELA– desde hace aproximadamente un lustro.

RREl documental sobre el músico Enrique Villarreal “El Drogas” (ex-vocalista de Barricada), es la ópera prima del realizador navarro Natxo Leuza y participará en la Sección Zinemira del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, durante los días 18 a 26 de septiembre.—MS

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“El afrofuturismo es mucho más que un contexto musical”

FOTO: ARCHIVO

El sonido es bastante variado: acústico, pero también más hay momentos más crudos. Todas las canciones tienes mucho aporte vocal”.

Y NO PODEMOS DEJAR de hablar del videoclip con el que acompañaron al tema y que les provocó más de un quebradero de cabeza con Youtube. “Fue divertido de hacer. Fui a una escuela de cine cuando era niño, pero hacía mucho que no participaba de algo así. Y Joey llegó con un buen puñado de ideas y sobre todo, aprendió a usar su teléfono de manera tal que se le sacara el máximo provecho en favor de la calidad de imagen. ¡Rodamos mogollón! Tenemos material para tres vídeos más. (…) Lo de Youtube fue un freno importante. Estábamos tenido muchísimas vistas, y esto fue una bofetada en la cara. Es contradictorio porque se suponía que el vídeo no tenía problemas con los términos de Youtube, por algo nos dejaron subirlo en primera instancia. Y luego viendo otras cosas por ahí te das cuenta que hay mucho material similar al nuestro en cuanto a escenas de sexualidad, con esa vibración. Solo que lo nuestro es otro sabor, somos dos hombres gays, y no entramos en el marketing tradicional. Seguramente eso es parte de la razón de la censura”. —ADRIANO MAZZEO

RRLos raperos Kase.O y Elphomega firman el tema central de la banda sonora de la película Orígenes secretos, estrenada en Netflix y dirigida por David Galán Galindo. La producción del tema es de RdeRumba, compañero de Kase.O en Violadores del Verso, y los coros de Klau Gandía y Carlos Porcel, quien también se ha encargado de algunos arreglos del tema.

Ghetto Kumbé El tambor como arma

septiembre 2020 #7

Fugazi “Repeater 30 años De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Guy Picciotto, Brendan Canty, Joe Lally y Ian MacKaye #8 septiembre 2020

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

r"E s

Este año se ha cumplido el treinta aniversario de la publicación de Repeater. Primer elepé de los referenciales Fugazi de Ian MacKaye, es también la piedra angular del posthardcore estadounidense y uno de los discos más referenciales del rock independiente.

RA OTOÑO DE 1987 y, pese a que ya habían dado un par o tres de conciertos, el grupo aún no tenía nombre. Fue entonces cuando Ian MacKaye recordó aquello de "fugazi" que había leído en “Nam”, la fascinante historia oral sobre la guerra de Vietnam escrita por Mark Baker (relato que en pocos meses publicará por primera vez en nuestro país la editorial Contra). “Fugazi” era una expresión que solían utilizar los soldados estadounidenses desplegados en el conflicto del sudeste asiático cuando querían referirse a que una situación estaba jodida. Justamente, así era como ellos veían el mundo. Así que sí, que ningún nombre mejor para su nuevo grupo que Fugazi.

GUY PICCIOTTO ERA UN CRÍO espigado que se paseaba por los pasillos de su instituto luciendo un collar de perro en el cuello. En una escena propia de una película de John Hughes, los matones solían tirarlo al suelo y lo arrastraban cogiéndolo de la gargantilla de can. Era el precio que tenía que pagar por ser un punk entre un mar de bullies acnéicos. Como tantos otros adolescentes de entonces (y de ahora), Picciotto acabó dando salida a su rebote con el mundo a través de la música. Poco después se unió a Insurrection, banda en la que coincidió con Brendan Canty, otro adolescente del que ya no se separaría jamás. Uno cantante y guitarrista, el otro batería, a ambos se les intuía talento pero el grupo era malísimo, algo que quedó plasmado en la maqueta que grabaron con Ian MacKaye de productor. Aquello sonaba tan mal que MacKaye, conocido por su afán de archivero y documentalista de la escena de DC, es el único que aún hoy conserva una copia de aquella cinta.

PICCIOTTO NO TARDÓ a darse cuenta de que si quería trascender debía embarcarse en una nueva aventura. No lo dudó y reclutó al guitarrista y antiguo miembro de bandas seminales como Faith o Untochables Eddie Janney, el bajista Mike Fellows y su inseparable Brendan Canty. Era primavera de 1984 y nacía Rites Of Spring, grupo con nombre inspirado en la obra maestra homónima de Igor Stravinsky que giraba entorno a la idea de la muerte y la resurrección, algo totalmente vigente en una escena, la del hardcore de Washington DC, que estaba en pleno proceso de catarsis. Rites Of Spring fueron uno de los abanderados de aquel renacer. Sustituyendo la rabia por el sentimiento a flor de piel, con ellos irrumpía el emocore, etiqueta que ellos aborrecieron desde el principio con la que se describió el sonido que encapsularon en su único pero referencial trabajo de estudio, “End On End” (Dischord, 1985), disco que había sido producido por Ian MacKaye. Oráculo del hardcore tanto en Washington como en todo Estados Unidos e internacionalmente, tras dar vida a los seminales Minor Threat, MacKaye se encontraba intentando dar vida a un proyecto con el que sentirse realizado. La primera tentativa fue Embrace, banda situada en unas coordenadas sónicas y vitales similares a las de Rites Of Spring. Pese a su relevancia histórica, para 1987 tanto Rites Of Spring como Embrace ya eran proyectos marchitados.

JOE LALLY HABÍA CRECIDO siendo un fan del heavy metal... hasta que fue a un concierto de Dead Kennedys con Teen Idles de teloneros. A partir de ese día se metió de pleno en la escena hardcore de su ciudad, Washington DC. No tocaba en ningún grupo, pero se dejaba caer con asiduidad por la Dischord House, donde entabló mucha amistad con una de las bandas de la casa, Beefeater. De hecho, abandonó su curro como informático de la NASA donde tenía una nómina nada despreciable, para enrolarse como pipa en las giras de estos por Estados Unidos. También tuvo muy buen rollo desde el principio con Ian MacKaye, con el que mantenía largas charlas sobre sus artistas favoritos: MC5, James Brown, Jimi Hendrix, The Stooges, el reggae jamaicano... En una de esas infinitas conversaciones sobre música surgió la idea: molaría formar un grupo que combinara lo abrasivo de The Stooges con la cadencia rítmica del reggae. MacKaye sería el cantante y guitarrista y Lally, aunque no lo sabía tocar, el bajista. No solo aprendió con inusitada rapidez, sino que sus infecciosas líneas con las cuatro cuerdas se acabarían convirtiendo en influencia imprescindible para miles de discípulos. Poco después se les unió Brendan Canty, que por aquel entonces tocaba la batería en Happy Go Licky. Guy Picciotto solía acercarse a sus ensayos y en secreto ansiaba hacerse un hueco en la formación. Lo veía imposible: pese al poco tiempo que mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

llevaban tocando juntos, el trío sonaba ultra compacto y no sabía qué podía aportar.

Recién licenciado en Filología Inglesa por la Universidad de Georgetown, cogió los bártulos y durante meses se dedicó a recorrer Estados Unidos en un viejo Cadillac.

Cuando regresó a Washington DC retomó algunas de sus viejas rutinas, entre ellas pasarse por el local de ensayo a ver qué hacían MacKaye, Canty y Lally. Al final, sucedió de forma natural. Sus amigos le preguntaron si quería sumarse al grupo. Primero era poco más que una presencia escénica haciendo segundas voces. Con el tiempo acabó cobrando protagonismo colgándose una guitarra y ejecutando esos juegos con MacKaye a las seis cuerdas que se convertirían en uno de los principales rasgos de personalidad del grupo. Y entonces fue cuando MacKaye recordó lo de Fugazi del libro “Nam” y nacía definitivamente una de las bandas más determinantes en la historia de la música alternativa. Un grupo fundamental en el devenir del hardcore punk, pero igual o más importante a la hora mantenerse firmes en su compromiso con los valores que ellos asociaban a formar parte de la escena musical independiente.

DESDE SUS PRIMEROS DÍAS se comprometieron a no realizar entrevistas para medios que ellos no leerían. Más importante todavía, sus conciertos se celebrarían en recintos a los que pudiera acceder público de todas las edades. Del mismo modo, nunca cobrarían más de cinco dólares por la entrada de sus bolos. Y más allá de sus discos, que no vendían en sus actuaciones, no realizarían merchandising de ningún tipo, ni camisetas, ni pósters, ni... Además, regularmente realizaban donaciones a organizaciones con las que se sentían identificados social y políticamente. Ya en sus primeras giras, Fugazi agotaron las entradas de casi todos sus conciertos, en parte por el poder de convocatoria de Ian MacKaye, ídolo de la escena hardcore gracias a su legado al frente de Minor Threat. Un pasado del que el cantante y guitarrista intentaba rehuir. De hecho, cuando se plantearon entrar en el estudio por primera vez, MacKaye lanzó la idea de que sus discos los publicara Touch & Go en lugar de su sello, Dischord. El resto del grupo le dijo que ni de broma.

EN 1988 FUGAZI publicaron “7 Songs”, epé grabado en los Inner Ear, los estudios predilectos de la escena de D.C., y producido por Ted Niceley, por aquel entonces un novato pero que con el tiempo se acabaría convirtiendo en uno de los grandes arquitectos sonoros del post-hardcore gracias a su trabajo con bandas como, más allá de Fugazi, Girls Against Boys, Jawbox o Shudder To Think. Aquel EP abría fuego con "Waiting Room", tema que se convertiría en un clásico instantáneo del grupo y de todo el movimiento, habiéndola versionado grupos y artistas tan dispares como, entre muchos otros, Red Hot Chili Peppers, Arcade Fire, Ryan Adams, Minus The Bear, Billy Talent, TV On The Radio... Poco después grabaron en Londres, “Margin Walker” (Dischord, 1989), seis canciones qu suenan mucho más irascibles y virulentas que sus predecesoras. Un trabajo que, como curiosidad, finaliza con "Promises", canción que solía versionar Ryan Adams en sus directos.

FUGAZI NO PERDIERON EL TIEMPO. Acabados de llegar a casa de su gira por Europa, MacKaye, Pucciotto, Canty y Lally volvieron a confinarse en los Inner Ear Studios, de nuevo con Ted Niceley como productor. Esta vez sí, de aquellas sesiones saldría su primer elepé. "Fue entonces cuando todos nos implicamos con toda el alma. Fue la primera vez que tanto Guy como yo pudimos decir: este es nuestro grupo", revelaba Brendan Canty al periodista musical Michael Azerrad en su libro “Nuestro grupo podría ser tu vida” (Contra, 13), obra fundamental sobre la irrupción de la escena indie americana. Y es que Ian MacKaye seguía destacando como el principal impulso creativo de la banda, pero en este primer largo la aportación de sus compañeros era altamente remarcable. Publicado el 19 de abril de 1990, “Repeater” (Dischord, 90), más inspirado y mejor ejecutado que los dos epés anteriores del grupo, fue recibido como la furiosa respuesta americana al “Solid Gold” de Gang Of Four y la perfecta antesala al estallido del grunge con “Nevermind” (Geffen, 1991) de Nirvana a la cabeza. Sin abandonar, jamás, el hardcore pero encontrando nuevos y excitantes rincones en ese territorio de cruce entre punk y reggae que antes habían explorado formaciones como The Ruts o The Clash, filtrando algunos ramalazos de rock clásico a lo Led Zeppelin en los riffs de guitarra y colando algún elemento del hip hop: los juegos vocales entre MacKaye y Picciotto pueden llegar a recordar a los de Run DMC o Public Enemy, Fugazi entregaron once temas donde su personalidad sonora cobra su máxima expresión. Un disco con algo de conceptual en la idea anticapitalista y de consumo con respeto que transpira en su conjunto, que gracias a temas como la inicial "Turnover", "Merchandise"o "Blueprint" se convertiría en un clásico y referente absoluto. Fugazi salieron de gira casi de inmediato para presentar su nueva colección de creaciones. Primero fue en salas de pequeño aforo, con los meses pasaron a llenar locales con una capacidad para más de mil personas. Lo mismo sucedió con las ventas del disco. Se calcula que actualmente solo en Estados Unidos se han vendido más de un millón de copias, cifra que asciende a los dos millones a nivel internacional, número estratosférico si tenemos en cuenta que se trata de una banda (y una discográfica) que siempre ha trabajado desde el más irrenunciable espíritu independiente. —ORIOL RODRÍGUEZ

R Más en www.mondosonoro.com

septiembre 2020 #9

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Delaossa La vie est belle La erupción del malagueño fue una de las grandes noticias en el rap el año pasado. Ahora regresa con la mixtape La Tour Liffee (Autoeditado, 20), confirmando su sonido y el gran momento artístico que está atravesando.

T

ENÍAMOS UNA DEUDA pendiente con Delaossa. La entrevista que teníamos acordada por su anterior álbum se quedó en el tintero, interrumpida por su gira latinoamericana. Así que comencemos por ahí. ¿Qué balance hace Delaossa de Un perro andaluz?

“Nos cambió la vida a todo el equipo.

Fue el álbum propulsor de todo lo que veníamos trabajando ya bastantes años atrás y supuso una declaración de intenciones respecto a lo que posteriormente vendría. Le tengo mucho cariño a ese proyecto. No sé si es tan diferente a otros discos del género, nosotros tratamos de hacerlo con nuestra esencia, intentando plasmar nuestro sonido y la forma de vivir que aquí se tiene. Y bueno, la reacción fue inmejorable por parte del público”. No hay duda sobre eso, ya que fue uno de los álbumes de rap mejor valorados en España en 2019. Pero el malagueño continúa avanzando en su viaje y presenta un nuevo EP, una mixtape que precisamente nace de esa gira que tan lejos de casa le llevó. “Es curioso, porque en mi bloc de notas, a partir de un cuadro que vi en mi cuarto de Málaga que ponía 'La tour Eiffel', apunté, cambiando de orden las letras, 'La Tour Liffee', de ahí las dobles 'efe' y 'ele'. Me #10 septiembre 2020

"Hacemos rap porque nos hemos empapado os" del género desde enan pareció algo que estéticamente era curioso. Creo que mi cabeza en esa etapa sólo estaba pensando en las sensaciones que da viajar tan lejos gracias a la música, y de ahí que orgánicamente los temas que hice en esa etapa hablaran de algo parecido. Cuando volví de la segunda gira por América contacté con Kiddo y le dije 'tío, necesito que me ayudes para convertir el proyecto que tengo en mente en algo tangible, con tu conocimiento de música y mi intuición lo vamos a hacer'. Y así fue”. El desenlace ya lo conocemos; cinco cortes (con las colaboraciones vocales de Israel B y Cruz Cafuné) “con el rap de siempre nuestro, pero apostando una estética más colorida, con arreglos de guitarra, piano, violín, etcétera”.

UN RAP, EL DE DELAOSSA, que contiene unas señas de identidad y unas influencias muy tangibles. “Hacemos rap porque nos hemos empapado del género desde enanos. Muchas tardes entre coches oyendo discos,

bebiendo cerveza y rapeando con mis hermanos de Space Hammu. Grupos nacionales como 7N7C, Hablando en Plata, Toteking o Sólo Los Solo (entre muchos otros) han sido como profesores para nuestra música”, reconoce el MC. Quien además es valorado por su mensaje, en el que encontramos muchas referencias culturales (“llevo por bandera eso de fusionar el mensaje callejero con algo de la cultura que nos ha hecho aprender”) y una filosofía crítica y reflexiva con la música. “Pero tampoco creas que critico como tal la ambición de sonar mainstream, respeto al máximo a quién quiera hacer música y ganar el máximo de dinero posible con ella. El problema para mí llega cuando el hecho de sonar más y ganar más hace que esa música y sus estándares te dominen como artista.

Más que una crítica es una especie de aliento a que los chavales busquen una esencia suya propia, que suene a lo que ellos quieren y no a lo que el mercado demanda. Las redes sociales,

los números o las tendencias no lo son todo, la música que llega de verdad y que está hecha con garra es la que perdura”. Aunque sabe que es más fácil decirlo que hacerlo. “Ya lo dijo Arcángel en una entrevista 'si el dinero no te ha cambiado, es que no has ganado dinero suficiente'. Cada etapa de la vida y de la carrera de uno es un mundo y yo, para mí, quiero creer que aunque en el futuro el dinero llueva, que no estaría mal, voy a seguir siendo el que siempre he sido. Pero dejemos que el tiempo hable”. Por lo pronto, el malagueño se ha ganado el respeto de la escena tanto a este como al otro lado del océano. Recientemente se trasladó a vivir a Madrid, “una ciudad que nos trata bien dentro de su caos”, donde sigue trabajando para que su rap costumbrista y sincero llegue lo más lejos posible.

—ALFONSO GIL ROYO

R Más en www.mondosonoro.com

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

20 AÑOS DEL DISCO QUE DEFINIÓ UNA ERA NUEVA EDICIÓN CON ABUNDANTE MATERIAL EXTRA

80 CANCIONES INCLUYE RAREZAS Y TEMAS INÉDITOS LIBRO DE 80 PÁGINAS CON FOTOS NUNCA VISTAS

4 HORAS DE VÍDEO INCLUYE 3 CONCIERTOS COMPLETOS Y 95 MINUTOS DE IMÁGENES INÉDITAS 3 LITOGRAFÍAS Y POSTER

[ DISPONIBLE EL 9 DE OCTUBRE ] También disponible en caja vinilos, 2CD y edición digital.

Vinilos Pósters

Libros

Merchandising

Descubre el primer marketplace español enfocado a todos los productos relacionados con el mundo de la música

WWW.MEMHUNTER.COM Memhunter es una comunidad hecha por y para los amantes de la música

TODO PASA EN FNAC | FNAC.ES

E

“

“Hacer estas canciones ha sido casi una cuestión de supervivencia”

#12 septiembre 2020

H

A SIDO PARA ELLOS un año de actividad frenética, abruptamente cortado por la pandemia. De ese frenesí el grupo ha destilado un nuevo trabajo extraordinariamente maduro que se interna con valentía en nuevos recovecos emocionales. Al otro lado de la línea está el guitarrista Carlos O'Connell, tan afable y sensato como siempre. “Hacer estas canciones ha sido casi algo de supervivencia. Girar tanto y el cambio de estilo de vida no fue fácil para ninguno de nosotros.

Lo pasamos bastante mal. Pero los días que íbamos al local de ensayo a hacer canciones hacían que todo mereciera la pena”.

EL FULGURANTE ÉXITO DE DOGREL (19) fue todo lo “peligroso” que podía ser: la banda corrió serio peligro de achicharrarse entre aeropuertos, furgonetas y hoteles, quemando también de paso las canciones de su brillante debut. “No teníamos ningún problema con la idea de girar ese disco todo el año 2019, pero entrar en 2020 y seguir girando con él sin grabar el nuevo, que no saldría hasta 2021, nos daba un poco de miedo: era tocarlo durante dos años seguidos”. Había, pues, que ponerse a hacer canciones nuevas y grabarlas. La amplitud de miras les puso en marcha. “Hay un contraste bastante grande con el primer disco, pero no fue una decisión. Más bien teníamos en mente la idea de ignorar la reacción del público ante el primero. Cualquier idea iba a tener su oportunidad.

Acabamos con unas treinta canciones, y había muchas ideas que eran muy, muy diferentes a las canciones del primer disco y también a lo que ha acabado siendo el segundo. Pero nos

EL APUNTE

Sobrevivir al éxito DECÍA OSCAR WILDE que hay que tener cuidado con lo que uno desea, no sea que se cumpla. Carlos ha empezado a ser consciente de dónde ha llegado su grupo sólo ahora, en la soledad del confinamiento. En su caso, el parón ha sido balsámico para cargar pilas y asimilar el torbellino en cuyo vórtice han vivido en estos últimos dos años. “Nunca había visto vídeos de conciertos grabados por el público. Me di cuenta de por qué ha pasado lo que ha pasado.

Nunca me había puesto a pensar por qué la gente dice que somos buenos en directo. por qué les gusta vernos. Hemos tocado y tocado sin que yo me hubiera parado a pensar sobre ello. En este tiempo he visto por primera vez el directo desde fuera y he comprendido que hay algo especial. Es algo que te hace sentir orgulloso”. Lo más importante es que “este tiempo de no girar, que ha sido tan raro para la mayoría de la gente, ha sido lo más normal que yo he vivido en los últimos dos años. Y ahora, con esto en la mente y sabiendo cómo cuidarme más, tengo muchas ganas de volver”. —J.C.P.

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

El mantra del héroe EN PORTADA

Fontaines D.C.

Con A Hero's Death (Partisan/[PIAS], 20) el quinteto irlandés supera todo lo apuntado en su debut. Música de guitarras visceral, vitalista, poética y trascendente. No se puede Cinco artistas básicos pedir más. Y tampoco esperábamos menos. para Fontaines D.C. —TEXTO JC Peña

dio la oportunidad de componer en cualquier estilo”, explica el guitarrista. “Al final nos salió este disco, que es bastante distinto. Había canciones muy lentas como Oh Such A Spring y cosas así que no podíamos ignorar. Al fin y al cabo lo que queremos es hacer música que nos parezca que tiene algo especial”.

EN LO LÍRICO GRIAN CHATTEN se sumerge en una introspección relacionada con el vacío existencial que a menudo causa la vida en la carretera. O, por extensión, de la vertiginosa vida corriente. “Muchas letras son introspectivas y otras tratan de crear una realidad distinta a lo que teníamos alrededor, que era el sueño de todos, pero que no estábamos disfrutando nada. Grian está intentando repetir un mensaje positivo como una especie de mantra, para convencerse de que todo va a salir bien”. Como sucede en el single A Hero's Death, que da título al álbum.

EL CAMINO TAMPOCO IBA A SER FÁCIL en el estudio: obsesionados por la California mítica de The Beach Boys, convencieron al sello para grabar en Sunset Sound (Los Angeles), estudio legendario por el que pasaron gigantes como The Doors, Rolling Stones y Led Zeppelin, después de que durante la gira americana les hicieran un tour interno. “Habría sido casi imposible decir que no. Estás en el espacio donde toda esa música se capturó y quieres formar parte de esa historia”. Sin embargo, la aventura (con lujosa producción del reputado Nick Launay) no salió bien. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“El problema es que pasó exactamente lo que queríamos: que estábamos muy incómodos, pero no tuvo el resultado que pensamos que iba a tener. Personalmente creo que nos pusimos muchísima presión.

Además, Los Angeles es una ciudad extraña. Hay una superficialidad enorme que tienes en tus narices y no te inspira nada. Al final, nos dio la impresión de que estábamos tan lejos del lugar del que veníamos que lo que íbamos a hacer no tendría la honestidad del primer disco”.

DICHO Y HECHO, volvieron en enero de este mismo año al estudio de Dan Carey en Londres para regrabar las canciones, basándose en el espíritu humilde e inmediato de las maquetas del verano. No se equivocaron. “Parte de lo que hace que nuestro primer disco sea tan especial es ese sonido tan crudo y distinto al del resto de discos que se graban en estudios grandes.

Nos dimos cuenta de que en nuestra música grabada hay un elemento enorme que aparece gracias a Dan. Probablemente grabemos muchos discos más con él”, sentencia. —J.C.P.

R Más en www.mondosonoro.com

Leonard Cohen "Elegir cinco artistas que representen y tenga la capacidad de expandir el entendimiento de cada facultad de vida no es tarea fácil. Por esas mismas razones el primero que me viene a la cabeza debe ser Leonard Cohen. Un maestro de la empatía y el entendimiento de los encuentros humanos. Cada una de sus letras da suficiente fruto para el pensamiento para cada estación del año".

The Velvet Underground "Como Leonard Cohen, son maestros de la canción y tienen que aparecer en esta lista. Nunca dejan de ser una inspiración artística en la forma en la que encontraron siempre el equilibrio perfecto entra una melodía para las épocas y las notas más ásperas y mugrientas que se esconden tras la belleza".

The Beach Boys "¿Quién no necesita un poco de sol y playa en invierno?

Cuando falta luz, siempre están The Beach Boys para transportarte a la inocencia adolescente del veraneo".

The Dubliners "¿Quién no necesita sentirse en casa cuando estás lejos? Eso es The Dubliners para mí, una llamada a casa.

Representan las raíces de la vida social y familiar en Irlanda".

Iggy Pop "Esta quinta es la más difícil de elegir. De pronto me doy cuenta de que hay mucha más música que necesito en la vida de que lo que he nombrado. Y eso tiende a ser una vía de escape rápida. Un golpe seco en la nuca. Hay muchos más que Iggy que puedan hacerlo. Ruido con The Stooges. Diversión, Rock & roll, agresividad. Iggy Pop nos sirve estos desayunos, y aunque haya otros que nos los puedan servir más duros, de los de Iggy Pop nunca me canso". —MS

septiembre 2020 #13

P

OCOS MESES ANTES ya habían puesto los cimientos de la revolución indie con la aparición del mini-álbum “Come On Pilgrim” (4AD, 1987), pero fue en 1988 cuando el rock alternativo cambió para siempre. Más concretamente el 21 de marzo de 1988, el día que Pixies, banda formada dos años antes en Boston, capitaneada con mano firme por Black Francis, publicaron su álbum de debut “Surfer Rosa” (4AD, 98). Acompañaban al cantante y guitarrista el batería y mago David Lovering, el guitarrista Joey Santiago y la bajista Kim Deal, que se unió al grupo tras responder a un anuncio publicado por Francis en un diario local preguntando por bajistas a los que les gustara el folk a estilo de Peter, Paul & Mary y el indie rock de ascendencia hardcore de Hüsker Dü. Deal no solo fue la única que respondió sino que se presentó a la audición sin un bajo. No tenía.

De hecho no lo sabía tocar. A ella lo que la seducía era la idea de estar en un grupo. Al resto les sedujo la personalidad de aquella chica, dispersa, infantil, alocada...

Además, tenía un apartamento que podían utilizar como local de ensayo. Hecho, estaba dentro.

CUANDO, EN VERANO DE 1988, Pixies vinieron a Europa a presentar su primer elepé se trajeron como teloneras a las Throwing Muses de Kristin Hersh y Tanya Donelly, otra de las bandas más representativas de la por entonces muy excitante escena indie de Boston. Deal y Donelly congeniaron rápidamente. Entre muchas otras cosas las unía la sensación de no estar suficientemente reconocidas creativamente en sus respectivas bandas.

De regreso a casa siguieron quedando. Se echaban unas cervezas y luego iban a algún concierto. Fue tras uno de los islandeses Sugarcubes, la banda de Bjork, que, llevadas por la euforia del que tiene un considerable nivel de alcohol en la sangre, decidieron montar un grupo juntas. Decidieron que iban a formar un proyecto de pop bailable. Serían Deal y Donelly a la guitarra y con ellas dos baterías. Poco después, y con la ayuda de David Narcizo, el aporreador de tambores de Throwing Muses, ya habían grabado una primera demo que incluía "Rise", un tema escrito por Donelly, y una versión del clásico de Rufus y Chaka Khan "Tell Me Something Good". La cosa se quedó ahí.

CUANDO PIXIES GRABARON el referencial “Doolittle” (4AD, 89), la tensión entre Deal y Francis era insostenible. Había tan mal rollo entre la pareja que en medio de un concierto en la ciudad alemana de Stuttgart empezaron a discutir. La cosa acabó por explotar y Francis atacó a Deal con su guitarra. "Kim era cabezona y quería incluir sus propias canciones, explorar su propio mundo", declaró años más tarde el guitarrista Joey Santiago en una entrevista en la revista Mojo. "De la manera como yo creo que Charles (Black Francis) lo veía, la banda hacía pizzas, no galletitas. Antes de grabar 'Bossanova', incluso la íbamos a expulsar de la banda después de un concierto en Frankfurt, donde la encontramos en su habitación sin ninguna intención de tocar. Pero nuestro abogado nos convenció de que intentáramos arreglarlo. ¿Sabes?, yo aparté el incidente de mi cabeza, era demasiado para mí. Kim no podía creer que yo pudiera tener algo que ver en el tema, pero le dije 'no pareces feliz, así que ¿por qué seguir?'. Al final, Kim comprendió que Charles era el líder, que él era el cantante, pero dejaron de hablarse tras eso”.

KRISTIN HERSH Y TANYA DONELLY se conocieron en el colegio. Tenían siete u ocho años. No se separarían hasta muchos años después. De hecho, por aquella misma época, el padre de Tanya y la madre de Kristin iniciaron una relación que les acabó llevando al juzgado de paz. Como sus hijas, se separarían a mediados de los noventa. Al principio, como grupo, no tenían ni nombre. #14 septiembre 2020

Tenían catorce años y eran solo ellas dos tocando temas de The Beatles. Luego empezaron a escribir sus propias canciones. Y luego surgió el nombre de Throwing Muses. Kristin Hersh era la cantante y guitarrista rítmica.

Tanya Donelly la guitarra solista y la segunda voz. Y luego se mudaron de Rhode Island a Boston, la ciudad donde tenías que estar si hacías rock alternativo. Se convirtieron en la primera banda norteamericana que fichó por la influyente discográfica independiente británica 4AD. El homónimo “Throwing Muses” (4AD, 86), fue su álbum de debut. Y luego vendrían “House Tornado” (4AD, 88), “Hunkpapa” (4AD, 89) y “The Real Ramona” (4AD, 91), el último trabajo de Throwing Muses en el que participó Tanya Donelly. Sin llegar al odio que se profesaban Black Francis y Kim Deal, Donelly también sentía que su influencia creativa en el grupo era cada vez menor en favor de la omnipresencia compositiva de Kristin Hersh, quien a la postre, sí, se hizo con las riendas absolutas de Throwing Muses.

CUANDO KIM DEAL Y TANYA DONELLY volvieron a reactivar The Breeders, la idea de que fuera un proyecto de música de baile ahora les pareció ridícula. Se colgaron de nuevo las guitarras y se volvieron a encerrar en el estudio para grabar una demo con los temas que habían ido componiendo durante todo aquel tiempo.

Durante aquellos días, también ofrecieron sus primeros conciertos. Sin un nombre fijo, hubo noches que se presentaron como The Rathskeller. Otras como Boston Girl Super-Group. Finalmente, Kim Deal recordó el nombre de The Breeders, que era el que ella y su hermana gemela Kelly hacían servir cuando de pequeñas fantaseaban con formar un grupo. Se trataba de una expresión usada en la comunidad LGBT de Estados Unidos para referirse a los heteros. Deal y Donelly enviaron la grabación a Ivo Watts-Russell, fundador, junto a Peter Kent, de 4AD, el sello de Pixies y Throwing Muses, discográfica fundamental del rock independiente. La respuesta no pudo ser más entusiasta: "Esto es mágico. Un material realmente bello". The Breeders pasaron automáticamente a pasar a formar parte de la escudería 4AD, que les otorgó 11.000 dólares, incluso entonces un presupuesto más bien escaso, para grabar su primer disco, álbum que iba a estar producido por Steve Albini, al que Deal conocía de su trabajo en “Surfer Rosa” de Pixies.

THE BRE

ANTES DE ENTRAR EN EL ESTUDIO, Deal y Donelly reformaron la alineación del grupo. Ellas seguían a cargo de las guitarras y las voces y Carrie Bradley del violín.

A ellas tres se les unió la británica Josephine Wiggs, bajista de The Perfect Disaster. Faltaba encontrar una bateria. A Kim Deal le hacía gracia la idea de formar una banda exclusivamente de chicas. Solía hacer broma diciendo que The Breeders tenían que ser como la versión infernal de The Bangles. Le propuso a su hermana Kelly unirse al grupo para aporrear los parches. Kelly, sin embargo, se estaba ganando muy bien la vida como programadora informática. La respuesta que le dio a su hermana fue que la quería mucho pero que lo sentía; que no, que tal vez más adelante. Cansada de buscar aspirantes, acabó pidiendo consejo a Steve Albini, quien iba a ser el productor del disco. Albini le recomendó a Britt Walford, el batería de Slint, banda fundamental del slowcore con los que acababa de trabajar en su álbum de debut, “Tweez” (89). Mientras estuvo en The Breeders, de 1989 a 1992, Walford utilizó el pseudónimo de Shannon Daughton, en parte por seguir con la idea de Deal, en parte para que su labor en The Breeders no eclipsara su militancia en Slint.

THE BREEDERS IBAN A GRABAR su álbum de debut en Edimburgo, pero antes de entrar en los estudios Palladium, el ahora quinteto se encerró durante una semana en la casa Wiggs en Bedfordshire. A excepción de Deal y Donelly y un poco Bradley, apenas se conocían entre ellas y menos aún habían tocado juntas jamás. Era

30 AÑ

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Este año se celebra el 30 aniversario de la publicación de Pod (4AD, 90). Referencia de culto, el disco de debut de las Breeders de Kim Deal y Tanya Donelly figura como una de las piedras angulares para entender la eclosión del rock alternativo en la década de los noventa.

EEDERS —TEXTO Oriol Rodríguez

ÑOS DE "POD"

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

enero de 1990, y ya en Escocia, su discográfica, 4AD, les había reservado el estudio por dos semanas. Grabaron todo el disco en una. El resto del tiempo lo emplearon para grabar un par de vídeos y una Peel Sessions. Como el estudio tenía residencia, The Breeders también residieron allí durante aquellos días. Viviendo y grabando en el mismo sitio, era extraño el día que se quitaban el pijama para vestirse de calle. Llegaron a tal punto que no se cambiaban ni para ir a tomar unas pintas al pub de la esquina. Misógino, malhumorado, gruñón, arisco, irascible, iracundo o cretino son solo algunos de los adjetivos que han utilizado para describir la personalidad de Steve Albini diversos de los grupos artistas y grupos que han trabajado con él. Kim Deal guarda un recuerdo mucho más agradable de aquellos días en Escocia. Siempre que le han preguntado por cómo se comportó Albini durante la grabación del disco, la respuesta es la misma: "Fue muy dulce". Otra de las singularidades de Steve Albini es que se niega a definirse como productor. Para él, su tarea es la de un ingeniero de sonido. Y cuando se le interroga por su influencia en el debut de The Breeders, niega haber alterado en forma alguna las canciones. Donelly y Bradley piensan diferente. Para ellas la implicación de Albini fue capital para que el disco alcanzara toda su plenitud. Tal vez no tanto durante las sesiones de grabación en Edimburgo, pero sí durante aquella semana de ensayos en casa de Wiggs, donde el productor-ingeniero insistió mucho en eliminar todos los arreglos y detalles de las canciones que le parecían innecesarios. Una austeridad que, eso sí, prosiguió durante las sesiones en Escocia, con la banda siempre tocando en directo, donde se mantuvo intransigente con su política de no grabar más de dos tomas por canción.

“POD”, TÍTULO QUE DEAL sacó de una pintura que había visto en un museo de Boston, se publicó el 29 de mayo de 1990. Casi todas las críticas fueron unánimes, se trataba de un disco excelente. Como era de esperar, muchas de las reseñas comparaban el trabajo con las referencias que Deal había publicado con Pixies. Rob Sheffield, el prestigioso periodista de Rolling Stone, afirmó que "Fortunately Gone" era incluso superior a muchas de las composiciones de Black Francis. Y Steve Kandell de Spin firmó que el disco no defraudaría a aquellos que tenían en "Gigantic", pieza escrita por Deal, uno de sus temas favoritos de Pixies. Kurt Cobain tenía una teoría parecida al respecto. El líder de Nirvana siempre defendió el debut de The Breeders como uno de sus álbumes de cabecera. "La principal razón por la que me gustan las Breeders, es por sus canciones", sostuvo en más de una entrevista. "Me fascina la forma en la que las estructuran, de una manera muy atmosférica, algo totalmente único. Ojalá Kim hubiera escrito más canciones para los Pixies, porque "Gigantic" es su mejor tema y, justamente, es una canción de Kim". De hecho, Kurt colocó “Pod” dentro de la lista de sus cincuenta discos favoritos de todos los tiempos que escribió en sus diarios. Y aunque no es muy dado a estas cosas, en julio de 2007, en una entrevista con fans en un chat de Internet, Steve Albini admitió que “Pod” era el mejor álbum en el que había trabajado jamás.

POCO DESPUÉS DE LA PUBLICACIÓN de “Pod”, Deal y Donelly regresaron al estudio para grabar las demos de lo que debía ser su segundo trabajo. Aquellas canciones acabarían perdidas en algún cajón o disco duro. Disconforme, una vez más, con el poco protagonismo creativo que estaba teniendo en The Breeders, Donelly abandonó el grupo en 1991 para formar Belly. Antes de marcharse, contribuyó grabando voces y guitarras en algunos de los temas del EP “Safari” (4AD, 92). En “Last Splash” (4AD, 93), ya no había rastro de ella. Su plaza la ocupó Kelly Deal, la gemela de Kim que un par de años antes había rechazo sumarse a la aventura. Aquel segundo disco de The Breeders ocultaba "Cannonball", single total con el que arrasaron en todas las listas de éxitos. —O.R. septiembre 2020 #15

Wallows Por varias razones Después del lanzamiento de su aclamado álbum debut Nothing Happens (Warner, 19), cuya repercusión les llevó a telonear la gira de Vampire Weekend y a participar en festivales como Coachella o Lollapalooza, la banda vuelve a la carga después de la cuarentena.

LOS DISCOS DE MI VIDA

L

Will Toledo (Car Seat Headrest)

Will Toledo es un músico tirando a hiperactivo, como bien demuestra su discografía hasta la fecha. Pero dejemos que nos descubra algunos de los discos que han influido en su trayectoria... o no.

Road (1969)

Un disco que descubrí gracias a la colección de mis padres...

Tom Waits Alice (2002)

Había escuchado algunas canciones sueltas de The Beatles primero y luego los recopilatorios, pero no recuerdo exactamente cuándo me sumergí en un álbum completo. Es tan perfecto como un disco puede llegar a ser.

Mi padre es un gran fan de Tom Waits y acabé metido curiosamente en estos dos discos. Sé que no son grandes éxitos en su discografía, pero siguen siendo mis favoritos. Se había suavizado un poco, pero incluso los momentos abrasivos suenan realmente bien.

El disco que más veces he escuchado...

The Beatles Abbey

Blood Money (2002)

Un disco que odiabas y del que ahora eres muy fan...

Me gustaría contestarte a esta pregunta también, pero honestamente no estoy seguro. Odiar la música es algo realmente extraño en mí.

Lo único que puedo decirte es que si hay alguna que odio, la odio para siempre.

AS BANDAS QUE MEJOR funcionan son aquellas compuestas por mejores amigos y la verdad es que Wallows no podían ser menos. Dylan Minnette, Braeden Lemasters y Cole Preston, sus componentes, son inseparables desde los once años de edad. Y eso que tanto Lemasters como Minnette llevan vidas de lo más atareadas. Lemasters lleva desde los nueve años apareciendo en series de televisión como Six Feet Under, House o Anatomía de Grey, además de en varios largometrajes. Por su parte, Minnette ha destacado por su papel en Por trece razones o en largometrajes como Goosebumps o No respires. Pero nos hemos citado telefónicamente con ellos –con los tres– por su carrera musical, así que vamos con ello.

—Primero, hablemos de vosotros, la banda y vuestra amistad... Os conocéis desde hace tiempo. ¿Cuándo disteis un paso más y formar una banda?

Desde que nos conocemos que sabemos que nos gusta la misma música así que básicamente inmediatamente después de conocernos decidimos formar un grupo. Nunca hemos hecho nada distinto, aunque sí que es cierto que hemos tenido mucha suerte a la hora de sacar música como grupo, pero nos lo tomamos en serio desde el principio porque amamos la música.

—Vuestro álbum de debut Nothing Happens está disponible desde el año pasado. ¿Cómo fue para vosotros lanzar un álbum?

Fue una locura. Realmente fue muy extraño porque llevábamos mucho tiempo creando y lo teníamos todo en nuestras mentes: la lista de temas, los nombres de las canciones… Y finalmente, salió a la

luz y todo es una locura. Además, la recepción del álbum por parte de nuestros fans fue muy buena, fue maravillosa, y eso es lo que nos motivó para pensar en nuevos proyectos.

—Este álbum incluye el single Are You Bored Yet, canción en la que colabora Clairo y que está siendo un éxito acumulando más de cien millones de reproducciones en Spotify. ¿Qué significa esto para vosotros, personal y profesionalmente?

Esta es una canción muy especial para nosotros. Llevábamos tiempo pensando en hacer una colaboración y estamos muy contentos de que haya sido un éxito.

Nos gustó cómo Clairo interpretaba su parte y realmente fue una sorpresa el impacto que tuvo en nuestros fans. Realmente, te hace apreciar más la idea de colaborar con otros artistas.

—Estos son tiempos difíciles en los Estados Unidos, no solo por la pandemia, sino también porque habéis atravesado momentos muy complicados y controvertidos para combatir el racismo. ¿Cómo os afecta personal y profesionalmente este tema?

Nos está afectando en cierto punto. Nosotros nos encontramos en una posición muy privilegiada, así que no tenemos que vivir con esa presión constante, pero nos está afectando ver cómo no se llega a una solución y ver cómo la policía no pone remedio. Estamos realmente enfadados con esta situación y la verdad es que nunca habíamos visto a tanta gente de todo el mundo unida por una causa como esta. —NÚRIA CARDÚS

R Más en www.mondosonoro.com

suerte “Hemos tenido mucha ica a la hora de sacar mús como grupo”

Your Mouth Move (2017)

No sé si son realmente una banda “nueva”, teniendo en cuenta que el disco es de 2017, pero les acabo de ver en directo y me parecieron muy buenos. Material punk folk interesante.

#16 septiembre 2020

El álbum que te ha dado más ideas e influido más...

Frank Ocean Blonde (2016) Fue una gran influencia.

Se publicó cuando yo estaba empezando a trabajar en el remake de Twin Fantasy y afectó a un montón de las decisiones que tomé. Representó su propio mundo y fue un recordatorio de lo que convierte un puñado de canciones en un gran disco.

El disco que más veces has regalado...

No regalo discos. ¡¿Para qué si está todo gratis en Youtube?! Lo que sí he hecho es grabar una canción de regalo para el cumpleaños de un amigo hace poco. Era la canción principal del show Katbot.

FOTO: ARCHIVO

El último disco que has escuchado de una nueva banda...

I've Made Too Much Pasta Swear I Saw

—MS

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MONDO FREAKO

Glass Animals Sueños hechos realidad

Dreamland (Universal, 20), el nuevo disco de Glass Animals, supone el renacimiento de una formación que vio el abismo con el grave accidente de su batería, Joe Seaward. Con él conversamos sobre este nuevo inicio y sobre sus ganas de salir adelante.

G

LASS ANIMALS nunca imaginaron que un disco les daría tantas cosas, en lo profesional y también en lo personal. El accidente que sufrió el batería Joe Seaward les cambió el rumbo y la perspectiva no solamente de su carrera, sino de sus propias vidas. En julio de 2018, mientras iba en bicicleta por Dublín, Seaward fue atropellado por un camión. Afortunadamente salvó la vida, pero quedó muy afectado. Tuvo que aprender de nuevo a andar y a hablar, pero se empeñó en que volvería a su oficio, que es tocar la batería. Por ello, Dreamland es un álbum que esconde toneladas de emoción y nostalgia, clamando por el deseo de permanecer juntos. La unión de las personas que forman Glass Animals hace la fuerza. El propio Joe Seaward nos da detalles telefónicamente. Es emocionante escucharle y sentir lo que transmite con sus palabras, con un hilo de voz que pro-

voca ternura. “Me siento bien, gracias.

Estoy muy orgulloso de lo que he hecho, de la evolución que ha tenido todo esto.

Ha sido muy difícil para mí y para mi entorno. Obviamente, fue el peor día de mi vida. Lo que sucedió es terrible, pero todo el mundo me ayudó mucho y mis compañeros de banda fueron pieza clave para la recuperación. Es maravilloso ver que puedo formar parte de este equipo. Muchas partes del álbum reflejan mi estado y el de todos. Ante todo, creo que en Dreamland hay un sentimiento enorme de nostalgia”.

DREAMLAND REFLEJA lo vivido, pero sobre todo esa nostalgia de la que Seaward me habla. Está presente en cada canción. “Mis compañeros han estado muy cerca de mí, lo vivieron como si lo estuvieran sufriéndolo en carne propia. En ese momento, las noticias eran confusas, el futuro no estaba muy claro. De hecho, más o menos como a día de hoy por culpa de la pandemia, pero claro, eran otras circunstancias.

De alguna manera estoy escribiendo un nuevo libro para el que estoy preparado y para el que debo estar muy fuerte.

Hacer este disco ha sido una experiencia excepcional. Insisto en que soy un afortunado. Me ha hecho sentir bien, útil y más fuerte si cabe. Y sí, ahora yo también estoy preparado para ayudar a quien lo necesite”.

PARA SEAWARD, Glass Animals se han convertido –si no lo eran ya– en su segunda familia. Han unido más lazos si cabe. “Ese sentimiento ya lo tenía antes, pero ahora está más fortalecido, más sólido. Lo que hemos vivido es duro y todos los chicos sin excepción han aportado algo para que la familia sea una roca. Y la constatación ha sido verlo y asumir también que podía tocar la batería de nuevo, estar con ellos en el estudio, pisar otra vez un escenario y

EL APUNTE Versiones confinadas AL MARGEN de presentar novedades, Dave Bayley –vocalista de la banda– ha ido compartiendo durante el confinamiento algunas versiones casi improvisadas que se han hecho virales.

Sin ir más lejos, la de “Heart Shaped Box” de Nirvana ha alcanzado el medio millón de reproducciones en Youtube. Pero ha habido más: Bill Withers, Lana Del Rey, Arlo Parks... “Nosotros disfrutamos con la música y con lo que hacemos. Es fascinante y, aunque tenemos nuestro propio mundo, también es bonito acercarse a otros. La música nos llena de vida y Dave es un mago en ese sentido”. También han hecho un videoclip vía Zoom, algo que, medio en serio, medio en broma, Glass Animals definen como algo absurdo y extraño. “Surgió de manera espontanea, que suele ser lo que más me atrae de todo esto, la libertad para crear, no importa el momento, el lugar, incluso en mitad de la noche…

Lo dicho, debemos dar las gracias a la música por brindarnos tantas cosas bonitas”. —T.C.

sobre todo hacer este disco tan especial.

Lo creas o no, son sueños hechos realidad. Aunque sean sueños con un regusto amargo, extraño”. La sensación de un músico tras tanto tiempo sin tocar, sin sentirse parte de un colectivo, sin vibrar con la música, no hay palabras para describir lo que debe sentirse al volver a la actividad. “Fue maravilloso recuperar el pulso para tocar, como antes… Fue enorme, aunque estaba preocupado y temeroso. Hacer lo mismo que otras tantas veces, pero por primera vez. Aunque me dolían los hombros, el sentimiento era especial. Me sentía en paz conmigo mismo y descubrir que, a mi manera, era capaz de defender algo... Siento una gratitud muy grande. No dejo de pensar en lo mucho que me ha ayudado esta gente, esta banda”.

SU COMPAÑERO DAVE BAILEY comentó que, para este disco, se ha basado en las conversaciones con otras personas. Escuchar a otros expresarse ha sido inspirador. “El mensaje es importante, es muy interesante analizarlo.

Que las letras en este disco han cobrado más importancia es un hecho. Entiendo que escribir cosas con interés es difícil, por razones que quizás ni vengan al caso. Pero las letras de este disco surgieron rápidamente, la gente respondía, reaccionaba. Trata sobre nosotros y de la actitud que tenemos antes la vida.

También sobre si estamos preparados para conectar entre nosotros y ser capaces de marcar el reto que suponen estas experiencias”. —TONI CASTARNADO

R Más en www.mondosonoro.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

septiembre 2020 #17

“Siempre me ha parecido compatible que te pueda gustar una canción de Estopa y otra de Nick Cave: en el cine, por ejemplo, no existen esas barreras mentales, esas identificaciones excluyentes” Jordi Bianciotto, en Muzikalia

“Quiero que mi música le de a la gente la fuerza para no sentir miedo de estar solos. A veces, cuando las cosas te duelen, expresar ese dolor puede ser sanador” Kelly Lee Owens, en NME

“La película de David (Gordon Green), Halloween Kills, es la quintaesencia de las películas slasher. Es súper intensa. Oh Dios mío, me sigue sorprendiendo lo increíble que es. Ha hecho un gran trabajo” John Carpenter, en NME, sobre la nueva película de “Halloween”

“AL ESCUCHAR A TAYLOR Y JUSTIN CANTANDO JUNTOS ME SENTÍ COMO UN SUPERFAN, ESCUCHANDO A DOS DE MIS CANTANTES FAVORITOS. TODO SE HIZO EN REMOTO, PERO FUE UNO DE ESOS MOMENTOS EN LOS QUE TU CABEZA SE GOLPEA POR DETRÁS EN LA PARED Y DICEN; 'JODER, OK'” Aaron Dessner, The National, en Pitchfork

“LA GUITARRA DE DIMEBAG SIEMPRE SONÓ MUY HEAVY, PERO LO CIERTO ES QUE NECESITAMOS A TERRY DATE, NUESTRO PRODUCTOR, PARA ACABAR DE DEFINIR EL SONIDO. CUANDO LO LOGRARON, SUPIMOS QUE HABÍAMOS CAMBIADO EL SONIDO DEL HEAVY METAL” Phil Anselmo, sobre Pantera, en Rockzone

#18 septiembre 2020

“

Moses Sumney Alteridad

Ya puede empezar a decirse que el cielo es el límite para Moses Sumney.

Su colosal segundo álbum, græ (Jagjaguwar/Popstock!, 20), lo tiene todo para acabar el año encaramado a lo más alto en las preferencias de cualquier medio especializado.

G

RÆ SON VEINTE CANCIONES que fueron desveladas en dos entregas –primero, en marzo; el resto, en mayo– y que ahondan en su particularísima forma de conjurar soul, jazz, r’n’b, folk o art rock a través de su impresionante voz (con un falsete desafiante), con la ayuda de un imponente equipo de colaboradores: Thundercat, Shabaka Hutchings, Adult Jazz, Bob Moose, Jill Scott, Esbjörn Svensson, James Blake, Matt Otto, John Congleton y ahora también, por si fuera poco, Daniel Lopatin de Oneohtrix Point Never. Música pop polimorfa, sin géneros estancos –ni sexual ni estilísticamente– ni hojas de ruta preconcebidas. Belleza en estado puro.

El californiano nos habla de él desde su casa en Carolina del Norte, reconociendo que la dosificación del contenido en dos tandas no obedecía a pandemia alguna, sino al deseo de “darle a la gente la oportunidad de escucharlo en secciones, y no mostrar todo de golpe, porque es un álbum complejo”.

QUIZÁ LA GRAN NOTA distintiva respecto a su debut sea la mayor presencia de esos entramados electrónicos marca de la casa Daniel Lopatin, que lucen casi en la mitad de sus cortes. La guinda que le quedaba al pastel para cuajar con ambiciosa contemporaneidad y cristalizar en uno de los mejores discos dobles de los últimos tiempos. “Le conocí a finales de

2018, después de un gran concierto suyo: coincidí con él en un ascensor, mientras estaba a punto de marcharse, y nos presentamos mutuamente, me dijo que deberíamos trabajar juntos algún día”, comenta acerca de su relación con el alma de Oneohtrix Point Never, un artista que fue determinante para “llevar las canciones al límite, afilarlas para que estuvieran a la altura de la intensidad de la voz cuando era necesario, pero también para aplicar el minimalismo en ocasiones, añadiendo muy poco o sugiriéndome quitar elementos que no eran necesarios”.

LA INTRIGA, EL MISTERIO, la dificultad de adjudicar a su música ninguna celda genérica en nuestro compartimentado cerebro, es uno de los grandes activos de este músico que se mueve entre el soul, el blues, el jazz o el r’n’b, sin que ninguno de ellos le pueda ser encasquetado como dogma de fe. “No me gusta limitarme a esto o a lo otro, me gusta hacer lo que quiero, explorando todo el terreno del que soy capaz, y luego ya queda en manos de la gente el descifrarlo”, afirma. En realidad, se trata de casar continente con contenido, porque si los sonidos que moldea adquieren múltiples formas, lo hacen porque también sus letras transmiten la complejidad humana en pleno siglo XXI, cuestionando –como ya hizo en Aromanticism (Jagjaguwar, 17)– los estereotipos sobre las relaciones de pareja, la sexualidad, el amor o los tópicos de género. Lo hace en canciones como Virile (“todos los roles de género están cambiando continuamente”, dice) o en esa Also also also and and and, mano a mano con la gran Jill Scott, que reivindica el derecho a la multiplicidad, a no ser catalogados por la sociedad como seres de una sola pieza. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

R Más en www.mondosonoro.com FOTO: ARCHIVO

WALA. WALA.

e "No me gusta limitarm a esto o a lo otro, quiero" me gusta hacer lo que

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Carlos Sadness Historias genuinas

El libreto de Tropical Jesus (Sony, 2020) no tiene más crédito que "un disco compuesto, producido e lustrado por Carlos Sadness".

Debería añadir que es el mejor de los cuatro álbumes publicados por el músico barcelonés. Trece temas de indie pop dibujados con la cara perezosamente risueña de ese momento en el que te despiertas de una larga siesta veraniega.

o “Quería hacer un disc es menos de festival y más chill”

E

XPLICA CARLOS SADNESS que fue en una entrevista con una radio mexicana, o puede que colombiana, ahora no lo recuerdo exactamente. El hecho es que el locutor del programa le comentó que su aspecto era como el de un “Jesús tropical”. A Sadness aquello le hizo gracia, tanta que ha acabado siendo el título de su nuevo disco, pero llevado a su forma inglesa, por eso del rubor a compararse con algo tan supuestamente inmenso como un dios. No, definitivamente Sadness no es un Dios, pero, joder, escribe unas canciones que son divinas. Melodías de atardecer entre el indie pop más radiante y una electrónica de sonrisa tímida cada vez más presente en su propuesta. Sí, definitivamente, Tropical Jesus es el mejor de sus discos.

"En el preciso momento de la creación es muy difícil evaluar lo que estás haciendo. Saber si es mejor, peor o muy diferente de todo lo que has hecho antes", sostiene al otro lado del teléfono. Además, dice Sadness que más que en términos de mejor o peor, a él lo que le gusta es pensar en el hecho diferencial. "Pero de todo ello, al menos en mi caso, no te das cuenta hasta que ya has acabado de grabar y mezclar y llevas días sin haber escuchado el disco. Entonces lo puedes pillar con perspectiva en casa o en el coche y hacerte una idea mucho más realista". El músico barcelonés concede, sin embargo, que son muchos los comentarios, de amigos y de la prensa musical, que les están llegando situando su cuarto álbum en lo más alto de la clasificación. "Insisto en que no me gusta que los discos compitan entre ellos. Pero también estaría mintiendo si no admitiera que a mí gusta que se diga que el último es el mejor porque no deja de ser una suma de toda la experiencia y de todo lo que he aprendido hasta ahora".

EL APUNTE

Y una de reggaeton TROPICAL JESUS también tienen sus momentos sorprendentes como la colaboración que se marca con el regatonero Manuel Medrano en el single Todo estará bien. Admite que pocos días antes de publicarlo tenía cierto temor a que su público se sublevara. Ha sido todo lo contrario. "Me ha sorprendido los pocos hates que he recibido por la canción, lo que habla muy positivamente del carácter abierto y del espíritu de descubrimiento de cosas nuevas

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

del público". Seguramente la música urbana ha ayudado y mucho a romper estas falsas barreras entre qué es indie, qué es comercial... "Lo que realmente importa es lo que te transmita el artista. Si te gusta lo que te cuenta Yung Beef da igual como cataloguen su música. Y lo mismo con Bad Bunny o Nacho Vegas. Lo que importa es que haya alguien explicándote una historia de manera genuina".

—O.R.

CARLOS SADNESS HABLA de tomar perspectiva, pero en su caso más que difícil resulta casi imposible poder hacerlo: es el compositor, el intérprete, el productor, el diseñador del arte... "Este es un disco totalmente trescientos sesenta. Si hasta ahora coproducía los discos, en Tropical Jesus me he ocupado yo totalmente de esta tarea". No ha sido esta una decisión premeditada, sino que surge del hecho que se trata de un álbum que nace estando de gira, en pleno viaje. "Al mismo tiempo que componía los temas ya los producía yo mismo con el portátil.

Esto le ha dado un sonido muy especial". Musicalmente es un disco más alejado del concepto de banda de pop o rock y..."Y más cercano a la producción de artistas como Post Malone o Khalid. Producciones donde todo suena muy grande y muy orgánico, pero al mismo tiempo todo es sintético". Curiosamente, de una manera u otra, sonando más sintético o más orgánico, en esta nueva colección de temas, Carlos Sadness ha conseguido acabar de darle forma a un sonido que ya es propio e intransferible. Si suena cualquiera de estos trece temas, al instante se sabe que es suyo. "En este disco, lo que me apetecía hacer era llenar agujeros. Quería llenar el abanico y probar cosas nuevas y sumarlas a mi propuesta. Para expresarlo de una forma gráfica, quería hacer un disco menos de festivales y más chill.

Y sí, creo que ha quedado mucho más tranquilo que los anteriores". Tropical Jesus es un disco de atardecer. "¡Me gusta! Compro la descripción. Visualmente, sí, es un disco cien por cien de atardecer". —ORIOL RODRÍGUEZ

R Más en www.mondosonoro.com

septiembre 2020 #19

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Akkan Más que dos Desde que BeGun y Ocellot cruzaron sus caminos en Akkan, su discurso se ha convertido en uno de los más esperanzadores de la electrónica estatal. Imbuidos en una Pangaea de océanos y lenguajes transversales, su trepidante cosmos cibernético ha quedado plasmado en Akkan, un disco de riqueza exuberante. Ahora publican el EP El Mutal, avance del que será su nuevo álbum en septiembre.

, la electrónica “Durante muchos añosdo de la ‘teta ha mamado demasia siendo hora de anglosajona’ y ya iba e yugo” liberarse un poco de es

RRBilly Corgan y sus antiguos compañeros James Iha y Jimmy Chamberlin, junto al guitarrista Jeff Schroeder, han estrenado Cyr y The Colour Of Love, dos nuevas canciones de The Smashing Pumpkins como adelanto del que será su nuevo trabajo con esta formación.

RRDespués de varios meses de espera,

se lanza el teaser de American Utopia de David Byrne en manos del director de cine Spike Lee. David Byrne’s American Utopia podrá verse a partir del 17 de octubre en HBO y HBO Max.

TAN.LEJOS dani paciencia y elegancia Veinte (El Volcán / 2020) es el primer disco de dani (así, en minúscula). Nacida como Daniela Díaz Costas hace veintidós años, dani forma parte de una familia volcada con la música. Pero ahora ha llegado su momento y todo indica que será un momento de lo más fructífero.

#20 septiembre 2020

RREl 9 de octubre se publicará Sleepless

Night EP que Yo La Tengo grabaron para

la exposición del artista japonés Yoshitomo Nara en el LACMA (Los Angeles County Museum Of Arts). Incluye un tema propio y versiones de The Byrds, The Delmore Brothers, Bob Dylan, Ronnie Lane y The Flying Machine.

RRCalvin Harris y Abel Tesfaye (The Weeknd) colaboran oficialmente por primera vez en su carrera con el single “Over Now”.

La canción viene acompañada por el clip de Emil Nava, colaborador habitual de Harris y de artistas como Ed Sheeran o Khalid.

RRNo se han comunicado las causas de la muerte, pero Justin Townes Earle tenía solamente treinta y ocho años de edad en

S

US PADRES FORMARON parte del mítico grupo Aerolíneas Federales y le inculcaron un amor por la música que ha desarrollado con paciencia hasta llegar al momento exacto para sacar este primer trabajo.

Primero conservatorio de guitarra, después un breve paso por Factor X, más adelante las prácticas de la carrera que estudiaba en la sección de comunicación de El Volcán, el sello que ahora edita su primer disco. Sin ceder un centímetro al desaliento y sin las prisas que caracterizan a muchos jóvenes artistas hoy en día, dani firma con veinte un trabajo bonito y bueno. “Las canciones no siguen un hilo conductor de una misma historia ni nada de eso, pero son pequeñas historias que reflejan mi forma de pensar y mis inquietudes y miedo alrededor de los veinte años. Yo las empecé a escribir la primera con dieciocho y la ultima con veintiuno. Ahora tengo veintidós. Creo que es un reflejo de mi forma de ser y de mi personalidad ahora mismo. Por eso mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

L

o primero de todo es preguntaros cómo nace Akkan.

De entrada, nace de una “noche de setas”, como la canción de Pony Bravo… pero también nace de una buena amistad. Nace de una manera similar de entender la música, de improvisar mientras hacíamos soundchecks en festivales y de las ganas de crear algo de cero, sin las ataduras estilísticas que cada uno arrastrábamos con nuestros proyectos.

—¿Desde el primer contacto teníais clara la dirección a tomar o fue algo que fue surgiendo de forma natural?

Teníamos una ligera idea sobre la dirección que queríamos tomar, pero fundamentalmente este es un proyecto muy basado en el directo y fue la improvisación, el tocar en vivo los dos, el prueba-error en el estudio, lo que nos permitió dar con un sonido propio. Esa idea del “sonido identitario” es algo que ambos tenemos muy interiorizado, tanto con beGun como con Ocellot… No somos carne de estereotipos y no nos gustan las etiquetas,

esa es la realidad. Llevamos dos años lanzando varios EP's, ahora saldrá el disco nuevo en septiembre, y todo ha fluido de manera muy natural, cuando nos ha apetecido meternos en un terreno más club, lo hemos hecho... y cuando nos ha dado más por algo psicodélico, también, sin ninguna presión.

—Más allá del punto mántrico de la pulsión house, en vuestro caso está aumentada por una libertad tribal ajena al canon dance anglosajón.

Casos como Star Sitar o Magnolia son elocuentes de esta sensación. ¿Hay una fórmula para esto o se trata más bien de desprenderse de las mismas?

Durante muchos años, la electrónica ha mamado demasiado de la “teta anglosajona” y ya iba siendo hora de liberarse un poco de ese yugo. Afortunadamente, esto ha ido cambiando en la última década, esa sensación de que “si no lo petas en Hackney o en Kreuzberg no eres nadie en el mundo de la electrónica” ya no está tan presente en

el mercado actual. Un buen ejemplo de ello es la escena de Tel Aviv, que se ha ganado a pulso un hueco en el mercado electrónico internacional con un sonido propio, alejado de los cánones anglo. En nuestro caso, a la hora de producir este álbum, directamente esos cánones ni estaban ni se les esperaba, las referencias musicales son completamente transversales y mucho más globales: desde la música japonesa contemporánea, la cumbia psicodélica colombiana o la música benga keniana. —MARCOS GENDRE

R Más en www.mondosonoro.com

The Montgolfier Brothers All My Bad Thoughts Vespertine & Son

de la banda tras la pérdida de uno de sus elementos fundadores y fundamentales.

el momento de fallecer. Además de ser hijo de Steve Earle, Justin Townes Earle había publicado casi una decena de álbumes hasta la fecha.

RRJack Sherman, guitarrista de Red Hot Chili Peppers entre 1984 y 1985 y posteriormente músico de artistas como Bob Dylan, George Clinton o John Hiatt, ha fallecido a los sesenta y cuatro años de edad.

RRWalter Lure, quien fuera guitarrista de los The Heartbreakers de Johnny Thunders, ha fallecido en Los Angeles a causa de un cáncer a los setenta y un años de edad. Era el último miembro vivo de la formación que grabó el mítico disco L.A.M.F..

RREste mes también murió Riley Gale, cantante de la banda de metal Power Trip. Lo peor de la noticia es que Gale tenía apenas treinta y cinco años de edad. Power Trip llevaban más de una década de trayectoria.

Ahora faltará ver qué ocurre con el futuro

RRBjörk volverá a la gran pantalla de la mano de nada menos que Robert Eggers, director de The Witch y El faro. Será en una película de vikingos ambientada en el siglo X en la que la islandesa encarnará a una bruja de los países del este. —MS

"Solo pienso en que cada canción pueda tener su recorrido"

decidí llamarlo veinte”.

EL ÁLBUM, COMPUESTO de ocho canciones de las cuales conocíamos cuatro adelantos, ha sido obra de la propia dani y de Aaron Rux, habitual colaborador de Joe Crepúsculo. El trabajo realizado por ambos músicos ha dado lugar a un álbum con personalidad y que juega sin trampas. “Buscamos que sea super directo, lo más claro posible y las letras creo que son, como dices, muy directas, sin darle muchas vueltas a las cosas y creo que es también como transmiten mejor y como llegan más. Y con el sonido pasa un poco lo mismo”.

Del mismo modo, el disco entronca con varias líneas que lo sitúan en la más rabiosa actualidad musical. Por un lado, dani consigue en veinte ese “mood de melodías alegres con letras tristes o al revés. Yo pretendía que, a pesar de que hay algunas letras que son dramáticas o más duras, contrapesarlo para que fueran más optimistas, y en lo general son melodías bastante alegres”. Y eso es algo

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EL DISCO. RECUPERADO.

que cada vez encuentra un mejor recibimiento. En un mundo de grises, las canciones agridulces funcionan mejor que nunca. Por otro lado, la viguesa es una de las artistas jóvenes que están tejiendo el panorama del nuevo indie español. Un panorama en el que las escenas gallega y madrileña tienen mucho que decir.

“Hay una escena super chula en Vigo con Banana Bahía, Ortiga, Novedades Carminha, Baiuca,… Yo creo que se está fusionando bastante con la escena de Madrid y todavía queda más”.

EL COVID-19 HA RETRASADO dos meses el lanzamiento del trabajo. Sin embargo, dani, que no se ha precipitado, apuesta por volver a esa vida real que ha retratado en veinte. “Mis expectativas son que el disco se escuche mucho y poder volver a la normalidad y salir de esta nueva normalidad cuanto antes”.

—LUIS M. MAÍNEZ

R Más en www.mondosonoro.com

ALAN MCGEE FUNDÓ una nueva discográfica bajo el nombre de Poptones poco después de finiquitar Creation Records, para la que firmó varios artistas confiando en ese olfato que tan buen resultado le había dado con anterioridad. Sin embargo, uno de los fichajes se alejaba de las habituales preferencias del escocés, concretadas en grupos de guitarras, pose rockera y contundencia contrastada. The Montgolfier Brothers eran, de hecho, la antítesis de todo aquello, con un proyecto extremadamente delicado tanto en contenido como en apariencia.

Veía así la luz Seventeen Stars (Poptones, 00), estreno de la dupla creativa formada por Roger Quigley y Mark Tranmer, que tendría continuación dos años después en World Is Flat (Poptones, 02).

Ambos eran discos magníficos, cargados de sensibilidad y buen gusto y que de algún modo allanaron el camino para la que sería la obra maestra (y también canto de cisne) de The Montgolfier Brothers, el impecable All My Bad Thoughts, publicado por el sello Vespertine & Son en 2005. Se trata de una referencia minimalista, ataviada entre pop sentido e introspectivo de pinceladas de folk y un barroquismo engalanado, con instrumentación ceñida casi en exclusiva a medidos punteos de guitarra y los teclados de Tranmer. Una fórmula que, a su vez, transcurría a través de la desolada pero cálida interpretación vocal de Quigley. El acopio de dolor y belleza que el dúo atrapó a lo largo de nueve canciones resulta estremecedor (cuando no desgarrador), en un extraño equilibrio cuyas consecuencias se sitúan cerca del las motivadas por figuras sagradas como las de Elliott Smith, Nick Drake o Jeff Buckley. Sí, el álbum en cuestión era (y es) para tanto. La angustia que se sucede tras el deterioro de la relación, así como el inevitable desenlace en forma de ruptura sentimental se precipitan en las nueve instantáneas presentadas. Composiciones que conforman un disco conexo y de sentido global, con pasajes de un único viaje que retratan vacíos y amargura. Un espejo en el que buscar reflejo al borde del precipicio emocional, pero también un lienzo sonoro con el que sanarse a base de esa belleza grandiosa que contiene. —RAÚL JULIÁN septiembre 2020 #21

23/Mondo VINILOS

Glass Animals

The Magnetic Fields

Dreamland Wolf Tone Records/ Universal Music

7

Conor Oberst retoma Bright Eyes Bright Eyes

Down In The Weeds, Where The World Once Was Dead Oceans/Popstock!

8

POP / Aunque no nos hayamos visto completa-

mente privados del talento de Conor Oberst gracias a varios discos firmados bajo su propio nombre y a Desaparecidos –su otro proyecto (mucho más agresivo y cercano al punk) con los que entregó el interesante Payola (Epitaph, 05)–, lo cierto es que se empezaba a echar de menos un álbum con la rúbrica de Bright Eyes.

La banda regresa más de nueve años después de su anterior entrega, The People’s Key (Saddle Creek, 11) y, atendiendo al resultado, parece que todo ese tiempo ha sido empleado a conciencia en crear un disco ambicioso e incluso por momentos grandilocuente, dentro de esa lograda mezcla de indie-pop y folk que maneja el trío.

Down In The Weeds... es un álbum trabajado en firme en base a esos parámetros, con adornos instrumentales cargados de barroquismo además de una orquestación que engalana y ensalza con orgullo el alma de las propias canciones. Una apuesta arriesgada que bien podría haber caído en el exceso de formas y la consiguiente saturación, pero que en realidad prueba la pericia del autor a la hora de colocar ese tipo de ornatos. Inmediatamente después de una extraña introducción de título Pageturners Rag, aparece el habitual toque mágico de

Oberst para dar con esas melodías brillantes pero de poso melancólico, sentidas y tan personales que su autor resulta fácilmente identificable. Sucede en Dance And Sing, el medio tiempo One And Done –una de las joyas del lote–, Just Once In The World, los singles Persona Non Grata, Forced Convalescence y Mariana Trench, la preciosa desnudez de Hot Car In The Sun, o el remate distinguido que supone Comet Song cerrando la referencia. Si bien es cierto que la inclusión de catorce cortes puede resultar algo excesiva y una mayor concreción hubiese sido gratificante (sobre todo acortando un tramo final algo menos inspirado), en realidad éste es un conjunto que fluye con fuerza y sentimiento. Una secuencia guiada en todo momento por la convencida interpretación vocal del músico, cargada de un arrojo casi inédito y amparado por todos esos detalles adicionales utilizados para completar las piezas.

Bright Eyes alcanzan así el mágico número de diez discos de estudio, despejando cualquier duda acerca de su vigencia y convicción con un trabajo dedicado al hermano de Oberst fallecido en 2016 (Tilt-A-Whirl es extremadamente emocionante). Si hace unas semanas Rufus Wainwright publicaba un disco magnífico que nos devolvía su mejor versión, el presente Down In The Weeds, Where The World Once Was bien podría situarse cerca de aquél por afinidad. Y porque, en este caso, la obra en cuestión también nos devuelve en plena forma a uno de esos pequeños genios capaces de facturar maravillosos elepés, al tiempo de reafirmar su singularidad creativa y ejecutiva.

—RAÚL JULIÁN

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

POP / Dave Bayley realiza

un viaje psicotrópico por sus raíces, sus relaciones y sus influencias noventeras hasta llegar a un futuro completamente incierto. Dreamland se presenta como la obra más personal del líder, el cual nos deja ver su lado más íntimo a través de un filtro multicolor que oculta todo lo que verdaderamente no quiere contar. Además, se trata del disco más hip hopero de la banda sin abandonar el estilo electro-pop que les caracteriza. Bayley vuelve a recurrir a su alter-ego Wavey Davey para abrirse un poco más y lanzar por primera vez un disco focalizado en experiencias personales. Una colección de temas que nos inducen en una especie de extraño sueño que combina las historias más profundas de Dave con realidades ficcionadas a las que el grupo nos tiene acostumbrados. —ÁLEX JEREZ

Quickies Warner

POP / Stephin Merritt lo ha hecho prácticamente todo: triples tirabuzones en torno a los pliegues del amor, tratados de distorsión en pleno siglo XXI, discos que empezaban por la misma letra y hasta una detallada autobiografía, a canción por año y para celebrar sus cincuenta tacos. Seguramente este Quickies sea el efecto acción-reacción de aquel ejercicio de introspección que fue 50 Song Memoir (17): prima aquí la mirada externa, la visión cáustica de las relaciones de pareja, la mordaz sátira acerca de la clase política, la puesta en solfa de los estereotipos rockistas y un sentido del humor muy cabrón al servicio de una colección de canciones escuetas y austeras.

Un ejercicio de contención, no siempre inspirado pero sí estimulante.

7

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Bearoid

Muzz

Papagayo Helsinkipro

7

POP / “Un día soñé con una

Muzz Matador/ Popstock!

7

POP ROCK / Tras aventuras

imagen bellísima y también muy triste: en una habitación entraba la luz del atardecer y un papagayo alzaba su vuelo sobre una cama, llenando de aire las sábanas y soltando plumas de colores que salían despedidas hacia todos lados. El papagayo estaba huyendo, perdía plumas y recuerdos, moría, renacía”, cuenta. Bearoid nos presenta así Papagayo, su ensoñación hecha álbum. Una muestra más de la corriente musical que hoy en día cala más hondo que nunca entre el público más joven: la de cantar letras tristes bailando. Una especie de experimento que busca la sanación y la liberación, tanto del autor de las canciones como del que las escucha. Un viaje en el que Bearoid se vuelve a rodear de amigos, como Adriana Proenza, One Path o Sr. Chen.

previas como Julian Plenti, Banks & Steelz o aquel disco a su nombre, Paul Banks vuelve a desmarcarse de sus Interpol con una versión cálida, analógica hasta lo vintage, ralentizada con mimo y gozosamente nocturna de sus potencialidades, en forma de triángulo equilátero –todos comparten autoría y detalles– con Josh Kaufman y Matt Barrick (The Walkmen). Se nota que el proyecto se ha cocido sin dar pasos en falso. A fuego lento.

Porque se trata de un trabajo sólido, que en cierto modo emula la taciturna y elegante salmodia de The National o los propios The Walkmen, esquivando artesanalmente la copia a carboncillo de ese indie rock pasteurizado y abonado a la grandilocuencia que en otras manos ha sonado a veces tan tópico. Todo un acierto.

—ÁLVARO TEJADA

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA septiembre 2020 #23

MONDOVINILOS

Angel Olsen Whole New Mess Jagjaguwar/ Popstock!

Disclosure vuelven a las pistas de baile

FOLK / El nuevo álbum de Angel Olsen tiene algo de truco. Once composiciones grabadas en solitario por la artista al solemne amparo de una antigua iglesia, repartidas entre piezas inéditas (seguramente descartes del espléndido All Mirrors) y numerosas interpretaciones de canciones incluidas en dicha obra. Un ejercicio revisionista que, dado el buen momento creativo de Olsen, termina teniendo peso propio, además de recuperar aquella faceta más desnuda y natural de la autora, aparcada desde hace casi una década. Si All Mirrors era un ambicioso proceso de barroquismo y arquitectura sonora trabajada en torno a la búsqueda del enésimo detalle, la presente entrega se impone como todo lo contrario. El protagonismo recae sobre los mismísimos mimbres de los temas, con la voz de la compositora y el único acompañamiento de su guitarra eléctrica resaltando el alma de cada pieza, en lo que sería una transcripción desarropada y elegante pero también visceral. —RAÚL JULIÁN

7

Disclosure

ENERGY Island/Universal

9 ELECTRÓNICA / Cinco años separan este trabajo de Caracal (15), un disco que ha ido mejorando con el paso del tiempo, en el que los hermanos Howard se arrimaron más que nunca al R&B y soltaron once temas que ahondaban en el componente melódico, alejándose un poco de los clubes; una pista de baile que vuelven a visitar con este nuevo disco, que ha costado dos años de trabajo en estudios de grabación de Los Ángeles, Nueva York y Londres. Y desde luego que tiene energía. En él, recuperan el nivel de su primera época, conservando ese toque melódico irresistible de su segundo disco y añadiendo unos ritmos africanos, dándole un punto extra de locura que recuerda por momentos a los mejores Basement Jaxx, y que cuenta con una lista de colaboradores de lujo. Un ritmo roto con una melodía sencilla y vacilona inaugura el disco, al que se le añade al poco la voz

Brownout

The Perfect Fool

Berlin Sessions Fats Records

FUNK / Berlin Sessions es la consagración de los emisarios del funk rock latino Brownout, un grupo que hace años viene dando indicios bienaventurados con sus trabajos tributo a Black Sabbath y Public Enemy y ahora presenta este disco de canciones originales que simplemente confirman un talento tan particular como necesario. Para los desprevenidos, Berlin Sessions seguramente conformará una sorpresa de proporciones, un aporte de frescura de eficiencia incontestable. El colectivo de Texas se sumerge en los más profundos planos de la psicodelia, haciéndote mover el esqueleto en algunos momentos y en otros dejando tu mente en un plano superior, haciéndola brillar en el imaginario desconocido. Más allá de que la banda está pletórica, buena parte de la responsabilidad de que este álbum posea numerosos aciertos recae en Alex Marrero, quien aquí se muestra como un cantante tan sólido como sensible.

8

—ADRIANO MAZZEO #24 septiembre 2020

de Kelis para dar forma a un Watch Your Step que tiene un poco de UK garage y de R&B. Entre otros, el rapero Channel Tres colabora en un Lavender que suena a Disclosure con un toque deep house. Aminé y slowthai aportan todo su vacile y calidad a un My High con un toque 2-step. El norteamericano Mick Jenkis suelta sus fraseos sutiles y más R&B en un Who Knew que navega por el drum’n’bass más flotante y vaporoso. Si el nivel ya era bastante alto, sube más con un fantástico Douha (Mali Mali) con

Daniel Romano

Double Or Nothing Temps Record

7

ROCK / El rock ochentas

vuelve a ser el protagonista de la música de The Perfect Fool en Double Or Nothing, el nuevo disco de estudio de la banda de Terrassa. La influencia de iconos como Dire Straits sigue muy latente en su música, a la que añaden los ya recurrentes registros pop en los que venía trabajando en su anterior Not Everybody Love Cheesecake (17), unos sonidos parecidos a bandas de pop inglés como los primerizos Stereophonics.

Canciones como My Beautiful Sophie, Good Morning, Mr. Harold o Constellations forman la galaxia sonora de la banda tres años después de su último trabajo. Tierno romanticismo, amistades y las ganas de libertad son las bases de sus letras que Albert Alegre, la voz detrás de The Perfect Fool, entona con maestría mientras las entrelaza con los diferentes instrumentos, entre los que sobresalen la trompeta y la armónica, además de los clásicos bajo, guitarra y batería. —KAREN MONTERO

Fatoumata Diawara, quien cede una melodía vocal sencilla y pegadiza que cabalga sobre un afro-house dinámico que moverá a su antojo más de una pista de baile. Y para cerrar nada mejor que uno de los tótems, el gran Common, quien aporta su flow y carisma a un Reverie breve y con un delicioso toque soulero que cierra un estupendo disco, variado y efectivo, que muestra la madurez de un par de músicos que siguen queriendo divertirse y evolucionar. —RAÚL LINARES

FOLK / Hablar del mérito que tiene que Daniel Romano haya lanzado una decena de álbumes en este 2020, todos de un nivel excelso, casi asusta.

Algunos dirán que aún no ha hecho su obra maestra. Para mí lo fue Modern Pressure y eso hace que no me ruborice ponerlo ya al nivel de artistas como Bob Dylan o Neil Young. Toma órdago.

Pero es que en este nuevo disco vuelve a demostrarlo. Canciones como A Rat Without A Tale o A Scret Still To Betrayed solo podían salir de su pluma y su guitarra, y cuando esa impresión te sobreviene es que estás ante algo muy especial. No tiene límites. Cojan ese cierre con Amaretto And Coke y analicen todo lo que se esconde en sus casi siete minutos. Convertido en un artista total ha traspasado límites de género, y también generacionales. Porque uno tiene la impresión de que su música es ya universal y que no tiene edad.

Daniel Romano es un genio. Lo he dicho varias veces, pero debo insistir. —EDUARDO IZQUIERDO

Regresa Ribbon Music

Surviving Is The New Living Jagjaguwar/ Popstock!

How Ill Thy World Is Ordered You’ve Changed

9

Buscabulla

Okey Kaya

8

POP / Continúa Okay Kaya

con su logradísima propuesta: pop sofisticado y lleno de delicadeza y buenas ideas. Su evolución desde unos inicios algo más intensos emocionalmente hasta este Surviving Is The New Living, en el que muestra su agudeza y talento compositivo, ha sido como ver una gran película cuyo trailer ya prometía. El buen momento creativo de Okay Kaya se confirma con su segundo lanzamiento de 2020 tras Watch This Liquid Pour Itself y nos deja con piezas tan interesantes como Comic Sans, Das Obst o Palm Psalm.

La certeza que la artista noruegoestadounidense deja con este álbum es que la sencillez también puede resultar evocadora si se plasma con valentía y honestidad.

Los ritmos de Surviving Is The New Living no se aceleran nunca más allá del ritmo del corazón en reposo, porque a ese corazón sosegado y tranquilo apelan las canciones que lo componen. Buenas noticias musicales en tiempos estresantes y disparatados como éstos. —LUIS M. MAÍNEZ

7

POP / Como un grito de

guerra entra la percusión inicial de Vámono nada más empezar. Un reflejo de la energía que el dúo acumuló para dar vida a este largo que muestra el regreso de los artistas a Puerto Rico y el abandono de la devoradora ciudad de Nueva York. Raquel Berrios y Luis Alfredo Del Valle se vuelcan en la autorreflexión, las raíces, la identidad y la construcción de una nueva vida. Para ello, enlazan a la perfección los ritmos latinos con la elegante electrónica que ya trabajaron en sus EP’s previos. Una evolución natural que genera un cuidado mundo onírico de letras sencillas y directas. Grabado en su totalidad en el estudio de Raquel y Luis Alfredo, la esencia “casera” del disco hace que la identidad del dúo quede aún más de manifiesto y les lleva a alcanzar una sonoridad especial. Esto, a su vez, se combina con el impecable trabajo de Patrick Wimberly (Solange, Blood Orange) que se une como apoyo en la producción y mezcla final. —ÁLEX JEREZ

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Teyana Taylor

The Lemon Twigs

The Album Def Jam/ Universal

Songs For The General Public 4AD/Popstock!

GLAM ROCK / Los hermanos Brian y Michael D’Addario han vuelto con su tercer disco de estudio y no se puede decir que su sonido haya sido una sorpresa. The Lemon Twigs siguen sonando excesivos y teatrales, conscientes de su propia ampulosidad. Si la portada ya dejaba claro que el glam iba a ser una de las principales fuentes de inspiración, Hell On Wheels te lo recuerda inmediatamente, con su estribillo cantado como si fuera a ser coreado en un estadio de fútbol. Live In Favor Of Tomorrow es bastante mejor.

Demuestran que saben escribir efervescentes melodías y estribillos arrebatadores, consiguiendo de paso una de las dos mejores canciones del disco.

The One es la otra gran canción del disco. Cierra Ashamed, su propia balada acústica en modo Big Star aunque se queden cortos. En definitiva, Songs For The General Public es un disco excesivo, paródico y decadente, una obra a veces brillante, a veces irritante. —SERGIO ARIZA

7

Steve Von Till

7

R’N’B / No se puede hablar

de The Album como un disco protesta, es más bien un mensaje de amor a su comunidad y la búsqueda de la libertad como artista. Se trata de un canto a la madurez, un recorrido por la Teyana del presente que prioriza ante todo su familia y su gente (Wake Up Love). Pero también una evolución de lo que le hizo triunfar en su anterior álbum trayendo al r’n,b actual todas esas joyas de la etapa dorada de los noventa para que el público más joven conecte con ellas y las consuma. En Boomin samplea el 808 de Blaque junto a Missy Elliot, Timbaland y Future. Lowkey es un tributo al Next Lifetime de Erykah Badu que cuenta con la bendición de la artista. Y entre lo mejor del largo tracklist encontramos una corta Bad en la que apuesta por el ragga; una Killa mezcla de afrobeat con hiphop y, por supuesto, esa We Got Love que cierra el disco junto a Lauryn Hill y que capta la esencia de lucha pacífica que busca en el proyecto. —ÁLEX JEREZ

The No Ones

No Wilderness Deep Enough Neurot Recordings

7

ROCK / Steve Von Till (Neu-

rosis, Harvestman) es todo un personaje con una visión personal derivada de su búsqueda, la cual lo llevó entre otras cosas a vivir en el aislamiento, rodeado de naturaleza, lo cual seguramente exacerbó su carácter contemplativo y filosófico. Tal es así que este disco vendrá con un interesante libro de poemas y bocetos de letras donde el existencialismo se hace una fiesta. En esta entrega, producida por ese profesional de culto que es Randall Dunn, Von Till cristaliza seis canciones de intensa calidad emocional e instrumental; que a la vez traducen con eficacia ciertas intenciones de la naturaleza: son tracks que rugen con el pulso de la tierra como aliado. Los arreglos de corno francés y cello se te meterán en las venas y sentarán el mood para que el disco sea disfrutado en su totalidad. Un recorrido de preguntas formuladas sin la intención de encontrar respuestas, solo ciertas pistas para entender el para qué de nuestro paso por la vida.

—ADRIANO MAZZEO

Beladrone Andévalo El Genio Equivocado

The Great Lost No Ones Album Yep Roc/ Popstock!

POWER POP / Scott McCaughey, acostumbrado a este tipo de saraos, lidera esta súper banda en la que le acompañan Peter Buck (R.E.M.), Frode Strømstad (I Was A King) y Arne Kjelsrud Mathisen (Heroes & Zeros, Mirror Lakes). Con esta formación ya puede uno imaginarse por dónde van a ir los tiros, y poco riesgo tiene de equivocarse. Está cantado que el power pop y el rock de guitarras son la línea de flotación, y que nombres como The Posies, Big Star, Fountains Of Wayne o las respectivas bandas de cada uno de sus miembros van a ser la referencia evidente de, por otro lado, trece muy buenas canciones. Los dos avances del disco ya mostraban lo que aquí íbamos a encontrar. No en vano es lo que eran No One Falls Alone y Straight Into The Bridge. Pero no son las únicas. Se hace difícil no caer rendidos ante delicias como Too Blind To Believe o Clementine, mi favorita del lote. Así que, para pasatiempos así, que cuenten con mi aprobación siempre que quieran. —EDUARDO IZQUIERDO

7

SHOEGAZE / El monolito Blacanova sigue ampliando sus extensiones. Si antes fue Martes Niebla, ahora son Beladrone los que surgen de esta inercia.

Este trío se ha marcado un debut antológico dentro la materia noise y shoegaze en este país.

Ocho canciones encadenadas por un objetivo en la sombra: la inmersión en la idiosincrasia vital de pueblos pertenecientes a la región de Huelva. En base a esta concepción, emergen canciones como la titular del disco, donde el recuerdo a Sonic Youth se hace patente, pero consigue algo inaudito en esta clase de revelados del pasado: desafiar a los originales y vampirizarlos bajo un rostro diferente. La intensidad hipnagógica de El astro muerto también remite a My Bloody Valentine. En realidad, cualquiera de los caminos aquí abiertos siempre desemboca en experiencias tan turbadoras como El valle o La flecha. Un trabajo que viene a recordar que de las cenizas de Blacanova, ya sobran los lamentos. —MARCOS GENDRE

9

Zahara y Martí Perarnau (Mucho) unen fuerzas

The Killer Barbies

Vive Le Punk La Iguana Records

_juno

_BCN626 Autoeditado

7

8 POP ELECTRÓNICO / La incógnita se ha des-

pejado: Juno son Zahara Gordillo y Martí Perarnau, y se estrenan lanzando un disco entero casi sin anunciarlo, el mismo día en que se revelaron sus identidades con el single BCN626. ¿Y qué hay en este grupo sorpresa? ¿Canciones de Zahara featuring Martí? ¿De Mucho featuring Zahara? Negativo en los dos casos: Zahara & Mucho. Incluso Los otros, que sí que empieza más como una canción de la última Zahara (de hecho, así fue concebida), luego muta a otra cosa que no es ni una canción de Zahara ni una de Mucho, y a la vez es ambas. Lo mismo pasa con las letras. Así, ambos artistas han conseguido sortear el primer obstáculo: que esto no sea un disco de uno de ellos con colaboraciones del otro, sino que encuentren un estilo propio. Podemos ver precedentes de BCN626 en Astronauta y en ¿Hay alguien en casa?, pero a la vez ninguno de los dos se parece a este trabajo. Y, de nuevo, el costumbrismo de temas como Olor a mandarinas lo tenemos en Déjame entrar, pero a la vez podría ser el de Soy un aeropuerto; el estribillo de A

dos metros bajo tierra es cien por cien Mucho, pero a la vez esa misma melodía nos recuerda a temas de la jiennense. Y no solo les tenemos a ellos: a veces el disco nos hace pensar en Sufjan Stevens, en el ambient espacial de Dasha Rush, en los jugueteos electrónicos de Trent Reznor y Atticus Ross, incluso en los toques espirituales de la Florence de Ceremonials. Y,

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

por supuesto, encontramos esos pasajes instrumentales que nos pueden recordar a M83 o a Bon Iver, además de las declaradas influencias de James Holden, Caribou o hasta Pink Floyd. Nuevos caminos que Zahara y Martí deciden explorar con bastante fortuna, y que se hacen notar especialmente en la última parte del disco. —PABLO TOCINO

PUNK / No habían desapa-

recido del todo, pero casi.

Llevaban sin sacar un nuevo álbum de estudio desde 2003: Sin Is In. Este 2020 se cumplen veinticinco años de su ópera prima, Dressed To Kiss (95), ocasión que The Killer Barbies habían aprovechado para regresar a lo grande, con disco nuevo y sus correspondientes actuaciones de presentación. La pandemia arrasó con todo, aunque Vive Le Punk sí que se ha publicado. El primer adelanto fue De repente, en la que Silvia Superstar expone la ilusión de volver a sentirse enamorada en ritmos pop. Un aire más cabaretero inunda Peligro, donde la cantante se presenta como una verdadera femme fatale. Sus amoríos siguen siendo confesados en Sin ti y El resplandor. Adiós es una de las más cañeras, donde se despide de las toxicidades de su ex pareja. Cierra el rock’n’roll primitivo de Real Wild Child, popularizada por su idolatrado Iggy Pop. —JESÚS CASAÑAS septiembre 2020 #25

Vinilos Pósters

Libros

Merchandising

Descubre el primer marketplace español enfocado a todos los productos relacionados con el mundo de la música

WWW.MEMHUNTER.COM Memhunter es una comunidad hecha por y para los amantes de la música

Futuro Terror

Twice As Tall Atlantic

Sangre Humo

POST-PUNK / Futuro Terror vuelven a la carga con Sangre, diez canciones en las que podemos comprobar una lograda madurez tanto desde la perspectiva compositiva como en la ejecutiva. Si bien es cierto que el conjunto ha dulcificado su sonido con respecto a sus anteriores propuestas editoriales, lo cierto es que esta evolución les ha sentado estupendamente, ya que saben combinar canciones punzantes y frenéticas con otras mucho más analíticas y pausadas. El resultado de esta fórmula es un disco muy dinámico que se deja escuchar con facilidad y que engancha al instante. Altamente recomendables para amantes de combos del punk clásico como Crisis o más actual como Frustration o Eagulls. El contexto conceptual de los textos vuelve a centrarse en el hermetismo estalinista, apostando por una crítica hacia la globalización, a la vez de encargarse de preconizar la inexorable asfixia de un mundo cansado de rotar. —FERNANDO O. PAÍNO

8

MONDOVINILOS

Burna Boy

AFROPOP / Burna Boy está destinado, por méritos propios, a marcar una época como héroe musical nigeriano. Producido por el mismísimo Diddy, Twice As Tall navega una vez más en una mezcla de sonidos que van del afrobeat a la afro-fusión, pasando por el hip hop, el dancehall o la electrónica accesible. Tan diverso en ello como en sus textos, en los que tan pronto nos habla de su Nigeria natal y sus orígenes como se sumerge en la crítica social y política o rinde cuentas con sus relaciones personales. Canciones como Monster You Made (con Chris Martin de Coldplay) o Real Life (con Stormzy) resultan clave en la expansión global que está siguiendo la carrera del nigeriano.

Siempre será difícil que supere a su magnífico African Giant (19) o incluso a Outside (18), pero Twice As Tall es un nuevo movimiento totalmente satisfactorio. Fiel a su tierra y a sus raíces, Burna Boy logra el equilibrio perfecto entre sus sonidos originarios y la música del momento actual.

7

—ALEJANDRO TEIGA ROBLES

Phoebe Bridgers

Coriky

Coriky Dischord

Punisher Dead Oceans/ Popstock!

Khruangin: fuera de modas Khruangin

7

POP / Phoebe Bridgers dejó

buenas sensaciones con su debut Stranger In The Alps (17), afrontando ahora una continuación en base a piezas conmovedoras y cercanas al folk clásico de Nick Drake, acercamientos puntuales al pop algo más descarado, y la esencia de las propias canciones cubiertas con una capa de actualización sonora. Un disco cocinado a fuego lento y que debe degustarse con idéntica calma, y que confirma a su autora como garantía de buen gusto e inspiración contrastada. Punisher es un álbum notable, cargado de emoción y sentimiento, además de impecablemente arreglado para la ocasión, aunque seguramente todavía insuficiente si se trata de tomar posiciones destacadas en una liga en la que también juegan Aldous Harding, Angel Olsen o SOAK. Y es que la de la californiana apunta a una de esas carreras meditadas, disciplinares y que avanzan de forma progresiva y sin grandes aspavientos, a la espera de firmar el manifiesto definitivo. — RAÚL JULIÁN

8

ROCK / Podemos abrazar-

nos con fuerza hasta que vuelvan Fugazi o podemos conformarnos con Coriky, que tampoco es moco de pavo. De hecho, que el bajo de Joe Lally se sume a la voz y guitarra de Ian McKaye y a la batería de Amy Farina es lo más cerca que podemos estar de esa esa reunión que se antoja ahora mismo improbable. Pero ojo, porque esto tampoco es The Evens con bajo, ni precisamente la mitad de Fugazi con la señora esposa de McKaye a la batería. Ni mucho menos. Aquí hay una química triangular (como mucho, cabría sumarle un cuarto condimento, la producción del viejo conocido Don Zientara) muy particular, que se aleja de la implosión de The Evens para acercarse aquí a la explosión de Fugazi.

Y eso está muy bien. Es ese rock físico, proteico, sin ápice de grasa y con un dinamismo a prueba de más de media hora de duración, que hacen que el viejo formato álbum, por redundante que se les antoje a algunos, no juegue aquí nunca en su contra. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Mordechai Dead Oceans/Popstock!

8 ROCK / Khruangbin viven fuera de las

modas y las escenas efímeras, lo suyo es algo totalmente propio y atemporal, una música hipnótica y lisérgica que invita a dejarse llevar por ella, no tanto por la supuesta influencia psicodélica sino porque tienen un punto onírico que hace que tu cabeza se vaya de viaje a las nubes. Y es allí, en las nubes y de viaje, donde comienza el disco. First Class ya deja claro por donde vamos, una base rítmica totalmente sólida sobre la que Mark Speer pinta con su guitarra, evocadora y letárgica, dando una cálida bienvenida de vuelta a su mundo, a dejarse llevar otra vez por estos tres músicos que suenan como uno solo, una máquina perfectamente engrasada. La voz de Laura Lee Ochoa es secundaria al viaje instrumental, aunque irá ganando peso en el resto de Mordechai. Es uno de los pocos cambios que se permiten en un disco claramente continuista, Khruangbin tiene una fórmula ganadora y la continúa explotando acertadamente, esta vez, como decíamos, utilizando más la voz y

las melodías, con unas letras inspiradas por la epifanía que tuvo la bajista en un viaje hacia unas cataratas, junto al misterioso personaje que da título al disco, Mordechai, y su familia. Time (You And I) es una imparable invitación al baile, la canción más directa de su carrera, perfecta para danzar bajo una bola de espejos.

Father Bird, Mother Bird es un vehículo en el que vuelven los Khruangbin instrumentales. Con ese elemento lisérgico también comienza If There is No Question, pero esta vez Laura Lee vuelve a tomar la voz cantante en un evocativo tema. Pero quizás el tema que más llama la atención sea Pelota, que han decidido sacar como tercer sencillo. Cantada en español por Ochoa, tiene una melodía y unas palmas que la relacionan con la rumba y la música latina. En One To Remember es imposible no acordarse del dub y, en concreto, de las leyendas Sly And Robbie, cuya música tiene una enorme influencia en toda la música de Khruangbin. Mientras que So We Won’t Forget está construida sobre una guitarra con mucho sabor africano. Funk, disco, dub, surf, música africana o rumba se vuelven a mezclar en su particular olla, resultando en un sabor de sobra conocido.

Y es que si la receta funciona tan bien como en su caso, tampoco es necesario cambiarla demasiado. —SERGIO ARIZA

septiembre 2020 #27

CÓMICS Tal cual David Ramírez Norma

7 Desnudarse emocionalmente resulta, en ocasiones, más complicado de lo que imaginamos. Y mostrar nuestras fobias, filias, alegrías y miserias en público de la forma tan graciosa en la que lo hace David Ramírez tiene todavía más mérito. Porque consigue que riamos con muchas situaciones cotidianas de su día a día en pareja con las que resulta bastante sencillo conectar e incluso verse reflejado. —MARTÍ VILADOT Balas perdidas: Asesinos

David Lapham La Cúpula

8 David Lapham lleva años convertido en un maestro del cómic neo noir, capaz de sumergir a sus personajes en la suciedad más abyecta sin que apenas se den cuenta. Un par o tres de malas decisiones y estás de mierda hasta el cuello. Así de cruel es con sus protagonistas (perfectamente definidos), así de atractivo resulta para quienes le disfrutamos. —JOAN S. LUNA #28 septiembre 2020

CINE

28/Mondo Media “Asumía ciertos amente comportamientos clar ales” machistas como norm

Maite Arroitajauregi · Aránzazu Calleja

Música para liberar brujas La nueva película de Pablo Agüero, Akelarre, ubicada y rodada en suelo vasco, cuenta con la elegante y penetrante banda sonora firmada por Maite Arroitajauregi, cerebro de Mursego, y la compositora Aránzazu Calleja.

P

ARECE DIFÍCIL encontrar la relación entre un realizador argentino y la represión ejercida sobre las mujeres en el siglo XVII en Euskal Herria bajo la inventada acusación de brujería. Pero si algo nos ha enseñado la historia es que siempre se repite, aunque en distintos formatos, por eso, Akelarre, que competirá en la Sección Oficial del Zinemaldia, se remonta en el tiempo para reflexionar sobre la tristemente universal persecución a la libertad femenina. Una cinta en la que su parte musical fue encomendada a Maite Arroitajauregi. “Fue a través de uno de los productores, Koldo Zuazua, con el que anteriormente ya había trabajado y vio que había una serie de características en la música de Mursego que podían encajar en el proyecto”. Reco-

rrido al que pronto se sumaría una aliada de lujo. “La primera parte del filme consistía en componer la música diegética, ya que hay varios pasajes donde las actrices cantan en escena, así que ahí el objetivo era componer esos temas y entrenarlos para que pudieran ir al rodaje con cierta seguridad. Luego, a raíz del volumen de trabajo, se incorporó Aran”.

UN TÁNDEM, el formado con Aránzazu Calleja, compositora habitual de Borja Cobeaga o recientemente de El hoyo, que optó por las cuerdas como lenguaje musical. “La elección del cuarteto como elemento sobre el que se sustenta la banda sonora tenía cierta lógica, ya que Maite es cellista y yo violinista, y las dos utilizamos nuestros instrumentos para trabajar”. Una representación que irá alternando lo punzante y lo cálido.

“Había una visión clara del director para contraponer dos mundos: el de las chicas –más dulce, poético y con tesituras más agudas– versus el de los jueces y la Inquisición, con sonidos más graves y atmósferas más amargas”. Sumado a ello, y con la lógica que aporta el contexto, no pasa desapercibido el cariz autóctono. “Maite hizo una labor exhaustiva de búsqueda de instrumentos tradicionales como la

alboka, el ttun ttun, la txirula, la rabita, la txalaparta, el pandero o la nyckelharpa, que es uno de los instrumentos principales, y que nos convenció desde el inicio. Además tuvimos la suerte de contar con Xabi Zeberio, y su Alos Quartet. que junto al violín tocaba dicho instrumento, pudiendo trabajar sus posibilidades en unas sesiones que fueron un regalo”.

AKELARRE, Y POR SUPUESTO su música, tiende un puente entre épocas con el fin de apuntar esa eterna coacción sufrida por el género femenino, ya sea en las condenadas a la hoguera como esos inadvertidos pero significativos detalles vividos por una de las más destacadas realizadoras de bandas sonoras. “Recuerdo una ponencia, sobre cineastas mujeres, en la que dije no haberme sentido nunca discriminada por mi condición de compositora y mujer. Una de las asistentes me hizo ver que asumía ciertos comportamientos claramente machistas como normales. Me ha costado años darme cuenta de lo importante que es la lucha para cambiar estrategias normalizadas y reconducirlas hacia un nuevo modelo de igualdad”. —KEPA ARBIZU

R Más en www.mondosonoro.co

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Daniel Calparsoro Las puertas del barrio

CINE

LIBROS Basilisco

Jon Bilbao Impedimenta

9 A estas alturas se ha escrito ya mucho y muy bien sobre Basilisco, la nueva obra de Jon Bilbao. Y lo mejor de todo es que hay motivos, hay sobrados motivos. Porque el asturiano lleva su escritura todavía un paso más allá en estas trescientas páginas, combinando planos narrativos/temporales y géneros con su destreza habitual, pero tomando todavía más riesgos. —MARTÍ VILADOT Bastardo

Hakan Günday Bunker Books

8 Bunker Books ha demostrado con su, de momento, corta producción que son amigos de la literatura comprometida y con fondo, y enemigos de lo fácil. Buen ejemplo de ello es esta obra del considerado enfant terrible de las letras turcas. Un Hakan Günday del que muchos hablan como rey del underground convertido en autor de culto, cosa que le ha llevado a dar el salto al ámbito de las súper ventas en su país. —EDUARDO IZQUIERDO

Daniel Calparsoro lleva un cuarto de siglo poniéndose detrás de la cámara para filmar películas que sirvan para entretener al público, pero también para reflejar realidades que no aparecen a diario en medios de comunicación. Ahora lo hace con la recién estrenada Hasta el cielo. Sangre de barrio.

A

ESTAS ALTURAS todos los tenemos claro: La vida en el barrio no es fácil ni bonita. Por eso, Hasta el cielo, la nueva película de Daniel Calparsoro, ahonda en la historia de ambición de Ángel (Miguel Herrán), un chico de barrio sin futuro pero con mucha actitud, en su búsqueda del éxito a través de la ambición. “Ángel es un personaje huérfano.

Es un tío muy echado pa’lante y que tiene muy claro lo que quiere. No hace prisioneros. Una vez que entra en esta movida quiere llevarlo a lo más alto.

Ser inteligente, tirar adelante, tenerlo claro y ser un poco pillo pues eso te puede llevar muy lejos muy rápido”. Sin embargo hay peajes. Calparsoro lo tiene claro. “Llegar muy lejos y muy rápido

“Llegar muy lejos nifica y muy rápido sigetrás” dejar a gente d

significa dejar a gente detrás y, eso, de alguna manera lo vas a pagar”.

HASTA EL CIELO SE RELACIONA con Salto al vacío, su primera película estrenada en 1995, en la temática –a medio camino entre el thriller y películas “de perros callejeros”– y sirve para demostrar que la cámara de Calparsoro está siempre lista para capturar un mundo soterrado, a la sombra de los rascacielos de las grandes corporaciones. En ambas películas hay un intento –logrado– de reflejar la vida de los menos favorecidos que intentar salir adelante como sea. Da igual si es legal o ilegal. Para conseguirlo ha recorrido los barrios, para empaparse de lo que pasaba allí. En esa búsqueda se ha topado con uno de los puntos fuertes de la película: personajes interpretados por cantantes del underground español.

“Cuando íbamos a los gimnasios y a los barrios, aparecían muchos raperos o traperos, y su diferencia con el resto de la gente es que ellos sí tenían facilidad para expresarse delante de la cámara.

Eran auténticos, pero te podían decir un texto, repetirlo, cambiarlo. Es muy difícil encontrar a actores de la nada.

La idea no era meter cantantes sino a gente auténtica que no hubiera interpretado. Así nos encontramos con estos traperos que estaban muy ilusionados por participar como Ayax, Dollar, Jar-

faiter…”. Estos músicos permiten que la película, ambiciosa y mejor narrada que la media del género, gane en verosimilitud. Su trabajo viene acompañado del de otros intérpretes de prestigio como Luis Tosar o Carolina Yuste.

Además sirve para volver a poner el ojo en una relación artística que ha sido clave en la historia del cine como es su acercamiento a la música, por parte de actores, pero también con el trabajo de Carlos Jean en la banda sonora, “con quien trabajé en Asfalto, Guerreros, Combustión y Ausentes. Es un tío con muchísimo talento, muy creativo y con una amplitud de visión muy grande”.

Hasta el cielo es una de las películas con las que los españoles volveremos a las salas de cine tras su cierre por el Covid-19. Una película que también nos recuerda el mundo de ayer, un mundo distinto, más salvaje pero más libre.

—LUIS M. MAÍNEZ

R Más en www.mondosonoro.com

Hasta el cielo Daniel Calparsoro

En busca de Philip K Dick Anne R. Dick Gigamesh

8

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: ARCHIVO

Tras leer En busca de Philip K. Dick no me cabe ninguna duda de que es mejor libro para todas aquellas personas que, habiendo disfrutado de la obra del referencial autor de ciencia-ficción quieran descubrir mucho más sobre la persona que había en realidad tras esas influyentes páginas.

Porque poca gente le conoció mejor que quien fuera su esposa durante sus años dorados, Anne R. Dick. —JOAN S. LUNA septiembre 2020 #29

RETROVISOR.

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com PUBLICIDAD Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación

Babybird

Origen: Sheffield (Reino Unido), 1995-actualidad

S

U NOMBRE PERMANECE anclado al recuerdo de la segunda mitad de los años noventa, y no es de extrañar, porque Babybird –que es la marca creativa del británico Stephen Jones – vivió su momento de gloria cuando la preciosa You’re Gorgeus se mantuvo diecisiete semanas en el Top 40 de su país, despachando medio millón de singles (quién los vendiera hoy) y procurando unas ventas de más de cien mil copias para el álbum en el que se inscribía, Ugly Beautiful (Echo, 96), su único disco de oro, un guarismo similar para su secuela y un par de nominaciones a los premios Brit. Hasta que a la altura de su octavo largo, el infravalorado Bugged (Echo, 00), se pegó el gran batacazo comercial que llevó a su discográfica, subsidiaria de la major Chrysalis, a mostrarle la puerta de salida y a que nuestro hombre se olvidara por completo de la industria del disco. Así pues, el siglo XXI ha sido mediáticamente opaco para Babybird, como si MySpace, Facebook, Twitter, Spotify o Tik Tok no hubieran sido pensados para él, lo que no significa (ni mucho menos) que Bandcamp tampoco lo fuera: son más de ciento treinta discos los que se alojan en su página durante los últimos diez años, publicados desde la más absoluta autogestión. Un pozo sin fondo, vaya. Los ha ido publicando con la misma discreción con la que fueron desvelándose en su momento Between My Ears There Is Nothing But Music (06), Ex Maniac (10), The Pleasures Of Self-Destruction (11) o Photosynthesis (19), todos también autoeditados, pero con su correspondiente formato físico, el último de ellos incluso por primera vez en vinilo desde más de dos décadas antes.

EN REALIDAD, es lógico que recordemos aquellos noventa por una serie

#30 septiembre 2020

Depósito legal B. 11 809-2013

de músicos y de bandas, y apenas nos acordemos de Babybird (aunque sus primeros discos merecen ser recuperados urgentemente). Su carrera se alinea con la de otros ilustres excéntricos británicos –Momus, Lawrence, Bid, Baxter Dury– cuyo innegable talento se debatió entre la incontinencia y el mutismo (igual de perjudiciales pueden ser ambos), con frecuencia escogiendo caminos bacheados y a veces desprovistos de la heráldica de esos grupos por los que siempre jamás recordaremos el britpop, por

IMPRESCINDIBLE

Ugly Beatiful (Echo, 96)

Infravalorado, suena –a día de hoy– más coyuntural y ligado a su momento. Puede que Fatherhood (Baby Bird Recordings, 96) sea más consistente, o que There’s Something Going On (Echo, 98) sea igual de sólido, pero no tienen una You’re Gorgeous que llevarse a la boca, ni siquiera una Goodnight en su versión definitiva, ni tampoco sintetizan ninguno de ellos sus cualidades ni su crédito en la pleamar de los noventa como sí lo hizo Ugly Beautiful (Echo, 96), su primer álbum grabado en un estudio con todas las letras. Así que, por discutible que sea, nos quedamos con él. —C.P.Z.

ejemplo. De hecho, el tránsito de Baby Bird (solista) a Babybird (grupo) pasó prácticamente inadvertido, aunque aquí pudiéramos gozar de una solidísima versión en directo, de banda tan engrasada que justifica la calificación grupal, como la que nos deparó en conciertos como el del FIB del 2000.

HAY, EN CUALQUIER CASO, un buen número de motivos no solo para acordarse de él sino para reivindicarle e incluso no encasquetarle fecha de caducidad.

Durante toda su carrera conjugó la artesanía de quien llevaba años disparando a todo lo que se movía en formato lo fi con la vocación cinemática de Barry Adamson, los patrones rítmicos del trip hop, cierto descaro tardíamente baggy, la dulzura melódica del Ian McCulloch que lideraba a los maduros Echo And The Bunnymen de su segunda juventud en los noventa, el olfato para sintonizar con ese pop de corpachón electrónico tan propio del fin de milenio y la suficiente clase –intermitente, eso sí– como para facturar gemas como You’re Gorgeous, If You’ll Be Mine, Goodnight o Back Together.

Y NO HA PARADO desde entonces, aunque los focos dejaran de alumbrarle con intensidad: ha escrito guiones, ha publicado tres novelas, dos álbumes en Estados Unidos en un sello propiedad de Johnny Depp (reconocido fan, guitarrista en un par de canciones suyas y hasta director de uno de sus videoclips) y esos más de ciento treinta discos que pueden escucharse en su bandcamp, y cuyo contenido ha sido cribado en un recopilatorio que agrupa ahora lo mejor que ha ido difundiendo en la última década.

El año pasado giró como telonero de los resucitados Dodgy. No estaba muerto, no.

Ni siquiera de parranda.

Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com Edición Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com Edición Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com) Edición Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Edición Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Edición Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Edición Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 COLABORADORES Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

f 194.582 seguidores t 99.000 seguidores x

77.400 seguidores 71.000 seguidores 15.300 seguidores

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

T u s

c o n c i e r t o s

A G E N D A

W E B